De regreso de una espectacular travesía cruzando la cordillera de Los Andes junto a sus hijos Calder y Tyron (lo que hizo que en los últimos días su teléfono celular careciera de señal) Cyrulnik evocó para Teleshow uno de los momentos más incómodos de su carrera, su entrevista con Julio Iglesias en 1998 para el programa Versus que emitía Telefe. En su relato, la empresaria y ex conductora compartió detalles de la tensión sentida tanto en el hotel Sheraton de Buenos Aires como en la conferencia de prensa, situaciones observadas también por otros periodistas.

“Lo que recuerdo es que al ir a entrevistar a Julio Iglesias, él ya venía con cierta fama en ese sentido”, explicó Jimena a Teleshow. “Él tenía ese sello, era bastante lanzado, tuvieras la edad que tuvieras, y jugaba con esa manera de ser. Pero a la vez, hay que entender que en esa época no se veían esas cosas como hoy”.

Al recordar el momento específico, Cyrulnik detalló: “Fue en el año noventa y ocho, para Versus y en el hotel Sheraton. En la entrevista, me tocó la cara varias veces e hizo comentarios de doble sentido. Por supuesto, me sentí incómoda”.

Durante la charla, Iglesias, además de intentar acercarla hacia él y tocarle la cara, se le insinuó varias veces: “Me encanta volver a los lugares tan queridos donde cantaba para tu padre, para tu madre, para tu abuelo, para tu abuela y ahora te voy a cantar a ti, que eres una... Veintidós añitos. Tienes boca bella, tú, una boca grande, bella. Bonita, bonita, bonita. Eres monísima. Una novia como tú me vendría muy bien a mí, así, una chiquilla así mona”.

Y, en otro pasaje, le admitió: “Te habían dicho que era terrible, ¿no? No he cambiado, no he cambiado...“.

Sobre el otro episodio, Cyrulnik añadió: “No sé si fue en el mismo viaje, no lo tengo totalmente claro, pero ocurrió aparte y con otras personas. Nosotros con Versus hacíamos mucho eso de llevarle un regalo a los entrevistados. Cuando pido la palabra y me acerco, ahí es cuando me agarra y me sienta en su falda. Y bueno, se genera esa situación que obviamente no me gustó para nada, me incomodó un montón”, insistió Jimena en su diálogo con Teleshow. “Pero era otra época, otro contexto. Lo que pasó fue lo que se vio; no hubo nada más fuera del aire”, afirmó.

Consultada por su experiencia, expresó: “Vuelvo a decirte: fue incómodo, pero no pasó a mayores. Hay que contextualizar completamente la época, porque esto era casi normal. Te podía pasar y tenías que afrontar ese momento”.

Y añadió: “Más allá de que yo no tuve algo mayor a lo que se vio, que fue la incomodidad de un señor mayor queriéndome levantar, que esa vez fue Julio Iglesias, pero innumerables veces más me ha pasado a lo largo de mi carrera, yo tuve la suerte de poder frenar a tiempo a todos los que en algún punto se sobrepasaron. Pero está buenísimo que esto se hable para que las chicas hoy entiendan que hay que poner límites y que también los desubicados entiendan que esto no puede seguir.”

La charla avanzó hacia el presente y los casos recientes de denuncias sobre abusos sexuales y las condiciones laborales de sus empleadas que involucran a Julio Iglesias. Desde su perspectiva, Cyrulnik valoró: “Lo que me parece genial de esta época es que las mujeres somos mucho más escuchadas, estamos mucho más empoderadas. Nuestra voz hoy tiene fuerza; la posibilidad de hablar y que te escuchen es superimportante”.

Detalló además cómo el nuevo contexto facilita que se conozcan estos casos: “La transparencia de la justicia es fundamental. Si hay una denuncia, tiene que avanzar y salir a la luz la verdad de quien denuncia y de quien es denunciado. Esta era es positiva para todas las mujeres. Antes sentías algo incómodo y lo dejabas pasar, o lo naturalizabas; hoy eso no sucede y me parece espectacular”.

Respecto al valor de hablar públicamente sobre estos temas, manifestó: “Sirve para educar y para que las mujeres, de cualquier sector social, sean escuchadas y respetadas. Hay que decirlo con claridad: existe un límite para todo”.

