Finnegans abrió la convocatoria Nuevo Teatro y ofrece hasta $4.000.000 para proyectos de teatro emergente en el Área Metropolitana de Buenos Aires, una iniciativa que también incluye espacios de ensayo y funciones en su auditorio para impulsar la producción, la investigación creativa y la puesta en escena de nuevas obras.

La inscripción estará disponible hasta el 22 de agosto de 2026. El dictamen del jurado se conocerá dentro de los 30 días posteriores al cierre de la convocatoria.

El programa pertenece a Finnegans Impacto, la línea con la que la compañía de software de gestión financia y acompaña proyectos culturales y comunitarios. Esta edición es la cuarta de un esquema orientado a artistas, jóvenes creadores y grupos teatrales que atraviesan sus primeras experiencias en las artes escénicas.

La obra ganadora recibirá $4.000.000 para cubrir gastos de producción. El segundo proyecto seleccionado obtendrá $2.000.000, mientras que un tercer trabajo recibirá una mención especial.

Los tres proyectos distinguidos podrán usar espacios de ensayo en Finnegans CC durante hasta 6 meses desde la fecha en que se otorgue el reconocimiento. Después, los artistas presentarán sus obras en el Auditorio de Finnegans CC, con producción conjunta del equipo organizador y funciones abiertas a la comunidad.

La convocatoria está dirigida a artistas mayores de 18 años, argentinos o extranjeros, que residan legalmente en el AMBA. Cada participante o grupo podrá presentar una sola obra, con la condición de que no haya sido estrenada antes de la postulación.

Quienes ya hayan sido seleccionados y hayan recibido este estímulo en ediciones anteriores no podrán volver a competir. La evaluación estará a cargo de un jurado de especialistas, al que se sumará como invitado uno de los artistas premiados en la edición anterior.

Nuevo Teatro ya tuvo tres ediciones previas. Entre los proyectos premiados en esos años figuran Hola, Soy Simón, Sidra Caliente, Seis minutos de sol, Juana de Arco y Dios, Viñetas de un mundo roto y La noche no es azul.

Desde 2020, la compañía colabora con la financiación de producciones teatrales mediante aportes económicos y recursos físicos. También impulsa el Premio Finnegans a las Artes Visuales y organiza formaciones gratuitas en teatro, gestión cultural y creatividad. Para más información, ingresar a las bases y condiciones.

En entrevista con Infobae México, Abraham Baños Lozada nos habla de (Sólo) un bosque, la obra de teatro que se presenta en agosto en el Teatro Helénico de la Ciudad de México. La pieza, producción de la Coordinación Nacional de Teatro del INBAL a través de Proyecto Oso Índigo, explora la pérdida, la amistad y el ciclo de la vida mediante títeres, máscaras y un diseño escenográfico construido con madera, metal y mimbre.

La historia de Abraham Baños ganó en 2023 la convocatoria Alas de Lagartija y fue publicada en 2024 dentro de la colección homónima del sello editorial Alas y Raíces de la Secretaría de Cultura. La obra se presenta los sábados y domingos de agosto a las 13:00 horas.

Obawi y Bachi: dos soledades que se encuentran

La historia sigue a dos animales: Obawi, un oso plateado que huye tras una dolorosa pérdida, y Bachi, un joven lobo gris extraviado de su manada. Cuando se encuentran, descubren que para sobrevivir al bosque —salvaje y hermoso a la vez— deben aprender a convivir.

“(Sólo) un bosque es justamente una construcción escénica que parte de una premisa: qué pasa cuando dejamos de estar”, nos cuenta Abraham Baños . “Vemos un poco el tema de la pérdida, pero más bien sobre las transformaciones. Más allá de terminar ciclos, es continuarlos; de cómo funciona el ciclo de la vida y la muerte.”

El dramaturgo y actor describe la obra como una fábula sobre las amistades improbables: “Las soledades que se acompañan: cómo conecto un mundo que parece completamente distinto al mío con el mío, y dónde encontramos ese punto de convergencia. Sobre ese otro que tal vez no es tan distinto a mí.”

Una pregunta personal sobre la muerte

La escritura del texto nació de una inquietud íntima. “El asunto de la escritura siempre parte de una pregunta personal sobre las cosas. Para mí era cómo me explico yo la muerte”, dice Abraham. “Yo creo que los que terminamos nuestro ciclo en este plano simplemente nos convertimos en algo más dentro del mismo. Cuando muera quisiera convertirme en un hermoso paisaje, en algo más que me recuerde que existí.”

Desde esa pregunta construyó la metáfora animal. “Yo no trato de dar una respuesta contundente, sino abrir un diálogo con los espectadores, que es justo lo que hace la escena después. La dramaturgia es un punto de lectura primero, y luego viene darle vida: la escenografía, los títeres, las máscaras, nuestros cuerpos, nuestras voces.”

Actor y dramaturgo en la misma obra

Abraham Baños actúa en la pieza además de haberla escrito, lo que modifica su proceso de preparación. “Desde que escribo el texto ya estoy plasmando una percepción de mí mismo en el mundo y con el mundo”, señala. “Siempre trato de encontrar ese punto de unión entre lo que soy yo, lo que conozco, todos mis referentes, toda mi historia, y ese personaje.”

Esa cercanía con el material, dice, representa un paso adelantado: “Al momento de darles vida, conociendo ya la dramaturgia, voy encontrando cosas de mí mismo en el personaje. Y también cosas nuevas, porque una cosa es la página escrita, pero al momento de darle vida y acción se encuentran otras cosas.”

El elenco lo completan Gilary Negrete, Sabrina Tenopala y Andrés Torres Orozco. La dirección es de Hasam Díaz Hierro; el diseño de escenografía e iluminación, de Sergio López Vigueras; el vestuario, de Lissete Barrios; los títeres y objetos, de Humberto Galicia, y la música original, de Adriana Larragaña y Edher Corte.

