La performance conquista la Bienal de Venecia, aunque pocos países pueden afrontar el gasto

Existen formas limitadas para que un pabellón nacional destaque en la Bienal de Venecia. Este año, varios países encontraron una vía efectiva: colocar intérpretes en la sala y poner a creadores escénicos a cargo.

Tres meses después de la apertura de la Bienal, la presencia de estos artistas sigue atrayendo público. Un sábado reciente, una larga fila se formó frente al primer espectáculo del día de Dries Verhoeven en el pabellón de los Países Bajos. Muchos visitantes acudieron a la propuesta de Austria, Seaworld Venice de Florentina Holzinger, para ver a una intérprete desnuda flotando en un tanque de agua y participar “donando” su orina. Dos baños en el lugar están conectados a un sistema de filtrado que alimenta el tanque.

Holzinger y Verhoeven, junto a Miet Warlop de Bélgica y Ei Arakawa-Nash de Japón, figuran en varias listas de exhibiciones imprescindibles en Venecia. Todos provienen del ámbito de la performance y, entre tantas obras materiales, ofrecen algo distinto: la promesa de un evento, una experiencia que exige estar presente.

A diferencia de la pintura, la escultura o las instalaciones, que pueden exhibirse durante largos periodos, la performance requiere la presencia física del artista. Esto convierte la duración de la Bienal de Venecia —que abrió el 9 de mayo y se extiende hasta el 22 de noviembre— en un desafío.

Surgen preguntas prácticas: ¿Cuántas horas al día o a la semana pueden soportar los intérpretes? ¿Quién paga por su tiempo y gastos, cuando las exposiciones visuales suelen requerir solo asistentes de sala?

El cuerpo ha estado presente en el arte visual desde las vanguardias del siglo XX. La performance también ha desdibujado la línea entre los espectáculos en vivo y las exhibiciones. Una de sus exponentes más conocidas, Marina Abramovic, ganó el León de Oro de la Bienal de Venecia por su performance Balkan Baroque en 1997.

En esa ocasión, pasó horas limpiando sangre de un montón de 1.500 huesos de vaca, como homenaje a las guerras yugoslavas de los años noventa. Incluso Abramovic, célebre por su resistencia mental, presentó Balkan Baroque solo durante cuatro días.

Gestionar el pabellón neerlandés —seis funciones al día, cinco días a la semana— requiere tres equipos rotativos y la presencia de un médico, según explicó Verhoeven a la revista de arte Frieze. Bélgica no pudo costear funciones diarias: It Never Ssst, la propuesta de Warlop, solo presenta intérpretes en algunas fechas seleccionadas cada mes. Cuatro funciones programadas en julio se cancelaron por “circunstancias imprevistas”. “Es difícil convencer a la gente de financiar honorarios para cuerpos en vez de algo que puedan colgar en la pared”, dijo Warlop en la misma entrevista.

Un espacio vacío puede dejar a los visitantes insatisfechos. Al observar las cientos de tabletas blancas apiladas en el pabellón belga, todas grabadas con palabras en distintos idiomas, imaginé lo que Warlop habría ideado con ellas. Durante las performances, las tabletas se lanzan y rompen de manera caótica.

Las funciones con mayor regularidad permiten a los artistas aprovechar la oportunidad de llegar a nuevos públicos en el evento artístico más importante del mundo. The Fortress encierra a los visitantes durante 25 minutos en el pabellón neerlandés a oscuras, donde una intérprete canta con voz gutural de death metal. Irónicamente, los mensajes piden autoaceptación. “Ámate a ti misma”, gritó la mujer a la que vi, sentada en un taburete. El grupo diverso de visitantes a mi alrededor parecía desconcertado. Al salir, todos compartimos una sensación absurda y levemente cómica.

Holzinger, de Austria, sumó seguidores —y detractores— con su intervención en los baños. A comienzos de agosto, seguía presente junto a colegas en Seaworld Venice. Se percibía cierto cansancio en su discurso al animar a los visitantes a “hacer pipí”. El resultado parecía limitado comparado con un espectáculo de larga duración: una intérprete flotando en el tanque o una mujer girando desnuda en una moto acuática no ofrecen un teatro duradero.

Japón resolvió el desgaste de los intérpretes convirtiendo a los visitantes en participantes. En la entrada de Grass Babies, Moon Babies de Arakawa-Nash, los asistentes entregaban muñecos para llevar durante la visita. Cambiarles el pañal daba acceso a un poema mediante un código QR.

Entre fines de agosto y comienzos de septiembre, los pabellones de Japón y Corea del Sur colaborarán en una ópera participativa de 20 minutos. Esa es la naturaleza efímera de muchas performances en la Bienal.

Algunos artistas invitados por sus pabellones nacionales optaron por no ofrecer elementos en vivo, como Bugarin + Castle, dúo que representa a Escocia. En vez de una performance, crearon una instalación inspirada en procesiones carnavalescas. Al verla, deseé ver a los artistas —ambos drag performers— en acción.

Eso podría ocurrir en las bienales de Teatro o Danza de Venecia, que forman parte del mismo ciclo que la de arte contemporáneo, aunque la programación cruzada es limitada. También pensé en cómo algunas obras de la Bienal de Danza, que finalizó el 1 de agosto, habrían funcionado en espacios expositivos, como Bardo de Molissa Fenley, un homenaje a Keith Haring interpretado por la propia Fenley, de 71 años.

Nada puede sustituir de manera satisfactoria la presencia humana. Este año, junto a la Bienal, Marina Abramovic es homenajeada en una gran exposición en la Gallerie dell’Accademia, museo dedicado a la pintura veneciana anterior al siglo XIX. Sin embargo, su muestra Transforming Energy no incluye performance en vivo: La artista conceptual serbia se presenta como avatar digital, descrito en el material de difusión como “presencia performativa”.

El resultado desconcierta. En la serie Transitory Objects, Abramovic recurre a cristales como fuente de inspiración, creando estructuras interactivas con estas piedras. En la Gallerie dell’Accademia, aparece en pantallas para explicar la experiencia a los visitantes. En un video, su avatar, vestido con un mono azul-gris, pasa bajo un arco de cristal, abre las palmas como si diera la bienvenida a una energía invisible y luego se aleja sin expresión.

No me sentí intérprete al imitarla y, tratándose de una artista que pasó más de 700 horas mirando a los visitantes en el MoMA de Nueva York para The Artist Is Present, parecía una evasión. Incluso el montón de huesos dispuesto como homenaje a Balkan Baroque tenía más presencia que el avatar. Tanto en un museo como en un pabellón o cualquier otro lugar, no hay performance sin intérpretes ni modo de evitar el costo de mantenerlos allí.

Fuente: The New York Times