El mundo rítmico de Koji Kondo, el maestro musical detrás de Mario Bros

Koji Kondo no sabía qué esperar al mirar una lista de música agregada al Registro Nacional de Grabaciones. Este nativo de Nagoya, Japón, de 62 años, no sabía qué tipo de música llamaba la atención de la Biblioteca del Congreso. Luego vio los nombres. Billie Holiday. Woody Guthrie. Miles Davis. Aretha Franklin. John Lennon. “Imagine”. “Garota de Ipanema”.

“Yo estaba como, ‘Esa es una canción famosa, esa es una canción más famosa, esa es una canción aún más famosa’”, dijo Kondo en una entrevista a través de un intérprete. “Cuanto más miraba, más me di cuenta de que todas estas son canciones increíblemente conocidas”.

Kondo se destaca en la lista de luminarias. Su trabajo es la única composición de videojuego seleccionada para la Biblioteca del Congreso, agregada el año pasado a una colección de grabaciones sonoras que “son cultural, histórica o estéticamente significativas” para la vida en los Estados Unidos. Después de todo, es el tema de “Super Mario Bros.”, el videojuego que sentó las bases del medio y la industria. Las primeras seis notas están incrustadas en el ADN de generaciones. Los escuchas en tu cabeza ahora mismo, con ese ritmo ágil y sincopado.

Esas seis notas eran un gusano mucho antes de sus décadas de repetición. “Super Mario Bros.” fue lanzado en 1985, y sólo un año después, Paul McCartney estaba tarareando la melodía. El Beatle estaba de gira en Japón cuando se enteró de que estaban presentes Kondo y el creador de Mario, Shigeru Miyamoto. Pidió llevar a los dos creadores del juego detrás del escenario. Él y su esposa Linda McCartney se acercaron a los caballeros y los primeros ruidos que escaparon de sus labios fueron esas mismas seis notas. Kondo lo recuerda como un “momento increíble”.

A principios de este mes, Kondo fue incluido como el primer compositor de videojuegos en el Salón de la Fama de la Academia de Artes y Ciencias Interactivas, en la Cumbre DICE de la industria en Las Vegas. El evento reúne a muchos ejecutivos y creativos del juego para discutir el estado de la industria y el medio. Más que música, Kondo esculpió el paisaje sonoro de los videojuegos como director de audio e ingeniero de Mario, desde el brillo de recoger monedas (un sonido tan omnipresente para el dinero en efectivo como el ka-ching) hasta el boing elástico de un salto. Rápidamente se dedicó a componer canciones para “The Legend of Zelda”, otro título de Nintendo que en 1986 transformó el medio.

Kondo y otros ingenieros de sonido de la industria sentaron las bases de la música chiptune actual. Y durante años, las melodías de Kondo han evolucionado más allá de los chips de sonido primitivos para ser interpretadas en todo el mundo. En Río de Janeiro, la festividad del Carnaval inspira desfiles en los que sólo se reproduce música de Mario. Las melodías de Kondo ahora son interpretadas por sinfonías de todo el mundo, incluida la partitura orquestada del éxito de taquilla del año pasado The Super Mario Bros. Movie, compuesta por Brian Tyler en colaboración con Kondo.

“Los pitidos y bloops atonales evolucionaron hacia formas de onda sintetizadas y, finalmente, partituras completamente orquestadas”, dijo Tyler, también compositor de la franquicia Fast and Furious, mientras entregaba el premio del Salón de la Fama a Kondo. “Muchos compositores de una amplia variedad de géneros, desde bandas sonoras de películas hasta grupos de rock populares, ahora cuentan el trabajo de Kondo-san como una de sus mayores inspiraciones, incluyéndome a mí”.

A pesar de tal legado, Koji Kondo, de 62 años, es un hombre humilde. Cuando se le preguntó qué espera que la gente piense de su legado, no perdió el tiempo en responder.

“Lo que más me haría feliz es que no vieran la música en sí misma”, dijo Kondo. “Más bien, céntrate en la música y en cómo mejora la jugabilidad. Si logran que la música haga que sus experiencias de juego sean más divertidas, eso me haría más feliz que cualquier otra cosa”.

Kondo no ve su música como algo separado del videojuego: para él, escuchar y jugar son uno. Después de todo, es el pionero de esta forma de arte, de melodías y notas escritas al servicio de una audiencia que nunca verá y con la que debe conectarse.

“Él vio la música y la información visual entrelazadas y entendió cómo estos elementos podían combinarse para expresar cosas en una forma de arte totalmente diferente”, dijo Tyler.

Con cientos de millones de juegos vendidos, Mario es la franquicia de videojuegos más vendida de la historia, lo que convierte a Kondo en uno de los intérpretes más populares de la historia de varios géneros internacionales, incluidos el ragtime estadounidense y los sonidos de Big Band, la bossa nova brasileña y el jazz romaní y latino. La música de Mario incluía jazz saltador y músicas del mundo en un rudimentario chip de sonido de Nintendo Entertainment System. Kondo elaboraba una melodía de antemano y luego programaba las notas de cada canal para producir un sonido similar, una confluencia de teoría musical y código informático.

A los 5 años, los padres de Kondo le regalaron un órgano Yamaha Electone y comenzó 12 años de lecciones de composición y arreglos musicales. Aprendió a tocar la marimba, un instrumento recurrente en muchos juegos de Mario, con la banda de su escuela primaria. Cuando era adolescente en la década de 1970, ahorró suficiente dinero para comprar el nuevo instrumento de moda: el sintetizador. Kondo se unió a la primera ola de la revolución de la música electrónica y tomó las teclas de una banda durante la escuela secundaria y la universidad. Y como a muchos en Japón, le encantaban los videojuegos.

