A través de su cuenta de Instagram, la barranquillera mostró fragmentos del videoclip, donde ambas artistas aparecen con una estética que oscila entre lo urbano y lo místico, con referencias a las culturas indígenas del Amazonas, presumiblemente generadas con inteligencia artificial.

Todo esto, para complementar una pista que mezcla elementos electrónicos, pop latino y funk brasileño, y forma parte del más reciente larga duración de Anitta, EQUILIBRIVM, marcado por la intención de la artista de mostrar una faceta más reflexiva in sacrificar los ritmos potentes. En esta pista, Shakira cantó sus partes en portugués, lo que marcó una nueva incursión en este idioma para la cantante desde que colaborara con Ivete Sangalo en el tema Dançando, de 2012.

En la publicación de Shakira, Anitta le envió un mensaje en el que expresó su admiración por la colombiana. “Eres la Reina de Latinoamérica, Shak. No solo por tu talento, sino por tu corazón gigante y genuino. Todos los que te tienen como amiga tienen suerte. Brasil te ama y te espera”, escribió en los comentarios.

Todavía no hay fecha oficial de lanzamiento del videoclip, pero ya se especula con la posibilidad de que su estreno mundial tenga lugar durante la esperada presentación de Shakira en la Playa de Copacabana el próximo 2 de mayo.

Anitta relató el origen de la colaboración con Shakira

En una entrevista con la agencia AP, la brasileña contó que fue justamente durante una conversación sobre el concierto de Shakira en Rio de Janeiro surgió la idea de colaborar.

“Cuando anuncian el show en Copacabana, hablamos sobre eso. Le muestro las canciones de mi álbum y la invito. Ella acepta. Ella es la reina de América Latina, abrió puertas”, manifestó. “Trabajar con Shakira es un sueño. Ella es la reina y esta canción tiene una energía que levanta a todos”.

Así avanzan las fechas de ‘Las mujeres ya no lloran World Tour’ en 2026

Con el videoclip de Algo Tú publicado, la colombiana tiene en la mira la reanudación de su gira mundial, luego de brindar una serie de fechas en Norte y Centroamérica.

En primera instancia estuvieron su serie de cinco conciertos en El Salvador, seguido de su regreso a México para cuatro conciertos más, incluidos uno más en el estadio GNP Seguros —que alargó su récord de más fechas en dicho escenario en una misma gira—, y su concierto gratuito en el Zócalo de la Ciudad de México, el de mayor convocatoria en la historia de la emblemática plaza.

Debido al conflicto bélico en Irán y países vecinos del Oriente Medio, la colombiana se vio obligada a cancelar sus compromisos en la India, Jordania y Arabia Saudí, mientras que las fechas en Qatar, Emiratos Árabes Unidos (como parte del cartel del Offlimits Music Festival) y Egipto se movieron para finales de 2026.

El que se mantiene en pie es su concierto gratuito en la playa de Copacabana en Río de Janeiro, Brasil, ante un público que se especula que podría llegar a los 2,5 millones de espectadores y en el que también se baraja la posibilidad de que Anitta sea una de sus invitadas especiales.

De igual modo, Shakira anunció una serie de fechas en Estados Unidos entre junio y julio que constituyen su segundo paso por el país con esta gira, sumados a su residencia en Madrid en el estadio Shakira, un complejo especialmente diseñado para la ocasión, con el que espera convocar a su fanaticada en el Viejo Continente.

A continuación, los conciertos confirmados hasta la fecha en el calendario de la barranquillera para 2026:

• 2 de mayo: Playa de Copacabana, Río de Janeiro (Brasil).
• 13 de junio de 2026: Intuit Dome, Inglewood (Estados Unidos)
• 14 de junio de 2026: Intuit Dome, Inglewood (Estados Unidos)
• 17 de junio de 2026: Acrisure Arena, Palm Springs (Estados Unidos)
• 23 de junio de 2026: American Airlines Center, Dallas (Estados Unidos)
• 26 de junio de 2026: State Farm Arena, Atlanta (Estados Unidos)
• 28 de junio de 2026: State Farm Arena, Atlanta (Estados Unidos)
• 1 de julio de 2026: Kaseya Center, Miami (Estados Unidos)
• 6 de julio de 2026: CFG Bank Arena, Baltimore (Estados Unidos)
• 10 de julio de 2026: TD Garden, Boston (Estados Unidos)
• 14 de julio de 2026: Prudential Center, Newark (Estados Unidos)
• 20 de julio de 2026: Barclays Center, Brooklyn (Estados Unidos)
• 23 de julio de 2026: UBS Arena, Belmont Park (Estados Unidos)
• 25 de julio de 2026: Boardwalk Hall, Atlantic City (Estados Unidos)
• 18 de septiembre de 2026: Estadio Shakira, Madrid (España)
• 19 de septiembre de 2026: Estadio Shakira, Madrid (España)
• 20 de septiembre de 2026: Estadio Shakira, Madrid (España)
• 25 de septiembre de 2026: Estadio Shakira, Madrid (España)
• 26 de septiembre de 2026: Estadio Shakira, Madrid (España)
• 27 de septiembre de 2026: Estadio Shakira, Madrid (España)
• 2 de octubre de 2026: Estadio Shakira, Madrid (España)
• 3 de octubre de 2026: Estadio Shakira, Madrid (España)
• 4 de octubre de 2026: Estadio Shakira, Madrid (España)
• 10 de octubre de 2026: Estadio Shakira, Madrid (España)
• 11 de octubre de 2026: Estadio Shakira, Madrid (España)
• 18 de noviembre de 2026: Estadio 974, Doha (Catar)
• 21 de noviembre de 2026: Etihad Park, Abu Dabi (Emiratos Árabes Unidos)
• 28 de noviembre de 2026: Pirámides de Giza, El Cairo (Egipto)

La escena, marcada por risas y gestos de complicidad, ha sido uno de los contenidos más compartidos en las últimas horas. Muchos usuarios destacan la química evidente entre ambos, que se refleja en cada interacción que muestran.

El video muestra a Torres y a Giles disfrutando de un momento relajado y natural, lejos de los escenarios tradicionales y sin el filtro de un set profesional. El hecho de que eligieran el hogar familiar de la actriz como escenario refuerza la sensación de confianza mutua y cercanía entre ambos protagonistas.

El video se viralizó rápidamente, sumando miles de visualizaciones y comentarios que celebran tanto el carisma de la pareja como el ambiente distendido del encuentro. En el tape se lo puede ver al cantante entrar a la cocina donde Gloria Carrá está cocinando y mientras le canta frases de la canción “Domingo familiar”, de Rawayana, Jowell &Randy, baila por el ambiente, mirando a Ángela y Amelia, la hermana menor de la actriz. Frases como “Team Margelita” y emojis alusivos a la complicidad han proliferado entre los fans, quienes ya piden más contenidos semejantes.

Esta nueva colaboración no solo entretuvo a quienes la presenciaron, sino que consolidó la imagen de ambos como referentes de espontaneidad y buena energía en redes sociales. Sin necesidad de grandes producciones ni de guiones elaborados, Ángela Torres y Marcos Giles demostraron que la naturalidad y la alegría compartida siguen siendo claves para conectar con el público digital.

La relación comenzó a gestarse en el universo del streaming, donde sus diálogos cargados de humor y gestos cómplices rápidamente captaron la atención.

Todo tomó mayor dimensión durante la temporada de verano en Pinamar, cuando Marcos sorprendió a la artista con una propuesta de noviazgo muy comentada: una avioneta sobrevoló la playa con la frase “¿Ángela, querés ser mi novia?”. La respuesta de Torres fue inmediata y entusiasta, sellando el inicio formal de uno de los romances más celebrados del streaming argentino.

La relación se consolidó a partir de situaciones cotidianas y gestos románticos, como regalos de flores, bromas y salidas compartidas, incluidas fiestas y encuentros familiares. La propia actriz, Gloria Carrá, madre de Ángela, expresó públicamente su simpatía por el joven, a quien describió como “muy amoroso y un chico de barrio”, dándole su visto bueno al noviazgo.

Desde entonces, la pareja se ha mostrado unida tanto en eventos públicos como en situaciones más íntimas, como cuando grabaron videos en la casa de la actriz. En esas ocasiones, los seguidores destacan la alegría que transmiten juntos, razones que los convirtieron en una de las duplas más queridas del momento.

Asimismo, Gloria Carrá destacó en diálogo con Urbana Play el crecimiento profesional de Ángela, quien con apenas 27 años se consolidó como una de las voces jóvenes relevantes de la música nacional y compartió escenario como telonera en el show de Shakira en Vélez. Este hecho, confirmado por Carrá en el ciclo Vuelta y Media, marcó un punto de inflexión en la proyección artística de Torres, cuya agenda de proyectos en curso y recepción del público atraviesan un momento de alta exposición mediática y validación en la industria.

En el espacio conducido por Sebastián Wainraich, Carrá reveló que la dinámica familiar adquirió nuevas coordenadas a medida que la carrera de su hija evolucionó. La conversación también incluyó un dato biográfico: ambas compartieron la experiencia de la maternidad y la juventud de manera espejada, ya que Carrá tuvo a Torres a la misma edad que ahora tiene la cantante. Este paralelismo temporal ha derivado, señaló la actriz, en una etapa de mayor cercanía y experiencia compartida, en contraste con otras etapas previas de la relación madre-hija.

El último videoclip de Andy, bajo la dirección de Gabriel Pinal, utiliza la imagen como recurso para enfatizar que el proceso al que se enfrenta el cantante dista de vincularse con la soledad, pues pone de relieve la independencia y madurez alcanzadas en su carrera. Según informó la agencia de comunicación Be The One, esta pieza audiovisual acompaña el lanzamiento del sencillo “Solo”, que se convirtió el lunes en el adelanto final antes del estreno del álbum debut como solista, previsto para el 6 de marzo.

De acuerdo con la información proporcionada por Be The One, “Solo” no busca transmitir aislamiento; su mensaje principal se centra en la independencia tanto emocional como artística. La agencia detalló que el sencillo representa el inicio de una nueva etapa de crecimiento y agradecimiento por parte de Andy. El tema fue compuesto por Riki Rivera y producido por Juanma Leal, quienes colaboraron para crear una atmósfera que resalta la interpretación vocal del artista y pone de manifiesto la intención de plasmar serenidad y gratitud.

Tal como publicó la agencia de comunicación, Andy reconoce y agradece sus experiencias previas, marcando una transición hacia la autonomía creativa. La canción, enmarcada dentro del género pop, refleja el momento vital del cantante y se perfila como una declaración directa sobre la madurez y el aprendizaje a lo largo de su recorrido profesional y personal. Be The One afirma que avanzar en solitario, para Andy, significa integrar todo lo recibido y aprendido junto a quienes lo han acompañado en diferentes etapas, sin dejar atrás sus raíces.

La producción musical de “Solo” incorpora elementos que combinan sensibilidad en la letra, así como una propuesta fresca en la composición, confirmando la intención de consolidar una identidad propia en esta nueva etapa. Según consignó Be The One, el nuevo proyecto busca mostrar la faceta más auténtica de Andy, quien opta por un trayecto independiente, impulsado por el deseo de ofrecer una visión artística alineada con su crecimiento interior.

El lanzamiento del sencillo marca también el inicio de la promoción del álbum debut, que llevará el mismo nombre y estará disponible a partir del viernes. El medio consignó que, a través de este trabajo, Andy expresa satisfacción y esperanza, elementos que se reflejan tanto en la sonoridad de la canción como en la propuesta audiovisual. El mensaje de la agencia de comunicación subraya que, lejos de asociarse con el aislamiento, la apuesta por contar con autonomía creativa permite al cantante acceder a nuevas perspectivas y retos, siempre con una mirada de gratitud hacia el pasado.

El nuevo sencillo situado como anticipo del álbum de Andy sirve así de carta de presentación para su faceta más madura y consciente, en línea con el proceso de afirmación personal y artística reportado por Be The One. La agencia destaca que el proyecto ha sido gestado desde la serenidad, celebrando el recorrido anterior, lo que se traduce en la apuesta por un futuro independiente y el fortalecimiento de la identidad individual como músico.

En este contexto, la apuesta visual dirigida por Gabriel Pinal acompaña la narrativa propuesta en la canción, materializándose en un videoclip que refleja el estado emocional y el momento profesional del cantante. El medio de comunicación Be The One remarcó que el álbum “Solo”, disponible el próximo viernes, apunta a ser una consolidación del crecimiento y la maduración artística de Andy, posicionando este lanzamiento como el inicio de una etapa en la que la autenticidad y el aprendizaje pasado toman protagonismo.

La producción del videoclip “Poquito a poco” en Cádiz marca un momento decisivo en la carrera solista de Andy Morales, quien eligió para la grabación espacios al aire libre y una atmósfera familiar, acompañado tanto de seguidores como de miembros de su círculo íntimo. Según consignó el medio que reportó la noticia, la presencia de su hijo Andy en el rodaje, atento a cada detalle del trabajo de su padre, añade un componente personal a esta etapa artística, en la que el cantante busca consolidar su identidad fuera del dúo que compartió con Lucas.

De acuerdo con la fuente original, cuatro meses después de la disolución de "Andy y Lucas", Morales ha avanzado en su camino profesional al concluir la grabación de su primer disco en solitario. El artista, originario de Cádiz, ha lanzado hasta ahora dos sencillos: “Marioneta” y “Poquito a poco”. Aunque la fecha de lanzamiento oficial del álbum aún no se ha anunciado, se prevé que ocurra en las próximas semanas, antes de su debut en solitario sobre un escenario el 13 de mayo en Sevilla.

Durante la grabación del videoclip en un parque natural de Cádiz, Morales encabezó una caminata acompañado, en un ambiente distendido y participativo, de un grupo que lo seguía con entusiasmo, interpretando “Poquito a poco”, un tema de carácter bailable que integra elementos flamencos y mantiene vínculos musicales reconocibles con la etapa anterior del artista, indicó el medio. En ese entorno, Andy mostró cercanía con sus admiradores, interactuando en distintas oportunidades para tomarse fotografías y conversar, además de aprovechar momentos de descanso junto a su equipo.

El medio detalló además que la agenda de Andy incluye una gira que recorrerá diversas ciudades españolas durante el verano, en busca de reforzar la conexión con su base de seguidores. Mientras tanto, su excompañero Lucas permanece fuera del foco mediático, enfocado en su bienestar y preparándose para una intervención quirúrgica destinada a modificar el aspecto de su nariz.

El proyecto solista de Andy Morales se presenta como una experiencia artística de fuerte implicación personal que, pese a la ruptura profesional con Lucas, conserva elementos estilísticos de su trayectoria compartida. El videoclip de “Poquito a poco”, grabado en su ciudad natal rodeado de familiares y fanáticos, muestra el inicio de una nueva etapa y refuerza el vínculo del cantante con su comunidad de seguidores, informaron las fuentes del medio.

La más reciente aparición de Rosalía en la portada de la edición especial de primavera de la revista Vogue de Estados Unidos ha puesto en primer plano no solo su trabajo musical, sino también su visión sobre la creatividad y la relevancia de la música en su vida. De acuerdo con información difundida por varios medios, la artista catalana ha abordado en una entrevista con la revista aspectos íntimos de su proceso creativo durante la producción de ‘Lux’, su álbum más personal hasta la fecha. En la conversación, Rosalía ha compartido reflexiones sobre el papel de la música como eje central de su trayectoria y ha abordado cuestiones relacionadas con su vida privada, entre ellas los rumores sobre una posible relación con la modelo francesa Loli Bahia, tras haber sido vistas juntas en distintos lugares como Brasil, París y Barcelona. A propósito de las preguntas sobre el celibato voluntario que confesó unos meses atrás, Rosalía manifestó: “Esto es algo muy personal, que creo que depende del momento en la vida, y puedes transitarlo o no”.

