‘Kill Bill’, un clásico moderno que vuelve a cines: cómo Quentin Tarantino cambió para siempre la cultura pop

Después de ganar la Palma de Oro del Festival de Cannes con Pulp Fiction y de componer su particular homenaje a la ‘blaxplotation’ con Jackie Brown, Quentin Tarantino inauguró el nuevo milenio con una película dispuesta a dinamitar los cánones del cine de acción.

Una bilogía estrenada entre 2003 y 2004 que supuso uno de los cúlmenes de su carrera por su originalidad, por su capacidad por jugar con los géneros y espíritu pop, sangriento y chispeante que pasó a integrarse de forma inmediata dentro de la cultura popular.

Ahora, Kill Bill se estrena de forma unificada en lo que se ha hecho llamar Kill Bill: The Whole Bloody Affaire, una experiencia de 275 minutos en la que se exponen las dos partes de la manera en la que el creador las había configurado, como una parte integral sin cortes, lo que la eleva, sin duda, como una auténtica epopeya contemporánea.

Cuáles fueron los grandes aciertos de ‘Kill Bill’

Sin duda, uno de los grandes aciertos de Kill Bill continúa siendo la icónica interpretación de Uma Thurman como Beatrix Kiddo (La Novia). La actriz imprimió en su personaje una determinación absoluta y transitó de forma convincente entre la frialdad asesina y la vulnerabilidad interna. Especialmente en el segundo volumen, los flashbacks ahondaban en las motivaciones de Beatrix, permitiendo que la audiencia accediera a capas emocionales inéditas gracias tanto al guion como al trabajo de Thurman.

Visualmente, la película destacó, incluso entre la ya reconocida estética de Tarantino. La diversidad geográfica de los escenarios, el tratamiento cromático y la edición elaborada contribuyeron a que cada secuencia ofrezciera un atractivo visual particular. Escenas como el enfrentamiento en la Casa de las Hojas Azules (el clímax de la primera entrega) se han consolidado como referentes del cine de acción, por su coreografía y brutalidad controlada.

La combinación de géneros es otro factor clave. Kill Bill amalgama el cine de artes marciales, el spaghetti western y la narrativa contemporánea. Así, mientras el primer volumen privilegia los duelos de katanas y el humor negro, el segundo opta por la introspección, los duelos dialécticos y una atmósfera de western moderno. Esta dualidad, apoyada también en la evolución de los decorados y el homenaje explícito a referentes como Lady Snowblood, refuerza la riqueza estilística de la obra.

Junto a la protagonista, David Carradine encarnó al antagonista, Bill, quien apenas se deja ver en la primera parte, pero gana relevancia y matices en la segunda. Los extensos diálogos entre ambos, en el desenlace, sustituyeron la acción física por una tensión emocional palpable y supusieron uno de los clímax más recordados del director.

Musicalmente, la banda sonora de Kill Bill (que incluyó composiciones de Ennio Morricone, Nancy Sinatra, Isaac Hayes, Bernard Herrmann o Johnny Cash) aportó un rango de géneros tan variado como la propia historia, y ajustaba cada pieza musical al ritmo narrativo y las emociones de cada escena.

La estructura de la película, que avanzaba de forma no lineal y utilizaba el flashback para expandir la historia de la protagonista, permitió que el espectador reconstruyera tanto el pasado como las motivaciones de los personajes. Este recurso multiplicaba el impacto de determinadas escenas: así, buena parte del primer volumen es, en sí mismo, una rememoración de los hechos, mientras que en el segundo los recuerdos completan la formación de la protagonista y su relación con el antagonista.

En qué sobresalió en Volumen 1

Kill Bill: Volumen 1 sobresalía por su efecto catártico y su articulación del deseo de revancha. La escena inicial presentaba a una novia embarazada, que sobrevivía a un ataque brutal de la Deadly Viper Assassination Squad, formada por personajes femeninos como O-Ren Ishii (Lucy Liu), Elle Driver (Daryl Hannah), Vernita Green (Vivica A. Fox) y Budd (Michael Madsen), bajo las órdenes de Bill. Tras cuatro años en coma, la protagonista despertaba en el hospital y descubría la pérdida de su bebé, comenzando así una implacable campaña de represalias.

Este retrato de la venganza, tenía una dimensión de cumplimiento del deseo: la protagonista era un personaje femenino central, invulnerable a las limitaciones habituales impuestas por la narrativa o el contexto social. Tanto los enemigos masculinos como los femeninos la subestimaban y recibían una respuesta implacable y, a menudo, exagerada en clave de cómic.

Elementos como el traje amarillo, la katana o las secuencias imposibles (tales como montar una moto por Tokio o pasar una katana por el control de seguridad del aeropuerto sin que nadie intervenga) subrayaban el tono de fábula extrema y el carácter lúdico de la violencia.

