A diferencia de otros retos que requieren coreografías, habilidades especiales o accesorios, esta propuesta destaca por su sencillez. El objetivo es flexionar uno de los brazos y colocar la mano contraria sobre la parte interna del músculo para formar una figura que recuerde a un corazón. Con el ángulo adecuado, la curvatura del brazo y la posición de los dedos completan la ilusión.

La tendencia comenzó a llamar la atención a partir de fotografías compartidas por internautas en X. En esas publicaciones, distintas personas mostraban cómo podían aprovechar la forma de su brazo para representar una figura romántica. Lo que inicialmente parecía una ocurrencia visual terminó encontrando un espacio entre los contenidos más replicados de las plataformas.

¿Cómo comenzó el reto del corazón con el bíceps?

El crecimiento del bicep heart en TikTok se aceleró el 26 de octubre de 2026, cuando el hashtag relacionado con esta pose comenzó a reunir publicaciones de creadores de contenido.

Entre las cuentas que ayudaron a impulsar la dinámica se encuentra hunnybakes, quien reaccionó con la frase “Ahora voy a abusar de esto”. También destacó mckenna crisp, que bromeó al pedir que le enviaran corazones hechos con los bíceps.

Otro contenido que contribuyó a la difusión fue el video publicado por kavithageorge el 1 de noviembre. Para el 3 de noviembre, la grabación ya había rebasado los cuatro millones de reproducciones, de acuerdo con los datos incluidos en los reportes sobre la tendencia.

La popularidad del desafío demuestra cómo una imagen sencilla puede convertirse en una dinámica colectiva cuando los usuarios encuentran una manera fácil de reproducirla y adaptarla a sus propios contenidos.

Cómo hacer el bicep heart sin tener músculos grandes

Uno de los motivos por los que el reto consiguió tantas participaciones es que no depende de tener brazos voluminosos ni de contar con una rutina de gimnasio avanzada. La forma del corazón se consigue principalmente mediante la colocación de las extremidades y el encuadre de la fotografía o el video.

Para intentar reproducirlo, primero hay que levantar un brazo y flexionar el codo aproximadamente en un ángulo de 90 grados, orientando el antebrazo hacia el hombro contrario. Después, se contrae ligeramente el bíceps para marcar su curva natural.

El siguiente movimiento consiste en acercar la mano libre a la zona interna del músculo flexionado. Con el pulgar orientado hacia afuera y una pequeña curvatura entre este dedo y el índice, se busca formar la parte superior de la figura.

Finalmente, basta con ajustar la posición del torso y girar ligeramente frente a la cámara hasta conseguir que ambos brazos formen un contorno parecido a un corazón. La perspectiva es fundamental para que el resultado sea reconocible.

Las versiones que circulan en TikTok e Instagram

Conforme aumentaron las publicaciones, los usuarios comenzaron a experimentar con distintas maneras de realizar el desafío. Una de ellas consiste en mostrar solamente la mitad del corazón para que otra persona complete la figura mediante la herramienta de Dúo.

También surgieron versiones en pareja, donde dos participantes juntan sus brazos para construir un corazón completo. En el ámbito del ejercicio físico, algunos creadores aprovecharon el movimiento para hacer bromas o enviar indirectas románticas, jugando con la idea de que un bíceps más grande representa un corazón más grande.

Los videos suelen utilizar una pista difundida por la cuenta trendformusic, cuya introducción incluye la pregunta en inglés: “Have you ever heard of a bicep heart…”.

Además, durante los primeros días de noviembre aparecieron filtros y herramientas de inteligencia artificial capaces de generar animaciones inspiradas en esta pose a partir de una fotografía. Esto permitió que más usuarios se sumaran sin necesidad de grabar todo el movimiento.

Así, el bicep heart pasó de ser una pose compartida en fotografías a convertirse en un formato de interacción que continúa acumulando adaptaciones. Su combinación de humor, creatividad y referencias al acondicionamiento físico explica por qué el reto encontró espacio entre las tendencias virales de las redes sociales.

El rojo dejó de ser un recurso reservado a los acentos de temporada y pasó a ocupar un lugar central en las propuestas de las grandes casas de moda en los desfiles dedicados a la temporada de primavera-verano 2027.

Durante las Fashion Weeks, diferentes marcas y diseñadores de lujo situaron al rojo entre los colores protagonistas de las pasarelas, con presencia en conjuntos monocromáticos, prendas de piel y detalles de accesorios.

La tendencia llega después de varias temporadas dominadas por el burdeos, los verdes profundos y los tonos tierra. Sin embargo, las propuestas recientes recuperan versiones más luminosas, saturadas y cercanas al bermellón, sin desplazar por completo las tonalidades oscuras.

El resultado es una paleta más amplia, capaz de adaptarse tanto a una silueta completa como a un detalle puntual.

Las Fashion Weeks de primavera-verano 2027 reforzaron el regreso del rojo

Las semanas de la moda funcionan como una primera lectura de los códigos que las firmas llevarán a sus próximas colecciones.

En esta edición, el rojo apareció de forma sostenida en pasarelas de distintas casas y con tratamientos diversos: desde bloques de color y superficies de piel hasta prendas de líneas sobrias.

Su reiteración en varias propuestas confirma que el tono dejó de ser una presencia aislada dentro de la paleta de temporada.

En París, Chanel sumó acentos rojos a su sastrería de tweed y a sus conjuntos de silueta clásica, mientras Hermès, bajo la dirección de Nadège Vanhée, incorporó el color dentro de una paleta marcada por materiales ligeros y referencias al verano.

En Nueva York, Carolina Herrera presentó el llamado rojo Herrera como parte de una combinación gráfica junto al blanco, el negro y el amarillo. The Blonds y Sabyasachi también llevaron la tonalidad a sus propuestas de primavera-verano 2027, lo que extendió la presencia del color entre casas de lenguajes estéticos diferentes.

En el caso de Louis Vuitton, el rojo se integra en estilismos donde el color adquiere un peso estructural. Puede definir una prenda exterior, ordenar un conjunto o concentrar la atención en un bolso. Esta presencia refuerza una dirección cromática que se aleja de los neutros exclusivos y habilita contrastes de mayor intensidad.

Prada también incorpora el tono en una temporada donde las combinaciones visuales y las superficies de impacto ganan espacio. Allí, el color no funciona solo como una nota decorativa: interviene en la construcción del look, ya sea a través de prendas principales o de elementos que modifican una base sobria.

El rojo aparece como un código capaz de pasar de la pasarela al vestuario cotidiano sin perder presencia.

El rojo total convive con una versión más puntual

El llamado total look es una de las formas más visibles de llevar esta tendencia. Vestidos, trajes, abrigos y conjuntos de dos piezas en una misma gama generan una silueta continua y dirigen la mirada hacia el color.

La elección exige considerar el matiz de la prenda y la proporción que ocupa dentro del conjunto, ya que un rojo brillante proyecta un efecto distinto al de un carmín oscuro o un tono quemado.

A la vez, las colecciones plantean una opción más accesible: incorporar el rojo en puntos concretos. Un pañuelo al cuello, un bolso, unas gafas o unos guantes permiten introducir la tendencia sin cubrir toda la figura.

Los accesorios rojos concentran el foco visual y transforman combinaciones construidas con negro, blanco, gris, beige o denim.

Esta segunda vía se relaciona con la denominada teoría del rojo inesperado, una fórmula basada en sumar una única pieza roja a un conjunto básico.

Durante los últimos meses, el recurso se vio en jerséis llevados sobre los hombros, anudados a la cintura o colocados sobre una prenda neutra.

Ahora se extiende a elementos más pequeños, entre ellos calcetines, medias, horquillas y complementos para el cabello.

Azul y violeta amplían las combinaciones del rojo

La temporada no limita el rojo a las asociaciones clásicas con blanco o negro. Las pasarelas incorporan mezclas con otros colores intensos, en particular el azul y el violeta. Givenchy y Laura Aparicio propusieron contrastes por bloques entre rojo y azul, una combinación basada en dos colores primarios que puede adquirir distintas intensidades según el tono elegido.

Cuando ambos colores aparecen en versiones saturadas, la composición tiene un carácter gráfico y directo. Si el azul se acerca al marino o el rojo se vuelve más oscuro, el contraste disminuye y el conjunto adquiere otra profundidad. Esta posibilidad permite adaptar la tendencia a prendas formales, conjuntos urbanos o accesorios de tamaño reducido.

El vínculo con el violeta abre otra línea de trabajo. Balenciaga y Celine incorporaron combinaciones donde los rojos de base azulada se aproximan a los morados. La conexión entre estos tonos permite una transición más fluida que la del rojo con azul puro y ofrece una alternativa a las fórmulas cromáticas habituales.

La unión del rojo con otros tonos vibrantes se proyecta también hacia las próximas temporadas. La presencia del color en colecciones de distintos momentos del calendario indica que su uso ya no depende únicamente de una prenda específica ni de una temporada de transición.

De los vestidos de pasarela a los detalles del armario

El rojo se ve en vestidos de piel, prendas exteriores, pantalones y accesorios de alto contraste. También aparece en propuestas más discretas, como bolsos de gran tamaño, medias, pañuelos y otros complementos. La diversidad de formatos facilita que el color se incorpore en distintos niveles de protagonismo.

La elección de la tonalidad puede cambiar el resultado. Los rojos luminosos y vibrantes suelen generar mayor contraste con el rostro y atraen la atención hacia la zona donde se ubican.

Las variantes apagadas, oscuras o con una base azulada producen un efecto más contenido. Por esa razón, un mismo color puede adoptar funciones diferentes según el material, la luz y la superficie de la prenda.

En un estilismo completo, el rojo construye una imagen uniforme y de gran visibilidad. En un complemento, delimita una zona de interés. La diferencia resulta útil para quienes prefieren acercarse a la tendencia de manera gradual: un bolso, unas gafas o un pañuelo permiten probar el color antes de trasladarlo a prendas de mayor tamaño.

El blanco mantiene su lugar como una de las combinaciones más directas, mientras que el negro ofrece un contraste marcado. El rosa, el verde y el morado se suman entre las opciones de mayor intensidad.

Doña Alegría, madre de Poncho de Nigris, pidió abandonar La Mansión VIP 2 apenas 24 horas después del estreno, luego de que los habitantes Jaryel Román y João Ferreira le bailaran durante una dinámica de convivencia. La participante, cuyo nombre real es Leticia Guajardo, aseguró que no dio pie a la situación y se definió como “una señora recatada” que no acepta ese tipo de actitudes.

El incidente ocurrió el domingo 8 de noviembre, el mismo día del estreno de la segunda temporada del reality producido por el creador de contenido HotSpanish. Doña Alegría expresó su malestar ante el resto de los habitantes y dejó clara su intención de salir del programa este lunes.

Poncho de Nigris responde en redes contra João Ferreira

La reacción de la madre del conductor regiomontano no tardó en escalar fuera de la casa. Poncho de Nigris utilizó su cuenta de X para dirigirse directamente al creador de contenido brasileño, al que acusó de agresivo con su madre.

“Muy groserito el brasileño, vamos a ver si cuando entremos tiene los mismos huevos. Muy agresivo que le contesta a Doña Alegría. Según tiene cinturones, ahí está Ring Royale a ver si es muy bueno”, escribió el conductor en su cuenta de X.

El mensaje hace referencia a un presunto historial de João Ferreira en artes marciales y lo reta a medirse en el ring de Ring Royale, la empresa de box y lucha creada por Poncho de Nigris. El conductor adelantó además que buscará un careo directo con el brasileño dentro de la casa, confirmando que otro miembro de la familia entrará al reality.

Otras polémicas de Doña Alegría en sus primeros días en La Mansión VIP 2

La tensión con Karely Ruiz marcó el ingreso de Doña Alegría incluso antes del estreno. Poncho de Nigris había advertido días previos que su madre suele tener dificultades de trato con mujeres jóvenes que exhiben su figura en internet, a lo que Karely Ruiz respondió públicamente: “Doña Alegría no soporta a las encueradas, yo que la amo ya valió”.

Horas después del estreno, Doña Alegría protagonizó un segundo incidente al filtrar sin querer información confidencial sobre futuros ingresos a la competencia. Durante una plática nocturna con el cantante puertorriqueño Jlexis, la producción intervino por el sistema de audio para pedirle que ajustara el micrófono. Ella intentó minimizar el error murmurando “lo bueno es que no me oyeron”, pero el propio Jlexis le confirmó que sí se había escuchado, y el momento se viralizó en minutos.

Doña Alegría filtra la participación de Aldo de Nigris dentro del reality

En una tercera conversación con otros habitantes, Doña Alegría adelantó que su nieto Aldo de Nigris, ganador de la tercera temporada de La Casa de los Famosos México, podría integrarse al reality durante la tercera etapa del proyecto y permanecer una semana dentro de la casa. No precisó fecha exacta y la producción tampoco ha confirmado oficialmente esta información.

La participante también vivió un momento de confusión cuando la producción leyó un mensaje dirigido a ella durante la transmisión en vivo: “Doña Alegría, usted es la mera punta del tren. Saludos de su sobrino Samuel García”. Ella reaccionó sorprendida y preguntó “¿a poco el gobernador?”, en referencia al mandatario de Nuevo León, aunque hasta el momento no existe confirmación de que Samuel García haya enviado realmente ese saludo.

Doña Alegría forma parte del equipo Barullo, junto a Abel Robles, Paolita Suárez, Rod Contreras, Odette Orlena, Karely Ruiz y Edwin Mendoza, en el mismo equipo se encontraba Dany Flow, quien tomó la decisión de salir del encierro con pocas horas dentro, asegurando que no aguantaba más el aislamiento.

¿Quién es Doña Alegría?

Doña Alegría es el apodo en redes sociales de Leticia Guajardo, madre del conductor y empresario regiomontano Poncho de Nigris y de los exfutbolistas Toño de Nigris y Aldo de Nigris. También es abuela del influencer Aldo de Nigris, ganador de la tercera temporada de La Casa de los Famosos México.

Es originaria de Monterrey, Nuevo León, y tiene 74 años de edad. Se hizo popular en redes por sus apariciones en transmisiones en vivo junto a su hijo y su nieto. En noviembre de 2026 ingresó a la segunda temporada de La Mansión VIP, el reality show del creador de contenido HotSpanish.

¿Quién es João Ferreira?

João Ferreira es un influencer y creador de contenido brasileño, conocido por sus videos de humor, baile y entretenimiento en redes sociales.

Forma parte de la segunda temporada de La Mansión VIP, que reúne a 16 personalidades de internet en una residencia durante 30 días. Ferreira ingresó como uno de los participantes internacionales del elenco, junto a figuras mexicanas y colombianas, en el grupo Equipo Roletix.

Pinterest pasó años posicionándose como un sistema de alerta temprana sobre lo que los consumidores jóvenes querrán después. La plataforma comenzó como un tablero digital para guardar y compartir ideas sobre moda, decoración del hogar y casi todas las demás categorías de gusto personal. Ahora empaqueta esos datos en un pronóstico anual que los especialistas en marketing siguen de cerca.

En diciembre de 2025, Pinterest lanzó Pinterest Predicts 2026, su mirada anual sobre las tendencias que espera que despeguen durante los próximos 12 meses.

El informe se basa en miles de millones de búsquedas y guardados, y mide cómo cambió el interés de búsqueda entre septiembre de 2024 y agosto de 2025. La compañía afirma que el 88% de sus predicciones de los últimos seis años se hicieron realidad.

La revisión de este año señaló 21 tendencias de moda, belleza, hogar, comida y viajes. Incluyen Brooched, que predijo que los hombres baby boomers y millennials comenzarían a usar como accesorios broches heredados y prendedores vintage, y Funhaus, una apuesta por la decoración del hogar inspirada en circos vintage.

Otra es Gimme Gummy, un deseo por texturas blandas, parecidas a la gelatina, en todo, desde caramelos hasta fundas para teléfonos.

Con el año casi terminado, ¿cómo se están sosteniendo esas predicciones?

Los broches pasaron de los tableros de Pinterest a la pasarela

Los broches parecen una de las victorias más claras de Pinterest. En su informe original, Pinterest señaló que las búsquedas de “broche para traje de hombre” aumentaron un 90% y las de “joyería heredada” crecieron un 45%, según National Jeweler.

El interés continuó creciendo desde entonces. Los datos de Pinterest Trends muestran que el término de búsqueda “ideas de atuendos con broches” subió de forma sostenida desde junio y alcanzó un puntaje de interés de 92 sobre 100 a comienzos de octubre.

El término de búsqueda “broches artesanales de tela” llegó a 87 a principios del mes pasado. En Google, las búsquedas de “broche” alcanzaron un puntaje máximo de 100 en febrero de 2026, según Google Trends.

Los diseñadores también lo advirtieron. Los broches fueron una de las historias destacadas de joyería en las pasarelas de otoño/invierno de 2026, según British Vogue.

Aparecieron en el desfile de Giorgio Armani en Milán, donde hicieron referencia a los signos del zodíaco del fallecido diseñador y de su sobrina y sucesora, Silvana Armani. También se vieron en Ralph Lauren y Tory Burch en Nueva York.

Funhaus es una de las apuestas más peculiares del informe. Pinterest afirmó que las búsquedas de “interior de circo” crecieron un 130% durante su período de medición. También informó un aumento del 70% en “estética de circo vintage” y un salto del 50% en “habitación infantil de circo”, y predijo que los baby boomers y millennials liderarían la tendencia, informó Axios.

Desde entonces, la tendencia encontró al menos un famoso seguidor. El actor Richard E. Grant es conocido por Withnail and I (Withnail y yo), su papel nominado al Oscar en Can You Ever Forgive Me? (¿Podrás perdonarme?) y, más recientemente, Saltburn.

Hace poco publicó en Instagram una foto de una cena en su casa con invitados que incluían a Helena Bonham Carter y Christine Baranski. El escenario era un comedor decorado con máscaras de circo de gran tamaño, banderines, guirnaldas y luces de colores, informó Ideal Home.

Las tendencias de Pinterest importan para las marcas

Los pronósticos de Pinterest tienen peso entre los especialistas en marketing porque gran parte de su audiencia es joven y está lista para comprar. Pinterest afirma que la Generación Z impulsa el 67% de sus tendencias de 2026, y la compañía convirtió a esa generación en el centro de su estrategia.

El director ejecutivo Bill Ready contó a Fortune el año pasado cómo una decisión que hundió las acciones ayudó a convertir a la plataforma en una ganadora entre la Generación Z. Se proyecta que el poder de gasto global de la Generación Z alcance los USD 12 billones para 2030, según un informe de 2024 de NielsenIQ y World Data Lab.

Lo que es popular en internet moldea cada vez más lo que termina en los estantes de las tiendas, mientras las marcas corren para satisfacer la demanda que crean las estéticas virales.

Quizás el ejemplo definitorio sea la estética “clean girl”, de cabello peinado hacia atrás, piel luminosa y maquillaje mínimo. Hailey Bieber ayudó a popularizar el estilo alrededor del momento en que lanzó su marca de cuidado de la piel Rhode en junio de 2022.

Rhode se convirtió rápidamente en la marca de belleza minimalista elegida por la Generación Z. En mayo de 2025, e.l.f. Beauty acordó adquirirla en un acuerdo valorado en hasta USD 1.000 millones.

Rhode había generado USD 212 millones en ventas netas durante los 12 meses previos al acuerdo, y el director ejecutivo de e.l.f. presentó la compra como una apuesta por la Generación Z y la Generación Alfa.

Los moños se convirtieron en un manual de juego para el comercio minorista

Los motivos de moños y cintas que se extendieron por las categorías de consumo desde 2024 ofrecen otro caso de estudio y otro acierto de Pinterest. El informe Predicts 2024 de la compañía, publicado en diciembre de 2023, pronosticó una tendencia de “Bow Stacking” después de que las búsquedas de “atuendo con moño” crecieran un 190%, informó FashionUnited.

La tendencia recibió otro impulso a mediados de 2024, cuando la tercera temporada de Bridgerton, de Netflix, alimentó una ola de moda inspirada en la Regencia en TikTok, que incluyó cintas, moños, encaje y trenzas.

Para agosto de 2024, el informe de tendencias de otoño de Pinterest mostró que las búsquedas de “diseños de uñas con moños” habían aumentado un 2.220% y las de “bolso de moño tejido a crochet” crecieron un 975%.

Los minoristas se movieron para capitalizarlo. Pacsun trabajó con Pinterest para analizar los datos de búsquedas y pines. En julio de 2024 lanzó su campaña de regreso a clases “Better in Baggy”, que incluyó una línea ampliada de denim adornado con moños, strass, estampado de leopardo y parches, informó Retail TouchPoints.

Su apuesta por la tendencia más amplia de prendas holgadas dio resultado. Los estilos baggy y de ajuste holgado pasaron de representar cerca del 8% de las ventas de denim de Pacsun al 80% en un solo año, según Glossy.

(c) 2026, Fortune

Los disfraces de Halloween 2026 en México reflejan una tendencia marcada por el terror clásico y los superhéroes, según reportan comerciantes de distintas regiones del país. Personajes como Chucky, Ghostface y Pennywise se mantienen como los favoritos en tiendas físicas, mientras plataformas digitales como Amazon y Mercado Libre muestran preferencias propias que no siempre coinciden con las búsquedas internacionales.

En paralelo, estrenos de cine como, Obsession, La Odisea y Clayface comienzan a sumarse como referencias nuevas, aunque sin desplazar todavía a los clásicos del género de terror.

Lo que realmente se vende y renta en México

En Tijuana, la gerente de una tienda de disfraces, Arely Carrasco, señaló que los personajes más solicitados son Pennywise, Chucky, Merlina, Ghostface, Freddy Krueger y Michael Myers. También reportó demanda de superhéroes como Batman, Spider-Man, la Mujer Maravilla y el Capitán América. Las rentas en su local van de 500 a 2,500 pesos, dependiendo del personaje, mientras los disfraces a la venta cuestan entre 2,000 y 5,000 pesos. Carrasco explicó que algunos clientes viajan desde Rosarito y Ensenada para conseguir sus vestuarios.

En México, los disfraces que más se venden y rentan este Halloween 2026 son los de terror clásico: Chucky, Ghostface, Pennywise, Freddy Krueger y Michael Myers encabezan la demanda en comercios de distintas ciudades, junto con superhéroes tradicionales como Batman y Spider-Man, por encima de personajes ligados a estrenos recientes de cine.

En Villahermosa, el vendedor Ricardo García Rincón detalló que entre las mujeres ganó popularidad el disfraz de pirata, mientras los hombres mantienen su preferencia por Ghostface y por Art the Clown, de la película Terrifier. García Rincón añadió que la Rodada del Terror, una actividad local, incrementa en un 50% la demanda de máscaras con luces LED.

En Veracruz, comerciantes del Mercado Hidalgo confirmaron que Halloween supera ampliamente al Día de Muertos en variedad de productos. Según sus registros, existen más de 200 modelos de disfraces de Halloween frente a solo una docena de modelos de Catrina y Catrín. Los más pedidos continúan siendo los trajes de Scream, esqueleto, vampiro, pirata y bruja, aunque este año notaron mayor movimiento en los disfraces de superhéroes.

Lo que arrasa en plataformas digitales

Las ventas en línea muestran rankings propios, distintos a los que reportan los comercios físicos. En Amazon México, el listado de más vendidos lo encabeza un set de cinco piezas para disfrazarse de mago, de la marca BYHANG, con un precio de 319 pesos. Le siguen un disfraz de calabaza y uno de murciélago, ambos para bebé.

En Mercado Libre México, de acuerdo con un análisis de la firma Nubimetrics, las túnicas y capas de Harry Potter se mantienen como una tendencia sostenida desde hace varios años. Los disfraces inflables, en particular los de dinosaurio, registraron un crecimiento de más de 700 puestos en el ranking de ventas.

En Shopee México, el disfraz más vendido corresponde a un traje de Chucky para mujer, seguido de alas de hada y un disfraz inspirado en la serie Spy x Family.

Los estrenos de cine que empujan nuevas tendencias

La Odisea, de Christopher Nolan, protagonizada por Matt Damon en el papel de Odiseo, impulsó el disfraz de Agamenón hasta el cuarto lugar del ranking Frightgeist de Google. La producción generó guías de vestuario basadas en el trabajo de la diseñadora de vestuario Ellen Mirojnick, con propuestas de Odiseo, Penélope y guerreros griegos.

Clayface, de DC Studios, dirigida por James Watkins y protagonizada por Tom Rhys Harries, se estrenó internacionalmente el 21 de octubre. El propio elenco de la película compartió recomendaciones para caracterizarse como el villano, con opción de un maquillaje de transformación parcial o la versión completa del personaje de arcilla.

El respaldo de cifras de consumo

La Asociación Mexicana de Venta Online (AMVO) reportó en su informe Consumer Pulse que la intención de compra de productos para Halloween entre los mexicanos se ubica en 55%, por debajo del 62% que corresponde al Día de Muertos. Entre los artículos más buscados para la Noche de Brujas figuran disfraces, decoraciones y dulces.

La plataforma de comercio electrónico Tiendanube documentó además una caída de 33% en la facturación de disfraces completos de Halloween respecto al año anterior, junto con una disminución del 36% en el número de órdenes. En contraste, la venta de maquillaje para la fecha aumentó 62% en unidades.

El ranking Frightgeist de Google, elaborado exclusivamente con datos de búsqueda de Estados Unidos, posiciona en los primeros lugares a personajes sin presencia documentada en las ventas o rentas mexicanas, como Buddy the Unicorn, NeeDoh y Nikki, de la película Obsession.

Tendencias internacionales frente al consumo local: un listado comparativo

El contraste entre lo que mide Google a nivel internacional y lo que efectivamente se vende en México permite trazar un panorama con dos lógicas distintas de consumo.

Top 10 de Frightgeist (Estados Unidos):

1. Buddy the Unicorn, de la película de terror Buddy
2. NeeDoh, el juguete antiestrés
3. Nikki, de Obsession
4. Agamenón, de La Odisea
5. Lily Love Braids, de Poppy Playtime
6. Oliver Tree
7. Verity, de Minecraft
8. Carl, de Dungeon Crawler Carl
9. Disco Scooby-Doo
10. Hazel Hook, de Descendants

Disfraces más solicitados en comercios mexicanos:

• Chucky
• Ghostface
• Pennywise
• Michael Myers
• Freddy Krueger
• Art the Clown, de Terrifier
• Disfraz de pirata (tendencia femenina en Villahermosa)
• Batman, Spider-Man, la Mujer Maravilla y el Capitán América

Disfraces más vendidos en plataformas digitales con operación en México:

• Set de disfraz de mago (Amazon)
• Disfraces de calabaza y murciélago para bebé (Amazon)
• Túnicas y capas de Harry Potter (Mercado Libre)
• Disfraces inflables de dinosaurio (Mercado Libre)
• Chucky para mujer (Shopee)
• Alas de hada (Shopee)

Ningún personaje del top 10 de Frightgeist coincide con los disfraces que reportan los comerciantes mexicanos ni con los rankings de venta de Amazon, Mercado Libre o Shopee. La única coincidencia parcial se da en la categoría de superhéroes genéricos, presentes tanto en Tijuana como en listados internacionales de disfraces clásicos, aunque sin figurar entre los primeros lugares de Frightgeist 2026.

Los estrenos de cine, como La Odisea y Clayface, aparecen en el ranking de búsquedas de Google y en cobertura mediática, pero no se mencionan en los testimonios de comerciantes ni en los listados de ventas de las plataformas consultadas en México.

Las consultas por el Simulacro Nacional de Respuesta a Emergencias 2026 aumentaron en Google Trends en Colombia, con búsquedas centradas en los horarios, la Unidad Nacional para la Gestión del Riesgo de Desastres (Ungrd) y las entidades que participarán en el ejercicio en la jornada del 21 de octubre.

El interés digital refleja la necesidad de trabajadores, instituciones y ciudadanos de conocer cómo deben prepararse para una jornada que pondrá a prueba los mecanismos de reacción ante eventos críticos.

A través de la plataforma de tendencias se demostró que el término “Simulacro” registró un incremento sostenido durante el día anterior a la actividad. Entre las consultas relacionadas que aparecieron en ascenso figuran “A qué hora es el simulacro nacional”, “Simulacro mañana”, “Ungrd Colombia”, “Simulacro nacional 2026 Colombia” e “Idiger”.

La tendencia sitúa los horarios entre las principales dudas de quienes buscan información antes de participar. Las entidades cabeza de sector, las organizaciones públicas y privadas, las comunidades y las familias tendrán actividades previstas a las 10:00 a. m.

Por otro lado, las gobernaciones liderarán una simulación departamental a las 2:00 p. m., enfocada en la validación de la Estrategia Territorial de Respuesta a Emergencias.

Las búsquedas se concentran en horarios y entidades de gestión del riesgo

El aumento de consultas sobre la Ungrd coincide con la proximidad del ejercicio y con el interés por conocer las responsabilidades de cada participante. La entidad articula el Sistema Nacional de Gestión del Riesgo de Desastres (Sngrd), integrado por autoridades, sectores, organizaciones y comunidades que intervienen antes, durante y después de una emergencia.

Las consultas en Google no solo apuntan a la hora de inicio. También reflejan preguntas sobre la organización institucional, los protocolos internos y las instrucciones de seguridad. Para trabajadores de entidades públicas, empresas y organizaciones privadas, el simulacro implica revisar rutas de evacuación, puntos de encuentro, canales de comunicación y responsables de la toma de decisiones.

El ejercicio de 2026 busca fortalecer las capacidades de respuesta de los actores que hacen parte del Sngrd. La jornada plantea una prueba de mayor alcance que la movilización de personas, así que cada sector, entidad, organización, comunidad y territorio deberá revisar los instrumentos y mecanismos con los que cuenta para actuar ante una situación de emergencia.

El ejercicio evaluará planes, coordinación y capacidad de respuesta

Las entidades públicas y privadas participarán conforme a sus competencias, responsabilidades y recursos disponibles. La meta es comprobar la aplicación de planes de emergencia, protocolos operativos y canales de coordinación, con especial atención a la respuesta que pueda activarse dentro de cada sede de trabajo.

Para las organizaciones, la actividad permite identificar si los procedimientos son conocidos por sus equipos y si los recursos definidos en los planes pueden utilizarse en una situación real. La preparación no se limita a evacuar un edificio, pues incluye la comunicación entre responsables, la verificación de alertas y la articulación con las autoridades locales cuando corresponda.

Las entidades que encabezan cada sector promoverán la participación de sus organismos adscritos y vinculados. Esta coordinación busca establecer cómo respondería cada área frente a una emergencia y qué vínculos necesita reforzar con otras instituciones para mantener la continuidad de sus funciones.

Gobernaciones y ciudadanía tendrán ejercicios en horarios definidos

Las gobernaciones asumirán la preparación y coordinación de la participación departamental en la simulación prevista para las 2:00 p. m. El objetivo será validar la Estrategia Territorial de Respuesta a Emergencias, un instrumento que orienta la actuación de las autoridades y actores locales en escenarios de riesgo.

Por su parte, comunidades, familias y ciudadanía participarán desde las 10:00 a. m. La convocatoria les permitirá revisar sus mecanismos de organización, autoprotección y contacto entre vecinos o integrantes del hogar.

Las búsquedas sobre “a qué horas es el simulacro” crecieron 300%, según los datos visibles en las tendencias de Google Trends, lo que evidencia la relevancia de la información antes de la jornada que servirá para detectar procedimientos que funcionan y aspectos que requieren ajustes.

Tras el ejercicio, cada participante podrá incorporar los hallazgos a sus planes y protocolos, con el propósito de mejorar su preparación ante eventuales emergencias.

A diferencia de los desafíos que dependen de bailes, bromas o movimientos sincronizados, esta propuesta apuesta por las emociones y la narrativa visual. El objetivo es recrear la sensación de buscar a alguien especial entre decenas de desconocidos, hasta que una figura inesperada aparece en escena y cambia por completo el sentido del video.

El efecto se acompaña de “La tormenta de arena”, canción de la banda española Dorian que aporta un ambiente nostálgico y envolvente a las grabaciones. La combinación de música, iluminación y edición ha permitido que los creadores transformen clips breves en pequeñas historias que parecen extraídas de una película.

¿En qué consiste el trend “Te perdí entre la multitud”?

La fórmula visual suele comenzar en un espacio nocturno concurrido, como una discoteca, un concierto o una fiesta. Entre destellos de luces, humo y personas bailando, la cámara sigue a un protagonista que observa a su alrededor como si intentara reconocer un rostro entre la multitud.

La intención es transmitir una mezcla de incertidumbre, añoranza y expectativa. Durante los primeros segundos, el espectador puede pensar que el personaje busca a una expareja, una persona querida o alguien con quien perdió contacto.

El giro llega cuando la figura que aparece entre la gente no corresponde necesariamente a ese ser amado. En algunos videos, el protagonista termina encontrándose con alguien que representa un conflicto, un rival o una persona inesperada. La iluminación directa y el momento elegido para mostrar ese rostro refuerzan el efecto dramático.

La edición es clave para conseguir el resultado: los cambios de plano, la sincronización con la música y el contraste entre las sombras y las luces crean una atmósfera que distingue a esta tendencia de otros contenidos virales.

Los videos que han llamado la atención en TikTok

Entre las versiones que han circulado en redes sociales se encuentran publicaciones relacionadas con el Arqui Juve, Gala Montes y Adrián Marcelo, además de un video mencionado con los nombres de Deamon y Daemon.

Estas referencias muestran cómo el formato puede adaptarse a distintas personalidades y situaciones. La tendencia permite incorporar figuras conocidas, amistades o personajes con los que el público relaciona alguna historia, lo que añade un componente de sorpresa al resultado final.

El atractivo también está en que cada creador puede darle una interpretación diferente. Mientras algunos apuestan por una escena romántica, otros utilizan el recurso para hacer una referencia humorística o representar un encuentro incómodo.

Cómo hacer tu propio video del trend con CapCut

Quienes quieran participar pueden recurrir a TikTok y CapCut, una aplicación de edición que permite incorporar imágenes, efectos y transiciones. Para recrear el estilo de la tendencia, estos son los pasos generales:

1. Encuentra un ejemplo del trend en TikTok. Busca “Te perdí entre la multitud” y revisa los videos disponibles para identificar el formato y la edición que quieres imitar.
2. Localiza la plantilla o el tutorial. Si la publicación incluye un acceso a una plantilla, ábrelo para comprobar si está disponible y qué herramientas requiere.
3. Abre CapCut y añade las fotografías. Selecciona las imágenes de las personas que quieres incorporar a la secuencia y sigue las indicaciones de la plantilla o del tutorial elegido.
4. Ajusta la música y los efectos. Sincroniza los cambios de imagen con “La tormenta de arena” y utiliza los recursos visuales disponibles para conseguir una atmósfera nocturna y cinematográfica.
5. Revisa el resultado antes de publicarlo. Comprueba que las fotografías aparezcan en el momento adecuado y que la edición mantenga el efecto de búsqueda y sorpresa que caracteriza al trend.

Es importante considerar que algunas plantillas o funciones pueden requerir una suscripción de pago a CapCut. La disponibilidad depende de la herramienta y de la versión utilizada, por lo que conviene revisar sus condiciones antes de intentar reproducir un video.

Con su mezcla de música, nostalgia y edición visual, “Te perdí entre la multitud” demuestra cómo TikTok continúa impulsando formatos que convierten una idea sencilla en una historia breve. Su atractivo está en el misterio de la búsqueda y en el giro final, dos elementos que invitan a los usuarios a crear su propia versión.

Esta edición número 42 —Casa FOA cumple 41 años de trayectoria— se despliega bajo el concepto de “Alquimia” y abrió sus puertas el 1° de octubre, con entrada ya disponible hasta el 1° de noviembre. La muestra se integra al calendario oficial del Mes del Diseño y la Arquitectura de la Ciudad de Buenos Aires, y eso le da un marco institucional que pocas ediciones anteriores tuvieron.

El Palacio Molina como protagonista

Lo primero que quiero transmitir como profesional del rubro es que acá el edificio no es un contenedor neutro: es el verdadero punto de partida del proyecto curatorial. La estructura conserva muros de mampostería de 9 metros de altura, columnas de hierro de fines del siglo XIX, vigas recuperadas y un emparrillado de madera que todavía respira su pasado fabril. Cuando Marcos Malbrán, director general de Casa FOA, explica que el concepto central de esta edición “es la Alquimia, es decir, la transmutación y transformación de la materia prima en algo precioso”, entiendo perfectamente a qué se refiere apenas piso el lugar.

Ese concepto funciona en dos capas temporales que conviven en el mismo espacio. En 1885, Alpargatas transformaba hilo, lona y cuero en el calzado que vestía a buena parte de la Argentina mediante trabajo artesanal e industrial. Hoy, el diseño interior y la arquitectura contemporánea intervienen ese mismo volumen: el cemento crudo, el ladrillo a la vista y el hierro pesado se convierten, gracias al trabajo de decenas de arquitectos y diseñadores, en la exposición de diseño más relevante de la región.

No es la primera vez que Casa FOA trabaja sobre el complejo Alpargatas. En 2012 ya había intervenido otro de los edificios del predio. Juan Blas Fernández, gerente general de la muestra, lo resume así: “Casa FOA abre las puertas a lugares históricos y redescubre barrios emblemáticos de Buenos Aires, como es el caso de Barracas. Este evento le devuelve la vida al patrimonio, moviliza al público y visibiliza espacios urbanos de enorme valor”.

Un recorrido que mezcla nombres consagrados con una nueva generación de diseñadores

Algo que destaco especialmente de esta edición es la convivencia entre expositores de larga trayectoria y una camada más joven que se anima a proponer soluciones poco convencionales. La arquitecta Catalina Ulloa, parte del equipo de Casa FOA, lo describe con precisión: “Cada ambiente —desde livings, comedores, cocinas integradas, suites con vestidor, baños, áreas de spa/wellness, hasta un auditorio, galerías de arte, instalaciones paisajísticas y los patios increíbles que tiene este edificio— se transforma en un laboratorio en el que se experimenta con materiales, paletas cromáticas, texturas y soluciones innovadoras”.

Casa FOA siempre funciona como termómetro de lo que después aparece en casas, locales y oficinas de todo el país. Fernández lo plantea en los mismos términos: “Casa FOA funciona como un anticipo de las tendencias que se vendrán en nuestro país y como un reflejo de lo que sucede en otros lugares del mundo. Nuestros expositores siempre están anunciando lo que, meses después, se incorpora en viviendas, locales y oficinas”.

Según el gerente general, el recorrido completo demanda algo más de una hora, aunque reconoce que para muchos visitantes termina siendo una experiencia de jornada completa, sobre todo porque el edificio incorpora una cafetería y un espacio gastronómico pensados para el descanso y el encuentro.

Cómo visitar la muestra y qué beneficios existen para estudiantes y jubilados

Para quienes quieran organizar la visita, la exposición permanece abierta todos los días de 12 a 20 horas, con horario extendido los viernes hasta las 23 horas. La sede es el Palacio Molina, ubicado en avenida Regimiento de Patricios 1053, en el barrio porteño de Barracas.

Las entradas pueden adquirirse en boletería o a través del sitio web oficial, www.casafoa.com, y también mediante la plataforma Passline. Existen beneficios puntuales: un 20% de descuento para estudiantes que presenten DNI y certificado, y para jubilados con carnet y DNI, válido de lunes a viernes. El ingreso es gratuito para personas con discapacidad que acrediten el certificado único correspondiente y para menores de 15 años.

Como en cada edición, la muestra se realiza a beneficio de la Fundación Oftalmológica Argentina Jorge Malbrán, institución creada en 1964 que financia investigación, docencia y acciones comunitarias de salud visual a través de la realización del evento. Entre los sponsors oficiales de esta edición figuran Alba, Canteras, Patagonia Flooring, Faplac, Vite, Roca, Johnson Acero, Atrim, Riel Americano, Muchtek, Macroled, Mathra by Canteras, Nanda, Longvie, Placo, Drean, Luigi Bosca, Terrafertil y Mike Outdoor Living.

Después de recorrer los 42 espacios y de conversar con varios de los expositores sobre sus procesos, me queda la sensación de que esta edición logra algo que no siempre resulta sencillo: que la arquitectura del edificio dialogue de igual a igual con el diseño de interiores que la habita, sin que ninguno de los dos elementos opaque al otro. Quienes visiten el Palacio Molina antes del 1° de noviembre todavía están a tiempo de verificarlo por sí mismos, antes de que el lugar se transforme definitivamente en el proyecto residencial para 2027.

Fotos: Ilustrativas Infobae

Un video difundido en redes sociales mostró los momentos de tensión que se vivieron alrededor de una rueda de la fortuna, donde un menor terminó en una posición de riesgo y obligó a la intervención del personal que operaba la atracción.

Así fue el momento en que rescataron al niño de la rueda de la fortuna

De acuerdo con la información recabada posteriormente por Protección Civil, el incidente ocurrió aproximadamente a las 00:30 horas del jueves 1 de octubre. El menor se encontraba en el exterior de la atracción junto con su padre y otro familiar, mientras su madre y otros integrantes de la familia habían abordado la rueda de la fortuna.

En determinado momento, el niño se desplazó hacia la parte posterior del juego, en una zona correspondiente a la salida, y entró por un punto que no estaba destinado al acceso de los usuarios. Posteriormente, comenzó a subir por la parte exterior de la estructura hasta alcanzar una de las canastillas.

Las imágenes que comenzaron a circular horas después muestran al menor sujetándose de la estructura mientras la rueda de la fortuna se encontraba en movimiento.

La situación generó momentos de preocupación debido a la altura que alcanzó el niño y a la posibilidad de que pudiera caer.

Al percatarse de lo que estaba ocurriendo, el operador de la atracción detuvo el juego y comenzó a realizar las maniobras necesarias para facilitar el rescate. Personal capacitado que se encontraba en el lugar también intervino, con apoyo de algunos asistentes, hasta conseguir poner al menor a salvo.

De acuerdo con la información disponible, el incidente no dejó personas lesionadas. La respuesta quedó registrada en video y posteriormente las imágenes se difundieron ampliamente en redes sociales, donde generaron preocupación entre usuarios que observaron al niño suspendido de una de las canastas.

¿Qué dijo Protección Civil sobre el incidente en la Feria de Torreón?

Después de que el video comenzó a circular, la Coordinación Regional Laguna de Protección Civil del Estado estableció comunicación con los responsables de los juegos mecánicos para conocer directamente las circunstancias del incidente y revisar lo ocurrido.

El reporte fue atendido alrededor de las 03:00 horas, varias horas después de que sucediera el incidente.

La dependencia precisó que, con base en la información recabada hasta ese momento, no se trató de una falla mecánica ni de una operación incorrecta de la rueda de la fortuna.

La explicación preliminar señala que el menor ingresó por una zona que no correspondía al acceso de usuarios y posteriormente se sujetó de una canastilla desde el exterior.

Protección Civil también indicó que continúa la verificación correspondiente con los responsables de los juegos mecánicos para reunir todos los elementos que permitan esclarecer completamente las circunstancias del caso.

Por ello, aunque no se reportaron personas lesionadas, la autoridad mantiene el seguimiento del incidente.

La situación ocurre mientras la propia ciudad de Torreón también enfrenta otra emergencia durante este jueves.

En la Secundaria número 13 del ejido La Unión, una agresión dejó a la subdirectora del plantel sin vida y a varias personas lesionadas; además, dos hermanos de 18 años, identificados como exalumnos, fueron detenidos y quedaron a disposición de las autoridades.

La Fiscalía de Coahuila señaló que las investigaciones continúan para establecer formalmente el móvil y las responsabilidades correspondientes.

Así, ambos hechos ocurrieron durante una jornada marcada por distintas situaciones de emergencia en Torreón, aunque se trata de acontecimientos independientes y con circunstancias completamente diferentes.

El pasado 21 de septiembre muchas mujeres fueron felices al recibir sus esperadas flores amarillas; sin embargo, hoy puede ser la oportunidad de ellos para recibir un regalo especial.

Y es que una tendencia en internet que ha comenzado a ganar fuerza es la de regalar carritos de Hot Wheels los cuales se sabe que son uno de los juguetes predilectos que los hombres.

Es por esta razón que usuarios de TikTok impulsan una tradición para regalar carritos Hot Wheels el 30 de septiembre.

A diferencia de las flores amarillas, cuya fecha 21 de septiembre es en relación a la entrada de la primavera en América del Sur, en esta caso se trata de una fecha adoptada de forma espontánea por la comunidad y sin un origen específico claro.

La tendencia busca sustituir los arreglos de flores por ramos con vehículos de juguete, dulces y otros detalles.

La elección de los carritos conecta con la nostalgia de quienes crecieron con estos juguetes, populares durante décadas. Algunos arreglos también incluyen papas, botas, cervezas y objetos personalizados para sorprender a seres queridos.

La propuesta comenzó a partir de un video del usuario @sweetlovetexcoco, quien mostró distintas versiones de los regalos. En su momento el video alcanzó miles de reproducciones y genera decenas de comentarios favorables en TikTok.

Aunque se trata de una tendencia reciente, cada año toma más fuerza y quizá pronto sea tan viral como las flores amarillas.

Por el momento, si tienes algún hombre especial en tu vida esta puede ser una buena oportunidad para darle un bonito detalle.

De Matchbox a fenómeno mundial: la historia de los carritos que marcan infancias

Hot Wheels nace en 1968 como la apuesta de Mattel para competir con los autos miniatura de Matchbox. Elliot Handler, cofundador de la empresa, quería modelos más rápidos, vistosos y cercanos a la cultura estadounidense de los hot rods y los muscle cars.

La primera colección se conoce como “Sweet 16”. Incluye 16 modelos de metal a escala, entre ellos el Custom Camaro, el Custom Mustang, el Custom Corvette, el Deora y el Beatnik Bandit. Mattel también lanzó pistas naranjas para que los autos pudieran correr, una diferencia central frente a sus competidores.

El elemento técnico que definió a la marca fue la rueda de baja fricción. Permitía que los carritos rodaran más rápido que otros juguetes similares. Los primeros modelos usaban neumáticos con una delgada franja roja, por lo que los coleccionistas los llaman Redlines. Esa etapa abarca, en términos generales, de 1968 a 1977.

También destacó su estética: pinturas metálicas brillantes, carrocerías personalizadas, motores expuestos y diseños que no siempre imitaban vehículos de calle. Hot Wheels vendía una idea de velocidad y modificación automotriz, no solo una reproducción exacta de autos reales.

Con el tiempo, Mattel amplió el catálogo con licencias de fabricantes como Ford, Chevrolet, Ferrari y Lamborghini, además de franquicias de cine, videojuegos y televisión. La marca pasó de los modelos de metal y las pistas a videojuegos, competencias, contenido audiovisual y líneas dirigidas a coleccionistas adultos.

Los primeros modelos, sobre todo los Sweet 16 y los Redlines en buen estado y con empaque original, son buscados por coleccionistas. El valor depende de factores como rareza, color, variaciones de producción, condición y si conserva piezas originales. Hot Wheels ingresó al National Toy Hall of Fame en 2011.

París volvió a encender las luces de sus pasarelas para dar inicio a la última parada del calendario internacional de colecciones Primavera/Verano 2027. La capital francesa abrió, este lunes 28 de septiembre, ocho jornadas que anticipan las siluetas, los colores y las texturas que marcarán el pulso de la próxima temporada, con la actriz argentina Luisana Lopilato entre las invitadas que ya dieron que hablar.

El arranque llegó con una mezcla explosiva: firmas de trayectoria compartieron calendario con nombres frescos que buscan hacerse un lugar en el radar de la industria. Entre los debuts que dieron el puntapié inicial figuraron Julie Kegels, Weinsanto y Maxhosa Africa.

Esta última protagonizó uno de los momentos más comentados de la jornada: su primera aparición en la pasarela parisina, con una propuesta que cruzó la identidad africana con una construcción técnica de vanguardia. Estampados, colores y texturas se combinaron en looks que ya empiezan a delinear el mapa estético de la Semana de la Moda de París.

Versatilidad y vanguardia en la pasarela inaugural

El análisis de las colecciones presentadas durante las primeras horas reveló una clara inclinación hacia la experimentación con siluetas y texturas. Se observaron estructuras que desafiaron la anatomía convencional, con un uso prominente de volúmenes que buscan redefinir la figura femenina.

Las prendas de exterior, trabajadas con cortes geométricos y superposiciones, fueron una constante en los desfiles de Weinsanto, donde el estilo avant-garde o vanguardista se manifestó en piezas de una construcción técnica notable, alejándose de los convencionalismos habituales.

Por otro lado, la paleta cromática se movió entre el minimalismo monocromático y la explosión de colores vibrantes.

Los neutros sofisticados, como los blancos inmaculados y los tonos crudos, dominaron en prendas sutiles y elegantes, mientras que los contrastes audaces en accesorios y detalles buscaron otorgar un carácter distintivo.

La calidad de los tejidos fue un punto central, con el uso de materiales livianos, ideales para la transición estacional de la temporada, al permitir una fluidez natural en el movimiento de las prendas.

La pasarela de celebridades y el estilo en los desfiles

Otro de los eventos que concentró la atención durante la primera jornada fue el desfile de L’Oréal Paris en la Place Joffre, con la Torre Eiffel iluminada como marco de la puesta.

La firma reunió sobre la pasarela a referentes de la moda, el cine y la música, en una presentación al aire libre que combinó looks de noche y una puesta de gran escala.

La actriz argentina Luisana Lopilato formó parte del elenco de figuras que caminó por la pasarela. Para la ocasión, llevó un vestido dorado de una manga con un cinturón a juego y accesorios discretos.

Heidi Klum apostó por el negro con un vestido largo de silueta ajustada, escote pronunciado y una superficie de destellos que reflejaba las luces del escenario. La modelo llevó el cabello suelto y maquillaje en tonos oscuros en los ojos.

La modelo Kendall Jenner estuvo presente y eligió un vestido negro con transparencias. El diseño acompañaba la figura y tenía una falda larga con una abertura de frente, mientras que el peinado recogido y el maquillaje de ojos marcado reforzaron una imagen de líneas sobrias.

Cara Delevingne presentó una propuesta en rojo, con un vestido de escote profundo, transparencias y aplicaciones brillantes.

La prenda tenía una falda que aportó movimiento durante su paso por la pasarela. Completó el look con sandalias del mismo tono.

Simone Ashley desfiló con un vestido beige de breteles finos y escote recto. La pieza, ajustada al cuerpo y de largo hasta el piso, se destacó por su terminación satinada y los pliegues en la cintura. La actriz llevó el cabello suelto y un maquillaje de acabado natural.

La presentación también contó con la participación de Celine Dion, quien apareció con un vestido negro texturado. Su intervención sumó música al recorrido de las celebridades frente a un público, con la Torre Eiffel como telón de fondo.

Además, la estética observada en esta pasarela colectiva se definió por una apuesta decidida por la elegancia clásica actualizada.

El uso de vestidos de noche con aberturas estratégicas, cortes cut-out y tejidos con acabados metálicos o brillantes reflejó una tendencia hacia la sofisticación nocturna.

El color negro se mantuvo como un aliado infalible, presente en monos de líneas limpias y vestidos fluidos que resaltaron la silueta de quienes los lucieron.

La incorporación de elementos y accesorios minimalistas subrayó un enfoque en los detalles que elevan el conjunto final.

El calendario continuará con una agenda intensa. La atención se desplazará en los próximos días hacia debuts altamente anticipados, como el de Drew Henry al frente de la dirección creativa de Courrèges y de Kai Nesselrath en la casa Carven.

Estos cambios en la dirección creativa son vistos por la industria como momentos decisivos para la redefinición estética de las marcas.

La relevancia de esta edición de la Semana de la Moda de París no se encontrará únicamente en las prendas presentadas, sino también en cómo las firmas están respondiendo a los desafíos de un mercado en constante transformación.

La industria de la moda mantiene sus expectativas puestas en cómo los directores creativos de firmas como Dior y Chanel consolidarán su visión durante sus terceros desfiles, un paso fundamental para cimentar su legado en casas con historia.

El cierre, previsto para el 6 de octubre con la presentación de Louis Vuitton, servirá para culminar este periplo de ocho días que, año tras año, continúa dictando el pulso creativo global.

Con más de 100 presentaciones programadas, la cita parisina se mantiene como un punto de encuentro ineludible para compradores, críticos y amantes de la moda.

Como cada año, Analía Maiorana agasajó con un almuerzo a un grupo de mujeres destacadas, un tradicional encuentro que organiza desde hace una década.

