Mauricio Moncayo de “Sandra y Julia” cuenta todo sobre la obra de teatro: máscaras, silencios y violencia familiar

La propuesta escénica “Sandra y Julia (o lo que queda de ti)” llega al Foro Shakespeare con una temporada que se extiende del 5 al 26 de junio, los viernes a las 20:30.

La obra explora los lazos familiares, el duelo y los silencios que atraviesan generaciones, valiéndose de máscaras teatrales para multiplicar voces y versiones dentro de una misma historia.

El argumento gira en torno a Sandra, quien, tras la muerte de su abuela Julia, regresa a la casa de su infancia guiada por una carta inesperada. En ese regreso, la protagonista se enfrenta a recuerdos y ausencias, descubriendo aspectos desconocidos de su historia familiar.

La puesta en escena recurre a máscaras como recurso visual central, permitiendo que cuatro actores den vida a múltiples edades y matices de la memoria.

En entrevista con Infobae México, el actor Mauricio Moncayo nos contó todo sobre sus papeles en la obra de teatro.

¿De qué trata Sandra y Julia?

“Es una historia que escribió nuestra directora Karla Gordillo. Narra la vida de una mujer, Sandra, cuya abuela le deja una carta. A través de esa carta, la abuela le avisa que le hablará o le enseñará cosas sobre su pasado. Cuando Sandra llega a la casa de su abuela, encuentra recuerdos y momentos del pasado relacionados con la vida de su abuela. La historia aborda cómo, incluso entre familiares cercanos, a veces desconocemos detalles importantes o secretos de su vida que nunca nos contaron o que nunca pensamos en preguntar”.

¿Cuál es tu papel en la historia y cómo participas en el guion de la obra?

“Es teatro de máscaras, teatro físico. No decimos ninguna palabra durante toda la obra. Hay varios personajes porque somos cuatro actores y usamos diecinueve máscaras. En mi caso, interpreto principalmente a las parejas tóxicas o abusivas. Represento tanto a la pareja de Sandra como a la de Julia en el pasado. Ha sido interesante explorar diferentes fisicalidades, ya que ambos personajes son agresivos y erráticos, pero provienen de contextos distintos. Trabajamos en cómo diferenciarlos corporalmente, ya que no hay diálogos que los distingan. Analizamos en qué parte del cuerpo se encuentra cada personaje, cómo camina, cómo se para y cómo reacciona. Ha sido un proceso actoral muy interesante.

¿Cómo te preparaste para hacer a estos personajes?

“De hecho tengo experiencia en baile, soy bailarín, pero en el trabajo con máscaras me sorprendió el nivel de detalle necesario. Es interesante explorar la línea entre evitar la pantomima exagerada, que puede volverse caricaturesca, y, al mismo tiempo, marcar con claridad ciertas situaciones o gestos para que el público los entienda. Ha sido un estar ahí tanteando junto con la directora. Por ejemplo, definir cuántas veces se repite un gesto en particular y cuánto tiempo se mantiene Los silencios, por ejemplo, también son un reto, porque al inicio nos dábamos cuenta de que nosotros sentíamos que ya llevábamos un ratote solo mirándonos, Pero Karla nos decía: “Aguántenlo”, porque ese es el momento en el que la audiencia está completando lo que se están diciendo o qué significa este silencio para los personajes”.

¿Qué es mejor para encarnar un personaje? ¿reflejarse en él o no reflejarse en él en lo absoluto? ¿Cómo es tu relación con los personajes que encarnas y con estos personajes en particular?

“Creo que hay verdad en ambas cosas. Existe la idea de no juzgar a los personajes; tienen una razón de ser en el punto al que llegaron y entenderlos no significa justificarlos necesariamente. Pero también al momento de encontrar esos puntos en los que no soy tan diferente de lo que lo que es esta persona, o las reacciones que puede tener, creo que hace que conectes a nivel humano, porque claro que puede ser algo muy aparte de ti, pero creo que hay ciertos universales a los que, si no te sientes tú completamente, creo que también puedes conectar en otro nivel. En mi proceso, primero reconozco y construyo al personaje sin juzgarlo. Después, busco conectar a nivel humano y entenderlo desde la empatía, analizando cómo su trayectoria es igual o diferente a la mía”.

¿Cuál es la expectativa que tienes tú de la audiencia?

“Al estar trabajando con máscaras ,le hablamos a un par de personas que nos dieron su feedback de si se entendía. Cuando Karla nos habló de teatro de máscaras y sin diálogos, pensamos que sería algo sencillo a nivel narrativo, pero no, que nos avienta de todo, desde brincos en el tiempo, hasta múltiples personajes en diferentes puntos de edad. Mi expectativa es que el público pueda identificarse y reconocer en su propia vida ciclos o situaciones que se repiten, y que tal vez sean ellos quienes puedan romperlos. Lograrlo requiere valor y una convicción muy fuerte”.

¿Cuál sería la forma que tú aconsejarías para que más más personas fuéramos al teatro?

“Estamos en México en este limbo curioso donde se hace y se consume bastante teatro, pero aun así siempre oímos que se está muriendo el teatro. Mucho de lo que conocemos es el teatro más grande, ¿no? Tipo las grandes producciones. Y claro que eso se trata como ir a un evento. Creo que conocer otras producciones, otros espacios que te pueden dar historias muy interesantes y distintas es ideal. sobre todo en este punto en el que siento que nuestro contenido multimedia o entretenimiento se está volviendo un poco homogéneo. Creo que el teatro es un refugio donde todavía se exploran y se pueden hacer muchas propuestas que en otros medios se busca lo seguro”.