Adultos que lloran, niños que preguntan

El espectáculo estrenó en 2025 y ha recorrido varios festivales nacionales antes de llegar al Teatro Helénico. Abraham Baños describe lo que ocurre en sala: “Ves a los adultos llorando y a los niños preguntándose muchas cosas.”

“Nosotros tratamos de darles esa pregunta para que se la lleven a casa y tengan esa conversación que, si bien no es tan cotidiana, es muy normal. Qué bueno que la escena tenga ese punto de partida para encaminarlos a que tengan su conversación privada”, agrega.

La obra está diseñada en capas para distintas edades. Las infancias que ya tuvieron contacto con la pérdida —la muerte de un abuelo, un cambio de casa, la distancia de amigos— encuentran resonancias distintas a las de los adultos, que la procesan desde un lugar más sensible con la muerte.

“Cuando un espectáculo les ha llenado y les ha movido, lo difunden, y el boca a boca se vuelve algo viral, en el mejor de los sentidos. Al menos eso es lo que nos ha ayudado últimamente, porque el espectáculo tiene una fibra que sí mueve a quien lo ve.”

Rodolfo Guillén da vida al Dr. Miguel Durán, un psiquiatra que lleva quince años acompañando a sus pacientes en sus peores momentos y que, en Psiquiatra en Apuros, se enfrenta a la pregunta que la obra plantea desde el principio: ¿quién sostiene al que ha dedicado su vida a sostener a los demás? La puesta en escena se presenta en el Foro Shakespeare del 5 de agosto al 27 de septiembre de 2026.

En entrevista con Infobae México, Rodolfo Guillén nos explica:

“Al principio aparentemente es un drama la historia, donde un doctor, un psiquiatra, recibe una noticia determinante respecto a su salud. Se pone muy nervioso y toma una decisión muy fuerte en su vida. Después circunstancialmente se encuentra que necesita atender a ciertos pacientes porque llegaron de emergencia. Esto vuelca que el drama que habíamos empezado a notar se vuelve en una comedia donde conocemos a personajes entrañables, divertidos y muy apasionantes, que cada uno trae sus propias demandas sobre qué hacer con sus propias vidas”.

“El humor negro pone en duda las ficciones que nos paralizan”: Rodolfo Guillén

Hablar de emociones desde la comedia no es un recurso menor en Psiquiatra en Apuros. Para Guillén, el humor negro opera sobre las certezas que inmovilizan.

“Lo que tratamos de hacer es humor negro, donde de pronto vemos a alguien que puede estar padeciendo algo y que no le está pasando tan bien. Tratar de hacer preguntas a eso que se dice, a lo que se le atribuye el no pasárselo bien. Es poner en duda las ficciones que muchas veces nos hacemos o las certezas que muchas veces vienen en la vida y que nos paralizan. Esa forma de ponerlo en duda es la posibilidad de hacer humor negro, porque es una posibilidad también de movilizarte de ese parálisis, de eso que molesta.”

Los tres pacientes que ponen al médico contra la pared

Justo cuando el Dr. Durán ha tomado una decisión definitiva, tres pacientes de emergencia irrumpen en su consultorio. Salvador está convencido de que organismos de seguridad internacionales lo persiguen. Fabiana habla sin detenerse mientras carga una culpa que la consume desde hace años. Benigno vive atrapado por obsesiones que amenazan con hacerle perder lo que más ama.

El elenco lo completan Britsa Analí López, que interpreta a Nicole Magallanes, Fabiana Quieto y Susana; Ricardo Valdivia, como Salvador Profeta y el narrador; y Gustavo Salas, en los papeles de Benigno Manso, el Dr. Franfrujter y El Ferretero.

Encarnar al personaje: “Una sensación de reconocer en ti a otro que no eres tú”

Sobre el proceso de construir al Dr. Durán, Guillén describe una práctica que mezcla escucha y resistencia. “A mí como actor me gusta mucho esta posibilidad de ser artesano y de escuchar muchísimo al director, porque evidentemente el director está viendo muchos lugares ciegos y te está ayudando mucho a construir los personajes. A mí a veces me pasa que me resisto, y entonces ahí es donde me empiezo a hacer preguntas: ¿qué es a lo que me estoy resistiendo de las propuestas de camino que me están proponiendo para crear cierto personaje?”

El actor define el momento en que siente que ya habita al personaje como algo cercano a lo místico. “Cuando ya siento esto —voy a decirlo así— como una sensación mística: sientes que hay una artificialidad, sientes que hay un artilugio, sientes que estás en el personaje, pero sabes que no lo eres, pero también sabes que no eres tú. Es una sensación de reconocer en ti a otro que no eres tú. Ahí estás, sientes que estás trabajando en esta posibilidad de crear algo, un personaje.”

Guillén distingue además entre personajes fársicos y realistas. “Cuando los personajes son más realistas, esa línea que hace la diferencia se va marcando desde otros lugares más sutiles.”

Una sala que escucha y responde

Sobre la recepción en la primera función del miércoles, Guillén describe una sala activa. “La obra danza entre el drama y la comedia. Uno como actor escucha al público si se mueve porque está intrigado o si se mueve porque está aburrido, son cosas que uno va desarrollando en su percepción estando en el escenario. Escuchar la risa, quién se ríe, si es el público femenino, si es el público masculino, de qué se ríen. Sentimos que el público la recibió muy bien.”

Agrega: “Tratamos de que todos los hilos argumentales estén cerraditos. Que hayan visto una buena historia, que se hayan divertido, que la hayan pasado bien. Esa fue una ocupación de todo el equipo creativo.”

Y sobre si el público puede verse reflejado: “El público va a poder encontrar personajes que están en el mundo, en la vida, en el tejido social. Son un cúmulo de muchas personalidades, donde el público, si bien no se identificará tal vez al cien por ciento con un personaje, sí en ciertos porcentajes con cada uno de ellos y sus circunstancias.”