Enfatizó la importancia de visibilizar actitudes como la que vivió en el pasado: “Porque nadie, por tener poder, puede tratar así a una persona. Cuanto más visibles se hagan, mejor; así se sientan precedentes sociales y quienes antes se sentían habilitados ahora saben que no pueden”.

Para Jimena Cyrulnik, el debate y la educación juegan un papel clave: “Todo lo que se debate en la sociedad me parece necesario. Cuando los temas no se hablan, se transforman en problemas, sobre todo para las mujeres. Ahora esta apertura nos ayuda a avanzar y me enorgullece que suceda hoy”, dijo a Teleshow.

La conversación también incluyó aspectos de su vida actual y familiar. Cyrulnik, que luego de su carrera como modelo y conductora se abocó a su rol de empresaria con sus mallas Xyrus, “que usan Claudia Villafañe y Nancy Duplaá”, se apresura a contar, narró parte de su reciente travesía junto a sus hijos Calder y Tyron cruzando la cordillera de Los Andes a caballo: “Fue un viaje planeado desde hacía meses. El año pasado lo hice con mi maridok, pero quería que ellos también vivieran esa experiencia transformadora. Estuvimos cuatro noches en la montaña, en contacto pleno con la naturaleza. Estoy muy feliz con mi presente, con mi emprendimiento y la comunidad que se formó alrededor”.

Convencida, Jimena Cyrulnik destacó la necesidad de poner límites ante situaciones incómodas como la que ella vivió con Julio Iglesias. E insistió en que la posibilidad de hablar y exponer estos hechos es lo que permite construir respeto mutuo y avanzar hacia una mayor igualdad.

Paulo Londra está de regreso. No se trata de un simple lanzamiento más ni de una estrategia comercial para recuperar el terreno perdido.

El artista cordobés de 26 años regresa con VERSUS, un EP que condensa seis canciones con las que no solo retoma su vínculo con el trap, sino que desnuda su historia reciente ante el mundo.

“Mi mayor aprendizaje ha sido no buscar siempre la felicidad y la aprobación”, confeso en entrevista para GQ.

VERSUS: un cuadrilátero emocional

“Abril del 98 nació un león […] entre bases de hip hop encontró el freestyle, su mayor pasión”. Así comienza Mi Versión, el tema que inaugura el EP y que, en palabras del propio Londra, será el más difícil de cantar en vivo

El artista cordobés presenta esta obra como una forma de desahogo personal: “VERSUS fuera yo en mi versión más cruda”. A través de letras honestas, recorre sus orígenes, sus caídas y su renacimiento artístico.

Durante años, el silencio se impuso en su carrera, tras un conflicto legal con su antigua productora que lo alejó de la música justo cuando disfrutaba del éxito masivo de su álbum debut Homerun (2019), que incluía el hit Adán y Eva.

A esto se sumaron los efectos del aislamiento por la pandemia y la llegada de sus hijas, Isabela y Francisca, que lo empujaron hacia un proceso de introspección.

El escenario como trinchera

El gran reencuentro con su público ocurrió en 2024, durante La Velada del Año en el estadio Santiago Bernabéu, organizada por el streamer Ibai Llanos.

Fue la primera vez que Londra subía a un ring—esta vez musical—para interpretar sus canciones ante millones de personas, tanto presentes como conectadas por streaming.

“Le agradezco a Ibai por la invitación y a la gente que desde el momento que me vio entrar echó el estadio abajo”, recordó emocionado.

Durante la interpretación de Posdata, estuvo a punto de quebrarse: “Casi me largo a llorar, pero tragué saliva y seguí para adelante”. Esa noche fue el verdadero inicio de una nueva etapa, que ahora consolida con una gira internacional que arranca por estos días en España, con escalas en Barcelona y Madrid.

La batalla interior

El nombre del EP, VERSUS, alude al conflicto interno que atraviesa: “Me enfrento a mí mismo, a las dos formas que siempre estoy escuchando en mi cabeza de hacer las cosas. Una me dice que debo hacerlo más como la gente quiere. La otra me dice que lo tengo que hacer como yo quiera”.

Para esta nueva producción eligió no incluir colaboraciones, a pesar de su historial con artistas como Duki o Lola Índigo:

“Estaba muy sumergido en la necesidad de hablarle a mis fans de lo que querían que hablase. Siempre me decían: ‘pero Paulo contá todo lo que te pasó en estos tres años’”.

