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El actor Oriol Pla gana el Premio Nacional de Teatro por su “espectáculo deslumbrante” en la obra ‘Gula (Gola)’

Elena L. Villalvilla — Wed, 23 Sep 2026 17:45:30 +0000

Oriol Pla (Barcelona, 1993) suma un nuevo reconocimiento a su carrera. El actor ha sido distinguido este miércoles con el Premio Nacional de Teatro 2026 por su trabajo en Gula (Gola), una obra en la que el jurado ha destacado su “dominio de diferentes artes y disciplinas” y su “virtuosismo” del lenguaje del clown, tal y como ha compartido el Ministerio de Cultura en un comunicado.

Pla, conocido por series como Yo, adicto, -por el que ganó el Emmy Internacional al mejor actor- y que este martes ha presentado Esta soledad en el Festival de San Sebastián, ha recibido por esta pieza coescrita y codirigida junto a Pau Matas Nogué que protagoniza en solitario. Como recuerda el jurado, ha sido “un éxito contundente que ha conquistado a la crítica y al público, y apela al momento contemporáneo con un esfuerzo, riesgo y originalidad que subliman una propuesta escénica de enorme valor”.

El jurado, presidido por el director general de Artes Escénicas y Música, Javier Monsalve Iglesias, ha destacado su interpretación en la obra que se estrenó a finales de 2024 en el Teatre Nacional de Catalunya de Barcelona y este mes de enero en el Teatro Valle Inclán de Madrid. “Un espectáculo deslumbrante en el que demuestra un dominio de diferentes artes y disciplinas con una técnica extraordinaria, y en el que de forma destacada introduce con virtuosismo el lenguaje del clown en el hecho teatral”, han destacado sobre la obra que hace una crítica satírica al consumismo.

Dotado con 30.000 euros, el Premio Nacional de Teatro se concede anualmente para reconocer la labor de una persona o entidad en este ámbito, especialmente por una obra o actuación que haya sido estrenada o representada durante el año anterior, aunque también puede distinguir el conjunto de una trayectoria profesional.

Un actor criado en las tablas

El actor, hijo de los dramaturgos Quimet Pla y Núria Solina. se subió a las tablas con apenas seis años, dentro de la compañía familiar que fundaron sus padres, Teatre Tot Terreny. La influencia del circo y de la escuela de Lecoq despertó pronto su interés por el clown, el mimo, la música, la acrobacia, la danza, el circo y la escritura teatral, disciplinas en las que se ha formado tanto a través de cursos como de manera autodidacta.

Desde entonces ha compaginado la interpretación con la creación. Como creador ha participado en obras como Be God Is, Ragazzo y Odisseus, mientras que como actor ha formado parte de montajes como Santa Joana dels Escorxadors, Jo Mai, La Calavera de Connemara o Falaise. También ha trabajado con nombres como Àlex Rigola, Iván Morales, Lali Àlvarez, Iago Pericot y Baró d’Evel.

Pero su carrera no se ha limitado al teatro. Pla empezó a trabajar en cine y televisión a los 11 años y ha rodado con directores como Agustí Villaronga, Cesc Gay, Mariano Barroso y Jaime Rosales. En 2018 debutó además como director teatral con Travy, escrita junto a Pau Matas y producida por el Teatre Lliure, que recibió el Premio de la Crítica al mejor espectáculo de pequeño formato.

El gran reconocimiento internacional llegó en 2025 gracias a Yo, adicto: Pla se convirtió entonces en el primer intérprete español en ganar un Emmy Internacional a la mejor interpretación masculina. Apenas un año después suma a su trayectoria el Premio Nacional de Teatro, incorporándose a una lista de ganadores en la que figuran Blanca Portillo, Concha Velasco, Juan Diego Botto, Petra Martínez, Juan Margallo y, el pasado año, Angélica Liddell.

Pepe Viyuela deja la obra ‘Jardiel enamorado’ tras la denuncia contra Ramón Paso: “No tengo tripas para salir a escena”

Cynthia Serna Box — Tue, 22 Sep 2026 18:53:06 +0000

Pepe Viyuela ha decidido abandonar Jardiel enamorado, la obra de teatro en la que interpreta al escritor Enrique Jardiel Poncela y que dirige Ramón Paso, después de que la Fiscalía Provincial de Madrid haya presentado esta semana una denuncia contra el director por presuntos delitos sexuales que habría cometido contra varias mujeres entre 2018 y 2023. “Yo me he quedado de piedra. Estoy nervioso. No pienso en otra cosa. Estoy conmocionado”, ha explicado el actor a Europa Press. “No quiero llamarle. No quiero seguir con la función. Me voy”, ha subrayado.

El Ministerio Público ha dirigido la denuncia al Decanato de Juzgados de Madrid tras haber culminado unas diligencias preprocesales en las que tomó declaración a 14 presuntas víctimas -con edades comprendidas entre los 18 y los 25 años- que ratificaron su denuncia en sede fiscal. La Fiscalía ha incluido en su denuncia presuntos delitos de agresión sexual -en algunos casos en su modalidad continuada-, así como delitos de acoso sexual y hostigamiento, contra la integridad moral y de coacciones. Dichas conductas se habrían producido en los castings en los que participaba Paso y las presuntas víctimas, siempre a propósito de la actividad teatral del director.

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La obra llevaba representándose desde el pasado 10 de abril en el Teatro Infanta Isabel de Madrid. Esta tarde, Viyuela y el resto del equipo tendrán una reunión que será clave para el futuro de la representación. “No sé si la función va a continuar”, ha reflexionado. Además, considera que, tras las acusaciones a Paso, “al público tampoco le va a apetecer verla”. “No tengo tripas para salir a escena esta tarde”, ha concluido.

Más denuncias

La noticia de Ramón Paso supone un nuevo capítulo tras las denuncias vertidas sobre el director Carlos Vermut. Tres mujeres acusaron al director de Magical Girl y Mantícora de violencia sexual en un reportaje elaborado por El País. Se trataba de una estudiante de cine, una empleada de una de sus producciones y una trabajadora del sector cultural, que aseguraron al medio que, al igual que en el caso Paso, Vermut se sirvió de su posición para someterlas a relaciones violentas que en ningún momento consintieron. Los hechos transcurrieron entre mayo de 2014 y febrero de 2022.

Más tarde, otras tres mujeres se unieron a las denunciantes previas, confirmando sus declaraciones y aportado sus experiencias particulares con el director. Una de las mujeres contó que el acusado la inmovilizó, estranguló y forzó a tener sexo mientras ella se negaba tanto verbal como físicamente, mediante patadas, tratando de quitárselo de encima. Otra de ellas dijo que Vermut se lanzó sobre ella para besarla y tocarle los pechos y que él acabó arrancándole el sujetador, de nuevo habiendo escuchado una negativa explícita. La tercera de ellas, que trabajaba para él, fue encerrada en su casa después de un tiempo recibiendo un trato “denigrante, tanto verbal como físico”, así como una violencia inusitada y no consentida en las relaciones que mantuvieron.

Vermut aseguró a El País a raíz de la investigación que no había sido “consciente de haber ejercido violencia sexual contra ninguna mujer” y que ha “practicado sexo duro siempre de manera consentida”. “Me gustaría que saliera publicado -pide el acusado- que he tenido muchas relaciones de muchos tipos, siempre queriendo que la otra persona esté bien. Y creo que haber tenido una vida sexual promiscua y haber tenido sexo de muchos tipos puede llevarte a situaciones como estas”.

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“Tolerancia cero”

La Unión de Actores y Actrices ha reclamado “tolerancia cero” con los casos de violencia sexual tras la noticia de Ramón Paso. “Animamos a que cualquier actriz que sufra violencia o acoso lo cuente. Aunque sabemos que no siempre es fácil dar el primer paso, animamos a que lo den con quien consideren: conocidos, familia, compañeros de trabajo... El silencio es el primer escollo y ha de romperse para comenzar a poner en marcha medidas”, ha declarado en un comunicado.

El sindicato ha explicado que en el ámbito laboral, y sobre todo en los convenios colectivos acordado con las empresas del sector, hay medidas que “buscan poner límites” a estas situaciones. No obstante, ha instado a seguir creando y mejorando las herramientas y los protocolos que permitan “eliminar la impunidad” de estos actos y garantizar que las víctimas tengan cauces de denuncia.

Darío Grandinetti recordó cómo dejó su otra pasión: “No fui más porque ya había empezado con el teatro”

Andrea Taboada — Mon, 21 Sep 2026 16:45:31 +0000

El regreso de Darío Grandinetti a los escenarios de Rosario tuvo una coincidencia que el actor advirtió cuando el proyecto ya estaba en marcha: el estreno de El escritor de todas las cosas ocurrió cinco décadas después de sus primeras funciones teatrales. La obra, escrita y dirigida por Javier Daulte, abrió una nueva gira por el país y conectó al intérprete con la ciudad donde comenzó su formación artística.

En una charla con Teté Coustarot para el ciclo Argentina de Película de América TV, Grandinetti repasó esa trayectoria desde un lugar personal. Habló de su vínculo con Rosario, de una adolescencia atravesada por el fútbol y del encuentro casual que lo acercó al teatro. También se refirió a su residencia actual, después de años de trabajos en España y otros países: “Vivo en Rosario, voto en Rosario”, resumió.

La conversación también recuperó Darse cuenta, el clásico de Alejandro Doria en el que Grandinetti participó al comienzo de su recorrido cinematográfico. Junto a Coustarot, el actor evocó el rodaje y el vínculo profesional que entonces compartió con Doria, el dramaturgo Jacobo Langsner y China Zorrilla, una combinación que volvería a cruzarse más tarde en Esperando la carroza. Para Grandinetti, aquellas convocatorias coincidieron además con el trabajo televisivo que realizó con Doria en Atreverse y Situación límite.

El fútbol, primer plan antes de la escena

Antes de imaginar una carrera sobre las tablas, Grandinetti tenía otro objetivo. “Yo iba a ser jugador de fútbol”, afirmó durante la conversación. Llegó a probarse en las divisiones de Newell’s Old Boys cuando tenía 17 años y jugó como delantero en el Club Atlético Williams Kemys, de Las Rosas, localidad santafesina donde vivió parte de su infancia.

Su aspiración era ocupar el puesto de número 9, aunque reconoció, con humor, que fue más suplente que titular. El lugar estaba ocupado por un amigo al que llamaban Pelusa y a quien describió como un futbolista de gran nivel. La posibilidad de continuar en el fútbol implicaba, sin embargo, reorganizar por completo su vida laboral y personal.

Grandinetti ya trabajaba y había dejado sus estudios. Cuando debía volver a firmar la documentación para seguir en el club, el teatro había empezado a ocupar un lugar central. “No fui más porque ya había empezado con el teatro”, explicó. Esa decisión terminó por definir el rumbo de una carrera que luego tendría presencia en cine, televisión y escenarios de la Argentina y España.

La invitación casual que lo llevó a su primera obra

El ingreso de Grandinetti a la actuación no respondió a un plan previo ni a una tradición familiar. Según relató, se encontró en Rosario con una amiga de Los Cardos, a quien no veía desde hacía tiempo. Ella estudiaba teatro y lo invitó a acompañarla a una clase.

El actor recordó que al principio se resistió, pero aceptó la propuesta para asistir un jueves. “El jueves fui y acá estoy”, dijo, al condensar en una frase el inicio de un recorrido de medio siglo.

Su primera experiencia escénica llegó con una versión de Tartufo, de Molière, junto a un grupo rosarino. El estreno previsto en Rosario debió postergarse para él debido a un cuadro de paperas que lo obligó a permanecer dos semanas en cama. Por esa razón, la primera función se realizó en la ciudad bonaerense de Lobos, en el marco de un festival de teatro. Poco después, pudo presentar la obra en Rosario.

Ese comienzo adquirió una nueva dimensión al preparar El escritor de todas las cosas. Grandinetti explicó que primero definió con Daulte la idea de estrenar en su ciudad natal y organizar luego una gira. Recién después reparó en que la fecha coincidía con los 50 años de su debut. La obra se estrenó el 7 de agosto en el Teatro La Comedia de Rosario y continuó por distintas provincias.

El monólogo presenta a un escritor y aborda los vínculos entre palabra, memoria y ficción. Grandinetti lleva adelante el unipersonal, mientras Daulte firma tanto el texto como la dirección. El itinerario incluyó funciones en Santa Fe, Casilda, Junín, Río Cuarto, Córdoba, Villa María, Salta, Tucumán y otras ciudades.

El actor señaló ante Coustarot que la gira le permite mantener un contacto directo con públicos de distintos puntos del país. En la entrevista se mencionaron presentaciones en Banfield, Pilar, Chascomús, Venado Tuerto, Pergamino, San Isidro, San Luis, Villa Mercedes, San Miguel, La Matanza y el noroeste argentino, además de sucesivos regresos a Rosario.

Patrick Ball habló del éxito de The Pitt y explicó por qué la serie es más importante que cualquier premio

Fausto Urriste — Mon, 21 Sep 2026 12:07:44 +0000

Patrick Ball volvió al set de The Pitt la mañana siguiente a los Premios Emmy 2026 sin un trofeo en la mano, pero con la convicción de que la historia que la serie cuenta sobre los trabajadores de urgencias es más grande que cualquier galardón.

La primera nominación televisiva de Ball y su cercanía con el personaje

El actor, que interpreta al doctor Frank Langdon en la serie médica de HBO Max, asistió a la ceremonia acompañado por su pareja, la actriz Elysia Roorbach, que viajó desde Canadá para estar presente.

Aunque no se llevó el premio, Ball subrayó que lo más valioso de la noche fue otra cosa: figuras a las que admira desde hace años se acercaron a hacerlo sentirse parte de la industria. “Fue realmente increíble avanzar por toda la noche de los Emmy y que tantas personas a las que he admirado toda mi vida se acercaran y me hicieran sentir que pertenezco a este lugar”, declaró a Esquire.

De una aparición en “La ley y el orden” a protagonizar uno de los grandes éxitos del año

El único crédito televisivo previo de Ball era una participación en La ley y el orden en 2023. La serie debutó como uno de los grandes éxitos del año con una propuesta que retomaba los códigos del drama médico clásico y los actualizaba con una mirada contemporánea.

La velocidad del ascenso tomó a todos por sorpresa, incluido el propio elenco. “Éramos tan nuevos y tan inesperados que nadie sabía muy bien qué hacer con nosotros”, reconoció el actor.

Sus padres, enfermera y paramédico, y el peso de lo que “The Pitt” pone en escena

Semanas antes de la ceremonia, los padres de Ball lo llamaron con una noticia difícil: un médico veterano del servicio de emergencias de Carolina del Norte, conocido de la familia, había muerto tras un proceso de depresión.

Su madre es enfermera de urgencias y su padre, paramédico. Ese llamado, dijo, le reconfirmó el peso de lo que The Pitt pone en escena cada episodio. “No estamos aquí para celebrarnos a nosotros mismos. Estamos aquí para celebrar a héroes reales que hacen un trabajo real”, sostuvo Ball.

Tercera temporada, debut en Broadway y 38 episodios en dos años y medio

La producción graba ocho meses al año en el Stage 22 de Warner Bros., en Los Ángeles. Ball describió ese espacio como un lugar que siente propio, al punto de que le cuesta imaginar una vida antes o después de él. La tercera temporada está prevista para enero de 2027 y el actor anticipó que el equipo está “en su mejor momento”.

En el intervalo entre temporadas, Ball hizo su debut en Broadway con la obra Becky Shaw y se alojó en su antiguo apartamento en Clinton Hill, Brooklyn. Ese regreso al punto de partida, dijo, le permitió dimensionar la velocidad del cambio. El equipo lleva filmados 38 episodios en dos años y medio de producción.

El teatro como espacio de comunidad frente a la fragmentación de los algoritmos

Más allá de la televisión, el actor reafirmó su vínculo con las tablas. Para Ball, el teatro ofrece algo que ninguna plataforma puede replicar: el contacto directo entre intérprete y espectador, sin mediación tecnológica.

“Podés vivir una experiencia con el público y luego salir por la puerta del escenario y hablar con ellos cara a cara. Es una institución increíblemente importante, íntima y democrática”, afirmó.

El actor afirmó que la existencia de esa clase de comunidad presencial va a volverse cada vez más fundamental en el futuro, en especial a medida que las redes y los algoritmos continúen generando una mayor fragmentación de la experiencia cultural colectiva que antes compartíamos.

La refléxión de Antón Chéjov, dramaturgo ruso, sobre la perseverancia: “Escribamos o actuemos, lo importante no es la fama ni la gloria, sino saber resistir”

Elena L. Villalvilla — Mon, 21 Sep 2026 08:46:07 +0000

Antón Chéjov (Taganrog, 1860-Badenweiler, 1904) murió hace más de un siglo pero a día de hoy continúa siendo uno de los grandes nombres de la literatura y el teatro universal. O sino que se lo digan a Javier Bardem, que tras más de 30 años de carrera debutará en el teatro el año que viene con ¡Chéjov, Chéjov!, un montaje basado en textos breves y cuentos del dramaturgo ruso.

Médico de profesión, compaginó durante buena parte de su vida la consulta con una producción literaria que abarcó centenares de relatos y varias de las obras teatrales más influyentes de finales del siglo XIX, entre ellas Tío Vania, Las tres hermanas, El jardín de los cerezos y La gaviota. Es precisamente en esta última donde Chéjov dejó una reflexión sobre la vocación artística y la búsqueda del reconocimiento: “Para nosotros, escribamos o actuemos, lo importante no es la fama ni la gloria, sino saber resistir”.

La obra, escrita en 1895 y estrenada el17 de octubre de 1896 en el Teatro Aleksandrinski de San Petersburgo, narra los amoríos y desventuras de un grupo de artista en una finca rural de Rusia. Sus protagonistas son Konstantín Tréplev, un joven que quiere convertirse en escritor; su madre, la actriz Irina Arkádina; el novelista Borís Trigorin; y Nina Zaréchnaya, una joven fascinada por el teatro que sueña con convertirse en actriz.

El origen de la cita

La frase se encuentra en el cuarto y último acto de la obra, en el que han pasado dos años desde el comienzo de la trama. Nina ha sufrido el abandono de Trigorin, la pérdida de su hijo y ha pasado por todo tipo de dificultades como actriz. Al regresar en secreto y hablar con Tréplev, reflexiona sobre su experiencia en el arte y en la vida.

Nacido en Taganrog, entonces una ciudad portuaria del Imperio ruso, Chéjov estudió Medicina en la Universidad de Moscú mientras publicaba relatos humorísticos en periódicos y revistas para ayudar económicamente a su familia. Se graduó en 1884 y ejerció como médico durante buena parte de su vida, una profesión que nunca abandonó por completo pese a que la literatura fue ganando cada vez más peso en su trayectoria.

Escribió centenares de cuentos, entre ellos La dama del perrito, La estepa o La sala número seis, y se convirtió en uno de los grandes renovadores del relato breve. Al mismo tiempo, obras como La gaviota, Tío Vania, Las tres hermanas y El jardín de los cerezos transformaron el teatro con personajes cuyas frustraciones, deseos y conflictos no siempre se expresan directamente, sino que permanecen bajo las conversaciones aparentemente cotidianas.

Buena parte de su obra retrata la Rusia de finales del siglo XIX, sus desigualdades y el inmovilismo de unos personajes que desean cambiar de vida pero rara vez consiguen hacerlo. “Sus obras tenían el tierno susurrar de la vida cotidiana y ordinaria, la inutilidad melancólica de los recuerdos”, escribió Juan Carlos Onetti sobre su teatro en El País en 1980. Chéjov, que padecía tuberculosis desde años atrás, murió en Badenweiler, Alemania, en 1904, a los 44 años.

Agenda cultural en Lima 17 al 24 de setiembre: Robbie Williams, 'La Cabaña', 'La mujer de negro' y el Festival de la Luna se imponen

Cecilia Arias — Mon, 21 Sep 2026 03:56:11 +0000

Lima recibe una semana con una oferta amplia de música, teatro y actividades familiares. El cantante británico Robbie Williams se presenta por primera vez en el país con dos funciones en el Arena 1 Park, mientras el Teatro Marsano estrena La Cabaña, comedia de suspenso que llega tras su paso por Broadway y Londres. El Teatro Británico recibe además La mujer de negro, clásico del teatro inglés protagonizado por Alberto Isola y Nicolás Galindo, y el Festival de la Luna reúne tradición china, gastronomía y entretenimiento familiar en la Asociación Peruano China.

A eso se suman conciertos de salsa y reggae con El Gran Combo de Puerto Rico y Los Cafres, la feria de moda Fashion Hall Fest, la Feria Internacional del Libro Infantil y Juvenil, y una cartelera de teatro que incluye estrenos como Fedra, Passport y Asesinato en el Expreso Oriente.

CONCIERTOS

Robbie Williams

El cantante británico Robbie Williams llega por primera vez al Perú con dos funciones consecutivas en el Arena 1 Park. El artista presenta su nuevo disco Britpop junto a sus grandes éxitos, entre ellos Angels, Feel, Supreme, Millennium, Come Undone y Let Me Entertain You. Su llegada se produce en un momento de renovada popularidad, impulsada por el documental de Netflix sobre su carrera y por la película Better Man, en la que fue representado por un mono animado y que en el Perú fue vista por más de 100 mil personas.

Lugar: Arena 1 Park, Circuito de Playas s/n, San Miguel
Cuándo: Miércoles 23 y jueves 24 de setiembre, 9:00 p. m.
Entrada: Desde 231 soles en Ticketmaster (función del 23 de setiembre; la del 24 está agotada)

El Gran Combo de Puerto Rico

El Gran Combo de Puerto Rico, conocido como “La Universidad de la Salsa”, ofrece un concierto en el Gran Teatro Nacional con más de seis décadas de trayectoria. El repertorio incluye clásicos como Trampolín, Me Liberé y Aguacero.

Lugar: Gran Teatro Nacional, Av. Javier Prado Este 2225, San Borja
Cuándo: Viernes 18 de setiembre, 6:00 p. m. u 8:45 p. m., según la entrada adquirida
Entrada: Desde 518 soles en Teleticket (horario de las 6:00 p. m., el otro horario ya está sold out)

Bacilos

El trío de pop latino Bacilos regresa a Lima con un repertorio que incluye Caraluna, Mi Primer Millón y Tabaco y Chanel, junto a composiciones de su repertorio más reciente.

Lugar: Costa 21, Costa Verde s/n, San Miguel
Cuándo: Viernes 18 de setiembre, 9:00 p. m.
Entrada: Desde 129 soles en Teleticket

Los Cafres

La banda argentina Los Cafres, liderada por Guillermo Bonetto, presenta un concierto de reggae en español con los temas que la consolidaron como una de las agrupaciones más importantes del género en Latinoamérica.

Lugar: Círculo Militar del Perú, Jr. Pachacútec y Av. Cayetano Heredia, Jesús María
Cuándo: Sábado 19 de setiembre
Entrada: Desde 220 soles en Teleticket

FESTIVALES Y DANZAS

Festival de la Luna 2026

Una celebración familiar que combina cultura china, gastronomía y entretenimiento, con más de 40 atracciones. El programa incluye un show tributo a Luis Miguel a cargo de Ricky Santos, la Danza de Leones y Dragones, el paseo de faroles y vuelo de linternas, concursos de cosplay y vestimenta china, y un espacio infantil con títeres, juegos inflables y talleres de manualidades. Los niños menores de 13 años ingresan gratis.

Lugar: Asociación Peruano China (APCH), Av. Siete 229, La Molina
Cuándo: Domingo 20 de setiembre, 11:00 a. m. a 7:00 p. m.
Entrada: 65 soles en Joinnus (menores de 13 años, ingreso gratuito)

FERIAS

Fashion Hall Fest — Feria Textilinca 2026

El Fashion Hall Fest reúne diseñadores, marcas, estudiantes y profesionales de la moda peruana en el marco de Textilinca 2026, con desfiles, una exposición de alumnos de la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP), activaciones de moda sostenible y un encuentro de networking desarrollado en alianza con Match Emprende. “Buscamos crear un espacio donde el diseño peruano pueda encontrarse con nuevas audiencias, pero también con proveedores, marcas y potenciales aliados”, explica Brenda Zapata, directora del Fashion Hall Fest.

Lugar: Villa Complejo Ferial de Chorrillos
Cuándo: Del 17 al 20 de setiembre
Más información: textilinca.com

TEATRO

La Cabaña

Joaquín de Orbegoso, Lilian Schiappa, Oscar Beltrán, Sandra Muente, Germán Loero y Mane Acosta protagonizan esta comedia de suspenso escrita por la dramaturga estadounidense Sandy Rustin, que llega al Perú tras presentarse en Broadway y Londres. La historia transcurre en la Inglaterra de 1923 y sigue a una pareja de amantes cuyo encuentro clandestino se convierte en un caos absoluto tras la irrupción de una dupla con instintos asesinos. La dirección es de Rodrigo Falla Brousset y la producción general, de Makhy Arana.

Lugar: Teatro Marsano, C. Gral. Suárez 409, Miraflores
Horarios: Miércoles, jueves, viernes y sábados, 8:00 p. m.; domingos, 7:00 p. m.
Entrada: A la venta en boletería y en Teleticket

La mujer de negro

Alberto Isola y Nicolás Galindo protagonizan este clásico del teatro inglés, presentado por primera vez en el Perú bajo la dirección de Norma Martínez. Basada en la novela de Susan Hill, la obra sigue al abogado Arthur Kipps, quien contrata a un actor escéptico para reconstruir sobre un escenario un episodio de su juventud vinculado a la misteriosa presencia de la mujer de negro. La adaptación teatral, a cargo de Stephen Mallatratt, construye la tensión a través del sonido y la iluminación, sin efectos explícitos. La obra permaneció 33 años en cartelera en el West End de Londres y ha convocado a más de 7 millones de espectadores en el mundo. “Ahí radican el atractivo de ‘La mujer de negro’ y el incomparable poder del teatro: su capacidad para invitarnos a imaginar”, señala Martínez.

Lugar: Teatro Británico de Miraflores, Jr. Bellavista 527
Cuándo: Estreno sábado 19 de setiembre
Horarios: Jueves a sábado, 8:00 p. m.; domingos, 7:00 p. m.
Entrada: Desde 40 soles en Joinnus

Asesinato en el Expreso Oriente

Basada en la novela de Agatha Christie, esta adaptación sigue al detective Hercule Poirot mientras investiga un asesinato ocurrido a bordo de un tren detenido por una tormenta de nieve. La dirección es de Rodrigo Falla Brousset, con un elenco integrado por André Portugal, Andrea Luna, Carlos Mesta, Laly Goyzueta y Marco Antonio Ñique, entre otros.

Lugar: Centro Cultural de la Universidad de Lima, Jr. Cruz del Sur 202, Santiago de Surco
Funciones: 17, 18, 19, 24, 25 y 26 de setiembre
Horarios: Jueves a sábado, 8:00 p. m.
Entrada: Desde 40 soles en Joinnus

Passport

Lía Camilo, Norka Ramírez y Paloma Reyes de Sá protagonizan esta obra del dramaturgo venezolano Gustavo Ott, que llega a Lima tras presentarse en Madrid, Caracas, Atenas y Nueva York. La historia sigue a una mujer detenida en una estación fronteriza, en una trama que combina humor, ironía y una reflexión sobre los malentendidos en la comunicación humana. La dirección es de Sergio París, con acompañamiento musical de Feffo Neyra.

Lugar: Sala Quilla, Av. Francisco Bolognesi 397, Barranco
Hasta cuándo: 11 de octubre
Horarios: Viernes, sábados y domingos, 8:00 p. m.
Entrada: A la venta en Joinnus

¡Funado!

Una comedia sobre las dinámicas del juicio público en la era digital, protagonizada por Óscar López Arias, Anahí De Cárdenas, Miguel Álvarez, Jackie Vásquez, Elisa Costa y Guadalupe Farfán. Dramaturgia y dirección de Gerardo Ruiz Miñán.

Lugar: Teatro NOS, Av. Camino Real 1037, San Isidro
Funciones: Del 17 al 21 y del 24 al 28 de setiembre, de jueves a lunes
Horarios: 8:30 p. m., excepto domingos, 7:00 p. m.
Entrada: Desde 60 soles en Joinnus

El Método Grönholm

Una comedia de Los Productores sobre cuatro candidatos que compiten por un mismo puesto de trabajo a través de una entrevista tan absurda como despiadada. El elenco incluye a Stephany Orúe, Manuel Gold, Óscar Meza y Job Mansilla.

Lugar: Teatro Claretiano, Av. de Los Precursores 125-127, San Miguel
Horarios: Miércoles a domingo, 8:30 p. m., excepto domingos, 7:00 p. m.
Entrada: Desde 45 soles en Joinnus

MESA TOMADA 2.0

Coproducida por Krakens Producciones y La Intensa Producción, esta comedia sigue las historias cruzadas de varias parejas en la trattoria Di Putti e Madri. La dirección es de Christian Ávalos, quien comparte la dramaturgia con Luisito Fernández. El elenco incluye a Fernando Cáceres, Pepe Murray, Andrea Chuiman y Christian Alden.

Lugar: Teatro Barranco, Av. Grau 701, Barranco
Funciones: viernes 18 y 25 de setiembre
Horarios: 8:00 p. m.
Entrada: desde 40 soles en Joinnus

El jefe del jefe

Basada en la película The Boss of It All, de Lars von Trier, con adaptación teatral de Jack McNamara, esta comedia sigue a un empresario que inventa un presidente ficticio para evitar tomar decisiones difíciles, hasta que debe contratar a un actor desempleado para interpretarlo ante inversionistas extranjeros. Dirección de Diego Oria, con elenco encabezado por Miguel Iza y Sergio Galliani.

Lugar: Multiteatro Movistar, Av. Alfredo Benavides 4981, Santiago de Surco
Hasta cuándo: 1 de noviembre
Horarios: Jueves, viernes y sábados, 8:30 p. m.; domingos, 7:00 p. m.
Entrada: Desde 59 soles en Teleticket

Mamma Mía!

Uno de los musicales más exitosos de la historia regresa con un elenco renovado y la producción de Los Productores. Basado en las canciones del grupo ABBA, cuenta la historia de una madre, su hija y tres posibles padres en vísperas de una boda. El elenco de esta etapa incluye a Érika Villalobos, Gianella Neyra, Cielo Torres, Gustavo Mayer y Raúl Zuazo, entre otros.

Lugar: Teatro Peruano Japonés (Av. Gregorio Escobedo 803, Jesús María).
Funciones: 17, 18, 19, 20, 24, 25, 26 y 27 de setiembre de 2026
Horarios: Jueves y viernes 8 p.m. / Sábados 5 p.m. y 8:30 p.m. / Domingo 13 (6 p.m.), 20 (4 p.m. y 7:30 p.m.), 27 (2:30 p.m. y 6 p.m.)
Entradas: Disponibles en Joinnus desde S/45

¿Quién M!@ organizó la despedida?

Marisol Aguirre, Leslie Stewart, Issa Ringgold y Mónica Torres protagonizan esta comedia sobre una despedida de soltera que se desmorona antes de empezar, con la participación en voz en off de Eva Ayllón. Texto y dirección de Federico Abrill. Apta para mayores de 16 años.

Lugar: Centro Cultural CAFAE-SE, Av. Arequipa 2985, San Isidro
Funciones: 18 y 19 de setiembre de 2026
Horarios: Viernes y sábados, 8:00 p. m.
Entrada: Desde 60 soles (individual) o 50 soles por persona en grupo, en Joinnus

La Profesora

Yvonne Frayssinet y Leonardo Torres Vilar protagonizan esta obra del dramaturgo español Eduardo Galán. La historia sigue a América Alcalá, una profesora próxima a jubilarse que enfrenta el temor a la vejez mientras intenta ayudar a Daniela, una adolescente cuyo comportamiento preocupa a su entorno. Convoca a tutorías a Ortiz, el padre de la joven, un hombre de origen humilde, y se irán mostrando relaciones marcadas por las diferencias sociales y culturales.

Lugar: Teatro Ricardo Blume, Jr. Huiracocha 2160, Jesús María
Funciones: 18, 19, 20, 21, 25, 26, 27 y 28 de setiembre
Horarios: Viernes, sábados y lunes, 8:00 p. m. / domingos, 7:00 p. m.
Entrada: A la venta en Ticketmaster

Promoción

Aldo Miyashiro escribe esta obra dirigida por Manuel Baca Solsol y producida por Piso 1 Producciones, que regresa a un salón de clases del último año escolar, donde un grupo de jóvenes enfrenta conflictos que continúan marcando a la sociedad actual. El elenco reúne a Ximena Galiano, Ale Carrasco, Carlos Thornton, Luis Cárdenas Natteri, Luis José Ocampo, Paolo Teevin, Estefano Buchelli, Fabián Calle, entre otros.

Lugar: Teatro Ricardo Roca Rey de la AAA, Jr. Ica 323, Cercado de Lima
Funciones: 18, 19 y 20 de setiembre
Horarios: Viernes y sábados, 8:00 p. m. / domingos, 7:00 p. m.
Entrada: A la venta desde 35 soles en Joinnus

Suegras

Una comedia de enredos protagonizada por Gabriela Billotti, Yanina Ugarte, Caroll Chiara, Giselle Collao y André Moyo, sobre un matrimonio joven atrapado entre dos suegras de personalidades opuestas y una asistente peculiar. Dramaturgia y dirección de Paco Varela, producción de X Productora.

Lugar: Teatro Auditorio Miraflores, Av. Larco 1150, Miraflores
Funciones: 18, 19, 25 y 26 de setiembre, y 3 de octubre
Horarios: Sábados y domingos, 8:30 p. m.
Entrada: Desde 80 soles en Teleticket

EXPOSICIONES

Poemas en Acuarela — Perú / Rusia

Una exposición itinerante que reúne más de 60 obras de acuarelistas de Perú, Rusia, México, India, Ecuador y Costa Rica, tras su paso por Puno y Arequipa. La muestra forma parte de un proyecto impulsado por IWS Titicaca Puno Perú e IWS Sare Gallery Moscow, integrantes de la red internacional IWS Globe Art Network, presente en 112 países. La curaduría es de Elizabeth Uribe y Sareh Mohebianzadeh. La programación incluye demostraciones de pintura en vivo, un concurso al aire libre “Plein Air” el 19 de setiembre, y la participación de los poetas Omar Aramayo, Lolo Palza, Boris Espezúa y Alfredo Herrera.

Lugar: Casa de Rusia en Lima, Av. Salaverry 774, Jesús María
Hasta cuándo: 2 de octubre
Horarios: Lunes a sábado, 9:30 a. m. a 6:00 p. m.
Entrada: Libre

EVENTOS GRATUITOS

Encuentro Anual de Investigación, Creación e Innovación (ICI PUCP 2026)

La PUCP presenta cinco actividades gratuitas sobre inteligencia artificial, transformación digital y cultura. La programación incluye un conversatorio sobre el uso de la inteligencia artificial en la comunicación política (23 de setiembre), una presentación sobre educación sexual integral en escuelas rurales (23 de setiembre), una mesa sobre digitalización de archivos históricos (23 de setiembre), otra sobre lenguas originarias y tecnologías computacionales (24 de setiembre), y un análisis sobre los efectos de los debates presidenciales (25 de setiembre).

Lugar: Distintas aulas del campus PUCP (presencial e híbrido)
Cuándo: 23, 24 y 25 de setiembre
Entrada: Libre, previa inscripción en encuentroici.pucp.edu.pe/programa

Presentación de La librera fantasma — Chrisel Arquiñigo

La gestora cultural Chrisel Arquiñigo Bringas presenta su primera novela, publicada por Editorial Ciudad Librera, que combina ficción e investigación histórica sobre librerías independientes como Shakespeare and Company, City Lights y la librería de Juan Mejía Baca en el Perú. La historia parte de la amistad entre la protagonista y una amiga diagnosticada con cáncer para explorar la memoria, el duelo y la resistencia de las librerías frente al olvido.

Lugar: Ciudad Librera, Plaza Bolívar 161, Pueblo Libre
Cuándo: Viernes 18 de setiembre, 7:00 p. m.
Entrada: Libre

EVENTOS INFANTILES

Feria Internacional del Libro Infantil y Juvenil (FILIJ) Perú 2026

El Fondo de Cultura Económica (FCE) organiza la segunda edición de esta feria, con la participación de autores e ilustradores internacionales como Paula Bossio (Colombia), Julia Friese (Alemania) y Guiven Dávidan (Bolivia). La programación incluye talleres de ilustración, cuentacuentos, teatro de papel, proyección de sombras y conversatorios sobre anime y manga, además de la exhibición y venta de libros de diversas editoriales.

Lugar: ICPNA de Miraflores, Av. Angamos Oeste 120
Cuándo: Del 18 al 27 de setiembre
Entrada: Libre

Saltimbanquis

La productora y directora Gloria María Solari presenta una nueva adaptación de Saltimbanquis, inspirada en Los músicos de Bremen de los hermanos Grimm. El elenco está encabezado por las actrices Zelma Gálvez y Oriana Cicconi, y completan el reparto alumnos del Taller de Teatro de Solari que comparten escenario con actores profesionales. La propuesta combina música, humor y aventuras con mensajes sobre la amistad, la solidaridad y el respeto por las diferencias.

Lugar: Teatro Mario Vargas Llosa, Biblioteca Nacional del Perú, San Borja
Funciones: 19, 20, 26 y 27 de setiembre
Horarios: 4:00 p.m.
Entrada: En Teleticket desde 21 soles

Casa Warner en Plaza Norte

Plaza Norte alberga la experiencia oficial de Warner Bros. Discovery, con más de 18 salas temáticas y 35 espacios para explorar los universos de Harry Potter, Batman, Superman, Friends, Looney Tunes y Scooby-Doo, entre otras franquicias. Los ingresos se realizan cada 30 minutos.

Lugar: Plaza Norte
Horarios: De 11 a.m. a 9 p.m.
Entrada: Disponible en Joinnus a 30 soles.

Los 3 cerditos, Princesas y Peter Pan — Arlequin Teatro

La productora Arlequin Teatro presenta tres obras simultáneas en el Teatro Auditorio Miraflores todos los sábados y domingos. Los 3 cerditos se presenta a las 2:30 p. m. (hasta el 27 de setiembre); Princesas, a las 4:00 p. m. (hasta el 1 de noviembre); y Peter Pan, a las 5:30 p. m. (hasta el 11 de octubre). No hay funciones el domingo 4 de octubre por elecciones. Las tres obras duran aproximadamente una hora y son aptas para todo público.

Lugar: Teatro Auditorio Miraflores, Av. Larco 1150, Miraflores
Cuándo: Sábados y domingos
Entrada: 25 soles por obra en Teleticket

Paradox Park: Era Imperium

Lugar: Ex Daytona Park, Puerta 4 del Jockey Club
Funciones y horarios: De viernes a domingo, en dos turnos: 10:00 a. m. a 3:00 p. m. y 4:00 p. m. a 9:00 p. m.
Entrada: A la venta en Joinnus y en paradox-park.com

El Fantasma de la Ópera

Basada en la novela de Gastón Leroux, esta adaptación familiar sigue a la joven cantante Cristine y al enigmático Fantasma que acecha la Ópera de París. Recomendada para mayores de 8 años. Adaptación de Els Vandell, dirección de Vandell y Rod Díaz, con elenco encabezado por Paul Martin, Emilram Cossío, Anaí Padilla, Nicolás Ostolaza y Avril Gil.

Lugar: Teatro La Plaza, Malecón de la Reserva 610, Larcomar, Miraflores
Funciones: 19, 20, 26 y 27 de setiembre, y 3 y 4 de octubre
Horarios: Sábados y domingos, 4:00 p. m.
Entrada: 40 soles en Joinnus

Los tres chanchitos y el lobo feroz

Un clásico infantil sobre tres chanchitos que construyen sus casas mientras un lobo intenta derribarlas, con mensajes sobre el esfuerzo y la dedicación.

Lugar: Teatro Padua, Auditorio San Antonio de Padua, Huiracocha 2010, Jesús María
Función y hora: Domingo 20 de setiembre, 5:00 p. m.
Entrada: Desde 40 soles en Teleticket

OTROS

Javier Botía — Inteligencia Natural World Tour 2026

El campeón mundial de mentalismo Javier Botía, ganador del Campeonato Mundial de Magia FISM 2018, se presenta por primera vez en el Perú con un espectáculo inspirado en su libro Inteligencia Natural, sobre la percepción, la sugestión y los mecanismos de la toma de decisiones. El artista ha anunciado que entregará un péndulo a cada asistente.

Lugar: Auditorio del Pentagonito, San Borja
Cuándo: Viernes 18 de setiembre, 8:00 p. m.
Entrada: Desde 32 soles en Ticketmaster

Agenda cultural en Lima del 10 al 17 de setiembre: El Lago de los Cisnes, la experiencia inmersiva Wankar de DanSa, El jefe del jefe y AQUA

Cecilia Arias — Mon, 21 Sep 2026 03:55:56 +0000

Lima combina esta semana grandes producciones escénicas con una oferta amplia de arte y entretenimiento familiar. las últimas funciones del musical Mamma Mía! en el Teatro Peruano Japonés, mientras el Museo de Arte de Lima (MALI) muestra una retrospectiva dedicada a Julia Codesido, la primera pintora profesional del país.

El Ballet Municipal de Lima continúa su temporada de El Lago de los Cisnes con funciones que incluyen orquesta en vivo, y DanSa presenta Wankar, una experiencia inmersiva que combina danza, música y gastronomía. A eso se suman la Casa Warner en Plaza Norte, la reapertura de Paradox Park en el antiguo Daytona Park, y una cartelera de teatro, comedia y stand up que ocupa varios distritos de la ciudad.

CONCIERTOS

Concierto Sinfónico — Mauro Lionel

Mauro Lionel Malca Peñaranda, compositor y director de orquesta de 13 años, autor de más de 220 obras originales, presenta ‘Concierto Sinfónico – Sólo Clásicos & Premiados’. El programa incluye su Sinfonía SINFOSLOW y tres rapsodias inspiradas en la historia peruana: la del Inicio del Tahuantinsuyo, la de la Caída del Tahuantinsuyo y la de la Cachanga. El concierto tiene carácter benéfico en apoyo a la Fundación Lima.

Lugar: Teatro Segura, Jr. Huancavelica 265, Lima
Cuándo: Domingo 13 de setiembre, 5:00 p. m.
Entrada: Desde 10 soles en Ticketmaster

BALLET Y DANZA

El Lago de los Cisnes

Se presenta una nueva temporada de El Lago de los Cisnes, con música de Piotr Ilich Chaikovski. El Ballet Municipal de Lima representa la historia de amor entre el príncipe Sigfrido y Odette, una princesa condenada a convertirse en cisne. Algunas funciones tendrán a Nicolai Gorodiskii como bailarín invitado y otras contarán con la participación de la Orquesta Sinfónica del Teatro Municipal de Lima, bajo la dirección del maestro argentino Carlos Calleja.

Lugar: Teatro Municipal de Lima, Jr. Ica 377, Cercado de Lima
Funciones: 13, 18, 19, 25, 26, 27 y 30 de setiembre; y 1, 2, 3 de octubre
Horarios: Miércoles, jueves y viernes 8:00 p.m. / Sábados y domingos 11:30 a.m. y 6:00 p.m.
Entrada: Desde 20 soles en Teleticket

Wankar: El mito del tambor sagrado

DanSa presenta esta experiencia inmersiva, la primera en el país, que traslada a los comensales por las tres regiones del Perú a través de sus danzas más emblemáticas, en un escenario donde el espectáculo se entrelaza con una cena de menú degustación y música en vivo. La dirección artística está a cargo de Vania Masías y la dirección musical, de Lucho Quequezana.

Lugar: DanSa, Av. Rivera Navarrete 2692, Lince
Funciones: De miércoles a sábado con dos funciones, a las 7:30 p.m. y 9:10 p.m.
Entrada: Desde USD 100. Disponible en Joinnus.

EXPOSICIONES Y FERIAS

X Salón de Arte Joven Nikkei

El Centro Cultural Peruano Japonés presenta esta décima edición que reúne a 14 jóvenes artistas de la comunidad nikkei bajo la coordinación de Haroldo Higa y la curaduría de Juan Peralta. La muestra explora la identidad como una construcción en transformación permanente, atravesada por la memoria familiar, el mestizaje y la experiencia migratoria. Participan, entre otros, Adrián Miyagi Ochoa, Andrea Gima Ishiki y Mia Pasco Yumi. La exposición incluye una conferencia de los artistas el 17 de setiembre.

Lugar: Galería de Arte Ryoichi Jinnai y Hall de Exposiciones, Centro Cultural Peruano Japonés
Hasta cuándo: 11 de octubre
Horarios: Martes a sábados, 10:00 a. m. a 1:00 p. m. y 2:00 p. m. a 8:00 p. m.; domingos, 10:00 a. m. a 1:00 p. m. y 2:00 p. m. a 7:00 p. m.
Entrada: Libre

Del origen a la alquimia del ser

La Municipalidad de San Isidro presenta esta exposición del pintor Luis Miguel Portilla Tuesta, con 23 obras realizadas entre 2025 y 2026 que combinan figura humana, naturaleza y elementos simbólicos vinculados a la cultura Chachapoya. La curaduría, a cargo de Eleine Rodríguez Castañeda de Yance, organiza el recorrido en tres zonas: Origen, Alquimia y Reencuentro.

Lugar: Galería de Arte, Centro Cultural El Olivar, Av. Los Incas 460, San Isidro
Hasta cuándo: 27 de setiembre
Horarios: Lunes a domingo, 9:00 a. m. a 5:00 p. m.
Entrada: Libre

Rostros del cambio

El fotógrafo documental Omar Lucas presenta una serie de retratos de comunidades peruanas que han transformado sus territorios, como parte de la iniciativa ‘Rostros del Cambio’, promovida por la Autoridad Nacional de Infraestructura (ANIN) y el Equipo de Entrega del Reino Unido. El proyecto incluye además un libro de fotografías y un documental narrado por el actor Reynaldo Arenas.

Lugar: Parque Kennedy, Miraflores
Entrada: Libre

Lima en azul

Ocho artistas —Melissa Larrañaga, Manuel Elguera, Verónica Penagos, Luciana Espinar, Hernán Sosa, Ana Masías, Rocío Ponce y Yiriane Khan— reinterpretan la ciudad desde el color y la memoria, bajo la curaduría de Belinda Tami.

Lugar: Galería Casa Tambo, Jr. de la Unión 1066, Centro Histórico de Lima
Hasta cuándo: 16 de octubre
Entrada: Libre

Imagine

La artista Rosa Tomatis presenta ocho monotipias y collages, cinco cajas de acrílico con transfer y fotografía, y siete lienzos que exploran la relación entre imagen, memoria e imaginación a partir de elementos cotidianos como muros, sombras y grafitis. El curador es Noel Lama.

Lugar: Galería MAD, Museo de Minerales Andrés del Castillo, Jr. de la Unión 1030, Centro de Lima
Hasta cuándo: 25 de setiembre
Horarios: Lunes a domingo, 10:00 a. m. a 7:00 p. m.
Entrada: Libre

AQUA

Veintitrés artistas exploran las posibilidades expresivas de la acuarela en esta muestra curada por Tricia Cáceda y Álvaro De La Puente. Participan, entre otros, Alessa Carbonell, Anneli Vértiz, Fiorella Zapata y Ricardo Oré.

Lugar: C.C. Tierra Baldía, Av. El Ejército 847, Miraflores
Hasta cuándo: 26 de setiembre
Horarios: Martes a sábado, 11:00 a. m. a 8:00 p. m.; domingo y lunes, 11:00 a. m. a 5:00 p. m.
Entrada: Libre

Migrante. El resueno de la memoria

El artista arequipeño Felipe Coaquira presenta 24 obras de arte textil, elaboradas principalmente con bordado y collage de telas, junto a una instalación sonora interactiva, en una reflexión sobre la migración y la identidad. La muestra se presenta en la Casa O’Higgins del Instituto Riva-Agüero de la PUCP.

Lugar: Casa O’Higgins, Jr. de la Unión 554, Centro Histórico de Lima
Hasta cuándo: 8 de noviembre
Entrada: Libre

Hugo Salazar Chuquimango

El artista Hugo Salazar Chuquimango presenta su segunda exposición individual del año con una muestra reúne 23 obras inéditas: siete pinturas al óleo y una serie de dibujos, técnicas mixtas y óleos recientes, de tono más simbólico y místico. Es ganador del Primer Premio del XII Salón Nacional de Pintura del ICPNA (2010) y del Primer Premio del Concurso de Dibujo del Centro Cultural Peruano Británico (2021).

Lugar: Espacio Cultural Casa Rubens, calle Benigno Cornejo 449, Pueblo Libre
Hasta cuándo: 20 de setiembre
Horarios: Martes a domingo, 11:00 a. m. a 7:00 p. m.
Entrada: Libre

‘200 años de rebeldía silenciosa’

MAV PERÚ (Asociación de Mujeres en las Artes Visuales del Perú), con curaduría de Teresa Arias Rojas, presenta una exposición colectiva de 83 artistas visuales de distintas regiones del país y del extranjero en las galerías del BRITÁNICO de San Juan de Lurigancho y Santa Anita. La muestra parte del retrato de Tilsa Tsuchiya en el billete de 200 soles y propone una reflexión sobre el lugar de las mujeres en la construcción de la cultura visual peruana.

Lugar: Galería del BRITÁNICO de San Juan de Lurigancho (Av. Próceres de la Independencia 1531) y Galería del BRITÁNICO de Santa Anita (Av. Los Ruiseñores 215)
Hasta cuándo: 19 de setiembre
Horarios: Lunes a sábado, 10:00 a. m. a 6:00 p. m.
Entrada: Libre

Codesido

Lugar: Sala 1, primer piso del MALI (Paseo Colón 125, Cercado de Lima).
Hasta cuándo: 1 de noviembre de 2026.
Horarios: Apertura a las 10 a.m. de martes a domingo. Cierran a las 6 p.m. de martes a viernes y domingos; y a las 5 p.m. los sábados.
Entrada: desde S/ 15 (precios especiales para niños y adultos mayores).

TEATRO

MESA TOMADA 2.0

Lugar: Teatro Barranco, Av. Grau 701, Barranco
Funciones: viernes 18 y 25 de setiembre
Horarios: 8:00 p. m.
Entrada: desde 40 soles en Joinnus

El jefe del jefe

Lugar: Multiteatro Movistar, Av. Alfredo Benavides 4981, Santiago de Surco
Hasta cuándo: 1 de noviembre
Horarios: Jueves, viernes y sábados, 8:30 p. m.; domingos, 7:00 p. m.
Entrada: Desde 59 soles en Teleticket

Mamma Mía!

Lugar: Teatro Peruano Japonés (Av. Gregorio Escobedo 803, Jesús María).
Funciones: 13, 17, 18, 19, 20, 24, 25, 26 y 27 de setiembre de 2026
Horarios: Jueves y viernes 8 p.m. / Sábados 5 p.m. y 8:30 p.m. / Domingo 13 (6 p.m.), 20 (4 p.m. y 7:30 p.m.), 27 (2:30 p.m. y 6 p.m.)
Entradas: Disponibles en Joinnus desde S/45

¿Quién M!@ organizó la despedida?

Lugar: Centro Cultural CAFAE-SE, Av. Arequipa 2985, San Isidro
Funciones: 18 y 19 de setiembre de 2026
Horarios: Viernes y sábados, 8:00 p. m.
Entrada: Desde 60 soles (individual) o 50 soles por persona en grupo, en Joinnus

La Profesora

Lugar: Teatro Ricardo Blume, Jr. Huiracocha 2160, Jesús María
Funciones: 13, 14, 18, 19, 20, 21, 25, 26, 27 y 28 de setiembre
Horarios: Viernes, sábados y lunes, 8:00 p. m. / domingos, 7:00 p. m.
Entrada: A la venta en Ticketmaster

Promoción

Lugar: Teatro Ricardo Roca Rey de la AAA, Jr. Ica 323, Cercado de Lima
Funciones: 13, 18, 19 y 20 de setiembre
Horarios: Viernes y sábados, 8:00 p. m. / domingos, 7:00 p. m.
Entrada: A la venta desde 35 soles en Joinnus

Suegras

Lugar: Teatro Auditorio Miraflores, Av. Larco 1150, Miraflores
Funciones: 18, 19, 25 y 26 de setiembre, y 3 de octubre
Horarios: Sábados y domingos, 8:30 p. m.
Entrada: Desde 80 soles en Teleticket

STAND UP Y MONÓLOGOS

Doctora Bandida: Terapia de choque

Tras el éxito de su anterior espectáculo, Mónica Cabrejos regresa con un show de humor sobre el amor propio, los vínculos tóxicos y la sanación emocional. Con un estilo directo e irreverente, la propuesta apunta a una experiencia colectiva de catarsis y carcajadas. Consumo mínimo de S/ 45 por persona en el local.

Lugar: La Estación de Barranco
Horarios: Miércoles 16, 23 y 30 de setiembre a las 8 p.m.
Entrada: Desde S/ 49.90. Disponible en Teleticket.

Se busca marido cama afuera

Johanna San Miguel presenta ocho funciones de esta comedia con anécdotas, música en vivo y personajes sobre la reinvención personal tras la caída.

Lugar: Centro de Convenciones Bianca, Av. Almirante Miguel Grau 135, Barranco
Funciones: Jueves 17 y 24 de setiembre
Horarios: 8:00 p. m.
Entrada: Desde 51 soles en Teleticket

Migajera nunca más

Yiddá Eslava presenta en La Estación de Barranco su espectáculo de humor sobre la autoestima y las relaciones. Consumo mínimo de 30 soles por persona.

Lugar: La Estación de Barranco
Funciones: martes 15, 22 y 29 de setiembre
Horarios: 8:00 p. m.
Entrada: Desde 50 soles en Teleticket

Yo fui candidato

El humorista Carlos Álvarez regresa a los escenarios tras su paso por las elecciones generales de 2026, con un espectáculo que combina sus anécdotas de campaña con los personajes que marcaron el proceso electoral. La velada promete humor, carcajadas y reflexión sobre la política peruana reciente.

Lugar: Centro de Convenciones Bianca (Av. Almirante Miguel Grau 135, Barranco)
Funciones: 19 y 25 de setiembre, 10, 17, 24 y 31 de octubre de 2026
Horario: 7:30 p.m.
Entradas: Desde S/112 en Teleticket

Es lo que hay

Patricia Portocarrero regresa con su unipersonal dirigido por Diego Lombardi en una temporada limitada sobre su búsqueda incesante del amor.

Lugar: Centro Español del Perú, Av. Gral. Salaverry 1910, Jesús María
Funciones y horario: 13, 18, 19 y 20 de setiembre, 8:00 p. m.
Entrada: Desde 65 soles en Joinnus

EVENTOS INFANTILES

Casa Warner en Plaza Norte

Lugar: Plaza Norte
Horarios: De 11 a.m. a 9 p.m.
Entrada: S/ 25 (niños) y S/ 45 (adultos) de lunes a viernes; S/ 30 (niños) y S/ 55 (adultos) sábados, domingos y feriados (pero hay descuentos para clientes de BCP). Disponible en Joinnus.

Saltimbanquis

Lugar: Teatro Mario Vargas Llosa, Biblioteca Nacional del Perú, San Borja
Funciones: 13, 19, 20, 26 y 27 de setiembre
Horarios: 4:00 p.m.
Entrada: En Teleticket desde 21 soles

Los 3 cerditos, Princesas y Peter Pan — Arlequin Teatro

Lugar: Teatro Auditorio Miraflores, Av. Larco 1150, Miraflores
Cuándo: Sábados y domingos
Entrada: 25 soles por obra en Teleticket

Paradox Park: Era Imperium

Lugar: Ex Daytona Park, Puerta 4 del Jockey Club
Funciones y horarios: De viernes a domingo, en dos turnos: 10:00 a. m. a 3:00 p. m. y 4:00 p. m. a 9:00 p. m.
Entrada: A la venta en Joinnus y en paradox-park.com

El Fantasma de la Ópera

Lugar: Teatro La Plaza, Malecón de la Reserva 610, Larcomar, Miraflores
Funciones: 13, 19, 20, 26 y 27 de setiembre, y 3 y 4 de octubre
Horarios: Sábados y domingos, 4:00 p. m.
Entrada: 40 soles en Joinnus

Los tres chanchitos y el lobo feroz

Un clásico infantil sobre tres chanchitos que construyen sus casas mientras un lobo intenta derribarlas, con mensajes sobre el esfuerzo y la dedicación.

Lugar: Teatro Padua, Auditorio San Antonio de Padua, Huiracocha 2010, Jesús María
Función y hora: Domingo 20 de setiembre, 5:00 p. m.
Entrada: Desde 40 soles en Teleticket

A 2 años de la muerte de Daniel Fanego, el homenaje de su hijo Manu: fotos inéditas y el conmovedor ritual que los une

Andrea Mazzei — Sun, 20 Sep 2026 12:37:48 +0000

A dos años de la muerte de Daniel Fanego, su hijo Manu lo homenajeó con una publicación en redes sociales. Mediante un carrete de imágenes familiares, el actor recorrió distintas etapas del vínculo con su padre y le dedicó un mensaje centrado en las enseñanzas, los cuidados y la presencia que conserva antes de cada función en su carrera actual.

“Buen, acá recordando al padre, a dos años de su ausencia física. Cada día siento más amor y agradecimiento por haberlo tenido como papá”, escribió Manu al comienzo del posteo. Después resumió algunos recuerdos que asocia con Daniel: “Sus cosquillas, su solemnidad, su cuidado. Y mucho más”. Las palabras acompañaron un álbum que reunió escenas familiares y teatrales de historia.

La primera fotografía muestra a Daniel abrazando a un Manu pequeño. En otra postal aparece junto a sus hijos, mientras que el carrusel también incorpora una imagen de padre e hijo frente al mar. El recorrido termina con un retrato más reciente del intérprete tomado poco tiempo antes de su muerte. Cada imagen aporta una mirada diferente sobre esa relación.

Uno de los recuerdos que Manu eligió desarrollar se vincula con un acto escolar por el Día de la Bandera. En esa foto se lo ve caracterizado como un prócer y con bigotes postizos. Allí explicó que Daniel colaboró con los preparativos de aquella presentación y lo ayudó a aprender la letra y asumir el personaje frente a compañeros.

“En la foto 5, acto del día de la bandera me ayudó a ensayar la letra y me produjo vestuario y maquillaje. Talco para las canas y bigotes postizos incluidos. Fue la primera vez que sentí el olor a mastik en la nariz”, relató. El mastik es un adhesivo que suele fijar elementos de caracterización sobre la piel teatral.

El mensaje también incluyó una referencia directa a la relación que compartían con el teatro. Manu contó que conserva un gesto antes de cada función asociado a una enseñanza de su padre. “Antes de entrar a un escenario golpeo las tablas. Te saludo, como me enseñaste a saludar a los que habitaron ese campo de juego”, expresó en redes.

Con esa frase el actor vinculó el homenaje familiar con su propio oficio. Daniel y Manu compartieron escenario en 2012, dentro del ciclo Teatro por la Identidad, en la obra El vuelo del Cóndor, donde interpretaron distintos momentos de la vida de Pablo Podestá. Años después Manu recordó aquella experiencia durante un Día del Padre y la definió como única.

En el cierre de su publicación actual, Manu contó que se reuniría con su hermana Camila en memoria de su padre. “Hoy nos juntamos con Cami a almorzar. Te celebraremos hasta el infinito”, expresó junto a emojis de manos levantadas, un corazón, manos en oración y destellos. El posteo sumó imágenes de diferentes momentos familiares con Daniel.

Daniel Fanego murió el 19 de septiembre de 2024, a los 69 años. En ese momento Manu confirmó la noticia y señaló que su padre había fallecido en su casa acompañado por familiares y amistades. El actor y director dejó una trayectoria en teatro, cine y televisión con trabajos en El marginal, El reino, Resistiré, Luna de Avellaneda y El Ángel.

Al cumplirse el primer aniversario de su muerte, Manu también recurrió a sus redes para recordarlo. Entonces compartió fotos de ambos y escribió: “Hoy hace un año que Daniel Luis ya no está físicamente entre nosotrxs. Más que nunca está presente en las charlas, los saludos, las anécdotas, en los escenarios”. El texto cerró con un agradecimiento, como en esta oportunidad, a dos años de su muerte.

Zezé Figueroa Ramos nos habla de “Sardinas”, la obra de teatro sobre migración que va más allá de la palabra

Ignacio Izquierdo — Sun, 20 Sep 2026 03:31:58 +0000

“Sardinas” es un viaje onírico que retrata la migración sin usar una sola palabra, a través de teatro físico, máscaras y objetos. La obra de la compañía Casa Gris, con dramaturgia y dirección de Zezé Figueroa Ramos, se presenta los días 24, 25 y 27 de septiembre en el Teatro Benito Juárez de la Ciudad de México.

Tres personajes emprenden una travesía interminable en busca de un sitio donde descansar. En ese recorrido, la realidad se funde con la fantasía para construir un universo en el que la migración deja de ser solo un fenómeno humano y se convierte en un impulso compartido por distintas especies de la naturaleza, según el boletín de prensa de la puesta en escena.

La pieza fue seleccionada para formar parte de la programación de la 46 Muestra Nacional de Teatro en Querétaro 2026, antes de su temporada capitalina.

Un gran viaje sin diálogos que atraviesa a tres personajes

En entrevista con Infobae México, Zezé Figueroa Ramos define la obra como “un gran viaje, un gran sueño, una aventura que no termina”. Sostiene que “‘Sardinas’ nos habla en torno a los padecimientos que viven hasta cierto punto los migrantes, puesto en una perspectiva onírica. Vamos a ver atravesar a estos tres personajes por situaciones fantásticas”.

La ausencia de texto no fue una decisión menor. “Ha sido complicado en muchos sentidos el crear esta obra sin uso de la voz, sin diálogos como tal, porque desde un inicio la dramaturgia no está pensada como en desarrollar una historia, sino más bien está planteada para generar imágenes”, señala el director. Agrega que esto “es algo muy importante dentro de este tipo de teatro que estamos comenzando a hacer, al menos yo como director”.

Sin diálogos, la construcción de atmósferas recae en otros elementos. “Al no tener un texto que aprenderse qué decir, creo que tanto el silencio como el sonido que emana la misma obra es lo que genera las atmósferas y es lo que genera una posible empatía con lo que está sucediendo con estos tres personajes”, explica Zezé Figueroa Ramos, quien participa además como actor, músico y compositor de la pieza. Describe el proceso como “una situación bastante compleja en muchos sentidos. Muy compleja y muy enriquecedora a nivel de proceso creativo, no solo como director, sino también como actor, como músico, como compositor”.

¿Por qué la migración es un tema inevitable para México?

Para el director, hablar de la migración “no solamente de este hecho social es algo inevitablemente actual. Siempre lo ha sido”. Considera que nombrarla desde un punto de vista alejado de la realidad y de las noticias, pero dentro de la poética de la obra, “nos hace recordar que nosotros como mexicanos estamos atravesados por la migración”.

En una reflexión que dice haber tenido después de realizar el proceso de montaje, Zezé Figueroa Ramos afirma que “es inevitable pensar en que cualquier persona de este país tenemos como antecedentes o como acercamiento a la migración nuestros familiares, nuestros tíos, nuestros amigos”. Añade que “muchas personas dentro de nuestro núcleo en el que nos desarrollamos han migrado” y que es inevitable “saber de alguien o a conocer a alguien que tuvo la necesidad de irse a otro lugar a buscar una vida mejor, a tener una vida más digna también de donde provienen”.

El director sitúa esta urgencia en el presente. “Estos últimos dos años han sido brutales respecto a las condiciones de las personas que se encuentran en tránsito y que por suerte están a punto de llegar y se les regresa, o las mismas personas que se encuentran en Estados Unidos con el ICE o ahora mismo en España, en Ceuta, en la ciudad que está al norte de Marruecos”, relata. “Hay muchas cosas que son necesarias seguir nombrando. Y son necesarias porque creo que todos tenemos la posibilidad dentro de nosotros mismos y de nuestras circunstancias de volvernos migrantes”, agrega.

Zezé Figueroa Ramos habla también desde su propia biografía. “Al menos en mi caso, yo tuve que migrar de la ciudad de Oaxaca, yo soy originario de Oaxaca, para la Ciudad de México y poder estudiar la carrera de actuación, de teatro”, cuenta. “A pesar de tener esta posibilidad de viajar, de migrar con apoyo económico por parte de mis familiares, de mi abuelita, de mi mamá, de mi papá, pues también me las vi un poco duras”, relata.

“Entonces, a mí me resuena mucho este tema. Y creo que a muchas personas también”, asegura.

El aparto estético de “Sardinas”

Zezé Figueroa Ramos evita la literalidad en la puesta en escena. “Yo nunca he intentado, en este sentido, evocar una noticia como tal. Que se vea: ‘Ah, claramente aquí se los están llevando, los detuvieron, están en un vagón encerrados’. No busco la literalidad dentro de la puesta, sino más bien generar un espectáculo fantástico a partir de la travesía del ser migrante, un ser migrante por el mundo”, explica.

El director aclara que la obra no apunta a una ruta migratoria en particular. “Tampoco específicamente hablando de la migración a Estados Unidos o la migración de África a Europa o cualquier otro tipo de migración, sino más bien el hecho como tal de atravesar parte del mundo, de la Tierra, en busca de una vida más digna”.

Esta decisión estética tiene un propósito concreto. “Creo que justo estos elementos que lo vuelven algo fantástico, también lo vuelve hasta cierto punto, creo yo, más digerible. Porque creo que el hecho de ilustrar la realidad, de ejemplificarla como tal, genera hasta cierto punto rechazo”.

Una obra pensada para cualquier idioma, edad o nacionalidad

El uso de objetos, máscara y cuerpo “es lo más importante, porque es lo que tenemos”, afirma el director. Su objetivo es que “cualquier persona, no importando su idioma, su nacionalidad, su edad también, pueda tener una experiencia a diferentes niveles”.

Explica que “un niño podría quedarse con lo imaginativo, también tal vez de repente con algunas sensaciones que evoque la escena, pero también probablemente mucho del espectador, de los espectadores, puede ser posible que logre encontrar algo que va más allá de esta, pues entre comillas, fábula”.

Sobre el uso de las máscaras, dice que “es como una especie de alejamiento a nuestra realidad”, pensado para generar “un mundo onírico en el cual uno pueda viajar junto con estos personajes y también identificarse”. Espera que en algún momento el espectador llegue a pensar: “Bueno, yo también puedo estar en alguna circunstancia parecida en la cual tal vez también yo termine siendo un migrante”.

Idealmente, dice, le gustaría que cualquier asistente concluyera: “Bueno, creo que cualquiera de nosotros, sin importar nuestro lugar de origen o nuestro estatus económico, podríamos terminar siendo migrantes”.

“Eso es algo que, idóneamente, idílicamente me gustaría que se llevara el público”, agrega.

¿Cómo lograr que más gente vaya al teatro?

Sobre cómo lograr que más gente vaya al teatro, Zezé Figueroa Ramos admite: “Esa es una pregunta que yo siempre o constantemente me hago”. Plantea que la solución pasa por “generar programas, que justo las instituciones hagan su labor también”, porque “este trabajo no es únicamente propio de la compañía, sino más bien de un gran organismo, el cual debe sostenerse”.

Ese organismo, dice, “debe generar una sinergia en la cual podamos tener todos tanto una experiencia cultural a nivel de la gente que asiste a estos eventos, así como también una remuneración por todo el trabajo que hay detrás para lograr estos proyectos”.

El director sostiene que “lamentablemente, los gobiernos, al menos los que me han tocado a mí, siempre han ido reduciendo la parte cultural. La parte del dinero que entra a las arcas de la Secretaría de Cultura y que de pronto hay un momento en el cual no se sabe dónde está ese dinero. Al menos, por ejemplo, personalmente yo, que soy de la ciudad de Oaxaca, noto que al menos en mi estado la Secretaría de Cultura no hace nada por las artes escénicas”.

“Este año, después de no sé cuántos años del gobierno que ha existido el gobierno del estado de Oaxaca, y digo el gobierno con el que yo he crecido, hasta este año, a mis 32 años, dieron por primera vez una convocatoria para realizar una muestra estatal de teatro. Y estatal entre comillas, porque digo, faltan muchos proyectos”, relata. Señala también que “no hay una escuela para profesionalizar a los artistas escénicos”, razón por la que tuvo que trasladarse a la Ciudad de México.

Figueroa Ramos precisa que “el arte escénico no tiene que ver solo con nosotros, sino más bien también cómo debería de existir este apoyo más claro y tal vez menos burocrático por parte de las instituciones”. Reconoce que “estos últimos dos años han habido algunas convocatorias que han sido bastante interesantes, creo yo, a nivel de movilización y de programa, no solo a nivel federal, como Escenarios Sí Cultura, como la convocatoria de teatro en espacios independientes y varias cosas más, pero no es suficiente”. Concluye: “no es suficiente para la cantidad de personas que somos y tampoco para el tamaño de país que somos. A pesar de poder, bueno, no tenemos una movilidad, la verdad, idónea, pero pues sí debería de haber una estructura más sólida, yo creo, a nivel institucional para promover los eventos culturales, al menos en todas las áreas posibles”.

Fechas, horarios y sede de la temporada en el Teatro Benito Juárez

“Sardinas” se presenta los días 24, 25 y 27 de septiembre en el Teatro Benito Juárez, ubicado en Villalongín 15, colonia Cuauhtémoc. Las funciones de jueves y viernes son a las 20:00 horas, mientras que la del domingo inicia a las 18:00 horas.

Los Premios ACE ya tienen nominados y el musical vuelve a llevarse casi todas las miradas

Thu, 17 Sep 2026 15:54:49 +0000

La Asociación de Cronistas del Espectáculo anunció las nominaciones para la 35ª entrega de los Premios ACE, que distinguirá producciones y artistas de la temporada teatral 2025/2026 en 31 rubros. La ceremonia se realizará el lunes 19 de octubre en el Teatro El Nacional, será transmitida por la TV Pública y entregará por primera vez tres premios a la trayectoria.

El musical volvió a concentrar la mayor cantidad de candidaturas, como había ocurrido en las dos temporadas anteriores. Entre los títulos de ese género figuran Hairspray, Company, Billy Elliot, Charlie y la fábrica de chocolate, Invasiones I y Casi normales inmersivo.

Los reconocimientos especiales por trayectoria serán para las actrices Soledad Silveyra y Moria Casán, y para el escenógrafo Jorge Ferrari. La entidad definió esta distinción triple como un premio especial para tres carreras del espectáculo argentino.

Las obras y actuaciones nominadas en drama, comedia y musicales

En autoría competirán Mariano Pensotti y Grupo Marea por La obra y Una sombra voraz; Marina Carr por La niña sobre un altar; Mauricio Kartun por Baco polaco; Ricardo Hornos por Invasiones; y Gustavo Garzón por Un hombre solo es demasiado para un hombre solo.

Las candidatas a drama o comedia dramática son La niña sobre un altar, Misery, La obra, Baco polaco, Las hijas y Manifestum. Por la dirección de esas producciones fueron seleccionados Oscar Barney Finn por La niña sobre un altar, Jorge Suárez por Los pilares de la sociedad, Manuel González Gil por Misery, Mariano Pensotti por La obra, Adrián Suar por Las hijas y Mauricio Kartun por Baco polaco.

La categoría de actriz protagónica en drama o comedia dramática incluye a Analía Couceyro por La niña sobre un altar, Julia Calvo por Misery, Julieta Díaz y Pilar Gamboa por Las hijas, Marilú Marini por Manifestum, y Susana Pampin y Alejandra Flechner por La obra.

Entre los actores protagónicos de drama o comedia dramática fueron nominados Paulo Brunetti por La niña sobre un altar, Juan Gil Navarro por Misery, Aníbal Gulluni por Baco polaco, Horacio Acosta y Diego Velázquez por La obra, y Carlos Portaluppi por Maldita felicidad.

En comedia competirán Sottovoce, Berlín Berlín, El estado de la unión, El chat de mamis, Tirria y Casual. Las nominadas en actuación son Lorena Vega por Sottovoce, Eleonora Wexler por El estado de la unión, Fernanda Metilli por Berlín, Berlín, Karina Hernández por El chat de mamis y Andrea Politti por Tirria.

La terna de actuación masculina en comedia reúne a Fernán Mirás por Sottovoce, Gonzalo Heredia por El estado de la unión, Pablo Rago por Berlín, Berlín, Diego Capusotto y Rafael Spregelburd por Tirria, y Diego Gentile por Casual.

Corina Fiorillo por Berlín, Berlín, Marcelo Caballero por El chat de mamis, Marcos Carnevale por Desde el jardín, Mariano Pensotti por Sottovoce, Andrea Garrote por El estado de la unión y Carlos Branca por Tirria competirán por la dirección de comedia.

En actuación de reparto en drama o comedia fueron seleccionados Mara Bestelli por Los pilares de la sociedad, Lucía Adúriz Bravo y Juan Pablo Geretto por Berlín, Berlín, Mercedes Fraile por La niña sobre un altar, Daniel Miglioranza por Desde el jardín y Maxi de la Cruz por Berlín Berlin.

Las interpretaciones en obras para un solo personaje nominadas son las de Jorgelina Aruzzi por El ser querido, Luciano Cáceres por Paraíso, Paulo Brunetti por Vanya, Leonardo Sbaraglia por Los días perfectos y Arturo Puig por Buenas palabras.

El musical, con candidaturas en interpretación, dirección y áreas técnicas

La dirección general de musical, music hall o café concert tendrá como candidatos a Fernando Dente por Company y Hairspray, Rubén Szuchmacher por Billy Elliot, Ariel Del Mastro y Marcelo Caballero por Charlie y la fábrica de chocolate, Mariano Demaría por Annie, Sebastián Irigo por El mago de Oz y Ricardo Hornos por Invasiones I.

Por dirección musical fueron nominados Gaby Goldman por Billy Elliot, Damián Mahler por Company y El mago de Oz, Javier López del Carril por Invasiones I, Néstor Tedesco por Anastasia y Humberto Ridolfi por Ellas son tango.

La terna de actuación femenina en musical está integrada por Alejandra Radano por Company y Hairspray, Alejandra Perlusky por Billy Elliot, Elena Roger por Invasiones I, Vanesa Butera por Company, Julieta Nair Calvo por Annie y Melania Lenoir por Casi normales inmersivo.

En actuación masculina en musical competirán Fernando Dente por Company, Agustín “Rada” Aristarán por Charlie y la fábrica de chocolate, Campi por Papá por siempre, Sacha Bercovich por Billy Elliot, Roberto Peloni por Casi normales inmersivo, Carlos Casella por Boîte y Francisco Pesqueira por Juan, estoy en la puerta, bajá.

Las producciones de music hall o café concert nominadas son Astor, Piazzolla eterno, Ellas son tango, Juan, estoy en la puerta, bajá!, The Opera Locos y Boîte. En espectáculo de humor, las candidaturas corresponden a Llegamos tarde, de Ariel Tarico y David Rotemberg; Salud Moldavsky y amor; y Experiencia Dalia Gutman (No me calmo nada).

La categoría de revelación reúne a Damián Betular y Belén Bilbao por Hairspray, Minerva Casero por Anastasia, Joaquín Mondino Formichelli, Mateo Tognolotti y Fran Molozag por Billy Elliot, y Valentín Born Pinto por El alma de la noche.

Teatro alternativo, propuestas infantiles y rubros de producción

Las obras nominadas en teatro alternativo son Como bestias, Nido de lagarto, Bernarda, la de la casa, Las adoro, La muerte de un viajante y Hotel Monday. Por dirección competirán Marcelo Moncarz por Como bestias, Franco Verdoia por Nido de lagarto, Daniel Marcove por La muerte de un viajante, Oscar Barney Finn por Vanya, Eleonora Valdez por Bernarda, la de la casa y Florent Bergal por Hotel Monday.

Las candidatas por actuación femenina en el circuito alternativo son Ingrid Pelicori por La muerte de un viajante, Silvina Sabater por Nido de lagarto, Yamila Ulanovsky por Como bestias, Lucía Adúriz Bravo por Las adoro, Ana María Bovo por Ruth, Noemí Frenkel por Matria y Julia Muzio por Bernarda, la de la casa.

Gustavo Garzón por Un hombre solo es demasiado para un hombre solo, Horacio Acosta por Nido de lagarto, Mariano Saborido por Las adoro, Diego Velázquez por Una sombra voraz y Alejandro Awada por La muerte de un viajante integran la terna de actuación masculina en teatro alternativo.

En espectáculos infantiles fueron nominados El mago de Oz, La flauta mágica, El superamigo imaginario, Ojo de pez, El salpicón, Migue y Lucy, una historia de rock y Remigio Verdiales, un capincho.

La música original tendrá como candidatos a Shino Ohnaga por La niña sobre un altar, Martín Bianchedi por Misery, Diego Vainer por La obra y Damián Kompel por Desde el jardín.

Por escenografía competirán José Ponce Aragón por Charlie y la fábrica de chocolate, Gonzalo Córdoba Estévez por Invasiones I, Company y Berlín Berlín, Cecilia Zuvialde por Nido de lagarto y Mariana Tirantte por La obra.

La terna de iluminación incluye a Matías Sendón por Invasiones I y Misery, Anteo Del Mastro y Sebastián Viola por Charlie y la fábrica de chocolate, Gonzalo Córdova por Billy Elliot, David Seldes por Company, y Mariano Demaría y Santiago Cámara por Astor, Piazzolla eterno.

En vestuario fueron seleccionados Stella Maris Müller por Anastasia, Gustavo Alderete por Hairspray, Graciela Galán por Invasiones I, Romina Lanzillotta y Catalina Rodríguez Loredo por Charlie y la fábrica de chocolate, y Sofía Di Nunzio por Billy Elliot y El mago de Oz.

Las nominaciones por coreografía corresponden a Vanesa García Millán por Company y Hairspray, Analía González por Charly y la fábrica de chocolate y Annie, Alejandro Ibarra por Anastasia y Leandro Gómez por Ellas son tango.

En sonido competirán Gastón Brisky por Hairspray, Company y Billy Elliot, Eugenio Mellano Lanfranco por Annie, Emilio Nicoli por Ellas son tango, y Gastón Briski junto con Alejandro Zambrano por Anastasia.

La categoría de producción reconoce a Diego Romay y Omar Romay por Billy Elliot; Ozono Producciones, MP Producciones y Los Rottemberg por Charly y la fábrica de chocolate; Club Media y Olga por Hairspray; CTBA, Club Media, Carlos Mentasti y Alephmedia por Invasiones I; The Stage Company por El curioso incidente del perro a medianoche; y Club Media por Company.

La 35ª ceremonia también incluirá reconocimientos para SAGAI y para Marisé Monteiro y Nacho Medina.

“Annie” celebra su 50 aniversario con su regreso a Broadway y una tiktoker como protagonista

Michael Paulson — Thu, 17 Sep 2026 14:31:53 +0000

En 1977, la pequeña huérfana Annie, la valiente pelirroja popularizada por una tira cómica de larga duración, llegó por primera vez a Broadway con un espectáculo, Annie, que ganó siete premios Tony, incluyendo los de mejor musical, mejor banda sonora y mejor libreto.

El martes, un equipo de productores anunció que el próximo año, para celebrar el 50 aniversario de este musical ya omnipresente, repondrán el espectáculo en Broadway. Esto es lo que sabemos y lo que no sabemos sobre la producción:

¿Cuándo llegará el renacimiento?

En otoño de 2027. Aún no se han anunciado las fechas exactas.

Esta será la tercera reposición en Broadway; anteriormente se reestrenó en 1997 y en 2012.

¿Quiénes están involucrados?

Sam Pinkleton será el director. Ganó un premio Tony en 2025 por dirigir “Oh, Mary!”, y este año dirigió una reposición de “The Rocky Horror Show” que fue nominada al Tony. (Ambas producciones siguen en cartelera en Broadway).

El reparto aún no se ha anunciado. Se espera que un actor novel interprete al personaje principal, y que una actriz más conocida dé vida a la señorita Hannigan, la amargada administradora del orfanato.

El equipo de producción está formado por Michael Alden, que debuta como productor principal, y Halcyon Theatricals, una nueva compañía productora liderada por Hal Luftig, Cathy Dantchik y Kevin Connor.

¿Hay otros planes para el aniversario?

Sí. Goodspeed Musicals en Connecticut, la organización sin fines de lucro donde se presentó “Annie” antes de su estreno en Broadway en 1976, está planeando su propia producción para celebrar su 50 aniversario a partir del próximo mes, del 30 de octubre al 27 de diciembre. Dicha producción, en East Haddam, Connecticut, contará con la veterana de Broadway Emily Skinner como la señorita Hannigan junto a Laiken Jules, una joven tiktoker, como Annie.

La reposición de Goodspeed está dirigida por Jenn Thompson, quien fue una de las huérfanas que reemplazó a otra actriz en la producción original de Broadway y que dirigió una gira nacional que, a finales de 2024, hizo escala en el Madison Square Garden (donde Whoopi Goldberg interpretó a la señorita Hannigan).

Como siempre, también hay varias producciones locales en todo Estados Unidos, y una producción que acaba de comenzar su gira por Gran Bretaña e Irlanda.

Fuente: The New York Times

El Águila Descalza trae de vuelta “País paisa” a Bogotá con una gira para celebrar sus 40 años

Sergio Ramírez — Thu, 17 Sep 2026 14:16:27 +0000

País paisa, la obra que El Águila Descalza estrenó en 1986, regresa a Bogotá con funciones del 17 al 26 de septiembre en el Teatro Astor Plaza, de jueves a sábado, a las 8:00 p. m. La temporada forma parte de una gira nacional e internacional con la que la compañía celebra cuatro décadas de un montaje que ha convocado a millones de espectadores en Colombia y el exterior.

La pieza retrata, con humor, el tránsito del mundo rural al urbano en Colombia a través de personajes populares que reflejan las contradicciones de un pueblo que se observa a sí mismo. El montaje se ha consolidado como un mapa de identidad regional que trasciende la referencia estrictamente antioqueña para conectar con una experiencia latinoamericana más amplia.

Brujas, arrieros y culebreros regresan al escenario

La versión conmemorativa recupera a los personajes que consolidaron a la obra como referente de la tradición oral antioqueña: brujas, espantos, fonderas, tenderos, culebreros y bravucones de cantina conviven en escena junto a figuras como Cosiaca, el tío Tigre y el tío Conejo. También reaparece don Emel Rodríguez, vendedor de pandequesos convertido en personaje icónico de las tablas, y doña Jesusita Restrepo, quizás el más recordado de todo el repertorio.

El texto original se nutre de fuentes literarias y de tradición oral. Entre los referentes que El Águila Descalza reconoce como base de la dramaturgia figuran Tomás Carrasquilla, Agustín Jaramillo Londoño, Benigno A. Gutiérrez, Guillermo Zuluaga, conocido como “Montecristo”, y Ricardo Aricapa, además de chistes, consejas y relatos populares recopilados durante años de investigación de campo.

