A pesar de que fue campeón en diferentes ocasiones y llegó a ser considerado el mejor futbolista de Sudamérica, uno de los momentos más recordados de la carrera de Teófilo Gutiérrez se registró fuera del terreno de juego.

En 2012, cuando era jugador de Racing de Avellaneda, tras perder un clásico ante Independiente, la prensa reportó que se registró una pelea al interior del vestuario de La Academia, siendo el colombiano uno de los protagonistas del altercado.

Aunque habitualmente este tipo de peleas se convierten en secretos de camerino, en esa ocasión fue noticia nacional debido a que se confirmó que Gutiérrez había sacado un arma con la que apuntó contra sus compañeros.

Catorce años después de este episodio, por el que el entrenador “Coco” Basile se haría retirado, el cafetero decidió volver a hablar de lo ocurrido y reflexionó sobre su comportamiento en esa ocasión.

En diálogo con DSports, el hoy jugador del Junior de Barranquilla se justificó al afirmar que en ese momento necesitaba un abrazo, detalle que no recibió de sus colegas o el cuerpo técnico.

“Iría al vestuario de Racing y abrazaría a Teo; en ese momento necesitaba el cariño, el amor, no lo tuve. Fue un momento difícil en el que pasé muchas cosas, pero no le echo la culpa a nadie, porque nadie tiene la culpa”.

Durante la entrevista, el delantero afirmó que tuvo un comportamiento poco expresivo con sus compañeros en Racing.

“De pronto yo me encerré mucho en mí mismo, como siempre lo he hecho; hubiera abierto más mi corazón, hubiera expresado mi cariño hacia mis compañeros, porque nunca lo hice, me encerré mucho en mí y mis compañeros estaban esperando eso de mí, del negrito Teo, de que los abrazara y los mimara, porque era el goleador y nunca lo hice”.

Por último, asumió su responsabilidad en lo registrado, que semanas después provocó su salida del club, y afirmó que había perdonado a sus compañeros cuando entendió que ellos no eran responsables de su comportamiento.

“Nada que reprocharle a mis compañeros, al contrario, me hicieron crecer y no soy nadie para juzgar a nadie; al contrario, fui muy feliz en Racing”, puntualizó Teófilo Gutiérrez sobre ese tema.

Además de su paso por Racing, Gutiérrez reveló que antes de llegar a River Plate, en donde es ídolo de los hinchas del Millonario, estuvo a punto de ser contratado por Boca Juniors.

“No voy a responder porque todos saben que soy hincha de River, pero en algún momento Román me llamó para que fuera a Boca, pero bueno, Dios sabe cómo hace sus cosas”.

El colombiano afirmó que no cambiaría su carrera, puesto que está orgulloso de ser querido por los fanáticos de River Plate. “Cuando estaba Miguel, fui a River; antes, cuando estaba Angelici, Román me llamó, pero ya la historia está, no hay que echarla para atrás”.

Por último, Teófilo Gutiérrez indicó que, desde su opinión, la selección Colombia debería estar en la lista de los equipos que pueden quedarse con el título de la Copa del Mundo.

“Yo lo dije, para mí es uno de los candidatos, porque cuando están todos juntos en la concentración, como que se sueltan más y son determinantes para jugar cada tres días. Hay mucha marea amarilla, mucho calor y eso hace que sea uno de los favoritos a quedarse con el título. El argentino tiene en la cabeza de creérsela y echar para adelante, y eso lo aprendí en River; eso me ayudó mucho y el jugador colombiano tiene que cambiar esa mentalidad, tenemos los jugadores y la calidad”.

El robo ocurrió la madrugada del sábado 11 de abril, tras una intensa jornada con tres funciones en diferentes puntos de la ciudad, no muy distantes entre sí. Majo, como muchos la conocen, había dejado su auto estacionado en la calle Estados Unidos y Piedras, junto a los vehículos de otros integrantes del equipo. Al regresar, se encontró con el vidrio trasero roto y el baúl vacío: “Se llevaron dos bolsos y tres valijas. Una tenía cables y accesorios del piano, las otras todo el vestuario. El piano, por suerte, no se lo llevaron, porque estaba en el asiento de atrás y no lo pudieron sacar”. Uno de los bolsos llevaba las pertenencias de la pianista, que solo tomó el celular y lo puso dentro de su ropa, para evitar caminar por la calle con cartera, tarjetas y documentos. Confió erróneamente en los vidrios polarizados del vehículo.

Entre lo sustraído había vestidos de concierto, trajes de época, capas, zapatos antiguos de varios talles, mantones españoles originales, sombreros, maquillaje y accesorios teatrales. La mayoría eran piezas únicas, muchas adquiridas a compañías de ópera que ya no existen. Una vez canceló las vacaciones familiares para poder aprovechar una oportunidad única. Les dije: “Chicos, no nos vamos. Tengo que comprar el vestuario. Y en vez de irme de vacaciones, compré el vestuario porque eso nos iba a dar trabajo”, recordó. Esos trajes los fue adaptando, interviniendo y reparando a lo largo de los años. “Yo no tengo a dónde ir a comprarlos hoy por hoy. Ese es mi problema en este momento, que a nosotros no nos queda otra que confeccionarlos de nuevo con todo el dinero y el tiempo que eso lleva”, explicó con angustia.

La directora lamentó especialmente la pérdida de dos vestidos bordados con perlas, uno dorado y otro verde, y de los trajes Luis XV utilizados en las visitas guiadas líricas en el Palacio Paz. También se quedó sin sus elegantes vestidos de cóctel con los que toca el piano -había llevado más de uno para elegir- y accesorios fundamentales para las funciones, como jabots, fajas, moños, zapatos y sombreros, muchos de los cuales no sirven fuera del ámbito teatral. “No sé a quién se lo van a vender o qué pueden hacer con eso, porque son trajes largos con cola, pesados, muy llamativos. No es un vestido negro, es vestuario de teatro”, señaló.

Esa madrugada dieron vueltas por todo San Telmo. El sonidista les propuso a todos que fueran a dar una vuelta a ver si encontraban algo. Así dieron con las partituras que estaban tiradas en una plazoleta a dos cuadras de donde estaba el auto. Luego, a lo largo de dos horas, revisaron todos los contenedores en busca del valioso vestuario. Ni rastros.

La investigación policial avanzó luego de que el caso se viralizara en redes sociales. Las cámaras de seguridad de la zona registraron a dos grupos de personas a cara descubierta que rompieron el auto y retiraron el material en varias tandas, trasladando las valijas a pie.

“Lamentablemente, no me dieron la celeridad del caso en el momento. Recién reaccionaron un día y medio después, a raíz de lo publicado en Instagram”, afirmó la pianista. Las prendas siguen sin aparecer, a pesar de los videos que circularon, se muestran en muchos personajes (IG galaliricashow)

La solidaridad, después del robo

Después del robo, María José Maito comenzó una búsqueda contrarreloj para poder cumplir con los próximos compromisos de su compañía, que incluían funciones en el Carnaval de Venecia en Junín y en el Palacio Paz, con cientos de espectadores confirmados. La pérdida de los trajes y accesorios obligó a reorganizar el vestuario y recurrir al apoyo de la comunidad. “Ahora tengo que tratar de adaptar y ver lo que me quedó, cómo lo invento, cómo lo reformulo. Y tengo que ir a buscar el que me van a prestar”, contó.

El episodio desencadenó una ola de solidaridad inesperada. Personas desconocidas y allegados ofrecieron donaciones de telas, trajes, vestidos y accesorios. “Todos los días tengo que mandar a alguien a buscar donaciones, cosas. Me están donando telas de brocato, pana, trajes. Todo el mundo pidiendo un alias para ayudar. Hay una chica que confecciona trajes antiguos y me dijo ‘yo te los doy porque sé que tenés actuaciones el fin de semana’”.

Maito narró también el gesto de una señora de Belgrano “Mimi”, que tras ver el video viral donde relataba el hecho, decidió regalarle “su vida”: todos los vestidos de casamiento de sus hijos y nietos. “Me abrió dos valijas con vestidos de Nina Ricci, como de la realeza, de cuellos enormes. Me dijo: ‘Ya está, basta de estos vestidos muertos en un placard oscuro. Quiero que tengan vida, que tengan luz. Te los voy a regalar todos a vos’”. La mujer que no sabía quién era Majo le reservó un lugar en la cochera para que fuera a buscar esas piezas de gran valor sentimental. “Yo vi tu carita. Me conmoví. Te quise dar todo”, expresó la mujer. Otra mujer, la llamó desde Villa Lynch. Majo se acercó y salió de su casa con un rollo de pana negro. También le pidieron el alias. Los seguidores de sus redes, conocidos y desconocidos, quisieron aportar su grano de arena, o pedazo de tela, para compensar los años de trabajo perdido y lograr que puedan salir a escena con todas las producciones que llevan adelante semana a semana. Es una compañía en la que trabajan un centenar de personas.

El impacto emocional de la solidaridad recibida contrarrestó en parte la tristeza y la bronca por la pérdida del vestuario. “Jamás pensé que iba a tener ese nivel de respuesta. Me sorprendió la empatía de la gente, que toma lo que hacemos porque lo que hacemos es para muchos. Para nosotros ya no es un trabajo, esto es nuestra vida”.

Los inicios en una casa de regalos

María José Maito comenzó a tocar el piano a los cuatro años y, tras egresar del Conservatorio Nacional, volcó su vocación en la creación de espacios musicales. Los orígenes de GalaLírica se remontan al año 2000, cuando en la casa de regalos que tenían sus padres en Caballito, donde organizaban los primeros té líricos los domingos, con su madre preparando tortas y la familia atendiendo a los asistentes. “Mi mamá cocinaba, yo iba al colegio Marianista a la vuelta, donde alquilábamos las sillas para las funciones. Todo era boca a boca, así empezó todo hace 26 años”, recordó. Aquella experiencia familiar sentó las bases del proyecto colectivo que hoy dirige, con el mismo espíritu de cercanía y trabajo compartido. “Nos empezaron a conocer, nos empezó a ver la gente y ahí empezamos a trabajar fuerte. Éramos como un grupo de cumbia que teníamos seis shows por fin de semana [se ríe] Tremendo. Era otra época de la gastronomía y de los eventos”.

Desde entonces, la compañía que ella define como una gran familia se consolidó como un colectivo de artistas y técnicos que producen espectáculos de ópera y música clásica en Buenos Aires. “En GalaLírica le damos trabajo a unas cien personas. Tenemos una particularidad: somos la propia tiquetera y vendemos alrededor de mil entradas por semana”, explicó.

Las producciones se distinguen por el despliegue de iluminación, sonido y vestuario, con presentaciones fijas todos los fines de semana en Brighton y en el Palacio Paz. Además, la compañía realiza funciones en otros espacios como el Hilton Pilar, el Claridge y el Palacio Raggio. “La gente sabe que todos los viernes y sábados estamos en Brighton y los domingos en el Palacio Paz. Cuando digo todos es literal, es todos”.

El elenco está integrado por solistas destacados del Teatro Colón y músicos de alto nivel, lo que permite mantener una identidad reconocible en las funciones. “Los cantantes son diez que se van rotando, pero las figuras centrales son siempre las mismas. Buscamos darle mucho trabajo a poca gente, con un sentido de familia y pertenencia”.

A lo largo de los años, la agrupación amplió su propuesta para incluir bailarines de flamenco, tango y ballet, así como músicos de jazz y tributos a bandas populares. También producen eventos privados.

La experiencia de la ópera en el Palacio Paz

El Palacio Paz representa para estos artistas un escenario de valor simbólico y artístico. María José Maito lo describió como “el palacio más grande y más lujoso del país, la segunda residencia familiar más grande de América”. Allí, las galas se realizan en un hall de honor de veinte metros de altura, rodeado de mármoles y balcones, donde la acústica y la atmósfera transforman cada función en una experiencia inmersiva.

El formato de las funciones rompe con la distancia tradicional entre el escenario y el público: “El escenario es un círculo en el centro, toda la gente sentada en cinco anillos de asientos. Te aparecen cantantes por todos lados. Es un concepto de ópera único en el país, porque es inmersivo”. Además, las óperas se presentan subtituladas, una innovación impulsada por la compañía para acercar el género a nuevos públicos. “A nosotros nos costó carísimo comprar los proyectores, pero lo hicimos. No hay otro lugar donde ir a ver ópera subtitulada, salvo el Colón”, contó.

Maito reivindicó el carácter popular de la ópera y rechazó la idea de que sea una manifestación elitista. “La ópera siempre fue un género popular. El que crea que no lo es, no tiene los elementos para saber realmente. La ópera surge con la Camerata Fiorentina en el año 1600 cuando un grupo de intelectuales quiere hacer del teatro griego algo más popular y deciden agregarle música. La ópera hablaba de los problemas de la gente, era algo vivo, cercano”.

El deseo de acercar la música clásica a toda la sociedad se refleja también en los ciclos con descuentos para jubilados y estudiantes y en los programas de lírica para chicos en barrios populares. “Hacemos óperas en lugares marginales a través de mecenazgo de la ciudad. Llevamos espectáculos de ópera y los mezclamos con el circo, como El barbero de Sevilla para chicos o historias de castillos y princesas. No hay límite ni de edad ni de procedencia”.

El público es diverso, aunque predomina la franja de personas mayores de cuarenta años. Sin embargo, la compañía ha logrado atraer a espectadores de distintos puntos del país e incluso del exterior. “Me llama la atención que hay gente que viene de Viedma solo para vernos, o que viaja desde Brasil para una función de Carmen o El fantasma de la ópera. Eso me sorprende”, señaló María José Maito.

El trabajo detrás de escena depende del esfuerzo colectivo y la autogestión, sin apoyos externos ni sponsors. “No es que tenga un gran pasar económico. Hoy nos va muy bien, pero venimos de mucho esfuerzo. Invertimos lo que no tenemos y después vemos qué va a venir”.

La apuesta constante por mantener la calidad y la regularidad de los espectáculos implica riesgos y sacrificios personales. “Hay veces que no tenía para pagar las expensas, pero ponía toda esa plata en publicidad. No es que espere a que me vaya bien para invertir. Uno tiene que largarse sin red, poner todo y confiar en que el público va a responder”.

GalaLírica continúa adelante con su agenda de funciones en distintos escenarios porteños y del interior, adaptando cada espectáculo a las circunstancias y apelando al apoyo de su comunidad. Mientras la investigación sobre el robo sigue en curso, preparan nuevas galas, convencidos de que el trabajo colectivo y la música siguen siendo el centro de su proyecto.

La magistrada Lucero Concepción Hernández Sánchez asumió su puesto como integrante de la Sala Constitucional del Tribunal Superior de Justicia del Estado de México el jueves 29 de enero, durante una sesión ordinaria del Pleno.

Su participación se vio marcada por una controversia en redes sociales a raíz del atuendo elegido para la ceremonia, que generó un intenso debate sobre la formalidad en la función pública, así como el posible precio de la vestimenta.

¿Quién es Lucero Concepción Hernández?

De acuerdo con el Órgano de Administración Judicial, Lucero Concepción Hernández es licenciada en Derecho por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) desde 2008, y cuenta con formación complementaria en temas de transparencia, justicia laboral, derechos humanos, género y procedimientos penales.

Su experiencia abarca prácticas en numerosos tribunales y juzgados federales de trabajo, civil, administrativo y penal, en entidades como la Ciudad de México, Estado de México, Sinaloa, Tamaulipas, Chihuahua y Sonora.

Lucero Concepción Hernández ha desempeñado roles que incluyen secretaria, actuaria judicial, analista jurídica y jefa de oficina de correspondencia en distintos órganos del Poder Judicial de la Federación.

Destaca su participación en la formación de secretarios judiciales, en la Escuela Federal de Formación Judicial, donde ha sido docente en cursos especializados sobre el amparo y sus efectos.

Vestimenta de la magistrada Hernández Sánchez

El Poder Judicial del Estado de México informó que la sesión en la que fue designada la magistrada se realizó en el Tribunal Superior de Justicia de la entidad. Junto con Hernández Sánchez, se integraron nuevos magistrados a la Sala Constitucional.

La vestimenta de la funcionaria reunió la atención pública por sus elementos: usó botas plateadas hasta las rodillas, medias blancas, vestido blanco, un collar de posibles perlas de cuatro hileras, abrigo blanco de aparente piel, pendientes y una diadema con aparentes diamantes. Esta elección provocó distintas reacciones y alimentó el desacuerdo sobre el criterio de formalidad en el ámbito judicial.

En redes sociales, los comentarios abarcaron desde la sorpresa hasta la ironía frente a la imagen de la magistrada.

Reacciones a la vestimenta de la magistrada

Entre las opiniones destacan: “Así de buchona está la justicia en nuestro país…” y “Van más presentables los vendedores de Liverpool o PH”, mostrando que parte de la audiencia consideró la vestimenta incompatible con la seriedad del cargo.

Otros mensajes, como “Es en serio??? De por sí ya no hay confianza en los magistrados y ya con este personaje con esa vestimenta pues menos!!” y “Uno puede irse del pueblo pero el pueblo siempre estará en ti”, pusieron en duda la distancia entre lo institucional y lo cotidiano.

En el momento de ser designada formalmente como magistrada, Hernández Sánchez asumió públicamente su compromiso con la innovación judicial. En palabras recogidas durante la sesión de nombramiento, expresó: “Nosotros estamos realmente comprometidos con la sociedad mexiquense en innovar y establecer nuevas ideas para, eh, resolver los temas más importantes de esta Sala Constitucional”.

El auto judicial destaca que el diseño y ejecución del muro del vestuario masculino del Instituto de Enseñanza Secundaria Julio Prieto Nespereira, en Ourense, se basó en un croquis a mano alzada que modificaba la planta original de los vestuarios, el cual no contaba con firma. Esta circunstancia fue central para determinar la responsabilidad penal en la causa sobre la muerte de un alumno de tercero de la ESO, que perdió la vida cuando el muro colapsó y cayó sobre él el 26 de octubre de 2022. Tal como consignó el medio, el Juzgado de Instancia e Instrucción número 3 de Ourense ordenó el archivo de la investigación al considerar extinguida la acción penal de los principales señalados por la acusación, quienes fallecieron durante el proceso.

Según publicó el medio, más de diez personas figuraron como investigadas en el caso por supuesto homicidio por imprudencia, incluidas autoridades de la Xunta de Galicia, trabajadores de la empresa constructora y personal encargado del control de calidad de la obra. Los informes técnicos expusieron que la causa del colapso radicó en una "defectuosa ejecución", desligada del diseño inicial recogido en el proyecto original. El desplome ocurrió cuando el muro, de dos metros de alto, 2,85 metros de longitud y un peso estimado de una tonelada, cedió tras un golpe, producto de la fatiga de los materiales y de la insuficiencia de los anclajes al suelo. El auto describe que el único elemento que sostenía la estructura era un refuerzo de mortero implementado en su base.

