Por qué ‘Martin (Hache)’, de Adolfo Aristarain, sigue siendo una película tan importante: todas sus grandes frases que continúan vigentes

Ha fallecido el mítico director Adolfo Aristarain, una de las figuras clave del cine argentino gracias a películas míticas como Tiempo de revancha (1981) o Un lugar en el mundo (1992), por la que consiguió la Concha de Oro del Festival de San Sebastián.

Tuvo una relación muy estrecha con nuestro país a través de diferentes coproducciones y ya en 1986 dirigió junto a José Ramón Larraz una serie que adaptaba las aventuras del personaje de Manuel Vázquez Montalbán, el detective Pepe Carvalho, al que encarnó, Eusebio Poncela.

Sin embargo, la película que obtuvo más repercusión en nuestro país de toda su filmografía, sería Martín (Hache), que se convertiría en una de las obras más icónicas de los años noventa, alcanzando incluso la categoría de culto. ¿Por qué?

Por qué ‘Martín (Hache)’ es una obra de culto

Entre otra cosas, por ser un retrato despiadado y honesto de los desarraigados, con un guion de lo más afilado y repleto de frases célebres, por hablar de temas como la patria, el amor, la paternidad, las drogas y las relaciones humanas de una manera poco convencional y nada cómoda, aportando toda una serie de reflexiones tan profundas como dolorosas y reveladoras.

Y sí, por su reparto en estado de gracia, conformado por Federico Luppi, Juan Diego Botto, Eusebio Poncela y Cecilia Roth. La historia giraba en torno a Martín Echenique, director de cine argentino en Madrid, y su hijo Hache, de 19 años que vive en Buenos Aires, quienes mantienen una relación distante que se transforma tras un accidente de Hache. El reencuentro en Madrid redefine los vínculos —junto a Alicia, la amante de Martín, y Dante, el amigo actor— a través de un guion escrito por Aristarain y Kathy Saavedra.

Lo cierto es que ese guion, contenía tantas verdades como puños que, su vigencia, a pesar de haber transcurrido casi 30 años, continúa estando presente de una manera casi incorruptible. Así, la cita “la patria es un invento” ha adquirido notoriedad porque sintetiza el planteamiento del filme sobre el sentimiento nacional y sugiere que se extrañan las personas antes que los países. Para el joven Hache, “su país son sus amigos”, justificando la vigencia del debate sobre la identidad más allá de banderas o estadísticas.

Es un dato relevante que la película desarrollara sus temas en una duración de 134 minutos, permitiendo ahondar en la búsqueda del conflicto generacional en un contexto de exigencias familiares, apoyándose en la representación de la juventud y su tensión ante las expectativas ajenas.

En lo referido a los consumos de sustancias, el discurso de la película se articula a través de los cuatro personajes principales, todos vinculados de algún mundo a las drogas. Hache las emplea como evasión, Martín como refugio, Alicia para apaciguar su sufrimiento y Dante como parte de su visión existencial. “Las drogas son maravillosas porque te abren la mente”, se dice en un momento de la película, resumiendo la paradoja del filme: entiende a la droga tanto como fuente de ‘autodescubrimiento’ como de riesgo. En realidad, todos los personajes se encuentran profundamente solos y perdidos.

Un retrato del choque entre generaciones

El retrato de la juventud —especialmente la dificultad de adaptarse a normas y la presión por responder a búsquedas existenciales— está presente en todo el guion. Hache, obligado a elegir entre estudiar o trabajar, enfrenta un mandato social que lo lleva al desencanto. En un momento del filme, se resume la frustración de quien se siente perdido en el paso a la vida adulta: “Igual tengo talento para ser mediocre”.

Alicia, a cargo de Cecilia Roth resulta una figura decisiva, punto de unión entre padre e hijo y exponente de una mujer herida en el amor. El planteamiento feminista se evidencia en la reflexión de Dante, que alcanza notoriedad porque desafía estereotipos de la época: “Ninguna mujer tiene dueño”.

Dante (un personaje que rescató a Eusebio Poncela), aporta vitalidad y desenfado y un estatus casi filosófico. Su célebre razonamiento sobre la atracción y el deseo ha trascendido porque lo eleva a debate existencial: “Hay que follarse a las mentes”. Así, la película aborda temas actuales sobre sexualidad y deseo más allá de lo físico.

La denuncia a la hipocresía social se concentra en la escena donde Dante confronta al público en una obra de teatro. Esta secuencia es relevante porque interpela directamente sobre el conformismo moral: “Seremos cómplices de la farsa, de vuestra farsa. [...] Pero tendréis la conciencia tranquila porque sois modernos, porque habéis aplaudido a rabiar una obra de izquierdas muy dura”.

Martín (Hache) continúa siendo una pieza clave del cine de los noventa en la que se condensaba todo el desencanto de la época. Hablaba de autodestrucción, pero también de supervivencia, estaba llena de diálogos torrenciales de una lucidez arrolladora y todavía hoy, verla genera un ejercicio de catarsis realmente apabullante. La película fue nominada a 4 Goyas y Cecilia Roth consiguió la estatuilla. En San Sebastián, Federico Luppi ganó la Concha de Plata al Mejor Actor. Todavía nadie entiende cómo Eusebio Poncela no estuvo nominado. La película puede recuperarse en Movistar Plus+ para ver en streaming.