La belleza de la semana: el Klimt que pocos conocen

Gustav Klimt produjo más de doscientas obras a lo largo de su vida, pero la memoria colectiva lo redujo a dos o tres imágenes. El beso, el Retrato de Adele Bloch-Bauer Iy poco más. Lo que queda fuera de ese encuadre es un universo de pinturas, murales, dibujos y frisos que pueden verse hoy en museos de Viena, Nueva York, Ottawa o Praga, y que revelan a un artista de una amplitud creativa que sus obras más reproducidas apenas insinúan.

El punto de partida más inesperado para explorar ese Klimt desconocido es el techo de la escalera principal del Kunsthistorisches Museum de Viena. En 1891, el museo encargó al artista, entonces de 29 años, una serie de pinturas decorativas para ese espacio. El resultado son 40 paneles en los arcos y columnas de la escalera, once de ellos de la mano de Klimt, que recorren la historia del arte desde el antiguo Egipto hasta el Renacimiento.

Durante 127 años, los visitantes los contemplaron desde una distancia de unos doce metros. En 2012, el museo instaló una plataforma de cuatro toneladas sobre el espacio de la escalera para que el público pudiera verlos de cerca por primera vez. Son obras de un Klimt académico y monumental, que contrastan con todo lo que vendría después.

A pocas calles, en el Burgtheater, puede verse otro capítulo temprano de su carrera. Entre 1886 y 1887, Klimt colaboró con su hermano Ernst Klimt y con Franz Matsch en una serie de pinturas para el techo de las escaleras del teatro. Los paneles incluyen escenas como El carro de Tespis, El teatro antiguo o El Globo de Shakespeare. Esta última guarda un secreto: es el único autorretrato conocido de Klimt. Los paneles pueden verse en visitas guiadas al edificio.

Más adelante en su trayectoria, Klimt pintó para la Secesión Vienesa —el movimiento que él mismo cofundó en 1897— el Friso de Beethoven, una composición mural de 34 metros de largo distribuida en tres paredes del edificio de la Secesión en Friedrichstrasse. Creada en 1902 para una exposición dedicada al compositor, la obra fue concebida como una instalación temporal.

Sobrevivió, fue restaurada en 1986 y hoy se conserva en el sótano del mismo edificio donde fue pintada. El friso recorre tres movimientos: el anhelo de felicidad, las fuerzas hostiles y el abrazo final del himno de la alegría. La cara del retrato de Beethoven en el mural tiene los rasgos del compositor y director de la Ópera de Viena Gustav Mahler.

El Wien Museum (Museo de Viena) alberga dos obras que merecen más atención de la que reciben. La primera es Pallas Athena (1898), un óleo que representa a la diosa griega de la sabiduría combinando el cuerpo humano con patrones de escamas, espirales y olas, con un uso audaz de hoja de oro que la convierte en la pieza más temprana de la llamada Fase Dorada de Klimt, que se extendería hasta 1909.

La segunda es el Retrato de Emilie Flöge (1902), una obra de tamaño natural que representa a la diseñadora de moda austriaca y compañera de vida del artista. Cuando fue presentada por primera vez en la decimoctava exposición de la Secesión Vienesa, en noviembre de 1903, figuraba en el catálogo simplemente como “Bildnis einer Dame” (Retrato de una dama). El Wien Museum posee además la mayor colección de dibujos de Klimt del mundo: 411 piezas, aunque no todas están en exposición permanente por razones de conservación.

En el Belvedere, junto con El beso, cuelga una obra que merece ser vista con otros ojos: Judith I (1901). El tema —Judith sostiene la cabeza de Holofernes tras decapitarlo— había sido tratado por el arte occidental desde el Renacimiento, pero la versión de Klimt lo transforma por completo. La Judith de 1901 irradia una sensualidad magnética que Klimt abandonaría en su segunda versión del mismo tema, pintada en 1909, en la que la figura adquiere rasgos más duros y una expresión feroz. El Belvedere posee también La doncella (1913), Adán y Eva (1917-1918, inacabada) y varios paisajes del lago Attersee.

Esos paisajes constituyen quizás la faceta menos conocida de Klimt entre el público general. A partir de 1898, el artista pasó sus veranos en el Salzkammergut con la familia Flöge y produjo allí una serie de pinturas de lagos, bosques y edificios que demuestran una capacidad técnica diferente a la de sus retratos.

En Schloss Kammer at Lake Atter (1908), Klimt empleó tres técnicas pictóricas distintas dentro del mismo lienzo: pincel mojado sobre mojado para el agua, puntos de color casi puntillistas para la vegetación, y trazos planos para las fachadas de piedra. Ninguna otra obra suya trata los elementos de manera tan diferente. Birch Forest (1902) y Poppy Field (1907) forman parte de este corpus de paisajes que los especialistas consideran técnicamente a la altura de sus trabajos figurativos más célebres.

Fuera de Austria, el MAK (Museo de Artes Aplicadas) de Viena conserva los nueve cartones a escala real del Friso Stoclet (1910-1911), la serie de mosaicos que Klimt diseñó para el comedor del Palais Stoclet de Bruselas, un edificio de Josef Hoffmann declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. Los mosaicos originales en Bruselas son de acceso restringido, lo que convierte los cartones del MAK —ejecutados en témpera, acuarela y oro sobre papel— en la única forma práctica de estudiar ese proyecto.

El museo Neue Galerie de Nueva York conserva, junto al Retrato de Adele Bloch-Bauer I, el Retrato de Adele Bloch-Bauer II (1912) y varios dibujos. La Galería Nacional de Canadá, en Ottawa, alberga Hope I (1903), un óleo de 189 por 67 centímetros que representa a una mujer embarazada desnuda mirando directamente al espectador. En los años anteriores a esa pintura, el embarazo era un tema prácticamente ausente del arte occidental. Klimt fue uno de los primeros artistas en abordarlo de forma directa. La obra no fue mostrada al público hasta 1909.