Hace cuatro años se constituyó el 17 de marzo como el Día del Cómic y del Tebeo en España, una iniciativa del Ministerio de Cultura para promover lo que se denomina ‘el noveno arte’ y que supone una de las fuentes de ingresos más fructíferas dentro del sector editorial.
La variedad temática y estilística es arrolladora, algo que se combina a la perfección con el gran surtido de Salones del Cómic que se presentan en nuestro territorio. Precisamente coincidiendo con estas fechas encontramos el Graf en Barcelona y del 26 al 29 de marzo se celebrará la Feria del Cómic de Madrid.
Por esa razón, nos encargamos de recopilar algunas de las novelas gráficas más importantes que se han publicado, desde Zerocalcare al último Premio Nacional del Cómic, que fue concedido a Candela Serra por Lo sabes, aunque no te lo he dicho (Astiberri Ediciones).
‘Más allá de los escombros’, de Zerocalcare
El joven genio del cómic italiano regresa con una obra que explora la experiencia de una generación marcada por la incertidumbre. Por primera vez, este volumen se presenta en español en una edición única, reuniendo la historia completa que fue lanzada a lo largo de varios años.
El autor utiliza el reencuentro en una boda para analizar las dificultades y resignaciones de un grupo de amigos marcado por el abandono de sus sueños ante limitaciones sociales y económicas.
Zerocalcare destaca que la red afectiva y el acompañamiento de los amigos son fundamentales para resistir la precariedad y sostener la identidad, advirtiendo que quienes no tienen ese anclaje corren más riesgo de ser derrotados por las adversidades. La obra recurre a la ironía y la autocrítica como formas de defensa ante el desencanto. Un magnífico retrato generacional atravesado por la complicidad y la importancia de los lazos afectivos para sobrellevar las dificultades.
‘Lo sabes, aunque no te lo he dicho’
La autora Candela Sierra utiliza el lenguaje del cómic para explorar los conflictos de comunicación presentes en las relaciones afectivas, familiares, laborales y de amistad. En su obra, los protagonistas representan problemas contemporáneos como el temor al compromiso, la evasión del conflicto y la influencia de las redes sociales sobre la interacción humana.
Mediante recursos como fallos de rácord en los personajes y desapariciones tras “bocadillos ególatras”, Sierra ilustra la superficialidad y la falta de gestión emocional en los vínculos actuales, abordando estos aspectos desde una perspectiva marcada por el humor y la crítica.
La propuesta estética de la autora incluye una paleta cromática definida y reflejos de la obra de Brecht Evens, destacando elementos que remarcan el narcisismo y la carencia de comunicación real de la época. Ha sido el último Premio Nacional del Cómic por indagar en torno a los problemas de comunicación cotidianos desde el humor y el regusto ácido y punzante.
‘SPA’, de Erik Svetoft
Novela gráfica de terror ambientada en un hotel de lujo del norte de Europa que relata una serie de sucesos inquietantes que afectan tanto a huéspedes como a empleados. El entorno, que incluye un spa y un centro de convenciones, se ve alterado por la aparición de un líquido negro y viscoso que se escurre por los pasillos y paredes, mientras la humedad y el calor generan brotes de moho, enfermedades cutáneas, alucinaciones y la presencia de entidades sobrenaturales.
En este escenario, las historias se cruzan: un cliente VIP desaparece, un empleado pierde la orientación dentro del complejo, una masajista busca su lugar en el equipo y dos amantes intentan huir de su rutina. Al mismo tiempo, directivos y trabajadores se enfrentan a sus propios miedos y frustraciones, y la llegada de inspectores añade tensión al entorno ya deteriorado, mientras el hotel se convierte en un espacio dominado por criaturas híbridas, fantasmas y espíritus malignos que surgen junto a los problemas materiales del edificio.
