Juan Cabral, el director que hizo debutar a Cazzu en la pantalla grande: “Sentí que era ella”

El estreno de Risa y la cabina del viento marca uno de los grandes acontecimientos cinematográficos del año: la película llegó a todos los cines del país y cuenta con un elenco encabezado por Cazzu, en su debut como actriz, junto a Diego Peretti, Elena Romero —una niña de 11 años que comenzó su carrera en publicidades— y Joaquín Furriel. El film propone una historia en la que lo cotidiano y lo fantástico se entrelazan, y se posiciona como una de las apuestas más originales y sensibles de la cartelera nacional.

Detrás de cámara se encuentra Juan Cabral, uno de los directores argentinos más reconocidos en cine, videoclips y publicidad. Cabral debutó en largometrajes con Two/One, presentado en el Festival de Tribeca y estrenado mundialmente en MUBI en 2020. Su segunda película, Risa y la cabina del viento, tuvo su premiere en el Festival de Mar del Plata, donde obtuvo los premios a Mejor Largometraje Argentino y Mejor Dirección.

En el ámbito publicitario, Cabral es el creador del célebre comercial ‘Gorilla’ para Cadbury, elegido como el anuncio favorito en la historia de Inglaterra, y de la trilogía de Sony Bravia (Balls, Paint y Playdoh), que redefinió la industria en la última década. Además, fue nominado por la Directors Guild of America como mejor director de comerciales en 2016 y 2022. También dirigió la campaña de Rolex para los Oscar 2019, retratando a figuras como Martin Scorsese, Alejandro Iñárritu, Kathryn Bigelow y James Cameron. En el campo musical, realizó videoclips emblemáticos para Babasónicos, como “La Pregunta” y “La Lanza”, este último ganador del Gardel a mejor videoclip.

Risa y la cabina del viento fue rodada en los paisajes de Tierra del Fuego y relata la vida de Risa, una niña de 10 años que, en una pequeña ciudad, descubre un teléfono público fuera de servicio capaz de conectarla con familiares y amigos que ya no están. Cada uno de esos contactos revela asuntos pendientes, y la pequeña deberá ayudarlos a resolverlos en el mundo de los vivos; a cambio, podrá hablar con su padre por última vez, aunque los giros de la trama la llevan por caminos inesperados que emocionan en cada paso.

El film logró combinar emoción, ternura y una mirada original sobre la infancia, el duelo y los vínculos, permitiendo a la cantante mostrar una nueva faceta interpretativa y sumando a la industria local una propuesta donde la fantasía y la sensibilidad encuentran un espacio propio. En una charla exclusiva con Teleshow, el director contó detalles sobre el rodaje, el proceso creativo y la experiencia de trabajar con un elenco tan diverso en los escenarios imponentes de Tierra del Fuego.

—¿Cómo surgió la idea del proyecto? Porque no solo sos director sino que también hiciste el guion.

—Hay una cabina en Japón que existe en Ōtsuchi, creada después del tsunami de 2011 y se llama el teléfono del viento. Un diseñador de jardines puso una cabina medio inglesa, pero adentro no está la cabina telefónica típica de la calle sino que es un teléfono de línea negro pesado y la gente empezó a hacer fila ahí para descargarse. Esa historia salió, se hizo famosa, siempre aparece ahí dando vueltas, inspira a mucha gente. Pablo Minces me trajo la historia, había escrito algo, una especie de mediometraje animado, me lo compartió para que lo vea y yo le digo: ‘Che, yo veo una película. Veo una película acá con mucha potencia y que salga desde la realidad y que nos lleve a ese otro lugar’. La íbamos a filmar en Nueva Orleans, hicimos casting ahí, vimos como doscientas chicas y demás, pero en un viaje que hago por Tierra del Fuego: el lugar me pidió el guion, me reclamó el guion, ese lugar del mundo donde todo termina, pero algo puede empezar.

—¿Cómo fue readaptar el guion y la búsqueda de los protagonistas?

—Le escribí a Flora, productora de Industria del Milagro, y le dije: ‘¿Me das dos semanas para reescribirla?’. Lo primero que me viene a la cabeza fue el personaje de Esteban y que tenía que ser (Diego) Peretti y así empezaron a bajar las ideas. Más adelante sale la idea de que la película se llamará Risas. Más adelante sale la idea de la música, tuve una relación con Babasónicos hace años y de golpe pensé: ‘che, creo que toda la música tiene que ser Babasónicos’ y Adrián (Dárgelos) se copó. Después apareció Elena (Romero) y una vez que la tenía a ella, necesitaba a alguien que se parezca un poco a Elena. En una charla con un amigo empezamos a buscar esa persona indicada para que haga Sara y cuando surge el nombre de de Juli, de Cazzu, fue algo como que llegó toda la información justa, no lo puedo explicar, pero sentí que era ella, que había algo de ella que podía transmitir, ahí nos pusimos a buscar el modo de hacerle llegar la idea y creo que el primer llamado, que fue un Zoom, ya nos vimos y vi a Sara y empezamos a hablar, ella tiene una conexión muy potente con el cine y la idea de hacer unos ensayos y ver cómo nos sentíamos, cómo estaba esa dinámica, qué podía aportar el personaje, a dónde lo podíamos llevar y una cosa fue llevando a la otra, como la cabina del viento que te va llevando, esta historia nos fue llevando.