El estreno del videoclip de ‘Sauvignon Blanc’, dirigido por Noah Dillon, ha sido objeto de amplia atención mediática, según reportó la prensa especializada. Publicado este miércoles a las 18.00 horas en YouTube, este video corresponde al tercer sencillo de ‘Lux’, el último álbum de la artista, y en pocas horas ha superado las 500.000 visualizaciones. La pieza audiovisual se suma a las anteriores entregas del álbum, ‘Berghain’ y ‘La Perla’, y presenta una narrativa visual en la que Rosalía aparece al inicio recostada sobre la arena del desierto, vestida con un atuendo oscuro, mientras una nube de polvo le confiere un aire enigmático.

A lo largo del videoclip, que según consignó la propia plataforma YouTube ha provocado un alto impacto entre los seguidores de la cantante, se aprecian distintos elementos simbólicos. La artista utiliza un collar de perlas, mencionado también en la letra de la canción, y manipula una copa de Sauvignon Blanc, que da nombre al tema. Las imágenes se alternan entre planos en el desierto y escenas en el interior de un Rolls-Royce, cuya presencia cobra relevancia porque el vehículo termina envuelto en llamas, reforzando así los elementos visuales y conceptuales del video.

Rosalía interpreta versos en los que une la referencia al vino con una declaración sentimental y una perspectiva optimista sobre el porvenir, como en el pasaje: “Si hoy estás tú, yo beberé Sauvignon Blanc. A tu lado mi futuro será dorado. Ya no tengo miedo del pasado”. Tal como destacó el medio de referencia del espectáculo, la conjunción de letra y escenografía fortalece la carga simbólica del videoclip y ha sido objeto de análisis por parte de los fanáticos en redes sociales.

La publicación de ‘Sauvignon Blanc’ anticipa el inicio de la gira internacional del álbum ‘Lux’, programado para arrancar en marzo en Francia. Según detalló la prensa especializada, las fechas confirmadas incluyen presentaciones en Madrid, Barcelona, Londres y Berlín, junto con paradas en ciudades de Norteamérica. Antes del arranque oficial de la gira, Rosalía subirá al escenario de los Brit Awards el 28 de febrero, en una de las galas más importantes de la industria musical del Reino Unido.

El medio Vogue subrayó que, más allá de la promoción de sus nuevos lanzamientos musicales, la popularidad de la cantante catalana atraviesa otros ámbitos de la cultura y el espectáculo. Rosalía ha sido figura principal en reportajes y portadas que la posicionan entre los nombres más reconocidos de la moda, reflejo del alcance internacional de su imagen y su influencia en distintas disciplinas creativas.

Diferentes plataformas han destacado la respuesta inmediata del público al videoclip de ‘Sauvignon Blanc’, que en apenas unas horas superó el medio millón de reproducciones en YouTube. Este ritmo de visualizaciones confirma la expectativa generada en torno a cada lanzamiento relacionado con ‘Lux’ y evidencia la repercusión que la propuesta artística de Rosalía mantiene tanto entre su base de seguidores como en la escena musical global.

‘Lux’, que representa el último capítulo discográfico de la artista tras el éxito de ‘Motomami’, se presenta como una obra de carácter introspectivo y experimental, según describió la propia Rosalía durante la entrevista con Vogue. La artista compartió detalles sobre cómo su interés por la fusión de géneros musicales y sonidos contemporáneos se refleja en cada uno de los temas, aportando un enfoque personal a todas las piezas audiovisuales asociadas al álbum.

Además, medios de espectáculos y cultura han recogido los comentarios de los fanáticos que elogiaron la capacidad de Rosalía para reinventarse visualmente. El trabajo conjunto con el director estadounidense Noah Dillon, quien cuenta con un recorrido en fotografía, arte y música, ha sido interpretado como una búsqueda por destacar las atmósferas y los vínculos emocionales de la canción a través del lenguaje cinematográfico.

La atención sobre la vida privada de la artista también ha crecido con el reciente aumento de apariciones públicas junto a la modelo Loli Bahia, sumado a sus declaraciones sobre la importancia de transitar procesos vitales según las circunstancias personales. La revista Vogue puntualizó el interés de Rosalía por mantener la música como prioridad y la apertura de la artista a que distintos aspectos de su vida convivan con el desarrollo de su carrera pública.

La llegada de su nuevo videoclip, las informaciones sobre la gira internacional de ‘Lux’ y su protagonismo en medios de moda, según consignaron varias publicaciones especializadas, consolidan a Rosalía como una de las principales referencias del panorama musical y cultural actual.

Una de las escenas más comentadas muestra a Rosalía jugando con un collar de perlas, elemento clave tanto en el videoclip como en la letra de su nueva canción. Este miércoles, según informó la cadena de noticias, la artista catalana publicó el videoclip de ‘Sauvignon Blanc’, su tercer sencillo visual del álbum ‘Lux’. De acuerdo con los datos recogidos por el medio, el audiovisual se estrenó en YouTube a las 18:00 horas y ya acumuló casi 100.000 visualizaciones en las primeras horas tras su lanzamiento.

En la pieza audiovisual, Rosalía aparece recostada en medio del desierto mientras se escuchan los acordes iniciales de la canción. Según consignó el medio, la narrativa visual alterna estas imágenes con tomas dentro de un Rolls-Royce, en un recorrido por localizaciones que refuerzan la atmósfera simbólica del videoclip. A lo largo de la grabación, la cantante interactúa de manera recurrente con una copa de Sauvignon Blanc, elemento que ofrece una referencia directa al título de la canción y que, de acuerdo con la publicación original, se integra en una escenografía cargada de detalles alusivos a la temática del tema.

Tal como publicó la fuente, la letra refleja esperanza y un sentimiento de superación personal, expresados a través de versos como: “Si hoy estás tú, yo beberé Sauvignon Blanc. A tu lado mi futuro será dorado. Ya no tengo miedo del pasado”. Estas frases, que resonaron en los comentarios de la audiencia en la plataforma, evidencian la intención de la artista de fusionar simbolismo y emociones en una única propuesta artística que acompaña la puesta en escena.

El videoclip de ‘Sauvignon Blanc’ se suma así a las dos anteriores producciones audiovisuales de ‘Lux’: ‘Berghain’ y ‘La Perla’. El medio detalló que este nuevo sencillo se convierte en una pieza importante para el lanzamiento del álbum y como preámbulo a los próximos compromisos internacionales de la cantante.

Respecto al futuro inmediato de Rosalía, la fuente informó que la artista actuará en los Brit Awards, ceremonia que tendrá lugar el 28 de febrero. El evento se reconoce como uno de los referentes en la industria musical del Reino Unido y representa una plataforma de prestigio para figuras internacionales como Rosalía.

De acuerdo con la información brindada, el lanzamiento de este nuevo videoclip se produce poco antes del inicio de la gira internacional de ‘Lux’, prevista para comenzar en marzo en Francia. Según reportó el medio, la gira contempla fechas confirmadas en ciudades como Madrid, Barcelona, Londres y Berlín, así como actuaciones programadas en diferentes ciudades de Norteamérica.

Las imágenes del nuevo videoclip, el simbolismo integrado y la repercusión inmediata en YouTube fueron destacados como elementos centrales por la cadena noticiosa, que también recordó que tanto la producción musical como la estética visual constituyen una continuación del enfoque artístico característico de la cantante catalana.

La metamorfosis fue documentada por la propia Flor a través de sus redes sociales. “Cambio de look para el videoclip de ‘La Vara está Baja’ (sale el jueves 29 mi gente)”, escribió en una de sus publicaciones, anticipando el lanzamiento de su nuevo sencillo. En el video, se la pudo ver pasando por distintas etapas a cargo de sus estilistas: desde la decoloración de su melena azabache, pasando por el teñido rojizo, hasta llegar al color definitivo que decidió lucir para esta nueva etapa. Además, Vigna optó por sumar extensiones del mismo tono, alargando varios centímetros su ya reconocible cabellera.

El resultado final la dejó más que satisfecha, y no dudó en celebrar el nuevo look con un baile al ritmo de su reciente tema, mostrando la energía y confianza que la caracterizan. En cuestión de horas, la sección de comentarios se llenó de mensajes de apoyo y elogios a su cabellera rojiza. “Dios, qué mujer”; “Todo te queda hermoso”; “Sos un fuego”, “Cualquier color te queda divino”; “No hay manera de que te quede mal algo”; “Seguí brillando, Flor”, fueron solo algunos de los mensajes que sus seguidores dejaron en las redes, acompañando el entusiasmo de la artista por su renovada imagen.

Sin embargo, el cambio de look fue solo una parte de la noticia. El verdadero revuelo vino de la mano del lanzamiento del videoclip de “La Vara está Baja”, una canción que, según quedó claro en los posteos de Vigna, contiene varios guiños dirigidos a Castro y a los rumores que circularon sobre su ruptura. La artista ya había anticipado esta conexión semanas atrás, cuando publicó un posteo sugerente aludiendo directamente al actor y a los audios que se viralizaron en los medios, en los que Castro se comunicaba con Sarah Borrell usando una particular tonada madrileña. “Oye guapa, que la vara nunca esté baja”, fue la frase con la que Flor abrió el reel de Instagram, jugando irónicamente con el acento y la frase que se volvió viral.

En este contexto, Flor aprovechó la oportunidad para compartir un mensaje de autocrítica y aprendizaje personal. “Capitalizando traumas viejos. Admito que fui de las que bajó la vara y se tapó los ojos, porque dolía demasiado ver la realidad. Espero haber aprendido… Pues en el cuento de hadas fui la más taraHada”, escribió la artista, dejando en claro que su música y sus redes son espacios de catarsis y reflexión personal. Y completó la idea: “Pero de todo se aprende y se capitaliza también, obvio ja ja ja”.

El posteo no terminó ahí. Vigna invitó a sus seguidores a replantear sus propios vínculos y a tomar distancia de relaciones que no suman. “La vida es para disfrutarla, en pareja o solos, y mi querida comunidad… Nos pongo una regla: elegimos vínculos que sumen sí o sí, nada de salvarle la vida a manipuladores. Aunque vuelvan rogando y llorando”. La frase, contundente y cargada de experiencia, funcionó como un cierre y, al mismo tiempo, como un consejo directo para quienes siguen de cerca su historia personal y profesional.

Así, Flor vuelve a demostrar que cada etapa de su carrera es una oportunidad para renovarse, expresarse y conectar con quienes la siguen. Su nuevo look, lejos de ser solo una cuestión superficial, se convierte en símbolo de una etapa superada y una nueva versión de sí misma, lista para afrontar lo que viene con la misma energía, humor y determinación que la caracterizan.

Meses después del lanzamiento de su sencillo "Poliamor", Mar Lucas ha expresado su disposición a conversar en privado con Lola Lolita para dejar atrás las diferencias surgidas en redes sociales a raíz de la polémica por la elección del protagonista de su videoclip, según informó el medio encargado de reportar sobre este tema. En el marco de la más reciente edición de los Army Awards 2026, la cantante enfatizó que prefiere afrontar cualquier malentendido con apertura al diálogo y sin alimentar controversias públicas, remarcando que todo se trató de una situación que se salió de contexto.

De acuerdo con la información publicada, la controversia surgió cuando Mar Lucas presentó su tema "Poliamor", cuyo videoclip y portada cuentan con la participación de Ibelky, exnovio de Lola Lolita. Al poco tiempo, Lola Lolita dejó de seguir en redes sociales a la intérprete y manifestó su descontento a través de interacciones que sugerían que interpretó la elección de Ibelky como una estrategia para llamar la atención, aprovechando la visibilidad generada por la ruptura sentimental entre ambos.

Según detalló la fuente noticiosa, Mar Lucas se pronunció en su perfil de redes para aclarar que nunca intentó generar controversia intencionalmente. La cantante afirmó que, en realidad, pensó inicialmente en otro amigo del entorno de Ibelky, quien es boxeador, para que participara en el videoclip, pero descartó esa opción debido a que no fue posible contar con él para la grabación. De este modo, según publicó el medio, la presencia de Ibelky en el proyecto no buscaba alimentar rumores ni tensiones con Lola Lolita.

En sus declaraciones recientes, recogidas en la cobertura de los Army Awards 2026, Mar Lucas puntualizó que “lo que diga siempre se me saca de contexto”, y evitó profundizar en detalles sobre la relación entre ambas. La artista, en respuesta a unas palabras de Lola Lolita, quien aseguró que "jamás vendería a una amiga", aclaró ante la prensa que tomó esa declaración con humor y supo darle un giro positivo en beneficio propio, según consignó el medio especializado.

En cuanto a la posibilidad de abordar el tema de manera privada, Mar Lucas manifestó su total apertura para conversar directamente con Lola Lolita. “Cuando quiera hablar en privado yo siempre voy a estar abierta y si quiere seguir haciendo vídeos pues yo lo contestaré también con humor y ya está”, expresó la artista. Esta postura, documentada por la fuente original, muestra la intención de la cantante de dejar en el pasado la controversia y centrarse en gestionar cualquier diferencia fuera del foco mediático.

El medio responsable del seguimiento de este caso explicó que tanto la actitud de Mar Lucas como sus explicaciones buscan dar por concluidas las especulaciones en torno al motivo de la presencia de Ibelky en el proyecto audiovisual. A pesar de la resonancia que tuvieron estas interacciones en redes y de los comentarios generados por los seguidores de ambas figuras, la postura actual de Mar Lucas apunta al entendimiento personal y la resolución privada del desencuentro.

Las declaraciones de ambas protagonistas, según ha documentado el medio mencionado, reflejan el impacto que los gestos públicos y las interacciones digitales pueden tener en el desarrollo de controversias mediáticas, especialmente cuando involucran a personas conocidas del entorno musical y digital. La aclaración de Mar Lucas y su interés abierto en dialogar directamente con Lola Lolita agregan un nuevo capítulo al tema, al propiciar la posibilidad de dejar en el pasado una polémica que ha movilizado a los seguidores de ambas en redes.

A pocas semanas de cerrar el 2025, Belinda vive uno de los momentos más destacados de su carrera con el lanzamiento del video musical de “Heterocromía”, sencillo que forma parte de su más reciente álbum: Indómita.

El lanzamiento ocurre tras el éxito de la cantante en la serie Mentiras y la puesta en escena Mentiras All Stars, donde comparte créditos con artistas como Mariana Treviño y Carlos Fonseca.

Heterocromía, el reciente éxito de Belinda en la música

Desde su lanzamiento, "Heterocromía" fue uno de los temas más comentados del nuevo disco de la cantante, pues generó un intenso debate por las supuestas referencias a Gonzalo Hevia Baillères, miembro de una de las familias más acaudaladas de México.

En el ámbito médico, el término hace referencia a la condición de tener los iris de diferente color, una característica que, según los fans, podría aludir al empresario, quien pertenece a la familia propietaria de Palacio de Hierro.

Al igual que la letra, el video oficial está repleto de referencias al mundo “fresa”, tal y como lo describió Belinda en una entrevista con la revista Quién.

“¿Qué gatos son los que visten Loro Piana? ¿Qué gatos son los que solo juegan golf? ¿Qué gatos son los que toman Aperol? Naturellement, Los Aristogatos”, se escucha en la introducción de la canción.

En el video se puede observar a un hombre rodeado de su familia mientras juegan golf y toman Aperol. Las personas presentes en el clip rechazan completamente a la cantante, quien termina lo que parece una relación.

Reacción en redes sociales al nuevo éxito de la cantante de pop

Desde que la intérprete de 36 años anunció en redes sociales el estreno del videoclip, las reacciones de colega y seguidores no se hicieron esperar, pero ahora que el material ya está disponible, algunos de los comentarios que se pueden leer son:

“Basada en una historia real, la propia historia de Belinda”, “Gran manera de acabar el año con el video que todos merecíamos”, “Nos diste lujos, estilo, moda pero sobre todo, recordamos que valemos más por quienes somos y por nuestras acciones”, “Esta mujer no se cansa de servir”, entre otros.

