La belleza de la semana: “Interior con luz solar”, de Fairfield Porter

Con sus pinturas sobrias que representan un mundo apacible y relajado, el estadounidense se convirtió en un artista subversivo en una época en la que el arte abstracto pasaba a primer plano

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"Interior con luz solar" (1965), de Fairfield Porter

“Cuando pinto, creo que lo que me satisfaría es expresar lo que Bonnard dijo que le dijo Renoir: hacer todo más bello. Esto significa en parte que una pintura debe contener un misterio, pero no por el misterio mismo: un misterio que es esencial a la realidad”.

Con estas palabras definía su intención artística Fairfield Porter (EEUU, 1907-1975), uno de los principales cultores de la pintura realista entre los artistas estadounidenses de mediados del siglo XX. A lo largo de varias décadas, Porter pintó cuadros con escenas domésticas y paisajes de los lugares en los que vivió, en los que representó un mundo relajado y confortable.

A menudo hacía también retratos de familiares, amigos y compañeros artistas, muchos de ellos afiliados a la Escuela de escritores de Nueva York, como John Ashbery, Frank O’Hara o James Schuyler. Muchas de sus pinturas estaban ambientadas en el interior o en los alrededores de la casa de verano que sus padres tenían en Great Spruce Head Island, Maine y en la casa familiar en 49 South Main Street, Southampton, Nueva York.

"Paisaje en Long Island con construcción roja" (1962), de Fairfield Porter

Sin embargo, aunque sus pinturas parecen bastante cómodas, no conflictivas y su tema sin política explícita, el mero hecho de pintar como lo hacía a mediados del siglo XX en Estados Unidos era una especie de declaración política: a diferencia de muchos de sus contemporáneos, que siguieron el nuevo estilo del expresionismo abstracto, Porter se aferró obstinadamente a un modo de pintar que se consideraba obsoleto. De este modo, con sus obras sobrias, apacibles y tradicionales, se convirtió paradójicamente en un artista subversivo en una época en la que el arte abstracto pasaba a primer plano.

El crítico de arte Clement Greenberg fue uno de los primeros defensores del expresionismo abstracto y los movimientos relacionados con la pintura de campos de color y la abstracción extrema. En su ensayo Vanguardia y Kitsch, describe la creciente división entre esos dos modos de arte y explica la difícil posición cultural de la pintura representativa, como la de Fairfield Porter, en la era de la posguerra.

"Jane y Elizabeth", de Fairfield Porter

La vanguardia, en opinión de Greenberg, es el resultado de una ruptura en las líneas de comunicación entre los artistas y su público. Surgió durante los siglos XIX y XX debido a una agitación social y política a gran escala que creó nuevas bases sociales para el consumo de arte. La vanguardia se formó entonces como una cultura cada vez más insular, y esos artistas comenzaron a crear obras más centradas en examinar el medio en el que trabajaban que en intentar reflejar valores sociales o políticos. De ahí la tendencia a la abstracción.

Por el contrario, el kitsch –explica el crítico– se compone de productos culturales altamente mercantilizados, elaborados para los nuevos sujetos de la industrialización y la urbanización: el proletariado necesitaba ahora una cultura formal, pero carecía del estilo de vida pausado compatible con el arte difícil y ambicioso. El arte kitsch tendía hacia el realismo y la representación, con obras mucho más fáciles de digerir, que no implicaban una discontinuidad entre el arte y la vida y por lo tanto no requerían la aceptación de una convención.

"Interior en julio" (1964), de Fairfield Porter

En la evaluación de Greenberg, el trabajo de Fairfield Porter no estuvo sujeto a la mercantilización que es emblemática del kitsch. Aun así, su elección de trabajar de forma representativa lo colocó de alguna manera al margen de la vanguardia, que tendía cada vez más hacia la abstracción. Esta dicotomía entre vanguardia y kitsch a mediados del siglo XX se alineaba estrechamente con la distinción formal entre abstracción y representación, dejando a Porter y su obra en un espacio indefinido.

Mientras el mundo del arte de Nueva York intentaba posicionarse como la nueva vanguardia de la cultura, dando origen al expresionismo abstracto y afirmándolo como la nueva cumbre del modernismo, Porter se obstinaba en mirar hacia atrás, a pintores como los intimistas franceses, Édouard Vuillard y Pierre Bonnard, cuya obra conoció en 1938 en una muestra del Instituto de Arte de Chicago, donde quedó impresionado por el uso de los colores brillantes y sus composiciones. Aunque sólo fuera para romper el consenso crítico y artístico de que ese tipo de pintura ya no se podía hacer, Porter se dedicó a eso: no simplemente representación, sino realismo, lleno del mismo sentimentalismo de la pintura francesa de antes de la guerra.

"Café helado" (1966), de Fairfield Porter

Cuando los expresionistas abstractos se sintieron coartados por las limitaciones de la pintura representacional y buscaron liberarse de ella, Fairfield Porter redobló su compromiso hasta que el contenido principal de su trabajo se convirtió en la acción fundamental de pintar representacionalmente: formar el espacio con relaciones de color. Así, a pesar de mantener una temática tradicional, se valió de técnicas propias de los géneros abstractos dominantes, como el empleo decolores brillantes, pinceladas gestuales y composiciones inusuales.

Porter eligió escenas de interiores, accesorios domésticos sencillos y paisajes tranquilos como temas de sus pinturas. Pero estas referencias a la realidad también fueron armaduras para el sofisticado juego de colores, formas y líneas que hábilmente utilizaría durante toda su carrera. El bodegón Flores junto al mar, que refleja la vida en la granja de retiro de Porter en Spruce Hill, representa la interpretación de la profundidad a través del color, además de enfatizar la naturaleza bidimensional de la superficie del lienzo.

"Flores junto al mar" (1965), de Fairfield Porter

Además de dedicarse a su obra pictórica, Fairfield Porter fue un crítico de arte que escribió para Art News y The Nation. Fue también un defensor del medio ambiente y un activista en contra de las armas nucleares, los pesticidas, la expansión urbana y la guerra de Vietnam. Sus obras figuran hoy en más de sesenta colecciones públicas, como las del Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Boston, el Museo de Arte de Cleveland (Ohio), el Instituto de Arte de Chicago (Illinois) y el Museo de Arte Parrish de Southampton (Nueva York).