De una IA que reza a autorretratos de una artista ciega: la Bienal del Museo Whitney abre renovada

Los autorretratos de una artista ciega con su perro, estatuas de relojes con dientes que recrean las voces de personas muertas mediante inteligencia artificial (IA), fotografías de la vida en Filadelfia en los años ochenta y hasta un muñeco inflable enorme son algunas de las obras de los 56 artistas y colectivos internacionales que componen la Bienal 2026 del Museo Whitney de Nueva York, que comenzó este domingo.

Esta edición no cuenta con una temática central restrictiva y busca que las conversaciones entre las obras fluyan de manera orgánica.

“Decidimos de antemano que no íbamos a tener una temática específica, sino que íbamos a ver en qué estaban pensando los artistas, ya que la tarea de la Bienal es ver qué está pasando en el arte estadounidense actual”, explica la co-curadora de la exposición, la puertorriqueña Marcela Guerrero, que recorrió el mundo para reunirse con 300 artistas en sus estudios y talleres.

Una IA aterradora

Entre las diversas plantas que ocupa la Bienal se ve el impacto de las nuevas tecnologías en el arte, sobre todo el de IA, que en esta ocasión, toma una luz distópica y tenebrosa.

Un claro ejemplo es ‘CULTUS’, del artista estadounidense radicado en Canadá Zach Blas, una obra que transforma una sala de la primera planta del museo en un templo tecno-religioso donde se invoca a un panteón de dioses de la IA para reflexionar sobre el impulso de dominación de la industria tecnológica.

Otro caso del uso de esta vanguardista tecnología son las estatuas de Cooper Jacoby, que perfectamente podrían formar parte del decorado de la película ’2001: A Space Odyssey’: relojes con unos dientes y un intercomunicador en el que se escuchan mensajes generados por IA con la voz de personas que han fallecido.

“Para recrear las voces de las personas muertas (el artista utiliza) las voces que han dejado en Instagram. En cierta forma es casi como un altar para estas personas”, explica Guerrero.

Las redes que conectan el arte

Pese a no tener una temática común, y aunque las obras de los diversos artistas vayan encajando como piezas de un rompecabezas las unas con las otras, a lo largo de las plantas quinta y sexta del museo, esta edición busca observar las corrientes cambiantes del arte en Estados Unidos, preguntándose no solo qué se está creando sino también qué significa denominar algo “estadounidense”.

Según apunta Guerrero, la Bienal explica las “redes que nos conectan a todos”. “No solo a nivel macro geopolítico, donde tenemos muchos artistas como Ignacio Gatica, quien viene de Chile, país donde no hubo una ocupación militar estadounidense pero sí hubo un tipo de ocupación ideológica, sino también tenemos artistas de países como Vietnam o Afganistán, donde el poder de los Estados Unidos y los tentáculos del imperio estadounidense han llegado”, explica la comisaria.

La obra de Gatica que menciona la comisaria se centra en un documental sobre ‘Sanhattan’, el distrito financiero de Santiago de Chile que se parece a Manhattan, ya que se construyó poco después de la violenta dictadura de Augusto Pinochet (1973- 1990), como una glorificación arquitectónica de la ideología de libre mercado promovida por los “Chicago Boys”, un grupo de economistas educados en Estados Unidos.

No es casualidad que desde la venta de la sala en la que se exhibe la obra del chileno se vea el Empire State Building. “Fue una decisión curatorial para que existiese un contraste real como físico con la ciudad”, explica Gatica.

Por otro lado, el colectivo kekahi wahi (Sancia Miala Shiba Nash y Drew K. Broderick) utiliza un video satírico de entrenamiento físico filmado en Hawái como metáfora de resistencia ante la historia colonial y la propagación de enfermedades en el Pacífico Sur.

Fuente: EFE