Claves para comprender el auge, las fusiones polémicas y la influencia global del Art Déco en pleno siglo XX

Desde cines de Estados Unidos hasta vidrieras europeas, la yuxtaposición de formas ancestrales en el Art Déco generó tensiones inéditas entre autenticidad y eclecticismo. Si bien el movimiento es reconocido por su glamour y sofisticación, también oculta una historia menos luminosa que desafía la percepción tradicional de lujo.

El atractivo del Art Déco se sustenta en la apropiación cultural y la reinterpretación occidental de símbolos y formas de civilizaciones antiguas, ensamblados muchas veces sin un conocimiento profundo de su significado original, según un análisis publicado en BBC History Magazine. Definir este movimiento resulta complejo por la diversidad de sus fuentes. La historiadora Emma Bastin sostiene: “Es realmente difícil de definir” por esa amplitud.

Habitualmente, se vincula el Art Déco con el período de entreguerras. Aunque surgió antes de la Primera Guerra Mundial, cobró impulso tras el conflicto, en una sociedad que buscaba distanciarse del estilo recargado anterior. La devastación provocada por la guerra produjo un cambio radical en las sensibilidades estéticas: la opulencia victoriana y eduardiana fue reemplazada por geometría audaz, colores vivos y materiales artificiales que evocaban lujo.

Bastin subraya que el movimiento integró la industrialización y pretendió acercar el arte a la vida urbana a través de cines, estaciones de tren, fábricas y grandes almacenes.

Si bien el Art Déco proyectaba modernidad, sus influencias principales pertenecían al pasado. El descubrimiento de la tumba de Tutankamón por Howard Carter en 1922 provocó una auténtica “Egiptomanía”, según Bastin. Motivos como jeroglíficos, flores de loto o escarabajos comenzaron a aparecer en joyería, textiles y arquitectura, reinterpretados bajo una perspectiva contemporánea.

El influjo egipcio no fue el único. La herencia de Grecia y Roma resultó igualmente determinante. Bastin precisa que estas culturas influyeron por sus valores de simetría y linealidad, así como por la percepción europea que las asociaba con la civilización “clásica”. Diseñadores y arquitectos conservaron únicamente la esencia geométrica de las formas clásicas, despojándolas de sus referencias específicas.

En Estados Unidos, el Art Déco buscó diferenciarse del modelo europeo al inspirarse en culturas mesoamericanas. Bastin explica que arquitectos estadounidenses incorporaron motivos aztecas y mayas en rascacielos, como los escalonamientos y elementos inspirados en pirámides, con el objetivo de introducir una referencia a la antigüedad local en el entorno urbano de ciudades como Nueva York.

El criterio decorativo predominó sobre el rigor histórico o cultural. La mezcla de símbolos egipcios, griegos, mesoamericanos y africanos derivó en un eclecticismo visual impactante, aunque superficial. Bastin advierte que, por desconocimiento o falta de interés, los referentes originales se diluyeron en “una mezcolanza total”.

Este repertorio visual reflejó una actitud occidental de apropiación indiscriminada y exotismo. En cines estadounidenses, resultaba habitual encontrar murales egipcios junto a balcones con zigzags de inspiración inca y techos decorados con patrones griegos. En París y Londres, se fusionaban escalonamientos mayas con figuras asirias o detalles helénicos en espacios comerciales.

El impacto visual se privilegió sobre el significado genuino de los elementos, lo que revela el ambiente colonialista de la época. El Art Déco vació de contenido simbólico numerosos elementos ancestrales, reuniendo por motivos estéticos una esfinge egipcia con el dios serpiente azteca o un patrón griego.

Actualmente, la crítica señala que esta fusión expresa tanto fascinación por la antigüedad como una visión superficial y frecuentemente colonialista sobre el arte y la cultura. Así, el Art Déco edificó una antigüedad imaginada, separando los referentes de su contexto original para crear un nuevo lenguaje visual de lujo.

Hoy, ese legado suscita debates sobre la aceptabilidad ética de estas fusiones. Las sensibilidades actuales evidencian que la creatividad del pasado implicó apropiaciones que hoy generan controversias y exhiben la complejidad interna de este movimiento artístico reconocido internacionalmente.