La Ciudad de México concentra este sábado una agenda cultural y musical repartida en al menos ocho alcaldías con propuestas que combinan música, teatro, festivales y actividades culturales para toda la familia.

La oferta incluye festivales masivos en el Zócalo, conciertos electrónicos y de rock, anarco-cumbia, exposiciones de arte y actividades gratuitas.

Cuauhtémoc concentra la mayor oferta cultural

La alcaldía central reúne la actividad más densa del día, con eventos gratuitos que van desde la música hasta el teatro. El Zócalo capitalino será sede, desde las 17:30 horas, de la Fiesta de Culturas Comunitarias “Voces Vivas”, con la participación de más de mil niñas y niños de 28 estados del país.

El espectáculo central, titulado “Voces vivas, salvando al fuego”, incluirá proyecciones sobre la fachada del Palacio Nacional, además de presentaciones de la Orquesta de Música Tradicional Mexicana y el Coro Nacional Comunitario. La entrada es gratuita.

En el Museo de Arte de la SHCP (calle Moneda 4), la banda Bakemono ofrecerá un concierto gratuito a las 12:00 horas, dentro del programa “Hacienda es Patrimonio Cultural”. Por la noche, a las 19:00 horas, el pianista Gonzalo Gutiérrez dará un recital gratuito en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes, con cupo limitado.

El Museo de Arte Popular exhibe en su patio una muestra de piñatas artesanales elaboradas sobre ollas de barro, alusivas a los 200 años de relaciones entre México y Francia. El costo de entrada es de 60 pesos, con acceso gratuito para menores de edad, personas con discapacidad, adultos mayores, estudiantes y artesanos.

El Centro Cultural José Martí ofrece dos funciones de teatro comunitario sin costo: a las 12:00 horas y a las 16:00 horas, esta última con la obra “No hay mal que dure 100 años”, montada por el Colectivo Voces de Colibrí.

Otras actividades en la demarcación incluyen el Gran Salón México 2026, feria de ilustración en LAGUNA (Doctor Lucio 181) con más de 20 artistas y venta de fanzines y cerámica de 11:00 a 19:00 horas; la exposición “Aquelarre” en el Museo de Sitio Sor Juana Inés de la Cruz; una función de cine mexicano gratuita en el Salón Cinematógrafo Fósforo a las 18:00 horas; y la inauguración de la instalación “Laberinto Borges” en el Museo de la Ciudad de México estava prevista a las 13:30 horas con entrada libre pero fue pospuesta.

Miguel Hidalgo ofrece actividades del Mes de Japón

El Museo Nacional de Antropología, en Polanco, desarrolla dos actividades gratuitas con cupo limitado a 20 personas cada una, dentro de la programación del Mes de Japón: un taller de caligrafía shodō de 10:00 a 11:30 horas y una ceremonia del té sadō de 12:00 a 13:30 horas.

Sobre Paseo de la Reforma continúa abierta las 24 horas y hasta el domingo la exposición al aire libre Camino a la Luz, con 22 esculturas luminosas de gran formato entre el Ángel de la Independencia y el acceso principal a Chapultepec. Incluye catrinas, calaveras, xoloitzcuintles y flores de cempasúchil.

Para los amantes de la gastronomía tradicional, PILARES Tlacopan en la Miguel Hidalgo desarrolla el Festival Cultural Gastronómico Magueyero, de 10:00 a 19:30 horas, con entrada gratuita y venta de pulques y curados.

Benito Juárez celebra cultura asiática

El Centro Cultural La Pirámide, en San Pedro de los Pinos, recibe la cuarta edición del festival Asian Day, con música, danza y actividades relacionadas con las culturas de Japón, Corea, Tailandia y China.

La jornada arranca a las 12:00 horas.

Iztapalapa presenta teatro familiar

En el Barco Utopía, dentro del Parque Lineal Periférico Oriente, se ofrecen dos funciones gratuitas de teatro con títeres sobre la leyenda de La Llorona, inspirada en la diosa Cihuacóatl.

Los horarios son a las 14:00 y a las 16:00 horas.

Xochimilco y Coyoacán con música en vivo

El Deportivo Xochimilco, en la colonia Xaltocan, abre su jornada musical a las 15:00 horas con el artista MI$HA, como antesala al concierto de Amandititita, dentro del ciclo Cuicatl.

En Coyoacán, Quarry Studios será sede del Festival Hipnosis, dedicado al rock alternativo, la psicodelia y los sonidos experimentales. El cartel incluye a Future Islands, Kim Gordon, Melvins, Sunn O))), Connan Mockasin y The Lemon Twigs, entre otros.

La demarcación también ofrece, durante todo el fin de semana desde las 12:00 horas, un tour guiado a pie por el Centro de Coyoacán con costo de 480 pesos, que recorre la Capilla de San Antonio de Padua, la casa de Salvador Novo, la Fonoteca Nacional, el Jardín Hidalgo y el Museo Frida Kahlo.

Tlalpan ofrece concierto sinfónico infantil

El Centro Cultural Ollin Yoliztli, en Periférico Sur 5141, presenta a las 18:00 horas un concierto de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México dirigido a niñas y niños, que combina música sinfónica con narración e ilustraciones. Habrá descuento de 50% para estudiantes, docentes y adultos mayores.

Otros eventos masivos en la capital

El festival Ultra México 2026 continúa su primera jornada en la Explanada del Estadio Banorte desde las 16:00 horas, con presentaciones de Bautista, ARTBAT, Boris Brejcha, Steve Angello y Hardwell.

El cantante Morat se presenta a las 20:00 horas en el Palacio de los Deportes, mientras que Cemican ofrece un concierto en el Foro Veintiocho, en la colonia San Rafael, con puertas a las 19:00 horas y boletos desde 350 pesos. El Circo Volador, en la colonia Jamaica, recibe el Capital Extremo Fest, dedicado al metal.

Millán dedicó más de cuatro décadas al teatro en Nicaragua. Fundó junto a Enrique Polo el Teatro Justo Rufino Garay en noviembre de 1979 tras llegar al país. Desde entonces, la sala se convirtió en un espacio de formación artística, producción escénica y debate sobre la realidad política y social nicaragüense.

La institución mantuvo una programación de fin de semana desde 1986 hasta marzo de 2026. Según la información publicada por el medio nicaragüense confidencial.digital, el teatro cerró de manera abrupta el 13 de marzo de ese año, después de que la dictadura tomó el edificio ubicado junto al parque Las Palmas, en Managua.

El cierre interrumpió cuatro décadas de actividad escénica

La dramaturga relató en una entrevista con Casa Centroamérica que el grupo no pudo retirar equipos, archivos ni materiales de trabajo antes de perder el acceso a la sala.

“El espacio físico nos lo confiscaron sin ninguna orden judicial, sin ningún previo aviso. No pudimos sacar absolutamente nada y se quedaron con él”, afirmó Millán.

La directora explicó que el teatro había montado más de 55 obras a lo largo de su trayectoria. Cada producción respondió al momento político y social que atravesaba Nicaragua, con la intención de aportar a una sociedad “más justa, más democrática y equitativa”.

El caso se inscribe en una ofensiva más amplia contra organizaciones independientes en Nicaragua. El Teatro Justo Rufino Garay había perdido su personalidad jurídica en agosto de 2022, cuando la Asamblea Nacional aprobó su cancelación a petición del entonces Ministerio de Gobernación. Pese a esa decisión, la sala y la escuela de actuación que funcionaba en el mismo inmueble mantuvieron sus actividades hasta 2026.

El medio confidencial.digital informó que, meses después del cierre, autoridades vinculadas a la Cinemateca Nacional presentaron el lugar como un espacio bajo control estatal. El edificio fue repintado y las instalaciones, que incluían una sala con 126 butacas, quedaron incorporadas a la programación cultural oficial.

Para Millán, la pérdida de la sede no supone el fin del proyecto. “También se apoderaron de nuestro nombre, pero el Teatro Justo Rufino Garay somos nosotros”, dijo.

Desde México, donde nació, la directora busca reactivar el trabajo artístico sin el equipo técnico y humano con el que trabajó durante 46 años en Nicaragua. Su primera experiencia en esta etapa fue la presentación de “Francisca” en Casa Centroamérica, una obra centrada en una mujer mexicano-nicaragüense que, durante el Día de Muertos, evoca a sus antepasados y sus vínculos con ambos países.

La pieza recoge una experiencia personal. Millán vivió durante décadas entre dos pertenencias: en Nicaragua era vista como mexicana y, al regresar a México, sentía que parte de su vida había quedado del otro lado de la frontera. “Asumí que soy de los dos lados”, expresó.

“Un pueblo sin teatro es un pueblo que no tiene alma”

Millán sostiene que el valor del teatro excede la función de una sala o la propiedad de un edificio. Lo considera un arte vivo, capaz de mostrar aspectos que suelen permanecer fuera de la discusión pública y de abrir preguntas sobre experiencias íntimas y políticas.

“Un pueblo sin teatro es un pueblo que no tiene alma”, afirmó durante la citada entrevista. “El teatro es una ventana que nos permite ver aquello que es invisible”.

También aseguró que mantiene su vínculo con Nicaragua pese a la confiscación de la sede. “Tengo el paisaje de Nicaragua en mi mirada, la comida nicaragüense, la cultura nicaragüense. Amo a los nicaragüenses, amo ese país”, dijo.

El Teatro Justo Rufino Garay continuará su actividad desde Ciudad de México, con la intención de preservar una labor iniciada en 1979 y sostenida durante más de cuatro décadas en Managua.

Juan Carlos Calabró murió el 5 de noviembre de 2013, a los 79 años, apenas tres meses después de recibir, visiblemente enfermo, el homenaje más emotivo de toda su carrera en los premios Martín Fierro. La noticia sacudió al país esa misma mañana y generó una conmoción que trascendió al ambiente artístico.

Entre las voces que se expresaron esos días estuvo la de su esposa, Aída Elena “Coca” Picardi, con quien llevaba más de cinco décadas de matrimonio. “Yo siempre lo apoyaba, lo alentaba”, dijo entre lágrimas. Y agregó una frase que resumía toda una vida compartida: “La verdad es que no sé cómo sigue mi vida sin él”.

La salud del humorista venía complicada desde meses antes, al punto de que en sus últimos años debió atravesar varias internaciones. Su familia se organizó para acompañarlo en consultas médicas y tratamientos, y su esposa prácticamente no se separó de él durante ese tramo final.

El público había podido advertir su estado durante la ceremonia de los Martín Fierro de ese año, celebrada el 5 de agosto en el Teatro Colón. Allí, acompañado por sus hijas Iliana y Marina, recibió una estatuilla especial por su medio siglo de carrera.

Con la voz quebrada por la emoción, alcanzó a decir: “Después de acompañarlos 50 años en sus hogares, hoy se hizo justicia”. Entre el público que lo ovacionó de pie estaban Mirtha Legrand y Susana Giménez, mientras su esposa lo observaba desde un palco.

Juan Carlos Calabró había nacido el 3 de febrero de 1934 en Buenos Aires, en una familia de origen italiano.

Uno de sus más recordados personajes fue Johnny Tolengo, el Majestuoso, un cantante pop de trajes blancos y tapados de piel cuya identificación musical todavía se canta en las canchas de fútbol con la frase “Estás para ganar”. Otro fue Aníbal, un galán de barrio que mezclaba inglés y español y por supuesto Renato, el protagonista del ciclo El Contra, que confundía a figuras imposibles de confundir como el más grande de todos los tiempos: Diego Armando Maradona.

Todos esos personajes surgieron en 1978, cuando Calabró lideró su propio proyecto televisivo: La vida en Calabromas, que luego pasó a llamarse simplemente Calabromas. El ciclo se convirtió en una institución del humor argentino durante toda la década del 80.

Johnny Tolengo conquistó especialmente a los niños, aunque buena parte de sus chistes apuntaban a los adultos. Aníbal, por su parte, usaba un auto Topolino y dejó frases como “Tu ruta es mi ruta” y “Cuidado con el Bobero”.

El éxito de Aníbal trascendió la pantalla chica y llegó al cine de la mano de otro de los grandes del humor argentino, el fallecido Juan Carlos Altavista, en su papel de Minguito Tinguitella. Juntos filmaron Mingo y Aníbal, dos pelotazos en contra, Mingo y Aníbal contra los fantasmas y Mingo y Aníbal en la mansión embrujada. Johnny Tolengo también tuvo su propia película, Johnny Tolengo, el majestuoso. En total, Calabró participó de 16 largometrajes a lo largo de su carrera.

El personaje de Renato había surgido como un sketch dentro de Calabromas, después de que Calabró notara que lo confundían frecuentemente con el actor Alfredo Alcón. La idea derivó en un programa propio: El Contra.

El ciclo debutó en 1989 bajo el título Toda estrella tiene contra, con Antonio Carrizo como contraparte. Renato, se presentaba como nacido y criado en Banfield y siempre despistado, desconocía a celebridades invitadas y generaba situaciones de enojo fingido. Más tarde sumó un giro adicional: su hija Iliana interpretaba a Renata, la supuesta hermana italiana del personaje.

El formato se convirtió en un clásico de la televisión argentina y volvió a emitirse en 2003, una década después de su estreno original. Años más tarde, el presentador radiofónico y televisivo Mario Pergolini diría que ser convocado a ese ciclo era sinónimo de alcanzar un reconocimiento masivo en el mundo del espectáculo argentino.

Una de las frases más recordadas del personaje nació de la improvisación. En una ocasión, al olvidar la letra de un diálogo, Calabró inventó a un mozo imaginario llamado Pedro para ganar tiempo en escena. Así surgió el saludo “Pedro, mirá quién vino”, que terminó incorporado al habla popular como expresión irónica para los recién llegados.

El productor teatral Carlos Rottemberg, amigo cercano de Calabró durante casi 40 años, compartió un recuerdo preciso de 1987, cuando Johnny Tolengo vivía su mejor momento. “Juan Carlos en el camarín esperaba, en silencio, el inicio de la función. A media luz, solitario, sentado en una silla, con un cigarrillo en la mano”, señaló.

El productor -que tenía una relación familiar y también laboral con el humorista- contó que, apenas minutos después de esa quietud, Calabró se transformaba en “una explosión de vitalidad” sobre el escenario. Lo definió además como “el tipo bonachón que supo escalar cada peldaño de su profesión durante 50 años”.

Rottemberg también recordó una escena en Buenos Aires, cuando con Calabromas estrenaron en el Ópera las temporadas teatrales infantiles de invierno. Ante su propia imagen gigante en la marquesina de la avenida Corrientes, Calabró llegaba con una cámara de fotos para retratar personalmente la entrada, entre sorprendido e incrédulo. Por eso el productor remarcó: “Nunca terminó de creerse el cuento de la fama”.

A lo largo de más de cinco décadas, Calabró compartió escenarios y estudios con nombres centrales del espectáculo argentino: Antonio Carrizo, Juan Carlos Altavista, Susana Giménez, Fernando Bravo, Carlitos Balá, Emilio Disi y Gerardo Sofovich, entre otros.

Una de las anécdotas más repetidas entre quienes trabajaron con él es la que recuerda su relación con los técnicos de televisión. Llegaba temprano a los estudios, conocía el nombre de cada uno y los saludaba uno por uno, un comportamiento poco frecuente entre figuras de su popularidad que explicaba buena parte del cariño que generaba puertas adentro de los canales.

La carrera artística de Calabró tuvo un comienzo alejado del espectáculo. En su adolescencia fue ciclista federado, tras ganar varias competencias, hasta que el hábito del cigarrillo lo llevó a abandonar el deporte cuando la alta competencia se perfilaba como su futuro.

Optó entonces por estudiar locución en el ISER, donde superó su timidez inicial gracias a la práctica radiofónica. Debutó en los medios a principios de los años 60 con el programa Farandulandia, y poco después dio el salto a la televisión en Telecómicos.

En simultáneo desarrolló su carrera teatral, con un papel en Extraña Pareja, de Neil Simon, y participaciones en escenarios porteños como el Maipo, el Nacional y el Astros. En 1972 integró el elenco de Circus Show, el ciclo conducido por uno de los actores más admirados por los niños argentinos: Carlitos Balá.

Fue en esa etapa cuando el propio Calabró explicó la fórmula que sostuvo toda su trayectoria: “La clave de mi carrera fue que yo fui el creador de mi propio muñeco”. A fines de los 90 y principios de los 2000 sumó papeles en Campeones de la Vida y Padre Coraje, ambos ciclos de ficción televisiva de El Trece.

Desde 2005 se alejó parcialmente del espectáculo, aunque hizo apariciones esporádicas en obras como Calabró + Calabró, donde compartía escenario con su hija Iliana bajo la bandera del “humor rosa”, como él mismo definía a su estilo sin golpes bajos.

La relación con Coca Picardi había comenzado mucho antes de la fama, cuando Calabró todavía buscaba oportunidades laborales. Según contó él mismo tiempo después, había pedido ayuda para encontrar una buena compañera y sintió que la aparición de Coca fue “un milagro”.

Se casaron el 5 de enero de 1962. En 1966 nació Iliana, la primera hija de la pareja, que de chica empezó a estudiar teatro y a quien su propio padre ayudó a dar sus primeros pasos en la televisión. Siete años más tarde llegó Marina Edith, que eligió un camino distinto: estudió Ciencias Políticas y luego se dedicó al periodismo.

Con el tiempo llegaron los nietos: Nicolás y Stéfano, hijos de Iliana, y Mía, hija de Marina. La familia también atravesó momentos difíciles, como el escándalo judicial (La ruta del dinero K) que involucró a Fabián Rossi, expareja de Iliana, un caso de fuerte repercusión mediática del que Calabró y Coca acompañaron a su hija desde la contención familiar.

El recuerdo de Calabró sigue movilizando a Marina Calabró, que en 2026 se volvió viral al quebrarse al aire mientras hablaba del conflicto entre Tini Stoessel y su padre, Alejandro Stoessel, en un diálogo con Mario Pergolini en el programa de televisión llamado Otro Día Perdido. Muchos interpretaron que el llanto estaba relacionado directamente con la cantante, a partir de un fragmento donde Tini decía que ponía las manos en el fuego por su padre.

La periodista aclaró después, en diálogo con el mismo presentador, que esa lectura no reflejaba lo que realmente le había ocurrido. El origen del quiebre, según explicó estuvo en una frase de su compañero Luis Ventura sobre el vínculo entre un padre y una hija: “Sí, pero te cuidó y cruzó el cuerpo por vos hasta el último día de su vida”. Esa frase, dijo Marina Calabró, fue la que la desestabilizó emocionalmente: “Eso me movilizó”.

En ese mismo contexto surgió un recuerdo familiar que ella desconocía. Días atrás se había cruzado en la puerta del canal con un hombre que se presentó como el dueño del hotel de Bariloche donde había pasado su viaje de egresadas, y que le confirmó que su padre llamaba todos los días antes de las tres de la tarde para saber cómo estaba. Una anécdota más que pinta a Calabró, como el padre que, además de ser estrella, cuidaba de sus hijas. Aunque fuera en secreto.

Una doble nacerá en escena, una fabulación encarnada, una fuerza poética múltiple y vital.

Desde el comienzo del proceso de creación, se supo que Clarice Lispector es irrepresentable. Esto llevó a que la mujer que aparece en la obra sea una actriz que se vuelve actriz de sí misma, contándose y descubriendo una epifanía compartida con el público.

Clarice Lispector es de las escritoras más importantes del siglo XX. Crea un estilo revolucionario. Es llevada al cine e influido en miles de artistas y filósofos, como Björk, Caetano Veloso, Anne Carson, Simon Critchley, etc. Ella, genera un incendio emocional, que se conecta con nuestras propias intensidades y metamorfosis: la obra es el resultado de ellas. Seguirá mutando Clarice -la magia del teatro es esa: ninguna función es igual a la anterior-, volviendo cada vez más visibles las fuerzas de una mujer que desafió la literatura de su época, la vida y su propio ser. La obra toma una posición -estética y política, sin ser panfletaria- sobre la potencia femenina, la fuerza de lo frágil, la creación como resistencia, inseparable de la ternura y el misterio a la vez.

El encuentro con Clarice parte de una búsqueda que Susana desarrolla desde hace años sobre mujeres de América Latina que transformaron el dolor, el desarraigo y el silencio, en creación, dando voz a lo acallado. En ese recorrido viene creando obras con Selva Palomino y compartiendo con Lamberto Arévalo y Raúl Szkraba una investigación escénica donde el cuerpo, las imágenes y la palabra construyen otros lenguajes.

Con la lectura de Agua viva, El huevo y la gallina, sus cuentos… algo se desacomodó. En Clarice siempre hay otra voz, algo que está por decirse y se retira. Desde esa búsqueda, se le propuso a Selva crear una obra sobre Lispector.

La obra comenzó su propio viaje preestrenándose en Alemania, Nueva York y Panamá, y ahora llega a Buenos Aires. No se busca representar a Clarice, sino dejarse atravesar por su universo, en un cuerpo a cuerpo con el público, con este acontecimiento irrepetible que es el teatro. El equipo fabricó una especie de instalación intensa, narrada, encarnada. Las llamaradas de Clarice tomaron sus imaginarios y contagiaron de hechizos y paradojas.

Lo sonoro completa esta obra de ficción/verdad, donde los silencios pesan tanto como el grito y las palabras son fuerzas que dibujan un giro hacia adentro, rompiendo las fronteras entre lo material y lo espiritual que se encuentran en lo más cotidiano, un cosmos que se halla en los pliegues de cualquier mujer.

“Clarice” cuenta con animaciones especialmente creadas para la obra por Raúl Szkraba. Su estilo artesanal y gran talento como dibujante, hacen que se presenten otros mundos y se multipliquen de sentidos en escena, dialogando con el devenir de la obra y el tiempo.

“La realidad no tiene sinónimo”. La obra debía presentar algo nuevo, ¿sino para qué dedicarse al arte teatral? Selva Palomino, la dramaturga, escribió un posible diario de toda esta época de “impotencia” de Lispector, para que otra mujer lo encuentre y sea atravesada por su memoria. La sorpresa va a ser que dicha memoria es una memoria creadora, que atravesará de manera intempestiva el cuerpo en escena, llegando al punto en que ya no sabremos en dónde comienza ella y donde Clarice.

Lispector “desafía los límites de la literatura y solo la literatura puede contenerla”, dice Evando Nascimiento en un texto crítico. Ella, cuando escribe, percibe lo que violenta al pensamiento, y lo vuelca de manera pródiga y hasta con humor en toda la maravillosa producción que escribió en lengua portuguesa de Brasil, su lengua adoptiva a la fuerza. Escribir visibiliza su ser múltiple.

Con Haia -que así se llamaba de niña, hasta ser Clarice- recorre sus fantasmas de pequeña. Por momentos su cuerpo es atravesado por la fuerza de “tanatos” y en otros por “eros”. ¿Qué puede ser más difícil para alguien de la talla de Clarice que no poder escribir? “El arte no es libertad, es liberación”, dice. Pero Clarice-madre no se libera del fantasma del hijo, a pesar de lo cual la seducción de las scolas del carnaval de Río la invaden y le permiten enfrentarse a la máquina de escribir.

Desde el desastre, el incendio de Clarice, la obra inventa una mujer que (se) experimenta y es vidente de sí misma. ¿Una Clarice de otro mundo? ¿Qué lector o lectora fascinada por ella no es, en cierta forma, una nueva Clarice?

“Esta historia sucede en estado de emergencia y de calamidad pública” (C. Lispector). Invitamos a que la conozcan.

*CLARICE. Domingos 8, 15 y 22 de noviembre a las 16hs. Teatro El Extranjero (Valentín Gómez 3378, CABA). Entradas por Alternativa

**Por Lamberto Arévalo (Director) y Susana Yasan (Actriz)

Una caja guardada durante décadas en el archivo del Instituto Di Tella con el rótulo “Proyectos no realizados” se convirtió en el disparador de una de las piezas más singulares que, del 9 al 14 de noviembre, integrará la novena edición del Festival Callejón en el Espacio Callejón, del barrio porteño de Abasto, Humahuaca 3759, C. A. B. A. Aquella caja contenía cartas, bocetos e instrucciones de montajes que jamás llegaron a subirse a un escenario durante los años de experimentación artística y radicalización política de las décadas de 1960 y 1970. Ahora, un grupo de artistas los reactiva frente al público, bajo el formato de una conferencia performática.

Ese gesto, el de rescatar lo que quedó trunco para preguntarse qué puede decir todavía hoy, resume bastante bien el espíritu de un festival que en casi una década se volvió un punto de referencia para la escena independiente porteña. La curaduría, sostenida desde el origen por Ramiro Bailiarini y Zoilo Garcés, apuesta este año por una programación que mezcla estrenos, obras invitadas y procesos de investigación escénica, con el foco puesto en artistas jóvenes y en los cruces entre teatro, danza y música.

“La marca fuerte del Festival es la posibilidad de visibilizar el trabajo de artistas jóvenes, abiertos a la experimentación escénica y al cruce de lenguajes desde una mirada diversa e inclusiva”, resume Bailiarini al describir la columna vertebral de una propuesta que, edición tras edición, insiste en darle lugar a lo que todavía no tiene forma definitiva.

De una caja del Di Tella a una conferencia performática

Archivo de proyectos no realizados es, en ese sentido, la pieza que mejor encarna la pregunta que atraviesa a todo el festival: qué hacer con lo que no fue. Celia Argüello Rena, Nico Sosa y Wo Portillo del Rayo toman ese material de archivo y lo convierten en materia escénica, para indagar qué resonancias, interrupciones y futuros posibles puede activar en el presente aquello que quedó solo en el papel. La idea, la dramaturgia y la investigación de archivo pertenecen a Sosa, también integrante del elenco. La obra se presentará el jueves 12 a las 22:30 y el viernes 13 a las 20.

A esa exploración sobre lo inconcluso se suma otra historia, aunque de registro bien distinto, sobre la identidad impuesta. En El hijo de, escrita por Joaquín Moreno Ocampo y dirigida por Gianluca Zonzini, Ricardito Elhijovich es un joven actor que carga con el peso de ser hijo de un intérprete reconocido, mientras una industria convierte su vida en espectáculo permanente. Cuando intenta escapar de ese lugar, su representante encuentra a Gonchi, un cantante frustrado y físicamente idéntico a él, y le propone ocupar su lugar. Gonchi acepta para alcanzar la fama que persigue, pero termina atrapado en una identidad ajena. Moreno Ocampo protagoniza la obra junto a Daniela Korovsky y Justo Dell’Acqua, el lunes 9 a las 22:00 y el martes 10 a las 20:00.

Cuerpos que se transforman y viajes sin destino fijo

La danza tiene su capítulo propio con Animal anterior, dirigida por Denise Groesman y Agostina Luz López. Inspirada en la novela Animal sobre la piedra, de Daniela Tarazona, la obra sigue a Silvia, una mujer de setenta años interpretada por Silvia Estrín, que convive con una máquina y atraviesa una transformación progresiva: abandona aquello que la define como humana para volverse reptil. Mientras eso ocurre, la máquina también muta, se vuelve sensible y permeable al agua, al ambiente y a las emociones de Silvia. El trance funciona ahí como estado de posibilidad, un territorio desde donde reinventar la identidad y dejar que distintas formas de vida se contaminen entre sí. Se presenta el miércoles 11 a las 22:30 y el jueves 12 a las 20.

El tránsito también atraviesa Fronter, la obra que el colectivo Club Bizarre lleva a escena bajo la dirección de Flor Sánchez. Todo empieza cuando dos personajes encuentran un objeto en un bolso ajeno y emprenden un roadtrip que los lleva hasta un pueblo que se autoproclama estadounidense dentro de la Argentina, donde conocen a una camarera que desvía el rumbo de la historia. A través del humor y de la operación de video en vivo, la pieza construye un universo ficcional en tríptico que no revela del todo hacia dónde va, si hacia el fin de un viaje, el fin de una pelea o el comienzo de algo distinto. La obra había circulado como proceso de investigación en la edición 2025 del festival y ahora llega convertida en estreno de versión completa, el miércoles 11 a las 20 y el viernes 13 a las 22:30.

Completa la grilla Cae diagonal, pisa palito, el estreno de danza creado por Milva Leonardi junto a Abril Lis Varela, que se presenta en formato de work in progress con un invitado secreto que acompaña a Leonardi en escena, el lunes 9 a las 20 y el martes 10 a las 22:30.

Nueve años de autogestión, con la vista puesta en la próxima década

Detrás de esa variedad de lenguajes hay un modelo de producción que los propios curadores reivindican como marca de identidad. “En estos nueve años hemos trabajado de manera independiente y autogestiva, orientados a producir obras estreno y, a la vez, generar un espacio de exploración artística bajo el formato work in progress, que luego pueda convertirse en un futuro estreno de obra completa”, explica Garcés, en referencia a un esquema que permitió, justamente, que piezas como Fronter maduraran de una edición a la otra.

Con el décimo aniversario ya en el horizonte, el festival decide cerrar esta edición con una celebración aparte. El sábado 14 de noviembre, desde la medianoche, Maquinal (Anchorena 364, CABA) recibirá un live set de Dani Umpi, de Uruguay,, además de las presentaciones de Trucha, DJ Set Viejo Kaos y Marques Desastre, el proyecto de Felipe Saade.

Información para el público

El Festival Callejón 9 se desarrolla del 9 al 14 de noviembre en el Espacio Callejón (Humahuaca 3759, CABA). Las entradas cuestan 25.000 pesos, con una preventa de dos entradas por 36.000 pesos disponible a través de Alternativa.

Programación completa:

• Lunes 9 de noviembre, 20:00 y martes 10, 22:30: Cae diagonal, pisa palito
• Lunes 9 de noviembre, 22:00 y martes 10, 20:00: El hijo de
• Miércoles 11 de noviembre, 20:00 y viernes 13, 22:30: Fronter
• Miércoles 11 de noviembre, 22:30 y jueves 12, 20:00: Animal anterior
• Jueves 12 de noviembre, 22:30 y viernes 13, 20:00: Archivo de proyectos no realizados

* Espacio Callejón, Humahuaca 3759, C. A. B. A.

• Sábado 14 de noviembre, desde la medianoche: fiesta de cierre en Maquinal (Anchorena 364, CABA)

Curaduría y producción general: Ramiro Bailiarini y Zoilo Garcés.

Fotos y fuente: gentileza prensa Festival Callejón.

Soledad Silveyra ya imagina su regreso a los escenarios, aun cuando todavía transita una recuperación que requiere paciencia, cuidados y rehabilitación. En una charla con Catalina Dlugi en Agarrate Catalina, por La Once Diez, la actriz contó que tiene dos proyectos teatrales en carpeta para 2027 y que el productor Juan Manuel Caballé ya le habló de su vuelta.

“Me dijo: ‘Tengo la vuelta tuya’”, relató Silveyra sobre la visita que recibió en su casa de parte de Caballé. Aunque prefirió no revelar demasiados detalles porque aún no está confirmado el teatro donde se montará la obra, dejó en claro que volver a actuar ocupa un lugar central entre sus deseos para los próximos meses. “Tengo dos proyectos que me encantan”, celebró.

La propuesta que evalúa no estaría orientada a la comedia. Silveyra explicó que le interesa asumir un material con contenido dramático, de esos que acompañan al público más allá de la función. “Quiero cambiar un poco eso, de que el teatro no solo sea reírse, sino también que sirva a la sociedad”, expresó. “Que diga más cosas”, agregó.

La caída que cambió sus días y el esfuerzo por volver a caminar

El deseo de regresar al teatro convive con un proceso de salud que aún no terminó. Soledad Silveyra sufrió una caída el 6 de septiembre, que le provocó una fractura de pelvis y una fisura en el sacro. Estuvo internada durante 23 días y, tras recibir el alta, continuó con cuidados médicos en su casa.

La actriz habló con sinceridad sobre el impacto de aquellas primeras semanas. “Yo no les puedo decir a nuestros queridos oyentes lo que sufrí”, sostuvo durante la entrevista. Al ser consultada sobre su recuperación, hizo una aclaración que define su presente: “Todavía no es pasado. Estoy transitando la mitad del proceso”.

Camina con andador dentro de su hogar, pero para salir prefiere usar una silla de ruedas. “Me da mucho susto”, explicó al referirse a la posibilidad de perder fuerza o equilibrio fuera de su casa. Aun así, procura aprovechar los días de sol para salir acompañada y recuperar de a poco su rutina.

Con todo, Silveyra remarcó que conserva el ánimo. “Estoy muy bien de espíritu”, le dijo a Dlugi. Incluso bromeó con que el uso del andador y la silla le permitió ganar fuerza en los brazos: “Ahora sí estoy echando unos brazos y unos músculos. Eso me tiene chocha”. La recuperación, señaló, se volvió parte de una rutina acompañada por su familia, sus cuidadoras y el equipo médico.

La intérprete llevaba 45 días de rehabilitación y aguardaba una nueva radiografía para conocer la evolución de las lesiones. Espera que el estudio confirme la consolidación del hueso, una etapa que podría ayudarla a disminuir las molestias y avanzar con mayor seguridad en los ejercicios de recuperación. “Una vez que selle, ya se supone que tendré menos dolor”, explicó.

Silveyra reconoció que el dolor cedió respecto del inicio, aunque todavía debe recurrir a medicación algunos días. “No me duele como al principio”, aclaró, antes de contar que los antiinflamatorios le provocan hinchazón en los pies. “La verdad que cuesta”, resumió.

Los médicos evitaron que permaneciera en reposo absoluto. “No me dejaron para nada estar en la cama. Me levantaban a cada hora”, recordó. Esa indicación buscó cuidar la musculatura y prevenir que el cuerpo perdiera fuerza, por lo que pudo iniciar una rehabilitación temprana dentro de las posibilidades que le imponen las lesiones.

El homenaje, la familia y la ilusión de una vuelta cercana

Durante este período, Silveyra recibió un homenaje a la trayectoria en los premios ACE. Como no estaba en condiciones de asistir, su hijo menor, Facundo, fue quien subió a recibir la distinción. La actriz recordó ese gesto con emoción y destacó el acompañamiento de su familia.

También evocó su experiencia laboral junto al fallecido Luis Brandoni, a quien dijo extrañar mucho. “La verdad que trabajar con Beto fue maravilloso”, afirmó. Además, contó que mantiene una relación cercana con Saula Benavente, compañera del actor, quien la ayudó a preparar el video para el reconocimiento. “Es una hermana del alma”, dijo sobre ese vínculo.

Por ahora, la prioridad de Silveyra es recuperarse y seguir los pasos indicados por sus médicos. Pero el teatro ya aparece como una promesa concreta. “Me la juego”, afirmó sobre los proyectos que espera encarar cuando su cuerpo le permita retomar, con calma, el ritmo de los ensayos y el encuentro con el público.

Nadie esperaba que Malvinas volviera a ocupar el centro de la escena pública argentina de esta manera. Pero el 15 de julio de 2026, en Atlanta, Giovani Lo Celso desplegó una bandera con la leyenda “Las Malvinas son argentinas” ante las cámaras de todo el mundo, segundos después de que la selección argentina derrotara 2 a 1 a Inglaterra en la semifinal del Mundial 2026. Lo que siguió fue una cadena de reacciones que nadie pudo ignorar: el gobierno del primer ministro Keir Starmer exigió una investigación de FIFA, el presidente Javier Milei salió a defender la vía diplomática como camino válido para el reclamo de soberanía, y el archipiélago volvió a ser, de golpe, una herida abierta en el debate nacional.

En ese contexto inesperado, Javier Daulte estrena una obra que lleva dos años de gestación y que, de pronto, llegó cargada de una actualidad que él mismo no había previsto. Pero antes de hablar de la obra, habla de sí mismo, con una fluidez que reparte entre el teatro, la publicidad y la topología. Hasta que la conversación llega a Malvinas y algo se quiebra. “Yo fui soldado en el 63, soy clase 63”, dice, y la voz empieza a tensarse. “Estaba bajo bandera en un momento del conflicto, de la guerra, y no fui de casualidad.”

El relato avanza con precisión, casi militar: “Si eso duraba una semana más, me mandaban. Lo digo con certeza porque yo estaba en la compañía de comando del regimiento de Patricios y era el que hacía las listas de soldados.” Lo que viene después no es un recurso dramático ni una estrategia de entrevista: es una pausa real, involuntaria, la de alguien que se topa de frente con algo que todavía duele. Tose, exhala, busca el aire antes de seguir: “Es un período del país y de mi vida. De hecho, ahora no voy a poder hablar... Me cuesta mucho hablar, y lo único que pude hacer fue escribir una obra”, confiesa conmovido.

Javier Daulte es dramaturgo, guionista y director, uno de los más relevantes de la escena teatral contemporánea. Integrante y sobreviviente del ya desaparecido grupo Caraja-ji, también fue director artístico del Teatro La Villarroel de Barcelona entre 2005 y 2008, dicta regularmente seminarios de actuación y dramaturgia en Madrid y Barcelona, y sus obras circularon por festivales como Avignon, Shizuoka y el Festival Grec. Actualmente dirige el Espacio Callejón y en 2017 publicó su primera novela, El circuito escalera.

La cuestión Malvinas, es el núcleo de El movimiento. El pasado no se detiene, la obra que escribió y dirige en la Sala Orestes Caviglia del Teatro Nacional Cervantes. La pieza transcurre en una agencia de publicidad que debe preparar una campaña sin saber qué producto tiene que vender, hasta que una clienta irrumpe con una historia que conecta el presente con la guerra de Malvinas. El elenco está integrado por Vale Camino, Ramiro Delgado, Julia Gárriz, Jorge Gentile, Luciana Grasso, Silvina Katz, Paula Manzone, Agustín Meneses, William Prociuk y María Villar. Las funciones se extienden hasta el domingo 13 de diciembre, de jueves a domingo a las 21.

El movimiento: Malvinas, la publicidad y el servicio militar de Daulte

—¿Por qué aparece Malvinas en esta obra, y cómo llegó la idea de situarla en una agencia de publicidad?

—Empecé a trabajar sobre este material hace dos años. Este presente que adquirió Malvinas no estaba para nada presente en aquel momento. Notable... Justamente antes de que hubiera esta especie de retorno de Malvinas, había que explicarle todo a los chicos del elenco (a los más jóvenes, ciertamente): es historia que todavía sigue oculta en este país. A partir de leer una entrevista a Claudia Sánchez, una famosa exmodelo, donde ella cuenta cómo lo de Malvinas la atravesó, apareció esto que es el mundo de la publicidad. Porque todo ocurre ahí, donde un grupo de creativos tiene que preparar una campaña para una mujer que nadie sabe quién es y que tampoco dijo cuál es el producto. Alrededor de esa intriga inicial se va armando todo, y Malvinas se cuela de la forma más impensada. La obra está inspirada en ese reportaje, pero hay toda una zona totalmente fabulada y ficcionada, que no tiene nada que ver con ella ni con las cosas que hizo. Fue un gran punto de partida para el guion.

El teatro como forma de pensamiento

—¿Hay diferencia entre escribir con un mensaje y escribir una obra que construya un mundo?

—El teatro no es un medio de comunicación. Es otra cosa. El arte no es un medio de comunicación, lo cual no quiere decir que no comunique. Es una obra en la que forma y contenido son imposibles de separar, para generar un conjunto de elementos que tiene que ver con la emocionalidad, con el relato, con la teatralidad, con las actuaciones que se convierten en una impresión. Buscan crear, imprimir algo en el espectador. Una obra de arte imprime algo en nosotros. Yo uso el teatro para reflexionar. Me meto en un universo para que sea la manera que tengo de reflexionar. Yo no sé nada. Opinamos de política, de economía, de psicología, de sociología. Yo escasamente estudié psicología, leo bastante, me trato de informar, pero mi arte es lo único que conozco. Es mi única manera de conocer y entender el mundo. Lo otro son opiniones de cualquier hijo de vecino, tan válidas como las de cualquier hijo de vecino. Si algo habla a través de mí es eso que hago cuando hago teatro.

Dirigir textos propios y ajenos

—¿Cambiás tu manera de trabajar según si dirigís un texto propio o ajeno?

—Trato de trabajar de la misma manera con un texto ajeno o uno propio. También trabajo con el mismo rigor en un teatro público, en uno comercial o en el Callejón. Lo que tengo que lograr con un texto ajeno es tratarlo como si fuera propio: saber que, como todo texto, puede tener problemas y hay que resolverlos. De la misma manera, cuando hago un texto mío lo trato de ver como si fuera ajeno, algo que miro desde afuera y que tengo que entender y encontrarle sus claves. La Compañía Callejón es el grupo que fundamos cuando decidimos hacer un tercer espectáculo juntos, el mismo elenco, después de Luz testigo y El sonido. Me importa mucho nombrarla. Terminé de escribir esta obra a comienzos del año pasado. La fuimos ensayando como podíamos durante el año y, hacia fin de año, hicimos una especie de pasada bastante agarrada con alambres de la totalidad. Eso me permitió, durante este año, revisitar el texto y entenderlo mejor, porque al verlo encarnado por los actores muchas cosas se me resignificaron.

—¿Cómo describirías la estructura de la obra?

—Es una especie de objeto topológico. Siempre fui muy fan de la topología, de la cinta de Moebius. Esto es como una botella de Klein, un objeto que toma mucho el psicoanálisis para explicar el funcionamiento del inconsciente. Es una historia que se comprende perfectamente, pero la forma de contarla es muy teatral.

Una incursión en la literatura

—¿Qué te llevó a escribir una novela y qué encontraste en la narrativa que no tenías en el teatro?

—Estaba un poco saturado, me había pasado de rosca trabajando. Se me juntaron compromisos en España y en Argentina, al punto de estar a punto de decir que no quería dirigir más. Dije: me quiero sumergir en otro océano, voy a ir a la narrativa. Me pareció una tarea gigante, imposible. La empecé como casi una cosa terapéutica, para dejar de lado un rato el teatro, para hacer algo que nadie estaba esperando de mí. Ni soñaba con publicarla alguna vez. Estaba bueno también la soledad, porque el teatro es siempre con alguien. Esa soledad en la escritura la disfruté mucho. Y disfrutaba también el abuso de la extensión: una obra de teatro se escribe sabiendo que lo ideal sería que durara una hora veinte. Me ayudó mucho un amigo interlocutor que venía a casa, le leía, tomábamos vino y debatíamos. Se llama Leandro Arecco, a quien le agradezco explícitamente en las primeras páginas del libro.

—¿De dónde viene el título Circuito escalera?

—En principio se llamaba La amenaza, pero en la editorial me recomendaron buscar otro título porque era demasiado genérico. En ese título que al final no fue estaba un poco encerrado el concepto de la novela: la idea de que todo el tiempo vivimos con la sensación de una amenaza, es decir, vivimos amenazados. La sensación es que nos vamos a quedar sin plata, que nos van a traicionar, que vamos a tener un problema de salud o que le va a pasar algo a alguien querido. Y al mismo tiempo, nunca aquello por lo que nos sentimos amenazados va a ocurrir. Después nos van a ocurrir cosas en la vida, pero nunca aquello que creíamos que nos iba a pasar. Es muy curioso: ese es el espíritu que recorre la novela todo el tiempo, y quizá por eso se deja leer con un poquito de ansiedad. Ya reincidí en la narrativa, lo que pasa es que no lo publiqué. Es algo que escribí en pandemia, se llama Los Tlonomitas. Estuve a punto de publicarlo, ya lo haré. Empezó como un cuento que se fue alargando hasta convertirse en una novela corta. Nosotros en el teatro estamos muy acostumbrados a lo inmediato: una obra de hace cinco años es algo que ya pasó. Una novela no es algo que ya pasó, tiende a permanecer, sobre todo ahora que tenemos el ebook, que ni siquiera hace falta estar en una librería.

El misterio del teatro

—¿Cuál es, para vos, el misterio del teatro frente a una época dominada por las pantallas?

—La simultaneidad: uno lo está viendo en el mismo momento en que lo están haciendo. Es como ver cocinar a alguien, es apasionante... Ocurre mientras lo miro, no ocurrió antes. Cuando vemos una pantalla, yo digo: ¿y qué estará haciendo ahora este actor que estoy viendo? Estará durmiendo, se estará duchando, estará de vacaciones, estará manejando en la autopista. No está ahí. Lo simultáneo genera ceremonia. Por eso tiene ceremonia el teatro y tiene ceremonia el concierto de música. Cuando no hay esa simultaneidad, no hay ceremonia: por eso el cine no tiene ceremonia, salvo que los artistas estén el día del estreno y hablen antes o después de la proyección. Ahí uno dice: estamos acá, en simultáneo. Los que están en la pantalla, sé dónde están: sentados en la misma platea, mirando lo mismo que estoy mirando yo.

En una cobertura especial el equipo de Infobae tuvimos la oportunidad de ver El Rey León, detrás del escenario del Teatro Telcel, y conocer en voces de sus actores y productores el mecanismo detrás de sus marionetas gigantes: algunas superan los veinte kilos y conviven con maquillajes elaborados y actuaciones que buscan borrar la línea entre el actor y el animal que representa. Durante una visita al backstage de la producción, el equipo técnico y el elenco mostraron cómo se logra esa transformación.

La jirafa, uno de los personajes más llamativos del montaje, alcanza más de cuatro metros de altura gracias a dos zancos que el actor controla con entrenamiento físico previo. Javier Herrera, jefe de vestuario de la obra, explicó que el diseño busca que “se vea la unión que tiene con el actor”, en línea con el concepto original de la directora Julie Taymor: exhibir el mecanismo de la marioneta en lugar de ocultarlo.

Cómo funcionan las marionetas de El Rey León

Cada marioneta está diseñada bajo un mismo principio: pesar lo menos posible para que el actor tenga control total de sus movimientos. En el caso de la Chita, dos hilos conectados a una pieza de hule permiten mover la cabeza del animal sin generar tensión de ningún lado. Dos bastones de fibra de carbono reproducen el movimiento de las patas delanteras, y toda la estructura combina fomi con un armazón interno de aluminio.

La máscara de Scar, interpretado por Carlos Quezada, pesa aproximadamente setecientos gramos y funciona con dos comandos: uno para el boom y otro exclusivo para el gesto facial. El actor explicó que cualquier desfase en el movimiento del cuerpo puede provocar que la estructura golpee su propio rostro, lo que obliga a un control corporal constante durante la función.

La Chita completa, con todo y vestuario, pesa alrededor de cinco kilos, distribuidos principalmente en la cintura de quien la interpreta. A diferencia de otros personajes principales, no existe una marioneta de repuesto para este animal: si algo se rompe durante la función, el equipo técnico debe repararlo en menos de un minuto apenas la actriz sale de escena.

El puppet más pesado de toda la producción corresponde a Pumba. Solo la cabeza pesa ocho kilos y medio, y la estructura trasera suma otros doce, lo que equivale a cargar una mochila de ese peso durante toda la función. En total, el actor que lo interpreta, Sergio Carranza, sostiene cerca de veintidós kilos sobre su cuerpo, incluida la peluca. En el extremo opuesto están las Bee Ladies, hechas de tela y alambre, con un peso de entre dos y tres kilos.

La transformación en vivo del actor en jirafa

La marioneta de la jirafa, pese a su tamaño imponente, pesa un máximo de dos kilos, ya que la pieza más pesada se concentra en la estructura corporal y no en la cabeza. Está hecha con fibras naturales y pintada completamente a mano, con mantenimiento constante para conservar su apariencia.

El actor que la interpreta necesita entre uno y dos meses de ensayo exclusivo sobre zancos antes de integrarse a la escena completa. Mickey Beige, quien da vida a este personaje, contó que su preparación incluyó visitas a un zoológico para observar de cerca la forma de caminar y de comportarse del animal real.

La transformación requiere coordinación directa con el vestuarista para ajustar la inclinación de la cabeza mediante un sistema de bungee, que evita que la pieza caiga sobre el actor y, al mismo tiempo, le da seguridad para moverse sin perder el equilibrio en los zancos.

Tanto Herrera como el equipo de stage management coinciden en que la jirafa es el personaje más riesgoso de manejar, junto con el elefante, que también exige un entrenamiento extenso para controlar sus cuatro patas de forma simultánea. Durante la función, la jirafa aparece en tres momentos puntuales de la historia.

Preparación física y actoral del elenco

Ninguno de los actores principales eligió directamente su personaje. Según explicaron, todos pasan por un proceso de casting donde directores y jueces determinan, a partir de la calidad de movimiento y la interpretación musical, qué papel se ajusta mejor a cada intérprete. En el caso de Carlos Quezada, los callbacks lo llevaron de forma consistente hacia Scar hasta quedar como titular del personaje.

La preparación incluyó sesiones de “mirror work” o trabajo de espejo, donde los actores aprendieron a sentir el peso y el movimiento de cada marioneta antes de incorporarla a una escena completa. El director Hans, proveniente de Broadway, guio los ajustes específicos de cada personaje, como el momento exacto para subir o bajar la máscara.

La actriz que interpreta a la Chita, identificada como Lule, relató que su trabajo exigió observar videos del animal real para reproducir su forma de acechar y de moverse. “Hoy en día puedo hacer prácticamente lo que desee y darle al público esa parte donde diga: ni siquiera me doy cuenta que eres una persona, siento que eres un animal”, describió sobre el resultado de ese proceso.

Quezada, por su parte, señaló que la corporalidad de Scar debe ser angulosa en contraste con la forma circular de la máscara de Mufasa. Ese contraste físico, explicó, responde también a la psicología del personaje, construido como una figura “totalmente rota”. El entrenamiento físico incluye trabajo de piernas y espalda para sostener los desplantes frontales que exige el papel durante toda la función.

Vestuario, maquillaje y las escenas más exigentes

La caracterización de los personajes principales toma alrededor de cuarenta y cinco minutos de maquillaje en cada función, con un retoque adicional cuando hay doble función en un mismo día. El tiempo de vestuario, en cambio, ronda los diez minutos, aunque el peso de algunas piezas obliga a los actores a moverse con precaución.

La actriz que interpreta a la Chita es quien más cambios de vestuario realiza durante la función: un total de quince a lo largo de la historia. El resto de los actores principales tiene entre trece y catorce cambios distintos.

Dentro del elenco, la escena identificada como la más compleja de ejecutar varía según el rol. Para el equipo de stage management, la estampida representa el mayor desafío porque reúne numerosos movimientos simultáneos que deben coordinarse con precisión. Para los bailarines, en cambio, la confrontación final, donde se enfrentan Simba, Scar, las hienas y las leonas, concentra la mayor cantidad de acción escénica.

Una producción que llegó desde Brasil

La versión que se presenta actualmente en el Teatro Telcel forma parte de la gira internacional de El Rey León y, según explicó el equipo de puppets, lleva el nombre “Jirafa”, designación que reciben las distintas producciones del musical según la ciudad donde se presentan. Antes de llegar a México, esta producción se presentó en Brasil.

Todo el vestuario, las marionetas y la utilería viajan como parte del montaje de esta producción específica. El equipo encargado de los puppets se dedica a ajustar cada pieza a la persona que la utilizará, además de capacitar al elenco durante un período de uno a mes y medio en detalles de pintura y reparación, con apoyo directo de Paragon, la empresa creadora de las marionetas.

De acuerdo con información del sitio oficial de la producción en México, el musical regresó a la Ciudad de México el 20 de marzo bajo la producción de OCESA, convirtiéndose en la novena puesta en escena que se presenta de manera simultánea en el mundo, junto con las de Broadway, la gira estadounidense, Tokio, Londres, Hamburgo, Toronto, Madrid y París.

El fenómeno mundial detrás del musical

El Rey León se estrenó en Broadway el 13 de noviembre de 1997 y, de acuerdo con el sitio oficial de la producción, en 2025 cumplió 27 años de presentarse de manera ininterrumpida en esa ciudad. El musical está producido por Disney Theatrical Group, bajo la dirección de Andrew Flatt, Anne Quart y Thomas Schumacher.

Dentro del equipo creativo original se encuentra Julie Taymor, responsable de la dirección, el diseño de vestuario y el codiseño de máscaras, quien se convirtió en la primera mujer en ganar un Premio Tony como mejor directora de un musical. La obra ha sido representada en más de cien ciudades de 24 países en todos los continentes, con excepción de la Antártida, y se ha traducido a nueve idiomas: inglés, japonés, alemán, coreano, francés, neerlandés, español, mandarín y portugués.

Según datos difundidos por la producción, su recaudación mundial supera la de cualquier película u otro título de entretenimiento en la historia del espectáculo en vivo. El musical ha acumulado más de 70 premios teatrales a nivel internacional, incluidos seis Premios Tony obtenidos en 1998, entre ellos el de mejor musical.

La fusión entre maquillaje, actuación y marionetas

El resultado de este trabajo técnico y físico se traduce, según describieron los propios actores, en una experiencia donde el público deja de distinguir al intérprete de la marioneta que sostiene. Carlos Quezada explicó que, antes de incorporar la máscara, el elenco trabaja la interpretación “sin el puppet encima”, para construir primero la parte humana del personaje: sus sentimientos y su psicología, antes de sumar la mecánica del movimiento.

Esa combinación entre fondo y forma, dijo, es lo que permite que la marioneta deje de sentirse como un objeto externo y se convierta en una extensión del cuerpo del actor. Lule coincidió en que ese proceso de fusión es, en sus palabras, “la magia de ya lograr fundirnos uno con otro” frente al público.

La actriz que interpreta a Gracia, la jirafa, Mickey Beige, agregó que el aprendizaje no se limitó al equilibrio físico sobre los zancos, sino también a reproducir el temperamento del animal real: su forma tranquila de caminar y de relacionarse con el entorno. “Es bien bonito y impresionante verlo”, comentó sobre la reacción habitual del público al ver salir a la jirafa por primera vez en escena.

Lo que Beckett propuso fue una ruptura radical con la estructura dramática que el teatro occidental había sostenido durante siglos. Si la esencia de la escena es la acción, él la dejó suspendida: no la eliminó, sino que la mantuvo como una tensión silenciosa que ningún personaje se decide a encarnar. Sus criaturas no tienen nada que hacer; el tiempo en que esperan a Godot lo ocupan en actividades mínimas, insignificantes, que no alcanzan la envergadura de una trama convencional. El resultado es una acción sin sujeto, donde el tiempo vacío de propósito se convierte en el verdadero material de la obra.

La enorme performance escénica de los dos protagonistas carga con el peso de una comedia trágica y existencialista que se apoya en los contrapunto entre dos pobres hombres. Aráoz (Estragón), con el tono quejumbroso de su voz y un repertorio casi ilimitado de expresiones; Ziembrowski (Vladimir), ocurrente y capaz de mantenerse activo con una recorrida ida y vuelta del amplio escenario que, por más de un motivo, es una metáfora del vacío que los cubre. Hablan, se ríen, recuerdan, juegan, sueñan, se lamentan y coquetean con el absurdo (“dame un beso”, le dice Aráoz en un momento inocultablemente olmediano del texto festejado por la platea). Osvaldo Santoro (Pozzo) y Pablo Seijo (Lucky), eventuales visitantes al desértico panorama, ponen lo suyo como esos otros dos personajes que beben del vacío existencial que todo parece invadirlo. En dos momentos clave de la pieza, emerge un niño -interpretado alternativamente por Oliverio Beccaria Hermida y Gonzalo Nahuel Aguirre- que precipita el gople de realidad. Godot no vendrá hoy, tal vez mañana, anuncia.

La dirección corresponde a la española Helena Pimenta , cuyos galones incluyen haber sido la primera mujer en dirigir la Compañía Nacional de Teatro Clásico de España y ser la ganadora del Premio Nacional de Teatro español y de la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. Para esta producción, la directora parte de una premisa clara sobre la vigencia de la obra. “Está en el corazón de la pieza y tiene que resonar en el oído del espectador”, señala sobre la tensión central que genera la espera. La puesta en escena, austera y complementaria, opta por un tablado a la antigua, un espacio vacío y roto que Pimenta describe como “un escenario de pensamiento, de contraste entre los seres humanos que empiezan a abandonarse”. La apuesta estética refuerza la idea central de Beckett: el tiempo es el soporte de la obra, y cuando se lo presenta desnudo, sin nada que lo aplaque, surge una mirada distanciada sobre la propia existencia.

Esperando a Godot no nació en el vacío. Beckett la escribió en francés entre 1948 y 1949, en la posguerra inmediata, cuando Europa procesaba el horror de los campos de concentración nazis y comenzaba a desencantarse del régimen soviético. El filósofo Michel Foucault, que presenció la función parisina de 1953, la recordaría años después como “una actuación que dejaba sin aliento” y el punto de quiebre de su generación intelectual. Beckett creó personajes que son sobrevivientes: la contracara exacta del héroe trágico clásico. Donde el héroe sacrificaba su vida por un sentido, Vladimir y Estragon eligen vivir sin sentido. Han renunciado a cualquier objetivo. Están en un espacio incierto, un camino sin nombre, acompañados únicamente por un árbol que oficia de referencia imprecisa para el encuentro con el esperado personaje. El proceso de desubjetivación que escenificó Beckett es el retrato de una humanidad que el siglo XX había vaciado de certezas.

La obra dialoga con las filosofías existencialistas de Jean-Paul Sartre y Søren Kierkegaard: Vladimir y Estragon deciden libremente esperar a Godot sin tener certeza alguna de que llegará. Esa libertad, sin embargo, no los redime; los condena a una soledad radical. El universo beckettiano no ofrece salvación ni resolución: presenta la vida como un ciclo repetitivo, donde el tiempo es ambiguo y los personajes no recuerdan con claridad el pasado ni pueden distinguir un día del siguiente.

Los personajes existen porque hablan

Uno de los hallazgos más comentados por la directora es el rol que el lenguaje ocupa en la dramaturgia beckettiana. “Los seres beckettianos existen porque hablan. La acción ya no es una posibilidad, sino un elemento ficcional, una suerte de representación en el plano de la vida. Entonces solo queda la palabra como un territorio que los ubica en un nivel diferente”, explica Pimenta.

Esa palabra, sin embargo, no produce correspondencia entre lo dicho y lo hecho. El cuerpo acusa una actitud inconducente; el movimiento escénico no confirma el discurso; lo que realmente pasa en escena y lo que los personajes dicen que pasa son dos realidades paralelas que nunca se tocan. Es allí donde radica la incomodidad productiva que la obra genera en el público, una incomodidad que Beckett calculó con precisión: el sinsentido no puede completarse con un nombre ni con una forma definida, porque llenarlo implicaría traicionar la pregunta que la pieza formula. Todos esperamos por algo, al fin y al cabo.

*Esperando a Godot se presenta de miércoles a sábados a las 20 horas, y domingos a las 19 en el Teatro Presidente Alvear (Av. Corrientes 1639, CABA).

[Fotos: Carlos Furman / prensa CTBA]

El Exorcista estrena este 28 de octubre en el Teatro México una adaptación teatral que promete recrear los momentos más perturbadores de la novela de William Peter Blatty, con Ana Claudia Talancón y Bruno Bichir al frente del elenco.

La temporada regular arranca el 30 de octubre y se extiende hasta el 29 de noviembre. El montaje se presenta en el Centro Cultural Manolo Fábregas, ubicado en la colonia San Rafael, alcaldía Cuauhtémoc.

Rafael Perrín promete recrear las escenas más extremas de la película original

La dirección está a cargo de Rafael Perrín, quien en conferencia de prensa adelantó el nivel de fidelidad que tendrá la puesta en escena respecto al filme estrenado hace más de 50 años. “Sí va a girar la cabeza, sí va a levitar la niña, sí va a vomitar la niña, sí va a hacer todas las salvajadas que Linda Blair hizo hace 50 años”, dijo Perrín.

La dramaturgia corresponde a John Pielmeier y la producción es responsabilidad de Omar Suárez y César Perrín. La obra apuesta por el impacto visual para recrear una historia donde la fe se enfrenta a lo inexplicable.

El elenco encarna a los personajes centrales de la trama

Ana Claudia Talancón interpreta a Chris MacNeil, madre de Regan, mientras que Bruno Bichir da vida al padre Damien Karras. Completan el reparto Vicente Torres, Eugenio Bartilotti, Javier Díaz Dueñas, Edgar Calles y Ricardo Silva.

La protagonista infantil es Camila Suárez, de 12 años, quien debuta en los escenarios teatrales con el papel de Regan MacNeil, la niña poseída por el demonio Pazuzu.

Camila Suárez cuenta con acompañamiento psicológico durante los ensayos

Dada la intensidad emocional del personaje, Suárez recibe apoyo psicológico durante los ensayos y su psicóloga la acompañará en cada función. El elenco adulto también la cuida en cada momento del proceso.

Talancón reconoció que el género de terror no es de su preferencia, pero consideró el proyecto como un reto personal. “El guion me encantó. Soy muy miedosa y normalmente no me gusta ir a ver películas de miedo”, confesó la actriz.

La actriz también señaló que el elenco le explicó los temas complejos que aborda la historia. “Como lo que es una persona pederasta, como lo que es el abuso físico, mental, palabras específicas, groserías”, dijo Talancón.

Bruno Bichir interpreta la obra como una lucha entre el bien y el mal

Para Bichir, la historia trasciende la posesión demoníaca y conecta con conflictos humanos universales. “Y siempre estará entre nosotros, creo yo. Entonces, pues como está anidado ahí, ¿no? Nuestros miedos pareciera infundados a cualquier cosa que nos enfrentemos”, expresó el actor.

La trama sigue a Chris, quien busca ayuda de la Iglesia ante fenómenos que desafían las explicaciones médicas de su hija. Los padres Damien Karras y Merrin emprenden entonces un exorcismo que pondrá a prueba su fe.

El Exorcista: precio de las entradas para el teatro

Los boletos para las funciones de El Exorcista en el Teatro México tienen un costo de 1,062 pesos en Plata Baja y 855 pesos en Balcón, a la venta en Ticketmaster y taquillas del recinto.

Horarios y funciones especiales de estreno

El 28 y 29 de octubre se realizarán dos funciones especiales de estreno a las 8:30 de la noche. Las funciones regulares serán los viernes a las 8:30, sábados a las 6:00 y 8:30, y domingos a las 6:00.

Funciones y boletos:

• Estreno: 28 y 29 de octubre, funciones especiales a las 8:30 p.m.
• Funciones regulares: viernes 8:30 p.m., sábados 6:00 y 8:30 p.m., domingos 6:00 p.m.
• Temporada disponible hasta el 29 de noviembre
• Precios: Plata Baja $1,062 pesos, Balcón $855 pesos (más cargos por servicio en Ticketmaster)

El Teatro México se ubica en la calle Joaquín Velázquez de León número 31, en la colonia San Rafael. Los precios de los boletos aumentan por cargos de servicio cuando se adquieren a través de Ticketmaster.

La actriz estadounidense recibió un reconocimiento a toda su trayectoria en el certamen italiano y aprovechó la conferencia de prensa para explicar por qué aceptó interpretar a Mona, una mujer relegada dentro de su propio hogar que encuentra una oportunidad de transformación en una compañía teatral amateur.

“Para mí eso es más interesante que contar la historia de un asteroide que cae sobre la Tierra”, afirmó, según recogió Vanity Fair.

El teatro como refugio para una mujer ignorada por su familia

En “El debut”, la actriz de 65 años encarna a Mona, un ama de casa introvertida cuya presencia pasa inadvertida para su marido y sus hijos.

El personaje encuentra un espacio propio cuando se incorpora a un grupo de teatro amateur, donde asume el papel de Miss Danielle y descubre una faceta que hasta entonces permanecía oculta.

La película fue escrita, dirigida y protagonizada por Jesse Eisenberg, quien definió el proyecto como “una carta de amor al teatro”. El director explicó que el argumento contiene elementos de su propia historia y de los años en los que atravesó la timidez y la sensación de invisibilidad.

“La película se inspira en gran medida en mi vida. Al igual que Mona, yo también era tímido de joven, me sentía invisible, no tenía amigos, hasta que encontré un hogar en una comunidad teatral”, señaló Eisenberg durante la presentación, de acuerdo con Vanity Fair.

El cineasta señaló que la historia también aborda las situaciones disparatadas que pueden surgir en torno a una producción musical. “El tema pone de relieve los aspectos más absurdos del musical y el tono tiene cierto toque absurdo, pero mantiene los pies bien plantados en la tierra”, añadió.

La precisión del guion de Eisenberg, según Moore

Eisenberg escribió el personaje de Mona con la actriz en mente. Según relató, una voz que Moore utilizaba para bromear durante un rodaje anterior quedó presente en su memoria y terminó por influir en la construcción del papel.

“Julianne es una mujer brillante, glamurosa, capaz de pasar del drama a la comedia con naturalidad. No conozco a nadie tan buena en ambos ámbitos”, destacó el director sobre la protagonista de la película. También agradeció a Moore por haber contribuido a que la película alcanzara una mejor versión.

La intérprete respondió con elogios hacia el libreto. “Simplemente es uno de los guiones más bonitos que he leído en toda mi carrera”, aseguró. Para Moore, el texto “sabe construir un mundo” y propone una comedia alrededor del sentido de pertenencia.

La actriz también vinculó la dificultad interpretativa con la calidad de la escritura. “Las cosas solo son difíciles cuando el guion no es bueno; el de Jesse es magnífico: tiene un lenguaje preciso y cuidado y te dan ganas de desaparecer en el personaje”, expresó.

Moore sostuvo que la naturalidad de los diálogos fue una de las características que más valoró. “Está tan bien escrito que parece que haya sido improvisado porque las palabras fluyen de forma natural”, indicó.

El deseo de Moore de pasar inadvertida

La sensación de desaparecer que atraviesa a Mona guarda un punto de contacto con experiencias de la propia actriz. Moore afirmó que, fuera de las cámaras, disfruta de momentos sin exposición pública.

“Claro, me gusta estar bajo los focos, pero siempre le digo a mi marido que, a veces, no hay nada mejor que ponerme lo primero que encuentro en el armario y dar vueltas por casa sin maquillaje, o tomar el metro para ir al gimnasio o al supermercado”, relató.

La ganadora del premio en Roma aclaró que no deja de ser reconocida en esos desplazamientos, aunque percibe una diferencia personal. “Claro, no soy invisible, pero en ese momento no me siento una figura pública”, explicó.

En el escenario, Mona interpreta a Miss Danielle, un personaje secundario que adquiere una dimensión central para la protagonista. Moore definió esa figura como “un homenaje a Liza Minnelli y a todas las grandes mujeres del universo de los musicales a las que admiro”.

El film cuenta también con Paul Giamatti, quien interpreta al director gruñón de la obra teatral en la que participa Mona. La película llegará a los cines el 1 de enero de 2027, después de sus presentaciones en Nueva York y de la apertura del Festival de Varsovia.

Valeria Cancino encabeza el elenco de “Ana en Tierra de Amapolas”, una adaptación contemporánea de Antígona, de Sófocles, que se presenta en el Foro Lenin de la Ciudad de México desde el pasado 6 de octubre. La actriz interpreta a una mujer que desafía a la autoridad para darle sepultura a su hermano, en una historia atravesada por temas de duelo, injusticia y violencia.

La obra, con dirección de Lucía de Guadalupe Cancino, tiene funciones programadas para el martes 27 de octubre, además del 10, 17 y 24 de noviembre, y cierra temporada el 1 y el 8 de diciembre, siempre a las 20 horas en el recinto ubicado en la colonia Roma Norte.

La historia traslada el mito griego al contexto de la violencia en México

“Ana en Tierra de Amapolas” sigue a una mujer que regresa a Pueblo Viejo tras huir a la ciudad, marcada por las circunstancias de su familia, y encuentra el cuerpo de su hermano colgado de un puente. El comandante Crescencio, jefe de la policía local, prohíbe que el cuerpo sea enterrado bajo amenaza de un castigo mortal para quien lo desafíe.

Valeria Cancino explicó a Infobae México que la obra traslada la estructura de Antígona a un escenario reconocible para el público mexicano actual. “Es una adaptación a nuestros tiempos de Antígona, de Sófocles, que aunque suena un texto muy antiguo, de años muy pasados, está supervigente a cualquier época que lo quieras adaptar”, afirmó la actriz.

Sobre el contenido específico que encontrará el público en la sala, Valeria Cancino fue directa: “Hablamos de duelo, hablamos de muertes, hablamos de injusticias, hablamos de luchar por las ideas que uno tiene. Hablamos un poco, no a profundidad, pero sí un poco de esto que nos aqueja día con día en México”, señaló, en referencia al tráfico de drogas y las desapariciones.

La actriz cuestiona por qué el texto sigue vigente dos mil años después

Al ser consultada sobre la facilidad con la que un texto escrito en la Grecia clásica puede trasladarse al México de 2026, Valeria Cancino prefirió no hablar de viabilidad, sino de preocupación. “No sé si la palabra sea viable. Más bien no sé si preocuparnos, porque todo este tipo de temas fuertes donde seguimos luchando por nuestros ideales o por defender el honor de las personas sigue hasta nuestros tiempos”, explicó.

La actriz comparó esa permanencia con una especie de ciclo heredado del teatro griego. “No sé si es, como en el teatro griego, el karma que nos sigue en todas las épocas, en todos los años”, dijo, y agregó que la historia funcionaría igual si se ubicara “hace tres años, hace cuatro años, hace quince años”.