El análisis pericial incorporado a la causa determinó que el deterioro acelerado de la pared comenzó debido a reiteradas acciones de apoyo, golpes y movimientos sobre la estructura, lo que condujo a la formación de grietas. El informe señaló también que dicho muro no formaba parte del diseño técnico oficial, sino que su planteamiento surgió de una modificación plasmada informalmente, sin registro de autorización formal ni firma de responsables. Esto dificultó la depuración de responsabilidades en cuanto a la autoría del cambio y la dirección de la ejecución material del muro.

El director de la obra y el director de ejecución, señalados por la acusación como principales responsables del diseño y ordenación del muro tal y como fue finalmente realizado, fallecieron durante la investigación, el 5 de junio de 2025 y el 18 de junio de 2024 respectivamente. Con la muerte de ambos, la jueza determinó que la acción penal en su contra quedaba extinguida, conforme a lo estipulado por la ley, informó el medio. Así, se acordó el sobreseimiento provisional respecto al resto de los investigados, es decir, se interrumpió el procedimiento sin declaración de culpabilidad, considerando que la acusación se centraba en los dos principales responsables ya fallecidos.

Según el auto judicial recogido por el medio, entre las personas que quedaron apartadas de la investigación se hallaban funcionarios públicos vinculados a la administración educativa gallega, empleados de la constructora encargada de la obra y personal de la compañía responsable del control de calidad del proyecto. El documento subraya que la investigación no halló elementos que permitieran atribuirles una responsabilidad directa en las imprudencias detectadas en la ejecución de la obra.

El siniestro ocurrió alrededor de las 14:00 horas, momento en el que el muro colapsó y cayó sobre el estudiante, que se encontraba dentro del vestuario masculino del pabellón. La magnitud del muro dificultó cualquier posible respuesta ante la emergencia, y el impacto resultó fatal para la víctima. El análisis de las circunstancias del accidente, según los documentos judiciales informados, hizo hincapié en la falta de firmeza de la estructura y en la precariedad de los materiales empleados, dejando sujeta la estabilidad del muro a un recrecido de mortero insuficiente.

El caso generó una investigación judicial extensa, que incluyó la recopilación de peritajes técnicos, entrevistas a personal docente, funcionarios de la Xunta, trabajadores de la obra y técnicos de control de calidad. Pese a la apertura de diligencias sobre más de diez personas, la instrucción judicial puso el foco en la figura del director de obra y su homólogo en la ejecución, por ser los responsables últimos de la planificación y realización del muro, según detalló el medio.

El fallo que archiva la causa, sostenido en el fallecimiento de ambos investigados principales, aclara que no existen indicios suficientes para continuar la acción penal contra el resto de los implicados. La decisión del archivo supone que, en ausencia de responsables identificados y vivos, la vía penal se da por agotada para las demás personas investigadas en torno a la muerte del alumno en el IES Julio Prieto Nespereira, conforme señaló el medio.

El proceso que llevó a Ana Mena y Óscar Casas a convertirse en pareja tuvo un inicio anterior al rodaje de la película que ahora promocionan. Según detalló el medio, la primera vez que ambos coincidieron fue en una campaña publicitaria un año antes de trabajar juntos en el filme, aunque no fue hasta que comenzaron la producción de 'Ídolos' cuando retomaron el contacto y entablaron una relación más cercana. En su visita al programa nocturno 'El Hormiguero', Mena reveló que fue el equipo de vestuario quien la puso sobre la pista del interés romántico de Casas, afirmando que durante una fiesta en Italia las encargadas le comentaron que Óscar se encontraba cautivado por ella y solía ver sus videos. En ese contexto, el programa sirvió como plataforma para que ambos artistas relataran cómo nació su historia de amor dentro del marco profesional.

De acuerdo con la cobertura publicada por el medio, Ana Mena y Óscar Casas acudieron juntos al plató de 'El Hormiguero' con la finalidad de promocionar el estreno de la película 'Ídolos', cuyo lanzamiento en cines de toda España está previsto para el 23 de enero. Durante la entrevista en el programa, los actores compartieron detalles sobre la conexión que surgió entre ellos a raíz del trabajo conjunto y los papeles que cada uno desempeña dentro de la relación. La transmisión también captó la evidente felicidad reflejada en sus rostros, percibida por los presentes en el estudio.

El medio relató que Mena explicó la dinámica durante la etapa de ensayos previos al rodaje en Valencia, comentando que, aunque ella no percibía el interés de Casas en un principio, la complicidad existente entre ambos era palpable para quienes los rodeaban. El comentario recibido en la mencionada fiesta fue determinante para que Mena reconociera el afecto de su compañero. Según manifestó, el actor se mostraba educado y respetuoso, pero no le resultaba evidente que él sintiera algo más hasta que le llegó esa información del equipo de vestuario.

Óscar Casas, durante la entrevista, enfatizó su admiración por Ana Mena y se refirió a ella utilizando palabras de aprecio. Según reportó el medio, el actor se refirió a Mena como una de las personas más honestas que ha conocido, subrayando que la honestidad y autenticidad que muestra tanto consigo misma como con los demás resultan poco habituales. Casas también expresó su entusiasmo por el trabajo musical de la cantante y pidió abiertamente al público que escuche su nuevo disco, calificando el material como “increíble” y haciendo público su apoyo incondicional al proyecto personal de su pareja.

Por su parte, Ana Mena describió a Óscar Casas como una persona familiar que tiende a cuidar a quienes lo rodean. La artista relató que uno de los aspectos que más aprecia en el actor es su dedicación hacia la familia y los demás, aunque también señaló de manera anecdótica la tendencia de Casas a llegar tarde a las citas, mencionando que si acuerdan encontrarse a las cinco de la tarde, él aparece a las siete.

La participación de la pareja en el programa incluyó una sección en la que debían responder preguntas sobre sus gustos personales para sumar puntos en un juego propuesto por las populares hormigas del show. Según señaló el medio, antes de comenzar el reto Óscar proclamó con confianza que acertaría todas las respuestas, aunque el resultado no cumplió con sus expectativas.

De esta manera, la presencia de Ana Mena y Óscar Casas en 'El Hormiguero' evidenció la conexión y camaradería que desarrollaron durante la preparación y rodaje de la película 'Ídolos'. La expectación en torno al estreno del largometraje crece mientras ambos continúan mostrando una relación basada en el respeto y la admiración mutua, tal como recoge el medio en su cobertura del programa nocturno.

La influencia de la moda de Fran Fine, protagonista de la serie The Nanny, siguió resonando en la cultura pop más de veinte años después de que el programa saliera del aire en 1999. En conversación con PEOPLE, Fran Drescher confirmó que nuevos íconos musicales como Rosalía y Sabrina Carpenter volvieron a llevar prendas originales del vestuario que hizo célebre a su personaje, marcando así un retorno inesperado del estilo de la niñera más famosa de Queens.

Al repasar el impacto reciente de esos atuendos, Drescher remarcó la conexión con la escena musical contemporánea: “Rosalía ha estado usando el vestido que llevé en el episodio de Bette Midler, que tiene una especie de teclado plisado, es de Moschino y es tan lindo”, aseguró Drescher a PEOPLE. Además, subrayó la colaboración con la cantante estadounidense: “Y Sabrina Carpenter, que compró ese vestido con forro de leopardo de Bob Mackie, en realidad nos permitió tomarlo prestado para la retrospectiva de Fran Drescher en el Hollywood Museum”. Al describir la vigencia de estos diseños, añadió: “En redes sociales también aparecen estos montajes de distintos programas conmigo usando los diferentes outfits”.

Sobre el destino de aquel guardarropa, Drescher explicó a PEOPLE que conservó algunas piezas selectas después del final de la producción. Recordó: “Me quedé con algunas cosas. Guardé el abrigo de invierno que usé en el episodio en la nieve, es de Anna Sui y precioso. Fue muy caro. Recuerdo que recortamos gastos en otras áreas para poder comprar ese abrigo”. Entre otras piezas que permanecieron en su poder, destacó: “Tengo unas botas altas de gamuza con cuña, unas plataformas de gamuza con cremallera, un par de suéteres de cuello alto. ¡Pero ya no uso shorts o minifaldas! Aunque ahora que volví a estar más delgada, casi puedo volver a ponerme algunos”.

Sin embargo, la mayor parte del legendario vestuario se dispersó tras la conclusión de la serie. Drescher detalló la falta de un plan de preservación por parte del estudio: “Sony no creó una colección de archivo, que debieron haber hecho, pero en ese momento no sabían lo que tenían. No pudieron prever el futuro. Así que terminó repartido en un millón de lugares distintos”. La actriz amplió ese panorama: “Hay un tipo en Alemania que se hace llamar Nanny Schmatta, o algo así, que sigue comprando y coleccionando la ropa, y hace una muestra itinerante”.

Drescher también profundizó en los acuerdos y dinámicas de la moda dentro del show, destacando el interés de las casas de moda por vestir a Fran Fine: “En ese tiempo, algunas marcas estaban encantadas de prestar sus diseños para que los usara Fran Fine. Fueron Moschino, Dolce & Gabbana, Todd Oldham. Los usamos todos”, aclaró a PEOPLE.

La justificación narrativa y económica detrás del opulento vestuario del personaje tuvo un fundamento en la propia historia de la serie y en la cultura neoyorquina a la que hacía referencia. Drescher explicó: “Yo siempre fui fanática de la moda, como también Peter [su exesposo y cocreador de The Nanny]. Así que Peter y yo sabíamos que este personaje, aunque viniera del lado equivocado de las vías, sin dinero ni estudios, iba a vestir ropa fenomenal. Y en Queens había una tienda que ya no existe llamada Loehmann’s”.

Sobre ese punto, la actriz detalló cómo se integró este concepto en la lógica del programa: “Lo particular de Loehmann’s era que recortaban las etiquetas, pero vendían mucha ropa de diseñador, si sabías identificarla. Así que, por supuesto, Fran Fine podía hacerlo. Esa era nuestra explicación para que vistiera así: porque compraba en Loehmann’s. Y lo mencionábamos todo el tiempo en la serie”.

La obsesión de su personaje con esa tienda de descuento quedó establecida de inmediato en la narrativa. Drescher recordó a PEOPLE una línea específica del capítulo piloto: “En el primer episodio, el padre dice: ‘Oh, te ves preciosa, Gracie’. Y ella responde: ‘Loehmann’s, 50% de descuento’. Y Fran agrega: ‘Ella ya no volverá a comprar a precio de tienda’”.

Valentino Garavani, nacido el 11 de mayo de 1932 en Voghera (Lombardía, norte de Italia), fue el 'último emperador' del diseño durante una carrera de 45 años al frente de su casa de moda.

Retirado desde 2007, nunca se separó del costurero, dejando un legado de creaciones atemporales, plagadas de detalles, lazos, plumas, organza, plisados y drapeados o volantes, que conservarán la belleza por mucho que pasen los años.

Valentino se sintió atraído por la moda desde muy pequeño y, con el apoyo de su familia, se fue con 14 años a estudiar a la Escuela del Arte del Figurín de Milán, cerca de su casa natal.

Completó su formación en París, donde trabajó como figurinista en los talleres de uno de los cinco grandes de la Alta Costura de entonces, Jean Dessé y después se estableció con Guy Laroche.

Fue tras este periodo de formación cuando Valentino se instaló en Roma en 1960, en la época de la 'Dolce Vita', y comenzó una fulgurante carrera que lo llevó a codearse con divas como Elizabeth Taylor, Audrey Hepburn o Grace Kelly, que visitaban a menudo su taller.

En 1962 su primera colección obtuvo un gran éxito en Florencia, pero el gran impulso a la marca Valentino llegó en 1968, cuando el joven diseñador de eterno bronceado y pelo impecable asombró al mundo con el vestido que lució Jackeline Kennedy en su boda con el magnate griego Aristóteles Onassis.

Valentino formó tándem profesional y sentimental con Giancarlo Giammetti, de quien fue pareja durante más de una década, un dúo con el que sorprendió al mundo e hizo reinar al 'rojo Valentino', su color más emblemático del que aseguró quedar prendado durante una ópera en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona.

Para entonces su éxito ya era un hecho: en 1967 ganó el premio Neiman Marcus, el considerado 'Óscar' de la moda, y personalidades como la emperatriz Farah Diba, la reina Noor de Jordania, Nancy Reagan, Jane Fonda, Joan Collins, Sofia Loren o Ava Gardner, lucían su diseños.

En los años ochenta amplió su firma, y se convirtió en el primer estilista que se atrevió a lanzar una línea de ropa vaquera, una década en la que también obtuvo el reconocimiento oficial de su país: en 1985 fue nombrado Gran Oficial de la Orden del Mérito de la República Italiana y un año después, Caballero de la República.

Con 45 años de carrera a sus espaldas, desde su primera colección en Florencia en 1962, Valentino anunció su retirada en 2007.

Su último desfile de alta costura tuvo lugar el 23 de enero de 2008 en París y concluyó con un pase de modelos vestidas de rojo, su ya más que emblemático color fetiche.

En 2009 fue bautizado como 'el último emperador' por su película documental 'Valentino: The Last Emperor', en la que desvelaba su vida profesional y privada, dirigida por Matt Tyrnauer y rodada a lo largo de un año.

Fueron decenas las estrellas que vistió Valentino: Jessica Lange y Julia Roberts, que escogieron sus diseños para subir a recoger sus Óscars. O Máxima de Holanda, Mette-Marit de Noruega y Magdalena de Suecia, que le confiaron sus trajes de novia.

Su listado de amigas, clientas y musas continúa con nombre como Nati Abascal, Rosario Nadal, Gwyneth Paltrow, Marie-Chantal Miller o Olivia Palermo.

El imperio de Valentino, enamorado de España -donde recibió el premio Aguja de Oro en 2004-, continuará sin su emperador, que nunca se separó del todo de la moda, como demostró su colaboración en 2016 con Maria Grazia Chiuri y Paolo Piccoli para el vestuario de 'La traviata' en la Ópera de Roma, dirigida por Sofia Coppola.

Aunque sin su creador, el 'rojo Valentino' permanecerá como un símbolo de elegancia y glamour.

La reincorporación de Marc-André Ter Stegen al once titular del FC Barcelona influyó de manera directa en la confianza y la solidez que mostró el grupo tanto dentro como fuera del campo. De acuerdo con la prensa, el regreso del portero alemán fortaleció la cohesión de la plantilla justo en una fase clave de la temporada, impactando especialmente en el desarrollo del partido en el que el Barcelona aseguró su pase a los octavos de final de la Copa del Rey tras vencer por 2-0 al Deportivo Guadalajara en el estadio Pedro Escartín. Según informó la fuente, el técnico Hansi Flick señaló que el compromiso colectivo fue fundamental para sortear las complicaciones de un cruce de eliminación directa y evitar cualquier sobresalto que pudiera costar la continuidad en la competición.

Tal como consignó el medio, Flick atribuyó el triunfo principalmente a la actitud adoptada por el equipo. El entrenador expresó: “La actitud que mostramos hoy fue la clave para conseguir la victoria. Cuando juegas estos partidos de Copa, no es fácil porque los oponentes defienden muy bien. Pero al final, lo más importante es la actitud y la mentalidad que mostramos en el campo, y fue buena”. Estas palabras pronunciadas en conferencia posterior al encuentro reflejan la importancia que el técnico otorga a los factores anímicos y al enfoque mental de los futbolistas en contextos de alta presión, según recogió la prensa.

Otro aspecto destacado por Flick, según detalló el medio, fue el cumplimiento estricto de los objetivos marcados para la jornada: avanzar de ronda sin incidentes y evitando cualquier margen de error. El entrenador explicó que este tipo de eliminatorias exigen máxima concentración y rigor táctico, ya que cualquier distracción puede traducirse en la eliminación automática del torneo. La prensa resaltó cómo Flick sintetizó la complejidad de estos encuentros al señalar: “En estos partidos, cuando no ganamos directamente, siempre es difícil. Al final, 2-0 para nosotros y estamos en la siguiente ronda. Eso es lo más importante”.

El partido se caracterizó por una propuesta táctica del Deportivo Guadalajara que priorizó la solidez defensiva, lo que supuso un reto para la generación de juego ofensivo por parte del Barcelona. Según publicó la fuente, el cuerpo técnico debió ajustar la estrategia para superar la férrea disposición rival. Flick reconoció que sus jugadores lograron mantener la paciencia, gestionar la posesión y esperar la ocasión adecuada para desequilibrar el marcador. Esta combinación de autocontrol, lectura de juego y persistencia resultó decisiva en el desarrollo del encuentro.

El medio subrayó la relevancia del regreso de Ter Stegen no solo como refuerzo en la portería, sino como figura de liderazgo para el resto de la plantilla. Flick mencionó en rueda de prensa: “Hace alrededor de 12 años que está en el club y ahora está de vuelta. Hablamos y le dimos la oportunidad de demostrar que está de vuelta, y creo que fue un buen paso para él”. Según consignó la prensa, la presencia del portero contribuyó a reforzar la seguridad del entramado defensivo y a estabilizar la labor del grupo, aspecto valorado positivamente por el técnico.

Hansi Flick también expresó, según reportó el medio, satisfacción por la seriedad y el compromiso mostrado por los jugadores. El entrenador insistió en la necesidad de que cada futbolista asuma su parte de responsabilidad y conserve el máximo nivel de atención durante los noventa minutos, dadas las características de las eliminatorias directas, donde un error puntual puede dejar sin margen de maniobra ni posibilidad de remontada.

El avance a octavos de final se percibió, según reflejó la prensa, como una confirmación de los principios que Flick desea instaurar en el Barcelona: disciplina, trabajo en equipo y liderazgo compartido. El entrenador remarcó la trascendencia de estos valores en la preparación para el tramo final de la temporada, en el que cada victoria adquiere peso en la carrera por nuevos títulos. La valoración hecha por el cuerpo técnico acerca del rendimiento contra el Deportivo Guadalajara incluyó el reconocimiento al esfuerzo global, la solidez defensiva mantenida ante un rival replegado y el impacto favorable de la recuperación de jugadores clave.

Además, el medio recordó la evaluación positiva de Flick sobre la perseverancia de los suyos frente a un planteamiento rival que priorizó la contención y obligó al Barcelona a una labor paciente y meticulosa para hallar opciones de gol. La prensa enfatizó que el entrenador contempla la experiencia vivida ante el Deportivo Guadalajara como una referencia para futuros desafíos, tanto en la Copa del Rey como en el desarrollo de la liga.