A diferencia de etapas anteriores, Londra afirma que ya no persigue el reconocimiento externo. “Hoy en día mi objetivo es sentirme orgulloso de las posibilidades que tengo, del entorno que tengo y que mi entorno se sienta orgulloso de mí”.

Ese entorno es su refugio: su familia, sus amigos y su fe. “Me refugié mucho en la familia y en Dios. Me pone contento ver que estoy más fuerte, más maduro”, relató.

También enfatiza su transformación personal: “Pasé por cosas que me hicieron cambiar mi forma de ser y también de valorar todo, de lo mínimo a lo más grande. Ahora valoro mucho más el tiempo con mis hijas, también cada vez que puedo agarrar el micrófono. Es como que ahora siento el doble las cosas”.

Reconexión con el trap

VERSUS marca su regreso al género que lo vio nacer como artista. “Fue como volver a conectar con ese Paulo chiquito. Empezó por una necesidad de agradecer más que nada. De agradecer a lo que me emociona, que son la familia y las amistades que me tocaron, las posibilidades que me gané en la vida… Eso me vuelve muy feliz, me sensibiliza y, la verdad, que me envuelve”.

El regreso al trap no significa una renuncia al riesgo creativo. “Siempre experimento. Quiera o no quiera, siempre termino haciendo algo raro. Pero me gusta esto de volver al trap, de seguir con el trap. Pero está claro que no quiero dejar de experimentar. Tiene que ser un balance”, asegura.

Paulo Londra cierra un círculo con VERSUS, un proyecto con el que no solo se reconcilia con su pasado, sino que establece las bases para una nueva etapa, más consciente y menos dependiente de las expectativas externas.

Si bien el futuro es incierto, el presente lo encuentra en paz, listo para volar cabezas—musicalmente hablando—con un directo que, promete, “va a ser mi arma secreta”.

“Estoy superemocionado de cómo va a sonar VERSUS en vivo. Ahí es donde tengo que volarles la cabeza a todos”, concluyó, riendo.

Se le conoce como “cine clase B”, o simplemente “cine B”, dependiendo el lugar de Hispanoamérica donde se encuentren leyendo esta nota. Hoy en día hay todo un mito alrededor de este tipo de cine, casi como si fuese un género aparte, pero a pesar de que a menudo se lo tacha de “mal cine”, “cine basura” o “cine de bajo presupuesto”, sigue generando una fascinación indiscutible en aquellos que lo consumen. La productora The Asylum (Titanic 2, Transmorphers, Sharknado) hizo un negocio mega millonario alrededor de esto, pero vamos a dejarlo para otra nota. Como decía, este cine se caracteriza por sus producciones de bajo presupuesto, actores poco conocidos y tramas desbordadas de creatividad absurda, que suelen resultar en escenas tan extravagantes como divertidas y sin sentido. Estéticamente, es fácil identificar una película de clase B por sus afiches llenos de colores, exageración y mucha contaminación visual, protagonizados por héroes viriles y trillados, damiselas en peligro y monstruos amenazantes de diseños dudosos. Es una clase de cine que muchos ven como un placer culposo y que, a pesar de sus limitaciones, ha llegado a ser un -literalmente- género de culto en nuestros días. Pero, en este punto, vale mencionar antes que se preste a confusión, que el cine clase B de antes no es el mismo cine clase B de ahora. Los tiempos cambian y en consecuencia, cambian las tendencias.

Pero vayamos al génesis. El origen de este tipo de cine se remonta a la época de la Gran Depresión en los Estados Unidos. Durante los años treinta, los estudios de Hollywood buscaron formas de sobrevivir ante la crisis económica que redujo la asistencia a las salas de cine. La falta de dinero hacía que los espectadores se vean obligados a priorizar otras cosas y dejar de lado algunos placeres. Pero la industria estaba perdiendo dinero. Las grandes productoras tenían un poco más de aire para resistir, pero aquellos que manejaban productoras más humildes (por así decirlo) se encontraban en apuros. Así fue como nació la idea de las funciones dobles, una de las primeras medidas de fuerza, en las que una película “clase A” (la producción principal de la función, con presupuesto abultado y estrellas reconocidas), iba acompañada de una película “clase B” que, con menos recursos y menos expectativas, servía de relleno. De alguna forma, la gente sentía que veía dos películas por el precio de una. Sin embargo, y a pesar del éxito de esta simple estrategia comercial, esta idea no solo logró su cometido principal sino que abrió una puerta a otro mundo: sentó las bases de un cine nuevo, donde la falta de recursos se transformó en un espacio de experimentación y en una herramienta de creatividad.

