El evento, animado por un DJ que impulsó la atmósfera nocturna, fue acompañado de escenas de felicidad, donde la protagonista, conocida en los comentarios como “la abuela technera”, se convirtió en el centro de atención.

Ahora puede seguirnos en Facebook y en nuestro WhatsApp Channel

Los asistentes acompañaron el momento con expresiones de aliento como “¡vamos abuela!”, mientras la energía y la espontaneidad definieron una noche donde la tradición encontró un espacio junto a las tendencias modernas en el barrio Chapinero.

Las reacciones tras la difusión del video reflejaron el impacto positivo que tuvo la participación de la mujer mayor en un ambiente generalmente dominado por jóvenes. Frases como “Adiós artritis hola techno” y “ahí a la cuchita le dieron 20 años más de vida” circularon ampliamente, destacando el efecto revitalizante del baile y la música en la percepción de la edad.

Los lazos familiares salieron a relucir en comentarios del tipo “Es mi mami la amo. apoya a Racuna su nieto DJ”, que situaron a la mujer como la abuela del DJ que estaba tocando en la popular escena. Otros mensajes como “Amamos a la Tita” evidenciaron el cariño y respeto que la comunidad tuvo por su participación.

El espacio donde ocurrieron los hechos, conocido popularmente como Parque de los Hippies, lleva en realidad los nombres oficiales de Parque Antonio José de Sucre y Parque Julio Flórez.

Se extiende entre las calles 59A y 60, comprendiendo el área entre las carreras 7 y 9. En una nota de prensa de la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte se indica que desde 1812 este punto de Chapinero se constituyó en núcleo fundamental para el crecimiento urbano de la localidad.

No obstante, su verdadero salto como epicentro cultural se produjo en los años 70, período en que el parque adquirió su identidad contemporánea, beneficiándose de la movilización y creatividad asociadas a la subcultura hippie.

Durante el auge de los movimientos alternativos en las décadas del 60 y 70, la influencia del flower power dejó una huella notoria en la zona. El parque Sucre, junto a la proximidad del Pasaje de los Hippies (un sector comercial originado bajo el principio de ser “de hippies para hippies”) y el Teatro de la Comedia, donde se realizaban conciertos de rock en español, nutrió el surgimiento de un entorno de encuentro para quienes eran identificados como “melenudos”.

El abandono que asolaba el lugar cedió ante la apropiación comunitaria, y el espacio floreció en actividades como recitales de poesía, conciertos, obras teatrales y representaciones de arte performance, además de fogatas que dotaban al parque de una atmósfera vibrante y diversa.

Lejos de perder su dinamismo con el paso del tiempo, el Parque de los Hippies se consolidó como territorio de inclusión y experimentación cultural.

En fechas como el 7 de diciembre, día de las velitas, los Escenarios Móviles del Instituto Distrital de las Artes – Idartes organizan anualmente el Electro Velitas, una celebración enfocada en reunir música electrónica, tradiciones y nuevas corrientes urbanas. Esta festividad ya ocupa un lugar asegurado en la agenda cultural de la ciudad, consolidando la función del parque como espacio de interacción abierta y convivencia.

La repercusión viral de este video donde la mujer mayor se goza el espacio bailando techno reafirma la esencia de apertura e intercambio constante que ha distinguido históricamente a este lugar emblemático en Chapinero.

El Parque de los Hippies permanece vigente como símbolo de encuentro intergeneracional y diversidad cultural en Bogotá, integrando pasado y presente en una dinámica de renovación constante a través del arte, la música y la interacción comunitaria.

València, 8 ago (EFE).- Bajo el título "Arcade Land" y con una edición inspirada en las salas recreativas y los videojuegos de los años 80 y 90, el Medusa Festival 2025 llega a Cullera (Valencia) con una edición de "récord" y un cartel "gigante" encabezado por alguno de los nombres más destacados de la electrónica mundial como Armin van Buuren, Hardwell, Alok,Timmy Trumpet o Afrojack.

