El actor celebró su regreso al teatro tras 20 años de ausencia, expresando su entusiasmo por reencontrarse con su “primer amor” en una etapa que equilibra cine, escenarios y vida familiar. El retorno ocurrió después de haber estado alejado dos décadas de los escenarios, hecho que considera fundamental en su carrera.

“Había pasado tanto tiempo que dejé de contar, porque comenzaba a ponerme triste”, reconoció al recordar su anterior producción. “Siempre estuvo en mi cabeza… es mi primer amor, y sabía que eventualmente volvería. Solo faltaba que se dieran las circunstancias adecuadas, y ahora se dieron”, explicó a CBS Sunday Morning, el programa de entrevistas de CBS.

Cheadle detalló que producir la obra Strange Loop fue determinante para reavivar su deseo de volver. “Si bien como productores no aportamos mucho al proceso creativo, ver esa obra tan original y valiente me hizo pensar: ‘Sí, eso es lo que necesito, quiero volver ahí’. Definitivamente fue el comienzo de todo otra vez”, afirmó.

La experiencia teatral cobra para el actor un valor irremplazable. “No hay segundas oportunidades. No puedes detenerte y volver; es algo único… No existe nada como sentir la energía de miles de personas en un teatro, la inmediatez de los errores y cómo, entre todos, debemos continuar. Esa conexión mágica es inigualable”, reflexionó.

Trayectoria como Rhodey en el MCU y evolución del personaje

El camino de Don Cheadle en el Universo Cinematográfico de Marvel (MCU) implicó una decisión tomada en plena celebración familiar. “Me llamaron en medio de la fiesta de cumpleaños de mi hija. Primero me dieron una hora para decidir, después dos, pero lo consulté con mi esposa en plena partida de laser tag”, relató al medio. “Sabía que era una decisión que afectaría los próximos diez años de mi vida”.

Cheadle confesó que, al aceptar el papel, desconocía cuál sería el desarrollo de Rhodey. “No tenían definido hacia dónde iría el personaje… Me preguntaron si estaba dentro o fuera. Aceptar implicaba decirle no a muchas cosas que podrían surgir. Hice cuentas y eran diez años de mi vida dedicados a esto, pero lo que tenía delante era emocionante e interesante y las posibilidades valían la pena”, rememoró.

Sobre el futuro inmediato, el actor subrayó que lo más interesante es afrontar los nuevos caminos de su personaje. “La posibilidad de descubrir hacia dónde irá Rhodey es lo que más me atrae… Lo inmediato es lo que toca, y quiero cruzar ese siguiente umbral”, expresó en CBS Sunday Morning, el programa de entrevistas de CBS.

El impacto del teatro y del cine en su vida personal y profesional

A lo largo de su carrera, Cheadle interpretó personajes con gran carga social, como en Hotel Rwanda, la película nominada al Oscar. “Ese proyecto cambió la trayectoria de mi vida. Me abrió los ojos a temas de derechos humanos, no solo en África, sino en todas partes”, explicó durante la charla difundida por CBS Sunday Morning, el programa de entrevistas de CBS.

Describió que trabajar en esa película lo llevó a involucrarse en el activismo y a comprender el poder que puede tener la notoriedad pública: “Me implicó en espacios de activismo y defensa que existían desde antes de que yo llegara, y comprendí el verdadero poder de tener una voz pública: ‘¿Ustedes me miran a mí? Miren aquello’. Es una de las mejores formas de usar la notoriedad”.

Al reflexionar sobre cómo emplea su tiempo y elige sus proyectos, Cheadle señaló: “Lo único que no se puede recuperar ni comprar es el tiempo. Quiero dedicarlo a proyectos en los que creo, que tengan sentido trabajar con ciertas personas y contar ciertas historias. No todo se trata de premios o reconocimientos; es más importante el propósito que el resultado”, enfatizó.

También se refirió a la experiencia en Ocean’s Eleven. Destacó la camaradería en el equipo y la dinámica creada por el director y los productores. “Nos dábamos cuenta de lo afortunados que éramos. Si alguien intentaba sobresalir, el grupo lo notaba. El trabajo y la diversión iban de la mano”.

Familia, relaciones y el sentido del legado

Las raíces familiares tienen un papel esencial en la visión de Don Cheadle. Hijo de un psicólogo y una educadora, valoró la libertad de opinión y la autonomía promovidas en su casa: “En mi familia, podía hablar, debatir, aunque igual había que obedecer. Eso fue invaluable y es algo que intenté transmitir a mis propios hijos”, relató a CBS Sunday Morning, el programa de entrevistas de CBS.

Sobre su relación duradera con Bridgette, resumió el aprendizaje conjunto de cómo afrontar las diferencias: “No vi a mis padres discutir nunca, así que con Bridgette aprendimos con el tiempo y con terapia de pareja. Hemos procurado ser un frente común para nuestros hijos, aunque a veces haya que cerrar la puerta y discutir nosotros para encontrar una decisión familiar”.

Al abordar la idea de legado, se mostró sencillo: “No me obsesiona el legado como algo grandilocuente. Si al final soy recordado como alguien que fue buen compañero, que hizo bien su trabajo y fue generoso con los demás, para mí eso es suficiente”.

La transformación personal y artística de Antonio Banderas ha llamado la atención tras la publicación de una fotografía antigua que ilustra los cambios en su vida durante más de tres décadas. El actor, hoy centrado en el teatro y en Málaga, su ciudad natal, ha compartido recuerdos y reflexiones sobre el paso del tiempo, el miedo y su forma de vivir, según Men’s Health.

A los 65 años, Antonio Banderas aborda su presente con una mirada marcada por la madurez y la autenticidad. Ahora, prioriza la tranquilidad, el equilibrio personal y los proyectos que considera significativos, dejando de lado la presión por llegar a lo más alto del estrellato internacional. Prefiere disfrutar de aquello que realmente le aporta satisfacción.

Desde los comienzos en Málaga, el actor ha construido una carrera que abarca cine, teatro y televisión. Su capacidad le permitió consolidarse como uno de los rostros más apreciados del cine español y acceder a la industria internacional, donde ha interpretado personajes variados, bajo la dirección de figuras reconocidas y ha sido galardonado en repetidas ocasiones a lo largo de su trayectoria.

La transformación de Antonio Banderas

El impacto visual de la fotografía compartida recientemente fue inmediato. En la imagen, tomada hace unos 30 años en la Puerta de Brandeburgo de Berlín, el actor aparece con un aspecto juvenil que evoca otras etapas de su vida y su carrera.

De acuerdo con Men’s Health, Banderas se ha transformado física y mentalmente para encarnar a los diferentes personajes de su filmografía. Ha pasado de llevar el cabello largo a rapado, y de siluetas delgadas a una apariencia más fuerte, mostrando así una entrega absoluta a su profesión y una destacada versatilidad.

Estas transformaciones frecuentes han cimentado su reputación de adaptabilidad y resiliencia, cualidades valoradas tanto por la crítica como por el público.

Su visión del éxito y la tranquilidad

A lo largo de los años, Antonio Banderas ha expresado cómo su relación con el éxito ha ido evolucionando. En entrevistas recogidas por Men’s Health, originadas en su conversación con The Talks, reconoció que en su juventud sentía ansiedad por recibir reconocimiento, aunque la concreción de sus objetivos le aportaba calma temporal.

El actor expuso que no es recomendable obsesionarse con estar en las primeras posiciones del cine mundial. “Es mucho más inteligente y mejor para la vida no ser el número uno, el número dos o el número tres. Es mejor estar en un lugar donde se pueda vivir con cierta comodidad, sin ser perseguido, y al mismo tiempo hacer el trabajo que uno quiere”, afirmó el malagueño en declaraciones recogidas por Men’s Health. Explicó que una mentalidad demasiado egocéntrica y ambiciosa arrastra a querer ocupar siempre el primer lugar, una meta que considera que “no vale la pena”.

Para Banderas, la verdadera realización está en encontrar serenidad y elegir los proyectos que le aportan satisfacción, más allá de la presión mediática o de la competencia constante en el ámbito internacional.

Un regreso a las raíces y el teatro

En este momento, el actor ha situado a Málaga en el centro de su vida y su inspiración artística. Tras años de triunfos internacionales, Banderas enfocó sus esfuerzos en el teatro y en fortalecer los lazos con su ciudad natal.

Este cambio le permitió desarrollar nuevas facetas artísticas, apostar por producciones teatrales propias y participar activamente en la vida cultural de la ciudad. La decisión de volver a casa surge tanto de motivaciones afectivas como de la búsqueda de un entorno más sereno, donde puede combinar la pasión por la actuación con una vida cotidiana más alejada del escrutinio público.

En este contexto, Men’s Health indica que valores como la autenticidad y la tranquilidad pesan ahora más que el reconocimiento público para el artista. Málaga representa un refugio y una plataforma desde donde Banderas, tras viajar por el mundo, opta por crear y compartir desde sus raíces.

Vivir desde el corazón: su filosofía de vida

Para afrontar el miedo y la incertidumbre, Banderas expone una manera de actuar guiada por la intuición y las emociones. El propio actor comenta: “Sería una gran respuesta si dijera que reflexiono mucho, pero no es cierto. Simplemente dejo que mi intuición fluya en situaciones de miedo. Vivo desde el corazón. No soy una persona cerebral. Nunca lo seré”.

Desde pequeño, relata, se inclinó por lanzarse a nuevas experiencias, incluso ante el temor. Recuerda que con 15 años enfrentó sus miedos alentado por el ejemplo de un amigo y de otros jóvenes, mostrando así su tendencia a dejarse guiar por el impulso en vez de la planificación excesiva.

Esa actitud influye tanto en su trabajo como en su vida personal, permitiéndole superar desafíos, disfrutar de los logros y valorar cada etapa.

La carrera de Antonio Banderas demuestra una transformación que trasciende lo físico; el intérprete ha aprendido a priorizar la serenidad y la autenticidad sobre los honores pasajeros. Apoya su modo de vida en la intuición y un enfoque sereno, sustentado en años de experiencia tanto en escenarios internacionales como en los rincones de Málaga, y mantiene como principios la pasión y la libertad en cada etapa de su trayectoria.

El regreso de Marta Hazas y Javier Veiga al plató de ‘El Hormiguero’, con motivo del estreno de la obra teatral Un matrimonio sin filtros, ha permitido conocer aspectos inéditos de su relación personal y artística. Ambos han conversado con Pablo Motos sobre cómo los conflictos cotidianos y la convivencia influyen tanto en su vida privada como en su trabajo conjunto sobre el escenario.

En su intervención, Hazas y Veiga han explicado que la función permanecerá en el Teatro Maravilla hasta el 28 de junio, con entradas aún disponibles, antes de iniciar una gira que se extenderá de agosto hasta final de año.

La obra, escrita por Veiga e interpretada por ambos, aborda “problemas cotidianos como la adicción al móvil o el fracaso de las relaciones”, pero según sus protagonistas, el valor diferencial reside en “el punto de vista”, ya que “el público es partícipe, aunque no es interactivo. El público está dentro del espectáculo”.

Objetos, discusiones y silencios en la convivencia

Preguntados sobre la influencia de sus vivencias personales en el texto, ambos han aclarado que, aunque existen referencias a su vida conjunta, los protagonistas, Marga y Jaime, llevan también 15 años juntos, la obra se distancia de la realidad. Javier Veiga ha admitido que recoge detalles y frases de discusiones, a pesar de que en ocasiones intenta ocultarlo, mientras que Marta Hazas ha reconocido que el proceso creativo le permite llegar más lejos en los debates representados en escena.

La conversación ha permitido identificar la dinámica de los desencuentros dentro del matrimonio. Ambos han definido sus disputas como “la Guerra Fría”: silencios prolongados y actitudes de indiferencia, sin llegar a discutir abiertamente sobre cuestiones de calado. A este respecto, Marta Hazas ha contado que “estuvimos tres días sin hablarnos por la independencia de Cataluña”, señalando ese episodio como la mayor crisis que han vivido, en la que el perdedor de la discusión “se pone porculero” y puede llegar a perder la ilusión.

Preguntados sobre objetos con valor sentimental, Hazas ha señalado que no dejaría a su pareja llevarse los álbumes de fotos y una escultura de un autor gallego, regalo que define como “de ida y vuelta”. Veiga, por su parte, ha afirmado que sería precisamente la escultura lo primero que protegería en caso de disputa, adelantando que llegado el momento la guardaría antes de que la discusión comenzase.

Ambos han coincidido en que, pese a los años de convivencia, continúan existiendo aspectos desconocidos del otro, pensamientos o reacciones que sólo emergen ante situaciones inéditas. La falta de micro en el teatro obliga, además, a adaptar el ritmo de la función a las reacciones del público, lo que puede alargar determinadas escenas cuando las carcajadas lo requieren.

Rigor en escena y anécdotas personales

El ámbito profesional de la pareja también ha sido objeto de análisis, especialmente por la exigencia de Veiga con el guion de la obra. Según ha relatado Marta Hazas, el texto debe seguirse al pie de la letra: “No se enfada y te pone cara en el escenario, que es peor. Ya le he amenazado con que si sigue así llevo la obra por otro lado. Todo está escrito, soy como Lina Morgan hasta cuando parece que me río. Todo, todo clavado.” Veiga ha justificado este rigor explicando que, aunque algunos aspectos se perfeccionan durante la función, considera que si una fórmula funciona no hay motivo para cambiarla.

Sobre el inicio de su relación, han recordado que surgió tras el rodaje de Bandolera, y que fue un mensaje de Whatsapp lo que confirmó el interés mutuo. También han compartido curiosidades personales, como la facilidad de Marta Hazas para asustarse en la vida cotidiana y las diferencias en la manera de vivir ciertas emociones tanto dentro como fuera del escenario.

En el plano médico, Hazas ha relatado su operación de miopía: “Tenía siete dioptrías cuando me operé. De cerca veía muy bien. Ahora ya veo bien de lejos. Está todo muy sucio. Vivía en un cuadro impresionista y ahora veo los contornos de las cosas. Yo de los cráteres de la Luna pensé que no se veían desde la Tierra. Y cuando lo vi, dije, ‘¿En serio?’”, haciendo hincapié en cómo la mejora de la visión ha alterado su percepción cotidiana y sus hábitos.

“Estrenamos este jueves, la estamos rompiendo, está espectacular”, aseguró Vicuña, entusiasmado por la inmediatez del debut y convencido de que la obra logrará conmover al público. El actor destacó el fenómeno de adaptar éxitos cinematográficos al escenario: “Es como ya casi un género más, ¿no? Lo vimos con Rocky, lo vimos con la de Francella”, comentó, ilustrando una tendencia que, según su visión, cobra cada vez más fuerza en la cartelera porteña.

Pergolini, conocido por su escepticismo hacia el teatro, admitió: “Fui este fin de semana. Fui a ver a Francella”, lo que generó la invitación inmediata de Vicuña: “Te invitamos que vengas, que nos vengas a ver a nosotros.” El intercambio dejó en claro tanto el esfuerzo de los actores por atraer nuevos públicos como la camaradería que reina entre quienes comparten el oficio sobre las tablas.

Durante la charla, la curiosidad del equipo del programa giró rápidamente hacia las escenas de intimidad entre los protagonistas. Vicuña sorprendió y dijo sobre los besos en la obra: “Seguramente son los chapes más violentos que he tenido en ficción, en teatro.”

En ese clima de bromas, Pergolini y Vicuña evocaron otros trabajos del actor, incluyendo un beso memorable con el español Javier Cámara. “Pará, con Lamothe es más largo”, bromeó Vicuña, mientras la risa se apoderaba del estudio. El actor recalcó la profesionalidad y el talento de su colega español: “Javier Cámara es un actor importantísimo, muy, muy groso de Almodóvar.”

En la conversación surgió una primicia inesperada. Vicuña reveló: “Acá el señor (Lamothe) sale en bolas en la obra, pero así, como Dios lo trajo al mundo”. Pergolini reaccionó entre la sorpresa y la ironía: “¿Y tenés que abrazarlo en el momento que sale?”, mientras el propio Vicuña le animaba a comprobarlo en vivo: “Tenés que venir a ver la obra.”

Un mensaje inesperado de Esteban Lamothe a Pergolini

La entrevista cobró un giro especial cuando Pergolini anunció la llegada de un mensaje de Esteban Lamothe. El video, reproducido en el estudio, aportó un toque de complicidad y humor al encuentro. “Benja, amigo, sé que estás ahí, en el frente, en la línea de fuego. Tené cuidado, no te dejes amedrentar por Pergolini”, arrancó Lamothe, dirigiéndose tanto a su compañero como al conductor.

El mensaje incluyó una respuesta a una broma previa: “Me quedé recaliente con vos cuando me dijiste que era feo. Un saludo ahí para Rada y para todos los que están ahí, para Evelyn, para Mario. Y vengan a ver la obra que se van a emocionar.”

En palabras de Vicuña, el encuentro con Lamothe en el escenario es una experiencia intensa y divertida a la vez. “Esteban está muy bien en la obra, la verdad que es un compañero espectacular. Estaba muy dolido con lo que le dijiste”, relató con ironía, mientras Pergolini se defendía entre risas. La conversación evidenció la química entre los protagonistas y la confianza que los une.

Al abordar el proceso de adaptación, Vicuña explicó: “Agarramos esa adaptación y la hizo también Marcos Carnavale y Javier Daulte". El actor remarcó que la versión argentina se nutre de experiencias previas en otros países: “Existe la obra, se hizo en Inglaterra, en Brasil y acá, que es una capital del teatro impresionante.”

La pieza teatral, según Vicuña, combina el drama de la película original con elementos de humor y ritmo que buscan “descomprimir” la intensidad emocional, especialmente en la dinámica del teatro de calle Corrientes. Además, el elenco se completa con Laura Paredes y Gabriel Tocastro, aportando nuevas capas a la narrativa.

La versión teatral de Secreto en la montaña es un drama con momentos de humor, y su puesta promete movilizar al público a partir de la fuerza de la historia y la entrega de sus intérpretes. El guion adapta la esencia del filme que “sacudió al mundo”, pero introduce matices que dialogan con el público local.

Nacido en Bucarest el 16 de enero de 1926, Tandarica llegó a este país como refugiado rumano y se convirtió en uno de los cómicos más reconocidos de la televisión de los años ochenta. Su número del mozo torpe y aparentemente ebrio en VideoMatch, el éxito que catapultó a la fama a Marcelo Tinelli, fue el que le valió el apodo de “el Chaplin argentino”.

Tandarica trabajó durante años en circos de Rumania. La dictadura comunista de Nicolae Ceaușescu, que comenzó en 1965, lo empujó a abandonar el país. Según relató su hija Aglaja Veteranyi en un libro sobre su padre, se fue con el dinero que había tomado de la caja del circo nacional rumano.

La huida tuvo consecuencias graves. Cuando las autoridades rumanas tomaron conocimiento del robo y de sus creencias religiosas, fueron condenados a muerte en ausencia. Esa sentencia le cerró para siempre la posibilidad de regresar a su país de origen.

La primera parada fue Suiza, donde la familia obtuvo un pasaporte de refugiados. Desde allí, Tandarica y su esposa comenzaron a recorrer distintos países con su trabajo circense, sin un destino fijo. Una vida itinerante.

Esa vida del circo tuvo un costo familiar enorme. Tandarica se casó dos veces y tuvo dos hijas. A Aglaja la tuvo con una trapecista que trabajaba en el mismo circo que él.

La movilidad constante llevó al humorista a tomar una decisión que marcaría la infancia de sus hijas: las dejó en un internado de Suiza. Aglaja permaneció allí gran parte de su niñez y llegó a la adolescencia sin saber leer ni escribir. Cuando cumplió 15 años, su madre fue a buscarla para llevarla a trabajar al circo.

Ya adulta, Aglaja aprendió a leer y escribir, y llegó a desarrollar una carrera como dramaturga, guionista y ensayista. Publicó el libro Por qué se cuece el niño en la polenta, donde narró situaciones muy duras sobre su relación con su padre. Se suicidó en Suiza tiempo después de la muerte de Tandarica, ella tenía 39 años.

En 1974, el humorista desembarcó en la Argentina y se incorporó al conocido circo Tihany, con el que actuó en las temporadas veraniegas de Mar del Plata. A principios de los años ochenta se radicó en Buenos Aires, donde comenzó a construir una carrera en teatro, cine y televisión.

Antes de consolidarse en el país, Tandarica ya había ganado el “Óscar del Humor”, un reconocimiento que se entregaba en España para premiar a los grandes cómicos. Lo obtuvo por sus imitaciones de figuras de la historia contemporánea como Stalin, Fidel Castro y Francisco Franco.

Su debut teatral en Argentina fue en 1980, con la obra Los años locos del Tabarís, junto a Moria Casán, Carmen Barbieri, Orlando Marconi, Alberto Anchart y otros. La obra lo instaló en el circuito del teatro de revista porteño, un género que convocaba muchos espectadores por aquellos años.

A lo largo de los años ochenta encadenó varias temporadas. Trabajó en La revista del paro general (1984) con el inolvidable José Marrone, Tristán y Luisa Albinoni; en La noche está que arde (1987), estrenada en el Teatro La Sombrilla de Villa Carlos Paz junto a Marrone y Adriana Aguirre; y en La revista corrupta (1991), en el Teatro Tabarís, con Nito Artaza y Beatriz Salomón, entre otros.

En cine participó en varias películas del género de comedia como El telo y la tele (1985), Los colimbas al ataque (1987), Los bañeros más locos del mundo (1987) y Corona se va al karate (1990).

Dice la leyenda que el entrañable Tandarica llegó a filmar una película en Hollywood junto a Sylvester Stallone, aunque no hay confirmación de aquello haya sucedido realmente.

En televisión apareció en uno de los programas de mayor suceso en la década de 1980 como fue Mesa de Noticias (1983). Integró el elenco de Recreo 11, Las mil y una de Sapag, Las gatitas y ratones de Porcel (1986), Badía y Compañía (1987) y Ritmo de la Noche. Pero fue VideoMatch, el programa diario conducido por Tinelli, el espacio donde su personaje se volvió verdaderamente popular.

El número que caracterizaba a Tandarica consistía en representar a un mozo con bigote a lo Chaplin que parecía ebrio y tropezaba permanentemente y desataba desastres en cadena a su alrededor. Era un gag puramente corporal, sin palabras, que conectaba directamente con la tradición del mimo clásico pero con mucha más energía y movimiento. Ese personaje le dio el apodo que lo acompañó el resto de su vida.

En 2013, el programa Sin codificar le rindió homenaje con un personaje llamado “El Nieto de Tandarica”. La televisión húngara produjo además una película titulada Aglaya, centrada en la historia de su hija y en la propia vida del cómico.

Tandarica murió hace 31 años. Tal vez un reportaje publicado en la revista Somos, en mayo de 1985, se pueda revelar algo más sobre la vida de un actor, mimo y humorista que hacía del silencio una virtud escénica.

-¿Por qué eligió la mímica y no la actuación, Tandarica ?

—No me expreso bien con la palabra y decidí hacerlo con el cuerpo. Pero quiero decir que con mi cuerpo hablo, transmito un mensaje, ¿entiende?

-Sabemos que su currículum es frondoso. . .

—Sí: trabajé en el Moulin Rouge, en el Folies Bergére, en un circo suizo financiado por Chaplin, en el Tihany. De chico me enviaron a estudiar a la escuela de circos de Moscú y llegué a actuar para el mismísimo Stalin. Egresé como regisseur circense cuando el gran clown Popov estaba en su apogeo. Hice 60 cortometrajes en Rumania y anduve de gira por África, Europa y Sudamérica. Acaban de contratarme para ir a un casino de Las Vegas. Pienso quedarme seis meses y volver a la Argentina, país que me gustó tanto cuando vine que me casé por segunda vez con una criolla: María Teresa.

-¿Y su anterior mujer?

—Quería vivir en Suiza y no en la Argentina, así que me abandonó y yo volví a casarme aquí. Me gustan los argentinos: sus modos, sus gestos. . .

-¿Le gusta más la tevé que el circo?

—El olor del circo me desagrada, créalo. Claro que no reniego de él.

-¿No ha recibido ofertas para tener su propio programa?

—Sí: de ATC (Argentina Televisora Color) y de Alejandro Romay en Canal 9. Pero son sólo ofertas.

-Ese bigotito chaplinesco, ¿tiene algo que ver con Charlotte?

—Es para darle carácter a mi personaje, nada más. En cuanto a Chaplin, él me ayudó mucho durante mis primeros tiempos en Suiza. Además de ser uno de los financistas del circo donde yo actuaba, se encargaba él mismo de la alimentación de los animales. ¡Qué personaje! Cuando ya estaba postrado en la silla de ruedas, le gustaba ver sus películas. Yo no podía sentir más que agradecimiento y cariño por él, así que iba a su casa y hacía de proyectorista. Chaplin no hablaba, pero se emocionaba.

-Su estilo mímico no se parece al de Marcel Marceau. ¿Qué opina de él?

—Trabajamos juntos en el Folies Bergére. Usa toda la cara blanca, una máscara estupenda para lo suyo. Es un tipo singularmente bueno, además.

-¿Se ríen de igual modo los públicos que lo han visto actuar, Tandarica?

—Todos me reciben igual, créalo. El secreto esta en mi cuerpo: él les dice todo lo que hace falta para reírse. Siento que la gente me entiende.

-¿No extraña Rumania, Suiza, Europa?

—En Rumania no me queda nada. Mis padres han muerto y yo soy hijo único. Piense lo que habrá significado para ellos, actores que no estudiaron, desprenderse de su único hijo en aras del estudio. En Suiza, con mi ex mujer, tengo una hija de 12 años que estudia cine. Otra hija mía, de 28 años, casada, vive en México. Tengo dos nietos, y pienso visitarlos.

-¿Usted estaba en Europa cuando la Segunda Guerra, verdad?

—Sí, pero no me gusta hablar sobre la guerra. Yo era chico, pero el servicio militar era obligatorio. Tenía 20 años y todo fue feo, muy triste, ¿sabe? Fui segundo piloto y también actué un poco para las tropas.

-¿Qué tipo de show haría de concretarse algo con ATC o Canal 9?

—Un show de mimos, claro; pero abriendo más el espectro de posibilidades. Ahora estoy haciendo gags y bromas para chicos, digamos, pero me encantaría hacer humor para adultos. Nada picante: fino, apoyado en el gag visual y para grandes y chicos. La idea básica: un pobre ayudante de pista de un gran circo que debe reemplazar a quien falta, y que fracasa siempre. O no.

Así hablaba Tandarica. Un hombre que hizo reír solo con sus gestos y la torpeza sublime de su personaje más recordado.

“En esta madrugada del lunes 20 de abril de 2026, la muerte de Luis Brandoni me impacta. Hace cuarenta y ocho años nos hicimos amigos a partir del estreno de un espectáculo teatral y desde entonces compartimos un camino que nunca se interrumpió, incluidos estos últimos días en los que pude visitarlo en el sanatorio.

Tomé conciencia de su gravedad hace unas noches, cuando ya no me reconoció más. No era para contarlo en esos días. Por él y por su familia.

Con Beto se va el último primer actor argentino de una generación que ya costará encontrar, y un símbolo del teatro nacional inigualable: defendió al autor nacional siempre, actuándolo cada vez que pudo.

En estas horas se suceden infinidad de muestras de cariño y admiración. Es lógico, porque participó de recordados personajes en todas las disciplinas artísticas que lo tuvieron de intérprete.

En lo personal, me sonrío recordando sus manías, por las cuales chisporroteamos tantas veces: vestirse completo para desayunar, aún estando solo en su casa porque no se permitía hacerlo en pijama, leer el diario solamente en papel y enojarse mucho con las redes sociales, ponerse chinchudo con facilidad… Cuántas de esas pinceladas hoy me ablandan su despedida.

Compartimos también momentos difíciles por su participación gremial: desde aquel volante intimidatorio en Pinamar del ‘79 hasta sacar al público de los teatros en plena dictadura, cuando aparecían las amenazas de bombas durante las funciones. Todo eso también nos unió para siempre.

Hace apenas tres semanas hizo algo que hoy le doy el valor de una despedida: se tomó un descanso inusual, al no trabajar una semana, para viajar con su pareja a Punta Cana. Raro en Beto el priorizar un viaje por sobre sus funciones teatrales. Volvió contento, con más ganas de subirse al escenario. Lo uno a este desenlace, previsible pero prematuro.

Guardo para el final un gesto que me va a acompañar siempre: al enterarse que estaba escribiendo un libro sobre mis cincuenta años en el teatro, me ofreció escribir el prólogo.

Me lo leyó por teléfono emocionado y me lo envió el viernes 3 de abril, apenas hace días. Ese texto, hoy toma un valor superlativo en mí. Fue su último regalo.

Abrazo con toda mi fuerza a su familia, con la convicción de que hay amistades que son para siempre.

¡Se te extrañará, Beto querido! "

Además el productor productor teatral Carlos Rottemberg, conversó con Teleshow y se refirió al impacto que dejó la partida de Beto, evocando la huella profunda que el actor y dirigente dejó en su entorno y en el público. “Atravesados quienes lo quisimos a Beto por, por el, por el dolor de estas horas, pero con el convencimiento de, de qué bien la llevó y qué bien la luchó hasta el final”, expresó Rottemberg, describiendo el temple y la entereza con la que su amigo enfrentó los momentos más difíciles.

El vínculo entre el artista y su audiencia fue, según Rottemberg, uno de los pilares de su carrera. “Si bien siempre privilegió la familia, sabemos que, que tuvo en el teatro, pero también en la televisión y en, y en el cine, un gran compromiso con todo lo que desarrolló”, sostuvo, destacando la dedicación de Beto en cada uno de los escenarios que transitó.

Para quienes buscan entender qué representa hoy la figura de Beto, Rottemberg remarcó que sus personajes “quedan en, en la memoria emotiva de, de su audiencia y también ese compromiso para, para con el conjunto”. La afirmación sintetiza el legado artístico y social que deja el actor, recordado no solo por su talento sino por su entrega a la comunidad.

El productor también subrayó la vocación colectiva de Beto, en contraste con actitudes más individualistas: “Nunca fue un individualista, por eso fue dirigente gremial en la, en la época más dura y por eso desarrolló, eh, su faceta política cuando sintió que tenía algo para dar”.

La despedida, reconoció Rottemberg, está marcada por el dolor, pero también por la gratitud. “La verdad que como amigo duele mucho lo que se vive, pero nos quedamos con los hermosos momentos que obviamente, eh, guardaremos para siempre”. Con estas palabras, el productor definió el sentimiento compartido por quienes acompañaron a Beto en su vida y su labor artística.

En el programa Luis Novaresio Entrevista, que se emite por A24, el periodista dialogó con el artista y le consultó por el sentido de la vida. A lo que Brandoni contestó: “Tratar de hacer algo que a uno lo haga sentir útil. Sus parientes, sus hijos, sus amores, sus amigos. Tratar de ser útil me parece que es lo más importante. Más allá de los logros de orden económico o social, me parece que eso es lo más importante”.

Luego, el entrevistador le consultó qué va a hacer cuando sea grande, a lo que el entrevistado declaró: “Cuando sea grande voy a tratar de, en lo posible, y esto no lo puedo definir yo, pero de morirme de golpe, sin molestar a nadie. Ya esto lo tengo sabido, me voy a morir”.

“Me voy a morir lo más rápido que pueda, para no molestar a nadie y que digan ‘qué lástima, se fue’”, agregó Brandoni. Acto seguido, Novaresio consultó qué hay después de la muerte, a lo que el intérprete reflexionó: “Nos morimos y voy a ser un recuerdo. Un poeta escribió una de sus frases y decía: ‘se vive con la esperanza de llegar a ser un recuerdo’”.

De la vida al recuerdo eterno

Luis Brandoni, quien permanecía internado en terapia intensiva en el Sanatorio Güemes, falleció este lunes a los 86 años a causa de un hematoma originado por una caída en su hogar.

Con su partida, deja una huella profunda en la cultura, el gremialismo y la vida pública argentina. La noticia fue confirmada por Carlos Rottemberg, quien expresó: “Murió Luis Brandoni. Con Beto se va el último primer actor de una generación inolvidable. Impulsor del teatro nacional, desde esta Casa Teatral seguiremos aplaudiendo su compromiso permanente, que excedió el ámbito del escenario. Hoy es un día muy triste para nuestra cultura”.

A lo largo de su vida fue actor, dirigente sindical y militante político. Nacido como Adalberto Luis Brandoni el 18 de abril de 1940 en Dock Sud, Buenos Aires, consolidó una trayectoria de más de seis décadas en el arte y la política nacional. Su legado abarca desde clásicos del cine argentino hasta la defensa de los derechos laborales, dejando marca en varias generaciones de colegas, espectadores y militantes.

Su vocación artística surgió en la infancia. A los ocho años organizó una obra de títeres en su casa y poco después debutó en la radio, en un ciclo de teatro infantil. Tras completar la escuela secundaria, eligió el Conservatorio Nacional de Música y Arte Escénico, donde fue alumno de Cunil Cabanellas, Osvaldo Bonet y Camilo Da Passano. Brandoni reconocía: “Una parte de lo que soy se la debo a esos maestros. Ellos me inculcaron la profundidad de este oficio, la responsabilidad, lo que es una verdadera ética profesional”.

El debut profesional tuvo lugar el 2 de mayo de 1962, con la comedia musical “Novio” en el Teatro Coliseo. Poco después ingresó a la Comedia Nacional bajo la dirección de Armando Discépolo, experiencia que consideraba fundacional para su carrera.

Brandoni construyó el arquetipo del actor argentino, seleccionando papeles en obras y películas emblemáticas. En cine participó en 60 películas, entre ellas La Patagonia rebelde, La tregua, Juan que reía, Seré cualquier cosa pero te quiero, Cien veces no debo, Darse cuenta, La Odisea de los giles, El cuento de la comadreja y Esperando la carroza; en esta última, su frase de las tres empanadas se volvió parte del imaginario colectivo, aunque él la veía más como una escena triste que graciosa.

En televisión intervino en 25 ciclos, incluyendo Mi cuñado junto a Ricardo Darín (como el inolvidable Roberto Cantalapiedra); Buscavidas con Patricio Contreras; Durmiendo con mi jefe con Guillermo Francella (como Enzo Tempone); Un gallo para Esculapio (donde interpretó a Marcelo Chelo, jefe de una banda de piratas del asfalto) y El hombre de tu vida, nuevamente con Francella, en el rol del padre Francisco.

Su último gran éxito en la pantalla fue Nada, serie estrenada en 2023 por Star+. Allí compartió escena con Robert De Niro, a quien conoció gracias a Lito Cruz. La relación con De Niro se profundizó en 1986, cuando viajó a Nueva York para grabar parte de Made in Argentina.

No obstante, fue en el teatro donde más se destacó. Una decisión crucial ocurrió durante su participación en La pucha (1969, texto de Oscar Viale): optó por trabajar principalmente en obras de dramaturgos argentinos. En teatro dejó huella en títulos como Stéfano, La Fiaca, Chúmbale, Convivencia, Segundo tiempo, Gris de ausencia, El pan de la locura, Made in Lanús (como actor y director) y Parque Lezama (también llevada al cine y en ambas dirigido por Juan José Campanella), entre casi 70 títulos.

En los últimos años, Brandoni mantuvo actividad constante en el teatro, junto a Soledad Silveyra, con funciones agotadas y ovaciones por la obra Quién es quién. En ese período, enfrentó problemas de salud. Hacia fines de 2025 fue hospitalizado por un pico de presión arterial, lo que obligó a suspender funciones y generó el apoyo de colegas como Gerardo Romano y Ana María Picchio, quienes facilitaron escenarios para que pudiera seguir actuando en Buenos Aires.

En abril de 2026 sufrió un accidente doméstico: una caída que le provocó un hematoma en la cabeza. Aunque en un primer momento parecía evolucionar favorablemente, su estado se agravó y finalmente falleció. Para convertirse finalmente en un recuerdo eterno del subconsciente colectivo argentino.

Quién hubiera dicho que, después de levantar el Oscar con El secreto de sus ojos en 2010, Juan José Campanella elegiría el camino más paciente, casi artesanal, para volver a filmar en la Argentina. Apenas tres películas en dieciséis años: Metegol, El cuento de las comadrejas y ahora Parque Lezama, esa criatura escénica que ya llevaba más de una década respirando sobre tablas, nacida a partir de I’m Not Rappaport, de Herb Gardner, y transformada en un fenómeno propio.

En el medio, Campanella se volcó a las series, pero había algo en esta historia que lo reclamaba de regreso. Quizás la certeza de que no se trataba solo de una adaptación, sino de una memoria viva: 1.170 funciones desde su estreno en 2013, primero en el Liceo, después en el Politeama, con Brandoni y Eduardo Blanco apropiándose de esos personajes hasta volverlos carne.

El salto al cine —estrenado el 19 de febrero y luego incorporado a Netflix el 6 de marzo— no traiciona ese origen teatral: lo potencia. Si en el escenario la palabra era todo, en la pantalla los primeros planos le agregan una dimensión nueva, casi íntima. Campanella no “abre” la historia, no la expande hacia lo cinematográfico convencional. La concentra. La respeta. La deja respirar en ese mismo banco del Parque Lezama donde León Schwartz y Antonio Cardozo discuten la vida como si el tiempo no existiera… o como si se estuviera terminando.

León, el militante comunista que exagera, inventa, seduce con sus relatos; Antonio, el hombre cansado que solo quiere transitar sus últimos años sin sobresaltos. Entre ellos, un duelo de miradas sobre el mundo, sobre la vejez, sobre lo que queda. Ese contrapunto fue siempre el corazón de la obra. Y lo sigue siendo acá.

Hoy, con la muerte de Brandoni todavía fresca, su León Schwartz adquiere otro peso. Hay algo en su mirada, en su forma de decir, en sus pausas, que ya no suena solo a interpretación. Suena a legado.

Sobre ese proceso, Verónica Pelaccini —su hija en la ficción en las tablas y en la pantalla grande— lo explicaba con precisión emocional: “Fue como un ejercicio con el mejor de los maestros, porque estamos hablando de Campanella. A veces uno tiende a pensar que la película es lo mismo que se vio en el teatro trasladado al cine y la verdad es que en este caso estamos ante una especie de juego donde se nos propuso algo distinto, una transposición total. Todo lo que pasaba en el teatro está super valorizado por la cámara, hay algo de la intimidad, del pensamiento y de las emociones que vistos a través del lente permite que el público sienta el hecho cinematográfico generando una complicidad aún mayor con el espectador...”

Y también: “Beto es el mejor compañero que podés tener. Es cómplice, conectábamos mutuamente, tiene mucho sentido del humor y es extremadamente generoso como compañero y como actor...”

Quizás ahí esté la clave de todo. En esa palabra: generoso. Brandoni lo fue en escena, con sus compañeros, con el público. Y Parque Lezama, sin haberlo buscado, termina funcionando como un testimonio. No solo de una obra que marcó un hito en el teatro argentino, sino de un actor que hizo de cada personaje una forma de quedarse un poco más.

Porque al final, mientras León sigue hablando en ese banco, mientras Antonio lo escucha con una mezcla de fastidio y ternura, lo que queda no es solo la historia. Es la sensación de que algunos diálogos no terminan nunca. Y de que ciertas despedidas, incluso cuando llegan, encuentran la manera de no ser del todo definitivas.

En 2015, la directora Paula Ortiz dirigió La novia, basada libremente en Bodas de sangre de Federico García Lorca. Una película que supuso un punto de inflexión entre el “viejo” y “nuevo” cine español y que consolidó a la cineasta como una de las voces más personales de nuestro panorama.

Paula Ortiz no ha dejado de experimentar. Ha adaptado a Ernest Hemingway en Al otro lado del río y entre los árboles, y también la obra teatral de Juan Mayorga en torno a Santa Teresa de Jesús en Teresa. También llevó a la pantalla la historia de Hildegart, la niña prodigio de la II República que fue asesinada por su progenitora en La virgen roja.

Ahora, con su espíritu indómito e inquieto, se introduce en un nuevo territorio que se conecta a la perfección con su universo: dramatizar para danza texto de Lorca.

“Ha sido una cosa muy bonita. Taiat Dansa me contactaron porque habían visto La novia y me dijeron si quería escribir los textos para uno de sus espectáculos de ballet. Y yo pensé: no creo que sea capaz. Pero al final, ha sido un proceso que no ha tenido nada que ver con las rigideces del cine, porque ellos trabajan desde las investigaciones del cuerpo, ese es su laboratorio”, cuenta Paula Ortiz a Infobae.

Una propuesta feminista e indómita

Se trata de una colaboración entre Les Arts y Dansa València que ha cristalizado en la coproducción de Las hijas de Bernarda, una creación de la compañía Taiat Dansa que aborda una relectura coreográfica del clásico lorquiano. El estreno absoluto se celebrará el 17 de abril de 2026 en el Teatre Martín i Soler, y contará con funciones adicionales los días 18 y 19 de abril en plena celebración del festival.

Así Las hijas de Bernarda convierte el texto de Federico García Lorca en una propuesta de danza contemporánea que plantea un diálogo entre el principio de autoridad y el deseo de libertad, explorando cuestiones como la opresión, la injusticia social, la hipocresía y la violencia estructural sobre las mujeres.

“Yo pensé que querían de mí ciertos textos contextuales del propio Lorca o del momento sociocultural. También de la República, que me interesa muchísimo. Así que empecé con textos de autores y autoras, de poetas, de políticos. Y hubo un momento en que empecé a hacer notas al margen absolutamente abstractas que me generaban una serie de sensaciones según iba investigando. Y cuando las leyeron, fue lo que más les gustó: queremos que sigas por ahí. Y así surgió todo, algo menos narrativo, menos dramático, menos sólido, más aéreo. Es un texto para acompañar tanto en el ritmo como a los cuerpos”, dice Paula Ortiz.

La directora y escritora cuenta que quería investigar en torno a las hijas de Bernarda Alba, mujeres jóvenes encerradas en un estado de duelo, de dolor, pero también de deseo y de explosión en el momento más excitante de sus vidas. Y cómo el amor, se convierte en odio.

“Creo que Lorca supo capturar de forma profética el espíritu de su tiempo, el del enfrentamiento entre gente de una misma sangre, y es algo que resuena en nuestro tiempo. Por eso, Lorca no se acaba nunca, siempre está ahí, siempre se repite como una letanía. Y en La casa de Bernarda Alba hay mucho de la condición ancestral femenina, de la juventud, de las frustraciones, del deseo, del odio”.

Este proyecto, codirigido por Meritxell Barberá e Inma García, sitúa el encierro de las cinco hijas como motivo central, recuperando así una mirada escénica que, según los impulsores, llevaba décadas pendiente desde que Mats Ek estrenara La Maison de Bernarda en mil novecientos setenta y ocho.

La puesta en escena de Taiat Dansa prescinde de la presencia física de Bernarda Alba. En esta versión, el personaje principal se sustituye simbólicamente. Así, Bernarda representaría el principio de autoridad de una España negra, ‘castradora’, que r’eprimíria’ la libertad de las mujeres y les negaría cualquier capacidad de decisión.

Siete bailarinas, Lara Misó, Julia Cambra, Irene de la Rosa, Mariona Jaume Camps, Eila Vals, Wilma Puentes y Celia Sandoya, asumen los papeles de las cinco hijas, mientras que la propia escenografía estructura la acción como un encierro entre palabras: la hoja monumental, escrita con tipografía infantil, junto al tul ‘gobelín’ en primer término, crea una atmósfera de encierro, como si se encontraran en una institución psiquiátrica.

La composición musical, a cargo de Caldo (David Barberá), suma guitarra eléctrica, flamenco insinuado y voz lírica en directo, con la participación en escena del propio Caldo, el bajista Miguel Villanueva y la soprano Èlia Casanova, especialista en música barroca y antigua.

El vestuario se aleja del luto tradicional y de la estética rural de los años treinta, vistiendo a las intérpretes con ropa cómoda y contemporánea en tonos grises, evocando la piedra y la arquitectura del franquismo.

Lorca nunca se acaba

El estreno de Las hijas de Bernarda tiene también dimensión conmemorativa, ya que en 2027 se cumple el centenario de la reunión de la Generación del 27 en el Ateneo de Sevilla, encuentro al que asistió Federico García Lorca.

Como decíamos, Lorca no se termina nunca. Lo demuestra que este año, en la Sección Oficial de Cannes esté a concurso La bola negra, adaptación de una de las obras inacabadas del autor por parte de Los Javis. “Que Lorca llegue a Cannes me parece brutal, y un auténtico orgullo”, dice Ortiz.

Sobre la polémica de Timothée Chalamet y la danza, la directora se muestra rotunda. “Fue torpe, yo creo que ni él si imaginaba el nivel de bocachancla que tuvo. En nigua caso puedes usar las artes contra otras artes, es ridículo, porque unas beben de las otras. El cine es literatura, el cine es música, el cine es movimiento, es movimiento de los cuerpos, es mirada. No se puede ignorar la danza. El baile es algo que pertenece a los seres humanos de manera atávica y liberadora. Todos bailamos, todos"

Esto nos preguntaremos durante la horita y media que dura la obra que dirige Marcelo Moncarz y que se está dando en Buenos Aires, en la sala de Hasta Trilce.

Como bestias sigue palabra a palabra la novela de igual nombre que escribió la francesa Violaine Bérot. Pero para la dramaturgia Mocarz trabajó sobre ese texto con Claudia Piñeiro. Y de la relación entre ellos surgió la idea de la obra.

“Marcelo y yo somos amigos hace muchísimos años y para todos los cumpleaños nos regalamos libros”, cuenta la escritora. “Entonces, en el cumpleaños anterior le llevé Como bestias y le dije: ‘Te lo traigo porque es uno de los mejores libros que leí, pero además porque cuando lo leas vas a querer hacer esta obra de teatro’. Y él inmediatamente quiso hacer la obra de teatro y me convocó a mí para hacer la adaptación. Fue el primer estreno mundial de esta obra".

Aunque en Como bestias haya hadas que cuidan a los niños, la historia sale de una observación de la vida real de la Bérot, que también tiene una historia particular. Trabajaba en informática, yendo de ciudad en ciudad, y un día, en un vuelo, se dio cuenta de que no era esa lo que quería para ella. “Necesitaba cambiar mi vida: Iba a perder dinero pero ganar en felicidad”, pensó. Y se fue a la montaña. Sí, a la montaña, sin electricidad y sin agua corriente. Tiró la computadora por la ventana (es una forma de decir, esto no lo puedo comprobar) y se dedicó a criar cabras y caballos. Y ahí le pasó algo que se relaciona con Como bestias: recibió a chicos de un hospital psiquiátrico y descubrió el vínculo especial que establecían con los animales. Y por ahí viene el Oso. Que, además de tener ese nombre de animal y de gruñir, los cura. En una zona rural, cura a los animales no se sabe cómo.

La novela, enconces, habla de este hombre que no habla y cura, que ha recibido a una niña que no se sabe de dónde salió y al que están juzgando no se sabe bien por qué, aunque a alguno de los que testimonian le llegarán a preguntar si la nena estaba vestida (responde indignado que sí). ¿Será el Oso el padre de la nena? ¿Será una hija oculta de Marieta, la madre del Oso? ¿La robaron?

Es un testimonio tras otro: la maestra de la escuela, un excompañero de clase, un corredor que pasaba por ahí, un ganadero, vecinos. ¿Le hizo algo a la nena en los cinco, seis años en que se hizo cargo de ella? No, está sana. La madre lo defenderá con los dientes apretados. Pero veremos si alcanza.

En la puesta, van hablando uno tras otro. Son parlamentos largos, que sostienen la intensidad y que construyen una historia hecha de muchas versiones. Están los que lo quieren, los que lo defienden, los que lo recuerdan como un niño que sufrió bullying, los que desconfían, los que lo ven como una incógnita: “No sé hasta dónde era capaz de comprender”. Y los que lo atacan: “No me creo ese rumor de que era él quien se hacía cargo de la niña. No. Eso solo pasa en los cuentos. Y aun así, en los cuentos, cuando un ogro se interesa por un niño, siempre es mala señal”.

Está, también, el impactante testimonio de una mujer violada por el bueno de su compañero de trabajo, que la impacable actuación de Yamila Ulanovsky convierte en uno de esos pasajes en que el espectador pierde el aliento: “Y de pronto, no sabes por qué, sin entender qué ha podido pasar ni desatar semejante furia, el amable compañero te empuja contra la mesa, te sujeta las manos, te aplasta la cabeza contra un montón de carpetas, te susurra al oído no te muevas, zorra, no digas nada, no quiero oírte”. El compañero sabe hablar. Que no gruñe. Que no parece un oso: se entiende hacia dónde apunta la obra.

Por momentos se escuchan gritos del joven que está encarcelado. Y llegan las palabras desesperadas de la madre: “Han encerrado a mi hijo, ¿y quieren que me calme?“, Y tambíen: "¿No entienden que lo que le da pánico es la manera que tienen de tratarlo? ¿Que está aterrorizado? ¿Que encerrarlo es lo peor que le pueden hacer? ¿Quieren que se vuelva loco? ¿Que se vuelva definitivamente loco?"

Desde la platea, duele. Ya escuchamos todo, que era una bestia, que hacía milagros, que daba miedo, que era un alma inocente. Escuchamos a todos. Creo no equivocarme si digo que hemos tomado partido.

Cómo ir

Dónde: “Hasta Trilce”, Maza 177

Horario: Lunes a las 20

Entradas: General, $22.000. Estudiantes y jubilados: $20.000 (Alternativa teatral)

Ficha

Autoría: Violaine Berot

Dramaturgia: Marcelo Moncarz, Claudia Piñeiro

Adaptación: Pablo Martín Sánchez

Actúan: Diego Albornoz, Cecilia Cósero, Jerónimo Dodds, Pablo Finamore, Daniela Flombaum, Jorge García Marino, Luis Alberto Gonzalez, Cecilia Labourt, Luz Miraldi, Silvina Muzzanti, Matías Panaro, Junior Pisanu, Marcelo Rodriguez, Lucía Saludas, Pablo Turchi, Yamila Ulanovsky Diseño de vestuario: Jorge Lopez

Diseño de escenografía: Gabriella Gerdelics

Diseño sonoro: Tom CL

Música original: Tom CL

Diseño De Iluminación: Sergio Nicolás Iriarte

Fotografía: Agus Ritell

Asistencia de dirección: Glenda Aramburu

Producción ejecutiva: Adriana Yasky Puesta en escena: Marcelo Moncarz

Dirección: Marcelo Moncarz

En Specimen Days, obra publicada en 1882, el poeta estadounidense Walt Whitman reconstruyó el primer magnicidio en Estados Unidos. Whitman vivía en Washington D.C. durante la Guerra Civil y trabajaba como empleado público y voluntario en hospitales. Admiraba profundamente a Lincoln y también le dedicó poemas.

“El 14 de abril de 1865 parece un día agradable en todo el territorio (…) La larga tormenta, tan oscura, tan fratricida, tan llena de sangre (…) había terminado al fin con el amanecer de una victoria absolutamente nacional, y la caída total del secesionismo (…) El general Robert E. Lee había capitulado bajo el manzano de Appomattox (…) los primeros pastos, las primeras flores, habían nacido (…) El popular diario de Washington, el pequeño Evening Star, había esparcido en cien lugares de toda su tercera página: ‘El Presidente y su esposa asistirán al Teatro esta noche’ (…) Llegaron en buena hora, y presenciaron la obra desde los grandes palcos del segundo piso, engalanados con la bandera nacional (…) La pieza se llama Nuestro primo americano (…) En el intervalo sobrevino el asesinato de Abraham Lincoln, con la discreción y simpleza de cualquier ocurrencia ordinaria (la apertura de un capullo o una vaina en medio de la vegetación, por ejemplo). Llegó el sonido de un disparo que no todos los presentes escucharon (…) Una figura súbita, un hombre, se yergue con manos y pies, se detiene un momento en la barandilla, salta hacia abajo al escenario, cae descompuesto pues el espolón de su bota se ha atorado en el espeso cortinaje —la bandera americana—, se desploma sobre una rodilla, se recupera prestamente, se levanta (…) y así la figura, John Wilkes Booth, el asesino, vestido con paño liso y negro, descubierta la cabeza, la cabellera espesa, brillante, y sus ojos centelleantes de luz y osadía (…) sostiene elevado en una mano un gran cuchillo, se da vuelta hacia el público, y lanza las palabras Sic semper tyrannis, y desaparece".

Aquella noche de viernes del 14 de abril, hace 161 años, un actor de fama irregular, John Wilkes Booth, le quitó la vida al decimosexto presidente de los Estados Unidos: el hombre que había conducido a su país al final de la Guerra de Secesión —Norte contra Sur, 1861 a 1865—, el conflicto más sangriento de la historia estadounidense, con cientos de miles de muertos y un país entero marcado por cicatrices que tardarían generaciones en cerrar.

Días antes, el general Robert E. Lee había rendido su ejército ante su par, el general Ulysses S. Grant, en la pequeña localidad de Appomattox. El gesto selló el derrumbe militar de la Confederación y el triunfo de la Unión. Y se abrió así una nueva etapa: el inicio del proceso que llevaría a la libertad legal de millones de esclavos, consagrada meses después en la Decimotercera Enmienda a la Constitución.

Entonces, se resquebrajó la economía del Sur, sostenida durante décadas por los campos de algodón, llenos de espinas y manos negras esclavas que trabajaban de sol a sol. El sistema que había enriquecido a plantadores y comerciantes comenzó a caerse a pedazos. La Confederación fracasó en su intento de romper el país. La Unión sobrevivió.

La Guerra Civil estadounidense había comenzado en abril de 1861, con el ataque confederado a Fort Sumter. Durante cuatro años, el conflicto se extendió por campos, ríos y ciudades, dejando un rastro de muerte y destrucción. La Unión, liderada por Lincoln y favorecida por su capacidad industrial y demográfica, fue imponiéndose lentamente, batalla tras batalla.

Cuando las armas callaron en abril de 1865, el país respiró con alivio. Pero la paz era frágil, reciente.

Y entonces llegó el disparo.

Un campesino autodidacta

Abraham Lincoln había nacido el 12 de febrero de 1809 en una cabaña de troncos cerca de Hodgenville, una zona rural de Kentucky. Era hijo de colonos modestos en una frontera dura, áspera, donde la supervivencia era un trabajo cotidiano.

Solo asistió a la escuela de manera esporádica. Se calcula que, en total, recibió menos de un año de educación formal.

Su juventud fue una sucesión de oficios: cortar madera, trabajar la tierra, transportar mercancías, atender negocios pequeños en pueblos que apenas comenzaban a existir. Estudió por su cuenta libros de gramática, matemáticas, literatura y derecho. Leía todo lo que podía conseguir, utilizando bibliotecas públicas y libros prestados.

Más adelante, comenzó a ejercer como abogado luego de estudiar derecho de manera autodidacta y aprobar el examen para ejercer la abogacía en Illinois.

Con el tiempo se convirtió en legislador en Illinois por el Partido Whig durante varios períodos, y más tarde en una figura política nacional.

Cumplidos los 51 años, en 1860, fue elegido presidente de los Estados Unidos. Su triunfo fue contundente en el Norte, pero escaso en el Sur, donde muchos lo veían como una amenaza directa al sistema esclavista que sostenía su economía y su modo de vida.

Cuatro años después, en medio de la guerra, fue reelegido.

Desde su despacho sobrio —tan sobrio como su ropa y su estilo personal— anunció una medida que anticipaba cambios profundos: su apoyo a un derecho limitado al voto para algunos afroamericanos, especialmente veteranos de guerra y hombres educados. Para los sectores más radicales del Sur, esa postura era inaceptable.

En algún lugar, en silencio, comenzó a gestarse la conspiración.

La noche del atentado, el presidente decidió asistir al teatro con su esposa, Mary Todd Lincoln, y dos acompañantes.

La ciudad estaba iluminada y animada. El palco presidencial en el Ford’s Theatre estaba decorado con banderas. En un momento de la función, mientras el público estaba atento a la obra, John Wilkes Booth, un conocido actor y simpatizante confederado, ingresó al palco presidencial.

Aprovechó un momento en que el guardia de seguridad se había ausentado y disparó a Lincoln por detrás, a corta distancia, utilizando una pistola de un solo tiro, modelo Derringer. La bala impactó en la parte posterior izquierda de la cabeza de Lincoln, atravesando el cráneo y alojándose cerca del ojo derecho.

Lincoln se desplomó hacia adelante, inconsciente.

El disparo fue breve, seco. Muchos espectadores no lo distinguieron en medio del ruido de la sala. Algunos pensaron que formaba parte de la obra. La confusión duró apenas unos segundos.

Luego, Booth saltó desde el palco hacia el escenario. Se incorporó con rapidez, visiblemente agitado, y alzó un cuchillo.

Se volvió hacia el público.

Y gritó:

—Sic semper tyrannis (en latín). ¡Así siempre a los tiranos!

Después huyó.

El presidente fue trasladado de urgencia a una casa frente al teatro. Allí, en una habitación estrecha, comenzó una vigilia silenciosa.

Entre quienes lo atendieron estaba el joven médico militar Charles Augustus Leale, uno de los primeros en examinarlo. Comprendió de inmediato que la herida era mortal. No había cirugía posible, ni medicina capaz de revertir el daño.

Durante la noche, ministros, oficiales y familiares se reunieron alrededor de la cama. Afuera, la multitud se agolpaba en la calle. Nadie hablaba en voz alta. El país entero parecía contener la respiración.

La agonía se prolongó durante nueve largas horas.

A las 7:22 de la mañana del 15 de abril de 1865, Abraham Lincoln murió sin recuperar el conocimiento.

Tenía 56 años.

La persecución de los responsables fue inmediata. John Wilkes Booth logró escapar durante varios días, ayudado por simpatizantes del Sur. Finalmente fue localizado en una granja de Virginia. Allí, rodeado por soldados federales, se negó a rendirse y fue abatido por un disparo.

Varios de sus cómplices fueron capturados, juzgados por un tribunal militar y ejecutados.

El cuerpo del presidente fue colocado en un tren fúnebre que recorrió varios estados. La ceremonia fastuosa se transformó en una despedida colectiva. En cada estación, se repetía la misma escena: multitudes que no podían contener las lágrimas y honraban al presidente.

El viaje terminó en Oak Ridge Cemetery, donde fue enterrado.

En el plano personal, Abraham Lincoln era un hombre reservado, introspectivo, con frecuentes períodos de melancolía. Las pérdidas familiares lo habían marcado profundamente.

Casado con Mary Todd, tuvieron cuatro hijos: Robert, Edward, William y Thomas. Solo el primero llegó a la vejez. Los otros murieron en la infancia o la adolescencia. Cada muerte dejó una herida abierta.

