El rey loco de “Juego de tronos” llega al escenario de Shakespeare

Una pelea de espadas se parece a un baile. Y un baile también se parece a una pelea de espadas. Por eso, en una sala de ensayos sofocante en el sur de Londres, a finales de mayo, decenas de actores se alinearon en filas paralelas, girando, esquivando, apuntando y retrocediendo, mientras gigantescos caballos de utilería observaban desde un costado. Era un ensayo de un número de baile para una producción épica que comenzó sus funciones previas, tras un retraso significativo, el martes en la Royal Shakespeare Company en Stratford-upon-Avon, Inglaterra, antes de su apertura prevista para el 8 de agosto.

Los bailarines principales en esa escena son Lyanna Stark y Rhaegar Targaryen. ¿Estos nombres resultan familiares? Si eres fanático del éxito de HBO Game of Thrones o de la serie de novelas A Song of Ice and Fire de George R.R. Martin, aún inconclusa, seguramente sí. La nueva obra, Game of Thrones: The Mad King, ha sido adaptada por Duncan Macmillan (“Every Brilliant Thing”, “People, Places and Things”) a partir de las novelas de Martin y será dirigida por Dominic Cooke, un director galardonado con el premio Olivier.

La serie de HBO finalizó, no sin controversia, en 2019, y Martin no ha publicado un libro de la saga desde 2011, aunque sí lanzó una precuela. En estas circunstancias, una franquicia podría perder impulso, pero Westeros, el mundo mítico creado por Martin, solo ha crecido, tanto en la mente de los fanáticos, que siguen produciendo fan fiction y arte, como en espacios comerciales.

HBO ya ha dado luz verde a dos spin-offs: la precuela House of the Dragon, que ya va por su tercera temporada, y la serie complementaria A Knight of the Seven Kingdoms, renovada para una segunda temporada. Hay otros proyectos en desarrollo. Un recorrido por los estudios en Irlanda del Norte recibe numerosos visitantes y la tienda oficial sigue lanzando nuevos productos, incluidas espadas de réplica de 700 dólares y una corona de 500 dólares.

Se trata de una vida posterior inusualmente vigorosa para una serie de televisión. Julie Escurignan, profesora especializada en marketing cultural, considera que “Game of Thrones” pertenece al panteón de “Star Wars”, “Star Trek” y “Harry Potter”. “Son fenómenos de alcance mundial”, afirmó.

¿Qué hace un fenómeno global cuando ya no quedan otros mundos por conquistar? Al parecer, monta un espectáculo.

Los productores, con el visto bueno de Martin, comenzaron a pensar en un espectáculo teatral hace casi una década, cuando la serie original aún estaba al aire. “Porque el teatro ofrece algo que ningún otro medio puede: la posibilidad de sumergir totalmente al público”, explicó Simon Painter, uno de los productores. “Harry Potter and the Cursed Child”, una expansión teatral del universo Potter, ya se había estrenado con gran éxito y muchas películas populares, aunque no series, habían sido adaptadas para Broadway, el West End y parques temáticos.

Painter, productor conocido en Broadway por shows de magia, y Jonathan Sanford, quien había adquirido los derechos teatrales de los libros, se reunieron con varios directores en 2018. Entre ellos figuraba Cooke, reconocido director de Shakespeare, en parte porque las Guerras de las Rosas, una serie de conflictos ingleses del siglo XV, fueron una inspiración clave tanto para Martin como para Shakespeare.

Cooke, que había visto algunos episodios de “Game of Thrones”, acudió a la reunión. Para prepararse, leyó “A Song of Ice and Fire” de Martin, notando las similitudes con Shakespeare, lo cual lo tranquilizó. “Si vas a tomar propiedad intelectual de otro formato, necesitas una razón poderosa para convertirla en teatro, no solo ponerla en escena de forma cínica”, señaló. Esas similitudes le parecieron suficiente motivo. Así que Cooke voló a Durango, Colorado, para reunirse con Martin.

El encuentro resultó positivo y Cooke propuso a Macmillan, un dramaturgo con quien había trabajado frecuentemente, como posible guionista. Macmillan, cuyo trabajo suele ser contemporáneo, no parecía encajar naturalmente en una épica, pero Cooke admiraba su capacidad psicológica y de rigor, así como su talento para elevar material realista. Tras leer las obras de Macmillan, los productores estuvieron de acuerdo y se organizó otra reunión con Martin. Luego llegaron los confinamientos por la pandemia, durante los cuales Macmillan leyó todos los libros de “Ice and Fire” y se sorprendió al ver cuánto le resonaban.

“Me resultaron veraces respecto a cómo se sentía estar vivo durante la pandemia”, dijo Macmillan. “Crees que controlas tu destino, pero todo depende de fuerzas fuera de tu control”.

Los productores decidieron que la obra trataría sobre eventos ocurridos década y media antes del inicio de la saga “Ice and Fire” y siglos después de la precuela “Fire & Blood”, principalmente un torneo en Harrenhal que presenta versiones jóvenes de varios personajes principales. (Aunque nunca aparece en “Game of Thrones”, fue el tema de un cortometraje animado de HBO incluido en una versión en Blu-ray).

Macmillan y Cooke sostuvieron que la acción debía ir más allá de eso.

