El primer festival de música conocido tuvo lugar en el santuario de Apolo en Delfos, Grecia, durante los Juegos Píticos en el siglo VI a.C. Además de competencias deportivas, se celebraban concursos musicales como parte vital de la festividad. Estos eventos reunían a participantes y espectadores de diversas regiones, en un ambiente de celebración artística y competitiva.

Con el paso de los siglos, los festivales asumieron nuevas formas y propósitos. En Gales, la tradición de competencias bandas surgió en el año 1176, cuando Lord Rhys organizó un certamen de música y poesía en el castillo de Cardigan. Tras un periodo de interrupción, estos festivales experimentaron una revitalización a fines del siglo XVIII gracias a asociaciones culturales galesas radicadas en Londres.

El Reino Unido y los Estados Unidos vieron emerger festivales de relevancia internacional. El festival de los Tres Coros —que une a los coros de las catedrales de Hereford, Gloucester y Worcester— celebra 300 años como referente de la música clásica, según registros históricos. En el siglo XX, eventos como el Monterey Pop Festival y Woodstock transformaron el alcance de los festivales, convirtiéndolos en manifestaciones masivas de la cultura popular.

De la tradición a la revolución musical

De acuerdo con expertos en historia cultural citados por History Extra, la música fue esencial para marcar identidades colectivas y transmitir valores generacionales a través de estos encuentros multitudinarios. Festivales como los célebres certámenes bardos galeses, conocidos como Eisteddfod, resurgieron en el siglo XIX debido a una reacción social frente a las críticas del gobierno británico hacia la cultura y educación galesas.

Las ciudades inglesas de Hereford, Gloucester y Worcester mantienen la tradición más antigua de festivales corales no competitivos, relacionada con la obra de compositores como Elgar y Vaughan Williams. Esta celebración, que perdura tras tres siglos, resalta el papel de la música sacra y coral en la vida británica.

En la transición al siglo XX, Estados Unidos se convirtió en epicentro de experimentación. California acogió en 1967 el Fantasy Fair and Magic Mountain Music Festival en el monte Tamalpais, una semana antes del célebre Monterey Pop Festival. Estos eventos atrajeron a miles de jóvenes, impulsando tendencias culturales y sociales a escala global.

La consolidación del festival como fenómeno social sucedió en agosto de 1969, con el legendario Woodstock cerca de la ciudad de Bethel, a más de 60 kilómetros de la localidad originalmente prevista. Según crónicas del evento, Woodstock reunió a más de 400.000 personas para escuchar actuaciones de artistas emblemáticos, en una atmósfera de música, paz y esperanza.

En Reino Unido, el festival de Glastonbury tuvo su primera edición en septiembre de 1970, apenas un día después del fallecimiento de Jimi Hendrix. Participaron artistas como Marc Bolan, Stackridge y Al Stewart. La entrada incluía leche gratuita proveniente de la finca del organizador, lo que añadió un toque peculiar al evento.

A lo largo de la historia, los festivales reflejaron tanto el espíritu de su época como los cambios sociales y tecnológicos. De celebraciones sagradas a acontecimientos culturales de masas, el formato de festival ha evolucionado para adaptarse a los gustos y demandas de distintas generaciones.

En el siglo XXI, estos encuentros se expandieron a nivel mundial, adoptando tecnologías digitales y ampliando su oferta a géneros diversos y públicos de todas las edades. Según especialistas, los festivales continúan funcionando como espacios de encuentro, creación e intercambio cultural, además de potenciar economías locales.

Cada continente cuenta hoy con al menos un festival de referencia internacional, lo que pone de relieve la universalidad del fenómeno y su capacidad de reinventarse. La historia de los festivales de música demuestra que la búsqueda de experiencias colectivas, creatividad y celebración sigue vigente, mutando con los cambios sociales.

De la lírica griega a las guitarras eléctricas, los festivales reflejan la evolución de la música como lenguaje común en la vida humana. Este legado continúa atrayendo a millones, que cada año se reúnen para vivir una experiencia única, sin fronteras de tiempo ni lugar.

Guillermo Cabellos

Barcelona, 26 jul (EFE).- El mítico guitarrista mexicano Carlos Santana ha regresado a Barcelona con la gira 'Oneness Tour' dos décadas después de su último concierto en la capital catalana con un largo hechizo rock en el que ha invocado lo mejor de su 'Supernatural' en la celebración de su 25 aniversario.