Por qué se dice que la canción Heterocromía está dedicada a Gonzalo Hevia Baillères

1. Belinda incluyó en su álbum Indómita la canción Heterocromía, que ha generado atención y especulaciones acerca de su posible inspiración en Gonzalo Hevia Baillères, con quien la vincularon sentimentalmente entre 2022 y 2024.
2. Varios oyentes relacionan el tema con el empresario porque la letra describe a un hombre adinerado perteneciente a una clase social alta, alineándose con el perfil del “heredero” del Palacio de Hierro.
3. El término “palacio” en otra estrofa se asocia directamente a la cadena de tiendas de la familia de Hevia, interpretándose como una referencia al entorno del empresario: “Y tu palacio me lo paso por el booty”.
4. Otras expresiones en la canción, por ejemplo “old money” y “alzadito”, refuerzan la percepción de que el tema va dirigido a una persona de familia tradicional y adinerada.

Un video hecho con inteligencia artificial de una canción que tiene como inspiración al expresidente Álvaro Uribe se ha hecho viral en los últimos días.

La cumbia titulada Cumbia de un inocente (con mucha mala suerte) se difundió a través de las redes de ¡Ahí les va!, un portal que mezcla humor con noticias de la realidad nacional.

Ahora puede seguirnos en Facebook y en nuestro WhatsApp Channel

El video, que se puede ver en Youtube, en Facebook y X tiene el siguiente mensaje:

“¡Qué mala suerte la de Álvaro Uribe! Su familia y socios políticos está repleta de condenados por narcotráfico o paramilitarismo, pero, claro, él nunca tuvo nada que ver con nada de eso… Un extraño caso que sola la música puede explicar, como esta Cumbia del inocente.

El video se hizo con un croma, como se le conoce a una técnica audiovisual que consiste en grabar a una persona o un objeto sobre un fondo de color uniforme, y que suele ser verde o azul, para después reemplazar ese fondo en postproducción por cualquier otra imagen o video (que se hizo con ayuda de la IA), y que en este caso acompañan a uno de los creadores del portal.

El hombre que aparece interpretando la letra (playback) se apoya en varios titulares de la prensa nacional e internacional en los que el expresidente Uribe aparece mencionado, y cuya relación son varios procesos judiciales de los cuales el líder del Centro Democrático ha salido bien librado, y en los que han sido salpicados familiares y personas cercanas a su entorno.

Letra de la canción dedicada al expresidente Uribe: ‘Cumbia un inocente (con mucha mala suerte)’

“Dicen que soy culpable, pero soy inocente

Traté con mala gente solo por mala suerte

Dicen que soy culpable, pero soy inocente

Traté con mala gente solo por mala suerte

Culpable es mi hermano por contratar sicarios

Culpable es mi primo por cuadrar con paracos

Culpable es mi cuñada por su ilegal lavado

Culpable es mi sobrina por sus contactos narcos

Cumbia de un inocente con mucha mala suerte

Cumbia de un inocente con mucha mala suerte

Dicen que soy culpable, pero soy inocente

Traté con mala gente solo por mala suerte

Dicen que soy culpable, pero soy inocente

Traté con mala gente solo por mala suerte

Culpable ministro por la compra de votos

Culpable mi otro ministro por peculado doloso

Culpable mis funcionarios por tantos delitos

Culpable el DAS (extinto Departamento de Administrativo de seguridad) por muchas cosas más.

Cumbia de un inocente con mucha mala suerte (bis)

Cumbia de un inocente con mucha mala suerte (bis)“.

El video del expresidente Uribe y Jaime Garzón que también revivió en redes sociales bailando el aserejé

Solo un par de días atrás, el nombre de Luis Eduardo ‘Lucho’ Garzón, exalcalde de Bogotá, volvió al centro del debate político nacional luego de que usuarios en redes sociales rescataran un video donde aparece bailando el Aserejé junto al expresidente Álvaro Uribe Vélez.

Así se le conoce al baile y mismo nombre de la canción que hizo famoso alrededor del mundo la agrupación española Las Ketchup a inicios de la década del 2000.

La grabación resurgió tras la designación de Garzón como cabeza de lista al Senado por la alianza entre Alianza Verde y En Marcha de cara a las elecciones legislativas de marzo de 2026.

En el registro audiovisual, compartido recientemente en la red social X por el usuario @MarioRobertoP, se observa a Garzón y a Álvaro Uribe en una tarima durante un evento público, donde improvisan el famoso éxito musical.

El clip generó diversas reacciones, desde comentarios burlescos hasta reflexiones sobre el pasado político de ambos protagonistas.

“Ustedes están muy jóvenes para acordarse que el reaparecido Lucho Garzón y todo el Partido Verde, hicieron campaña con Uribe y nos dejaron el famoso video bailando”, escribió el usuario, según cita Infobae.

La publicación motivó respuestas humorísticas y críticas en la red. Varios internautas recordaron episodios previos de colaboración y distancia entre el exalcalde bogotano y el exmandatario, brindando opiniones sobre la sincronía de ambos en la icónica coreografía.

Los comentarios incluyeron frases como “Pero es mucha maldad ponerlos a bailar el ‘Aserejé’; el que organizó ese evento, sabía lo que hacía” y “Me pregunto por qué no eligieron una canción más fácil que Aserejé, cero coordinación”.

El propio Luis Eduardo Garzón reaccionó en entrevistas a la viralización del video. En diálogo con RCN Radio, comentó que “es imposible bailar con Uribe, no tiene ritmo. Yo sí sé bailar, fui muy rumbero en su momento, pero ese encuentro fue un malentendido”.

Garzón aclaró que el episodio fue resultado de un acto público de respaldo a Enrique Peñalosa por parte del Partido Verde, en el que Uribe también entregó su apoyo.

“Me encontré con que estábamos acompañando a Peñalosa porque era el candidato del partido verde. Uribe lo decidió respaldar y yo también decidí respaldar a Peñalosa porque era decisión y yo era presidente del Partido Verde”, indicó Garzón.

Luis Alberto Herrera Pájaro, ciudadano colombo-venezolano de 29 años, fue extraditado a Chile para enfrentar cargos por el triple homicidio que presentó en la comuna Pedro Aguirre Cerda, ubicada en el sur de Santiago.

Los hechos ocurrieron el 29 diciembre de 2023, y entre las víctimas del hecho se encontraba una niña chilena de 13 años, además de dos jóvenes de nacionalidad colombiana de 25 y 30 años.

La masacre tuvo lugar durante la grabación de un videoclip musical en la población La Victoria, en la región Metropolitana de la capital austral.

Ahora puede seguirnos en Facebook y en nuestro WhatsApp Channel

La extradición de Herrera Pájaro desde Colombia a Chile se concretó luego de una investigación realizada por el OS-9 de Carabineros, en coordinación con el Equipo de Crimen Organizado y Homicidios (Ecoh) de la Fiscalía.

De acuerdo a lo informado por autoridades policiales, el imputado habría abandonado el país por un paso irregular al norte de Chile y fue localizado el 26 de abril de 2024 en Bucaramanga, capital del departamento de Santander.

El general Jaime Velasco, director de control de Drogas e Investigación Criminal de Carabineros, explicó en rueda de prensa a medios que las primeras diligencias permitieron establecer la participación de individuos extranjeros, que escaparon tras el crimen.

“Las diligencias desde el primer momento, a cargo de OS9 de Carabineros, conjuntamente con el Laboratorio de Criminalística de la institución, realizaron distintas diligencias que en pocas horas determinaron la hipótesis de este hecho tan violento”, afirmó Velasco.

La balacera ocurrió cuando bandas rivales se enfrentaron durante la grabación de un videoclip, dejando como saldo tres muertos y tres heridos. La menor fallecida no tenía ninguna relación con el enfrentamiento y se encontraba participando en la actividad artística.

El comisario Edgardo del Valle, jefe de la Oficina Central Nacional de Interpol Chile, confirmó la llegada de Herrera Pájaro al país y su disposición a la justicia para que se incorporen todos los antecedentes y pruebas recolectadas durante la investigación.

“Finalmente se ha materializado la extradición de esta persona, quien ha llegado a territorio nacional para ser puesta a disposición de los tribunales de justicia”, declaró Del Valle.

El proceso de extradición requirió coordinación entre las autoridades chilenas, Interpol y la policía colombiana para trasladar al imputado y permitir el avance de la causa judicial.

La captura en Bucaramanga de Luis Alberto Herrera Pájaro: a responder por masacre en Chile

Luis Alberto Herrera Pájaro fue capturado en el centro de Bucaramanga luego de una alerta generada por una circular roja de Interpol.

En su momento y cuando se revelaron los pormenores de su detención en suelo colombiano, se precisó que Herrera Pájaro era señalado por las autoridades de Chile como responsable de delitos como homicidio, tentativa de homicidio y porte ilegal de armas de fuego en relación al triple homicidio que se presentó en la comuna de Pedro Aguirre Cerda, en Santiago.

La detención fue posible gracias a la colaboración entre la Policía Metropolitana de Bucaramanga, la Sijín, Migración Colombia y la Alcaldía local.

El colombo-venezolano permanecía escondido en ese país desde enero de 2024 después de abandonar Chile por pasos irregulares (por Calama), siguiendo un operativo internacional que incluyó búsqueda en países como Perú y Ecuador.

El coronel Diego Fernando Pinzón Poveda, comandante encargado de la Policía de Bucaramanga, indicó en ese entonces que el caso involucró un enfrentamiento armado entre bandas criminales, relacionado con el control territorial y el narcotráfico.

El incidente dejó tres muertos, entre ellos una menor de 13 años identificada como Mayra Castillo, que participaba en la grabación de un videoclip musical.

Las cámaras de seguridad de la zona documentaron el inicio de la balacera y muestran cómo los participantes y transeúntes se vieron sorprendidos por los disparos.

Dos mujeres estuvieron en medio del fuego cruzado, pero lograron escapar ilesas.

El alcalde de Bucaramanga en ese momento, Jaime Beltrán (destituido por decisión del Consejo de Estado), calificó la captura como un golpe a la criminalidad transnacional.

“Fue detenido uno de los delincuentes más buscados de Sudamérica”, destacó Beltrán, celebrando la labor coordinada entre Migración Colombia y la Policía Nacional.

Se espera que con el colombo-venezolano en territorio austral avance el proceso judicial que busca una condena ejemplar en un caso que movilizó a todo el país, debido a la petición de que el caso no quede impune y se imparta justicia.

Las miradas de los pasajeros no tardaron en posarse sobre ellos. Algunos observaron intrigados, otros con desaprobación, por lo que consideraron una falta de respeto. La escena se volvió incómoda cuando, en medio del rodaje y entregados por completo al juego de la cámara portátil, los músicos no advirtieron la proximidad de la azafata. “¡No! ¡Don’t touch me!”, exclamó la empleada, el tono firme, el inglés entrecortado, el gesto de autoridad abriendo paso. “No me toques”, en español. Es solo un instante, pero bastó para alterar el ambiente y encender la mecha de la polémica. Por ese motivo, se habría iniciado un informe de la tripulación por lo que, al arribar al aeropuerto de su destino, los artistas y su equipo fueron recibidos y demorados por el FBI.

En la sala de embarque, otro video destacó la figura de Ca7riel y Paco Amoroso, interrogados por el personal del FMI de los Estados Unidos, mientras cuatro efectivos de seguridad uniformados cerraron el paso.

Los ojos de los agentes, firmes y diligentes, retrataron la rigurosidad de los protocolos del país del norte. Camisas negras, gorras, radios en el cinturón, un brazo extendido señalando una salida: las instrucciones se sucedieron, y un protocolo que no se había cumplido adentro de la aeronave cuando la azafata y luego el piloto les pidieron a los músicos que volvieran a sus asientos.

Por lo que se pudo apreciar en el video, una persona del entorno de los músicos intentó mediar y traducir gestos en argumentos. Luego de este episodio, finalmente los artistas pudieron continuar con su ingreso a la ciudad.

Cabe destacar que estos hechos tiene lugar apenas tres días después de la impactante noche vivida en los Latin Grammy, donde obtuvieron varios de los premios más destacados y ofrecieron una de las actuaciones más comentadas de la gala. El dúo argentino, referente de la música urbana nacional, vivió una jornada que marcó un hito en su carrera y en la presencia argentina en la música latina, en una noche que también vio ganadores a Fito Páez, Conociendo Rusia y Trueno, entre otros talentos.

El inicio de la ceremonia anticipó una velada especial para los artistas. El videoclip de su EP Papota fue galardonado en dos categorías: Mejor Video Musical Versión Corta y Mejor Video Musical Versión Larga. La seguidilla de reconocimientos continuó con el premio a Mejor Canción Pop por "El Día del Amigo“, que consolidó la posición de Ca7riel y Paco Amoroso entre los grandes nombres de la noche. Más allá del mimo al talento y al ego, fueron las palabras de Paco las que quedaron retumbando dentro del glamour de Las Vegas.

“Quiero agradecerle a mi hermano Catriel, mi amigo. S 50:20, a todo nuestro equipo, a nuestros músicos, a mi mamá”, enumeró el artista de 32 años, nacido como Ulises Guerriero al comienzo de su intervención. Y concluyó alentando a todos los que seguían de diferentes partes del mundo a cumplir sus sueños. “Yo empecé a cantar a los veinticinco años, así que nunca es tarde. Si quieren hacer algo, arranquen. Hoy nos toca disfrutar”.

Poco después, el dúo volvió a ser llamado al escenario para recibir el Latin Grammy a Mejor Álbum de Música Alternativa por “Papota”. Paco Amoroso, visiblemente emocionado, expresó su sorpresa y gratitud hacia su equipo, el sello discográfico, los músicos y sus madres, dedicando el logro a la gente de Argentina y evocando la figura de Diego Maradona como símbolo de alegría compartida.

La racha triunfal no se detuvo. Cuando los artistas regresaron a sus asientos, fueron convocados nuevamente para recibir el premio a Mejor Canción Alternativa por "#Tetas“. Ca7riel, al tomar el micrófono, dedicó el reconocimiento a sus madres, Estrella y Andrea, y celebró el momento con humor y espontaneidad, en sintonía con el clima festivo de la noche.

Susan Ochoa, reconocida en la escena musical peruana por sus dos Gaviotas de Plata en Viña del Mar, da un giro en su carrera con el lanzamiento de “Mix Los Bomberos”, una producción que marca su ingreso en el género tropical. La cantante presenta este tema como una invitación a la fiesta y el baile, enfocándose en conectar con públicos nuevos y afianzar el vínculo con sus seguidores.

La canción está disponible en plataformas digitales y el videoclip puede verse en el canal de YouTube. El video destaca por incorporar a un grupo de seguidores, quienes participaron activamente en su realización y compartieron la experiencia junto a la artista. El escenario, pensado para transmitir alegría y color, crea un ambiente propicio para resaltar la energía propia del género tropical.

“La interpretación, el sentimiento y la alegría son parte de mi personalidad, y lo he plasmado en estas canciones”, comentó la cantautora sobre el proyecto. Al decidir incluir a sus fans en el videoclip, 

Ochoa buscó subrayar la importancia de su público en cada uno de sus logros. “Quise además incluir a mis fans en este videoclip, ya que ellos son parte esencial de mi crecimiento”, afirmó en referencia a la grabación.

Durante la jornada de filmación, los participantes y la artista compartieron momentos que, en palabras de la propia Ochoa, estuvieron llenos de emociones positivas. “Fue una tarde llena de diversión, risas y mucho amor. ¡La pasamos increíble! Amo este videoclip y espero que lo gocen tanto como yo lo hice”, expresó.

Un giro artístico y una apuesta por la cercanía

Este lanzamiento representa una exploración artística para Susan Ochoa, que se ha destacado en géneros como la balada y la música pop. Al incursionar en el ritmo tropical, la intérprete apuesta por la diversidad musical y muestra su adaptabilidad. El tema fusiona elementos populares con el carisma que caracteriza a la cantante, quien ha sabido reinventarse en diferentes etapas de su carrera.