Con muchos argumentos musicales destinados a hacer bailar al público, el Medusa celebra este verano su undécima edición del 8 al 10 de agosto y durante la cita se batirá el récord del encuentro de música electrónica más grande jamás celebrado en España, según sus organizadores.

En este 2025, el macroevento veraniego reunirá a 170 disc jockeys repartidos en 8 escenarios simultáneos, una gigantesca celebración de la cultura dance "en la mismísima cuna de la movida nocturna española, Valencia", según han destacado fuentes de la organización.

Por cantidad de artistas y número de escenarios activos, Medusa 2025 superará en magnitud a icónicos festivales dance de la historia española reciente, celebrados en Cataluña, Aragón y Andalucía, según los organizadores, que esperan al menos igualar la cifra de asistencia del año pasado: 180.000 personas en total repartidas en un recinto alfombrado con césped artificial de 300.000 metros cuadrados y con acampada para 10.000 festivaleros.

En su cartel estarán presentes dos ex números uno en el Top100 DJ Mag (Armin van Buuren y Hardwell), 14 estrellas actuales de Top100 global (Alok, Timmy Trumpet, Afrojack, Don Diablo, Quintino, Fedde Le Grand, Nervo, Danny Ávila o Nora en Pure), y nombres que son tendencia en este 2025 (Klangkuenstler, Charlotte de Witte, Patrick Mason, Pawsa, Fatima Hajji o Lilly Palmer).

También estarán varias leyendas del Techno (Ben Sims, Carl Craig, Marco Bailey, Cristian Varela) y artistas con fiesta semanal propia en discotecas de Ibiza (The Martinez Brothers, Jamie Jones, Paco Osuna). Será Paco Osuna el que volverá a cerrar el festival, como ya ha hecho en ediciones pasadas con su ya épica sesión "Closing Festival".

El plantel suma 60 DJs internacionales y presencia de todos los géneros: Techno, House, EDM, Remember...

En Medusa se aguarda con expectación la visita del DJ más singular del mundo: el Padre Guilherme, el cura católico que pincha Techno melódico. Se trata de un sacerdote portugués de 50 años que ejerce de capellán militar cerca de Oporto y que se hizo famoso actuando en la Jornada Mundial de la Juventud (JMJ) de 2023. En Cullera hará su debut en el circuito de festivales de España.

El macroevento llena la comarca de un público llegado de toda España que acampará en sus zonas habilitadas pero también en los establecimientos hoteleros no solo de Cullera, sino de las localidades vecinas. Un revulsivo para la economía local que el año pasado se cifró en 30 millones de euros. Una cifra que va creciendo año tras año a medida que la cita musical se consolida y va registrando récord de asistentes.

Desde la organización han publicado una lista de "imprescindibles" de la presente edición. Unos eventos "imposibles de perderse" como la de la alemana Lylly Palmer, una vanguardista del "hard techno" que ha evolucionado en escenarios como Tomorrowland, o Charlotte de Witte, la artista belga que es una leyenda moderna del minimal y el "acid techno".

Destacan otros nombres como el australiano Timmy Trumpet, actual #5 en el Top 100 de DJ Mag y considerado un icono de la electrónica "big room" y un inconfundible "showman" caracterizado por el uso de la trompeta en directo, o el del holandés Hardwell, número uno del Top100 DJ Mag en 2013 y 2014.

Además, otras citas imperdibles son la de Fátima Hajji, la salmantina referente del techno español y pionera del "hard techno" a nivel internacional, la sesión del holandés Armin Van Buuren, rey mundial del "trance", o el dúo también de holandeses D-Block & S-TE-FAN, leyendas del "hardstyle" y formación histórica del movimiento Masters of Hardcore.

