La Bienal de San Pablo celebra el arte y “la obstinada belleza del mundo”

¿Qué pasaría si pensamos en la humanidad no como un estado del ser, sino como algo que debemos practicar activamente—algo que tenemos que hacer? Esa es la pregunta que plantea la Bienal de San Pablo de este año, que estará abierta hasta el 11 de enero de 2026.

El curador principal, Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, nacido en Camerún y residente en Berlín, escribe en su texto curatorial que quiere ir más allá de la política de identidad, la diversidad y la inclusión, o los debates sobre migración y democracia. En cambio, él y su equipo internacional de colaboradores buscaron resaltar “la belleza obstinada del mundo”. La exposición, titulada No todos los viajeros caminan por caminos, reúne más de 1.200 obras de 125 artistas y colectivos, muchos de los cuales proponen maneras de crear formas de existencia nuevas, más amables y justas. Incluso cuando el arte aborda cuestiones como la guerra, la pobreza y desigualdades de todo tipo, el resultado es alegre, incluso optimista. Y es muy bello, estética y conceptualmente.

Esa belleza incluye una sensible serie fotográfica sobre la gente de San Pablo realizada por el fotógrafo británico radicado en Berlín Akinbode Akinbiyi—un encuentro intercultural. También abarca una inmensa flor robótica en forma de lámpara de araña creada por Laure Prouvost, una artista francesa que vive en Bruselas. La flor se abre y se cierra al ritmo de los sonidos amplificados que emite una planta viva mientras crece, un ejemplo de la naturaleza marcando el paso de la tecnología.

La Bienal de San Pablo es la mayor en términos de tamaño y asistencia en el hemisferio sur, y suele recibir cerca de 700 mil visitantes durante su desarrollo—casi tantos como la más conocida Bienal de Venecia y cientos de miles más que la Bienal Whitney. Se lleva a cabo en un pabellón con 30 mil metros cuadrados de espacio expositivo, diseñado por un equipo liderado por los arquitectos brasileños Oscar Niemeyer y Hélio Uchôa, y situado en el mayor parque público popular de la ciudad. La edición actual divide el interior de planta abierta mediante cortinas y recintos delicadamente coloreados y fluidos, transformando el edificio en una vasta vía fluvial con numerosos arroyos y remolinos que desvían el flujo.

La muestra no es para pusilánimes; no siempre es de fácil acceso para el visitante. (La decisión de los curadores de evitar poner etiquetas identificativas cerca de cada objeto para fomentar una interacción más directa con el arte resultó ser una mala idea.) Pero sin duda vale la pena el esfuerzo para ver cómo luce este momento desde una perspectiva netamente brasileña. Aquí hay algunas de las obras más atrevidas. Piénsalas como propuestas para crear las sociedades del futuro.

Escuchar es fundamental

Prestar atención a lo que quienes nos rodean intentan decirnos, y a lo que la propia Tierra intenta decirnos, son ejes principales de la muestra. No es sorprendente que el arte sonoro esté en todas partes; quizás más inusual sea el papel que juega el olor. The Way Earthly Things Are Going II (La manera en que van las cosas terrenales II) de la artista nigeriana Emeka Ogboh, se exhibe en una sala oscura bañada por luz roja sanguínea. En la obra, tocones de árboles rodeados de virutas de madera aromáticas albergan altavoces en su interior. El audio superpuesto de respiración, sierras, expresiones de dolor y un coro femenino entonando un canto doloroso da la sensación de que estamos escuchando el sufrimiento de la Tierra tras la deforestación y otras devastaciones.

El artista colombiano Leonel Vásquez dice que realiza sus obras en colaboración con los ríos, viéndolos como agentes activos en la creación. En Templo de agua: río Tietê, crea una atmósfera tenue y similar a una iglesia en homenaje a un curso de agua contaminado que atraviesa San Pablo. Mientras largas flautas de cobre y bulbos de vidrio se sumergen y emergen en fuentes de agua del río, los cambios de presión del aire y del agua crean sonidos de silbido espectrales: la propia música de la Tierra.

Formas ancestrales de vida y resistencia

Modelos de solidaridad se exhiben plenamente en forma de colectivos que aspiran a crear el mundo que desean, aunque sea en forma microcósmica. Uno de los más interesantes es Sertão Negro, un estudio experimental, programa de residencias y escuela dirigida por afrobrasileños en la ciudad central de Goiânia. Adopta los principios de los quilombos: comunidades fundadas siglos atrás por africanos que huían de la esclavitud y que sobreviven hasta hoy gracias a la autosuficiencia y la resistencia. La instalación del grupo, un recinto circular recubierto de adobe, alberga talleres botánicos y de cocina, estudios abiertos y un club de cine—una insistencia en que el arte no son solo objetos, sino también todo un proceso de estar en el mundo.

Metta Pracrutti es un colectivo de Mumbai que se formó con motivo de la bienal. En Monsoon, los miembros del grupo aportan obras en variedad de medios—tapices de pared bordados, mandalas contemporáneos, pinturas vívidas sobre desigualdades y las figuras que lideraron la lucha contra ellas—que ponen de relieve la resiliencia histórica frente a la opresión de castas. La cacofonía de formas y estilos individuales resulta en una magnífica muestra de voces dalit, habitualmente marginadas.