El videoclip, con escenografía colorida y coreografías colectivas, refuerza el mensaje de celebración. El público, convertido en parte del elenco, aporta autenticidad a la propuesta y fortalece la conexión entre la artista y sus seguidores. Este acercamiento directo representa un aspecto fundamental de la actual etapa profesional de Ochoa.

El reconocimiento internacional alcanzado por Susan Ochoa tras su paso por Viña del Mar impulsó su carrera y le abrió puertas en distintos mercados de la música latinoamericana. “Mix Los Bomberos” consolida su presencia y responde al interés de ampliar su repertorio con estilos bailables y populares.

La respuesta del público en plataformas digitales ha sido positiva, con comentarios que destacan la frescura del proyecto y la capacidad de la artista para integrar a sus seguidores en su trabajo. La proyección es que este sencillo forme parte de los próximos conciertos y presentaciones de Ochoa, en los que planea incorporar repertorio de corte tropical.

Susan Ochoa anticipa que seguirá experimentando con nuevos géneros y sumando propuestas audiovisuales que prioricen el contacto directo con los fans. La producción de “Mix Los Bomberos” simboliza el inicio de una etapa orientada a la innovación, sin perder el sello personal que la llevó a destacarse en la música peruana.

La secuencia comienza con el cantante —uno de los nombres más resonantes de la música argentina actual— dejando caer la guardia delante del legendario hombre de la noche. “Aquí andamos, Guille. Medio bajón de nuevo. Por el amor, por las mujeres. Otra vez. No sé si tenés algún consejo o algo para darme”, dispara sin dudar, mientras las imágenes muestran el inicio de la tregua: ambos sentados cerca, rodeados por el resplandor cálido de la barra y una frapera metálica que parece esperar la próxima celebración. ¿Qué lleva a un ídolo joven a buscar guía en el rey del carisma nocturno?

La respuesta no tarda en hacerse ritual. Guillermo Coppola, figura ineludible y memoria viva de mil noches y caídas, recoge el guante con su característica mezcla de humor y experiencia: “Pero ¿qué te voy a decir? ¿Sabés lo que quisiera traer aquí? Un espejo. Que te mires y ahí vas a empezar a valorarte. En tu profesión, la recontra mil rompés. Salud, estás impecable. Facha, ni hablar. Una, dos, tres. Es un tema que por ahí algo hay que modificar. Eso se supera ampliamente”. Las palabras, lanzadas como un brindis, buscan devolverle al reconocido intérprete la confianza robada por el desencanto.

Atrapados por la lente, los dos atraviesan el breve espacio que separa el agotamiento de la esperanza. Rusherking apenas titubea: “Sí, vos decís”. Y Coppola continúa firme: “Vas a ver que lo que yo te digo hoy, que para vos por ahí, día nublado, sale el sol. Pero vos siempre arriba, campeón. No puedes fallar. Así lo siento”. En otra de las imágenes compartidas, testigo preciso del giro, muestra a ambos erguidos frente a la barra reluciente, copas alzadas. El mural de botellas al fondo, el reflejo de los ojos bien abiertos, la promesa de una noche que puede darlo todo o nada.

El ida y vuelta adquiere tono de ceremonia: “Yo te voy a seguir tu consejo. Me prometí que hoy salimos juntos”, responde Rusherking, entregándose al pacto. “Hoy salimos sin dudar. Mano a mano. A romperla. Va”, remata Coppola, al momento de adueñarse de la escena con la seguridad de quien convirtió las derrotas en lecciones y las victorias en memoria.

La escena cierra con una salida casi cinematográfica: “Nos fuimos. Vamos”. “Vamos”. No son solo palabras, sino el eco de décadas de noches y de canciones: un aprendizaje compartido entre quien recién empieza a recorrer el camino y quien puede dar fe de todas sus trampas y destellos.

Las imágenes, publicadas en redes, sellan este cruce icónico: primero, la intimidad de la charla; luego, el brindis sellando la reconquista del ánimo. Dos mundos enfrentados que, por un instante, se mezclan y se dan fuerza.

Los comentarios, en tanto, no se hicieron esperar: “Vos le dijiste a Rusher todo lo que pensamos, Guille, siempre con la verdad”, destacó una de las seguidoras, mientras que otra aclaró: “Habló por todos. Estamos muy orgullosos de vos”

¿Cuántos jóvenes necesitan un espejo para reencontrarse? ¿A cuántos excampeones les hace falta una noche y una promesa para volver a sentirse invencibles? En el cruce entre Rusherking y Guillermo Coppola se dibuja una lección sencilla, repetida a baja voz: las caídas se superan, el sol vuelve, y a veces basta con escuchar a quien ya sabe cómo seguir adelante.

Entonces, en tiempos de bibliotecas digitales haber comenzado a escribir en medios gráficos argentinos a mediados de los años 90 tiene sus ventajas, si es que existe reservorio físico: una carpeta con fotocopias de notas publicadas en uno de los diarios de circulación nacional de la época, me llevó a una nota publicada en Página/12 el jueves 26 de enero de 1995, titulada “Mentasti mata”. El título alude al director y al video de “Matador”.

“Las cosas han cambiado para Pucho Mentasti. ‘Matador’, el superhit de Los Fabulosos Cadillacs, fue su primer videoclip y ganó el premio más valorado en el mercado musical de Latinoamérica, el MTV Video Music Awards de 1994, cuya estatuilla con el astronauta que clava su bandera en la Luna descansa en su oficina de producción”, comienza la nota en donde más adelante, él compara el suceso de “Matador” con la película El Mariachi (1992), de Robert Rodriguez. “Lo latino está de moda en el mundo”, dice Mentasti.

La irrupción del videoclip de “Matador” marcó un punto de inflexión en la narrativa audiovisual del rock latinoamericano. Bajo la dirección de Pucho Mentasti, la pieza se transformó en una declaración visual y musical de resistencia, donde Eusebio Poncela asumió el papel central de una especie de bandido urbano perseguido hasta el sacrificio, encarnando una metáfora de la lucha contra las dictaduras sudamericanas, parte del discurso combativo que tomaron Los Fabulosos Cadillacs a principios de esa década.

La canción, incluida en el álbum Vasos Vacíos, consolidó su estatus como himno del rock latino gracias a su carga política y simbólica. Y la participación de Eusebio Poncela en el video aportó una dimensión cinematográfica que intensificó el mensaje de rebeldía y denuncia social. El rodaje tuvo lugar en el barrio de La Boca, específicamente en el pasaje Padre Federico Grote (a un par de cuadras de Colón Fábrica y Fundación Proa, frente a la costa del Riachuelo que da a la Isla Maciel). Breve digresión: Grote fue un sacerdote redentorista alemán, llegado a Buenos Aires en 1884, y que organizó gremialmente a los vendedores y repartidores de diarios, dejando una huella en la historia social de Buenos Aires.

Pucho Mentasti, nieto de Angel Bautista Mentasti (el fundador de Argentin Sono Film), convirtió el videoclip de “Matador” en un éxito de alta rotación en MTV Latino durante los primeros años de la década. Cada elemento del cortometraje, desde la escenografía hasta los símbolos, refleja la identidad de la banda. Según relató Mentasti a la revista Rolling Stone en 2022, junto al cantante Gabriel Fernández Capello (“Gabi”), diseñaron el guion y la ambientación, que originalmente incluía una bandera de San Lorenzo. Sin embargo, debieron reemplazarla por una de Boca Juniors, visible en una de las escenas de la procesión, tras recibir “presiones” en el lugar de filmación.

Entre los detalles que definieron la estética del video destacan el Cadillac modelo 1938 utilizado como coche fúnebre, la presencia de Eusebio Poncela, las bailarinas, los murgueros y los músicos desempeñando distintos roles. El trabajo de Mentasti inauguró una nueva forma de narrar historias en formato breve, y “Matador” logró condensar el ideario de Los Fabulosos Cadillacs. El director explicó: “El mundo marginal de los ídolos latinos de alguna manera ajusticiados por los grandes poderes es algo que a mí siempre me apasionó y me emocionó. Lo que traté de llevarles a los chicos es continuar esa historia, mezclada con una banda de rock. En esa época tenía buenos contactos y pude sumar al elenco a Eusebio Poncela, que se prendió al toque”.

Dos referentes de la música latina. J Balvin y Gilberto Santa Rosa, sorprendieron al panorama de la música latina al unir fuerzas en Misterio, canción incluida en el lanzamiento Mixteip del reguetonero colombiano que incluye colaboraciones y nuevos temas del artista, publicado un año después de su LP Rayo.

El pasado jueves 24 de julio, los artistas hicieron una aparición en The Tonight Show Starring Jimmy Fallon, el talk-show del comediante y presentador Jimmy Fallon para interpretar en vivo su colaboración, aprovechando la entrevista que Fallon le hizo al paisa.

Ahora puede seguirnos en Facebook y en nuestro WhatsApp Channel

Pero, la actividad de Balvin en la Gran Manzana no se limitó a esto, pues en las últimas horas se dio a conocer que tanto él como el “Caballero de la Salsa” ya participaron de la grabación del videoclip de Misterio.

Según se dio a conocer en el programa Primer Impacto de Univisión, escogieron el emblemático New York Palace Hotel para la realización. Justamente el citado medio tuvo en exclusiva la oportunidad de presenciar las grabaciones y de hablar con ambos artistas sobre lo que hubo detrás de la colaboración.

El colombiano fue el primero en hablar, y se mostró complacido de trabajar con Santa Rosa.

“Estoy feliz. Esperaba el día de poder compartir con el maestro con esta canción Misterio, que es una canción muy especial, porque realmente soy superfan del maestro. Siempre lo he admirado muchísimo y para mí uno de mis grandes sueños era grabar una canción con Gilberto", expresó, remarcando que su intención era lograr una colaboración que fuese “espontánea y natural“.

Por su parte, el puertorriqueño recordó cómo inició todo, por iniciativa del propio Balvin. “Fue un domingo en la noche. Nunca se me olvidará. Entonces el maestro (dijo Santa Rosa señalando al colombiano) me escribe y me dice ‘Hola, soy Balvin’. Yo me quedo mirando y digo ‘sabes qué, mucho bromista’. Entonces envió un mensaje de voz, y digo ‘Mira, no te puedo escuchar bien, escríbeme’. Mientras él hacía eso, yo le escribí a mi hijo.’ O sea, mira, me está escribiendo alguien aquí que dice que es Balvin’“, dijo Santa Rosa entre risas.

Acto seguido, el salsero agradeció la oportunidad de colaborar con el colombiano. “Fue una iniciativa de él, cosa que le agradezco muchísimo, y empezamos a trabajar. Me llegó la canción, me encantó y como bien él dijo, lo que más me gusta es la manera espontánea donde cómo se mezclan estos dos géneros y la transición de uno al otro. Y me gustó mucho también escucharlo cantar a él con esa facilidad“, afirmó.

J Balvin contó la inspiración detrás de ‘Mixteip’

Durante la charla con Jimmy Fallon, este le dijo medio en broma, medio en serio, que se sintió sorprendido por el lanzamiento, debido a que no anunció nada con anticipación, como se acostumbra en la industria musical.

“Felicitaciones por este proyecto, pero no anunciaste nada hasta hace un par de días”, cuestionó Fallon. En respuesta, el colombiano explicó que eso se debió a que su lanzamiento no era un álbum en el sentido estricto.

“No lo hice porque es un mixtape como antes, quise ir directamente a las calles y venderlo en lugares como Time Square…“, expresó.

”Así fue mi primer acercamiento a los mixtapes cuando vine por primera vez a Estados Unidos, veías a personas vendiendo los CD en las calles, y yo empecé haciendo lo mismo cuando está intentando que mi reguetón creciera, entonces esto me genera esa nostalgia, por eso no es un álbum, es un mixtape como la vieja escuela“, explicó el paisa.

“Es difícil sostener una vela en la fría lluvia de noviembre”. Con estas palabras y una potente balada que perdura por más de ocho minutos, se ve a Axl Rose lamentándose en soledad luego de perder al amor de su vida. Sin embargo el músico no se inspiró en una vivencia personal para componer el hit.

Según detalló Los Angeles Times, la letra de la balada y gran parte del videoclip, está inspirado en Without You, una historia del músico y periodista Adalberto “Del James” Miranda. La narración cuenta la historia de Mayne Mann, un rockero de 28 años que se encuentra en la cima del éxito. Su vida cambia luego del suicidio de su novia, Elizabeth. Mann se culpa por lo sucedido debido a que la abandonó por ir a recorrer el mundo.

El músico descubre a Elizabeth en su casa, después de que ella se disparó en la cabeza. Tras contemplar la escena, intenta suicidarse, pero su pistola ya no tiene balas. Antes de quitarse la vida, ella le había dirigido sus últimas palabras: “No puedo vivir contigo y no puedo vivir sin ti”.

La historia impactó en Axl Rose quien se inspiró para escribir November Rain como un homenaje a la historia de Del James. En el video musical, según L.A. Times, uno de los más caros de la historia de la música, la banda da crédito al escritor por la narrativa.

La escena que puso en riesgo la vida de Slash

Una de las escenas más emblemáticas del video muestra a Slash frente a una iglesia. Con su guitarra en mano, el músico ejecuta uno de los solos más memorables de la historia. En principio le pareció una buena idea y aceptó sin dudar pero, durante la filmación, el director propuso una toma que requería acercar un helicóptero a gran velocidad y baja altura alrededor del guitarrista.

“¡El director no me dijo que íbamos a grabar mis tomas conmigo y un helicóptero! Cuando llegué al set a hacer lo mío, me di cuenta de que un helicóptero estaba yendo y viniendo a muchísima velocidad y volando, muy, muy bajo”, dijo Slash en una entrevista con Yahoo!

El músico que este 23 de julio cumplió 60 años, señaló: “Pensé: ‘Bueno, este va a ser mi último día en la Tierra’. Fue la clase de cosa en la que te resignas al hecho de que probablemente vas a morir. Y, en ese punto, tal y como estaba mi cabeza, no es que me diera demasiado miedo morirme. En cualquier caso, lo grabamos y no tenía ni idea de cómo iba a quedar después. Pero acabó quedando muy bien. Pero no sabía que iba a ser tan memorable como resultó ser”.

La polémica por el icónico video de November Rain

Según precisó Los Ángeles Times, el video costó 1,5 millones de dólares —la cifra más alta para un videoclip en su época—. Esta inversión, que pronto sería superada por otras producciones, atrajo críticas tanto por el presupuesto como por la reputación cada vez más impredecible de Rose.

Mientras los seguidores de la banda celebraban la grandiosidad del proyecto, muchos críticos lo tacharon de excesivo y desmesurado, especialmente en contraste con la crudeza y bajo presupuesto de Smells Like Teen Spirit de Nirvana, lanzado pocos meses antes. Dave Grohl, baterista de Nirvana, calificó el video como un “descarrilamiento” en el libro I Want My MTV: The Uncensored Story of the Music Video Revolution, y sentenció: “Cuando un músico empieza a llamar ‘mini-película’ a un video, es hora de dejarlo”.

El legado de November Rain resistió el paso del tiempo. En 2018, se convirtió en el primer videoclip anterior a YouTube en alcanzar mil millones de visualizaciones en la plataforma. Para junio de 2022, la cifra rozaba los 1.900 millones de reproducciones, superando a cualquier otro video de los años 80 o 90. Según el propio ranking de MTV, ocupa el tercer puesto entre los mejores videoclips de la historia. La pieza inspiró parodias, bodas temáticas, un pódcast de análisis profundo y hasta una vela aromática.

El fenómeno dio pie a investigaciones exhaustivas, como la de Robin Petering y Tara Reader, creadoras del pódcast “Nothing Lasts Forever”, dedicado íntegramente al “universo November Rain”. Tras años de análisis, admitieron que aún no pueden afirmar si es el mejor videoclip de la historia, pero sí reconocieron que “forma parte del inconsciente colectivo de una generación. Cualquiera nacido entre 1965 y 1985 tiene algún recuerdo nítido de él. Era una época, antes de las redes sociales, en la que algo podía captar y retener tu atención de verdad”.