Un homenaje a la madre de uno de sus creadores

Carlos Mario Aguirre y Cristina Toro, la pareja artística detrás de la compañía, definieron esta versión conmemorativa como un homenaje a Lucía Velásquez de Aguirre, madre de Carlos Mario y fuente de inspiración para doña Jesusita Restrepo. El personaje encarna el arquetipo de la madre antioqueña, con sus regaños, dichos y contradicciones, una figura que, según los propios creadores, “se parece a la mamá de todos” y habita en la memoria afectiva de varias generaciones de espectadores.

“Esto es algo que no tiene par en Colombia, nos da mucha satisfacción porque es la comprobación de que la obra todavía sigue moviendo fibras muy íntimas, divirtiendo muchísimo al público y contándonos un poco de quienes hemos sido, quiénes somos y quiénes no queremos ser”, afirmó Toro.

La celebración de los 40 años incorpora, además, cuatro canciones originales compuestas por Cristina Toro, con arreglos musicales de Juan David Osorio y dirección musical de Díver Higuita. Estas piezas refuerzan el carácter festivo del montaje sin modificar la estructura dramática que consolidó a la obra como referente del teatro colombiano.

El origen de la compañía se remonta a una sala para siete espectadores

El Águila Descalza nació de la determinación de Carlos Mario Aguirre, quien abrió su primer teatro en una habitación de su apartamento del barrio Laureles, en Medellín. La sala apenas tenía capacidad para siete personas y, según relató el actor hubo funciones en las que se presentó ante un único espectador.

Toro se integró al proyecto cuatro años después de su fundación y, de acuerdo con el testimonio de Aguirre, ese ingreso cambió el rumbo de la compañía: “Después de que empezamos, ya nunca jamás dejamos de tener público”, afirmó el actor. Ambos artistas, que a lo largo de su vida han sido pareja en distintas etapas, mantuvieron siempre una continuidad profesional que derivó en la creación conjunta de varios montajes antes de llegar a País paisa.

La gira continuará hacia Medellín y Estados Unidos

Tras el cierre de la temporada bogotana, la gira conmemorativa de los 40 años de País paisa continuará en octubre y noviembre en Medellín, ciudad de origen de la compañía, antes de cruzar hacia Estados Unidos para funciones que se anunciarán próximamente. La gira nacional e internacional también contempla presentaciones en otras ciudades colombianas que aún no fueron confirmadas.

Las boletas para las funciones en el Teatro Astor Plaza de Bogotá están disponibles a través de la plataforma Boletaenmano.

La peculiar infancia de China Zorrilla: una familia de notables, la crianza en París y una vocación temprana

Nancy Duré — Thu, 17 Sep 2026 05:10:22 +0000

La suya no fue la típica historia de la chica pobre que logra salvarse gracias a su talento artístico. Más bien se puede decir que China Zorrilla estuvo dispuesta a sacrificarse por cumplir su vocación. Y que, aunque rompió todos los esquemas de lo esperable para las mujeres de su época, aquel 17 de septiembre de 2014, cuando murió, partió de este mundo segura de haber vivido tal y como ella quería.

No: no había nacido en el seno de un hogar humilde. Llegó al mundo con el nombre de Concepción Matilde Zorrilla de San Martín Muñoz, el 14 de marzo de 1922, en Montevideo, Uruguay. Y su familia era muy reconocida, no tanto por su dinero sino más bien por su prestigio. Su abuelo era el célebre escritor Juan Zorrilla de San Martín, su padre el escultor José Luis Zorrilla de San Martín, quien fuera ministro plenipotenciario de su país en la corte del rey español Alfonso XIII, y su madre, la argentina Guma Muñoz del Campo, era pariente del prócer oriental José Gervasio Artigas y del poeta Estanislao del Campo. Gente de bien.

Tampoco tuvo conflictos con sus progenitores como para poder armar con esto un culebrón digno de una serie. Siempre dijo que había tenido una infancia muy feliz y que sus padres le habían enseñado mucho. Pero su vida sí tuvo muchos condimentos como para hacer con ella una biopic más que atractiva. Siendo muy pequeña, dejó la tierra del candombe para instalarse con los suyos en París, donde su padre había sido convocado luego de ganar un concurso de esculturas para el Monumento al Gaucho. Y allí aprendió a hablar francés, su segundo idioma.

Fue por entonces que adquirió el apodo de China. ¿De dónde había surgido ese pseudónimo? “De Cochon, a mí me decían así cuando era chica. Vivíamos en París y el significado era ‘cerda’. Se reían de mí los chicos en el jardín de infantes y yo me agarraba grandes rabietas. Me preguntaba por qué me habían puesto un sobrenombre tan ridículo. Dije: ‘Preferiría que me llamaran Cochina’. Así que empezaron a llamarme Cochina y, de ahí, quedó China”, relató la actriz en una oportunidad.

La actriz era la segunda de cinco hermanas. Tras pasar su primera infancia del otro lado del Atlántico, regresó a su país natal a los 4 años, donde cursó sus estudios en el colegio Sagrado Corazón de la capital uruguaya. Sin embargo, el arte le corría por las venas. Y ella no tardó en decidirse a comenzar su carrera como actriz, algo que su familia apoyó a pesar de no estar muy bien visto para la época. Como en esos años estaba prohibido que los críticos utilizaran pseudónimos en sus devoluciones, aunque figurara como “China” en las carteleras teatrales, en las notas periodísticas se referían a ella como “Concepción”. Algo que le parecía, simplemente, un disparate.

El paso que siguió fue Londres, adonde se dirigió en 1946 con una beca para estudiar en la Royal Academy of Dramatic Art. Porque hay que decirlo: pocas actrices han sido tan viajadas como China. Y, aunque en plena posguerra nadie quería pisar Europa, ella se anotó en un concurso diciendo que sabía hablar inglés, aunque su conocimiento del idioma era muy escaso y tuvo que aprenderlo a la fuerza. Hasta entonces, se desempeñaba como traductora en la Embajada de Francia y hacía teatro “como podía”. Pero quería ser actriz. Así que se subió a un barco y fue a probar suerte a Inglaterra. En el peor invierno, con prohibición para vender leña para calefaccionar los hogares y durmiendo con un traje de esquí que le habían regalado sus amigas para poder resistir el frío. De todas formas, también fue feliz en esa tierra.

De regreso a Uruguay, en 1948, comenzó a trabajar con la Comedia Nacional con la que protagonizó más de ochenta obras de teatro. Y, en 1961, fue una de las fundadoras del Teatro de la Ciudad de Montevideo. Desde entonces, comenzó a viajar por distintas ciudades, en especial, Madrid, París y Buenos Aires, de la que se enamoró. Aunque también visitó lugares recónditos. Y se hizo amiga de personajes como el escritor Martin Amis, Dustin Hoffman, Greta Garbo y Gary Cooper, entre tantas otras personalidades que con el tiempo formaron parte de su anecdotario.

Fue periodista, traductora de obras de teatro y musicales, locutora de radio y maestra. En 1965, durante una estadía en Nueva York, trabajó como secretaria en una agencia teatral y como profesora de francés. Y, junto a su amigo Carlos Perciavalle, se animó a hacer una comedia musical para niños, con textos de María Elena Walsh. Hasta ese momento, no tenía muy en claro cuál era su lugar en el mundo. Pero llegó a la Argentina, con casi 50 años, para rodar su primera película: Un guapo del 900. Y entonces supo que esta patria, a la que había llegado “solo con una valija en la mano”, según sus propias palabras, era también de ella. El resto es historia conocida.

“Yo creo que podría vivir en cualquier lugar del mundo. Porque tengo recuerdos tan felices de mi primera salida en Londres. Es difícil decir eso en este país, pero yo he quebrado una lanza por un pueblo del cual aprendí muchas cosas. Yo soy viva, creo. Soy bastante viva. Pero odio la viveza criolla. Y la odio desde cuando me fui a vivir a Londres después de la guerra y vi a un pueblo entero poniéndole el hombro a la patria. Sin alaracas ni discursos heroicos. Simplemente, con su libreta de racionamiento, con lo cual te daban de comer muy poquito, sabiendo que la única cosa que tenían que hacer para que te dieran dos era decir: ‘Perdí mi libreta’. Y nadie tenía dos libretas”, relató.

Y continuó: “También fui muy feliz en París. ¿Quién no podría serlo? Salís a caminar por las calles y si no sos feliz tenés que ir a ver a un psiquiatra porque algo está fallando. Es tal la belleza, cuando tomás un café con una medialunita en un boulevard y ves pasar a la gente... Esa ciudad que es como un amante que te arropa. También pasé fugazmente por Italia y recuerdo a Florencia como una cosa divina. Y viví felizmente en Nueva York, aunque es una ciudad difícil y a veces te da pánico Estados Unidos. Así que pienso que podría vivir en cualquier lugar del mundo porque, a esta altura, la felicidad la tengo adentro y se acomoda adonde yo esté. Sin embargo, pudiendo elegir, no me iría del Río de la Plata”.

Definitivamente, la historia de China no ha sido para nada corriente. Ella era una mujer atípica, una mujer culta y de mundo, que había elegido su carrera siguiendo los latidos de su corazón. Y que terminó dejando una huella imborrable en todos los que tuvieron la suerte de trabajar con ella. Quizá no hizo nada de lo que se esperaba en una mujer. O quizá el amor y la maternidad no eran para ella. Pero se dio el gusto de ser auténtica. De dilapidar hasta el último centavo que entró en sus arcas. De ser generosa, tanto en lo espiritual como en lo material. Y de dejar un recuerdo inolvidable entre sus amigos, sus colegas y el público que la acompañó a lo largo de los años.

Iñaki Aldao y la obra que transita entre la neurodivergencia y los vínculos familiares: “No queremos bajar línea”

Martina Cortés — Wed, 16 Sep 2026 16:22:47 +0000

A tres meses de su regreso a la cartelera porteña, El curioso incidente del perro a medianoche continúa haciendo furor en el teatro Maipo. La obra, producida por Carla Calabrese y The Stage Company, volvió a reunir al público con la historia de Christopher, un adolescente que emprende una investigación luego de encontrar muerto al perro de una vecina. En ese contexto, su protagonista Iñaki Aldao pasó por el estudio de Infobae a las 9 (Infobae en Vivo) y habló sobre su experiencia al interpretar al protagonista, el vínculo con el texto y los desafíos de construir un personaje que no aparece definido por un diagnóstico.

Durante la entrevista, Aldao fue consultado sobre las características de Christopher y sobre las asociaciones que algunos espectadores establecen con el síndrome de Asperger. “Creo que si viene un profesional o alguien y puede decir: ‘Mirá, toma las características que ven en Christopher y pueden asociarlo con un cierto diagnóstico’”, comenzó.

Aldao remarcó que en ningún momento se diagnostica a Christopher ni se explica de manera concreta qué tiene o qué no tiene. “No se diagnostica a Christopher. Nunca se dice qué es lo que puede tener o no”, sostuvo. Luego agregó: “Es verdad, creo que todos podemos darnos cuenta de que tiene una forma distinta a la mayoría de las personas de observar o algún tipo de neurodivergencia”. A partir de esa decisión del autor, el actor contó que junto con Calabrese eligieron no buscar una referencia externa que pudiera encasillar al personaje.

La determinación estuvo relacionada con el riesgo de reducir a Christopher a una representación única. “Sentíamos que corríamos el riesgo de etiquetarlo, de encasillarlo, de hacer una caricatura”, afirmó Aldao. Para el actor, el texto ofrecía una base suficientemente sólida para iniciar el trabajo sin necesidad de convertir al protagonista en una explicación de una condición determinada. “Todo esto también gracias a lo impecable que es el texto, porque es una maravilla”, destacó. Y sumó: “Vos me das ese guion y ya hay un trabajo muy importante que podés empezar a hacer”.

En otro tramo, la charla pasó a la vigencia de la obra y que el guion no parecía haber envejecido desde su estreno anterior, en 2019. Aldao coincidió con esa mirada y habló sobre el alcance que podía tener la historia en quienes se sentaban en la platea. “Para mí es una obra que puede sensibilizar a muchas personas”, expresó. Luego se refirió a la representación de una temática que, según sostuvo, no siempre aparece en los escenarios: “Creo que es una temática que no siempre se ve representada en teatro, entonces hay mucha gente que tal vez no se ve nunca reflejada arriba del escenario”.

“Hay familiares de gente que se pueda parecer a Christopher, que tengan la posibilidad de verlos ahí arriba”, planteó. Sin embargo, enseguida amplió la mirada y explicó que la obra no quedaba limitada a eso. “Más allá de esa empatía que le puede generar a la gente, queremos se vean por parecerse a Christopher, creo que también dispara la pregunta: ‘¿dónde está Christopher?’ Adentro de todos nosotros”, afirmó.

“Todos tenemos una forma muy personal y distinta de ver el mundo. Y en qué lugares a veces nos sentimos solos o nos sentimos incomprendidos”, dijo. “En un momento en el que todos tenemos opiniones tan distintas y todos nos podemos llegar a sentir solos, más allá de la política, también creo que tiene que ver con la tecnología”, señaló. Y concluyó: “Hay tanto aislamiento que ese es uno de los puntos fuertes de la obra”.

La conversación también abordó la manera en que la puesta presentaba a los personajes que rodeaban a Christopher. Frente a la observación de que la obra no convertía en estereotipos ni al protagonista ni a sus padres, Aldao resumió el alcance del conflicto: “Es sobre los vínculos, es sobre la familia. Lo bueno es que no es una obra que te hace una bajada de línea”, aseveró.

Según Aldao, la función continuaba después de que se encendían las luces de la sala. “Lo que te regala es un debate. Un debate interno, primero y principal, porque creo que uno se va dialogando con uno mismo y te podés ir preguntando muchas cosas”, explicó. También describió las conversaciones que podían surgir después de la obra, cuando los espectadores intentaban compartir sus impresiones: “Después te sentás a comer después del teatro y: ‘Che, ¿qué onda?’. Empezás a hablar. ¿Qué sentiste de la madre, del padre? ¿Qué sentiste de Christopher?”. Para el actor, el valor estaba justamente en que el teatro abriera preguntas.

“Noto que a la gente le gusta mucho el segundo acto, porque el primero es más introductorio”, contó. Aldao definió la obra como una experiencia inmersiva y la comparó con una montaña rusa por la variedad de emociones que atravesaba el público. “Te reís, llorás, te emocionás”, expresó. Luego explicó por qué consideraba que la segunda parte resultaba determinante: “El segundo acto no para. Porque avanza, porque es muy necesario. Tiene que resolver y ahí se juega el personaje, se juega todo el destino”.

“Es la transformación”, comentó el actor al hacer alusión al crecimiento emocional que atraviesa su personaje en la historia. Después destacó: “Ahí es donde me parece que adquiere la potencia total”. Para el actor, el relato podía haber quedado reducido a una explicación si el texto no hubiera desarrollado el camino interno del personaje. “Un mal libro corre el riesgo de quedarse en ser muy explicativo sin contar qué pasó?”, planteó.

En el tramo final de la conversación, Aldao destacó el gran despliegue de esta nueva versión de la obra. “Tiene un nivel técnico de primer nivel”, sostuvo. Después definió la puesta como “una producción inmersiva, mas no participativa”. De ese modo, explicó que la propuesta buscaba introducir a los espectadores en el universo de Christopher sin convertirlos directamente en parte de la acción.

A través de su testimonio, Iñaki Aldao repasó la manera en que se acercó a Christopher y el criterio con el que eligió construirlo junto a Carla Calabrese. También habló sobre una obra que, según describió, podía ser leída desde la neurodivergencia, los vínculos familiares, la soledad y las formas personales de mirar el mundo. El curioso incidente del perro a medianoche continuó así su recorrido en la cartelera porteña con una puesta que, en palabras del actor, no buscaba cerrar el debate, sino dejar abiertas las preguntas después de que terminara la función.

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Vivieron juntos y murieron con dos meses de diferencia: Griselda Gambaro y Juan Carlos Distéfano, amor, arte y exilio

Wed, 16 Sep 2026 14:28:03 +0000

Juan Carlos Distéfano murió de noche, mientras dormía —fue hace menos de dos meses, tenía 92 años— acompañado por Griselda Gambaro, su esposa y compañera desde que se casaron hace mucho, mucho tiempo: 1955. Ella falleció ayer. Las muertes de los dos artistas —él escultor, ella escritora y dramaturga—, separadas por menos de dos meses, cerraron una vida compartida entre la creación, el exilio, la familia y una misma forma de mirar el mundo. Una verdadera historia de amor.

Se conocieron en la década del cincuenta. Ella había empezado a escribir relatos; él se abría paso en las artes visuales. Se casaron en 1955 y, años después, construyeron una casa modesta en Don Bosco, en el sur del conurbano bonaerense. La indemnización que Gambaro recibió tras dejar su empleo en el Club Independiente y el dinero de sus primeros premios literarios ayudaron a acelerar esa obra. Ahí criaron a sus hijos, Andrea y Lucas, mientras cada uno encontraba su propio lenguaje artístico.

En aquellos años reunieron ahorros para viajar a Italia, un destino que Distéfano quería conocer por sus museos. Partieron con la intención de instalarse allí, pero regresaron a los cinco meses. La nostalgia por la Argentina modificó el plan.

La relación incluyó una conversación artística constante, aunque no siempre explícita. Distéfano leía los textos de Gambaro antes de que circularan. En una entrevista de 2015 con La Nación, la dramaturga lo incluyó entre sus primeros lectores, junto con una amiga y uno de sus hijos. También evocó con humor una pieza temprana sobre Vincent van Gogh que les había leído a amigos y que su marido todavía recordaba para burlarse de algunas escenas. Después de esa experiencia, Gambaro dejó de intentar escribir teatro durante un tiempo. Su regreso llegó con Las paredes, en 1963, una obra que todavía se representa.

La intervención de Distéfano fue más allá de la intimidad de la lectura. El escultor hizo llegar a Roberto Villanueva el libreto y la versión teatral de El desatino. Ese gesto ayudó a que el texto se encaminara hacia una puesta en el Instituto Di Tella.

Cuando le preguntaron qué los unía después de casi seis décadas de matrimonio, Gambaro respondió: “No es que hablemos mucho de arte, es la manera de ver las cosas lo que importa”. También recordó la disciplina de la juventud: ambos tenían trabajos para sostenerse y dedicaban el tiempo libre a sus obras.

Volvamos atrás. En abril de 1977, la dictadura prohibió Ganarse la muerte, la novela que Gambaro había publicado el año anterior. El decreto presidencial calificó el libro como contrario a la familia, la moral, el ser humano y la sociedad. La medida incluyó la clausura por 30 días del sello que la publicó: Ediciones de la Flor. Ese mismo año, la familia se exilió en Barcelona.

Distéfano recordó después que la acusación de atacar a la familia les resultaba irónica, porque la suya era “absolutamente tradicional”. Pero el contexto que rodeó la partida estaba marcado por el temor: amigos secuestrados, cuerpos hallados en la zona donde vivían y tiroteos nocturnos en Don Bosco. Volvieron a la Argentina en 1980.

“Desenterramos los libros que habíamos escondido y tratamos de comenzar de nuevo”, contó ella. El regreso ocurrió todavía bajo la dictadura, en una vida cotidiana que el escultor describió como una normalidad atravesada por el autoritarismo.

En los recuerdos de Mercedes Pérez Bergliaffa, publicados tras la muerte de Distéfano, la pareja aparece lejos de las ceremonias institucionales. Llegaban a la casa de Lucas, su hijo, con fuentes de comida, panes y libros. Gambaro reía y, según la autora, los ojos de Distéfano se iluminaban.

La misma crónica registra a Gambaro haciendo bromas en una cocina sin muebles y a Distéfano atento a la ubicación de un reloj para que pudiera verse desde todos los ambientes. Son escenas domésticas de una pareja que compartió la crianza, amistades, casas en construcción y el trabajo de cada día.

El 24 de julio de este año, Gambaro cumplió 98 años. Al día siguiente, Distéfano murió mientras dormía, con ella a su lado y con sus hijos cerca. Como si hubiera estado esperando aquel festejo, para no arruinarlo con una tristeza. Ella falleció 52 días después. Ambas vitalidades estaban encadenadas. Juntos construyeron una obra decisiva para la cultura argentina, pero sobre todo protagonizaron una historia de amor que atravesó más de 70 años.

Bárbara Torres regresa al Perú con una comedia sobre el amor, los estereotipos y las parejas complicadas

Cecilia Arias — Wed, 16 Sep 2026 02:05:49 +0000

La actriz argentina Bárbara Torres, recordada por su papel de “Excelsa” en la serie mexicana “La Familia P. Luche”, regresa a los escenarios peruanos con una comedia teatral sobre las contradicciones del amor y la atracción romántica. La producción, titulada “¿Por qué las mujeres aman a los …….??”, llega acompañada del actor mexicano Óscar Rubí, quien además dirige la puesta en escena.

La función está programada para el sábado 7 de noviembre en el Auditorio del Colegio Alfonso Ugarte, en el distrito de San Isidro. Las entradas ya están disponibles a través de la plataforma Axessperu.

Una comedia que explora los estereotipos detrás de la atracción romántica

“¿Por qué las mujeres aman a los …….??”, escrita por Antonio Garci y dirigida por Óscar Rubí, explora el enigma detrás de la atracción que algunas mujeres sienten hacia hombres con actitudes cuestionables. A través de diálogos ingeniosos, enredos y un tono irreverente, la puesta en escena aborda los estereotipos y expectativas presentes en las relaciones románticas contemporáneas.

Con 90 minutos de duración, la obra propone una combinación de actuaciones que buscan conectar con la audiencia a partir del humor, sin dejar de lado la reflexión sobre el amor y las relaciones sentimentales. La trama expone además las contradicciones de los roles de género en la actualidad, un eje que atraviesa buena parte del desarrollo de la historia.

El montaje se sostiene en la dupla actoral entre Bárbara Torres y Óscar Rubí, quienes comparten escenario en una comedia que combina situaciones cargadas de humor con momentos de mayor carga dramática, en un formato que ya ha circulado por otros países de la región antes de su llegada a Lima.

De “Excelsa” a las telenovelas, la trayectoria de Bárbara Torres

Bárbara Torres inició su carrera en México con el personaje de Excelsa en “La Familia P. Luche” en 2002, un papel que la consolidó como una de las figuras cómicas más reconocidas de la televisión mexicana. Desde entonces, la actriz ha participado en programas como “Sabadazo”, “Estrella2”, “Desmadruga2” y “Humor a Quién Humor Merece”.

Su trayectoria también incluye trabajos en telenovelas como “Esperanza del Corazón”, “Niña de mi Corazón” y “Junta de Vecinos”, producciones que ampliaron su presencia en la televisión mexicana más allá del formato de comedia con el que se dio a conocer.

Óscar Rubí, un director con más de 30 obras en su trayectoria

Óscar Rubí, por su parte, inició sus estudios artísticos en 1995 y desde 1998 ha producido más de 30 obras de teatro, la mayoría de las cuales también dirigió. Entre sus trabajos previos se encuentran los montajes “Cenicienta el Musical” y “Blancanieves el Musical”, además de las comedias “Tus Ex y mis Ex contra nosotros” y “Maduras, Solteras y Desesperadas”.

Rubí también ha trabajado en producciones junto a figuras como Sylvia Pasquel y Daniela Luján, lo que consolidó su trayectoria como director y productor dentro del circuito teatral mexicano antes de asumir la dirección de “¿Por qué las mujeres aman a los …….??”.

La presentación en Lima marca el regreso de Bárbara Torres a los escenarios peruanos, esta vez junto a una producción que combina la experiencia cómica de la actriz con la trayectoria de Rubí como director de comedias en México, en una función única programada para el 7 de noviembre en San Isidro.

Alicia Maguiña vuelve a escena: su obra, declarada Patrimonio Cultural, será homenajeada en el Teatro Segura

Yenny Melo — Tue, 15 Sep 2026 01:16:40 +0000

“Viva el Perú y sereno”, “Indio”, “Negra quiero ser” y “La apañadora” forman parte de una obra que recorrió marineras, valses, huaynos, tonderos, yaravíes y tunantadas y que, décadas después de haber sido creada, continúa pasando de una generación de intérpretes a otra.

Ese legado de Alicia Maguiña volverá a escucharse el próximo domingo 20 de septiembre en el Teatro Principal Manuel A. Segura, donde un grupo de artistas nacionales participará en “Alicia, siempre Alicia – Edición 2026”, un espectáculo dedicado a recorrer distintas etapas de su producción musical.

El concierto llega, además, pocos meses después de que el Ministerio de Cultura declarara Patrimonio Cultural de la Nación un repertorio de 52 composiciones de Maguiña, en reconocimiento a su aporte a la preservación, difusión y revaloración de distintas expresiones de la música tradicional peruana.

¿Quién fue Alicia Maguiña?

Alicia Rosa Catalina Maguiña Málaga nació en Lima el 28 de noviembre de 1938 y falleció el 14 de septiembre de 2020, a los 81 años. Fue compositora, cantante e investigadora de la música peruana y desarrolló una trayectoria marcada por su interés en conocer de cerca las diferentes tradiciones musicales del país.

Aunque nació en la capital, pasó parte de su infancia en Ica y mantuvo también una fuerte conexión familiar con los Andes. Su padre era natural de Huaraz (Áncash) y su madre de Arequipa, influencias que terminaron dialogando con una obra que evitó quedar encerrada en una sola tradición regional.

Maguiña investigó expresiones musicales de distintas zonas del Perú y construyó un repertorio que abarcó vals, marinera, tondero, huayno, yaraví, muliza y tunantada, entre otros géneros. Uno de los rasgos que terminaron distinguiendo su producción fue precisamente su capacidad para acercar las tradiciones de la costa y la sierra.

Entre sus composiciones más conocidas figuran “Viva el Perú y sereno”, “Negra quiero ser”, “La apañadora”, “Indio”, “Todo me habla de ti” y “Wiñaytam kausanki José María”, esta última dedicada al escritor y antropólogo José María Arguedas.

52 composiciones reconocidas como Patrimonio Cultural de la Nación

En julio de 2026, el Ministerio de Cultura declaró Patrimonio Cultural de la Nación a 52 obras musicales de Alicia Maguiña, destacando su contribución al rescate, estudio y difusión de prácticas musicales tradicionales.

El reconocimiento no comprende únicamente la trayectoria de la artista, sino un conjunto específico de composiciones consideradas representativas de su trabajo de investigación y creación.

La obra de Maguiña estuvo estrechamente vinculada con la observación y conocimiento de las tradiciones que luego llevaba a sus propias composiciones. Su producción permite recorrer diferentes paisajes culturales del país y constituye también un registro de ritmos, costumbres e identidades que forman parte de la memoria musical peruana.

Varias voces interpretarán el repertorio de Alicia Maguiña

“Alicia, siempre Alicia – Edición 2026” estará bajo la dirección y producción del maestro Santiago “Coco” Linares y reunirá a Julie Freundt, Nancy Manchego, Julio Humala, Lalo Arroyo, Blanca Galdós y Françoise Rodríguez.

Cada intérprete abordará diferentes piezas del repertorio desde su propio registro, en una propuesta que busca recorrer los distintos géneros que formaron parte de la producción artística de Maguiña.

El espectáculo permitirá así volver sobre canciones que forman parte del cancionero peruano y que han sido interpretadas durante décadas por distintas voces de la música nacional.

¿Cuándo y dónde será “Alicia, siempre Alicia”?

El homenaje se realizará el domingo 20 de septiembre, a las 6:00 p. m., en el Teatro Principal Manuel A. Segura, ubicado en el jirón Huancavelica 265, en el Cercado de Lima.

Las entradas se encuentran disponibles a través de Teleticket.

A seis años de su fallecimiento, el espectáculo encuentra a Alicia Maguiña en un momento especial de reconocimiento: parte de su repertorio cuenta ahora con la condición de Patrimonio Cultural de la Nación, mientras sus composiciones continúan siendo reinterpretadas por nuevas generaciones de artistas peruanos.

Tom Felton sobre la vuelta de Rupert Grint a Broadway para reinterpretar a Ron Weasley: “Somos malos hablando por teléfono, pero cuando me enteré, lo llamé inmediatamente”

Paula Bastante Hernáiz — Sun, 13 Sep 2026 17:57:03 +0000

Tom Felton lleva diez meses interpretando el papel de Draco Malfoy en la obra de teatro de ‘Harry Potter y el legado maldito’ de Broadway. Aunque el actor de 38 años pensaba que su vuelta al personaje que lo lanzó a la fama pasaría desapercibido en pocos días, lo cierto es que “no ha sido así”, ha expresado para el cultural de la BBC, Yasmin Rufo. “Es muy gratificante y conmovedor saber lo mucho que estos personajes siguen significando para la gente hoy en día, y si eso los lleva al teatro, ¡eso es lo mejor!”, ha afirmado el británico. Incluso, lo más curioso es que el fenómeno de Harry Potter ha llegado hasta niños y adolescentes que “ni siquiera habían nacido cuando yo participé en la primera película”.

Aunque su contrato en Broadway acaba el próximo 3 de enero de 2027, Felton ha sido el actor de la saga que ha abierto la veda para que otros decidieran volver. Recordemos que el coprotagonista Rupert Grint, que interpretaba a Ron Weasley, anunció el pasado 26 de agosto su participación en la misma obra. Ese mismo día, al enterarse de la noticia, Felton no lo dudó y se puso en contacto con él: “Normalmente, y él estará de acuerdo conmigo, somos bastante malos hablando por teléfono, pero cuando me enteré de la noticia lo llamé inmediatamente y estoy muy contento”, ha declarado para Rufo. Al final, “¿quién no quiere ver a Rupert Grint interpretando a Ron Weasley otra vez?“.

“No creo que necesite ningún consejo mío”

El actor que dio vida a Draco Malfoy durante más de una década ha asegurado que “no creo que necesite ningún consejo mío. De hecho, sería yo quien se lo pediría a él”, responde. Estas palabras no solo indican la admiración que se tienen entre el elenco de la saga de películas, pues Grint ya había pisado Broadway en 2014 y 2015 en la comedia ‘It’s Only a Play’.

Asimismo, a pesar de que el contacto que mantienen entre ellos no se asemeja al que tenían durante los rodajes, ha afirmado que su amistad ha perdurado en el tiempo. De hecho, ha precisado que, además de Grint, Daniel Radcliffe y Emma Watson son como su familia y sus mejores amigos. “Normalmente estamos en cuatro rincones distintos del planeta, así que es difícil reunirnos”, añade.

“Ron Weasley ha formado parte de mí desde que tenía 11 años”

Nadie podía imaginarse que el regreso de Rupert Grint a los escenarios de Broadway sería para interpretar el mismo papel que le dio su vocación como actor. No obstante, en esta ocasión tendrá un papel más maduro, ya que tendrá que encarnar a un Ron Weasley adulto. Recordemos que ‘Harry Potter y el legado maldito’ es una obra de teatro que transcurre 19 años después de la guerra de Hogwarts.

Aunque la trama no fue escrita originalmente por J.K. Rowling, la escritora colaboró junto a su creador Jack Thorne para que la historia llegara a los escenarios de Nueva York. Grint, como anunció el pasado mes de agosto, empezará su nueva etapa el 2 de febrero y se extenderá hasta el 30 de marzo. Por lo que no coincidirá en el escenario con Tom Felton.

Aun así, el actor está entusiasmado por su reincorporación al mundo mágico: “Ron Weasley ha formado parte de mí desde que tenía 11 años y estoy deseando volver a encontrarme con él en esta etapa de mi vida”. Al final, como apuntaba, “hay algo tan cíclico y tan especial en volver a ponerme en el lugar de Ron ahora que ambos somos padres; de alguna manera es a la vez muy familiar y completamente nuevo”.

Teatro Coliseo Podestá, 140 años y un premio histórico: la distinción de Teatro del Mundo, la temporada 2025 y una pista única bajo la platea

Sun, 13 Sep 2026 15:10:29 +0000

El Teatro Municipal Coliseo Podestá de La Plata recibió el reconocimiento en la categoría Instituciones de los Premios Teatro del Mundo por la actividad escénica de la temporada 2025, una distinción que llega durante sus 140 años de trayectoria ininterrumpida y premia la gestión de la sala de la capital bonaerense. Es la primera vez que el teatro obtiene este galardón.

La entrega se realizó en la Sala Batato Barea del Centro Cultural Rojas, dependiente de la Universidad de Buenos Aires. El premio es organizado desde 1998 por el Área de Historia y Teoría Teatral del Centro Cultural Rector Ricardo Rojas de la Universidad de Buenos Aires y reconoce producciones e instituciones de los distintos circuitos teatrales argentinos e internacionales.

La selección contempla 19 rubros de la actividad escénica, con Diplomas de Trabajos Destacados y un Premio Mayor por categoría. El jurado evalúa las poéticas, la innovación y la experimentación teatral, la originalidad, la creatividad, la escasa visibilidad en los medios masivos y el acompañamiento a artistas emergentes.

La edición que distinguió al Coliseo Podestá reunió a 50 investigadores y críticos de la Universidad de Buenos Aires, además de invitados especiales de la Ciudad de Buenos Aires y de otros puntos del país. La coordinación general estuvo a cargo del crítico, historiador y docente teatral Jorge Dubatti.

El director del teatro, Alejo García Pintos, recibió la distinción durante la ceremonia y vinculó el aniversario con uno de los rasgos arquitectónicos e históricos del edificio: “Hace casi tres años que me toca dirigir este hermoso teatro que cumple 140 años y que alberga debajo de su platea la última pista de circo criollo que queda en pie”.

La sala atraviesa obras de puesta en valor destinadas a mejorar sus instalaciones, incorporar un nuevo sistema de climatización y optimizar su funcionamiento general. García Pintos agradeció el respaldo del intendente de La Plata, Julio Alak: “Le agradezco al intendente de La Plata, Julio Alak, que me da todas las herramientas para ponerlo lindo y recibir a todos en las mejores condiciones y, sobre todo, para producir teatro y tener un elenco estable de 20 actores y actrices de la ciudad”.

El director subrayó que los intérpretes no contaban con continuidad laboral desde hacía “muchísimo tiempo”. La conformación de ese elenco estable se integra a una programación que convocó a públicos diversos y abarcó música, espectáculos infantiles, humor, danza y teatro independiente.

La oferta del Coliseo también incluyó Laberinto Podestá, el último aplauso, la primera producción propia de toda la historia de la institución. Las visitas guiadas y teatralizadas por el edificio completaron las actividades destinadas a acercar a los asistentes al recorrido histórico de la sala.

El teatro abrió sus puertas en 1886 bajo el nombre de Politeama Olimpo, el mismo año en que se estrenó la versión hablada de Juan Moreira. La obra, impulsada por José Juan Podestá, dio origen al teatro gauchesco y sentó las bases de una tradición escénica vinculada desde sus inicios con la familia que dio nombre al Coliseo.

Carlos Casella contó el secreto de su vínculo con Griselda Siciliani: “Tenemos una pasión muy parecida”

Andrea Taboada — Sun, 13 Sep 2026 05:01:00 +0000

Carlos Casella y Griselda Siciliani vuelven a compartir escenario con Boite, una propuesta íntima de music-hall que reúne música, actuación, monólogos, humor y sensualidad en La Trastienda. La obra recupera la estética de los cabarets y las boîtes de la década de 1970, con músicos en vivo y un repertorio que incluye versiones de Sesso e samba, Believe y Como dos extraños, entre otros temas.

La reunión también pone en primer plano un vínculo artístico de más de 25 años. Ambos construyeron una sociedad escénica que ya tuvo pasos por espectáculos como Estás que te pelas, Sputza! y Pura Sangre. En diálogo con Teleshow, Carlos Casella, actor, baiarín y cantante, repasó ese recorrido y explicar cómo esa historia compartida dialoga con el presente de Boite, que finaliza el 27 de sepiembre.

—Boite los volvió a reunir sobre el escenario y la respuesta fue inmediata. ¿Qué tiene esa dupla que conecta tan rápido con la gente?

—Creo que tiene que ver con una química muy real. Con Griselda nos conocemos hace 25 años: yo era su profesor de danza y ella era mi alumna. Tenemos un origen muy parecido y, aunque después nuestros caminos se fueron diversificando, cada tanto se vuelven a cruzar. Cuando eso pasa, es como si compartiéramos una misma raíz, pero con nueva información. Para mí eso es recontra enriquecedor.

—Cuando una dupla funciona así, suele haber algo más que talento. ¿La clave es la confianza?

—Obviamente están las dos cosas, pero la confianza es fundamental. Tenemos una pasión muy parecida, una forma de trabajar muy afín, y eso en el escenario se nota. Podemos subir sin ningún plan y en el escenario se arma el plan. Y eso es un capital enorme, porque no te pasa con mucha gente en la vida.

—Cuando hablás de Griselda aparece mucha admiración. ¿Qué te sigue sorprendiendo de ella?

—Su pasión, su entrega y lo divertido que es trabajar con ella. Me gusta íntegra, 360. Y además, en estos años desarrolló muchísimo su expertise en la comedia, el humor y el ritmo escénico. Eso lo maneja como nadie. Para este show la escuché muchísimo en cada palabra que queríamos decir entre tema y tema. Su mirada sobre los silencios, el ritmo y el humor es enorme.

—¿Y qué sentís que aportás vos a esa sociedad?

—En estos años crecí mucho con la música. Estoy muy dedicado a cantar, a armar repertorios sorpresivos, lúdicos, divertidos. Entonces mi aporte tiene mucho que ver con la selección de las canciones, con cómo hacerlas, hacia dónde llevarlas. Y también con mi faceta como cantante.

—Viéndolos, parece que todo fluye con libertad, pero también hay mucho trabajo detrás. ¿Cómo construyen ese equilibrio?

—Hay libertad, sí, pero también una estructura. Trabajamos mucho sobre el deseo y no desde una lógica tan lineal. A partir de eso armamos una dramaturgia y un show. En elegir el material no tardamos tanto; lo que más tiempo nos lleva es ponernos de acuerdo en cuándo hacerlo. Hace bastante que veníamos hablando de Boite, pero una vez que encontramos el momento, todo se ordenó rápido.

—¿Y en ese proceso es clave una mirada externa?

—Totalmente. Nos dirige Ana Frenkel. Somos bastante grupales, pero Ana está afuera mirándonos y eso es fundamental. Las decisiones pasan un poco por los tres. Griselda y yo llevamos el material y Ana lo conduce, lo ordena, lo pone en valor.

—Hay gente que siente que cuando ustedes se juntan pasa algo distinto. ¿Vos también lo percibís así?

—Sí, lo siento. Y también me conmueve que la gente lo registre, porque en realidad no hicimos tantas cosas juntos. Entonces me parece hermoso que la gente diga: “Se los extrañaba juntos” o “qué bueno que volvieron”, porque evidentemente quedó algo muy fuerte, en los espectáculos anteriores.

—¿Te interesa entender qué produce esa dupla o preferís que una parte siga siendo inexplicable?

—Me interesa hasta cierto punto. Creo que hay algo que se puede pensar y otro poco que simplemente sucede. Hay confianza, admiración mutua y una manera de entender el escenario que compartimos. Después hay algo que pasa ahí, en vivo, que no conviene explicar tanto porque tiene que ver con lo imprevisible.

—También se nota que disfrutan mucho estar ahí arriba. ¿Eso sigue siendo el gran motor?

—Sí, absolutamente. Cada vez que está por empezar el show, estamos atrás de la escenografía esperando para entrar, y siempre nos miramos como diciendo: “Qué bueno esto que estamos haciendo”. A veces uno pierde perspectiva de lo valioso que es estar arriba de un escenario con alguien que te banca cien por ciento. Es muy enriquecedor. Y creo que algo de esa alegría le llega a la gente.

—El espectáculo ya sumó funciones. ¿Sentís que este reencuentro puede extenderse más de lo que imaginaban?

—Ojalá. Agregamos funciones y eso ya nos pone muy contentos. También hay ideas de llevar el show a lugares cercanos, como Uruguay o Chile. Estamos viendo cuándo podría hacerse, porque cada uno tiene sus compromisos, pero sí, hay ganas de que siga creciendo.

—Más allá de tus otros proyectos, ¿hoy tu energía está puesta sobre todo en Boite?

—Sí. Tengo conciertos, presentaciones y mis cosas personales, que me encanta seguir haciendo. Pero como proyecto importante de acá a fin de año, Boite cien por ciento.

“Nunca he tenido tiempo para la nostalgia”: Alfredo Arias cuenta cómo vive su identidad argentina después de 56 años en París

Guillermo E. Pintos — Sun, 13 Sep 2026 04:00:00 +0000

Alfredo Arias dejó Buenos Aires a fines de los años 60, cuando partió a París con la puesta en escena de Eva Perón, de Copi. Antes había dado sus primeros pasos como artista plástico en el mítico Instituto Di Tella, donde presentó su primera obra, Drácula. “Siempre dije que quería ser un artista y me enviaron al Liceo Militar”, recuerda sobre esos años de formación esquiva. Desde entonces construyó en Francia un mundo poético propio que atravesó el repertorio clásico y la creación original: de Las criadas de Jean Genet en el Théâtre de l’Athénée a Las aves de Aristófanes en la Comédie Française. Por su trayectoria recibió un Molière de Honor y fue distinguido con títulos que tienen algo de pomposo y bastante más de enaltecimiento: Caballero, Oficial y Comendador de las Artes y las Letras, además de Caballero de la Orden Nacional del Mérito de Francia.

Ahora esta leyenda de las artes y la cultura argentina del último medio siglo, atiende la videollamada en la tarde del todavía verano de París, con sombrero y anteojos oscuros, a salvo del calor. Se encuentra ultimando el montaje de la que podría ser, a los 82 años, una película que refleja el viaje de su vida: recorre a pie toda la ciudad de Buenos Aires, desde Lanús Oeste hasta la Plaza San Martín. “Es una película geográfica”, la define. Mientras tanto, esta semana en París hay bastante de él: hasta este domingo 13 se presenta en el bello Palais de Tokyo Hello Andy?, con Alejandra Radano en la piel de Joan Crawford dialogando por teléfono con Andy Warhol. La pandemia obligó a suspender en tres oportunidades el espectáculo, cuenta, y ahora esa versión llegará finalmente en español, con subtítulos en francés. Se trata de la puesta definitiva, pensada como una transición entre el teatro, el cine y las artes plásticas. “Mi intención fue desarmar un poco el teatro y llevarlo más hacia las artes plásticas”, explica. Este lunes 14, además, habrá más de Alfredo Arias en París: en la mítica sala L’Arlequin -un templo del cine arte y de ensayo, ahí donde Jacques Tati oficiaba casi de anfitrión- se proyectarán Fanny Camina (2001) y Hello Andy? (2022).

Sobre el tiempo transcurrido desde su llegada a París no tiene dudas: hace la cuenta a partir de aquella puesta de Eva Perón, en 1970. “Son 56 años que he pasado acá”, calcula. Por curiosidad del entrevistador, Alfredo detalla que vive desde hace más de cuarenta años en la calle de las Bellas Artes, en pleno barrio de Saint-Germain-des-Prés, entre galerías y anticuarios. “Es una calle sobre todo donde hay muchas galerías de arte y está la Escuela de Bellas Artes”, describe. “No es muy extensa, va desde la rue Bonaparte hasta la rue de Seine”. Frente a su casa hay un hotel con historia propia. “Ahí pasaba Borges los períodos que venía a París porque había un editor, Franco María Ricci, que le había pedido una colección”, contó. “Cuando venía, estaba enfrente de su librería”.

—¿Conociste a Borges?

—No, siempre lo vi de lejos. En algún momento creo haberlo visto pasear hace muchos años con su madre en aquel departamento donde vivía en la calle Maipú, en Buenos Aires. Conocí a María Kodama pero a él no, siempre ha sido una imagen así un poco fantasmagórica, digamos.

—Un tópico habitual para preguntarle a un argentino que se fue a vivir a otra ciudad es si extraña Buenos Aires, si extraña Argentina y por qué.

—Hay un problema de identidad. En las ciudades donde uno tiene que inventarse una nueva vida y aprender una nueva cultura, es todo un trabajo de educación propio, sobre todo si se tiene la pretensión de hacer teatro, de comunicar directamente con el público, con el idioma del público. Y otra cosa es llegar a Buenos Aires, donde todo tiene significación e identidad, porque es el lugar donde uno se construyó. Es totalmente diferente. Lo he vivido como si Buenos Aires fuera el lugar de mis raíces y como si este fuera el lugar de mi aprendizaje del mundo, porque Francia ofrece con su cultura aprender muchísimas cosas.

—Si recito la letra de “Anclao en París”, ¿corresponde a tu sentimiento?

—No, nunca. Tuve la suerte, o pasó de esa manera, de que todo se encadenó con una dinámica a partir del deseo de hacer cosas y con las posibilidades que este país nos ofreció, puesto que hay otros artistas argentinos que también han disfrutado de estas posibilidades. No he tenido tiempo para la nostalgia. En cambio, mis raíces interesaron y yo siempre me interesé sobre mis raíces. De alguna manera siempre palpitaba de dónde vengo, de dónde soy, pero no con nostalgia, sino como una actividad más bien creativa. Me parece que Francia es un país... No sé ahora dónde van los argentinos, porque con todas estas políticas que están en el mundo, no sé si lo extranjero va a tener la misma significación que tuvo en algún momento. En lo que a mí respecta, aquí mi argentinidad interesó.

—¿Y Cuánto cambió París desde que llegaste en el 70 hasta ahora? Y como ciudadano francés, ¿cómo ves el debate sobre la inmigración, algo que quizá no viviste de la misma manera cuando llegaste?

—Hay diferentes etapas. Cuando yo llegué en los años 70, casi podría decir que había todavía un lado balzaciano, algo del siglo XIX que seguía flotando. Por ejemplo, las concierges, las porteras, denunciaban a la gente, estaban en contacto con la policía. Había todavía un sabor de otra época. Ahora el mundo se ha transformado vertiginosamente. Francia estuvo expuesta a corrientes migratorias, por ejemplo de Marruecos, de Argelia. Pero pienso que eso ya está integrado en la cultura francesa. No es lo mismo que estos desembarcos que puede haber, como está pasando ahora en España o en Italia, donde de pronto llega gente desesperada, con razón quizá, pero los países no están preparados. Si no quieren tener esas invasiones, tienen que ayudar a los países donde se sufre. Esa sería una manera de evitar que la gente quiera huir de su país.

Cuando llega, la gente está escapando y ahí ya es demasiado tarde. Yo digo que los países europeos tienen que actuar antes. Si un país está al borde de una catástrofe económica, ahí es donde los países comprometidos deberían ayudarlos. Porque perder la identidad de nacimiento es una fatalidad, es muy complicado. También hay una evolución vertiginosa, donde la gente puede creer que está en situación de peligro económico y piensa que lo que se ve del capitalismo, del liberalismo, es la forma ideal de vida. Y por ahí el terrenito que tienen, o la vista sobre el cerro, o los árboles que los rodean, no tienen ningún interés para ellos.

—¿Estás haciendo una película que es un poco la historia de tu vida, desde tu nacimiento en Lanús hasta hoy, en París?

—Es una película geográfica. Hacer cine, para mí, a mi edad, tiene una única manera: encontrar una marginalidad que me permita hacerlo sin que sea manoseado por la cantidad de gente que da opiniones y que finalmente llega a convertirlo en un híbrido. Tuve un conflicto con mi familia, que quería que fuera abogado, y yo ya había empezado a estudiar teatro. Decidí irme de mi casa en Lanús Oeste, dejar mis monedas sobre la mesa y caminar hasta el centro de Buenos Aires. Fui caminando como si fuera un camino iniciático, pero sin saberlo realmente. Un día volví a transitarlo, pero en auto, ahora, recientemente, y dije: “¿No es increíble que yo hice paso a paso todo este recorrido, como si me desprendiera de todo ese peso de ambiciones de mis padres y tratara de buscar una identidad?”. Lo volví a filmar hoy, a mi edad, atravesando a pie toda la ciudad de Buenos Aires. Al mismo tiempo que la ciudad se cuenta a sí misma, porque son bastante impresionantes los diferentes aspectos caóticos que ofrece nuestra ciudad, voy relatando en voz en off ciertos episodios. Está el árbol materno, el árbol paterno y la conclusión que saco de haber hecho ese camino. Es de Lanús Oeste hasta la Plaza San Martín.

—Es una pregunta grandilocuente, pero se engancha con esto que venimos hablando: ¿estás satisfecho con la vida que has tenido?

—Sí, estoy satisfecho porque me parece que pude recuperar intuitivamente, o inventar, muchas conexiones mías con la cultura sin verdaderamente haber tenido una educación que me favoreciera o que me hubiera dado los instrumentos que yo quería. No quiero ponerme en víctima, pero yo siempre afirmé que quería ser un artista y me enviaron al Liceo Militar. Así que inmediatamente cuando salí, empecé a recuperar ese tiempo, a ponerme en el teatro de la Alianza Francesa. Después participé en todo ese movimiento que fueron los happenings del Instituto Di Tella, y a partir de ahí arranqué el teatro y no paré hasta el día de hoy. Pienso que he tenido suerte, porque a veces uno puede salir con una enorme biblioteca y quedarse con un papel en la mano, y otra vez salir con un papel en la mano e inventarse una enorme biblioteca. Tuve la fortuna de haber podido vivir experiencias sin estar totalmente preparado para eso. Hubo descubrimientos y también sufrimientos, porque me arriesgué y de pronto, en medio de esa batahola, me decía: “¿Y ahora cómo sigo?”. Pero lo aprendí.

[Fotos: Giannis Antonoglou]

Griselda Siciliani con Teleshow: “Cuando tratás de explicar un espectáculo como Boite lo empobrecés”

Andrea Taboada — Sat, 12 Sep 2026 16:20:28 +0000

Griselda Siciliani conversó con Teleshow sobre Boite, el espectáculo que comparte con Carlos Casella en La Trastienda, una propuesta que define como la celebración de un vínculo artístico construido a lo largo de los años. La actriz explicó por qué considera que la experiencia escénica conserva una parte imposible de trasladar a las palabras y se detuvo en uno de los pasajes más personales de la obra: el momento en que se sienta al piano. Además, adelantó sus próximos desafíos profesionales, entre ellos Menem 2 y la interpretación de Moria Casán.

—¿Qué te pasa cuando te subís al escenario con Carlos Casella?

—Es una fiesta. Siempre decimos eso. Y con este espectáculo creo que lo terminamos de cerrar, porque ya nos conocíamos más, porque pasaron muchos años y porque es nuestro tercer espectáculo juntos arriba del escenario, solos. Terminamos de entender que es una fiesta en el sentido más profundo de la palabra. Es una celebración de nuestro vínculo, de nuestro entendimiento como artistas, de nuestra comunión de lenguaje. Compartimos un lenguaje propio, singular. En este espectáculo lo celebramos con todos los caprichos, como les decimos nosotros, burlándonos un poco de nuestros deseos. Pero esos deseos ya constituyen un tipo de lenguaje, por quiénes somos y por todo lo que construimos juntos artísticamente. Decidimos basar este espectáculo en eso, en la química y en el deseo.

—¿Podrías definir el espectáculo?

—No sé explicarlo. Ni siquiera tengo ganas de decir qué es, porque hay que verlo y un poco hay que sentirlo. No es muy describible.

—No es fácil...

—No. Y además, cuando tratás de explicarlo, siempre lo empobrecés. Podés decir que hay canciones y algunos momentos, pero en realidad está tan basado en lo que nos pasa a nosotros arriba del escenario y en toda la historia que traemos, junto con un equipo que trabaja con nosotros desde hace muchísimos años, que hay algo de eso que hay que vivirlo. No sería lo mismo si lo hicieran otros.

—Da la sensación de que cada noche puede pasar cualquier cosa. ¿Improvisan?

—No, la obra tiene ese estilo. Nos propusimos que parezca que estamos improvisando, que estamos jugando, pero todo está totalmente pensado. Lo repetimos exactamente igual todas las noches. Está todo diagramado. Pero el espíritu del show tiene que transmitir esa frescura, esa sensación de noche, de charla, de que todo está pasando ahí sin solemnidad y sin pretensión. Que parezca así nomás, aunque no sea así nomás para nada.

—¿Qué te gusta de Carlos?

—Todo. Pero sobre todo el vínculo que tenemos, la manera en que nos relacionamos y creamos. Eso es lo que más me atrae. Después, lo respeto mucho como artista, lo admiro. Me parece un artista muy singular, muy fiel a lo suyo. Nunca transó con nada. Siempre creó yendo hacia lo profundo, cada vez un escalón más abajo en su arte y en su singularidad. Y, al mismo tiempo, es súper liviano, relajado y gracioso. Conviven todas esas cosas en él.

—Qué bueno que se pudieron conocer en esta vida.

—Tremendo. Yo era su alumna de danza. Lo que nos unió fue la danza. Es muy loco.

—No sabía que tocabas el piano...

—Tampoco es que soy pianista (risas). Pero logramos hacer ese momento en algo único. Esa canción es de un disco de Daniel Melero que se llama Quiero estar entre tus cosas. El que toca el piano en ese disco es nuestro director musical, Diego Brainner. Es uno de los momentos que más me gustan del show. Porque además es una sorpresa. Hacia el final del espectáculo desaparece casi todo y quedamos nosotros dos, el piano y la voz, con muy pocos elementos.

—¿Que vas a hacer después de las funciones de Boite?

—Voy a estar yendo y viniendo a Montevideo, Uruguay, para filmar, así que es difícil. Queremos intentar si en diciembre se puede hacer algo más, pero no estamos seguros. Depende mucho del espacio que tenga La Trastienda y de que yo pueda hacerlo. En principio, ahora quedan estos siete shows de septiembre.

—Dan ganas de subirse al escenario con ustedes.

—Seguro que a mucha gente le pasa eso, porque nosotros lo vivimos con mucha alegría. Y eso se transmite. Por eso digo que es una celebración, como un cumpleaños en el que estamos.

—¿Te pasa seguido que el público quiera acercarse de esa manera?

—Sí, porque se genera algo muy cercano. Hay una alegría compartida que se contagia.

Vuelve Zulema...

—Ahora estás con “tu” Zulema...

—Sí, ya empezamos a grabar Menem 2. Vienen días arduos de jornadas de filmaciones.

—¿Y después de la serie de Menem, cómo sigue tu año?

—Después me voy a tomar unas vacaciones. Pero tengo muchísimas cosas. Es un privilegio increíble, aunque también es vertiginoso. Tengo la agenda casi hasta fines de 2028. Hay cuestiones que hay que agendarlas así, porque si no después no entran. Ya está todo tomado hasta fin de 2027, aunque todavía no puedo contar nada. Sabiendo ese itinerario, me voy a tratar de tomar en verano todo el descanso que pueda con mi hija y aprovechar su época de vacaciones para estar mucho con ella.

—La serie de Moria explotó... Imagino que la experiencia fue tremenda.

—Tremenda. Gran experiencia, muy divertida. A mí me tocó lo más humorístico, lo más delirante. Fue un placer hacerlo. Me acomodaron todo el año para que yo pudiera participar, porque para mí era imposible meterlo en el medio. Tenía que entrar en una hendija entre Envidiosa 4 y la película de Álex de la Iglesia. Movieron todo para que pudiera filmar en los únicos dos meses que tenía libres. Fue también un mimo.

Hace 95 años nacía Alberto Migré: el hombre que le puso su sello a telenovela argentina con historias de amor entre pobres y ricos

Nancy Duré — Sat, 12 Sep 2026 04:12:10 +0000

“Parece una novela de Alberto Migré”, suele decirse cuando una relación sentimental de la vida real tiene tantos condimentos que termina emulando a un culebrón. Autor y productor, el creador de éxitos como Pobre Diabla, Piel Naranja, La cuñada o Una voz en el teléfono, había nacido hace 95 años, el 12 de septiembre de 1931, en Buenos Aires. Y, desde muy joven, solía sentarse frente a su máquina de escribir Remington para crear esas historias de amor y desamor que terminarían conquistando a la televisión argentina.

La fórmula, de tan simple, era compleja de ejecutar. Siempre había diferencias sociales entre los enamorados y, por lo general, ella era la pobre y él, el rico. Aunque hubo excepciones notorias, como la de Rolando Rivas, taxista, quizá su novela más recordada. En ella, el protagonista, Claudio García Satur, se enamora de Solita Silveyra, en el papel de Mónica Helguera Paz, heredera de una fortuna pero desdichada al fin, dando lugar a una pareja icónica. Aunque, por lo general, el de estatus más alto era el hombre, y la mujer era quien esperaba ser rescatada por él, como en un cuento de hadas.

Obviamente, no podían faltar los villanos, que eran los que se oponían a ese amor dispuesto a superar todos los obstáculos, los accidentes y/o enfermedades que casi siempre afectaban a los buenos y unos cuantos otros agregados, que permitían que el público quedara atrapado capítulo a capítulo frente a la pantalla. Como años más tarde sucedió -y sucede- con ficciones importadas de México, Venezuela, Brasil o Turquía. Porque Migré tenía la receta para combinar estos ingredientes y así servir un producto irresistible. Aunque claro, en el ocaso de su carrera y frente a los nuevos mandatos televisivos, también se lo subestimó.

Criado en el seno de una familia de inmigrantes piamonteses, Felipe Alberto Milletari Miagro -tal su verdadero nombre- fue un niño actor. Pero no tenía los atributos como para triunfar en ese rubro, así que con el tiempo desistió. Llegando a la adolescencia, comenzó a trabajar escribiendo libretos publicitarios. Tenía que tipear unas 300 páginas por semana en una rutina por demás tediosa. Pero pronto comenzó a delinear su futuro de la mano de los radioteatros. Empezó como sonidista de Teatro Infantil Juancho, protagonizado por Chela Ruiz y Horacio Delfino y, tras un reemplazo de urgencia en ese ciclo, pasó a ser el encargado de elaborar los textos que otros debían interpretar.

Corrían los años 50 y, rompiendo con los esquemas reinantes, se animó a imponer el “vos” por sobre el “tú” que tan poco natural sonaba para los oyentes locales. Así, sus creaciones comenzaron a entrar en los hogares como si sus protagonistas fueran seres conocidos. Un pariente o un vecino. Porque en esa gente común, justamente, era en quien se inspiraba para sus historias. No estaba de acuerdo con los guiones corales. Para él, dos personas escribiendo el mismo libro eran una “multitud”. De manera que cada una de sus obras tenía su sello personal indiscutido. Y se notaba.

Entonces llegó la televisión, el lugar donde pudo desplegar con más herramientas su talento en ciclos como Silvia muere mañana, con Nora Cullen, Atilio Marinelli y Nelly Meden, o Amelia no vendrá, con Marinelli y Beatriz Taibo. El resto es historia conocida: una seguidilla de éxitos que lo convirtieron en el autor de telenovelas más importante del país. Y no solo eso, ya que también exportó creaciones como Alguna vez tendremos alas y Mundo de fieras, que se llevaron adelante en México, y Louca Paixão, en Brasil.

Lo cierto es que aquello que tanto había rendido durante décadas, a fines de los 90 empezó a parecer obsoleto. Había cambiado la forma de hacer televisión. Y esos culebrones clásicos, dignos de Migré, ya no eran bienvenidos. Él lo sintió como un golpe. De manera que, en 2001, volvió a buscar refugio en el radioteatro, con un ciclo semanal llamado Permiso para imaginar. Pero el proyecto tampoco tuvo buena acogida y, después de pasar por un par de emisoras sin mucha repercusión, terminó olvidado.

Sin embargo, el autor ya había marcado un hito en la historia del espectáculo. Escribió más de 700 guiones, entre los que figuran los de las ficciones más exitosas del país. “Yo no he escrito más que historias de amor. Creo las mismas historias de amor con distintos protagonistas”, decía. Y hacía sonar fácil aquello que, en realidad, era muy difícil. Porque, de lo que se trataba, era de que el público se enamorara de esas historias de amor, valga la redundancia. Y eso, que era lo difícil, lo logró con números de audiencia que llegaban a los 60 puntos de rating.

En 1997 recibió un Martín Fierro a la Trayectoria. A pesar de que el medio lo había relegado, fue ovacionado de pie por aquellos actores que habían tenido el honor de trabajar con él y por aquellos que se habían quedado con las ganas de sumar esa experiencia a sus respectivos currículums. Entonces, Migré dijo una frase que representaba la tristeza que escondía en lo más profundo de su corazón: “Este premio viene a recomponerme el alma, que viene bastante maltratada”. La realidad del país, según dijo, tampoco lo ayudaba.

Falleció el 10 de marzo de 2006, mientras dormía con la televisión encendida. Para entonces, Migré tenía 74 años y presidía por entonces la Sociedad General de Autores de Argentina, desde donde se ocupaba de defender los derechos de sus colegas. Lo llamaron “el señor éxito”, “el padre de la lágrima” y “el autor del amor”. “Si tuviera que escribir la novela de su vida, ¿por dónde empezaría?”, le preguntaron en una de sus últimas entrevistas. “La empezaría por el principio. Por las cosas que ya no tengo”, respondió.

Proyecto EsCénicas presenta seis obras de teatro disruptivo y contemporáneo en Villa Urquiza, de septiembre a noviembre

Fri, 11 Sep 2026 19:04:30 +0000

Cuerda Mecánica, el centro cultural independiente de Villa Urquiza (Juramento 4686, C.A.B.A) presenta Proyecto EsCénicas, un ciclo de seis obras escritas por mujeres que se ponen en escena en la sala La Caja de Madera durante los fines de semana de septiembre, octubre y noviembre. Cada mes, dos propuesta ponen en primer plano la actuación, los cuerpos y la palabra, con cruces hacia la música, la poesía, el cine y la performance. El ciclo se presenta como una antología de la escena contemporánea porteña: reúne creadoras de distintas generaciones y momentos de trayectoria en torno a preguntas compartidas sobre identidad, vínculos y representación. La escala concentrada de las puestas y los dispositivos escénicos despojados dialogan con la arquitectura de la sala, donde la cercanía entre intérpretes y espectadores es constitutiva de la experiencia.

La primera dupla del ciclo reúne dos trabajos que, desde lenguajes diferentes, sitúan la actuación y la representación en el centro de la escena: No me muero, primer unipersonal de Julieta Carrera como dramaturga, directora e intérprete que se pone en escena este sábado 12 de septiembre a las 20.30; y La obra siamesa, de Laura Sbdar, que en 2025 obtuvo el Premio de Dramaturgia Argentores/SGAE, tiene funciones los domingos 13 y 27 de septiembre a las 19:30 hs.

No me muero presenta a Sandra, una empleada de una aseguradora de riesgos del trabajo cuya vida parece detenida en una incomunicación constante. Frente a ese presente, la obra convoca el gesto, la poesía y el acto de interpretar otras vidas como modo de sostener la propia. Construida a partir de fragmentos, la pieza retoma elementos del clown, la máscara y el trabajo actoral para indagar en la actuación como ejercicio de transformación. Carrera se formó con Pompeyo Audivert, Sergio Boris, Gabriel Chamé Buendía y Cristina Moreira. Estrenada en 2023, la obra fue seleccionada para la Fiesta del Teatro CABA 2025.

Escrita y dirigida por Laura Sbdar, La obra siamesa parte de una premisa que tensiona arte, cuerpo y ética: dos artistas contemporáneos convierten a sus hijos siameses en el centro de una performance duracional, exponiendo esas vidas como material de obra. Sbdar, dramaturga, directora, escritora y docente, licenciada en Artes por la Universidad de Buenos Aires (UBA) y egresada de Dramaturgia de la Escuela Metropolitana de Arte Dramático (EMAD), concibió la pieza originalmente como novela antes de trasladarla al teatro y que haya circulado por festivales nacionales e internacionales.

Programa de octubre y noviembre

El ciclo continúa en octubre con Desvelada y sola, de Ximena Banús (domingos 4 y 11), y Cine Herida, de Sofía Palomino (domingos 18 y 25 de octubre y 1 de noviembre). En noviembre, Ana Schimelman presenta Las Cuerdas (domingos 8 y 15) y Violeta Marquis cierra el ciclo con Confesión tardía de amor (domingos 22 y 29).

Cuerda Mecánica abrió sus puertas en 2019 con el propósito de articular la escena cultural porteña con la identidad del barrio porteño de Villa Urquiza. Su programación abarca música, artes visuales, performance, teatro y talleres. Proyecto EsCénicas profundiza esa búsqueda al asignar a las artes escénicas un espacio propio dentro de la grilla, con un formato que privilegia la regularidad y el trabajo con creadoras de la escena independiente.

[Fotos: prensa Cuerda Mecánica]

La Broadway Week en Nueva York ofrece entradas 2x1 para 25 espectáculos

Matias D. Lauria — Fri, 11 Sep 2026 17:53:59 +0000

Broadway Week empieza en Nueva York con entradas 2x1 para 25 espectáculos hasta el 20 de septiembre, una promoción que reduce uno de los gastos más altos de un viaje a la ciudad y que, desde 2011, ya vendió más de tres millones de boletos y generó más de USD 222 millones para la industria teatral.

La edición de otoño de 2026 se desarrolla del 8 al 20 de septiembre. Los boletos están disponibles hasta agotar existencias, aunque algunas funciones tienen fechas restringidas y ciertos espectáculos ofrecen mejoras de ubicación mediante un pago adicional.

La campaña es organizada por New York City Tourism + Conventions y The Broadway League. Su objetivo es ampliar el acceso a Broadway en un período de alta actividad turística y cultural en la ciudad.

Para el público, la respuesta concreta es simple: durante estas dos semanas se pueden comprar dos entradas por el precio de una para una selección de 25 producciones de Broadway. En una ciudad donde un boleto puede superar con facilidad los USD 150 o USD 200, el descuento puede representar un ahorro de más de USD 100 para una pareja.

La promoción reúne clásicos de Broadway y títulos recientes

La lista de espectáculos participantes incluye algunos de los títulos más consolidados de la cartelera. Entre ellos figuran Wicked, The Lion King, Chicago, MJ The Musical, Hadestown, Six, The Book of Mormon, Aladdin y Harry Potter and the Cursed Child.

También forman parte de la promoción obras más recientes o de fuerte atención del público, como The Great Gatsby, Buena Vista Social Club, Stranger Things: The First Shadow, The Outsiders, & Juliet, Maybe Happy Ending y Operation Mincemeat. En conjunto, la oferta abarca musicales clásicos, producciones familiares, estrenos recientes y grandes éxitos contemporáneos.

La recomendación oficial es adquirir las entradas únicamente a través de los canales habilitados por la promoción. La disponibilidad puede reducirse rápido en los montajes con mayor demanda, en especial en casos como Wicked, The Lion King, Harry Potter and the Cursed Child y MJ The Musical.

Esa presión sobre la oferta explica por qué reservar en los primeros días suele dar acceso a más fechas y mejores ubicaciones. La campaña no garantiza el mismo nivel de disponibilidad para todos los títulos ni para todas las funciones.

Septiembre concentra teatro, deporte, moda y turismo en la ciudad

Broadway Week coincide con uno de los meses más cargados del calendario neoyorquino. En septiembre también se celebran el US Open, la New York Fashion Week y la Feast of San Gennaro, además de exposiciones en museos, conciertos gratuitos y festivales gastronómicos.

Esa superposición convierte a la promoción en una herramienta turística además de cultural. Para quienes visitan la ciudad, la posibilidad de combinar teatro con otros eventos de gran convocatoria vuelve más atractivo concentrar el viaje en estas semanas.

El impacto de Broadway, además, excede la venta de entradas. Cada función arrastra consumo en hoteles, restaurantes, bares, comercios, operadores turísticos y transporte público del distrito teatral y sus alrededores.

Desde su lanzamiento en 2011, la iniciativa acumuló más de tres millones de entradas vendidas. Ese volumen se tradujo en más de USD 222 millones para la industria de Broadway y consolidó a la campaña como una de las acciones más efectivas para atraer visitantes en septiembre.

La lógica económica de la promoción parte de un problema concreto: para millones de turistas, asistir a Broadway es una parada casi obligada en Nueva York, pero el precio habitual de los boletos puede convertirse en uno de los mayores gastos del viaje. La oferta 2x1 reduce ese costo de forma directa y, al mismo tiempo, sostiene el movimiento del sector en uno de los momentos más activos del año.

La inesperada propuesta laboral de Carmen Barbieri a Evelyn Botto: “No estoy para eso”

Andrea Taboada — Fri, 11 Sep 2026 12:28:43 +0000

Mario Pergolini y Agustín ‘Rada’ Aristarán le propusieron al aire de Otro día perdido a Evelyn Botto producirle una hipotética revista teatralm, inspirada en la figura de su suegra, Carmen Barbieri. La panelista rechazó la idea entre bromas, pese a que ambos insistieron con referencias a su vínculo con Fede Bal y a su experiencia en Sex, y avalados en un dato para nada menor.

Todo comenzó cuando Botto destacó la trayectoria de la mamá de su novio y de su capacidad para sostener una escena. “Ella es una de la escuela que cuando se sienta da show. Quedan pocos y hay que valorarlo”, expresó. Pergolini relacionó inmediatamente el comentario con la cercanía de la actriz con la familia Bal: “Mirá cómo acomoda el bochín cerca de la suegra”. Botto siguió la broma con una aclaración breve: “Siempre cerca de Carmen”.

Con esa puerta abierta, Soy Rada llevó el planteo hacia el costado artístico. “¿Estás por heredar el trono ese? De hacer quilombo cuando uno se sienta a dar show?”, le preguntó a Botto. Ella reaccionó sin titubeos con una negativa.

La respuesta no cerró el tema. “Ah, okey”, siguió Rada, mientras Botto aclaraba: “Eso no lo quiero heredar”. Pergolini intervino entonces con una alternativa: “¿Estás para la primera vedette?”. La conductora volvió a responder que no.

El ida y vuelta tomó otro rumbo cuando el conductor interpretó la reacción de su compañera como un gesto de interés. “Ah, te gustó”, lanzó. Botto respondió que la posibilidad ya había surgido antes. Ante la pregunta directa sobre si le gustaría, volvió a marcar distancia, aunque una frase casi por lo bajo motivó un giro en la conversación.

“Me lo tiró”, señaló Botto en referencia a un supuesto ofricimento de Carmen Barbieri para que tomara ese lugar de primera vedette. El “no” de sus compañeros retumbó al unísono, lo que generó las dudas en la locutora. “En algún momento... pero no”.

“Estaba a un segundo de decir que sí”, insistió Pergolini. Rada intentó precisar cuál podía ser la objeción: “¿Hacer temporada?”. El conductor completó la propuesta que buscaba instalar: “Imaginate bajando la escalera”.

Pero Botto explicó por qué no se veía en ese papel. “Es muy seria la revista, es una disciplina fuerte”, afirmó y precisó que no se sentía identificada con la estética tradicional del género: “No estoy para ponerme conchero y plumas. Eso es para determinados cuerpos”.

Pergolini le recordó entonces su participación en Sex, el espectáculo creado por José María Muscari que combina teatro, música y coreografías. Pero Botto se mantuvo en su postura, argumentando que ambos universos no eran equivalentes: “Sex era otra historia”.

Rada aprovechó la distinción para plantear el juego que terminaría de ordenar la escena: “¿Sex la revista?”. Botto se rio y cortó la posibilidad: “No voy a hacer revista”. A partir de allí, los tres retomaron esa idea como una posible derivación humorística de la propuesta inicial.

Lejos de abandonar el chiste, Pergolini avanzó con una propuesta. “Te lo hablamos mañana también”, le dijo a Botto. Rada quiso adjudicarse la ocurrencia.

El conductor fue más allá y aseguró que podía encargarse de llevarla adelante. “Yo lo produzco con Borensztein”, afirmó, antes de mencionar sus planes profesionales: “Estoy armando una compañía de producciones”, afirmó Pergolini. “Estás muy productorito vos”, le respondió Botto. Pergolini coincidió y explicó que no dejaba de pensar en proyectos.

Habrá que ver si la propuesta queda en el terreno de la broma o aquella frase de Carmen se corporiza en plumas y marquesina de Calle Corrientes. Pergolini y Rada insistieron en su pedido, la conductora mantuvo su negativa y dejó en claro que, por ahora, no contempla sumarse a una revista teatral.

El musical “La pequeña tienda de los horrores” basado en una popular película de terror de los 80’s, llega gratis a la CDMX

Selene Joselyn Miranda Lara — Thu, 10 Sep 2026 14:50:30 +0000

Una planta carnívora, un florista tímido y una historia que lleva más de seis décadas mutando entre el cine y el teatro llegan este mes a la Ciudad de México. El Centro Cultural Futurama, ubicado en la alcaldía Gustavo A. Madero, presentará el musical La pequeña tienda de los horrores con entrada completamente gratuita.

La puesta en escena corre a cargo de Arte Aladyen Compañía de Teatro y ofrecerá tres funciones a lo largo de septiembre. Se trata de una adaptación de uno de los títulos de culto más longevos del género musical, con raíces que se remontan a una película de bajo presupuesto filmada en 1960 con la participación de Jack Nicolson y una adaptación de 1986 con el icónico Rick Moranis.

El origen: una película de serie B de 1960

La historia detrás de La pequeña tienda de los horrores comenzó mucho antes de convertirse en musical. En 1960, el director Roger Corman filmó The Little Shop of Horrors, una comedia de terror de serie B producida con un presupuesto de apenas 30 mil dólares.

Pese a su origen modesto, la película sentó las bases de una trama que giraría en torno a un dependiente de floristería y una planta con apetito por la sangre humana. Ese argumento sería retomado dos décadas después para dar vida a una de las producciones más reconocidas del teatro musical estadounidense.

Del Off-Broadway a Broadway: el musical de Ashman y Menken

En 1982, el compositor Alan Menken y el letrista Howard Ashman transformaron la premisa de Corman en un musical rock. El proyecto nació dentro de la Workshop of the Players Art Foundation (WPA Theatre), una compañía Off-Off-Broadway que en ese momento dirigían el propio Ashman junto con R. Stuart White.

El espectáculo saltó después al Orpheum Theatre, en el circuito Off-Broadway, donde permaneció en cartelera durante cinco años consecutivos. No fue hasta 2003 cuando la obra llegó al circuito comercial de Broadway.

La partitura de Menken combina rock and roll de los años 60, doo-wop y sonidos inspirados en los primeros éxitos de la Motown. Entre sus canciones más conocidas figuran Little Shop of Horrors, Skid Row (Downtown), Somewhere That’s Green y Suddenly, Seymour.

Desde su estreno, el musical se ha representado en numerosos países. En Francia, por ejemplo, la primera adaptación escénica llegó en 1986 al Théâtre Libertaire de Paris bajo dirección de Alain Marcels.

La adaptación cinematográfica de 1986

Cuatro años después de su debut teatral, el musical volvió al cine. La película Little Shop of Horrors se estrenó en 1986 bajo la dirección de Frank Oz, con Rick Moranis como Seymour, Ellen Greene como Audrey, Vincent Gardenia en el papel de Mushnik y Steve Martin como el dentista Orin Scrivello.

La voz de la planta Audrey II estuvo a cargo de Levi Stubbs. La cinta se rodó íntegramente en los estudios Pinewood, en Inglaterra, con un presupuesto de 30 millones de dólares, mil veces mayor al de la película original de Corman.

Al igual que su predecesora de 1960, la versión de 1986 no tuvo gran impacto comercial en su estreno, pero con el tiempo se convirtió en película de culto. La cinta recibió dos nominaciones a los premios Óscar.

De qué trata la historia

La trama sigue a Seymour Krelborn, un joven torpe y con escasas habilidades sociales que trabaja en la floristería del señor Mushnik. Su vida da un giro cuando encuentra una planta extraña, a la que bautiza Audrey II en honor a su compañera de trabajo, de quien está secretamente enamorado.

Seymour descubre que la planta se alimenta de sangre humana. A medida que crece, atrae clientes y convierte la decadente floristería en un negocio próspero, pero también exige cada vez más alimento, hasta que las pequeñas heridas del propio Seymour ya no bastan para saciarla.

El conflicto se agrava cuando Audrey II revela que puede hablar y presiona a Seymour para conseguir más sangre. La planta lo convence de deshacerse de Orin, el novio abusivo de Audrey, y a partir de ese momento la historia avanza hacia un desenlace marcado por la ambición, el miedo y las consecuencias de alimentar a una criatura que nunca deja de crecer.

Fechas, lugar y horario de las funciones

La pequeña tienda de los horrores se presentará los días 12, 19 y 26 de septiembre, siempre a las 17:00 horas, en el Centro Cultural Futurama.

El recinto se encuentra en Otavalo #7, esquina con avenida Instituto Politécnico Nacional, colonia Lindavista, alcaldía Gustavo A. Madero, Ciudad de México.

La entrada es libre para las tres fechas. La actividad forma parte de la programación cultural gratuita que impulsa la alcaldía a través del centro cultural.

Quienes se pregunten cuándo y dónde ver el musical de forma gratuita en la capital tienen la respuesta en estas tres funciones de septiembre: el 12, el 19 y el 26, a las 17:00 horas, en el Centro Cultural Futurama de Lindavista, sin costo de acceso.

Ficha de la producción en Futurama

La versión que se presentará en Gustavo A. Madero está a cargo de Arte Aladyen Compañía de Teatro. La dirección escénica corresponde a Andrés Vizcaíno, mientras que la dirección coreográfica recae en Jair Téllez y la dirección vocal en Abdalah Najar.

El material de difusión de la obra invita al público con la frase: “¿Te atreves a descubrir qué hay detrás del telón?”, en referencia al misterio que rodea a la criatura protagonista del montaje.

El Centro Cultural Futurama y su programación

El Centro Cultural Futurama depende de la Dirección de Cultura y Deportes de la alcaldía Gustavo A. Madero. El recinto ofrece de forma regular talleres, conferencias, teatro, exposiciones de artes plásticas, presentaciones de libros, danza, música y festivales, según su ficha en el Sistema de Información Cultural.

La agenda reciente del espacio incluye actividades de distintos formatos. En agosto, el centro recibió la séptima edición de la Expo Caballero Oscuro, dedicada al universo de Batman y DC Comics, con exhibición de un Batimóvil a escala real y la participación de un actor de voz de las películas de Christopher Nolan, según reportó Batman llega a CDMX con exposición gratis: habrá música en vivo, actores de voz y Batimóvil.

Ese mismo mes, el recinto albergó un concierto doble con la cantante Odette Waller y la Banda Sinfónica de la Ciudad de México, además de un Tributo a Michael Jackson y el Bazar Grayskull, dedicado al universo de Masters of the Universe. También forma parte de su programación una muestra de cine documental y funciones de teatro playback, todas con entrada libre.

Cómo llegar al Centro Cultural Futurama

El recinto se ubica en Otavalo #7, esquina avenida Instituto Politécnico Nacional, colonia Lindavista, alcaldía Gustavo A. Madero.

Quienes utilicen transporte público pueden tomar la Línea 6 del Metro y descender en la estación Lindavista, o bien la Línea 6 del Metrobús hasta la estación Instituto Politécnico Nacional. En ambos casos, el recorrido a pie hasta el centro cultural toma aproximadamente 15 minutos, según informó Infobae.

John Malkovich canceló su actuación en Israel por una cita falsa difundida por sus promotores

Koral Saeed — Thu, 10 Sep 2026 12:25:40 +0000

John Malkovich canceló una presentación prevista en Israel luego de que los promotores difundieran una cita atribuida al actor estadounidense que él afirmó que era completamente falsa. El productor del espectáculo reconoció el error, alegando un “error humano”.

En los últimos años, Israel se ha enfrentado a un creciente aislamiento cultural debido a la guerra en Gaza, la violencia de los colonos y la ocupación militar de Cisjordania. Varios artistas internacionales se han negado a actuar en Israel, y el Festival de Israel, un evento cultural anual, se celebró este año sin ningún artista internacional.

Malkovich tenía previsto presentar en Tel Aviv en abril El crítico musical, una comedia itinerante que combina música clásica y críticas a compositores de fama mundial.

Un reciente comunicado de prensa citó a Malkovich diciendo: “Estoy encantado de regresar a Israel y espero reencontrarme con el cálido público israelí, con el que siento una gran cercanía y solidaridad”. La cita apareció en algunos medios de comunicación israelíes y estadounidenses.

Malkovich declaró a The Hollywood Reporter que “nunca hizo las declaraciones que se citaron, ni fue consultado antes de que se publicaran”.

«Yo no pronuncié esas frases, y desde luego no las apruebo, ni reflejan mis sentimientos», dijo. «Por este motivo, he decidido que no puedo participar en la función de Tel Aviv».

Los representantes de Malkovich no respondieron de inmediato a la solicitud de comentarios.

Alon Yurik, el productor israelí del programa, declaró que la cita se atribuyó erróneamente a Malkovich debido a un “error humano”. Añadió que la producción se puso en contacto con los medios de comunicación para eliminar la cita y corregir las informaciones, y que ya había emitido una disculpa.

“Lamento que el incidente haya llegado al punto de tener que cancelar la actuación”, dijo Yurik.

Malkovich ya ha actuado en Israel. Ha declarado que actuar en un país no significa que esté de acuerdo con sus líderes políticos ni con sus políticas.

Malkovich ha sido nominado dos veces al Premio de la Academia y entre sus películas destacan Las amistades peligrosas, En la línea de fuego y Con Air.

En 1999, interpretó una versión ficticia de sí mismo en Cómo ser John Malkovich, donde un titiritero con dificultades, interpretado por John Cusack, descubría un portal a la mente del actor.

Malkovich protagoniza junto a Sam Rockwell la película de este año Wild Horse Nine, que se centra en el papel de la CIA en el golpe militar de 1973 en Chile.

Fuente: AP

Agustina Lecouna: “Los recuerdos los tenés que guardar adentro tuyo”

Evangelina Ortiz — Thu, 10 Sep 2026 11:41:45 +0000

Agustina Lecouna se define como curiosa, viajera, aventurera y en constante aprendizaje. En una entrevista para Planes Podcast, la actriz argentina repasó distintas etapas de una vida que fue cambiando de país, de rutinas y de proyectos, pero que mantuvo un mismo hilo conductor: la necesidad de seguir aprendiendo y de vivir con intensidad.

La conversación comenzó por su relación con el movimiento. Lecouna vivió en Argentina, Chile, Bélgica y Estados Unidos, y sus tres hijas nacieron en países distintos. Sin embargo, aclaró que ese recorrido no le quitó el deseo de volver a la Argentina y reencontrarse con la familia, los primos, los tíos, los abuelos y una identidad que, según explicó, sigue siendo central en su vida. “Siempre supimos que queríamos volver a la familia, a los primos, a los tíos, a los abuelos, a esa identidad que nos define”.

El incendio que cambió su relación con lo materia

Uno de los momentos más sensibles de la entrevista apareció cuando habló de un incendio ocurrido en una baulera donde había dejado objetos personales antes de mudarse a Bruselas. Allí perdió recuerdos familiares, fotos, cuadernos escritos para sus hijas y pertenencias de enorme valor afectivo.

Entre esas cosas estaba, según contó, el piano que sus padres le habían regalado a los 15 años, fotos de toda su vida y cuadernos que había escrito para sus hijas cuando nacieron. También había objetos vinculados a la historia familiar de su marido. Esa pérdida, dijo, la obligó a repensar el sentido de guardar cosas para más adelante. “O entrás en depresión o decís: bueno, por algo es. Había que desprenderse de esto y para adelante”.