Para la organización es imprescindible también la cita con el alemán Klangjuenstler, una figura disruptiva del "hard techno"; el británico Pawsa, con el sonido "tech house" más pinchado y escuchado del último año; o el holandés Sefa, que ha revolucionado las vertientes "euphoric y raw de la familia de sonidos hardstyle". EFE

A los 47 años, este DJ y productor alemán logró esculpir una carrera sólida, cimentada en la profundidad de su sonido y la firmeza de su visión musical. Con una presencia casi mística en los clubes de Berlín, especialmente en el Berghain, Dettmann se convirtió en uno de los máximos exponentes de una música electrónica sin adornos, pero emocionalmente poderosa.

Estilo de Marcel Dettmann: Contrastes y atmósferas

Para Marcel Dettmann, la música es un lenguaje matemático. “Veo los sonidos en cifras”, explicó, refiriéndose a la forma en que cada secuencia rítmica se convierte en una fórmula a resolver. Este método meticuloso, casi científico, contrasta con la sensualidad inesperada que a menudo se esconde en sus producciones.

“Lo que me interesa es crear un espacio emocional donde algo pueda desplegarse lentamente”, manifestó, mostrando que su proceso no se limita a la técnica, sino que busca una experiencia profunda para el oyente. El músico se ve como un arquitecto sonoro, uno que comprende que la música electrónica está destinada a provocar, y generar una atmósfera única donde los contrastes juegan un papel crucial.

Impacto de sus influencias e inspiraciones personales

Cuando Marcel Dettmann reflexiona sobre sus influencias, no solo se refiere a los géneros musicales, sino a los artistas que le enseñaron a pensar la tensión, el silencio y la atmósfera. Sobre esto, compartió: “Algunos discos me desconcertaron más de lo que me inspiraron, y eso fue lo mejor”.

Nombres como David Bowie, Joy Division o las experimentaciones de la Neue Deutsche Welle se mezclan con referencias de la pintura y el cine. Específicamente, David Lynch y su estilo de narrativas oscuras son una de sus principales fuentes de inspiración.

“Aprendí a pensar la tensión y la atmósfera”, admitió, sugiriendo que su música no solo responde a una necesidad sonora, sino también visual y narrativa. Esta fusión de influencias se refleja en la manera en que sus composiciones exploran la oscuridad como un vehículo para el misterio y la atracción artística.

Estética sonora y búsqueda de estilo propio

El reconocido DJ nunca fue partidario de etiquetas generalizadas. A menudo se lo encasilló en el ámbito de la techno industrial o el minimalismo, pero él rechaza esas definiciones. “No quiero que mi música se reduzca a eso”, aclaró, destacando su interés por crear algo más profundo y genuino.

La autenticidad en su música no radica en la simplicidad, sino en la verdad detrás de cada elemento melódico. A propósito de esto, agregó: “Lo que importa es que haya algo de verdad”.

En sus composiciones, la reducción y la funcionalidad se combinan para crear una experiencia emocional, incluso cuando parece que no ocurre mucho en términos estructurales. A través de su capacidad para balancear el silencio y el ruido genera un espacio donde la música se puede desplegar lentamente en la percepción del oyente.

Futuro de su música y legado artístico

Pese a que su carrera ya está consolidada, Dettmann sigue pensando en cómo evolucionar como artista. “La duración de un track puede ser tan política como sexy”, comentó, analizando sobre su enfoque al ritmo y la estructura.

Su música, muchas veces tildada de austera, esconde una potente carga emocional que no busca satisfacer a la audiencia con efectos inmediatos. Su música es un espacio para experimentar y desafiar al oyente, por esto resaltó: “No me obsesiono con la perfección. La perfección es aburrida”.

Con el tiempo, su sonido fue adquiriendo una rugosidad característica, pero, como él mismo dice, “si mi música actúa como un espejo”, entonces su trabajo está completo. Para Dettmann, la duración de un track, la tensión que construye y el ritmo son la declaración misma de su propio arte.