Valeria Cancino cerró esa reflexión con un deseo dirigido a las generaciones futuras. “Ojalá que en el futuro las siguientes generaciones no tengan que luchar por enterrar a alguien o no tengan que luchar porque no desaparezcan a sus familiares o a sus hijos, o las mujeres no tengamos ese miedo de salir a la calle a cierta hora de la noche”, expresó, al señalar que ese temor se concentra “en la mayoría de los casos en la Ciudad de México y en toda nuestra república”.

Interpretar a Ana representó un reto fuera de su zona habitual de trabajo

Valeria Cancino reconoció que el tipo de obra que representa “Ana en Tierra de Amapolas” no forma parte de su repertorio habitual como actriz. “A mí casi no me gusta trabajar este tipo de obras. Yo soy de otro tipo de obras. Pero dije: ‘Okey, vamos a hacer esto’. Nunca he hecho algo así”, relató sobre el momento en que aceptó el proyecto.

La complejidad del personaje se confirmó cuando leyó el texto completo por primera vez. “Me pareció un personaje muy complejo. Sí me pareció un personaje lleno de muchos matices, de muchas emociones que tienes que interpretar en el mismo momento, en el mismo segundo tienes como cinco emociones en el cuerpo”, explicó la actriz sobre el proceso de construcción del rol.

Valeria Cancino describió a Ana como una mujer con dos capas emocionales simultáneas. “Ana es un personaje muy fuerte, muy rebelde, echada pa’ adelante siempre y luchando y no se deja y habla y dice. Pero a la vez que está haciendo todo eso, está rota por dentro, porque se le murió su hermano”, detalló.

Un duelo personal reciente marcó su regreso a los escenarios

Al hablar sobre qué tanto se identifica con Ana, Valeria Cancino fue clara en marcar distancia respecto al personaje. “Yo siento que no tengo mucho que ver con Ana. Lanzarte contra el mundo y contra las autoridades, siento que yo, Valeria, tal vez por ahora no lo haría”, explicó, y atribuyó esa diferencia a su propia posición de privilegio frente a quienes enfrentan pérdidas por violencia.

“Estas personas que luchan y hacen marchas todos los días es porque algo les está doliendo, algo les robaron, algo les quitaron, algún familiar, algún algo. Y vuelvo a repetir, yo tal vez bajo mi privilegio no he tenido que ocupar esos zapatos”, agregó la actriz sobre esa distancia entre su experiencia personal y la del personaje.

Sin embargo, Valeria Cancino sí reconoció un punto de conexión emocional con Ana a partir de un duelo propio que la alejó del teatro durante varios años. “Sí he vivido un duelo de forma muy cercana, incluso dejé el teatro muchos años y apenas estoy regresando con esta obra por ese dolor tan fuerte que pasó en mi vida”, confesó.

Esa experiencia personal terminó convirtiéndose en una herramienta para la construcción del personaje. “Ese cachito de duelo o esa sensación que yo viví estos años que no había regresado, me ayudaron un poco para que Ana también tuviera su duelo por dentro”, explicó la actriz sobre el vínculo entre su historia y la de su personaje.

La producción busca generar empatía más allá del escenario

Sobre la reacción del público tras la única función que se ha presentado hasta el momento, Valeria Cancino describió una respuesta positiva. “A la mayoría de personas les gustó. Sí recibimos mensajes de que muy bonito, muy conmovedor, muy fuerte”, relató la actriz.

Para Valeria Cancino, el objetivo del proyecto va más allá de la crítica favorable inmediata. “Apostamos por aportar un granito de darle voz a esta parte de nuestra historia en el 2026, que te digo que se puede adaptar a muchas épocas”, explicó, al referirse al propósito compartido con la dramaturga, los directores y el resto del elenco.

Valeria Cancino cerró su reflexión con una expectativa concreta sobre el efecto que espera generar la obra en los espectadores. “Ese pequeño granito que tal vez ponemos en las artes, los actores, en el cine, los músicos, tal vez sea un eco que en algún momento se haga enorme y podamos hacer una cadena de empatizar con estas personas”, afirmó, y pidió un público “más abierto de mente” que no se quede “por lo encimita” frente a estos temas.

El elenco de “Ana en Tierra de Amapolas” está conformado, además de Valeria Cancino, por Ricardo Valdivia, Rodolfo Guillén, Francisco Xavier Rodríguez, Zandor Ceballos, Alejandra Vera, Pilar Magaña, Benjamín Ortiz, Pilar Couto, Miriam Rodríguez, Ernesto Marbán y Juan Carlos Aguirre, bajo la dirección de Lucía de Guadalupe Cancino, en el Foro Lenin de la Ciudad de México.

La Fundación Siglo para el Turismo y las Artes, organismo público dependiente de la Junta de Castilla y León, ha asegurado que la suspensión de la obra sobre Federico García Lorca respondió a unas obras inaplazables y a criterios de seguridad, y ha rechazado que la decisión tuviera relación con el contenido político o ideológico del espectáculo.

La función de Federico. No hay olvido, ni sueño: carne viva, de la compañía Proyecto 43-2, estaba programada para este sábado 24 de octubre en la Sala Experimental del Centro Cultural Miguel Delibes de Valladolid, dentro del ciclo VI Comunidad a Escena. La compañía denunció esta semana ante la Fiscalía de Valladolid que la cancelación podría vulnerar la libertad de creación artística y expresión.

En un comunicado difundido este sábado, la Fundación Siglo ha afirmado que la sala está sometida a una intervención que afecta a las condiciones necesarias para acoger propuestas escénicas y de danza. Según el organismo, las obras también prevén la creación de camerinos y espacios de cambio que garanticen la intimidad de los artistas.

La Fundación defiende las obras

La entidad sostiene que los servicios técnicos del centro detectaron esas necesidades y las recogieron en un informe emitido el 31 de julio de 2026. La Fundación Siglo ha adjuntado imágenes del estado de la sala y ha afirmado que los trabajos resultan incompatibles con la representación que había contratado.

“El organismo público rechaza de forma rotunda las afirmaciones que vinculan esta suspensión a razones ideológicas”, ha señalado en la nota. También ha lamentado lo que ha definido como una “instrumentalización partidista” de las obras y ha señalado que la intervención busca proteger la seguridad de quienes actúan en el recinto.

La Fundación ha explicado que optó por ejecutar los trabajos pese a la suspensión de la función. Ha añadido que ya devolvió el importe de las entradas vendidas y que inició el procedimiento de resolución del contrato con la correspondiente indemnización para la compañía.

El comunicado también precisa que las clases de la Escuela Profesional de Danza y del Conservatorio Profesional de Música se han mantenido en la Sala de Cámara. A juicio de la entidad, esas actividades no interfieren con las zonas afectadas ni requieren las mismas condiciones técnicas que un espectáculo abierto al público.

Proyecto 43-2 había puesto en duda el argumento de las obras porque, según expuso el pasado 22 de octubre, la producción sobre Lorca fue la única retirada de la programación de la Sala Experimental. La agrupación teatral indicó que había vendido más del 70 % de las entradas y que propuso alternativas dentro del Centro Cultural Miguel Delibes.

La compañía cuestiona las alternativas ofrecidas

Entre las opciones planteadas figuraban la Sala de Cámara, la Sala Sinfónica y una nueva fecha durante noviembre o diciembre. La compañía sostuvo que esas posibilidades no prosperaron y que tampoco recibió información completa sobre el cronograma ni sobre todos los trámites administrativos de las obras.

La denuncia también se apoya en la secuencia de fechas de la contratación. El acuerdo para la representación se formalizó el 20 de julio, mientras que el informe técnico citado por la Fundación Siglo tiene fecha del 31 de julio. Proyecto 43-2 solicitó que se aclare qué información tenía el organismo cuando cerró el contrato.

La compañía relacionó la cancelación con la política cultural de la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte, dirigida por Vox. En su denuncia recordó unas declaraciones de su titular, Alberto Díaz Pico, quien el 20 de julio afirmó en las Cortes de Castilla y León que se habían acabado las subvenciones para obras que, a su juicio, sirvieran de “propaganda ideológica”.

La obra aborda la desaparición y el asesinato de Federico García Lorca, así como los crímenes cometidos durante el franquismo y las exhumaciones en el Barranco de Víznar, en Granada. El montaje recibió una ayuda de producción de la propia Junta de Castilla y León en 2024.

La Fundación Siglo ha asegurado que mantuvo varias reuniones para buscar una fórmula compatible con el calendario del centro. Según su versión, remitió el viernes una comunicación a Proyecto 43-2 y a la Asociación de Empresas de Artes Escénicas de Castilla y León (ARTESA) para proponer el traslado de la función al 9 de enero, sin que hubiera recibido respuesta hasta el momento de emitir el comunicado.

La compañía había anunciado que, pese a la cancelación en el centro público, el espectáculo se celebraría este sábado en la sala Al Norte a la Izquierda de Valladolid. La denuncia ante la Fiscalía de Valladolid continúa abierta a la espera de que se determine si existen elementos para investigar las causas de la suspensión.

Buena Vista Social Club, el musical ganador de cinco premios Tony, llegará a México el próximo 12 de noviembre al Teatro de los Insurgentes. La producción, que tuvo su origen en Broadway, desembarca por primera vez fuera de Estados Unidos con un elenco integrado por Héctor Sandarti, Analy y una veintena más de artistas latinoamericanos.

Infobae tuvo acceso a un ensayo exclusivo para prensa, donde el elenco mostró tres números musicales en un salón de trabajo, sin escenografía ni iluminación final. La cita permitió observar coreografías, música en vivo y fragmentos de la trama antes de su estreno oficial.

Un estreno sin precedentes en el Teatro de los Insurgentes

Durante la presentación, la producción explicó que México será la primera sede internacional del musical fuera de Estados Unidos. “Somos la primera producción internacional que se presenta fuera de Estados Unidos”, se señaló en el encuentro con la prensa.

Buena Vista Social Club llega a México el 12 de noviembre al Teatro de los Insurgentes como la primera producción internacional del musical fuera de Estados Unidos. La obra está inspirada en el legendario grupo cubano y en el álbum homónimo ganador del Grammy, y combina actuación, danza y música en vivo interpretada íntegramente sobre el escenario.

La puesta en escena reúne a 28 artistas: diez actores y actrices, seis bailarines y bailarinas, y diez músicos instrumentistas. A diferencia de otras producciones, los intérpretes musicales no se ubican en el foso, sino que permanecen siempre visibles, integrados a la narrativa.

El elenco está conformado por talento de distintos países: además de mexicanos y cubanos, participan artistas de Colombia, Guatemala, Chile, Estados Unidos y Panamá.

La venta de boletos se organizó en distintas etapas. La Gran Venta HSBC comenzó el 30 de septiembre para tarjetahabientes Premier crédito y débito, continuó el 1 de octubre para tarjetahabientes crédito y débito, y la venta general abrió el 2 de octubre. Con tarjetas HSBC los compradores pueden acceder a promociones de tres y cinco meses sin intereses.

Cinco premios Tony y el reconocimiento de la crítica internacional

En su paso por Broadway, Buena Vista Social Club obtuvo cinco premios Tony: Mejor Actriz de Reparto en un Musical, Mejor Coreografía, Mejores Orquestaciones y Mejor Diseño de Sonido. A esto se sumó un Tony Especial, otorgado directamente a los diez músicos que actúan sobre el escenario, reconocidos como “La Banda más Ardiente de Broadway”.

El musical también cosechó elogios de medios estadounidenses. The Washington Post lo describió como “una experiencia impresionante y conmovedora que no te puedes perder”, mientras que Variety lo calificó como “el espectáculo más embriagador y cautivador de la temporada en Broadway”.

The New York Times escribió que la obra “lleva la emoción de hacer música a Broadway”, y Time Out New York la definió como “irresistible”. Según el comunicado de prensa, estas reseñas acompañaron el reconocimiento que culminó con la obtención de los cinco Tony.

Una historia que viaja entre dos épocas de Cuba

Jaime Nota Redonda, supervisor de producción, explicó durante el ensayo que la trama se desarrolla en dos líneas temporales. “La obra transcurre en dos tiempos: en la Cuba de los cincuentas, justo antes de la Revolución Cubana, y en la Cuba de los noventas, que fue el período especial”, detalló Nota Redonda.

Ese segundo momento histórico, según explicó, fue una etapa de dificultades en la historia contemporánea de la isla. Fue ahí, señaló, cuando el personaje de Juan de Marcos impulsó, por necesidad, la creación del disco que rescató a los músicos legendarios de los años cincuenta.

El libreto está firmado por Marco Ramírez y sigue a figuras como Omara Portuondo, Ibrahim Ferrer, Compay Segundo y Rubén González, mientras enfrentan los cambios de un país en transformación. Según el comunicado de prensa, el musical ofrece “un retrato íntimo y profundamente humano” antes que una lección histórica.

El origen del proyecto se remonta a 2019, cuando el equipo creativo, encabezado por Juan de Marcos, Marco Ramírez y David Yazbek, viajó a Cuba para documentarse junto a las leyendas que dieron origen al fenómeno. Ese recorrido incluyó visitas al Estudio EGREM, donde hace más de tres décadas se grabó el álbum original.

Entre los temas que el público podrá escuchar están “Chan Chan”, “Candela” y “Dos Gardenias”, parte del repertorio que, según el comunicado, “trascendió fronteras y generaciones”.

El equipo creativo detrás del fenómeno de Broadway

La dirección de la obra está a cargo de Saheem Ali. La coreografía, premiada con el Tony, fue desarrollada por Justin Peck y Patricia Delgado, quienes según el comunicado lograron “traducir la cadencia y pasión del son cubano en movimiento puro”.

Las orquestaciones y arreglos corresponden a Marco Paguia, también ganador del Tony por su trabajo musical. César Cuervo, uno de los actores del elenco mexicano, se refirió a ese trabajo durante una entrevista con Infobae: “El score, en la pluma magistral de Marco Padilla, yo creo que se ganó un Tony por su orquestación y la forma como concibió las piezas musicalmente”.

Cuervo relató además que tuvo contacto directo con el compositor durante los ensayos en México. “Recibir a la misma persona que escribió esto con esa maestría, que sabemos que ganó estos premios, y verlo acá, llegar a enseñarnos, a darme instrucciones directas en el instrumento para mejorar mi interpretación, creo que no hay mejor manera de aprender”, afirmó.

El actor mencionó también a dos colaboradores que llegaron desde Broadway para supervisar la adaptación mexicana. “Moisés y Carlos también vienen directo de Broadway, tienen cuatro años trabajando esta obra y son las personas que están haciendo este hermoso trabajo de complementar a todos”, señaló.

La producción original en Broadway estuvo a cargo de Orin Wolf, John Styles Jr. y Barbara Broccoli. En México, la puesta en escena está a cargo de Julieta González.

Un elenco latino que vive la historia en carne propia

El elenco mexicano incluye a Héctor Sandarti como Compay, con Zark como su versión joven; Analy como Omara, con Mariana Dávila en el papel de la joven Omara; Coco Campo como Ibrahim, con Eric Rodríguez como su versión joven; y Guillermo Zamora como Rubén, con César Cuervo en el papel del joven Rubén González.

Sandarti, reconocido por su trayectoria frente a programas como Hoy, Un Nuevo Día y La Casa de los Famosos, ha participado previamente en montajes de OCESA como Los Productores, Wicked y Toc Toc. Analy, por su parte, suma más de 30 años de carrera y es conocida por dar voz a la Princesa Jazmín en Aladdín.

Durante la entrevista con Infobae, Luna Manzanares, quien interpreta a Aida, remarcó el peso simbólico de llevar esta historia a México en español. “Esta este salto es muy especial, porque es la primera producción en español, donde todos los que estamos aquí somos latinos”, explicó.

La actriz, de origen cubano, añadió que esa diferencia va más allá del idioma. “En Broadway los actores tienen alguna conexión con raíces latinas, pero aquí somos de aquí, vivimos aquí, crecimos aquí, y esta es la banda sonora de la vida de casi todos”, dijo Manzanares.

Para ella, el cambio de idioma también transforma la manera de contar la historia. “El mismo idioma te permite abordarlo de otra manera, porque hay modismos, cosas más cercanas a nuestra cultura latina. Buena Vista no es solo cubano, es del mundo”, afirmó.

Guillermo Zamora, intérprete de Rubén, vinculó su participación con un recuerdo familiar. “Esta música yo la conocía por mis abuelos. Me trae mucha nostalgia escucharla”, relató. Según explicó, al hacer el casting, el proceso “me transportó a mi niñez”, lo que convirtió su papel en “un homenaje” tanto a la agrupación como a sus propios ancestros.

El proceso de preparación: libretos, partituras y matices actorales

Zamora detalló que, tras confirmarse su participación en el elenco, recibieron primero los libretos para estudiar a sus personajes. Ya en México, el equipo tuvo sesiones de trabajo directo con el director. “Tuvimos la oportunidad con el director de sentarnos tranquilos. Los otros compañeros también daban su punto de vista de cómo veían tu personaje. Eso fue muy enriquecedor”, contó.

El actor explicó también que varios roles cuentan con doble reparto, lo que genera interpretaciones distintas de un mismo personaje. “Hay personajes que tienen dos covers. Cuando tú ves a uno y a otro haciendo el mismo personaje, es totalmente distinto”, señaló, y puso como ejemplo las versiones de Omara interpretadas por Analy y por Manzanares.

César Cuervo, pianista de formación colombo-mexicana, describió un proceso de preparación que combinó libreto y partitura de manera simultánea. “Yo recibo dos cosas al tiempo: el libreto y la música escrita, las partituras de piano. Entender cómo se junta este arreglo con la dramaturgia tomó el tiempo que había de tomar”, explicó.

El actor relató que personalizó su propio material de trabajo para integrar ambas dimensiones. “Personalicé un guion especial que es solo mío, porque tengo las partituras colocadas dentro de las partes donde las tengo que interpretar en el libreto”, detalló.

Cuervo añadió que su vínculo con la música del disco original viene desde joven, cuando comenzó a tocar piezas como “Chan Chan”, “Lágrimas negras” y “El cuarto de Tula” en presentaciones de fin de semana. “Es una música que gusta muchísimo en el mundo entero. En Colombia impactó de una forma muy especial”, comentó.

Personajes con múltiples capas humanas

Luna Manzanares profundizó en la construcción de Aida, el personaje que interpreta en la trama. La actriz descartó que se trate de una figura antagónica. “Aida no es antagónica, no es un personaje villano, sino una mujer compleja que refleja estos demonios o sombras que tenemos los seres humanos”, explicó.

Para la actriz, ese tipo de papeles permite mostrar matices poco frecuentes en la escena. “Todos actuamos desde nuestros propios intereses, nuestra visión y, a veces, desde un lugar de amor genuino, que es lo que pasa con Aida”, afirmó.

Manzanares calificó el trabajo sobre ese arco narrativo como uno de los aspectos más atractivos de su participación en el musical. “Fue muy bonito, delicioso para mí como artista, descubrir todo este arco, este trance en el guion. Me parece que está cuidado de una manera muy linda”, dijo.

La actriz también interpreta a la versión joven de Omara, lo que la coloca, según explicó Zamora, entre los intérpretes que permiten ver “la misma historia, el mismo personaje, contado distinto” dependiendo de la función. Al cierre del encuentro, los actores invitaron al público a no perderse el estreno en el Teatro de los Insurgentes el 12 de noviembre.

El espectáculo Mexica, puesta en escena inmersiva que combina danza, teatro y música original, regresó este 22 de octubre al Marketeatro de la colonia Roma, en la Ciudad de México. Esta función marcó la segunda ocasión que el montaje cobra vida en la capital, con una temporada que continuará mes con mes durante el próximo año, según confirmó su director general, Isidro Guerra.

El ensamble artístico está compuesto por 22 integrantes entre bailarines, acróbatas y actores, dentro de una producción total de entre 30 y 33 personas. La Romería de Zapopan, una de las cuatro festividades representadas en la obra, atrae a miles de personas cada 12 de octubre, de acuerdo con datos citados por Guerra.

La historia en “Mexica” enlaza cuatro tradiciones mexicanas

El hilo narrativo sigue a “Constanza”, una niña de ocho años que recibe una caja musical mágica como herencia de su abuela fallecida. Acompañada por un jaguar azul, un águila real y un xoloitzcuintle, la protagonista recorre la Guelaguetza de Oaxaca, el Día de Muertos en Michoacán, el Carnaval de Veracruz y la Romería de Zapopan.

“No solamente representamos estas festividades con bailes, como baile folclórico”, señala Guerra. El director explicó que la narrativa permite fusionar el folclor con técnicas urbanas contemporáneas, entre ellas acrobacias, tap, piezas de ballet y danza contemporánea.

“En ‘Mexica’ queremos que ya lo que está escrito en la historia de México en cuestión de tradición, como el charro, las Adelitas, todas las actrices que hay, todo lo que sabemos, la música que ya tenemos, pues sí, es nuestro legado. Pero hoy en día también somos un pueblo globalizado”, afirmó el director.

La compañía desarrolló tres versiones del espectáculo: el de gran formato, el denominado “Mexica Experience” y el “Mexica Inmersivo”. La función del 22 de octubre correspondió al formato Experience, que incluye artistas invitados, una rutina de stand-up previa al show y, los fines de semana, la matiné “Mexica Kids” dirigida al público infantil.

Como madrina de esta edición participó Aleida Núñez, mientras que el comediante Archie Valarde estuvo a cargo del segmento de stand-up.

El equipo creativo integra a músicos y diseñadores de trayectoria

La dirección artística recae en Óscar García Salazar, mientras que Daniel López Infanzón firma la música original, descrito por Guerra como colaborador de artistas como Armando Manzanero y la directora musical Susana Zabaleta. Alfredo Barragán encabeza la dirección de fotografía y videografía, Jairo Heli García la iluminación y Alfredo Toha el diseño visual y multimedia.

“La iluminación es el enlace entre el público y el espectáculo. Esa es una realidad”, sostiene Guerra sobre el trabajo técnico que, según detalla, ubica a la puesta en escena dentro de las tendencias internacionales de espectáculos en formato black box.

“Y la cuestión de la interacción con lo inmersivo, por supuesto que se lleva a cabo. Es parte de lo que hoy en día se maneja también a nivel mundial en espectáculos o puestas en escena, espectáculos... Entonces, Mexica también está a punta de la vanguardia en, en lo que se está haciendo en todo el mundo de espectáculos”, explicó.

El proyecto busca presentarse también en festivales de Europa

La producción, a cargo de Line & Beauty, ya se postuló para festivales en Turín y Florencia, en Italia, así como en Tenerife, España, y espera respuesta de los organizadores. En territorio nacional, Mexica tendrá funciones también en Guadalajara los días 6 y 7 de noviembre, en el Palacio de las Vacas, además de presentaciones en el Centro Cultural Constitución de Zapopan para el 4 y el 12 de diciembre.

Fechas y boletos para “Mexica”

La boletería y la cartelera completa con las fechas de las próximas funciones en la Ciudad de México pueden consultarse directamente en la página oficial espectaculomexica.com.mx, así como en la cuenta de Instagram @espectaculomexica.

• 6 de noviembre – Palacio de las Vacas, Guadalajara
• 7 de noviembre – Palacio de las Vacas, Guadalajara
• 27 de noviembre – Marketeatro Roma, Ciudad de México
• 4 de diciembre – Centro Cultural Constitución, Zapopan
• 18 de diciembre – Marketeatro Roma, Ciudad de México
• 23 de enero – Marketeatro Roma, Ciudad de México
• 20 de febrero – Marketeatro Roma, Ciudad de México
• 20 de marzo – Marketeatro Roma, Ciudad de México

La semana combina estrenos y reposiciones teatrales, exposiciones que exploran la memoria y el imaginario gótico, celebraciones por el Día de la Canción Criolla y propuestas gratuitas pensadas para las fechas de Halloween. Hay opciones para distintos públicos, desde familias hasta lectores y seguidores del cómic y el manga, distribuidas en diversos distritos de la capital.

Exposiciones

El umbral de los sueños

Martha Vargas y Joselito Sabogal presentan una muestra bipersonal de 14 obras que exploran la memoria, los recuerdos transformados por la pintura y los mundos oníricos. Vargas parte de experiencias de la infancia que se mezclan con la imaginación, mientras Sabogal construye personajes antropomorfos que habitan territorios atemporales entre la vigilia y la ensoñación.

• LUGAR: Galería Índigo, Av. El Bosque 260, San Isidro
• HASTA CUÁNDO: 12 de noviembre
• HORARIOS: lunes a sábado, de 10:30 a.m. a 8:30 p.m.; domingos y feriados, de 11:00 a.m. a 7:00 p.m.
• ENTRADA: libre

Cartografía de las sombras

Bajo la curaduría de Pilar Martell, 25 artistas exploran la presencia de la literatura gótica en el arte contemporáneo. La muestra dialoga con los universos de Edgar Allan Poe, Mary Shelley y las hermanas Brontë a través de temas como el miedo, la muerte, el deseo y la memoria. El 31 de octubre se realizará una visita guiada junto a los artistas participantes como actividad de cierre.

• LUGAR: Galería Casa Pausa, Av. General Suárez 955, Miraflores
• HASTA CUÁNDO: 31 de octubre
• HORARIOS: lunes a sábado, de 11:00 a.m. a 8:00 p.m.

Desde Adentro

Ricardo Inga Arizola presenta una muestra individual que reinterpreta el folclore y las culturas ancestrales del país desde una mirada personal y contemporánea. La iconografía incluye referencias a la fauna peruana, como el colibrí, el otorongo y el viringo, transformadas en símbolos que narran vivencias y emociones del artista.

• LUGAR: Galería Casa Tambo, Jr. de la Unión 1066, Centro Histórico de Lima
• HASTA CUÁNDO: 29 de noviembre
• HORARIOS: lunes a domingo, de 1:00 p.m. a 7:00 p.m.
• ENTRADA: libre

Teatro

Frankenstein

Adaptación teatral de la novela de Mary Shelley protagonizada por Bruno Odar, Matías Spitzer y Bianca Bazo, pensada para las celebraciones de Halloween. La historia sigue a Sofía, una niña que pide a su padre que le cuente el clásico libro de terror y da paso a un relato que combina humor y mensajes de aceptación y reconciliación.

• LUGAR: Nuevo Teatro Julieta, Pasaje Porta 132, Miraflores
• HASTA CUÁNDO: 1 de noviembre
• HORARIOS: sábados 24 y 31 de octubre, y domingos 25 de octubre y 1 de noviembre, a las 4:00 p.m.
• ENTRADA: desde S/ 45, en Joinnus y en boletería del teatro

Mañana, la muerte

Catalina, una joven de 27 años, recibe la visita de la Muerte, quien le anuncia que le queda exactamente un año de vida. A partir de ese encuentro enfrenta los sueños postergados y las decisiones que nunca tomó. La dramaturgia es de la mexicana Aline Lemus Bernal y la dirección, de Manuel Alegría, con Macarena Carrillo y Paulina Bazán en el elenco.

• LUGAR: Teatro de Lucía, Calle Bellavista 512, Miraflores
• HASTA CUÁNDO: 28 de octubre
• HORARIOS: martes 27 y miércoles 28 de octubre, a las 8:00 p.m.
• ENTRADA: Joinnus

2 de Ribeyro

Montaje que reúne dos farsas breves de Julio Ramón Ribeyro, El último cliente y Confusión en la prefectura, escritas en la década de 1960. A través del humor y el absurdo, ambas piezas retratan comportamientos y contradicciones sociales que, según la producción, siguen vigentes. Dirige Alberto Ísola, con Sandra Bernasconi, Javier Valdés y Roberto Ruiz en escena.

• LUGAR: Teatro de Lucía, Calle Bellavista 512, Miraflores
• HASTA CUÁNDO: 31 de octubre
• HORARIOS: jueves a sábado, 8:00 p.m.; domingos, 7:00 p.m.
• ENTRADA: desde S/ 25 (jubilados y estudiantes) y S/ 35 (general), en Joinnus

Tengo un Matri

Comedia interactiva que transforma una boda en una fiesta de la que el público forma parte. Diego y Lucía están listos para casarse, pero la lista de invitados desata enredos, conflictos y situaciones inesperadas a lo largo de la función. Escrita y dirigida por Mario Saldaña.

• LUGAR: Centro de Convenciones Bianca, Barranco
• HORARIOS: martes 27 de octubre, 7:30 p.m.
• ENTRADA: Joinnus. Incluye una copa de champagne; consumo mínimo de S/ 40 por persona en el local

Señor de los Milagros

Obra escrita por Alfredo Bullard a partir de un caso real: una mujer dona joyas valoradas en tres millones de dólares al Monasterio de las Nazarenas y su hija solicita que se revierta la donación. El elenco reúne a estudiantes, egresados y docentes de la Facultad de Derecho de la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP), bajo la dirección de Malcolm Malca.

• LUGAR: Centro Cultural PUCP, Av. Camino Real 1075, San Isidro
• HASTA CUÁNDO: 26 de octubre
• HORARIOS: jueves 22, viernes 23, sábado 24 y lunes 26 de octubre, 8:00 p.m.; domingo 25 de octubre, 4:00 p.m. y 7:00 p.m.
• ENTRADA: desde S/ 35, en Joinnus y en boletería del Centro Cultural PUCP

La mujer de negro

Obra de suspenso en temporada en el Teatro Británico, recomendada para Halloween y dirigida a público desde los 12 años.

• LUGAR: Teatro Británico, Miraflores
• HORARIOS: jueves a sábado, 8:00 p.m.; domingos, 7:00 p.m.

Música y danza criolla

Por el Día de la Canción Criolla, el Británico organiza tres actividades gratuitas. Octubre Criollo ofrece un concierto el miércoles 28 de octubre a las 7:30 p.m. en Cultural Station, Miraflores. La Serenata Criolla se presenta el jueves 29 de octubre a las 7:30 p.m. en el Auditorio Los Jardines. Y Octubre Criollo: clase maestra, una sesión de danza criolla dirigida al público general desde los seis años, se realizará el sábado 31 de octubre a las 4:30 p.m. en Cultural Station.

• ENTRADA: libre en las tres actividades

Cine y actividades de Halloween

El fantasma de Canterville

Función familiar recomendada desde los seis años, parte de la programación de Halloween del Británico.

• LUGAR: Cultural Station, Miraflores
• HORARIOS: viernes 23 de octubre, 7:30 p.m.
• ENTRADA: libre

Teatro Británico 360°

Recorrido por los espacios del Teatro Británico dirigido al público general desde los 12 años.

• LUGAR: Teatro Británico, Miraflores
• HORARIOS: sábado 31 de octubre, 3:30 p.m. y 5:00 p.m.

Literatura y charlas

Lanzamiento de Jerziobuk con Alonso Cueto

Jerziobuk, la primera plataforma peruana de audiolibros, realiza su lanzamiento oficial con la presentación del audiolibro Los años. Diario Personal, de Alonso Cueto, narrado por el propio autor. El catálogo inicial de la plataforma incluye clásicos de la literatura, ficción infantil y no ficción.

• LUGAR: Librería Sur, Av. Felipe Pardo y Aliaga 683, San Isidro
• HORARIOS: viernes 30 de octubre, 7:30 p.m.

Ferias y mercados

Mercadillo Medieval: “Brujas y Vikingos”

Quinta edición de la feria inspirada en la mitología nórdica y la cosmovisión vikinga, con montajes de lucha recreativa en la disciplina softcombat, exhibición de armas, vestimenta ancestral, artesanía escandinava y una zona dedicada al hidromiel. El público podrá presenciar demostraciones de tiro con arco y ballesta, además de segmentos teatrales con personajes de la mitología nórdica.

• LUGAR: Concha Acústica del Campo de Marte, Jesús María
• HASTA CUÁNDO: 1 de noviembre
• HORARIOS: viernes 30 y sábado 31 de octubre, y domingo 1 de noviembre, de 12:00 p.m. a 9:00 p.m.
• ENTRADA: gratuita

Book Fest Perú

Encuentro de lectores y seguidores del cómic, el anime y el manga con once emprendimientos independientes y las ilustradoras peruanas Mina y Stef. La jornada incluye tres sorteos en vivo y una piñata de cierre.

• LUGAR: Librería Blanca Varela, calle Berlín 238, Miraflores
• HORARIOS: sábado 31 de octubre, de 11:00 a.m. a 7:00 p.m.
• ENTRADA: gratuita

La función, programada para las 3:00 p. m., marca el regreso del musical apenas dos días después del estreno en salas de cine colombianas del largometraje homónimo, previsto para el 22 de octubre. Así, el evento conecta en una misma semana las distintas formas que ha adoptado este proyecto: música en vivo, teatro, literatura y ahora cine.

La rata, la babosa y el zancudo se suman a la pandilla

La versión renovada del espectáculo incorpora a tres “nuevos amigos pegachentos”: la rata, la babosa y el zancudo, personajes que se unen a los bichos que el público ya conoce. Con ellos se amplía una pandilla que, desde su creación, ha defendido una premisa tan sencilla como poderosa: “ser raro, pero bien”.

“El universo de La Sinfonía de los Bichos Raros nos ha regalado grandes alegrías. Ver cómo los niños y las familias se identifican con esto de ser raros, pero bien, bailan, cantan y enloquecen nos llena de satisfacción”, afirmó Juancho Valencia, director creativo y musical de Puerto Candelaria. El músico destacó también la importancia de haber volcado la mirada hacia un público que, según sus palabras, “normalmente está abandonado musicalmente”.

Un cuarto de siglo de rareza candelaria

La presentación en el Teatro Colón forma parte de los actos conmemorativos por los 25 años de trayectoria de la agrupación. Puerto Candelaria, ganadora del Latin Grammy al Mejor Álbum de Cumbia, decidió aventurarse en el terreno infantil después de celebrar sus dos primeras décadas de existencia en 2019. La idea era saldar una deuda pendiente con los oyentes más jóvenes, aquellos que, en palabras de la agrupación, “han entendido quizás más que los adultos nuestra apuesta estética y política”.

La sinfonía, entendida como “la novela de la música”, otorga a cada uno de los diez bichos originales su momento para contar al mundo sus características y expresar una opinión “nunca antes escuchada”. Todo ello envuelto en ritmos de la cultura popular latina, con canciones que abordan a estos seres “no desde una perspectiva lastimera sino empoderada, llena de ritmo, melodía y mucha diversión”.

De los escenarios al cine, pasando por la ciencia

El proyecto ha trascendido los límites del escenario. Además del musical en vivo y los videos realizados en coproducción con el Teatro Colsubsidio, La Sinfonía de los Bichos Raros cuenta con un libro interactivo —el primer producto editorial de Puerto Candelaria— y un álbum que fue reconocido por la Academia Latina de la Grabación. El salto al largometraje cierra un ciclo que reúne música, teatro, literatura y cine en torno a un mismo relato.

Para garantizar el rigor detrás de la fantasía, la creación de las canciones contó con la asesoría de la científica colombiana Elisa Chaparro, bióloga de la Universidad de los Andes, doctora en Biotecnología y maestra en Parasitología de la Universidad de São Paulo. Chaparro verificó que los datos sobre cada bicho incluidos en la sinfonía fueran verídicos, un detalle que refuerza el componente de divulgación científica del espectáculo.

La diferencia como celebración, no como defecto

La elección de bichos “espeluznantes” como protagonistas responde a una intención deliberada de Puerto Candelaria: trazar un símil con una sociedad que, según la agrupación, “discrimina al que se ve diferente, al que piensa diferente, al que no se acomoda a unos estándares de comportamiento o de belleza”.

La propuesta no pretende provocar enamoramiento por arañas o ciempiés, sino invitar al público a conocerlos: “Aunque nos parezcan desagradables, tenebrosos, que llevan vestidos con colores que están fuera de moda o que tienen una miradita horripilante, tienen algo para enseñarnos, tienen poderes maravillosos”, sostiene la agrupación. La oda a la rareza celebra así la diferencia “en múltiples colores, innumerables formas de vivir, de lucir, de ser y de amar, todas hermosas, todas válidas”.

Rap, trap y cumbia guapachosa en un mismo escenario

El espectro sonoro de la sinfonía se amplió con la participación de Rap Bang Club y Delfina Dib, raperos que llevaron los ritmos urbanos al universo de Puerto Candelaria. Esa versatilidad —transitar del rap y el trap a la cumbia con naturalidad— forma parte de una capacidad que la agrupación ha cultivado a lo largo de más de dos décadas de carrera.

Las composiciones estuvieron a cargo de Juancho Valencia, quien contó con la colaboración de Jacobo Vélez, conocido como “el Callegüeso” de La Mambanegra de Cali, en los temas “Araña” y “Ciempiés”.

Un taller para bailar como bicho raro antes del show

El mismo día de la función, a las 11:00 a. m., el equipo de Mediación del CNA ofrecerá el taller “Baila como un bicho raro”, una actividad enmarcada en Aventuras Familiares, la programación del espacio Delia. Dirigido a niñas y niños de 5 a 12 años con sus acompañantes, el taller contará con el elenco de bailarines del musical, quienes enseñarán las coreografías oficiales de las canciones. La entrada será libre hasta completar aforo.

La función del musical forma parte de Rin Rin, la franja para infancias del Centro Nacional de las Artes del Ministerio de Culturas. En 2026, esta programación abarca desde la primera infancia hasta la preadolescencia, con propuestas que van del teatro de títeres a la danza contemporánea internacional en espacios como la Plazoleta, las salas Delia Zapata y Fanny Mikey, y el Teatro Colón. Las entradas para La Sinfonía de los Bichos Raros se encuentran disponibles en Tuboleta.

Abrir las puertas de un hogar y ventilar los microsegundos que le dan cuerpo al vínculo de una madre y un hijo a los que la cosa no les sale como soñaron, es exponer el cuerpo a una cirugía a corazón abierto. Pero hacerlo a través de hechos artísticos como ocurre en Putamadre, la novela de mi autoría y la obra de teatro con registro audiovisual, es trascender lo vivido y hacer de eso lo creado.

Putamadre es mi historia junto a mi hijo. Desde ahí parte y se nutren ambos lenguajes, construyendo un relato a dos voces. Ella, desde el escenario, él, desde la cárcel. Soy una actriz que hasta hoy masticó la frustración de no ejercer como lo soñé. Soy periodista, productora y escritora, las tres profesiones me salen bastante bien. Soy mamá y en ese rol, a veces tengo la certeza de que soy la peor de todas.

“Debe ser difícil sobrevivir a una mamá que quiere matarse una y otra vez”, reflexiona la madre en escena.

Putamadre es una experiencia escénica que se vale del recurso audiovisual para construir un diálogo honesto, irónico, sin pretensiones en el que nos perdemos entre la ropa de los personajes y nosotros mismos. La madre, en el escenario, reconstruyendo y ficcionando las escenas con las que coquetea la memoria. Desde la pantalla, actuando y relatando, el hijo, privado de su libertad desde hace cinco años.

“Tengo la mejor mamá del mundo. Tengo la peor mamá del mundo”, dice el personaje del hijo mirando a cámara”.

Putamadre es un hecho artístico que está vivo y va tomando diferentes formas, se agarra de distintos lenguajes como tabla de salvación, supervivencia y provocación. Es una historia como tantas, que al volcarla a un papel, escenario o pantalla, borra sus propios bordes y la realidad se fusiona con la ficción.

Putamadre trata del vínculo entre una madre y un hijo, haciendo de la intimidad familiar un thriller, una comedia romántica y una película de terror, de acuerdo a día. Ahí, lo que sucede entre las paredes que sostienen el hogar, todo se vuelve innombrable, incorrecto, maravilloso, delirante, confuso, hermoso y enloquecedor.

“Puedo arrepentirme de cualquier cosa, hacer marcha atrás hasta dar un volantazo y arrasar con todo lo construido una y otra vez: cambiar de profesión, de amigos, de pareja, de color de pelo, de tamaño, de ciudadanía. Puedo drogarme o enamorarme hasta que mi corazón reviente como un sapo. Lo que no puedo hacer es dejar de ser madre”, reza la madre en Putamadre, mi novela de autoficción editada por Sudestada.

El proceso artístico comenzó la noche en que Claudio Plano, actual socio en la producción de Putamadre, me propuso llevar la novela al teatro y al instante, con una copa de vino en la mano, brindamos por nuestro proyecto. Soy una privilegiada por haber tenido absoluta libertad en la elección del equipo que formamos, un equipo que, en reglas generales, acompañó y potenció un recorrido bastante diferente.

La primera pregunta que me hice fue si quería actuar yo o prefería ofrecer el personaje a otra actriz. En las presentaciones performáticas de la novela, Sofía Gala Castiglione leía a la madre y ella, en mi imaginario, era la única que podía interpretarme. Ella es mi amiga, es bellísima y se le notan los tajos. No esconde que le cuesta el mundo. Tiene la liviandad y la densidad de la honestidad brutal. Sin embargo, decidimos ir directo a la primera persona.

Con esta decisión apareció lo impensado para todos menos para mí: El personaje del hijo debía hacerlo mi hijo. Era la única forma que yo podía subirme al escenario. Desde el primer momento sentí que íbamos a lograrlo. Apenas conseguí la autorización para rodar en el penal, lo hicimos. Armamos un equipo reducido en el que prioricé la comodidad de mi hijo. Personas muy cercanas y queridas llevaron adelante los roles que más contacto tenían con él: Gonzalo Zapico en cámara y Lola Berthet como coach actoral.

Con un material cinematográfico riquísimo logrado gracias al profesionalismo y la entrega de Santi para cada escena, sumado a la buena predisposición del Servicio Penitenciario Bonaerense, junto a Tere Donato, le dimos forma a la dramaturgia, que como todo guion, es el plano de la casa. Luego, en Dumont 4040, con la mirada y el talento de Felicitas Kamien como directora, comenzamos a rellenar la base, levantar algunas paredes, tirar abajo otras, pintarlas y colocar el techo. Al poner el cuerpo, la historia toma otros colores, otras texturas, otra profundidad. Arte y memoria se complotan para encontrar la mejor manera de contar.

“No es odio, es amor. Siempre es amor”, concluye el hijo.

Ser madre me constituye. Siempre soñé con la maternidad. Sin embargo, a veces siento que parí sin haber leído el manual de buena madre. ¿Existe tal manual? ¿Qué se hace cuando la maternidad sale mal a los ojos de una sociedad? En este derrotero de aceptación radical, en el que la madre intenta sostener a un hijo al que el horror lo alcanzó demasiado pronto y un hijo que sobrevive a una madre que frente a la desgracia desea morir, se ponen en evidencia las fallas de un sistema que expulsa a quienes no encajan. Estos personajes que son el reflejo de nuestra memoria emotiva, inventan un mundo propio dentro y fuera del escenario, dentro y fuera de internaciones, dentro y fuera de la cárcel, dentro y fuera de los bordes.

“No quiero ser más tu mamá, ¿puedo?”, le pregunta la madre a su hijo en medio de la tempestad.

Con esta y muchas otras preguntas que no pretenden encontrar respuestas, un equipo soñado y con la premisa inapelable de corrernos de cualquier bajada de línea, comenzamos el viaje hacia Dumont 4040, un espacio que siento desde el primer día que lo pisé, mi hogar. Me gustan los lugares de donde no me quiero ir.

El amor, sobre todo. Pararnos hoy con mi hijo y encontrar la manera de disfrutar y valorar nuestro vínculo es el mejor regalo de la vida. Más allá del contexto y que contamos los días para abrazarnos de este lado del muro, hay algo que el arte logra: borrar los barrotes y construir por momentos nuestro propio mundo. Hay una forma propia de estos dos personajes de estar en el mundo, una forma estruendosa, de colores intensos, provocadora, impregnada y desbordada de un amor que lo abarca todo, que excede los rótulos o roles.

Este proyecto trajo a nuestra orilla a personas con una calidad profesional, un recorrido invaluable y esa humanidad que tanto necesita el arte: Daniel Ortega y su equipo en el diseño de iluminación, Julia Freid en la escenografía, Julieta Harca en diseño y realización de vestuario, Marisol Cambre en prensa, Camila Marino Alfonsín e Inés Zimmerman, y Atelier Pucheta Paz en el vestuario para las fotos realizadas por Sebastián Freire y Paulina Serra en el penal. La escenografía fue íntegramente realizada en los talleres de herrería del penal con mi hijo como director de obra.

Subirse a la montaña rusa que es Putamadre es aceptar que hay algo político y emocional que excede el hecho artístico. Nada de lo que ocurre en esta obra ofrece respuestas tranquilizadoras. Ojalá quien venga a vernos, salga de la sala confundido, sin encontrar víctimas, victimarios, culpables o redimidos.

* Las funciones son los viernes a las 21:30 h en Dumont 4040 (Santos Dumont 4040, Chacarita, CABA)

La actriz británica Judi Dench afirmó que el deterioro de su visión le impide continuar con actividades que marcaron su trayectoria profesional durante más de siete décadas.

A los 91 años, la ganadora del Oscar expresó durante una entrevista con Emma Barnett en el programa Today de BBC Radio 4 que “no puedo estar en un escenario. Ya no puedo hacer teatro. Ya no puedo hacer cine. Ya no puedo leer”.

La intérprete recibió el diagnóstico de degeneración macular relacionada con la edad en 2012, una enfermedad que afectó de forma progresiva su capacidad visual.

La pérdida de visión alteró su rutina y su trabajo

La degeneración macular relacionada con la edad (DMAE) compromete la visión central y puede dificultar tareas como la lectura, el reconocimiento de rostros y la orientación en determinados espacios. En el caso de Dench, el problema tuvo consecuencias directas sobre su trabajo en el teatro y el cine.

La actriz ya había referido en otras oportunidades las dificultades que enfrentaba en los rodajes y al momento de aprender diálogos. En la charla emitida por la radio pública británica, describió con precisión el límite al que llegó su estado visual.

También relató que la falta de nitidez provoca situaciones incómodas durante sus encuentros cotidianos. Según contó en la entrevista, a veces se acerca a desconocidos convencida de que se trata de alguien conocido. “Voy hacia la gente equivocada y casi la abrazo”, explicó, antes de advertir que había confundido a la persona.

Pese a esas restricciones, Dench mantuvo apariciones públicas y habló de cómo se adapta a la pérdida de visión. “La radio siempre ha sido importante para mí”, señaló durante la entrevista.

Sin comentarios sobre el envejecimiento

Consultada por el envejecimiento, la intérprete británica respondió sin profundizar en el tema. “No hay nada que decir al respecto. No pienso mucho en ello”, afirmó.

La carrera de Dench abarcó teatro, televisión y cine. Alcanzó una proyección internacional con su papel de M, la jefa del servicio secreto británico en la saga de James Bond. Su debut en ese personaje ocurrió en GoldenEye, estrenada en 1995, cuando se convirtió en la primera mujer en encarnar a la máxima autoridad del MI6 dentro de la franquicia.

Cuatro años más tarde, recibió el Oscar a mejor actriz de reparto por su interpretación de la reina Isabel I en Shakespeare in Love. El reconocimiento correspondió a la ceremonia de 1999 y consolidó su presencia en el cine estadounidense.

Durante la entrevista, también recordó un almuerzo al que asistió por invitación de Sir David Spedding, exjefe del MI6. La actriz contó que el chofer enviado para recogerla no logró ubicar su casa y que llegó cerca de veinte minutos tarde. “Le dije: ‘Siento mucho llegar tan tarde, su conductor no pudo encontrar mi casa’. Me encantó”, relató.

Cuando Barnett le preguntó quién debería ser el próximo James Bond, Dench evitó dar un nombre y respondió simplemente que no quería hablar del tema.

El recuerdo de Sidney Poitier y la influencia de Shakespeare

La conversación incluyó un recuerdo de la época en que Dench actuaba en la obra Amy’s View en Nueva York. Tras una función, el actor estadounidense Sidney Poitier se presentó en su camerino. En ese momento, el director Richard Eyre le daba indicaciones.

Dench evocó la entrada de Poitier como una experiencia intensa. “Fue emocionante”, destacó. Ante la pregunta sobre qué le había dicho el actor, respondió: “No mucho, solo me quedé con la boca abierta. Qué encantador”.

Poitier hizo historia en 1964 al convertirse en el primer hombre negro que ganó el Premio de la Academia a mejor actor. Dench lo mencionó al repasar encuentros que conservó de su carrera artística.

La actriz también habló de su relación con la obra de William Shakespeare, una influencia presente en buena parte de su recorrido teatral. Recordó que, cuando tenía nueve años, vio a su hermano interpretar al rey Duncan en Macbeth. Esa función despertó su interés por el dramaturgo inglés.

Según relató, una línea de la obra quedó grabada en su memoria y la convenció de que el papel era para ella. Además, aseguró estar enamorada de los sonetos por su ritmo, que comparó con el latido del corazón.

“Imagínense por un segundo que un día suena el teléfono de sus casas y del otro lado está el héroe que los acompañó desde chicos. Bueno, pasó…”, escribió el actor junto a un video que registró parte de ese momento. Vázquez contó que descansaba en su casa cuando atendió sin mirar el celular, convencido de que se trataba de una comunicación habitual.

Sin embargo, la llamada se convirtió en una videollamada y en la pantalla apareció Sylvester Stallone. “Sí, el mismísimo Sly. Rocky. No podía creerlo, apenas pude poner a grabar la pantalla”, expresó el artista argentino al reconstruir la sorpresa que organizó Nacho Figueras.

El contacto tuvo una motivación puntual. Según contó Vázquez, Stallone quiso felicitarlo por la adaptación local de Rocky, la obra que protagoniza, codirige y produce. El estadounidense le transmitió que se sentía orgulloso de la manera en que el equipo argentino llevó la historia al escenario, con una mirada que definió como “real”, “humana” y “con tanto corazón”.

Durante el diálogo, Stallone también destacó el trabajo de Vázquez como actor, director y productor general, además del desempeño de sus compañeros. Para el protagonista de la puesta, las palabras tuvieron un valor especial por la relación personal que construyó con el personaje desde su infancia.

“Pude decirle lo que significaba para mí. Que fue y sigue siendo una de mis mayores inspiraciones. Que Rocky es el personaje de mi vida, mi héroe favorito”, contó. En esa misma publicación, Vázquez recordó que conoció la película gracias a su padre y que, con el tiempo, él mismo se la mostró a su hermano Santiago, fallecido en 2016.

La conversación se apartó del terreno artístico y se volvió más íntima. “Hablamos de las pérdidas, de las personas que amamos y de cómo aprendemos a seguir adelante. Él también conoce ese dolor”, señaló el actor. En uno de los pasajes que más lo conmovió, Vázquez le mostró a Stallone el tatuaje que lleva en homenaje a Santi.

“Fueron diez minutos que voy a guardar en mi corazón para siempre”, resumió el actor. Después, definió al protagonista de la saga como una persona “de una humildad, una sensibilidad y una grandeza enorme”. También agradeció de forma pública a Figueras por concretar el encuentro: “Sabés lo que significó para mí”.

El posteo reunió imágenes de la videollamada y permitió ver la reacción de Vázquez frente a las palabras de Stallone. Además, el actor explicó por qué eligió hacer público el registro. “Quise compartirlo con ustedes porque sé que del otro lado hay muchísimas personas que sienten lo mismo que yo por Rocky. Que crecieron con él, que se emocionaron, que encontraron fuerzas en su historia”, escribió.

La versión teatral de Rocky ocupa un lugar central en la actualidad profesional de Vázquez. La obra llegó a la cartelera porteña con una adaptación de la película estrenada en 1976, que convirtió a Stallone en una figura global a través de la historia de Rocky Balboa, un boxeador de Filadelfia que encuentra una oportunidad para cambiar su destino.

La producción local reúne a Vázquez con Dai Fernández, quien interpreta a Adrian y comparte con él el escenario. La propuesta se instaló entre los títulos con mayor convocatoria del teatro comercial porteño y recibió distintos reconocimientos desde su estreno.

En mayo, la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires declaró de Interés Cultural a la obra por su impacto en la cartelera y su convocatoria. De acuerdo con la información publicada por Infobae, el espectáculo sumó 101 mil espectadores en 101 funciones de su segunda temporada, todas con localidades agotadas en el Teatro Lola Membrives.

La puesta también obtuvo ocho premios ACE, incluido el ACE de Oro a la mejor producción. El proyecto surgió luego de un proceso de más de nueve meses de trabajo para adaptar el guion y trasladar la historia al lenguaje teatral, con escenas de boxeo, una escenografía que recrea distintos espacios de la película y una preparación física específica para Vázquez.

El actor ya había contado que el vínculo con Rocky excede la interpretación. El personaje forma parte de sus recuerdos familiares y de una manera de entender el esfuerzo ante las dificultades. Esa identificación quedó expuesta durante la charla con Stallone, a quien despidió con un mensaje directo: “Gracias, Sly. Por Rocky, por tu generosidad. Y gracias Santi, como siempre estuviste ahí conmigo”.

Un día después de conocer que la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte de Castilla y León, dirigida por Vox, ha incorporado una cláusula para excluir de las subvenciones audiovisuales obras que incluyan, entre otros, “adoctrinamiento ideológico”, la compañía de teatro documental vallisoletana Proyecto 43-2 ha denunciado ante la Fiscalía la cancelación de una obra sobre Federico García Lorca, cuya representación estaba prevista para este viernes. 24 de octubre en el Centro Cultural Miguel Delibes de Valladolid.

Se trata de Federico. No hay olvido, ni sueño: carne viva, un espectáculo que aborda el asesinato del poeta granadino y los crímenes del franquismo. La obra fue cancelada el pasado 2 de octubre dentro de la programación del ciclo VI Comunidad a Escena, que organiza la Fundación Siglo, dependiente de la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte de la Junta, dependencia de Vox. Aquel día, la compañía recibió un mail alegando que “unas obras de carácter inaplazable, que tendrían lugar en la Sala Experimental, hacían imposible la representación”. Para entonces, apuntan, la obra había vendido más del 70% de las entradas, “más que ningún otro espectáculo o evento programado en el ciclo”.

Sin embargo, la compañía cuestiona los motivos alegados por la Fundación Siglo para cancelar la obra. Según denuncia en un comunicado, las supuestas obras, de las que no se ha precisado fecha de inicio, finalización ni duración, no han provocado la suspensión de ningún otro espectáculo en la Sala Experimental. “La única obra eliminada de la programación ha sido Federico”, sostiene Proyecto 43-2, que también asegura que no se han visto afectadas las actividades habituales de la Escuela de Arte Dramático y del Conservatorio de Danza.

Vox rechazó todas las alternativas de reprogramación

Además, la compañía propuso trasladar la representación a otros dos espacios del Centro Cultural Miguel Delibes que no tenían actividad programada ese día: la Sala de Cámara y la Sala Sinfónica, así como aplazar la obra a “un domingo de noviembre o diciembre”. Sin embargo, la fundación, cuyo presidente es el actual consejero de Cultura, Turismo y Deporte de la junta, Alberto Díaz Pico, rechazó todas las alternativas de reprogramación.

Fue entonces cuando la compañía solicitó a la fundación solicitar el expediente completo de las obras, pero, como aseguran, no se incluían todos los informes ni los trámites administrativos correspondientes. Además, la compañía señala una contradicción en las fechas: el contrato para representar la obra se formalizó el 20 de julio, mientras que uno de los informes técnicos que justifican las reformas está fechado el 31 de julio. “Entre la documentación remitida no figuran los antecedentes que acrediten dichas gestiones, ni un cronograma de ejecución de las obras, ni documentación objetiva sobre la disponibilidad de espacios alternativos”, explican. “Por todo ello, Proyecto 43-2 ha solicitado que se aclare qué conocía exactamente la Fundación cuando decidió contratar la representación”.

Ante estas circunstancias, la formación considera que la cancelación podría responder a “causas de motivación ideológica”, lo que supondría la vulneración de derechos fundamentales protegidos por la Constitución Española, como el “derecho a libertad de creación artística y el derecho a la libertad de expresión”. La compañía también hace referencia a unas declaraciones realizadas el pasado 20 de julio por Díaz Pico. Durante su comparecencia en una comisión en las Cortes de Castilla y León, el consejero y procurador electo por Vox, aseguró que “se han acabado las subvenciones para obras que nadie demanda, pero que sirven de propaganda ideológica”.

Pese a la cancelación, Federico. No hay olvido, ni sueño: carne viva podrá representarse finalmente este viernes en la sala Al Norte a la Izquierda de Valladolid. El espectáculo, que cuenta con una ayuda de producción concedida por la propia Junta de Castilla y León en 2024, reconstruye el contexto de la desaparición y asesinato de Federico García Lorca y aborda los trabajos de exhumación de las fosas del Barranco de Víznar, en Granada.

Dos dramaturgos nacidos con pocas semanas de diferencia en 1564, William Shakespeare y Christopher Marlowe, escribieron juntos Eduardo III, una obra teatral publicada de forma anónima en 1596 cuya autoría llevaba más de cuatro siglos sin resolverse.

Así lo confirma una investigación basada en análisis lingüístico computacional que atribuye al autor de Stratford-upon-Avon 23 de los 32 fragmentos analizados —cerca del 72 % del texto— y los 9 restantes a Marlowe, el célebre autor de Doctor Fausto y, paradójicamente, de Eduardo II.

El estudio, adelantado por The Guardian y publicado en la Universidad de Kent, es obra conjunta de Rory Loughnane, profesor de estudios de la Edad Moderna en esa institución y editor general del proyecto editorial Oxford Marlowe, y de Brett Greatley-Hirsch, profesor de literatura renacentista y estudios textuales en la Universidad de Leeds. Ambos sostienen que la coautoría ha quedado demostrada «sin lugar a dudas».

El análisis comparó el texto con obras de diez dramaturgos de la época

En lugar de apoyarse en la lectura impresionista tradicional, los investigadores aplicaron métodos de atribución digital que evalúan la distribución de marcadores lingüísticos únicos, palabras funcionales y perfiles de vocabulario a lo largo del texto. El procedimiento dividió Eduardo III en fragmentos y los comparó con obras de diez dramaturgos cuya autoría está confirmada y que estuvieron activos entre finales de la década de 1580 y mediados de la de 1590.

“Lo que hace que las pruebas sean especialmente convincentes es que no nos basamos en una simple coincidencia verbal ni en una prueba estadística aislada. Distintas formas de análisis, que examinan diferentes características del lenguaje, parecen distinguir reiteradamente la escritura de Marlowe de la de Shakespeare dentro de la obra”, declaró Greatley-Hirsch a The Guardian.

Uno de los indicadores empleados es el uso recurrente del término martial —relativo a la guerra— en los textos de Marlowe, una palabra que aparece con menor frecuencia en la producción de otros autores de la época. Los investigadores también evaluaron la distancia entre palabras dentro de las oraciones y la repetición de vocablos característicos de cada dramaturgo.

Las escenas de la Condesa son de Shakespeare; el final, de Marlowe

Los resultados permiten identificar qué partes de la obra corresponden a cada autor. Las escenas de la Condesa, en las que el rey Eduardo intenta seducir a la condesa de Salisbury, fueron escritas por Shakespeare. También se le atribuye un pasaje de la escena 13, cuando un oscurecimiento del cielo provoca temor en el campamento francés y el rey Juan exclama: “A sudden darkness hath defaced the sky…” (“Una oscuridad repentina ha afeado el cielo…”).

La mano de Marlowe, en cambio, se detecta en las escenas finales que involucran la captura del rey Juan y el príncipe Carlos y la rendición masiva de los franceses en Calais. Un pasaje atribuido al poeta de Canterbury reza: “Great servitor to bloody Mars in arms, / The Frenchman’s terror and his country’s fame” (“Gran servidor del sangriento Marte en armas, / terror de los franceses y fama de su patria”).

La rivalidad entre ambos era en realidad una relación de colaboración

“Nos hemos acostumbrado a pensar en Marlowe y Shakespeare como rivales: dos autores excepcionales, nacidos con pocas semanas de diferencia, que se labraron un nombre en el mismo mundo teatral de finales de la década de 1580 y principios de la de 1590. Pero ahora sabemos que su relación era mucho más compleja. No eran simplemente rivales ni se influenciaban mutuamente”, declaró Loughnane a The Guardian.

El hallazgo se suma a un estudio de 2016 que determinó que Marlowe fue coautor de las tres obras de Shakespeare sobre Enrique VI. Según los investigadores, la colaboración en Eduardo III, fechada en 1592, sugiere una relación de escritura más prolongada entre mediados y finales de la veintena de ambos dramaturgos.

“El descubrimiento nos ayuda a ver de otra manera al joven Shakespeare. El Shakespeare de principios de la década de 1590 no era todavía el genio nacional solitario construido por generaciones posteriores. Era un dramaturgo ambicioso que trabajaba en una industria teatral extraordinariamente colaborativa. Escribía con otros dramaturgos, aprendía de ellos, competía con ellos y alternaba entre proyectos colaborativos e independientes”, afirmó Loughnane al diario The Telegraph.

La obra no figuró en el Primer Folio y su autoría se discutía desde el siglo XVIII

Eduardo III, basada en la vida del rey plantagenet de Inglaterra y en los acontecimientos que precedieron a la guerra de los Cien Años —desde la invasión de Escocia hasta las batallas de Crécy y Poitiers—, no apareció en el Primer Folio publicado en 1623, la recopilación póstuma que reunió las obras de Shakespeare. Esa ausencia alimentó durante siglos el debate sobre quién la había escrito.

A comienzos del siglo XXI, investigaciones anteriores atribuyeron a Shakespeare el segundo acto. En 2016, Loughnane editó la obra para la edición New Oxford Shakespeare: Complete Works y reconoció que un par de escenas probablemente habían sido escritas por el dramaturgo de Stratford, pero señaló que se necesitaba más investigación. “Es la primera vez que esta hipótesis se plantea seriamente a esta escala”, aseguró el investigador.

Los resultados se publican en Shakespeare Quarterly y en un nuevo libro

Los hallazgos aparecerán en el número de invierno de Shakespeare Quarterly. Coinciden además con la publicación, a cargo de Princeton University Press, de Shakespeare at Thirty, el nuevo libro de Loughnane. El volumen, de 352 páginas y disponible desde el 20 de octubre a un precio de USD 29,95, ofrece un retrato del dramaturgo antes de alcanzar la fama: la primavera de 1594, cuando cumplió 30 años en medio de cierres por la peste, censura, agitación social e incertidumbre profesional.

La investigación cuenta con el respaldo de The Marlowe Project, una iniciativa de la Universidad de Kent que incluye actividades, proyectos digitales y exposiciones sobre la obra de Marlowe. Una de esas muestras, titulada The Making of Marlowe, permanece abierta en Canterbury hasta el 22 de noviembre.

De jueves a domingo, la sala ofrece una propuesta diferente cada noche bajo una premisa que ha convertido en sello propio: transformar la velada en una experiencia que va más allá de la función convencional, con artistas de trayectoria reconocida, montajes que mezclan géneros escénicos y un repertorio pensado para públicos diversos.

Cabaret apuesta por una cartelera diversa para despedir el año

La programación con la que Cabaret entra en la recta final de 2026 parte de una premisa que el propio espacio ha convertido en sello: transformar cada noche en una experiencia distinta. Bajo el lema “donde vive la noche viva”, la sala bogotana presenta tres formatos escénicos diferentes repartidos entre jueves y domingo, con artistas de trayectoria reconocida y montajes que combinan música en vivo, danza, teatralidad y participación del público.

La oferta abarca géneros y tonos que rara vez conviven en una misma cartelera: la fuerza rítmica de la salsa, el registro íntimo del teatro de autor, el humor desenfadado y la emoción de historias femeninas contadas sin filtro. Cada día del fin de semana tiene asignado un espectáculo distinto, de modo que el público puede elegir la experiencia según su estado de ánimo o repetir la visita con la certeza de encontrar algo diferente.

Un tributo a Willie Colón abre la semana con salsa y trombones todos los jueves

Los jueves de octubre, a las 8:00 p. m., Cabaret dedica su escenario a una de las figuras más determinantes en la historia de la salsa. Tributo a Willie Colón es un espectáculo con música en vivo, danza y puesta en escena teatral que recorre las canciones más reconocidas del trombonista, compositor y productor estadounidense de origen puertorriqueño nacido en el Bronx en 1950.

El repertorio del homenaje abarca una carrera que marcó el desarrollo del género desde finales de los años sesenta. Colón se incorporó muy joven al sello Fania Records y consolidó un sonido urbano donde los trombones ocupaban el centro, con letras ligadas a la experiencia de la comunidad latina en Nueva York. Su sociedad artística con Héctor Lavoe produjo álbumes como El Malo, Cosa Nuestra y Asalto Navideño, títulos que definieron el rumbo de la salsa neoyorquina.

Más tarde, junto a Rubén Blades, lanzó Siembra (1978), uno de los discos de mayor impacto comercial y cultural en la historia del género. También colaboró con Celia Cruz, Ismael Miranda y la Fania All-Stars.

El elenco de Cabaret traslada ese legado al formato propio de la sala, donde la música convive con la coreografía y la narrativa escénica en una velada que busca evocar la elegancia y la energía de la salsa clásica.

Aguanilé regresa tras agotar más de 250 funciones y girar por España

Después de recorrer escenarios colombianos y llevar su montaje a Europa en dos giras internacionales, Aguanilé vuelve a casa. El musical estará en cartel los viernes y sábados, del 23 de octubre al 28 de noviembre, y representa una de las grandes apuestas de la sala para el cierre del año.

Ambientado en la Cali de los años 70, el espectáculo se inspira en personajes y acontecimientos de la vida de Andrés Caicedo, el escritor caleño cuya obra retrata la efervescencia cultural y política de la época. La trama arranca con un joven compositor que llega a la ciudad y conoce a una mujer que lo introduce en “La Tropa Brava”, un grupo de estudiantes liderados por un personaje llamado Jerry que lucha por ideales revolucionarios. La historia transcurre sobre el telón de fondo de la revolución estudiantil y los trágicos hechos del 26 de febrero de 1971, cuando una manifestación terminó en la muerte de varios estudiantes.

Doña Carmen, un personaje de marcada influencia cubana, teme que la historia de amor entre los protagonistas termine mal, pero la música y el afecto terminan por abrirse camino. El montaje mezcla salsa en vivo, coreografías cargadas de color y una narrativa que oscila entre la celebración y el drama. Con más de 250 funciones con boletería agotada en Colombia y la experiencia de haber presentado la salsa colombiana en escenarios de España, Aguanilé regresa con el respaldo de una trayectoria que pocos musicales nacionales pueden exhibir.

Cinco actrices llevan el humor y la verdad del divorcio al escenario los domingos

Los domingos, hasta el 25 de octubre, se presenta El Show de las Divorciadas, un montaje que reúne a cinco reconocidas actrices en un mismo escenario: María Irene Toro, Yolanda Rayo, Sandra Guzmán, Marcela Rojas y Ana Jaraba. La premisa es directa: cinco mujeres que atravesaron matrimonios rotos, pasiones agotadas y promesas incumplidas descubren que estar solas no significa estar vencidas.

La obra arranca con tres actrices que ensayan, junto a la coreógrafa y la asistente, un número musical que deben estrenar al día siguiente. Entre correcciones de pasos, desavenencias y cambios de humor, las cinco van revelando sus respectivas frustraciones matrimoniales: maridos que abandonan por parejas más jóvenes, la rutina que erosiona la pasión, los exilios emocionales y la presión desmedida del éxito profesional sobre la vida en pareja.

Lo que comienza como un ensayo termina convertido en confesión. Entre coreografías, risas, discusiones y verdades sin adornos, el espectáculo transita del humor a la emoción con un mensaje de fondo: empezar de nuevo también puede celebrarse. El montaje apunta a un público que busca reírse de las heridas compartidas y salir de la sala con la convicción de que la reinvención personal no tiene fecha de vencimiento.

De jueves a domingo, Cabaret mantiene encendida la noche bogotana

Mientras el calendario marca la recta final de 2026, Cabaret propone una agenda permanente de entretenimiento que reparte géneros y públicos a lo largo de la semana. Los jueves pertenecen a la salsa con el tributo a Willie Colón; los viernes y sábados son territorio de Aguanilé y su mezcla de drama, historia y ritmo caleño; los domingos por la tarde cierran con el humor y la catarsis de El Show de las Divorciadas.

César Bono apareció en el ojo público luego de la polémica que se generó en torno a su estado de salud, tras la difusión de información falsa por parte del periodista Gustavo Adolfo Infante, quien aseguró que el actor había perdido el ojo izquierdo debido a un tumor.

Desde las primeras horas que se dio a conocer esta información, Leonardo Bono, hijo del actor de 76 años, salió a desmentir esta versión, asegurando que su padre se encontraba bien.

Ese mismo lunes por la noche, César Bono apareció en público durante su participación en el Teatro Libanés para presentar la obra Defendiendo al cavernícola, en la que ha trabajado durante 25 años. Además de aparecer en el teatro, el actor señaló que continuará trabajando en la serie de comedia Vecinos, misma de la que ya grabó escenas de la nueva temporada.

César Bono trabaja el mismo día de su cumpleaños 76

La reaparición de Bono coincidió con la fecha de su cumpleaños número 76. En el Teatro Libanés, el público le cantó Las Mañanitas al término de la función de Defendiendo al cavernícola, obra que protagoniza desde hace 25 años.