Así, desde la primera canción ha quedado bien claro cuál iba a ser el tono de la velada con un 'Soul sacrifice' comandado por las congas enrabietadas de Karl Perazzo y Paoli Mejias mientras se proyectaba imágenes del histórico concierto de Santana en de Woodstock en 1969.

El final del tema ha serpenteado hacia el inicio del siguiente, sin dejar rastro de ningún silencio, por lo que 'Jingo' ha llenado el pabellón barcelonés de ritmos carnavalescos, para luego dar paso a la adaptación rock de 'Evil ways', originalmente del percusionista jazz Willie Bobo.

Escudado por una banda entregadísima y ataviado con una chaqueta estampada con una foto de John Coltrane, Santana (México, 1947) ha permanecido durante largos ratos sentado en un taburete, mascando chicle, en un estado de reposo, como si fuera un viejo echado en su porche esperando a ser vencido por el sueño.

Sin embargo, la serenidad de su postura se rompe en su punteo tranquilo, del que emerge con una potencia incontenible un hechizo rock que ha tomado por completo el Palau Sant Jordi con 'Black magic women', adaptación de Fleetwood Mac, 'Gypsy queen', del húngaro Gábor Szabó, y la mítica versión electrificada del 'Oye como va' de Tito Puente.

Tras esto, uno de los grandes momentos ha llegado con las primeras notas de 'Maria Maria', que en voz de Andy Vargas sigue dejando el sello de la comunidad latina en los Estados Unidos, mientras que 'Foo Foo' ha logrado levantar hacia el cielo barcelonés los brazos de los casi 12.000 asistentes que han llenado este sábado el Sant Jordi.

La velada ha seguido con la batalla de cuerdas entre Santana y Benny Rietveld, un asalto ganado por bajista para hacerse con la supremacía de 'Everybody's everything', acompañado únicamente de la batería de Cindy Blackman.

"Estoy convencido de que juntos podemos cambiar el destino de este planeta para que haya paz y harmonía" han sido las primeras y únicas palabras que ha dirigido Santana al público catalán, un deseo que ha dado paso a 'Hope you're feeling better'.

El repaso a 'Supernatural', el disco que aupó a Santana al estrellato mundial en 1999, ha seguido con 'Yaleo', invocada en la guitarra del mexicano, y 'Put your lights on', que ha creado una constelación en las gradas del Palau Sant Jordi gracias a los teléfonos del público.

Después, 'Corazón espinado', un himno compartido por dos gigantes mexicanos como son Carlos Santana y Maná, ha servido para apuntalar la velada con un público entregado coreando eso de "cómo me duele el amor".

Ya en el bis, 'Toussaint L'Overture' se ha deformado hasta ser un 'While my guitar genlty weeps' con una potencia probablemente nunca imaginada por The Beatles, que ha terminado con un largo solo de batería de Cindy Blackman, esposa de Santana, antes de que se despidiera definitivamente del Palau Sant Jordi con 'Smooth'.

Después de este primer concierto en Barcelona del 'Oneness Tour', la gira del mexicano recorrerá otras ciudades españolas como Madrid, Valencia, Murcia, Marbella y Jerez de la Frontera. EFE

Billy Joel asistió a Woodstock en 1969 con la ilusión de ver a algunos de los artistas que más admiraba. A 55 años del festival, el músico neoyorquino, quien hoy tiene 76 años, compartió su visión poco entusiasta sobre la experiencia en el evento que marcó la historia del rock.

“No lo disfruté, para decir la verdad”, recordó Joel en una entrevista con People. “Quería ver a [Jimi] Hendrix. Quería ver a The Who, y me los perdí. Solo estuve el primer día. Y fue tan fangoso, lluvioso, desordenado, sin ningún lugar para ir al baño, y todo el mundo estaba drogado. Yo no consumía drogas ni nada de eso en esa época”.

El primer día estuvo centrado en presentaciones de artistas de folk como Arlo Guthrie y Joan Baez. Los grupos de rock y las figuras centrales del festival, entre ellas The Who, Grateful Dead y Creedence Clearwater Revival, aparecieron en el segundo día.

