Lucille Dupin propone un diálogo entre lo sintético y lo orgánico en ‘Indiana’: “La idea era volver hacia un estado más puro de mí misma”

Lucille Dupin, cantautora colombiana y una de las voces femeninas con mayor proyección en la escena indie latinoamericana, viene presentando su segundo álbum de estudio, INDIANA.

Publicado en octubre de 2025, esta producción explora la conexión entre los elementos de la naturaleza y las emociones humanas, proponiendo un recorrido musical que parte de la infancia de la artista en la costa Caribe y se despliega en sonidos influenciados por el rock alternativo de los años 90 y las maneras del synthpop contemporáneo.

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Tal y como se hizo evidente en su primer larga duración Sibila, en INDIANA, Dupin retoma su interés por el tarot y el simbolismo, construyendo canciones que abordan la transformación personal y el retorno a lo esencial, mostrando especial fijación por los cuatro elementos: agua, fuego, aire y tierra.

Compuesto por ocho temas, incluye colaboraciones con artistas como Franny Glass y Cero39, reforzando la búsqueda artística de Dupin por fusionar su herencia cultural, su militancia feminista y su pasión por la literatura.

Lucille Dupin habló con Infobae Colombia, sobre la inspiración detrás de INDIANA, su amor por el shoegaze de los 90, y detalles del proceso creativo que describió como juegos que aumentaron sus miras.

Infobae Colombia: ¿Cómo surgió INDIANA? ¿Por qué ese título?

Lucille Dupin: Surge justo después de lanzar Sibila. Yo me voy a vivir a Gaira durante la pandemia, un poco como en ese afán de huir de todo lo que implica sacar un disco, emocional y físicamente. Y en ese espacio me reconecto otra vez, a través de la naturaleza y empiezo a componer canciones con una regla que me puse de jugar con los cuatro elementos, que era algo muy inmediato para mi realidad material en ese momento. Vivíamos, literalmente, pues, con los pies sobre la arena, al ladito del mar.

La idea se canalizó a través de una sesión de fotos que hice con una amiga, donde justamente el hilo conceptual eran los cuatro elementos. Esto yo lo uní, además, al trabajo que ya venía desarrollando con Sibila, basado en los arcanos mayores del tarot, uniéndolo con los arcanos menores del tarot, que justamente se dividen en cuatro palos y cada palo representa un elemento de la naturaleza.

Entonces, en este espacio un poco hermético en el que yo estaba, me puse ese ejercicio creativo de empezar a escribir canciones que, independientemente de lo que quisiera yo que hablaran o que quisiera que expresaran, jugara con que estuvieran presentes estos cuatro elementos. La idea era que cada dos canciones representaran un elemento .

¿Qué es lo que más le fascina de los cuatro elementos?

Yo creo que es ese acercamiento otra vez a lo orgánico, a lo original, que era un poco lo que yo estaba buscando al ir hacia el mar. En el disco también la idea era volver hacia un estado más puro de mí misma. Entonces, lo más inmediato que pude encontrar fue volver a lo elemental, y esto quedó representado a través de los cuatro elementos.

Probablemente la mayor diferencia entre Sibila e INDIANA es que en el segundo hay una tendencia a que las canciones fuesen más pensadas para ser himnos. ¿Fue algo inconsciente o fue algo buscado?

Yo creo que fue algo inconsciente, pero sí había alguna intención. En Sibila yo tuve un poco de libertad de creación, no me puse muchas reglas de juego, algo que sí hice con INDIANA. Justamente, parte de eso también era buscar que las canciones tuvieran un poco más ese aire.

Lo que se mantiene en ambos discos es el juego entre lo sintético y lo orgánico. Tomando en cuenta su idea de simplificar y conectar en lo creativo, ¿qué rol jugaban esos dos elemenos a la hora de componer?

Eso está transversal a todo el disco. Me alegra mucho que lo hayas notado y que lo traigas aquí a colación. Eso se remonta un poco a mis inicios de mi carrera, porque yo cuando empecé a hacer música era muy orgánica, ¿sí? Como pasa, por ejemplo, con Deshoras [su primer sencillo, publicado en 2016].

Pero ya cuando entro, y un poco en los experimentos que hice en Cledón [EP de 2020], y luego en Sibila, ya el sonido y la construcción de las atmósferas, de los paisajes sonoros, se hizo a través de sintetizadores. Pero, justamente, era la conversación que yo quería crear, porque yo estoy hablando de lo elemental, de lo orgánico, de los cuatro elementos conceptualmente hablando, que en términos de paisajes sonoros se permeen en las canciones. Estaba buscando crear esa conversación, a ver si era posible que existiera una especie de tregua entre ambos mundos.

Durante la promoción de INDIANA ha mencionado que tomó mucha inspiración de los años 90. ¿Por qué esa década? ¿Qué le fascina de ella?

Yo nací y crecí en los 90. Tú sabes que aquí en Colombia la música como que llega una década después. Entonces, mí adolescencia sí estuvo full marcada por Nirvana, Pearl Jam, shoegaze como Slowdive, todas estas bandas. Smashing Pumpkins, mucho. Ya tengo el concepto, ya tengo las canciones compuestas, pero ahora, ¿cómo quiero que suene? Cuando me hice esa pregunta, quise hacer como una especie de homenaje a esa música que me acompañó creciendo, que siento que marca mucho de mi estilo, pero también marca mucho como... No sé si las tendencias, pero siento que está muy vigente todavía, está muy presente.