En esta oportunidad, la conductora de “Y cómo seguimos? -que se emite por radio El Observador 107.9- convocó a periodistas y editoras de moda que la acompañaron a lo largo de su carrera.

Del evento también participó su hija menor, Malena Terra, de 23 años, una futura psicóloga que cultiva el bajo perfil pero que realiza una incansable labor solidaria.

El tema central de la mesa fue el impacto de las fragancias en la vida de cada una de ellas y qué significan los perfumes en su cotidianeidad, historia y recuerdos.

“Durante el almuerzo, hubo una dinámica relacionada con los recuerdos a través de los aromas y las historias de vida que nos llevaron a la infancia. Pero sobretodo, quise hacer un reconocimiento a cada una de ellas celebrando adónde llegaron, porque detrás suyo hay muchos logros silenciosos. Sin duda, lo más lindo de este encuentro fue poder escucharnos”, dijo Analía Maiorana.

Mientras algunas mujeres aseguraron que ciertos aromas las llevaban casi de manera automática a su niñez y adolescencia, otras los asociaron con los perfumes que usaban sus padres o abuelos.

Más tarde, hubo tiempo para evocar las primeras fragancias que usaron en su vida y cómo fueron cambiando las tendencias de la perfumería a lo largo de los años. El almuerzo transcurrió entre anécdotas y memorias, que oscilaron entre el perfume que usaron el día de sus bodas, hasta el embriagador aroma de los naranjos en la casa paterna.

La empresaria y CEO de CoachMe, que en 2027 lanzará su cuarto perfume, hizo un repaso por sus fragancias ANA, PINK y GLAM, donde muchas de las invitadas encontraron algunas notas aromáticas que las transportaron de inmediato a significativos momentos de sus vidas.

“Me gusta que junto a mujeres que observan, interpretan, perciben y preguntan, todas con una enorme trayectoria, pudimos compartir una mesa para hablar de historias y de recuerdos. Momentos que tenemos guardados y que, si hoy los hacemos presentes con más intensidad, los llevaremos en nuestros corazones”, expresó Analía Maiorana al momento del brindis.

“Gracias a todas, valoro mucho que me estén acompañando. Son mujeres con muchas responsabilidades y compromisos, pero que también están llenas de logros silenciosos. No fue solo un almuerzo: quería poder compartir y escucharnos. No dejemos de soñar y que en cada una persista la sensibilidad que las caracteriza”, finalizó Analía Maiorana.

Los tonos burdeos, cacao y azul helado marcarán las sombras y los labiales del otoño-invierno 2026. La temporada deja atrás el minimalismo cromático estricto y propone piel luminosa con ojos o labios como punto focal, mediante acabados cremosos, satinados, mates cómodos y metálicos.

La tendencia alcanza tanto a quienes prefieren maquillajes de uso diario como a quienes buscan resultados más audaces.

El cambio responde a la recuperación de códigos de los años 90 y 2000, sumada al interés por colores intensos, texturas iridiscentes y referencias futuristas.

Los neutros cálidos sostienen los looks más versátiles. Los tonos joya, los rojos profundos y los azules fríos aportan contraste sin exigir un maquillaje cargado en todo el rostro.

El burdeos domina la temporada en labios, sombras y delineados

El burdeos se consolida como el color central de la estación. Sus variantes incluyen vino, ciruela, borgoña y marrones rojizos, con aplicaciones que van desde un labial de cobertura total hasta una sombra difuminada sobre el párpado.

En los ojos, reemplaza parcialmente al negro para crear ahumados menos rígidos. Un tono vino aplicado cerca de las pestañas aporta profundidad y permite graduar la intensidad con facilidad.

Los delineadores y las máscaras en esta gama también ganan espacio. Funcionan como una alternativa para dar definición a la mirada sin recurrir a un acabado completamente oscuro.

En labios, los vinos y tonos berry se llevan con bordes menos precisos. El pigmento puede concentrarse en el centro de la boca y degradarse hacia el exterior, una técnica que deja un resultado más suave.

Los ciruelas con base azul se asocian con subtonos fríos. Los borgoñas de matiz rojizo se integran mejor en paletas cálidas, mientras que las pieles de subtono neutro pueden alternar entre ambas opciones.

Los marrones cacao y los taupes sostienen los maquillajes cotidianos

Los cafés profundos forman la base más práctica de las sombras de otoño-invierno 2026. El cacao, el espresso, el bronce, el dorado apagado, el champán y el taupe permiten crear looks sobrios sin perder dimensión.

La gama se adapta a un uso diario porque no depende de contrastes extremos. Una sombra marrón bien difuminada desde la línea de pestañas hacia el pliegue puede definir el ojo con pocos pasos.

El cacao profundo aparece como uno de los tonos de referencia en las previsiones cromáticas de la temporada. Su presencia se extiende a sombras, rubores, labiales nude y combinaciones monocromáticas.

Los ahumados también se actualizan desde esta familia. En lugar de usar negro intenso en todo el párpado, el maquillaje apuesta por marrones que aportan profundidad con un acabado más adaptable.

El taupe y el greige ofrecen una opción de apariencia mineral. Estos tonos grisáceos pueden aplicarse como un velo de color sobre el párpado móvil y combinarse con labios rosados, beige o marrón suave.

El azul regresa con acabados helados, pastel y profundos

El azul vuelve a ocupar un lugar visible en los ojos. La propuesta incluye baby blue, azul glaciar, índigo, zafiro y matices azul verdoso, capaces de cambiar el tono general de un maquillaje sencillo.

El azul helado se relaciona con brillos perlados, reflejos nacarados y texturas translúcidas. Una aplicación ligera sobre el párpado permite incorporar la tendencia sin transformar el look en una propuesta nocturna.

Para un resultado más marcado, la sombra puede cubrir todo el párpado y extenderse bajo el ojo. En ese caso, los labios nude, transparentes o rosa-marrón ayudan a mantener el equilibrio.

Los azules verdosos y profundos aportan una lectura más intensa. Funcionan en delineados gráficos, sombras metálicas o ahumados, con una estética que combina referencias retro y un interés por los efectos tecnológicos.

La paleta también admite contrastes. Un azul frío puede acompañarse con mejillas rosadas o con piel iluminada, siempre que el resto del maquillaje mantenga una carga visual moderada.

Los verdes y violetas llevan el efecto joya a la mirada

Las sombras esmeralda, amatista, violeta y lila quemado amplían el repertorio más allá de los azules. Son colores para quienes buscan intensidad sin recurrir siempre a la gama de los rojos oscuros.

El verde esmeralda puede aplicarse como sombra plena, delineado o punto de luz en el centro del párpado. Los tonos oliva y musgo ofrecen una versión más apagada, adecuada para maquillajes de día.

Los violetas se mueven entre acabados suaves y empolvados, por un lado, y fórmulas metalizadas o saturadas, por otro. El resultado depende de la cantidad de producto y del contraste con el resto del rostro.

Las sombras joya se benefician de texturas construibles. Una capa ligera funciona como destello de color, mientras varias capas elevan la cobertura y el brillo para una propuesta de noche.

El lila también se incorpora a los neutros. Un malva apagado puede combinarse con taupes, rosas empolvados y marrones fríos sin que el maquillaje pierda sobriedad.

Los rojos clásicos y los nude sepia conviven en los labios

El rojo mantiene su vigencia durante la temporada, aunque convive con vinos, ciruelas y marrones. Los rojos brillantes aportan contraste a los rostros casi desnudos, mientras las versiones profundas se acercan al universo del burdeos.

Las fórmulas satinadas y cremosas cobran relevancia por su capacidad para dar color sin acentuar demasiado la textura de los labios. Los mates continúan presentes, con una búsqueda mayor de comodidad e hidratación.

Los tonos nude también tienen un papel relevante. Los beiges profundos, los rosa-marrón, los taupes y los sepias equilibran sombras azules, verdes, metálicas o burdeos.

El rosa-marrón se instala como una alternativa versátil para quienes no desean un labial oscuro. Puede llevarse con delineado suave, acabado satinado o textura mate, según el contraste buscado.

Los neutros cálidos funcionan como puente entre los labios intensos y los ojos llamativos. Permiten que una sombra joya o un delineado azul concentre el protagonismo del maquillaje.

Los rosas y lavandas ofrecen una opción monocromática

Los rosas empolvados, magentas suaves y lavandas cremosos introducen una lectura más ligera de la temporada. Estos tonos se aplican de manera coordinada en ojos, mejillas y labios, con distinta intensidad en cada zona.

La propuesta monocromática no busca uniformidad absoluta. El objetivo es mantener una misma familia de color, con un rubor más transparente, una sombra tenue y un labial algo más definido.

Los lavandas funcionan especialmente bien en acabados satinados o nacarados. Un toque de brillo permite que el color se vea más luminoso sin perder su carácter frío.

Los fucsias también aparecen en la paleta, aunque reservados para propuestas de mayor impacto. Pueden usarse en labios o como acento en los ojos, acompañados por una piel limpia y poco recargada.

El otoño-invierno 2026 se define, en definitiva, por el contraste entre bases luminosas y pigmentos expresivos. El burdeos, el cacao y los tonos joya serán los ejes de una temporada que permite alternar entre sobriedad, nostalgia y color.

La Semana de la Moda de Milán ya puso en marcha su calendario de primavera-verano 2027 y, en las primeras pasadas, dejó una serie de claves que empiezan a ordenar la conversación de la temporada. Hasta el 28 de septiembre, la ciudad reúne 230 actividades entre desfiles, presentaciones y encuentros de la industria.

La falda aparece como una de las prendas con mayor presencia, en largos, volúmenes y materiales diversos. También vuelven las transparencias, las siluetas con referencias retro y los acabados artesanales, desde bordados y apliques hasta piezas construidas con una impronta más manual.

El primer día, el 22 de septiembre, expuso una idea que atravesó varias propuestas: tomar prendas familiares y desplazar su función. Un corpiño deja de ser una pieza interior y se lleva bajo un abrigo; una falda de aire clásico se combina con cuero; los tejidos densos se cruzan con géneros livianos y casi imperceptibles.

No hay, por ahora, una única silueta dominante. La moda italiana propone contrastes: sensualidad y estructura, ornamento y crudeza, códigos del guardarropa tradicional y fórmulas de styling menos previsibles. Las pasarelas recién empiezan, pero la semana ya instaló algunas de las prendas y combinaciones que podrían definir el próximo verano.

La falda desplaza al pantalón en el comienzo de la temporada

La principal novedad que se vio hasta ahora es el protagonismo de la falda. La prenda apareció en todas las salidas del desfile de apertura, con 63 interpretaciones distintas. Hubo faldas plisadas, rectas, cruzadas, de tubo, minifaldas y modelos hasta la rodilla.

No se trata de una vuelta literal a un solo modelo. La tendencia está en la variedad: una misma prenda cambia de carácter según el largo, la tela y la forma de llevarla. Algunas piezas se ven estructuradas y pesadas; otras tienen movimiento o se ciñen al cuerpo.

Esa amplitud permite pensar la falda como un elemento cotidiano que puede pasar de una combinación con punto a otra con cuero o con prendas interiores a la vista.

La falda midi aparece como una de las siluetas más visibles, aunque no desplaza por completo a las versiones cortas. Las minifaldas se incorporan con capas superiores más largas, mientras que los largos hasta la rodilla se asocian con zapatos de taco y prendas de parte superior reducidas.

El efecto no es romántico ni estrictamente formal: busca tensión entre una prenda clásica y una composición más irregular.

Los corpiños visibles se combinan con prendas de calle

Otra clave del inicio de la semana es el lugar que toma la lencería. Los corpiños visibles se llevan solos o debajo de tejidos, chalecos y chaquetas. En vez de reservarlos para una estética nocturna, las combinaciones los acercan a prendas asociadas al día a día, como un suéter, una camisa liviana o una campera de cuero.

Este recurso pone el foco en el torso, mientras la falda sostiene el peso visual de la silueta desde la cintura hacia abajo. La relación entre ambas partes no responde a una fórmula única. Hay conjuntos que reducen al mínimo la parte superior y otros que construyen varias capas. En ambos casos, la piel deja de ser un detalle ocasional y pasa a formar parte del conjunto.

Las transparencias acompañan ese movimiento. Géneros livianos permiten que se vea la ropa interior o que una prenda se perciba por debajo de otra.

Los bordes sin terminar cambian el aspecto de las prendas

Los acabados irregulares también ganaron visibilidad. Cinturas aparentemente incompletas, dobladillos intervenidos, satén cortado y cuero con aspecto desgastado proponen una estética que evita la pulcritud absoluta. La imperfección se usa como decisión de diseño, no como descuido.

En ese registro, la ropa conserva referencias reconocibles, pero altera su terminación. Una falda plisada puede presentar un borde que parece desarmado; una pieza de satén puede incluir cortes; una chaqueta puede tener una textura envejecida. Estos detalles modifican prendas de base tradicional sin exigir una silueta completamente experimental.

Las flores también aparecen lejos del estampado convencional. Hay aplicaciones y adornos florales sobre faldas y otras piezas, en algunos casos junto a cristales o lentejuelas. El brillo existe, aunque se concentra en detalles y no cubre todo el conjunto. Esa combinación de ornamento y materia más áspera sostiene una de las tensiones visuales del arranque milanés.

El aire retro convive con accesorios de líneas nuevas

La moda que se ve en Milán recupera elementos asociados a otros períodos, sobre todo en chaquetas de cuero, bolsos de formas compactas y faldas de largo medio. Pero la referencia retro no llega como una reproducción exacta. Se actualiza con cortes asimétricos, proporciones desplazadas y accesorios que evitan una lectura nostálgica completa.

Los bolsos muestran siluetas de apariencia vintage y asas largas, mientras que las gafas se alejan de los marcos clásicos con líneas menos regulares. El enfoque de la apertura estuvo en reconstruir la falda mediante materiales, cortes y detalles de superficie.

Así, la tendencia inicial no depende de una prenda nueva, sino de volver a mirar prendas habituales. Una falda, un corpiño, una chaqueta de cuero o un tejido de punto se transforman por la manera en que se combinan y por sus terminaciones.

La Semana de la Moda de Milán se extiende hasta el 28 de septiembre con más de 200 actividades, entre desfiles, presentaciones y eventos. El calendario oficial de la Camera Nazionale della Moda Italiana incluye nuevas pasarelas durante los próximos días, por lo que las tendencias que surjan de esas colecciones podrán confirmar, ampliar o contradecir las señales de la apertura.

Los mocasines con borlas regresan a las pasarelas de otoño-invierno 2026 y desplazan a las siluetas minimalistas que dominaron las últimas temporadas.

El calzado que antes se asociaba al vestir formal masculino se reinterpreta ahora en versiones femeninas, con tacón y detalles ornamentales.

La tendencia surgió primero como fenómeno de calle y después escaló a las pasarelas internacionales. Ya no se trata únicamente del mocasín tradicional en piel lisa: aparecen versiones con borlas, flecos, siluetas fruncidas y materiales suaves que reemplazan la formalidad del diseño clásico.

El “zapato de abuelo” se consolida como estética de temporada

El fenómeno se conoce popularmente como “grandpa shoes” (zapatos de abuelo) y agrupa mocasines, zapatos náuticos y modelos de cordón que comparten un aire práctico y desenfadado.

La categoría avanzó durante las últimas temporadas hasta consolidarse en las colecciones de otoño-invierno 2026.

Los diseñadores retoman formas inspiradas en el vestir masculino pero las llevan a un terreno casual: suelas más gruesas, cortes menos rígidos y combinaciones con prendas informales como jeans, faldas cortas o vestidos.

Los zapatos de cordón cerrado y los de cordón abierto, dos variantes clásicas del calzado masculino, también ganaron presencia en la temporada. Una versión del zapato náutico forrada en piel de borrego apareció entre las propuestas más comentadas.

El mocasín se reinventa con tacón y detalles ornamentales

El mocasín, un básico permanente del otoño, se transforma esta temporada con la incorporación de tacón.

Según Elle, varias colecciones mostraron pares con un aire casi barroco, alejados de la sobriedad tradicional del modelo plano.

La combinación sugerida para esta variante incluye calcetines fruncidos o medias de color, una fórmula que busca acercar el zapato a un uso cotidiano sin perder el efecto de vestir.

También se documentaron mocasines combinados con pantalones de piel, faldas y vestidos, lo que confirma la versatilidad del modelo esta temporada.

Las borlas, un detalle que en décadas anteriores se asociaba al vestir formal masculino, regresan como elemento decorativo en versiones pensadas para el uso diario. El color marrón y el ante se mantienen como los materiales dominantes de la temporada.

El zapato derby completa el regreso del calzado clásico masculino

La tendencia del mocasín convive con el regreso de otro calzado de raíz masculina: el derby, antes asociado al vestir de oficina y ahora reposicionado como una de las piezas más buscadas del otoño, de acuerdo con Grazia.

Las pasarelas de otoño-invierno 2026 confirmaron lo que ya se veía en la calle. Aparecieron brogues de cuero de corte clásico junto con derbies desgastados y agujetas de colores contrastantes, un detalle que le da a la pieza un registro más irreverente.

Otras propuestas optaron por una lectura más ornamental, con modelos de cordón que incorporan bordados delicados y transforman la pieza utilitaria en un objeto casi decorativo.

Cómo combinar el mocasín con borlas en looks de temporada

El mocasín con borlas funciona como pieza de transición entre el look formal y el casual. Con pantalón de vestir y calcetín visible aporta un aire preppy sin caer en lo excesivamente clásico.

Combinado con jeans de corte recto y una camisa oversize, el zapato equilibra la silueta y suma un toque de sastrería a un outfit informal.

La versión en ante marrón funciona bien con tonos tierra, mientras que el modelo en piel negra combina con prendas de vestir en gris o azul marino.

Con falda midi o vestido, el mocasín reemplaza a la bailarina como opción de calzado plano y aporta un giro más estructurado al conjunto.

El mocasín se posiciona como alternativa a la bota en climas templados

Los calcetines gruesos o las medias de color son el complemento habitual para llevarlo en temporada de frío, tanto en propuestas de pasarela como en el uso cotidiano.

La combinación de este calzado con abrigos largos y pantalones de pinza también gana terreno como alternativa a la bota, sobre todo en climas templados donde no se necesita un zapato cerrado hasta el tobillo.

En ciudades como la Ciudad de México, donde las temperaturas de otoño-invierno rara vez bajan a extremos, el mocasín funciona como opción de calzado que no sacrifica el abrigo del look.

La convivencia de estas propuestas confirma que no existe una única forma de llevar el calzado esta temporada.

El mocasín, el derby y el zapato de cordón comparten protagonismo con siluetas que van de lo minimalista a lo ornamentado, en una temporada donde el calzado clásico se impone sobre las tendencias más experimentales de años anteriores.

El Nokia 1100, uno de los celulares más recordados de principios de los años 2000, volvió a despertar interés en pleno 2026. Aunque el dispositivo fue descontinuado hace más de una década, actualmente se comercializa como una pieza de colección y un símbolo de una época previa a los teléfonos inteligentes.

Presentado en 2003, este modelo destacó por su resistencia, batería de larga duración y facilidad de uso. De acuerdo con Guinness World Records, se vendieron alrededor de 250 millones de unidades, cifra que lo mantiene como el teléfono celular más comercializado de la historia.

Su regreso a las conversaciones digitales coincide con el interés por los llamados dumb phones, equipos con funciones limitadas que prescinden de redes sociales, aplicaciones y conexión permanente a internet. A esto se suma el lanzamiento del Nokia 300 Charge, un teléfono básico de HMD Global inspirado en los modelos de comienzos de siglo.

¿Dónde comprar un Nokia 1100 desde México y cuánto cuesta en 2026?

El Nokia 1100 original ya no se fabrica ni se vende oficialmente en tiendas de la marca. Para conseguirlo desde México es necesario recurrir a plataformas de comercio electrónico, vendedores internacionales y mercados de artículos usados.

Entre las principales opciones se encuentran:

• eBay México: concentra la mayor variedad de unidades usadas, reacondicionadas, desbloqueadas, con caja abierta o destinadas únicamente a repuestos. Los precios observados parten de aproximadamente 200 pesos para equipos que no funcionan o se ofrecen para piezas.
• Mercado Libre México: es posible encontrar publicaciones del Nokia 1100 y de otros modelos clásicos de la marca. La disponibilidad cambia constantemente porque se trata, principalmente, de vendedores particulares.
• Facebook Marketplace: puede tener unidades disponibles en distintas ciudades del país. En este caso se recomienda revisar personalmente el estado del teléfono y evitar depósitos anticipados a vendedores desconocidos.
• Amazon: algunos vendedores externos llegan a ofrecer teléfonos antiguos o reacondicionados, aunque la disponibilidad del Nokia 1100 es considerablemente menor y los resultados pueden confundirse con accesorios, baterías o modelos Nokia más recientes.

En eBay México, los teléfonos funcionales o reacondicionados se ofrecen generalmente entre 440 y 830 pesos, aunque el costo final puede aumentar por gastos de envío internacional. Las unidades raras, con colores menos comunes o mejor conservadas, alcanzan precios de entre mil 100 y mil 400 pesos.

Un ejemplar anunciado como nuevo y dirigido a coleccionistas se ofrecía por cerca de mil 696 pesos, sin considerar alrededor de 160 pesos adicionales por envío. En términos generales, el rango de precios para comprar un Nokia 1100 desde México se encuentra entre 500 y mil 700 pesos, dependiendo de su condición, procedencia y accesorios.

Los dispositivos usados y funcionales suelen venderse internacionalmente entre 25 y 50 dólares, mientras que aquellos que conservan caja, cargador, manuales y demás componentes originales pueden alcanzar o superar los 100 dólares.

Antes de realizar la compra es recomendable comprobar:

• Que el teléfono encienda y no esté destinado únicamente a refacciones.
• Que incluya una batería BL-5C en condiciones funcionales.
• Que el cargador sea compatible con el conector antiguo de Nokia.
• Que el teclado, pantalla, altavoz y linterna funcionen correctamente.
• Que el costo publicado incluya envío e impuestos de importación.
• Que se trate realmente de un Nokia 1100 y no de otro modelo con nombre o diseño parecido.

¿Cuáles son las características del Nokia 1100?

El éxito del Nokia 1100 estuvo relacionado con su diseño compacto y sencillo. El dispositivo pesa alrededor de 86 gramos y cuenta con una pantalla monocromática de aproximadamente 1.35 pulgadas, con resolución de 96 por 65 píxeles.

Entre sus principales características se encuentran:

• Red GSM 2G.
• Teclado físico con cubierta de goma.
• Batería extraíble BL-5C de 850 mAh.
• Autonomía de hasta cuatro horas de conversación.
• Duración en espera de hasta 400 horas.
• Linterna integrada en la parte superior.
• Mensajes de texto SMS.
• Alarma, cronómetro, calculadora y recordatorios.
• Tonos monofónicos.
• Juegos como Snake II y Space Impact.
• Carcasas intercambiables.
• Agenda para almacenar contactos.

El teléfono no tiene cámara, pantalla táctil, WiFi, conexión 4G, tienda de aplicaciones ni acceso a servicios modernos como WhatsApp, Facebook, Instagram o TikTok.

Quienes deseen utilizarlo para hacer llamadas en México deben tomar en cuenta que depende exclusivamente de redes 2G GSM. Aunque Telcel todavía incluye esta tecnología en su consulta de cobertura, la disponibilidad puede variar por ubicación y operador. Por ello, conviene comprobar la compatibilidad antes de comprarlo como teléfono de uso cotidiano.

¿Por qué el Nokia 1100 vuelve a ponerse de moda en 2026?

El renovado interés por el Nokia 1100 en 2026 responde a una combinación de nostalgia, coleccionismo y cansancio frente a la conectividad permanente. Para quienes lo utilizaron durante su juventud, el dispositivo representa una etapa en la que los teléfonos se limitaban a llamadas, mensajes y juegos sencillos.

También se ha convertido en una pieza atractiva para coleccionistas de tecnología. Su condición de celular más vendido de la historia, diseño reconocible y fama de “indestructible” le dan un valor cultural que va más allá de sus funciones actuales.

La tendencia también se relaciona con el auge de los teléfonos básicos o dumb phones. Algunos usuarios buscan reducir el tiempo frente a las pantallas, evitar las notificaciones constantes y recuperar un dispositivo destinado únicamente a la comunicación esencial.

Sin embargo, el Nokia 1100 tiene hoy más valor como objeto de colección, recuerdo tecnológico o equipo para tareas sin conexión que como sustituto de un smartphone. Sus limitaciones de red y la ausencia de aplicaciones modernas impiden que cumpla con muchas de las necesidades actuales, pero su sencillez, resistencia y lugar en la historia de la telefonía explican por qué volvió a llamar la atención más de dos décadas después de su lanzamiento.

Las búsquedas de zapatillas rojas se disparan 323% en el último mes, según un análisis de tendencias de calzado publicado por JD Sports.

El otoño 2026 consolida a este color como protagonista en pasarelas, calles y buscadores, por encima de tonos tradicionales como marrón o negro.

Diseñadores, estilistas y hasta psicólogos coinciden en que el fenómeno no es casualidad.

Por qué el rojo le gana terreno al marrón y al negro en este otoño 2026

El aumento de 323% en búsquedas de zapatillas rojas contrasta con un 69% del marrón y apenas 32% del negro, de acuerdo con datos de la cadena británica JD Sports.

El comportamiento no es aislado. Registros previos de Fashion Network ya documentaban un salto de 64% mes contra mes en búsquedas de rojo durante el otoño de 2025, con incrementos de hasta 87% en modelos específicos de esa gama de color.

Vino, borgoña y cereza: los tonos de rojo que dominan las pasarelas

Vogue Reino Unido incluye el rojo entre las tendencias de calzado dominantes para el otoño-invierno 2026 en su cobertura de pasarela.

Harper’s Bazaar UK describe la paleta como “red wine” y afirma que las zapatillas en tonos cranberry, vino y borgoña aportan “el mismo atractivo atemporal que un labial rojo: audaz, empoderador y un poco inesperado”.

La publicación detalla que el material predilecto para lograr ese efecto es la gamuza, el satín o la piel, superficies que intensifican la profundidad del color y lo alejan de un rojo plano o básico.

Ambos medios coinciden en que la elección del color no responde a una moda pasajera de una sola colección, sino a un movimiento transversal que atraviesa distintas casas de diseño en la misma temporada, lo que explica el salto en el volumen de búsquedas registrado en el último mes.

Cómo combinar tus zapatillas rojas según los expertos

Harper’s Bazaar detalla que las zapatillas en tonos cranberry, vino y borgoña funcionan tanto en versión monocromática como en pequeñas dosis de color contra prendas neutras.

La publicación recomienda combinarlas con “una chamarra de piel tipo bombardero y separados de seda en tonos tierra”, una fórmula pensada para el clima frío de otoño.

El portal también sugiere el contraste directo: un jean claro o una playera blanca funcionan como base para que el zapato concentre toda la atención del look.

“Un poco de rojo en el conjunto añade un elemento que llama la atención e instantáneamente lo lleva de sencillo a espléndido”, señala la publicación.

De Dorothy al street style: el peso cultural del zapato rojo

El antecedente cultural más citado del color en el calzado se remonta a 1939: las zapatillas rojas de Dorothy en El mago de Oz, uno de los referentes de moda en el cine con mayor peso simbólico de la historia.

El par original, cubierto con más de 2,400 lentejuelas rojas, se convirtió en la pieza de utilería cinematográfica más valiosa jamás subastada, con una venta que superó los 28 millones de dólares.

Esa carga simbólica explica por qué el rojo, siete décadas después, sigue funcionando como un color capaz de transformar un look completo con una sola prenda.

Qué pasa en el cerebro cuando ves un zapato rojo

La revista ¿Cómo ves?, de la UNAM, explica que el cerebro asocia el rojo con peligro desde los primeros humanos, por ser el color de la sangre.

Ese vínculo activa una respuesta neurológica específica: “cuando vemos rojo se activa en nuestro cerebro la corteza frontal derecha, área asociada a las emociones y al instinto”, señala la publicación.

La revista añade que existen estudios que demuestran que este color aumenta el ritmo cardíaco de quien lo observa, un efecto fisiológico medible y no solo una percepción subjetiva.

Esa reacción explica por qué el rojo funciona como un punto focal dentro de un atuendo: capta la mirada antes que cualquier otro color en el conjunto.

El texto cita un dato aplicado directamente al terreno comercial: “los productos en empaques rojos se venden mejor”.

La publicación atribuye ese fenómeno a la misma lógica que opera en la vestimenta, donde un accesorio en este tono —como unas zapatillas — concentra la atención visual incluso en combinaciones con prendas neutras.

La Semana de la Moda de Nueva York (NYFW), que comenzó el 10 de septiembre y finalizará el 15 del mismo mes, dejó un legado dominado por el rojo y una reconfiguración de las tendencias para las próximas temporadas.

Durante los eventos, la ciudad se transformó en un laboratorio de diseño donde la sobriedad y la energía cromática establecieron un diálogo constante sobre el asfalto.

El color rojo se consolidó como el elemento unificador más potente de la temporada, siendo adoptado tanto por el diseño de autor como por el público asistente que define el street style.

La prevalencia de este tono, en sus variedades de tomate, escarlata y fresa, trascendió las pasarelas para impregnar abrigos, prendas de punto y accesorios, consolidándose como un recurso indispensable para el armario contemporáneo.

Este fenómeno cromático responde a una búsqueda de visibilidad y fuerza visual, características que definen el pulso actual de la industria textil.

La pasarela y el asfalto bajo el mismo tono

La relevancia del rojo en la NYFW no fue casual, sino una respuesta coordinada en múltiples niveles de la industria. Firmas de renombre internacional como Tommy Hilfiger, Diane von Furstenberg, Cult Gaia y Tory Burch incorporaron esta gama cromática con una determinación que marcó el ritmo de sus presentaciones.

En la jornada inaugural de los desfiles de primavera 2027, el rojo se posicionó como el protagonista indiscutible, desplazando a la hegemonía de los colores neutros que habían caracterizado ediciones anteriores.

El impacto fue visible de forma inmediata en las calles de Nueva York. Figuras destacadas como Cynthia Erivo integraron este matiz en sus apariciones públicas, demostrando que la tendencia posee una versatilidad que permite desde su uso en piezas únicas, como abrigos de cuero o blazers, hasta aplicaciones sutiles en bordados y detalles técnicos.

Esta transición entre el lujo y la realidad urbana resultó fundamental para entender la tracción del color. Gigi Hadid, al abrir el desfile de Tommy Hilfiger, ilustró esta simbiosis al portar prendas que replicaban la identidad visual de la firma, una estética que posteriormente extendió a sus apariciones fuera del recinto oficial.

Más allá del rojo: una paleta de contrastes

Aunque la intensidad del rojo acaparó gran parte del foco, la oferta estilística presentada durante estos días fue notablemente heterogénea. La Semana de la Moda neoyorquina funcionó como un escaparate de contrastes equilibrados.

La presencia de colores neutros, como el blanco minimalista o el gris atemporal, ofreció una contraparte necesaria que permitió que las piezas más arriesgadas ganaran terreno sin saturar el espectro visual.

El azul marino se consolidó durante esta edición como una herramienta de autoridad, ideal para estilismos orientados a la confianza y la sobriedad profesional.

Por otro lado, el amarillo mantequilla y los tonos solares aportaron una vitalidad necesaria que permitió enlazar la estética veraniega con la complejidad del otoño.

El verde esmeralda, en tanto, se reservó para momentos de lujo específico, confirmando que la industria busca hoy atender tanto la necesidad de piezas vibrantes como la demanda de prendas con una carga de sofisticación clásica.

Dinámicas de estilo en la capital de la moda

El evento también permitió observar una evolución en las técnicas de vestimenta. La superposición de capas y la combinación de texturas, observadas en el street style de Nueva York, fueron clave.

Los looks recurrieron a la superposición de capas, con prendas de distintos largos y volúmenes combinadas en un mismo conjunto. Las propuestas mezclaron colores contrastantes, estampados geométricos, tejidos de punto, superficies brillantes y materiales con textura.

Los accesorios, como pañuelos, cinturones, gafas de sol, cadenas y bolsos estructurados, se incorporaron para reforzar la composición de cada atuendo.

La tendencia de coordinar accesorios, tales como bolsos y calzado con prendas principales, reflejó una vuelta a una cohesión estilística más rigurosa.

Este enfoque permite a los asistentes proyectar una imagen curada, donde cada elemento, desde una camisa de seda hasta un pantalón de sastre, aporta a una narrativa visual integrada al estilo de las diferentes marcas.

La estrategia de vestimenta observada en los desfiles de Michael Kors marcó un punto de inflexión, con una asistencia que adoptó códigos de color casi unificados, priorizando texturas como las plumas y tejidos de punto de alta densidad.

Jackson White y Grace Van Patten asistieron a uno de los desfiles de Michael Kors y vistieron de negro: él llevó una camiseta de manga corta y pantalones, mientras que ella usó un vestido semitransparente con cinturón.

Este ejercicio de estilo, que fue seguido por personalidades como Lisa Rinna, refuerza la idea de que la moda actual no solo trata sobre la prenda individual, sino sobre la construcción de un mensaje estético colectivo.

Rinna posó con un minivestido rojo cubierto de plumas, de escote redondo y mangas cortas. Completó el look con gafas de sol negras de gran tamaño, botas blancas de caña alta y el cabello corto peinado hacia atrás.

Para los próximos meses, la dirección se orienta hacia una audacia controlada. Mientras los colores vibrantes seguirán jugando un papel fundamental en la captación de atención, la capacidad de combinar estos con los cimientos clásicos de la sastrería neoyorquina definirá el éxito de las colecciones en el mercado global.

El compromiso con la experimentación visual, sin perder de vista la funcionalidad del usuario, marca el cierre de una semana que, indiscutiblemente, ha redefinido las expectativas para el futuro de la industria.

Kenia Os se sumó a uno de los fenómenos más replicados de las redes sociales este mes: el trend “La Calabaza”. Desde hace aproximadamente una semana, la cantante mexicana ha compartido en sus historias de Instagram videos de seguidores que combinan esta tendencia con el audio de su más reciente colaboración, “Malas Mañas”.

La publicación más reciente, repostada por la propia artista, corresponde a la cuenta @soylamasplutona. En el clip, dos mujeres recrean la coreografía característica del trend mientras aparecen los tres gatitos virales, uno de ellos con sombrero negro, bajo el texto “Tenemos mil cosas que hacer / Nosotras:”, Kenia Os ha compartido en sus historias a lo largo de la semana los bailes de sus fans en señal de un fuerte vínculo entre la cantante y su comunidad.

El origen de “La Calabaza” y su explosión en TikTok

El fenómeno nació de la mano del productor independiente Pumpky (@pumpky7), quien desde 2024 comparte en TikTok canciones producidas con la herramienta FL Studio, caracterizadas por fusionar ritmos latinos como la guaracha. Su tema “LA CALABAZA - TINIEBLA Edit” repite constantemente la frase que da nombre al trend, un guiño a su propio seudónimo.

El punto de inflexión llegó cuando la cuenta Meowtakeover (@meowtakeover), especializada en animaciones de gatos generadas con inteligencia artificial, utilizó esa pista para un video en el que tres michis ejecutan una coreografía hipnótica. A partir de ahí, miles de usuarios comenzaron a replicar la escena sobre cualquier fondo imaginable.

La Calabaza es un fenómeno viral de TikTok surgido en septiembre de 2026: un video de tres gatitos animados con inteligencia artificial, creado por la cuenta Meowtakeover sobre una pista del productor independiente Pumpky, que se multiplicó en miles de versiones hasta volverse, según medios especializados, uno de los virales más masivos del año.

El crecimiento fue tan acelerado que un análisis del portal Mundo Ejecutivo CDMX lo describió como un caso de estudio para el marketing digital: contenido sin presupuesto de producción tradicional, capaz de generar millones de reproducciones en cuestión de días gracias a la combinación de sonido pegajoso y animación por IA.

Cómo se sumaron los fans y Kenia Os al fenómeno

La versatilidad del formato permitió que los usuarios lo adaptaran con distintos audios, entre ellos canciones de artistas populares. En ese contexto, seguidores de Kenia Os comenzaron a grabar sus propias versiones del trend utilizando “Malas Mañas” como pista de fondo, y la cantante respondió compartiendo ese contenido en sus historias.

De acuerdo con la captura verificada de su cuenta oficial en Instagram (@keniaos), la artista ha repostado en distintas ocasiones, durante los últimos días, los videos que sus seguidoras suben recreando la coreografía de los gatitos al ritmo de su tema. La dinámica se ha convertido en un intercambio directo entre la cantante y su comunidad de fans, conocida como “Keninis”.

“Malas Mañas”: el estreno junto a Xavi en Premios Juventud

El audio detrás de estos videos corresponde a “Malas Mañas”, la primera colaboración oficial entre Kenia Os y el cantante Xavi. El tema se lanzó el 3 de septiembre de 2026 a las 8:00 p.m. (hora del Este) en todas las plataformas digitales, bajo el sello Sony Music México y 5020 RCRDS.

La canción tuvo su estreno mundial en vivo esa misma noche durante los Premios Juventud 2026, ceremonia realizada en Starlite Marbella, España, en una edición histórica: fue la primera vez que la premiación se celebró fuera del continente americano.

La velada resultó doblemente celebratoria para ambos artistas. Kenia Os obtuvo el galardón en la categoría Girl Power junto a la cantante española Lola Índigo por el tema “Fifty Fifty”, imponiéndose sobre colaboraciones de Karol G, Shakira y Anitta, entre otras nominadas.

Xavi y su ascenso en la música mexicana

Xavi, por su parte, llegó a la ceremonia con seis nominaciones y se llevó el premio a Mejor Fusión Música Mexicana por “No Capea”, su colaboración con Grupo Frontera, superando a temas de Peso Pluma, Tito Double P, Fuerza Regida y Natanael Cano, entre otros.

El cantante, nacido en Phoenix y criado entre Estados Unidos y Nogales, Sonora, acumula más de 4.800 millones de reproducciones en su carrera. En 2025 fue reconocido como Mejor Nuevo Artista - Regional Mexicano en los iHeartRadio Music Awards y obtuvo dos Premios Lo Nuestro, en las categorías de Fusión Mexicana del Año y Mejor Nuevo Artista - Música Mexicana.

“Malas Mañas” representa el primer lanzamiento conjunto entre ambos artistas, que provienen de escenas musicales distintas: Kenia Os desde el pop mexicano y el ecosistema digital, y Xavi desde la fusión entre corridos, R&B y música urbana.

La carrera de Kenia Os en plena expansión

El repunte de “Malas Mañas” en redes ocurre en medio de uno de los momentos más activos en la trayectoria de Kenia Os. Nacida como Kenia Guadalupe Flores Osuna el 15 de julio de 1999 en Mazatlán, Sinaloa, la artista comenzó su carrera en YouTube en 2015 y hoy suma más de 17 millones de seguidores en TikTok.

Este mes, la cantante debuta además en el mundo del doblaje. El 16 de septiembre llegará a los cines de México La Isla Olvidada, la película número 50 de DreamWorks Animation, en la que Kenia Os presta su voz a Raissa, una de las protagonistas de la historia ambientada en las tradiciones filipinas. El elenco vocal original incluye a figuras como H.E.R., Liza Soberano y Lea Salonga.

En paralelo, la artista continúa con su gira K de Karma Tour, en apoyo a su cuarto álbum de estudio, lanzado el 19 de marzo de 2026 con una listening party ante 20 mil personas en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México. La gira, que arrancó el 25 de abril en Mazatlán, contempla presentaciones en ciudades como Monterrey, Guadalajara, Acapulco y Tuxtla Gutiérrez, esta última programada para el 21 de noviembre.

Del lado empresarial, Kenia Os mantiene activas sus marcas Kenia Os Beauty y KOS Essence, además de su sello independiente K Records. La combinación de música, cine y negocios digitales ha consolidado su perfil como una de las creadoras e intérpretes más influyentes del pop mexicano actual, mientras su audiencia sigue de cerca cada movimiento en sus redes sociales, incluidas las historias donde ahora comparte el eco de “Malas Mañas” en la ola viral de “La Calabaza”.

Su paso por la Semana de la Moda de Nueva York

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La proyección internacional de Kenia Os también se extendió al mundo de la moda. La cantante asistió como invitada al desfile de primavera-verano 2027 de Tommy Hilfiger, realizado en el Hotel Plaza de Manhattan como parte de la New York Fashion Week, que se celebra del 10 al 15 de septiembre de 2026 según el calendario oficial del Council of Fashion Designers of America (CFDA).

Ahí, la mexicana ocupó un lugar en el front row junto a Anna Wintour, directora global de contenidos de Condé Nast y antigua editora en jefe de Vogue. La imagen del encuentro se viralizó rápidamente entre los seguidores de la cantante.

No era la primera vez que ambas coincidían. El primer encuentro entre Kenia Os y Wintour ocurrió el 10 de septiembre de 2025, durante el cóctel de apertura de la NYFW organizado por el CFDA en el Rockefeller Center, cuando la cantante asistió como acompañante de su entonces pareja, Peso Pluma, primer mexicano nombrado embajador del CFDA para la Semana de la Moda.

Un año después, la artista regresó al evento como una figura con presencia propia dentro del circuito internacional de la moda. En el mismo desfile de Tommy Hilfiger, Kenia Os también compartió espacio con la integrante de BLACKPINK Jisoo, así como con el cantante colombiano Ryan Castro y la española Bad Gyal.

Para la ocasión, la cantante sinaloense llevó un conjunto de inspiración preppy: una chaqueta corta tipo sastre en color negro, con cuello blanco en contraste, falda a juego, medias claras y un bolso de mano rojo. La propia Kenia Os compartió la experiencia a través de su cuenta oficial de Instagram, donde acumuló comentarios de sus seguidores como “El rostro de México” y “La reina llegó a la Semana de la Moda”.

La Semana de la Moda de Nueva York abrió su temporada primavera 2027 con una pasarela dominada por el color, las siluetas livianas y los contrastes de textura, en una primera secuencia de desfiles que puso el foco en las claves estéticas antes que en la concentración de figuras en la primera fila.

En ese arranque, Nueva York volvió a instalarse como uno de los centros de observación para la moda internacional, con colecciones que empezaron a perfilar las tendencias que podrían ordenar la temporada.

En los primeros desfiles, la atención quedó puesta en la construcción visual de las colecciones, con una presencia marcada de tonos claros, neutros cálidos y acentos más intensos que funcionaron como eje de contraste sobre la pasarela.

Ese uso cromático empezó a ofrecer una lectura común en el comienzo de la semana, donde varias marcas eligieron reforzar identidad mediante combinaciones de color y cambios de ritmo entre una salida y otra.

La paleta vista en este arranque sugiere una temporada atenta a la modulación visual. Los neutros no aparecieron como una base silenciosa, sino como parte de un sistema de contraste con colores más definidos y superficies capaces de alterar la percepción de cada salida.

En ese sentido, el color operó como una estructura de orden dentro del desfile y no solo como un recurso decorativo.

La pasarela también dejó ver una preferencia por siluetas ligeras y recursos de textura para definir volumen, movimiento y separación entre piezas.

En ese marco, la ropa apareció organizada alrededor de líneas limpias y decisiones visuales que priorizaron el impacto del conjunto por encima de los detalles aislados.

En varios casos, la caída de las prendas, la relación entre capas y la lectura del cuerpo en movimiento marcaron una dirección reconocible para esta primera etapa del calendario.

Las texturas y las proporciones empezaron a definir el ritmo de los shows

Además del color, otra de las claves del inicio pasó por el trabajo sobre las superficies. La combinación de materiales con respuesta distinta a la luz y al movimiento reforzó la idea de colecciones pensadas para ser leídas en secuencia, con cambios de densidad, brillo o estructura entre una salida y la siguiente.

Esa lógica ayudó a construir pasarelas más narrativas, donde la tensión visual no dependió de una única prenda.

Las proporciones también empezaron a ocupar un lugar central. Las siluetas livianas convivieron con volúmenes controlados, cortes amplios y piezas que buscaron sostener una imagen despejada.

Ese equilibrio entre ligereza y estructura permitió que varias colecciones se afirmaran en un terreno intermedio entre comodidad visual, presencia escénica y lectura comercial.

Entre los nombres que integraron el calendario, Jasmin Larian aportó un desfile que se leyó dentro de esa misma conversación estética.

La referencia aportada por el usuario a Reuters Connect ubica a la diseñadora en el circuito de presentaciones de la semana, mientras el material permite situar su show dentro de un inicio de temporada atravesado por la observación de colores, formas y estilización general.

En ese contexto, el desfile de Jasmin Larian puede inscribirse en una apertura donde la pasarela empezó a ordenar señales sobre primavera 2027 a partir de paletas visibles, contrastes textiles y una búsqueda de identidad inmediata.

Los colores y las siluetas funcionaron así como una herramienta de lectura para seguir la evolución de la semana. Más que ofrecer una ruptura aislada, su presentación quedó integrada a una serie de propuestas que buscaron fijar tono desde el comienzo del calendario.

El desfile se concentró en el frente de sala, el desarrollo de los shows permitió una lectura más amplia sobre la temporada.

El listado de asistentes incluyó a Ariana DeBose, Cynthia Erivo, Eiza Gonzalez, Meghann Fahy, Rachel Brosnahan, Elizabeth Debicki y Viola Davis en Ralph Lauren, además de Helena Christensen, Iman, Katie Holmes, Madelyn Cline y Miles McBride en Cult Gaia.

Sin embargo, en el inicio de la semana, la conversación principal pasó por las tendencias que dominaron la pasarela.

La presencia de celebridades quedó como un elemento complementario dentro de una apertura en la que el color, las proporciones y el tratamiento de las superficies empezaron a definir el tono de los próximos días en Nueva York.

A medida que avance el calendario, esa lectura podrá ampliarse con nuevas colecciones y con la aparición de otras claves que terminen de consolidar el mapa visual de la temporada.

Salma Hayek convirtió la alfombra roja en un espacio de afirmación personal. Al cumplir 60 años este miércoles, la actriz mexicana conserva una fórmula que nunca buscó la discreción: vestir para destacar, con referencias al glamour clásico y una atención constante a los detalles.

Desde sus primeros años en Hollywood, cuando debió resolver sus apariciones con recursos propios ante la falta de apoyo de grandes firmas, hasta su vínculo actual con casas como Gucci, Saint Laurent y Balenciaga, construyó un estilo reconocible: siluetas ceñidas, corsetería, transparencias, escotes, bordados y colores intensos.

Una identidad de moda basada en la silueta y el contraste

Su estilo se sostiene en una combinación de sofisticación y presencia. Sus elecciones suelen privilegiar prendas que acompañan la figura, definen la cintura y dirigen la atención hacia el escote, los hombros o el rostro. Esa continuidad le da una línea reconocible, incluso cuando cambia de registro entre una gala y una salida cotidiana.

La silueta funciona como el eje de su vestuario. En lugar de diluir las formas con volúmenes excesivos, suele inclinarse por cortes que ordenan el conjunto y mantienen una apariencia definida. Ese criterio aparece tanto en propuestas de mayor formalidad como en combinaciones más relajadas, donde conserva el interés por la proporción entre las prendas.

Otro rasgo de su imagen es el uso de materiales con presencia visual. Brillos, texturas, superficies metálicas o detalles que aportan relieve forman parte de una manera de vestir que no depende únicamente del corte. La ropa adquiere así una dimensión ornamental, aunque el resultado se mantiene centrado en una silueta estructurada.

El color también le permite modificar el tono de cada aparición. La referente del talento latino en Hollywood alterna neutros, tonos oscuros, acabados metálicos y colores intensos, con contrastes que introducen dinamismo en prendas de líneas clásicas. Esta elección evita que su estilo quede limitado a una sola fórmula y le permite transitar entre códigos sobrios, formales y más expresivos.

La comodidad urbana conserva una estética definida

Fuera de los eventos formales, la nacida en Veracruz traslada su interés por la proporción a un vestuario más funcional. La elección de prendas de líneas simples, como camperas, blusas y pantalones de denim, muestra una forma de vestir que prioriza la comodidad sin abandonar la definición de las formas.

En estos conjuntos, los detalles cumplen una función de orden: botones metálicos, cinturones visibles y calzado oscuro completan combinaciones de tonos sobrios. La presencia de anteojos de sol grandes introduce además un elemento de diseño marcado y refuerza una apariencia urbana en sus looks.

La paleta de Salma Hayek no se limita a los negros, blancos o tonos metálicos asociados a las celebraciones nocturnas. También incorpora verdes intensos, rojos y combinaciones florales que alteran el registro de prendas de corte estructurado.

El uso de colores saturados le permite apartarse de una interpretación rígida de la sastrería. Un conjunto de líneas tradicionales puede adquirir otra lectura cuando suma estampados y contrastes cromáticos, con la prenda estructurada como base y el color como elemento de variación.

Esta manera de combinar tonos responde a una búsqueda de equilibrio. Cuando una pieza concentra el protagonismo por su color o su estampado, los demás elementos acompañan esa decisión mediante gamas relacionadas o contrastes definidos, sin que el conjunto pierda unidad visual.

El maquillaje y el cabello acompañan cada look

El maquillaje forma parte de la construcción de su imagen. Los labios rojos, las sombras cálidas y las cejas definidas se integran a un estilo en el que el rostro mantiene un lugar central, sobre todo cuando el atuendo deja despejados el cuello, los hombros o el escote.

El peinado cambia según el contexto. Las ondas marcadas ofrecen una opción más suelta para apariciones menos formales, mientras que los moños altos y otros recogidos ordenan el rostro y acompañan los conjuntos de mayor elaboración.

La aparición de canas visibles suma un matiz distinto a esa imagen. En lugar de ocultarlas de forma sistemática, las incorpora en algunas ocasiones como parte de un aspecto que combina cuidado estético, cambios de peinado y una presentación menos uniforme.

En las apariciones de gala, los accesorios adquieren peso propio. Recurre a collares con piedras de gran tamaño, pendientes colgantes y anillos voluminosos para completar prendas que ya incorporan brillo, textura o detalles metálicos.

La joyería no aparece como un agregado aislado. Las piedras verdes, los metales y los acabados luminosos establecen relaciones con los tonos de los vestidos, los bolsos o el maquillaje. Así, los complementos pueden acompañar la gama cromática dominante o introducir un contraste puntual.

Los bolsos pequeños, de mano o tipo clutch, responden al mismo criterio. Las superficies satinadas, rígidas o metálicas mantienen una escala adecuada para la noche y suman textura sin modificar la estructura general del estilismo.

En contextos menos formales, los complementos cumplen una función distinta. Las gafas de sol de gran tamaño, los aros dorados y los bolsos estructurados introducen definición en conjuntos de líneas más directas, sin depender de piezas de joyería de gran volumen.

El calzado también ocupa un lugar visible. Las sandalias de plataforma y los tonos metálicos añaden altura y brillo, mientras que los zapatos oscuros se integran a combinaciones más prácticas.

Los bolsos negros estructurados y las carteras plateadas con textura brillante muestran dos alternativas dentro de esa misma lógica. Unos sostienen una apariencia más sobria; otros suman luz a prendas de color oscuro mediante un acabado que se diferencia del resto del atuendo.

Hoy, a los 60, Salma Hayek no muestra una ruptura con la imagen que construyó a lo largo de los años, sino una continuidad cada vez más definida. Entre siluetas estructuradas, recursos clásicos del glamour y elecciones que sostienen su identidad visual, su estilo reafirma una presencia reconocible dentro y fuera de la alfombra roja.

Ser therain o farmear aurea son dos de las tendencias que las nuevas generaciones han impulsado y que reflejan las inquietudes, malestares y formas de percibir el mundo de los jóvenes.

Y aunque los millennials ya tenemos que ir con nuestro sobrino o directo a internet a buscar la explicación para poder entender los terminos de la “chaviza” no debemos olvidar que alguna vez, antes de los dolores de rodilla, tuvimos nuestros propios bailes extraños titulados con palabras que seguramente nuestros padres no podían entender.

En honor a esos tiempos y con un poco de nostalgia recordemos cómo farmeaban aura los millenials lo cual demuestra que las tendencias no se crean ni se destruyen, solo se transforman.

Harlem shake y batallas de tecktonik que hacían los milenillas

El Harlem Shake y las batallas de tecktonik fueron fenómenos virales y de baile que marcaron a la generación millennial, especialmente entre mediados de los 2000 y principios de los 2010.