Su esposa provenía de una familia acomodada y activa en la vida social. Durante su estancia en la Casa Blanca atravesó momentos de inestabilidad emocional y fuertes tensiones personales, agravadas por el duelo y la presión pública.

Entre los recuerdos más persistentes de la vida de Lincoln aparece el nombre de Ann Rutledge, una joven de Nueva Salem que murió tempranamente a los 22 años durante una epidemia. La naturaleza exacta de esa relación fue objeto de debate entre historiadores, pero su muerte afectó profundamente al joven abogado.

El Lincoln Memorial recuerda la magnitud histórica de su figura. En una de sus paredes, las palabras permanecen talladas con una sobriedad casi íntima:

“En este templo como en los corazones de la gente por quien salvó la Unión la memoria de Abraham Lincoln se consagra para siempre”.

En pleno éxito teatral, Soledad Silveyra y Luis Brandoni tuvieron que suspender la comedia Quién es quién. Este fin de semana una noticia inesperada encendió la preocupación de fanáticos y colegas: la actriz debió ausentarse del escenario por motivos de salud. Ante el revuelo, Teleshow habló en exclusiva con el productor de la obra, Carlos Rottemberg, quien brindó detalles sobre la salud de Solita y cómo sigue el proyecto.

“Efectivamente se suspendieron las funciones desde el viernes por una dolencia de Solita, de la que se está reponiendo, desde hace un rato ya en la casa”, explicó Rottemberg a este medio, llevando tranquilidad sobre el estado actual de la actriz. Al ser consultado sobre la gravedad del cuadro, el productor remarcó: “Fue por prescripción médica que hubo que detener la temporada. No reviste gravedad, recién hablé con ella y se está reponiendo muy bien”. Así, el productor despejó las dudas de quienes temían por el estado clínico de la emblemática artista y dejó en claro que se trató de una medida preventiva, recomendada por los médicos, aunque no dio detalles de la dolencia que la aqueja.

Respecto al regreso de Silveyra a las tablas, Rottemberg adelantó: “En principio será el miércoles, según lo sugerido. Mañana estará más claro”. De esta manera, la vuelta de la actriz dependerá de la evolución que muestre en las próximas horas y de la autorización de los profesionales de la salud que la asisten.

No es la primera vez que la exitosa comedia, que reúne a dos grandes figuras del teatro argentino, atraviesa momentos de incertidumbre por cuestiones médicas. Durante el verano, la obra debió modificar sus planes y no pudo hacer temporada en Mar del Plata debido a una recomendación médica para que Brandoni permaneciera en Buenos Aires bajo control profesional. Este imprevisto obligó a realizar un “enroque” de elencos: Quién es quién cedió su lugar en la costa a El secreto, la pieza protagonizada por Ana María Picchio y Gerardo Romano, que terminó realizando una temporada muy exitosa que se extendió hasta Semana Santa. Por su parte, Quién es quién se quedó en Buenos Aires, en el Teatro Multitabaris.

La salud de Brandoni, de 85 años, también fue motivo de atención y cuidados especiales en los últimos meses. El pasado viernes 28 de noviembre, el reconocido actor fue hospitalizado de urgencia a causa de un pico de presión arterial, situación que obligó a suspender las funciones programadas en el Teatro Liceo. En ese entonces, en diálogo con Teleshow, el propio Rottemberg llevó tranquilidad al público y a la prensa: “Brandoni se encuentra estabilizado. Pasó la noche en el sanatorio para su monitoreo y se estima que en unas horas ya podrá regresar a su casa para continuar con la recuperación necesaria y seguir mejorando”.

El productor detalló que la internación de Brandoni fue una medida de precaución tras el episodio de presión alta: “Beto tuvo un pico de presión el domingo que obligó a suspender las funciones de ese día. A partir de eso se vienen realizando estudios que no muestran nada importante, pero en la semana estuvo bastante caído, lo que provocó suspender también el miércoles y luego la función de anoche, jueves”, explicó Rottemberg. En todo momento, tanto la familia como el equipo artístico priorizaron la salud del actor y, por recomendación médica y familiar, se decidió cancelar las presentaciones restantes en Buenos Aires para permitir una recuperación completa y sin sobresaltos.

La expectativa por el pronto regreso de la dupla es alta, y cada parte del equipo confía en que muy pronto podrá reanudarse la temporada y devolver a la calle Corrientes una de sus propuestas más aplaudidas. Mientras tanto, la comunidad artística y los fanáticos siguen de cerca cada parte médico, con el deseo de volver a aplaudir de pie a dos leyendas vivas del teatro argentino.

La trayectoria profesional de Fran Perea ha adquirido recientemente nuevos matices tras haber revelado en ‘La Revuelta’ que durante cinco años ha llevado a cabo una carrera interpretativa en Finlandia prácticamente desconocida en España.

El actor y cantante ha participado en la serie policiaca ‘Kosta: The Paradise’ entre 2019 y 2024, experiencia que se suma a su histórica popularidad alcanzada con Los Serrano y su reciente incursión teatral con 'El efecto’.

En el transcurso de una entrevista en el programa ‘La Revuelta’, Fran Perea ha reconocido que el fenómeno generado por Los Serrano en países como Finlandia y Serbia fue el detonante de estos proyectos internacionales.

El hecho diferenciador reside en que, aunque ha dedicado cinco años a rodar ‘Kosta: The Paradise’ en Finlandia —desempeñando el papel de un policía español que investiga un crimen en Málaga—, en España apenas existe constancia pública de esta faceta, dado que la serie no se ha emitido en el país, como ha explicado el propio Perea.

Carrera en Finlandia

La popularidad de Fran Perea se remonta a hace veintitrés años, cuando interpretó a Marcos en Los Serrano, una serie que se convirtió en referencia generacional y que le permitió iniciar una carrera también en el extranjero, actuando y ofreciendo conciertos en lugares como Serbia. Desde ese momento, el malagueño no ha cesado su actividad artística, aunque parte de la audiencia española haya perdido el hilo de sus proyectos, hecho al que alude irónicamente con el título de su último disco, ‘El hombre invisible’.

Según sus declaraciones, la oportunidad de trabajar en Finlandia surgió directamente a raíz del impacto mediático de la serie española en ese país nórdico, circunstancia que fue inesperada incluso para el propio actor. Fran Perea ha detallado que el rodaje de ‘Kosta: The Paradise’ le ha supuesto integrarse en una producción de género “nordic noir”.

No obstante, el idioma finés ha sido uno de los principales retos durante su participación, llegando a bromear sobre los equívocos que pueden producirse por la pronunciación: “Si dices una [vocal] de menos, estás diciéndole gilipollas al otro”, ha puntualizado en la entrevista.

La serie, cuyo punto de arranque es la ciudad de Málaga —donde reside la mayor comunidad finlandesa fuera de Finlandia—, narra la llegada de la policía nórdica para aclarar un asesinato. Durante este período, Perea permaneció casi inadvertido para el público español, pues “en España no se ha podido ver” la serie. A este respecto, el actor ha admitido con humor que tal vez debería haber recorrido más platós y promocionado su experiencia en territorio nacional.

Regreso a los escenarios y nuevas colaboraciones

En paralelo a su trayectoria en televisión internacional, la carrera de Perea se ha diversificado en el ámbito teatral y musical. Estos días, interpreta la obra El efecto junto a Alicia Borrachero, Elena Rivera e Itzan Escamilla, y presenta su disco 'El hombre invisible’, donde figura la canción “Nos volveremos a ver”, interpretada en La Revuelta acompañado por Víctor Elías y Ana Guerra.

Precisamente, la colaboración con Elías —quien encarnó a su hermano Guille en Los Serrano y actualmente tiene una reconocida carrera musical— y con Ana Guerra, cantante de Operación Triunfo 2020 y pareja de Elías, aparece reflejada de forma cómplice en varias intervenciones del artista.

Además de repasar con ironía su aparente desaparición del radar mediático español, Fran Perea se ha sometido a la ya clásica pregunta de David Broncano sobre el sexo, durante su intervención en La Revuelta.

En un momento de humor, Perea ha hecho referencia a su compañero Víctor Elías —en calidad de “amigo pianista”— para ironizar sobre la pregunta, y ha bromeado acerca de su falta de tiempo por la intensa carga de trabajo, puntualizando: “Alguna vez que he intentado hacerme una paja, ni la termino”.

De este modo, la presencia de Fran Perea en la actualidad artística nacional queda marcada por la combinación de una carrera internacional inadvertida para gran parte del público español, un retorno consolidado al teatro y la música, y la capacidad para abordar su trayectoria desde el humor y la autorreferencia. En el disco 'El hombre invisible’ subyace un guiño hacia quienes, erróneamente, han dado por desaparecido al artista en los últimos años.

Artistas escénicos que tengan proyectos de teatro y danza, atentos, porque el Instituto Mexicano de Seguridad Social (IMSS) de manera conjunta con la Secretaría de Cultura, han abierto oficialmente la convocatoria nacional Escenarios IMSS-Cultura 2026-2027.

Esta gran iniciativa cuenta con una bolsa de inversión de 30 millones de pesos para seleccionar hasta 100 proyectos de teatro y danza, otorgando apoyos de hasta 300 mil pesos para cada propuesta ganadora, lo que implica seis funciones dentro del circuito programado.

Esto es lo que necesitas saber para registrar tu obra y llevarla a la Red de Teatros IMSS

Artistas y creadores o integrantes de compañías escénicas, podrán realizar el registro de sus obras para llevarlas a la Red de Teatros del IMSS.

La convocatoria dirigida a proyectos de teatro y danza contempla dos líneas programáticas principales: propuestas orientadas a niñas, niños, jóvenes y aquellas destinadas a toda la familia.

El apoyo económico establecido alcanza hasta 300 mil pesos por cada proyecto seleccionado, permitiendo la realización y desarrollo de iniciativas dentro de estas disciplinas.

El registro de postulaciones permanecerá abierto hasta el próximo 29 de mayo de 2026 a las 16:00 horas, plazo límite para que los interesados presenten sus proyectos.

Las temáticas sugeridas para las propuestas incluyen el bienestar social, la promoción de la salud y la reflexión sobre problemáticas contemporáneas, abriendo un espectro amplio para el abordaje de cuestiones relevantes en la actualidad a través de artes escénicas.

¿Qué se necesita para participar?

La postulación debe ser realizada por una persona representante del proyecto, quien deberá tener preparada la siguiente documentación en formato digital:

• Constancia de situación fiscal actualizada.
• Cédula Única de Registro de Población (CURP).
• Comprobante de domicilio (con vigencia no mayor a 60 días). Fundamental que este domicilio coincida con la región geográfica por la cual estás postulando el proyecto.
• Currículum o semblanza que avale la trayectoria artística de la compañía o creador.
• Datos de contacto: correo electrónico y teléfonos vigentes.

Paso a paso para realizar el registro

El trámite es completamente gratuito y se realiza de manera 100% digital. Para postularte, debes seguir estos pasos:

• Entra a la plataforma: Accede al portal oficial de registro en www.escenariosimsscultura.inba.gob.mx y descubre todo lo que te espera.
• Crea un usuario: Regístrate en la plataforma para poder iniciar tu aplicación.
• Llena el formulario: Requisita cuidadosamente toda la información sobre la persona representante, el equipo de trabajo y los detalles técnicos y artísticos de tu proyecto.
• Carga los documentos: Sube los archivos en los formatos solicitados (identificaciones, semblanzas, requerimientos técnicos, etc.).
• Acepta los términos y envía: Lee y acepta los Términos y Condiciones de la convocatoria. Una vez que estés seguro de que tu información es correcta, envía tu registro antes del cierre de la plataforma.

El programa Escenarios IMSS–Cultura 2026-2027 ha lanzado su convocatoria nacional para seleccionar hasta 100 proyectos de teatro y danza que integrarán la programación de la Red de Teatros del Instituto Mexicano del Seguro Social (IMSS).

El proceso, anunciado por la secretaria de Cultura, Claudia Curiel de Icaza, contempla una inversión de 30 millones de pesos y busca fortalecer la circulación de propuestas escénicas.

Fecha límite de registro

Las postulaciones deben realizarse en línea antes del 29 de mayo a las 16 horas, según informó la Secretaría de Cultura del Gobierno de México. Los resultados serán publicados en julio en los sitios oficiales del IMSS y Secretaría de Cultura.

Escenarios IMSS–Cultura 2026-2027 seleccionará hasta 100 propuestas de creadores y agrupaciones de cualquier estado, siempre que se trate de obras ya estrenadas.

Cada proyecto aceptado recibirá un estímulo de 300 mil pesos para producir seis funciones programadas en la red: tres en el estado de residencia de los creadores y tres en recintos de la misma región, distribuidos en ocho regiones que abarcan 21 entidades.

De acuerdo con el comunicado el circuito se organiza en ocho diferentes regiones:

Región 1: Ciudad de México, Estado de México, Hidalgo, Morelos y Guerrero.

Región 2: Tlaxcala, Puebla, Veracruz y Oaxaca.

Región 3: Querétaro, Guanajuato, San Luis Potosí, Aguascalientes y Zacatecas.

Región 4: Michoacán, Jalisco, Nayarit y Colima.

Región 5: Coahuila, Nuevo León, Tamaulipas y Chihuahua.

Región 6: Baja California Sur, Sinaloa y Durango.

Región 7: Baja California y Sonora.

Región 8: Campeche, Chiapas, Yucatán, Quintana Roo y Tabasco.

Según la Secretaría de Cultura, este esquema favorece la movilidad artística y permite que el talento local y nacional interactúe con públicos diversos en recintos gestionados por el Instituto Mexicano del Seguro Social (IMSS) y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), organismo federal dedicado a las artes escénicas.

Para la edición 2026-2027, el programa incorpora siete nuevos teatros en seis estados: Baja California Sur, Chiapas, Chihuahua, Coahuila, Tamaulipas y Veracruz. Con esta expansión, la red extiende su presencia territorial y llega a comunidades que anteriormente no formaban parte de los circuitos nacionales de artes escénicas. El circuito anterior, en 2025, logró convocar a 100.000 asistentes en 17 ciudades, con presentaciones en 25 recintos y la participación de cien grupos provenientes de 28 estados.

Requisitos para participar en la convocatoria Escenarios IMSS–Cultura 2026-2027

Para participar en la convocatoria, las agrupaciones o creadores deben ingresar al sitio oficial de Escenarios IMSS–Cultura 2026-2027, completar el formulario digital de registro, adjuntar la documentación solicitada y presentar una propuesta de obra ya estrenada, especificando el estado de residencia y el circuito regional. Las postulaciones estarán abiertas hasta el 29 de mayo a las 16 horas, de acuerdo con el comunicado de la Secretaría de Cultura.

Expansión de la Red de Teatros del IMSS y nuevos espacios

Con la integración de siete nuevos teatros, la Red de Teatros del IMSS, sistema nacional de espacios escénicos públicos, amplía su programación 21 estados, extendiendo su oferta cultural. Las propuestas seleccionadas serán difundidas en julio en las plataformas institucionales, asegurando transparencia y visibilidad para los participantes.

La secretaria de Cultura Claudia Curiel de Icaza subrayó el carácter colaborativo de Escenarios IMSS–Cultura 2026-2027 como política institucional, abriendo más espacios para el teatro y la danza en el país.

El registro digital para la convocatoria está disponible exclusivamente en la página oficial de Escenarios IMSS–Cultura 2026-2027, y la edición 2026-2027 se desarrolla bajo la colaboración del Instituto Mexicano del Seguro Social (IMSS), la Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).

Con una carrera que arrancó en el stand-up y se expandió al streaming, la televisión y las giras por todo el país, Juampi González se consagró como una de las voces más originales de la nueva comedia argentina. Dueño de un humor sagaz y una espontaneidad que cautivó a miles en las redes sociales, Juampi construyó un camino propio, saltando de los micrófonos de bares porteños a los teatros más importantes del país. En exclusiva con Teleshow, el actor y comediante habló de su presente profesional, el salto a nuevos desafíos y el aprendizaje constante que implica animarse a salir de la zona de confort.

A lo largo de los años, logró transformar su pasión por hacer reír en un fenómeno que trasciende formatos. Desde sus primeros monólogos hasta sus personajes virales y la interacción diaria con el público, supo capitalizar la cercanía con los fans y reinventarse en cada etapa. Hoy, lejos de conformarse con los logros alcanzados, González se anima a explorar matices diferentes en Regla de tres simple, la comedia romántica contemporánea que protagoniza junto a Nancy Gay y que lo pone a prueba en el escenario, más allá de los límites del stand-up tradicional.

El regreso al teatro porteño, de la mano de esta obra escrita y dirigida por Hernán Krasutzky, no solo le permitió sumar nuevas herramientas actorales, sino también conectar con un público ávido de historias frescas, risas y emociones genuinas. Entre anécdotas de sus inicios, recuerdos de su familia, y la experiencia de alternar entre el humor más agudo y la reflexión sobre los vínculos actuales, el humorista comparte el detrás de escena de un presente vibrante, en el que la creatividad y el deseo de seguir creciendo son el motor para seguir apostando al arte y al encuentro con la gente.

—Vos venís del stand-up y las redes sociales. ¿Qué tiene el teatro para vos que esos formatos no?

—Yo vengo muy de la comedia estricta. Y ahora que me embarqué en una obra de teatro donde se ven otros matices, donde se juega con otras intenciones, también con el público, tiene su parte sensible, reflexiva, emotiva por momentos. Esto también es una novedad para mí: visitar esos lugares me gusta y me divierte, salirme solamente de la comedia. Creo que acá se le propone más un viaje al espectador, que tiene que comprar desde el minuto cero y después llevarlo al destino que queremos. Es mi primera vez proponiendo eso. Si bien con el stand-up hay una propuesta, la persona por ahí se puede desconectar en algún momento y volver, se va a enganchar igual. Acá la idea es que se embarque desde el primer momento y no perderlo hasta el final.

—¿Cuál fue el puntapié para decir: “Tengo ganas de probar teatro y dejar, no totalmente, la comedia que hacías, que no era tan estructurada”?

—En parte, la propuesta me gustó porque me permitía continuar con ese lado. A la par, si bien ahora por el estreno y los ensayos puse en pausa un poco mi parte de comediante, este sábado arranco con el personal de vuelta y el mes que viene tengo gira. Algo que me gustó es intentar ponerme a prueba en esa dualidad. Yo venía con ganas de hacer teatro, mis personajes en los shows y en las redes son más caricaturas. El detonante principal fue que me presentaran la obra y me gustó, me divirtió, me reí de solo leerla. Con una frecuencia de chiste muy grande, la gente se ríe mucho. Además, que el contacto lo hiciera Nancy Gay, mi compañera de elenco, tremenda comediante y amiga de mucho tiempo, ayudó mucho. Fue un combo: mis ganas, el proyecto y el equipo.

—En tu pasado estudiaste ingeniería. ¿Cuándo dijiste: “Quiero dedicarme a la comedia y dejar ese mundo”?

—Fue cuando terminé la cursada de la carrera. Ahí empecé a tener más tiempo libre y me animé a embarcarme más en la comedia. Más o menos tres años después de la muestra de fin de año del curso de stand-up que hice mientras cursaba ingeniería, ya habiendo terminado la cursada, acepté lo que venía sintiendo: que esto era para mí, que mi desarrollo iba por acá. Siempre sentí un disfrute muy grande en hacer reír, era un poco mi objetivo en los grupos en los que estaba. El rol de hacer reír. No lo concebía como una profesión hasta que vine a Buenos Aires, empecé a hacer cursos, actué, y ver que funcionaba, que me iba bien, que la gente me empezaba a elegir, fue clave. Las veces que funcionaba bien eran muchas más y siempre tuve mucha autoexigencia, así que fue por varios motivos que elegí este camino.

—¿Qué fue lo más desafiante de dejar atrás lo estructurado de una carrera de grado y tirarte a la pileta de la comedia?

—Romper con mandatos familiares y de amigos. Nadie en mi entorno había elegido algo artístico, el salto me quedaba más lejos. Terminé el colegio en Neuquén, donde lo artístico no se incentiva tanto como en Buenos Aires. Vine a estudiar a Capital, lo que facilitó encontrar cursos y ofertas. Lo más desafiante fue animarme y asumir la decisión, y después ver cómo hacer que eso rinda, porque lo artístico conlleva inestabilidad económica. Convertir esa linda sensación en un trabajo suficiente para mantenerme fue un desafío grande.

—¿La obra con Nancy te sacó de tu zona de confort?

—Sí, totalmente. Ensayar, que me dirijan, todo me sacó a una incomodidad linda, que tenía ganas de vivir. Es distinto estar acostumbrado a estar solo en el escenario y ahora amoldarme a otro, generar química. Por suerte con Nancy es fácil porque tenemos un código de humor similar. Pero también fue desafiante. Estoy aprendiendo y supongo que esto será un camino largo, no es que a la cierta función ya está. En mis unipersonales rompo mucho los monólogos, interactúo con el público para divertirme y para que no sean todas iguales. Acá, aprenderme un guion que no escribí yo, es un juego distinto.

—¿Se permiten improvisar o el texto es cerrado?

—Por suerte la obra tiene un guiño al stand-up. No lo hacemos, pero los personajes rompen la cuarta pared y le hablan directo a la gente. Ahí nos sentimos cómodos, nos gusta. Pero todavía improvisar mucho, no nos dejan.

—La obra pone reglas para el amor. ¿Sos de poner condiciones o de tirarte al vacío en una relación? ¿Te conectás con el personaje?

—Tengo conexión con el personaje, afortunadamente me queda cerca. Somos personas bastante calculadoras, medimos los efectos. En este caso, yo no pongo reglas determinantes, pero sí me encontré midiendo más, no tan estructurado como Isidro, que en la tercera cita quiere resolver todo para no enamorarse y no sufrir después.

—¿Creés que el humor es una forma de hablar sobre temas incómodos como el rechazo, el desamor o los problemas para comprometerse?

—Siempre convencido de que el humor es la mejor forma de comunicar y que un mensaje se reciba. Generás una apertura en el espectador y alivianás temas pesados. Reírse de los encuentros y desencuentros de pareja y de las estrategias absurdas para manipular sentimientos es clave. El humor nos permite reírnos de nosotros mismos y vernos en esas situaciones ridículas.

—Hoy con tanta hiperconectividad, ¿creés que el amor está más cerca del algoritmo que del destino?

—Creo que no. Intentamos que suceda, pero la realidad es otra. Buscamos que el algoritmo mande, pero lo que sucede, sucede. Las redes sociales hicieron que las opciones se multipliquen hasta el infinito. Antes era imposible, ahora se pude conocer a alguien de cualquier parte del mundo. Pero eso genera ansiedad y la sensación de que siempre te estás perdiendo algo. Para divertirme, sí fueron un beneficio, pero para vínculos profundos, creo que todo lo contrario: generan superficialidad y es difícil sostenerlo. Todo lo que vemos son relaciones perfectas y eso sube la vara de lo que uno espera, pero la realidad es distinta.

—Si tuvieras que definir la obra en una palabra o frase para el público, ¿cuál sería?

—Una gran comedia romántica con un mensaje que genera debate. Después de la función, la gente se queda charlando, debatiendo. Es una comedia romántica que desenmascara algunas tramas de la actualidad.

—¿Qué otros proyectos tenés para este año?

—A partir de abril voy a estar en un programa de streaming, Viernes 13, que va a salir los viernes a la noche. Es un formato de entrevistas, sketch, bandas en vivo, algo bien de show y entretenimiento. También voy a tener una participación en una película que se filma ahora en abril, La navidad de los García, una comedia de actualidad, una especie de Esperando la carroza renovada. Un personaje bien cómico. Así que preparándome para eso también. Por el momento esas son las novedades.

“Con el Diablo en el Cuerpo”, se presenta en el Teatro Bar El Vicio. Verónica Langer, Cecilia Toussaint, Laura de Ita y Nikhol Dahuach protagonizan este espectáculo que estará disponible hasta el 5 de junio.

Para hablar de la puesta en escena, la actriz Nikhol Dahuach, habló con Infobae México respecto a la naturaleza de la historia, los temas que trata y su trabajo sobre el escenario.

¿Por qué el espectáculo se llama ‘Con el Diablo en el Cuerpo’?

“Históricamente se nos ha demonizado a las mujeres siempre por sentir demasiado, por expresar nuestras emociones y nuestras contradicciones. Lo que aquí decimos es: tomamos la metáfora de tener el diablo en el cuerpo y lo transformamos en un acto de libertad, de celebración, donde nos permitimos expresarnos libremente, donde cantamos a garganta partida, donde conectamos con las emociones y con los procesos desde otro lugar, reivindicando la intensidad de sentir mucho desde un lugar de goce compartido con la gente y desde el humor, y es muy bonito. Por eso decimos que es un exorcismo, porque es como sacarnos de adentro todo eso que parece que hemos tenido que ocultar”.

¿Cómo es compartir escena con Verónica Langer, Cecilia Toussaint, Laura de Ita?

“Es un proceso hermoso, maravilloso. Hemos aprendido mucho una de la otra. Cada quien ha llegado con su experiencia. Hay distintas edades, porque somos varias generaciones. El elenco arranca desde los treinta y va hasta los setenta y dos años. Cada quien trae como su sabiduría. Tanto de lo que ha aprendido de su trayectoria como en su vida personal. Hemos trabajado mucho en torno a eso, ¿no? Como a la conversación, a la comunidad, al diálogo y cómo vive y percibe cada una estos temas que se abordan en la obra y cómo lo llevamos a la ficción. La verdad que se han formado unas amistades muy lindas, unas relaciones hermosas y eso hace que disfrutemos mucho compartir el escenario y que cada función tenga como su personalidad propia, ¿no? Un poco de lo que va, lo que va sucediendo en el momento".

¿Aún sigue siendo “polémico” que las mujeres se expresen?

“Sí, totalmente sigue pasando. Lo vemos todo el tiempo, eh, cómo está puesta siempre la mirada sobre las mujeres al momento en el que abren la boca para opinar o para hablar de ciertos temas, sino es sobre los cuerpos, ¿no? Como que hay algo ahí muy fuerte de estigma, de todo lo que significa cualquier cosa que hagamos o digamos o los escenarios donde nos subimos, tanto en el arte como en la política, como en en todos los aspectos de la sociedad. Por eso nos parece que la obra es muy contemporánea y está vigente. Lo que es interesante es que justo retomamos personajes mitológicos contemporáneos y bueno, también traemos a Marilyn Monroe, a John F. Kennedy, y parece, ¿no? Que uno, uno diría: bueno, sí, son los cincuentas, ya la cosa cambió. No, sigue. Esto que está pasando, de lo que estamos hablando en la obra, se sigue reflejando todavía en, en la realidad de las mujeres y nuestra, ¿no? También de nosotras como actrices".

¿Cómo fue trabajar bajo la dirección de Mariana Gajár?

“El trabajo con Mariana también fue maravilloso, un proceso muy amoroso, muy generoso. Ella tiene muchísima experiencia, no solamente en teatro, sino también en música, en cabaret, es cantante, es actriz, eh, y toda esa expertise que ella tiene está super volcada en el montaje, y en el proceso. Es una obra que está liderada casi que al noventa y cinco por ciento por mujeres y ha sido muy bonito ese proceso, porque hay algo de la manera en la que nos entendemos y en la que nos hablamos, que es muy femenino. Hay, hay una reivindicación también de la feminidad muy bonita y Mariana ha sido generosa, amable. Generosa digo tanto en el trato, ¿no?, como humano, en lo artístico, en habernos dejado proponer, en haber creado en conjunto".

¿Cómo interactúa el público con la obra?

“La gente está super compenetrada siempre con lo que está pasando y hace comentarios, nos hablan, nos sugieren cosas, ¿no? Tanto a los personajes como a las actrices. Hay como... como es cabaret, hay una licencia, ¿no?, de entrar y salir de la ficción cuando queramos. Y eso es muy bonito porque genera un diálogo con el espectador. Y los músicos que tocan en vivo también son parte del elenco y también participan en la ficción. Entonces, se genera toda una relación tanto con los músicos como con los espectadores muy bonita. Y la gente se libera mucho y nos habla, nos grita cosas, bailan, cantan. Es muy divertido. Se suben al escenario varias veces. Es una experiencia muy diferente de lo que es ir a ver una obra más convencional".

¿Cómo fue tu preparación para este proyecto en particular?

“Pues bueno, toda la vida he tomado clases de canto, de baile, de teatro y ahora, bueno, cuando supimos que se iba a hacer realidad el proyecto, claramente el nivel de compromiso que hay que poner es. alto. A mí me gusta comprometerme mucho con los procesos y retomar la formación y volver con las clases de canto y de baile y entrenamiento físico. Es una obra que, cuando uno la ve, puede parecer sencilla, sobre todo por esta característica que tiene de ser tan fresca, tan relajada, pero lo que hacemos arriba del escenario es muy intenso y hay mucha coreografía y cantamos. Es bastante multidisciplinaria y eso exige de las actrices una cierta preparación. Está un poquito vinculado a la comedia musical y sus lenguajes. Y me encantó, me encanta el desafío y me encanta estar en obras así multidisciplinarias”.

El teatro peruano se prepara para recibir a uno de los actores más respetados y versátiles de la escena latinoamericana. Humberto Zurita, primer actor mexicano, regresa a Lima como protagonista, director y adaptador de ‘El Seductor’, una comedia atrevida y llena de humor sobre los enredos amorosos y las consecuencias de nuestros actos.

El montaje, que ya ha recorrido con éxito diversas ciudades de México, Bolivia y Guatemala, tendrá dos funciones diarias el 16 y 17 de mayo en el Auditorio del Colegio San Agustín. El reconocido actor, director y productor vuelve a Lima para protagonizar y dirigir la exitosa comedia de enredos, acompañado de un elenco estelar que incluye a Chantal Andere, Stephanie Salas y Gina Varela.

‘El Seductor’ narra la historia de Carlos, un hombre encantador y maestro del engaño, que ha hecho del flirteo y la mentira su modo de vida. Carlos, casado con Silvia (interpretada por Chantal Andere), verá cómo su mundo se desmorona ante la aparición de Valeria (Gina Varela) y Julia (Stephanie Salas), dos mujeres que pondrán en jaque su aparente equilibrio y lo llevarán a enfrentar situaciones tan cómicas como caóticas.

La obra explora, con ironía y picardía, los límites del amor, la seducción y el precio de jugar con fuego. La puesta en escena, producida por Gabriel Varela, destaca por su dinamismo, agudeza en los diálogos y momentos en los que se rompe la cuarta pared para interactuar con el público, logrando una experiencia teatral cercana y divertida.

Un elenco estelar y una comedia que invita a la reflexión

Además de la presencia de Humberto Zurita, la obra cuenta con la participación de figuras reconocidas del espectáculo latinoamericano. Chantal Andere da vida a Silvia, la esposa de Carlos, una mujer fuerte y sagaz que no tarda en sospechar de la doble vida de su marido. Por su parte, Stephanie Salas y Gina Varela interpretan a las conquistas del protagonista, aportando dinamismo, contraste y giros inesperados a la trama.

La comedia combina situaciones cómicas, diálogos inteligentes y escenas de enredos, pero también invita a la reflexión sobre la honestidad en las relaciones, el deseo y las fronteras de la seducción. El personaje de Carlos, a pesar de sus infidelidades y su “mal comportamiento”, resulta carismático para el público, lo que le permite a la obra cuestionar los prejuicios y explorar las complejidades del amor contemporáneo.

La producción, que ya ha recibido elogios en otras ciudades latinoamericanas, llega a Perú con la promesa de ofrecer una experiencia de teatro en vivo de primer nivel, combinando comedia, crítica social y actuaciones de alta factura.

Gira internacional, preventa de entradas y precios

‘El Seductor’ es una comedia que ha logrado posicionarse como una de las propuestas más exitosas de la cartelera latinoamericana. Bajo la producción de Gabriel Varela, la obra ha recorrido importantes escenarios en México, Bolivia y Guatemala, consolidándose como una opción preferida por el público que busca entretenimiento, humor y reflexión.

La llegada de Humberto Zurita y su elenco a Lima marca un nuevo hito en la gira, que apuesta por llevar el teatro de calidad a distintas ciudades de la región. Las funciones en el Auditorio del Colegio San Agustín serán el 16 y 17 de mayo, con dos presentaciones diarias, una oportunidad única para los espectadores peruanos de disfrutar del arte y el carisma de uno de los actores más importantes de la televisión y el teatro mexicano.

La preventa de entradas comenzó el jueves 26 de marzo a las 9:00 a.m. a través de la plataforma digital y módulos de Teleticket, con un 20% de descuento con cualquier medio de pago. Los precios varían según la zona, desde S/105 en Mezzanine Preferencial hasta S/259 en Golden Central.

• Mezzanine Preferencial: S/105
• Mezzanine Vip: S/146
• Golden Lateral: S/197
• Vip: S/227
• Golden Central: S/259

La gira de ‘El Seductor’ reafirma la vigencia y el atractivo del teatro en vivo, y representa una apuesta por el entretenimiento de calidad que combina humor, crítica social y actuaciones memorables. Humberto Zurita, junto a su elenco, invita al público limeño a vivir una experiencia única, llena de risas, emociones y reflexiones sobre el amor y la vida en pareja.

La escena teatral peruana se prepara para recibir uno de los montajes más aclamados de la última década. 'La Ballena’, la obra escrita por Samuel D. Hunter y reconocida internacionalmente tras su exitosa adaptación cinematográfica, se presentará por primera vez en el Perú en una temporada limitada de tres únicas funciones en el Teatro Canout.

Un drama conmovedor que conquistó al mundo

Bajo la dirección del reconocido Ricky Pashkus y con la actuación protagónica del multipremiado Julio Chávez, ‘La Ballena’ llega a Lima desde Argentina tras cosechar elogios y premios en los principales escenarios teatrales.

La obra, considerada una de las piezas más conmovedoras de la dramaturgia contemporánea, explora la fragilidad, la redención y la búsqueda de conexión humana.

En escena, Julio Chávez encarna a 'Charlie’, un profesor de literatura que padece obesidad severa y dicta clases virtuales desde el aislamiento de su hogar. Con su salud deteriorándose y la noticia de que le queda poco tiempo de vida, Charlie decide intentar una última reconciliación con su hija adolescente, Ellie, en un desesperado intento de redención y perdón.

Elenco de primer nivel y dirección de prestigio

El elenco, cuidadosamente seleccionado, incluye a Laura Oliva, Máximo Meyer, Manuela Yantorno y Cecilia Cambiaso, quienes acompañan a Chávez en una puesta en escena intensa, humana y profundamente emocional. La dirección de Ricky Pashkus, figura consagrada del teatro argentino, garantiza una experiencia teatral de alto impacto y calidad.

Tres funciones imperdibles: fechas y lugar

La llegada de ‘La Ballena’ a Lima es un acontecimiento único. La obra se presentará solo los días 5, 6 y 7 de junio en el Teatro Canout, ubicado en el distrito de Miraflores.

• Funciones: 5, 6 y 7 de junio
• Lugar: Teatro Canout, Miraflores

La producción garantiza una experiencia íntima y conmovedora, ideal para los amantes del teatro y quienes buscan historias profundas y transformadoras.

Entradas y descuentos: cómo asegurar tu lugar

Las entradas para ‘La Ballena’ ya están a la venta y pueden adquirirse a través de Teleticket y en la boletería del Teatro Canout. Se ofrece un 30% de descuento con cualquier medio de pago hasta el mediodía del viernes 3 de abril a través de la web de Teleticket, una oportunidad única para disfrutar de una obra de primer nivel a un precio especial.

Dada la limitada cantidad de funciones, se recomienda al público asegurar sus boletos con anticipación y no perderse la oportunidad de presenciar esta obra que ha estremecido a críticos y audiencias en todo el mundo.

Una historia que llegó al cine y conmovió al público global

‘La Ballena’ cobró aún mayor notoriedad tras su adaptación al cine, que llevó la historia a una audiencia mundial y la consolidó como un relato universal sobre la soledad, la familia y el perdón.

La obra, original de Samuel D. Hunter, es reconocida por abordar temas como el estigma social, la autoaceptación y la lucha por reparar los lazos rotos, tocando fibras sensibles y dejando huella en cada espectador.

La llegada de ‘La Ballena’ a Lima marca un hito en la agenda cultural del año. El montaje, que ha sido celebrado en festivales y teatros internacionales, promete emocionar, inspirar y dejar una profunda reflexión sobre la vida, los vínculos familiares y la capacidad humana de perdonar y amar a pesar de todo.

No dejes pasar la oportunidad de vivir una experiencia teatral única, de la mano de un elenco y una dirección de excelencia. Esta obra es, sin duda, el plan imperdible para los amantes del arte, el drama y las grandes historias.

Hay obras que se ven.

Y hay obras que te transforman por dentro.

Hamlet, de William Shakespeare, es una de las piezas más complejas jamás escritas: poder, traición, duda, muerte. Un príncipe enfrentado no solo a un crimen, sino al peso de existir en un sistema que ya no reconoce como propio.

Pero lo que está ocurriendo hoy con Hamlet desde Perú no es una interpretación más.

Es una intervención.

La versión dirigida por Chela De Ferrari en Teatro La Plaza toma ese texto universal y lo coloca en los cuerpos, las voces y la presencia de jóvenes actores peruanos con síndrome de Down — entre ellos Jaime Cruz, Manuel García, Cristian Alarcón, Ximena Rodríguez, Diana Gutiérrez.

Y en ese gesto, algo se transforma.

No el texto.

El sistema.

Tuve la increíble oportunidad de asistir a una de las primeras funciones en 2019, en Lima.

Y lo que vi fue realidad, fue verdad, fue belleza.

Fue una pregunta que no se podía esquivar: ¿Quién decide quién puede representar lo universal?

Hoy, esa misma obra está recorriendo el mundo.

Actualmente, el elenco se presenta en Nueva York, en el Polonsky Shakespeare Center, como parte del circuito internacional que ha llevado esta obra a escenarios en Europa y América Latina.

Estamos hablando de centros culturales donde se define el canon contemporáneo.

Y ahí están ellos.

Ocupándolo.

Lo que ocurre en escena es difícil de explicar con lenguaje técnico.

Porque no se trata solo de actuación.

Se trata de presencia.

Cada gesto, cada silencio, cada palabra resignifica Hamlet.

Lo desplaza del conflicto individual al conflicto estructural: ser visto, ser escuchado, ser reconocido en un mundo que históricamente ha decidido quién importa.

Esto no es solo inclusión.

Es una reconfiguración cultural.

Es el momento en que un grupo de jóvenes peruanos —desde el arte— empieza a transformar las reglas no escritas de quién tiene acceso a los espacios de legitimidad global.

Y hay algo profundamente poderoso en esto.

Porque no están pidiendo permiso.

No están adaptándose al sistema.

Están obligando al sistema a adaptarse.

Estoy seguro de que lo que me transformó en esa sala en Lima en 2019 es lo mismo que hoy está impactando a audiencias en Nueva York, en Europa, en cada ciudad donde esta obra se presenta.

No es solo empatía lo que generan, es algo aún más poderoso, es reconocimiento.

En un mundo que sigue operando con categorías estrechas de talento, capacidad y valor, esta obra hace algo radical: expande el campo de lo posible.

Y por eso —más allá del teatro— esto es tan transformador.

Porque cuando se redefine quién puede estar en escena, también se empieza a redefinir quién puede estar en el poder, en la economía, en la toma de decisiones.

Lo que está ocurriendo con Hamlet no es solo un logro artístico, es un acto político, cultural y simbólico de enorme escala.

Y sí, hay que decirlo con claridad: es algo que debe llenarnos de orgullo.

Un orgullo enorme ver a estos jóvenes peruanos no solo representar a Perú, sino transformar, desde el arte, la conversación global sobre talento, dignidad y posibilidades.

Porque al final, la pregunta de Hamlet siempre fue existencial: ¿ser o no ser?

Ellos ya respondieron.

Y lo hicieron ocupando el escenario del mundo.

Hay encuentros que parecen dictados por una sincronía necesaria. El nuestro sucedió en 2021 en Plaza Los Andes. Estábamos en esa pausa suspendida de la pandemia, con barbijos y una distancia cautelosa que nos obligaba a buscarnos la mirada. Allí me encontré con Luciana Wiederhold, a quien conozco desde nuestro primer taller de teatro adolescente. Lo paradójico es que, pese a años de amistad, Luciana jamás me había hablado de sus orígenes. Ese día, junto a Cielo y Valle Chaina, sus primas, emergió una revelación: me convocaban para dirigir un material que tocaba una fibra ancestral que yo desconocía. Así comenzó el encuentro creativo que fue corriendo ese velo genealógico que había permanecido en sombras.

El pedido llegó en un momento de resonancia personal: investigaba el biodrama y el teatro documental, fascinada por esa zona donde la vida se vuelve materia escénica. Estaba, además, atravesada por la pérdida de mi hermana, un proceso que encontraba un eco profundo en los lazos de la obra. Ellas traían un latido iniciado en el programa “Incubadora de Primeras Obras” del Gobierno de la Ciudad; eran escenas en germen, fragmentos de identidad buscando forma. Mi casa se convirtió, pronto, en el refugio para esa búsqueda como ejercicio de memoria escénica.

La obra parte de la reconstrucción judicial del asesinato de un poblador mapuche, Tomás Marilef, en 1932. A través de este hecho, tres de sus bisnietas, Cielo, Valle y Luciana, exploran el encuentro con la ancestralidad mapuche, cruzando el archivo histórico con la memoria sensible para desarticular el silencio de un despojo y proyectar, en el presente, su propia identidad.

A cada ensayo llegaban con materiales diversos: poemas, fotos familiares, documentos, joyería y canciones olvidadas. Aparecían palabras en mapuzungun que se esbozaban tímidamente con la necesidad de conocer su significado profundo. Luciana acercó una pieza que cambió la escala del paisaje: un artículo de su prima, la periodista Patricia Chaina. Una investigación académica documentada en el Archivo Histórico de la Provincia de Río Negro que rescata del olvido el asesinato de su bisabuelo para expropiarle las tierras y el trazado del alambrado que limita y aleja a la población de la vida social, como un modo simbólico y concreto de deslegitimar una cultura.

La trama contiene una estructura donde subyacen distintas líneas de tiempo: la del relato de infancia, plasmada en escenas de biodrama donde cada una rememora el momento en que emergió la pregunta por sus orígenes; la del tiempo pasado, inscripta en los archivos de la época; y un tiempo presente de encuentro, donde las tres primas hilvanan el tejido de la familia Marilef-Paillalef. Así se configuró la dramaturgia colectiva, una herida abierta en el papel para trazar un hilo conductor entre estas dimensiones. Para profundizar la mirada histórica, contacté a Cristian Quiroga, historiador de la Universidad Nacional del Comahue. Sus lecturas y saber pedagógico marcaron un relato contundente sobre el racismo estructural y el despojo.

El proceso me planteó una dificultad compleja: armar sistema con tres registros actorales diversos. Valle es psicoanalista; Luciana tiene experiencia como docente y artista de clown y Cielo es licenciada en actuación de la UNA. El desafío fue crear una gramática común donde la técnica, la formación universitaria y la presencia de quien no viene del oficio teatral se potenciaran. Esto pudo concretarse gracias a la confianza absoluta que ellas depositaron en mi dirección para guiar no solo el cruce de lenguajes, sino el rumbo escénico y dramatúrgico, a partir de sus memorias e historias personales como materia prima sensible.

Trabajé con Merlina Molina Castaño en el diseño de escenografía y vestuario para crear una estética minimalista y envolvente: un “sinfín patagónico”. En ese horizonte visual se proyectan fotos familiares, videos de la cordillera y texturas que sostienen la narración. Esta arquitectura se completa con la música de Pablo Salzman, un paisaje sonoro donde instrumentos autóctonos se entrelazan con texturas contemporáneas.

Cuando la pieza fue seleccionada por la residencia VIVA de El Galpón de Guevara, se instaló en mí la confianza de que el proyecto tenía una resonancia vital. Estar allí alojadas nos permitió dimensionar una obra cuya escala es difícil de concretar en el teatro independiente. Habitar el espacio en residencia nos dio la posibilidad excepcional de montar una plataforma de 64 metros cuadrados y ensayar los últimos meses en el escenario del estreno. En este sentido, la apuesta de El Galpón de Guevara en apoyo a las compañías emergentes es crucial; su apertura a la experimentación nos permitió habitar un proceso que no hubiera cabido en cualquier espacio, confirmando que el teatro es el lugar donde el silencio finalmente se quiebra.

No estamos contando una historia vieja; estamos abriendo paso a una búsqueda actual sobre la identidad que dialogue con nuestro pasado. La obra se vuelve así un homenaje a las abuelas, un lazo hondo con la memoria ancestral; una forma de encontrarnos en los pliegues de la historia para recordar quiénes somos, y hallar una hendija en la tierra para volver a brotar.

*El Alambrado. Biodrama de una familia mapuche. Sábados 4 y 11 de abril a las 19.30hs, en El Galpón de Guevara (Guevara 326, Chacarita). Entrada general: $20.000 / Combo 2x1 VIVA - por Alternativa

**La autora es la directora de la obra

La obra “La niña y el jaguar” se inspira en una historia real y utiliza tìteres, música en vivo, capoeira y recursos de la cultura popular latinoamericana para relatar la vida de una niña que, tras perder a su familia, se ve forzada a trabajar en el campo desde una edad temprana. Según consignó el medio, este espectáculo es fruto de una colaboración artística entre la compañía brasileña Mosaico Cultural y los Titiriteros de Binéfar, y busca tender puentes culturales entre América Latina y Europa a través de su puesta en escena en la Casa de los Títeres de Abizanda, durante la Semana Santa.

De acuerdo con lo publicado, entre el 2 y el 5 de abril, este espacio cultural, ubicado en Sobrarbe, ha programado cinco funciones de teatro, música y humor dirigidas a públicos de todas las edades, en una edición marcada por el intercambio entre las tradiciones aragonesa y latinoamericana. El medio detalló que la programación abrirá el jueves 2 de abril, con dos funciones de “La niña y el jaguar”, que tendrán lugar a las 12.00 y a las 17.00 horas. Pilar Amorós, directora de la Casa de los Títeres, remarcó la estrecha vinculación entre la compañía anfitriona y la brasileña, además de destacar que la obra une la experiencia profesional de los Titiriteros de Binéfar con la energía de la cultura latinoamericana. Paco Paricio, cofundador de los Titiriteros de Binéfar, apuntó al éxito del espectáculo por su capacidad para conectar emocionalmente con la audiencia: “Inspira a liberarse de los miedos, a celebrar los logros y a curar heridas a través del arte, la música y la danza”, según recogió el medio.

El viernes 3 y el sábado 4 de abril a mediodía, serán los Titiriteros de Binéfar quienes tomarán el escenario con su nuevo montaje, “El jardín de la alegría”. Esta obra, de corte introspectivo y personal, toma como punto de partida los recuerdos de la infancia de Pilar Amorós. La narración, según explicó la organización, integra canciones populares —con la inclusión de piezas como “Los peregrinitos”— y elementos propios de la cultura local y familiar, apoyándose en títeres, música en directo y juguetes para explorar temas de memoria e identidad. La trama se centra en los personajes de Pilar, una volatinera, y Quiri, un músico, quienes construyen un escenario cargado de referencias emocionales y culturales, recreando un contexto en el que la música y el juego constituyen la base de la experiencia vital.

Tal como publicó la fuente, la programación concluirá el domingo 5 de abril con la función “A comer...!”, presentada por la compañía aragonesa Patri Coronas y Monopájaroverde. En este espectáculo, el humor, el circo y la música se combinan en una comedia de payasos que introduce acrobacias, malabares y percusión corporal. Los personajes principales creen ser los invitados a un banquete popular, aunque descubren que se les encomienda la tarea de “servir la comida” al público, otorgando así un sentido metafórico y artístico a la obra. El repertorio incorpora además recursos del folclore, relatos, poesía y propuestas participativas para el público.

La experiencia ofrecida por la Casa de los Títeres trasciende las representaciones teatrales. Según publicó el medio, su museo abrirá una hora antes de cada función y se sumarán actividades complementarias, como juegos tradicionales, conciertos de música y ejercicios imaginativos en distintos rincones del recinto, incluyendo la era, el patio y la Casa Maza. El formato del evento permite la interacción entre artistas y asistentes después de cada espectáculo, reforzando la dimensión colectiva y participativa de la programación.

La organización, según detalló el medio, ha destacado que la programación fue diseñada para enriquecer la Semana Santa en el Pirineo aragonés, convirtiendo la Casa de los Títeres de Abizanda en un punto de referencia cultural. Los impulsores del evento remarcaron la apuesta por combinar creatividad, diversidad y herencia tradicional, posicionando la cultura del teatro como punto de encuentro para públicos de diferentes edades y procedencias.

El regreso de Felton como Draco es relevante como símbolo generacional para los seguidores de la franquicia. Según reveló en el podcast, el actor reflexionó sobre la transformación del personaje y la continuidad de la historia en manos de nuevas generaciones. También abordó las exigencias del teatro en Broadway y la conexión emocional que mantiene con sus compañeros y admiradores.

Emoción y significado de volver como Draco Malfoy

El actor describió la intensidad emocional que atraviesa en cada función en Broadway y admitió que la experiencia supera sus propias expectativas. “Tengo que pensar en objetos aleatorios para no emocionarme demasiado”, confesó en el podcast.

El actor también recordó la sorpresa que le genera la vigencia del fenómeno Harry Potter. Señaló que, en su momento, creían que el entusiasmo del público disminuiría tras el cierre cinematográfico, pero reconoció que ocurrió lo contrario: “Pensábamos que la llama del fandom se apagaría tras la última película, pero la respuesta ha sido increíble”.

En relación con el clima en la sala, destacó la reacción del público neoyorquino al inicio de cada función. Explicó que percibe ese entusiasmo desde el escenario y que intenta mantenerse enfocado en su actuación.

“Me doy cuenta del entusiasmo de la gente y simplemente intento concentrarme en escena, especialmente en los ojos de Harry, interpretado por John Skelley”, detalló.

La evolución de Draco Malfoy y el desafío en escena

Al interpretar un Draco adulto y padre, reconoció el cambio radical respecto al personaje de las películas: “El Draco que recordaba era un niño bastante arrogante, pero ahora tiene 38 años, igual que yo, y ve la vida desde otra perspectiva”.

El actor se refirió a la complejidad técnica de la puesta en escena y subrayó la magnitud del equipo involucrado en cada función. “Hay cerca de 138 personas trabajando en el teatro durante el montaje. No puedo contar cuántas trampas y mecanismos hay, ni cómo funcionan la mitad de los trucos”, comentó.

Por otro lado, destacó la influencia de Jason Isaacs, quien interpretó a Lucius Malfoy, padre de Draco, en la construcción de su interpretación actual. Señaló que toma como referencia su trabajo en las películas e intenta trasladar a escena algunos de sus rasgos. “Me inspiro en Jason Isaacs e intento mostrar la dignidad y la calidez que él tenía fuera de cámaras”, afirmó.

Harry Potter, familia y compañerismo tras bambalinas

El actor británico describió el vínculo con sus excompañeros de Harry Potter como sólido y duradero, y reconoció que la conexión se mantuvo a lo largo de los años más allá del rodaje. “Jamás habría imaginado que Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint y yo seguiríamos conectados después de tantos años”, afirmó.

El actor también compartió algunas anécdotas sobre el clima de camaradería que persiste entre ellos. Recordó que, con motivo del estreno teatral de Radcliffe en Broadway, optaron por un gesto distinto al habitual y le enviaron un objeto cargado de simbolismo. “Por la apertura de la última obra de Daniel en Broadway, en lugar de enviar flores, le regalamos una caja con su varita y una nota: ‘Si todo falla esta noche, usa esto’”, contó entre risas.

El fenómeno global y la herencia del mundo mágico

Felton se mostró sorprendido por la vigencia de la saga y por la expansión que alcanzó con el paso del tiempo. Señaló que el universo mágico continúa creciendo en distintas formas y generaciones. “Hay parques temáticos, nuevas adaptaciones, obras en varios países. Muchos fans que vienen al teatro ni siquiera habían nacido cuando filmamos la primera película”, afirmó.

En esa línea, también destacó el impacto cultural del personaje a nivel internacional. Comentó que Draco Malfoy llegó a convertirse en un símbolo de buena fortuna en China, un fenómeno que consideró revelador del alcance de la historia.

En cuanto a su vínculo con el público, destacó el contacto directo que mantiene a diario con los más jóvenes a la salida del teatro. Contó que suele interactuar con ellos de forma lúdica, preguntándoles a qué casa pertenecen en el universo de Hogwarts. “En la puerta del teatro pregunto a los niños de qué casa son. Si alguno se identifica como Hufflepuff o Ravenclaw, les quito el programa como broma y salgo corriendo”, relató.

Sobre el futuro del proyecto, reconoció el buen momento que atraviesa el teatro y la aparición de nuevas producciones vinculadas al universo Harry Potter, aunque marcó diferencias con una posible adaptación cinematográfica de la obra. Señaló que, en ese formato, la historia tendría otra dimensión. “Sería una bestia distinta”, consideró.

Las reflexiones de Antonio Banderas sobre el teatro y su renacimiento personal tras sufrir un infarto marcan una etapa determinante en la trayectoria del actor malagueño. Tras un episodio de salud en 2017, Banderas decidió retornar a Málaga, dedicarse plenamente al teatro y liderar el resurgimiento cultural local a través del Teatro del Soho, según detalló The Times.

“El mío fue un aviso realmente serio. Cambió la forma en que veo la vida”, reconoció el actor al recordar el infarto que lo llevó a replantearse su estilo de vida y prioridades. Decidió dejar atrás los lujos de Hollywood y redescubrir su pasión por el teatro en Málaga, impulsando proyectos culturales y adoptando un nuevo compromiso con sus raíces.

De Málaga a Hollywood: los orígenes de una carrera internacional

Nacido en Málaga, Banderas inició su carrera como actor en salas locales y en Madrid, donde conoció a Pedro Almodóvar. El director lo eligió para “Laberinto de pasiones” en 1982, iniciando así una larga colaboración que culminó con su consagración en “Mujeres al borde de un ataque de nervios”.

En la década de los noventa, dio el salto a Hollywood. Con la ayuda de Madonna, comenzó a abrirse camino en la industria estadounidense. Actuó junto a Tom Hanks en “Filadelfia” y fue presentado por Billy Crystal en los Premios Óscar. Consolidó su éxito con películas taquilleras como “Desperado”, “Evita”, “La máscara del Zorro” y “Mini espías”, además de dar voz a El Gato con Botas en “Shrek 2”.

Las películas protagonizadas por Banderas recaudaron alrededor de USD 7.700 millones en el ámbito internacional, según datos citados por The Times. Su matrimonio con Melanie Griffith entre 1996 y 2015 lo situó en el centro de la atención mediática, pero finalmente decidió distanciarse del ritmo de Hollywood en busca de un cambio radical.

La pasión por el teatro y el renacimiento cultural de Málaga

El regreso de Banderas a sus tierras natales marcó el inicio de su apuesta por el teatro. Adquirió y restauró el Teatro del Soho, una institución sin fines de lucro que se consolidó como motor del renacimiento cultural de la ciudad.

“El teatro representa hoy mi pasión más grande. Nunca he sido tan feliz”, aseguró en diálogo con The Times. Además destacó que “un verdadero acto de civilización es el teatro; enseña, transforma y une”.

El proyecto tiene una marcada misión educativa y persigue superar los complejos nacionales asociados a la historia reciente de España. El teatro ha estrenado musicales como Company, Godspell y Gypsy, además de adaptar obras de autores como Shakespeare y García Lorca.

Sin recurrir a financiación pública, logró mantenerse mediante el apoyo de patrocinadores corporativos y la inversión anual directa de Banderas, que aporta de su patrimonio al menos USD 215.000 al año.

El impacto del proyecto también se refleja en la llegada de espectáculos internacionales y la próxima organización del primer festival internacional de danza en el recinto.

Transformación personal tras un infarto y regreso a las raíces

El infarto de 2017 alteró la perspectiva vital y profesional de Banderas. El actor reconoció que aquel episodio le hizo replantearse su identidad y sus objetivos. “Al enfrentarme a la muerte, me hizo mirar atrás y darme cuenta de que, en realidad, soy un actor de teatro”, relató.

Luego del episodio cardiovascular, dejó de fumar, vendió su avión privado y fijó su residencia en un piso del centro de Málaga junto a Nicole Kimpel. Mantuvo su vinculación con la Semana Santa de la ciudad, participando activamente en la Cofradía de María Santísima de Lágrimas y Favores, vínculo que considera fundamental para mantener vivas sus raíces.

Banderas define la Semana Santa malagueña como “el mayor teatro que se puede ver”. Su participación en rituales y su implicación con la Sinfónica Larios Pop del Soho contribuyen a reforzar su compromiso con la cultura local.

Desarrollo artístico y cultural en Málaga

Antonio Banderas reivindica la evolución de España y de Málaga desde la transición democrática. Sostiene que el país superó antiguos complejos de inferioridad y anima a las nuevas generaciones a valorar los logros culturales y sociales.

Recordó que, cuando comenzó en Hollywood, los españoles eran encasillados en papeles de villanos, tendencia que según él, logró revertir con su éxito internacional: “Me decían: ‘estás aquí, como los negros y los hispanos, para hacer de malo… Aún más importante es El Gato con Botas, porque es para niños pequeños’“.

Aunque es considerado “tesoro nacional” en su país, prefiere centrar su reconocimiento en el valor del teatro como herramienta de cambio social. Observa la transformación de Málaga, a la que ve actualmente como una ciudad dinámica y moderna, muy distinta de la que conoció en su juventud. “La Málaga de hoy es mucho mejor que la que dejé atrás”, señaló a The Times.

La misión del Teatro del Soho es, según Banderas, formar nuevas generaciones de artistas y espectadores, promoviendo el arte como un acto de civilización. Confía en que Málaga continúe creciendo como referente cultural en el sur de Europa.

Desde 1962, el 27 de marzo se ha consolidado como una fecha de relevancia para la escena artística mundial. El Día Mundial del Teatro, impulsado por el Instituto Internacional del Teatro, reúne a profesionales, compañías, dramaturgos y espectadores para reflexionar sobre la función social del teatro y su aporte a la diversidad cultural.

Durante esta jornada, teatros emblemáticos abren sus puertas con funciones especiales, actividades educativas y mensajes institucionales que subrayan la capacidad de las artes escénicas para fomentar el diálogo y el entendimiento entre pueblos.

La elección de la fecha y su alcance internacional han convertido este día en una ocasión clave para reconocer el impacto cultural y social de la dramaturgia en distintas comunidades.

