La belleza del día: “Penobscot”, de Alex Katz

Después de dos años de encierro mundial, cualquiera que se cruce con una imagen que muestra una playa y el mar es imposible que no se emocione. Aunque los trazos sean sencillos y la firma se confunda, sutilmente, con las gaviotas, la sensación es de frescura, de libertad, de vacación.

Y en gran parte de la obra de Alex Katz sucede lo mismo, inclusive en algunas de sus pinturas más oscuras, todas remiten a un sentimiento calmo y festivo, relajado. En Penobscot, un óleo de 229 × 305 × 4 mm perteneciente a la galería Tate de Londres, Katz despliega su arte en forma de alegría bañada por el sol, el mar y la playa. Esta obra forma parte de una serie de pinturas de finales de los años 90, en las que explora la brillante luz del verano en la costa de Penobscot, Maine.

Katz pintó estas escenas de playa au plein air tanto al amanecer como al atardecer. Aunque reside en Nueva York, lleva pintando el paisaje estadounidense desde la década de 1950, a menudo inspirado por los veranos que pasa en Maine. Alex Katz es conocido por sus grandes cuadros, cuya simplicidad y colores saturados se consideran ahora precursores del arte pop. Los pequeños óleos como este son bocetos del natural y a menudo están pensados para convertirse en obras más grandes, pero su ejecución económica y sus pinceladas visibles revelan un lado íntimo de su práctica. Dijo alguna vez: “Un boceto es muy directo. Es trabajar empíricamente dentro de una idea”.

En estudios que se han hecho sobre su arte, se describe el proceso de múltiples etapas de Katz que consiste en realizar primero dibujos al carbón, pequeños estudios al óleo y grandes cartones para colocar la imagen en el lienzo y la pintura final del cuadro.

Dedicó un tiempo de su vasta carrera, durante 1965, al grabado. Katz realizó muchas ediciones en litografía, aguafuerte, serigrafía, xilografía y corte de linóleo, produciendo más de 400 ediciones de grabados. La Albertina de Viena y el Museo de Bellas Artes de Boston poseen colecciones completas de la obra gráfica de Katz.

Los cuadros de Katz se dividen casi por igual entre el retrato y el paisaje. Desde la década de 1960 ha pintado vistas de Nueva York (especialmente de su entorno inmediato en el Soho) y paisajes de Maine, donde pasa varios meses al año, así como retratos de miembros de su familia, artistas, escritores y protagonistas de la sociedad neoyorquina. Sus cuadros se definen por su planitud de colores y formas, su economía de líneas y su frío pero seductor distanciamiento emocional. Ha reconocido como fuente de inspiración las xilografías del artista japonés Kitagawa Utamaro.

A principios de la década de 1960, influenciado por el cine, la televisión y la publicidad en vallas publicitarias, Katz comenzó a pintar cuadros a gran escala, a menudo con rostros dramáticamente recortados. Para realizar una de sus obras de gran tamaño, Katz pinta un pequeño boceto al óleo de un sujeto en una tabla de masonita; la sesión puede durar una hora y media. A continuación, hace un pequeño y detallado dibujo a lápiz o carbón, y los modelos vuelven, quizás, para que él haga correcciones. A continuación, Katz amplía el dibujo hasta convertirlo en una caricatura, algunas veces con un retroproyector, y lo transfiere a un enorme lienzo mediante el pouncing, una técnica utilizada por los artistas del Renacimiento que consiste en introducir pigmento en polvo a través de pequeñas perforaciones en la caricatura para recrear la composición en la superficie que se va a pintar. Katz mezcla previamente todos los colores y prepara los pinceles. A continuación, se lanza a pintar el lienzo de 3,7 metros de ancho por 2,1 metros de alto, o incluso más, en una sesión de seis o siete horas.

A finales de la década de 1950, Katz desarrolló una técnica de pintura sobre paneles cortados, primero de madera y luego de aluminio, que denominó recortes. Estas obras ocupaban el espacio como las esculturas, pero su corporeidad se comprimía en planos, como en el caso de las pinturas. En las obras posteriores, los recortes se fijan a amplios soportes de aluminio en forma de U, con una presencia parpadeante y cinematográfica realzada por cálidos focos. La mayoría son primeros planos, que muestran vistas de frente y de espaldas de la cabeza de la misma figura o figuras que se miran desde bordes opuestos del soporte.

A partir de 1964, Katz retrató cada vez más grupos de figuras. Seguiría pintando estos complejos grupos hasta la década de 1970, retratando el mundo social de pintores, poetas, críticos y otros colegas que le rodeaban. Comenzó a diseñar decorados y trajes para el coreógrafo Paul Taylor a principios de la década de 1960, y ha pintado muchas imágenes de bailarines a lo largo de los años.