Flick transmitió confianza en que los cimientos colocados en este tipo de partidos servirán para sostener el nivel competitivo del equipo en el calendario restante. La influencia de los líderes dentro del vestuario, la respuesta colectiva en momentos decisivos y el mantenimiento de la disciplina constituyen, a juicio del entrenador según la fuente, los factores que permitirán al Barcelona afrontar con garantías los próximos compromisos en la búsqueda de objetivos mayores.

Los gastos comunes en Chile reflejaron una baja mensual del 3,8%, mientras que los vinos registraron un abaratamiento del 6,1% en octubre, en contraste con el incremento de precios observado en productos como el pan, que subió un 1,6%, y los quesos, que aumentaron un 4%. Estas variaciones específicas ilustran la dispersión del comportamiento de precios en diversos rubros durante las últimas mediciones, en el marco de un escenario inflacionario que se mantiene estable. Según informó este viernes el Instituto Nacional de Estadísticas (INE), la inflación interanual se ubicó en 3,4% en noviembre, sin cambios respecto al mismo mes del año anterior.

La entidad estadística detalló que, durante el undécimo mes del año, el Índice de Precios al Consumidor (IPC) anotó una variación mensual del 0,3%, suma que eleva la inflación acumulada en el año hasta un 3,7%. Tal como consignó el INE, los sectores que presentaron mayores incrementos fueron vestuario y calzado, con una subida mensual del 2,6%, mientras que el rubro de transporte experimentó un aumento del 0,7%. Dentro de este último, el precio de los pasajes aéreos tuvo un alza significativa, del 22,8% mensual, mientras que los repuestos y accesorios para vehículos particulares aumentaron un 5,7%. Por el contrario, el segmento de bebidas alcohólicas y tabaco se contrajo un 2,4% respecto a octubre.

La información difundida por el INE subraya la diferencia de comportamientos entre distintos componentes de la canasta de consumo, reflejando un panorama en el que, a pesar de aumentos puntuales en sectores específicos, el índice general de inflación se ha estabilizado frente a periodos previos. El reporte del organismo también señala que la mayor variabilidad se encontró en categorías como el vestuario, que lideró los incrementos mensuales, y en productos asociados al transporte de pasajeros, especialmente los vuelos, que ajustaron sus precios de manera considerable en comparación con el mes anterior.

Según publicó el INE, este ajuste en el precio del transporte aéreo se insertó en un contexto de estabilidad general de los precios, en el que algunos bienes y servicios presentan notorias caídas. El INE también puntualizó el descenso en los gastos comunes y en bebidas como el vino, mientras que segmentos básicos de la alimentación, como el pan y los productos lácteos, han mostrado aumentos, aunque de distinta magnitud.

Frente a este escenario de relativa estabilidad inflacionaria, el Banco Central de Chile, en su última reunión sobre política monetaria, optó por mantener la tasa de interés referencial en el 4,75%. La autoridad monetaria fundamentó esta decisión en el comportamiento contenido de la inflación y en la trayectoria esperada de precios que, según el análisis oficial, no requería ajustes inmediatos en las condiciones de financiamiento.

El medio INE indicó que el balance de variaciones por sectores muestra que la tendencia mensual de precios responde tanto a factores de demanda interna como a la evolución de los precios internacionales y las condiciones específicas de cada mercado. La residencia de la inflación en el nivel del 3,4% anual, sumada al leve incremento mensual de noviembre, fue interpretada dentro del entorno de estabilidad que busca la política económica, especialmente tras periodos anteriores caracterizados por volatilidad.

Con el resultado presentado para noviembre y la tasa acumulada de 3,7% en lo que va del año, la evolución de la inflación en Chile exhibe una tendencia alineada con los objetivos del Banco Central, que ha optado por dar continuidad a su enfoque preventivo. El informe del INE también resalta que, si bien existen sectores con alzas pronunciadas, como los viajes aéreos y algunos bienes asociados a la movilidad personal, se mantiene un patrón de moderación en la variación de los precios al consumo en el agregado nacional.

El impacto de los estilismos de Vicky se percibe tanto en la narrativa de la serie como en el impacto que vienen teniendo las prendas que viste el personaje principal. La evolución del personaje se refleja en una selección de prendas que combinan texturas marcadas, estampas exclusivas y una paleta cromática que abarca desde el rojo profundo hasta el azul marino, pasando por neutros sofisticados.

Bajo la dirección de vestuario de Lorena Díaz, cada etapa emocional de la protagonista encuentra un correlato visual, con cambios en las siluetas que alternan entre prendas relajadas y piezas entalladas, subrayando la transformación interna de Vicky y su búsqueda de identidad.

Entre las prendas más destacadas de Maria Paez que aparecen en la comedia, con libros de Carolina Aguirre y la dirección de Daniel Barone, se encuentran el Trench Bardot, una gabardina con mangas de encaje estampado exclusivo; el Chaleco Piaf, confeccionado en tweed premium con un fit oversized y broches peltre; el set de Chaqueta y Falda Audrey, realizado en encaje con estampa exclusiva; el conjunto de Chaqueta y Falda Margaret, en denim de algodón con bolsillos plaqué y lavado liviano; y el Trench Sarah, una pieza de denim 100% algodón con bordado exclusivo en la espalda. Estas prendas aportan un lenguaje visual distintivo y acompañan la intensidad, la vulnerabilidad y la fuerza del personaje a lo largo de la temporada.

El proceso de selección y diseño del vestuario estuvo a cargo de Lorena Díaz, quien integró las piezas de Maria Paez en el universo visual de Envidiosa. La elección de cada prenda responde a la necesidad de construir una identidad visual coherente con la evolución del personaje principal, utilizando texturas, estampas y calces que reflejan sus estados emocionales. La dirección de vestuario se convierte así en un elemento narrativo fundamental, donde la estética no solo viste al personaje, sino que también cuenta su historia y acompaña sus transformaciones.

La firma argentina redefine el romanticismo desde una perspectiva moderna y femenina. La marca se distingue por sus estampas desarrolladas in-house, el uso de géneros nobles y la atención a los detalles artesanales. Todo el proceso de diseño, moldería, confección y terminaciones se realiza en Argentina, lo que refuerza el compromiso con la producción local y la identidad nacional. El ADN de Maria Paez se expresa en la mezcla de géneros, la presencia de estampas protagonistas y la creación de prendas femeninas con carácter, elementos que dialogan de manera natural con la personalidad de Vicky en la serie.

Entre los distintos recursos visuales que dan vida a la pantalla, el armario de Vicky, interpretada por Siciliani, actúa como una ventana directa a la personalidad inquieta y exuberante del personaje. Desde la perspectiva de quienes trabajaron detrás de escena, la elección de cada prenda responde a un propósito concreto: transmitir la esencia de una mujer que busca destacar y desafiar los convencionalismos sin dejar de seguir ciertas reglas sociales.

Lorena Diaz, vestuarista con una trayectoria de más de veinte años en la industria —incluyendo producciones como Vulnerables, Locas de Amor, Socias, además de títulos para plataformas como Netflix, Starplus y HBO—, se nutrió de marcas emergentes y reconocidas.

Entre las prendas fundamentales del personaje, la vestuarista eligió stilettos, faldas cortas, saco sastrero, un trench camel blando y llamativos aros conforman el top cinco de los ítems que mejor definen a Vicky en pantalla. Cada una de estas piezas cumple la función de acentuar la teatralidad y confianza del personaje, uniendo colores vibrantes, texturas llamativas y accesorios exagerados para darle un toque lúdico a su estilo, acorde a su personalidad espontánea y dramática.

La historia de una cortesana enamorada

La Traviata, ópera en tres actos escrita en italiano, narra la tragedia de Violetta Valéry, una cortesana parisina de los altos círculos aristocráticos, convaleciente y entregada a los placeres mundanos, que se enamora de Alfredo. Aunque el amor es correspondido, las convenciones sociales la obligan a renunciar.

El primer acto transcurre durante una fiesta en su casa, donde Violetta conoce a Alfredo, joven de buena familia que le declara su amor. Ella, escéptica, le ofrece solo su amistad y, conmovida, le entrega una camelia blanca, instándolo a regresar cuando la flor se marchite. Luego comprende que lo que siente por él es amor, y celebra la alegría de ser correspondida: Essere amata, amando (Ser amada, amando).

Ambos se mudan al campo y viven juntos, sostenidos por los bienes que ella vende, hasta que el padre de Alfredo, Giorgio Germont, le pide que lo abandone para preservar la reputación familiar. Violetta acepta el sacrificio y sabe que será su final.

Tres elencos, 140 trajes y el sello de Renata

La dirección musical está a cargo de los italianos Renato Palumbo (18, 20, 23, 25 y 28 de noviembre) y Beatrice Venezi (19, 21, 26 y 29 de noviembre), quienes se alternan al frente de la Orquesta Estable del Teatro Colón. La puesta en escena es del español Emilio Sagi, mientras que el diseño de vestuario está en manos de Renata Schussheim, la gran artista plástica, ilustradora y escenógrafa argentina que desde 1966 se destaca en galerías latinoamericanas y europeas, además de participar en producciones teatrales internacionales junto a directores como Oscar Araiz, Jean François Casanovas, Julio Bocca, Mstislav Rostropovich, Lluís Pasqual, Sara Baras y el propio Sagi.

Infobae dialogó con Schussheim un día después del estreno, en su primera experiencia con La Traviata a sus 76 años, un desafío que encaró con entusiasmo en un teatro que considera uno de los más hermosos del mundo —“si no el más”— y con una mística única. La artista contó que estuvo muy enfocada durante meses con la ópera de Verdi, por la magnitud de la producción. “Comencé a dibujar en el verano pasado. Tuvimos la reunión técnica en abril, como encuentro general para ver cómo era la producción. Es muy grande porque son tres elencos y mucho coro. Son alrededor de 140 trajes, prácticamente todos confeccionados desde cero”, detalla.

Renata describe la primera fiesta de la ópera con atuendos en blanco y negro, y la segunda, en variantes del rojo. “Me felicitan por la idea, pero he de ser franca: es de Emilio Sagi. Él siempre tiene una claridad conceptual maravillosa sobre lo que quiere y la transmite. Eso te dispara la imaginación. Trabajar con él es delicioso: es claro, preciso, tiene sentido del humor y es muy amable en los ensayos. Entonces, todos quieren volver a trabajar con él”, asegura. “Como él dice: ‘Para agarrarnos berrinches estamos grandes’ —ríe—. No es un enfant terrible, todo lo contrario. Y con Daniel Bianco también formamos equipo en muchos espectáculos, así que para mí es una fiesta trabajar con ellos”.

No conforme con la cantidad de prendas, Schussheim se impuso un desafío adicional. “Tuve una idea muy loca, que nunca me había pasado: ¿y si hago todos los vestidos distintos? Como sucede realmente cuando uno va a una fiesta. El trabajo de dibujarlos fue al principio encantador, después creí que me moría, y ni te digo cuando hubo que hacerlos. Y después se agregaron más mujeres al coro. Los hombres son más simples porque van de esmoquin, pero cada mujer tiene un vestido distinto”, cuenta. Eso implicó buscar combinaciones y telas dentro de la gama de los rojos: del carmín al naranja, pasando por el fucsia. “Fue complicado, pero muy excitante y diferente. Y no hubiese sido posible sin una ayuda fundamental que es como una extensión de mí: mis dos asistentes, Martina Nosetto y Mariana Seropian”.

Con sus dos asistentes trabaja codo a codo hace mucho tiempo, sobre todo con Mariana, a quien le tiene mucha confianza porque comparten la mirada. “Son dos personas jóvenes y con mucha energía. Toda la primera parte, más de elección de telas, la hice con Martina, y toda la segunda parte, con Mariana (que había estado filmando en Costa Rica),y luego volvió a involucrarse Martina. Tuvieron que hacer pruebas de ropa multitudinarias, además de estar en el detalle de lo que lleva la solista en escena. “Lo cual es muy complicado porque eso se tiene que ver bien, tiene que ser fácil y tiene que quedar bien”, explica y agrega: “No es una producción que es pupupú, que uno dice: ‘La hago con los ojos cerrados’. Es la primera vez que hago La Traviata. Es una música hermosa, te lleva, es icónica, es la ópera más conocida y querida en general de Verdi. El resultado creo que es bueno, por lo menos estamos todos muy contentos los que hicimos esta producción. Yo feliz de trabajar”.

La inspiración de los diseños fue tomada de fines de los años cincuenta, principios de los sesenta, la época de Balenciaga, Balmain, Dior. “Yo adoro Balenciaga de esa época, con esos vestidos abullonados, los talles altos. Y Dior, que es todo lo contrario. Picoteé un poquito de todo”, detalló.

Los talleres del Colón se ocuparon de confeccionar minuciosamente cada pieza, a un ritmo también vertiginoso. También, debieron sortear las dificultades de cambios de temporada o no encontrar los metros suficientes de géneros y tener que sustituirlos.

“Los talleres, todos, desde zapatería, el taller de peluquería, la cantidad de tocados, de pelucas, de sombreros fue, la verdad, como un tour de force. Con muchas ganas y mucho entusiasmo me acompañaron y les estoy enormemente agradecida a los artesanos. Porque acá, en el Colón, son las manitos de los artesanos que hacen todo dentro del teatro. No se manda nada hacer afuera. Entonces, la gente que lo hace, sabe y tiene experiencia y lo hace con amor y quiere el teatro. Y bueno, todo eso se ve arriba del escenario", expresa con satisfacción.

Renata comparte una foto con un valetto, quienes están del lado de adentro del escenario y corren los telones pesadísimos. “Siempre nos sacamos fotos en los estrenos”. Y agrega: “Vos te subís a ese escenario y es algo impresionante lo que se siente. No hay mucho así en el mundo. Yo he trabajado afuera, pero te digo como esto, no hay”.

Las siguientes funciones están programadas para este jueves 20, el viernes 21, martes 25, miércoles 26, viernes 28 y sábado 29 de noviembre a las 20 horas y domingo 23 de noviembre a las 17. Las localidades se podrán adquirir en la boletería del Teatro Colón, Tucumán 1171, de lunes a sábado de 09 a 20 y los domingos de 09 a 17. O por Internet en: www.teatrocolon.org.ar.

La silueta envuelta en vendas de la Novia de Frankenstein, con su inconfundible melena y vestido blanco, permanece grabada en la memoria colectiva como uno de los íconos más perdurables del cine de terror.

Detrás de esa imagen, y de muchos otros vestuarios emblemáticos del Hollywood clásico, se encuentra el talento de Vera West, la diseñadora que definió la estética de Universal Pictures entre 1928 y 1947. Sin embargo, a pesar de su impacto en la cultura popular, su nombre quedó relegado al anonimato, un contraste explorado en profundidad por Smithsonian Magazine.

El legado de West en el cine de terror es ineludible. Como jefa del departamento de vestuario de Universal Pictures, fue responsable de los trajes que dieron vida a personajes como la Novia de Frankenstein, interpretada por Elsa Lanchester en 1935, y Christine en “El fantasma de la ópera” (1943), encarnada por Susanna Foster.

Su trabajo complementó el maquillaje y la caracterización de figuras como las creadas por Jack Pierce y otorgó profundidad a los personajes.

Gudrun D. Whitehead y Julia Petrov, editoras del libro “Fashioning Horror: Dressing to Kill on Screen and in Literature”, subrayan en declaraciones recogidas por Smithsonian Magazine que West comprendía el vestuario como parte fundamental de la creación del personaje y le otorgaba profundidad e impacto en pantalla.

Para ellas, cada detalle de sus diseños captaba la luz y generaba un contraste atractivo con el resto del elenco, lo que explica que sus creaciones sigan como referencia obligada en nuevas versiones de clásicos como Frankenstein, Drácula o La momia.

Vestuarios que trascienden el cine

La influencia de West trasciende el propio cine; sus diseños fueron replicados y reinterpretados en la moda contemporánea y la cultura pop. Ejemplos de ello son disfraces de Halloween de celebridades como Kylie Jenner, las Monster High de Mattel y parodias cinematográficas como “El jovencito Frankenstein” (1974), donde Madeline Kahn luce atuendos inspirados en los trazos de West.

Smithsonian Magazine destaca que la vigencia de su estilo se mantiene gracias a la fuerza visual de sus creaciones, que superaron generaciones y formatos.

Entre las principales obras de West destaca el vestido nupcial de “Frankenstein” (1931), considerado uno de los más legendarios del cine, así como el vestido de Mary Shelley que lleva Elsa Lanchester al inicio de “La novia de Frankenstein”, descrito por el historiador Christian Esquevin como una pieza “bordada con estrellas, lunas y mariposas de lentejuelas”.

En “Forajidos” (1946), el vestido negro de Ava Gardner, con escote corazón y guantes largos, ayudó a lanzar la carrera de la actriz y se convirtió en un referente de elegancia replicado en pasarelas hasta la actualidad. West también colaboró con la marca Catalina en el diseño de trajes de baño y fue consultada por publicaciones de moda acerca de tendencias, como documentan testimonios de la prensa de los años 40 recopilados por Smithsonian Magazine.

Pese a su extensión y variedad —con participación en cerca de 400 películas y presencia en géneros desde el musical hasta el western—, la figura de West permaneció en la sombra. En la época dorada de Hollywood, los diseñadores de vestuario rara vez recibían créditos en pantalla y la Academia no reconoció oficialmente la categoría hasta 1949, dos años después de su muerte.

Kimberly Truhler, historiadora de moda y cine, explica en Smithsonian Magazine que West prefería ajustarse a las necesidades de cada producción antes que dejar una “firma” reconocible en sus diseños, a diferencia de colegas como Adrian Adolph Greenberg.

Además, Universal Pictures trabajaba con recursos limitados y especialización en producciones de género, factores que obligaron a West a aplicar una creatividad notable en medio de la escasez. “Dada la creatividad con la que trabajaba, logró resultados excelentes”, afirma Esquevin.

Un legado marcado por el misterio

La vida personal de Vera West estuvo atravesada por la adversidad y el misterio. Nacida a principios del siglo XX en la costa este de Estados Unidos, quedó huérfana joven y comenzó como costurera antes de formarse en la Philadelphia School of Design for Women.

Se casó en 1924 con Stephen Kille, aunque no hay registros claros de divorcio; años después, ya en California, contrajo matrimonio con Jack West.

En 1947 su historia terminó de modo trágico: el fotógrafo Robert Landry, residente en su casa del Valle de San Fernando, la encontró sin vida en la pileta con sus perros aullando cerca.