Desde entonces, asegura que dejó de acumular objetos con la idea de recuperarlos algún día. Para Lecouna, el aprendizaje fue claro: los recuerdos importantes no pueden depender únicamente de lo materia. “Los recuerdos los tenés que guardar adentro tuyo”.

Volver a estudiar a los 48

Durante el episodio también habló de una decisión que tomó recientemente: retomar la carrera de Comunicación, que había dejado pendiente cuando comenzó a trabajar en Verano del 98. Había completado la cursada, pero le habían quedado finales por rendir. Con el tiempo, llegaron otros trabajos, mudanzas, países e hijas, y ese cierre académico quedó postergado.

A los 48 años decidió volver. La experiencia, contó, la enfrentó a una forma de estudio muy distinta a la que conocía. Mientras sus compañeros usan computadoras y herramientas digitales, ella volvió a los resúmenes impresos, los subrayados y la conversación oral con los profesores. “A mis 48 decidí que quiero terminar, porque la comunicación es una gran pasión también”.

Maternidad, pareja y una vida en movimiento

La maternidad apareció como otro eje central de la charla. Lecouna contó cómo los hijos, en cierta forma, la ayudaron a ordenar una vida que ella misma describe como caótica. También habló de la importancia del compañero que eligió para sostener ese proyecto familiar en medio de mudanzas, trabajos, teatro, estudios y cambios de país.

Al referirse a su marido, Diego, lo describió como un compañero paciente, sensible y criado en un universo de mujeres. Para la actriz, ese apoyo fue clave para poder seguir trabajando, estudiando, emprendiendo y viajando sin dejar de sostener la vida familiar. “Gracias a Diego puedo”.

La actriz también recordó etapas de maternidad atravesadas por decisiones difíciles. En una mudanza a Bélgica, mientras grababa en Buenos Aires, notó el impacto que la distancia del padre generaba en una de sus hijas y entendió que el núcleo familiar necesitaba estar junto.

El paso del tiempo y la segunda mitad de la vida

Lecouna habló con franqueza sobre el paso del tiempo, la perimenopausia, los cambios físicos y algunas dificultades de salud. Contó que tiene condiciones autoinmunes y que atravesó episodios médicos vinculados a cambios hormonales. Lejos de presentarlo como una queja, lo ubicó como parte de una etapa que intenta vivir con calma, disciplina y nuevas prioridades. “El paso del tiempo me cuesta mucho. No lo padezco como un sufrimiento; trato de buscar contundencias internas, ya que las externas empiezan a notarse”.

En esa búsqueda, dijo, aparece la necesidad de conectar con proyectos, lecturas, personas y espacios que la nutran. Para ella, la respuesta no es resistir el envejecimiento sino amigarse con la idea y vivirlo de la mejor manera posible. “Me conviene más, en vez de resistir, amigarme con la idea para vivirlo lo mejor que pueda”.

El teatro como lugar de conexión

Hacia el final de la entrevista, Lecouna volvió sobre su vínculo con la actuación y con el teatro. Recordó Verano del 98 como una experiencia fundacional, habló de sus aprendizajes con directores y actores, y también de su presente teatral en Miami, donde participa de obras para público latino.

Para la actriz, el teatro tiene un valor especial en una época atravesada por las redes, la distracción y la tecnología. Lo describe como un espacio de encuentro real entre personas, historias y emociones compartidas. “El teatro conecta gente, conecta historias”.

En ese contexto, destacó la potencia de la comedia y la necesidad de reírse. Recordó una frase de su padre, que se convirtió en una especie de guía para su forma de vivir y de trabajar. “Creo que lo importante es cómo vivís lo que te pasa, no tanto lo que te pasa sino cómo lo vivís”.

Una aprendiz eterna

Sobre el cierre, Lecouna habló de sus próximos planes: seguir con obras de teatro en Miami, terminar los finales pendientes de Comunicación, proyectar una vuelta a Buenos Aires y continuar formándose. Se definió, una vez más, como una “aprendiz eterna”.

La entrevista dejó el retrato de una mujer que atravesó mudanzas, pérdidas, maternidad, cambios de carrera, reinvenciones y nuevos comienzos sin perder una idea de fondo: vivir con pasión, volver a empezar cuando sea necesario y encontrar en cada etapa una oportunidad para aprender. “Estoy muy agradecida con la vida que he tenido. Muy apasionada de la vida”.

El FIBA convierte a Buenos Aires en escenario de las artes escénicas del mundo durante 12 días

Wed, 09 Sep 2026 17:35:55 +0000

Del miércoles 9 al domingo 20 de septiembre, 44 salas y espacios repartidos en 35 sedes de distintos barrios porteños alojarán la nueva edición del Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA), con compañías y creadores de Argentina y otros 14 países. La programación reúne teatro, danza, performance, música y artes interdisciplinarias en 17 proyectos internacionales, 29 proyectos nacionales, ocho Work in Progress y 15 actividades especiales.

Robert Wilson abre el festival con una relectura de Oscar Wilde

La apertura internacional se realizará el miércoles 9 a las 20 horas en el Teatro Coliseo con Dorian, bajo concepto, dirección y diseño de Robert Wilson, uno de los referentes de la escena contemporánea mundial. La obra parte de la relectura de Darryl Pinckney de la novela El retrato de Dorian Gray, de Oscar Wilde, y se presenta como un monodrama visual sobre la belleza, la identidad, el deseo y el paso del tiempo. Se trata de una coproducción del Teatro Nacional de Drama de Kaunas y el D’haus Theater de Düsseldorf.

El cierre quedará a cargo del coreógrafo francés Rachid Ouramdane con Contre-nature, que se presentará el viernes 18, sábado 19 y domingo 20 en la Sala Martín Coronado del Teatro San Martín. La producción combina el contacto corporal con la danza aérea y profundiza en la investigación del artista sobre el movimiento suspendido. Entre los intérpretes figura la bailarina argentina Celeste Mendozi.

Brasil y Corea del Sur encabezan la programación internacional

Brasil tendrá presencia destacada con Encantado, de Lia Rodrigues; EDSON, de Matheus Macena, y Língua, de Vinicius Arneiro. La compañía surcoreana Liquid Sound presentará KIN (Long): Proyecto Yeonhee I, y Jeong Seyoung mostrará Except That You Cannot See Me, Vol. 2. El español Reinaldo Ribeiro traerá NO/MAS/SACRE, mientras que el argentino Juan Ignacio Tula dirigirá e interpretará Instante, con producción francesa. Completan el recorrido internacional obras de Canadá, Bolivia, Suiza, Ecuador y Colombia.

Uno de los puntos salientes será el estreno mundial de Principio de éxtasis, coproducción entre España y Argentina que se presentará en el Teatro Colón. La obra, creada y dirigida por el coreógrafo español Goyo Montero, fue comisionada especialmente por el Colón y se inspira en El Aleph, de Jorge Luis Borges. Gustavo Santaolalla compuso la música original, con aportes adicionales y diseño sonoro de Owen Belton.

Un récord de postulaciones define la programación local

La programación nacional está integrada por 29 proyectos, seleccionados en parte a través de una convocatoria abierta que alcanzó un récord de 985 compañías postulantes, una cifra que refleja la vitalidad de la escena independiente argentina. Entre las obras elegidas se cuentan Baco polaco, de Mauricio Kartun; La lluvia de fuego, de Marilú Marini; A cielo abierto, de Mey Scápola; En mitad de tanto fuego, de Alejandro Tantanian; Parece ser, de Iván Haidar; El trabajo, de Federico León; Una sombra voraz, de Mariano Pensotti, y Al oeste: capítulos I, II y III, de Martín Flores Cárdenas.

También participan proyectos de Fernando Rubio y Rocío Gómez Cantero, Juan Pablo Galimberti, Margarita Bali, Gerardo Litvak, Pablo Rotemberg, Maruja Bustamante y Mayra Bonard, entre otros artistas.

El Circuito SITE lleva el teatro a espacios no convencionales

El Circuito SITE Buenos Aires presentará cinco proyectos en espacios elegidos de manera específica para cada obra, con el objetivo de que el público ingrese a lugares que forman parte de la vida cotidiana porteña desde la ficción. Las propuestas son La gravedad de las burbujas, en La China Casa Cultural –Adolfo Dickman 1220–; Atlas de un mundo imaginado, en Casa Gómez –Yeruá 4962–; Liquidación total!, en Dudou Vintage –Guatemala 4334–; Los pasteleros, en el Club Estrella de Maldonado –El Salvador 5470–, y Una casa en Biarritz, en Casa Biarritz –Biarritz 2334–.

Otra obra que expande esta lógica es También está pasando esto, de Fernando Rubio y Rocío Gómez Cantero, que propone una experiencia ligada a la memoria y a la infancia en el carrusel del Ecoparque de Buenos Aires.

Mercado FIBA conecta a artistas locales con programadores internacionales

Entre el 16 y el 19 de septiembre se desarrollará MERCADO/FIBA, plataforma orientada a promover la circulación y la internacionalización de las artes escénicas argentinas. Artistas, productores, programadores, curadores, festivales e instituciones de distintos países se encontrarán en Buenos Aires para conocer obras, compartir proyectos y construir nuevas redes de colaboración. Dentro de este espacio se presentarán, además, los ocho Work in Progress, que permiten conocer producciones todavía en proceso de creación.

Una muestra revisa la historia del Teatro San Martín en dictadura

Las 15 actividades especiales incluyen exhibiciones, debates, mesas de conversación, presentaciones de libros y encuentros entre artistas, profesionales y público. Entre ellas se destaca La Isla – El Teatro San Martín en dictaduras, una exhibición que recupera materiales fotográficos, periodísticos y documentales del Centro de Documentación de Teatro y Danza del Complejo Teatral de Buenos Aires para reconstruir la relación entre esa sala y la ciudadanía en contextos de dictadura y represión.

La edición 2026 contará también con una nueva entrega del Premio Germán Rozenmacher de Nueva Dramaturgia, organizado junto al Centro Cultural Rector Ricardo Rojas de la Universidad de Buenos Aires. Creado en 1999, el galardón busca estimular la producción de jóvenes autores argentinos o radicados en el país y favorecer nuevos canales de circulación para la dramaturgia.

Palabras oficiales sobre la nueva edición

“FIBA es un referente de lo mejor de la escena mundial. Este año el Festival vuelve con una fuerza increíble, con compañías internacionales y locales de primer orden. Estamos muy orgullosos: más disciplinas, más artistas, más proyectos, más escenarios. FIBA es el mejor ejemplo de la cultura de calidad que tenemos y queremos para la Ciudad”, sostuvo el jefe de Gobierno porteño, Jorge Macri.

Por su parte, la ministra de Cultura de la Ciudad, Gabriela Ricardes, señaló: “FIBA es una oportunidad virtuosa en la que convergen lo mejor de la escena local y la vanguardia de las producciones internacionales. El teatro de Buenos Aires lo hacemos entre todos: es una red viva, única en el mundo, que reúne espacios públicos, privados e independientes. Esta edición refleja esa potencia, impulsa la proyección internacional de nuestros artistas y reafirma el lugar de Buenos Aires como una de las grandes capitales culturales de Iberoamérica”.

Organizado por el Ministerio de Cultura de la Ciudad, el festival se consolidó desde su creación, en 1997, como uno de los principales encuentros de artes escénicas de América Latina.

Cómo conseguir entradas

Las entradas se adquieren de forma online en fiba.ar, sitio donde también se pueden consultar los puntos de venta presencial y toda la información del festival. Los proyectos en idiomas distintos del español cuentan con subtítulos. Algunas propuestas tendrán entrada sin costo y requerirán reserva previa, disponible desde las 12 horas, cinco días antes de cada función, en fiba.ar. Para las funciones con entrada libre y sin reserva previa, el ingreso será por orden de llegada y hasta completar la capacidad de la sala. En cumplimiento con el artículo 4 de la ley 3546, se dispondrá de un cupo sin costo para personas con discapacidad que presenten el Certificado Único de Discapacidad (CUD).

Información y programación completa

Toda la grilla de espectáculos, horarios y sedes del FIBA está disponible en el sitio oficial fiba.ar.

Josué Aguilar nos habla de “Guille y el nahual”, la obra de teatro que rescata al imaginario fantástico nacional

Ignacio Izquierdo — Wed, 09 Sep 2026 04:08:00 +0000

Josué Aguilar interpreta al nahual en Guille y el Nahual, la puesta en escena que el Centro Cultural Helénico presenta en el foro La Gruta del 5 de septiembre al 11 de octubre. La obra, adaptación de un texto de Emilio Carballido, recupera el imaginario de la tradición oral mexicana a través de una amistad entre una niña y una criatura mitológica capaz de provocar temblores y volcanes.

El elenco lo completan Danya Torres, Nydia Parra, Jheraldy Palencia y Hugo Rocha. Las funciones son los sábados y domingos a la 1:00 de la tarde, con dos fechas especiales —el 13 de septiembre y el 4 de octubre— en las que participará una intérprete de Lengua de Señas Mexicana.

En entrevista con Infobae México, Josué Aguilar nos habló sobre el diseño escénico de la obra, el reto físico de manejar un títere de gran formato y los temas de fondo que atraviesan la historia: la diferencia, el cuidado del otro y la pertenencia.

Un espacio escénico pensado para que el público complete la ficción con la imaginación

Antes de hablar de su personaje, Josué Aguilar describió el diseño del espacio creado por Isaías Martínez, que combina elementos escenográficos simples con música compuesta especialmente para la obra a partir de ritmos como la polka y el mariachi.

“De entrada, un espacio muy ingeniosamente creado por Isaías Martínez, que, honestamente, como actor y incluso como espectador, me parece que invita mucho a la imaginación”, cuenta el actor. Explica que se trata de “un espacio muy simple con elementos escenográficos prácticamente planos, que de pronto, con el juego escénico y los títeres, todo el color, se va transformando” y permite que la imaginación del público “ponga este otro cincuenta por ciento” del espectáculo.

El diseño retoma referencias como los alebrijes y el contexto de vida de campo en el que Carballido ubicó la historia original. En palabras de Josué Aguilar, esos elementos “van a ir nutriendo el ojo del espectador de un montón de elementos que nos van a quedar cerca a todos, si eres mexicana”.

El actor maneja un títere de 30 kilos

El mayor reto técnico de Josué Aguilar consiste en operar el títere a la vista del público, sin el ocultamiento tradicional del titiritero. “En el teatro es muy por tradición que el titiritero está oculto”, explica, y describe que la convención habitual es que “titiriteros de negro que casi no se ven” muevan los objetos sin ser notados.

Para este montaje, el reto fue distinto: hacer visible al operador sin romper la ficción. Josué Aguilar respalda esa técnica en 20 años de trabajo con títeres y en su formación en teatro antropológico, teatro de espacios abiertos y técnica Alexander, esta última enfocada en el uso del cuerpo del actor en escena.

“El mayor reto es que la ejecución sea tan prodigiosa o tan bien hecha que puedas separar este elemento de la realidad, que es innegable, que es el operador”, dice. Su trabajo, resume, “está específicamente en desaparecer” detrás del movimiento del títere.

El vestuario diseñado para la criatura es, según describe, “una extensión de este colorido cuerpo” y podría distraer si el movimiento no se ejecuta con precisión. Josué asegura que al final de cada función, durante la sesión de fotos, el público sigue confundido sobre si mirarlo a él o al títere: “Se vuelve doblemente innegable que estoy allí y que es por mí que se mueve. Pero justo lo maravilloso es que se logra mantener esta imaginería de que el títere es quien habla”.

El peso de la estructura es uno de los factores que más exige físicamente al actor. Está hecha de fomi industrial y fierro de aluminio, materiales que en teoría no deberían pesar mucho, pero en movimiento el actor maneja alrededor de treinta kilos. “Es exigente”, dice, “y pero maravilloso de todas formas”.

La directora Andrea Salgado cambió al protagonista de Guillermo a Guille para poner a una niña como heroína

El texto original de Carballido se titulaba Guillermo y el Nahual. La adaptación, realizada junto con Nadia González Dávila, transformó al protagonista en una niña por decisión de la directora Andrea Salgado, quien buscaba “dejar de mirar a niños varones como los eternos héroes de las historias”, según relata Aguilar.

Guille es hija única, no tiene mascotas permitidas y busca compañía. Josué vincula ese perfil con una condición que identifica en la infancia urbana actual: “Cada vez las familias son más chiquitas, cada vez tienen menos hijos y los niños crecen solitos”. Por eso, dice, “la búsqueda de la amistad y de reflejarse en otra persona o en otro algo siempre va a estar”.

El nahual, según describe, es “un ser mitológico que quién sabe qué es” y cuya naturaleza fantástica tiene consecuencias sobre el entorno: si llora, provoca terremotos; si se emociona, hace surgir volcanes. Esa condición genera conflicto con el pueblo de Guille, que interpreta esos fenómenos como una amenaza.

“Quien hace temblar entonces debe ser malo, no debe ser bueno”, resume Josué Aguilar sobre la reacción inicial de los adultos en la historia. El reto narrativo, añade, es que Guille y el nahual logren demostrar “que su amistad es eso, amistad. Y es igual de valiosa”, con la diferencia como motor de esa relación.

“La mayor enseñanza es no temerle a lo diferente y aceptar que cada uno de nosotros, así como es, está bien”, concluye el actor sobre el mensaje central de la obra.

La obra recibirá alimento para mascotas a cambio de 50% de descuento en boletos

Las funciones del 13 de septiembre y el 4 de octubre contarán con una intérprete de Lengua de Señas Mexicana, iniciativa quebusca ejempificar la inclusión que atraviesa toda la puesta en escena.

Tribu Producciones trabaja además con la organización Perra Vibra en el proyecto Tribu Latido Solidario. Del 20 de septiembre al 11 de octubre, la producción recibirá en taquilla alimento húmedo o seco para perros y gatos, además de ropa y camas en buen estado.

A cambio de esa donación, el público recibe 50% de descuento en la compra de boletos. Los recursos recolectados se destinan a animales rescatados o en situación de calle.

Andrés Carreño nos habla de “El Gran Teatro del Mundo”, la obra que retrata la desigualdad social

Ignacio Izquierdo — Wed, 09 Sep 2026 04:03:00 +0000

Andrés Carreño dirige y adapta El Gran Teatro del Mundo, la puesta en escena que el Teatro Sergio Magaña presenta hasta el 13 de septiembre. La obra retoma el autosacramental de Pedro Calderón de la Barca, escrito hace cuatro siglos, y lo transforma en una reflexión sobre las desigualdades en México.

El proyecto es producción de TeatroUNAM y Cabaret Misterio, la compañía de Andrés Carreño. El elenco lo integran David Barrera Bautista, Tamara G. Cano, Rosa Luna, Paulina Márquez, Marlon Perzabal, Marco Favio y Lucía Ximbo, estos dos últimos alternando funciones. Las presentaciones son los sábados y domingos a la 1:00 de la tarde.

En entrevista con Infobae México, Andrés Carreño habló sobre el origen del proyecto, la transición de la calle al teatro y el mensaje que busca transmitir con esta adaptación.

El proyecto nació en el Carro de Comedias

El Gran Teatro del Mundo surgió dentro de El Carro de Comedias de TeatroUNAM, un programa de teatro callejero diseñado para impulsar a egresados recientes de las escuelas profesionales de teatro del país. “Es el único proyecto que existe de calle que hace que tengan más de cien funciones al año”, explica Andrés Carreño.

El director entró a una convocatoria abierta a directoras y directores y propuso adaptar el clásico de Calderón de la Barca. Tras la aceptación de su proyecto, realizó una audición para conformar el elenco: tres actrices y tres actores.

Después de concluir el ciclo en la calle, la UNAM ofreció apoyo de producción para llevar el montaje a un recinto cerrado. Andrés Carreño decidió continuar el proyecto bajo el nombre de Cabaret Misterio, su compañía, ya en el Teatro Sergio Magaña. “Digamos que dejamos la calle para irnos al teatro”, resume.

La adaptación mantiene la estructura del autosacramental original, un texto que cuestiona la existencia, el libre albedrío y la figura de Dios. Andrés Carreño trasladó esas preguntas filosóficas hacia un cuestionamiento social sobre las clases sociales en México: “Qué tanto de verdad que vivas en pobreza o en riqueza es la cosa del échale ganismo o de verdad hay una estructura que no permite que uno se mueva por más ganas que le eche”.

Los temas que toca “El Gran Teatro del Mundo”

Sobre el apartado político de la obra, el director nos cuenta: “No hay espacio para dudar de nuestro discurso político. Hay que hablar con claridad. ¿A qué nos referimos? Pues estamos viendo que Latinoamérica se nos está yendo a la ultraderecha, con todo lo que eso implica. Tener a la gente en precariedad, utilizar a la gente como objeto, como vil mano de obra, que la riqueza esté solo en unas pocas manos”.

El director menciona el desastre en Nepal como ejemplo de que “todos estos actos de riqueza desmedida, de abuso no solo de la humanidad, sino del planeta Tierra, tienen consecuencias sobre nosotros”.

Para Andrés Carreño, el discurso del esfuerzo individual —lo que llama “échale ganismo”— sigue vendiéndose como solución pese a las barreras estructurales: “No nací ni con la pigmentación necesaria, ni con el apellido que se requiere, ni con las amistades que a otras personas les dan acceso a una, literal, a una mejor vida”.

La obra pasó de la calle al Teatro Sergio Magaña

La transición del formato callejero al teatro cerrado implicó ajustes en el ritmo y la construcción de los textos. “La calle tiene la maravilla de enfrentarse tal cual a lo inesperado”, dice Andrés Carreño. Y agrega:

“Todo puede pasar, desde que llueva la mitad de la obra hasta que pase una ambulancia y no se escuche el texto. Hay que tener más herramientas para jalar el foco de la gente. Y en el teatro uno se permite, como estás más cobijado por las luces, por los oscuros, incluso por lo cerrado del lugar, tener, digamos, un bordado fino en ciertos textos que pueden ir”.

Y ejemplifica: “Por ejemplo, David tiene el texto, ese sí, tal cual, de la pobreza, que es un texto maravilloso, un diálogo maravilloso de Calderón de la Barca. Y en calle tenía que ir un poco más rápido. Y aquí en teatro se puede dar más el espacio de disfrutar todas las palabras, de echarle más emoción, ¿no? Pero las dos cosas tienen su maravilloso encanto".

La reacción del público

Andrés Carreño construye la experiencia teatral desde el humor como punto de entrada:

“Algo que me enseñaron muy bien mis maestras y maestros de cabaret y que yo he querido seguir en la vida es que primero el teatro sea un acto gozoso. O sea, que la gente vaya y diga: “Me divertí, hay canciones, bailé, me reí, hay mucho humor. Y aparte de todo, mientras me estaba riendo, después me cayó el veinte de que estaban hablando de algo bien complicado o de algo que me interpela y que es doloroso, pero a través de la ironía y de la parodia hacen que me pueda reír”.

La música también juega un importante papel en la obra: “La música es de Julio Gándara, es música original. Nuestras rolas son: Por más que trabajo, de maceta no paso, o Eres pobre porque quieres, ¿no? Todas estas rolas hablan también de la ironía de las personas trabajadoras frente a las personas megamillonarias".

El director describe el montaje como una mezcla entre teatro popular mexicano y teatro español, que conserva vigentes las preguntas ontológicas de Calderón de la Barca sobre el sentido de la vida.

La temporada continúa hasta el 13 de septiembre antes de viajar a Hermosillo, Sonora

La temporada en el Teatro Sergio Magaña corre hasta el 13 de septiembre con funciones los sábados y domingos a la 1:00 de la tarde.

Tras el cierre de temporada en la Ciudad de México, la producción se trasladará a Hermosillo, Sonora, para una función adicional. Andrés Carreño expresó su intención de seguir presentando la obra fuera de la capital: “Esperemos que sigamos rolando con el Gran Teatro del Mundo por todo el mundo”.

El programa de descuentos de Broadway ya vendió más de tres millones de entradas desde 2011

Matias D. Lauria — Tue, 08 Sep 2026 18:53:28 +0000

Broadway Week volverá a Nueva York del 8 al 20 de septiembre con entradas 2x1 para 25 producciones, una promoción que busca abaratar el acceso a algunos de los espectáculos más demandados de la ciudad y reforzar el turismo cultural en uno de los meses con mayor actividad del calendario neoyorquino.

Desde su lanzamiento en 2011, el programa vendió más de tres millones de entradas y generó más de USD 222 millones para la industria teatral, según New York City Tourism + Conventions y The Broadway League. Esas cifras explican por qué la campaña se mantiene dos veces al año como una de las iniciativas más extendidas del circuito.

Para muchos visitantes, ver un musical forma parte de cualquier viaje a la ciudad, pero el precio suele ser una barrera. Según la información oficial, una entrada puede superar con facilidad los USD 150 o USD 200, de acuerdo con la producción y la ubicación de la butaca.

La edición de otoño de 2026 ya tiene boletos disponibles hasta agotar cupos. Algunas funciones quedan fuera de la promoción por fechas restringidas y ciertas producciones ofrecen mejoras de ubicación a cambio de un suplemento.

La promoción incluye clásicos consolidados y títulos recientes

Entre los 25 espectáculos participantes figuran títulos de larga permanencia como The Lion King, Wicked, Chicago, Aladdin y The Book of Mormon. La lista también incorpora producciones como Harry Potter and the Cursed Child, MJ The Musical, Hadestown, Six, & Juliet, The Outsiders, Maybe Happy Ending y Operation Mincemeat.

La oferta suma además obras más recientes como Buena Vista Social Club, The Great Gatsby y Stranger Things: The First Shadow. La amplitud del programa abarca musicales familiares, comedias, dramas, adaptaciones cinematográficas, montajes históricos, obras basadas en series de televisión y propuestas inspiradas en artistas musicales.

Ese abanico permite que la promoción funcione en dos direcciones: facilita el acceso a quienes visitan Broadway por primera vez y amplía la audiencia potencial de montajes nuevos. El descuento ronda el 50 %, aunque el ahorro final depende del espectáculo elegido y de la localización de los asientos.

Para una familia de cuatro personas, esa rebaja puede representar varios cientos de dólares menos en musicales de alta demanda. La recomendación de los organizadores es reservar con rapidez, porque algunas producciones agotan sus localidades en los primeros días y los mejores asientos suelen venderse antes.

Septiembre concentra deporte, moda, fiestas callejeras y cartelera teatral

La campaña fue concebida también como un incentivo para viajar a Nueva York en uno de los momentos más intensos del año. Septiembre coincide con el US Open, la New York Fashion Week, la Feast of San Gennaro, grandes exposiciones en museos y festivales gastronómicos.

Esa superposición de eventos convierte al mes en una ventana atractiva para combinar actividades culturales y ahorro en espectáculos. El programa permite, en pocos días, sumar un musical con descuento a una agenda que ya incluye deporte, moda, celebraciones callejeras, conciertos, parques y mercados gastronómicos.

Según la información oficial difundida por NYC Tourism + Conventions, Broadway Week no solo beneficia al público. La actividad teatral arrastra consumo en hoteles, restaurantes, transporte, comercios, bares y operadores turísticos, con un efecto que se extiende más allá de los teatros y alcanza a buena parte del área de Times Square.

Las entradas se comercializan únicamente a través de los canales oficiales de NYC Tourism + Conventions y de plataformas autorizadas. La promoción estará vigente hasta el 20 de septiembre o hasta que se agoten los cupos disponibles.

Gala Montes entra a la Casa de los Famosos México con fuerte compromiso: ¿Podrá cumplir?

Selene Joselyn Miranda Lara — Tue, 08 Sep 2026 18:14:21 +0000

Gala Montes ingresó como habitante de La Casa de los Famosos México el pasado 6 de septiembre, pero la actriz y cantante ya tenía un compromiso profesional confirmado desde antes de su llegada al reality: debutar como protagonista del musical Malinche el 22 de septiembre, en pleno encierro televisivo que, según la producción, se extenderá hasta el 4 de octubre.

La coincidencia de fechas entre ambos proyectos ha generado dudas sobre cómo se resolverá el compromiso teatral, sin que hasta el momento exista una explicación oficial por parte de Televisa, la producción del reality o el equipo del musical dirigido por Nacho Cano.

Su historia en Malinche, el musical

El vínculo de Montes con Malinche, el Musical comenzó en enero de 2026, cuando debutó sobre el escenario del Frontón México interpretando a la madre del personaje principal, en dos funciones especiales los días 24 y 25 de ese mes. La invitación llegó directamente de Nacho Cano, exintegrante de Mecano, luego de que la actriz interpretara el tema “Mujer contra mujer” en octubre de 2025.

Según relató la propia Montes, ese primer acercamiento ocurrió en un momento personal complicado. “Cuando México me dio la espalda, porque yo era la más funada y todo mundo me odiaba, llegó Nacho y me dijo: ‘a mí me caes bien’”, declaró la actriz, quien añadió que en ese entonces “no sabía para dónde ir” y encontró en el productor español un respaldo que no había hallado en el ámbito local.

A partir del 22 de septiembre, Montes asumirá el papel protagónico de Malinche, dejando atrás el personaje de la madre para encarnar a la figura histórica central de la producción. La actriz aseguró sentirse identificada con el personaje: “Me siento muy Malinche, porque yo soy mexicana y a veces siento que no me tratan como si fuera de aquí, como si no llevara 20 años trabajando”, explicó.

De esa colaboración con Cano surgieron además otros proyectos, entre ellos una canción para su álbum La Hija de Nadie y una participación en el espectáculo Ibiza Paradise, que se presenta en Madrid. En el marco de la presentación del musical, Montes también propuso públicamente una colaboración musical con Kenia Os, a quien llamó a “unirse como mujeres” en medio de la controversia que la cantante sinaloense enfrenta con Belinda y Danna Paola.

Lo que reveló dentro de la casa sobre el papel

Ya como habitante del reality, Gala Montes retomó el tema de su compromiso teatral en una conversación con su compañero Yahir. Ahí explicó que el papel protagónico en Malinche lo pidió ella misma de manera específica ante la producción del musical, y adelantó que planea comenzar a interpretarlo en cuanto salga de la casa.

¿Podrá Gala Montes cumplir con su debut como protagonista de Malinche el 22 de septiembre? La actriz aseguró dentro de la casa que el estreno del papel ocurrirá apenas termine su participación en el reality, aunque la producción de La Casa de los Famosos México tiene programada la gran final hasta el 4 de octubre, casi dos semanas después de la fecha anunciada para el musical.

Esta declaración añade una capa de tensión al calendario de ambos proyectos, ya que hasta el momento ni el equipo del musical ni la producción del reality han explicado públicamente cómo se resolverá la coincidencia de fechas, ni si existe algún arreglo especial para que Montes cumpla con ambos compromisos.

Su paso previo por La Casa de los Famosos México

Antes de este nuevo compromiso teatral, Gala Montes ya contaba con experiencia en La Casa de los Famosos México. Participó en la segunda temporada del reality, transmitida en 2024, donde permaneció 71 días y llegó hasta la gran final como tercera finalista, por detrás de Karime Pindter y Mario Bezares.

Aquella edición estuvo marcada por el enfrentamiento que Montes sostuvo con Adrián Marcelo, a quien llamó “marihuano” durante una discusión al interior de la casa, episodio que se mantuvo como uno de los momentos más recordados de la temporada y que continúa generando reacciones dos años después.

El regreso al reality en 2026

El 6 de septiembre de 2026, durante la sexta gala de eliminación de la cuarta temporada, Gala Montes se convirtió en la primera exhabitante de La Casa de los Famosos México en volver a participar como concursante de pleno derecho. Su ingreso ocurrió después de la eliminación de Flor Vigna y tras la salida de Aldo Rendón, quien abandonó la competencia por motivos de salud.

La propia Montes explicó frente a sus compañeros de casa las razones detrás de su regreso: “Yo entré aquí porque quiero promocionar mi disco y me interesa estar aquí para poder contarles mi verdad, porque nunca se me dio la oportunidad, pero quiero sacarle provecho”, confesó, en referencia tanto al lanzamiento de La Hija de Nadie como a su versión de lo ocurrido con Adrián Marcelo en la edición anterior.

Por su parte, la productora Rosa María Noguerón confirmó que la decisión de reincorporar a la actriz fue deliberada. “Ya sabemos su juego, teníamos que hacer algo porque se fue un habitante muy querido y odiado por muchos, alguien que dio mucho contenido, entonces teníamos que mover eso”, declaró la productora, quien reconoció que la entrada de Montes representaba “un riesgo” calculado para reactivar la dinámica de la competencia.

De acuerdo con el periodista Gabriel Cuevas, Montes habría negociado un pago de 600 mil pesos por cada semana que permanezca dentro de la casa, cifra que hasta el momento no ha sido confirmada ni por la actriz ni por Televisa ni por la producción del programa.

Polémicas recientes previas a su ingreso

El regreso de Montes al reality llegó precedido de varias controversias personales. En agosto, la actriz denunció públicamente haber enfrentado discriminación en su propio edificio, luego de que una vecina le reclamara por fumar marihuana dentro de su departamento. “Es mi casa”, respondió Montes, quien aprovechó el episodio para cuestionar la estigmatización del consumo de cannabis.

Días después, ya dentro de la casa, Montes retomó el tema tras la salida de Aldo Rendón, a quien defendió sugiriendo que la producción no fue sincera sobre las verdaderas razones de su partida. “¿Por qué no dicen: ‘le quitamos la pluma y él ya no acepta no fumar marihuana’?”, planteó la actriz, quien pidió la legalización de la marihuana en México. Esta postura fue respaldada posteriormente por el conductor Arath de la Torre, quien pidió no juzgar a Montes con “doble moral”.

A la par de estos episodios, Montes enfrentó un conflicto familiar prolongado con su hermana, Beba Montes (cuyo nombre real es Crista Fernández), que se extendió durante varias semanas de julio y agosto con acusaciones cruzadas sobre consumo de sustancias y desacuerdos relacionados con la sobrina de la actriz.

Ya durante su participación en el reality, circuló además un video publicado por Orlando Santana, amigo de Montes y encargado de sus redes sociales durante su encierro, en el que se le observa junto a la actriz dentro de un vehículo, vistiendo la misma ropa con la que después ingresó al programa, lo que generó especulación sobre el momento exacto en que fue grabado. Otro video adicional, difundido en historias de Instagram, mostró a la actriz presuntamente compartiendo una bebida alcohólica con su chofer camino a Televisa.

El mensaje de su madre y la publicación previa al ingreso

Horas antes de que se confirmara su regreso al reality, Gala Montes publicó en Instagram la portada de La Hija de Nadie acompañada de un mensaje en el que afirmó sentirse “rota” y expresó frases como “necesito salvarme” y “necesito pedir ayuda”. En esa misma publicación, anunció que se alejaría temporalmente de las redes sociales y que personas de su confianza, entre ellas Orlando Santana, quedarían al frente de sus cuentas y del lanzamiento de su álbum.

Ese mensaje generó preocupación entre distintas figuras del espectáculo. El conductor Poncho de Nigris, exparticipante de la primera temporada del reality, advirtió públicamente que Montes estaba “a nada de un brote psicótico” y cuestionó que la producción decidiera incorporarla al programa en ese contexto emocional.

La reacción más contundente llegó de parte de la propia madre de la actriz, Crista Montes de Oca, quien publicó un mensaje cuestionando la manera en que la producción exponía a su hija con fines de audiencia. “No todo es rating”, escribió Montes de Oca, quien manifestó su preocupación por el bienestar de la actriz en medio de un momento personal que consideró delicado. Hasta el momento, la producción del programa no ha respondido públicamente ni a la publicación de la madre de Montes ni a las condiciones bajo las cuales la actriz aceptó su reingreso al reality.

El proyecto de Carmen Barbieri para volver al teatro interpretando a una figura legendaria de la televisión

Andrea Taboada — Tue, 08 Sep 2026 16:53:26 +0000

Carmen Barbieri dio detalles sobre un proyecto teatral que tiene en carpeta y que rápidamente generó atención por el nombre de la figura que lo inspira. En diálogo con Radio con Vos, la actriz reveló que cuenta con un guion de comedia musical pensado exclusivamente para ella, basado en la vida de Doña Petrona de Gandulfo, la reconocida cocinera que durante años ocupó un lugar central en la cultura popular argentina gracias a sus recetarios y sus apariciones televisivas.

La confirmación llegó en una charla informal con el periodista Renzo Berecoechea, donde la actriz fue revelando aspectos de la propuesta a medida que se desarrollaba la entrevista. Contó que la obra ya está escrita y que combina el humor con la nostalgia por una época marcada por la figura de Doña Petrona, pionera en el hecho de llevar la gastronomía a la televisión. Barbieri destacó el potencial del proyecto, que apunta tanto a un público teatral tradicional como a quienes todavía guardan en la memoria la imagen de la cocinera como un ícono de varias generaciones.

Según explicó, se trata de una comedia musical con un elenco breve, compuesto por seis personajes. Entre ellos sobresalen, naturalmente, Doña Petrona y Juanita, la asistente que quedó asociada para siempre al imaginario del personaje. Una evocación que mezcló humor, nostalgia y reconocimiento a una relación televisiva que excedió el mero rol de cocinera y colaboradora.

La actriz también dejó en claro cuál es el centro del relato. “Es la vida de esta mujer que llevó la cocina a la televisión”, explicó. En esa frase quedó condensado el espíritu de una obra que buscaría reconstruir el itinerario de Petrona Carrizo de Gandulfo, nacida en La Banda, Santiago del Estero, y convertida luego en una personalidad, capaz de instalarse en la vida diaria de los hogares argentinos a través de una pedagogía culinaria propia y de una presencia frente a cámara.

En la charla también apareció otro elemento del legado de Doña Petrona: su libro. Fue Berecoechea quien recordó que ese volumen es señalado como uno de los más vendidos de la Argentina, solo detrás de la Biblia. Barbieri recogió esa observación y la conectó con una vivencia personal: “Yo tengo uno que me regalaron”, contó. A partir de ahí, quedó otra vez en primer plano la importancia del recetario, publicado originalmente en 1934 y transformado en un clásico de consulta para miles de familias.

Lejos de limitarse a mencionar el nombre del personaje, la actriz mostró un conocimiento cercano de ese universo. En un momento de la entrevista, incluso imitó el modo en que Doña Petrona retaba a su asistente: “Juanita, le dije que esto no”. Ese gesto, sencillo y espontáneo, alcanzó para reconstruir en pocos segundos parte de la personalidad televisiva de la cocinera: su tono firme, su vínculo con la ayudante y ese estilo que tantas personas todavía recuerdan.

Carmen Barbieri también explicó por qué siente cercanía con el papel. “Tuve la suerte de ver a Doña Petrona”, afirmó, y agregó que, además de haberla seguido en su momento, leyó su libro y conoció su historia. Esa conexión previa con el personaje parece aportar un matiz especial a la propuesta, ya que no se trataría solo de una composición actoral, sino también de la recuperación de una figura que forma parte de su propia memoria como espectadora.

La artista cerró su descripción con una frase breve: “Una mujer con mucha historia”. En esa definición quedó resumido el potencial del proyecto. Por ahora, la obra aparece como una de las propuestas que Carmen Barbieri evalúa y que de alguna manera dialoga con sus propias vivencias. La mamá de Fede Bal tuvo un recordado paso por MasterChef Celebrity, luego de recuperarse de un grave cuadro de coronavirus, donde reveló su propio vínculo con la cocina.

Violeta: la obra de teatro que confronta los secretos y la violencia dentro de una familia

Miriam Estrella — Sun, 06 Sep 2026 19:46:56 +0000

Hablar de teatro en México también implica hablar de las historias que encuentran en el escenario una forma distinta de ser contadas. La vida familiar, sus contradicciones y aquello que suele permanecer dentro de casa han servido como punto de partida para distintas propuestas escénicas. En ese territorio se mueve Violeta, una obra que pone el foco en las consecuencias de un pasado que no quedó realmente atrás.

La producción parte de una situación concreta: una mujer vuelve al sitio donde nació después de varios años. Ese desplazamiento físico termina desencadenando otro mucho más complejo, porque el regreso la coloca frente a relaciones y acontecimientos que todavía tienen peso en su presente. La casa de la infancia deja de ser solamente un lugar conocido y adquiere una dimensión ligada a la memoria.

El teatro resulta particularmente pertinente para abordar conflictos de esta naturaleza porque permite observar las relaciones entre los personajes mientras las tensiones se desarrollan frente al público.

En este caso, el interés no está únicamente en descubrir qué ocurrió dentro de esa familia, sino en seguir las consecuencias que tiene remover aquello que durante años permaneció sin resolverse.

El pasado familiar vuelve cuando alguien decide cuestionarlo

La historia de Violeta se construye alrededor de una familia cuya aparente estabilidad está relacionada con cosas que no se hablan. La protagonista llega con la necesidad de enfrentarse a una parte de su historia y ese movimiento altera el equilibrio existente. Lo que estaba escondido comienza a ocupar espacio y obliga a los personajes a mirar de otra manera sus propios vínculos.

La violencia y el abuso forman parte del trasfondo del conflicto, pero la obra también se interesa por el silencio que puede rodear esas experiencias. Las consecuencias no terminan en el momento en que sucede un hecho; pueden permanecer en las relaciones familiares y modificar la manera en que las personas recuerdan, interpretan y enfrentan su pasado.

En ese sentido, el regreso adquiere un significado distinto. Violeta no vuelve simplemente para recuperar recuerdos de infancia. Su presencia está relacionada con la posibilidad de comprender lo ocurrido y determinar qué lugar puede ocupar ese pasado en su vida. La historia coloca a la protagonista ante una disyuntiva que involucra memoria, familia y la necesidad de establecer límites.

Una frontera que también puede ser emocional

La idea de frontera atraviesa el relato de una manera que va más allá de una división geográfica. En la historia también representa la distancia que una persona intenta construir respecto de aquello que la lastimó. Puede tratarse de una frontera con el pasado, con determinados vínculos familiares o incluso con experiencias que dejaron una huella en la propia identidad.

Ese concepto modifica la lectura del regreso. Volver al lugar de origen no significa necesariamente reconciliarse con él. En determinadas circunstancias, regresar puede servir para comprobar qué queda pendiente y decidir si es posible cerrar una etapa. La protagonista se encuentra precisamente en ese punto, donde conocer las respuestas puede ser tan complejo como vivir con las preguntas.

El reparto está integrado por Teté Espinoza, Mayra Sérbulo, Luis Eduardo Yee, Cuauhtli Jiménez y Matías Urbina, quienes interpretan a Violeta, Dominga, Beto, David y Tomás. Sus personajes forman el núcleo familiar sobre el que se desarrolla el conflicto. Las funciones están programadas del 3 de septiembre al 4 de octubre de 2026.

La propuesta se inserta así en un teatro que puede utilizar las historias particulares para acercarse a asuntos de mayor alcance. La violencia dentro de los espacios familiares, los secretos y las dificultades para romper con determinadas dinámicas forman parte de una realidad que puede ser explorada desde la ficción sin convertirla necesariamente en una respuesta cerrada.

Leticia Brédice, del desafío de ser Susana y la alegría de Es mi sueño a Milagro, su proyecto más personal: “Me potencia accionar”

Martina Cortés — Sun, 06 Sep 2026 05:02:00 +0000

Leticia Brédice no solo pisa el escenario: lo convierte en refugio, en juego, en confesionario y en fiesta. Su energía, capaz de ser risa desbordada y lágrima a flor de piel en la misma noche, envuelve a quien se cruce con ella, dejando la certeza de haber presenciado algo único e irrepetible. Tras atravesar momentos de creación y producción, Brédice vuelve al centro de la escena con una intensidad renovada y una sensibilidad aún más afinada. En charla íntima con Teleshow, se anima a desnudar el corazón y a celebrar, sin pudores ni reservas, este presente tan propio.

El eco de su nombre volvió a recorrer teatros y pantallas gracias a su brillante transformación en Susana Giménez para la serie Moria Casán, un fenómeno en Netflix que encendió la admiración del público. Pero Leticia es mucho más que una sola luz: también canta y se anima al juego en Es mi sueño, el reality de eltrece, donde deja en claro que la pasión por el arte no tiene fronteras. Como si eso no bastara, se lanza a su proyecto más personal: Milagro, una obra escrita, dirigida y protagonizada por ella, junto a su sobrina Ananda Li Brédice, en el histórico Teatro Santa María, donde tuvo su estreno el pasado viernes 4 de septiembre.

Milagro no es solo teatro: es Leticia abriendo su mundo y su alma, invitando al espectador a cruzar el umbral de la ficción hacia el territorio de lo íntimo y lo universal. Bajo la producción de Darío Arellano, Brédice encarna a María de los Milagros Figueroa Alcorta, una mujer que decide alquilar un teatro para decir lo que nunca antes se atrevió. A su lado, Ananda despliega un abanico de personajes que son reflejo, guía y sombra, borrando los límites entre realidad y ensoñación. Juntas, transforman el escenario en un espacio donde la vida y el arte se funden en un milagro hecho de recuerdos, risa, dolor y ternura.

—Estás transitando un presente profesional con muchos proyectos a la vez. ¿Cómo vivís este momento de tu carrera?

—Estoy muy feliz y agradecida. En este momento de Argentina, donde llegar a fin de mes es muy difícil, tener trabajo ya es un milagro. Justamente la obra habla un poco de eso, de los milagros, de estar vivos, de cada circunstancia de la vida que es un milagro y que uno elige vivir. Y con la cantidad de trabajo que tengo ahora, siento que hay que poner el cuerpo, accionar. La profesión es muy larga; yo empecé de muy chica, a los 13 años, y creo que estoy en un momento donde me siento con salud, con ganas. Tengo muchas ganas de estar en el teatro, de trabajar con mis compañeros, de estar con mi sobrina Ananda, que es una genia del teatro. Ella fue asistente de dirección de Priscila Pavlowsky, y para mí es un honor trabajar con ella. Además, poder estar en una obra, encontrar un productor como Darío Arellano, que se anima a producir teatro, es motivo de agradecimiento. Y cada persona del público que venga ya es una bendición.

—¿Sentís que esta etapa es diferente a nivel profesional?

—Todas las etapas son distintas. Me parece que sí, que es otro momento. Pensándolo, todas las que tuve dentro de la profesión y en mi vida fueron maravillosas, porque de todas aprendí algo. Cuando hice Ceniza del paraíso fue maravilloso. Nueve reinas fue maravilloso. Loca de amor, El elegido, hacer teatro, encontrar personajes con buenos autores, trabajar con Moria Casán, y también después tomarme el tiempo para estar con mi hijo o para estar conmigo misma, con lo que me pasaba, también fue importante. A veces, en esta profesión, uno se deja atropellar por la vorágine, por querer estar siempre vigente, no dejar pasar oportunidades. Pero creo que hay que aprender de uno mismo, de la vida, de lo que es ser madre, de las frustraciones que trae la profesión y la vida.

Pasamos una pandemia, que parece que no fue nada, pero ocurrió muchísimo. En mi caso, perdí a mis padres... Todo es aprendizaje para llegar siempre a un nuevo estadio. Para mí, lo genuino ahora es sentirme presente, contenta, conocerme. Todo el trabajo en terapia, todo lo que hice y hago, me sana. Encontrar una pareja como Martín (Russo) es parte de ese aprendizaje, entender que no quiero parejas tóxicas ni gente que no me hace bien. Hoy me encuentro con gente que me hace bien y que quiere lo mejor para mí y para ellos.

Siempre quise estar rodeada de personas con talento, que quieran dar lo mejor arriba y abajo del escenario, con buena predisposición y ganas de vivir. No quiero estar enroscada ni fuera de foco. Siento que estoy mucho más cerca de esa nena que jugaba frente al espejo, que imaginaba que los desodorantes y el champú eran periodistas y les contaba lo que iba a hacer. Haberlo alcanzado es muy importante. Es hermoso encontrar ternura en el espectáculo y no querer salir corriendo.

—¿Te sentís en tu lugar en el mundo, disfrutando de esta etapa?

—Sí, y lo siento verdadero. Que sea feliz, que no sea como “tengo que ir a grabar y no quiero”. Nunca me pasó eso, pero sí, en este momento de mi vida, elijo las compañías y los amigos que me hacen bien. No trato de lidiar con gente que no me suma. Recién en este momento de la vida puedo decir que me encuentro acompañada por personas que quieren lo mejor para mí y para ellas. Es un reflejo: si alguien quiere lo mejor para sí mismo, te va a ayudar a que vos también estés mejor, te acompaña en los momentos difíciles, te llora cuando lo necesitás y te alegra cuando podés.

—En Milagro, tu nueva obra, volcás mucho de todo esto. ¿Cómo surgió la idea y cuál fue el punto de partida para contar esta historia junto a tu sobrina?

—Ahora es otra historia la que estamos contando, porque Milagro pasó por diferentes estadios y ahora es algo totalmente distinto. Es lo que te decía antes: una mujer que, al hablar, va reconociendo los milagros que tiene y eso se le empieza a reflejar mientras cuenta su vida. Además, estar con mi sobrina es un sueño y un aprendizaje. En nuestra familia somos de un linaje de mujeres artistas: mi hermana mayor, mi otra hermana que es maquilladora, y amigas que siempre fueron actrices. Lo que tengo para contar es el milagro de la vida. Eso es lo más lindo de venir a escuchar al teatro, porque todo lo que sucede es inesperado y a la vez gracioso. Es como la vida.

—¿Qué significa para vos poder continuar ese linaje de mujeres artistas, en un momento en que no es tan común ver familias enteras dedicadas al arte?

—Para mí, la formación siempre fue central. Desde los 12 años estudié en la escuela de Norman Briski, y mi sobrina también. Quería que se forme desde chica. Mi otra hermana también tiene formación teatral, pero da clases en un penal de mujeres. Todos tenemos una misión con la creatividad, con la autenticidad de la vida, que es emocionar y conmover al público, hacer que sienta algo inesperado, que lo transforme. A mí me pasa cuando veo una buena obra o una actriz verdadera en el teatro o el cine, o leo una obra que me toca. Me gusta estar cerca de esa mujer milagro, que la gente venga a escuchar y se vea reflejada, aunque su vida no tenga nada que ver.

—Comentaste que la obra fue cambiando con el tiempo. ¿A qué se debió esa transformación?

—Fue cambiando porque también lo hicieron las personas que me acompañaban. Ahora, con Ananda, logramos solidificar una parte de la obra que realmente queríamos contar. El crecimiento de Milagro fue de performance y proyecto experimental a algo con más hondura y profundidad. Eso también es parte del crecimiento artístico.

—¿Por qué seguís eligiendo el teatro sobre otros formatos?

—A mí me emociona todo: filmar una película, hacer televisión, dar una entrevista. Me gusta poder ser verdadera, contar mis miserias y alegrías sin prejuicio. El teatro es donde más quiero romper con todo, donde más busco transformar al otro. Siempre quiero que el público se lleve algo, que se conmueva, que se transforme. Me pasa eso, que quiero que la gente que viene se lleve una transformación, aunque sea mínima.

—En este tiempo también participaste en la serie de Moria, interpretando a Susana Giménez. ¿Cómo llegó esa propuesta y cómo viviste el desafío de hacer un personaje tan icónico?

—Tenía muchas ganas de trabajar y cuando escuché lo de Moria, mis amigos me dijeron que la llamara. Me animé, la llamé y le dije: “Moria, quiero estar, me muero por estar en tu serie, aunque sea abriendo un auto. Quiero que mi hijo me vea en tu serie”. Nunca imaginé que me iba a tocar ser Susana, que es el sueño máximo. Hacerlo bien, que salga bien, es como que te toque la muñeca más linda para interpretar. Además, trabajar en un producto nacional con actores y técnicos increíbles, con directores que cuentan la historia de una figura tan importante, es un regalo de Dios. Fui el último día de grabación y fue alucinante. La vida de Moria es la de una actriz, es emocionante verla, escucharla sin caretas. Estar en esa serie, con esas interpretaciones y ese equipo, fue un honor.

—¿Tuviste que estudiar mucho para captar la voz y los gestos de Susana?

—Sí, trabajé mucho la voz y los manierismos. Era una sola escena, pero me puse muy detallista: la escuchaba en distintas épocas y buscaba matices. Quería que fuera más cariñosa, más sensible. Me terminé volviendo mañosa, tanto que mi pareja me decía: “Basta, Leti, confiá en tu actriz y relajate”. Fue un arte y estoy muy agradecida de haber podido interpretarla. Además, tengo una anécdota: hace años, haciendo teatro, encontré la estrella de Susana en la vereda de Corrientes mientras reemplazaban todas las que estaban en la calle. Y la tengo en casa. Nunca lo conté, pero para mí es una señal y una protección como actriz.

—¿Pudiste hablar con Susana o recibir algún comentario suyo tras la serie?

—No, no tuve contacto y tampoco lo espero.

—¿Qué te generó la repercusión en redes por tu interpretación?

—Me pone muy contenta. Es difícil porque es una sola escena y no hay tiempo de desarrollar el rol. Pero agradezco mucho el cariño. El público es libre de interpretar y de opinar.

—¿Te pasó que después de grabar te encontraste imitando a Susana en situaciones cotidianas?

—Muchísimas veces. Después de la serie me pedían que repitiera frases y hasta mi marido me pedía que hiciera chistes como Susana. Ella es una mujer tan feliz y con tanta luz, tan hermosa como su aura, que es imposible no disfrutarlo. Jugar a ser Susana es una bendición muy grande.

—Además, ahora participás de Es mi sueño, tu nuevo desafío en televisión. ¿Cómo surgió esa oportunidad y qué significa para vos?

—Me llamaron a mitad de año y me encantó la propuesta de cantar en la tele. Cantar te salva la vida. El programa me encanta, me gustan los chicos, Abel Pintos, Jimena Barón, Joaquín Levinton, todos son geniales. Me hace bien seguir tomando clases de canto, porque me cuesta, y es bueno tener que seguir aprendiendo. No tengo la misma voz que antes, pero entrenarla me pone feliz. El show y cantar son alegría pura. Los participantes tienen un talento impresionante; a veces prefiero que canten ellos y yo quedarme escuchando. Guido Kaczka también es divino, una persona muy cariñosa. Me gusta disfrazarme, animarme a cantar algo que me dé miedo y ver qué pasa. Es emocionante y una gran oportunidad para quienes participan.

—¿Cómo hacés para organizarte con tantos proyectos a la vez?

—Me hace bien tener ocupada la cabeza, la mente, el espíritu y las manos. Estudiar me hace bien; soy hija de laburantes y claramente soy una laburante. Ahí es donde siento que crezco, aunque me equivoque. Voy a natación, a estética, hago redes. Me gusta aprender cosas nuevas, como tejer mejor, hacer historias en redes, llamar a un Uber o cocinar. El orden dentro de mi caos me mantiene alerta a la vida. Hay días que me abruma todo lo que tengo que hacer, pero ahora me lo tomo diferente, despacito. Aprendo a relajarme y a pedir ayuda, a no hacer todo el mismo día. Me gusta encontrar personas que, como yo, quieren estar bien, quieren avanzar, y eso es un reflejo que ayuda a que la vida sea mejor.

—¿Hay algún objetivo o meta que te gustaría alcanzar de cara al estreno de Milagro o en general?

—Con Milagro me gustaría que suceda lo que tenga que suceder, que deje algo, que no sea vacío. Lo más importante es estar acompañada de gente que me sostiene. Hoy lo que más me potencia es accionar, no quedarme en la pena o el llanto, ponerle humor y mucha fuerza a los momentos difíciles de la vida, como el trabajo o tener que pagar cuentas.

—Por último, ¿qué esperás que el público se lleve después de ver Milagro?

—Espero que se conmuevan. Pienso que hasta llegar al teatro ya es un milagro: estar sentado en una butaca, ver a un actor en vivo, es algo único en un mundo con tanta inteligencia artificial. Que la gente esté dispuesta a ver a un actor que deja cuerpo y alma en el escenario me conmueve. El teatro es lo más terrenal y vivo que existe, y eso es lo que quiero transmitir con la obra.

El Flaco Pailos vuelve a Buenos Aires con Solo de Humor: “El cariño de la gente es lo más lindo que tiene esto”

Sebastián Volterri — Sun, 06 Sep 2026 05:00:00 +0000

Hay artistas que llegan a un escenario y simplemente hacen su trabajo. Y hay otros que, con el paso de los años, consiguen algo mucho más difícil: convertir ese escenario en una casa. Para el Flaco Pailos, Buenos Aires es justamente eso. Un lugar al que vuelve una y otra vez, una ciudad que lo recibió cuando todavía tenía mucho por demostrar y que, desde aquella primera temporada en 2008, volvió a elegirlo como uno de sus humoristas. Ahora regresa con “Solo de Humor”, un espectáculo que recupera la esencia de sus comienzos y que podrá verse todos los viernes de septiembre a las 22.30 en el Paseo La Plaza.

Durante 90 minutos, vuelve a quedar solo frente al público, sin grandes escenografías ni una estructura que lo proteja: apenas sus personajes, sus historias, sus cambios de vestuario, sus sonidos, la música, la gestualidad y esa capacidad de improvisar que construyó durante décadas. Es un formato que, según cuenta, lo devuelve a un territorio conocido y querido. “El solo de humor más rápido y más gracioso”, define él mismo al espectáculo, una propuesta vertiginosa en la que interpreta diferentes personajes y realiza cambios de vestuario sobre el escenario, frente a los espectadores.

La propuesta tiene algo de viaje imaginario. Lleva al público por distintos lugares del mundo y lo hace a través de personajes, voces, situaciones absurdas y relatos que se suceden a toda velocidad. “Mi espectáculo es una mezcla de todo: de stand up, de contador de chistes, músico, de actor también”, explica sobre esta etapa de su carrera. Y esa definición acaso sea la mejor manera de entenderlo: el Flaco Pailos que vuelve a Buenos Aires no es solamente aquel contador de chistes que alguna vez conquistó la televisión, sino un artista que aprendió a mezclar todos sus oficios para mantenerse vigente.

Porque antes de ser humorista fue músico. Y antes de aprender a hacer reír desde un escenario, soñó con cantar, tocar la guitarra y tener una banda de rock. “Yo empecé como músico”, recuerda. Su padre le enseñó a tocar la guitarra y en su casa siempre hubo discos. Hasta que un día, siendo joven, descubrió un álbum que le cambiaría la cabeza: Instituciones, de Sui Generis. “Me voló la cabeza Charly con Nito”, cuenta. A partir de entonces quiso componer, formar una banda y convertirse en músico de rock nacional. Tuvo grupos, tocó durante años y siguió escuchando música incluso cuando el humor terminó ocupando el centro de su vida.

La transformación llegó de manera casi accidental. Una noche, tocando con un trío en un pub de Río Tercero, descubrió que las canciones no estaban funcionando. El público hablaba, nadie parecía prestar demasiada atención y la banda seguía tocando casi por inercia. Entonces decidió probar algo diferente. “Bueno, por supuesto, fanático del Negro Álvarez. Voy a contar un chiste. A ver si les gusta, porque están todos hablando”, recuerda entre risas.

El chiste funcionó. Después vino una imitación de Nino Bravo y el acompañamiento del bajista, algunos comentarios improvisados, más chistes y una escena inesperada que terminó cambiando el rumbo de su vida. “Hicimos como unos momentos de diez minutos hablando huevadas y después seguimos tocando”, recuerda. Cuando terminó la noche, los integrantes de la banda entendieron que allí había algo. Así nació la veta humorística de Los Viejos Pescados, que comenzó a transitar un camino que terminaría llevándolo desde los bares cordobeses hasta los grandes escenarios.

El humor fue creciendo y la música comenzó a compartir protagonismo con los personajes. Después llegaron las temporadas teatrales, las giras nacionales y aquellos espectáculos de gran despliegue que lo llevaron a recorrer el país con bailarines, músicos y escenografías. Hubo piratas, romanos, mundos fantásticos y hasta una particular versión de Harry Potter bautizada, fiel a su estilo, como Harry Torpe.

Pero hubo un momento que marcó un antes y un después: su llegada a la televisión de la mano de Marcelo Tinelli. Su mujer lo convenció de presentarse a un casting al que inicialmente no quería ir. “Yo no quería ir a un casting. Me sonaba como una prueba”, admite. Finalmente fue caminando hasta el Teatro Real de Córdoba. Allí se encontró con algunos conocidos, prendieron una cámara y le pidieron que contara unos chistes. Quince días después recibió el llamado.

La participación en el Campeonato Nacional del Chiste de VideoMatch lo puso frente a millones de espectadores y modificó para siempre la escala de su carrera. Pailos recuerda especialmente aquel primer chiste largo que le contó a Marcelo Tinelli, un material que con los años terminó convirtiéndose en uno de sus grandes clásicos y que, según cuenta, acumula más de diez millones de reproducciones en YouTube. “Para mí eso fue un antes y un después”, reconoce. “Me vieron de otras provincias, de otros lugares y bueno, me cambió mucho la vida”.

Buenos Aires también apareció entonces como una suerte de territorio conquistado. La primera temporada porteña llegó en 2008 y el resultado fue inmediato. “Fue bárbaro, porque le gustó el humor mío al porteño y a la gente de provincia también de Buenos Aires”, recuerda. Desde entonces, la relación con la ciudad se transformó en una historia de ida y vuelta.

Pailos cuenta que en aquellos primeros años llegó a ser reconocido simplemente como “el cordobés que cuenta chistes”. En el subte le regalaban cospeles. En un comercio llegó a recibir una docena de sandwiches de miga. Y hasta los taxistas lo reconocían. Una vez, recuerda entre risas, un chofer abrió la guantera, sacó un CD suyo y le preguntó: “¿Vos sos este?”. Cuando Pailos confirmó su identidad, el hombre directamente decidió no cobrarle el viaje.

Son esas pequeñas escenas las que explican por qué vuelve. Porque detrás del humor, de las temporadas y de los escenarios, hay una relación afectiva con el público que el artista todavía conserva intacta: “El cariño de la gente es lo más lindo que tiene esto”, asegura. “Más cuando hacés reír”.

Y quizás allí esté la verdadera razón por la que, después de tantos años, sigue eligiendo estar arriba de un escenario.

Admite que incluso los artistas con una trayectoria extensa pueden sentir inseguridad. Lo experimentó recientemente, cuando después de varios meses dedicado a la gira de Flaco Pailos Sinfónico, con una camerata de músicos, volvió a presentarse completamente solo. De repente tuvo que recuperar los personajes, los trajes, los cambios y la dinámica de aquel unipersonal que hacía tiempo no interpretaba.

Y algo inesperado ocurrió: “Hasta me sorprendí de mí mismo”, cuenta. “Como estaba solo... de pronto solo y con los trajes, cambiándome. Bueno, estoy en carrera”.

La frase que resume aquella noche llegó inmediatamente después, con la sinceridad y el humor que lo caracterizan: “Me digo... sí soy bueno, che”. La risa de la entrevista acompaña el recuerdo, pero detrás del chiste hay una certeza. Después de décadas de escenarios, el Flaco todavía necesita comprobar que la magia sigue ahí.

Y cuando el público responde, la confirmación llega de inmediato: “Todavía sigo siendo bueno y se ríe mucho la gente”, dice, antes de destacar otra de las herramientas que más disfruta: la improvisación.

Es justamente esa capacidad de leer el ambiente, de incorporar la actualidad y de modificar una situación sobre la marcha la que le permite que cada función sea diferente. No necesita hablar directamente con el público para establecer ese diálogo. Le alcanza con una referencia, una frase, una observación sobre lo que está pasando en el país o una situación inesperada que pueda transformar en material humorístico.

“Después de tantos años tengo esas cosas”, explica. Y enseguida agrega una frase que tiene algo de declaración de principios: “Si no tengo eso, me tengo que retirar”.

Pero Pailos nunca quiso quedarse quieto. Esa parece ser una de las claves de su permanencia. Cada nuevo espectáculo significó para él un desafío. Cuando hizo un show sobre el Bicentenario tuvo que estudiar historia. Cuando creó un espectáculo inspirado en piratas, incorporó vestuario y escenografía. Cuando abordó personajes de todo el país, explotó su facilidad para las diferentes tonadas. Y cuando apareció el desafío de llevar su humor a una camerata, volvió a apostar por algo que muchos consideraban una locura.

“Me gusta eso, el desafío de algo nuevo, de no perder la magia, de seguir con el poder de poder improvisar”, sostiene.

Esa necesidad de renovarse también tuvo que ver con algo mucho más íntimo: escuchar a las nuevas generaciones. Como cuando recuerda que alguna vez su hija, de unos 14 o 15 años, le señaló que determinados chistes ya no funcionaban de la misma manera. En lugar de resistirse, decidió escucharla: “Bueno, dejame pensarlo”, fue su respuesta.

A partir de entonces buscó nuevas maneras de construir humor. No abandonó su esencia, pero cambió los contextos, los personajes y las situaciones. Entendió que el humor también podía transformarse sin perder identidad. Y quizás esa sea otra de las razones por las que continúa vigente.

En tiempos en los que las redes sociales pueden rescatar un video de hace veinte o treinta años y convertirlo nuevamente en un fenómeno viral, Pailos descubrió una segunda generación de espectadores. Jóvenes de 20 o 25 años llegan a verlo después de encontrarse con aquel viejo video junto a Tinelli.

“Es como una rueda”, explica. Un público envejece, aparece otro, un video vuelve a circular y alguien que nunca lo había visto pregunta quién es ese hombre que hace reír desde la pantalla. El humor cambia. Las plataformas cambian. Los escenarios cambian. Pero la risa permanece.

Por eso, cuando llega el momento de hablar de su futuro, no piensa en el retiro. Se ríe de sus 61 años y hasta bromea con la posibilidad de seguir sobre los escenarios a los 80. “Mirá cómo está Moria”, dispara.

Sin embargo, detrás de la humorada aparece una convicción mucho más seria: mientras pueda sorprenderse, crear, improvisar y sentir la respuesta de una sala, seguirá allí. Porque todavía sueña: “Yo siempre quise estar arriba. Yo siempre soñé despierto”, confiesa.

Ese chico que tocaba la guitarra y soñaba con tener una banda finalmente tuvo una. El joven que quería que la gente lo conociera por sus canciones terminó encontrando en los chistes su verdadera voz. El humorista que imaginaba una temporada en Carlos Paz consiguió llenar teatros. Y aquel cordobés que alguna vez soñó con venir a Buenos Aires terminó siendo convocado por Carlos Rottemberg después de que el empresario mirara los borderós y se preguntara quién era “ese flaco de Córdoba que llena todos los teatros donde va”.

En 2008 llegó finalmente a la calle Corrientes. El sueño se había cumplido. Ahora vuelve una vez más. “Está bueno el sueño, pero hay que ponerle estudio, laburo, respeto, constancia”, les dice a los más jóvenes. Y él mismo parece haber hecho de esa frase una forma de vida: “Cuando trabajo con el teatro y estas cosas, soy el primero que llega y el último que se va”, cuenta. Porque el humor podrá parecer liviano, pero detrás de cada carcajada hay una enorme cantidad de trabajo.

Y detrás de cada función hay también una historia. La del Flaco Pailos es la de un hombre que soñó con la música, encontró el humor casi por accidente y terminó haciendo de la risa una profesión. La de un cordobés que convirtió sus historias en chistes y sus chistes en recuerdos para varias generaciones. La de un artista que todavía sale por la puerta del teatro para encontrarse con quienes acaban de verlo, sacarse fotos y escuchar sus comentarios.

“No me voy por la puerta del costadito”, podría resumirse en su manera de actuar fuera del escenario. Se queda. Saluda. Conversa. Porque, como él mismo lo dice, “el cariño de la gente es lo más lindo que tiene esto”.

Y mientras ese cariño siga estando del otro lado del escenario, él parece tener una razón más que suficiente para seguir haciendo lo que mejor sabe: contar historias, transformarse en personajes y regalar, durante una hora y media, ese extraño y maravilloso permiso para olvidarse de todo. Reírse.

“La magia sobrevive”: Marilú Marini y el teatro como un lugar donde se cuentan historias a la tribu

Guillermo E. Pintos — Sun, 06 Sep 2026 04:27:20 +0000

El lunes, Marilú Marini vuelve a París, donde vive hace más de 50 años. Se va como llegó: con una obra en cartel, el cuerpo en movimiento y la palabra afilada. Lleva dos meses en Buenos Aires (“¡lejos del calor!“, acepta con una sonrisa), el tiempo justo para protagonizar Manifestum y dirigir La lluvia de fuego, dos de las grandes apuestas de la temporada en el Teatro San Martín, ambas en la sala Casacuberta. Sobre ese doble desafío, y la continuidad de trabajo que lo hizo posible, cuenta: “Había una continuidad de trabajo y de entendimiento acerca del hecho que se transmitía. Gracias a eso y al conocimiento de los equipos creativos, de la sala, del lugar, del contacto entre nosotros, y del contacto tanto físico, porque estábamos corporalmente, presencialmente, todo el tiempo juntos y en contacto, como el de una continuidad de un espectáculo a otro, aunque la estética, aunque el tipo de material que se estaba haciendo vibrar, crear, era muy distinto, había algo que se transmitía.”

Marini nació en Mar del Plata en 1940, hija de madre alemana y padre italiano que tenía barcos de pesca. Fue la primera generación argentina. Cerca de los 30 años se exilió a Francia, donde construyó una carrera que la convirtió en referencia del teatro europeo y latinoamericano. En los años 60 había protagonizado la contracultura porteña y formado parte de los artistas revolucionarios del Instituto Di Tella. Ha recorrido un largo camino. Por eso, en una de sus últimas tardes porteñas, piensa cada palabra en su diálogo con Infobae Cultura. Habla y parece que recitara un texto arriba del escenario. Todo en Marilú es obra.

En esta temporada de invierno en Buenos Aires, atravesada por el fútbol y las Malvinas, Marilú Marini interpretó Manifestum —una conferencia performática ambientada en el año 2300, sobre identidades fluidas y afectos, creada por Oria Puppo junto a Franco Torchia— y dirige La lluvia de fuego, pieza de Silvina Ocampo y Juan José Hernández que protagoniza Valeria Lois, con humor negro, farsa y vodevil. Y cuando llegue a París, su año no habrá terminado: retoma una obra de Pascal Ramberg que estrenó el año pasado y tiene en vista un proyecto de película. Marilú tiene 86 años pero es apenas un dato anecdótico.

En esta entrevista habla del trabajo artesanal y comunitario que hizo posible los dos estrenos en tiempo récord, de la Argentina que observó desde afuera, de su comentario en el programa de Mirtha Legrand que se viralizó en redes, y de por qué el teatro sigue siendo, en plena era de las pantallas, el lugar donde alguien de la tribu le cuenta una historia al resto. “Hoy en día es un lugar donde se da la magia”, reflexiona. “La gente va a escuchar y a ver una historia que le pertenece. Tenemos un contacto de cuerpo a cuerpo entre los que escuchan y entre los que cuentan.”

—¿Cómo fue este período de dos meses en Buenos Aires?

—Primero hicimos Manifestum, el programa, la conferencia performática que había creado Oria Puppo, que hicimos con Franco Torchia, con Sol Lopatín en las luces y Diego Vainer en la música, y todo un grupo de autores de textos, que la curaduría la hicieron Franco y Oria. Fue fantástico y muy satisfactorio porque encaró el tema de la aceptación de la diferencia, de la identidad de género. Y luego de eso, que terminó el 16, el 28 de agosto estrenamos La lluvia de fuego. O sea que fue una batalla para armar y organizar los ensayos mientras estábamos actuando.

Entre el final de Manifestum y el principio de La lluvia de fuego, ensayábamos en el mismo escenario. Y tuvimos ocho. O sea que es poquísimo. Pero gracias a esa continuidad y al conocimiento de los equipos creativos, de la sala, del lugar, del contacto entre nosotros, y porque estábamos todo el tiempo juntos y en contacto, se dio una continuidad de un espectáculo a otro, aunque la estética, aunque el tipo de material que se estaba haciendo vibrar, crear, era muy distinto. Había algo que se transmitía. Una continuidad de trabajo y de entendimiento acerca del hecho que se transmitía. Eso facilitó y hizo posible que cumpliéramos con los tiempos. Dijimos estrenamos el 28 de agosto y lo hicimos, no retrasamos el tiempo.

Quiero remarcarlo: la disponibilidad de las áreas de construcción, de decorado, pintura, escultura, vestuario, peluquería del Teatro San Martín. Todo el mundo realmente se puso la camiseta.

—Después de esos dos meses, tan intensos como siempre en Argentina (para vos y para nosotros) ¿Con qué idea te vas de la Argentina?

—Siempre veo a los argentinos con una capacidad de adaptación a situaciones diversas y difíciles que es admirable. Es una situación muy complicada, socialmente y económicamente. Pero siento también que de cualquier forma hay una presencia de la gente frente a las dificultades. Hay una capacidad de invención, de cómo salir y cómo manejarse que es admirable.

Hay una necesidad también de encontrar, no un refugio, sino un lugar de la gente: no para la queja, porque creo que la queja desgasta, sino para la invención de un futuro, de cómo sería, cómo podría ser... Tal vez esa invención pueda ser que esté equivocada, pero no importa, se probará con otra, se hará. Lo interesante es inventar, crear y no quedarnos quejándonos.

—En tu paso por el programa de Mirtha Legrand, hiciste un comentario que se viralizó particularmente en X e Instagram. ¿Supiste de eso, qué te parece?

—Tengo una cuenta de Instagram que no manejo. Yo no estoy mucho en las redes, no me meto mucho. Pero sí, me imagino... En el programa de Mirtha dije lo que pienso de la realidad. Que hay que vivir en una sociedad en la cual la gente tenga derecho y acceso a las necesidades básicas que tiene un ciudadano y un ser humano: salud, educación, casa y acceso a la cultura. Es algo que forma el cuerpo ideológico y el cuerpo de pensamiento de un ser humano.

El Estado tiene que estar presente en esas necesidades humanas. Los ciudadanos también tienen deberes hacia el Estado. O sea, es algo recíproco. Todos tenemos una responsabilidad, pero no por sumisión. Luchar porque todas las personas y las comunidades que forman parte de un Estado tengan los mismos derechos y el mismo reconocimiento. Y de todas formas, yo pienso que una de las cosas importantísimas hoy en día es poder tener una comunicación y una acción en comunidad, en contacto. No en grandes masas, en número de gente, sino que justamente sea en comunidad. Que haya conexión, no solamente a través de las redes. Algo que se traduzca en una presencia.

—En una época donde todo está mediado por pantallas, ¿Qué sigue teniendo de mágico el teatro?

—Siempre es necesario que nos cuenten historias. Es como los niños cuando a la noche necesitan que uno les lea un cuento. El teatro es uno de los últimos lugares, en este momento, que continúa siendo lo que fue: un lugar donde alguien de la tribu cuenta una historia al resto. Es algo que suscita imaginación. Y esa persona no está en una actitud pasiva. Esa historia genera no solamente recuerdos, sino que hay algo de su identidad, de su ADN como ser humano que está tocado y se mueve cuando escucha esa historia y es partícipe de ese acto.

En el teatro tenemos un contacto de cuerpo a cuerpo entre los que escuchan y entre los que cuentan. Esa es la vigencia del teatro. El teatro es un trabajo artesanal, algo que se hace en comunidad.

Cate Blanchett y Nina Hoss fusionan a Bergman y la tragedia griega en una obra teatral donde intercambian roles todas las noches

Houman Barekat — Sat, 05 Sep 2026 19:30:00 +0000

Unos 2000 años separan la tragedia de Sófocles, Electra, del drama psicológico de Ingmar Bergman, Persona, pero la primera encierra la clave para comprender la segunda. En la película de Bergman, una actriz de teatro enmudece durante una representación de Electra porque la ruptura filial retratada en la obra de Sófocles evoca sucesos clave de su propia vida: la inquietante representación de la identidad fragmentada en Persona tiene su origen en un trauma materno.

Las resonancias entre estas dos obras canónicas se exploran en una ambiciosa obra de teatro nueva protagonizada por Cate Blanchett y Nina Hoss, que se estrenó esta semana en el Teatro Nacional de Londres.

La producción, titulada Electra/Persona y en cartelera hasta el 10 de octubre, supone un reencuentro triangular para su guionista y director australiano, Benedict Andrews, y sus dos actrices principales: Andrews dirigió a Hoss en El jardín de los cerezos y a Blanchett en Las criadas; y Hoss interpretó a la esposa de Blanchett en la película Tár de 2022.

La obra no es una simple mezcla, sino que consta de dos partes distintas y yuxtapuestas, conectadas únicamente por ecos sugerentes y una constante preocupación por la interpretación y la naturaleza escurridiza de la identidad. En consonancia con este tema, Blanchett y Hoss intercambian papeles en noches alternas. En la noche del estreno, Blanchett interpretó a Clitemnestra, la madre despectiva y frívola de la irascible Electra de Hoss.

Incapaz de perdonar a su madre por haber matado a su padre, Agamenón, y por haberse acostado con Egisto, su rival, Electra está tan sumida en el dolor que ha dejado de comer y de bañarse. Se enfurece amargamente blandiendo un martillo de plata. Pero Clitemnestra tenía sus razones: Agamenón había sacrificado a su hija Ifigenia para asegurar vientos favorables para una expedición militar.

La Clitemnestra de Blanchett expone sus argumentos con convicción, aunque su preocupación resulta inquietantemente falsa. Dice estar muy preocupada por Electra y añade, volviéndose hacia el público: «Todos lo estamos».

El tema de la representación se hace explícito cuando Clitemnestra propone una recreación de la muerte de Ifigenia mediante un juego de roles terapéutico. Electra se pone la chaqueta militar de su difunto padre, mientras que su hermana, Crisótemis (Ella Lily Hyland), se viste con un vestido que perteneció a Ifigenia. Es un momento extraño.

Más tarde, Electra canaliza el espíritu de su hermano perdido, Orestes, tras ponerse su vieja chaqueta deportiva, y se venga de Egisto (Patrick Robinson) de una manera sorprendentemente estilizada. El martillo ni siquiera lo alcanza; en cambio, Electra le escupe varios chorros de sangre falsa en la cara, y él cae muerto. Esto resulta, de alguna manera, más ignominioso que cualquier golpe contundente.

Hoss guarda silencio y la acción se detiene durante unos minutos. Los tramoyistas limpian la sangre mientras los actores se retocan el maquillaje con indiferencia, y la escena se reanuda con Hoss interpretando a Elisabeth, la actriz muda, recuperándose al cuidado de Alma, la enfermera interpretada por Blanchett. Una gran pantalla desciende del techo, sincronizada con una cámara de mano que los actores se apuntan entre sí por turnos para crear impactantes primeros planos en blanco y negro. Nos encontramos ahora en el mundo del cine de Bergman.

Se perciben ecos del enfrentamiento entre Clitemnestra y Electra en la servil y deslumbrada Alma, interpretada por Blanchett, quien mantiene un diálogo unilateral con su muda protegida. Su intento de despertar preocupación se topa con una hermetismo absoluto. El forzado profesionalismo de Alma da paso a una familiaridad ingenua, seguida de resentimiento y enfado. Mientras tanto, Elizabeth, interpretada por Hoss, se comunica mediante sugerentes microexpresiones, sonrisas apenas contenidas y gestos fugaces e inescrutables.

Este singular pas de deux es magníficamente modulado por Blanchett y Hoss, quienes suben y bajan descalzos por la inmensa escalera que ocupa todo el ancho del escenario. (La escenografía es de Magda Willi).

Las alusiones a la guerra y al desastre ambiental sugieren el efecto agravante de los acontecimientos mundiales, pero el origen de la difícil situación de Elisabeth es personal, como finalmente descubrimos: dio a luz a un hijo pero no sintió nada por él.

Cuando las identidades de Alma y Elisabeth parecen fundirse en una sola, evocando el espectro de la locura, recordamos el comentario anterior y significativo de Crisótemis sobre el gran parecido entre Electra y su madre: “A veces no puedo distinguir dónde termina ella y dónde empiezas tú”.

Últimamente, los clásicos están de moda en los escenarios londinenses. Dos millas más adelante, a orillas del Támesis, en el Bridge Theatre, los espectadores pueden disfrutar de una versión muy diferente de la tragedia griega a cargo de otro director australiano, Simon Stone. Su modernización de La Orestíada de Esquilo retrata la tensa relación entre padres e hijos en un thriller al estilo de Succession, repleto de sangre, suspense y acción trepidante. Es sumamente entretenida, pero bien podría haber sido una serie de televisión. En contraste, el minucioso enfoque psicológico de Electra/Persona, magistralmente interpretado por la elegante interpretación de Blanchett y Hoss, parece hecho a medida para el teatro.

Fuente: The New York Times

Agenda cultural en Lima del 3 al 10 de setiembre: Ricky Martin, La Tarumba, ‘La Profesora’ y la apertura del nuevo Paradox Park

Cecilia Arias — Sat, 05 Sep 2026 15:14:12 +0000

Lima recibe la primera semana de setiembre con una cartelera que mezcla grandes conciertos, teatro de autor y entretenimiento familiar a gran escala. Ricky Martin se presenta por primera vez en años en la Costa Verde, Eva Ayllón ofrece dos noches en el Teatro Plaza Norte y La Tarumba cierra su temporada de circo con Airosa.

En el plano escénico, ‘La Profesora’ llega a Lima tras su paso por Nueva York, Madrid y Ciudad de México, mientras Aldo Miyashiro estrena ‘Promoción’ y el histórico Daytona Park reabre sus puertas transformado en Paradox Park. La comedia también tiene su espacio con Carlos Galdós y Fernando Armas, y el teatro infantil ocupa buena parte de la programación de fin de semana.

TEATRO

La Profesora

Yvonne Frayssinet y Leonardo Torres Vilar protagonizan La Profesora, obra del dramaturgo español Eduardo Galán. La historia sigue a América Alcalá, una profesora próxima a jubilarse que enfrenta el temor a la vejez mientras intenta ayudar a Daniela, una adolescente cuyo comportamiento preocupa a su entorno. Convoca a tutorías a Ortiz, el padre de la joven, un hombre de origen humilde, y se irán mostrando relaciones marcas por las diferencias sociales y culturales. La producción ha recibido el Premio ATI de la Asociación del Teatro Independiente de Nueva York y el Talía Award of New York.

Lugar: Teatro Ricardo Blume, Jr. Huiracocha 2160, Jesús María
Horarios: Viernes, sábados y lunes, 8:00 p. m.; domingos, 7:00 p. m.
Entrada: A la venta en Ticketmaster

Promoción

Aldo Miyashiro escribe esta obra dirigida por Manuel Baca Solsol que regresa a un salón de clases del último año escolar, donde un grupo de jóvenes enfrenta conflictos que continúan marcando a la sociedad actual. El elenco reúne a Ximena Galiano, Ale Carrasco, Carlos Thornton, Luis Cárdenas Natteri, Luis José Ocampo, Paolo Teevin, Estefano Buchelli, Fabián Calle, Fabiola Vargas, Valkiria Aragón, Mauno Hurtado, Isabella Parra, Gian Ausejo, Marisol Urbina, Vitalii Jiménez, Diana Zurita y Juan Carlos Delgado. La producción está a cargo de Piso 1 Producciones.