El origen del Día Mundial del Teatro y su institucionalización

El Día Mundial del Teatro fue establecido en 1961 por el Instituto Internacional del Teatro, un organismo asociado a la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO). La primera celebración oficial tuvo lugar en 1962, en coincidencia con la inauguración de la temporada del Teatro de las Naciones en París, Francia.

Desde entonces, la jornada se ha mantenido como una plataforma internacional para destacar la importancia del teatro como expresión artística y herramienta de cohesión social. Según el Instituto Internacional del Teatro, la fecha busca “fortalecer los lazos entre creadores, espectadores y comunidades”, promoviendo la inclusión y el intercambio cultural.

Cada año, una personalidad reconocida del ámbito teatral es invitada a redactar un mensaje internacional, que se comparte en todos los países participantes. Este mensaje, traducido a decenas de idiomas, aborda los desafíos, conquistas y esperanzas de los profesionales de las artes escénicas. En el pasado, figuras como Jean Cocteau, Arthur Miller y Dario Fo han sido encargados de este pronunciamiento, lo que contribuye a dar visibilidad mundial a la efeméride.

Por qué se celebra el 27 de marzo y qué significa para la comunidad teatral

La elección del 27 de marzo como fecha conmemorativa está vinculada a la apertura del Teatro de las Naciones en París, un evento que reunió a compañías y creadores de todo el mundo para celebrar la diversidad del arte dramático. Desde entonces, el Día Mundial del Teatro simboliza la unidad y la cooperación entre profesionales de distintos contextos culturales. De acuerdo con el Instituto Internacional del Teatro, la conmemoración “reafirma el valor del teatro como medio para la paz y el entendimiento mutuo”.

El impacto de la celebración se refleja en la variedad de actividades que organizan los teatros y agrupaciones: desde funciones gratuitas hasta talleres y conferencias sobre la relevancia contemporánea de las artes escénicas. “Este día representa una oportunidad única para acercar el teatro a nuevas audiencias y recordar su función social”, señaló la dramaturga española Itziar Pascual en su intervención de 2018. La jornada también sirve para visibilizar los retos que enfrenta el sector, como la precariedad laboral y el acceso desigual a los espacios escénicos.

La influencia internacional y los mensajes del Día Mundial del Teatro

El alcance del Día Mundial del Teatro se extiende a más de 90 países, donde instituciones, escuelas y colectivos culturales organizan actividades específicas para difundir el papel del teatro en la formación de sociedades plurales. Según datos del Instituto Internacional del Teatro, cada año se suman nuevas iniciativas que aprovechan la jornada para debatir sobre políticas culturales, derechos laborales y acceso a la educación artística.

Uno de los elementos más característicos de la efeméride es la lectura del mensaje internacional, que suele transmitirse en espacios públicos, medios de comunicación y centros educativos.

En 2024, la actriz egipcia Samiha Ayoub resaltó en su mensaje la capacidad del teatro para “construir puentes entre pueblos y generaciones” y para ofrecer “respuestas creativas a los desafíos contemporáneos”. Estas declaraciones reflejan la visión compartida por la comunidad teatral internacional sobre la necesidad de mantener vivo el diálogo cultural a través de las artes escénicas.

El Día Mundial del Teatro sigue siendo una fecha clave para reafirmar el compromiso de los profesionales con la transformación social y la promoción de la diversidad cultural, consolidándose como una de las celebraciones artísticas más reconocidas a nivel global.

La expectativa por ver a Ricardo Darín en Lima no deja de crecer. ‘Escenas de la vida conyugal’, la aclamada versión teatral del clásico de Ingmar Bergman dirigida por Norma Aleandro, agotó las entradas para sus tres primeras presentaciones en cuestión de días. Ahora, tras este éxito de ventas y en respuesta a la extraordinaria demanda del público peruano, la producción ha confirmado dos funciones adicionales: el sábado 25 y domingo 26 de abril en el Auditorio del Pentagonito.

Un fenómeno teatral que conquista a miles y suma nuevas fechas

Desde su estreno, la adaptación argentina de ‘Escenas de la vida conyugal’ ha cautivado a más de 700 mil espectadores en Argentina, Uruguay, Chile y España, consolidándose como una de las propuestas teatrales más potentes de la región. El anuncio del arribo de la obra al Perú generó una ola de entusiasmo entre los amantes del teatro, quienes rápidamente agotaron las localidades para las funciones originales del 22, 23 y 24 de abril.

La producción, consciente de la magnitud del fenómeno, logró sumar dos fechas más: sábado 25 y domingo 26 de abril, elevando a cinco el total de funciones para el segmento peruano de la gira. Las entradas para estas nuevas presentaciones estarán disponibles desde este miércoles 25 a las 12:00 horas en la plataforma Teleticket, con precios que van desde S/50 hasta S/474 (incluyendo comisión).

El Auditorio del Pentagonito, ubicado en Av. Paseo del Bosque 740, San Borja, será el epicentro de este encuentro teatral, que promete noches de intensidad emocional y conexión profunda con el público local. La capacidad es limitada y se espera que las nuevas localidades se agoten con la misma rapidez que en la primera etapa de ventas.

Una historia universal, actuaciones descarnadas y dirección de primer nivel

Bajo la dirección y adaptación de Norma Aleandro, ‘Escenas de la vida conyugal’ explora la vida de Juan y Mariana, una pareja que transita desde la armonía aparente hasta el caos de la separación. El texto de Bergman, con su mezcla de humor, ternura y dolor, es llevado al límite por las interpretaciones de Darín y Pietra, quienes logran conmover y confrontar al público en cada escena.

La versión argentina, adaptada en 2018 por Federico González y Fernando Masllorens, apuesta por lo esencial: texto, actores y emociones. Con una puesta en escena sobria y minimalista, la atención se concentra en la fuerza de los diálogos y la química entre los protagonistas, que alternan momentos de complicidad, conflicto y vulnerabilidad.

Cada función se convierte en una experiencia única y personal para quienes asisten, pues la obra invita a reconocerse en los dilemas y contradicciones de los personajes. La dirección de Aleandro logra mantener la tensión y la autenticidad del universo bergmaniano, generando un espectáculo que trasciende fronteras y épocas.

El clásico de Bergman, llevado al teatro con honestidad brutal y sensibilidad, se ha convertido en un espejo para miles de espectadores que encuentran en la historia de Juan y Mariana un reflejo de sus propias vidas. La visita de Ricardo Darín y Andrea Pietra constituye uno de los acontecimientos teatrales más esperados del año en el Perú, y la ampliación de funciones es una oportunidad imperdible para disfrutar de una obra que ha marcado la agenda cultural iberoamericana.

La obra El Eclipse regresa a la cartelera teatral como parte de un homenaje que recuerda el legado de Carlos Olmos, a 22 años de su fallecimiento. La compañía Caracola Producciones renueva su apuesta por este texto, considerado clave dentro de la dramaturgia mexicana contemporánea, y lo presenta en el Foro La Gruta.

La temporada se desarrollará entre el 24 de marzo y el 9 de abril, con funciones de martes a jueves a las 20:00 horas.

A propósito del regreso de la puesta en escena, Alejandro Romero, uno de los actores protagonistas (quien comparte escenario con Gabriela Núñez, Carolina Contreras, Sol Sánchez, Renée Sabina y Luis Javier Morales), nos contó todo al respecto.

Entrevista con Alejandro Romero: la importancia de “El Eclipse”, sus temas y el papel del actor

En entrevista con Infobae México, Alejandro Romero define El Eclipse como una obra sobre “secretos, raíces, los lugares de dónde venimos y las dinámicas familiares”.

Para el actor, la importancia de la obra radica en su apartado temático: “A pesar de que la obra ya tiene bastantes años, toca temas muy vigentes. Sobre todo en lugares de provincia, hay dinámicas familiares que no te permiten ser quien realmente eres”.

El Eclipse cuenta la historia de varios personajes, pero se centra en el complicado romance de dos chicos de abismales diferencias. Por supuesto, una de las problemáticas que rodean su relación es el prejuicio que existe sobre la homosexualidad en la provincia de Chiapas donde se desarrolla la obra.

Alejandro nos explica: “Tal vez aquí en la Ciudad de México es un poco una burbuja y estamos un poco más abiertos a las relaciones de la comunidad gay, ¿no? Pero en provincia todavía existen en el secreto”.

Y eso es precisamente lo que pasa con Mario, el personaje que encarna el actor: “Él va buscando una respuesta concreta, ¿no? Porque vivió algo en la Ciudad de México que lo orilla a ir a buscar a Gerardo a la costa para ver si realmente lo que sucedió en Ciudad de México fue real".

¿Qué pesa a la hora de actuar? ¿El parecido del actor con el personaje o el reto de involucrarse con un papel que no tiene nada que ver con el intérprete? Para Alejandro es una mezcla de ambas cosas:

“Es muy rico cuando, tienes un personaje frente a ti que no tiene mucho que ver contigo, pero que tienes que darle vida a partir de lo que a ti te ha sucedido, ¿no? Porque finalmente uno crea los personajes con base en las experiencias propias también. Y también en ese proceso de crear, pues te involucras cosas que no propiamente son tuyas. Con Mario yo comparto muchas cosas, y otras no tantas, que sin juzgarlo, pues estoy en obligación de, como actor, pensar como ese personaje".

La diversidad de los personajes de El Eclipse permiten que la historia conecte con los diferentes de espectadores en el público. El actor nos explica:

“Hay gente que va y ve la obra y se engancha un poco más con la historia de uno de los personajes que tiene atisbos de feminismo. Hay quien se conecta con la abuela y las raíces de la familia, o hay quien se conecta con la historia de Gerardo y Mario, porque es su vida personal. Tiene distintas aristas, y por eso les gusta mucho”.

Y añade: “También por la manera en que se aborda. Con el teatro de objetos, el teatro de sombras, y la iluminación también es preciosa. Entonces se crean cuadros muy bellos. Tenemos una muñeca que es preciosa porque cobra vida a través del trabajo de tres compañeros que la manipulan al mismo tiempo. Es muy bonita, es muy bonito ir a verla”.

Finalmente, Alejandro Romero nos cuenta su idea para que la gente se acerque más al teatro:

“Es un trabajo en conjunto de nosotros como actores, de los productores, inclusive en los espacios gubernamentales. Ofrecer un trabajo de calidad para que la gente no se asuste no se aburra en el teatro, que no piense que ir al teatro es una cuestión aburrida, sino que hagamos espectáculos que entretengan a la gente, que los hagan pensar”.

La compañía Seña y Verbo: Teatro de Sordos presentará en el Centro Nacional de las Artes (Cenart) la obra “Murmullos”, un montaje que rinde homenaje al cine mudo a través de una propuesta escénica incluyente que combina actuación corporal, lengua de señas y música en vivo.

De acuerdo con la Secretaría de Cultura, esta puesta en escena ofrece una experiencia accesible tanto para personas sordas como oyentes, al apostar por un lenguaje visual y gestual que evoca la época dorada del séptimo arte.

Murmullos: teatro incluyente inspirado en el cine mudo

“Murmullos” es una obra que retoma elementos característicos del cine mudo, como la expresión corporal, el humor físico y la narrativa sin palabras, inspirada en figuras como Charles Chaplin y Buster Keaton.

El montaje presenta diversas historias que transportan al público a ese universo cinematográfico, en el que la gestualidad y la interpretación escénica son clave para comunicar emociones y situaciones.

Además, la obra incorpora música en vivo, lo que refuerza la atmósfera clásica del cine mudo y acompaña cada escena como un elemento narrativo esencial.

Seña y Verbo: pioneros del teatro para sordos en México

La compañía Seña y Verbo es una agrupación artística que integra actores sordos y oyentes, con el objetivo de difundir la lengua de señas mexicana y promover la inclusión a través del teatro.

Desde su fundación, ha desarrollado múltiples obras originales y ha llevado sus propuestas a escenarios nacionales e internacionales, consolidándose como un referente en el teatro incluyente en América Latina.

“Murmullos” forma parte de su repertorio más representativo, al combinar arte escénico, accesibilidad y un homenaje a las raíces del lenguaje audiovisual.

Dónde y cuándo ver “Murmullos” en el Cenart

La obra se presentará en el Centro Nacional de las Artes, uno de los principales recintos culturales de la capital, reconocido por su programación multidisciplinaria.

El público podrá disfrutar de esta puesta en escena que no solo rescata la esencia del cine mudo, sino que también promueve la inclusión y el acceso a la cultura para todos los sectores de la sociedad.

Con “Murmullos”, el Cenart abre sus puertas a una propuesta que demuestra que el arte puede romper barreras lingüísticas y sensoriales, llevando el teatro a nuevas formas de expresión.

Cuando en el año 2010, Ricky Pashkus y Pablo Gorlero decidieron crear un galardón para celebrar al teatro musical, pensaron en él: Hugo Midón. Y así nacieron los ya consagrados Premios Hugo. El prestigioso actor, maestro, autor, director y compositor, que marcó un antes y un después en el género, falleció poco tiempo después, el 25 de marzo de 2011, a la edad de 67 años. Sin embargo, al día de hoy, su legado sigue vigente.

Es que no solo revolucionó el teatro musical. También fue un pionero en el rubro infantil, en el que marcó su huella con obras como La vuelta manzana, que estuvo en cartel durante diez temporadas, y Vivitos y Coleando, entre muchas otras. Él tenía muy en claro que todos los adultos guardan a un niño adentro. Y su capacidad de mantenerlo siempre atento y con ganas de jugar, fue lo que le permitió contagiar con su alegría a varias generaciones de argentinos.

Había nacido el 27 de febrero de 1944 en Valentín Alsina, provincia de Buenos Aires, pero se crió en San Isidro. “Vivía cerca del río, en una calle por la que prácticamente no pasaban autos. Entonces, la calle era el lugar de juego. Teníamos dos cuadras que eran para nosotros, prácticamente. Y jugábamos con cosas que hacíamos. ¡Hasta la pelota la hacíamos nosotros! No comprábamos nada. Teníamos barquitos que armábamos con palitos de helado, carritos con rulemanes...“, recordaba Hugo de aquella infancia que había marcado su vida.

Su papá trabajaba en el puerto y era un director aficionado, por lo que desde muy chico tuvo un acercamiento al teatro. Pero su vocación afloró después de ver una obra al aire libre que le voló la cabeza. “Con mis amigos teníamos la rutina de ir a pasear por la plaza. Y de repente vimos un escenario intensamente iluminado. A mí me pareció como que había bajado un ovni. Y estaba toda la gente rodeando eso, viendo un espectáculo. Me pareció maravilloso”, recordó Midón. A partir de ese momento, supo lo que tenía que hacer. Y comenzó a tomar clases de actuación. Hasta que, con 20 años, ingresó al Instituto de Teatro de la UBA. Y, en 1967, debutó como actor junto al titiritero Ariel Bufano en el espectáculo infantil Los caprichos del invierno.

A partir de ese momento, decidió empezar a trabajar para los más chicos. Pero de la manera en que lo había aprendido con quien le dio su primera oportunidad en las tablas. “Vestuario, escenografía y trabajo actoral deben estar cuidados. El teatro para niños es un género en sí mismo y no un escalón hacia el teatro para adultos. Hay que hacerlo seriamente”, decía Midón, quien desde 1982 fue director y docente del centro de formación teatral Río Plateado.

Se unió en una dupla memorable con Carlos Gianni, junto a quien a lo largo de cuatro décadas creó más de 20 comedias musicales y cerca de 300 canciones. Y dejó de lado el concepto de teatro infantil, para comenzar a hablar de obras “para toda la familia”. Así, lograba que los menores se divirtieran del mismo modo que sus padres, tíos o abuelos. Porque, de alguna manera, tenía el don de despertar a ese niño interior que todos llevaban consigo.

Locos ReCuerdos, La familia Fernández, Juego de reyes, Objetos maravillosos, Huesito Caracú, Graves y agudos, Derechos torcidos y la ópera Hansel y Gretel, fueron algunos de sus títulos más recordados. Y, entre otros reconocimientos, fue galardonado con tres premios Argentores, en 1992, 1993 y 1994; tres Ace en 1993, 1994 y 1999; dos Premios Konex de Platino, en 1991 y 2001; y tres Konex Diploma al Mérito en 1981, 1984 y el post mortem en 2011.

La última obra que montó, en tanto, fue Playa bonita en el teatro La Comedia. La hizo con jóvenes actores egresados de su escuela. Corría el año 2009. Y, cuando terminó la función, sufrió una convulsión que lo obligó a someterse a una serie de chequeos médicos. Allí le detectaron un tumor cerebral que lo mantuvo alejado hasta el día de su partida. Murió en su departamento de Palermo, rodeado de sus seres queridos. Y sus restos fueron despedidos en el cementerio de la Chacarita, donde sus amigos, familiares y admiradores entonaron las estrofas de La Historia Interminable.

“A los chicos se les intenta dar la posibilidad de que se defiendan en el futuro. Y el futuro parece ligado al inglés y la computación. Y no es así. Pasa por otras cosas también. Hay valores que son mucho más importantes y hacen al individuo, al ser humano. Y que hacen a la vida en sociedad y al futuro de la humanidad. Hay que pensar en el futuro de la humanidad. Qué somos y para qué estamos acá. Si lo único que queremos es ganar plata, no tiene mucho sentido nuestro paso por la vida”, había reflexionado Midón en una oportunidad.

Entre los momentos más destacados de la velada, la presencia de actrices nominadas como Ingrid García-Jonsson, reconocida por su trabajo en ‘Superstar’, Ana Rujas, candidata por ‘La otra bestia’, e Irene Escolar, postulada por su actuación en ‘Personas, lugares y cosas’, captó la atención del público y evidenció el nivel de talento femenino en el panorama audiovisual español. Esta noche de premiación, celebrada en el espacio V64 de la calle Velázquez en Madrid, concentró a numerosas personalidades del cine, el teatro y la televisión de España en la gala de la 76ª edición de los Premios Fotogramas de Plata, según publicó Fotogramas.

El evento, que convirtió el centro de Madrid en un punto de encuentro imprescindible para la industria, contó con la conducción de Silvia Abril, quien asumió el rol de maestra de ceremonias. Fotogramas detalló que a la cita asistieron tanto figuras consagradas como jóvenes promesas del sector audiovisual, en una gala marcada por la diversidad de estilos y generaciones entre los asistentes.

Entre las intérpretes con mayor trayectoria que participaron en la celebración se encontraban Belén Rueda, Juana Acosta, Nathalie Poza, Pilar Castro y Natalia de Molina, quienes compartieron espacio con compañeras y colegas, consolidando un ambiente de confraternidad propio de estos galardones. Además, según consignó Fotogramas, la representación masculina también tuvo amplia cobertura con la presencia de nominados como Ricardo Gómez, aspirante por su trabajo en ‘La Suerte’, Ernesto Alterio (‘Viejos tiempos’), Javier Gutiérrez (‘Los yugoslavos’) y Álvaro Morte (‘Anatomía de un Instante’).

Fuera del listado de nominados, la gala registró la participación de otros referentes de la interpretación española. El medio Fotogramas destacó la asistencia de José Coronado, Santiago Segura, Patrick Criado, Nicolás Martos y Eduardo Rosa, quienes desfilaron por el photocall antes del inicio de la entrega de premios.

La edición número 76 de los Premios Fotogramas de Plata volvió a confirmar su posición como uno de los principales galardones en la industria audiovisual española. El evento no solo premió la labor de los profesionales más destacados del año, sino que también sirvió como punto de reencuentro entre artistas de diversas disciplinas y generaciones. Fotogramas subrayó la importancia de este tipo de celebraciones para fortalecer los lazos entre la comunidad artística y para proyectar el talento nacional tanto en el plano nacional como internacional.

A lo largo de la gala, tanto los nominados como los invitados compartieron impresiones sobre los trabajos y producciones del último año, intercambiaron experiencias y participaron activamente en una noche marcada por la vitalidad y la presencia de numerosos representantes de la cultura.

El espacio V64, situado en una de las zonas más céntricas de Madrid, proporcionó el escenario adecuado para acoger un evento de estas características, facilitando un ambiente propicio tanto para el desarrollo de la ceremonia como para el encuentro entre profesionales de la interpretación.

De acuerdo con Fotogramas, las expectativas generadas alrededor de la entrega de los Premios Fotogramas de Plata se vieron reflejadas en la notable asistencia de figuras relevantes y la atención mediática suscitada. Además, la elección de Silvia Abril como presentadora aportó un valor añadido a la gala, reforzando el sello de identidad que, año tras año, caracteriza a esta cita indiscutible para el sector.

La noche también brindó la oportunidad de visibilizar a nuevos talentos que comienzan a destacar en la industria y reconocer la trayectoria de quienes han marcado generaciones. Fotogramas indicó que la combinación de artistas con diferentes recorridos profesionales enriqueció el evento, premiando no solo el trabajo individual sino también la colaboración y el compañerismo entre actores y actrices.

El encuentro sirvió igualmente para celebrar la resiliencia del sector, que sigue adelante con sus galardones anuales, consolidando el papel preponderante del audiovisual español tanto dentro como fuera de las fronteras del país. Fotogramas puntualizó la relevancia de este encuentro en el calendario artístico nacional por su capacidad para congregar a múltiples disciplinas y tendencias, en una misma noche dedicada al reconocimiento y el estímulo de la creación cultural.

La ceremonia de entrega de los Premios Fotogramas de Plata, celebrada en Madrid, fortaleció de nuevo los vínculos entre intérpretes de todas las edades y ámbitos, proyectando en el centro de la capital una muestra representativa de la producción artística actual y los nombres más sobresalientes de la escena nacional, según amplió el medio especializado.

En el verano pasado, la salud del Papa Francisco se había deteriorado. “Recuerdo estar prácticamente todos los días buscando información de cómo estaba”, recuerda el músico y compositor Nicolás Crespo en diálogo con Infobae Cultura.

El 17 de abril recibió la noticia de la muerte del pontífice por un mensaje institucional: “Veo en un grupo de WhatsApp que se suspendían las clases por el fallecimiento del Papa Francisco, lo cual fue un shock porque no entendía nada, si hacía un rato lo había visto en televisión”. Ese momento le activó no solo el recuerdo de la figura pública, sino también una reflexión sobre la valoración de los grandes ídolos nacionales mientras están vivos.

Así nació la comedia musical Francisco, el Papa del Fin del Mundo. Se presentará en una única función en el Teatro Picadero el 24 de marzo a las 20:00, en un formato de concierto sinfónico que reunirá a una orquesta en vivo de 15 músicos. La obra, con idea y música de Nicolás Crespo, libro y letras de Leo Schmit y dirección general de Luján Zalazar, explora la vida de Jorge Mario Bergoglio desde una perspectiva abiertamente humana y social.

El musical reconstruye la vida de Jorge Bergoglio desde su nacimiento en 1936 hasta su muerte. Según Crespo, el relato abarca una existencia atravesada por dilemas políticos, desafíos familiares y convicción personal: “Después de encontrarme con semejante vida, con casi cien años de historia dentro de la historia argentina, Jorge Bergoglio, Francisco, nos dejó mucha historia”.

Al indagar en el enfoque narrativo, Crespo resaltó la condición de Francisco como hijo de inmigrantes italianos que “justamente venían escapándose de la Primera Guerra Mundial y ya desde su contexto familiar tan conflictuado por estas guerras, ya empieza una vida en busca de la paz, en busca del amor”. La obertura principal, titulada “Buenos Aires Arde”, sitúa al espectador en la capital argentina de la década del treinta y cuenta, en palabras de Crespo, “el contexto sociopolítico del Buenos Aires de la década de infancia mía, la década entre el 30 y el 40, post Primera Guerra Mundial, previo a la Segunda”.

La obra aborda el posicionamiento idealista de Francisco y las consecuencias en su trayectoria. Crespo relató que “políticamente tal vez no fue correcto, o no fue lo que esperaba el gobierno argentino de la época, de todas las épocas, porque sufrió todo tipo de persecución política en democracia y en dictadura”. Frente a la hostilidad del poder, enfatizó que el Papa “siempre fue amigo, siempre fue de fe y de perdonar. Inclusive cuando algunos presidentes han dicho barbaridades sobre él, él siempre recibió a esa gente con un abrazo”.

El protagonista es retratado como líder de una vida austera, dedicada a los sectores populares: “Francisco es un hombre que creyó en el pobre, que creyó que el pobre era el protagonista de las historias, así como Jesús lo comunicaba”. En el montaje, el compromiso con la humildad y la justicia social ocupa un lugar central. Además, “el tango está muy presente en estas composiciones, también la comedia musical nos permite un montón de ritmos y de formas y sobre todo la apertura que un personaje como Francisco tuvo hacia la vida”.

En sus palabras, la génesis misma del proyecto estuvo vinculada a una propuesta de Salazar, surgida durante un retiro espiritual en Córdoba vinculado al padre Pío. Aunque inicialmente pensaron en una obra dedicada a ese referente, el trabajo de documentación sobre Francisco y el momento colectivo posterior a su muerte fueron determinantes para definir el enfoque definitivo. El proyecto, armado en menos de un año y con fecha de estreno para el 21 de abril, aborda tanto sus orígenes como su papel disruptivo frente al poder argentino.

El desarrollo acelerado del espectáculo respondió, según Crespo, a la voluntad de rendir homenaje en vida a los íconos nacionales: “Siempre tenemos ídolos muy grandes a nivel mundial y que no siempre son valorados en Argentina, o por lo pronto, mientras que viven, tal vez después de que mueren siempre se los valora mucho más”.

La producción, a cargo de A Seagull Orquesta, ha optado en esta instancia por mostrar exclusivamente las canciones centrales del espectáculo, aprovechando una puesta que integra lenguaje teatral con elementos sinfónicos contemporáneos. Participarán intérpretes como Alito Gallo Gosende, Flor Barisone, Chiara Rodó, Marian Lorena Vázquez, Xixi Padilla, Joa de León, Lucas Rach, Miqueas Peralta, Maxi Areitio y Milena Cinosi, bajo la dirección musical de Nicolás Crespo.

El espectáculo propone un acercamiento emotivo y musical a la figura del pontífice argentino, apoyado en una partitura original y una mirada que prioriza los conflictos personales, la espiritualidad y el compromiso social del protagonista. Las entradas para el evento, que tendrá lugar en Pasaje Enrique Santos Discépolo 1857, CABA, están disponibles en Plateanet.

En diálogo exclusivo con Teleshow, el actor se mostró activo, agradecido y, sobre todo, en movimiento. Hoy su realidad se define por una agenda cargada y el contacto directo con el público. “Gracias a Dios, con dos obras de teatro, con Los sospechosos del piso 10 y con Los 39 escalones. Muy bien. Mucho trabajo”, resumió, con una mezcla de alivio y entusiasmo.

Sobre el escenario, despliega una doble —y hasta triple— faceta. Por un lado, protagoniza Los 39 escalones, una obra que ya se convirtió en un fenómeno sostenido en el tiempo, con cerca de novecientas funciones y cinco años en cartel. Por otro, se pone al frente de Los sospechosos del piso 10, un proyecto profundamente personal en el que firma como autor, director y también actor, compartiendo elenco con su pareja, Florencia Elizabeth, Adriana Brodsky, Lorena Paola, Alejandro Cupito, Alexis “Cone” Quiroga y Maxi Frtuos.

La historia de Los sospechosos del piso 10 es, en sí misma, un relato de resiliencia y adaptación. Nada estaba previsto para que continuara más allá de una fecha límite. “Si vos me decías el 5 de diciembre, terminábamos el 13, que era la última fecha”, rememoró. Sin embargo, en ese margen incierto, apareció una oportunidad inesperada: “En esos días apareció una productora que compró los derechos conmigo adentro, digamos, y como la obra la escribí yo... y bueno, ahí seguimos”.

Ese giro inesperado no solo prolongó la vida de la obra, sino que reforzó el rol integral del actor dentro del proyecto. “Soy el autor, el director y uno de los protagonistas”, detalló al dejar en claro el nivel de compromiso artístico que sostiene la propuesta.

Pero el camino no estuvo exento de imprevistos. El elenco atravesó cambios repentinos que obligaron a resolver sobre la marcha, casi en tiempo real. La llegada de Florencia Elizabeth se dio en un contexto completamente inesperado, cuando Brodsky debió apartarse momentáneamente por un problema de salud en plena temporada en Mar del Plata.

“Fue a último momento. Adriana no podía hablar, estaba muda. Llegó al teatro muda. ¿Qué hacemos? ¿Qué hacemos?”, rememora Gianola los pensamientos, reconstruyendo la tensión de ese instante. La solución llegó en forma de “enroque” actoral, y comenzó Florencia su vida sobre las tablas. Lo que parecía una solución provisoria terminó consolidándose: “Y de ahí en más quedó fija”, explicó.

Así, entre decisiones improvisadas y oportunidades inesperadas, la obra encontró su continuidad. “El teatro quería y bueno, se dio así”, resumió, casi como quien acepta que, a veces, el escenario también escribe su propia historia.

El renacer profesional de Gianola encuentra su espejo en su vida personal. El actor consolidó su relación con Florencia, una bailarina 36 años menor, con quien comparte su día a día desde hace más de cuatro años.

“Hace cuatro años y medio que estamos juntos, conviviendo”, destacó al dejar ver una emoción contenida. La relación, que creció lejos de los flashes, tuvo un momento clave en noviembre, cuando decidieron formalizar su compromiso en Punta Cana. Fieles a su estilo, optaron por la discreción: “Nos comprometimos en Punta Cana, todo como habíamos planeado. Pasa que nosotros muy perfil bajo y estamos contentos juntos”.

En ese vínculo, Gianola encuentra un sostén fundamental. La convivencia, el compañerismo y la estabilidad emocional aparecen como pilares en esta nueva etapa, donde lo personal y lo profesional parecen finalmente alinearse.

Con la mirada puesta más allá de su propia historia, el actor también reflexionó sobre el contexto del país y el impacto en el mundo artístico. “Está complicado, está en una situación de transición”, analizó, al tiempo que reconoce que los argentinos desarrollaron una capacidad de adaptación casi estructural: “Somos sobrevivientes todos los argentinos de años y años y años de decir: ‘Bueno’”.

En ese escenario, también observa los cambios en los consumos culturales. Para el intérprete, la pantalla chica atraviesa una transformación inevitable: “La televisión se está transformando y está bien. La televisión tomó una forma y las plataformas tomaron la ficción”. Y agrega una observación generacional: “La gente joven no ve televisión ya… ve los celulares, ve la serie que quiere ver”.

Frente a ese cambio, el teatro se erige como un espacio de resistencia, un territorio donde el encuentro humano sigue siendo irremplazable. “El teatro es un lugar de resistencia, del trabajo”, afirmó con convicción.

Y ese vínculo con el público no solo se mantiene, sino que se amplía. al destacar la presencia constante de espectadores extranjeros en las salas porteñas: uruguayos, chilenos, paraguayos, ecuatorianos, pero también visitantes de países más lejanos como Francia, España o incluso Ucrania. “Te juro que es llamativo… es muy especial lo que pasa con el teatro argentino”, explicó, aún sorprendido.

Sin eufemismos, el actor resume el presente con una frase breve, pero cargada de sentido: “Yo soy una persona con muchísima alegría, con muchísima voluntad y con muchísimas ganas de vivir. Esto es para adelante”.

La Novicia Rebelde, uno de los musicales más reconocidos de Broadway, tendrá funciones en México durante este 2026 en su versión original en inglés.

El espectáculo contará con la participación especial de una reconocida actriz mexicana quien forma parte del elenco internacional.

La llegada de la obra fue confirmada por Alex Gou, empresario y promotor de teatro musical.

¿Qué se sabe de la llegada de La Novicia Rebelde?

En conferencia de prensa, Alex Gou explicó que el montaje de La Novicia Rebelde aterrizará en la capital mexicana entre el 11 y el 16 de agosto.

“Voy a traer tres obras de Broadway, que no las produzco yo, las traigo completitas ya hechas. Voy a traer primero La novicia rebelde”, sentenció.

Asimismo, detalló que una actriz connacional de teatro musical estará presente.

“Viene Bianca Marroquín en el elenco. Es una gran sorpresa, en inglés, obviamente, pero viene Bianca Marroquín ha-haciendo La novicia rebelde”, afirmó Gou.

El empresario detalló que la versión de La Novicia Rebelde que visitará México forma parte del tour internacional que recorre diversas ciudades fuera de Estados Unidos.

¿Qué otras obras de Broadway estarán en México?

A la par de La Novicia Rebelde, el empresario de teatro anunció dos espectáculos más de Broadway para este año en la Ciudad de México:

• Mr. Dadfire (Papá por siempre), que tendrá funciones después del 16 de agosto.
• Beetlejuice, que repetirá temporada durante tres semanas en octubre.

Para 2027, Gou anticipó la llegada de Kinky Boots, también en su versión original.

Bianca Marroquín, reconocida por su trayectoria en musicales tanto en México como en Nueva York, suma con esta participación un nuevo proyecto internacional. La actriz ha protagonizado títulos como Chicago en Broadway y ha recibido premios por su trabajo escénico.

¿Y la venta de boletos?

Los boletos y detalles sobre la venta para La Novicia Rebelde se darán a conocer en las próximas semanas, según adelantó el empresario.

La expectativa crece entre los seguidores del teatro musical y del trabajo de Marroquín, quien será parte de este montaje internacional que traerá a México la experiencia de Broadway.

Tacones Altos se presenta todos los sábados hasta el 25 de abril en el Teatro la Capilla.

Cuenta la historia de un triángulo amoroso entre Guadalupe, asistente en un despacho de abogados, Andrés, su vecino y profesor de filosofía, y Eduardo, jefe de ella y amigo de él. El drama se vuelve más complejo cuando aparece Lidia, prometida de uno y ex novia del otro.

El reparto está conformado por Vladimir Chorny, David Villegas, Ditmara Nader y Camila Flamenco, con quien platicamos en Infobae México.

Entrevista con Camila Flamenco

En entrevista con Infobae México, Camila Flamenco nos contó sobre la puesta en escena y los temas que se tocan sobre el escenario:

“Tacones altos habla de las relaciones, de las relaciones no solo sociales, sino cómo nos relacionamos en la parte laboral, cómo nos relacionamos en la amistad y en las parejas. El tema básicamente ondea en las relaciones humanas, ¿no? Es una obra que todos podemos empatizar porque lo vivimos a diario, en cómo nos enfrentamos cuando vamos a ir a un trabajo, en cómo uno se siente en los ámbitos sociales".

Los personajes, en opinión de Camila Flamenco:

“Me siento muy identificada con mi personaje. Desde el primer momento que lo leí, lo sentí con una naturalidad. Es cuando uno dice: “Claro, es que esto no me es para nada difícil sentirlo, porque es algo que vivo desde chica”, ¿no? Estos cuatro personajes están correlacionados. Uno es mi jefe, el otro es mi amigo y la otra es la exmujer de estos dos personajes. Entre tre ellos empiezan a relacionarse y básicamente mi personaje se enamora de su amigo y profesor de Filosofía".

La mujer como eje de “Tacones Altos”:

“Básicamente de lo que va la obra, de la problemática, no solamente de todas las relaciones nombradas, estos tipos de relaciones nombradas al principio, sino respecto a la mujer, que es un tema delicado, que es un tema que como mujer me influye muchísimo, y me hace ver en dónde estamos paradas hoy. Me hace agradecer sobre todo a las mujeres que han salido a levantar la voz, porque gracias un poco a eso y a justamente la autora que lo representa muy bien, el personaje de Guadalupe empieza a confrontarse consigo misma, ¿no? A tener una rebeldía ante todas estas relaciones, ante la relación que tiene en su trabajo, entre el amor, ante la amistad o enemistad con el personaje de la otra mujer, ante la discriminación y la crítica. Hay una rebeldía en este personaje que a mí me hace admirarla muchísimo. También veo cosas que tienen que ver con entender eso, ¿no? Porque soy una chica que la ha remado de Argentina, que la ha remado desde muy chica, que ha salido a trabajar, que ha salido a estudiar y nunca la tuve fácil. Y este personaje no la tiene fácil. Esta obra te representa que todo requiere límites también. Y este personaje lo hace de una manera muy cómica, pero finalmente tiene todo un arco de transformación en el cual uno dice: claro, eh, en esto la entiendo y lo entiendo desde donde viene, entiendo su vulnerabilidad y de alguna manera la admiro porque quiero ser esa mujer que rompe, quiero seguir siendo esa mujer que transforma, que levanta la voz, que primero quizás puede equivocarse, pero es una mujer que está consciente".

“La gente se va queriendo otro final y me lo han dicho: “Pero ¿por qué no hiciste esto? Pero ¿por qué no hiciste aquello?” Le digo: “Primero, porque hay algo que está ya escrito y hay que respetarlo. Y segundo, porque evidentemente a veces tomamos decisiones que todavía no son quizás las más cercanas a las que deberíamos o quisiéramos que fueran para ser la heroína, ¿no? En este caso y decir: ‘Uh, así, así hubiera hecho yo’”. ¿No? Eeeh, porque la vida no es así y a veces necesitamos darle más de un giro a las cosas para ubicarnos en otro lugar", agregó.

“IA: Instrucciones para un ascenso” se presenta en La Teatrería hasta el 1 de abril. La obra de teatro se define como “La comedia más godín y tecnológicamente incorrecta del año”.

Se trata de una historia que combina sátira corporativa, romance digital y una batalla absurda por el ascenso.

El elenco está conformado por: Claudio Rocha (Pedro), Rubén Álvarez (Tomás), Karen De La Cruz (Iris), Alejandra Vera (Lis) quien alterna papel con Pilar Magaña.

Entrevista con Alejandra Vera

En entrevista con Infobae México, Alejandra Vera nos cuenta sobre el papel de la IA en nuestra cotidianidad:

“La inteligencia artificial ya está en nuestra cotidianidad. Ha tenido consecuencias negativas, pero creo que también ha tenido consecuencias bastante positivas. Por ejemplo, en el ambiente de la ciencia nos ha ayudado a ser más eficaz el trabajo de investigación, por ejemplo, ¿no? Pero creo que todo tiene que ver con la eterna plática de los excesos y cómo somos, cómo explotamos todos los humanos. La naturaleza, nuestro consumismo. O sea, todo el tiempo estamos explotando y creo que cualquier cosa en gran escala, pues tiene consecuencias negativas cuando lo consumes de más".

¿Y cómo se relaciona el mundo de la IA con la historia? Alejandra Vera explica:

“Esta obra un poco habla de eso. Es una comedia, entonces no abordamos cosas tan complejas o negativas, sino más bien es algo tan sencillo de cómo ha cambiado nuestra forma de convivir a través de la inteligencia artificial, ¿no? Y a través de otro tipo de tecnologías. Cómo empiezan a relacionarse las nuevas generaciones que estudiaron en la pandemia, ¿no? Durante la pandemia, estas infancias que terminaron su secundaria o su primaria en pandemia, ahora cómo se relacionan. Entonces, un poco de eso va la obra, cómo nuestro protagonista, que se llama Pedro, se relaciona con las personas de su oficina y cómo tiene muchísima mayor confianza y muchísima mayor comunicación con una inteligencia artificial y no con sus compañeros de oficina. Y esto eventualmente le perjudica este tipo de aptitudes, a pesar de que es una persona muy inteligente, pues él al encerrarse en su círculo y en su inteligencia artificial nada más, pues le quita puntos para este ascenso".

Del mismo modo, Alejandra nos habló de la trascendencia que tiene el mundo laboral en la vida de las personas:

“Yo me he puesto a pensar, yo soy actriz y yo trabajo de lunes a domingo en ensayos, cubriendo eventos, etcétera. Y digo, está disfrazado en éxito porque vivo de lo que la gente me dijo que iba a ser solamente mi hobby, pero aun así, para poder sobrevivir apenas con mis gastos necesarios, tengo que estar trabajando de lunes a domingo. Entonces, traduciéndolo al mundo godín, pues se la pasan en oficina y claro que se necesita una catarsis, claro que necesitamos reírnos de la persona que nos hace trabajar más de ocho horas laborales. Claro que necesitamos reírnos de esa persona disfrazada de el chistosito chismoso que en realidad pues solamente mete intrigas y problemas en la convivencia, ¿no? Claro que lo necesito porque es mi día a día y necesito ese momento de respirar y decir: Ay, riámonos de esto, ¿no? Veámosle lo chistoso a esto que me abruma día con día".

¿Cómo participa el público en la obra? Alejandra Vera explica:

“Es fácil que se identifiquen mucho con la parte romántica. El público la verdad es que se ríe muchísimo con los personajes. Sobre todo se ríe con un personaje que se llama Tomás y este personaje es el típico chismoso que comparte memes, que ahí mete la intriga, ¿no? Creo que es el personaje con la que la gente se identifica más. No sé si porque se parezca a ese personaje o porque conozcan a uno similar. Pero también está esta onda de: ay, amiga. O sea, recuerden el estreno que salí de la función y una persona del público me dijo: “Ay amiga, date cuenta, ¿no?” Como que también nos identificamos con la historia de la mujer que está atrás del hombre equivocado, ¿no Lo que nos impresionó es que se ríen. La mayoría del tiempo de la obra la gente se está riendo, que es una obra bastante ligera. Creo que es una gran opción por si no ves teatro, te acerques al teatro por primera vez".

Veneno, la creación del bailarín y coreógrafo Juan Onofri Barbato, explora la tensión entre el cuerpo y la sociedad contemporánea a través de una performance donde el movimiento trasciende la danza para convertirse en acto de resistencia. Concebida como ofrenda física ante un presente atravesado por la violencia y la tensión social, la obra —cuya dramaturgia y dirección corren por cuenta del propio Barbato— propone un lenguaje entre lo visceral y lo sensorial, situando al cuerpo humano como territorio de exceso y transformación. La obra se presenta en el centro cultural Arthaus (Bartolomé Mitre 434) este sábado 21 a las 15 y a las 16.30.

En su estructura site specific, Veneno desafía la delimitación entre lo íntimo y lo público al escenificarse en terrazas y arquitecturas abiertas. Este formato permite tanto la redefinición del espacio urbano como la creación de “otras ficciones posibles sobre lo real”, gracias a un dispositivo de sustracción sonora que genera alteraciones perceptivas y desfasajes en la experiencia del público.

Uno de los elementos diferenciadores de Veneno radica en su activación a partir de una playlist secreta, que atraviesa físicamente el cuerpo del intérprete. La música se convierte en motor de un frenesí, funcionando como un antídoto vital ante los estímulos del entorno. El resultado es un desplazamiento de los límites tradicionales del movimiento, donde el intérprete es impulsado a una acción urgente y desbordada.

La propuesta incorpora un dispositivo sonoro original a cargo de Ailín Grad, quien además opera en escena, y cuenta con la asistencia de dirección y supervisión coreográfica de Florencia Ciucci. El equipo artístico se completa con Sofía Martínez Pall en dramaturgia y entrenamiento actoral, Federico Castellón Arrieta en el diseño de vestuario y la colaboración artística de Pablo Ariel Bursztyn. La producción es una coproducción de Planta Inclán, Fundación Andreani y el Festival Internacional de Buenos Aires – Danza 2024.

Como respuesta a la pregunta central sobre qué ocurre en este espectáculo, quiénes lo protagonizan y cuál es su significado fundamental: Veneno es una performance coreográfica y sonora que utiliza música, movimiento y site specificity para invitar al público a habitar y reconsiderar el presente social a través del cuerpo, el espacio urbano y la percepción alterada de la realidad.

Barbato, nacido en Río Negro en 1983, consolida en Veneno una línea de trabajo enfocada en convertir el cuerpo en objeto de reflexión política y social. Formado en la Escuela de Danza de Neuquén y egresado con diploma honorífico del Taller de Danza del Teatro General San Martín, ha participado en festivales internacionales como Charleroi Danses y Spring Performing Arts, además del FIBA. Su recorrido ha sido reconocido con la nominación al premio principal del Theater Spektakel de Suiza en 2023 y como finalista del Premio Rolex Mentor & Protégé Art Initiative.

Al frente de proyectos como el Grupo KM29 y la plataforma PLANTA Investigación & Creación Transversal, Barbato es autor de piezas como Vendo Humo, Duramadre y Los posibles —esta última codirigida junto a Santiago Mitre—. Su vínculo con el Nuevo Cine Argentino incluye colaboraciones como asesor coreográfico de cineastas como Lucrecia Martel, Lisandro Alonso y Benjamín Naishtat. Está previsto que en 2026 estrene Las Ruinas, escrita por Laura Sbdar, en el Centro de Experimentación del Teatro Colón.

La pieza de danza a cargo de Telón Cádiz Inclusión cerrará la programación especial con motivo del Día Mundial del Teatro en la Casa de Iberoamérica. La actriz Charo Sabio será la responsable de abrir las actividades con la lectura del Manifiesto del Día Mundial del Teatro. Según detalló el Ayuntamiento de Cádiz en una nota, el evento tendrá lugar el viernes 27 de marzo, desde las 17:30 horas, con entrada libre hasta completar aforo. De acuerdo con la información difundida por el Ayuntamiento, la jornada estará organizada por la Mesa del Teatro de Cádiz, que ha elegido este espacio como escenario, y reunirá a artistas, expertos y público general.

El manifiesto de la presente edición fue redactado por Willem Dafoe, conocido por su trayectoria en películas como 'Platoon' y la reciente 'Pobres criaturas'. Según publicó el Ayuntamiento, Dafoe reflexionó sobre sus comienzos en el teatro dentro de una compañía neoyorkina. Explicó que comprendió cómo “el público, como testigo, le daba al teatro su significado y vida”. Dafoe planteó que “el teatro nunca ha sido tan importante y vital para la comprensión de nosotros mismos y del mundo”, en palabras recogidas por el comunicado del consistorio.

La programación continuará con la compañía La Gaviota, que ofrecerá una lectura dramatizada de textos pertenecientes a 'Centón de teatro', obra de Francisco Nieva. Tal como especificó el Ayuntamiento, esta acción busca acercar el patrimonio teatral a la ciudadanía, favoreciendo la participación activa de colectivos locales en la puesta en valor de las artes escénicas.

Willem Dafoe, citado por el medio oficial, también abordó el impacto que la tecnología ejerce sobre las relaciones personales. Sostuvo: “Habría que estar ciego para no reconocer que el contacto humano corre el riesgo de ser reemplazado por relaciones con dispositivos”. Asimismo, llamó la atención sobre la necesidad de evitar que el teatro se reduzca únicamente a una actividad comercial dedicada al entretenimiento, indicando que la labor esencial de los creadores teatrales es preservar la autenticidad y profundidad del arte escénico, según consignó el comunicado del Ayuntamiento.

La Mesa de Teatro, impulsada en 2018 por el Ayuntamiento de Cádiz, se encarga de facilitar la participación en el diseño y la evaluación de políticas culturales, promoviendo el diálogo y la transparencia en la gestión pública del sector. En este marco, el evento programado para el Día Mundial del Teatro busca reunir a la comunidad artística y al público para reflexionar sobre el papel de las artes escénicas en la sociedad contemporánea.

El acceso libre y gratuito al acto, detalló el consistorio, permite la asistencia de todos los interesados hasta que se complete el aforo disponible en la sede. Las actividades propuestas durante la jornada reflejan el objetivo de fomentar la conexión entre creadores, intérpretes y asistentes, a través de la lectura de manifiestos, la interpretación teatral y la expresión dancística, según informó el Ayuntamiento de Cádiz.

María Elisa Gallegos atraviesa una etapa de consolidación artística que encuentra en “Matilda, el Musical” un punto de equilibrio entre técnica, emoción y madurez escénica. Su interpretación de la Srita. Honey no solo representa un nuevo reto profesional, sino también una oportunidad para explorar zonas más íntimas de su propia personalidad. “Ha sido complejo, pero a la vez fácil… es encontrar esa parte de ti que puede explotar en el personaje”, explicó en entrevista para Infobae México.

A más de una década de haber iniciado su carrera en el teatro musical, la actriz reconoce que su camino ha estado marcado por la constancia y el aprendizaje continuo. Lejos de concebir el éxito como un punto de llegada, lo entiende como una consecuencia del trabajo sostenido. “Lo hago con tanto amor que de verdad deseo que les guste, pero yo como que me fijo más en, en lo que yo entrego y lo demás es una consecuencia” afirmó.

En ese proceso, "Matilda, el Músical" se convierte también en un reflejo del momento actual del teatro en México: una industria que, tras años de incertidumbre, ha vuelto a conectar con el público. “La gente quería consumir teatro”, dice con claridad, al observar el renovado interés de las audiencias.

Los inicios: una vocación que encontró su lugar

El acercamiento de María Elisa Gallegos al teatro musical comenzó mucho antes de su llegada profesional a los escenarios. Sin embargo, fue en 2013, al instalarse en la Ciudad de México, cuando decidió apostar de manera definitiva por esta disciplina.

Uno de los momentos que marcaron su trayectoria ocurrió de forma inesperada, durante una clase de danza. Un apagón obligó a improvisar y su maestro le pidió que cantara. “Me dijo: ‘¿Puedes cantar algo?’… y ahí empezó todo”, recuerda. A partir de ese instante, comenzaron las primeras oportunidades para presentarse en distintos espacios.

Su debut en el Teatro Hidalgo, aunque dentro del ensamble, fue determinante. La experiencia de habitar el escenario, cumplir funciones constantes y formar parte de una producción profesional le permitió entender la dimensión de su vocación. “Yo no necesitaba más… era como descubrir que esto ya existía y que yo podía estar ahí”, señaló.

Una carrera construida desde la constancia

A diferencia de trayectorias marcadas por saltos inmediatos, la de Gallegos se ha desarrollado de manera progresiva. Participaciones en montajes como “Dirty Dancing”, “Rent” y "Bule Bule, el Show" fueron ampliando su experiencia y fortaleciendo su presencia en el medio.

El punto de inflexión llegó con "Vaselina" en 2018 a cargo de Mejor Teatro, donde interpretó a Sonia. Ese personaje le permitió asumir una responsabilidad mayor dentro del escenario. “Entregué todo mi ser…Una locura, pero yo creo que era la edad perfecta, estaba muy bien y jovencitos para poder darlo todos esos fines de semana" comenta.

A partir de entonces, las oportunidades comenzaron a encadenarse. Su participación en producciones como "Jesucristo Superestrella" y "Hoy no me puedo levantar" consolidó su lugar en el teatro musical mexicano. “Todo se fue dando una tras otra”, resume, describiendo un proceso que define como orgánico.

El desafío de interpretar a la señorita Honey

El personaje de la Srita. Honey en “Matilda, el Musical” representa un cambio significativo respecto a los roles que había interpretado previamente. Acostumbrada a figuras de gran intensidad, ahora se enfrenta a un perfil más contenido y emocional.

Para construirlo, Gallegos recurrió a aspectos personales que dialogan con el personaje. “Es encontrar esa parte más tierna, más empática… y llevarla al escenario”, explicó. Este proceso implicó un ejercicio de introspección que le permitió conectar de manera más profunda con la historia.

Además, el reto se extendió al plano vocal. Tras años interpretando repertorio con influencias pop, tuvo que adaptar su técnica a un estilo distinto. “Hubo un proceso de canto para cambiar la comunicación”, señala, destacando la importancia de la preparación constante.

El teatro en México: entre la pausa y el resurgimiento

Para María Elisa Gallegos, el contexto actual del teatro musical en México refleja una transformación importante. Después de años en los que la asistencia disminuyó, hoy percibe un renovado interés por parte del público. “Hubo un momento en que decía: “¿Qué está pasando?” No veía que los teatros se estuvieran llenando" recordó.

Sin embargo, esa percepción cambió con el tiempo. Tras la pandemia, el regreso fue paulatino, con altibajos, hasta que las producciones comenzaron a reconectar con las audiencias. “Ahí dije: ‘La gente sí quiere’”, afirma, subrayando el deseo del público por volver a las salas.

Desde su perspectiva, el teatro se ha consolidado nuevamente como un espacio de encuentro y desconexión. “Es un estímulo, es un escape, es quitarte el celular por dos, tres horas”, explica, destacando el valor de la experiencia en vivo frente a otras formas de entretenimiento.

El valor del trabajo colectivo en “Matilda, el Musical”

Uno de los elementos que la actriz destaca de esta producción es la dinámica del elenco. Más allá de la experiencia individual, subraya la importancia de construir una propuesta en conjunto. “Estamos aquí para jugar y para contar esta historia”, afirma.

Durante los ensayos, el equipo creativo apostó por la exploración y el descubrimiento. Cada escena se desarrolló a partir de la interacción entre los actores, generando un proceso vivo y en constante evolución. “Ahí es donde nace todo”, explica.

Trabajar con intérpretes de amplia trayectoria como también ha representado un aprendizaje significativo. “Se les aprende mucho… compartimos el mismo objetivo”, añade, destacando la sintonía que se ha logrado en escena y detrás del telón.

Matilda: un musical que emociona y conecta con toda la familia

María Elisa Gallegos describe a Matilda como una experiencia que “te va a sacar de tu vida cotidiana, donde vas a escuchar música increíble, hermosa, que te pone la piel de gallina”. Según la actriz, cada función es una oportunidad para que el público viva la historia en tiempo real, disfrutando del talento del ensamble y de los pequeños protagonistas.

El elenco infantil, afirma, es “espectacular, todas las niñas son grandes actrices y te van a transportar a este universo”. La preparación de estos jóvenes actores incluyó meses de entrenamiento intensivo en canto, actuación y danza, logrando un nivel sorprendente que enamora a chicos y grandes.

Además, María Elisa resalta la química con el elenco adulto, incluidos grandes nombres como Jaime Camil y Verónica Jaspeado. “Jugamos, exploramos, nos admiramos, pero sobre todo compartimos un mismo objetivo: contar esta historia con amor y pasión”, asegura, invitando al público a disfrutar de una propuesta teatral que combina ternura, diversión y música inolvidable.

Un público que vuelve y una historia que conecta

Más allá del escenario, Gallegos observa un cambio en la relación entre el teatro y el público. Después de un periodo complejo, las audiencias han comenzado a regresar con mayor interés.

En el caso de Matilda, este fenómeno se percibe con especial claridad en las familias y en el público infantil. La historia logra conectar desde la emoción, pero también desde un mensaje que invita a la reflexión. “Los niños salen con ganas de dedicarse a esto”, señaló.

Para la actriz, este tipo de producciones tienen el potencial de formar nuevas audiencias. “Ahí está el futuro del teatro musical”, afirmó, convencida de que experiencias como esta pueden marcar a quienes se acercan por primera vez al escenario.

Con esa certeza, María Elisa Gallegos asume su presente con serenidad. No desde la expectativa del reconocimiento, sino desde la convicción de seguir construyendo, función tras función, una relación auténtica con el público.

Sin duda la experiencia personal de la maternidad me atravesó con una fuerza arrolladora, instalándome múltiples preguntas, dudas e incertezas. Me tomó de la mano, se instaló en mi alma, iluminando mi vida profesional como un faro que señalaría para siempre un rumbo apasionado.

Con una gran lupa de aumento me sumergí en el vínculo madre-hijo para develar sus inagotables misterios. “Su Majestad el Vínculo”, esa pequeña gran joya a ser descubierta con cada hijo.

Y me di cuenta que estábamos muy solas en esta enorme tarea de ser “constructoras de infancia”.

Las convoqué, me respondieron y así surgieron los grupos de madres que desde hace más de 30 años nos reúnen alrededor de un fogón común de dudas, ansiedades y miedos que atraviesan nuestro día a día con hijos. Un consultorio, un círculo de mujeres y un pizarrón fueron el puntapié inicial para albergarnos a la hora de la siesta.

Desde allí espiamos nuestro frenético quehacer diario, tomamos distancia, nos despegamos de la inmediatez del día a día para ganar distancia y ver mejor. Abandonamos la visión microscópica y con telescopio en mano tomamos conciencia del trayecto de vida que estamos transitando.

Una y otra vez nos decimos: “Estamos construyendo infancia”. Esto que hacemos cada día es crear, tramo a tramo, la infancia de nuestros hijos. Aquello que podía parecer intrascendente, cambiar pañales o levantar juguetes del piso, cobra entonces otra dimensión. La leche caliente de cada mañana, el camino recorrido al colegio, el olor a sopa, la torta recién salida del horno, los sonidos amorosos o agresivos, el aire que se respira tenso o distendido, todo queda archivado, cada gesto y cada palabra decantan en historia de vida, en infancia.

El mero hecho terrenal cobra alas y se eleva porque comprendemos que esas acciones simples y cotidianas van constituyendo mundos internos, recuerdos, identidades, vínculos humanos, las madres vamos urdiendo un ADN emocional dentro de cada hijo, un gen que actúa fuera de la célula, pero tan determinante para su futuro como la doble hélice que nos guía desde dentro.

Cada anécdota simple, nuestro pan con manteca cotidiano, está allí para ser pensada y comprendida. Así en simultáneo surge la necesidad de definir conceptos, herramientas solidas que respaldarán la próxima vivencia. Anécdota y concepto, vasos comunicantes que se enriquecen mutuamente porque la anécdota desnuda se convertiría en una sucesión hueca de hechos sin posibilidad de aprendizaje. Y los conceptos teóricos sin arraigo en la vivencia, serian volutas de humo que no hallan realidad donde encarnarse.

Cuanta delicadeza y profundidad son necesarias para embellecer el vínculo porque no será lo mismo:

calmar que angustiar

cuidar que violentar

proteger que asfixiar

pujar que retener

Hacer y ser historia para nuestros hijos nos devuelve una dimensión trascendente que nos regala plenitud, porque sabemos que la adultez es, en gran medida, un eco de la infancia.

Los miedos y ansiedades se fueron transformando en recursos útiles y entonces nace la necesidad imperiosa de compartirlos, de difundir tantos conceptos que pueden llevar claridad donde reina la confusión o paz donde prima la inquietud.

Así nació mi libro “Secretos de un Vínculo” luego titulado “Emociones de la Maternidad”.

Y ahora como un devenir natural el libro “Emociones de la Maternidad” se convierte en escenario, luces y cuatro actrices nos dicen ¡arriba el telón! regalándonos la magia del teatro para que una vez más formemos grupo y la fibra intensa de la maternidad nos recorra a todas, conservando el mismo anhelo genuino de acompañarnos y compartir juntas el pan de la maternidad.

Desde el primer encuentro con Natali Aboud (ella es la directora y es madre) la comprensión fue total. Desde esa piedra fundacional fuimos construyendo la obra que hoy nos emociona cada vez que vemos la maternidad transformada en cuerpo, poesía y teatro!! No hay egos, todas y cada una aportamos a un bien común mayor que es nuestra obra “Secretos de un Vínculo”.