La policía halló supuestas notas de suicidio donde West aseguraba haber sido víctima de chantaje durante 23 años, aunque su esposo negó la existencia de tal extorsión y atribuyó la muerte a conflictos domésticos, según reportes citados por Smithsonian Magazine.

El informe forense determinó como causa la asfixia pulmonar, probablemente por ahogamiento. Esquevin sugiere que, de haber existido el chantaje, pudo haberse originado en su primer matrimonio, aunque la falta de información precisa deja abiertas varias hipótesis sobre su fallecimiento.

Aunque su paso por la alta costura fue breve —abrió una boutique en Beverly Hills tras dejar Universal, sin éxito duradero—, la huella de West permanece en la moda y en el cine.

Su capacidad para transformar limitaciones en oportunidades creativas y dotar de personalidad a los personajes convirtió sus diseños en referentes ineludibles para generaciones de creadores.

Smithsonian Magazine concluye que, pese a las dificultades personales y profesionales, Vera West logró preservar la integridad de su trabajo y su impulso creativo, un legado que continúa inspirando a la industria y al público actual.

El aniversario número 35 del estreno de Pretty Woman recuerda el impacto que la película provocó en la industria cinematográfica y en la moda. El film, dirigido por Garry Marshall, se lanzó en 1990 y permanece como una de las películas más vistas en televisión.

Sus protagonistas, Julia Roberts y Richard Gere, marcaron tendencia tanto en la gran pantalla como fuera de ella. Los vestidos y conjuntos que llevó la actriz durante el rodaje no solo definieron la imagen de su personaje, Vivian Ward, sino que también continúan presentes en el mundo del diseño y las pasarelas actuales.

Los diseños empleados en Pretty Woman nacieron de la necesidad de confeccionar prendas para Julia Roberts porque las marcas no deseaban ceder ropa para una película cuya historia giraba en torno a una trabajadora sexual. El vestuario, a cargo de Marilyn Vance, evitó las tendencias pasajeras de los años 90 y apostó por piezas que hoy mantienen su vigencia estilística, detalló Agencia EFE.

Según Cristina Rodríguez, diseñadora de vestuario que colaboró en producciones como Élite y Explota Explota, la clave está en la calidad y atemporalidad de los diseños de Vance. La experta destaca que el vestuario se fabricó utilizando recursos icónicos, pero sin anclarse únicamente en referencias de los años 90, lo cual produce la impresión de que la película pudo haberse rodado mucho más recientemente.

Uno de los estilismos más reconocibles de la cinta es el minivestido blanco y azul que aparece en la primera secuencia, así como en el cartel. Este conjunto, acompañado de botas de charol y una gorra de ferroviario, se diseñó específicamente para la ocasión, ya que ningún modelo preexistente resultaba adecuado.

En palabras de Rodríguez, la prenda fusionó el lado callejero y un carácter ingenuo, con cortes y estilos que actualmente pueden encontrarse tanto en pasarelas como en el armario de cualquier persona.

De acuerdo con la diseñadora, otro de los conjuntos más emblemáticos lo compone un vestido marrón chocolate con lunares blancos, complementado con un canotier, que Vivian lleva en una de las escenas más recordadas, al asistir a la hípica.

Rodríguez asegura que la prenda cuenta con “una silueta clásica de los años cincuenta” y continúa vigente en el mundo actual, adaptándose tanto a quienes tienen caderas anchas como a las personas delgadas. El canotier y los guantes completan un “toque sofisticado ideal para las carreras”, una elección vinculada al estilo Ascot.

De acuerdo a Agencia EFE, el legado de Pretty Woman también incluye piezas como chaquetas XXL con hombreras combinadas con bermudas y una chaqueta roja con solapas. Cada prenda refleja una estética versátil que reaparece frecuentemente en colecciones actuales.

Uno de los conjuntos más celebrados es el vestido rojo que la protagonista luce durante su visita a la ópera. Según las declaraciones de Rodríguez recogidas por Agencia EFE, ese diseño se impuso sobre la opción inicial del director, que sugería el negro.

Vance diseñó un vestido rojo que, al mostrarse terminado, convenció a todos. Rodríguez opina que el resultado fue “increíble y maravilloso” y plantea la duda sobre si el personaje se habría percibido igual de icónico con un color negro en vez de rojo.

El vestuario masculino también marcó tendencia. Los trajes de Richard Gere se confeccionaron a medida y algunas piezas, incluidas varias corbatas, provinieron de firmas reconocidas como Armani y Hermès. El predominio del gris y los complementos discretos generaron una imagen distinguida y a la vez relajada.

La comparación con el cine moderno resulta inevitable. De acuerdo con Agencia EFE, Anora, la película independiente dirigida por Sean Baker y protagonizada por Mikey Madison, propone una visión más cruda y realista de una historia similar en el siglo XXI.

El vestuario de Anora opta por prendas atrevidas y llamativas, como pantalones de encaje y vestidos de lentejuelas, elementos que definen la personalidad de su protagonista a través de la moda.

La pregunta que surge es si este nuevo enfoque logrará mantenerse vigente y ejercer influencia en la moda como lo hizo Pretty Woman durante más de tres décadas. Según las fuentes citadas, el cine suele anticipar tendencias y la moda termina por seguir sus pasos.

Pretty Woman sigue siendo referencia obligada para diseñadores, modistas y público.

El aniversario del filme permite observar cómo unos estilismos pensados para una historia concreta trascienden su época y continúan inspirando a quienes buscan prendas con carácter atemporal, adaptables y con personalidad propia.

Así, los looks de Julia Roberts en la película siguen presentes en el imaginario colectivo, demuestran la vigencia de la moda clásica y reafirman que el vestuario puede ser tan inolvidable como la historia que acompaña.

Stone, habitual de películas contemporáneas, contó en diversas entrevistas cómo abordó este desafío. El objetivo del equipo artístico era lograr que su apariencia reflejara tanto la época como las complejidades de la joven ambiciosa que retrata en pantalla.

Según revela Fotogramas, el proceso incluyó la utilización de maquillaje sutil para palidecer la piel y realzar las facciones conforme a los cánones estéticos históricos. Además, la forma de vestir, el peinado y detalles como la postura resultaron esenciales para recrear la autenticidad del personaje.

El trabajo se concentró en borrar rasgos actuales y dotar a Stone de la imagen austera y reservada que las clases femeninas ostentaban en la Inglaterra de aquella época.

El enfoque del equipo de maquillaje y vestuario en la película

El equipo de maquillaje y vestuario desplegó un trabajo minucioso para transportar al público al universo de la corte de la reina Ana. En el caso de Emma Stone, el desafío fue transformar sus rasgos físicos y faciales sin caer en exageraciones ni caricaturas, alejándola del glamour habitual en otras producciones.

Para lograrlo, se optó por un maquillaje que evitó tonos modernos y se enfocó en recrear imperfecciones y detalles característicos de la época, aportando realismo y autenticidad a su personaje.

El vestuario, firmado por expertos de producción, combinó tejidos históricos, colores apagados y corsés estructurados. Estos atuendos no solo transformaron el porte de Stone, obligándola a mantener una postura rígida y una gestualidad específica, sino que contribuyeron a definir la psicología del personaje.

El impacto del cambio físico en la interpretación de Emma Stone

La transformación externa no fue solo una cuestión estética; tuvo un efecto directo en el desempeño de Emma Stone durante el rodaje. La actriz reconoció que el peso, la incomodidad del vestuario y los cambios en la piel le ayudaron a entender mejor las limitaciones y sentimientos de su personaje. Esta inmersión física la llevó a adoptar una actitud modesta y contenida en sus expresiones, en línea con las normas sociales del siglo XVIII.

Este enfoque entregó una interpretación más verosímil y enriquecida, según relatan miembros del equipo. Emma Stone debía manipular el lenguaje corporal y los gestos mínimos para transmitir las emociones de Abigail Masham, ya que el corsé y los peinados estrictos controlaban buena parte de sus movimientos.

Asimismo, la actriz manifestó que el proceso le permitió encontrar matices inéditos y precisión en sus reacciones, ajustando su actuación a los requerimientos del drama histórico.

Reacciones y declaraciones de Emma Stone sobre el proceso

Sobre el proceso de transformación, Emma Stone se ha mostrado abierta en compartir sus impresiones en distintas entrevistas. La actriz destacó especialmente la experiencia de ver su imagen alterada para acercarse tanto a la época como al carácter luchador de su papel.

Al describir las exigencias del vestuario y el ambiente del set, Stone subrayó cómo la sumersión en estos elementos modificó su percepción tanto del personaje como de sí misma como intérprete.

En sus declaraciones, manifestó sorpresa inicial y cierta incomodidad por los métodos empleados para lograr su apariencia, normalmente alejada del maquillaje y vestuario recargados. Sin embargo, reconoció que esa incomodidad fue decisiva para comprender a Abigail Masham y adoptar la actitud adecuada para cada escena.

El proceso de adaptación, según sus propias palabras, le permitió desarrollar nuevas herramientas actorales y valorar el trabajo de todos los departamentos técnicos involucrados.

La más reciente reinvención estética de Taylor Swift generó conversación tanto entre sus seguidores como en la industria musical. El disparador de esta atención fue la revelación de la portada de su próximo álbum, “The Life of a Showgirl”, donde se la ve con un traje completamente cubierto de pedrería, tocado con plumas y el clásico gesto de los labios rojos señalados.

La inspiración detrás del vestuario de la portada proviene directamente del mundo de los espectáculos clásicos de la ciudad del juego. Swift eligió rendir homenaje a la tradición del musical y el glamour de los grandes shows de Las Vegas, al reinterpretar el vestuario de las coristas, ícono indiscutible de esa era.

En su mensaje promocional, la artista expuso el deseo de transmitir fuerza, sofisticación y teatralidad con un diseño fiel a ese legado.

Diseño y características del vestuario del álbum “The Life of a Showgirl”

El vestuario que luce Swift en la portada del álbum no es una simple adaptación: es una pieza con historia propia. El diseñador Bob Mackie, legendario en el universo del espectáculo estadounidense, fue el encargado de revelar los detalles de esta creación a través de sus redes sociales.

Según Mackie, el conjunto fue concebido originalmente para el “Jewel Finale” del espectáculo “Jubilee!”; un show inolvidable en la Strip de Las Vegas.

El traje, tal como lo describió Mackie, se distingue por su elaboración artesanal: el sujetador, la ropa interior y los brazaletes están montados con hilo francés y forrados en un tejido color piel para simular desnudez, uno de los sellos más provocativos de la estética showgirl.

Piedras y cadenas de cuentas acentúan la prenda, que además incluye un tocado en forma de corona y plumas exuberantes. El conjunto, complementado por medias de red y guantes de ópera en algunas variantes, transmite una impronta de lujo y espectáculo.

No se trata solo de un vestuario llamativo, la elaboración de estas piezas puede alcanzar un peso de 10 a 40 libras debido al nivel de detalle y los adornos, según relató el estilista José Rodrigo, nativo de Las Vegas y experto en la moda local.

Historia del espectáculo “Jubilee!” y del diseñador Bob Mackie

El vestuario de Swift es parte del legado del icónico espectáculo “Jubilee!”. Producido por Don Arden, este show se mantuvo en escena desde 1981 hasta su cierre en 2016 y permanece como el espectáculo de coristas más longevo de la historia de Las Vegas.

“Jubilee!” transportaba a los espectadores a la era dorada de los Ziegfeld Follies, con más de 1,000 trajes cuidadosamente diseñados que deslumbraban por su opulencia y atención al detalle. La estética celebrada por Mackie y replicada en la portada de Swift representa la cúspide del vestuario teatral: brillo, sensualidad y ostentación.

Bob Mackie, responsable del traje, es un nombre fundamental en el diseño de vestuarios para el entretenimiento. Reconocido por su trabajo en televisión y espectáculos en vivo, Mackie aportó creatividad y un sentido inconfundible de la teatralidad a cada una de sus piezas para “Jubilee!”. Con la portada elegida por Swift, su legado, y el de los shows de Las Vegas, encuentra nueva vida y conexión con las generaciones actuales.

Anuncio del álbum y proceso creativo de Taylor Swift

El anuncio de “The Life of a Showgirl” fue realizado durante la participación de Taylor Swift en el pódcast “New Heights”, conducido por su pareja Travis Kelce. Allí, Swift no solo develó la portada sino que también confirmó una colaboración inédita con los productores Max Martin y Shellback, con quienes compuso y grabó las 12 canciones del álbum en Suecia, al aprovechar los descansos de la Eras Tour en Europa.

La artista relató cómo alternaba agotadoras sesiones de grabación con conciertos en vivo, lo que generó un ambiente de alta productividad y creatividad.

El lanzamiento está agendado para el 3 de octubre y, coincidiendo con la estética retro y exclusiva de los grandes espectáculos de la ciudad, Swift presentó ediciones limitadas en vinilo: variantes como “wintergreen and onyx marbled vinyl” y “violet shimmer marbled vinyl” que expanden la narrativa visual del álbum.

Las imágenes mostraron nuevas facetas del look showgirl: variantes del vestuario con distintas combinaciones de brillo, púrpura metálico y contrastes entre transparencias y pedrería.

Estas ediciones apuntan a crear una experiencia de colección acorde al espíritu glamoroso y teatral que atraviesa este capítulo de la cantante.

El recorrido visual propuesto por Swift consagra el vestuario de corista como símbolo de empoderamiento artístico y como un guiño consciente al pasado grandilocuente del entretenimiento estadounidense.

Así, el look de Las Vegas supera lo anecdótico y se convierte en declaración de intenciones: una apuesta por la espectacularidad y la memoria cultural que, adaptada a su estilo personal, inaugura una etapa sin precedentes en la carrera de la cantante.

La subasta, titulada Downton Abbey: The Auction, se celebrará en línea a través de la web de la casa de apuestas, desde el 18 de agosto hasta el 16 de septiembre. Paralelamente, se ofrecerá una exposición gratuita en la sede de Bonhams New Bond Street en Londres, abierta al público de lunes a viernes de 9:30 a 16:30, y el domingo 7 de septiembre de 11:00 a 15:00. El último día de visita será el martes 16 de septiembre, con cierre a las 12 del mediodía.

Entre los objetos destacados también se encuentra la emblemática pared de campanas utilizada por la familia Crawley para llamar al servicio, una claqueta de la producción de la película Downton Abbey: A New Era y un guion autografiado del primer episodio de la primera temporada. Más de 120 millones de espectadores en todo el mundo han seguido la serie, que se estrenó en septiembre de 2010 y se mantuvo en antena durante seis temporadas hasta 2015. La franquicia, creada por Julian Fellowes y producida por Carnival Films, ha sido reconocida con premios Golden Globe, BAFTA y Primetime Emmy.

El director del grupo de ventas de casas y colecciones icónicas de Bonhams en el Reino Unido, Charlie Thomas, afirmó que la serie representa “un ejemplo de lo mejor de la televisión y el cine británicos” y expresó su satisfacción por ofrecer estos objetos de una producción emblemática. Thomas también destacó que Downton Abbey es “una narración excepcionalmente bien documentada sobre la sociedad aristocrática de principios del siglo XX. El vestuario y la utilería demuestran la impresionante atención al detalle que dio vida a este mundo en pantalla, lo que la hizo tan querida por millones en todo el mundo”.

La tercera película, titulada Downton Abbey: The Grand Finale, se estrenará en septiembre, con producción de Carnival Films y distribución a cargo de Focus Features y Universal Pictures International. La productora destinará los ingresos obtenidos en la subasta a Together for Short Lives, una organización benéfica británica dedicada a niños con enfermedades limitantes y a sus familias.

Bonhams ya cuenta con experiencia en la venta de recuerdos cinematográficos. En 2024, la casa subastó más de 450 objetos de la serie de Netflix The Crown, entre ellos coronas, tiaras, vestidos, camas y otros artículos reales, logrando recaudar más de 2 millones 300 mil dólares, una cifra que triplicó la estimación previa a la venta.

[Fotos: HBO Max; REUTERS/Hannah McKay; Bonhams]

El cántabro ha asegurado que todo el equipo afronta el encuentro ante el conjunto nazarí, en el que se ambos se juegan clasificarse al playoff de ascenso, con el convencimiento de que va a salir bien.

"La motivación y la ambición que tenemos es máxima. Tenemos muchas ganas de que llegue el domingo para demostrarlo", ha destacado el canterano.

El defensa del barrio santanderino de Peñacastillo ha afirmado que haya o no haya recibimiento por parte de la afición, el ambiente que se vive cada fin de semana en El Sardinero es "increíble" y no tiene ninguna duda de que así será este domingo.

Precisamente, sobre el encuentro ante el conjunto de José Rojo Martín 'Pacheta', Mario ha subrayado que van a trabajar el partido "como todas las semanas" y ha aclarado que van a ser "valientes" y van a ir "a por ellos" para poder ganar.

"El equipo va a salir a ganar. Sabemos que jugamos en Santander y en El Sardinero con nuestra gente, sabemos que no nos van a fallar y nosotros a ellos tampoco", ha concluido el '40' verdiblanco. EFE

ksm/mg/jl

“Carletto... No es fácil despedirse de alguien que ha marcado tanto.

Gracias por confiar en mí todos estos años, por estar siempre cerca y por hacerme sentir importante”, inició su publicación en sus cuentas oficiales en redes sociales.

“Gracias por unir a un vestuario entero con tu calma, tu sabiduría y tu sonrisa.

Te vas como lo que eres, historia del Real Madrid y una persona maravillosa.

Mucha suerte en lo que venga, míster. Aquí siempre tendrás tu casa”, completó.

Un Carlo Ancelotti que este sábado dirigió su último partido como entrenador del Real Madrid, antes de iniciar su etapa como seleccionador de Brasil. EFE

Se ha manifestado así una vez lograda la permanencia matemática en Segunda división, lo cual no es óbice, según el mediocentro andaluz para que el conjunto albaceteño continúe.

“Seguramente llenarán el campo, porque se están jugando mucho, pero nosotros iremos con la máxima ilusión para conseguir los tres puntos y dar así una alegría a nuestra afición”, ha apostillado.

Para Meléndez, una de las claves de haber logrado el objetivo con tanta antelación es “la unión del vestuario" que han logrado "con gente joven y veterana, pero sobre todo muy sana, que es lo más importante”.

En cuanto a su actuación personal este curso deportivo, marcada por una lesión que le hizo perderse varios meses de competición, ha dicho estar “contento". "Sobre todo porque estoy contando con más minutos cada vez y ya con el ritmo de competición adecuado, aunque ha sido difícil”, ha admitido.