‘Okinawa, el viento habla’, de Susumu Higa
La obra de Susumu Higa, Okinawa, el viento habla, recibió el Japan Media Arts Grand Prize, el máximo reconocimiento que concede el Ministerio de Cultura de Japón y es considerada una de las grandes obras maestras dentro de la historia del manga. A través de una serie de relatos paralelos inspirados en hechos reales sobre la batalla de Okinawa, el autor reconstruye los crímenes cometidos contra la población civil por los dos bandos.
Este trabajo se apoya en la premisa transmitida por la madre de Higa, que siempre vivió en Okinawa y estuvo al margen de la industria del manga: "la guerra es sucia“. La obra presenta la perspectiva local sobre un episodio que, según valoración de la crítica, nunca había contado con voz nativa y directa hasta su publicación.
Un desgarrador e inteligente canto antibelicista contado con sensibilidad a través de un trazo formal sencillo y delicado.
‘En el nombre de la Rosa’, de M. Manara y U. Eco
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El segundo volumen de la novela gráfica El nombre de la rosa, a cargo de Milo Manara y publicado por Lumen, concluye la adaptación visual de la obra de Umberto Eco. El proyecto contó con la colaboración de la familia Eco y varias editoriales, y se publica diez años después de la muerte del escritor. Esta entrega profundiza en la investigación de Guillermo de Baskerville en la abadía medieval, donde la biblioteca juega un papel central al albergar secretos que amenazan el equilibrio del monasterio.
La publicación coincide con el aniversario del fallecimiento de Eco y los ochenta años de Manara. El dibujante elige centrarse en la novela original y en las recomendaciones del propio Eco, evitando referencias cinematográficas. Manara representa a Guillermo de Baskerville con rasgos inspirados en Marlon Brando, siguiendo las descripciones del autor, y sostiene que el verdadero protagonista es Adso de Melk, personaje que enfrenta conflictos internos ligados al deseo y la violencia.
Para abordar la riqueza visual del relato, Manara emplea tres estilos gráficos: uno realista para la atmósfera histórica, otro más sutil para la sensualidad de Adso y un tercero, basado en miniaturas medievales, para la decoración y los libros de la biblioteca. Esta variedad otorga a la obra un ritmo visual singular y resalta temas universales como el poder, la herejía y el valor de los libros.
‘Dos mujeres desnudas’, de Luz
La novela gráfica francesa Dos mujeres desnudas, creada por Luz, explora un siglo de historia europea a través de la travesía del cuadro homónimo, pintado en 1919 por Otto Mueller. El relato se inicia en Berlín y sigue la vida de la obra desde el estudio del artista, atravesando episodios clave como el ascenso del nazismo, el saqueo de arte a familias judías y la persecución del arte moderno, hasta la actualidad, donde el cuadro se encuentra en el Museo Ludwig de Colonia.
El recurso narrativo elige al cuadro como observador silencioso, mostrando los cambios políticos y sociales de Europa sin revelar su imagen al lector hasta el final. El libro, resultado de una investigación detallada, busca alertar sobre los riesgos del autoritarismo desde el ámbito artístico y político. Ha recibido los premios los premios más importantes de la temporada en Francia, consolidándose como obra de referencia dentro del cómic europeo.
‘Lorquiana’, de María Badía y Salva Rubio
El cómic Lorquiana, editado por Planeta Cómic, reúne en un mismo volumen las historias y personajes de Bodas de sangre, Yerma y La casa de Bernarda Alba, piezas fundamentales de Federico García Lorca. El guión, a cargo de Salva Rubio, y las ilustraciones de María Badía, proponen una visión que enlaza la experiencia de las protagonistas de las tres obras en un solo personaje femenino. Esta figura atraviesa distintos momentos vitales: la juventud de Bodas de sangre, la madurez de Yerma y la vejez de La casa de Bernarda Alba. Una estructura que busca mostrar la opresión, el sufrimiento y la búsqueda de libertad de las mujeres en el ámbito rural, reflejando cómo los ciclos de sumisión y venganza aparecen en distintas generaciones.