Marcel Dettmann continúa siendo uno de los pilares de la techno berlina y su legado sigue influyendo a generaciones de productores y DJs a nivel internacional. A pesar de su faceta reservada y discreta, su música logró transmitir un estilo inconfundible, explorando las energías de la noche y el club.

A medida que se adentra en nuevas etapas de su carrera, su música sigue siendo un reflejo de su visión: cruda, intensa y profundamente conectada con la atmósfera que crea. El techno, para él, es una manera de entender el mundo a través de sonidos que invitan a sumergirse en lo desconocido.

La discriminación volvió a ser tema de debate global tras la denuncia del youtuber mexicano Fer Carnal, quien narró en redes sociales el rechazo que vivió en varios clubes de música techno en Berlín, Alemania, al intentar ingresar con un grupo de amigos. La experiencia, grabada en un video publicado el 28 de abril, rápidamente se viralizó, provocando diversas reacciones entre usuarios de habla hispana.

Según su testimonio, Fer Carnal y sus acompañantes se encontraban de viaje por la capital alemana cuando decidieron experimentar la famosa vida nocturna de la ciudad, conocida por sus fiestas electrónicas y ambiente alternativo.

“Llegamos a Berlín y ahí se caracteriza por sus excentricidades y por sus fiestas de techno. Ahí se celebran fiestas muy locas, así que se nos hizo una gran idea ir a una de ellas... encontramos un club muy famoso. Nos pusimos a buscar cómo había que ir vestidos, los detalles para poder ingresar a una fiesta así porque no era cualquier cosa”, explicó el creador de contenido.

Pese a haber revisado recomendaciones sobre vestimenta y comportamiento, su apariencia no pasó desapercibida en la entrada del lugar.

“Desde que llegamos notamos que todos iban de negro; yo iba muy colorín y con los tenis blancos. Estábamos emocionados, pero notábamos que la gente era muy callada”, relató.

El momento clave llegó cuando fueron cuestionados por el personal de seguridad del club. Fer narra que el cadenero les hizo preguntas específicas y, al no encajar con el perfil esperado, les negó la entrada sin más explicación.

“El cadenero nos vio de arriba a abajo. Nos preguntó de dónde veníamos y si sabíamos cómo se llamaba la fiesta. Por supuesto que nadie sabía. El brody nos vio y nos dijo ‘not today. Today is not for you’. Un poquito decepcionados, pero mis amigos querían entrar así que no nos rendimos y fuimos a otro club”, recordó.

Los intentos se repitieron en tres clubes distintos, con resultados similares. Finalmente, el grupo optó por cambiar de plan y buscar un lugar menos exigente.

“Llegamos y pasó exactamente lo mismo. Yo estaba muy decepcionado y decidimos hacer un último intento; nos volvieron a decir que no. Al final no entramos y fuimos a un bar a tomar una cerveza”, relató.

Al concluir su relato, Fer Carnal reflexionó sobre lo ocurrido, con un mensaje de resignación pero también de crítica al elitismo en ciertos espacios culturales europeos.

“Tal vez no soy lo más cool o no tan chido para ese tipo de fiestas. Habrá lugares en donde te digan que no”, cerró.

Javier Herrero.

Madrid, 16 ene (EFE).- Abrazar el miedo, aceptarse uno mismo y el momento, permitirte ser vulnerable y equivocarte y soltar las riendas obsesivas de la vida, "porque así es difícil dar nada genuino al mundo", es lo que recomienda el dúo Delaporte en su nuevo disco desde su propio título, 'Dejarte caer', ya en el mercado.

Llega solo un año después de 'Aquí y ahora' (2024) y ha sido, en palabras a EFE de una de sus autoras, Sandra Delaporte, "un álbum sencillo, que surgió sin presión", cuando ni siquiera intentaban alumbrar un LP, pero después de un profundo ejercicio previo de conocimiento personal y tras haber tocado fondo mentalmente.