Preguntado por el ascenso a Segunda del Ceuta, su exequipo, se ha mostrado “muy feliz” porque lo hayan logrado “sabiendo lo que les ha costado, con años trabajando para llegar al fútbol profesional, y encima con récord de Primera RFEF; estoy encantado de volver a encontrármelos”, ha finalizado. EFE

jml/lsy/og

Barcelona (España), 14 may (EFE).- El responsable del doble vestuario que luce la cantante española Melody en el festival de la canción de Eurovisión es el diseñador afincado en Barcelona Gustavo Adolfo Tarí, un veterano cosiendo vestidos con pedrería para grandes espectáculos.

De hecho, utilizó hasta 100 metros de organdí negro solo para la cola del primer vestido de la canción 'Esa diva'.

En una entrevista con la Agencia EFE desde su estudio de Barcelona, Tarí muestra los bocetos de los vestidos que Melody lucirá en su aventura eurovisiva mientras en las paredes observan callados maniquís con los trajes que han llevado en giras y videoclips otras estrellas como Shakira, Rosalía o Nathy Peluso.

Orgulloso de haber sido el elegido para vestir a la representante española, el diseñador cuenta que se han invertido "muchos días y horas de trabajo" para confeccionar de forma artesanal, piedra a piedra, ambos atuendos. "Es difícil de decir, pero calculo que dos semanas doce horas al día", resumió.

Explicó que, aunque él haya llevado a cabo la confección, lo considera un "trabajo conjunto" con la propia Melody y su equipo, empezando por la estilista de la cantante, Almudena Ruiz, así como con los directores artísticos de la propuesta española para Basilea, donde celebra el concurso.

"Entre todos lo hemos ido puliendo", añadió Tarí, quien llegó hace horas de Suiza, donde ayudó con los últimos retoques.

Sobre el concepto tras la propuesta de vestuario, explicó que "la idea era mostrar primero una diva clásica, como la que todo el mundo tiene en mente, pero utilizando el negro y los volantes y el sombrero cordobés".

"Y luego pasa a ser una diva que es una diva actual, de ahora, con el 'body' de pedrería", añadió.

Para Tarí, lo que hace grande y diva a Melody es que "es una mujer luchadora, que no ha parado de trabajar desde pequeña, que lo lleva todo adelante, que es madre, que es una gran artista (...) y todo manteniendo los pies en el suelo y tratando a la gente de forma muy humana, sin excentricidades".

Tarí está feliz porque la moda española vuelva a tener un altavoz internacional a través del festival y, especialmente, de que esta vez se haya confiado en él como diseñador de grandes espectáculos. "Eso es lo que es Eurovisión", dijo.

De los "trucos" del cambio rápido de un traje a otro, con la caída del telón sobre el escenario, el modisto no suelta prenda. "Secreto profesional", aseguró antes de tranquilizar al público: "Todo saldrá bien".

Tarí tiene como especialidad el metacrilato y la piel de espejo cortados a láser; hace cada pieza de principio a fin, aunque en el caso del vestuario de Eurovisión optó por la pedrería cosida a mano.

Además de usarlas en piezas de ropa, también utiliza la pedrería para crea tocados para cabello que parecen máscaras con pequeños diamantes de cristal.

Melody lucirá, sin embargo, en la primera parte del espectáculo un sombrero cordobés "tuneado" con un ala más larga y rígida de lo normal.

Tras mostrar su apuesta escénica en la primera semifinal, Melody ya se prepara para la gran noche del sábado en el St. Jakobshalle de Basilea. EFE

(foto) (vídeo)

Barcelona, 14 may (EFE).- El responsable del doble vestuario que luce Melody en el festival de la canción de Eurovisión es el diseñador afincado en Barcelona Gustavo Adolfo Tarí, un veterano cosiendo vestidos con pedrería para grandes espectáculos que tuvo que utilizar hasta 100 metros de organdí negro solo para la cola del primer vestido de 'Esa diva'.

En una entrevista con la Agencia EFE desde su estudio del Paralelo, a pocas calles del mítico El Molino de las 'vedettes', Tarí muestra los bocetos de los vestidos que Melody lucirá en su aventura eurovisiva mientras en las paredes observan callados maniquís con los trajes que han llevado en giras y videoclips a otras estrellas como Shakira, Rosalía o Nathy Peluso.

Orgulloso de haber sido el elegido para vestir a la representante española, el diseñador cuenta que se han invertido "muchos días y horas de trabajo" para confeccionar de forma artesanal, piedra a piedra, ambos atuendos. "Es difícil de decir, pero calculo que dos semanas doce horas al día", ha resumido.

Explica que aunque él haya llevado a cabo la confección, lo considera un "trabajo conjunto" con la propia Melody y su equipo, empezando por la estilista de la cantante, Almudena Ruiz, así como con los directores artísticos de la propuesta española para Basilea. "Entre todos lo hemos ido puliendo", añade Tarí, quien llegó hace horas de Suiza, donde ha ayudado a los últimos retoques.

Sobre el concepto tras la propuesta, explica que "la idea era mostrar primero una diva clásica, como la que todo el mundo tiene en mente, pero utilizando el negro y los volantes y el sombrero cordobés".

"Y luego pasa a ser una diva que es una diva actual, de ahora, con el body de pedrería", ha añadido.

Para Tarí, lo que hace grande y diva a Melody es que "es una mujer luchadora, que no ha parado de trabajar desde pequeña, que lo lleva todo adelante, que es madre, que es una gran artista (...) y todo manteniendo los pies en el suelo y tratando a la gente de forma muy humana, sin excentricidades".

Tarí, nacido en Elche aunque ya se considera "un catalán más", está feliz porque la moda española vuelva a tener un altavoz internacional a través del festival y, especialmente, de que esta vez se haya confiado en él como diseñador de grandes espectáculos. "Eso es lo que es Eurovisión", ha dicho.

De los "trucos" del cambio rápido de un traje a otro, con la caída del telón sobre el escenario, el modisto no suelta prenda. "Secreto profesional", asegura antes de tranquilizar al público: "Todo saldrá bien".

El diseñador, que confiesa que verá la final del sábado en Alicante con su madre desde el sofá, lleva más de media vida en Barcelona, la ciudad en la que vive desde sus años de estudiante de diseño, una formación que se pagaba trabajando de noche en una gasolinera situada en Sant Adrià del Besòs.

Tarí tiene como especialidad el metacrilato y la piel de espejo cortados a láser, hace cada pieza de principio a fin, aunque en el caso del vestuario de Eurovisión optó por la pedrería cosida a mano.

Además de usarlas en piezas de ropa, también utiliza la pedrería para crea tocados para cabello que parecen máscaras con pequeños diamantes de cristal.

Melody lucirá sin embargo en la primera parte del espectáculo un sombrero cordobés "tuneado" con un ala más larga y rígida de lo normal.

Tras mostrar su apuesta escénica en la primera semifinal, Melody ya se prepara para la gran noche del sábado en el St. Jakobshalle de Basilea.

Hasta entonces, Tarí seguirá pendiente del teléfono. "Yo ya no duermo hasta el sábado", bromea nervioso. EFE

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Así se aprecia en las imágenes que ha hecho públicas la Unión Europea de Radiodifusión (UER), organizadora del certamen, y en los detalles concretos que ha revelado RTVE sobre cómo será la puesta en escena ideada por Mario Ruiz, quien con más de 15 años de experiencia ha trabajado con artistas como David Bisbal, Aitana, Chanel, Manuel Carrasco o Pablo Alborán.

La actuación de España se dividirá en tres actos distintos, con una propuesta "muy diferente a la de Benidorm Fest", excepto por el vestido negro inicial, "muy estructurado y con volúmenes que recuerdan a las espinas de un rosal", con una larga cola y un sombrero cordobés de ala ancha que sí remite a la puesta en escena que le valió a Melody su pase a Europa.

Durante la actuación, uno de los grandes cambios es la incorporación al cuerpo de baile de dos bailarinas, Vicky Gómez y Ana Acosta que, como en el videoclip, en un momento dado bailan a solas con la cantante sevillana.

"Me ha encantado ese momento sola con las chicas porque estamos las tres juntas diciendo, una vez más, que divas somos todas", ha destacado Melody tras el ensayo, "muy satisfecha" por el resultado, en declaraciones a RTVE.

A ellas se suman como bailarines Marc Montojo, Iván Matías Urquiaga y Álex Bullón, quien ha sido además el encargado de idear junto a Mónica Peña una coreografía planteada para que "la energía fuese creciendo progresivamente".

Tras deshacerse de la bata de cola, Melody lucirá el citado body plateado, hecho de manera artesanal con flecos y con más de 15.000 cristales de diferentes tamaños. Para cuidar al máximo cada detalle, su micrófono también está cubierto por una funda de cristales.

Como ya informó RTVE, ambos modelos, el negro y el plateado son creaciones del diseñador ilicitano Gustavo Adolfo Tarí, que ha vestido a Melody en varias ocasiones a lo largo de todo el camino a Eurovisión.

La artista española llevará a cabo este sábado su segundo ensayo y el próximo martes actuará fuera de concurso en la primera semifinal del festival, en el que está clasificada de modo directo para la gran final del 17 de mayo. EFE

Detrás de estos detalles está Patricia Conta, diseñadora de indumentaria egresada de la Universidad de Buenos Aires, directora de vestuario y responsable de un equipo de 14 profesionales que trabajó codo a codo durante un año. “Soy muy bajo perfil y me excede lo que está pasando con El Eternauta”, admite Patricia en diálogo con Teleshow, en un recreo de sus clases en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo. Sin falsa modestia, haciéndose cargo del “proyecto que todo el mundo siempre quiso hacer desde diferentes áreas”, como define con precisión a la adaptación de la historieta de Héctor Germán Oesterheld y Francisco Solano López, dirigida por Bruno Stagnaro.

Casi sin querer, la docente y vestuarista viaja con sus recuerdos a los inicios de un camino que se fue haciendo al andar. Jamás pensó que todo el mundo iba a hablar de sus diseños. En realidad, tampoco sabía que se iba a dedicar a esto, cuando hace 30 años una casualidad la depositó a cargo del vestuario de Fuego Gris, la obra surrealista de Pablo César con música de Luis Alberto Spinetta.

Sin dejar nunca el ámbito académico, le empezó a gustar cada vez más trabajar en ficciones y se convirtió en una de las profesionales más requeridas en el área. De hecho, dos de los proyectos más taquilleros del último tiempo, como la película Mazel Tov de Adrián Suar y la serie El fin del amor con Lali Espósito, tienen su sello. Pero con nada pasa lo que pasa con El Eternauta. Ni siquiera, ocurría en su imaginación. “Toqué el cielo con las manos cuando me confirmaron, y ahí empezó un trabajo titánico”, explica para resumir casi un año calendario, desde la previa hasta el post, y con 150 jornadas intensas de rodaje.

Con un equipo de 14 personas, que en situaciones límite trepaba a 20, Patricia buscó que cada detalle estuviera anclado en lo real y tuvo en claro que su tarea no era vestir a superhéroes musculosos. “Pensamos en hombres y mujeres comunes que podrían ser tu familiar, mis amigos, los pibes que ves jugando a la pelota, el señor que se va a tomar el café al bar”, explica. Para eso, registraron miles de fotografías de escenas de la vida cotidiana. De mañana, de tarde y de noche, en las plazas, las avenidas y las estaciones de tren. Un sustento empírico para darle más verosimilitud a la historia.

“Más allá de los protagonistas, lo que hay ahí es una decisión de diseño y de estética”, analiza Patricia, con pasión. “Los extras cuentan, y cada una de esas personas que aparece muerta al lado de la vía del tren, para nosotros tiene una historia. Este venía de laburar de la oficina, aquella de ver a su novio, y eso se cuenta desde el vestuario”, ejemplifica, y las imágenes visuales de los cuerpos caídos adquieren una nueva significación.

—Es muy interesante cómo dialogan el pasado y el presente durante toda la serie. Más allá de la diferencia temporal de la adaptación, hay guiños constantes en las palabras, en las canciones, en los objetos, y también en el vestuario, que cumple un rol clave en esto.

—Sí, este espíritu de que “lo viejo funciona”, que vuelve a tener una segunda oportunidad, es una idea que trasciende a todas las decisiones de la obra. En nuestro caso, como la acción transcurre en casa de Favalli, nos centramos en él y en su mujer y en una construcción real de lo que podía haber en ese placard y en esa casa. Qué actividades podría hacer esta pareja adulta y sin hijos, qué objetos tendría ese señor que es acumulador, que a la vez tiene un pasado como de estudiante relacionado con la ciencia, con la ingeniería, con la física, que arregla cosas.

—Y en ese suéter a rayas que conecta con el dibujo original.

—Sí, es bastante icónico en el cómic y lo rescatamos de ahí, pero lo mandamos a tejer a mano. Y en esa cosa de la artesanía, de las manualidades, también se relaciona con el personaje.

—También hay una decisión en que Juan Salvo use un gamulán y no un rompevientos con tela impermeable de última generación.

—Es que el gamulán cuenta una historia. Se usó mucho acá en los 70 y remonta a algo mucho más primitivo, porque remite al material con el que se vistieron los primeros hombres y mujeres, que es el cuero de animales. Y también te digo que repele bastante la lluvia, a pesar de no tener nada de tecnología. Salís con un gamulán y te mojás un poquito, pero no te empapás.

—Darín se quejó mucho del gamulán. ¿A vos te dijo algo?

—¡Por supuesto, todo el tiempo! (risas). El día de la presentación, lo encaré porque no quería que se quejara en todas las entrevistas del peso del gamulán y él me dijo que en realidad le echaba la culpa a Stagnaro. “Tendría que aclarar que vos hiciste todo lo posible para que no pesara”, me dijo, y es verdad. Fue un rodaje tan largo que pasamos días de mucho frío y de mucho calor, entonces teníamos siete gamulanes y al que más usaba él le sacamos todo el corderito para que no le pesara ni le diera tanto calor. Obvio que se quejaba, pero lo llevó con mucha hidalguía y creo que se terminó encariñando.

—¿Más allá de estas prendas icónicas, ¿cómo se resuelve qué usa cada personaje? ¿Es una decisión tuya?

—En general hago una propuesta conjunta, y en este proyecto se trabajó codo a codo con dirección de arte, vestuario, dirección de foto y Bruno Stagnaro, que como director es el que tiene la última palabra. A partir de ahí armamos lo que se llama una prueba de vestuario, en la que al actor o la actriz le probamos opciones dentro de ese recorrido. Puede pasar que no queda como lo habías imaginado, y cambiamos, pero siempre en el mismo sentido. Después de esa prueba de vestuario, se hacen fotos de todo y se vuelve otra vez al director. Y ahí se define.

—¿Hay alguna prenda o diseño con el que te hayas encariñado?

—Sí, con un poncho para una de las scouts que lo usa en una escena muy representativa. Mandamos a hacer scouting de un montón de frazadas porque yo quería una puntual. La avejentamos y después diseñamos los logos, porque no podía usar cualquiera, y así construimos el poncho. Y ahora me empiezan a llegar mensajes de scouts que me agradecen por representarlos tan bien y eso es muy reconfortante.

El hombre de la máscara

Además del gamulán, la otra vedette de vestuario es la máscara que lleva Juan Salvo. De hecho, es la portada oficial de la serie, con los célebres ojos de Darín protegidos y alertas, resguardados por un artefacto cuidadosamente diseñados en base a una serie de preceptos.

“Hicimos unos bocetos que aprobó Bruno y las mandamos a realizar siempre con la idea de que fuera lo más real posible, pensando en qué máscara podría haber rescatado Favalli de algún viaje”, cuenta Patricia, respetando la premisa original. “Queríamos que fuera una máscara donde se pudiera ver su mirada, pero a la vez, que no fuera tan impresionante como las de guerra; que generara empatía y no que asustara”, agrega.

Durante el proceso de confección de las máscaras, Patricia pudo unir sus dos pasiones. La vestuarista y la docente confluyeron en un taller para justificar los accesorios para cada personaje, desde los protagonistas principales hasta el último extra. Otra vez, el trabajo artesanal y de campo para no dejar ningún detalle librado al azar.

“Primero hicimos un scouting de todos los negocios por donde andaban nuestros personajes, sacamos fotos de los objetos pensando en que podrían haber pasado por ahí y juntado materiales para construirse sus máscaras”, revela la vestuarista. Y comparte la consigna que le dio a su equipo para trabajar en tiempo real: ”Hagamos de cuenta que mañana se termina el mundo, ustedes tienen que salir con una máscara, cada uno hace la suya". Y se pusieron manos a la obra. La salida colectiva, uno de los lemas de la serie, se trasladó entonces a ese equipo de trabajo, que se volvió familia, con la contención, las discusiones y los festejos de cumpleaños propios de todo clan.

—Se debatió mucho sobre los aportes públicos o privados para la realización de El Eternauta. Y en la charla destacaste otro foco de análisis que es la cantidad de gente formada en la universidad pública que trabajó en el proyecto.

—Mi formación, y la de la mayoría que dirigimos equipos, es en la educación pública; y antes de hacer El Eternauta, todos trabajamos en producciones chiquitas que pudimos hacer porque eran bancadas, y porque había gente que se tomaba el trabajo de pensar que la cultura era importante. No es que salimos de un zapallo, hay un camino recorrido.

—¿Cuál es el principal legado de la serie?

—Así como creo que el comic de El Eternauta es constituyente de nuestra identidad, esta serie también lo es, porque nuestra identidad tiene que ver con la educación pública también. Te cuento algo, mi hermana es maestra en una escuela pública y ayer me mandó una tarea que habían hecho los chicos de segundo grado. Tenían que dibujar qué querían ser cuando fueran grandes, y uno puso que quería hacer películas con el dibujito de El Eternauta. Con eso, para mí ya es tarea cumplida

Dentro del universo católico, la vestimenta de figuras eclesiásticas como el papa, los obispos y los sacerdotes no es fortuita. Cada color utilizado en sus vestimentas se selecciona con un propósito simbólico profundo, detalla National Geographic.

Estos colores están directamente asociados a momentos específicos del calendario litúrgico y son una manifestación de la espiritualidad y propósito que integran la historia de la Iglesia y sus ricas tradiciones multiseculares.

El color en la liturgia católica, por lo tanto, transciende el ritual estético y protocolario, constituyéndose en un código de significados espirituales. Estos códigos reflejan el compromiso de la Iglesia por preservar una narrativa simbólica que conecta el presente con siglos de historia religiosa. En este sentido, la liturgia usa una paleta de colores que da vida a las creencias y doctrinas de la fe.

El color rojo: símbolo de sacrificio y fervor

El rojo es particularmente destacado dentro de la liturgia católica, especialmente durante ceremonias como el Cónclave, donde se elige a un nuevo papa. Según National Geographic, este color simboliza el sacrificio y la fidelidad, con raíces profundas en la historia de la Iglesia desde el siglo XV.