El actor expresó su intención de mantenerse activo en el trabajo pese al procedimiento médico reciente. “Festejo estar vivo y tener a personas que me quieren. Trabajaré mientras me quede vida y seguiré en esto hasta que Dios quiera”, declaró.

El rumor sobre la pérdida del ojo surge de una versión de Gustavo Adolfo Infante

La controversia comenzó cuando el periodista Gustavo Adolfo Infante informó en el programa De Primera Mano que César Bono había sido operado tres días antes para retirarle un tumor en el ojo izquierdo. “Les quiero decir que hace tres días le hicieron una operación por un tumor que tenía en el ojo izquierdo y el resultado es que le quitaron el tumor y le sacaron el ojo también”, dijo Infante.

El comunicador añadió que Bono esperaba resultados de una biopsia ante la sospecha de que el tumor fuera cancerígeno. Durante la transmisión del programa se mostró una fotografía del actor con la zona del ojo izquierdo desenfocada, lo que alimentó la preocupación entre sus seguidores.

Leonardo Bono desmiente la versión y aclara el procedimiento real

Leonardo Bono, hijo del actor, salió a desmentir la información en entrevista con Televisa Espectáculos. “César Bono no perdió un ojo por extirparle un tumor, es completamente falso”, afirmó.

El hijo del actor detalló que el procedimiento consistió únicamente en retirar una lesión del párpado, sin afectar el globo ocular. “Le quitaron una bolita que tenía, ni siquiera en el ojo, en el párpado. Todo bien, gracias a Dios, ahora sí que ni siquiera fue de entrada por salida”, explicó.

Leonardo también precisó que su padre no requirió hospitalización prolongada y que continúa con sus actividades profesionales con normalidad. Una fotografía del actor con una gasa manchada de sangre, que había circulado como evidencia de la cirugía mayor, correspondía a los cuidados posteriores al procedimiento en el párpado, según el hijo del actor.

Gustavo Adolfo Infante ofrece disculpas por la información errónea

Tras conocerse la aclaración, Gustavo Adolfo Infante reconoció públicamente el error en su reporte inicial. “Yo tomo la responsabilidad de lo que dije, ofrezco una disculpa porque fue una información errónea. Qué bueno que no perdió el ojo, Dios quiera que César Bono esté bien”, declaró.

Este martes, César Bono respondió directamente al comunicador mediante un mensaje de audio, en el que confirmó que no perdió el ojo sino que fue intervenido en el párpado. El actor también dejó atrás cualquier malentendido con Infante y le expresó su perdón, señalando que “todos cometemos errores”.

César Bono continúa en el elenco de Vecinos, en su temporada 21

La serie Vecinos, donde Bono interpreta a Frankie Rivers desde 2005, transita actualmente su temporada 21 y se encuentra disponible en la plataforma ViX. La producción concluyó previamente las grabaciones de las temporadas 20 y 21 antes de iniciar nuevos proyectos.

El hecho de que Bono grabara escenas de la serie el mismo día de la polémica sobre su salud, horas antes de su función teatral, indica que el actor no interrumpió sus compromisos profesionales durante el proceso de recuperación del procedimiento en el párpado.

La muerte de Antonio Grimau, a los 82 años, dejó un vacío entre quienes compartieron con él décadas de televisión, teatro y amistades forjadas lejos de las cámaras. Germán Kraus lo recordó con dolor y definió al actor como “uno de los grandes” del espectáculo argentino, al tiempo que reveló la intimidad de los últimos encuentros que mantuvieron junto a otros colegas de una misma generación.

“Vos sabés el cariño que le tengo, cariño en todo sentido”, expresó Kraus en diálogo con Teleshow, y todavía en tiempo presente, como sin dar crédito a lo que acababa de suceder. La noticia lo había encontrado conmovido. “Como tipo, como actor, como todo. Uno de los grandes que se nos adelantó”, sostuvo sobre Grimau, cuya muerte fue comunicada este martes por la Asociación Argentina de Actores y Actrices.

El actor, cuyo nombre real era Antonio Rebolini, tuvo una extensa carrera en cine, teatro y televisión. Desde sus trabajos en las telenovelas de la década de 1970 hasta producciones más recientes, Grimau transitó personajes de distintos registros y acompañó la transformación de la ficción argentina a lo largo de varias décadas. La entidad que nuclea a los intérpretes destacó que su recorrido “forma parte de la historia del espectáculo argentino”.

La última reunión de una generación de galanes

Kraus contó que el último tiempo había encontrado a Grimau cerca de sus compañeros de ruta. A instancias de Alberto Martín, el grupo volvió a verse en dos reuniones que reunieron a figuras que marcaron la época dorada de las telenovelas: Arturo Puig, Claudio García Satur, el propio Kraus y Grimau, entre otros.

“Fue muy, muy importante reunirnos”, relató. En esas comidas, explicó, aparecía con naturalidad el paso del tiempo y el valor de una amistad que se sostuvo durante más de medio siglo. “Hay que entender que uno está en la última recta, que no sé si es hoy, mañana, dentro de diez años, pero es muy duro entenderlo”, dijo, con la voz atravesada por la despedida.

Luego de la muerte de Alberto Martín en agosto de 2025, el productor Carlos Rottemberg organizó un encuentro en su homenaje y mantener en alto el sentido de aquella convocatoria: volver a encontrarse, compartir anécdotas y reconocerse en una historia común. Kraus, García Satur, Puig y Grimau, una cartelera de lujo para aquella cena de los galanes de todos los tiempos.

“Con Antonio se va otro tipazo. Actor de raza, serio, comprometido, buen compañero y mejor persona. Trabajamos mucho juntos y, en los últimos tiempos, nos vinculamos también a partir de una preocupación compartida: la falta de ficción en la televisión abierta, de la que Antonio fue parte”, expresó Rottemberg en diálogo con este medio.

Para Kraus, la historia de ese grupo se distinguió por el afecto y la ausencia de rivalidades, aun cuando todos ocuparon lugares centrales en la pantalla. “Nunca hubo competencia, nunca hubo un roce, nunca hubo una discusión”, afirmó.

Aunque no compartieron demasiados trabajos directos, la relación entre ambos excedía largamente los créditos de una obra. “Una amistad con Alberto de cincuenta y pico de años”, dijo Kraus al mencionar a Martín, antes de ubicar a Grimau en esa red de compañeros que se conocieron en los sets, los teatros y los pasillos de los canales.

Kraus explicó que, por las características de las ficciones de aquellos años, muchas veces era difícil coincidir en escena. “Nosotros siempre encabezábamos”, señaló entre risas al recordar por qué los cruces laborales con Grimau no fueron tantos como la cercanía personal. Sí compartieron experiencias teatrales y una pertenencia a una camada que convirtió a las novelas argentinas en referencia para varias generaciones.

La trayectoria de Antonio Grimau incluyó títulos como Dos a quererse, Trampa para un soñador, Ricos y famosos, Soy gitano, Padre Coraje, Vidas robadas y Herederos de una venganza. Con el tiempo, pasó de los papeles de galán a composiciones que ampliaron su registro y lo acercaron a nuevas audiencias.

Uno de sus trabajos más recordados de los últimos años fue el de Roberto Sánchez en su adultez en Sandro de América. También había construido un camino sostenido sobre los escenarios, donde encontró una parte decisiva de su identidad artística. “El teatro fue mi salvación”, había dicho en una entrevista.

Pero más allá de las marquesinas y los premios, están los afectos. El recuerdo de Rottemberg de aquella cena que quedará en el recuerdo de los galanes de todos los tiempos. Y el amigo detrás del personaje, como refiere Kraus con la simpleza maquillada por el dolor: “Es muy duro porque se va una persona muy querida”, resumió.

Este martes , la Asociación Argentina de Actores comunicó la muerte de Antonio Grimau, figura de la escena nacional con más de seis décadas de trayectoria. El intérprete, cuyo nombre era Antonio Rebolini, dejó una marca en los escenarios, la pantalla chica y el cine argentino, donde transitó desde los galanes de telenovela hasta personajes de composiciones muy distintas.

“Con pesar, despedimos al actor Antonio Grimau. A través de su trabajo en los escenarios y las pantallas, construyó una sólida trayectoria que forma parte de la historia del espectáculo argentino”, expresó la entidad en su despedida. El comunicado también acompañó a familiares, amistades y colegas del actor.

Grimau nació el 10 de marzo de 1944 en Remedios de Escalada, partido de Lanús, provincia de Buenos Aires. Fanático hincha de Huracán, a los 16 años se presentó a una convocatoria para un elenco teatral en el teatro Charles Chaplin, de Almagro, y allí inició un camino profesional que atravesó generaciones.

Su formación incluyó el trabajo con Juan Carlos Gené, a quien Grimau reconocía como una referencia central para su vínculo con el oficio. Desde 1970, formó parte de la Asociación Argentina de Actores y Actrices.

El teatro ocupó un lugar constante en su carrera. Participó en obras como El tren amarillo, Los Linares, 30 dineros, Aquí hay gato encerrado, Papas fritas, Alta sociedad, Vidas privadas, Ladrones a domicilio, Historia de un caballo, Salven al cómico y Cartas de amor.

En 1990 protagonizó Los invertidos, de José González Castillo, bajo la dirección de Alberto Ure. La puesta reunió también a Cristina Banegas y Lorenzo Quinteros en el Teatro San Martín, en una de las experiencias que el actor sumó a su recorrido escénico.

A esa lista se agregaron títulos como Cristales rotos, El acompañamiento, El reñidero, El anatomista, El precio, Segovia (o de la poesía), Darse cuenta, Yepeto, La mandrágora, Guayaquil: una historia de amor, De casas y melancolías, La matanza, Mares de piedra y El corso.

También actuó en Príncipe azul, La gata sobre el tejado de zinc caliente, Al final del arcoíris, Piel de Judas, Filomena Marturano, El avaro, Hamlet, Danza macabra, Rotos de amor y La ternura. En paralelo, integró elencos de Cándida, Espíritu travieso, La zarza ardiendo, Reconocernos, El hombre perfecto, Masculino singular, Vidas paralelas, Un guapo del 900 y El tiempo y los Conway, dentro del ciclo Teatrísimo a beneficio de la Casa del Teatro.

En el musical, formó parte de Hello, Dolly!, junto a Lucía Galán, con dirección de Arturo Puig. Entre sus últimos trabajos teatrales figuró Vamo’ los pibes, presentada en 2026 en el Multiteatro, donde compartió elenco con Osvaldo Laport, Raúl Lavié y Osvaldo Santoro bajo dirección de Federico Palazzo.

La televisión amplificó su popularidad desde sus primeros trabajos. Participó en ficciones como El bulín, ¡Arriba juventud!, El exterminador, Rolando Rivas, taxista, Con odio y con amor, Siempre te amaré, Dos a quererse, Tu rebelde ternura, Dulce Anastasia, Renato, Se necesita una ilusión, Trampa para un soñador y Quiero gritar tu nombre.

Su filmografía televisiva incluyó, además, Amar al salvaje, Cuatro hombres para Eva, Extraños y amantes, La cruz de papel, Las vendedoras de Lafayette, Corazones de fuego, Más allá del horizonte, Por siempre mujercitas, Poliladron, Cha Cha Cha, Verdad consecuencia, Para toda la vida, Ricos y famosos, Cabecita y Mi ex.

Durante las décadas siguientes, sumó participaciones en Soy gitano, Padre Coraje, Sin código, Hombres de honor, Se dice amor, Mujeres asesinas, Mujeres de nadie, Todos contra Juan, Vidas robadas, Herencia de amor, Valientes, Herederos de una venganza, Historias de corazón, Solamente vos, Cuentos de identidad y Puerta 7.

Uno de sus papeles más reconocidos llegó en 2018, cuando interpretó a Roberto Sánchez en la adultez en Sandro de América, la miniserie dirigida por Adrián Caetano. Por esa actuación recibió el Martín Fierro como actor protagonista de unitario o serie.

En cine trabajó en películas como La Mary, Rolando Rivas, taxista, El amor infiel, Proceso a la infamia, Los orilleros, Una mariposa en la noche, El hombre de arena, Los corruptores, Tres alegres fugitivos, Caballos salvajes, La maestra normal, Secretos compartidos y Angélica.

En 2005, la Asociación Argentina de Actores y Actrices y el Senado de la Nación le entregaron el Premio Podestá a la Trayectoria Honorable. La distinción reconoció una carrera que sostuvo con trabajos en distintos géneros y medios.

La artista interpretaba Favorita cuando advirtió que desde el techo comenzaban a caer materiales. Sin interrumpir la canción, Torres hizo señas a integrantes de su equipo técnico para alertarlos sobre la situación y siguió con atención lo que sucedía en la sala.

El hecho generó preocupación entre quienes asistían al espectáculo, aunque no se registraron víctimas fatales ni heridos de gravedad. La función se desarrollaba con el teatro colmado, por lo que el desprendimiento provocó una inmediata reacción entre los espectadores.

La reacción de Torres desde el escenario

El momento quedó registrado en videos que algunos asistentes difundieron en redes sociales. En las imágenes se observa a Ángela Torres mirando hacia el sector afectado y realizando gestos hacia el personal del espectáculo, mientras continuaba con su interpretación.

La respuesta de la artista fue uno de los aspectos más comentados tras el recital. Varios fanáticos señalaron que mantuvo la calma frente a una situación que podía provocar una mayor alteración entre el público.

Una de las personas que presenció el episodio relató en redes sociales la tensión que se vivió dentro del teatro. “Se estaba cayendo el techo del teatro, por Dios... ”, expresó una testigo que se encontraba cerca del lugar donde se produjo el desprendimiento.

El comentario reflejó el impacto que tuvo la escena entre los presentes. Las publicaciones se multiplicaron durante las horas posteriores, junto con mensajes de preocupación por las condiciones del edificio y por la seguridad de quienes estaban en la sala.

El show formaba parte del No Me Olvides Tour, la gira con la que la cantante recorre distintas ciudades argentinas para presentar las canciones de su primer álbum de estudio.

La fecha en Salta reunía a seguidores de la artista en el Teatro Provincial Juan Carlos Saravia. El incidente se produjo en pleno espectáculo, en un momento de alta concentración de público frente al escenario.

Hasta el momento, la información difundida indicó que no hubo consecuencias de gravedad para los asistentes. Tampoco sobre posibles modificaciones en la agenda de la gira.

El incidente en Salta ocurrió en un momento de expansión profesional para Ángela Torres. Tras lanzar No Me Olvides, presentó el material en el Teatro Margarita Xirgu, una sala con capacidad aproximada para 300 personas.

Meses después, la cantante anunció su primer recital en el Movistar Arena de Buenos Aires. La convocatoria tuvo una respuesta inmediata: las entradas para la primera función se agotaron en cuatro horas, lo que llevó a sumar una segunda fecha.

La agenda de Torres también incluyó presentaciones de gran escala. La artista fue telonera de los tres conciertos de Shakira en el estadio Vélez y participó en eventos como el festival Lollapalooza Argentina 2026 y la Fiesta de la Confluencia.

Otro de los hitos de esta etapa fue su aparición en una pantalla de Times Square, en Nueva York, como parte del programa EQUAL. La iniciativa de Spotify visibiliza a artistas mujeres de distintos países y acompaña sus lanzamientos.

En la Fiesta de la Confluencia, Torres actuó ante una multitud estimada en 370.000 personas, según la información difundida sobre el evento. Con esa serie de actuaciones, la cantante amplió su alcance más allá de Buenos Aires y reforzó su vínculo con audiencias de distintas provincias.

Romina Paula no solo estrenó en agosto Un sueño raro, sino que reestrenó en el mismo mes una obra que fue un éxito en su momento, El tiempo todo entero, dieciséis años después, con el elenco original completo. En ambos casos, el resultado fue a sala llena, al punto de sumar pocas funciones más durante noviembre.

En el caso de esta reposición, no solo es significativo el salto de una sala independiente, como fue el Espacio Callejón en su momento, a la sala Pablo Picasso del Paseo La Plaza, sino las posibles relecturas del texto, tras la exposición de las redes sociales, la pandemia, el #Niunamenos, por mencionar algunos sucesos históricos. Sin embargo, permanece vigente, intacta, impoluta.

Incluso, todos los aditamentos contextuales abren preguntas nuevas. Antonia –Pilar Gamboa–, esa hija que se niega a salir de su casa sin motivo aparente más que no tener la necesidad ni la intención de, podría ser “diagnosticada” como ansiosa o con ataques de pánico a los ojos del público de 2026. Tal vez esa sería una lectura posible años después de su creación y estreno.

Para quienes no conozcan la trama –que también se presenta como una relectura, no una versión libre, de El zoo de cristal, de Tennesse Williams–, todo sucede en una noche. Antonia y Lorenzo (Esteban Bigliardi), su hermano, conversan mientras el segundo se prepara para salir. Su madre, Susana Pampín, sin demasiadas explicaciones, dueña de su propia independencia, les informa lo mismo: va a salir, y puede que no vuelva a dormir. Insiste, pero no mucho, con que su hija también lo haga.

En algún momento de la noche, llega a la casa Maximiliano –Esteban Lamothe–, amigo de Lorenzo, quien capta la atención de Antonia. A partir de este encuentro, se abren diversas preguntas entre todos los personajes tras el aire fresco que trae Maximiliano.

El tiempo todo entero es una obra que se construye con referencias culturales que también permanecen vigentes y que pueden suscitar carcajadas calladas, para desnudar capas más profundas acerca de los vínculos familiares, el deber ser, los mandatos. Cada uno de los personajes, en mayor o menor medida, es puesto en jaque, si bien Antonia parece ser la más evidente.

La puesta en escena sigue siendo la misma, sin necesidad de artilugios más que buenos parlamentos y actuaciones sólidas, que dan cuenta cuánto se conoce el elenco y el trabajo de equipo que se sostiene en el tiempo.

Infobae Cultura dialogó con Romina Paula sobre este reestreno que el público va a poder disfrutar en las últimas funciones del 20, 21 y 27 de noviembre.

—Este año coincidieron Un sueño raro y el reestreno de El tiempo todo entero. ¿Qué significa para vos, como autora y directora, sostener dos universos dramatúrgicos distintos al mismo tiempo?

—Por un lado, fue un delirio estrenar dos obras con cuatro días de diferencia. Y encima, la obra nueva habla sobre viajes en el tiempo y una misma persona conviviendo consigo misma en dos momentos distintos de su vida. Y de algún modo volver a hacer El tiempo todo entero en Buenos Aires con el elenco original tiene algo de viaje espacio- temporal: las mismas actrices y actores interpretando los mismos personajes tantos años después. Esa analogía me tiene bastante atónita.

—La obra nació como una reescritura de El zoo de cristal, de Tennessee Williams. ¿Qué es lo que todavía te interpela de ese texto?

—Hace mucho que no leo El zoo de cristal así que la verdad que conservo la sensación de lectura de aquella época. Pero para mí es una obra entrañable y dolorosa, la más autobiográfica de sus obras, según Williams mismo, y eso la hace para mí tener una cualidad especial, una vulnerabilidad específica que la hace una obra tan delicada.

—El elenco es el mismo desde el estreno original. ¿Cómo se sostiene esa complicidad actoral después de tantos años y giras?

—Somos amigos además de trabajar juntos. Tuvimos hijos en estos años, y nuestro vínculo continuó por fuera del escenario, mucho. Todos nos dedicamos al teatro y al cine, y nos profesionlizamos, eso también cambió mucho el modo que tenemos de trabajar juntos ahora. Pero por suerte también quedó intacto algo de juntarse a hacer obras que nos generen algún tipo de pensamiento sobre el mundo, más allá de todo lo demás, de sus condiciones de producción, quiero decir.

—Pasar de la escena independiente y el Espacio Callejón a una sala comercial como el Paseo La Plaza, sobre la avenida Corrientes. ¿Qué implicó ese salto?

—Que la pueda ver un cierto público que nunca iría al Espacio Callejón y ganar más dinero por función, evidentemente, por la cantidad de localidades y su precio. De todos modos, la produjimos de modo independiente, nosotros como compañía, así que es una producción independiente en un teatro que no lo es.

—¿Cómo leés la realidad de los personajes dieciséis años después en la Argentina de 2026?

—Es extraño sobre todo el vínculo con los dispositivos que se disparó y aceleró en estos últimos años. Cuando estrenamos esta obra aún no teníamos teléfonos inteligentes. Entonces el encierro de Antonia tenía un significado o un peso distinto que ahora se resignifica mucho. Otra cosa es que ya en su momento el personaje de Antonia hablaba de asesinatos de mujeres por violencia machista, pero en ese momento no se había instalado el concepto de femicidio aún. Hablaba de eso sin saber cómo nombrarlo.

*Esta obra se podrá ver los viernes 20 y 27 de noviembre a las 22, y el sábado 21 de noviembre a las 21:30 en la sala Pablo Picasso, del Paseo La Plaza, Av. Corrientes 1660, C. A. B, A. Entradas a la venta por Plateanet.

Fotos: gentileza prensa El tiempo todo entero (©Martina Perosa y ©Sebastián Arpesella).

Después de varios años en los que Steve Harrington se convirtió en uno de los personajes más reconocidos de Stranger Things, Joe Keery enfrentará una nueva etapa profesional sobre un escenario de Nueva York.

El actor debutará en Broadway con Other Desert Cities, una obra en la que compartirá elenco con Julia Louis-Dreyfus, Allison Janney, Ed Harris y Lily Rabe.

El estreno llega en medio de una agenda que también incluye su proyecto musical como Djo, nombre con el que lanzó canciones como “End of Beginning”, que circularon masivamente en TikTok y llegaron a la lista Billboard Hot 100.

Keery explicó que la convivencia entre ambas facetas exige una organización intensa y decisiones que toma según los proyectos que aparecen en su camino.

Un debut en Broadway junto a figuras de Hollywood

Other Desert Cities, escrita por Jon Robin Baitz y dirigida por John Benjamin Hickey, tendrá funciones en el Hudson Theatre desde el 18 de octubre hasta el 17 de enero. El actor de 34 años interpretará a un integrante de una familia que atraviesa tensiones durante las fiestas, luego de que su hermana llegue con un libro que expone secretos familiares.

El personaje de Keery intenta contener las discusiones y preservar los vínculos entre sus padres conservadores, encarnados por Julia Louis-Dreyfus y Ed Harris, su hermana, interpretada por Lily Rabe, y la hermana del personaje de Louis-Dreyfus, a cargo de Allison Janney.

Contó a The Hollywood Reporter que la posibilidad de trabajar con ese grupo de actores influyó en su decisión de aceptar el papel. “Julia, Allison y Ed participaron en la primera lectura que hice de la obra. Soy un gran admirador de los tres. Así que, cuando recibes un correo electrónico con una propuesta así, piensas: ‘¡Guau! Genial, sí, acepto’”, afirmó.

El intérprete definió con humor el objetivo de su personaje dentro de la trama. “Mi objetivo, bromeando conmigo mismo, para los próximos 105 o más programas, es salvar la Navidad”, señaló al medio estadounidense.

Del cierre de una gira a los ensayos teatrales

La preparación de la obra coincidió con una etapa activa de la carrera musical. A comienzos de 2026 realizó una gira por México y Sudamérica, antes de actuar como telonero de Tame Impala. También ofreció presentaciones en Reino Unido poco antes del inicio de los ensayos en Nueva York.

El cambio de ritmo fue inmediato. “Terminé el domingo, volé el lunes y empecé a ensayar el martes. Durante las primeras dos semanas, sin duda sentí el impacto inicial, pero tenía que adaptarme”, relató a The Hollywood Reporter.

La transición implicó pasar de los conciertos y los viajes a una rutina centrada en textos, movimientos y ensayos. Uno de los momentos centrales de Other Desert Cities recae en un monólogo de su personaje, que cuestiona la visión familiar presentada en el libro de su hermana y defiende los afectos que persisten pese a los conflictos.

Para abordar esa escena, el actor trabajó con Hickey y recurrió a un método que combina repetición, desplazamiento físico y práctica constante. “Aprendí mis diálogos, y luego te das cuenta de que no te los sabes de memoria, y tienes que aprendértelos de nuevo”, explicó.

“Gran parte de mi trabajo consiste en intentar, en la medida de lo posible, interiorizar las cosas mediante el movimiento. Así que, por lo general, implica caminar mucho, hablar conmigo mismo y luego ensayar”, añadió.

La búsqueda de personajes después de Stranger Things

Keery inició su carrera teatral antes de alcanzar reconocimiento internacional con Stranger Things. Su llegada a Broadway también sigue el camino de otros integrantes de la serie, como Gaten Matarazzo y Maya Hawke. Sadie Sink, quien volvió a los escenarios en 2025 con John Proctor is the Villain, alentó al actor a asumir esta experiencia.

El actor aseguró que el prestigio de sus compañeros de elenco dejó de ser un elemento de presión cuando comenzaron las funciones y los ensayos. “Hay algo en hacer una obra de teatro que te obliga a dejar el ego a un lado. Todos lo hacen porque quieren hacerlo. Todos lo hacen porque les apasiona. Así que creo que es una especie de gran igualador”, sostuvo.

Tras su participación en la serie de Netflix, también trabajó en películas independientes y en la producción televisiva Fargo. Sobre su futuro, comentó que mantendrá abiertas las dos actividades, sin un plan rígido sobre la manera de repartir el tiempo entre la actuación y la música.

“Nunca depende realmente de uno. Es decir, no es que pueda elegir entre todas las opciones”, subrayó Keery. También destacó que cree firmemente que las cosas correctas se presentan en su camino y que confía en su intuición sobre lo que quiere hacer día a día.

La Ciudad de México tiene este domingo 18 de octubre una agenda con propuestas para distintos gustos y edades. Desde encuentros gastronómicos dedicados al café, el chocolate y el pan de muerto hasta actividades relacionadas con la historia de la capital, la jornada reúne alternativas para quienes buscan salir de casa y aprovechar el fin de semana.

En el Centro Histórico, la Feria de los Barrios y la Feria Internacional del Libro del Zócalo ofrecen espacios para acercarse a las tradiciones, los oficios y la literatura. Mientras tanto, en la colonia Roma, los festivales artesanales mantienen el protagonismo de los sabores asociados con la temporada de Día de Muertos.

La programación también contempla actividades para quienes prefieren propuestas recreativas o espectáculos en vivo. La Marcha Zombie recorrerá las calles de la ciudad, mientras que Hombres G y Blessd tienen presentaciones previstas por la noche. Estas son algunas de las opciones disponibles para organizar el domingo, de acuerdo con los horarios y las sedes anunciadas.

Ferias gastronómicas para disfrutar los sabores de temporada

El café, el chocolate y el pan de muerto forman parte de las propuestas gastronómicas de este fin de semana.

En Jalapa 38, en la colonia Roma Norte, el Festival Artesanal de Café y Pan de Muerto reúne distintas variedades de este producto tradicional, incluidas opciones clásicas y rellenas. La entrada es gratuita y el encuentro está programado de las 10:00 a las 19:00 horas.

Además de la oferta de panadería, el festival contempla dos zonas gastronómicas con alternativas para quienes buscan probar otros platillos.

El Centro Histórico reúne libros, tradiciones y actividades

La Plaza de Santo Domingo alberga la Feria de los Barrios del Centro Histórico, una iniciativa inaugurada durante la semana como parte de las actividades vinculadas con la historia de la capital. La jornada de este domingo está programada de las 11:00 a las 18:00 horas y el acceso es gratuito.

Para quienes buscan una actividad relacionada con la lectura, el Zócalo capitalino recibe el último fin de semana de la XXVI Feria Internacional del Libro del Zócalo 2026. También cuenta con actividades y foros que complementan la oferta editorial.

La feria librera puede visitarse de las 11:00 a las 21:00 horas, sin costo de entrada. Su ubicación en la principal plaza pública de la ciudad permite incluirla en un recorrido por el primer cuadro, junto con la Feria de los Barrios. Quienes planeen acudir a ambos espacios pueden considerar sus horarios de cierre para distribuir el tiempo y consultar en cada sede la programación específica de las actividades.

Marcha Zombie y conciertos para cerrar el domingo

Los aficionados a los disfraces y a la temática de terror tienen una cita con la 19.ª edición de la Marcha Zombie 2026. El punto de reunión anunciado es el Monumento a la Revolución, donde las actividades comenzarán a las 11:00 horas. Antes de la marcha habrá propuestas para los asistentes, incluida una zona de maquillaje para quienes quieran completar su caracterización. La participación está prevista sin costo.

La música también forma parte de la agenda nocturna. A las 19:00 horas, Hombres G se presentará en el Auditorio Nacional como parte de su gira Los Mejores Años de Nuestra Vida. La agrupación española, vinculada con la historia del pop rock en español desde los años ochenta, tiene previsto reencontrarse con sus seguidores capitalinos en un concierto dirigido a quienes conocen sus canciones y a nuevas generaciones de oyentes.

A la misma hora, el cantante colombiano Blessd tiene programada una presentación en el Palacio de los Deportes, con una propuesta centrada en la música urbana. Ambos conciertos ofrecen alternativas distintas para terminar el fin de semana, aunque se realizan en recintos diferentes. Antes de salir, conviene considerar los traslados, revisar las condiciones de acceso y confirmar los detalles de cada espectáculo con sus organizadores.

Entre Pancho Villa y una Mujer Desnuda, una de las comedias más reconocidas del teatro mexicano contemporáneo, suma una nueva parada en su recorrido por la Ciudad de México. La obra de Sabina Berman combina humor y crítica social para repasar, a través de la figura del revolucionario, las tensiones entre el machismo histórico y las relaciones de pareja actuales.

La propuesta mezcla comedia con una reflexión sobre el lugar de las mujeres en los relatos oficiales de la historia. Su vigencia, más de tres décadas después del estreno, explica por qué sigue llenando salas y plazas públicas en distintos puntos de la capital.

De qué trata la obra de Sabina Berman

La trama sigue a Gina y Adrián, una pareja que comparte una relación amorosa y una fascinación común por Pancho Villa. Ambos se proponen escribir la biografía del revolucionario, pero el proyecto termina por exponer las fisuras de su propia relación.

A medida que avanza la historia, Gina descubre que el relato oficial de la Revolución Mexicana dejó fuera la experiencia y la voz de las mujeres, de forma similar a lo que ocurre en su propio vínculo con Adrián. La figura de Villa aparece entonces como una presencia que irrumpe de manera constante, funcionando casi como la voz de la conciencia machista del personaje masculino.

A partir de esa premisa, Sabina Berman construye una comedia que confronta el pasado con el presente. El texto cuestiona cómo el machismo continúa manifestándose en la vida cotidiana, en las relaciones afectivas y en los discursos sobre la identidad nacional, incluso cuando se disfraza de intelectualismo.

Una obra estrenada en 1993 y vigente hasta hoy

Entre Pancho Villa y una Mujer Desnuda se estrenó en enero de 1993 en el Teatro Helénico, bajo la dirección de la propia Berman. Desde entonces acumula alrededor de veinte montajes en México, Latinoamérica y países de habla inglesa.

La obra obtuvo en 1994 el Premio Heraldo a Mejor obra del año y seis premios de la Asociación de Críticos, entre ellos Mejor obra de teatro, Mejor dirección, Mejor actriz y Mejor actor. En los años noventa, Berman escribió el guion y codirigió junto a Isabelle Tardán la adaptación cinematográfica, protagonizada por Diana Bracho, Arturo Ríos y Jesús Ochoa, que en 1995 recibió un reconocimiento en el Festival Internacional de Cine de Chicago.

Sabina Berman nació en 1955 en la Ciudad de México y estudió Psicología y Letras Mexicanas en la Universidad Iberoamericana, además de Dirección Teatral en el Centro de Arte Dramático. Es considerada una de las voces fundamentales del teatro mexicano contemporáneo, con una trayectoria que incluye cuatro premios nacionales de dramaturgia y el Premio Juan Ruiz de Alarcón.

Entre sus obras más representadas figuran también Muerte súbita, Molière y Feliz nuevo siglo doktor Freud, presentadas en países como España, Argentina, Canadá y Estados Unidos. Berman también escribió y coprodujo la película Backyard, que representó a México en los Premios Óscar de 2010.

El elenco que da vida a la historia

La temporada en Gustavo A. Madero reúne a Mariana Gajá, Alex Gesso, Roberto Cázares, Alexandra Dunnet, Conchi León y Diego Estrella.

El elenco ha interpretado la obra en distintas sedes de la ciudad a lo largo del año, con actuaciones que, según reportó la Secretaría de Cultura capitalina, provocan en el público risas y reflexiones sobre el machismo disfrazado de intelectualismo.

Fechas, horarios y sede de las funciones

Las funciones en el Centro Cultural Futurama se realizarán los días 17, 18, 24 y 25 de octubre, en un total de ocho presentaciones, dos por jornada, a las 16 y a las 18 horas.

El recinto se ubica en Cerrada de Otavalo 15, colonia Lindavista, alcaldía Gustavo A. Madero, código postal 07300, en la Ciudad de México.

Todas las funciones son de entrada libre. La organización corre a cargo de la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de México, en conjunto con la Alcaldía Gustavo A. Madero y el Centro Cultural Futurama.

Una obra que recorre la Ciudad de México

La temporada en Futurama forma parte de un recorrido más amplio de la puesta en escena por distintos espacios culturales de la capital durante 2026, como parte de la estrategia de descentralización cultural y acceso gratuito a las artes escénicas impulsada por el Gobierno capitalino.

La obra inició funciones el 6 de marzo en la FARO Tláhuac y desde entonces ha pasado por el Centro Cultural Calmécac en Milpa Alta, el Cine Víctor Manuel Mendoza en La Magdalena Contreras, la FARO Oriente en Iztapalapa, el Parque Pantitlán en Iztacalco y el Teatro Ignacio López Tarso del Centro Cultural San Ángel.

Tras su paso por Gustavo A. Madero, la gira continuará en noviembre con funciones en el Teatro de Tlalpan, con lo que cerrará un año de presentaciones gratuitas en distintas alcaldías de la capital.

El Teatro San Martín abrirá sus puertas al teatro tradicional japonés con una propuesta inusual: proyectar en pantalla grande dos obras de Kabuki filmadas con tecnología de cine. La cita será el domingo 18 de octubre, a las 18, en la Sala Leopoldo Lugones, ubicada en Avenida Corrientes 1530, y la entrada no tendrá costo.

El ciclo, llamado Cinema Kabuki, propone un formato que combina el registro cinematográfico con la experiencia en vivo del teatro japonés. La función reunirá un doble programa con dos piezas representativas de esta disciplina escénica centenaria: Ninin Fuji Musume y Nihon Furisode Hajime, con una duración total de 91 minutos.

Alta definición para una tradición escénica de siglos

La propuesta busca trasladar al público la atmósfera de una representación de Kabuki en vivo a través de imagen en alta definición y sonido envolvente. El objetivo, según explicaron los organizadores, es que el registro cinematográfico permita apreciar con precisión las expresiones faciales, la técnica interpretativa y los recursos escénicos que distinguen a este género, que en Japón combina danza, canto y actuación estilizada.

La función está organizada por el Complejo Teatral de Buenos Aires, dependiente del Ministerio de Cultura de la Ciudad, en conjunto con la Fundación Japón Lima. Se trata de una presentación única, sin repeticiones programadas hasta el momento.

Dos historias, dos tradiciones del Kabuki

El programa abre con Ninin Fuji Musume, una pieza de danza protagonizada por Bandō Tamasaburō, reconocido como Tesoro Nacional Viviente en Japón, junto a Nakamura Shichinosuke. Ambos son especialistas en los papeles de onnagata, la técnica actoral mediante la cual intérpretes masculinos representan personajes femeninos, una de las particularidades distintivas del Kabuki clásico. La obra transcurre en un escenario cubierto de flores de glicina, donde los dos actores interpretan a los espíritus de esa planta en una secuencia de cambios de vestuario que acompañan la coreografía.

La segunda obra, Nihon Furisode Hajime, retoma el mito japonés de Yamata-no-Orochi, la serpiente de ocho cabezas. La trama sigue al héroe Susanoo-no-Mikoto en su intento por rescatar a la princesa Inada de la criatura, que se presenta primero bajo la apariencia de la princesa Iwanaga antes de revelar su verdadera forma. La pieza se destaca por su ritmo escénico y por los cambios rápidos de vestuario, un recurso técnico característico del Kabuki conocido como hayagawari.

Información para el público

Entrada: sin costo. Retiro de localidades: en la boletería del Teatro San Martín, desde dos horas antes del inicio de la función.

Fuente y fotos: gentileza Departamento de Prensa CTBA (Fotos: ©Takashi Okamoto).

Si la familia del dramaturgo Rubén Darío López fuera un postre, sería una torta genovesa, esa que en Bogotá conocen como torta de tres leches. Esa imagen, mitad ternura y mitad dolor, fue el punto de partida de Torta Genovesa, episodios del amor de una familia, la obra autobiográfica que reconstruye la última semana de agosto de 2010, cuando los suyos se reunieron para acompañar a una tía joven que perdía su batalla contra un cáncer.

La pieza llega en temporada a la Casa del Valle del 15 al 25 de octubre, con funciones de jueves a sábado a las 7:30 p. m. y domingos a las 5:30 p. m.

La analogía entre un postre y el duelo de toda una familia

López, quien además de escribir y dirigir la obra ahora también la actúa, concibió el texto a partir de los hechos ocurridos entre el 29 y el 31 de agosto de aquel año, cuando su familia recibió la noticia de que su tía, tras siete años de enfermedad, se acercaba al final.

“Esos fueron episodios que yo viví que quedaron tatuados en mi mente, pero también en mi alma”, recordó el director. Las primeras páginas, admitió, fueron un desahogo: al escribir recuperó palabras exactas pronunciadas en aquel momento, algo que su propia familia no podía creer cuando asistió al estreno.

El proceso de escritura, reconoció López, fue tanto sanador como difícil. Trasladar al papel una experiencia tan íntima obligó al dramaturgo a revisitar cada detalle de aquellos días, desde las conversaciones susurradas en la sala hasta los silencios cargados de significado. “Yo escribo sobre lo que me impresiona, sobre lo que me conmueve, sobre lo que me llega mucho”, explicó.

Cuando sus familiares viajaron desde Cali para ver la primera temporada, quedaron atónitos al reconocer en escena frases que se habían dicho en aquel momento exacto, como si el texto hubiera funcionado como un registro involuntario de la memoria.

La dramaturgia combina los acontecimientos reales de aquella tarde con situaciones imaginadas sobre las conversaciones que una persona puede sostener con sus seres queridos cuando sabe que la muerte se aproxima. Ambientada en una época sin teléfonos celulares, la trama convierte la necesidad de que una integrante de la familia llegue a tiempo en una carrera contra el reloj, mientras los demás personajes intentan comprender y aceptar lo que ocurre.

Diez actores, una casa caleña de los noventa y el público como testigo

La puesta en escena de la Compañía Hijos del Ocio apuesta por el hiperrealismo. El escenario reproduce una vivienda caleña de los años noventa con cocina funcional, muebles y objetos cotidianos que construyen el ambiente de una casa habitada. El público se distribuye alrededor de la escena, como si ocupara el lugar de las paredes, a una distancia tan corta que permite observar miradas, escuchar conversaciones en voz baja y percibir los gestos más pequeños de los diez actores que interpretan a las distintas generaciones de la familia.

El elenco está integrado por Adriana Botero, Lili García, Patricia Simone, Karito Galeano, el propio López, Lucía Mayorquín, Alyson Charry, Gustavo Giraldo, Luis Nova y Betty Barco. El diseño de escenografía es de Betty Leal y Juan Manuel Garcés, la música original de Juan Pablo Oviedo y la fotografía de Duleón (Giovanny Ramos).

Una obra que invita a hacer la llamada pendiente

Más allá del duelo, la obra aborda la infidelidad, la homosexualidad, la religión, las expectativas sociales sobre las mujeres, las migraciones y las distintas maneras de buscar la felicidad dentro de una misma familia.

El encuentro entre varias generaciones bajo un mismo techo permite que afloren recuerdos, conflictos, secretos y conversaciones pendientes que revelan la complejidad de los vínculos familiares. También pone sobre la mesa las obligaciones dentro de una pareja, el acompañamiento durante una enfermedad y esos silencios que se instalan alrededor de asuntos que todos conocen pero de los que nadie se atreve a hablar.

López señaló que la partida de los seres queridos no solo ocurre por la muerte, sino también por la migración, un fenómeno que atraviesa a casi todas las familias colombianas debido a las condiciones económicas y sociales del país. “No hay familia colombiana que no tenga alguien en el extranjero”, afirmó.

Pese a tocar lugares de profundo dolor, el director aseguró que alrededor del 95 % del público agradece la experiencia como una invitación a reflexionar. Después de cada función, describió, los espectadores no aplauden y se van: se acercan, abrazan a los actores y comparten episodios de sus propias familias. “Se llevan una necesidad de llegar a su casa a abrazar a su familia y hacer esa llamada que tienen postergada”, contó.

Esa reacción, según López, diferencia a Torta Genovesa de otras producciones de la compañía. Mientras que en otros montajes la respuesta suele ser un comentario sobre la actuación o la historia, aquí el gesto más frecuente es un abrazo en el que el espectador, un desconocido para el elenco, comparte algo personal. “Nos vuelve y nos invita al lugar de reencontrarnos con el amor que sentimos por quienes, paradójicamente, amamos pero damos por sentado que siempre van a estar”, reflexionó el director. Después del estreno, alguien le sugirió que escribiera algo más alegre, pero López defiende que la obra, lejos de hundir al espectador, lo devuelve a lo esencial: valorar a quienes tiene cerca antes de que sea tarde.

Actuar su propia historia le exige al director un ejercicio de contención

En las dos temporadas anteriores, López se limitó a dirigir desde afuera. Ahora, subido al escenario, enfrenta un desafío distinto: representar situaciones que él mismo vivió sin dejarse arrastrar por la emoción personal. “Hay que hacer el corte y decir: no te vas a conectar con tu experiencia, Rubén, sino con lo que tu personaje estaría viviendo”, explicó. Esa frontera entre la memoria y la ficción, reconoció, es el aspecto más confrontante de esta nueva etapa con la obra.

La obra cierra con un giro donde la tristeza y la alegría conviven: una celebración que irrumpe en medio de la pérdida y recuerda que la vida continúa. Entre el humor, los afectos y las contradicciones, la familia intenta mantenerse unida.

Torta Genovesa es la segunda entrega de la trilogía De esas cosas que pasan todos los días, desarrollada por Hijos del Ocio Compañía Teatral, un colectivo dedicado a propuestas escénicas sobre las relaciones humanas y los conflictos cotidianos. El montaje regresa a la Casa del Valle, el espacio donde nació su propuesta, con funciones del 15 al 25 de octubre.

La Ciudad de México concentra este viernes una agenda cultural amplia con entrada libre, que combina música, teatro, cine de terror y exposiciones. Entre las propuestas destacan un concierto de Salón Victoria en la FIL Zócalo, la representación de La Llorona en el Centro Histórico y la proyección de El Exorcista en el Centro Cultural Futurama.

Quien busque un plan gratuito puede armar un recorrido que inicia a mediodía con la exposición dedicada a Juan Gabriel en el Palacio Postal, continúa a las 2:00 pm con el concierto en la Plaza de la Constitución, pasa por la tarde por una función de teatro de sombras cerca del Zócalo y cierra con dos proyecciones de cine de terror en Lindavista.

Concierto de Salón Victoria en la FIL Zócalo

Salón Victoria se presenta a las 2:00 pm en el Foro Alaíde Foppa, dentro de la programación musical de la XXVI Feria Internacional del Libro del Zócalo.

A la misma hora, el Ensamble 18-21 Cuarteto ofrece un repertorio de jazz en el Foro Federico García Lorca, por lo que el público deberá elegir entre ambas propuestas simultáneas.

La feria suma también una presentación editorial fuera de la plancha del Zócalo: el libro La loca se presenta hoy en el Centro Cultural Xavier Villaurrutia, como parte de las actividades que acompañan a la FIL en distintas sedes de la ciudad.

La feria mantiene entrada libre de 11:00 am a 9:00 pm en la Plaza de la Constitución y reúne 353 editoriales en su edición número 26. La programación paralela incluye Cocina Literaria, Foro Libro Club y talleres en Biblio Móvil, espacios con actividades de lectura y mediación para distintas edades.

La FIL Zócalo concluye el domingo 18 de octubre, tras diez días de actividades gratuitas en el corazón del Centro Histórico.

La Llorona, con títeres y teatro de sombras

La representación de La Llorona se presenta este viernes a las 4:00 pm en el Teatro del Pueblo, ubicado en República de Venezuela 72, Centro Histórico, con acceso libre.

La puesta combina títeres y teatro de sombras para narrar la leyenda mexicana y forma parte de un ciclo que contempla 14 funciones gratuitas distribuidas en octubre y noviembre en distintos puntos de la capital.

Las siguientes fechas confirmadas incluyen la Utopía Centli Topilejo el sábado 17 de octubre, en Tlalpan, así como las Utopías Teotongo, La Heroica y Elena Poniatowska Amor, con funciones programadas hasta el 1 de noviembre.

El Exorcista en el Centro Cultural Futurama

El Centro Cultural Futurama, en colaboración con la Alcaldía Gustavo A. Madero, proyecta este 16 de octubre la cinta El Exorcista en dos funciones, a las 12:00 pm y a las 5:00 pm, con entrada libre según el cartel oficial de la convocatoria.

El recinto se ubica en Cerrada de Otavalo 7, esquina con avenida Instituto Politécnico Nacional, colonia Lindavista Norte, alcaldía Gustavo A. Madero.

La actividad se suma a la programación habitual del centro cultural en torno al cine de género, que durante este año ha incluido también ciclos dedicados a la cultura pop y a la literatura fantástica.

Exposición “Amor eterno: Por siempre Juan Gabriel” en el Palacio Postal

El tercer piso del Palacio Postal, en Tacuba 1, Centro Histórico, alberga la exposición “Amor eterno: Por siempre Juan Gabriel”, con más de 100 objetos originales del cantante y compositor.

La muestra, organizada por la familia Aguilera, el Museo Juan Gabriel y Correos de México, reúne chaquetas, zapatos, fotografías, premios y antigüedades que pertenecieron al artista.

El recorrido incorpora una experiencia interactiva de la Gira de Shows, con fotografías de gran formato que pueden explorarse mediante realidad aumentada desde la aplicación gratuita del Museo Juan Gabriel. Los visitantes también pueden enviar correspondencia desde el recinto hacia el Museo Juan Gabriel, en Ciudad Juárez.

La exposición permanece abierta de martes a domingo, de 10:00 am a 5:00 pm, con entrada gratuita para visitantes nacionales, y puede visitarse hasta el 24 de enero de 2027.

Feria de los Barrios en la Plaza Manuel Tolsá

La Plaza Manuel Tolsá recibe este viernes la Feria de los Barrios, un evento con entrada libre que se desarrolla de 11:00 am a 6:00 pm.

La actividad reúne propuestas gastronómicas y artesanales vinculadas a distintas colonias del Centro Histórico, y forma parte de la agenda de ferias que la ciudad organiza durante octubre en espacios públicos del primer cuadro.

Por su cercanía con el Palacio Postal y la Plaza de la Constitución, la feria permite sumar una parada adicional a quienes recorran la zona durante el día.

Semana Gótica en el Museo Panteón de San Fernando

El Museo Panteón de San Fernando mantiene su primera Semana Gótica, un programa gratuito que combina música, literatura, danza, teatro y conversaciones sobre expresiones culturales alternativas.

Este viernes 16 de octubre las actividades comienzan a las 4:00 pm con el conversatorio “Breve historia de la escena alternativa gótica en la Ciudad de México”, a cargo de Paul D Noch, José Riwes y Luigi Don Kruz.

A las 5:00 pm se realiza la conversación “Goth en la radio y otros medios de comunicación”, con la participación de Dany Dread, Satanás Pandemonium, Brenda Cerón, Miguel Durden y Dolmancé.

El recinto se ubica en Plaza de San Fernando 17, colonia Guerrero, alcaldía Cuauhtémoc. La Semana Gótica continúa hasta el domingo 18 de octubre, con actividades gratuitas dirigidas a público de todas las edades.

Visitas guiadas gratuitas en Bellas Artes

El Palacio de Bellas Artes ofrece este viernes un recorrido especial con acceso gratuito que permite conocer camerinos, vestuario, palcos y la terraza del recinto, espacios que normalmente no forman parte del circuito habitual de visita.

La actividad se suma a la agenda cultural del Centro Histórico y puede combinarse con el recorrido por la FIL Zócalo y la exposición del Palacio Postal, dada la cercanía entre los tres puntos.

Las decoraciones de Día de Muertos, aún en instalación

Paseo de la Reforma inició esta semana la colocación de figuras monumentales alusivas al Día de Muertos, entre ellas una catrina gigante junto al Ángel de la Independencia y un xoloitzcuintle en la Glorieta de la Diana Cazadora.

Las piezas forman parte de la instalación “El Camino”, que organiza el Gobierno de la Ciudad de México, pero su iluminación completa no comenzará hasta el 23 de octubre y se mantendrá activa hasta el 8 de noviembre. Por ahora, los transeúntes solo pueden ver las figuras sin el encendido nocturno previsto para la segunda mitad del mes.

Festival Internacional de Circo Mayotzincuepa

El Festival Internacional de Circo Mayotzincuepa continúa su programación gratuita en sedes como el Teatro de la Ciudad, el Teatro del Pueblo y distintas Utopías de la capital, con la participación de compañías de México, Brasil, Canadá y Colombia.

La próxima función confirmada es La carpanta, de la compañía colombiana Réquiem, programada para el sábado 17 de octubre en el Teatro del Pueblo, el mismo recinto donde este viernes se presenta La Llorona.

Encuentro Internacional de Clown en el Teatro Helénico

El Teatro Helénico inaugura este viernes el 13° Encuentro Internacional de Clown con la obra ¡Usted no me despide, yo renuncio!, de la compañía colombiana Átomos Teatro.

El encuentro reúne ocho puestas en escena de México, Canadá, Colombia y Perú, y se extenderá hasta el 25 de octubre, con funciones adicionales programadas en los estados de Hidalgo y Aguascalientes.

La agenda se extiende al fin de semana

Para el sábado 17 de octubre está confirmado el Desfile de Alebrijes Monumentales, un recorrido con carros alegóricos y danzantes que partirá del Zócalo hacia la Avenida Paseo de la Reforma a las 12:00 pm, con acceso gratuito para todo público. El desfile incluirá homenajes a figuras como Juan Gabriel, Emilio “El Indio” Fernández y la Reina Roja de Palenque.

La FIL Zócalo mantiene actividades hasta el domingo 18 de octubre, día en que se presentarán Yucatán A Go Go y Crazysaurios en los foros Rodolfo Walsh y Alaíde Foppa, respectivamente, como parte del cierre musical de la feria. La Semana Gótica del Panteón de San Fernando también concluye ese domingo con danza, performance y música en vivo.

Con esta combinación de música, teatro, cine, exposiciones y ferias de barrio, la Ciudad de México ofrece este viernes una agenda que permite recorrer buena parte del Centro Histórico y sus alrededores sin necesidad de pagar un boleto de entrada.

Con un escenario poblado por 30 artistas y una orquesta de 11 músicos en vivo, la comedia musical “La mejor de mis bodas” llegará por primera vez a la Argentina con una temporada de seis funciones en el Teatro Politeama, en la ciudad de Buenos Aires.

El espectáculo, inspirado en la película “The Wedding Singer”, tendrá su debut el miércoles 4 de noviembre en la sala de Paraná 353. La programación prevé funciones los martes y miércoles a las 20:00, durante noviembre, y las entradas se venderán a través de Plateanet.

La obra toma como punto de partida el universo de las celebraciones de casamiento, con sus rituales, promesas y pistas de baile. En ese ambiente, donde cada fiesta intenta condensar una historia de amor en pocas horas, aparece Adrián Weiss, un cantante contratado para animar bodas que atraviesa una crisis personal luego de que su pareja lo abandona en el altar.

Adrián Weiss canta en bodas después de quedar solo frente al altar

El personaje central queda atrapado en una contradicción: debe poner música a las celebraciones de otros cuando su propia boda acaba de desmoronarse. Su trabajo lo lleva de salón en salón, entre parejas que brindan por un futuro compartido y canciones que, de pronto, adquieren otro sentido.

En ese recorrido conoce a Ella Miller, una moza que también parece vivir una relación atravesada por tensiones. Ella está comprometida con un hombre ambicioso, mientras Adrián intenta recomponer una rutina que perdió estabilidad después de la ruptura.

El vínculo entre ambos se construye en medio de preparativos, banquetes, canciones y encuentros que se alejan de la solemnidad de una ceremonia tradicional. La trama avanza con referencias a la cultura pop de los años 80, una década que atraviesa la música, el vestuario y el clima general de la puesta.

La adaptación propone un recorrido por códigos reconocibles de aquel período: peinados, colores, coreografías y canciones que acompañan el contraste entre la euforia de una boda y las dudas que aparecen cuando se apagan las luces de la fiesta.

La música en directo sostendrá la puesta inspirada en los años 80

Uno de los ejes de ”La mejor de mis bodas” será la interpretación musical en vivo. La banda estará integrada por 11 músicos, que acompañarán a un elenco de 30 artistas en escena a lo largo de las funciones previstas para noviembre.

La propuesta combina escenas de comedia, números musicales y coreografías. El diseño de vestuario retomará referencias estéticas de los años 80, mientras que la puesta buscará trasladar al escenario el ambiente de los salones de eventos en los que transcurre la historia.

La dirección general y el movimiento estarán a cargo de Juan Mendé. La dirección musical será responsabilidad de Mariano Barreiro, mientras que Nesti Domínguez asumirá la dirección de actores.

La producción general estará a cargo de Nicolás Cavallero. A su vez, Felicitas Carman, Guadalupe Flores y Luana Ferreyra integran el equipo de producción ejecutiva.

Un elenco amplio pondrá en escena la historia de una boda suspendida

El elenco incluye a Julia Gronberger, Abril Guardatti, Agostina Fernández, Alejo Caride, Axel Munton, Azul Ezcurra, Bruno Gasparrini, Carla Marino, Ema Giménez Zapiola, Jimena Chouhy, Lucas Gerson, Maite Valdés, Romina Ruiz, Sol Tobías y Victoria Vigliano, entre otros intérpretes.

La llegada del musical al Teatro Politeama representa la primera presentación local de una historia que parte de una boda frustrada para construir una comedia romántica atravesada por la música. El personaje de Adrián, habituado a acompañar el momento más festivo de otras parejas, deberá decidir qué hacer con una vida que quedó detenida en el instante previo a su propia ceremonia.

Las seis funciones anunciadas concentrarán la temporada durante noviembre. La cita será en Paraná 353, donde la historia de Adrián y Ella llevará al escenario un repertorio de referencias ochentosas, situaciones de comedia y canciones interpretadas frente al público.

Este jueves 15 de octubre, la promoción 2x1 permite comprar boletos para obras de teatro, musicales, espectáculos de danza, conciertos escénicos y funciones familiares en Ciudad de México, Monterrey, Zapopan y Guanajuato. La cartelera reúne desde montajes de terror por Día de Muertos hasta títulos de larga temporada y propuestas para niñas y niños.

Entre las opciones disponibles aparecen El Rey León, Beetlejuice, El Musical, Mentiras El Musical, Los monólogos de la vagina, La Dama de Negro y Perfume de Gardenia. También hay funciones de ballet, ópera, comedia, teatro contemporáneo y espectáculos musicales.

La oferta de este jueves incluye recintos como el Teatro Telcel, el Teatro Aldama, el Teatro Xola Julio Prieto, el Nuevo Teatro Libanés, el Teatro Tepeyac, el Teatro Hidalgo, el Palacio de Bellas Artes y el Auditorio Nacional.

Quienes buscan una salida con temática de temporada podrán encontrar Drácula, Leyendas Mexicanas del Terror 2, Terror en Tlatelolco, Calaveritas, Las Andanzas de la Catrina, Coco Tributo Musical y Teatral y Thriller, tributo a Michael Jackson. La disponibilidad de boletos depende de cada función y del inventario habilitado en la promoción.

El Rey León, Beetlejuice y Mentiras están entre las obras con 2x1

El Rey León se presenta en el Teatro Telcel, mientras que Beetlejuice, El Musical tiene funciones en el Centro Cultural Teatro I. Ambas producciones se encuentran entre los montajes musicales que integran la cartelera de este jueves.

El Teatro Aldama concentra dos propuestas del universo de Mentiras: Mentidrags y Mentiras El Musical. La programación también contempla Mentiras la Gira en el Teatro Galerías de Zapopan.

El Teatro Xola Julio Prieto suma una oferta amplia. Ahí se presentan 12 Princesas en Pugna, El Cadáver de la Novia Movie Concert, La Clase, D’mente, Ride The Cyclone México y Las Andanzas de la Catrina.

Otra opción para el público que busca espectáculos musicales es El Mago de Oz, Musical, programado en el Teatro Tepeyac. El mismo recinto recibe Calaveritas, Drácula, Leyendas de Terror, Thriller, tributo a Michael Jackson, El Diario de Ana Frank, Un cuento de Navidad, el señor Scrooge y El Cascanueces, ballet.

Los monólogos de la vagina y las comedias ocupan teatros de Ciudad de México

Los monólogos de la vagina cuenta con funciones en el Nuevo Teatro Libanés y en el Teatro Tepeyac. El Nuevo Teatro Libanés también presenta La Nota y Defendiendo al cavernícola.

En el Teatro Hidalgo están programadas El diario de un loco, Sor-presas, Descubriendo a Cri Cri y Slava’s Snowshow. El Teatro San Jerónimo Independencia recibe Busco al hombre de mi vida, marido ya tuve y El Puente de los recuerdos.

El Foro Lucerna incluye Puras Cosas Maravillosas, La Gaviota y Nuestra ísla. El Teatro SOGEM Wilberto Cantón tiene en cartel El Juego Que Todos Jugamos, No es otra telenovela mexicana, DAHMER, Mirando a la bestia a los ojos y Así lo veo yo.

El Teatro Virginia Fábregas concentra Como quieras... ¡Perro Ámame! y Afterglow. El Teatro Coyoacán Enrique Lizalde tiene funciones de Infierno y Esquizofrenia.

Terror, muertos y suspenso se suman a la cartelera de octubre

Las funciones de terror y misterio ocupan varios escenarios de la capital. Terror en Tlatelolco se presenta en el Centro de Convenciones Tlatelolco, mientras que La Dama de Negro llega al Teatro 11 de Julio.

El Telón de Asfalto tiene programados Monstruos el Musical, Leyendas Mexicanas del Terror 2, Canto porque me Encanta, Las Andanzas de la Catrina y Caleidoscopio de Movimiento y Tradición.

El Teatro Benito Juárez presenta Cosas raras, Elefante, ópera en espacio mínimo, Bonsái, Ánimas del purgatorio, Nacahue: Ramón y Hortensia, Un vuelo musical a través del tiempo y Nosotros íbamos a cambiar el mundo.

El Teatro Varsovia cuenta con Each Man Kills the Thing He Love... (Oscar Wilde in memoriam), Archivo confidencial: Cámara Blanca, Flamenco Outcasts. Surcando las fronteras de lo jondo, Born in Amerika, El Cascanueces: memorias del tío Drosselmeyer y Juntos salvaremos la Navidad - Multimedia Teatro.

Bellas Artes, Auditorio Nacional y Guanajuato tienen danza, ópera y conciertos escénicos

El Palacio de Bellas Artes presenta al Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández, la Gala por el 70 aniversario de la Orquesta de Cámara de Bellas Artes y un recital de Kristine Opolais.

El Auditorio Nacional recibe Macbeth y El Cascanueces. La programación de Ciudad de México también incluye a la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México y Puentes Sonoros entre Japón y México. Una velada con Fukuma-Justus en la Sala Silvestre Revueltas.

En el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris se presentan El espíritu del gran lago, Tuna España, la Orquesta Nacional de Jazz y El Cascanueces: una Navidad Mexicana.

En Guanajuato hay funciones de Angélica Retana en el Templo de Marfil de Abajo, la Orquesta Sinfónica Juvenil Silvestre Revueltas en el Templo de la Compañía, Entremeses Cervantinos en la Plaza de San Roque y el Cuarteto Arod en el Teatro Juárez.

El Teatro Principal de Guanajuato recibe a la Compañía Nacional de Teatro. En Monterrey, el Escenario GNP Seguros tiene One Piece en Concierto Beyond the Horizon y una función de Paco de Miguel. El comediante también se presenta en el Teatro Galerías de Zapopan y en el Teatro Metropólitan de Ciudad de México.

Lista de obras de teatro con promoción 2x1 hoy 15 de octubre

La cartelera incluye Amigos Intocables en el Teatro Centenario Coyoacán, Razones para decirte adiós en el Teatro Tepeyac, Somos el enemigo en el Teatro Sergio Magaña, La Casi Despedida en el Foro Red Access y Paco de Miguel en distintos recintos del país.

También están La muerte de un viajante en el Teatro Rafael Solana, La obscenidad de la carne en el Teatro Renacimiento, Las Leonas en el Teatro México, Perfume de Gardenia en el Teatro San Rafael y Treintonas, cuarentonas ¡Y muy chingonas! en el Teatro Tepeyac.

El Foro A Poco No suma Sobreviví al Apocalipsis Zombi, Las niñas y los niños de papel, Una Flor en cada amor, Échame a mí la culpa y Acá entre nos. El Foro Stelaris Fiesta Americana Reforma presenta Pepe Pelos y La Rumba.

La oferta también contempla Lo peor de mis amigos en el Teatro Milán, Qué desastre de función en el Teatro Jorge Negrete y El Perra Madre en La Maraka. El público puede consultar las fechas, horarios, zonas y restricciones aplicables antes de completar la compra.

Las historias chiquitas, como se suele describir a aquellas íntimas, sin sobresaltos, suelen ser, en muchos casos, las que más se destacan, no solo por la empatía, sino por su capacidad de conmover. Un detalle, en una historia chiquita, es el que hace la diferencia, porque está construida a partir de cientos de ellos.

Un sueño raro, la nueva pieza teatral de Romina Paula, es, en apariencia, una historia pequeña, por su puesta en escena, por tener un elenco de dos actrices y por la trama. Sin embargo, esto es solo una alucinación, porque es un complejo artilugio de capas. Dos actrices, un solo personaje y diversidad de situaciones que se entrelazan en un tiempo presente/futuro/pasado.

En un tiempo sin tiempo, dos mujeres –una joven y otra madura–, que en realidad son la misma, dialogan acerca de una película, de un viaje a Tucumán, y es la excusa necesaria y perfecta para narrar su propia historia. Irene-joven es la que, de alguna manera, develará el misterio de ese encuentro.

Una desafortunada enfermedad, que tendrá un final feliz, es la llave para las preguntas y para ese encuentro entre diferentes planos con la Irene-madura del futuro. En el medio, dialogarán acerca del cine, los amores, la maternidad, la enfermedad, los diagnósticos –que no definen– y las dudas existenciales.

El deseo, los mandatos –terminar la escuela–, los posibles planos o dimensiones, articulan una suerte de metafísica propia y personal de la joven, que ansía beberse la vida a sorbos enormes, mientras la adulta disfruta de lo cosechado al mirar hacia atrás. No hay reclamos de ninguna de las partes, solo preguntas, que resuenan más a dudas que a certidumbre.

Irene-joven describe el envejecer como “un sueño raro”; llamativa manera, además, de nombrar esos bucles temporales que se alojan más del lado de la ciencia que de la ficción dentro de ese género. No por darle un cariz científico a la obra, sino por las preguntas que ella suscita. A la vez, esos viajes temporales juegan con lo onírico desde la idea misma de la confusión que provoca el encuentro de una en otro plano temporal.

Susana Pampín, actriz de trayectoria que es parte del universo de obras de Romina Paula, y Carolina Saade, que está en plena expansión de su carrera, establecen una comunión armónica, equilibrada y tierna que pareciera dar cuenta de años de trabajo juntas. La conexión es tal que el espectador pierde la noción de estar viendo una obra de teatro.

Con atisbos de humor y ternura, actrices y directora edifican una obra sólida que da pie a algunas risas, pero, sobre todo, a la pregunta profunda, a la reflexión sobre el “buen” vivir, sobre el aprovechamiento del tiempo, el goce de la vida, la vida, la salud y la muerte. Un sueño raro evoca esos cuentos de Bradbury en los que la ciencia ficción demuestra un costado sensible y profundamente humano. Y pone la vida en perspectiva.

Con una temporada a sala llena estrenada en el marco de Paraíso en agosto, que cerró el lunes 12 de octubre, la obra extiende dos últimas funciones en noviembre.

————

Esta obra es una producción de Paraíso Club en colaboración con Arthaus Central y cuenta con el apoyo de Impacto Finnegans. Protagonizada por Susana Pampín y Carolina Saade. Dramaturgia y dirección: Romina Paula. Espacio: Matías Sendón; luz: Sebastián Francia; sonido: Germán Cohen; asistencia: Manuel Gallardo; producción: María La Greca. Las últimas funciones se podrán ver los lunes 16 y 23 de noviembre a las 20 en Arthaus, C. A. B. A. Entradas a la venta en Alternativa Teatral.

Fotos: gentileza prensa Un sueño raro (© Martina Perosa).

La música prohibida por la Santa Inquisición volvió al escenario del Centro Cultural y Académico Teatro Casa de la Paz de la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM) a través de Nesh-Kala.

El conjunto reconstruyó ritmos y melodías a partir de documentos del Archivo General de la Nación para recuperar relatos de amor, sátira, baile y rebelión que circularon en la Nueva España.

La propuesta reúne textos que fueron denunciados ante el Santo Oficio y que hoy permiten acercarse a formas de celebración, conflicto y expresión popular de los siglos XVIII y XIX.

El objetivo de la agrupación es llevar al público piezas tradicionales mexicanas y el contexto que explica por qué algunas de ellas fueron perseguidas.

Nesh-Kala recuperó documentos del Archivo General de la Nación

La investigación comenzó en la década de 1990, cuando Irma Zamudio y su esposo, Daniel Contreras, eran alumnos de la Escuela de Música Mexicana.

Los dos buscaban conocer cuáles eran las melodías que se interpretaban durante el siglo XVIII. Esa inquietud los condujo al Archivo General de la Nación (AGN), donde revisaron edictos y registros originales del área del Santo Oficio.

Zamudio, una de las fundadoras de Nesh-Kala y responsable de la búsqueda documental, encontró escritos fechados entre 1720 y 1808.

Los materiales conservaban versos, letras, denuncias y referencias sobre composiciones que habían despertado la atención de las autoridades religiosas.

Cada documento aportaba datos sobre el lugar donde ocurrió el hecho, las razones de la acusación y las consecuencias que dejó.

La agrupación considera que esa precisión convierte a los expedientes en una memoria consultable.

Los papeles no solo registran canciones: también exponen conflictos cotidianos, tensiones sociales y formas de expresión urbana de la época.

Las letras sobrevivieron, pero las partituras no existían

El trabajo de Nesh-Kala no se limitó a transcribir los textos hallados. Una vez recopilados los versos, el grupo tuvo que resolver cómo devolverles una dimensión sonora.

Las fuentes no incluían partituras. En algunos casos, las anotaciones indicaban que una obra correspondía a un jarabe o a un son, aunque la mayoría de las letras carecía de una guía musical precisa.

La reconstrucción exigió imaginar ritmos a partir del entorno descrito en cada composición. Para hacerlo, los músicos recurrieron al apoyo de géneros contemporáneos que les permitieron proponer una sonoridad posible para aquellos textos.

Ese proceso dio origen a Nesh-Kala, nombre que en lengua maya significa “Purificando el tiempo”. Desde entonces, el conjunto interpreta y difunde las piezas surgidas de la investigación en los archivos.

La recuperación no pretende presentar las melodías como reproducciones exactas de un sonido perdido. Las canciones parten de letras y pistas históricas que permiten elaborar una lectura musical ligada a las tradiciones mexicanas.

Los expedientes reunieron amores prohibidos, bailes y denuncias

Entre los documentos que llamaron la atención de la agrupación figura la carta de un sacerdote que pedía amores a una monja.

También aparecieron referencias a bailes populares que habían sido denunciados por su picardía. Esas expresiones formaban parte de la vida social, aunque despertaban rechazo entre quienes vigilaban las conductas públicas y religiosas.

Otro de los textos acusaba el maltrato a personas enfermas dentro de un hospital. La música y los versos, según el material recuperado, podían actuar como una forma de denuncia sobre situaciones que afectaban a la comunidad.

El conjunto halló además un panfleto de 1808 que llamaba al pueblo a independizarse de España. La presencia de ese texto muestra que las composiciones también podían transmitir posiciones políticas y reclamos colectivos.

Los documentos recuperados permiten identificar qué celebraban ciertos sectores de la población y de qué manera lo hacían. A la vez, revelan aquello que las autoridades consideraban inapropiado, provocador o peligroso.

El Chuchumbé y El preso llevaron historias al Teatro Casa de la Paz

La función incluyó El Chuchumbé, un son que se popularizó en Veracruz durante el siglo XVIII y que todavía se baila en festivales y celebraciones populares.