Lugar: Teatro Ricardo Roca Rey de la AAA, Jr. Ica 323, Cercado de Lima
Hasta cuándo: 20 de setiembre
Horarios: Viernes y sábados, 8:00 p. m.; domingos, 7:00 p. m.
Entrada: A la venta desde 35 soles en Joinnus

Suegras

Lugar: Teatro Auditorio Miraflores, Av. Larco 1150, Miraflores
Hasta cuándo: 3 de octubre
Horarios: Sábados y domingos, 8:30 p. m.
Entrada: Desde 80 soles en Teleticket

Caos en familia

Escrita y dirigida por Gianfranco Mejía, la obra sigue a una familia distanciada que se reúne tras la muerte de Don Máximo para repartir la herencia, entre rivalidades, reproches del pasado y situaciones absurdas. El elenco incluye a Ramón García, Pedro Olórtegui, Paola Miñán, Jeffrie Fuster, Lorena Reynoso, Alexis Arteaga, Renato Babilonia y Daniela Barraza.

Lugar: Teatro Auditorio Miraflores, Av. Larco 1150, Miraflores
Cuándo: Domingo 6 de setiembre, 8:30 p. m.
Entrada: 45 soles en Teleticket

BALLET Y DANZA

Ensayo abierto de El Lago de los Cisnes

La Municipalidad Metropolitana de Lima invita a un ensayo abierto de El Lago de los Cisnes, con música de Piotr Ilich Chaikovski, a cargo del Ballet Municipal de Lima. La puesta narra la historia de amor entre el príncipe Sigfrido y Odette, una princesa condenada por un hechizo a convertirse en cisne. El público debe llegar con 30 minutos de anticipación; el acceso es limitado y el canje de entradas es de un máximo de dos por persona, recomendado a partir de los 5 años acompañados de un adulto responsable.

Lugar: Teatro Municipal de Lima, Jr. Ica 377, Cercado de Lima
Cuándo: Miércoles 9 de setiembre, 8:00 p. m.
Entrada: Libre, canje previo en Ticketmaster (máximo dos entradas por persona)

CONCIERTOS

Ricky Martin

Ricky Martin llega a Lima con un repertorio que incluye Livin’ la Vida Loca, Vuelve, La Mordidita, Tal Vez y Tu Recuerdo, en una producción con puesta en escena internacional y efectos visuales de gran formato.

Lugar: Costa 21, Costa Verde s/n, San Miguel
Cuándo: Jueves 10 de setiembre, 9:00 p. m.
Entrada: Desde 341 soles en Teleticket

Eva Ayllón — Con Guitarra y Cajón

Eva Ayllón, ganadora del Latin Grammy a la Excelencia Musical 2019 y reconocida como Personalidad Meritoria de la Cultura, ofrece dos noches en el Teatro Plaza Norte con un repertorio de valses, festejos, marineras y tonderos que recorre más de 55 años de trayectoria.

Lugar: Teatro Plaza Norte, Av. Alfredo Mendiola 1400, Independencia
Cuándo: 4 y 5 de setiembre, 8:00 p. m.
Entrada: Desde 96 soles en Ticketmaster

EXPOSICIONES Y FERIAS

Feria Gastronómica Fusión

América Multimedia organiza la segunda edición de esta feria gastronómica en Magdalena del Mar, con más de 60 restaurantes, activaciones y shows en vivo. La temática de este año es “La Ruta del Ají”.

Lugar: Explanada Costa Verde, Magdalena del Mar
Hasta cuándo: 6 de setiembre
Entrada: Desde 30 soles en Joinnus

Fashion Lab en Expodeco

La escuela Toulouse Lautrec presentará el espacio Fashion Lab: Innovación y Moda en la feria Expodeco, del 9 al 13 de septiembre en La Molina. Diseñado como un atelier activo con impresoras 3D y mesas de corte, el stand exhibirá proyectos que combinan tecnología, impacto social y sostenibilidad: prendas amigables adaptadas para niños con Trastorno del Espectro Autista (TEA), textiles a base de biomateriales de la Amazonía e indumentaria hecha con cuero de piel de pescado recuperado de la pesca artesanal.

El programa incluirá un desfile de modas el viernes 11 con propuestas de egresados, un taller abierto el sábado 12 para personalizar ropa con insumos sostenibles y la charla magistral sobre arquitectura comercial a cargo de Almendra Varillas el domingo 13. La iniciativa busca mostrar en tiempo real cómo el diseño de moda inclusivo y sostenible transforma residuos y atiende necesidades específicas desde el proceso de confección.

EVENTOS INFANTILES

Airosa — La Tarumba

Últimas funciones de la nueva temporada de circo de La Tarumba, inspirada en el imaginario de Pancho Fierro, sobre una joven barrendera que descubre su fuerza en la Lima del siglo XIX. La dirección es de Carlos Olivera y la música en vivo, de Chebo Ballumbrosio.

Entrada: Desde 49 soles en Ticketmaster

Paradox Park: Era Imperium

El histórico espacio del Jockey Club que albergó al Daytona Park reabre transformado en Paradox Park: Era Imperium, un parque temático desarrollado por Amusement Parks —compañía responsable de Fun Jungle, Splash Jungle e Infinity Park— con más de 50 desafíos distribuidos en cuatro ambientes inspirados en Roma, Egipto, Grecia y Babilonia. El proyecto marca el inicio del modelo “World Tour” de la compañía en la región y cuenta con certificaciones internacionales ISO 9001, ISO 45001 e IQNet.

Lugar: Ex Daytona Park, Puerta 4 del Jockey Club
Cuándo: Apertura el 4 de setiembre, 4:00 p. m. Funciones de viernes a domingo, en dos turnos: 10:00 a. m. a 3:00 p. m. y 4:00 p. m. a 9:00 p. m.
Entrada: A la venta en Joinnus y en paradox-park.com

El Fantasma de la Ópera

Basada en la novela de Gastón Leroux, esta adaptación familiar sigue a la joven cantante Cristine y al enigmático Fantasma que acecha la Ópera de París. Recomendada para mayores de 8 años. Adaptación de Els Vandell, dirección de Vandell y Rod Díaz, con elenco encabezado por Paul Martin, Emilram Cossío, Anaí Padilla, Nicolás Ostolaza y Avril Gil.

Lugar: Teatro La Plaza, Malecón de la Reserva 610, Larcomar, Miraflores
Horarios: Sábados y domingos, 4:00 p. m.
Entrada: 40 soles en Joinnus

Peter Pan — Arlequin Teatro

La productora Arlequin Teatro presenta la historia de Wendy y sus hermanos en su viaje a Nunca Jamás junto a Peter Pan, con el Capitán Garfio como antagonista.

Lugar: Teatro Auditorio Miraflores, Av. Larco 1150, Miraflores
Hasta cuándo: 11 de octubre
Horarios: Desde el 5 de setiembre, 5:30 p. m.
Entrada: 25 soles en Teleticket

Los tres chanchitos y el lobo feroz

Un clásico infantil sobre tres chanchitos que construyen sus casas mientras un lobo intenta derribarlas, con mensajes sobre el esfuerzo y la dedicación.

Lugar: Teatro Padua, Auditorio San Antonio de Padua, Huiracocha 2010, Jesús María
Cuándo: Domingos 6 y 20 de setiembre, 5:00 p. m.
Entrada: Desde 40 soles en Teleticket

STAND UP Y MONÓLOGOS

Es lo que hay — Patricia Portocarrero

Patricia Portocarrero regresa con su unipersonal dirigido por Diego Lombardi en una temporada limitada de solo 12 funciones, sobre su búsqueda incesante del amor.

Lugar: Centro Español del Perú, Av. Gral. Salaverry 1910, Jesús María
Cuándo: Desde el 4 de setiembre, 8:00 p. m.
Entrada: Desde 65 soles en Joinnus

36 años de puras risas — Fernando Armas

Fernando Armas celebra 36 años de trayectoria artística con un recorrido por sus personajes más recordados, con interacción, canciones y sorpresas.

Lugar: Centro de Convenciones Bianca, Av. Grau 135, Barranco
Cuándo: Viernes 4 de setiembre, 8:00 p. m.
Entrada: Desde 48 soles en Teleticket

Te odio con todo mi amor — Carlos Galdós

Carlos Galdós presenta un espectáculo sobre las relaciones de pareja, sus discusiones cotidianas y la idea de que el amor no consiste en la perfección sino en aprender a convivir con las imperfecciones del otro. El local exige un consumo mínimo de 42 soles por persona.

Lugar: Lima Comedy Club, Av. Benavides 345, Miraflores
Hasta cuándo: 12 de setiembre
Horarios: Dos funciones diarias, 5:00 p. m. y 8:00 p. m.
Entrada: Desde 141 soles en Teleticket

‘Mis cosas preferidas’ reestrena en el Camarín de las Musas y ya no es la misma: su autora la considera “una obra nueva”

Fri, 04 Sep 2026 16:16:00 +0000

Diez años después de su estreno, Mis cosas preferidas vuelve al Camarín de las Musas con una versión reescrita que la directora y dramaturga Macarena García Lenzi considera “una obra nueva”. La pieza, protagonizada por Valeria Giorcelli, se presentará cada viernes a las 21:30 horas desde este 4 de septiembre de 2026.

La obra sigue a Brenda, una mujer que recibe en su living visitas que solo ella puede ver. Alrededor de la mesa entabla una conversación que revela un reencuentro con amigas muy cercanas que dejaron de frecuentarse en la adolescencia. En el transcurso del encuentro se irán revelando un pasado que ella no recordaba —o no quería recordar—, en una imagen que la autora de la pieza describe como “un pañuelo blanco que se va tiñendo gota a gota hasta quedar empapado en sangre”.

La revisión parte de una pregunta central: qué fue de la vida de Brenda en estos diez años. La respuesta, según García Lenzi, implicó reescribir el texto para dar lugar a otra versión del personaje: la misma Brenda, pero convertida en adulta mayor, con nuevos conflictos que se suman a los traumas de antaño. Entre ellos, la cercanía de la vejez en el entorno familiar y el peso del tiempo sobre las fijaciones que la mantienen encerrada y sin salir a la calle.

La patología del personaje redefinió la puesta en escena

Ese encierro condicionó también las decisiones estéticas de la producción. Dado que Brenda se relaciona con la realidad de forma puramente mediática, el equipo debió replantear en profundidad la escenografía, el vestuario y la iluminación. El diseño de escenografía está a cargo de Duilio Dellapitima; el de luces, de Julian Alerta Mujica, con asistencia de Mercedes Abraham y operación de Federico Bellver. El vestuario fue diseñado por Paula Bianchini.

La música recupera una versión del clásico “My Favorite Things” —cuyo título en inglés da nombre a la obra— adaptada por Fernando Santiago. La producción ejecutiva está a cargo de Carolina Liponetzky, mientras que la producción general es responsabilidad de García Lenzi y Giorcelli.

La obra dura 50 minutos y es, en palabras de Macarena García Lenzi, “una pieza para cuatro personajes con uno solo en escena”: Valeria Giorcelli sostiene sola toda la acción sobre las tablas. La obra se presenta en el marco de la programación del Camarín de las Musas, sala ubicada en Mario Bravo 960. Las entradas se consiguen a través de Alternativa Teatral y las reservas pueden realizarse al 4862-0655.

Romina Richi y Margarita Páez llevan al teatro su versión libre y colectiva de Romeo y Julieta: “Es muy movilizante”

Martina Cortés — Thu, 03 Sep 2026 16:59:31 +0000

La emoción de estrenar una obra nunca es igual cuando sobre el escenario está una hija. Romina Richi vive días de orgullo y sensibilidad al frente de Julieta y Romeo, un proyecto que nació como un desafío artístico y terminó siendo una aventura familiar. Margarita Páez, su hija con Fito Páez, es quien encarna a Julieta en una puesta coral que también protagoniza Balthazar Murillo, pareja de la joven artista. El cruce entre lo profesional y lo íntimo atraviesa cada ensayo, cada función y cada charla, y madre e hija lo compartieron con naturalidad y complicidad en su paso por Infobae a las 9 (Infobae en Vivo) de cara al estreno de este jueves por la noche en el Polo Cultural Saldías.

La convivencia laboral entre ambas fue, desde el primer día, natural y armónica. “Somos 30 en escena, así que mi mamá tiene que manejar un barco enorme y yo soy una más, soy parte de eso”, comentó Margarita sobre cómo la dinámica ayuda a que la energía no recaiga únicamente en ella. A su vez, asegura que, en el teatro, sigue siendo “mamá”, nunca “Romina”. El vínculo familiar se mantiene intacto, pero en el escenario, la autoridad y el respeto por la directora están siempre presentes. Romina lo confirma con humor: “Yo le digo ‘hija’ y ella nunca me dijo ‘Romi’. Me muero si me decís ‘Romi’”.

Para Romina, el desafío de dirigir a su hija es, sobre todo, una fuente de emoción. “Es increíble, una experiencia inolvidable. Lloro. Lloro aparte por lo que es Romeo y Julieta, porque ya de por sí es muy conmovedora. Y cuando la veo a ella en ese rol, es mucho más fuerte, muy hermoso, muy emocionante”, aseguró frente a las cámaras. La obra, que surgió como un impulso después de su formación en el Teatro Colón, tomó forma rápidamente. “Esto empezó en abril, todo fue medio en tiempo récord. Un día me senté con Lucas Pombo, el dueño del Polo Cultural Saldías, y le dije que quería hacer algo, aunque no sabía bien qué. Era un momento para unir gente, armar algo nuevo con actores, músicos, artistas con ganas de mostrarse. Tenía el estudio, el espacio, y dije: ‘¿qué estoy haciendo?’”, recordó con emoción.

Así nació la convocatoria para el casting, buscando talentos, aunque fueran desconocidos, y dándoles oportunidad de lucirse. “En el segundo año del Colón estudié todo Shakespeare, entero. Así que elegí seis personajes, no solo Romeo y Julieta: están Cleopatra, Ricardo, Calibán…”, comentó Richi. Y resumió el espíritu de la obra: “Todo está atravesado por el deseo. Es el deseo el que manda, el que viene a contarnos que no es la vida la que te lleva, sino el deseo el que decide”.

El armado de la obra fue artesanal y colectivo, a pulmón y con la ayuda de amigos. “La fotografía la hizo Guido Adler, que es amigo de hace años. El vestuario fue una aventura: no teníamos plata ni producción, así que fui la productora. Gus de La Polilla Vestuarios, que ha ganado premios, y el Teatro Argentino de La Plata nos prestaron prendas. Todo fue posible gracias a una red de colaboración y entusiasmo”, detalló Romina.

Ser madre siempre fue central para ella, más allá de su oficio sobre las tablas: “Me encanta ser mamá, lo disfruto un montón. Soy muy madre. Creo que tengo más recuerdos de madre que de hija, porque a los 20 ya tuve a Valentina. Nunca lo dudé, me hace muy feliz”. También mencionó a Bethania, la más chica de la familia, a quien llamó con cariño “la terremota”.

Por su parte, Margarita dejó en claro que agradece cada palabra y reconoció que el desafío es grande: “Nunca había hecho una obra así. Lo trabajé en clases, pero esto es otra cosa. Estoy muy feliz, siento que es una obra que me desafía mucho como actriz y lo estoy aprovechando al máximo”, destacó la joven artista.

El proceso es una mezcla de orgullo, admiración mutua y mucho aprendizaje. Margarita valoró que, aunque su madre sea la directora, las decisiones se toman pensando en el conjunto y que el trato es tan profesional como cálido. Romina, por su parte, se emocionó con cada avance y cada función: “Romeo y Julieta ya es fuerte, pero cuando la que está ahí es tu hija, es mucho más. Es hermoso, movilizante, una felicidad difícil de describir”.

De esa manera, Julieta y Romeo es mucho más que una obra. Es el resultado de un deseo compartido, de la necesidad de crear y de dar lugar a nuevas voces en el escenario. Romina resalta la importancia de abrir espacios a talentos jóvenes, de permitir que quienes no tienen visibilidad encuentren su lugar. Margarita, mientras tanto, disfruta cada paso y siente que crecer junto a su madre en esta aventura es un privilegio y un honor.

El estreno marca el cierre de una etapa y el inicio de otra, en la que madre e hija celebran el poder del arte y del vínculo familiar, y se preparan para emocionar al público con una puesta atravesada por la pasión, el deseo y el amor. Para Romina, el teatro es un espacio de encuentro y transformación donde el deseo marca el rumbo. Para Margarita, es el escenario donde explora y comparte su vocación junto a su mamá. Así, ambas celebran juntas un estreno que, más allá de las luces y los aplausos, ya es imborrable para las dos.

Entrevista completa a Romina Richi y Margarita Páez

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Qué ver en el teatro en Madrid esta temporada 2026-2027: 10 obras de teatro con Javier Bardem, Alba Flores y más

David Pardillos — Thu, 03 Sep 2026 12:09:12 +0000

La cartelera de Madrid reunirá diez montajes teatrales entre septiembre de 2026 y enero de 2027, con textos clásicos, dramaturgia contemporánea y repartos encabezados por Javier Bardem, Coque Malla, Alba Flores, Javier Cámara y Marta Nieto. Bardem volverá a los escenarios con ¡Chéjov, Chéjov!, tras situarse en el centro de la conversación por su actuación en la película El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen. El actor participará en una producción basada en textos de Antón Chéjov que se presentará en una sala independiente de Madrid. La temporada incluirá adaptaciones de Federico García Lorca, Bertolt Brecht, Pedro Calderón de la Barca y Jean-Paul Sartre. También habrá obras centradas en la memoria histórica, la precariedad, los conflictos por la vivienda, la culpa y los efectos de las crisis económicas y políticas.

Javier Bardem compartirá elenco con Alicia Borrachero, Rafa Castejón, Ben Temple y Manuela Velasco en ¡Chéjov, Chéjov!. La obra, dirigida por Juan Carlos Corazza, llegará al Espacio Zafra Teatro desde el 5 de noviembre hasta el 31 de enero de 2027. El montaje reunirá textos del dramaturgo ruso Antón Chéjov y tendrá lugar en una sala independiente, lejos de los grandes recintos públicos y privados de la capital. La presencia de Bardem marcará uno de los principales atractivos de la programación de otoño.

Coque Malla protagonizará La ópera de los tres centavos, de Bertolt Brecht, en el Teatro Infanta Isabel. La versión en español tendrá dirección de Mario Vega, música de Kurt Weill y un despliegue musical a cargo de Miguel Malla. La obra se estrenará el 22 de septiembre y permanecerá en cartel hasta el 6 de noviembre. Carmen Barrantes acompañará a Malla en una historia ambientada en la Alemania de 1928, atravesada por el paro, la marginalidad, la prostitución y la crisis del sistema capitalista.

Alba Flores formará parte de Libres!, texto de Esther F. Carrodeguas dirigido por Andrés Lima. La producción se verá en el Teatro de la Abadía entre el 11 de septiembre y el 12 de octubre. Libres! recuperará la historia de Mujeres Libres, la organización anarcosindicalista que defendió la emancipación femenina, el antifascismo y la revolución social. La puesta se narrará con ritmo de cabaret e incorporará figuras como Emma Goldman, Federica Montseny y Dolores Ibárruri, conocida como La Pasionaria. Andrés Lima regresará a la dirección después de 1936, con un texto de Carrodeguas que también alude a la presencia de hombres dentro de esos espacios políticos. La autora tendrá además La Punzión en el Centro Dramático Nacional (CDN), bajo la dirección de Beatriz Jaén.

La programación también incluirá Verborrea, la nueva obra de Pablo Remón. El espectáculo llegará a las Naves del Matadero el 1 de octubre y continuará hasta el 1 de noviembre, con Javier Cámara, Marta Nieto, Israel Elejalde y Emilio Tomé. La obra plantea la supervivencia como una forma de resistencia a partir de un grupo de punk. Su líder vende chapas en conciertos de Taylor Swift y también droga, mientras afronta la posibilidad de perder la casa que le cedió su familia, que pretende destinarla al alquiler turístico. La escenografía de Verborrea estará a cargo de Mónica Boromello, quien trabajó en Fuenteovejuna, de Rakel Camacho, y en El entusiasmo, del propio Remón.

Chéjov y Lorca, entre la frustración y la maternidad

La presencia de Chéjov no se limitará al montaje con Bardem. La compañía L’Om Imprebís presentará Moscú no existe en el Teatro Fernán-Gómez, del 8 de octubre al 8 de noviembre. La obra condensará Tío Vania, La gaviota, Las tres hermanas y El jardín de los cerezos. La propuesta trasladará al presente preguntas sobre la frustración de quienes siguieron las expectativas sociales, la búsqueda del éxito y la precariedad de una joven artista. Federico García Lorca también tendrá espacio con Yerma, dirigida por Eduardo Vasco. El montaje se representará en el Teatro Español desde el 30 de octubre hasta el 27 de diciembre, con Lara Grube en escena. La pieza aborda la obsesión de una mujer por tener un hijo y la presión social que rodea a la maternidad. La obra de Lorca sitúa ese conflicto en el centro de un drama que conserva vigencia en los debates actuales.

El Teatro María Guerrero, sede del CDN, acogerá Magda, de Chela De Ferrari y Luis Alberto León. La producción, dirigida por De Ferrari, estará en cartel del 13 de noviembre al 17 de diciembre. La obra parte de la figura de Magda Goebbels, esposa de Joseph Goebbels, y de los últimos momentos de la Europa de 1945. El montaje reconstruye la historia de una mujer que asesinó a sus hijos antes de suicidarse junto a su marido.

La temporada comenzará el 8 de septiembre con Las amistades peligrosas, adaptación de Christopher Hampton a partir de la novela de Pierre Choderlos de Laclos. David Serrano dirigirá la producción en el Teatro Marquina, donde estará hasta el 18 de octubre. Pilar Castro, Ángela Cremonte y Roberto Enríquez encarnarán un triángulo marcado por la manipulación, los celos, el deseo, el poder y la necesidad de imponerse sobre los demás.

La séptima promoción de la Joven Compañía de Teatro Clásico llevará Andrómeda y Perseo al Teatro de la Comedia entre el 4 y el 13 de diciembre. Nuria Castejón dirigirá la adaptación de Álvaro Tato sobre la obra de Pedro Calderón de la Barca, estrenada por primera vez en 1653. El relato seguirá la batalla de Perseo contra Medusa y su vínculo con Andrómeda. La programación cerrará en diciembre con Jean Paul Sartre, dirigida por Ainhoa Amestoy, con Isabel Ordaz, Pere Ponce, Olivia Molina y Jesús Asensi en un espacio cerrado.

Pica Pica vuelve a Lima con dos funciones y un show de dos horas para cerrar noviembre

Cecilia Arias — Tue, 01 Sep 2026 23:49:21 +0000

Pica Pica regresa a Lima el 29 de noviembre con dos funciones en el Centro de Convenciones Scencia de La Molina, en el marco de una gira que ya ha reunido a más de 1,8 millones de espectadores en siete países de habla hispana.

El trío conformado por Nacho Bombín, Emi Bombón y Belén Pelo de Oro presentará un espectáculo de música, baile y teatro infantil de dos horas de duración, con entradas disponibles desde 50 soles a través de Teleticket.

De un café en Madrid a un fenómeno de YouTube con 10 millones de seguidores

Pica Pica nació en 2011, cuando la actriz española Belén Guijarro contactó a los argentinos Ignacio Repetto y Emiliano Müller para proponerles un nuevo proyecto tras la salida de los tres del grupo infantil CantaJuego. Los tres se conocían desde hacía casi una década de trabajo con público infantil en España, según relató Repetto.

El primer espectáculo, titulado ‘El patio de mi casa’, debutó en el Teatro Galileo de Madrid con apenas 15 canciones populares recuperadas del cancionero infantil clásico, y de una temporada prevista de un mes terminó en cartel durante un año.

El nombre del grupo combina dos referencias de infancia: el pica-pica, un polvo picante que se añade a golosinas en España, y la travesura escolar de arrojar virutas de lápiz afilado en la espalda de los compañeros.

La expansión internacional llegó por una vía inesperada: la subida de algunos videos a YouTube con la intención de llegar a niños de zonas donde no era posible presentarse en vivo. El contenido se viralizó y el grupo pasó de tener presencia local a girar de manera constante por México, Chile, Argentina, Ecuador, Colombia, Puerto Rico y Perú desde 2016.

El canal oficial del grupo en YouTube acumula hoy 10,8 millones de suscriptores en más de 30 países y 8.200 millones de visualizaciones, cifras que le permitieron obtener el Botón de Diamante de la plataforma. Su catálogo reúne cerca de 200 canciones y más de 460 videoclips dirigidos al público infantil y familiar.

Un repertorio construido sobre canciones populares y personajes propios

Repetto, nacido en Buenos Aires en 1978, se formó en la Escuela de Arte Dramático de esa ciudad y hoy se especializa en teatro infantil y contenido educativo bajo el personaje de Nacho Bombín. Müller, también bufo, nacido en Buenos Aires en 1979, aporta su formación en danza contemporánea, percusión y malabares en el rol de Emi Bombón.

Guijarro, nacida en Madrid en 1979, es bailarina profesional y licenciada en Ciencias de la Actividad Física y el Deporte, y encarna a Belén Pelo de Oro. El repertorio que el trío llevará a Lima incluye temas como ‘El Patio de mi Casa’, ‘Bailando’, ‘English Pitinglish’, ‘Navidad Navidad’, ‘Tutti Frutti’ y ‘Hola Caracola’, canciones que combinan juegos tradicionales de la infancia hispanohablante con composiciones propias del grupo.

El repertorio del videoclip más visto de la banda, ‘Yo tengo una casita’, supera los 200 millones de reproducciones.

Dos funciones en La Molina para el cierre de año

El espectáculo en Lima se realizará en el Centro de Convenciones Scencia, ubicado en la avenida La Molina 1131-1135, La Molina. La presentación contará con dos funciones el 29 de noviembre, a las 12:00 p. m. y a las 3:00 p. m. Las entradas están disponibles en Teleticket desde 50 soles.

Agenda cultural en Lima del 27 de agosto al 2 de setiembre: Black Eyed Peas, Paulo Londra, Animatissimo y el Festival Escape del MALI

Cecilia Arias — Tue, 01 Sep 2026 00:09:15 +0000

Lima cierra agosto y abre setiembre con una amplia cartelera. El Estadio Nacional recibe a Paulo Londra por primera vez, Black Eyed Peas regresa al Perú tras 15 años de ausencia, y el Gran Teatro Nacional acoge en tres funciones “Seinto no Requiem”, el nuevo espectáculo sinfónico de Animatissimo que conmemora los 40 años de Los Caballeros del Zodiaco con orquesta, coro y las voces latinoamericanas originales de Ikki de Fénix y Shun de Andrómeda.

A eso se suman el Festival Escape del Museo de Arte de Lima (MALI), el Encuentro Internacional de Danza PUCP, nuevas exposiciones en el Centro Histórico y Pueblo Libre, teatro en varios distritos y una programación infantil que ocupa los fines de semana.

BALLET Y DANZA

Encuentro Internacional de Danza PUCP 2026

La Facultad de Artes Escénicas y la Especialidad de Danza de la PUCP presentan la edición 2026 de su Encuentro Internacional de Danza, centrada en la creación colectiva como práctica artística y de comunidad. La Capa Escénica presenta cinco obras en el Teatro de la Universidad del Pacífico y el Cultural Station del Británico Cultural. El programa también incluye la presentación de la Compañía Veracruzana el sábado 5 de setiembre yel conversatorio “Prácticas artísticas en la danza latinoamericana: investigación, improvisación y comunidad” en el Auditorio de la Facultad de Arte y Diseño.

Lugar: Teatro de la Universidad del Pacífico / Cultural Station del Británico Cultural
Fechas: del 31 de agosto al 5 de setiembre (el 2 de setiembre no hay función)
Horarios: Lunes a sábado, 8:30 p. m.
Entrada: Libre

CONCIERTOS

Paulo Londra — Next Round Tour 2026

Paulo Londra llega al Estadio Nacional el sábado 29 de agosto en su primera presentación en ese recinto. El concierto forma parte del Next Round Tour 2026, con el que el artista cordobés repasa los éxitos que lo consolidaron como referente del género urbano a nivel global.

Lugar: Estadio Nacional, Av. José Díaz s/n, Lima
Cuándo: Viernes 29 de agosto
Entrada: Desde 147 soles en Teleticket

Black Eyed Peas

Black Eyed Peas regresa a Perú tras 15 años de ausencia. Will.i.am, Apl.de.Ap y Taboo se presentan en el Arena 1 Park con un repertorio que incluye I Gotta Feeling, Where Is The Love?, Boom Boom Pow, Pump It y Let’s Get It Started, entre otros temas. Lima es la primera parada de la banda en Sudamérica antes del Rock in Rio de Brasil.

Lugar: Arena 1 Park, Circuito de Playas s/n, San Miguel
Cuándo: Martes 2 de setiembre
Entrada: Desde 225 soles en Ticketmaster

Animatissimo — Seinto no Requiem

Animatissimo presenta “Seinto no Requiem”, un nuevo espectáculo sinfónico que conmemora los 40 años de Los Caballeros del Zodiaco con un repertorio completamente distinto al de su anterior homenaje. El programa incluye Pegasus Fantasy, Soldier Dream, The Imperial March y Greatest Eclipse, entre otras piezas. Como invitados especiales participan Marcos Patiño y Pepe Vilchis, voces latinoamericanas de Ikki de Fénix y Shun de Andrómeda respectivamente.

Lugar: Gran Teatro Nacional, Av. Javier Prado Este 2225, San Borja
Cuándo: Sábado 29 de agosto, 8:00 p. m. / Domingo 30 de agosto, 4:00 p. m. y 8:00 p. m.
Entrada: A la venta en Teleticket desde 40 soles.

The Galactic Orchestra Contraataca: Entre la Fuerza y el Lado Oscuro

Filmusik presenta la segunda edición de su espectáculo sinfónico de Star Wars en el Anfiteatro del Parque de la Exposición, con 120 artistas en escena. La Orquesta Roraima Phil y el Coro Filarmónico Roraima interpretan los arreglos originales de John Williams, con piezas como Duel of the Fates, The Imperial March, Across the Stars y Battle of the Heroes. El espectáculo incluye zonas de activaciones, exhibición de coleccionistas, cosplay y propuestas gastronómicas previas al concierto.

Lugar: Anfiteatro del Parque de la Exposición, Lima
Cuándo: Viernes 29 de agosto, 8:00 p. m. (activaciones desde las 5:00 p. m.)
Entrada: Desde 137.50 soles en Ticketmaster

‘Juan Gabriel vive, a diez años de su partida’

Ronald Hidalgo encabeza este homenaje al Divo de Juárez a diez años de su muerte, acompañado de mariachi, orquesta y coros, con más de 15 músicos en escena. La función incluye la participación de imitadores de José Feliciano (Sebastián Landa) y Raphael (Josué Rivaldo).

Lugar: Teatro Plaza Norte, Tomás Valle s/n, cruce con Panamericana Norte, Independencia
Cuándo: Viernes 29 de agosto, 7:30 p. m.
Entrada: Desde 59 soles en Teleticket

Tributos gratuitos en el BRITÁNICO

El Británico Cultural ofrece dos conciertos de ingreso libre: Tributo a Led Zeppelin, a cargo de Simón Díaz “Tibu”, Renato Var, Óscar Oberti y Ernesto Villar en el Auditorio San Juan de Lurigancho. En paralelo, Priss Arévalo ofrece un tributo a Mon Laferte junto a Kevin Levano y Ger Vergara en el Auditorio Los Jardines.

Lugar: Británico Cultural — Auditorio San Juan de Lurigancho (Av. Próceres de la Independencia 1531) / Auditorio Los Jardines (Av. Alfredo Mendiola 1200, San Martín de Porres).
Cuándo: ambos el jueves 27 de agosto, 7:30 p. m.
Entrada: Libre

EXPOSICIONES Y FERIAS

‘La estructura del instante’ de Paolo Vigo

El artista trujillano Paolo Vigo continúa con su exposición en la Galería Índigo de San Isidro, donde 19 obras —siete pinturas, diez impresiones giclée y dos esculturas— exploran la identidad y la memoria a través de personajes con antifaces de los que brotan elementos de la naturaleza.

Lugar: Galería Índigo, Av. El Bosque (antes Daniel Hernández) 260, San Isidro
Hasta cuándo: 10 de setiembre
Horarios: Lunes a sábado, 10:30 a. m. a 8:30 p. m.; domingos y feriados, 11:00 a. m. a 7:00 p. m.
Entrada: Libre

‘Diagnóstico de un Soñante’ de Hugo Salazar Chuquimango

El artista Hugo Salazar Chuquimango mantiene abierta en el Espacio Cultural Casa Rubens de Pueblo Libre su segunda exposición individual del año, con 23 obras que ponen en diálogo sus pinturas surrealistas de juventud con su producción reciente de carácter simbólico y místico.

Lugar: Espacio Cultural Casa Rubens, calle Benigno Cornejo 449, Pueblo Libre
Hasta cuándo: 20 de setiembre
Horarios: Martes a domingo, 11:00 a. m. a 7:00 p. m.
Entrada: Libre

‘Magnum Opus’ de Luis Miguel Portilla Tuesta

El pintor Luis Miguel Portilla Tuesta, nacido en Chachapoyas y ganador de la convocatoria “Vive Cultural 2026”, presenta en la Sala Tsuchiya del Centro Cultural de Bellas Artes una exposición sobre la exploración de la luz como elemento pictórico y simbólico. La curaduría es de Eleine Rodríguez Castañeda de Yance.

Lugar: Sala Tsuchiya, Centro Cultural de Bellas Artes, Jr. Huallaga 426, Centro Histórico de Lima
Hasta cuándo: 3 de setiembre
Horarios: Martes a domingo, 10:00 a. m. a 6:00 p. m.
Entrada: Libre

Codesido

Lugar: Sala 1, primer piso del MALI (Paseo Colón 125, Cercado de Lima).
Hasta cuándo: 1 de noviembre de 2026.
Horarios: Apertura a las 10 a.m. de martes a domingo. Cierran a las 6 p.m. de martes a viernes y domingos; y a las 5 p.m. los sábados.
Entrada: desde S/ 15 (precios especiales para niños y adultos mayores).

EVENTOS GRATUITOS

Festival Escape 2026 — MALI

El Vicerrectorado de Investigación de la PUCP organiza la segunda edición del Festival Escape en el Museo de Arte de Lima (MALI), del 27 al 30 de agosto, con programación gratuita de teatro, danza, cine y talleres. La agenda incluye BABELima, espectáculo de danza contemporánea, la lectura dramatizada Voces que retumban, la proyección de Satuko, documental sobre el líder campesino Saturnino Huillca, los cortometrajes de Miradas de mi Barrio —realizados por adolescentes de Barrios Altos—, y Artilugios de la mirada, pieza de danza que propone observar una misma coreografía desde tres puntos distintos.

Lugar: Museo de Arte de Lima (MALI), Av. 9 de Diciembre 125, Cercado de Lima
Hasta cuándo: 30 de agosto
Entrada: Libre. Más información en escape.pucp.edu.pe

VIII Encuentro de Escritoras Peruanas

El Instituto Cultural Peruano Norteamericano (ICPNA) organiza la octava edición de su Encuentro de Escritoras Peruanas, del 1 al 4 de setiembre en la Biblioteca del ICPNA de Miraflores. La programación incluye mesas sobre escritoras peruanas en Estados Unidos, narrativa y naturaleza, periodismo e inteligencia artificial, novela gráfica, nueva narrativa del siglo XXI y poesía. La edición 2026 rinde homenaje a la filósofa y docente Pepi Patrón, doctora en Filosofía y profesora principal de la PUCP, reconocida con la Orden al Mérito de la Mujer 2010 y la distinción de Personalidad Meritoria de la Cultura en 2015.

Lugar: Biblioteca del ICPNA de Miraflores, Av. Angamos Oeste 120, Miraflores
Hasta cuándo: 4 de setiembre
Horarios: Lunes a jueves, 7:00 p. m. a 9:00 p. m.
Entrada: Libre, previa inscripción

Taller Rima que Rima: Versa como jugando — Británico Cultural

El Británico Cultural ofrece un taller de poesía y rima a cargo de Paul Castán (Chile) y María Haydeé Guerra (Perú), dirigido a público familiar desde los 12 años.

Lugar: Británico Cultural, Auditorio Miraflores, Jr. Bellavista 531
Cuándo: Sábado 29 de agosto, 11:00 a. m.
Entrada: Libre

TEATRO

Herederos

Un drama familiar con Carlos Thornton, Leslie Stewart, Caroll Chiara, Pedro Olórtegui, Betto Gómez, Tame Dávila, Pau Simons y Oscar Kid. La obra, con dramaturgia y dirección de Paco Varela y producción de X Productora, presenta a una familia sacudida por la enfermedad del padre, cuya proximidad a la muerte revela las verdaderas intenciones de quienes lo rodean. El poder, el amor y la ambición se enfrentan cuando la herencia entra en juego.

Lugar: Teatro Auditorio Miraflores
Horarios: viernes 28 de agosto a las 8:30 p.m.
Entrada: S/ 80. Disponible en Teleticket.

Corazón de Loba

Yvonne Frayssinet, Johanna San Miguel y Andrea Luna protagonizan la segunda temporada de esta comedia producida por DEA Teatro, que regresa al Teatro Claretiano. Frayssinet es Blanca Luz, una actriz veterana convencida de que el medio le debe un reconocimiento que nunca llega. San Miguel es Emperatriz, una diva que reclama al universo por ignorar su talento. Luna es Flavia, una influencer que obtuvo el papel de su vida gracias a sus seguidores. Las tres coinciden en el casting de una gran producción. El escenario recrea un set de televisión con música en vivo.

Lugar: Teatro Claretiano, San Miguel
Hasta cuándo: 30 de agosto
Horarios: Viernes y sábados, 8:30 p. m. | Domingos, 7:00 p. m.
Entrada: Desde S/ 51 en Teleticket

Marco Zunino, mi vida en musicales

Marco Zunino recorre, con música y baile en vivo, los musicales de Broadway que han marcado su trayectoria: Rent, Moulin Rouge!, Cabaret, Jesucristo Superstar, Chicago y otros. El espectáculo cuenta con la participación de la actriz Gisela Ponce de León. Cada función adquiere un carácter distinto por la interacción con el público.

Lugar: Teatro NOS PUCP (Av. Camino Real 1037, San Isidro).
Hasta cuándo: 30 de agosto de 2026.
Horarios: Jueves a sábado a las 8 p.m., y domingos a las 7 p.m.
Entrada: Desde S/ 33 — Entradas en Teleticket.

No estoy loca

Anahí De Cárdenas escribe y protagoniza este musical original sobre Ana, una mujer internada en el psiquiátrico Amor y Paz que debe enfrentar terapias absurdas y recuerdos fragmentados mientras se pregunta si está enferma o simplemente ve el mundo con demasiada claridad. El elenco incluye a Trilce Cavero, Juan Carlos Rey De Castro, Miguel Álvarez, Majo Bueno, Junior Baglietto, Vanessa Escudero, Vera Pérez Luna y Raúl Romero.

Lugar: Teatro Municipal de Surco, Cl. Sacramento 236, Santiago de Surco
Hasta cuándo: 6 de setiembre
Horarios: Jueves, viernes y sábados, 8:00 p. m.; domingos, 7:00 p. m.
Entrada: Desde 45 soles en Joinnus

Mamma Mía!

Uno de los musicales más exitosos de la historia regresa al Teatro Peruano Japonés con un elenco renovado y la producción de Los Productores. Basado en las canciones del grupo ABBA, ‘Mamma Mía!’ cuenta la historia de una madre, su hija y tres posibles padres en vísperas de una boda. La obra ha sido vista por más de 56 millones de personas en más de 50 ciudades de los cinco continentes desde su estreno en 1999. El elenco de esta etapa incluye a Érika Villalobos, Gianella Neyra, Cielo Torres, Gustavo Mayer y Raúl Zuazo, entre otros.

Lugar: Teatro Peruano Japonés (Av. Gregorio Escobedo 803, Jesús María).
Hasta cuándo: sábado 19 de septiembre de 2026.
Horarios: Jueves y viernes 8:00 p.m. / Sábados 5:00 p.m. y 8:30 p.m. / Domingos 6:00 p.m.
Funciones: 28, 29 y 30 de agosto; y del 3 al 19 de setiembre (de jueves a domingo).
Entradas: Disponibles en Joinnus desde S/45

¿Quién M!@ organizó la despedida?

Lugar: Centro Cultural CAFAE-SE, Av. Arequipa 2985, San Isidro
Hasta cuándo: 19 de setiembre (viernes y sábados, excepto sábado 29 de agosto)
Horarios: Viernes y sábados, 8:00 p. m.
Entrada: Desde 60 soles (individual) o 50 soles por persona en grupo, en Joinnus

Inmaduros — 2da temporada

Aldo Miyashiro y Lucho Cáceres continúan en el Nuevo Teatro Julieta con esta comedia sobre dos amigos cuya amistad se pone a prueba cuando un secreto explosivo sale a la luz. Texto de Juan Vera y Daniel Cúparo, dirección de Ximena Arroyo y Marco Paulo Meléndez.

Lugar: Nuevo Teatro Julieta, Psj. Porta 132, Miraflores Hasta cuándo: 30 de agosto
Horarios: Jueves a domingo, 8:00 p. m.
Entrada: Desde 35 soles en Joinnus

STAND UP Y MONÓLOGOS

Se busca marido cama afuera — Johanna San Miguel

Johanna San Miguel continúa cada jueves en el Centro de Convenciones Bianca con su comedia sobre la reinvención personal, con música en vivo. La función de la semana corresponde al jueves 27 de agosto.

Lugar: Centro de Convenciones Bianca, Av. Almirante Miguel Grau 135, Barranco
Hasta cuándo: 24 de setiembre (solo jueves)
Horarios: Jueves, 8:00 p. m.
Entrada: Desde 51 soles en Teleticket

Migajera nunca más — Yiddá Eslava

Yiddá Eslava presenta en La Estación de Barranco su espectáculo de humor sobre la autoestima y las relaciones, todos los martes de setiembre a las 8:00 p. m. El local exige un consumo mínimo de 30 soles por persona.

Lugar: La Estación de Barranco
Hasta cuándo: 29 de setiembre (solo martes)
Horarios: Martes, 8:00 p. m.
Entrada: Desde 50 soles en Teleticket

Carlos Álvarez en ‘Yo fui candidato’

Lugar: Centro de Convenciones Bianca (Av. Almirante Miguel Grau 135, Barranco)
Hasta cuándo: 31 de octubre de 2026
Fechas y horario: 29 de agosto; 11, 19 y 25 de setiembre; y 10, 17, 24 y 31 de octubre de 2026 a las 7:30 p.m.
Entradas: Desde S/112 en Teleticket

EVENTOS INFANTILES

Los 3 cerditos, Princesas y Rey León — Arlequin Teatro

La productora Arlequin Teatro presenta tres obras simultáneas en el Teatro Auditorio Miraflores todos los sábados y domingos. Los 3 cerditos se presenta a las 2:30 p. m. (hasta el 27 de setiembre); Princesas, a las 4:00 p. m. (hasta el 1 de noviembre); y Rey León, a las 5:30 p. m. (solo 29 y 30 de agosto). Las tres obras duran aproximadamente una hora y son aptas para todo público.

Lugar: Teatro Auditorio Miraflores, Av. Larco 1150, Miraflores
Cuándo: Sábados y domingos desde el 29 de agosto
Entrada: 25 soles por obra en Teleticket

El príncipe, el dragón y otras mentiras

Sophie, una joven princesa, desafía el matrimonio impuesto por el reino y emprende una aventura junto al leñador Rocco en esta obra musical familiar sobre la autenticidad y la libertad de elegir. El ingreso es libre, pero las entradas deben separarse previamente en Ticketmaster, con un máximo de dos por persona.

Lugar: Sala Alzedo, Teatro Principal Manuel A. Segura, Jr. Huancavelica 265, Cercado de Lima
Cuándo: Sábado 30 de agosto, 5:00 p. m.
Entrada: Libre, previa separación en Ticketmaster

Jugando con el Lobo Feroz

Lobualdo Ferozino se queda solo en el bosque encantado y necesita la ayuda del público para contar los cuentos. Un espectáculo interactivo para toda la familia en el Teatro Juanita Tarnawiecki de Barranco.

Lugar: Teatro Juanita Tarnawiecki (ex Mocha Graña), Sáenz Peña 105, Barranco
Cuándo: Viernes 29 de agosto, 4:00 p. m.
Entrada: Desde 34 soles en Teleticket

Saltimbanquis

Gloria María Solari dirige esta adaptación de Los músicos de Bremen de los hermanos Grimm, con Zelma Gálvez y Oriana Cicconi al frente de un elenco que incluye a alumnos del taller de teatro de la propia directora.

Lugar: Teatro Mario Vargas Llosa, Biblioteca Nacional del Perú, San Borja
Hasta cuándo: 27 de setiembre
Funciones: sábado y domingos a las 4 p.m.
Entrada: En Teleticket desde 21 soles

El cumpleaños de la Caperucita

Espectáculo infantil interactivo en el que la Caperucita celebra su cumpleaños con canciones, bailes y situaciones cómicas que invitan a los niños a participar para ayudarla a salir de los problemas que sus travesuras le ocasionan.

Lugar: Teatro Auditorio del Centro Cultural de Jesús María (Av. Horacio Urteaga 535, Jesús María)
Hasta cuándo: 29 de agosto
Horarios: Sábados, 5:00 p. m.
Entrada: S/ 10 niños y S/ 20 adultos en Joinnus

CINE

Cecil B. DeMille: American Master — ICPNA

El Instituto Cultural Peruano Norteamericano (ICPNA) presenta una retrospectiva dedicada a Cecil B. DeMille (1881-1959), pionero de la cinematografía y figura cuyo nombre fue sinónimo de Hollywood durante décadas. La muestra incluye las dos versiones que el director realizó de The Ten Commandments (Los diez mandamientos): la versión muda de 1923 y la superproducción de 1956, de la que este año se cumplen 70 años de estreno. El programa también contempla The Sign of the Cross, Cleopatra, Samson and Delilah, Reap the Wild Wind, Unconquered y The Greatest Show on Earth, ganadora del Óscar a la Mejor Película de 1952. Como título especial se proyectará Sunset Boulevard, de Billy Wilder, donde DeMille se interpreta a sí mismo junto a Gloria Swanson.

Lugar: Auditorio ICPNA Miraflores, Av. Angamos Oeste 160, Miraflores
Fecha: sábado 29 de agosto
Horarios: sábados, 6:00 p. m.
Entrada: Libre

Imelda Castro nos habla de “Ni una más, nos queremos vivas”, la obra de teatro que ya llevó a una mujer a denunciar

Ignacio Izquierdo — Sun, 30 Aug 2026 00:16:07 +0000

La actriz Imelda Castro interpreta a Rosa la Muerta en Ni una más, nos queremos vivas, una tragicomedia de denuncia sobre la violencia de género que se presentará los días 2 y 9 de septiembre a las 20:30 horas en el Foro Shakespeare, en la colonia Condesa de la Ciudad de México.

La obra, escrita, dirigida y producida por Diana Resendiz, arranca durante una marcha por el Día Internacional de la Mujer. Un grupo de amigas comparte experiencias de machismo y violencia cuando descubren que Rosa no llegará a la manifestación: su pareja la asesinó. El espíritu de Rosa regresa para reconstruir los hechos.

Entrevista con Imelda Castro

“Se van a enfrentar a una tragicomedia. Te vas a divertir, pero al mismo tiempo también vas a llorar”, dice Imelda Castro a Infobae México. “Y también es una obra de protesta, de denuncia. Vas a reflexionar sobre los sucesos contemporáneos, en el tema de violencia, sobre todo hacia las mujeres, y sobre el machismo y el patriarcado, que eso nos compete a todos”.

Imelda Castro entró al proyecto en 2020. Su hijo, que entonces tenía dos años y medio, presenció los ensayos y lloraba al ver la escena en que matan a Rosa. “Le decía: ‘No, hijo, esto es una ficción, no es verdad. Pero es importante que imagínate crecer viendo eso, y que te digan: esto es una ficción, pero es para denunciar, para que no le hagan eso a las mujeres, para que no siga existiendo más’”.

La actriz reconoce haber vivido violencia en carne propia. “Yo que he sido víctima de violencia, te da vergüenza hablar de eso”, señala. “Temes a que te juzguen, a que te vean como tonta, a que digan: ¿cómo una mujer que tiene una carrera, una maestría, que es independiente, puede caer en la violencia?”.

Esa violencia, aclara, no siempre es física. “No me deja ver a mis amigas, me dice que no me puedo vestir de esta manera, me pone horarios, pero no me pega, entonces estoy mal, estoy exagerando”. La descripción corresponde al control y la violencia psicológica que muchas mujeres no identifican como tal porque el referente heredado es otro: “¿Qué nos decían nuestras mamás? Ay, hija, por lo menos no te pega”.

Para Imelda Castro, el origen del problema es social y a veces no distingue género. “Tanto hombres como mujeres es una cuestión social arraigada desde hace mucho tiempo”. La solución que propone es concreta: “Parte de eliminar es conocer. Parte de romper el miedo es investigar y saber. Tú vas rompiendo el miedo conforme investigas”.

Eso incluye reconocer los patrones. “Si tú eres capaz de decir: ‘No, la verdad es que soy machista porque soy muy celoso’. O cómo veo a las mujeres”, plantea. Señala que conductas normalizadas durante generaciones —como los piropos en la calle— son parte de esa estructura. “Todas las mujeres a que nos dijeran cosas en la calle, y que yo lo he visto cada vez menos. No debería de existir una separación del metro. Deberíamos tener la confianza como para ya transportarnos todos en un mismo vagón, pero todavía no llegamos ahí”.

Para Imelda Castro, Rosa condensa el ciclo que atraviesan quienes sufren violencia: “De estar ciegos completamente, a darnos cuenta, a romper el ciclo y entonces hacer la conciencia para poder cambiar tu vida. Y para poder cambiar tu vida pues necesitas cambiar primero tú. Darte cuenta de decir: ‘Oye, pues si estoy reclamando que alguien es celoso, pues yo voy a dejar de ser celosa’”.

“Toda la experiencia de vida nos ayuda y nos apoya para crear personajes con mucha carne”, resume sobre el vínculo entre su historia y el rol. Al mismo tiempo, traza una frontera clara entre ficción y vida personal: “Para mí es muy clara esta separación. Cuando entro al escenario y cuando salgo al escenario. Nunca he tenido un conflicto de decir: ‘No, yo me quedé en el personaje’”.

El efecto sobre el público ya tiene antecedentes concretos. En 2020, al terminar una función, una mujer se acercó al elenco y anunció que iría en ese momento a denunciar al Ministerio Público.

“Nosotros tenemos los teléfonos de emergencia, tenemos las direcciones de las secretarías de mujeres, tenemos todo un directorio”, explica Imelda Castro. El equipo distribuye esa información entre quienes la solicitan.

Para la actriz, el teatro cumple una función que la cercanía afectiva no siempre logra. “Cuando estamos alejados y podemos ver algo externo, podemos caer más en cuenta, que si te estén diciendo tus familiares. La gente que te quiere, tus amistades. Pero en ese momento tú estás cegado. A lo mejor si ves algo externo y te denota en ese momento de decir: ‘Si estoy en esa situación, tengo que hacer algo en este momento’, pues lo haces”.

Ni una más, nos queremos vivas se presenta el 2 y el 9 de septiembre a las 20:30 horas en el Foro Shakespeare, ubicado en Zamora 07, colonia Condesa. El elenco incluye a Carlos Mendoza, Diana Resendiz, Ginés Cruz, Angie Mcastel, Carlos Medina, Ollinkan Hurtado, Natali González, Raiden Negrete, Nathali Aboytes y Javier Morelos.

El álbum de fotos de Auschwitz con los nazis sonriendo: la historia real detrás de la obra finalista del Pulitzer que llega a Broadway

Michael Paulson — Sat, 29 Aug 2026 19:28:00 +0000

La obra “Here There Are Blueberries”, finalista del Pulitzer, sobre archivistas de museo que lidian con fotografías de la vida social nazi, llegará a Broadway este otoño.

El drama reconstruye la historia real de cómo respondió el Museo Conmemorativo del Holocausto de Estados Unidos cuando en 2007 le fueron obsequiadas las perturbadoras fotografías —que muestran a trabajadores de campos de concentración en momentos de ocio, y no a sus víctimas sufrientes—. Los Pulitzer describieron la obra como “una elegante y desgarradora pieza de teatro documental que examina la procedencia de un álbum de fotos de Auschwitz y explora el misterio irresoluble de cómo los individuos pueden insistir en la normalidad mientras la atrocidad acecha fuera del encuadre”.

La obra está escrita por Moisés Kaufman y Amanda Gronich, de Tectonic Theater Project, una organización sin fines de lucro de Nueva York más conocida por “The Laramie Project”. Kaufman, quien concibió la obra, también la dirige; la producción de Broadway tiene previsto comenzar sus funciones previas el 2 de noviembre y estrenarse el 9 de noviembre, con una temporada de 10 semanas en el Teatro Barrymore.

En una entrevista telefónica conjunta, Kaufman y Gronich describieron la obra como una “historia detectivesca”, en la que el público sigue a los investigadores mientras intentan entender lo que están viendo y lo que las imágenes revelan sobre la historia y sobre la condición humana.

“Hay algo único en Broadway: cuando una obra se estrena allí, abre una conversación nacional, y eso es muy emocionante para nosotros, porque realmente creemos que los temas que plantea la obra merecen formar parte de una conversación nacional”, dijo Gronich. “Cada día que pasa, se siente más y más urgente”.

“Here There Are Blueberries” ha sido bien recibida por la escena teatral sin fines de lucro de Estados Unidos: tuvo una versión de laboratorio en Miami New Drama en 2018, antes de la pandemia de coronavirus, y luego comenzó su recorrido de producciones pospandemia en 2022 en La Jolla Playhouse, en San Diego.

Fue montada en Shakespeare Theater Company, en Washington, y en New York Theater Workshop, en el Bajo Manhattan; volvió para una temporada completa en Miami New Drama; y una pequeña producción en gira pasó por McCarter Theater Center, en Nueva Jersey; Wallis Annenberg Center for the Performing Arts y Berkeley Repertory Theater, en California; y Seattle Repertory Theater.

La obra también fue presentada a comienzos de este año en Stratford East, en Londres.

La producción de Broadway, un emprendimiento comercial, cuenta con un equipo de productores encabezado por Tectonic Theater Project y Brian y Dayna Lee. El elenco aún no ha sido anunciado.

Fuente: Tne New York Times

Esteban Lamothe reveló quién será su nuevo compañero en Secreto en la Montaña: “Un chongazo”

Martina Cortés — Thu, 27 Aug 2026 18:30:19 +0000

Desde su desembarco en la cartelera porteña en mayo, la versión teatral de Secreto en la Montaña se convirtió en uno de los grandes fenómenos del año, con Esteban Lamothe y Benjamín Vicuña como dupla central. La puesta, que adapta la recordada historia de amor al escenario local, cosechó elogios y una respuesta entusiasta del público, que agotó localidades y celebró la química entre los protagonistas. Pero en las últimas semanas, el futuro del elenco quedó bajo la lupa tras el anuncio de Vicuña sobre su inminente salida de la obra, y fue Lamothe quien contó quién lo acompañará en la próxima etapa.

La noticia se confirmó en El Ejército de la Mañana (Bondi Live), donde Lamothe habló sin rodeos sobre la transición. “Creo que está 99.99% confirmado que es Luciano (Castro)”, sostuvo, dejando en claro que la decisión ya está tomada. Además, reveló que la propuesta partió de él mismo: “Sí, sí. Era una de las cosas”, contó sobre el proceso que llevó a sumar a Castro al proyecto.

Lamothe también explicó por qué pensó en él para compartir el escenario en una trama tan intensa y desafiante. “Porque me gusta cómo actúa... Porque es un chongazo”, soltó entre risas, y agregó: “Porque me parece que hotea que estemos juntos, porque me parece que puede hacer muy bien a Jack Twist y porque me lo quiero comer yo también”. El actor no ocultó su entusiasmo por la dupla que se viene, y celebró la predisposición de Castro. “En principio es la gira, vamos a hacer gira por el interior. Pero sí, estaba contento, estaba súper, súper contento”, relató sobre las primeras charlas.

En su paso por Bondi Live, Lamothe aprovechó para reflexionar sobre el desafío actoral que implicó sumarse a Secreto en la Montaña. “Volví a aprender a entregarme por completo a algo, porque es un melodrama y el melodrama hay que actuarlo muy vulnerable, sin distancia, sin opinión”, analizó sobre el proceso creativo. “Hay que entregarse y ser ese personaje y sufrir lo que sufrieron ellos dos, que es fascinante la historia. Para mí era un desafío enorme poder hacerla, sabía que también había riesgos”, reconoció. Y aunque el tono de la obra es dramático, Lamothe destacó que las funciones lograron encontrar momentos de distensión: “Con el correr de las funciones le encontramos un montón de cosas graciosas y la gente se caga de risa, pero la verdad es que es un drama. Es un drama donde ya sabemos cómo termina la película. Es una catástrofe”.

La adaptación teatral de Secreto en la Montaña implicó además un reto técnico y creativo para el elenco. “Es muy difícil. Más una película que está plagada de planos abiertos, montañas, ovejas”, admitió Lamothe sobre la complejidad de trasladar la atmósfera del film a las tablas porteñas. Aun así, el resultado superó las expectativas y la obra se consolidó como una de las propuestas más aplaudidas del año.

La salida de Vicuña fue comunicada por el propio actor el pasado 18 de agosto en sus redes sociales. “En seis semanas me despido de Secreto en la montaña”, escribió junto a una foto sobre el escenario, y rápidamente aclaró los motivos para evitar rumores. “Para cumplir con proyectos cinematográficos con Álex de la Iglesia y Matías Bize, pactados antes de empezar la obra”. De esta forma, Vicuña dejó claro que su alejamiento responde a compromisos laborales y no a cuestiones personales ni a recientes episodios de exposición mediática. “Pero la obra sigue”, subrayó para llevar tranquilidad tanto al público como al equipo.

Con la inminente llegada de Luciano Castro, el espectáculo inicia una nueva etapa y se prepara para una gira por el interior del país, con renovadas expectativas y el desafío de mantener el impacto que la historia logró en su estreno. Así, Secreto en la Montaña confirma su vigencia y su poder de convocatoria, y Lamothe se muestra listo para asumir, junto a Castro, el reto de seguir emocionando al público en cada función.

Cobró 46 dólares por visitar una “ruina” que él mismo construyó con yeso y poliestireno: la estafa arqueológica que duró diez años

Ismael Yasnikowski — Wed, 26 Aug 2026 14:54:24 +0000

Durante casi una década, turistas de distintas partes del mundo pagaron hasta 40 euros (unos USD 46) para visitar lo que se les presentaba como un antiguo sitio arqueológico en las colinas de Arcugnano, en la provincia italiana de Vicenza. El llamado Anfiteatro de Beric era, en realidad, una construcción moderna levantada con cemento, yeso, piedra tratada y poliestireno para simular el aspecto de una ruina romana. Su responsable, Franco Malosso, de 69 años, fue condenado a dos años y cuatro meses de prisión.

El complejo ocupaba cerca de 5.000 metros cuadrados e incluía visitas guiadas, actividades recreativas y una narrativa que vinculaba el lugar con figuras históricas como Julio César, Cleopatra y Julieta Capuleto (el personaje literario de Shakespeare). Las investigaciones concluyeron que no existía ningún vestigio arqueológico real bajo sus estructuras, según confirmaron las autoridades culturales italianas citadas por el diario regional italiano Corriere del Veneto“.

Una construcción diseñada para engañar

Los materiales usados delataban la falsificación desde el inicio. Los escalones eran de piedra moderna sometida a tratamientos artificiales para imitar el desgaste del tiempo. Las columnas, de cemento; las esculturas, de yeso. El sitio también contaba con un lago excavado en el terreno, parte del cual empleaba poliestireno —conocido popularmente como telgopor o isopor— como material de contención.

La propia forma del edificio generaba contradicciones. Aunque se promocionaba como un anfiteatro, su planta era semicircular, una configuración propia de los teatros, no de las arenas. Las construcciones romanas de ese tipo, como el Coliseo de Roma, tienen planta oval. Esa diferencia estructural fue uno de los primeros elementos señalados por los expertos durante la investigación, según publicó el medio Corriere del Veneto.

La ubicación también atrajo la atención de las autoridades. Un supuesto sitio arqueológico romano emplazado en un área rural de las colinas de Vicenza, sin antecedentes documentados en la bibliografía especializada, no resistió el escrutinio técnico.

Una investigación de casi diez años

Las pesquisas comenzaron en 2016, cuando el caso llegó a los organismos encargados de la protección del patrimonio cultural italiano. Una inspección técnica descartó la presencia de restos arqueológicos y determinó que el complejo era de construcción reciente. Además, se constató que la obra afectaba una zona de protección paisajística, lo que agravó la situación legal de Malosso.

El proceso judicial se extendió por aproximadamente una década. A lo largo de ese período, Malosso modificó su versión de los hechos en más de una oportunidad: primero presentó el lugar como un hallazgo antiguo; luego afirmó que se trataba de la reconstrucción de un supuesto teatro preexistente en ese terreno. Las autoridades culturales rechazaron esa explicación.

El arqueólogo Jacopo Bonetto fue categórico respecto a las posibilidades de confusión. “Es totalmente absurdo pensar que un edificio antiguo pueda confundirse con uno moderno, aunque estén construidos de la misma manera”, declaró el especialista, citado en el expediente.

Los expertos señalaron que los materiales, las técnicas arquitectónicas, el contexto geográfico y las marcas del paso del tiempo permiten distinguir con claridad una construcción histórica de una contemporánea.

La condena y sus consecuencias

El tribunal confirmó la responsabilidad de Malosso por construcción ilegal y falsificación de obras de arte. Además de la pena privativa de libertad, el juez dispuso el pago de multas y ordenó la restitución del terreno a su estado original, lo que implica la demolición del complejo.

El fallo puso fin a una disputa que involucró tanto a organismos de patrimonio como a instancias judiciales durante casi diez años. En ese período, el sitio siguió recibiendo visitantes que pagaron hasta 40 euros, por recorridos guiados en torno a una narrativa sin sustento histórico.

Malosso cumple la condena de dos años y cuatro meses en la cárcel de Ventimiglia, cerca de la frontera con Francia, ciudad a la que se había mudado tras el inicio de sus problemas legales. Además, debe afrontar una multa de 3.000 euros y los costos de la restauración del predio en las colinas de Arcugnano. La orden de demolición del complejo, emitida por el municipio, aún no se ejecutó.

José María Muscari habló sobre la trágica muerte de Ernestina País: “Es como una película de ciencia ficción”

Andrea Taboada — Mon, 24 Aug 2026 16:39:37 +0000

El impacto por la muerte de Ernestina País sigue presente en el ambiente teatral a casi dos meses del accidente. José María Muscari, director y amigo cercano, compartió su conmoción y la del elenco al recordar la figura de la conductora y actriz, quien formaba parte de la obra El divorcio del año.

El recuerdo de Muscari estuvo marcado por la incredulidad ante la trágica noticia. “Me parece inexplicable e increíble. Es como una película de ciencia ficción que ya no está, sobre todo porque era una mina rebosante de alegría y empatía”, expresó conmovido el director al aire de Implacables, por El Nueve.

En el momento del accidente, la compañía atravesaba una etapa de logros y satisfacción. Muscari recordó que la tragedia los tomó completamente por sorpresa y trastocó los planes del grupo. “La obra estaba lejos de pensar en un cierre. Cuando hablamos de la posibilidad de continuar, nos dimos cuenta que no”, explicó al relatar el debate interno sobre el futuro del proyecto tras la pérdida de Ernestina.

El elenco, finalmente, optó por suspender la obra. El director subrayó que la decisión fue unánime y que surgió tras evaluar el peso emocional que implicaba seguir adelante sin una de sus figuras centrales.

El dolor y la conmoción no solo alcanzaron al grupo inmediato de trabajo. Muscari compartió que el fallecimiento generó una ola de afecto y recuerdos en todo el medio artístico. “Con esto nos dimos cuenta cuánto la queríamos, creo que a muchas personas del medio nos pasó”, sostuvo el actor y director.

Ningún equipo, afirmó, se encuentra preparado para enfrentar una situación tan abrupta. Los integrantes de la obra buscaron acompañarse y procesar el duelo de la mejor manera posible dentro de sus posibilidades.

El fallecimiento de Ernestina País produjo un corte abrupto en la rutina diaria de quienes compartían escenario y proyectos con ella. El vacío dejado por su ausencia se hizo evidente tanto en lo profesional como en lo personal, marcando un antes y un después en el vínculo entre los miembros del elenco.

Según el informe preliminar de la autopsia, la causa inmediata de la muerte fue un traumatismo encefalocraneano grave. El estudio también detectó una laceración hepática y una laceración esplénica, lesiones que confirmaron la magnitud del impacto sufrido por la periodista.

El resultado del análisis toxicológico generó especial atención. El informe, incorporado a la investigación de la Fiscalía de San Isidro y difundido por el periodista Ángel de Brito, descartó la presencia de alcohol y sustancias estupefacientes en sangre al momento del accidente.

De esta manera, el examen toxicológico permitió descartar algunas versiones que circularon tras la muerte de Ernestina País, entre ellas las especulaciones sobre un supuesto consumo de sustancias antes del siniestro.

El caso evidenció el efecto devastador que una tragedia puede tener en un entorno artístico y mediático. Tras la confirmación de las causas médicas, se cerró la puerta a rumores y se reforzó la imagen de Ernestina como una figura querida y valorada por sus colegas.

La noticia del fallecimiento de Ernestina impactó de lleno en la comunidad cultural. El hecho puso de relieve la fragilidad de los proyectos colectivos y la importancia de los lazos afectivos dentro del mundo del espectáculo.

El recuerdo de su alegría y empatía, como subrayó Muscari, permanece en quienes compartieron escenario y proyectos con ella. El duelo dejó una enseñanza sobre la trascendencia de los vínculos y el cariño que deja una figura como Ernestina País en su paso por la vida artística.

La muerte de Ernestina País marcó un quiebre inesperado en la vida de sus colegas. El cierre de la obra y la reacción de su entorno muestran cómo el arte y la amistad se entrelazan ante la adversidad, dejando una huella imborrable en quienes la conocieron.

Sandra Martínez Nicolini nos habla de “Destino”, un unipersonal de media máscara y lenguaje gestual

Ignacio Izquierdo — Sun, 23 Aug 2026 03:39:44 +0000

Sandra Martínez Nicolini protagoniza Destino, una obra unipersonal de media máscara y lenguaje gestual que llega al Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico del 28 de agosto al 6 de septiembre de 2026. La puesta en escena prescinde por completo de la palabra dicha y de objetos en escena; la historia se cuenta solo con el cuerpo y la música en vivo.

Las funciones son los viernes a las 20:00 h y los sábados y domingos a las 18:00 h.

“Es nuestra primera función de este equipo en Ciudad de México”

La obra sigue la rutina de “Trini”, una mujer mayor bordadora que vive en condiciones modestas. En algún momento aparece un polluelo recién nacido al que ella decide adoptar. “Va progresando esta relación entre ellos dos, hasta que en algún momento ocurre un accidente que va a hacer que ella reaccione con mucho deseo de protección y eso hará que la situación se transforme por completo”, explica Martínez Nicolini en entrevista con Infobae México.

El personaje se inspira en los mitos de diosas tejedoras encargadas de prescribir el orden inevitable de la vida y la muerte. La puesta muestra cómo el amor desmedido puede volverse destructivo cuando el miedo a la soledad lleva a interferir en el ciclo natural de las cosas.

“Este vínculo que se crea entre esta mujer y el pájaro pone de manifiesto la necesidad humana de compañía, de afecto. Nos deja ver las implicaciones que tiene el aferrarnos a mantener o a querer forzar la durabilidad de los ciclos. Hay ciclos que terminan y hay que dejar que siga su naturaleza, que continúe la vida. Pero de pronto nos da temor el vacío y ahí es donde transgredimos este ciclo natural de las cosas cuando queremos impedir retener”, dice la actriz.

El cuerpo como lenguaje

Sin voz ni objetos en escena, Martínez Nicolini construye el relato desde la gestualidad y el movimiento. “De mi parte lo que demanda es generar códigos para que mi cuerpo exprese lo que estarían expresando las palabras. Todo se va contando justo con la gestualidad y el movimiento y se va concretando con la música”, señala.

El acompañamiento musical está a cargo de Félix Bailón Salgado, compositor y diseñador sonoro que sonoriza en vivo. Su propuesta diseña las atmósferas y dota de “voz” al pájaro, que no aparece físicamente en escena. Por parte del espectador, la actriz pide atención y disposición: “Que se permitan la experiencia de estar presentes conmigo, de ir siguiendo al personaje para que puedan imaginar junto conmigo el mundo que yo voy dibujando en el espacio vacío.”

La máscara como distancia y como método

La dirección de actuación con máscara corre a cargo de Quy Lan Lachino, actriz y mascarera con más de 25 años de trayectoria en teatro gestual y físico. La técnica, explica Martínez Nicolini, impone una separación que no es solo formal.

“Aunque estoy prestando mis emociones, mi cuerpo, mi imaginario, lo que es más distintivo de mi personalidad es mi rostro, y mi rostro está anulado, está encubierto por una máscara. Ya de por sí la técnica me genera un cierto distanciamiento de este lugar, pues digámoslo cómodo, para expresarme, que es mi propia cara.”

Aun así, la actriz reconoce que la separación nunca es total: “No puedo disociarme al cien por ciento, pero siempre tengo la conciencia de que tampoco soy yo. Es como una ecuación muy extraña que tenemos que hacer los actores, las actrices.”.

“La obra ya viene caminando. Se ha ido ahí perfeccionando”, dice la actriz. La temporada en el Helénico es la primera presentación de la puesta en Ciudad de México con el equipo actual de colaboradores, que incluye a Martínez Nicolini como creadora, directora e intérprete.

Entre vértigos, vuelos y sueños, el salto sin red de Nacho Pérez Cortés en el teatro argentino

Martina Cortés — Sat, 22 Aug 2026 05:00:00 +0000

La cartelera teatral porteña siempre tiene espacio para el asombro. A veces es una historia que desafía lo cotidiano, otras es un protagonista que ilumina todo el escenario con su sola presencia. Nacho Pérez Cortés es uno de esos nombres que hoy resuenan con fuerza en el circuito y que no pasan inadvertidos. A los 32 años, el artista santafesino brilla en La Cúpula, la nueva aventura de Flavio Mendoza que fusiona talento, riesgo y tecnología en una apuesta única. Y en una charla íntima con Teleshow, no solo desplegó su carisma y su arte, sino que también abrió la puerta a sus recuerdos, sus aprendizajes y su mirada sobre el teatro argentino.

Desde General Lagos, ese rincón de Rosario que lo vio dar sus primeros pasos, Nacho entendió desde chico que la vida podía ser un escenario y que los sueños no tenían límites. A los siete años ya perseguía la vocación artística con la certeza de quien sabe que la pasión es su verdadero motor. Entre años de estudio y perfeccionamiento para formarse en el exterior, fue forjando una carrera donde lo clásico y lo moderno se encuentran. Supo ser protagonista en The Rocky Horror Show, Más de 100 mentiras y Priscilla, la reina del desierto. Compartió escena con Elena Roger en Piaf, se lució en La Revista del Cervantes y hoy corona su recorrido en La Cúpula, sumando cada experiencia como un escalón más hacia su propio estilo, y próximamente como parte de Hedwig y la pulgada furiosa.

Pero hay algo más en la historia de Pérez Cortés, un brillo especial que lo llevó a cruzar fronteras y a vivir momentos impensados: desde audicionar para Steven Spielberg hasta pasar por ShowMatch y ganar un lugar ante el público argentino. Hoy, con el vértigo de un escenario 360, plataformas y una puesta que mezcla teatro, circo y cine, Nacho demuestra que la valentía y el deseo de superarse son parte de su ADN.

—De General Lagos a los escenarios de Buenos Aires y hasta experiencias en el exterior. ¿Cuándo y cómo descubriste que el arte iba a ser tu camino?

—Arranqué a muy tempranada edad. Estudié en Teatro El Círculo y empecé a los siete años. Creo que fui yo quien le dijo a mi mamá que quería hacer teatro, aunque en mi familia nadie se dedicó a esto. Hice otras cosas, pero el teatro siempre fue lo que se sostuvo. Seguí durante toda la secundaria y, al terminar, me dieron una beca para Point Park en Estados Unidos. Al volver, hice Nazareno Cruz y el Lobo con Hernán Piquín y Juan José Camero, y después unas funciones en el Cervantes. Ahí me quedé y pensé: “Quiero intentar hacer de esto una vida”. Ese año también gané otra beca para Jacob’s Pillow Dance. Después llegó mi primer trabajo oficial y pago, Más de cien mentiras, en el Liceo, como bailarín y reemplazo de uno de los protagonistas. Fue entrar por una puerta grande a lo laboral.

—¿Cómo fue el salto de enfrentarte con el nivel artístico de otros lugares?

—Para mí lo de Estados Unidos fue un cachetazo de realidad. En Rosario sentía que tenía ciertos conocimientos y me iba bien, pero al llegar allá, sobre todo bailando, el nivel era otro. Eso me hizo volver y también mirar Buenos Aires de otra manera, porque Rosario era un mundo y acá otro. Como empecé tan chico, después el camino se fue acomodando con las cosas que tenía ganas de hacer y las que no, y los lugares donde sentí que no era para mí. Fue un privilegio enorme haber empezado así.

—¿Percibiste muchas diferencias entre los lugares en los que te moviste, o sentís que en el fondo los desafíos son los mismos, sea cual sea la “pecera”?

—Creo que, como dice el principio hermético, “así como es arriba es abajo”. En Rosario tenía un lugar, pero cuando cambié de “pecera” me di cuenta de que todo requiere esfuerzo, estrés, adaptabilidad. Al final, creo que hasta Brad Pitt debe sentir lo mismo antes de un estreno. En todos lados hay microclimas, pero los desafíos y las relaciones humanas se repiten. Uno decide cómo pararse frente a eso y con quién vincularse.

—¿Qué rol jugó tu familia en esos primeros pasos?

—Tuve la suerte de que mis viejos me apoyaron desde el principio, me llevaban a teatro de chico y siguen yendo a lo que hago. No es común, sobre todo viniendo de un pueblo. Muchos padres de amigos exigían otras carreras. Cuando vine a Buenos Aires, viví con mi tía en Lomas de Zamora, pero siempre tuve el apoyo emocional y práctico de mi familia. Incluso hoy, los hago parte de las decisiones grandes. Mi vocación siempre fue clara y el escenario es mi hábitat.

—A lo largo de tu carrera tuviste experiencias muy distintas, pero ¿hay alguna que te haya marcado especialmente, una figura que te haya dado una enseñanza clave?

—A los 24 años, tuve una experiencia increíble con Spielberg. Audicioné para el personaje de Bernardo en West Side Story. Viajé tres veces en un año a Estados Unidos, hice pruebas de cámara, lo conocí y trabajé con él. Verlo tan involucrado con su camarita personal, buscando planos, metido en el oficio, fue impresionante. Lo que más me marcó fue su respeto por el oficio y por todos, incluso por mí que era un desconocido. Me hizo entender que la actitud y el amor por el trabajo son lo que te hace grande, más allá de la fama. Aunque no quedé en la película, esa experiencia me cambió la cabeza y también me ayudó a entender el valor de separar el oficio del resultado.

—¿Cómo atravesás esos “no” en tu carrera carrera?

—Es difícil. Audicioné tres veces y al final eligieron a otro. Hay que aprender a separar el valor del trabajo del resultado. El rechazo y la exposición son parte del oficio. Volví de eso y no conseguía casting acá; pensé: “Me acaba de abrazar Spielberg y acá no pego un bolo”. Pero el oficio es así, tiene muchos altibajos. Hay que encontrar una forma de vivirlo con alegría y paz, y empezar a tomar el volante de la decisión sobre qué proyectos elegir.

—¿Qué proyectos marcaron un antes y un después en tu recorrido?

—Trato de que cada proyecto me saque del lugar cómodo. Sandro, un gran show el año pasado me marcó mucho. Son roles donde pongo el cuerpo, bailo, canto, actúo, todo junto. También Avenida Q fue un desafío enorme, dos títeres, dos voces, multitasking total. Esos lugares de libertad y superconcentración son los que más me llegan.

—Hoy te toca ser parte de La Cúpula, un espectáculo técnicamente exigente. ¿Cómo surgió la oportunidad y qué te atrajo del desafío?

—Me convocaron a principios de año, Cata y Edu Gondell, con quienes ya había trabajado. Me presentaron la oportunidad de trabajar con Flavio Mendoza, que imaginó un personaje host. El show combina proyecciones 360, escenario giratorio, plataformas, circo, teatro, tecnología, cine. Nunca había trabajado con Flavio ni hecho vuelos, así que fue un desafío tremendo. Me dieron mucha libertad para encontrar el personaje y para mezclar lo técnico con lo artístico. El vértigo de volar era real, nunca había hecho acrobacia o fuerza bruta. En el estreno me quedé colgado, se trabó el motor, tuve que seguir la escena desde arriba. Fue un aprendizaje enorme.

—¿Cómo es la dinámica de trabajo con Flavio Mendoza y el equipo?

—Me sorprendió la construcción de sí mismo y de su marca, cómo apuesta siempre a cosas nuevas y complejas. Maneja equipos enormes y sabe rodearse de gente talentosa. Me sentí valorado al ser elegido. Es un desafío técnico y humano, porque hay que resolver mil problemas todo el tiempo. Es tremendo el nivel de producción, el nivel de problemas: una cosa así trae un montón de problemas, porque un problema arrastra a otro. Entra una estructura y decís: “La rueda se traba, ¿y ahora cómo seguimos?”. Eso te modifica todo. Valoro mucho la apuesta y la elección de traer algo nuevo y meterse en un quilombo pudiendo hacer otra cosa que ya sabe hacer y le sale fácil. Esa actitud frente a la creación está buenísima.

—Venís de otro suceso como La Revista del Cervantes. ¿Qué significó para vos ese fenómeno?

—No soy del elenco original, se abrió una vacante y enganché. Conocía a varios del elenco y trabajar en el Cervantes siempre es un placer. El espectáculo devolvió valor a la revista, la sacó de un lugar menor y mostró la época de oro del género.

La curaduría de Gonzalo Demaría permitió recuperar material de 1920 que sigue funcionando hoy. Me sorprendió cómo la comedia y la política de hace cien años pueden resonar tanto en el presente. Cómo material noble se resignifica y la gente lo vuelve a encontrar. El teatro debería acercarnos a mundos desconocidos, invitarnos a preguntarnos sobre nosotros, no solo sobre cosas de afuera. No porque sea de afuera está mal, pero es difícil relacionarse con historias de otro contexto. Siendo argentinos, tenemos historia, artistas, preproducción, una construcción desde la nada.

—Con tanta cartelera y tantas producciones extranjeras, ¿qué sentís que falta para que el público priorice más el teatro nacional?

—Creo que hay un problema coyuntural entre la visión de los productores grandes y los independientes. Hay una brecha entre el productor que pone mucha plata y no se anima o cree que los materiales propios y la construcción de una obra con identidad e intencionalidad son pérdida de tiempo o de recursos, cuando creo que es todo lo contrario. Es más fácil construir una obra propia, aunque lleve más tiempo para sacarle provecho, que comprar una lata de afuera. Igual tiene que haber lugar para todo. Pero se supone que la gente valora más lo que conoce de nombre que las propuestas nuevas.

El teatro está invitando a una nueva generación, los más jóvenes, que están ávidos de teatro porque no sabían que existía. Hoy el teatro es lo único que reemplaza a la pantalla, lo único que le mete resistencia, que invita a ir a un lugar, a una hora, a ver algo que no se repite nunca igual. Si no hay espectador, la cosa no funciona. Cuando aparece el espectador, la materia se modifica. Ir a ver algo que te invade los sentidos y te pasan cosas que no tienen que ver con lo literal de lo que pasa. Cuando hay obras de afuera o traés una, ahora al no haber ficción nacional o haber pocas series, no se generan nuevos famosos como antes. Hace un tiempo, Carlos Rotemberg decía que no hay nuevos famosos como Luciano Castro, que salió de la televisión, y ahora como no hay lugar en la ficción, pasan al teatro. La producción teatral termina pareciéndose más a la televisión y se asume que la gente quiere eso.

Si voy a ver teatro, quiero ver algo que esté bueno. Hay, pero predomina en el off, donde la gente puede dominar recursos y tomarse un año para escribir y hacer laboratorio antes de estrenar. Si no hay ese “riesgo”, el riesgo es poner recursos en algo probado para otra cultura. Está buenísimo si traes algo de afuera, pero ¿qué pasa si contás un musical en un contexto propio? No tiene que ser literal, pero la pregunta es por qué hacemos esto, cuál es el objetivo, qué queremos generar en los espectadores. Si el valor está en la recaudación, en salir en Instagram con la fotito y ya está, el teatro está en contra de sus propios intereses. Como en todos lados, la coyuntura muestra grietas sociales y hay grupos más sectorizados: los que van a ver teatro independiente, comedias, musicales. Lo ideal es no solo integrar públicos, sino crear un espacio de encuentro.

—¿Cómo vivís la exposición comercial y el fenómeno de las redes sociales con el teatro?

—Hoy todo tiene una mirada empresarial. Se elige a los conocidos para la prensa y la convocatoria, pero el público de teatro es distinto. Yo elegí bajarme un poco de esa exigencia de estar en todo, prefiero enfocarme en estudiar, trabajar y hacer lo que me gusta. El teatro es un oficio que requiere disciplina y entrega; la revancha está cada noche.

—¿En qué momento de tu carrera sentís que estás?

—Es un momento muy lindo, con muchos proyectos. Estoy por estrenar Tres pálidas hermanas en MILION, una especie de microteatro. También estoy preparando Hedwig y la pulgada furiosa, un musical desafiante y de transformación física y emocional, que se estrena el próximo 17 de septiembre en el Centro Cultural El Maquinal. Me gustaría seguir creciendo en cine, trabajar con directores que admiro y tener más frecuencia en ese mundo. Pero siempre buscando proyectos que me inspiren y me saquen del lugar cómodo.

Fotos: Gentileza de prensa y Nacho Pérez Cortés.

La ciudad de Nueva York relanza NYC Broadway Week con entradas 2x1 en septiembre

Matias D. Lauria — Fri, 21 Aug 2026 16:08:48 +0000

Broadway, Nueva York, 2x1, septiembre y turismo volverán a cruzarse entre el 8 y el 20 de septiembre de 2026, cuando la ciudad lance una nueva edición de NYC Broadway Week para sostener la afluencia de público después del verano y ampliar el acceso al teatro con entradas promocionales. La venta oficial comenzó el 18 de agosto y la campaña apunta tanto a residentes como a visitantes que planean asistir a funciones en el distrito teatral de Manhattan.