“El teatro es bien celoso de todo”

Consultado sobre cómo crecer la audiencia teatral en México, Guillén ve el proceso en marcha. “Es algo que se está pensando desde las políticas públicas para crear nuevos públicos y desde productores privados que también crean espectáculos novedosos e interesantes. Yo pienso que el teatro siempre va a estar vivo, está vivo. Y no hay un solo teatro, sino hay muchísimos teatros, muchísimas formas de hacer teatro.”

El actor cita a un teórico del teatro para cerrar: “Para que exista el teatro basta con que alguien actúe y alguien vea. Cada diez años hay obras que todo mundo quiere ver, que todo mundo trata de ver. Y pasa. Y de pronto volverá a suceder.”

Y remata con una advertencia cariñosa: “El teatro es bien celoso de todo. Requiere mucho ensayo, requiere mucha reflexión, requiere estudio y es muy efímero. Es su naturaleza. Si ahí quieres estar, pues aquí estamos.”

Las funciones de agosto son los miércoles a las 20:30 horas; las de septiembre, los domingos a las 18:00 horas. El Foro Shakespeare se ubica en Zamora 7, colonia Condesa, alcaldía Cuauhtémoc.

El Festival Mundial de Circo 2026 reunirá a más de 50 artistas de once países en la Explanada del Jockey Club del Perú entre el 10 y el 12 de agosto, en lo que será la segunda edición de este certamen competitivo en Lima. La propuesta repite el formato de su debut en 2025 —que se realizó del 18 al 20 de agosto en el mismo recinto y se consolidó como el evento circense más importante del país— y esta vez suma un jurado internacional de diez especialistas provenientes de Italia, Francia, Estados Unidos, México, Brasil, Uruguay, España y Perú.

Las entradas ya están disponibles en Teleticket y en la boletería del circo. El certamen reunirá artistas de Ucrania, Francia, España, Italia, Israel, Hungría, Alemania, Argentina, Brasil, Uruguay y otros países, en una competencia donde cada número será evaluado por el jurado en función de su dificultad técnica, creatividad, ejecución artística y conexión con el público. Las funciones se realizarán a las 5:30 p. m. y a las 8:30 p. m. durante los tres días del festival.

Trapecio volante, telas aéreas y malabares: la cartelera de la edición 2026

El programa del festival incluye algunos de los números más exigentes del circo contemporáneo. The Flying Henriquez presentarán el trapecio volante doble; Maverick exhibirá destreza sobre la rola bola; Alexander Sánchez competirá con malabares de rebote; Duo Adventures y Anastasiia llevarán el aro aéreo al escenario.

Asimismo, Duo Delirium presentará la faja aérea; Arbon mostrará sus pulsadas; la Troupe Los Rodríguez actuará en alambre tenso doble; Luján Gómez interpretará telas aéreas; Adriana Lazarte combinará pulsadas con fajas aéreas; y Duo Bora presentará trapecio fijo. El payaso Peluzín completará la cartelera con sus intervenciones de humor en cada función.

La edición 2025 entregó tres categorías de premios: Circo de Bronce para LS Brothers, Troup Uniqum, Danylo y Karolina; Circo de Plata para el Dúo Stauberti y Dúo Desire; y Circo de Oro para Dmytro, un joven artista que el jurado calificó como el gran triunfador de aquella primera edición.

Un jurado con presencia en los principales festivales del mundo

El panel de jueces del Festival Mundial de Circo 2026 reúne figuras con trayectorias en los certámenes circenses más reconocidos a nivel internacional. Fabio Montico (Italia), presidente del jurado, dirige el Festival Internacional de Circo de Italia y es una de las autoridades más reconocidas del sector a nivel mundial.

Odette Bouglione (Francia) preside desde 2021 el histórico Cirque d’Hiver Bouglione de París, institución fundada en 1852 e incorporada a la familia Bouglione en 1934. Es la primera mujer en asumir la presidencia de este organismo en casi un siglo de gestión familiar.

Tito Gaona (México), nacido en Guadalajara el 29 de agosto de 1947, integra los Flying Gaonas, considerados una de las grandes dinastías del trapecio volante en la historia del circo. En 1978, junto a sus hermanos Mando y Chela y el catcher Lalo Murillo, la familia recibió el Payaso de Oro —el máximo galardón del Festival Internacional de Circo de Montecarlo, equivalente al Oscar del circo— de manos del príncipe Rainier III de Mónaco.

Katya Arata-Quiroga (Estados Unidos), artista y empresaria circense de séptima generación, dirige el Circus Vargas y también cuenta con el Payaso de Oro de Montecarlo entre sus distinciones. Renato Fuentes (México), de la dinastía Los Valentinos, dirige el Circo Petit. Frederico Reder (Brasil), conocido en el medio como el “Rey del Circo”, ha integrado el circo y el teatro de gran formato en sus producciones en América Latina.

Louisa Raluy (España) codirige el Circo Raluy como representante de la cuarta generación de una de las familias circenses más reconocidas de Europa. Johnny Lam (México) alcanzó proyección internacional con el Circo Tihany. María José Pinto Rodas (Uruguay) pertenece a la cuarta generación del Circo Rodas de Argentina y es especialista en diseño y confección de vestuario circense.

Fernando Zevallos, el referente peruano en el jurado

El único jurado nacional del certamen es Fernando Zevallos Villalobos, fundador y director artístico de La Tarumba, la compañía circense, teatral y musical peruana creada el 12 de febrero de 1984 en Lima. Zevallos inició el proyecto junto a un grupo de jóvenes actores de teatro que buscaban una nueva expresión escénica que integrara circo, danza y música en vivo. En más de cuatro décadas, La Tarumba ha producido 25 espectáculos con más de 5.000 presentaciones en temporadas, festivales y giras por Perú, América Latina y Europa.

