Juanes muestra su faceta más aventurera y liberada en ‘JuanEsteban’ su nuevo LP: “Yo podría, literal, vivir en un estudio”

La carrera de Juanes es particular porque congrega tanto como polariza. Aún siendo un ídolo de masas en toda Hispanoamérica y siendo el abanderado de la música cantada en castellano con su recordado eslogan “Se Habla Español” en los años 2000, los amantes más recalcitrantes del rock nunca le perdonaron su viraje hacia un estilo más pop y no faltaron las voces que lo tacharon de repetitivo en determinado punto de su carrera.

Para bien o para mal, los coqueteos con el reguetón de Más Futuro Que Pasado (2019) parecieron haber llevado a un punto de quiebre la idea de hasta dónde podía incorporar estilos nuevos a su repertorio. Sus dos trabajos posteriores, el álbum de versiones Origen (2021) y Vida Cotidiana (2023) lo vieron volver a las guitarras y a una forma de trabajo más orgánica.

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Ese viraje sentó las bases de su más reciente larga duración, JuanEsteban (2026), donde sumó un nivel de ambición y cuidado al detalle que quizás se venía echando en falta en esfuerzos anteriores, hasta el punto que por sugerencia de su mánager colaboró con el arte gráfico tanto de la portada como de cada una de las canciones del disco.

Coproducido por el cantautor paisa y Nico Cotton —reconocido por su trabajo con Cazzu, Nicki Nicole, Elsa y Elmar y WOS—, esta placa fue capaz de poner en común las guitarras, los ritmos latinoamericanos, la experiencia y la búsqueda por brindar algo más a su público.

En El Gran Día, Una Noche Contigo y La Carta se escuchan arreglos de viento y cuerdas, aportando un tinte sobrio al LP. Por su parte, Hagamos Que y Un Nuevo Amanecer exhiben desde perspectivas diferentes una influencia de los Beatles con acordes abiertos e interpretaciones siempre orientadas a la melodía. Incluso en la más eléctrica Cuando Estamos Tú y Yo aprovecha cada aspecto posible de la interpretación para mostrar ganchos pop irresistibles.

Las fusiones dejan ver el lado folclórico que también marcó la carrera de Juanes, desde un acercamiento ligeramente distinto a lo habitual en él, producto de las colaboraciones elegidas para la ocasión.

Muérdeme con Bomba Estéreo y Vuelve con Mon Laferte son cumbias, mientras que en Timelapse de Sol con Rawayana mezcla reggae, cumbia y hasta los rasgueos deudores de la guasca por parte de la guitarra de Juanes. En un espectro opuesto, Humano con la mexicana Vivir Quintana explora ritmos andinos, particularmente ligados al bambuco.

El volumen de las guitarras sube con Nada Que Perder y Gato, pero es en Cómo Pudiste junto a Conociendo Rusia donde se aprecia hasta qué punto estuvo dispuesto Juanes a desafiarse en lo creativo, entre atmósferas poco habituales en la carrera del colombiano. Por otra parte, canciones como Quiero, El Que Te Perdió y la acústica Madre podrían considerarse como lo más cercano al sonido de su periodo clásico.

En lo lírico, JuanEsteban puede considerarse un álbum más optimista que Vida Cotidiana, aunque temas como la pérdida y la duda no son ajenos. Tal y como relató el propio a Juanes a los medios de comunicación durante su evento de lanzamiento, Cómo Pudiste se inspiró en la muerte de su perro Parce, Madre fue escrita cuando su mamá estaba agonizando y con la intención de darle un giro menos de luto y más de agradecimiento hacia ella, Un Nuevo Amanecer aborda la depresión, y La Carta aborda un momento de distanciamiento que atravesó Juanes con su esposa, Karen Martínez.

Con motivo del lanzamiento de esta producción Infobae Colombia dialogó con Juanes sobre la magia del estudio de grabación, el dilema del perfeccionismo en el artista, su faceta como dibujante, de La Pestilencia, y de una de las mejores colaboraciones de esta placa que ya está disponible en plataformas digitales.

Infobae Colombia: Usted se encargó de todo el arte gráfico en JuanEsteban. ¿Esta es la primera vez que se involucra tanto en ese apartado? ¿O siempre ha estado presente en esa parte del proceso?

Juanes: Yo creo que es la primera vez que me involucro tanto, en el sentido que los dibujos son míos y que me he tomado tiempo haciéndolos, pero más que todo porque llegó de una manera natural. Yo estudié diseño industrial en la Universidad Pontificia Bolivariana y siempre he estado cerquita del arte, y valoro mucho que mi mujer pasa con eso.

Y en uno de estos viajes, pensando en mis dibujos, Rafa Restrepo, el mánager, vio lo que estaba haciendo, le gustó y me preguntó si lo hacíamos para el álbum. Yo dije: “De una, hágale, si les gusta, perfecto”. No tenía ninguna intención, porque yo lo hacía de una manera como más... como que me desconecto demasiado cuando dibujo. No pienso en nada.

Hay algo muy loco que me pasa cuando dibujo, y es que me da un punto de paz. Y bueno, ahí están los dibujos de cada una de las canciones. Me senté con Sebastián Londoño y Camilo Londoño, que son dos amigos de Medellín, también diseñadores, con quienes he trabajado mucho en la parte gráfica de mis discos. Y ahí armamos, pues, todo el concepto.

