Instantáneas del vacío y tristezas de la ciudad, a través de la mirada de Daniel Corvino

El artista plástico Daniel Corvino exhibe su nueva serie de obras en la Galería Rubbers Internacional (Av. Alvear 1640). Se trata de la segunda parte de Incertidumbre urbana, la muestra que había realizado dos años atrás, a días de comenzar la pandemia, en la que planteaba, casi de forma premonitoria, la imprevisibilidad constante de vivir en los centros urbanos. La diferencia con la anterior, es que, en esta oportunidad, se exponen obras de pequeño formato, realizadas en blanco y negro, y con un nuevo enfoque: pintar el vacío. En diálogo con Infobae Cultura, el artista contó cómo se dio ese pasaje tan significativo en su obra: “Soy un observador de la realidad. El vacío de las calles me llamó mucho la atención. Como no podíamos salir, y como en mi casa no podía pintar, empecé a dibujar en bastidores chicos. Empecé a trabajar en blanco y negro porque me daba también la impresión de que esta situación que estuvimos viviendo era como sin color. Vivimos dos años en suspenso.”

Si tuviéramos que definir a Daniel Corvino, tal vez lo primero en lo que pensaríamos es en los sectores populares, la calle, los piquetes, el calor de los cuerpos pegados al ritmo de los tambores, los papelitos volando, las banderas, la organización, la lucha social y los anhelos de una realidad más justa. Las escenas que representa en sus obras son un emblema de la Ciudad de Buenos Aires porque a través de ellas visibiliza, da voz –o pintura, en este caso da pintura– a quienes no la tienen e inmortaliza ese momento fugaz de la manifestación social para dejar un registro histórico que persiste a través del tiempo. Discípulo de Luis Felipe “Yuyo” Noé, Corvino cuenta con una extensa trayectoria artística que incluye más de 30 premios nacionales e internacionales. Sus obras forman parte de museos, galerías y colecciones privadas de todo el mundo, entre las que se destacan la vicepresidenta de la Nación Cristina Fernández de Kirchner, Luis Incera, Javier Negri, Eduardo Elsztain, entre otros. Además, a lo largo de su recorrido realizó exposiciones individuales en el Palais de Glace, el Centro Cultural Recoleta, el Museo Sívori, el Museo de Neuquén, el Museo Damaso Arce de Olavarría, el Museo Quinquela Martin de La Boca, etc. En la actualidad es pintor exclusivo de la Galería Rubbers Internacional, donde expone su nueva serie.

—En tus cuadros, se representan expresiones sociales que ocurren en las calles: paros, piquetes, manifestaciones. ¿Podemos decir que tus obras tienen un tono político?

—No, porque yo considero que el arte tiene que ser multívoco. Tiene que tener muchas interpretaciones. No puedo darle una única interpretación, sino haría una alegoría, si fuera algo unívoco. Entonces, el arte tiene que tener varias interpretaciones, y yo no tengo que ver con la interpretación, sino que la tiene que dar el espectador. Soy un pintor social. Tengo una posición política pero no la expreso en mi arte.

—¿Qué es la incertidumbre urbana?

—Mi obra siempre refleja los sucesos y los cambios en el hábitat urbano en este siglo, como lo fueron las manifestaciones y los cartoneros, que se apropiaron de la ciudad y nos cambiaron la manera de vivir. Esas expresiones urbanas llamaron mi atención. Ahora, como atento observador de la realidad que soy, el vacío en las calles, producto de la pandemia, atrajo todo mi interés. Yo vivo en un departamento en un noveno piso, que tengo vista por dos lados y miraba hacia afuera y estaba todo vacío. Era una ciudad fantasma. Me llamó la atención terriblemente. Al estar aislado comencé a dibujar los no-lugares que están atestados de personas y ahora aparecían desiertos: estaciones de tren, subtes, ómnibus, aeropuertos y las calles como síntesis de una ciudad fantasma. La palabra incertidumbre sigue siendo muy significativa.

—Con una vasta obra en tu haber, que se caracteriza por sus llamativos protagonistas, ¿cómo fue pintar espacios sin gente?

—Me dio satisfacción habitar espacios vacíos, descubrí algo diferente. Vivo un cambio en el presente a partir de estas obras. Yo no pinto porque sí, para hacer algo decorativo. Lo que pinto tiene que tener un sentido para que haga reflexionar al espectador.

—Más allá de las diferencias, ¿hay un diálogo con las obras anteriores?

—Sí, lo que pasa es que al ser en blanco y negro es totalmente distinta. Yo no las veo como dibujos, las veo como pinturas en blanco y negro. Yo tengo esa visión del pintor. Parecen dibujos pero son pinturas. Así lo dijo el otro día también Yuyo Noé en la inauguración de la muestra: para él son pinturas en blanco y negro.

—¿Por qué decidiste sacar el color en esta nueva serie?

—No pinto con los colores de la realidad, sino con los de mi interior. El uso del blanco y negro fue a partir de esta situación que hemos vivido. Estos dos años fueron olvidables: el hecho de estar encerrados y la pérdida de mi esposa, Amalia Bonholzer, que era artista plástica también y estuvimos más de 40 años juntos, fueron hechos muy fuertes en mi vida. El mundo que conocíamos hace dos años cambió y ya no volverá a ser el mismo.

En esta nueva serie, Corvino sigue poniendo al hombre en el lugar protagónico de sus obras. Sin embargo, lo hace a través de su total ausencia. No pinta paisajes urbanos, hace sentir el encierro de cada transeúnte que no está presente allí para confirmar la existencia humana.

Las treinta obras que componen la serie estarán exhibidas en la Galería Rubbers Internacional (Avenida Alvear 1640, Ciudad de Buenos Aires) hasta el 10 de junio, y podrán visitarse de lunes a viernes de 14 a 18. El día 10 de junio, a las 19, el artista ofrecerá una charla en la galería junto con Marino Santa María, en el marco de NODO, circuito de galerías, de acceso libre y gratuito. Para más información se puede visitar la página de la galería.

SEGUIR LEYENDO