La confianza y el clima de intercambio se enriquecieron con los relatos de cada una de las actrices sobre su identidad de ser madres e hijas, oportunidad que Natali no perdió, incorporando momentos de intimidad que tanto enriquecen la obra.

Un logro maravilloso es el aporte estético de la escenografía y el vestuario que estudio Tribu y Florencia Tellado supieron imprimirle, elevando el contenido y el mensaje de la obra.

Y termino con la frase final que vuelve a poner el acento allí donde se hace imperioso ponerlo: “embellecer cada vinculo amoroso es la mejor forma de celebrar lo humano”.

--------

Trabajar con Adriana siempre fue un placer para mí. Desde el primer momento se mezclaron el trabajo y la vida personal. Mientras escribíamos y pensábamos ideas, también hablábamos de la experiencia de criar, y yo le preguntaba cuestiones relacionadas con la crianza de mi hija, que en ese momento tenía tres años. Trabajar en la obra fue para mí una forma de poner en palabras miles de sensaciones que aún no podía nombrar. Fue un acto de creación y, a su vez, de autoobservación y sanación.

En una primera instancia empezamos a trabajar en la adaptación del libro Emociones de la maternidad para transformarlo en un lenguaje teatral. Como todo proceso creativo, pasamos por muchas transformaciones desde la primera versión hasta lo que es hoy la obra. Cuando tuvimos un texto que ya nos parecía posible de llevar a escena, armamos un casting en el que convocamos a diferentes actrices. Muchas de ellas eran madres, otras estaban puérperas y una estaba embarazada.

En los ensayos pasaba que la primera media hora se transformaba en un grupo de crianza coordinado por Adriana: cada una planteaba dudas o contaba lo que estaba viviendo, y desde este estado se armaban las escenas. La vida y el proceso de ensayo se entrelazaron tanto que la obra incorpora vivencias personales de las actrices; incluso en el video que aparece en la obra se puede ver a los hijos de cada una interactuando frente a cámara. Por lo tanto, el texto original mutó mucho: fue el punto de partida para que surgieran las escenas.

Después hubo un gran trabajo con la escenografía a cargo de Estudio Tribu y de vestuario por Florencia Tellado. La obra no solo busca contar desde la palabra y los cuerpos, sino también desde lo visual: ofrecer una experiencia onírica, lejos del mundo doméstico.

Así llegamos a esta obra, que muestra a un grupo de amigas madres atravesando un proceso de autoconocimiento en relación a la crianza de sus hijos. Exponen sus miedos, se preguntan cómo se hace y se responden con herramientas proporcionadas por el libro. La obra confirma que, cuando compartimos y pensamos juntas, todo se vuelve mucho más llevadero y amable que en soledad.

*Reestreno de Secretos de un vínculo de la Doctora Grande", dirigida por Natali Aboud, 21 de marzo a las 16hs, en Border Teatro, Godoy Cruz 1838, Palermo - CABA. Próximas funciones: Sábado 28 de marzo 16hs y Sábado 4 y 11 de abril 16hs.

El personaje de Fedra recibe una segunda oportunidad para enfrentar su destino y revivir los episodios fundamentales de su vida, con el conocimiento pleno de las experiencias que marcaron su existencia. Dentro de este enfoque, “Fedra en los infiernos” presentará en el Festival de Teatro Clásico de Mérida una versión revisada del mito, combinando la dimensión onírica y la influencia de Las Moiras, figuras asociadas al destino en la mitología griega. Según informó la organización del festival, esta nueva propuesta escénica, escrita y dirigida por José María del Castillo, tendrá su estreno el 12 de agosto y permanecerá en cartel hasta el 16 de ese mes, con una puesta en escena que busca reinterpretar el universo clásico desde una visión contemporánea.

Tal como publicó el medio sobre la programación del Festival de Teatro Clásico de Mérida, la actriz Lydia Bosch regresará al teatro después de 37 años de ausencia, asumiendo el papel protagonista en este montaje. Tras décadas dedicada principalmente a televisión y cine, Bosch ocupa el centro del escenario en una obra que explora nuevas dimensiones en la psicología de su personaje. En palabras recogidas por la organización, Bosch manifestó que esta versión de Fedra “permite conectar con la parte más profunda y disfrutona como actriz y poder crear una Fedra humana, vulnerable, poderosa, dubitativa y libre, con sus luces y sus sombras, sus miedos y represiones”.

La dirección de José María del Castillo plantea una mirada fresca sobre el mito clásico, ofreciendo al público una experiencia donde la vulnerabilidad y la sensibilidad adquieren protagonismo. Según detalló Del Castillo, este montaje aborda “desde una perspectiva contemporánea, y especialmente sensible y vulnerable, a este gran personaje”. La dramaturgia gira en torno al regreso de Fedra a la vida, guiada por Las Moiras, quienes marcarán el desarrollo onírico de la narración y abrirán la puerta a una relectura de los acontecimientos tradicionales asociados al mito.

El elenco principal incluye, junto a Lydia Bosch, a los intérpretes Julio Peña y Alejandro Albarracín. Completan el reparto Marta Calvó, Antonio Albella, Eva Diago y Yaiza Marcos, quienes aportarán a la construcción coral de la historia. De acuerdo con el equipo de la producción, el espectáculo integrará a todos estos actores en una serie de escenas que buscarán profundizar en los vínculos personales y las disputas internas de los personajes, favoreciendo un acercamiento humano y actual al relato.

La propuesta técnica de la obra también ha sido cuidadosamente planificada. Según consignó la producción, Anna Tussel se encargará de la escenografía, un elemento fundamental para la ambición estética del montaje, mientras que Florencio Ortiz estará al frente del diseño de iluminación. En lo que respecta al vestuario, la creación ha recaído en Pier Paolo Álvaro y Roger Portal. El maquillaje y la peluquería estarán en manos de Roberto Sigueiro, mientras que las coreografías han sido diseñadas por Benjamín Leiva, y la composición musical corre a cargo de Alejandro Cruz Benavídez, quien aportará la banda sonora original.

El Festival de Teatro Clásico de Mérida, con una larga trayectoria en la puesta en escena de obras emblemáticas de la tradición grecolatina, presentará así un estreno que busca actualizar el diálogo con los clásicos y reflexionar acerca del papel de la mujer en la narrativa mítica. Según la información difundida por la organización, la versión de “Fedra en los infiernos” pretende fusionar elementos del pasado con un tratamiento dramático adaptado al público actual, sin renunciar a los aspectos formales y simbólicos del mito.

La decisión de convocar a Lydia Bosch resalta como uno de los grandes atractivos de la temporada. Bosch, reconocida por su trabajo en diversos ámbitos escénicos, retorna a las tablas después de más de tres décadas, motivada por un personaje complejo cuya puesta en escena requiere una intensa labor actoral. Según reportó la producción, la actriz ha preparado el rol con un enfoque en las contradicciones internas de Fedra y la gama de emociones que implica retratar un mito que interpela tanto a la tradición como a la actualidad.

La obra forma parte de la línea de programación del festival que promueve la revisión e innovación de los textos clásicos, acercándolos a públicos diversos y favoreciendo nuevas lecturas. El montaje renovará la iconografía habitual, integrando elementos visuales y sonoros contemporáneos para acompañar la evolución del personaje en escena, según detalló el festival. La puesta contará así con una conjunción de factores artísticos que buscan potenciar el espacio mítico y el viaje emocional de la protagonista dentro del universo de Mérida.

El retorno de Lydia Bosch y la intervención creativa de José María del Castillo conforman los principales ejes de una propuesta que indaga en la mitología con perspectiva renovada, integrando al elenco y al equipo técnico en una apuesta por la imaginación escénica y la actualización del repertorio trágico clásico, de acuerdo con la información oficial del certamen.

A un año de la muerte de Antonio Gasalla, el círculo más cercano eligió el reencuentro íntimo y la preservación de recuerdos personales como la mejor forma de honrar su memoria. Sin homenajes públicos ni ceremonias, Marcelo Polino y la familia del artista priorizaron el gesto simple y genuino de compartir objetos, historias y instantes que definen un legado más allá de los escenarios.

“Son muchos los momentos que extraño con Antonio, sin duda la primera son las charlas telefónicas, porque nosotros vivíamos uno en una esquina y otro en la otra y hablábamos todos los días. Veíamos la tele, él en su casa, yo en la mía, y nos matábamos de risa de lo que veíamos en la tele. Eso es lo que más extraño, el llamadito diario”, recordó a Teleshow Marcelo Polino, periodista y conductor, al cumplirse un año de la muerte de Antonio Gasalla, su gran amigo y maestro.

La ausencia física se traduce en pequeños gestos cotidianos que, para Polino, marcan la diferencia: “Lo más chiquito, que no es poquito, pero por ahí, bueno, el escenario, el trabajar con él su última temporada y ver la ropa de los personajes con los que trabajamos la última temporada es también muy emotivo”.

El reencuentro de Marcelo Polino con la casa de Antonio Gasalla a un año de su fallecimiento

—¿Qué impresión te causó volver a la casa de Antonio Gasalla?

—Fue muy movilizante porque yo no había entrado nunca más a la casa de Antonio, desde que falleció. Como tres años. Porque él estuvo internado mucho tiempo. Mañana cumple un año de su fallecimiento.

—¿Te llevaste algún recuerdo de la casa?

—La familia se había llevado unas cosas para regalarme de vestuario, de teatro, dos vestuarios de finales muy lindos , que estaban muy bien conservados, espectaculares, mu estilo Antonio.

—¿Te los probaste?

—Sí, él era muy delgado, cuando empezó, porque yo peso sesenta y tres kilos y me quedaba perfecto.

—¿Cómo fue ese reencuentro con la familia?

—Me armaron el look ahí con el hermano, en la casa, fui invitado especialmente, todo fue muy emotivo, pero también hubo muchas risas. Compartimos alegría, nostalgia, cosas lindas, cosas no tan lindas.

—¿Qué va a pasar con la casa de Antonio?

—El piso de arriba está alquilado. Ahora su piso están desarmándolo. No sé si el destino final será la venta o el alquiler, como el de arriba. No, no hablamos de eso, para nada.

—Difícil enfrentar ese proceso...

—Es tremendo, porque empezás a desempolvar y ves cosas que te agarra.... además no te querés deshacer de nada. Yo me acabo de mudar antes de irme a Mar del Plata y tenía hasta los álbumes de casamiento de mi mamá, la abuela. Digo: “¿Qué hago con todo esto?”.

—¿Qué destino tendrán los vestuarios y objetos de Antonio?

—Hay mucho vestuario que sé que le van a mandar a Leo Cifelli, para el Museo del Teatro Cervantes. Parte del vestuario también va a ir a la Casa del Teatro, por eso se van a contactar con Linda Peretz. Más allá del vestuario de show, las cosas que han quedado de él también van a ir para la Casa del Teatro.

—Compartieron escenario y debe haber sido una experiencia imborrable para vos...

—El escenario, el trabajar con él su última temporada y ver la ropa de los personajes con los que trabajamos la última temporada es también muy emotivo.

Los amigos

—¿Antonio era una persona reservada?

—Antonio siempre fue un pisano muy reservado. No era de contar. Contaba muchas cosas de su mamá y de su infancia, y de cuando quería ser actor. Él estudió primero odontología, hasta que un día se plantó y le dijo al papá que no quería seguir estudiando. Básicamente recuerdos de cuando era joven. Después te contaba de las giras, de las anécdotas, de cuando fue a trabajar a diferentes países, de cuando estuvo en Miami, en Cuba, en España. Siempre era un libro de anécdotas.

—¿Vos le contabas cosas íntimas tuyas?

—Sí, nos contábamos cosas de la vida. Vivíamos muy la diaria. Íbamos a comer a Babieca por ahí una vez a la semana o cada quince días. Él me enseñó todo lo que yo sé de escribir monólogos. Me hizo comprar un grabador, un cuaderno. Yo iba a la casa y me decía: “Bueno, vamos a pasar por la historia de tu vida”. Me enseñó a contarla. y me indicaba, esa frase cortala... ahora leela con tu tono, respirá, hacé una pausa. Así pasábamos tardes enteras así. Tengo todo guardado, todas las grabaciones y todos los cuadernos de esa época. Así que fue un maestro para mi.

El círculo de amistades y la personalidad de Gasalla

—¿Cómo empezó tu relación con Antonio?

—Yo lo conozco a él, cuando trabajaba como una especie de manager de Alejandra Pradón. Cuando ella trabajaba con él. Y yo un día lo llamo para reclamarle que Pradón, quería más letra o algo en el programa, y me sacó cag....me dijo: “No me llames nunca más”.

Después pasaron un montón de años y nos encontramos, eramos del mismo barrio y me invitó a su casa. Después de toda esa pelea, voy a la casa, me abre la puerta y me dice: “No, Polino, no vamos a ir a cenar”. Bueno, me voy, le digo. No pasá solo vamos a tomar algo. Él era muy bravo, bravo de carácter.

—¿Hubo peleas entre ustedes?

—Nunca, no. Ya cuando le encontrabas el lado sensible, que para un pisciano, imaginate. Ya me reía. Nunca discutimos.

—¿Qué le gustaba hacer a Antonio fuera del teatro?

—A él le gustaba comprar muebles antiguos y los mandaba a restaurar. La casa tenía tipo museo, es una belleza su casa. Por ahí había visto un mueble en Uruguay y lo compraba, hacía los trámites para traerlo. Entonces, como que no sé si era su hobby, pero era su debilidad el tema de la decoración de su casa y eso me encantaba.

—¿Era una persona sociable?

—Era muy divertido, muy genio, pero también era un tipo muy solitario. No se lo invadía, muy poca gente entraba a su casa. De los que yo conozco, Nacha Guevara, Leonor Benedetto. Cuando compró el piso de arriba, lo inauguramos con la Benedetto, nos invitó a comer, los cubiertos era como Casa Foa, era todo divino. Y después nunca entró nadie más. Después vino la pandemia, se enfermó.

Más amigos...

Gerardo Romano, que en uno de sus divorcios vivió en una casa de Antonio. Estaba refaccionando una casa para poder salir, y como no la habían terminado, se separó y se fue a vivir unos meses a la casa de Antonio. La Borges también, Graciela estuvo muy pendiente siempre. Susana también estuvo muy generosa. Susana Giménez me llamaba a mí para preguntarme cómo estaba. Habíamos organizado todo un encuentro para que ella pudiese verlo en la clínica y fue dos días antes que ella llegara de Uruguay. No llegó a verlo, pero habíamos organizado todo para que ella pudiese ir en avión y que no se supiera.

—¿Recordás el momento en que ya no te reconocía?

—La última vez que hubo como un dejo de reconocimiento fue cuando al poquito tiempo que lo internaron, porque ya no podía vivir solo. Te acordás que le otorgaron el Martín Fierro a la trayectoria... yo se lo llevé. El sobrino le mostró en el teléfono el video de la ceremonia y estaban los paneos mientras yo hablaba cuando estaba con Susana en el celular y dijo: “Ay, Susana, hicieron como un plano de mí”, dijo: “Mirta”. Pero no sabía ni de qué era, si era un cumpleaños, un festival o Martín Fierro. Ahí ya no tenía. Y después de eso ya nunca más nos reconoció.

Murió el director y gestor cultural Alejandro Casavalle, figura central de las artes escénicas argentinas, quien era el responsable de la Dirección General de Enseñanza Artística del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, según informó la propia cartera.

Su fallecimiento, a los 58 años, deja un vacío difícil de llenar entre quienes reconocen su papel impulsor tanto en la creación teatral como en la docencia y gestión cultural, áreas en las que sostuvo el valor de la innovación y la inclusión como principios de acción.

La noticia generó un fuerte impacto dentro de la comunidad artística. Miles de personas recurrieron a redes sociales para expresar su admiración y aprecio, destacando especialmente la generosidad que lo definía.

Entre los mensajes, el director y dramaturgo Pablo Gorlero remarcó: “Extrañaré mucho tu sonrisa permanente, tu generosidad sin límites, tu optimismo imperturbable, tu vocación de puente, tu amor por el teatro. La comunidad pierde a uno de los luchadores incansables de la cultura”. Y desde el Museo Moderno, el equipo despidió a Casavalle reconociendo “la pasión y la visión de Alejandro sobre la responsabilidad de las instituciones públicas”.

Nacido en Buenos Aires el 7 de mayo de 1968, Casavalle inició su formación teatral a los 14 años, movido por el deseo de experimentar la fama y firmar autógrafos, como relató en entrevistas mencionadas por la Dirección General de Enseñanza Artística. Sus primeros pasos los dio en los talleres de Agustín Alezzo.

Amplió estudios con Augusto Fernandes, cuya puesta en escena le causó una impresión profunda. A lo largo de los años, sumó orientación de figuras internacionales como Ana Alvarado y Daniel Veronese, miembros del grupo El Periférico de Objetos, y del Odin Teatret, con Eugenio Barba y Julia Varley. También aprendió junto a Sotigui Kouyaté, actor vinculado a la troupé de Peter Brook.

Su primera obra reconocida, Pasiones olvidadas, fue estrenada en 1992 y galardonada con varios premios. Desde entonces, Casavalle produjo y dirigió más de 45 puestas teatrales en escenarios que incluyen desde México, Nueva York, Madrid y San Pablo hasta las principales salas de Buenos Aires. Trabajó con formatos diversos, desde espectáculos masivos como Buenos Aires No Duerme hasta propuestas íntimas, como Teatro Bombón y Microteatro.

En el terreno de lo disruptivo, en 2008 estrenó junto al grupo Dixz Teatro la obra Pornodrama II - un esquimal, una propuesta prohibida para menores de 18 años por la inclusión de escenas de sexo explícito.

Como director de actores, su trabajo se extendió a numerosas películas independientes, series televisivas y campañas publicitarias. Lideró también elencos con jóvenes y adultos mayores en el Centro Cultural Adán Buenosayres, en Parque Chacabuco, promoviendo la integración de artistas de distintas generaciones.

Su producción más reciente incluyó la obra CLIC, cuando todo cambia, estrenada en 2023. Esta performance poética y musical centrada en la adolescencia abordó cuestiones poco tratadas en escena teatral como el abuso, los trastornos alimenticios, el bullying y la identidad.

En 2021, tras el confinamiento, presentó en El Extranjero una adaptación de dos textos: Moje Holka, Moje Holka, de la española Itziar Pascual, y Mi niña, niña mía, de la colombiana Amaranta Osorio, con actuaciones de Alma Buffay y Marianela Zapelli. Las funciones permitían a los asistentes almorzar o merendar en el bar del teatro, fusionando la experiencia artística con la reunión social como forma de resignificar el encuentro tras la pandemia.

En materia de gestión y docencia, Casavalle fue director ejecutivo del Consejo Provincial de Teatro Independiente, director del Complejo Cultural Cine Teatro 25 de Mayo, programador del FIBA (Festival Internacional de Teatro de Buenos Aires) y curador de la Bienal de Arte Joven. Desarrolló actividades pedagógicas en la UADE, ENERC, la Universidad de Palermo, la Universidad de Belgrano y el Centro Cultural Ricardo Rojas, además de dirigir ciclos de formación en instituciones de todo el país.

Visiblemente emocionados tras recibir los premios revelación, Julio Peña y Miriam Garlo protagonizaron uno de los instantes más destacados en la reciente edición de los Premios Unión de Actores y Actrices. La gala, que se celebró en el Teatro Circo Price de Madrid, congregó a numeroso talento emergente junto a figuras consolidadas del cine, el teatro y la televisión, según detalló el medio que cubrió el evento.

Entre los galardonados de la 34ª edición sobresalieron nombres emblemáticos del panorama artístico español. Antonio Resines fue distinguido con el galardón Toda una vida, reconocimiento a su extensa carrera y aportes al mundo del espectáculo, tal como consignó la fuente informativa. Por su parte, Pedro Almodóvar recibió el galardón Mujeres en Unión-Pilar Bardem, premiando su labor orientada a destacar la relevancia de la mujer en el cine, reconocimiento ampliamente respaldado durante la ceremonia según informó el medio.

De acuerdo con la información publicada, Álvaro Cervantes resultó ganador como Mejor Actor Protagonista de Cine, mientras que Nagore Aramburu obtuvo el premio en la categoría femenina correspondiente. En el ámbito teatral, Daniel Albaladejo e Irene Escolar fueron los intérpretes más destacados por sus respectivas actuaciones, logrando los principales reconocimientos en teatro.

En el rubro televisivo, la noche también destacó los trabajos de Candela Peña y Javier Bardem, quienes se hicieron con los premios a Mejor Actriz y Mejor Actor Protagonista, respectivamente. La fuente consultada indicó que la velada estuvo marcada no sólo por los premios, sino también por una amplia presencia de actores y actrices que acudieron para apoyar y celebrar la profesión.

El evento premió con el galardón especial de la Unión al equipo de la película La voz de Hind, un reconocimiento colectivo que subrayó logros significativos dentro de la filmografía nacional reciente. Además, durante la celebración Carlos Bardem manifestó su admiración por su hermano Javier, señalando: “No tengo más que aplaudir a una persona coherente, con coraje, que hace las cosas donde hay que hacerlas”. Complementó su declaración asegurando: “Fue el único que tuvo dignidad en todo ese circo de los Oscar de ayer”, según publicó el medio que dio cobertura a la gala.

La noche en el Teatro Circo Price reunió a muchos de los rostros más conocidos del sector. Entre los asistentes se destacaron Maribel Verdú, Javier Cámara, Ana Castillo, Lola Marcelli, Álvaro Morte, Fernando Tejero, Rubén Sanz, Miguel Garcés, Blanca Soroa, Carla Quílez y Víctor Clavijo. También acudieron Carolina Bona, Cecilia Gessa, Carlos Hipólito, Secun de la Rosa, María Ramos, Daniel Muriel y Candela Serrat, junto con Mar Regueras, Beatriz Rico, Luisa Martín, Cristóbal Suárez, Ania Hernández, Carla Díaz, María Jesús Hoyos y David Lorente.

Tal como detalló el medio presente en la gala, la edición número 34 de los premios se caracterizó por la combinación de celebraciones a trayectorias consolidadas y el impulso a nuevas voces en la escena. La sala del Teatro Circo Price se llenó para presenciar este encuentro anual, en el que la emoción, los reencuentros y el reconocimiento a la labor interpretativa se reflejaron a lo largo de la noche.

Durante la ceremonia de los premios organizada por la Unión de Actores y Actrices, varias voces destacaron la necesidad de otorgar mayor nivel de oportunidades y visibilidad a las personas mayores y a los intérpretes con discapacidad, reclamando el compromiso de la industria con estos colectivos. Según informó el medio, los protagonistas del sector vincularon estos llamamientos con un contexto internacional y social marcado por la guerra, la violencia y la vulneración de derechos.

El evento, celebrado en el Teatro Circo Price de Madrid, correspondió a la 34ª edición de los galardones de la Unión, y estuvo señalado por numerosos discursos y gestos públicos en favor de la paz y la convivencia. Tal como publicó la fuente, actores y actrices españoles coincidieron en rechazar la guerra y pedir más amor en un contexto global que, según describieron, atraviesa momentos de incertidumbre. Este mensaje estuvo presente tanto en las palabras iniciales de la gala como en diferentes intervenciones a lo largo de la noche.

La secretaria general de la Unión, Silvia de Pé, abrió la gala reconociendo el complejo panorama internacional, incluyendo referencias a la guerra en Irán y Ucrania, violencia en Palestina, represión en Estados Unidos, la situación de las mujeres en Afganistán y dificultades de acceso a la vivienda en España. De acuerdo con el medio, De Pé enfatizó el aumento de la censura y la autocensura, así como la amenaza de retrocesos sociales en diferentes ámbitos vinculados a los cambios políticos. Sostuvo que el sector artístico tiene una responsabilidad especial en estos tiempos y apuntó los avances recientes en derechos laborales para los actores, detallando que la Unión ha conseguido logros como el reconocimiento de la intermitencia profesional, el acceso a prestaciones por desempleo para artistas, la compatibilidad de la jubilación con el trabajo artístico y la mejora en fiscalidad. Según publicó la fuente, De Pé anunció la inminente actualización del Estatuto del Artista, algo pendiente durante cuatro décadas.

En el apartado cinematográfico, la película ‘Los Domingos’ se distinguió al obtener tres galardones entre seis nominaciones. Patricia López Arnaiz se llevó el premio a Mejor Actriz por su papel en esta producción, mientras que José Ramón Soroiz fue distinguido como Mejor Actor por ‘Maspalomas’. Ninguno de los dos asistió a la gala. Nagore Aramburu y Álvaro Cervantes figuraron entre los premiados, recibiendo los reconocimientos de Mejor Actriz Secundaria y Mejor Actor Secundario, respectivamente. El galardón a Mejor Actriz Revelación recayó en Miriam Garlo por ‘Sorda’, quien, además de expresar un rechazo a la guerra, se pronunció en contra de los feminicidios y lamentó que en la actualidad envejecer se considere un lujo.

Por su parte, Julio Peña recibió el premio a Mejor Actor Revelación por ‘El Cautivo’ y compartió el reclamo de centrarse en el amor, en vez del conflicto bélico. Víctor Sainz y Elvira Mínguez obtuvieron los premios de Mejor Actor de Reparto y Mejor Actriz de Reparto por ‘Los Domingos’ y ‘La Cena’, respectivamente, aunque Mínguez no participó en la ceremonia.

En la industria televisiva, ‘Anatomía de un Instante’ y ‘Poquita Fe’ fueron las principales premiadas con dos galardones cada una. ‘Anatomía de un Instante’ obtuvo los premios de Mejor Actor Protagonista para Álvaro Morte y Mejor Actor Secundario para David Lorente. Éste último instó a la clase política a moderar el tono y abandonar los insultos, defendiendo el diálogo como base de la política. ‘Poquita Fe’ obtuvo los premios de Mejor Actor de Reparto para Felipe Andrés y Mejor Actriz Secundaria para María Jesús Hoyos, quien reivindicó el aporte y la eficacia de los actores de mayor edad. También en televisión, Ingrid García-Jonsson fue reconocida como Mejor Actriz Protagonista por ‘Superestar’, aunque no acudió a la gala. Natalia Huarte, premiada como Mejor Actriz de Reparto por su papel en ‘Ena, la reina Victoria Eugenia’, remarcó la importancia de la memoria histórica y vinculó la actualidad con el temor provocado por los conflictos armados, subrayando la petición de avanzar hacia un mundo más pacífico.

En la sección de teatro, Daniel Albaladejo recibió el reconocimiento como Mejor Actor Protagonista por ‘La señorita de Trevélez’, e Irene Escolar obtuvo el premio a Mejor Actriz Protagonista por ‘Personas, lugares y cosas’. Víctor Clavijo, galardonado como Mejor Actor de Reparto por ‘Blaubeeren’, advirtió sobre la llegada de momentos adversos y llamó a la vigilancia social. Ania Hernández fue reconocida como Mejor Actriz de Reparto por ‘Numancia’, Mina El Hammani recibió el galardón a Mejor Actriz Secundaria, mientras que Cristóbal Suárez fue premiado como Mejor Actor Secundario por ‘Música para Hitler’.

El Premio Mujeres en Unión Pilar Bardem recayó en el cineasta Pedro Almodóvar. Durante su intervención, el director evocó su infancia en La Mancha y narró acontecimientos de su juventud, como el cierre de la escuela de cine a la que quería acceder durante el régimen franquista, resaltando el ser testigo de una época difícil para España. Almodóvar dedicó el galardón a quienes colaboraron económicamente en la realización de su primera película y describió a los actores como el alma de sus producciones. Pidió perdón por cualquier herida involuntaria y subrayó la dificultad y fragilidad del trabajo interpretativo tras más de treinta años de trayectoria.

La película ‘La voz de Hind Rajab’ fue distinguida con el Premio Especial de la Unión, en tanto que Antonio Resines recibió el reconocimiento a Toda una Vida, manifestando su aspiración de seguir activo en la profesión y bromeando sobre sus expectativas de éxito y fama.

En el preludio de la gala, la atención se centró en el ‘coraje’ mostrado por Javier Bardem en la gala de los Oscar tras portar el mensaje 'No a la guerra' en la solapa de su chaqueta, según consignó el medio. Carlos Bardem elogió públicamente la actitud de su hermano y lamentó que ninguna figura estadounidense mencionara la guerra ni la situación migratoria relacionada con el ICE durante la ceremonia en Hollywood. Señaló que muchos colegas de profesión coincidieron en privado con la postura de Javier Bardem, aunque no se atrevieron a manifestarlo públicamente. El medio reportó que Alberto Ammann, quien obtuvo el premio a Mejor Actor de Producción Internacional por 'Atrapados', manifestó que sintió "vergüenza" durante la transmisión de los Oscar por la falta de posicionamiento público y valoró el gesto de Bardem como ejemplo de valentía. Carla Díaz se adjudicó el reconocimiento a Mejor Actriz de Producción Internacional por su trabajo en ‘Delicious’.

El desarrollo de la gala reflejó, según publicó la fuente, un consenso generalizado sobre el vínculo entre el arte dramático y el compromiso social, y subrayó la importancia de la visibilidad, la defensa de derechos y la responsabilidad de la industria frente a las crisis y las vulnerabilidades presentes a nivel local e internacional.

El lanzamiento de los Premios al Teatro Independiente 2026 marca la apertura de la inscripción para producciones de la escena autogestiva de Capital Federal y la expansión oficial hacia la Zona Sur del conurbano bonaerense. Paula Lassaque y Patricia Guillermina Rozas, creadoras del certamen, anunciaron el inicio del nuevo ciclo tras reunir más de 500 propuestas en la edición previa.

Con el objetivo de fortalecer el reconocimiento a los oficios teatrales, la organización confirmó la puesta en marcha de un programa anual de charlas que pondrá el foco en roles técnicos como iluminadores, vestuaristas, escenógrafos y diseñadores sonoros. Las actividades buscarán generar intercambio y aprendizaje entre los profesionales que conforman el trabajo escénico fuera del escenario.

Las compañías independientes que deseen participar deben registrar sus obras, en cartel entre septiembre de 2025 y septiembre de 2026, con al menos cuatro funciones en total, enviando sinopsis, ficha técnica y cronograma de presentaciones a premioalteatroindependiente@gmail.com. El envío constituye un registro informativo para el jurado, pero no garantiza la nominación automática.

El jurado para esta edición, ya en funciones, incorpora nuevas voces para cubrir la oferta del circuito independiente en ambas regiones. Entre sus integrantes se encuentran Gabriel Devoto y Eugenia Do Nascimento, recientes incorporaciones.

La edición 2026 suma la categoría Espectáculo poético musical, válida para propuestas individuales o grupales en salas alternativas, sin requisito de número mínimo de funciones y permitiendo reestrenos. Además, se incluye la categoría Infantil y se redefine el premio a Inclusión social, que requiere la participación efectiva de colectivos vulnerados o personas con capacidades diferentes en elencos y equipos, más allá de la temática de la obra.

A lo largo de 2026 se realizarán charlas y encuentros para la comunidad teatral. La entrega de Diplomas a los nominados será en noviembre y la gala final de premiación en diciembre.

El último adiós a Gemma Cuervo contará con la apertura de la capilla ardiente este domingo, a partir de las 10 de la mañana, en el Tanatorio de la Paz, ubicado en Tres Cantos, según información confirmada por la familia de la actriz. La intérprete, nacida en Barcelona en 1934, falleció el sábado a los 91 años, dejando un legado que ha marcado profundamente la historia escénica española. Más de sesenta años de trayectoria, con participación en más de sesenta montajes teatrales y numerosos trabajos en cine y televisión, posicionaron a Cuervo entre las figuras más reconocidas por el público y la industria cultural, reportó la familia mediante un comunicado enviado a los medios.

Según consignó la agencia EFE, la noticia del fallecimiento de Gemma Cuervo generó múltiples reacciones en el ámbito político y artístico. El presidente del Gobierno, Pedro Sánchez, despidió a la intérprete a través de un mensaje en su cuenta oficial de X, donde destacó que el trabajo de la actriz "forma parte de la historia cultural de España". Sánchez transmitió sus condolencias a los familiares y allegados y concluyó: "Te recordaremos siempre". Otras personalidades políticas también expresaron sus sentimientos tras la pérdida. El alcalde de Madrid, José Luis Martínez-Almeida, utilizó las redes sociales para recordar que la actriz iba a recibir la Medalla de Honor de Madrid durante el próximo San Isidro, en reconocimiento a su extensa carrera, y envió su cariño a la familia y a los seres queridos de Cuervo. Pilar Alegría, secretaria general del PSOE de Aragón, la calificó como "una de las figuras más respetadas y emblemáticas de la interpretación en España", y subrayó el peso de sus papeles televisivos y su influencia sobre diversas generaciones.

El impacto de Gemma Cuervo en el mundo audiovisual se reflejó en los testimonios de sus colegas. Luis Merlo, con quien compartió rodaje en producciones como ‘Aquí no hay quien viva’, lamentó la muerte de la intérprete al recordar la experiencia de trabajar junto a ella. A través de su perfil de Instagram, el actor escribió: "Se nos ha ido una actriz inmensa, elegante y llena de chispa: desde el teatro clásico hasta esa Vicenta inolvidable que nos hizo reír a carcajadas". Merlo agradeció los momentos compartidos en los rodajes y rememoró con afecto el icónico trío de ‘Radiopatio’ que formaron Gemma Cuervo, Mariví Bilbao y Emma Penella en la mencionada serie. Dirigiéndose a Cayetana Guillén Cuervo, hija de la actriz, Merlo afirmó: "Su amor por ti era infinito. Cuídate mucho, y lleva su luz siempre contigo. Gracias por todo, Gemma. Descansa en paz, serás eterna".

A lo largo de una vida dedicada al arte dramático, Gemma Cuervo fue reconocida tanto por especialistas como por el público general, consolidándose como una referencia obligada en la interpretación clásica y contemporánea española. Según detalló la agencia EFE, Cuervo no solo ocupó puestos relevantes en producciones teatrales, sino que también se posicionó como rostro emblemático en la televisión y el cine nacional. La actriz es especialmente recordada por su papel como Vicenta en ‘Aquí no hay quien viva’, personaje que conectó con diversas generaciones de espectadores gracias a la dirección de los hermanos Caballero. También fue parte de numerosos proyectos audiovisuales que obtuvieron amplia repercusión y que favorecieron el acercamiento de su obra a públicos de distintas edades.

El anuncio de la Medalla de Honor de Madrid, que iba a entregarse durante las celebraciones de San Isidro, reforzó el reconocimiento institucional a su carrera. Gemma Cuervo acumuló más de setenta años de trabajo sobre las tablas y frente a las cámaras, recibiendo tributos de compañeros y figuras públicas tras su deceso. De acuerdo con lo reportado por EFE, los mensajes de agradecimiento y despedida destacaron cualidades como su capacidad de improvisación, su disposición en el set y la generosidad profesional que la caracterizó en el trato con colegas, elementos que influyeron positivamente en generaciones de intérpretes.

El comunicado de la familia, difundido a los medios, resaltó el gran aprecio y admiración que Gemma Cuervo despertó tanto en profesionales como en espectadores. Su legado abarca una etapa significativa para el teatro, el cine y la televisión en el contexto español, enlazando la tradición escénica con la evolución de los formatos y la oferta artística del país. Según publicó el medio EFE, su trabajo permitió acercar los clásicos a nuevos públicos y fortalecer la vigencia del género teatral, al tiempo que sus roles televisivos se incorporaron al acervo cultural colectivo.

Las muestras de pesar multiplicaron el eco de su despedida, con figuras del entretenimiento, responsables institucionales y admiradores que recordaron la trascendencia de Gemma Cuervo en la historia cultural española, según recogió EFE. La apertura de la capilla ardiente en Tres Cantos permitirá que familiares, amigos y seguidores se acerquen en persona a expresar su reconocimiento y respeto hacia una de las personalidades más queridas y persistentes del escenario nacional.

A escasos metros del Teatro Español, Greenpeace desplegó una pancarta con el mensaje “No a la guerra” en la Puerta del Sol, sumándose a la confluencia de reivindicaciones pacifistas en la capital. De acuerdo con Europa Press, en el mismo contexto, Aitana Sánchez-Gijón, intérprete principal de la nueva puesta en escena de ‘Malquerida’, instó a que “haya más lonas como esa en todas partes, en todo el mundo, todo el tiempo”, señalando la necesidad de un compromiso constante y global en contra de los conflictos armados.

Según publicó Europa Press, durante la presentación de la obra, Sánchez-Gijón lanzó un firme llamado pacifista destacando que el mundo está “en manos del caos y de la ley del más fuerte”. Desde el escenario y frente a los medios, expresó su preocupación sobre el rumbo que está tomando la sociedad actual, advirtiendo que la ausencia de comportamientos civilizados y de mecanismos que encaucen las pasiones humanas conduce a un entorno dominado por la fuerza, situación que, según sus palabras, está llevando al mundo “al desastre”. La actriz remató su intervención con una exclama: "No a la guerra".

En el acto, la directora de la obra, Natalia Menéndez, intervino antes de finalizar la rueda de prensa recitando un poema de Rafael Alberti en favor de la paz, con versos como: “Paz, paz, paz, paz luminosa, una vida de armonía sobre una tierra dichosa. Paz sin fin, paz verdadera, paz que al alba se levante y a la noche no se muera”, según recogió el medio Europa Press.

El medio consignó que Sánchez-Gijón regresa a los escenarios con ‘Malquerida’, de Jacinto Benavente, obra que marcó su debut teatral a los 19 años en el papel de Acacia y que, en esta oportunidad, la encuentra interpretando a Raimunda, la madre. Al referirse a esta nueva versión, resaltó que es distinta, con muchos elementos renovados respecto a la original. Describió que, durante los ensayos, percibió una especie de “memoria” en su forma de interpretar, como si la experiencia pasada permaneciera en su ADN artístico.

La consagrada actriz calificó la obra como un ejemplo de drama familiar intenso, donde los conflictos y pasiones subterráneas pueden terminar por afectar la vida de los más cercanos. Según detalló Europa Press, para Sánchez-Gijón, la pieza aborda cómo las tensiones íntimas y los vínculos familiares en crisis actúan como un reflejo social, extrapolando esas dinámicas al contexto más amplio en el que se producen conflictos colectivos.

El espectáculo se representa en el Teatro Español entre el 13 de marzo y el 26 de abril, en el centro de Madrid, y cuenta con un elenco encabezado por Juan Carlos Vellido (Esteban), Lucía Juárez (Acacia), Goizalde Núñez (Juliana), José Luis Alcobendas (Eusebio), Dani Pérez Prada (El Rubio), Álex Mola (Norberto) y Antonio Hernández Fimia (Faustino), según difundió Europa Press.

La adaptación actual prescinde del artículo original en el título, por iniciativa de Juan Carlos Rubio, encargado de esta versión, quien según publicó Europa Press, explicó que el cambio responde al propósito de generalizar la actitud representada en la obra, evitando circunscribirla a una única persona.

Cuestionada sobre su evolución personal y profesional desde aquel primer papel, Sánchez-Gijón reconoció que entonces se sentía “un poco encogida”, y aconsejaría a su yo joven disfrutar más del proceso y transitar sin temor las dudas e inseguridades propias del aprendizaje, reportó Europa Press. A lo largo de la obra, la actriz considera que se ha buscado resaltar la magnitud del conflicto familiar, elevando la temática a una escala que va más allá de lo individual.

La pieza pone sobre la mesa cuestiones relativas al manejo de las pasiones humanas, cómo su descontrol puede derivar en consecuencias destructivas tanto para los individuos como para sus entornos, tema que, para Sánchez-Gijón, mantiene vigencia al ser reflejo, en su opinión, de procesos similares en la sociedad actual.

Europa Press destacó también el tono general de la presentación, donde lo artístico y lo social convergieron en los mensajes de paz, tanto desde el escenario como en manifestaciones públicas paralelas en la ciudad, evidenciando la preocupación compartida por la violencia y los conflictos en el contexto contemporáneo.

Durante la jornada conmemorativa del 8 de marzo en Collado Villalba, la concejal de Mujer, Noelia R. Díaz Vaca, interrumpió la representación del monólogo ‘Ser Mujer’ en la Casa de la Cultura. Según reportó el medio, la edil del Partido Popular argumentó que el contenido suponía “una falta de respeto”, decisión que generó la inmediata reacción de los grupos de la oposición, quienes calificaron el hecho como un acto de censura y pidieron su cese.

De acuerdo con la información publicada, la obra interrumpida formaba parte de la programación oficial de actividades municipales por el Día Internacional de la Mujer. La intervención de Díaz Vaca se efectuó mientras la función seguía en curso, alegando supuestas faltas de respeto en el contenido de la actuación. Tras el incidente, la concejal ofreció disculpas públicas a través de la red social ‘X’, donde expresó: “Lamento lo ocurrido durante la representación teatral y pido disculpas por la forma en la que se desarrollaron los hechos. Mi reacción no fue la adecuada y soy consciente de que, como representante público, debo actuar siempre desde la serenidad y el respeto”.

El pasado sábado, el espectáculo fue detenido cuando la concejal subió al escenario y proclamó: “Discúlpenme pero esta obra de teatro y este teatro acaba aquí. Lamento mucho todas las faltas de respeto que se han tenido”. Este momento fue grabado y difundido posteriormente en video por los grupos PSOE y Más Madrid de Collado Villalba a través de redes sociales, recibiendo una amplia difusión.

El PSOE del municipio consideró el hecho como un “acto de censura impropio” de una institución pública, especialmente durante una actividad orientada a celebrar la libertad, los derechos y la voz de las mujeres. Según denunció el partido socialista local, interrumpir un espectáculo en marcha por su contenido constituye una vulneración de la libertad de expresión y refleja un intento de silenciar propuestas artísticas. El comunicado del PSOE remarcó también la importancia de respetar el trabajo creativo y el derecho del público a asistir a representaciones que pueden invitar a la reflexión o al debate, subrayando que el valor de la cultura reside precisamente en su capacidad para incomodar o cuestionar.

La formación socialista advirtió que las instituciones públicas no deben servir de plataforma para criterios personales ni decidir de forma unilateral sobre el contenido que puede ofrecerse en actividades culturales. Dentro de su mensaje, reiteraron: “Nuestro municipio no es el cortijo de nadie”.

Más Madrid, por su parte, mostró una postura similar y reclamó la dimisión de la concejal. La portavoz de Más Madrid en la Asamblea, Manuela Bergerot, manifestó a través de ‘X’ que “la responsabilidad de representar a Villalba le queda muy grande” y calificó el episodio como un claro ejemplo de acto censurador. El grupo local de Más Madrid demandó el cese inmediato de Díaz Vaca y aseguró que continuará defendiendo una “cultura libre, feminista y democrática”, rechazando cualquier intento de retroceso en los derechos culturales y sociales.

Tras las numerosas críticas y solicitudes de dimisión, la concejal Noelia R. Díaz Vaca volvió a pronunciarse públicamente, reiterando su petición de disculpas y señalando que su objetivo nunca fue limitar ningún derecho, sino buscar la defensa de valores fundamentales. Díaz Vaca defendió su creencia en la libertad de expresión y subrayó que este principio democrático debe coexistir con el respeto a la dignidad personal, “especialmente cuando hablamos de la mujer y de su libertad”.

El incidente, según detalló el medio, ha generado un amplio debate tanto sobre los límites de la libertad de expresión como sobre el papel de las autoridades públicas en la programación cultural, dejando en el centro del debate la relación entre el ejercicio del cargo y el respeto por la pluralidad de opiniones en actividades financiadas y promovidas desde instituciones municipales.

María Grazia Gamarra se ha consolidado como una de las actrices más versátiles y queridas de su generación. Reconocida tanto por su trabajo en el teatro como la televisión, hoy destaca con su papel de "Macarena Montalbán" en la exitosa serie 'Al Fondo Hay Sitio’.

La actriz conversó con Infobae Perú sobre el desafío de volver a interpretar a Roxana en Cyrano de Bergerac —bajo la dirección de su hermano, Jean Pierre Gamarra— y la evolución de su personaje en el regreso de la producción televisiva más vista del país.

La reposición de Cyrano de Bergerac, que se presenta en el Teatro Municipal de Lima desde el 5 hasta el 29 de marzo, marca el retorno de Gamarra y Alonso Cano en los roles protagónicos. Esta nueva temporada, a cargo de Éxodo Teatro, promete revivir el clásico con la profundidad y el rigor técnico que han caracterizado a la compañía.

El desafío de volver a ser “Roxana” en Cyrano de Bergerac

Interpretar a Roxana nuevamente representa para María Grazia Gamarra un proceso de reencuentro con el texto clásico, el equipo creativo y el exigente ritmo de los ensayos teatrales. Según la actriz, la interpretación de Cyrano de Bergerac exige un entrenamiento constante, tanto en la memorización de diálogos extensos como en el manejo vocal y físico sobre el escenario, especialmente en un espacio con la historia y la acústica del Teatro Municipal.

—¿Cómo ha sido volver a retomar el papel de Roxana después de una temporada exitosa y con una audiencia tan numerosa?

Te soy sincera, es muy especial para mí volver al Municipal, un teatro tan bonito y con tanta historia. Hacer una obra tan importante como Cyrano de Bergerac es realmente una oportunidad que disfruto y agradezco mucho. Volver implica reconectar con el equipo y afinar detalles. Al ser una reposición, la base está armada, pero hay que ensamblarnos y ajustar todo.

—¿Cómo es trabajar bajo la dirección de tu hermano, Jean Pierre Gamarra?

Es increíble, no solo porque es mi hermano, sino porque está absolutamente preparado y tiene todo muy claro en su cabeza. Esa claridad y dinámica hacen que el proceso sea muy enriquecedor y profesional.

—El texto de Cyrano es extenso y de otra época. ¿Te es complicado memorizar y no perder el ritmo de esos diálogos tan largos?

Creo que la única forma es trabajando duro, estudiando y practicando mucho. Los ensayos constantes y la experiencia de hacer varias obras al año nos permiten mantener los textos frescos. Es como un músculo: cuanto más lo usas, más entrenado está el cuerpo y la mente para sostener una temporada, aunque también es exigente físicamente y emocionalmente.

—¿Y qué tan complejo es proyectar la voz y cantar en un teatro como el Municipal?

Siempre es complicado y, francamente, aterrador. Aunque ensayamos y dominamos los textos, el miedo y la angustia están presentes cada función. Los actores somos vulnerables y cualquier emoción o situación personal puede influir en escena. El trabajo en equipo es fundamental: si hay un olvido, el grupo sostiene la obra.

Renunciar por amor, inseguridades y el mensaje de Cyrano

—Uno de los mensajes de la obra es la renuncia por amor. ¿Cómo entiendes esa idea desde tu experiencia personal?

Lo que vive Cyrano nos pasa a todos en algún momento. Todos tenemos inseguridades que pueden llevarnos a renunciar a algo importante. En mi caso, como mamá y esposa, he aprendido a trabajar en la seguridad personal y a transmitírselo a mis hijas. El miedo y la inseguridad pueden limitar mucho, pero es fundamental aprender a superarlos.

—La obra también habla del amor a través de las palabras, no de la apariencia. ¿Crees que hoy en día esa forma de enamorar sigue vigente?

Creo que ya no existe como antes. Ahora la gente conecta desde otros espacios, sobre todo a través de redes sociales. Los textos poéticos y en verso que hacemos en Cyrano son algo hermoso, pero poco habitual en la vida cotidiana. Valoro mucho esa tradición, aunque no todos conecten igual.

—¿Piensas que un personaje como Cyrano sería blanco de críticas o bullying en redes sociales hoy?

Definitivamente sí. Hoy estamos muy expuestos; cualquiera puede opinar y atacar desde el anonimato. Eso me genera temor como mamá, porque la discriminación y las críticas pueden afectar profundamente, alimentando inseguridades que no siempre son fáciles de manejar.

—¿Cómo gestionas personalmente la exposición y las críticas en redes sociales?

Intento filtrar y no revisar cada comentario. Uso las redes porque me permiten conectar con más personas y dar visibilidad a mi trabajo, pero me cuido mucho para evitar polémicas. Como artista, las críticas nos afectan porque somos vulnerables, y prefiero enfocarme en compartir mi trabajo y cosas positivas.

El regreso de Macarena Montalbán y su evolución en ‘Al Fondo Hay Sitio’

—Tu personaje, Macarena, ha evolucionado mucho en la última temporada de ‘AFHS’. ¿Cómo tomaste los cambios en los guiones?

Me encanta que Macarena evolucione y que ahora enfrente la maternidad. Le da nuevas posibilidades al personaje y a la comedia. Los personajes, como en la vida, crecen y maduran. La maternidad será un motor para desarrollar su historia y me entusiasma interpretarlo.

—Como mamá, ¿te impactó la trama en la que Macarena enfrenta un resultado negativo de embarazo?

Absolutamente. No he vivido exactamente lo mismo, pero conozco muchas mujeres que han pasado por situaciones similares. Me parece importante que la televisión visibilice estos temas porque puede acompañar y dar voz a quienes se sienten identificados.

—¿Cómo ves la relación entre Macarena y Joel, que no es precisamente un hombre maduro, especialmente ante la llegada de un hijo?

Macarena sabe en lo que se ha metido con Joel, pero rescato su nobleza. Un hijo cambia todo y seguramente traerá madurez al personaje. Aún estamos empezando a grabar y no sé cómo se desarrollará la historia, pero confío en que será un proceso interesante.

Amistad y dinámica con sus compañeros de la serie

—En redes sociales se nota tu cercanía con Karime Scander (Alessia Montalbán) y otros compañeros de la serie. ¿Cómo se forjan esas amistades en el set?

Soy sociable, aunque algo tímida, y el elenco de la serie se ha convertido en una familia. Compartimos muchas horas de grabación y eso genera una química especial. Con Karime, por ejemplo, conectamos porque ambas empezamos a trabajar jóvenes, somos disciplinadas y compartimos valores similares.

—¿En qué sientes que te pareces a Karime Scander?

Ambas somos independientes, trabajadoras y disciplinadas. Desde chicas hemos luchado por nuestros objetivos y creo que esa afinidad nos ha unido mucho en el trabajo diario.

—¿Qué les responderías a quienes critican el regreso de AFHS’ por considerarlo una fórmula repetida?

Entiendo esas críticas, pero la serie sigue porque hay un público que la quiere y la pide. Es parte de la cultura peruana y seguimos trabajando para quienes nos acompañan cada noche. Hay cariño y dedicación detrás de cada episodio.

—¿Quién crees que mató a Ignacio en la serie?

No tengo la menor idea. A veces ni siquiera nosotros sabemos qué va a pasar. Los guionistas buscan sorprendernos tanto a nosotros como al público, así que todo es posible.

Cyrano de Bergerac: fechas y entradas

—¿Dónde y cuándo se presenta ‘Cyrano de Bergerac’ y cómo puede el público adquirir entradas?

Invito a todos a disfrutar de Cyrano de Bergerac en el Teatro Municipal de Lima del 5 al 29 de marzo, de jueves a domingo. Las entradas están disponibles en exodoteatro.pe y www.passline.com. Es una obra que requiere mucho trabajo y pasión, y me emociona que el público pueda desconectarse de las redes y conectar con una historia tan relevante hoy como cuando fue escrita.

Cada año, las obras de Broadway atraen a fanáticos de los musicales provenientes de diversos países. Los precios de las entradas presentan una amplia variedad: las opciones más accesibles comienzan en USD 50, mientras que las localidades premium, especialmente en espectáculos protagonizados por celebridades, pueden superar los USD 300.

El centro del teatro y las primeras filas suelen tener los valores más altos, mientras que los asientos ubicados en la parte trasera o lateral del auditorio son los más económicos. Además, los precios pueden variar durante la temporada de cada espectáculo en función de la demanda, lo que significa que una función con alta ocupación puede tener un costo superior respecto a otras menos solicitadas.

La cartelera de Broadway ofrece desde clásicos como Wicked y Moulin Rouge! hasta estrenos recientes como Hell’s Kitchen. Esta guía presenta los musicales más destacados actualmente en la escena neoyorquina.

Wicked - Teatro Gershwin

Considerada una de las producciones más reconocidas, se encuentra basada en Wicked: La vida y los tiempos de la Malvada Bruja del Oeste, la exitosa novela publicada en 1995 por Gregory Maguire.

La historia, que recientemente motivó una adaptación cinematográfica, sigue a Elphaba antes de convertirse en la Malvada Bruja del Oeste y explora su relación con Glinda, la Bruja Buena que envía a Dorothy por el camino amarillo en El mago de Oz.

La obra se presenta en el Teatro Gershwin y tiene una duración de 2 horas y 45 minutos, incluido un intermedio.

Moulin Rouge! The Musical - Teatro Al Hirschfeld

La producción de Moulin Rouge! El Musical ambientada en el legendario club nocturno a principios del siglo XX, se centra en la historia de amor entre un escritor estadounidense que busca inspiración en París, Christian, y la artista estrella del espectáculo Satine. El drama surge cuando Satine es comprometida con un adinerado Duque que promete salvarla y evitar la quiebra del club, mientras su conexión romántica con Christian crece entre bastidores.

El espectáculo destaca por su selección musical y pone sobre el escenario versiones de una amplia gama de éxitos como “Lady Marmalade”, “Diamonds Are a Girl’s Best Friend”, “Roxanne” y “Your Song”. Junto a estas, la producción incorpora docenas de canciones reconocidas de artistas como Tina Turner, The Rolling Stones, Katy Perry y Lady Gaga, añadiendo la canción original “Come What May”.

El musical se encuentra en el Teatro Al Hirschfeld con una duración de 2 horas y 35 minutos con un tiempo intermedio.

Chicago - Teatro Ambassador

Con una duración de 2 horas y 30 minutos en el Teatro Ambassador, el musical inspirado en la obra de Maureen Dallas Watkins de 1926 presenta a Roxie Hart, una ama de casa que aspira a convertirse en estrella del género teatral vodevil y termina encarcelada por matar a su amante, y a Velma Kelly, reconocida figura del mismo género, acusada de asesinato, quienes compiten por la atención mediática y legal.

En la trama, la competencia por los titulares y la búsqueda de la absolución en los tribunales se convierten en el eje de la historia, mientras las protagonistas recurren tanto a la prensa como al prestigioso abogado Billy Flynn para salir libres.

En 2002, se estrenó su adaptación cinematográfica protagonizada por Renée Zellweger como Roxie Hart, Catherine Zeta-Jones como Velma Kelly y Richard Gere como Billy Flynn. La película ganó el Óscar a Mejor Película en la 75.ª edición de los Premios de la Academia, convirtiéndose en el primer musical en conseguirlo desde Oliver! en 1968.

Hamilton - Teatro Richard Rodgers

El espectáculo Hamilton narra la vida del padre fundador Alexander Hamilton, conocido por figurar en el billete de USD 10. Hamilton combatió en la Guerra de la Independencia de Estados Unidos junto a George Washington, desempeñó un papel clave en la creación del sistema financiero estadounidense y protagonizó el primer gran escándalo sexual en la política del país.

El musical creado por Lin-Manuel Miranda se presenta en el Teatro Richard Rodgers con una duración de 2 horas y 45 minutos, y pone el foco en la relación fluctuante entre Hamilton y el político Aaron Burr, vínculo que concluyó en un duelo.

The Lion King - Teatro Minskoff

El musical El Rey León traslada la historia de la célebre película animada de Disney al escenario del Teatro Minskoff. La trama continúa siendo la misma: el joven león Simba debe enfrentar a su tío Scar para reclamar su lugar como rey. La puesta resulta especialmente atractiva para niños que se inician en los musicales de Broadway y es ideal para disfrutar en familia.

A las canciones emblemáticas de la película se suman composiciones creadas especialmente para la versión teatral como “They Live in You”, “Shadowland” y “Endless Night”, escritas por Lebo M, Hans Zimmer, Mark Mancina y Jay Rifkin.

MJ The Musical - Teatro Neil Simon

La obra se ambienta durante un ensayo de la gira mundial Dangerous de Michael Jackson en 1992, cuando un equipo de MTV llega para registrar imágenes y realizar entrevistas destinadas a un documental sobre la carrera del artista. Mientras interpreta sus éxitos y dialoga con el entrevistador, cobran vida recuerdos y momentos clave de su trayectoria.

Con una duración de 2 horas y 30 minutos en el Teatro Neil Simon, el espectáculo incluye más de 25 éxitos musicales del Rey del Pop, entre ellos “Don’t Stop ‘Til You Get Enough”, “Rock with You”, “Billie Jean”, “Beat It”, “Thriller”, “Bad”, “Man in the Mirror”, “Smooth Criminal”, “Black or White” y “Heal the World”.

Hell’s Kitchen - Teatro Shubert

Inspirada en la infancia de la cantante neoyorquina Alicia Keys, la obra transcurre en un pequeño apartamento del barrio Hell’s Kitchen, donde Ali, una joven de 17 años, sueña en grande mientras su madre, precavida, procura que no repita sus errores. A medida que Ali se enamora de un joven baterista y entabla amistad con una profesora de piano del edificio, madre e hija descubren las oportunidades que ofrece el futuro y enfrentan los desafíos raciales y de madurez que Ali deberá superar para alcanzar sus metas.

Durante 2 horas y 35 minutos, se interpretan los grandes éxitos de Alicia Keys, como “Fallin’”, “If I Ain’t Got You” y “Empire State of Mind”, junto con canciones compuestas especialmente para la obra musical.

Death Becomes Her - Teatro Lunt-Fontanne

Basada en la película de 1992 protagonizada por Meryl Streep y Goldie Hawn, la historia sigue durante 2 horas y 30 minutos el enfrentamiento entre dos mujeres que compiten por el amor del mismo hombre y consumen una poción mágica que les promete la eterna juventud.

Madeline Ashton es una reconocida figura del teatro y el cine, mientras que Helen Sharp es una escritora que vive a la sombra de su archienemiga. La relación entre ambas evoluciona hasta que Madeline le arrebata el prometido a Helen. Así, tras beber la poción mágica, Madeline y Helen inician una nueva etapa marcada por la juventud eterna y un rencor mutuo que las lleva a enfrentarse en repetidas ocasiones a lo largo de la trama teatral.

El regreso de “Entre Pancho Villa y una Mujer Desnuda” marca una nueva etapa para el teatro en la Ciudad de México, con funciones gratuitas que buscan acercar las artes escénicas a barrios y alcaldías donde el acceso a la cultura suele ser limitado.

La obra, escrita y dirigida por Sabina Berman, se presentará del 6 al 15 de marzo de 2026 en la Fábrica de Artes y Oficios (FARO) Tláhuac, con entrada libre y un elenco reconocido.