Hay canciones donde yo siento que esa referencia sí se siente mucho. Por ejemplo, en Hielo, que es una de esas canciones que tiene ese aire como noventero ahí marcado. Me gustaría ser más fiel a la música de esa época, quizás en el próximo disco, para que sea más explícito también esa influencia del shoegaze. No sé si el grunge, porque siento que ya tengo mucho pop, aunque el grunge es mucho pop también, pero no he podido superar el pop para, para sonar así como más chatarra (risas). Pero digamos que el shoegaze es mi forma de canalizarlo, de expresarlo.

Hay dos colaboraciones en INDIANA, con CERO39 y con Franny Glass. ¿Qué nos puede contar de ellas y qué le aportaron al disco?

Pues mira que fue muy chistoso, porque yo este quería que fuera un disco hecho por mujeres y con colaboraciones con mujeres, pero las colaboraciones que se dieron fueron todas con hombres. Igual el resultado fue precioso. Una es Ilusión con CERO39, que realmente veníamos trabajando mucho antes. Pero al organizar el disco, nos dimos cuenta que era perfecta para ubicarla en “Aire”.

La trabajamos con la intención de hacer un homenaje a las mujeres que trabajan en el campo en Boyacá. Tuvimos de invitada a doña Anita, que es una señora que vende cigarros al frente del Carulla de la 63. Ella es quien habla y cuenta su historia sobre cómo sacó adelante a sus hijos, con las manos, cocinando con las manos, que era el objetivo. Por eso el sonido es muy latinoamericano, muy de la tierra.

Por otro lado, está Crecer, con Franny Glass. Él ha sido mi cantante favorito desde que yo tenía 13, 14 años y afortunadamente, gracias a la música, lo conocí. Estuvimos en un taller de él, de composición, y en este taller surgió. Yo ya había escrito una parte hace muchos años, pero lo que hice fue retomarla y usamos una metonimia, una figura literaria en la que tú hablas de una parte para hablar del todo. Entonces, en vez de hablar del árbol, hablas de la raíz o de la hoja.

En la parte de la producción también fue muy bonito jugar con esa construcción de que todo fuera un crescendo, porque, pues se llama Crecer, ¿no? Entonces es ese ejercicio de ir de la semillita rompiendo la tierra para poder surgir.

Siempre habla del proceso creativo como un juego y un poco también de las reglas de juego. ¿Siempre ha abordado así la música?

No, no realmente. Generalmente, yo me dejo ser muy libre a la hora de expresarme. Las canciones que más me gustan y que generalmente quedan en los discos las hago a las tres, cuatro de la mañana porque tuve mucha ansiedad, o porque tuve un sueño o porque, no sé, había algo que quería decir y lo saqué así.

Pero para este disco en particular quise empezar a jugar, poniéndome estas reglas, un poco inspirada también en un libro de George Perec, un literato francés que escribió una obra [El secuestro] donde él se puso la regla de no escribir la letra E, siendo la letra que más se utiliza en francés.

Entonces, me pareció un ejercicio interesantísimo de no solo dejar la creatividad como un ser, sino ya de empezar a ponerle otro nivel a ese ejercicio, con esos pequeños retos que yo le llamo juegos. Por decir algo, “La regla es que vamos a pensar en hacer una metonimia” o “Voy a hablar solo en presente”. Ese tipo de reglas.

¿Cuándo sabe si una canción está terminada? ¿Sabe cuál es el punto en que dice en el estudio ‘ya está’?

No (risas). Por eso a veces me puedo demorar dos o tres años haciendo un disco, pero yo creo que el punto está en tomar la decisión de que nunca va a estar completo y de que también hay que abandonar la obra, siempre que se pueda sostener sola.

Mejor dicho, cuando yo puedo escuchar la canción y ya no hay algún sonido que yo diga “le subiría más a esto” o “metería esto acá”. Cuando ya la puedo escuchar toda una sola vez sin ruido, la doy por terminada entre comillas, porque pasa mucho en un show en vivo, con canciones del primer disco que yo diría: “Uy, yo le hubiera metido esto acá, esto acá, no sé qué”. Pero lo chévere es que se puede hacer en vivo y pues tú después puedes hacer otras versiones.

Pero sí, creo que uno tiene que hacer la tarea de abandonar la obra. Dicen que el perfeccionismo es el enemigo número uno de la creatividad, porque a veces te quedas con que no es suficiente y hay que meterle más, y no, quizás no, quizás ya, ya está o nunca va a estar (risas).

¿Qué tienes preparado para 2026?

Estoy en un proceso de estructurar este nuevo show en vivo. El año pasado estuve de gira prácticamente todo el año, con el cierre de Sibila y la presentación de INDIANA, y ahorita estoy construyendo todo desde cero, toda la arquitectura de un nuevo show en vivo. Estoy preparando una gira para Ecuador para la segunda mitad del año. Espero también ahorita volver a México esa primera mitad del año. Tal vez no de gira, pero sí hacer un par de concierticos y estar allá, pues.

Sigo todo el tiempo haciendo mis ejercicios de experimentación, de composición y de producción para lo próximo que quiero hacer. Estoy cocinando ese nuevo show en vivo donde ya esté INDIANA mucho más presente, y esos próximos proyectos musicales también, ese próximo sonido hacia donde quiero ir. Ya habiendo terminado la era del tarot de INDIANA y de Sibila, ya puedo hacer otras cosas.