Si has confundido la Bienal de Venecia con una fiesta artística a la orilla del agua, permítenos desengañarte: se necesita un verdadero esfuerzo para ver la exposición de arte contemporáneo más importante del mundo.
Una gran exposición colectiva no es ni la mitad de lo que parece; casi 100 países organizan sus propias exposiciones de pintura, escultura, vídeo y performance. Algunos países otorgan el honor de exponer en Venecia a artistas consagrados (Lubaina Himid por Gran Bretaña, Yto Barrada por Francia). Otros apuestan por artistas totalmente desconocidos, y algunos prefieren exposiciones colectivas de dos, tres o incluso diez artistas nacionales e internacionales.
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En cuanto al pabellón de Estados Unidos, un proceso de selección irregular el año pasado —en un país sin ministerio de cultura, este es un caso excepcional en el que el gobierno federal interviene directamente en el arte— culminó con la selección de la escultora Alma Allen.
La mayoría de los pabellones nacionales se encuentran en los dos principales emplazamientos de la Bienal en el este de Venecia: los jardines de recreo de la época napoleónica, conocidos como Giardini della Biennale, y el mucho más antiguo Arsenale, antiguo astillero naval de la República de Venecia. Decenas más, de países que se incorporan por primera vez, como Somalia y Vietnam, así como de participantes que no han completado su participación, como Escocia y Cataluña, se distribuyen en recintos temporales por toda la ciudad flotante.
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Se requiere buen criterio estético y resistencia física para sobrevivir, y jamás deberías usar esos lindos zapatos de cuero nuevos cuando estés trabajando en la Bienal. Cometí ese error una vez, no dos.
Un jurado compuesto por curadores y académicos otorgaba un premio a la mejor presentación nacional, o al menos así era hasta este año. Justo antes de la inauguración, el jurado de la Bienal dimitió en bloque en medio de la tensión pública sobre si países involucrados en guerras, como Israel y Rusia, debían ser considerados para los premios. Los organizadores respondieron prometiendo una votación popular al estilo de Eurovisión para los premios de este año, pero probablemente eso no zanjará el debate.
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Mis colegas y yo hemos pasado la semana previa a la Bienal recorriendo la laguna a toda velocidad para ver arte en grandes museos y pequeñas iglesias, palacios a orillas de los canales y modestos almacenes. Y también hemos estado hablando con la gente. Estos son los pabellones nacionales de los que todo el mundo habla. — JASON FARAGO
El pabellón austriaco
La gente ha hecho cola durante más de dos horas para vislumbrar Seaworld Venice, una performance de Florentina Holzinger, una artista austriaca conocida anteriormente por montar espectáculos teatrales vanguardistas.
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Holzinger ha inundado el pabellón austriaco, y su espectáculo incluye a una artista desnuda sobre una moto acuática rugiente en una sala, y a más artistas desnudos trepando a una enorme veleta en otra.
En la parte trasera del pabellón, también hay un artista desnudo en un tanque de agua junto a dos baños portátiles. Se invita a los visitantes a orinar en los baños, lo que repone el nivel del agua, después de filtrarla, por supuesto.
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La exposición muestra la limpieza de los baños, con el objetivo de generar debates sobre temas como la pureza y la contaminación. También aparece Florentina Holzinger, a la derecha, colgada de una gran campana que resuena al contacto con sus extremos.
Cerca del pabellón, unos carteles piden a los visitantes que no tomen fotos ni vídeos, pero los amantes del arte han hecho caso omiso de estas peticiones, deseosos de demostrar en las redes sociales que han visto la exposición más popular de la ciudad. Otros han desembolsado 60 euros, unos 70 dólares, por las camisetas oficiales del pabellón para asegurarse de que todo el mundo sepa que estuvieron allí.
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Holzinger y su equipo explicaron en entrevistas que la obra aborda temas como la degradación ambiental, el turismo masivo y el poder pernicioso de la Iglesia. Cabe destacar que, durante toda la semana, los visitantes estuvieron debatiendo sobre estos posibles significados.