La pieza permite tender un vínculo entre una expresión perseguida en el pasado y prácticas que continúan presentes en espacios festivos. Su permanencia ayuda a observar la influencia de esas tradiciones en géneros sonoros posteriores.

Nesh-Kala también interpretó El preso, una obra construida a partir de versos escritos en distintos años por personas encarceladas en sus celdas.

La composición reunió esas voces en una sola pieza. De ese modo, el escenario convirtió testimonios dispersos en un relato musical sobre el encierro y la capacidad de los presos para componer.

Antes de cada canción, los integrantes explican al público la trama que acompaña a los textos. Esa instancia aporta datos sobre el origen de las obras y sobre las denuncias que quedaron registradas en los expedientes.

Roberto Jiménez y Jéssica Elizalde sumaron actuación y baile

Algunas piezas del espectáculo incluyen la participación del actor y narrador Roberto Jiménez y de la bailarina Jéssica Elizalde.

La intervención de ambos permite representar situaciones evocadas por las letras y reforzar el vínculo entre la música, la narración y el movimiento.

La formación de Nesh-Kala está integrada por Irma Zamudio, en violín, vihuela y coros; Gerardo Alonso Tovar, en percusiones, flauta y acordeón; Enrique Rodríguez, en voz y guitarra; y Eduardo Tonali, en bajo, guitarra y coros.

Con esa instrumentación, el grupo lleva al escenario una investigación construida durante años a partir de documentos históricos. La propuesta transforma los registros del Santo Oficio en un recorrido por las canciones que circularon pese a la censura.

Fernando Rodríguez encontró el teatro antes de subir a un escenario. Tenía unos 12 o 13 años cuando asistió al Teatro Nacional para ver Nuestra Señora de las Nubes, interpretada por dos actores que llegaron desde fuera de El Salvador.

No recuerda todos los detalles de aquella función, pero conserva la imagen de una sala llena y de dos intérpretes que ocupaban el escenario con la voz, el cuerpo y la actuación. Esa experiencia quedó asociada a su posterior decisión de formarse en las artes escénicas.

“Llenaban todo el espacio y era con su voz, con su cuerpo, con su actuación, con todo”, contó Rodríguez en una entrevista con Infobae El Salvador. “Eso me conquistó”, agregó al describir ese recuerdo como algo “mágico”.

Poco después, durante el bachillerato, comenzó sus primeras clases de teatro. Tenía entre 13 y 14 años y empezó a conocer el trabajo de ensayo, la construcción física de un personaje y la responsabilidad de contar una historia frente a otras personas.

Su primera presentación llegó con El escaparate encantado. Allí interpretó al narrador o conductor del relato, aunque su personaje tenía una exigencia particular: era un títere, una marioneta con hilos, y debía trasladar esa idea a todos sus movimientos.

Rodríguez trabajó el aspecto corporal antes de enfrentarse al público. El día de la función sintió nervios, pero no como una señal para detenerse, sino como una fuerza que lo empujaba a salir al escenario.

“Eran unos nervios que me empujaban a ir hacia adelante”, recordó. Quería mostrar el trabajo que había preparado y llevar la historia hasta los espectadores.

También entendió que su papel no estaba por encima de los demás. El narrador tenía que acompañar el desarrollo de cada personaje para que el relato funcionara como un conjunto. “Yo tenía que estar en favor de todos los demás personajes para que todos se lucieran”, explicó.

Fernando Rodríguez y 27 años de teatro

Rodríguez lleva 27 años vinculado al teatro. A ese primer ensayo lo define como un “amor a primer ensayo”, una experiencia que luego lo llevó a participar en montajes, películas, comerciales y sketches, además de asumir tareas de escritura, dirección y producción.

A lo largo de su carrera, Rodríguez ha interpretado más de 30 personajes en teatro, comerciales, sketches y cine. Al recordar esa trayectoria, estimó que la cifra podría acercarse a 50 personajes, dentro de los cerca de 20 o 30 espectáculos en los que ha participado.

En la mayoría de los proyectos asumió un personaje a la vez. Sin embargo, algunos montajes le han exigido alternar varias figuras dentro de una misma función, como ocurre en El cavernícola, un unipersonal que forma parte de su recorrido desde hace años.

La relación con el público también cambió con el tiempo. Rodríguez explicó que, al principio, un intérprete suele concentrarse en cómo se ve, si dice bien las líneas o si su actuación responde a lo que espera de sí mismo.

Con los ensayos y las funciones, esa preocupación fue dando paso a otra forma de estar en escena. Ahora busca disfrutar el relato, sostener a sus compañeros y aportar a que el espectáculo se construya de manera colectiva.

“Si todos estamos en esa misma dinámica, entonces se luce el espectáculo”, sostuvo. Para Rodríguez, el paso de los años le permitió madurar el abordaje de los personajes y encontrar otra profundidad en el trabajo actoral.

El actor también se refirió a las dificultades de mantenerse activo en las artes escénicas. Desde su mirada, actores, directores y productores deben seguir creando y convocando espectadores en medio de una oferta amplia de actividades.

“Cuesta muchísimo que la gente vaya a un solo evento o que vaya a diferentes eventos”, expresó. Esa búsqueda de público, según explicó, es parte de los retos que enfrenta quien decide sostener una carrera teatral en El Salvador.

Como director, tiene menos tiempo de experiencia. Su primera oportunidad llegó con Teatro Conjunto, un grupo que lo invitó a dirigir una producción y al que agradeció por haber confiado en él.

Así de simple será su segunda dirección y su primera producción propia. El montaje reúne su experiencia como actor con las tareas de seleccionar un elenco, coordinar áreas técnicas y conducir la puesta desde el inicio.

El cavernícola, un personaje que lo acompañó durante 17 años

Entre los personajes que interpretó, Rodríguez ubica a El cavernícola como uno de los que más cariño le tiene. Aclaró que no se identifica plenamente con él, sobre todo por la forma en que el personaje vive su relación de pareja dentro de la historia.

El cavernícola es un unipersonal producido por Fundación Poma y el Teatro Luis Poma, bajo la dirección de Roberto Salomón. Rodríguez lleva 17 años interpretándolo y lo definió como la obra que más veces ha representado.

El actor señaló que el espectáculo le abrió puertas profesionales y le permitió recibir el cariño del público. También destacó que las funciones han continuado convocando espectadores durante las temporadas que ha tenido.

“Tenemos fuertes diferencias” sobre la forma en la que el personaje vive su relación, dijo entre risas. A pesar de ello, reconoce que el papel ocupa un lugar cercano dentro de su carrera.

Rodríguez espera que la obra vuelva al Teatro Luis Poma en 2027. Durante 2026 tuvo presentaciones privadas y una temporada teatral, aunque todavía no hay una fecha definida para su regreso.

El actor recordó que El cavernícola se ha presentado en distintos meses, entre ellos junio, julio, agosto, octubre y diciembre. Por eso, pidió al público seguir los anuncios del Teatro Luis Poma para conocer la próxima temporada.

Así de simple, una idea que comenzó durante la pandemia

Mientras espera una nueva temporada de El cavernícola, Fernando Rodríguez se prepara para cumplir un proyecto que lo acompañó durante seis años: el estreno de Así de simple, una comedia romántica para adultos que dirigirá y producirá en el Teatro Luis Poma.

La obra llegó a él durante la pandemia. Cuando la vio por primera vez, pensó que le gustaría actuarla. Lo atrajo el recurso que divide a los protagonistas entre sus acciones, sus pensamientos lógicos y sus emociones, todos presentes al mismo tiempo sobre el escenario.

Pero esa primera inquietud fue cambiando. Rodríguez empezó a imaginarse no solo como parte del elenco, sino detrás de la puesta: quería dirigirla, producirla y hacer que esa historia llegara al público salvadoreño.

Ese deseo abrió un camino largo. Durante seis años, fue guardando los ingresos extra que recibía por conducir eventos, hacer comedia y participar en otras obras de teatro. Cada trabajo se convirtió en una parte del capital que necesitaba para iniciar la producción.

Cuando reunió una base para comenzar, buscó a los titulares de los derechos de la obra. El proceso lo llevó hasta los autores argentinos Ignacio Brezo y Sofía González Hill, con quienes logró hablar antes de conseguir la autorización para montarla.

Con los derechos en mano, el proyecto que había sostenido con ahorros y trabajo empezó a tomar forma. Llegaron las audiciones, la selección del elenco, los ensayos y los equipos de escenografía, vestuario, luces y audio que prepararon el estreno de octubre.

Así de simple ya había tenido temporadas en ocho países. Sin embargo, Rodríguez señaló que lo que más lo enamoró fue el juego teatral que presenta a Clara y Joaquín a través de distintas versiones de sí mismos.

“Esto lo tiene que ver el público de El Salvador”, expresó. Para el director, el atractivo está en poner frente a los espectadores aquello que suele ocurrir por dentro cuando una persona habla, responde, duda o intenta tomar una decisión.

Clara y Joaquín, entre la razón y las emociones

Así de simple presenta a Clara y Joaquín como una pareja, pero cada uno aparece interpretado por tres personas. Tres actrices representan a Clara y tres actores encarnan a Joaquín.

Clara uno y Joaquín uno son los personajes que llevan adelante la acción. Clara dos y Joaquín dos expresan el pensamiento lógico y racional de cada uno.

Clara tres y Joaquín tres representan las emociones y la parte visceral. Mientras los protagonistas conversan o intentan responder una pregunta, sus otras versiones aparecen para influir en lo que hacen y dicen.

Rodríguez explicó que el público podrá observar cómo conviven esas capas de los personajes. La razón intenta intervenir, las emociones buscan imponerse y los protagonistas deben sostener una conversación atravesada por esas tensiones.

“Es como un IntensaMente versión teatro”, comparó. La diferencia, según describió, es que el público verá ese conflicto emocional en vivo, dentro de una comedia romántica.

El director sostuvo que la obra reúne elementos propios del género, pero incorpora un recurso que permite seguir el recorrido emocional de la pareja desde varios lugares. La historia puede pasar de la risa a la incomodidad y a situaciones que despiertan recuerdos personales.

Durante un preestreno con público, varios asistentes describieron la experiencia como una “montaña rusa de emociones”. Rodríguez contó que algunas personas reían, se molestaban por ciertas situaciones y luego se emocionaban hasta casi llorar.

Esa respuesta también apareció durante las primeras lecturas con el elenco. Según recordó, actores y actrices reían y lloraban mientras conocían el texto y atravesaban las situaciones de Clara y Joaquín.

Las audiciones y los 11 meses de preparación

El proceso de selección para Así de simple comenzó en diciembre de 2025. Rodríguez convocó audiciones a las que asistieron cerca de 52 actores y actrices.

De ese grupo fueron seleccionadas 12 personas para integrar el elenco, entre ellas tres actrices que interpretan a Clara y tres actores que encarnan a Joaquín.

Los ensayos con el elenco seleccionado comenzaron en febrero de 2026. La preparación acumuló alrededor de 11 meses de trabajo entre prácticas, diseño de escenografía, confección de vestuario y coordinación de luces y audio.

Ale Pira acompañó la puesta como asistente de dirección. Rodríguez destacó su trabajo, además del esfuerzo de los intérpretes y de los equipos que trabajan detrás del escenario.

El vestuario se convirtió en una de las exigencias técnicas de la obra. Cada intérprete realiza ocho cambios de ropa durante la función.

Los tres hombres visten igual entre sí y las tres mujeres comparten una apariencia común. Esa decisión acompaña la idea de que cada grupo representa distintas facetas de una misma persona.

Rodríguez explicó que el vestuario y la escenografía debían llegar con tiempo a los ensayos. Los actores necesitaban trabajar con esos elementos para adquirir seguridad, dominar los cambios de ropa y adaptarse a los desplazamientos de la función.

“Todo es un reto, es un reto cada paso”, afirmó. Para el director, el montaje implicó convertir una idea que sostuvo durante años en una producción con elenco, recursos técnicos y una temporada confirmada.

Teatro Luis Poma: cinco funciones de Así de simple

Así de simple tendrá cinco funciones en el Teatro Luis Poma, entre el 15 y el 18 de octubre de 2026. La obra está dirigida a mayores de 18 años, ya que se trata de una comedia para adultos.

El estreno será el jueves 15 de octubre a las 8:00 pm. Rodríguez indicó que, al momento de la entrevista, ya quedaban pocas entradas para esa primera función.

La segunda presentación será el viernes 16 de octubre, también a las 8:00 pm. El sábado 17 habrá dos funciones: una a las 5:00 pm y otra a las 8:00 pm.

La temporada concluirá el domingo 18 de octubre a las 5:00 pm. Rodríguez espera que el público conecte con la historia y que la respuesta permita que el montaje tenga nuevas temporadas.

“Que se vuelva también uno de sus favoritos y que podamos tener más temporadas y vernos por mucho más tiempo, por muchos más años”, planteó sobre sus expectativas para el estreno.

El teatro como una forma de expresarse

Rodríguez también pensó en quienes sienten interés por el teatro, pero temen exponerse ante otras personas. Desde su experiencia, sostuvo que esa necesidad de expresarse puede encontrar en el teatro un espacio para canalizarse y desarrollarse.

El actor relacionó esa búsqueda con el miedo a hablar en público. Consideró que tomar clases de teatro puede producir cambios incluso en quienes no planean dedicarse de manera profesional a las artes escénicas.

Para Rodríguez, la formación artística aporta herramientas que van más allá de una función. Mencionó la creatividad, la empatía y el trabajo en equipo como habilidades que pueden fortalecerse a través del arte escénico.

También señaló que existen talleres para jóvenes y adultos, tanto para quienes quieren comenzar una carrera como para quienes buscan aprender o practicar por afición. En su caso, explicó que el teatro se convirtió en una vocación.

Hacer teatro en El Salvador, afirmó, no es sencillo. Por eso, considera que quien decide recorrer ese camino necesita sentir que es una actividad que no puede dejar de hacer.

A quienes quieren dar el primer paso, les dejó dos recomendaciones: “Tener muchas, muchas ganas y buscar la información”.

La Llorona llegará gratis a la Ciudad de México con 14 funciones entre el 16 de octubre y el 8 de noviembre. La obra, escrita por Luis Huitrón y dirigida por Angélica Rogel, se presentará en 10 sedes, entre ellas espacios de Iztapalapa, Coyoacán, Tlalpan, Iztacalco y Venustiano Carranza.

La propuesta combina títeres, teatro de sombras y misterio para revisar una de las leyendas más conocidas de México. Las presentaciones serán de entrada libre, aunque el público deberá llegar con anticipación porque cada recinto tendrá cupo limitado.

La puesta en escena llevará una versión distinta de La Llorona a alcaldías de la capital durante la temporada de Día de Muertos.

El montaje buscará revisar los posibles orígenes de la leyenda y plantear otro desenlace, a partir de una historia que conecta a una niña y su abuela con el pasado de Tenochtitlán.

El Teatro del Pueblo recibirá las dos funciones del Centro Histórico

Las funciones confirmadas en el Centro Histórico se realizarán en el Teatro del Pueblo, ubicado en República de Venezuela 72. El recinto forma parte del conjunto arquitectónico del Mercado Abelardo L. Rodríguez.

Las presentaciones en esta sede están previstas para el viernes 16 y el jueves 22 de octubre, ambas a las 16:00 horas. La entrada no tendrá costo y estará sujeta a la capacidad del lugar.

El Teatro del Pueblo albergará una historia centrada en Xóchitl y su abuela. A través de una ofrenda, los personajes conducirán al público hacia una nueva lectura de la figura de La Llorona.

La obra parte de la pregunta sobre la posibilidad de que el relato tenga un final diferente. La invitación difundida por el Sistema de Teatros de la Ciudad de México plantea: “Las leyendas cambian al volver a contarlas”.

El recorrido escénico se remonta a Tenochtitlán y recurre a figuras, sombras y narración para construir la trama. La propuesta se aleja de una repetición literal de la versión más difundida de la leyenda.

El inmueble también conserva una historia propia desde su inauguración en la década de 1930 y cuenta con murales que forman parte de su patrimonio arquitectónico.

La obra llegará a Utopías de cinco alcaldías de la capital

Además de las fechas previstas en el Centro Histórico, el programa contempla funciones en distintas Utopías de la Ciudad de México. Las actividades alcanzarán puntos de Iztapalapa, Venustiano Carranza, Coyoacán, Tlalpan e Iztacalco.

La programación completa abarcará 14 presentaciones distribuidas en 10 sedes de la capital. Las funciones se desarrollarán durante octubre y noviembre, dentro de las actividades vinculadas con el Día de Muertos.

La entrada será libre en todas las sedes, con cupo limitado. Este es el calendario de funciones:

• Teatro del Pueblo, 16 de octubre a las 16:00 horas: República de Venezuela 72, Centro Histórico.
• Utopía Centli Topilejo, 17 de octubre a las 17:00 horas: Gaviota 72, San Miguel Topilejo, Tlalpan.
• Teatro del Pueblo, 22 de octubre a las 16:00 horas: República de Venezuela 72, Centro Histórico.
• Utopía Teotongo, 23 de octubre a las 17:00 horas: Doctor Fernando Villegas, manzana 72, San Miguel Teotongo, Iztapalapa.
• Utopía La Heroica, 24 de octubre a las 17:00 horas: avenida Ingeniero Eduardo Molina, 20 de Noviembre, Venustiano Carranza.
• Utopía Meyehualco, 29 de octubre a las 18:30 horas: Santa Cruz Meyehualco, Iztapalapa.
• Utopía Elena Poniatowska Amor, 31 de octubre a las 18:00 horas: avenida Miguel Hidalgo 128, San Lucas, Coyoacán.
• Utopía Papalotl, 31 de octubre a las 11:00 y 14:00 horas: Datsun Tercer Retorno, Reforma Económica 52, Reforma Política, Iztapalapa.
• Utopía Mixiuhca, 1 de noviembre a las 11:00 horas: Viaducto Río de la Piedad 6, Granjas México, Iztacalco.
• Barco Utopía, 7 de noviembre a las 14:00 y 16:00 horas: Parque Lineal Periférico Oriente, esquina con avenida Luis Méndez y Eje 6 Sur, Iztapalapa.
• Utopía Libertad, 8 de noviembre a las 14:00 y 16:00 horas: Río Nilo, Lomas de San Lorenzo, Iztapalapa.

View this post on Instagram

La historia propone una mirada prehispánica sobre el lamento

La versión popular de La Llorona relata la historia de una mujer que, tras ser abandonada por su pareja, perdió la cordura y ahogó a sus hijos en un río o canal. Desde entonces, recorre las calles mientras los busca y lanza el grito que dio forma a la leyenda.

El relato ha formado parte de la cultura mexicana durante generaciones, sobre todo en las noches y celebraciones de octubre y noviembre. Su presencia en el imaginario colectivo convirtió el lamento de “¡Ay, mis hijos!” en uno de los sonidos más asociados con las historias de terror del país.

El Instituto Nacional de los Pueblos Indígenas (INPI) plantea otra posible raíz para esta narración. A partir de las crónicas del siglo XVI de fray Bernardino de Sahagún, el organismo identifica similitudes entre La Llorona y Cihuacóatl, una diosa prehispánica considerada madre de los mexicas.

De acuerdo con esa interpretación, el llanto no correspondería a una mujer que busca a sus hijos después de una tragedia personal. Sería el lamento de Cihuacóatl por la derrota de los mexicas durante la Conquista.

El INPI recoge una tradición según la cual la deidad habría advertido sobre las guerras que se aproximaban antes de la llegada de los conquistadores. Su llanto anticipaba el destino de sus hijos ante los extranjeros.

La obra retoma esa posibilidad para alejarse de una única explicación. El montaje invita a observar cómo cambian las leyendas cuando cada generación las vuelve a narrar.

La temporada ofrece una alternativa cultural gratuita para quienes buscan actividades relacionadas con el Día de Muertos.

También presenta una oportunidad para conocer una interpretación teatral que vincula la leyenda con la memoria indígena y la historia de Tenochtitlán.

La Camerata Bariloche se presentará el 14 de octubre en el Teatro Broadway, como parte de una trayectoria iniciada hace 59 años por músicos del Teatro Colón y la Sinfónica Nacional Argentina.

El conjunto recibió el Premio Konex de Platino al mejor conjunto de cámara en la historia de la música en Argentina. Su director musical y concertino es actualmente Freddy Varela Montero, después de las etapas encabezadas por Alberto Lysy, Rubén González, Elías Khayat y Fernando Hasaj.

La agrupación ofreció miles de conciertos y realizó 30 giras internacionales por 35 países, con actuaciones en festivales y salas de América, Europa y Asia. Entre esos escenarios figuran el Carnegie Hall de Nueva York, el Kennedy Center de Washington, la Salle Pleyel de París, la Sala Tchaikovsky de Moscú, la Musikverein de Viena, el Teatro Colón de Buenos Aires y el Auditorio Nacional de Música de Madrid.

A lo largo de su recorrido actuaron junto a la Camerata músicos como Astor Piazzolla, Martha Argerich, Yehudi Menuhin, Mstislav Rostropovich, Maxim Vengerov, Jean-Pierre Rampal y Frederika von Stade. El conjunto también cuenta con registros discográficos realizados en Argentina, Estados Unidos y Europa.

La Camerata Bariloche participó en películas argentinas como “Argentinísima”, “El Canto Cuenta su Historia”, “El Hombre Olvidado”, “Un Lugar en el Mundo”, “Vidas Privadas” y “Manuel de Falla, músico de dos mundos”.

La Ciudad de México ofrece este domingo 11 de octubre de 2026 una agenda cultural que va de los libros a la música en vivo, con propuestas para diferentes gustos y presupuestos. Entre ferias literarias, funciones teatrales y espectáculos de danza, los capitalinos tienen varias alternativas para aprovechar el día sin limitarse a una sola actividad.

Uno de los puntos de encuentro será el Zócalo, donde continúa la Feria Internacional del Libro, mientras que otros recintos albergarán propuestas artísticas que invitan a explorar distintas formas de expresión. A la programación dominical se suma una alternativa para quienes prefieren organizar sus salidas durante la semana: Nuestra isla, un nuevo musical, producción independiente que continúa en cartelera en el Foro Lucerna.

La música también tendrá un papel destacado con las presentaciones anunciadas de Álvaro Díaz y Natalia Lafourcade. Así, entre actividades de acceso gratuito y espectáculos con boleto, la cartelera ofrece opciones para organizar un recorrido cultural este domingo y considerar otros planes para las próximas semanas.

Libros y propuestas artísticas para descubrir nuevas perspectivas

La Feria Internacional del Libro en el Zócalo 2026 es una de las alternativas para quienes desean acercarse a la literatura sin gastar en la entrada. Instalada en la Plaza de la Constitución, en la alcaldía Cuauhtémoc, abrirá este domingo de 11:00 a 21:00 horas. La programación se extenderá hasta el 18 de octubre, por lo que también será posible visitarla en los próximos días.

En el Centro Cultural Universitario, en Coyoacán, el Festival Cultura UNAM presenta Hervé X MazelFreten, con una actividad programada de 19:00 a 20:00 horas. El acceso es gratuito, lo que convierte esta presentación en otra posibilidad para incorporar una experiencia artística a los planes del domingo.

Otra propuesta es Fábulas para dormir, de Josué Mejía. Se anuncia en la Secretaría de Turismo, en Cuauhtémoc, del 9 al 18 de octubre, de 9:00 a 17:00 horas. La entrada cuesta 50 pesos, aunque los domingos el acceso es gratuito.

Del Metro al folclore: teatro y danza para este domingo

La obra El viajero de los locos, la función de este domingo está programada de 16:00 a 17:00 horas y el boleto cuesta 39 pesos.

Por su parte, el Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández, las funciones anunciadas en el Palacio de Bellas Artes, en Cuauhtémoc, son a las 9:30 y a las 21:00 horas, los precios van desde los 385 hasta los 1984 pesos.

Ambas propuestas ofrecen distintas maneras de acercarse a la identidad cultural de México. Mientras la puesta teatral utiliza un elemento cotidiano de la capital para explorar sus historias y contrastes, el ballet destaca la riqueza de las tradiciones. Antes de acudir, conviene confirmar los horarios y la disponibilidad de entradas, especialmente en los espectáculos con costo.

Álvaro Díaz, Natalia Lafourcade y un musical para extender la agenda

Álvaro Díaz llegará al Palacio de los Deportes este domingo con un concierto programado a las 19:00 horas, que ya es sold out. El cantante puertorriqueño se suma a la oferta de espectáculos en vivo para el cierre del fin de semana.

Natalia Lafourcade también se presenta este domingo en la Ciudad de México. La cantante ofrecerá un concierto en el Teatro Metropólitan a las 20:30 horas de parte del Cancionera Tour con un lleno total.

Pero la oferta cultural no termina el domingo. Nuestra isla, un nuevo musical se mantiene en el Foro Lucerna como una alternativa para quienes desean reservar una noche de teatro al comenzar la semana. Esta producción independiente tiene funciones los lunes a las 20:00 horas, boletos anunciados en 550 pesos y una temporada prevista hasta el 30 de noviembre.

La permanencia de la obra durante octubre y noviembre permite considerar una salida teatral sin esperar al siguiente fin de semana. Su presencia en cartelera amplía las opciones para quienes buscan acercarse al teatro independiente y al entretenimiento en vivo. Antes de asistir, se recomienda verificar las fechas disponibles y las condiciones de compra para todos los eventos disponibles tanto gratuitos como de paga.

Con propuestas que abarcan literatura, danza, teatro y música, la Ciudad de México ofrece alternativas para distintos intereses durante este domingo.

Arturo Barba protagoniza junto a Memo Villegas la obra El Quinto Paso, montaje que anuncia nuevas fechas en el Teatro Silvia Pinal.

La obra pertenece al dramaturgo escocés David Ireland y llega a México bajo la dirección de Daniel Veronese, con traducción de Adrián Chávez. El Teatro Rafael Solana tendrá una última función el 11 de octubre. La obra irá al Teatro Silvia Pinal el 7, 14 y 21 de noviembre. Los boletos para esta fecha se venderán a través de Arema Ticket.

Jaime y Luca: una amistad construida desde la vulnerabilidad

Arturo Barba interpreta a Jaime, el padrino con más tiempo dentro del programa de recuperación, frente al personaje de Luca, interpretado por Memo Villegas, quien se acerca a conocer el proceso de sanación. “Narra el encuentro de dos alcohólicos en uno de estos grupos, como hay tantos, de AA, donde uno lleva obviamente más tiempo rehabilitado y el más joven se acerca a conocer el programa”, explica el actor en entrevista con Infobae México.

El desarrollo dramático se concentra en los pasos cuarto y quinto del programa de Alcohólicos Anónimos. “Es en el cuarto y en el quinto donde se acentúa la obra de teatro, que tiene que ver con exponer todas las cosas jodidas que hemos hecho a lo largo de la vida y hablarlas con una tercera persona”, señala Arturo Barba.

La historia sigue a Luca en un punto crítico de su proceso: cuando está a punto de enfrentar el quinto paso, la confesión de las faltas que marcaron su vida, surgen verdades que amenazan el vínculo con su padrino. Lo que inicia como una historia de acompañamiento se convierte en una reflexión sobre los límites de la honestidad y el perdón.

La obra aborda la sombra que todos los seres humanos ocultan: Memo Villegas

El actor resume el eje temático de la pieza en un concepto central. “La obra se trata de hablar de la sombra, la sombra del ser humano. Todas las cosas que ocultamos, todas las cosas de las que no nos sentimos orgullosos, pero que siempre nos acompañan”.

A partir de ese planteamiento, la obra despliega distintos ángulos de discusión. “Se habla de puntos de vista de la religión, pero también de la sexualidad, pero también de política, pero también de infidelidades, muchas cosas que tienen que ver con el valor para enfrentar esa sombra y hablarla con nosotros”, detalla.

El actor vincula el mensaje de la obra con el contexto actual de exposición pública en plataformas digitales. “Vivimos en una sociedad donde parecía ser, y más a través de las redes sociales, que se exacerba mucho la perfección y la excelencia de ciertas personalidades”, expone Arturo Barba.

Frente a esa dinámica, el actor insiste en una condición compartida por cualquier persona, sin excepción. “Se nos olvida que todos y cada uno de los seres humanos tenemos una sombra. Todos. Y cuando digo todos es en mayúsculas y te estoy incluyendo a ti, a mí, a la gente que lee, a la gente que nos viene a ver, todos”, declara.

Para Arturo Barba, el reconocimiento de esa dualidad tiene una consecuencia colectiva. “En tanto podamos ser más empáticos con esa dualidad que nos describe como seres humanos, creo que podemos ser una mejor raza”.

El actor cuenta que, luego de ver la obra en Londres, vio algo de sí en el personaje que hoy interpreta. El director le mandó el texto traducido y concluyó que en la historia existían elementos que lo llenaban espiritualmente. Como actor, eran artistas que quería tocar:

“Dudas existenciales mías, como la postura de la religión, las debilidades y en este momento a mi edad creía que se valía tocar (...) Esta obra plantea cosas que nos harían mejores humanos, como la empatía”.

Para el actor, la audiencia del teatro ha crecido en los últimos años: “Las salas no están tan vacías, ha habido una clara exposición de diez años para acá”, pero admite que podrían ser más personas las que inicien una relación con esta expresión artística. “Me gusta ser mas optimista que pesimista, el teatro nunca va a desaparecer. Siempre habrá alguien que aprecie el teatro ”.

El montaje cuenta con escenografía e iluminación de Emilio Zurita y producción ejecutiva de Anna Mühlbach y Fabiola Núñez.

Viviana Chávez, actriz y productora de Si no me acuerdo de ti, platicó con Infobae México sobre la obra que se presenta los sábados a las 20:00 horas en El Círculo Teatral, en la colonia Condesa de la Ciudad de México, con temporada del 3 de octubre al 12 de diciembre. El elenco incluye a Alberto Quijano, Andrés Jurado, Ignacio Vega y Mariana León, bajo la dirección de Javier Mira.

¿De qué trata Si no me acuerdo de ti?

“Si no me acuerdo de ti es una obra que pasa en la memoria de nuestro personaje principal, Miguel, y él está tratando de descubrir de quién es el funeral. Tenemos un funeral sin cuerpo presente y él está tratando de averiguar quién es. Y no solo está tratando de averiguar quién es, sino haciendo conciencia de su memoria y de sus recuerdos y tratando de acomodarlos, porque cuando alguien se va no es nada fácil. Está tratando de acomodar todo eso mientras descubrimos quién es el muerto”.

¿Qué temas aborda la obra?

“Tocamos la muerte desde la enfermedad, es uno de los temas que tocamos. ¿Qué pasa cuando alguien está a punto de morir, que está enfermo? ¿Se van o no se van? ¿Qué nos hace sentir a nosotros eso? Es complejo y es complicado cuando alguien está enfermo, pero también creemos que queremos dignificar el... Esto es un espóiler, pero mi personaje tiene cáncer en ciertos momentos de la obra y, ¿cómo es lidiar con eso? Desde un lugar muy honesto, pero también con muchísima dignidad.

Otra de las cosas de las que hablamos es de las muertes en los noventas de las personas LGBT. Y no solo la muerte física, sino también la muerte de sus ideales. Había campamentos de conversión donde vivían cosas horribles y que todavía sigue sucediendo. Son dos cosas que hablamos un montón: cómo se acaba la vida un poco en las enfermedades y en el no poder decidir o el no poder ser tú.

Además de hablar de la memoria y de la muerte, tratamos mucho de hablar de la bisexualidad. Es un tema muy importante para nosotros, que a veces no se habla un montón en el teatro. Hablamos mucho de las personas de la comunidad LGBT, pero en específico de la bisexualidad no se habla tanto. Es un tema muy importante dentro de nuestra obra".

¿Por qué crees que las personas bisexuales no siempre están representadas, ni en el teatro ni en el movimiento LGBT?

“Sí, pasa mucho. Yo formo parte de la comunidad LGBT y pasa un montón que a veces a las personas bisexuales se les llama que están confundidos. Parece muy moderno poder amar a una persona más allá de su género. Creo que eso pasa un montón: que ya es difícil amar a alguien de tu mismo género, pero amar a dos géneros es extraño. Muchas veces la conversación va sobre: «No, es que está confundide» o «No, es que no sabe qué quiere», pero no es así.

Yo soy pansexual y puedo decir que me enamoro de las personas independientemente del género. El género va y viene, pero es irrelevante para ello. Dentro de la comunidad LGBT pasa un montón. No quiero llamarlo discriminación, pero sí hay un montón de críticas hacia las personas bisexuales. Creo que va de eso, de que piensan que están confundidos, porque cómo es posible. Es extraño para las personas entender que se puede amar a dos géneros sin importar y se puede amar con la misma intensidad".

¿Cómo fue la creación de tu personaje, Karen?

“Híjole, creo que es un poco de las dos. Creo que Karen tiene muchas cosas de mí, pero porque creo, y esta es mi opinión personal, la actuación va de las situaciones que vivimos. A pesar de que, por ejemplo, nosotros esperamos nunca haber matado a nadie, podemos sentir esa frustración y podemos sentir el miedo de hacerlo y la desesperación y la impotencia que te lleva a esa situación.

Creo que si bien Karen no se parece a mí en muchas cosas, todos los personajes se parecen a nosotros, porque todos somos humanos. Prefiero que sean alejados de la realidad que estoy viviendo yo actualmente, porque luego es complejo emocionalmente y porque aparte te permite encontrarte en espacios en los que no estás. Pero sí creo que, independientemente de las diferencias que tengas con tu personaje, hay un montón de vivir que se parece un montón.

El proceso de crear a Karen ha sido muy complejo, la verdad. Karen es un personaje con muchas capas y que tiene un arco actoral bien grande y que pasa por muchos espacios.

Ha sido un trabajo de mucha cuestión corporal. Ha sido meterle mucho al cuerpo para Karen, pero también ahondar en lo que me duele a mí. Y en preguntarme qué significaría para mí si yo mañana estoy enferma y me puedo morir. O qué pasa si mañana me muero, porque esa es una posibilidad para todos. Ha sido un proceso muy precioso, y Karen me ha enseñado un montón".

¿Cómo reaccionó el público en el ensayo general?

“Sí, tuvimos un ensayo general esta semana. Ayer, justamente, tuvimos unos invitados, unos chicos de una escuela de teatro musical del Estado de México.

Fue una joya grandísima. Abrieron muchas preguntas sobre qué hacer en el escenario, pero también qué hacer cuando te enfrentas a realidades o a personajes que no se parecen tanto. Esas eran preguntas actorales.

Pero fue bien bonito, porque como estamos hablando constantemente sobre la vida y sobre vivir y sobre elegir y sobre elegirte, creo que ver al público y sentir su energía fue bien increíble. Te puedo decir que del último ensayo al ensayo que tuvimos ayer hubo una diferencia increíble en la energía, que le agregó un montón, al menos a mi personaje, y creo que a toda la obra.

Creo que el público que nos va a acompañar nos va a nutrir un montón. Les robaremos un poco de su energía, pero sí nos nutre un montón. ¿Y qué preguntas queremos que se lleven? Creo que queremos que se lleven una sensación de como cuando se te cae el peso de los hombros y dices: ¿sabes qué? Puede ser que no tenga la respuesta.

Puede ser que no sepa si estoy bien o si estoy mal, o qué me está pasando, pero aquí estoy y eso es suficiente. Creo que este es el mensaje de todo esto: no pasa nada. Está bien, aunque estén mal las cosas".

¿Qué hace falta para que la gente vaya más al teatro?

“Claro, mira, yo soy de Chihuahua. Creo que una de las cuestiones principales que tenemos que hacer como sociedad, como actores y como creativos, es descentralizar el teatro. Es bien complejo ver teatro fuera del círculo cerrado de la Ciudad de México. Hay un espacio muy céntrico donde puedes venir a ver teatro, pero no hay tanto teatro afuera. Esa es una de las primeras cosas.

También tenemos que pensar para quién estamos haciendo teatro. Estamos haciendo teatro para que nos guste solo a nosotros y para sentirnos orgullosos y que esté padrísimo, o también estamos haciendo teatro para la audiencia y para la gente que a lo mejor es su primera obra y que a lo mejor puede ser aterrador, porque las primeras experiencias son aterradoras.

Esa pregunta es importante. ¿Para quién estamos haciendo teatro? ¿Estamos haciendo teatro para aplaudirnos a nosotros mismos o para compartirlo? Creo que desde muchos lugares hay que meterle más al teatro. Hacer teatro es caro y no es tan redituable, la verdad.

Pero creo que necesitamos mucho más apoyo del público, y sobre todo de nuestro gobierno. Nos hace falta un montón de apoyo desde su parte".

Ana María había elegido a Teresa como confidente de esa parte desconocida de su vida. Desconocida para muchos de los que la rodeaban en ese presente en San Pablo, Brasil, donde es una prestigiosa empresaria gastronómica.

Con el tiempo, Massochi le hizo un pedido a Donato que cambió el rumbo de ese vínculo: que escribiera su historia. Su hijo le había pedido que se la cuente pero ella no podía poner en palabras tanto horror. “Escribila, mamá”, le dijo. Y en ese momento Ana María supo que la única persona que podía ponerle voz a sus recuerdos era Teresa. De ese trabajo de entrevistas nació el libro Desaparecida dos veces y, junto al actor Dennis Smith, compartieron la autoría de la obra teatral Mi vida anterior, que lleva al escenario una experiencia atravesada por la militancia, el terror, el exilio y las marcas que deja la supervivencia.

Donato reconstruyó su pasado, en donde recogió en primera persona sus recuerdos y el peso que aquellos años todavía tienen en su vida.

En diálogo con Teleshow, la periodista, guionista y dramaturga habló del origen de la historia, del proceso compartido con Smith y de la reacción que genera un unipersonal que no busca dar respuestas sencillas. “Es una obra llena de grises, no es un panfleto, porque muestra la fragilidad de la condición humana”, dirá a lo largo de la entrevista para darle luz a todas las aristas que convergen en un solo dolor.

—¿Cómo conociste a Ana María y cuándo empezó a aparecer su historia?

—La conocí en diciembre de 2018, en San Pablo, por un amigo en común. Enseguida hubo onda. A los pocos días, ella empezó a decirme: “Vos no tenés idea de quién soy yo”. Después me contó que había sido oficial montonera, que había estado desaparecida y que en Brasil nadie sabía nada, ni siquiera Pedro, nuestro amigo en común. Me pidió que no dijera nada. A los periodistas y escritores cuando nos cuentan una historia así se nos paran todas las antenas. Pero ella era una amiga, o una futura amiga, y yo solo escuchaba. Así estuve cuatro años.

Donato explica que Massochi no siempre podía relatar los hechos de manera lineal y que, a veces, se incomodaba cuando le pedía precisiones. Sin embargo, con el correr de los encuentros, la autora percibió que había una necesidad de hablar de aquello que había quedado fuera de las conversaciones familiares.

—¿Cuándo te pidió que escribieras el libro?

—En 2022 me dijo que su hijo le había pedido conocer su historia, pero que no tenía coraje para escucharla en vivo porque sabía que le iba a doler mucho. Entonces le propuso: “¿Por qué no escribís un libro, mamá?”.

Ella cayó a mi casa y me dijo: “O lo escribís vos o no lo escribe nadie, porque yo de esto no hablé con nadie y por algo lo hablé con vos”. Yo nunca había escrito un libro. Venía del audiovisual, de los guiones y del periodismo, pero no de un libro. Me llevó tres años. Estuve unos dos años y medio entrevistándola, con idas y vueltas.

—¿Cómo apareció la posibilidad de llevar toda esa narrativa al teatro?

—Una amiga me dijo que con ese material tenía que hacer una obra. Se lo conté a Dennis y me preguntó de qué se trataba. Le dije que era la historia de una oficial montonera, desaparecida, sobreviviente, que se salva porque un militar se enamora de ella. Pero tenía muchos condimentos y ella era muy interesante como personaje, también desde lo dramatúrgico.

Al principio habían pensado que una actriz encarnara a Ana. Mientras el texto avanzaba, sin embargo, Smith expresó su deseo de asumir el desafío. Donato cuenta que el material de base incluía unas 1.500 páginas de entrevistas ya editadas, de las que debieron seleccionar escenas, voces y situaciones para construir la pieza.

—¿Cómo fue escribir Mi vida anterior entre los dos?

—La escribimos juntos. Yo no solté el libro y ni le dije “hacé lo que quieras”. Al contrario, íbamos trabajando: ‘vos hacés el hijo, yo hago la madre’; después al revés. Sumábamos cosas de un lado y del otro. Éramos muy cuidadosos: el que tocaba algo que había escrito el otro lo ponía en color y después lo debatíamos. Le pusimos mucho trabajo. La primera vez que la leímos entera, los dos nos largamos a llorar. Hacía un año que estábamos con el tema, escribiendo y reescribiendo, y aun así nos conmovió. Ahí pensamos que, si a nosotros nos pasaba eso, quizás también le podía pasar a otros.

—Dennis interpreta a todos los personajes. ¿Qué buscaban con esa decisión?

—Él dijo algo muy importante: podía hacer de mamá, de hijo, de padre, pero quería poner al actor detrás de la obra. No quería que salieran diciendo solamente “qué bien que hace de mamá” o “qué bien que hace de papá”. La protagonista tenía que estar adelante de nuestros propios egos y de las ganas de mostrarnos. Al principio teníamos miedo de que no se notara, pero cuando la vi armada pensé que no iba a haber dudas. Hay veces que, con las obras y los libros, chocan los planetas para bien. Creo que tiene que ver con el amor y la pasión que le pusimos al material y a la historia.

El estreno también tuvo un momento especial para Massochi. Antes de que la obra se presentara formalmente, ella había invitado a amigos y familiares que, en muchos casos, conocían apenas fragmentos de lo que le había sucedido. Su hijo sabía que había estado secuestrada y que un militar había tenido influencia en su destino, pero no conocía todos los detalles.

—¿Cómo reaccionó Ana al ver la obra?

—Vio un ensayo general. Ella ya había invitado a amigos y familiares que se iban a enterar ahí de quién había sido. Cuando hicimos un semimontado, vinieron unas 40 personas. Al final de la obra lloraban de una manera muy fuerte. Ana era como que pedía perdón. Al día siguiente, gran parte de ese grupo fue a saludar a los desaparecidos que están en el Parque de la Memoria y que tienen que ver con esta historia. Fue muy emocionante.

—La obra no presenta a Ana como una heroína intachable ni propone una lectura cómoda

—No es un panfleto, aunque queda claro de qué lado estamos. Es, en todo caso, una pancarta gris. Lo que incomoda a los espectadores y a nosotros mismos es que no nos deja sentarnos cómodos en el lugar del héroe y generar empatía con él. Te enfrenta con tu propia miseria, con lo que uno realmente es capaz de hacer. Tenemos casi 600 mensajes en Alternativa Teatral y muchos dicen: “Me fui pensando”, “Me quedé hablando con mi pareja”, “Me quedé hablando con mi hijo”. Ana no es una heroína. Todos nuestros grises hay que bancárselos. Ni traidora ni heroína, solo una mujer que hizo lo que pudo.

La autora señala que una parte de la potencia del relato está en no simplificar las decisiones tomadas bajo condiciones de violencia y cautiverio. Massochi estuvo casi ocho meses secuestrada sobreviviendo literalmente en un pozo, con torturas y violaciones. En un segmento de la obra, la protagonista - interpretada por Dennis- relata que cuando el torturador la sacaba de ese pozo para abusar de ella, “al menos ligaba una ducha tibia”. Ese temor continuó aun cuando logró rehacer su vida en Brasil.

—¿Qué fue lo más difícil de contar?

—Hay cosas que hicimos con mucho miedo y mucho respeto. En un momento aparece una frase sobre no saber si algo era placer o asco, pero también sobre que era lo único parecido a la vida que había en ese lugar. ¿Cómo se juzga a alguien que atravesó esos horrores? Todavía se piensa que los sobrevivientes son traidores, como si hubieran elegido lo que les pasó. Y no. Nadie levanta la mano para decir que quiere que lo elijan, que lo torturen o que lo violen. Hay que entender el horror vivido en carne propia.

—¿En qué estás trabajando ahora?

—El 2 de octubre estrena Puta madre, un biodrama que escribí con Carolina Fernández. Es la historia real de una madre que tiene un hijo detenido por drogas y de todas las preguntas y la vida que atraviesa una mamá con la tristeza de la adicción de su hijo: querer verlo libre y sano, y que sus ilusiones se estrellen contra el piso. En este caso, ella está en escena y el hijo aparece grabado desde el penal. La escribimos juntas, basada en su experiencia y en su libro.

Mi vida anterior se puede ver el 1° de noviembre en el Teatro Argentino de La Plata, con entrada gratuita. En Buenos Aires, la temporada termina el 7 de noviembre en el Teatro Dumont 4040, los domingos a las 18. Las entradas se pueden adquirir por Alternativa Teatral.

Anthony Mackie regresará a Broadway por primera vez en 16 años para protagonizar Macbeth, la clásica tragedia de William Shakespeare, en una temporada que arrancará en la primavera de 2027, según confirmó el actor en una entrevista con Deadline.

El actor de 48 años, conocido mundialmente por interpretar a Sam Wilson/Capitán América en el universo cinematográfico de Marvel, encabezará el traslado a Nueva York de la aclamada puesta en escena del director Max Webster, que debutó en el Donmar Warehouse de Londres en 2023 con David Tennant en el rol protagónico y Cush Jumbo como Lady Macbeth.

La producción luego se trasladó al Harold Pinter Theatre del West End londinense, donde agotó todas sus localidades.

Los ensayos están previstos para comenzar en febrero de 2027, con funciones de preventa desde finales de marzo o principios de abril y una temporada que se extendería hasta julio. Aún no se han anunciado el teatro de Broadway donde se presentará ni el elenco completo, incluida la actriz que interpretará a Lady Macbeth.

La puesta en escena de Webster se distingue por un uso inmersivo del sonido: el público asiste a las funciones con auriculares y escucha a los actores a través de un sistema de audio binaural diseñado por el premiado sonidista Gareth Fry, galardonado con los premios Tony y Olivier. “En vez de tener que proyectar la voz al fondo de la sala, la sala llega al escenario”, explicó Mackie a Deadline.

La producción recibió tres nominaciones a los Premios Olivier tras su paso por el Donmar, entre ellas la de Mejor Reposición, y fue filmada para su estreno en cines.

El actor, graduado del Conservatorio Juilliard, se refirió al peso que tiene el proyecto para él. “Macbeth es una de las grandes obras del canon”, dijo en declaraciones a Deadline.

“Es uno de esos papeles con el que todo el mundo sueña. Y poder hacerlo en Broadway, viniendo de donde vengo, es una hazaña monumental, no solo en mi carrera, sino en mi vida.”

Mackie hizo su debut en Broadway en 2003 en la reposición de Ma Rainey’s Black Bottom, de August Wilson, y volvió al año siguiente en Drowning Crow, de Regina Taylor. Su última aparición en Broadway data de 2010, cuando actuó en A Behanding in Spokane, de Martin McDonagh, junto a Christopher Walken, Sam Rockwell y Zoe Kazan.

Criar a sus cuatro hijos en Nueva Orleans lo mantuvo alejado de los escenarios neoyorquinos

El actor atribuyó su prolongada ausencia de los escenarios neoyorquinos a su vida familiar. “Si no vivís en Nueva York, y tenés hijos, es un gran sacrificio separarte de ellos para volver a perseguir tus sueños”, reconoció en declaraciones recogidas por Deadline. Sin embargo, consideró que se trata de algo que sus cuatro hijos podrán comprender.

El deseo de volver a las tablas se reavivó durante el rodaje de Avengers: Doomsday en Londres, donde una conversación con su amigo y colega Wendell Pierce “le dio el impulso para volver al escenario”, según contó. Durante ese período, también aprovechó sus fines de semana para asistir a distintas producciones del teatro londinense, entre ellas Oliver!

Ahora se prepara física y vocalmente con uno de sus profesores de Juilliard

De cara al regreso, Mackie trabaja junto a Richard Feldman, uno de sus antiguos profesores en Juilliard, y retomó los ejercicios vocales y materiales de estudio conservados de su etapa en la institución. “Ser el Capitán América, patear, golpear y volar es una cosa, pero estar en un escenario es un animal riguroso”, afirmó.

Tras finalizar la temporada de Macbeth, el actor prevé retomar sus compromisos con Marvel para Avengers: Secret Wars.

Augusto Alonso, el influencer que superó el millón de seguidores en redes sociales, visitó el estudio de Infobae al Amanecer para repasar un año marcado por su irrupción en la escena digital argentina. Durante la charla habló de su colaboración musical con Sebastián Yatra, de su fanatismo por el fútbol y las ganas de conocer a Lionel Messi, y de su desembarco en el teatro, con una obra que escribió y protagoniza junto a su amigo Frankillo.

El vínculo con Yatra nació de una insistencia sostenida en redes sociales que terminó en una colaboración musical. “Puse como cincuenta videos de TikTok, siempre lo mandaba, Sebastián Yatra, Sebastián Yatra. Hasta que se cansó”, recordó Alonso, un poco en broma y otro poco en serio. El cantante terminó por comunicarse con él en una videollamada, un primer encuentro que marcó el inicio de la relación entre ambos. “Soy hermano de él, hermano de corazón, de sangre”, definió.

El origen de la canción con Yatra

El tema que grabaron juntos, “Lo que me pasa con vos”, tuvo un proceso particular, en el que un fan conoce a su ídolo sin imaginar que iban a terminar grabando juntos. “Esa canción la escribimos con Yatra y se la dedicamos a mi exnovia. Sebastián la grabó con la misma guitarra con la que canta ‘No hay nadie más’, que la hizo llegar de Colombia”, relató.

La imagen que terminó integrada al proyecto musical también tuvo origen en un gesto suyo. “Yo le hice un dibujo a Sebastián, se lo llevé a Madrid y le gustó. Después él creó todo para la canción”, contó. En cuestión de meses, el videoclip superó las 4 millones de visualizaciones, en uno de los tantos fenómenos virales del influencer.

La presentación conjunta se realizó en el Movistar Arena de Buenos Aires, un episodio que Alonso describió como uno de los momentos que guarda en su corazón. “Cantamos esa canción. Se explotó de gente, quince mil personas. Fue una locura cantar con el público”, afirmó, y agregó que a partir de ese proyecto firmó “un acuerdo, un contrato” con un sello discográfico.

El vínculo con Messi y el fanatismo por el fútbol

La charla también giró sobre Lionel Messi, quien hoy cerrará su etapa en la Selección Argentina con una fiesta que paraliza a un país. Alonso confirmó que fue invitado al partido de despedida del futbolista en la selección argentina, aunque reconoció que el vínculo entre ambos todavía no incluyó un encuentro cara a cara. “No estuve con él en persona. Me gustaría contactarme con él, le mando mensajes por Instagram todo el tiempo”, contó.

La salida de Messi del plantel nacional le genera un sentimiento ambivalente. “Me da tristeza que se vaya. Pero yo le dije, no te puedes retirar de la selección, porque te quiero adentro con el equipo”, expresó, y no pudo contener las lágrimas al hablar del crack rosarino: “Si lo veo triste, me pongo mal; cuando él llora, yo lloro”.

Su experiencia en el teatro

El repaso incluyó también su fanatismo por las telenovelas, especialmente Dulce Amor, el clásico protagonizado por Carina Zampini y Sebastián Estevanez. Y ese empuje lo llevó a tener su propia obra en cartel, Pan con Manteca, la obra que protagoniza junto a su amigo Frankillo en el Paseo La Plaza y que se desarrolla sin un guion fijo: “Todo lo tengo acá en mi cabeza. Improviso”, explicó sobre el espectáculo con el que planea una gira por el interior del país.

Esa libertad sobre el escenario derivó, en uno de los ensayos, en un episodio que terminó golpeando a un compañero de elenco. Gajes del oficio que ocurren sobre las tablas “Me dejé llevar, me fui de personaje y le pegué un golpe a un chabón. Me fui de más, fue una escena de película”, relató, y aclaró que la situación no pasó a mayores: “Se golpeó un poco en la frente, pero no fue tanto”. Así, entre sueños cumplidos y objetivos por cumplir, Augusto Alonso pasó por Infobae en Vivo y dejó claro que soñar no cuesta nada. Y tiene con qué sostenerlo: “Tanta fama que tengo la llevo para arriba. Ya tengo un millón doscientos mil seguidores en el Instagram, ahora quiero llegar a treinta millones”.

-

Infobae te acompaña cada día en YouTube con entrevistas, análisis y la información más destacada, en un formato cercano y dinámico.

• De 7 a 9: Infobae al Amanecer: Nacho Girón, Luciana Rubinska y Belén Escobar

• De 9 a 12: Infobae a las Nueve: Gonzalo Sánchez, Tatiana Schapiro, Ramón Indart y Cecilia Boufflet

• De 12 a 15: Infobae al Mediodía: Maru Duffard, Andrei Serbin Pont, Fede Mayol y Facundo Kablan

• De 15 a 18: Infobae a la Tarde: Manu Jove, Maia Jastreblansky y Paula Guardia Bourdin; rotan en la semana Marcos Shaw, Federico Cristofanelli, Rosendo Grobo, Lara López Calvo y Tomás Trapé.

• De 18 a 21: Infobae al Regreso: Gonzalo Aziz, Diego Iglesias, Malena de los Ríos y Matías Barbería; rotan en la semana Gustavo Lazzari, Martín Tetaz y Mica Mendelevich

Actualidad, charlas y protagonistas, en vivo. Seguinos en nuestro canal de YouTube @infobae

La cartelera teatral porteña concentra en octubre una serie de rebajas de entre el 60% y el 90% sobre el valor de las entradas, en el marco de una nueva edición del programa Vení al Teatro. La propuesta alcanza a más de 80 obras y espectáculos distribuidos en 20 salas del circuito comercial y asegura, según los organizadores, 50 opciones con precios por debajo de los 20 mil pesos. Entre los espectáculos alcanzados por los descuentos figuran clásicos como La ratonera, en el Liceo; Desde el jardín en el Metropolitan y Rocky, en el Lola Membrives, y El curioso incidente del perro a medianoche, en el Maipo, además de piezas de larga permanencia en cartel como Toc Toc y 8 mujeres, ambas en el Multiteatro, y La última sesión de Freud, en el Picadero.

La dinámica consiste en la entrega de bonos de 2.500 pesos en Tickets BsAs, el punto de venta ubicado en Diagonal Norte y Cerrito, frente al Obelisco, los días martes 6, 13, 20 y 27 de octubre, de 11 a 19. Cada bono habilita a elegir un espectáculo, y es válido para las funciones de esa misma semana, hasta agotar la disponibilidad. Con ese comprobante, el espectador debe presentarse en la boletería de la sala elegida para obtener la entrada con el porcentaje de descuento asignado a esa obra en particular. El límite es de cuatro bonos por persona, y se exige la presentación del documento de identidad en el momento del canje. El esquema también incluye títulos como La casa de Bernarda Alba, en Multiescena; Misery y Las cautivas, en el Metropolitan, y presentaciones musicales como las de Tomás Lipán en el Carlos Carella y La Bomba de Tiempo en el Konex.

La campaña está a cargo de la Asociación Argentina de Empresarios/as Teatrales y Musicales (AADET), junto con productores, productoras y las salas que adhieren a la iniciativa. Según el comunicado difundido por la entidad, el objetivo es incentivar la asistencia del público a los espectáculos en vivo.

La iniciativa funciona desde 2014 y, según datos de la propia AADET, superó en su décima edición, realizada en 2024, los 77.000 espectadores acumulados desde su lanzamiento, con una oferta de más de 100 espectáculos y los mismos descuentos de entre el 60% y el 90% que rigen en la convocatoria actual. La campaña se sostuvo a lo largo de distintas gestiones de gobierno y se consolidó como una herramienta habitual del sector para sostener la afluencia a las salas porteñas, en un circuito que en los últimos años mantuvo niveles de concurrencia elevados: 2023 marcó un récord de 2,2 millones de espectadores entre enero y agosto, según cifras de la entidad.

Más información: venialteatro.org e Instagram @ticketsbsas

Salas y espectáculos participantes

• Apolo: Berlín Berlín
• Astral: Chanta
• Astros: Experiencia Dalia Gutmann - No me calmo nada; La llamada; La Pilarcita; Lo que el río hace; Vuelve; Yo no duermo la siesta
• Chacarerean: El amateur
• Coliseo: Amores reunidos; Volar es humano, aterrizar es divino
• El Nacional Sancor Seguros: Alejandra; El equilibrista; Somos las chicas de la culpa; Sottovoce
• Liceo: La ratonera
• Lola Membrives: Rocky
• Maipo: El curioso incidente del perro a medianoche; Saraos uranistas
• Metropolitan: Cuestión de género; Desde el jardín; Habitación Macbeth; Íntimo; Las cautivas; Misery; Modelo vivo muerto; Othelo - Termina mal
• Multiescena: Argenmach; Camas cruzadas; Casa Duarte; La casa de Bernarda Alba; Los 39 escalones; Los siete balcones; Noche de comedia; Rumores; Sergio Gonal, el más nuevo de los viejos
• Multitabarís: Chat de mamis; El secreto
• Multiteatro: 8 mujeres; La función que sale mal; Las cosas maravillosas; Toc Toc; Visitando al Sr. Green
• Paseo La Plaza: Cecilia Ce; Con la nuestra; Dribbling; La desgracia; La profecía del albergue; La señora que me parió; Lucas Lauriente; Nanutria; Pablo Agustín - Criado por lobos; Por el placer de volver a verla; The old man and the old moon
• Picadero: Amaru; El brote; El estado de la unión; El hombre inesperado; El Trinche; Ennio Morricone, Feliz día SutottosImpro al 2020; La última sesión de Freud; La vida extraordinaria; Las gratitudes; Le frigo; Musicalmente tuyos; No me acuerdo de las cosas; Prima Facie; Problema 1; Quien sea llega tarde
• Picadilly: Alrededor, salir del encierro; Chingalepa, soplaré, soplaré; ¡Morite beba!; Un cambio inesperado
• Politeama: Empieza con D - Siete letras; Medida por medida
• Premier: Una Navidad de mierda
• Carlos Carella: Estoy en mi prime, Rigoletto, Tomás Lipán
• Konex: Discos esenciales, Tester de violencia; El alucinante viaje de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota; La Bomba de Tiempo; Sabor Canela + Laquetecumbió

[Fotos: prensa Vení al Teatro]

Julia Roberts regresará a Broadway a principios del próximo año en una producción repleta de estrellas de Small Mouth Sounds, una obra experimental, conmovedora y divertida sobre un retiro de silencio. La producción reunirá a la estrella de Hollywood con Paul Rudd, quien coprotagonizó su única incursión previa en Broadway, una producción de 2006 de Three Days of Rain. A ellos se unirán Martin Freeman, Greta Lee, Sarah Paulson e Isaac Powell.

La obra de 2015, escrita por Bess Wohl, será dirigida por Joe Mantello y producida por Scott Rudin y Barry Diller, quienes este año ganaron premios Tony por la exitosa reposición en Broadway de Death of a Salesman (La muerte de un viajante). Mantello, Rudin y Diller también colaborarán este otoño en una producción en Broadway de Downstate, una provocadora tragicomedia de 2018 de Bruce Norris, ambientada en un hogar grupal para delincuentes sexuales. Ambos dramaturgos han ganado premios Pulitzer por otras obras, y ambas piezas han sido aclamadas por la crítica, pero plantean desafíos comerciales: Small Mouth Sounds, porque incluye tramos de silencio incómodo, y Downstate, porque trata sobre un grupo de personajes potencialmente poco simpáticos. “Si no es desafiante, ¿cuál es el sentido?“, dijo Rudin.

El dramaturgo espera que la demanda de Small Mouth Sounds sea alta, dada la fama del elenco, y confía en aprovechar ese interés para impulsar Downstate, que probablemente será más difícil de vender. Está probando una estrategia de marketing poco convencional: este jueves las entradas para la obra salen a la venta a partir de 150 dólares: quienes compren el primer 15 % de los asientos podrán adquirir un asiento preferencial para Small Mouth Sounds por 250 dólares.

Esos precios no son precisamente una ganga, pero Rudin dijo que cree que son mucho más bajos de lo que serán con el tiempo para la obra. “Los precios de las obras son increíblemente altos ahora”, dijo, “y tienen que ser altos debido a la economía”. “Vamos a tener que encontrar una mejor manera de hacer que la gente entre en estos edificios”, añadió, y reconoció a la Organización Shubert por aceptar poner a prueba la estrategia de venta conjunta de entradas.

Está previsto que Downstate inicie sus funciones previas el 17 de octubre y se estrene el 15 de noviembre, con una temporada de 12 semanas en el Teatro Booth. Small Mouth Sounds planea iniciar sus funciones previas el 18 de febrero y estrenarse el 18 de marzo en el Teatro Ethel Barrymore. Las dos producciones constituyen otro paso en el regreso de Scott Rudin a la producción activa, tras una ausencia autoimpuesta provocada por la cobertura mediática de su conducta intimidatoria. Rudin dijo que Diller, el magnate multimillonario de los medios que desde hace mucho tiempo ha respaldado su trabajo, también será el único inversionista de las producciones.

Downstate comenzó su vida en la Steppenwolf Theater Company de Chicago, dirigida por Pam MacKinnon; Jesse Green, al reseñar esa producción para The New York Times, la calificó como “una gran obra de suspenso moral que provoca retorcerse en el asiento”. La producción de Broadway contará con dos integrantes del elenco original, Francis Guinan y K. Todd Freeman, junto con Cassie Beck, Adrian Martinez, Al’Jaleel McGhee, Thomas Sadoski, Ivy Wolk y Liza Colón-Zayas.

Norris ganó el Pulitzer de drama en 2011 y el premio Tony a la mejor obra en 2012 por Clybourne Park. También fue en su momento blanco de la ira de Rudin: ambos tuvieron una disputa pública por la decisión de Norris de no actuar en una adaptación televisiva de The Corrections producida por Rudin, lo que lo llevó a negarse a producir la temporada en Broadway de Clybourne Park. Desde entonces se han reconciliado.

Small Mouth Sounds tuvo una producción inicial en Ars Nova, una compañía Off Broadway de Nueva York, dirigida por Rachel Chavkin. Charles Isherwood, al reseñar esa producción para The New York Times, calificó la obra de “encantadora” y “un modelo de ingenio”. Este año, Wohl ganó tanto el Pulitzer de drama como el premio Tony a la mejor obra por Liberation, sobre el movimiento de mujeres. La producción en Broadway de Small Mouth Sounds contará con música de Caroline Shaw, una compositora ganadora del Premio Pulitzer que también escribió la música para la reposición de este año de La muerte de un viajante.

Fuente: The New York Times

Todo comenzó en el programa de Eltrece cuando el humorista reveló que había perdido más de 6 kilos durante su participación en el éxito teatral, un montaje que sostuvo con una rutina de 17 funciones semanales y jornadas de hasta tres presentaciones. El artista habló del desgaste físico que atravesó al terminar la temporada en una charla con Mario Pergolini y Evelyn Botto.

El conductor recordó que lo había visto afectado al finalizar el trabajo. Rada reconoció que estaba cansado y que las personas de su entorno también habían notado cambios en su aspecto, sobre todo en el rostro. “Estaba muy cansado”, resumió al describir ese período.

Pergolini señaló entonces que, durante la temporada, Rada había minimizado la situación y decía que la pérdida de peso era de alrededor de un kilo o un kilo y medio.

El intérprete explicó que comenzó terapia después de esa experiencia y que ese proceso le permitió reconocer lo que le sucedía. “Dejé de negarlo, básicamente”, afirmó.

Más allá del impacto de la exigencia, Rada eligió como uno de sus recuerdos centrales del espectáculo el momento en que un niño volaba en un ascensor a 14 metros de altura sobre el público. Según relató, la secuencia incluía láseres que simulaban estrellas y provocaba una reacción emotiva entre los asistentes.

El actor definió esas producciones como experiencias de alta intensidad y señaló que aquella fue la cuarta obra de ese tipo en su carrera. También destacó la dinámica de trabajo que se forma durante una temporada de dos meses, con un equipo de cerca de 250 personas que comparte gran parte de sus días y se despide de manera abrupta al concluir las funciones.

Botto, quien participó en La sirenita, coincidió al mencionar la exigencia de esos montajes. Para Rada, el final de cada temporada supone dejar atrás una convivencia cotidiana que se construye durante semanas alrededor de la obra.

En otro tramo de la charla, Rada recordó que 150.000 personas lo abuchearon durante un show en Talca, Chile, una experiencia que, según relató, comenzó apenas saludó al público y se extendió durante los 40 minutos que tenía asignados sobre el escenario.

El músico y humorista contó la anécdota en una charla con Mario Pergolini y Evelyn Botto. Rada explicó que había llegado al festival acompañado por sus músicos Pablo, Charly y Juanjo, un guitarrista con el que trabajaba entonces, después de una etapa de presentaciones en territorio chileno que habían tenido buena respuesta.

Antes de aceptar la invitación, colegas de Chile le habían advertido que ese encuentro podía ser difícil. “Me habían dicho: ‘A ese festival no vayas’, porque es complejo”, relató. Aun así, subió a escena ante una convocatoria que cifró en 150.000 espectadores.

El conductor le preguntó qué había ocurrido y Rada situó el comienzo del rechazo en su primera intervención. “En el momento que dije hola”, afirmó entre risas. Según reconstruyó, su saludo de “Buenas noches, Talca” fue recibido con silbidos e insultos desde el público.

Durante la conversación también se reprodujo un fragmento de aquella actuación. En las imágenes, Rada intenta continuar su rutina y hace referencias al recibimiento: “Me habían dicho que el público de Talca era bueno, no sabía que tanto”, dice antes de preguntar si en Chile se entendía la expresión argentina “una masa”.

Pergolini quiso saber cuánto tiempo había permanecido sobre el escenario en esas condiciones. El artista respondió que el contrato establecía una presentación de 40 minutos y que decidió cumplirla junto a sus músicos. “Con los chicos nos la bancamos como unos campeones e hicimos cuarenta minutos”, señaló.

El entrevistado aclaró que el grupo logró moderar la reacción, aunque descartó presentar el episodio como una victoria. “Los acomodamos un poco. No lo dimos vuelta”, sostuvo sobre aquella noche en Talca.

Al describir la hostilidad inicial, Rada dijo que desde el público también recibió amenazas verbales. El recuerdo quedó marcado por el contraste entre sus actuaciones previas en festivales chilenos y la respuesta que encontró en ese escenario ante una multitud.

La primera dama de El Salvador presentó la propuesta en un diálogo con Lula, un títere que acompaña parte de las actividades culturales dirigidas al público infantil. La conversación situó al teatro como punto de encuentro entre la música, la danza, los relatos y las canciones que forman parte del repertorio de Cri-Cri, personaje creado por el compositor mexicano Francisco Gabilondo Soler.

“Estamos en uno de mis lugares favoritos, el teatro”, dijo Gabriela Rodríguez de Bukele al inicio del anuncio. Lula respondió con una lista de sus preferencias: conciertos, danza y cuentos. La respuesta de la primera dama fue que las familias podrán encontrar esos elementos reunidos en una misma puesta.

“No se lo pueden perder”, compartió el presidente de la República, Nayib Bukele.

Más de 150 artistas prepararon los cuentos musicales

La producción reúne a la Escuela Nacional de Danza, la Escuela Nacional de Música, el Centro Nacional de Artes y los tres elencos nacionales de danza. Según explicó Rodríguez de Bukele, esas instituciones trabajaron en el montaje de 22 cuentos musicales, con arreglos adaptados para la presentación e interpretación en vivo.

La propuesta se apoya en las canciones de Cri-Cri, conocidas por convertir escenas domésticas, animales y personajes de la vida cotidiana en relatos para niños. Entre las referencias que aparecieron en el anuncio estuvieron “La patita”, “El chorrito” y “Los tres cochinitos”.

“Son más de ciento cincuenta artistas en escena que han trabajado para hacer de esto una gran producción artística”, señaló la primera dama. El anuncio no precisó las fechas, los horarios ni los espacios de las presentaciones.

La programación recupera canciones que atravesaron generaciones

Durante el intercambio con Lula, Rodríguez de Bukele explicó el universo de Cri-Cri a partir de objetos y situaciones sencillas. Habló de “un chorrito de agua que se hacía grandote o se hacía chiquito”, de una pata que va al mercado y de tres cerditos reunidos en una cama.

La primera dama vinculó esas imágenes con la capacidad de la niñez para transformar lo cotidiano a través de la imaginación. También contó que, durante su infancia, bailó y cantó las composiciones de Cri-Cri, un repertorio que ahora busca compartir con nuevas generaciones.

“Cuando yo estaba chiquita, bailé y canté muchísimo las canciones de Cri-Cri, así que me da mucho orgullo. Es algo que amo compartir”, afirmó.

El títere Lula relacionó esas escenas con lo que observa en Suchitoto, una ciudad que suele aparecer en los contenidos infantiles y culturales promovidos por la primera dama. La conversación mantuvo un tono didáctico y presentó el teatro como un espacio para que los chicos se acerquen a distintas expresiones artísticas.