"Todo este año pasado fue un viaje de autoconsciencia. En 2023 estaba brutal con la vida, pero en 2024 me di de cara con mis miedos, con mucha lucha por ser tan perfeccionista y tan autoexigente", se sincera la intérprete, compositora y productora, que conforma el cincuenta por ciento de Delaporte junto a Sergio Salvi.

Revela que esos miedos se extendían a aspectos tan personales como "a tener pareja por la dependencia emocional" que pudiera generar, lo que la llevaba "a expulsar a todo el mundo de su vida", así como a su carrera musical, como cuando inició su proyecto musical en solitario de música techno, Alexxandra.

"Tenía mucho miedo a pinchar, así que igual en cuatro días no comía, sufría diarreas y otros síntomas físicos heavies, hasta que acepté el miedo", comenta.

Desde el primer corte del álbum, de nombre 'Cagarla', este disco va de eso: "Dejarte ser lo que eres, porque a veces no nos permitimos ser el humano que somos, de mucha aceptación de tu vulnerabilidad y de que la vas a cagar, pero que eso permite tener éxitos después".

"Es fácil decirlo, pero mostrarse vulnerable y equivocarte, más en esta sociedad, cuesta mucho y requiere mirarse muy adentro", reconoce Delaporte ante un entorno que siempre nos hostiga y "que te pide conseguir cosas para ser algo, toda la vida en esa lucha".

En 'La ternura es simple', el último de sus nueve cortes, el álbum plantea el amor como remedio para sostenerse en la caída. "El mayor de nuestros miedos es cómo nos tratamos a nosotros mismos cuando pasa algo que no nos gusta. Deberíamos tratanos con más autocompasión, pero nos han enseñado más a hacerlo en un modo de supervivencia", lamenta la artista.

Precisamente por ello entre el primer y el último tema, en 'Déjate caer' (Mad Moon Music) "hay mucho juego", con ritmos y estilos más intensos y otros más pausados, "porque tampoco las personas somos cien por cien coherentes", con guiños al hyperpop en cortes como 'Japi Mil' o incluso en 'Techno rico', en el que habla a sus 160 bpms de cómo la electrónica es para el dúo "un lugar donde poder ser y curarse".

"Para mí el baile es expresión y la expresión es lo opuesto a la depresión. Siempre he tenido problemas para sacar la ira, pero cuando bailo cosas violentas como el 'hardcore' lo saco todo como una borrica, por eso en mis conciertos necesito no ser diferente al público que está abajo soltándose también, liberando mucha mala leche que todos reprimimos", explica.

Para presentarlo, Delaporte seguirá con sus conciertos programados a partir del próximo 25 de enero, día de su cita en La Riviera de Madrid como parte de Inverfest con todo el aforo ya agotado, a donde volverán el 8 de febrero, así como en otros puntos como Bilbao (sala Santana 27, 31 de enero), Granada (sala Aliatar, 21 de febrero) o Almería (sala Berlín Club Social, 22 de febrero). EFE

RÜFÜS DU SOL es uno de los nombres más destacados en la música electrónica mundial, conocido por su estilo emotivo y trascendente, que fusiona géneros como el house, el techno, y el indie rock. Desde su formación en 2010 en Sydney, Australia, hasta su consolidación como una de las bandas más innovadoras y seguidas de la escena electrónica global, RÜFÜS DU SOL recorrió un largo camino.

Los inicios de RÜFÜS DU SOL: de Sydney al mundo

Formada por Tyrone Lindqvist (vocalista), James Hunt (batería) y Jon George (teclados y sintetizadores), RÜFÜS DU SOL comenzó bajo el nombre original RÜFÜS. La banda se insertó en la vibrante escena de música electrónica experimental de Sydney. Su primer álbum, Atlas (2013), presentó una propuesta fresca que rápidamente ganó reconocimiento por su capacidad para mezclar el house y el techno con un toque melódico único. A partir de ese momento, la banda creció en popularidad, llegando a vender cientos de miles de entradas a sus conciertos en todo el mundo.