La Tarumba cuenta desde 2003 con carpas de circo equipadas con 900 butacas y una escuela profesional que recibe más de 1.000 alumnos al año. Zevallos es reconocido como uno de los principales impulsores del circo contemporáneo en el Perú, con una trayectoria que combina la formación artística con la proyección internacional de la disciplina.

El Festival Mundial de Circo 2026 se realizará del 10 al 12 de agosto en la Explanada del Jockey Club del Perú, con funciones a las 5:30 p. m. y a las 8:30 p. m. cada día. Las entradas están disponibles en Teleticket y en la boletería del recinto.

La decisión de repartir el personaje central entre tres actrices da cuenta de la escala del proyecto. Sofía Gala Castiglione encarna a Moria en sus primeros años, con la estética de vedette de los años 70. Griselda Siciliani la representa en la etapa de mayor exposición televisiva, y Cecilia Roth aporta una mirada retrospectiva sobre los inicios de la artista. Las tres comparten el peso de un personaje que, según la sinopsis oficial de Netflix, “hizo de la transgresión una forma de supervivencia”.

En el tráiler ya difundido, Gala abre con una frase que funciona como carta de presentación del espíritu de la serie: “Para los que no me conocen, mi nombre es Moria. Soy nueva en la revista y soy un caso raro e inusual”. Roth, por su parte, recuerda el salto que definió la carrera de la diva: “Pasé de las escalinatas de la Facultad de Derecho al Teatro Nacional el mismo día”. Y Siciliani remata con una de las frases más emblemáticas del repertorio de Moria: “Estoy acá porque mi presencia jerarquiza la pista”.

La propia Moria presentó el tráiler en su programa de Eltrece y se mostró emocionada al dirigirse al público. “Son años de entrega, profesionalismo, amor y dedicación. Gracias a ustedes”, dijo. Y agregó: “Si no estuvieran ustedes, yo no estaría acá. Eso es obra de ustedes, que hace más de cincuenta años que me eligen”, una declaración que condensó el vínculo que la serie busca explorar entre la artista y el público que la acompañó a lo largo de las décadas.

Quién es quién en la serie de Moria

• Sofía Gala Castiglione como Moria Casán joven: la diva en sus primeros años como vedette, durante la década del 70.

• Griselda Siciliani como Moria Casán: la artista en su etapa de mayor popularidad televisiva.

• Cecilia Roth como Moria Casán: una mirada retrospectiva sobre los inicios de la protagonista.

• Marco Antonio Caponi como Mario Castiglione: el gran amor de la vida de Moria.

• Micaela Riera como Susana Giménez (años 80): compañera de escenario en el teatro de revistas.

• Leticia Brédice como Susana Giménez (años 90): confidente y una de las figuras más cercanas a Moria en esa década.

• Hernán Jiménez como Jorge Porcel: la dupla humorística de la diva en televisión.

• Sebastián Rosso como Alberto Olmedo: compañero de los espectáculos más emblemáticos del teatro de revistas.

• Javier Pedersoli como Carlos Rottemberg: productor teatral y amigo histórico de Moria.

• Giuliano Pianetti como Fito Páez: invitado al ciclo A la cama con Moria.

• Sebastián Arzeno como Gerardo Sofovich: el empresario que le abrió las puertas en sus comienzos artísticos.

• María Fernanda Callejón como Zeta: amiga de toda la vida de la diva.

• Eloy Rossen como Galo: su mano derecha e incondicional.

• Rafael Ferro como Carlos Sexton: una figura clave en distintos momentos de su historia.

• Joaquín Ferreira como Luis Vadalá: uno de los romances más recordados de los años 90.

• Luis Machín como Carlos A. Petit: empresario teatral, guionista y director que descubrió a Moria y la llevó al teatro.

El lanzamiento presenta a un elenco amplio que acompaña a las tres actrices elegidas para encarnar a Moria Casán en diferentes momentos. Según la información oficial difundida por Netflix, Sofía Gala Castiglione, Griselda Siciliani y Cecilia Roth asumirán el papel central para mostrar el tránsito de la vedette de los primeros años a la figura consolidada del espectáculo. La producción se propone revisar el pasado, el presente y hasta una proyección futura de la protagonista, con la propia Moria involucrada en el relato.

Entre los personajes ya revelados aparece Marco Antonio Caponi como Mario Castiglione, presentado como “el gran amor de la vida de Moria”. También figuran dos versiones de Susana Giménez, una a cargo de Micaela Riera, situada en los años 80, y otra interpretada por Leticia Brédice, enfocada en la etapa de los 90. La serie ubica a Susana como socia artística en la revista y más tarde como confidente en una década clave para ambas figuras de la televisión argentina.

La nómina suma a Hernán Jiménez en el papel de Jorge Porcel y a Sebastián Rosso como Alberto Olmedo, dos nombres ligados a la historia del humor y del teatro de revistas. En esa reconstrucción también aparece Javier Pedersoli como Carlos Rottemberg, identificado por la producción como productor teatral y amigo. Otro de los personajes anunciados es Giuliano Pianetti como Fito Páez, quien ingresará en la trama como invitado del ciclo “A la cama con Moria”.

El recorrido por la vida profesional de la diva incluye a Sebastián Arzeno como Gerardo Sofovich, señalado por la serie como el empresario que le abrió una oportunidad decisiva en sus comienzos artísticos. A esa lista se incorporan María Fernanda Callejón como Zeta, amiga de toda la vida de Moria, y Eloy Rossen como Galo, definido como su mano derecha. La ficción agrega además a Rafael Ferro en el rol de Carlos Sexton y a Joaquín Ferreira como Luis Vadalá, vínculo sentimental asociado a los años 90.