Harlem Shake

El Harlem Shake fue un meme y tendencia viral que explotó en internet a principios de 2013. Consistía en grabar videos cortos donde, al inicio, una persona (generalmente enmascarada o disfrazada) bailaba sola la canción “Harlem Shake” de Baauer, mientras el resto del grupo actuaba normalmente. Cuando la canción cambiaba de ritmo (“do the Harlem Shake”), todos los presentes comenzaban a bailar de forma caótica y exagerada, muchas veces usando disfraces, objetos aleatorios o haciendo movimientos absurdos.

El formato era simple:

1. Unos segundos con una persona bailando sola.
2. Corte brusco al cambio de ritmo.
3. Todos bailan de manera descontrolada y creativa.

Miles de grupos en escuelas, oficinas, equipos deportivos y hasta militares grabaron su propia versión, convirtiendo el Harlem Shake en un fenómeno global que se mantuvo durante largo tiempo.

Batallas de Tecktonik

La tecktonik (o Electro Dance) fue una moda de baile urbano originada en Francia a mediados de los 2000. Se caracterizaba por movimientos rápidos de brazos, gestos angulosos y pasos inspirados en el techno y el hip hop. La música que acompañaba era electrónica, principalmente hardstyle y techno francés.

Las batallas de tecktonik consistían en competencias o duelos, usualmente improvisados, donde dos o más jóvenes se enfrentaban mostrando su destreza en ese estilo de baile. Se realizaban en fiestas, plazas, parques o centros comerciales y eran populares en videos de YouTube y redes sociales.

El baile se identificaba por:

• Movimientos de brazos enérgicos y coordinados.
• Estética visual con ropa ajustada, colores neón y peinados llamativos.
• Coreografías individuales pero también enfrentamientos amigables.

Ambas modas reflejan cómo los millennials usaron internet para difundir tendencias globales, compartir creatividad y participar en fenómenos colectivos, todo a partir de la cultura digital y la música.

Qué otras modas de internet llevaron a cabo los millenialls

Algunas de las modas de internet más populares entre los millennials incluyen:

1. Ice Bucket Challenge

Reto viral de 2014 que buscaba crear conciencia sobre la esclerosis lateral amiotrófica (ELA). Los participantes se grababan arrojándose un balde de agua helada sobre la cabeza y nominaban a otros a hacerlo, difundiendo el video.

2. Flashmobs

Convocatorias masivas, generalmente organizadas por redes sociales, para realizar coreografías, bailes, actuaciones o bromas en lugares públicos y luego dispersarse como si nada hubiera pasado.

3. Lip Sync Battles / Dubsmash

Videos de personas sincronizando los labios con canciones, diálogos de películas o audios virales, a menudo con gestos exagerados. Plataformas como Dubsmash y después TikTok impulsaron este formato.

4. TBT (Throwback Thursday)

Publicar fotos antiguas los jueves con el hashtag #TBT, como forma de nostalgia digital.

5. Selfies y duck face

La moda de las selfies y la típica “duck face” (gesto de labios fruncidos) fue un sello distintivo de la cultura millennial en redes como Facebook, Instagram y Snapchat.

6. Hashtags virales

El uso de hashtags como #YOLO (“You Only Live Once”), #NoFilter, #Blessed para acompañar publicaciones y sumarse a tendencias globales.

7. Vine y memes

La creación y difusión de videos cortos en Vine (predecesor de TikTok) y memes virales con imágenes y frases que se compartían masivamente.

Estas modas reflejan cómo los millennials aprovecharon internet y redes sociales para crear, compartir y sumarse a tendencias colectivas de manera instantánea y global.

No es el primer parecido entre artistas y gente conocida. A Javier Bardem le han sacado parecido con Jeffrey Dean Morgan, a todos todavía confunde el parecido de Jessica Chasstain con Bryce Dallas Howard. Incluso han sacado parecido entre el dueño de Meta, Mark Zukerberg con el rey Felipe IV de España. El músico estadounidense Cash Stevens se convirtió en el centro de un fenómeno viral en las redes sociales españolas debido a su sorprendente parecido físico con el líder del Partido Popular (PP), Alberto Núñez Feijóo.

El algoritmo de las plataformas digitales hizo su magia y llegó al público español. El contenido del guitarrista ha llegado a miles de usuarios en España, quienes reaccionaron con asombro y gracia en los comentarios ante la semejanza obvia entre ellos.

La comparación entre el artista y el político español generó una oleada de interacciones en plataformas como TikTok e Instagram. El músico, ajeno a la realidad política española, comenzó a recibir una gran cantidad de comentarios de ciudadanos que bromeaban sobre su identidad. Muchas personas aprovecharon la situación para señalar la notable similitud en los rasgos faciales entre el guitarrista y el dirigente del PP.

Un parecido que trasciende fronteras

La viralidad del contenido alcanzó tal nivel que algunos internautas cuestionaron si las imágenes del músico estaban creadas mediante inteligencia artificial: “Esto debe ser algo parecido a un universo paralelo”. Esta teoría, descartada por la trayectoria previa de Stevens en las redes sociales, refleja el impacto del parecido en la audiencia digital. “Para que luego digan que Feijóo no sabe idiomas”, escribieron diversos internautas en los vídeos del guitarrista, aludiendo con humor a las críticas históricas que ha recibido el político del PP respecto a su dominio del inglés.

Lejos de mostrar molestia ante la avalancha de mensajes, el músico estadounidense reaccionó con sentido del humor. Stevens, que cuenta con una comunidad consolidada de seguidores gracias a sus interpretaciones de temas de artistas como Cyndi Lauper o Tyler Childers, comenzó a interactuar con los usuarios españoles. El guitarrista marcó con “me gusta” varias de las publicaciones que destacaban su parecido con el político gallego, aceptando su papel como el doble inesperado de Feijóo.

Más allá de las bromas, el fenómeno ha servido para que una nueva audiencia descubra la faceta artística del músico. El algoritmo de TikTok, al detectar el interés de los usuarios españoles, intensificó la difusión de los vídeos del guitarrista, consolidando su posición como tendencia involuntaria en España. Mientras las redes sociales continúan explorando esta semejanza, Cash Stevens mantiene su actividad habitual en sus plataformas. Incluso en algún comentario ha dejado caer la posibilidad de visitar España para actuar y ha preguntado a los usuarios españoles en qué ciudad debería actuar.

En esas publicaciones, asistentes mostraron al creador de contenido ejecutando movimientos que formaron parte de la dinámica de las “batallas” para “farmear aura”. La respuesta del público incluyó gritos y aplausos, de acuerdo con lo que se escuchó y se vio en los videos compartidos.

En uno de los clips, el influencer se puso de cuclillas para hacer una caminata breve. El fragmento también lo mostró con movimientos de manos y una pirueta ya de pie, hasta terminar tirado en el suelo.

Los videos de Kunno farmeando aura en CDMX y la reacción del público

Los videos virales en TikTok reunieron tomas del momento y reacciones de quienes asistieron al torneo. Las publicaciones destacaron la ejecución de la rutina y la respuesta inmediata de la gente alrededor.

En paralelo, la conversación se trasladó a los comentarios. Entre las reacciones, algunos internautas celebraron que Kunno se sumara a la tendencia del momento, y otros afirmaron que él sería el creador de “farmear aura”.

También circularon mensajes como: “El rival que me toca en las batallas de aura”, “Lugares donde me hubiera gustado estar” y “El creador de las batallas de aura”, según se leyó en la sección de comentarios de los videos.

Kunno lo llevó a Instagram y presumió el triunfo con un trofeo

Los videos de asistentes no fueron los únicos contenidos del momento. El propio Kunno compartió en sus historias de Instagram sus pasos para “farmear aura” y las reacciones del público que gritó al verlo.

El triunfo de la batalla fue para Kunno, quien lo celebró en redes cargando un trofeo y realizando una última caminata.

“Gané mucho aura el día de hoy”, escribió en redes.

¿Qué significa farmear aura en México?

“Farmear aura” es una expresión de la jerga de internet que domina TikTok, Instagram y X entre la Generación Z. Significa realizar acciones calculadas para proyectar carisma, presencia, seguridad o estilo ante los demás, con el objetivo de acumular puntos simbólicos de imagen social.

De dónde viene el término

La expresión fusiona dos palabras de mundos distintos:

• Farmear: viene del inglés to farm, verbo del vocabulario gamer que describe repetir tareas dentro de un videojuego para acumular recursos, experiencia o puntos.
• Aura: en el lenguaje de internet no tiene connotación espiritual. Aquí designa el carisma, el magnetismo y la seguridad que una persona proyecta, a veces sin esfuerzo aparente.

Juntas, forman un concepto preciso: hacer cosas deliberadas para aumentar la percepción de carisma frente a los demás.

Cómo funciona en la práctica

Opera como un tablero de puntuación invisible que todos entienden. Una respuesta ingeniosa, mantener la calma ante una situación incómoda o ejecutar un movimiento con actitud generan comentarios como “+1,000 de aura”. Una caída, un error en público o intentar demasiado fuerte parecer interesante se traducen en “-5,000 de aura”.

La expresión también tiene un uso irónico: quien “farmea aura” de forma tan obvia termina perdiéndola.

El giro de 2026 en México

El fenómeno pasó de las pantallas a las calles. En México, y en otros países de América Latina como Brasil, Argentina y Bolivia, comenzaron a organizarse “batallas de aura”: competencias presenciales donde dos participantes se colocan frente a una audiencia para demostrar quién proyecta mayor presencia. En Veracruz, por ejemplo, se organizó la primera batalla de este tipo en el país.

El término está tan extendido que tanto el Cambridge Dictionary como el Merriam-Webster ya lo registran como slang, vinculado a la idea de parecer cool o impresionante sin aparentar demasiado esfuerzo.

¿Quién es Kunno y qué hace?

Kunno, cuyo nombre completo es Guillermo Kunno Martínez, es un creador de contenido e influencer originario de Monterrey, Nuevo León, nacido el 8 de mayo de 2000. Es una de las figuras digitales mexicanas con mayor alcance en redes sociales: cuenta con alrededor de 35 millones de seguidores en TikTok y 6.4 millones en Instagram.

Cómo se hizo famoso

Comenzó en TikTok en 2019, pero su despegue llegó en 2020 con la llamada “Kunno Caminata” (o Kunno Walk): una forma particular de caminar frente a la cámara que se volvió viral y fue replicada por millones de usuarios. Su contenido mezcla baile, moda, maquillaje y entretenimiento.

Qué hace

Su carrera fue más allá de las redes sociales. Ha trabajado como modelo, cantante y actor, participa en alfombras rojas, colabora con marcas y se vincula con la industria musical y del espectáculo. En 2026 participó en la sexta temporada de La Casa de los Famosos de Telemundo y fue confirmado como participante de la segunda temporada de La Granja VIP de TV Azteca, que arranca el 6 de septiembre.

El jugador del Manchester City inició la temporada de la Premier League con el cabello completamente al ras, marcando tendencia entre sus seguidores y generando reacciones inmediatas en redes sociales.

El cambio, documentado en el canal de YouTube del propio Haaland, mostró el proceso horas antes del debut del City en la temporada. El delantero dejó su melena rubia característica para adoptar un corte tipo buzz cut, un estilo ultra corto que prioriza la frescura y la comodidad, y que comienza a ganar popularidad en las barberías de México.

Buzz cut: el corte al ras que marca tendencia en 2026 estilo Erling Haaland

El corte adoptado por Haaland es conocido como buzz cut, un estilo minimalista que se caracteriza por el rapado uniforme o con un ligero degradado en los costados y la nuca. La máquina se utiliza con un número 1 o 2 en la parte superior de la cabeza, y un número 0.5 o un taper fade muy bajo en las patillas y la nuca.

La clave del corte moderno está en el delineado. Los barberos utilizan navaja para marcar líneas geométricas en la frente y en las patillas, logrando un acabado limpio y actual. Este detalle es el que diferencia el corte estándar de un buzz cut en tendencia.

Para quienes desean replicar el estilo de Haaland en México, los barberos recomiendan pedir explícitamente un rapado al ras con máquina número 1 o 2 en la parte superior y un degradado bajo en los costados. Es fundamental pedir que se marquen las líneas del contorno con navaja para obtener el acabado moderno.

Consejos para mantener el corte y cuidar el cuero cabelludo

El buzz cut requiere mantenimiento frecuente. Los expertos sugieren acudir a la barbería cada dos o tres semanas para retocar tanto el largo como el delineado de las líneas. Debido a la exposición del cuero cabelludo, el uso de protector solar se vuelve indispensable para quienes pasan tiempo al aire libre, sobre todo en ciudades como Ciudad de México, Monterrey y Guadalajara.

La hidratación también es recomendable. Aunque el cabello corto no necesita peinado, la piel puede resecarse tras el rapado. Los barberos sugieren aplicar una crema hidratante ligera o un tónico para evitar molestias.

El impacto del cambio de imagen en la cultura futbolística

La imagen de Erling Haaland con el cabello al ras se volvió viral en cuestión de horas. En redes sociales, el video del proceso de corte sumó miles de visualizaciones y comentarios de aficionados y figuras del deporte. El debate se centró en el contraste con su antiguo estilo “vikingo” y en si el cambio podría influir en su rendimiento.

No es la primera vez que un futbolista de élite marca tendencia con un corte de cabello radical. El buzz cut, por su simplicidad y fácil mantenimiento, gana terreno entre jugadores y aficionados que buscan un estilo práctico y moderno.

El caso de Haaland confirma que las tendencias en la cancha trascienden el juego y llegan a las barberías de México, donde la pregunta recurrente de este inicio de temporada es cómo lograr el look del delantero noruego sin margen de error.

Manchester City inicia la temporada con victoria y nuevo look de Haaland

El partido de apertura para el Manchester City terminó 2-1 a favor contra el Bournemouth. La escuadra dirigida por Enzo Maresca no necesitó goles del noruego, quien permaneció en el centro de la polémica por su nuevo aspecto más que por su desempeño en la cancha.

La reacción de los aficionados fue inmediata. En redes sociales, seguidores y compañeros de equipo bromearon sobre si el “poder ofensivo” de Haaland se vería afectado, recordando la historia de Sansón. “Bloquéame y borra mi número, amigo”, le dijo Zlatan Ibrahimović en tono de broma tras ver el nuevo look, según mostró el propio Haaland en video.

En esta tendencia, los adolescentes compiten en la vida real para demostrar quién es capaz de proyectar mayor presencia, estilo y seguridad ante la mirada de una multitud, con movimientos inspirados en videojuegos, animes, redes sociales, deportes y la cultura pop.

Cuál es el origen y significado de “farmear aura”

El término “farmear aura” nace de la fusión de dos universos distintos. Por un lado, “farmear” viene del verbo inglés “to farm”, popularizado en el mundo de los videojuegos para referirse a la repetición intencional de acciones con el fin de acumular puntos o recursos.

Por otro, “aura” en redes sociales designa el carisma, la presencia o el atractivo que una persona logra transmitir, muchas veces de manera aparentemente natural.

En la práctica, “farmear aura” significa realizar acciones para proyectar una personalidad atractiva, segura, interesante o carismática, con el objetivo de “acumular” puntos simbólicos de carisma. No existe un sistema oficial de medición, pero en la lógica de internet, los usuarios asignan cifras humorísticas como “+1,000 de aura” o “-5,000 de aura” según las acciones observadas.

El concepto está tan extendido que tanto el Cambridge Dictionary como el Merriam-Webster han incorporado la expresión en sus registros de slang, vinculándola a la idea de parecer “cool”, impresionante o con estilo sin demostrar demasiado esfuerzo.

Cómo fue el salto de las redes sociales a la calle

La tendencia de “farmear aura” surgió a principios de 2024 en TikTok, donde los primeros registros muestran videos bajo la leyenda “Aura Farming” en los que los usuarios ejecutaban acciones con aparente facilidad para impresionar a sus seguidores.

El fenómeno creció rápidamente, y para mayo de ese año ya existían videos recopilando millones de visualizaciones, consolidando una lógica de puntos en la que ciertas acciones suman “aura” y otras lo restan.

Durante 2025 y 2026, este juego simbólico dejó de ser solo un meme digital para convertirse en una competencia presencial. Jóvenes, principalmente de entre 14 y 20 años, comenzaron a organizar batallas de “aura” en plazas y espacios públicos de países como México, Argentina, Brasil, Perú, Bolivia y España.

En estos encuentros, dos participantes se enfrentan sobre un escenario improvisado y utilizan gestos, poses, bailes y referencias a memes virales para impresionar a la audiencia y ganar la batalla.

No existen reglas formales ni un jurado profesional: el público es quien suele decidir al ganador, motivado por la reacción colectiva y la capacidad de los competidores para dominar los códigos de internet.

Cómo se compite en una batalla de farmear aura

La esencia de las batallas de “farmear aura” radica en la creatividad y la espontaneidad. Los participantes deben presentarse de manera que transmitan confianza, serenidad o incluso cierto misticismo. La actuación puede ser seria o divertida, y cada competidor elige cómo interpretar su personaje.

En una de las competencias celebradas frente al Palacio de Bellas Artes en Ciudad de México, por ejemplo, los jóvenes recurrieron a referencias virales como el salto del “Siuuu” de Cristiano Ronaldo o la tendencia del “mewing”, que consiste en marcar la mandíbula y señalarla para presumir de perfil. Otros participantes incorporan memes como el “6-7”, un gesto reconocible en las redes, aunque sin significado concreto.

El objetivo es mostrar dominio de los códigos digitales y lograr que la audiencia—en su mayoría jóvenes familiarizados con TikTok—reconozca las referencias. El que más impresiona, hace reír o se muestra más confiado suele llevarse la victoria.

En palabras de organizadores y competidores, “quien se ve mejor, presume más, provoca más risas y tiene más confianza gana”. Este tipo de eventos se acompañan de música—generalmente funk o phonk—que marca el ritmo de las actuaciones y refuerza la atmósfera de “performance”.

Gala Montes reaccionó con risas y luego con la amenaza de reportar un video generado por inteligencia artificial que la enfrenta a Adrián Marcelo en una “batalla de farmeo de aura”, la tendencia viral que en 2026 desplazó a los therians en redes sociales.

En el video se aprecian momentos que hacen referencias a los conflictos que ambos personajes han sostenido desde su participación en La Casa de los Famosos México, la culminación de este los muestra abrazandose y dándose un beso, aparentemente el momento que detonó la molestia de la artista.

Lo que resulta curioso es que Gala Montes difundió el video en sus propias historias de Instagram, dejando la interrogante si resultó ofensivo para ella o lo tomó a manera de broma.

Mariana Echeverría, excompañera con quien también mantiene fricciones públicas, comentó el mismo contenido por separado con un órale.

La reacción de Gala Montes al video de IA

El contenido circuló en Instagram y colocó a Gala Montes y a Adrián Marcelo en una de estas batallas virtuales. La actriz dejó dos comentarios independientes: en el primero escribió “Jajajajaj”; en el segundo, el tono cambió por completo: “Voy a reportar esto”.

Mariana Echeverría también reaccionó al video, aunque sin relación con los comentarios de Gala. La conductora escribió “Órale 😂😂😂” en la publicación.

El origen del conflicto entre Gala y Adrián Marcelo

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La “batalla de aura” ficticia retoma una rivalidad real que marcó la segunda temporada de La Casa de los Famosos México en 2024. Adrián Marcelo y Gala Montes protagonizaron uno de los enfrentamientos más documentados en la historia de los realities mexicanos.

El punto de quiebre llegó cuando Marcelo pronunció la frase “una mujer menos para maltratar” tras la eliminación de Gomita en una gala donde solo había mujeres en riesgo de salir. Gala lo había calificado días antes de “narcisista, misógino y machista” y había expresado que temía por la seguridad de sus compañeras.

La frase desató la retirada de al menos ocho marcas patrocinadoras en cuestión de horas. Unilever retiró de un solo golpe a Rexona, Helados Holanda y Knorr; Nestlé sacó a Nescafé; y se sumaron Nutrioli, Vips, Domino’s, Cklass, Price Shoes, Sabritas, Eternal Secret y DiDi, de acuerdo con lo reportado por Infobae.

Durante la gala del 3 de septiembre de 2024, la conductora Odalys Ramírez confrontó a Marcelo en vivo para que explicara sus palabras. El comediante las defendió como “una ironía” y volvió a referirse a la salud mental de Gala, quien le respondió: “Sigue violentándome, hablando cosas de mi enfermedad. Es una persona misógina que no debería de estar aquí”.

Esa madrugada, Adrián Marcelo abandonó la casa de forma abrupta. No se despidió de sus compañeros ni recogió sus pertenencias. La madre de Gala lo denunció legalmente por discriminación y violencia de género.

La tensión con Mariana Echeverría, que sigue vigente en 2026

Mariana Echeverría también formó parte de esa segunda temporada, en el equipo rival al de Gala. Su paso por el reality generó críticas por su manejo de la comida y sus actitudes hacia algunos compañeros, y la conductora estuvo dos años sin aparecer en televisión.

En agosto de 2026, Echeverría regresó como panelista de la cuarta edición de La Casa de los Famosos México. Gala cuestionó públicamente que el público la hubiera recibido con cariño, atribuyéndolo a su cambio físico y no a un perdón genuino. Llegó a insinuar que ese cambio podría estar relacionado con medicamentos para bajar de peso.

Echeverría respondió sin entrar en intercambio: “No le tengo que pedir perdón a nadie ni que me perdonen, porque ni maté, ni robé. Fue un juego”, dijo a Imagen Televisión. Ante la repregunta sobre si existía algún problema, cerró: “Nada, cero. Y no voy a hablar de ella”.

Según el periodista Gerardo Escareño, la producción del reality habría vetado a Gala de una gala de eliminación en agosto de 2026 para evitar un encuentro entre ambas en el foro, aunque esa versión no fue confirmada oficialmente. La productora Rosa María Noguerón no respondió públicamente a los señalamientos. Nescafé, una de las marcas que abandonó el programa en 2024 por el escándalo de Marcelo, regresó como patrocinador en esta cuarta temporada.

Qué es “farmear aura”, la tendencia detrás del video

“Farmear aura” es el fenómeno digital que domina TikTok, Instagram y X en 2026. Dos personas se enfrentan cara a cara para demostrar quién proyecta más carisma mediante poses, gestos y movimientos, sin contacto físico ni palabras. El público vota con aplausos y vítores.

El término fusiona el verbo gamer “farmear” —repetir acciones para acumular puntos en un videojuego— con “aura”, entendida como presencia o carisma percibido. En redes, frases como “+1000 de aura” o “perdió aura” funcionan como marcadores informales de reputación, según informó Infobae.

Eugenio Derbez se sumó a las batallas de “farmear aura”, la tendencia viral que domina TikTok e Instagram entre la Generación Z, con un video que —aunque poco tiene que ver con las poses y gestos característicos del fenómeno— generó una ola de reacciones positivas entre sus seguidores.

La tendencia consiste en competir por demostrar quién proyecta mayor carisma y presencia mediante movimientos, gestos y referencias a memes, sin contacto físico ni palabras.

El público actúa como jurado y decide quién “farmea” más aura con aplausos y vítores. Nació en comunidades de videojuegos y basquetbol en Estados Unidos a mediados de 2024 y, para 2026, ya se disputa en plazas de Argentina, México, Brasil, Perú y Bolivia.

El “aura” que Derbez ya tenía

La participación del comediante mexicano abre una ironía que se hace notar: personajes como Armando Hoyos, el Lonje Moco, Ludovico P. Luche o el Diablito —todos construidos sobre gesticulaciones desbordadas, frases repetitivas y una presencia escénica imposible de ignorar— encajan, sin haberlo planeado, con la lógica de “farmear aura”.

Décadas antes de que existiera el término, Derbez ya acumulaba esos “puntos de carisma” frente a las cámaras. Sus personajes de XHDRBZ y Al Derecho y al Derbez se distinguieron precisamente por llevar al extremo la actitud y la pose, los dos pilares sobre los que hoy se construye esta competencia juvenil.

Vida cotidiana y familia como contenido

En paralelo a sus proyectos profesionales, Derbez ha convertido su vida diaria en material para redes sociales. Junto a su esposa, la cantante Alessandra Rosaldo, integrante de Sentidos Opuestos, publica videos de rutinas matutinas, discusiones de pareja y momentos en familia que desmontan la imagen de celebridad rodeada de asistentes.

“Aitana nunca creció con nana, ni con enfermera, ni con nadie que la cuide más que su mamá y su papá”, afirmó el actor en uno de esos videos. Su hija Aitana, que cumplió 12 años el 4 de agosto, aparece con frecuencia en ese contenido, aunque la familia anunció que limitará su exposición pública tras una ola de comentarios ofensivos en redes hacia la menor.

El Juicio, su apuesta dramática en Prime Video

Lejos del humor, Derbez protagoniza El Juicio, un thriller dramático de Prime Video basado en hechos reales que se estrena el 11 de septiembre de 2026 en más de 240 países. La serie de ocho episodios, producida por Amazon MGM Studios junto a 3Pas Studios, Visceral y Reclaim Entertainment, fue filmada en Puebla y Ciudad de México.

El comediante interpreta al padre de una joven víctima de abuso sexual que busca justicia frente a un sistema judicial que no responde a quienes carecen de poder. Su antagonista es el padre del presunto agresor, un empresario influyente al que da vida el actor español Pedro Alonso, conocido por La Casa de Papel. La historia fue desarrollada por el guionista Daniel Krauze.

El pianista que pocos conocen

A fines de julio, Derbez publicó en Instagram un video con una advertencia típica de su humor: dijo que sus seguidores no sabían que tocaba el piano y fingió apenas rozar las teclas antes de interpretar Balada para Adelina, la pieza del pianista francés Richard Clayderman. El clip generó miles de interacciones en minutos.

El talento musical, según señalaron sus seguidores en los comentarios, no es exclusivo de él. Aitana también toca el piano —instrumento que aprendió de su padre— y Alessandra Rosaldo lleva más de tres décadas como voz de Sentidos Opuestos. La familia, en ese sentido, funciona como un ecosistema artístico completo.

Lo que tampoco figura en su biografía más conocida es que, antes de Hollywood, Derbez trabajó como coreógrafo en el proyecto original que dio vida al grupo Flans durante los años 80. “Estaba metidísimo en el baile”, confesó en una entrevista reciente con el “Capi” Pérez. Fue precisamente esa etapa la que le abrió las puertas frente a las cámaras por primera vez.

Un peculiar evento ha comenzado a ganar tracción y conversación en las redes sociales de la capital mexicana. Bajo la organización de la cuenta de Instagram @proyectoescolar_, se ha lanzado oficialmente la convocatoria para participar en la denominada “Batalla de Farmeo de Aura CDMX”.

Se trata de un encuentro urbano que promete reunir a creadores de contenido, jóvenes y entusiastas de la cultura de internet en uno de los puntos más emblemáticos del sector poniente de la ciudad.

La cita está programada para el próximo domingo 23 de agosto a las 3:00 PM, teniendo como sede la Explanada del Parque México, ubicada en la colonia Condesa. De acuerdo con el cartel promocional difundido digitalmente, la competencia contará con la supervisión de un réferi oficial identificado como Josuesy, encargado de impartir justicia y determinar la dinámica entre los asistentes.

¿De cuánto será el premio?

Uno de los detalles que más ha llamado la atención del público es la forma en que se anunció el estímulo para el ganador de la jornada. La organización destaca en letras de gran tamaño un premio principal para el primer lugar de $300,000 centavos mexicanos.

Para evitar malentendidos entre los futuros participantes, la misma publicidad aclara entre paréntesis que la cifra equivale a 3,000 pesos mexicanos reales ($3,000 MXN), recurriendo al humor característico de los memes y las dinámicas virales para enganchar a las audiencias jóvenes.

Se prevé que la reunión atraiga a decenas de jóvenes curiosos por presenciar cómo se traslada la cultura de los memes virtuales a una convivencia presencial en el espacio público.

¿Qué significa “farmear aura” y de dónde proviene el término?

Para entender el concepto detrás de este evento, es necesario desglosar dos expresiones clave de la jerga de internet y la cultura de la Generación Z:

• El origen de “Farmear”: Proviene del verbo en inglés to farm (cultivar o cosechar). El término se popularizó originalmente en el mundo de los videojuegos de rol (RPG) y multijugador masivos. En ese contexto, farmear o hacer farming consiste en realizar de forma iterativa y repetitiva ciertas acciones dentro del juego (como derrotar enemigos básicos o recolectar materiales) para acumular recursos, experiencia o recompensas de forma constante.
• El concepto de “Aura”: En la cultura de los memes, el aura representa una métrica ficticia sobre la presencia, el estilo, la confianza, el carisma o el “estatus de genialidad” que proyecta una persona. Hacer algo respetuoso, estético, hábil o imponer presencia te hace “ganar aura” (+1,000 de aura), mientras que pasar por una situación vergonzosa o torpe te hace “perder aura” (-500 de aura).

Por lo tanto, “Farmear Aura” significa realizar acciones de manera continua o deliberada —ya sea vestirse bien, actuar con extremada seguridad, hacer actos heroicos o simplemente destacar en público— con el único objetivo de acumular puntos de carisma, validación social y popularidad, acumulando así la mayor cantidad de “aura” posible a los ojos de los demás.

Las redes sociales han dado origen a nuevas formas de interacción y competencia entre jóvenes, y una de las más recientes es “farmear aura”, una tendencia que trasciende el entorno digital y toma fuerza en plazas y calles de ciudades de Argentina, Bolivia, Brasil, México, Paraguay y Perú. Este fenómeno pone en el centro la creatividad, la actitud y el carisma, desplazando el protagonismo tradicional de la destreza física o el talento musical en los desafíos juveniles.

“Farmear aura” es una expresión que alude a ejecutar acciones, gestos o actitudes que incrementan de forma simbólica el carisma y la admiración que otros perciben, tanto en escenarios reales como virtuales.

El origen de “farmear aura”: un cruce entre videojuegos y redes sociales

El término surge de la combinación de dos conceptos clave para la generación Z. Por un lado, “farmear” proviene del inglés “to farm” y tiene su raíz en el universo de los videojuegos. Juegos como League of Legends, Honor of Kings y Pokémon Unite popularizaron la idea de repetir acciones para acumular recursos, experiencia o puntos con el objetivo de fortalecer a un personaje. Esta lógica de esfuerzo continuo y mejora progresiva se trasladó al lenguaje cotidiano de los jóvenes en el espacio digital.

Por otro lado, la palabra “aura” se utiliza en el ámbito digital para describir el conjunto de atributos simbólicos que una persona proyecta, como carisma, presencia, seguridad, energía, estilo y magnetismo. No se refiere a una cualidad espiritual, sino a la impresión que alguien deja en su entorno, tanto en escenarios reales como virtuales. La fusión de ambos términos dio lugar a una expresión que significa ejecutar acciones, gestos o actitudes que incrementan simbólicamente el carisma y la admiración que otros perciben.

“Farmear aura”, entonces, describe situaciones en las que alguien parece acumular “puntos” de presencia o prestigio ante los ojos del público, ya sea en la vida cotidiana o a través de una pantalla.

El fenómeno en redes sociales: puntuación simbólica y viralización

La expansión de “farmear aura” en plataformas como TikTok, Instagram y X fue rápida y alcanzó dimensiones virales. Usuarios de estas redes empezaron a utilizar el término en memes y comentarios, donde frases como “+1000 de aura”, “+10.000 de aura” o “perdió aura” funcionan como medidores informales de reputación digital. Bajo esta lógica, cada acción puede sumar o restar puntos de aura, casi como si existiera un marcador invisible que evalúa la actitud de cada persona.

Una respuesta ingeniosa, una pose desafiante o un movimiento inesperado pueden interpretarse como formas de “ganar aura”. En cambio, situaciones vergonzosas, errores o pérdida de compostura suelen asociarse con la pérdida de aura. El sistema de valoración es inmediato y público: comentarios, reacciones y viralización amplifican el efecto de cada gesto, reforzando la lógica de competencia simbólica.

“Farmear aura” como competencia callejera

Durante 2026, el fenómeno comenzó a salir del espacio virtual para tomar forma en encuentros presenciales en diversos países sudamericanos. En plazas y espacios públicos, jóvenes organizan “batallas de farmear aura” que convocan a decenas de espectadores. En estos duelos, dos participantes se enfrentan cara a cara intentando proyectar la mayor presencia posible a través de poses, gestos, movimientos, caminatas, bailes o referencias a memes y figuras deportivas.

La dinámica es sencilla: cada participante debe mantener la compostura, evitar reírse o perder el personaje y lograr que el público reaccione positivamente. El reconocimiento se mide a través de aplausos, vítores y gritos, que funcionan como una votación informal. En algunos encuentros, se suman jueces, rondas de eliminación y premios en efectivo para quien logre “farmear” más aura durante la competencia.

No se trata de una competencia física ni de demostrar habilidades atléticas. El eje está en la actitud y la capacidad de sostener una imagen de seguridad y carisma frente a la audiencia. En esa lógica, una simple mirada o una pose en el momento adecuado pueden definir el resultado de la batalla.

Gestos para “farmean aura”

Entre los gestos más característicos de estas competencias sobresale el “six-seven”, que implica levantar ambas palmas y moverlas alternadamente. Vinculado al rapero Skrilla y difundido por memes de la NBA, dicho gesto se convirtió en una de las señas de identidad de quienes participan en estas batallas. También forman parte del repertorio las poses “sigma”, miradas fijas, referencias a celebraciones deportivas de Lionel Messi, movimientos de “mewing” (técnica facial que define la mandíbula) y caminatas deliberadas conocidas como “aura walk”.

Estos elementos, sumados a la creatividad de cada participante, contribuyen a construir una competencia en la que la reputación se mide en tiempo real y el carisma se convierte en la principal herramienta para destacar. La proyección simbólica y la interacción con el público reafirman a “farmear aura” como una de las tendencias más representativas de la generación Z en el espacio público.

Aunque el concepto puede sonar ajeno para quienes superan los 30 años, su significado y las dinámicas que lo rodean reflejan la creatividad y los códigos de una generación marcada por los videojuegos, el anime y la viralidad de internet.

Cuál es el significado de farmear aura

La idea central de “farmear aura” fusiona términos de diferentes universos: por un lado, “farmear”, tomado de los videojuegos, significa repetir acciones para acumular recursos, experiencia o puntos y así mejorar el rendimiento de un personaje.

Por otro, “aura” representa el conjunto de atributos simbólicos que una persona proyecta, como carisma, seguridad, presencia y magnetismo. En este contexto, farmear aura refiere a realizar gestos, poses o actitudes que incrementan simbólicamente el carisma y la admiración percibida por los demás, ya sea en redes sociales o frente a un público.

El fenómeno comenzó a expandirse entre los fandoms de anime y comunidades gamer entre 2024 y 2025. Plataformas como TikTok, Instagram y X fueron las primeras en amplificar la tendencia, donde los usuarios empezaron a emplear el término en memes, videos y comentarios.

Frases como “+1000 de aura”, “perdió aura” o “+10.000 de aura” se volvieron frecuentes para celebrar o ridiculizar distintas conductas, como si existiera un marcador invisible que suma o resta puntos dependiendo de la actitud de cada persona.

En esencia, “farmear aura” describe situaciones donde alguien parece “acumular puntos” de presencia o prestigio ante el público. Una respuesta ingeniosa, una pose desafiante, una actitud segura o un movimiento inesperado pueden sumar aura, mientras que la incomodidad, la torpeza o una risa inoportuna suelen traducirse en pérdida de aura.

Cómo se farmea aura: gestos, poses y dinámicas

Las batallas de “farmear aura” no implican contacto físico ni destrezas atléticas; se trata de competencias donde dos participantes se enfrentan cara a cara, buscando proyectar la mayor presencia posible mediante gestos, poses, movimientos, caminatas, bailes y referencias a memes o figuras deportivas.

Uno de los gestos más reconocibles es el “six-seven”, que consiste en levantar ambas palmas y moverlas de forma alternada. Este movimiento proviene del meme “6 7”, asociado inicialmente al rapero Skrilla y popularizado por el basquetbolista LaMelo Ball en la NBA.

Las “poses sigma” también ocupan un lugar destacado: quien adopta esta postura muestra una mirada fija e indiferente, brazos cruzados y actitud autosuficiente, inspirándose en el meme del “sigma male”.

Las referencias a figuras deportivas no faltan en estas batallas. Lionel Messi es un ejemplo recurrente, ya que muchos participantes recrean la imagen del futbolista antes de entrar al campo, mientras que celebraciones propias de Cristiano Ronaldo también se integran en los enfrentamientos.

Los movimientos de “mewing” —una técnica facial popular en redes— y las llamadas “aura walks” —caminatas deliberadas para imponer presencia— completan el repertorio de recursos utilizados.

El objetivo para cada participante es sostener la compostura, evitar reírse o perder el personaje, y lograr que el público reaccione positivamente. Los aplausos, gritos y vítores funcionan como una votación informal para decidir quién “farmeó” más aura durante la competencia. En algunos eventos hay jueces, eliminación por rondas y premios en efectivo para el ganador.

La tendencia no se limitó a las redes sociales. Las batallas de farmear aura comenzaron a organizarse en plazas y espacios públicos de países como Brasil, Argentina, Bolivia, Perú y Paraguay. En estos encuentros, dos personas se colocan frente a frente en espacios delimitados, ejecutando gestos, poses, bailes y pequeñas actuaciones que buscan impresionar al público presente.

La convocatoria reunió a decenas de chicos en las inmediaciones de avenida Colón, entre Hipólito Yrigoyen y San Luis, en pleno centro de la ciudad costera. Familias y espectadores acompañaron la jornada, que transcurrió con normalidad hasta los minutos finales. Sobre el final, la situación se tornó violenta cuando un grupo de adultos irrumpió en la plaza y arrojó botellas y piedras contra los menores que participaban en la competencia.

Videos difundidos en redes sociales muestran el momento exacto en el que los agresores lanzan objetos contundentes hacia los jóvenes. En ellos, testigos describieron que los atacantes se reían mientras perpetraban la agresión. “Le dieron a uno”, expresó un niño en medio de la confusión.

Al ataque inicial de los adultos se sumaron alrededor de tres adolescentes, quienes también arrojaron piedras y otros elementos recogidos del suelo. Algunos de los presentes intentaron detener la violencia y pidieron a los agresores que cesaran los ataques. “Eh, loco, paren”, gritó un espectador, mientras otros alentaban la situación con risas y comentarios.

A pesar de la gravedad del incidente, no se registraron heridos de consideración y la multitud se dispersó tras el final del evento. Tampoco se reportaron intervenciones policiales ni detenciones.

¿Qué es “farmear aura”?

El término “farmear aura” surge de la combinación de dos conceptos centrales en la cultura digital. Por un lado, está el verbo “farmear”, tomado del inglés “to farm”, habitual en videojuegos como League of Legends y Pokémon Unite para describir la acción de repetir tareas y acumular recursos o experiencia. Por otro, aparece “aura”, que en el lenguaje de la Generación Z representa el conjunto de atributos simbólicos que una persona proyecta: carisma, seguridad, magnetismo, estilo.

La viralización de este fenómeno se produjo a través de plataformas como TikTok, Instagram y X, donde los usuarios empezaron a utilizar frases como “+1000 de aura” o “perdió aura” para comentar y calificar comportamientos. La lógica es sencilla: cada acción puede sumar o restar aura, casi como si la reputación funcionara como un marcador de videojuego. Una respuesta ingeniosa, una pose original o una actitud segura pueden convertirse en formas de “ganar aura”, mientras que situaciones embarazosas o intentos fallidos de destacarse suelen interpretarse como “pérdida de aura”.

El impacto de la tendencia trascendió el mundo virtual. Durante 2026, comenzaron a organizarse batallas de farmear aura en plazas y espacios públicos de Brasil, Argentina, Bolivia, Perú y Paraguay. En estos encuentros, dos jóvenes se enfrentan cara a cara y buscan proyectar la mayor presencia posible a través de poses, miradas, movimientos y referencias a memes o figuras deportivas. El público —con aplausos y vítores— decide quién “farmeó” más aura.

A diferencia de otros desafíos virales que circularon en redes, las batallas de farmear aura no implican riesgos físicos ni actividades peligrosas. La competencia gira en torno a la actitud, el control de la imagen y la capacidad de sostener la compostura bajo presión.

Las batallas de farmear aura siguen aumentando su popularidad, pero también han crecido las críticas.

Ciertas personas critican a los adolescentes y jóvenes que se reúnen a farmear aura en plazas públicas de México, pero esta costumbre podría ser menos irracional de lo que se cree.

El karate kata es una discplina que se desarrolla con movimientos marciales ante un oponente imaginario, los cuales se componen de gesticulaciones y técnicas, incluso ha sido parte de los Juegos Olímpicos.

Ambos conceptos —kata y farmear aura— comparten la idea de práctica repetitiva para perfeccionar habilidades y acumular “energía” o poder, ya sea físico (en karate) o virtual (en juegos y las recientes batallas callejeras).

Qué es el karate kata

El karate kata es una serie de movimientos preestablecidos que simulan situaciones de combate contra uno o varios oponentes imaginarios.

Cada kata combina técnicas de defensa, ataque, desplazamientos y posiciones, y sigue un orden específico.

Los practicantes de karate ejecutan los katas para perfeccionar su técnica, mejorar su concentración, disciplina y memoria corporal.

Los katas forman parte esencial del entrenamiento tradicional y también son evaluados en exámenes de grado y competencias.

Cada escuela de karate tiene sus propios katas, pero todos buscan transmitir los principios fundamentales del arte marcial, como la precisión, el control y la correcta aplicación de la fuerza.

Karate Kata en los Juegos Olímpicos

El karate kata debutó en los Juegos Olímpicos de Tokio 2020.

En esta edición, se incluyeron pruebas tanto femeniles como varoniles, donde los atletas ejecutaron una serie de movimientos coreografiados que son evaluados por jueces en función de la técnica, fuerza, sincronización y dificultad.

Un caso emblemático es el de Sandra Sánchez, quien ganó oro en kata femenil en Tokio 2020.

Este logro se considera histórico, ya que fue la primera vez que el karate formó parte del programa olímpico.

Los atletas participantes seleccionan uno de los katas reconocidos oficialmente y lo presentan ante un panel de jueces, quienes otorgan calificaciones individuales.

Qué es farmear aura y cómo surgió el término

El concepto fusiona dos elementos: el verbo “farmear”, originado del inglés “to farm” y popularizado en videojuegos como League of Legends o Pokémon Unite, refiere a la repetición constante de tareas para obtener experiencia o recursos; y “aura”, que en el lenguaje digital representa el conjunto de atributos simbólicos que una persona proyecta, como carisma, seguridad, energía y estilo.

Así, “farmear aura” describe la acción de sumar carisma y admiración mediante actitudes, gestos o poses, como si se acumularan puntos de prestigio ante los demás.

No implica una competencia física, sino la habilidad de sostener una imagen atractiva para el entorno.

En resumen, farmear aura significa realizar movimientos, respuestas ingeniosas o mantener posturas que incrementan simbólicamente el carisma y la reputación de una persona, tanto en la realidad como en las plataformas digitales.

El término surgió de la combinación entre la lógica de los videojuegos y la necesidad de destacar en redes sociales.

Viralización y lógica en redes sociales

La tendencia se extendió con rapidez en plataformas como TikTok, Instagram y X, donde los usuarios emplean frases como “+1000 de aura” o “perdió aura” para celebrar o ridiculizar comportamientos. Cada acción puede sumar o restar “aura”, según la reacción del público o la comunidad virtual, replicando la dinámica de puntuación de los videojuegos.

En redes sociales se han popularizado las batallas de farmear aura, una moda que ya llegó a México, pues el primer evento de este tipo se organizó en el Puerto de Veracruz.

Los bailes incluyen hacer el six-seven o incluso mewing, además de posar como en los memes de redes sociales.

¿Qué es farmear aura y cómo empezó?

“Farmear aura” es una expresión popular en internet que significa hacer cosas para ganar carisma, presencia o respeto en una situación social. El término mezcla dos ideas:

• Farmear: viene de los videojuegos y significa repetir acciones para conseguir recursos, experiencia o puntos, farming es una palabra en inglés que viene de granja.
• Aura: en internet y redes sociales, se usa para referirse al carisma, la seguridad o la vibra que una persona proyecta, sin relación con temas espirituales.

Así, farmear aura es hacer algo que te haga ver mejor ante los demás, como salir bien de un momento difícil, tener una respuesta ingeniosa o mostrar mucha confianza.

Si alguien hace algo vergonzoso o queda mal, “pierde aura”.

Es común ver frases como “+1,000 de aura” en tono de broma cuando alguien impresiona y “-5,000 de aura” cuando pasa un mal rato.

No existe una escala real; todo es parte del juego y el humor en redes.

El término nació en comunidades de videojuegos y anime, pero explotó en 2023 y 2024, especialmente en TikTok y en comunidades de deportes, gaming y memes.

En Latinoamérica, la expresión se viralizó aún más gracias a streamers y retos virales en redes sociales.

¿Qué son las batallas de farmear aura y cómo surgieron?

Las batallas de farmear aura son competencias, tanto en redes sociales como presenciales, donde los participantes buscan demostrar quién tiene más aura, es decir, quién proyecta más carisma o impacto ante el público.

Todo empezó como un meme y reto en TikTok, pero creció hasta convertirse en eventos reales, sobre todo en países como Brasil, donde cientos de jóvenes asisten a estos “duelos”.

¿En qué consisten?

Dos personas (o más) se enfrentan haciendo poses, bailes, gestos o movimientos llamativos, inspirados en memes, cultura viral o simplemente improvisando.

El objetivo es impresionar y que el público (en persona o en línea) decida quién “farmeó” más aura.

No hay contacto físico ni reglas estrictas; gana quien logra la mejor reacción del público, los comentarios o una votación.

Es una dinámica rápida, divertida y abierta a cualquiera, sin importar habilidades de baile.

Estas batallas mezclan códigos de videojuegos, cultura “sigma” (seguridad y postura), referencias a deportes y hasta memes.

No es la primera vez que hay batallas en la calle

Batallas de Tektonik:

El Tektonik (o Electro Dance) fue una tendencia juvenil en Francia entre 2006 y 2008, nacida en el club Metropolis de París.

Se caracterizaba por bailes energéticos y verticales, con movimientos rápidos de brazos, inspirados en música electrónica (hardstyle, jumpstyle) y moda colorida.

En las batallas, los bailarines se enfrentaban en duelos individuales, mostrando su agilidad y estilo para ganar el respeto del público.

El movimiento creció rápido gracias a videos en internet y se convirtió en moda global, aunque su auge fue breve.

Batallas de rap/freestyle:

Son duelos de improvisación verbal donde dos MCs (rappers) se enfrentan creando rimas espontáneas sobre una base musical.

Su origen está en la cultura hip-hop del Bronx en Nueva York en los años 70, como alternativa pacífica a los conflictos de pandillas.

Las batallas de freestyle buscan humillar al oponente usando ingenio, creatividad y flow, sin contacto físico. El público y un jurado deciden quién gana.

En Latinoamérica, estas batallas se volvieron masivas con eventos como Red Bull Batalla de los Gallos y son parte central de la cultura urbana

“Farmear aura” es la expresión que domina TikTok, Instagram y X entre la Generación Z en 2026: convertir el carisma en un marcador de videojuego donde cada acción suma o resta puntos ante la mirada del público.

La tendencia nació a mediados de 2024 en comunidades de videojuegos, anime y basquetbol en Estados Unidos, y para 2026 ya se instaló en plazas y calles de América Latina, donde los jóvenes organizan encuentros presenciales para competir cara a cara.

“Farmear” viene de los videojuegos, “aura” viene de las redes

La expresión fusiona dos palabras de mundos distintos. “Farmear” viene del inglés to farm y describe la acción de repetir una tarea dentro de un videojuego para acumular recursos, experiencia o puntos. En el lenguaje cotidiano de internet, el verbo migró para significar acumular cualquier cosa de forma constante y deliberada.

“Aura”, por su parte, no tiene aquí ninguna connotación espiritual. En la jerga de las redes, el aura es la presencia, el magnetismo, la seguridad y el estilo que una persona proyecta sin necesidad de decir una sola palabra. Juntadas, las dos palabras producen un concepto preciso: hacer cosas calculadas para aumentar la percepción de carisma frente a los demás.

El marcador imaginario: +1000 o -5000 de aura

El sistema funciona como un tablero de puntuación que no existe en ningún lado pero que todos entienden. Una respuesta ingeniosa, una caminata lenta con actitud, mantener la calma ante una situación incómoda o ejecutar un movimiento sin mostrar esfuerzo generan comentarios como “+1000 de aura” o “+10,000 de aura”. Una caída, un intento forzado de parecer interesante o quedar en evidencia ante un error se traducen en “-5,000 de aura”.

La lógica es la misma que la de un videojuego de rol: la reputación sube y baja según las acciones del personaje. La diferencia es que el personaje es una persona real y el público son los usuarios que observan, comentan y califican en tiempo real.

Las batallas de aura bajaron de la pantalla a la calle

La tendencia traspasó las pantallas. Durante 2026 se difundieron videos de encuentros presenciales en Brasil, Argentina, Bolivia, Perú y Paraguay, donde dos participantes se colocan frente a frente para demostrar quién proyecta mayor presencia ante el público reunido.

En esas batallas, los competidores recurren a poses, gestos, caminatas, bailes virales como el mewing o el 6-7, y referencias a memes o figuras del deporte. El público observa y decide quién gana. Algunos grupos han formalizado el formato con reglas, participantes definidos y espectadores que funcionan como jurado.

La ironía como parte del juego

La expresión opera en dos registros al mismo tiempo. Por un lado, funciona como elogio genuino para quien transmite un carisma que parece natural e involuntario. Por otro, se usa de forma irónica para señalar a quien se esfuerza demasiado por parecer interesante frente a la cámara: alguien que “farmea aura” de manera tan obvia que el efecto se revierte y termina restando puntos.

Esa doble lectura es parte de lo que sostiene la tendencia. Generación Z y Generación Alfa la usan tanto para celebrar como para burlarse, y la línea entre los dos usos depende del contexto y del tono con que se pronuncie.

No existe una escala universal ni una puntuación oficial. El marcador es colectivo, arbitrario y cambia según quien observe. Eso no le resta fuerza al concepto: en las batallas presenciales que se replican en distintas ciudades de América Latina, el público sabe perfectamente quién ganó aura y quién la perdió.

El concepto detrás de esta competencia tiene diferentes orígenes, desde términos de videojuegos y un concepto abstracto de redes sociales entre la generación Z.

Qué significa “farmear aura” y de dónde viene la expresión

La frase “farmear aura” es el resultado de fusionar dos conceptos. Por un lado, está el verbo “farmear”, proveniente del inglés “to farm”, que en el mundo de los videojuegos describe la acción de repetir tareas para obtener recursos, experiencia o puntos y así mejorar a un personaje.

Juegos como League of Legends, Honor of Kings o Pokémon Unite popularizaron este término, asociándolo con el esfuerzo constante para progresar en un entorno virtual.

En el otro extremo está “aura”, que dentro del lenguaje digital representa el conjunto de atributos simbólicos que una persona proyecta: carisma, presencia, seguridad, energía, estilo y magnetismo. No se trata de una noción espiritual, sino de la impresión que alguien logra transmitir a su entorno, especialmente en contextos sociales o virtuales.

De esta manera, “farmear aura” significa realizar acciones, gestos, poses o mantener actitudes que incrementan simbólicamente el carisma y la admiración que los demás perciben en una persona. El término se utiliza para describir situaciones donde alguien parece “acumular puntos” de presencia o prestigio ante los ojos del público, ya sea en la vida real o a través de una pantalla.

Cómo es el fenómeno en redes sociales: memes y frases

La viralización de “farmear aura” se dio de manera acelerada en plataformas como TikTok, Instagram y X, donde los usuarios comenzaron a aplicar el término en memes y comentarios. Frases como “+1000 de aura”, “+10.000 de aura” o “perdió aura” se utilizan para celebrar o ridiculizar comportamientos, casi como si existiera un marcador invisible que suma o resta puntos en función de la actitud de cada persona.

Una respuesta ingeniosa, una pose desafiante, una actitud segura o un movimiento inesperado pueden ser considerados formas de “ganar aura”. Por el contrario, situaciones embarazosas, errores, pérdida de compostura o intentos fallidos de parecer interesante suelen interpretarse como pérdidas de aura.

La lógica detrás de esta tendencia es sencilla: cada acción puede sumar o restar aura, como si la reputación fuera un marcador de videojuego. Así, cuando alguien resuelve una situación de manera elegante o mantiene la calma bajo presión, recibe comentarios como “+1000 de aura”, mientras que una actitud torpe o una caída puede traducirse en “perder aura”.

