El mejor teatro del momento está en las salas públicas de CABA: 5 obras para no perderse

Uno de los efectos que dejó la pandemia en muchas de las personas acostumbradas a las salidas culturales es la necesidad de volver con todo a ocupar los espacios que ofrecen arte en vivo. Por estos días, es notable la gran cantidad de público que convoca la cartelera teatral porteña en todos sus ámbitos: independiente, oficial y comercial. Las ganas de volver a encontrarse con los artistas y de ver teatro y arte en un mismo tiempo y espacio se hace evidente por el nivel de convocatoria y lo rápido que se agotan las entradas para algunas propuestas.

En particular, el teatro público ofrece opciones muy atractivas para sus amantes y con precios accesibles (las entradas oscilan entre los 550 a los 1050 pesos). Por ese monto, el privilegiado público de Buenos Aires puede ver grandes referentes del teatro, estéticas diversas y obras de gran despliegue. Aquí, un recorrido por los espectáculos más interesantes que están en este momento en cartel, en algunas de las salas públicas (tanto dependientes de la Ciudad como de la nación) más emblemáticas.

Boquitas pintadas

Uno de los imperdibles de este momento en el teatro porteño es la reposición de este clásico que lleva adelante una gran dupla creativa: Renata Schussheim y Oscar Araiz. La gran diseñadora de vestuario y el coreógrafo retomaron un trabajo que estrenaron en 1997, cuando realizaron la transposición a la danza de la hermosa novela de Manuel Puig. Ahora, retoman este trabajo con el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, dirigido por Andrea Chinetti y codirigido por Diego Poblete.

Descubrir qué procedimientos se utilizan para realizar ese pasaje de la palabra escrita al movimiento es una de las tareas más hermosas que se puede proponer un espectador atento. Los artistas han realizado una notable condensación de la novela de Puig para traducir en movimientos y con audios en off, hechos por grandes artistas, los relatos de esta historia que retrata las angustias, los miedos y las vidas de mujeres y hombres entre los años 30 y 40 en Buenos Aires. Como en los radioteatros de la época, se habla siempre de lo prohibido a través del ocultamiento y la simulación. Desde el cine o el radioteatro, modeladores notables del comportamiento social de la época, las palabras de Puig “experimentan” una transformación musical con reminiscencia a viejas audiciones radiales y a la sonoridad del cine argentino de los años 30 y 40. De esta manera se producen analogías permanentes entre el texto y la concepción plástica y sonora del espectáculo. La forma en que las palabras de Puig se reinterpretan en el cuerpo de los bailarines es un ejemplo notable de la gran capacidad creativa y ficcional que permite la danza contemporánea.

* Boquitas pintadas se presenta de viernes a domingos a las 20 en la sala Martín Coronado del Teatro San Martín, Av. Corrientes 1530, C. A. B. A.

Este espectáculo es un estreno reciente, también en el Teatro San Martín, y se trata de un texto clásico del filósofo existencialista Jean-Paul Sartre, con adaptación y dirección de Eva Halac. Drama político por antonomasia, esta pieza pone en el centro de la escena el dilema de si el fin justifica los medios, de la responsabilidad individual, de las diferencias entre las ideas y la praxis, de las fantasías heroicas y de las verdades de la real politik.

Las manos sucias se estrenó en París en 1948. A la luz de los crímenes de la guerra, del nazismo y de los gulags soviéticos, también se desmoronaba la cultura como garante de humanidad. En ese desierto ético, y a pocos años del asesinato de Trotski, esta pieza fue interpretada como una denuncia del stalinismo. El autor dijo que había sido un gran malentendido a partir del cual sometió las representaciones de su texto a la aprobación del Partido Comunista para su estreno en cada país.

El elenco está integrado por Daniel Hendler, Flor Torrente, Guido Botto Fiora, María Zubiri, Ariel Pérez de María, Guillermo Aragonés, Nelson Rueda, Juan Pablo Galimberti y Ramiro Delgado.

* Las manos sucias se presenta de miércoles a domingos a las 20 en la sala Casacuberta del Teatro San Martín: Av. Corrientes 1530, C. A. B. A.

Pequeña Pamela

Personajes mitológicos, un coro, una tragedia griega, el menemismo, las drogas, el Riachuelo, la pobreza y coreografías para Tik Tok. La obra de la autora y directora Mariana Chaud puede unir universos que van desde el siglo quinto antes de Cristo hasta lo más actual de nuestro mundo contemporáneo. Pequeña Pamela se presenta en el Teatro Sarmiento, del Complejo Teatral de Buenos Aires, y mantiene el sello experimental de su creadora, pero esta vez se atreve a un cambio de registro: su discurso hilarante y absurdo le cede lugar a una historia oscura y cruel, atravesada por un universo fantástico en el cual los muertos salen de sus tumbas y los asesinos son hombres obsesionados con su celular.

La obra se desarrolla en colaboración con el artista plástico Nahuel Vecino, quien ideó un espacio que limita el mundo marginal con el fantástico, con un caño de desagüe en el centro de la escena. Esta tragedia se funda en el desamor, el desencuentro y la violencia. Pamela ama a Áyax, quien va detrás de un amor imposible mediante sórdidos asesinatos; los secuaces de Áyax traicionan y son traicionados. Una cíclope cumbianchera, el fantasma del tío gay y el coro oscilan entre estar dentro y fuera de la trama y de la muerte. En este universo protomitológico, lo delirante está hermanado con lo telúrico y el clasicismo cruzado por lo suburbano; todo esto nos acerca a pensar las complejas relaciones humanas contemporáneas.