Otro personaje relevante será Carlos A. Petit, a quien interpretará Luis Machín. La producción lo presenta como empresario teatral, guionista y director, además de la persona que descubrió a Moria y la llevó al teatro. Ese mapa de relaciones personales, sentimentales y profesionales estructura buena parte del universo narrativo de la serie, que busca mostrar cómo se fue construyendo una figura central del espectáculo argentino a través de sus alianzas, conflictos y asociaciones artísticas.

La sinopsis oficial sostiene que Moria abre las puertas de su propia ficción y asume el rol de titiritera de su historia. “La serie no es solo el retrato de una estrella que atraviesa el cine, el teatro y la televisión”, señala el material de presentación, que también la define como la historia de una mujer que convirtió la transgresión en una forma de supervivencia. En ese enfoque, el proyecto se presenta además como “un homenaje a la cultura popular argentina”.

En el tráiler difundido para el lanzamiento, las tres intérpretes de Moria exhiben registros distintos del personaje. Sofía Gala aparece con la estética de los años iniciales y pronuncia una de las frases que ordenan la presentación: “Para los que no me conocen, mi nombre es Moria. Soy nueva en la revista y soy un caso raro e inusual”. Cecilia Roth aporta una mirada retrospectiva sobre los primeros pasos de la artista, mientras que Griselda Siciliani la sitúa en la etapa de mayor exposición televisiva.

Durante la presentación del avance, la propia Moria Casán agradeció la permanencia de su vínculo con el público. “Son años de entrega, profesionalismo, amor y dedicación. Gracias a ustedes”, afirmó al exhibir el tráiler en su programa. Luego añadió: “Si no estuvieran ustedes, yo no estaría acá”, en una referencia directa a una carrera que ya supera las cinco décadas y que la serie vuelve materia dramática.

La producción corresponde a About Entertainment, compañía liderada por Mercedes Reincke y Armando Bo, con guion y dirección de Javier Van de Couter. El estreno global quedó fijado para el 14 de agosto, fecha elegida en la antesala del cumpleaños número 80 de la artista.

Además del tráiler, la campaña de difusión ya incluye un video de presentación, artes promocionales e imágenes individuales de cada personaje, materiales con los que Netflix acompaña una apuesta centrada en una de las figuras más reconocibles de la cultura popular argentina.

Purple Rain, un nuevo musical basado en la emblemática película de Prince de 1984, llegará a Broadway la próxima primavera, aportando una dosis de energía rock y funk nostálgica a la nueva temporada.

El espectáculo, que trata sobre un joven músico con una vida turbulenta en casa y en el club donde actúa, ha sido revisado significativamente —con un nuevo director, un nuevo guionista y un enfoque más centrado en la música de Prince— desde su accidentada presentación preliminar el año pasado en Minneapolis.

El musical tiene previsto comenzar sus funciones previas el 12 de marzo y estrenarse el 12 de abril en el Teatro Majestic. Incluirá al menos 20 canciones de Prince, entre ellas “When Doves Cry”, “I Would Die 4 U”, “Take Me With U” y “The Beautiful Ones”. Las canciones serán interpretadas por músicos en el escenario.

“Es una celebración de Prince”, dijo el productor principal del espectáculo, Orin Wolf. “Es una historia de maduración, pero, sobre todo, es una velada musical llena de actuaciones vibrantes. Sentirán cómo avanza la historia a través de la música y cómo se respira el espíritu de Prince”.

La producción llegará a Broadway en un momento de enormes desafíos para los nuevos musicales, la gran mayoría de los cuales están fracasando financieramente, lo que socava la confianza de los inversores y conlleva una disminución en el número de nuevos títulos. Purple Rain es el sexto musical nuevo anunciado hasta ahora para esta temporada, sumándose a Dolly, Galileo, Paddington, Wanted y Warriors. Hace dos temporadas, Broadway vio 14 nuevos musicales.

Según un documento presentado ante la Comisión de Bolsa y Valores (SEC), llevar Purple Rain a Broadway costará hasta 29,5 millones de dólares. Esta cifra se sitúa en el extremo superior de los costes de capitalización actuales para los musicales de Broadway.

“Va a ser un gran espectáculo”, dijo Wolf. “Es un gran musical. Vamos a actuar en un teatro grande. Y vamos a ofrecer una gran puesta en escena”.

El espectáculo era largo y difícil de manejar cuando comenzó su temporada de casi seis semanas en el otoño de 2025 en Minneapolis, la ciudad natal de Prince y escenario de la historia. Pero la producción se fue perfeccionando y fortaleciendo a medida que avanzaba la temporada.

Las críticas fueron dispares. The New York Times calificó el espectáculo de “constantemente desconcertante”, pero The Minnesota Monthly lo consideró “una convergencia de genio creativo puro y sofisticada puesta en escena”. Un crítico del Minnesota Star Tribune visitó el espectáculo varias veces y consideró que la función final fue “extraordinaria por su gran energía, mayor confianza y alegría desbordante”.

En los meses transcurridos desde entonces, Wolf, quien llevó a The Band’s Visit al Premio Tony al mejor musical en 2018, ha renovado el equipo creativo, contratando a Saheem Ali para reemplazar a Lileana Blain-Cruz como director y a Peter Duchan para reemplazar a Branden Jacobs-Jenkins como libretista. Se han realizado talleres para probar las revisiones. (Este tipo de medidas no son nuevas; otros espectáculos de Broadway han reestructurado sus equipos creativos durante el proceso de desarrollo).

Wolf y Ali ya habían colaborado en Buena Vista Social Club, que se estrenó en Broadway el año pasado y aún sigue en cartelera. Al igual que Purple Rain, este espectáculo se beneficia de la popularidad preexistente de su repertorio musical.

El equipo creativo de Purple Rain incluye a dos compañeros de banda de Prince, Bobby Z y Morris Hayes, quienes figuran como asesores musicales. El reparto de la producción de Broadway aún no se ha anunciado.