Más de tres décadas después de su lanzamiento, November Rain continúa como una de las baladas más exitosas de la historia del rock. Es una síntesis del exceso de los 90, de la ambición artística de Guns N’ Roses y del dramatismo emocional que definió una era. Entre críticas y homenajes, su impacto permanece intacto: la canción y su video no solo marcaron un hito en el género, sino que aún hoy despiertan la misma mezcla de admiración, melancolía y asombro que cautivó a millones desde el primer acorde.

"Este sencillo, que evoca la frescura y seducción de sus grandes éxitos como 'La Temperatura', 'Carnaval' y 'Coco Loco', es una oda a la alegría y la calidez caribeña de los latinos", expresó el equipo del artista, que señaló que esta es "una canción destinada a convertirse en la banda sonora oficial del verano".

La nueva canción de Maluma, de 31 años, fue producida por MadMusick, Majestik, Ily Wonder y Los Jaycobz.

"La canción narra un coqueteo veraniego donde Maluma intenta conquistar a una chica en medio de la vibrante energía de Cartagena, con un sonido contagioso que invita a bailar desde el primer 'beat'", agregó la información.

El sencillo fue publicado con un videoclip que está protagonizado por la modelo colombiana Ariadna Gutiérrez, primera finalista en Miss Universo 2015.

También participan en el video, dirigido por Cesar Pimienta, dos creadoras de contenido: la colombiana Daniella Durán y la mexicana Tammy Parra.

"Esta pieza visual, llena de vida y sabor caribeño, muestra un recorrido que culmina con Maluma conquistando a la ex Miss Colombia, quien interpreta a la misteriosa protagonista de este romance tropical, en medio de atardeceres dorados y una multitudinaria fiesta", señaló el equipo del artista. EFE

La escena, que rápidamente recorrió las redes, comenzó de la manera más casual: Bublé fue testigo de una coincidencia inesperada mientras hacía las compras. En medio de los pasillos, se topó con un producto en la góndola de tinturas para el cabello. Lo particular fue que la caja llevaba el rostro de su esposa, Luisana Lopilato. Fiel a su estilo humorístico y romántico, el artista decidió grabar el encuentro y compartirlo con sus seguidores de Instagram: “Un tipo hace un videoclip sobre conocer a su esposa hot en un supermercado y luego sucede que está en el supermercado, pasa por la sección de productos para el cabello y encuentra a su esposa hot en el paquete”, relató entre risas y mimos al producto y cerró la secuencia con un “Vamos, Luisana Lopilato”.

El video se viralizó en cuestión de minutos y superó los 40 mil ‘me gusta’, acumulando respuestas repletas de complicidad y admiración. Los fans de la pareja no tardaron en sumarse al juego romántico. Entre los comentarios sobresalieron frases como: “Imaginate comprar esa caja de tintura que besó Bublé”, “Me destruye lo enamorado que está de Luisana”, “Luisana lo tiene rendido a sus pies”, y “Sos el hombre más envidiado de la Argentina”. Las ocurrencias de Bublé y la naturalidad con la que exhibe su relación lo convierten una vez más en protagonista de sus propias historias románticas.

No es la primera vez que el músico dedica gestos públicos que dejan en evidencia la admiración que siente por su esposa. El pasado mes de mayo, con motivo del cumpleaños número 38 de Luisana, Bublé hizo una publicación especial en sus redes sociales, acompañada por una foto en la que ambos lucían radiantes sobre una alfombra roja: él, impecable en un traje azul; ella, de color rosa brillante. El texto que eligió para el saludo volvió a emocionar a sus seguidores: “Feliz cumpleaños al amor de mi vida, a la mamá de nuestros hijos y a mi mejor amiga”, expresó el canadiense. Y añadió: “Eres el alma de esta familia y le doy gracias a Dios por compartir mi vida contigo. Tu cumpleaños es solo un recordatorio más de lo afortunados que somos de tenerte en la nuestra. Feliz cumpleaños, Lopi. Te quiero más de lo que cualquier palabra podrá expresar”. El mensaje, escrito en inglés y en español, cruzó fronteras y volvió a reavivar el costado más tierno y familiar del artista.

La respuesta de Luisana tampoco se hizo esperar y reforzó aún más la imagen de pareja inseparable. “¡Aww te amo mi amor! La segunda foto me la acuerdo como si fuera la semana pasada… ¡Estaba embarazada de Noah! Y vos querías comprarme un colchón nuevo porque te preocupaba mi espalda. Siempre cuidándome. Te amo cada día más, ¿es posible?”, le escribió la actriz, trayendo al presente recuerdos de su primera maternidad y de los pequeños detalles que siguen uniendo a los dos.

Los años, los hijos y las carreras internacionales no erosionaron la pasión de aquel primer videoclip, sino que la transformaron en nuevos episodios de amor y complicidad. Ya sea con una simple caja de tintura, una foto en una gala o un mensaje en las redes, Michael Bublé y Luisana lograron que el romance atraviese la cotidianeidad y se multiplique entre miles de seguidores. La historia que comenzó a ritmo de pop en un supermercado hoy se festeja en familia, con la naturalidad y el guiño de quienes nunca olvidan cómo empezó todo.

Un grupo de alumnos del instituto Fernando de los Ríos del pueblo natal de Lorca ha reinterpretado aquella partitura que, en 1931, sentó junto al mismo piano al autor de Yerma y a la Argentinita para inmortalizar una canción popular.

Lo han hecho junto a Jairo Zaval, conocido como Depedro, y en el marco del proyecto 'Lorca, flamenco y Rock' que desarrollan el profesorado y el alumnado de centro.

El proyecto tiene como objetivo recuperar el cancionero lorquiano reinterpretado desde el prisma de las músicas actuales y en ediciones anteriores ya ha contado con José Antonio García, cantante de 091, Miguel Ríos y Anni B Sweet.

Los chavales del centro de Fuente Vaqueros han trabajado este año con 'Los Cuatro Muleros', una de las canciones más conocidas de las grabadas por el poeta granadino y La Argentinita en 1931.

Con la nueva versión, el proyecto combina la tradición de Lorca, las músicas actuales y el uso de las nuevas tecnologías de grabación y edición de imagen y sonido.

La propuesta de Depedro ha mezclado la música latinoamericana con las voces del coro y un cuadro flamenco formado por alumnos del centro educativo, todo inmortalizado en un videoclip que se ha rodado en el Museo Casa-Natal de Federico García Lorca y en enclaves típicos de la Vega de Granada con la producción del alumnado de la escuela de imagen y sonido Curva Polar de Granada. EFE

mro/vg/lml

(Foto)

Con un traje de baño negro y unas botas altísimas de color fucsia, Wanda se movió al ritmo de uno de sus últimos temas, “O bicho vai pegar”. Junto a su colega y un músico, que se encargaba de tocar un sintetizador de manera muy entusiasta, la empresaria se entregó al momento como si estuviera en su propia fiesta privada, frente a una piscina rodeada de globos y un ambiente relajado ante las cámaras. El video de este baile, que dejaba claro que la artista sabe cómo divertirse, no tardó en volverse viral. Los comentarios se abrieron paso en la plataforma X, previamente conocida como Twitter, donde subieron el clip antes de que ella misma lo borrara de su cuenta de Instagram.

“Me dio vergüenza ajena”; “¿Cómo desveo eso?”; “¿Con esos pasos se ganó el Bailando en Italia?”; “No puede ser tan mala bailando”; “Parece un pescado pidiendo agua”; “Sin palabras”, fueron algunas de las reacciones que destacaron por parte de los seguidores de la conductora, quien decidió tomarse la situación con diversión.

Ante las críticas, Nara no solo ignoró los comentarios negativos, sino que los convirtió en una oportunidad para reírse de sí misma. En un gesto totalmente espontáneo y juguetón, la empresaria volvió a publicar más videos en los que, esta vez acompañada solo del cantante brasileño, se reía de la situación con una actitud desenfadada y divertida. Ante la cámara, no solo intentó imitar los pasos de la coreografía que compartió momentos atrás, sino que sacó a relucir su lado más relajado luego de la repercusión que causó entre los usuarios. Por su parte, su compañero intentó imitarla, pese a que no logró seguirle el ritmo. “Remix”, escribió la animadora en alusión al último performance que intentó llevar adelante en el último clip.

Así, en respuesta a las críticas que había recibido, Wanda dejó en claro que su mejor defensa era la risa, celebrando su autenticidad en un remix de música, alegría y pura espontaneidad. Además, pudo mostrarles a la figura con la que se encuentra colaborando, quien no solo causó revuelo por su nombre artístico sino también por su trayectoria en el mundo artístico de Brasil.

MC Binn, nacido Jefferson Cristian dos Santos de Lima, es un artista de 31 años que se ha hecho famoso en Brasil por su estilo provocador. Comenzó su carrera en 2013, pero fue un año después cuando alcanzó notoriedad con la polémica canción “Bin Laden Não Morreu”, que hacía referencia al atentado de las Torres Gemelas y alimentaba teorías conspirativas sobre la muerte de Osama Bin Laden. Este tema le dio su nombre artístico, MC Bin Laden, un seudónimo que generó aún más polémica en su país natal.

En 2016, dio el salto internacional cuando fue invitado a Lollapalooza Brasil por Skrillex y Diplo, y su tema “Tá Tranquilo, Tá Favorável” se convirtió en un éxito global. La coreografía de la canción se viralizó rápidamente en las redes sociales y llegó a los oídos de Neymar, quien la adoptó como su propia celebración tras anotar goles. Sin embargo, la controversia no terminó ahí. A pesar de su creciente fama, un incidente en 2014 lo puso nuevamente en el ojo de la tormenta. Durante un show en Porto Alegre, hizo publicaciones en las que defendía las armas de fuego y las drogas, y esa misma noche, un tiroteo en el club resultó en un muerto y varios heridos. A raíz de este hecho, su figura se vio envuelta en una investigación policial.

En medio de todo esto, Wanda y MC Binn siguen adelante con su proyecto musical, sin dejar que las sombras de la polémica los detengan. La conductora, con su actitud relajada, demuestra que la diversión y la autenticidad son más fuertes que cualquier crítica. Mientras tanto, el músico brasileño sigue marcando su camino, rodeado de controversia, pero sin perder su esencia como figura del funk. Y así, entre risas, baile y música, ambos artistas se muestran al mundo tal como son: auténticos, libres y sin miedo a ser juzgados.

Con su fusión de actitud callejera, virtuosismo instrumental y una energía desbordante, la banda surgida del Sunset Strip de Los Ángeles no tardó en ser bautizada como “La Banda Más Peligrosa del Mundo”. Y no fue un simple eslogan publicitario.

Aunque las leyendas del rock suelen magnificar los excesos de sus protagonistas, en el caso de Slash, el guitarrista de la formación, el peligro fue una constante tangible.

Si bien su imagen pública estaba asociada a las drogas y el alcohol, algunos de los momentos más arriesgados de su vida no tuvieron nada que ver con los estereotipos de autodestrucción sino con decisiones creativas llevadas al límite.

La gira de presentación de Use Your Illusion fue un reflejo de esta tensión permanente. La banda, en su intento de mantenerse fiel a su esencia rebelde mientras navegaba los mares de la fama internacional, ofrecía conciertos tan intensos como impredecibles.

No era raro que Axl Rose, su imprevisible vocalista, abandonara el escenario tras una provocación mínima, desatando disturbios violentos entre el público.

Use Your Illusion, ambición sin freno

En 1991, Guns N’ Roses decidió no lanzar un simple disco, sino un proyecto doble, Use Your Illusion I y Use Your Illusion II. La obra navegaba entre baladas introspectivas al piano y explosiones de rock puro, en una mezcla a veces disonante que reflejaba las tensiones internas de la banda.

Era una producción tan desmesurada que, como señala irónicamente Tim Coffman, Elton John habría sugerido bajar un poco el tono. Esta grandilocuencia también complicaba su ejecución en vivo, donde las expectativas eran tan altas como los egos de sus integrantes.

Más allá de las luchas internas, el proyecto logró alumbrar algunas piezas inolvidables, entre ellas November Rain, una balada épica de nueve minutos que se convertiría en uno de los grandes himnos de la historia del rock.

“November Rain”, la superproducción que desbordó los límites

Consciente de la magnitud de la canción, la banda se propuso realizar un videoclip que estuviera a su altura. El resultado fue una de las producciones audiovisuales más caras de todos los tiempos. Concebido como una suerte de película en miniatura, el video narraba una lujosa boda, escenas de drama romántico y un funeral trágico, todo envuelto en una estética suntuosa y casi surrealista.

Más que un videoclip, November Rain parecía el tráiler de una superproducción hollywoodense protagonizada por Guns N’Roses. Cada toma buscaba reforzar el mito creciente en torno a la banda, mientras consolidaba su presencia no solo en los escenarios, sino también en la cultura popular.

El solo de guitarra más peligroso del rock

Uno de los momentos más emblemáticos del video muestra a Slash emergiendo de la iglesia, guitarra en mano, para ejecutar un solo memorable en medio del desierto. En principio, el músico aceptó participar sin reparos, imaginando una escena simple y poderosa.

No obstante, durante la filmación, el director propuso una toma que requería acercar un helicóptero a gran velocidad y baja altura alrededor del guitarrista.

Mientras las hélices cortaban el aire de manera amenazante, Slash apenas podía concentrarse en su instrumento, pensando: “Esto será lo último que haga”.

La imagen resultante fue espectacular y quedó grabada en la memoria colectiva de toda una generación, pero para el guitarrista fue una experiencia límite que puso en riesgo su vida.

Slash y los excesos que casi lo matan

La filmación de November Rain no fue el único episodio en que Slash rozó la muerte en aquella época. Durante la misma gira de promoción de Use Your Illusion, el guitarrista se desplomó en un hotel tras una jornada de excesos.

Al encontrarlo inconsciente en un pasillo, los paramédicos que acudieron al lugar creyeron inicialmente que había fallecido. Solo una inyección de adrenalina logró reanimarlo.

Estos incidentes no eran excepcionales en la vida de Guns N’ Roses, una banda donde el consumo de alcohol y drogas era casi parte de la rutina diaria.

La imagen de Slash, siempre confiado y desbordante de carisma con su guitarra, contrastaba brutalmente con la fragilidad real de un cuerpo llevado al límite.

Una vida al borde: el precio de la inmortalidad del rock

Ser parte de Guns N’ Roses en su apogeo significaba convivir con el caos permanente. Cada concierto, cada videoclip, cada sesión de grabación era una prueba de resistencia tanto física como mental. Slash, aunque sobrevivió a aquel temerario rodaje y a las secuelas de los excesos, no olvida lo cerca que estuvo de perderlo todo.

Su figura, eternamente asociada al sombrero de copa, las gafas oscuras y los solos inolvidables, es también un testimonio viviente del precio que exige la gloria en el mundo del rock and roll.

El cineasta Rodrigo Sorogoyen es el autor del nuevo videoclip 'Los años nuevos', de Nacho Vegas, que forma parte de la serie que él dirige y que lleva el mismo nombre.

Para la serie, que emite Movistar Plus +, Vegas ha compuesto e interpretado la música original, y hace unas semanas presentaba la canción que acompaña en el décimo aniversario de su primer encuentro a Ana y Óscar, los protagonistas de 'Los años nuevos'.

"La figura de Nacho fue clave desde el principio en una obra en la que la música es una protagonista más. Además de un gran músico, (a Nacho) siempre le tuvimos como un gran narrador, capaz de adentrarse con su música en lo más esencial del ser humano. Cuando le propusimos trabajar juntos no podíamos imaginar la precisión emocional con la que diseccionaría el viaje de Ana y Óscar. Nos sentimos infinitamente afortunados de su música, de haber juntado nuestros caminos", ha explicado Sorogoyen en un comunicado.