La idea surgió al advertir conexiones temáticas y estructurales entre las obras, lo que lo llevó a crear una figura capaz de unificar los recorridos emocionales y sociales de los personajes. Así, los textos originales de Lorca se mantienen casi sin modificaciones, demostrando que su lenguaje permanece inalterable al trasladarlo a otros formatos.
Una obra sobre la búsqueda de la libertad femenina que sirve para acercar el universo ‘lorquiano’ a todos los públicos.
‘Viene del este’, de Antonio J. Jiménez
Durante un 22 de marzo, diversos personajes experimentarán la irrupción del peligro y la violencia en sus rutinas diarias. Así, cada capítulo abordará una hora específica de ese día, mostrando a los protagonistas enfrentando situaciones comunes como retrasos laborales, pérdidas familiares y la atención de un familiar enfermo, mientras en otro sector de la ciudad la amenaza de bombas se vuelve una preocupación real.
La historia se ubica en una ciudad anónima y expone cómo los habitantes viven ajenos a los conflictos internacionales, aunque los medios divulguen noticias sobre guerras. El prólogo sitúa los hechos en un futuro incierto, haciendo referencia al temor de un final inminente para la humanidad.
La estructura del relato, basada en lo cotidiano, explora el individualismo, el aislamiento frente a la tecnología y la tendencia a distorsionar la realidad. Los personajes buscan maneras de sobrellevar las adversidades y de evitar el impacto de lo que sucede a su alrededor. Una ópera prima sorprendente que plantea una reflexión en torno a la dificultad de identificar el origen de una catástrofe global cuando todo parece transcurrir con normalidad.
‘Los hijos del topo’, de Alejandro Jodorowsky
La editorial Reservoir Books ha lanzado un volumen que reúne la trilogía Los hijos del Topo, de Alejandro Jodorowsky, considerada una continuación directa del western psicodélico El topo, film estrenado en 1971 en México. Este libro permite que el público actual acceda a la totalidad de una obra central en la trayectoria del autor chileno, quien se ha destacado como cineasta, escritor, guionista de cómics, director teatral, terapeuta y estudioso del tarot. La publicación coincide con el aniversario número 55 de la primera proyección de El topo, película reconocida por su carácter transgresor y su impacto en el cine de culto.
La trama explora la transformación de un forajido, el Topo, en figura de carácter sagrado, y el vínculo conflictivo de sus dos hijos, Caín y Abel, quienes se enfrentan en un oeste simbólico marcado por la violencia y el enfrentamiento fraternal.
En la trilogía se combinan elementos habituales en la obra de Jodorowsky, como los rituales de iniciación, el misticismo, el surrealismo, el budismo, el erotismo y la influencia psicodélica. El relato utiliza el formato del western para abordar cuestiones filosóficas y espirituales, dirigiéndose tanto a lectores de cómic de autor como a quienes buscan experiencias artísticas fuera de lo convencional.
El topo se consolidó como una película de culto, rodeada de mitos y rumores relativos al rodaje y sus participantes. Jodorowsky afirmó que pretendía “llevar al espectador a un estado de iluminación, proporcionarle un viaje de LSD sin LSD”.
‘En vela’, de Ana Penyas
La autora Ana Penyas, reconocida con el Premio Nacional de Cómic 2018, explora el insomnio en su obra En vela, donde aborda cómo la falta de sueño evidencia precariedad laboral, desigualdades sociales y dependencia de ansiolíticos en la sociedad contemporánea.
A lo largo de seis noches y un día, el libro retrata cómo el insomnio transforma la vida cotidiana en una vigilia marcada por incertidumbre y exposición constante a las pantallas, un proceso que, según Penyas, deja efectos profundos en la salud mental en nuestros días. En vela utiliza el formato coral y el trabajo gráfico característico de Penyas para convertir el insomnio en objeto de reflexión crítica sobre las condiciones materiales y emocionales de la vida actual.
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