Cómo el concepto de las redes sociales llegó a las calles

El crecimiento de la tendencia no se limitó al mundo digital. En 2026, las “batallas” de farmear aura comenzaron a aparecer en plazas y espacios públicos de Brasil, Argentina, Bolivia, Perú y Paraguay.

En estos encuentros presenciales, dos participantes se enfrentan cara a cara y buscan proyectar la mayor presencia posible a través de poses, gestos, movimientos, caminatas, bailes e incluso referencias a memes o figuras deportivas.

La dinámica es sencilla: cada persona debe mantener la compostura, evitar reírse o perder el personaje y lograr que el público reaccione de manera positiva. Los aplausos, gritos y vítores funcionan como “votación” informal para decidir quién “farmeó” más aura durante la competencia. En algunos eventos, incluso hay jueces, eliminación por rondas y premios en efectivo para el ganador.

No se trata de una competencia física ni de demostrar destreza atlética. La clave está en la actitud y la capacidad de sostener una imagen de seguridad y carisma. A veces, una simple mirada o una pose en el momento justo pueden ser suficientes para obtener el reconocimiento del público y “ganar” la batalla.

Entre los gestos característicos de estas competencias destacan el famoso “six-seven”, que consiste en levantar ambas palmas y moverlas de forma alternada, vinculado al rapero Skrilla y popularizado por memes de la NBA.

También hay poses “sigma”, miradas fijas, referencias a celebraciones deportivas de Lionel Messi, movimientos de “mewing” y caminatas deliberadas conocidas como “aura walk”.

En las últimas horas, el Club Toluca desató una ola de interacciones en redes sociales tras publicar un metraje protagonizado por el lateral mexicano Jesús Gallardo, sumándose de forma cómica a una de las tendencias más populares de las redes sociales: las batallas para “farmear aura”, dejando claro que la Liga MX es un lugar con mucho material.

El fenómeno de “farmear aura” se basa en una métrica humorística inventada por las audiencias jóvenes y usuarios de plataformas de videos cortos. En estas dinámicas, dos o más personas se enfrentan cara a cara proyectando actitud, poses, expresiones faciales o gestos llamativos para acumular “puntos de presencia y carisma” ante los espectadores. Por el contrario, cometer un acto vergonzoso o falto de actitud resulta en la pérdida inmediata de dichos puntos.

El “Haaland Tabasqueño” desata los memes

A diferencia de los duelos habituales en los que dos competidores cruzan miradas y ademanes, el Toluca apostó por una ejecución minimalista. En el breve videoclip difundido por el club, se aprecia a Jesús Gallardo sentado conversando descuidadamente con alguien fuera de cámara; segundos después, el futbolista voltea directamente hacia la lente y esboza una sonrisa usando una peluca rubia.

La respuesta de la afición y de los cibernautas fue inmediata. De forma unánime, los usuarios aseguraron que la interacción del lateral le otorgó una puntuación simbólica de “+999 de aura”, catapultando el metraje a los primeros lugares de tendencia. La ocurrencia detonó una lluvia de sobrenombres cómicos para el seleccionado nacional, renombrándolo en redes como el “Haaland tabasqueño”, “He-Man Gallardo”, “Gallardo Targaryen” o la “güerita de fuego”.

La “Batalla de Farmeo de Aura” llega a la CDMX

El fervor por esta tendencia digital no se ha limitado únicamente a las interacciones de los futbolistas y clubes profesionales. La fiebre por la acumulación de “aura” ha escalado a tal grado que ya se preparan encuentros masivos presenciales en la capital del país.

Bajo la organización de la cuenta de Instagram de Proyecto Escolar, se ha lanzado oficialmente la convocatoria para participar en la “Batalla de Farmeo de Aura CDMX”, un encuentro urbano que promete reunir a creadores de contenido, jóvenes y entusiastas de la cultura de internet en uno de los puntos más emblemáticos del sector poniente de la Ciudad de México.

La cita está programada para el próximo domingo 23 de agosto a las 3:00 PM, teniendo como sede la Explanada del Parque México, ubicada en la colonia Condesa. De acuerdo con el cartel promocional difundido digitalmente, la competencia contará con la supervisión de un réferi oficial identificado como Josuesy, encargado de impartir justicia y determinar la dinámica de los enfrentamientos entre los asistentes.

Uno de los detalles que más ha llamado la atención del público es la forma en que se anunció el estímulo para el ganador de la jornada en el Parque México. La organización destaca en letras de gran tamaño un premio principal para el primer lugar de $300,000 centavos mexicanos.

Para evitar malentendidos entre los futuros participantes, la misma publicidad aclara entre paréntesis que la cifra equivale a 3,000 pesos mexicanos reales ($3,000 MXN), recurriendo al humor característico de los memes y las dinámicas virales para enganchar a las audiencias jóvenes.

El contraste entre la creatividad de los clubes de la Liga MX para enganchar con sus aficionados y la organización de eventos comunitarios en espacios públicos demuestra el profundo impacto que las tendencias de internet continúan teniendo en la cultura popular contemporánea.

En la era de las redes sociales, conceptos como farmear, aura y carisma se convirtieron en parte del lenguaje cotidiano de la Generación Z.

El término “farmear aura” dejó de ser un meme de TikTok para transformarse en la clave de la presencia y el magnetismo personal. No se trata de hablar fuerte ni de imponerse: el aura se construye desde la calma, la postura y el control emocional.

Por eso, en 2026, las “batallas” de aura ya no solo ocurren en línea, sino en plazas públicas, especialmente México donde se ha hecho tendencia con virales videos.

La tendencia otorga “puntos” simbólicos a quien logra proyectar mayor seguridad y estilo. Las competencias presenciales funcionan con reglas informales: dos personas sostienen la compostura, evitan reírse y buscan que el público reaccione a su imagen. Los aplausos y vítores deciden quién “farmeó” más aura.

5 trucos de lenguaje corporal para farmear aura

La batalla por la presencia puede definirse en segundos. Hay cinco estrategias para ganar magnetismo a través del lenguaje corporal:

El silencio incómodo: Compostura antes que reacción

El primer truco consiste en no responder de inmediato cuando alguien hace una pregunta o provoca. Sostener la mirada dos segundos antes de hablar transmite control y seguridad. En competencias presenciales, quien domina este silencio suele descolocar al rival y gana la atención del público.

Lentitud deliberada: Lenguaje de “cero urgencia”

Moverse con calma y evitar cualquier gesto apresurado es clave. Las personas que se apresuran suelen proyectar falta de control. Caminar despacio, manipular objetos con lentitud y tomarse tiempo para reaccionar genera una impresión de confianza, tanto en la calle como en redes sociales.

Opinión firme: Cero validación externa

No explicarse de más ni justificarse al dar una opinión demuestra seguridad. Quien se detiene a aclarar o buscar aprobación pierde puntos de aura. En las “batallas”, quienes mantienen sus ideas sin buscar validación externa consiguen sumar presencia ante los demás.

Mirada triangular: Contacto visual sin parpadear en exceso

La técnica de mirar a los ojos y alternar la vista entre ambos ojos y el puente de la nariz, sin parpadear demasiado, refuerza la sensación de dominio. Este gesto se usa para intimidar de manera sutil y proyectar autoridad en cualquier situación social.

Postura del eje: Girar el tronco, no solo el cuello

Mover el cuerpo completo en lugar de girar solo el cuello cuando alguien habla transmite interés y seguridad. Esta postura evita parecer nervioso o distraído. En competencias, la postura del eje ayuda a mantener la atención y sumar “puntos de aura”.

Ejemplos prácticos: Acciones cotidianas para farmear aura

En la vida diaria, farmear aura implica pequeños gestos que suman carisma. Cortar el pan en vez de dejar que la máquina lo haga, escribir en cursiva, usar un fajo de billetes en vez de tarjeta o ver la hora en el reloj en vez de sacar el celular generan una impresión de control y estilo. No usar el celular en fiestas, sentarse con una pose relajada o saber repartir cartas son ejemplos de presencia que la Generación Z valora.

El origen de “farmear aura” en videojuegos y redes

La tendencia de “farmear aura” evidencia cómo la reputación y el carisma se volvieron una competencia medible y celebrada en público. Cada gesto cuenta, y el marcador está siempre en juego.

La frase surge de dos mundos diferentes. Por un lado, “farmear” proviene del inglés “to farm”, usado en videojuegos como League of Legends y Pokémon Unite para describir la repetición de tareas que otorgan recursos y experiencia. Por el otro, “aura” representa la suma de carisma, seguridad y estilo que una persona proyecta. No implica un significado espiritual, sino la impresión que deja en contextos sociales.

En redes como TikTok, Instagram y X, la lógica es sencilla: cada acción suma o resta aura, como si la reputación fuera un marcador visible. Una respuesta ingeniosa, una actitud firme o una pose inesperada pueden sumar “+1,000 de aura”. Por el contrario, perder la compostura o cometer un error se traduce en “perder aura”.

¿Cómo se “farmea” aura fuera de internet?

La viralización no se quedó en el entorno digital. Desde 2026, las batallas de aura en espacios públicos se volvieron populares en países como Paraguay y Perú.

Participantes compiten cara a cara, proyectan presencia a través de gestos, movimientos y poses, e incluso recurren a referencias de memes o figuras deportivas. La clave está en mantener la compostura y evitar perder el personaje ante la mirada del público.

Entre las poses y gestos más recurrentes están el “six-seven”, vinculado al rapero Skrilla y popularizado en la NBA, así como miradas fijas y movimientos “sigma”. Los jueces y premios en efectivo en algunos eventos consolidaron el fenómeno como una forma alternativa de competencia social.

Durante décadas, la industria del juguete tuvo una certeza bastante sencilla: su consumidor era, esencialmente, un niño. Esa frontera hoy empieza a desdibujarse. En mercados como Japón, Londres o Estados Unidos hace tiempo que pequeños personajes cuelgan de carteras y mochilas, ocupan escritorios o se exhiben como objetos de diseño. El fenómeno, que adquirió particular fuerza en Asia, se extendió rápidamente hacia Europa, Estados Unidos y América Latina. Son los llamados Trendy Toys o juguetes de tendencia: figuras de diseño, charms, cápsulas sorpresa y las populares blind boxes, cajas cerradas en las que el comprador sabe a qué colección pertenece el producto, pero desconoce qué personaje encontrará hasta abrirlas.

La expectativa por descubrir la figura, la posibilidad de encontrar una versión poco frecuente y el deseo de completar una colección introdujeron nuevas lógicas en una industria históricamente asociada al juego tradicional. Pero quizá lo más interesante no esté en los juguetes, sino en quiénes los compran y qué hacen con ellos.

Una investigación realizada por Kantar para MINISO en Reino Unido y Francia detectó un cambio relevante en la forma de entender a este consumidor: la elección de Trendy Toys aparece asociada cada vez más con intereses culturales, fandoms, anime, licencias y cultura pop que con variables exclusivamente demográficas.

El estudio identifica, entre otros segmentos, a los llamados “Trend Chasers”, jóvenes principalmente de las generaciones Z y Alpha, buscadores de novedades y especialmente conectados con tendencias y licencias.

También son quienes registran el mayor presupuesto anual destinado a esta categoría entre los grupos analizados: alrededor de 534 libras esterlinas en Reino Unido y 509 euros en Francia, con una frecuencia cercana a nueve compras por año. El dato confirma un cambio significativo: el coleccionismo dejó de ser un territorio exclusivamente infantil. Adolescentes y adultos jóvenes encuentran en estos objetos entretenimiento, diseño, nostalgia y una forma de expresar sus gustos.

Aparece además otra lógica de consumo: el self-reward, la compra como pequeña recompensa personal. No hace falta un cumpleaños ni una ocasión especial. El consumidor puede comprar una figura porque se identifica con el personaje, quiere completar una colección o simplemente porque le genera satisfacción. Y también cambia el destino del producto. Un coleccionable puede ocupar un escritorio, incorporarse a la decoración o acompañar una cartera o mochila como charm. El juguete comienza así a acercarse a otros universos, como la moda, el diseño y los accesorios.

De coleccionar a personalizar

La evolución más reciente del fenómeno agrega otra dimensión. En diferentes mercados crecen las comunidades que customizan sus personajes: los intervienen, les confeccionan prendas o agregan accesorios para adaptarlos a su propio estilo. El personaje deja de ser un objeto terminado. Dos personas pueden comprar exactamente la misma figura y convertirla en algo completamente diferente.

Las redes sociales potenciaron esta práctica y aceleraron la difusión de la categoría. TikTok e Instagram encontraron en las blind boxes un formato ideal: el unboxing combina expectativa, sorpresa y reacción frente a cámara. El resultado es un circuito en el que el producto genera contenido y el contenido vuelve a generar deseo. Alrededor de esa dinámica se forman comunidades que muestran colecciones, intercambian figuras y comparten información sobre nuevos lanzamientos.

Cuando el juguete se convierte en una señal de identidad

La relación entre los personajes y sus consumidores ayuda a explicar por qué algunos Trendy Toys logran trascender el simple éxito comercial. Llevar determinada figura en una mochila, exhibirla en un escritorio o incorporarla a una colección puede funcionar como una señal de afinidad, del mismo modo que durante años lo hicieron determinadas marcas, bandas de música o prendas.

Para Carlos Jamardo Arrigo, gerente de Marketing de MINISO Argentina, este comportamiento muestra un cambio que supera el éxito circunstancial de un personaje: “Estamos viendo algo que va bastante más allá de una tendencia puntual. Hoy un personaje como YOYO o Carrot Street (licencias de Miniso) puede ser al mismo tiempo un objeto de colección, un accesorio y una expresión de identidad. Incluso vemos en otros mercados cómo los consumidores los intervienen y personalizan para hacerlos propios. La edad empieza a perder importancia frente a la afinidad y el sentido de pertenencia.”

Más allá de sus diferencias, comparten una característica: pueden funcionar simultáneamente como juguetes, coleccionables, objetos de diseño o accesorios.

El fenómeno presenta además una paradoja: una tendencia impulsada en buena medida por las redes sociales está contribuyendo a recuperar la experiencia de ir a una tienda. Por eso algunas cadenas comenzaron a dedicar espacios específicos a estas colecciones y a promover lanzamientos, encuentros de comunidades e intercambio de figuras. En la Argentina, esta dinámica empieza a observarse también en la convocatoria que generan algunas aperturas. En el caso de MINISO, cientos de consumidores participan de estos eventos para descubrir novedades, buscar determinados coleccionables y vivir una experiencia que muchas veces comenzó días antes en las redes.

“La conversación puede empezar en una pantalla y terminar generando tráfico hacia una tienda. Alguien descubre un personaje en TikTok y después quiere verlo, tocarlo y encontrarlo. Lo digital, en este caso, no necesariamente reemplaza al espacio físico: muchas veces lo potencia”, señala Jamardo.

Una tendencia que empieza a convertirse en categoría

Con el Día del Niño nuevamente en el centro del calendario comercial, los Trendy Toys ponen en evidencia cómo comienzan a desdibujarse las fronteras tradicionales del mercado del juguete.

Para un niño pueden representar juego y descubrimiento. Para un adolescente, una forma de expresar sus gustos. Para un adulto joven, nostalgia, diseño, decoración o simplemente el placer de completar una colección. Su crecimiento reúne varias características del consumo contemporáneo: cultura pop, coleccionismo, sorpresa, personalización y comunidades digitales.

Por eso el futuro de esta tendencia probablemente no dependa de que un determinado personaje siga siendo popular dentro de algunos años. Los personajes pueden cambiar; la conducta de consumo que están instalando parece mucho más profunda. Tal vez la pregunta ya no sea hasta qué edad una persona compra juguetes, sino qué lugar empiezan a ocupar estos objetos en su vida cotidiana.

El episodio motivó una reacción singular por parte del establecimiento: la entrada en cuestión fue cerrada en forma temporal para evitar cualquier alteración en el nido y proteger así al diminuto huésped.

Este gesto de respeto hacia la naturaleza sorprendió tanto a los clientes como al personal, quienes se vieron obligados a modificar sus rutas habituales dentro del resort. Un cartel informativo colocado en el acceso cerrado advertía a los visitantes: “Un colibrí construyó un nido en la manija de esta puerta. Por su seguridad, les pedimos amablemente que utilicen la otra puerta. Gracias por ayudarnos a proteger la fauna local”.

La decisión del hotel de bloquear una de sus entradas principales a causa del colibrí no solo fue un acto de protección animal, sino que también se ganó la simpatía de quienes valoran la convivencia con la vida silvestre. Lo que normalmente sería motivo de incomodidad en un resort de lujo –el cierre de un acceso principal– se transformó en una anécdota celebrada tanto por huéspedes como por usuarios de redes sociales.

La historia cobró notoriedad gracias a Katelyn Bell, una joven de 23 años originaria de Portland, Oregón, quien se alojó junto a su familia en el resort durante el mes de marzo. Durante una caminata matutina hacia la piscina del hotel, Bell notó el cartel que advertía sobre la presencia del nido y, al acercarse, descubrió al colibrí posado en su pequeño hogar.

La escena le pareció tan entrañable que decidió grabarla y compartir el video a través de su cuenta de TikTok. El material, que muestra tanto al ave como la medida adoptada por el hotel, rápidamente se viralizó, sumando miles de visualizaciones y comentarios.

“Íbamos caminando por allí, creo que íbamos a la piscina esa mañana, y vi un cartel que decía ‘naturaleza en acción’. Y entonces me fijé en el pomo de la puerta, en el nido. Tuve muchísima suerte al volver: [el pájaro] estaba en el nido”, relató Bell.

Para ella, observar de cerca a la pequeña ave fue uno de los momentos más memorables del viaje, especialmente porque su principal motivación al visitar Palm Springs era disfrutar del entorno natural y los oasis de palmeras.

El letrero informativo fue solo el primer paso de una acción coordinada para garantizar que el nido permaneciera intacto y que el colibrí pudiera cuidar a sus crías sin ser molestado por el flujo habitual de huéspedes. Además, el hotel pidió expresamente a sus visitantes que colaboraran utilizando otras entradas y evitando la zona resguardada, mostrando un compromiso activo con la conservación de especies autóctonas.

La protección de la vida silvestre en el resort no se circunscribe a un solo ejemplar. Durante su estancia, la propia Katelyn Bell observó varios nidos de colibríes distribuidos en diferentes áreas del hotel. En una ocasión, pudo ver a un colibrí más grande junto a una cría; el personal incluso colocó una cesta especial para ayudar al pichón a instalarse, facilitando la construcción de otro nido.

Estas escenas, lejos de ser excepcionales, forman parte del día a día en la propiedad y representan oportunidades únicas para los huéspedes de interactuar con la naturaleza sin perturbarla.

Al investigar un poco más sobre el tema, Bell descubrió que la presencia de animales y la adaptación de las instalaciones a sus necesidades son prácticas habituales en el Ritz-Carlton Rancho Mirage. Según le explicaron empleados del hotel, existe un miembro del personal dedicado exclusivamente al cuidado y protección de la fauna local.

Esta persona se encarga de supervisar los nidos, evitar que sean dañados y priorizar el bienestar de las especies que eligen el hotel como refugio temporal o permanente. La existencia de un “encargado de la naturaleza” evidencia la política de convivencia y protección ambiental que caracteriza al establecimiento.

El video publicado en TikTok llegó hasta la cuenta oficial del Ritz-Carlton, que respondió en la misma plataforma con un mensaje de bienvenida a todos los visitantes, humanos y alados: “Todos son bienvenidos a crear recuerdos inolvidables“.

Kylie Jenner anticipó la llegada de sus 29 años con una celebración donde el rosa no solo fue protagonista, sino el hilo conductor de una puesta en escena que fusionó moda y personalidad. A horas de su cumpleaños, la empresaria transformó su mansión de Beverly Hills en un universo propio, donde cada espacio y detalle visual respondía a una curaduría estética pensada para dejar huella.

La cita, privada y exclusiva, nació con una consigna clara: impresionar y marcar tendencia. Jenner optó por una narrativa visual que osciló entre el juego y la sofisticación, reafirmando su posición como icono del estilo contemporáneo. El primer adelanto de la fiesta llegó a través de sus historias de Instagram: un vestido mini de vinilo fucsia, con escote halter pronunciado y silueta al cuerpo, capturó la atención de sus seguidores.

El look se completó con sandalias de la colección primavera/verano 2026 de Gucci, una bufanda de plumas y una corona, ambas en tono rosa, que sumaron textura y dramatismo al estilismo. Así, Jenner convirtió su vestuario en una declaración de intenciones y en una extensión natural de la estética que domina tanto su marca personal como el pulso de la moda actual.

Kylie sumó una manicura y uñas en la misma gama, logrando un estilismo perfectamente coordinado y pensado para no pasar desapercibido. La elección de Jenner convirtió el vestuario en un guiño directo a la estética Barbie, tendencia que ha impactado la moda y la cultura pop en los últimos años y que se consolida como parte del universo visual de la empresaria.

Fiesta temática y código de vestimenta

La preparación de la fiesta comenzó días antes, con publicaciones en redes sociales que avivaron la expectativa de sus seguidores. La mansión de Beverly Hills se transformó en un espacio temático donde cada rincón reflejó la personalidad y el sello distintivo de la empresaria.

La celebración, que la propia Kylie denominó “Princess Kitty” en una historia de Instagram, incluyó un código de vestimenta para los invitados: prendas y accesorios rosados, coronas y boas de plumas. Entre los asistentes destacaron Hailey Bieber, Khloé Kardashian, Devon Lee Carlson y Victoria Villarroel, quienes se sumaron a la consigna y aportaron su propio estilo al evento. Hailey Bieber compartió imágenes preparando cócteles y posando con una tiara, una boa rosa y un top de tirantes en el mismo tono, mientras interactuaba con otros invitados en la cocina de Jenner.

Detalles y decoración: el rosa como hilo conductor

La decoración de la cocina reflejó el espíritu de la celebración. Una mesa central exhibía donas, dulces y una selección de pasteles personalizados. Uno de los pasteles era blanco y estaba cubierto de gemas de colores, mientras que otro imitaba la figura de una mujer en bikini rosa, con la palabra “meow” escrita en el glaseado. Un tercer pastel, completamente rosa, mostraba la inscripción “Happy Birthday, kitty Kylie” y pequeños gatos de glaseado con gorros de fiesta. Cada pastel tenía un diseño y una personalidad propia, lo que aportó una dimensión lúdica y visual al evento.

Las imágenes reveladas mostraron a Jenner posando junto a la mesa de dulces, reforzando la importancia otorgada a la estética y a la curaduría visual de cada rincón. Los pasteles y la decoración funcionaron, además, como una extensión de la narrativa personal de la empresaria, donde cada detalle suma a la construcción de su marca.

La previa del cumpleaños de Kylie Jenner funcionó también como un escaparate de su marca personal y su influencia en la industria de la moda y la belleza. Desde su aparición en el reality “Keeping Up with the Kardashians”, Jenner consolidó su proyección pública a través de la estética, la moda y el negocio digital. El evento se transformó en una muestra de cómo la empresaria utiliza cada ocasión para reafirmar su identidad y lanzar nuevas tendencias. “Mis amigos me consiguieron los pasteles más lindos”, escribió Jenner en una de sus historias, destacando la participación activa de sus invitados en la preparación de los detalles.

La fiesta, más allá de la celebración personal, evidenció el alcance internacional de la marca Kylie Jenner y su capacidad para imponer estilos.

Dicen que la vida tiene una forma irónica de sorprendernos cuando dejamos de hacer planes. Durante décadas, Melanie Chisholm, mundialmente conocida como la inconfundible “Sporty Spice”, aseguró que el matrimonio no estaba en su radar y que su gran amor siempre había sido su exigente carrera musical.

Sin embargo, a sus 52 años, la historia dio un giro inesperado, llevándola a protagonizar uno de los enlaces más espectaculares, románticos y llenos de estilo de este 2026. El enlace se celebró el 18 de julio en una pintoresca finca campestre a orillas de un lago en Cumbria, Inglaterra y la gran noticia que sacudió a los fanáticos de la cultura pop no fue únicamente que se casó la Spice Girl, sino el nostálgico reencuentro de sus compañeras de banda marcado por un detalle insoslayable: Victoria Beckham no asistió a la boda.

El look de los novios

Victoria Beckham se encargó de confeccionar el vestido nupcial para su amiga y ex compañera de banda. El diseño, inspirado en el modelo “Lace Cami” de la propia firma, reunió elementos clásicos del minimalismo—tirantes extrafinos, escote en V y una falda de caída fluida—con detalles de alta costura, como los apliques de encaje floral de Lyon, recortados y cosidos a mano sobre la base de satén marfil.

La propia Mel C relató a Vogue que su estilista había seleccionado varios modelos antes del viaje a Australia, donde celebró una ceremonia civil, pero fue Victoria quien le ofreció uno idéntico de su armario cuando el original no se ajustó correctamente. “Fue mi ‘algo prestado’”, comentó la artista. Para la boda en el Reino Unido, Beckham propuso crear un vestido completamente nuevo, adaptando el diseño inicial con encaje vintage y una sutil cola, a sugerencia de Scarlet, la hija de Melanie.

La ausencia de la esposa de David Beckham en la boda por compromisos familiares en Estados Unidos no restó simbolismo a su aporte. Según la propia diseñadora, “Melanie es bastante minimalista y no quería nada recargado, conceptual ni excesivamente complicado, todo eso encaja a la perfección con mi estilo”.

La elección estética de la Sporty Spice priorizó la comodidad y la autenticidad. Su cabello, peinado en ondas suaves y naturales, lucía mechas balayage en tonos caramelo y miel. El maquillaje, a cargo de Bekki Mitchell, resaltó la luminosidad de la piel, con una base bronceada y un acabado fresco, sumando labios nude y ojos en tonos cálidos. La ausencia de joyería ostentosa y la elección de un ramo silvestre de flores blancas y hojas verdes reforzaron el concepto de una novia contemporánea y genuina.

El afortunado novio es Chris Dingwall, un apuesto modelo y cineasta australiano a quien conoció en 2023 a través de una exclusiva aplicación de citas. Tras comprometerse en Mallorca en julio de 2025, la pareja celebró su amor en una pintoresca finca campestre a orillas de un lago en Cumbria, Inglaterra. El estilismo de los recién casados fue una verdadera clase magistral de sofisticación.

Dingwall apostó por la elegancia atemporal de un esmoquin oscuro de corte clásico, combinado con una camisa blanca impecable, pajarita negra y un sutil detalle floral en la solapa. Su look pulcro y estructurado actuó como el contrapeso formal perfecto para la soltura de su esposa.

El reencuentro de las Spice Girls: los looks de Emma, Mel B y Geri

A pesar de la sonada ausencia de Victoria, Emma Bunton, Mel B y Geri Horner garantizaron que el espíritu del grupo brillara con fuerza. Cada una acudió luciendo atuendos que reflejaban su evolución personal sin perder la esencia de los personajes que las catapultaron a la fama mundial.

Mel B (Scary Spice): Melanie Brown optó por un look audaz y glamuroso, luciendo un minivestido ceñido en un deslumbrante tono champán. El diseño destacaba por un favorecedor drapeado que abrazaba sus curvas, complementado con altas sandalias de tiras metalizadas y su icónica melena rizada suelta, derrochando la misma actitud imponente de los noventa.

Geri Horner (Ginger Spice): Consolidando su actual estética de elegancia romántica, Geri eligió un vaporoso vestido largo de base blanca. La prenda estaba adornada con un delicado estampado floral tipo acuarela en tonos lilas y verdes. Su diseño de cuello cerrado y caída fluida encajaba a la perfección con la atmósfera bucólica de los jardines ingleses, proyectando una imagen serena y etérea.

Emma Bunton (Baby Spice): La recordada “Baby” fue quien más jugó con la nostalgia en su vestuario. Emma sorprendió con un traje de sastrería de dos piezas, aportando frescura con un vibrante estampado de cuadros en tonos blancos y rosas. El pantalón acampanado y la chaqueta estructurada le daban un aire contemporáneo, mientras que los infaltables zapatos de plataforma asomando por debajo fueron el guiño definitivo a su legendaria identidad pop.

La imagen de las Spice Girls reunidas siempre causa furor, pero la postal de esta boda quedó incompleta. La noticia de que Victoria Beckham no asistió a la boda de su excompañera generó especulaciones, pero la razón fue estrictamente de agenda: la diseñadora se encontraba en Estados Unidos junto a su esposo, David Beckham, asistiendo a la gran final del Mundial de fútbol 2026.

Las oficinas argentinas viven una transformación: cada vez más trabajadores mayores de 55 años ocupan roles clave y extienden su carrera profesional. Hoy, la talento silver está en el centro de la estrategia de las empresas líderes, que reconocen el valor de su experiencia y su capacidad de adaptación en un entorno desafiante.

El ranking Los Mejores Lugares para Trabajar™ Generación Silver 2026 de Great Place To Work® (GPTW) Argentina sobre los mejores lugares para trabajar para personas de 55 años o más muestra una tendencia nítida: las organizaciones que logran integrar y potenciar el talento senior obtienen mejores índices de confianza, innovación y compromiso.

En esta edición participaron 63 organizaciones, se relevaron a unos 14.000 empleados, de las cuales 2.780 respuestas correspondieron a colaboradores de 55 años o más. Entre las participantes, 20 compañías lograron un lugar en la lista final.

El nuevo protagonismo de la experiencia senior

El informe de Great Place To Work® Argentina subraya que la Generación Silver ya no representa solo una etapa final en la vida laboral. Por el contrario, el segmento de trabajadores mayores de 55 años se sostiene y, en muchos casos, asume posiciones de decisión y liderazgo.

La valorización del talento Silver se apoya en dos pilares: la adaptabilidad y la disposición para seguir aprendiendo.

Las empresas que sobresalen en el ranking desarrollan políticas de confianza y participación real. De acuerdo con Carlos Alustiza, CEO de la consultora, la clave está en “dar espacio y protagonismo a quienes tienen la experiencia para leer contextos y tomar decisiones complejas”.

Resultados clave: confianza, reconocimiento y desarrollo

El estudio identifica que la brecha generacional se explica menos por la edad y más por el espacio de confianza que reciben los colaboradores senior. Los mayores de 55 años puntúan entre 5 y 7 puntos por encima del promedio general de sus organizaciones y hasta 20 puntos por encima del mercado nacional, especialmente en dimensiones como credibilidad, respeto y orgullo.

El informe también revela que el talento senior no se retira ni se reduce, sino que se recategoriza y accede a roles con mayor responsabilidad.

El informe señala que, al comparar con el mercado nacional, la mayor brecha se observa en la oportunidad de recibir un reconocimiento especial y en los ascensos otorgados por mérito. Aunque el trato hacia los colaboradores senior es correcto, el reconocimiento sistemático continúa como un aspecto a mejorar en el mercado.

El informe muestra que el compromiso de los colaboradores sigue una curva en U: la favorabilidad es alta en los primeros dos años, desciende a su punto más bajo entre los 2 y 5 años, y luego se recupera de manera sostenida, superando el nivel inicial recién después de los 16 años de antigüedad.

Además, la llegada de la inteligencia artificial y la automatización pone en primer plano el valor del criterio y la mentoría, atributos que la Generación Silver concentra.

Great Place To Work® evalúa cinco dimensiones fundamentales en su modelo: credibilidad, respeto, ecuanimidad, orgullo y compañerismo. Las empresas mejor posicionadas en el ranking demuestran coherencia entre el discurso y la acción, reconocen el esfuerzo y fomentan la participación de su talento senior en la toma de decisiones relevantes.

En credibilidad, la experiencia de los trabajadores senior sirve como control de calidad para la gestión. El respeto se refleja en la posibilidad de ser escuchados y reconocidos. La ecuanimidad se relaciona con la justicia en ascensos y reconocimientos. El orgullo consolida la transmisión de la cultura organizacional a las nuevas generaciones. El compañerismo sostiene la colaboración entre pares, sin distinción de edad.

La rápida adopción de la inteligencia artificial transforma las tareas rutinarias y genera nuevas demandas en las organizaciones. El informe indica que el Ratio de Velocidad de Innovación (IVR) para la Generación Silver es de 5:2, lo que significa que por cada cinco colaboradores que innovan de manera sostenida, dos no lo hacen. Esto refleja que existe un espacio relevante para que las organizaciones avancen en la captura sistemática del aporte innovador del talento senior.

Las 20 mejores empresas para trabajar para la Generación Silver en Argentina

A continuación, el listado de las empresas destacadas en el ranking 2026, agrupadas por cantidad de colaboradores:

Más de 1.000 colaboradores

1. Banco Patagonia
2. Aeropuertos Argentina
3. Volkswagen Group Argentina
4. Philip Morris International
5. Celsur

Entre 251 y 1.000 colaboradores

1. SC Johnson
2. itPatagonia
3. Bagó
4. AbbVie
5. DP World

Hasta 250 colaboradores

1. Morel Vulliez
2. Nubax
3. Armored
4. Pago Tic
5. Data IQ

PyMEs

1. Tonic3
2. Anita Vega
3. Diversitas
4. Wayne Group
5. Emunah

Para consultar el ranking completo de los Mejores Lugares para Trabajar para la Generación Silver 2026 en Argentina, hacé click acá.

Todo comenzó con un video publicado por el creador de contenido Luis Miguel Castillo, quien relató una experiencia personal durante una salida con una mujer. En su versión de los hechos, la situación cambió cuando ambos discutieron sobre el lugar donde comerían.

Según explicó, inicialmente propuso acudir a un establecimiento económico ubicado en la vía pública, pero su acompañante prefirió visitar un restaurante de mayor categoría. Una vez en el lugar, ella eligió el platillo más costoso del menú: una hamburguesa triple.

Para el influencer, esa decisión fue interpretada como una señal de que la joven pretendía aprovecharse económicamente de la invitación, motivo por el que aseguró haber perdido el interés en continuar conociéndola.

Su relato rápidamente acumuló millones de reproducciones y provocó que miles de usuarios comenzaran a utilizar la expresión “hamburguesa triple” como una forma de hacer referencia a una persona que, supuestamente, busca obtener beneficios materiales durante una primera cita.

Sin embargo, la conversación no tardó en dividir opiniones.

Mientras algunos internautas respaldaron la postura del creador de contenido y consideraron válido establecer límites en el gasto durante una primera salida, otros señalaron que el problema no era el precio de la comida, sino la manera en que se expuso públicamente una experiencia privada.

La polémica escaló todavía más cuando distintas creadoras de contenido aseguraron ser la mujer mencionada en la historia y ofrecieron versiones completamente distintas de lo ocurrido.

Una de las respuestas con mayor impacto fue la de Kerstin Guenther, quien rechazó que su intención hubiera sido aprovecharse económicamente de alguien.

“Una mujer interesada te pide una casa, un carro o dinero; no una hamburguesa que perfectamente puedo comprarme yo sola”, afirmó.

Al mismo tiempo apareció otra mujer asegurando que ella era la verdadera protagonista del video. En su publicación explicó que el creador de contenido ya la había invitado a salir en varias ocasiones y que fue él quien le dijo que podía ordenar lo que quisiera del menú.

Además, negó que existiera algún interés económico detrás de su elección y explicó que simplemente disfruta comer.

La controversia dejó de centrarse únicamente en una hamburguesa para abrir un debate mucho más amplio sobre las relaciones personales y las dinámicas que existen durante una primera cita.

Especialistas y analistas del comportamiento digital han señalado que este tipo de casos reflejan cómo las redes sociales han convertido experiencias privadas en discusiones públicas donde miles de personas emiten juicios sin conocer el contexto completo.

También surgieron conversaciones relacionadas con los estereotipos de género. Diversos usuarios cuestionaron por qué una mujer sigue siendo criticada por pedir un platillo abundante o costoso, mientras que otros defendieron el derecho de cualquier persona a decidir cuánto gastar cuando invita a alguien a salir.

A partir de esa discusión comenzaron a aparecer memes, videos humorísticos y nuevas publicaciones utilizando la frase “hamburguesa triple” como símbolo de los desacuerdos que pueden surgir durante una cita.

Aunque hasta ahora no existe consenso sobre quién tenía la razón en la historia original, el caso volvió a demostrar el enorme alcance que pueden tener las redes sociales. Lo que comenzó como una anécdota sobre una comida terminó transformándose en una conversación sobre dinero, privacidad, expectativas sentimentales y roles sociales.

Hoy, cuando alguien menciona la “hamburguesa triple” en TikTok, X o Instagram, ya no necesariamente habla de comida rápida. En la mayoría de los casos, la expresión hace referencia a la polémica cita que abrió uno de los debates virales más grandes de las últimas semanas y que sigue generando miles de comentarios entre quienes defienden una u otra postura.

El miércoles pasado, la selección argentina se impuso por 2-1 ante Inglaterra en la semifinal del Mundial 2026. En medio de la euforia de los festejos, los jugadores vieron una bandera enrollada que había caído desde la tribuna. Al abrirla observaron el mensaje directo y representativo que estaba escrito: “Las Malvinas son argentinas”. La repercusión en redes sociales y medios, tanto ingleses como locales, fue inmediata. La situación llegó a tal punto que, a nivel global y en Reino Unido, las búsquedas sobre las islas crecieron hasta alcanzar números históricos.

A escala global, el interés por las Islas Malvinas registró un incremento del 2.400% en la última semana, según los datos de Google Trends, el mayor salto en la atención digital de los últimos años.

Las consultas más populares a nivel internacional incluyeron términos como “malvinas”, “las malvinas”, “falkland”, “falklands” y “argentina”. La búsqueda “las malvinas son” aumentó un 250%, mientras que “argentina malvinas” subió un 20%. En contraste, búsquedas históricamente frecuentes como “falkland islands” y “falklands war” tuvieron ligeros descensos.

La coincidencia temporal apunta directamente al partido entre Argentina e Inglaterra por el Mundial 2026, un cruce que reactivó en los usuarios británicos la curiosidad por uno de los conflictos históricos y geopolíticos más sensibles entre ambos países. Si bien Google Trends no identifica las causas de cada pico, la magnitud del salto y el momento en que se produjo permiten establecer esa asociación con solidez.

Entre las nuevas consultas en ascenso a nivel mundial sobresalen “pancarta malvinas”, “argentina pancarta malvinas”, “argentina falklands banner” y “las malvinas son argentinas o inglesas meaning”, varias de las cuales presentan aumentos puntuales que en algunos casos superan el 500%. Frases como “qué son las malvinas para los argentinos” y “qué son las malvinas argentinas” también figuran entre los principales crecimientos registrados por la plataforma.

El análisis temporal global muestra que el interés por las Islas Malvinas se mantuvo estable durante el último año, con un crecimiento del 70% respecto al año anterior. El salto de la última semana, sin embargo, supera cualquier otro registro desde 2004, según la serie histórica de Google Trends, y no encuentra precedentes en magnitud dentro de los datos disponibles.

Los episodios de repunte anteriores solían coincidir con fechas clave o eventos vinculados a la disputa entre Argentina y el Reino Unido, pero ninguno alcanzó la escala del actual.

El interés de búsqueda por las Islas Malvinas también generó números récord en Inglaterra: alcanzó el valor máximo que registra Google Trends en los primeros días de julio, con un aumento del 1.700% respecto de la semana anterior y un “aumento puntual” superior al 5.000% en comparación con el mismo período del año pasado. El mayor volumen de consultas se concentró un jueves, para luego descender de forma gradual en los días siguientes, aunque sin regresar a los niveles habituales.

El comportamiento de las búsquedas en Inglaterra durante el último año lo confirma: el interés por “Islas Malvinas (Falkland Islands)” se mantuvo en niveles muy bajos y estables prácticamente todo el período, con apenas un repunte moderado en abril.

El salto de los primeros días de julio no tiene antecedentes en la serie histórica de la plataforma para ese mercado. Y si se amplía la mirada a casi dos décadas de datos, el patrón se repite: oscilaciones menores, algunos picos puntuales vinculados a hechos de actualidad, y un registro final que supera a todos los anteriores por un margen extraordinario.

Las consultas asociadas al pico en Inglaterra revelan qué fue lo que despertó la curiosidad de los usuarios. Entre las búsquedas con mayor crecimiento aparecen expresiones como “argentina banner”, “argentina falklands banner”, “argentina uk warship falklands dispute”, “what does las malvinas son argentinas mean”, “why do argentina claim the falklands” y “las malvinas son argentinas o inglesas translation”.

El listado muestra que, además del interés por el conflicto histórico en sí, una parte relevante de los usuarios buscó comprender el significado de consignas y mensajes vinculados a la reivindicación argentina sobre las islas que cobraron visibilidad durante el encuentro, lo que volvió a instalar el tema en la conversación pública del Reino Unido.

El auge de las tradwives, mujeres que promueven el rol tradicional femenino en redes sociales, ha reactivado debates sobre los derechos políticos y sociales de las mujeres.

Algunas figuras de este movimiento han llegado a cuestionar el sufragio femenino, lo que ha encendido alertas en México y América Latina.

Durante un encuentro reciente en Texas, varias participantes expresaron estar dispuestas a ceder el derecho al voto a sus esposos, argumentando que el jefe de familia debe ser el representante político del hogar.

Esta postura, aunque minoritaria, ha generado controversia por su posible impacto en el debate público sobre el papel de la mujer en la sociedad.

Las tradwives defienden un modelo donde la mujer se dedica al hogar, la crianza y el apoyo al esposo como único proveedor, reivindicando una visión inspirada en la década de 1950.

Sin embargo, especialistas y usuarios en redes sociales advierten sobre los riesgos de asociar esta tendencia con propuestas que podrían limitar derechos conquistados por las mujeres en el último siglo.

¿Qué es una tradwife y cómo surge la tendencia?

El término tradwife, de “traditional wife”, describe a mujeres que, por decisión propia, asumen un rol tradicional en el matrimonio: priorizan las labores domésticas, la maternidad y el apoyo al esposo, dejando en segundo plano la vida pública y profesional.

La tendencia surge en países anglosajones, donde mujeres como Savanna Faith Stone y Estee Williams han popularizado el concepto en TikTok e Instagram.

Sus contenidos muestran escenas domésticas y recetas con una estética que remite a los años cincuenta y sesenta.

Muchas monetizan sus videos, logrando autonomía económica y visibilidad pública gracias a las redes, aunque promueven un modelo tradicional.

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Debate sobre el derecho al voto y la representación política

En eventos recientes, líderes del movimiento han planteado que la representación política debería recaer en el jefe de familia.

Savanna Faith Stone ha declarado que Estados Unidos podría adoptar un sistema de voto por hogar, argumentando que las mujeres suelen inclinarse por opciones más liberales.

Algunas participantes afirman que cederían su derecho individual al voto para favorecer valores conservadores.

Estas ideas preocupan porque recuerdan debates superados con la aprobación de la 19.ª Enmienda de la Constitución de Estados Unidos, que garantiza el sufragio femenino desde 1920.

Aunque no hay iniciativas legislativas para revertir este derecho, el solo hecho de que se discuta evidencia polarización ideológica.

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¿Por qué preocupa en América Latina?

En México y otros países latinoamericanos, la tendencia tradwife resuena de forma particular.

La “elección” de quedarse en casa y depender económicamente del esposo no es una opción real para millones de mujeres, sino resultado de la falta de oportunidades laborales, la desigualdad y la pobreza.

En la región, una de cada cuatro mujeres carece de ingresos propios y el trabajo doméstico no remunerado representa una parte significativa del producto interno bruto, según organismos internacionales.

Especialistas advierten que promover el modelo tradwife puede agravar la vulnerabilidad económica de las mujeres, especialmente en contextos de violencia familiar o divorcio.

La falta de autonomía financiera limita la posibilidad de salir de relaciones abusivas y perpetúa la desigualdad estructural.

En redes sociales, el fenómeno tradwife también plantea riesgos de radicalización.

Investigaciones muestran que, tras consumir videos de tradwives, las plataformas suelen recomendar contenido de extrema derecha, lo que facilita el acceso a discursos ultraconservadores que buscan restringir derechos como el acceso al trabajo, la educación y la participación política.

La doble jornada y la paradoja de la idealización doméstica

Algunas tradwives argumentan que el agotamiento por la doble jornada —trabajar fuera y encargarse del hogar— justifica regresar al modelo tradicional.

Sin embargo, esta solución no es viable ni deseable para la mayoría.

Además, muchas de las impulsoras del movimiento son empresarias digitales que, usando su autonomía económica y habilidades tecnológicas, promueven un mensaje que invita a renunciar a esos logros.

El movimiento rara vez visibiliza los riesgos de la dependencia económica ni la violencia que enfrentan muchas mujeres en América Latina.

Tampoco reconoce que el ideal del ama de casa fue históricamente un privilegio de clase y raza, y estuvo fuera del alcance de millones de mujeres indígenas, negras o empobrecidas.

¿Podría expandirse en México?

El debate sobre las tradwives no es solo una moda. Su auge coincide con una ola global de gobiernos conservadores que han cuestionado los avances en igualdad de género.

Especialistas y activistas advierten que, bajo la apariencia de una elección personal, pueden difundirse mensajes que debilitan derechos colectivos fundamentales.

En México, la difusión de este contenido podría tener impacto, dada la brecha de género, la violencia contra las mujeres y la falta de servicios de apoyo.

El riesgo está en que la tendencia normalice la dependencia económica y refuerce estereotipos que perpetúan la desigualdad.

El debate sobre el movimiento tradwife sigue abierto.

Especialistas señalan que su mensaje puede influir en los derechos de las mujeres en un contexto donde la igualdad y la autonomía son temas centrales en la agenda pública.

Tendencias de decoración que parecían superadas vuelven a ganar espacio en el hogar, según una recopilación de The Spruce. La selección surge de opiniones de Phoebe Beachner diseñadora de interiores de Hart Howerton; Heather Millward directora de Millward Architecture + Design; y Colleen Bute Bennett fundadora de CBB Design Firm.

La fuente sitúa este cambio después de años dominados por neutros discretos, minimalismo y plantas abiertas. En ese marco, las especialistas describen una búsqueda de más personalidad, nostalgia y espacios con usos mejor definidos.

1. Vuelven el papel pintado y las habitaciones de color envolvente

Beachner explicó al medio citado que, tras años de interiores contenidos, reapareció el interés por ambientes con más carácter y con una conexión emocional más clara.

La diseñadora añadió que el papel pintado también vuelve en cocinas. Bennett, por su parte, dijo al medio que observa el retorno de modelos de aire clásico, entre ellos estampados florales, variantes tipo Waverly y diseños con aspecto victoriano o similar al damasco.

2. Las estancias cerradas recuperan terreno

Durante años, muchos propietarios derribaron paredes para abrir la planta y ganar sensación de amplitud. Ahora, The Spruce recoge un movimiento en sentido contrario: arquitectos y diseñadores reciben pedidos para volver a separar ambientes y crear habitaciones con funciones precisas.

La fuente atribuye ese giro a la nostalgia, al deseo de devolver a casas antiguas rasgos de origen y a la necesidad de aislar actividades y objetos en zonas concretas. Entre los espacios que recuperan presencia figuran el comedor formal, el despacho o estudio y la sala de estar o salón.

3. El maximalismo vuelve con molduras, piezas vintage y texturas ricas

Más allá del color intenso o del papel pintado, el maximalismo reaparece como una suma de capas, detalles y objetos con historia.

Bennett dijo al medio que una de las expresiones más visibles de ese retorno está en las molduras de todo tipo, estilo y color. Ese repunte incluye marcos decorativos, frisos, molduras de corona y de zócalo, remates de puertas y ventanas, además de revestimientos decorativos como los paneles murales.

Beachner añadió que esta corriente también se nota en el uso de piezas vintage, que aportan calidez, memoria y sentido de lugar, además de estampados animales y texturas intensas.

4. Los asientos integrados reaparecen por funcionalidad y almacenamiento

Los asientos integrados, que la fuente presenta como un rasgo casi olvidado, vuelven a aparecer por su valor práctico y visual. Heather Millward, directora de Millward Architecture + Design, dijo que este tipo de solución figura de forma repetida entre los pedidos de sus proyectos recientes.

La arquitecta señaló en The Spruce que tanto un sillón a medida como un banco corrido pueden ahorrar espacio, aumentar las plazas y sumar almacenamiento en superficies reducidas.

También indicó que los rincones de desayuno o de lectura junto a la ventana suelen llevar almohadas de asiento y respaldo reemplazables, lo que facilita renovar el aspecto cuando cambian los gustos o las telas pasan de moda.

5. El marrón de los años 80 se instala como nuevo neutro

La influencia de los años 80 se ha dejado ver en cine, música y moda en años recientes, pero la fuente destaca una excepción en el hogar: el marrón.

Bennett recordó al medio citado que ese color estaba muy presente en su infancia y que ahora vuelve a aparecer con frecuencia, incluso en referencias como la pana marrón.

Para la diseñadora, ese tono ocupa el lugar que antes dominaba el gris dentro de las bases neutras. Su retorno se extiende a superficies como paredes pintadas y a textiles del hogar, desde tapicerías hasta alfombras y cortinas.

Para aplicar la técnica “high-low” y conseguir que cualquier casa luzca elegante y costosa sin gastar mucho, conviene priorizar la compra de ciertos elementos como la iluminación y los asientos principales. El resto del hogar puede complementarse con objetos más económicos, lo que permite crear espacios equilibrados y atractivos para cualquier presupuesto.

El método nació en el mundo de la moda y se trasladó con éxito a la decoración de interiores. La idea esencial es contrastar muebles duraderos o de buena manufactura con hallazgos accesibles, enriqueciendo la estética del hogar.

Jo Plant, directora creativa de Pooky, explicó al medio citado que el enfoque “high-low” rompe con la noción de que es necesario invertir en cada detalle, y fomenta una decoración más reflexiva y accesible. Este sistema propone elegir en qué artículos conviene gastar, privilegiando aquellos que aportan valor funcional y visual.

La especialista aclara que no todos los objetos domésticos requieren la misma inversión. Siguiendo ese principio, es posible conseguir entornos sofisticados y bien diseñados sin destinar grandes sumas a todos los componentes del espacio. Según el medio, se trata de una estrategia que encuentra eco entre quienes desean unir estilo y sensatez económica en la decoración de su hogar.

Consejos para aplicar la técnica “high-low” en casa

Las recomendaciones para implementar el método “high-low” comienzan por identificar los elementos que merecen una inversión.

“La iluminación de calidad es uno de los componentes más cruciales en cualquier hogar, porque se usa a diario y transforma el ambiente”, subraya Plant en charla con House Beautiful. Recomienda optar por lámparas o sistemas que, además de durar, aporten valor al diseño del espacio.

Los asientos también son clave. “Sofás y sillones anclan una habitación, tanto en lo visual como en lo práctico; la calidad se traduce en comodidad y valor a largo plazo”, destaca la experta. Si el presupuesto no permite renovar todo el mobiliario, aconseja sumar almohadas de terciopelo o mantas de lino para elevar el aspecto a bajo costo.

Después de elegir las piezas de inversión, el resto del espacio puede completarse con objetos asequibles. Maria Ramirez, diseñadora de interiores y fundadora de BB Interiors, recomienda al medio citado: “Los objetos asequibles en materiales naturales o diseños atemporales suelen complementar sin desentonar”.

Mesas auxiliares simples y alfombras neutras pueden integrarse con facilidad, aportando calidez y versatilidad. Por su parte, accesorios llamativos, como jarrones o portavelas, pueden encontrarse en tiendas de segunda mano o confeccionarse manualmente, sumando personalidad sin aumentar el gasto.

Cómo lograr un ambiente armonioso y sofisticado

Mantener el equilibrio visual es esencial en el sistema “high-low”. Ramirez señala que los objetos más llamativos deben dispersarse por distintas zonas, y no concentrarse solo en un lugar.

“Asegúrate de que las piezas de inversión no dominen el ambiente; espárcelas para que cada zona parezca pensada y cuidada”. Así, una silla de diseñador junto a una mesa auxiliar sencilla permite que el elemento principal destaque sin afectar el estilo general.

El medio destaca que incluso los accesorios económicos suman valor si se seleccionan considerando forma, color y textura. Elegir piezas de líneas atemporales o materiales naturales ayuda a que el resultado sea elegante y equilibrado.

El balance entre inversión y estilo, según los especialistas, es lo que consigue que una casa tenga un aspecto costoso y acogedor.

Pensar el diseño desde el uso cotidiano facilita identificar cuáles son las piezas en las que la inversión causará un efecto transformador y duradero en el ambiente del hogar.

Elegir adecuadamente al incorporar piezas antiguas permite lograr espacios auténticos y mantener la posibilidad de valorización a largo plazo, evitando gastos en objetos cuya demanda se diluye rápido.