Este vibrante color recuerda tanto la sangre de los mártires como la pasión de Cristo, reflejando un compromiso con la defensa de la fe incluso a costa de la propia vida.

Además de usarse en las vestimentas de cardenales y papas, el rojo se emplea en ornamentos litúrgicos como casullas y capas pluviales, consolidando su papel como símbolo de entrega total y fervor espiritual.

El color blanco: pureza y alegría en las celebraciones

El blanco, simbolizando pureza y alegría, se utiliza en celebraciones de gran importancia como Navidad y Pascua. Este color refleja la resurrección y la gloria dentro de la comunidad creyente, marcando momentos de exaltación y celebración en el calendario litúrgico católico.

El medio destaca que su luminosidad contrasta significativamente con otros tonos, acentuando el júbilo y la solemnidad de las festividades.

El color verde: esperanza en la vida diaria

Asociado con la esperanza y la vida eterna, el verde se emplea durante el tiempo ordinario. Representa una postura de renovación y espera, siendo el color de las misas diarias que no están vinculadas a fiestas específicas.

Este tono, abundante en la naturaleza, simboliza el crecimiento espiritual y la perseverancia, conceptos esenciales en la vida cristiana cotidiana, como explica National Geographic.

El color morado: penitencia y reflexión

El morado, vinculado a la penitencia y la reflexión, se utiliza durante Adviento y Cuaresma. Este color simboliza un tiempo de preparación y espera, invitando a los fieles a una introspección profunda y a la preparación espiritual.

Tradicionalmente, el medio destaca que el morado comunica un sentido de reverencia y arrepentimiento, preparándolos para las celebraciones mayores venideras.

El color negro: recordatorio de lo transitorio

Menos común en la actualidad, el negro fue tradicionalmente asociado con el luto y la muerte. Utilizado en celebraciones fúnebres y durante el Viernes Santo, este color simboliza lo transitorio de la vida y la necesidad de enfocar la mente en la promesa de la vida eterna.

A pesar de su rareza contemporánea, National Geographic recalca que su significado sigue resonando en momentos de reflexión y solemnidad.

El color rosa: alegría en la espera

Finalmente, el rosa se utiliza en Gaudete y Laetare, representando alegría en medio de la penitencia. Este delicado color ofrece un adelanto del gozo venidero y aporta un respiro espiritual con su tono suave, en un contexto de espera y autocontrol.

La diversidad de colores litúrgicos dentro de la Iglesia católica además de enriquecer visualmente las ceremonias, encapsula profundas convicciones espirituales y narrativas históricas que perduraron a lo largo de los siglos, tal y como comenta National Geographic.

Cada color, desde el rojo hasta el rosa, lleva consigo simbolismos únicos que conectan a los fieles con momentos específicos del calendario litúrgico y refuerzan los valores fundamentales de la fe.

National Geographic concluye afirmando que gracias a esta simbolización cromática, la tradición eclesiástica no solo se mantiene viva, sino que también invita a una participación más consciente y significativa en la vida religiosa, potenciando la experiencia espiritual y comunitaria.

Bilbao, 16 ene (EFE).- Oscar de Marcos, capitán del Athletic Club, admitió que el vestuario rojiblanco estaba "dolido" tras caer eliminado de la Copa del Rey después de perder frente a Osasuna en San Mamés (2-3) y admitió que "cuando te meten tres goles es difícil ganar un partido".

"Es normal que se cometan errores, los hemos pagado fuerte y no hemos conseguido pasar. Hay que minimizar esos errores y parecernos más al Athletic de la segunda parte. Empatamos, tuvimos ocasiones para ponernos por delante pero en una ocasión han metido el tercero y ya ha sido un palo fuerte", señaló.

De Marcos añadió que la eliminación "a todos nos duele", pero recalcó que "toca levantarse porque el fútbol sigue". "Nosotros mismos nos hemos malacostumbrado en esta competición en la que llevábamos tantas eliminatorias superadas. Nunca quieres que llegue este momento y hoy ha llegado de una manera dura. Es un día que he vivido muchas veces", reflexionó.

"Hay que levantarse y estar unidos. No creo que nos pase factura, pero es cierto que hay que estar fuertes de cabeza porque quedan dos competiciones en las que estamos bien colocados y tenemos mucha ilusión", concluyó De Marcos. EFE

ibn/ro/ism

Valencia, 17 dic (EFE).- El técnico del Valencia, Rubén Baraja, pidió este martes a los jugadores "que se atrevan", que "ataquen el uno contra uno" y "que sean capaces" este miércoles ante el Espanyol y aseguró que no para de motivarlos porque las victorias "dependen de ellos" y son "los que van a llevar a ese 'clic' para coger confianza y conseguir el objetivo".

"Estamos en un club en el que la historia es muy grande y debemos estar centrados en lo que corresponde, en que estos muchachos que se atrevan y que sean capaces, porque esa mejora será la que nos dará puntos. Para mí, la palabra imposible no existe", recalcó Baraja, que dijo que siente "más pertenencia en el vestuario" que cuando llegó en otra situación 'in extremis' y similar a esta.

"Siento más pertenencia del vestuario. Más querer y empujar que en la otra situación, pero son situaciones potentes porque la primera fue a pecho descubierto, de vivir o morir, y ahora estamos en una situación dificilísima y tienes que mantener cabeza fría, estar sereno y acertar lo máximo posible", apuntó Baraja, que esperó un partido "muy físico" ante el Espanyol.

Así, dijo que el encuentro de este miércoles será "de muchas piernas y muy presionante" ante un equipo que les "va a exigir mucho y corre bien a los espacios".

"Es muy insistente este equipo, sobre todo en su casa, donde tiene mejores resultados. Tenemos que conseguir imponernos", afirmó el entrenador vallisoletano, que señaló que los futbolistas están "concentrados en su trabajo, no en los que cuentan desde fuera y lo que dicen".

"No nos podemos despistar", agregó el técnico, para el que el último tercio del campo es donde están fallando. "Es donde está la diferencia del fútbol, lo que te pone en buena posición o no. Un disparo, una buena decisión... y no es fácil de conseguir", apuntó.

"El equipo es ordenado, sabe lo que tiene que hacer, tiene ritmo y energía, pero cuando entras en una mala dinámica, llegas y no la metes... Yo sigo tratando de inspirarlos para que crean que ese acierto puede llegar", comentó Baraja, que dijo que la diferencia ahora mismo está "en pequeños matices".

Baraja señaló que al equipo le falta más precisión: "Ante el Valladolid, tuvimos 62 centros. Tuvimos más situaciones de peligro y nos faltó elegir mejor y tratamos de mejorar. Estamos llegando hasta ahí pero ahora no estamos siendo precisos", concluyó. EFE

crn/nhp/nam

Madrid, 8 nov (EFE).- El minucioso trabajo de la diseñadora de vestuario Yvonne Blake, que vistió a grandes estrellas del cine como Charlton Heston, Audrey Hepburn o Sean Connery y a otras más recientes como Angela Molina, Javier Bardem, Paz Vega o Natalie Portman, sale de su ámbito privado para exhibirse en la exposición 'Yvonne Blake. Dressing Spain and Hollywood'.

La exposición, que se inaugura este viernes en la Casa de la Panadería (Madrid), sede de Madrid Film Office, donde permanecerá hasta el 8 de diciembre, muestra figurines, fotografías de rodaje, guiones y hasta unos pequeños cuadernos donde, siendo adolescente, Blake (Mánchester, Reino Unido, 1940-Madrid, 2018) comenzaba a dar sus pequeños pasos en el mundo del diseño.

"La carrera de Yvonne Blake es extensa y multifacética", apunta la experta en moda y comisaria de la exposición Esperanza García Claver, quien asegura que el proceso de creación de la figurinista "está cercano a las Bellas Artes".

En la exposición se muestran fotografías de Blake tomadas por su hijo David Carretero. "Me quedé en España por amor", solía decir, tras conocer a Gil Carretero, su esposo, que ha abierto su archivo personal, del que hay piezas y fotografías nunca expuestas, como uno de los bocetos del vestuario de 'Superman', para el actor Christopher Reeve o Gene Hackman.

La exposición es un homenaje a la figura internacional de una mujer que "consolidó un puente aéreo entre España, Inglaterra y Hollywood", apunta García Claver, mientras muestra el vestido que lució Ángela Molina en 'Bear', de Jaime Chávarri, o el vestuario de Hugh Grant en 'Remando al viento", de Gonzalo Suárez.

Muchos de los bocetos conservan acotaciones o trozos de tela con los que investigaba la mejor manera de vestir a un personaje.

"El Museo del Prado y las pinturas de Goya, Zurbarán o Velázquez eran su fuente de inspiración, siempre comentaba que eran los mejores figurinistas", relata la comisaria.

Películas como 'Robin y Marian', o siendo muy joven como ayudante de Cecil Beaton en 'My fair Lady', y su empujón internacional con 'Nicolás y Alexandra', de Franklin J. Schaffner por la que consiguió el Oscar a Mejor Vestuario, están muy presentes en la exposición y ofrecen una visión cercana de un vestuario rico en telas y minucioso en los detalles.

Se encuentran piezas originales, cuidadosamente guardadas por una de las empresas de vestuario más importantes del mundo, la española Peris Costumes, además de las aportaciones de coleccionistas privados y entidades, vestuario tanto de cine, televisión y artes escénicas como las de "El Barbero de Sevilla", que se representó en el teatro de la Zarzuela.

"Soy más española que Agustina de Aragón", recuerda la comisaria que solía decir, mientras la escucha en una pantalla donde van pasando imágenes de sus películas.

La exposición está construida cronológicamente, "siendo ella y el material" la que cuenta su propia historia.

Una muestra que nace del empeño de la Asociación de Artistas Plásticos, Escénicos y Audiovisuales de España (AAPEE) por resaltar el trabajo de los figurinistas, que también han creado los Premios Yvonne Blake que se han celebrado este año.

Marta Fenollar, presidenta de la AAPPE, asegura que fue Yvonne Blake la que "enseño a poner en valor el trabajo de vestuario dentro de las producciones, donde a veces los figurinistas no salía ni en los créditos".

Entre las curiosidades que se encuentran recorriendo la sala están el Oscar y los cuatro premios Goya que ganó Blake, que en su día fue Presidenta de la Academia de Cine Española, un legado que sirve de inspiración para muchos profesionales. EFE

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“Viví sintiendo que había algo mal en mí. Me convencí de que estaba fallado, que lo que sentía por ‘Don’ no podía ser amor. Entonces durante 50 años me anulé, callé e hice todo lo que ‘había que hacer’”, se despacha Roberto para introducir la historia que tuvo guardada durante casi toda su vida. “¡Pará Roberta! No empieces con sentimentalismos… Lo importante es todo lo que nos queda por vivir juntos”, dice Juan, alias “Don” como lo apodaron en la adolescencia por su fama de Don Juan y como lo llamaremos a partir de ahora.

Roberto y Don se conocieron allá por la década del 70, cuando eran dos quinceañeros en la flor de la vida y jugaban al fútbol en el club de su barrio: “Don era un jugador de toda la cancha, en todos los sentidos: era el crack del equipo, goleador de media cancha, fachero, no estudiaba nada pero zafaba todas las materias y las minas caían muertas a sus pies… ¡todas!”, cuenta Roberto tan obnubilado como aquella primera vez que se lo cruzó, en las canchitas improvisadas en el potrero de Villa Modelo, y lo invitó a sumarse al equipo. De repente, cambia a un tono humilde para decir: “Yo era el arquero, un ‘machomenos’ en todo, pero al tener la venia del chico popular –dice cabeceando al hombre que hoy comparte su sillón y su vida–, el mundo me aceptaba”.

En el invierno del 74, la platea albiceleste estaba caldeada: el fixture de la Copa Mundial que se disputó en Alemania no favoreció al conjunto dirigido por Vladislao Cap y, tras superar la fase de grupos, Argentina fue acribillada por la mítica “Naranja Mecánica” de Johan Cruyff, por 4-0… el resto es historia. Sumado a que justo cinco días después de la derrota futbolística, el 1 de julio, fallecía el General Juan Domingo Perón y el país estaba de luto. Ese domingo mientras disputaban la final del campeonato de clubes, un delantero del equipo contrario se rió de Roberto luego de marcarle el quinto gol: “¿Qué sos Clemente? El arquero sin manos”, dijo el de Barracas, y absolutamente todo el plantel, hasta el banco suplente, estalló a carcajadas. Pero hubo un sólo valiente que defendió a Roberto: “¿Qué te pasa cabeza de termo? ¿Querés pelear?”, se abalanzó Don con los tapones de punta. Acto seguido, se desató una batalla campal en el rústico estadio de zona sur.

El equipo de Avellaneda perdió pero, a pesar de los cinco tantos en contra que le metieron, Roberto salió triunfante al escuchar las palabras que Don le susurró al oído: “Hay cosas más importantes que ganar… cosas como no dañar o no avergonzar a otros”, lo sorprendió dándole una palmada en el hombro, con la camiseta todavía embarrada y la cara hinchada de los golpes que se había comido por defenderlo. “Nunca me voy a olvidar de ese gesto. Imaginate lo que es tener todo un estadio de pibes riéndose de vos, hasta tus propios compañeros embroncados por ‘hacerlos perder’. Y de repente, el más querido por todos, sacando el pecho por mí”, dice Roberto abrazando al hombre que tiene al lado, y luego de un suspiro agrega: “Ahí me enamoré profundamente de Don. ¡Él se puso la 10 por mí! Ya sentía cosas y me las autocensuraba. Pero vino toda esa demostración, ¡y en público!”, señala haciendo montoncito. Esa noche, y todas las que vinieron hasta el jueves siguiente, Roberto no pudo dormir.

El entrenamiento de los jueves solía combinar ejercicios físicos, técnicos y cognitivos con pelota. Era normal que Roberto y Don hicieran dupla: uno era el goleador estrella y el otro el arquero titular; uno lanzaba remates aplastantes desde los ángulos más recónditos, y el otro “volaba” para atraparla, ahora más motivado que nunca. En esa práctica se respiraba “algo” diferente, había “sed de más”: venían de perder por goleada, estaban por descender, tenían el orgullo pisoteado pero nunca roto y sabían que estaban para más… Sobre todo Roberto “tenía un Don motivo” para pelearla más que nunca.

Luego de transpirar la camiseta, venía la rutina de siempre: “a las duchas para salir con los muchachos a morfar algo”, dicen a dúo. Esa noche de agosto el vestuario estaba impregnado con el olor a sudor, a esfuerzo y a humedad, mientras las luces fluorescentes titilaban sobre las cabezas de los jugadores. El eco de las voces y los golpes de las duchas caían como una cortina sonora que cubría el ambiente; Roberto sólo oía el eco alentador de su voz interior: “Es ahora, es ahora”. Algunos jugadores ya se habían sacado sus camisetas, dejando a la vista los músculos tensos y las marcas de un entrenamiento exigente, como Don, que fue el primero en meterse debajo del chorro caliente. El arquero se coló en la ducha de al lado y sosteniendo el jabón le hizo una seña a su mejor amigo y le dijo: “¿Te lo paso?” El delantero con su mejor gambeta esquivó la propuesta, con delicadeza, sin exponer ni ofender a Roberto le respondió: “No, no, gracias Robert… a esta espalda sólo la tocan minas”. El arquero entendió el mensaje y la escena terminó en silencio.

Un par de jugadores se relajaba contra los bancos de madera, charlando sobre las jugadas clave del entrenamiento. Reían, se tomaban el pelo entre ellos, burlándose de un pase fallido o de una jugada que no salió como esperaban. Mientras, en un rincón, Don y Roberto se cambiaban mudos, con las miradas perdidas, aún procesando la intensidad de lo ocurrido hacía instantes. Un golpe seco contra un armario rompió la monotonía: alguien lanzó con frustración una camiseta arrugada, y otro a la voz de “¡calmate!” indicó que la seguían en la cena.

En el bodegón de la Av. Debenedetti, mientras los compañeros de equipo conversaban sobre tácticas para el próximo partido, la atmósfera era relajada pero cargada de camaradería, menos Roberto y Don que ya no se podían sostener la mirada. “Sentí que lo había arruinado todo y no podía ni mirarlo”, dice el arquero, y el otro agrega: “No entendía si yo le gustaba o habían sido mis fantasmas, pero mi estrategia a partir de ahí fue hacer como si nada. Hay cosas de las que es mejor no hablar”, decreta Don. La energía del equipo, aunque algo apagada por el cansancio, seguía siendo palpable: la cena post entrenamiento es un lugar donde los esfuerzos compartidos se sienten, donde las rivalidades y las bromas se mezclan con un respeto mutuo, como si cada uno fuera consciente de que el trabajo en equipo es lo que los hace avanzar. Esa misma energía que ayudó a los amigos confundidos a continuar, “como si aquí no hubiera pasado nada”.

Pero a Roberto entrenar ya le dolía, y no era una molestia física, sino la tortura de no poder abrazar o mirar a Don como antes del “incidente” en el vestuario. Seguían siendo los mejores amigos pero ambos sabían que “algo” había cambiado y la incomodidad era insoportable. Así fue que al año siguiente, cuando volvieron los entrenamientos, Roberto se puso a tono con la represión del país y tomó una decisión drástica: “Me dejé de joder, colgué los botines y con ellos mis verdaderos deseos. Me puse de novio con Lucía que era la mujer ideal para ‘hacer todo lo que había que hacer’ y andaba loca por mí desde primer grado”, es su forma de explicar que no sólo dejó el fútbol para siempre, sino que abandonó sus ilusiones para tomar por prestadas “las de la gente normal”.

Dicho y hecho, al año Roberto se casó con Lucía y tuvo muchos momentos de felicidad: “Sobre todo cuando nacieron nuestros hijos que son la luz de mis ojos”, dice emocionado y con algo de culpa en la comisura de sus labios. Durante años, se construyó la fachada del hombre perfecto para esos tiempos: un marido devoto, un padre ejemplar, un empresario exitoso y un amigo leal. “Me volví un pecho frío, bah…”, dice por lo bajo. Cada mañana, se despertaba con la convicción de que debía cumplir con las expectativas que la sociedad y él mismo le habían impuesto. En su hogar, era el pilar de estabilidad, siempre dispuesto en la crianza de los niños, a complacer los deseos de su esposa y a mantener la armonía. En su trabajo, era el líder admirado por su visión estratégica y su capacidad para resolver problemas con calma. Con sus amigos, era el compañero fiel, el que nunca fallaba, el que siempre tenía una sonrisa y una palabra de aliento. La perfección era su traje diario, un rol que desempeñaba tan bien que, con el tiempo, incluso él mismo comenzó a creer que era la única versión de sí mismo. Y Don siempre seguía presente en todos los acontecimientos más importantes de su vida.