En 2018, para evitar confusiones con otra banda llamada RÜFÜS, decidieron agregar du sol al nombre, reflejando un concepto más universal y exótico que se alinea con el sentimiento de escapismo presente en su música.

La evolución musical: de lo experimental a lo masivo

Desde su debut con Atlas, la banda siguió un camino de constante evolución musical. Su segundo álbum, Bloom (2016), consolidó su lugar en la escena electrónica, con temas como “Innerbloom” que se convirtió en uno de sus mayores éxitos. Este trabajo fue la clave para que la banda se estableciera como uno de los referentes más importantes de la electrónica independiente.

Con Solace (2018) y Surrender (2021), RÜFÜS DU SOL logró dar un salto hacia una sonoridad más atmosférica y expansiva. Ambos discos son auténticas obras de arte, con capas sonoras complejas y una producción exquisita que explora la psicodelia y las texturas melódicas dentro de la música electrónica. Surrender, en particular, les permitió ganar el Grammy a la Mejor Grabación Dance/Electrónica en 2022, consolidando aún más su estatus de superestrella.

La terapia grupal: un renacer para la banda

A pesar del éxito, los miembros de RÜFÜS DU SOL pasaron por momentos difíciles, con la presión del éxito y el desgaste emocional generando tensiones en la banda. Después de años de giras constantes, decidieron enfrentar sus problemas personales y creativos de una manera poco común: tomaron la decisión de someterse a terapia grupal.

La pandemia fue un punto de inflexión crucial para la banda. Se retiraron a Joshua Tree, un lugar que les permitió desconectar de la rutina frenética de los tours y centrarse en su bienestar físico y emocional. Durante este tiempo, adoptaron una serie de prácticas de bienestar, que iban desde los baños helados hasta las técnicas de respiración, lo que permitió que el grupo se reestructurara tanto personal como profesionalmente. La terapia les dio las herramientas necesarias para mejorar su comunicación y su dinámica creativa, permitiéndoles escribir y crear con más libertad y en un espacio mucho más saludable.

Inhale/Exhale: la maturidad creativa

El renacimiento creativo de RÜFÜS DU SOL culminó con la creación de su quinto álbum de estudio, Inhale/Exhale, lanzado en octubre de 2024. Este álbum, más maduro y diverso que los anteriores, refleja la evolución personal y artística de los miembros de la banda. Su música ahora no solo está dirigida a la pista de baile, sino que también explora temas más introspectivos y emocionales.

El título del álbum, Inhale/Exhale, hace referencia a un proceso de conexión física, mental y emocional, un concepto que la banda descubrió durante una sesión de respiración que organizaron en Los Ángeles. De este proceso emergió un proyecto más extenso, con 15 pistas, que muestra su capacidad para experimentar con nuevos sonidos y estructuras, a la vez que se mantienen fieles a la esencia que los volvió en un fenómeno mundial.

El éxito en vivo: conexión íntima con la audiencia

Una de las características que define a RÜFÜS DU SOL es su impresionante capacidad para conectar con su audiencia en sus presentaciones en vivo. Sus shows son reconocidos no solo por su música, sino también por la producción visual inmersiva que acompaña cada actuación, convirtiendo cada concierto en una experiencia sensorial única. La banda se presentó en algunos de los escenarios más emblemáticos del mundo, como Red Rocks y Coachella, llevando su música a más de 60 ciudades y vendiendo más de 70 mil entradas.

El componente visual, que es clave en su propuesta, es manejado por Katzki, el director creativo de la banda, quien trabajó estrechamente con ellos desde sus inicios. A través de sus conciertos, RÜFÜS DU SOL logró crear una atmósfera única que refleja su visión artística y su conexión con el público.

