Warhol, James Turrell y Agnes Martin (y otros grandes nombres), en una experiencia visual y sensorial en Proa

Unas raras pinturas de Andy Warhol, la fantasmagoria abstracta de Agnes Martin y la inmersión en las atmósferas lumínicas de James Turrell son algunos de los highlights de Penumbra, la muestra internacional que se pesenta en Fundación Proa, a partir de obras icónicas de nueve artistas de la Dia Art Foundation.

Prenumbra no es una muestra con un guion curatorial, a partir del que observar un relato o un momento de la historia, sino más bien una oportunidad para ver una selección de piezas de grandes referentes del arte contemporáneo, algo que con la economía del país, sucede cada vez con menos asiduidad.

Aunque, la selección de obras -de 1962 a 2018- sí refleja el espíritu de una colección centrada en la experiencia directa: la materia, la percepción, la luz y el tiempo desplazados de la representación tradicional y con el foco en colocar al espectador en el centro de la obra.

La Dia Art Foundation es una organización clave en la historia del arte desde la segunda mitad del siglo XX, reconocida mundialmente por su apoyo a proyectos de gran escala y por transformar la relación entre obra, espacio y espectador. La muestra, con curaduría de Humberto Moro (Director de Programas de Dia) y la asistencia de Ella den Elzen, despliega así prácticas y lenguajes que revolucionaron la escultura, la pintura, la instalación y el arte conceptual.

“Penumbra dirige su atención hacia los límites de la luz, hacia los momentos en que la iluminación se interrumpe, la visibilidad se ralentiza o se desestabiliza y la forma surge no por revelación sino por atenuación”, escribió el curador Moro.

La expo abre con ocho pinturas la serie Innocent Love (1999), de Agnes Martin, que comprenden la última etapa de su carrera, cuando alejada del centro del arte, ya en Nuevo México, enfocó su producción en piezas que invitan a la contemplación silenciosa, cercanas a la meditación, proceso que llevaba adelante antes de realizarlas cuando se centraba en alguna emoción o escena personal que quería expresar en el lienzo.

Así, la artista se concentraba en alguna idea y para encontrar las expresiones del amor, la felicidad, la felicidad inocente o de dónde vienen los bebés, en estas pinturas de múltiples capas, de rictus fantasmagórico, velado.

En la siguiente sala conviven cuatro esculturas de John Chamberlain con 8 paneles de la serie Shadows (1978–1979) de Warhol. En el caso del primero, corresponden al proceso que lo llevó a ganar reconocimiento internacional, al transformar fragmentos de automóviles prensados y materiales sintéticos en obras que exploran la energía y la materia, tendiendo así un encuentro con el expresionismo abstracto, el arte pop y el postminimalismo contemporáneo.

En el caso del segundo, corresponden a la serie iniciada en 1978, comprendida por 102 pinturas acrílicas y serigráficas concebida como una sola obra en múltiples partes. Cada pieza mide 193 cm de alto por 132 cm de ancho, y su técnica combina acrílico y serigrafía fotográfica sobre lienzo, con pintura extendida mediante mopa.

En un espacio liminal, entre la segunda y tercer sala, un cuartito oscuro contiene a Catso Blue (1967/1987), de James Turrell, una de las primeras propuestas en las que el autor invita a los espectadores a explorar distintas formas de percepción empleando la proyección de luz sobre el espacio, en el que crea un cubo ilusorio cuya apariencia varía según la posición del observador. El cubo, según el movimiento del observador, va redefiniendo sus vértices.

Ya en la tercera, el mundo de Robert Serra se presenta a través de 45 maquetas de sus monumentales esculturas, en las que se observa la experimentación sobre la gravedad y el equilibrio, y de cómo en su práctica la obra no surge de una imagen preconcebida, sino de la interacción entre el acero y el espacio circundante.

La sala 4, por su parte, tres obras de Robert Irwin vuelven a poner el énfasis en lo lumínico (Pacific Jazz, 2010; Blue Jay, 2018 y Untitled, 1965–1967).

En el caso de Pacific Jazz proponen una exploración visual, a través de la disposición verticales de tubos fluorescentes encendidos, algunos de ellos cuidadosamente envueltos en capas superpuestas de gelatinas teatrales, que permiten la creación de irradiaciones cromáticas complejas y cambiantes, mientras que en Blue Jay, los mismos elementos se encuentran pintados, jugando así con la ilusión de la luz, pero desde lo pictórico.

En Untitled, un disco suspendido recibe diferentes haces de luz creando una proyección sobre los bordes de la esfera, marcando una de la pautas de su investigación, entre el uso de la luz y el paso del tiempo.

También en esta habitación pueden observarse dos grandes videoinstalaciones. En Hard Core, de Walter De Maria, figura central del arte minimalista y, sobre todo, del Land Art, la proyección juega en los límites del western y las obras ambientales del desierto de Nevada, donde el sonido remite a los movimientos del oleaje, creando una atmósfera experimental inusual para cuando se presentó, en la década del ‘60.

En el caso de la leyenda del arte performático Tehching Hsieh, Exposure (1973/2016) retrata las primeras actuaciones del artista de origen vietamita, en las que explora cómo desarrolló su obra dentro de contextos y condiciones adversas. Allí tensiona la frontera entre arte y vida: se enfrenta durante horas al sol para registrar los efectos irreversibles de la luz en papel fotográfico, revelando la relación entre tiempo, corporalidad y precariedad.

Finalmente, en la zona de la librería surge el espíritu del cubano Felix Gonzalez-Torres, con el cortinado azul translúcido, Untitled (Loverboy), una obra que enfatiza la arquitectura de Proa y que, mirando hacia el riachuelo, convierte el afuera en una experiencia sensible.

Dia Art Foundation, fundada en Nueva York en 1974, revolucionó el coleccionismo y la exhibición al producir piezas imposibles de realizar en los museos tradicionales. Acompañando a artistas desde el germen de la idea hasta la concreción de obras monumentales en espacios naturales y urbanos, su misión ha permitido la creación de proyectos como The Lightning Field de Walter De Maria o las instalaciones de Dan Flavin y Robert Smithson, que permanecen como hitos en la historia del arte contemporáneo.

La llegada de Dia a Buenos Aires es también el fruto de relaciones de largo plazo, iniciadas en los años noventa con exhibiciones de Dan Flavin y Sol LeWitt en la institución de La Boca, en el marco de los 30 años de actividad de la Fundación Proa.

*“Penumbra: Dia Art Foundation”, en Fundación Proa, Av. Pedro de Mendoza 1929, La Boca. De miércoles a domingo de 12:00 a 19:00 h, hasta el 2 de agosto de 2026. Entrada: Miércoles, sin cargo. Jueves a domingos, general, $6000; estudiantes, docentes y jubilados, $4000 y menores de 12, sin cargo.

Fotos: Gentileza Fundación Proa