A veces, sin embargo, un espectáculo es solo eso: un espectáculo. El jueves a la hora del almuerzo, Lila Boros, una estudiante de 23 años, era la última de la fila con su madre, esperando para ver el pabellón. «Todo el mundo habla de ello y dice que hay que verlo con los propios ojos», dijo Boros. Además, añadió: «¿Sabes?, hemos oído hablar de lo de la desnudez». — ALEX MARSHALL
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El Pabellón de la Santa Sede
El papa León XIV ha sido uno de los pocos líderes mundiales que ha condenado enérgicamente el ataque del presidente Trump contra Irán, y en esta Bienal el Vaticano está reforzando su mensaje de paz con una peregrinación contemplativa por el jardín, amenizada con música de un grupo de músicos poco convencionales.
Justo después de la estación de tren de Venecia se encuentra el oculto Giardino Mistico, o jardín místico, del siglo XVII, cuidado por monjes carmelitas: un singular oasis verde en Venecia que ha sido transformado en el Pabellón de la Santa Sede por los comisarios Hans Ulrich Obrist y Ben Vickers, en colaboración con Soundwalk Collective.
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Ahora, los visitantes de la Bienal pueden pasear por los frondosos jardines equipados con auriculares con tecnología espacial que reproducen composiciones de músicos experimentales, haciendo que los aficionados agucen el oído.
Los visitantes del pabellón pueden escuchar música seleccionada con auriculares, en un proyecto inspirado en Hildegarda de Bingen, la mística y compositora del siglo XII.
Los músicos respondieron al llamado del Vaticano para que se presentaran propuestas, ofreciendo piezas corales modernas, obras minimalistas para piano, música ambiental y más, que acompañan el paseo del oyente: Brian Eno entre los arbustos de lavanda y laurel, Terry Riley bajo una pérgola de vides, Meredith Monk junto a los lirios cala, Suzanne Ciani entre los ásteres.
Patti Smith también ha aportado una pieza hablada que comienza con el sonido de un enrejado de rosas; FKA Twigs, un canto de olivos. Las contribuciones de 24 artistas crean un paisaje sonoro de jardín cambiante y meditativo.
Los curadores explicaron que el proyecto se inspiró en Hildegarda de Bingen, la mística, compositora, artista y científica polímata del siglo XII que ha inspirado a católicos, artistas y feministas. (Monk incluso lanzó un álbum en 1996 que alterna sus propias composiciones con las obras vocales de Hildegarda).
Puede que los artistas del pabellón del jardín de la Santa Sede estén espiritual y culturalmente alejados del Vaticano, pero Vickers explicó: «Todos los involucrados comparten la creencia en la capacidad de la música para crear una experiencia interior transformadora». — LAURA RYSMAN
El Pabellón de Canadá
Abbas Akhavan ha transformado el pabellón de Canadá, construido alrededor de un árbol que crece en el centro, en lo que podría ser el invernadero más sexy de la historia.
Luces de color rosa intenso cuelgan del techo, nebulizadores crean una bruma ambiental y espejos plateados esmerilados generan un brillo suave. Todos estos elementos estéticos tienen una finalidad muy práctica: favorecer el crecimiento de una especie de nenúfar gigante, la Victoria cruziana, que crece en un tanque de acero y vidrio lleno de agua que ocupa la mitad del espacio.
Esa flor causó sensación en todo el mundo cuando se exhibió en la Gran Exposición de Londres en 1851. Originaria de la región amazónica, la planta ha tenido muchos nombres indígenas, pero cuando fue importada a Gran Bretaña, los botánicos de Kew Gardens, con la esperanza de obtener el patrocinio real, la rebautizaron en honor a la reina Victoria.
El artista describe el pabellón como un portal: a los jardines de Kew, al transporte del nenúfar en cajas de Ward (mini invernaderos utilizados por los científicos para llevar las plantas exóticas al centro del imperio) e incluso más atrás, a través de la historia millonaria del ejemplar floral.
El calendario de la exposición coincide con el ciclo vital de las propias plantas. Sus hojas alcanzarán un diámetro de 90 centímetros en junio y florecerán en julio o agosto. Producirán semillas justo antes de que la Bienal cierre en otoño.