La promoción forma parte de NYC Tourism Fall Outing, la estrategia de otoño de New York City Tourism + Conventions que reúne descuentos en teatro, hoteles y atracciones culturales. El objetivo es evitar una caída brusca de visitantes tras la temporada alta estival y mantener activa la economía de septiembre, un mes relevante para el arranque del nuevo calendario teatral.

Broadway Week se celebra dos veces al año y ofrece dos entradas por el precio aproximado de una, con un descuento cercano al 50 % por boleto. Desde su creación en 2011, la iniciativa atrae a residentes y turistas que buscan acceder a musicales y obras que, fuera de la campaña, suelen tener precios mucho más altos.

La promoción llega tras un verano de alta demanda en los teatros

La edición de otoño se organiza después de un verano con fuerte ocupación en Broadway. El aumento del turismo internacional, la llegada de visitantes vinculados al Mundial y la intensa agenda cultural de la ciudad sostuvieron una demanda elevada de entradas durante julio y agosto.

Ese movimiento benefició no solo a los teatros, sino también a hoteles, restaurantes y comercios del distrito teatral. La campaña de septiembre busca aprovechar ese impulso y extenderlo más allá del período de vacaciones escolares y de mayor flujo turístico.

La relevancia de la iniciativa excede el entretenimiento. Cada espectador que asiste a Broadway también genera actividad en bares, cafeterías, transporte, museos y otros negocios cercanos de Midtown Manhattan, una zona estrechamente ligada al desempeño del turismo en la ciudad.

Septiembre es una etapa clave para nuevas obras y grandes éxitos

La promoción reúne cada año decenas de espectáculos de perfiles distintos: musicales clásicos, éxitos contemporáneos, nuevas producciones, dramas, comedias y funciones familiares. En ediciones recientes participaron títulos como Hamilton, The Lion King, Wicked, Hadestown, MJ The Musical, Chicago, The Great Gatsby, Hell’s Kitchen, Operation Mincemeat y The Outsiders.

Esa variedad busca atraer tanto a quienes visitan Broadway por primera vez como a espectadores habituales interesados en descubrir nuevos montajes. También funciona como una vidriera para producciones recientes que necesitan consolidar público antes de la temporada navideña y del ciclo de premios Tony del año siguiente.

El programa responde además a una barrera concreta: el precio. Según la información oficial citada en el texto fuente, las entradas para los musicales más populares pueden superar los USD 200, sobre todo en fines de semana o en períodos de alta demanda.

La respuesta práctica para el público es simple: las entradas se compran únicamente a través del portal oficial de NYC Broadway Week, donde cada usuario elige una producción participante y accede al esquema 2x1 para funciones seleccionadas. Algunas obras también habilitan mejoras de ubicación mediante códigos promocionales, aunque cada producción puede excluir fechas o sectores.

La campaña busca sostener el flujo económico después del verano

Septiembre marca una transición para la industria teatral de Manhattan. Algunas producciones inician funciones previas al estreno oficial y otras aprovechan el regreso de los residentes y la llegada de nuevos visitantes para posicionarse en una etapa decisiva del calendario.

En ese contexto, Broadway Week actúa como una herramienta de visibilidad y captación de público. El descuento no solo facilita el acceso de familias, estudiantes y turistas, sino que también amplía el alcance de la cartelera más allá de los títulos que concentran la mayor parte de la demanda.

Las autoridades de turismo recomiendan comprar con anticipación, revisar la lista oficial de espectáculos participantes y verificar fechas y horarios disponibles. Las funciones más solicitadas suelen agotarse rápido, en especial durante los fines de semana, mientras que las de martes a jueves suelen ofrecer más disponibilidad.

Según New York City Tourism + Conventions, la campaña de otoño fue diseñada para mantener el flujo de visitantes una vez terminado el verano mediante descuentos en espectáculos de Broadway. En esa estrategia, Broadway conserva un lugar central dentro de la oferta cultural de Nueva York por su peso turístico y por su impacto directo sobre la actividad económica del distrito teatral.

La temporada de F”ree Shakespeare in the Park" entra en su última semana en Central Park

Matias D. Lauria — Fri, 21 Aug 2026 16:08:28 +0000

La temporada gratuita de FreeShakespearePark entra en su última semana en el Delacorte Theater de Central Park, donde The Winter’s Tale se presentará hasta el 23 de agosto de 2026 y pondrá fin a una edición que también consolidó el regreso de la sala tras su renovación. Según The Public Theater, organizador del programa, el cierre coincide con uno de los momentos de mayor asistencia, cuando residentes y turistas buscan las últimas funciones de una tradición veraniega con más de seis décadas de historia en Nueva York.

El tramo final llega con el sistema habitual de acceso gratuito: entrega presencial en el teatro, lotería digital a través de TodayTix, distribución en distintos distritos de la ciudad y programas especiales para donantes y organizaciones comunitarias. Cada persona puede pedir hasta dos boletos para la función del día, sujetos a disponibilidad, y las entradas suelen agotarse con rapidez durante los últimos días de temporada.

La edición 2026 tuvo dos producciones. La primera fue Romeo and Juliet, presentada entre mayo y junio bajo la dirección de Saheem Ali, en una versión que incorporó diálogos en español entre los protagonistas y obtuvo amplia repercusión por su enfoque multicultural.

La segunda fue The Winter’s Tale, una obra menos representada dentro del repertorio de William Shakespeare. La puesta está dirigida por el ganador del premio Tony Daniel Sullivan y cuenta con un elenco encabezado por Raúl Esparza y Lily Rabe.

El Delacorte Theater reabrió con mejoras de accesibilidad y sostenibilidad

La temporada también marcó la reapertura plena del Delacorte Theater después de una remodelación profunda. El proyecto buscó mejorar la accesibilidad, la sostenibilidad y la experiencia del público sin alterar la arquitectura que convirtió al anfiteatro en uno de los escenarios más reconocibles de Nueva York.

Las obras incluyeron mejoras estructurales, modernización técnica, nuevos espacios para artistas y espectadores e incorporación de materiales sostenibles. Esa intervención permitió que el programa recuperara por completo su sede tradicional tras los trabajos realizados en los últimos años.

El Delacorte está junto a Turtle Pond y Belvedere Castle, rodeado de árboles y espacios verdes. Las funciones comienzan al anochecer, cuando la luz del parque se integra con la iluminación del escenario.

Más de 60 años de teatro gratuito en Nueva York

Creado por Joseph Papp en la década de 1950, Free Shakespeare in the Park lleva más de 60 años ofreciendo teatro gratuito en uno de los espacios públicos más visitados de la ciudad. Con el tiempo, se convirtió en uno de los programas culturales sin costo más importantes de Estados Unidos.

Por su escenario pasaron miles de artistas antes de alcanzar reconocimiento internacional. Entre ellos figuran Meryl Streep, Al Pacino, James Earl Jones, Philip Seymour Hoffman, Denzel Washington, Lupita Nyong’o, Sandra Oh y Peter Dinklage.

La iniciativa permitió que millones de personas asistieran sin pagar a producciones de alto nivel. Ese modelo mantuvo vigente la idea central de Papp: eliminar barreras económicas para acercar el teatro a públicos que quizá no accederían a una producción comercial de Broadway, donde una entrada puede superar ampliamente los 200 dólares.

La experiencia alrededor de cada función también se volvió parte del atractivo. Durante la tarde, cientos de personas llegan con varias horas de anticipación para recorrer el parque, hacer un picnic o participar de las actividades organizadas en torno al teatro.

Durante agosto, la institución también desarrolla las jornadas Summer Fridays, con visitas al Delacorte renovado, música en vivo y encuentros comunitarios previos a la función nocturna. La edición final del 21 de agosto sumará The Longest Picnic Blanket, una comida comunitaria abierta al público.

El programa también funciona como atractivo para el turismo cultural. Muchos visitantes incorporan la función a recorridos que incluyen Central Park, el Museo Metropolitano de Arte, la Quinta Avenida, el Upper West Side y Lincoln Center.

Agenda cultural en Lima del 20 al 27 de agosto: ópera ítalo-peruana, salsa, música de películas, teatro, circo y una variedad de exposiciones

Cecilia Arias — Fri, 21 Aug 2026 15:59:51 +0000

La agenda arranca con uno de los conciertos más esperados del año. Rubén Blades inaugura el jueves 20 en la Costa Verde su etapa de despedida de las grandes giras, y el Gran Teatro Nacional recibe en días seguidos la ópera L’elisir d’amore —en una coproducción ítalo-peruana que traslada la historia a los Andes— y Maestra Salsa, un espectáculo teatral y musical sobre los orígenes del sonido Fania.

Las galerías de Miraflores, Pueblo Libre, Santa Anita y San Juan de Lurigancho abren nuevas muestras, el circo sobre hielo y el Gran Circo de Rusia extienden temporada, y el teatro infantil suma varias opciones para el fin de semana.

TEATRO Y OPERA

Música de Película

El Teatro Manuel Ascencio Segura recibe Música de Película, un espectáculo que reúne, bajo la dirección del músico peruano Renzo Dalí, una orquesta de cámara con sección sinfónica completa. El repertorio recorre bandas sonoras de Titanic, El Padrino, La Guerra de las Galaxias, Jurassic Park, Harry Potter y Dirty Dancing, entre otras, además de sintonías de series como Los Magníficos, Hechizada y Días Felices, y clásicos de la animación como La Pantera Rosa, Thundercats y Los Rugrats. Dalí estudió en la Universidad Nacional de Música del Perú y obtuvo su licenciatura en la London College of Music.

Lugar: Teatro Segura, Jr. Huancavelica 265, Lima
Cuándo: Domingo 23 de agosto
Entrada: A la venta en Teleticket

L’elisir d’amore

Una coproducción entre el Programa Ópera Italia, el Ministerio de Cultura y el Teatro Municipal de Lima trae a Lima L’elisir d’amore, la comedia de Gaetano Donizetti, en una puesta en escena que traslada la acción desde la campiña italiana del siglo XIX hacia un pueblo andino peruano de los años sesenta. La dirección musical es del maestro Lorenzo Tazzieri, fundador del Programa Ópera Italia, y la dirección de escena, del regista italiano Luigi Orfeo. El reparto reúne al tenor brasileño Ricardo Gaio, a las sopranos Tabita Martínez y Thayana Rovers, al barítono peruano Luis Asmat y al bajo bufo Marco Camastra. La Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil Bicentenario y el Coro Lírico Juvenil “Simón Boccanegra” acompañan la producción.

Lugar: Gran Teatro Nacional (20 de agosto) / Teatro Municipal de Lima, Jr. Ica 377 (22 y 23 de agosto)
Cuándo: 20 de agosto, 8:00 p. m. / 22 de agosto, 7:30 p. m. / 23 de agosto, 6:00 p. m.
Entrada: A la venta en Joinnus y Ticketmaster

Inmaduros — 2da temporada

Aldo Miyashiro y Lucho Cáceres continúan en el Nuevo Teatro Julieta con esta comedia sobre dos amigos de mundos opuestos cuya amistad se pone a prueba cuando un secreto sale a la luz. Texto de Juan Vera y Daniel Cúparo, dirección de Ximena Arroyo y Marco Paulo Meléndez.

Lugar: Nuevo Teatro Julieta, Psj. Porta 132, Miraflores
Hasta cuándo: 30 de agosto
Horarios: Jueves a domingo, 8:00 p. m.
Entrada: Desde 35 soles en Joinnus

CONCIERTOS

Maestra Salsa

Mabela Martínez, fundadora de Sonidos del Mundo, presenta Maestra Salsa en el marco de los 30 años de la institución. El espectáculo recorre los orígenes del sonido Fania en el Bronx latino de la Nueva York de los setenta, con evocaciones a los mambos de Tito Puente y la intimidad del bolero cubano. Una orquesta de salsa fiel al formato con el que Johnny Pacheco conquistó el mundo, con voces de Veruska Verdú, Narda Pumarada, Aldo Rodríguez, Junior Caro y Martín Sánchez, que interpretan éxitos de Celia Cruz, Willie Colón, Héctor Lavoe, Rubén Blades y Cheo Feliciano, entre otros.

El baile interviene bajo la dirección coreográfica de José de la Cruz, formado en la escuela D1 de Vania Masías. El actor y DJ Salsandro conduce el recorrido como cronista, locutor y maestro de ceremonias. La dirección teatral es de Claudia Tangoa y la dirección musical, de Felipe Pumarada.

Lugar: Gran Teatro Nacional, Av. Javier Prado Este 2225, San Borja
Cuándo: Sábado 22 y domingo 23 de agosto, 8:00 p. m.
Entrada: A la venta en Teleticket

Concierto Diosdado Gaitán Castro

El cantautor ayacuchano celebra 39 años de trayectoria en el Parque de La Exposición con un recorrido por sus temas más emblemáticos del género andino tradicional y contemporáneo: Amor, amor, Profesorita, Cómo ha hecho, El Perú nació serrano y Carnavales, entre otros. Lo acompañan el grupo Antología, La Patronal, Chapimarca y Nancy Manchego.

Lugar: Parque de La Exposición
Cuándo: Sábado 23 de agosto
Entrada: A la venta en Joinnus

Rubén Blades — Fotografías Tour

Rubén Blades llega a Lima con la Roberto Delgado Big Band como parte del Fotografías Tour, gira que el propio artista ha definido como el inicio de una etapa más pausada en su carrera y su despedida de los grandes circuitos internacionales. El repertorio combina su premiado álbum Fotografías con clásicos como Pedro Navaja, Plástico, Decisiones y Amor y Control.

Lugar: Arena 1 Park, Circuito de Playas s/n, San Miguel
Cuándo: Miércoles 20 de agosto, 9:30 p. m.
Entrada: Desde 130 soles en Ticketmaster

EVENTOS INFANTILES

Saltimbanquis

Lugar: Teatro Mario Vargas Llosa, Biblioteca Nacional del Perú, San Borja
Hasta cuándo: 27 de setiembre
Horarios: Desde el 15 de agosto (consultar funciones)
Entrada: En Teleticket y en la boletería

Circo sobre hielo: ‘Aladino y el Misterio de la Lámpara’

Tras la acogida del público, Prodartes amplía la temporada del Circo Sobre Hielo hasta el 23 de agosto en La Cúpula de las Artes. La producción internacional reúne a 30 artistas de 12 nacionalidades sobre una pista de casi 400 metros cuadrados de hielo natural, con patinaje artístico, acrobacias, disciplinas aéreas, contorsión, ventriloquia y humor integrados en la historia de Aladino y la lámpara maravillosa. Entre sus figuras destaca la Hametov Troupe de Uzbekistán, especialistas en equilibrio sobre cuerda floja. Completan el elenco el ventrílocuo italiano Kenneth Huesca, el payaso argentino Morocco y el contorsionista chileno Gino Valentino.

Lugar: La Cúpula de las Artes, Av. Manuel Olguín, Santiago de Surco (pasando la Puerta 7 del Jockey)
Hasta cuándo: 23 de agosto
Horarios: Funciones los días 20, 21, 22 y 23 de agosto (consultar horarios en Joinnus)
Entrada: Desde 55 soles en Joinnus

‘Sueña’: Gran Circo de Rusia

El Gran Circo de Rusia amplía la temporada de ‘Sueña’ hasta el 30 de agosto en la Explanada Olguín del Jockey. En su décima visita al Perú, la compañía presenta una historia acompañada por orquesta en vivo, escenografía monumental e iluminación inmersiva. Entre sus figuras destacan los Martínez Brothers, poseedores de un récord Guinness en juegos icarios y premiados en los festivales de Montecarlo y Budapest; Tulga, artista de Mongolia con dos récords Guinness que participó en America’s Got Talent y Britain’s Got Talent; y Lemon Brothers, especialistas en báscula.

Lugar: Jockey – Explanada Olguín, Santiago de Surco
Hasta cuándo: 30 de agosto
Horarios: Funciones los días 21, 22, 23, 27, 28, 29 y 30 de agosto
Entrada: Desde 50 soles en Teleticket

EXPOSICIONES Y EVENTOS GRATUITOS

Talleres de música y danza

La Universidad Nacional de Folklore José María Arguedas abre su Programa de Extensión Educativa con cursos libres de marinera norteña y limeña, tondero, festejo, huaylarsh, caporales y danzas del Altiplano, además de clases de guitarra, quena, zampoña, charango, violín, saxofón, órgano y batería. Para niños se ofrece el curso de Iniciación Musical y Dancística. Los cursos tienen una duración de dos meses y se dictan en niveles básico, intermedio y avanzado. Informes al WhatsApp 931 023 932.

Lugar: Av. Petit Thouars 421, Santa Beatriz
Cuándo: Desde el sábado 22 de agosto
Entrada: Libre (inscripciones abiertas)

Gracia Teruya

La artista limeña Gracia Teruya (Lima, 1986) inaugura su nueva exposición individual en las Salas 770 y Alicia Cox de Larco del Centro Cultural Ricardo Palma. La muestra reúne 16 pinturas —principalmente vistas nocturnas y marinas— inspiradas en el recuerdo de una persona amada, donde la ciudad de Lima se convierte en una geografía emocional atravesada por claroscuros y luz artificial. Para el curador Juan Peralta Berríos, “la ciudad ya no es solo un escenario geográfico, sino la cartografía psíquica de un duelo y de una pasión”.

Lugar: Centro Cultural Ricardo Palma, Av. José Larco 770, Miraflores
Hasta cuándo: 6 de setiembre
Horarios: Lunes a domingo, 10:00 a. m. a 9:00 p. m.
Entrada: Libre

Hugo Salazar Chuquimango

El artista Hugo Salazar Chuquimango (Callao, 1980) inaugura su segunda exposición individual del año en el Espacio Cultural Casa Rubens de Pueblo Libre. La muestra reúne 23 obras inéditas que proponen un diálogo entre dos momentos distantes de su producción: siete pinturas al óleo realizadas a sus 23 años —de carácter surrealista— y una serie de dibujos, técnicas mixtas y óleos recientes, de tono más simbólico y místico. Es ganador del Primer Premio del XII Salón Nacional de Pintura del ICPNA (2010) y del Primer Premio del Concurso de Dibujo del Centro Cultural Peruano Británico (2021).

Lugar: Espacio Cultural Casa Rubens, calle Benigno Cornejo 449, Pueblo Libre
Hasta cuándo: 20 de setiembre
Horarios: Martes a domingo, 11:00 a. m. a 7:00 p. m.
Entrada: Libre

‘III Salón de Arte Arequipa’ en Miraflores

Bajo el concepto ‘Una ciudad. Distintas miradas’, la Galería Más Arte inaugura el III Salón de Arte Arequipa, que reúne a diez artistas vinculados a esa ciudad: Alessandra Leiva, André Daza, Ángela Salas, Diego Ross, Giancarlo Melgar, María Laso, Sergio Pacheco, Fernando Peña, Arnold Colque y Verónica Torocahua. La muestra emplea pintura, dibujo, grabado, fotografía, imagen digital, objeto y soportes poco habituales como papel de lija, MDF troquelado y textiles.

Lugar: Galería Más Arte, calle Mariano Odicio 282, Miraflores
Hasta cuándo: 10 de setiembre
Horarios: Lunes a viernes, 10:00 a. m. a 6:00 p. m.; sábados, 10:00 a. m. a 1:00 p. m.
Entrada: Libre

‘200 años de rebeldía silenciosa’

MAV PERÚ (Asociación de Mujeres en las Artes Visuales del Perú), con curaduría de Teresa Arias Rojas, presenta una exposición colectiva de 83 artistas visuales de distintas regiones del país y del extranjero —Lima, Cajamarca, Trujillo, Piura, Arequipa, Pucallpa, Cusco, Berlín, Burdeos, Nueva York y Miami— en las galerías del BRITÁNICO de San Juan de Lurigancho y Santa Anita. La muestra parte de la incorporación del retrato de Tilsa Tsuchiya en el billete de 200 soles y propone una reflexión sobre el lugar de las mujeres en la construcción de la cultura visual peruana.

Lugar: Galería del BRITÁNICO de San Juan de Lurigancho (Av. Próceres de la Independencia 1531) y Galería del BRITÁNICO de Santa Anita (Av. Los Ruiseñores 215)
Hasta cuándo: 19 de setiembre
Horarios: Lunes a sábado, 10:00 a. m. a 6:00 p. m.
Entrada: Libre

Bienal de Arte y Nuevos Medios Videoakt 2026

Tras ocho años de inactividad, el espacio cultural autogestionado Casa Pausa reabre en Miraflores como sede de la Bienal de Arte y Nuevos Medios Videoakt 2026, bajo la dirección del artista y curador Andrés Ennen. La primera muestra, “Pausa del Sistema 1”, reúne a Ennen, Aaron Medina, Mikaela Merino, Santiago Huerto, Rodrigo Cabrera e Ingrid Silva con propuestas de arte cinético con robótica, experiencias inmersivas con sensores que proyectan los latidos cardíacos de los visitantes en tiempo real, y obras de procesamiento de video.

Lugar: Casa Pausa, Miraflores
Hasta cuándo: 5 de setiembre
Horarios: Lunes a sábado, 11:00 a. m. a 8:00 p. m.
Entrada: Libre

Presentación de Nuestros galos

El historiador y general de brigada en retiro Alan Torrico Lapoint (Lima, 1963) presenta Nuestros galos, novela histórica publicada por la editorial Maquinaciones, en la Biblioteca Estuardo Núñez del ICPNA de Miraflores. El libro reconstruye la historia de varias generaciones de la familia Hebert entre Francia y el Perú. La investigación llevó a Torrico Lapoint a archivos en Francia, Perú y Estados Unidos, y a recorrer lugares como Verdún y Boulogne-sur-Mer. Los comentarios estarán a cargo de Carlos Freyre y José Donayre.

Lugar: Biblioteca Estuardo Núñez, ICPNA Miraflores, Av. Angamos Oeste 160
Cuándo: Jueves 20 de agosto, 7:00 p. m.
Entrada: Libre

STAND UP Y MONÓLOGOS

‘Se busca marido cama afuera’

Johanna San Miguel continúa con las funciones de la edición especial de ‘Se Busca Marido Cama Afuera’ en el Centro de Convenciones Bianca. La función de la semana corresponde al jueves 20 de agosto.

Lugar: Centro de Convenciones Bianca, Av. Almirante Miguel Grau 135, Barranco
Hasta cuándo: 24 de setiembre (solo jueves)
Horarios: Jueves, 8:00 p. m.
Entrada: Desde 51 soles en Teleticket

OTROS

‘El Sentido: La Ciencia de la Compasión’

El psicólogo y conferencista internacional Juan Lucas Martín llega a Lima con una conferencia de tres horas que integra psicología, neurociencia y ciencia aplicada. La propuesta aborda la regulación del sistema nervioso, el manejo de emociones sin resolver, la compasión y herramientas para reducir la reactividad automática. La actividad está dirigida a profesionales de la salud, educadores, líderes y público general interesado en bienestar emocional.

Lugar: Teatro NOS, Av. Camino Real 1037, San Isidro
Cuándo: Sábado 22 de agosto, 10:00 a. m. a 1:00 p. m.
Entrada: A la venta en Joinnus

Bienal de Tipografía en Lima

La 10.ª Bienal de Tipografía Latinoamericana Tipos Latinos presentará su exposición oficial en Perú del 24 de agosto al 12 de septiembre, en alianza con la Escuela Superior Toulouse Lautrec. Durante este periodo, el público podrá acceder de manera gratuita a 75 proyectos seleccionados por un jurado internacional, en formatos impreso y audiovisual, que representan la producción tipográfica contemporánea de doce países latinoamericanos. Además de la muestra, la agenda incluye talleres y charlas con la participación de referentes del sector creativo, abordando temas como lettering digital, caligrafía y diseño de logotipos.

Las actividades se realizarán en las sedes Chacarilla y Javier Prado, con transmisión de charlas vía Zoom para facilitar la participación de personas de distintas ciudades. Entre los expositores figuran Carga Máxima, Pilar Sillero, Juan Luis Gargurevich, Orlando Aquije, Lucia Nolasco y Paola Vecco, coordinadora de la bienal en Perú. El evento busca promover el intercambio de conocimientos y fortalecer la visibilización del diseño tipográfico regional. Todas las actividades son gratuitas, previa inscripción a través de toulouselautrec.edu.pe.

Alejandro Gardinetti, el Rey del Chiste Corto que busca batir un récord mundial: “Me tengo fe”

Pablo Andisco — Fri, 21 Aug 2026 13:08:43 +0000

El humorista Alejandro Gardinetti, conocido como el Rey del Chiste Corto, pasó por el estudio de Infobae al Amanecer (Infobae en Vivo) en una mañana de frío intenso y demostró por qué ese apodo le queda justo: disparó más de 25 chistes en apenas dos minutos, sin pausas y sin dudar en ninguno. El desafío lo propuso el conductor Nacho Girón, quien al final del conteo reconoció que “a los veinte dejé de contar”.

Antes de la maratón de chistes, Gardinetti habló de sus comienzos. Contó que era “el pesado de la escuela que imitaba a los profesores” y que se anotó en Abogacía “por las mujeres”. Fue en una fiesta universitaria donde un compañero lo empujó al escenario por primera vez. “De caradura me mandé, se rieron”, recordó. Durante un tiempo llegó a combinar la facultad, la venta de perfumes y las actuaciones, sin imaginar que el humor sería su carrera.

El apodo de Rey del Chiste Corto tiene un origen concreto. Fue el inolvidable Gerardo Rozín quien lo bautizó así al ver su estilo en televisión y lo convocó a La Peña de Morfi. Gardinetti explicó la lógica detrás del formato: “Un chiste te hace reír, pero cinco te hace reír más que uno. Y diez más que cinco”. Por eso desarrolló tandas de chistes cortos, algunos de apenas cinco palabras —su ejemplo favorito: “Nene, decí una mentira. Papá.”—, que funcionan por acumulación y velocidad.

Durante la charla con Girón, Luciana Rubinska y Belén Escobar, Gardinetti reflexionó sobre las circunstancias que dificultan hacer reír. Mencionó la noche después del histórico “Felices Pascuas... La casa está en orden” de Raúl Alfonsín en el balcón como uno de los momentos más duros que vivió como profesional. También reveló que al día siguiente del fallecimiento de su padre viajó igual a cumplir una función en Chivilcoy: “Mi viejo va a querer que labure”, pensó para darse fuerzas. Contó que, ya arriba del escenario, no recordó el dolor hasta la vuelta en ruta, cuando se le vino a la mente todo lo que le pasaba internamente.

Sobre los cambios en el humor con el paso del tiempo, fue directo: el chiste machista y el de violencia de género quedaron afuera de su repertorio. “Era cultural, vos lo veías y hoy lo ves y decís...”, señaló, y admitió que al ver un video antiguo suyo le generó incomodidad uno de los chistes del segmento. Dijo que en sus shows evita cargar al público, incluso cuando alguien se levanta al baño: “Hago de cuenta que no lo vi”.

Al cierre, Gardinetti reveló una ambición concreta: batir el récord de chistes contados en una hora. Un peruano registró 411 en ese lapso en la década de 1970. Con la matemática a favor —“25 en dos minutos serían 250 en veinte”—, cree que puede superarlo. “Yo me tengo fe, pero todavía no me he podido conectar”, cierra entusiasmado. Como para irse preparando, este sábado 23 sube al Chacarean Teatro para hacer lo que mejor sabe: contar chistes, ese oficio que nació casi de casualidad, supo moldear con el paso de los años y ahora se propone hacer historia.

Mirá la entrevista completa a Alejandro Gardinetti

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El Festival Llegás vuelve con más de 50 obras a mitad de precio y toma 10 salas de Buenos Aires

Thu, 20 Aug 2026 12:21:08 +0000

El Festival Llegás llega a su novena edición con una programación que reúne más de 50 obras de la cartelera teatral porteña a mitad de precio. Entre el 31 de agosto y el 6 de septiembre, durante siete días, más de 500 artistas tomarán 10 salas de la Ciudad de Buenos Aires para acercar las artes escénicas a un público más amplio.

La propuesta de este año amplía su formato respecto a ediciones anteriores. Además de la selección habitual de títulos del circuito comercial, la programación incorpora clases magistrales, actividades especiales, un circuito de obras en espacios no convencionales y espectáculos invitados. También se suman producciones seleccionadas mediante convocatoria abierta, con lo que el festival consolida su perfil interdisciplinario.

Entre las sedes confirmadas figuran el Galpón de Guevara (Guevara 326), el Cementerio Británico (Av. Elcano 4568), el Centro Cultural y Político El Hormiguero (Yrigoyen 1440), la sala Almagna (Guardia Vieja 3783) y El Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034), entre otras. La variedad de espacios —algunos de ellos alejados de los circuitos teatrales tradicionales— forma parte de una apuesta por la descentralización de la oferta cultural.

La programación incluye títulos como Civilización, Minima Moralia, SIMULACRO I – otra consagración, Con los ojos de ahora, Nacidas con Fórceps, Shakespeare en el cementerio, entre una extensa lista de piezas de curaduría exquisita . El jueves 3 de septiembre se realizará además una clase magistral de actuación a cargo de Pablo Ariel Bursztyn en el Galpón de Guevara.

El festival es una iniciativa de Revista Llegás, coproducida junto a LEM Asociación Civil, bajo la dirección general y curaduría de Ricardo Tamburrano y Melina Seldes. “El festival no es el fin: el festival es un medio para generar encuentro. Las obras nos convocan, pero lo que permanece es el encuentro. Queremos compartir una experiencia que nos cambie”, afirmaron Tamburrano y Seldes en la presentación de esta edición.

Las entradas para todas las funciones están a la venta en festival-llegas.com.ar, donde también puede consultarse la programación completa con horarios y sedes.

Fuente y fotos: gentileza prensa Fetival Llegás.

Benjamín Vicuña reveló un cambio clave en su agenda profesional: de qué se trata

Martina Cortés — Wed, 19 Aug 2026 19:20:03 +0000

En medio de una agenda marcada por proyectos profesionales y una exposición mediática constante, Benjamín Vicuña sorprendió a sus seguidores al anunciar una decisión que marca un nuevo giro en su carrera. Mientras protagoniza Secreto en la Montaña junto a Esteban Lamothe, el actor chileno comunicó a través de sus historias de Instagram que se prepara para despedirse de su papel en la exitosa obra teatral.

“En seis semanas me despido de Secreto en la montaña”, escribió junto a una fotografía sobre el escenario, confirmando que su salida se dará en poco más de un mes. Ante el inesperado anuncio, lejos de alimentar rumores sobre su salida, Vicuña explicó rápidamente los motivos detrás de su decisión.

En otra historia desde su cuenta personal, aclaró que se trata de una pausa motivada por compromisos laborales asumidos con anterioridad. “Para cumplir con proyectos cinematográficos con Álex de la Iglesia y Matías Bize, pactados antes de empezar la obra”, detalló, dejando claro que su alejamiento no está relacionado con ninguna cuestión personal ni con los recientes episodios de exposición mediática. Además, para evitar especulaciones sobre el futuro del espectáculo, remarcó: “Pero la obra sigue”.

El actor también compartió una imagen junto al elenco y al equipo de Secreto en la montaña, acompañada de unas palabras sentidas en la antesala de esta nueva etapa profesional. “Le deseo a mis compañeros una gira preciosa. Han sido meses increíbles, de mucho amor, debate y de tocar almas”, escribió Vicuña, agradeciendo el tiempo compartido y dejando en evidencia el vínculo construido con sus colegas sobre y fuera del escenario.

Secreto en la montaña es la versión teatral del relato de Annie Proulx que Ang Lee llevó al cine en 2005 bajo el título Brokeback Mountain, una historia de amor entre dos vaqueros que sacudió las convenciones de la época y se transformó en un clásico contemporáneo. La adaptación escénica, con guion de Marcos Carnevale y dirección de Javier Daulte, reúne a Vicuña y Lamothe en los roles protagónicos, acompañados por Laura Paredes y Gabriel Tocastro. Antes de su desembarco en Buenos Aires, la obra tuvo versiones en Inglaterra y Brasil, y desde su estreno en la Argentina cosechó elogios de la crítica y una importante respuesta del público.

En paralelo a este anuncio profesional, Vicuña atraviesa días de alta exposición mediática. El último fin de semana estuvo marcado por un nuevo round de tensión con Mauro Icardi, en el marco de la compleja trama que lo une a la China Suárez y a sus hijos menores. Aunque el actor buscó mantener distancia de la polémica, finalmente fue interceptado por un móvil de Intrusos (América), donde brindó declaraciones breves pero contundentes sobre la situación.

El martes, mientras el cruce escalaba en las redes, Vicuña eligió el bajo perfil y trató de evitar la confrontación pública. Las cámaras del ciclo lo encontraron cerca del edificio donde vive, a pocos metros del MALBA, y registraron su reacción ante la consulta por los mensajes de Icardi. “No voy a hablar. La vida es esto. La vida son las responsabilidades, el colegio, ir y traer, tener... Perdón”, respondió, fijando un límite y dejando entrever que sus prioridades pasan por otro lado.

El cronista insistió, preguntando si la situación lo angustiaba, considerando que el tema toca su rol más sensible: la paternidad. Vicuña no dudó: “Es que no voy a seguir alimentando esto. Nunca lo hice. No me interesa”. Frente a la persistencia del periodista, el actor fue aún más claro: “¿Entendés o no?”. El notero asintió, pero le recordó los dichos de Icardi sobre el tiempo que Vicuña habría compartido con sus hijos en Argentina. “Eso es absolutamente ridículo”, sentenció el actor chileno.

La entrevista también incluyó una consulta sobre el apoyo de su pareja, Anita Espasandín, en este contexto de alta exposición. “Sí, siempre, siempre”, aseguró Vicuña, agradeciendo el acompañamiento en medio de la tormenta mediática. La breve pero firme interacción dejó en evidencia la postura del actor: no está dispuesto a ventilar su vida familiar ni a alimentar disputas públicas, aunque el tema lo toque de cerca.

Mientras se despide de uno de los personajes más comentados de la temporada y se prepara para nuevos desafíos profesionales, Vicuña apuesta por el trabajo, el compromiso y los vínculos personales como refugio frente al ruido mediático. La vida continúa, y el escenario, al menos por ahora, lo espera en otros territorios.

Diana Perelli nos habla de “Tonter I.A.” , obra sobre la Inteligencia Artificial a través de un show clown

Ignacio Izquierdo — Tue, 18 Aug 2026 21:44:48 +0000

Diana Perelli habla sobre Tonter I.A., el espectáculo clown que pone en escena la inteligencia artificial y se pregunta si la tecnología ha hecho al ser humano un ser absurdo. La obra se presenta del 15 de agosto al 4 de octubre en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque, con funciones los sábados y domingos a las 13 horas.

La compañía El Gallinero lleva 14 años vinculando el clown con distintas disciplinas. En esta ocasión integra videomapping, loops en vivo y dos inteligencias artificiales desarrolladas específicamente para el espectáculo por Isaías Herrera. La tecnología no es un recurso narrativo: opera en tiempo real y genera situaciones distintas en cada función.

El público participó desde la primera función

En entrevista con “Infobae México, Diana , dice Perelli nos contó qué tal reaccionó la audiencia en la primera fecha:

“Esta primera función el público reaccionó de manera muy sorprendente. O sea, estuvieron muy contentos, muy felices. En los momentos en los que tienen que participar, todos querían participar. Estaban muy involucrados, tanto con la historia, con los personajes, como con la inteligencia artificial, porque dentro de la obra hay dos inteligencias artificiales que estamos utilizando en vivo. Entonces, el público pedimos unas palabras para meterlas en el prompt de esta inteligencia artificial que utilizamos y estaban todos mega súper participativos y muy contentos. O sea, hay también dentro de la obra varias canciones que nos apoyan como fondo musical. Y el público salió con la cancioncita pegada, o sea, todos estaban cantando. Al final salieron contentos. Fue una muy buena recepción”

Sobre la IA en el arte

“Nosotras creemos que la inteligencia artificial efectivamente funciona como una herramienta, ¿no? Pero no podemos delegarle toda la responsabilidad de creación. Y me parece que en el área artística, por mucho que una inteligencia artificial pueda lograr cosas que puedan parecer muy bien hechas, siempre va a hacer falta el factor humano, va a hacer falta el error. Que, bueno, precisamente el lenguaje clown que utilizamos se basa mucho en el error humano. Eso es lo que genera la risa, el error humano. Entonces, creo que aunque en el tema literario pueda estar sucediendo esto, me parece que va a llegar un punto en que nosotros como seres humanos nos vamos a dar cuenta que las historias que nos está contando la inteligencia artificial no nos llenan o no nos hablan de la misma manera que nos habla un Shakespeare o un Don Quijote de la Mancha, ¿sabes? Sí, básicamente creo que va a llegar un punto en que tanta artificialidad nos va a terminar haciendo falta lo humano, lo que es el error”.

Una obra construida con científicos

El contenido científico de Tonter I.A. se desarrolló con la Dra. Ivete Sánchez, el Dr. Johan van Horebeek y el Dr. Víctor Muñiz. Perelli describe cómo ese proceso alimentó la puesta en escena:

“Yo conozco a la compañía desde hace ya un buen tiempo. He asistido muchas veces como producción. Y en ciertas ocasiones me toca fungir como actriz también. En esta obra en particular, yo no estuve en el proceso de creación de la obra, pero sí conozco lo que sucedió. Ellas se dedican a divulgar la ciencia a través del arte y del clown. Entonces, ya habían trabajado con un científico, que ahorita no me acuerdo el nombre, creo que es Johann Von Banger. Bueno, Johann, que trabaja en varias áreas científicas y junto con él tomaron la decisión de hacer este espectáculo que hablara sobre IA, ¿no? Tuvieron conversaciones con este científico y con otra científica que también trabaja tecnologías nuevas. Y a partir de esas pláticas fue que ellas empezaron a desarrollar este espectáculo clown. Y bueno, conocieron a Isaías, que es el que creó las inteligencias artificiales especiales para este espectáculo. Y lo que me preguntabas de cómo me siento trabajando con ellas, pues es muy divertido. Tenemos un gran canal de comunicación entre las cuatro, ¿no? Porque son Jessica, que es precisamente a quien estoy supliendo, Claudia y Lucía. Tenemos una muy buena comunicación. Las cuatro venimos de la misma escuela, conocemos el mismo lenguaje teatral, entonces es muy fácil poder trabajar juntas”.

Esa comunicación, dice, se traduce directamente en escena: “Ya dentro de la escena, pues la consigna es escucharnos, disfrutarlo, jugarlo. Estar ahí la una para la otra, ¿no?”.

Las redes sociales, el camino al teatro

Sobre cómo acercar a más mexicanos al teatro, Perelli apunta a las plataformas digitales como el puente pendiente:

“Yo creo que es una pregunta que me he hecho muchas veces y siento que nosotros los teatreros a lo mejor estemos muy aferrados a llegar a las personas a través de nuestro arte, sea como sea, ¿no? Y yo creo que debemos aprender a manejar los lenguajes que ahora la gente está consumiendo, que son Instagram, TikTok, ¿no? Poder entenderlos bien para entonces desde ahí poder jalar público que venga a ver teatro, ¿no? Yo creo que sería como utilizar esta herramienta que ya existe de redes sociales, pero entender muy bien el lenguaje para que las personas se enganchen y puedan animarse a levantarse de sus sillones y manejar en el tráfico y todo para ir a los teatros. Siento que ese es el meollo del asunto”.

Tonter I.A. se presenta los sábados y domingos a las 13 horas en la Sala Xavier Villaurrutia, ubicada en Paseo de la Reforma s/n, alcaldía Miguel Hidalgo, Ciudad de México. La temporada cierra el 4 de octubre.

Los 6 meses de García Lorca en Buenos Aires: historias en una ciudad que amó

Juan Batalla — Tue, 18 Aug 2026 03:50:00 +0000

En el barrio de Caballito, una calle recuerda una visita histórica, la de una voz que 90 años después de haber sido silenciada por una brigada franquista durante el comienzo de la guerra civil española, se mantiene viva: la de Federico García Lorca.

Y es que el poeta y autor teatral español, que dejó piezas como Romancero gitano y Poeta en Nueva York, reeditadas una y otras vez, o piezas como célebre trilogía rural: Bodas de sangre, Yerma y La casa de Bernarda Alba, que en cada reposición llenan las salas, tuvo un no tan fugaz amor con la Ciudad de Buenos Aires, a la que llegó el 13 de octubre de 1933, en lo que iba a ser una visita breve, pero se extendió por seis meses, hasta el 27 de marzo del ‘34.

Eran años de conflictividad política, de violencia policial, en medio de la Década Infame, que había comenzado con el golpe de Estado de José Félix Uriburu al presidente Hipólito Yrigoyen y que se mantuvo hasta 1943, la llamada “Revolución del 43″, otro golpe de Estado, todos años en el que las elecciones eran sostenidas por el fraude sistemático, la corrupción habitó cada rincón de la gestión pública y se proscribió a la oposición política.

Durante ese tiempo, su hogar fue la habitación 704 del Hotel Castelar, sobre la Avenida de Mayo, a unos 100 metros del Teatro Avenida, donde Lola Membrives representaba Bodas de sangre. Frente al hotel, que cerró sus puertas durante la pandemia, se conserva una placa en recuerdo de su paso.

Lorca llegó a bordo del Conte Grande en la madrugada del 13 de octubre. Era su tercer viaje a América, aunque el primero al Río de la Plata, después de su paso por Cuba y Nueva York, y si bien había llegado con la idea de irse rápido, tras dar algunas conferencias, acompañar el reestreno de Bodas de sangre - que llegó hasta las 150 representaciones, lo que le reportó unos ingresos que le permitieron por primera vez su independencia económica- y el estreno americano de La zapatera prodigiosa, no pudo resistir la fascinación por una metrópolis que poseía una riquísima oferta cultural y donde, hay que decirlo, fue recibido con brazos abiertos.

El recibimiento en el puerto fue, según su biógrafo Ian Gibson en Federico García Lorca. Vida, pasión y muerte, triunfal: lo esperaban periodistas, fotógrafos, representantes culturales, amigos y personas de Fuente Vaqueros, su pueblo natal. Asombrado por esa recepción, Lorca le dijo a su madre: “Me tratan como a un ministro”.

Y agregaba: “Estoy abrumado por la cantidad de agasajos y distinciones que estoy recibiendo, deslumbrado por tanto jaleo. Aquí tengo la fama de un toreo”.

Desde el día siguiente a su llegada, su figura ocupó diarios, radios y revistas. Su presencia se volvió habitual en conferencias, lecturas, reuniones con artistas, caminatas por la avenida Corrientes y la calle Florida, visitas al café Tortoni, la confitería El Molino, la Isla Maciel y paseos por el Tigre.

Frecuentó algunas veces a Victoria Ocampo, aunque la revista Sur no publicó obra suya durante esa estadía. Con Jorge Luis Borges la relación fue casi nula, salvo alguna anécdota compartida, y también circuló la versión de un encuentro con Carlos Gardel, en cuya casa del Abasto habría tocado el piano, según recordaba el compositor Ben Molar.

La amistad más sólida de esos meses fue la que construyó con Pablo Neruda, entonces cónsul de Chile en la Argentina. Unidos por su admiración a Rubén Darío, compartieron homenajes al poeta nicaragüense y, en febrero de 1934, Lorca ilustró con dibujos un breve libro de poemas del chileno.

El éxito teatral fue otra de las marcas de la visita. El reestreno de Bodas de sangre a fines de octubre se convirtió en un triunfo de taquilla que permaneció varios meses en cartel y le permitió enviar a su padre una suma importante de dinero, algo infrecuente en una actividad que este miraba con desconfianza.

En diciembre de 1933 estrenó La zapatera prodigiosa, también con buena respuesta del público, pese a ser una obra anterior y de tono opuesto a Bodas de sangre: una comedia frente a una tragedia. Después viajó a Montevideo, donde terminó la adaptación de La dama boba de Lope de Vega para el Teatro de la Comedia, y luego regresó a Buenos Aires para estrenarla.

Aunque recibió propuestas para prolongar su actividad durante 1934, Lorca decidió volver a España, donde lo esperaba La Barraca, la compañía de teatro popular y ambulante que dirigía junto a Eduardo Ugarte.

Antes de partir aprovechó la prensa porteña para expresar sus posiciones políticas: nunca ocultó su antimonarquismo, su inquietud ante el avance de la derecha y su rechazo al teatro burgués.

En una entrevista al diario Crítica, un cronista escribió que el poeta hablaba una y otra vez de la tarea de La Barraca y “despotrica contra la burguesía”. En esa misma línea dejó una de sus declaraciones más citadas: “Yo arrancaría de los teatros las plateas y los palcos y traería abajo el gallinero. En el teatro hay que dar entrada al público de alpargatas. ¿Trae usted, señora, un bonito traje de seda? Pues, ¡afuera!”.

Su último acto en Buenos Aires fue una puesta de Retablillo de don Cristóbal, una obra de títeres en la que los muñecos aludían a temas y nombres de la ciudad. La función fue en el Teatro Avenida, exclusivamente para amigos, con inicio a las 2 de la madrugada, y entre los asistentes estuvieron Oliverio Girondo, Conrado Nalé Roxlo, Raúl González Tuñón y Norah Lange.

El 27 de marzo de 1934 se embarcó de regreso a España. Antes dejó a Neruda un sobre con mucho dinero y una nota breve: “Para seguir la fiesta”. Su despedida fue pública, o trató que llegué a la mayor cantidad de gente, por eso eligió una radio, Stentor, donde alabó el paisaje urbano, los bandoneones y la hospitalidad del Río de la Plata.

La intensidad de aquella estancia alimentó, décadas después, un circuito cultural dedicado a reconstruir sus pasos por la ciudad: el Castelar, el Tortoni,, la avenida Corrientes, el Tigre y las amistades artísticas que tejió en esos meses.

Lorca fue asesinado en Granada el 18 de agosto de 1936. Tras la noticia de su muerte, González Tuñón escribió: “Qué muerte tan enamorada de su muerte / qué fusilado corazón tan vivo / qué luna de cenizas tan ardiente, en donde se desploma Federico”.

Entre lágrimas y ovaciones: Siete veces adiós celebra 1,100 funciones

Miriam Estrella — Mon, 17 Aug 2026 14:46:18 +0000

El Teatro Ramiro Jiménez se vistió de gala la noche del domingo 16 de agosto para celebrar las 1,100 funciones de Siete veces adiós, una obra creada por Alan Estrada, Vince Miranda, Salvador Suárez y Jannette Chao, que lleva alrededor de cuatro años y medio en cartelera en la Ciudad de México, pese a que originalmente estaba pensada para una temporada mucho más breve. Inspirada en experiencias relacionadas con el amor y las rupturas, la puesta en escena explora las emociones que deja un “corazón roto”.

La función tuvo como padrinos de honor a María León y Mauricio Martínez, quienes acompañaron a la compañía durante la develación de la placa conmemorativa. Sobre el escenario, Macarena García y Edu Maruri protagonizaron una velada marcada por emociones, música y una historia que continúa encontrando eco entre el público.

Alan Estrada resumió la magnitud del momento: “Mil cien funciones es una locura para nosotros. Queríamos hacer ocho semanas y estamos por cuatro años y medio”. Además, destacó que parte del elenco original continúa en escena, algo que, dijo, habla de “lo mucho que aman la obra y lo mucho que los amamos nosotros a ustedes”.

María León y Mauricio Martínez celebran el milagro

Mauricio Martínez felicitó a toda la compañía y definió las 1,100 representaciones como algo extraordinario: “Eso en México es prácticamente un milagro”. También recordó que vio el estreno y celebró la evolución del montaje, así como el talento que ha pasado por sus diferentes elencos.

“Creo que es una obra extraordinaria y los felicito de corazón por el trabajo y el corazón que le echan, porque de verdad se parten su madre todas las noches”, expresó entre ovaciones, reconociendo a cantantes, músicos y artistas que han mantenido vivo el proyecto.

María León, quien aseguró haber visto la obra seis veces, confesó: “No hay una sola vez en que no me rompa algo por dentro o me haga crear una conciencia”. Para ella, esa capacidad de mover al público demuestra “de eso se trata el teatro y el arte y por eso es tan necesario en nuestras vidas”.

Macarena García vuelve a donde se siente segura

Macarena García, protagonista de esta temporada como “Ella”, reveló que esta es aproximadamente la cuarta ocasión en que regresa al montaje. Con humor reconoció: “Ya nunca me van a volver a creer que es mi última función”, y explicó su regreso con una frase sencilla: “uno siempre regresa a donde se siente seguro”.

La actriz contó que ha incorporado rasgos personales a su personaje, especialmente una “Ella” con mucha energía y divertida. También agradeció que distintas combinaciones de elencos permitan que el público vuelva a encontrar la historia desde perspectivas diferentes.

Sobre lo que significa regresar, fue contundente: “Que se permita seguir aprendiendo de ella misma cada vez que suba a ese escenario” y que nunca se arrepienta de volver, porque “es muy mágico”. Ahora, mientras Siete veces adiós mira hacia una nueva etapa, la compañía prepara la gira por la República Mexicana que comenzará en septiembre, con María León entre sus participantes.

Un amor que se despide, pero sigue resonando

Siete veces adiós explora una ruptura amorosa a través de los recuerdos, las heridas y las emociones de una pareja que enfrenta el final de su relación. La música original, el teatro contemporáneo y una banda en vivo acompañan ese recorrido íntimo entre el enamoramiento, la pérdida y la transformación.

Frases como “somos polvo de estrellas”, “¿cuánto dura un corazón roto?” y “conoció el amor antes que el mar” forman parte de ese universo emocional que permite al espectador reconocerse en las palabras, las canciones y los silencios de los personajes.

La obra apuesta por mostrar la vulnerabilidad de amar y despedirse sin disfrazarla. Sus diálogos, confesiones y momentos musicales construyen una experiencia cercana, en la que cada función puede provocar una reacción diferente.

El rey loco de “Juego de tronos” llega al escenario de Shakespeare

Alexis Soloski — Mon, 17 Aug 2026 04:00:00 +0000

Una pelea de espadas se parece a un baile. Y un baile también se parece a una pelea de espadas. Por eso, en una sala de ensayos sofocante en el sur de Londres, a finales de mayo, decenas de actores se alinearon en filas paralelas, girando, esquivando, apuntando y retrocediendo, mientras gigantescos caballos de utilería observaban desde un costado. Era un ensayo de un número de baile para una producción épica que comenzó sus funciones previas, tras un retraso significativo, el martes en la Royal Shakespeare Company en Stratford-upon-Avon, Inglaterra, antes de su apertura prevista para el 8 de agosto.

Los bailarines principales en esa escena son Lyanna Stark y Rhaegar Targaryen. ¿Estos nombres resultan familiares? Si eres fanático del éxito de HBO Game of Thrones o de la serie de novelas A Song of Ice and Fire de George R.R. Martin, aún inconclusa, seguramente sí. La nueva obra, Game of Thrones: The Mad King, ha sido adaptada por Duncan Macmillan (“Every Brilliant Thing”, “People, Places and Things”) a partir de las novelas de Martin y será dirigida por Dominic Cooke, un director galardonado con el premio Olivier.

La serie de HBO finalizó, no sin controversia, en 2019, y Martin no ha publicado un libro de la saga desde 2011, aunque sí lanzó una precuela. En estas circunstancias, una franquicia podría perder impulso, pero Westeros, el mundo mítico creado por Martin, solo ha crecido, tanto en la mente de los fanáticos, que siguen produciendo fan fiction y arte, como en espacios comerciales.

HBO ya ha dado luz verde a dos spin-offs: la precuela House of the Dragon, que ya va por su tercera temporada, y la serie complementaria A Knight of the Seven Kingdoms, renovada para una segunda temporada. Hay otros proyectos en desarrollo. Un recorrido por los estudios en Irlanda del Norte recibe numerosos visitantes y la tienda oficial sigue lanzando nuevos productos, incluidas espadas de réplica de 700 dólares y una corona de 500 dólares.

Se trata de una vida posterior inusualmente vigorosa para una serie de televisión. Julie Escurignan, profesora especializada en marketing cultural, considera que “Game of Thrones” pertenece al panteón de “Star Wars”, “Star Trek” y “Harry Potter”. “Son fenómenos de alcance mundial”, afirmó.

¿Qué hace un fenómeno global cuando ya no quedan otros mundos por conquistar? Al parecer, monta un espectáculo.

Los productores, con el visto bueno de Martin, comenzaron a pensar en un espectáculo teatral hace casi una década, cuando la serie original aún estaba al aire. “Porque el teatro ofrece algo que ningún otro medio puede: la posibilidad de sumergir totalmente al público”, explicó Simon Painter, uno de los productores. “Harry Potter and the Cursed Child”, una expansión teatral del universo Potter, ya se había estrenado con gran éxito y muchas películas populares, aunque no series, habían sido adaptadas para Broadway, el West End y parques temáticos.

Painter, productor conocido en Broadway por shows de magia, y Jonathan Sanford, quien había adquirido los derechos teatrales de los libros, se reunieron con varios directores en 2018. Entre ellos figuraba Cooke, reconocido director de Shakespeare, en parte porque las Guerras de las Rosas, una serie de conflictos ingleses del siglo XV, fueron una inspiración clave tanto para Martin como para Shakespeare.

Cooke, que había visto algunos episodios de “Game of Thrones”, acudió a la reunión. Para prepararse, leyó “A Song of Ice and Fire” de Martin, notando las similitudes con Shakespeare, lo cual lo tranquilizó. “Si vas a tomar propiedad intelectual de otro formato, necesitas una razón poderosa para convertirla en teatro, no solo ponerla en escena de forma cínica”, señaló. Esas similitudes le parecieron suficiente motivo. Así que Cooke voló a Durango, Colorado, para reunirse con Martin.

El encuentro resultó positivo y Cooke propuso a Macmillan, un dramaturgo con quien había trabajado frecuentemente, como posible guionista. Macmillan, cuyo trabajo suele ser contemporáneo, no parecía encajar naturalmente en una épica, pero Cooke admiraba su capacidad psicológica y de rigor, así como su talento para elevar material realista. Tras leer las obras de Macmillan, los productores estuvieron de acuerdo y se organizó otra reunión con Martin. Luego llegaron los confinamientos por la pandemia, durante los cuales Macmillan leyó todos los libros de “Ice and Fire” y se sorprendió al ver cuánto le resonaban.

“Me resultaron veraces respecto a cómo se sentía estar vivo durante la pandemia”, dijo Macmillan. “Crees que controlas tu destino, pero todo depende de fuerzas fuera de tu control”.

Los productores decidieron que la obra trataría sobre eventos ocurridos década y media antes del inicio de la saga “Ice and Fire” y siglos después de la precuela “Fire & Blood”, principalmente un torneo en Harrenhal que presenta versiones jóvenes de varios personajes principales. (Aunque nunca aparece en “Game of Thrones”, fue el tema de un cortometraje animado de HBO incluido en una versión en Blu-ray).

Macmillan y Cooke sostuvieron que la acción debía ir más allá de eso.

“Para capturar lo que queríamos, que era una especie de obra histórica y trágica shakesperiana, teníamos que seguir algunas de esas historias hasta su desenlace”, comentó Macmillan. Aunque rechazó el uso de pentámetro yámbico porque Martin escribe en prosa, Macmillan terminó aceptando los paralelismos con Shakespeare, que incluyen todo desde “Hamlet” hasta “Macbeth”, “Romeo y Julieta” y “Ricardo II”.

“Es bastante autoconsciente”, señaló.

Lo que Macmillan y Cooke diseñaron fue enorme en escala, al menos para el teatro, requiriendo 36 actores, sin contar los caballos de utilería y los efectos de fuego. Se pensó brevemente en un estreno en Nueva York y también en Londres. Pero tras un extenso desarrollo, Cooke sugirió un lugar más apropiado para la obra: la Royal Shakespeare Company.

En cierto modo, una empresa tan comercial parece una elección extraña para una institución tan prestigiosa. ¿Quería realmente la casa de Ian McKellen, Judi Dench, Helen Mirren y Kenneth Branagh aliarse con una serie de HBO? Incluso Macmillan reconoció que el proyecto podía verse como “otro trozo de propiedad intelectual explotada”.

Pero la Royal Shakespeare Company tiene una larga historia de producción de todo tipo de obras, habiendo estrenado títulos como “Matilda”, “Mi vecino Totoro” y “Los Miserables” en inglés. Cooke, asociado de largo recorrido del teatro, quería aprovechar no solo los recursos de la compañía —su arsenal, sus talleres de escenografía y vestuario— sino también su sello, que designaría la obra como seria y popular a la vez.

“Tener la marca R.S.C. nos ayuda mucho a fijar las expectativas”, dijo Macmillan. “No será Medieval Times, comiendo muslos de pavo y agitando banderas”.

Hace un año y medio, Cooke comenzó conversaciones con los actuales directores artísticos de la compañía, Daniel Evans y Tamara Harvey, quienes se mostraron receptivos. “Esa idea de una historia que se desarrolla a lo largo de generaciones, con temas de sucesión, poder y amor, es parte fundamental del trabajo de nuestro dramaturgo de cabecera”, afirmó Harvey.

En diciembre pasado, Martin visitó Stratford, lo que pareció entusiasmarlo. (Existe una foto suya en el arsenal, empuñando una espada de utilería y mostrando gran satisfacción). Que una versión de su obra se estrenara en la ciudad natal de Shakespeare “me dejó sin palabras”, escribió Martin en un correo electrónico. “No podía imaginar un honor mayor, ya que su influencia está presente en todos mis libros de Westeros”.

Espadas de la Royal Shakespeare Company. Muchos de los trajes, utilería y armas se toman prestados de producciones anteriores allí.

Durante la visita de una periodista en mayo, los talleres de escenografía de la compañía ya estaban en plena actividad: impresión 3D de candelabros, envejecimiento de grandes puertas de metal y construcción de un suelo de tierra en forma de cruz. Una diseñadora tenía un cuenco de remaches en su mesa, buscando la pieza perfecta. Otros trabajaban en armas hechas a medida, incluyendo una daga catspaw, una lanza de tres puntas y un martillo de guerra.

Chloe Lamford, la principal escenógrafa, dijo que buscó inspiración en los libros, la serie y el arte de los fans. “Hay que abordarlo con amor y respeto por el mundo que ya existe”, comentó. Pero el diseño debía ser específico para el escenario. “No podemos hacer las cosas como en la televisión”, dijo. “No podemos crear mundos reales. Creamos mundos abstractos porque la imaginación del público llena la sala”.

Numerosos trajes, utilería y armas se tomaron prestados de producciones anteriores de la Royal Shakespeare Company y, en un edificio donde se encuentra su archivo, una encargada de colecciones organizó una muestra: coronas, escudos y jubones sudados, algunos de los cuales se reutilizarán. (Una asistente preguntó: “¿Quieres ver nuestra colección de cabezas cortadas?”) El objetivo de la exhibición era mostrar que “Game of Thrones: The Mad King” es solo una obra histórica más entre muchas otras. Esta requerirá, por supuesto, un nuevo y probablemente muy puntiagudo trono, cuyos detalles se mantenían en secreto.

Montar una epopeya, incluso con elementos abstractos, no resulta sencillo. Las funciones previas estaban programadas para el 20 de julio, luego se retrasaron y después se volvieron a retrasar, según una portavoz de la Royal Shakespeare Company, debido a “la naturaleza ambiciosa y épica de la producción”. Un trono no se construye en un día.

Para algunos compradores de entradas, ese trono será el mayor atractivo; para otros, la conexión con Shakespeare. “Tenemos que atraer a ambos públicos y a todos los que están en medio”, afirmó Macmillan.

Macmillan, hablando antes de los retrasos, aseguró que estaba preparado para el reto. Recordó cuando lo llevaron de niño a ver sus primeras obras de Shakespeare en la Royal Shakespeare Company. Le llevó un tiempo acostumbrarse al lenguaje y al peso de la historia detrás de las historias, recordó. Después se entregó por completo: lloró, rió, se asombró. Quiere eso para los demás.

“En el fondo, solo quiero que la gente se sienta abrumada, especialmente si es la primera vez que ven una obra”, dijo. “Solo quiero que digan: ‘Guau’”.

Fuente: The New York Times

La reflexión de Antón Chéjov, escritor ruso, sobre los vínculos humanos: “El amor, la amistad y el respeto no unen tanto a las personas como el odio compartido hacia algo”

Elena L. Villalvilla — Mon, 17 Aug 2026 03:30:00 +0000

Más de un siglo después de su muerte, Antón Chéjov (Taganrog, 1860-Badenweiler, 1904) sigue siendo una autor referente en nuestros días. Médico de profesión y autor de algunos de los cuentos y obras teatrales más influyentes de la literatura universal, como La gaviota, Tío Vania, son consideradas obras maestras del naturalismo. Su influencia alcanzó a autores como James Joyce, Raymond Carver o Katherine Mansfield y, más de un siglo después de su muerte sus obras continúan representándose en escenarios de todo el mundo. De hecho, Javier Bardem debutará en el teatro el año que viene con un montaje basado en textos breves y cuentos del dramaturgo.

Su extraordinaria capacidad para observar el comportamiento humano quedó reflejada no solo en sus obras, sino también en sus cuadernos personales. Entre apuntes para futuros relatos, escenas, diálogos y aforismos, Chéjov dejó una reflexión que sigue perdurando a día de hoy: “El amor, la amistad y el respeto no unen tanto a las personas como el odio compartido hacia algo”.

Esta cita aparece en uno de los cuadernos de notas que el escritor escribió entre finales del siglo XIX y comienzos del XX, agrupados en una carpeta con la inspiración: “Temas, ideas, notas y fragmentos”. Tras su muerte, esos apuntes fueron recopilados y publicados bajo el título Note-book of Anton Chekhov, una obra, que como recoge el prólogo de la versión publicada en 1921 “la importancia que Chéjov atribuía a este material puede juzgarse por el hecho de que volvió a copiar la mayor parte de él en un cuaderno especial”, permitiendo conocer el proceso creativo de uno de los grandes maestros de la literatura.

Era tan sus apuntes que precisamente esta cita aparece aislada en la página 32 de la obra, sin una explicación posterior, contexto, o referencia a un acontecimiento concreto.

Un aforismo sin explicación

Nacido en Taganrog, una ciudad portuaria del sur del Imperio ruso, Chéjov estudió Medicina en la Universidad de Moscú mientras escribía relatos humorísticos para ayudar económicamente a su familia. Aunque nunca abandonó del todo la profesión médica, fue la escritura la que terminó convirtiéndolo en una figura esencial de las letras universales.

A lo largo de su carrera publicó centenares de cuentos, como La dama del perrito, género del que está considerado uno de los mayores renovadores, además de una producción teatral que cambió la dramaturgia contemporánea.

Tanto sus relatos como sus obras de teatro retratan con espíritu crítico la Rusia prerrevolucionaria, una sociedad marcada por las desigualdades, el inmovilismo y la frustración de unos personajes que aspiran a un mundo mejor, pero rara vez consiguen cambiar su destino. Para reflejar ese desencanto, Chéjov revolucionó la dramaturgia con una técnica basada en el subtexto. “Sus obras tenían el tierno susurrar de la vida cotidiana y ordinaria, la inutilidad melancólica de los recuerdos. Tal vez, como sucede diez veces por una en el teatro, se goce más de ellas leyéndolas que viéndolas y escuchándolas”, escribió Juan Carlos Onetti en El País en 1980. En 1904, enfermo de tuberculosis desde hacía años, falleció en la localidad alemana de Badenweiler a los 44 años.

Quiénes son los actores y los protagonistas reales de la serie de Moria Casán

Sol de María — Sun, 16 Aug 2026 21:24:32 +0000

Moria, la serie biográfica sobre la diva argentina se estrenó el viernes 14 de agosto a nivel mundial, y desde entonces viene dando que hablar. Con un reparto que reúne a algunos de los nombres más reconocidos de la actuación local para dar vida a las figuras que marcaron más de cinco décadas de carrera. La producción, creada y dirigida por Javier Van de Couter y realizada por About Entertainment —la compañía de Mercedes Reincke y Armando Bo—, llega a la plataforma en la antesala del cumpleaños número 80 de Moria Casán y propone algo más que un repaso cronológico: la propia diva asume el rol de “titiritera” de su historia, con participación especial dentro de la ficción.

La decisión de repartir el personaje central entre tres actrices da cuenta de la escala del proyecto. Sofía Gala Castiglione encarna a Moria en sus primeros años, con la estética de vedette de los años 70. Griselda Siciliani la representa en la etapa de mayor exposición televisiva, y Cecilia Roth aporta una mirada retrospectiva sobre los inicios de la artista. Las tres comparten el peso de un personaje que, según la sinopsis oficial de Netflix, “hizo de la transgresión una forma de supervivencia”.

Desde el tráiler con el que comenzó a promocionarse la producción, Gala abre con una frase que funciona como carta de presentación del espíritu de la serie: “Para los que no me conocen, mi nombre es Moria. Soy nueva en la revista y soy un caso raro e inusual”. Roth, por su parte, recuerda el salto que definió la carrera de la diva: “Pasé de las escalinatas de la Facultad de Derecho al Teatro Nacional el mismo día”. Y Siciliani remata con una de las frases más emblemáticas del repertorio de Moria: “Estoy acá porque mi presencia jerarquiza la pista”.

La propia Moria presentó el tráiler en su programa de Eltrece y se mostró emocionada al dirigirse al público. “Son años de entrega, profesionalismo, amor y dedicación. Gracias a ustedes”, dijo. Y agregó: “Si no estuvieran ustedes, yo no estaría acá. Eso es obra de ustedes, que hace más de cincuenta años que me eligen”, una declaración que condensó el vínculo que la serie busca explorar entre la artista y el público que la acompañó a lo largo de las décadas.

Quién es quién en la serie de Moria

Sofía Gala Castiglione como Moria Casán joven: la diva en sus primeros años como vedette, durante la década del 70.

Griselda Siciliani como Moria Casán: la artista en su etapa de mayor popularidad televisiva.

Cecilia Roth como Moria Casán: la diva en su madurez en uno de los episodios más controversiales de su vida cuando quedó presa en Paraguay.

Marco Antonio Caponi como Mario Castiglione: el gran amor de la vida de Moria y pade de su hija, Sofía Gala Castiglione.

Micaela Riera como Susana Giménez (años 80): compañera de escenario en el teatro de revistas.

Leticia Brédice como Susana Giménez (años 90): confidente y una de las figuras más cercanas a Moria en esa década.

Hernán Jiménez como Jorge Porcel: la dupla humorística de la diva en televisión.

Sebastián Rosso como Alberto Olmedo: compañero de los espectáculos más emblemáticos del teatro de revistas.

Javier Pedersoli como Carlos Rottemberg: productor teatral y amigo histórico de Moria.

Olivia Nuss como Sofía Gala: la actriz interpreta a la hija de Moria desde su adolescencia hasta la actualidad.

Giuliano Pianetti como Fito Páez: invitado al ciclo A la cama con Moria.

Sebastián Arzeno como Gerardo Sofovich: el empresario que le abrió las puertas en sus comienzos artísticos.

María Fernanda Callejón como Zeta: amiga de toda la vida de la diva.

Eloy Rossen como Galo: su mano derecha e incondicional.

Rafael Ferro como Carlos Sexton: una figura clave en distintos momentos de su historia.

Joaquín Ferreira como Luis Vadalá: uno de los romances más recordados de los años 90.

Luis Machín como Carlos A. Petit: empresario teatral, guionista y director que descubrió a Moria y la llevó al teatro.

Juan Pablo Mirabelli como César Carozza: abogado y amigo de la diva.

Donna Teffa como Batato Barea: la actriz se pone en la piel del artista multifacético en su recordado paso por A la cama con Moria.

Fotos: Netflix/ Instagram/ Capturas de pantalla

“(Ser)JAMES”, un musical recorre la doble identidad de James Miranda Barry

Belén Pasqualini, Juan Francisco Dasso, Julieta Desmarás — Sun, 16 Aug 2026 16:49:04 +0000

James Miranda Barry fue un cirujano del ejército británico. Nacido bajo el nombre de Margaret Bulkley en Irlanda a finales del siglo XVIII, vivió toda su vida como hombre para poder ejercer la medicina. Alcanzó los rangos más altos a los que podía aspirar un médico militar, mejorando las condiciones de higiene y logrando la primera cesárea exitosa de la historia.

La difusa biografía de James fue el disparador para establecer un diálogo entre tiempos y lenguajes. Ante todo, (Ser)JAMES es una obra musical: la actuación, la palabra y la música no funcionan como lenguajes separados, sino como una única materia viva. Fue importante para nosotros la cohesión, borrar los límites entre la voz hablada y la voz lírica, entre la prosa y la música. El proceso, de la idea a los últimos ensayos, pasando por la escritura del libro y la composición de la música, fue amalgamando cada elemento, estableciendo conexiones inesperadas.

Escribir la obra requirió desarrollar un personaje complejo, ya que en realidad parecían ser dos: Margaret y James. ¿Qué momento de sus vidas era el más indicado para poner en escena? ¿Cómo? Dos plumas muy distintas tomaron, cada una, a la joven y al cirujano respectivamente. A su vez, la composición de la música propició la creación de espacios, en una mezcla de texturas y ambientes, aplicando procedimientos de composición contemporánea a una obra que transcurre en el siglo XIX.

El trabajo actoral implicó un acopio de detalles sensoriales. Una serie de particularidades se entramaron y potenciaron para lograr que este personaje doble se vuelva tridimensional. La clave de la actuación llegó con un descubrimiento: no era necesario buscar un tono diferente para cada voz. El hecho de que James y Margaret estuvieran construidos desde escrituras distintas hacía gran parte del trabajo. La diferencia ya existía. La actuación podía partir de un mismo lugar, de un mismo cuerpo, y dejar que las voces aparezcan naturalmente.

Desde la dirección, el mayor desafío fue encontrar un procedimiento de trabajo que permitiera desplegar, en un único cuerpo, la complejidad de una vida imposible de reducir a una sola identidad. Los ensayos fueron un espacio de investigación riguroso: una verdadera disección escénica donde una misma intérprete pudiera habitar, casi simultáneamente, múltiples tiempos y voces sin perder la unidad del relato.

De está forma, las escenas comenzaron a perder sus límites. Aunque la obra estuviera construida a partir de cortes y elipsis, se trataba en realidad de una gran escena hecha de fragmentos. El desafío fue encontrar la continuidad dentro de la discontinuidad.

Cada elemento de la puesta en escena busca contribuir a esta dinámica. Fue clave para nosotros el vestuario. Estamos mostrando a alguien que construyó su existencia a partir del vestido, del uniforme. Es más que ropa, cada prenda es una porción de identidad que se modifica, se suma o se pierde hasta revelar una verdad más profunda de James. El proceso involucró el trabajo con diseñadoras de moda que expandieron las posibilidades semánticas de ese vestuario.

El diseño espacial exploró texturas y objetos que no sólo remiten al universo médico del siglo XIX; lo que en verdad logran es la evocación de una mente compleja, propia de un cuerpo en crisis. Nuevamente, una cohesión poética hecha a partir de fragmentos de una vida. Escenografía, vestuario, iluminación y proyecciones se trabajaron con la precisión de una operación quirúrgica, pero también como parte de una anatomía más íntima: la de una mente que se despliega frente a nosotros.

La historia de James también nos recuerda que muchos de los derechos que hoy consideramos conquistados fueron el resultado de largas luchas. Volver sobre una vida ocurrida hace más de dos siglos es reconocer cuánto hemos avanzado, pero también cuánto queda aún por defender para que nadie deba renunciar a su identidad o a su deseo de ser.

Hay, además, algo profundamente poético en el lenguaje de la ciencia. Cualquier universo, cuando uno se detiene a mirarlo de cerca, como a través de un microscopio, puede volverse fascinante. Quizás por eso esta historia pueda acercar mundos que habitualmente no se encuentran: alguien proveniente de la ciencia puede reconocerse en una sala de teatro, y alguien que llega al teatro puede mirar de otro modo un hospital, un laboratorio, un museo de biología o un planetario. No se trata de explicar un universo al otro, sino de permitir que se contagien.

Durante el proceso descubrimos que Margaret nunca desaparece cuando es James. Ella habita en cada decisión de él, él nunca deja de ser ella. (Ser)JAMES propone una autopsia singular, descubriendo una doble existencia que no puede pensarse escindida.

*(Ser)JAMES. ÚNICAS 4 FUNIONES: Lunes 17, 24, 31 de agosto y 7 de septiembre a las 20hs. Dumont 4040 (Dumont 4040, CABA). Entrada general: $30.000. Por Alternativa

**Belén Pasqualini (Actriz, compositora y co-directora), Juan Francisco Dasso (co-director y dramaturgo) y Julieta Desmarás (co-directora y dramaturga)

Clara Ulrich, la artista que dejó todo por amor y construyó una carrera en Miami: “Siempre soñé con actuar en Argentina”

Lucas Terrazas — Sat, 15 Aug 2026 05:05:00 +0000

En 2016, Clara Ulrich atravesaba uno de los momentos más intensos de su carrera en la Argentina. Hacía radio, teatro, producción, escribía humor y se movía dentro de un circuito artístico que conocía bien. Su vida estaba anclada en Buenos Aires, una ciudad con la que se identifica por completo: el ritmo, el cemento, el subte, los cafés, la velocidad y hasta ese ruido urbano que para otros puede ser agotador. Entonces apareció una decisión que alteró ese mapa. Una propuesta laboral para su marido la empujó a mudarse a Miami y a interrumpir, al menos por un tiempo, todo lo que había construido.

La salida no tuvo épica. Tuvo desorientación, crisis y un duelo silencioso. Ulrich dejó una carrera en marcha para aterrizar en una ciudad donde nadie sabía quién era, donde su currículum no tenía traducción inmediata y donde el mundo laboral que imaginaba encontró otras reglas. La radio no funcionaba como en la Argentina, la industria audiovisual latina ya no tenía allí el peso que le habían prometido y el teatro ocupaba un lugar menor frente a una lógica más asociada al consumo, la playa y los centros comerciales. Ese primer año, según contó, fue uno de los más difíciles de su vida.

Con el tiempo, esa fractura se convirtió en un punto de partida. Lo que había sido una mudanza por amor terminó por redefinir su carrera. En Miami, Clara Ulrich encontró un escenario nuevo, construyó una voz con alcance internacional y transformó el desarraigo en material creativo. Empezó en espacios pequeños, siguió por distintas ciudades de Estados Unidos y más tarde cruzó a España, Sudamérica, el Caribe y otros destinos. Casi una década después de aquel cambio, la actriz y humorista regresará a la calle Corrientes para presentarse el 4 de septiembre en el teatro Gran Rex con Yo quiero ser mi marido.

En una entrevista exclusiva con Teleshow, Ulrich repasó su historia de vida, recordó cómo empezó a trabajar en el arte, habló del costo personal de emigrar y explicó de qué modo esa experiencia terminó por empujarla hacia un éxito internacional que hoy la encuentra de gira por varios países.

—¿Cómo empezó tu camino en el mundo artístico?

—Empecé a estudiar teatro cuando tenía 15 años. Después fui buscando la manera de dedicarme a eso, aunque durante mucho tiempo hice muchos trabajos vinculados al arte que no eran exactamente actuar todo el tiempo. Hice más de diez años de radio como humorista, me nominaron al Martín Fierro como mejor humorista en radio, después estudié locución, me recibí y terminé conduciendo programas. También trabajé en producción, en una productora de jingles de publicidad, y escribí humor para Cosmopolitan. Fui probando muchos caminos siempre con la idea de llegar a vivir de la actuación.

—En ese recorrido también aparecieron experiencias en cine. ¿Qué recordás de esa etapa?

—Siempre me acuerdo con humor de mi pequeño papel en Tetro, la película de Francis Ford Coppola. En ese momento no era tan fácil encontrar información como ahora. Me moví por mi cuenta, conseguí el nombre de la productora, llamé, mandé mi currículum y logré un papel muy chico, como amiga del personaje de Maribel Verdú. Después terminé hablando con Coppola sobre sus viñedos, porque era de las pocas personas del set que hablaba inglés. Son esas anécdotas que una guarda porque muestran todo lo que una hizo para acercarse a lo que soñaba.

—¿Ese sueño siempre fue vivir del teatro?

—Sí. Desde muy chica tuve la idea de dedicarme cien por ciento al teatro. Y hoy esa es la noticia linda de mi vida: que me está pasando. Hace ya casi diez años que vivo completamente de esto, viajando por el mundo con shows que escribo yo. La inmigración me obligó a poner toda mi energía ahí.

—Ese cambio del que hablás coincide con tu mudanza a Miami en 2016. ¿Qué pasaba en tu vida en ese momento?

—Yo venía de trabajar muchísimo en la Argentina. Conducía dos programas de radio, hacía teatro y estaba en un muy buen momento. En ese contexto, a mi marido le ofrecen una oportunidad laboral en Miami y nos mudamos. Para mí fue un cambio enorme, porque soy muy porteña. Me gusta el invierno, el guiso de lentejas, correr para tomar el colectivo, leer en el subte. Me gusta la ciudad. Y me fui a una ciudad donde casi no caminás, donde todo funciona distinto. Para alguien como yo, que necesita el ritmo urbano, fue un golpe fuerte.

—¿Cómo fue ese primer año fuera del país?

—Muy difícil. La inmigración tiene algo que desde afuera muchas veces se mira como aspiracional, pero adentro es otra cosa. Yo no me podía quejar con mis amigas porque me decían “ay, pero vivís en Miami”. Y la verdad es que dejar tu país no es fácil. Hay algo que se rompe, algo que se pierde. Yo tuve que empezar de cero. Nadie conocía a la gente con la que había trabajado ni lo que había hecho. Sentí una crisis de identidad muy profunda.

—¿Ya llegaste con la idea de seguir trabajando en lo tuyo?

—Sí, desde el primer día. Traté de ver si podía ser por el lado de la radio, pero la radio allá es muy distinta. Después me habían dicho que en Miami se hacía mucha televisión y cine latinoamericano, y cuando llegué me encontré con que gran parte de ese movimiento se había corrido a México o a Los Ángeles. Entonces pensé: radio no, tele no, cine tampoco. Quedaba el teatro. Pero Miami no era una ciudad especialmente teatral. Eso fue cambiando con los años, sobre todo después de la pandemia, pero cuando yo llegué no era un terreno tan fértil.

—¿Cuál fue el momento que cambió esa sensación de desorientación?

—Por casualidad terminé en un evento de mamás y la productora me dijo: “Clara, vos que sos humorista, ¿querés escribir algo para el evento?”. Acepté y preparé una rutina. Supuestamente iba a estar diez minutos arriba del escenario, pero terminé casi una hora. Yo tenía la duda de si mi humor iba a funcionar con personas de distintas nacionalidades, y ahí entendí que el humor puede ser transnacional. Ese fue el puntapié inicial.

—¿Ese fue el comienzo de tu carrera internacional?

—Sí, de algún modo sí. A partir de ahí empezaron a aparecer oportunidades en algunos café concerts de Miami. Después me animé a salir a otras ciudades: Houston, Nueva York, Orlando. Más tarde vino España, después Sudamérica. Y en un momento me encontré viajando por distintos países con mis propios shows. Era algo que yo soñaba desde chica, porque siempre me fascinó la idea de trabajar viajando.

—Uno de tus espectáculos más asociados a tu nombre es Café con amigas. ¿Qué lugar ocupa en tu carrera?

—Es un show muy importante para mí. Lo escribí como un homenaje a mis amigas de la Argentina, porque las extrañaba mucho. Es una obra sobre la amistad y sobre esa red afectiva que para mí sostiene la vida. Siempre digo que no sería ni la mitad de quien soy sin mis amigas. Ese show fue el que me dio proyección internacional, el que hizo que empezaran a llamarme de canales de televisión en Estados Unidos. Le debo muchísimo.

—¿Cuándo volviste a presentarte en la Argentina después de emigrar?

—En 2019, con Café con amigas. Primero fuimos a un lugar pequeño y después volví con ese mismo show al Auditorio Belgrano. Me acuerdo de que estaba muy emocionada. Fueron muchas excompañeras del colegio, esas que me habían visto actuar en las obras de la escuela, y fue muy movilizante reencontrarme con esa parte de mi historia ya convertida en un trabajo real, en algo que yo había escrito y estaba compartiendo con el público.

—Después llegaste al Teatro Ópera y ahora al Gran Rex. ¿Cómo vivís ese recorrido?

—El año pasado llevé Soltando cuentos al Teatro Ópera y para mí eso ya fue un hito. Y ahora hacer el 4 de septiembre una función de Yo quiero ser mi marido en el Gran Rex tiene un peso enorme. Es un teatro emblemático de Buenos Aires. Ahí me sale todo el orgullo porteño. Pensar que voy a estar en la calle Corrientes, en ese escenario, con un show mío, me emociona mucho.

—¿Cómo nació Yo quiero ser mi marido?

—Nació de una escena cotidiana. Un día iba manejando, apurada para buscar a mi hijo, y pensé: por qué siempre estoy corriendo yo. Por qué soy yo la que está en el chat de mamis, la que sabe los nombres de las maestras, la que absorbe toda esa carga mental. Y ahí apareció el título: “Yo quiero ser mi marido”. Primero vino desde el combustible del posparto, con las hormonas desatadas.

—¿Y cómo evolucionó ese material con el tiempo?

—Después vino la pandemia, frenó todo, hice shows virtuales y en ese período quedé embarazada de mi segundo hijo. En pleno posparto, esa idea tomó todavía más sentido, porque una vuelve a pensar en todo lo que recae sobre la mujer: la lactancia, el cuerpo, las noches sin dormir. Mi marido llegaba de trabajar y yo me iba a un café en Miami a escribir. Ahí terminó de tomar forma el show. Lo empecé a girar en 2022, luego lo dejé un tiempo porque aparecieron otros proyectos y este año decidí retomarlo con una gira internacional.

—¿Cambió tu mirada sobre el espectáculo desde aquella primera versión?

—Sí, cambió. Le modifiqué algunas cosas porque ya no estoy tan enojada. Mi hijo más chico ya tiene cinco años y hay una distancia que me permite mirarlo con más humor y menos furia. A veces los hombres vienen con miedo, creen que van a encontrarse con un reclamo permanente, y en realidad lo que pasa mucho es que las parejas se ríen juntas. Yo lo pienso como una especie de risoterapia para el vínculo.

—Vivís en una ciudad muy multicultural. ¿Eso modificó tu forma de hacer humor?

—Sí, muchísimo. En Miami aprendí a construir un lenguaje con menos regionalismos y más apoyado en temas arquetípicos. En este show hablo de pareja, convivencia, maternidad, diferencias entre hombres y mujeres, que son temas que atraviesan a mucha gente más allá del país. Igual, cuando bajo al sur le agrego un poco más de sarcasmo e ironía, porque el humor argentino tiene una aspereza que en otros lugares puede resultar fuerte.

—¿Qué descubriste de los argentinos al vivir afuera?

—Que tenemos una manera muy frontal de decir las cosas. A veces esa crudeza, esa forma de correr el velo y hablar de lo que pasa, en otras culturas se vive como algo más agresivo. Yo la valoro mucho. Me gusta esa conciencia afectiva que tenemos, esa costumbre de hablar de lo que nos pasa. Vayamos o no a terapia, en general encontramos una forma de procesar las emociones hablando.