La película integraba numerosas referencias al cine asiático y occidental, en particular homenajes al propio Bruce Lee y a filmes de samuráis. Los personajes femeninos de Kill Bill superaban la visión objetual habitual, ya que eran guerreras, jefas y guardianas con tanta o más eficacia que los personajes masculinos y, cuando eran infravaloradas u objetivadas, la respuesta narrativa resultaba directamente satisfactoria.

Las secuencias de acción, la banda sonora y la estructura visual han convertido Kill Bill en un fenómeno cultural con una impronta visual tan inolvidable como su fórmula narrativa, en la que integró toda una serie de elementos inéditos, como las películas de kung-fú, los westerns de Sergio Leone, la cultura y la iconografía japonesas, la estructura de los cómics o una banda sonora que agrupaba todos los estilos posibles.

Un cóctel de homenajes explícitos

Así, más de veinte años después de su estreno, Kill Bill conserva plenamente su capacidad de asombro y homenaje, consolidándose como el mayor experimento formal en la filmografía de Tarantino, una pieza que desborda referentes y ‘revisita’ géneros con una mirada lúdica y ‘autorreferencial’.

Kill Bill construyó una poética visual y narrativa en base a la apropiación y el homenaje explícito a múltiples tradiciones cinematográficas. Destaca el tributo inicial a los célebres hermanos Shaw del cine de kung-fu, cuyo logotipo y fanfarria abren la película, y la música Funky Fanfare de Keith Mansfield acompaña a una cabecera de reminiscencias ‘grindhouse’. La elección de pistas musicales acompañaba otros momentos clave, como el uso de Bang Bang de Nancy Sinatra en los títulos iniciales, y las colaboraciones de RZA, quien seleccionó temas tan dispares como The Lonely Shepherd de Zamfir tras escucharlo en un restaurante tailandés.

El universo de Kill Bill se caracterizó visualmente por una hipercoloración exacerbada, con elementos que subrayan el carácter hiperbólico de la propuesta: los verdes saturados del césped de Vernita, los amarillos brillantes del atuendo de La Novia (inspirado en el mono de Bruce Lee en Juego con la muerte) y el “Pussy Wagon”, un Chevrolet distintivo que acabaría en manos del propio Tarantino, se han convertido en iconos recurrentes para el público.

La película integraba secuencias que alternaban la acción real con la animación. El tercer capítulo de Vol. 1, El origen de O-Ren Ishii, narraba en anime la infancia de la antagonista, una secuencia originalmente planeada como mucho más extensa (hasta treinta minutos) y desarrollada por el estudio japonés Production I.G.

La selección minuciosa de actores reforzaba la mirada de Tarantino hacia figuras homenajeadas de la cultura popular, como Sonny Chiba (leyenda del cine de acción japonés) en el papel del forjador de katanas Hattori Hanzo, y la participación de Michael Parks como el ranger tejano Earl McGraw, ampliando su presencia recurrente en la filmografía del director.

Las coreografías corrieron a cargo de Yuen Woo-ping, figura esencial del cine de artes marciales de Hong Kong y responsable de la estilización acrobática de secuencias como la batalla de la Crazy 88, donde la destreza y la violencia se sublimaban en una danza de sangre coreografiada, reforzada por el trabajo de la especialista Zoë Bell como doble de Uma Thurman.

A lo largo del metraje, la película introducía numerosos elementos de culto y potenciales lecturas, entre los que destacaba la ‘contabilización’ explícita de los globos oculares arrancados: tres en total, siendo célebre la pelea entre Beatrix Kiddo y Elle Driver, donde la violencia se elevaba a cotas de ‘cartoon’ físico con la mutilación ocular como rúbrica. Este recurso gráfico ha pasado a formar parte de la iconografía Kill Bill, así como la referencia al archiconocido “Five Point Palm Exploding Heart Technique”, una maniobra mortal heredera del cine de los Shaw Brothers.

El uso del montaje y la cámara es otra constante destacada: el largo plano secuencia en la “Casa de las Hojas Azules” exploraba el decorado como si de una casa de muñecas se tratase, mientras la alternancia entre planos cenitales y ‘travelings’ enfatizaba la coreografía espacial de personajes y acción.

El ritmo impreso por la variedad de géneros y recursos narrativos permitía que la película transitara del espectáculo a la introspección. El segmento de la entrega de la katana de Hattori Hanzo tienía un carácter ritual y espiritual, mientras que el desenlace en México introducía un clima íntimo y doméstico a pesar de la inminencia del clímax de venganza entre Beatrix y Bill. Destaca el empleo de monólogos (como la reflexión sobre superhéroes de Bill) y el cambio de tono al reunir a la protagonista con su hija, un giro emotivo que investigaba el daño emocional tras la violencia.

En sus últimas secuencias, Tarantino se alejó de la acción espectacular y optó por una resolución sosegada pero catártica: tras ejecutar la técnica letal enseñada por Pai Mei (otro histórico cameo, el de Gordon Liu), Beatrix lograba su venganza y se reencontraba con su libertad, en una imagen final que representaba la culminación de su “feliz desenlace” tras un camino de sangre y redención.