El título del espectáculo, Entre chien et loup, es una frase francesa que describe el crepúsculo como el momento en que el pastor confunde un lobo con su perro; un elegante recordatorio de que las cosas que percibimos como simples e inocentes, como una hermosa flor que crece en un jardín, pueden abarcar siglos, a veces milenios, de historia. — ARUNA D’SOUZA
El Pabellón de Japón
Entre las propuestas más provocadoras de la Bienal de este año se encuentran un vídeo dedicado a las heces (Luxemburgo), una mujer desnuda montando en una moto acuática (Austria) y una pantalla gigante que muestra pornografía generada por IA (Dinamarca). Sin embargo, ninguna ha generado tanta controversia como el Pabellón Japonés, una instalación interactiva de la artista Ei Arakawa-Nash con más de 200 muñecos bebés.
Los visitantes son recibidos por decenas de juguetes colocados de forma un tanto extraña sobre mesas bajas. Un empleado pregunta si les gustaría cargar uno mientras exploran la exposición. Como en la vida real, no se puede elegir al niño; el muñeco se elige por uno. Dependiendo de la historia personal de cada uno, la sensación física de sostener a un bebé de aproximadamente 5,5 kilos en la cadera puede provocar diversas emociones: nostalgia, curiosidad, incomodidad, tristeza.
Según el texto explicativo, Arakawa-Nash se inspiró para desarrollar el proyecto, titulado Bebés de hierba, bebés de la luna, tras convertirse en padre de gemelos en 2024. Una línea de tiempo en la pared del pabellón presenta fechas importantes que el artista planea enseñar a los niños, desde la muerte del padre de Arakawa-Nash hasta el nacimiento del primer bebé concebido mediante fecundación in vitro.
Los visitantes llevan las muñecas consigo a lo largo de la exposición y las conducen a un cambiador para recibir un poema personalizado.
Al recorrer el lugar, se ven bebés por todas partes: trepando a andamios, colgando de cuerdas con sus bracitos regordetes, encaramados en los árboles del exterior. Y por alguna razón, todos llevan gafas de sol.
Para disfrutar de la experiencia completa, los visitantes deben llevar a su bebé a un cambiador, abrir su mameluco y escanear un código QR que se encuentra en su interior. Este código les ofrece un poema personalizado de la escritora y astróloga japonesa Ishii Yukari. Cada poema se basa en la fecha y el lugar de nacimiento del bebé ficticio, que corresponden a una entrada en la cronología de Arakawa-Nash.
La instalación sugiere que cuidar de los demás es tanto un acto físico como una responsabilidad colectiva de la memoria. Pero todo se vuelve confuso debido a lo absurdo del ejercicio, y es difícil discernir mucho significado entre las risas de los visitantes. — JULIA HALPERIN
El pabellón belga
Frente al edificio del gobierno central en los Giardini, la artista Miet Warlop ha instalado dos grandes estantes de madera sobre los que ha apilado cientos de brillantes tablillas de yeso blanco con palabras grabadas en relieve en idiomas como el bengalí, el inglés, el francés y el italiano.
El ruido ensordecedor sale de la entrada del pabellón, y el espectáculo en el interior está atrayendo largas colas.
En el interior, los artistas se mueven rápidamente de arriba abajo por otro estante de madera, lanzándose unas tabletas de yeso, estrellándolas contra el suelo y cantando, bailando y golpeando tambores de forma ritual.
Es un ambiente bullicioso que se intensifica a lo largo del día, y que le está granjeando a Warlop muchos admiradores. Un crítico de The Art Newspaper afirmó que el espectáculo de Warlop ofrecía una sensación de alivio ante los problemas del mundo. (Aunque otro comentó que le recordaba al Blue Man Group).
En los últimos años, Warlop se ha labrado una reputación en toda Europa por sus espectaculares obras de teatro visualmente. Su obra One Song, en la que músicos con ropa deportiva se ejercitan sin parar mientras interpretan una canción sobre el duelo, fue un éxito rotundo en el Festival de Aviñón de 2022. Y su más reciente Inhale Delirium Exhale, en la que los intérpretes crearon cuadros escénicos con seis kilómetros de seda, también cautivó a la crítica teatral.