Después de la exposición en el Whitney en 1974, Katz se centró en los paisajes, y sobre eso declaró: “Quería hacer un paisaje ambiental, en el que estuvieras DENTRO”. A finales de la década de 1980 y en la de 1990, Katz centró gran parte de su atención en pinturas de paisajes de gran tamaño, que él caracteriza como “ambientales”. En lugar de observar una escena desde lejos, el espectador se siente envuelto por la naturaleza cercana. Katz comenzó cada uno de estos lienzos con “una idea del paisaje, una concepción”, tratando de encontrar después la imagen en la naturaleza. En sus pinturas de paisajes, Katz aflojó los bordes de las formas, ejecutando las obras con mayor pincelada que antes en estos lienzos de gran formato. En 1986, Katz comenzó a pintar una serie de cuadros nocturnos, que se alejaban de los paisajes iluminados por el sol que había pintado anteriormente, lo que le obligó a explorar un nuevo tipo de luz. Las variaciones sobre el tema de la luz que cae a través de las ramas aparecen en la obra de Katz a lo largo de la década de 1990 y hasta el siglo XXI. A principios del nuevo milenio, Katz también empezó a pintar flores en profusión, cubriendo los lienzos con flores similares a las que había explorado por primera vez a finales de la década de 1960, cuando pintaba grandes primeros planos de flores en solitario o en pequeños racimos.

Alex Katz nació en Brooklyn, Nueva York, en 1927. En 1928, al comienzo de la Gran depresión, su familia se trasladó a St. Albans, un suburbio diverso de Queens que había surgido entre las dos guerras mundiales. Katz fue criado por sus padres, emigrantes rusos, ambos interesados en la poesía y las artes, ya que su madre había sido actriz en el teatro yiddish. Katz asistió a la Woodrow Wilson High School por su programa único que le permitía dedicar las mañanas a los estudios y las tardes a las artes. En 1946, Katz ingresó en la Cooper Union Art School de Manhattan. Allí trabó amistad con Frank O’Hara y John Ashbery, los poetas de la Escuela de Nueva York.

En Cooper Union, Katz estudió pintura con Morris Kantor y se formó en las teorías y técnicas del arte moderno. Al graduarse, en 1949, obtuvo una beca para estudiar durante el verano en la Skowhegan School for Painting and Sculpture de Maine, beca que renovaría al verano siguiente. Durante sus años en Cooper Union, Katz estuvo expuesto principalmente al arte moderno y se le había enseñado a pintar a partir de dibujos. Skowhegan, sin embargo, lo animó a pintar del natural, lo que resultaría fundamental en su desarrollo como pintor y sigue siendo un elemento básico de sus prácticas en la actualidad. Katz explica que la pintura plein air de Skowhegan le dio una razón para dedicar su vida a la pintura.

La primera exposición individual de Katz tuvo lugar en la Galería Roko en 1954. Ya había empezado a desarrollar un círculo de conocidos dentro de la segunda generación de pintores de la Escuela de Nueva York y sus aliados en las demás artes. Entre sus amigos se encontraban los pintores figurativos Jane Freilicher, Fairfield Porter y Larry Rivers, el fotógrafo Rudolph Burckhardt y los poetas John Ashbery, Edwin Denby, Kenneth Koch, Frank O’Hara y James Schuyler. De 1955 a 1959, Katz realizó pequeños collages de figuras en paisajes a partir de tiras de papel delicadamente recortadas y coloreadas a mano. A finales de la década de 1950, tomó la decisión de intentar un mayor realismo en sus cuadros. Se interesó cada vez más por el retrato y pintó a sus amigos y, en particular, a su mujer y musa, Ada. Katz comenzó a utilizar fondos monocromos, que se convertirían en una característica definitoria de su estilo, anticipando el arte pop y separándolo de los pintores de figuras gestuales y del Nuevo Realismo Perceptivo.

A partir de 2010, Katz volvió a enmarcar su tema, empleando un recorte más drástico de los retratos individuales. También comenzó a componer múltiples retratos utilizando imágenes muy recortadas del mismo sujeto, secuenciadas en el lienzo. En los últimos años, Katz ha comenzado con frecuencia su proceso tomando fotografías con su iPhone, que luego imprime, recorta y compagina en composiciones. A partir de estas maquetas, puede hacer estudios pintados o pasar directamente a hacer una caricatura a gran escala, a partir de la cual pinta un óleo sobre lino. Durante una prolongada estancia en Pensilvania desde finales del invierno hasta principios del verano de 2020, Katz realizó más de 50 pinturas, principalmente de flores y paisajes que vio a su alrededor.

Katz tiene 94 años y pinta todos los días.

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