—En la entrevista también aparece tu marido como una figura importante en tu vida y en tu trabajo. ¿Cómo es esa convivencia con alguien que inspira un show entero?

—Él se llama Sebastián y no quiere aparecer. Además cree que el show no es sobre él, lo cual me parece maravilloso. Siempre digo que no es una víctima. Tiene mucho humor, un humor bastante border, y eso hace que incluso sea difícil pelear con él porque remata con algo gracioso y me termina desarmando. Es un gran compañero. Ahora que me voy de gira, por ejemplo, se queda con toda la dinámica del colegio y las actividades de los chicos.

—Mirado a la distancia, ¿qué significó aquella mudanza de 2016?

—Fue una crisis muy profunda. Pero también fue el lugar desde donde renació todo. Yo siento que los artistas no tenemos un trabajo, somos nuestro trabajo. Entonces, cuando eso se desarma, se toca algo muy íntimo. En Miami tuve que ir al fondo del pozo para entender por dónde tenía que seguir. Por eso digo que fue lo peor y lo mejor que me pasó.

—¿Imaginabas en ese momento que esa decisión podía desembocar en este presente?

—No. Si en 2016 me decían que años después iba a volver a la Argentina para hacer un Gran Rex con un show escrito por mí, hubiera pensado que era imposible. Pero pasó. Y pasó de una manera que yo no había planeado. A veces una atraviesa una tormenta sin saber que del otro lado hay algo que todavía no puede ver.

De España a la Argentina: el viaje íntimo de Blanca Oteyza en la piel de Margarita Xirgu

Martina Cortés — Sat, 15 Aug 2026 05:00:00 +0000

Hay regresos que no solo cierran ciclos, sino que abren puertas a nuevas preguntas sobre identidad, pertenencia y memoria. Después de más de treinta años de aquel primer desembarco en la escena argentina, Blanca Oteyza vuelve a caminar los pasillos de un teatro en Buenos Aires. La actriz española, que supo construir una historia de amor con el público argentino antes de continuar su camino en su tierra natal, regresa ahora para habitar un personaje que parece escrito a la medida de su biografía. Y también de sus nostalgias.

Antes de la primera función de Margarita Xirgu. Una actriz entre dos continentes, bajo dirección de Javier Demaría, en el Palacio Libertad, Oteyza habló en exclusiva con Teleshow de todo lo que implica este reencuentro.

No es casual que la cita la convoque a ponerse en la piel de Margarita Xirgu, la legendaria actriz que también supo tender un puente vital y artístico entre el continente europeo y el americano. Oteyza, que llegó a Buenos Aires en 1991 y dejó huella en el teatro, la televisión y el cine, conoce como pocas el vértigo de reinventarse en otro territorio y sentirse extranjera y local al mismo tiempo. El público la recuerda por hitos como El diario de Adán y Eva, junto a Miguel Ángel Solá, su expareja y padre de sus dos hijas, María Luz y Cayetina, y por ficciones como Nueve lunas y Cara bonita, pero también por una sensibilidad que desafía fronteras. De regreso en España, multiplicó su legado como directora y docente, y aprendió a mirar la escena desde nuevos lugares.

Hoy, su vuelta tiene la potencia de un espejo: Oteyza se sumerge en la vida de Margarita Xirgu, otra española que cruzó el Atlántico y, en su caso, encontró en la Argentina un segundo hogar, atravesando proyectos, desafíos y pasiones. Acompañada en escena por el bandoneonista Julio Coviello, la actriz le da voz y cuerpo a una historia que también dialoga con la suya propia: la de quienes cruzan océanos y, en cada viaje, se reinventan sin dejar de ser quienes fueron. Entre recuerdos, emociones y música, Oteyza comparte con este medio esa intimidad de artista y mujer que da sentido al gran teatro de la vida.

—¿Qué sentiste al volver a la Argentina con este proyecto tan importante?

—Me movilizó el deseo de regresar, que tengo desde hace muchos años, desde que me fui de aquí. Siempre fue un sueño pendiente volver. Fueron ocho años muy intensos en este país y realmente con este proyecto, Margarita Xirgu, encontré la obra con la que sentí ganas y valor para volver a subirme a un escenario.

—¿Por qué elegiste justamente la historia de Margarita Xirgu para este retorno?

—Me atrajo que Margarita, una gran mujer y pionera en muchos aspectos, recibiera tan poco reconocimiento en España. Su amor por el teatro, sus problemas de salud, su compromiso con los papeles, su dirección como mujer, su relación con Federico García Lorca y la poesía, sus matrimonios y amantes, todo eso me resultó imposible de ignorar. Además, encuentro muchos puntos en común con mi historia. Llevo casi dos años interpretándola y cada vez que la estudio, me siento más identificada. En la obra que escribimos junto a Javier Demaría, aunque la idea del personaje nació en mí, mostramos a nuestra Xirgu, desde su infancia hasta su muerte, y no solo sus supuestas inclinaciones políticas o sexuales.

—¿Qué te emociona de seguir contando esta historia que para muchos era desconocida, pero que representa tanto para el arte y el espectáculo?

—Cada vez que la interpreto o repaso la obra, siento que los valores humanos siguen siendo los mismos: el honor, el compromiso, la honestidad, luchar por los sueños y por la libertad, respetando al otro. Estos principios siguen vigentes. En estos tiempos, después de dos años de hacer la obra, veo que con poesía y música, incluso voy acompañada por un músico maravilloso, la gente sigue emocionándose con esta historia pequeña de una mujer enorme.

—¿Con qué aspectos de Margarita Xirgu te sentís más cercana después de tanto tiempo interpretándola?

—Hay muchas cosas que me identifican con ella. Creo que la principal es la coherencia: actuar de acuerdo a lo que uno piensa y dice. Margarita fue coherente con sus ideas. Se fue de España sin saber que estallaría la Guerra Civil y nunca pudo volver. Terminó sus días en Uruguay. Esa determinación y consecuencia me interpela profundamente.

—¿Cómo viviste vos el estar lejos de tu tierra y tus seres queridos, igual que Margarita?

—No fue un exilio forzado, pero sí me fui de mi país persiguiendo el sueño de desarrollarme como actriz, lejos de mi familia y mis afectos. Tuve que salir para cumplir mi vocación y luego, como madre, mostrar a mis hijas que es importante tener principios y ser coherente con ellos, aunque sean pocos, pero sostenerlos.

—Después de tus años en Argentina y tu regreso, ¿cómo sentís el vínculo con el público local?

—Siempre sentí una enorme generosidad de parte del público argentino. Me sigue demostrando cariño y profesionalismo, y eso me emociona. Nunca corté mis lazos con Argentina; sigo trabajando con actores y actrices argentinos desde Madrid, y tengo una hija nacida aquí. La generosidad y el afecto que recibí y que sigo recibiendo no alimentan mi ego, sino que me impulsan a ser mejor persona.

—¿Sentís una doble pertenencia entre España y Argentina?

—Desde joven sentí la necesidad de ser ciudadana del mundo. Las experiencias y aprendizajes en diferentes lugares me hicieron ver que el mundo es grande y pequeño a la vez. No creo en las fronteras ni en las naciones como algo determinante. Argentina es mi país de adopción por decisión propia. No se trata de doble nacionalidad, sino de un sentimiento.

—¿Qué te aportaron España y Argentina, tanto en lo personal como en lo artístico?

—Yo he aprendido muchísimo de Argentina. Aprendo cada día de todo. Por supuesto que aprendo de España, aprendo de la gente, aprendo absolutamente de todo. Pero reconozco que mi debut realmente profesional en el Teatro Cervantes de Buenos Aires, eso dejó una marca. Eso marca porque justamente lo que vine buscando en Argentina fue una cosa que, en esa niña que vino y en España, no encontraba, que era el amor al arte. Y aquí en Argentina lo conocí.

El amor al arte absolutamente desinteresado, absolutamente generoso, trabajo en equipo. Aquí supe lo que era una cooperativa artística. He conocido aquí cómo señores de traje y corbata dejaban su trabajo a las ocho de la tarde, se quitaban la corbata, la chaqueta y se metían a ensayar hasta las doce de la noche.

—¿Percibís algún cambio en el ámbito artístico argentino desde tus primeros años hasta hoy?

El mundo cambió y yo también. Volver es una mezcla de lo conocido y lo nuevo. Reconozco las calles, pero siempre hay algo diferente. Artísticamente, Argentina sigue siendo una referencia mundial en formación de actores. Es una de las grandes cunas del teatro, como Londres o Berlín en Europa.

—¿Tenés algo pendiente por hacer en Argentina? ¿Te gustaría hacer temporada o probar con otros géneros?

—No haría un musical porque sería un desastre... Pero sí, me encantaría volver a hacer temporada aquí. El sueño de trabajar en ambos países sigue vivo. Estas semanas en Buenos Aires son para retomar esos lazos. Ahora es el momento de volver.

—¿Cómo vivís los días previos al estreno? ¿Lográs relajarte o la concentración te gana?

—Salgo poco, estoy muy concentrada. Cuando se acerca el estreno y más en Buenos Aires, en el Palacio Libertad, que me impone tanto respeto, no puedo distraerme. Esta vuelta se venía gestando hace meses y la expectativa era grande, así que tuve que poner un límite y recordar que soy actriz, que no está mi vida en riesgo y que solo tengo que hacer mi trabajo.

—¿Tus hijas viven acá o en España? ¿Cómo es el vínculo familiar hoy?

—Mis hijas viven en Madrid y son dos grandes artistas. María, la mayor, nació aquí, trabaja en publicidad y tiene un grupo musical que ya va por su tercer disco. Cayetana es actriz, tiene su propia compañía. Nos admiramos mucho y nos llevamos muy bien las tres. Es una familia de artistas, como Miguel Ángel (Solá), que sigue actuando y espero que lo siga haciendo por varios años más.

—¿Qué te quita el sueño en la previa al estreno?

—Duermo mal desde hace tiempo, en parte por la responsabilidad de este estreno. A las cuatro de la mañana ya estoy despierta. Lo que más me importa es estar a la altura de este regalo, de algo que gestamos junto a Javier Demaría. Estrenar aquí es una enorme responsabilidad.

—¿Qué te gustaría que el público argentino se lleve de la obra?

—Emoción. Que salgan conmovidos por esta historia.

—¿Creés que hay algo que el público puede aprender de Margarita Xirgu a través de tu interpretación?

—Mucho. De la Margarita humana se sabe muy poco. En la obra rescatamos anécdotas, como su primer contacto con el escenario a los ocho años o su relación con un torero. Quiero mostrar ese costado humano, más allá de los juicios y especulaciones, y que la gente conozca a una mujer que fue pionera y dejó huella.

—Como mujer y artista, ¿sentís que hoy la mujer tiene más protagonismo en el espectáculo o aún hay obstáculos?

—El lugar de la mujer avanzó mucho, pero no hay que olvidar que ese camino se abrió con el esfuerzo de muchas mujeres y también hombres. Nada se logró de un día para el otro. Hay que recordarlo y seguir luchando por un mundo más justo.

—¿Si tuvieras que convencer a alguien para ver Margarita Xirgu, qué le dirías?

—Es un plan precioso: durante una hora y media se escucha música en vivo con bandoneón, poesía, la historia de una mujer que dejó marca y huella. Es un espectáculo sensible, sencillo y profundo, que acerca a Lorca y a la figura de Xirgu desde una historia pequeña y a la vez muy grande.

Crédito de fotos: Jaime Olivos.

Canta ópera en el tren, pero una soprano desconocida lo convirtió en viral: la historia del dúo que paralizó las redes

Constanza Almirón — Sat, 15 Aug 2026 00:06:30 +0000

Un cruce espontáneo en un tren de Buenos Aires volvió a poner a la ópera en el centro de las redes sociales: una soprano sorprendió a un tenor lírico al sumarse a cantar “Libiamo ne’ lieti calici”, de La Traviata, en una escena que circuló en videos y reels durante las últimas horas.

La mujer fue identificada en redes como Gloria Mabel Mariucci, mientras que el cantante es Pablo Lallana, el tenor misionero que meses atrás ya había ganado visibilidad por sus interpretaciones en la vía pública y que en redes utiliza la cuenta @tenorliricoar.

La secuencia se difundió a partir de una publicación de Lallana, quien compartió el momento. Destacó a la cantante con una mención a su cuenta, @gloriamabelmariucci, junto a hashtags vinculados al fenómeno viral y a la pieza elegida.

Después de la circulación inicial del video, la propia Gloria Mabel Mariucci publicó su versión del encuentro. “Saliendo del tren en Tigre, me encontré con este tenor. Cantamos La Traviata; gracias, Pablo por este hermoso momento. Soy soprano y hace más de 30 años que canto en coros. Saludos Gloria”, escribió en sus redes, al hacer referencia a su encuentro en Línea Mitre.

A partir de ese posteo, usuarios comenzaron a multiplicar comentarios y compartidos sobre la escena. Entre las reacciones que reunió el posteo se repitieron expresiones como “Qué genialidad!!!!”, “Así da gusto viajar!!!” y “Aplausos para ambos”.

También aparecieron mensajes de quienes aseguraron conocer a la cantante, como “Gloria querida!!! Siii la conozco, cantábamos en el Coro de la UTN, en Gral. Pacheco!!!”, además de otros comentarios como “Qué lindo y orgullo verte y oírte cantar tan lindo!!!”, “Qué país del recontra carajo!!” y “Sólo pasa en Argentina”.

Según la información difundida en redes, Mariucci es una soprano de Buenos Aires, vinculada al Coro Santa Isabel. Su aparición en el video generó repercusión por el contraste entre la rutina del viaje y una interpretación lírica en vivo dentro de un espacio cotidiano.

Quién es Pablo Lallana

El otro protagonista del momento viral es Pablo Lallana, un tenor oriundo de Misiones que construyó parte de su presencia pública a partir de intervenciones musicales en la calle y en espacios de circulación masiva. El artista superó el millón de reproducciones con un video grabado en la calle Florida, cerca de Plaza de Mayo, una viralización que amplió su alcance en redes sociales.

Lallana comenzó su formación musical a los 10 años en la Escuela Superior de Música de Misiones, donde estudió piano. Más tarde integró distintos coros y profundizó su recorrido artístico en Buenos Aires y en su provincia natal, hasta consolidar su acercamiento al canto lírico.

También formó parte del Coro Estable del Centro del Conocimiento de Misiones y más tarde apostó por un proyecto propio de crossover lírico, con el objetivo de acercar la ópera a públicos más amplios.

Nueva York anunció 2.100 entradas gratuitas de Broadway para estudiantes: cómo participar de la lotería

Lucila Gomez — Fri, 14 Aug 2026 20:53:34 +0000

La alcaldía de Nueva York y el Theatre Development Fund (TDF) anunciaron una lotería con más de 2.100 entradas gratuitas para Broadway y una membresía cultural sin costo para estudiantes de secundaria entre 9º y 12º grado de la ciudad.

La convocatoria permanecerá habilitada hasta el lunes 17 de agosto a las 10 de la mañana de la zona horaria del este.

En una conferencia de prensa, el alcalde Zohran Mamdani declaró: “En una ciudad rebosante de arte y cultura extraordinarios, todos los jóvenes deberían tener la oportunidad de vivir esas experiencias, independientemente de su situación económica”.

Luego agregó: “Queremos que todos los estudiantes de secundaria tengan la oportunidad de explorar esta ciudad, disfrutar de un arte increíble y descubrir algo que les acompañe mucho después de que baje el telón”.

Entradas para Broadway y acceso cultural con descuento para estudiantes

La iniciativa contempla entradas para siete espectáculos destacados de la cartelera neoyorquina de esta temporada.

Entre las obras incluidas figuran Buena Vista Social Club, In the Heights en New York City Center, School Girls Or, The African Mean Girls Play, Stranger Things: The First Shadow, The Lost Boys, The Great Gatsby y Two Strangers (Carry a Cake Across New York).

Cada estudiante que se registre en el sorteo recibirá automáticamente una membresía gratuita de TDF por dos meses, que incluye acceso a entradas con descuento para funciones de Broadway, Off-Broadway y Off-Off Broadway, junto con opciones de música, danza y museos.

Normalmente, los boletos rebajados tienen un precio que va de USD 20 a USD 40. De este modo, los estudiantes podrán acceder a muchos tipos de espectáculos que se realizan en toda la ciudad.

La credencial también habilitará el acceso gratuito o con descuentos a más de 20 instituciones culturales de la ciudad.

La lista incluye al Museo Americano de Historia Natural, el Jardín Botánico de Brooklyn, el Museo de Brooklyn, el Centro Lincoln para las Artes Escénicas, el Museo Casa de Louis Armstrong, MoMA PS1, el Ballet de la Ciudad de Nueva York, el Centro de la ciudad de Nueva York, el Salón de la Ciencia de Nueva York, el Jardín Botánico de Nueva York, el Jardín Botánico de Queens, la Sociedad para la Conservación de la Vida Silvestre, entre otros.

Una vez concluido el sorteo, los estudiantes aún tendrán la posibilidad de pedir su membresía gratuita de TDF y de bajar sus tarjetas digitales hasta el 13 de septiembre.

Cómo participar de la lotería y cuándo se anuncian los ganadores

Los estudiantes de la ciudad de Nueva York que cursen entre 9º y 12º grado en el ciclo lectivo de otoño de 2026 deberán registrarse para participar en on.nyc.gov/Broadway antes del lunes 17 de agosto a las 10 de la mañana.

Según el formulario de inscripción, los aspirantes deben informar nombre, apellido, dirección de correo electrónico, número de teléfono móvil, grado actual y distrito de residencia. A su vez, deben indicar si asisten a una escuela pública de la ciudad o a una institución privada o no pública.

El sistema pide seleccionar tres espectáculos distintos por orden de preferencia. La primera opción, la segunda y la tercera deben ser diferentes entre sí. En caso de resultar elegido, cada estudiante recibirá dos entradas para una de esas funciones.

Tras enviar el formulario, los inscriptos recibirán en un plazo de hasta 6 horas un correo electrónico con su membresía gratuita de TDF por dos meses, que permite empezar a reservar actividades culturales sin esperar el resultado del sorteo.

Los ganadores de la lotería serán notificados por correo electrónico el 1 de septiembre.

Carlos Rottemberg y el libro que refleja sus 50 años de productor: “El teatro siempre dialoga con la época”

Sebastián Volterri — Fri, 14 Aug 2026 16:47:14 +0000

Carlos Rottemberg reveló en una charla con Infobae a las Nueve, de Infobae en vivo, cómo el teatro argentino supo narrar y acompañar los cambios más profundos de la sociedad durante las últimas cinco décadas. Su libro Pasen y lean, surgido como un relato oral de vivencias y anécdotas, funciona como testimonio vivo de un país en constante transformación.

El productor, cuya carrera comenzó durante el gobierno de Isabel Perón y atravesó la dictadura que se inició en 1976, explica que el escenario nunca fue ajeno al contexto: “El teatro siempre acompañó la época”. Su historia personal, sumada a la de cientos de artistas, se entrelaza con la del país, documentando episodios históricos y sociales tanto desde la platea como desde la trastienda.

Rottemberg sostiene que el teatro es un fiel cronista de cada época. Producciones y testimonios sirvieron para documentar pasajes claves, como la prohibición de Luis Brandoni durante la dictadura como uno de los ejemplos más palpables. “Es inevitable pasar por situaciones, y además porque hay nombres propios y testimonios que lo explican”, subraya.

A lo largo de 51 años de trayectoria, fue testigo de cómo la cartelera refleja el clima social, la economía y hasta la política. Señala que “el teatro cuenta la puesta en escena, siempre dialoga con el momento histórico”, y que incluso la búsqueda del público varía: en ciertos momentos las audiencias demandan propuestas más livianas, otras veces prefieren obras con contenido profundo.

Durante las crisis económicas, la situación se evidencia también en la venta de entradas: “Cuando se polariza la macro y microeconomía, también se polarizan las boleterías, porque todos van a ver una cosa y reparte mal para el resto”. Así, la dinámica del teatro refleja no solo preferencias artísticas, sino también el pulso de la sociedad.

El teatro argentino logró mantener un vínculo directo con acontecimientos y sensibilidades colectivas. Rottemberg cita como ejemplo la obra Made in Lanús, estrenada en 1986, que marcó un punto de inflexión tras la dictadura y sigue vigente en sus temáticas. El teatro, en palabras del productor, funciona como un registro inmediato y sensible de la historia contemporánea argentina, una suerte de bitácora social: “Ser empresario en este país y no hablar de Argentina es imposible”.

El proceso de escritura de Pasen y lean surgió casi por casualidad. El invitado lo describe como un libro “no escrito, sino hablado”, construido a partir de grabaciones hechas en cualquier lugar: desde un auto hasta la oficina. “Me ha pasado de estacionar en una calle, grabar tres, cuatro páginas de ese libro y después llegar a casa o a la oficina y bajarlo a letras y acomodarlas”.

El empresario se aleja de la idea de una biografía tradicional. Prefiere definirse como “relator de situaciones”, con apartados elegibles por el lector y escenas que muestran la trastienda del espectáculo: desacuerdos, homenajes y también momentos difíciles. No busca el escándalo ni el golpe bajo, sino “contar la cocina” de su oficio. “No es un libro de chimentos... hay situaciones de la propia profesión o desacuerdos que están contados, pero son los mismos que podemos tener con colegas, con actores, o con el tema de la televisión abierta y la falta de ficción”, aclara.

Rottemberg asume el compromiso total sobre el contenido: “Me hago el responsable cien por cien de todo lo que dice porque nadie me ayudó a escribirlo”. El relato es honesto y directo, pensado para que el lector sienta que escucha su voz, no la de un escritor profesional.

Su carrera tuvo un comienzo atípico: no proviene de una familia vinculada al espectáculo y, de hecho, alquiló su primera sala para dar cine, no teatro. A lo largo de cinco décadas, produjo 1.018 estrenos, con un promedio de 20 por año. El ritmo y la magnitud de su trabajo obligan a una programación meticulosa y una mirada empresarial: “Si vos tenés muchas salas que programar, obligatoriamente. Lo normal en invierno es tener, como hoy, diez títulos en cartel y en verano 16 al mismo tiempo”, compara.

Destaca, entonces, la importancia de la ética y el respeto como claves para sostener una carrera larga en el sector. “Fui bien tratado por el mundo artístico. Fui bien tratado por el periodismo”. Considera que hacer bien los deberes y mantener el “buen karma” resultan determinantes en un ambiente que, a diferencia de lo que se cree, no es necesariamente conflictivo.

Entiende, además, la política como parte inseparable de la vida y la profesión. “Preocupémonos por el que dice: ‘No hago política’, porque está haciendo política al decir que no la hace. O sea, política es todo”,analiza. En su visión, la verdadera grieta que atraviesa la sociedad y el teatro es entre honestos y deshonestos, no entre ideologías.

Dentro del libro, el capítulo más “duro” según su apreciación es el diario de la pandemia 2020-2022. El empresario relata cómo, ante la falta de bibliografía sobre la gripe española y sus efectos en el espectáculo, decidió documentar en primera persona lo que vivió el sector.

El testimonio incluye la viralización accidental de un audio privado, convertido en bandera de la campaña “Bajemos el telón para cuidarnos, habrá tiempo para volver al teatro”. Los teatros reabrieron con aforo máximo del 30% y una asistencia real del 6%; la recuperación plena de público llegó recién en Semana Santa de 2022, dos años después del primer confinamiento masivo.

Durante ese período, el sector debió reinventarse con funciones virtuales y nuevas estrategias: “Fue la subsistencia más que de un grupo de gente, de una rama de la cultura”. El capítulo de la pandemia, que ocupa diez páginas en el libro, recoge entradas casi a diario, con fechas y situaciones cambiantes. El propio autor confiesa que incluso le resultó difícil releerlo: “Ese apartado lo pasé rápido. Porque no quería otra vez volver a vivir eso”.

La situación sanitaria impulsó también la creatividad y la colaboración, pero dejó interrogantes sobre el futuro del teatro, especialmente ante la falta de ficción en televisión y el destino de la avenida Corrientes.

Rottemberg destaca que el teatro en la Argentina goza de buena salud y que, a diferencia de otros países, la cultura teatral está extendida en todas las provincias y ciudades: “No hay pueblo donde no haya teatro”, dice con orgullo y aporta un dato revelador sobre la asistencia: “En Argentina van seis millones de personas por año”.

En ese panorama, Buenos Aires se posiciona como la capital con mayor cantidad de teatros independientes en el mundo, superando a Nueva York y Londres en este aspecto. Además, la Argentina tiene más espacios escénicos que pantallas de cine, una rareza global.

El empresario advierte, no obstante, sobre desafíos a futuro: la pérdida de referentes históricos, el impacto de la falta de ficción en televisión y la necesidad de nuevas cabezas de compañía. Así es como plantea su preocupación por el porvenir de la avenida Corrientes, símbolo del teatro porteño, en un pensamiento que conecta el pasado y el presente en un acto de memoria. Y una de las tantas entradas posibles a un libro en el que reflejó una vida ligada a la industria cultural.

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Agenda cultural en Lima del 13 al 19 de agosto: lo último del Festival de Cine PUCP, ópera y ballet, salsa, teatro y exposiciones gratuitas

Cecilia Arias — Thu, 13 Aug 2026 23:48:58 +0000

Lima arranca la semana con una agenda cultural de formato mayor. El ballet y la ópera ocupan escenarios emblemáticos, las galerías abren nuevas exposiciones en San Isidro, Miraflores y Barranco, y el teatro despliega comedias, monólogos y obras de texto en varios distritos. A eso se suman un laboratorio audiovisual con figuras de Disney y Netflix, la presentación de un poemario en San Isidro y conciertos de salsa que convocan a varias generaciones. La semana no deja espacios vacíos.

BALLET Y DANZA

Resonancias

El Ballet San Marcos celebra 62 años de vida artística con Resonancias, una función que reúne cuatro obras de danza contemporánea y el célebre Pas de Deux de El Corsario. El programa abre con Concertante, creación de María Elena Riera y Luis Antonio Valdivia sobre música del compositor peruano Celso Garrido-Lecca. Le sigue el Pas de Deux de El Corsario, a cargo de Leila León y Raúl Trujillo. La segunda mitad incluye El eco de los pasos, coreografía de Dionarah Herrera; Niños de gasa, niños del mundo, de Olivia Vallejos Montalván; y Mall, de Juan Salas Ariza. Fundada en 1964, la compañía es la primera de carácter profesional establecida en el Perú.

Lugar: Auditorio Ella Dunbar Temple, Ciudad Universitaria de la UNMSM, Av. Carlos Germán Amézaga s/n. Ingreso por Puerta N.° 5
Cuándo: Miércoles 13 de agosto, 7:00 p. m.
Entrada: Libre

CONCIERTOS

Les Luthiers Trascendental

Más de 15 artistas subirán al escenario del Teatro Claretiano para celebrar, en formato coral y de gran ensamble, la obra de Les Luthiers. La puesta en escena incluye piano, violín, guitarra, cello, bajo, batería y percusión, y recorre piezas como Teorema de Tales, Aria Agraria y Chacarera de Santiago. La producción es de Artefacto, con dirección coral y musical de David Nomberto Vargas. Se trata del primer homenaje de este formato realizado en el Perú al grupo argentino.

Lugar: Teatro Claretiano
Cuándo: Miércoles 13 de agosto, 8:00 p. m.
Entrada: A la venta en Teleticket

Temporada Lírica 2026

La Municipalidad de Santiago de Surco presenta la Temporada Lírica 2026 en el Teatro Municipal de Surco. El programa alterna dos espectáculos: La Dolorosa + Antología de la Zarzuela —con piezas como Ronda de los enamorados, Aria del cuchillo y Costas las de Levante— y Escenas de la Vida Bohemia + Recital Lírico, basado en momentos de La Bohème de Giacomo Puccini.

Lugar: Teatro Municipal de Surco, Sacramento 278, Parque de la Amistad, Surco
Hasta cuándo: 16 de agosto
Horarios: Funciones a las 8:00 p. m.
Entrada: A la venta en Joinnus.

Cavalleria Rusticana y Pagliacci

El Teatro Municipal de Lima recibe una nueva producción del Teatro Colón de Buenos Aires con el díptico verista por excelencia. Cavalleria Rusticana, de Pietro Mascagni, concentra en un solo acto una historia de pasión, celos y honor en un pueblo de los Andes durante el Domingo de Pascua. Pagliacci, de Ruggero Leoncavallo, sigue a una compañía de comediantes ambulantes donde la ficción y la realidad se confunden hasta el quiebre, con el aria “Vesti la giubba” como uno de sus momentos más reconocidos. La Orquesta Sinfónica del Teatro Municipal de Lima y el Coro Nacional del Perú acompañan bajo la batuta del maestro Christopher Franklin.

Lugar: Teatro Municipal de Lima, Jr. Ica 377, Lima
Cuándo: 14 y 16 de agosto, 6:00 p. m.
Entrada: Desde 32 soles en Ticketmaster

La trilogía de salsa 90’s

Salsa Kids, en su 35 aniversario, comparte escenario con El Reencuentro X-Salserín y El Reencuentro X-Adolescentes en una noche de salsa juvenil de los noventa. El evento reúne canciones que marcaron a una generación —De sol a sol, Yo sin ti, Virgen, Clase social, La magia de tus 15 años— en un formato de gran producción en la Costa Verde.

Lugar: Costa 21, Costa Verde s/n, San Miguel
Cuándo: Jueves 14 de agosto. Inicio a las 6:00 p. m.
Entrada: Desde 128 soles en Teleticket

Daniela Darcourt

La cantante peruana Daniela Darcourt se presenta en el Kallpa Club de San Juan de Miraflores con un espectáculo de salsa nacional e internacional.

Lugar: Kallpa Club, Av. Pedro Miotta, San Juan de Miraflores
Cuándo: Sábado 15 de agosto
Entrada: Desde 40 soles en Joinnus

Festival Internacional Chimpum Callao

El festival más tradicional del Callao regresa con una cartelera que incluye el retorno, tras 25 años de ausencia, del Grupo Niche de Colombia. Los acompañan Adolescentes Orquesta, Viti Ruiz con su homenaje a Frankie Ruiz, Nino Segarra, Willie González y Moncho Rivera en tributo a Ismael Rivera, además de orquestas nacionales del Callao.

Cuándo: Sábado 15 de agosto, desde las 3:00 p. m.
Lugar: Estadio Campolo Alcalde (Av. Víctor Raúl Haya de la Torre, La Perla, Callao).
Entrada: Desde 33 soles en Teleticket

Cuando seas grande Vol. VII

El Coro Nacional de Niños del Perú, bajo la dirección de la maestra Mónica Canales, presenta el séptimo volumen de su producción “Cuando seas grande”. Más de 100 niñas y niños recorren grandes éxitos del pop y el rock de las últimas décadas en el Gran Teatro Nacional.

Lugar: Gran Teatro Nacional, Av. Javier Prado Este 2225, San Borja
Cuándo: Sábado 15 de agosto, 8:00 p. m. / Domingo 16 de agosto, 5:30 p. m.
Entrada: A la venta en Joinnus

EVENTOS GRATUITOS

InterFaz

El artista visual peruano André Daza presenta InterFaz, su primera exposición individual, con curaduría de Mariana Linares Olivera. A través de esculturas, instalaciones, objetos y dispositivos tecnológicos, la muestra cuestiona la aparente neutralidad de los sistemas digitales: algoritmos, filtros de belleza y reconocimiento facial que reproducen jerarquías sociales y raciales. Incorpora además referencias al centralismo y la discriminación territorial desde su experiencia entre Arequipa y Lima.

Lugar: Galería Más Arte, calle Mariano Odicio 282, Miraflores
Hasta cuándo: 17 de agosto
Horarios: Lunes a viernes, 10:00 a. m. a 6:00 p. m.; sábados, 10:00 a. m. a 1:00 p. m.
Entrada: Libre

Entre el cielo y la tierra

La artista visual Ana Masías (Áncash, 1987) presenta ocho pinturas al óleo en la Galería MAD del Museo de Minerales Andrés del Castillo. El recorrido abre con una obra de 2017 del pintor José Tola, concebida por la artista como un homenaje al maestro que la impulsó hacia el arte. Las siete piezas siguientes, creadas entre 2024 y 2026, desarrollan un lenguaje figurativo que aborda la memoria, la violencia, la guerra, el desplazamiento y la saturación de imágenes en el mundo contemporáneo.

Lugar: Galería MAD, Museo de Minerales Andrés del Castillo, Jr. de la Unión 1030, Centro de Lima
Hasta cuándo: 28 de agosto
Horarios: Lunes a domingo, 10:00 a. m. a 7:00 p. m.
Entrada: Libre

Tiempo sin tiempo

El artista ecuatoriano Olmedo Quimbita (Latacunga, 1963) exhibe 17 pinturas en óleo y acrílico más una instalación en el Centro Cultural Ricardo Palma de Miraflores. Entre las obras destaca Retorno al Infinito, un díptico de 2,10 x 1,30 m que el curador Rubén Ramos describe como un universo donde “la figura humana, la naturaleza y los paisajes andinos trascienden su condición descriptiva para transformarse en metáforas de la existencia”.

Lugar: Centro Cultural Ricardo Palma, Av. José Larco 770, Miraflores
Hasta cuándo: 16 de agosto
Horarios: Lunes a domingo, 10:00 a. m. a 9:00 p. m.
Entrada: Libre

Experiencia Vivencial

Bajo la curaduría de Tricia Cáceda y Álvaro de la Puente, la Galería Casa Cultural Grau de Barranco reúne a 23 artistas en una muestra que convoca pintura, escultura y otras expresiones contemporáneas. Entre los participantes figuran Ana Ruiz de Somocurcio, Anneli Vértiz, Carlo Calanche, Cecilia Flores, Elecktra Brown, Gabriel Rodríguez, Marcela Paz, Marisol Sánchez, Oscar Dextre y Vanessa Martínez, entre otros.

Lugar: Galería Casa Cultural Grau, Av. Grau 178, Barranco
Hasta cuándo: 29 de agosto
Horarios: Miércoles a domingo, 4:00 p. m. a 9:00 p. m.
Entrada: Libre

La estructura del instante

La muestra del artista trujillano Paolo Vigo (1980) reúne 19 obras —siete pinturas, diez impresiones giclée y dos esculturas— en las que personajes con antifaces de los que brotan ramas y hojas representan las limitaciones que condicionan la mirada: normas sociales, prejuicios, miedos. “Mi trabajo muchas veces es una forma de expresar mi preocupación por la contaminación social y ambiental”, afirma el artista.

Lugar: Galería Índigo, Av. El Bosque (antes Daniel Hernández) 260, San Isidro
Hasta cuándo: 10 de setiembre
Horarios: Lunes a sábado, 10:30 a. m. a 8:30 p. m.; domingos y feriados, 11:00 a. m. a 7:00 p. m.
Entrada: Libre

Presentación del poemario Huaca de la noche

El literato y diplomático peruano Jesús Salazar Paiva presenta Huaca de la noche, poemario publicado en enero de 2026 por la editorial Andesgraund de Santiago de Chile. Los comentarios estarán a cargo del escritor y exministro de Cultura Alejandro Neyra y del poeta y catedrático Luis Fernando Chueca. Modera la poeta e investigadora Rashell Díaz Castillo.

Lugar: Vallejo Librería Café, Av. Camino Real 1119, San Isidro
Cuándo: Lunes 17 de agosto, 7:00 p. m.
Entrada: Libre

EVENTOS INFANTILES

El zorrito audaz y el ave voraz

La segunda aventura del zorrito Blas regresa al escenario. En esta entrega, Blas y la Taruca conocen a Segisfredo, un despistado caracol, y a Carmela, una anciana tortuga, mientras un personaje peligroso amenaza con quitarles sus pertenencias. La obra es producida por la Asociación Cultural Coladecometa, con dramaturgia y dirección de Celeste Viale Yerovi y composición musical de Norma Alvizuri. El elenco incluye a Briscila Degregori, Kali Granados, Renato Medina-Vassallo, Lorena Rodríguez Vera, Jhair Bustamante y Beth Bellina.

Lugar: Teatro Ricardo Blume, Jr. Huiracocha 2160, Jesús María
Cuándo: Sábado 15 y domingo 16 de agosto, 4:00 p. m.
Entrada: Desde 35 soles en Ticketmaster

La Granja de Zenón: Héroes en Acción

Bartolito, Tito, el Lobo Beto y sus amigos se convierten en superhéroes para salvar la granja en esta nueva propuesta de La Granja de Zenón. El espectáculo combina canciones, juegos, bailes e interacción con el público en el Centro de Convenciones Maracaná.

Lugar: Centro de Convenciones Maracaná, Jr. Huáscar 1652, Jesús María
Cuándo: Sábado 15 y domingo 16 de agosto, 2:00 p. m. y 5:30 p. m.
Entrada: Desde 110 soles en Ticketmaster

Jugando con el Lobo Feroz

Lobualdo Ferozino se queda solo en el bosque encantado porque todos se fueron de vacaciones, y necesita la ayuda del público para contar los cuentos. Un espectáculo interactivo donde niños, niñas y adultos se convierten en protagonistas de las historias.

Lugar: Teatro Juanita Tarnawiecki (ex Mocha Graña), Sáenz Peña 105, Barranco
Cuándo: Sábado 15 de agosto (y también 22 y 29 de agosto), 4:00 p. m.
Entrada: 34 soles en Teleticket

TEATRO

Inmaduros — 2da temporada

Aldo Miyashiro y Lucho Cáceres protagonizan esta comedia sobre dos amigos de mundos opuestos: Alfi, que vive sin frenos entre fiestas y tecnología, y Fideo, recién separado y sin rumbo. La condición para que Fideo se quede es acompañarlo en los legendarios “miércoles de diversión”, hasta que un secreto explosivo pone a prueba su amistad. La dirección es de Ximena Arroyo y Marco Paulo Meléndez. Completan el elenco Ebelin Ortiz, Fiorella Díaz, Gia Rosalino y Ximena Galiano. Producción de la Asociación Cultural La Pasión.

Lugar: Nuevo Teatro Julieta, Psj. Porta 132, Miraflores
Hasta cuándo: 30 de agosto
Horarios: Jueves a domingo, 8:00 p. m.
Entrada: Desde 35 soles en Joinnus

La señora K

Hilda, una anciana de firmes convicciones políticas, entra en coma tras una fuerte impresión. Al despertar, su nieta Laura y su enfermero Benhur intentan ocultarle que el partido que tanto ama atraviesa sus peores momentos. Una comedia sobre la dificultad de sostener una mentira.

Lugar: Teatro Barranco, Av. Grau 701, Barranco
Cuándo: Sábado 15 de agosto, 8:00 p. m.
Entrada: Desde 52 soles en Teleticket

Noche de enredos

Una marquesa ingenua, un cura encantador, un gasfitero sospechoso y un inspector demasiado astuto se cruzan en esta comedia de enredos escrita por Alberto Papa-Fragomén y Rodrigo Sopeña. Nadie es quien dice ser y todos esconden algo. Éxito en España, llega a Lima con un elenco conformado por Lia Camilo, Carlos Bañuelos, Pedro Olórtegui y Hugo Salazar, bajo la dirección del propio Bañuelos.

Lugar: Teatro Auditorio Miraflores, Av. Larco 1150, Miraflores
Horarios: El evento puede comenzar a las 8:30 p. m.
Entrada: Desde 50 soles en Teleticket

STAND UP Y MONÓLOGOS

‘Se busca marido cama afuera’

Johanna San Miguel presenta ocho funciones de la edición especial de ‘Se Busca Marido Cama Afuera’, una comedia con anécdotas, música en vivo y personajes sobre la reinvención personal tras la caída.

Lugar: Centro de Convenciones Bianca, Av. Almirante Miguel Grau 135, Barranco
Hasta cuándo: 24 de setiembre (de jueves a domingo)
Horarios: 8:00 p. m.
Entrada: Desde 51 soles en Teleticket

CINE

30° Festival Internacional de Cine de Lima PUCP — Últimas jornadas

El Festival Internacional de Cine de Lima PUCP cierra su 30ª edición el 15 de agosto con las jornadas finales de una programación que supera los 130 títulos y reúne a cerca de 100 invitados nacionales e internacionales. El festival despliega hasta su último día películas de la Competencia Latinoamericana, además de funciones gratuitas de clásicos restaurados del cine peruano a cargo de la Filmoteca PUCP.

Lugar: Centro Cultural PUCP, NOS PUCP, Cineplanet Alcázar, Cineplanet San Miguel, Alianza Francesa de Lima
Hasta cuándo: 15 de agosto
Entrada: Venta virtual en festivaldelima.com y en Joinnus. Venta presencial en la boletería del CCPUCP, de lunes a domingo, 11:00 a. m. a 8:30 p. m. Algunas funciones son de ingreso libre

De la leyenda a los hechos: los mitos sobre Shakespeare que la historia no logra confirmar

Celeste Sawczuk — Wed, 12 Aug 2026 18:57:21 +0000

La vida de William Shakespeare sigue rodeada de rumores, pero una revisión de 13 historias frecuentes sobre el dramaturgo muestra que muchas carecen de prueba documental, mientras otras solo resisten como hipótesis plausibles: desde la supuesta caza furtiva en Charlecote hasta la idea de que no amaba a Anne Hathaway, pasando por su mudanza entre Stratford y Londres, la autoría de sus obras y las circunstancias de su muerte, según la revista de historia británica HistoryExtra.

Uno de los datos más concretos del conjunto aparece lejos de las leyendas: en 1602 Shakespeare invirtió £320 en tierras de Stratford-upon-Avon y después destinó £440 a una participación en los diezmos de la ciudad, una renta vinculada al trabajo agrícola. Para el doctor Paul Edmondson, citado por la publicación, esos movimientos requerían supervisión directa y apuntan a una presencia frecuente en su ciudad natal.

Esa lectura cuestiona la versión de un escritor que abandonó Stratford para instalarse de forma casi permanente en Londres hasta su retiro. Edmondson sostuvo que, desde fines de la década de 1580, cuando ya consta su presencia en la capital, y hasta alrededor de 1612, su vida tuvo dos centros.

Shakespeare mantuvo vínculos activos con Stratford mientras trabajaba en Londres

La imagen de una fuga definitiva hacia Londres también choca con la compra de New Place en 1597, una propiedad en régimen de pleno dominio que, según la arqueología citada por Edmondson, tenía entre 20 y 30 habitaciones. Un año después ya remodeló su fachada.

El especialista señaló que una casa de ese tamaño, una de las mayores de Stratford, difícilmente encaja con alguien ausente durante largos períodos. Añadió que ese inmueble era su refugio cuando los teatros londinenses cerraban por la peste —algo frecuente— y también el lugar donde vivían su esposa e hijos.

La historia de que el joven Shakespeare fue sorprendido cazando ciervos en la finca de Sir Thomas Lucy y llevado ante magistrados es, para Edmondson, una buena anécdota sin respaldo documental. No hay registro de procesos locales por caza furtiva en sus años jóvenes y, además, en ese momento ni siquiera existió un parque de ciervos en Charlecote.

Eso no elimina del todo la posibilidad de algún episodio similar en la propiedad. La historia circula al menos desde la década de 1680, todavía en tiempos de los sobrinos nietos de Lucy, y por eso el experto admite que pudo conservar algún núcleo de verdad.

El matrimonio con Anne Hathaway también suele presentarse como una unión desdichada o impropia por la diferencia de edad: ella tenía 26 años y él, 18. Edmondson rechazó la idea de que Hathaway estuviera fuera de edad para casarse y explicó que lo inusual no era la edad de ella, sino la de Shakespeare.

De acuerdo con la historiadora Jeanne Jones, entre 1570 y 1630 la edad media de matrimonio de los hombres era de 26 años, y solo tres se casaron antes de los 20. Shakespeare fue el más joven de esos tres y el único cuya futura esposa ya estaba embarazada.

Ese contexto convirtió la boda en un potencial escándalo. También tuvo una consecuencia práctica: los hombres casados no podían seguir como aprendices, de modo que Shakespeare debió abandonar cualquier formación de ese tipo sin contar aún con un oficio formal para sostener a su nueva familia.

La falta de pruebas define buena parte de los grandes mitos

Ni siquiera el lugar exacto del casamiento está resuelto. Se propusieron la iglesia de St. Andrew en Temple Grafton, St. Martin en Worcester, Luddington y Holy Trinity en Stratford-upon-Avon, pero Edmondson dijo que cada vez se inclina más por All Saints Church en Billesley.

Su argumento se apoya en varios indicios: allí se casó en segundas nupcias Elizabeth, nieta de Shakespeare, aunque no se le conocen vínculos previos con ese sitio; Billesley está cerca de Wilmcote, de donde procedía la familia de la madre del dramaturgo; y era un lugar discreto para una boda acelerada por el embarazo de Hathaway.

La discusión sobre la autoría de las obras tampoco encuentra respaldo en las teorías conspirativas. Edmondson afirmó que cada elemento conservado apunta a Shakespeare como autor y recordó que la ausencia de libros en su testamento no prueba nada, porque en ese período los libros solían figurar en inventarios, y no se conserva uno suyo.

Eso no impide reconocer colaboraciones. Ya en vida se sabía que trabajaba con otros autores: The Two Noble Kinsmen, publicada en 1634, fue atribuida conjuntamente a John Fletcher y Shakespeare; The History of Cardenio, hoy perdida, también se mencionó como obra compartida; y Henry VIII, o All Is True, se identificó después como otra colaboración con Fletcher.

Edmondson explicó que una de las huellas estilísticas de Fletcher era el uso de “ye” en lugar de “you”, algo infrecuente en Shakespeare, lo que ayuda a distinguir escenas. También señaló colaboraciones con Thomas Middleton, sobre todo al comienzo y al final de su carrera, mientras que, tras convertirse en accionista fundador de los Lord Chamberlain’s Men, tendió a escribir en solitario para beneficiar económicamente a la compañía.

Otra exageración frecuente es la que lo presenta como creador de miles de palabras del inglés. Un proyecto de investigación de tres años iniciado en 2016, encabezado por el profesor Jonathan Culpeper, de la Universidad de Lancaster, analizó millones de palabras de Shakespeare y sus contemporáneos y concluyó que el total de neologismos atribuibles al dramaturgo probablemente no supera los 300 a 400.

La vida familiar ofrece otro campo fértil para las lecturas forzadas. La idea de que Shakespeare no amaba a Anne Hathaway se apoya en la distancia física, el apuro del matrimonio y la diferencia de edad, pero Edmondson sostuvo que algunos sonetos podrían estar dirigidos a ella o hablar de ella.

Mencionó el pareado final del Soneto 145, identificado en 1971 como posible alusión a Anne: “Odio”, apartando el odio, ella pronunció, y me salvó la vida al decir “no a ti”. Añadió que el poema está escrito en tetrámetro yámbico y no en pentámetro, y que “Hateaway” era una pronunciación alternativa de Hathaway, lo que permite pensar en un poema de matrimonio.

También citó una hipótesis de la académica Germaine Greer sobre el Soneto 27, donde el poeta, agotado, se acuesta pero sigue en su mente un peregrinaje hacia la persona amada. Para Edmondson, esa lectura encaja con un Shakespeare de gira pensando en su esposa.

El “segundo mejor lecho” y la fortuna del dramaturgo alimentaron interpretaciones erróneas

Buena parte de la especulación sobre ese matrimonio nace del testamento en el que dejó a Hathaway “mi segundo mejor lecho con su mobiliario”. Edmondson explicó a HistoryExtra que ese lecho probablemente era el que compartían ambos, mientras que el mejor solía reservarse para invitados y exhibirse en la planta baja.

El especialista subrayó que los testamentos no eran documentos sentimentales y que hoy se proyecta sobre esa cláusula una sensibilidad ajena a la época. Agregó que existen otros casos en los que un segundo mejor lecho se dejó a la viuda como parte de un entendimiento sobre sus derechos de residencia.

El grueso de la herencia fue para su hija Susanna. Ella y su esposo John Hall se instalaron en New Place mientras Anne aún vivía allí, y Hathaway permaneció en la casa durante otros siete años, hasta su muerte en 1623.

La riqueza de Shakespeare tampoco procedió simplemente de escribir obras. Edmondson fue tajante: “No es cierto”. Dijo que se enriqueció por ser accionista de dos compañías y dos teatros, el Globe y el Blackfriars, porque escribir piezas por sí solo no generaba grandes fortunas.

Aun así, consideró verosímil que también heredó dinero ligado al negocio lanero de su padre, John Shakespeare, multado por comerciar lana sin licencia. El nivel de esas sanciones dependía del volumen de lana y del movimiento económico de la actividad, lo que sugiere ingresos considerables.

La muerte de su único hijo varón, Hamnet, está igualmente rodeada de conjeturas sin solución. El niño, hermano gemelo de Judith, murió en 1596 a los 11 años y fue enterrado el 11 de agosto en Holy Trinity, en Stratford-upon-Avon; la causa no quedó registrada.

Edmondson recordó que se propusieron explicaciones que van desde el ahogamiento hasta la peste, pero sostuvo que no hay forma de saberlo. La misma falta de certeza alcanza a la muerte del propio Shakespeare.

La referencia más temprana sobre ese final aparece en la década de 1660, en un cuaderno del vicario de Stratford-upon-Avon, donde se afirma que Shakespeare tuvo un encuentro festivo con Ben Jonson y Michael Drayton y murió de una fiebre contraída entonces. Más tarde, en el siglo XVIII, ese relato derivó en la versión de una borrachera por Stratford y un despertar bajo un árbol de Warwickshire.

Edmondson consideró plausible la fiebre, incluso por agua contaminada, pero rechazó convertirla en certeza. También señaló que biografías posteriores lo hicieron morir de sífilis o tifus, aunque en rigor no se sabe cómo murió.

Las imágenes del dramaturgo ofrecen otro terreno donde la tradición supera las pruebas. Aunque el retrato Cobbe y el Chandos se presentan como obras hechas del natural, Edmondson afirmó que solo hay dos representaciones que pueden identificarse con certeza como Shakespeare, y ambas son póstumas: el grabado de Martin Droeshout en la portada del Primer Folio de 1623 y el busto de Holy Trinity Church, en Stratford-upon-Avon, que investigaciones de la profesora Lena Cowen Orlin consideran probablemente encargado por el propio Shakespeare.

Entre los rumores más persistentes figura además la posible paternidad de Sir William Davenant, poeta y dramaturgo nacido en 1606. Edmondson dijo que el dato no puede descartarse: Shakespeare probablemente se alojó a veces con la familia Davenant en Oxford, conoció bien a Jane Davenant y algunas versiones incluso lo señalan como padrino del niño.

Cate Blanchett reflexionó sobre el liderazgo femenino y la desigualdad salarial: “No somos perfectas, pero estamos bastante cerca”

Dante Martignoni — Wed, 12 Aug 2026 12:56:30 +0000

Cate Blanchett regresará a los escenarios londinenses con Electra/Persona, una producción del Teatro Nacional de Londres en la que compartirá roles con Nina Hoss y Ella Lily Hyland.

En una entrevista con Harper’s Bazaar, revista dedicada a la moda y la cultura, abordó temas como el liderazgo femenino, la inteligencia artificial y su vida familiar.

La conversación tuvo lugar durante los ensayos de la obra teatral, cuya propuesta escénica combina la tragedia griega de Sófocles con el drama psicológico de Ingmar Bergman y cuenta con música original compuesta por Hildur Guðnadóttir.

El regreso al teatro

La actriz de 57 años considera este estreno como un “regreso a casa”, según describió a Harper’s Bazaar, aunque admitió que las jornadas de ensayo resultan exigentes.

La obra teatral supone un reto adicional: las protagonistas intercambian personajes en cada función. “Nunca había hecho algo así”, afirmó Blanchett a la revista, y explicó que siente una responsabilidad colectiva en el proceso creativo.

El proyecto está dirigido por Benedict Andrews, quien ya trabajó con Blanchett en otras producciones de larga duración. El director comparó la energía de la actriz con la de figuras deportivas como Kylian Mbappé y Usain Bolt en su mejor momento.

En ese contexto, la actriz australiana destacó el papel que cumplen los vínculos profesionales durante el proceso creativo: “A veces, con las amistades, hay una sensación de que estás cómodo con el otro. Pero lo que me encanta de las amistades artísticas es que realmente te ponen a prueba”.

Trayectoria y activismo

A lo largo de cuatro décadas, interpretó una amplia gama de personajes tanto en teatro como en cine. Ganadora de dos premios Oscar, la artista australiana se destacó en producciones como Blue Jasmine, El aviador y El señor de los anillos. Además de sus logros artísticos, se involucra activamente en causas sociales y tecnológicas.

La actriz fundó RSL Media, una organización tecnológica sin fines de lucro que busca proteger los derechos de los creadores ante el avance de la inteligencia artificial. “Se trata de un registro donde las personas podrán indicar si se sienten cómodas con que empresas de IA utilicen su obra creativa e imagen para el aprendizaje automático”, precisó.

La iniciativa cuenta con el respaldo de figuras como Steven Soderbergh y busca poner el consentimiento en el centro del debate sobre IA y derechos de autor.

Al referirse a los desafíos que plantea esta tecnología, señaló que “Todo está tan polarizado que nadie se siente capaz de sentarse a la misma mesa para debatir los retos, y el principal es el consentimiento”.

Para la actriz, este aspecto ocupa un lugar central en la discusión sobre el uso de contenidos creativos por parte de las empresas de inteligencia artificial.

Compromiso ambiental

La preocupación de Blanchett por el medio ambiente se remonta a su infancia en Melbourne, Australia. Junto a su esposo, el dramaturgo Andrew Upton, impulsó la transformación de la Sydney Theatre Company en la organización neutral en carbono más grande del hemisferio sur.

Actualmente, integra el Consejo del Premio Earthshot, que trabaja en la búsqueda de soluciones tecnológicas frente al cambio climático.

La actriz mantiene hábitos sostenibles en su vida cotidiana y destacó la importancia de evitar el derroche. Prefiere utilizar productos de su propio huerto y manifestó su incomodidad ante el tamaño de las raciones en los restaurantes estadounidenses.

Blanchett y el liderazgo femenino

La actriz también cuestionó el lugar que ocupan las mujeres en las estructuras de poder y recordó que algunos de los avances conseguidos en materia de igualdad todavía enfrentan retrocesos. Al referirse al movimiento MeToo, sostuvo que aquel impulso inicial perdió fuerza con rapidez y señaló que la igualdad salarial todavía no se alcanzó.

“Estábamos en un momento emocionante. Pero nunca hemos alcanzado la igualdad salarial, y el MeToo se ha desacreditado con suma rapidez”, afirmó la actriz a Harper’s Bazaar.

“No es que seamos perfectas... Pero estamos muy cerca. Desde luego, las cosas no funcionan así ahora mismo”, afirmó Blanchett, en una reflexión vinculada con su postura sobre la igualdad de género y el retroceso de algunos avances relacionados con los derechos de las mujeres.

Vida familiar y rutinas

En su hogar en East Sussex, la vida de Blanchett se compone de rutinas domésticas y actividades familiares. Comienza sus días alimentando gallinas, paseando perros y preparando a sus hijos para la escuela.

Su madre, June, de 87 años, vive con ellos y mantiene una vida activa. Sobre la dinámica de su hogar, la actriz expresó: “Nuestra casa es muy ruidosa y no la cambiaría por nada del mundo”.

La actriz reconoció los desafíos de la maternidad moderna, en especial frente a la presión de la imagen y la tecnología. También destacó en la entrevista que prefiere dialogar con sus hijos sobre el uso de dispositivos electrónicos en vez de imponer límites estrictos.

Mirtha Legrand acompañó a Carlos Rottemberg en la presentación de su libro: “Siempre estuvo a mi lado”

Lucas Terrazas — Wed, 12 Aug 2026 00:01:37 +0000

Mirtha Legrand acompañó a Carlos Rottemberg en la presentación de su libro Pasen y lean, el volumen con el que el empresario teatral repasa sus 50 años de trayectoria en la actividad. La conductora asistió este martes a la sala del Teatro Liceo, donde volvió a mostrar su cercanía con el productor en una ceremonia que reunió a figuras del espectáculo y referentes del sector.

Al llegar al teatro, Carlos Rottemberg recibió a Mirtha Legrand en la entrada y ambos avanzaron tomados del brazo por el pasillo de acceso a la sala. La presencia de la conductora concentró parte de la atención de la jornada, en una escena que volvió a exponer el vínculo personal y profesional que mantienen desde hace años.

Durante el acto, Legrand tomó la palabra desde un palco y dedicó un extenso mensaje a su amigo. Allí recordó la relación que Rottemberg tuvo con su familia y agradeció el acompañamiento que recibió en momentos personales difíciles. “Lo llevo en el fondo de mi corazón”, expresó la conductora al hablar de la relación que construyó con el empresario teatral.

En ese tramo de su intervención también evocó la cercanía de Rottemberg con Daniel Tinayre y relató anécdotas de la intimidad de ese vínculo. Legrand recordó que ambos hablaban por teléfono con frecuencia y remarcó el lugar que ocupó Rottemberg a su lado tras la muerte de su esposo. “Siempre estuvo a mi lado”, afirmó ante los invitados.

La presentación de “Pasen y lean” reunió además a otras figuras que dijeron presente en la sala. Entre los asistentes estuvieron Guillermo Francella, Adrián Suar, Agustín Rada, Graciela Borges, Rodrigo Noya, Campi, Dalia Gutmann y Miguel Ángel Rodríguez, en una convocatoria que también incluyó a familiares, colegas, actores y empresarios vinculados con la actividad teatral.

En el escenario, Rottemberg compartió el encuentro con los periodistas Any Ventura y Pablo Sirven, ambos cercanos al empresario desde hace años. La ceremonia también incluyó palabras de respaldo de figuras del medio, entre ellas Graciela Borges, Adrián Suar y el presidente de la Asociación Argentina de Empresarios/as Teatrales y Musicales (AADET), Sebastián Blutrach.

Otro de los momentos de la noche fue la entrega de un reconocimiento del Senado de la Nación, aprobado por voto unánime. La distinción quedó en manos de Wado de Pedro y Maximiliano Abad, quienes participaron del acto en el Liceo.

Fiel a su tono habitual, Rottemberg apeló al humor frente al público y dijo: “Les voy a regalar a todos un libro porque es más barato que los canapés”. La frase sintetizó el clima distendido de una presentación atravesada por aplausos, saludos y referencias al recorrido del empresario en la escena cultural argentina.

El libro Pasen y lean propone un repaso por las cinco décadas de Rottemberg como teatrista. El empresario explicó que el proyecto tomó impulso después de una entrevista con el periodista Alejandro Cruz, cuando surgió la idea de reunir en un solo volumen una versión actualizada de ese recorrido. “Me instó a que fuera por un ejemplar actualizado con todas las cinco décadas en un solo libro”, señaló sobre el origen de la publicación.

La obra se centra en el detrás de escena de Calle Corrientes y en el funcionamiento interno del circuito comercial. Rottemberg definió el contenido como una mirada personal “desde adentro de la profesión sin formalidad” y como una reflexión sobre la actividad, con foco en conflictos, transformaciones y aspectos menos visibles para el público.

Según plantea el propio empresario, el texto expone una mirada directa sobre las dinámicas tras bambalinas y sobre el sector que él mismo suele definir como el “teatro industrial” argentino. El lanzamiento también retoma parte del camino iniciado con “No hay más localidades”, su primer libro, antecedente editorial de este nuevo trabajo que ya se encuentra en librerías.

Crédito: RSFOTOS

De empleada de Blockbuster a Broadway y una película con Spielberg: la impresionante trayectoria de Lena Waithe

Fausto Urriste — Tue, 11 Aug 2026 22:11:26 +0000

Lena Waithe repasó su trayectoria en el pódcast de Amy Poehler y reivindicó el teatro como antídoto a la desconexión digital. La escritora y productora de Chicago, invitada al programa Good Hang, habló sobre su Emmy histórico, su paso por Blockbuster, el trabajo junto a Steven Spielberg y su rol como productora de Cats: The Jellicle Ball en Broadway.

Fue la primera mujer afroamericana en ganar el Premio Primetime Emmy a la Mejor Escritura en una Serie de Comedia. Lena Waithe revisitó esa etapa de su carrera en una conversación con Amy Poehler en el pódcast Good Hang, donde también reflexionó sobre creatividad, estilo y el valor de reunir a personas en una misma sala.

Waithe ganó el Emmy en 2017 por el episodio Thanksgiving de la segunda temporada de Master of None, la serie de Netflix creada junto a Aziz Ansari. El capítulo, coescrito por ambos en un cuarto de hotel en Londres durante la filmación de Ready Player One, narra el proceso de salida del clóset de un personaje construido a partir de experiencias propias.

“Cuando le dije a mi mamá que era gay, ella miró a su alrededor para ver si alguien había escuchado”, relató Waithe durante el programa, como ejemplo de cómo trasladó momentos reales a la página.

Según contó al pódcast, Ansari le advirtió que si no coescribía el episodio, este simplemente no se haría. Waithe inicialmente se resistió —estaba a punto de filmar su primera película de gran presupuesto con Spielberg— pero terminó cediendo.

El resultado fue reconocido en los 69.° Premios Emmy como un hito en la representación de la comunidad LGBTQ+ y de las mujeres negras en la televisión de comedia.

Los años de formación antes del Emmy

Antes de ese reconocimiento, la trayectoria de Waithe incluyó años como empleada de Blockbuster en Evanston, el suburbio de Chicago donde creció, y luego en Los Ángeles, adonde pidió ser transferida para continuar sus estudios informales de cine mientras avanzaba en la industria.

Estudió escritura y producción para televisión en el Columbia College Chicago, y fue a través de un programa de ese mismo establecimiento que llegó por primera vez a una plataforma en Hollywood.

“Iba a ver qué tenían en el muro de novedades, esperando que alguien hubiera devuelto Face/Off”, recordó entre risas, describiendo la cultura de los videoclubs como una escuela de gusto cinematográfico.

Su debut actoral llegó casi por accidente. La directora de casting Allison Jones —responsable de títulos como Freaks and Geeks, Veep y Bridesmaids— la convocó tras ver una presentación piloto que Waithe había publicado en internet, precursora de la serie Twenties.

Eso derivó en su incorporación a The Comeback (temporada 2) y, más adelante, en la reunión con Ansari que la llevaría a Master of None. De la directora Gina Prince-Bythewood, para quien trabajó como asistente durante dos años, rescató una lección que describió como formativa: “Nunca perdió la calma. Dejó que el trabajo hablara por sí mismo”.

Su desembarco como productora en Broadway

Hoy, Waithe suma a su lista de créditos el rol de productora en Cats: The Jellicle Ball, la versión del musical de Andrew Lloyd Webber ambientada en la escena del ballroom de Harlem, que se estrenó en Broadway en el teatro Broadhurst durante 2026 bajo la dirección de Zhailon Levingston y Bill Rauch, ganadores del Premio Tony.

Según explicó Waithe en el pódcast, fue la actriz Cynthia Erivo quien la llevó a ver la producción cuando aún estaba fuera de Broadway, y ambas decidieron involucrarse como coproductoras. “Quería asegurarme de que todo el mundo supiera de esto”, afirmó.

La propuesta del espectáculo se relaciona con una preocupación que Waithe mencionó reiteradamente: la necesidad de que las personas abandonen sus dispositivos y compartan espacios físicos. Los directores de la obra, en una conversación previa con Poehler dentro del mismo episodio del pódcast, señalaron que la productora estuvo presente desde los primeros ensayos y que su plataforma fue clave para visibilizar el proyecto.

Documentales, terapia y nuevos proyectos

Waithe también habló de su trabajo como productora del documental Being Mary Tyler Moore para HBO Max, la plataforma de streaming, proyecto que la llevó a explorar la figura de la actriz y comediante desde su adolescencia, cuando no lograba sintonizar con el ritmo de la serie original.

“Tardé en entenderla porque era como el jazz: te lleva tiempo poder escucharla”, dijo. La voz de Julia Louis-Dreyfus forma parte del documental, según reveló la propia Waithe.

Sobre su relación con la terapia y con las relaciones de pareja, fue directa: recomendó la serie documental Couples Therapy como material de aprendizaje universal. “La vulnerabilidad es una fortaleza. La verdad no hace daño”, sintetizó, al describir lo que aprendió en su propio proceso terapéutico.

También lanzó su línea de ropa Proximity, diseñada junto a Nox, una diseñadora queer afrodescendiente de la ciudad de Nueva York, con la que busca vestir de acuerdo con su identidad sin depender de grandes marcas.

Waithe tiene 42 años y es creadora de la serie The Chi, de Showtime, la señal de televisión premium, que llegó a su octava y última temporada. También coprodujo el largometraje Queen & Slim y es productora ejecutiva de la antología de terror Them. Su debut profesional en el escenario se produjo en 2026 con la obra Trinity, presentada en el Baltimore Center Stage.

Entre celdas y escenarios: cómo el teatro está cambiando la vida de presos en Italia

Ismael Yasnikowski — Tue, 11 Aug 2026 12:52:58 +0000

La cárcel de Volterra, en Italia, alberga desde hace casi cuatro décadas una experiencia singular: un proyecto teatral que integra a presos y profesionales de la escena dentro de la prisión. Según informó Euronews, la iniciativa se desarrolla en uno de los penales más antiguos del país y propone una vía de trabajo centrada en el arte, la expresión y la reinserción.

De acuerdo con el informe, el programa funciona bajo el nombre de Compagnia della Fortezza y fue creado por Armando Punzo, un director que llegó al penal con la idea de formar una compañía distinta a las convencionales. Desde entonces, el grupo construye montajes anuales y recupera producciones previas dentro de un proceso continuo de creación.

Un proyecto teatral dentro de la prisión

Punzo explicó a Euronews que su interés inicial consistía en poner a prueba el teatro en un entorno donde el arte y la cultura parecían no tener lugar. En vez de trabajar con actores formados, encontró un grupo multicultural de internos con escaso o nulo vínculo previo con esa disciplina.

El director sostuvo que se topó con personas que nunca se habían pensado de otro modo, absorbidas por rutinas duras y por trayectorias de vida complejas. Aun así, observó también una capacidad de reflexión personal que, a su juicio, demuestra que el arte y la cultura pueden llegar a cualquiera si existe el trabajo necesario para acercarlos.

Cada año, la compañía produce una nueva obra. Al mismo tiempo, revisa piezas ya presentadas y las devuelve al escenario. Los presos participan del proceso creativo junto con trabajadores del teatro en distintas áreas de las producciones, según detalló Euronews.

Ese esquema convierte a la actividad artística en parte de la vida cotidiana dentro del penal. Para varios internos, representa además una oportunidad de vincularse con un lenguaje expresivo que antes no formaba parte de su experiencia.

La experiencia de los internos y del equipo artístico

Uno de los integrantes de la compañía es Giacomo, quien llegó a Volterra en 2024 desde otra prisión. Según recogió Euronews, pidió el traslado justamente porque conocía el trabajo teatral del centro y fue incorporado de inmediato a la actividad.

El interno describió su paso por la compañía como una forma de redescubrir aspectos personales que sentía perdidos. En su testimonio, destacó una paradoja central de su experiencia: “Al perder mi libertad aquí, en una situación de encierro absoluto, estoy encontrando una apertura total”.

El trabajo diario también involucra a artistas externos. Viola Ferro, una actriz joven que decidió sumarse al proyecto, afirmó que el teatro tiene la capacidad de transformar cualquier espacio. Para ella, cuando la obra comienza, la prisión queda en segundo plano y el escenario impone su propio lenguaje.

Ese intercambio entre internos y profesionales sostiene el funcionamiento de la compañía. La creación de cada montaje se apoya en tareas compartidas y en una dinámica de colaboración que busca desplazar, al menos durante el tiempo de ensayo y función, la lógica estricta del encierro.

Reinserción, esperanza y vínculo con el exterior

Para Valentina Bruno, directora de la prisión italiana, el proyecto forma parte de una mirada más amplia sobre la reinserción. En declaraciones citadas por el medio europeo, señaló que los presos son tratados como personas y no solo como números o expedientes dentro de la institución.

En la misma línea, afirmó que los internos perciben atención por parte del personal y valoran el contacto frecuente con sus familiares. También remarcó que uno de los efectos más fuertes del programa es la expectativa de volver a la sociedad como personas cambiadas capaces de devolver algo a la comunidad.

El impacto del trabajo teatral se vuelve más visible cuando las funciones abren la cárcel al público. En esas ocasiones, el patio del penal se convierte en sala de representación y las murallas de la fortaleza sirven como telón de fondo para recibir a espectadores del exterior.

La escritora Maria Nadotti, asistente habitual a las funciones, expresó su admiración por el proyecto, destacó una combinación de imaginación, energía y pasión por el asombro que, a su entender, resulta cada vez menos frecuente en el teatro contemporáneo.

La experiencia de Compagnia della Fortezza mantiene así un modelo en el que la creación artística ocurre dentro de una cárcel, con participación activa de los internos y con un puente directo hacia la sociedad a través de cada representación abierta al público.

Broadway rompe su récord de ingresos y la temporada cierra con 1.910 millones de dólares

Matias D. Lauria — Mon, 10 Aug 2026 12:02:40 +0000

Broadway entra en agosto con alta demanda de entradas y la expectativa de cerrar 2026 entre sus mejores años recientes, impulsado por el turismo de verano, una cartelera amplia y una temporada 2025-2026 que, según The Broadway League, dejó 14,6 millones de asistentes, ingresos por más de USD 1.910 millones y una ocupación promedio del 90,8 %.

La solidez del verano también aparece en la taquilla más reciente. En la semana terminada el 26 de julio de 2026, los teatros del circuito reunieron más de 273.000 asistentes y superaron los USD 34,8 millones de recaudación, con cifras por encima del mismo período del año anterior.

Agosto suele ser uno de los tramos más intensos del calendario teatral de Nueva York. A los visitantes internacionales se suman familias estadounidenses en vacaciones y aficionados que aprovechan julio y agosto antes del inicio del nuevo ciclo escolar.

El turismo sostiene cerca de dos tercios del público

La relación entre Broadway y el turismo explica buena parte de esa demanda. Aproximadamente dos tercios del público provienen de visitantes, mientras cerca de un tercio corresponde a residentes del área metropolitana.

Durante el verano de 2026, la ciudad recibió además un impulso por la Copa Mundial de la FIFA, junto con festivales, conciertos y eventos deportivos. Parte de esos viajeros extendió su estadía para sumar museos, restaurantes y espectáculos teatrales.

Ese perfil beneficia de manera directa al distrito de Times Square, donde asistir a un musical figura entre las actividades prioritarias para muchos viajeros que visitan Nueva York por primera vez. El efecto alcanza también a hoteles, cafeterías, transporte, comercios y museos del Midtown de Manhattan.

La organización sostiene que el teatro actúa como un multiplicador económico en zonas como Times Square, Hell’s Kitchen y el Theatre District. Miles de visitantes permanecen allí varias horas antes y después de cada función.

Una cartelera amplia empuja la temporada de verano

La demanda no depende solo del flujo de viajeros. También influye una oferta que combina musicales clásicos, producciones familiares, nuevas obras premiadas, revivals, dramas contemporáneos, comedias y montajes encabezados por figuras del cine y la televisión.

Esa variedad permite captar públicos de distintas edades y nacionalidades. Quienes buscan una primera experiencia suelen inclinarse por títulos de larga trayectoria, mientras los espectadores habituales prestan más atención a los nuevos montajes y a las obras distinguidas en la última temporada.

El calendario estival modifica además la composición del público. En julio y agosto crece la presencia de familias con niños, turistas internacionales, grupos organizados y visitantes que pasan varios días en la ciudad.

Ese comportamiento favorece sobre todo a los musicales familiares y a las producciones de fuerte despliegue visual. Las funciones de tarde también ganan peso frente a otros momentos del año.

La recaudación récord convivió con entradas más caras

La temporada concluida en mayo confirmó la fortaleza del sector con 74 producciones entre musicales, obras y eventos especiales. De acuerdo con la liga, la asistencia total retrocedió levemente frente al año anterior, pero la recaudación marcó un nuevo máximo por el aumento del precio promedio de las entradas y el buen desempeño de varios éxitos comerciales.

El precio sigue siendo uno de los debates centrales del circuito. En las producciones más populares, las entradas pueden superar ampliamente los USD 200, sobre todo los fines de semana y en períodos de alta demanda.

Para sostener la ocupación y ampliar el acceso, la industria ofrece sorteos diarios, boletos de último momento, descuentos a través de TKTS, promociones para estudiantes y programas de entradas digitales. Esas alternativas ayudan a atraer un público más diverso en un mercado que compite con museos, conciertos, festivales gratuitos, experiencias inmersivas y eventos deportivos.

Frente a esa competencia, Broadway apunta a renovar con frecuencia su cartelera, incorporar figuras reconocidas, reforzar estrategias digitales y cerrar alianzas con el sector turístico. Entre septiembre y diciembre suelen llegar numerosos estrenos con la mira puesta en los próximos premios Tony, mientras las fiestas de fin de año concentran el mayor movimiento comercial para muchos teatros.

Abren una convocatoria para obras de teatro emergente

Sun, 09 Aug 2026 19:30:00 +0000

Finnegans abrió la convocatoria Nuevo Teatro y ofrece hasta $4.000.000 para proyectos de teatro emergente en el Área Metropolitana de Buenos Aires, una iniciativa que también incluye espacios de ensayo y funciones en su auditorio para impulsar la producción, la investigación creativa y la puesta en escena de nuevas obras.

La inscripción estará disponible hasta el 22 de agosto de 2026. El dictamen del jurado se conocerá dentro de los 30 días posteriores al cierre de la convocatoria.

El programa pertenece a Finnegans Impacto, la línea con la que la compañía de software de gestión financia y acompaña proyectos culturales y comunitarios. Esta edición es la cuarta de un esquema orientado a artistas, jóvenes creadores y grupos teatrales que atraviesan sus primeras experiencias en las artes escénicas.

La obra ganadora recibirá $4.000.000 para cubrir gastos de producción. El segundo proyecto seleccionado obtendrá $2.000.000, mientras que un tercer trabajo recibirá una mención especial.

Los tres proyectos distinguidos podrán usar espacios de ensayo en Finnegans CC durante hasta 6 meses desde la fecha en que se otorgue el reconocimiento. Después, los artistas presentarán sus obras en el Auditorio de Finnegans CC, con producción conjunta del equipo organizador y funciones abiertas a la comunidad.

La convocatoria está dirigida a artistas mayores de 18 años, argentinos o extranjeros, que residan legalmente en el AMBA. Cada participante o grupo podrá presentar una sola obra, con la condición de que no haya sido estrenada antes de la postulación.

Quienes ya hayan sido seleccionados y hayan recibido este estímulo en ediciones anteriores no podrán volver a competir. La evaluación estará a cargo de un jurado de especialistas, al que se sumará como invitado uno de los artistas premiados en la edición anterior.

Nuevo Teatro ya tuvo tres ediciones previas. Entre los proyectos premiados en esos años figuran Hola, Soy Simón, Sidra Caliente, Seis minutos de sol, Juana de Arco y Dios, Viñetas de un mundo roto y La noche no es azul.

Desde 2020, la compañía colabora con la financiación de producciones teatrales mediante aportes económicos y recursos físicos. También impulsa el Premio Finnegans a las Artes Visuales y organiza formaciones gratuitas en teatro, gestión cultural y creatividad. Para más información, ingresar a las bases y condiciones.

Abraham Baños nos habla de “(Sólo) Un Bosque”, una obra de teatro sobre el ciclo de la vida, la muerte y la amistad, a través del reino animal

Ignacio Izquierdo — Sun, 09 Aug 2026 03:21:41 +0000

En entrevista con Infobae México, Abraham Baños Lozada nos habla de (Sólo) un bosque, la obra de teatro que se presenta en agosto en el Teatro Helénico de la Ciudad de México. La pieza, producción de la Coordinación Nacional de Teatro del INBAL a través de Proyecto Oso Índigo, explora la pérdida, la amistad y el ciclo de la vida mediante títeres, máscaras y un diseño escenográfico construido con madera, metal y mimbre.

La historia de Abraham Baños ganó en 2023 la convocatoria Alas de Lagartija y fue publicada en 2024 dentro de la colección homónima del sello editorial Alas y Raíces de la Secretaría de Cultura. La obra se presenta los sábados y domingos de agosto a las 13:00 horas.

Obawi y Bachi: dos soledades que se encuentran

La historia sigue a dos animales: Obawi, un oso plateado que huye tras una dolorosa pérdida, y Bachi, un joven lobo gris extraviado de su manada. Cuando se encuentran, descubren que para sobrevivir al bosque —salvaje y hermoso a la vez— deben aprender a convivir.

“(Sólo) un bosque es justamente una construcción escénica que parte de una premisa: qué pasa cuando dejamos de estar”, nos cuenta Abraham Baños . “Vemos un poco el tema de la pérdida, pero más bien sobre las transformaciones. Más allá de terminar ciclos, es continuarlos; de cómo funciona el ciclo de la vida y la muerte.”

El dramaturgo y actor describe la obra como una fábula sobre las amistades improbables: “Las soledades que se acompañan: cómo conecto un mundo que parece completamente distinto al mío con el mío, y dónde encontramos ese punto de convergencia. Sobre ese otro que tal vez no es tan distinto a mí.”

Una pregunta personal sobre la muerte

La escritura del texto nació de una inquietud íntima. “El asunto de la escritura siempre parte de una pregunta personal sobre las cosas. Para mí era cómo me explico yo la muerte”, dice Abraham. “Yo creo que los que terminamos nuestro ciclo en este plano simplemente nos convertimos en algo más dentro del mismo. Cuando muera quisiera convertirme en un hermoso paisaje, en algo más que me recuerde que existí.”

Desde esa pregunta construyó la metáfora animal. “Yo no trato de dar una respuesta contundente, sino abrir un diálogo con los espectadores, que es justo lo que hace la escena después. La dramaturgia es un punto de lectura primero, y luego viene darle vida: la escenografía, los títeres, las máscaras, nuestros cuerpos, nuestras voces.”

Actor y dramaturgo en la misma obra

Abraham Baños actúa en la pieza además de haberla escrito, lo que modifica su proceso de preparación. “Desde que escribo el texto ya estoy plasmando una percepción de mí mismo en el mundo y con el mundo”, señala. “Siempre trato de encontrar ese punto de unión entre lo que soy yo, lo que conozco, todos mis referentes, toda mi historia, y ese personaje.”

Esa cercanía con el material, dice, representa un paso adelantado: “Al momento de darles vida, conociendo ya la dramaturgia, voy encontrando cosas de mí mismo en el personaje. Y también cosas nuevas, porque una cosa es la página escrita, pero al momento de darle vida y acción se encuentran otras cosas.”

El elenco lo completan Gilary Negrete, Sabrina Tenopala y Andrés Torres Orozco. La dirección es de Hasam Díaz Hierro; el diseño de escenografía e iluminación, de Sergio López Vigueras; el vestuario, de Lissete Barrios; los títeres y objetos, de Humberto Galicia, y la música original, de Adriana Larragaña y Edher Corte.

Adultos que lloran, niños que preguntan

El espectáculo estrenó en 2025 y ha recorrido varios festivales nacionales antes de llegar al Teatro Helénico. Abraham Baños describe lo que ocurre en sala: “Ves a los adultos llorando y a los niños preguntándose muchas cosas.”

“Nosotros tratamos de darles esa pregunta para que se la lleven a casa y tengan esa conversación que, si bien no es tan cotidiana, es muy normal. Qué bueno que la escena tenga ese punto de partida para encaminarlos a que tengan su conversación privada”, agrega.

La obra está diseñada en capas para distintas edades. Las infancias que ya tuvieron contacto con la pérdida —la muerte de un abuelo, un cambio de casa, la distancia de amigos— encuentran resonancias distintas a las de los adultos, que la procesan desde un lugar más sensible con la muerte.

“Cuando un espectáculo les ha llenado y les ha movido, lo difunden, y el boca a boca se vuelve algo viral, en el mejor de los sentidos. Al menos eso es lo que nos ha ayudado últimamente, porque el espectáculo tiene una fibra que sí mueve a quien lo ve.”

Rodolfo Guillén nos habla de Psiquiatra en Apuros, la obra de teatro con “humor que duele en el lugar exacto”

Ignacio Izquierdo — Sun, 09 Aug 2026 02:13:49 +0000

Rodolfo Guillén da vida al Dr. Miguel Durán, un psiquiatra que lleva quince años acompañando a sus pacientes en sus peores momentos y que, en Psiquiatra en Apuros, se enfrenta a la pregunta que la obra plantea desde el principio: ¿quién sostiene al que ha dedicado su vida a sostener a los demás? La puesta en escena se presenta en el Foro Shakespeare del 5 de agosto al 27 de septiembre de 2026.

En entrevista con Infobae México, Rodolfo Guillén nos explica:

“Al principio aparentemente es un drama la historia, donde un doctor, un psiquiatra, recibe una noticia determinante respecto a su salud. Se pone muy nervioso y toma una decisión muy fuerte en su vida. Después circunstancialmente se encuentra que necesita atender a ciertos pacientes porque llegaron de emergencia. Esto vuelca que el drama que habíamos empezado a notar se vuelve en una comedia donde conocemos a personajes entrañables, divertidos y muy apasionantes, que cada uno trae sus propias demandas sobre qué hacer con sus propias vidas”.

“El humor negro pone en duda las ficciones que nos paralizan”: Rodolfo Guillén

Hablar de emociones desde la comedia no es un recurso menor en Psiquiatra en Apuros. Para Guillén, el humor negro opera sobre las certezas que inmovilizan.

“Lo que tratamos de hacer es humor negro, donde de pronto vemos a alguien que puede estar padeciendo algo y que no le está pasando tan bien. Tratar de hacer preguntas a eso que se dice, a lo que se le atribuye el no pasárselo bien. Es poner en duda las ficciones que muchas veces nos hacemos o las certezas que muchas veces vienen en la vida y que nos paralizan. Esa forma de ponerlo en duda es la posibilidad de hacer humor negro, porque es una posibilidad también de movilizarte de ese parálisis, de eso que molesta.”

Los tres pacientes que ponen al médico contra la pared

Justo cuando el Dr. Durán ha tomado una decisión definitiva, tres pacientes de emergencia irrumpen en su consultorio. Salvador está convencido de que organismos de seguridad internacionales lo persiguen. Fabiana habla sin detenerse mientras carga una culpa que la consume desde hace años. Benigno vive atrapado por obsesiones que amenazan con hacerle perder lo que más ama.

El elenco lo completan Britsa Analí López, que interpreta a Nicole Magallanes, Fabiana Quieto y Susana; Ricardo Valdivia, como Salvador Profeta y el narrador; y Gustavo Salas, en los papeles de Benigno Manso, el Dr. Franfrujter y El Ferretero.

Encarnar al personaje: “Una sensación de reconocer en ti a otro que no eres tú”

Sobre el proceso de construir al Dr. Durán, Guillén describe una práctica que mezcla escucha y resistencia. “A mí como actor me gusta mucho esta posibilidad de ser artesano y de escuchar muchísimo al director, porque evidentemente el director está viendo muchos lugares ciegos y te está ayudando mucho a construir los personajes. A mí a veces me pasa que me resisto, y entonces ahí es donde me empiezo a hacer preguntas: ¿qué es a lo que me estoy resistiendo de las propuestas de camino que me están proponiendo para crear cierto personaje?”