Warlop comenzó estudiando arte y solo después se pasó al teatro. Quizás este sea el momento en que se convierta en una estrella también en su primer medio artístico. — ALEX MARSHALL
El pabellón peruano
La exposición más esperada de este año —cuyos promotores incluían a Obrist, el reconocido curador del pabellón del Vaticano— es el pabellón de Perú, que presenta la hipnótica obra de Sara Flores, la primera artista indígena en representar al país. Ocupa uno de los lugares más discretos del Arsenale, en un pequeño rincón del segundo piso.
En el interior, la luz es tenue. Las paredes están cubiertas de intrincadas pinturas geométricas que parecen laberintos o rizomas. Cada lienzo está cubierto de líneas interconectadas de tinta y formas de contornos definidos, muchas de ellas rellenas de pigmentos amarillos, verdes y rojos. Si se observan con detenimiento, parecen vibrar.
Flores, de 76 años, es una destacada practicante del Kené, una forma de arte y tradición matrilineal del pueblo Shipibo-Konibo en la Amazonía peruana. Comenzó a aprender este arte de su madre a los 14 años, tras tener una visión mientras yacía bajo un mosquitero. (El pabellón incluye dos mosquiteros pintados; uno está suspendido del techo para que los visitantes puedan pasar por debajo y experimentar la visión de Flores). Hoy en día, la artista crea sus envolventes lienzos en colaboración con sus hijas.
Los diseños de Kené están asociados con ceremonias de ayahuasca y se crean con tintes derivados de plantas, incluidas algunas psicoactivas. Sin embargo, la conexión exacta entre la obra de Flores y la medicina vegetal es notablemente vaga.
Quizás los organizadores reconocen que la historia sencilla y exótica de una médium que crea arte mientras alucina atrae al público occidental. La idea de que una comunidad de mujeres esté impulsando de forma colectiva y rigurosa una antigua tradición hacia nuevas direcciones puede ser un poco más compleja, pero sin duda mucho más interesante. — JULIA HALPERIN
El pabellón sudafricano (no oficial)
Incluso en una Bienal marcada por las controversias, la decisión de Sudáfrica a principios de este año de marginar a su artista elegido y cerrar su pabellón causó gran conmoción.
Un grupo comisionado por el gobierno sudafricano seleccionó Elegía, un proyecto que Gabrielle Goliath ha estado desarrollando desde 2015. Se trata de una serie de videos en los que cantantes de ópera con formación clásica mantienen una sola nota durante una hora, reemplazándose unos a otros cuando les falta el aire, todos vestidos de negro y con un fondo oscuro.
Según la artista, las obras rinden homenaje a las víctimas de feminicidio y violencia, como Ipeleng Christine Moholane, una estudiante sudafricana que fue violada y asesinada en 2015, así como a las víctimas del genocidio de los herero y los nama perpetrado por los colonizadores alemanes en Namibia entre 1904 y 1908.
Para la Bienal, Goliath planeaba presentar esos videos junto con una entrega más reciente de Elegía, dedicada a Hiba Abu Nada, una poeta de Gaza que murió en un ataque aéreo israelí en 2023. Si bien es similar a sus predecesores, el ministro de Cultura de Sudáfrica, Gayton McKenzie, declaró que esta adición era demasiado polémica y optó por cerrar el pabellón en lugar de exhibirla. El intento de Goliath de revocar su decisión en los tribunales fracasó.
Sin embargo, Goliath recibió un gran apoyo, y Elegía se exhibe en un espacio alternativo, y quizás aún más conmovedor, para la obra. Las pantallas de vídeo de Goliath rodean ahora el interior de la iglesia de Sant’Antonin, del siglo XVII, llenando el templo con los lamentos desgarradores de los cantantes. La acústica reverberante de la nave y los frescos barrocos celestiales intensifican aún más la sensación de dolor. — LAURA RYSMAN
Fuente: The New York Times
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