En esta temporada, la puesta en escena recorrerá diversas alcaldías como Milpa Alta, Magdalena Contreras, Xochimilco, Iztacalco, Gustavo A. Madero y Tlalpan. Las fechas y los lugares exactos aún están pendientes de confirmación. El año anterior, la obra ofreció 18 funciones en el Zócalo capitalino y en otros espacios públicos, con una asistencia total de 11 mil 500 personas.

La pieza relata la historia de Gina y Adrián, una pareja que comparte admiración por Pancho Villa, aunque el machismo del personaje histórico termina afectando su relación. La trama retoma el contexto de la Revolución Mexicana para cuestionar el papel de las mujeres, abrir una reflexión sobre el empoderamiento femenino y explorar las dinámicas de pareja en la actualidad.

Quienes se pregunten por qué esta obra ha captado la atención en la capital, encontrarán la respuesta en su capacidad para vincular la historia nacional con los debates contemporáneos sobre igualdad de género y relaciones afectivas. El montaje expone, a través de sus personajes, cómo los modelos masculinos heredados del pasado siguen marcando la vida íntima y social.

Elenco y trayectorias

La actriz Mariana Gajá encarna a Gina. Egresada del Centro Universitario de Teatro, suma más de 27 años de carrera y ha participado en más de 70 puestas en escena. Durante seis años formó parte de la Compañía Nacional de Teatro y ha incursionado en cine y televisión.

Moisés Arizmendi interpreta a Adrián. Su experiencia incluye al menos 40 montajes, entre ellos “Casa de Muñecas” y “El curioso incidente del perro a la medianoche”. También ha trabajado en series como “Club de Cuervos” y “Horario Estelar”, y fue premiado como Mejor Actor por su actuación en “Años Después”.

El papel de Pancho Villa lo asume Roberto Cázares, actor formado en España, con más de 30 producciones teatrales y participaciones televisivas en títulos como “Mosquito Coast” y “Sierra Madre: prohibido pasar”.

Conchi León interpreta a Micaela Arango. Dramaturga y directora, ha destacado por su contenido social y testimonial, con obras presentadas y publicadas tanto en México como en el extranjero.

El personaje de Andrea será alternado por Tato Alexander y Verónica Bravo. Alexander es reconocida por su trabajo en comedia, mientras que Bravo cuenta con experiencia en adaptaciones teatrales de autores nacionales.

Andrés Delgado y Demetrio Bonilla compartirán el rol de Ismael. Delgado ha trabajado bajo la dirección de Angelina Jolie y ha recibido nominaciones en cine, mientras que Bonilla ha participado en producciones para plataformas internacionales y teatros nacionales.

Sabina Berman y su propuesta

La dramaturga Sabina Berman posee una trayectoria reconocida, con cuatro premios nacionales de dramaturgia y el Premio Nacional de Periodismo. Su obra se ha presentado en México, Latinoamérica y países angloparlantes. Entre sus éxitos literarios figura “La mujer que buceó en el corazón del mundo”, premiada en la Feria de Frankfurt.

En la adaptación teatral de “Entre Pancho Villa y una Mujer Desnuda”, Berman revisita su propia novela para plantear una revisión crítica sobre el machismo y la representación femenina en la historia. Gina, protagonista de la obra, confronta la ausencia de reconocimiento hacia las mujeres en la Revolución Mexicana y se adentra en la búsqueda de nuevas formas de relación y autonomía.

Fechas, horarios y sedes

Las funciones en la FARO Tláhuac se llevarán a cabo los viernes 6 y 13 de marzo a las 20:00 horas; los sábados 7 y 14 de marzo habrá funciones dobles a las 18:00 y 20:00 horas; y los domingos 8 y 15 de marzo a las 18:00 horas. Todas las presentaciones serán de acceso gratuito.

La sede está ubicada en Av. la Turba S/N, Miguel Hidalgo, Tláhuac. Después de su paso por este recinto, la obra continuará su recorrido por distintas alcaldías de la Ciudad de México, como parte de una estrategia de descentralización cultural impulsada por la Secretaría de Cultura local.

En agosto de 1998, el silencio ocupó el centro histórico de Lima. El fuego avanzó detrás del escenario del Teatro Municipal y en menos de dos horas dejó una estructura calcinada. Aquella noche se apagó un espacio que durante décadas reunió ópera, teatro y conciertos. Las llamas comenzaron poco antes de un espectáculo al que asistirían 1.350 personas. Dos horas antes de la función, el recinto quedó envuelto en humo.

El siniestro se inició detrás del escenario. Las primeras versiones apuntaron a un cortocircuito en los equipos de sonido e iluminación. Otra hipótesis señaló el recalentamiento de reflectores colocados cerca del telón. Las luces pertenecían al equipo técnico contratado para la presentación de la intérprete de música criolla Eva Ayllón. El fuego consumió gran parte de la estructura y redujo a cenizas escenografías, archivos y mobiliario.

Diecinueve unidades de bomberos y cerca de 300 hombres trabajaron hasta las 21:30 horas para controlar las llamas. Pocas piezas lograron rescate. Apenas 142 lienzos y algo de material bibliográfico fueron trasladados al Teatro Segura. Un integrante de la Asociación Prolírica limeña declaró: “Se han perdido cerca de 40 escenografías de ópera, entre ellas la de Aída, que tiene cerca de 40 años”.

Un año después, en medio de escombros y paredes ennegrecidas, el teatro abrió sus puertas por única vez antes de su restauración definitiva. La obra elegida fue El rey Lear, de William Shakespeare. La decisión sorprendió por el contexto y por el texto: la caída de un monarca que pierde poder y familia, representada en un edificio que también atravesaba ruina.

El incendio que marcó 1998

El 2 de agosto de 1998 las luces del Teatro Municipal se apagaron por más de una década. El recinto, abierto en 1920 y considerado uno de los principales espacios culturales de la capital, quedó destruido en un 90 %. El gobierno peruano anunció que el teatro sería reconstruido y que cerca se edificaría un gran complejo cultural.

El entonces alcalde de Lima, Alberto Andrade, se reunió al día siguiente con sus asesores para conformar un comité de reconstrucción. El proyecto avanzó con lentitud. Las obras de restauración comenzaron años después, durante la gestión de Luis Castañeda, y el teatro reabrió en 2010.

El edificio contaba con más de un siglo de historia. Fue construido en 1915 bajo el diseño de Manuel María Forero Osorio e inaugurado el 28 de julio de 1920 con la ópera “Aída”, de Giuseppe Verdi, interpretada por la Gran Compañía de Ópera Italiana de Adolfo Bracale. En 1929 la Municipalidad de Lima lo adquirió y lo rebautizó como Teatro Municipal de Lima. Desde entonces se convirtió en el principal escenario para ópera, teatro y recitales.

“El rey Lear” entre ruinas

En 1999, cuando el inmueble aún mostraba vigas expuestas y muros quemados, se montó El rey Lear. La puesta estuvo bajo la dirección de Edgar Saba y tuvo como protagonista a Alberto Ísola. La producción estuvo a cargo del Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú y del Proyecto Especial “El Teatro Municipal Renace”.

El elenco reunió a figuras como Mónica Sánchez, Salvador del Solar, Roberto Moll, Diego Bertie, Bruno Odar, Milena Alva, Cécica Bernasconi, Carlos Victoria, Mario Velásquez, Paul Martin y Cipriano Proaño.

La elección del texto de Shakespeare tuvo una carga simbólica evidente. Lear es un rey que pierde estabilidad por sus propias decisiones y enfrenta el derrumbe de su poder. Esa historia se representó en un espacio que también mostraba fractura. El escenario quemado no funcionó solo como fondo. El lugar dialogó con la trama. Las paredes oscuras y el techo abierto reforzaron la idea de caída y pérdida.

El montaje no implicó una reapertura formal. Fue una función excepcional en medio del proceso de definición sobre el futuro del edificio. La obra se presentó cuando el teatro aún no contaba con restauración estructural. El público ingresó a un espacio intervenido de forma provisional para permitir la representación.

Un símbolo cultural en pausa

Antes del incendio, el Teatro Municipal concentraba gran parte de la actividad escénica de Lima. Desde su inauguración ofreció temporadas de ópera, zarzuela y teatro. La pérdida de escenografías, vestuarios y archivos afectó a compañías y asociaciones vinculadas al recinto.

El siniestro no solo destruyó infraestructura. Interrumpió programaciones y desplazó producciones hacia otros espacios. El traslado de piezas al Teatro Segura permitió conservar parte del patrimonio, aunque la mayor parte del material desapareció.

En 2008 se anunció que el proceso de restauración tardaría tres meses. La reconstrucción se extendió y el teatro volvió a abrir en 2010 con una nueva temporada. Entre 1998 y 2010, el edificio permaneció cerrado, salvo aquella función de 1999.

La imagen de Lear bajo un techo ennegrecido quedó como uno de los episodios más singulares de la escena peruana reciente: un texto sobre la pérdida, representado en un lugar que atravesaba su propia ruina.

Hace cuarenta años yo terminaba el secundario en Rafaela. Quería ser artista escénico, pero no tenía cómo. No había formación sistemática cerca y venir a Buenos Aires era una fantasía impracticable para un hijo de clase trabajadora. Entonces hice lo único posible: quedarme y empezar. Sumarse a grupos amateurs, actuar en cuanto proyecto apareciera, viajar de pueblo en pueblo, mirar, leer y ensayar con voracidad. Mi primera pedagogía fue esa: una formación sostenida en el deseo y en una tradición teatral vocacional heredada de la inmigración italiana.

Durante años cociné un modo de trabajar independiente y obstinado, siempre desde los bordes. Nunca sostenido en la abundancia, fortalecido en la persistencia. Y, junto a la falta, otro ingrediente fueron las manos de otros. Vi proyectos crecer cuando hubo escucha y romperse por el ego o por la desesperación por ocupar lugares de poder. Tal vez por eso sigo confiando en el teatro como uno de los pocos espacios donde lo imperfecto y lo divergente todavía pueden producir algo real.

Desde esa lógica construimos el Centro Cultural La Máscara e impulsamos el Festival de Teatro de Rafaela. También me tocó dirigir festivales e instituciones. Y confirmé algo incómodo: cuando el poder cultural se burocratiza, vacía de sentido las ideas que dice defender. Vi cómo la gestión reemplaza al pensamiento y cómo la administración neutraliza el riesgo. Eso no es abstracto: está pasando ahora.

Hoy, cuarenta años después, volvemos a una escena sin red. Y en este contexto, celebro estas cuatro décadas, otra vez, en la intemperie. Desde marzo presentaré en Buenos Aires una trilogía atravesada por una misma pregunta: ¿cómo sostener presencia cuando el entorno se desarma?

La primera pieza es No yo de Samuel Beckett, que se re-estrena el sábado 7 de marzo; en abril llega 0615 de Pauline Peyrade; y luego Mis palabras, de mi autoría.

“No yo” abre la serie y condensa la búsqueda con mayor radicalidad: una obra sin ornamentos. Durante el proceso quitamos más de lo que agregamos. Con este trabajo absolutamente radical de Beckett, entendí —otra vez— que crear es abandonar lo superfluo hasta que quede lo imprescindible.

Leí por primera vez esta obra en mi adolescencia, fascinado por la radicalidad de Beckett y su capacidad para llevar al teatro hacia los límites del lenguaje y el cuerpo. Más tarde, al descubrir las versiones filmadas en YouTube o en videos pirateados por colegas, mi fascinación se transformó en obsesión.

En “No yo”, esa boca suspendida, hablando sin parar, sin decir del todo, me resultaba de una teatralidad extrema: una imagen imposible y a la vez profundamente verdadera. La condensación brutal de una subjetividad rota.

Hoy, en esta Argentina atravesada por el control policial en las calles y los intentos de silenciamiento en la virtualidad, “No yo” reverbera con una potencia ineludible. El cuerpo que no puede hablar, la voz que no puede pronunciar lo que la atraviesa, son imágenes que dialogan con una sociedad donde la palabra ha sido extrañada y se disuelve la idea misma de cuerpo colectivo.

Presentar esta trilogía en El Excéntrico de la 18 —que también celebra cuatro décadas de trabajo bajo la dirección de Banegas— no es un cierre de ciclo ni una llegada a ningún podio: es fricción, es un cruce de trayectorias sostenidas desde la independencia, la obstinación, la resistencia.

Si algo estuve cocinando durante estos cuarenta años no fue una carrera. Fue una forma de estar. Un modo de trabajar cuando no hay red. Un modo de seguir presentes cuando todo empuja a la dispersión.

“No yo” es el resultado de esa larga cocción. Y también una advertencia: sin políticas públicas, sin comunidad y sin pensamiento crítico, el teatro no desaparece. Se precariza. Y con él, nuestra capacidad de imaginar otros mundos.

*“No yo”. Sábados 7, 14, 21 Y 28 de marzo a las 22.30hs. El Excéntrico de la 18ª (Lerma 420, CABA). Entrada general: $22.000 por Alternativa. La obra incluye desnudo total.

La obra Salvar el fuego explora las complejidades de la violencia y la resistencia femenina. Dirigido, adaptado y puesto en escena por Jorge Thefs toma como base el relato epónimo del libro de Mariana Enriquez.

La puesta propone una aproximación inmersiva, en el que el espacio y la cercanía con el público amplifican la experiencia de la narrativa, que se apoya tanto en los textos como en los cuerpos, la sonoridad y el trabajo espacial.

La obra muestra un escenario distópico en el que las mujeres, ante la amenaza de la violencia machista, eligen prenderse fuego como acto de resistencia. Este abordaje escénico despliega las distintas aristas poéticas y políticas de la inmolación, aspecto medular en la prosa de Enriquez.

El elenco reúne a Victoria Duarte, Gabi Moura, Sol Rieznik Aguiar, Magui Downes, Jazmín Siñeriz, Myriam Ramírez, Daira Escalera, Juliana Ortiz, Natalia Tesone y Annanda Samarine. En cada función, la accesibilidad estará garantizada mediante interpretación y adaptación en lengua de señas a cargo de Natalia Tesone.

El montaje de Salvar el fuego fue nominado como mejor adaptación en los premios María Guerrero 2024, integró la programación del FIBA 2023, el ciclo especial por los diez años de la Bienal de Arte Joven y el Festival Abriendo Escena en 2022.

La trayectoria de Jorge Thefs abarca más de 70 producciones, con reconocimientos como el premio María Guerrero 2024 por su actuación en Las lágrimas de los animales marinos en el Teatro Nacional Cervantes y la distinción de Carne de consumo personal en la Bienal de Arte Joven 2021-2022. Actualmente, dirige Proyecto Quevedo, interpretado por Cristina Banegas.

El fenómeno de las adaptaciones de la obra de Mariana Enriquez se ha consolidado en los últimos años. En 2025, el libro Las cosas que perdimos en el fuego llegó al teatro bajo dirección de Leonel Schmidt, con funciones en La Plata, Rosario y Buenos Aires, tras su estreno en Montevideo. La puesta abordó temas como la pobreza, la violencia de género y la represión social, característicos de la narrativa de Enriquez.

El impacto de la obra de Enriquez se ha extendido también al cine. Este año, La virgen de la tosquera, largometraje dirigido por Laura Casabé y con guion de Benjamín Naishtat, fusionó relatos de la autora incluidos en Los peligros de fumar en la cama, y obtuvo premios en festivales como BAFICI y Sitges. La propia Enriquez destacó el valor de estas adaptaciones y el diálogo entre su literatura y otras disciplinas artísticas.

La programación de Salvar el fuego se suma, así, a este recorrido de reinterpretaciones escénicas y audiovisuales del universo de Mariana Enriquez, que en los últimos años también protagonizó experiencias performáticas como Mis extrañas compañías y No traigan flores, propuestas que fortalecieron su presencia en el circuito cultural argentino e internacional.

La obra se presenta el domingo 12 de abril a las 17:30 y el sábado 25 de abril a las 16:00 en Casa Gómez, Yeruá 4962, Paternal, con entradas a $20.000 a través de Eventbrite.

Fotos; gentileza prensa de Salvar el fuego.

El verano argentino volvió a poner el foco en las propuestas teatrales que, año a año, conquistan a turistas y locales en las principales ciudades del país. Entre ellas, Villa Carlos Paz se robó buena parte de la atención con una cartelera que combinó éxitos de taquilla y apuestas innovadoras. En ese contexto, Nicolás Cabré y Rocío Pardo brillaron con la comedia Ni media palabra, que se presentó en el Teatro Holiday y contó además con la participación estelar de Mariano Martínez y el Bicho Gómez. El proyecto no solo significó un desafío artístico, sino que también fue una experiencia personal para Cabré, quien decidió compartir su balance y emociones al cierre de la temporada.

Fue a través de sus historias de Instagram que el actor eligió despedirse y agradecer a quienes lo acompañaron en esta aventura. “Se terminó una temporada hermosa y quiero agradecerles a todos los que hicieron posible que esto pase de la forma en que pasó... Primero gracias @rociopardo por ser mi compañera en esto que encaramos desde cero y hacer que lo vivamos con tanto amor, paz y alegría. Gracias @marianom78 y @bichogomez64 por ser lo que son... tanto arriba como abajo del escenario”, escribió Cabré junto a una imagen de espaldas, abrazando a sus compañeros sobre el escenario y frente a una sala repleta.

En su mensaje, Cabré también destacó el apoyo de la producción y del público local. “Gracias @miguel.pardok y @pardo_produccionesok por darnos todas las comodidades y estar siempre apoyando. Y por sobre todas las cosas, gracias a todos en Carlos Paz por tratarnos con tanto cariño. Y si hablo de cariño... les agradezco a todos los que vinieron a reírse con nosotros e hicieron que esto sea la fiesta que fue. ¡Muchas gracias! ¡Hasta la próxima!”, cerró, dejando en claro la emoción y el orgullo por el trabajo en equipo que llevaron adelante durante la temporada.

No es la primera vez que Cabré se muestra agradecido y feliz por este proyecto. En febrero, fue uno de los grandes protagonistas de la noche de los premios Carlos 2026, donde la obra fue reconocida y la pareja acaparó la atención de la prensa. En ese contexto, el periodista Pablo Layús se acercó a Cabré para consultarle cómo vivía ese gran momento, rodeado de premios, aplausos y afectos. “Somos privilegiados, hacemos de lo que nos gusta, disfrutamos y tenemos un elenco hermoso… Estamos bien”, reconoció el actor, con una sonrisa amplia y la mirada cómplice hacia Rocío Pardo, su compañera en el escenario y en la vida.

Pero la noche de premiación también fue escenario de una declaración romántica que sorprendió a todos. Layús quiso saber qué significaba para Cabré esa velada, y el actor, sin dudar, se sinceró. “Recién me preguntaban y, lo digo de verdad, hace dos años la conocí a ella en los Carlos. Yo ya gané”, afirmó. La frase, espontánea y cargada de sentimiento, se replicó rápidamente entre los presentes y en las redes sociales, convirtiéndose en uno de los momentos más comentados de la noche.

La experiencia de Ni media palabra en Carlos Paz representó una apuesta fuerte para Cabré y su equipo. El espectáculo, dirigido y protagonizado junto a Pardo, Martínez y Gómez, combinó humor, ritmo y química en escena, logrando el aplauso del público y el reconocimiento de la crítica. El cierre de la temporada deja un saldo más que positivo, con funciones a sala llena y un elenco que supo trabajar en armonía, tanto arriba como abajo del escenario.

Así, el verano se despide y la temporada baja el telón, pero el recuerdo de lo vivido en el Teatro Holiday quedará grabado en la memoria de Cabré, Pardo y todo el equipo de Ni media palabra. Con palabras de gratitud, emoción y balance, el actor confirmó una vez más que, para él, el mayor premio es la posibilidad de disfrutar de su trabajo rodeado de amor, alegría y buenos compañeros.

A través de sus historias de Instagram, Ivana relató el paso a paso de la experiencia. En una de las imágenes, la pequeña aparece sonriente en la puerta del teatro Apolo, sobre la emblemática avenida Corrientes, poco después de salir del casting. “Cuando salimos de la audición”, escribió Ivana, sumando un emoji tierno como una manera de registrar el orgullo y la emoción de ver a su hija dar los primeros pasos en el mundo artístico. La expectativa fue grande y, durante varios días, madre e hija vivieron con ilusión la posibilidad de que Surita quedara elegida para una producción que convoca a cientos de pequeñas artistas cada año.

La noticia final llegó en forma de mensaje de la producción, que Ivana también decidió compartir. El texto, dirigido a todas las “mini artistas” que participaron del proceso, agradecía el esfuerzo y la pasión de las niñas y aclaraba, con sensibilidad, que no todas pasarían a la próxima etapa. “No pasar una instancia de audición no define su talento ni su potencial. Al contrario, demuestra su valentía por intentarlo. Sigan adelante, sigan creciendo y, sobre todo, sigan creyendo en ustedes mismas”, decía la carta, firmada por la producción de Annie. “Y me pareció tan increíble que le avisen si no quedaba”, escribió en sus historias, celebrando el acompañamiento y el respeto a la ilusión de las chicas. En vez de una decepción, el mensaje fue recibido como un aprendizaje valioso y una invitación a seguir intentándolo.

En otra de las publicaciones, Ivana compartió una imagen alusiva al musical, con la característica melena colorada y el vestuario típico de la protagonista. “Aww no puedo creer que mi Surita casi queda en este musical”, comentó, dejando en claro no solo el orgullo, sino también la emoción de haber estado tan cerca de un sueño compartido. La experiencia de Surita en la audición no solo fue un momento familiar, sino que también resonó en redes sociales, donde muchos padres y madres se sintieron identificados con la historia.

Si bien Ivana suele compartir con orgullo los logros y ocurrencias de sus hijas, lo cierto es que se ha mostrado especialmente celosa y cautelosa en cuanto a la exposición pública de las niñas. Esta postura se acentuó luego de que, en noviembre pasado, Ángel de Brito compartiera un video donde Ivana, su hija menor y su pareja, Cvitanich, aparecían paseando por un shopping. El episodio motivó a la modelo a poner límites y realizar un fuerte descargo en sus redes sociales para defender la privacidad de su familia. “Me encantaría que saques a mi hija de tus redes. Cualquier persona que me conoce sabe el cuidado a mis hijas más que nadie. Son mi límite. No soy parte de ningún circo mediático que generen personas que viven de esto. Mis hijas. Mi límite. Gracias”, escribió Ivana sobre la imagen, y añadió en una segunda historia: “Y al menos aprende mi nombre amor. Con mis hijas, no. GRACIAS”.

Nicola Porcella es ahora el ocupante del camerino que perteneció a Daniel Bisogno en la obra El Tenorio Cómico. La designación de Porcella ha generado comentarios y reacciones entre seguidores y figuras del medio artístico.

El camerino tiene un valor especial en el teatro, ya que lleva el nombre de Daniel Bisogno como homenaje tras su fallecimiento en 2024. La producción tomó esta decisión para honrar la trayectoria y legado del conductor y actor.

Alejandro Gou y las condiciones para el camerino de Bisogno

El productor Alejandro Gou explicó en Ventaneando que el camerino simboliza el recuerdo y la presencia constante de Daniel Bisogno en el teatro. Por su significado, quien ocupe ese espacio debe respetar una norma estricta: nadie puede mover los objetos que pertenecieron al fallecido conductor.

Gou relató públicamente un momento significativo vivido con Bisogno durante una posada navideña en casa del productor. A pesar del visible deterioro de su salud, Bisogno mantuvo su humor característico y compartió con Gou una confidencia íntima al anticipar que “ya falta poquito”.

Uno de los aspectos centrales de sus últimas conversaciones fue la preocupación de Bisogno por su hija Michaela. El conductor insistió en pedir a su amigo que la cuidara y, poco antes de su muerte, le envió un mensaje reiterando este deseo, considerado por el círculo cercano como una muestra de protección y afecto final.

El compromiso de preservar la memoria y los afectos que marcó Daniel Bisogno permanece vivo entre quienes lo rodearon, especialmente en quienes transitan hoy por su camerino en El Tenorio Cómico.

¿Quién más ha usado el camerino de Bisogno?

Tras la muerte de Bisogno, fue Raúl Araiza quien primero ocupó el papel y el camerino del “Muñeco” en la obra. Sin embargo, Araiza dejó la producción recientemente debido a la incorporación a nuevos proyectos profesionales, lo que motivó una nueva transición dentro del elenco.

La llegada de Nicola Porcella, conocido como ex integrante de La Casa de los Famosos México, representó tanto la incorporación al reparto principal como el acceso al camerino emblemático, convertido en un espacio de memoria para el teatro.

Tres obras en el Real Coliseo Carlos III (ubicado en San Lorenzo del Escorial), otra en el teatro Salón Cervantes (en Alcalá de Henares) y dos representaciones más en los Teatros del Canal, en la capital. El Ejecutivo regional que preside Isabel Díaz Ayuso adjudicó cinco contratos menores y uno negociado sin publicidad a la compañía de su ya ex gran amigo Antonio Castillo Algarra, líder de la única rebelión política que ha vivido la presidenta madrileña desde que llegó al Gobierno en el verano de 2019. Seis contratos que suman 75.366 euros y que sirvieron para que la compañía de “teatro culto y divertido” de Castillo Algarra, bautizada ‘For the Fun of It", pudiera representar algunas de sus obras en teatros gestionados por la Comunidad.

Antonio Castillo Algarra se consideraba hasta hace poco “amigo” de Ayuso. Siempre cuenta a quien quiere oírle que conoció a la hoy lideresa madrileña por casualidad, en el inicio de la legislatura 2015-2019, en la que Ayuso fue primero diputada regional y después viceconsejera de Justicia en el Gobierno de Cristina Cifuentes. Ambos ya se daban ‘me gustas’ en sus redes sociales al menos en 2016. Castillo Algarra, procedente de una familia acomodada de Huelva, había dejado el Derecho y en 2014 había decidido crear una academia de teatro y danza que también aspiraba a desarrollar sus propias producciones y a publicar incluso libros. Castillo Algarra asegura que tuvo grandes debates con Ayuso sobre la cultura y que de ahí nació una gran amistad.

También puedes seguirnos en nuestro canal de WhatsApp, en Facebook y en Instagram

En el verano de 2019, Ayuso llegó a la presidencia del Ejecutivo regional, y la “amistad” de la que ya presumía Castillo Algarra empezó a dejar su huella. El rastro que siempre dejan las redes sociales revela que Ayuso ya recomendaba en julio de ese año los artículos que escribía su nuevo amigo, que se define como actor, director, productor, profesor, escritor e incluso diseñador de vestuario. Y en 2020, 2021 y 2022 la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte (dirigida entonces por Marta Rivera) contrató a la compañía ‘For the Fun of It’. Fueron pocos contratos, eso sí, pero relevantes. El primero llegó en octubre de 2020: 8.470 euros para que Castillo Algarra llevara la obra ‘Oro y Plata de Ramón’ al teatro Teal Coliseo de San Lorenzo de El Escorial.

El segundo contrato llegó en marzo de 2021: otros 14.520 euros para que durante tres días Antonio Castillo Algarra volviera a llevar la misma obra a los Teatros del Canal. En mayo de 2021, la misma representación se escenificó por 7.260 euros para llevar su cabaret barroco al Teatro Salón Cervantes en el marco del Festival Iberoamericano del Siglo de Oro de la Comunidad de Madrid, en Alcalá de Henares. En 2022 llegarían otras dos representaciones del nuevo proyecto de Castillo Algarra: la obra ‘Más acá de los romances’ en septiembre y noviembre de ese año en el Teatro Real Coliseo. La Consejería pagó 13.310 euros. Un portavoz de la consejería señala a este diario que este tipo de contratos, por ley, siempre son directos porque se contrata una actuación en concreto, “no puede ser de otra forma”

Los cargos llegan en 2023

Ayuso arrasa en las elecciones de mayo de 2023. Ya se ha hecho con el control total del PP de Madrid, no tiene contrapesos en Génova y los tentáculos de Castillo Algarra llegan al Gobierno que Ayuso compone con muchas caras desconocidas. En la Consejería de Educación desembarca Emilio Viciana, licenciado en Derecho con cierta experiencia en la Administración General del Estado y, lo más importante, había sido profesor en la academia de Castillo Algarra. Con Viciana también llegaron a la Consejería el musicólogo Nicolás Casas, que fue nombrado director general de Universidades; y la profesora María Luz Rodríguez de Lera, nueva directora general de Educación Secundaria, Formación Profesional y Régimen Especial. Casas era actor en la compañía de Castillo Algarra, y Rodríguez de Lera también trabajó en la compañía.

Castillo Algarra no solo consiguió que sus ‘pocholos’ (el PP de Madrid es uno de los ecosistemas más ingeniosos a la hora de poner motes) colonizaran el Gobierno regional. También la Asamblea de Madrid. Llegaron como diputados los jóvenes Pablo Posse, un ingeniero aeroespacial que también había trabajado en los equipos técnicos de la compañía, y la bailarina Mónica Lavin, que también trabajó para Castillo Algarra. Posee fue elegido por el grupo parlamentario popular como portavoz de Educación y Lavin, como portavoz de Familia. A la portavocía de la comisión de Juventud llega Carlota Pasarón, otra ‘pochola’ que entonces desembarca en el Parlamento madrileño con 27 años.

A partir de 2023, las cosas se van complicando. Miguel Ángel Rodríguez (MAR), el auténtico gurú de Ayuso y el cerebro de la estrategia político mediática de la presidenta madrileña, deja hacer. Pero se empieza a mosquear con la influencia que empieza a tener Castillo Algarra. Influencia que se refleja en febrero de 2024 con la creación de la Fundación Ballet Español de la Comunidad de Madrid. “Cuando le presenté el proyecto para crear un ballet en la Comunidad de Madrid, [Ayuso] estuvo de acuerdo, pero dijo que quería que yo formara parte, y así fue, soy uno de los tres directores artísticos. Pero no cobro nada, cero”, señala Castillo Algarra en una reciente entrevista concedida a la web ‘Albi Danza’. No cobra, pero sigue colocando a su compañía teatral en la programación cultural que diseña la Comunidad de Madrid.

En julio de 2025, la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte (que ya dirige Mariano de Paco) adjudica un contrato sin publicidad (es decir, a dedo) a la compañía ‘For The Fun of It’ para que exhiba su obra ‘el teatro del mundo’ en septiembre en la Sala Verde de los Teatros del Canal como parte de la temporada 2025-2026. Un contrato de 31.806 euros. Por entonces, MAR y la consejería de Economía y Hacienda, Rocío Albert, ya susurraban a los oídos de Ayuso que el consejero Viciana era un lastre, aunque el verdadero lastre era Castillo Algarra. Fue la periodista Elisa Silió la que descubrió el personaje en el diario ‘El País’. Antonio Castillo Algarra pasaba de ser un gran desconocido para la opinión pública al “Rasputín” que llevaba años en secreto dictando la política educativa y cultural de la Comunidad de Madrid.

Ayuso tuvo que fulminar este lunes al consejero Viciana. La excusa era perfecta. No había sido capaz de negociar con los rectores de las universidades públicas madrileñas una nueva ley de educación superior y la financiación de las mismas. A Viciana ya le habían puesto la proa el propio MAR, la consejera Rocío Albert y la entonces viceconsejera de Educación, Mercedes Zarzalejo, que desde este jueves sustituye a Viciana al frente de Educación. Basta con leer la red social del ‘rasputín’ Castillo Algarra para ver que algo había cambiado. El 12 de febrero soltaba en su cuenta de X este comentario para criticar a un joven que admiraba al agitador Vito Quiles: “Si es ‘un valiente’, ¿por qué hostiga a unos y adula a otros (a Ayuso, por ejemplo), ¿y por qué ella, siendo periodista, se deja adular?“

“Ayuso se equivocó”

Fuentes del PP de Madrid consultadas por Infobae dejan claro que la presidenta “se ha equivocado” al dejarse aconsejar tanto por “este tipo tan extravagante” que controlaba una “especie de secta y que tanto adulaba y regalaba los oídos a Ayuso”. No ha sido acertado “dejar en manos de gente tan joven e inexperta una consejería que en 2026 iba a manejar un presupuesto de 6.900 millones. No es lógico”. El fracaso de la ley educativa fue la excusa perfecta. Castillo Algarra asegura que Viciana no fue destituido, sino que se marchó “por coherencia”. Y que él dimitió del ballet madrileño el mismo lunes “a las 20.20 horas”, aunque se anunció este miércoles. Lo que está claro es que la influencia de ‘Rasputín’ era tan fuerte que, tras él y Viciana, tres diputados del PP y dos directores generales encargados de las universidades y la secundaria dijeron adiós. La era de “los pocholos” ya ha acabado. Habrá que ver si las obras que ayudan a representar en la compañía de Castillo Algarra se siguen viendo en los teatros autonómicos.

Los habitantes se estrenó en febrero de 2025. Hace un año. El día anterior al estreno hubo una marcha antifascista. Toda una señal para nuestra obra. Este 7 de febrero, un año después, hubo otra marcha antifascista en Buenos Aires. Las cosas no mejoraron. Están peor. Vemos desde otros lugares del mundo redadas antiinmigrantes feroces, fuerzas encapuchadas, con sus jefes disfrazados de nazis, asesinatos de ciudadanos en las calles. Acá tuvimos policías gaseando a una nena, pegándole a los jubilados, disparándole a un fotógrafo de prensa. Me cuesta creer que fueron excesos, casualidades, y no una estrategia para generar terror en los ciudadanos. Castigar la inocencia. Para aplicar políticas vejatorias.

En Los habitantes, un personaje, Carmen Luna, dice: “Hay asuntos con el filo de un cuchillo y son urgentes. Si no salimos a la calle a plantar cara contra los fascistas, los violentos, ellos avanzarán sobre nosotros rodeados por el silencio de los tibios. Tenemos que salir a la calle a poner el cuerpo y la voz contra ellos”.

Los habitantes es una miniserie contada por un actor. Los habitantes son un grupo de muertos que pueden ingresar en el mundo de los vivos. Planteamos que cuando se produce una muerte colectiva, una matanza, algunos muertos pueden ingresar en el mundo de los vivos, interactuar. Pueden ingresar en los cuerpos, pueden habitar.

Macbeth, en el tercer acto, se enfrenta al espíritu de Banquo, a quien él mandó a matar y dice: “Hubo un tiempo en que, saltados los sesos, el hombre moría, y ahí terminaba todo. Pero ahora los muertos resucitan con veinte heridas en la cabeza y nos arrojan de nuestros asientos”.

Los habitantes tiene un origen audiovisual. Fue un guion de cine. Fueron guiones para una miniserie. Fue una serie con varias temporadas. Durmió años adentro de un cajón.

Los habitantes eran los muertos que interfieren en el mundo de los vivos. Los que luchan contra la injusticia, la brutalidad, la impunidad de los asesinos poderosos.

La historia inicial sucedía en 1955, en Argentina. Luego, trabajamos la posibilidad de que hubiera habitantes en otras situaciones de matanzas, otros lugares, otras épocas, y que pudieran relacionarse entre sí. El proyecto circuló. Hubo reuniones, entusiasmo, críticas. Gustó, pareció caro. Hubo promesas y rechazos, ilusiones y decepciones. Fue casi olvidado y durmió en un cajón.

Hasta la pandemia. Joselo Bella hizo una propuesta: hacer una obra de teatro, un unipersonal con Los habitantes. Me pareció algo remoto e impensado por las características fantásticas de la historia, la cantidad de lugares, escenas y personajes. Pero remota e impensada era nuestra situación en pandemia. La humanidad entera un año y medio al borde de la muerte. La cuarentena. El miedo al otro. De la pandemia surgió algo existencial. De ahí surgió este proyecto.

El primer habitante aparece en Rusia, en 1903, durante un pogrom, Isaac Shemtov, un carpintero judío. La historia sigue en España, en 1936, en Madrid, durante la Guerra Civil Española. Los hermanos Justo, republicanos, muertos, van a habitar para intentar salvar a sus amigos Federico García Lorca, Carmen Luna y Antonio Machado. Van a enfrentarse con los falangistas, los soldados del general Franco. En 2026 se cumplen 90 años de la Guerra Civil y del asesinato de Lorca.

El 21 de febrero vamos a hacer Los habitantes en el teatro Villa Ruiz. Fuimos invitados por Dolores Riera y Silvio Falasconi a su teatro rodeado de campo y cielo, en su pueblo Villa Ruiz. Creemos que va a ser una noche distinta, para ver teatro.

*Los habitantes: sábado 21 de febrero a las 20 en el Teatro Villa Ruiz (Lorenzo Ruiz y Av. Rivadavia, Villa Ruiz, Provincia de Buenos Aires).

José Manuel López Velarde, creador de ‘Mentiras, el musical’, se pronunció en redes sociales para hablar sobre la necesidad de fortalecer al teatro en México, luego del estreno de la adaptación televisiva en Amazon.

En su mensaje, explicó que la plataforma le solicitó información sobre la derrama económica generada por la obra en sus versiones en vivo, con el objetivo de presentarla en reuniones relacionadas con incentivos anunciados recientemente por la presidenta Claudia Sheinbaum y la actriz Salma Hayek.

“Me da mucho gusto haber compartido esa información y aportar un grano de arena para que eso sucediera”, escribió el autor al referirse a la entrega de esos datos.

El impacto más allá del escenario

López Velarde detalló que la información solicitada estaba vinculada al efecto económico que la obra produjo tras el estreno de la serie. “Hace unas semanas Amazon me pidió datos sobre la derrama económica que produjo Mentiras El musical en sus versiones en vivo a raíz del estreno de la serie”, explicó.

Añadió que, al recibir la solicitud, también pidió cifras sobre el impacto de la producción audiovisual: “Cuando Amazon me solicitó esos datos, también les pedí los de la derrama que Mentiras La serie generó gracias a una propiedad intelectual que se originó en el teatro”.

El creador subrayó que, aunque el teatro no tiene el alcance masivo del cine o las plataformas, sí funciona como semillero artístico y motor económico.

Un llamado a fortalecer la escena nacional

En su reflexión, destacó que el teatro “genera y forma actores, escritores, historias y audiencias que alimentan a los medios audiovisuales” y que, como ha demostrado la obra durante 17 años, produce empleos y movimiento económico para elencos, músicos, equipos técnicos, administración, estacionamientos y restaurantes.

También lanzó cuestionamientos sobre la realidad del sector: “¿Cuántas obras mexicanas como Mentiras no tienen la posibilidad de desarrollarse, estrenarse, publicitarse y de sostener una temporada para crear un público? ¿Cuántos teatros se sostienen en situaciones precarias, cuantos cierran cada año?”.

El dramaturgo planteó que el mejor regalo rumbo al aniversario 18 de la obra sería que surgieran más producciones nacionales con condiciones para crecer.

La pregunta directa al gobierno

En la parte final de su mensaje, López Velarde formuló una invitación abierta: “¿Cuándo nos vemos presidenta @claudia_shein? ¿Con quién de su equipo nos encontramos los colectivos e individuos teatreros para hacer lo propio con el teatro mexicano?”.

Su postura no solo celebra el alcance de la historia que creó, sino que busca ampliar la conversación hacia políticas públicas que respalden a la comunidad escénica.

Con esta intervención, el autor coloca en la agenda la discusión sobre incentivos y sostenibilidad cultural, tomando como punto de partida la experiencia de una obra que trascendió el escenario para convertirse en serie.

Ian McKellen, a los 86 años,atraviesa un periodo de intensa reflexión después de su accidente en el Teatro Noël Coward de Londres. A pesar de las secuelas físicas de la caída, demostró un renovado entusiasmo por sus próximos desafíos en el arte.

El reconocido actor compartió con The Times que el incidente le obligó a reconsiderar su percepción de la mortalidad: “He tenido que aceptar que no soy inmortal”, afirmó, estableciendo el tono para una conversación donde confluyen recuerdos, anhelos y proyectos que marcan su retorno al teatro y a la saga cinematográfica El Señor de los Anillos: La Caza de Gollum.

El accidente y la conciencia de la mortalidad

La caída sucedió en junio de 2024, durante una función de la obra “Player Kings”. Sufrió una fractura de muñeca y una vértebra astillada. “Aun así, sigo funcionando”, comentó entre risas el actor.

El incidente también lo llevó a confrontar la realidad de la mortalidad, no solo propia, sino la de quienes lo rodean. “La inevitabilidad de la mortalidad no solo proviene de lo que sientes por ti mismo, sino del simple hecho de que tus amigos mueren constantemente. Cuando eres joven, la muerte es asombrosa, pero se convierte en una característica del envejecimiento. La muerte se vuelve omnipresente”, reflexionó

El retorno al escenario y el teatro virtual

Ya recuperado, McKellen buscó alternativas para regresar al trabajo de forma segura, encontrando en el teatro virtual una experiencia distinta. Participó en “An Ark”, una pieza experimental en el centro de arte Shed de Manhattan, donde los actores actúan mediante tecnología de realidad virtual para cada espectador.

Sin embargo, su vuelta presencial a los escenarios le resultó gratificante. “He vuelto a trabajar en el escenario un par de veces y, para mi gran alivio, todavía me encanta hacerlo y no me resulta inquietante. Todavía puedo recordar los diálogos y, considerando mi edad, todo está bien”, relató a The Times.

Asimismo, considera que la tecnología de realidad virtual no sustituirá al arte escénico tradicional. “No va a sustituir al cine, la televisión ni el teatro, pero es un nuevo recurso. Nunca podrás acercarte tanto a estos personajes en un teatro como aquí”, aseguró.

Vida, reconocimiento y legado

Lejos del retiro, el experimentado actor valoró la vitalidad que le otorga seguir activo y el contacto con nuevas generaciones de espectadores. “Me emociono; no puedo creer la suerte que tengo”, expresó.

McKellen también recordó que el reconocimiento llegó tarde en su carrera: “No fui famoso hasta los 60”, y añadió con humor que “solo me conocen de verdad por dos películas”, minimizando así su extensa trayectoria artística iniciada en 1961.

Lejos de sentirse afectado por la fama tardía, encuentra un sentido de propósito profundo en su activismo. “Es maravilloso sentir que mi vida ha tenido un propósito, sin que yo lo haya intentado realmente. Eso es mejor que cualquier premio”, afirmó, refiriéndose a su militancia por los derechos LGBTQ+ tras declararse abiertamente homosexual en 1988.

Regreso a “El Señor de los Anillos: La Caza de Gollum” y nuevos proyectos

El calendario del actor para los próximos meses lo sitúa de nuevo en el centro de dos de los universos más emblemáticos del cine contemporáneo. Por un lado, regresa en diciembre como Magneto en Avengers: Doomsday, junto a Patrick Stewart, retomando el icónico personaje que interpretó en la saga de X-Men.

Por otro, se prepara para retomar el papel de Gandalf en El Señor de los Anillos: La Caza de Gollum, bajo la dirección de Andy Serkis. McKellen expresó su entusiasmo por retomar el papel del mago, bromeando sobre su inigualable rol: “Nadie más podría interpretar a Gandalf”.

Evitó adelantar detalles de la trama, no obstante explicó que: “el guion está diseñado para atraer a quienes disfrutan de El Señor de los Anillos. Es una historia de aventuras: Aragorn intenta encontrar a Gollum con Gandalf dirigiendo las operaciones desde la barrera”.

Entre sus estrenos recientes figuran la película “Frank and Percy”, basada en la obra donde comparte protagonismo con Roger Allam y Sheila Hancock, además de la cinta “The Christophers”, dirigida por Steven Soderbergh.

Recuerdos, humor y arte compartido

McKellen mezcló confesiones con anécdotas, como su participación en la versión original de “Cats”. “Es importante compensar ese éxito diciendo que también he participado en la película menos exitosa de la historia”, comentó con humor.

Comparte recuerdos con colegas, desde discusiones acaloradas sobre Shakespeare con Derek Jacobi hasta su implicación en el documental “LS Lowry: The Unheard Tapes”.

Habló de sus inicios y de cómo la actuación era parte esencial de la vida familiar: “Así que actuar era parte de la vida”. También destacó la satisfacción de trabajar con sus amigos en “Frank and Percy”: “Es casi el mejor trabajo que he tenido, porque todos mis amigos están en él”.

Al cierre de la entrevista con The Times, el actor dejó claro que su energía y metas permanecen firmes. Su recorrido continúa, impulsado por la convicción de que aún le esperan muchas experiencias y momentos relevantes en su vida y carrera.

Morris Gilbert se volvió tema de conversación en redes sociales tras un mensaje publicado en su cuenta de X, en el que solicitaba dejar de pedir cortesías para sus obras. El productor destacó que el teatro es su profesión y que regalar boletos equivale a pedir su trabajo sin retribución.

El mensaje generó debate sobre la relación entre el público y los creadores, así como la relevancia de valorar el esfuerzo que implica mantener producciones en cartelera. Gilbert subrayó que esta situación afecta directamente su capacidad de seguir generando teatro.

Actualmente, la productora de Gilbert cuenta con varias obras en cartelera, incluyendo Por la punta de la nariz, Clue, Defendiendo al cavernícola, Toc Toc México y Los monólogos de la vagina. Cada una representa un esfuerzo creativo y logístico por parte de su equipo.

Obras activas de la productora

• Por la punta de la nariz
• Clue
• Defendiendo al cavernícola
• Toc Toc México
• Los monólogos de la vagina

Estas obras reflejan la diversidad de géneros que maneja la productora y el alcance de sus proyectos dentro del teatro mexicano. Cada montaje depende del trabajo de artistas, técnicos y personal de producción para su realización.

Declaraciones de Morris Gilbert

En su publicación, Gilbert expresó: “Oigan amigos que me leen, por favor ayúdenme, necesito que deje todo el mundo de pedirnos cortesías para ver nuestras obras. No sé por qué no acaba de entender la gente que los que hacemos teatro vivimos del teatro, es nuestra profesión”.

Agregó que solicitar boletos regalados es comparable a pedir su trabajo sin pago, y preguntó cómo podrían generar más teatro si los recursos se distribuyen de esa manera.

El productor cerró su mensaje con un llamado claro a la conciencia del público: “Por favor, no nos pidan cortesías, por favor, gracias”.

Apoyo y relevancia del teatro

Gilbert recordó que el teatro en México necesita apoyo de la audiencia para mantenerse activo. Su mensaje subraya la importancia de valorar la profesión y el esfuerzo detrás de cada puesta en escena.

El debate generado a raíz de su publicación evidencia la sensibilidad del tema y la necesidad de generar conciencia sobre el trabajo creativo que implica cada obra.

Las producciones de su compañía continúan en cartelera y dependen del respeto y apoyo del público.

Al conocer la posibilidad de que Isabel Pantoja regrese a prisión, José Manuel Parada manifestó su desconcierto ante esta situación y consideró que la artista ya ha cumplido las consecuencias de sus actos anteriores. El periodista, que en el pasado formó parte del entorno cercano de la cantante, expresó su opinión sobre las informaciones recientes publicadas por la revista Lecturas, que apuntan a la posible vuelta de Pantoja a la cárcel y calificó de desproporcionada una nueva condena para la tonadillera.

De acuerdo con el testimonio de José Manuel Parada difundido por Europa Press, el comunicador recordó la relación que mantuvo con la artista, asegurando que, aunque en algún momento ambos se distanciaron tras una ruptura con varios allegados de la cantante, el paso del tiempo modificó la perspectiva de aquel quiebre y actualmente le profesa buenos deseos. Parada recalcó que no guarda resentimientos hacia Pantoja y expuso que no quiere verla privada de libertad. “No le deseo nada malo, le deseo lo mejor, yo no quiero que vaya a la cárcel, quiero que sea feliz, que llene los escenarios, los teatros y que continúe trabajando mientras aún puede”, declaró ante los micrófonos de Europa Press.

El presentador resaltó que la situación resultaría especialmente dura para Pantoja, dado el antecedente de su paso anterior por prisión debido al Caso Malaya. Parada mostró su sorpresa ante el posible regreso de la intérprete de ‘Marinero de luces’ a la cárcel y se preguntó: “¿Otra vez? ¿Pero qué ha hecho nuevo?”. Además, se pronunció de forma categórica, señalando que no desea volver a ver a su antigua amiga en ese contexto, al que calificó como “una situación muy traumática”.

En declaraciones recogidas por Europa Press, Parada también opinó sobre el proceso judicial en el que se vio envuelta la artista. Sostuvo que Pantoja ya cumplió su sentencia anterior y sugirió que su caso no fue tratado con la misma equidad que otros similares. Sobre este punto, comentó: “Se dijo en su momento y creo que es verdad, que mucha gente tenía el mismo tiempo de cárcel y sin embargo no la hicieron y a ella le tocó hacerlo, y me parece un poco injusto lo que pasó con ella”.

Durante la conversación con Europa Press, Parada destacó el impacto personal y profesional que tuvo en Isabel Pantoja la estancia en prisión. Para el comunicador, el futuro de la artista debería centrarse en su carrera musical y artística, dadas las oportunidades que aún puede aprovechar en el mundo del espectáculo. Subrayó que su deseo es verla en los escenarios, disfrutando de una vida plena y activa, en lugar de enfrentarse nuevamente a una condena carcelaria.

Según informó Europa Press en declaraciones de Parada, el comunicador se refirió también al tiempo compartido con Pantoja en el pasado, describiendo aquella etapa como parte de su “prehistoria” y admitiendo que, tras el distanciamiento, persiste una cierta nostalgia y aprecio hacia la cantante. En diferentes intervenciones públicas, Parada ha relatado que la ruptura con Pantoja nunca tuvo una explicación clara, pero que el tiempo le permitió dejar atrás el resentimiento.

Tal como publicó Europa Press, la posibilidad de que Isabel Pantoja regrese a prisión surge a raíz de informaciones recientes, aunque Parada recalcó su postura en favor de que la artista continúe con su trayectoria profesional y personal. El periodista reiteró su deseo de que la cantante esté rodeada de éxito y tranquilidad, considerando que ya afrontó las consecuencias de decisiones tomadas en el pasado.

La tarde del miércoles, una noticia generó inquietud en el ambiente teatral de Mar del Plata. La exitosa comedia Toc Toc debió suspender su función en el Teatro Bristol debido a un cuadro de intoxicación alimentaria que afectó a casi todos los integrantes. El anuncio, realizado a través de la cuenta oficial de X del Multiteatro, informaba la noticia para alertar al público: “Sorpresivo malestar físico de gran parte del elenco artístico de ‘Toc Toc’ -se investiga la posible causa- obliga a suspender la función de esta noche en el teatro Bristol de Mar del Plata”.

El comunicado también señalaba que quienes habían adquirido entradas para la función suspendida podrían solicitar la devolución del dinero por los mismos canales en los que realizaron la compra. El episodio, inesperado para el público y el equipo artístico, motivó una inmediata investigación sobre el origen del malestar.

Diego Pérez, uno de los protagonistas de la obra, relató a Teleshow cómo transcurrieron las horas previas y posteriores a la suspensión. El martes por la noche, el elenco había salido a cenar para celebrar las recientes nominaciones a los premios Estrella de Mar. Según contó, la velada fue agradable y todos disfrutaron de la comida, sin imaginar el desenlace que los aguardaba.

La mañana siguiente, el miércoles, la situación cambió drásticamente. “La pasamos bárbaro, comimos rico, pero ayer a la mañana -por el miércoles-, ya nuestra productora tuvo que llamar una ambulancia y se ve que nos intoxicamos. Éramos once y ocho nos intoxicamos. A tres no les afectó porque se ve que comieron alguna otra cosa que no comimos la mayoría, que fue como una especie de menú común", expresó el humorista y detalló su situación personal: “Estamos con dolores. Yo ayer pasé el día bien y a la noche sí me descompuse”, agregó.

El impacto de la intoxicación no se limitó solo a los intérpretes. Pérez explicó: “Mi esposa y mi hija, que viajaron a Buenos Aires después de la cena esa -porque se quedaron acá hasta los Estrella de Mar- también fueron afectadas. Así que la verdad que fue duro, pero ya hoy estamos mejor”. En este sentido, aseguró que de no mediar algún otro inconveniente, este jueves por la noche retomarán el cronograma de funciones. “Fue un mal momento nada más, paramos porque estábamos todos bastante débiles ayer”, sentenció.

La noticia de la suspensión se difundió rápidamente en redes sociales y medios locales. Multiteatro informó de inmediato la situación, al subrayar que se trataba de un hecho imprevisto y que la prioridad era la salud del elenco y del personal afectado. En paralelo, se implementó un sistema para que los espectadores puedan recuperar el dinero de sus entradas.

Mientras tanto, la producción de la obra y las autoridades del teatro iniciaron una investigación sobre el origen de la intoxicación. Se señaló que la mayoría de los afectados compartió un mismo menú durante la celebración, lo que refuerza la hipótesis de una intoxicación colectiva por alimentos consumidos en esa ocasión.

El elenco de Toc Toc está conformado, además de Diego Pérez, por Ernesto Claudio, Natasha Córdoba, Diego Freijedo, Gabriela Grin, Gabriela Licht y Mora Lestingi. Todos ellos forman parte de una propuesta teatral que, con artistas rotativos, desde hace 15 años, se mantiene ininterrumpidamente en cartel, consolidándose además como uno de los grandes éxitos de la temporada 2026 en Mar del Plata.

La obra, escrita por el reconocido autor francés Laurent Baffie, es considerada la comedia más vista en la historia del teatro argentino. Desde su estreno, batió récords de público y permanencia, presentándose actualmente de martes a domingo en el Teatro Bristol.

La trama gira en torno a seis personajes que padecen trastornos obsesivos compulsivos (TOC) y que coinciden en la sala de espera de un afamado psiquiatra. Allí, a través del humor, el ritmo y el trabajo actoral, la comedia explora las particularidades de cada uno y las situaciones insólitas que surgen de la convivencia entre pacientes.

“Fue un momento precioso”, expresó Thompson al recordar cuándo recibió la noticia. Llevaba años interpretando a Benedict desde un lugar secundario, lo que, aseguró, le permitió “observar, acostumbrarme al fenómeno y perderle el miedo a un proyecto tan enorme y con tanta atención encima”.

Para él, este proceso gradual resultó fundamental: “Cuando me dijeron que la historia se iba a abrir alrededor de él, me sentí encantado, porque el personaje se merece esa gran apertura, descubrir quién es más allá de lo que ya conocíamos”. Incluso, dio pistas sobre la nueva entrega. “Creo que es una temporada profundamente romántica, incluso para Bridgerton”.

Presión, atención y profundidad del personaje

Sobre la presión de ocupar el centro del fenómeno de la serie, Thompson reconoció el “juego” que implica formar parte de una gran producción. “Soy actor y hasta cierto punto se trata de eso. Hoy hay muchísima competencia por la atención del público, muchísimas series y propuestas, así que formar parte de una ficción que realmente la capta es increíble”.

El intérprete añadió: “Estar en el centro de ese foco es bonito porque, al final, lo que uno quiere como actor es vivir en la imaginación de la gente, si estás ahí es que estás haciendo bien tu trabajo”.

El arco de Benedict en esta temporada, según Thompson, aporta una nueva profundidad al personaje. La historia revela “las grietas, qué le enfada, qué le pone triste, qué le mueve”.

Con ocho episodios enfocados en él y en Sophie, Thompson anticipa que los espectadores descubrirán nuevas facetas: “Un frente encantador, simpático, muy relajado, y justo ese tipo de personas son interesantísimas cuando se rompen, cuando ese encanto general se concentra en una sola persona y se ve qué ocurre cuando lo pillan desprevenido”.

Identidad, sexualidad y contradicciones generacionales

Uno de los ejes centrales es la cuestión de la identidad y la sexualidad de Benedict. Thompson evita definirlo mediante una etiqueta concreta. “No diría que Benedict es bisexual, lo importante es que es abierto y curioso, y esa es su virtud y talón de Aquiles, porque le cuesta enfocar y concretar”, explicó a Esquire.

Subrayó que el destino amoroso del personaje “podría haber terminado con cualquier persona; que sea una mujer llamada Sophie es casi circunstancial, lo interesante es que el personaje se dejó caer ahí”.

El actor conecta su propio recorrido con los dilemas de libertad y compromiso que atraviesan a su rol. “Para mí es casi un Romeo y Julieta: él va al baile sin ganas y de repente aparece el amor donde menos lo esperaba”, detalló.

Thompson observó que esa contradicción —elegir entre mantener las puertas abiertas o comprometerse con alguien— define a gran parte de la generación millennial: “Esa sensación de que, si eliges a alguien, quizá estás renunciando a demasiadas posibilidades es muy generacional, muy de millennials y de quienes vienen detrás”.

Expectativas, apoyo y autonomía profesional

Respecto a las expectativas profesionales y familiares, Thompson subraya que “cada uno de los hermanos Bridgerton tuvo su temporada y, en la realidad, Johnny, Regé y yo somos personas muy distintas que afrontamos ese protagonismo de maneras muy diferentes”.

Si bien valora el apoyo de sus colegas, afirmó que para avanzar necesitó resolver situaciones por sí mismo: “Cuando resuelves algo vos solo, lo entendes de verdad y lo haces tuyo”.

Privacidad y exposición en redes sociales

El intérprete optó por mantenerse al margen de las redes sociales. Considera que su propia vulnerabilidad lo llevó a evitar una exposición constante.

“Sé que, si tuviera redes, estaría conectado todo el tiempo. Ya noto, solo con el celular, cómo machaca la capacidad de atención y yo quiero seguir pudiendo leer libros, concentrarme, no estar permanentemente deslizando el dedo por una pantalla”.

Añadió que prefiere mostrarse mediante sus personajes: “A mí me gusta mostrarme a través de personajes y ficciones, mintiendo un poco, poniéndome una máscara. Ser completamente auténtico, decir este soy yo y esto es lo que pienso, me resulta muy incómodo”.

El teatro, la televisión y la poética de Bridgerton

El teatro ocupa para Thompson un lugar irremplazable en su trayectoria. Destaca que la experiencia escénica implica un tipo de intimidad y aprendizaje diferente al de la televisión.

“Son formas de trabajo tan distintas que casi no se pueden comparar. Aprendes cosas de un medio que luego aplicas al otro, pero la experiencia es diferente. Siempre voy a tener un cariño especial por el teatro, porque es donde empecé y porque hay algo en estar en la misma sala que el público que resulta íntimo y, en cierto modo, a salvo”, explicó a Esquire.

Sobre el tono de Bridgerton, añadió: “En Bridgerton, por ejemplo, hay una realidad poética, el diálogo es más elevado, casi versificado, y eso te da libertad, porque el público no espera un naturalismo absoluto; en una pieza moderna, en cambio, estás mucho más sometido a la realidad y si algo no suena auténtico se nota enseguida”.

Una temporada de cambios y universos ampliados

Con la llegada de la nueva temporada, Thompson anticipa una entrega que amplía el universo narrativo e incorpora perspectivas poco exploradas, como el mundo de los sirvientes.

