Van Gogh y el significado del amarillo como símbolo de modernidad y emoción

En 1888, poco después de que Vincent van Gogh se mudara a Arlés, una pintoresca ciudad construida sobre ruinas romanas en el sur de Francia, escribió para contarle a un amigo, el pintor parisino Émile Bernard, sobre su nuevo alojamiento.

“He alquilado una casa pintada de amarillo por fuera, encalada por dentro, a pleno sol”, escribió Van Gogh, añadiendo una descripción de su vista: “La ciudad está rodeada de vastos prados adornados con innumerables ranúnculos: un mar amarillo”.

Viviendo en una casa amarilla en medio de este “mar amarillo”, Van Gogh recurrió una y otra vez al color para crear algunos de sus lienzos más reconocibles: campos de trigo dorado bajo un sol abrasador, la marquesina color caramelo de una terraza de café por la noche y un jarrón dorado lleno de girasoles.

Pablo Picasso tuvo su período azul a principios de 1900, una fase melancólica en tonos azules. El “período amarillo” de Van Gogh, como podría llamarse, reflejaba el calor del sol provenzal, pero también el sentimiento de consuelo, esperanza y optimismo del artista durante ese breve periodo de su carrera.

Lo utilizó tanto en sus años de Arlés —un momento en el que estaba en la cúspide de su poder artístico— que quedó para siempre asociado con ese color.

Amarillo: Más allá del color de Van Gogh, una exposición en el Museo Van Gogh de Ámsterdam que estará expuesta hasta el 17 de mayo, convierte el tono en el principio organizador. El color conecta al posimpresionista del siglo XIX no solo con otros artistas como Paul Signac, Kazimir Malévich y J.M.W. Turner, sino también con la sombrilla de una dama, un vestido de baile y dos instalaciones inmersivas del artista danés Olafur Eliasson.

Los curadores toman como punto de partida los Girasoles de Van Gogh, de 1889, para explorar el significado cambiante del color para los artistas.

“Es un viaje”, dijo Ann Blokland, una de las dos curadoras de la muestra. “Para la época de Van Gogh, era un color de modernidad, de espiritualidad y de teoría del color. Pero queremos que se pueda recorrer la exposición para hacer tus propias asociaciones”.

La teoría del color era una preocupación de muchos artistas del fin de siècle, incluidos Wassily Kandinsky y Hilma af Klint, quienes creían que ciertos colores tenían resonancias espirituales o significados simbólicos, y que ciertas combinaciones provocarían vibraciones emocionales en el espectador.

Kandinsky describió el amarillo como el sonido de una “trompeta estridente” y creó una pieza de teatro musical llamada El sonido amarillo para expresar la idea. No se representó durante la vida del artista; la muestra de Ámsterdam presenta un fragmento en video de una producción de 1974, con música de Alfred Schnittke.

Los curadores también han incluido algunos intentos recién compuestos por estudiantes del conservatorio de Ámsterdam para captar la esencia del amarillo en el sonido, y perfumes que sugieren el color con aromas como vainilla, bergamota y pachulí, que los visitantes pueden oler en decantadores de vidrio.

Este enfoque sensorial se extiende a dos obras destacadas del artista radicado en Berlín Olafur Eliasson, conocido por instalaciones de luz como The Weather Project, una instalación específica para el sitio de 2003 realizada para la Sala de Turbinas de la Tate Modern en Londres, en la cual un orbe amarillo brillante creaba la ilusión de un sol.

Blokland y su cocurador, Edwin Becker, ofrecieron a Eliasson un piso entero del museo para dos grandes instalaciones: su escultura de luz fluorescente de 2006 Who Is Afraid Yellow Flower Ball, y Color Experiment No. 78”, de 2015, una serie de 72 pinturas circulares monocromáticas que parecen cambiar de color al ser iluminadas con luces amarillas.

Este interés “matemático” en la teoría y técnica del color vincula a Eliasson con Van Gogh, explicó Blokland.

Van Gogh jugó con combinaciones de colores —prefería contrastes como amarillo y azul, y amarillo con púrpura—, pero no siempre en su lienzo o paleta. Antes de tomar el pincel, reunía hebras de lana de colores en ovillos para ver cómo se veían los tonos al combinarse. Una caja lacada, expuesta en la muestra, exhibe las tonalidades de amarillo, azul y púrpura que coinciden perfectamente con los tonos que usó en una naturaleza muerta de frutas de 1887.

La asociación del artista con el amarillo en particular se remonta a su famosa serie Girasoles, creada en 1888 y 1889; pero Blokland afirmó que no necesariamente utilizó más ese color que otros a lo largo de su carrera.

Sus primeras pinturas, hechas en su natal Países Bajos y Bélgica, retrataban la dura realidad de la vida rural usando una paleta oscura y terrosa. No fue sino hasta que se mudó a París en 1886, y fue influenciado por pintores franceses como Signac, Paul Gauguin y Henri de Toulouse-Lautrec, que empezó a experimentar con pigmentos más cálidos y vivos.

Cuando se mudó a Arlés, su amor por el amarillo floreció por completo, al igual que su estilo. Allí, retrató el paisaje bañado por el sol, pintó su nuevo hogar en La casa amarilla (1888) y realizó autorretratos con un sombrero de paja amarillo maíz.

“Era un color que lo desafiaba a llevar la expresión y la emoción en su pintura aún más lejos”, comentó Blokland, “porque era un color tan fuerte, y lo rodeaba por completo en Arlés”.

Este “período amarillo” se extendió durante la estancia de Van Gogh en un hospital psiquiátrico en la cercana St. Remy. Para cuando se mudó a Auvers-sur-Oise, a las afueras de París, sus pinturas se volvieron algo más oscuras otra vez, usando más púrpuras y azules.

Una de las revelaciones de Blokland al preparar la muestra fue descubrir que los libros amarillos a menudo aparecían en las pinturas de la época de Van Gogh. Estos habrían sido instantáneamente reconocibles para sus contemporáneos como ediciones de bolsillo francesas con contenido sexualmente sugerente o atrevido, dando un nuevo significado a la naturaleza muerta de van Gogh de 1887 Montones de novelas francesas.

En parte debido a esos libros, “el amarillo se volvió sinónimo de todo lo moderno, de lo fashion y lo atrevido”, afirmó Blokland. Una revista británica de la época llamada The Yellow Book, que se exhibe en la exposición, publicaba artículos polémicos o escandalosos, a menudo escritos por mujeres, lo cual era inusual a finales de 1800.

A la década final del siglo se la llamaba a veces los “Años Noventa Amarillos”, un periodo decadente y vanguardista que Van Gogh no llegaría a ver. Se suicidó justo en su umbral, en julio de 1890.

En su funeral, sus amigos y familiares llevaron flores amarillas, y su ataúd se cubrió con girasoles y dalias amarillas: “flores amarillas por doquier”, como anotó su amigo pintor Bernard en una carta. “Era, recordarás, su color favorito”, añadió, “el símbolo de la luz que buscó en el corazón de las personas, así como en las obras de arte”.

Fuente: The New York Times.

Fotos: Museo Van Gogh.