Fuente: The New York Times

Georgina Rábago estrena el próximo 8 de agosto en el Foro Shakespeare Gerutha & Margaret, obra de la dramaturga Judy Steele que retrata a dos mujeres desfiguradas por Shakespeare: Gertrudis, la madre de Hamlet, y Margaret, reina de la trilogía de Enrique VI y Ricardo III.

Natalia Traven da vida a Margaret y Georgina interpreta a Gerutha —nombre original del personaje— . En entrevista con Infobae México, Georgina nos cuenta todo sobre el proyecto.

Shakespeare contó otra historia

Gerutha & Margaret parte de una premisa concreta: las dos protagonistas existieron, pasaron por la pluma de Shakespeare y quedaron reducidas a arquetipos negativos. Steele toma fragmentos de sus vidas reales para devolverles la voz. Georgina Rábago nos explica el contraste entre la versión shakesperiana y las fuentes históricas:

“A mí me parece bien interesante el discurso de Judy Steel, que es la dramaturga de esta obra. Toma a estos dos personajes que existieron en la realidad y que pasan primero por la visión de Shakespeare, entonces él cuenta su propia versión acerca de ellas. Y Judy lo que hace es tomar fragmentos de la vida de ellas y, desde su visión, reivindicar a estas dos mujeres que nuestro grandioso Shakespeare pone como... A ver, ¿no? Porque lo que hace Shakespeare es contar una historia completamente distinta. Gertrudis, una mujer lujuriosa, decide que se casará con el hermano de su esposo, que era el rey Hamlet. Y entonces lo apoya para cometer el crimen y poderse casar y poder ser libre para vivir la vida sexual que ella quiere. Y eso no es la realidad.”

La fuente alternativa está en la leyenda escandinava del príncipe Amleth, que el propio Shakespeare adaptó para crear Hamlet. Georgina señala que la película El hombre del norte, protagonizada por Nicole Kidman y Willem Dafoe, se acerca más a esa versión:

“La realidad está más apegada a la visión de la leyenda escandinava. Incluso hay una película que protagoniza Nicole Kidman y Willem Dafoe, que se llama El hombre del norte. Entonces, ahí nos cuentan la verdadera historia del príncipe Amleth, que Shakespeare denomina Hamlet. Entonces, Gertrudis cuenta desde su visión cómo fue necesario tomar ciertas decisiones porque ella estaba siendo víctima de abuso y de violencia, que no es la historia que nos cuenta Shakespeare.”

Lo mismo ocurre con Margaret. La obra la rescata de la imagen de mujer soberbia y sanguinaria que dejó la literatura:

“Desde esta visión feminista, reivindica, por ejemplo, a este personaje, Gertrudis, que se llamaba Gerutha, que es el personaje que hago yo. Y nos cuenta desde sus ojos lo que ella vivió, su relación con su marido, con el hermano de su marido e incluso con su hijo, que es el príncipe Amleth. De la misma manera, nos cuenta Judy desde los ojos de Margaret. Cómo la historia no le está haciendo justicia, la literatura universal no le está haciendo justicia. Porque la ponen como una mujer soberbia que tomó decisiones impulsivas porque era muy niña y la pintan como si hubiera sido una mujer sanguinaria, cuando ella fue víctima verdaderamente del horroroso Ricardo III.”

“Hay un temor a esa energía creadora”

Goergina Rábago va más atrás para explicar por qué la literatura y la cultura han tendido a convertir a las mujeres complejas en villanas. Conecta esa tendencia con siglos de pensamiento patriarcal y con la persecución histórica de las mujeres que ejercían poder:

“Estamos apenas en pañales iniciando la deconstrucción de todo un sistema hegemónico patriarcal. Es todo un pensamiento de siglos, no de años, de siglos. Es un pensamiento que está arraigado desde siglos. ¿Por qué llamaban brujas a las mujeres y las quemaban? Por no querer reconocer el poder femenino, ¿no? Entonces, todo aquello que mostrara inteligencia, sensibilidad, suspicacia, capacidad.Porque no es lo mismo ser bruja que ser maga. Una mujer es maga porque una mujer construye, crea, y crear es igual a hacer magia. Todas las artes manuales que desde toda la vida las mujeres hemos tenido, ¿no? Todo lo que tiene que ver con lo femenino pensante es rechazado y denominado oscuro. Sinónimo de brujería. Y entonces hay que destruir a las mujeres porque su intuición es tan grande, su energía creadora puede ser tan grande, que siento que hay un temor a esa energía creadora. Esa energía femenina. Y por eso se les reduce a malvadas, a villanas, crueles y brujas.”

Georgina Rábago: “Dudo mucho que exista un personaje que no se parezca nada a un actor”

La actriz rechaza la idea de que un personaje pueda ser ajeno a quien lo interpreta. Sostiene que la complejidad humana hace inevitable el reconocimiento, y que la honestidad con la propia historia de vida es la herramienta central del oficio:

“Yo ahí difiero cuando un actor o una actriz dice que un personaje no tiene nada que ver con él mismo, porque supongo que ese actor o actriz no se conoce muy bien a sí mismo. Porque creo que tenemos tantas capas de complejidad que tenemos que ir descubriendo. El mejor actor es el actor que más se conoce a sí mismo. No somos ni buenos ni malos. Somos muy buenos y muy malos y medianamente buenos. Y a veces somos compasivos y a veces somos tiranos y a veces tenemos los pensamientos más oscuros y a veces tenemos los pensamientos más luminosos. Todos tenemos de todo. Y si hurgamos verdaderamente con honestidad dentro de nuestra historia de vida, nos podemos dar cuenta de que seguramente hemos pasado por situaciones tal vez no iguales a las del personaje, pero sí similares. No necesito meterme heroína para entender cuántas veces puedo estar en un estado alterado de conciencia mediante alguna situación que me lleve a un estado límite. Entonces, yo creo que todos los personajes que he hecho, incluyendo a Gerutha, tienen mucho de mí. Porque no tengo quince años, porque soy una mujer de casi cuarenta y nueve y puedo reconocer que hay muchas cosas que yo he transitado, tal vez no de la misma manera, similar. Y que soy un mundo complejo de emociones y pulsiones, desde las más luminosas hasta las más oscuras. Entonces, dudo mucho que exista un personaje que no se parezca nada a un actor.”