La pieza, dirigida por Rodrigo Sorogoyen, producida por Nacho Lavilla (Caballo Films), y con el montaje de Miguel Alcalde, recopila imágenes de los personajes con sus idas y venidas y del encuentro creativo que tuvo lugar en el estudio de Barcelona entre ambos equipos; Vegas y sus músicos y el director junto a su equipo de Caballo Films, e Iria del Río y Francesco Carril.

Este es solo el inicio de una ambiciosa producción que se lanzó este miércoles por YouTube, y está dirigido por Martín Piroyansky. En un mundo donde la autenticidad se mezcla con la exageración y el marketing digital dicta las reglas del juego, esta propuesta mezcla sátira, humor y una mirada ácida sobre la industria del entretenimiento.

Para meterse en la piel de este personaje extravagante, Bossi no escatimó en recursos. Viajó en un avión privado acompañado de su mánager y productor Román Vargas, y un equipo completo de caracterización, vestuario, maquillaje y peinado, encabezado por Paula Gambaro. Cada detalle fue meticulosamente trabajado para que su interpretación tenga el impacto necesario dentro del universo visualmente estilizado de los artistas.

Para su personaje, el comediante fue caracterizado como un extravagante mánager internacional, con un look que resalta por su estética artificial y casi caricaturesca. Su rostro luce maquillado con una base extremadamente pálida, cejas finamente delineadas y labios pintados con un tono rosado oscuro. Sus ojos, de un azul llamativo, parecen aún más intensos bajo la iluminación al tono y el contraste con su tez clara. Además, cabello, peinado con un volumen exagerado y un jopo perfectamente estructurado, refuerza la imagen de un personaje que mezcla el glamour artificial con un aire de parodia. Viste una camisa blanca de corte impecable, lo que le otorga una apariencia pulcra y controlada, casi robótica.

En el corto, el dúo musical aparece convertido en una especie de boy band de los 90, con una estética inspirada en los Backstreet Boys y las producciones más comerciales del pop, pero llevada al extremo de la parodia. Las coreografías exageradas y las tomas estilizadas recuerdan a las producciones de The Lonely Island, donde la burla a los clichés del espectáculo se convierte en una crítica mordaz a la autenticidad en tiempos de redes sociales. En este contexto, Martín aporta su sello inconfundible, encarnando al personaje que empuja a los músicos a una fama descontrolada, incluso fuera de los límites del Planeta.

Mientras tanto, el actor atraviesa uno de los años más intensos de su carrera. Luego de tres temporadas exitosas con su show Bossi Live Comedy, que se convirtió en uno de los espectáculos más vistos de los últimos tiempos, el actor vuelve a la actividad teatral con un desafío mayúsculo: protagonizar La cena de los tontos, la icónica comedia francesa de Francis Veber.

La obra debutará el próximo 20 de marzo en el Teatro El Nacional, bajo la dirección de Marcos Carnevale, y con la producción de Adrián Suar, Guillermo Francella y el propio Carnevale. Bossi interpretará a Francisco Piñón, el eje central de esta historia de enredos, acompañado por Laurita Fernández y Mike Amigorena.

A la par de su regreso a los escenarios, Bossi también se encuentra en la fase final de producción de la biopic de Alberto Olmedo, donde interpretará al legendario humorista en un proyecto que busca retratar la esencia de uno de los íconos más importantes del espectáculo argentino.

En este torbellino de trabajos, los cantantes serán invitados de honor en la platea de La cena de los tontos, demostrando que la conexión con Bossi va más allá de lo musical y que este cruce artístico puede seguir dando sorpresas.

Entre la miniserie con la dupla musical, la obra teatral y su inminente regreso a la televisión, Bossi se consolida una vez más como uno de los artistas más versátiles del país, capaz de saltar del humor a la actuación con la misma facilidad con la que convierte cualquier historia en un espectáculo inolvidable.

Hace unos días, Zeus Tous grababa su nuevo videoclip para abrirse paso por Latinoamérica y cumplir su sueño en el mundo de la música. Ahora, el artista se encuentra en México preparado para expandir su carrera musical y derrochar toda su profesionalidad.

Desde Europa Press fuímos testigos de cómo cogía ese vuelo con ilusión y ganas de vivir "una aventura, un sueño, la verdad desde hace muchos años siempre he querido que llegara este momento y ahora que ha llegado pues un poco nervioso también por el tema, pero muy contento sobre todo por el hecho de seguir con mi música, darme a conocer ahí", explicaba.

México, "un sitio muy importante también en la historia de la música por parte de mi madre, por el cine", lo que le hacía estar "muy contento ilusionado y sobre todo con ganas de estrenar, hoy precisamente, un nuevo single, una nueva canción hecha un poco a medida para México".

Centrado en el trabajo, el hijo de Sara Montiel desvelaba que "hay que trabajar 100%, sobre todo en esta industria que es muy competitiva y en cuanto bajes los brazos ya te viene otro por detrás, o sea que 100% es verdad que tienes que excluir y dejar cosas de lado como cosas personales de tu vida, socializar un poco menos para dedicarle más tiempo a la música".

Le preguntábamos por el reciente testimonio de Isa Pantoja sobre su adopción y nos comentaba que "antes era un poco más tabú, ahora bueno, vivimos otra época, y yo creo que está todo un poco más normalizado".

En su caso, el artista aseguraba que "mi madre siempre lo trató como algo natural y así me lo hizo saber, entonces yo solo puedo decir que es algo natural y ya está, y que las cosas intenten solucionarse en la medida de lo posible, y que la familia está ahí, y cuando falta uno se da cuenta realmente de que igual podrías haber pasado más tiempo con esa persona".

Por eso mismo, él no tendría problema en adoptar: "Ojalá que sí, lo que pasa que me falta lo más importante, que es estar, en este caso, con alguien, con una chica, en mi caso, y tengo poco tiempo para ello ahora, es verdad que solo pienso en música".

Por último, en cuanto a su encuentro con su hermana Thais, desvelaba que "ella está muy bien, muy contenta, tranquila, apoyándome, y mi única familia, que siempre la tendré ahí para todo... realmente solo es necesario eso, el recibir el cariño de alguien, en este caso de mi hermana, para apoyarme en todo lo que hago".

Para eso, Michael invirtió 20 veces más de lo que se gastaba en un video, obligó a cambiar sus modos y reglas a MTV, trajo a los directores de cine al mundo de los videoclips y le dio nueva vida a un álbum que ya parecía estar en una meseta comercial hasta convertirlo en el más vendido de la historia.

Buena parte de la leyenda de Michael Jackson se asienta en el video de Thriller, ese videoclip que nadie quería financiar ni producir.

El 2 de diciembre de 1983, la cadena MTV emitía por primera vez el video de Thriller de Michael Jackson. A partir de ese momento nada volvería a ser igual en el mundo de la música.

Thriller, el videoclip que cambió todo

La anterior parece una afirmación desmesurada, pero se ajusta estrictamente a lo sucedido. Todo lo relativo a Michael Jackson es propenso a la hipérbole. Sin embargo, Thriller sigue siendo a más de cuatro décadas de su estreno el video más influyente de la historia, el que revolucionó a una industria.

El álbum Thriller de Michael Jackson salió a fines de 1982. El éxito fue inmediato. El primer single fue The girl is mine. El público se vio seducido de manera fulminante por las canciones de Michael. Off The Wall, su disco anterior también había llegado a la cima de los rankings y había tenido grandes críticas. Pero ahora se trataba de otra cosa. Este álbum era el ingreso a una nueva dimensión.

En la producción estaba el prestigioso e influyente Quincy Jones. Thriller llegó al número uno muy rápido y ahí permaneció durante meses. En el competitivo mundo del pop de los ochenta, Michael Jackson lograba destacarse. Los singles se editaron uno tras otro. Todos con gran éxito. Millones de copias vendidas y permanentes pasadas en la radio. The girl is mine, Billie Jean, Beat it, Wanna be startin’ somethin’, Human nature, P.Y.T (Pretty young thing). De octubre de 1982 hasta septiembre del 83. El disco ya se encontraba entre los más vendidos de la historia. Cada aparición de Michael era un boom. Los chicos de todo el mundo intentaban imitar sus mágicos pasos de baile.

En el medio surgió un nuevo agente en la industria: el video musical. Piezas fílmicas que ilustraban la canción, como publicidades de tres minutos y medio de un producto llamado canción. Mientras los directivos de las discográficas intentaban determinar su utilidad, se creaba MTV, el primer canal que dedicaba la totalidad de su programación a los videos. Era un vehículo novedoso y había que explorar sus posibilidades. Pero parecía que nadie se animaba a hacerlo, que nadie quería arriesgar demasiado. En Epic, sello de CBS, se discutió bastante cuál sería el corte del disco que ameritaba un videoclip. Se inclinaron por Billie Jean. A Michael le gustaba mucho el video de Don´t you want me del grupo Human League. Llamaron a Steve Barron, su director, y le propusieron el trabajo. Barron aceptó. Venía de la publicidad pero le interesaba el mundo de la música. Había presentado una propuesta para la nueva canción de Joan Armatrading pero al manager de la cantante no le había gustado. Una puesta al día de la historia del Rey Midas, en este caso un artista que transforma todo lo que toca. Con esa misma idea se presentó ante Jackson que, como era de esperar, quedó seducido de inmediato con la posibilidad de iluminar cada cosa con la que entraba en contacto.

El presupuesto casi no se discutió. Fue el estándar de la época: 50 mil dólares. La CBS no estaba dispuesta a gastar más. Para que las baldosas se encendieran a cada paso del futuro Rey del Pop tuvieron que contratar un electricista de la zona que inventó con ingenio y poco dinero un circuito algo precario pero efectivo. Los decorados estaban pintados y los planos eran lo más cerrados posibles para que no se notaran las miserias de la producción. Nada demasiado diferente a los demás videos del momento. Lo que era distinto era el protagonista. El carisma de Jackson traspasaba la pantalla. Los directivos, al ver el producto terminado, quedaron muy satisfechos: el álbum iba a multiplicar sus ventas cuando la pieza estuviera en el aire. Pero se encontraron con un inconveniente imprevisto. No tenían dónde pasarlo. MTV se negaba a hacerlo. Sus autoridades aducían que eran una emisora de rock y que no pasaban música negra. Sus detractores lo veían de otra manera. Acusaban al canal de racismo. Rick James, el artista de Motown, lo dijo abiertamente: “MTV es racista”. El legendario directivo CEO de CBS, Walter Yetnikoff llamó al director general de MTV y lo amenazó: “Si no pasan Billie Jean, les saco los videos de todos mis artistas”. CBS había tomado la precaución de firmar un contrato con el nuevo canal en el que se reservaba el derecho de prohibir la emisión de sus artistas luego de una intimación.

La pelea de Michael Jackson contra MTV

MTV se comprometió a pasar a Jackson pero no aclaró la frecuencia. Al principio el video se emitía dos veces por día. Luego, llegó el turno de Beat it. MTV en medio de las negociaciones había sostenido que esa era mejor canción debido a la intervención de la guitarra de Eddie Van Halen. Barron se negó a dirigir el segundo clip consecutivo de Jackson. Llamaron a otro director proveniente de la publicidad, Bob Giraldi, quien debido al suceso de Beat it fue contratado de inmediato para el de Say say say, el tema que unía a Paul McCartney y Michael Jackson. En el set los periodistas le consultaron quién era la mayor estrella, Giraldi dijo que en sus filmaciones la única estrella era él. Apenas se publicó la declaración, las dos estrellas (de verdad) le pidieron explicaciones: “Nunca nadie pidió tantas veces perdón en tan poco tiempo” contó Giraldi tiempo después. A esa altura el presupuesto se había multiplicado por cuatro: 200 mil dólares. Fue un nuevo éxito. A partir de ese momento, ambos videos entraron en la heavy rotation (eran de los más emitidos) y el disco seguía vendiendo. De a poco, junto a Beat it y Billie Jean, videos de otros artistas negros (todavía no había dudas de que Michael Jackson era un artista negro) comenzaron a aparecer en MTV. El primero de ellos aunque hoy parezca extraño fue Rockit de Herbie Hancock.

En esos años, las discográficas tenían una regla no escrita pero estricta: sólo se hacían dos videos por álbum. Pero Michael y su ambición no respetaban reglas. Quería hacer un tercer clip. Pero para eso debía convencer a Yetnikoff y compañía. El álbum seguía muy arriba en los ránkings pero parecía que su vida comercial se estaba agotando. A un año de su salida se creía que había dado todo lo que podía. Y eso era mucho. El video que Michael quería ni siquiera era sobre uno de los temas que habían aparecido como singles. Él pensaba en Thriller, esa canción que Rod Temperton había bautizado Starlight cuando la compuso. Su ilusión era hacer de monstruo. Llamó al director cinematográfico John Landis que venía de filmar Colegio de Animales, Los Hermanos Caradura (Blues Brothers), De mendigo a millonario y, en especial, Hombre lobo americano. Michael quería metamorfosearse como lo hacía el protagonista de esa película.

Hasta ese momento los videoclips eran asunto de directores publicitarios, no de directores cinematográficos consagrados. Tenía su lógica: debían vender canciones.

Jackson al llamar a Landis (después lo haría con muchos otros como Scorsese o John Singleton) modificó esas reglas de juego. Él quería contar una historia. Landis se entusiasmó. Entre los dos escribieron un guión. Su pieza duraría más de catorce minutos. Ya no sería una mera ilustración de la canción. Ellos filmarían un corto cinematográfico. Pero claro, antes tenían que convencer a los directivos de CBS.

Después de los primeros tanteos de allegados, la respuesta siempre fue la misma: el disco ya está muerto, no vamos a poner un peso más. Michael y Landis seguían insistiendo. Hasta que un día Jackson llamó a Yetnikoff por teléfono. Le pidió por favor que le financiara el clip. El estentóreo ejecutivo parecía dispuesto a darle el gusto; al fin y al cabo era su artista más vendedor. Le preguntó cuánta plata necesitaba. Michael, con su voz delgada y su aire inocente le dijo: “800 mil dólares”. Del otro lado de la línea se produjo un largo silencio. A lo sumo se escuchó alguna respiración agitada, una especie de estertor. Yetnikoff, controlándose, le pidió a Jackson que le pasara con Landis. Cuando el director se hizo con el auricular comenzó una secuencia digna de dibujo animado. El ejecutivo gritaba e insultaba, parecía que del aparato salía fuego; Landis impostó serenidad y esgrimía algunos débiles e inconclusos argumentos: siempre lo tapaban los gritos de Yetnikoff. La conversación (por llamarla de alguna manera: era un monólogo exasperado) se cortó de manera súbita. Michael miró a Landis con ilusión y le preguntó: “¿Qué dijo?”.

El backstage de Thriller

Jackson estaba decidido a hacer el video pese a la negativa de CBS. Lo financiaría él. Landis le dijo que no, que buscarían productores. Se les ocurrió filmar el making of del video y venderlo como un especial de una hora. 45 minutos de documental y 15 del corto.

CBS aceptó poner 100 mil dólares en ese proyecto. MTV dijo que no se apartaría de su norma: el canal no producía videos de ningún artista. En ese momento apareció Showtime, la cadena que recién estaba comenzando a operar y quería instalarse en el mercado. Puso 250 mil dólares por la exclusividad durante un mes. MTV cuando se enteró decidió poner otro tanto para tener la exclusividad posterior (que era casi exclusividad total porque Showtime no llegaba al millón de suscriptores). MTV encontró una argucia para justificar la excepción a su regla y evitar que otros artistas pidieran lo mismo: ellos estaban poniendo dinero para producir un film de una hora, no un videoclip.

El presupuesto se excedió. Llegaron al millón de dólares. Veinte veces más de lo que salían el resto de los clips; 150 mil dólares más de lo que había salido producir todo el álbum. La diferencia la puso Jackson confiado en que el producto final valdría la pena. O, tal vez, obsesionado con hacer de monstruo y filmar su (breve) película de zombies.