Recuerdo que alguna vez un artista decía que el estudio de grabación era como un útero ¿Cómo describe usted el estudio de grabación?

Me encanta eso. No sé quién lo dijo, pero me encanta el concepto, porque sí, es un momento mágico. A veces vos llegás al estudio y hay veces tenés alguna idea y hay veces no tenés nada. Y cuatro o cinco horas más tarde tenés una canción.

Yo siempre lo comento porque es como magia, es como uno de un momento, de la nada, aparece una canción y es la sumatoria de muchos elementos: cómo te sentís hoy, a qué ritmo, digamos, sentís que la canción debe ir hoy de acuerdo a tu ánimo, qué instrumentos vas a usar. Y es como un laboratorio de cosas, de pruebas. Yo podría, literal, vivir en un estudio. O sea, creo que es de las cosas que yo más disfruto, es estar en un estudio día y noche, me encanta.

Hay algo ahí que me atrae de la parte más manual de la grabación. Obviamente me gusta la tecnología, pero me gusta mucho del mundo y la ingeniería del micrófono, del amplificador, de la guitarra, de la ecualización, del pedal, de todo este mundo de cosas que pasan ahí y de la energía que se genera cuando estás trabajando con otras personas. Y también siento que de alguna manera es, no doloroso, pero es como una tortura un poco, porque estás como en angustia de: “Ok, tengo que terminar de hacer esta canción, tengo que hacer otro verso, el coro, no tengo nada”, pero te lanzás a improvisar y esa improvisación termina siendo parte de la canción.

Uno improvisa primero y después algo que improvisaste, cogés como una celulita de esa parte que te gustó y empezás a desarrollarla con conciencia ya más armónica y más de cómo te imaginás que la canción se va armando.

Y en todo ese proceso, para los artistas siempre está esa cuestión de hasta qué punto llevar todo el proceso, de cómo no volverse loco con los arreglos. ¿Cómo abordó esa situación a lo largo de su carrera? ¿Cómo lo afrontó en Juanesteban? ¿Supo cuándo entrar y cuándo salir del estudio?

[risas] Sí, yo creo que eso es lo que más me atormenta. O sea, a veces yo me vuelvo loco, hermano. Yo no puedo trabajar solo en un álbum, literal. No puedo, porque me pasa eso que vos decís. Empiezo a escuchar cosas que no están ahí, empiezo a querer cambiar cosas que no debo cambiar.

Desde el principio, cuando trabajaba con Gustavo Santaolalla, recuerdo que me decía, literal: “Andate a tu casa tranquilo, o sea, andate a tomar un café”, [risas] porque yo quería mover todo pa’ un lado, pa’l otro, quería cambiar esto y lo otro, tenía dudas constantes. Hay un momento en donde uno tiene que dejar y soltar las cosas y ya, y que la gente vuelva las canciones propias.

En este caso trabajé con Nicolás Cotton y fue muy importante para mí poder como contar con esos segundos oídos y conceptos, digamos, desde afuera, de en qué momento todo estaba bien, y confiar también. Aquí se trata mucho de confiar. Cuando trabajas con otra persona es de: “Yo confío en tu criterio. Va”. “¿Te parece que está bien? Vamos”. Es como un tema de confianza mutua.

Una de las canciones que más destacó en JuanEsteban fue Cómo Pudiste con la colaboración de Mateo Sujatovich de Conociendo Rusia. ¿Qué le aportó Mateo a esta canción en particular? ¿Qué sucedió ahí?

Cuando estábamos hablando de la canción, él me mandó un audio y me cantó la parte de él. Entonces él me dice: “¿Qué te parece si yo hago la respuesta del otro lado de la historia?. O sea, yo cuento lo que yo siento cuando llego a la casa”.

Yo le conté la historia del perro mío que había fallecido y de dónde venía, pero obviamente esto se va más universal. Y yo creo que ese, ese contexto de él, de la otra mirada, del otro punto de vista, fue como una gran luz para mí, porque yo no lo había visto de esa manera.

Y después, su voz... yo escucho su voz y es como que escucho el rock argentino en la canción. Es como esa nueva ola de ese sonido argentino, como más moderno, que es invaluable para mí. Me encanta lo que él aportó ahí.

En la rueda de prensa contó que usted pasó una temporada con La Pestilencia apenas llegó a Los Ángeles. Ahora que anunciaron su retiro, ¿Cómo fue su primer contacto con ellos?

Yo recuerdo esta mañana, justamente porque estaba viendo los videos de Dilson, estaba recordando la primera vez que yo fui a Pereira. Es más, Héctor Buitrago de Aterciopelados todavía era el bajista.

Y yo estaba en Ekhymosis recién comenzando. Nosotros tocábamos obviamente mucho antes que ellos, pero ellos eran... bueno, siguen siendo, unos superhéroes del punk pesado. Después tuve la oportunidad de conocer a Dilson, que es un amor de persona, un líder natural, y a Marcelo [Gómez], el batero. Con ellos conviví en Los Ángeles, hace 25 años, la verdad. Son gente increíble.

Celebro mucho la existencia de La Pestilencia y sus razones tendrán. No es para nada fácil tener una banda por tanto tiempo y dedicarse a eso. Entonces, quién sabe qué habrá, qué será el momento que tienen que vivir, pero pues lo tienen que vivir. Pero celebro mucho lo que ha dejado con una gran historia musical.