Antigüedades que sí merecen la inversión

Lauren Sullivan, fundadora de Well x Design y Well Found, afirma que los muebles de almacenaje con buena calidad de fabricación son siempre una apuesta segura. Sullivan explica que piezas como cómodas, vitrinas o estanterías “anclan el ambiente”, y que la excelencia en la construcción “resulta más evidente con los años”. Un mueble sólido, detalla, puede emplearse durante generaciones y adaptarse a casas con estilos diversos.

En el ámbito del arte, Sydney Hale, responsable de Soul Fed Home, subraya el valor de adquirir obras de arte únicas, ya que “el arte bien elegido narra una historia, refleja el gusto personal y cohesiona la decoración como ningún otro elemento”. Recomienda escoger siempre piezas originales, pues su carácter irrepetible otorga identidad a los espacios.

Con respecto a los textiles históricos, Ambrice Miller, de Relic Interiors, asegura: “Siempre invertiré en tapices antiguos de los siglos XVI al XVIII que estén en buen estado”. Miller menciona tapices flamencos y franceses como ejemplo de piezas que encarnan historia y exclusividad.

Destaca que estos tejidos, símbolos de riqueza y transformación artística en Europa, pueden mantener su relevancia durante 400 o 500 años gracias al esmero en su conservación, según datos del medio.

Objetos en los que conviene ahorrar

En el extremo opuesto, los especialistas consultados por Homes & Gardens coinciden en que vale la pena ahorrar en los objetos decorativos pequeños y genéricos, como candelabros corrientes, jarrones y piezas fáciles de hallar en cualquier mercado.

Lauren Sullivan sostiene que “los elementos pequeños suelen ser donde se encuentra la mejor relación calidad-precio”, pues no requieren grandes desembolsos para generar impacto visual. Señala que a menudo las piezas más memorables han sido adquisiciones sencillas.

En lo relativo a la cristalería común, Noralen Curl, experta de JustAnswer Fine Art and Antiques Expert, aconseja evitar las compras impulsivas en objetos producidos en masa.

Curl explica que la sobreoferta de cristalería vintage permite encontrar precios favorables con paciencia, y recomienda priorizar ejemplares artesanales poco frecuentes a quienes busquen vidrio antiguo con valor real.

En cuanto a los muebles de moda, Miller advierte que estilos muy difundidos en redes sociales, como fibras de tendencia o diseños retro populares, difícilmente retienen su atractivo a largo plazo.

Subraya que si un mismo mueble aparece en muchos hogares, es indicio de que la estética está perdiendo vigencia y conviene esperar una oportunidad mejor antes de invertir. Este fenómeno, impulsado por la homogeneidad visual en línea, reduce la originalidad y estabilidad de precios.

Qué valoran los expertos al invertir en antigüedades

Los criterios de los expertos reflejados por el medio citado giran en torno a la procedencia, estado, calidad de fabricación, autenticidad y relevancia visual.

Sullivan y Miller destacan que los muebles y textiles con historia comprobada suelen elevar su valor con el paso del tiempo, a diferencia de objetos producidos en serie. En el caso del arte, Hale enfatiza que la singularidad y la capacidad de contar una historia personal favorecen la apreciación y el coleccionismo.

Curl añade que la presencia masiva de ciertas piezas, como la cristalería, disminuye sus posibilidades de reventa, a menos que se trate de ejemplares artesanales o especialmente raros.

Miller recuerda que la longevidad y el cuidado de los materiales —por ejemplo, tapices con 500 años de antigüedad— demuestran el nivel de exclusividad y sofisticación inherente a las antigüedades valiosas.

La autenticidad y la capacidad de transmitir una historia única son, según el equipo de Homes & Gardens, factores determinantes para distinguir una buena inversión en decoración y coleccionismo.

La evaluación no depende solo del estado físico, sino también de la tendencia del objeto, su posible adaptación a múltiples estilos y su trascendencia como pieza individual.

Para quienes buscan orientar su presupuesto en antigüedades, los especialistas del medio sugieren priorizar muebles de almacenaje sólidos, tapices antiguos y arte singular. Recomiendan aplicar un juicio selectivo y una mirada crítica a objetos excesivamente comunes o vinculados a modas efímeras, pues difícilmente su cotización se mantendrá proporcional al monto inicial invertido.

La experiencia de estos expertos invita a preferir las piezas con historia y carácter propio frente a la acumulación de objetos recurrentes. Así, la búsqueda de autenticidad emerge como el elemento central para dotar a cada espacio de un sello verdaderamente inimitable.

El verano 2026 marca un retorno decidido al juego de estampados clásicos: lunares, rayas y cuadros vichy se posicionan como protagonistas en prendas y accesorios.

Para muchos especialistas en moda, la clave de la temporada reside en la capacidad de experimentar sin perder la armonía visual.

Las pasarelas y los análisis de expertos del sector coinciden: esta temporada es tiempo de mezclar, pero con reglas claras para evitar los errores más frecuentes que pueden recargar un look o desdibujar el estilo personal.

Lunares: cómo modernizar el clásico sin caer en el exceso

Según expertos en tendencias, los lunares se reinventan en 2026 mediante la variedad de tamaños y combinaciones cromáticas.

Se llevan desde las versiones mini hasta los puntos XL, a menudo mezclando ambas escalas en una misma prenda o conjunto.

No solo dominan los tonos tradicionales; aparecen variantes en colores intensos como el lila, el amarillo o el azul celeste, lo que añade dinamismo y actualidad.

Para no errar, los especialistas recomiendan mantener el equilibrio: si una prenda es protagonista con lunares de gran formato, conviene que el resto de las piezas y accesorios sean neutros y discretos.

Para quienes se atreven a mezclar, la sugerencia es que los distintos motivos compartan una gama cromática compatible, de modo que la mezcla resulte armónica y no forzada.

Rayas: maximalismo, color y nuevas proporciones

Las rayas se abren a nuevas posibilidades en 2026, según coinciden diversas publicaciones especializadas.

Prendas con líneas anchas, colores vibrantes y diseños en zigzag o asimétricos reflejan el auge del maximalismo en la moda.

Las rayas verticales, por ejemplo, son recomendadas por expertos para alargar la silueta, mientras que las horizontales pueden aportar volumen y energía cuando se combinan con accesorios minimalistas.

Uno de los errores más comunes, según estilistas consultados por medios de moda, es saturar el look con demasiados estampados sin balance visual.

Por eso, la regla de oro es elegir un único punto focal de rayas y mantener el resto del conjunto en tonos sólidos o con algún motivo muy sutil.

Para quienes buscan mezclar, las rayas pueden combinarse con lunares o cuadros vichy, siempre que exista una coherencia en la paleta de colores.

Cuadros vichy: sofisticación urbana y combinaciones modernas

El vichy, tradicionalmente asociado al estilo campestre, adquiere en 2026 una nueva dimensión gracias a siluetas depuradas y combinaciones inesperadas.

Los especialistas recomiendan apostar por camisas oversized, faldas midi o vestidos en colores poco usuales, y combinarlos con prendas modernas para romper con el aire naïf.

Los cuadros vichy pueden mezclarse con rayas o lunares, siguiendo una lógica cromática y de escalas.

La mayoría de los expertos insiste en la importancia de definir un estampado principal y mantener el resto en segundo plano, cuidando que la saturación y la proporción sean adecuadas para que el conjunto respire.

Guía para el mix & match de estampados

Los expertos en moda destacan que el mix & match es la tendencia reina del verano 2026, pero requiere atención al detalle.

Para acertar, sugieren partir de un color dominante y construir el look en torno a él.

También recomiendan jugar con las escalas: mezclar estampados grandes con pequeños es una fórmula que aporta profundidad sin competir visualmente.

Los accesorios, según los especialistas, deben ser discretos y en materiales naturales para aportar frescura. Prendas de corte limpio y líneas sencillas permiten que los estampados luzcan y no recarguen el conjunto.

Errores más comunes y cómo evitarlos

Los fallos más habituales al combinar estampados, según los análisis de expertos del sector, incluyen la mezcla de motivos de igual tamaño o saturar el conjunto sin un color común que unifique.

Para evitar estos errores, es fundamental elegir un protagonista visual y mantener la coherencia cromática.

Los especialistas insisten en la importancia de la proporción y la armonía, recomendando evitar la mezcla de estampados en zonas muy próximas del cuerpo (como parte superior e inferior) si ambos son igual de llamativos.

Si se opta por un mix de prints en una prenda, el resto del outfit debe mantenerse bajo control para no sobrecargar.

El verano 2026 y la libertad creativa

Los expertos en moda coinciden en que la clave está en experimentar con criterio y confianza.

El verano 2026 es un escenario propicio para disfrutar del color, el contraste y la variedad, siempre que se respeten las bases de la armonía visual y la identidad personal.

Entre lunares, rayas y vichy, la invitación es a atreverse y jugar, pero sin perder de vista el equilibrio que distingue a un look contemporáneo y sofisticado.

Especialistas consultados por Homes & Gardens señalan que el contrachapado se ha posicionado como uno de los materiales predilectos para cocinas modernas y rústicas, debido a su versatilidad, accesibilidad y estética natural, adaptándose a distintos estilos y necesidades del hogar.

La popularidad del contrachapado en cocinas modernas y rústicas ha crecido porque combina autenticidad, personalización y un coste menor en comparación con la madera maciza.

Su capacidad de adaptarse a diferentes ambientes, la resistencia superior y la calidez visual que aporta lo convierten en una alternativa atractiva para quienes priorizan la sostenibilidad y la durabilidad sin sacrificar el diseño.

El resurgimiento del contrachapado responde a una tendencia internacional hacia espacios más honestos y sencillos en el diseño de interiores. Gallagher Hannan, cofundadora de Boxco, opina que las personas prefieren “espacios más tranquilos y honestos con los materiales”, y destaca que el contrachapado representa este cambio hacia el diseño honesto.

Kath Dyer, de Plykea, resalta que este material es más que una moda temporal: “El contrachapado es más una filosofía de material, no una moda pasajera. Su resistencia y capacidad de envejecer bien lo hacen atemporal”, explicó al medio citado. Además, Joanna Lobato, directora en Made In Ply, sostiene que la honestidad del material, con bordes expuestos y capas visibles, es símbolo de autenticidad y calidez.

Ventajas prácticas y estéticas del contrachapado

La versatilidad es uno de los mayores atractivos del contrachapado, pues permite acabados naturales, teñidos, revestimientos de laminado o combinaciones con linóleo para aportar color y personalidad. Según el medio, el contrachapado sirve como “un lienzo neutro”, adecuado tanto para casas modernas como para apartamentos urbanos o residencias mediterráneas.

Su facilidad de personalización incluye recortes a medida y tiradores integrados, opciones que suelen ser costosas en la carpintería tradicional. Bart Kornata, fundador de PlyKitchen, describe este material como “un campo de juego para el diseñador”, permitiendo sofisticación y adaptación sin incrementar el coste.

La resistencia y estabilidad del contrachapado, superiores a las de la madera maciza o el MDF, aseguran durabilidad incluso en condiciones exigentes.

Variedad de estilos: del minimalismo al rústico

El contrachapado se integra con éxito en estilos diversos. Se utiliza en cocinas minimalistas de líneas limpias y colores suaves, así como en ambientes rústicos o mediterráneos de residencias históricas o casas de campo.

Alan Drumm, cofundador de Uncommon Projects, destaca que este material es idóneo para aprovechar espacios irregulares, gracias a la fabricación digital.

Cómo elegir el contrachapado adecuado para la cocina

Seleccionar el material correcto es fundamental para la calidad y longevidad de la cocina. Expertos de Homes & Gardens recomiendan elegir siempre contrachapado de calidad para muebles, evitando los destinados a la construcción, ya que pueden contener vacíos internos indeseables.

El contrachapado de abedul báltico destaca por sus bordes refinados y mayor resistencia a golpes y arañazos.

Se aconseja buscar proveedores con certificación FSC y adhesivos sin formaldehído. Para añadir color, se recomienda el revestimiento de laminado en contrachapado de abedul, que proporciona acabados mate resistentes y una variada paleta cromática, manteniendo la honestidad del material.

Cuidado y mantenimiento del contrachapado

El contrachapado es apreciado tanto por su resistencia como por su sencilla conservación. Según el medio citado, gracias a su estructura laminada cruzada, presenta durabilidad superior y evita deformaciones que suelen afectar a la madera maciza.

Con un acabado apropiado y cuidados básicos, como limpiar derrames de inmediato y evitar productos abrasivos, la superficie mantiene su aspecto durante años.

En zonas de uso frecuente, como la encimera del fregadero o alrededor de la estufa, se recomienda aplicar una capa de aceite una vez al año. Si aparecen arañazos, es posible lijar y aceitar para renovar el acabado, una ventaja frente al MDF pintado.

Claves para integrar el contrachapado en el diseño de la cocina

La elección de herrajes es esencial para lograr una cocina de contrachapado funcional y estética. Los tiradores integrados o modelos empotrados refuerzan la imagen arquitectónica y resaltan las vetas y acabados naturales o laminados. Para quienes buscan un estilo clásico, los tiradores de latón sin lacar desarrollan una pátina que acentúa el paso del tiempo.

Combinar muebles cerrados con estanterías abiertas permite destacar los bordes y capas del material. La integración de electrodomésticos de acero inoxidable armoniza con el concepto de materialidad honesta. Además, la mezcla de colores, detalles de marquetería y maderas teñidas posibilita ambientes únicos y personales.

Las cocinas de contrachapado destacan no solo por su funcionalidad, sino por la manera en que exhiben la singularidad del material mediante detalles constructivos visibles.

Esta característica, según Homes & Gardens, representa una nueva forma de sofisticación en la que la destreza y el diseño se reflejan en cada borde y capa del mobiliario.

La percepción de que los algoritmos han derribado el gusto personal crece entre expertos y usuarios digitales. Mientras las plataformas prometen personalización, en la práctica predominan la uniformidad y la fatiga cultural, según análisis y testimonios reunidos por The Guardian.

Los algoritmos y la inteligencia artificial han reformulado el gusto individual, reemplazando los procesos de descubrimiento social o personal por consumos preseleccionados. Así, la mayoría de las personas circula por contenidos, listas y tendencias ajustadas según sus propios datos o los de otros.

Esto provoca la desaparición de la espontaneidad y dificulta distinguir entre preferencias reales e influencias automatizadas. Para el medio citado, esta situación genera monotonía y pone en duda la autenticidad de las elecciones culturales.

En los últimos años, el gusto personal ha pasado de ser una construcción libre y variada a adoptar patrones dictados por plataformas digitales. Esta transformación responde a la búsqueda de maximizar el tiempo de permanencia, lo que reduce la posibilidad de formar preferencias propias y fomenta la homogeneización a través de redes sociales y comercio electrónico.

La uniformidad de las microtendencias en redes sociales

El surgimiento de microtendencias ha creado saturación visual y cultural, reduciendo el espacio para la creatividad. Jóvenes y adultos perciben que la originalidad se ve desplazada por una rápida sucesión de estilos similares, especialmente en la moda y la música.

Testimonios recogidos en el mercado de Portobello Road, Londres, reflejan cómo la presión por replicar patrones afecta incluso a quienes buscan alternativas vintage. Ione Gamble, directora de la revista alternativa Polyester, señala que las presiones externas definen los gustos de las personas, dificultando la formación de preferencias propias.

La abundancia de opciones y la velocidad de las tendencias, como el “CBK-core” o las estéticas efímeras en TikTok, han reducido el margen para cultivar un gusto auténtico. Helena, una joven estilista entrevistada por The Guardian, resume la incertidumbre: “¿He sido influida o realmente esto es lo mío?”, expresión que simboliza la dificultad actual para identificar la autenticidad en el mundo digital.

Inteligencia artificial y el auge de la “taste-washing”

La inteligencia artificial no solo cambió la forma de consumir, sino que ha convertido el gusto personal en un valor estratégico para las empresas tecnológicas.

El fenómeno conocido como “taste-washing”, documentado por el medio, designa la estrategia de las grandes tecnológicas para asociarse con tendencias culturales. De este modo, buscan humanizar la automatización y reforzar su papel en la cultura digital.

La viralización artificial y la espectacularización de estilos, sumadas a la difusión de contenidos generados por IA —que ya representan el 71% de las imágenes publicadas en línea—, aumentan la distancia entre consumo y autenticidad.

Críticos del sector advierten que este ciclo perpetúa la pérdida de creatividad y la confusión identitaria. Algunas voces, como la de Erin Wylie, editora y exploradora de diseño, citada por The Guardian, proponen frenar el consumo como única vía para recuperar el sentido propio del gusto.

Cómo recuperar el gusto personal fuera del algoritmo

Las reacciones a la homogeneización digital han impulsado la búsqueda de alternativas fuera de los algoritmos. Plataformas independientes, consumo analógico y prácticas que limitan deliberadamente las opciones surgen como espacios de recuperación de la creatividad.

La vuelta a mercados vintage o la búsqueda de inspiración fuera de internet, como los referentes personales o familiares, constituyen ejemplos de resistencia. El crecimiento de boletines independientes y de sitios que excluyen algoritmos —como plataformas de recomendaciones o reseñas — evidencia el interés por la descentralización y la curaduría humana.

No obstante, especialistas citados por el medio enfatizan que las alternativas también pueden replicar dinámicas mercantiles si los prescriptores obtienen beneficios por sus sugerencias.

En este contexto, la escritora y especialista en diseño, Wylie, plantea que aplicar limitaciones voluntarias en la selección y fomentar la contemplación creativa pueden ayudar a definir las propias preferencias; en su caso, vestir ropa negra durante un mes fue un experimento útil para reconectar con su identidad.

La observación de expertos, incluida Gamble, indica que el regreso a medios físicos y experiencias analógicas manifiesta un deseo de autenticidad. Jóvenes que redescubren vinilos, revistas antiguas o cámaras fotográficas buscan distanciarse de la inmediatez algorítmica y de las microtendencias efímeras.

Aunque los algoritmos y la inteligencia artificial han reducido la autonomía sobre lo que nos atrae culturalmente, el interés por alternativas no algorítmicas crece. Quienes buscan restablecer su creatividad apuestan por el consumo consciente, la exploración fuera de línea y la construcción de referentes propios, alejados de automatismos.

El principal desafío sigue siendo discernir entre lo que surge de la repetición digital y aquello que responde a una elección genuina. Para los expertos consultados por The Guardian, recuperar el gusto personal exige tiempo, creatividad, cuestionamiento constante y una dosis de distancia crítica ante el bombardeo incesante de tendencias y recomendaciones.

La revista House Beautiful, especializada en diseño de interiores, ha publicado una selección de ocho destinos de diseño recomendados por diseñadores internacionales que, según expertos consultados, están transformando la inspiración creativa y definirán las tendencias de viaje en 2026.

Estos destinos emergentes destacan por su capacidad para fusionar historia, arquitectura y creatividad contemporánea. Han sido seleccionados por su potencial para inspirar a quienes buscan ideas originales, autenticidad y escenarios culturales distintos a los tradicionales lugares de referencia en el mundo del diseño.

1. Rajasthan: inspiración en la tradición y la artesanía

Rajasthan, en la India, lidera la lista por sus edificios imponentes y la riqueza que aporta la artesanía local en los interiores.

La diseñadora Blair Moore, citada por el medio, resalta la autenticidad de estos espacios, donde los procesos artesanales y la imperfección celebran lo humano frente a la perfección industrial. Entre las ciudades más inspiradoras de la región se encuentran Jaipur, Udaipur y Jodhpur.

2. Nueva Orleans, el alma creativa del sur

En los Estados Unidos, Nueva Orleans se distingue por su historia multicultural y su personalidad audaz. La diseñadora Sarah Stacey vincula su propio estilo ecléctico a la influencia de esta ciudad. “Nueva Orleans no actúa para nadie, es excesiva y se entrega al placer simplemente porque puede hacerlo”, afirmó en diálogo con el medio citado.

Su carácter genuino y sin filtros la convierte en un referente creativo para quienes valoran la libertad de expresión en el diseño.

3. Kioto, minimalismo y detalles cautivadores

Kioto combina minimalismo y artesanía refinada en entornos modernos y tradicionales. Según Ashley Wilkins, de Islyn Studio, cada día esta ciudad japonesa revela una nueva forma de belleza a través de pequeños detalles y momentos de quietud.

El diseño de la ciudad equilibra la sobriedad con una atención cuidadosa al detalle, lo que la ha posicionado como musa para propuestas elegantes y discretas.

4. San Miguel de Allende, pasado y presente en armonía

San Miguel de Allende, México, ha fascinado a la diseñadora Emily Janak por su diversidad arquitectónica y casi 500 años de historia como sitio Patrimonio de la Humanidad.

Janak resalta que la arquitectura y la artesanía consciente son el principal atractivo. Además, la colaboración con creadores locales aporta funcionalidad y fuerza visual, elementos que la diseñadora traslada a sus propios trabajos, según explicó a House Beautiful.

5. Marrakech, entre colores y detalles eternos

En Marrakech, Marruecos, el diseño cobra vida a través de construcciones coloridas, mosaicos y una atmósfera que la diseñadora Abigail Marcelo considera “atemporal”.

Marcelo, fundadora de Casa Marcelo, señaló al medio citado que la cultura y la arquitectura existen en una especie de bella suspensión, transmitiendo una sensación de intemporalidad. El color, en particular la tonalidad Marrakesh, define un lenguaje visual inolvidable en cada rincón de la ciudad.

6. Bangkok, color y dinamismo en el sudeste asiático

La capital de Tailandia, Bangkok, es señalada por la diseñadora Samah Nawar como el lugar donde un espacio puede ser alegre sin justificación.

La ciudad logra unir tradición y modernidad, integrando matices del entorno que aportan vida a su vida urbana vibrante. “Los ambientes más inspiradores son los creados por quienes conocen el origen de sus colores”, comentó Nawar al medio.

7. Venecia, historia viva y escenario de creatividad

Venecia, en Italia, destaca por el diálogo entre su herencia histórica y la innovación actual. La Bienal de Venecia es, según la diseñadora Géraldine Dohogne, el momento en que el esplendor del pasado se convierte en escenario de expresión contemporánea.

La ciudad reúne estilos arquitectónicos que abarcan desde el periodo bizantino hasta el barroco, haciendo de ella un modelo para quienes buscan inspiración en la reinvención de las tradiciones.

8. Ciudad de México, creatividad en continua evolución

La Ciudad de México atrae a diseñadores de todo el mundo gracias a su fusión de pasado y presente, así como por su escena cultural contemporánea.

Marie Cloud, aunque aún no ha visitado la capital mexicana, sigue con atención su arquitectura y diseño interior, resaltando la coherencia entre materiales, color y composición de los espacios.

Coco Greenblum añade, en declaraciones recogidas por House Beautiful, que la convivencia de historia y modernidad en hoteles y restaurantes permite percibir la cultura local de una manera instantánea.

Con el inicio del Mundial 2026, las búsquedas en Google se han disparado. Varias personas recurren al navegador para buscar los horarios de los partidos, los canales que transmiten en vivo y los resultados en tiempo real.

El comportamiento de los internautas refleja que el consumo del fútbol actual combina la televisión con las pantallas digitales. Los fanáticos ya no solo esperan el inicio del juego, sino que buscan activamente datos previos, alineaciones y aplicaciones streaming para ver los partidos desde cualquier dispositivo.

Cuáles son los encuentros programados para hoy domingo 14 de junio de 2026

La actividad de la fase de grupos continúa este domingo 14 de junio con cuatro compromisos. La jornada comienza con el enfrentamiento entre Alemania y Curazao por el Grupo E. Más tarde, los Países Bajos se medirán ante Japón en las acciones correspondientes al Grupo F.

En el segundo turno del día, Costa de Marfil jugará contra Ecuador en un partido decisivo para el Grupo E. La fecha dominical cerrará con el choque entre Suecia y Túnez, que completará la segunda jornada de actividad para el Grupo F.

En dónde se pueden ver los encuentros de esta jornada del Mundial 2026

Para seguir los partidos en vivo, los usuarios cuentan con opciones en televisión cerrada y plataformas. En América Latina, DIRECTV y su aplicación DGO transmiten la totalidad de los encuentros.

En televisión abierta, los canales locales con derechos autorizados emitirán los partidos principales. Entre ellos destacan Gol Caracol en Colombia, Canal 5 y ViX en México, y Teleamazonas en Ecuador, asegurando el acceso gratuito a la señal en sus respectivos países.

Cuáles son los horarios de los partidos de hoy 14 de junio de 2026

Los compromisos de este domingo están distribuidos a lo largo del día. El partido entre Alemania y Curazao arranca a las 11:00 a.m. de México / 12:00 p.m. de Colombia. Posteriormente, el encuentro entre Países Bajos y Japón iniciará a las 2:00 p.m. de México / 3:00 p.m. de Colombia.

Para el cierre de la jornada, el duelo de Ecuador ante Costa de Marfil está programado para las 5:00 p.m. de México / 6:00 p.m. de Colombia. Finalmente, el partido entre Suecia y Túnez se disputará a las 8:00 p.m. de México / 9:00 p.m. de Colombia.

Qué datos clave e historias rodean a estas selecciones

El debut de Alemania genera atención por la renovación de su plantel bajo el mando de Julian Nagelsmann, mientras que Curazao afronta un partido histórico en su trayectoria futbolística. Por su parte, el choque entre Países Bajos y Japón es seguido de cerca por el nivel técnico y velocidad que caracterizan a ambas escuadras.

El partido de Ecuador es de los más buscados en la región, porque una victoria frente a Costa de Marfil consolidaría su camino a la siguiente fase. En el último juego del día, la solidez defensiva de Suecia se pondrá a prueba ante el orden táctico del conjunto tunecino.

Cuáles son otras tendencias de búsqueda en Google sobre el torneo

Las tendencias en Google se concentran principalmente en términos como “partidos de fútbol para hoy”, “dónde ver el Mundial en vivo” y “tabla de posiciones”. Los usuarios buscan enlaces directos a las transmisiones y resúmenes en video de los juegos pasados.

Asimismo, destacan las tendencias sobre el estado físico de los jugadores lesionados y los cambios en el formato del torneo de 48 selecciones, desarrollado por primera vez en tres naciones.

Para una buena experiencia de usuario, Google muestra todos los resultados vigentes del Mundial 2026, mostrando módulos interactivos con estadísticas inmediatas para facilitar el acceso a la información.

El concepto de la regla de los tres materiales ha ganado relevancia en el diseño de interiores como una estrategia para seleccionar los pisos del hogar y lograr una cohesión visual efectiva.

Según House Beautiful, revista especializada en diseño de interiores, este enfoque, adoptado por numerosos expertos, propone limitarse a tres materiales principales en toda la vivienda para unificar el ambiente sin perder funcionalidad ni estilo.

La “regla de los tres materiales” sugiere elegir tres acabados predominantes para los suelos de la casa, como madera maciza, baldosas o piedra, y alfombra o tapetes. Esto permite mantener una estética armoniosa, facilita la continuidad visual entre espacios y previene que la vivienda se perciba fragmentada o con excesivos contrastes.

El fundamento de la regla se sustenta en la experiencia de profesionales consultados por el medio citado. Robin Flaherty, diseñadora de North & Madison, afirma que los planes exitosos de pisos generan una unidad visual que permite destacar a cada ambiente.

“Los planes de pisos más exitosos se sienten cohesivos, permitiendo a cada espacio y material destacar y funcionar de forma óptima”, señala Flaherty, citada por el medio.

Otra experta referida por el medio, Amy Peltier, resalta que aplicar demasiados materiales en los pisos puede crear una sensación de desorden e inconexión.

“Cuantos más cambios de piso realizas, más segmentada se siente la vivienda”, advierte Peltier para la publicación. Limitar el número de materiales, según la especialista, ayuda a que la mirada recorra la casa con mayor naturalidad, haciendo que los espacios parezcan más amplios y armónicos.

Ventajas de limitar los materiales en los pisos del hogar

Reducir la cantidad de materiales empleada no solo unifica el diseño, sino que mejora el tránsito visual y aporta equilibrio. Limitar las transiciones contribuye a que cada elemento sume personalidad sin interferir con el resto.

Según Peltier, elegir materiales con tonalidades próximas permite una “transición más fluida” y que el paso de una habitación a otra sea casi imperceptible.

En la práctica, la madera maciza se emplea comúnmente como base y se complementa con baldosas o piedra en espacios específicos, como cocinas o baños. Esta combinación genera contraste y practicidad sin perder el nexo visual en el conjunto de la vivienda.

De acuerdo con House Beautiful, la mezcla de calidez y resistencia que ofrece este esquema resulta especialmente confiable para quienes buscan un hogar funcional y acogedor.

Combinaciones recomendadas y errores a evitar según los expertos

Los profesionales prefieren pocas combinaciones, pero seleccionadas estratégicamente. El trío integrado por madera maciza, piedra o baldosas y alfombra o tapetes en áreas de descanso es habitual en muchos proyectos.

Entre las advertencias que destaca House Beautiful, sobresale la importancia de evitar mezclar madera maciza auténtica con imitaciones como laminados o baldosas tipo madera. Peltier enfatiza que ningún sustituto iguala la profundidad ni la belleza de la madera genuina, y que sumar varios acabados similares puede crear una apariencia inconsistente y poco natural.

Para añadir textura y suavidad, los especialistas suelen optar por tapetes o alfombras superpuestas en lugar de añadir un cuarto material. De este modo, es posible adaptar zonas extensas o frías sin comprometer la uniformidad ni aumentar la complejidad del diseño.

¿Cuándo conviene flexibilizar la regla de los tres materiales?

Algunos diseñadores consideran que esta regla debería adaptarse a las necesidades funcionales o al estilo de vida de los habitantes. Martin Horner, director de Soucie Horner Design Collective, explica en House Beautiful que la pauta sirve como guía inicial, pero admite excepciones en función del clima, la ubicación o las rutinas familiares.

En regiones secas, es viable emplear materiales más variados. En zonas húmedas o de alto tránsito, conviene dar prioridad a superficies resistentes.

Para Peltier, la mejor selección surge al analizar el modo de vida de los residentes: la cantidad de integrantes, la presencia de mascotas o la rutina diaria condicionan las necesidades de cada ambiente y pueden hacer recomendable modificar la combinación de materiales.

Ya está a punto de comenzar la Copa Mundial de la FIFA 2026, y durante las últimas horas, las tendencias en Google han registrado una aceleración masiva en consultas relacionadas con los aspectos logísticos y deportivos del certamen.

Los usuarios buscan con insistencia horarios unificados, qué partidos se juegan durante el primer día del torneo, canales de transmisión oficiales y más detalles sobre el desarrollo de las primeras jornadas.

A qué hora es la inauguración de la Copa Mundial 2026

La ceremonia de inauguración está programada para llevarse a cabo hoy, jueves 11 de junio, en el Estadio Azteca de la Ciudad de México. De acuerdo con las pautas de organización de la FIFA, las actividades artísticas y protocolares del evento oficial darán inicio exactamente 90 minutos antes del partido de apertura.

Los horarios de la transmisión de la ceremonia se distribuyen de la siguiente manera según las regiones continentales: 11:30 horas en el huso horario local de la Ciudad de México, 12:30 horas en países como Perú, Colombia y Ecuador, 13:30 horas en el Este de los Estados Unidos, Chile y Venezuela, y las 14:30 horas en Argentina, Brasil y Uruguay.

Aunque el Estadio Azteca concentra la ceremonia principal del primer día, la FIFA confirmó que Canadá y Estados Unidos albergarán eventos protocolarios de apertura en sus respectivas sedes durante la jornada del viernes 12 de junio, coincidiendo con los primeros partidos disputados en sus territorios.

Qué partidos se disputan hoy en la jornada inaugural

El calendario oficial de la Copa del Mundo contempla la disputa de dos compromisos correspondientes al Grupo A para este jueves 11 de junio. El partido inaugural tendrá como protagonistas a las selecciones de México y Sudáfrica.

El enfrentamiento comenzará inmediatamente después de la ceremonia de apertura, fijado para las 14:00 horas (tiempo del centro de México) o 15:00 horas en el Este de los Estados Unidos y Bogotá. Este duelo repite el histórico cruce inicial que ambas escuadras protagonizaron en la edición de Sudáfrica 2010.

El segundo encuentro de la jornada se disputará en el Estadio Guadalajara. En este partido, la selección de la República de Corea se enfrentará a la República Checa.

El pitido inicial de este choque está programado para las 20:00 horas locales (22:00 horas en la costa este de los Estados Unidos y 21:00 horas en la Ciudad de México). Con estos dos compromisos, el Grupo A pone en marcha la competencia de manera oficial, dejando el terreno listo para el debut del Grupo B al día siguiente.

Cuáles son las tendencias de búsqueda sobre el Mundial en Google

El análisis de Google Trends revela que las consultas de los usuarios se centran principalmente en las plataformas de transmisión en vivo y en la legalidad de los canales digitales para ver los partidos.

Asimismo, existe un alto volumen de búsquedas dirigidas a encontrar el calendario completo en formato PDF, sumado a herramientas para simular los resultados de la fase de grupos.

Otra tendencia clave tiene que ver con los planteles oficiales y las bajas de último momento por lesión. Las dudas sobre las alineaciones probables para los partidos de hoy completan el podio de los temas más consultados por los aficionados en la red.

Cómo es el nuevo formato de competencia para esta edición del Mundial

La transición de 32 a 48 selecciones nacionales ha generado múltiples interrogantes en las plataformas de búsqueda sobre cómo se desarrollará el torneo. La FIFA estructuró esta Copa del Mundo en 12 grupos de cuatro países cada uno.

Esta primera fase garantiza que cada seleccionado dispute un mínimo de tres partidos, manteniendo la esencia competitiva tradicional pero ampliando la base de participantes.

La principal novedad radica en el sistema de clasificación a la fase de eliminación directa. Avanzarán a la siguiente ronda los dos primeros lugares de cada sector, acompañados por los ocho mejores terceros lugares de toda la competencia.

Esto dará paso a una ronda inédita de dieciseisavos de final, sumando un partido extra en el camino hacia el título y aumentando el total de encuentros del torneo a 104 compromisos.

Las tendencias de baños pequeños para 2026 dejan atrás el minimalismo y privilegian la creatividad y los detalles singulares. La combinación de colores intensos, materiales artesanales y muebles multifuncionales convierte estos espacios en auténticos focos de estilo, según destaca AD Latinoamérica.

Lejos de las paredes blancas y los muebles discretos, las propuestas actuales suponen experimentar con murales, papel tapiz resistente a la humedad y acabados brillantes.

El blanco absoluto pierde protagonismo y es reemplazado por duplas como rosa empolvado y verde salvia, azul marino con cobre o terracota y crema, que aportan calidez y profundidad.

Colores, texturas y materiales que marcan tendencia en 2026

El empleo de colores intensos y murales a gran escala domina la decoración. El equipo editorial del medio citado subraya que “el maximalismo elegante, los colores intensos y los materiales artesanales serán protagonistas”.

Los azulejos tipo escama, las piezas en tonos esmeralda, terracota o azul petróleo y los acabados brillantes otorgan sofisticación y dinamismo. Mármol, piedra, madera y metales envejecidos, junto con cerámica artesanal, forman combinaciones que aportan autenticidad y refinamiento.

Pintar el techo con tonos vino o azul profundo genera un efecto envolvente y contribuye a potenciar la personalidad del baño. La riqueza visual se incrementa al mezclar texturas, desde vidrio acanalado hasta madera reciclada y latón.

Soluciones de almacenamiento para baños pequeños

El mobiliario multifuncional resulta esencial para lograr orden y diseño en espacios reducidos. Un lavabo con compartimentos ocultos, bancos con almacenamiento interno o columnas estrechas permiten aprovechar cada centímetro y evitan la saturación visual.

Vitrinas de vidrio acanalado no solo ofrecen espacio para guardar objetos, sino que también suman textura y elegancia. Otras opciones recomendadas son carritos auxiliares, cestas de fibras naturales y aparadores restaurados, elementos que confieren personalidad e ingenio.

Puertas correderas y muebles suspendidos favorecen la circulación y despejan el suelo, mientras que repisas flotantes y organizadores verticales aprovechan la altura de la estancia. Estas alternativas, de acuerdo con AD Latinoamérica, aportan soluciones prácticas y atractivas a los desafíos de los baños de tamaño reducido.

Detalles y accesorios que aportan personalidad

Los accesorios originales cobran especial relevancia: espejos grandes o con marcos distintivos amplifican el espacio visual. Esculturas, cuadros coloridos y pequeñas galerías de fotos suman sofisticación e identidad al ambiente.

La iluminación óptima combina fuentes diversas: luz ambiental, apliques laterales y lámparas decorativas crean atmósferas cálidas y versátiles. Materiales nobles como cerámica, piedra o metales envejecidos se incorporan en grifería y dispensadores, añadiendo carácter sin sobrecargar.

Incluir plantas tropicales y textiles con estampados vivos da un aire fresco, mientras que alfombras y bandejas decorativas incrementan el confort. “La belleza de un baño pequeño está en los detalles”, resalta el medio, recalcando la importancia de cada objeto.

Errores comunes y claves para acertar en un baño pequeño

Uno de los errores más frecuentes es optar por muebles grandes, lo que genera sensación de agobio y dificulta el paso. También es común descuidar la iluminación, lo que hace que el baño parezca más reducido.

El exceso de accesorios sin una línea estética coherente merma la armonía y puede restar personalidad al conjunto. Si bien el blanco continúa siendo una base funcional, abusar de él vuelve la habitación fría y monótona.

Para evitar estos fallos, AD Latinoamérica recomienda elegir accesorios con criterio y seleccionar piezas únicas que conserven cierta coherencia visual. La combinación de materiales, colores audaces y muebles bien escogidos permite transformar cualquier baño pequeño en un refugio estilístico.

La creatividad se convierte en el eje central de los baños pequeños en 2026. El uso valiente de los colores, la mezcla de texturas y las soluciones funcionales demuestran que incluso los espacios más compactos pueden tener gran belleza y carácter propio.

Los colombianos decidirán en manos de quién quedará el futuro del país en la jornada electoral que se llevará a cabo el 21 de junio de 2026, fecha dispuesta para la segunda vuelta entre Abelardo de la Espriella e Iván Cepeda, que continúan haciendo campaña en los diferentes territorios para convencer a más ciudadanos y así asegurarse de obtener una clara ventaja sobre su oponente.

En primera vuelta se notó que la periferia votó mayoritariamente por Cepeda, mientras que la mayoría del centro del país respaldó a Abelardo de la Espriella. Sin embargo, Bogotá fue el único lugar de esta zona del país que apoyó a la izquierda, como lo ha hecho desde hace décadas.

Cabe mencionar que el triunfo de De la Espriella fue claro en regiones como Antioquia, Cundinamarca y Santander. Por el contrario, Cepeda obtuvo mayorías en todos los departamentos de la costa Caribe y la costa Pacífico.

Algunos colombianos continúan con dudas sobre por quién votar, por lo que siguen buscando propuestas y entrevistas de los candidatos, que les permitan tener un panorama más claro. En contraste, hay otros que ya saben por quién votar, pero que quieren conocer más detalles de la vida de Abelardo de la Espriella e Iván Cepeda.

Por esta razón, acuden a los motores de búsqueda y en Google se muestra una clara tendencia de qué es lo que están buscando los ciudadanos. A 12 días de las elecciones, Infobae Colombia consultó en la herramienta de búsqueda Google Trends y a continuación se presenta el escenario.

Quién es el candidato más buscado en Google

Entre Abelardo de la Espriella e Iván Cepeda, el más buscado es el polémico abogado, que ha logrado conquistar a los seguidores de la ultraderecha con sus propuestas para combatir la inseguridad con la construcción de megacárceles, así como el fin de la “paz total” de Gustavo Petro y una persecución en contra de los grupos armados en todo el país.

La diferencia de la cantidad de búsquedas entre cada aspirante a la Presidencia durante los primeros días de junio es clara, aunque los seguidores de la izquierda tienen la esperanza de que todo se defina en las urnas y no por la popularidad lograda en las diferentes plataformas digitales.

Qué buscan los colombianos sobre Abelardo de la Espriella

Al consultar solamente el nombre de Abelardo de la Espriella, los colombianos no solo se interesan en su plan de gobierno, sino en un posible debate que pueda realizar con el candidato del oficialismo, una reunión que se ha aplazado por las exigencias de los dos candidatos.

Además, algunos se preguntan sobre su fórmula vicepresidencial, pues no tienen claro que es el economista y exministro José Manuel Restrepo, con el que se han viralizado videos de su forma de bailar y las respuestas al modelo económico que se basan en la flexibilización laboral, reactivación energética y minera, así como en atraer inversión y legalización de capitales.

Qué buscan los colombianos sobre Iván Cepeda

Entre tanto, algunos de los internautas esperan conocer más detalles de la campaña y vida personal de Iván Cepeda. Una de las preguntas más frecuentes es si Claudia López se unió al candidato de la izquierda, pues ha sido enfática en rechazar el actuar de Abelardo de la Espriella. En contraste, asegura que el representante del Pacto Histórico es un hombre “decente”.

Otros buscan la biografía de Iván Cepeda y su lugar de origen, pues no saben que nació el 24 de octubre de 1962 en Bogotá. El candidato es hijo del líder del Partido Comunista Colombiano, Manuel Cepeda Vargas, y la concejal Yira Castro, que fueron víctimas de la violencia política, pues tuvieron que exiliarse y su padre fue asesinado el 9 de agosto de 1994.

En cuanto a otra de las búsquedas frecuentes sobre Iván Cepeda, el equipo de prensa de la campaña del candidato confirmó a Infobae Colombia que no tiene hijos biológicos, sino que su familia se compone por su esposa Pilar Rueda y la hija de ella, llamada Lucía.

El consumo de dátiles como alternativa saludable a los alimentos ultraprocesados está experimentando un crecimiento notable en Estados Unidos y otros mercados occidentales. Actualmente cuenta con un aumento significativo en ventas y una mayor presencia en redes sociales y en los puntos de venta.

Según Fox News Digital, este fruto milenario ha ganado popularidad entre quienes buscan opciones más naturales para sustituir aperitivos tradicionales.

Impulsado por el interés en alimentos menos procesados y el valor nutricional de los dátiles, el consumo de este fruto está en auge. Los consumidores los eligen por su aporte de fibra, antioxidantes y su versatilidad en la cocina.

Además, el contenido de azúcar natural hace que expertos recomienden un consumo equilibrado, siendo una opción adecuada para quienes desean mejorar sus hábitos alimentarios. Las tendencias en redes sociales también han potenciado el interés, ya que abundan las recetas y testimonios sobre sus beneficios.

Las cifras revelan un aumento sostenido. Las ventas de dátiles en Estados Unidos crecieron un 33% en 2025, y se estima que el mercado alcance los USD 1.600 millones en 2034, de acuerdo con las proyecciones citadas por el medio.

En el Reino Unido, minoristas como Ocado han informado que las ventas de dátiles medjool se duplicaron en el último año. En el plano mundial, las previsiones indican que el mercado pasará de USD 34.500 millones en 2026 a USD 55.580 millones en 2034, con un crecimiento anual del 6,1%.

Factores del auge de los dátiles y sus beneficios para la salud

La popularidad de los dátiles ha sido impulsada por la difusión masiva en redes sociales, donde proliferan recetas y recomendaciones para su consumo. Es habitual ver a usuarios compartiendo videos probando dátiles por primera vez o enseñando cómo los utilizan como reemplazo del azúcar en postres.

La nutricionista Lisa Moskovitz, fundadora del NY Nutrition Group, puntualizó a Fox News Digital que los dátiles “no solo son deliciosos y versátiles, sino que aportan fibra, antioxidantes y otros nutrientes esenciales como magnesio y potasio”.

Los expertos destacan que este aumento en el interés se vincula con la preferencia por ingredientes naturales frente a los ultraprocesados.

Propiedades nutricionales y recomendaciones para consumir dátiles

Existen tres categorías principales de dátiles: blandos, semisecos y secos, lo que define su empleo en la cocina.

Los dátiles de mayor humedad, como los medjool, son habituales como ‘snack’, en tanto que los menos húmedos se aprovechan en repostería o en preparaciones cocidas.

En cuanto al contenido de azúcar natural, cada dátil provee aproximadamente 15 gramos. Moskovitz recomienda, en especial para quienes controlan su consumo glucémico, acompañar los dátiles con nueces o semillas para moderar la absorción del azúcar. El equilibrio, insiste la especialista, es fundamental para obtener beneficios sin excesos.

El Cleveland Clinic señala que los dátiles pueden favorecer la salud intestinal, mejorar la función cerebral y la piel, y reducir el riesgo de enfermedades, según citó el medio.

Diversas investigaciones respaldan el potencial de los dátiles como parte de una dieta equilibrada. Un informe de la Academia de Nutrición y Dietética de Estados Unidos subraya que el consumo regular de frutos secos como los dátiles puede asociarse con una mejor salud cardiovascular y reducción del riesgo de enfermedades metabólicas, siempre que se incorporen dentro de un patrón alimentario saludable.

La Organización Mundial de la Salud (OMS) también recomienda priorizar alimentos ricos en fibra y micronutrientes —característica presente en los dátiles— para favorecer la prevención de la diabetes tipo 2 y el control del peso corporal.

Relevancia histórica y cultural de los dátiles en el mundo

Más allá de su presencia renovada, los dátiles poseen un significado cultural en regiones de Medio Oriente y África. Los historiadores sitúan el inicio de su cultivo entre hace 6 mil y 8 mil años en civilizaciones de Mesopotamia.

Los dátiles mantienen un papel clave en celebraciones religiosas y costumbres, como el Ramadán, cuando muchas personas rompen el ayuno con este fruto.

Su presencia en la gastronomía tradicional y rituales cotidianos evidencia una herencia persistente a lo largo de los milenios. Según Fox News Digital, Oriente Medio y África continúan siendo los mercados predominantes, manteniendo su liderazgo en la demanda global de dátiles.

Las claves para renovar la cocina se centran en actualizar la estética, optimizar la funcionalidad y eliminar elementos considerados obsoletos.

Según House Beautiful, un equipo de diseñadoras y especialistas en interiorismo ha identificado 11 aspectos fundamentales que marcan la diferencia para quienes buscan un espacio más práctico y personalizado en esta etapa de la vida.

Los expertos destacan que, tras los 30 años, existe una tendencia a elegir materiales duraderos, soluciones modernas y detalles que equilibren modernidad y atemporalidad. Priorizar el orden visual y la personalización forma parte esencial de este proceso, según lo indican diseñadoras como Elana Tenenbaum Cline y Christina Melander.

1. Encimeras laminadas: por qué conviene sustituirlas

Las encimeras laminadas tienden a envejecer el ambiente y presentan menor resistencia frente a otras opciones como la piedra natural. Según la diseñadora Lesley Ray, estos materiales tienen una vida útil breve y exigen reemplazo frecuente, lo que resulta más costoso a largo plazo.

Optar por superficies de cuarzo, mármol o madera asegura mayor durabilidad y otorga un aire más sofisticado a la cocina, indicaron los expertos consultados por el medio citado.

2. Armarios superiores voluminosos: tendencia que quedó atrás

Los armarios superiores voluminosos generan sensación de encierro y aumentan el desorden visual, sobre todo en cocinas pequeñas. Brittany Cooper, de Rathell Home, explicó que hay alternativas más eficientes como repisas abiertas o módulos minimalistas.

Esta selección contribuye a un entorno más luminoso y moderno, impulsando la apertura visual del ambiente.

3. Ollas y sartenes a la vista: por qué guardarlas

Tener ollas y sartenes expuestas, ya sea colgadas o en paredes, suma desorden visual y puede reducir la amplitud percibida de la cocina.

Christina Melander, de Knotty Pine Design, sugiere guardar estos utensilios en armarios o cajones. “Nadie quiere invertir tiempo en limpiar a fondo las bases para exhibirlas”, afirmó Melander al medio.

4. Iluminación fluorescente

La iluminación fluorescente produce una luz fría y dura que no favorece ambientes acogedores. Según Elana Tenenbaum Cline, fundadora de Carta Creatives, conviene sustituirla por luces LED regulables o focos empotrados.

Diversificar las fuentes lumínicas transforma el espacio y mejora la experiencia cotidiana.

5. Encimeras de azulejos: dificultades y alternativas modernas

Las encimeras de azulejos, habituales en viviendas antiguas, suelen requerir mantenimiento constante por las juntas de lechada y tienden a lucir anticuadas.

Colleen Bennett, de CBB Design Firm, advierte que con el tiempo las piezas pueden mancharse y quebrarse. Superficies lisas de cuarzo o madera maciza ofrecen un aspecto contemporáneo y son más fáciles de limpiar, señala House Beautiful.

6. Demasiados electrodomésticos pequeños: evitar el desorden

Acumular electrodomésticos sobre la encimera reduce el área de trabajo y sobrecarga visualmente. Melander recomienda reducir el número de aparatos a lo esencial.

“La meta en cualquier cocina es mantener las superficies lo más libres posible”, declaró Melander al medio citado.

7. El cajón de los objetos perdidos: orden y funcionalidad

El típico cajón desorganizado tiende a llenarse de objetos sin función definida y ocupa un espacio valioso. Melander sugiere reducir su contenido a lo imprescindible, como bolígrafos y un pequeño bloc de notas.

Para otros artículos, lo ideal es organizarlos estrictamente y limitar su espacio, según recoge House Beautiful.

8. Envases y botellas desparejadas: apuesta por la uniformidad

Los envases desparejados y botellas diversas ocupan espacio sin aportar funcionalidad. Melander recomienda invertir en contenedores duraderos y uniformes, preferentemente de vidrio o plástico de calidad.

Asignar un solo cajón o estante para estos elementos facilita el orden y el control del exceso, afirman los especialistas consultados.

9. Microondas sobre la estufa: alternativas más elegantes

Situar el microondas encima de la estufa interfiere con la ventilación y suma volumen innecesario. Elana Tenenbaum Cline aconseja migrar a sistemas de extractor elegantes, mientras que el microondas puede ir en un estante independiente o dentro de la alacena.

Esta elección mejora la funcionalidad y la estética general de la cocina, resaltaron las expertas a House Beautiful.

10. Tiradores y manillas dispares: detalle que marca la diferencia

Tiradores y manillas diferentes o anticuados provocan una sensación de desorden y restan sofisticación. Colleen Bennett asegura que coordinar estos detalles en acabados modernos puede renovar el mobiliario al instante.

Tonos en negro mate o dorado satinado aportan una apariencia actual y cohesionada, de acuerdo con el medio citado.

11. Elementos genéricos y sin personalidad: el toque personal

Piezas impersonales o genéricas restan calidez y carácter. Las tendencias actuales recogidas por el medio privilegian objetos que reflejen la identidad y el estilo de los habitantes. El uso de materiales nobles y detalles artísticos contribuye a una cocina genuina y acogedora.

A medida que las prioridades cambian con la edad, una cocina organizada en la que cada elemento tenga una función clara permite optimizar el espacio y facilita la vida diaria, sostienen los expertos en diseño de interiores citados por House Beautiful.

El secreto para lograr que un hogar parezca más sofisticado no depende solo de los muebles, sino de la selección de los colores para que la casa luzca más costosa en paredes y detalles decorativos.

Según especialistas consultados por Homes & Gardens, revista especializada en decoración de interiores, elegir la paleta cromática adecuada puede aportar distinción y transformar la percepción del espacio sin realizar grandes inversiones.

1. Neutros cálidos para una elegancia atemporal

Entre las opciones recomendadas por el medio para crear una atmósfera elegante, sobresalen los tonos beige cálido. Mallory Robins, diseñadora en Kobel + Co, señala que el beige profundo, con matices ricos y cierta complejidad, aporta profundidad y ofrece una sensación acogedora y elevada, similar a la de un hotel boutique.

Robins destaca que estos tonos generan un efecto atemporal y sofisticado. El uso de acabados mate o satinados permite que la luz se refleje suavemente, realzando materiales como madera, lino o piezas naturales.

2. Verde oliva: sofisticación y contraste en interiores

El verde oliva profundo es otra de las recomendaciones principales para quienes buscan un ambiente sofisticado. Gabrielle Bove, de Opaline Interiors Studio, indica en Homes & Gardens que los verdes oscuros, junto con marrones y azules intensos, aportan dramatismo y un aire lujoso a cualquier espacio.

Bove subraya que los tonos oliva con bases negras o azuladas favorecen tanto a espacios pequeños como grandes. Combinados con texturas naturales, como alfombras tejidas o madera, el resultado es un interior moderno y actual.