Sin embargo, debajo de esa máscara cuidadosamente construida, Roberto se sentía cada vez más vacío. Sus emociones y deseos reales estaban reprimidos, ahogados por la constante necesidad de cumplir con todas esas expectativas ajenas. En su interior, luchaba con un torbellino de inseguridades, miedos y frustraciones que no se atrevía a compartir. La presión de mantener la perfección lo había aislado de sus propias pasiones y sueños –como el fútbol y Don–, y comenzó a sentir que su vida se había convertido en una rutina sin alma.

Cada vez que estaba solo, el reflejo en el espejo le devolvía la imagen de un hombre que no reconocía, alguien que había perdido su autenticidad en el proceso de agradar a los demás. Ya no recordaba la última vez que se permitió sentir realmente: reír sin preocuparse por la apariencia, o llorar sin temor a ser juzgado. O mejor dicho, sabía bien que su último instante de autenticidad había sido la noche del vestuario de 1974, y que el previo episodio en el accidentado partido que Don lo protegió había sido su oportunidad final de amar realmente. Pero también, cada noche, se consolaba con el gran trabajo que había logrado para arrancar “los malos pensamientos” de su mente y mantener a su amigo en su vida.

La historia de Don, previsible, había seguido por un carril muy diferente. Era el prototipo del soltero empedernido, aquel que causaba suspiros en cada lugar en el que entraba. Con su aspecto impecable, una mezcla de carisma y seguridad, aún pasaban los años y seguía siendo la envidia de sus amigos. Se entregaba a la vida nocturna con desenfreno, disfrutando de cada conquista sin ningún compromiso, cambiando de pareja con la misma facilidad con la que cambiaba de medias. Para él, las relaciones eran fugaces, como un juego sin reglas ni consecuencias, y no veía sentido en formar una familia. Nunca se había siquiera planteado la paternidad. “Al menos que yo sepa, hijos no tengo”, hace el chiste fácil propio de los hombres. Prefería la libertad de la soltería, la adrenalina de la seducción y el reconocimiento que le brindaban esas historias efímeras, pero vacías. “Sí, vacías”, dice por primera vez con tristeza. Aunque sus amigos lo admiraban y su vida parecía una fiesta de placeres, en su interior había algo que faltaba: un deseo de conexión genuina que nunca se atrevió a explorar.

Pero luego de la Copa América 2024, cincuenta años después, Don despertó. “Es muy loco, lo sé”, se ataja para relatar su repentino momento de iluminación: “La noche que estaba viendo la transmisión de la Copa, en la entrega de premios, cuando le estaban dedicando el Guante de Oro al Dibu Martínez, se me cayeron todos los jugadores juntos”, dice mientras empuja con su índice un dominó imaginario. “Quería estar con Roberto. Se me vino todo junto a la cabeza: el día de la goleada, la noche del vestuario y cómo extrañaba al otro Roberto… al que me miraba antes de que le sacara la roja”, relata emocionado sin poder dejar de recurrir a los términos futboleros, y poniéndose más romántico y reflexivo confiesa: “De repente entendí por qué entre tanto baile recorrido no existía en el mundo la mujer de mi vida, claro, es que no había lugar para eso porque Roberto había sido el hombre de mi vida y yo estaba ciego”.

“Vos te merecés esos y todos los guantes de oro del mundo”, lo whatsappeó Don a su amigo. “Él me la había dejado picando hacía 50 años pero yo estaba en otra, por eso ahora quería ir cortita y al pie”, continúa con su vocabulario del hincha nato. Había algo dentro suyo desenfrenado y necesitaba sacarlo: “Mis guantes de oro son para vos, sin duda. Ojalá me hubiera dado cuenta hace 50 años pero, bueno, nunca es tarde para el amor verdadero”, agregó con un emoji de corazón, dato que no sería relevante si no fuera porque Don jamás solía enviar este tipo de mensajes, ni en broma, mucho menos mandar corazoncitos y, “¿entre tipos?”, dice escandaloso simulando a un juez de antaño. Súbitamente había descubierto que jamás se había sentido más feliz que con Roberto y, como un trailer de Hollywood, una mini película se proyectó mostrándole cada una de las mejores anécdotas compartidas entre los dos. Siempre había un denominador común: la felicidad. Atónito, Roberto se cercioró que el que escribía fuera realmente su amigo. “Salté de la cama. Y sí, para mi alegría, era Don”, recuerda todavía con la emoción intacta. No fue fácil: sin develar que lo suyo era un amor pendiente desde la adolescencia. “¿Para qué? La sinceridad sin empatía es crueldad y, a pesar de mis instintos naturales, amo a mi familia”.

Roberto tuvo que explicarle a su mujer e hijos, ya grandes e independientes, lo que le estaba pasando. Las palabras que emanan del corazón entran en el corazón, entonces los suyos supieron entender.

“Hoy estamos más cerca del cajón que de la tribuna”, bromean entre ellos con su eterno espíritu futbolero. Tienen cerca de 70 años pero también tienen salud y, aunque todavía con algo de pudor, por fin dicen: “Qué vamos a seguir esperando”. Roberto y Don entendieron que “los de afuera son de palo”, y hace unos meses caminan de la mano. “Si alguno dice algo, citamos al gran prócer: ‘¿Qué mirá bobo?’”, se divierten coreando. Y por si quedan dudas, rematan: “Estamos decididos a vivir juntos todo nuestro amor y esas aventuras que jamás nos permitimos”.

Madrid, 21 oct (EFE).- Dani Carvajal inició su proceso de recuperación de la grave lesión de rodilla que sufrió el 5 de octubre ante el Villarreal y de la que fue operado el día 11, y recibió este lunes el ánimo de Carlo Ancelotti, entrenador del Real Madrid, y todos sus compañeros.

Carvajal sufrió, en una acción desgraciada en la última jugada de un partido ya ganado por el Real Madrid, rotura en el ligamento cruzado anterior de la rodilla derecha, del ligamento colateral externo y del tendón poplíteo, una lesión que le mantendrá alejado de la competición mucho tiempo.

Tras ser operado hace nueve días y comenzar en su domicilio el proceso de recuperación, regresó a la Ciudad Real Madrid en vísperas del regreso de la Liga de Campeones con la reedición en el Santiago Bernabéu de la última final de la competición entre el equipo blanco y el Borussia Dortmund.

Aunque Carlo Ancelotti aseguró que tendrá un papel importante en el vestuario durante los próximos meses, en esta ocasión fueron todos sus compañeros los que animaron al segundo capitán del Real Madrid y le dieron fuerzas.

"En los próximos meses lo perdimos como jugador pero no como líder en el vestuario porque estará aquí, trabajará con nosotros. No nos vamos a aprovechar de su fuerza pero sí de su cabeza, que es tan importante como su fortaleza física", aseguró Ancelotti, que vio una parte del entrenamiento en un banquillo sentado dialogando con Carvajal. EFE

La Coruña, 19 oct (EFE).- Ante las “graves acusaciones” del Eldense tras el encuentro disputado este sábado en Riazor, el Deportivo niega “categóricamente” que se haya producido “el robo de joyas, dinero y otros objetos de valor” en el vestuario del equipo alicantino.

“No existe ningún fundamento que sustente estas acusaciones, las cuales el Club considera infundadas y completamente alejadas de la realidad. El RC Deportivo ha sido el primero en denunciar ante las autoridades policiales la supuesta situación, y los protocolos de seguridad aplicados no confirman la veracidad de los hechos imputados por el CD Eldense”, apunta el club coruñés.

El Dépor, además, manifiesta su “profunda indignación” ante estas acusaciones y recuerda que en los 80 años de historia de Riazor “jamás ha ocurrido un incidente de esta naturaleza”.

“El RC Deportivo está colaborando con las autoridades competentes y se va a asegurar que la investigación llegue hasta sus últimas consecuencias, reservándose las actuaciones judiciales contra el CD Eldense a las que pueda haber lugar”, señala en su comunicado. EFE

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El CD Eldense ha denunciado "el robo de joyas, dinero y otros objetos de valor" en el vestuario visitante del Estadio Abanca-Riazor, durante la disputa este sábado de su partido contra el RC Deportivo de La Coruña, en el transcurso de la jornada 10 de LaLiga Hypermotion.

"El club ha presentado la denuncia pertinente y notificado al Deportivo. Las autoridades ya están investigando el caso y nuestra entidad solicitará al club local que asuma los daños", indicó el Eldense en su cuenta de la red social X.

Ese encuentro finalizó con 1-1, después de que un gol anotado por Mohamed Bouldini en el minuto 26 neutralizase la diana inicial (8') de Joel Jorquera para el equipo de Elda. Este empate provocó que ambos se mantengan en la zona media de la tabla clasificatoria, pero mirando de reojo hacia las posiciones de descenso.

La Coruña, 19 oct (EFE).- El Eldense denunció, a través de sus redes sociales, “el robo de joyas, dinero y otros objetos de valor” en el vestuario visitante del estadio Abanca-Riazor durante la disputa de su partido contra el Deportivo.

El club alicantino ha presentado la denuncia pertinente y notificado al Dépor lo sucedido, tras un partido que finalizó con empate a un gol.

“Las autoridades ya están investigando el caso y nuestra entidad solicitará al club local que asuma los daños”, destacó el Eldense en su comunicado. EFE

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Madrid, 9 oct (EFE).- José María de Cossío recibirá este jueves el premio de Honor Yvonne Blake a su trayectoria como figurinista, más de tres décadas de vida dedicada a vestir a los personajes interpretados por Carmen Maura, Victoria Abril, Antonio Banderas o Penélope Cruz en las películas de Almodóvar.

"Soy figurinista, aunque ahora nos llamen diseñador de vestuario", dice José María de Cossío este miércoles a EFE, orgulloso de ser el primero en ser elegido por sus compañeros de profesión como premio de Honor en unos galardones que pretenden poner en valor el vestuario escénico y audiovisual.

Cossío (Madrid, 1947) empezó en el cine en la década de los 80. "Quería ser director", recuerda; llegó a ser ayudante de dirección de Pedro Almodóvar, hizo alguna otra incursión, pero finalmente no prosperó.

Estudió moda en París, una profesión a la que se dedicó al llegar a Madrid y su pasión por el cine recuperó su pasión por la moda.

"Conocí a Pedro Almodóvar en la sala Rock-Ola, entonces no me atreví a decirle nada, pero un amigo común le habló de mí". A partir de ese momento surge una estrecha colaboración en la que Cossío ha confeccionado el vestuario de trece de las 23 películas del director manchego.

"Átame", "Mujeres al borde de un ataque de nervios" o "Todo sobre mi madre" han sido algunas de ellas, pero la que, sin duda, recuerda con más cariño es "La ley del deseo".

"Estoy muy orgulloso de la camisa azul que confeccioné para Eusebio Poncela" y también, admite, de la elección del vestido naranja que llevaba Carmen Maura cuando pide a un operario que la riegue en plena noche para sofocar el calor.

"Esa escena tuvo una repercusión tremenda y lo más gracioso es que el vestido, creo recordar, que costó unas 3.000 pesetas (18 euros)", en una tienda 'low cost' de la época, comenta divertido.

Rememora una anécdota detrás de otra y asegura que ha sido "muy feliz, pero echo de menos el estrés, la adrenalina de un rodaje, era muy perfeccionista y en los rodajes lo he pasado muy bien salvo con directores que no tenían ni idea".

Su vínculo con Almodóvar ha sido siempre muy estrecho. "Pedro se ha portado siempre muy bien conmigo, me ha ayudado económicamente en momentos delicados", como cuando un ictus le mantuvo alejado de la profesión. "He sido un poco golfo y, a veces, la salud lo paga".

Fue socio de El Deseo -la productora de Pedro Almodóvar- en su primera etapa, "pero tanto él como su hermano querían que fuera una empresa familiar; lo entendí perfectamente" y abandonó la sociedad.

Cossío también ha trabajado haciendo el vestuario para películas de directores como Carlos Saura, Eduardo Campoy, Imanol Uribe o Agustín Díaz Yanes con quien hizo su última incursión en el cine con "Solo quiero caminar, en 2008.

"Siento un profundo amor por el cine", expresa el fugurinista que ha estado nominado cinco veces al Goya a Mejor Vestuario, aunque nunca llegó con el galardón a casa. "No entiendo muy bien por qué", a pesar de que reconoce que no en todas las ocasiones su propuesta era la mejor.

Hace años que se instaló en Galicia para cuidar de su familia y después de su mujer y allí sigue. "El cine es mi vida, sigo viendo una película diaria, pero en pantalla grande, en el cine ¡eh!", advierte. EFE

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Barcelona, 29 sep (EFE).- El centrocampista del Barcelona Frenkie de Jong, que lleva más de cinco meses de baja por una lesión en el tobillo derecho, aseguró en una entrevista a Barça One que está en la recta final de su recuperación.

"El tobillo es delicado, pero voy mejorando y estoy cerca de volver", afirmó De Jong, quien admitió que ha sido "un proceso mentalmente duro" el tener asumir que se iba a perder "muchos partidos importantes", tanto con el conjunto azulgrana como con la selección de Países Bajos, con la que no pudo disputar la Eurocopa.

El centrocampista holandés recordó que, en el último año, ha tenido "tres lesiones en el mismo tobillo" y que tiene que "ir paso a paso". Pero que está recuperando "la confianza de golpear fuerte y de entrar en los duelos".

Además, quiso desmentir que el club le haya recomendado operarse y el se haya negado: "Entiendo la frustración de la gente, que lee que estoy cobrando mucha pasta, que no quiero operarme y que estoy de vacaciones, pero eso no es cierto".

"Estoy muy lejos de cobrar los 37 millones que dicen que cobro", dijo De Jong: "Y, de acuerdo con el club, decidimos que no operarme era la mejor opción", añadió.

El centrocampista azulgrana, que esta temporada es uno de los capitanes, destacó el "buen ambiente" que reina en el vestuario y cree que el equipo está "jugando muy bien y con mucha energía".

"Ya tengo ganas de volver y formar parte de esto", concluyó Frenkie de Jong. EFE

Junto con el Teatro Colón, el Complejo Teatral de Buenos Aires (CTBA), integrado por los teatros San Martín, Presidente Alvear, Regio, De la Ribera, Sarmiento y Cine Teatro El Plata, conforma uno de los pocos lugares en el mundo donde se realizan las producciones de sus espectáculos íntegramente en talleres propios, en manos de sus artesanos. Aquellos que detrás de escena materializan los sueños de los directores teatrales y forman parte de un engranaje aceitado que debe funcionar como la maquinaria de un reloj.

En el hall del Teatro General San Martín (Avda. Corrientes 1530) siempre hay movimiento, gente que entra y sale de sus salas, aquellos que se sientan a tomar un café después de recorrer una muestra fotográfica, grupos de escolares en una visita guiada, bailarines que ensayan en el fondo. Para quien no conoce el edificio de tres cuerpos, puede convertirse en un laberinto. Una puerta trasera conduce al cuerpo C, donde se distribuyen los talleres de la mayoría de las especialidades que se ven en el escenario: maquinaria (la carpintería), utilería, escenografía, escultura, peluquería, sastrería. Infobae se adentró en este mundo para conversar con los protagonistas detrás de escena.

El Teatro General San Martín, inaugurado el 25 de mayo de 1960, abarca una superficie de 30.000 metros cuadrados distribuidos en trece pisos y cuatro subsuelos, ofrece tres salas teatrales, varios salones de exposición y un cine. Es, sin duda, uno de los polos culturales más importantes de América latina, que actualmente se encuentra bajo la dirección general y artística de Alberto Ligaluppi, junto con todos los teatros que integran el CTBA.

“Nadie sabe que hay debajo”

La temporada se programa un año antes bajo un leitmotiv. Y las manos a la obra se ponen cuando un director con su equipo -escenógrafo, diseñador, director, vestuaristas y actores toma contacto con estas secciones del CTBA. Es durante el anteproyecto cuando se evalúa con los artesanos si lo que se presenta se puede concretar o no. “A veces hay ideas que son hermosas pero que no son viables a nivel presupuestario o de realización”, explica Gabriela Moscato, jefa de Escenografía, sección del décimo piso, donde hay un espacio grande y vacío, con manchas de pintura en el piso que cada obra fue dejando en el camino. Allí pintan piezas de grandes dimensiones, entre ellos telones. “Nosotros específicamente en la sección escenografía nos toca pintar todo lo que hace maquinaria, después tenés telones, trastos, pisos”, detalla.

Eugenia Luszynski, segunda jefa del sector, cuenta que no siempre trabajan dentro de ese espacio. Muchas veces se tienen que desplazar porque no todo entra en un montacargas. “Por ejemplo ahora, con las columnas de Eduardo II que no suben por ningún lado, entonces nosotros nos movilizamos a otros teatros o al escenario para pintarlos”. Eugenia se refiere a la obra “El trágico reinado de Eduardo II, la triste muerte de su amado Gaveston, las intrigas de la reina Isabel y el ascenso y caída del arrogante Mortimer”, una versión escénica de Carlos Gamerro, Oria Puppo y Alejandro Tantanian de “Eduardo II” de Christopher Marlowe, que se estrenará el 3 de octubre en la sala Martín Coronado del Teatro Gral. San Martín. El equipo de escenografía está conformado por ocho personas, para las ocho salas que integran el complejo. Siempre depende de la complejidad que una pieza salga rápido o no. Ambas jefas, además de coordinar y organizar, ponen manos a la obra.

En el salón se observa una hilera de rodillos encabados (unidos a un palo). Como pintan grandes volúmenes nunca lo hacen encima, se pinta “a la italiana”. Se dibuja y se pinta todo de parados. “Estamos a la distancia, no encima, porque tenemos que cuidar nuestro cuerpo también”, explica Moscato.

Luszynski muestra en un boceto las texturas presentadas por el escenógrafo que debieron trabajar con algunos tipos de revestimientos de pintura, como el revear y lograr que un muro de ladrillos se vea descascarado, envejecido, como el que se presenta en la obra Clandestina, de Natalia Villamil, interpretada por Belén Blanco. Se trata de piezas de fibrofácil intervenidas por los escultores con telgopor y sobre lo que la escenografía termina pintando, dando textura y el acabado final. Es todo liviano pero en su apariencia es una pared robusta, que combina ladrillos tallados por los escultores y también ladrillos pintados con plantillas y revear por los escenógrafos. “Nadie sabe que hay debajo, nadie se imagina que hay un telgopor. Cuando lo ves, hay una pared”, dice Eugenia Luszynski. La magia del teatro.