Sin expectativas antes del estreno

De cara a las funciones del 8 y 9 de agosto, Rábago descarta anticipar reacciones del público. Para ella, esperar un resultado es incompatible con el trabajo actoral:

“Es que cuando esperas ya no estás viviendo el momento presente. Es decir, un actor, si está esperando un resultado de un público, no está en presente constante. Y para poder actuar necesitas estar en presente constante y no esperar nada. Solamente así surgen las grandes obras de arte. No estás esperando y estás en presente. Actuar es un eterno mindfulness. Entonces, si yo voy predispuesta a que espero que las mujeres lloren, que los machistas se enojen o espero que esto conmueva, pues entonces lo que estoy buscando... Y actuar no son resultados, son procesos. Y para obtener un proceso necesitas estar en el presente constante, en el aquí y en el ahora. ¿Qué espero? Nada. Tocar conciencias, nada más.”

Gerutha & Margaret se presenta en el Foro Shakespeare los días 8 y 9 de agosto a las 19:00 y 18:30 horas, respectivamente. El elenco lo completan Natalia Traven y Georgina Rábago.

Lejos de la clandestinidad o el tabú con el que la sociedad suele rodear el universo erótico, su espacio de encuentro se percibe como un lugar de escucha, exploración y pedagogía.

A los 16 años limpiaba las habitaciones de un cabaret sin ver a un solo cliente. A los 25 convirtió la frialdad de su profesión y, gracias a un anuncio buscando “hombres sensibles”, transformó su camino. En una charla íntima con Infobae, Gabriela repasa su trayectoria, el acompañamiento a personas con discapacidad y el desafío constante de derribar la infantilización.

-¿Cómo llegaste a ser trabajadora sexual?

-En principio, siempre me llamó mucho la atención todo el mundo de lo sensual, de lo erótico. Me acuerdo de haber visto en la televisión películas de ISAT. Pasaban un par de series de ISAT donde les hacían entrevistas a trabajadoras sexuales; había un programa en particular donde un taxista las entrevistaba y después otro ambientado en una mansión con diferentes trabajadoras.

-¿Qué edad tenías cuando veías eso?

-Tenía como unos ocho años, una cosa así. Yo miraba esas cosas a esa edad, a escondidas, con mis viejos durmiendo. Creo que ya había todo un universo que se iba generando en mi cabeza sobre lo que era posible, ¿no? Y esa fue básicamente la construcción de mi Educación Sexual Integral (ESI); mi ESI fue por ahí. Después llamaba por teléfono, porque en esa época —tengo 40 años— había números para llamar y tener conversaciones eróticas con trabajadoras sexuales. Yo llamaba y las escuchaba, hasta que en un momento decía “hola”, se daban cuenta de que estaban hablando con una niña y me cortaban. Todo ese mundo me llamaba mucho la atención. Luego, con unas amigas, encontramos un anuncio que buscaba chicas para trabajar en un boliche para limpiar. Fuimos con la idea de ir a limpiar, pero cuando llegamos era un lugar que funcionaba como cabaret. Nosotras efectivamente solo limpiábamos ahí.

-En ese momento ya eras más grande.

-Claro, teníamos unos 16 años. Limpiábamos a la tarde y las chicas trabajaban a la noche. Nosotras nunca vimos a las chicas; solamente nos contactábamos con el dueño, que nos decía que limpiáramos las habitaciones y la parte del bar. Veíamos todo ese mundo y el resto era imaginación. Nunca vimos un cliente a esa edad ni conocimos a ninguna de las chicas, pero conocíamos su ropa, las camas y las botas. Todo eso ya me despertaba el cuestionamiento de cómo sería ese mundo. No estaba incursionando en el trabajo sexual como tal de ponerle el cuerpo o la mente; era simplemente ir a limpiar un boliche.

-¿Y a qué edad empezaste a ejercer el trabajo sexual?

-Ya como a los 25 años, más o menos. Ya era más grande.

-¿Y empezaste por necesidad económica o por elección propia?

-Un poco las dos cosas. Yo creo que sí. Porque, por un lado, el trabajo sexual tiene esta posibilidad que pocos empleos tienen: te pueden pagar bastante dinero en poco tiempo. No es algo fácil, pero el tiempo en el que se ejerce es poco en relación con lo que te pagan. Es uno de los pocos laburos que se puede hacer de esa manera. Y no es fácil para nada; mientras más lo voy ejerciendo y más herramientas tengo hoy en día, me doy cuenta de que no es tan sencillo.

-Ahora estamos en tu espacio, donde llevás a cabo los encuentros. ¿Les das la posibilidad a tus clientes de pactar en su propia casa o en el espacio que ellos propongan?

-No, solamente acá. Porque además, cuando encontré este espacio, a diferencia de otros lugares donde yo había trabajado —que tenían escaleras o cosas que resultaban inaccesibles para personas en silla de ruedas o con otras dificultades—, la mirada estuvo puesta en la accesibilidad. Me importaba que pudiera entrar una persona, ir al baño y moverse por el espacio con comodidad. Eso hizo que puedan venir todas las personas.

-¿Cuánto tiempo pasó desde que empezaste a ejercer hasta que decidiste especializarte en la atención a personas con discapacidad?