Sin haberlo buscado, nació una época donde las películas de clase B se seguían realizando con presupuestos reducidos, donde aspectos como el guión o los efectos especiales eran descuidados a favor de cumplir los plazos, pero también -ahora- como una búsqueda consciente por parte de los estudios. En algunos casos, los directores incluso reutilizaban escenas de otras películas para abaratar costos. Con una libertad creativa poco vista en el cine comercial hasta aquel momento, se crearon historias que exploraban géneros como el terror y la ciencia ficción, alejándose bastante de todo lo que se venía construyendo. En esa maravillosa oleada, aparecieron icónicos directores como Roger Corman (el mayor exponente de este movimiento, un estandarte por sí mismo, genio y precursor) y Ed Wood, figuras clave en la historia del cine clase B, que trabajaron con este espíritu, llevando adelante cintas llenas de aventuras imposibles y personajes extravagantes. La falta de atención a los detalles y la desidia autoral se habían convertido en el eje fundamental de estos relatos.

A pesar de su naturaleza improvisada y sus resultados tácitamente absurdos, el cine clase B tuvo un impacto profundo en la industria cinematográfica. Aunque sus temas, estilos y formas inicialmente fueron despreciados por la crítica, estas películas se convirtieron en campo de entrenamiento para actores y directores que luego triunfarían en Hollywood, como Jack Nicholson, Dennis Hopper, James Cameron, Francis Ford Coppola o Peter Jackson, entre tantos otros. Algunos títulos incluso alcanzaron gran popularidad y superaron en éxito a las superproducciones que los acompañaban. Películas como Night of the Living Dead (1968) del maestro George A. Romero y The Evil Dead (1981) de Sam Raimi se transformaron en clásicos del terror, y son recordadas por sus innovadores enfoques narrativos donde, literalmente, se hacía lo que se podía con lo que se tenía. La maestría sobre las técnicas cinematográficas empezaba a florecer de mano de profesionales que solo buscaban satisfacer su pasión por el cine más allá de sus ingresos ecónimicos. ¿Un referente de esto? Tom Savini.

Las cosas se fueron acomodando con el paso de los años y la gente comenzó a ver con otros ojos este tipo de producciones, entendiendo que más allá de lo que decía la crítica, la intención de estas producciones era particular, diferente al resto de Hollywood, y sin ninguna otra pretención, buscaban entretener sea como fuese necesario. Durante los años cincuenta y sesenta, este género alcanzó un estatus de culto en autocines y funciones de medianoche, acaparando el mercado adolescente que siempre fue uno de los que más resultados positivos supo dar. Con el tiempo, y por una necesidad propia del ser humano de tener que catalogar todo, comenzaron a aparecer subgéneros que potenciaron el éxito de esta movida ya que las posibilidades de venta se sentían mucho más sólidas y con filtros más simples de explicar a la audiencia. Así es como aparecieron algunos motes como “cine de explotación” o “grindhouse”, caracterizado por el contenido provocador y sensacionalista. Estas películas buscaban impresionar con historias extremas de violencia y tabúes prohibidos por aquel entonces, de gran repudio social, no necesariamente para transmitir una moraleja, sino solo para provocar reacciones en el público. “Toda prensa es buena”, era el criterio. Películas como Blacula (1972) y Foxy Brown (1974), del subgénero “blaxploitation”, reflejaban temas de la comunidad afroamericana de una forma no convencional y explosiva. También podemos sumar Slaughter (1972), Shaft (1971) o Dolemite (1975).