La esposa de Landis, Deborah Nadoolman, una vestuarista de gran éxito en Hollywood que venía de hacer Los Cazadores del Arca Perdida, consiguió la campera colorada de Michael. El maquillador fue el mismo de Hombre Lobo Americano. Para la novia de Michael hicieron un largo casting. Jennifer Beals, la actriz de Flashdance, fue la primera opción pero rechazó el papel que recayó en Ola Ray, cuyo mayor logro profesional anterior (y posterior) fue el de haber sido conejita de Playboy. La voz en off del final recayó en Vincent Price, ícono del cine de terror de décadas anteriores. Price hizo un pésimo arreglo económico. No aceptó un porcentaje y exigió mil dólares de salario.

La grabación duró diez días. Unas semanas después, John Landis llevó a Michael a ver el primer corte. En la sala a oscuras, también estaban sus hermanos. Según cuenta un productor en I Want My MTV, la historia oral del canal musical, en la parte en que Michael dice: “No soy como los otros chicos”, se escucharon las carcajadas de sus hermanos. Jackie le dijo al oído a Tito, mientras remedaba la voz de Michael: “Él no es como los otros chicos”. Michael lo escuchó y le reprochó sin levantar la voz: “Eso fue poco amable, Jackie”.

A pesar de la satisfacción de todos los involucrados, Thriller estuvo a punto de no ver la luz. Michael, quince días antes de su estreno, llamó en medio de la noche a un colaborador y le pidió que destruyera el master. Estaba arrepentido de su creación. Creía que atentaba contra sus creencias religiosas (eran épocas en que estaba influenciado por los Testigos de Jehová). Fue disuadido bastante rápido pero exigió que se incorporara una placa explicativa al comienzo del corto: “Debido a mis fuertes convicciones personales quiero remarcar que esta película no apoya las creencias ocultistas”.

El estreno de Thriller

El video tuvo una premier en un cine de Hollywood. Landis contó que a pesar de haber estado en los Óscar, en los Globo de Oro y en Cannes nunca vio una alfombra roja con tantas estrellas. Al finalizar la exhibición la sala aplaudió de pie. Eddie Murphy pidió a los gritos que lo pasaran de nuevo. Y así sucedió: el estreno de Thriller tuvo un bis.

El video se convirtió en un fenómeno irrepetible. Si MTV hasta ese momento tenía tres categorías de videos: los que pasaban mucho (heavy rotation), los de exhibición media y los que se veían una vez por día, con Thriller creó una cuarta: el video que emitían todo el tiempo. Hasta dos veces por hora. En una esquina de la pantalla había una cuenta regresiva que indicaba cuánto faltaba para que volviera a aparecer.

El efecto que provocó sobre las ventas del álbum fue increíble. Las revitalizó y fue el factor determinante para que Thriller, el disco, se convirtiera en el más vendido de la historia (hasta que fue desbancado hace unos años por el Grandes Éxitos de los Eagles).

Michael quiso competir en los Premios Óscar de ese año con su creación. Para ello debía ser estrenado en pantalla grande. Encontraron la manera de cumplir con ese requisito poniéndolo en un doble programa con Fantasía, el clásico de Disney.

El video de Thriller revolucionó la industria. Los ratings de MTV se multiplicaron. El canal le debe su fama al artista que al principio se negaba a pasar. Los artistas negros tuvieron un nuevo medio de difusión. Los videos hicieron explotar a la industria discográfica de los ochenta y los artistas debieron reconvertir su imagen y sus carreras. Impuso un nuevo paradigma. El estreno de Thriller es, junto a la primera aparición de Elvis y a la actuación de los Beatles en lo de Ed Sullivan, es uno de los tres grandes momentos televisivos musicales de la historia.

Jackson a lo largo de su carrera siguió elevando la vara con cada uno de sus videos. Black or White (también de Landis), Bad, Scream, Smooth Criminal o Jam son algunos de los deslumbrantes ejemplos. A partir de él, la música ya no sólo se escucha; también se mira.

Lo esencial: En su más reciente publicación, Lali Espósito mostró el detrás de escena del videoclip de su canción “Fanático”, donde se observa cómo ella misma dirige a los actores para recrear escenas cargadas de humor y simbolismo. Uno de los intérpretes, de estilo desaliñado con campera de cuero y patillas, parece aludir al presidente Javier Milei, lo cual alimenta las interpretaciones de una crítica al mandatario. Desde su estreno, el video ha generado numerosas reacciones en redes sociales por sus alusiones políticas en un tono sarcástico.

Lali Espósito y su canción “Fanático”, con su respectivo videoclip, sigue dando de que hablar. Es que ni bien salió a la luz, el pasado 26 de septiembre, en las redes sociales se empezó a hablar de manera instantánea acerca de las múltiples referencias que hay allí sobre el enfrentamiento público que la popstar local mantiene con el presidente argentino Javier Milei.

Así y a poco más de un mes del lanzamiento, este viernes la artista publicó en sus redes sociales una pieza corta en la que se pudo ver algo del detrás de escena del rodaje del videoclip. Especialmente, las directivas que ella misma le dio a alguno de los actores involucrados, quienes abren el video saludando a cámara y diciendo: “Hola, soy Lali”.

“No se sientan como tensos de hacer algo rápido, vamos a agarrar lo mejor de cada uno”, le dice la cantante y actriz a todos en general. Luego le habla a un muchacho que en su primera escena aparece vestido de traje sin corbata y vuelve lookeado en un estilo más glam. “Para mí vos entrás y te llevan. Y cuando te vuelven a traer vestido diferente. ‘Bueno, me pusieron esto’. Vos no viniste así vestido. El chiste es que terminás copado”, le explica Lali.

Después le habla al actor al que muchos le encontraron un parecido físico y de vestuario con Milei: campera de cuero, patillas y habla a los gritos mientras gesticula nervioso. Ella se duerme ante la escena después de comerse un pancho. “Vamos como con unos slows y no sé qué. Entonces de pronto...”, dice Lali, momento en el que silenciaron sus palabras pero se lee en los labios un insulto en el que parecería decir la “conch... de la...”. “Y queda rebueno”, completa ella, mientras un insert muestra cómo quedó el resultado final de la toma.

Por último, le habla a un muchacho grandote y tatuado, que en el clip aparece con un bombo a la usanza sindicalista, con un “LALI” plotteado. “Y vos sos el hombre que me quiere”, le ordena la artista en las imágenes que difundió.

Días atrás, la estación de trenes de Once, terminal de la línea Sarmiento, se vio sacudida por un grupo de chicos y chicas que de un momento a otro se congregaron en el hall para bailar al ritmo de “Fanático”. Si bien pareció algo armado de manera espontánea, la realidad es que se trató de un flashmob organizado por los estudiantes del departamento de Artes del Movimiento perteneciente a la Universidad Nacional de las Artes. La coreografía llegó a su clímax al mismo tiempo en que a través de un parlante sonaba el estribillo del tema de Lali (“Viene a buscarme, se come mis sobras / Lo tengo encima, parece mi sombra / Na-na, na-na-na-na-na”) al tiempo en que la multitud pegó un grito para arengarse.

“Expresamos nuestro repudio al gobierno y el ataque a las universidades, reclamamos la falta de presupuesto tanto para infraestructura y funcionamiento como para salarios docentes. Ya hicimos tomas, marchas multitudinarias, clases públicas en la facultad como en Plaza de Mayo y esta es una forma más para hacer llegar el descontento”, expresaron a través de un comunicado en relación a esta acción que decidieron realizar en un contexto marcado por los recortes presupuestarios hacia la educación.

En las últimas semanas, y tras el veto a la Ley de Financiamiento Universitario, el movimiento estudiantil, docente y no docente viene realizando diferentes jornadas de lucha en defensa de la educación pública. La elección de la canción para la coreografía no es casual, dado que tanto en la letra como en el videoclip se filtran distintas referencias hacia la pelea mediática que vienen manteniendo el Presidente argentino y la cantante. De hecho, la propia Lali reaccionó en las redes sociales al ver el video del flashmob respondiendo con un emoji de corazón negro a las imágenes que circularon a través de Twitter.

“Es un método, una herramienta de visibilización que hemos usado les bailarines en otros momentos, por ejemplo en 2015 y 2016, se hizo un flashmob nacional para visibilizar el reclamo que tiene el sector por una Ley Nacional de la Danza, que nos dé un instituto. Ahora, en este caso, se hizo específicamente por el reclamo universitario que estamos llevando adelante junto con el resto del movimiento estudiantil que viene tomando sus facultades y realizar distintas acciones”, dijo Aluhe Retamar, presidenta de UNA Movimiento, en diálogo con Teleshow acerca de esta movida.

“Nosotres elegimos esto como una manera de ponerle el cuerpo desde la actividad, a lo específico de nuestra carrera, lo que aprendemos todos los días como profesionales de la danza, como estudiantes e intérpretes. Reclamamos por el salario de nuestros docentes, por el presupuesto de la universidad, para que pueda seguir funcionando, para que nuestros compañeres dejen de caerse de las cursadas, por la falta de becas, para que los docentes y no docentes tengan salarios dignos”, agregó Retamar.

En cuanto a la elección del tema de Lali, explicó: “Lo usamos porque va en consonancia con enfrentar la situación. En algún punto, es decir y dejar en claro lo que nosotres vamos a defender y que vamos a ir a fondo con eso. Y Lali es una persona que ha sabido muy bien defender a la cultura hoy día, cuando este gobierno la viene atacando desde el momento en que asumió”.

A Coruña, 30 oct (EFE).- Los cuatro jóvenes acusados del crimen de Samuel Luiz aparecieron en un videoclip propio con armas blancas en el que cantaron una canción cuya letra incluía "maricas de mierda" y repetía de forma continua "dando duro".

La sección primera de la Audiencia Provincial de A Coruña ha acogido una nueva sesión del proceso contra cinco adultos para el caso de la muerte de Samuel Luiz el 3 de julio de 2021, en el que la Fiscalía pide penas de entre 22 y 27 años de prisión.

Un agente de la Policía Nacional que analizó las imágenes de algunas de las cámaras de la zona y examinó también la información del teléfono de uno de los acusados, Kaio Amaral Silva, ha prestado declaración este jueves.

En su móvil estaba el videoclip de una canción de género trap protagonizada por uno de los menores condenados por este caso y en el que aparecen los cuatro acusados en este proceso con distintas armas, como una navaja automática, una navaja de mariposa, un machete y un bate.

Este documento, de finales de abril, tiene como estribillo continuo "dando duro" e incluye en la letra varias cuestiones violentas como "si te cojo te espabilo fijo", "dando duro que tú te vas para el suelo", "como te pillen se te va a acabar la suerte" o "resolviendo a golpes".

Una de las estrofas contiene "maricas de mierda, están hablando falso", que es precisamente una de las cuestiones que se abordan en este juicio, pues a dos de los acusados, Diego Montaña y Catherine Silva, se les imputa la agravante de agredir a la víctima por su orientación sexual.

Las defensas han insistido durante la sesión que el vídeo se grabó meses antes de los hechos y que el género musical incluye este tipo de cuestiones, que creen que no están relacionadas con la actitud de los procesados.

En el móvil de Kaio Amaral Silva también encontraron mensajes en los que busca "gente que lo secundase en la idea de lavar su imagen" porque en redes sociales "lo acusaban de haber participado en la agresión de Samuel".

"No tengo nada que ver. Las grabaciones me darán la razón de todo lo que digo. No soy homófobo y mucho menos un asesino", dijo en una de sus publicaciones.

Este acusado, en una conversación con Catherine Silva -a la que se refiere como "la que empujó a la chavala (amiga de Samuel)"-, le dice que no tenga "tanta boca" e incluso llega a recomendar a los menores que vayan a declarar voluntariamente, que él ya había ido y no les iba a pasar nada: "No voy a decir nada de nadie (...) que iba borracho y no me acuerdo, que miren las cámaras y ya está", les dijo.

En las imágenes de las cámaras, este agente de la Policía Nacional vio a Alejandro Freire que camuflaba una botella en su chaqueta al salir del pub en el que estaban la noche del crimen, una cuestión que tendrá importancia la semana que viene cuando se aborde el ADN en una de las armas supuestamente utilizadas durante la agresión. EFE

(foto)

1012131

Oviedo, 30 oct (EFE).- Ilegales, el grupo asturiano de rock ha anunciado este miércoles el lanzamiento de un nuevo disco en marzo de 2025, que contará con un adelanto el próximo 22 de noviembre.

Lo ha anunciado el productor Roberto Nicieza, durante la presentación del videoclip ‘Agotados de esperar el fin’, que ha tenido lugar este miércoles en la sede de la Sociedad General de Autores y Editores de Oviedo y en la que ha estado presente también el líder de la banda, Jorge Martínez (Avilés, 1955), conocido como Jorge Ilegal.

Es el segundo videoclip de una de las canciones antiguas que la banda, una de las más veteranas del rock español, ha lanzado en las últimas semanas con motivo de la reedición de su segundo disco: 'Agotados de esperar el fin', de hace ahora cuatro décadas.

Según ha explicado Martínez, sus primeras canciones nunca tuvieron acompañamiento de vídeo porque ni los integrantes del grupo ni las multinacionales que comercializaban sus discos estuvieron interesados en salir en la televisión, ya que lo que gustaba a su público era “la música” que era “un acontecimiento social”.

“Cuando editamos la caja de 126 canciones de Ilegales hace ya 15 años nos encontramos con que faltaban cantidad de fondos en video. A pesar de haber sido uno de los grupos con más capacidad de convocatoria en los años ochenta y que más discos vendía, resultó que no tenía contenido para hacer un dvd", ha añadido Nicieza.

Tras lanzar la semana pasada el videoclip de ‘Soy un macarra”, que probablemente sea su canción más famosa, este miércoles ha sido el turno de ‘Agotados de esperar el fin’, que Martínez ha podido ver también por primera vez junto a los medios y los aficionados que han asistido a la presentación y que lo han calificado como “muy bueno”.

Nicieza ha anunciado que el plan es terminar de promocionar el nuevo videoclip, que será el último en lanzar de su segundo disco, y empezar a trabajar en el nuevo, que, según ha anunciado, también contará con acompañamiento de vídeo para varias canciones. EFE

(Foto)

Nueva York, 30 oct (EFE).- Apenas unos días de la publicación de su nuevo tema "Disease" ('Enfermedad)', Lady Gaga ha compartido con sus seguidores en las redes el video musical oficial de esta canción con sonidos electrónicos e imágenes perturbadoras.

El video lanzado el martes por la noche pone imágenes a este nuevo sencillo, anticipo de lo que será su próximo álbum, el séptimo de estudio de la diva del pop.

"Pienso mucho en la relación que tengo con mis propios demonios internos. Nunca me ha resultado fácil afrontar cómo me seduce el caos y la agitación. Me hace sentir claustrofóbica", asegura la intérprete de "Poker Face" en su perfil de Instagram sobre el tema.

"La enfermedad tiene que ver con enfrentar ese miedo, enfrentarme a mí misma y a mi oscuridad interior, y darme cuenta de que a veces no puedo vencer ni escapar de las partes de mí que me asustan", subraya la cantante y actriz estadounidense.

"Bailar, transformarme, correr, purgarme. Una y otra vez, volver a estar conmigo misma. Esta integración es, en última instancia, hermosa para mí porque es mía y he aprendido a manejarla", agrega.

Y precisa que es "la directora" de su propia "sinfonía".

"Soy cada actor de las obras que son mi arte y mi vida. No importa lo aterradora que sea la pregunta, las respuestas están dentro de mí. Son partes esenciales e inextricables de lo que me hace ser yo. Me salvo a mí misma si sigo adelante. Soy todo lo que soy, soy fuerte y estoy a la altura del desafío", asegura.

La cantante completa el mensaje que acompaña a su video con un !Feliz Halloween!.