La diseñadora señala que estos tonos permiten elevar la decoración de forma versátil, añadiendo personalidad sin recargar el ambiente.

3. Blancos matizados para amplitud y calidez

Los blancos matizados con subtonos cálidos son ideales para quienes desean ampliar visualmente los ambientes y sumar luminosidad. Aileen Warren, de Jackson Warren Interiors, afirma que elegir un blanco suave, distante de los tonos fríos, permite que el espacio se perciba más acogedor y sofisticado.

Warren aconseja variar los acabados: paredes mates, molduras satinadas y techos en mate. Esta diversidad de texturas refuerza la percepción de amplitud y profundidad.

Sabah Mansoor, diseñadora de interiores, añade que los blancos matizados otorgan calidez y suavidad sin dominar el conjunto, y que la mezcla con materiales naturales, como lino, madera clara o piedra, suma riqueza visual.

4. Malva suave: un matiz sutil para sofisticar el ambiente

El malva suave es una alternativa elegante a los neutros clásicos para quienes desean incorporar color sin perder sobriedad. La diseñadora de interiores, Christy Allen, consultada por el medio citado, afirma que este tono con matices grisáceos aporta un aire refinado y discreto que se siente relajante y contemporáneo.

Aplicar malva en paredes, textiles o accesorios permite crear ambientes diferenciados, aportando originalidad sin resultar estridente. Allen destaca que este color, por su sutilidad, se percibe de inmediato por la sensación de bienestar que genera.

El malva suave se integra como un neutro alternativo y versátil, siendo recomendable para quienes buscan un toque distintivo que eleve el conjunto decorativo.

5. Burdeos intenso para espacios acogedores y lujosos

El burdeos intenso figura entre las propuestas de Homes & Gardens como elección idónea para quienes desean añadir carácter y lujo a los espacios. Rebecca Letwin, de Full Bloom Interior Design, señala que estos tonos, inspirados en el vino tinto y los púrpuras joya, tienen una larga tradición asociada a ambientes sofisticados.

Letwin recomienda usar esta gama en paredes o mobiliario integrado para lograr profundidad y dramatismo. Además, aconseja contrastar el burdeos con acentos claros o metálicos cálidos, como latón, para potenciar la riqueza cromática.

Pequeños detalles en burdeos —almohadas, lámparas o jarrones— pueden elevar el ambiente sin sobrecargarlo, aportando siempre una sensación envolvente y lujosa.

Las recomendaciones de expertos recopiladas por Homes & Gardens demuestran que el verdadero secreto de un ambiente atractivo y cuidado está en la selección de los colores y la manera en que se combinan las texturas y los contrastes. Así se consigue una atmósfera interesante, pensada y con un estilo propio.

El regreso de los ladrillos de vidrio como elemento central en el diseño contemporáneo ha modificado la percepción de este material, que tradicionalmente se asociaba con los años 80.

Según Elle Decoration, ejemplos actuales muestran cómo arquitectos y diseñadores internacionales exploran nuevas aplicaciones funcionales y estéticas de los ladrillos de vidrio en proyectos residenciales y comerciales.

La reaparición de los ladrillos de vidrio responde a su capacidad de equilibrar privacidad, paso de luz natural y flexibilidad espacial en una sola solución.

Este material permite dividir ambientes sin perder luminosidad, facilita la ventilación y ofrece a diseñadores y arquitectos la posibilidad de jugar con texturas, colores y formas, adaptándose a la búsqueda de entornos más versátiles y visualmente atractivos.

En el último siglo, los ladrillos de vidrio han atravesado etapas de popularidad y olvido. Inspirada en la vanguardista Maison de Verre en París —construida en 1928—, esta tendencia alcanzó notoriedad en los años 80.

Hoy, el resurgimiento de este material combina el atractivo nostálgico con innovaciones en el uso de sus propiedades escultóricas y su capacidad para difuminar la luz, como ha detallado el medio citado. Actualmente, los ladrillos de vidrio se emplean más allá de la estética retro y se adaptan a soluciones flexibles y eficientes desde el punto de vista energético.

Usos funcionales y ventajas de los ladrillos de vidrio

El uso contemporáneo de los ladrillos de vidrio se explica por sus ventajas prácticas en la optimización espacial. Este material favorece la ventilación y la entrada de luz, mientras permite dividir áreas sin bloquear la visión ni aislar completamente los ambientes.

En viviendas con espacio limitado, los muros curvos de ladrillos de vidrio logran delimitar zonas como baños o pasillos sin sacrificar luminosidad ni sensación de amplitud. Esta solución facilita la configuración flexible de los espacios y contribuye al bienestar al incrementar la entrada de luz natural y favorecer la circulación de aire.

Tendencias internacionales y ejemplos destacados

Entre los proyectos más reconocidos está el Crystal Pavilion en Vietnam, desarrollado recientemente por Da Vàng Studio. Su fachada curva refleja la luz y constituye un referente del diseño residencial moderno.

En el Reino Unido, el Buchanan Studio apostó por revestir una cocina con ladrillos de vidrio de colores intensos, logrando un efecto cromático dinámico. “Los colores juegan con la luz de manera maravillosa, generando una energía que armoniza con el ambiente del espacio”, afirmó Angus Buchanan, fundador y director creativo, en declaraciones al medio citado.

Por su parte, Studio Naav en la India utilizó los ladrillos a modo de piezas de construcción para conformar asientos escalonados en el café Sabha Coffee, en Hyderabad.

Niharika y Varsha Prashasan, sus fundadoras, destacaron para el medio la cualidad que aporta este diseño: “Permite que la luz natural atraviese el área de asientos, manteniendo la apertura visual y el interés en el espacio”.

En Polonia, el estudio Mistovia optó por una pared curva de ladrillos de vidrio para cerrar el baño de un apartamento en Katowice. En Alemania, Studio Karhard empleó el material para instalar una división entre la sala y el vestíbulo de un apartamento en Berlín. Estos proyectos evidencian la adaptabilidad y el aporte funcional que definen la tendencia internacional.

De acuerdo con Elle Decoration, la versatilidad de los ladrillos de vidrio amplía las posibilidades tanto en viviendas como en espacios comerciales. El resurgimiento global de este recurso, que ya fue utilizado y marcó tendencia, se alinea con las necesidades actuales de flexibilidad espacial y ambientes luminosos.

El aprovechamiento de los ladrillos de vidrio permite redefinir la utilidad y luminosidad de los espacios, adecuándolos a formas de vida flexibles donde la claridad visual y la multifuncionalidad resultan prioritarias.

Este domingo 7 de junio, los peruanos regresarán a las urnas para definir al próximo Presidente de la República en la segunda vuelta electoral, y las tendencias de búsqueda de Google revelan que la ciudadanía ya usa internet de manera activa para planificar su participación con anticipación. La proximidad de los comicios ha disparado el volumen de consultas digitales en todo el territorio nacional.

En la recta final del proceso, esas tendencias se han convertido en un termómetro real de las interrogantes que prevalecen entre el electorado. Al igual que en la primera vuelta de abril, los datos reflejan que los votantes acuden al buscador principalmente para resolver aspectos logísticos y normativos de los comicios, con consultas adaptadas a esta etapa definitiva. El patrón se repite: los peruanos buscan información práctica antes de dirigirse a las mesas de votación.

De acuerdo con Google Trends, las búsquedas actuales están lideradas por “lugar de votación segunda vuelta” y “encuesta presidencial segunda vuelta”. El patrón refleja a un electorado enfocado tanto en asegurar su presencia en la jornada como en seguir de cerca las últimas proyecciones previas a los comicios. Que la consulta sobre el lugar de votación encabece el ranking indica que un segmento del padrón electoral aún no ha verificado dónde le corresponde sufragar, un comportamiento que también se registró en la primera vuelta.

Descentralización

La plataforma también muestra una marcada descentralización del interés electoral. Las regiones con mayor intensidad de búsquedas relacionadas con los comicios no se concentran en la capital: Ucayali, Puno y San Martín encabezan la lista, seguidas por Cajamarca y La Libertad. El interior del país supera a Lima en la intensidad del interés digital por el proceso electoral, lo que evidencia un alto nivel de atención y movilización ciudadana de cara a esta definición.

La presencia de Puno entre las regiones más activas tiene una lectura particular: se trata de una zona con alta densidad de votantes rurales e indígenas. Ucayali y San Martín, por su parte, integran la Amazonía peruana, una franja territorial que en procesos anteriores ha mostrado comportamientos electorales diferenciados respecto a la costa.

Entre los términos con mayor crecimiento también figura “cuánto es la multa por no votar en las elecciones”, lo que indica que una parte del electorado evalúa las consecuencias de no asistir a las urnas. En Perú, el voto es obligatorio para los ciudadanos de entre 18 y 70 años, y la omisión conlleva una multa cuyo monto varía según la zona geográfica del votante.

A continuación, los términos y consultas que han registrado el mayor crecimiento en el Perú durante esta semana previa a la votación:

• Lugar de votación segunda vuelta
• Encuesta presidencial segunda vuelta
• Cuánto es la multa por no votar en las elecciones
• Resultados de las elecciones
• Keiko Fujimori
• ONPE (Oficina Nacional de Procesos Electorales)
• Fecha de elecciones

La aparición de Keiko Fujimori entre los términos en alza refleja el interés del electorado por una de las dos candidatas que disputan la presidencia. La búsqueda de su nombre en esta etapa final del proceso puede responder tanto a la consulta de su propuesta de gobierno como al seguimiento de sus últimas declaraciones de campaña. La ONPE, el organismo rector del proceso, también concentra búsquedas, lo que sugiere que los ciudadanos recurren directamente a la fuente oficial para resolver dudas sobre el procedimiento electoral.

El flujo de búsquedas durante estos días previos confirma que el electorado peruano apuesta por la tecnología para resolver dudas logísticas y revisar información útil, con miras a que el proceso del domingo transcurra con normalidad y de manera ordenada. La segunda vuelta del 7 de junio definirá quién conducirá el país durante el próximo período de gobierno.

Sobre las tendencias de búsqueda

Las cifras de Google Trends reflejan las mayores tendencias de búsqueda de los usuarios peruanos durante un período determinado. Estos datos corresponden a tendencias de búsqueda, que se diferencian de los términos más buscados en que reflejan el crecimiento que ha experimentado la búsqueda de una palabra en Google respecto al promedio de un día normal, y no al número total de búsquedas. Esto permite medir el pulso de palabras y conceptos dentro de un contexto específico. Para este relevamiento se utilizó el concepto “Elecciones Presidenciales segunda vuelta”, con el filtro “última semana” hasta las 12:00 horas del martes 2 de junio del 2026.

El sistema de Google Trends no muestra la cantidad exacta de consultas, sino que procesa una muestra de millones de búsquedas diarias y las convierte en un índice de interés de búsqueda escalado del 0 al 100, donde 100 representa la máxima popularidad histórica o geográfica del término. Al segmentar los datos por periodos de tiempo, países, regiones o ciudades, esta plataforma se vuelve indispensable para identificar tendencias de consumo en Google, descubrir palabras clave estacionales, analizar el comportamiento del usuario y optimizar cualquier estrategia de posicionamiento SEO y marketing digital.

Lo más buscado en 2025

El informe “El Año en Búsquedas 2025” de Google revela que el interés digital de los peruanos estuvo impulsado principalmente por el fútbol y la coyuntura político-económica. En el ámbito deportivo, los términos más consultados fueron el “Mundial de Clubes”, el “Mundial Sub 20” y el seguimiento constante a la selección peruana. Por su parte, la inestabilidad institucional y las decisiones financieras motivaron un alto volumen de consultas relacionadas con el nuevo presidente de la República, José Jerí, el proceso de afiliación a partidos políticos y el “retiro AFP 2025”, reflejando una clara necesidad de información ciudadana confiable.

En cuanto al entretenimiento y la cultura digital, las tendencias estuvieron marcadas por producciones globales, fenómenos virales y pérdidas que impactaron al país. Los estrenos de películas como Destino Final y El Conjuro 4, junto con la segunda temporada de El Juego del Calamar, dominaron la categoría de contenidos audiovisuales. Asimismo, el buscador sirvió para resolver dudas cotidianas, descifrar modas de redes sociales —como la popular pregunta sobre el significado de la frase “tralalero tralala”— y buscar detalles ante los fallecimientos de figuras de gran relevancia como el escritor Mario Vargas Llosa, el periodista Jaime Chincha y el Papa Francisco.

La tendencia de la cocina abierta ha cambiado la manera en que se diseñan los hogares modernos. Con este concepto, la cocina se fusiona con la sala o el comedor en un solo ambiente continuo, luminoso y flexible. Sin embargo, surge el desafío de delimitar cada área sin perder amplitud ni conexión visual.

La popularidad de la cocina abierta reside en su capacidad para generar áreas donde cocinar y convivir se entrelazan. No obstante, la falta de límites claros complica la privacidad e incrementa la propagación de ruidos y olores entre ambientes contiguos. De acuerdo con el medio citado, el diseño proporciona alternativas prácticas que ayudan a conservar la amplitud visual y el orden.

Muebles clave para dividir espacios en la cocina abierta

El empleo de muebles es una de las estrategias más directas para crear fronteras entre la cocina abierta y el resto del hogar. La isla de cocina o la barra, si se sitúa en el extremo del área de trabajo y no en el centro, puede definir la separación entre la cocina y el comedor o sala, sin obstruir la vista ni la circulación.

Incorporar una mesa de comedor rectangular, proporcionada al tamaño del espacio, también contribuye a delimitar zonas y facilitar la movilidad entre ambientes. Este tipo de mobiliario, al ser flexible, permite modificar la organización según necesidades específicas en cada momento.

Soluciones funcionales: despensas, pasillos y mobiliario flexible

Optar por una despensa abierta, construida con materiales como la madera contrachapada o el acero inoxidable, crea un divisor sutil que también sirve de almacenamiento. Para mantener la ligereza visual, es fundamental cuidar las proporciones y la separación de los estantes.

Otra técnica útil consiste en ubicar la cocina hacia una esquina del área social, lo que genera un pasillo lateral que delimita la zona de forma natural y discreta. Este simple ajuste de disposición puede mejorar la privacidad y atenuar la mezcla de sonidos y aromas, manteniendo la funcionalidad en espacios reducidos.

Soluciones arquitectónicas para una separación visual y práctica

El diseño arquitectónico ofrece métodos versátiles y elegantes que aportan privacidad y organización. La puerta corrediza es una solución eficiente, ya que se puede cerrar para separar ambientes o abrir por completo para fusionarlos, sin perder espacio útil. Elegidas con marcos de metal, madera o cristales tintados, suman estética y practicidad.

Un pequeño escalón eleva la cocina respecto al resto del área, estableciendo un desnivel que jerarquiza y marca la diferencia de funciones. Según expertos citados por AD Magazine, este recurso transforma la cocina en un remate visual, sobre todo si se acompaña de acabados decorativos como azulejos.

Las separaciones acristaladas permiten definir límites claros entre cocina y comedor, conservando la luz natural y las visuales. Estos paneles de cristal, que van de piso a techo, minimizan la transmisión de ruidos y olores, pero no aíslan completamente los espacios. La elección de los marcos, en metal o madera, adapta la separación al estilo de cada hogar.

El acabado de piso puede distinguir de manera efectiva áreas adyacentes sin crear obstáculos físicos. Variar el material, el color o la dirección de las duelas entre cocina y comedor genera una transición visual sutil que enmarca cada ambiente y refuerza la percepción de independencia.

El recurso del plafón o falso techo destaca la cocina dentro del espacio abierto. Al instalarlo específicamente sobre la cocina, se logra enmarcar el ambiente, esconder iluminación indirecta y sumar profundidad al diseño, una recomendación frecuente de especialistas en interiorismo según el medio citado.

Finalmente, se pueden emplear celosías —de madera, metal u hormigón, desde el piso al techo o suspendidas— para separar sin perder transparencia ni ventilación, así como libreros abiertos sin fondo, con estantes espaciados y decoración mínima.

Estos elementos dividen y, al mismo tiempo, conservan el contacto visual y la ligereza del entorno.

Redefinir la cocina abierta no implica construir paredes firmes, sino elegir soluciones flexibles que conservan la armonía, la continuidad y el carácter distintivo de cada ambiente.

Como resaltan los profesionales citados por AD Magazine, la creatividad en el diseño permite transformar los espacios cotidianos, logrando que cada área cumpla su función sin perder conexión ni apertura.

La tendencia del paneleado de paredes en el diseño de interiores se ha consolidado en redes sociales y proyectos de renovación. Según House & Garden, los expertos subrayan que, si se introduce sin criterio, puede restar armonía a cualquier espacio.

En los últimos años, esta técnica decorativa ha vuelto con fuerza tras haber sido retirada en remodelaciones de principios de los años 2000. El medio citado señala que el panelado mural ha logrado presencia tanto en ambientes clásicos como modernos, aunque no siempre con buen resultado.

Influencers y reformas integrales han impulsado su popularidad, aunque los especialistas alertan que la aplicación indiscriminada puede generar un efecto repetitivo o descontextualizado.

Cómo elegir el panelado mural según la historia y la arquitectura

Al aplicar panelado en casas antiguas, el interiorista Max Rollitt recomienda considerar siempre la historia arquitectónica original. “Solemos trabajar en viviendas donde los paneles aún existen, pero también los reincorporamos en espacios donde fueron eliminados”, explicó al medio.

El diseñador Christian Bense coincide al afirmar que la ausencia de paneles no significa que no deba recuperarse esta característica. “Que una habitación no tenga paneles ahora no implica que no los tuviera antes; probablemente se retiraron en las remodelaciones de los 2000”, detalló.

Elegir el panelado adecuado exige analizar la arquitectura y el periodo de la vivienda. Bense aconseja mantener un estilo coherente con la época y evitar mezclar líneas y detalles de distintos orígenes.

Brandon Schubert, interiorista y fundador del estudio Brandon Schubert Ltd, enfatiza la importancia de estudiar elementos originales, “desde la altura del zócalo y las proporciones, hasta el tipo de moldura”. Un error frecuente es combinar estilos o detalles incompatibles, lo que resta valor al resultado.

Restituir acabados fieles a la época otorga autenticidad incluso cuando se reinstala panelado en espacios que lo perdieron con los años.

Reglas de coherencia, detalle y proporción en el uso del panelado mural

Los expertos de House & Garden insisten en mantener la consistencia en toda la vivienda y adaptar el nivel de detalle según la jerarquía de cada estancia. Bense recomienda agregar ornamentos en las zonas principales de la planta baja y optar por soluciones más simples en los pisos superiores. Repetir detalles en toda la casa refuerza la sensación de continuidad.

Cuando existen ampliaciones o áreas donde parte del panelado original se ha perdido, Max Rollitt y Bense proponen utilizar paneles diseñados para unificar el conjunto.

Rollitt relató en el medio citado cómo empleó panelados para dar cohesión a una casa del siglo XVII en Hampshire, integrando zonas reformadas a la historia del inmueble. “En el baño principal, incorporamos paneles para lograr un ambiente más acorde con la época”, apuntó.

El cuidado en las uniones con puertas, ventanas y techos, así como respetar proporciones y grosor, es esencial. “Si no se puede ejecutar bien, es preferible no forzar el panelado; lo importante es que no desentone o resulte artificial”, advierte Schubert. Incluso los acabados más sencillos necesitan precisión para evitar resultados poco profesionales.

Tendencias actuales y errores a evitar con el panelado mural

Hoy es posible combinar paneles de inspiración tradicional y contemporánea en interiores modernos. Sin embargo, Schubert considera que es más sencillo añadir diseños actuales a espacios antiguos que tratar de trasladar estilos históricos a viviendas recientes, pues esto suele generar ambientes poco auténticos.

“El panelado debe integrarse al edificio y parecer parte de su historia, no algo anterior a su construcción”, subrayó Schubert.

En cuanto a materiales, el panelado bajo o zócalo sigue siendo útil en cocinas y baños, siempre que se usen terminaciones resistentes al agua y pinturas lavables.

Anna Haines, diseñadora de interiores y fundadora del estudio Anna Haines Design, recomienda el machimbrado en baños y zonas de alto tránsito por su durabilidad y protección frente al desgaste diario.

No obstante, Schubert y Bense advierten sobre el peligro de recurrir a él en exceso: “Es fácil y asequible, pero su uso reiterado lo ha vuelto monótono”, señaló el primero.

El abuso del machimbrado genera fatiga visual y reduce el valor original del diseño, según la interiorista Pandora Taylor. “Durante los últimos cinco años ha sido la solución económica en baños; ahora resulta necesario buscar alternativas para evitar caer en lo rutinario”, aconsejó.

Como opciones a este exceso, los expertos sugieren emplear paneles lisos o maderas sin ornamento, que actualizan el espacio sin renunciar a la funcionalidad ni al aire contemporáneo.

La función del panelado mural, según los especialistas de House & Garden, es enriquecer el ambiente como fondo, sin convertirse en protagonista. Sea cual sea el estilo elegido, es solo un recurso decorativo más, y la identidad del espacio dependerá de una composición global, no de un solo elemento.

Este domingo 31 de mayo de 2026 se realizan las votaciones en Colombia para elegir al próximo mandatario que asumirá el periodo presidencial 2026-2030. Desde tempranas horas, millones de ciudadanos acuden a las urnas en todo el territorio nacional y en los consulados del exterior para ejercer su derecho al voto en esta primera vuelta.

En el marco de esta jornada, internet se ha convertido en la principal herramienta de consulta para los ciudadanos, reflejándose en múltiples tendencias de búsqueda en Google.

Los usuarios han concentrado sus consultas en aspectos logísticos clave, tales como los horarios oficiales de apertura y cierre de las mesas, los mecanismos digitales para verificar el lugar de votación, la lista de los candidatos inscritos y las medidas complementarias de orden público.

Cuáles son los horarios para votar en Colombia

Las mesas de votación en todo el país tienen un horario establecido por la Registraduría Nacional del Estado Civil. La apertura de las urnas se realiza a las 8:00 a.m. en todos los puntos autorizados del territorio colombiano.

A partir de ese momento, los jurados de votación quedan habilitados para recibir los documentos de identidad y entregar las tarjetas electorales a los sufragantes de manera continua.

El cierre oficial de la jornada electoral está programado para las 4:00 p.m. Las autoridades recuerdan que una vez se cumple esta hora, las mesas se cierran de manera estricta y solo podrán votar aquellas personas que ya hubiesen entregado su cédula de ciudadanía al jurado antes del límite.

Cómo saber el lugar y la mesa de votación

Para conocer con exactitud el puesto de votación asignado, los ciudadanos deben ingresar a la página web oficial de la Registraduría Nacional del Estado Civil. En la sección dedicada al censo electoral, el sistema solicita digitar el número de la cédula de ciudadanía de la persona interesada.

Al procesar la solicitud, la plataforma despliega de forma inmediata el departamento, el municipio, la dirección del puesto y el número específico de la mesa.

Asimismo, las autoridades han habilitado la aplicación institucional para agilizar estas consultas desde los celulares. Se debe realizar esta verificación con anticipación para evitar aglomeraciones en las entradas de los recintos electorales, donde se disponen listas físicas para los ciudadanos que requieran orientación presencial de último momento.

Quiénes son los candidatos inscritos para la elección presidencial

El tarjetón electoral para esta primera vuelta cuenta con un total de doce candidaturas formalizadas ante el Consejo Nacional Electoral. Entre los nombres validados para esta contienda figuran:

• Iván Cepeda Castro (Pacto Histórico): Fórmula vicepresidencial: Aida Marina Quilcué Vivas.
• Abelardo de la Espriella Otero (Defensores de la Patria): Fórmula vicepresidencial: José Manuel Restrepo Abondano.
• Paloma Valencia Laserna (Centro Democrático): Fórmula vicepresidencial: Juan Daniel Oviedo Arango.
• Claudia López Hernández (Con Claudia Imparables): Fórmula vicepresidencial: Leonardo Humberto Huerta Gutiérrez.
• Sergio Fajardo Valderrama (Dignidad & Compromiso): Fórmula vicepresidencial: Edna Cristina Bonilla Sebá.
• Roy Barreras Montealegre (La Fuerza de la Paz): Fórmula vicepresidencial: Martha Lucía Zamora Ávila.
• Óscar Mauricio Lizcano Arango (Firme con Lizcano): Fórmula vicepresidencial: Pedro Luis de la Torre Márquez.
• Miguel Uribe Londoño (Partido Demócrata Colombiano): Fórmula vicepresidencial: Luisa Fernanda Villegas Araque.
• Sondra Macollins Garvin Pinto (Sondra Macollins, la abogada de hierro): Fórmula vicepresidencial: Leonardo Karam Helo.
• Raúl Santiago Botero Jaramillo (Romper el Sistema): Fórmula vicepresidencial: Carlos Fernando Cuevas Romero.
• Gustavo Matamoros Camacho (Partido Ecologista Colombiano): Fórmula vicepresidencial: Mila María Paz Campaz.

El diseño del tarjetón incluye, de manera obligatoria por ley, la casilla destinada para el voto en blanco como opción válida para los electores.

Cómo opera el proceso de votación en el exterior

Los colombianos residentes en el extranjero cuentan con un esquema de votación extendido que comenzó el pasado lunes 25 de mayo y culmina este domingo 31 de mayo. La Registraduría Nacional, en coordinación con la Cancillería, habilitó más de dos mil mesas distribuidas en puestos de votación ubicados en consulados y embajadas de 67 países alrededor del mundo.

El horario de funcionamiento en el exterior se rige bajo la misma franja de 8:00 a.m. a 4:00 p.m., pero adaptado al huso horario local de cada ciudad receptora.

Los ciudadanos inscritos en el censo electoral del exterior deben presentarse con su cédula de ciudadanía vigente en los puntos diplomáticos correspondientes para registrar su voto dentro de los tiempos estipulados.

A pesar de tener espacio limitado, las ideas para patios interiores reunidas por House & Garden, revista internacional de decoración de interiores, muestran que es posible convertir estos rincones en áreas funcionales mediante decisiones de diseño.

Paisajistas e interioristas internacionales aportan propuestas que transforman patios urbanos en extensiones del hogar, combinando materiales seleccionados, vegetación adecuada y elementos que amplían la sensación de amplitud.

Materiales para lograr armonía y funcionalidad

El primer criterio para diseñar un patio interior, según el medio citado, radica en seleccionar materiales que armonicen con la arquitectura general.

Angel Collins, paisajista, menciona que “los detalles de paisajismo duro suelen ser los más complejos de resolver” y recomienda limitarse a tres materiales principales —piedra recuperada, grava y ladrillo— para mantener la coherencia visual.

Los ejemplos muestran patios pavimentados con piedra antigua, bancos de madera perimetral y muros pintados en tonos neutros para crear un ambiente equilibrado.

Limitar la variedad de elementos y mantener la uniformidad en materiales y colores refuerza la sensación de orden en áreas compactas. Planificar cuidadosamente las zonas pavimentadas facilita la circulación y la funcionalidad de cada metro cuadrado. Así, el patio se consolida como una “habitación exterior”, con la misma relevancia práctica que cualquier espacio del hogar.

Opciones de plantas y vegetación para patios interiores

La vegetación tiene un papel central en el diseño de patios pequeños, tanto por su atractivo visual como por su aporte sensorial. House & Garden sugiere especies perennes que aseguran verdor todo el año, junto con trepadoras como hiedra, hortensia y madreselva, capaces de suavizar los ángulos duros de los muros y aportar verticalidad.

El paisajista Bob Richmond-Watson recomienda elegir cuidadosamente según la orientación y el uso del espacio: “Si vas a pasar por debajo o junto a ellas, elige trepadoras perfumadas como rosales y madreselvas para envolverte con su fragancia”.

Macetas de helechos, arbustos bajos y hierbas aromáticas enriquecen la textura y el color sin recargar el conjunto. Optar por especies de bajo mantenimiento y distribuirlas en jardineras portátiles o canteros hundidos facilita la adaptación del patio a distintos ritmos de vida y estaciones del año.

Butter Wakefield, diseñadora de exteriores, subraya que “la plantación fue lo más importante de todo” al describir la prioridad dada a topiarios y plantas de sombra en un patio londinense de su autoría.

Recomendaciones para diseñar un patio elegante y funcional

Ampliar visualmente el espacio es una prioridad en patios interiores, y las tendencias reflejadas por el medio apuntan a elementos que suman profundidad y versatilidad.

Los espejos ayudan a duplicar la percepción del área disponible y reflejan la vegetación, potenciando el efecto de oasis. Muebles ligeros, como bancos de piedra adosados o mesas de mosaico, facilitan la reorganización del entorno según las necesidades sociales.

El uso de toldos o marquesinas rayadas, alfombras de exterior y almohadas estampadas crea un ambiente acogedor y multifuncional, convirtiendo el patio en un “segundo salón bajo el cielo”. Esta integración de mobiliario y textiles contribuye al confort sin saturar la superficie útil.

Alternar texturas mediante pavimentos de piedra, cerámica artesanal o paneles vegetales en los muros aporta dinamismo y personalidad. La iluminación ambiental, con cadenas de luces o apliques discretos, realza la impresión de refugio privado.

El equipo editorial de House & Garden destaca que estas estrategias resuelven retos de privacidad, integración arquitectónica y sencillez de mantenimiento, lo que demuestra que la sofisticación en patios interiores es perfectamente compatible con la funcionalidad y el contacto con la naturaleza.

Las paredes paneladas en madera volvieron con fuerza al interiorismo 2026, combinando elegancia tradicional y modernidad.

Según Elle Decor, revista especializada en diseño e interiorismo, este resurgimiento responde al interés por materiales naturales que confieren calidez y carácter a los espacios, junto con ventajas prácticas como el aislamiento y el acondicionamiento acústico.

El auge de las paredes paneladas en madera en 2026 no solo responde a criterios estéticos o funcionales. Medios internacionales como Savia y Tablinou destacan que la conciencia ambiental impulsa la preferencia por maderas con certificación FSC o PEFC, procedentes de bosques gestionados de forma responsable.

Esta tendencia refuerza el compromiso del sector con la sostenibilidad, ya que el material actúa como sumidero de carbono y reduce el impacto ambiental respecto a otras soluciones constructivas.

El uso de paneles fabricados con procesos de bajo consumo energético y madera recuperada o reciclada también gana terreno entre arquitectos y diseñadores, consolidando la madera como una opción integral tanto por su belleza como por su responsabilidad ecológica.

Las paredes paneladas en madera vuelven a ser tendencia por su capacidad de dotar a los ambientes de elegancia, confort y funcionalidad. El material ofrece aislamiento térmico y reducción del ruido, favoreciendo espacios más cálidos en invierno y frescos en verano.

Además, el uso de paneles sin pintar aporta autenticidad y memoria, convirtiéndolo en una alternativa versátil tanto para hogares familiares como para estudios y bibliotecas. Los especialistas recomiendan equilibrar la madera con elementos contemporáneos y tonos intensos para evitar un resultado excesivamente rústico.

Beneficios de las paredes paneladas en madera

El uso de paneles de madera permite transformar la estética de habitaciones y crear ambientes cálidos. Según interioristas consultados por Elle Decor, la madera sin tratar conserva detalles originales, lo que aporta autenticidad visual y sensorial.

Interioristas como Heather Chadduck Hillegas destacan que mantener vetas, imperfecciones y relieves en la madera acentúa el carácter de cada espacio. Por su parte, Thomas Kligerman, arquitecto y diseñador estadounidense, asocia este material con recuerdos y emociones, reforzando el arraigo en el entorno doméstico.

El panelado resulta especialmente adecuado en estudios y bibliotecas, donde la sensación de calma y privacidad es fundamental, y en espacios de reunión en los que el aislamiento acústico añade valor funcional.

En viviendas familiares, la madera evoca aromas y texturas de la naturaleza, un detalle que, según expertos citados por el medio, añade una dimensión sensorial que se integra con la vida cotidiana.

La capacidad de la madera para absorber y atenuar ruidos convierte a los paneles en una elección frecuente en salas de estar y televisión, donde, como afirman los diseñadores de interiores responsables del estudio Redd Kaihoi, Miles Redd y David Kaihoi, el revestimiento suaviza la presencia de tecnología y fomenta la intimidad.

Claves para aplicar la tendencia en 2026

Para lograr un equilibrio entre lo clásico y lo actual, los especialistas recomiendan el uso de paneles de madera sin pintar, combinándolos con piezas de arte moderno y detalles en metales dorados o piedras singulares. Así, el ambiente evita el exceso monocromático y adquiere dinamismo visual.

En espacios como bibliotecas y estudios, introducir contrastes mediante papel pintado o textiles complementa la riqueza del material. Aplicar puntos de color, como rojo, azul o verde, crea focos de atención y rompe la monotonía, estrategia señalada por diseñadores citados por Elle Decor.

El consejo común de los interioristas es sumar elementos sofisticados y contemporáneos. Un buen manejo de la iluminación y la elección de acabados elegantes pueden transformar la apariencia de la madera, otorgando a los espacios una sensación de actualidad y confort que responde a las expectativas del interiorismo 2026.

Este regreso de las paredes paneladas en madera muestra cómo la decoración puede adaptarse a estilos de vida cambiantes sin perder la conexión con la naturaleza y la tradición.

Según el medio citado, permanecer rodeado de madera genuina sigue proporcionando bienestar, calidez y un sentido de solidez que cada vez cobra más valor en los hogares modernos.

Ponerse una camisa por la mañana puede mostrar diferencias sutiles entre prendas según el género. En la ropa femenina, los botones suelen estar a la izquierda, mientras que en la masculina están a la derecha, una costumbre histórica que todavía llama la atención y genera interrogantes sobre su origen y sentido actual. No obstante, no se trata de una tendencia reciente, sino de un aspecto con mucha historia.

La razón principal de esta diferencia proviene de la moda europea de siglos pasados, cuando las damas nobles llevaban vestidos complicados y necesitaban ayuda de sirvientes para vestirse. Para facilitar la tarea a los asistentes, se ubicaban los cierres de modo que el 90% de las personas diestras pudieran abrochar la prenda desde el lado izquierdo de la usuaria. En contraste, la ropa masculina estaba pensada para que el hombre se vistiera solo, por lo que los botones y los cierres se colocaron en ese lado, priorizando la comodidad.

Efectos de la funcionalidad y la tradición en el diseño de ropa

Según JuYoung Lee y Caroline Kobia, profesoras asociadas de Diseño y Comercialización de Moda en la Universidad Estatal de Misisipi, en Estados Unidos, los botones y los cierres en la ropa masculina obedecen razones principalmente funcionales.

Asimismo, de acuerdo con su artículo en The Conversation, algunos historiadores sostienen que la influencia militar también jugó un papel decisivo: los hombres debían evitar que las chaquetas o uniformes se engancharan al sacar sus espadas, de ahí la ubicación particular de los cierres según el estudio.

En ese sentido, añade que el uniforme diario masculino siempre priorizó la practicidad y el movimiento, y esas reglas se afianzaron hasta convertirse en estándares que pocas veces se cuestionaron. Así, detalles establecidos por necesidades antiguas permanecieron mucho después de perder su función original.

A partir del siglo XIX, la expansión de la confección industrial aceleró la consolidación de patrones estandarizados en las fábricas, según las expertas citadas en The Conversation. Las marcas mantuvieron la distribución tradicional de cierres y, al introducir innovaciones como las cremalleras en el siglo XX, simplemente replicaron el mismo esquema de ubicación en cada tipo de prenda.

Hoy, la moda tiende a romper la rigidez de las divisiones de género. La moda unisex vive un gran incremento y aparece la ropa sin género, lo que permite que nuevas propuestas prescindan de la antigua regla sobre la posición de los cierres.

En la misma línea, The Conversation explica que diseñadores y marcas de diferentes partes del mundo han comenzado a dejar atrás la norma tradicional, demostrando que no existen razones técnicas para distinguir la ubicación según el género. Las nuevas colecciones apuestan por la flexibilidad y la comodidad, reflejando una visión más abierta y adaptada a la diversidad.

Aunque los cierres hayan sido durante siglos reflejo de reglas históricas, la moda contemporánea se orienta hacia la libertad de elección. Quienes eligen o confeccionan prendas hoy pueden decidir dónde colocar los botones o cualquier otro tipo de cierre, dejando atrás las imposiciones de la tradición y abriendo espacio a la creatividad personal.

La ubicación como marcador de estatus y símbolo social

Más allá de la funcionalidad y las tradiciones de género, la colocación en las camisas también funcionó durante siglos como un marcador de estatus y pertenencia social. El surgimiento de los botones y ojales reforzados en la Europa medieval no solo introdujo una innovación técnica, sino que marcó una diferencia visible entre quienes podían permitirse prendas complejas y quienes vestían de manera más sencilla.

Durante los siglos XIII y XIV, los botones elaborados con materiales lujosos como oro, plata o perlas se convirtieron en símbolos de riqueza y prestigio, accesibles solo para las clases altas.

La orientación de los cierres en las prendas femeninas, facilitando el trabajo a los sirvientes, se transformó en un código tácito: solo las mujeres con recursos contaban con asistentes, por lo que el sentido del abotonado revelaba su posición social ante los demás.

Así, la diferencia no solo respondía a cuestiones prácticas, sino que también transmitía una señal de distinción y jerarquía dentro de la sociedad europea de la época, como destacan investigaciones publicadas por Smithsonian Magazine y Boldsky.

Con el paso de los siglos y la expansión de la confección industrial, este detalle visual perdió su función como señal de privilegio, pero conservó la diferenciación entre géneros, convirtiéndose en una tradición arraigada en la moda contemporánea.

El color es una herramienta esencial para transformar cualquier espacio. Además de su impacto visual, influye en el estado de ánimo y la percepción de los ambientes, por lo que es fundamental considerar el propósito de la habitación al seleccionar el color.

También es importante tener en cuenta la luz natural de la habitación, ya que un color puede lucir diferente dependiendo de la cantidad de luz que reciba a lo largo del día. Este análisis cuidadoso permite maximizar el potencial del espacio, haciéndolo más armónico y funcional.

Aunque el proceso puede parecer complejo, actualmente existen herramientas que facilitan la elección de colores para un espacio, una de ellas es ColorLife TRENDS cuya principal funcionalidad es mostrar cómo el color puede redefinir un entorno, al tiempo que acerca a las tendencias de color a un público más amplio.

ColorLife TRENDS 2025 es el resultado de una colaboración interdisciplinaria entre arquitectos, artistas, diseñadores y chefs mexicanos, que de la mano de COMEX, asegura que cada color no solo sea visualmente atractivo, sino que también cuente con un trasfondo cultural y emocional.

El protagonismo de este 2025 lo tiene el tono Bambú 237-05, que es un vibrante tono verde cítrico con matices amarillos que promete renovar hogares con frescura y energía.

El tono Bambú 237-05 está inspirado en el bambú, material que simboliza flexibilidad, resistencia y conexión con la naturaleza. Este color no solo embellece, sino que también aporta un aire de equilibrio y modernidad. Según los expertos, es ideal para quienes desean crear espacios versátiles, dinámicos y acogedores.

Los tonos verdes tienen una cualidad especial: evocan calma, pero también despiertan creatividad. Por ello, Bambú 237-05 se adapta perfectamente a múltiples estilos, desde lo rústico hasta lo contemporáneo.

Cuatro paletas, infinitas posibilidades

Este año, junto a Bambú 237-05, Comex presenta cuatro paletas cuidadosamente diseñadas para resonar con diferentes personalidades, estados de ánimo y objetivos decorativos:

Mole Rosa: un homenaje a la riqueza culinaria mexicana

Esta paleta celebra la tradición gastronómica con tonos que evocan los ingredientes del mole, uno de los platillos más emblemáticos de México. Colores cálidos y terrosos se combinan con acentos vibrantes, ideales para cocinas o áreas de convivencia. Mole Rosa

Sueño Artificial: creatividad y descanso en armonía

Con una mezcla de morados, azules y acentos metálicos, esta paleta es perfecta para quienes buscan espacios introspectivos. Desde un estudio creativo hasta un dormitorio relajante, estos tonos promueven la imaginación y la tranquilidad. Sueño Artificial

Ritmos de la Tierra: reconexión con la naturaleza

Verdes y terracotas dominan esta propuesta, inspirada en paisajes naturales. Es la opción ideal para salones o terrazas, proporcionando una atmósfera cálida y acogedora.Ritmos de la Tierra

Espectro Fértil: la frescura de lo femenino

Tonos suaves y naturales componen esta paleta, pensada para agregar serenidad y frescura a cualquier rincón del hogar. Es perfecta para quienes buscan un toque de elegancia sutil en su decoración. Espectro Fértil

Estas paletas están diseñadas para adaptarse a distintos estilos y personalidades, sin necesidad de grandes cambios. Solo algunos detalles en los tonos correctos pueden dar nueva vida a tus espacios.

Miles de posibilidades por explorar

Además de las tendencias 2025, Comex pone a disposición de las personas más de 3,500 colores que permiten explorar todas las posibilidades creativas. Con herramientas como ColorLife, elegir el tono perfecto para cada espacio es más fácil que nunca.

La pintura no solo es una herramienta estética, sino un medio para contar historias y crear ambientes que reflejen nuestra personalidad. Un tono bien elegido puede convertir un espacio ordinario en un refugio personal, estimular la creatividad en áreas de trabajo o promover la calma en zonas de descanso.

La llegada de Rodrigo De Paul a una concentración de la Selección Argentina, a una práctica del Atlético de Madrid o directamente a un partido de fútbol nunca pasa inadvertida. Nacido el 24 de mayo de 1994 en Sarandí, el mediocampista y fiel amigo de Lionel Messi logró convertir los pasillos de estadios y hoteles en verdaderos desfiles de moda. En el marco de su cumpleaños número 32, repasamos los diez atuendos más audaces y disruptivos con los que supo marcar tendencia, tanto en la cancha como fuera de ella. Sin dudas, el “estilo De Paul” se consolidó como un fenómeno que trasciende el fútbol y redefine el vínculo entre deporte y moda.

El equilibrio de las proporciones: cuero cropped y cargo XXL

Uno de los looks más recordados del “Motorcito” se vio en una de sus llegadas a la concentración de la Selección. El ex Racing eligió una campera de cuero corta y ajustada, sobre una remera blanca clásica de cuello redondo, combinada con pantalones parachute oversize de algodón pesado y zapatillas chunky.

El corte de la campera a la cintura resaltó las piernas y dio estructura, mientras que la prenda inferior aportó volumen y movimiento. El brillo sutil del cuero, la opacidad del pantalón y la suavidad de la remera construyeron un conjunto monocromático que nunca resulta monótono. La cadena dorada y los aros completaron el look con un toque de sofisticación urbana.

Blokecore y gorpcore junto a Tini Stoessel

En una imagen que encendió las redes sociales, el mediocampista del equipo que dirige Diego “Cholo” Simeone apareció junto a su pareja Tini Stoessel luciendo una camiseta oversize azul marino con rayas blancas, sudadera gris claro debajo y gorro de lana negro. El look sumó anillos y tatuajes, reforzando su identidad visual.

Tini aportó una chaqueta de piel sintética con ribete marrón y maquillaje natural, logrando una fusión de estilos donde el streetwear y la moda urbana se potencian. La paleta de colores oscuros contrastó con los detalles del interior del vehículo en el que viajan, generando una composición visual atractiva.

Uniforme con marca personal: Atlético de Madrid y “samurai hair”

Durante los entrenamientos con el Atlético de Madrid, De Paul adapta el uniforme oficial a su estilo. Lleva un buzo de entrenamiento azul turquesa con medio cierre, short gris topo y medias blancas arrugadas a la altura del tobillo.

Pero uno de esos tantos días sorprendió al aparecer con un peinado top knot -que despeja el rostro y suma carácter- diferenciándolo del resto del plantel. El rodete alto, los tatuajes al descubierto y un piercing discreto en la oreja aportaron sello propio al código deportivo.

Sastrería urbana y bolso pixel junto a Messi

En una de sus tantas imágenes al lado de Messi, De Paul fusionó una remera blanca básica, pantalón de vestir oversize y un bolso Keepall de Louis Vuitton con motivo pixelado multicolor. La gorra azul marino hacia atrás y las zapatillas blancas de perfil bajo cerraron un conjunto que dialoga con el normcore clásico del 10.

El contraste entre estilos y la elección de accesorios de lujo convirtió la escena en un duelo silencioso de filosofías de moda dentro del fútbol argentino.

Maximalismo de lujo: Off-White y accesorios premium

Para un viaje de concentración, el número 7 de la Albiceleste apostó por un conjunto inspirado en la NBA, firmado por Off-White. Jersey y short XXL en blanco y rojo, bolso Louis Vuitton x Supreme cruzado al hombro y valija Rimowa de aluminio en mano.

Las zapatillas chunky y la gorra trucker reforzaron la impronta maximalista y el lujo urbano, mientras que la cadena dorada y el reloj aportaron un destello de exclusividad. La combinación de prendas oversized y accesorios de alta gama elevó el outfit a categoría de culto para el streetwear internacional.

Cornrows y bolso de Pharrell Williams para Louis Vuitton

Uno de los momentos más virales fue su llegada a Ezeiza con trenzas cornrows y un bolso Speedy de edición limitada diseñado por Pharrell Williams para Louis Vuitton. El pantalón patchwork de denim en azul y celeste y la musculosa blanca ajustada completaron un look de alto impacto.

La combinación de peinado, prendas funcionales y accesorios exclusivos consolidó a De Paul como referente de la moda global.

Nostalgia Y2K: denim deconstruido y jersey cropped

El guiño a los años 2000 se expresa en otro look viral, donde De Paul posó con una camiseta de Dsquared2 marrón, acortada de modo que dejó ver la banda elástica de la ropa interior, junto a un jean baggy de tiro medio-bajo con paneles y cierres expuestos.

La gorra hacia atrás, las zapatillas skater y la cadena dorada completaron un conjunto que celebró la nostalgia Y2K desde una mirada contemporánea. El éxito del outfit radicó en la paleta cromática cohesionada y el equilibrio entre piezas voluminosas y detalles de lujo.

Color y contraste: Balenciaga, layering y valija verde

En una de sus llegadas al predio Lionel Messi de la AFA, De Paul llevó el maximalismo urbano al extremo con un jersey Balenciaga rojo universitario superpuesto sobre mangas largas negras, pantalón jogging XXL y una valija Louis Vuitton verde esmeralda.

El contraste cromático entre el rojo y el verde, junto al bolso negro y las zapatillas con detalles celestes, generó un impacto visual inmediato. La superposición de prendas y el uso estratégico de accesorios convirtieron el look en una declaración de actitud y riesgo estilístico.

Varsity premium: bomber de cuero y jeans clásicos

En un giro hacia el vintage americano, el campeón del mundo lució una campera bomber varsity de cuero negro, con detalles en beige y parches bordados, combinada con jeans rectos y zapatos formales de cuero.

El peinado half-bun y el bolso de mano marrón texturizado sumaron sofisticación y discreción. El outfit equilibró nostalgia, sobriedad y lujo silencioso, demostrando la versatilidad de su propuesta estética.

Espíritu veraniego en Miami: Y2K skater y básicos elevados

Durante una estadía en Miami, el mediocampista eligió una remera blanca acanalada, bermudas cargo XXL con tiras técnicas colgantes, gafas Y2K, gorra trucker y zapatillas chunky oscuras. El volumen oversize de las bermudas y la textura de la remera aportaron interés visual, mientras que los accesorios reforzaron el espíritu skater y urbano. El look resultó ideal para el clima cálido y muestra cómo adaptó las tendencias globales a su estilo personal.

Este domingo, Rodrigo De Paul cumple 32 años consolidado como uno de los grandes referentes del estilo urbano en el ámbito futbolero. Su capacidad para reinterpretar tendencias, mezclar lujo con códigos deportivos y desafiar los límites de la vestimenta futbolera hizo de cada aparición un acontecimiento, trasladando la conversación sobre moda desde las revistas especializadas al vestuario y los estadios. A pocos días del Mundial 2026, ¿con qué nos sorprenderá?

Lograr un salón pequeño lujoso sin reformas es una alternativa que gana adeptos entre quienes desean un ambiente acogedor y sofisticado, tal como recogen recomendaciones especializadas de ELLE Decor. Alcanzar este efecto depende de aplicar detalles seleccionados con intención y sin grandes inversiones.

Estas propuestas puntuales, respaldadas por expertos y alineadas con las tendencias de decoración de 2026, pueden aplicarse en cualquier vivienda y no requieren gastos elevados.

Tener un espacio reducido supone la oportunidad de optimizar cada detalle. La tendencia actual prioriza elementos que suman personalidad y sofisticación, sin aumentar la cantidad de objetos ni acometer reformas.

Molduras para un salón más elegante

Uno de los primeros consejos destacados por el medio citado es utilizar molduras en paredes y techos. Este recurso amplía visualmente el espacio y aporta elegancia incluso en salones muy pequeños.

Conviene elegir molduras sencillas para evitar sobrecargar la estancia. Pintarlas del mismo color que la pared ayuda a integrarlas, aunque se pueden emplear tonos contrastantes en zócalos para añadir originalidad.

Listones y marcos de escayola permiten crear paneles o zócalos que suman dimensión al ambiente. Según expertos citados por el medio, estas soluciones se adaptan a diferentes estilos y presupuestos.

Iluminación cálida y en capas para ampliar el espacio

La iluminación adecuada transforma la atmósfera de cualquier salón pequeño. Emplear luces de temperatura cálida, entre 2.700 y 3.000 kelvin, genera sensación de amplitud y estilo.

Superponer varias fuentes de luz —por ejemplo, una lámpara de techo, lámparas de pie, apliques y tiras LED ocultas— aporta profundidad y sofisticación, además de funcionalidad.

Cuidar la iluminación eleva el nivel estético y contribuye, según ELLE Decor, a que el espacio “se amplíe como por arte de magia”. Este efecto transformador se nota especialmente en salones de dimensiones reducidas.

Textiles refinados y cortinas que realzan el ambiente

Los textiles bien elegidos son aliados claves para dar lujo a salones compactos. Las cortinas largas y de caída fluida, instaladas cerca del techo, hacen que la habitación parezca más alta, independientemente del tamaño de la ventana.

El empleo de tejidos nobles, como el lino o el terciopelo, en almohadones o alfombras, refuerza la sofisticación sin requerir grandes cantidades. Según el medio citado, el valor viene de la calidad y textura de los materiales, no tanto del número de objetos.

Una alfombra elegante y bien colocada aporta coherencia y mejora la estética general. Las telas, por sí solas, pueden modificar el ambiente de manera rápida y sencilla.

Espejos: el truco infalible para espacios pequeños

Los espejos multiplican la luz natural y amplían visualmente las estancias pequeñas. El medio los define como un recurso infalible en viviendas donde cada metro cuenta.

Seleccionar un espejo antiguo, veneciano o de diseño especial añade carácter y elegancia. Modelos con marcos distintivos pueden actuar como puntos focales que cambian el ambiente sin saturar el espacio.

Además de su utilidad práctica, los espejos pueden definir el estilo del salón. Para los diseñadores recogidos por ELLE Decor, esta es una estrategia que nunca falla y genera luminosidad y amplitud inmediatas.

Una pieza con personalidad como punto focal

Aportar profundidad al salón mediante un solo elemento destacado es una táctica sugerida por especialistas. Puede tratarse de una escultura, una lámpara de diseño, un cuadro con impacto visual o un papel mural.

Esta pieza central transforma la percepción del espacio y dirige la atención, otorgando identidad al salón sin añadir más objetos.

Elegir solo una pieza relevante basta para crear un ambiente cuidado y sofisticado. Más que añadir múltiples elementos, la intención está en seleccionar bien, como subraya ELLE Decor.

Orden visual y lujo discreto en la decoración

El “lujo silencioso” adquiere sentido en ambientes pequeños. Menos piezas, elegidas y dispuestas con intención, generan una estética serena y de calidad, según ELLE Decor.

El equilibrio visual, la proporción mobiliaria y la coherencia en materiales y colores resultan decisivos. Esta filosofía apuesta por la selección y el orden frente a la acumulación.

Con alternativas fáciles de implementar y sin grandes gastos, es posible transformar cualquier salón en un espacio donde cada detalle cuenta, sumando valor y funcionalidad al hogar.

La transformación de los salones modernos ha dejado en desuso cinco reglas tradicionales sobre los sofás, poniendo el foco en la flexibilidad y la personalización.

Según la experta en interiores Lucy Mather y la redacción de ELLE Decor, esta tendencia obedece a una evolución en la vida doméstica, donde crear espacios adaptativos prima sobre la coordinación perfecta.