Además, surgieron subgéneros que llevaron realmente al extremo el estilo de las películas clase B, ya que todo indicaba que los límites de la cinematografía cada vez estaban más y más difusos. Si tuviéramos que ejemplificar todo esto como un árbol genealógico nos encontraríamos con algo muchísimo más frondoso que el mismísimo Yggdrasill, así que vamos a cortar por lo sano y mencionar las ramificaciones más notables. En este camino, obligatoriamente deberíamos incluir al “giallo” italiano, que se mete de lleno sin ser realmente parte de la movida inicial, pero cumpliendo con muchas de sus reglas. Al “giallo” se lo podría tomar como precursor del género slasher (por así decirlo, porque también deberíamos hablar de los proto-slashers, y todo eso sería material de otra nota), que combinaba el suspenso con el gore y un estilizado carácter visual, donde maestros como Mario Bava, Dario Argento o Lucio Fulci han hecho historia. Cambiando de tono por completo, también tenemos las denominadas “monster movies”, donde criaturas gigantes como Godzilla o King Kong (pero con menor presupuesto) aterrorizaban a los humanos. También surgió el antes mencionado subgénero “gore” o “splatter”, con filmes como Bad Taste (1987) de Peter Jackson o Versus (2000) de Ryûhei Kitamura, que combinaba el gore extremo con el humor. Estos géneros, aunque alejados del cine convencional, influyeron en cómo el público percibe el terror, la acción y la comedia. Vale remarcar, en este punto particular, que el “gore” y el “splatter” son técnicamente lo mismo, aunque hay algunas afluencias que afirman que no lo son. En el idioma inglés, se suele utilizar mucho el término “splatter”, y en español es mucho más común ver “gore” como definición. Para adentrarnos de lleno en ese mundo haría falta otra nota completamente orientada a ese género. Así que, por el momento, retomemos con lo que veníamos.

El cine clase B se convirtió en el precursor de un enfoque exagerado y con una fuerte ausencia de restricciones. Supo levantar una bandera dentro de Hollywood y portarla con tanta convicción que algo que nació de la mera casualidad, se convirtió en una declaración de principios. Este movimiento dio lugar a otros fenómenos de culto, como el cine “Clase Z”, una versión aún más extrema de bajo presupuesto. A principios de los 2000, en la Argentina existía un canal de cable llamado I-Sat que tenía un programa conocido como Cine Z, con el slogan “cine Zeta, cine berreta”, conducido por unos títeres en forma de cuervos con las voces de Horacio Fontova y Pelusa Suero. Títulos como Plan 9 from Outer Space (1959), de Ed Wood, son un ejemplo icónico de este tipo de cine, famoso por sus errores de continuidad, hilos visibles en escena y una historia desbordante del absurdo como forma cinematográfica. Su producción y calidad eran tan precarias que, en lugar de rechazarlo, los fanáticos lo recibieron como un verdadero muestrario de lo que representa el cine de Clase Z: la libertad de crear, soñar y narrar sin importar las imperfecciones. Era un paso más allá del cine Clase B, aquellos “outsiders” que ni siquiera podían alcanzar las producciones de bajo presupuesto. Como dato de color, los invito a buscar un sketch del grandioso Benny Hill llamado: “Película con problemas de continuidad”. De nada.

Hoy en día, las cosas cambiaron por completo. La llegada del cine en digital abarató los costos por completo. Antes de eso, el VHS, el Super 8, y otros formatos caseros que ya tienen décadas de vida, le dieron la posibilidad a cualquiera que tenga buenas ideas y una cámara, filmar sus propias películas. Por más extremo que suene, así nacieron en nuestro país genialidades como la saga Plaga Zombie, en manos de la gente de Farsa Producciones. El cine Clase B fue, es y será una fuente de inspiración para nuevos creadores que sin demasiados recursos, tienen la premura de contar historias. Directores contemporáneos como Quentin Tarantino y Robert Rodríguez han revivido el espíritu de este cine en películas como Planet Terror y Machete, que rinden homenaje a los clásicos del cine Clase B con guiños a su estilo visual y narrativo. Además, como decíamos antes, gracias a la tecnología, la producción y distribución más accesible, y -obviamente- plataformas como YouTube, han permitido que muchos aficionados se conviertan en realizadores y continúen el legado con sus propios proyectos. Este cine es una expresión de esa pasión por filmar sin importar nada más en su estado más puro. Es una celebración de la libertad creativa, de un cine que no teme al ridículo y que encuentra en la extravagancia y en lo absurdo su verdadera esencia.