Las familias salvadoreñas podrán ver a artistas nacionales

Rodríguez de Bukele afirmó que la programación estará disponible para las familias durante el Mes de la Niñez y destacó que el elenco está integrado por artistas del país. La iniciativa reúne formación artística, interpretación escénica, música en vivo y literatura infantil a partir de un repertorio reconocido en América Latina.

El anuncio cerró con una interpretación de “La patita”, una de las canciones más populares de Cri-Cri. Mientras sonaba la melodía sobre la pata que va al mercado con su canasta, Lula celebró la próxima llegada de los espectáculos.

La puesta en escena tendrá 12 funciones, de jueves a sábado a las 19:30 y los domingos a las 17:00, en la sala ubicada en la carrera 25 Nº 50-34. El montaje, dirigido y escrito por Iván Gómez Gaitán, sigue el recorrido de Clara Pinilla, una mujer colombiana que intenta cruzar el desierto de Arizona, en la frontera entre México y Estados Unidos, junto a sus hijos.

La protagonista realiza una llamada de auxilio durante el trayecto y es rescatada por agentes de la patrulla fronteriza estadounidense. Luego queda bajo custodia en una sala de interrogatorio, donde reconstruye las razones que la llevaron a abandonar su ciudad de origen, los hechos que marcaron el viaje y la incertidumbre ante una decisión legal que puede definir el futuro de su familia.

Con una duración de 70 minutos, Arena en la boca plantea una historia enfocada en los efectos de la migración sobre los vínculos familiares, la maternidad y las decisiones tomadas en situaciones límite. La obra propone acercarse a un fenómeno que con frecuencia aparece asociado a cifras, controles fronterizos o tragedias, pero que en este caso se narra desde la experiencia de una mujer y sus hijos.

Clara Pinilla enfrenta una decisión que puede separarla de sus hijos

La acción de Arena en la boca transcurre después del cruce por el desierto. Clara Pinilla ya no está en marcha: permanece en una sala de interrogatorio, bajo la vigilancia de un sistema migratorio que puede determinar si continúa junto a sus hijos o si debe afrontar una separación.

Desde allí, la protagonista relata las condiciones que la empujaron a salir de Colombia y las dificultades del recorrido hacia Estados Unidos. La obra se detiene en la nostalgia por el territorio que dejó atrás, la preocupación por sus hijos y las consecuencias de una decisión que toma ante la falta de alternativas.

El relato incluye un hecho devastador que acompaña a Clara durante el trayecto por Arizona. Ese episodio se revela a medida que avanza la función y se integra al conflicto de una madre que busca proteger a su familia mientras enfrenta las normas y los procedimientos de control en la frontera.

La propuesta de Salto al Vacío utiliza la arena como uno de sus elementos escénicos. Ese material permanece ligado a la protagonista incluso dentro de la sala de interrogatorio y remite al desierto que acaba de atravesar. El diseño de arte y el ambiente sonoro construyen un espacio marcado por la espera, el aislamiento y la tensión.

La escenografía plantea un contraste entre el paisaje abierto del desierto y el encierro de la dependencia oficial. Clara pasa de la exposición física del trayecto a una situación en la que debe responder preguntas, justificar su decisión y aguardar una resolución ajena a su voluntad.

La obra aborda la migración desde el entorno familiar y cotidiano

La compañía parte de la idea de que la migración no constituye una experiencia distante ni exclusiva de quienes ocupan los titulares. En su planteamiento, un cambio abrupto de circunstancias puede llevar a cualquier persona a dejar su territorio, separarse de su entorno y emprender un viaje en busca de seguridad o de nuevas condiciones de vida.

La historia de Clara concentra ese enfoque en una madre colombiana que enfrenta la posibilidad de perder la cercanía con sus hijos. La puesta no se limita al trayecto geográfico entre México y Estados Unidos, sino que se ocupa del límite emocional y moral de una mujer que considera la huida como una opción para proteger a su familia.

Iván Gómez Gaitán explicó que el texto también mantiene una conexión con su experiencia personal de migración dentro de Colombia. “Cuando conocí esta noticia real, pensé en cuántos de nosotros nos marchamos de nuestras regiones porque ‘no hay de otra’, y en lo fuerte que es que estas realidades permanezcan invisibles”, afirmó el director.

El dramaturgo aclaró que su propia salida de la ciudad natal ocurrió bajo circunstancias distintas de las que enfrenta la protagonista. Aun así, señaló que esa vivencia le permitió reconocer el impacto que implica interrumpir una vida construida en un lugar para iniciar un nuevo proyecto en otro territorio.

“Esta obra es un puente de empatía con los nuestros, un reflejo de lo que pudo habernos pasado a muchos”, sostuvo Iván Gómez Gaitán. El director definió el montaje como un homenaje a las madres boyacenses, colombianas y latinoamericanas que sostienen a sus familias en medio de condiciones adversas.

El montaje recibió dos becas de creación en 2025

Arena en la boca es resultado de la Beca de Creación de Teatro en Sala 2025, otorgada por el Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes, y de la Beca de Creación Bogotá Ciudad Escenario – Corta Trayectoria 2025, del Instituto Distrital de las Artes (Idartes).

Los estímulos permitieron el desarrollo de una producción que reúne a seis intérpretes. El elenco está integrado por Yuly Pérez, Alejandra Colorado, Camilo Rincón, Juan Angarita, Violeta Badrán e Iván Gómez Gaitán.

Mateo Galvis está a cargo de la dirección de arte; Bella Veliher asume la producción general; Alejandro Sabogal firma el diseño de iluminación; Kevin Sánchez compuso la música, e Ingry Ruiz participa como asistente general.

La compañía define su trabajo a partir de la dramaturgia colombiana contemporánea y de personajes situados en dilemas cercanos. Sus relatos se centran en soldados, jubilados, hijos que recuerdan a sus padres, personas que buscan una identidad y familias afectadas por decisiones que alteran su vida cotidiana.

El nombre de Salto al Vacío alude a una concepción del proceso creativo frente a la incertidumbre. La agrupación entiende la creación escénica como una práctica que exige preparación, rigor y disposición para asumir riesgos, aun cuando el resultado final no está definido desde el inicio.

En ese marco, Arena en la boca incorpora una perspectiva política desde un conflicto privado: el de una mujer que debe responder por su vida ante las autoridades mientras teme por la integridad de su familia.

La temporada tendrá 12 funciones y un aforo de 96 personas por presentación

La obra estará en cartelera los días 1, 2, 3 y 4 de octubre; 8, 9, 10 y 11 de octubre, y 15, 16, 17 y 18 de octubre. Las funciones de jueves, viernes y sábado comenzarán a las 19:30, mientras que las de domingo se realizarán a las 17:00.

La sala contará con un aforo de 96 personas por función. La preventa, vigente hasta el 30 de septiembre, tendrá un valor de $ 40.000. Después de esa fecha, la entrada general costará $ 50.000.

Los jueves habrá una promoción de tres entradas por $ 100.000. La programación se realizará en la Factoría Tino Fernández, en Bogotá, durante las tres primeras semanas de octubre.

Los canales de Xochimilco se preparan para transformarse una vez más en el escenario de una de las experiencias más impactantes de la temporada de Día de Muertos. “La Llorona” vuelve al embarcadero de Cuemanco con un montaje que combina teatro, danza, música en vivo, luz y agua, mientras el público navega en trajinera hacia el corazón de una leyenda que ha sobrevivido durante siglos.

La producción, encabezada por Pedro Nicolás López, reúne a más de 50 actores en escena y una pirámide monumental que se convierte en símbolo central del espectáculo. La propuesta busca que espectadores mexicanos y visitantes de todo el mundo descubran, a través de rituales, danzas y música en vivo, una historia que muchos creen conocer pero cuyo origen pocos han explorado a fondo.

Fechas, horarios y boletos

La temporada de “La Llorona” se extiende del 2 de octubre al 22 de noviembre de 2026. Del 2 al 18 de octubre, las funciones se ofrecerán los viernes, sábados y domingos a las 18:00 horas. A partir del viernes 23 de octubre, se sumará un segundo horario, con presentaciones a las 18:00 y a las 21:00 horas.

Para los días de mayor afluencia, la organización añadió una función extra a las 23:00 horas el sábado 31 de octubre y el domingo 1 de noviembre, coincidiendo con las celebraciones de Día de Muertos.

La experiencia completa tiene una duración de tres horas. El precio del boleto es de 700 pesos y ya está disponible en xochimilcoexperience.com y en la plataforma Ticket Planet.

La leyenda que da vida al espectáculo

El montaje entrelaza dos historias separadas por siglos que comparten un mismo destino y un mismo lamento. Antes de la conquista, Cihuacóatl lloraba por sus hijos y anunciaba con su llanto la caída de un imperio. Siglos después, Marina, traicionada y consumida por el dolor, comete un acto que la condena para la eternidad.

Según el material de la producción, ambas historias se entrelazan hasta convertirse en un solo lamento. Así nace “La Llorona”: un alma que vaga entre la vida y la muerte, que busca a sus hijos y arrastra en su llanto a todo aquel que se cruce en su camino.

El origen prehispánico de esta figura se remonta a Cihuacóatl, una de las deidades que, según el Códice Aubin, acompañó a los mexicas durante su peregrinación en busca de Aztlán. La diosa era representada con una boca grande en actitud de devorar, cabellera larga y un manto blanco.

De acuerdo con los registros de fray Bernardino de Sahagún, poco antes de la llegada de los españoles los habitantes de Tenochtitlan escuchaban por las noches a una mujer que gritaba “hijitos míos, pues ya tenemos que irnos lejos” y “hijitos míos ¿a dónde os llevaré?”. Este lamento fue interpretado por los sacerdotes mexicas como uno de los presagios funestos que anticipaban la destrucción del imperio ante la llegada de los conquistadores.

La historiadora Guadalupe Villa, del Instituto Mora, explicó que la leyenda se transformó después de la conquista: “Se decía que se trataba de una mujer indígena que había tenido tres hijos con un español, pero que él después se casó con una mujer de alcurnia. Ella, en venganza, mató a los hijos y se volvió loca”.

La segunda historia que retoma el espectáculo es la de Marina, nombre de bautismo de Malintzin, la mujer nahua entregada como esclava a los españoles en 1519 y que se convirtió en intérprete de Hernán Cortés. Algunas versiones de la tradición popular la identifican con La Llorona o incorporan elementos de su historia al origen de la leyenda, aunque se trata de una interpretación sin sustento histórico documentado.

Una de las versiones más difundidas sostiene que Marina lloraría para siempre tras haber traicionado a su pueblo al aliarse con los españoles. Otras variantes de la tradición oral señalan que ahogó a los hijos que tuvo con Cortés en venganza por su abandono.

El propio origen geográfico de la leyenda remite a Xochimilco. Registros de tradición oral sitúan el punto de partida del mito en el pueblo xochimilca, donde la diosa Quiláztli-Cihuacóatl era venerada como protectora del lugar antes de que los conquistadores españoles transformaran su historia en la figura popular de La Llorona.

Detrás de la producción

Pedro Nicolás López, responsable de la producción, detalló el sentido detrás de los elementos escénicos que conforman el montaje. “A través de rituales, danzas y música en vivo, la puesta en escena revive la grandeza de las civilizaciones originarias y muestra el impacto de la conquista”, explicó.

Sobre la pirámide monumental que domina la escenografía, el productor fue específico respecto a su significado: “La pirámide monumental, como parte de la producción, se convierte en símbolo de resistencia, memoria y espiritualidad”, señaló.

Esa combinación de elementos visuales y sonoros es, según la propia producción, lo que transforma los canales de Cuemanco en lo que describen como un momento inolvidable. El agua de los canales, la iluminación diseñada para la ocasión y el sonido en vivo funcionan como los tres ejes técnicos sobre los que se sostiene la experiencia inmersiva.

Elenco y elementos escénicos

El espectáculo cuenta con un elenco extenso que da vida a los distintos personajes de la trama. El papel de La Llorona es interpretado de forma alternada por Pilar Couto y Mayra Sierra. Ana Ligia García encarna a Cihuacóatl, mientras que Héctor Iván González da vida a Moctezuma.

El resto del reparto incluye a César Gerardo Torres como el Sacerdote, Everardo Arzate en el papel del Fraile, Gustavo Sánchez como el Narrador y Daniel Ducoing como el Capitán. Alan Téllez interpreta a Don Rodrigo de Alvarado, en tanto que Vicente Iribarren, Carlos Ibarra, David Sánchez y Ricardo dan vida a los personajes españoles de la historia.

Completan el elenco los guerreros interpretados por Rogelio del Merol, Rodrigo Ostap y Alberto Sánchez, quienes participan en las secuencias de danza y combate que forman parte de la narrativa.

Este despliegue de más de 50 actores en escena, sumado a la pirámide monumental y las danzas tradicionales, conforma un montaje pensado para desarrollarse en movimiento, con el público navegando entre los distintos puntos donde se desarrolla la acción a lo largo de los canales.

Una tradición que se renueva cada año

“La Llorona” es impulsada por la unión de trajineros de Xochimilco junto con la productora Xochimilco Experience. Esta alianza busca ofrecer una experiencia que combine el atractivo turístico de las trajineras con un relato que profundice en las raíces culturales del país.

La producción plantea que el objetivo es que cada espectador, año con año, comparta el mensaje de las tradiciones mexicanas a partir de esta puesta en escena. La frase que acompaña la campaña de difusión resume la propuesta: todos conocen la leyenda, pero pocos conocen el origen.

De esta manera, el montaje se posiciona como una experiencia que busca sostenerse en el tiempo dentro del calendario de actividades vinculadas al Día de Muertos en la Ciudad de México, con Xochimilco como escenario natural para este tipo de relatos que combinan mitología, historia y tradición popular.

Oriol Pla (Barcelona, 1993) suma un nuevo reconocimiento a su carrera. El actor ha sido distinguido este miércoles con el Premio Nacional de Teatro 2026 por su trabajo en Gula (Gola), una obra en la que el jurado ha destacado su “dominio de diferentes artes y disciplinas” y su “virtuosismo” del lenguaje del clown, tal y como ha compartido el Ministerio de Cultura en un comunicado.

Pla, conocido por series como Yo, adicto, -por el que ganó el Emmy Internacional al mejor actor- y que este martes ha presentado Esta soledad en el Festival de San Sebastián, ha recibido por esta pieza coescrita y codirigida junto a Pau Matas Nogué que protagoniza en solitario. Como recuerda el jurado, ha sido “un éxito contundente que ha conquistado a la crítica y al público, y apela al momento contemporáneo con un esfuerzo, riesgo y originalidad que subliman una propuesta escénica de enorme valor”.

El jurado, presidido por el director general de Artes Escénicas y Música, Javier Monsalve Iglesias, ha destacado su interpretación en la obra que se estrenó a finales de 2024 en el Teatre Nacional de Catalunya de Barcelona y este mes de enero en el Teatro Valle Inclán de Madrid. “Un espectáculo deslumbrante en el que demuestra un dominio de diferentes artes y disciplinas con una técnica extraordinaria, y en el que de forma destacada introduce con virtuosismo el lenguaje del clown en el hecho teatral”, han destacado sobre la obra que hace una crítica satírica al consumismo.

Dotado con 30.000 euros, el Premio Nacional de Teatro se concede anualmente para reconocer la labor de una persona o entidad en este ámbito, especialmente por una obra o actuación que haya sido estrenada o representada durante el año anterior, aunque también puede distinguir el conjunto de una trayectoria profesional.

Un actor criado en las tablas

El actor, hijo de los dramaturgos Quimet Pla y Núria Solina. se subió a las tablas con apenas seis años, dentro de la compañía familiar que fundaron sus padres, Teatre Tot Terreny. La influencia del circo y de la escuela de Lecoq despertó pronto su interés por el clown, el mimo, la música, la acrobacia, la danza, el circo y la escritura teatral, disciplinas en las que se ha formado tanto a través de cursos como de manera autodidacta.

Desde entonces ha compaginado la interpretación con la creación. Como creador ha participado en obras como Be God Is, Ragazzo y Odisseus, mientras que como actor ha formado parte de montajes como Santa Joana dels Escorxadors, Jo Mai, La Calavera de Connemara o Falaise. También ha trabajado con nombres como Àlex Rigola, Iván Morales, Lali Àlvarez, Iago Pericot y Baró d’Evel.

Pero su carrera no se ha limitado al teatro. Pla empezó a trabajar en cine y televisión a los 11 años y ha rodado con directores como Agustí Villaronga, Cesc Gay, Mariano Barroso y Jaime Rosales. En 2018 debutó además como director teatral con Travy, escrita junto a Pau Matas y producida por el Teatre Lliure, que recibió el Premio de la Crítica al mejor espectáculo de pequeño formato.

El gran reconocimiento internacional llegó en 2025 gracias a Yo, adicto: Pla se convirtió entonces en el primer intérprete español en ganar un Emmy Internacional a la mejor interpretación masculina. Apenas un año después suma a su trayectoria el Premio Nacional de Teatro, incorporándose a una lista de ganadores en la que figuran Blanca Portillo, Concha Velasco, Juan Diego Botto, Petra Martínez, Juan Margallo y, el pasado año, Angélica Liddell.

Pepe Viyuela ha decidido abandonar Jardiel enamorado, la obra de teatro en la que interpreta al escritor Enrique Jardiel Poncela y que dirige Ramón Paso, después de que la Fiscalía Provincial de Madrid haya presentado esta semana una denuncia contra el director por presuntos delitos sexuales que habría cometido contra varias mujeres entre 2018 y 2023. “Yo me he quedado de piedra. Estoy nervioso. No pienso en otra cosa. Estoy conmocionado”, ha explicado el actor a Europa Press. “No quiero llamarle. No quiero seguir con la función. Me voy”, ha subrayado.

El Ministerio Público ha dirigido la denuncia al Decanato de Juzgados de Madrid tras haber culminado unas diligencias preprocesales en las que tomó declaración a 14 presuntas víctimas -con edades comprendidas entre los 18 y los 25 años- que ratificaron su denuncia en sede fiscal. La Fiscalía ha incluido en su denuncia presuntos delitos de agresión sexual -en algunos casos en su modalidad continuada-, así como delitos de acoso sexual y hostigamiento, contra la integridad moral y de coacciones. Dichas conductas se habrían producido en los castings en los que participaba Paso y las presuntas víctimas, siempre a propósito de la actividad teatral del director.

Te puede interesar: Jonás Trueba, el único español que participará en el Festival de Cannes este año

La obra llevaba representándose desde el pasado 10 de abril en el Teatro Infanta Isabel de Madrid. Esta tarde, Viyuela y el resto del equipo tendrán una reunión que será clave para el futuro de la representación. “No sé si la función va a continuar”, ha reflexionado. Además, considera que, tras las acusaciones a Paso, “al público tampoco le va a apetecer verla”. “No tengo tripas para salir a escena esta tarde”, ha concluido.

Más denuncias

La noticia de Ramón Paso supone un nuevo capítulo tras las denuncias vertidas sobre el director Carlos Vermut. Tres mujeres acusaron al director de Magical Girl y Mantícora de violencia sexual en un reportaje elaborado por El País. Se trataba de una estudiante de cine, una empleada de una de sus producciones y una trabajadora del sector cultural, que aseguraron al medio que, al igual que en el caso Paso, Vermut se sirvió de su posición para someterlas a relaciones violentas que en ningún momento consintieron. Los hechos transcurrieron entre mayo de 2014 y febrero de 2022.

Más tarde, otras tres mujeres se unieron a las denunciantes previas, confirmando sus declaraciones y aportado sus experiencias particulares con el director. Una de las mujeres contó que el acusado la inmovilizó, estranguló y forzó a tener sexo mientras ella se negaba tanto verbal como físicamente, mediante patadas, tratando de quitárselo de encima. Otra de ellas dijo que Vermut se lanzó sobre ella para besarla y tocarle los pechos y que él acabó arrancándole el sujetador, de nuevo habiendo escuchado una negativa explícita. La tercera de ellas, que trabajaba para él, fue encerrada en su casa después de un tiempo recibiendo un trato “denigrante, tanto verbal como físico”, así como una violencia inusitada y no consentida en las relaciones que mantuvieron.

Vermut aseguró a El País a raíz de la investigación que no había sido “consciente de haber ejercido violencia sexual contra ninguna mujer” y que ha “practicado sexo duro siempre de manera consentida”. “Me gustaría que saliera publicado -pide el acusado- que he tenido muchas relaciones de muchos tipos, siempre queriendo que la otra persona esté bien. Y creo que haber tenido una vida sexual promiscua y haber tenido sexo de muchos tipos puede llevarte a situaciones como estas”.

Te puede interesar: ‘Mi querida señorita’, la transgresora película de la época de Franco que será versionada por Los Javis

“Tolerancia cero”

La Unión de Actores y Actrices ha reclamado “tolerancia cero” con los casos de violencia sexual tras la noticia de Ramón Paso. “Animamos a que cualquier actriz que sufra violencia o acoso lo cuente. Aunque sabemos que no siempre es fácil dar el primer paso, animamos a que lo den con quien consideren: conocidos, familia, compañeros de trabajo... El silencio es el primer escollo y ha de romperse para comenzar a poner en marcha medidas”, ha declarado en un comunicado.

El sindicato ha explicado que en el ámbito laboral, y sobre todo en los convenios colectivos acordado con las empresas del sector, hay medidas que “buscan poner límites” a estas situaciones. No obstante, ha instado a seguir creando y mejorando las herramientas y los protocolos que permitan “eliminar la impunidad” de estos actos y garantizar que las víctimas tengan cauces de denuncia.

En una charla con Teté Coustarot para el ciclo Argentina de Película de América TV, Grandinetti repasó esa trayectoria desde un lugar personal. Habló de su vínculo con Rosario, de una adolescencia atravesada por el fútbol y del encuentro casual que lo acercó al teatro. También se refirió a su residencia actual, después de años de trabajos en España y otros países: “Vivo en Rosario, voto en Rosario”, resumió.

La conversación también recuperó Darse cuenta, el clásico de Alejandro Doria en el que Grandinetti participó al comienzo de su recorrido cinematográfico. Junto a Coustarot, el actor evocó el rodaje y el vínculo profesional que entonces compartió con Doria, el dramaturgo Jacobo Langsner y China Zorrilla, una combinación que volvería a cruzarse más tarde en Esperando la carroza. Para Grandinetti, aquellas convocatorias coincidieron además con el trabajo televisivo que realizó con Doria en Atreverse y Situación límite.

El fútbol, primer plan antes de la escena

Antes de imaginar una carrera sobre las tablas, Grandinetti tenía otro objetivo. “Yo iba a ser jugador de fútbol”, afirmó durante la conversación. Llegó a probarse en las divisiones de Newell’s Old Boys cuando tenía 17 años y jugó como delantero en el Club Atlético Williams Kemys, de Las Rosas, localidad santafesina donde vivió parte de su infancia.

Su aspiración era ocupar el puesto de número 9, aunque reconoció, con humor, que fue más suplente que titular. El lugar estaba ocupado por un amigo al que llamaban Pelusa y a quien describió como un futbolista de gran nivel. La posibilidad de continuar en el fútbol implicaba, sin embargo, reorganizar por completo su vida laboral y personal.

Grandinetti ya trabajaba y había dejado sus estudios. Cuando debía volver a firmar la documentación para seguir en el club, el teatro había empezado a ocupar un lugar central. “No fui más porque ya había empezado con el teatro”, explicó. Esa decisión terminó por definir el rumbo de una carrera que luego tendría presencia en cine, televisión y escenarios de la Argentina y España.

La invitación casual que lo llevó a su primera obra

El ingreso de Grandinetti a la actuación no respondió a un plan previo ni a una tradición familiar. Según relató, se encontró en Rosario con una amiga de Los Cardos, a quien no veía desde hacía tiempo. Ella estudiaba teatro y lo invitó a acompañarla a una clase.

El actor recordó que al principio se resistió, pero aceptó la propuesta para asistir un jueves. “El jueves fui y acá estoy”, dijo, al condensar en una frase el inicio de un recorrido de medio siglo.

Su primera experiencia escénica llegó con una versión de Tartufo, de Molière, junto a un grupo rosarino. El estreno previsto en Rosario debió postergarse para él debido a un cuadro de paperas que lo obligó a permanecer dos semanas en cama. Por esa razón, la primera función se realizó en la ciudad bonaerense de Lobos, en el marco de un festival de teatro. Poco después, pudo presentar la obra en Rosario.

Ese comienzo adquirió una nueva dimensión al preparar El escritor de todas las cosas. Grandinetti explicó que primero definió con Daulte la idea de estrenar en su ciudad natal y organizar luego una gira. Recién después reparó en que la fecha coincidía con los 50 años de su debut. La obra se estrenó el 7 de agosto en el Teatro La Comedia de Rosario y continuó por distintas provincias.

El monólogo presenta a un escritor y aborda los vínculos entre palabra, memoria y ficción. Grandinetti lleva adelante el unipersonal, mientras Daulte firma tanto el texto como la dirección. El itinerario incluyó funciones en Santa Fe, Casilda, Junín, Río Cuarto, Córdoba, Villa María, Salta, Tucumán y otras ciudades.

El actor señaló ante Coustarot que la gira le permite mantener un contacto directo con públicos de distintos puntos del país. En la entrevista se mencionaron presentaciones en Banfield, Pilar, Chascomús, Venado Tuerto, Pergamino, San Isidro, San Luis, Villa Mercedes, San Miguel, La Matanza y el noroeste argentino, además de sucesivos regresos a Rosario.

La primera nominación televisiva de Ball y su cercanía con el personaje

El actor, que interpreta al doctor Frank Langdon en la serie médica de HBO Max, asistió a la ceremonia acompañado por su pareja, la actriz Elysia Roorbach, que viajó desde Canadá para estar presente.

Aunque no se llevó el premio, Ball subrayó que lo más valioso de la noche fue otra cosa: figuras a las que admira desde hace años se acercaron a hacerlo sentirse parte de la industria. “Fue realmente increíble avanzar por toda la noche de los Emmy y que tantas personas a las que he admirado toda mi vida se acercaran y me hicieran sentir que pertenezco a este lugar”, declaró a Esquire.

De una aparición en “La ley y el orden” a protagonizar uno de los grandes éxitos del año

El único crédito televisivo previo de Ball era una participación en La ley y el orden en 2023. La serie debutó como uno de los grandes éxitos del año con una propuesta que retomaba los códigos del drama médico clásico y los actualizaba con una mirada contemporánea.

La velocidad del ascenso tomó a todos por sorpresa, incluido el propio elenco. “Éramos tan nuevos y tan inesperados que nadie sabía muy bien qué hacer con nosotros”, reconoció el actor.

Sus padres, enfermera y paramédico, y el peso de lo que “The Pitt” pone en escena

Semanas antes de la ceremonia, los padres de Ball lo llamaron con una noticia difícil: un médico veterano del servicio de emergencias de Carolina del Norte, conocido de la familia, había muerto tras un proceso de depresión.

Su madre es enfermera de urgencias y su padre, paramédico. Ese llamado, dijo, le reconfirmó el peso de lo que The Pitt pone en escena cada episodio. “No estamos aquí para celebrarnos a nosotros mismos. Estamos aquí para celebrar a héroes reales que hacen un trabajo real”, sostuvo Ball.

Tercera temporada, debut en Broadway y 38 episodios en dos años y medio

La producción graba ocho meses al año en el Stage 22 de Warner Bros., en Los Ángeles. Ball describió ese espacio como un lugar que siente propio, al punto de que le cuesta imaginar una vida antes o después de él. La tercera temporada está prevista para enero de 2027 y el actor anticipó que el equipo está “en su mejor momento”.

En el intervalo entre temporadas, Ball hizo su debut en Broadway con la obra Becky Shaw y se alojó en su antiguo apartamento en Clinton Hill, Brooklyn. Ese regreso al punto de partida, dijo, le permitió dimensionar la velocidad del cambio. El equipo lleva filmados 38 episodios en dos años y medio de producción.

El teatro como espacio de comunidad frente a la fragmentación de los algoritmos

Más allá de la televisión, el actor reafirmó su vínculo con las tablas. Para Ball, el teatro ofrece algo que ninguna plataforma puede replicar: el contacto directo entre intérprete y espectador, sin mediación tecnológica.

“Podés vivir una experiencia con el público y luego salir por la puerta del escenario y hablar con ellos cara a cara. Es una institución increíblemente importante, íntima y democrática”, afirmó.

El actor afirmó que la existencia de esa clase de comunidad presencial va a volverse cada vez más fundamental en el futuro, en especial a medida que las redes y los algoritmos continúen generando una mayor fragmentación de la experiencia cultural colectiva que antes compartíamos.

Antón Chéjov (Taganrog, 1860-Badenweiler, 1904) murió hace más de un siglo pero a día de hoy continúa siendo uno de los grandes nombres de la literatura y el teatro universal. O sino que se lo digan a Javier Bardem, que tras más de 30 años de carrera debutará en el teatro el año que viene con ¡Chéjov, Chéjov!, un montaje basado en textos breves y cuentos del dramaturgo ruso.

Médico de profesión, compaginó durante buena parte de su vida la consulta con una producción literaria que abarcó centenares de relatos y varias de las obras teatrales más influyentes de finales del siglo XIX, entre ellas Tío Vania, Las tres hermanas, El jardín de los cerezos y La gaviota. Es precisamente en esta última donde Chéjov dejó una reflexión sobre la vocación artística y la búsqueda del reconocimiento: “Para nosotros, escribamos o actuemos, lo importante no es la fama ni la gloria, sino saber resistir”.

La obra, escrita en 1895 y estrenada el17 de octubre de 1896 en el Teatro Aleksandrinski de San Petersburgo, narra los amoríos y desventuras de un grupo de artista en una finca rural de Rusia. Sus protagonistas son Konstantín Tréplev, un joven que quiere convertirse en escritor; su madre, la actriz Irina Arkádina; el novelista Borís Trigorin; y Nina Zaréchnaya, una joven fascinada por el teatro que sueña con convertirse en actriz.

El origen de la cita

La frase se encuentra en el cuarto y último acto de la obra, en el que han pasado dos años desde el comienzo de la trama. Nina ha sufrido el abandono de Trigorin, la pérdida de su hijo y ha pasado por todo tipo de dificultades como actriz. Al regresar en secreto y hablar con Tréplev, reflexiona sobre su experiencia en el arte y en la vida.

Nacido en Taganrog, entonces una ciudad portuaria del Imperio ruso, Chéjov estudió Medicina en la Universidad de Moscú mientras publicaba relatos humorísticos en periódicos y revistas para ayudar económicamente a su familia. Se graduó en 1884 y ejerció como médico durante buena parte de su vida, una profesión que nunca abandonó por completo pese a que la literatura fue ganando cada vez más peso en su trayectoria.

Escribió centenares de cuentos, entre ellos La dama del perrito, La estepa o La sala número seis, y se convirtió en uno de los grandes renovadores del relato breve. Al mismo tiempo, obras como La gaviota, Tío Vania, Las tres hermanas y El jardín de los cerezos transformaron el teatro con personajes cuyas frustraciones, deseos y conflictos no siempre se expresan directamente, sino que permanecen bajo las conversaciones aparentemente cotidianas.

Buena parte de su obra retrata la Rusia de finales del siglo XIX, sus desigualdades y el inmovilismo de unos personajes que desean cambiar de vida pero rara vez consiguen hacerlo. “Sus obras tenían el tierno susurrar de la vida cotidiana y ordinaria, la inutilidad melancólica de los recuerdos”, escribió Juan Carlos Onetti sobre su teatro en El País en 1980. Chéjov, que padecía tuberculosis desde años atrás, murió en Badenweiler, Alemania, en 1904, a los 44 años.

Lima recibe una semana con una oferta amplia de música, teatro y actividades familiares. El cantante británico Robbie Williams se presenta por primera vez en el país con dos funciones en el Arena 1 Park, mientras el Teatro Marsano estrena La Cabaña, comedia de suspenso que llega tras su paso por Broadway y Londres. El Teatro Británico recibe además La mujer de negro, clásico del teatro inglés protagonizado por Alberto Isola y Nicolás Galindo, y el Festival de la Luna reúne tradición china, gastronomía y entretenimiento familiar en la Asociación Peruano China.

A eso se suman conciertos de salsa y reggae con El Gran Combo de Puerto Rico y Los Cafres, la feria de moda Fashion Hall Fest, la Feria Internacional del Libro Infantil y Juvenil, y una cartelera de teatro que incluye estrenos como Fedra, Passport y Asesinato en el Expreso Oriente.

CONCIERTOS

Robbie Williams

El cantante británico Robbie Williams llega por primera vez al Perú con dos funciones consecutivas en el Arena 1 Park. El artista presenta su nuevo disco Britpop junto a sus grandes éxitos, entre ellos Angels, Feel, Supreme, Millennium, Come Undone y Let Me Entertain You. Su llegada se produce en un momento de renovada popularidad, impulsada por el documental de Netflix sobre su carrera y por la película Better Man, en la que fue representado por un mono animado y que en el Perú fue vista por más de 100 mil personas.

• Lugar: Arena 1 Park, Circuito de Playas s/n, San Miguel
• Cuándo: Miércoles 23 y jueves 24 de setiembre, 9:00 p. m.
• Entrada: Desde 231 soles en Ticketmaster (función del 23 de setiembre; la del 24 está agotada)

El Gran Combo de Puerto Rico

El Gran Combo de Puerto Rico, conocido como “La Universidad de la Salsa”, ofrece un concierto en el Gran Teatro Nacional con más de seis décadas de trayectoria. El repertorio incluye clásicos como Trampolín, Me Liberé y Aguacero.

• Lugar: Gran Teatro Nacional, Av. Javier Prado Este 2225, San Borja
• Cuándo: Viernes 18 de setiembre, 6:00 p. m. u 8:45 p. m., según la entrada adquirida
• Entrada: Desde 518 soles en Teleticket (horario de las 6:00 p. m., el otro horario ya está sold out)

Bacilos

El trío de pop latino Bacilos regresa a Lima con un repertorio que incluye Caraluna, Mi Primer Millón y Tabaco y Chanel, junto a composiciones de su repertorio más reciente.

• Lugar: Costa 21, Costa Verde s/n, San Miguel
• Cuándo: Viernes 18 de setiembre, 9:00 p. m.
• Entrada: Desde 129 soles en Teleticket

Los Cafres

La banda argentina Los Cafres, liderada por Guillermo Bonetto, presenta un concierto de reggae en español con los temas que la consolidaron como una de las agrupaciones más importantes del género en Latinoamérica.

• Lugar: Círculo Militar del Perú, Jr. Pachacútec y Av. Cayetano Heredia, Jesús María
• Cuándo: Sábado 19 de setiembre
• Entrada: Desde 220 soles en Teleticket

FESTIVALES Y DANZAS

Festival de la Luna 2026

Una celebración familiar que combina cultura china, gastronomía y entretenimiento, con más de 40 atracciones. El programa incluye un show tributo a Luis Miguel a cargo de Ricky Santos, la Danza de Leones y Dragones, el paseo de faroles y vuelo de linternas, concursos de cosplay y vestimenta china, y un espacio infantil con títeres, juegos inflables y talleres de manualidades. Los niños menores de 13 años ingresan gratis.

• Lugar: Asociación Peruano China (APCH), Av. Siete 229, La Molina
• Cuándo: Domingo 20 de setiembre, 11:00 a. m. a 7:00 p. m.
• Entrada: 65 soles en Joinnus (menores de 13 años, ingreso gratuito)

FERIAS

Fashion Hall Fest — Feria Textilinca 2026

El Fashion Hall Fest reúne diseñadores, marcas, estudiantes y profesionales de la moda peruana en el marco de Textilinca 2026, con desfiles, una exposición de alumnos de la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP), activaciones de moda sostenible y un encuentro de networking desarrollado en alianza con Match Emprende. “Buscamos crear un espacio donde el diseño peruano pueda encontrarse con nuevas audiencias, pero también con proveedores, marcas y potenciales aliados”, explica Brenda Zapata, directora del Fashion Hall Fest.

• Lugar: Villa Complejo Ferial de Chorrillos
• Cuándo: Del 17 al 20 de setiembre
• Más información: textilinca.com

TEATRO

La Cabaña

Joaquín de Orbegoso, Lilian Schiappa, Oscar Beltrán, Sandra Muente, Germán Loero y Mane Acosta protagonizan esta comedia de suspenso escrita por la dramaturga estadounidense Sandy Rustin, que llega al Perú tras presentarse en Broadway y Londres. La historia transcurre en la Inglaterra de 1923 y sigue a una pareja de amantes cuyo encuentro clandestino se convierte en un caos absoluto tras la irrupción de una dupla con instintos asesinos. La dirección es de Rodrigo Falla Brousset y la producción general, de Makhy Arana.

• Lugar: Teatro Marsano, C. Gral. Suárez 409, Miraflores
• Horarios: Miércoles, jueves, viernes y sábados, 8:00 p. m.; domingos, 7:00 p. m.
• Entrada: A la venta en boletería y en Teleticket

La mujer de negro

Alberto Isola y Nicolás Galindo protagonizan este clásico del teatro inglés, presentado por primera vez en el Perú bajo la dirección de Norma Martínez. Basada en la novela de Susan Hill, la obra sigue al abogado Arthur Kipps, quien contrata a un actor escéptico para reconstruir sobre un escenario un episodio de su juventud vinculado a la misteriosa presencia de la mujer de negro. La adaptación teatral, a cargo de Stephen Mallatratt, construye la tensión a través del sonido y la iluminación, sin efectos explícitos. La obra permaneció 33 años en cartelera en el West End de Londres y ha convocado a más de 7 millones de espectadores en el mundo. “Ahí radican el atractivo de ‘La mujer de negro’ y el incomparable poder del teatro: su capacidad para invitarnos a imaginar”, señala Martínez.

• Lugar: Teatro Británico de Miraflores, Jr. Bellavista 527
• Cuándo: Estreno sábado 19 de setiembre
• Horarios: Jueves a sábado, 8:00 p. m.; domingos, 7:00 p. m.
• Entrada: Desde 40 soles en Joinnus

Asesinato en el Expreso Oriente

Basada en la novela de Agatha Christie, esta adaptación sigue al detective Hercule Poirot mientras investiga un asesinato ocurrido a bordo de un tren detenido por una tormenta de nieve. La dirección es de Rodrigo Falla Brousset, con un elenco integrado por André Portugal, Andrea Luna, Carlos Mesta, Laly Goyzueta y Marco Antonio Ñique, entre otros.

• Lugar: Centro Cultural de la Universidad de Lima, Jr. Cruz del Sur 202, Santiago de Surco
• Funciones: 17, 18, 19, 24, 25 y 26 de setiembre
• Horarios: Jueves a sábado, 8:00 p. m.
• Entrada: Desde 40 soles en Joinnus

Passport

Lía Camilo, Norka Ramírez y Paloma Reyes de Sá protagonizan esta obra del dramaturgo venezolano Gustavo Ott, que llega a Lima tras presentarse en Madrid, Caracas, Atenas y Nueva York. La historia sigue a una mujer detenida en una estación fronteriza, en una trama que combina humor, ironía y una reflexión sobre los malentendidos en la comunicación humana. La dirección es de Sergio París, con acompañamiento musical de Feffo Neyra.

• Lugar: Sala Quilla, Av. Francisco Bolognesi 397, Barranco
• Hasta cuándo: 11 de octubre
• Horarios: Viernes, sábados y domingos, 8:00 p. m.
• Entrada: A la venta en Joinnus

¡Funado!

Una comedia sobre las dinámicas del juicio público en la era digital, protagonizada por Óscar López Arias, Anahí De Cárdenas, Miguel Álvarez, Jackie Vásquez, Elisa Costa y Guadalupe Farfán. Dramaturgia y dirección de Gerardo Ruiz Miñán.

• Lugar: Teatro NOS, Av. Camino Real 1037, San Isidro
• Funciones: Del 17 al 21 y del 24 al 28 de setiembre, de jueves a lunes
• Horarios: 8:30 p. m., excepto domingos, 7:00 p. m.
• Entrada: Desde 60 soles en Joinnus

El Método Grönholm

Una comedia de Los Productores sobre cuatro candidatos que compiten por un mismo puesto de trabajo a través de una entrevista tan absurda como despiadada. El elenco incluye a Stephany Orúe, Manuel Gold, Óscar Meza y Job Mansilla.

• Lugar: Teatro Claretiano, Av. de Los Precursores 125-127, San Miguel
• Horarios: Miércoles a domingo, 8:30 p. m., excepto domingos, 7:00 p. m.
• Entrada: Desde 45 soles en Joinnus

MESA TOMADA 2.0

Coproducida por Krakens Producciones y La Intensa Producción, esta comedia sigue las historias cruzadas de varias parejas en la trattoria Di Putti e Madri. La dirección es de Christian Ávalos, quien comparte la dramaturgia con Luisito Fernández. El elenco incluye a Fernando Cáceres, Pepe Murray, Andrea Chuiman y Christian Alden.

• Lugar: Teatro Barranco, Av. Grau 701, Barranco
• Funciones: viernes 18 y 25 de setiembre
• Horarios: 8:00 p. m.
• Entrada: desde 40 soles en Joinnus

El jefe del jefe

Basada en la película The Boss of It All, de Lars von Trier, con adaptación teatral de Jack McNamara, esta comedia sigue a un empresario que inventa un presidente ficticio para evitar tomar decisiones difíciles, hasta que debe contratar a un actor desempleado para interpretarlo ante inversionistas extranjeros. Dirección de Diego Oria, con elenco encabezado por Miguel Iza y Sergio Galliani.

• Lugar: Multiteatro Movistar, Av. Alfredo Benavides 4981, Santiago de Surco
• Hasta cuándo: 1 de noviembre
• Horarios: Jueves, viernes y sábados, 8:30 p. m.; domingos, 7:00 p. m.
• Entrada: Desde 59 soles en Teleticket

Mamma Mía!

Uno de los musicales más exitosos de la historia regresa con un elenco renovado y la producción de Los Productores. Basado en las canciones del grupo ABBA, cuenta la historia de una madre, su hija y tres posibles padres en vísperas de una boda. El elenco de esta etapa incluye a Érika Villalobos, Gianella Neyra, Cielo Torres, Gustavo Mayer y Raúl Zuazo, entre otros.

• Lugar: Teatro Peruano Japonés (Av. Gregorio Escobedo 803, Jesús María).
• Funciones: 17, 18, 19, 20, 24, 25, 26 y 27 de setiembre de 2026
• Horarios: Jueves y viernes 8 p.m. / Sábados 5 p.m. y 8:30 p.m. / Domingo 13 (6 p.m.), 20 (4 p.m. y 7:30 p.m.), 27 (2:30 p.m. y 6 p.m.)
• Entradas: Disponibles en Joinnus desde S/45

¿Quién M!@ organizó la despedida?

Marisol Aguirre, Leslie Stewart, Issa Ringgold y Mónica Torres protagonizan esta comedia sobre una despedida de soltera que se desmorona antes de empezar, con la participación en voz en off de Eva Ayllón. Texto y dirección de Federico Abrill. Apta para mayores de 16 años.

• Lugar: Centro Cultural CAFAE-SE, Av. Arequipa 2985, San Isidro
• Funciones: 18 y 19 de setiembre de 2026
• Horarios: Viernes y sábados, 8:00 p. m.
• Entrada: Desde 60 soles (individual) o 50 soles por persona en grupo, en Joinnus

La Profesora

Yvonne Frayssinet y Leonardo Torres Vilar protagonizan esta obra del dramaturgo español Eduardo Galán. La historia sigue a América Alcalá, una profesora próxima a jubilarse que enfrenta el temor a la vejez mientras intenta ayudar a Daniela, una adolescente cuyo comportamiento preocupa a su entorno. Convoca a tutorías a Ortiz, el padre de la joven, un hombre de origen humilde, y se irán mostrando relaciones marcadas por las diferencias sociales y culturales.

• Lugar: Teatro Ricardo Blume, Jr. Huiracocha 2160, Jesús María
• Funciones: 18, 19, 20, 21, 25, 26, 27 y 28 de setiembre
• Horarios: Viernes, sábados y lunes, 8:00 p. m. / domingos, 7:00 p. m.
• Entrada: A la venta en Ticketmaster

Promoción

Aldo Miyashiro escribe esta obra dirigida por Manuel Baca Solsol y producida por Piso 1 Producciones, que regresa a un salón de clases del último año escolar, donde un grupo de jóvenes enfrenta conflictos que continúan marcando a la sociedad actual. El elenco reúne a Ximena Galiano, Ale Carrasco, Carlos Thornton, Luis Cárdenas Natteri, Luis José Ocampo, Paolo Teevin, Estefano Buchelli, Fabián Calle, entre otros.

• Lugar: Teatro Ricardo Roca Rey de la AAA, Jr. Ica 323, Cercado de Lima
• Funciones: 18, 19 y 20 de setiembre
• Horarios: Viernes y sábados, 8:00 p. m. / domingos, 7:00 p. m.
• Entrada: A la venta desde 35 soles en Joinnus

Suegras

Una comedia de enredos protagonizada por Gabriela Billotti, Yanina Ugarte, Caroll Chiara, Giselle Collao y André Moyo, sobre un matrimonio joven atrapado entre dos suegras de personalidades opuestas y una asistente peculiar. Dramaturgia y dirección de Paco Varela, producción de X Productora.

• Lugar: Teatro Auditorio Miraflores, Av. Larco 1150, Miraflores
• Funciones: 18, 19, 25 y 26 de setiembre, y 3 de octubre
• Horarios: Sábados y domingos, 8:30 p. m.
• Entrada: Desde 80 soles en Teleticket

EXPOSICIONES

Poemas en Acuarela — Perú / Rusia

Una exposición itinerante que reúne más de 60 obras de acuarelistas de Perú, Rusia, México, India, Ecuador y Costa Rica, tras su paso por Puno y Arequipa. La muestra forma parte de un proyecto impulsado por IWS Titicaca Puno Perú e IWS Sare Gallery Moscow, integrantes de la red internacional IWS Globe Art Network, presente en 112 países. La curaduría es de Elizabeth Uribe y Sareh Mohebianzadeh. La programación incluye demostraciones de pintura en vivo, un concurso al aire libre “Plein Air” el 19 de setiembre, y la participación de los poetas Omar Aramayo, Lolo Palza, Boris Espezúa y Alfredo Herrera.

• Lugar: Casa de Rusia en Lima, Av. Salaverry 774, Jesús María
• Hasta cuándo: 2 de octubre
• Horarios: Lunes a sábado, 9:30 a. m. a 6:00 p. m.
• Entrada: Libre

EVENTOS GRATUITOS

Encuentro Anual de Investigación, Creación e Innovación (ICI PUCP 2026)

La PUCP presenta cinco actividades gratuitas sobre inteligencia artificial, transformación digital y cultura. La programación incluye un conversatorio sobre el uso de la inteligencia artificial en la comunicación política (23 de setiembre), una presentación sobre educación sexual integral en escuelas rurales (23 de setiembre), una mesa sobre digitalización de archivos históricos (23 de setiembre), otra sobre lenguas originarias y tecnologías computacionales (24 de setiembre), y un análisis sobre los efectos de los debates presidenciales (25 de setiembre).

• Lugar: Distintas aulas del campus PUCP (presencial e híbrido)
• Cuándo: 23, 24 y 25 de setiembre
• Entrada: Libre, previa inscripción en encuentroici.pucp.edu.pe/programa

Presentación de La librera fantasma — Chrisel Arquiñigo

La gestora cultural Chrisel Arquiñigo Bringas presenta su primera novela, publicada por Editorial Ciudad Librera, que combina ficción e investigación histórica sobre librerías independientes como Shakespeare and Company, City Lights y la librería de Juan Mejía Baca en el Perú. La historia parte de la amistad entre la protagonista y una amiga diagnosticada con cáncer para explorar la memoria, el duelo y la resistencia de las librerías frente al olvido.

• Lugar: Ciudad Librera, Plaza Bolívar 161, Pueblo Libre
• Cuándo: Viernes 18 de setiembre, 7:00 p. m.
• Entrada: Libre

EVENTOS INFANTILES

Feria Internacional del Libro Infantil y Juvenil (FILIJ) Perú 2026

El Fondo de Cultura Económica (FCE) organiza la segunda edición de esta feria, con la participación de autores e ilustradores internacionales como Paula Bossio (Colombia), Julia Friese (Alemania) y Guiven Dávidan (Bolivia). La programación incluye talleres de ilustración, cuentacuentos, teatro de papel, proyección de sombras y conversatorios sobre anime y manga, además de la exhibición y venta de libros de diversas editoriales.

• Lugar: ICPNA de Miraflores, Av. Angamos Oeste 120
• Cuándo: Del 18 al 27 de setiembre
• Entrada: Libre

Saltimbanquis

La productora y directora Gloria María Solari presenta una nueva adaptación de Saltimbanquis, inspirada en Los músicos de Bremen de los hermanos Grimm. El elenco está encabezado por las actrices Zelma Gálvez y Oriana Cicconi, y completan el reparto alumnos del Taller de Teatro de Solari que comparten escenario con actores profesionales. La propuesta combina música, humor y aventuras con mensajes sobre la amistad, la solidaridad y el respeto por las diferencias.

• Lugar: Teatro Mario Vargas Llosa, Biblioteca Nacional del Perú, San Borja
• Funciones: 19, 20, 26 y 27 de setiembre
• Horarios: 4:00 p.m.
• Entrada: En Teleticket desde 21 soles

Casa Warner en Plaza Norte

Plaza Norte alberga la experiencia oficial de Warner Bros. Discovery, con más de 18 salas temáticas y 35 espacios para explorar los universos de Harry Potter, Batman, Superman, Friends, Looney Tunes y Scooby-Doo, entre otras franquicias. Los ingresos se realizan cada 30 minutos.

• Lugar: Plaza Norte
• Horarios: De 11 a.m. a 9 p.m.
• Entrada: Disponible en Joinnus a 30 soles.

Los 3 cerditos, Princesas y Peter Pan — Arlequin Teatro

La productora Arlequin Teatro presenta tres obras simultáneas en el Teatro Auditorio Miraflores todos los sábados y domingos. Los 3 cerditos se presenta a las 2:30 p. m. (hasta el 27 de setiembre); Princesas, a las 4:00 p. m. (hasta el 1 de noviembre); y Peter Pan, a las 5:30 p. m. (hasta el 11 de octubre). No hay funciones el domingo 4 de octubre por elecciones. Las tres obras duran aproximadamente una hora y son aptas para todo público.

• Lugar: Teatro Auditorio Miraflores, Av. Larco 1150, Miraflores
• Cuándo: Sábados y domingos
• Entrada: 25 soles por obra en Teleticket

Paradox Park: Era Imperium

El histórico espacio del Jockey Club que albergó al Daytona Park reabre transformado en Paradox Park: Era Imperium, un parque temático desarrollado por Amusement Parks con más de 50 desafíos distribuidos en cuatro ambientes inspirados en Roma, Egipto, Grecia y Babilonia.

• Lugar: Ex Daytona Park, Puerta 4 del Jockey Club
• Funciones y horarios: De viernes a domingo, en dos turnos: 10:00 a. m. a 3:00 p. m. y 4:00 p. m. a 9:00 p. m.
• Entrada: A la venta en Joinnus y en paradox-park.com

El Fantasma de la Ópera

Basada en la novela de Gastón Leroux, esta adaptación familiar sigue a la joven cantante Cristine y al enigmático Fantasma que acecha la Ópera de París. Recomendada para mayores de 8 años. Adaptación de Els Vandell, dirección de Vandell y Rod Díaz, con elenco encabezado por Paul Martin, Emilram Cossío, Anaí Padilla, Nicolás Ostolaza y Avril Gil.

• Lugar: Teatro La Plaza, Malecón de la Reserva 610, Larcomar, Miraflores
• Funciones: 19, 20, 26 y 27 de setiembre, y 3 y 4 de octubre
• Horarios: Sábados y domingos, 4:00 p. m.
• Entrada: 40 soles en Joinnus

Los tres chanchitos y el lobo feroz

Un clásico infantil sobre tres chanchitos que construyen sus casas mientras un lobo intenta derribarlas, con mensajes sobre el esfuerzo y la dedicación.

• Lugar: Teatro Padua, Auditorio San Antonio de Padua, Huiracocha 2010, Jesús María
• Función y hora: Domingo 20 de setiembre, 5:00 p. m.
• Entrada: Desde 40 soles en Teleticket

OTROS

Javier Botía — Inteligencia Natural World Tour 2026

El campeón mundial de mentalismo Javier Botía, ganador del Campeonato Mundial de Magia FISM 2018, se presenta por primera vez en el Perú con un espectáculo inspirado en su libro Inteligencia Natural, sobre la percepción, la sugestión y los mecanismos de la toma de decisiones. El artista ha anunciado que entregará un péndulo a cada asistente.

• Lugar: Auditorio del Pentagonito, San Borja
• Cuándo: Viernes 18 de setiembre, 8:00 p. m.
• Entrada: Desde 32 soles en Ticketmaster

Lima combina esta semana grandes producciones escénicas con una oferta amplia de arte y entretenimiento familiar. las últimas funciones del musical Mamma Mía! en el Teatro Peruano Japonés, mientras el Museo de Arte de Lima (MALI) muestra una retrospectiva dedicada a Julia Codesido, la primera pintora profesional del país.

El Ballet Municipal de Lima continúa su temporada de El Lago de los Cisnes con funciones que incluyen orquesta en vivo, y DanSa presenta Wankar, una experiencia inmersiva que combina danza, música y gastronomía. A eso se suman la Casa Warner en Plaza Norte, la reapertura de Paradox Park en el antiguo Daytona Park, y una cartelera de teatro, comedia y stand up que ocupa varios distritos de la ciudad.

CONCIERTOS

Concierto Sinfónico — Mauro Lionel

Mauro Lionel Malca Peñaranda, compositor y director de orquesta de 13 años, autor de más de 220 obras originales, presenta ‘Concierto Sinfónico – Sólo Clásicos & Premiados’. El programa incluye su Sinfonía SINFOSLOW y tres rapsodias inspiradas en la historia peruana: la del Inicio del Tahuantinsuyo, la de la Caída del Tahuantinsuyo y la de la Cachanga. El concierto tiene carácter benéfico en apoyo a la Fundación Lima.

• Lugar: Teatro Segura, Jr. Huancavelica 265, Lima
• Cuándo: Domingo 13 de setiembre, 5:00 p. m.
• Entrada: Desde 10 soles en Ticketmaster

BALLET Y DANZA

El Lago de los Cisnes

Se presenta una nueva temporada de El Lago de los Cisnes, con música de Piotr Ilich Chaikovski. El Ballet Municipal de Lima representa la historia de amor entre el príncipe Sigfrido y Odette, una princesa condenada a convertirse en cisne. Algunas funciones tendrán a Nicolai Gorodiskii como bailarín invitado y otras contarán con la participación de la Orquesta Sinfónica del Teatro Municipal de Lima, bajo la dirección del maestro argentino Carlos Calleja.

• Lugar: Teatro Municipal de Lima, Jr. Ica 377, Cercado de Lima
• Funciones: 13, 18, 19, 25, 26, 27 y 30 de setiembre; y 1, 2, 3 de octubre
• Horarios: Miércoles, jueves y viernes 8:00 p.m. / Sábados y domingos 11:30 a.m. y 6:00 p.m.
• Entrada: Desde 20 soles en Teleticket

Wankar: El mito del tambor sagrado

DanSa presenta esta experiencia inmersiva, la primera en el país, que traslada a los comensales por las tres regiones del Perú a través de sus danzas más emblemáticas, en un escenario donde el espectáculo se entrelaza con una cena de menú degustación y música en vivo. La dirección artística está a cargo de Vania Masías y la dirección musical, de Lucho Quequezana.

• Lugar: DanSa, Av. Rivera Navarrete 2692, Lince
• Funciones: De miércoles a sábado con dos funciones, a las 7:30 p.m. y 9:10 p.m.
• Entrada: Desde USD 100. Disponible en Joinnus.

EXPOSICIONES Y FERIAS

X Salón de Arte Joven Nikkei

El Centro Cultural Peruano Japonés presenta esta décima edición que reúne a 14 jóvenes artistas de la comunidad nikkei bajo la coordinación de Haroldo Higa y la curaduría de Juan Peralta. La muestra explora la identidad como una construcción en transformación permanente, atravesada por la memoria familiar, el mestizaje y la experiencia migratoria. Participan, entre otros, Adrián Miyagi Ochoa, Andrea Gima Ishiki y Mia Pasco Yumi. La exposición incluye una conferencia de los artistas el 17 de setiembre.

• Lugar: Galería de Arte Ryoichi Jinnai y Hall de Exposiciones, Centro Cultural Peruano Japonés
• Hasta cuándo: 11 de octubre
• Horarios: Martes a sábados, 10:00 a. m. a 1:00 p. m. y 2:00 p. m. a 8:00 p. m.; domingos, 10:00 a. m. a 1:00 p. m. y 2:00 p. m. a 7:00 p. m.
• Entrada: Libre

Del origen a la alquimia del ser

La Municipalidad de San Isidro presenta esta exposición del pintor Luis Miguel Portilla Tuesta, con 23 obras realizadas entre 2025 y 2026 que combinan figura humana, naturaleza y elementos simbólicos vinculados a la cultura Chachapoya. La curaduría, a cargo de Eleine Rodríguez Castañeda de Yance, organiza el recorrido en tres zonas: Origen, Alquimia y Reencuentro.

• Lugar: Galería de Arte, Centro Cultural El Olivar, Av. Los Incas 460, San Isidro
• Hasta cuándo: 27 de setiembre
• Horarios: Lunes a domingo, 9:00 a. m. a 5:00 p. m.
• Entrada: Libre

Rostros del cambio

El fotógrafo documental Omar Lucas presenta una serie de retratos de comunidades peruanas que han transformado sus territorios, como parte de la iniciativa ‘Rostros del Cambio’, promovida por la Autoridad Nacional de Infraestructura (ANIN) y el Equipo de Entrega del Reino Unido. El proyecto incluye además un libro de fotografías y un documental narrado por el actor Reynaldo Arenas.

• Lugar: Parque Kennedy, Miraflores
• Entrada: Libre

Lima en azul

Ocho artistas —Melissa Larrañaga, Manuel Elguera, Verónica Penagos, Luciana Espinar, Hernán Sosa, Ana Masías, Rocío Ponce y Yiriane Khan— reinterpretan la ciudad desde el color y la memoria, bajo la curaduría de Belinda Tami.

• Lugar: Galería Casa Tambo, Jr. de la Unión 1066, Centro Histórico de Lima
• Hasta cuándo: 16 de octubre
• Entrada: Libre

Imagine

La artista Rosa Tomatis presenta ocho monotipias y collages, cinco cajas de acrílico con transfer y fotografía, y siete lienzos que exploran la relación entre imagen, memoria e imaginación a partir de elementos cotidianos como muros, sombras y grafitis. El curador es Noel Lama.

• Lugar: Galería MAD, Museo de Minerales Andrés del Castillo, Jr. de la Unión 1030, Centro de Lima
• Hasta cuándo: 25 de setiembre
• Horarios: Lunes a domingo, 10:00 a. m. a 7:00 p. m.
• Entrada: Libre

AQUA

Veintitrés artistas exploran las posibilidades expresivas de la acuarela en esta muestra curada por Tricia Cáceda y Álvaro De La Puente. Participan, entre otros, Alessa Carbonell, Anneli Vértiz, Fiorella Zapata y Ricardo Oré.

• Lugar: C.C. Tierra Baldía, Av. El Ejército 847, Miraflores
• Hasta cuándo: 26 de setiembre
• Horarios: Martes a sábado, 11:00 a. m. a 8:00 p. m.; domingo y lunes, 11:00 a. m. a 5:00 p. m.
• Entrada: Libre

Migrante. El resueno de la memoria

El artista arequipeño Felipe Coaquira presenta 24 obras de arte textil, elaboradas principalmente con bordado y collage de telas, junto a una instalación sonora interactiva, en una reflexión sobre la migración y la identidad. La muestra se presenta en la Casa O’Higgins del Instituto Riva-Agüero de la PUCP.

• Lugar: Casa O’Higgins, Jr. de la Unión 554, Centro Histórico de Lima
• Hasta cuándo: 8 de noviembre
• Entrada: Libre

Hugo Salazar Chuquimango

El artista Hugo Salazar Chuquimango presenta su segunda exposición individual del año con una muestra reúne 23 obras inéditas: siete pinturas al óleo y una serie de dibujos, técnicas mixtas y óleos recientes, de tono más simbólico y místico. Es ganador del Primer Premio del XII Salón Nacional de Pintura del ICPNA (2010) y del Primer Premio del Concurso de Dibujo del Centro Cultural Peruano Británico (2021).

• Lugar: Espacio Cultural Casa Rubens, calle Benigno Cornejo 449, Pueblo Libre
• Hasta cuándo: 20 de setiembre
• Horarios: Martes a domingo, 11:00 a. m. a 7:00 p. m.
• Entrada: Libre

‘200 años de rebeldía silenciosa’

MAV PERÚ (Asociación de Mujeres en las Artes Visuales del Perú), con curaduría de Teresa Arias Rojas, presenta una exposición colectiva de 83 artistas visuales de distintas regiones del país y del extranjero en las galerías del BRITÁNICO de San Juan de Lurigancho y Santa Anita. La muestra parte del retrato de Tilsa Tsuchiya en el billete de 200 soles y propone una reflexión sobre el lugar de las mujeres en la construcción de la cultura visual peruana.

• Lugar: Galería del BRITÁNICO de San Juan de Lurigancho (Av. Próceres de la Independencia 1531) y Galería del BRITÁNICO de Santa Anita (Av. Los Ruiseñores 215)
• Hasta cuándo: 19 de setiembre
• Horarios: Lunes a sábado, 10:00 a. m. a 6:00 p. m.
• Entrada: Libre

Codesido

El Museo de Arte de Lima (MALI) y Bank of America presentan una exposición dedicada a Julia Codesido, reconocida como la primera pintora profesional del Perú, además de maestra, coleccionista pionera del arte popular peruano e investigadora etnográfica. Bajo la curaduría de Luis Eduardo Wuffarden y Ricardo Kusunoki, la muestra recorre más de cinco décadas de producción artística.

• Lugar: Sala 1, primer piso del MALI (Paseo Colón 125, Cercado de Lima).
• Hasta cuándo: 1 de noviembre de 2026.
• Horarios: Apertura a las 10 a.m. de martes a domingo. Cierran a las 6 p.m. de martes a viernes y domingos; y a las 5 p.m. los sábados.
• Entrada: desde S/ 15 (precios especiales para niños y adultos mayores).

TEATRO

MESA TOMADA 2.0

Coproducida por Krakens Producciones y La Intensa Producción, esta comedia sigue las historias cruzadas de varias parejas en la trattoria Di Putti e Madri. La dirección es de Christian Ávalos, quien comparte la dramaturgia con Luisito Fernández. El elenco incluye a Fernando Cáceres, Pepe Murray, Andrea Chuiman y Christian Alden.

• Lugar: Teatro Barranco, Av. Grau 701, Barranco
• Funciones: viernes 18 y 25 de setiembre
• Horarios: 8:00 p. m.
• Entrada: desde 40 soles en Joinnus

El jefe del jefe

Basada en la película The Boss of It All, de Lars von Trier, con adaptación teatral de Jack McNamara, esta comedia sigue a un empresario que inventa un presidente ficticio para evitar tomar decisiones difíciles, hasta que debe contratar a un actor desempleado para interpretarlo ante inversionistas extranjeros. Dirección de Diego Oria, con elenco encabezado por Miguel Iza y Sergio Galliani.

• Lugar: Multiteatro Movistar, Av. Alfredo Benavides 4981, Santiago de Surco
• Hasta cuándo: 1 de noviembre
• Horarios: Jueves, viernes y sábados, 8:30 p. m.; domingos, 7:00 p. m.
• Entrada: Desde 59 soles en Teleticket

Mamma Mía!

Uno de los musicales más exitosos de la historia regresa con un elenco renovado y la producción de Los Productores. Basado en las canciones del grupo ABBA, cuenta la historia de una madre, su hija y tres posibles padres en vísperas de una boda. El elenco de esta etapa incluye a Érika Villalobos, Gianella Neyra, Cielo Torres, Gustavo Mayer y Raúl Zuazo, entre otros.

• Lugar: Teatro Peruano Japonés (Av. Gregorio Escobedo 803, Jesús María).
• Funciones: 13, 17, 18, 19, 20, 24, 25, 26 y 27 de setiembre de 2026
• Horarios: Jueves y viernes 8 p.m. / Sábados 5 p.m. y 8:30 p.m. / Domingo 13 (6 p.m.), 20 (4 p.m. y 7:30 p.m.), 27 (2:30 p.m. y 6 p.m.)
• Entradas: Disponibles en Joinnus desde S/45

¿Quién M!@ organizó la despedida?

Marisol Aguirre, Leslie Stewart, Issa Ringgold y Mónica Torres protagonizan esta comedia sobre una despedida de soltera que se desmorona antes de empezar, con la participación en voz en off de Eva Ayllón. Texto y dirección de Federico Abrill. Apta para mayores de 16 años.

• Lugar: Centro Cultural CAFAE-SE, Av. Arequipa 2985, San Isidro
• Funciones: 18 y 19 de setiembre de 2026
• Horarios: Viernes y sábados, 8:00 p. m.
• Entrada: Desde 60 soles (individual) o 50 soles por persona en grupo, en Joinnus

La Profesora

Yvonne Frayssinet y Leonardo Torres Vilar protagonizan esta obra del dramaturgo español Eduardo Galán. La historia sigue a América Alcalá, una profesora próxima a jubilarse que enfrenta el temor a la vejez mientras intenta ayudar a Daniela, una adolescente cuyo comportamiento preocupa a su entorno. Convoca a tutorías a Ortiz, el padre de la joven, un hombre de origen humilde, y se irán mostrando relaciones marcadas por las diferencias sociales y culturales.

• Lugar: Teatro Ricardo Blume, Jr. Huiracocha 2160, Jesús María
• Funciones: 13, 14, 18, 19, 20, 21, 25, 26, 27 y 28 de setiembre
• Horarios: Viernes, sábados y lunes, 8:00 p. m. / domingos, 7:00 p. m.
• Entrada: A la venta en Ticketmaster

Promoción

Aldo Miyashiro escribe esta obra dirigida por Manuel Baca Solsol y producida por Piso 1 Producciones, que regresa a un salón de clases del último año escolar, donde un grupo de jóvenes enfrenta conflictos que continúan marcando a la sociedad actual. El elenco reúne a Ximena Galiano, Ale Carrasco, Carlos Thornton, Luis Cárdenas Natteri, Luis José Ocampo, Paolo Teevin, Estefano Buchelli, Fabián Calle, entre otros.

• Lugar: Teatro Ricardo Roca Rey de la AAA, Jr. Ica 323, Cercado de Lima
• Funciones: 13, 18, 19 y 20 de setiembre
• Horarios: Viernes y sábados, 8:00 p. m. / domingos, 7:00 p. m.
• Entrada: A la venta desde 35 soles en Joinnus

Suegras

Una comedia de enredos protagonizada por Gabriela Billotti, Yanina Ugarte, Caroll Chiara, Giselle Collao y André Moyo, sobre un matrimonio joven atrapado entre dos suegras de personalidades opuestas y una asistente peculiar. Dramaturgia y dirección de Paco Varela, producción de X Productora.

• Lugar: Teatro Auditorio Miraflores, Av. Larco 1150, Miraflores
• Funciones: 18, 19, 25 y 26 de setiembre, y 3 de octubre
• Horarios: Sábados y domingos, 8:30 p. m.
• Entrada: Desde 80 soles en Teleticket

STAND UP Y MONÓLOGOS

Doctora Bandida: Terapia de choque

Tras el éxito de su anterior espectáculo, Mónica Cabrejos regresa con un show de humor sobre el amor propio, los vínculos tóxicos y la sanación emocional. Con un estilo directo e irreverente, la propuesta apunta a una experiencia colectiva de catarsis y carcajadas. Consumo mínimo de S/ 45 por persona en el local.

• Lugar: La Estación de Barranco
• Horarios: Miércoles 16, 23 y 30 de setiembre a las 8 p.m.
• Entrada: Desde S/ 49.90. Disponible en Teleticket.

Se busca marido cama afuera

Johanna San Miguel presenta ocho funciones de esta comedia con anécdotas, música en vivo y personajes sobre la reinvención personal tras la caída.

• Lugar: Centro de Convenciones Bianca, Av. Almirante Miguel Grau 135, Barranco
• Funciones: Jueves 17 y 24 de setiembre
• Horarios: 8:00 p. m.
• Entrada: Desde 51 soles en Teleticket

Migajera nunca más

Yiddá Eslava presenta en La Estación de Barranco su espectáculo de humor sobre la autoestima y las relaciones. Consumo mínimo de 30 soles por persona.