Las fronteras no pueden frenar la creatividad

Una de las primeras piezas que ves y oyes al entrar al pabellón adopta la forma de una “radiola”: un muro de altavoces, el sistema de sonido característico de las fiestas reggae en la ciudad de São Luís, en la costa norte de Brasil. A pesar de la represión durante la dictadura militar que se prolongó durante décadas en Brasil, el reggae—un estilo musical originario de Jamaica—entró por las ondas radiales en los años sesenta y fue adoptado por residentes afrobrasileños.

A colheita de Dan (La cosecha de Dan), de Gê Viana, adorna los altavoces con fotografías intervenidas en collage, portadas de discos, recortes de periódicos y pinturas históricas que retratan los primeros encuentros con europeos, mientras antiguos fragmentos de películas se proyectan en pequeños monitores de tubo catódico. El resultado es un archivo histórico y una fiesta de baile a punto de ocurrir. Gondwana la fabrique du future (Gondwana, la fábrica del futuro), del artista senegalés Mansour Ciss Kanakassy, es un recordatorio agudo y sagaz de que los vínculos entre países del Sur Global son largos y profundos. El título alude al supercontinente que hace eones reunía Sudamérica, África, Asia del Sur, Australia y la Antártida; el artista imagina restaurar esos lazos mediante la creación del Banco Quilombo, una divisa que se intercambiaría libremente sin estar sujeta al Banco Mundial ni a la influencia occidental. Todo ello incluye un cajero automático que no funciona y personal de exposición encargado de distribuir billetes a los visitantes.

Construir con lo que tenemos

No resulta sorprendente que las cuestiones de sostenibilidad atraviesen la exposición, especialmente dado que coincidió con la COP30, la Conferencia de la ONU sobre el Cambio Climático que tuvo lugar en Belém, Brasil. El artista chino Song Dong creó un espectacular salón de espejos a partir de luminarias domésticas que pidió prestadas a particulares, mientras que el jamaicano-estadounidense Nari Ward reutilizó alambres de somier desechados para su instalación.

Pero fue Portals to Submerged Worlds (Portales a los mundos sumergidos), del escultor zimbabuense Moffat Takadiwa, lo que realmente capturó mi imaginación: una estructura maravillosa y colorida tejida a partir de desechos plásticos y metálicos postindustriales, gran parte de los cuales se generan en Occidente y se eliminan en países africanos pobres. Al atravesar el túnel, se oyen los sonidos de la mbira, un instrumento tradicional del sur de África, convirtiendo la pieza en un recorrido casi espiritual.

La Tierra está llena de maravillas

Si necesitamos recordar por qué merece la pena prestar atención al medio ambiente, varios artistas nos muestran todo lo que podríamos estar perdiendo. Otobong Nkanga, nacida en Nigeria y residente en Amberes, creó tres intrincados tapices de gran formato que retratan un mundo tan hermoso como maltratado: una costa reluciente cubierta de redes de erosión y desechos, incluyendo partes de maniquíes inquietantes; un paisaje de árboles de tonalidades ardientes que podrían estar ardiendo; y un entorno submarino donde medusas nadan entre peligrosas redes de pesca.

La artista brasileña octogenaria y activista agrícola Marlene Almeida recorre los campos en busca de materiales naturales que puedan servir de pigmento y aglutinante. Terra Viva, muestra los resultados de estas décadas de investigaciones. Una instalación de aspecto de laboratorio está compuesta por estantes y vitrinas llenos de muestras de suelo, resinas vegetales, equipo científico y cuadernos llenos de notas de campo, mientras largas tiras de algodón teñidas con esos mismos ejemplares cuelgan de las vigas en el exterior: una pintura tridimensional compuesta por la propia geología brasileña.

El conocimiento indígena tiene respuestas

La Ilustración privilegió definiciones estrictas de ciencia y tecnología, desestimando miles de años de conocimiento indígena en el proceso. Esta exposición está repleta de arte que intenta recuperar esa sabiduría perdida y ponerla en práctica hoy.

En A Laboratory for Traditional Hybridity (Un laboratorio para la hibridez tradicional), el artista y arquitecto sami Joar Nango y sus colaboradores recurren a lo que él llama “indigenuidad”, la inventiva indígena. Una biblioteca de formas arquitectónicas y libros sobre teoría decolonial, es al mismo tiempo una obra de demostración y un espacio acogedor de reunión. La arquitectura es adaptable, hecha de materiales naturales y reciclados de la industria, e inspira no solo en la tradición sami, sino también en las culturas indígenas brasileñas y las lecciones de los quilombos.

El futuro puede ser lo que queramos

Algunas de las obras más dulces de la exposición son las que imaginan soluciones, por improbables o incluso caprichosas que parezcan, a distintos problemas. Mi favorita la presenta Manaurara Clandestina, artista y cineasta que vive en San Pablo. Transclandestina 3020 imagina un futuro en el que las personas transgénero puedan transitar hacia nuevas vidas gracias a la ayuda de una red clandestina. La instalación incluye una línea de ropa hecha con uniformes de trabajo reutilizados y una película que retrata una especie de centro de procesamiento para refugiados y un desfile de modas que acontece en el pabellón desocupado de la Bienal. El proyecto colaborativo, nacido del dolor y la violencia que tantas personas trans experimentan actualmente, no imagina un futuro libre de opresión, sino uno en el que las personas se salvan mutuamente de lo que venga. Eso ya es suficiente inspiración para mí.

*La 36.ª Bienal de San Pablo se realiza hasta el 11 de enero de 2026 en Parque Ibirapuera, Pabellón Ciccillo Matarazzo, San Pablo.

[Fotos: Fundação Bienal de São Paulo]