Los salones actuales dejan atrás el conjunto a juego, la “compra única” de sofá, la televisión como punto focal, los sofás esquineros de gran tamaño y la disposición simétrica de los muebles.

Hoy, la tendencia apuesta por mezclar asientos y tejidos, crecer con piezas modulares, organizar asientos para favorecer la conversación, elegir sillones esquineros ligeros que delimiten espacios y aprovechar la flexibilidad y la asimetría en la disposición.

Sofás que combinan estilos y tejidos

Hasta hace pocos años, predominaban los conjuntos de sofá y butacas a juego, transmitiendo una impresión de salón terminado. Esta norma se desvanece con la llegada de asientos mixtos: sofás y sillones en diferentes estilos o tejidos conviven, generando ambientes más relajados y personales.

La combinación de piezas prácticas junto a otras especiales aporta autenticidad al espacio. Lucy Mather destaca el auge de pufs, mesas auxiliares y la tendencia a prescindir de la mesa ratona fija como señales de una disposición más suelta.

Modularidad y crecimiento progresivo de los asientos

La antigua costumbre de apostar por una “compra única” pierde fuerza frente a la preferencia por sistemas modulares. Según el medio citado, muchos hogares comienzan con un sillón compacto y, con el tiempo, suman chaise longues o módulos adicionales según sus necesidades.

Lucy Mather explica que el mobiliario ahora se entiende como un sistema: “Los sillones ya no se consideran piezas intocables en el centro del living; se están descomponiendo en módulos”. Es frecuente que un sofá de dos plazas se amplíe con asientos adicionales, permitiendo que la disposición evolucione si cambia la familia o el espacio.

Nuevas disposiciones: la conversación como eje

La llegada de tecnología y la multiplicidad de usos del salón han quitado protagonismo a la televisión como único punto focal. Ahora los sillones se ponen en ángulo, se enfrentan o quedan flotando en la habitación para facilitar la conversación y la flexibilidad.

Este “abandono de la era del conjunto de tres piezas refleja un cambio más amplio en la forma en que funcionan las viviendas”, añade el medio. El salón se convierte así en espacio de trabajo, área social o rincón para descansar según las necesidades.

Sillones esquineros ligeros para delimitar espacios

El sofá esquinero ya no es un mueble voluminoso que domina la sala, sino una pieza estilizada, de perfil bajo y formas ligeras. Estas variantes delimitan áreas dentro de plantas abiertas, resultando especialmente útiles en viviendas pequeñas y favoreciendo la entrada de luz natural.

Utilizar el sillón esquinero como divisor de espacios permite crear zonas diferenciadas sin recargar el ambiente, mientras el diseño compacto facilita múltiples usos del salón.

Flexibilidad y asimetría en la configuración del salón

La disposición rígida y la obsesión por la simetría perfecta pierden relevancia frente a habitaciones con flexibilidad y asimetría. Es común ver sofás desplazados, alfombras descentradas y grupos de mesas de centro ubicados sin rigidez formal.

“La flexibilidad está ganando terreno frente a la formalidad. La gente quiere asientos que se adapten a ellos, no al revés”, afirma Mather, según ELLE Decor. Este enfoque responde a estilos de vida más cambiantes, alquileres prolongados y estancias que deben cubrir distintas funciones a lo largo del tiempo.

Los salones actuales priorizan una autenticidad espontánea, permitiendo que el mobiliario y la distribución acompañen los cambios cotidianos de las personas.

Todo dormitorio comienza con una decisión fundamental: el suelo que pisamos cada día al despertar. La selección de pisos para recámaras tiene un impacto decisivo en el ambiente, la calidez, la amplitud y el carácter de este espacio tan personal, según AD Latinoamérica, que ha reunido 11 propuestas para transformar las habitaciones desde su base.

Existen opciones que se adaptan a distintos estilos y necesidades: pisos de madera en tonos claros o miel, patrones como el damero, parquet oscuro, baldosas recuperadas, cemento pulido, resina, terrazo y suelos claros.

Cada una de estas alternativas no solo contribuye a la estética, sino que también modifica la sensación del dormitorio y permite personalizar el entorno, aportando personalidad, ampliando visualmente el espacio o generando mayor calidez.

El suelo del dormitorio incide directamente en la atmósfera y el ánimo de quienes la habitan. Un buen piso puede lograr que la habitación parezca más amplia, más acogedora o con mayor identidad, sin requerir intervenciones complejas ni recargar la decoración. Como destaca el medio citado, elegir materiales con vetas y texturas únicas añade capas de historia y autenticidad al espacio.

Opciones de pisos de madera para dormitorios elegantes

Los pisos de madera en tonos claros o miel generan suavidad y una calidez natural. Ejemplos como los de Södermalm muestran cómo la madera dorada equilibra la mezcla de piezas modernas y objetos con pasado. La sensación resultante es una habitación acogedora, lejos de lo habitual.

En otros casos, los tablones pálidos ofrecen serenidad. En una vivienda de Fitzroy, esta opción crea una base tranquila donde conviven arte, metal y hallazgos inesperados. La madera clara suaviza incluso paredes de ladrillo, logrando refugios cercanos y cómodos.

La madera resulta idónea para quienes buscan transmitir humanidad y cercanía en sus recámaras. Su cualidad artesanal y la variedad de matices enriquecen el uso cotidiano y aportan calidez tangible bajo los pies.

Pisos con patrones y acabados clásicos para recámaras

Los patrones tradicionales, como el damero, potencian la personalidad de la recámara. Según AD Latinoamérica, aportan ritmo y carácter sin sobrecargar el ambiente, gracias a su aire clásico y su elegancia sutil.

El parquet oscuro, presente en ambientes como los diseñados por Charles Zana, confiere profundidad y sofisticación con solo un acento de contraste.

La baldosa original en lugares como Bolzano añade autenticidad y profundidad, favoreciendo la naturalidad en la combinación de muebles modernos y vintage. Recuperar el hidráulico en el Eixample es una apuesta por devolver historia al dormitorio y conectar con la artesanía local, enriqueciendo la atmósfera sin restar luminosidad ni modernidad.

Estas alternativas permiten unir tradición y diseño contemporáneo, imprimiendo singularidad y personalidad sin renunciar al confort visual.

Materiales modernos y soluciones para ampliar el espacio

Los materiales actuales ofrecen alternativas para quienes buscan amplitud y modernidad. El cemento pulido, como se observa en la casa de Masquespacio, actúa como una base neutra ideal para colores vivos, generando orden y equilibrio en el dormitorio.

La resina en tonos suaves, utilizada en recámaras de Recco, crea superficies continuas que aumentan la sensación de amplitud y envuelven el espacio con luminosidad. El terrazo, presente en proyectos venecianos, aporta memoria y profundidad sirviéndose de fragmentos y texturas que evocan historias pasadas.

Por otro lado, los suelos claros resultan útiles en espacios pequeños. En estudios como el de Greenwich Village, su limpieza visual aporta flexibilidad y permite que el dormitorio se adapte a diferentes estilos de vida y preferencias decorativas.

La selección del piso puede convertirse en la decisión más significativa para quienes deseen renovar su habitación sin grandes transformaciones.

Escoger la base adecuada renueva la experiencia diaria y define el carácter del espacio, como subraya AD Latinoamérica, pues cada piso contribuye a escribir una historia distinta bajo los pies.

La decoración de dormitorios de matrimonio ha dado un giro en los últimos años, alejándose de la neutralidad funcional para convertirse en el centro de la vida emocional de la pareja.

Según Revista AD, interioristas destacados en Europa impulsan esta tendencia hacia entornos personalizados que ponen énfasis en la intimidad y el bienestar compartido.

Acertar en la decoración actual de estos ambientes compartidos implica diseñar espacios que combinen paletas cálidas, materiales variados y elementos como cabeceros protagonistas e iluminación tenue.

Interioristas como Noé Prades, Cristina Carulla, Léonie Alma Mason y Cristina Espejo, consultados por dicho medio, recomiendan crear atmósferas personales adaptadas tanto al tamaño como a la forma del ambiente.

El adiós al minimalismo: decorar para la vida compartida

Durante años, el minimalismo dominó el diseño de dormitorios y relegó estas estancias a un rol secundario. Sin embargo, expertos recogidos por el medio señalan un cambio hacia propuestas personalizadas y emocionales.

Noé Prades explica: “El dormitorio deja de ser un espacio ‘bonito’ para convertirse en un espacio emocional”. Desde L.A. Studio, también citados por Revista AD, opinan sobre el resurgimiento de mezclas de estilos que aportan profundidad y carácter: “Vuelve un mayor atrevimiento: una mezcla más rica que aporta profundidad y carácter al resultado final”.

Construir estos entornos ahora pasa por emplear capas, texturas y una luz baja y cálida para lograr ambientes serenos y sofisticados, alejados de la mera neutralidad.

Colores cálidos, materiales y el nuevo protagonismo del cabecero

Las tendencias actuales priorizan paletas de tonos tierra, marrones y colores envolventes, combinados con acentos inesperados como piezas únicas o detalles llamativos. Estas aportan dinamismo y rompen la rutina visual.

“La cabecera, por ejemplo, deja de ser un complemento y se convierte en pieza central: más volumétrico, más textil... más protagonismo”, enfatiza Prades.

La superposición de materiales y capas proporciona profundidad visual, logrando que cada dormitorio tenga identidad propia y diferenciada.

Cómo adaptar la decoración al espacio: consejos de expertos

El tamaño y la geometría del dormitorio ya no limitan la creatividad, sino que exigen estrategias precisas de diseño. En habitaciones pequeñas, la selección de piezas debe ser especialmente cuidadosa.

Prades afirma: “El proyecto se vuelve casi quirúrgico. Menos, pero más precisas”. El uso de tonos intensos, mobiliario integrado y continuidad visual potencia la coherencia del espacio sin forzar una ampliación falsa.

Para dormitorios más grandes, Cristina Carulla sugiere definir zonas específicas para lectura y descanso; así se evita que el ambiente pierda cohesión. La integración de elementos a medida y el uso uniforme de materiales ayudan a mantener la unidad visual.

En habitaciones de geometría irregular, Cristina Espejo recomienda que la cama se sitúe como eje central y el mobiliario acompañe la distribución, utilizando soluciones personalizadas cuando sea necesario para asegurar el equilibrio.

Piezas esenciales y secretos para la atmósfera perfecta

Las butacas cumplen una función doble: invitan a la conversación y aportan personalidad. “Debe ser una pieza con carácter, capaz de destacar dentro del conjunto”, señala Léonie Alma Mason al medio citado.

Las cortinas ocupan un papel fundamental, ya que regulan la luz y la intimidad. Alma Mason indica que su elección y manera de filtrar el sol definen la atmósfera: “Me gusta que permitan que el sol despierte suavemente el dormitorio”.

La iluminación tenue y la disposición estratégica de la puerta contribuyen a crear una sensación de refugio y privacidad real. La incorporación de alfombras, diferentes texturas y piezas a medida completa la ambientación ideal.

Lejos de buscar simplemente agrandar el espacio, los interioristas consultados por Revista AD subrayan que la verdadera clave está en intensificar y personalizar la experiencia dentro del dormitorio, diseñando ambientes intensos y únicos para la vida en pareja.

Las puertas para habitaciones han adquirido un papel destacado en el diseño de interiores actual, sobre todo cuando se busca optimizar el espacio y sumar valor funcional y estético en ambientes de dimensiones reducidas, según expertos citados por AD Magazine.

Para recámaras de tamaño limitado, se busca combinar funcionalidad y estilo. Estas opciones maximizan el espacio útil, aportan luminosidad y facilitan la privacidad, mientras permiten integrar otras zonas como clósets, baños o áreas de estudio. En todos los casos, la elección de materiales y la personalización son elementos esenciales.

Las puertas se han convertido en un elemento central para transformar la atmósfera de una habitación y mejorar características como la organización, la sensación de amplitud y la circulación de luz.

El medio citado recalca que ya no es suficiente su función práctica: “Las puertas pueden ayudarte a optimizar metros, mejorar la iluminación, aportar privacidad e incluso convertirse en una pieza clave del diseño de tu hogar”. En espacios pequeños, la selección de la puerta impacta directamente en el ambiente generado.

Puertas para dormitorio en espacios pequeños

En viviendas donde cada centímetro cuenta, las puertas corredizas y las de tipo pocket ofrecen ventajas clave al eliminar el área que ocuparía una puerta abatible tradicional. Esto libera espacio para mobiliario adicional y contribuye a una mayor sensación de apertura.

Paneles de vidrio esmerilado amplifican la luz y ayudan a que los espacios se perciban más amplios y conectados, sin sacrificar la privacidad. Las puertas ocultas o integradas en libreros y espejos representan alternativas funcionales, creativas y eficaces para organizar y aprovechar el entorno, de acuerdo con AD Magazine.

Materiales para puertas: entre lo clásico y lo moderno

El material elegido para la puerta influye en su durabilidad, costo y presencia visual. La madera natural aporta aislamiento acústico y una calidez tradicional; requiere mayor inversión y mantenimiento. El MDF, valorado por su superficie lisa, permite experimentar con colores modernos y resiste bien la deformación.

En ambientes de estilo industrial o contemporáneo, el acero brinda sofisticación y resistencia, especialmente si se combina con vidrio. Como alternativas ecológicas, el bambú y la madera reciclada suman textura y un carácter más orgánico, según lo detallado por el medio.

Colores y acabados que transforman la recámara

Actualizar el color de la puerta es una forma sencilla y económica de renovar el ambiente. Tonos intensos como verde esmeralda, azul profundo o morado se convierten en puntos focales.

Colores suaves como rosa palo, azul o verde sage inducen calma y descanso, mientras que el blanco sigue siendo clave para potenciar la luz. Opciones como el negro o el gris ofrecen contraste y modernidad al entorno.

El acabado también es relevante. Los mates transmiten sobriedad, los satinados equilibran y los brillantes convierten la puerta en protagonista. Como subraya la publicación, “el acabado importa tanto como el color que elijas”, y cada elección modifica la percepción del espacio.

Tendencias en personalización y detalles de puertas

La personalización cobra fuerza con puertas que presentan patrones geométricos, relieves o que han sido intervenidas con gráficos, pinturas o espejos. Elementos como acabados tipo fluted, molduras y paneles añaden textura sin la necesidad de colores intensos.

Incorporar materiales como ratán brinda una propuesta más orgánica, idónea para recámaras cálidas. Cambiar la manija o los herrajes por modelos en negro mate, latón o vintage es suficiente para renovar el diseño. Esto resulta una sugerencia que AD Magazine destaca como una forma eficaz de refrescar el aspecto de este elemento.

Desde adhesivos removibles hasta recuerdos personales instalados en la puerta, cada detalle aporta autenticidad al ambiente. Incluso modificar la tradicional forma rectangular y optar por arcos puede aportar dinamismo y distinción, demostrando que, en decoración, cada detalle importa.

Transformar una puerta de recámara en elemento central puede renovar por completo el ambiente y aportar funcionalidad sin grandes obras. Explorar materiales, colores y personalizaciones abre oportunidades para crear espacios prácticos, actuales y llenos de personalidad, tal como resume el análisis de AD Magazine sobre tendencias accesibles en diseño.

La tienda Target en el barrio de SoHo, en Nueva York, se transformó en punto de encuentro para los seguidores de Pokémon, con motivo del lanzamiento de una colección exclusiva diseñada junto a Joe Jonas y la cadena estadounidense.

El evento marcó la celebración de los 30 años de la franquicia japonesa, reuniendo a coleccionistas, familias y entusiastas de todas las edades.

La colaboración entre Joe Jonas y Target se anunció a nivel nacional el 15 de abril de 2026, con una campaña que resalta el carácter intergeneracional de Pokémon.

Según la información de Target, la colección abarca más de 100 productos distintos, desde artículos de ropa hasta objetos para el hogar, juguetes y accesorios electrónicos, todos ellos inspirados en el universo del videojuego y la serie animada.

El lanzamiento se realizó en dos fases: la primera, el 2 de mayo en tiendas físicas, y la segunda, el 3 de mayo a través de la web oficial de Target. Un segundo grupo de productos se sumará a la oferta el 6 de junio, proporcionando nuevas oportunidades para los aficionados de expandir sus colecciones con piezas de edición limitada.

La tienda de SoHo, específicamente, fue elegida para albergar experiencias interactivas y actividades pensadas para involucrar a los visitantes con el mundo Pokémon, como encuentros con personajes y zonas de fotografía temáticas.

Joe Jonas, protagonista de la campaña y su vínculo con Pokémon

La participación de Joe Jonas en la campaña no fue casual. El artista estadounidense ha manifestado que su vínculo con Pokémon es personal y de larga data.

Desde su infancia, cuando intercambiaba cartas con compañeros de clase, hasta su vida actual como padre, la franquicia ha mantenido una presencia constante diariamente.

En declaraciones recogidas por medios internacionales, Jonas relató que la colección creada junto a Target representa tanto sus recuerdos de niño como su deseo de compartir esa pasión con sus hijas.

Entre los productos destacados figuran una “chaqueta tipo pulóver de inicio”, un “gorro tipo entrenador de Mew”, un teclado inalámbrico y un set de pegatinas adhesivas. El proceso de selección de los artículos fue, según el cantante, un ejercicio desafiante debido a la variedad y calidad de las opciones disponibles.

Según Amy Sachtleben, directora de licencias y promociones de The Pokémon Company International, la colección fue concebida para “llevar esa sensación de diversión y aventura a la vida cotidiana, con productos que atraigan tanto a entrenadores veteranos como a quienes recién comienzan su viaje Pokémon”.

Experiencia y alcance de la colección

El despliegue de la línea Pokémon x Target incluyó más de 65 productos en la primera etapa y cerca de 40 adicionales en la segunda, diseñados para adaptarse a distintos gustos y edades. La compañía aseguró que casi la mitad de los artículos tienen un precio inferior a USD 20, con el objetivo de hacer la colección accesible para un público diverso.

La tienda de SoHo no solo ofreció la mercancía exclusiva, sino que propuso una experiencia inmersiva: actividades, sorteos y espacios temáticos pensados para que los visitantes se sientan parte del universo Pokémon.

Según lo informado, la colección no incorpora cartas coleccionables, aunque sí incluye piezas de nostalgia y colaboraciones con marcas asociadas al fenómeno de los años 90.

La campaña de lanzamiento fue acompañada por una estrategia digital robusta, que incluyó la participación de creadores de contenido e influencers reconocidos por su afición al mundo Pokémon.

Entre ellos, además de Jonas, se encontraron figuras como SuperDuperDani, Stephosaurawr y Sydeon, quienes presentaron sus diseños favoritos y compartieron experiencias personales vinculadas a la franquicia.

Los responsables de Target enfatizaron que cada cliente podría adquirir un máximo de cuatro unidades por artículo, dado el carácter limitado de la colección y la alta demanda anticipada. Se prevé que varias piezas, especialmente las de indumentaria, agoten su stock en pocos días.

Impacto y significado para Joe Jonas y Pokémon

La alianza entre Target y The Pokémon Company International convierte a la cadena en el único minorista estadounidense con una colección exclusiva para esta efeméride. Según declaraciones recogidas por The Toy Book y Bulbapedia, el objetivo fue capturar el espíritu de Pokémon y ofrecer una propuesta que refleje la diversidad de intereses de su comunidad global.

La historia personal de Joe Jonas aporta un matiz emocional al proyecto. El cantante ha compartido que conserva su primera colección de cartas y considera una carta especial de Mew como la pieza más valiosa. Su intención de transmitir esa pasión a sus hijas demuestra que Pokémon sigue siendo un puente generacional.

Quienes deseen adquirir artículos de la colección, pueden hacerlo en la tienda física de SoHo o a través de la plataforma digital de Target, donde se anticipan nuevas sorpresas para el segundo lanzamiento en junio.

El evento no solo resalta el legado de la franquicia japonesa, sino que subraya cómo figuras públicas como Joe Jonas encuentran en Pokémon un lazo permanente con su pasado y futuro familiar.

La elección adecuada de los azulejos otorga personalidad, orden y luminosidad, transformando este espacio en el núcleo del hogar moderno. La tendencia actual se fundamenta en el uso de colores, texturas y formatos que se adaptan a las necesidades de cada familia y al estilo arquitectónico de la vivienda.

La cerámica como protagonista del diseño

Los especialistas en diseño coinciden en que la cerámica ha dejado de ser un mero elemento funcional para convertirse en el punto de partida de la composición visual de la cocina.

El equipo editorial de AD Magazine sintetiza: “El azulejo no está ahí solo para resistir salpicaduras. Está ahí para ponerle acento, pulso y memoria al lugar donde empieza la vida diaria”. Así, la selección de materiales y colores deja de ser un remate decorativo y pasa a definir el tono general del espacio.

En 2026, los materiales duraderos como el porcelánico se consolidan como la opción preferida por su resistencia y versatilidad. Esta clase de revestimiento permite explorar una gama diversa de acabados, desde imitaciones de madera o mármol hasta patrones geométricos y superficies con relieve. Esto enriquece la propuesta decorativa y facilita su integración en distintos estilos, como el industrial, el nórdico o el mediterráneo.

Los colores vibrantes, entre los que destacan el verde, el naranja o el burdeos, se emplean para aportar carácter y dinamismo. Al mismo tiempo, los acabados en colores neutros, como el gris y el beige, garantizan la serenidad visual y la capacidad de combinarse con otros elementos del mobiliario.

Tendencias cromáticas y texturas: del blanco atemporal al verde orgánico

La paleta cromática de 2026 abarca desde el blanco clásico, que potencia la luz y la sensación de limpieza, hasta tonalidades más orgánicas inspiradas en la naturaleza.

El blanco, según Pantone, reafirma su vigencia bajo el nombre Cloud Dancer, y se utiliza tanto en azulejos brillantes como en formatos mate o con relieve, adaptándose a diferentes estilos y aportando amplitud visual.

En contraste, los verdes suaves y los azules profundos se imponen como alternativas para conectar la cocina con el entorno natural, mientras que los tonos marrones evocan la tierra y generan ambientes confortables.

El mármol y la piedra natural siguen presentes, ya sea en su versión auténtica o mediante porcelánicos que reproducen fielmente sus vetas y texturas, lo que permite disfrutar de su belleza sin renunciar a la practicidad y fácil mantenimiento.

El uso de patrones geométricos, como los hexágonos y las formas tipo metro, añade movimiento y creatividad. Los azulejos hidráulicos y los de inspiración floral o botánica contribuyen a crear cocinas llenas de historia y personalidad.

Soluciones para cocinas pequeñas y luminosas

La correcta elección de azulejos resulta determinante en espacios con dimensiones reducidas o escasa luz natural. Los tonos claros en paredes y salpicaderos, así como los formatos rectangulares instalados en sentido horizontal o vertical, amplifican la sensación de espacio y elevan visualmente los techos. La instalación de azulejos en la isla central puede sumar un punto focal sin sobrecargar el ambiente.

Las cocinas pequeñas se benefician especialmente de revestimientos en blanco irregular, rosa suave o verde claro, que contribuyen a generar orden y claridad. Los patrones verticales o en relieve aumentan la profundidad y la calidez, y la combinación de texturas y brillos permite ajustar el diseño a la cantidad de luz disponible y a los acabados del mobiliario.

Formatos y materiales: innovación y tradición en equilibrio

La variedad de formatos es otra de las claves de las últimas tendencias. Los azulejos de gran formato se emplean para crear superficies continuas y minimizar las juntas, lo que facilita la limpieza y refuerza la impresión de amplitud.

Por otro lado, las baldosas pequeñas y decorativas permiten crear mosaicos personalizados o destacar áreas concretas, como el frontal de la encimera.

Los acabados que imitan madera, cemento o textil aportan calidez y sofisticación, mientras que los metálicos ofrecen un toque contemporáneo y singular, integrándose en ambientes tanto clásicos como industriales.

Para quienes buscan una solución económica y de fácil instalación, existen alternativas como vinilos decorativos que reproducen con realismo mármol, terrazo, madera o piedra, permitiendo renovar el aspecto de la cocina sin grandes inversiones ni obras.

El equilibrio entre moda y funcionalidad es posible gracias a la amplia oferta de diseños, colores y acabados, que permiten adaptar la cocina a las tendencias sin perder de vista su carácter práctico.

La decisión estructural y su impacto en el diseño

Elegir el revestimiento de la cocina debe entenderse como una decisión estructural, no como un paso accesorio. La cerámica define la identidad, la luminosidad y el ambiente del espacio desde el inicio del proyecto.

La cerámica se consolida como el material protagonista en el diseño de cocinas contemporáneas. Las opciones actuales permiten personalizar el espacio, aprovechar la luz natural y dotar de orden y funcionalidad a uno de los ambientes más importantes del hogar, sin necesidad de realizar grandes reformas ni inversiones desproporcionadas.

La piedra natural consolida su rol como material predominante en el diseño de interiores actual, combinando elementos clásicos y contemporáneos con sofisticación y funcionalidad. Su aplicación permite lograr ambientes dotados de identidad, resistencia y elegancia, según destaca Revista AD España.

La piedra sigue siendo fundamental en el diseño de interiores porque facilita la conservación del carácter arquitectónico original y, a la vez, introduce modernidad y confort. Su relevancia radica en aportar un equilibrio entre la historia de los espacios y las exigencias estéticas actuales, lo que la mantiene vigente en proyectos de renovación y nuevas viviendas.

La piedra natural no solo destaca por su valor estético y resistencia, sino que también responde a la demanda creciente de materiales sostenibles en la arquitectura contemporánea.

Su bajo impacto ambiental, la posibilidad de reciclaje y su durabilidad la posicionan como una alternativa ecológica frente a los materiales sintéticos. Esto refuerza su presencia en proyectos de diseño responsable y construcción sostenible, según especialistas de ArchDaily.

Ventajas y aplicaciones de la piedra natural en interiores

La versatilidad de la piedra natural permite su uso en pavimentos, revestimientos de paredes, islas de cocina o encimeras de baño. Este material es apreciado por su resistencia al desgaste, su mantenimiento sencillo y la capacidad de aportar tanto profundidad visual como una sensación atemporal.

Materiales modernos inspirados en piedra, como el pavimento vinílico Linkfloor Realm Persia de L’Antic Colonial, enriquecen las opciones para diseñadores y arquitectos. El empleo de estos revestimientos facilita la integración de la piedra en zonas de tránsito intensivo o en áreas íntimas de la vivienda, manteniendo la coherencia visual en todo el proyecto, según informa Revista AD España.

En salones, chimeneas monumentales realizadas en piedra retroiluminada, como la Altissima Baobab de XTONE, destacan por su impacto visual y funcionalidad. La cocina puede incorporar la piedra tanto en islas como en fondos retroiluminados, y, en baños, mosaicos en tonos claros y revestimientos específicos refuerzan la percepción de amplitud y pureza.

Tendencias actuales en el uso de piedra y materiales combinados

La tendencia actual dentro del diseño interior enfatiza la combinación de molduras originales y superficies de piedra con elementos en madera y escayola. Esta convivencia genera espacios que preservan la historia arquitectónica al tiempo que integran acabados minimalistas y contemporáneos.

El medio citado destaca cómo la retroiluminación en superficies de piedra, junto con frentes modernos en madera, potencia el contraste y la profundidad del diseño. El resultado es una vivienda en la que la piedra actúa como hilo conductor y lenguaje común en los distintos ambientes.

El empleo de porcelánicos inspirados en piedra, como el XTONE Calacatta Gold, permite trasladar la estética y funcionalidad del material a zonas como vestidores y dormitorios, creando una continuidad visual unificada. De este modo, la piedra aporta cohesión a la vivienda y refuerza su carácter distintivo.

Un ejemplo destacado y conclusiones sobre la piedra en el diseño

El ático reformado por Estudio Vimarvi en Valencia, citado por Revista AD España, ilustra cómo la piedra de Porcelanosa puede convertirse en elemento central de un diseño clásico-moderno. En este proyecto, destaca el empleo de mosaicos de piedra natural, pavimentos vinílicos y una chimenea retroiluminada que refuerza la identidad del espacio.

En este caso, la interacción entre molduras históricas, superficies en piedra y acabados contemporáneos de madera y porcelánico evidencia el potencial de la piedra para vincular pasado y presente en el diseño interior, según describe el medio.

La presencia continua y estratégica de la piedra en los proyectos más relevantes del sector anticipa su permanencia como símbolo de calidad y diseño en los ambientes del futuro. Este material permite que la vivienda respire tanto historia como innovación, consolidando su función de nexo en el diseño de interiores contemporáneo.

El Día del Niño 2026 ha retomado los peinados locos como una de las tendencias más populares y virales en escuelas y redes sociales.

Plataformas como TikTok y Pinterest han impulsado este fenómeno, llevando a miles de familias a buscar ideas creativas, económicas y llamativas para sorprender en las aulas durante el 29 y 30 de abril.

La actividad, que inició como una dinámica escolar, se ha transformado en una competencia de creatividad y convivencia familiar, donde cada detalle se comparte y multiplica en redes.

Viralización en redes sociales y origen de la tendencia

Los peinados locos para el Día del Niño han encontrado en las redes sociales su principal motor de viralización. Videos y fotos publicados en TikTok y Pinterest muestran decenas de propuestas, desde estilos sencillos hasta verdaderas esculturas capilares.

Padres, madres y estudiantes comparten tutoriales y resultados, provocando que la tendencia se multiplique cada año. La dinámica, que consiste en acudir a la escuela con un peinado fuera de lo común y hecho en casa, ha ganado fuerza porque fomenta la creatividad y la convivencia, sin requerir grandes gastos.

Principales estilos y ejemplos virales de 2026

Entre los peinados locos que han destacado esta temporada figuran el de gallo —hecho con palillos y foamy—, el de cupcakes, que utiliza moldes y decoraciones de colores, y el de pulpo, que requiere ojitos móviles y gel para formar tentáculos.

Otros estilos virales incluyen el peinado de lava trastes con algodón y esponja, el de Ansiedad inspirado en personajes animados, y los globos flotantes atados con hilo y ligas. Todos estos estilos han sido replicados y compartidos cientos de veces en redes, mostrando su facilidad de elaboración y el impacto visual que generan en las celebraciones escolares.

Impacto en la convivencia familiar y escolar

La preparación de peinados locos se ha convertido en una actividad familiar que fortalece la convivencia entre padres e hijos. Más allá de la competencia, la tendencia invita a compartir tiempo juntos y a desarrollar la creatividad en casa.

En las escuelas, el “Día del peinado loco” ya es parte fundamental del Día del Niño, promoviendo la integración y el sentido lúdico entre los estudiantes de kínder y primaria.

Recomendaciones y paso a paso desde redes sociales

Los tutoriales virales han facilitado la participación de más familias. Desde pasos detallados para lograr un peinado de tendedero —con palitos, ropa en miniatura y pinzas— hasta ideas sencillas como el de esponja con jabón para quienes tienen cabello corto, las redes sociales ofrecen guías accesibles para todos.

La tendencia demuestra que con materiales básicos y creatividad es posible sumarse a la celebración y destacar en las aulas, sin invertir grandes sumas.

Elegir el nombre de un hijo representa uno de los desafíos más importantes para las familias. La elección no solo define la identidad del bebé, sino que influye en la vida cotidiana y la percepción social a lo largo de los años.

Las tendencias culturales, el significado de cada nombre y la sonoridad que tendrá en diversos contextos sociales forman parte de los factores que las personas consideran antes de tomar una decisión definitiva.

En este contexto, la inteligencia artificial (IA) se posiciona como una herramienta de consulta cada vez más frecuente en este proceso. Plataformas como Gemini y ChatGPT han comenzado a ofrecer listados de nombres en tendencia, lo que permite a los futuros padres explorar opciones populares.

Qué nombres masculinos sugiere Gemini para bebés nacidos en mayo de 2026

Gemini, el sistema de inteligencia artificial de Google, identificó una serie de nombres que, por su sonoridad, significado y presencia internacional, podrían liderar las tendencias en los próximos meses. A continuación, se presentan los más sugeridos por esta plataforma, junto con una breve explicación sobre su relevancia:

• Leo: posicionado como el más solicitado, este nombre corto y de sonido fuerte evoca liderazgo y sencillez.
• Luca: variante italiana de Lucas, con un aire contemporáneo y elegante.
• Liam: de origen irlandés, mantiene una presencia constante en rankings globales.
• Enzo: gana adeptos en América Latina y España por su toque europeo.
• Noah: nombre de raíz bíblica, asociado a la paz y el descanso.
• Elio: inspirado en el “Sol” griego, destaca por su originalidad.
• Kai: su significado, “mar”, y su origen hawaiano lo vuelven una tendencia fuerte.
• Nil: relacionado con el río Nilo, destaca por su brevedad y distinción.
• Lucian / Luciano: significa “portador de luz”, ideal para bebés nacidos en los meses de mayor luminosidad.

Cuáles son los nombres masculinos preferidos para mayo de 2026 según ChatGPT

La plataforma ChatGPT, desarrollada por OpenAI, elaboró su propia selección basada en patrones de uso y consultas realizadas por usuarios de habla hispana. Estos son los nombres que, según la IA, dominarán el registro de recién nacidos durante mayo de 2026:

• Mateo
• Santiago
• Sebastián
• Matías
• Samuel
• Emiliano
• Leonardo
• Thiago
• Nicolás
• Gabriel

ChatGPT detecta una fuerte permanencia de nombres tradicionales y bíblicos, con variantes modernas que mantienen raíces clásicas.

Cómo pedir sugerencias a la inteligencia artificial a través de prompts

Solicitar sugerencias a sistemas de inteligencia artificial requiere formular preguntas claras y específicas. Los usuarios obtienen mejores resultados cuando indican el sexo del bebé, el mes de nacimiento y preferencias personales como la longitud del nombre, el origen o el significado deseado.

Un prompt eficaz podría ser “Sugiere nombres masculinos en tendencia para un bebé nacido en mayo de 2026, con significados asociados a la naturaleza o la luz”. Este tipo de consultas permite a la IA filtrar resultados más relevantes y evitar respuestas genéricas.

Los sistemas como Gemini y ChatGPT procesan grandes volúmenes de datos provenientes de registros civiles, redes sociales y tendencias culturales. De este modo, pueden identificar los nombres que muestran un crecimiento exponencial en popularidad o aquellos que comienzan a surgir en distintos países.

En qué otros momentos puede ser útil la inteligencia artificial para padres

La inteligencia artificial no solo sirve para encontrar nombres de bebés. Puede cumplir un rol relevante en la organización de rutinas familiares, la planificación de actividades educativas y de control.

Aplicaciones especializadas permiten programar recordatorios de vacunas, calcular horarios de alimentación y ofrecer consejos sobre desarrollo según la edad del niño. Estos sistemas contribuyen a aliviar la carga de los padres y favorecen una toma de decisiones informada y personalizada.

Asimismo, la IA puede analizar patrones de comportamiento, sugerir lecturas infantiles y hasta orientar sobre trámites legales relacionados con el nacimiento.

Al diseñar la cocina del hogar, elegir entre una integral, una semi-integral o una cocineta influye directamente en el funcionamiento, el estilo y el presupuesto de este espacio clave. Según AD Latinoamérica, cada alternativa implica ventajas y limitaciones, por lo que conviene comparar sus características para tomar una decisión informada.

La diferencia fundamental radica en el nivel de integración y personalización. La cocina integral consiste en un sistema completo, hecho a medida para el espacio disponible y con materiales de mayor calidad. La semi integral combina módulos fijos y componentes independientes, lo que permite flexibilidad sin exigir una inversión tan alta. La cocineta es la versión más compacta y accesible, pensada para espacios pequeños y necesidades básicas, sin dejar de lado lo esencial.

Una cocina integral es un conjunto diseñado desde cero para adaptarse perfectamente al entorno. Todos los elementos —desde alacenas y cajones hasta encimeras y muebles— están fabricados a la medida, lo que garantiza un sistema uniforme tanto en lo estético como en lo funcional.

Esto permite personalizar colores, texturas y herrajes de acuerdo con el estilo de vida. Los materiales suelen ser de alta calidad, como madera tratada, MDF con acabados especiales o cubiertas de granito o cuarzo. Así se aprovecha cada centímetro del espacio, facilitando la organización y aportando un aspecto armónico.

Este sistema es especialmente útil para quienes cocinan con frecuencia y buscan máxima optimización, aunque requiere una inversión elevada y limita la flexibilidad para futuras modificaciones.

Ventajas y desafíos de la cocina integral

El atractivo principal de la cocina integral es la total personalización. AD Latinoamérica destaca que estas cocinas permiten elegir desde la distribución y el color hasta los detalles de los herrajes, junto con una organización inteligente.

Sin embargo, la calidad y la personalización implican un coste inicial considerable. Modificar el diseño más adelante suele ser complejo y costoso, ya que los cambios pueden afectar la coherencia visual y funcional del sistema.

La opción flexible: cocina semi integral

La cocina semi integral representa el equilibrio entre integración y flexibilidad. Este tipo incluye componentes fijos, como algunos muebles, y otros independientes, como refrigeradores o estufas, facilitando reemplazos o renovaciones sin alterar el conjunto.

Gracias a su estructura modular, es posible adaptar la cocina poco a poco o sumar capacidad de almacenamiento según las necesidades. Esta flexibilidad es conveniente para familias en evolución y para quienes priorizan la adaptabilidad al menor costo posible.

El diseño tiende a ser menos uniforme que el de las cocinas integrales, pero puede mantener una apariencia ordenada si se cuidan los detalles. El riesgo es perder coherencia visual con el paso del tiempo si los cambios no se planifican adecuadamente.

Cocineta: practicidad para espacios reducidos

La cocineta es la elección óptima para ambientes con espacio limitado, como departamentos pequeños, estudios u oficinas. Incluye lo indispensable: tarja, una pequeña superficie de trabajo y almacenamiento restringido para las tareas básicas del día a día.

Su diseño prioriza la funcionalidad por encima de la estética. Los electrodomésticos suelen ser independientes y los muebles están pensados para ocupar un mínimo de espacio sin dificultar la movilidad.

La ventaja esencial de la cocineta es su bajo costo y la instalación sencilla, por lo que resulta ideal para quienes buscan resolver necesidades básicas sin grandes inversiones.

¿Cuánto cuesta cada tipo de cocina?

Los precios varían ampliamente según el tipo de cocina, dependiendo del nivel de personalización y los materiales seleccionados.

La elección debe responder al tamaño real del espacio: en áreas amplias o cocinas abiertas, lo ideal es una cocina integral; para ambientes medianos, la semi integral ofrece organización sin saturar; y para zonas reducidas, la cocineta es la solución más práctica.

Nuevas tendencias y materiales en el diseño de cocinas

Las tendencias actuales apuntan a materiales modernos y resistentes, según los diseñadores de Flack Studio. Se prefieren opciones como el cobre, azulejos hechos a mano y piedras con carácter, que mejoran estéticamente con el tiempo.

El auge de las cocinas abiertas se mantendrá hasta 2026, con una clara apuesta por integrar tecnología como iluminación LED, electrodomésticos eficientes y sistemas de almacenamiento inteligentes, afirman los especialistas. Los acabados en madera natural y tonos neutros dominan la escena, siempre enfocados en optimizar el espacio.

Además, la cocina integral esquinera se destaca por convertir las esquinas desaprovechadas en zonas prácticas para almacenar objetos o facilitar el acceso, mediante sistemas giratorios y cajones específicos.

Decidir entre una cocina integral, una semi integral o una cocineta trasciende cuestiones decorativas y repercute en la forma de vivir y disfrutar el hogar. Analizar el espacio disponible, el presupuesto y los hábitos culinarios, por qué no, ayudará a encontrar la mejor alternativa, como lo señala AD Latinoamérica.

A lo largo de la historia, la moda fue más que una cuestión de gusto o estilo personal. No por nada, prendas y tendencias han estado sujetas a normas sociales, leyes y prohibiciones que, en muchos casos, reflejaban el control sobre la identidad, la moral y hasta la política de cada época.

Desde colores reservados solo para la realeza hasta piezas que buscaban desafiar roles de género, numerosas modas fueron vetadas, castigadas o restringidas de maneras insospechadas.

Prohibición de corsés

El corsé, prenda asociada con la silueta femenina del siglo XIX, fue vetado en varios países de Europa del Este por las restricciones físicas que imponía. En Estados Unidos, la prohibición llegó con la Primera Guerra Mundial, aunque por una razón distinta: la escasez de metal. La Junta de Industrias de Guerra solicitó a las mujeres que dejaran de usarlos para destinar el material a la fabricación de armamento. La renuncia a los corsés liberó 28.000 libras de metal, suficientes para fabricar un acorazado.

El abandono temporal del corsé favoreció la transición hacia prendas más cómodas y, tras la guerra, muchas mujeres adoptaron el sujetador moderno, dejando atrás el uso generalizado del corsé.

Prohibición de los pantalones caídos

El estilo de los pantalones caídos, conocido como “caído”, generó controversia en varias ciudades de Estados Unidos en el siglo XXI. En 2008, Lynwood, un suburbio de Chicago, prohibió esta tendencia por considerarla irrespetuosa. Pronto otras localidades adoptaron normas similares.

En 2011, Florida implementó una ley que permitía a las escuelas sancionar a los estudiantes cuyos pantalones quedaran tan bajos que revelaran la ropa interior. Los autobuses públicos de Fort Worth, Texas, también negaban el acceso a quienes vestían de esa forma.

La lucha legal y social contra los pantalones caídos continuó en años posteriores. En 2018, Carolina del Sur presentó un proyecto de ley para prohibirlos y en 2019, la muerte de un joven en Shreveport, Luisiana, tras un altercado con la policía por esta causa, llevó a la derogación de la prohibición en ese municipio.

Prohibición de los tartanes en Escocia

En el siglo XVIII, tras la derrota de los clanes de las Tierras Altas en la batalla de Culloden, el gobierno británico prohibió el uso de tartanes y otras prendas tradicionales escocesas para debilitar la identidad cultural y prevenir futuros levantamientos. La Ley de Vestimenta de 1746 buscaba castigar a los clanes rebeldes y eliminar símbolos de unidad. La prohibición se mantuvo hasta 1782, contribuyendo al debilitamiento del sistema de clanes en Escocia.

Prohibición de tacones altos

En Carmel, California, existe una normativa desde 1963 que prohíbe usar tacones de más de dos pulgadas de altura o con base menor a una pulgada cuadrada, a menos que la persona obtenga un permiso gratuito. Esta ley busca evitar demandas en caso de caídas provocadas por el pavimento irregular.

En Grecia, desde 2009, se prohíbe el uso de tacones altos en sitios arqueológicos para prevenir daños. Además, en Alberta, Canadá (2019) y Filipinas (2017), se prohibió que las empresas obliguen a las mujeres a usar tacones altos en el trabajo, priorizando la seguridad laboral.

Restricción del uso del color púrpura

En la Inglaterra del siglo XIV, el Estatuto sobre la dieta y la vestimenta regulaba qué colores y tejidos podía vestir cada clase social. El uso del púrpura quedaba reservado a la realeza, siguiendo una tradición romana donde la infracción podía castigarse con la muerte.

Aunque la mayoría de la población difícilmente podía pagar el costoso tinte púrpura, la regulación reforzaba la exclusividad y el poder simbólico del color. No fue hasta el siglo XIX, con la invención del tinte sintético, que el púrpura se popularizó.

Prohibiciones sobre el uso de bermudas

A lo largo del siglo XX, varias ciudades de Estados Unidos intentaron prohibir los pantalones cortos por considerarlos indecentes. En 1938, Honesdale, Pensilvania, los vetó alegando que mostrar las piernas resultaba inmoral. Monahans, Texas, y varios municipios de Illinois impidieron que las mujeres los usaran en público en la década de 1940.

En 1959, Plattsburgh, Nueva York, prohibió los pantalones cortos para mayores de 16 años, con multas y penas de cárcel para los infractores. La Asociación de Golf de Estados Unidos mantuvo la prohibición hasta la década de 1980.

Prohibición del uso de pantalones por mujeres

Tradicionalmente considerados prenda masculina, los pantalones estuvieron vetados para las mujeres durante siglos. Tras la Primera Guerra Mundial, su uso creció cuando las mujeres los adoptaron en fábricas. En 1939, la revista Vogue comenzó a mostrar mujeres con pantalones y figuras como Katharine Hepburn ayudaron a popularizarlos.

Pese a ello, su uso seguía siendo polémico y en muchos casos, prohibido. Hasta 1972, las universidades podían impedir que las estudiantes usaran pantalones y recién en 1993 se permitió su uso en el Senado de Estados Unidos. En 2016, British Airways permitió a su tripulación femenina usar pantalones tras dos años de reclamos.

Prohibición de polainas (leggings) en instituciones educativas

El debate sobre si los leggings son apropiados como prenda exterior se intensificó en la década de 2010. La polémica responde en gran parte a preocupaciones sobre la sexualización y el control de la vestimenta femenina. En 2012, una escuela canadiense prohibió los leggings y, en Estados Unidos, directores y padres manifestaron su rechazo a esta prenda por considerarla “distractora”. En 2014, una secundaria de Dakota del Norte comparó su uso con el trabajo sexual.

Restricciones al cabello corto femenino

El corte bob se popularizó entre las mujeres en la década de 1920 como un símbolo de desafío a las normas de género. La actriz Mary Gordon defendió el cabello corto como un paso hacia la libertad femenina. Sin embargo, la tendencia encontró resistencia: predicadores y escuelas distribuyeron panfletos advirtiendo sobre supuestos riesgos para la salud y muchas instituciones prohibieron a las jóvenes cortarse el pelo.

Prohibición de durags en escuelas estadounidenses

El durag, símbolo cultural y de moda entre los hombres negros, fue prohibido en 2018 por una escuela chárter de Massachusetts. La directiva argumentó que el uso del durag reflejaba una “cultura de pandillas” y podía tener consecuencias negativas para los estudiantes. La medida generó polémica y denuncias de discriminación, hasta que la escuela derogó parcialmente la prohibición, permitiendo el uso en el campus pero no en clase.

En TikTok, los videos de Frutinovelas ya dominan los feeds. Cada vez más usuarios los comparten, los comentan y los convierten en tema de conversación. El formato se viralizó en cuestión de semanas.

Las Frutinovelas proponen algo inusual: frutas y vegetales con rasgos humanos que actúan en historias llenas de drama. El diseño es colorido y exagerado. La inteligencia artificial es la herramienta que hace posible este contenido, generando voces, imágenes y escenas en minutos.

Los protagonistas no son actores, sino fresas coquetas, plátanos tramposos o pepinos con aires de villanos. El guion incluye romances imposibles, traiciones familiares y secretos que salen a la luz. Todo sucede en episodios que rara vez superan los dos minutos.

El público reconoce los clichés de las telenovelas y los disfruta bajo una nueva óptica. El resultado es un contenido ágil, fácil de consumir y con un tono humorístico. Las redes sociales amplifican este fenómeno, que cruza generaciones y fronteras.

¿Qué son las Frutinovelas?

Las Frutinovelas son microseries creadas mediante inteligencia artificial. Cada capítulo dura uno o dos minutos y se adapta al formato vertical de TikTok, Instagram y YouTube.

Las tramas se inspiran en las novelas clásicas. Aparecen infidelidades, rivalidades amorosas y muertes inesperadas. El drama se mezcla con la sátira y el humor absurdo. La estética es caricaturesca. Frutas y verduras cobran vida y expresan emociones humanas. Los episodios captan la atención desde el primer segundo.

Los usuarios no solo ven, también crean. Cualquier persona con un teléfono puede hacer su propia Frutinovela. La inteligencia artificial facilita todo el proceso, desde las voces hasta los escenarios.

El formato rápido se adapta al ritmo de las redes sociales. La viralidad es casi inmediata. Los videos se comparten, se comentan y generan versiones nuevas todos los días.

¿Por qué se volvieron virales?

El éxito de las Frutinovelas tiene varias claves. El humor absurdo engancha rápido. La inteligencia artificial permite crear contenido sin esfuerzo. El formato corto facilita el consumo y la difusión.

La tendencia arrancó en Estados Unidos, inspirada en realities y parodias. Pronto, el estilo fue adoptado en Latinoamérica. Aparecieron referencias a memes, celebridades y novelas clásicas de la región.

La latinoamericanización aceleró su viralidad. El público reconoció figuras, frases y situaciones típicas de las telenovelas. Eso hizo que la tendencia se adaptara y creciera aún más.

Las Frutinovelas muestran una nueva etapa de la ficción digital. Lo que antes requería semanas de producción ahora se genera en minutos. La creatividad se democratizó. Cualquiera puede ser guionista, director y editor.

Hoy, millones de personas ven y comparten estos videos todos los días. Las Frutinovelas ya son parte del lenguaje de internet. Su éxito confirma que el drama nunca pasa de moda, aunque ahora tenga forma de fruta.

A pocas horas del despegue de la misión Artemis II, crece la atención internacional y, con ella, aumentan las búsquedas en Google sobre los detalles de este histórico viaje.

La expectativa se centra en el lanzamiento programado para el 1 de abril de 2026, cuando la NASA enviará por primera vez en más de medio siglo a una tripulación a la órbita lunar, utilizando el cohete Space Launch System y la nave Orion.

La comunidad científica, tecnológica y el público en general buscan respuestas a varias preguntas que se han convertido en tendencia. Entre los temas más consultados, destacan las dudas sobre quiénes integran la tripulación, cuánto durará la misión, los objetivos principales y el procedimiento de regreso a la Tierra.

Quiénes son los tripulantes de la misión Artemis II

La tripulación de Artemis II está compuesta por cuatro astronautas seleccionados por sus capacidades técnicas y experiencia en misiones espaciales. Al frente del grupo se encuentra Reid Wiseman, comandante de la misión, ingeniero de vuelo y veterano de la Estación Espacial Internacional durante la Expedición 41.

Junto a él, el piloto será Victor Glover, astronauta de la NASA que fue seleccionado como astronauta en 2013 y que ya cuenta con experiencia en vuelos espaciales y formación en operaciones legislativas en el Senado de Estados Unidos.

La especialista de misión es Christina Koch, ingeniera y física, reconocida por haber formado parte de la tripulación de la Estación Espacial Internacional. Como cuarto integrante figura Jeremy Hansen, coronel y astronauta de la Agencia Espacial Canadiense, quien será el primer canadiense en orbitar la Luna.

Cuánto durará el viaje de Artemis II

La misión Artemis II está planificada para extenderse durante diez días. El itinerario contempla una serie de maniobras que incluyen la órbita de la Tierra, la aproximación a la Luna y el regreso seguro.

El vuelo se desarrollará en dos fases iniciales de órbita terrestre, permitiendo verificar en tiempo real el funcionamiento de todos los sistemas críticos de la nave Orion cuando aún se encuentra próxima a la Tierra.

Tras la comprobación de sistemas, la nave ejecutará la maniobra de inyección translunar, con lo que la tripulación se dirigirá hacia la órbita lunar. Durante los días de travesía, los astronautas llevarán a cabo experimentos científicos y pruebas operativas.

El cronograma incluye el sobrevuelo de la cara oculta de la Luna y el retorno a la Tierra, empleando trayectorias que optimizan el consumo de combustible gracias a la gravedad lunar y terrestre.

Qué es todo lo que hay que saber de esta misión al espacio

Artemis II se basa en el éxito de la misión no tripulada Artemis I en 2022, y constituye el primer test con humanos de la nave Orion y el cohete SLS.

El objetivo central es demostrar la viabilidad de los sistemas de soporte vital, navegación y propulsión de la nave en condiciones reales, con vistas a misiones futuras hacia la superficie lunar y Marte.

Durante el vuelo, la nave Orion alcanzará una órbita terrestre alta de aproximadamente 71.660 kilómetros por 185 kilómetros, una altitud muy superior a la de la Estación Espacial Internacional.

Posteriormente, la tripulación realizará una maniobra de aproximación manual, una demostración operativa crucial para validar procedimientos de encuentro y acoplamiento en futuras misiones Artemis.

Cómo será el regreso a la Tierra de los astronautas

El regreso de Artemis II está diseñado como una maniobra de reentrada balística, donde la cápsula Orion aprovechará la gravedad para dirigirse de manera natural hacia la Tierra.

Tras rodear la cara oculta de la Luna, la nave iniciará un trayecto de regreso sin requerir propulsión adicional, utilizando una trayectoria de bajo consumo de combustible.

La última etapa contempla el amerizaje en el océano Pacífico, donde la tripulación será recuperada por la Armada de Estados Unidos. Este procedimiento ha sido optimizado según la experiencia de Artemis I, e incluye la prueba de nuevos protocolos de rescate y asistencia médica en alta mar.