“Disease” se estrenó el viernes pasado y formará parte de un nuevo álbum de Gaga que saldrá al mercado en el segundo trimestre de 2025. EFE

Los Premios Quirino de la Animación Iberoamericana han abierto el plazo de inscripción de obras para su octava edición, cuya gala de entrega de premios tendrá lugar en mayo del próximo año en la isla de Tenerife. Creados en 2018, estos galardones buscan poner en valor el talento y la industria de la animación iberoamericana, además de fomentar redes profesionales a ambos lados del Atlántico y contribuir a la construcción de un mercado iberoamericano de la animación.

Las obras postuladas competirán en siete categorías principales: Largometraje, Serie, Cortometraje, Cortometraje de escuela, Obra de encargo, Animación de videojuego y Videoclip. Las obras finalistas en las categorías principales competirán, además, en tres categorías técnicas: Desarrollo visual, Diseño de animación y Diseño de sonido y Música original.

La convocatoria está dirigida a obras con producción mayoritaria de alguno de los 23 países iberoamericanos estrenadas entre el 1 de junio de 2023 y el 31 de diciembre de 2024. La inscripción de los trabajos deberá realizarse a través de la plataforma Festhome antes del 17 de diciembre a las 23:59h (hora de España). Las bases de participación están disponibles en este enlace. Entre todos los trabajos postulados, un comité de selección escogerá seis nominados por categoría que serán anunciados en febrero del próximo año. Posteriormente, un jurado internacional elegirá tres finalistas por categoría y serán éstas las que opten a los premios a entregarse en la ceremonia que se celebrará en mayo en la isla de Tenerife. Tanto la fecha como la sede de los Premios serán anunciadas próximamente.

En la última edición de los Quirino, 'Robot Dreams' de Pablo Berger fue reconocida como Mejor Película, la segunda temporada de la serie musical 'Jasmine & Jambo' de Silvia Cortés como Mejor Serie, y el filme brasileño 'Lulina e a Lua' de Marcus Vinicius Vasconcelos y Alois Di Leo como Mejor Cortometraje. Los premios en las demás categorías recayeron en obras de Argentina, Chile, Colombia y Portugal.

Además de reconocer las mejores obras de animación iberoamericana, los Quirino volverán a ser sede del Foro de Coproducción y Negocio que en su última edición contó con la participación de 200 profesionales de 25 países que mantuvieron más de 1.400 reuniones de negocios.

Shakira volvió a romper récords en la industria musical con su nuevo sencillo Soltera, lanzado el 11 de octubre de 2024, y cuyo videoclip se convirtió en el latino en solitario más visto del año en sus primeras 24 horas, alcanzando la impresionante cifra de 4,5 millones de visualizaciones.

Este logro destaca el dominio que la artista barranquillera continúa ejerciendo en el panorama musical y digital. Sin embargo, así como el sencillo ha generado elogios y furor entre sus seguidores, también ha desatado críticas entre quienes no comparten el trabajo musical de la cantante.

Ahora puede seguirnos en Facebook y en nuestro WhatsApp Channel.

“Aparentemente eso es triunfar”: Carolina Sanín

A través de su cuenta en X, la escritora Carolina Sanín no dudó en expresar su desacuerdo con la imagen que Shakira muestra en Soltera. El 24 de octubre, Sanín escribió: “Shakira está a punto de salir en las fotos con chupete y osito. Aparentemente eso es triunfar y disfrutar la vida para una mujer madura: parecer niña. Vaya”. Con esta publicación, la escritora colombiana expresó su inconformidad con la supuesta idea de que el éxito y la diversión para una mujer adulta dependan de emular una imagen juvenil.

Las críticas de Sanín no se detuvieron allí. El 26 de octubre, Sanín amplió sus declaraciones en otro mensaje, enfatizando lo que considera un problema en el mensaje de la canción: “Explico más: lo que Shakira les dice a las mujeres con su ‘soltera’ es que se puede ser soltera, pero si se es (o se finge ser) joven. Y que ‘pasarlo bien’ significa hacerse pasar por joven. Se transmite un sentimiento de vergüenza, no de orgullo. Y es bastante destructivo”.

Para Sanín, el mensaje del tema refuerza la idea de que la edad debe ocultarse, especialmente en las mujeres, lo que promueve una especie de vergüenza hacia el paso del tiempo. En su última crítica, la escritora sentenció: “Y pues su ‘portarse mal’ me imagino que es hacerse diez mil tratamientos para ocultar el paso del tiempo. Todo es muy chistoso”.

A pesar de estas duras críticas, Soltera ha sido un éxito rotundo, con el video superando los 9 millones de visualizaciones en sus primeros dos días. La producción, grabada en el exclusivo club LIV de Miami, muestra a Shakira celebrando su independencia y rodeada de un grupo de reconocidas artistas femeninas, como Winnie Harlow, Anitta, Danna Paola, Lele Pons y Natti Natasha.

El videoclip de Soltera también se conecta visualmente con temas previos de Shakira, incluido Me enamoré, que fue un homenaje a su relación pasada con Gerard Piqué. En este nuevo lanzamiento, el inicio del video tiene una referencia a aquella canción, pero el contexto cambia drásticamente: en lugar de despertar junto a una pareja, Shakira está acompañada de amigas que celebran la soltería y la independencia femenina. Una de las mujeres en la escena inicial lleva escrito en su frente “Loba forever”, haciendo referencia a la emblemática canción de Shakira, Loba, y reafirmando la idea de una mujer libre.

Los seguidores de la artista han reaccionado con entusiasmo y elogiaron tanto la estética del video como el mensaje de la canción. En redes sociales, muchos destacan que Soltera es un himno de empoderamiento para las mujeres que eligen ser independientes y disfrutar de su vida en sus propios términos.

Con Soltera, Shakira ha añadido un nuevo hito a su carrera, consolidándose como una de las artistas latinas más influyentes del mundo. Además de romper récords en plataformas digitales, su gira mundial Las mujeres ya no lloran ha sido otro éxito monumental, pues la venta de entradas en Latinoamérica fue masiva,

Barcelona, 12 oct (EFE).- El dúo Estopa ha lanzado el videoclip 'Sola', grabado en el macroconcierto que reunió el pasado 10 de julio en el Estadi Olímpic de Barcelona a 60.000 personas.

El tema 'Sola' es una balada que trata sobre la soledad y se incluye en el último álbum de la banda, 'Estopía', disco que, como la gira de este 2024, celebra los 25 años de historia de la rumba rock de Jose y David.

El concierto más mutlitudinario de los Estopa, en Barcelona, podrá verse en Movistar+ a partir del 18 de octubre, con momento exclusivos entre bambalinas de los autores e intérpretes de temas ya clásicos como 'Tu calorro', 'Tragicomedia', 'El del medio de Los Chichos', 'Cacho a cacho', 'La raja de tu falda' o 'Como Camarón', entre otros.

Igualmente, el próximo 18 de octubre Estopa vuelve a actuar en la capital catalana (esta vez en el Palau Sant Jordi).

Desde su cuenta de X, el grupo ha querido recordar que las entradas para el próximo viernes se agotaron en horas y que por tanto cualquier venta de entradas por internet es una estafa ante la que estar atento.

El concierto del 10 de julio en el Estadi Olímpic representó un hito en la historia de la música en directo en España ya que nunca antes un grupo o artista español en solitario había agotado entradas en el escenario principal de los JJOO de Barcelona'92. EFE

São Paulo, 3 oct (EFE).- Un productor musical de 34 años fue asesinado a tiros en una calle de la ciudad brasileña de São Paulo durante la grabación de un videoclip del rapero Boladin 211, informaron este jueves fuentes oficiales.

El crimen tuvo lugar la noche del miércoles en el distrito de Cachoeirinha, en la zona norte de la capital paulista, cuando dos sospechosos se acercaron a David Beckhauser y efectuaron "diversos disparos", según señaló la Secretaría de Seguridad Pública de São Paulo en una nota.

La víctima, que en ese momento estaba fotografiando a Boladin 211 durante la grabación de un videoclip del artista, fue trasladada a un ambulatorio de la región, pero no sobrevivió.

Según la prensa local, Beckhauser tenía doble ciudadanía y llegó a servir en el Ejército de Estados Unidos.

En 2016, la Justicia brasileña lo condenó por el homicidio de un supuesto cabecilla de una banda de narcotraficantes, sentencia que recurrió en instancias superiores, de acuerdo con la emisora Band.

La Policía Civil de São Paulo registró el caso como homicidio y abrió una investigación "para esclarecer todas las circunstancias de los hechos y detener a los autores", que huyeron del lugar tras disparar mortalmente contra Beckhauser.

Boladin 211 lamentó la muerte de su productor en redes sociales. "Descansa en paz, Dindão. No me lo puedo creer. Nunca te olvidaremos. Siempre estarás en mi corazón", dijo.

En otro mensaje le dio las gracias por todo lo que hizo por él. "Un guerrero no muere, se convierte en leyenda", declaró el cantante. EFE

Con esta composición, que mezcla los sonidos del merengue con el género urbano, la artista pretende “representar el sabor, no solo de un país, sino de nuestra comunidad latina por el mundo entero… alegre, feliz, guapachosa y contagiosa”, dijo.

Ahora puede seguirnos en nuestro WhatsApp Channel y en Facebook

Para el video musical, Karol G invitó a varias bailarinas de origen latino para mostrar el sabor y la cultura del continente. Sin embargo, una de las sorpresas que tenía preparada la artista fue la participación de Inesita, una influenciadora de 89 años que se robó la atención de todos los fanáticos de la Bichota.

La tiktoker, oriunda de Medellín, tuvo que desplazarse a República Dominicana, donde se grabó el video. Para Inesita, la experiencia estuvo cargada de emociones, pues fue la primera vez que se subió a un avión, hasta le preguntó a su nieta si el avión hacía una parada para que las personas pudieran comer, a lo que le respondió, “no abuela, comen allá arriba en el avión”.

Al llegar al país caribeño, Karol G no pudo resistir la emoción por el encuentro y abrazó a Inesita, que sorprendió a la cantante con un tarro de sus clásicas galletas que la llevaron al reconocimiento de miles de seguidores. Cuando recibió el detalle, la cantante dijo: “¿Me hiciste de las galletas a mí? Si yo me morí cuando se te quemaron las otras y pregunté ‘¿a dónde las pido para que me lleguen?’, yo las compro quemadas”.

La influenciadora no dudó en manifestar su gratitud a la Bichota por la invitación y aseguró que para ella fue un enorme orgullo “conocer al ser humano excepcional que hay detrás de la artista increíble que eres”, dijo.

¿Quién es Inesita, la abuela que se robó el corazón de Karol G?

Inesita es una abuela paisa de 89 años y ‘tiktoker’ que se ganó el aprecio de los colombianos por sus videos de recetas, gracias a ello materializó la construcción de su propia casa: un proyecto financiado por su emprendimiento de ‘aliñitos’ dedicado a la repostería.

Con el apoyo de su hija, Teresa, y su nieta, Andrea Arias, la influenciadora de la tercera edad cumplió su sueño, utilizando el producto de las ventas de sus productos por medio de WhatsApp y la difusión en TikTok como principales medios para alcanzar su meta.

El camino de Inesita en las redes sociales inició con la publicación de clips en los que compartía recetas sencillas de postres y bebidas para que sus seguidores las prepararan en sus hogares.

Además de su pasión por la cocina, Inesita tenía un inmenso deseo de construir su propia casa. Para lograrlo, empezó a promocionar por todos los medios su marca de condimentos. El apoyo de los internautas fue tal que no solo consumían sus productos, sino que también ayudaron a la difusión de su contenido, lo que fue fundamental para que lograra cumplir su sueño.

La influenciadora compartió en sus redes sociales un emotivo video en el que se veía rodeada de sus familiares, con quienes realizó el corte de listón de su nueva vivienda.

Un amplio espacio y la gran cocina eran los anhelos de la abuela, lo que facilitó la continuación de su proyecto en las redes sociales. Durante el recorrido por su nuevo hogar, la creadora de contenido más querida de TikTok agradeció entre lágrimas a todas aquellas personas que la apoyaron desde el inicio con la compra de sus productos.

“Solo nos queda decirles ¡GRACIAS! Gracias nietos por hacer esto realidad, por cada compra, por compartir cada video, por enviar todas las más bonitas energías, por cada mensaje de apoyo y amor! Después de meses de esfuerzo podemos decir que Inesita tiene su hogar, su sueño hecho realidad, un lugar donde podrá estar muy tranquila. GRACIAS, GRACIAS, GRACIAS”, fue el mensaje que acompañó la publicación.

Aida Victoria Merlano generó revuelo en redes sociales durante la jornada del miércoles 8 de mayo, luego de que publicara una fotografía en su cuenta de Instagram en la que aparecía con una barriga de embarazada y un vestido blanco. La imagen solo tenía un mensaje en el que se leía: “Tengo que contarles algo hoy a las 4:00 p.m.”.

Cuando la imagen se difundió en cuentas que siguen la actividad de las celebridades en las redes sociales, los usuarios afirmaron que la influenciadora quiere quedar embarazada para evitar la pena de cárcel que podría recaer sobre ella en caso de que la Corte Constitucional ratifique el fallo de segunda instancia por complicidad en la fuga de su madre, Aída Merlano, en 2019, cuando se encontraba privada de su libertad.

Ahora puede seguirnos en nuestro WhatsApp Channel y en Facebook.

Por otra parte, hubo quienes señalaron a modo de burla que sufría de estreñimiento y ahora iba a promocionar un producto para calmar esos “síntomas”. “Ahora promociona algo para el colon inflamado”, escribió un usuario.

Toda esta especulación se produjo debido a que en el pasado la joven había manifestado que le gustaría ser madre durante 2023, y hasta señaló que a mediados de 2024 aspiraba a iniciar los trámites para conseguirlo, pues su deseo era ser madre soltera. Pero debido a su compleja situación penal, esos planes están en suspenso, como reveló en una grabación en TikTok en abril.

“Ya tenía el prenatal comprado, porque quería comenzar a buscarlo por ahí en junio, pero con mi situación actual es muy complicado”, explicó. “Sin embargo, mi abogado me dijo que ahorita hay un recurso que se llama casación (...) ya ahorita en 20 días, más o menos, nos dicen si la corte acepta o no acepta ese recurso. Si no aceptan revisarlo, me mandan directamente para la cárcel, pero si lo aceptan, se pueden demorar uno o dos años, entonces es por eso que esta es la peor situación para traer un ser humano al mundo”, añadió.

La verdad detrás de la fotografía de Aida Victoria

Pero, al final del día, ni unos ni otros tuvieron razón. Tal y como anunció, a las 4:00 p. m., la barranquillera apareció acompañada del cantante caleño Esteban Rojas, conocido como “La Nuee” o “La nueva luz del diamante” por sus seguidores. Días atrás publicó en plataformas digitales su canción “Demasiado pa’ mi”, y el miércoles 8 de mayo lanzó su respectivo videoclip, que cuenta con Aida Victoria como protagonista.

La creadora de contenido publicó un corto clip que subió en sus historias instantáneas acompañada de Esteban. Allí interactuaron brevemente y cuando la joven le preguntó al artista cómo le había parecido su desempeño en la grabación, este respondió “La rompiste, increíble”. Haciendo gala de su sentido del humor, Aida Victoria afirmó, “es que tengo experiencia”, y cuando este preguntó si se refería a la actuación, ella respondió “presa” con un dejo de picardía.

Por lo demás, no es el primer videoclip en el que Aida Victoria aparece. En 2023 ya trabajó con Andy Rivera como protagonista del video musical de Dudas de mi.

En el comunicado se explica que “la trágica historia de ‘Demasiado pa’ mi’ se refleja en el videoclip a través del relato de un joven que, en su afán por ofrecer una vida mejor a su familia, enfrenta las duras consecuencias de sus decisiones y acepta su destino tras ser encarcelado”. La fotografía que publicó Aida Victoria forma parte de la escena final de la grabación en la que, tras cinco meses de que el protagonista (Esteban) fuese encarcelado, ella encuentra un mensaje oculto en una fotografía de ambos con unas instrucciones para que tome un dinero que guardó en un maletín para que escape junto al hijo que espera de ella.