Para ver a Hendrix en vivo, el cantante habría necesitado esperar hasta la madrugada del lunes, cuando el guitarrista subió al escenario tras varios retrasos.

El concierto reunió a cerca de 400 mil personas en una granja de Bethel, Nueva York. Para Billy Joel, la magnitud del evento no mejoró su experiencia personal.

“Era muy desordenado y todo estaba lleno de lodo. No había baños y la mayoría de los asistentes estaban bajo los efectos de drogas”, relató.

No obstante, reconoce que hubo algo positivo en la reunión multitudinaria: “Había un aspecto comunitario que aprecié”, expresó sobre la convivencia entre fanáticos de la música.

Ese sentimiento de conexión, explica, era similar al que sentía al escuchar a The Beatles con los jóvenes de su generación.

“Me di cuenta de que no era solo acerca de los Beatles. Era sobre nosotros. Tenía mucho en común con otros ‘boomers’ que escuchaban la banda. Todos crecíamos y escuchábamos esa música”, explicó.

En 1969, el músico formaba parte de la banda The Hassles. Dos años después lanzó su primer álbum como solista, Cold Spring Harbor, y en 1973 su carrera despegó con el lanzamiento de “Piano Man”.

Con el tiempo, Billy Joel se consolidó como una de las grandes figuras del rock y la música popular estadounidense.

Sobre su trayectoria, menciona que algo similar al espíritu de Woodstock persiste cuando toca en vivo. “Cuando todos disfrutan realmente lo que haces, cantan junto a ti y te apoyan, es casi como una experiencia tipo Woodstock”, sostuvo.

En ese sentido, agradeció al público que asiste a sus presentaciones: “Es abrumador para mí. Muchas veces ni lo entiendo, pero no lo cuestiono. Es una bendición en mi vida”.

Junto a Joel, otros futuros íconos del rock también estuvieron presentes entre la multitud de Woodstock. El vocalista de Aerosmith, Steven Tyler, recordó que el ambiente era muy distinto al que algunos esperaban.

“Recuerdo que era un gran lugar para desmadrarse”, declaró. “La gente iba con pistolas de agua llenas de ácido y te lo rociaban en la cara. Te ponías a alucinar en cuestión de minutos… Había 450,000 personas flotando por el aire, corriendo desnudas, riendo y gritando”.

Billy Joel se sinceró sobre su diagnóstico de trastorno cerebral

En los últimos meses, Billy Joel se refirió abiertamente a los problemas de salud que lo llevaron a cancelar conciertos en mayo.

Poco después, el artista confirmó el diagnóstico de hidrocefalia de presión normal (NPH), una condición cerebral que afecta el equilibrio, la marcha, y en algunos casos, la función cognitiva y el control de la vejiga.

“Me siento bien”, explica en una conversación reciente en el podcast Club Random con Bill Maher. “Lo llaman trastorno cerebral, así que suena mucho peor de lo que realmente siento. Mi equilibrio es pésimo. Es como estar en un barco”.

La hidrocefalia de presión normal se produce cuando hay un exceso de líquido cefalorraquídeo en los ventrículos cerebrales y afecta en su mayoría a personas mayores de 60 años.

En mayo, el músico anunció la suspensión de los conciertos restantes de su gira por indicación médica, alegando complicaciones derivadas de su condición.

“Se agravó con las actuaciones recientes, lo que provocó problemas de audición, visión y equilibrio”, informó mediante un comunicado publicado en su cuenta de Instagram. Actualmente, recibe fisioterapia para tratar los síntomas.

“No está curado”, comentó sobre su progreso médico. “Aún continúa el tratamiento”.

Además, el cantante admitió que desconoce las razones que provocaron el desarrollo del trastorno. “Pensé que tendría que ver con la bebida”, afirma. “Solía beber bastante. Ahora ya no lo hago”.

Por el momento, Billy Joel no ha anunciado nuevas fechas de conciertos ni el regreso de su gira.

El guitarrista mexicano Carlos Santana llegará el próximo verano a España con su Oneness Tour, la gira que ha recorrido Estados Unidos durante 2024 y que hará parada en la Marina Norte de València.

El concierto, que se celebrará el 31 de julio --las entradas saldrán a la venta a través de notikumi a partir del martes 17 a las 12:00 horas--, será "un repaso, 27 años después de su última visita a la ciudad, de algunas de sus composiciones más reconocidas y celebradas", augura la organización del evento.