• Lugar: La Estación de Barranco
• Funciones: martes 15, 22 y 29 de setiembre
• Horarios: 8:00 p. m.
• Entrada: Desde 50 soles en Teleticket

Yo fui candidato

El humorista Carlos Álvarez regresa a los escenarios tras su paso por las elecciones generales de 2026, con un espectáculo que combina sus anécdotas de campaña con los personajes que marcaron el proceso electoral. La velada promete humor, carcajadas y reflexión sobre la política peruana reciente.

• Lugar: Centro de Convenciones Bianca (Av. Almirante Miguel Grau 135, Barranco)
• Funciones: 19 y 25 de setiembre, 10, 17, 24 y 31 de octubre de 2026
• Horario: 7:30 p.m.
• Entradas: Desde S/112 en Teleticket

Es lo que hay

Patricia Portocarrero regresa con su unipersonal dirigido por Diego Lombardi en una temporada limitada sobre su búsqueda incesante del amor.

• Lugar: Centro Español del Perú, Av. Gral. Salaverry 1910, Jesús María
• Funciones y horario: 13, 18, 19 y 20 de setiembre, 8:00 p. m.
• Entrada: Desde 65 soles en Joinnus

EVENTOS INFANTILES

Casa Warner en Plaza Norte

Plaza Norte alberga la experiencia oficial de Warner Bros. Discovery, con más de 18 salas temáticas y 35 espacios para explorar los universos de Harry Potter, Batman, Superman, Friends, Looney Tunes y Scooby-Doo, entre otras franquicias. Los ingresos se realizan cada 30 minutos.

• Lugar: Plaza Norte
• Horarios: De 11 a.m. a 9 p.m.
• Entrada: S/ 25 (niños) y S/ 45 (adultos) de lunes a viernes; S/ 30 (niños) y S/ 55 (adultos) sábados, domingos y feriados (pero hay descuentos para clientes de BCP). Disponible en Joinnus.

Saltimbanquis

La productora y directora Gloria María Solari presenta una nueva adaptación de Saltimbanquis, inspirada en Los músicos de Bremen de los hermanos Grimm. El elenco está encabezado por las actrices Zelma Gálvez y Oriana Cicconi, y completan el reparto alumnos del Taller de Teatro de Solari que comparten escenario con actores profesionales. La propuesta combina música, humor y aventuras con mensajes sobre la amistad, la solidaridad y el respeto por las diferencias.

• Lugar: Teatro Mario Vargas Llosa, Biblioteca Nacional del Perú, San Borja
• Funciones: 13, 19, 20, 26 y 27 de setiembre
• Horarios: 4:00 p.m.
• Entrada: En Teleticket desde 21 soles

Los 3 cerditos, Princesas y Peter Pan — Arlequin Teatro

La productora Arlequin Teatro presenta tres obras simultáneas en el Teatro Auditorio Miraflores todos los sábados y domingos. Los 3 cerditos se presenta a las 2:30 p. m. (hasta el 27 de setiembre); Princesas, a las 4:00 p. m. (hasta el 1 de noviembre); y Peter Pan, a las 5:30 p. m. (hasta el 11 de octubre). No hay funciones el domingo 4 de octubre por elecciones. Las tres obras duran aproximadamente una hora y son aptas para todo público.

• Lugar: Teatro Auditorio Miraflores, Av. Larco 1150, Miraflores
• Cuándo: Sábados y domingos
• Entrada: 25 soles por obra en Teleticket

Paradox Park: Era Imperium

El histórico espacio del Jockey Club que albergó al Daytona Park reabre transformado en Paradox Park: Era Imperium, un parque temático desarrollado por Amusement Parks con más de 50 desafíos distribuidos en cuatro ambientes inspirados en Roma, Egipto, Grecia y Babilonia.

• Lugar: Ex Daytona Park, Puerta 4 del Jockey Club
• Funciones y horarios: De viernes a domingo, en dos turnos: 10:00 a. m. a 3:00 p. m. y 4:00 p. m. a 9:00 p. m.
• Entrada: A la venta en Joinnus y en paradox-park.com

El Fantasma de la Ópera

Basada en la novela de Gastón Leroux, esta adaptación familiar sigue a la joven cantante Cristine y al enigmático Fantasma que acecha la Ópera de París. Recomendada para mayores de 8 años. Adaptación de Els Vandell, dirección de Vandell y Rod Díaz, con elenco encabezado por Paul Martin, Emilram Cossío, Anaí Padilla, Nicolás Ostolaza y Avril Gil.

• Lugar: Teatro La Plaza, Malecón de la Reserva 610, Larcomar, Miraflores
• Funciones: 13, 19, 20, 26 y 27 de setiembre, y 3 y 4 de octubre
• Horarios: Sábados y domingos, 4:00 p. m.
• Entrada: 40 soles en Joinnus

Los tres chanchitos y el lobo feroz

Un clásico infantil sobre tres chanchitos que construyen sus casas mientras un lobo intenta derribarlas, con mensajes sobre el esfuerzo y la dedicación.

• Lugar: Teatro Padua, Auditorio San Antonio de Padua, Huiracocha 2010, Jesús María
• Función y hora: Domingo 20 de setiembre, 5:00 p. m.
• Entrada: Desde 40 soles en Teleticket

A dos años de la muerte de Daniel Fanego, su hijo Manu lo homenajeó con una publicación en redes sociales. Mediante un carrete de imágenes familiares, el actor recorrió distintas etapas del vínculo con su padre y le dedicó un mensaje centrado en las enseñanzas, los cuidados y la presencia que conserva antes de cada función en su carrera actual.

“Buen, acá recordando al padre, a dos años de su ausencia física. Cada día siento más amor y agradecimiento por haberlo tenido como papá”, escribió Manu al comienzo del posteo. Después resumió algunos recuerdos que asocia con Daniel: “Sus cosquillas, su solemnidad, su cuidado. Y mucho más”. Las palabras acompañaron un álbum que reunió escenas familiares y teatrales de historia.

La primera fotografía muestra a Daniel abrazando a un Manu pequeño. En otra postal aparece junto a sus hijos, mientras que el carrusel también incorpora una imagen de padre e hijo frente al mar. El recorrido termina con un retrato más reciente del intérprete tomado poco tiempo antes de su muerte. Cada imagen aporta una mirada diferente sobre esa relación.

Uno de los recuerdos que Manu eligió desarrollar se vincula con un acto escolar por el Día de la Bandera. En esa foto se lo ve caracterizado como un prócer y con bigotes postizos. Allí explicó que Daniel colaboró con los preparativos de aquella presentación y lo ayudó a aprender la letra y asumir el personaje frente a compañeros.

“En la foto 5, acto del día de la bandera me ayudó a ensayar la letra y me produjo vestuario y maquillaje. Talco para las canas y bigotes postizos incluidos. Fue la primera vez que sentí el olor a mastik en la nariz”, relató. El mastik es un adhesivo que suele fijar elementos de caracterización sobre la piel teatral.

El mensaje también incluyó una referencia directa a la relación que compartían con el teatro. Manu contó que conserva un gesto antes de cada función asociado a una enseñanza de su padre. “Antes de entrar a un escenario golpeo las tablas. Te saludo, como me enseñaste a saludar a los que habitaron ese campo de juego”, expresó en redes.

Con esa frase el actor vinculó el homenaje familiar con su propio oficio. Daniel y Manu compartieron escenario en 2012, dentro del ciclo Teatro por la Identidad, en la obra El vuelo del Cóndor, donde interpretaron distintos momentos de la vida de Pablo Podestá. Años después Manu recordó aquella experiencia durante un Día del Padre y la definió como única.

En el cierre de su publicación actual, Manu contó que se reuniría con su hermana Camila en memoria de su padre. “Hoy nos juntamos con Cami a almorzar. Te celebraremos hasta el infinito”, expresó junto a emojis de manos levantadas, un corazón, manos en oración y destellos. El posteo sumó imágenes de diferentes momentos familiares con Daniel.

Daniel Fanego murió el 19 de septiembre de 2024, a los 69 años. En ese momento Manu confirmó la noticia y señaló que su padre había fallecido en su casa acompañado por familiares y amistades. El actor y director dejó una trayectoria en teatro, cine y televisión con trabajos en El marginal, El reino, Resistiré, Luna de Avellaneda y El Ángel.

Al cumplirse el primer aniversario de su muerte, Manu también recurrió a sus redes para recordarlo. Entonces compartió fotos de ambos y escribió: “Hoy hace un año que Daniel Luis ya no está físicamente entre nosotrxs. Más que nunca está presente en las charlas, los saludos, las anécdotas, en los escenarios”. El texto cerró con un agradecimiento, como en esta oportunidad, a dos años de su muerte.

“Sardinas” es un viaje onírico que retrata la migración sin usar una sola palabra, a través de teatro físico, máscaras y objetos. La obra de la compañía Casa Gris, con dramaturgia y dirección de Zezé Figueroa Ramos, se presenta los días 24, 25 y 27 de septiembre en el Teatro Benito Juárez de la Ciudad de México.

Tres personajes emprenden una travesía interminable en busca de un sitio donde descansar. En ese recorrido, la realidad se funde con la fantasía para construir un universo en el que la migración deja de ser solo un fenómeno humano y se convierte en un impulso compartido por distintas especies de la naturaleza, según el boletín de prensa de la puesta en escena.

La pieza fue seleccionada para formar parte de la programación de la 46 Muestra Nacional de Teatro en Querétaro 2026, antes de su temporada capitalina.

Un gran viaje sin diálogos que atraviesa a tres personajes

En entrevista con Infobae México, Zezé Figueroa Ramos define la obra como “un gran viaje, un gran sueño, una aventura que no termina”. Sostiene que “‘Sardinas’ nos habla en torno a los padecimientos que viven hasta cierto punto los migrantes, puesto en una perspectiva onírica. Vamos a ver atravesar a estos tres personajes por situaciones fantásticas”.

La ausencia de texto no fue una decisión menor. “Ha sido complicado en muchos sentidos el crear esta obra sin uso de la voz, sin diálogos como tal, porque desde un inicio la dramaturgia no está pensada como en desarrollar una historia, sino más bien está planteada para generar imágenes”, señala el director. Agrega que esto “es algo muy importante dentro de este tipo de teatro que estamos comenzando a hacer, al menos yo como director”.

Sin diálogos, la construcción de atmósferas recae en otros elementos. “Al no tener un texto que aprenderse qué decir, creo que tanto el silencio como el sonido que emana la misma obra es lo que genera las atmósferas y es lo que genera una posible empatía con lo que está sucediendo con estos tres personajes”, explica Zezé Figueroa Ramos, quien participa además como actor, músico y compositor de la pieza. Describe el proceso como “una situación bastante compleja en muchos sentidos. Muy compleja y muy enriquecedora a nivel de proceso creativo, no solo como director, sino también como actor, como músico, como compositor”.

¿Por qué la migración es un tema inevitable para México?

Para el director, hablar de la migración “no solamente de este hecho social es algo inevitablemente actual. Siempre lo ha sido”. Considera que nombrarla desde un punto de vista alejado de la realidad y de las noticias, pero dentro de la poética de la obra, “nos hace recordar que nosotros como mexicanos estamos atravesados por la migración”.

En una reflexión que dice haber tenido después de realizar el proceso de montaje, Zezé Figueroa Ramos afirma que “es inevitable pensar en que cualquier persona de este país tenemos como antecedentes o como acercamiento a la migración nuestros familiares, nuestros tíos, nuestros amigos”. Añade que “muchas personas dentro de nuestro núcleo en el que nos desarrollamos han migrado” y que es inevitable “saber de alguien o a conocer a alguien que tuvo la necesidad de irse a otro lugar a buscar una vida mejor, a tener una vida más digna también de donde provienen”.

El director sitúa esta urgencia en el presente. “Estos últimos dos años han sido brutales respecto a las condiciones de las personas que se encuentran en tránsito y que por suerte están a punto de llegar y se les regresa, o las mismas personas que se encuentran en Estados Unidos con el ICE o ahora mismo en España, en Ceuta, en la ciudad que está al norte de Marruecos”, relata. “Hay muchas cosas que son necesarias seguir nombrando. Y son necesarias porque creo que todos tenemos la posibilidad dentro de nosotros mismos y de nuestras circunstancias de volvernos migrantes”, agrega.

Zezé Figueroa Ramos habla también desde su propia biografía. “Al menos en mi caso, yo tuve que migrar de la ciudad de Oaxaca, yo soy originario de Oaxaca, para la Ciudad de México y poder estudiar la carrera de actuación, de teatro”, cuenta. “A pesar de tener esta posibilidad de viajar, de migrar con apoyo económico por parte de mis familiares, de mi abuelita, de mi mamá, de mi papá, pues también me las vi un poco duras”, relata.

“Entonces, a mí me resuena mucho este tema. Y creo que a muchas personas también”, asegura.

El aparto estético de “Sardinas”

Zezé Figueroa Ramos evita la literalidad en la puesta en escena. “Yo nunca he intentado, en este sentido, evocar una noticia como tal. Que se vea: ‘Ah, claramente aquí se los están llevando, los detuvieron, están en un vagón encerrados’. No busco la literalidad dentro de la puesta, sino más bien generar un espectáculo fantástico a partir de la travesía del ser migrante, un ser migrante por el mundo”, explica.

El director aclara que la obra no apunta a una ruta migratoria en particular. “Tampoco específicamente hablando de la migración a Estados Unidos o la migración de África a Europa o cualquier otro tipo de migración, sino más bien el hecho como tal de atravesar parte del mundo, de la Tierra, en busca de una vida más digna”.

Esta decisión estética tiene un propósito concreto. “Creo que justo estos elementos que lo vuelven algo fantástico, también lo vuelve hasta cierto punto, creo yo, más digerible. Porque creo que el hecho de ilustrar la realidad, de ejemplificarla como tal, genera hasta cierto punto rechazo”.

Una obra pensada para cualquier idioma, edad o nacionalidad

El uso de objetos, máscara y cuerpo “es lo más importante, porque es lo que tenemos”, afirma el director. Su objetivo es que “cualquier persona, no importando su idioma, su nacionalidad, su edad también, pueda tener una experiencia a diferentes niveles”.

Explica que “un niño podría quedarse con lo imaginativo, también tal vez de repente con algunas sensaciones que evoque la escena, pero también probablemente mucho del espectador, de los espectadores, puede ser posible que logre encontrar algo que va más allá de esta, pues entre comillas, fábula”.

Sobre el uso de las máscaras, dice que “es como una especie de alejamiento a nuestra realidad”, pensado para generar “un mundo onírico en el cual uno pueda viajar junto con estos personajes y también identificarse”. Espera que en algún momento el espectador llegue a pensar: “Bueno, yo también puedo estar en alguna circunstancia parecida en la cual tal vez también yo termine siendo un migrante”.

Idealmente, dice, le gustaría que cualquier asistente concluyera: “Bueno, creo que cualquiera de nosotros, sin importar nuestro lugar de origen o nuestro estatus económico, podríamos terminar siendo migrantes”.

“Eso es algo que, idóneamente, idílicamente me gustaría que se llevara el público”, agrega.

¿Cómo lograr que más gente vaya al teatro?

Sobre cómo lograr que más gente vaya al teatro, Zezé Figueroa Ramos admite: “Esa es una pregunta que yo siempre o constantemente me hago”. Plantea que la solución pasa por “generar programas, que justo las instituciones hagan su labor también”, porque “este trabajo no es únicamente propio de la compañía, sino más bien de un gran organismo, el cual debe sostenerse”.

Ese organismo, dice, “debe generar una sinergia en la cual podamos tener todos tanto una experiencia cultural a nivel de la gente que asiste a estos eventos, así como también una remuneración por todo el trabajo que hay detrás para lograr estos proyectos”.

El director sostiene que “lamentablemente, los gobiernos, al menos los que me han tocado a mí, siempre han ido reduciendo la parte cultural. La parte del dinero que entra a las arcas de la Secretaría de Cultura y que de pronto hay un momento en el cual no se sabe dónde está ese dinero. Al menos, por ejemplo, personalmente yo, que soy de la ciudad de Oaxaca, noto que al menos en mi estado la Secretaría de Cultura no hace nada por las artes escénicas”.

“Este año, después de no sé cuántos años del gobierno que ha existido el gobierno del estado de Oaxaca, y digo el gobierno con el que yo he crecido, hasta este año, a mis 32 años, dieron por primera vez una convocatoria para realizar una muestra estatal de teatro. Y estatal entre comillas, porque digo, faltan muchos proyectos”, relata. Señala también que “no hay una escuela para profesionalizar a los artistas escénicos”, razón por la que tuvo que trasladarse a la Ciudad de México.

Figueroa Ramos precisa que “el arte escénico no tiene que ver solo con nosotros, sino más bien también cómo debería de existir este apoyo más claro y tal vez menos burocrático por parte de las instituciones”. Reconoce que “estos últimos dos años han habido algunas convocatorias que han sido bastante interesantes, creo yo, a nivel de movilización y de programa, no solo a nivel federal, como Escenarios Sí Cultura, como la convocatoria de teatro en espacios independientes y varias cosas más, pero no es suficiente”. Concluye: “no es suficiente para la cantidad de personas que somos y tampoco para el tamaño de país que somos. A pesar de poder, bueno, no tenemos una movilidad, la verdad, idónea, pero pues sí debería de haber una estructura más sólida, yo creo, a nivel institucional para promover los eventos culturales, al menos en todas las áreas posibles”.

Fechas, horarios y sede de la temporada en el Teatro Benito Juárez

“Sardinas” se presenta los días 24, 25 y 27 de septiembre en el Teatro Benito Juárez, ubicado en Villalongín 15, colonia Cuauhtémoc. Las funciones de jueves y viernes son a las 20:00 horas, mientras que la del domingo inicia a las 18:00 horas.

La Asociación de Cronistas del Espectáculo anunció las nominaciones para la 35ª entrega de los Premios ACE, que distinguirá producciones y artistas de la temporada teatral 2025/2026 en 31 rubros. La ceremonia se realizará el lunes 19 de octubre en el Teatro El Nacional, será transmitida por la TV Pública y entregará por primera vez tres premios a la trayectoria.

El musical volvió a concentrar la mayor cantidad de candidaturas, como había ocurrido en las dos temporadas anteriores. Entre los títulos de ese género figuran Hairspray, Company, Billy Elliot, Charlie y la fábrica de chocolate, Invasiones I y Casi normales inmersivo.

Los reconocimientos especiales por trayectoria serán para las actrices Soledad Silveyra y Moria Casán, y para el escenógrafo Jorge Ferrari. La entidad definió esta distinción triple como un premio especial para tres carreras del espectáculo argentino.

Las obras y actuaciones nominadas en drama, comedia y musicales

En autoría competirán Mariano Pensotti y Grupo Marea por La obra y Una sombra voraz; Marina Carr por La niña sobre un altar; Mauricio Kartun por Baco polaco; Ricardo Hornos por Invasiones; y Gustavo Garzón por Un hombre solo es demasiado para un hombre solo.

Las candidatas a drama o comedia dramática son La niña sobre un altar, Misery, La obra, Baco polaco, Las hijas y Manifestum. Por la dirección de esas producciones fueron seleccionados Oscar Barney Finn por La niña sobre un altar, Jorge Suárez por Los pilares de la sociedad, Manuel González Gil por Misery, Mariano Pensotti por La obra, Adrián Suar por Las hijas y Mauricio Kartun por Baco polaco.

La categoría de actriz protagónica en drama o comedia dramática incluye a Analía Couceyro por La niña sobre un altar, Julia Calvo por Misery, Julieta Díaz y Pilar Gamboa por Las hijas, Marilú Marini por Manifestum, y Susana Pampin y Alejandra Flechner por La obra.

Entre los actores protagónicos de drama o comedia dramática fueron nominados Paulo Brunetti por La niña sobre un altar, Juan Gil Navarro por Misery, Aníbal Gulluni por Baco polaco, Horacio Acosta y Diego Velázquez por La obra, y Carlos Portaluppi por Maldita felicidad.

En comedia competirán Sottovoce, Berlín Berlín, El estado de la unión, El chat de mamis, Tirria y Casual. Las nominadas en actuación son Lorena Vega por Sottovoce, Eleonora Wexler por El estado de la unión, Fernanda Metilli por Berlín, Berlín, Karina Hernández por El chat de mamis y Andrea Politti por Tirria.

La terna de actuación masculina en comedia reúne a Fernán Mirás por Sottovoce, Gonzalo Heredia por El estado de la unión, Pablo Rago por Berlín, Berlín, Diego Capusotto y Rafael Spregelburd por Tirria, y Diego Gentile por Casual.

Corina Fiorillo por Berlín, Berlín, Marcelo Caballero por El chat de mamis, Marcos Carnevale por Desde el jardín, Mariano Pensotti por Sottovoce, Andrea Garrote por El estado de la unión y Carlos Branca por Tirria competirán por la dirección de comedia.

En actuación de reparto en drama o comedia fueron seleccionados Mara Bestelli por Los pilares de la sociedad, Lucía Adúriz Bravo y Juan Pablo Geretto por Berlín, Berlín, Mercedes Fraile por La niña sobre un altar, Daniel Miglioranza por Desde el jardín y Maxi de la Cruz por Berlín Berlin.

Las interpretaciones en obras para un solo personaje nominadas son las de Jorgelina Aruzzi por El ser querido, Luciano Cáceres por Paraíso, Paulo Brunetti por Vanya, Leonardo Sbaraglia por Los días perfectos y Arturo Puig por Buenas palabras.

El musical, con candidaturas en interpretación, dirección y áreas técnicas

La dirección general de musical, music hall o café concert tendrá como candidatos a Fernando Dente por Company y Hairspray, Rubén Szuchmacher por Billy Elliot, Ariel Del Mastro y Marcelo Caballero por Charlie y la fábrica de chocolate, Mariano Demaría por Annie, Sebastián Irigo por El mago de Oz y Ricardo Hornos por Invasiones I.

Por dirección musical fueron nominados Gaby Goldman por Billy Elliot, Damián Mahler por Company y El mago de Oz, Javier López del Carril por Invasiones I, Néstor Tedesco por Anastasia y Humberto Ridolfi por Ellas son tango.

La terna de actuación femenina en musical está integrada por Alejandra Radano por Company y Hairspray, Alejandra Perlusky por Billy Elliot, Elena Roger por Invasiones I, Vanesa Butera por Company, Julieta Nair Calvo por Annie y Melania Lenoir por Casi normales inmersivo.

En actuación masculina en musical competirán Fernando Dente por Company, Agustín “Rada” Aristarán por Charlie y la fábrica de chocolate, Campi por Papá por siempre, Sacha Bercovich por Billy Elliot, Roberto Peloni por Casi normales inmersivo, Carlos Casella por Boîte y Francisco Pesqueira por Juan, estoy en la puerta, bajá.

Las producciones de music hall o café concert nominadas son Astor, Piazzolla eterno, Ellas son tango, Juan, estoy en la puerta, bajá!, The Opera Locos y Boîte. En espectáculo de humor, las candidaturas corresponden a Llegamos tarde, de Ariel Tarico y David Rotemberg; Salud Moldavsky y amor; y Experiencia Dalia Gutman (No me calmo nada).

La categoría de revelación reúne a Damián Betular y Belén Bilbao por Hairspray, Minerva Casero por Anastasia, Joaquín Mondino Formichelli, Mateo Tognolotti y Fran Molozag por Billy Elliot, y Valentín Born Pinto por El alma de la noche.

Teatro alternativo, propuestas infantiles y rubros de producción

Las obras nominadas en teatro alternativo son Como bestias, Nido de lagarto, Bernarda, la de la casa, Las adoro, La muerte de un viajante y Hotel Monday. Por dirección competirán Marcelo Moncarz por Como bestias, Franco Verdoia por Nido de lagarto, Daniel Marcove por La muerte de un viajante, Oscar Barney Finn por Vanya, Eleonora Valdez por Bernarda, la de la casa y Florent Bergal por Hotel Monday.

Las candidatas por actuación femenina en el circuito alternativo son Ingrid Pelicori por La muerte de un viajante, Silvina Sabater por Nido de lagarto, Yamila Ulanovsky por Como bestias, Lucía Adúriz Bravo por Las adoro, Ana María Bovo por Ruth, Noemí Frenkel por Matria y Julia Muzio por Bernarda, la de la casa.

Gustavo Garzón por Un hombre solo es demasiado para un hombre solo, Horacio Acosta por Nido de lagarto, Mariano Saborido por Las adoro, Diego Velázquez por Una sombra voraz y Alejandro Awada por La muerte de un viajante integran la terna de actuación masculina en teatro alternativo.

En espectáculos infantiles fueron nominados El mago de Oz, La flauta mágica, El superamigo imaginario, Ojo de pez, El salpicón, Migue y Lucy, una historia de rock y Remigio Verdiales, un capincho.

La música original tendrá como candidatos a Shino Ohnaga por La niña sobre un altar, Martín Bianchedi por Misery, Diego Vainer por La obra y Damián Kompel por Desde el jardín.

Por escenografía competirán José Ponce Aragón por Charlie y la fábrica de chocolate, Gonzalo Córdoba Estévez por Invasiones I, Company y Berlín Berlín, Cecilia Zuvialde por Nido de lagarto y Mariana Tirantte por La obra.

La terna de iluminación incluye a Matías Sendón por Invasiones I y Misery, Anteo Del Mastro y Sebastián Viola por Charlie y la fábrica de chocolate, Gonzalo Córdova por Billy Elliot, David Seldes por Company, y Mariano Demaría y Santiago Cámara por Astor, Piazzolla eterno.

En vestuario fueron seleccionados Stella Maris Müller por Anastasia, Gustavo Alderete por Hairspray, Graciela Galán por Invasiones I, Romina Lanzillotta y Catalina Rodríguez Loredo por Charlie y la fábrica de chocolate, y Sofía Di Nunzio por Billy Elliot y El mago de Oz.

Las nominaciones por coreografía corresponden a Vanesa García Millán por Company y Hairspray, Analía González por Charly y la fábrica de chocolate y Annie, Alejandro Ibarra por Anastasia y Leandro Gómez por Ellas son tango.

En sonido competirán Gastón Brisky por Hairspray, Company y Billy Elliot, Eugenio Mellano Lanfranco por Annie, Emilio Nicoli por Ellas son tango, y Gastón Briski junto con Alejandro Zambrano por Anastasia.

La categoría de producción reconoce a Diego Romay y Omar Romay por Billy Elliot; Ozono Producciones, MP Producciones y Los Rottemberg por Charly y la fábrica de chocolate; Club Media y Olga por Hairspray; CTBA, Club Media, Carlos Mentasti y Alephmedia por Invasiones I; The Stage Company por El curioso incidente del perro a medianoche; y Club Media por Company.

La 35ª ceremonia también incluirá reconocimientos para SAGAI y para Marisé Monteiro y Nacho Medina.

En 1977, la pequeña huérfana Annie, la valiente pelirroja popularizada por una tira cómica de larga duración, llegó por primera vez a Broadway con un espectáculo, Annie, que ganó siete premios Tony, incluyendo los de mejor musical, mejor banda sonora y mejor libreto.

El martes, un equipo de productores anunció que el próximo año, para celebrar el 50 aniversario de este musical ya omnipresente, repondrán el espectáculo en Broadway. Esto es lo que sabemos y lo que no sabemos sobre la producción:

¿Cuándo llegará el renacimiento?

En otoño de 2027. Aún no se han anunciado las fechas exactas.

Esta será la tercera reposición en Broadway; anteriormente se reestrenó en 1997 y en 2012.

¿Quiénes están involucrados?

Sam Pinkleton será el director. Ganó un premio Tony en 2025 por dirigir “Oh, Mary!”, y este año dirigió una reposición de “The Rocky Horror Show” que fue nominada al Tony. (Ambas producciones siguen en cartelera en Broadway).

El reparto aún no se ha anunciado. Se espera que un actor novel interprete al personaje principal, y que una actriz más conocida dé vida a la señorita Hannigan, la amargada administradora del orfanato.

El equipo de producción está formado por Michael Alden, que debuta como productor principal, y Halcyon Theatricals, una nueva compañía productora liderada por Hal Luftig, Cathy Dantchik y Kevin Connor.

¿Hay otros planes para el aniversario?

Sí. Goodspeed Musicals en Connecticut, la organización sin fines de lucro donde se presentó “Annie” antes de su estreno en Broadway en 1976, está planeando su propia producción para celebrar su 50 aniversario a partir del próximo mes, del 30 de octubre al 27 de diciembre. Dicha producción, en East Haddam, Connecticut, contará con la veterana de Broadway Emily Skinner como la señorita Hannigan junto a Laiken Jules, una joven tiktoker, como Annie.

La reposición de Goodspeed está dirigida por Jenn Thompson, quien fue una de las huérfanas que reemplazó a otra actriz en la producción original de Broadway y que dirigió una gira nacional que, a finales de 2024, hizo escala en el Madison Square Garden (donde Whoopi Goldberg interpretó a la señorita Hannigan).

Como siempre, también hay varias producciones locales en todo Estados Unidos, y una producción que acaba de comenzar su gira por Gran Bretaña e Irlanda.

Fuente: The New York Times

La pieza retrata, con humor, el tránsito del mundo rural al urbano en Colombia a través de personajes populares que reflejan las contradicciones de un pueblo que se observa a sí mismo. El montaje se ha consolidado como un mapa de identidad regional que trasciende la referencia estrictamente antioqueña para conectar con una experiencia latinoamericana más amplia.

Brujas, arrieros y culebreros regresan al escenario

La versión conmemorativa recupera a los personajes que consolidaron a la obra como referente de la tradición oral antioqueña: brujas, espantos, fonderas, tenderos, culebreros y bravucones de cantina conviven en escena junto a figuras como Cosiaca, el tío Tigre y el tío Conejo. También reaparece don Emel Rodríguez, vendedor de pandequesos convertido en personaje icónico de las tablas, y doña Jesusita Restrepo, quizás el más recordado de todo el repertorio.

El texto original se nutre de fuentes literarias y de tradición oral. Entre los referentes que El Águila Descalza reconoce como base de la dramaturgia figuran Tomás Carrasquilla, Agustín Jaramillo Londoño, Benigno A. Gutiérrez, Guillermo Zuluaga, conocido como “Montecristo”, y Ricardo Aricapa, además de chistes, consejas y relatos populares recopilados durante años de investigación de campo.

Un homenaje a la madre de uno de sus creadores

Carlos Mario Aguirre y Cristina Toro, la pareja artística detrás de la compañía, definieron esta versión conmemorativa como un homenaje a Lucía Velásquez de Aguirre, madre de Carlos Mario y fuente de inspiración para doña Jesusita Restrepo. El personaje encarna el arquetipo de la madre antioqueña, con sus regaños, dichos y contradicciones, una figura que, según los propios creadores, “se parece a la mamá de todos” y habita en la memoria afectiva de varias generaciones de espectadores.

“Esto es algo que no tiene par en Colombia, nos da mucha satisfacción porque es la comprobación de que la obra todavía sigue moviendo fibras muy íntimas, divirtiendo muchísimo al público y contándonos un poco de quienes hemos sido, quiénes somos y quiénes no queremos ser”, afirmó Toro.

La celebración de los 40 años incorpora, además, cuatro canciones originales compuestas por Cristina Toro, con arreglos musicales de Juan David Osorio y dirección musical de Díver Higuita. Estas piezas refuerzan el carácter festivo del montaje sin modificar la estructura dramática que consolidó a la obra como referente del teatro colombiano.

El origen de la compañía se remonta a una sala para siete espectadores

El Águila Descalza nació de la determinación de Carlos Mario Aguirre, quien abrió su primer teatro en una habitación de su apartamento del barrio Laureles, en Medellín. La sala apenas tenía capacidad para siete personas y, según relató el actor hubo funciones en las que se presentó ante un único espectador.

Toro se integró al proyecto cuatro años después de su fundación y, de acuerdo con el testimonio de Aguirre, ese ingreso cambió el rumbo de la compañía: “Después de que empezamos, ya nunca jamás dejamos de tener público”, afirmó el actor. Ambos artistas, que a lo largo de su vida han sido pareja en distintas etapas, mantuvieron siempre una continuidad profesional que derivó en la creación conjunta de varios montajes antes de llegar a País paisa.

La gira continuará hacia Medellín y Estados Unidos

Tras el cierre de la temporada bogotana, la gira conmemorativa de los 40 años de País paisa continuará en octubre y noviembre en Medellín, ciudad de origen de la compañía, antes de cruzar hacia Estados Unidos para funciones que se anunciarán próximamente. La gira nacional e internacional también contempla presentaciones en otras ciudades colombianas que aún no fueron confirmadas.

Las boletas para las funciones en el Teatro Astor Plaza de Bogotá están disponibles a través de la plataforma Boletaenmano.

La suya no fue la típica historia de la chica pobre que logra salvarse gracias a su talento artístico. Más bien se puede decir que China Zorrilla estuvo dispuesta a sacrificarse por cumplir su vocación. Y que, aunque rompió todos los esquemas de lo esperable para las mujeres de su época, aquel 17 de septiembre de 2014, cuando murió, partió de este mundo segura de haber vivido tal y como ella quería.

No: no había nacido en el seno de un hogar humilde. Llegó al mundo con el nombre de Concepción Matilde Zorrilla de San Martín Muñoz, el 14 de marzo de 1922, en Montevideo, Uruguay. Y su familia era muy reconocida, no tanto por su dinero sino más bien por su prestigio. Su abuelo era el célebre escritor Juan Zorrilla de San Martín, su padre el escultor José Luis Zorrilla de San Martín, quien fuera ministro plenipotenciario de su país en la corte del rey español Alfonso XIII, y su madre, la argentina Guma Muñoz del Campo, era pariente del prócer oriental José Gervasio Artigas y del poeta Estanislao del Campo. Gente de bien.

Tampoco tuvo conflictos con sus progenitores como para poder armar con esto un culebrón digno de una serie. Siempre dijo que había tenido una infancia muy feliz y que sus padres le habían enseñado mucho. Pero su vida sí tuvo muchos condimentos como para hacer con ella una biopic más que atractiva. Siendo muy pequeña, dejó la tierra del candombe para instalarse con los suyos en París, donde su padre había sido convocado luego de ganar un concurso de esculturas para el Monumento al Gaucho. Y allí aprendió a hablar francés, su segundo idioma.

Fue por entonces que adquirió el apodo de China. ¿De dónde había surgido ese pseudónimo? “De Cochon, a mí me decían así cuando era chica. Vivíamos en París y el significado era ‘cerda’. Se reían de mí los chicos en el jardín de infantes y yo me agarraba grandes rabietas. Me preguntaba por qué me habían puesto un sobrenombre tan ridículo. Dije: ‘Preferiría que me llamaran Cochina’. Así que empezaron a llamarme Cochina y, de ahí, quedó China”, relató la actriz en una oportunidad.

La actriz era la segunda de cinco hermanas. Tras pasar su primera infancia del otro lado del Atlántico, regresó a su país natal a los 4 años, donde cursó sus estudios en el colegio Sagrado Corazón de la capital uruguaya. Sin embargo, el arte le corría por las venas. Y ella no tardó en decidirse a comenzar su carrera como actriz, algo que su familia apoyó a pesar de no estar muy bien visto para la época. Como en esos años estaba prohibido que los críticos utilizaran pseudónimos en sus devoluciones, aunque figurara como “China” en las carteleras teatrales, en las notas periodísticas se referían a ella como “Concepción”. Algo que le parecía, simplemente, un disparate.

El paso que siguió fue Londres, adonde se dirigió en 1946 con una beca para estudiar en la Royal Academy of Dramatic Art. Porque hay que decirlo: pocas actrices han sido tan viajadas como China. Y, aunque en plena posguerra nadie quería pisar Europa, ella se anotó en un concurso diciendo que sabía hablar inglés, aunque su conocimiento del idioma era muy escaso y tuvo que aprenderlo a la fuerza. Hasta entonces, se desempeñaba como traductora en la Embajada de Francia y hacía teatro “como podía”. Pero quería ser actriz. Así que se subió a un barco y fue a probar suerte a Inglaterra. En el peor invierno, con prohibición para vender leña para calefaccionar los hogares y durmiendo con un traje de esquí que le habían regalado sus amigas para poder resistir el frío. De todas formas, también fue feliz en esa tierra.

De regreso a Uruguay, en 1948, comenzó a trabajar con la Comedia Nacional con la que protagonizó más de ochenta obras de teatro. Y, en 1961, fue una de las fundadoras del Teatro de la Ciudad de Montevideo. Desde entonces, comenzó a viajar por distintas ciudades, en especial, Madrid, París y Buenos Aires, de la que se enamoró. Aunque también visitó lugares recónditos. Y se hizo amiga de personajes como el escritor Martin Amis, Dustin Hoffman, Greta Garbo y Gary Cooper, entre tantas otras personalidades que con el tiempo formaron parte de su anecdotario.

Fue periodista, traductora de obras de teatro y musicales, locutora de radio y maestra. En 1965, durante una estadía en Nueva York, trabajó como secretaria en una agencia teatral y como profesora de francés. Y, junto a su amigo Carlos Perciavalle, se animó a hacer una comedia musical para niños, con textos de María Elena Walsh. Hasta ese momento, no tenía muy en claro cuál era su lugar en el mundo. Pero llegó a la Argentina, con casi 50 años, para rodar su primera película: Un guapo del 900. Y entonces supo que esta patria, a la que había llegado “solo con una valija en la mano”, según sus propias palabras, era también de ella. El resto es historia conocida.

“Yo creo que podría vivir en cualquier lugar del mundo. Porque tengo recuerdos tan felices de mi primera salida en Londres. Es difícil decir eso en este país, pero yo he quebrado una lanza por un pueblo del cual aprendí muchas cosas. Yo soy viva, creo. Soy bastante viva. Pero odio la viveza criolla. Y la odio desde cuando me fui a vivir a Londres después de la guerra y vi a un pueblo entero poniéndole el hombro a la patria. Sin alaracas ni discursos heroicos. Simplemente, con su libreta de racionamiento, con lo cual te daban de comer muy poquito, sabiendo que la única cosa que tenían que hacer para que te dieran dos era decir: ‘Perdí mi libreta’. Y nadie tenía dos libretas”, relató.

Y continuó: “También fui muy feliz en París. ¿Quién no podría serlo? Salís a caminar por las calles y si no sos feliz tenés que ir a ver a un psiquiatra porque algo está fallando. Es tal la belleza, cuando tomás un café con una medialunita en un boulevard y ves pasar a la gente... Esa ciudad que es como un amante que te arropa. También pasé fugazmente por Italia y recuerdo a Florencia como una cosa divina. Y viví felizmente en Nueva York, aunque es una ciudad difícil y a veces te da pánico Estados Unidos. Así que pienso que podría vivir en cualquier lugar del mundo porque, a esta altura, la felicidad la tengo adentro y se acomoda adonde yo esté. Sin embargo, pudiendo elegir, no me iría del Río de la Plata”.

Definitivamente, la historia de China no ha sido para nada corriente. Ella era una mujer atípica, una mujer culta y de mundo, que había elegido su carrera siguiendo los latidos de su corazón. Y que terminó dejando una huella imborrable en todos los que tuvieron la suerte de trabajar con ella. Quizá no hizo nada de lo que se esperaba en una mujer. O quizá el amor y la maternidad no eran para ella. Pero se dio el gusto de ser auténtica. De dilapidar hasta el último centavo que entró en sus arcas. De ser generosa, tanto en lo espiritual como en lo material. Y de dejar un recuerdo inolvidable entre sus amigos, sus colegas y el público que la acompañó a lo largo de los años.

Durante la entrevista, Aldao fue consultado sobre las características de Christopher y sobre las asociaciones que algunos espectadores establecen con el síndrome de Asperger. “Creo que si viene un profesional o alguien y puede decir: ‘Mirá, toma las características que ven en Christopher y pueden asociarlo con un cierto diagnóstico’”, comenzó.

Aldao remarcó que en ningún momento se diagnostica a Christopher ni se explica de manera concreta qué tiene o qué no tiene. “No se diagnostica a Christopher. Nunca se dice qué es lo que puede tener o no”, sostuvo. Luego agregó: “Es verdad, creo que todos podemos darnos cuenta de que tiene una forma distinta a la mayoría de las personas de observar o algún tipo de neurodivergencia”. A partir de esa decisión del autor, el actor contó que junto con Calabrese eligieron no buscar una referencia externa que pudiera encasillar al personaje.

La determinación estuvo relacionada con el riesgo de reducir a Christopher a una representación única. “Sentíamos que corríamos el riesgo de etiquetarlo, de encasillarlo, de hacer una caricatura”, afirmó Aldao. Para el actor, el texto ofrecía una base suficientemente sólida para iniciar el trabajo sin necesidad de convertir al protagonista en una explicación de una condición determinada. “Todo esto también gracias a lo impecable que es el texto, porque es una maravilla”, destacó. Y sumó: “Vos me das ese guion y ya hay un trabajo muy importante que podés empezar a hacer”.

En otro tramo, la charla pasó a la vigencia de la obra y que el guion no parecía haber envejecido desde su estreno anterior, en 2019. Aldao coincidió con esa mirada y habló sobre el alcance que podía tener la historia en quienes se sentaban en la platea. “Para mí es una obra que puede sensibilizar a muchas personas”, expresó. Luego se refirió a la representación de una temática que, según sostuvo, no siempre aparece en los escenarios: “Creo que es una temática que no siempre se ve representada en teatro, entonces hay mucha gente que tal vez no se ve nunca reflejada arriba del escenario”.

“Hay familiares de gente que se pueda parecer a Christopher, que tengan la posibilidad de verlos ahí arriba”, planteó. Sin embargo, enseguida amplió la mirada y explicó que la obra no quedaba limitada a eso. “Más allá de esa empatía que le puede generar a la gente, queremos se vean por parecerse a Christopher, creo que también dispara la pregunta: ‘¿dónde está Christopher?’ Adentro de todos nosotros”, afirmó.

“Todos tenemos una forma muy personal y distinta de ver el mundo. Y en qué lugares a veces nos sentimos solos o nos sentimos incomprendidos”, dijo. “En un momento en el que todos tenemos opiniones tan distintas y todos nos podemos llegar a sentir solos, más allá de la política, también creo que tiene que ver con la tecnología”, señaló. Y concluyó: “Hay tanto aislamiento que ese es uno de los puntos fuertes de la obra”.

La conversación también abordó la manera en que la puesta presentaba a los personajes que rodeaban a Christopher. Frente a la observación de que la obra no convertía en estereotipos ni al protagonista ni a sus padres, Aldao resumió el alcance del conflicto: “Es sobre los vínculos, es sobre la familia. Lo bueno es que no es una obra que te hace una bajada de línea”, aseveró.

Según Aldao, la función continuaba después de que se encendían las luces de la sala. “Lo que te regala es un debate. Un debate interno, primero y principal, porque creo que uno se va dialogando con uno mismo y te podés ir preguntando muchas cosas”, explicó. También describió las conversaciones que podían surgir después de la obra, cuando los espectadores intentaban compartir sus impresiones: “Después te sentás a comer después del teatro y: ‘Che, ¿qué onda?’. Empezás a hablar. ¿Qué sentiste de la madre, del padre? ¿Qué sentiste de Christopher?”. Para el actor, el valor estaba justamente en que el teatro abriera preguntas.

“Noto que a la gente le gusta mucho el segundo acto, porque el primero es más introductorio”, contó. Aldao definió la obra como una experiencia inmersiva y la comparó con una montaña rusa por la variedad de emociones que atravesaba el público. “Te reís, llorás, te emocionás”, expresó. Luego explicó por qué consideraba que la segunda parte resultaba determinante: “El segundo acto no para. Porque avanza, porque es muy necesario. Tiene que resolver y ahí se juega el personaje, se juega todo el destino”.

“Es la transformación”, comentó el actor al hacer alusión al crecimiento emocional que atraviesa su personaje en la historia. Después destacó: “Ahí es donde me parece que adquiere la potencia total”. Para el actor, el relato podía haber quedado reducido a una explicación si el texto no hubiera desarrollado el camino interno del personaje. “Un mal libro corre el riesgo de quedarse en ser muy explicativo sin contar qué pasó?”, planteó.

En el tramo final de la conversación, Aldao destacó el gran despliegue de esta nueva versión de la obra. “Tiene un nivel técnico de primer nivel”, sostuvo. Después definió la puesta como “una producción inmersiva, mas no participativa”. De ese modo, explicó que la propuesta buscaba introducir a los espectadores en el universo de Christopher sin convertirlos directamente en parte de la acción.

A través de su testimonio, Iñaki Aldao repasó la manera en que se acercó a Christopher y el criterio con el que eligió construirlo junto a Carla Calabrese. También habló sobre una obra que, según describió, podía ser leída desde la neurodivergencia, los vínculos familiares, la soledad y las formas personales de mirar el mundo. El curioso incidente del perro a medianoche continuó así su recorrido en la cartelera porteña con una puesta que, en palabras del actor, no buscaba cerrar el debate, sino dejar abiertas las preguntas después de que terminara la función.

-

Infobae te acompaña cada día en YouTube con entrevistas, análisis y la información más destacada, en un formato cercano y dinámico.

* De 7 a 9: Infobae al Amanecer: Nacho Giron, Luciana Rubinska y Belén Escobar.

* De 9 a 12: Infobae a las Nueve: Gonzalo Sánchez, Tatiana Schapiro, Ramón Indart y Cecilia Boufflet.

* De 12 a 15: Infobae al Mediodia: Maru Duffard, Andrei Serbin Pont, Fede Mayol y Facundo Kablan.

* De 15 a 18: Infobae a la Tarde: Manu Jove, Maia Jastreblansky y Paula Guardia Bourdin; rotan en la semana Marcos Shaw, Lara López Calvo y Tomás Trapé.

* De 18 a 21: Infobae al Regreso: Gonzalo Aziz, Diego Iglesias, Malena de los Ríos y Matías Barbería; rotan en la semana Gustavo Lazzari, Martín Tetaz y Mica Mendelevich.

Seguinos en nuestro canal de YouTube @infobae.

Juan Carlos Distéfano murió de noche, mientras dormía —fue hace menos de dos meses, tenía 92 años— acompañado por Griselda Gambaro, su esposa y compañera desde que se casaron hace mucho, mucho tiempo: 1955. Ella falleció ayer. Las muertes de los dos artistas —él escultor, ella escritora y dramaturga—, separadas por menos de dos meses, cerraron una vida compartida entre la creación, el exilio, la familia y una misma forma de mirar el mundo. Una verdadera historia de amor.

Se conocieron en la década del cincuenta. Ella había empezado a escribir relatos; él se abría paso en las artes visuales. Se casaron en 1955 y, años después, construyeron una casa modesta en Don Bosco, en el sur del conurbano bonaerense. La indemnización que Gambaro recibió tras dejar su empleo en el Club Independiente y el dinero de sus primeros premios literarios ayudaron a acelerar esa obra. Ahí criaron a sus hijos, Andrea y Lucas, mientras cada uno encontraba su propio lenguaje artístico.

En aquellos años reunieron ahorros para viajar a Italia, un destino que Distéfano quería conocer por sus museos. Partieron con la intención de instalarse allí, pero regresaron a los cinco meses. La nostalgia por la Argentina modificó el plan.

La relación incluyó una conversación artística constante, aunque no siempre explícita. Distéfano leía los textos de Gambaro antes de que circularan. En una entrevista de 2015 con La Nación, la dramaturga lo incluyó entre sus primeros lectores, junto con una amiga y uno de sus hijos. También evocó con humor una pieza temprana sobre Vincent van Gogh que les había leído a amigos y que su marido todavía recordaba para burlarse de algunas escenas. Después de esa experiencia, Gambaro dejó de intentar escribir teatro durante un tiempo. Su regreso llegó con Las paredes, en 1963, una obra que todavía se representa.

La intervención de Distéfano fue más allá de la intimidad de la lectura. El escultor hizo llegar a Roberto Villanueva el libreto y la versión teatral de El desatino. Ese gesto ayudó a que el texto se encaminara hacia una puesta en el Instituto Di Tella.

Cuando le preguntaron qué los unía después de casi seis décadas de matrimonio, Gambaro respondió: “No es que hablemos mucho de arte, es la manera de ver las cosas lo que importa”. También recordó la disciplina de la juventud: ambos tenían trabajos para sostenerse y dedicaban el tiempo libre a sus obras.

Volvamos atrás. En abril de 1977, la dictadura prohibió Ganarse la muerte, la novela que Gambaro había publicado el año anterior. El decreto presidencial calificó el libro como contrario a la familia, la moral, el ser humano y la sociedad. La medida incluyó la clausura por 30 días del sello que la publicó: Ediciones de la Flor. Ese mismo año, la familia se exilió en Barcelona.

Distéfano recordó después que la acusación de atacar a la familia les resultaba irónica, porque la suya era “absolutamente tradicional”. Pero el contexto que rodeó la partida estaba marcado por el temor: amigos secuestrados, cuerpos hallados en la zona donde vivían y tiroteos nocturnos en Don Bosco. Volvieron a la Argentina en 1980.

“Desenterramos los libros que habíamos escondido y tratamos de comenzar de nuevo”, contó ella. El regreso ocurrió todavía bajo la dictadura, en una vida cotidiana que el escultor describió como una normalidad atravesada por el autoritarismo.

En los recuerdos de Mercedes Pérez Bergliaffa, publicados tras la muerte de Distéfano, la pareja aparece lejos de las ceremonias institucionales. Llegaban a la casa de Lucas, su hijo, con fuentes de comida, panes y libros. Gambaro reía y, según la autora, los ojos de Distéfano se iluminaban.

La misma crónica registra a Gambaro haciendo bromas en una cocina sin muebles y a Distéfano atento a la ubicación de un reloj para que pudiera verse desde todos los ambientes. Son escenas domésticas de una pareja que compartió la crianza, amistades, casas en construcción y el trabajo de cada día.

El 24 de julio de este año, Gambaro cumplió 98 años. Al día siguiente, Distéfano murió mientras dormía, con ella a su lado y con sus hijos cerca. Como si hubiera estado esperando aquel festejo, para no arruinarlo con una tristeza. Ella falleció 52 días después. Ambas vitalidades estaban encadenadas. Juntos construyeron una obra decisiva para la cultura argentina, pero sobre todo protagonizaron una historia de amor que atravesó más de 70 años.

La actriz argentina Bárbara Torres, recordada por su papel de “Excelsa” en la serie mexicana “La Familia P. Luche”, regresa a los escenarios peruanos con una comedia teatral sobre las contradicciones del amor y la atracción romántica. La producción, titulada “¿Por qué las mujeres aman a los …….??”, llega acompañada del actor mexicano Óscar Rubí, quien además dirige la puesta en escena.

La función está programada para el sábado 7 de noviembre en el Auditorio del Colegio Alfonso Ugarte, en el distrito de San Isidro. Las entradas ya están disponibles a través de la plataforma Axessperu.

Una comedia que explora los estereotipos detrás de la atracción romántica

“¿Por qué las mujeres aman a los …….??”, escrita por Antonio Garci y dirigida por Óscar Rubí, explora el enigma detrás de la atracción que algunas mujeres sienten hacia hombres con actitudes cuestionables. A través de diálogos ingeniosos, enredos y un tono irreverente, la puesta en escena aborda los estereotipos y expectativas presentes en las relaciones románticas contemporáneas.

Con 90 minutos de duración, la obra propone una combinación de actuaciones que buscan conectar con la audiencia a partir del humor, sin dejar de lado la reflexión sobre el amor y las relaciones sentimentales. La trama expone además las contradicciones de los roles de género en la actualidad, un eje que atraviesa buena parte del desarrollo de la historia.

El montaje se sostiene en la dupla actoral entre Bárbara Torres y Óscar Rubí, quienes comparten escenario en una comedia que combina situaciones cargadas de humor con momentos de mayor carga dramática, en un formato que ya ha circulado por otros países de la región antes de su llegada a Lima.

De “Excelsa” a las telenovelas, la trayectoria de Bárbara Torres

Bárbara Torres inició su carrera en México con el personaje de Excelsa en “La Familia P. Luche” en 2002, un papel que la consolidó como una de las figuras cómicas más reconocidas de la televisión mexicana. Desde entonces, la actriz ha participado en programas como “Sabadazo”, “Estrella2”, “Desmadruga2” y “Humor a Quién Humor Merece”.

Su trayectoria también incluye trabajos en telenovelas como “Esperanza del Corazón”, “Niña de mi Corazón” y “Junta de Vecinos”, producciones que ampliaron su presencia en la televisión mexicana más allá del formato de comedia con el que se dio a conocer.

Óscar Rubí, un director con más de 30 obras en su trayectoria

Óscar Rubí, por su parte, inició sus estudios artísticos en 1995 y desde 1998 ha producido más de 30 obras de teatro, la mayoría de las cuales también dirigió. Entre sus trabajos previos se encuentran los montajes “Cenicienta el Musical” y “Blancanieves el Musical”, además de las comedias “Tus Ex y mis Ex contra nosotros” y “Maduras, Solteras y Desesperadas”.

Rubí también ha trabajado en producciones junto a figuras como Sylvia Pasquel y Daniela Luján, lo que consolidó su trayectoria como director y productor dentro del circuito teatral mexicano antes de asumir la dirección de “¿Por qué las mujeres aman a los …….??”.

La presentación en Lima marca el regreso de Bárbara Torres a los escenarios peruanos, esta vez junto a una producción que combina la experiencia cómica de la actriz con la trayectoria de Rubí como director de comedias en México, en una función única programada para el 7 de noviembre en San Isidro.

“Viva el Perú y sereno”, “Indio”, “Negra quiero ser” y “La apañadora” forman parte de una obra que recorrió marineras, valses, huaynos, tonderos, yaravíes y tunantadas y que, décadas después de haber sido creada, continúa pasando de una generación de intérpretes a otra.

Ese legado de Alicia Maguiña volverá a escucharse el próximo domingo 20 de septiembre en el Teatro Principal Manuel A. Segura, donde un grupo de artistas nacionales participará en “Alicia, siempre Alicia – Edición 2026”, un espectáculo dedicado a recorrer distintas etapas de su producción musical.

El concierto llega, además, pocos meses después de que el Ministerio de Cultura declarara Patrimonio Cultural de la Nación un repertorio de 52 composiciones de Maguiña, en reconocimiento a su aporte a la preservación, difusión y revaloración de distintas expresiones de la música tradicional peruana.

¿Quién fue Alicia Maguiña?

Alicia Rosa Catalina Maguiña Málaga nació en Lima el 28 de noviembre de 1938 y falleció el 14 de septiembre de 2020, a los 81 años. Fue compositora, cantante e investigadora de la música peruana y desarrolló una trayectoria marcada por su interés en conocer de cerca las diferentes tradiciones musicales del país.

Aunque nació en la capital, pasó parte de su infancia en Ica y mantuvo también una fuerte conexión familiar con los Andes. Su padre era natural de Huaraz (Áncash) y su madre de Arequipa, influencias que terminaron dialogando con una obra que evitó quedar encerrada en una sola tradición regional.

Maguiña investigó expresiones musicales de distintas zonas del Perú y construyó un repertorio que abarcó vals, marinera, tondero, huayno, yaraví, muliza y tunantada, entre otros géneros. Uno de los rasgos que terminaron distinguiendo su producción fue precisamente su capacidad para acercar las tradiciones de la costa y la sierra.

Entre sus composiciones más conocidas figuran “Viva el Perú y sereno”, “Negra quiero ser”, “La apañadora”, “Indio”, “Todo me habla de ti” y “Wiñaytam kausanki José María”, esta última dedicada al escritor y antropólogo José María Arguedas.

52 composiciones reconocidas como Patrimonio Cultural de la Nación

En julio de 2026, el Ministerio de Cultura declaró Patrimonio Cultural de la Nación a 52 obras musicales de Alicia Maguiña, destacando su contribución al rescate, estudio y difusión de prácticas musicales tradicionales.

El reconocimiento no comprende únicamente la trayectoria de la artista, sino un conjunto específico de composiciones consideradas representativas de su trabajo de investigación y creación.

La obra de Maguiña estuvo estrechamente vinculada con la observación y conocimiento de las tradiciones que luego llevaba a sus propias composiciones. Su producción permite recorrer diferentes paisajes culturales del país y constituye también un registro de ritmos, costumbres e identidades que forman parte de la memoria musical peruana.

Varias voces interpretarán el repertorio de Alicia Maguiña

“Alicia, siempre Alicia – Edición 2026” estará bajo la dirección y producción del maestro Santiago “Coco” Linares y reunirá a Julie Freundt, Nancy Manchego, Julio Humala, Lalo Arroyo, Blanca Galdós y Françoise Rodríguez.

Cada intérprete abordará diferentes piezas del repertorio desde su propio registro, en una propuesta que busca recorrer los distintos géneros que formaron parte de la producción artística de Maguiña.

El espectáculo permitirá así volver sobre canciones que forman parte del cancionero peruano y que han sido interpretadas durante décadas por distintas voces de la música nacional.

¿Cuándo y dónde será “Alicia, siempre Alicia”?

El homenaje se realizará el domingo 20 de septiembre, a las 6:00 p. m., en el Teatro Principal Manuel A. Segura, ubicado en el jirón Huancavelica 265, en el Cercado de Lima.

Las entradas se encuentran disponibles a través de Teleticket.

A seis años de su fallecimiento, el espectáculo encuentra a Alicia Maguiña en un momento especial de reconocimiento: parte de su repertorio cuenta ahora con la condición de Patrimonio Cultural de la Nación, mientras sus composiciones continúan siendo reinterpretadas por nuevas generaciones de artistas peruanos.

Tom Felton lleva diez meses interpretando el papel de Draco Malfoy en la obra de teatro de ‘Harry Potter y el legado maldito’ de Broadway. Aunque el actor de 38 años pensaba que su vuelta al personaje que lo lanzó a la fama pasaría desapercibido en pocos días, lo cierto es que “no ha sido así”, ha expresado para el cultural de la BBC, Yasmin Rufo. “Es muy gratificante y conmovedor saber lo mucho que estos personajes siguen significando para la gente hoy en día, y si eso los lleva al teatro, ¡eso es lo mejor!”, ha afirmado el británico. Incluso, lo más curioso es que el fenómeno de Harry Potter ha llegado hasta niños y adolescentes que “ni siquiera habían nacido cuando yo participé en la primera película”.

Aunque su contrato en Broadway acaba el próximo 3 de enero de 2027, Felton ha sido el actor de la saga que ha abierto la veda para que otros decidieran volver. Recordemos que el coprotagonista Rupert Grint, que interpretaba a Ron Weasley, anunció el pasado 26 de agosto su participación en la misma obra. Ese mismo día, al enterarse de la noticia, Felton no lo dudó y se puso en contacto con él: “Normalmente, y él estará de acuerdo conmigo, somos bastante malos hablando por teléfono, pero cuando me enteré de la noticia lo llamé inmediatamente y estoy muy contento”, ha declarado para Rufo. Al final, “¿quién no quiere ver a Rupert Grint interpretando a Ron Weasley otra vez?“.

“No creo que necesite ningún consejo mío”

El actor que dio vida a Draco Malfoy durante más de una década ha asegurado que “no creo que necesite ningún consejo mío. De hecho, sería yo quien se lo pediría a él”, responde. Estas palabras no solo indican la admiración que se tienen entre el elenco de la saga de películas, pues Grint ya había pisado Broadway en 2014 y 2015 en la comedia ‘It’s Only a Play’.

Asimismo, a pesar de que el contacto que mantienen entre ellos no se asemeja al que tenían durante los rodajes, ha afirmado que su amistad ha perdurado en el tiempo. De hecho, ha precisado que, además de Grint, Daniel Radcliffe y Emma Watson son como su familia y sus mejores amigos. “Normalmente estamos en cuatro rincones distintos del planeta, así que es difícil reunirnos”, añade.

“Ron Weasley ha formado parte de mí desde que tenía 11 años”

Nadie podía imaginarse que el regreso de Rupert Grint a los escenarios de Broadway sería para interpretar el mismo papel que le dio su vocación como actor. No obstante, en esta ocasión tendrá un papel más maduro, ya que tendrá que encarnar a un Ron Weasley adulto. Recordemos que ‘Harry Potter y el legado maldito’ es una obra de teatro que transcurre 19 años después de la guerra de Hogwarts.

Aunque la trama no fue escrita originalmente por J.K. Rowling, la escritora colaboró junto a su creador Jack Thorne para que la historia llegara a los escenarios de Nueva York. Grint, como anunció el pasado mes de agosto, empezará su nueva etapa el 2 de febrero y se extenderá hasta el 30 de marzo. Por lo que no coincidirá en el escenario con Tom Felton.

Aun así, el actor está entusiasmado por su reincorporación al mundo mágico: “Ron Weasley ha formado parte de mí desde que tenía 11 años y estoy deseando volver a encontrarme con él en esta etapa de mi vida”. Al final, como apuntaba, “hay algo tan cíclico y tan especial en volver a ponerme en el lugar de Ron ahora que ambos somos padres; de alguna manera es a la vez muy familiar y completamente nuevo”.

El Teatro Municipal Coliseo Podestá de La Plata recibió el reconocimiento en la categoría Instituciones de los Premios Teatro del Mundo por la actividad escénica de la temporada 2025, una distinción que llega durante sus 140 años de trayectoria ininterrumpida y premia la gestión de la sala de la capital bonaerense. Es la primera vez que el teatro obtiene este galardón.

La entrega se realizó en la Sala Batato Barea del Centro Cultural Rojas, dependiente de la Universidad de Buenos Aires. El premio es organizado desde 1998 por el Área de Historia y Teoría Teatral del Centro Cultural Rector Ricardo Rojas de la Universidad de Buenos Aires y reconoce producciones e instituciones de los distintos circuitos teatrales argentinos e internacionales.

La selección contempla 19 rubros de la actividad escénica, con Diplomas de Trabajos Destacados y un Premio Mayor por categoría. El jurado evalúa las poéticas, la innovación y la experimentación teatral, la originalidad, la creatividad, la escasa visibilidad en los medios masivos y el acompañamiento a artistas emergentes.

La edición que distinguió al Coliseo Podestá reunió a 50 investigadores y críticos de la Universidad de Buenos Aires, además de invitados especiales de la Ciudad de Buenos Aires y de otros puntos del país. La coordinación general estuvo a cargo del crítico, historiador y docente teatral Jorge Dubatti.

El director del teatro, Alejo García Pintos, recibió la distinción durante la ceremonia y vinculó el aniversario con uno de los rasgos arquitectónicos e históricos del edificio: “Hace casi tres años que me toca dirigir este hermoso teatro que cumple 140 años y que alberga debajo de su platea la última pista de circo criollo que queda en pie”.

La sala atraviesa obras de puesta en valor destinadas a mejorar sus instalaciones, incorporar un nuevo sistema de climatización y optimizar su funcionamiento general. García Pintos agradeció el respaldo del intendente de La Plata, Julio Alak: “Le agradezco al intendente de La Plata, Julio Alak, que me da todas las herramientas para ponerlo lindo y recibir a todos en las mejores condiciones y, sobre todo, para producir teatro y tener un elenco estable de 20 actores y actrices de la ciudad”.

El director subrayó que los intérpretes no contaban con continuidad laboral desde hacía “muchísimo tiempo”. La conformación de ese elenco estable se integra a una programación que convocó a públicos diversos y abarcó música, espectáculos infantiles, humor, danza y teatro independiente.

La oferta del Coliseo también incluyó Laberinto Podestá, el último aplauso, la primera producción propia de toda la historia de la institución. Las visitas guiadas y teatralizadas por el edificio completaron las actividades destinadas a acercar a los asistentes al recorrido histórico de la sala.

El teatro abrió sus puertas en 1886 bajo el nombre de Politeama Olimpo, el mismo año en que se estrenó la versión hablada de Juan Moreira. La obra, impulsada por José Juan Podestá, dio origen al teatro gauchesco y sentó las bases de una tradición escénica vinculada desde sus inicios con la familia que dio nombre al Coliseo.

La reunión también pone en primer plano un vínculo artístico de más de 25 años. Ambos construyeron una sociedad escénica que ya tuvo pasos por espectáculos como Estás que te pelas, Sputza! y Pura Sangre. En diálogo con Teleshow, Carlos Casella, actor, baiarín y cantante, repasó ese recorrido y explicar cómo esa historia compartida dialoga con el presente de Boite, que finaliza el 27 de sepiembre.

—Boite los volvió a reunir sobre el escenario y la respuesta fue inmediata. ¿Qué tiene esa dupla que conecta tan rápido con la gente?

—Creo que tiene que ver con una química muy real. Con Griselda nos conocemos hace 25 años: yo era su profesor de danza y ella era mi alumna. Tenemos un origen muy parecido y, aunque después nuestros caminos se fueron diversificando, cada tanto se vuelven a cruzar. Cuando eso pasa, es como si compartiéramos una misma raíz, pero con nueva información. Para mí eso es recontra enriquecedor.

—Cuando una dupla funciona así, suele haber algo más que talento. ¿La clave es la confianza?

—Obviamente están las dos cosas, pero la confianza es fundamental. Tenemos una pasión muy parecida, una forma de trabajar muy afín, y eso en el escenario se nota. Podemos subir sin ningún plan y en el escenario se arma el plan. Y eso es un capital enorme, porque no te pasa con mucha gente en la vida.

—Cuando hablás de Griselda aparece mucha admiración. ¿Qué te sigue sorprendiendo de ella?

—Su pasión, su entrega y lo divertido que es trabajar con ella. Me gusta íntegra, 360. Y además, en estos años desarrolló muchísimo su expertise en la comedia, el humor y el ritmo escénico. Eso lo maneja como nadie. Para este show la escuché muchísimo en cada palabra que queríamos decir entre tema y tema. Su mirada sobre los silencios, el ritmo y el humor es enorme.

—¿Y qué sentís que aportás vos a esa sociedad?

—En estos años crecí mucho con la música. Estoy muy dedicado a cantar, a armar repertorios sorpresivos, lúdicos, divertidos. Entonces mi aporte tiene mucho que ver con la selección de las canciones, con cómo hacerlas, hacia dónde llevarlas. Y también con mi faceta como cantante.

—Viéndolos, parece que todo fluye con libertad, pero también hay mucho trabajo detrás. ¿Cómo construyen ese equilibrio?

—Hay libertad, sí, pero también una estructura. Trabajamos mucho sobre el deseo y no desde una lógica tan lineal. A partir de eso armamos una dramaturgia y un show. En elegir el material no tardamos tanto; lo que más tiempo nos lleva es ponernos de acuerdo en cuándo hacerlo. Hace bastante que veníamos hablando de Boite, pero una vez que encontramos el momento, todo se ordenó rápido.

—¿Y en ese proceso es clave una mirada externa?

—Totalmente. Nos dirige Ana Frenkel. Somos bastante grupales, pero Ana está afuera mirándonos y eso es fundamental. Las decisiones pasan un poco por los tres. Griselda y yo llevamos el material y Ana lo conduce, lo ordena, lo pone en valor.

—Hay gente que siente que cuando ustedes se juntan pasa algo distinto. ¿Vos también lo percibís así?

—Sí, lo siento. Y también me conmueve que la gente lo registre, porque en realidad no hicimos tantas cosas juntos. Entonces me parece hermoso que la gente diga: “Se los extrañaba juntos” o “qué bueno que volvieron”, porque evidentemente quedó algo muy fuerte, en los espectáculos anteriores.

—¿Te interesa entender qué produce esa dupla o preferís que una parte siga siendo inexplicable?

—Me interesa hasta cierto punto. Creo que hay algo que se puede pensar y otro poco que simplemente sucede. Hay confianza, admiración mutua y una manera de entender el escenario que compartimos. Después hay algo que pasa ahí, en vivo, que no conviene explicar tanto porque tiene que ver con lo imprevisible.

—También se nota que disfrutan mucho estar ahí arriba. ¿Eso sigue siendo el gran motor?

—Sí, absolutamente. Cada vez que está por empezar el show, estamos atrás de la escenografía esperando para entrar, y siempre nos miramos como diciendo: “Qué bueno esto que estamos haciendo”. A veces uno pierde perspectiva de lo valioso que es estar arriba de un escenario con alguien que te banca cien por ciento. Es muy enriquecedor. Y creo que algo de esa alegría le llega a la gente.

—El espectáculo ya sumó funciones. ¿Sentís que este reencuentro puede extenderse más de lo que imaginaban?

—Ojalá. Agregamos funciones y eso ya nos pone muy contentos. También hay ideas de llevar el show a lugares cercanos, como Uruguay o Chile. Estamos viendo cuándo podría hacerse, porque cada uno tiene sus compromisos, pero sí, hay ganas de que siga creciendo.

—Más allá de tus otros proyectos, ¿hoy tu energía está puesta sobre todo en Boite?

—Sí. Tengo conciertos, presentaciones y mis cosas personales, que me encanta seguir haciendo. Pero como proyecto importante de acá a fin de año, Boite cien por ciento.