RÜFÜS DU SOL hoy: continuando la evolución

Hoy, RÜFÜS DU SOL sigue siendo una de las bandas más relevantes de la música electrónica global, con una base de fans leal que sigue creciendo. Su música continúa evolucionando y adaptándose a nuevos estilos y sonidos, sin perder la esencia que los caracteriza.

Además de su reciente participación como headliners en el Lollapalooza Argentina 2025, la banda sigue llevando su música a nuevos rincones del mundo. Con el apoyo de una comunidad de seguidores cada vez más amplia, RÜFÜS DU SOL está listo para seguir escribiendo su historia y redefinir lo que significa ser una banda de música electrónica en la era contemporánea.

La selva se expande en medio del asfalto. No es una ilusión óptica, tampoco una travesura de la mente. Es el Bionic Jungle, el corazón verde de EDC México 2025, donde la música electrónica se fusiona con la naturaleza en un estallido de sonidos tribales y luces vibrantes.

Dentro de la curva cuatro del Autódromo Hermanos Rodríguez, un domo cubierto de exuberante vegetación se alza como un templo sonoro. Palmeras suspendidas en el aire, arbustos trepando por estructuras metálicas y árboles colosales crean un ecosistema artificial donde los beats rebotan como si fueran latidos de la tierra misma.

Público de distintas nacionalidades en el EDC

Las banderas de Costa Rica, México, Venezuela e Irlanda ondean sobre la multitud, simbolizando la hermandad de los ritmos que trascienden fronteras. No hay distinciones, solo cuerpos entregados a la cadencia de las tornamesas, bajo un cielo pintado de rayos láser y destellos de LED.

“¡Cerveza, cerveza!”, gritan los vendedores con sus bandejas de madera sobre la cabeza, deslizándose entre la muchedumbre como depredadores sigilosos. Cada sorbo de espuma helada aviva el fuego interno de los asistentes, quienes, con las manos en alto, siguen el flujo hipnótico de la música.

La icónica estrella de Mario Bros brilla en un tótem, iluminando la espesura de esta jungla biónica. Mientras tanto, círculos rojos de LED palpitan al ritmo de un piano digital que se entrelaza con las frecuencias de un bajo profundo. El escenario cobra vida propia, un organismo vibrante que respira a través de cada drop.

Los artistas que han tocado en el Bionic Jungle

El desfile de artistas ha sido un banquete para los amantes del house y el techno. El primer día, Alexandthere, Pauza, Wakyin, Maz, Nic Fanciulli, Coco & Shubostar marcaron el inicio de la travesía selvática. La segunda jornada elevó la temperatura con Sabrina, Fort Rameau, Baggi, Yamagucci, Omri, Zombies in Miami, Patrick Madison y Marcel Dettmann, quienes encendieron la pista con sets de atmósferas hipnóticas y percusiones electrizantes.

El Bionic Jungle además de ser un escenario se trata de una odisea sensorial, una cápsula donde el asfalto se convierte en tierra fértil para la música y el baile. Aquí, los bajos son rugidos de una bestia indomable y las luces destellos de un fuego ancestral. La jungla no duerme, y los beats nunca cesan.

Hoy, el festival llega a su tercer y último día de actividades, prometiendo una clausura épica. Los asistentes se preparan para una jornada final cargada de emociones, donde el frenesí de la música alcanzará su punto máximo y el Bionic Jungle rugirá con su último aliento de energía sonora.

Desde su inauguración en 2004, Berghain, el icónico club de Berlín, se ha convertido en mucho más que un templo del techno. Ubicado en una antigua planta eléctrica en el límite entre los barrios de Kreuzberg y Friedrichshain, este lugar encarna la esencia de una cultura que mezcla música, hedonismo y privacidad, atrayendo a visitantes de todo el mundo. Sin embargo, su exclusividad y su política de puertas cerradas generan tanto fascinación como controversia.