Así, los asistentes tendrán la oportunidad de disfrutar con canciones que van desde álbumes totémicos como "Abraxas" (1970), "Caravanserai" (1972) o "Welcome" (1973) hasta aquel "Supernatural" (1999) que vendió treinta millones de copias - de los más de cien millones que ha despachado a lo largo de su carrera - y que lo descubrió a toda una nueva generación.

Superviviente del cartel del festival de Woodstock en 1969, Santana está, a sus 77 años, a punto de cumplir seis décadas de carrera. Un trayecto avalado por diez premios Grammy y tres Grammy latinos, más de una treintena de álbumes --como solista o como líder del proyecto que lleva su nombre, Santana-- y una gran influencia sobre músicos de generaciones posteriores: desde Los Lobos a Ozomatli, desde Maná a Eduardo Bort, desde Juanes a The Mars Volta.

Un "singular e inimitable" trayecto creativo y vital que ha sido incluso recientemente plasmado en el documental "Carlos: La historia de Santana" (2023), de Rudy Valdez, premiado en el festival de Tribeca.

Madrid, 11 dic (EFE).- El mítico Carlos Santana, considerado uno de los mejores guitarristas de la historia mundial de la música, ofrecerá cuatro conciertos en España en el verano de 2025, más de 20 años después de su último paso por ciudades como Madrid o Barcelona.

A ambas regresará en una fecha por determinar, ya que la promotora ha dado pocos detalles al respecto, salvo que por ejemplo también tocará en Murcia y en Jerez de la Frontera (Cádiz) y que conmemorará su carrera musical recuperando sus discos más celebrados, como 'Abraxas' (1970) y 'Supernatural' (1999).

En la gira europea del músico existe actualmente un espacio de 14 días sin compromisos entre su concierto en Mantua (Italia) el 2 de julio y el del Rosenheim Sommerfestival en Alemania el 16 de julio, por lo que es probable que su presencia en España se circunscriba a la programación de festivales que aún no han dado a conocer su oferta.

Su paso por Europa se produce como parte de 'Oneness Tour', que a lo largo de 2024 ha recorrido EE.UU., y que el próximo año recalará en el viejo continente con más de una veintena de citas a partir de la del 9 de junio, cuando está programado un concierto en Lodz (Polonia), y hasta el 21 de junio en Nimes (Francia).

Natural de Jalisco (México), pero con nacionalidad estadounidense, Carlos Santana (Autlán de Navarro, 1947) está considerado un maestro de la fusión entre el blues y el rock con los sonidos afrolatinos y la revista Rolling Stone lo posicionó en el número 20 de su última clasificación de los mejores guitarristas de todos los tiempos.

Siendo uno de los participantes del mítico festival de Woodstock de 1969, a sus 77 años cuenta con diez premios Grammy, tres Latin Grammy, más de una treintena de álbumes como solista o líder del proyecto que lleva su nombre y se le estiman unas ventas aproximadas de más de 100 millones de copias.

'Samba pa ti', 'Black Magic Woman', 'Corazón espinado', 'Maria Maria' o 'Smooth' son algunos de los grandes éxitos logrados a lo largo de su carrera. EFE

El mundo de la música despide a Garth Hudson, el legendario organista y multiinstrumentista de The Band, quien falleció este martes a los 87 años en las cercanías de Woodstock, Nueva York.

Hudson, conocido por su estilo único y su capacidad para fusionar géneros musicales, fue una figura clave en la transformación de la banda que marcó un antes y un después en la historia del rock and roll.

Según informa The New Yorker, Hudson era el último miembro sobreviviente de la agrupación, que también incluía a Robbie Robertson, Levon Helm, Rick Danko y Richard Manuel.

Hudson, quien tocaba el órgano, acordeón, saxofón y otros instrumentos, fue descrito por sus compañeros como un músico erudito y meticuloso, con una habilidad única para aportar texturas y matices a las composiciones de la banda.

En palabras del cantante de rockabilly Ronnie Hawkins, quien trabajó con ellos en los años ’60, cuando aún se llamaban The Hawks, Hudson era un músico excepcional: “Escuchaba sonidos extraños en su cabeza y tocaba como el Fantasma de la Ópera. Sabía exactamente qué incluir y qué dejar fuera”.