El elenco está integrado por Marcos Ferrante, Santiago Gobernori, Julián Larquier Tellarini, Rosalba Menna, Iride Mockert, Camila Peralta y Lalo Rotavería.

* Pequeña Pamela, con guion y dirección de Mariana Chaud, se presenta de jueves a domingos a las 20 en el Teatro Sarmiento, Av. Sarmiento 2715, C. A. B. A.

Vassa

Este clásico ruso se viene presentando a sala llena en el Teatro Regio, la sala del Complejo Teatral de Buenos Aires ubicada en el barrio de Chacarita. Gorki concibió Vassa Zheleznova en 1910, y consumada la Revolución rusa, la reescribió por completo. Lo único que mantuvo de la original es el carácter avasallante de Vassa, una mujer que crio una caterva de inútiles a los que pretende controlar y proteger. En esta versión, dirigida por Felicitas Kamien, no hay Rusia ni revolución. Hay crisis financiera, inflación y estallido social. Hay una casa y una empresa de las que casi no queda nada, con el padre fundador al borde de la muerte. Y los cambios que Vassa frenó como un dique parecen imposibles de detener. Con la actuación protagónica de Humberto Tortonese, forman parte del elenco Horacio Marassi, Anabella Bacigalupo, Javier Pedersoli, Mariano Sayavedra, Andrea Nussembaum, Darío Levy, Viviana Vázquez, Rita González y Diego Báez.

* Vassa se presenta de jueves a domingos a las 20 en el Teatro Regio, Av. Córdoba 6056, C. A. B. A.

Se trata de uno de los grandes estrenos de este año del Teatro Nacional Cervantes. El autor y director es Matías Feldman, quien investiga desde el teatro los problemas de la representación, las formas de construir ficción, los distintos modos de actuar y también los límites entre ficción y realidad. Desde 2013 en adelante desarrolla el Proyecto Pruebas, un espacio que funciona a modo de laboratorio estético y creativo para reflexionar en torno a la percepción, los modelos de representación, los procedimientos y el lenguaje. Como resultado de esas investigaciones surgieron seis espectáculos: El espectador (Prueba 1), La desintegración (Prueba 2), Las convenciones (Prueba 3), El tiempo (Prueba 4), El ritmo (Prueba 5) y El hipervínculo (Prueba 7). Ahora, se realizan las funciones de su último experimento, que es La traducción (Prueba 8).

En una primera capa de lectura, La traducción trata exactamente de eso: ¿Traducir es traición? ¿Qué ocurre cuando intentamos traducir gestos, acciones o estados? Para experimentar con estos conceptos, Feldman utiliza un procedimiento recurrente: repite acciones y escenas, tanto en español como en alemán. Pero los cambios no son solo de un idioma a otro, sino que también hay giros interpretativos dentro de la misma lengua, cambios entre significante y significado, la modificación de sentido que provoca indagar en las etimologías de las palabras. El humor atraviesa todo el espectáculo tanto en el tono de actuación, los discursos que se plantean (que incluyen debates sobre el amor o el secuestro de un político de derecha) y la exageración y la repetición, como una forma de tirar de la cuerda en la representación hasta llegar a una carcajada.

El relato se ubica en la década del 60 en la Alemania occidental. Las hermanas Meier son las herederas de una familia perteneciente a la burguesía industrial. Interpeladas por los movimientos latinoamericanos, deciden crear un grupo revolucionario y pasan a la clandestinidad.

La obra dura casi tres horas, y quienes sostienen este espectáculo potente son los artistas y su impecable trabajo en escena. Maitina De Marco, Valeria Correa, Juan Isola, Vanesa Maja, Juliana Muras, Laura Paredes, Paula Pichersky y Luciano Suardi trabajan con una actuación explotada y lúdica. Hay notables juegos con los tonos de voz y la corporalidad, además del entrenamiento en el alemán. El diseño de vestuario (Mariana Seropian) y de escenografía (Rodrigo González Garillo) es de una belleza y un despliegue notable. Además, la puesta incluye el uso de cámaras en vivo y juegos icónicos con algunos espacios, como unas cabinas de traducción que son poderosos incentivos a la imaginación.

* La traducción se presenta de jueves a domingos a las 20 en el Teatro Nacional Cervantes, Libertad 815, C. A. B. A.

Medea meditativa

A partir de un texto del escritor francés Pascal Quignard, el director Emilio García Wehbi indaga en las relaciones entre la tragedia griega y el teatro contemporáneo a través de una reactivación escénica del mito de Medea. En escena, aparecen las actuaciones de Maricel Álvarez, en el rol de una Medea contemporánea, el propio Emilio García Wehbi y el actor y escritor Walter Jakob. Con interpelaciones a público, el espectáculo contiene un pasaje por la historia del mito, un recorrido por los orígenes del teatro griego y una pregunta actual para tratar de entender por qué nos convoca en este presente las formas de entender la vida en la Antigüedad clásica. La puesta de Medea es un ejemplo de un teatro posmoderno y vivo, que recupera la fuerza del encuentro y la necesidad de cuestionar al público con preguntas vitales sobre la existencia, el destino y los mandatos.

Sostiene el investigador y escritor Andrés Gallina: “El mito de la mujer-madre que al mismo tiempo protege y envenena es el punto de tracción del ensayo de Quignard para imaginar también las fronteras entre el mundo del adentro –ese que remite a una danza amniótica, una primera existencia muda en el vientre materno– y el mundo del afuera –abierto a la falta, al desmayo, a la intemperie y, siempre, a la muerte–”.

* Medea meditativa se presenta de jueves a domingo a las 18 en el Teatro Nacional Cervantes, Libertad 815, C. A. B. A.

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