“Para capturar lo que queríamos, que era una especie de obra histórica y trágica shakesperiana, teníamos que seguir algunas de esas historias hasta su desenlace”, comentó Macmillan. Aunque rechazó el uso de pentámetro yámbico porque Martin escribe en prosa, Macmillan terminó aceptando los paralelismos con Shakespeare, que incluyen todo desde “Hamlet” hasta “Macbeth”, “Romeo y Julieta” y “Ricardo II”.

“Es bastante autoconsciente”, señaló.

Lo que Macmillan y Cooke diseñaron fue enorme en escala, al menos para el teatro, requiriendo 36 actores, sin contar los caballos de utilería y los efectos de fuego. Se pensó brevemente en un estreno en Nueva York y también en Londres. Pero tras un extenso desarrollo, Cooke sugirió un lugar más apropiado para la obra: la Royal Shakespeare Company.

En cierto modo, una empresa tan comercial parece una elección extraña para una institución tan prestigiosa. ¿Quería realmente la casa de Ian McKellen, Judi Dench, Helen Mirren y Kenneth Branagh aliarse con una serie de HBO? Incluso Macmillan reconoció que el proyecto podía verse como “otro trozo de propiedad intelectual explotada”.

Pero la Royal Shakespeare Company tiene una larga historia de producción de todo tipo de obras, habiendo estrenado títulos como “Matilda”, “Mi vecino Totoro” y “Los Miserables” en inglés. Cooke, asociado de largo recorrido del teatro, quería aprovechar no solo los recursos de la compañía —su arsenal, sus talleres de escenografía y vestuario— sino también su sello, que designaría la obra como seria y popular a la vez.

“Tener la marca R.S.C. nos ayuda mucho a fijar las expectativas”, dijo Macmillan. “No será Medieval Times, comiendo muslos de pavo y agitando banderas”.

Hace un año y medio, Cooke comenzó conversaciones con los actuales directores artísticos de la compañía, Daniel Evans y Tamara Harvey, quienes se mostraron receptivos. “Esa idea de una historia que se desarrolla a lo largo de generaciones, con temas de sucesión, poder y amor, es parte fundamental del trabajo de nuestro dramaturgo de cabecera”, afirmó Harvey.

En diciembre pasado, Martin visitó Stratford, lo que pareció entusiasmarlo. (Existe una foto suya en el arsenal, empuñando una espada de utilería y mostrando gran satisfacción). Que una versión de su obra se estrenara en la ciudad natal de Shakespeare “me dejó sin palabras”, escribió Martin en un correo electrónico. “No podía imaginar un honor mayor, ya que su influencia está presente en todos mis libros de Westeros”.

Espadas de la Royal Shakespeare Company. Muchos de los trajes, utilería y armas se toman prestados de producciones anteriores allí.

Durante la visita de una periodista en mayo, los talleres de escenografía de la compañía ya estaban en plena actividad: impresión 3D de candelabros, envejecimiento de grandes puertas de metal y construcción de un suelo de tierra en forma de cruz. Una diseñadora tenía un cuenco de remaches en su mesa, buscando la pieza perfecta. Otros trabajaban en armas hechas a medida, incluyendo una daga catspaw, una lanza de tres puntas y un martillo de guerra.

Chloe Lamford, la principal escenógrafa, dijo que buscó inspiración en los libros, la serie y el arte de los fans. “Hay que abordarlo con amor y respeto por el mundo que ya existe”, comentó. Pero el diseño debía ser específico para el escenario. “No podemos hacer las cosas como en la televisión”, dijo. “No podemos crear mundos reales. Creamos mundos abstractos porque la imaginación del público llena la sala”.

Numerosos trajes, utilería y armas se tomaron prestados de producciones anteriores de la Royal Shakespeare Company y, en un edificio donde se encuentra su archivo, una encargada de colecciones organizó una muestra: coronas, escudos y jubones sudados, algunos de los cuales se reutilizarán. (Una asistente preguntó: “¿Quieres ver nuestra colección de cabezas cortadas?”) El objetivo de la exhibición era mostrar que “Game of Thrones: The Mad King” es solo una obra histórica más entre muchas otras. Esta requerirá, por supuesto, un nuevo y probablemente muy puntiagudo trono, cuyos detalles se mantenían en secreto.

Montar una epopeya, incluso con elementos abstractos, no resulta sencillo. Las funciones previas estaban programadas para el 20 de julio, luego se retrasaron y después se volvieron a retrasar, según una portavoz de la Royal Shakespeare Company, debido a “la naturaleza ambiciosa y épica de la producción”. Un trono no se construye en un día.

Para algunos compradores de entradas, ese trono será el mayor atractivo; para otros, la conexión con Shakespeare. “Tenemos que atraer a ambos públicos y a todos los que están en medio”, afirmó Macmillan.

Macmillan, hablando antes de los retrasos, aseguró que estaba preparado para el reto. Recordó cuando lo llevaron de niño a ver sus primeras obras de Shakespeare en la Royal Shakespeare Company. Le llevó un tiempo acostumbrarse al lenguaje y al peso de la historia detrás de las historias, recordó. Después se entregó por completo: lloró, rió, se asombró. Quiere eso para los demás.

“En el fondo, solo quiero que la gente se sienta abrumada, especialmente si es la primera vez que ven una obra”, dijo. “Solo quiero que digan: ‘Guau’”.

Fuente: The New York Times