Los inicios de un genio musical

Nacido el 2 de agosto de 1937 en Windsor, Ontario, Hudson mostró desde joven un talento innato para la música.

Durante su adolescencia, trabajó como organista en la funeraria de su tío, una experiencia que, según relató al autor Barney Hoskyns, le permitió explorar las ricas tradiciones musicales de la iglesia anglicana.

Este trasfondo influyó profundamente en su estilo, caracterizado por complejas contramelodías y figuras inesperadas que añadían una dimensión única a sus interpretaciones.

Tras graduarse de la escuela secundaria, Hudson se unió a una banda llamada The Silhouettes, que más tarde se convertiría en Paul London and the Capers.

Según recordó Paul London, Hudson era un músico profesional con un peculiar sentido del humor, “raro, pero no demasiado raro”.

Este carácter distintivo lo acompañaría a lo largo de su carrera, consolidándolo como una figura única en el panorama musical.

La incorporación a The Band y su impacto transformador

En 1961, Hudson se unió a The Hawks, grupo que más tarde se convertiría en The Band, tras rechazar varias ofertas iniciales.

Finalmente aceptó cuando sus integrantes accedieron a pagarle un extra de diez dólares semanales bajo el título de “profesor de música”, un gesto que buscaba tranquilizar a los padres de Hudson, preocupados por su incursión en el mundo del rock.

Según recordó Levon Helm, la llegada de Hudson marcó un punto de inflexión para la banda, elevando su nivel musical y profesional.

Hudson tocaba un imponente órgano Lowrey modelo FL, conocido como Festival, que fue adquirido específicamente para él.

Este instrumento se convirtió en una pieza central del sonido de la banda, especialmente durante su etapa como grupo de apoyo de Bob Dylan en los años 1965 y 1966, cuando el icónico cantautor decidió electrificar su música, generando controversia entre sus seguidores más tradicionales.

El retiro en Woodstock y la creación de obras maestras

El accidente de motocicleta que sufrió Dylan en 1966 cerca de Woodstock marcó un cambio significativo en la trayectoria de The Band.

En 1967, Hudson, junto con Danko y Manuel, se mudó a una casa alquilada conocida como Big Pink, ubicada en West Saugerties, Nueva York. Según relató Robbie Robertson en su autobiografía Testimony, la casa, rodeada de naturaleza, se convirtió en un refugio creativo.

En el sótano, improvisaron un estudio de grabación donde, a pesar de las condiciones acústicas poco ideales, lograron producir dos de los álbumes más influyentes de la década de 1960: The Basement Tapes (junto a Dylan) y Music from Big Pink.

Dos discos seminales, además: se puede decir que en ese puñado de canciones -que van del folk al blues rural, pasando por el country- se concentra eso que desde los 90 conoceríamos bajo la etiqueta/género de americana.

Uno de los momentos más memorables de Hudson en la discografía de The Band es su solo de órgano en Chest Fever, una de las canciones más emblemáticas de Music from Big Pink.

En esta pieza, Hudson combina un motivo inspirado en la Toccata y Fuga en Re Menor de Bach con una improvisación cinematográfica que establece el tono para una canción que, aunque carece de una narrativa clara, se ha convertido en un clásico del rock.

Hudson no solo fue un virtuoso instrumentalista, sino también un innovador que aportó elementos inesperados a las composiciones de The Band.

Su uso del clavinet con pedal wah-wah en Up on Cripple Creek es un ejemplo de su capacidad para sorprender y enriquecer las canciones con sonidos únicos.

Según destacó The New Yorker, su estilo era “divertido y extraño, pero no demasiado extraño”, una descripción que encapsula su singularidad como músico.

La muerte de Hudson marca el fin de una era, dejando a los fanáticos de The Band con una sensación de pérdida y nostalgia.

Su música sigue viva, transmitiendo una calidez y humanidad que trascienden el tiempo. Canciones como The Weight y Up on Cripple Creek continúan resonando como himnos de la condición humana, recordándonos la importancia de la empatía y el apoyo mutuo.

Con la partida de Garth Hudson, se cierra el capítulo final de The Band, una de las bandas más influyentes de la historia del rock.

Su legado, sin embargo, perdurará como testimonio de su genio musical y su capacidad para transformar el arte en algo profundamente humano.