Cuando la merienda pide algo reconfortante y lleno de historia, el aroma a budín napolitano recién horneado conecta con recuerdos de la infancia y tardes largas en familia. El budín napolitano hecho con facturas es esa receta ideal para rescatar esas medialunas y vigilantes que quedaron del día anterior, transformándolos en un postre jugoso y tentador.

Este budín es muy popular en casas y confiterías argentinas. Suele servirse en reuniones rápidas, como postre improvisado o para acompañar el mate. Su origen está emparentado con el clásico budín de pan, pero suma ese plus pastelero de las facturas que le dan textura y sabor únicos.

Receta de budín napolitano con facturas

El budín napolitano con facturas es un postre del estilo del flan, preparado a base de huevos, leche y azúcar, donde las facturas (medialunas, cañoncitos, tortitas negras, etc.) reemplazan al pan. Se cocina a baño María y se sirve frío, con una textura cremosa y un sabor bien argentino.

Tiempo de preparación

• Tiempo total: 1 hora 15 minutos
• Preparación: 15 minutos
• Cocción: 1 hora

Ingredientes

• 6 a 8 facturas variadas (medialunas, vigilantes, tortitas negras, cañoncitos, etc.)
• 750 ml de leche entera
• 6 huevos
• 200 g de azúcar
• 1 cucharada de esencia de vainilla
• Ralladura de 1 limón
• 200 g de azúcar (para el caramelo)
• Opcional: 100 g de pasas de uva o trocitos de chocolate
• Cómo hacer budín napolitano con facturas, paso a paso

Cómo hacer budín napolitano con facturas, paso a paso

1. Preparar el caramelo: Colocar los 200 g de azúcar en una budinera o flanera con 2 cucharadas de agua. Llevar a fuego medio hasta obtener un caramelo dorado. Girar el molde para cubrir bien el fondo y los bordes. Dejar enfriar.
2. Desmenuzar las facturas: Cortar o romper las facturas en trozos medianos y colocarlas en un bol grande.
3. Empapar con leche: Calentar la leche hasta que esté tibia y verterla sobre las facturas. Dejar reposar 10 minutos, mezclando para que se hidraten bien.
4. Mezclar la base: En otro bol, batir los huevos con los 200 g de azúcar, la esencia de vainilla y la ralladura de limón.
5. Unir las mezclas: Incorporar la mezcla de huevos y azúcar a las facturas remojadas, integrando bien. Agregar las pasas de uva o el chocolate en este momento si se desea.
6. Verter en el molde: Pasar la preparación a la budinera acaramelada.
7. Cocinar a baño María: Colocar el molde dentro de una fuente amplia con agua caliente y llevar a horno precalentado a 180 °C. Cocinar por 1 hora (controlar que al pinchar con un palillo éste salga limpio).
8. Enfriar y desmoldar: Dejar enfriar a temperatura ambiente y luego llevar a la heladera al menos 4 horas antes de desmoldar. Para desmoldar fácil, pasar la base del molde unos segundos por la hornalla.

Consejos claves:

• El caramelo debe estar dorado, pero no quemado.
• Las facturas deben estar bien empapadas en leche para lograr un budín cremoso.

¿Cuántas porciones rinde esta receta?

Rinde 8 porciones generosas.

¿Cuál es el valor nutricional de cada porción de esta receta?

• Calorías: 320 kcal
• Grasas: 9 g
• Carbohidratos: 50 g
• Proteínas: 8 g

Cabe señalar que estas son estimaciones, y los valores nutricionales precisos dependen de los ingredientes específicos utilizados en la preparación y las cantidades de cada porción.

¿Cuánto tiempo se puede conservar esta preparación?

Se conserva en heladera hasta 5 días, bien tapado. También puede freezarse por hasta 1 mes, preferentemente porcionado y bien envuelto.

El avance del comercio electrónico y la necesidad de resolver entregas en zonas urbanas comienzan a influir en el desarrollo inmobiliario. Para Mali, estos cambios obligan a repensar el diseño de los proyectos desde el inicio: “Los nuevos edificios tienen que diseñarse pensando en la logística y en cómo se reciben los pedidos”.

¿Cómo es la actualidad del mercado inmobiliario argentino?

Si lo miro desde los tiempos de una obra, hoy estamos complicados. Sobre todo en la parte de aprobaciones. Esto no pasa solo en la Ciudad de Buenos Aires, sino en todas las provincias, somos una cámara nacional y estamos en contacto con todo el sector inmobiliario.

Un proceso de aprobación de planos en CABA, por ejemplo, puede durar alrededor de un año. Es muchísimo. Es exagerado y hace perder dinero a la empresa, más en un momento en el que no tenemos márgenes.

Además hemos sufrido un aumento muy fuerte de costos. Hubo subas cercanas al 150% en dólares en materiales y construcción, mientras que el valor de la vivienda en pozo aumentó alrededor de un 17% interanual. Es decir, los costos subieron mucho más que los precios de venta.

Hoy el contexto es otro. Ya no podemos pensar en que los materiales bajen, porque no van a bajar. Tampoco podemos esperar fluctuaciones del dólar. Lo que vemos ahora es una dinámica más estable: los valores van subiendo con la inflación y muchos proveedores ajustan cada tres meses en lugar de hacerlo todos los meses.

Esto impacta en todo el sector: residencial, retail y también en todo lo vinculado a la logística y a la actividad económica que gira alrededor de la construcción.

Lo que necesitamos es que el valor del metro cuadrado se acomode a niveles de Latinoamérica. Hoy Argentina está relativamente barata frente a otros mercados de la región, y supimos tener valores más altos. En algún momento seguramente volveremos a ese nivel.

Si me preguntás por el futuro, el termómetro que tengo es que hay esperanza. Están todos comprando lotes. Me gusta decir que el sector está en la línea de largada. Cuando los indicadores se acomoden un poco más, los proyectos se van a lanzar. Y eso es muy importante para toda la cadena de valor, porque la construcción dinamiza la economía.

¿Cómo está hoy la demanda en el mercado inmobiliario?

Demanda siempre hay. Siempre hay demanda. Está el que tiene dólares guardados, el que se casa, el que se separa o el que tiene un hijo más. El mercado inmobiliario es rotativo.

El problema no es la demanda sino el acceso. Hoy necesitamos créditos hipotecarios. Hay más que hace dos años, pero todavía no mueven la aguja. Entonces, hoy está difícil acceder a un crédito y lo que tenemos es una demanda muy grande que no puede comprar.

Por otro lado, en Argentina se desarrolló un formato bastante particular: muchos proyectos se financian durante el tiempo de obra. Una obra puede durar tres o cuatro años y el comprador paga durante ese período.

Cuando lo contamos en otros países no lo entienden mucho. Pero acá se volvió una forma de funcionamiento del mercado, porque sin financiación es difícil vender.

En un sector donde intervienen tantos actores, ¿qué rol cumplen los vínculos entre el sector público y el privado?

Los vínculos son fundamentales. Hace ocho años que trabajo en esto y lo veo todos los días.

El vínculo entre colegas es importante, pero el más importante es el vínculo público-privado. El sector privado no puede hacer nada sin el Estado y el Estado tampoco puede hacer nada sin el privado.

Nosotros hablamos con funcionarios nacionales, provinciales y municipales. Les planteamos propuestas. Les decimos: nosotros ponemos la inversión, faciliten el desarrollo.

Porque cuando se hace un desarrollo inmobiliario el impacto no queda solo en el lote. Impacta en la cuadra, en el barrio y en la ciudad. Genera empleo, comercio y movimiento económico. Hoy además es clave el desarrollo mixto, que combine vivienda, oficinas y comercio.

También hay otro vínculo importante, que es el vínculo con el vecino y con la sociedad. Cuando se inicia una obra hay ruido, demoliciones y movimiento. Pero muchas veces falta explicar el beneficio que generan esos desarrollos en la ciudad.

¿Cómo influyen las tendencias logísticas en los nuevos desarrollos inmobiliarios?

Esto tiene que ver con los cambios en nuestra forma de vivir y de consumir. Hoy necesitamos logística de última milla y esa logística tiene que estar cerca del casco urbano.

Recientemente estuve visitando un lugar donde tenían un espacio para almacenamiento, preparación de pedidos y salida. Era perfecto para logística de última milla. Esa necesidad de estar cerca de la ciudad hoy es fundamental.

Tiene que ver con algo muy simple: cuando hacemos clic en el carrito queremos que el pedido llegue rápido. Por eso los nuevos desarrollos tienen que contemplar estas cosas desde el diseño.

Muchos edificios ya están incorporando lockers o espacios específicos para entregas. El pedido se guarda ahí y el residente baja a buscarlo.

Hace poco viajaron a China para analizar proveedores. ¿Qué conclusiones sacaron desde lo logístico y comercial?

Fuimos a la feria de construcción más grande del mundo en Cantón. La idea era analizar precios, proveedores y ver qué pasaba si un desarrollador se convertía en importador. La feria es enorme, con cientos de proveedores de cada producto. La calidad de los productos es muy buena y los precios son muy bajos.

Pero cuando empezás a analizar todo el proceso aparecen otras cuestiones: consolidar la carga, traer el contenedor, tener logística para almacenamiento y después distribuirlo.

Si el proyecto está en otra provincia, además hay que trasladarlo dentro del país. Y muchas veces ese transporte interno termina costando casi tanto como traer el contenedor en barco. Cuando hacés todas las cuentas, además del servicio postventa y toda la estructura logística necesaria, el ahorro real no es tan grande.

En muchos casos se puede abaratar un 10% o 15% en terminaciones. Entonces la conclusión fue clara: zapatero a sus zapatos. Lo mejor es que los importadores traigan los productos y que los desarrolladores se concentren en desarrollar.

¿Qué reflexión te gustaría dejar sobre el momento del sector?

Creo que las cosas se están acomodando. No tenemos que perder las esperanzas.

Cada sector tiene que trabajar para mejorar lo que le corresponde. El gobierno está ordenando la macroeconomía y está enfocado en eso.

Ahora necesitamos que esa mejora empiece a bajar a la economía real, que se reactive el consumo y que se empiece a mover la rueda. Cuando eso pase, la construcción arranca. Y cuando arranca la construcción, se mueve toda la economía.

Un juez federal de Nueva York desestimó la demanda presentada en agosto de 2024 por Faycal Manz, un turista alemán, contra la conocida taquería Los Tacos No. 1, ubicada en Times Square.

El ingeniero, oriundo de Schemmerhofen (Alemania), solicitaba 100 mil dólares de indemnización tras alegar que una salsa verde “demasiado picante” del establecimiento le causó daños físicos y mentales, lo que fue rechazado de forma categórica por la corte, según informó la agencia EFE y medios locales.

El fallo, firmado por el magistrado Dale Ho, precisó: “Cuando se trata de salsa, el picante es a menudo la razón de ser”.

El dictamen de 12 páginas sostiene también que no existe una obligación legal de advertir sobre riesgos intrínsecos en alimentos tradicionalmente picantes, y que “una búsqueda rápida en Google sobre ‘comida mexicana’” habría sido suficiente para conocer los riesgos asociados.

Tras el incidente con la salsa, Manz argumentó en los documentos judiciales que “para alguien que vive en Alemania y no come nada picante, esto fue un gran ‘shock’ físico y mental”.

La demanda señalaba que el turista registró síntomas severos, incluida una taquicardia, la cual señaló que fue monitorizada por su reloj inteligente, y calificó la salsa del local como “peligrosa”.

Otras demandas realizadas por turista Alemán

Sin embargo, la taquería y su salsa “extrapicante” no eran sus únicos objetivos sino que la acción judicial resultó ser parte de una serie de demandas iniciadas por Manz contra varios establecimientos que le causaron daños durante su estadía en Estados Unidos.

Y es que además de la taquería, a su regreso a Alemania denunció a una sucursal de Walmart en Nueva Jersey por presunta discriminación, argumentando que no pudo acceder a la red Wi-Fi local al no disponer de un número telefónico estadounidense.

Posteriormente indicó al mismo medio que, en una visita posterior, sí logró conectarse utilizando su número alemán, adjudicando el cambio a la presión legal ejercida.

En otro caso, Manz entabló una demanda por 10 millones de dólares al Departamento de Policía de Nueva York (NYPD) luego de presenciar una agresión cerca de Times Square.

En su declaración, relató que el operador del servicio de emergencias 911 le negó asistencia por no contar con una dirección exacta y por tener un número extranjero, con el argumento de que la policía “no usa Google”.

Esta denuncia, según la información consignada por EFE, permanece abierta y exige cambios en los protocolos policiales que permitan interactuar mejor con extranjeros y no residentes.

La fascinación de la Generación Z por recuperar objetos, estéticas y prácticas de los años ’90 y la década de 2010 ha provocado una ola de consumo nostálgico que trasciende lo anecdótico:

representa un refugio emocional ante el ritmo vertiginoso del presente y una forma de resignificar el pasado en ciclos de intensidad acelerada por las redes sociales.

Este fenómeno no solo implica el retorno de modas y hobbies, sino que abre un debate sobre el impacto de la tecnología, los algoritmos y el contenido sintético en la experiencia digital contemporánea.

El consumo nostálgico impulsa ventas de vinilos, cassettes y tecnología retro

La retromanía cultural que impulsa a los Centennials a consumir música en vinilos, usar auriculares con cable o priorizar la fotografía instantánea con Polaroids se traduce en una preferencia creciente por bienes tangibles.

El fenómeno toma fuerza en plataformas como TikTok, donde el hashtag #2016 sumó más de 1,7 millones de publicaciones, evidencia del atractivo de épocas recientes para una generación cuya infancia transcurrió ya en la era digital.

Además, la tendencia se manifiesta en el resurgimiento del coleccionismo y el regreso de antiguas tecnologías como los cassettes, el material fílmico o los videojuegos clásicos.

Marcas y creadores detectan esta demanda y ofrecen productos como celulares tipo “tapita”, Tamagotchis, y filtros estéticos para simular imágenes de baja definición.

Paralelamente, redes sociales menos invasivas y de menor exposición, como Tumblr o Pinterest, experimentan un repunte ante la búsqueda de experiencias digitales menos tóxicas.

La nostalgia como estrategia frente a la incertidumbre actual

Ante dicho fenómeno la periodista Marion Malone, en una editorial de The New York Times advierte que esta mirada hacia el pasado no necesariamente responde a una valoración objetiva de esos años:

“La mirada retrospectiva a un pasado no tan lejano es el ejemplo más reciente de la aceleración de la nostalgia en Internet, donde tendencias y subculturas pueden brillar con fuerza y apagarse pronto”.

La evocación de los ’90 y 2010, observan diversos especialistas, responde al deseo de encontrar un bálsamo psicológico entre generaciones marcadas por crisis políticas, económicas y una permanente sensación de colapso ambiental.

Referentes como el activismo político, el avance de derechos civiles, el auge de la música indie y la cultura hipster aparecen como símbolos de “optimismo millennial”, una cualidad que la Generación Z busca canalizar.

Los datos muestran que el regreso de los pantalones de tiro bajo, las prendas de denim, los chokers y los peinados noventeros está promovido por figuras como Dua Lipa, Kylie Jenner y Hailey Bieber, quienes reimponen códigos estéticos de hace tres décadas.

Retroconsumo familiar y doble experiencia para la Generación Alpha

El entorno familiar también reproduce esta tendencia pues se estima que los hijos de papás millennials crecen en hogares donde conviven legados “retro” y experiencias digitales que incluyen el uso de Lego, Barbies y Hot Wheels con los que jugaban de chicos.

Lo anterior da como consecuencia que las empresas adaptaen sus productos a estas preferencias: Nike creó un mundo en Roblox para que los niños diseñen sus zapatillas y LEGO amplió la experiencia del juego físico a plataformas online.

Sin duda, este cruce de mundos definirá en gran medida el consumo y las rutinas digitales de la llamada Generación Alpha.

La revista Time Out publicó su ranking anual de las 50 mejores ciudades del mundo, una lista que evalúa destinos urbanos a partir de criterios como oferta cultural, gastronomía, vida nocturna y calidad de vida.

Y en dicho rangking, considerado uno de los más importantes y especializados del mundo, dos ciudades mexicanas han logrado figurar, una de ellas incluso dentro del top 10 de la lista.

Su inclusión consolida la presencia de México entre los destinos urbanos más valorados a nivel internacional.

La ciudad mexicana que se encuentra en el top de las 10 mejores del mundo

Como es fácil imaginar, es la Ciudad de México la capital que ingresó al top 10 de las mejores ciudades del mundo para visitar en 2026, una distinción basada tanto en su vibrante actividad cultural como en el entusiasmo cotidiano de sus habitantes, según el ranking publicado por Time Out.

Este reconocimiento no solo exalta el renombre internacional de la capital, sino que responde a una singular combinación de oferta artística, gastronomía y comunidad, elementos que contribuyeron a que el 96% de los capitalinos expresara sentirse feliz viviendo en la ciudad.

El listado elaborado por Time Out integró la opinión de editoras, editores y audiencias de todo el mundo para seleccionar las cincuenta urbes más atractivas para el turismo el próximo año.

La Ciudad de México se posicionó en el decálogo superior junto a destinos globales de amplias credenciales, un logro que, según el medio, se cimenta en variables como el clima, la hospitalidad, la diversidad de experiencias urbanas y una escena culinaria que trasciende fronteras.

Más allá de las cifras, la esencia de la ciudad radica en su capacidad de transformar lo ordinario en motivo de celebración. Desde tomar sol en el Parque México, correr en el Bosque de Chapultepec o disfrutar de proyecciones al aire libre en la nueva sede de la Cineteca, la urbe despliega actividades accesibles que nutren la vida barrial y el sentido de pertenencia.

Sumado a estos espacios, sobresalen eventos gratuitos y festivales durante todo el año, como la Semana del Diseño, el Festival de Jazz Polanco y Mextropli, así como tradiciones emblemáticas: desde la celebración del Año Nuevo Chino hasta el desfile de Catrinas y Alebrijes y los altares de Día de Muertos en Xochimilco, pasando por el espectáculo internacional de la Fórmula 1.

Guadalajara: la otra ciudad que se encuentra en el listado de las 50 mejores ciudades del mundo

Además de la Ciudad de México, la Ciudad de Guadalajara también logró colarse en el ranking de las mejores ciudades del mundo para visitar en 2026.

“Más allá de las destacadas instituciones culturales de Guadalajara —como la Catedral Metropolitana, el Hospicio Cabañas y el Laboratorio de Artes y Variedades—, esta ciudad ofrece expresiones culturales de todo tipo y tamaño, desde conciertos de cámara gratuitos en el Teatro Alarife Martín Casillas hasta festivales de música en medio de los campos de agave, como Akamba", señala la publicación.

Top 10 de las mejores ciudades del mundo, según la revista Time Out

1. Melbourne (Australia).
2. Shanghái (China).
3. Edimburgo (Escocia).
4. Londres (Reino Unido).
5. Nueva York (Estados Unidos).
6. Ciudad del Cabo (Sudáfrica).
7. Ciudad de México (México).
8. Bangkok (Tailandia).
9. Seúl (Corea del Sur).
10. Tokio (Japón).

La mascota Costalito del Cruz Azul se ha convertido en un fenómeno del marketing deportivo y las redes sociales.

Desde su debut, ha capturado el corazón de la afición celeste, quien ha conectado de inmediato con su carisma juguetón y su estética inspirada en el cemento de la corporativa.

Origen de Costalito

En la era actual del futbol moderno, los clubes no solamente se ocupan de lo que sucede dentro de la cancha, sino que deben cuidar la imagen institucional, pues es la que impulsa el éxito en cuanto a marketing y redes sociales.

Por la forma en que funciona la sociedad hoy en día, el mercado deportivo ha evolucionado hacia un ecosistema donde la conexión emocional es clave, donde los aficionados buscan identificarse con el club a través de experiencias auténticas que refuercen su sentido de pertenencia.

Cruz Azul supo entender perfectamente esta tendencia y mientras ponía en marcha un nuevo proyecto deportivo con Iván Alonso en la directiva y Martín Anselmi en el banquillo, decidió reforzar su estrategia de marca de la mano de Spodeal, una firma española especializada en marketing deportivo que se ha convertido en su socio estratégico.

Esta empresa no solo se encarga de delinear la ruta comercial y de exposición del club, sino que, tras un análisis del mercado y de la afición, sugirió la creación de una nueva mascota que conviviera con Blu y ayudara a conectar con nuevas generaciones.

De ese trabajo nació Costalito, una botarga que mezcla los orígenes cementeros del equipo, un costal de cemento como guiño a la Cooperativa Cruz Azul, con un diseño minimalista y amigable, pensado para ser fácilmente reconocible, viralizable y cercano al público joven en estadios y plataformas digitales.

Fenómeno en redes sociales

La creación de Costalito ilustra a la perfección cómo una mascota bien concebida trasciende las canchas de fútbol para conquistar las redes sociales.

En plataformas como TikTok, Instagram y X, esta figura ha desatado un enorme revuelo en redes sociales, provocando tendencias espontáneas que han surgido entre los seguidores como aficionados que irrumpen en transmisiones en vivo disfrazados de Costalito, como muestra del gran recibimiento que ha tenido la mascota dentro de la fanaticada.

Dentro del marketing deportivo, la creación de la nueva imagen ha sido exitosa pues cada vez más gente compra artículos inspirados en la figura, los cuales abarcan desde mochilas y estuches hasta playeras, peluches y almohadas.

¡El aroma de una tarta de acelga recién horneada trae recuerdos de meriendas en casa de abuelas, de mates compartidos y de la simpleza que reconforta el alma! Pocas cosas son tan versátiles y queridas en la mesa argentina como una buena tarta, ideal para aprovechar lo que hay en la heladera sin gastar demasiado.

En reuniones familiares, almuerzos de domingo o viandas para el trabajo, la tarta de acelga es una de las opciones preferidas. Económica, fácil de preparar y siempre rendidora, se ganó su lugar tanto en la cocina casera como en rotiserías y almacenes de barrio.

Receta de tarta de acelga fácil y económica

La tarta de acelga es una preparación salada que combina hojas de acelga hervidas y picadas, salteadas con cebolla y, a veces, morrón, ligadas con huevos y queso rallado, todo envuelto entre dos discos de masa. Puede llevar calabaza, papa o algún queso fresco para sumar textura y sabor, pero la versión más económica prescinde de ingredientes caros.

Tiempo de preparación

• Tiempo total: 50 minutos
• Preparación: 20 minutos
• Cocción: 30 minutos

Ingredientes

1. 2 discos de masa para tarta (hojaldrada o criolla)
2. 1 atado grande de acelga (o 400 gr de hojas)
3. 1 cebolla mediana
4. 1 morrón chico (opcional)
5. 2 huevos
6. 100 gr de queso rallado (puede ser cremoso o port salut en cubos para abaratar)
7. 2 cucharadas de aceite
8. Sal y pimienta a gusto
9. 1 huevo extra para pintar

Cómo hacer tarta de acelga, paso a paso

1. Lavar bien la acelga y hervir las hojas en agua con sal por 3 a 4 minutos. Escurrir y picar finamente.
2. Saltear la cebolla (y el morrón, si usás) en aceite hasta que estén transparentes. Esto suma dulzura y sabor.
3. En un bol grande, mezclar la acelga picada con las verduras salteadas. Agregar los 2 huevos y el queso rallado o cubos de queso. Salpimentar.
4. Forrar una tartera aceitada con uno de los discos de masa. Importante: pinchar la base con tenedor para que no se infle.
5. Volcar el relleno de acelga y emparejar con cuchara.
6. Cubrir con el segundo disco de masa. Cerrar los bordes con repulgue o tenedor y hacer pequeños pinchazos en la superficie para que salga el vapor.
7. Pintar la tapa con el huevo batido para lograr un dorado parejo y atractivo.
8. Llevar al horno precalentado (180 °C) durante 30 minutos, hasta que la masa esté dorada.
9. Dejar entibiar unos minutos antes de cortar y servir.

¿Cuántas porciones rinde esta receta?

Rinde 6 a 8 porciones.

¿Cuál es el valor nutricional de cada porción de esta receta?

• Calorías: 210 kcal
• Grasas: 10 gr
• Carbohidratos: 22 gr
• Proteínas: 7 gr

Cabe señalar que estas son estimaciones, y los valores nutricionales precisos dependen de los ingredientes específicos utilizados en la preparación y las cantidades de cada porción.

¿Cuánto tiempo se puede conservar esta preparación?

En heladera, hasta 3 días bien tapada. En freezer, hasta 2 meses. Para consumir, calentar en horno o microondas.

En Infobae en vivo, la conversación giró en torno a la irrupción del blokecore como tendencia global. En una entrevista, la periodista Lessie Borobio señaló: “El blokecore es una tendencia que surge con ese nombre en 2022, a partir de un tiktoker que acuña el término, pero en realidad viene de hace mucho antes… en Inglaterra, a finales de los setentas y comienzos de los ochentas, cuando los hooligans o los barrabravas británicos empiezan a adoptar prendas de diseñadores deportivos para ir a la cancha, en lugar de usar las camisetas de los clubes de fútbol y así poder blendearse entre la multitud y que no los reconozca la policía”.

En diálogo con el equipo de Infobae a la Tarde, integrado los jueves por Manu Jove, Maia Jastreblansky, Paula Guardia Bourdin y Tomás Trapé, la especialista explicó cómo esta moda atraviesa cuestiones de identidad, clase y género. “Estamos hablando de una estética que es adoptada adrede. Eso es lo polémico, si se quiere”, sostuvo Paula Guardia Bourdin al abrir el debate sobre el sentido de apropiación de la indumentaria deportiva.

Borobio profundizó: “Yo creo que sí hay una cuestión de apropiación cultural y de gentrificación, si se quiere, por esto de tomar estéticas que son correspondientes a sectores mayormente populares, vaciarlos completamente de sentido y transformarlos en una tendencia. Sobre todo porque, generalmente, las personas que usan la camiseta de fútbol no sienten afiliación por el equipo que están llevando”.

El blokecore: de los hooligans británicos a las redes sociales

Lessie Borobio detalló que el fenómeno hunde sus raíces en la cultura futbolera de Inglaterra: “A finales de los setentas y comienzos de los ochentas, los hooligans empiezan a adoptar prendas de diseñadores deportivos para ir a la cancha. No solo buscan camuflarse, sino también incorporar una cuestión identitaria y la posibilidad de salir de los barrios”. El equipo de Infobae debatió el modo en que esta estética, nacida en contextos populares, fue ganando espacio en otros sectores sociales y plataformas digitales.

Tomás Trapé consultó acerca del potencial conflicto entre moda y pertenencia: “¿No hay un poco de apropiación cultural, esta palabra que en algún momento o concepto que estuvo de moda? Porque muchos de nosotros siempre nos vestimos con camiseta de fútbol y vemos transgredida nuestra propia cultura por gente que no pertenece a este mundo”. La entrevistada fue contundente: “Generalmente, las personas que usan la camiseta de fútbol no sienten afiliación por el equipo. Ese es el problema”.

Manu Jove aportó su experiencia personal y la resignificación del fenómeno: “Hay algo también de la apropiación de la estética más allá de los clubes. Veo marcas vinculadas a otro tipo de ropa haciendo camisetas de fútbol o tipo chomba con tela deportiva, y le pusieron un escudito como si fuese un club. Eso forma parte de este mismo fenómeno”.

Género y resignificación: el blokecore se feminizó

Paula Guardia Bourdin sumó una dimensión clave: “Estamos hablando de una estética bastante masculinizada y que empieza a ser adoptada por mujeres, quienes comienzan también a feminizarla”. Borobio explicó: “Bloke significa hombre en inglés británico. Eso derivó al blokette. Y a partir de la fusión del blokecore con el coquette, nace una nueva tendencia. Las camisetas de fútbol están utilizadas con faldas, encajes, moños y prendas tradicionalmente femeninas, justamente para traerlo hacia ese lado”.

La periodista remarcó: “Han habido un montón de mujeres que sufrieron violencia por usar camisetas de fútbol. Pero a la vez, las marcas y los clubes han hecho campañas de fotos donde están incluidas estas combinaciones de prendas”. El equipo reflexionó sobre la contradicción entre inclusión y marketing: “¿En qué quedamos?”, preguntó Borobio, marcando la tensión entre discursos de diversidad y consumo.

¿Final de ciclo para el blokecore? El Mundial y las nuevas tendencias

Sobre el presente y futuro de la tendencia, Borobio advirtió: “Se viene el Mundial, entonces el fútbol va a seguir en el centro. Pero el Mundial es en Estados Unidos, donde el fútbol no está tan de moda. Esta tendencia, que se hizo muy popular en Estados Unidos, tiene que ver con la nueva inserción que quiere tener ese país en el mercado del fútbol”.

Paula Guardia Bourdin planteó la percepción de agotamiento del blokecore: “Tengo la creencia de que esto ya está retrocediendo y que estamos yendo a un momento de la estética un poco más formal”. Borobio relativizó: “Desde 2022 vienen surgiendo colaboraciones de marcas deportivas con diseñadores, y de ahí derivan que otras marcas de streetwear saquen sus propias camisetas de fútbol sin pertenecer a ningún club en específico”.

La charla cerró con el reconocimiento de la vigencia del fútbol como fenómeno cultural y de la moda, pero también de las tensiones que genera la apropiación de símbolos identitarios por parte de sectores ajenos a la tradición futbolística.

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Hay sabores que nos llevan directo a la mesa familiar, a esos domingos de invierno en los que el aroma del puré recién hecho invita a quedarse cerca de la cocina. El puré mixto de papa y calabaza es uno de esos platos que, sin ser protagonista, completa cualquier menú criollo con calidez y color.

En la Argentina, este puré se disfruta especialmente en la temporada más fría, acompañando milanesas, bifes a la plancha o incluso como parte de un clásico pastel de carne. Es la guarnición elegida por grandes y chicos, y tiene la ventaja de aprovechar ingredientes simples y económicos.

Receta de puré mixto de papa y calabaza

El puré mixto de papa y calabaza combina el sabor suave y cremoso de la papa con la dulzura natural de la calabaza. Se elabora hirviendo ambos vegetales, luego pisándolos juntos con manteca y un toque de leche, para lograr una textura bien lisa y aireada. Es una receta rápida, ideal para resolver una comida liviana o acompañar carnes y vegetales.

Tiempo de preparación

Total: 35 minutos

• Preparación: 10 minutos
• Cocción: 25 minutos

Ingredientes

1. 500 gr de papa
2. 500 gr de calabaza (anko o zapallo)
3. 30 gr de manteca
4. 100 ml de leche (puede ser descremada)
5. Sal fina a gusto
6. Pimienta negra molida, a gusto
7. Nuez moscada (opcional)

Cómo hacer puré mixto de papa y calabaza, paso a paso

1. Pelar y cortar en cubos medianos las papas y la calabaza.
2. Hervir ambos vegetales juntos en abundante agua con sal, hasta que estén bien tiernos (aprox. 20-25 minutos).
3. Escurrir bien y volver a la olla caliente para evaporar el exceso de agua.
4. Pisar los vegetales en caliente usando pisapuré o tenedor, hasta obtener una textura homogénea.
5. Agregar la manteca y mezclar hasta que se funda completamente.
6. Incorporar la leche caliente de a poco, mezclando hasta lograr un puré cremoso (no debe quedar líquido).
7. Condimentar con sal, pimienta y, si se desea, una pizca de nuez moscada.
8. Servir bien caliente. Consejo clave: pisar los vegetales en caliente y no sobretrabajar la mezcla para evitar una textura gomosa.

¿Cuántas porciones rinde esta receta?

Rinde aproximadamente 4 porciones como guarnición.

¿Cuál es el valor nutricional de cada porción de esta receta?

• Calorías: 160 kcal
• Grasas: 4 gr
• Carbohidratos: 30 gr
• Proteínas: 3 gr

Cabe señalar que estas son estimaciones, y los valores nutricionales precisos dependen de los ingredientes específicos utilizados en la preparación y las cantidades de cada porción.

¿Cuánto tiempo se puede conservar esta preparación?

En la heladera, hasta 3 días en recipiente hermético. Se puede freezar hasta 1 mes, aunque la textura puede variar levemente al descongelar (se recomienda recalentar mezclando con un chorrito de leche).

La aparición de nuevas formas de autoexpresión y ocio urbano sigue marcando tendencia en Europa, especialmente tras la viralización del fenómeno therian. Ahora, una práctica bautizada como “hobby dogging” ha comenzado a ganar terreno en redes sociales, especialmente en Alemania, generando debates y curiosidad en medios internacionales.

En qué se diferencia los therians al hobby dogging

A diferencia de los therians (personas que se identifican interna o espiritualmente como animales) el hobby dogging consiste en que los participantes simulan pasear un perro, pero sin mascota, y en ocasiones con la guía de un entrenador profesional.

La relevancia de esta tendencia radica en cómo redefine la relación con el espacio público y replantea los límites del ocio y la identidad en la era digital. El hobby dogging, lejos de buscar la adopción o el cuidado animal, pone el foco en la rutina del paseo: caminar con una correa vacía, detenerse, dar indicaciones e interactuar socialmente, todo bajo la supervisión de un entrenador que simula el adiestramiento real.

¿Por qué surge el hobby dogging?

Según informes recientes, quienes practican hobby dogging buscan los beneficios asociados al paseo de un perro, salir al aire libre, establecer rutinas, fomentar la socialización, sin asumir la responsabilidad de cuidar una mascota.

Esta práctica ha generado reacciones encontradas: para algunos se trata de una excentricidad más, mientras otros la interpretan como una alternativa sana de ocio urbano y gestión del estrés.

La tendencia también refleja el impacto de internet y las redes sociales en la propagación de formas alternativas de socialización y pertenencia. Al igual que el fenómeno therian, el hobby dogging se nutre de la visibilidad digital y del deseo de experimentar nuevas formas de interacción en espacios compartidos.

Therian y hobby dogging: dos caras de la popularidad en internet

El auge del hobby dogging llega en un contexto marcado por la polémica sobre los therians, jóvenes que se identifican con animales y manifiestan su afinidad mediante rutinas, accesorios y movimientos específicos.

Mientras los therians describen una conexión interna y persistente con su “teriotipo” animal, el hobby dogging se presenta como una recreación consciente de la rutina canina, sin pretensión de identificación animal ni performance artística.

Ambas tendencias han sido amplificadas por plataformas como TikTok e Instagram, que han convertido prácticas marginales en fenómenos virales y han provocado debates sobre los límites de la autoexpresión, el uso del espacio público y la convivencia ciudadana.

Uno de los aspectos más llamativos del hobby dogging es la presencia de entrenadores profesionales que cobran por guiar la experiencia. Estos instructores acompañan a los participantes durante los paseos, marcando indicaciones, simulando ejercicios de obediencia y replicando dinámicas propias del adiestramiento canino.

El objetivo es maximizar el realismo y ofrecer una vivencia personalizada, similar a la de quienes realmente tienen un perro.

Esta profesionalización sugiere que la tendencia va más allá de la simple imitación y que responde a una demanda de experiencias estructuradas, donde el juego, el entrenamiento y la rutina se integran en la vida cotidiana.

El hobby dogging despierta interrogantes sobre los límites de la creatividad y la búsqueda de pertenencia en la sociedad contemporánea. Al igual que otras subculturas surgidas en internet, puede ser visto como una moda pasajera, una forma de excentricidad o una respuesta a la necesidad de rituales y actividades que ayuden a estructurar el tiempo libre y reducir el estrés de la vida moderna.

Especialistas en comportamiento social destacan que, mientras la práctica no afecte la convivencia o derive en conductas problemáticas, representa simplemente una alternativa de ocio más en el menú de actividades urbanas.

El surgimiento del hobby dogging tras la controversia de los therians refleja cómo las redes sociales, la creatividad y la necesidad de pertenencia siguen impulsando nuevas formas de autoexpresión y recreación urbana.

Ya sea por curiosidad, búsqueda de bienestar o simple diversión, estas prácticas muestran que la frontera entre lo lúdico y lo identitario es cada vez más difusa en la cultura digital contemporánea.

El alcalde de Comayagua prohíbe reuniones del grupo Terian en la Plaza Central, argumentando que este tipo de actividades no cuentan con autorización municipal y contradicen la visión de convivencia humana que impulsa su administración. Esta prohibición anticipa un debate más amplio sobre el uso de espacios públicos, la diversidad identitaria juvenil y el impacto de tendencias nacidas en redes sociales que rápidamente se trasladan al escenario local.

El grupo Terian, vinculado a personas que se identifican internamente con animales reales, convocó a una concentración abierta en el principal sitio histórico de la ciudad a través de plataformas digitales. El mensaje generó reacciones encontradas en la comunidad e inquietó a las autoridades municipales.

Desde la Alcaldía, la decisión se fundamentó en las normas que regulan el uso de la Plaza Central, restaurada recientemente para consolidarse como un punto de encuentro ordenado y legalmente regulado conforme a la Ley de Municipalidades. Carlos Miranda, jefe edilicio de Comayagua, afirmó: “No concebimos convertir la plaza central en un zoológico. Totalmente negativo. Por lo tanto, no estamos de acuerdo”, con lo que rechazó cualquier evento sin los permisos formales requeridos.

El alcalde justificó su postura en argumentos legales y de convivencia, así como en consideraciones religiosas y sociales respecto a los roles tradicionales. Si bien aseguró que su negativa no representa un ataque a las libertades individuales, remarcó que las expresiones identitarias deben ajustarse al marco normativo para acceder a espacios de uso común.

El fenómeno therian gana visibilidad en redes sociales, convirtiéndose en tema de discusión en América Latina tras viralizaciones en TikTok e Instagram, donde jóvenes se muestran con máscaras, colas artificiales o imitan movimientos animales en actividades llamadas “quadrobics”. El término proviene de la raíz griega “therion”, usada para describir bestias o animales.

La teriantropía define a quienes, desde una perspectiva identitaria, psicológica o espiritual, se sienten internamente conectados con un animal real, como lobos, felinos, zorros o perros, identificándolo como su “teriotipo”. Quienes viven estas experiencias insisten en que, aunque son plenamente humanos en lo físico y legal, consideran que parte de su identidad está ligada a su animal interno. Existe el relato de personas que experimentan sensaciones físicas involuntarias, conocidas como “miembros fantasma”.

A diferencia de otras subculturas, los therians rechazan comparaciones con la comunidad furry, que practica el arte y el entretenimiento a través de personajes y disfraces antropomórficos con fines lúdicos o creativos. El término otherkin describe a quienes se identifican con criaturas fantásticas, como seres mitológicos o de ficción. Los miembros del movimiento therian sostienen que su vivencia es una dimensión identitaria, no un disfraz ni un espectáculo.

En Argentina y otros países, la viralización del fenómeno a través de videos donde jóvenes adoptan conductas animales ha provocado intensos debates en línea. Se observan posturas enfrentadas: algunos defienden el derecho a la libre expresión y a nuevas formas de autoidentificación, mientras que otros cuestionan la tendencia desde perspectivas religiosas, culturales o psicológicas.

Entre las normas de Comayagua, destaca que todo evento en espacios públicos, como plazas o parques, debe contar con permisos bajo criterios de orden y convivencia, priorizando fines culturales y sociales conforme a la ley. El alcalde reiteró que la rehabilitación de la Plaza Central tiene como objetivo mantenerla como un espacio de interacción humana, sostenido en parámetros legales y el acompañamiento de la Policía Municipal.

La gestión local sostiene que priorizará la convivencia humana en la Plaza Central, reservando el espacio para actividades que califiquen bajo los criterios establecidos. El debate sobre la teriantropía continúa expandiéndose en el entorno digital y cultural, traspasando fronteras nacionales e interpelando a nuevas generaciones.

En los últimos años, las plataformas digitales han impulsado la aparición de nuevas identidades juveniles, algunas de ellas sorprendentes para la mayoría de la sociedad.

Entre estas expresiones, el Therianismo se ha distinguido por su rápido crecimiento en internet y su reciente salto a la visibilidad pública estos días.

La primera reunión de jóvenes Therians en las islas de Ciudad Universitaria, celebrada este 20 de febrero de 2026, marcó un hito para este fenómeno en México, aunque el evento estuvo lejos de llenar las expectativas generadas en redes.

Baja participación ante la convocatoria Therian de la UNAM

La convocatoria difundida en redes sociales había despertado un interés notable en la comunidad estudiantil de la UNAM, pero la realidad fue distinta.

Solo unos pocos jóvenes Therians acudieron a la cita en las Islas de CU, lo que generó sorpresa entre quienes esperaban una congregación masiva.

Durante la tarde de este viernes 20 de febrero de 2026, estudiantes y curiosos se acercaron para observar y documentar la escena, aunque algunos se mostraron escépticos.

En ese contexto, los pocos Therians presentes se mostraron abiertos a interactuar. Uno de los asistentes, explicó su identificación con los perros: “Recibo más cariño de las personas como perro que como ser humano”, compartió entre los asistentes.

Las conductas propias de la comunidad quedaron a la vista. Un joven imitó a un perro al dar la patita y realizar trucos, mientras otro, que se identificaba con un gato, recorrió parte del césped a cuatro patas.

El ambiente se tornó ambiguo hacia el final de la reunión, alternando entre aplausos, burlas y solicitudes para imitar sonidos de animales.

Los therians participaron en una carrera cuadrúpeda que fue grabada y compartida en redes, dejando claro que la curiosidad y el escepticismo superaron en número a los propios protagonistas.

El evento, aunque logró visibilidad, también dejó expuesto el temor a posibles hostigamientos, posible razón por la cual gran parte de la comunidad decidió no presentarse.

Qué es el Therianismo

El Therianismo es una identidad que consiste en la creencia personal de una conexión psicológica o espiritual con un animal específico, sin implicar transformación física.

Los miembros de esta comunidad sienten afinidad profunda con una especie animal y suelen manifestarlo mediante conductas, movimientos o sonidos asociados.

El término therian proviene del inglés “therianthropy” y del griego antiguo “therion” (animal salvaje) y “ánthropos” (humano). Esta neoidentidad se ha popularizado especialmente a través de plataformas como TikTok.

Quienes forman parte de esta comunidad suelen encontrar satisfacción al reproducir comportamientos de su animal de referencia, y muchas veces eligen compartir sus experiencias en espacios virtuales antes que en entornos presenciales, debido al temor al rechazo.

Aunque la asistencia fue escasa, la reunión en Ciudad Universitaria permitió que algunos jóvenes y medios de comunicación pusieran el foco en una comunidad que, hasta hace poco, existía mayormente en el anonimato virtual.

El recorrido de la Reina Letizia por la fábrica de la marca Pedro García en Elda incluyó momentos de especial atención a los procesos de confección de calzado, según informó el medio de comunicación encargado de la cobertura. La visita formó parte de los actos por el centenario de la firma, fundada en 1925 en la localidad alicantina, que ha mantenido toda su producción en España y ha reforzado su presencia internacional gracias a la calidad de sus materiales y al control exhaustivo sobre el diseño y la fabricación. Durante el evento, destacó la apuesta de la casa Pedro García por potenciar la industria nacional, al mismo tiempo que la monarca reiteró su respaldo a la moda española con la elección de prendas y accesorios nacionales.

Tal como publicó la fuente, el viaje de la Reina Letizia a la Comunidad Valenciana, específicamente el jueves 19 de febrero, se desarrolló solo un día después de que presidiera en Madrid la presentación de la “Alianza por la Lana”, una iniciativa dirigida a resaltar la importancia del sector lanar en España y valorizar este material por medio del diseño. Durante esa jornada, la monarca subrayó la conexión entre el patrimonio textil nacional y la innovación en la industria, dando continuidad a su mensaje en la visita a Elda con una presencia activa en la conmemoración de los cien años de Pedro García.

El medio detalló que en este contexto, la Reina Letizia eligió para su vestimenta una falda de estreno de la firma gallega Bimba y Lola, reconocida en el sector por su producción local y su representación del diseño contemporáneo nacional. La prenda, de largo midi y corte en línea A, está confeccionada en mezcla de lana y presenta un estampado de cuadros marrones con efecto deshilachado, elementos propios de la temporada invernal que han ganado terreno entre las tendencias recientes. El precio actual en la web oficial de la marca es de 115 euros, tras verse rebajado desde su costo original de 165 euros, según reportó el medio citado.

La monarca combinó esta falda con un jersey básico de punto en azul marino y botas altas de piel en negro, de tacón medio, en una elección que resalta la versatilidad de la pieza destacada. En cuanto a los complementos, la Reina optó por un collar corto de eslabones metalizados y pendientes largos en tonos marrones, un conjunto que llamó la atención de los asistentes por su armonía cromática y adaptación al entorno formal del acto conmemorativo.

La visita al taller y las instalaciones de Pedro García permitió a la Reina observar de cerca diferentes etapas del proceso productivo, desde la selección de las materias primas hasta los controles de calidad finales. Según consignó la fuente, la firma mantiene desde sus orígenes todos los procedimientos dentro de España, priorizando tanto la conservación del empleo local como el prestigio asociado a sus estándares de fabricación.

Al margen de la relevancia simbólica del centenario para la empresa, el evento puso el foco en la supervivencia de una industria que ha enfrentado desafíos del mercado internacional y la expansión de nuevas tendencias en el consumo de moda y calzado, de acuerdo con lo reportado por el medio. La Reina Letizia, en este sentido, reiteró su respaldo a la producción local al seleccionar cada elemento de su vestuario entre firmas que apuestan por el diseño y la manufactura en España.

El medio informó que el acto incluyó un recorrido guiado por los responsables de Pedro García, quienes explicaron la evolución de la empresa, desde su fundación hasta su consolidación como referente en mercados exteriores. La presencia de la monarca fue interpretada por los organizadores como señal de apoyo institucional al sector, además de su incidencia mediática como referente de las tendencias de moda en el entorno nacional.

Durante el evento, la Reina Letizia interactuó con miembros del equipo de Pedro García, interesándose por las innovaciones técnicas y el proceso de adaptación a las nuevas demandas del mercado. El aniversario se celebró, además, con la presentación de una colección especial inspirada en el legado histórico y el archivo de la casa, lo que, según el medio, refuerza la identidad de la marca al destacar el valor de la tradición y la calidad.

En conclusión, la visita de la monarca a Elda y su destacada elección de moda reafirmaron, según la fuente original, el vínculo entre la familia real y el impulso a la industria nacional, así como la influencia de la Reina Letizia en la consolidación de tendencias actuales dentro del panorama español.

La comunidad therian ha ganado notoriedad en redes sociales tras viralizarse videos y testimonios de jóvenes que aseguran identificarse como animales.

Este fenómeno, que crece especialmente en plataformas como TikTok, plantea interrogantes sobre identidad, pertenencia y nuevas formas de autoexpresión digital.

A diferencia de otros colectivos vinculados a la cultura animal, los therians afirman experimentar una conexión profunda, psicológica o espiritual, con una especie animal específica, fenómeno que impulsa debates sobre los límites de la identidad en el entorno virtual.

Qué significa therian y de dónde proviene la palabra

El término “therian” es una forma abreviada de “therianthrope” (teriantropia), proveniente del griego: “thēríon” (bestia) y “ánthrōpos” (humano). Su traducción aproximada es “persona animal” o “animal humano”.

Originalmente, el concepto aparece en mitos y leyendas sobre seres capaces de transformarse entre humano y animal, como los hombres lobo o figuras de la mitología egipcia con rasgos animales y humanos.

En la actualidad, la comunidad therian agrupa a personas que se identifican, de manera psicológica o espiritual, como no humanas, asociándose con un animal específico al que llaman “theriotype”.

A diferencia de los “furries”, que disfrutan del arte o el rol relacionado a animales antropomorfos, los therians consideran su identidad animal como una parte intrínseca de su ser, no como una afición o pasatiempo.

La comunidad therian se popularizó en los años 90 con la aparición de foros y grupos en Internet, donde las personas compartían experiencias personales de identificación animal.

Hoy, este fenómeno se ha viralizado en plataformas como TikTok, donde jóvenes muestran comportamientos, accesorios o reflexiones vinculadas a su theriotype.

¿Existen comunidades therian en México?

Se tiene registro de que sí existen comunidades therian en México pues durante 2026, se han organizado encuentros y convivencias en diversas ciudades del país, incluyendo Ciudad de México, León (Guanajuato), Pachuca (Hidalgo), Monterrey (Nuevo León), Aguascalientes, Guadalajara, Veracruz, Colima y Ciudad Juárez, entre otras.

Estas reuniones han sido convocadas principalmente a través de redes sociales y han contado con la participación de cientos de jóvenes que se identifican como therian, es decir, personas que sienten una conexión interna, psicológica o espiritual, con animales no humanos.

Las actividades en estos encuentros suelen incluir dinámicas grupales, quadrobics (movimiento en cuatro extremidades), uso de máscaras y accesorios animales, y espacios para compartir experiencias sobre la identidad therian.

Aunque la visibilidad de estas comunidades ha crecido recientemente, su presencia en México data de varios años, impulsada por la exposición en plataformas digitales como TikTok, X (antes Twitter) y Facebook.

Hasta la fecha, no existen registros oficiales sobre el número de integrantes, pero la tendencia muestra un crecimiento y una mayor organización en espacios públicos y universitarios.

Si bien no existe un consenso sobre el origen de esta identidad. Puede tener raíces espirituales, psicológicas o personales, y no implica necesariamente la creencia en transformaciones físicas. El fenómeno es independiente de religiones y suele basarse en la introspección, la autoidentificación y el sentido de pertenencia.

La elección de un nombre en lengua maya para los recién nacidos se ha convertido en una práctica que trasciende la identidad individual y fortalece la preservación cultural.

En comunidades de la península de Yucatán y otras regiones mayas, padres y madres optan por nombres ancestrales como un acto de resistencia y orgullo, contribuyendo a mantener viva una lengua milenaria.

Esta tendencia no solo honra la herencia de los pueblos originarios, sino que también impulsa la transmisión intergeneracional del idioma y refuerza el sentido de pertenencia desde los primeros días de vida.

Es por eso que aquí te damos una lista con sugerencias de nombres en este idioma y que son ideales para un nombre original y lleno de historia sugeridos por la Inteligencia Artificial.

Cuáles son los mejores nombres en lengua maya para nombrar bebés del 2026, según la IA

A continuación, se presenta una lista de nombres mayas sugeridos para bebés nacidos en 2026. La selección se basa en significados positivos, uso tradicional y sonoridad, considerando tanto nombres femeninos como masculinos y unisex.

Estos nombres mantienen vigencia en comunidades mayas de la península de Yucatán y Guatemala, y reflejan valores culturales, naturaleza y espiritualidad.

Nombres femeninos

• Itzel: lucero de la tarde, estrella.
• Ixchel: diosa de la luna y la medicina.
• Citlal: estrella.
• Yatzil: amada, querida.
• Zazil: luz, claridad.
• Nicté: flor, especialmente flor blanca.

Nombres masculinos

• Kabil: el que es afortunado.
• Balam: jaguar, símbolo de protección.
• Ek: estrella.
• Yumil: señor, jefe.
• Kan: serpiente, símbolo de sabiduría.
• Tun: piedra, fuerza y solidez.

Nombres unisex o neutros

• K’iin: sol.
• Akbal: noche, oscuridad (usado para ambos sexos).
• Chéel: arcoíris.
• Kuxtal: vida.

Estos nombres destacan por su conexión con la naturaleza, los astros y la herencia maya. Al elegir un nombre maya, muchas familias buscan preservar su identidad cultural y transmitir buenos deseos para el futuro del bebé.

Cuáles son los nombres más comunes en México del 2025

Los nombres más comunes en México durante 2025, según registros oficiales y tendencias reportadas recientemente, son los siguientes:

Nombres de niña

1. Sofía
2. María José
3. Valentina
4. Regina
5. Camila
6. Valeria
7. Ximena
8. María Fernanda
9. Victoria
10. Renata

Nombres de niño

1. Santiago
2. Mateo
3. Sebastián
4. Leonardo
5. Matías
6. Emiliano
7. Daniel
8. Gael
9. Miguel Ángel
10. Diego

Estos nombres reflejan la preferencia por opciones tradicionales, de origen latino y vinculadas a la cultura hispana, con una fuerte presencia de combinaciones dobles como María Fernanda o Miguel Ángel.

Tendencias adicionales

• Combinaciones dobles como María Fernanda, Sofía Guadalupe, Miguel Ángel y José Manuel continúan siendo muy utilizadas.
• Nombres de origen indígena y variantes cortas (como Itzel, Citlali, Yatzil, Gael, Ian, Axel) están presentes, aunque en menor proporción.
• La preferencia por nombres internacionales como Olivia, Luna, Liam y Leo va en aumento, pero los nombres hispanos tradicionales predominan.