Alfredo Arias dejó Buenos Aires a fines de los años 60, cuando partió a París con la puesta en escena de Eva Perón, de Copi. Antes había dado sus primeros pasos como artista plástico en el mítico Instituto Di Tella, donde presentó su primera obra, Drácula. “Siempre dije que quería ser un artista y me enviaron al Liceo Militar”, recuerda sobre esos años de formación esquiva. Desde entonces construyó en Francia un mundo poético propio que atravesó el repertorio clásico y la creación original: de Las criadas de Jean Genet en el Théâtre de l’Athénée a Las aves de Aristófanes en la Comédie Française. Por su trayectoria recibió un Molière de Honor y fue distinguido con títulos que tienen algo de pomposo y bastante más de enaltecimiento: Caballero, Oficial y Comendador de las Artes y las Letras, además de Caballero de la Orden Nacional del Mérito de Francia.

Ahora esta leyenda de las artes y la cultura argentina del último medio siglo, atiende la videollamada en la tarde del todavía verano de París, con sombrero y anteojos oscuros, a salvo del calor. Se encuentra ultimando el montaje de la que podría ser, a los 82 años, una película que refleja el viaje de su vida: recorre a pie toda la ciudad de Buenos Aires, desde Lanús Oeste hasta la Plaza San Martín. “Es una película geográfica”, la define. Mientras tanto, esta semana en París hay bastante de él: hasta este domingo 13 se presenta en el bello Palais de Tokyo Hello Andy?, con Alejandra Radano en la piel de Joan Crawford dialogando por teléfono con Andy Warhol. La pandemia obligó a suspender en tres oportunidades el espectáculo, cuenta, y ahora esa versión llegará finalmente en español, con subtítulos en francés. Se trata de la puesta definitiva, pensada como una transición entre el teatro, el cine y las artes plásticas. “Mi intención fue desarmar un poco el teatro y llevarlo más hacia las artes plásticas”, explica. Este lunes 14, además, habrá más de Alfredo Arias en París: en la mítica sala L’Arlequin -un templo del cine arte y de ensayo, ahí donde Jacques Tati oficiaba casi de anfitrión- se proyectarán Fanny Camina (2001) y Hello Andy? (2022).

Sobre el tiempo transcurrido desde su llegada a París no tiene dudas: hace la cuenta a partir de aquella puesta de Eva Perón, en 1970. “Son 56 años que he pasado acá”, calcula. Por curiosidad del entrevistador, Alfredo detalla que vive desde hace más de cuarenta años en la calle de las Bellas Artes, en pleno barrio de Saint-Germain-des-Prés, entre galerías y anticuarios. “Es una calle sobre todo donde hay muchas galerías de arte y está la Escuela de Bellas Artes”, describe. “No es muy extensa, va desde la rue Bonaparte hasta la rue de Seine”. Frente a su casa hay un hotel con historia propia. “Ahí pasaba Borges los períodos que venía a París porque había un editor, Franco María Ricci, que le había pedido una colección”, contó. “Cuando venía, estaba enfrente de su librería”.

—¿Conociste a Borges?

—No, siempre lo vi de lejos. En algún momento creo haberlo visto pasear hace muchos años con su madre en aquel departamento donde vivía en la calle Maipú, en Buenos Aires. Conocí a María Kodama pero a él no, siempre ha sido una imagen así un poco fantasmagórica, digamos.

—Un tópico habitual para preguntarle a un argentino que se fue a vivir a otra ciudad es si extraña Buenos Aires, si extraña Argentina y por qué.

—Hay un problema de identidad. En las ciudades donde uno tiene que inventarse una nueva vida y aprender una nueva cultura, es todo un trabajo de educación propio, sobre todo si se tiene la pretensión de hacer teatro, de comunicar directamente con el público, con el idioma del público. Y otra cosa es llegar a Buenos Aires, donde todo tiene significación e identidad, porque es el lugar donde uno se construyó. Es totalmente diferente. Lo he vivido como si Buenos Aires fuera el lugar de mis raíces y como si este fuera el lugar de mi aprendizaje del mundo, porque Francia ofrece con su cultura aprender muchísimas cosas.

—Si recito la letra de “Anclao en París”, ¿corresponde a tu sentimiento?

—No, nunca. Tuve la suerte, o pasó de esa manera, de que todo se encadenó con una dinámica a partir del deseo de hacer cosas y con las posibilidades que este país nos ofreció, puesto que hay otros artistas argentinos que también han disfrutado de estas posibilidades. No he tenido tiempo para la nostalgia. En cambio, mis raíces interesaron y yo siempre me interesé sobre mis raíces. De alguna manera siempre palpitaba de dónde vengo, de dónde soy, pero no con nostalgia, sino como una actividad más bien creativa. Me parece que Francia es un país... No sé ahora dónde van los argentinos, porque con todas estas políticas que están en el mundo, no sé si lo extranjero va a tener la misma significación que tuvo en algún momento. En lo que a mí respecta, aquí mi argentinidad interesó.

—¿Y Cuánto cambió París desde que llegaste en el 70 hasta ahora? Y como ciudadano francés, ¿cómo ves el debate sobre la inmigración, algo que quizá no viviste de la misma manera cuando llegaste?

—Hay diferentes etapas. Cuando yo llegué en los años 70, casi podría decir que había todavía un lado balzaciano, algo del siglo XIX que seguía flotando. Por ejemplo, las concierges, las porteras, denunciaban a la gente, estaban en contacto con la policía. Había todavía un sabor de otra época. Ahora el mundo se ha transformado vertiginosamente. Francia estuvo expuesta a corrientes migratorias, por ejemplo de Marruecos, de Argelia. Pero pienso que eso ya está integrado en la cultura francesa. No es lo mismo que estos desembarcos que puede haber, como está pasando ahora en España o en Italia, donde de pronto llega gente desesperada, con razón quizá, pero los países no están preparados. Si no quieren tener esas invasiones, tienen que ayudar a los países donde se sufre. Esa sería una manera de evitar que la gente quiera huir de su país.

Cuando llega, la gente está escapando y ahí ya es demasiado tarde. Yo digo que los países europeos tienen que actuar antes. Si un país está al borde de una catástrofe económica, ahí es donde los países comprometidos deberían ayudarlos. Porque perder la identidad de nacimiento es una fatalidad, es muy complicado. También hay una evolución vertiginosa, donde la gente puede creer que está en situación de peligro económico y piensa que lo que se ve del capitalismo, del liberalismo, es la forma ideal de vida. Y por ahí el terrenito que tienen, o la vista sobre el cerro, o los árboles que los rodean, no tienen ningún interés para ellos.

—¿Estás haciendo una película que es un poco la historia de tu vida, desde tu nacimiento en Lanús hasta hoy, en París?

—Es una película geográfica. Hacer cine, para mí, a mi edad, tiene una única manera: encontrar una marginalidad que me permita hacerlo sin que sea manoseado por la cantidad de gente que da opiniones y que finalmente llega a convertirlo en un híbrido. Tuve un conflicto con mi familia, que quería que fuera abogado, y yo ya había empezado a estudiar teatro. Decidí irme de mi casa en Lanús Oeste, dejar mis monedas sobre la mesa y caminar hasta el centro de Buenos Aires. Fui caminando como si fuera un camino iniciático, pero sin saberlo realmente. Un día volví a transitarlo, pero en auto, ahora, recientemente, y dije: “¿No es increíble que yo hice paso a paso todo este recorrido, como si me desprendiera de todo ese peso de ambiciones de mis padres y tratara de buscar una identidad?”. Lo volví a filmar hoy, a mi edad, atravesando a pie toda la ciudad de Buenos Aires. Al mismo tiempo que la ciudad se cuenta a sí misma, porque son bastante impresionantes los diferentes aspectos caóticos que ofrece nuestra ciudad, voy relatando en voz en off ciertos episodios. Está el árbol materno, el árbol paterno y la conclusión que saco de haber hecho ese camino. Es de Lanús Oeste hasta la Plaza San Martín.

—Es una pregunta grandilocuente, pero se engancha con esto que venimos hablando: ¿estás satisfecho con la vida que has tenido?

—Sí, estoy satisfecho porque me parece que pude recuperar intuitivamente, o inventar, muchas conexiones mías con la cultura sin verdaderamente haber tenido una educación que me favoreciera o que me hubiera dado los instrumentos que yo quería. No quiero ponerme en víctima, pero yo siempre afirmé que quería ser un artista y me enviaron al Liceo Militar. Así que inmediatamente cuando salí, empecé a recuperar ese tiempo, a ponerme en el teatro de la Alianza Francesa. Después participé en todo ese movimiento que fueron los happenings del Instituto Di Tella, y a partir de ahí arranqué el teatro y no paré hasta el día de hoy. Pienso que he tenido suerte, porque a veces uno puede salir con una enorme biblioteca y quedarse con un papel en la mano, y otra vez salir con un papel en la mano e inventarse una enorme biblioteca. Tuve la fortuna de haber podido vivir experiencias sin estar totalmente preparado para eso. Hubo descubrimientos y también sufrimientos, porque me arriesgué y de pronto, en medio de esa batahola, me decía: “¿Y ahora cómo sigo?”. Pero lo aprendí.

[Fotos: Giannis Antonoglou]

—¿Qué te pasa cuando te subís al escenario con Carlos Casella?

—Es una fiesta. Siempre decimos eso. Y con este espectáculo creo que lo terminamos de cerrar, porque ya nos conocíamos más, porque pasaron muchos años y porque es nuestro tercer espectáculo juntos arriba del escenario, solos. Terminamos de entender que es una fiesta en el sentido más profundo de la palabra. Es una celebración de nuestro vínculo, de nuestro entendimiento como artistas, de nuestra comunión de lenguaje. Compartimos un lenguaje propio, singular. En este espectáculo lo celebramos con todos los caprichos, como les decimos nosotros, burlándonos un poco de nuestros deseos. Pero esos deseos ya constituyen un tipo de lenguaje, por quiénes somos y por todo lo que construimos juntos artísticamente. Decidimos basar este espectáculo en eso, en la química y en el deseo.

—¿Podrías definir el espectáculo?

—No sé explicarlo. Ni siquiera tengo ganas de decir qué es, porque hay que verlo y un poco hay que sentirlo. No es muy describible.

—No es fácil...

—No. Y además, cuando tratás de explicarlo, siempre lo empobrecés. Podés decir que hay canciones y algunos momentos, pero en realidad está tan basado en lo que nos pasa a nosotros arriba del escenario y en toda la historia que traemos, junto con un equipo que trabaja con nosotros desde hace muchísimos años, que hay algo de eso que hay que vivirlo. No sería lo mismo si lo hicieran otros.

—Da la sensación de que cada noche puede pasar cualquier cosa. ¿Improvisan?

—No, la obra tiene ese estilo. Nos propusimos que parezca que estamos improvisando, que estamos jugando, pero todo está totalmente pensado. Lo repetimos exactamente igual todas las noches. Está todo diagramado. Pero el espíritu del show tiene que transmitir esa frescura, esa sensación de noche, de charla, de que todo está pasando ahí sin solemnidad y sin pretensión. Que parezca así nomás, aunque no sea así nomás para nada.

—¿Qué te gusta de Carlos?

—Todo. Pero sobre todo el vínculo que tenemos, la manera en que nos relacionamos y creamos. Eso es lo que más me atrae. Después, lo respeto mucho como artista, lo admiro. Me parece un artista muy singular, muy fiel a lo suyo. Nunca transó con nada. Siempre creó yendo hacia lo profundo, cada vez un escalón más abajo en su arte y en su singularidad. Y, al mismo tiempo, es súper liviano, relajado y gracioso. Conviven todas esas cosas en él.

—Qué bueno que se pudieron conocer en esta vida.

—Tremendo. Yo era su alumna de danza. Lo que nos unió fue la danza. Es muy loco.

—No sabía que tocabas el piano...

—Tampoco es que soy pianista (risas). Pero logramos hacer ese momento en algo único. Esa canción es de un disco de Daniel Melero que se llama Quiero estar entre tus cosas. El que toca el piano en ese disco es nuestro director musical, Diego Brainner. Es uno de los momentos que más me gustan del show. Porque además es una sorpresa. Hacia el final del espectáculo desaparece casi todo y quedamos nosotros dos, el piano y la voz, con muy pocos elementos.

—¿Que vas a hacer después de las funciones de Boite?

—Voy a estar yendo y viniendo a Montevideo, Uruguay, para filmar, así que es difícil. Queremos intentar si en diciembre se puede hacer algo más, pero no estamos seguros. Depende mucho del espacio que tenga La Trastienda y de que yo pueda hacerlo. En principio, ahora quedan estos siete shows de septiembre.

—Dan ganas de subirse al escenario con ustedes.

—Seguro que a mucha gente le pasa eso, porque nosotros lo vivimos con mucha alegría. Y eso se transmite. Por eso digo que es una celebración, como un cumpleaños en el que estamos.

—¿Te pasa seguido que el público quiera acercarse de esa manera?

—Sí, porque se genera algo muy cercano. Hay una alegría compartida que se contagia.

Vuelve Zulema...

—Ahora estás con “tu” Zulema...

—Sí, ya empezamos a grabar Menem 2. Vienen días arduos de jornadas de filmaciones.

—¿Y después de la serie de Menem, cómo sigue tu año?

—Después me voy a tomar unas vacaciones. Pero tengo muchísimas cosas. Es un privilegio increíble, aunque también es vertiginoso. Tengo la agenda casi hasta fines de 2028. Hay cuestiones que hay que agendarlas así, porque si no después no entran. Ya está todo tomado hasta fin de 2027, aunque todavía no puedo contar nada. Sabiendo ese itinerario, me voy a tratar de tomar en verano todo el descanso que pueda con mi hija y aprovechar su época de vacaciones para estar mucho con ella.

—La serie de Moria explotó... Imagino que la experiencia fue tremenda.

—Tremenda. Gran experiencia, muy divertida. A mí me tocó lo más humorístico, lo más delirante. Fue un placer hacerlo. Me acomodaron todo el año para que yo pudiera participar, porque para mí era imposible meterlo en el medio. Tenía que entrar en una hendija entre Envidiosa 4 y la película de Álex de la Iglesia. Movieron todo para que pudiera filmar en los únicos dos meses que tenía libres. Fue también un mimo.

“Parece una novela de Alberto Migré”, suele decirse cuando una relación sentimental de la vida real tiene tantos condimentos que termina emulando a un culebrón. Autor y productor, el creador de éxitos como Pobre Diabla, Piel Naranja, La cuñada o Una voz en el teléfono, había nacido hace 95 años, el 12 de septiembre de 1931, en Buenos Aires. Y, desde muy joven, solía sentarse frente a su máquina de escribir Remington para crear esas historias de amor y desamor que terminarían conquistando a la televisión argentina.

La fórmula, de tan simple, era compleja de ejecutar. Siempre había diferencias sociales entre los enamorados y, por lo general, ella era la pobre y él, el rico. Aunque hubo excepciones notorias, como la de Rolando Rivas, taxista, quizá su novela más recordada. En ella, el protagonista, Claudio García Satur, se enamora de Solita Silveyra, en el papel de Mónica Helguera Paz, heredera de una fortuna pero desdichada al fin, dando lugar a una pareja icónica. Aunque, por lo general, el de estatus más alto era el hombre, y la mujer era quien esperaba ser rescatada por él, como en un cuento de hadas.

Obviamente, no podían faltar los villanos, que eran los que se oponían a ese amor dispuesto a superar todos los obstáculos, los accidentes y/o enfermedades que casi siempre afectaban a los buenos y unos cuantos otros agregados, que permitían que el público quedara atrapado capítulo a capítulo frente a la pantalla. Como años más tarde sucedió -y sucede- con ficciones importadas de México, Venezuela, Brasil o Turquía. Porque Migré tenía la receta para combinar estos ingredientes y así servir un producto irresistible. Aunque claro, en el ocaso de su carrera y frente a los nuevos mandatos televisivos, también se lo subestimó.

Criado en el seno de una familia de inmigrantes piamonteses, Felipe Alberto Milletari Miagro -tal su verdadero nombre- fue un niño actor. Pero no tenía los atributos como para triunfar en ese rubro, así que con el tiempo desistió. Llegando a la adolescencia, comenzó a trabajar escribiendo libretos publicitarios. Tenía que tipear unas 300 páginas por semana en una rutina por demás tediosa. Pero pronto comenzó a delinear su futuro de la mano de los radioteatros. Empezó como sonidista de Teatro Infantil Juancho, protagonizado por Chela Ruiz y Horacio Delfino y, tras un reemplazo de urgencia en ese ciclo, pasó a ser el encargado de elaborar los textos que otros debían interpretar.

Corrían los años 50 y, rompiendo con los esquemas reinantes, se animó a imponer el “vos” por sobre el “tú” que tan poco natural sonaba para los oyentes locales. Así, sus creaciones comenzaron a entrar en los hogares como si sus protagonistas fueran seres conocidos. Un pariente o un vecino. Porque en esa gente común, justamente, era en quien se inspiraba para sus historias. No estaba de acuerdo con los guiones corales. Para él, dos personas escribiendo el mismo libro eran una “multitud”. De manera que cada una de sus obras tenía su sello personal indiscutido. Y se notaba.

Entonces llegó la televisión, el lugar donde pudo desplegar con más herramientas su talento en ciclos como Silvia muere mañana, con Nora Cullen, Atilio Marinelli y Nelly Meden, o Amelia no vendrá, con Marinelli y Beatriz Taibo. El resto es historia conocida: una seguidilla de éxitos que lo convirtieron en el autor de telenovelas más importante del país. Y no solo eso, ya que también exportó creaciones como Alguna vez tendremos alas y Mundo de fieras, que se llevaron adelante en México, y Louca Paixão, en Brasil.

Lo cierto es que aquello que tanto había rendido durante décadas, a fines de los 90 empezó a parecer obsoleto. Había cambiado la forma de hacer televisión. Y esos culebrones clásicos, dignos de Migré, ya no eran bienvenidos. Él lo sintió como un golpe. De manera que, en 2001, volvió a buscar refugio en el radioteatro, con un ciclo semanal llamado Permiso para imaginar. Pero el proyecto tampoco tuvo buena acogida y, después de pasar por un par de emisoras sin mucha repercusión, terminó olvidado.

Sin embargo, el autor ya había marcado un hito en la historia del espectáculo. Escribió más de 700 guiones, entre los que figuran los de las ficciones más exitosas del país. “Yo no he escrito más que historias de amor. Creo las mismas historias de amor con distintos protagonistas”, decía. Y hacía sonar fácil aquello que, en realidad, era muy difícil. Porque, de lo que se trataba, era de que el público se enamorara de esas historias de amor, valga la redundancia. Y eso, que era lo difícil, lo logró con números de audiencia que llegaban a los 60 puntos de rating.

En 1997 recibió un Martín Fierro a la Trayectoria. A pesar de que el medio lo había relegado, fue ovacionado de pie por aquellos actores que habían tenido el honor de trabajar con él y por aquellos que se habían quedado con las ganas de sumar esa experiencia a sus respectivos currículums. Entonces, Migré dijo una frase que representaba la tristeza que escondía en lo más profundo de su corazón: “Este premio viene a recomponerme el alma, que viene bastante maltratada”. La realidad del país, según dijo, tampoco lo ayudaba.

Falleció el 10 de marzo de 2006, mientras dormía con la televisión encendida. Para entonces, Migré tenía 74 años y presidía por entonces la Sociedad General de Autores de Argentina, desde donde se ocupaba de defender los derechos de sus colegas. Lo llamaron “el señor éxito”, “el padre de la lágrima” y “el autor del amor”. “Si tuviera que escribir la novela de su vida, ¿por dónde empezaría?”, le preguntaron en una de sus últimas entrevistas. “La empezaría por el principio. Por las cosas que ya no tengo”, respondió.

Cuerda Mecánica, el centro cultural independiente de Villa Urquiza (Juramento 4686, C.A.B.A) presenta Proyecto EsCénicas, un ciclo de seis obras escritas por mujeres que se ponen en escena en la sala La Caja de Madera durante los fines de semana de septiembre, octubre y noviembre. Cada mes, dos propuesta ponen en primer plano la actuación, los cuerpos y la palabra, con cruces hacia la música, la poesía, el cine y la performance. El ciclo se presenta como una antología de la escena contemporánea porteña: reúne creadoras de distintas generaciones y momentos de trayectoria en torno a preguntas compartidas sobre identidad, vínculos y representación. La escala concentrada de las puestas y los dispositivos escénicos despojados dialogan con la arquitectura de la sala, donde la cercanía entre intérpretes y espectadores es constitutiva de la experiencia.

La primera dupla del ciclo reúne dos trabajos que, desde lenguajes diferentes, sitúan la actuación y la representación en el centro de la escena: No me muero, primer unipersonal de Julieta Carrera como dramaturga, directora e intérprete que se pone en escena este sábado 12 de septiembre a las 20.30; y La obra siamesa, de Laura Sbdar, que en 2025 obtuvo el Premio de Dramaturgia Argentores/SGAE, tiene funciones los domingos 13 y 27 de septiembre a las 19:30 hs.

No me muero presenta a Sandra, una empleada de una aseguradora de riesgos del trabajo cuya vida parece detenida en una incomunicación constante. Frente a ese presente, la obra convoca el gesto, la poesía y el acto de interpretar otras vidas como modo de sostener la propia. Construida a partir de fragmentos, la pieza retoma elementos del clown, la máscara y el trabajo actoral para indagar en la actuación como ejercicio de transformación. Carrera se formó con Pompeyo Audivert, Sergio Boris, Gabriel Chamé Buendía y Cristina Moreira. Estrenada en 2023, la obra fue seleccionada para la Fiesta del Teatro CABA 2025.

Escrita y dirigida por Laura Sbdar, La obra siamesa parte de una premisa que tensiona arte, cuerpo y ética: dos artistas contemporáneos convierten a sus hijos siameses en el centro de una performance duracional, exponiendo esas vidas como material de obra. Sbdar, dramaturga, directora, escritora y docente, licenciada en Artes por la Universidad de Buenos Aires (UBA) y egresada de Dramaturgia de la Escuela Metropolitana de Arte Dramático (EMAD), concibió la pieza originalmente como novela antes de trasladarla al teatro y que haya circulado por festivales nacionales e internacionales.

Programa de octubre y noviembre

El ciclo continúa en octubre con Desvelada y sola, de Ximena Banús (domingos 4 y 11), y Cine Herida, de Sofía Palomino (domingos 18 y 25 de octubre y 1 de noviembre). En noviembre, Ana Schimelman presenta Las Cuerdas (domingos 8 y 15) y Violeta Marquis cierra el ciclo con Confesión tardía de amor (domingos 22 y 29).

Cuerda Mecánica abrió sus puertas en 2019 con el propósito de articular la escena cultural porteña con la identidad del barrio porteño de Villa Urquiza. Su programación abarca música, artes visuales, performance, teatro y talleres. Proyecto EsCénicas profundiza esa búsqueda al asignar a las artes escénicas un espacio propio dentro de la grilla, con un formato que privilegia la regularidad y el trabajo con creadoras de la escena independiente.

[Fotos: prensa Cuerda Mecánica]

Broadway Week empieza en Nueva York con entradas 2x1 para 25 espectáculos hasta el 20 de septiembre, una promoción que reduce uno de los gastos más altos de un viaje a la ciudad y que, desde 2011, ya vendió más de tres millones de boletos y generó más de USD 222 millones para la industria teatral.

La edición de otoño de 2026 se desarrolla del 8 al 20 de septiembre. Los boletos están disponibles hasta agotar existencias, aunque algunas funciones tienen fechas restringidas y ciertos espectáculos ofrecen mejoras de ubicación mediante un pago adicional.

La campaña es organizada por New York City Tourism + Conventions y The Broadway League. Su objetivo es ampliar el acceso a Broadway en un período de alta actividad turística y cultural en la ciudad.

Para el público, la respuesta concreta es simple: durante estas dos semanas se pueden comprar dos entradas por el precio de una para una selección de 25 producciones de Broadway. En una ciudad donde un boleto puede superar con facilidad los USD 150 o USD 200, el descuento puede representar un ahorro de más de USD 100 para una pareja.

La promoción reúne clásicos de Broadway y títulos recientes

La lista de espectáculos participantes incluye algunos de los títulos más consolidados de la cartelera. Entre ellos figuran Wicked, The Lion King, Chicago, MJ The Musical, Hadestown, Six, The Book of Mormon, Aladdin y Harry Potter and the Cursed Child.

También forman parte de la promoción obras más recientes o de fuerte atención del público, como The Great Gatsby, Buena Vista Social Club, Stranger Things: The First Shadow, The Outsiders, & Juliet, Maybe Happy Ending y Operation Mincemeat. En conjunto, la oferta abarca musicales clásicos, producciones familiares, estrenos recientes y grandes éxitos contemporáneos.

La recomendación oficial es adquirir las entradas únicamente a través de los canales habilitados por la promoción. La disponibilidad puede reducirse rápido en los montajes con mayor demanda, en especial en casos como Wicked, The Lion King, Harry Potter and the Cursed Child y MJ The Musical.

Esa presión sobre la oferta explica por qué reservar en los primeros días suele dar acceso a más fechas y mejores ubicaciones. La campaña no garantiza el mismo nivel de disponibilidad para todos los títulos ni para todas las funciones.

Septiembre concentra teatro, deporte, moda y turismo en la ciudad

Broadway Week coincide con uno de los meses más cargados del calendario neoyorquino. En septiembre también se celebran el US Open, la New York Fashion Week y la Feast of San Gennaro, además de exposiciones en museos, conciertos gratuitos y festivales gastronómicos.

Esa superposición convierte a la promoción en una herramienta turística además de cultural. Para quienes visitan la ciudad, la posibilidad de combinar teatro con otros eventos de gran convocatoria vuelve más atractivo concentrar el viaje en estas semanas.

El impacto de Broadway, además, excede la venta de entradas. Cada función arrastra consumo en hoteles, restaurantes, bares, comercios, operadores turísticos y transporte público del distrito teatral y sus alrededores.

Desde su lanzamiento en 2011, la iniciativa acumuló más de tres millones de entradas vendidas. Ese volumen se tradujo en más de USD 222 millones para la industria de Broadway y consolidó a la campaña como una de las acciones más efectivas para atraer visitantes en septiembre.

La lógica económica de la promoción parte de un problema concreto: para millones de turistas, asistir a Broadway es una parada casi obligada en Nueva York, pero el precio habitual de los boletos puede convertirse en uno de los mayores gastos del viaje. La oferta 2x1 reduce ese costo de forma directa y, al mismo tiempo, sostiene el movimiento del sector en uno de los momentos más activos del año.

Todo comenzó cuando Botto destacó la trayectoria de la mamá de su novio y de su capacidad para sostener una escena. “Ella es una de la escuela que cuando se sienta da show. Quedan pocos y hay que valorarlo”, expresó. Pergolini relacionó inmediatamente el comentario con la cercanía de la actriz con la familia Bal: “Mirá cómo acomoda el bochín cerca de la suegra”. Botto siguió la broma con una aclaración breve: “Siempre cerca de Carmen”.

Con esa puerta abierta, Soy Rada llevó el planteo hacia el costado artístico. “¿Estás por heredar el trono ese? De hacer quilombo cuando uno se sienta a dar show?”, le preguntó a Botto. Ella reaccionó sin titubeos con una negativa.

La respuesta no cerró el tema. “Ah, okey”, siguió Rada, mientras Botto aclaraba: “Eso no lo quiero heredar”. Pergolini intervino entonces con una alternativa: “¿Estás para la primera vedette?”. La conductora volvió a responder que no.

El ida y vuelta tomó otro rumbo cuando el conductor interpretó la reacción de su compañera como un gesto de interés. “Ah, te gustó”, lanzó. Botto respondió que la posibilidad ya había surgido antes. Ante la pregunta directa sobre si le gustaría, volvió a marcar distancia, aunque una frase casi por lo bajo motivó un giro en la conversación.

“Me lo tiró”, señaló Botto en referencia a un supuesto ofricimento de Carmen Barbieri para que tomara ese lugar de primera vedette. El “no” de sus compañeros retumbó al unísono, lo que generó las dudas en la locutora. “En algún momento... pero no”.

“Estaba a un segundo de decir que sí”, insistió Pergolini. Rada intentó precisar cuál podía ser la objeción: “¿Hacer temporada?”. El conductor completó la propuesta que buscaba instalar: “Imaginate bajando la escalera”.

Pero Botto explicó por qué no se veía en ese papel. “Es muy seria la revista, es una disciplina fuerte”, afirmó y precisó que no se sentía identificada con la estética tradicional del género: “No estoy para ponerme conchero y plumas. Eso es para determinados cuerpos”.

Pergolini le recordó entonces su participación en Sex, el espectáculo creado por José María Muscari que combina teatro, música y coreografías. Pero Botto se mantuvo en su postura, argumentando que ambos universos no eran equivalentes: “Sex era otra historia”.

Rada aprovechó la distinción para plantear el juego que terminaría de ordenar la escena: “¿Sex la revista?”. Botto se rio y cortó la posibilidad: “No voy a hacer revista”. A partir de allí, los tres retomaron esa idea como una posible derivación humorística de la propuesta inicial.

Lejos de abandonar el chiste, Pergolini avanzó con una propuesta. “Te lo hablamos mañana también”, le dijo a Botto. Rada quiso adjudicarse la ocurrencia.

El conductor fue más allá y aseguró que podía encargarse de llevarla adelante. “Yo lo produzco con Borensztein”, afirmó, antes de mencionar sus planes profesionales: “Estoy armando una compañía de producciones”, afirmó Pergolini. “Estás muy productorito vos”, le respondió Botto. Pergolini coincidió y explicó que no dejaba de pensar en proyectos.

Habrá que ver si la propuesta queda en el terreno de la broma o aquella frase de Carmen se corporiza en plumas y marquesina de Calle Corrientes. Pergolini y Rada insistieron en su pedido, la conductora mantuvo su negativa y dejó en claro que, por ahora, no contempla sumarse a una revista teatral.

Una planta carnívora, un florista tímido y una historia que lleva más de seis décadas mutando entre el cine y el teatro llegan este mes a la Ciudad de México. El Centro Cultural Futurama, ubicado en la alcaldía Gustavo A. Madero, presentará el musical La pequeña tienda de los horrores con entrada completamente gratuita.

La puesta en escena corre a cargo de Arte Aladyen Compañía de Teatro y ofrecerá tres funciones a lo largo de septiembre. Se trata de una adaptación de uno de los títulos de culto más longevos del género musical, con raíces que se remontan a una película de bajo presupuesto filmada en 1960 con la participación de Jack Nicolson y una adaptación de 1986 con el icónico Rick Moranis.

El origen: una película de serie B de 1960

La historia detrás de La pequeña tienda de los horrores comenzó mucho antes de convertirse en musical. En 1960, el director Roger Corman filmó The Little Shop of Horrors, una comedia de terror de serie B producida con un presupuesto de apenas 30 mil dólares.

Pese a su origen modesto, la película sentó las bases de una trama que giraría en torno a un dependiente de floristería y una planta con apetito por la sangre humana. Ese argumento sería retomado dos décadas después para dar vida a una de las producciones más reconocidas del teatro musical estadounidense.

Del Off-Broadway a Broadway: el musical de Ashman y Menken

En 1982, el compositor Alan Menken y el letrista Howard Ashman transformaron la premisa de Corman en un musical rock. El proyecto nació dentro de la Workshop of the Players Art Foundation (WPA Theatre), una compañía Off-Off-Broadway que en ese momento dirigían el propio Ashman junto con R. Stuart White.

El espectáculo saltó después al Orpheum Theatre, en el circuito Off-Broadway, donde permaneció en cartelera durante cinco años consecutivos. No fue hasta 2003 cuando la obra llegó al circuito comercial de Broadway.

La partitura de Menken combina rock and roll de los años 60, doo-wop y sonidos inspirados en los primeros éxitos de la Motown. Entre sus canciones más conocidas figuran Little Shop of Horrors, Skid Row (Downtown), Somewhere That’s Green y Suddenly, Seymour.

Desde su estreno, el musical se ha representado en numerosos países. En Francia, por ejemplo, la primera adaptación escénica llegó en 1986 al Théâtre Libertaire de Paris bajo dirección de Alain Marcels.

La adaptación cinematográfica de 1986

Cuatro años después de su debut teatral, el musical volvió al cine. La película Little Shop of Horrors se estrenó en 1986 bajo la dirección de Frank Oz, con Rick Moranis como Seymour, Ellen Greene como Audrey, Vincent Gardenia en el papel de Mushnik y Steve Martin como el dentista Orin Scrivello.

La voz de la planta Audrey II estuvo a cargo de Levi Stubbs. La cinta se rodó íntegramente en los estudios Pinewood, en Inglaterra, con un presupuesto de 30 millones de dólares, mil veces mayor al de la película original de Corman.

Al igual que su predecesora de 1960, la versión de 1986 no tuvo gran impacto comercial en su estreno, pero con el tiempo se convirtió en película de culto. La cinta recibió dos nominaciones a los premios Óscar.

De qué trata la historia

La trama sigue a Seymour Krelborn, un joven torpe y con escasas habilidades sociales que trabaja en la floristería del señor Mushnik. Su vida da un giro cuando encuentra una planta extraña, a la que bautiza Audrey II en honor a su compañera de trabajo, de quien está secretamente enamorado.

Seymour descubre que la planta se alimenta de sangre humana. A medida que crece, atrae clientes y convierte la decadente floristería en un negocio próspero, pero también exige cada vez más alimento, hasta que las pequeñas heridas del propio Seymour ya no bastan para saciarla.

El conflicto se agrava cuando Audrey II revela que puede hablar y presiona a Seymour para conseguir más sangre. La planta lo convence de deshacerse de Orin, el novio abusivo de Audrey, y a partir de ese momento la historia avanza hacia un desenlace marcado por la ambición, el miedo y las consecuencias de alimentar a una criatura que nunca deja de crecer.

Fechas, lugar y horario de las funciones

La pequeña tienda de los horrores se presentará los días 12, 19 y 26 de septiembre, siempre a las 17:00 horas, en el Centro Cultural Futurama.

El recinto se encuentra en Otavalo #7, esquina con avenida Instituto Politécnico Nacional, colonia Lindavista, alcaldía Gustavo A. Madero, Ciudad de México.

La entrada es libre para las tres fechas. La actividad forma parte de la programación cultural gratuita que impulsa la alcaldía a través del centro cultural.

Quienes se pregunten cuándo y dónde ver el musical de forma gratuita en la capital tienen la respuesta en estas tres funciones de septiembre: el 12, el 19 y el 26, a las 17:00 horas, en el Centro Cultural Futurama de Lindavista, sin costo de acceso.

Ficha de la producción en Futurama

La versión que se presentará en Gustavo A. Madero está a cargo de Arte Aladyen Compañía de Teatro. La dirección escénica corresponde a Andrés Vizcaíno, mientras que la dirección coreográfica recae en Jair Téllez y la dirección vocal en Abdalah Najar.

El material de difusión de la obra invita al público con la frase: “¿Te atreves a descubrir qué hay detrás del telón?”, en referencia al misterio que rodea a la criatura protagonista del montaje.

El Centro Cultural Futurama y su programación

El Centro Cultural Futurama depende de la Dirección de Cultura y Deportes de la alcaldía Gustavo A. Madero. El recinto ofrece de forma regular talleres, conferencias, teatro, exposiciones de artes plásticas, presentaciones de libros, danza, música y festivales, según su ficha en el Sistema de Información Cultural.

La agenda reciente del espacio incluye actividades de distintos formatos. En agosto, el centro recibió la séptima edición de la Expo Caballero Oscuro, dedicada al universo de Batman y DC Comics, con exhibición de un Batimóvil a escala real y la participación de un actor de voz de las películas de Christopher Nolan, según reportó Batman llega a CDMX con exposición gratis: habrá música en vivo, actores de voz y Batimóvil.

Ese mismo mes, el recinto albergó un concierto doble con la cantante Odette Waller y la Banda Sinfónica de la Ciudad de México, además de un Tributo a Michael Jackson y el Bazar Grayskull, dedicado al universo de Masters of the Universe. También forma parte de su programación una muestra de cine documental y funciones de teatro playback, todas con entrada libre.

Cómo llegar al Centro Cultural Futurama

El recinto se ubica en Otavalo #7, esquina avenida Instituto Politécnico Nacional, colonia Lindavista, alcaldía Gustavo A. Madero.

Quienes utilicen transporte público pueden tomar la Línea 6 del Metro y descender en la estación Lindavista, o bien la Línea 6 del Metrobús hasta la estación Instituto Politécnico Nacional. En ambos casos, el recorrido a pie hasta el centro cultural toma aproximadamente 15 minutos, según informó Infobae.

John Malkovich canceló una presentación prevista en Israel luego de que los promotores difundieran una cita atribuida al actor estadounidense que él afirmó que era completamente falsa. El productor del espectáculo reconoció el error, alegando un “error humano”.

En los últimos años, Israel se ha enfrentado a un creciente aislamiento cultural debido a la guerra en Gaza, la violencia de los colonos y la ocupación militar de Cisjordania. Varios artistas internacionales se han negado a actuar en Israel, y el Festival de Israel, un evento cultural anual, se celebró este año sin ningún artista internacional.

Malkovich tenía previsto presentar en Tel Aviv en abril El crítico musical, una comedia itinerante que combina música clásica y críticas a compositores de fama mundial.

Un reciente comunicado de prensa citó a Malkovich diciendo: “Estoy encantado de regresar a Israel y espero reencontrarme con el cálido público israelí, con el que siento una gran cercanía y solidaridad”. La cita apareció en algunos medios de comunicación israelíes y estadounidenses.

Malkovich declaró a The Hollywood Reporter que “nunca hizo las declaraciones que se citaron, ni fue consultado antes de que se publicaran”.

«Yo no pronuncié esas frases, y desde luego no las apruebo, ni reflejan mis sentimientos», dijo. «Por este motivo, he decidido que no puedo participar en la función de Tel Aviv».

Los representantes de Malkovich no respondieron de inmediato a la solicitud de comentarios.

Alon Yurik, el productor israelí del programa, declaró que la cita se atribuyó erróneamente a Malkovich debido a un “error humano”. Añadió que la producción se puso en contacto con los medios de comunicación para eliminar la cita y corregir las informaciones, y que ya había emitido una disculpa.

“Lamento que el incidente haya llegado al punto de tener que cancelar la actuación”, dijo Yurik.

Malkovich ya ha actuado en Israel. Ha declarado que actuar en un país no significa que esté de acuerdo con sus líderes políticos ni con sus políticas.

Malkovich ha sido nominado dos veces al Premio de la Academia y entre sus películas destacan Las amistades peligrosas, En la línea de fuego y Con Air.

En 1999, interpretó una versión ficticia de sí mismo en Cómo ser John Malkovich, donde un titiritero con dificultades, interpretado por John Cusack, descubría un portal a la mente del actor.

Malkovich protagoniza junto a Sam Rockwell la película de este año Wild Horse Nine, que se centra en el papel de la CIA en el golpe militar de 1973 en Chile.

Fuente: AP

La conversación comenzó por su relación con el movimiento. Lecouna vivió en Argentina, Chile, Bélgica y Estados Unidos, y sus tres hijas nacieron en países distintos. Sin embargo, aclaró que ese recorrido no le quitó el deseo de volver a la Argentina y reencontrarse con la familia, los primos, los tíos, los abuelos y una identidad que, según explicó, sigue siendo central en su vida. “Siempre supimos que queríamos volver a la familia, a los primos, a los tíos, a los abuelos, a esa identidad que nos define”.

El incendio que cambió su relación con lo materia

Uno de los momentos más sensibles de la entrevista apareció cuando habló de un incendio ocurrido en una baulera donde había dejado objetos personales antes de mudarse a Bruselas. Allí perdió recuerdos familiares, fotos, cuadernos escritos para sus hijas y pertenencias de enorme valor afectivo.

Entre esas cosas estaba, según contó, el piano que sus padres le habían regalado a los 15 años, fotos de toda su vida y cuadernos que había escrito para sus hijas cuando nacieron. También había objetos vinculados a la historia familiar de su marido. Esa pérdida, dijo, la obligó a repensar el sentido de guardar cosas para más adelante. “O entrás en depresión o decís: bueno, por algo es. Había que desprenderse de esto y para adelante”.

Desde entonces, asegura que dejó de acumular objetos con la idea de recuperarlos algún día. Para Lecouna, el aprendizaje fue claro: los recuerdos importantes no pueden depender únicamente de lo materia. “Los recuerdos los tenés que guardar adentro tuyo”.

Volver a estudiar a los 48

Durante el episodio también habló de una decisión que tomó recientemente: retomar la carrera de Comunicación, que había dejado pendiente cuando comenzó a trabajar en Verano del 98. Había completado la cursada, pero le habían quedado finales por rendir. Con el tiempo, llegaron otros trabajos, mudanzas, países e hijas, y ese cierre académico quedó postergado.

A los 48 años decidió volver. La experiencia, contó, la enfrentó a una forma de estudio muy distinta a la que conocía. Mientras sus compañeros usan computadoras y herramientas digitales, ella volvió a los resúmenes impresos, los subrayados y la conversación oral con los profesores. “A mis 48 decidí que quiero terminar, porque la comunicación es una gran pasión también”.

Maternidad, pareja y una vida en movimiento

La maternidad apareció como otro eje central de la charla. Lecouna contó cómo los hijos, en cierta forma, la ayudaron a ordenar una vida que ella misma describe como caótica. También habló de la importancia del compañero que eligió para sostener ese proyecto familiar en medio de mudanzas, trabajos, teatro, estudios y cambios de país.

Al referirse a su marido, Diego, lo describió como un compañero paciente, sensible y criado en un universo de mujeres. Para la actriz, ese apoyo fue clave para poder seguir trabajando, estudiando, emprendiendo y viajando sin dejar de sostener la vida familiar. “Gracias a Diego puedo”.

La actriz también recordó etapas de maternidad atravesadas por decisiones difíciles. En una mudanza a Bélgica, mientras grababa en Buenos Aires, notó el impacto que la distancia del padre generaba en una de sus hijas y entendió que el núcleo familiar necesitaba estar junto.

El paso del tiempo y la segunda mitad de la vida

Lecouna habló con franqueza sobre el paso del tiempo, la perimenopausia, los cambios físicos y algunas dificultades de salud. Contó que tiene condiciones autoinmunes y que atravesó episodios médicos vinculados a cambios hormonales. Lejos de presentarlo como una queja, lo ubicó como parte de una etapa que intenta vivir con calma, disciplina y nuevas prioridades. “El paso del tiempo me cuesta mucho. No lo padezco como un sufrimiento; trato de buscar contundencias internas, ya que las externas empiezan a notarse”.

En esa búsqueda, dijo, aparece la necesidad de conectar con proyectos, lecturas, personas y espacios que la nutran. Para ella, la respuesta no es resistir el envejecimiento sino amigarse con la idea y vivirlo de la mejor manera posible. “Me conviene más, en vez de resistir, amigarme con la idea para vivirlo lo mejor que pueda”.

El teatro como lugar de conexión

Hacia el final de la entrevista, Lecouna volvió sobre su vínculo con la actuación y con el teatro. Recordó Verano del 98 como una experiencia fundacional, habló de sus aprendizajes con directores y actores, y también de su presente teatral en Miami, donde participa de obras para público latino.

Para la actriz, el teatro tiene un valor especial en una época atravesada por las redes, la distracción y la tecnología. Lo describe como un espacio de encuentro real entre personas, historias y emociones compartidas. “El teatro conecta gente, conecta historias”.

En ese contexto, destacó la potencia de la comedia y la necesidad de reírse. Recordó una frase de su padre, que se convirtió en una especie de guía para su forma de vivir y de trabajar. “Creo que lo importante es cómo vivís lo que te pasa, no tanto lo que te pasa sino cómo lo vivís”.

Una aprendiz eterna

Sobre el cierre, Lecouna habló de sus próximos planes: seguir con obras de teatro en Miami, terminar los finales pendientes de Comunicación, proyectar una vuelta a Buenos Aires y continuar formándose. Se definió, una vez más, como una “aprendiz eterna”.

La entrevista dejó el retrato de una mujer que atravesó mudanzas, pérdidas, maternidad, cambios de carrera, reinvenciones y nuevos comienzos sin perder una idea de fondo: vivir con pasión, volver a empezar cuando sea necesario y encontrar en cada etapa una oportunidad para aprender. “Estoy muy agradecida con la vida que he tenido. Muy apasionada de la vida”.

Robert Wilson abre el festival con una relectura de Oscar Wilde

La apertura internacional se realizará el miércoles 9 a las 20 horas en el Teatro Coliseo con Dorian, bajo concepto, dirección y diseño de Robert Wilson, uno de los referentes de la escena contemporánea mundial. La obra parte de la relectura de Darryl Pinckney de la novela El retrato de Dorian Gray, de Oscar Wilde, y se presenta como un monodrama visual sobre la belleza, la identidad, el deseo y el paso del tiempo. Se trata de una coproducción del Teatro Nacional de Drama de Kaunas y el D’haus Theater de Düsseldorf.

El cierre quedará a cargo del coreógrafo francés Rachid Ouramdane con Contre-nature, que se presentará el viernes 18, sábado 19 y domingo 20 en la Sala Martín Coronado del Teatro San Martín. La producción combina el contacto corporal con la danza aérea y profundiza en la investigación del artista sobre el movimiento suspendido. Entre los intérpretes figura la bailarina argentina Celeste Mendozi.

Brasil y Corea del Sur encabezan la programación internacional

Brasil tendrá presencia destacada con Encantado, de Lia Rodrigues; EDSON, de Matheus Macena, y Língua, de Vinicius Arneiro. La compañía surcoreana Liquid Sound presentará KIN (Long): Proyecto Yeonhee I, y Jeong Seyoung mostrará Except That You Cannot See Me, Vol. 2. El español Reinaldo Ribeiro traerá NO/MAS/SACRE, mientras que el argentino Juan Ignacio Tula dirigirá e interpretará Instante, con producción francesa. Completan el recorrido internacional obras de Canadá, Bolivia, Suiza, Ecuador y Colombia.

Uno de los puntos salientes será el estreno mundial de Principio de éxtasis, coproducción entre España y Argentina que se presentará en el Teatro Colón. La obra, creada y dirigida por el coreógrafo español Goyo Montero, fue comisionada especialmente por el Colón y se inspira en El Aleph, de Jorge Luis Borges. Gustavo Santaolalla compuso la música original, con aportes adicionales y diseño sonoro de Owen Belton.

Un récord de postulaciones define la programación local

La programación nacional está integrada por 29 proyectos, seleccionados en parte a través de una convocatoria abierta que alcanzó un récord de 985 compañías postulantes, una cifra que refleja la vitalidad de la escena independiente argentina. Entre las obras elegidas se cuentan Baco polaco, de Mauricio Kartun; La lluvia de fuego, de Marilú Marini; A cielo abierto, de Mey Scápola; En mitad de tanto fuego, de Alejandro Tantanian; Parece ser, de Iván Haidar; El trabajo, de Federico León; Una sombra voraz, de Mariano Pensotti, y Al oeste: capítulos I, II y III, de Martín Flores Cárdenas.

También participan proyectos de Fernando Rubio y Rocío Gómez Cantero, Juan Pablo Galimberti, Margarita Bali, Gerardo Litvak, Pablo Rotemberg, Maruja Bustamante y Mayra Bonard, entre otros artistas.

El Circuito SITE lleva el teatro a espacios no convencionales

El Circuito SITE Buenos Aires presentará cinco proyectos en espacios elegidos de manera específica para cada obra, con el objetivo de que el público ingrese a lugares que forman parte de la vida cotidiana porteña desde la ficción. Las propuestas son La gravedad de las burbujas, en La China Casa Cultural –Adolfo Dickman 1220–; Atlas de un mundo imaginado, en Casa Gómez –Yeruá 4962–; Liquidación total!, en Dudou Vintage –Guatemala 4334–; Los pasteleros, en el Club Estrella de Maldonado –El Salvador 5470–, y Una casa en Biarritz, en Casa Biarritz –Biarritz 2334–.

Otra obra que expande esta lógica es También está pasando esto, de Fernando Rubio y Rocío Gómez Cantero, que propone una experiencia ligada a la memoria y a la infancia en el carrusel del Ecoparque de Buenos Aires.

Mercado FIBA conecta a artistas locales con programadores internacionales

Entre el 16 y el 19 de septiembre se desarrollará MERCADO/FIBA, plataforma orientada a promover la circulación y la internacionalización de las artes escénicas argentinas. Artistas, productores, programadores, curadores, festivales e instituciones de distintos países se encontrarán en Buenos Aires para conocer obras, compartir proyectos y construir nuevas redes de colaboración. Dentro de este espacio se presentarán, además, los ocho Work in Progress, que permiten conocer producciones todavía en proceso de creación.

Una muestra revisa la historia del Teatro San Martín en dictadura

Las 15 actividades especiales incluyen exhibiciones, debates, mesas de conversación, presentaciones de libros y encuentros entre artistas, profesionales y público. Entre ellas se destaca La Isla – El Teatro San Martín en dictaduras, una exhibición que recupera materiales fotográficos, periodísticos y documentales del Centro de Documentación de Teatro y Danza del Complejo Teatral de Buenos Aires para reconstruir la relación entre esa sala y la ciudadanía en contextos de dictadura y represión.

La edición 2026 contará también con una nueva entrega del Premio Germán Rozenmacher de Nueva Dramaturgia, organizado junto al Centro Cultural Rector Ricardo Rojas de la Universidad de Buenos Aires. Creado en 1999, el galardón busca estimular la producción de jóvenes autores argentinos o radicados en el país y favorecer nuevos canales de circulación para la dramaturgia.

Palabras oficiales sobre la nueva edición

“FIBA es un referente de lo mejor de la escena mundial. Este año el Festival vuelve con una fuerza increíble, con compañías internacionales y locales de primer orden. Estamos muy orgullosos: más disciplinas, más artistas, más proyectos, más escenarios. FIBA es el mejor ejemplo de la cultura de calidad que tenemos y queremos para la Ciudad”, sostuvo el jefe de Gobierno porteño, Jorge Macri.

Por su parte, la ministra de Cultura de la Ciudad, Gabriela Ricardes, señaló: “FIBA es una oportunidad virtuosa en la que convergen lo mejor de la escena local y la vanguardia de las producciones internacionales. El teatro de Buenos Aires lo hacemos entre todos: es una red viva, única en el mundo, que reúne espacios públicos, privados e independientes. Esta edición refleja esa potencia, impulsa la proyección internacional de nuestros artistas y reafirma el lugar de Buenos Aires como una de las grandes capitales culturales de Iberoamérica”.

Organizado por el Ministerio de Cultura de la Ciudad, el festival se consolidó desde su creación, en 1997, como uno de los principales encuentros de artes escénicas de América Latina.

Cómo conseguir entradas

Las entradas se adquieren de forma online en fiba.ar, sitio donde también se pueden consultar los puntos de venta presencial y toda la información del festival. Los proyectos en idiomas distintos del español cuentan con subtítulos. Algunas propuestas tendrán entrada sin costo y requerirán reserva previa, disponible desde las 12 horas, cinco días antes de cada función, en fiba.ar. Para las funciones con entrada libre y sin reserva previa, el ingreso será por orden de llegada y hasta completar la capacidad de la sala. En cumplimiento con el artículo 4 de la ley 3546, se dispondrá de un cupo sin costo para personas con discapacidad que presenten el Certificado Único de Discapacidad (CUD).

Información y programación completa

Toda la grilla de espectáculos, horarios y sedes del FIBA está disponible en el sitio oficial fiba.ar.

Josué Aguilar interpreta al nahual en Guille y el Nahual, la puesta en escena que el Centro Cultural Helénico presenta en el foro La Gruta del 5 de septiembre al 11 de octubre. La obra, adaptación de un texto de Emilio Carballido, recupera el imaginario de la tradición oral mexicana a través de una amistad entre una niña y una criatura mitológica capaz de provocar temblores y volcanes.

El elenco lo completan Danya Torres, Nydia Parra, Jheraldy Palencia y Hugo Rocha. Las funciones son los sábados y domingos a la 1:00 de la tarde, con dos fechas especiales —el 13 de septiembre y el 4 de octubre— en las que participará una intérprete de Lengua de Señas Mexicana.

En entrevista con Infobae México, Josué Aguilar nos habló sobre el diseño escénico de la obra, el reto físico de manejar un títere de gran formato y los temas de fondo que atraviesan la historia: la diferencia, el cuidado del otro y la pertenencia.

Un espacio escénico pensado para que el público complete la ficción con la imaginación

Antes de hablar de su personaje, Josué Aguilar describió el diseño del espacio creado por Isaías Martínez, que combina elementos escenográficos simples con música compuesta especialmente para la obra a partir de ritmos como la polka y el mariachi.

“De entrada, un espacio muy ingeniosamente creado por Isaías Martínez, que, honestamente, como actor y incluso como espectador, me parece que invita mucho a la imaginación”, cuenta el actor. Explica que se trata de “un espacio muy simple con elementos escenográficos prácticamente planos, que de pronto, con el juego escénico y los títeres, todo el color, se va transformando” y permite que la imaginación del público “ponga este otro cincuenta por ciento” del espectáculo.

El diseño retoma referencias como los alebrijes y el contexto de vida de campo en el que Carballido ubicó la historia original. En palabras de Josué Aguilar, esos elementos “van a ir nutriendo el ojo del espectador de un montón de elementos que nos van a quedar cerca a todos, si eres mexicana”.

El actor maneja un títere de 30 kilos

El mayor reto técnico de Josué Aguilar consiste en operar el títere a la vista del público, sin el ocultamiento tradicional del titiritero. “En el teatro es muy por tradición que el titiritero está oculto”, explica, y describe que la convención habitual es que “titiriteros de negro que casi no se ven” muevan los objetos sin ser notados.

Para este montaje, el reto fue distinto: hacer visible al operador sin romper la ficción. Josué Aguilar respalda esa técnica en 20 años de trabajo con títeres y en su formación en teatro antropológico, teatro de espacios abiertos y técnica Alexander, esta última enfocada en el uso del cuerpo del actor en escena.

“El mayor reto es que la ejecución sea tan prodigiosa o tan bien hecha que puedas separar este elemento de la realidad, que es innegable, que es el operador”, dice. Su trabajo, resume, “está específicamente en desaparecer” detrás del movimiento del títere.

El vestuario diseñado para la criatura es, según describe, “una extensión de este colorido cuerpo” y podría distraer si el movimiento no se ejecuta con precisión. Josué asegura que al final de cada función, durante la sesión de fotos, el público sigue confundido sobre si mirarlo a él o al títere: “Se vuelve doblemente innegable que estoy allí y que es por mí que se mueve. Pero justo lo maravilloso es que se logra mantener esta imaginería de que el títere es quien habla”.

El peso de la estructura es uno de los factores que más exige físicamente al actor. Está hecha de fomi industrial y fierro de aluminio, materiales que en teoría no deberían pesar mucho, pero en movimiento el actor maneja alrededor de treinta kilos. “Es exigente”, dice, “y pero maravilloso de todas formas”.

La directora Andrea Salgado cambió al protagonista de Guillermo a Guille para poner a una niña como heroína

El texto original de Carballido se titulaba Guillermo y el Nahual. La adaptación, realizada junto con Nadia González Dávila, transformó al protagonista en una niña por decisión de la directora Andrea Salgado, quien buscaba “dejar de mirar a niños varones como los eternos héroes de las historias”, según relata Aguilar.

Guille es hija única, no tiene mascotas permitidas y busca compañía. Josué vincula ese perfil con una condición que identifica en la infancia urbana actual: “Cada vez las familias son más chiquitas, cada vez tienen menos hijos y los niños crecen solitos”. Por eso, dice, “la búsqueda de la amistad y de reflejarse en otra persona o en otro algo siempre va a estar”.

El nahual, según describe, es “un ser mitológico que quién sabe qué es” y cuya naturaleza fantástica tiene consecuencias sobre el entorno: si llora, provoca terremotos; si se emociona, hace surgir volcanes. Esa condición genera conflicto con el pueblo de Guille, que interpreta esos fenómenos como una amenaza.

“Quien hace temblar entonces debe ser malo, no debe ser bueno”, resume Josué Aguilar sobre la reacción inicial de los adultos en la historia. El reto narrativo, añade, es que Guille y el nahual logren demostrar “que su amistad es eso, amistad. Y es igual de valiosa”, con la diferencia como motor de esa relación.

“La mayor enseñanza es no temerle a lo diferente y aceptar que cada uno de nosotros, así como es, está bien”, concluye el actor sobre el mensaje central de la obra.

La obra recibirá alimento para mascotas a cambio de 50% de descuento en boletos

Las funciones del 13 de septiembre y el 4 de octubre contarán con una intérprete de Lengua de Señas Mexicana, iniciativa quebusca ejempificar la inclusión que atraviesa toda la puesta en escena.

Tribu Producciones trabaja además con la organización Perra Vibra en el proyecto Tribu Latido Solidario. Del 20 de septiembre al 11 de octubre, la producción recibirá en taquilla alimento húmedo o seco para perros y gatos, además de ropa y camas en buen estado.

A cambio de esa donación, el público recibe 50% de descuento en la compra de boletos. Los recursos recolectados se destinan a animales rescatados o en situación de calle.

Andrés Carreño dirige y adapta El Gran Teatro del Mundo, la puesta en escena que el Teatro Sergio Magaña presenta hasta el 13 de septiembre. La obra retoma el autosacramental de Pedro Calderón de la Barca, escrito hace cuatro siglos, y lo transforma en una reflexión sobre las desigualdades en México.

El proyecto es producción de TeatroUNAM y Cabaret Misterio, la compañía de Andrés Carreño. El elenco lo integran David Barrera Bautista, Tamara G. Cano, Rosa Luna, Paulina Márquez, Marlon Perzabal, Marco Favio y Lucía Ximbo, estos dos últimos alternando funciones. Las presentaciones son los sábados y domingos a la 1:00 de la tarde.

En entrevista con Infobae México, Andrés Carreño habló sobre el origen del proyecto, la transición de la calle al teatro y el mensaje que busca transmitir con esta adaptación.

El proyecto nació en el Carro de Comedias

El Gran Teatro del Mundo surgió dentro de El Carro de Comedias de TeatroUNAM, un programa de teatro callejero diseñado para impulsar a egresados recientes de las escuelas profesionales de teatro del país. “Es el único proyecto que existe de calle que hace que tengan más de cien funciones al año”, explica Andrés Carreño.

El director entró a una convocatoria abierta a directoras y directores y propuso adaptar el clásico de Calderón de la Barca. Tras la aceptación de su proyecto, realizó una audición para conformar el elenco: tres actrices y tres actores.

Después de concluir el ciclo en la calle, la UNAM ofreció apoyo de producción para llevar el montaje a un recinto cerrado. Andrés Carreño decidió continuar el proyecto bajo el nombre de Cabaret Misterio, su compañía, ya en el Teatro Sergio Magaña. “Digamos que dejamos la calle para irnos al teatro”, resume.

La adaptación mantiene la estructura del autosacramental original, un texto que cuestiona la existencia, el libre albedrío y la figura de Dios. Andrés Carreño trasladó esas preguntas filosóficas hacia un cuestionamiento social sobre las clases sociales en México: “Qué tanto de verdad que vivas en pobreza o en riqueza es la cosa del échale ganismo o de verdad hay una estructura que no permite que uno se mueva por más ganas que le eche”.

Los temas que toca “El Gran Teatro del Mundo”

Sobre el apartado político de la obra, el director nos cuenta: “No hay espacio para dudar de nuestro discurso político. Hay que hablar con claridad. ¿A qué nos referimos? Pues estamos viendo que Latinoamérica se nos está yendo a la ultraderecha, con todo lo que eso implica. Tener a la gente en precariedad, utilizar a la gente como objeto, como vil mano de obra, que la riqueza esté solo en unas pocas manos”.

El director menciona el desastre en Nepal como ejemplo de que “todos estos actos de riqueza desmedida, de abuso no solo de la humanidad, sino del planeta Tierra, tienen consecuencias sobre nosotros”.

Para Andrés Carreño, el discurso del esfuerzo individual —lo que llama “échale ganismo”— sigue vendiéndose como solución pese a las barreras estructurales: “No nací ni con la pigmentación necesaria, ni con el apellido que se requiere, ni con las amistades que a otras personas les dan acceso a una, literal, a una mejor vida”.

La obra pasó de la calle al Teatro Sergio Magaña

La transición del formato callejero al teatro cerrado implicó ajustes en el ritmo y la construcción de los textos. “La calle tiene la maravilla de enfrentarse tal cual a lo inesperado”, dice Andrés Carreño. Y agrega:

“Todo puede pasar, desde que llueva la mitad de la obra hasta que pase una ambulancia y no se escuche el texto. Hay que tener más herramientas para jalar el foco de la gente. Y en el teatro uno se permite, como estás más cobijado por las luces, por los oscuros, incluso por lo cerrado del lugar, tener, digamos, un bordado fino en ciertos textos que pueden ir”.

Y ejemplifica: “Por ejemplo, David tiene el texto, ese sí, tal cual, de la pobreza, que es un texto maravilloso, un diálogo maravilloso de Calderón de la Barca. Y en calle tenía que ir un poco más rápido. Y aquí en teatro se puede dar más el espacio de disfrutar todas las palabras, de echarle más emoción, ¿no? Pero las dos cosas tienen su maravilloso encanto".

La reacción del público

Andrés Carreño construye la experiencia teatral desde el humor como punto de entrada:

“Algo que me enseñaron muy bien mis maestras y maestros de cabaret y que yo he querido seguir en la vida es que primero el teatro sea un acto gozoso. O sea, que la gente vaya y diga: “Me divertí, hay canciones, bailé, me reí, hay mucho humor. Y aparte de todo, mientras me estaba riendo, después me cayó el veinte de que estaban hablando de algo bien complicado o de algo que me interpela y que es doloroso, pero a través de la ironía y de la parodia hacen que me pueda reír”.

La música también juega un importante papel en la obra: “La música es de Julio Gándara, es música original. Nuestras rolas son: Por más que trabajo, de maceta no paso, o Eres pobre porque quieres, ¿no? Todas estas rolas hablan también de la ironía de las personas trabajadoras frente a las personas megamillonarias".

El director describe el montaje como una mezcla entre teatro popular mexicano y teatro español, que conserva vigentes las preguntas ontológicas de Calderón de la Barca sobre el sentido de la vida.

La temporada continúa hasta el 13 de septiembre antes de viajar a Hermosillo, Sonora

La temporada en el Teatro Sergio Magaña corre hasta el 13 de septiembre con funciones los sábados y domingos a la 1:00 de la tarde.

Tras el cierre de temporada en la Ciudad de México, la producción se trasladará a Hermosillo, Sonora, para una función adicional. Andrés Carreño expresó su intención de seguir presentando la obra fuera de la capital: “Esperemos que sigamos rolando con el Gran Teatro del Mundo por todo el mundo”.

Broadway Week volverá a Nueva York del 8 al 20 de septiembre con entradas 2x1 para 25 producciones, una promoción que busca abaratar el acceso a algunos de los espectáculos más demandados de la ciudad y reforzar el turismo cultural en uno de los meses con mayor actividad del calendario neoyorquino.

Desde su lanzamiento en 2011, el programa vendió más de tres millones de entradas y generó más de USD 222 millones para la industria teatral, según New York City Tourism + Conventions y The Broadway League. Esas cifras explican por qué la campaña se mantiene dos veces al año como una de las iniciativas más extendidas del circuito.

Para muchos visitantes, ver un musical forma parte de cualquier viaje a la ciudad, pero el precio suele ser una barrera. Según la información oficial, una entrada puede superar con facilidad los USD 150 o USD 200, de acuerdo con la producción y la ubicación de la butaca.

La edición de otoño de 2026 ya tiene boletos disponibles hasta agotar cupos. Algunas funciones quedan fuera de la promoción por fechas restringidas y ciertas producciones ofrecen mejoras de ubicación a cambio de un suplemento.

La promoción incluye clásicos consolidados y títulos recientes

Entre los 25 espectáculos participantes figuran títulos de larga permanencia como The Lion King, Wicked, Chicago, Aladdin y The Book of Mormon. La lista también incorpora producciones como Harry Potter and the Cursed Child, MJ The Musical, Hadestown, Six, & Juliet, The Outsiders, Maybe Happy Ending y Operation Mincemeat.

La oferta suma además obras más recientes como Buena Vista Social Club, The Great Gatsby y Stranger Things: The First Shadow. La amplitud del programa abarca musicales familiares, comedias, dramas, adaptaciones cinematográficas, montajes históricos, obras basadas en series de televisión y propuestas inspiradas en artistas musicales.

Ese abanico permite que la promoción funcione en dos direcciones: facilita el acceso a quienes visitan Broadway por primera vez y amplía la audiencia potencial de montajes nuevos. El descuento ronda el 50 %, aunque el ahorro final depende del espectáculo elegido y de la localización de los asientos.

Para una familia de cuatro personas, esa rebaja puede representar varios cientos de dólares menos en musicales de alta demanda. La recomendación de los organizadores es reservar con rapidez, porque algunas producciones agotan sus localidades en los primeros días y los mejores asientos suelen venderse antes.

Septiembre concentra deporte, moda, fiestas callejeras y cartelera teatral

La campaña fue concebida también como un incentivo para viajar a Nueva York en uno de los momentos más intensos del año. Septiembre coincide con el US Open, la New York Fashion Week, la Feast of San Gennaro, grandes exposiciones en museos y festivales gastronómicos.

Esa superposición de eventos convierte al mes en una ventana atractiva para combinar actividades culturales y ahorro en espectáculos. El programa permite, en pocos días, sumar un musical con descuento a una agenda que ya incluye deporte, moda, celebraciones callejeras, conciertos, parques y mercados gastronómicos.

Según la información oficial difundida por NYC Tourism + Conventions, Broadway Week no solo beneficia al público. La actividad teatral arrastra consumo en hoteles, restaurantes, transporte, comercios, bares y operadores turísticos, con un efecto que se extiende más allá de los teatros y alcanza a buena parte del área de Times Square.

Las entradas se comercializan únicamente a través de los canales oficiales de NYC Tourism + Conventions y de plataformas autorizadas. La promoción estará vigente hasta el 20 de septiembre o hasta que se agoten los cupos disponibles.

Gala Montes ingresó como habitante de La Casa de los Famosos México el pasado 6 de septiembre, pero la actriz y cantante ya tenía un compromiso profesional confirmado desde antes de su llegada al reality: debutar como protagonista del musical Malinche el 22 de septiembre, en pleno encierro televisivo que, según la producción, se extenderá hasta el 4 de octubre.

La coincidencia de fechas entre ambos proyectos ha generado dudas sobre cómo se resolverá el compromiso teatral, sin que hasta el momento exista una explicación oficial por parte de Televisa, la producción del reality o el equipo del musical dirigido por Nacho Cano.

Su historia en Malinche, el musical

El vínculo de Montes con Malinche, el Musical comenzó en enero de 2026, cuando debutó sobre el escenario del Frontón México interpretando a la madre del personaje principal, en dos funciones especiales los días 24 y 25 de ese mes. La invitación llegó directamente de Nacho Cano, exintegrante de Mecano, luego de que la actriz interpretara el tema “Mujer contra mujer” en octubre de 2025.

Según relató la propia Montes, ese primer acercamiento ocurrió en un momento personal complicado. “Cuando México me dio la espalda, porque yo era la más funada y todo mundo me odiaba, llegó Nacho y me dijo: ‘a mí me caes bien’”, declaró la actriz, quien añadió que en ese entonces “no sabía para dónde ir” y encontró en el productor español un respaldo que no había hallado en el ámbito local.

A partir del 22 de septiembre, Montes asumirá el papel protagónico de Malinche, dejando atrás el personaje de la madre para encarnar a la figura histórica central de la producción. La actriz aseguró sentirse identificada con el personaje: “Me siento muy Malinche, porque yo soy mexicana y a veces siento que no me tratan como si fuera de aquí, como si no llevara 20 años trabajando”, explicó.

De esa colaboración con Cano surgieron además otros proyectos, entre ellos una canción para su álbum La Hija de Nadie y una participación en el espectáculo Ibiza Paradise, que se presenta en Madrid. En el marco de la presentación del musical, Montes también propuso públicamente una colaboración musical con Kenia Os, a quien llamó a “unirse como mujeres” en medio de la controversia que la cantante sinaloense enfrenta con Belinda y Danna Paola.

Lo que reveló dentro de la casa sobre el papel

Ya como habitante del reality, Gala Montes retomó el tema de su compromiso teatral en una conversación con su compañero Yahir. Ahí explicó que el papel protagónico en Malinche lo pidió ella misma de manera específica ante la producción del musical, y adelantó que planea comenzar a interpretarlo en cuanto salga de la casa.

¿Podrá Gala Montes cumplir con su debut como protagonista de Malinche el 22 de septiembre? La actriz aseguró dentro de la casa que el estreno del papel ocurrirá apenas termine su participación en el reality, aunque la producción de La Casa de los Famosos México tiene programada la gran final hasta el 4 de octubre, casi dos semanas después de la fecha anunciada para el musical.

Esta declaración añade una capa de tensión al calendario de ambos proyectos, ya que hasta el momento ni el equipo del musical ni la producción del reality han explicado públicamente cómo se resolverá la coincidencia de fechas, ni si existe algún arreglo especial para que Montes cumpla con ambos compromisos.