“Creo que es una temporada profundamente romántica, incluso dentro del estándar de romanticismo de Bridgerton. Habla mucho de la fantasía de amar a alguien frente a la realidad de amar a alguien, cuando es fantasía, lo es de forma muy intensa, y cuando aterriza en lo real aparecen las aristas”, señaló.

En su diálogo con Esquire, adelantó también: “El marco se ensancha un poco más, y no puedo contar mucho más sin meterme en problemas”.

El valor del trabajo colectivo

Tras cinco años en la serie, Luke Thompson destaca el compromiso excepcional de todo el equipo creativo y artístico.

La experiencia de ser protagonista reforzó su valoración sobre el trabajo colectivo que sostiene a Bridgerton y su desarrollo en la plataforma Netflix.

El listado de nominaciones a la 34 edición de los Premios de la Unión de Actores y Actrices incluye tanto nuevas figuras que despuntan en el audiovisual español como intérpretes consagrados del cine, el teatro y la televisión, según informó el medio Europa Press. El evento se celebrará el próximo 16 de marzo en el Teatro Circo Price de Madrid y reconocerá los trabajos más destacados del año pasado en diversas categorías de la interpretación.

Europa Press detalló que entre las producciones con mayor número de nominaciones se encuentran la película “Los domingos”, con seis candidaturas, y obras como “Música para Hitler”, en teatro, que suma tres menciones. En el apartado de series, “Anatomía de un instante” destaca con cuatro nominaciones. El medio también señaló que este lunes la Unión de Actores y Actrices dio a conocer el nombre de los nominados, escogidos de entre todos los candidatos propuestos en esta edición por sus compañeros de profesión.

Entre los intérpretes que optan a galardones en los apartados de cine, teatro y televisión figuran nombres como Alberto Ammann, Patricia López Arnaiz, Mario Casas, Fernando Tejero, Javier Cámara, Carolina Yuste, Álvaro Cervantes, Blanca Soroa y Carlos Hipólito, consignó Europa Press. Las películas más reconocidas en esta edición incluyen, además de “Los domingos”, títulos como “La cena”, que cuenta con cuatro nominaciones, y “Sorda”, con tres.

En las producciones seriadas, además de “Anatomía de un instante”, que suma cuatro nominaciones, aparecen “La vida breve”, con tres, y “Superestar” y “Yakarta”, ambas con dos. En el apartado teatral, destacan “Música para Hitler”, que ha sido reconocida en tres categorías, y “La señorita de Trevélez”, con dos.

Según informó Europa Press, en las categorías internacionales, los candidatos a Mejor Actor en Producción Internacional son Alberto Ammann por “Atrapados”, Jordi Mollá por “Mi lista de deseos” y Rubén Sanz por “Isla Brava”. Para el reconocimiento a Mejor Actriz en Producción Internacional, las seleccionadas son Carla Díaz (“Delicious”), Lucía Barrado (“Fall for me”) y Sara Jiménez (“Mango”).

En el cine nacional, la terna a Mejor Actor Protagonista está formada por Alberto San Juan (“La cena”), José Ramón Soroiz (“Maspalomas”) y Mario Casas (“Muy lejos”). Las nominadas a Mejor Actriz Protagonista son Ángela Cervantes (“La furia”), Patricia López Arnaiz (“Los domingos”) y Susana Abaitua (“Un fantasma en la batalla”). Repasando las categorías de reparto, los nominados a Mejor Actor de Reparto en Cine son Víctor Sáinz (“Los domingos”), Fernando Tejero (“El cautivo”) y Carlos Serrano (“La cena”). Las actrices Anna Castillo (“Wolfgang”), Elvira Mínguez (“La cena”) y Mabel Rivera (“Los domingos”) completan el grupo femenino en esta sección.

En las categorías de Mejor Actor Secundario en Cine han sido seleccionados Álvaro Cervantes (“Sorda”), Tristán Ulloa (“Romería”) y Miguel Garcés (“Los domingos”), mientras que para Mejor Actriz Secundaria en Cine las candidatas son Elena Irureta (“Sorda”), Nagore Aranburu (“Los domingos”) y Miryam Gallego (“Romería”). Completan el repaso cinematográfico los nominados al galardón a Mejor Actor Revelación —Hugo Welzel (“Enemigos”), Julio Peña (“El cautivo”) y Aarón Cobos (“Godspell”)— junto a las candidatas a Mejor Actriz Revelación, que son Blanca Soroa (“Los domingos”), Miriam Garlo (“Sorda”) y Nora Hernández (“La cena”).

En el ámbito teatral, según reportó Europa Press, compiten por el reconocimiento como Mejor Actor Protagonista Carlos Hipólito (“Música para Hitler”), Daniel Albaladejo (“La señorita de Trevélez”) y Juan Vinuesa (“1936”). Las candidatas a Mejor Actriz Protagonista en Teatro son Irene Escolar (“Personas, lugares y cosas”), Toni Acosta (“Una madre de película”) y Nathalie Poza (“Un tranvía llamado deseo”). El apartado de Mejor Actor de Reparto en Teatro está compuesto por Víctor Clavijo (“Blaubeeren”), Néstor Rubio (“Ifigenia”) y Mariano Estudillo (“Fuenteovejuna”), mientras que el grupo femenino reúne a Belén Ponce de León (“Vulcano”), Ania Hernández (“Numancia”) y Julia Piera (“La señorita de Trevélez”).

La relación de Mejor Actor Secundario en Teatro abarca a Cristóbal Suárez (“Música para Hitler”), Jimmy Castro (“La patética”) y José Luis Torrijo (“Los lunes al sol”). Por el lado femenino, figuran Kiti Mánver (“Música para Hitler”), Mariola Peña (“Cenicienta, el musical”) y Mina El Hammani (“Las troyanas”).

En televisión, los nominados a Mejor Actor Protagonista son Álvaro Morte (“Anatomía de un instante”), Javier Cámara (“Yakarta”) y Secun de la Rosa (“Superestar”). Las contendientes a Mejor Actriz Protagonista son Ingrid García-Jonsson (“Superestar”), Carolina Yuste (“La canción”) y Carla Quílez (“Yakarta”). En las categorías de reparto, los actores seleccionados son Miki Esparbé (“Anatomía de un instante”), Héctor Carballo (“La vida breve”) y Felipe Andrés (“Poquita fe”); las actrices Alejandra Onieva (“Anatomía de un instante”), Susana Hernáiz (“Sueños de libertad”) y Natalia Huarte (“Ena. La reina Victoria Eugenia”).

De acuerdo con Europa Press, la sección de Mejor Actor Secundario en Televisión reconoce la labor de David Lorente (“Anatomía de un instante”), Carlos Bardem (“La agencia”) y Carlos González (“La vida breve”). Las actrices propuestas en esta categoría son Candela Peña (“Furia”), Leonor Watling (“La vida breve”) y María Jesús Hoyos (“Poquita fe”).

El medio reportó además que junto a los apartados competitivos en cine, teatro y televisión, la ceremonia incluirá la entrega de tres premios especiales. Se otorgará el galardón “Toda una Vida”, que reconoce las trayectorias profesionales relevantes, el Premio Especial de la Unión, concedido por la Junta de Gobierno de la organización para destacar la labor y compromiso social de una persona o entidad, y el Premio Mujeres en Unión–Pilar Bardem, concedido por la Secretaría de Igualdad de la Unión de Actores y Actrices a quienes destaquen por su trabajo en favor de la igualdad en distintos sectores sociales.

Durante su proceso de recuperación tras un diagnóstico de leucemia, Sergio Peris-Mencheta ha manifestado ante los medios que todavía enfrenta consecuencias físicas derivadas de la enfermedad, entre las que destacan limitaciones motoras y la necesidad de continuar bajo tratamiento farmacológico para controlar el sistema inmunológico. Durante una conversación con periodistas, entre ellos Europa Press, el actor y director explicó que estas secuelas lo acompañarán durante un tiempo y señaló que su vida diaria aún se ve afectada por la falta de normalidad.

Según señaló Europa Press, Peris-Mencheta, de regreso al escenario con la obra “Constelaciones” en el Teatro Valle-Inclán de Madrid, detalló en su reaparición pública que tras la superación de la leucemia ha tenido que reajustar su rutina y su perspectiva vital. El intérprete remarcó que el proceso de recuperación se afronta con aceptación y con la intención de disfrutar del presente, colocando la atención en la cercanía de su entorno y en el momento actual. Peris-Mencheta expresó: “Me han quitado la armadura y ahora estoy más blandito, estoy disfrutando más el momento a momento, estar más con mi gente”.

El medio Europa Press informó que, si bien el actor tiene la disposición de retomar la normalidad y las actividades laborales, persisten dificultades físicas asociadas al tratamiento y al impacto de la enfermedad. Peris-Mencheta especificó que el daño se localizó principalmente en el tejido conjuntivo afectando su movilidad, y que los órganos vitales no sufrieron complicaciones mayores. En sus palabras: “Hay muchas cosas que me cuestan a nivel motor, todavía estoy medicado para mantener a raya el sistema inmune. Es un viaje que hay que tomárselo con mucha aceptación y disfrutarlo también”. Subrayó, asimismo, que las secuelas lo obligan a reducir el ritmo, pero reconoció el valor de esa ralentización: “no puedo hacer las cosas que hacía antes, pero también me viene muy bien... me tocaba un poco estar más tranquilito”.

En la entrevista con Europa Press, Sergio Peris-Mencheta también abordó el uso del lenguaje en torno al cáncer, alineando su pensamiento con otras figuras públicas como Sara Carbonero. Rechazó el término “lucha” para describir la vivencia de la enfermedad y atribuyó el papel central en la recuperación al personal sanitario y al sistema de salud: “Yo creo que los que luchan son los médicos, el sistema nacional de salud, los enfermeros, las enfermeras, que se dejan la piel a pesar de las condiciones. Yo creo que nosotros lo que tenemos que hacer es confiar en el trabajo de los demás, confiar también en nosotros mismos un poquito más”.

En su reflexión final recogida por Europa Press, Peris-Mencheta se mostró agradecido por haber superado la dificultad y por poder conectar con su vida desde una nueva perspectiva. Expresó que esa experiencia le ha permitido poner en primer plano la valoración del presente y la cercanía de sus allegados, además de sentirse satisfecho por haber conseguido adaptarse a las circunstancias: “Tengo que reconocer que estoy muy contento primero de estar vivo y segundo de haber atravesado este viaje para poder conectar desde otro lugar conmigo”.

El relato de Peris-Mencheta se suma a otros testimonios recogidos por Europa Press sobre el impacto humano y cotidiano que produce una enfermedad como la leucemia, así como sobre las formas en que quienes la atraviesan resignifican la cotidianidad y el valor de la asistencia médica. El actor remarcó repetidas veces la importancia del equipo sanitario y la necesidad de confiar en el proceso terapéutico, desligando a la propia persona del discurso de la lucha individual y centrándose en la importancia del apoyo colectivo.

En su regreso al ámbito artístico, Peris-Mencheta destacó ante las preguntas de Europa Press su intención de continuar su actividad profesional, aunque adaptándose a las nuevas condiciones que le impone el tratamiento y la recuperación. A pesar de que su movilidad se encuentra parcialmente limitada y de que permanece bajo seguimiento médico, el actor manifestó su deseo de aprovechar esta etapa para vivir con mayor atención e implicación en el presente, atendiendo más a su entorno personal y valorando la oportunidad de haberse reencontrado con su trabajo.

Pero a la vez no podía evitar pensar: “¿Cómo voy a hacer? Estoy recansado”, me repetía interiormente. Pero la energía volvía con el paisaje, la emoción de estar allí, cumpliendo lo que de chico parecía inalcanzable el deseo de actuar en una ficción: “Hija del fuego: la venganza de la bastarda”.

Ser parte del elenco de un culebrón, con todos los condimentos para serlo, desde el guión, la elección de los personajes, estaba cumpliendo su sueño y era todo real. Así lo recordó en conversación con Teleshow: “Esto es un sueño”.

Muy lejos de ese auto, de ese frío, estaba Puerto Deseado. En esa ciudad patagónica, las tardes junto a su abuela marcaban el ritmo del día. Las novelas acompañaban la siesta, y el televisor encendido mostraba otros mundos posibles. Allí nació la idea: ser uno de esos rostros, formar parte de las historias que llenaban la casa de voces y silencios.

Nunca hubo un plan escrito para llegar a Buenos Aires. El deseo creció sin urgencia, entre meriendas y miradas cómplices. Un día, la idea de estudiar comunicación se impuso, y con ella, la decisión de dejar atrás la rutina previsible y la ciudad natal.

Puerto Deseado, Santa Cruz, seguía presente en cada paso, en cada duda, en cada tarde en la que la abuela encendía el televisor y él se permitía soñar.

—¿Cómo te convocaron para el personaje?

—Ya conocía al productor y a Leo Calderón, el guionista, de haber trabajado en ATAV, en la uno, y me dijeron que había un personaje que era para mí. Yo estaba feliz porque era como medio la primera vez que me decían: “Hay un personaje para vos”. Entonces, chocho dije: “Sí, obvio”. Y bueno, cuando lo leí, me encantó. Al principio iba a ser... Yo hago una obra que se llama Lo que el río hace, de las hermanas Marul, y al principio tal vez era un personaje medio que tenía una tonada, porque yo venía obviamente de un correntino. Entonces parecía que por ahí era un personaje que iba a ir por ese lado, como de otra provincia, que vivía ahí en el pueblo en el que está ambientada la serie. Finalmente, eso no quedó y se construyó de otra manera.

—¿Qué te llamó la atención al componer este personaje?

—É es el que averigua y además el primero que sabe la verdad sobre el personaje de la China Suárez. Y ahí se empieza como a jugar, si va a contarle a alguien del pueblo su verdad, porque hasta el momento todos los que saben la verdad de ella son sus amigos, y nadie más. Entonces, ahí ella un poco piensa qué hacer, si matarme o ver hasta dónde llego. Y yo también, por otra parte, digo, bueno: “La mando al frente o me uno”, no voy a espoliar más (se ríe), eso me resultó interesante, bien de novela.

—¿Tu personaje tiene algo especial que le hayas aportado vos?

—El texto estaba escrito casi así tal cual, el guion es bárbaro. Yo creo que había algo de divertirme con el personaje, que eso es lo que le aporté. Encontrarle el tiempo y la gracia, esa nota de humor que tiene este dramón, que es la serie.

—¿Cómo fue tu recorrido previo en televisión y teatro antes de este personaje?

—En ATAV venía de hacer de Paco Jamandreu. Después de ATAV empecé con Separadas, que esa finalmente se canceló por la pandemia, y después estuve un poquito en La 1-5/18, una cosa muy chiquitita, un papel superpequeño que yo hacía de un hijo como no reconocido de Roly Serrano y en un momento aparecía Nazarena Vélez, que era mi madre. Yo creo que Nazarena no se debe ni acordar. Porque fue muy pequeña la participación mía, pero estuve también.

—Disfrutaste del elenco...

—Grabamos todo el día muchas de las escenas que se ven con Antonella Costa, que es el personaje de Rosa, que fue lo más trabajar con ella, yo no la conocía y estuvo hermoso. Y ahí compartimos todo un día de escena en escena, cambiándonos cada fin de escena para grabar nuestras escenas en la tienda. Con la China compartimos también un par de escenas en la tienda, y con Eleonora Wexler también. La China es lo más...relajada, muy buena compañera.

—¿Siempre soñaste con ser actor? ¿Qué novelas o programas te marcaron en tu infancia en Santa Cruz?

—Yo era muy fanático, esto ya más de adolescente, de una novela que se llamaba Mujeres de nadie, que tuvo dos temporadas en Canal 13, tenía un elencazo. En la primera temporada, estaba Susú Pecoraro, con Luis Luque, que hacían la pareja, y Alejandro Awada era el malo. En la segunda temporada la protagonista era Luisa Kuliok, que era su vuelta a las novelas en ese momento. Estaba Virginia Lago, que hacía de madre de Laura Novoa, que era espectacular porque era medio maliciosa. Y después, bueno, Floricienta, Resistiré, Chiquititas, todo lo que había lo consumía. Padre coraje, por supuesto, tantas...

—¿Cuándo comenzaste a hacer teatro?

—Cuando era chico, tipo a los once años, empecé a hacer teatro en un grupo que se armó, que hacíamos como imitaciones de musicales de Cris Morena o High School Musical. Y después ya más de adolescente me pasé a un grupo con de obras de texto y fue divino. Igualmente siempre digo que, mi primera escuela de actuación, fuero las novelas que veía en la tele.

—¿Qué personajes te gustaban interpretar o te identificaban?

—Siempre me gustaban los malos, o los que tenían alguna caractrística especial, como alguna cosita particular de actuación. Me acuerdo que estaba la que hacía de muda, que era Fabiana Lago, ese personaje me encantaba. Como esos personajes así medio periféricos, porque tienen alguna cosa, que aportan por ejemplo un poco de humor y también tener una pequeña historia que contar. Esos me encantan siempre.

—¿A qué edad y por qué decidiste mudarte a Buenos Aires?

—Me vine a los diecisiete. Cuando terminé el colegio, sí, terminé el colegio y me venía a estudiar psicología y después terminé estudiando comunicación social. Hice toda la carrera, no me recibí porque me quedaron como los últimos finales y la tesis.

—¿Cómo viviste la decisión de dejar tu ciudad y qué pensó tu familia?

—Sí, es difícil el salto. Muchos del sur nos vamos a estudiar a Córdoba o a Buenos Aires, es bastante normal la migración. Entonces terminado el colegio, hablé con mis padres, mi familia, y les dije quiero ir a Buenos Aires. No sé por qué, porque yo no la conocía.

—¿Por qué?

—No, no sé, por alguna razón no viajaba nunca a Buenos Aires, entonces no conocía. Córdoba tampoco conocía. Fue así, y... además, yo sabía que acá estaba el teatro y que iba a poder hacer, no sé si actor, pero por lo menos iba a poder ir a ver teatro, iba a poder ir a ver cosas que me gustaban. Tenía como un pálpito que, que bueno, que resultó ser el correcto.

—¿Cómo fue la llegada y la adaptación a la ciudad?

—Imaginate, mi pueblo tiene aproximadamente veinte mil habitantes. Yo siempre digo que es como una cuadra de Palermo. Al principio, er la cinfusión de la gran ciudad. Salía del subte y no sabía dónde estaba. Pero me gustaba, Todo era nuevo. Además, yo vivía solo. Entonces, podía como experimentar medio cierta vida de adulto, pero todavía adolescente, y leer cosas que me gustaban, escuchar música. Y mientras estudiaba, fumaba y leía autores que me gustaban. Me hacía medio el artista de otra época, actuaba solo...

—¿Cómo fue tu red de vínculos en Buenos Aires?

—Sí. Yo tenía una amiga que se había venido a estudiar también acá y hacíamos la misma carrera. Y con ella seguí vinculándome y después, bueno, abrí como las amistades a mis compañeros de la facultad y me hice una muy amiga que hoy en día es mi mejor amiga, que, bueno, no vive más en Buenos Aires. Y después, cuando empecé a estudiar actuación acá, mis amigos de hoy en día, la mayoría son ellos, de los cursos, de mi trabajo de actor, compañeros de clases, de las obras de teatro.

—¿Volvés a Puerto Deseado o recibís visitas de tu familia?

—Voy, voy, sí. Suelo ir tipo una vez por año para las fiestas, una cosa así. Sí, voy, veo a mi familia, también viene ellos a visitarme.

—¿Qué te dice tu familia cuando te ve trabajando junto a actores y actrices reconocidos?

—Están contentos. Además, es medio como impensado, que un chico de un pueblo tan chico y de tan lejos como que trabaje en algo así. Yo los veía de chiquito a muchos de los actores con los que terminé trabajando, y me sigue sorprendiendo.

—¿Recordás alguna experiencia que te haya marcado especialmente al compartir escena con figuras que admirabas?

—Mirá, me pasó una vez con Mercedes Funes, yo a ella la miraba mucho, siempre me pareció una actriz, pero increíble. Su personaje tenía una pequeña difucultar para pronuciar la r. Era muy genial, lo que hacía. Mi personaje no tenía mucha interacción en ATAV, pero bueno, mi personaje le hacía un vestido y yo tenía que ir a la casa de ella y ella me leía unas cartas...esa primera escena con ella me acuerdo que me había puesto muy nervioso, pero me calmé, es la sensación de...estoy actuando con Mercedes Funes (exclama).

—¿Te sigue sorprendiendo trabajar con referentes o ya lo vivís como algo cotidiano?

—Si bien ahora ya se transformó en mi trabajo y lo tomo como algo normal, siempre está el niño en mi interior que dice: “Mirá con quién estoy trabajando, sueño hecho realidad”.

El anuncio del elenco de Matilda, el Musical no pasó desapercibido y provocó una oleada de reacciones en redes sociales. Entre los señalamientos más repetidos estuvo la ausencia de Michaela, hija del fallecido conductor Daniel Bisogno, como protagonista de la puesta en escena.

La conversación escaló rápidamente, en especial por la relación cercana entre Bisogno y el productor Alex Gou, ya que eran amigos y socios.

Ante el ruido mediático, Gou decidió explicar públicamente lo ocurrido y poner freno a las versiones que, con el paso de los días, comenzaron a distorsionar la realidad.

La explicación de Alex Gou

En una entrevista con el periodista Gustavo Adolfo Infante, el productor habló sin rodeos sobre el tema. Aclaró que Michaela sí formó parte del proceso inicial del musical y llegó hasta etapas avanzadas de selección.

“Estuvo en la academia de Matilda, estuvo en las audiciones, hasta el último callback”, explicó Gou, detallando que la decisión no fue arbitraria ni excluyente desde el inicio.

El momento clave ocurrió cuando la propia Michaela se acercó a él para expresarle su sentir. “Tío, no quiero estar en la obra… me recuerda a todos lados a mi papá”, relató el productor, subrayando que la menor no se sentía emocionalmente lista para asumir ese reto.

El peso emocional detrás del escenario

Alex Gou fue enfático al señalar que la decisión se tomó pensando en el bienestar de la niña. “Michaela no estaba preparada psicológicamente para dar este paso”, afirmó, cerrando la puerta a cualquier interpretación ligada a favoritismos o imposiciones.

El productor también recordó a Daniel Bisogno como un amigo cercano y defendió su memoria frente a comentarios que, según él, no respetaron su proceso ni el de su familia tras su fallecimiento.

Lejos de la polémica, Gou sostuvo que su amigo habría esperado honestidad y sensibilidad ante una situación tan delicada, incluso si eso implicaba explicar públicamente una decisión difícil.

El elenco y el estreno de “Matilda, el Musical”

Finalmente, se confirmó que Emilia Gou, hija de Alex Gou, alternará el papel de Matilda junto a Elena Moro y Raffaella Méndez. Niñas que compartirán funciones en esta nueva versión del musical.

La obra se estrenará el próximo 13 de marzo en el Centro Cultural Teatro 1, ubicado en la alcaldía Cuauhtémoc de la Ciudad de México, marcando uno de los lanzamientos teatrales más esperados del año.

Con Jaime Camil en el papel de Tronchatoro y un elenco de alto perfil, Matilda, el Musical inicia su temporada entre expectativa artística y una conversación que recordó que, detrás del espectáculo, también hay decisiones humanas.

Hace unos días el actor Ian McKellen, respetado hombre de cine y de teatro que es muy conocido por sus papeles en las taquilleras El Señor de los Anillos y X-Men, estuvo en el programa The Late Show, un ciclo muy popular de la cadena estadounidense CBS. Allí contó que fue el primer actor en interpretar el monólogo Sir Thomas More de William Shakespeare. “¿Te importaría interpretarlo para nosotros?”, le pregunta el conductor Stephen Colbert.

“Piensen que todo esto ocurre hace 400 años, en Londres hay disturbios, una muchedumbre en las calles que protesta por la presencia de extranjeros”, explicó y luego, para meterse en el papel de un abogado de la época, le pidió a la audiencia que coreara “¡Los inmigrantes deben ser expulsados!”, una forma de recrear el clima hostil de la narración.

El monólogo corresponde a una obra atribuida parcialmente a Shakespeare y cuya redacción data de alrededor de 1593. En él, el personaje titular interrumpe a una multitud enfurecida para exigir humanidad hacia los forasteros: “Concededles que se vayan, y conceded que vuestro ruido haya reprendido a toda la majestad de Inglaterra; imaginad que veis a los miserables extranjeros, con sus bebés a sus espaldas y su pobre equipaje, caminando pesadamente hacia los puertos y las costas en busca de transporte, y que os sentáis como reyes en vuestros deseos, con la autoridad completamente silenciada por vuestra pelea, y vosotros vestidos de groseras opiniones”, recitó.

“¿Acabaréis con los extranjeros? ¿Vais a matarlos? ¿A degollarlos?“, dijo profundizó en el núcleo ético del texto shakespeariano con las siguientes palabras: “¿Por qué debéis ser necesariamente extranjeros? ¿Os agradaría encontrar una nación de tal temperamento bárbaro, que, estallando en una violencia espantosa, no os proporcionara morada en la tierra, afilara sus detestados cuchillos contra vuestras gargantas, os despreciara como a perros?”. El fragmento culminó con un mensaje directo a la sociedad actual: “Este es el caso de los extranjeros; y esta vuestra crueldad inhumana. William Shakespeare. Hace 400 años”.

La ovación de pie tanto del público como de Colbert selló la emoción del momento y precipitó la viralización de la escena, reconocida incluso en medios internacionales como un acto de protesta y denuncia ante las medidas migratorias del gobierno de Donald Trump y el uso intensivo de ICE para realizar deportaciones. El suceso también coincidió con múltiples protestas en distintos puntos de Estados Unidos, en especial en Minnesota, donde miles de personas se movilizaron tras la muerte de dos civiles, Renée Good y Alex Pretti, a manos de agentes federales durante arrestos en la vía pública.

El ciclo, que es muy crítico de Trump, tiene fecha de cierre, al menos en la CBS. Según trascendió, The Late Show culmina, luego de 33 años al aire, el 21 de mayo de este año, por “una decisión puramente financiera” del canal.

“Te amo, eres perfectx pero cambia!” presentar´+a una nueva temporada en La Teatrería. Desde el sábado 14 de febrero y hasta el 28 de marzo, el público podrá disfrutar de esta comedia musical todos los sábados.

Esta puesta en escena, reconocida por su tono fresco e inclusivo, explora las distintas etapas del amor moderno. El guion aborda desde los primeros encuentros y las citas incómodas hasta la convivencia, la rutina y los desacuerdos inevitables.

El elenco que da vida a esta temporada incluye a Adrián Pola, Bernardo Origel, Carlos Dirre, Daniela Ávalos, Danielle, Diego Albert, Gloria Toba, Gibrán Hernández, Manuel Corta, Odette Villareal, Pamela Reul y Thamarla Merlos.

Charla con Adrián Pola

En entrevista con Infobae México, Adrián Pola, uno de los actores en escena, nos contó sobre la adaptación del guión originalmente escrito hace varias décadas:

“Obviamente, es un musical que se escribió en los 90 y tiene unas cosas que actualmente podrían no funcionar, sobre todo aquí en México, pero hay una adaptación que igual está, está funcionando. Son viñetas donde finalmente se habla del amor, el amor de pareja sobre todo, y el desamor, algunas separaciones, donde cual-cualquier tipo de público se puede identificar”.

Y agregó: “Yo creo que en México funciona muy bien porque finalmente es un tema universal,el amor es un tema universal. Desde que conoces a la pareja, te separas, tal vez te peleas, sigues con ella. Es totalmente universal. Entonces, creo que que por ahí se puede lograr”

También, nos contó sobre la forma en la que construye su papel sobre el escenario:

“Desde mi punto de vista, pues he ido creando cosas desde la observación: personajes en la calle, compañeros, familia, gente a mi alrededor. Voy formando y observando cosas que pueden servir”.

Finalmente, nos habló de la forma en la que podrían ir más personas al teatro:

“Creo que con temas como el de esta obra, temas de pareja son digeribles para el público y también al mismo tiempo pueden ser un poco complicados Buscar también que las producciones no sean tan caras para que también el público vaya. Podemos empezar por ahí, tratando de convencerlos de que vayan más al teatro con este tipo de temas, con este tipo de producciones, porque también es una producción... No es una gran producción como otras que existen en este país, pero es una gran producción desde el punto de vista humano y material humano que existe. Creo que todos los que están, estamos ahí, sentimos algo, somos intensos como buenos actores, somos comprometidos con nuestro arte, con la obra misma”.

“El teatro nos recuerda que el ser humano es complejo y contradictorio”, le dice a Infobae Cultura el actor, dramaturgo y director Claudio Tolcachir. Por estos días está ultimando los detalles de la decimocuarta edición del Festival Temporada Alta en Buenos Aires (TABA), que se desarrollará del 12 al 22 de febrero en Timbre 4 (Av. Boedo 640). La programación reúne obras de Francia, Suiza y Cataluña, además de producciones argentinas reconocidas por su aporte a la escena teatral.

El evento, que mantiene su continuidad desde 2013, se distingue por ofrecer espacios para el intercambio artístico, charlas y actividades formativas centradas en diversas disciplinas teatrales, consolidando un entorno de reflexión y aprendizaje colectivo. Durante cada edición, el festival se ha transformado en un punto de encuentro donde el contacto directo entre artistas y público impulsa nuevos vínculos y promueve la diversidad de propuestas contemporáneas dentro de las artes escénicas.

“Este festival es un orgullo enorme”, dice el director de clásicos teatrales como La omisión de la Familia Coleman, Tercer cuerpo y El viento en un violín. A continuación, la conversación que mantuvo con el medio.

—¿Qué particularidades tendrá esta edición de TABA? No pregunto solamente por la cuestión artística, sino también por el financiamiento y los apoyos que han tenido. ¿Eso sigue?

—Este año vendrán elencos de Suiza, Francia, Catalunya y habrá algunos de acá. Como elementos destacados, por ejemplo, de Francia tendremos el ciclo A la carte que propone cruces de textos franceses con artistas argentinos, en puestas pensadas de manera lúdica: mesas de ping pong, catas de vino y conciertos dramatúrgicos. Catalunya es el foco del festival desde la primera edición y este año se suman puestas y semimontados desarrollados junto a dramaturgos y directores catalanes. Como novedad, este año Timbre 4 se asocia con Casa Teatro y Martín Flores Cárdenas, quien programa dentro del festival obras vinculadas a su espacio, con artistas como Lucía Selles, Luisina Girelli y Bernardita Epelbaum. Por el lado de Suiza llega la obra “Bell End”, una performance física y sonora que utiliza el humor y la repetición para diseccionar gestos cotidianos de la masculinidad. Y dentro de los artistas argentinos participan Fernando Rubio con “Yo no muero ya no más” y Los Pipis con “Cae una catedral”. Esta edición cuenta con el apoyo de Institut Ramon Llull de Lengua y Cultura Catalanas, la Embajada de Francia en Argentina, Institut Français, Fundación Williams y Fundación Medifé.

—¿Cómo combinas la tarea de curaduría artística con la organización de un festival así?

—No puedo creer que ya estemos en la edición catorce de este festival. Para mí sigue siendo de un orgullo enorme que desde un espacio independiente como lo son las dos salas de Timbre 4 (Boedo y México) podamos sostener, durante más de una década, un festival internacional del que participan España, Cataluña y Francia, donde se producen encuentros con autores, directores y actores creando esa mezcla de culturas que tanto nos interesa. Ya es un clásico del teatro de verano porteño, que tiene su propio público pero que todos los años sigue sumando nuevas personas. A lo largo de estas dos semanas, los espectadores asistirán al nacimiento de textos nuevos y descubrirán propuestas, pero para nosotros es muy importante, sobre todo, que nuestros artistas se conozcan entre sí. La creatividad está en la escritura, en la dirección y en la actuación, pero también en la generación de espacios nuevos para la gente. TABA es un festival artesanal que sostenemos con muchísimo esfuerzo pero que nos llena el corazón.

—Suele mencionarse la gran actividad teatral de Buenos Aires, mayor incluso con respecto a otras grandes ciudades del mundo. ¿Es así o es un mito? Teniendo en cuenta tu experiencia en Madrid ¿qué podrías agregar?

—Buenos Aires sin duda es una capital teatral única en lo práctico por la cantidad de espacios diversos teatrales que existen o que subsisten más allá de las dificultades, aunque se han perdido muchos espacios en estos últimos tiempos y por la cantidad de espectáculos, por el formato en el que se dan. Al ser una o dos veces por semana hay una cantidad de espectáculos y una cantidad de producción que es muy poco habitual. Sobre todo en teatro independiente. Creo que este es el sello que distingue al teatro argentino, porque por supuesto que hay otras ciudades donde el teatro comercial es más amplio o poderoso. En otros casos los teatros oficiales. Lo que distingue al teatro argentino es justamente el teatro independiente. La producción de grupos de cooperativas donde uno puede encontrar autores nuevos junto autores consagrados actores famosos y con una trayectoria enorme trabajando junto con actores que están haciendo sus primeras experiencias. Yo creo que cuando uno piensa en teatro argentino y piensa esas salas, esos sótanos, esos galpones donde descubre o donde los grupos o los autores también se permiten tomar ciertos riesgos que en otros ámbitos son difíciles de ejercer, de realizar. Así que sin duda creo que Buenos Aires tiene un sello único, distintivo y ese sello distintivo tiene que ver con la creación de teatro independiente que está relacionado con la identidad, con una forma de producción, con una forma de pensar y de sentir teatro. Muy productivo, aunque muy sacrificado al mismo tiempo.

—Es un tiempo convulsionado, ¿qué rol cumple el arte, el teatro específicamente, según tu opinión?

—Creo que en nuestro país en particular, por cómo se ha constituido la relación de las personas con el teatro, todos los periodos críticos de crisis, políticas, económicas, sociales, el teatro fue siempre un lugar de encuentro, de reflexión, pero también de resistencia emocional. Creo que porque cuando uno se acerca a un espacio teatral como estos nuestros también recibe una inyección de vida, de ilusión, de deseo, de gente que hace y que pone la vida en juego en el escenario, me refiero la vida como sentido, como un sentido de vida y esto creo que a la gente le hace muy bien, como le hace muy bien encontrarse, le hace muy bien pensar juntos, respirar juntos y conectarse con algo vivo, con algo que está que está sucediendo. Creo que el teatro siempre tuvo un lugar de identidad para nosotros los argentinos, de resistencia. Además creo que el teatro cumple una función valiosa en medio de una catarata de estímulos que pretenden que todo sea simple, que todo sea fácilmente ‘elegible’ entre estar a favor o en contra de todo, en donde se van simplificando las opiniones, simplificando las informaciones. Creo que el teatro ocupa el lugar de recordar que el ser humano es complejo, que el ser humano es contradictorio, que las ideas son profundas y nos obliga a colocarnos en un lugar que no sea cómodo, que no sea el de nuestra cotidianidad. Nos obliga incluso a ponernos en el lugar del otro, o a reflejarnos en un espejo extraño, y creo que eso es muy necesario cuando está tan abaratado y tan destrozada la capacidad de pensamiento y de reflexión y también incluso está denostada empatía o la conexión con los demás. Así que creo que es más valioso que nunca el teatro que, además de ser entretenido y de ser algo vital, es algo conmovedor.

* El Festival Temporada Alta en Buenos Aires (TABA) se desarrollará del 12 al 22 de febrero en Timbre 4 (Av. Boedo 640). Toda la información en la web oficial del festival.

La Temporada 2026 del Complejo Teatral de Buenos Aires se presentó con una marcada apuesta a la proyección internacional, nuevas coproducciones y el regreso de figuras emblemáticas. El anuncio, realizado en la Sala Martín Coronado, estuvo encabezado por el jefe de Gobierno Jorge Macri, quien subrayó que “la cultura no es un gasto, sino la mejor inversión posible en el capital humano de la ciudad”. Entre las grandes novedades destacó la próxima reapertura del Centro Cultural San Martín y la reafirmación de Buenos Aires como epicentro teatral, con más de 300 salas en cartelera, comparables, según Macri, con ciudades como Londres o Nueva York.

En el evento, integrado también por la ministra de Cultura Gabriela Ricardes, el director del Complejo Alberto Ligaluppi y artistas de futuros elencos, se consolidaron acuerdos internacionales. Se anunció que la colaboración con los Teatros del Canal de Madrid traerá a Buenos Aires obras como Numancia, Boys in the Sand y Viaje al amor brujo en abril. Además, Ricardes remarcó que la temporada profundiza un camino basado en producción, colaboración e intercambio: “Poner en diálogo al Teatro San Martín con el Teatro Colón y fortalecer los vínculos internacionales [...] apuesta al cruce de públicos y a un teatro público vivo, que produce, circula y se proyecta”.

Desde el último tercio del evento, uno de los anuncios más esperados fue el acuerdo con el prestigioso Lincoln Center de Nueva York, que permitirá incorporar mensualmente a la programación conciertos de jazz internacional en la Sala Coronado. De igual manera, la ministra Ricardes afirmó que nuevas producciones serán registradas en formato audiovisual —como Cyrano y Benito de la Boca— para potenciar su circulación internacional y su acceso a jóvenes audiencias.

Además, 2026 será testigo de la primera coproducción entre el Complejo Teatral y el Teatro Colón de tres óperas de cámara en el Teatro Alvear: La ópera de tres centavos, Historia de un soldado y Otra vuelta de tuerca. Este esfuerzo fusiona recursos patrimoniales de ambas instituciones.

Distintos rostros de la escena acompañaron la presentación. Leonor Manso leyó un texto de María Casares sobre el riesgo y la esencia del teatro, antes de anticipar su participación junto a Paloma Contreras en El precipicio. Los bailarines Lucía Bargados y Rubén Rodríguez interpretaron el dúo Romance del Diablo, homenajeando a la coreógrafa argentina Ana Stekelman. La presencia de Elena Roger, quien interpretó Canción de Alicia en el país como adelanto del musical Invasiones I. No bombardeen Buenos Aires, anticipó uno de los hitos: la obra, construida a partir de las canciones de Charly García bajo la idea y dirección de Ricardo Hornos, pondrá en escena a más de treinta artistas para revisar el episodio histórico de las invasiones inglesas de 1806.

El catálogo internacional se robustecerá también con la gira de La verdadera historia de Ricardo III, que tras su éxito bajo dirección de Calixto Bieito y protagonismo de Joaquín Furriel, viajará por el país, inaugurará el Festival GREC en Barcelona, tendrá versión cinematográfica dirigida por Marcelo Piñeyro en el Festival de Málaga y será presentada en Shanghái, detalló Ligaluppi.

La temporada contará también con la aplaudida directora española Helena Pimenta, quien dirigirá el clásico Esperando a Godot, proyecto que consideró “un clásico necesario para interpelar a la humanidad”. Desde París, Marilú Marini anunció su participación en dos propuestas: la conferencia escénica Manifestum —creación de Oria Pupo— y la dirección de La lluvia de fuego, obra de Silvina Ocampo y Juan José Hernández.

La lista de producciones incluye el regreso de Daniel Veronese para dirigir Mefisto en el San Martín y el desembarco de Mariano Pensotti con La Obra, montaje que ya recorrió escenarios internacionales. El Teatro Sarmiento recibirá Un tranvía llamado deseo con Camila Sosa Villada como Blanche DuBois y dirección de Juan Parodi; Arturo Puig y Rita Terranova aportarán el unipersonal Buenas palabras; Oscar Barney Finn adaptará una pieza de Marina Carr con un elenco encabezado por Paulo Brunetti, Analía Couceyro, Carlos Kaspar, Pablo Mariuzzi y Mercedes Fraile.

Entre las novedades, Florencia Raggi actuará en su primer unipersonal Oxitocina, explorando la maternidad bajo la dirección de Dennis Smith. Paula Reca presentó A cielo abierto de David Hare, esta vez con Mey Scápola en la dirección. Willy Landin anunció Shakespeare Unplugged, con Luis Luque, María Rosa Fugazot, Mario Alarcón y Antonio Grimau. Luciano Cáceres encabezará Paraíso de Inmaculada Alvear, con enfoque en la masculinidad. Gonzalo Martínez describió La habitación desconocida como “un ensayo documental apócrifo sobre el amor y el desamor”, obra que dirigirá Lautaro Delgado Tymruk.

El cierre incluyó un fragmento de Romeo y Julieta. Ópera urbana, con dirección de Eduardo Gondell y participación del rapero Pedro Peligro.

El sorteo en escena determina la pareja protagonista y la identidad de los músicos cada noche, lo que da lugar a combinaciones inéditas que ni siquiera los miembros de la obra han logrado ensayar por completo. Tal como reportó el medio, el montaje "Constelaciones", dirigido por Sergio Peris-Mencheta, se representa en el Teatro Valle Inclán del Centro Dramático Nacional (CDN) y propone alterar cada función mediante la decisión aleatoria de los roles actores y la banda sonora. Esta estructura experimental centraliza tanto la improvisación como el azar, generando un reto persistente tanto en la dirección como en la interpretación.

De acuerdo con la información del CDN recogida por los medios, el espectáculo estará en cartel desde este viernes y se prolongará hasta el 29 de marzo. La obra toma como base el texto homónimo de Nick Payne, escrito en 2012, y sobre él Peris-Mencheta construyó una nueva versión bajo la premisa de priorizar el disfrute del equipo artístico antes que al espectador: “no tanto el espectador”, según señaló el propio director y actor.

Cada noche, el proceso se inicia con un sorteo que define la composición de los personajes centrales y quién asume la responsabilidad musical. El montaje cuenta con tres actrices (Clara Serrano, Paula Muñoz y María Pascual) y tres actores (David Pérez Bayona, Jordi Coll y Diego Monzón), todos ellos versátiles en la interpretación, el canto y la ejecución musical. Esta rotación garantiza que no se repita el mismo reparto principal dos funciones consecutivas y, por designio del azar, ninguna combinación de personajes y banda sonora se predetermina antes del sorteo que tiene lugar en la propia sala minutos antes del inicio.

En cuanto a la trama, "Constelaciones" narra una relación amorosa marcada por la ciencia y las posibilidades del multiverso. La protagonista está caracterizada como física cuántica y, mediante razonamientos científicos, introduce a su pareja en la idea de que la eutanasia puede entenderse no como un final irrevocable y triste, sino como una decisión segura, tranquila y libre, ya que lo que ocurre en ese universo puede no suceder en otros. Así, el argumento explora nociones de destino, alternativas vitales y libertad personal desde una perspectiva existencial.

Según consignó el medio, la música se convierte en un elemento clave para definir cuál de las cuatro versiones distintas se desplegará en escena cada jornada. El propio Peris-Mencheta reconoce que el montaje implica numerosos riesgos, dado que el reparto aún no domina todas las posibilidades y combinaciones. La cifra total de variantes, de acuerdo con el director, asciende a unas 240, aunque el grupo ha podido explorar aproximadamente la mitad de ellas: “De las 240 posibles, tendremos unas 120 o más así”, explicó Peris-Mencheta entre risas.

Cada intérprete debe conocer todos los papeles y estar preparado para asumir el rol que el sorteo imponga, así como las modificaciones musicales que este nuevo reparto pueda requerir. El proceso no solo exige versatilidad sino adaptación constante, ya que la obra cambia de matiz, ritmo y tono dependiendo de los roles adjudicados y de las decisiones musicales tomadas en cada función.

Peris-Mencheta declaró que el objetivo de esta puesta en escena es experimentar con los límites del teatro dirigido y la improvisación, buscando sacar el mayor provecho de las dificultades y limitaciones propias de un trabajo tan maleable. En palabras del propio director, recogidas por el medio, dirigir implica aproximarse cada vez más a la experiencia vital de afrontar las dificultades y transformarlas en oportunidades a favor de la creación.

La trayectoria de Peris-Mencheta, según publicó la fuente original, se adentra en el teatro universitario, ámbito donde descubrió tanto la pasión por la interpretación como por la dirección teatral. A partir de esa experiencia, el director sostiene que el trabajo en el teatro universitario consiste precisamente en aprovechar los recursos limitados y estimular la creatividad con aquello disponible.

La obra, que se presenta como un experimento escénico, basa su estructura en la sorpresa y la flexibilidad. Los retos incluyen no solo la coordinación actoral sino la implicación musical, ya que todos los miembros del elenco deben alternar en sus funciones como actores, músicos y cantantes.

A lo largo de cada función, el público asiste a un relato de amor que cobra matices distintos en función de la pareja elegida y de la atmósfera musical que marca el desarrollo dramático. Según detalló el CDN, esta propuesta pretende desafiar tanto la capacidad interpretativa de los actores como las expectativas de la audiencia, al ofrecer una historia que reviste un carácter inédito con cada representación.

El montaje, al fusionar azar, improvisación y dirección, plantea una revisión del proceso tradicional de puesta en escena. Ni el propio reparto, ni el director ni el espectador pueden prever exactamente el resultado final de cada función, lo que convierte cada cita con "Constelaciones" en una experiencia singular.

Durante su estancia en España, Marina de Tavira reflexionó sobre cómo el sufrimiento causado por las desapariciones forzadas no conoce fronteras. Esta idea se manifiesta en su interpretación de 'Antígona González', una obra que llega a Condeduque de la mano de la actriz mexicana nominada al Óscar, según detalló el Ayuntamiento en un comunicado oficial. La pieza, escrita por Sara Uribe, fusiona poesía, denuncia y testimonio, y sitúa en el centro la tragedia de quienes buscan justicia ante la desaparición de un ser querido, una problemática marcada por la impunidad.

Tal como publicó el Ayuntamiento, la obra se presenta entre el 12 y el 14 de febrero en Condeduque, un espacio perteneciente al Área de Cultura, Turismo y Deporte. En este montaje, la protagonista de la tragedia griega se transforma en figura colectiva. La Antígona que encarna De Tavira es una mujer mexicana que busca el cuerpo de su hermano menor desaparecido, en un eco de la clásica tragedia de Sófocles, pero adaptada a la realidad de México, donde miles de familias viven situaciones similares. De acuerdo con el comunicado, 'Antígona González' recurre a un collage de voces: las de los buscadores, las de los propios desaparecidos y las de la indiferencia social. Estas voces exponen la herida que la violencia y la falta de justicia han dejado en el tejido social mexicano.

El texto de Uribe y la interpretación de De Tavira abordan el dolor y la resistencia de quienes enfrentan amenazas, miedo, división familiar y estigmas sociales al intentar encontrar a sus seres queridos. Como señala el Ayuntamiento, la obra sugiere que el hermano de Antígona pudo haber sido captado por el crimen organizado, una posibilidad que queda en el aire porque nunca regresó. Pese a la incertidumbre, la protagonista se niega a resignarse al olvido. La obra subraya que mantener vivo el recuerdo de los desaparecidos representa una forma de resistencia frente a la desaparición forzada, ya que la memoria garantiza la permanencia, mientras que el olvido conduce al borrado de la existencia.

De acuerdo con el comunicado oficial, Marina de Tavira comparte el escenario por primera vez con su hermana Cecilia de Tavira, encargada del concepto y del diseño del bordado que forma parte del montaje. Al respecto, De Tavira explicó: "Nuestra Antígona es hoy la Antígona de la desaparición forzada, la voz de las que buscan un cuerpo al que enterrar para poder al fin llorar. Al pasar tiempo en España, tierra de mis antepasados y antepasadas, comprendo que carga su propio dolor, por eso Antígona González es aquí y allá y allá y aquí, por eso es de ida y vuelta. Aquí y allá se encuentra Antígona porque, como decía María Zambrano, la seguimos oyendo". Dichas palabras, recogidas por el Ayuntamiento, ilustran el carácter universal de la obra, ya que vincula la búsqueda individual con los dramas colectivos de distintas geografías.

Marina de Tavira cuenta con una trayectoria destacada en el ámbito teatral y cinematográfico mexicano, condición que el Ayuntamiento subrayó en su comunicado. Tras formarse en instituciones como La casa del teatro, el Núcleo de Estudios Teatrales y el Centro de Formación Teatral San Cayetano, De Tavira debutó en escena con la obra 'Feliz nuevo siglo Doktor Freud', de Sabina Berman. Desde entonces, ha participado en más de veinticinco montajes, entre los que figuran títulos de la Compañía Nacional de Teatro como 'Siete puertas', 'Bajo la piel del castor' y 'Fotografía en la playa', así como 'Alguien va a venir' de Teatro Línea de Sombra y obras como 'Por el gusto de morir bajo el volcán', 'El Amante' y 'Tomar partido'.

El medio también señaló que la actriz es una de las fundadoras de la productora Incidente Teatro, junto a Enrique Singer, con la cual llevó a escena montajes como 'Traición' de Harold Pinter, 'Crímenes del corazón' de Beth Henley, 'La mujer justa' de Hugo Urquijo (una adaptación de la novela de Sándor Márai), y 'La anarquista' de David Mamet. En el ámbito fílmico, De Tavira cobró reconocimiento internacional después de recibir una nominación al Premio Óscar en 2019 por su papel como actriz de reparto en la película 'Roma', dirigida por Alfonso Cuarón.

Según resaltó el Ayuntamiento en su comunicado, el montaje de 'Antígona González' no solo constituye un ejercicio artístico, sino que representa una denuncia social articulada a través de la voz coral que ofrece la pieza. El espejo que la obra tiende entre el dolor individual y el sufrimiento colectivo busca implicar al espectador más allá de la experiencia mexicana, sumando relatos de búsqueda y pérdida en distintos contextos.

La dramaturga Sara Uribe, autora de la obra, explora la figura mítica de Antígona y la resignifica como símbolo de las personas que exigen justicia y verdad en medio de la violencia. El texto se construye como un conjunto de fragmentos, testimonios y poesía, y ofrece una reflexión sobre la memoria, el duelo y la exigencia de justicia. Según subrayó el comunicado oficial, la elección de una voz coral permite que la historia de Antígona trascienda lo individual y se proyecte hacia lo colectivo, haciendo visible una problemática social de larga data.

Las redes sociales se activaron tras la difusión de fotografías que muestran a Jaime Camil durante los ensayos de su próxima obra de teatro. Las imágenes, compartidas por el propio actor, permiten observar parte del trabajo previo al estreno y reflejan el avance del montaje escénico.

En las postales se aprecia a Camil ya inmerso en su personaje, lo que generó comentarios positivos entre seguidores y amantes del teatro musical. La publicación dejó claro que la producción se encuentra en una etapa sólida de preparación.

El interés creció al confirmarse que el actor interpretará a Tronchatoro en Matilda el Musical, uno de los personajes centrales de la historia, lo que marca su regreso a los escenarios con un reto actoral de alto perfil.

Jaime Camil como Tronchatoro

La producción de Matilda el Musical presentó recientemente la imagen oficial de Jaime Camil caracterizado como Tronchatoro. Esta revelación permitió conocer el diseño del personaje y su adaptación visual para la versión mexicana.

La caracterización mostró un trabajo detallado que refuerza el tono del montaje y anticipa la presencia escénica que tendrá el actor. La respuesta del público fue inmediata, destacando la transformación física lograda.

Con esta primera mirada, la producción confirmó la apuesta por una interpretación sólida y fiel al espíritu de la obra original, uno de los puntos más comentados en redes.

Un elenco con experiencia teatral y televisiva

La puesta en escena contará con la producción de Alex Gou, conocido por impulsar proyectos teatrales de gran formato en México. El reparto reúne a figuras con amplia trayectoria en distintos géneros.

Ricardo Margaleff interpretará al Sr. Wormwood, mientras que Verónica Jaspeado dará vida a la Sra. Wormwood. El personaje de la Srta. Honey será alternado por María Elisa Gallegos y Gloria Aura, según la función.

Gisela Sehedi completará el elenco principal como la Sra. Phelps, conformando un equipo que busca atraer tanto al público familiar como a los seguidores del teatro musical.

Estreno y expectativas en México

Matilda el Musical se estrenará el próximo 13 de marzo en el Centro Cultural Teatro 1, ubicado en la alcaldía Cuauhtémoc de la Ciudad de México. El recinto será sede de esta adaptación nacional.

Los boletos ya están disponibles a través de Ticketmaster y en las taquillas del teatro, reflejando el avance del proyecto y el interés del público.

Las fotografías de los ensayos han incrementado la expectativa por ver en escena la caracterización de Jaime Camil y el resultado final de esta producción, considerada uno de los estrenos teatrales más relevantes de la temporada.

Lejos de ser un privilegio exclusivo de las ciudades de veraneo, el teatro sigue vivo y vibrante en la mítica calle Corrientes, de la ciudad de Buenos Aires. Allí, sin importar las altas temperaturas del verano porteño, el público va y viene entre salas que ofrecen desde historias de fantasía hasta estallidos de carcajadas. Entre tantas propuestas a precios accesibles hay una obra que sobresale por su humor ácido, sus situaciones disparatadas y las risas que se escuchan incluso fuera de la sala. Se trata de En busca del sexo perdido, una comedia bizarra que, detrás de la diversión, invita a la reflexión sobre los mandatos y las búsquedas personales. Teleshow conversó con su directora, Gisella Sirera, y una de sus protagonistas, Eliana Villanueva, para conocer sobre su labor y los secretos detrás de este fenómeno de la cartelera.

La historia, que se lleva a cabo en la Sala Cortázar de Paseo La Plaza, transcurre en una clínica donde la sala de espera se convierte en el epicentro de enredos y neurosis: una paciente hipocondríaca en busca de respuestas, dos doctores más pendientes de sus propios dilemas que de los pacientes, una visitadora médica alerta a cada detalle y una recepcionista con pocas ganas de trabajar. Entre diagnósticos absurdos, situaciones disparatadas y un humor que no da respiro, la obra utiliza el delirio para reírse de los mandatos sociales y la obsesión por la identidad.

La creación y dirección de Sirera, atravesada por experiencias personales y la mirada aguda sobre la vida cotidiana, suma además el trabajo de un elenco que combina entrega y complicidad noche tras noche. En ese mismo escenario, una de las actrices, Villanueva, redescubre la pasión por el teatro y la fuerza del público, aportando su propia historia a una comedia que hace del caos y la identificación una fórmula de éxito.

—¿Hace cuánto tiempo se dedican al teatro y qué las llevó a elegir este camino?

—Gisella Sirera: Yo hago teatro desde que tengo diez años, o sea... hace tiempo que hago más teatro de lo que llevo viva, y tengo 40. Estoy en todos los lugares donde se puede estar, porque damos clase en varios lugares, entonces estamos todo el tiempo en movimiento.

—Eliana Villanueva: Comencé desde muy chica, cuando actuaba en todos lados. Pero después seguí la carrera de Letras y trabajé muchos años en una empresa. Volví a la actuación después de la pandemia, harta de lo virtual y con ganas de volver a los vínculos presenciales. Así empecé, y tuve la suerte de dar con Gisella, que siempre está generando cosas.

—Eliana, en tu caso la actuación no es tu trabajo principal. ¿Cómo combinás tus otras actividades con el teatro?

—Trabajo en Recursos Humanos de día en una empresa de Telecomunicaciones, y de noche soy actriz. Es como ser la tía de Hannah Montana (risas). Todo se trata de comunicación y creo que ambas cosas se potencian. En la compañía valoran mucho el desarrollo personal, y lo artístico me ayuda a expresarme mejor a través del humor. Me gusta tener cada vez más herramientas para contagiar risa, que me parece tan curativa e importante. El humor sana, mejora y te permite encontrarle una vuelta de tuerca a las cosas.

—Entre lo artístico y sus ocupaciones laborales, ¿qué disfrutan más?

—GS: Son caminos diferentes, pero todos se cruzan y conectan. Yo me siento más cómoda dando clases, pero desde un lugar más egoísta siempre me gusta más dirigir. Me siento muy expuesta en la actuación y siento que me tengo que preparar mucho; si tengo que actuar, hago seminarios para retocar siempre.

—EV: Me parecen súper complementarias porque todo se trata de comunicación con las personas. Cuantas más herramientas tenés para comunicarte, ya sea el cuerpo, la expresión, el humor, mejor. No siento que compitan entre sí, aunque se den en horarios opuestos.

—Gisella, ¿qué inspiró la creación de “En busca del sexo perdido”?

—Como siempre digo, todas las comedias tienen una tragedia detrás. Perdí a mi mamá hace muy poquito y la tuve mucho tiempo internada. Para abstraerme de la realidad tan dolorosa, empecé a observar el entorno desde un lugar más bizarro y alocado. También hubo situaciones desafortunadas en el elenco y pensé: “¿Qué hacemos con esto? Vamos a tratar de ponerlo en algún lugar y sanarlo desde ahí”. Así nació la obra. Es una nueva versión de un título anterior, pero le cambié todo para que fuera más actual; armamos desde cero y la gente está respondiendo muy bien. Nos llevó tres meses. Fue una búsqueda que escribí toda por mí misma y los chicos se tiraron a la pileta. Fue muy natural porque todos confiaron en lo que yo podía proponer y el grupo se adaptó siempre.

—¿Cómo surgieron los personajes y cuánta realidad hay en ellos?

—Hay personajes, como los médicos, que me basé en cosas que vi realmente. En la comedia bizarra el plan es exprimir al máximo la parte más loca del personaje, llevarlo casi a la caricatura, pero también es una mezcla de experiencia personal e imaginación. Mucha gente del ámbito médico me dice “es tal cual”, y yo jamás tuve contacto con lo médico, pero parece que no estoy tan errada de la realidad. Es muy loco. Es el segundo año que estamos y la gente sigue eligiendo el título y la historia, es la primera vez que veo que, al terminar la función, hay gente que ya compró para el viernes siguiente. Eso es muy gratificante.

—¿Qué significa para ustedes estar en la emblemática calle Corrientes?

—GS: Para mí es un orgullo y una recompensa al esfuerzo de tantos años. La calle Corrientes tiene un peso histórico y cultural enorme para quienes hacemos teatro. Estar acá significa que el trabajo y la constancia valieron la pena y que el público sigue eligiendo lo que hacemos. Es un logro colectivo, del grupo y de cada función.

—EV: Es emocionante. Pienso: ‘¡Guau! Estoy acá en la calle Corrientes, la calle de las canciones, de los diarios, de los tangos’. Y la verdad que pienso en mi profe y que un día nos dijo: “¿Así que quieren estar en la calle Corrientes?. Bueno, van a estar ahí”.

—¿Qué les gustaría que se lleve el público después de ver la obra?

—GS: Que por un rato se olviden de los quilombos y líos de afuera, que se relajen, se rían y se sientan identificados. Si además viene un análisis más profundo, bienvenido, pero lo importante es que se rían y disfruten.

