Marina Abramovic, Prince y Jafa, entre las estrellas del arte mundial que brillan en la Bienal de Venecia

Marina Abramovic era una adolescente cuando vio Venecia por primera vez. Tras un largo viaje en tren desde Belgrado —entonces la capital de Yugoslavia— con su madre, quedó tan cautivada por la ciudad que rompió en llanto.

Era “tan diferente del comunismo y la grisura del lugar de donde venía”, dijo Abramovic en una entrevista telefónica. La artista serbia-estadounidense de performance recordó la visión de “cuento de hadas” del Gran Canal, los edificios sumergidos en el agua, las góndolas y “todo el sabor y la exuberancia de Italia”.

Venecia ha correspondido ese afecto. En 1997, Abramovic se convirtió en la primera mujer en ganar el León de Oro a la mejor artista, el mayor galardón de la Bienal de Arte de Venecia. Este año, Abramovic (que cumplirá 80 años en noviembre) es la primera artista femenina viva en tener una exposición individual en la Gallerie dell’Accademia. Algunas de sus obras se exhibirán junto a las colecciones permanentes de arte renacentista del museo.

Abramovic es una de varias figuras internacionales (y, a menudo, estadounidenses) del arte con exposiciones paralelas a la Bienal de Arte de Venecia (de sábado al 22 de noviembre).

La artista dijo sentirse “humilde” por exponer junto a obras maestras que descubrió por primera vez como estudiante, en reproducciones y libros de texto, y por “estar allí con esas obras, sola”, durante el montaje.

La muestra incluye recreaciones, proyecciones e imágenes de sus performances pasadas, así como una serie de elementos interactivos: camas de piedra y estructuras con incrustaciones de cristal, donde los asistentes pueden acostarse, sentarse o pararse.

También se invita a interactuar con “Imponderabilia”, cruzando un pasadizo estrecho entre un hombre y una mujer desnudos, ubicados a cada lado.

Al preguntarle si los venecianos podrían incomodarse ante la desnudez en el museo, Abramovic explicó que originalmente presentó la obra en Bolonia, Italia, en 1977 —junto a su pareja de entonces, Frank Uwe Laysiepen, o Ulay— y el público “se sintió muy cómodo”.

Ulay también participó en la performance de 1983 “Pietà (con Ulay)”, donde posó como el Cristo muerto en los brazos de Abramovic. La imagen de esa actuación se exhibe actualmente en la Accademia, junto a la pintura al óleo, grande e inconclusa, “Pietà” (c. 1575-76) de Tiziano, una yuxtaposición que Abramovic describió como “increíblemente aterradora”. (También mencionó que su “Pietà” de 1983 anticipó la muerte de Ulay en 2020).

Además de Abramovic, otros artistas estadounidenses —como la pintora y artista multimedia Lorna Simpson, el videoartista y cineasta Arthur Jafa, y el artista conceptual y pop Richard Prince— también presentan muestras en elegantes espacios del Gran Canal. La galería londinense de los años 30 de la coleccionista y galerista Peggy Guggenheim es el centro de una exposición independiente.

Por la noche, el espectáculo estará en el cielo. Hasta el 11 de mayo, coincidiendo con los días previos y la apertura de la Bienal, todos en Venecia podrán ver una obra del artista británico de luz Chris Levine (famoso por su retrato de 2008 de la Reina Isabel II con los ojos cerrados).

En esa obra, titulada “Higher Power”, un halo verde circular se proyectará en el cielo nocturno utilizando un sistema láser de grado militar adaptado. Según Levine, será visible desde el espacio.

“En estos días oscuros que atravesamos ahora”, dijo en una entrevista, “mi humilde contribución al panorama general es hacer luz”.

Lorna Simpson

A poca distancia de la Accademia se encuentra la muestra individual de Lorna Simpson en la Punta della Dogana, la antigua aduana de Venecia, hoy convertida en centro de arte contemporáneo por el coleccionista francés François Pinault.

Para Simpson, quien en 2025 tuvo una exposición elogiada en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Venecia es un territorio familiar. Su obra “Three Figures” (2014) formó parte de la exposición central de la Bienal de Venecia de 2015 (comisariada por Okwui Enwezor); es una pintura de gran formato en tinta y serigrafía que muestra a manifestantes por los derechos civiles siendo rociados con una manguera de agua. Marca además la transición de Simpson de la fotografía y el trabajo multimedia hacia la pintura, y se exhibe en la Dogana.

Simpson relató que la obra surgió cuando un coleccionista la alojó durante unas semanas en una casa y un garaje convertidos en estudio, y la dejó trabajar sola. Esto ocurrió en Sonoma, al norte de California, un lugar donde, si salías a la naturaleza, había “serpientes de cascabel por todas partes”, así que Simpson se mantuvo cerca y “procrastinó” durante la primera o segunda semana.

Una noche, hubo un terremoto que Simpson comparó con “un sacudón: se va la luz, la ciudad se paraliza, todos revisan las estructuras para asegurarse de que están bien”. Ese temblor, de alguna manera, la llevó a atreverse a experimentar.