De Ostgut a Icono Cultural

Los orígenes del fenómeno

Antes de que Berghain abriera sus puertas, sus fundadores, Michael Teufele y Norbert Thormann, ya habían cimentado su reputación a través de la fiesta itinerante “Snax” en los años 90, una mezcla de techno y liberación sexual gay. En 1998, ambos crearon el club Ostgut, que rápidamente ganó fama por su atmósfera inclusiva y sus fiestas sin restricciones. Sin embargo, el cierre de Ostgut en 2003 impulsó a sus dueños a buscar un nuevo hogar, encontrándolo en una imponente planta eléctrica de los años 50​​.

Berghain no tardó en consolidarse como una institución cultural. En 2016, un tribunal alemán lo declaró un espacio cultural significativo, permitiéndole acceder a impuestos reducidos normalmente reservados para teatros y salas de conciertos. Más recientemente, el reconocimiento de la cultura techno de Berlín como Patrimonio Cultural de la UNESCO en 2023 reafirmó su relevancia global, destacando cómo esta música “ha moldeado gran parte de la ciudad desde los años 80”​​.

Espacios y experiencias únicas

Dentro de Berghain, los visitantes se enfrentan a un laberinto de salas que ofrecen diversas experiencias: desde las intensas pistas de baile hasta el más relajado Panorama Bar, pasando por las “dark rooms”, dedicadas a encuentros sexuales. Estas áreas reflejan el ethos de libertad que caracteriza al club, donde cualquier expresión personal es válida siempre que respete el ambiente​​.

Cultura, exclusividad y controversia

Las reglas del acceso

Uno de los aspectos más comentados de Berghain es su política de entrada, estrictamente controlada por Sven Marquardt, un portero icónico que selecciona a los asistentes basándose en criterios subjetivos. Según él, su labor es “curar la multitud” para garantizar que quienes ingresen comprendan y respeten el espíritu del lugar. “No hay reglas fijas”, afirma Marquardt, “solo buscamos personas que realmente estén aquí para la música y la experiencia”​​.

Este filtro ha dado lugar a innumerables mitos y guías sobre cómo lograr entrar. Desde vestirse de negro hasta hablar alemán, los aspirantes intentan cumplir con estos supuestos requisitos para evitar el temido “nein”. Incluso Elon Musk fue rechazado en una ocasión, reforzando la idea de que el dinero o la fama no garantizan el acceso​​.

Privacidad y atmósfera

La prohibición de tomar fotos en Berghain es otro pilar de su cultura. Las cámaras de los móviles se cubren con adhesivos en la entrada, una medida diseñada para proteger la privacidad de los asistentes y mantener una atmósfera libre de juicios. Según Daniel Plasch, codirector del club R.S.O. en Berlín, “tomar una foto destruye el momento incluso mientras lo documentas”. Esto se ha replicado en clubes de ciudades como Londres y Nueva York, consolidando un cambio cultural hacia experiencias más auténticas y libres de distracciones​​.

Críticas y desafíos

A pesar de su estatus de icono, Berghain no está exento de críticas. Algunos lo acusan de elitismo debido a su política de entrada, mientras que otros cuestionan la normalización del consumo de drogas dentro del club. Además, la gentrificación y el aumento de los costos operativos amenazan su futuro, un problema compartido por otros clubes emblemáticos como Watergate, también ubicado en Berlín, que cerró sus puertas en diciembre de 2024​​.

Además de su contribución a la escena techno, Berghain ha servido como plataforma para artistas de renombre y eventos culturales alternativos. Más allá de los sets de DJs icónicos, el club acogió exposiciones de arte contemporáneo y colaboraciones interdisciplinarias, como proyecciones de películas y performances experimentales. Estas iniciativas refuerzan su papel como un espacio que trasciende la música, funcionando también como un centro creativo que amplifica voces y movimientos culturales marginales.