El pasado mes de septiembre y dentro del Festival de diseño de Londres 2018, abrió sus puertas la Bienal de Londres dentro del histórico edificio Somerset House. Los diseñadores más innovadores y los organismos culturales más apasionados y ambiciosos del mundo se reunieron para celebrar el poder universal del diseño y explorar su papel en el futuro. Argentina dio el presente a través del colectivo de diseño local TRImarchi, seleccionado para realizar el pabellón argentino con el soporte de la Embajada Argentina en Reino Unido y del British Council.
"El bosque impenetrable" se llamó a la impactante instalación artística, hecha con hilos de chaguar, que propuso recrear el hábitat natural de la comunidad Wichí, en la llanura chaqueña occidental. El pabellón argentino fue la resultante de una investigación que demandó más de un año de trabajo y que fue realizada por los diseñadores Sol Marinucci y Sebastián Valdivia para explorar el mundo del diseño Wichí basado en la técnica textil ancestral de esta fibra natural.
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“Full Spectrum” diseñada para celebrar el matrimonio igualitario, fue la instalación lumínica australiana más instagrameada de la bienal. Un proyecto de Flynn Talbot, quien se inspiró en el tema luego de una década de intensos debates, que terminó convirtiendo en el 2017 a Australia en el vigésimo sexto país en legalizar el matrimonio entre personas del mismo sexo:quality(85)/s3.amazonaws.com/arc-wordpress-client-uploads/infobae-wp/wp-content/uploads/2018/10/25175700/Exhibicion-02-BIENNALELONDON-040918.jpg 420w)
“El Bosque Impenetrable” fue una instalación realizada por el colectivo de diseño TRImarchi de Argentina, que evoca las texturas, los sonidos y los aromas del bosque de la provincia del Chaco y presenta una celebración de una historia continua de autosostenibilidad:quality(85)/s3.amazonaws.com/arc-wordpress-client-uploads/infobae-wp/wp-content/uploads/2018/10/25175708/Exhibicion-03-BIENNALELONDON-040918.jpg 420w)
Durante mucho tiempo, El Impenetrable, ubicado en el norte de Argentina, ha sido el hogar de los Wichis, uno de los grupos étnicos más antiguos de la región, expertos en tejer formas geométricas como parte de una tradición sagrada muy antigua de esta comunidad nativa. La instalación artística consistió en un recorrido sensorial que le proponía al visitante atravesar seis mil metros de cuerda de Chaguar tejidas bajo la técnica textil ancestral de la comunidad Wichi:quality(85)/s3.amazonaws.com/arc-wordpress-client-uploads/infobae-wp/wp-content/uploads/2018/10/25175621/Somerset-House-01-BIENNALELONDON-040918.jpg 420w)
La bienal se desarrolla en el Somerset House, un edificio histórico que desde sus orígenes en el siglo XVIII, ha sido un centro de debate y discusión, una potencia intelectual para la nación. Hoy en dia es un centro de arte y cultura contemporáneo que ofrece una programación diversa en el corazón de Londres:quality(85)/s3.amazonaws.com/arc-wordpress-client-uploads/infobae-wp/wp-content/uploads/2018/10/25175716/Exhibicion-04-BIENNALELONDON-040918.jpg 420w)
“ANYΠAKOH” del Estudio INI, de Grecia, es una pared cinética de 17m de largo, que desafía nuestra percepción de diseño y arquitectura como algo estético, o inicialmente emocional:quality(85)/s3.amazonaws.com/arc-wordpress-client-uploads/infobae-wp/wp-content/uploads/2018/10/25175724/Exhibicion-05-BIENNALELONDON-040918.jpg 420w)
La ondulación y la transformación de la estructura, un esqueleto de resorte de acero construido con plástico reciclado, es experimentada tanto por el “actor” como por el público en el patio:quality(85)/s3.amazonaws.com/arc-wordpress-client-uploads/infobae-wp/wp-content/uploads/2018/10/25175629/Somerset-House-02-BIENNALELONDON-040918.jpg 420w)
El tema central elegido por la bienal este año fue ‘Estados emocionales’ que provocó una interpretación amplia en todas las disciplinas del diseño, con instalaciones envolventes y atractivas que reflejaron cómo el diseño afecta cada aspecto de la vida de las personas y la forma en que vivimos:quality(85)/s3.amazonaws.com/arc-wordpress-client-uploads/infobae-wp/wp-content/uploads/2018/10/25175733/Exhibicion-06-BIENNALELONDON-040918.jpg 420w)
“Palopó” es la instalación que ganó el 1er premio, del diseñador Diego Olivero de Olivero & Bland Studio, de Guatemala. La instalación cuenta la historia de Pintando Santa Catarina Palopó, una iniciativa que busca transformar una ciudad en el lago Atitlán convirtiéndola en una obra de arte monumental:quality(85)/s3.amazonaws.com/arc-wordpress-client-uploads/infobae-wp/wp-content/uploads/2018/10/25175751/Exhibicion-07-BIENNALELONDON-040918.jpg 420w)