—¿Cómo fue trabajar con los chicos? Sobre todo con Cazzu y Elena que son sus primeras experiencias

—Cuando toda la película está puesta en un menor, es como muy complejo. Entre Nueva Orleans y acá habré visto cuatrocientas, quinientas chicas y, y cuando apareció Elena, que fue en la primer tanda, te diría también lo mismo. La ves y hay algo magnético y decís: “Che, ella puede ser”. Entonces, fuimos haciendo pruebas y pruebas y le pedía videos para verla correr, verla atender un teléfono, verla actuar emocionalidades. Después empezamos a juntarnos y también vas viendo otras personas, imaginando otras posibles Risas, pero siempre ella era como la favorita, digamos. Hasta que hay un momento donde es inevitable y cuando, cuando Sara ya estaba como confirmada, las juntamos y empezamos a ver esa química. Ensayamos varias veces, no solo andando en bicicleta, a ver cómo si se sentían cómodas como madre e hija y empezamos a jugar con las escenas. Hacer escenas es re lindo porque bloqueas la escena, te parás, te imaginas cómo el personaje lo haría: uno tiene la expresión personal, cómo entrás a una habitación, cómo recibís a un vecino, cómo le decís a tu hija que no es tu hija, porque Sara es un poquito más mala onda, está sobrepasada y todo ese juego, que es un juego, es el más lindo que hay y eso es el cine. Y con Peretti, que tiene una potencia increíble, una calma, él nos ha acompañado del principio al final del rodaje, igual que Elena. En cambio, con Juli tuvimos que apretar todo en dos semanas, fue muy intenso, pero vino a jugar, vino a jugar y ella tiene una contundencia absoluta. Ella obviamente es música, es performer, hace videos, pero bueno, acá entró a jugar desde otro lugar, en una cosa más coral, y creo que se sintió supercómoda y la verdad que la experiencia fue realmente alucinante.

—La película ya tiene premios ¿Qué te pasa con eso?

—Nada, la verdad es que... Bueno, miento. Cuando la vimos en Mar del Plata por primera vez con sala llena aluciné. Fue la primera vez como que me gustó la película, en el sentido que la ves terminada, la mezcla, por más que después seguí mezclando, la versión de ahora es un poco mejor en algunas cosas de sonido y de música, pero pasa algo en sentarse en un cine y esa comunidad que se genera ahí en silencio. Una película que te hace tantos cuestionamientos, te presenta tantas ideas, te sugiere tantos pensamientos y hace tantas conexiones y ver lo que le pasa a la gente y sentirlo para después charlarlo y transitarlo. La película te deja en un estado como muy magnético al final y verla en Mar del Plata fue alucinante, fue realmente muy lindo. Después es lindo cuando te llega un premio y te da felicidad, pero también me da felicidad por los actores, por el crew, por todo lo que es ir a Tierra del Fuego, filmar todo en locación con viento, Elena con un Kuro (hamster) que se le metía en el pelo en las tomas, pese a que son dieciséis animales entrenados para cada una de las escenas y todo ese amor, es realmente muy lindo.

—¿Qué sentís que puede generar la historia en el público?

—La verdad que tengo ganas de que la gente vaya y no le saco la ficha, porque siento es una película que va para todas las edades, digo, más allá de que sí podés ir en familia, no importa, pero si tenés ochenta vas al cine y la ves solo es un viaje y si tenés diez también podés ir y verla como una especie de película animée en la Patagonia, tipo una de Ghibli, pero con toda esa realidad contundente que plantea la película, sobre todo los primeros veinte minutos, y después te mete en un viaducto imposible hacia un lugar o hacia otro plano en el que a Elena le suena el teléfono y el teléfono suena para ella y tiene que tomar decisiones. Por eso hacemos cine, porque creo que hay algo ahí que no podemos poner en palabras, que no es que la película dice esto o baja solo una idea que la puedas resumir, es como un libro, después te la puedes olvidar, pero si un libro te atravesó, te acordás de algo y esa información que nos pasamos a través de historias, a través de libros, a través de música, a mí es de las cosas que más me fascinan, me conmueven, me interpelan a hacer y para eso hacemos cine.