“Parte de esa libertad para lanzarse así tenía que ver con la experiencia multilayer de estar lejos y comenzar una obra nueva”, explicó.

Simpson señaló que “Three Figures” era “muy relevante para el presente”, porque era “una especie de premonición de todo el retroceso contra la era Obama”, en referencia a la presidencia de Barack Obama.

Explicó que, en general, se sentía atraída por imágenes “con un cierto filo” y con una “inestabilidad en la realidad que se presenta”.

También se exponen en la Dogana (en colaboración con el Met) los panoramas árticos de Simpson —pinturas basadas en fotografías y archivos de expediciones históricas— y un grupo de pinturas de figuras femeninas monumentales.

De regreso hacia la Accademia está la Colección Peggy Guggenheim, un palacio inacabado del siglo XVIII en el Gran Canal donde la coleccionista y galerista estadounidense pasó las últimas tres décadas de su vida —porque, como decía, una vez que ves Venecia, “ya no queda nada en tu corazón para nadie más”.

En 1938, Guggenheim abrió una galería en una antigua casa de empeños de la calle Cork, en Londres, detrás de la Royal Academy of Arts. La galería, Guggenheim Jeune, funcionó durante 18 meses y es el tema de una exposición en Venecia.

“No fue solo una anécdota”, sino “realmente la parte central de todo lo que vendría después”, afirmó Pilar Ordovas, galerista de arte en Londres que organizó una exposición sobre Guggenheim Jeune en 2019.

De no haber estallado la Segunda Guerra Mundial, añadió, el museo de Peggy Guggenheim “habría acabado estando en Londres y no en Venecia”.

Las obras eran difíciles de vender, así que Guggenheim solía comprar una pintura o escultura de cada exposición como un favor al artista. Así nació su colección, explicó la curadora Grazina Subelyte. “No tenía miedo de arriesgarse, ni de la opinión de los demás”, y asumió como “deber ayudar a que estos artistas ganaran visibilidad”, agregó.

Guggenheim fue una de las primeras en introducir el arte abstracto y surrealista en Gran Bretaña, exponiendo al pintor Yves Tanguy y al escultor Jean Arp. También organizó la primera exposición individual en el país de Wassily Kandinsky: 38 pinturas que iban de paisajes tempranos a obras abstractas. Según Subelyte, Guggenheim y su hermana ofrecieron cuatro de las obras como regalo a la Tate Gallery; Tate rechazó tres por considerarlas demasiado vanguardistas, y solo aceptó una.

También organizó una muestra de dibujos y pinturas de niños —una de sus exposiciones más grandes, con unas 120 obras de su propio hijo e hija, del nieto de James Joyce y de un niño llamado Lucian Freud (nieto de Sigmund Freud), quien se convertiría en un destacado pintor británico.

Muchas de las obras exhibidas en Guggenheim Jeune se muestran ahora en Venecia, entre ellas “Head and Shell” (c. 1933) de Arp, la primera obra que Guggenheim coleccionó; “Dominant Curve” (1936) de Kandinsky; y “The Ribbon of Excess” (1932) de Tanguy, que formó parte de la exposición de la galería Ordovas en 2019.

Arthur Jafa y Richard Prince

En un palacio más adelante en el Gran Canal se presenta una exposición comisariada por Nancy Spector, exdirectora artística y jefa de curadores del Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York (fundado por el tío de Peggy). Titulada “Helter Skelter”, reúne a Arthur Jafa y Richard Prince.

Ambos artistas trabajan con imágenes extraídas de cómics, carteles, portadas de álbumes, películas, recuerdos de celebridades y videos. Son, como escribe Spector en el catálogo, “carroñeros de imágenes” que “hurgan en el desbordante reservorio de la cultura visual” y ofrecen “una exposición implacable de Estados Unidos”.

Aun así, parecen en principio una dupla improbable. Prince suele asociarse con la masculinidad blanca y representaciones de mujeres como enfermeras y chicas de póster. Jafa es conocido por sus representaciones crudas de la vida afroamericana.

Spector reconoció que ambos tienen trayectorias y personalidades distintas: “No creo que nadie confunda una obra de Richard Prince con una de Arthur Jafa”. Sin embargo, señaló que ambos son “pensadores muy matizados” cuyo arte destaca las complejas realidades de los Estados Unidos actuales.

Ambos “encuentran belleza en los marginados, en los ignorados, en el lado oculto de este país en el que vivimos, donde la desigualdad económica aumenta”, añadió.

La exposición señala paralelismos sorprendentes en sus trabajos. La instalación de acero y goma “Folk Songs” (2006) de Prince y “Big Wheel II” (2018) de Jafa, que remiten a la cultura automovilística estadounidense, ocupan la planta baja y el patio de la Fondazione Prada en Venecia.

En otros espacios, la cultura de las celebridades se examina en “Publicities” (iniciada en 1999) de Prince, una serie de retratos autografiados de famosos, y en las representaciones de Jafa de estrellas de la música, el deporte y las redes sociales.

Fuente: The New York Times

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