Dicen que los estrenos suelen coincidir y muchas veces tienen que repartirse el trabajo y hacerlo contrarreloj. Ahora están estrenando tres obras al mismo tiempo. Eduardo II, en la sala Martín Coronado, James Brown, en el Teatro Sarmiento y Manada de Lobos, en el teatro Alvear. La primera se trata de una mega producción.

Moscato dice que el desafío es poner al servicio del escenógrafo todo lo que saben. “Porque somos todos artistas plásticos, realizadores escenográficos y no se tiene que notar nuestra mano. O sea, nosotros tenemos que poner al servicio de una realización de otra persona lo que la persona quiere. Tenemos que lograr ser la mano gigante de esa persona que hace que se plasme lo que él quiere”, destaca y agrega: “Y el equipo debe trabajar como si lo hubiese hecho una sola persona”.

Arte efímero

“Nosotros somos los que trabajamos el volumen con diferentes materiales”, dice Marcela Alonso, jefa de Escultura, acompañada por su mano derecha, Walter Lamas. Esculpen telgopor, modelan arcilla, hacen moldes. El equipo que trabaja en el último piso con luz natural interviene con su arte no solo los materiales de la escenografía, sino también a los personajes. Para Cyrano, la versión de Edmond Rostand protagonizada por Gabriel Goity y dirigida por Willy Landin, hicieron un calco de la cara del actor con alginato para “sacar” su nariz. “De su propia nariz hicimos la nariz de Cyrano y de ahí hicimos un molde, de donde salieron esas narices de latex que peluquería le colocaba”. El año pasado tuvieron que caracterizar unos personajes con papada y cachetes gordos, recuerdan.

El piso 12 tiene el piso “nevado”, lleno de pedacitos de telgopor, los restos que se van diseminando a medida que tallan con unas grandes cuchillas, sus segundas manos. En este momento, están trabajando una cabeza de gran tamaño de San Sebastián, de la obra Eduardo II, diseñada por Oria Puppo. Al lado, hay unos bloques de telgopor macizos que encontrarán nuevas formas. En el fondo, tiene un tablero con herramientas de todos los tamaños.

Para esa misma obra también están trabajando en un decapitado con la cara del actor, con la ayuda de un molde. “La cabeza va toda en latex y lo van a tener agarrado de los pelos. Pero qué pasaba, no pesaba. Así que le tuvimos que hacer un agujero. Una trepanación (se ríe) para agregarle peso”, explica Alonso. Sino la cabeza que sostienen de los pelos -que se está trabajando en la peluquería- queda como flotando. Los actores necesitan sentir que está el peso.

La sección Escultura puede encargarse desde las molduras de una casa antigua hasta columnas griegas, pasando por autos y colectivos. Todo dura el tiempo que dura la obra y con suerte se guardan piezas en un galpón, ante la posibilidad de reposición de una obra. “Pero la mayoría de las veces se termina desmembrando, se termina rompiendo todo”, cuenta Walter Lamas, segundo jefe del sector quien además es docente de la Escuela de Oficios Teatrales. “Nuestro trabajo es muy efímero en algún aspecto”, enfatiza. Al trabajar en el piso 12, donde aprovechan la luz natural, se llega por escalera. La desventaja son las restricciones de un montacarga con una puerta de un metro, donde no pueden ingresar con grandes volúmenes. “Generalmente los armamos con una mínima estructura de telgopor y entonces podemos cortarla con facilidad y desmembrarla en muchos pedazos como para que entre en el montacargas y después bajarla y volver a armarla nuevamente. Casi siempre hacemos hasta el tratamiento de superficie, que sería la pintura, para proteger un poco el telgopor y después lo cortamos”, precisa. Una figura de Cyrano “no murió” todavía, dice Alonso. Como hay una reposición de la obra en Mar del Plata, en el Teatro Tronador, viajó cortada en pedazos. Después se ensambla y se vuelve a retocar. Los escultores cuentan que el telgopor es un material noble, que permite trabajar con velocidad y ser fácilmente restaurado.

Cuando llegan los alumnos de la Escuela de Oficios Teatrales de distintas edades quedan fascinados con este nuevo mundo que se les presenta, porque por más que tengan nociones en este caso de escultura, es probable que nunca hayan trabajado con telgopor.

De la plancha al miriñaque

Marta Pinedo y Cristian Sayaverde se ocupan del vestuario. Están en el 7mo. piso, donde se despliegan máquinas de coser y lavadoras. Al término de la función se lava y se plancha todo el vestuario, excepto los trajes que van directo a la tintorería.

Antes de comenzar cualquier trabajo, cuando se reúnen con el vestuarista de la obra le recomiendan que visite el Centro de Vestuario porque hay muchas prendas que pueden volver a lucirse en el escenario. “Este año se reutilizó muchísimo vestuario. Es un ahorro también para el teatro”, aseguró Pinedo. En Manada de Lobos, vestuario de época, llegó del depósito que tienen en el barrio de Chacarita, que tuvieron que adecuar a los actores. Prendas voluminosas, con pieles. También, les llegaron prendas del Teatro Colón. Todo circula.

El 60% de las prendas de vestuario se recicla y se readaptan para otras obras. Sin embargo, hay prendas que por su belleza o historia son conservadas y pasan a integrar la “Colección Tesoro” del complejo. Una vez que baja de cartel una obra, clasifican las prendas dentro de la plataforma Xirgu, una aplicación que ayuda a gestionar más de 45 mil prendas, gracias a una iniciativa de la Fundación Amigos del Teatro San Martín. Del mismo modo, el Complejo Teatral de Buenos Aires inauguró en mayo de 2015, un nuevo Centro de Vestuario de 600 m2, construido especialmente para el almacenamiento de esta colección. El Centro de Vestuario está en el barrio de Chacarita en la calle Zabala 3654 y contiene la totalidad de la producción de Sastrería del teatro desde el año de su fundación, en 1960.

Marta Pinedo es modista y Cristian Sayaverde es el sastre. Todos saben hacer de todo pero cada cual tiene su fortaleza. Además, se formaron ahí mismo donde el vestuario teatral tiene sus secretos “Yo era una modista de barrio. Cuando cuando vine acá pensé que lo sabía todo y no, cuando vos trabajás época es totalmente distinto. Hacés miriñaques, hacés tontillos”, relata.

La jefa al frente del taller de sastrería, que está por jubilarse, cuenta que con la plancha se hacen maravillas. Si hay alguna imperfección se soluciona. A ella le gusta mucho la plancha y seguramente planche como los dioses. Pero los accidentes ocurren y pueden suceder en los peores momentos, como un día antes del estreno. Marta se ríe cuando cuando cuenta esta anécdota pero confiesa que la pasó muy mal y que casi se descompone. Conversando se distrajo y le quemó la falda de Claudia Lapacó. “‘Alfredo, quemé la pollera”, le dijo a su entonces jefe -‘¿Hay más telita?, le contestó éste. -Cortamos otra. “Menos mal que era una pollera recta”, Marta todavía la recuerda.

La vestuarista hace 24 años que vive entre figurines y máquinas de coser para la confección de prendas que requieren muchos conocimientos de historia. Le queda un año más. Cristian lleva 19 años en esta tarea. Visten a los elencos con sus grandes protagonistas de los seis teatros, al cuerpo de ballet y también a los títeres. Como todos, tienen una gran responsabilidad.

Los maestros zapateros

Jorge Donoso, jefe y Osvaldo Hernández, segundo jefe, los maestros zapateros de la escena, se ocupan de hacer todo tipo de calzado a medida. Enmascaran la horma y comienza el proceso. Tratándose de actores y bailarines deben asegurarse de que les quede cómodo teniendo en cuenta el tiempo que permanecen parados. Algunas actrices tienen los dedos del pie en martillo o juanetes, por lo que deben adaptarlos. Los diseños que pasan por sus manos varían, van desde un zapato Mary Jane hasta uno de payaso. El equipo está conformado por 18 artesanos, que satisfacen los requerimientos de los vestuaristas. Muchas veces les piden los zapatos forrados con la misma tela de un vestido. Junto con peluquería y sastrería deben asistir a los actores a un costado del escenario para los cambios rápidos. Donoso lleva 40 años en el área, y Hernández, 37. Trabajan juntos desde sus inicios.

“No creí que fuera a pasar”

María de los Ángeles Muñoz, estudiante de la Escuela de Oficios Teatrales, de 33 años no puede creer todavía que se le haya dado tan pronto ingresar a trabajar al Complejo Teatral. No se lo esperaba cuando se lo propusieron. “No creí que fuese a pasar”, afirma. Está en el segundo y último año de la orientación que eligió: Caracterización, Escenografía y Vestuario. Cursa de 9 a 13, de lunes a viernes, de forma gratuita. Ella que estaba terminando la carrera Diseño industrial, no sabía muy bien en qué quería desempeñarse. “Había visto una publicidad de la Escuela de Oficios Teatrales en redes y la perdí. Así que rastreé en todos lados hasta que me metí en la página del Gobierno de la Ciudad. Completé el formulario el último día que se podía. Pedían datos, si tenía experiencia en teatro y yo no tengo nada de experiencia, solo de espectadora y la intriga de saber qué es lo que pasa detrás. Y me pre seleccionaron. Después tuve una entrevista presencial acá”, cuenta sobre el proceso de ingreso, al que solo acceden 25 estudiantes al año.

“La Escuela de Oficios Teatrales promueve la capacitación y actualización de profesionales y técnicos del espectáculo en vivo, con el objeto de preservar los oficios en riesgo, jerarquizar el oficio teatral como estrategia de política cultural y formar en oficios a los trabajadores del Complejo Teatral de Buenos Aires”, anuncia la escuela desde la Web del Complejo Teatral, que actualmente tiene abierta su inscripción para el ciclo 2025/2026. El formulario de inscripción cerrará el 11 de octubre de 2024, a las 15 horas. Son tres las orientaciones: Escenografía y Mecánica escénica (EME), Multimedia Escénica (MUL) y Vestuario y Caracterización (VECA). Más información en https://complejoteatral.gob.ar/

La obra Edmond fue la primera experiencia en el teatro de María de los Ángeles. Le asombra poder transformar una cara, envejecerla, por ejemplo. Mientras da la entrevista cuenta que sus compañeras en este momento están tejiendo cortinas para hacer pelucas. Que el actor se sienta seguro y cómodo es una de las prioridades en su área. “Un bigote no se puede caer. La peluca no se puede mover. No se pueden ver los clips”, expresa. Los estrenos de las dos obras en las que trabajó los vivió cierta adrenalina. Pero eso no es negativo. Le gusta. Agradece mucho la confianza que le dieron para maquillar al Puma Goity en Cyrano y a María Abadi. María de los Ángeles se siente feliz en su nuevo mundo teatral. Disfruta que siempre llegue algo nuevo. “No te aburrís. Termina una obra y arranca otra. Es como que siempre estás en constante adrenalina”.

Cualquier persona que quiera adentrarse en el mundo teatral, tiene la posibilidad de realizar una visita guiada que incluye un recorrido por los talleres escenotécnicos en los que se realiza cada componente para las puestas en escena de las salas.

Otra visita atractiva propone ver de cerca una colección compuesta por 45.000 prendas realizadas para las puestas del Complejo Teatral de Buenos Aires. Incluyen accesorios, vestuarios de la Compañía de Ballet, prendas emblemáticas que forman parte de la Colección Tesoro.

Sin embargo, la mejor opción es sacar una entrada para alimentar esta maquinaria y formar parte del engranaje como espectador.

El viernes 26 de julio se lleva a la ceremonia de inauguración de una nueva edición de los Juegos Olímpicos, esta vez en la ciudad de París, capital francesa.

Por primera vez en la historia, la ceremonia no se realiza dentro de un escenario deportivo, sino que la antorcha olímpica viaja seis kilómetros por el río Sena y finaliza en el centro de la Ciudad Luz.

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Serán 10.500 atletas de 206 países los que se tomarán la capital de Francia, compitiendo en 32 disciplinas. Muchos de ellos ya empezaron a figurar por sus particularidades y su desempeño en las fases clasificatorias de algunos deportes.

Sin embargo, unos de los más esperados por su carisma, alegría y folclor que siempre mantienen presente donde quiera que vayan son los colombianos.

Sus desfiles en las ceremonias previas se han destacado por sus significativos detalles en las prendas que portan, distintivas de la cultura y biodiversidad que atraviesa el territorio nacional.

Para esta oportunidad, ya se conocieron las primeras imágenes de las prendas de los deportistas y abanderados, que para esta oportunidad son Kevin Quintero, ciclista de pista, y Flor Denis Ruiz, lanzadora de jabalina.

En las fotografías se ve a los deportistas vistiendo camiseta y pantalón color negro, para resaltar una gabardina color beige, con ligeros detalles en la parte de abajo color azul y dorado, y como el gran protagonista el sombrero vueltiao, símbolo de los departamentos de Córdoba y Sucre, tejido por artesanos locales a mano, y que representa la cultura zenú.

Según el Comité olímpico Colombiano: “La gabardina que usa la delegación cuenta con un estampado con detalles de caña flecha, que destaca el diseño inspirado en la fuerza, tenacidad y empuje de nuestros atletas, junto con la fauna y flora tan características de nuestra tierra. Además de rendirle tributo a la ‘Ciudad de la Moda’ y estar confeccionada en nylon-algodón para hacerla muy fresca, la prenda está complementada con un top y pantalón azul oscuro pensados en el clima y en la comodidad de quienes la usan”.

Por medio de sus redes sociales, Daniel Restrepo, clavadista colombiano, dejó ver como luce previo a la ceremonia. En su cuenta de Instagram, el joven de 24 años escribió: “Estamos listos para la ceremonia de inauguración de Juegos Olímpicos, feliz de representar a mi país con mucho amor 💛💙❤️”, en la que será su segunda participación en unos Juegos Olímpicos.

TOTTO rememora los 20 años de apoyo al deporte, como patrocinador oficial del Comité Olímpico Colombiano, a través de la entrega de una colección denominada “El Color de Nuestra Tierra”, realizada con diseños funcionales para los diversos momentos que se presentan en los Juegos Olímpicos, tales como los viajes, las premiaciones, los momentos de descanso

Por medio de su página oficial, el Comité Olímpico Internacional expresó la emoción por vivir una ceremonia que se sale de todos los parámetros realizados hasta el día de hoy: “París 2024 ofrecerá una ceremonia de apertura que sin duda se unirá a los momentos más memorables de la historia olímpica, incluyendo varias primicias”.

En esta oportunidad, el Comité Olímpico Colombiano alcanzó la marca de 89 deportistas clasificados, que competirán en más de 20 disciplinas; varios de ellos ya iniciaron su participación en los diferentes escenarios deportivos.

Gustavo Petro inaugura Casa Colombia en París para los Juegos Olímpicos

El presidente colombiano Gustavo Petro inauguró el jueves 25 de julio de 2024 la Casa Colombia en la ciudad de París, Francia. Esta vivienda, localizada en el Parc de la Villette, servirá como una muestra de productos colombianos y promoverá oportunidades económicas durante los Juegos Olímpicos de París 2024.

En el evento participaron figuras destacadas como el presidente del Comité Olímpico Colombiano, Ciro Solano; el jefe de la delegación colombiana en los Juegos Olímpicos, Helmut Bellingrodt; el embajador de Colombia en Francia, Alfonso Prada Gil, y la ministra del Deporte, Luz Cristina López.

Durante la inauguración, Gustavo Petro alentó a los deportistas colombianos a representar al país con honestidad y destacó las riquezas y desafíos de Colombia en términos de equidad y justicia. Resaltó la importancia de la actividad física como un derecho humano y su rol en la salud preventiva.

El 1 de junio de 2023, la exreina compartió con sus seguidores que había dado a luz a sus gemelos, mostrándolos en una fotografía en la que los niños aparecen de espaldas con unas tiernas alas de ángel. Sin embargo, Noceti ha sido blanco de críticas en los últimos meses por la forma en la que ha decidido vestir a los niños, pues sus haters afirman que parecen niñas.

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Debido a las constantes críticas, la beldad decidió pronunciarse al respecto con un contundente mensaje en el que afirmó que es ella quien decide cómo vestir a los niños. Incluso, aseguró que le gusta “muñequear” —vestirlos como muñecos—, independientemente que sean hombrecitos, ya que sus seguidores afirmaron que los atuendos que llevan en sus fotografías los hace ver femeninos.

“Me gusta comprarles ropita de niño, de bebé, porque me encanta vestirlos así y porque yo los parí, bastante trabajo que me costó tenerlos, quedar embarazada. Me parece que tengo todo el derecho de aprovecharlos en su niñez, porque después se me van de las manos y ya ellos después, pueden vestirse como se les da la gana, no les estoy ocasionando nada en su cabeza porque los estoy vistiendo así”, comenzó diciendo la también actriz.

A pesar de que los atuendos de los menores han generado confusión entre algunos internautas, que han dejado comentarios como “pensé que eran niñas” o “esas nenas son igualitas a la mami”, Noceti aseguró que se trata de un estilo europeo en el que los bebés llevan encajes.

“Yo les compro ropa de hombre, o sea de niño, no de niña, y el pelito largo bueno me encanta cómo se le ve la palmita de coco que les hago porque cuando un bebé tiene el pelito largo qué más pueden hacer [...] Ellos siempre están vestidos como príncipes, ellos están vestidos con moda europea, así me encanta vestirlos porque soy su mamá, y no se van a traumatizar cuando sean más grandes ni cuando vean las fotos, porque son fotos divinas, y sí, a veces los confunden y creen que son niñas”, agregó Andrea Noceti a su discurso.

Finalmente, se refirió al tema de la apariencia femenina de los bebés, afirmando que esto mismo ocurrió con su hermano por una larga temporada. Aquí aclaró que esto no tiene nada que ver con los atuendos que ella eligió, sino con la genética familiar, no sin antes mencionar que no tiene ningún afán o interés en tener una niña.

Asimismo, aclaró que se siente feliz con el hecho de tener tres hijos varones, afirmando que no tiene interés en tener hijas, ni muchos menos un trauma, pero si en algún momento ocurre será bienvenida igual que sus “tres pelaos”.

“No estoy traumatizada, no quiero mujeres, en algún momento sí dije que sería chévere tener la parejita, pero soy feliz siendo mamá de tres y por algo Dios le da uno lo que le da, es porque realmente es lo que necesito en mi vida. Lo más importante para mí es que estén saludables y bien. No se preocupen, porque tienen todo el amor del mundo”, concluyó Andrea.

Los internautas salieron en su defensa, afirmando que esa era la respuesta que muchos necesitaban, ya que es ella como mamá quien decide lo mejor para sus hijos y nadie más debería influir.