Pero en la universidad, recurrió a las artes visuales, un eje que resultaría útil para unir imágenes con música. En 1984, recién salido de la universidad, se enteró de un trabajo que era perfecto para él. Ya estaba fascinado con la idea de lo que los ruidos de los videojuegos comunicaban a la audiencia, y estaba tan decidido a ser contratado en Nintendo que nunca se molestó en postularse a ningún otro lugar. Consiguió el trabajo y desde entonces no ha vuelto a postularse a ningún otro lugar.

“Fui el primer compositor contratado en Nintendo durante mi época, y había otro compositor”, dijo Kondo. “Básicamente, nos turnamos para hacer todo lo que estaba en desarrollo. Venían a nosotros y nos decían: ‘Oye, tenemos este juego, tú lo creas’. Resulta que era mi turno en la rotación cuando estaban desarrollando ‘Super Mario’”.

A diferencia de algunos proyectos de películas y juegos más involucrados como directores, Kondo se quedó en gran medida solo en su trabajo.

“Cuando el juego estaba en la etapa adecuada, pude jugarlo”, dijo Kondo. “Pensé para mis adentros: ‘Este es un escenario acuático’. Sabes, creo que un vals estaría bien aquí. Así que realmente pude crear libremente con lo que pensé que sería aplicable a lo que estaba sucediendo en la pantalla”.

Kondo era un gran admirador del jazz y la música latinos en ese momento, dijo, y esa influencia está en toda la serie de Mario. Miyamoto, el director y creador de Mario, era un admirador del folk bluegrass estadounidense y le prestó algunos CD a Kondo. Más tarde, Bluegrass se volvería prominente en la música de “Super Mario World”, el primer juego de Mario para la consola Super Nintendo. Para el tema heroico de Zelda, Kondo recurrió al cine, el medio artístico más cercano a los videojuegos, en busca de inspiración. Recordó la partitura de “Ben Hur” del compositor húngaro Miklós Rózsa como una posible inspiración.

Kondo dijo que hay un paso constante en su proceso de escritura: primero debe jugar el juego. El sonido unificado de “Super Mario” proviene de que Kondo imagina las acciones de un jugador como una sección de ritmo visual, justo donde su educación en artes visuales resulta útil.

“Me siento y la toco una y otra vez para capturar sus ritmos, y luego pienso en la melodía construyendo una progresión de acordes que coincida con esos ritmos. ... Si solo estás componiendo música basándose en una imagen estática que ves, esa música podría ser simplemente música de fondo transmitida desde otra habitación. Para que se sienta parte del juego, es esencial jugar”.

No es de extrañar que en “Super Mario Bros. Wonder”, los niveles de fondo rebotan al ritmo de la partitura, todavía compuesta por Kondo junto a un equipo. Es una manifestación audiovisual de la mente de Kondo.

Como muchos de los creadores heredados de Nintendo, Kondo todavía trabaja duro para la empresa. No siente que la edad lo frene ni un poco. En todo caso, el paso del tiempo ha endurecido su confianza.

“No pienso en [mi edad] a menudo. A medida que sigo ampliando mis horizontes musicales o la música que escucho, aumenta el conocimiento que tengo sobre esos diferentes estilos”, dijo Kondo, sonriendo. “Solo tengo más herramientas en la caja de herramientas”.

Todavía supervisa la música y el diseño de sonido de los proyectos de Mario y Zelda. Ha contribuido con cientos de canciones memorables a los títulos de Mario y Zelda a lo largo de los años, desde los maravillosos metales de “Bob-omb Battlefield” en “Super Mario 64″ hasta la melodiosa “Zelda’s Lullaby” de “Ocarina of Time”. Su secreto para encontrar la melodía perfecta es cerebral.

Después de la ceremonia de entrega de premios de la Cumbre DICE, Kondo visitó la fiesta posterior en Jewel Nightclub en Las Vegas. Afuera del club, Marty O’Donnell, fanático de Kondo, de 68 años, esperaba con la esperanza de vislumbrar a Kondo. Los dos se conocieron hace años y se tomaron una selfie, y O’Donnell, el compositor, por cierto, de las series de videojuegos Halo y Destiny, un trabajo a menudo comparado con el del compositor de cine John Williams, quería una nueva foto. Kondo se escapó de la discoteca: esta noche no habrá selfies.

“Koji es un maestro en la composición de melodías maravillosamente pegajosas”, dijo O’Donnell en una entrevista. “Es por eso que solo necesitas escuchar algunas notas de Mario o Zelda e instantáneamente regresarás a la primera vez que jugaste. Me gusta llamar a eso equidad emocional”.

La evaluación que hace O’Donnell de esas melodías en realidad se hace eco de cómo Kondo describe su proceso. Le pregunté a Kondo qué hace que una melodía sea perfecta, y no se trata de encontrar las notas o tiempos fuertes correctos.

“Si tuviera que intentar resumirlo en un solo mundo, creo que sería el de la honestidad”, dijo. “Una melodía que se siente sencilla y suena completamente natural sin interferencia de nada más, es una buena melodía. No lo pienses demasiado. Que lo perfeccionen hasta su núcleo tanto como sea posible”.

Actualmente, dedica su tiempo libre a pasear por la naturaleza, armado con un iPad y auriculares. Le encanta estar rodeado de sonido con programas de audio inmersivos. Como los héroes de sus juegos, emprende un viaje para descubrir los ritmos del mundo que lo rodea.

“Es realmente como si en mis paseos me acompañara una orquesta completa, y eso es muy divertido”, dijo Kondo. “Creo que muchas personas querrían tener sus bandas sonoras individuales que las acompañen a medida que avanzan por la vida”.

Fuente: The Washington Post