El actor define el momento en que siente que ya habita al personaje como algo cercano a lo místico. “Cuando ya siento esto —voy a decirlo así— como una sensación mística: sientes que hay una artificialidad, sientes que hay un artilugio, sientes que estás en el personaje, pero sabes que no lo eres, pero también sabes que no eres tú. Es una sensación de reconocer en ti a otro que no eres tú. Ahí estás, sientes que estás trabajando en esta posibilidad de crear algo, un personaje.”

Guillén distingue además entre personajes fársicos y realistas. “Cuando los personajes son más realistas, esa línea que hace la diferencia se va marcando desde otros lugares más sutiles.”

Una sala que escucha y responde

Sobre la recepción en la primera función del miércoles, Guillén describe una sala activa. “La obra danza entre el drama y la comedia. Uno como actor escucha al público si se mueve porque está intrigado o si se mueve porque está aburrido, son cosas que uno va desarrollando en su percepción estando en el escenario. Escuchar la risa, quién se ríe, si es el público femenino, si es el público masculino, de qué se ríen. Sentimos que el público la recibió muy bien.”

Agrega: “Tratamos de que todos los hilos argumentales estén cerraditos. Que hayan visto una buena historia, que se hayan divertido, que la hayan pasado bien. Esa fue una ocupación de todo el equipo creativo.”

Y sobre si el público puede verse reflejado: “El público va a poder encontrar personajes que están en el mundo, en la vida, en el tejido social. Son un cúmulo de muchas personalidades, donde el público, si bien no se identificará tal vez al cien por ciento con un personaje, sí en ciertos porcentajes con cada uno de ellos y sus circunstancias.”

“El teatro es bien celoso de todo”

Consultado sobre cómo crecer la audiencia teatral en México, Guillén ve el proceso en marcha. “Es algo que se está pensando desde las políticas públicas para crear nuevos públicos y desde productores privados que también crean espectáculos novedosos e interesantes. Yo pienso que el teatro siempre va a estar vivo, está vivo. Y no hay un solo teatro, sino hay muchísimos teatros, muchísimas formas de hacer teatro.”

El actor cita a un teórico del teatro para cerrar: “Para que exista el teatro basta con que alguien actúe y alguien vea. Cada diez años hay obras que todo mundo quiere ver, que todo mundo trata de ver. Y pasa. Y de pronto volverá a suceder.”

Y remata con una advertencia cariñosa: “El teatro es bien celoso de todo. Requiere mucho ensayo, requiere mucha reflexión, requiere estudio y es muy efímero. Es su naturaleza. Si ahí quieres estar, pues aquí estamos.”

Las funciones de agosto son los miércoles a las 20:30 horas; las de septiembre, los domingos a las 18:00 horas. El Foro Shakespeare se ubica en Zamora 7, colonia Condesa, alcaldía Cuauhtémoc.

El Festival Mundial de Circo 2026 alista su regreso a Lima con más de 50 artistas de once países

Cecilia Arias — Sat, 08 Aug 2026 03:47:09 +0000

El Festival Mundial de Circo 2026 reunirá a más de 50 artistas de once países en la Explanada del Jockey Club del Perú entre el 10 y el 12 de agosto, en lo que será la segunda edición de este certamen competitivo en Lima. La propuesta repite el formato de su debut en 2025 —que se realizó del 18 al 20 de agosto en el mismo recinto y se consolidó como el evento circense más importante del país— y esta vez suma un jurado internacional de diez especialistas provenientes de Italia, Francia, Estados Unidos, México, Brasil, Uruguay, España y Perú.

Las entradas ya están disponibles en Teleticket y en la boletería del circo. El certamen reunirá artistas de Ucrania, Francia, España, Italia, Israel, Hungría, Alemania, Argentina, Brasil, Uruguay y otros países, en una competencia donde cada número será evaluado por el jurado en función de su dificultad técnica, creatividad, ejecución artística y conexión con el público. Las funciones se realizarán a las 5:30 p. m. y a las 8:30 p. m. durante los tres días del festival.

Trapecio volante, telas aéreas y malabares: la cartelera de la edición 2026

El programa del festival incluye algunos de los números más exigentes del circo contemporáneo. The Flying Henriquez presentarán el trapecio volante doble; Maverick exhibirá destreza sobre la rola bola; Alexander Sánchez competirá con malabares de rebote; Duo Adventures y Anastasiia llevarán el aro aéreo al escenario.

Asimismo, Duo Delirium presentará la faja aérea; Arbon mostrará sus pulsadas; la Troupe Los Rodríguez actuará en alambre tenso doble; Luján Gómez interpretará telas aéreas; Adriana Lazarte combinará pulsadas con fajas aéreas; y Duo Bora presentará trapecio fijo. El payaso Peluzín completará la cartelera con sus intervenciones de humor en cada función.

La edición 2025 entregó tres categorías de premios: Circo de Bronce para LS Brothers, Troup Uniqum, Danylo y Karolina; Circo de Plata para el Dúo Stauberti y Dúo Desire; y Circo de Oro para Dmytro, un joven artista que el jurado calificó como el gran triunfador de aquella primera edición.

Un jurado con presencia en los principales festivales del mundo

El panel de jueces del Festival Mundial de Circo 2026 reúne figuras con trayectorias en los certámenes circenses más reconocidos a nivel internacional. Fabio Montico (Italia), presidente del jurado, dirige el Festival Internacional de Circo de Italia y es una de las autoridades más reconocidas del sector a nivel mundial.

Odette Bouglione (Francia) preside desde 2021 el histórico Cirque d’Hiver Bouglione de París, institución fundada en 1852 e incorporada a la familia Bouglione en 1934. Es la primera mujer en asumir la presidencia de este organismo en casi un siglo de gestión familiar.

Tito Gaona (México), nacido en Guadalajara el 29 de agosto de 1947, integra los Flying Gaonas, considerados una de las grandes dinastías del trapecio volante en la historia del circo. En 1978, junto a sus hermanos Mando y Chela y el catcher Lalo Murillo, la familia recibió el Payaso de Oro —el máximo galardón del Festival Internacional de Circo de Montecarlo, equivalente al Oscar del circo— de manos del príncipe Rainier III de Mónaco.

Katya Arata-Quiroga (Estados Unidos), artista y empresaria circense de séptima generación, dirige el Circus Vargas y también cuenta con el Payaso de Oro de Montecarlo entre sus distinciones. Renato Fuentes (México), de la dinastía Los Valentinos, dirige el Circo Petit. Frederico Reder (Brasil), conocido en el medio como el “Rey del Circo”, ha integrado el circo y el teatro de gran formato en sus producciones en América Latina.

Louisa Raluy (España) codirige el Circo Raluy como representante de la cuarta generación de una de las familias circenses más reconocidas de Europa. Johnny Lam (México) alcanzó proyección internacional con el Circo Tihany. María José Pinto Rodas (Uruguay) pertenece a la cuarta generación del Circo Rodas de Argentina y es especialista en diseño y confección de vestuario circense.

Fernando Zevallos, el referente peruano en el jurado

El único jurado nacional del certamen es Fernando Zevallos Villalobos, fundador y director artístico de La Tarumba, la compañía circense, teatral y musical peruana creada el 12 de febrero de 1984 en Lima. Zevallos inició el proyecto junto a un grupo de jóvenes actores de teatro que buscaban una nueva expresión escénica que integrara circo, danza y música en vivo. En más de cuatro décadas, La Tarumba ha producido 25 espectáculos con más de 5.000 presentaciones en temporadas, festivales y giras por Perú, América Latina y Europa.

La Tarumba cuenta desde 2003 con carpas de circo equipadas con 900 butacas y una escuela profesional que recibe más de 1.000 alumnos al año. Zevallos es reconocido como uno de los principales impulsores del circo contemporáneo en el Perú, con una trayectoria que combina la formación artística con la proyección internacional de la disciplina.

El Festival Mundial de Circo 2026 se realizará del 10 al 12 de agosto en la Explanada del Jockey Club del Perú, con funciones a las 5:30 p. m. y a las 8:30 p. m. cada día. Las entradas están disponibles en Teleticket y en la boletería del recinto.

Quién es quién en “Moria”, la serie argentina que llega en agosto

Maria Eugenia Capelo — Wed, 05 Aug 2026 19:43:36 +0000

La serie “Moria” llegará a Netflix el 14 de agosto y pondrá en escena a los personajes que marcaron la vida pública y privada de la diva argentina, en una producción hecha en Argentina que se estrenará a nivel mundial en la víspera de los 80 años de Moria Casán. Creada y dirigida por Javier Van de Couter y realizada por About Entertainment, la ficción reconstruye distintas etapas de la artista y suma figuras que interpretan a personas decisivas de su recorrido en el teatro, la televisión y la cultura popular.

El lanzamiento presenta a un elenco amplio que acompaña a las tres actrices elegidas para encarnar a Moria Casán en diferentes momentos. Según la información oficial difundida por Netflix, Sofía Gala Castiglione, Griselda Siciliani y Cecilia Roth asumirán el papel central para mostrar el tránsito de la vedette de los primeros años a la figura consolidada del espectáculo. La producción se propone revisar el pasado, el presente y hasta una proyección futura de la protagonista, con la propia Moria involucrada en el relato.

Entre los personajes ya revelados aparece Marco Antonio Caponi como Mario Castiglione, presentado como “el gran amor de la vida de Moria”. También figuran dos versiones de Susana Giménez, una a cargo de Micaela Riera, situada en los años 80, y otra interpretada por Leticia Brédice, enfocada en la etapa de los 90. La serie ubica a Susana como socia artística en la revista y más tarde como confidente en una década clave para ambas figuras de la televisión argentina.

La nómina suma a Hernán Jiménez en el papel de Jorge Porcel y a Sebastián Rosso como Alberto Olmedo, dos nombres ligados a la historia del humor y del teatro de revistas. En esa reconstrucción también aparece Javier Pedersoli como Carlos Rottemberg, identificado por la producción como productor teatral y amigo. Otro de los personajes anunciados es Giuliano Pianetti como Fito Páez, quien ingresará en la trama como invitado del ciclo “A la cama con Moria”.

El recorrido por la vida profesional de la diva incluye a Sebastián Arzeno como Gerardo Sofovich, señalado por la serie como el empresario que le abrió una oportunidad decisiva en sus comienzos artísticos. A esa lista se incorporan María Fernanda Callejón como Zeta, amiga de toda la vida de Moria, y Eloy Rossen como Galo, definido como su mano derecha. La ficción agrega además a Rafael Ferro en el rol de Carlos Sexton y a Joaquín Ferreira como Luis Vadalá, vínculo sentimental asociado a los años 90.

Otro personaje relevante será Carlos A. Petit, a quien interpretará Luis Machín. La producción lo presenta como empresario teatral, guionista y director, además de la persona que descubrió a Moria y la llevó al teatro. Ese mapa de relaciones personales, sentimentales y profesionales estructura buena parte del universo narrativo de la serie, que busca mostrar cómo se fue construyendo una figura central del espectáculo argentino a través de sus alianzas, conflictos y asociaciones artísticas.

La sinopsis oficial sostiene que Moria abre las puertas de su propia ficción y asume el rol de titiritera de su historia. “La serie no es solo el retrato de una estrella que atraviesa el cine, el teatro y la televisión”, señala el material de presentación, que también la define como la historia de una mujer que convirtió la transgresión en una forma de supervivencia. En ese enfoque, el proyecto se presenta además como “un homenaje a la cultura popular argentina”.

En el tráiler difundido para el lanzamiento, las tres intérpretes de Moria exhiben registros distintos del personaje. Sofía Gala aparece con la estética de los años iniciales y pronuncia una de las frases que ordenan la presentación: “Para los que no me conocen, mi nombre es Moria. Soy nueva en la revista y soy un caso raro e inusual”. Cecilia Roth aporta una mirada retrospectiva sobre los primeros pasos de la artista, mientras que Griselda Siciliani la sitúa en la etapa de mayor exposición televisiva.

Durante la presentación del avance, la propia Moria Casán agradeció la permanencia de su vínculo con el público. “Son años de entrega, profesionalismo, amor y dedicación. Gracias a ustedes”, afirmó al exhibir el tráiler en su programa. Luego añadió: “Si no estuvieran ustedes, yo no estaría acá”, en una referencia directa a una carrera que ya supera las cinco décadas y que la serie vuelve materia dramática.

La producción corresponde a About Entertainment, compañía liderada por Mercedes Reincke y Armando Bo, con guion y dirección de Javier Van de Couter. El estreno global quedó fijado para el 14 de agosto, fecha elegida en la antesala del cumpleaños número 80 de la artista.

Además del tráiler, la campaña de difusión ya incluye un video de presentación, artes promocionales e imágenes individuales de cada personaje, materiales con los que Netflix acompaña una apuesta centrada en una de las figuras más reconocibles de la cultura popular argentina.

“Purple Rain”, repleta de canciones de Prince, planea su estreno en Broadway

Michael Paulson — Wed, 05 Aug 2026 13:45:56 +0000

Purple Rain, un nuevo musical basado en la emblemática película de Prince de 1984, llegará a Broadway la próxima primavera, aportando una dosis de energía rock y funk nostálgica a la nueva temporada.

El espectáculo, que trata sobre un joven músico con una vida turbulenta en casa y en el club donde actúa, ha sido revisado significativamente —con un nuevo director, un nuevo guionista y un enfoque más centrado en la música de Prince— desde su accidentada presentación preliminar el año pasado en Minneapolis.

El musical tiene previsto comenzar sus funciones previas el 12 de marzo y estrenarse el 12 de abril en el Teatro Majestic. Incluirá al menos 20 canciones de Prince, entre ellas “When Doves Cry”, “I Would Die 4 U”, “Take Me With U” y “The Beautiful Ones”. Las canciones serán interpretadas por músicos en el escenario.

“Es una celebración de Prince”, dijo el productor principal del espectáculo, Orin Wolf. “Es una historia de maduración, pero, sobre todo, es una velada musical llena de actuaciones vibrantes. Sentirán cómo avanza la historia a través de la música y cómo se respira el espíritu de Prince”.

La producción llegará a Broadway en un momento de enormes desafíos para los nuevos musicales, la gran mayoría de los cuales están fracasando financieramente, lo que socava la confianza de los inversores y conlleva una disminución en el número de nuevos títulos. Purple Rain es el sexto musical nuevo anunciado hasta ahora para esta temporada, sumándose a Dolly, Galileo, Paddington, Wanted y Warriors. Hace dos temporadas, Broadway vio 14 nuevos musicales.

Según un documento presentado ante la Comisión de Bolsa y Valores (SEC), llevar Purple Rain a Broadway costará hasta 29,5 millones de dólares. Esta cifra se sitúa en el extremo superior de los costes de capitalización actuales para los musicales de Broadway.

“Va a ser un gran espectáculo”, dijo Wolf. “Es un gran musical. Vamos a actuar en un teatro grande. Y vamos a ofrecer una gran puesta en escena”.

El espectáculo era largo y difícil de manejar cuando comenzó su temporada de casi seis semanas en el otoño de 2025 en Minneapolis, la ciudad natal de Prince y escenario de la historia. Pero la producción se fue perfeccionando y fortaleciendo a medida que avanzaba la temporada.

Las críticas fueron dispares. The New York Times calificó el espectáculo de “constantemente desconcertante”, pero The Minnesota Monthly lo consideró “una convergencia de genio creativo puro y sofisticada puesta en escena”. Un crítico del Minnesota Star Tribune visitó el espectáculo varias veces y consideró que la función final fue “extraordinaria por su gran energía, mayor confianza y alegría desbordante”.

En los meses transcurridos desde entonces, Wolf, quien llevó a The Band’s Visit al Premio Tony al mejor musical en 2018, ha renovado el equipo creativo, contratando a Saheem Ali para reemplazar a Lileana Blain-Cruz como director y a Peter Duchan para reemplazar a Branden Jacobs-Jenkins como libretista. Se han realizado talleres para probar las revisiones. (Este tipo de medidas no son nuevas; otros espectáculos de Broadway han reestructurado sus equipos creativos durante el proceso de desarrollo).

Wolf y Ali ya habían colaborado en Buena Vista Social Club, que se estrenó en Broadway el año pasado y aún sigue en cartelera. Al igual que Purple Rain, este espectáculo se beneficia de la popularidad preexistente de su repertorio musical.

El equipo creativo de Purple Rain incluye a dos compañeros de banda de Prince, Bobby Z y Morris Hayes, quienes figuran como asesores musicales. El reparto de la producción de Broadway aún no se ha anunciado.

Fuente: The New York Times

Georgina Rábago nos habla de Gerutha & Margaret, la obra de teatro que resignifica la historia de dos mujeres malinterpretadas por Shakespeare

Ignacio Izquierdo — Wed, 05 Aug 2026 03:52:00 +0000

Georgina Rábago estrena el próximo 8 de agosto en el Foro Shakespeare Gerutha & Margaret, obra de la dramaturga Judy Steele que retrata a dos mujeres desfiguradas por Shakespeare: Gertrudis, la madre de Hamlet, y Margaret, reina de la trilogía de Enrique VI y Ricardo III.

Natalia Traven da vida a Margaret y Georgina interpreta a Gerutha —nombre original del personaje— . En entrevista con Infobae México, Georgina nos cuenta todo sobre el proyecto.

Shakespeare contó otra historia

Gerutha & Margaret parte de una premisa concreta: las dos protagonistas existieron, pasaron por la pluma de Shakespeare y quedaron reducidas a arquetipos negativos. Steele toma fragmentos de sus vidas reales para devolverles la voz. Georgina Rábago nos explica el contraste entre la versión shakesperiana y las fuentes históricas:

“A mí me parece bien interesante el discurso de Judy Steel, que es la dramaturga de esta obra. Toma a estos dos personajes que existieron en la realidad y que pasan primero por la visión de Shakespeare, entonces él cuenta su propia versión acerca de ellas. Y Judy lo que hace es tomar fragmentos de la vida de ellas y, desde su visión, reivindicar a estas dos mujeres que nuestro grandioso Shakespeare pone como... A ver, ¿no? Porque lo que hace Shakespeare es contar una historia completamente distinta. Gertrudis, una mujer lujuriosa, decide que se casará con el hermano de su esposo, que era el rey Hamlet. Y entonces lo apoya para cometer el crimen y poderse casar y poder ser libre para vivir la vida sexual que ella quiere. Y eso no es la realidad.”

La fuente alternativa está en la leyenda escandinava del príncipe Amleth, que el propio Shakespeare adaptó para crear Hamlet. Georgina señala que la película El hombre del norte, protagonizada por Nicole Kidman y Willem Dafoe, se acerca más a esa versión:

“La realidad está más apegada a la visión de la leyenda escandinava. Incluso hay una película que protagoniza Nicole Kidman y Willem Dafoe, que se llama El hombre del norte. Entonces, ahí nos cuentan la verdadera historia del príncipe Amleth, que Shakespeare denomina Hamlet. Entonces, Gertrudis cuenta desde su visión cómo fue necesario tomar ciertas decisiones porque ella estaba siendo víctima de abuso y de violencia, que no es la historia que nos cuenta Shakespeare.”

Lo mismo ocurre con Margaret. La obra la rescata de la imagen de mujer soberbia y sanguinaria que dejó la literatura:

“Desde esta visión feminista, reivindica, por ejemplo, a este personaje, Gertrudis, que se llamaba Gerutha, que es el personaje que hago yo. Y nos cuenta desde sus ojos lo que ella vivió, su relación con su marido, con el hermano de su marido e incluso con su hijo, que es el príncipe Amleth. De la misma manera, nos cuenta Judy desde los ojos de Margaret. Cómo la historia no le está haciendo justicia, la literatura universal no le está haciendo justicia. Porque la ponen como una mujer soberbia que tomó decisiones impulsivas porque era muy niña y la pintan como si hubiera sido una mujer sanguinaria, cuando ella fue víctima verdaderamente del horroroso Ricardo III.”

“Hay un temor a esa energía creadora”

Goergina Rábago va más atrás para explicar por qué la literatura y la cultura han tendido a convertir a las mujeres complejas en villanas. Conecta esa tendencia con siglos de pensamiento patriarcal y con la persecución histórica de las mujeres que ejercían poder:

“Estamos apenas en pañales iniciando la deconstrucción de todo un sistema hegemónico patriarcal. Es todo un pensamiento de siglos, no de años, de siglos. Es un pensamiento que está arraigado desde siglos. ¿Por qué llamaban brujas a las mujeres y las quemaban? Por no querer reconocer el poder femenino, ¿no? Entonces, todo aquello que mostrara inteligencia, sensibilidad, suspicacia, capacidad.Porque no es lo mismo ser bruja que ser maga. Una mujer es maga porque una mujer construye, crea, y crear es igual a hacer magia. Todas las artes manuales que desde toda la vida las mujeres hemos tenido, ¿no? Todo lo que tiene que ver con lo femenino pensante es rechazado y denominado oscuro. Sinónimo de brujería. Y entonces hay que destruir a las mujeres porque su intuición es tan grande, su energía creadora puede ser tan grande, que siento que hay un temor a esa energía creadora. Esa energía femenina. Y por eso se les reduce a malvadas, a villanas, crueles y brujas.”

Georgina Rábago: “Dudo mucho que exista un personaje que no se parezca nada a un actor”

La actriz rechaza la idea de que un personaje pueda ser ajeno a quien lo interpreta. Sostiene que la complejidad humana hace inevitable el reconocimiento, y que la honestidad con la propia historia de vida es la herramienta central del oficio:

“Yo ahí difiero cuando un actor o una actriz dice que un personaje no tiene nada que ver con él mismo, porque supongo que ese actor o actriz no se conoce muy bien a sí mismo. Porque creo que tenemos tantas capas de complejidad que tenemos que ir descubriendo. El mejor actor es el actor que más se conoce a sí mismo. No somos ni buenos ni malos. Somos muy buenos y muy malos y medianamente buenos. Y a veces somos compasivos y a veces somos tiranos y a veces tenemos los pensamientos más oscuros y a veces tenemos los pensamientos más luminosos. Todos tenemos de todo. Y si hurgamos verdaderamente con honestidad dentro de nuestra historia de vida, nos podemos dar cuenta de que seguramente hemos pasado por situaciones tal vez no iguales a las del personaje, pero sí similares. No necesito meterme heroína para entender cuántas veces puedo estar en un estado alterado de conciencia mediante alguna situación que me lleve a un estado límite. Entonces, yo creo que todos los personajes que he hecho, incluyendo a Gerutha, tienen mucho de mí. Porque no tengo quince años, porque soy una mujer de casi cuarenta y nueve y puedo reconocer que hay muchas cosas que yo he transitado, tal vez no de la misma manera, similar. Y que soy un mundo complejo de emociones y pulsiones, desde las más luminosas hasta las más oscuras. Entonces, dudo mucho que exista un personaje que no se parezca nada a un actor.”

Sin expectativas antes del estreno

De cara a las funciones del 8 y 9 de agosto, Rábago descarta anticipar reacciones del público. Para ella, esperar un resultado es incompatible con el trabajo actoral:

“Es que cuando esperas ya no estás viviendo el momento presente. Es decir, un actor, si está esperando un resultado de un público, no está en presente constante. Y para poder actuar necesitas estar en presente constante y no esperar nada. Solamente así surgen las grandes obras de arte. No estás esperando y estás en presente. Actuar es un eterno mindfulness. Entonces, si yo voy predispuesta a que espero que las mujeres lloren, que los machistas se enojen o espero que esto conmueva, pues entonces lo que estoy buscando... Y actuar no son resultados, son procesos. Y para obtener un proceso necesitas estar en el presente constante, en el aquí y en el ahora. ¿Qué espero? Nada. Tocar conciencias, nada más.”

Gerutha & Margaret se presenta en el Foro Shakespeare los días 8 y 9 de agosto a las 19:00 y 18:30 horas, respectivamente. El elenco lo completan Natalia Traven y Georgina Rábago.

Es trabajadora sexual especializada en discapacidad, profesora de teatro y titiritera: “Estoy ejerciendo algo que yo elijo”

Candela Teicheira — Tue, 04 Aug 2026 06:15:23 +0000

“Me encanta mi trabajo”, confesó Gabriela. Tiene 40 años, es profesora de teatro, titiritera y trabajadora sexual. Nos recibe en su casa, un lugar que eligió cuidadosamente por sus condiciones de accesibilidad y donde lleva adelante sus encuentros.

Lejos de la clandestinidad o el tabú con el que la sociedad suele rodear el universo erótico, su espacio de encuentro se percibe como un lugar de escucha, exploración y pedagogía.

A los 16 años limpiaba las habitaciones de un cabaret sin ver a un solo cliente. A los 25 convirtió la frialdad de su profesión y, gracias a un anuncio buscando “hombres sensibles”, transformó su camino. En una charla íntima con Infobae, Gabriela repasa su trayectoria, el acompañamiento a personas con discapacidad y el desafío constante de derribar la infantilización.

-¿Cómo llegaste a ser trabajadora sexual?

-En principio, siempre me llamó mucho la atención todo el mundo de lo sensual, de lo erótico. Me acuerdo de haber visto en la televisión películas de ISAT. Pasaban un par de series de ISAT donde les hacían entrevistas a trabajadoras sexuales; había un programa en particular donde un taxista las entrevistaba y después otro ambientado en una mansión con diferentes trabajadoras.

-¿Qué edad tenías cuando veías eso?

-Tenía como unos ocho años, una cosa así. Yo miraba esas cosas a esa edad, a escondidas, con mis viejos durmiendo. Creo que ya había todo un universo que se iba generando en mi cabeza sobre lo que era posible, ¿no? Y esa fue básicamente la construcción de mi Educación Sexual Integral (ESI); mi ESI fue por ahí. Después llamaba por teléfono, porque en esa época —tengo 40 años— había números para llamar y tener conversaciones eróticas con trabajadoras sexuales. Yo llamaba y las escuchaba, hasta que en un momento decía “hola”, se daban cuenta de que estaban hablando con una niña y me cortaban. Todo ese mundo me llamaba mucho la atención. Luego, con unas amigas, encontramos un anuncio que buscaba chicas para trabajar en un boliche para limpiar. Fuimos con la idea de ir a limpiar, pero cuando llegamos era un lugar que funcionaba como cabaret. Nosotras efectivamente solo limpiábamos ahí.

-En ese momento ya eras más grande.

-Claro, teníamos unos 16 años. Limpiábamos a la tarde y las chicas trabajaban a la noche. Nosotras nunca vimos a las chicas; solamente nos contactábamos con el dueño, que nos decía que limpiáramos las habitaciones y la parte del bar. Veíamos todo ese mundo y el resto era imaginación. Nunca vimos un cliente a esa edad ni conocimos a ninguna de las chicas, pero conocíamos su ropa, las camas y las botas. Todo eso ya me despertaba el cuestionamiento de cómo sería ese mundo. No estaba incursionando en el trabajo sexual como tal de ponerle el cuerpo o la mente; era simplemente ir a limpiar un boliche.

-¿Y a qué edad empezaste a ejercer el trabajo sexual?

-Ya como a los 25 años, más o menos. Ya era más grande.

-¿Y empezaste por necesidad económica o por elección propia?

-Un poco las dos cosas. Yo creo que sí. Porque, por un lado, el trabajo sexual tiene esta posibilidad que pocos empleos tienen: te pueden pagar bastante dinero en poco tiempo. No es algo fácil, pero el tiempo en el que se ejerce es poco en relación con lo que te pagan. Es uno de los pocos laburos que se puede hacer de esa manera. Y no es fácil para nada; mientras más lo voy ejerciendo y más herramientas tengo hoy en día, me doy cuenta de que no es tan sencillo.

-Ahora estamos en tu espacio, donde llevás a cabo los encuentros. ¿Les das la posibilidad a tus clientes de pactar en su propia casa o en el espacio que ellos propongan?

-No, solamente acá. Porque además, cuando encontré este espacio, a diferencia de otros lugares donde yo había trabajado —que tenían escaleras o cosas que resultaban inaccesibles para personas en silla de ruedas o con otras dificultades—, la mirada estuvo puesta en la accesibilidad. Me importaba que pudiera entrar una persona, ir al baño y moverse por el espacio con comodidad. Eso hizo que puedan venir todas las personas.

-¿Cuánto tiempo pasó desde que empezaste a ejercer hasta que decidiste especializarte en la atención a personas con discapacidad?

-Pasó re poco tiempo. Yo trabajé en este espacio, en el cabaret, pero después se cerraron todos los cabarets en Argentina por la Ley Antitrata, que no diferencia la trata de personas de lo que es el trabajo sexual. Se cerraron todos y nos quedamos sin trabajo un montón de mujeres. De ahí continúo mis estudios: soy titiritera y profesora de teatro. Ejerzo ese trabajo también, pero no me alcanzaba económicamente para sostenerme. Requería volver a ejercer el trabajo sexual, pero a mí me pasaba en el cabaret que no tomaba alcohol ni cocaína. No tomar alcohol ni consumir era estar fuera de la onda, porque es muy típico que en esos espacios se sostenga el trabajo desde ahí. Como no me interesaba ni tomar cocaína ni alcohol, pensé en armar un anuncio que decía “trabajadora sexual para hombres sensibles”. Ahí empezaron a escribirme personas que, sin mencionar la droga, buscaban algo de lo que yo podía dar en ese momento, y empezaron a contactarme personas con discapacidad.

-¿Hubo alguna experiencia puntual que te llevó a tomar esa decisión?

-Creo que cuando me escribió el primer cliente con discapacidad. Me dijo: “Mirá, yo estoy en silla de ruedas”. Ahí fue una decisión decir: “Bueno, no, disculpame, pero yo no trabajo con personas con discapacidad”, que era una opción, o decir: “Bueno, dale. ¿Dónde vivís? Si querés voy hasta tu casa”. Ahí sí me acerqué. Un ratito antes me mandó un mensaje diciendo que no se había podido bañar porque no había ido su asistente. Le dije que no se preocupara, que yo lo bañaba. No era parte de mi servicio, pero lo armé ahí en función de un armado nuevo de trabajo. Llegué, me mostró su baño adaptado, lo bañé y después fuimos a su habitación y tuvimos sexo, todo muy estandarizado. Continué trabajando un tiempo con él y después apareció otra persona a la que le faltaba un brazo, luego personas con síndrome de Tourette, esquizofrenia o autismo. Empezaron a aparecer discapacidades más complejas de abordar. Empezó a correrse la voz de boca en boca de que yo trabajaba con personas con discapacidad y me empezaron a escribir padres y madres. Ahí me di cuenta de que la situación se ponía cada vez más seria.

-¿Por qué te escribían los padres?

-Porque veían esa necesidad en sus hijos y querían ayudarlos a atravesar esa experiencia sexual o su primera vez, así es como lo ven.

-Te referís a padres con hijos que tienen una discapacidad cognitiva.

-Exactamente, más que nada con personas con síndrome de Down. Son personas que han tenido un intercambio o en algún momento se pasan con la profesora en la escuela. Hay algo que ellos no lo pueden controlar y no saben qué hacer en esa situación. Como ya vienen de una situación donde tienen asistente terapéutico y acompañante para distintas áreas, se dan cuenta de que necesitan a alguien que cubra esa otra dimensión.

-¿Cómo es la conversación con esos padres?

-Me di cuenta desde el principio de que no podía ser igual que con otros clientes. Teníamos sí o sí que tener un intercambio previo entre los padres, el hijo y yo. Nos encontramos en un lugar neutro, un café, para charlar con el padre, la madre, incluso con un psicólogo si lo requieren, y con la persona con discapacidad. Es un café para que nos conozcamos, sepan con quién va a estar su hijo y para que yo tenga el derecho a evaluar si voy a poder trabajar con esa persona. También para que el cliente pueda elegir si quiere tener un intercambio conmigo. Se dan situaciones de mucha apertura donde los padres lloran al sentir que pueden hablar con alguien que los trata con respeto. Pero si noto que la persona no comprende lo que estamos hablando, no tomo el trabajo. Necesito garantizarme no solo el consentimiento, sino que la persona pueda comunicarme —incluso con un gesto— si le gusta o no lo que hacemos. No puedo arriesgarme a hacer algo que a la persona no le agrada. Por otro lado, la trabajadora sexual no es el único recurso. Hay que empezar a mirarnos desde otro lugar, por fuera de la hegemonía. Mi trabajo específico es un acompañamiento, un proceso. La primera vez puede ser simplemente charlar, hacer un masaje con ropa o generar un acercamiento físico progresivo. Con un chico con síndrome de Down y dificultades del habla, armé una pizarra para que él se pueda comunicar conmigo con símbolos, y le mostraba imágenes cuidadas de masajes eróticos para ayudarlo a abordar su universo erótico personal. Y como le gustaba bailar, ensayábamos formas de sacar a bailar a alguien de manera respetuosa, trabajando la mirada y el contacto visual como parte del aprendizaje del consentimiento.

-¿Cuáles son tus límites? ¿De qué depende que aceptes o no un encuentro?

-Otro de mis aspectos como trabajadora sexual es el de dominatrix —que se relaciona con las prácticas sexuales no convencionales— mi límite principal es mi propio cansancio o no ver sangre. Me gusta ejercer la dominancia, el juego de roles y el acercamiento al dolor controlado, pero no me gusta ver sangre ni marcas extremas en el cuerpo. Cuando hago prácticas como el spanking (golpear), aviso si se generan marcas. Después, el límite también puede ser el cansancio o que me aburra.

-¿Tenés una cantidad estimada de encuentros por semana?

-Puede ser un mínimo de tres sesiones en una semana o un máximo de tres sesiones por día.

-¿Cómo hacés para despegarte emocionalmente después de un encuentro?

-Cada situación me hace a la persona que soy. Me pego una ducha y ya terminó todo, sigo con lo mío. A nivel protocolar no envío mensajes posteriores; la persona me vuelve a contactar recién cuando quiere coordinar la próxima sesión.

-Al estudiar teatro, ¿hay algo de actuar un rol o disociarte de quien sos en el momento del encuentro?

-Es 100% auténtico. Por eso envío una lista con las prácticas que me encantan. Puede ser que ese día tenga menos ganas de hacer una práctica. Estoy ejerciendo algo que yo elijo. Me encanta este trabajo.

-¿Te pasó que algún cliente desarrolle afecto o se enamore de vos?

-Sí, me ha pasado, por más que aclare todo el tiempo que es un trabajo. Cuando surge un cariño recíproco, lo recibo con respeto. Si me dicen “te quiero” o “te amo”, agradezco ese cariño, pero mantengo el encuadre claro y me lo tomo con simpatía. Por suerte nunca me tocó tener acosadores.

-¿Cómo reaccionó tu entorno íntimo cuando contaste que eras trabajadora sexual?

- Mi mamá se preocupó mucho porque pensó que estaba metida en la droga; recuerdo abrazarnos y llorar juntas. Una psicóloga me dijo que tenía que dejarlo inmediatamente porque me iba a hacer mal, así que dejé a la psicóloga. Mi papá, antes de morir, me dijo que estaba muy orgulloso de mí. Con mis amistades hubo de todo: algunas se alejaron y otras se interesaron demasiado. Dejé de vincularme con personas que me cosificaban por ser trabajadora sexual.

-¿Cuál creés que es el mayor prejuicio social sobre la sexualidad de las personas con discapacidad?

-Infantilizarlos y pensar que no tienen sexo. Pasan de la condescendencia del “son tan lindos” al rechazo o la repulsión cuando manifiestan su deseo. Eso es lo peor de todo.

-¿Qué es lo que más te gustaría que la gente entendiera sobre tu oficio?

-Sería precioso que se comprendiera que el estigma y el juicio no suman. El prejuicio me condicionó durante muchos años en los que estuve en el clóset. Este es un trabajo como cualquier otro.

Teatro, danza, conciertos y exposiciones inmersivas durante agosto en el CENART: esta es la programación completa

Nadia Virgilio — Sun, 02 Aug 2026 19:52:52 +0000

El Centro Nacional de las Artes (Cenart) dio a conocer su programación para agosto de 2026, un mes en el que ofrecerá una amplia oferta cultural integrada por teatro, música, danza, literatura, exposiciones inmersivas y actividades académicas enfocadas en la inteligencia artificial (IA).

Durante la presentación oficial, realizada en la Plaza de las Artes, autoridades del recinto destacaron que el objetivo es acercar propuestas artísticas contemporáneas y de gran calidad a públicos de todas las edades, además de consolidar al Cenart como uno de los principales espacios culturales del país.

La agenda de agosto llega después de un exitoso primer semestre para el recinto. De acuerdo con Raúl Uribe, director de Programación Artística del Cenart, entre enero y junio se realizaron 518 actividades, entre ellas el Festival Eurojazz, el Festival Internacional del Libro de Aventuras, Universos Diversos y Más allá del arcoíris, que reunieron a 200 mil 584 asistentes.

¡Agosto llega con una programación imperdible al Cenart! 🫦 👉 Consulta todas las actividades en nuestra página: https://t.co/h2j4ck1ipy pic.twitter.com/1DHF5jlkJM
— Centro Nacional de las Artes (@cenartmx) July 30, 2026

Inteligencia Artificial protagoniza el mes de agosto

Uno de los temas centrales de agosto será la inteligencia artificial, que tendrá una programación especial organizada por el Centro Multimedia del Cenart, encabezado por Adriana Casas.

La actividad más destacada será la exposición “Memorias Orgánicas Oaxaca”, un proyecto audiovisual e inmersivo que explora la relación entre la memoria, el territorio y la identidad mediante tecnologías como el escaneo tridimensional, la fotogrametría y el registro sonoro.

La muestra podrá visitarse en la Galería Manuel Felguérez del 20 de agosto al 25 de octubre.

También se realizarán actividades académicas para reflexionar sobre el impacto de la IA en la creación artística, entre ellas:

Conversatorio: ¿Quién le teme a la IA feroz (y cómo domarla)?
Taller: Máquina vs. Escritores, enfocado en el uso de inteligencia artificial para la creación literaria.
Taller: Cine sin autor con IA, dedicado a la experimentación audiovisual mediante herramientas de IA.

Programación de teatro en agosto 2026

El teatro será uno de los ejes principales de la programación del mes con dos montajes de reconocidos dramaturgos internacionales.

“El Final”, de Samuel Beckett

Del 8 de agosto al 5 de septiembre, el Foro de las Artes albergará una breve temporada de El Final, texto de Samuel Beckett protagonizado por el primer actor Arturo Ríos.

La obra sigue la historia de un anciano expulsado de un asilo que enfrenta la soledad y la incertidumbre mientras reflexiona sobre la condición humana.

Durante la presentación, Arturo Ríos señaló que se trata de un clásico que aborda problemas universales y consideró que esta temporada representa una gran oportunidad para acercar la obra del dramaturgo irlandés al público mexicano.

“Madre Coraje y sus hijos”, de Bertolt Brecht

Otra de las producciones más esperadas será Madre Coraje y sus hijos, del dramaturgo alemán Bertolt Brecht, dirigida por Luis de Tavira.

Las funciones se realizarán del 13 al 30 de agosto en el Teatro de las Artes.

La puesta en escena, interpretada por la compañía Telón de Arena, originaria de Ciudad Juárez, retrata los efectos devastadores de la guerra desde la perspectiva de una comerciante cuya supervivencia depende del conflicto armado.

La actriz Perla de la Rosa explicó que la obra mantiene plena vigencia porque ofrece una “radiografía del negocio de la guerra”, un tema que, aseguró, sigue siendo relevante en el contexto internacional actual.

Conciertos, danza y literatura

La música también ocupará un lugar destacado dentro de la cartelera.

Uno de los eventos principales será el concierto de la Orquesta Moderna, dirigido por Rosino Serrano, que presentará íntegramente sus nuevas producciones discográficas Coalescencia y Alma el 9 de agosto en el Auditorio Blas Galindo, con la participación especial del pianista Alex Mercado.

El director destacó que pocas veces una agrupación interpreta dos álbumes completos en un mismo concierto, por lo que calificó la presentación como una noche especial para los seguidores del jazz contemporáneo mexicano.

En el ámbito de la danza sobresale el Festival Internacional de Danza Contemporánea de la Ciudad de México, que se llevará a cabo del 6 al 9 de agosto, además de Festina Lente, creación de la coreógrafa sonorense Daniela Urías, con funciones los días 15 y 16 de agosto en el Teatro Raúl Flores Canelo.

La programación literaria contempla el encuentro con el escritor Juan Villoro, quien participará el 12 de agosto en el Club de Lectura, dentro del Aula Magna José Vasconcelos.

Asimismo, el público podrá asistir al concierto “Bolero, historias que conquistan”, el 15 de agosto, así como a la presentación de Yucatán A Go Go, programada para el 16 de agosto, como parte de las celebraciones por el 30 aniversario del programa Alas y Raíces.

Actividades para niñas y niños en agosto

La programación también incluye propuestas dirigidas al público infantil.

Niñas y niños de entre 9 y 13 años podrán participar en el taller “Sonidos cuánticos: música del mundo visible”, desarrollado por el laboratorio Ecologías de imaginación.

La actividad busca acercar conceptos básicos de computación cuántica mediante dinámicas de experimentación sonora, juegos y metodologías STEAM, combinando ciencia, arte y tecnología de forma accesible.

Con esta cartelera, el Centro Nacional de las Artes apuesta por una programación que combina grandes clásicos del teatro universal, música contemporánea, danza, literatura y experiencias inmersivas vinculadas con la inteligencia artificial, ofreciendo una de las agendas culturales más completas para agosto de 2026 en la Ciudad de México.

De Antón Chéjov al Chaco y Buenos Aires: así nació ‘Siete estaciones para hablar de amor’

Victoria Hladilo — Sat, 01 Aug 2026 13:29:00 +0000

Mis obras comienzan con una escritura precisa. Me toma un buen tiempo crear y luego pulir cada material hasta decidir que está a punto para llevarlo a la escena. Siete estaciones para hablar de amor la escribí durante el 2020, ese año tan particular en el que estuvimos encerrados y el tiempo se ampliaba de formas inesperadas. Leyendo muchos de los cuentos de Antón Chéjov, llegué a “Del amor”, una historia que se desarrolla a partir de una pregunta sin una respuesta clara: ¿Qué es el amor?, ¿Cómo elegimos de quién nos enamoramos?. Evidentemente esa pregunta me interpeló y decidí tomar ese cuento como punto de partida para mi nueva escritura.

Pero claro, sucedía en Rusia a finales del siglo XIX y aquello me resultaba atractivo, pero lejano. Me apareció entonces la imagen de una parte de mi familia. La de las raíces rusas, que se vino para Argentina escapando de los malos tratos de aquel imperio y se instaló en el campo, en el Chaco, buscando un pedazo de tierra que labrar. Para ellos, la lectura, el estudio y la música eran fundamentales. Labrar la tierra era la fuente para poder instalarse en la ciudad y asistir a la universidad. Así fueron llegando, de a uno los hermanos, a nuestra querida Buenos Aires. Eran los del campo, un poco salvajes y otro tanto refinados. Habían vivido entre caballos y vacas, pero estudiaban medicina y tocaban el violín. Esos relatos que tanto me habían contado me invadieron en imágenes y situaron la obra.

Así se instala Siete estaciones para hablar de amor en una Buenos Aires de 1920 que se está poblando con ilusión y promesa de una tierra próspera. En aquel tiempo en el que “el granero del mundo” invitaba a nuevos habitantes a instalarse y a hacer suya la patria. Un tiempo con ilusión y palabra de bonanza, pero también con decepciones por labores que no eran bien pagos, de condiciones indignas de trabajo, de cierta desigualdad que se iba haciendo notar entre patrones y empleados, entre obreros y dueños de la tierra.

En medio de la escritura, investigando acerca de esa época, busqué noticias en aquellos diarios. Resulta que muchas de esas noticias parecían escritas en la actualidad. El tiempo había avanzado cien años, pero algunos problemas sociales y económicos seguían siendo casi los mismos. En ese momento se alinearon los ingredientes y comencé a construir esta historia en el papel. El amor, la historia argentina y el contexto social como hilos conductores de este material.

Así apareció el espacio. Todo sucede en la terraza de una casona en Buenos Aires a inicios del siglo XX. El piso damero y una baranda que linda con parques arbolados y da a un precipicio. Allí van transcurriendo estas siete estaciones, entre las que se denota el paso del tiempo. Y en ese tiempo se va tejiendo la trama. Lo que comienza como una amistad, va mutando en amor. Los conflictos sociales que solo inquietan a uno, comienzan a inquietarlos a todos. Lo que parecía un juego, se les va escapando de las manos. Y quien parecía tener todo bajo control, se da cuenta que no puede controlar nada.

Siete estaciones para hablar de amor es una comedia melodramática. Se juega con nuestras raíces desde el relato, pero también desde las huellas culturales. La música recorre canciones populares, payadas y una zamba romántica y melancólica. El material busca teñir con su clima, con su alegría y con su tristeza. Tiene tres personajes interpretados por un elenco preciso: Carlos Belloso, Laura Nevole y Manuel Vignau, con quienes trabajamos para construir estas criaturas que tienen el desafío de jugar en el pasado para significar en el presente. Al jugarse hace más de cien años, el trabajo con la palabra es fundamental. La búsqueda no es reproducir aquello que sucedía, sino reinterpretarlo y crear una forma nueva. Del mismo modo decidimos encarar la escenografía y el vestuario. Es una inspiración, una evocación. Como cuando leemos e imaginamos a nuestro gusto.

La obra requiere de mucha precisión en los intérpretes. También de mucha osadía. La búsqueda desde el lenguaje y desde el juego para construir esta obra que es un cuento, una lucha de clases, una historia de amor.

*Siete estaciones para hablar de amor se presenta los lunes a las 20 en el Teatro del Pueblo (Lavalle 3636, CABA).

Kenneth Branagh vuelve al teatro de sus primeros pasos y cierra un círculo de cuatro décadas

Houman Barekat — Sat, 01 Aug 2026 03:50:00 +0000

Kenneth Branagh tenía 23 años cuando pisó por primera vez las tablas de la Royal Shakespeare Company en Stratford-upon-Avon, Inglaterra, interpretando el papel principal en una producción de Enrique V en 1984. Tras tres años en la compañía, dirigió y protagonizó una importante adaptación cinematográfica de la misma obra, que le valió dos nominaciones al Oscar y lo convirtió en una figura muy conocida a nivel mundial.

Más de cuatro décadas después de su debut, Branagh regresa a Stratford para participar en dos producciones consecutivas de clásicos de Chéjov y Shakespeare, ambas con temas que resuenan sutilmente con su propia historia en la RSC.

El jardín de los cerezos, que se estrenó la otra semana, narra historias de regresos y partidas, de recuerdos ligados a un lugar y del inexorable paso del tiempo. En una nueva interpretación de la obra de Chéjov a cargo de la dramaturga Laura Wade —dirigida por Tamara Harvey y en cartelera hasta el 29 de agosto— Branagh interpreta al emprendedor hecho a sí mismo Lopakhin, quien visita la finca donde su padre trabajó como siervo e insta a su dueña, Madame Ranyevskaya (Helen Hunt), agobiada por las deudas, a vender su propiedad para aliviar sus problemas financieros.

Tras cinco años en París, ha regresado a la casa familiar y su nostalgia la paraliza, incapaz de aceptar la sugerencia de Lopakhin de derribar su querido huerto y construir casas de campo en su lugar. Mientras ella se regodea en la nostalgia, él le suplica secamente: “¡Piénsalo!“.

En consonancia con el tema de las raíces que se revisitan, Branagh interpreta a Lopakhin con el marcado acento norirlandés de su infancia en el Belfast obrero. (Branagh y su familia se mudaron a Inglaterra cuando él tenía 9 años, y posteriormente adoptó un acento inglés).

Si su Lopakhin se presenta más como un gerente de banco preocupado que como un negociante rapaz, no es algo malo. Su genuina preocupación trasciende el interés propio y cumple con la condición de Chéjov (en una carta de 1903 al director de teatro ruso Konstantin Stanislavski) de que el personaje sea “una persona decente en todo sentido”. Lopakhin puede ser un comerciante ambicioso, pero también es —al menos en este caso— una voz de la razón.

Eso se debe a que Ranyevskaya y su séquito están en apuros. Intentan, con una frustración conmovedora, aferrarse a su dignidad en circunstancias difíciles, algo que se transmite sutilmente a través de las paredes verdes descoloridas y las tristes lonas que cubren el suelo, propias de la escenografía de Anna Fleischle.

Su difícil situación está delicadamente plasmada por un elenco talentoso. Destacan Bill Pullman como Gaev, el hermano de Ranyevskaya, un personaje rígido, locuaz y de vestimenta excéntrica (cuando declara que se ha gastado toda su fortuna en dulces, podemos creerle). Pishchik, interpretado por Guy Henry, es un parásito ingenioso y afable que no desentonaría en una novela de P.G. Wodehouse, y Michael Elwyn capta a la perfección el patetismo de la vejez del sirviente Firs, quien cree que la emancipación de los siervos fue el origen del fracaso de la sociedad rusa.

En conjunto, tienen algo de manicomio. Así que, en última instancia, es lo mejor cuando un Lopakhin ebrio de champán irrumpe en la escena culminante de la obra y anuncia, con su acento de Belfast aún más marcado por la embriaguez, que el huerto se ha vendido en subasta. Al preguntarle quién lo compró, responde con un tono arrastrado, a la vez triunfal y tímidamente avergonzado: “¡Ayyyy!“ (yo).

Para la mayoría de estos personajes, el final de la obra representa la oportunidad de un nuevo comienzo. En esto, como en el ascenso de Lophakin del anonimato a la fama, vemos ecos de los inicios de la carrera de Kenneth Branagh. En sus memorias de 1991, Beginning, recuerda cómo dejó atrás su acento norirlandés para triunfar en el mundo de la actuación y desvela las tensiones que lo llevaron a abandonar la Royal Shakespeare Company en 1987. Su tiempo en Stratford fue formativo profesionalmente, pero turbulento. Tuvo conflictos con la dirección por la carga de trabajo y el salario, y finalmente sintió que debía marcharse para prosperar.

Esa decisión parece haber dado sus frutos, y regresó a la compañía este julio como caballero. De hecho, su interpretación del mago Próspero en La tempestad tuvo una cualidad serena, casi majestuosa, que se mantuvo en cartelera durante cinco semanas antes del estreno de El jardín de los cerezos.

En la que fuesu primera aparición en un escenario de la Royal Shakespeare Company desde que interpretara a Hamlet allí en 1992-93 , Branagh subió al escenario con una capa de mago, sacó una varita de maestro y procedió a dirigir la tormenta que abre la obra, dispersando a un grupo de nobles y miembros de la realeza náufragos en la isla encantada de Próspero.

Aquí, como en El jardín de los cerezos, el personaje era el agente del cambio. Próspero domina la isla y a sus habitantes: el espíritu Ariel (Amara Okereke), su sirviente esclavizado, Calibán (Ashley Zhangazha), y su hija Miranda (Ruby Stokes). Pero ejerce su influencia con una magnanimidad que es a la vez serena y benevolente.

Cuando Miranda, al despertar de su letargo, se quejó de una “pesadez”, Branagh movió las caderas mientras la animaba juguetonamente a “¡sacudirse la pesadez!”. Fue un raro momento de desenfreno en una actuación estudiadamente contenida.

Si bien la interpretación en esta producción, dirigida por Richard Eyre, fue notablemente sobria —hasta el punto de ser casi imperceptible en ocasiones—, esto se compensó con el sonido y las imágenes, con una magnífica escenografía naranja y azul de Bob Crowley, que evocaba el sol y el mar, y el vestuario de Fotini Dimou.

Fragmentos de música interpretada con instrumentos tradicionales de África Occidental aludían a una alegoría poscolonial, al igual que la total ausencia de salvajismo en el Calibán de Zhangazha, que parecía un simple contable de barrio. La obra le devolvió su humanidad incluso antes de que Próspero lo liberara a él y a Ariel en una escena final elegantemente representada.

Branagh se arrodilló para renunciar a la “magia tosca” de Próspero, antes de partir por la mitad su batuta de director, romper sus partituras y marcharse. El telón se desvaneció, dejando al descubierto la zona entre bastidores, y el hechizo se rompió.

La tempestad fue la última obra de Shakespeare, al igual que El jardín de los cerezos lo fue de Chéjov. Al yuxtaponerlas, sus cualidades elegíacas resuenan con mayor fuerza, por lo que resulta tentador ver el regreso de Kenneth Branagh a su antiguo territorio como una despedida sentimental. Pero solo tiene 65 años, y a juzgar por lo visto, aún le queda mucho por ofrecer.

Fuente: The New York Times

[Fotos: Johan Persson/ The New York Times]

José Daniel Figueroa vuelve como “Guillermo” en Hoy No Me Puedo Levantar y revela cómo cambió después de 20 años

Miriam Estrella — Thu, 30 Jul 2026 19:31:39 +0000

Veinte años después de convertirse en uno de los musicales más importantes en la historia del teatro en México, Hoy No Me Puedo Levantar regresó al Centro Cultural Teatro 1 con una temporada especial que reúne nuevamente al elenco original de 2006. El espectáculo revive la historia que conquistó a miles de espectadores, ahora como un homenaje a quienes dieron vida a sus personajes desde la primera temporada.

Con este reencuentro también regresó José Daniel Figueroa, quien vuelve a interpretar a Guillermo, uno de los personajes más recordados del montaje inspirado en las canciones de Mecano. En entrevista con Infobae México, el actor compartió cómo vivió este regreso, qué ha cambiado en él después de dos décadas y por qué considera que la historia sigue conectando con públicos de todas las edades.

Además de recordar los primeros años del fenómeno teatral, José Daniel habló sobre la responsabilidad de regresar al escenario junto a Alan Estrada, Fernanda Castillo, Luis Gerardo Méndez, Valeria Vera, Erika Tahís, Rogelio Suárez, Gerardo González y Jannette Chao, quienes vuelven a reunirse para esta temporada conmemorativa.

“Fue como un prom”: el reencuentro del elenco original 20 años después

La noticia del regreso llegó mientras José Daniel grababa una telenovela fuera de la Ciudad de México. Aunque la emoción apareció de inmediato, también surgió la incertidumbre por la posibilidad de no poder ajustar los tiempos. “Lo primero que me entró fue angustia, pensar si iba a poder, pero después entendí que los tiempos son perfectos y todo se acomoda como se debe acomodar”, recordó.

El actor reveló que la idea de reunir nuevamente al elenco llevaba años rondando entre algunos integrantes del musical. Incluso confesó que hace una década intentó organizar un reencuentro junto con Valeria Vera, aunque en aquel momento no fue posible reunir a todos los protagonistas. Ahora, destacó el trabajo realizado por Alan Estrada, Fernanda Castillo, Alejandro Gou y el resto del equipo para hacer realidad este homenaje. “Es una producción impecable. Es algo muy grande y muy cuidado”.

Uno de los momentos más especiales para él ocurrió al descubrir que volvería a ocupar el mismo camerino que utilizó hace dos décadas. “Ahora me toca ocupar el camerino que ocupaba hace veinte años. Todo eso se vuelve muy mágico y muy hermoso. Cuando menos cuenta te das, pasaron veinte años”, comentó entre risas.

José Daniel explica cómo cambió Guillermo con el paso del tiempo

Aunque el personaje es el mismo, José Daniel reconoce que hoy lo interpreta desde un lugar completamente distinto. El actor asegura que la experiencia acumulada durante estos años transformó por completo su manera de entender a Guillermo y también su propia historia.

“Me están cayendo muchos veintes. Aprendí a no avergonzarme de lo que soy, a sentirme orgulloso de cada célula y cada átomo que comprende este ser humano. Eso me enseñó Guillermo”, expresó durante la conversación.

También recordó que cuando estrenaron el musical en 2006 algunas escenas provocaban reacciones muy diferentes a las actuales. “Había espectadores que gritaban: ‘¡Guácala, qué asco!’ cuando venía un beso entre Guillermo y Mario. Incluso había familias que se salían del teatro”. Dos décadas después, considera que el público ha evolucionado y recibe la historia desde otra perspectiva.

“La nostalgia es tramposa”: así fue construir un homenaje sin quedarse en el pasado

Para José Daniel, uno de los mayores desafíos fue evitar que el montaje dependiera únicamente del recuerdo de quienes lo vieron hace veinte años. En su opinión, el espectáculo tenía que emocionar también a quienes jamás habían visto la obra.

“La nostalgia es bien tramposa porque nuestra memoria acomoda las cosas como quiere. Nosotros no podíamos vivir solamente de eso. Teníamos que ofrecer algo nuevo”, explicó.

Por ello, destacó el equilibrio que existe entre la experiencia del elenco original y la energía del nuevo ensamble. “Los bailarines y los vogueros nos inyectaron toda esa energía joven y nosotros llegamos con la experiencia. Es un intercambio muy bonito”. Incluso definió el montaje con una frase que resume su esencia: “Yo lo describo como un documusical teatralizado”.

La música de Mecano sigue conquistando nuevas generaciones

Uno de los aspectos que más sorprendió al actor fue comprobar que el fenómeno de Mecano continúa vigente entre jóvenes que ni siquiera habían nacido cuando se estrenó la primera temporada del musical.

“La música de Mecano no ha envejecido mal. Ya no solamente habla del amor entre un hombre y una mujer. Habla de la vida, de la libertad, de la existencia y de muchos temas que siguen siendo actuales”, aseguró.

José Daniel contó que esa conexión se percibe desde los primeros minutos del espectáculo. “Pensé que el momento de mayor conexión iba a llegar mucho después, pero desde la primera invitación al público entendimos que la gente quería formar parte del show. Se siente como un megaconcierto”. Incluso destacó que hijos de integrantes del elenco disfrutan hoy las canciones con la misma emoción que el público de hace dos décadas.

De “Maquillaje” a “La fuerza del destino”: José Daniel Figueroa definió el reencuentro con las canciones de Mecano

También participó en una dinámica en la que describió esta nueva temporada de Hoy No Me Puedo Levantar: 20 años después a través de algunas de las canciones más emblemáticas de Mecano. Lejos de responder con una sola palabra, el actor explicó qué representa cada tema dentro del montaje y cómo conecta con este reencuentro.

Sobre “Maquillaje”, aseguró que la relaciona con la diversión y con una nueva manera de contar la historia. “Me parece que está mucho mejor contado ahorita. Maquillaje es ese elemento que te ayuda a potencializar lo que eres desde el fondo de tus entrañas, a divertirte, a pedir auxilio y a sentirte orgulloso de lo que eres", expresó. Mientras que “Mujer contra mujer” la describió como “de las canciones más bellas de Mecano”, además de definirla como “vibrante, sentida, emotiva y nostálgica”, ya que le permite conectar tanto con sus compañeras de escena como con el público.

El actor también habló de “Vivimos siempre juntos”, a la que calificó como una de las composiciones más hermosas de Nacho Cano por ser “tremendamente emotiva, humana, sensorial y de conexión absoluta con el espectador”. En tanto, “El 7 de septiembre” la relacionó con el vínculo que el elenco ha mantenido durante dos décadas. “Es una fecha que siempre recordamos, una fecha muy especial en la que año con año nos mandamos un mensaje y sabemos que todos estamos bien”, comentó. Finalmente, al escuchar “La fuerza del destino”, respondió entre risas: “Es la que nos hizo repetir”, para después resumirla como una canción que habla de “esa sensación de saber que todavía tienes algo sin concluir con alguien”.

El mensaje que José Daniel enviaría al actor que comenzó esta aventura en 2006

Al cierre de la conversación, el actor imaginó que podía encontrarse frente al joven que llegó al casting de Hoy No Me Puedo Levantar hace veinte años.

“Le diría que lo amo mucho y que lo admiro muchísimo por haber tenido el valor de presentarse a esos castings sin conocer a nadie en el medio. Le agradecería esos pantalones para perseguir su sueño”, confesó.

También aseguró que el paso del tiempo le dejó una enseñanza que hoy intenta aplicar dentro y fuera del escenario. “Le diría que no espere tanto tiempo para sentirse orgulloso de quien es. Que abrace todo lo que es, porque eso es lo que lo hace especial”. Una reflexión que resume el espíritu de este reencuentro, donde el elenco original vuelve a reunirse para celebrar una de las producciones más importantes en la historia del teatro musical en México.

Agenda cultural en Lima del 30 de julio al 5 de agosto: DanSa, Diego Torres y 'El Principito' inmersivo encabezan la propuesta semanal

Cecilia Arias — Thu, 30 Jul 2026 19:21:34 +0000

La primera semana de agosto llega con una oferta cultural que combina el patrimonio peruano con propuestas internacionales: Shakespeare en Miraflores, danza contemporánea con gastronomía, monólogos de comediantes consagrados y espectáculos infantiles que celebran el fin de las Fiestas Patrias con el folclore como protagonista.

TEATRO

El sueño de una noche de verano

La clásica comedia de William Shakespeare llega con una producción de Éxodo Teatro en coproducción con el Teatro Británico. La obra sigue a cuatro enamorados extraviados en un bosque mágico gobernado por Oberón, rey de los elfos, y su reina Titania, donde el duende Puck desata una cadena de enredos y hechizos. La dirección es de Jean Pierre Gamarra, con escenografía de Lorenzo Albani y un elenco que incluye a Amaranta Kun, Carolina Cano, André Silva, Oscar Yepez, Leonardo Torres Vilar, Alonso Cano, Kareen Spano y Alejandro Tagle. La obra tiene una duración de 110 minutos sin intermedio.

Lugar: Teatro Británico, Cl. Bellavista 527, Miraflores
Horarios: Jueves 30 y viernes 31 de julio, y sábado 1 de agosto a las 8 p.m.; domingo 2 de agosto a las 7 p.m.
Entrada: Desde S/ 55 (tarifa general, con descuentos para estudiantes y adultos mayores). Disponible en Teleticket.

Los inoxidables

La Compañía de Teatro Arturo Escalante presenta esta comedia escrita por Piero Lévano y Renato Piaggio, bajo la dirección de Piaggio. Carlos Victoria, Carlos Thornton y Luis Menezes protagonizan una historia sobre la amistad y el paso del tiempo, con humor criollo y situaciones que oscilan entre lo desopilante y lo entrañable.

Lugar: Teatro Auditorio Miraflores
Horarios: Jueves 31 de julio a las 8:30 p.m.
Entrada: S/ 80. Disponible en Teleticket.

En salsa verde

Por primera vez en escena, los escritos secretos de Don Ricardo Palma —una colección de historias que el tradicionista reservaba para tertulias íntimas— llegan al teatro en un estreno inédito. Las piezas retratan con humor a personajes como Bolívar, Sucre y Castilla, y ofrecen una mirada crítica a actitudes del virreinato, la independencia y los inicios de la república que, según la propuesta, aún tienen vigencia.

Lugar: Centro Cultural Ricardo Palma, Av. José Larco 770, Miraflores
Horarios: Viernes 1 y sábado 2 de agosto a las 8 p.m.
Entrada: Desde S/ 64. Disponible en Teleticket.

Herederos

Lugar: Teatro Auditorio Miraflores
Horarios: Sábado 1, viernes 7 y viernes 14 de agosto a las 8:30 p.m.
Entrada: S/ 80. Disponible en Teleticket.

Ampay: No vas a parar de reír

Trilce Cavero, Pau Simons y Paco Varela protagonizan este show cómico-musical con dramaturgia de Varela y dirección de Caroll Chiara, producido por La X Productora. La propuesta gira en torno a un triángulo amoroso que deriva en una serie de enredos, con covers que abordan el amor y el desamor. Todas las entradas incluyen bebidas de cortesía.

Lugar: Capital Restobar, Av. Almirante Miguel Grau 680, Barranco
Horarios: Sábado 1 de agosto a las 8 p.m.
Entrada: Desde S/ 55. Disponible en Teleticket.

DANZAS

El siervo — XXXVIII Festival Danza Nueva del ICPNA

El ICPNA presenta la nueva edición de su Festival Danza Nueva con El siervo, a cargo de Angeldemonio Colectivo Escénico. Los asientos son numerados y la boletería en el teatro funciona únicamente los días de función, de 6 a 8 p.m.

Lugar: ICPNA Miraflores, Av. Angamos Oeste 120, Miraflores
Horarios: Sábado 1 y domingo 2 de agosto a las 8 p.m.
Entrada: Desde S/ 30. Disponible en Joinnus.

Wankar: El mito del tambor sagrado

DanSa presenta esta propuesta de Vania Masías y Lucho Quequezana que combina música en vivo, danza contemporánea y tecnología para recorrer la costa, sierra y selva del Perú. La historia sigue el viaje de Inti y Killa en busca de un antiguo tambor sagrado, con expresiones como la Danza de Tijeras, la Marinera, el Son de los Diablos y la danza de los Tulumayos. La experiencia se prolonga en la mesa con un menú degustación de seis tiempos creado por el chef corporativo Cristian Ramírez, que incluye preparaciones como ceviche, causa de altura, juane y tacacho.

Lugar: DanSa, Av. Rivera Navarrete 2692, Lince
Horarios: De miércoles a sábado a las 7:30 p.m.
Entrada: Desde USD 100. Disponible en Joinnus.

CONCIERTOS

Diego Torres — Mi Norte & Mi Sur Tour 2026

Diego Torres lleva al Anfiteatro del Parque de la Exposición su gira Mi Norte & Mi Sur Tour 2026, un recorrido por más de tres décadas de trayectoria que combina sus clásicos con composiciones de su álbum más reciente. El show incluye himnos como Color Esperanza y Tratar de Estar Mejor.

Lugar: Anfiteatro del Parque de la Exposición
Horarios: Sábado 1 de agosto
Entrada: S/ 320 y S/ 377 (con descuento para clientes de Interbank). Disponible en Teleticket.

Yahaira Plasencia — La Patrona en Concierto: Amor, dolor y fiesta

Yahaira Plasencia presenta una nueva edición de su espectáculo en vivo con orquesta, puesta en escena e invitados especiales. El show recorre las distintas etapas del amor a través de su repertorio. El recinto exige un consumo mínimo de S/ 40 por persona.

Lugar: Centro de Convenciones Bianca, Av. Almirante Miguel Grau 135, Barranco
Horarios: Miércoles 30 de julio a las 9 p.m.
Entrada: Desde S/ 49.70. Disponible en Joinnus.

Sebastián Molina — Arjona a la carta

Sebastián Molina rinde homenaje a la obra del cantautor guatemalteco Ricardo Arjona en un formato de alta interacción con el público. Los asistentes pueden solicitar cualquiera de más de 50 canciones del repertorio de Arjona a través de papelitos depositados en una ánfora; Molina extrae uno al azar, interpreta la canción elegida y dialoga con quien la pidió sobre el motivo de su elección.

Lugar: La Estación de Barranco
Horarios: Jueves 31 de julio a las 10:30 p.m.
Entrada: Desde S/ 67. Disponible en Teleticket.

Fiesta Perú — La Peñita

Bajo la dirección de Darío Cavero, esta superproducción en vivo propone un recorrido por la Costa, Sierra, Selva y Altiplano del Perú a través del canto, la danza y el teatro. El espectáculo incluye tondero, huaylarsh y diablada, con músicos en vivo y despliegue escénico.

Lugar: A confirmar con la producción
Horarios: Jueves 31 de julio a las 7 p.m.
Entrada: Desde S/ 43. Disponible en Teleticket.

EXHIBICIONES Y EXPOSICIONES

El Principito L’Expérience

Mall del Sur alberga esta exhibición internacional basada en la obra de Antoine de Saint-Exupéry que llega por primera vez al Perú. El recorrido combina recursos audiovisuales y tecnología para recrear los escenarios del libro, con mensajes sobre la amistad, la creatividad y lo esencial. Está dirigida a personas de todas las edades.

Lugar: Mall del Sur
Hasta cuándo: 30 de agosto
Entrada: Desde S/ 41, pero revisar los descuentos con BBVA y paquetes familiares. Disponible en Teleticket.

‘Herbarios Futuros’

La galería Corriente Alterna presenta ‘Herbarios Futuros: Imaginarios y relaciones con la vida vegetal’, una exposición de arte contemporáneo curada por Carlos García-Montero que reúne obras de siete artistas —Cynthia Malamud, Ilan Valdés, Carmen Reátegui, Melissa Larrañaga, Lucía Monge, Elena Tejada-Herrera y Claudine Plantas— junto a una selección de especies botánicas vivas. Inspirada en el herbario como herramienta de conocimiento, la muestra propone un recorrido donde el arte, la memoria y la ecología se cruzan para explorar las formas en que los seres humanos imaginan, observan y conviven con el mundo vegetal. La coordinación general está a cargo de Lissett Robles.

Lugar: Corriente Alterna (Av. Paseo de la República 2557, La Victoria)
Hasta cuándo: 14 de agosto de 2026
Horarios: Lunes a viernes de 9:00 a. m. a 9:00 p. m. | Sábados de 9:00 a. m. a 1:00 p. m.
Entradas: Ingreso libre

STAND UP Y MONÓLOGOS

Adal Ramones — Viajando sin maleta

El comediante mexicano Adal Ramones llega a Lima con su monólogo más reciente, un recorrido por las etapas de la vida adulta que aborda el matrimonio, los hijos, la tecnología, la inteligencia artificial y la necesidad de simplificar. Con anécdotas personales y observaciones generacionales, el show reflexiona sobre cómo pasar de cargar con todo a aprender a vivir más ligero.

Lugar: Teatro Canout, Av. Petit Thouars 4550, Miraflores
Horarios: Sábado 1 de agosto a las 9 p.m.
Entrada: Desde S/ 54.50. Disponible en Teleticket.

Las Bandalas 2

Patricia Portocarrero, Katia Palma y Saskia Bernaola regresan al Teatro Plaza Norte tres años después con una mini temporada que combina humor, música y nuevas ocurrencias. El ingreso a la sala abre una hora antes de la función y los asientos no son numerados.

Lugar: Teatro Plaza Norte, Av. Alfredo Mendiola 1400, Independencia
Horarios: Miércoles 30 y jueves 31 de julio a las 8 p.m.
Entrada: Desde S/ 100. Disponible en Joinnus.

Mónica Cabrejos — Doctora Bandida: Terapia de choque

Lugar: La Estación de Barranco
Horarios: Martes 5, 12, 19 y 26 de agosto a las 8 p.m.
Entrada: Desde S/ 49. Disponible en Teleticket.

EVENTOS INFANTILES

Lulú y los colores

Ethel Requejo y Aries Córdova protagonizan este espectáculo interactivo para toda la familia, bajo la dirección de Henry Sotomayor García y Luisa Caldas, y con idea original de La Mayu – teatro para niñas y niños. La propuesta fusiona teatro, música en vivo, manipulación de objetos, ilusiones ópticas y canciones originales en un universo donde los peces vuelan y los objetos cobran vida. Apta desde los 2 años; los menores de esa edad no pagan con presentación de DNI. El espectáculo cuenta con sonidos amplificados.

Lugar: Museo de Arte de Lima (MALI), Parque de la Exposición, Av. 9 de Diciembre 125
Horarios: Miércoles 30 de julio a las 4 p.m.
Entrada: Desde S/ 20. Disponible en Joinnus.

Ricitos de Oro y los tres ositos

Versión musical e interactiva del cuento clásico, con momentos de participación del público infantil. La obra narra las aventuras de Ricitos al llegar a la casa de los tres osos —papá, mamá e hijito— y los enredos que se desatan con su llegada.

Lugar: Jazz Zone, Av. La Paz 656, Pasaje El Suche, Miraflores
Horarios: Miércoles 30 de julio (función única)
Entrada: S/ 25. Disponible en Joinnus.

Divertidanza

Divertidanza lleva al escenario una historia donde Kuchi ayuda a Rafa en un proyecto escolar a través de un recorrido por danzas peruanas declaradas Patrimonio Cultural de la Nación: Marinera Norteña, Festejo, Huaylarsh y otras. La obra tiene una duración de 60 minutos y es apta para toda la familia.

Lugar: Teatro del Centro de la Amistad Peruano China, Av. De la Peruanidad s/n, Jesús María
Horarios: Viernes 1 de agosto a las 6 p.m. y 8 p.m.; sábado 2 de agosto a las 4 p.m. y 7 p.m.
Entrada: Desde S/ 72. Disponible en Joinnus.

Casa Warner en Plaza Norte

Lugar: Plaza Norte
Horarios: De 11 a.m. a 9 p.m.
Entrada: S/ 25 (niños) y S/ 45 (adultos) de lunes a viernes; S/ 30 (niños) y S/ 55 (adultos) sábados, domingos y feriados (pero hay descuentos para clientes de BCP). Disponible en Joinnus.

Wagner Moura da un giro a su carrera y se vuelca al teatro

Wed, 29 Jul 2026 18:55:15 +0000

Tras el éxito de El agente secreto, Wagner Moura se ha volcado en el teatro, un medio que, al contrario del cine, permite la participación del público, algo que le apasiona, como explicó este miércoles en la presentación del montaje Un juicio, que cierra el Festival Grec de Barcelona.

La obra, inspirada en Un enemigo del pueblo, de Henrik Ibsen, se representará los días 30 y 31 de julio en el Teatre Lliure de Montjuïc. Llega a Barcelona tras haber pasado por festivales como el Holland de Amsterdam, el de Avignon (Francia) o el Epidaurus de Atenas y antes de viajar al de Edimburgo, donde se podrá ver del 7 al 10 de agosto.

Moura presentó la obra acompañado de la directora del espectáculo, Christiane Jatahy. Ellos dos, junto a Lucas Paraizo, han adaptado la pieza de Ibsen, publicada en 1882 y que se centra en cómo el protagonista, el doctor Thomas Stockmann, se enfrenta a la vergüenza y al exilio tras intentar destapar un escándalo de contaminación del agua en su ciudad natal.

“Soy un apasionado de Ibsen y este texto siempre me interesó. Además es muy actual. El conflicto sobre la verdad. Ahora vivimos en un mundo donde lo factual ya es compartido por todos, y cada uno en su pequeño mundo tecnológico recrea su propia versión de la verdad”, explicó Moura.

Con participación del público

En esta adaptación, que traslada la acción al Brasil contemporáneo, el destino de Stockmann (Moura) esté en manos de los espectadores, que tendrán que decidir si es inocente o si es un “enemigo del pueblo”. Y eso es precisamente lo que le interesa al actor.

Moura resaltó que está disfrutando de esta gira teatral por Europa porque la obra que proponen “es muy interactiva” y “permite mucha improvisación”.

“Es la gracia cuando haces teatro y no una película. Que el público también participa”, añadió el actor.

El espectáculo está ideado como un juicio cuyo tribunal está formado por once miembros del público previamente escogidos entre los voluntarios y que pasan toda la obra junto a los actores en el escenario. Entre todos tendrán que decidir si están o no del lado del protagonista.

“No podemos decir qué ha pasado en otras funciones. Pero sí diré que nunca hay un veredicto unánime”, confesó el protagonista de la serie Narcos, en la que encarnó a Pablo Escobar.

Fuente: EFE.

Fotos: Europa Press y Reuters/ Carlos Barria (archivo).

Versibalistas: el cruce entre la canción y la poesía que apuesta a un arte sin literalidad

Wed, 29 Jul 2026 13:16:35 +0000

“El público tiene que participar creando también un sentido. No hay literalidad, no hay un significado determinado, hay como una dirección hacia un sentido poético que siempre se construye en el otro”.

Con esa premisa trabajan los Versibalistas, un grupo artístico que fusiona canción, poesía y escena en un mismo espectáculo y que el sábado ocho tiene una nueva presentación en Buenos Aires.

El nombre del grupo —un neologismo construido a partir de “funambulistas”, los equilibristas de circo— anticipa el tono de la propuesta: cinco artistas que hacen equilibrio entre la palabra cantada y la palabra dicha, entre la música y la escena teatral.

“A mí me gusta el nombre porque siento que la gente no entiende. Entonces ya le genera una duda: ¿y qué quiere decir? Y ya es generar una pregunta”, reflexiona uno de sus integrantes en un registro audiovisual del grupo.

Quiénes integran Versibalistas

El ensamble está conformado por Rolando De Marco en composición, guitarra y voz; Soledad Sonatore en violonchelo; Francisco Martínez en bandoneón; Vicente Graziano en flauta traversa y bombo con platillo; y el poeta Edgardo Pígoli en poesía y voz. A ellos se suma en esta fecha Belén Landry.

La propuesta cruza lenguajes sin subordinarlos entre sí. Las canciones cuentan historias que se entrelazan con los textos poéticos y con los silencios en vivo, en un juego donde ninguno de los dos registros —el musical y el literario— existe para explicar al otro. “Uno de los intentos es esquivar la literalidad: que el texto no esté en función de la música para explicarse mutuamente”, describen. Lo que queda, en cambio, es algo que el público completa desde su propio lugar.

La figura del circo aparece como símbolo de esa búsqueda: la relación con el riesgo, con el espectáculo de forma popular, con un vínculo entre artistas y audiencia que no está determinado de antemano. “El arte tiene que ser un territorio de riesgos”, sostienen, y esa convicción aparece en cada presentación del grupo.

El riesgo como núcleo de la propuesta

“Sabemos y al mismo tiempo no sabemos, pero estamos. Sucede”, resume uno de sus integrantes, con una frase que bien podría funcionar como manifiesto del grupo. Lo circense, la relación con un público que se convierte en parte activa del espectáculo, la apuesta por lo vivo y lo irrepetible: todo eso convive en cada función de los Versibalistas.

Cuándo y dónde se presentan

La función es el sábado ocho de agosto a las 20.30 en Cualquier Lado Club de Artes, Pasaje Las Provincias 3164, barrio de Villa del Parque, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. La entrada es a la gorra.

Agenda cultural en Lima del 23 al 29 de julio: Vibra Perú, FIL Lima 2026, ferias y estrenos teatrales para las Fiestas Patrias

Cecilia Arias — Wed, 29 Jul 2026 08:28:26 +0000

Lima abre esta semana con una cartelera marcada por el espíritu de las Fiestas Patrias: la celebración nacional se mezcla con estrenos teatrales, conciertos multitudinarios, el inicio de la Feria del Libro 2026 y exposiciones que reivindican la identidad y la memoria del país. Hay propuestas para quienes buscan emociones en un escenario, para quienes prefieren recorrer el patrimonio a pie y para las familias con niños pequeños.

CONCIERTOS

Vibra Perú

Juanes y Gian Marco encabezan el festival más grande de las Fiestas Patrias, que este año ocupa dos días en la Costa Verde. Se les une Armonía 10, Los Shapis, Milena Warthon, Adammo, Mauricio Mesones, La Bella Luz, Tourista, Dúo Ayacucho, 6 Voltios, Los Kipus, TK, Antología, Raíces D’ Jauja, Amaranta y más de 30 artistas distribuidos en dos escenarios. La gastronomía llega con más de 40 restaurantes, huariques y carretillas, juegos mecánicos, ferias y activaciones.

Lugar: Costa Verde – Arena 1 Park, Cúpula y Domo
Fechas: 28 y 29 de julio
Horarios: Desde las 11 a.m.
Entrada: Desde S/ 179 en Ticketmaster

El Jeque de la Salsa — Tercer aniversario

Karlos Terrones, cantante peruano conocido como ‘El Jeque de la Salsa’, celebra tres años de trayectoria con un concierto especial en el que compartirá escenario con los artistas cubanos Lachy Fortuna, Susel Gómez y Ronny López.

Lugar: Perú Bar del Círculo Militar de Jesús María
Horarios: Sábado 25 de julio, 8:00 p. m.
Entrada: Reservas al WhatsApp 945 136 044

Susan Ocho – Amor vs. Despecho

La artista peruana Susan Ocho ofrece una noche dedicada a sus seguidores con lo mejor de su repertorio.

Lugar: La Estación de Barranco, Barranco
Horarios: Viernes 24 de julio, 10:30 p. m.
Entrada: S/ 111 en Teleticket

KILLA FEST – Serenata al Perú

Un almuerzo show dedicado a la música criolla reúne a Los Kipus, Embajadores Criollos y Carlos Ardiles, con Fernando Llomtoy como artista invitado. Un ambiente para celebrar con gastronomía peruana y música en vivo.

Lugar: Maracaná Centro de Convenciones (Jr. Huáscar 1652, Jesús María)
Horarios: Sábado 26 de julio desde la 1:00 p. m.
Entrada: Desde S/ 39 en Ticketmaster

TEATRO

Corazón de Loba

Yvonne Frayssinet, Johanna San Miguel y Andrea Luna protagonizan la segunda temporada de esta comedia producida por DEA Teatro, que regresa al Teatro Claretiano con un elenco ampliado. Frayssinet interpreta a Blanca Luz, una actriz veterana convencida de que el medio le debe un reconocimiento que nunca llega. San Miguel da vida a Emperatriz, una diva que reclama al universo por ignorar su talento. Luna encarna a Flavia, una influencer que obtuvo el papel de su vida gracias a sus seguidores.

Las tres coinciden en el casting de una gran producción internacional, y lo que empieza como una oportunidad se convierte en un enfrentamiento donde afloran rivalidades, frustraciones y verdades sin filtro. La puesta en escena cuenta con textos de Eduardo Adrianzén, dirección general de David Carrillo, dirección artística de Pepe Corzo y producción de Doris Espinoza. El escenario recrea un gran set de televisión con música en vivo.

Lugar: Teatro Claretiano, San Miguel
Hasta cuándo: 30 de agosto
Horarios: Viernes y sábados, 8:30 p. m. | Domingos, 7:00 p. m.
Entrada: Desde S/ 51 en Teleticket

El Deseo

Creada y dirigida por el dramaturgo y director argentino Casper Espósito, esta experiencia escénica combina teatro, música en vivo, baile, humor y sensualidad en una propuesta inmersiva. Bettina Oneto interpreta a Bianca, la anfitriona que introduce al público en el universo del espectáculo. Vanessa Terkes completa el elenco junto a Varo Vargas, Ximena Galiano, La Langosta (drag queen y cantante peruana) y Gaizka Pasalodos. Las coreografías son de Arturo Chumbe y los arreglos musicales de Mica Hourbeigt.

“Aquí se exploran muchos tipos de deseos: carnales, emocionales, el deseo de ser. Alrededor del público pasan cosas inesperadas, con bailarines e interacciones que no se han visto antes en el país”, adelanta Oneto.

Lugar: Centro de Convenciones Bianca (Av. Almirante Miguel Grau 135, Barranco)
Horarios: 22 de julio y 5 de agosto, 8:00 p. m.
Entrada: S/ 65 en Atrápalo

Bodas de sangre

La obra cumbre de Federico García Lorca, inspirada en una noticia de 1928 sobre dos amantes que huyen en vísperas de la boda de la mujer con otro hombre, llega al Teatro Marsano en una versión reimaginada por el director Edgar Saba y bajo la producción general de Makhy Arana. El montaje promete una adaptación contemporánea del clásico español con un elenco que incluye a Martha Figueroa, Víctor Prada, Mónica Domínguez, Susan León, Fernando Luque, Lilian Schiappa, Claudio Calmet y Marialola Arispe.