—EV: Que se diviertan mucho y vean situaciones cotidianas representadas en la obra. Y si es más ambicioso, que vayamos aprendiendo a reírnos de lo que vivimos, porque esa energía ayuda tanto en los buenos como en los malos momentos. Yo creo mucho en el humor; es la mejor medicina, no engorda, no tiene azúcar ni edulcorante, pero te endulza todo.

—¿Hasta dónde les gustaría llegar con la obra y la actuación?

—GS: Queremos llevar la obra al interior y adaptarla para hoteles y otros formatos. Es un año atípico por el Mundial, hay que planear bien las giras para que el esfuerzo valga la pena y poder llegar a más gente.

—EV: Con el grupo estamos planificando viajar por el país, conocer lugares y personas y que se diviertan con nosotros. Mi sueño es recorrer y llevar esa risa contagiosa a todos lados.

Así, cada viernes en la sala Cortázar, En busca del sexo perdido no solo arranca carcajadas, sino que también deja un mensaje sobre la importancia de reírse de uno mismo y animarse a mirar la vida, y hasta las propias crisis, desde un lugar más humano y generoso. Al final de cada función, entre aplausos y sonrisas, el público y el elenco se llevan la certeza de que, a veces, reírse juntos es la mejor manera de sanar.

El 2 de febrero de 1969 la muerte alcanzó a Boris Karloff en Midhurst, West Sussex. Para entonces, el nombre del recordado actor inglés ya era una cara indiscutida de las estrellas del cine de terror internacional, producto de una carrera que abarcó varias décadas y múltiples escenarios.

La vida de Boris Karloff —cuyo nombre original era William Henry Pratt— comenzó el 23 de noviembre de 1887 en Londres, en el seno de una familia numerosa. Fue el hijo más joven de Edward y Eliza Pratt, y se enfrentó a una decisión crucial en su juventud: tenía la posibilidad de seguir una carrera en el Foreign Office, la Cancillería del Reino Unido.

Sus inicios a los 9 años

Pero sabía que quería ser actor desde que se subió a un escenario por primera vez cuando era un niño. Y ese papel lo marcó: “Cuando tenía nueve años, interpreté al rey demonio en La Cenicienta y eso me lanzó a una larga y feliz vida de ser un monstruo“.

A pesar de que varios de sus familiares eran diplomáticos, él eligió otro rumbo y, para asegurarse de que nada lo torciera, faltó deliberadamente al examen que debía rendir para ingresar al Servicio Exterior. Esa decisión lo llevó a buscar su destino en el mundo de la actuación.

No sería el primer actor de la familia. Su hermano favorito, George, también había pisado las tablas, con el nombre artístico de George Marlowe. “A pesar de que George era un hombre extraordinariamente guapo, nunca llegó muy lejos en el escenario”, explicó Karloff más tarde, “por eso lo dejó por un trabajo en la ciudad. Pero intenté emularlo”, agregó.

En 1909, Karloff se embarcó rumbo a Canadá. Al principio no conseguía trabajo como actor: cavó pozos y fue agente inmobiliario. Recién al año siguiente se unió a una compañía de teatro itinerante. Este primer contacto con el escenario marcaría el inicio de un largo recorrido artístico. A partir de 1918, alternó entre el cine mudo —donde interpretó numerosos papeles secundarios— y el teatro. Su perseverancia comenzó a dar frutos cuando en 1931 alcanzó notoriedad por su interpretación de un convicto convertido en asesino en la película sonora The Criminal Code/El código criminal. Había tenido la oportunidad de encarnar ese mismo papel en teatro un año antes.

El papel de Frankenstein

El salto definitivo a la fama llegó cuando otro gran actor de la época, Bela Lugosi, rechazó el papel del monstruo en la adaptación de Frankenstein a cargo de Universal Pictures. Por ello Karloff fue seleccionado para dar vida a uno de los personajes más recordados de la historia del cine.

“Estaba almorzando”, recordó alguna vez Karloff, “y James Whale me envió al primer ayudante, o quizás a su secretaria, y me invitó a tomar un café con él después de comer, lo cual hice. Me preguntó si podía hacerle una prueba mañana. ´¿Para qué?´, pregunté. ´¡Para un monstruo horrible!´, dijo. Por supuesto, estaba encantado, porque significaba otro trabajo si lo conseguía. En realidad, eso era todo lo que significaba para mí. Al mismo tiempo, me sentí bastante dolido, porque en ese momento llevaba un maquillaje impecable y mi mejor traje, ¡y él quería hacerme la prueba de monstruo!“

Su actuación, que combinó matices de ternura y compasión, recibió elogios unánimes de la crítica. El filme, estrenado en 1931, se convirtió en un acontecimiento cinematográfico y catapultó a Karloff al estrellato.

Tras el fenómeno de Frankenstein, la carrera de Karloff se vinculó estrechamente al género de terror. Su participación en películas como The Old Dark House/La casa lúgubre y The Mummy/La momia, ambas de 1932, consolidó su imagen pública como sinónimo de lo macabro. Durante ese período, Universal llegó a promocionar algunos de sus filmes utilizando solo su apellido, “Karloff”, porque no hacía falta nada más.

En 1933, Karloff se convirtió en uno de los nueve miembros fundadores del Sindicato de Actores de Cine, creado para velar por los derechos de los actores. Siempre fue un defensor de los derechos de los actores y él mismo había sufrido abusos laborales a manos de los estudios.

La cara del cine de terror

El papel del monstruo de Frankenstein volvió a sus manos en dos ocasiones más: Bride of Frankenstein/La novia de Frankenstein filmada en 1935 y Son of Frankenstein/El hijo de Frankenstein en 1939, ambas consideradas secuelas destacadas del film original. Además, el actor compartió pantalla con Bela Lugosi en varias producciones, entre ellas The Black Cat /El gato negro (1934), The Raven/El cuervo (1935) y The Body Snatcher/El ladrón de cadáveres (1945).

El teatro no quedó fuera de su repertorio. En 1941, logró un éxito considerable en Broadway con la comedia Arsenic and Old Lace. Durante la década de 1940, también participó con frecuencia en programas radiofónicos de suspenso, como Lights Out e Inner Sanctum.

Aunque el terror constituyó la base de su trayectoria, Karloff asumió otros desafíos interpretativos. En la serie detectivesca de Mr. Wong —producida por Monogram Studios entre las décadas de 1930 y 1940—, encarnó al personaje principal. Además, desempeñó el papel de jefe indio en la película Unconquered/Los inconquistables (1947) de Cecil B. DeMille. Sin embargo, los papeles de científicos y médicos con ciertos problemas de conducta predominaron en su filmografía, con títulos como Black Friday/Viernes negro (1940) y House of Frankenstein/La casa de Frankenstein (1944).

En 1950, Karloff volvió a los escenarios de Broadway como el Capitán Garfio en una nueva versión de Peter Pan. Esa nueva incursión teatral reafirmó su versatilidad y vigencia ante el público.

El interés por las películas de terror disminuyó en los años 40, lo que llevó a Karloff a explorar la televisión a partir de 1949. Participó como invitado en numerosos programas y llegó a conducir sus propios espacios, entre los que destacó Thriller/Suspenso entre 1960 y 1962. Su participación más recordada en ese medio fue la del especial animado How the Grinch Stole Christmas/Como el Grinch robó la Navidad (1966), donde fue responsable de las voces tanto del Grinch como del narrador.

Por ese trabajo, Karloff obtuvo un Premio Grammy por la grabación en audio de la historia escrita por Dr. Seuss. En total, fue distinguido con galardones en 1967 y 1968 en la categoría de Mejor Grabación para Niños.

Los amores de Karloff

A lo largo de su vida, Karloff contrajo matrimonio en seis ocasiones. Sus esposas fueron Grace Harding (1910–1913), Olive de Wilton (1915–1919), Montana Laurena Williams (1920–1922), Helene Vivian Soule (1924–1928), Dorothy Stine (1930–1946) y Evelyn Hope Helmore (casado en 1946). Sobre la última dijo Karloff: “Mi esposa tiene buen gusto. Ha visto muy pocas de mis películas”.

La década de 1960 marcó el resurgimiento del género de terror y, con él, una nueva etapa en la carrera de Karloff. Volvió a trabajar en películas como The Raven/El cuervo filmada en 1963 y que no fue una reversión de la de 1935, The Comedy of Terrors/La comedia del terror (1963) y Die, Monster, Die!/Muere, monstruo, muere! (1965), presentándose así ante una generación diferente de espectadores. En 1968, a pesar de la enfermedad que padecía (enfisema pulmonar crónico) y el dolor constante, realizó una aparición destacada como un veterano actor de terror en Targets/ Míralos morir, la primera película de Peter Bogdanovich.

En la mayoría de sus interpretaciones, el desempeño de Karloff se caracterizó por una voz suave y una actitud apacible, atributos que, lejos de restar intensidad al género, dotaron de una dimensión particular al terror cinematográfico.

El cine de horror, al que Karloff dedicó buena parte de su carrera, tiene como propósito causar sensaciones extremas, tales como repulsión, miedo o angustia. Las películas de ese género suelen incluir episodios de violencia física y terror psicológico, y pueden centrarse en personajes deformes, perturbados o malignos, así como en monstruos aterradores o animales peligrosos. También existen variantes que exploran el suspense a través de la atmósfera y la intriga.

En sus inicios, el cine de terror estuvo fuertemente influenciado por el expresionismo alemán. Los primeros filmes apelaron a ambientes y temáticas inquietantes, que abordaban la leyenda de una figura de arcilla traída a la vida. La década de 1920 vio surgir obras alemanas como Nosferatu, que alcanzaron proyección internacional.

En Estados Unidos, el género también se consolidó en los años 20. Dr. Jekyll and Mr. Hyde (1920) se convirtió en un clásico del cine mudo, mientras que Lon Chaney impactó al público con sus actuaciones en The Hunchback of Notre Dame/El jorobado de Notre Dame (1923) y The Phantom of the Opera/El fantasma de la Ópera (1925). En 1927, The Cat and the Canary/El legado tenebroso ofreció un relato de suspenso en una casa envuelta en niebla y llena de pasadizos secretos.

Durante las décadas siguientes, el terror evolucionó, a veces mezclándose con la ciencia ficción y el cine negro. El repertorio de Karloff refleja esa diversidad, especialmente en la variedad de personajes y ambientes que interpretó en la pantalla grande.

La biografía de Boris Karloff está marcada por una extensa filmografía, el paso por el teatro, la radio y la televisión, así como por una vida personal compleja en la que el matrimonio fue una constante. Su trayectoria como actor abarcó desde papeles menores en el cine mudo hasta convertirse en una figura emblemática del terror clásico, siempre con una dedicación ininterrumpida al arte dramático.

Su historia se extiende a lo largo de distintas etapas del cine y de los cambios en el gusto del público, participando en los momentos clave de la transformación del género de horror y adaptándose a los desafíos de cada época.

Karloff continuó trabajando hasta el final de su vida, incluso con problemas de salud. Sufría de dolores de espalda y posteriormente usó una ortesis en la pierna izquierda. Sus años de tabaquismo se sumaron al enfisema y durante el rodaje de sus últimas películas, llevaba un tanque de oxígeno en el set de filmación.

La carrera actoral de Boris Karloff constituye un testimonio de su versatilidad y perseverancia, reflejados en cada uno de los papeles que interpretó y en la variedad de medios en los que dejó su impronta, desde la primera mitad del siglo XX hasta su fallecimiento a los 81 años en West Sussex.

“Hace poco escuché a una señora en televisión que dijo: ‘A nuestra generación, la ciencia le ha dado 20 años más de vida’. Bueno, honremos esos 20 años que tenemos de yapa”, dice el actor, casi como un mantra, o un desafío.

En el Multiteatro, y junto a Raúl Lavié y los Osvaldos, Santoro y Laport, y con la dirección de Federico Palazzo, Grimau pone sobre el escenario una obra que habla de todo esto, y de mucho más: Vamo’ los pibes. “Está buenísimo que hablemos de esta etapa —advierte—. La obra tiene mucho humor, ternura y emoción, y es como un homenaje a la gente de la tercera edad”.

Proyectar y proyectarse: Antonio habla de lo imprescindible de perseguir un horizonte, como decía el escritor Eduardo Galeano, porque eso nos obliga a caminar, a no detenernos, a seguir. “Se trata de eso: de tener mañana. Y me emociona decirlo porque es la clave: no dejar que el reloj se pare. Continuar, en todo lo posible, teniendo proyectos y mirando al mañana”.

Claro que esta etapa suele invitar a la reflexión y los balances. Y Grimau —actor de enorme trayectoria, emblema del teatro y galán sin fecha de vencimiento— también lo hará en esta entrevista con Infobae.

Hablará del dolor por las muertes tempranas de sus padres y su hermana, y del desgarro por el fallecimiento de Lucas, el hijo que tuvo con Leonor Manso. De cómo la vocación lo salvó, antes, después y ahora. De la timidez que nunca lo soltó. De aquellas aventuras pasionales y de su actual calma amorosa. Del peronismo, de la cultura. Al fin, de una vida bien vivida. Y cuyos capítulos, sigue escribiendo.

—Con Lavié, Santoro y Laport, ¿se autoperciben pibes?

—Todavía...

—Vos, ¿en qué te sentís un pibe?

—En que todavía puedo seguir trabajando.

—¿Es una elección?

—Sí, sí. Una elección por encima de todo. Una voluntad y unas ganas... Y además, para mí, desde que encontré la vocación a los 16 años, siempre ha sido una tabla de salvación, hasta el día de hoy.

—En ese momento, a esos 16 años, ¿era una vocación o primero fue una necesidad?

—Primero fue una necesidad. Así lo viví. Con el tiempo comprobé que era una vocación muy fuerte, al punto de que todavía hoy me sigue dando mucho placer laburar y ensayar, con todo el sacrificio que implica.

—Incluso en las noches de dos funciones.

—Sí. Realmente nos planteamos, sobre todo con “Cacho” Santoro, si íbamos a poder resolverlo. Pero es tal la energía a favor del espectáculo que eso te da muchas ganas.

—¿Puedo volver a ese nene?

—Sí, claro.

—Qué bueno que esa necesidad después se convirtió en vocación. Y qué privilegio encontrar una vocación y poder desarrollarse desde ese lugar.

—Fundamental. “Salvífico”, como dice una muy buena amiga mía.

—¿Sos un hombre religioso?

—No demasiado. Más bien, agnóstico.

—Entonces el teatro fue un lugar de fe, un lugar que salvó, que estuvo siempre.

—Sin dudas. Sobre todo porque venía de una adolescencia muy golpeada.

—En un tiempo muy corto murieron tus padres y tu hermana.

—En siete meses...

—Muere tu hermana de un cáncer; tu padre, de cirrosis. Y tu mamá, ya con un dolor enorme.

—(Muere) del corazón, naturalmente. Y por eso mismo, cuando apareció el teatro tuve una necesidad enorme de meter la cabeza en eso.

—Ese niño trabajó en muchas cosas.

—Sí, en muchas cosas. Estuvo la necesidad de ganarme el mango porque yo decidí no estudiar a partir de un tercer año de industrial, y fue mi hermano, que también era mi tutor, el que me dijo: “Entonces tenés que trabajar”. Y en ese derrotero de distintos trabajos hubo de todo: trabajos que tenían cierta gracia y otros terriblemente sufridos.

—Por ejemplo, ¿cuál?

—La fábrica de fideos: fue horrible. Los fideos se secaban con tanques que se cargaban de carbón, y ese calor provocaba un humo que, al rato, te terminaba doliendo la cabeza mal. Era muy muy feo.

—¿Qué tenías que hacer con los fideos?

—Tenías que secarlos en zarandas, con una manera de repulgarlos que nunca aprendí, y darle un peso especial a cada porción para después envasarlos, ya endurecidos por el calor. Por supuesto, nunca la emboqué: de diez que hacía, todos pesaban distinto. Y me retaban porque no daba nunca con el peso.

—¿Qué edad tenías?

—14 años. Fue una elección no meditada. Era un rechazo: la experiencia en el primario había sido muy mala, no me gustaba estudiar, y decidí no seguir el secundario. Con el tiempo, me arrepentí: medité como se debía y me di cuenta de que había sido un error, que era un hueco en mi formación muy sensible, muy profundo.

—¿Y por qué no lo retomaste nunca para terminarlo?

—Porque mi estudio ya se refirió en particular al trabajo del actor y eso me ocupó el 100%.

—En lo social, ¿cómo te iba de chiquito?

—Ahora, de grande, estoy aprendiendo un poco a socializar. Siempre fui un tipo muy para adentro, muy tímido e introvertido, una suerte de lobo estepario que le huía a la gente. También en eso me salvó la actuación: más de una vez me decía cómo puede ser que yo sea tan introvertido y sin embargo, suba a un escenario sin importar. Pero siempre está el refugio detrás del personaje y ahí funcionaba. Con mi propia personalidad siempre me costó mucho moverme socialmente.

—¿Algo del sufrimiento en la primaria tuvo que ver con lo social?

—En la primaria era un gordito simpático: salvaba mis errores con esa simpatía. Pero a la vez, sostener eso era un trabajo arduo.

—En la primaria, ¿ya estaba el seductor que después conocimos?

—(Risas) No, no.

—¿No había un conquistador con las profesoras?

—Tal vez inconscientemente, sí. Se me notaría claramente el desasosiego, el desamparo, y por ese lado tal vez enternecía. Lo habré usado después en la adolescencia, seguramente.

—¿Te acordás cuál fue la peor función de tu vida?

—No hubo una función completa. Pero hace poco en Punta del Este, haciendo La piel de Judas, con Susana Giménez, yo bajaba de una escalerita de cinco, seis escalones, y se me enganchó un taco de las botas que usaba. Rodé como una bola. Y fue tragicómico porque Susana se tentó muchísimo, como es lógico, pero a la vez también se desesperó mucho. Me levanté y lo único que me pasó fue que se me torció un poquito un dedo de la mano derecha, nada más, aunque fue una caída importante.

—¿Qué se hace en un momento así?

—Y... se trata de continuar como sea. Hubo gente que me dijo: “¿Era parte de la obra?”; “No, ¡ojalá! De ninguna manera”. Tengo un pasado deportivo bastante intenso y sé de qué manera caer, una cosa instintiva en el cuerpo, de acomodamiento: en el aire te vas preparando como un gato para que la caída no sea demasiado lesiva.

—¿Susana te la pudo seguir?

—Sí, sí. Se tragó la tentada y siguió como si yo fuera su marido, como era en la obra: “¿Te pasó algo, querido?”. Y zafamos. No, una cancha...

—¿En dónde no te sentís un pibe?

—En muchas cosas: en lo deportivo, en la intimidad. Sé que ya no rindo como rendía. El amor no es como ayer, por supuesto, pero eso no significa que no sea de todos modos muy agradable y muy deseable.

—¿Andás noviando?

—No. En este momento, no. Ponele que esté picoteando.

—¿Te gusta más “picoteando” o “chongueando”?

—No, “chongueando” no me gusta. Tampoco me gusta demasiado “picoteando”... No, no, estoy conociendo gente (risas).

—¿Y estás conociendo mucha gente?

—No, no. No me da el cuerpo para conocer mucha gente. Y es lo que te dije hace un rato: por esa cosa que tengo de estar más que nada cobijado en mi casa. Soy muy casero, disfruto mucho de mi casa: la hice con todo amor y muy a medida, a mi manera. Entonces, le rajo a las reuniones sociales, a las fiestas multitudinarias y demás. No son mi fuerte.

—¿Pero por el placer de estar en tu casa o porque sos medio fóbico de lo social?

—En algunos aspectos soy todavía medio fóbico y en otros, porque realmente disfruto mucho de mi tiempo solo en mi casa, con mis cosas. Le dedico mucho tiempo a pintar, a la lectura.

—Los encuentros amorosos y las citas, entonces, son en tu casa.

—No necesariamente (risas). Puede haber otros lugares.

—Has sido un seductor durante años.

—He sido. Ya no. “Cuarteles de invierno”.

—No te creo.

—“El reposo del guerrero”.

—No te creo...

—¿Cómo querés que te lo ilustre? (Risas). “El general no tiene quién le escriba”.

—¿Es por elección?

—En gran medida sí. ¿Sabés qué pasa? Es verdad: yo he recorrido mucho el sendero del amor. Y justamente por eso, hay muchas cosas que ya conozco: sé el comienzo, el desarrollo y el final. Y ya no me interesan. Tiene que ser algo muy especial para que me conmueva. Por supuesto que están esas personas y esas circunstancias especiales, pero ya no salgo a buscarlas. Cuando aparecen, encantado. En realidad nunca las busqué, tuve la suerte de no tener necesidad. Pero ahora tampoco saldría a buscarlas.

—Cuando no las buscabas porque no tenías necesidad, ¿te metiste en muchos quilombos?

—Muchísimos quilombos. Y eso también agota, sí.

—¿Se te superpuso mucha gente?

—En algunos casos... Sí, se juntó el ganado, como dicen brutalmente.

—¿Alguna vez saliste escapando o escondido de algún lugar?

—No, no. Tuve suerte. No corrí riesgos mayores (risas). Pero era hablar de Vamo’ los pibes...

—Los pibes tienen un pasado, y bienvenido sea ese pasado, que es el que hace que todavía uno se sienta pibe.

—Es verdad. Y además es verdad que por naturaleza siempre fui muy enamoradizo. Percibo particularidades en determinada mujer, y por ahí hay un deslumbramiento que se desvanece rápido, pero que en el momento parece fuertísimo. Ahora ya estoy acostumbrado y me digo: “No, pará, que es apenas un deslumbramiento pasajero”.

—Ese enamoramiento adolescente que uno siente.

—Sí. Pero antes, yo perseguía ese deslumbramiento como un gran amor y me equivocaba porque era un estallido, una cañita voladora, y nada más.

—O sea, un enamorado del amor.

—Sí. En gran medida, sí.

—Recién hablabas de cómo cambia la intimidad con los años. ¿Eso afectó, o te conectó con otra parte tuya y reacomodó?

—Sí, claro. No se deja de disfrutar, pero desde otro lugar: otros tiempos, otras formas, sí.

—¿Hay un duelo?

—No, no. Ya te digo: hay reemplazos. Te diría que uno ya no pretende logros que no le interesan. A mí nunca me interesaron los torneos sexuales, jamás. De verdad, nunca fui un apasionado de ese tipo de cosas. Y ahora, mucho menos. Además, ¿sabés qué pasa? Hay un tipo de una moral muy fuerte en mí, y nunca entré en cosas extrañas porque me da un poco de rechazo la idea de cuerpos mezclados o cualquier fantasía que se fuera de la pareja.

—Pasaste cosas redifíciles en tu vida.

—Muy difíciles, sí.

—Y hoy estamos discutiendo mucho en materia de salud mental, tratando de que nos escuchen. Hay un debate que tiene que ver con la Ley de Salud Mental: debemos entender que las adicciones son una enfermedad, no una decisión.

—Es muy estremecedor. Es una realidad que asusta porque no aparece una manera de resolver ese flagelo. Da mucho terror y mucho miedo, mucha angustia.

—¿Y qué le decís a esos papás?

—Es difícil... Es difícil porque hablar de poner el hombro, apechugar frente a esa situación, ponerle fuerza, ponerle garra, son palabras que no sé si alcanzan ante esa realidad tan dura. Es muy difícil.

—Lucas, tu hijo, murió en el 2010. ¿En ese momento pensaste que hoy la situación en la Argentina iba a ser otra?

—No, porque ya se sabía que esto iba en crecimiento y que detenerlo iba a ser muy difícil, como lo está siendo. No tuve esperanzas. Desgraciadamente. No tengo respuesta frente a algo tan potente, tan indetenible, donde la gente que se debería o que se está ocupando de eso tampoco tiene respuestas.

—¿Le hablás a Lucas?

—Sí, todo el tiempo.

—¿En tu cabeza o en voz alta?

—De las dos maneras, de las dos maneras...

—¿Le contás tu día, le agradecés, lo extrañás?

—Sí. En distintas circunstancias aparece la necesidad, que es muy frecuente, y lo hago. Y me da mucha tranquilidad, mucha paz.

—Pudo correrse un poquito el dolor, que no se va nunca por supuesto.

—Nunca.

—¿Pero en ese hablarle, hay algo de tranquilidad, además de dolor?

—Hay tranquilidad, si se le puede llamar así, en cuanto a que tanto la madre como yo hicimos todo lo que pudimos por rescatarlo de algo de lo que él no pudo rescatarse. Y cuando la persona no quiere, nadie más puede...

—Eso está absolutamente claro.

—Fatalmente.

—La persona no puede: tiene tomada la voluntad.

—Sí. Y esa es tal vez una de las peores equivocaciones para esa gente: “Yo puedo solo”. Y no, no...

—Cuando fue la muerte de Lucas, ¿con quién te enojaste?

—Es raro que yo me enoje. Como no tengo una religiosidad profunda, tampoco me enojé con Dios. Tal vez me enojé conmigo mismo por creer que haber estado más cerca de él hubiera sido de ayuda. Pero gente muy importante, profesionales, me dijeron: “No es así. No te culpes porque no sirve de nada, no pasa por ahí”.

—¿Ya lo pudiste entender?

—Sí, sí. Me llevó mucho tiempo, pero creo que lo pude entender.

—Tenés cuatro nietas. ¿A ellas les contaste vos quién era Eva?

—Puede ser que a alguna de ellas, no sé si a todas. Pero sí.

—¿Hay algo del cariño al peronismo que se transmitió a tus hijos?

—Sí. No sé si en todos los casos lo adoptaron o estuvieron de acuerdo, pero la realidad que yo viví en mi infancia es única: no puedo negarlo ni tengo interés. Era un país floreciente, feliz. Y muchas cosas de los horrores del después de ese Gobierno no volvieron a ocurrir. Soy testigo presencial de ese proceso.

—¿Hoy te seguís definiendo peronista?

—Sí. Justamente, por esa experiencia. Con errores seguramente, con defectos: había cosas que yo después en la madurez impugné y me parecieron fuera de lugar. Pero en general, sigo siendo testigo. Y un testigo a favor.

—La última vez que nosotros hablamos estábamos en plena pandemia, esperando las vacunas. Alberto Fernández empezaba un gobierno en un momento mundial imposible y me acuerdo que tenías esperanzas.

—Sí, en ese momento sí.

—¿Y después? ¿Qué mirada tenés hoy?

—Y... después hubo desilusiones. Desilusiones profundas, sí.

—¿Cristina?

—Y... es un caso: yo muchas cosas todavía no me explico. Me gustaría que un adepto a Cristina me lo explicara alguna vez, por que no me explico, no me explico... Interrogantes que tengo. Me gustaría. Todavía no he encontrado la persona o el momento de ese encuentro, y esas preguntas que tengo dando vueltas.

—Hablabas del mañana. ¿Qué deseas para este 2026?

—Cambios. Cambios profundos, de raíz.

—¿Pero cambios tuyos, personales, o cambios a nivel país?

—Cambios a nivel país. Cambios míos... A esta altura, ya he dado todo, ¿qué más? Ya está. Creo que uno, humildemente, desde la profesión y la seriedad con la que la ha encarado, ha dado lo mejor de sí. Y lo sigue dando. Si fuera así en todos los rubros, estaríamos perfectos.

—Cosas lindas a nivel país, pero con pocas esperanzas al respecto.

—Y... me gana un poco la desilusión. Debo confesarlo.

—Te dejo ser presidente por un día, podés sacar tres decretos.

—No me metas en eso, soy actor...

—Uno: los jubilados.

—Sin dudas. Vamo’ los pibes. El otro: un mayor desarrollo de la cultura. Y que vuelva la ficción. Ya está.

Las funciones de Lo que Sabemos de lo que no Sabemos del Amor el musical ya tienen fecha en el Foro Lucerna y ofrecen una propuesta escénica que se distancia de los relatos convencionales sobre el amor. Esta producción, bajo la dirección de Arturo Galicia, desafía las ideas románticas tradicionales y plantea preguntas incómodas sobre los vínculos afectivos en la actualidad.

A lo largo de la obra, el público se encuentra con la historia de cinco personajes: Julia, Emilio, Alicia, José y Angie, interpretados respectivamente por Ana Cecilia Azuela, Axel Santos, Michelle Godet, Chino Sánchez y Manu Nna. Cada uno atraviesa sus propios conflictos y búsquedas, dejando ver la complejidad de amar en un contexto de revolución afectiva y la dificultad de no perder la autenticidad personal.

La música original y la narrativa poética forman el eje central de LQSA, una experiencia en la que el amor se cuestiona y se expone en sus contradicciones.

La obra se presentará los jueves a las 20:00h, desde el 29 de enero hasta el 16 de abril, en el Foro Lucerna.

Ana Cecilia Azuela nos da detalles de LQSA

En entrevista con Infobae México, Ana Cecilia Azuela, quien es una de las dramaturgas detrás de la obra, nos contó cómo nació la historia:

“Es un proyecto que llevamos trabajando desde hace tres años. Es un texto original escrito por mí y por Chino Sánchez. A la hora de escribir decidimos hacerle la música. Y esto fue hace dos años, en donde entran Joey Benjamín y José Ignacio Martínez como compositores y productores musicales. Es un proyecto que nace de la pregunta: ¿Por qué amamos como amamos en este mundo contemporáneo?“.

Sobre la importancia de la música en la historia, Ana Cecilia deja claro que es tan esencial como cualquiera de los personajes que están en escena:

“La música es nuestro sexto personaje. Abre un abanico de experiencia auditiva que te permite vivir la experiencia del amor desde distintos lugares, ¿no? Desde el gozo, desde la melancolía, desde la risa, desde todas estas emociones que están en impregnadas en las relaciones personales amorosas. Y definitivamente te invita a vivirlo desde las sensaciones ¿Por qué decidimos hacer un musical? Porque creemos que la música acompaña desde el alma. La música no te impone desde la palabra, sino desde la sensación. Y eso fue lo que se enfocaron Joey Benjamín y José Ignacio, que fuera música que te invitara a seguir sintiendo y a sostener la historia no solamente desde la palabra, sino también desde la sensación".

Ana Cecilia interpreta a Julia, una mujer que describe como la piedra angular que detona cuestionamientos en los demás personajes:

“Ella detona en todos los demás personajes la pregunta de por qué las cosas tienen que ser como nos han dicho que son. Ella busca un amor libre, no desde libertinaje, sino desde el sentir plenitud en sus propias decisiones. Es un personaje muy etéreo, poeta, que escribe sobre el amor y que se cuestiona sobre el amor, que tiene una relación con Emilio de muchos años, monógama, y están en búsqueda de abrir su relación para encontrar nuevas experiencias. Sí para sostener a una pareja ya fracturada, pero también para buscar otras maneras de seguir juntos. Julia, creo que para mí, bueno, además de que yo la escribí pensando en mí, es una persona que no se detiene a amar, que va con todo y miedo y que disfruta del amor en su vida, en la experiencia de estar vivo, lo suma a su cartera de emociones todo el tiempo. Yo creo que Julia no vería la luz del día si no estuviera amando. Y creo que desde ahí puede conectar con la audiencia, porque muchas veces estamos esperando el permiso para enamorarnos o que todo se acomode para poder estar enamorados, si no permitimos simplemente enamorarnos y arriesgarnos y y cuestionar si lo que estoy haciendo lo hago... Tiene una frase que dice: Cuando estoy amando, lo hago con la mente o con el corazón. Creo que amar con la mente es como ir a la guerra con una pistolita de agua. No he sabido amar como ni ha usado la herramienta correcta, no porque no sepa amar. Eso es Julia”.

Finalmente, la actriz y dramaturga nos dio un adelanto de la personalidad de cada uno de los personajes en escena:

“Emilio es un amor que ha aprendido desde el dolor y dice que cuando el amor existe, cuando el dolor existe, también el amor resiste. Él habla más amar desde la pérdida, desde el miedo a perder. José es el representante de la juventud, digamos, del que está buscando el amor en las aplicaciones, de que busca un amor romántico, pero el mismo mundo le está enseñando que eso ya es casi obsoleto, él es un personaje de la comunidad LGBTQI+, entonces tiene estos problemas muy específicos que tiene que ver con buscar, buscar y no encontrar. Y Alicia es una persona que ha preferido estar sola por sentir que ella no es suficiente. Ella, su frase es un corazón extraordinario sintiéndose ordinario. Entonces, cada uno tiene un punto muy para identificarse.

Los Premios Carlos, un símbolo de distinción en la escena teatral argentina, reconocen año tras año a quienes nutren la cartelera de Villa Carlos Paz con su talento y creatividad. Desde su instauración en la década del 80, se han consolidado como un termómetro de cada temporada, distinguiendo a figuras consagradas y nuevas revelaciones en una celebración donde convergen géneros, estilos y generaciones diversas.

La gala de la edición 2026 se realizará el lunes 2 de febrero en el hotel Eleton, y al igual que en la edición anterior, la conducción estará a cargo de Agustina Vivanco y Marcelo Arias. A partir de las 18, el evento desplegará la alfombra roja para recibir a artistas, productores y elencos, mientras que la entrega de premios está pautada para las 19, marcando el inicio de una noche de reconocimientos y emociones. La transmisión podrá seguirse en el canal de YouTube de la Municipalidad de Carlos Paz.

Este año, la ceremonia incluirá nominaciones especiales: Carlos 2026 especial del jurado, Carlos 2026 “Ramón Yarda”, Carlos 2026 a la trayectoria, Carlos de Plata, Carlos 2026 consagración, Carlos de la gente y Carlos de Oro. Además, contará con la distinción in memoriam en homenaje a los artistas que fallecieron.

En cuanto a las obras, Soy mestiza encabeza por alto margen las preferencias previas con 15 nominaciones, seguida por Trum malambo con 10, marcando un predominio por los espectáculos de destreza y baile. Recién en el tercer y cuarto lugar están las comedias, representadas por Corto-circuito y Ni media palabra, con 8 y 7 nominaciones respectivamente. A continuación, el listado completo de candidatos en cada una de las categorías.

Todos los nominados a los premios Carlos 2026

Mejor sonido

• Un cacho de mi vida
• Épico legendario
• Soy mestiza
• Nancy Anka, íntimo

Mejor libro

• Ni media palabra
• Es complicado
• Sueño de una noche rock
• Filomena Marturano
• El cuarto de Verónica

Mejor espectáculo infantil

• Super cachorros: el poder de la imaginación
• Chau señor miedo
• Viaje jurásico 2
• Las K-pop vs Brainrots

Mejor espectáculo musical infantil

• Ya suena Bandin
• Monster Buu Band
• Cuentos y canciones de María Elena Walsh
• El show de Sofy
• Verano con Solcito
• Guardianes de sueños

Espectáculo a la gorra

• Manos que hablan
• El circo de luz
• El experimento de la semana blanca

Mejor labor humorística en espectáculo

• Agustín Souza - Cocodrilo, el gran show
• Andrés Teruel - Trum Malambo
• Alejandro Diagostino - Soy mestiza
• Zaul Showman - Choriando al futuro

Mejor espectáculo humorístico

• Florigonal
• Pirulo en el aire
• Circo Marisko, Monoargentum
• Caos de risa
• Choriando al futuro

Mejor show musical

• Noche del cuarteto
• Soy mestiza
• Nancy Anka, íntimo
• Un cacho de mi vida

Mejor cantante femenina

• Elena Guarner - Un cacho de mi vida
• Nancy Anka - Nancy Anka, íntimo
• Mariana Clemenceau - Soy mestiza
• Natalia Roques - Cocodrilo, el gran show
• Elianna - Kantarsis

Mejor cantante masculino

• Jonatan Bisotto - Trum Malambo
• Daniel Caminos - Peñalma
• Marcelo Tejeda - Kantarsis
• Gabriel Polidoro - Cantame una historia
• Marcelo Iripino - Un cacho de mi vida
• Marcelo Santos - Solo Tango

Mejor show humorístico-musical

• Cantame una historia
• Soy mestiza
• Que cacho de show
• Trum Malambo

Mejor diseño escenográfico

• Corto-circuito
• Suspendan la boda, la magia continúa
• Ni media palabra

Mejor escenografía virtual

• Magnyfico show, la leyenda continúa
• Soy mestiza
• Épico legendario

Mejor actor de reparto

• Mariano Martínez - Ni media palabra
• Adrián Lazare - El cuarto de Verónica
• Sebastián Almada - Corto-circuito
• Bicho Gómez - Ni media palabra
• Roly Serrano - Suspendan la boda, la magia continúa
• Héctor Pazos - Felices los 4

Mejor actriz de reparto

• Viviana Saccone - Corto-circuito
• Tania Marioni - El cuarto de Verónica
• Elisa Anchino - Filomena Marturano

Mejor humorista

• Fernando Pailos - Caos de risa
• Carla Dogliani - Caos de risa
• Gladys Florimonte - Florigonal
• Sergio Gonal - Florigonal
• Cacho Buenaventura - Qué cacho de show
• Miguel Martín - Choriando al futuro
• Camilo Nicolás - Es por ahí

Mejor diseño de iluminación

• Suspendan la boda, la magia continúa
• Épico legendario
• Soy mestiza
• Trum Malambo

Mejor vestuario

• Soy mestiza
• Trum Malambo
• Argentinos hasta la muerte

Mejor espectáculo cordobés

• Pirulo en el aire
• Filomena Marturano
• Cuervo, el límite es el agua
• La noche del cuarteto

Mejor dirección de espectáculo

• Chacho Garabal - Sueño de una noche de rock
• Ángel Carabajal - Soy mestiza
• Facundo Lencina - Trum Malambo
• Willy Magia y Mago Matus - Epico legendario

Mejor dirección teatral

• Diego Ramos - Corto-circuito
• Adrián Lazare - El cuarto de Verónica
• Ernesto Medela - Es complicado
• Nicolás Cabré / Rocío Pardo - Ni media palabra
• Eva Halac - Suspendan la boda, la magia continúa

Mejor cuerpo de baile

• Sueño de una noche de rock
• Trum Malambo
• Soy mestiza

Mejor ejecución musical en vivo

• Solo Tango
• Soy mestiza
• Un cacho de mi vida
• Sandro, el homenaje

Mejor actuación masculina en infantil

• Diego Cabaña - Viaje jurásico 2
• Julián Pucheta - Cuentos y canciones de María Elena Walsh
• Facundo Massuco - Cuentos y canciones de María Elena Walsh
• Máximo Girardi - Chau señor miedo

Mejor actuación femenina en infantil

• Florencia Liserre - Monster Buu Band
• Valentina Otero - Viaje jurásico 2
• Catalina Blanco - Super cachorros: el poder de la imaginación
• Maite Valdés - Cuentos y canciones de María Elena Walsh
• Flavia Pereda - Cuentos y canciones de María Elena Walsh
• Agostina Becco - Monster Buu Band

Mejor actor transformista

• Javier Hong - Con risas vivir
• Pablo Rey - Magnyfico show, la leyenda continúa
• Miami Glam - Con risas vivir

Mejor espectáculo de varieté

• Cocodrilo, el gran show
• Magnyfico show, la leyenda continúa
• Con risas vivir

Mejor atracción en espectáculo

• Matías Ramírez - Qué cacho de show
• Thiago Rey - Magnyfico show, la leyenda continúa
• Julieta Poggio - Corto-circuito
• Mago Raffer - Qué cacho de show
• Nacho Castañares - Suspendan la boda, la magia continúa

Mejor bailarín

• Facundo Lencina - Trum Malambo
• Javier Leiva - Soy mestiza
• Emiliano Luna - Soy mestiza

Mejor bailarina

• Constanza Urquiza - Trum Malambo
• Belén Medina - Trum Malambo
• Cynthia Campano - Soy mestiza

Mejor comedia

• Felices los 4
• Suspendan la boda, la magia continúa
• Corto-circuito
• Ni media palabra

Mejor comedia dramática

• Es complicado
• Rotos de amor
• Filomena Marturano

Revelación de la temporada

• Ana Paula Buljubasich - Corto-circuito
• Pablito Castillo - La risa que me parió
• Thiago Abregu - La noche del cuarteto
• Máximo Girardi - Chau señor miedo

Mejor actor

• Julián Pucheta - Sueño de una noche de rock
• Fabio Aste - El cuarto de Verónica
• Pablo Alarcón - Es complicado
• Nicolás Cabré - Ni media palabra
• Pedro Alfonso - Corto-circuito
• Alejandro Müller - Felices los 4

Mejor actriz

• Silvia Kutika - El cuarto de Verónica
• Betina Capetillo - Felices los 4
• Claribel Medina - Es complicado
• Nazarena Vélez - Suspendan la boda, la magia continúa
• Stefani Curró - Filomena Marturano

Mejor producción

• Verónica Vaira / Pardo Producciones
• Galaxias Creativas
• Ángel Carabajal, Punt Vermell, Letona Producciones
• Pardo Producciones

David Bustamante, quien ya había debutado en el mundo de los musicales con “Ghost” en 2021, asumirá desde diciembre el papel protagonista en la versión escénica de “El Zorro, el musical”, espectáculo basado en la novela de Isabel Allende y dirigido por Sara Pérez. El montaje llevará la música original de Gipsy King y John Cameron, con producción de Sunset Entertainment, compañía reconocida por su trabajo en proyectos como “Una rubia muy legal, el musical”. Según informó el medio, el estreno está previsto para el 3 de diciembre en el Teatro La Latina, donde la obra permanecerá en cartel hasta la primavera de 2027.

De acuerdo con la información difundida, Bustamante interpretará a Don Diego, un joven hijo de noble español en la California del siglo XIX. A través de las adversidades propias de una época caracterizada por la opresión y el abuso de poder en la costa oeste de los Estados Unidos, su personaje adopta la identidad de El Zorro, convirtiéndose en un símbolo de resistencia y defensa de los sectores desfavorecidos. Tal como publicó la fuente, esta adaptación se inspira en la obra de la escritora chilena Isabel Allende, “El Zorro. Comienza la leyenda”, y el libreto principal ha sido elaborado por Stephen Clark y Helen Edmundson.

La música, a cargo de Gipsy King y John Cameron, fusiona elementos de la rumba flamenca con notas propias del teatro musical, aportando un sello distintivo al espectáculo, según consignó la fuente. Esta propuesta escénica, que Sunset Entertainment exporta ahora a Madrid, tuvo su primera versión en inglés en el año 2008 y regresó con una nueva producción en 2022, consolidándose como referente de adaptaciones contemporáneas inspiradas en la leyenda del enmascarado.

El artista cántabro, en declaraciones recogidas por el medio a través de un comunicado, expresó que asumir este papel representa un deseo largamente esperado: “Es un regalo poder interpretar a este personaje, es uno de los grandes superhéroes. No sabía cuándo iba a volver a hacer un musical, pero sabía que tenía que ser con algo muy especial y este espectáculo lo va a ser”.

La apuesta escénica dirigida por Sara Pérez se anuncia como una de las producciones teatrales más ambiciosas en la trayectoria de Sunset Entertainment. El medio detalló que el musical contará con una larga estancia en cartelera, desde su estreno en diciembre hasta la primavera de 2027, lo que evidencia la magnitud del proyecto y la confianza de la productora en la acogida por parte del público madrileño.

“El Zorro, el musical” propone recuperar el mito clásico del personaje creado a comienzos del siglo XX y reinterpretado en varias ocasiones tanto en el cine como en la literatura y el teatro. En esta ocasión, la adaptación en Madrid bebe directamente de la visión de Isabel Allende, quien otorgó matices adicionales al héroe tras su novela de 2005.

En cuanto al elenco, la participación de Bustamante marca la segunda incursión del cantante y actor en el género de los musicales, tras el éxito de la versión española de “Ghost”, donde reafirmó su versatilidad artística. Su papel en “El Zorro” implica un reto interpretativo que combina habilidades dramáticas y vocales, sumado a la responsabilidad de encarnar a un personaje icónico de la cultura popular.

La producción se caracteriza por una combinación de música en vivo, coreografías inspiradas en la tradición flamenca y una escenografía que recrea la atmósfera de la California del siglo XIX. Según describió la fuente, el guion firmado por Clark y Edmundson respeta la narrativa original pero introduce elementos pensados para el dinamismo del formato musical contemporáneo.

La compañía Sunset Entertainment, responsable de éxitos recientes como “Una rubia muy legal, el musical”, refuerza con esta propuesta su apuesta por adaptaciones de grandes títulos literarios al lenguaje del teatro musical, confiando en la atracción que ejercen tanto la historia de El Zorro como el protagonismo de Bustamante sobre la audiencia española.

El inspector llama a la puerta llega nuevamente al Teatro Helénico marca una nueva oportunidad para el público de adentrarse en los secretos y contradicciones de una familia británica privilegiada. La producción, bajo la dirección de Otto Minera, aprovecha un elenco destacado para explorar los límites de la ética en las capas más acomodadas de la sociedad.

El inspector llama a la puerta, obra emblemática de J. B. Priestley, expone cómo una visita inesperada puede desestabilizar la aparente armonía de una élite y sacar a la luz verdades incómodas. La trama, con tintes de suspenso, se apoya en una estructura dramática precisa que confronta a los personajes —y al público— con la pregunta sobre la responsabilidad compartida.

José Ramón Berganza nos cuenta todo sobre la obra

En entrevista con Infobae México, José Ramón Berganza, quien encarna a Eric, nos cuenta sobre su experiencia trabajando con Otto Minera. El actor confiesa que la dirección del dramaturgo es precisa, y que trabajar con él “muy fácil”, pues “tiene claro lo que quiere hacer”.

La buena química que tiene con el director de la puesta en escena permite a José Ramón sacar todo su potencial al darle vida a Eric, un papel distinto a los otros que ha encarnado debido a su naturaleza de “época”.

José Ramón Berganza nos contó que, si bien hay “cosas que son universales”, encarnar a Eric, siendo un personaje perteneciente a otro momento histórico, “requirió trabajo de investigación”. Es decir, el actor tuvo claro que su personaje tenía que hablar, actuar, moverse y expresarse de cierta manera.

Para el actor, la obra es una clara crítica los privilegios y las clases sociales. Nos contó que cumple con la naturaleza de ser una puesta en escena que invita al espectador a reflexionar después de que se baja el telón: " Si el público sale hablando de lo que vio, la obra está hecha".

Finalmente, José Ramón nos habló de la importancia de la difusión del teatro. “Hay mucho teatro en México, es una de las ciudades que más lo producen”, explica. Para él, la clave para que más gente se enamore de las historias sobre los escenarios es la publicidad, la difusión de teatro accesible, el que va más allá de las grandes producciones como El Rey León.

Además de José Ramón Berganza, El Inspector llama a la puerta presenta a grandes actrices y actores como Carlos Aragón, Lourdes Gazza, Pedro Mira, David Villegas, Leilani Ramírez y Helena Aparicio. Se presentará en el Teatro Helénico a partir del 2 de febrero hasta el 28 de febrero, los días lunes, martes y miércoles.

De acuerdo con la información facilitada por la organización y recogida en nota de prensa por la Diputación de Badajoz, el certamen abre la convocatoria a mayores de 18 años residentes en cualquiera de los territorios del ámbito iberoamericano y también a autores hispanohablantes de otras partes del mundo, como Europa, Estados Unidos y Asia. La participación requiere el envío mediante correo electrónico de obras originales, inéditas, escritas en español y no premiadas anteriormente. El certamen, que se desarrolla en la localidad pacense de Castuera, establece como criterio que las piezas estén orientadas a públicos jóvenes y adultos.

El medio subraya que aunque la temática de los textos es libre, se valoran favorablemente aquellos trabajos cuyas historias conecten con realidades regionales inspirándose en la frase "Pinta tu aldea y serás universal". Pese a ello, se puntualiza que esta preferencia no implica condicionar los estilos ni limitar la experimentación formal ni temática, buscando que el certamen acoja una amplia diversidad de perspectivas y enfoques sobre los problemas comunes de la humanidad.

Tal como consignó la Diputación de Badajoz, el certamen se ha consolidado como una plataforma de referencia para el teatro en el contexto iberoamericano, tanto por su impacto cultural como por su capacidad de reunir a dramaturgos, públicos y territorios de muy diverso origen. El evento se caracteriza por impulsar nuevas dramaturgias contemporáneas, fomentar el intercambio artístico y propiciar la reflexión acerca del papel del teatro en la sociedad.

En la última edición, según detalló la organización, el jurado -compuesto por profesionales de diferentes países y perfiles- recibió 268 obras procedentes de toda la comunidad hispanohablante y de autores residentes en diferentes continentes. Esta pluralidad en la selección y valoración permite sumar voces y miradas diversas que enriquecen el resultado del certamen.

El propio recorrido de las ediciones anteriores y la variedad de proyectos premiados reflejan la apuesta por la internacionalización del certamen sin que ello suponga perder el fuerte arraigo local. Según mencionó la Diputación de Badajoz, tanto el apoyo de esta institución como el respaldo del Área de Cultura del Ayuntamiento de Castuera han jugado un papel determinante para la proyección y continuidad del certamen, situando a Castuera como enclave teatral relevante dentro y fuera de Extremadura.

Cada año, durante el mes de agosto y coincidiendo con la Feria de la Cultura, la Plaza de España de Castuera se transforma en el escenario de la gala de entrega de los premios del Certamen Iberoamericano de Dramaturgia Carlos Schwaderer. La ceremonia no solo reconoce el trabajo de los participantes, sino que también se convierte en un punto de encuentro para profesionales del teatro y la cultura, y culmina con espectáculos interdisciplinares que evidencian la conexión entre lo local y lo internacional.

El evento reafirma la función del teatro como motor de creación y espacio para la reflexión y la transformación social. La implicación de la ciudadanía y la continuidad del respaldo institucional se presentan, según el medio, como elementos clave que han permitido a Castuera construir una trayectoria destacada en el panorama de la dramaturgia iberoamericana contemporánea.

El teatro en México se ha consolidado como una de las expresiones culturales más relevantes dentro del panorama del entretenimiento. Su capacidad para reunir historias, música, actuación y reflexión lo convierte en una opción atractiva para quienes buscan algo más que un plan convencional de fin de semana.

A diferencia de otros espectáculos, la escena teatral ofrece una cercanía única entre el público y los intérpretes. Cada función es irrepetible y permite experimentar emociones distintas, ya sea a través de grandes producciones musicales o montajes más íntimos que apelan a la sensibilidad del espectador.

Para este fin de semana, la cartelera presenta alternativas variadas que van desde clásicos internacionales hasta propuestas contemporáneas, ideales para compartir en familia, en pareja o con amigos, y adaptarse a distintos gustos y edades.

Cinco obras en cartelera con horarios confirmados

La oferta teatral de estos cinco títulos cuentan con funciones distribuidas a lo largo del fin de semana, lo que facilita la organización del público sin perder opciones.

• Malinche, el musical: jueves 22 a las 8:30 pm; viernes 23 a las 8:30 pm; sábado 24 a las 4:30 pm y 8:30 pm; domingo 25 a la 1 pm y 5 pm.

• Siete veces adiós: jueves 22 a las 8:30 pm; viernes 23 a las 9 pm; sábado 24 a las 5 pm y 8:30 pm; domingo 25 a las 5 pm.

• El Fantasma de la Ópera: jueves 22 a las 8 pm; viernes 23 a las 8 pm; sábado 24 a las 5 pm y 8:30 pm; domingo 25 a la 1 pm y 5:30 pm.

Estas funciones permiten elegir entre horarios vespertinos y nocturnos, adaptándose tanto a planes familiares como a salidas de fin de semana más prolongadas.

Musicales que siguen conquistando al público

Los grandes musicales continúan siendo un pilar de la cartelera. Producciones como El Rey León mantienen su atractivo gracias a una combinación de música, escenografía y una narrativa conocida por distintas generaciones.

Esta obra ofrece funciones el jueves 22 a las 8 pm; viernes 23 a las 8:30 pm; sábado 24 a las 4:30 pm y 8:30 pm; y domingo 25 a la 1 pm y 5:30 pm, lo que amplía las posibilidades para asistir.

Este tipo de montajes destaca por su capacidad de reunir públicos amplios y convertir la visita al teatro en una experiencia completa que va más allá de la función.

Opciones ligeras para cerrar el fin de semana

Dentro de la cartelera también hay espacio para propuestas de tono más ligero y cercano. Mentiras, el musical, con 15 años en cartelera, se mantiene como una alternativa reconocida por su música y ritmo ágil.

La obra cuenta con funciones el viernes 23 a las 8 pm; sábado 24 a las 5 pm; y domingo 25 a las 5 pm, horarios pensados para quienes buscan un plan relajado y accesible.

En conjunto, estas cinco producciones confirman que el teatro sigue siendo una de las mejores opciones para disfrutar el fin de semana, con propuestas variadas que permiten elegir sin sacrificar calidad ni organización.

El testimonio autobiográfico de Cristina Rivera Garza, dirigido por Juan Carlos Fisher y llevado a escena por la intérprete mexicana Cecilia Suárez, forma parte de la programación de esta semana en el Laboratorio de las Artes de Valladolid (LAVA). Según la información de la Fundación Municipal de Cultura, la obra “El invencible verano de Liliana” ha agotado las localidades para su función del sábado 24, y traslada al público la memoria de Liliana, asesinada en 1990, a partir de la adaptación teatral del libro ganador del Premio Pulitzer 2024.

El LAVA confirmó a través de un comunicado, publicado por la Fundación Municipal de Cultura y recogido por la prensa local, que la cartelera de esta semana enfatiza la diversidad temática y formal, con actividades que buscan reunir “todos los mundos en un escenario”. La programación incluye distintas propuestas teatrales orientadas a públicos variados, combinando comedia, memoria histórica y montajes dirigidos a familias.

Las actividades comienzan el jueves 22 a las 20.30 con “Charlas de azucarillo”, una obra de la compañía Las Couchers galardonada con el Premio al Mejor Intérprete de Circo en los Premios de las Artes Escénicas Valencianas. Según el comunicado, el espectáculo recurre al humor absurdo para cuestionar el negocio de la felicidad y los discursos motivacionales contemporáneos. Dos personajes denominados Consuelo y Socorro encarnan a asesoras “excéntricas” que, utilizando estrategias paródicas, guían al público por un viaje “delirante y liberador” en el que la autoexigencia y la búsqueda de la felicidad absoluta quedan expuestas a través de la sátira y el humor físico.

“El invencible verano de Liliana” sube al escenario el sábado 24 a las 20.30 horas. El montaje adapta el texto original de Rivera Garza, quien narra la historia de su hermana Liliana, víctima de feminicidio en 1990. La obra, según la Fundación Municipal de Cultura, se presenta como un testimonio que convierte el dolor y el duelo en una afirmación de amor y un acto de justicia. El equipo creativo utiliza la palabra como mecanismo para transformar la pérdida en memoria compartida y reivindicación. Cecilia Suárez, protagonista del montaje, asume el reto de trasladar al escenario este relato basado en hechos reales, cuya repercusión ha sido reconocida tanto en el ámbito literario como escénico.

La programación se completa el domingo 25 a las 18.30 con “Matres”, de la compañía Campi qui pugui teatre. Según detalló la Fundación Municipal de Cultura, el espectáculo ha recibido reconocimientos como el Premio Feten 2025 a la Mejor Autoría, el Premio del Público en la Mostra d’Igualada y el Premio de la Crítica de Artes Escénicas de Cataluña al Mejor Espectáculo Familiar. “Matres” relata el desarrollo de un niño acompañado por la presencia determinante de su madre, su tía y su abuela. La pieza, conforme a lo indicado por la fundación y recogido en medios vallisoletanos, explora temas como la maternidad, la pérdida y el paso del tiempo, recurriendo al humor y abordando la celebración de la vida desde un punto de vista infantil, al tiempo que pone de relieve la importancia de los vínculos generacionales.

El LAVA mantiene una política de acceso con tarifas diferenciadas, según publicó la Fundación Municipal de Cultura. Las entradas para “Charlas de azucarillo” tienen un coste general de 10 euros, mientras que “Matres” ofrece localidades al precio de 5,50 euros. Ambos espectáculos permiten la compra de entradas en la web lavavll.es (con recargo por servicio) y en taquilla, disponible de martes a sábado entre las 12.00 y 14.00 y las 18.00 y 20.30 horas, además de los domingos de función a partir de dos horas antes del comienzo de la actividad.

La programación escénica del LAVA contempla descuentos en taquilla para colectivos como menores de 30 años, personas desempleadas, grupos organizados y estudiantes matriculados en la Escuela Superior de Arte Dramático de Castilla y León, así como en la Escuela Profesional de Danza de Castilla y León, según reportó el propio espacio cultural. Además, quienes asisten a los espectáculos familiares pueden acceder a precios reducidos si forman parte de familias numerosas, se encuentran en situación de desempleo o acuden en grupo.

Actualmente se mantienen a la venta los abonos del programa SCNAFamiliar, que facilitan la selección de seis o diez espectáculos familiares de la temporada comprendida entre enero y mayo. Estos abonos incluyen descuentos de hasta 20 euros y opciones para beneficiarse de tarifas especiales en algunas funciones incluidas en la cartelera del periodo actual, según expuso la Fundación Municipal de Cultura.

En una ciudad que nunca duerme y donde el verano parece multiplicar las emociones, hay algo que logra detener el tiempo para los amantes del teatro: la experiencia de una comedia musical vivida a sala llena. Ya no hace falta soñar con Broadway ni mirar de lejos, porque en la calle Corrientes el aplauso, la risa y la reflexión se encuentran cada noche en el mismo lugar. Así lo demuestra el fenómeno de Company, la nueva apuesta de Fer Dente que, aún con el asfalto ardiendo y las temperaturas elevadas, convoca multitudes mientras que el teatro musical argentino atraviesa uno de sus momentos más vibrantes y, además, llama a la reflexión de uno de los temas más debatidos del mundo: el amor.

El Teatro El Nacional, con su atmósfera de terciopelo rojo, cortinas pesadas y luces atenuadas, se transforma en el escenario ideal para este viaje. El público, que desde el pasado 8 de enero vive a flor de piel las emociones que suscita la obra, llega con la ansiedad de quienes buscan algo más que entretenimiento: esperan verse reflejados, conmovidos y sorprendidos. Dente, que regresa al escenario tras cuatro años de ausencia, dirige y protagoniza una versión que deja atrás el dramatismo de Despertar de Primavera para sumergirse en una comedia mordaz y aguda, donde el humor y la emoción se equilibran con precisión.

Para Dente, asumir el desafío de llevar a escena un musical de culto de Stephen Sondheim tuvo tanto vértigo como magia. “Mucha inconsciencia. Es la única manera que encuentro de encarar una tarea de semejante tamaño. Mucha confianza en el equipo conformado también, mucho trabajo previo y la ilusión de poder construir algo propio sabiendo que hay un material que es de excelencia”, confesó a Teleshow, dejando entrever la mezcla de riesgo y esperanza que atraviesa el proceso creativo.