Su paso previo por La Casa de los Famosos México

Antes de este nuevo compromiso teatral, Gala Montes ya contaba con experiencia en La Casa de los Famosos México. Participó en la segunda temporada del reality, transmitida en 2024, donde permaneció 71 días y llegó hasta la gran final como tercera finalista, por detrás de Karime Pindter y Mario Bezares.

Aquella edición estuvo marcada por el enfrentamiento que Montes sostuvo con Adrián Marcelo, a quien llamó “marihuano” durante una discusión al interior de la casa, episodio que se mantuvo como uno de los momentos más recordados de la temporada y que continúa generando reacciones dos años después.

El regreso al reality en 2026

El 6 de septiembre de 2026, durante la sexta gala de eliminación de la cuarta temporada, Gala Montes se convirtió en la primera exhabitante de La Casa de los Famosos México en volver a participar como concursante de pleno derecho. Su ingreso ocurrió después de la eliminación de Flor Vigna y tras la salida de Aldo Rendón, quien abandonó la competencia por motivos de salud.

La propia Montes explicó frente a sus compañeros de casa las razones detrás de su regreso: “Yo entré aquí porque quiero promocionar mi disco y me interesa estar aquí para poder contarles mi verdad, porque nunca se me dio la oportunidad, pero quiero sacarle provecho”, confesó, en referencia tanto al lanzamiento de La Hija de Nadie como a su versión de lo ocurrido con Adrián Marcelo en la edición anterior.

Por su parte, la productora Rosa María Noguerón confirmó que la decisión de reincorporar a la actriz fue deliberada. “Ya sabemos su juego, teníamos que hacer algo porque se fue un habitante muy querido y odiado por muchos, alguien que dio mucho contenido, entonces teníamos que mover eso”, declaró la productora, quien reconoció que la entrada de Montes representaba “un riesgo” calculado para reactivar la dinámica de la competencia.

De acuerdo con el periodista Gabriel Cuevas, Montes habría negociado un pago de 600 mil pesos por cada semana que permanezca dentro de la casa, cifra que hasta el momento no ha sido confirmada ni por la actriz ni por Televisa ni por la producción del programa.

Polémicas recientes previas a su ingreso

El regreso de Montes al reality llegó precedido de varias controversias personales. En agosto, la actriz denunció públicamente haber enfrentado discriminación en su propio edificio, luego de que una vecina le reclamara por fumar marihuana dentro de su departamento. “Es mi casa”, respondió Montes, quien aprovechó el episodio para cuestionar la estigmatización del consumo de cannabis.

Días después, ya dentro de la casa, Montes retomó el tema tras la salida de Aldo Rendón, a quien defendió sugiriendo que la producción no fue sincera sobre las verdaderas razones de su partida. “¿Por qué no dicen: ‘le quitamos la pluma y él ya no acepta no fumar marihuana’?”, planteó la actriz, quien pidió la legalización de la marihuana en México. Esta postura fue respaldada posteriormente por el conductor Arath de la Torre, quien pidió no juzgar a Montes con “doble moral”.

A la par de estos episodios, Montes enfrentó un conflicto familiar prolongado con su hermana, Beba Montes (cuyo nombre real es Crista Fernández), que se extendió durante varias semanas de julio y agosto con acusaciones cruzadas sobre consumo de sustancias y desacuerdos relacionados con la sobrina de la actriz.

Ya durante su participación en el reality, circuló además un video publicado por Orlando Santana, amigo de Montes y encargado de sus redes sociales durante su encierro, en el que se le observa junto a la actriz dentro de un vehículo, vistiendo la misma ropa con la que después ingresó al programa, lo que generó especulación sobre el momento exacto en que fue grabado. Otro video adicional, difundido en historias de Instagram, mostró a la actriz presuntamente compartiendo una bebida alcohólica con su chofer camino a Televisa.

El mensaje de su madre y la publicación previa al ingreso

Horas antes de que se confirmara su regreso al reality, Gala Montes publicó en Instagram la portada de La Hija de Nadie acompañada de un mensaje en el que afirmó sentirse “rota” y expresó frases como “necesito salvarme” y “necesito pedir ayuda”. En esa misma publicación, anunció que se alejaría temporalmente de las redes sociales y que personas de su confianza, entre ellas Orlando Santana, quedarían al frente de sus cuentas y del lanzamiento de su álbum.

Ese mensaje generó preocupación entre distintas figuras del espectáculo. El conductor Poncho de Nigris, exparticipante de la primera temporada del reality, advirtió públicamente que Montes estaba “a nada de un brote psicótico” y cuestionó que la producción decidiera incorporarla al programa en ese contexto emocional.

La reacción más contundente llegó de parte de la propia madre de la actriz, Crista Montes de Oca, quien publicó un mensaje cuestionando la manera en que la producción exponía a su hija con fines de audiencia. “No todo es rating”, escribió Montes de Oca, quien manifestó su preocupación por el bienestar de la actriz en medio de un momento personal que consideró delicado. Hasta el momento, la producción del programa no ha respondido públicamente ni a la publicación de la madre de Montes ni a las condiciones bajo las cuales la actriz aceptó su reingreso al reality.

La confirmación llegó en una charla informal con el periodista Renzo Berecoechea, donde la actriz fue revelando aspectos de la propuesta a medida que se desarrollaba la entrevista. Contó que la obra ya está escrita y que combina el humor con la nostalgia por una época marcada por la figura de Doña Petrona, pionera en el hecho de llevar la gastronomía a la televisión. Barbieri destacó el potencial del proyecto, que apunta tanto a un público teatral tradicional como a quienes todavía guardan en la memoria la imagen de la cocinera como un ícono de varias generaciones.

Según explicó, se trata de una comedia musical con un elenco breve, compuesto por seis personajes. Entre ellos sobresalen, naturalmente, Doña Petrona y Juanita, la asistente que quedó asociada para siempre al imaginario del personaje. Una evocación que mezcló humor, nostalgia y reconocimiento a una relación televisiva que excedió el mero rol de cocinera y colaboradora.

La actriz también dejó en claro cuál es el centro del relato. “Es la vida de esta mujer que llevó la cocina a la televisión”, explicó. En esa frase quedó condensado el espíritu de una obra que buscaría reconstruir el itinerario de Petrona Carrizo de Gandulfo, nacida en La Banda, Santiago del Estero, y convertida luego en una personalidad, capaz de instalarse en la vida diaria de los hogares argentinos a través de una pedagogía culinaria propia y de una presencia frente a cámara.

En la charla también apareció otro elemento del legado de Doña Petrona: su libro. Fue Berecoechea quien recordó que ese volumen es señalado como uno de los más vendidos de la Argentina, solo detrás de la Biblia. Barbieri recogió esa observación y la conectó con una vivencia personal: “Yo tengo uno que me regalaron”, contó. A partir de ahí, quedó otra vez en primer plano la importancia del recetario, publicado originalmente en 1934 y transformado en un clásico de consulta para miles de familias.

Lejos de limitarse a mencionar el nombre del personaje, la actriz mostró un conocimiento cercano de ese universo. En un momento de la entrevista, incluso imitó el modo en que Doña Petrona retaba a su asistente: “Juanita, le dije que esto no”. Ese gesto, sencillo y espontáneo, alcanzó para reconstruir en pocos segundos parte de la personalidad televisiva de la cocinera: su tono firme, su vínculo con la ayudante y ese estilo que tantas personas todavía recuerdan.

Carmen Barbieri también explicó por qué siente cercanía con el papel. “Tuve la suerte de ver a Doña Petrona”, afirmó, y agregó que, además de haberla seguido en su momento, leyó su libro y conoció su historia. Esa conexión previa con el personaje parece aportar un matiz especial a la propuesta, ya que no se trataría solo de una composición actoral, sino también de la recuperación de una figura que forma parte de su propia memoria como espectadora.

La artista cerró su descripción con una frase breve: “Una mujer con mucha historia”. En esa definición quedó resumido el potencial del proyecto. Por ahora, la obra aparece como una de las propuestas que Carmen Barbieri evalúa y que de alguna manera dialoga con sus propias vivencias. La mamá de Fede Bal tuvo un recordado paso por MasterChef Celebrity, luego de recuperarse de un grave cuadro de coronavirus, donde reveló su propio vínculo con la cocina.

Hablar de teatro en México también implica hablar de las historias que encuentran en el escenario una forma distinta de ser contadas. La vida familiar, sus contradicciones y aquello que suele permanecer dentro de casa han servido como punto de partida para distintas propuestas escénicas. En ese territorio se mueve Violeta, una obra que pone el foco en las consecuencias de un pasado que no quedó realmente atrás.

La producción parte de una situación concreta: una mujer vuelve al sitio donde nació después de varios años. Ese desplazamiento físico termina desencadenando otro mucho más complejo, porque el regreso la coloca frente a relaciones y acontecimientos que todavía tienen peso en su presente. La casa de la infancia deja de ser solamente un lugar conocido y adquiere una dimensión ligada a la memoria.

El teatro resulta particularmente pertinente para abordar conflictos de esta naturaleza porque permite observar las relaciones entre los personajes mientras las tensiones se desarrollan frente al público.

En este caso, el interés no está únicamente en descubrir qué ocurrió dentro de esa familia, sino en seguir las consecuencias que tiene remover aquello que durante años permaneció sin resolverse.

El pasado familiar vuelve cuando alguien decide cuestionarlo

La historia de Violeta se construye alrededor de una familia cuya aparente estabilidad está relacionada con cosas que no se hablan. La protagonista llega con la necesidad de enfrentarse a una parte de su historia y ese movimiento altera el equilibrio existente. Lo que estaba escondido comienza a ocupar espacio y obliga a los personajes a mirar de otra manera sus propios vínculos.

La violencia y el abuso forman parte del trasfondo del conflicto, pero la obra también se interesa por el silencio que puede rodear esas experiencias. Las consecuencias no terminan en el momento en que sucede un hecho; pueden permanecer en las relaciones familiares y modificar la manera en que las personas recuerdan, interpretan y enfrentan su pasado.

En ese sentido, el regreso adquiere un significado distinto. Violeta no vuelve simplemente para recuperar recuerdos de infancia. Su presencia está relacionada con la posibilidad de comprender lo ocurrido y determinar qué lugar puede ocupar ese pasado en su vida. La historia coloca a la protagonista ante una disyuntiva que involucra memoria, familia y la necesidad de establecer límites.

Una frontera que también puede ser emocional

La idea de frontera atraviesa el relato de una manera que va más allá de una división geográfica. En la historia también representa la distancia que una persona intenta construir respecto de aquello que la lastimó. Puede tratarse de una frontera con el pasado, con determinados vínculos familiares o incluso con experiencias que dejaron una huella en la propia identidad.

Ese concepto modifica la lectura del regreso. Volver al lugar de origen no significa necesariamente reconciliarse con él. En determinadas circunstancias, regresar puede servir para comprobar qué queda pendiente y decidir si es posible cerrar una etapa. La protagonista se encuentra precisamente en ese punto, donde conocer las respuestas puede ser tan complejo como vivir con las preguntas.

El reparto está integrado por Teté Espinoza, Mayra Sérbulo, Luis Eduardo Yee, Cuauhtli Jiménez y Matías Urbina, quienes interpretan a Violeta, Dominga, Beto, David y Tomás. Sus personajes forman el núcleo familiar sobre el que se desarrolla el conflicto. Las funciones están programadas del 3 de septiembre al 4 de octubre de 2026.

La propuesta se inserta así en un teatro que puede utilizar las historias particulares para acercarse a asuntos de mayor alcance. La violencia dentro de los espacios familiares, los secretos y las dificultades para romper con determinadas dinámicas forman parte de una realidad que puede ser explorada desde la ficción sin convertirla necesariamente en una respuesta cerrada.

Leticia Brédice no solo pisa el escenario: lo convierte en refugio, en juego, en confesionario y en fiesta. Su energía, capaz de ser risa desbordada y lágrima a flor de piel en la misma noche, envuelve a quien se cruce con ella, dejando la certeza de haber presenciado algo único e irrepetible. Tras atravesar momentos de creación y producción, Brédice vuelve al centro de la escena con una intensidad renovada y una sensibilidad aún más afinada. En charla íntima con Teleshow, se anima a desnudar el corazón y a celebrar, sin pudores ni reservas, este presente tan propio.

El eco de su nombre volvió a recorrer teatros y pantallas gracias a su brillante transformación en Susana Giménez para la serie Moria Casán, un fenómeno en Netflix que encendió la admiración del público. Pero Leticia es mucho más que una sola luz: también canta y se anima al juego en Es mi sueño, el reality de eltrece, donde deja en claro que la pasión por el arte no tiene fronteras. Como si eso no bastara, se lanza a su proyecto más personal: Milagro, una obra escrita, dirigida y protagonizada por ella, junto a su sobrina Ananda Li Brédice, en el histórico Teatro Santa María, donde tuvo su estreno el pasado viernes 4 de septiembre.

Milagro no es solo teatro: es Leticia abriendo su mundo y su alma, invitando al espectador a cruzar el umbral de la ficción hacia el territorio de lo íntimo y lo universal. Bajo la producción de Darío Arellano, Brédice encarna a María de los Milagros Figueroa Alcorta, una mujer que decide alquilar un teatro para decir lo que nunca antes se atrevió. A su lado, Ananda despliega un abanico de personajes que son reflejo, guía y sombra, borrando los límites entre realidad y ensoñación. Juntas, transforman el escenario en un espacio donde la vida y el arte se funden en un milagro hecho de recuerdos, risa, dolor y ternura.

—Estás transitando un presente profesional con muchos proyectos a la vez. ¿Cómo vivís este momento de tu carrera?

—Estoy muy feliz y agradecida. En este momento de Argentina, donde llegar a fin de mes es muy difícil, tener trabajo ya es un milagro. Justamente la obra habla un poco de eso, de los milagros, de estar vivos, de cada circunstancia de la vida que es un milagro y que uno elige vivir. Y con la cantidad de trabajo que tengo ahora, siento que hay que poner el cuerpo, accionar. La profesión es muy larga; yo empecé de muy chica, a los 13 años, y creo que estoy en un momento donde me siento con salud, con ganas. Tengo muchas ganas de estar en el teatro, de trabajar con mis compañeros, de estar con mi sobrina Ananda, que es una genia del teatro. Ella fue asistente de dirección de Priscila Pavlowsky, y para mí es un honor trabajar con ella. Además, poder estar en una obra, encontrar un productor como Darío Arellano, que se anima a producir teatro, es motivo de agradecimiento. Y cada persona del público que venga ya es una bendición.

—¿Sentís que esta etapa es diferente a nivel profesional?

—Todas las etapas son distintas. Me parece que sí, que es otro momento. Pensándolo, todas las que tuve dentro de la profesión y en mi vida fueron maravillosas, porque de todas aprendí algo. Cuando hice Ceniza del paraíso fue maravilloso. Nueve reinas fue maravilloso. Loca de amor, El elegido, hacer teatro, encontrar personajes con buenos autores, trabajar con Moria Casán, y también después tomarme el tiempo para estar con mi hijo o para estar conmigo misma, con lo que me pasaba, también fue importante. A veces, en esta profesión, uno se deja atropellar por la vorágine, por querer estar siempre vigente, no dejar pasar oportunidades. Pero creo que hay que aprender de uno mismo, de la vida, de lo que es ser madre, de las frustraciones que trae la profesión y la vida.

Pasamos una pandemia, que parece que no fue nada, pero ocurrió muchísimo. En mi caso, perdí a mis padres... Todo es aprendizaje para llegar siempre a un nuevo estadio. Para mí, lo genuino ahora es sentirme presente, contenta, conocerme. Todo el trabajo en terapia, todo lo que hice y hago, me sana. Encontrar una pareja como Martín (Russo) es parte de ese aprendizaje, entender que no quiero parejas tóxicas ni gente que no me hace bien. Hoy me encuentro con gente que me hace bien y que quiere lo mejor para mí y para ellos.

Siempre quise estar rodeada de personas con talento, que quieran dar lo mejor arriba y abajo del escenario, con buena predisposición y ganas de vivir. No quiero estar enroscada ni fuera de foco. Siento que estoy mucho más cerca de esa nena que jugaba frente al espejo, que imaginaba que los desodorantes y el champú eran periodistas y les contaba lo que iba a hacer. Haberlo alcanzado es muy importante. Es hermoso encontrar ternura en el espectáculo y no querer salir corriendo.

—¿Te sentís en tu lugar en el mundo, disfrutando de esta etapa?

—Sí, y lo siento verdadero. Que sea feliz, que no sea como “tengo que ir a grabar y no quiero”. Nunca me pasó eso, pero sí, en este momento de mi vida, elijo las compañías y los amigos que me hacen bien. No trato de lidiar con gente que no me suma. Recién en este momento de la vida puedo decir que me encuentro acompañada por personas que quieren lo mejor para mí y para ellas. Es un reflejo: si alguien quiere lo mejor para sí mismo, te va a ayudar a que vos también estés mejor, te acompaña en los momentos difíciles, te llora cuando lo necesitás y te alegra cuando podés.

—En Milagro, tu nueva obra, volcás mucho de todo esto. ¿Cómo surgió la idea y cuál fue el punto de partida para contar esta historia junto a tu sobrina?

—Ahora es otra historia la que estamos contando, porque Milagro pasó por diferentes estadios y ahora es algo totalmente distinto. Es lo que te decía antes: una mujer que, al hablar, va reconociendo los milagros que tiene y eso se le empieza a reflejar mientras cuenta su vida. Además, estar con mi sobrina es un sueño y un aprendizaje. En nuestra familia somos de un linaje de mujeres artistas: mi hermana mayor, mi otra hermana que es maquilladora, y amigas que siempre fueron actrices. Lo que tengo para contar es el milagro de la vida. Eso es lo más lindo de venir a escuchar al teatro, porque todo lo que sucede es inesperado y a la vez gracioso. Es como la vida.

—¿Qué significa para vos poder continuar ese linaje de mujeres artistas, en un momento en que no es tan común ver familias enteras dedicadas al arte?

—Para mí, la formación siempre fue central. Desde los 12 años estudié en la escuela de Norman Briski, y mi sobrina también. Quería que se forme desde chica. Mi otra hermana también tiene formación teatral, pero da clases en un penal de mujeres. Todos tenemos una misión con la creatividad, con la autenticidad de la vida, que es emocionar y conmover al público, hacer que sienta algo inesperado, que lo transforme. A mí me pasa cuando veo una buena obra o una actriz verdadera en el teatro o el cine, o leo una obra que me toca. Me gusta estar cerca de esa mujer milagro, que la gente venga a escuchar y se vea reflejada, aunque su vida no tenga nada que ver.

—Comentaste que la obra fue cambiando con el tiempo. ¿A qué se debió esa transformación?

—Fue cambiando porque también lo hicieron las personas que me acompañaban. Ahora, con Ananda, logramos solidificar una parte de la obra que realmente queríamos contar. El crecimiento de Milagro fue de performance y proyecto experimental a algo con más hondura y profundidad. Eso también es parte del crecimiento artístico.

—¿Por qué seguís eligiendo el teatro sobre otros formatos?

—A mí me emociona todo: filmar una película, hacer televisión, dar una entrevista. Me gusta poder ser verdadera, contar mis miserias y alegrías sin prejuicio. El teatro es donde más quiero romper con todo, donde más busco transformar al otro. Siempre quiero que el público se lleve algo, que se conmueva, que se transforme. Me pasa eso, que quiero que la gente que viene se lleve una transformación, aunque sea mínima.

—En este tiempo también participaste en la serie de Moria, interpretando a Susana Giménez. ¿Cómo llegó esa propuesta y cómo viviste el desafío de hacer un personaje tan icónico?

—Tenía muchas ganas de trabajar y cuando escuché lo de Moria, mis amigos me dijeron que la llamara. Me animé, la llamé y le dije: “Moria, quiero estar, me muero por estar en tu serie, aunque sea abriendo un auto. Quiero que mi hijo me vea en tu serie”. Nunca imaginé que me iba a tocar ser Susana, que es el sueño máximo. Hacerlo bien, que salga bien, es como que te toque la muñeca más linda para interpretar. Además, trabajar en un producto nacional con actores y técnicos increíbles, con directores que cuentan la historia de una figura tan importante, es un regalo de Dios. Fui el último día de grabación y fue alucinante. La vida de Moria es la de una actriz, es emocionante verla, escucharla sin caretas. Estar en esa serie, con esas interpretaciones y ese equipo, fue un honor.

—¿Tuviste que estudiar mucho para captar la voz y los gestos de Susana?

—Sí, trabajé mucho la voz y los manierismos. Era una sola escena, pero me puse muy detallista: la escuchaba en distintas épocas y buscaba matices. Quería que fuera más cariñosa, más sensible. Me terminé volviendo mañosa, tanto que mi pareja me decía: “Basta, Leti, confiá en tu actriz y relajate”. Fue un arte y estoy muy agradecida de haber podido interpretarla. Además, tengo una anécdota: hace años, haciendo teatro, encontré la estrella de Susana en la vereda de Corrientes mientras reemplazaban todas las que estaban en la calle. Y la tengo en casa. Nunca lo conté, pero para mí es una señal y una protección como actriz.

—¿Pudiste hablar con Susana o recibir algún comentario suyo tras la serie?

—No, no tuve contacto y tampoco lo espero.

—¿Qué te generó la repercusión en redes por tu interpretación?

—Me pone muy contenta. Es difícil porque es una sola escena y no hay tiempo de desarrollar el rol. Pero agradezco mucho el cariño. El público es libre de interpretar y de opinar.

—¿Te pasó que después de grabar te encontraste imitando a Susana en situaciones cotidianas?

—Muchísimas veces. Después de la serie me pedían que repitiera frases y hasta mi marido me pedía que hiciera chistes como Susana. Ella es una mujer tan feliz y con tanta luz, tan hermosa como su aura, que es imposible no disfrutarlo. Jugar a ser Susana es una bendición muy grande.

—Además, ahora participás de Es mi sueño, tu nuevo desafío en televisión. ¿Cómo surgió esa oportunidad y qué significa para vos?

—Me llamaron a mitad de año y me encantó la propuesta de cantar en la tele. Cantar te salva la vida. El programa me encanta, me gustan los chicos, Abel Pintos, Jimena Barón, Joaquín Levinton, todos son geniales. Me hace bien seguir tomando clases de canto, porque me cuesta, y es bueno tener que seguir aprendiendo. No tengo la misma voz que antes, pero entrenarla me pone feliz. El show y cantar son alegría pura. Los participantes tienen un talento impresionante; a veces prefiero que canten ellos y yo quedarme escuchando. Guido Kaczka también es divino, una persona muy cariñosa. Me gusta disfrazarme, animarme a cantar algo que me dé miedo y ver qué pasa. Es emocionante y una gran oportunidad para quienes participan.

—¿Cómo hacés para organizarte con tantos proyectos a la vez?

—Me hace bien tener ocupada la cabeza, la mente, el espíritu y las manos. Estudiar me hace bien; soy hija de laburantes y claramente soy una laburante. Ahí es donde siento que crezco, aunque me equivoque. Voy a natación, a estética, hago redes. Me gusta aprender cosas nuevas, como tejer mejor, hacer historias en redes, llamar a un Uber o cocinar. El orden dentro de mi caos me mantiene alerta a la vida. Hay días que me abruma todo lo que tengo que hacer, pero ahora me lo tomo diferente, despacito. Aprendo a relajarme y a pedir ayuda, a no hacer todo el mismo día. Me gusta encontrar personas que, como yo, quieren estar bien, quieren avanzar, y eso es un reflejo que ayuda a que la vida sea mejor.

—¿Hay algún objetivo o meta que te gustaría alcanzar de cara al estreno de Milagro o en general?

—Con Milagro me gustaría que suceda lo que tenga que suceder, que deje algo, que no sea vacío. Lo más importante es estar acompañada de gente que me sostiene. Hoy lo que más me potencia es accionar, no quedarme en la pena o el llanto, ponerle humor y mucha fuerza a los momentos difíciles de la vida, como el trabajo o tener que pagar cuentas.

—Por último, ¿qué esperás que el público se lleve después de ver Milagro?

—Espero que se conmuevan. Pienso que hasta llegar al teatro ya es un milagro: estar sentado en una butaca, ver a un actor en vivo, es algo único en un mundo con tanta inteligencia artificial. Que la gente esté dispuesta a ver a un actor que deja cuerpo y alma en el escenario me conmueve. El teatro es lo más terrenal y vivo que existe, y eso es lo que quiero transmitir con la obra.

Hay artistas que llegan a un escenario y simplemente hacen su trabajo. Y hay otros que, con el paso de los años, consiguen algo mucho más difícil: convertir ese escenario en una casa. Para el Flaco Pailos, Buenos Aires es justamente eso. Un lugar al que vuelve una y otra vez, una ciudad que lo recibió cuando todavía tenía mucho por demostrar y que, desde aquella primera temporada en 2008, volvió a elegirlo como uno de sus humoristas. Ahora regresa con “Solo de Humor”, un espectáculo que recupera la esencia de sus comienzos y que podrá verse todos los viernes de septiembre a las 22.30 en el Paseo La Plaza.

Durante 90 minutos, vuelve a quedar solo frente al público, sin grandes escenografías ni una estructura que lo proteja: apenas sus personajes, sus historias, sus cambios de vestuario, sus sonidos, la música, la gestualidad y esa capacidad de improvisar que construyó durante décadas. Es un formato que, según cuenta, lo devuelve a un territorio conocido y querido. “El solo de humor más rápido y más gracioso”, define él mismo al espectáculo, una propuesta vertiginosa en la que interpreta diferentes personajes y realiza cambios de vestuario sobre el escenario, frente a los espectadores.

La propuesta tiene algo de viaje imaginario. Lleva al público por distintos lugares del mundo y lo hace a través de personajes, voces, situaciones absurdas y relatos que se suceden a toda velocidad. “Mi espectáculo es una mezcla de todo: de stand up, de contador de chistes, músico, de actor también”, explica sobre esta etapa de su carrera. Y esa definición acaso sea la mejor manera de entenderlo: el Flaco Pailos que vuelve a Buenos Aires no es solamente aquel contador de chistes que alguna vez conquistó la televisión, sino un artista que aprendió a mezclar todos sus oficios para mantenerse vigente.

Porque antes de ser humorista fue músico. Y antes de aprender a hacer reír desde un escenario, soñó con cantar, tocar la guitarra y tener una banda de rock. “Yo empecé como músico”, recuerda. Su padre le enseñó a tocar la guitarra y en su casa siempre hubo discos. Hasta que un día, siendo joven, descubrió un álbum que le cambiaría la cabeza: Instituciones, de Sui Generis. “Me voló la cabeza Charly con Nito”, cuenta. A partir de entonces quiso componer, formar una banda y convertirse en músico de rock nacional. Tuvo grupos, tocó durante años y siguió escuchando música incluso cuando el humor terminó ocupando el centro de su vida.

La transformación llegó de manera casi accidental. Una noche, tocando con un trío en un pub de Río Tercero, descubrió que las canciones no estaban funcionando. El público hablaba, nadie parecía prestar demasiada atención y la banda seguía tocando casi por inercia. Entonces decidió probar algo diferente. “Bueno, por supuesto, fanático del Negro Álvarez. Voy a contar un chiste. A ver si les gusta, porque están todos hablando”, recuerda entre risas.

El chiste funcionó. Después vino una imitación de Nino Bravo y el acompañamiento del bajista, algunos comentarios improvisados, más chistes y una escena inesperada que terminó cambiando el rumbo de su vida. “Hicimos como unos momentos de diez minutos hablando huevadas y después seguimos tocando”, recuerda. Cuando terminó la noche, los integrantes de la banda entendieron que allí había algo. Así nació la veta humorística de Los Viejos Pescados, que comenzó a transitar un camino que terminaría llevándolo desde los bares cordobeses hasta los grandes escenarios.

El humor fue creciendo y la música comenzó a compartir protagonismo con los personajes. Después llegaron las temporadas teatrales, las giras nacionales y aquellos espectáculos de gran despliegue que lo llevaron a recorrer el país con bailarines, músicos y escenografías. Hubo piratas, romanos, mundos fantásticos y hasta una particular versión de Harry Potter bautizada, fiel a su estilo, como Harry Torpe.

Pero hubo un momento que marcó un antes y un después: su llegada a la televisión de la mano de Marcelo Tinelli. Su mujer lo convenció de presentarse a un casting al que inicialmente no quería ir. “Yo no quería ir a un casting. Me sonaba como una prueba”, admite. Finalmente fue caminando hasta el Teatro Real de Córdoba. Allí se encontró con algunos conocidos, prendieron una cámara y le pidieron que contara unos chistes. Quince días después recibió el llamado.

La participación en el Campeonato Nacional del Chiste de VideoMatch lo puso frente a millones de espectadores y modificó para siempre la escala de su carrera. Pailos recuerda especialmente aquel primer chiste largo que le contó a Marcelo Tinelli, un material que con los años terminó convirtiéndose en uno de sus grandes clásicos y que, según cuenta, acumula más de diez millones de reproducciones en YouTube. “Para mí eso fue un antes y un después”, reconoce. “Me vieron de otras provincias, de otros lugares y bueno, me cambió mucho la vida”.

Buenos Aires también apareció entonces como una suerte de territorio conquistado. La primera temporada porteña llegó en 2008 y el resultado fue inmediato. “Fue bárbaro, porque le gustó el humor mío al porteño y a la gente de provincia también de Buenos Aires”, recuerda. Desde entonces, la relación con la ciudad se transformó en una historia de ida y vuelta.

Pailos cuenta que en aquellos primeros años llegó a ser reconocido simplemente como “el cordobés que cuenta chistes”. En el subte le regalaban cospeles. En un comercio llegó a recibir una docena de sandwiches de miga. Y hasta los taxistas lo reconocían. Una vez, recuerda entre risas, un chofer abrió la guantera, sacó un CD suyo y le preguntó: “¿Vos sos este?”. Cuando Pailos confirmó su identidad, el hombre directamente decidió no cobrarle el viaje.

Son esas pequeñas escenas las que explican por qué vuelve. Porque detrás del humor, de las temporadas y de los escenarios, hay una relación afectiva con el público que el artista todavía conserva intacta: “El cariño de la gente es lo más lindo que tiene esto”, asegura. “Más cuando hacés reír”.

Y quizás allí esté la verdadera razón por la que, después de tantos años, sigue eligiendo estar arriba de un escenario.

Admite que incluso los artistas con una trayectoria extensa pueden sentir inseguridad. Lo experimentó recientemente, cuando después de varios meses dedicado a la gira de Flaco Pailos Sinfónico, con una camerata de músicos, volvió a presentarse completamente solo. De repente tuvo que recuperar los personajes, los trajes, los cambios y la dinámica de aquel unipersonal que hacía tiempo no interpretaba.

Y algo inesperado ocurrió: “Hasta me sorprendí de mí mismo”, cuenta. “Como estaba solo... de pronto solo y con los trajes, cambiándome. Bueno, estoy en carrera”.

La frase que resume aquella noche llegó inmediatamente después, con la sinceridad y el humor que lo caracterizan: “Me digo... sí soy bueno, che”. La risa de la entrevista acompaña el recuerdo, pero detrás del chiste hay una certeza. Después de décadas de escenarios, el Flaco todavía necesita comprobar que la magia sigue ahí.

Y cuando el público responde, la confirmación llega de inmediato: “Todavía sigo siendo bueno y se ríe mucho la gente”, dice, antes de destacar otra de las herramientas que más disfruta: la improvisación.

Es justamente esa capacidad de leer el ambiente, de incorporar la actualidad y de modificar una situación sobre la marcha la que le permite que cada función sea diferente. No necesita hablar directamente con el público para establecer ese diálogo. Le alcanza con una referencia, una frase, una observación sobre lo que está pasando en el país o una situación inesperada que pueda transformar en material humorístico.

“Después de tantos años tengo esas cosas”, explica. Y enseguida agrega una frase que tiene algo de declaración de principios: “Si no tengo eso, me tengo que retirar”.

Pero Pailos nunca quiso quedarse quieto. Esa parece ser una de las claves de su permanencia. Cada nuevo espectáculo significó para él un desafío. Cuando hizo un show sobre el Bicentenario tuvo que estudiar historia. Cuando creó un espectáculo inspirado en piratas, incorporó vestuario y escenografía. Cuando abordó personajes de todo el país, explotó su facilidad para las diferentes tonadas. Y cuando apareció el desafío de llevar su humor a una camerata, volvió a apostar por algo que muchos consideraban una locura.

“Me gusta eso, el desafío de algo nuevo, de no perder la magia, de seguir con el poder de poder improvisar”, sostiene.

Esa necesidad de renovarse también tuvo que ver con algo mucho más íntimo: escuchar a las nuevas generaciones. Como cuando recuerda que alguna vez su hija, de unos 14 o 15 años, le señaló que determinados chistes ya no funcionaban de la misma manera. En lugar de resistirse, decidió escucharla: “Bueno, dejame pensarlo”, fue su respuesta.

A partir de entonces buscó nuevas maneras de construir humor. No abandonó su esencia, pero cambió los contextos, los personajes y las situaciones. Entendió que el humor también podía transformarse sin perder identidad. Y quizás esa sea otra de las razones por las que continúa vigente.

En tiempos en los que las redes sociales pueden rescatar un video de hace veinte o treinta años y convertirlo nuevamente en un fenómeno viral, Pailos descubrió una segunda generación de espectadores. Jóvenes de 20 o 25 años llegan a verlo después de encontrarse con aquel viejo video junto a Tinelli.

“Es como una rueda”, explica. Un público envejece, aparece otro, un video vuelve a circular y alguien que nunca lo había visto pregunta quién es ese hombre que hace reír desde la pantalla. El humor cambia. Las plataformas cambian. Los escenarios cambian. Pero la risa permanece.

Por eso, cuando llega el momento de hablar de su futuro, no piensa en el retiro. Se ríe de sus 61 años y hasta bromea con la posibilidad de seguir sobre los escenarios a los 80. “Mirá cómo está Moria”, dispara.

Sin embargo, detrás de la humorada aparece una convicción mucho más seria: mientras pueda sorprenderse, crear, improvisar y sentir la respuesta de una sala, seguirá allí. Porque todavía sueña: “Yo siempre quise estar arriba. Yo siempre soñé despierto”, confiesa.

Ese chico que tocaba la guitarra y soñaba con tener una banda finalmente tuvo una. El joven que quería que la gente lo conociera por sus canciones terminó encontrando en los chistes su verdadera voz. El humorista que imaginaba una temporada en Carlos Paz consiguió llenar teatros. Y aquel cordobés que alguna vez soñó con venir a Buenos Aires terminó siendo convocado por Carlos Rottemberg después de que el empresario mirara los borderós y se preguntara quién era “ese flaco de Córdoba que llena todos los teatros donde va”.

En 2008 llegó finalmente a la calle Corrientes. El sueño se había cumplido. Ahora vuelve una vez más. “Está bueno el sueño, pero hay que ponerle estudio, laburo, respeto, constancia”, les dice a los más jóvenes. Y él mismo parece haber hecho de esa frase una forma de vida: “Cuando trabajo con el teatro y estas cosas, soy el primero que llega y el último que se va”, cuenta. Porque el humor podrá parecer liviano, pero detrás de cada carcajada hay una enorme cantidad de trabajo.

Y detrás de cada función hay también una historia. La del Flaco Pailos es la de un hombre que soñó con la música, encontró el humor casi por accidente y terminó haciendo de la risa una profesión. La de un cordobés que convirtió sus historias en chistes y sus chistes en recuerdos para varias generaciones. La de un artista que todavía sale por la puerta del teatro para encontrarse con quienes acaban de verlo, sacarse fotos y escuchar sus comentarios.

“No me voy por la puerta del costadito”, podría resumirse en su manera de actuar fuera del escenario. Se queda. Saluda. Conversa. Porque, como él mismo lo dice, “el cariño de la gente es lo más lindo que tiene esto”.

Y mientras ese cariño siga estando del otro lado del escenario, él parece tener una razón más que suficiente para seguir haciendo lo que mejor sabe: contar historias, transformarse en personajes y regalar, durante una hora y media, ese extraño y maravilloso permiso para olvidarse de todo. Reírse.

Marini nació en Mar del Plata en 1940, hija de madre alemana y padre italiano que tenía barcos de pesca. Fue la primera generación argentina. Cerca de los 30 años se exilió a Francia, donde construyó una carrera que la convirtió en referencia del teatro europeo y latinoamericano. En los años 60 había protagonizado la contracultura porteña y formado parte de los artistas revolucionarios del Instituto Di Tella. Ha recorrido un largo camino. Por eso, en una de sus últimas tardes porteñas, piensa cada palabra en su diálogo con Infobae Cultura. Habla y parece que recitara un texto arriba del escenario. Todo en Marilú es obra.

En esta temporada de invierno en Buenos Aires, atravesada por el fútbol y las Malvinas, Marilú Marini interpretó Manifestum —una conferencia performática ambientada en el año 2300, sobre identidades fluidas y afectos, creada por Oria Puppo junto a Franco Torchia— y dirige La lluvia de fuego, pieza de Silvina Ocampo y Juan José Hernández que protagoniza Valeria Lois, con humor negro, farsa y vodevil. Y cuando llegue a París, su año no habrá terminado: retoma una obra de Pascal Ramberg que estrenó el año pasado y tiene en vista un proyecto de película. Marilú tiene 86 años pero es apenas un dato anecdótico.

En esta entrevista habla del trabajo artesanal y comunitario que hizo posible los dos estrenos en tiempo récord, de la Argentina que observó desde afuera, de su comentario en el programa de Mirtha Legrand que se viralizó en redes, y de por qué el teatro sigue siendo, en plena era de las pantallas, el lugar donde alguien de la tribu le cuenta una historia al resto. “Hoy en día es un lugar donde se da la magia”, reflexiona. “La gente va a escuchar y a ver una historia que le pertenece. Tenemos un contacto de cuerpo a cuerpo entre los que escuchan y entre los que cuentan.”

—¿Cómo fue este período de dos meses en Buenos Aires?

—Primero hicimos Manifestum, el programa, la conferencia performática que había creado Oria Puppo, que hicimos con Franco Torchia, con Sol Lopatín en las luces y Diego Vainer en la música, y todo un grupo de autores de textos, que la curaduría la hicieron Franco y Oria. Fue fantástico y muy satisfactorio porque encaró el tema de la aceptación de la diferencia, de la identidad de género. Y luego de eso, que terminó el 16, el 28 de agosto estrenamos La lluvia de fuego. O sea que fue una batalla para armar y organizar los ensayos mientras estábamos actuando.

Entre el final de Manifestum y el principio de La lluvia de fuego, ensayábamos en el mismo escenario. Y tuvimos ocho. O sea que es poquísimo. Pero gracias a esa continuidad y al conocimiento de los equipos creativos, de la sala, del lugar, del contacto entre nosotros, y porque estábamos todo el tiempo juntos y en contacto, se dio una continuidad de un espectáculo a otro, aunque la estética, aunque el tipo de material que se estaba haciendo vibrar, crear, era muy distinto. Había algo que se transmitía. Una continuidad de trabajo y de entendimiento acerca del hecho que se transmitía. Eso facilitó y hizo posible que cumpliéramos con los tiempos. Dijimos estrenamos el 28 de agosto y lo hicimos, no retrasamos el tiempo.

Quiero remarcarlo: la disponibilidad de las áreas de construcción, de decorado, pintura, escultura, vestuario, peluquería del Teatro San Martín. Todo el mundo realmente se puso la camiseta.

—Después de esos dos meses, tan intensos como siempre en Argentina (para vos y para nosotros) ¿Con qué idea te vas de la Argentina?

—Siempre veo a los argentinos con una capacidad de adaptación a situaciones diversas y difíciles que es admirable. Es una situación muy complicada, socialmente y económicamente. Pero siento también que de cualquier forma hay una presencia de la gente frente a las dificultades. Hay una capacidad de invención, de cómo salir y cómo manejarse que es admirable.

Hay una necesidad también de encontrar, no un refugio, sino un lugar de la gente: no para la queja, porque creo que la queja desgasta, sino para la invención de un futuro, de cómo sería, cómo podría ser... Tal vez esa invención pueda ser que esté equivocada, pero no importa, se probará con otra, se hará. Lo interesante es inventar, crear y no quedarnos quejándonos.

—En tu paso por el programa de Mirtha Legrand, hiciste un comentario que se viralizó particularmente en X e Instagram. ¿Supiste de eso, qué te parece?

—Tengo una cuenta de Instagram que no manejo. Yo no estoy mucho en las redes, no me meto mucho. Pero sí, me imagino... En el programa de Mirtha dije lo que pienso de la realidad. Que hay que vivir en una sociedad en la cual la gente tenga derecho y acceso a las necesidades básicas que tiene un ciudadano y un ser humano: salud, educación, casa y acceso a la cultura. Es algo que forma el cuerpo ideológico y el cuerpo de pensamiento de un ser humano.

El Estado tiene que estar presente en esas necesidades humanas. Los ciudadanos también tienen deberes hacia el Estado. O sea, es algo recíproco. Todos tenemos una responsabilidad, pero no por sumisión. Luchar porque todas las personas y las comunidades que forman parte de un Estado tengan los mismos derechos y el mismo reconocimiento. Y de todas formas, yo pienso que una de las cosas importantísimas hoy en día es poder tener una comunicación y una acción en comunidad, en contacto. No en grandes masas, en número de gente, sino que justamente sea en comunidad. Que haya conexión, no solamente a través de las redes. Algo que se traduzca en una presencia.

—En una época donde todo está mediado por pantallas, ¿Qué sigue teniendo de mágico el teatro?

—Siempre es necesario que nos cuenten historias. Es como los niños cuando a la noche necesitan que uno les lea un cuento. El teatro es uno de los últimos lugares, en este momento, que continúa siendo lo que fue: un lugar donde alguien de la tribu cuenta una historia al resto. Es algo que suscita imaginación. Y esa persona no está en una actitud pasiva. Esa historia genera no solamente recuerdos, sino que hay algo de su identidad, de su ADN como ser humano que está tocado y se mueve cuando escucha esa historia y es partícipe de ese acto.

En el teatro tenemos un contacto de cuerpo a cuerpo entre los que escuchan y entre los que cuentan. Esa es la vigencia del teatro. El teatro es un trabajo artesanal, algo que se hace en comunidad.

Unos 2000 años separan la tragedia de Sófocles, Electra, del drama psicológico de Ingmar Bergman, Persona, pero la primera encierra la clave para comprender la segunda. En la película de Bergman, una actriz de teatro enmudece durante una representación de Electra porque la ruptura filial retratada en la obra de Sófocles evoca sucesos clave de su propia vida: la inquietante representación de la identidad fragmentada en Persona tiene su origen en un trauma materno.

Las resonancias entre estas dos obras canónicas se exploran en una ambiciosa obra de teatro nueva protagonizada por Cate Blanchett y Nina Hoss, que se estrenó esta semana en el Teatro Nacional de Londres.

La producción, titulada Electra/Persona y en cartelera hasta el 10 de octubre, supone un reencuentro triangular para su guionista y director australiano, Benedict Andrews, y sus dos actrices principales: Andrews dirigió a Hoss en El jardín de los cerezos y a Blanchett en Las criadas; y Hoss interpretó a la esposa de Blanchett en la película Tár de 2022.

La obra no es una simple mezcla, sino que consta de dos partes distintas y yuxtapuestas, conectadas únicamente por ecos sugerentes y una constante preocupación por la interpretación y la naturaleza escurridiza de la identidad. En consonancia con este tema, Blanchett y Hoss intercambian papeles en noches alternas. En la noche del estreno, Blanchett interpretó a Clitemnestra, la madre despectiva y frívola de la irascible Electra de Hoss.

Incapaz de perdonar a su madre por haber matado a su padre, Agamenón, y por haberse acostado con Egisto, su rival, Electra está tan sumida en el dolor que ha dejado de comer y de bañarse. Se enfurece amargamente blandiendo un martillo de plata. Pero Clitemnestra tenía sus razones: Agamenón había sacrificado a su hija Ifigenia para asegurar vientos favorables para una expedición militar.

La Clitemnestra de Blanchett expone sus argumentos con convicción, aunque su preocupación resulta inquietantemente falsa. Dice estar muy preocupada por Electra y añade, volviéndose hacia el público: «Todos lo estamos».

El tema de la representación se hace explícito cuando Clitemnestra propone una recreación de la muerte de Ifigenia mediante un juego de roles terapéutico. Electra se pone la chaqueta militar de su difunto padre, mientras que su hermana, Crisótemis (Ella Lily Hyland), se viste con un vestido que perteneció a Ifigenia. Es un momento extraño.

Más tarde, Electra canaliza el espíritu de su hermano perdido, Orestes, tras ponerse su vieja chaqueta deportiva, y se venga de Egisto (Patrick Robinson) de una manera sorprendentemente estilizada. El martillo ni siquiera lo alcanza; en cambio, Electra le escupe varios chorros de sangre falsa en la cara, y él cae muerto. Esto resulta, de alguna manera, más ignominioso que cualquier golpe contundente.

Hoss guarda silencio y la acción se detiene durante unos minutos. Los tramoyistas limpian la sangre mientras los actores se retocan el maquillaje con indiferencia, y la escena se reanuda con Hoss interpretando a Elisabeth, la actriz muda, recuperándose al cuidado de Alma, la enfermera interpretada por Blanchett. Una gran pantalla desciende del techo, sincronizada con una cámara de mano que los actores se apuntan entre sí por turnos para crear impactantes primeros planos en blanco y negro. Nos encontramos ahora en el mundo del cine de Bergman.

Se perciben ecos del enfrentamiento entre Clitemnestra y Electra en la servil y deslumbrada Alma, interpretada por Blanchett, quien mantiene un diálogo unilateral con su muda protegida. Su intento de despertar preocupación se topa con una hermetismo absoluto. El forzado profesionalismo de Alma da paso a una familiaridad ingenua, seguida de resentimiento y enfado. Mientras tanto, Elizabeth, interpretada por Hoss, se comunica mediante sugerentes microexpresiones, sonrisas apenas contenidas y gestos fugaces e inescrutables.

Este singular pas de deux es magníficamente modulado por Blanchett y Hoss, quienes suben y bajan descalzos por la inmensa escalera que ocupa todo el ancho del escenario. (La escenografía es de Magda Willi).

Las alusiones a la guerra y al desastre ambiental sugieren el efecto agravante de los acontecimientos mundiales, pero el origen de la difícil situación de Elisabeth es personal, como finalmente descubrimos: dio a luz a un hijo pero no sintió nada por él.

Cuando las identidades de Alma y Elisabeth parecen fundirse en una sola, evocando el espectro de la locura, recordamos el comentario anterior y significativo de Crisótemis sobre el gran parecido entre Electra y su madre: “A veces no puedo distinguir dónde termina ella y dónde empiezas tú”.

Últimamente, los clásicos están de moda en los escenarios londinenses. Dos millas más adelante, a orillas del Támesis, en el Bridge Theatre, los espectadores pueden disfrutar de una versión muy diferente de la tragedia griega a cargo de otro director australiano, Simon Stone. Su modernización de La Orestíada de Esquilo retrata la tensa relación entre padres e hijos en un thriller al estilo de Succession, repleto de sangre, suspense y acción trepidante. Es sumamente entretenida, pero bien podría haber sido una serie de televisión. En contraste, el minucioso enfoque psicológico de Electra/Persona, magistralmente interpretado por la elegante interpretación de Blanchett y Hoss, parece hecho a medida para el teatro.

Fuente: The New York Times

Lima recibe la primera semana de setiembre con una cartelera que mezcla grandes conciertos, teatro de autor y entretenimiento familiar a gran escala. Ricky Martin se presenta por primera vez en años en la Costa Verde, Eva Ayllón ofrece dos noches en el Teatro Plaza Norte y La Tarumba cierra su temporada de circo con Airosa.

En el plano escénico, ‘La Profesora’ llega a Lima tras su paso por Nueva York, Madrid y Ciudad de México, mientras Aldo Miyashiro estrena ‘Promoción’ y el histórico Daytona Park reabre sus puertas transformado en Paradox Park. La comedia también tiene su espacio con Carlos Galdós y Fernando Armas, y el teatro infantil ocupa buena parte de la programación de fin de semana.

TEATRO

La Profesora

Yvonne Frayssinet y Leonardo Torres Vilar protagonizan La Profesora, obra del dramaturgo español Eduardo Galán. La historia sigue a América Alcalá, una profesora próxima a jubilarse que enfrenta el temor a la vejez mientras intenta ayudar a Daniela, una adolescente cuyo comportamiento preocupa a su entorno. Convoca a tutorías a Ortiz, el padre de la joven, un hombre de origen humilde, y se irán mostrando relaciones marcas por las diferencias sociales y culturales. La producción ha recibido el Premio ATI de la Asociación del Teatro Independiente de Nueva York y el Talía Award of New York.

• Lugar: Teatro Ricardo Blume, Jr. Huiracocha 2160, Jesús María
• Horarios: Viernes, sábados y lunes, 8:00 p. m.; domingos, 7:00 p. m.
• Entrada: A la venta en Ticketmaster

Promoción

Aldo Miyashiro escribe esta obra dirigida por Manuel Baca Solsol que regresa a un salón de clases del último año escolar, donde un grupo de jóvenes enfrenta conflictos que continúan marcando a la sociedad actual. El elenco reúne a Ximena Galiano, Ale Carrasco, Carlos Thornton, Luis Cárdenas Natteri, Luis José Ocampo, Paolo Teevin, Estefano Buchelli, Fabián Calle, Fabiola Vargas, Valkiria Aragón, Mauno Hurtado, Isabella Parra, Gian Ausejo, Marisol Urbina, Vitalii Jiménez, Diana Zurita y Juan Carlos Delgado. La producción está a cargo de Piso 1 Producciones.

• Lugar: Teatro Ricardo Roca Rey de la AAA, Jr. Ica 323, Cercado de Lima
• Hasta cuándo: 20 de setiembre
• Horarios: Viernes y sábados, 8:00 p. m.; domingos, 7:00 p. m.
• Entrada: A la venta desde 35 soles en Joinnus

Suegras

Una comedia de enredos protagonizada por Gabriela Billotti, Yanina Ugarte, Caroll Chiara, Giselle Collao y André Moyo, sobre un matrimonio joven atrapado entre dos suegras de personalidades opuestas y una asistente peculiar. Dramaturgia y dirección de Paco Varela, producción de X Productora.

• Lugar: Teatro Auditorio Miraflores, Av. Larco 1150, Miraflores
• Hasta cuándo: 3 de octubre
• Horarios: Sábados y domingos, 8:30 p. m.
• Entrada: Desde 80 soles en Teleticket

Caos en familia

Escrita y dirigida por Gianfranco Mejía, la obra sigue a una familia distanciada que se reúne tras la muerte de Don Máximo para repartir la herencia, entre rivalidades, reproches del pasado y situaciones absurdas. El elenco incluye a Ramón García, Pedro Olórtegui, Paola Miñán, Jeffrie Fuster, Lorena Reynoso, Alexis Arteaga, Renato Babilonia y Daniela Barraza.

• Lugar: Teatro Auditorio Miraflores, Av. Larco 1150, Miraflores
• Cuándo: Domingo 6 de setiembre, 8:30 p. m.
• Entrada: 45 soles en Teleticket

BALLET Y DANZA

Ensayo abierto de El Lago de los Cisnes

La Municipalidad Metropolitana de Lima invita a un ensayo abierto de El Lago de los Cisnes, con música de Piotr Ilich Chaikovski, a cargo del Ballet Municipal de Lima. La puesta narra la historia de amor entre el príncipe Sigfrido y Odette, una princesa condenada por un hechizo a convertirse en cisne. El público debe llegar con 30 minutos de anticipación; el acceso es limitado y el canje de entradas es de un máximo de dos por persona, recomendado a partir de los 5 años acompañados de un adulto responsable.

• Lugar: Teatro Municipal de Lima, Jr. Ica 377, Cercado de Lima
• Cuándo: Miércoles 9 de setiembre, 8:00 p. m.
• Entrada: Libre, canje previo en Ticketmaster (máximo dos entradas por persona)

CONCIERTOS

Ricky Martin

Ricky Martin llega a Lima con un repertorio que incluye Livin’ la Vida Loca, Vuelve, La Mordidita, Tal Vez y Tu Recuerdo, en una producción con puesta en escena internacional y efectos visuales de gran formato.

• Lugar: Costa 21, Costa Verde s/n, San Miguel
• Cuándo: Jueves 10 de setiembre, 9:00 p. m.
• Entrada: Desde 341 soles en Teleticket

Eva Ayllón — Con Guitarra y Cajón

Eva Ayllón, ganadora del Latin Grammy a la Excelencia Musical 2019 y reconocida como Personalidad Meritoria de la Cultura, ofrece dos noches en el Teatro Plaza Norte con un repertorio de valses, festejos, marineras y tonderos que recorre más de 55 años de trayectoria.

• Lugar: Teatro Plaza Norte, Av. Alfredo Mendiola 1400, Independencia
• Cuándo: 4 y 5 de setiembre, 8:00 p. m.
• Entrada: Desde 96 soles en Ticketmaster

EXPOSICIONES Y FERIAS

Feria Gastronómica Fusión

América Multimedia organiza la segunda edición de esta feria gastronómica en Magdalena del Mar, con más de 60 restaurantes, activaciones y shows en vivo. La temática de este año es “La Ruta del Ají”.

• Lugar: Explanada Costa Verde, Magdalena del Mar
• Hasta cuándo: 6 de setiembre
• Entrada: Desde 30 soles en Joinnus

Fashion Lab en Expodeco

La escuela Toulouse Lautrec presentará el espacio Fashion Lab: Innovación y Moda en la feria Expodeco, del 9 al 13 de septiembre en La Molina. Diseñado como un atelier activo con impresoras 3D y mesas de corte, el stand exhibirá proyectos que combinan tecnología, impacto social y sostenibilidad: prendas amigables adaptadas para niños con Trastorno del Espectro Autista (TEA), textiles a base de biomateriales de la Amazonía e indumentaria hecha con cuero de piel de pescado recuperado de la pesca artesanal.

El programa incluirá un desfile de modas el viernes 11 con propuestas de egresados, un taller abierto el sábado 12 para personalizar ropa con insumos sostenibles y la charla magistral sobre arquitectura comercial a cargo de Almendra Varillas el domingo 13. La iniciativa busca mostrar en tiempo real cómo el diseño de moda inclusivo y sostenible transforma residuos y atiende necesidades específicas desde el proceso de confección.

EVENTOS INFANTILES

Airosa — La Tarumba

Últimas funciones de la nueva temporada de circo de La Tarumba, inspirada en el imaginario de Pancho Fierro, sobre una joven barrendera que descubre su fuerza en la Lima del siglo XIX. La dirección es de Carlos Olivera y la música en vivo, de Chebo Ballumbrosio.

• Entrada: Desde 49 soles en Ticketmaster

Paradox Park: Era Imperium

El histórico espacio del Jockey Club que albergó al Daytona Park reabre transformado en Paradox Park: Era Imperium, un parque temático desarrollado por Amusement Parks —compañía responsable de Fun Jungle, Splash Jungle e Infinity Park— con más de 50 desafíos distribuidos en cuatro ambientes inspirados en Roma, Egipto, Grecia y Babilonia. El proyecto marca el inicio del modelo “World Tour” de la compañía en la región y cuenta con certificaciones internacionales ISO 9001, ISO 45001 e IQNet.

• Lugar: Ex Daytona Park, Puerta 4 del Jockey Club
• Cuándo: Apertura el 4 de setiembre, 4:00 p. m. Funciones de viernes a domingo, en dos turnos: 10:00 a. m. a 3:00 p. m. y 4:00 p. m. a 9:00 p. m.
• Entrada: A la venta en Joinnus y en paradox-park.com

El Fantasma de la Ópera

Basada en la novela de Gastón Leroux, esta adaptación familiar sigue a la joven cantante Cristine y al enigmático Fantasma que acecha la Ópera de París. Recomendada para mayores de 8 años. Adaptación de Els Vandell, dirección de Vandell y Rod Díaz, con elenco encabezado por Paul Martin, Emilram Cossío, Anaí Padilla, Nicolás Ostolaza y Avril Gil.

• Lugar: Teatro La Plaza, Malecón de la Reserva 610, Larcomar, Miraflores
• Horarios: Sábados y domingos, 4:00 p. m.
• Entrada: 40 soles en Joinnus

Peter Pan — Arlequin Teatro

La productora Arlequin Teatro presenta la historia de Wendy y sus hermanos en su viaje a Nunca Jamás junto a Peter Pan, con el Capitán Garfio como antagonista.

• Lugar: Teatro Auditorio Miraflores, Av. Larco 1150, Miraflores
• Hasta cuándo: 11 de octubre
• Horarios: Desde el 5 de setiembre, 5:30 p. m.
• Entrada: 25 soles en Teleticket

Los tres chanchitos y el lobo feroz

Un clásico infantil sobre tres chanchitos que construyen sus casas mientras un lobo intenta derribarlas, con mensajes sobre el esfuerzo y la dedicación.

• Lugar: Teatro Padua, Auditorio San Antonio de Padua, Huiracocha 2010, Jesús María
• Cuándo: Domingos 6 y 20 de setiembre, 5:00 p. m.
• Entrada: Desde 40 soles en Teleticket

STAND UP Y MONÓLOGOS

Es lo que hay — Patricia Portocarrero

Patricia Portocarrero regresa con su unipersonal dirigido por Diego Lombardi en una temporada limitada de solo 12 funciones, sobre su búsqueda incesante del amor.

• Lugar: Centro Español del Perú, Av. Gral. Salaverry 1910, Jesús María
• Cuándo: Desde el 4 de setiembre, 8:00 p. m.
• Entrada: Desde 65 soles en Joinnus

36 años de puras risas — Fernando Armas

Fernando Armas celebra 36 años de trayectoria artística con un recorrido por sus personajes más recordados, con interacción, canciones y sorpresas.

• Lugar: Centro de Convenciones Bianca, Av. Grau 135, Barranco
• Cuándo: Viernes 4 de setiembre, 8:00 p. m.
• Entrada: Desde 48 soles en Teleticket

Te odio con todo mi amor — Carlos Galdós

Carlos Galdós presenta un espectáculo sobre las relaciones de pareja, sus discusiones cotidianas y la idea de que el amor no consiste en la perfección sino en aprender a convivir con las imperfecciones del otro. El local exige un consumo mínimo de 42 soles por persona.

• Lugar: Lima Comedy Club, Av. Benavides 345, Miraflores
• Hasta cuándo: 12 de setiembre
• Horarios: Dos funciones diarias, 5:00 p. m. y 8:00 p. m.
• Entrada: Desde 141 soles en Teleticket

Diez años después de su estreno, Mis cosas preferidas vuelve al Camarín de las Musas con una versión reescrita que la directora y dramaturga Macarena García Lenzi considera “una obra nueva”. La pieza, protagonizada por Valeria Giorcelli, se presentará cada viernes a las 21:30 horas desde este 4 de septiembre de 2026.

La obra sigue a Brenda, una mujer que recibe en su living visitas que solo ella puede ver. Alrededor de la mesa entabla una conversación que revela un reencuentro con amigas muy cercanas que dejaron de frecuentarse en la adolescencia. En el transcurso del encuentro se irán revelando un pasado que ella no recordaba —o no quería recordar—, en una imagen que la autora de la pieza describe como “un pañuelo blanco que se va tiñendo gota a gota hasta quedar empapado en sangre”.

La revisión parte de una pregunta central: qué fue de la vida de Brenda en estos diez años. La respuesta, según García Lenzi, implicó reescribir el texto para dar lugar a otra versión del personaje: la misma Brenda, pero convertida en adulta mayor, con nuevos conflictos que se suman a los traumas de antaño. Entre ellos, la cercanía de la vejez en el entorno familiar y el peso del tiempo sobre las fijaciones que la mantienen encerrada y sin salir a la calle.

La patología del personaje redefinió la puesta en escena

Ese encierro condicionó también las decisiones estéticas de la producción. Dado que Brenda se relaciona con la realidad de forma puramente mediática, el equipo debió replantear en profundidad la escenografía, el vestuario y la iluminación. El diseño de escenografía está a cargo de Duilio Dellapitima; el de luces, de Julian Alerta Mujica, con asistencia de Mercedes Abraham y operación de Federico Bellver. El vestuario fue diseñado por Paula Bianchini.

La música recupera una versión del clásico “My Favorite Things” —cuyo título en inglés da nombre a la obra— adaptada por Fernando Santiago. La producción ejecutiva está a cargo de Carolina Liponetzky, mientras que la producción general es responsabilidad de García Lenzi y Giorcelli.

La obra dura 50 minutos y es, en palabras de Macarena García Lenzi, “una pieza para cuatro personajes con uno solo en escena”: Valeria Giorcelli sostiene sola toda la acción sobre las tablas. La obra se presenta en el marco de la programación del Camarín de las Musas, sala ubicada en Mario Bravo 960. Las entradas se consiguen a través de Alternativa Teatral y las reservas pueden realizarse al 4862-0655.

La convivencia laboral entre ambas fue, desde el primer día, natural y armónica. “Somos 30 en escena, así que mi mamá tiene que manejar un barco enorme y yo soy una más, soy parte de eso”, comentó Margarita sobre cómo la dinámica ayuda a que la energía no recaiga únicamente en ella. A su vez, asegura que, en el teatro, sigue siendo “mamá”, nunca “Romina”. El vínculo familiar se mantiene intacto, pero en el escenario, la autoridad y el respeto por la directora están siempre presentes. Romina lo confirma con humor: “Yo le digo ‘hija’ y ella nunca me dijo ‘Romi’. Me muero si me decís ‘Romi’”.

Para Romina, el desafío de dirigir a su hija es, sobre todo, una fuente de emoción. “Es increíble, una experiencia inolvidable. Lloro. Lloro aparte por lo que es Romeo y Julieta, porque ya de por sí es muy conmovedora. Y cuando la veo a ella en ese rol, es mucho más fuerte, muy hermoso, muy emocionante”, aseguró frente a las cámaras. La obra, que surgió como un impulso después de su formación en el Teatro Colón, tomó forma rápidamente. “Esto empezó en abril, todo fue medio en tiempo récord. Un día me senté con Lucas Pombo, el dueño del Polo Cultural Saldías, y le dije que quería hacer algo, aunque no sabía bien qué. Era un momento para unir gente, armar algo nuevo con actores, músicos, artistas con ganas de mostrarse. Tenía el estudio, el espacio, y dije: ‘¿qué estoy haciendo?’”, recordó con emoción.

Así nació la convocatoria para el casting, buscando talentos, aunque fueran desconocidos, y dándoles oportunidad de lucirse. “En el segundo año del Colón estudié todo Shakespeare, entero. Así que elegí seis personajes, no solo Romeo y Julieta: están Cleopatra, Ricardo, Calibán…”, comentó Richi. Y resumió el espíritu de la obra: “Todo está atravesado por el deseo. Es el deseo el que manda, el que viene a contarnos que no es la vida la que te lleva, sino el deseo el que decide”.

El armado de la obra fue artesanal y colectivo, a pulmón y con la ayuda de amigos. “La fotografía la hizo Guido Adler, que es amigo de hace años. El vestuario fue una aventura: no teníamos plata ni producción, así que fui la productora. Gus de La Polilla Vestuarios, que ha ganado premios, y el Teatro Argentino de La Plata nos prestaron prendas. Todo fue posible gracias a una red de colaboración y entusiasmo”, detalló Romina.

Ser madre siempre fue central para ella, más allá de su oficio sobre las tablas: “Me encanta ser mamá, lo disfruto un montón. Soy muy madre. Creo que tengo más recuerdos de madre que de hija, porque a los 20 ya tuve a Valentina. Nunca lo dudé, me hace muy feliz”. También mencionó a Bethania, la más chica de la familia, a quien llamó con cariño “la terremota”.

Por su parte, Margarita dejó en claro que agradece cada palabra y reconoció que el desafío es grande: “Nunca había hecho una obra así. Lo trabajé en clases, pero esto es otra cosa. Estoy muy feliz, siento que es una obra que me desafía mucho como actriz y lo estoy aprovechando al máximo”, destacó la joven artista.

El proceso es una mezcla de orgullo, admiración mutua y mucho aprendizaje. Margarita valoró que, aunque su madre sea la directora, las decisiones se toman pensando en el conjunto y que el trato es tan profesional como cálido. Romina, por su parte, se emocionó con cada avance y cada función: “Romeo y Julieta ya es fuerte, pero cuando la que está ahí es tu hija, es mucho más. Es hermoso, movilizante, una felicidad difícil de describir”.

De esa manera, Julieta y Romeo es mucho más que una obra. Es el resultado de un deseo compartido, de la necesidad de crear y de dar lugar a nuevas voces en el escenario. Romina resalta la importancia de abrir espacios a talentos jóvenes, de permitir que quienes no tienen visibilidad encuentren su lugar. Margarita, mientras tanto, disfruta cada paso y siente que crecer junto a su madre en esta aventura es un privilegio y un honor.

El estreno marca el cierre de una etapa y el inicio de otra, en la que madre e hija celebran el poder del arte y del vínculo familiar, y se preparan para emocionar al público con una puesta atravesada por la pasión, el deseo y el amor. Para Romina, el teatro es un espacio de encuentro y transformación donde el deseo marca el rumbo. Para Margarita, es el escenario donde explora y comparte su vocación junto a su mamá. Así, ambas celebran juntas un estreno que, más allá de las luces y los aplausos, ya es imborrable para las dos.

Entrevista completa a Romina Richi y Margarita Páez

Infobae te acompaña cada día en YouTube con entrevistas, análisis y la información más destacada, en un formato cercano y dinámico.

* De 7 a 9: Infobae al Amanecer: Nacho Giron, Luciana Rubinska y Belén Escobar.

* De 9 a 12: Infobae a las Nueve: Gonzalo Sánchez, Tatiana Schapiro, Ramón Indart y Cecilia Boufflet.

* De 12 a 15: Infobae al Mediodía: Maru Duffard, Andrei Serbin Pont, Fede Mayol y Facundo Kablan.

* De 15 a 18: Infobae a la Tarde: Manu Jove, Maia Jastreblansky y Paula Guardia Bourdin; rotan en la semana Marcos Shaw, Lara López Calvo y Tomás Trapé.

* De 18 a 21: Infobae al Regreso: Gonzalo Aziz, Diego Iglesias, Malena de los Ríos y Matías Barbería; rotan en la semana Gustavo Lazzari, Martín Tetaz y Mica Mendelevich.

Seguinos en nuestro canal de YouTube @infobae.

La cartelera de Madrid reunirá diez montajes teatrales entre septiembre de 2026 y enero de 2027, con textos clásicos, dramaturgia contemporánea y repartos encabezados por Javier Bardem, Coque Malla, Alba Flores, Javier Cámara y Marta Nieto. Bardem volverá a los escenarios con ¡Chéjov, Chéjov!, tras situarse en el centro de la conversación por su actuación en la película El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen. El actor participará en una producción basada en textos de Antón Chéjov que se presentará en una sala independiente de Madrid. La temporada incluirá adaptaciones de Federico García Lorca, Bertolt Brecht, Pedro Calderón de la Barca y Jean-Paul Sartre. También habrá obras centradas en la memoria histórica, la precariedad, los conflictos por la vivienda, la culpa y los efectos de las crisis económicas y políticas.

Javier Bardem compartirá elenco con Alicia Borrachero, Rafa Castejón, Ben Temple y Manuela Velasco en ¡Chéjov, Chéjov!. La obra, dirigida por Juan Carlos Corazza, llegará al Espacio Zafra Teatro desde el 5 de noviembre hasta el 31 de enero de 2027. El montaje reunirá textos del dramaturgo ruso Antón Chéjov y tendrá lugar en una sala independiente, lejos de los grandes recintos públicos y privados de la capital. La presencia de Bardem marcará uno de los principales atractivos de la programación de otoño.

Coque Malla protagonizará La ópera de los tres centavos, de Bertolt Brecht, en el Teatro Infanta Isabel. La versión en español tendrá dirección de Mario Vega, música de Kurt Weill y un despliegue musical a cargo de Miguel Malla. La obra se estrenará el 22 de septiembre y permanecerá en cartel hasta el 6 de noviembre. Carmen Barrantes acompañará a Malla en una historia ambientada en la Alemania de 1928, atravesada por el paro, la marginalidad, la prostitución y la crisis del sistema capitalista.

Alba Flores formará parte de Libres!, texto de Esther F. Carrodeguas dirigido por Andrés Lima. La producción se verá en el Teatro de la Abadía entre el 11 de septiembre y el 12 de octubre. Libres! recuperará la historia de Mujeres Libres, la organización anarcosindicalista que defendió la emancipación femenina, el antifascismo y la revolución social. La puesta se narrará con ritmo de cabaret e incorporará figuras como Emma Goldman, Federica Montseny y Dolores Ibárruri, conocida como La Pasionaria. Andrés Lima regresará a la dirección después de 1936, con un texto de Carrodeguas que también alude a la presencia de hombres dentro de esos espacios políticos. La autora tendrá además La Punzión en el Centro Dramático Nacional (CDN), bajo la dirección de Beatriz Jaén.