Lugar: Teatro Marsano
Hasta cuándo: 2 de agosto de 2026
Entradas: Desde S/50 en Teleticket

Las aves de Aristófanes

La célebre comedia de Aristófanes, estrenada en Atenas en el año 414 a. C., regresa a los escenarios en una versión libre dirigida por Mateo Chiarella Viale y producida por Aranwa Teatro. La obra sigue a Pistetero y Evélpides, dos hombres que abandonan el caos de la ciudad para fundar entre las aves una nueva sociedad llamada Nubicuculandia. El elenco reúne a Alberto Isola, Ricardo Velásquez, Brunella Odar, Renzo Quintanilla y Germán Ojeda.

Lugar: Teatro Ricardo Blume (Huiracocha 2160, Jesús María)
Hasta cuándo: 16 de agosto de 2026
Horarios: Viernes y sábados a las 8 p.m., y domingos a las 7 p.m.
Entrada: Desde S/ 40 — Entradas en Ticketmaster

Entre realistas y patriotas — Visita teatralizada

Una visita teatralizada por el centro histórico que recrea los días de la conspiración independentista, con personajes que enfrentaron decisiones en una Lima dividida entre el poder virreinal y el sueño de la libertad. La actividad se realiza en colaboración con Vidanza Producciones y Munay Llaqta, e incorpora danza y arte.

Horarios: Domingo 26 de julio, 4:00 p. m. y 6:00 p. m.
Entrada: S/ 30. Inscripciones al 948 929 738

Los cuatro letras

Comedia dramática escrita y dirigida por David Carrillo que sigue a cuatro amigos universitarios que se reencuentran décadas después a raíz de la enfermedad de uno de ellos, Abel, quien tras un accidente cerebrovascular solo puede comunicarse con palabras breves y fragmentadas. La puesta en escena usa un juego de Scrabble limitado a palabras de cuatro letras como metáfora de las dificultades para comunicarse y reconstruir vínculos. El elenco está conformado por David Carrillo, Anneliese Fiedler, Omar García, Marijú Núñez y José Spigno, con la participación especial de Almudena Carrillo.

Lugar: Teatro Racional (Av. Balta 170, Barranco)
Temporada: Hasta el 8 de agosto de 2026
Horarios: Jueves, viernes y sábados a las 8:00 p.m.
Entradas: Disponibles en Joinnus desde S/35

Pareja abierta

La Compañía de Teatro Arturo Escalante presenta esta comedia protagonizada por Ivonne Fraysinett y Marcelo Oxenford. La obra sigue a una pareja que decide abrir su relación, con todo lo que esa decisión desencadena en términos de enredos, humor y reflexión. Una vez iniciado el evento no se permite el ingreso a la sala.

Lugar: Teatro Auditorio Miraflores (Av. Larco 1150, Miraflores)
Fechas: 29 y 30 de julio
Horario: 8:30 p.m.
Entradas: Disponibles en Teleticket desde S/80

BALLET

Carmen y Raymonda

La Municipalidad Metropolitana de Lima, en coproducción con el Patronato Amigos del Ballet Municipal, presenta dos obras del repertorio clásico interpretadas por el Ballet Municipal de Lima. Carmen, con música de Georges Bizet y coreografía de Jean Grand-Maitre, narra la historia de una mujer cuyo espíritu libre desencadena un trágico destino. Raymonda, con música de Alexander Glazunov y coreografía en estreno de Carlos Valcárcel, propone una suite de variaciones de alta exigencia técnica. Ambas obras ofrecen un contraste entre la intensidad dramática de la primera y el refinamiento clásico de la segunda.

Lugar: Teatro Manuel A. Segura (Jr. Huancavelica 265, Cercado de Lima).
Hasta cuándo: 2 de agosto de 2026
Horarios: Viernes a las 8 p.m., y sábados, domingos y feriados a las 6 p.m.
Entrada: Desde S/ 20 — Entradas en Teleticket

MUSICALES

Marco Zunino, mi vida en musicales

Lugar: Teatro NOS PUCP (Av. Camino Real 1037, San Isidro).
Hasta cuándo: 2 de agosto de 2026.
Horarios: Jueves a sábado a las 8 p.m., y domingos a las 7 p.m.
Entrada: Desde S/ 33 — Entradas en Teleticket.

Cenicienta El Musical

Directamente de Broadway, esta producción de gran formato llega al Teatro Mario Vargas Llosa con un espectáculo combina romance y humor. El elenco principal está conformado por Adriana Campos Salazar, Ítalo Maldonado y Tati Alcántara, Sandra Muente, Alicia Mercado, Bertha Bohórquez, Joaquín Escobar, junto a un talentoso grupo de artistas nacionales.

Lugar: Teatro Mario Vargas Llosa (Av. De La Poesía 160, San Borja)
Hasta cuándo: 9 de agosto
Horarios: Viernes, 8:00 p. m. | Sábados y domingos, 4:00 p. m. y 7:00 p. m.
Entrada: Desde S/ 90 en Teleticket

Mamma Mía!

Uno de los musicales más exitosos de la historia regresa al Teatro Peruano Japonés con un elenco renovado y la producción de Los Productores. Basado en las canciones del grupo ABBA, ‘Mamma Mía!’ cuenta la historia de una madre, su hija y tres posibles padres en vísperas de una boda. La obra ha sido vista por más de 56 millones de personas en más de 50 ciudades de los cinco continentes desde su estreno en 1999. El elenco de esta etapa incluye a Rebeca Escribens, Érika Villalobos, Gianella Neyra, Cielo Torres, Gustavo Mayer y Raúl Zuazo, entre otros.

Lugar: Teatro Peruano Japonés (Av. Gregorio Escobedo 803, Jesús María)
Temporada: Hasta el 27 de septiembre de 2026. Rebeca Escribens hasta el 9 de agosto; Gianella Neyra del 13 de agosto en adelante
Horarios: Jueves y viernes 8:00 p.m. / Sábados 5:00 p.m. y 8:30 p.m. / Domingos 6:00 p.m.
Entradas: Disponibles en Joinnus desde S/45

EVENTOS GRATUITOS

Noche de ballet en el MET

El elenco de Allegro Ballet Centro de Danza presenta un espectáculo de coreografías diversas de ingreso libre en el Museo Metropolitano de Lima. La actividad está dirigida al público en general, con capacidad limitada.

Lugar: Museo Metropolitano de Lima (Av. 28 de julio 800, Cercado de Lima)
Horarios: Jueves 23 de julio, 7:30 p. m.
Entrada: Gratuita, capacidad limitada

Ciclo de Cine Peruano — Última semana

La Sala de Cine Armando Robles Godoy cierra su ciclo dedicado al cine nacional con una semana final de proyecciones múltiples. La programación completa está disponible en bit.ly/CicloCinePe2026.

Lugar: Sala de Cine Armando Robles Godoy (Av. Javier Prado Este 2465, San Borja)
Hasta cuándo: Lunes 27 de julio
Horarios: Del viernes 24 al lunes 27, múltiples funciones
Entrada: Gratuita hasta completar aforo. Para mayores de 14 años

Serenata al Perú

La Orquesta Sinfónica Nacional del Perú ofrece un concierto gratuito al aire libre en el marco de las celebraciones por Fiestas Patrias.

Lugar: Multiespacio Costa 21, Circuito de Playas, San Miguel
Horarios: Sábado 25 de julio, 8:00 p. m.
Entrada: Gratuita

Presentación del estudio para una escuela pública de cine

El Ministerio de Cultura y la Universidad Nacional Mayor de San Marcos (UNMSM) presentan el estudio de oferta y demanda para el diseño de una escuela pública de formación en cine y audiovisual en el Perú, con análisis de la situación latinoamericana del sector. La actividad es virtual, vía Zoom, con capacidad limitada. Inscripciones previas en dafo.cultura.pe.

Horarios: Jueves 30 de julio, 10:00 a. m.
Entrada: Gratuita, previa inscripción en dafo.cultura.pe

Diáspora chicha

Una muestra colectiva en la que artistas exploran el concepto de diáspora desde la estética chicha y sus experiencias migrantes. Este viernes 24 de julio a las 11:00 a. m. se realiza un encuentro presencial con las y los artistas. La exposición ocupa el Piso 2 de la Torre Kuélap del Ministerio de Cultura.

Lugar: Torre Kuélap, Ministerio de Cultura (Av. Javier Prado Este 2465, San Borja)
Hasta cuándo: Domingo 9 de agosto
Horarios: Martes a domingo, 9:00 a. m. a 5:00 p. m.
Entrada: Gratuita

‘Sobreviviendo en azul y tierra’, de Erika Humala Vastag

Muestra de artes visuales de la artista Erika Humala Vastag en el distrito de Miraflores.

Lugar: Bajada San Martín 151, Miraflores
Horarios: Martes a domingo, 10:00 a. m. a 6:00 p. m.
Entrada: Gratuita

Arte del Museo del Prado en el Centro Histórico

Una colección de obras inspiradas en el Museo del Prado de Madrid llega al corazón de Lima para acercar al público a los grandes maestros de la pintura española. La muestra incluye piezas de Velázquez, Goya y Murillo, entre otros, en un recorrido que permite apreciar algunas de las obras más representativas del arte europeo sin salir de la ciudad.

Lugar: Pasaje Santa Rosa, entre la segunda cuadra del Jr. Camaná y el Jr. de la Unión, al costado de la Municipalidad de Lima y frente a la Catedral
Hasta cuándo: 31 de julio de 2026
Entrada: Gratuita

‘Al Este’ — Galería Oders, Barranco

La nueva exposición individual del pintor peruano Marcos Palacios, bajo la curaduría de Karol Roots, reúne diez obras en óleo y acrílico sobre lienzo, además de trabajos sobre papel y madera. La muestra marca un giro en la trayectoria del artista, conocido por series urbanas como ‘Big City Nights’ o ‘Ciudad Pasarela’: esta vez, Palacios dirige la mirada hacia su historia familiar y los vínculos de sus ancestros con la selva central peruana, específicamente con Chanchamayo.

El punto de partida fue una conversación con su abuelo que derivó en una investigación sobre fotografías antiguas, relatos orales y recuerdos sensoriales. La vegetación, la fauna y las presencias humanas conviven en composiciones donde los límites entre paisaje, historia familiar y experiencia se vuelven difusos.

Lugar: Galería Oders, Jr. Domeyer 270, Barranco
Inauguración: Viernes 3 de julio, 7:00 p.m.
Hasta cuándo: 1 de agosto de 2026
Horarios: Martes a sábado de 2:00 p.m. a 8:00 p.m.
Entrada: Gratuita

Ruraq Maki

La exposición-venta de artesanía y arte tradicional del Ministerio de Cultura llega a su vigésima edición con Ecuador como país invitado, presente en la Sala Paracas. La Red Nacional de Mujeres Indígenas u Originarias y Afroperuanas Emprendedoras (Red MIA) participa con 31 mujeres de los pueblos Afroperuano, Asháninka, Awajún, Bora, Kukama Kukamiria, Quechua, Shipibo-Konibo y Yine, llegadas desde distintas regiones del país. Más información en gob.pe/cultura.

Lugar: Ministerio de Cultura (Av. Javier Prado Este 2465, San Borja)
Hasta cuándo: 29 de julio
Horarios: de lunes a domingo, 10:00 a. m. a 8:00 p. m.
Entrada: Gratuita

Los balcones de Lima se visten de patria

El Gran Hotel Bolívar abre sus balcones para una celebración con luces, música y recreación histórica en el marco de las Fiestas Patrias.

Lugar: Gran Hotel Bolívar (Jr. de la Unión 958, Lima)
Horario: Domingo 26 de julio, desde las 6:30 p. m.

La Ruta de la Independencia

Un recorrido histórico a pie por el Centro de Lima que pasa por las plazas donde José de San Martín proclamó la independencia del Perú. La actividad invita a redescubrir el patrimonio histórico de la ciudad y los rincones que guardan la memoria del proceso emancipador. Inscripciones en forms.cloud.microsoft/r/u3H4BbUahR.

Lugar: Punto de encuentro: Monumento a Francisco Pizarro, espaldas de la Municipalidad de Lima
Horarios: Sábado 25 de julio, 10:00 a. m. a 12:00 m.
Entrada: Gratuita, previa inscripción

Muestra de fotografía

Imagen Expandida: Umbrales de una nueva generación visual podrá visitarse del 17 de julio al 16 de agosto en la Galería de Arte del Parque de la Amistad, en Surco. La exposición reúne los trabajos de la primera promoción de la carrera de Fotografía y Dirección de la Imagen de la Escuela Superior Toulouse Lautrec, presentando proyectos que exploran temas como la migración, la memoria, el cuerpo y la identidad.

El público podrá recorrer la muestra de lunes a viernes, en el horario de 10:30 a. m. a 8:00 p. m., y los sábados y domingos, de 12:00 m. a 7:00 p. m. Nueve jóvenes fotógrafos, entre ellos David Diaz, Alejandra Ochoa, Angie Salvador y Macarena Zapata, exponen investigaciones visuales que parten de experiencias personales y dialogan con el archivo, la instalación y otros lenguajes contemporáneos.

La exposición busca abrir una conversación sobre los nuevos caminos de la fotografía en el Perú y se presenta como un umbral entre la formación académica y el ejercicio profesional. El acceso es libre y constituye una oportunidad para descubrir las voces emergentes de la creación visual peruana.

PARA LOS MÁS PEQUEÑOS

Pequeño Pez en concierto

La banda argentina Pequeño Pez, traída a Lima por Amadeus Productions, presenta un espectáculo musical pensado para bebés, niños pequeños y sus familias. El show combina canciones originales con dinámicas de movimiento, juego e interacción que promueven valores como el respeto, la diversidad y la expresión emocional.

Lugar: Maracaná Centro de Convenciones (Jr. Huáscar 1652, Jesús María)
Horarios: Martes 28 de julio, 2:00 p. m. y 5:30 p. m.
Entrada: Desde S/ 165 en Ticketmaster

El cumpleaños de la Caperucita

Lugar: Teatro Auditorio del Centro Cultural de Jesús María (Av. Horacio Urteaga 535, Jesús María)
Hasta cuándo: 29 de agosto
Horarios: Sábados, 5:00 p. m.
Entrada: S/ 10 niños y S/ 20 adultos en Joinnus

MONÓLOGOS Y/O COMEDIA EN VIVO

Carlos Álvarez en ‘Yo fui candidato’

El humorista Carlos Álvarez regresa a los escenarios tras su paso como candidato a las elecciones generales de 2026, con un espectáculo que combina sus anécdotas de campaña con los personajes que marcaron el proceso electoral. La velada promete humor, carcajadas y reflexión sobre la política peruana reciente.

Lugar: Centro de Convenciones Bianca (Av. Almirante Miguel Grau 135, Barranco)
Hasta cuándo: 29 de agosto de 2026
Funciones: 24, 25, 27, 28 y 29 de julio
Horarios: 7:30 p.m.
Entradas: Desde S/112 en Teleticket

‘Cómo salir de la depresión escuchando a Charly’

El actor, director y músico Gabriel Iglesias retoma temporada con su unipersonal ‘Cómo salir de la depresión escuchando a Charly’, bajo la dirección de Carla Valdivia, en el Teatro Barranco. La obra recorre canciones del músico argentino Charly García como punto de partida para hablar de ansiedad, tristeza, amor y esperanza a través de episodios de la propia vida del intérprete.

El espectáculo cierra con un mini concierto donde el público propone los temas a la carta. “Todos tenemos una canción de Charly que nos sostuvo cuando sentíamos que nos caíamos. Esta obra habla de eso”, señaló Iglesias.

Lugar: Teatro Barranco (Av. Grau 701, Barranco)
Hasta cuándo: 31 de julio de 2026
Funciones: 23, 24, 25, 30 y 31 de julio
Horarios: 8:00 p.m.
Entradas: Preventa S/ 30 | General S/ 40 | Estudiantes S/ 35 — Disponibles en Passline

LITERATURA

FIL Lima 2026

La Feria Internacional del Libro de Lima celebra su 30° aniversario con más de 600 actividades culturales, 65 invitados internacionales y más de 550 horas de contenido. Ecuador es el país invitado de honor, con una delegación de más de 30 representantes culturales y literarios. Entre los autores peruanos confirmados figuran Jaime Bayly, Alonso Cueto, Renato Cisneros, Karina Pacheco, Santiago Roncagliolo y Fernando Iwasaki. La programación internacional incluye a Kim Sunmi (Corea del Sur), Yusuke Imamura (Japón), Eduardo Sacheri y Agustina Bazterrica (Argentina), Alberto Fuguet y Nona Fernández (Chile).

La feria rinde homenaje a Alfredo Bryce Echenique y conmemora el centenario de la poeta Blanca Varela. Hay también conciertos de Milena Warthon, Mauricio Mesones y La Nueva Invasión, además de un espacio Fan FIL para cultura pop y narrativa gráfica. Buses de acercamiento gratuitos desde el Parque de la Amistad y el Jockey Plaza.

Lugar: Centro de Exposiciones Jockey, Santiago de Surco
Hasta cuándo: 6 de agosto
Horarios: De 11 a.m. a 10 p.m.
Entrada: S/ 7.50 (lunes a jueves) | S/ 10.00 (fines de semana y feriados) | S/ 5.00 estudiantes y docentes. Gratuita para menores de 5 años y mayores de 65 años. Vecinos de Surco: ingreso gratis de lunes a jueves acreditando residencia. En Teleticket.

SHOWS MUSICALES

Legado — Kimbafá

El grupo Kimbafá presenta Legado, un espectáculo de percusión, danza y teatro físico que narra la transmisión de una herencia cultural entre padre e hijo. Con más de 20 artistas en escena, la propuesta combina instrumentos reciclados y percusión afroperuana en un relato sobre identidad, memoria y tradición viva.

Lugar: Teatro Municipal de Surco (Calle Sacramento 236, Santiago de Surco).
Hasta cuándo: 29 de julio
Funciones: 24, 25, 26, 27, 28 y 29 de julio
Horarios: 8 p.m.
Entrada: Desde S/ 24 — Entradas en Ticketmaster

Una obra experimental que combina teatro y audiovisual, conectando en simultáneo dos públicos distantes

Carolina Defossé — Mon, 27 Jul 2026 16:16:59 +0000

Como en una obra que representás durante años y en la que, de pronto, decidís probar otro papel, apareció la idea de una versión alternativa de mí misma. Entre la profesionalización del artista, la precarización del trabajo cultural y las exigencias de un mundo laboral competitivo que parece demandar identidades cada vez más específicas, empecé a imaginar “otra yo”. Una capaz de adaptarse mejor. Más eficiente. Más adecuada. Más funcional y más sencilla. Un avatar. Una doble de riesgo. Alguien que pudiera lidiar con las reglas y tener los beneficios de insertarse en el mundo laboral, mientras yo seguía insistiendo con las preguntas que me llevaron a estudiar arte y hacer teatro. ¿Cuántas versiones posibles de una misma habilita la tecnología? y a la vez ¿cuántos espacios se pueden habitar en simultáneo? Así comenzó la obra Una otra yo.

La idea nunca fue cambiar, tampoco convertirme en otra persona. La fantasía era más simple: tener un reemplazo.

De ahí surge la idea inicial de la obra: imagino una actriz sola en un teatro preguntándose qué hizo con su vida. Una especie de gaviota contemporánea atrapada entre el deseo de crear y las exigencias de un mundo voraz. Frente a esa pregunta aparece una solución: una identidad paralela. Una versión de sí misma capaz de hacer aquello para lo que ella no fue entrenada, aquello a lo que no sabe cómo acceder: un trabajo con obra social y vacaciones pagas.

Escribo entonces la dramaturgia de Una otra yo. “Una” va a estar en un espacio físico y la “otra”, en otro. “Una” va a ser de carne y hueso, y la “otra” una realidad virtual. Lo escribo, sin dimensionar la complejidad que tendría hacerlo. Le comparto el texto a una amiga que a su vez, me contacta con una artista a quien le puede interesar esta propuesta: Julieta Kilgelmann. Ella vive entre Santa Fe y Londres, y se interesa por el teatro y la tecnología. A partir de ese encuentro, empezamos a trabajar todas las semanas: pensamos, escribimos, y hacemos un casting en Santa Fé del que surge la actriz Ana Municoy; una actriz que despliega sus gajes del oficio y se entrega a este delirio.

Comienzan los ensayos de Una otra yo entre CABA y Santa Fe, y aparecen dificultades repetidas: dirigir a distancia, sostener la conexión de internet, diseñar un avatar low tech (casi sin recursos) y que el riesgo sostenga el desafío. Trabajar “la escena expandida” y la extendida. Los espacios exceden sus límites y se extienden a través de la conectividad e internet. Trabajamos con esa idea y también nos apropiamos de la precariedad, hacemos “un teatro pobre” en términos de Grotowski: pobre y tecnológico, con toda la belleza y el riesgo que implica.

Si hoy el trabajo, los vínculos y gran parte de la vida cotidiana están mediados por pantallas, plataformas y sistemas de comunicación remota, la escena teatral no queda exenta. El concepto de presencia estalla al ver la misma performance artística simultáneamente en distintos lugares / ciudades. Así es en Una otra yo. El teatro extiende sus límites y aquello que lo contiene puede ser también una arquitectura teatral blanda, es decir, formas de construcción teatral que desbordan un único espacio físico y permiten que la escena se despliegue entre territorios, pantallas y cuerpos distantes. Es por ello que Una otra yo es una obra transterritorial que se pregunta ¿cuántas versiones de una misma puede habitar una persona para sobrevivir en el presente?

Asi, en Una otra yo una actriz relata la construcción de un avatar de sí misma. Habla desde un teatro mientras su doble cobra vida en otro lugar: un espacio, a kilómetros de distancia. Una presencia física y una presencia holográfica dialogan en tiempo real. Original y copia. Cuerpo y proyección. Deseo y adaptación.

La tecnología no aparece como efecto especial ni como promesa futurista, la tecnología aparece como territorio de disputa. Como una herramienta capaz de amplificar nuestras posibilidades, pero también de volver más difusos los límites de quiénes somos.

Una otra yo nació como producto de una investigación académica que vengo desarrollando desde hace casi quince años en torno al teatro por internet. Hoy, se transforma en un hecho artístico al poder estrenarse en agosto en CABA y Santa Fe, en simultáneo. Una experiencia llena de riesgos, y desafíos que estamos dispuestas a atravesar, aqui y allá.

*Una otra yo. DOS ÚNICAS FUNCIONES: Domingos 2 y 9 de agosto a las 17hs en simultáneo: En CABA: Área 623 (Pasco 623). Entradas por Alternativa. En Santa Fé: C.C.Provincial “Francisco Paco Urondo” (Junín 2457). Entradas por Etickets

**La autora es la directora de la obra

Pablo Flores Torres, el admirador de Ángel Mahler que cumple el sueño de reinventar Drácula: “Es una gran responsabilidad”

Martina Cortés — Sun, 26 Jul 2026 07:40:57 +0000

El estreno de Drácula II Resurrección no solo significa el regreso de Pepe Cibrián Campoy al universo gótico que marcó a generaciones, sino también la apertura de una nueva era para el teatro musical argentino. Tres décadas después de aquel debut que conquistó corazones y rompió récords, la secuela reaviva la leyenda con una trama situada después de los sucesos de Whitby, pero también con una herencia emocional profunda: la ausencia de Ángel Mahler, el compositor que supo darle sonido a los sueños de miles. En medio de esta transición y responsabilidad histórica, Pablo Flores Torres, el músico elegido para escribir la nueva partitura, habló en exclusiva con Teleshow sobre lo que significa tomar la posta.

Desde 1991, Drácula, el Musical no solo desató un fenómeno de público con más de 4 millones de espectadores y temporadas multitudinarias en el Luna Park, sino que instaló en el imaginario colectivo una dupla artística irrepetible: Cibrián-Mahler. El fallecimiento de Ángel dejó un vacío difícil de llenar, pero también el desafío de honrar una obra amada. La nueva producción, que desde el 12 de junio despliega 28 artistas en escena, 240 trajes de época y arreglos de Yair Hilal, se enfrenta a ese reto: mantener viva la esencia y, al mismo tiempo, reinventar la banda sonora de una saga que marcó un antes y un después.

Para Flores Torres, nacido en San Juan y con apenas 35 años, el desafío es tan personal como colectivo. Su carrera, reconocida con premios Hugo, GEA, Siripo Cultura de Córdoba, Interés Cultural de la Cámara de Diputados de Santa Fe y el Reconocimiento de Argentores Sede San Juan, lo llevó a lugares de prestigio, pero nada se compara con la emoción y la responsabilidad de sentarse al piano donde alguna vez estuvo Mahler. Hoy, Flores Torres combina la pasión y el respeto, trabajando codo a codo con Cibrián Campoy para darle una nueva identidad musical a Drácula II Resurrección, en una apuesta que busca conmover tanto a los fanáticos históricos como a quienes apenas empiezan a descubrir el mito.

—Pablo, a lo largo de tu carrera la música siempre ha sido central. ¿Qué representa hoy en tu vida?

—Más que nada, la música es mi principal motor. Es lo que me entusiasma para seguir adelante y le da sentido a mi vida. La disfruto sobre todo en el teatro musical, que es el ámbito en el que trabajo y donde más me conecta desde lo emocional. No es solo la música en general, sino la experiencia de estar en el escenario contando historias. Es parte fundamental de mis emociones.

—¿Cómo surgió la propuesta para convertirte en el compositor de Drácula ll: La resurrección? ¿Te sorprendió la convocatoria?

—La propuesta llegó a principios de 2025, cuando la producción de Drácula anunció el proyecto y me contactaron. Yo estaba en otra cosa, pero me escribieron directamente para preguntarme si quería ser el compositor de la secuela. Por supuesto, acepté enseguida. Es una responsabilidad enorme, porque se trata de la continuación del musical más exitoso de Argentina, así que imaginate lo que significa.

—¿Ya habías trabajado con Pepe Cibrián Campoy antes o fue la primera vez que colaboraron juntos en un proyecto de esta magnitud?

—Habíamos trabajado antes, hace algunos años, en otros musicales que él produjo. Por ejemplo, hice la música para un musical de Sherlock Holmes que protagonizaba Adabel Guerrero. Fue desde otro lugar, más cercano a la parodia, pero ahí nos conocimos. Después de ese proyecto, cada uno siguió su camino hasta que nos reencontramos en Drácula.

—¿Cómo fue el proceso creativo para componer la música de la obra? ¿Trabajaste solo o fue una tarea colectiva?

—Fue un trabajo colaborativo. Antes de audiciones y del proceso completo, lo principal era el libreto, que indicaba los momentos que debían ser musicalizados: emociones fuertes, clímax, números festivos. Sobre esos momentos yo proponía música, recibía devoluciones, hacíamos ajustes y sumábamos o quitábamos partes según las necesidades de la obra. Cada autor tiene su método, y en este caso me adapté a la forma de trabajo de Cibrián Campoy y su equipo.

—¿Cuánto tiempo llevó todo el trabajo de composición y producción musical?

—Nos llevó casi un año entero. Fue un sacrificio enorme, pero estoy muy contento con el resultado. Siento que la música suena bien y que los intérpretes la elevan aún más. Siempre trabajé para que pudieran lucirse y contar la historia a través de las canciones.

—¿Qué sentiste al ver tu trabajo en escena, con los shows en marcha y el público presente?

—Es una sensación hermosa y muy emocionante. Ver el trabajo hecho realidad, ver al público disfrutar lo que soñaste, tiene un condimento especial. Es otra cosa, otro amor, y es imposible no emocionarse.

—Drácula tiene una historia inseparable de la dupla Cibrián-Mahler. ¿Qué significa para vos la figura de Ángel Mahler y qué influencia tuvo en tu formación?

—Ángel Mahler es uno de mis máximos referentes y fue fundamental para que me enamorara del teatro musical. Su música trascendió generaciones; el vals de Drácula, por ejemplo, se baila en casamientos y cumpleaños de 15. Para mí es un honor y una responsabilidad enorme continuar, de alguna manera, ese legado.

—¿Buscaste emular el estilo de Mahler o preferiste encontrar tu propio camino como compositor?

—Conozco muy bien su obra y me inspiró mucho, pero para este proyecto decidí no emular su estilo. Si me convocaron fue porque buscaban que la música llevara mi sello. Si hubieran querido que sonara igual a lo anterior, lo habrían llamado a él cuando comenzó a gestarse esta idea, que ocurrió previo a su triste partida. Mi objetivo fue aportar algo propio y honesto.

—¿Sentiste presión por asumir el rol de “sucesor” de Mahler en un proyecto tan icónico?

—Cien por ciento. Incluso hoy siento esa presión más que nunca. Los que hacemos teatro musical podemos hacerlo porque ellos recorrieron el camino antes. No me siento a su altura, ojalá algún día lo logre, pero si consigo emocionar al público es porque antes hubo un Ángel Mahler que marcó el camino.

—¿Tuviste contacto con la familia de Mahler a raíz de este trabajo?

—Sí, trabajé con Damián, uno de sus hijos, en un musical donde yo actuaba y él era el compositor. Hay respeto y admiración mutua. La familia de Ángel sabe lo importante que es su legado para mí y siempre lo honro en mi trabajo.

—¿Qué significa para vos ser visto como un continuador de ese legado?

—Siento una presión enorme, pero trato de no dejar que me paralice. Asumo la responsabilidad, sé que mi trabajo tiene un rumbo propio y que, con errores y aciertos, ayuda a mantener vivo el teatro musical argentino. Nuestro país produce mucho teatro musical original y es un orgullo ser parte de eso.

—Argentina está viviendo un auge del teatro musical, incluso se la compara con Broadway. ¿Cómo vivís este momento y qué te genera?

—Es una locura la cantidad de musicales en cartel y la variedad de propuestas, tanto de producciones extranjeras como originales. Nunca hubo tantas superproducciones juntas. Eso habla de un crecimiento y una demanda que nos beneficia a todos. Es un momento muy feliz y de reconocimiento para el teatro musical nacional.

—Además de Drácula, estás al frente de otros proyectos como Alberdi, que también es un fenómeno. ¿Cómo hacés para manejar tanto trabajo y qué significa para vos ese proyecto?

—Alberdi superó todas mis expectativas. Es un proyecto que trascendió el ambiente del teatro musical y llegó a públicos de todo el país. Cuando llevamos la obra a otras ciudades y vemos teatros llenos, la emoción es enorme. Es un reconocimiento que no imaginaba.

—¿Qué esperás que el público se lleve de tus trabajos actuales, tanto en Drácula como en Alberdi?

—Quiero que disfruten el espectáculo, pero sobre todo que perciban el compromiso detrás de cada obra. No pienso dejar de crear. El teatro musical argentino merece seguir creciendo y vamos a luchar para mantenerlo vivo, más allá de los desafíos y los cambios tecnológicos.

—En un mundo donde la inteligencia artificial empieza a influir en el arte, ¿cómo ves el futuro del teatro musical?

—La inteligencia artificial puede ser una herramienta, pero el teatro sigue siendo un espacio donde lo real y lo humano prevalecen. Me motiva defender ese lugar, donde el encuentro en vivo sigue teniendo una fuerza única.

—¿Qué le dirías a los fanáticos de Drácula que se acercan a ver esta nueva versión con tu música?

—Les diría que vengan abiertos a dejarse sorprender. Si buscan ver exactamente la misma obra, tienen Drácula. Esta es una nueva historia, con respeto al legado pero con una mirada propia. Yo también soy fanático de Drácula, y mi trabajo nace desde ese mismo amor por la obra original.

Hugo Paredero: “Cuando yo era chico Jorge Luz me mataba con sus imitaciones, lo adoraba, nunca te olvidás del que te hizo reír”

Hinde Pomeraniec — Sun, 26 Jul 2026 03:50:00 +0000

Nació en Carlos Tejedor en el año 1948. Probó con ser actor pero en el año 1979 Hugo Paredero empezó a autopercibirse periodista y durante veinte años ese fue su trabajo en la revista Humor. En radio participó de programas como En el árbol y el bosque, Por amor al arte, Párrafos interruptus, La siesta con Paredero, Una nueva aventura y, actualmente conduce Dos dinosaurios vivos, con Carlos Ulanovsky. Ha escrito varios libros, entre ellos Zappingmanía, Solos y mal acompañados, las biografías de Héctor Alterio, Mercedes Morán y Jorge Ginzburg y, en colaboración con Carlos Ulanovsky, Vivir entre butacas y Siete personajes en busca de un Toc Toc. Su libro Cómo es un recuerdo, la dictadura contada por los chicos que la vivieron (2007) fue declarado de interés cultural por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires.

Su nuevo libro se llama Nunca me la creí y es una biografía del gran actor argentino Jorge Luz (1922-2012) que fue publicada por editorial Marea. El libro tiene una particularidad: se trata de una biografía conversada en la que se reconstruye la vida del gran actor argentino a partir de entretenidas conversaciones y de los testimonios de colegas de Luz, lo que se traduce en un repaso exhaustivo por su trabajo en radio, cine, teatro y televisión, con anécdotas increíbles del mundo del espectáculo.

Semanas atrás conversamos con Paredero a propósito de su libro, que se demoró en llegar a las librerías porque la muerte del actor paralizó, de alguna manera, a su compañero de ruta autobiográfica y dejó en el aire el proyecto en común. Catorce años después, gracias a la insistencia de una editora y a las razones del destino que jamás estaremos en condiciones de desentrañar, Nunca me la creí –el título que Luz quería para el libro sobre su vida– dejó de ser un plan para convertirse en una realidad.

— En tu libro escribís en una suerte de prólogo ya en la primera página: “Desde chico fui admirador fanático de Jorge Luz (...) Esperaba a Los Cinco Grandes del Buen Humor pegado a la radio, con la misma excitación con que aguardaba a los Reyes Magos”. Y luego recordás cómo en materia de gustos pesa mucho más aquello que nos marca de chicos o de jóvenes porque es algo que queda para siempre. ¿Cómo fue esa fascinación?

— Sí, aquello queda para siempre… Bueno, cuando era chico vivía en pueblos y digo “en pueblos” porque mi papá era ferroviario e íbamos de pueblo en pueblo, pero nací en Carlos Tejedor. Y las películas de los Cinco Grandes (N. de la R.: el elenco del grupo humorístico que actuó en radio y en cine lo integraban Jorge Luz, Rafael “Pato” Carret, Guillermo Rico; Juan Carlos Cambón y Zelmar Gueñol) eran las más esperadas. Y, dentro de ellos, Jorge Luz era mi preferido; ya lo conocíamos, lo escuchábamos por radio. En ese tiempo veíamos la radio, la radio estaba instalada.

— Ahora la radio se ve de verdad, en esa época uno se la imaginaba.

— Uno lo imaginaba. Y él me mataba con sus imitaciones. Me hacía reír. Lo adoraba. Y, como él me contó una vez y creo que está en el libro, cuando fueron con Guillermo Rico –ya eran los únicos dos supervivientes de los cinco grandes–, a un homenaje que les hicieron en Rosario, y, de pronto, cuando subieron al escenario toda la gente de golpe como por resorte se levantó a aplaudirlos y ellos se pusieron a llorar. Y Guillermo le dice al oído: “Toda esta gente que nos está aplaudiendo son los chicos que hicimos reír hace 60 años”.

— Reír es la felicidad.

— Es así. O sea, nunca te olvidás del que te hizo reír. Nunca.

— Pero vos, que fuiste y sos muy observador y muy crítico, veías en él mucho más que una persona que hacía reír.

— Sí, veía un arte que no conocía hasta ese momento porque él era un artista. Era un artista, era un tipo con una capacidad expresiva enorme. Nunca estudió artes escénicas, nunca estudió teatro, pero estudió, como decíamos cuando hacíamos las entrevistas, observando de chiquito a la gente de su pueblo natal, Empalme San Vicente por entonces, hoy Alejandro Korn, y observaba, imitaba a todos. Había mucha comunidad española, entonces imitaba al andaluz como andaluz, al gallego como gallego, al catalán como catalán, al asturiano, como era su madre, como asturiano. Y, además, en los movimientos. Iban a los bailes del pueblo, al padre no le gustaba bailar entonces la madre bailaba con otros señores. Y él imitaba a todos. Se metía en la pista, a los 4 o 5 años. Entonces, se morían todos con el chiquito éste porque no podían creer lo que los hacía reír y la capacidad de imitación que tenía. Entonces, la observación es una escuela aparte.

— Él observaba a su alrededor pero también observaba dentro de su casa, porque ahí estaba su hermana Aida, cinco años mayor que él.

— Cinco años mayor, y Aida lo plantaba como público ahí. Había un baúl al que ella se subía y cantaba todas las canciones que se conocían por la radio. Vos fijate que Aida nació en 1917 y la radio todavía no había nacido acá. Nació en 1920.

— Y ella empezó a actuar en cine muy temprano. Fue una pionera total.

— Sí, sí, pionera, en el cine, en el canto, en la radio. Aída cantaba precioso. Todos los Luz, los Da Luz como es el verdadero apellido, cantaban y tenían un oído extraordinario. Bueno, y en las charlas que grabamos le pedí a Jorge que cantara, por si alguna vez se hace un audiolibro. Entonces empezó a cantar y a decir poemas increíbles con una voz, que vos decís: ¿de dónde la saca? En ese momento tenía 88, 89 años. Murió a los 90.

— Bueno, sobre eso quería preguntarte, porque lo que aparece de entrada tiene que ver con la relación que entablaste con él. De hecho, se trata de una biografía conversada. Y, además, vos contás que fue dando como instrucciones y legados y principios para llevar adelante tu propuesta de un libro.

— Sí, los “incisos” (risas).

— Eso, los incisos. Contame un poco la cocina del libro y empecemos por cuánto tiempo estuvieron trabajando en eso.

— Dos años, ponele, quizás un poquito más. Hasta pocos meses antes de que muriera. Mi dolor, mi tristeza, fue que no llegara a ver el libro. Porque después de que él muere, “se va de gira” como le gustaba decir a él, el 14 de julio de 2012, yo me detuve. Me golpeó mucho su muerte. Tenía todo el material desgrabado. Teníamos muchísimo, es más, es mucho lo que quedó afuera, pero había que parar en algún momento. Después hubo un parate de demasiado tiempo en el cual yo, por otros motivos y también porque no sabía cómo encararlo, me costaba meterme en eso. Mis amigos me decían: “Pero lo tenés ahí escrito, servido, le tenés que dar forma”.

— Tu problema no era sentarte a escribir sino que tenías un problema con el material, claramente.

— Por eso digo que soy un poco exagerado para los partos. Son demorados, porque el libro aparece 14 años después. Y gracias a Constanza Brunet (N. de la R.: Constanza es la editora de Marea).

— Que sabía y que insistió.

— No solo que insistió. Fue así, yo fui por otro proyecto, tratando de venderle una idea que le gustó, pero. Entonces muy amablemente me dijo: “¿Y no tenés otra cosa? Porque queremos hacer algo con vos”. Y ahí me acordé, se me prendió la luz y dije tengo un libro de Jorge Luz. Cuando dije Jorge Luz fue como si… (Paredero hace un gesto de deslumbramiento, con las manos y los ojos)

— Y, sí, claro.

— Porque resulta que ella, en su vida de periodista previa a la de editora, la primera entrevista que tuvo que hacer fue un día en la casa de los hermanos Luz.

— Qué increíble.

— Entonces le quedó, mira cómo fueron las cosas. Y salí de ahí sin el proyecto que yo había llevado y resucitado otro. Y yo sentía una resonancia de: ahora sí. Y así fue. Y le encontré la forma, la comodidad para mí, el amor. Y le entré a dar y cumplí los plazos.

— Hay zonas del libro que son muy interesantes porque son zonas de la cultura argentina, ¿no? Pienso especialmente en el capítulo que tiene que ver con Cecilio Madanes y con el teatro popular en Caminito, en La Boca, con aquella experiencia mítica de la participación de los vecinos.

— Sí, le quise dedicar un capítulo. Porque, además, él amó Caminito.

— Estuvo ahí muchos años.

— Sí, más de 12 o 13 años. Y, además, la relación que establecieron con los vecinos era conmovedora. Porque fijate que los vecinos paraban de comer. No tocaban un cuchillo porque era parte de la obra. Algunas escenas eran desde la ventana de ellos, quietitos, y otras lo usaban de camarín, otros conventillos. Se cambiaban ahí. Así que establecieron una relación de amor y de confianza, de respeto de unos a otros, enorme. Y es muy conmovedor eso de que tuviera 700 butacas y cada vecino hubiera pagado una.

— Porque cada uno había llevado una silla, qué emocionante.

— Butacas digo yo, las sillas. Cada uno llevó una silla. Lo que lo fastidiaba era que cada año había que renovar todos los trámites de la burocracia municipal. Eso los fastidiaba un poco. Pero de diciembre a abril, ya con fresco, ahí estaban al aire libre haciendo Molière, Goldoni, Shakespeare, Lorca.

— Esos nombres son muy impresionantes, sobre todo si uno lo piensa a lo largo del tiempo. Porque no se necesitaba ser universitario en esa época para ser una persona ilustrada. Pienso incluso en Alberto Olmedo, que era un tipo que no había nacido en una casa con bibliotecas.

— Ni con artistas. No, claro.

— Y, sin embargo, había algo de la cultura popular en la Argentina que se ligaba bastante con lo que hoy llamaríamos alta cultura. Y hoy no existe eso, hoy no se ve.

— Al menos se perdió por un rato.

— Leía en tu libro las cosas que Luz te decía, los autores de los que te hablaba, cómo entraban al teatro; cuando hablaban de Molière sabían de qué estaban hablando. Lo mismo sobre ópera.

— Claro, si hizo dos óperas. Lo único que no hizo fue circo. Le dije: hiciste de todo. “No, circo no hice”, me respondió. Pero hizo zarzuela, café concert, drama, comedia, ópera, revista, cine, por supuesto teatro.

— A Luz se lo recuerda fundamentalmente como comediante pero hizo drama y con personajes muy fuertes, como el gran artista que era. Ahora, vos le mencionás en un momento, en una de las conversaciones, el tema de que nunca tuvo un protagónico en el cine.

— Sí, se lo hice saber, pero es como parte de su humildad, por eso el título (Nunca me la creí) es de verdad porque me pidió llamarlo así porque es como una frase de cabecera de él, ¿no? Porque nunca se la creyó. Y entonces yo le pregunté eso y a él lo primero que se le ocurrió decir es: “ pero hay tantos que no han hecho protagónicos, la mayoría de mis colegas no ha hecho protagónicos”.

— Hay una palabra que no aparece en el libro pero sobre la que me gustaría preguntarte. ¿Pensás que él se sentía algo así como un trabajador de la cultura?

— Sí. Era un laburante. Había que levantarse a las 5 de la mañana, hacía frío, hacía calor, lo que hiciera, y siempre iba feliz a laburar. Eso así me lo dijo y así lo veía yo. Porque fuimos amigos 30 años. Entonces tenía el registro de su cotidiano.

— En tu libro hay muchos testimonios de actores, actrices, directores que compartieron trabajo con él. Y creo que es una de las actrices la que cuenta cómo él ahorraba cuando las cosas estaban bien para los años en los que podía llegar la malaria. O sea, era como muy consciente del tipo de trabajo que tenía y de las crisis en el país.

— Sí, todo el tiempo. Todo el tiempo era muy consciente. Y era muy generoso. O sea, vos pensás que la persona que ahorra puede ser un poquito agarrado, medio amarrete. No, al contrario.

— Además en un momento te dice que el pecado capital que él más desprecia es la avaricia.

— La despreciaba totalmente. ¡Y cómo se ponía de loco cuando no le querían cobrar en los restaurantes, por ejemplo! Pero no te pongas como loco, le decía yo. “No quiero, no quiero”. Y entonces dejaba de ir a esos lugares donde no le cobraban porque era: “Jorge, cómo te vas a cobrar. No queremos cobrarte, queremos invitarte” Y un día fuimos, éramos cinco o seis, a una parrilla que se llamaba “A los amigos”, que él la amaba, por Villa Crespo creo que era. “Pero vamos a paga todo”, le dijo de entrada gritando. “No va a pagar nadie acá. Nadie. Te vamos a invitar a vos y a tus amigos. Si no, se van”, le dice el dueño. Y bueno, nos quedamos.

El afecto en la calle

— Vos fuiste su amigo durante muchos años, imagino que veías mucho amor hacia él en la calle, en la gente.

— Uhhhh.

— ¿Y también había agresiones?

— No, no, no. Había amor; amor hacia un familiar muy querido que te encontrás de golpe. Me acuerdo de que fuimos juntos al velorio de Néstor Kirchner. Lo que fue eso cuando lo vieron. ¿Te acordás de lo que fue el velorio?

— Sí, claro.

— Fue multitudinario. Y pasó una cosa muy graciosa, porque teníamos un contacto para hacer una fila corta.

— Él ya era una persona muy muy grande. Fue dos años antes de su muerte.

— Claro. En 2010, imaginate, tenía 88 años. Y entonces viene a buscarnos uno de los guardias de la Casa Rosada y le dice: “Venga por favor” y avisa: “Va a pasar el señor Jorge Porcel” y yo me empecé a reír entrando en el velorio. Después lloramos, pero ahí me reí. “Hijo de puta, guacho”, me dice, “no te rías, te rías”. Odió que lo confundieran.

— Él tuvo un dúo muy popular con Jorge Porcel, y en tu libro aparecen las diferencias entre ellos, a partir de cosas que te contaba él pero también de algunos testimonios. Porcel fue una figura polémica, de esas figuras masculinas del espectáculo con alguna cuota de poder y popularidad que no habrían sobrevivido la etapa del post Ni una Menos en la Argentina. El tema del acoso y de los abusos era algo de lo que se hablaba siempre.

— Sí, es verdad.

— Y uno, claro, no asocia a Jorge Luz con esas conductas y sin embargo estuvieron muchísimos años trabajando juntos y se entendían.

— Sí, se entendían, y viajaron a Puerto Rico a hacer la Tota y la Porota. Jorge Luz lo bautizó Tota al personaje de Porcel. Y vos fijate que nunca usaron una página del libreto.

— Todo improvisado.

— Nunca usaron una página. Nada, nada.

— La frase que usaban era: “Vos, seguime”. Qué linda es esa idea, ¿no?

— Claro. Yo arranco y vos seguime. Está buena. Porque es una prueba de unión entre dos que están trenzados para lo mismo, ¿no?

— Ellos no tenían una relación de amistad.

— No.

— Se encendía la cámara y ahí se convertían en eso que se veía.

— En las vecinas que eran, claro. La Tota era como lujuriosa, vivía alzada. Y Jorge era como una conservadora, la Porota, ¿no?

— Basada en un personaje real, también, por lo que contás en el libro.

— Sí. De cuando salió un día de grabar y venía por la calle Pavón hasta Entre Ríos y una señora salió corriendo y tirándole la chancleta al hijo: “¡Vení para acá!” Y de pronto lo vio a Jorge. “¡Jorge Luz!”, gritó. Entonces él la abrazaba. Y ella le dijo: “¡Ay, qué loco, me hace reír. Yo me pregunto de dónde saca esos personajes”. Y Jorge le dice: observando señora. Observando. (Risas)

— ¿Tuvo esa memoria prodigiosa hasta el final?

— Siempre. Por ejemplo, con Aida se ponían a cantar. ¿Y cómo te acordás de esa canción?, le decía Aida. “Si vos la cantabas”, respondía él. “Sí, pero yo me la había olvidado”. Él tenía una memoria increíble.

— Eso ayudó mucho porque para la improvisación es tener como una biblioteca flotante.

— Y él avisaba, también. Lo cuenta en el libro Mónica Villa, que murió de miedo porque Mónica es una actriz de método. Lo cuenta muy lindo porque, además, le agradece infinitamente…

— Porque la liberó.

— La liberó. Claro. Y le dio esos permisos. Porque él improvisaba pero con una brújula, siempre. No se iba de mambo porque sí. No, no. Después volvía. Donde se tuvo que portar muy bien y se volvió loco es con Molière. Cuando hizo Las picardías de Scapin, que tenía que hablar en ese idioma de Molière que no era su costumbre y tuvo que estudiar mucho y le costó. Y Madanes lo esperó. Le dijo: “Mirá, cuando dejes de fumar vas a hacer esto”.

— Porque su personaje tenía un despliegue físico muy importante en escena.

— Claro. Era un tipo Arlequino.

— Él llegó a vivir con su hermana ya de grandes, cuando ella se enfermó. Para él, ella era alguien muy importante, ¿cierto?

— Sí, sí.

— De hecho, te pidió que en el libro ella ocupara un lugar relevante. La vida de ella es muy interesante. Yo no sabía que había tenido un marido, por ejemplo.

— Claro, tuvo un marido, sí. Fernando Roca. Aida tenía mucho humor.

— Era una genia total.

— Era una genia. Y también tenía esa capacidad en Matrimonios y algo más… Hacía cualquier personaje y era brillante.

— Los dos tenían una destreza natural para la actuación. En el caso de Aída, ella tenía a algunas actrices de cine como modelos, como escuela.

— Sí. Tenía a Greta Garbo y a Bette Davis. Ella decía: yo estudié con ellas porque miraba sus películas obsesivamente y estudiaba las reacciones que cada una tenía frente a determinada situación y así estudiaba. No es que después las imitara, pero les estudiaba las reacciones, sobre todo.

— El cine era algo nuevo.

— Claro, vos fijate que ella hace su primera película en el 38 y la primera película sonora es del 33, ¿no?

De eso no se habla

— El libro se empezó a armar a partir de algunos acuerdos que hiciste en este caso con tu amigo Jorge Luz, y que incluían no tratar determinados temas.

— Sí.

— Y no te voy a preguntar por esos temas que tienen que ver con su sexualidad.

— Con su vida íntima.

— Pero sí te quiero preguntar qué pensás que le pasaba a él con la cuestión de vestirse de mujer. Con las prendas de mujer. Yo pensaba en la fascinación de Manuel Puig con las divas del cine, algo así.

— Sí, sí. Pero también le gustaba, vamos a usar un verbo por ahí inadecuado, disfrazarse de lo que fuere.

— Es decir que le gustaba la idea de convertirse en otro u otra.

— De convertirse en otra persona, en otro personaje. Porque eso lo ponía ya en situación, así como hizo el alcalde de La zapatera prodigiosa, que lo hizo tres veces.

— Eso, en teatro. En cine también hizo la figura del alcalde en De eso no se habla, la película de María Luisa Bemberg.

— Sí, que tenía un ataque de hemiplejia. El alcalde ése es tremendo. Y ahí, en esa película, amó a Mastroianni porque era su ídolo.

— Ese momento de tu libro es buenísimo. El encuentro de Jorge Luz con Marcello Mastroianni, o cuando salían al boliche a comer salame y tomar vino, como te contaba.

— Sí, en una pulpería. Giorgio, lo llamaba él. Pero vos fijate que Jorge lo amaba a Mastroianni. Lo amábamos, porque yo también lo amaba a Mastroianni.

— Y, bueno, quién no

— Quién no amaba a Mastroianni, por Dios. Y entonces Jorge se sabía letras de memoria de sus películas, sobre todo de una que acá se llamó Dos hermanos, dos destinos, basada en la novela de Vasco Pratolini, Crónica familiar.

— Vos sabés que ese libro fue reeditado como Crónica de mi familia por Juan Forn en Rara Avis, una colección de Tusquets.

— Ah, mirá, no me acordaba de eso. Yo amaba ese libro.

— Es que es una maravilla. Y decís entonces que a él lo conmovía mucho.

— Mucho. Y de Mastroianni sobre todo lo conmovió que un día de mucho calor, estaban todos vestidos de invierno pero hacía mucho calor, la Bemberg, María Luisa Bemberg, la directora de De eso no se habla, estaba en otra habitación y él la escucha que le dice: Marcello, ya estás libre. “Pero falta la escena con Giorgio”, le escucha decir Jorge Luz. Y ella le dice “no, no, andá, andá, le ponemos una mano”. Porque, viste, de referencia, iba la imagen de Jorge y no se veía el otro. “No”, le dice Mastroianni, “cómo le va a poner una mano. Don Giorgio es un actor y un actor no puede hablar con una mano”.

— Claro.

— Y Jorge no se olvidó más de eso.

— Hizo cine, teatro, televisión, había hecho radio. ¿Y cuál de todos era realmente su lugar? ¿El teatro?

— Sí, él amaba el teatro. Y la radio le quedó como el amor, el gran amor de su vida, digamos. Pero al teatro lo amaba, sí. Más que al cine. Le gustó la etapa de los Cinco Grandes, que después, cuando murió Cambón, fueron Los Grandes.

— Fue su época de una fama increíble.

— Claro. Los hermanos Marx del subdesarrollo.

— Y después, hay grandes personajes como lo que hizo con La dama de las camelias.

— ¿Lo viste vos? No habías nacido.

— Soy muy joven (risas).

— Yo lo vi dos veces. No, eso era una experiencia… yo nunca me reí tanto en un teatro porque era una cosa inagotable lo que hacía. Se iba y venía. Ya les había dicho a los compañeros: yo me voy a ir (con el texto), ustedes espérenme y síganme. Pero porque se había enojado mucho con el texto original, entonces él mezclaba todo, hacía unos disparates.

— Nunca era la misma función.

— Nunca. Porque además la gente se desternillaba, se hacía encima de la risa y se levantaba para ir al baño. Vestida con tules, como Margarita, les decía: “Escuchame, ¿llevás papel?” Y la escena de su lecho de enferma era tremenda, la gente se descomponía de la risa porque él lo hacía en serio desde un lugar de capocómico infernal.

— Sí, con cierta cosa vanguardista ahí, ¿no? Estoy pensando en lo que fue después, con Batato Barea o Urdapilleta.

— Claro, éramos compañeros de teatro con Urda. A Jorge le gustaba Urdapilleta. Pero el cómico que más lo hacía reír era Gasalla.

— Y la mujer que más lo hacía reír era Nini Marshall.

— Uh, a Nini la adoraba. Yo lo cargaba porque en la película Los celos de Cándida, en la que él hace de extra, eran Nini y Augusto Codecá los protagonistas, en una playa de estudio y Jorge de bañista antiguo y la seguía porque ella, Catita, iba discutiendo con el marido. Y en Jorge no se veía a un bañista que seguía la situación, se veía a un fan deslumbrado. “Sí, sí, es verdad lo que viste”, me dijo. Son segundos que dura su aparición de extra, por lo cual ni cobró. Pero se veía la fascinación porque él la amaba de escucharla por radio. Y, después, la vida los hizo hermanos.

— Era un vínculo de mucho cariño.

— Sí, se llamaban todos los días. Él tenía varias personas con las que se hablaba siempre.

— Marilú Marini era una de ellas.

— A Marilú Marini todos los días la llamaba a París. Se moría Marilú, se escuchaba la risa. “Mirá que estoy con Paredero, estamos haciendo el libro”. Bueno, pero un ratito, decía Marilú y él le decía cualquier cosa y ella moría de risa. Con Olga Zubarry se hablaban todas las mañanas. “Y cómo amaneciste Jorgito, con qué soñaste anoche”.

— Esa forma de la conversación a diario era una costumbre que se perdió desde que no se usa el teléfono fijo, creo.

— Claro. Eso de la época en la que cuando uno salía, dejaba el teléfono, no se iba con el teléfono por ahí, como ahora.

— Y te hacías el tiempo para hablar por teléfono. Que hoy no lo tenés

— Era como tener una conversación de café, pero por teléfono.

— Exacto. Sobre todo si vivían lejos o si estabas imposibilitado de moverte.

— Claro, pero ellos mientras desayunaban hablaban. Y no había muchas cosas para contarse más que las cotidianas. Y con Elena Lucena también hablaba mucho. Y con Nini.

— Pienso en los nombres que estamos mencionando, en algunas de las fotos de tu libro y hay como un brillo y, claro, una se va poniendo grande y la sensación es como de pérdida del reino, ¿no?

— Sí, sí. Claro, hay algo de eso; uno se va poniendo grande y aumenta el brillo de aquello que lo hizo feliz a uno como espectador. Ese brillo no sólo se mantiene sino que aumenta, se engrandece.

Un periodista influyente

— ¿Sabés qué te quiero preguntar Hugo? Porque yo no sabía, o por lo menos no le había prestado la debida atención, que cuando empezaste a escribir en la revista Humor fue en realidad cuando empezaste a escribir como periodista.

— Sí, yo quería ser actor.

— Claro, pero yo recuerdo que vos escribías sobre espectáculos y tenías un desparpajo absoluto, que terminó siendo muy influyente.

— ¿Vos decís?

— Estoy segura, convencidísima. ¿Vos no pensás eso?

— No.

— ¿Nunca lo sentiste así?

— Me lo han dicho, pero no lo sentía yo. Yo vivía la felicidad de estar en la revista Humor, que amaba.

— ¿Quién te editaba?

— Tomás Sanz, el jefe de redacción. Yo nunca laburé en la redacción de Humor, llevaba mis notas y me traía las cartas que llegaban, que eran muchas. No contesté todas.

— Lo primero que escribí y se publicó fue una carta que te mandé a la revista. Tuve suerte, la mía la respondiste.

— La tuya, sí.

— Antes de terminar la charla te quiero agradecer porque, en lo personal, tus notas en Humor me mostraron que en el periodismo se podía escribir sobre temas de cultura sin solemnidad y sin verbos compuestos, además de que habilitaste la posibilidad de hablarle al lector. Estoy convencida de que, así como me pasó a mí, nos pasó a muchos.

— Gracias, muchas gracias a vos. Qué emoción.

Carlos Bañuelos regresa al teatro con ‘Noche de Enredos’ y una comedia que mira de frente al espectáculo peruano

Cecilia Arias — Sat, 25 Jul 2026 20:27:07 +0000

Carlos Bañuelos, figura central de la televisión y el teatro peruano, regresa con ‘Noche de Enredos’ en el Centro Cultural Ricardo Palma. Su retorno, tras años de bajo perfil, no solo marca un reencuentro con el público, sino también una oportunidad para abordar los desafíos del espectáculo en la actualidad.

El intérprete, conocido por su papel en la telenovela ‘Carmín’, sostiene una postura clara frente al impacto de las redes sociales y la valoración del talento artístico. “En el medio siempre han convivido la vocación artística y la cultura del clic; ahora, las redes sociales simplemente tienden a amplificar esta última, porque aparentemente vende más”, declaró Carlos Bañuelos.

La comedia ‘Noche de Enredos’ se estrena el 7 de agosto y convoca a un público que, más allá de la nostalgia, busca una propuesta que combine humor y reflexión sobre el oficio actoral. La expectativa recae en el trabajo de Bañuelos, quien asume los roles de productor, director y actor en esta temporada.

Un regreso esperado: estreno de ‘Noche de Enredos’ y visión del espectáculo actual

El anuncio del regreso de Carlos Bañuelos a los escenarios ha generado interés en la comunidad artística y entre seguidores de la televisión peruana. La obra ‘Noche de Enredos’, una comedia escrita junto a Alberto Papa-Fragomen (‘Piwit’), propone una serie de situaciones cómicas sustentadas en malentendidos y personajes entrañables. La temporada se extiende del 7 al 31 de agosto en el Centro Cultural Ricardo Palma de Miraflores, con funciones que prometen llenar la sala.

El actor compartió su análisis sobre la transformación del sector artístico en el país. “El sistema exige a los jóvenes que tengan seguidores. Lo preocupante es cuando los números pesan más que el talento”, afirmó Carlos Bañuelos.

El intérprete remarcó la necesidad de reconocer la trayectoria y la formación de los artistas, más allá de la popularidad digital. “El respeto hacia los actores no solo debe expresarse con elogios, sino también con condiciones laborales dignas y una remuneración acorde con su trayectoria”, indicó.

La obra representa para Bañuelos una reafirmación de su apuesta por el teatro como espacio de encuentro genuino entre artista y público. “La mejor respuesta siempre está sobre el escenario”, sostuvo el actor, quien considera que la vigencia se demuestra con trabajo constante y propuestas de calidad.

La carrera de Carlos Bañuelos

Carlos Bañuelos se consolidó como referente de la televisión peruana en los años ochenta, gracias a su protagónico en la telenovela ‘Carmín’. El personaje de ‘El Gato’ lo convirtió en uno de los rostros más populares de la época, aunque el actor recuerda que la audiencia solía confundir la ficción con su vida personal.

Mientras interpretaba a un joven postulante universitario, él ya había cursado estudios en Derecho y Arquitectura, y posteriormente ingresó en primer lugar al Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la UNAM en México. En el teatro, la colaboración con figuras como Oswaldo Cattone y Eva Franco en la obra ‘Solo 80’ le permitió explorar nuevas facetas interpretativas y consolidar su presencia en la escena nacional.

Sin embargo, no todo fueron logros sin tropiezos. Su participación en la telenovela ‘Malicia’ durante los años noventa le dejó una sensación de frustración profesional. “Mi personaje de profesor nunca se desarrolló. Fue una decepción”, reveló Carlos Bañuelos. Pese a ello, aprovechó ese periodo para avanzar en proyectos personales, como la serie ‘El Sapo, diario de la mañana’, escrita junto a Raúl Bastante y disponible actualmente en línea.

A lo largo de su carrera, el actor ha visto desfilar generaciones de artistas, observando cómo cambian las reglas del juego y los valores predominantes en el espectáculo. “En el medio siempre han convivido la vocación artística y la cultura del clic”, reflexionó, subrayando la importancia de no perder de vista la esencia del trabajo actoral.

Más allá del escenario: reflexiones sobre el presente y futuro del arte peruano

El retorno de Carlos Bañuelos coincide con una etapa de revisión crítica sobre el estado actual del espectáculo peruano. El intérprete considera que las redes sociales han reconfigurado la manera en que se construyen las carreras artísticas, pero insiste en que el rigor formativo y la pasión por el oficio siguen siendo irremplazables.

“Lo preocupante es cuando los números pesan más que el talento”, reiteró, invitando a una reflexión sobre el papel de la industria y el público en la valoración de los artistas.

La producción de ‘Noche de Enredos’ busca ofrecer no solo entretenimiento, sino también una invitación a repensar el sentido profundo de la creación escénica. El elenco, seleccionado cuidadosamente, acompaña a Bañuelos en una puesta que apuesta por el humor inteligente y la cercanía con el espectador.

La expectativa de reencuentro con el público y la oportunidad de presentar una comedia contemporánea motivan al actor a seguir apostando por el teatro como espacio de resistencia y renovación.

Flavio Mendoza, el creador y artífice de sus sueños, estrena La Cúpula: “Mi pasión es coleccionar espectáculos”

Andrea Mazzei — Sat, 25 Jul 2026 05:00:00 +0000

Desde cuadras a la redonda, una cúpula blanca se erige imponente entre el cielo gris del sur de la ciudad de Buenos Aires. A simple vista parece una carpa de circo, pero apenas se traspasa el estacionamiento del Casino Buenos Aires la estructura toma otro ritmo. Un domo da forma a La Cúpula, el nuevo sueño hecho realidad de Flavio Mendoza.

Se percibe un clima de fiesta, de trabajo, de guías metálicas que se arman a todo ritmo bajo la atenta mirada del artífice de la mega producción que combinará teatro, circo, música en vivo, tecnología y cine en un mismo espectáculo.

Junto a su hijo Dionisio, Flavio recorre y muestra a Teleshow su proyecto que en agosto abrirá las puertas al público. Príncipe feliz príncipe dorado surge entre andamios y metales, en ese rincón inusual de la ciudad. Allí, entre operarios que ajustan guías y perfiles y voces que se mezclan con el ruido de herramientas, Flavio camina con paso firme, atento a cada detalle, a cada giro de grúa, a cada decisión de último momento. Dionisio, de ocho años, explora el lugar con la energía de quien acompaña a su padre en cada aventura, especialmente ahora, en vacaciones de invierno. En ese escenario, tan real y tan onírico a la vez, el arte y la familia se entrelazan como si nunca hubiesen estado separados.

Flavio se detiene y mira la cúpula a medio terminar. Hay algo en su expresión que combina orgullo y vulnerabilidad, la certeza de quien conoce la dificultad de crear algo único y la emoción de estar cerca de lograrlo. La elección de ese espacio, lejos de los teatros tradicionales, responde a una necesidad profunda: el deseo de libertad, de no ponerle límites a la imaginación, de no encerrar sus sueños en una caja cuadrada, de no resignar una idea por una regla ajena. “Cuando logré un espacio propio, sentí que podía dar a la gente lo que tenía en la cabeza”, explica y comienza a compartir su nuevo espectáculo.

—¿Qué esperás de este show, qué lo diferencia de tus otros proyectos?

—Es una megaproducción distinta, pero con algo que se repite: la escala, el sueño grande. Amo el teatro, pero muchas veces no deja hacer lo que uno imagina. El teatro limita, salvo que te dejen romper y después poner todo como estaba, y eso casi nunca pasa. Por eso la carpa. No es un circo, aunque tiene esa raíz. No tiene un rótulo porque no quiero que lo tenga. Quiero que el público entre y viva algo nuevo. No es mejor que nada, sino diferente a todo,

—¿Con qué se van a encontrar los espectadores?

—El hall de entrada no es solo un lugar de espera: es parte del espectáculo. Juegos, propuestas lúdicas para grandes y chicos, todo gratuito. El hall es gigante, y quiero que la experiencia empiece desde el primer paso.

—Vi que la carpa es 360 y que tiene un escenario giratorio, algo muy novedoso

—Sí, es la primera vez que se monta una carpa colgante así, sin columnas que molesten la visión. El escenario gira, sube y baja, tiene curvas. Todo es última tecnología, no existió nada igual en el país. El techo se llena de imágenes, mapping total, todo lo diseñamos en familia. Hasta la reja de la entrada la pensamos nosotros. No hay nada comprado sin sentido, cada detalle tiene nuestra marca.

Cada respuesta de Flavio revela un proceso colectivo y, a la vez, profundamente personal. El espectáculo surge de una suma de talentos y afectos: la familia participa, se involucra, acompaña y apoya. En cada rincón de la carpa se siente esa energía de clan, de grupo que apuesta y se arriesga junto.

—¿Vas a participar en escena?

—No, esta vez no voy a estar sobre el escenario. Es que no puedo estar en todos lados. Tengo que viajar a China, armar cosas allá, después volver y trabajar en el show de verano. Este año van a estar tres megaespectáculos en distintos puntos del país: Ánima en Neuquén, La Cúpula en Córdoba, y uno nuevo en Mar del Plata. No doy abasto. Pero igual estoy en todo, en la producción, en las decisiones, en la familia.

Mientras Flavio responde, Dionisio acompaña a su tía por detrás, saluda y se pierde en el clima de trabajo y juego, una convivencia natural entre lo cotidiano y la excepción.

—Siempre trabajás con tu familia, ¿es una necesidad para vos?

—Sin ellos no podría. Soy un desastre con los números. Mis tías, mis tíos, mis hermanas hacen todo lo que yo no sé hacer. Yo solo pido y sueño. Tener esta estructura en Argentina es engorroso, problemático, pero con ellos es posible.

La conversación avanza y la palabra “diferente” aparece una y otra vez. Flavio la usa para describir lo que busca, pero también para definir lo que ya encontró: un modo de hacer, una manera de pensar el arte, una relación con el público que excede lo comercial. Para él, la excelencia es la meta, el motor, el deseo.

—¿Por qué seguir invirtiendo tanto, en vez de apostar por fórmulas probadas?

—Porque creo que Argentina da para más. No hay techo. Hay mucha gente talentosa acá. Yo no produzco para ganar, primero busco la excelencia y después que eso me devuelva algo. Es mi pasión. Otros ganan más, pero yo invierto mucho. Es como quien colecciona autos, a mí me gusta coleccionar espectáculos. Me mantiene vivo.

Su mirada se ilumina cuando habla de Dionisio. La paternidad es un capítulo aparte, pero atraviesa todo.

—Quiero que mi hijo vea lo que hago, que entienda la pasión. Que no se quede quieto. Yo era bailarín y si me quedaba quieto, hoy estaría dando clase en una escuela de danza. No me quedé, armé escuelas, armé espectáculos, genero competencias, aunque no den nada, porque creo que hay que hacerlo.

—¿Dionisio tiene inclinación artística?

—Juega al fútbol, sufrió mucho con el Mundial, ¡y yo con él!. Hace acrobacia, canta. No le exijo que sea artista. Le digo que aproveche, que entrene, que disfrute, que aprenda, pero que no sienta presión. Si después no quiere, está bien. Lo importante es que sea feliz.

Llega el tema del mundial y la emoción se hace visible. Flavio cuenta que Dionisio ama a Celia, la mamá de Messi, y que la familia de Leo los recibió con cariño.

—Terminó el partido con Inglaterra y él me pidió que le escribiera a Celia, que le diga que aunque perdiéramos en la final, nosotros los amamos igual. Messi es así, generoso, humilde. Su familia tiene gestos que te muestra el tipo de gente que es.

—¿Qué sentiste con las críticas a los argentinos que surgieron con este Mundial?

—No les doy bolilla. No le presto atención a eso. Siempre hay gente buena y mala en todas partes. No hay que meter a todos en la misma bolsa. Las redes agrandan todo, los haters solo están para molestar.

—Volviendo a Dionisio, ¿cómo fue tu deseo de ser papá?

-Mi hermana me impulsó. Primero quise acomodar a mi familia, que mi mamá estuviera bien. Y recién después pensé en mí. No es fácil ser papá solo. Es una responsabilidad gigante, el amor más grande. Lo busqué, lo quise, y cuando sentí que podía, lo hice.

—¿Cómo es la crianza siendo un papá solo?

—Tiene ventajas y desventajas, ¿no? Como todo. Pero a veces cuando veo los quilombos de los padres separados con los hijos, yo digo: “Uy, qué suerte que soy papá solo, que todas las decisiones las tomo yo”. Las buenas y las malas. Y él va a tener una vida sana en ese aspecto. Sana mentalmente. No va a sufrir esa cosa de los padres separados, que un día estoy con uno y otro con el otro. Nunca quise eso. Hasta cuando estuve en pareja y hubo propuesta, seguí pensando igual. Porque cuando estás en el idilio, en el amor eterno, vos decís ”sí, quiero tener veinte hijos" y después decís no, porque hay una personita y hay que ser responsable.

—Qué bueno que tenés eso tan claro.

—Bueno, yo fui papá de más grande también. Cuando te pasa la edad también creo que te pasan muchas cosas. Tenés más experiencia y no tenés esa cosa más alocada de decir “bueno, vamos con todo ahora”. Yo creo que para mí ser padre y madre hay que buscarlo, tenés que quererlo. Es una gran responsabilidad ser papá o mamá.

—¿Cómo te llevás con los límites?

—Soy de poner límites. Dionisio, por ejemplo, no sabe lo que es el celular. No lo toca. A veces vamos en un viaje largo y él ni siquiera me pide para hacer un jueguito, porque sabe que el celular es de adulto. Tiene limitada su tablet donde ve un rato las cosas de niños. Hay cosas que le limité porque no quiero que las vea. Si bien yo le explico todo, porque no es que le digo que nacimos de un repollo. Jamás. Pero no me gusta tanto el teléfono porque puede generar adicción. Me parece que no está bueno. Está bueno el deporte. Entonces soy de ponerle límites en esas cosas, pero nunca tuve que poner un límite donde él me hizo un berrinche. Jamás me hizo un berrinche.

—¿Cómo es Dionisio?

—Es sensible. Y es muy generoso. Da todo, todo lo que tiene lo da. Eso me parece maravilloso. En mi casa casi no hay un juguete, porque todos los dio. Y todos los años yo le digo que hay que regalar cosas, pero si es por él regala todo. A veces me quedo con algún juguete de recuerdo, porque me da lástima, pero a él ni siquiera le importa. Él es de regalar todo. Si viene un compañero o una compañera y le dice que le gusta tal cosa, Dionisio viene y me pregunta: “Ay, papá, lo quiere, ¿se lo doy?”. Y yo lo apruebo. Entonces, eso es muy lindo de él. Muy lindo.

La entrevista termina y Flavio posa para la sesión de fotos. No escatima gestos, sus movimientos encienden la tarde. La cúpula, todavía desnuda, promete convertirse en refugio de fantasía y asombro. En ese espacio, la pasión por crear y el impulso por innovar encuentran su mejor escenario. Flavio Mendoza ha regresado. Príncipe feliz, príncipe dorado y la expresión del artista en estado puro.

Agenda cultural en Lima del 16 al 22 de julio: ballet con ‘Carmen y Raymonda’, el teatro musical de Marco Zunino, filmotecas y más

Cecilia Arias — Fri, 24 Jul 2026 06:59:28 +0000

Lima concentra esta semana una programación cultural que va desde el teatro clásico griego hasta la percusión afroperuana, con exposiciones de arte gratuitas, ballet clásico, conciertos íntimos y una feria de emprendimientos en el Museo de Arte de Lima.

La oferta se distribuye por distintos distritos de la ciudad —Jesús María, San Isidro, San Borja, el Centro Histórico— y contempla opciones de acceso libre junto a espectáculos para todos los públicos y presupuestos, muchas de ellas de ingreso libre.

EXPOSICIONES

Wunderkammer (Cámara de maravillas)

La artista peruana Paola Vela presenta en el ICPNA una muestra que interroga los mecanismos por los que las imágenes son producidas, clasificadas y puestas en circulación dentro de las lógicas del museo y el archivo. La pieza central, ‘El museo filmado’, es una videoinstalación de tres canales rodada en el Museo del Cerebro, el Museo de la Sexología de la Clínica González y el Museo de Historia Natural de San Marcos, con animaciones inspiradas en ‘Alicia en el país de las maravillas’ y citas del filósofo Walter Benjamin. La curaduría es de Carlos Zevallos Trigoso.

Lugar: Espacio ICPNA San Miguel (Av. La Marina 2469).

Hasta cuándo: 22 de agosto de 2026.

Horarios: Desde las 10:00 a.m.

Entrada: Gratuita.

Peruvian Films de Diana Kisner

Diana Kisner parte del archivo personal de su abuelo —un inmigrante de origen rumano que trabajó en la distribución cinematográfica en el Perú hasta 1953— para construir una exposición sobre memoria familiar, migración e identidad. El proyecto recupera materiales de la época, entre ellos la proyección de ‘Hitler – Beast of Berlin’, una película censurada que abre una conversación sobre el exilio y la memoria de las migraciones judías en América Latina. La muestra inaugura una nueva edición del Festival de Cine de Lima PUCP e incluye conversatorios, visitas guiadas y un encuentro con la artista.

Lugar: Sala Azul de la Casa O’Higgins (Jr. de la Unión 554, Centro de Lima).

Hasta cuándo: 23 de agosto de 2026.

Horarios: De 10:00 a.m. a 8:00 p.m.

Entrada: Gratuita.

Codesido

El Museo de Arte de Lima (MALI) y Bank of America presentan una exposición dedicada a Julia Codesido, reconocida como la primera pintora profesional del Perú, además de maestra, coleccionista pionera del arte popular peruano e investigadora etnográfica. Bajo la curaduría de Luis Eduardo Wuffarden y Ricardo Kusunoki, la muestra recorre más de cinco décadas de producción artística: desde su adhesión al indigenismo liderado por José Sabogal, hasta su diálogo con el muralismo mexicano, las tendencias no figurativas y la cultura de masas de los años 60 y 70.

Lugar: Sala 1, primer piso del MALI (Paseo Colón 125, Cercado de Lima).

Hasta cuándo: 1 de noviembre de 2026.

Horarios: Apertura a las 10 a.m. de martes a domingo. Cierran a las 6 p.m. de martes a viernes y domingos; y a las 5 p.m. los sábados.

Entrada: desde S/ 15 (precios especiales para niños y adultos mayores).

TEATRO Y ARTES ESCÉNICAS

Las aves de Aristófanes

Lugar: Teatro Ricardo Blume (Huiracocha 2160, Jesús María)

Hasta cuándo: 16 de agosto de 2026

Horarios: Viernes y sábados a las 8 p.m., y domingos a las 7 p.m.

Entrada: Desde S/ 40 — Entradas en Ticketmaster

Nosotras que nos queremos tanto

Cuatro hermanas se reúnen en el departamento de su madre fallecida para repartir sus bienes. El encuentro hace aflorar viejos resentimientos, frustraciones y también el humor que, al final, permite el reencuentro genuino entre ellas. El espectáculo cuenta con las primeras actrices Yvonne Fraysinett, Cecilia Tosso, Mónica Domínguez y Patricia Fraysinett.

Lugar: Auditorio San Antonio de Padua (Huiracocha 2010, Jesús María).

Horarios: Función del 22 de julio

Entrada: Desde S/ 50 — Entradas en Teleticket

‘Marco Zunino, mi vida en musicales’

Marco Zunino recorre, con música y baile en vivo, los musicales de Broadway que han marcado su trayectoria: Rent, Moulin Rouge!, Cabaret, Jesucristo Superstar, Chicago y otros. El espectáculo cuenta con la participación de la actriz Gisela Ponce de León y propone una experiencia donde cada función adquiere un carácter distinto por la interacción con el público.

Lugar: Teatro NOS PUCP (Av. Camino Real 1037, San Isidro).

Hasta cuándo: 2 de agosto de 2026.

Horarios: Jueves a sábado a las 8 p.m., y domingos a las 7 p.m.

Entrada: Desde S/ 33 — Entradas en Teleticket.

BALLET

Carmen y Raymonda

La Municipalidad Metropolitana de Lima, en coproducción con el Patronato Amigos del Ballet Municipal, presenta dos obras del repertorio clásico interpretadas por el Ballet Municipal de Lima. Carmen, con música de Georges Bizet y coreografía de Jean Grand-Maitre, narra la historia de una mujer cuyo espíritu libre desencadena un trágico destino. Raymonda, con música de Alexander Glazunov y coreografía en estreno de Carlos Valcárcel, propone una suite de variaciones de alta exigencia técnica. Ambas obras ofrecen un contraste entre la intensidad dramática de la primera y el refinamiento clásico de la segunda.

Lugar: Teatro Manuel A. Segura (Jr. Huancavelica 265, Cercado de Lima).

Hasta cuándo: 2 de agosto de 2026

Horarios: Viernes a las 8 p.m., y sábados, domingos y feriados a las 6 p.m.

Entrada: Desde S/ 20 — Entradas en Teleticket

CONCIERTOS Y MÚSICA

Legado — Kimbafá

Lugar: Teatro Municipal de Surco (Calle Sacramento 236, Santiago de Surco).

Hasta cuándo: Estreno el 17 de julio; 9 funciones en total.

Horarios: Viernes y sábado a las 8 p.m., y el domingo a las 7 p.m.

Entrada: Desde S/ 24 — Entradas en Ticketmaster

Gala Puccini

El Teatro Municipal de Lima dedica una velada a la música del compositor italiano Giacomo Puccini con la participación de cuatro solistas internacionales: la soprano Marta Mari, la soprano Thayana Roverso, el tenor Davide Piaggio y el barítono Stavros Mantis. La dirección musical estará a cargo del maestro Lorenzo Tazzieri, con la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil Bicentenario y el Coro Lírico Juvenil “Simon Boccanegra”.

Lugar: Teatro Municipal de Lima (Jr. Ica 377, Centro de Lima).

Horarios: Sábado 18 de julio, 7:30 p.m.

Entrada: Desde S/ 15 — Entradas en Ticketmaster.

Amy Gutiérrez en privado

La cantante peruana Amy Gutiérrez, referente de la salsa, el pop y el R&B, lleva su formato íntimo Amy Gutiérrez en privado al Lima Norte. El repertorio incluye sus éxitos ‘No te contaron mal’, ‘No sé’, ‘Alguien’, ‘Vamos a escapar’ y ‘Qué pasaría’, además de lanzamientos recientes como ‘Best part’ y ‘Era para siempre’. El evento es apto para toda la familia y tiene aforo limitado.

Lugar: Teatro Plaza Norte — C.C. Plaza Norte, cruce de Panamericana Norte con Av. Tomás Valle, Independencia

Horarios: Domingo 19 de julio, 6:00 p.m.

Entrada: Desde S/ 80 — Entradas en Ticketmaster.

Alberto Carulla: ‘Me Va, Me Va: lo mejor de Julio Iglesias’

El Centro Español del Perú continúa su temporada dedicada a Julio Iglesias con una noche de clásicos de los años 70, 80 y 90 interpretados por Alberto Carulla: ‘Bamboleo / Caballo Viejo’, ‘Torero’, ‘Agua Dulce, Agua Salá’, ‘Baila Morena’ y otros. El evento requiere vestimenta adecuada y tiene aforo limitado.

Lugar: Centro Español del Perú (Av. Gral. Salaverry 1910, Jesús María)

Horarios: Viernes 17 de julio, 8:00 p.m.

Entrada: S/ 100 (Consumo mínimo en el local: S/ 50) - Entradas en Joinnus.

EVENTOS GRATUITOS

Feria del Patio — Edición Fiestas Patrias

El patio, el Gran Hall y el atrio del MALI se convierten durante tres días en un punto de encuentro de emprendimientos culturales, marcas emergentes y propuestas de ilustración, cerámica, accesorios, joyería y gastronomía. La programación gratuita incluye talleres, conversatorios y presentaciones musicales cada tarde. El viernes 17 actúa Daniela de Izcue; el sábado 18, Nia Vanie; y el domingo 19 cierra con un DJ set de Soraya. El sábado y el domingo se proyectarán en vivo la semifinal y la final del Mundial, con descuentos de hasta 40% en los stands durante los partidos.

Lugar: Museo de Arte de Lima (MALI) — Paseo Colón 125, Cercado de Lima

Horarios: Del 17 al 19 de julio, desde las 12:00 m. Actividades hasta las 8:00 p.m.

Entrada: Gratuita

Miércoles de Filmoteca — ‘Las voces de la tierra’

El MALI y la Filmoteca PUCP presentan el ciclo ‘Las voces de la tierra. Cinco exploraciones fílmicas de la música peruana’, con curaduría de Sebastián Pimentel y Claudio Cordero. La sesión del 22 de julio incluye dos obras: ‘Autorretrato sonoro’ (2010, 45 min.), del músico y cineasta Manongo Mujica, que convierte la costa desértica y el mar peruano en un cosmos visual y sonoro con la presencia de la familia Ballumbrosio y referencias a las tradiciones afroperuanas; y ‘Escucha, paisaje, escucha’ (2022, 23 min.), de Víctor Manuel Checa y Diego Cendra.

Lugar: Auditorio MALI — Paseo Colón 125, Cercado de Lima

Horarios: Miércoles 22 de julio, 7:00 p.m.

Entrada: Gratuita

XVII Salón de Cacao y Chocolate Internacional 2026

El evento de promoción del sector cacaotero y chocolatero de Perú y Latinoamérica, parte del calendario mundial de salones de chocolate en alianza con el Salon du Chocolat de París, reúne más de 200 stands de productores nacionales e internacionales. La programación incluye concursos de esculturas de chocolate, catas, maridajes, el Campeonato Nacional de Heladería Artesanal, foros y ruedas de negocios.

Lugar: Centro de Convenciones de Lima — Av. del Comercio 190, San Borja

Horarios: Del 16 al 19 de julio, desde las 11:00 a.m.

Entrada: Desde S/ 23 — Entradas en Joinnus.