La intención es impulsar el turismo creando un paisaje urbano único y hermoso, así como engendrando un sentido de orgullo cívico. La instalación flotante de formas geométricas contemporáneas se asemeja a las casas multicolores de la ciudad:quality(85)/s3.amazonaws.com/arc-wordpress-client-uploads/infobae-wp/wp-content/uploads/2018/10/25175758/Exhibicion-08-BIENNALELONDON-040918.jpg 420w)
“State of Indigo” del pabellón de la India explora la carga emocional del índigo, un color natural creado a partir de una planta, que se ha convertido en sinónimo de la identidad de la India: se utiliza para teñir telas, repeler insectos, tratar enfermedades, desinfectar, proteger a los espíritus e incluso para decorar una ciudad entera. Pero también se vinculó intrincadamente con el comercio colonial y la esclavitud:quality(85)/s3.amazonaws.com/arc-wordpress-client-uploads/infobae-wp/wp-content/uploads/2018/10/25175338/Exhibicion-09-BIENNALELONDON-040918.jpg 420w)
Índigo se ha convertido en un símbolo de la situación emocional de la India, que representa un proceso de catarsis para una nación cuyas historias invisibles se están develando. Una instalación que reveló a través de las imágenes, el impacto tanto social, como ambiental, de esta práctica:quality(85)/s3.amazonaws.com/arc-wordpress-client-uploads/infobae-wp/wp-content/uploads/2018/10/25175346/Exhibicion-10-BIENNALELONDON-040918.jpg 420w)
La instalación lleva a los visitantes al entorno de trabajo intensivo de las granjas de añil, donde los trabajadores se ven obligados a fabricar tinte de añil natural. Un espacio totalmente envolvente que suena y huele como el proceso terrenal:quality(85)/s3.amazonaws.com/arc-wordpress-client-uploads/infobae-wp/wp-content/uploads/2018/10/25175353/Exhibicion-11-BIENNALELONDON-040918.jpg 420w)
“Matter to Matter” de Arthur Analts (Variant Studio), Letonia, se inspiró en su ciudad natal de Riga y sus bosques circundantes, que cubren más de la mitad del país. Debido a su proximidad con el mar Báltico, Riga tiene su propio clima único, con una humedad constante que a menudo conduce a la condensación:quality(85)/s3.amazonaws.com/arc-wordpress-client-uploads/infobae-wp/wp-content/uploads/2018/10/25175402/Exhibicion-12-BIENNALELONDON-040918.jpg 420w)
Analts recreo esto utilizando una gran superficie de vidrio verde como una plataforma interactiva para la transición de Matter to Matter. Se animó a cada visitante a dejar un mensaje en el vidrio, una expresión de emoción que desaparecía en cuestión de minutos. Una declaración sobre la cultura y la transitoriedad, y las formas en que la naturaleza puede cubrir las huellas humanas:quality(85)/s3.amazonaws.com/arc-wordpress-client-uploads/infobae-wp/wp-content/uploads/2018/10/25175411/Exhibicion-13-BIENNALELONDON-040918.jpg 420w)
“Aangan” es una cascada de prendas de algodón natural que celebra la artesanía de las cosechadoras de algodón de Pakistán. Esta instalación celebró el papel fundamental, pero en gran parte no reconocido, de la mujer en toda la industria:quality(85)/s3.amazonaws.com/arc-wordpress-client-uploads/infobae-wp/wp-content/uploads/2018/10/25175424/Exhibicion-14-BIENNALELONDON-040918.jpg 420w)
La exposición mostró el contexto social en el que gran parte de lo que usamos está hecho. En la exhibición las prendas cobraron vida con palabras, patrones y las imágenes en movimiento, lo que le permitió al espectador vislumbrar el mundo interior de las artesanas:quality(85)/s3.amazonaws.com/arc-wordpress-client-uploads/infobae-wp/wp-content/uploads/2018/10/25175452/Exhibicion-15-BIENNALELONDON-040918.jpg 420w)
En la instalación “Face Values” de Cooper Hewitt, los datos faciales en vivo se convirtieron en la base de imágenes gráficas dinámicas y conversaciones provocativas entre humanos y máquinas. Se invitó a los visitantes a expresar emociones y transformar identidades interactuando con la obra:quality(85)/s3.amazonaws.com/arc-wordpress-client-uploads/infobae-wp/wp-content/uploads/2018/10/25175519/Exhibicion-16-BIENNALELONDON-040918.jpg 420w)
La exposición exploró los usos alternativos de las tecnologías que se utilizan normalmente para la seguridad, la vigilancia y el perfil de comportamiento:quality(85)/s3.amazonaws.com/arc-wordpress-client-uploads/infobae-wp/wp-content/uploads/2018/10/25175634/Somerset-House-03-BIENNALELONDON-040918.jpg 420w)
Para representar el tema de este año Pentagram design comisionó al paper artist Andy Singleton, quien desarrolló la identidad visual a través de una serie de máscaras basadas en las expresiones de las emociones que tienen los hombres y los animales provenientes de la Teoría de Darwin de 1872. Cada una comunicaba un estado emocional distinto como el enojo, la contemplación, el disgusto, el miedo, la alegría, la tristeza y la sorpresa. La Bienal de Diseño de Londres volverá a abrir sus puertas en 2020Instagram: Gabi López
Fotos: London design Biennale 2018
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