La historia comienza en un clima de bullicio: es el cumpleaños 35 de Bobby, el personaje central, quien se ve asediado por llamados y mensajes de voz de sus amigos, todos casados. Ambientada en la gran ciudad de Buenos Aires, la trama se centra en las dudas, los miedos y el desconcierto de Bobby ante el compromiso, la intimidad y la presión social por “no quedarse solo”. Desde el primer minuto, la obra invita al público a sumergirse en la mente de Bobby, a compartir sus pensamientos en una fecha tan significativa como su cumpleaños, donde la alegría parece estar lejos y la evasión se convierte en refugio.

Para Fer, ponerse en la piel de Bobby fue un viaje único. “Está siendo una experiencia espectacular. Es un rol muy hermoso. De esos que hacen todo. Baila, canta, actúa… es como un nene en un parque de Disney cerrado para él y sus amigos. Sigo muy emocionado con la recepción del público durante todo el show pero sobre todo al final. Extrañaba mucho volver a tener esa conexión”, aseguró a este medio.

El minimalismo de la puesta es uno de los grandes hallazgos: el vestuario negro y la escenografía en grises apagados generan un clima de contención, solo alterado por la luz de los escalones y, sobre todo, por la melena roja de Alejandra Radano. Radano, con el carisma que la caracteriza, se luce en la piel de Joanne, un personaje sarcástico y magnético, brillante en su mirada sobre el amor y el matrimonio. Su presencia es un faro visual y emocional, y aporta el contrapunto ideal al recorrido introspectivo de Bobby. El vestuario y la escenografía cambian radicalmente en la segunda mitad, cuando el propio Bobby se abre a la posibilidad de la intimidad y, de golpe, el escenario se llena de colores cálidos, del amarillo al rosado.

En diálogo con Teleshow, Radano reflexiona: “El texto es todo y lo que no está en él también lo es. Joanne es un personaje que pierde el control y dice lo que piensa sin medir las consecuencias, sobre todo para ella”. Amplía la mirada sobre el conjunto: “La obra es muy onírica, todos los personajes aparecen de manera fragmentada para hablar del pensamiento de aquel que está pensando todo en la obra y ese es Bobby, nosotros somos fractales de su propia personalidad. Es muy atrayente entender que esta obra expone que los demás, definitivamente, vienen a reflejarnos partes y sombras de nosotros mismos”.

Ser parte de Company es, para Radano, una oportunidad de exploración emocional y artística. “Me atrae entender qué viene a enseñarme ese personaje, qué faceta de mí misma viene a develarme, también creo que los personajes llegan porque uno tiene algo para ofrecer y se dispone a ser vehículo para contar una historia”, señala. “Me gusta ver al teatro desde las artes plásticas, uno funciona básicamente como un color que gradúa sus intensidades según el personaje que le toca en suerte. Y cada uno definitivamente es un color único personal, aunque interpretemos la misma canción”.

La música, dirigida por Damián Mahler, cuyo talento sigue el legado de su fallecido padre, Ángel, es uno de los grandes pilares del espectáculo. La orquesta se ubica en el centro de una escenografía de madera, iluminada con led cálidos, y cobra vida propia: es un personaje más, que envuelve e impulsa la acción. Temas como “Being Alive”, “The Ladies Who Lunch”, “Another Hundred People” y “Getting Married Today” son interpretados en español, en versiones que emocionan y deslumbran por la calidad vocal y la entrega del elenco.

El reparto suma nombres destacados y familiares para el público local: Vanesa Butera como Amy, Paz Gutiérrez como Kathy, Mariel Percossi como Martha, entre otros. Cada actor y actriz aporta su matiz a una historia coral, donde el miedo a estar solo, la búsqueda del amor ideal y la presión por encajar resuenan en cada escena. Las coreografías, los movimientos corales y la dirección de Dente logran una conjunción que se siente fresca, dinámica y profundamente auténtica.

La pieza, una de las más complejas y vigentes de Sondheim, no ofrece respuestas fáciles ni un final de cuento. Cuando la fiesta de cumpleaños termina y Bobby queda solo, vestido de blanco, con una torta y un globo, el público entiende que la pregunta por el amor y la conexión es más importante que cualquier respuesta. El canto de “Being Alive”, en ese contexto, es una declaración de esperanza: la posibilidad de abrirse al otro, de aceptar la vulnerabilidad y de creer que todavía es posible una relación significativa.

El público lo reconoce con ovaciones de pie, noche tras noche. Company, bajo las luces de Corrientes, es mucho más que un musical: es una experiencia de comunidad, de emoción y de belleza, donde el talento argentino se mide con las mejores producciones del mundo. Y donde, por un rato, todos los que entran al teatro sienten que la magia está mucho más cerca de lo que imaginaban.

Fotos: Bautista Araya/Gentileza de prensa.

La espectadora sale del teatro con el teléfono en la mano. Cinco mensajes de audio, uno tras otro, para los creadores de la obra. No los conoce, pero necesita contarles algo: su madre está por dejar la casa donde vivió siempre y, después de ver la función, siente que solo El funeral de los objetos puede ayudarla a soltar.

Con seis años ininterrumpidos en cartel y una trayectoria que la convirtió en una experiencia de culto dentro del circuito teatral, la obra regresó esta temporada para volver a interpelar al público desde un lugar tan sensible como original. El musical, creado e interpretado por Nicolás Manasseri y Fernanda Provenzano, quienes además firman la composición musical, propone mucho más que una función: invita a participar de un ritual colectivo donde el humor, la emoción y la reflexión se funden para hablar de aquello que cuesta soltar.

La obra se planta con fuerza en una problemática absolutamente contemporánea. En un mundo atravesado por un marcado apego a lo material —y, al mismo tiempo, por discursos que promueven el desapego, el “soltar” y la búsqueda del bienestar—, El funeral de los objetos encuentra su razón de ser. Allí donde los vínculos humanos se vuelven cada vez más complejos, los objetos aparecen como aliados silenciosos: testigos y depositarios de sueños, deseos, frustraciones, miedos e inseguridades.

La acción comienza de manera tan simple como intrigante. Un grupo de personas desconocidas entre sí responde a un anuncio visto y se presenta para participar de un funeral extraño. No hay solemnidad ni silencios incómodos: lo que se despliega es una terapia alternativa, un espacio donde despedir objetos cargados de valor emocional y atravesar, en clave de comedia y teatro musical, las distintas etapas del duelo. Cada personaje llega con su propia historia y su propio apego, construyendo un mosaico tan exagerado como reconocible.

El relato cobra vida a través de un elenco integrado por Martina Alonso, Eugenia Fernández, Renzo Morelli, Matías Zajic y Christian Edelstein además del Manasseri y Provenzano, autores de la obra. Las interpretaciones, atravesadas por una teatralidad expresiva y sensible, oscilan entre la risa franca y la emoción profunda, generando una inmediata identificación con el público.

Aunque se trata de un musical, la obra se corre de los formatos tradicionales. No todo es cantado: las canciones irrumpen en momentos clave para acompañar pensamientos, quiebres emocionales o situaciones límite. La música funciona como un sostén narrativo indispensable. En escena, Facundo Cicciu aporta su presencia al piano y está a cargo de la dirección musical y los arreglos, mientras que la coreografía, realizada por Provenzano, suma dinamismo y potencia expresiva a una puesta que fluye entre lo lúdico y lo introspectivo.

En diálogo con Teleshow, Provenzano y Manasseri repasaron el origen de la obra y el largo camino recorrido. “Hace varios años hicimos un seminario con actores en un taller y veníamos trabajando la relación entre el cuerpo y los objetos. En un momento se nos apareció —casi se nos impuso— el título de la obra. Ahí entendimos que teníamos que desarrollarlo y bajarlo a un guion”, contaron. El proyecto tomó forma definitiva en 2021, en plena salida de la pandemia, cuando se sumergieron de lleno en la escritura y en la exploración de ese vínculo tan íntimo entre las personas y sus pertenencias.

Sostener una propuesta no convencional durante tanto tiempo en cartel es, para sus creadores, motivo de orgullo. “Estamos muy felices de poder sostener esta obra durante seis años y seis temporadas tan extensas. Creemos que el éxito tiene que ver con el buen boca en boca, con ese público que la recomienda una y otra vez y la sigue disfrutando”, aseguraron. Convencidos de que El funeral de los objetos todavía tiene mucho futuro por delante, continúan trabajando para que la experiencia siga creciendo.

Las devoluciones del público fueron clave en la evolución de la puesta. “Siempre tuvimos muy buenas repercusiones. Eso nos da energía para seguir, sobre todo en propuestas que empezaron ‘bien de abajo’. Nos sorprende el grado de identificación que tiene la gente con la historia, y eso nos enriquece muchísimo para profundizar los vínculos en escena”, explicaron.

El vínculo con los espectadores no termina cuando baja el telón. A la salida del teatro, las emociones siguen a flor de piel. “Solemos grabar testimonios del público para redes y nos encanta escuchar sus reflexiones. Se ríen, se identifican y enseguida quieren recomendar la obra a alguien que saben que tiene apego con algún objeto. Es muy cómico ver esas reacciones”, relataron.

Entre las muchas anécdotas que acumularon a lo largo de estas seis temporadas, hay una que los marcó especialmente. “Una espectadora quedó muy conmovida y nos mandó varios audios por Instagram contándonos que su mamá necesitaba ver la obra sí o sí. Estaba atravesando una mudanza de la casa de toda su vida y sentía que esta experiencia podía ayudarla a desprenderse. Los audios eran una maravilla. Claramente la invitamos a volver con su mamá”, recordaron.

La música, coinciden, ocupa un rol central en todo el proceso emocional que atraviesa la obra. “Es fundamental para continuar el relato. Aparece en momentos drásticos para contar pensamientos de los personajes o como parte de esta terapia que propone el coach. La música irrumpe, acompaña y genera momentos escénicos hermosos”, explicaron.

Con más de 150 funciones realizadas en Capital Federal, Mar del Plata y el Gran Buenos Aires, El funeral de los objetos se consolidó como una propuesta singular dentro del teatro musical independiente. Una obra que invita a reírse, a emocionarse y, sobre todo, a salir del teatro con ganas de conversar, de compartir lo vivido y de repensar el vínculo con lo material.

Al final del ritual, el deseo es claro: que el público pueda despegarse —aunque sea por un instante— de los objetos para volver a abrazar lo esencial. Los vínculos, los afectos y el presente.

“Tres días sin dormir, mucha merca, pun-pun y listo”. Así Enrique Symns escribió Un guion para Tinelli, una obra de teatro de vida breve que desapareció sin dejar demasiadas huellas. Ahora, en la silenciosa noche de la literatura argentina, reaparece en forma de libro póstumo en una edición muy curiosa: tamaño de bolsillo, tapa y contratapa de tela, una detallada introducción a cargo de Julián Berenguel. El sello se llama Los Píxeles Muertos. El libro es fascinante, pero empecemos por el principio.

En 2005 Enrique Symns ya había atravesado todas las dimensiones. La teatral con sus monólogos para Los Redondos, Los Piojos, Los Caballeros de la Quema, Bersuit, etc. La periodística con la revista Cerdos & Peces. La literaria con los siete libros que hasta entonces había publicado (el último de ese entonces, en 2004, fue su autobiografía: El señor de los venenos). Le faltaba —o al menos ahora se lo estaban proponiendo— la televisiva: Ideas del Sur le ofreció escribir un guion para la serie Criminal.

La productora de Marcelo Tinelli tenía en el aire de Canal 9 un unitario con el esquema ya armado: Diego Peretti interpretaba a un remisero que decide tomar justicia por mano propia ante una tragedia familiar. El guion se escribió y, según el propio Symns, es “alucinante”, pero todo queda en la nada porque quieren que sea coguionista y él se rehúsa; también está la versión de que no le cerraba el pago. Ese verano se va a El Bolsón con Héctor Ledo, dibujante y actor. Necesitaban plata; se les ocurrió una idea.

Pensaron juntos la idea, las historias. Con el “resentimiento de ese mundo careta” aún en el paladar, Symns se sentó a escribirla. Ledo se encargó de la dirección. La estrenaron ese verano, en 2006, en el sum de una radio comunitaria de El Bolsón y siguieron en Bariloche. Duraba una hora; la entrada, diez pesos. Después Buenos Aires, sobre todo en el Foro Gandhi, algunos fragmentos en la Rock & Pop, también en La Tribu, luego La Plata. En 2007 algunas funciones en el Imaginario Cultural de Almagro, y listo.

La obra empieza con Ledo, triste, leyendo un diario, cuando golpean la puerta al ritmo de marcha triunfal. “¿Quién es?” “En una tribu de monos, en una calle de zombies...” “¡Enrique!” Entonces aparece Symns con un champagne y una noticia: lo acaba de llamar Sebastián Ortega de parte de Tinelli para que escriban un guion. Le dan diez mil dólares. Lo tienen que mandar esa misma noche, en cuatro horas. Symns pone sobre la mesa una bolsa de 25 gramos de cocaína. Toman. “Dejame concentrarme...”

Imaginan al protagonista, El Sombra, lo ubican bajando de un tren en Constitución, caminando por la calle, entrando a un bar. La historia avanza zigzagueante, escribiéndose sobre la marcha, interrumpida por otras escenas, como los llamados a Ortega para adelantarle cómo vienen o el inolvidable diálogo entre el mafioso Yhony y su dubitativo sicario Monky o la dupla de ladrones Escuerzo y Quebracho que ingresan a una conferencia a robar y meter miedo. En escena, solo ellos dos: Symns y Ledo.

Un guion para Tinelli, el libro, porque lo que tenemos en las manos es un libro, tiene el aspecto de un bicho de esos que brillan en la noche. Esos insectos deformes para nuestros ojos pero perfectos en su naturaleza. Un bicho que ilumina con ironía todas esas zonas que solo se pueden visitar con la mirada torcida. Pero lo más importante es que, como todo bicho, está lleno de mugre, embebido de esa suciedad extrema que recuerda al realismo sucio, al periodismo gonzo, a este sitio inmundo.

La vida no es injusta, es hermosa, dice Trotsky; lo injusto es el mundo. Symns murió en la pobreza. Se van a cumplir tres años ya. La edición de este libro, cuenta Julián Berenguel, pretendía ayudarlo económicamente. Como todo gran artista, esos que se juegan el pellejo por el arte, dejó una obra. Y la obra de Symns es larga, enorme. Un guion para Tinelli, esta “tragedia humorística en el acto”, es apenas una porción, pero una de las mejores, sin dudas, de este viejo loco, de este “dramaturgo del rock”.

La noticia fue difundida por el sitio oficial de la Asociación Argentina de Actores y Actrices. “Con respeto despedimos a Marikena Monti, cantante y actriz de extensa trayectoria, figura fundamental del cruce entre la música, el teatro y la escena cultural argentina. Acompañamos a sus familiares, amistades y a quienes valoraron su recorrido artístico”, señalaron en un comunicado.

La Secretaría de Cultura de la Nación hizo lo propio a través de un mensaje firmado por su titular, Leandro Cifelli: “Su trayectoria fue coherente, valiente y comprometida. Marikena honró la cultura nacional con cada interpretación, con cada escenario y con cada gesto, y se convirtió en un referente indiscutido para generaciones de artistas y públicos”, señaló el secretario, quien destacó su vínculo personal con la artista.

“Para mí, además de todo eso, fue una amiga. Alguien cercana, generosa y sensible. Su legado artístico es inmenso, y su presencia humana, inolvidable. Gracias, Marikena, por tanto arte, tanta verdad. Hasta siempre”, expresó Cifelli.

Nacida el 22 de mayo de 1943 en Casilda, Santa Fe, Marikena desde muy joven mostró inclinación por el arte. En los años sesenta, ya instalada en Buenos Aires, comenzó a formarse profesionalmente y a buscar un lenguaje propio. Su primera experiencia relevante fue en el Teatro Universitario Franco-Argentino (TUFA), un espacio que resultó fundamental para su desarrollo como intérprete.

En 1965 inició su carrera artística formal. La escena porteña de aquellos años era un hervidero de propuestas experimentales y Monti encontró allí el terreno fértil para desplegar su curiosidad. Hacia el final de la década, participó en recitales en francés junto con Elena Mignaquy, Claudia Lapacó y Mónica Cahen D’Anvers en el teatro de la Alianza Francesa. Aquella experiencia fue clave para definir su apertura a la mezcla de lenguajes y la búsqueda de nuevas formas expresivas.

Durante los años 70, Marikena Monti se consolidó como una de las pioneras del café-concert en Argentina. Este género, nacido del cruce entre música, humor, poesía y actuación, encontró en ella una figura capaz de atravesar los límites tradicionales de cada disciplina. En 1972 compartió escenario con Susana Rinaldi y Amelita Baltar en el espectáculo Tres mujeres para el show, una propuesta que convocó también a músicos como Osvaldo Piro, Astor Piazzolla y Coco Pérez Muñiz. Décadas más tarde, en 2010, las tres artistas se reunieron nuevamente para revivir aquel espectáculo, lo que evidenció la vigencia de su propuesta y la huella de su trabajo en la memoria colectiva.

En 1973, Monti aportó su voz a la obra teatral El gran deschave, confirmando su capacidad para transitar entre la música y el teatro. Al año siguiente, interpretó el tema central de la película La Mary, dirigida por Daniel Tinayre y protagonizada por Susana Giménez y Carlos Monzón. Su versatilidad la llevó a participar en otras películas como Comedia rota (1980) y Conviviendo con la muerte (1988), siempre combinando actuación y canto con un estilo propio, íntimo y expresivo.

La escena teatral nunca le fue ajena. Integró el elenco del Teatro General San Martín, uno de los espacios más emblemáticos de la ciudad, donde profundizó su trabajo como actriz. En paralelo, desarrolló un camino de unipersonales con espectáculos como Marikena y los otros y Homenaje a Jacques Brel en la década del 70. Estas propuestas le permitieron explorar repertorios diversos y dar forma a una voz que no se parecía a ninguna otra.

El cruce entre poesía, música y actuación fue una constante en su obra. En los años 80 y 90, Monti continuó presentándose en salas alternativas y espacios emblemáticos, siempre con la experimentación artística como faro. Su presencia fue siempre sinónimo de búsqueda y de ruptura de moldes, con una expresividad característica e inigualable.

En los años 2000, Monti siguió cosechando reconocimientos. En 2004 presentó el unipersonal Secretos a cuatro voces, espectáculo que recibió una nominación a los premios ACE. Poco después estrenó Retrato en blanco y negro, obra que también fue nominada a los ACE en 2006 y a los premios Florencio Sánchez en 2007. Con este espectáculo realizó una gira por varias provincias argentinas, llevando su arte a públicos diversos y renovando el contacto con nuevas generaciones.

En 2008 formó parte del Festival de Tango junto a Susana Rinaldi, Amelita Baltar y otros referentes, reafirmando su lugar como figura clave del género. Su capacidad para dialogar con la música popular, el repertorio internacional y la tradición teatral le permitió construir un perfil único, difícil de encasillar. En 2015, su trayectoria fue reconocida por la Legislatura porteña, en un emotivo acto en el que interpretó el legendario tema de La Mary.

A lo largo de seis décadas, Marikena Monti se mantuvo fiel a una forma de expresión que trascendió géneros y formatos. Su voz, de matices profundos y expresividad singular, supo conmover tanto en el bullicio de un café-concert como en el silencio recogido de una sala teatral. Su trabajo fue referencia para artistas jóvenes y un punto de encuentro para quienes buscaban nuevas formas de narrar y cantar la vida.

Con su partida, Monti deja una huella indeleble en la cultura argentina. Su legado permanece vivo en quienes la escucharon, en quienes la vieron actuar y en quienes reconocen en su figura el coraje de explorar sin miedo. La memoria de su arte, íntima y expansiva, seguirá respirando en los escenarios y en las canciones que supo hacer propias.

El Tenorio Cómico vuelve a levantar el telón con una nueva temporada impulsada por el productor Alejandro Gou, quien apuesta por refrescar uno de los espectáculos más populares del teatro mexicano. La propuesta mantiene el espíritu festivo de la obra, pero incorpora perfiles que conectan con nuevas audiencias y reflejan cambios culturales actuales.

El estreno de esta etapa está marcado por la llegada de Vanessa Labios 4K al escenario, quien se presentará en la temporada que inicia en el Centro Cultural Teatro 2 el próximo viernes 16 de enero. Su participación representa un paso significativo dentro de una puesta que busca dialogar con el presente sin perder su esencia tradicional.

La producción se plantea como un punto de encuentro entre el humor, la crítica social y la visibilidad, integrando talentos provenientes de distintos ámbitos. Con ello, el Tenorio Cómico se reafirma como un espacio en constante transformación dentro del panorama teatral.

Vanessa y su llegada al escenario teatral

Vanessa Vázquez, creadora de contenido conocida por su presencia en redes sociales, se estrena en el teatro con este proyecto. Su incursión marca un momento relevante al trasladar su voz y experiencia a un formato distinto, frente a un público en vivo.

Como mujer trans, su participación cobra un significado especial dentro de un espectáculo de gran alcance. La inclusión de su figura permite ampliar la representación de identidades diversas en el ámbito cultural, sumando perspectivas que pocas veces encuentran espacios consolidados.

Este debut no solo implica un reto personal, sino también una oportunidad para mostrar que el talento digital puede adaptarse y crecer en escenarios tradicionales, aportando frescura y cercanía.

Las Perdidas y la visibilidad dentro del espectáculo

Vanessa 4K se integra al grupo conocido como Las Perdidas, conformado por Wendy Guevara, Paola Suárez y Karina Torres, quienes ya forman parte de la obra. Su incorporación fortalece la presencia colectiva del grupo y amplía el impacto de su participación.

La suma de estas figuras busca dar mayor visibilidad a la comunidad trans dentro de un espectáculo cultural de gran tradición. Desde el humor y la convivencia escénica, el montaje abre un espacio para la diversidad sin discursos forzados.

Las propias integrantes han señalado la importancia de contar con oportunidades reales en el teatro, demostrando que la preparación, el aprendizaje y la disciplina permiten desarrollarse profesionalmente en igualdad de condiciones.

Una producción que apuesta por nuevas energías

Además, la nueva temporada suma a figuras como El Indio Brayan y Nicola Porcella, quienes se incorporan al elenco para enriquecer la dinámica escénica.

La combinación de talentos busca mantener el ritmo ágil y el humor característico del Tenorio Cómico.

Con estas incorporaciones, la obra se renueva sin romper con su tradición, apostando por un equilibrio entre entretenimiento, actualidad y representación, en una temporada que promete sorprender a su audiencia.

En un verano donde la oferta teatral de Mar del Plata desborda de propuestas y nombres consagrados, la llegada de Alfredo Casero y Rodolfo Alacrán Samsó con Cha Cha Cha – Edición verano se posicionó rápidamente como uno de los grandes atractivos de la temporada. El histórico ciclo de humor, símbolo de varias generaciones, aterrizaba por primera vez en la ciudad balnearia con la promesa de revivir una mística que marcó una época. Sin embargo, el entusiasmo y la expectativa se vieron alterados abruptamente por la sorpresiva salida de Casero, que dejó al público y al equipo con más preguntas que certezas. Frente a este panorama, Alacrán decidió dar un giro y redefinir su propio verano artístico.

En medio de la suspensión de los shows y la incertidumbre sobre el destino de Cha Cha Cha, Alacrán optó por mirar hacia adelante y redefinir su participación sobre los escenarios. El humorista eligió continuar con su propio recorrido por la Costa Atlántica junto al humorista Alfredo Silva, con quien ya inició una serie de espectáculos en diferentes localidades. Consultado por Teleshow sobre el proyecto con Casero, fue claro: “Lejos estoy de ser quien lo decide. Pero hasta donde sé no parece que sigue. Yo ya estoy haciendo funciones en otra compañía”.

Esta nueva etapa, que comenzó recientemente, no es un salto al vacío para Samsó, sino el resultado de una amistad y una química de años con Silva. “Nosotros hace 20 años que contamos chistes juntos, cuando recién arrancaba Silva, que se hizo un fenómeno viral por WhatsApp. Sus chistes empezaron a circular por todos lados. Él surgió en Crónica TV con Anabela Ascar, lo llevaba asiduamente y él contaba chistes ahí. Después siguió en Polémica en el bar y ahora está en Telefe. Pero sobre todo, haciendo eventos y shows”, relató el capocómico a este medio.

La conexión entre ambos va más allá del escenario: “Cuando él surge, nosotros ya nos conocíamos porque yo navegaba y él estaba en San Fernando. Empezamos navegando juntos, después contando chistes juntos. Y ahora, somos como esos jugadores de fútbol que sin levantar la cabeza saben dónde está el compañero y se hacen los pases“. Y ahondó: ”Subimos al escenario y le dije: ‘No, arrancás vos’, porque originalmente es la obra de él, la gente lo va a ver a él. Arrancó, hizo 20 minutos, me hizo pasar a mí, y después juntos tenemos como un pimpón de chistes. Un chiste le hace acordar a otro y la gente va pidiendo, y se arma algo muy dinámico y fresco, donde siempre sale distinto”.

La respuesta del público no tardó en llegar. Tras su primera función juntos el lunes pasado en San Bernardo, la experiencia fue tan positiva que decidieron repetirla y expandir la gira por toda la temporada. “Alfredo y su productor quisieron que yo me sume al show, que ya me quede y que haga toda la gira juntos. Es más, quieren que cuando volvamos a Buenos Aires, sigamos juntos”, reveló Samsó.

El humorista, que quedó abruptamente sin proyecto en Mar del Plata tras la salida de Casero, ve con buenos ojos este nuevo rumbo. “En este momento de cambio, donde todo el mundo está expectante de Cha Cha Cha, pero que eso ya no está, a mí me viene muy bien que se enteren de este cambio, que estoy haciendo funciones con Silva. Y seguramente vamos a agregar más funciones, pero lo importante es que se sepa que estoy embarcado en esto. Es algo muy lindo y que disfruto mucho”, aseguró, emocionado, por este proyecto.

La agenda de la dupla para el resto del verano ya está en marcha: los lunes en San Bernardo a las 23, los miércoles en el Teatro Ocean de Mar de Ajó a las 22 y los viernes en San Clemente en el mismo horario. Cada función suma capítulos a la larga trayectoria de Samsó y refuerza su vigencia en el humor nacional, aun cuando la cancelación del proyecto con Casero no haya sido confirmada oficialmente por la producción.

Así, en medio de la sorpresa y la reconfiguración de la temporada teatral, Alacrán apuesta por un verano de risas y nuevas aventuras, mientras el público de la Costa Atlántica celebra la oportunidad de reencontrarse con una dupla que hace de la química y la improvisación una fiesta sobre las tablas. La historia de Cha Cha Cha tendrá que esperar su próximo capítulo; por ahora, el show sigue, de la mano de quienes no pierden nunca las ganas de hacer reír.

La diva arribó luciendo un conjunto de dos piezas en tono fucsia con detalles florales multicolores en la parte inferior de la falda y en los puños. La chaqueta, de manga larga, con botones forrados del mismo color y un diseño estructurado, resultó ideal para la noche fresca de la costa argentina. La cabellera de La Chiqui, en tono rubio dorado, estaba peinada en un estilo clásico y voluminoso. El atuendo destacaba por su color intenso y los motivos florales en contraste, aportando un toque visual distintivo.

Entre aplausos y muestras de admiración, la conductora fue recibida con todo el cariño del público. La reina de los almuerzos asistió al show junto a un numeroso grupo de amigos compuesto por: Claudia Álvarez Arguelles, su marido, el Dr. Esteban Dottavio, su asistente personal, Héctor Vidal Rivas, su empleada y colaboradora Elvira Huaraz, su maquilladora, Gladys Andrade, gran amiga de Mirtha de toda la vida, Amalia Idoyaga Molina, y Alejandro Veroutis.

Tras el cierre de la obra, el elenco saludó al público, destacó la presencia de figuras como Miguel Ángel Rodríguez, Mariano Iúdica y, sobre todo, de Mirtha Legrand. Fue así como, entre los aplausos, Gerardo Romano descendió del escenario con un enorme ramo de flores en sus manos. Al llegar a la butaca de La Chiqui, la conductora se mostró sumamente agradecida.

Acto seguido, la diva recibió un micrófono y, ante la mirada de todos los presentes, saludó al público y manifestó sus sensaciones tras el espectáculo: “Buenas noches a todos, qué noche maravillosa hemos pasado. Realmente son unos actores magníficos. Son unos grandes actores todos. Gracias por haberme invitado y por compartir con un público tan amoroso. La obra me encantó, me gustó muchísimo, además cortita, no te dormís, fantástica. ¿Cuánto dura? Una hora y pico, ¿no?. Ana María, un placer verte, y a los jóvenes actores también. Linda noche, me voy a dormir encantada”.

En el intercambio, Romano le comentó a Legrand respecto a la duración de la obra: “La mejor virtud. Una hora y tres minutos y medio”. Tras este acto de reconocimiento, Mirtha se dispuso a dejar el teatro, acompañada por Carlos Rottemberg y Gerardo Romano, entre la ovación del público, efusivos saludos y pedidos de selfies.

En el hall del teatro, Mirtha dialogó con Teleshow. “La obra me pareció espléndida, me encantó, la voy a recomendar a todo el mundo. No me esperaba el final, inaudito, insólito. Gran actuación la de Gerardo, la Picchio también, los cuatro muy bien. Y muy bien dirigida”. Segundos después, un cronista volvió a referirse a la posible visita de Mirtha a La cena de los tontos. “¿Va a usar la oruga para ir a ver a Martín Bossi?”, le preguntó.

Lejos de dar lugar a la duda, Legrand contestó fiel a su estilo, de forma tajante y con una sonrisa: “No”. En la misma línea que la diva, Rottemberg afirmó: “Va a subir la escalera, no tengan duda”.

Días atrás, en la celebración por el inicio de la temporada teatral, Gerardo Romano dialogó con Teleshow y habló sobre el detrás de escena del arribo de la obra a Mar del Plata: “Para este año no pedí deseos, no tengo ese rito, laburo todos los días del año para que todo sea mejor, si se sintetiza en una fecha, deseo que estemos bien todos. Tenía muchas ganas de venir a Mar del Plata con El Secreto, en una cena le conté a Carlos Rottemberg que esperaba que se instale el espectáculo por el verano siguiente, por 2027, y pasaron unos días, me enteré de la situación de Luis Brandoni, que no tenía sala en Buenos Aires, e hicimos el enroque con Carlitos Rottemberg. Así que le dejamos nuestro teatro y nos vinimos”.

Al ser consultado por su buen gesto con Luis Brandoni, el artista confesó: “No me quiero disfrazar de buen tipo y solidario, vi la posibilidad de acceder a Mar del Plata este verano, porque le tengo mucha confianza a El Secreto y poder hacer las cosas cuanto antes. Por supuesto, no tenía ganas de que se jodieran Brandoni ni Solita, pudimos hacerlo felizmente. Sabemos que son cosas que se hacen con onda, ayudar a dos actores como Solita y Beto, para que puedan mostrar lo suyo, es una cosa buena para la comunidad. El momento máximo de disfrute es hacer la función, y con este público del interior, marplatense, verlos reírse, para uno es lo más gratificante”.

La epidemia de cólera golpeó París a partir de marzo de 1832. La capital francesa, que había vivido recientes revueltas políticas, vio cómo el miedo se mezclaba con el desconcierto. Los entierros se apuraban y los carros de muertos recorrían las calles, mientras la población intentaba adaptarse a la nueva amenaza.

El primer caso registrado de cólera se detectó menos de un mes antes de que la enfermedad se convirtiera en un drama nacional.

Las primeras reacciones ante la epidemia

De acuerdo con diversas crónicas de la época recogidas por Public Domain Review, los parisinos ya sabían del avance del cólera-morbo desde 1830. Los periódicos informaron sobre los brotes en Rusia y Europa Central. Cuando la enfermedad llegó a Polonia y Prusia Oriental, las conversaciones en París giraron en torno a su posible llegada.

Los sectores conservadores sospechaban de agitadores políticos, mientras que la Iglesia veía una oportunidad para retomar influencia sobre la población.

Las autoridades sanitarias, en cambio, confiaron en que la posición geográfica de Francia protegería al país. Según informes oficiales, se subestimó el peligro y se creyó que la epidemia no cruzaría las fronteras francesas.

El teatro como refugio y crítica social

Mientras la preocupación por el cólera crecía, los parisinos con recursos recurrieron al entretenimiento para aliviar las tensiones. El vodevil, una forma de teatro ligero y satírico, se convirtió en refugio para muchos. Según estudios recientes sobre la vida cultural de la ciudad, la sátira vivió un auge en esos años, tanto en la prensa como en los escenarios.

El vodevil no solo divertía, también permitía una crítica social indirecta. A raíz de las estrictas leyes de censura, los autores evitaban la política directa y enfocaban su humor en las costumbres cotidianas y las contradicciones de la sociedad parisina. Los escenarios de París presentaban decenas de vodeviles cada año, y el público respondía llenando las salas, incluso mientras la epidemia hacía estragos.

Una obra emblemática: Les pilules dramatiques

En 1831, una obra destacó entre las muchas puestas en escena: Les pilules dramatiques, ou le choléra-morbus. Esta pieza combinó humor, música y sátira para retratar el miedo colectivo al cólera y las tensiones sociales. La trama giraba en torno a teatros personificados que acudían al Dr. Scarlatin, convencidos de estar enfermos pero afectados en realidad por inseguridades y rivalidades.

El vodevil reflejó la ansiedad y el deseo de ascenso social de los teatros populares, así como el temor de los escenarios más tradicionales ante la posible pérdida de privilegios. La obra incluyó personajes como un burgués capitalista y figuras históricas caricaturizadas, lo que permitió una crítica tanto a la clase media como a la élite política y cultural.

El impacto de la sátira en la vida parisina

Según análisis teatrales del siglo XIX, el éxito del vodevil se debió a su capacidad para retratar con agudeza las idiosincrasias sociales. Los autores, con talento para la observación y la ironía, crearon escenas en las que el público reconocía sus propias contradicciones. La sátira ligera, el humor absurdo y la música popular formaron una combinación irresistible.

Este tipo de teatro funcionó como válvula de escape ante la represión y la incertidumbre. Incluso cuando las autoridades endurecieron la censura, el vodevil encontró formas creativas de sortear los límites impuestos y seguir conectando con el público.

Un espejo de la sociedad burguesa

El vodevil se mantuvo como un género atento a la realidad social, sin pretender superioridad intelectual ni moral. Sus autores observaron la vida cotidiana, transformando la experiencia colectiva en sátira accesible.

Como expresó Alexandre Dumas hijo, los dramaturgos de vodevil solo necesitaban ver y restaurar lo que el público ya conocía, pero no había advertido.

La popularidad del vodevil en tiempos de crisis demostró que, ante la adversidad, el humor y la sátira pueden ser herramientas poderosas para comprender y enfrentar la realidad. En la París convulsionada de 1832, la risa se convirtió en un acto de resistencia y supervivencia.

Entre las actividades organizadas durante la visita de la compañía, el director Oriol Broggi encabezará un taller dirigido a un grupo de 25 jóvenes seleccionados del programa LAB Escénico, en el que explorarán textos teatrales de autores como Lorca, Mouawad, Sófocles y Lagarce. Este encuentro formativo forma parte de la agenda paralela al debut del grupo catalán en la capital chilena. Según informó La Perla 29 en un comunicado difundido el viernes, la gira internacional incluye la presentación del espectáculo “A Macbeth Song” en el Festival Teatro a Mil de Santiago de Chile.

El medio consignó que la puesta en escena podrá verse los días 15, 16 y 17 de enero en el Teatro de la Universidad de Chile, uno de los principales recintos que forman parte del festival. Esta será la primera vez que la compañía interprete su montaje en Santiago, como parte de una gira que busca difundir la versión contemporánea de la obra inspirada en el clásico de Shakespeare.

De acuerdo con el comunicado citado por La Perla 29, el festival, reconocido como uno de los eventos teatrales más relevantes de Sudamérica, constituye una plataforma en la que compañías nacionales e internacionales exhiben sus recientes producciones. Sobre la participación pedagógica de Broggi, la agrupación informó que los estudiantes seleccionados para el LAB Escénico son actores, directores y diseñadores emergentes que compartirán una jornada de trabajo intensivo, con el objetivo de redescubrir y analizar fragmentos de autores clásicos y contemporáneos.

La selección del Teatro de la Universidad de Chile como escenario para la obra añade significado al evento, por tratarse de una institución con una larga tradición en la difusión de las artes escénicas, detalló la compañía. La programación de las funciones coincide con la celebración del festival, que anualmente convoca a públicos diversos y promueve el intercambio entre creadores de distintas latitudes.

La Perla 29 destacó en su comunicado la importancia de esta gira internacional como oportunidad para presentar su adaptación, “A Macbeth Song”, a nuevas audiencias, y fomentar el diálogo entre artistas de diferentes contextos. Dentro del marco de la gira, la compañía subrayó el valor del seminario con el LAB Escénico como espacio para el aprendizaje y la experimentación, donde los participantes podrán confrontar diversos estilos y modos de interpretación teatral.

Según publicó La Perla 29, la propuesta pedagógica del seminario permitirá a los participantes profundizar en el trabajo con textos dramáticos, además de abrir posibilidades para futuras colaboraciones entre creadores jóvenes y la compañía. La participación de Broggi en la coordinación del seminario apunta a fortalecer puentes entre profesionales consolidados y nuevas generaciones del ámbito teatral.

El festival Teatro a Mil y su programación, en la que se incluye por primera vez a La Perla 29, refuerzan la dimensión internacional de la actual edición, que reúne destacados elencos y figuras de la escena contemporánea mundial. La llegada de la agrupación catalana representa un intercambio artístico que responde a los objetivos de la organización del evento, orientados a ampliar los horizontes del panorama teatral. La Perla 29 completará su presencia no solo con las presentaciones de “A Macbeth Song”, sino también con actividades de formación, articulando así distintos niveles de acercamiento entre los artistas y el público chileno.

La trayectoria escénica de Arnaud Denis, referente en las adaptaciones teatrales recientes de clásicos como Oscar Wilde o Las amistades peligrosas, se ha visto marcada por un giro dramático que comenzó en 2023. El deterioro de su estado físico y la falta de respuestas médicas adecuadas le han llevado a contemplar la eutanasia como opción definitiva para mitigar su sufrimiento, según ha informado el medio francés Le Figaro en un reportaje. En él, el propio Denis ha decidido exponer públicamente su situación, la cual define como un escándalo sanitario.

El director y actor, de 42 años, comenzó a encadenar graves complicaciones de salud tras someterse a la implantación de una prótesis como consecuencia de una hernia inguinal. A raíz de este procedimiento, Denis ha relatado que experimenta dolores constantes y una progresiva merma de su calidad de vida.

También puedes seguirnos en nuestro canal de WhatsApp y en Facebook

Para visibilizar la problemática que atraviesa, el artista ha impulsado una comunidad titulada ‘Víctimas Francesas de prótesis de hernia’ a través de la red social Facebook. En este espacio, ha denunciado que están “completamente abandonados a nivel médico”, en relación con las infecciones derivadas de este tipo de implantes.

La pérdida de autonomía ha sido una de las consecuencias más severas para Denis, que ha resumido así su día a día en declaraciones recogidas por L’Est Républicain: “Ya no puedo salir de casa, no tengo vida social, ya no tengo vida, he perdido todo aquello que confiere dignidad a una existencia humana”.

Dificultades médicas y reacción pública

El actor se sometió en abril de 2024 a una costosa intervención en Estados Unidos para retirar la prótesis, lo que inicialmente produjo cierta mejoría. No obstante, según relata, la situación ha vuelto a agravarse con el desarrollo de una sintomatología conocida como ASIA, acrónimo en inglés de un proceso inflamatorio asociado a la exposición a adyuvantes en implantes médicos.

El debate médico sobre el origen de estos cuadros de intolerancia persiste. La Sociedad Francesa de Cirugía Digestiva matizó en un comunicado publicado en abril de 2025 que, pese a la existencia de dolores crónicos postoperatorios en algunos casos, “no existe hasta hoy ninguna demostración de un síndrome de intolerancia a los materiales de las prótesis que implique al sistema inmunológico” en la literatura científica. La entidad añade que, cada año, se practican más de 250.000 operaciones de este tipo en Francia.

En los últimos dos años y medio, Arnaud Denis ha atravesado una sucesión de males sin encontrar solución. Según L’Est Républicain, ha iniciado contactos con clínicas belgas para tramitar una solicitud de eutanasia en 2026. Sobre la falta de alternativas, ha expresado que no pueden ayudarle: “Los médicos ya no tienen nada más que proponerme, un hombre sabe en lo más profundo si está condenado”.

Una dilatada carrera, pese a su delicada salud

Pese a su delicada situación, el artista firmó en otoño de 2024 una nueva adaptación teatral de Las amistades peligrosas, el célebre volumen de Choderlos de Laclos de 1782, dotando al texto de un enfoque modernizado y contando con la interpretación de Delphine Depardieu en el papel de Merteuil, papel que le valió el Molière a la mejor actriz de teatro privado. Anteriormente, en 2021, Denis había llevado a escena La importancia de llamarse Ernesto en el teatro Hébertot, trasladando la trama con éxito a la Belle Époque.

Formado desde temprana edad en los cursos de Jean-Laurent Cochet y, posteriormente, en el Conservatorio de París, Denis residió dos años en Estados Unidos durante la adolescencia antes de regresar a Francia para consolidar su carrera sobre las tablas y fundar su propia compañía.

El actor ha desarrollado también una faceta docente y ha participado en el cine interpretando al abogado de Yves Saint Laurent en el filme de Jalil Lespert. En una entrevista concedida el año anterior al diario Le Monde, Denis afirmó lo siguiente: “Interpretar es, en cierto modo, mi razón de ser; cuando te arrebatan eso, te da vértigo”.

La secretaria General de la Presidencia, Karina Milei, se tomó en la noche de este jueves un respiro de sus actividades oficiales y se acercó a las luminosas carteleras de la avenida Corrientes para ver la obra de teatro en la que actúa la pareja de Patricia Bullrich.

La hermana del presidente de la Nación, Javier Milei, acompañó a la senadora, quien orgullosa de la presentación de Guillermo Yanco también invitó al secretario de Cultura, Leandro Cifelli; y su sucesora en el Ministerio de Seguridad, Alejandra Monteoliva. En cuanto a figuras relacionadas con la política, también dijo presente Antonio De la Rúa, hijo del ex jefe de Estado Fernando de la Rúa y ex pareja de Shakira.

Yanco, quien tuvo su debut teatral en 2013 en la obra El evento texto, de Julio Chávez, bajo la dirección de Luz Palazón, acompaña en ¿Qué somos? al actor, autor y director Juan Acosta, artista cercano al sector libertario. Son parte también del elenco Silvio Klein y Rubi Montalvo.

Multifacético, Yanco encarna en la obra el rol de Eduardo, un encargado de edificio con “mirada profunda, palabra justa y mucha verdad”, según lo caracterizaron en la cuenta de Instagram de ¿Qué somos?

También se define a su personaje como “un poco metido, muy curioso, con alma de detective y corazón noble”. “Sabio a su manera y con un radar infalible para los chismes del edificio”, completan su descripción.

Según la sinopsis de ¿Qué somos? de la página especializada Alternativa Teatral: “Es la historia de dos amigos, uno conflictuado con el dilema de casarse o no. Para eso, Silvio busca la complicidad de Clemente, quien mágicamente encuentra el argumento para que Belinda, su enamorada, asuma que ese matrimonio no puede ser. Finalmente, se desatarán confusiones y divertidos torbellinos que se aclararán de la manera más disparatada”.

Juan Acosta define a la comedia como “pasatista”, en el sentido de que “hace que la gente pueda pasar el tiempo divirtiéndose”. Y agrega: “La risa es sanadora”.

“Es una obra pensada para estar mejor, para que el público salga mejor de lo que llegó, porque la risa es una energía liberadora y, cuando te ponés positivo, todo está bueno”, sintetizó Acosta.

La obra estuvo en cartelera en el Nuevo Teatro La Casona entre el 17 de octubre y el 7 de noviembre del año pasado y este jueves inauguró su temporada de verano en el mismo escenario.

Vicepresidente del Museo del Holocausto de Buenos Aires, Yanco además dirige junto a Claudio Avruj, ex secretario de Derechos Humanos, el portal de noticias sobre la comunidad Judía en Israel Vis á Vis. También ha ocupado cargos en los poderes ejecutivos nacional y porteño, así como en la Legislatura de CABA, todo en paralelo a su trabajo como abogado mediador.

En su saludo navideño, Bullrich y Yanco publicaron un video en sus redes sociales. En el mismo, la senadora se refería a su pareja como su “gran actor de la calle Corrientes”.

“Les cuento que arrancamos el año con la obra ¿Qué somos?, que viene siendo un gran éxito. También celebro Hanukkah, pidiendo especialmente que la luz brille aún más. Por esta Navidad y por la familia argentina", expresó luego Yanco.

La máquina expendedora situada en el escenario cobra protagonismo como elemento simbólico, en torno al cual Oriol Pla Solina, en el papel de arlequín, experimenta distintos lenguajes escénicos para interrogar el deseo, la plenitud y el desgaste emocional que trae consigo el consumismo. Bajo la dirección y dramaturgia de Pau Matas Nogué y Oriol Pla Solina, la obra 'Gula / Gola' llega al Centro Dramático Nacional, integrando varias disciplinas artísticas y formas expresivas. Según detalló el CDN, el espectáculo se sirve de la voz, el slapstick, el clown, el bufón, la performance y la progresión para articular su narrativa.

De acuerdo con lo publicado por el Centro Dramático Nacional, la obra inicia temporada el 9 de enero y permanecerá en cartel hasta el 15 de febrero. 'Gula / Gola' cuenta con la producción de Temporada Alta y el Teatre Nacional de Catalunya, dos instituciones que refuerzan el carácter experimental y multidisciplinar del montaje. Los autores y directores, Pau Matas Nogué y Oriol Pla Solina, han optado por una puesta en escena minimalista donde el monólogo abandona el centro del discurso dramático en favor de un mayor peso de lo visual y el lenguaje corporal.

En palabras recogidas por el CDN, los responsables de la propuesta señalan: “Mientras estamos en la búsqueda de la plenitud y de la felicidad perpetua, la salud mental empeora y parece que nunca toca fondo”. La premisa sostiene el andamiaje de la obra, que se presenta como una crítica social y satírica al fenómeno del consumismo contemporáneo. La pieza introduce el humor como herramienta principal y recurre a la hibridación de géneros y técnicas, integrando elementos propios del circo y el clown junto al texto y la música.

El montaje busca, según consignó el Centro Dramático Nacional, propiciar una experiencia en la que los lenguajes se entrelazan, reforzando la intención de provocar reflexión sobre el deterioro emocional ligado al consumo actual. El artilugio de la máquina expendedora simboliza tanto la búsqueda como el acceso inmediato a la satisfacción, aspectos que remiten a los mecanismos del consumismo y sus consecuencias sobre el bienestar psíquico y emocional.

Según aclaró el CDN, la propuesta de Matas Nogué y Pla Solina se aleja de las estructuras teatrales convencionales y deja lugar al despliegue físico y a la expresión gestual. Este enfoque refuerza el mensaje central de la obra al otorgar protagonismo a lo visual en el reto de capturar el estado actual de la salud mental en relación con la satisfacción perpetua que promueve la cultura de consumo.

La colaboración entre Temporada Alta, el Teatre Nacional de Catalunya y el Centro Dramático Nacional —según indicó el CDN— apoya el carácter híbrido del espectáculo y su voluntad de explorar nuevas vías creativas. El montaje se inscribe así en una búsqueda que trasciende las barreras tradicionales entre disciplinas para abordar cuestiones sociales urgentes como la ansiedad, la insatisfacción y el impacto psicológico de un entorno consumista donde los límites de la plenitud resultan cada vez más difusos.

El área visual desplaza el foco tradicional en el monólogo, permitiendo que la interacción con la máquina expendedora se convierta en el eje desde el cual emanan las influencias del slapstick, el clown y la música. Esta concepción responde, según publicaron los responsables en el comunicado recogido por el CDN, a la intención de “construir una experiencia donde el humor y la crítica social se combinan mediante la hibridación de lenguajes”.

La obra invita al público a presenciar un espectáculo en el que el humor satírico y la crítica se funden con diferentes recursos del teatro físico y visual, consolidando la visión de sus creadores sobre el deterioro emocional e intelectual que puede ocasionar la búsqueda continua de consumo y satisfacción. Según reportó el Centro Dramático Nacional, los asistentes podrán experimentar una propuesta escénica que da cuenta del estado actual del sujeto consumidor y de las implicancias de la búsqueda incesante de bienestar en la cultura contemporánea.

Un padre tiránico, engañado por un astrólogo charlatán, promete casar a su hija —hasta que ella y una criada ingeniosa desenmascaran el fraude con algunas artimañas disparatadas.

Parece el argumento de una comedia de Molière, el dramaturgo del siglo XVII que emocionó a París satirizando la autoridad paterna y la pseudociencia. Sin embargo, el querido autor francés no escribió esta obra: es el escenario de El Astrólogo, o Falsos augurios, una pieza creada por un programa de inteligencia artificial entrenado para imitar los temas, estructuras y el sentido del humor de Molière.

Durante los últimos dos años, el colectivo francés de I.A. Obvious ha estado desarrollando el guion junto con el Théâtre Molière Sorbonne, una compañía teatral especializada en reconstrucciones históricas del repertorio del siglo XVII. Como parte del festival de artes digitales Némo, este sábado se representará un extracto en el Centquatre, un centro artístico parisino, antes de una puesta en escena completa en la Ópera Real de Versalles en mayo.

El proceso fue impulsado por “curiosidad científica”, según Mickaël Bouffard, director del Théâtre Molière Sorbonne. “Estamos intentando simular el proceso creativo de Molière, paso a paso. Nuestro objetivo es ser lo más precisos posible desde el punto de vista histórico”. La colaboración fue dirigida por el sociólogo Pierre-Marie Chauvin, vicepresidente de la Universidad de la Sorbona, quien afirmó haber visto en Obvious “una visión a largo plazo sobre la I.A. y un auténtico interés por el patrimonio cultural”.

El colectivo es más conocido por crear obras visuales con algoritmos; en 2018, una de sus pinturas se convirtió en la primera obra de I.A. vendida a través de la casa de subastas Christie’s, por 432.500 dólares. Obvious abrió su propio laboratorio de investigación en la Universidad de la Sorbona hace tres años, y Chauvin llevó a sus tres integrantes a conocer el Théâtre Molière Sorbonne.

Nadie en Obvious suele ir al teatro: según contaron en una entrevista grupal, su experiencia con Molière proviene principalmente de sus años escolares. Sin embargo, de inmediato conectaron con Georges Forestier, director fundador del Théâtre Molière Sorbonne, a quien Chauvin describió como “extraordinariamente curioso y tecnófilo”.

Forestier ideó el tema principal de la obra: la credulidad humana, un tema adecuado para una imitación escrita por I.A. y uno que Molière abordó con frecuencia. Coraline Renaux, estudiante de doctorado e integrante de la compañía de teatro, sugirió entonces un astrólogo como posible antihéroe. Los astrólogos aparecen mencionados en algunas obras de Molière, y tras la muerte de este, su colaborador Jean Donneau de Visé escribió una obra sobre la astrología, El Cometa.

Tras la muerte de Forestier por cáncer en 2024, Bouffard continuó impulsando el proyecto. Resultó ser un proceso arduo. El equipo creativo experimentó con diferentes instrucciones y programas entrenados por Obvious sobre la obra de Molière, y luchó contra la tendencia de la I.A. a olvidar el inicio de la obra a medida que avanzaba la historia. Después de varios meses, Bouffard estuvo a punto de rendirse, según confesó, “porque era tan laborioso”.

“Molière tardó dos semanas en escribir una obra, mientras nosotros llevamos dos años en esto”, afirmó Gauthier Vernier, miembro de Obvious.

El rápido avance de los modelos de I.A. proporcionó la consistencia necesaria para sostener una escritura de largo formato. Durante el proceso, un grupo de especialistas en Molière aportó comentarios humanos sobre el argumento, que ha sido revisado 15 veces, y sobre el propio guion. Entre ellos se encontraba Lise Michel, profesora asociada de literatura francesa en la Universidad de Lausana. Dijo que abordó la revisión del argumento creado por I.A. como “un juego”, usando su profundo conocimiento de las obras de Molière para identificar lo que no sonaba “del todo correcto”.

El humor satírico del dramaturgo francés, que combina ingenio literario y farsa física, resultó especialmente difícil de imitar. La Inteligencia Artificial tendía a alargar en exceso las metáforas humorísticas o a hacer chistes demasiado ingenuos. Según Bouffard, la retroalimentación de los actores fue útil, y agregó que la I.A. también tuvo “chispa de genio”: “A veces nos reímos a carcajadas —aseguró— porque nunca imaginamos que podría lograr algunos de esos diálogos”. Aunque el equipo fue cuidadoso de no promocionar El Astrólogo como “una nueva obra de Molière”, no todos se entusiasman con la perspectiva de esta producción. Bouffard contó que algunos colegas le advirtieron que estaba “enfrentándose a un monstruo sagrado”.

En una reciente publicación de Facebook, Aurore Evain, directora e investigadora que ha rescatado obras olvidadas de mujeres, calificó el proyecto como una “Tartufería” y criticó el presupuesto de 1,75 millones de dólares, que provino principalmente de patrocinadores privados franceses y norteamericanos, según la Universidad de la Sorbona.

La financiación no se destinó únicamente a la redacción impulsada por I.A.: se entrenaron otros tres modelos para crear decorados, vestuario y música históricamente precisos basados en las colaboraciones de Molière con diseñadores y compositores. La partitura y los diseños resultantes se presentarán por completo en Versalles en mayo antes de una gira por Francia.

El espectáculo fue concebido como único, pero el siguiente paso en la investigación de artes escénicas potenciadas por I.A. podría ser “completar obras o partituras inacabadas”, señaló Bouffard, quien comparó la idea con la restauración de una pintura. “La I.A. no tiene ego, ni gusto —bueno o malo—”, afirmó, enfatizando que esto la hace más adecuada que los humanos para el pastiche. “Esa sensación de neutralidad es realmente interesante”, añadió. “Todo depende de cómo la activemos”.

Fuente: The New York Times

[Fotos: Universidad de la Sorbona, Teatro Molière Sorbonne]

Beatriz Rico recordó en tono humorístico que, con la cantidad de decoración navideña y luces en su casa, esta parecía el barrio rojo de Ámsterdam, la ciudad donde vive su hijo. La actriz relató cómo estos días de fiesta estuvieron marcados por la visita de su hijo, quien regresó temporalmente de los Países Bajos para reunirse con la familia. Tal como publicó el medio del que surge la información, Rico destacó el sabor agridulce de estas fechas, en las que la alegría del reencuentro se mezcla con la inminente despedida, ya que su hijo debía partir hacia Ámsterdam al día siguiente.

Según consignó la fuente, la intérprete compartió que durante estas Navidades se sintió "muy, muy contenta", ya que pudo convivir con su hijo, quien reside fuera de España, y por quien había esperado con gran ilusión desde septiembre. Tras varios meses de espera y expectativa, la despedida resultaba inevitablemente difícil, algo que Rico no dudó en confesar ante los medios durante una mañana de teatro en la que acudió en apoyo a 'El Langui'. Explicó entonces que necesitaba que la hicieran reír en el teatro para animarse tras la partida de su hijo.

En el relato recogido por el medio, Rico se definió como una persona "muy navideña", mostrando una sensibilidad especial hacia estas celebraciones. Mencionó que le entristece tener que recoger los adornos y dar por cerrada una época que vive con intensidad y detenimiento en los detalles. La importancia de la familia durante las festividades quedó patente: la actriz describió una Navidad hogareña y tradicional, en la que cada año su hogar acoge el árbol y el Belén, junto a la abundancia de espumillones y luces. Según detalló el medio, Rico atribuye a su marido el entusiasmo por cubrir la vivienda de decoraciones, lo que transforma la casa en un epicentro familiar durante los días festivos.

El regreso de su hijo desde Ámsterdam no sólo acaparó la atención dentro de la familia, sino que se convirtió también en un tema recurrente en las conversaciones, como reflejó la actriz en sus declaraciones. La celebración navideña adquirió un significado especial este año para ella, ya que el reencuentro familiar estuvo acompañado de una atmósfera de celebración en la que se valoraron los momentos compartidos y la convivencia cercana, aunque temporal.

De acuerdo con la información publicada por la fuente, Rico expresó su deseo para el futuro con una petición sencilla y directa: "Solamente salud y virgencita que me quede como estoy". La actriz afirmó encontrarse en una etapa serena de su vida y no consideró que el año hubiese sido especialmente difícil. Más bien, señaló que se siente afortunada, por lo cual prefiere conservar la estabilidad y la tranquilidad actual. En sus palabras, justificó este deseo con humor, al considerar que "seguramente vendrán peores" años, por lo que valora la posibilidad de continuar disfrutando de la seguridad y el bienestar actuales. Su deseo para 2026 se resume, según el medio que informó sobre el encuentro, en salud y bienestar, sin cambios sustanciales frente a lo vivido en los últimos tiempos.

Durante el mismo evento, Rico también abordó públicamente la polémica sobre la vestimenta de Cristina Pedroche en televisión. Como publicó la fuente, defendió el derecho de Pedroche a escoger libremente su atuendo, y criticó que aún persista el juicio social sobre el cuerpo y la ropa de las mujeres. Expresó con firmeza que quienes critican a la presentadora lo hacen sin conocerla realmente, y la describió como alguien accesible y agradable, según transmitió en sus declaraciones recogidas por el medio.

Además, Rico confesó su admiración por la cantante Chenoa. Pese a las discusiones mediáticas que suelen rodear a figuras públicas durante las fechas navideñas, la actriz dejó claro que para ella lo más importante de la Nochevieja y las fiestas es la cercanía de sus seres queridos. Reiteró que valora especialmente poder compartir estas fechas con su marido y su hijo cuando es posible, y mantiene como deseo constante pedir salud y estabilidad en cada ciclo festivo, tal como relató la fuente que recoge sus palabras y experiencias durante el cierre de las festividades.

La participación de Rico en actividades públicas durante las fiestas, como su asistencia al teatro para apoyar a colegas del medio, también formó parte de este periodo marcado por la convivencia familiar y la reflexión personal. La actriz abordó los temas de actualidad desde su perspectiva y utilizó el humor y el optimismo para afrontar la despedida temporal de su hijo y la transición hacia el inicio del próximo año, según detalló el medio que recogió sus declaraciones.