-Pasó re poco tiempo. Yo trabajé en este espacio, en el cabaret, pero después se cerraron todos los cabarets en Argentina por la Ley Antitrata, que no diferencia la trata de personas de lo que es el trabajo sexual. Se cerraron todos y nos quedamos sin trabajo un montón de mujeres. De ahí continúo mis estudios: soy titiritera y profesora de teatro. Ejerzo ese trabajo también, pero no me alcanzaba económicamente para sostenerme. Requería volver a ejercer el trabajo sexual, pero a mí me pasaba en el cabaret que no tomaba alcohol ni cocaína. No tomar alcohol ni consumir era estar fuera de la onda, porque es muy típico que en esos espacios se sostenga el trabajo desde ahí. Como no me interesaba ni tomar cocaína ni alcohol, pensé en armar un anuncio que decía “trabajadora sexual para hombres sensibles”. Ahí empezaron a escribirme personas que, sin mencionar la droga, buscaban algo de lo que yo podía dar en ese momento, y empezaron a contactarme personas con discapacidad.

-¿Hubo alguna experiencia puntual que te llevó a tomar esa decisión?

-Creo que cuando me escribió el primer cliente con discapacidad. Me dijo: “Mirá, yo estoy en silla de ruedas”. Ahí fue una decisión decir: “Bueno, no, disculpame, pero yo no trabajo con personas con discapacidad”, que era una opción, o decir: “Bueno, dale. ¿Dónde vivís? Si querés voy hasta tu casa”. Ahí sí me acerqué. Un ratito antes me mandó un mensaje diciendo que no se había podido bañar porque no había ido su asistente. Le dije que no se preocupara, que yo lo bañaba. No era parte de mi servicio, pero lo armé ahí en función de un armado nuevo de trabajo. Llegué, me mostró su baño adaptado, lo bañé y después fuimos a su habitación y tuvimos sexo, todo muy estandarizado. Continué trabajando un tiempo con él y después apareció otra persona a la que le faltaba un brazo, luego personas con síndrome de Tourette, esquizofrenia o autismo. Empezaron a aparecer discapacidades más complejas de abordar. Empezó a correrse la voz de boca en boca de que yo trabajaba con personas con discapacidad y me empezaron a escribir padres y madres. Ahí me di cuenta de que la situación se ponía cada vez más seria.

-¿Por qué te escribían los padres?

-Porque veían esa necesidad en sus hijos y querían ayudarlos a atravesar esa experiencia sexual o su primera vez, así es como lo ven.

-Te referís a padres con hijos que tienen una discapacidad cognitiva.

-Exactamente, más que nada con personas con síndrome de Down. Son personas que han tenido un intercambio o en algún momento se pasan con la profesora en la escuela. Hay algo que ellos no lo pueden controlar y no saben qué hacer en esa situación. Como ya vienen de una situación donde tienen asistente terapéutico y acompañante para distintas áreas, se dan cuenta de que necesitan a alguien que cubra esa otra dimensión.

-¿Cómo es la conversación con esos padres?

-Me di cuenta desde el principio de que no podía ser igual que con otros clientes. Teníamos sí o sí que tener un intercambio previo entre los padres, el hijo y yo. Nos encontramos en un lugar neutro, un café, para charlar con el padre, la madre, incluso con un psicólogo si lo requieren, y con la persona con discapacidad. Es un café para que nos conozcamos, sepan con quién va a estar su hijo y para que yo tenga el derecho a evaluar si voy a poder trabajar con esa persona. También para que el cliente pueda elegir si quiere tener un intercambio conmigo. Se dan situaciones de mucha apertura donde los padres lloran al sentir que pueden hablar con alguien que los trata con respeto. Pero si noto que la persona no comprende lo que estamos hablando, no tomo el trabajo. Necesito garantizarme no solo el consentimiento, sino que la persona pueda comunicarme —incluso con un gesto— si le gusta o no lo que hacemos. No puedo arriesgarme a hacer algo que a la persona no le agrada. Por otro lado, la trabajadora sexual no es el único recurso. Hay que empezar a mirarnos desde otro lugar, por fuera de la hegemonía. Mi trabajo específico es un acompañamiento, un proceso. La primera vez puede ser simplemente charlar, hacer un masaje con ropa o generar un acercamiento físico progresivo. Con un chico con síndrome de Down y dificultades del habla, armé una pizarra para que él se pueda comunicar conmigo con símbolos, y le mostraba imágenes cuidadas de masajes eróticos para ayudarlo a abordar su universo erótico personal. Y como le gustaba bailar, ensayábamos formas de sacar a bailar a alguien de manera respetuosa, trabajando la mirada y el contacto visual como parte del aprendizaje del consentimiento.

-¿Cuáles son tus límites? ¿De qué depende que aceptes o no un encuentro?

-Otro de mis aspectos como trabajadora sexual es el de dominatrix —que se relaciona con las prácticas sexuales no convencionales— mi límite principal es mi propio cansancio o no ver sangre. Me gusta ejercer la dominancia, el juego de roles y el acercamiento al dolor controlado, pero no me gusta ver sangre ni marcas extremas en el cuerpo. Cuando hago prácticas como el spanking (golpear), aviso si se generan marcas. Después, el límite también puede ser el cansancio o que me aburra.

-¿Tenés una cantidad estimada de encuentros por semana?

-Puede ser un mínimo de tres sesiones en una semana o un máximo de tres sesiones por día.

-¿Cómo hacés para despegarte emocionalmente después de un encuentro?

-Cada situación me hace a la persona que soy. Me pego una ducha y ya terminó todo, sigo con lo mío. A nivel protocolar no envío mensajes posteriores; la persona me vuelve a contactar recién cuando quiere coordinar la próxima sesión.

-Al estudiar teatro, ¿hay algo de actuar un rol o disociarte de quien sos en el momento del encuentro?

-Es 100% auténtico. Por eso envío una lista con las prácticas que me encantan. Puede ser que ese día tenga menos ganas de hacer una práctica. Estoy ejerciendo algo que yo elijo. Me encanta este trabajo.

-¿Te pasó que algún cliente desarrolle afecto o se enamore de vos?

-Sí, me ha pasado, por más que aclare todo el tiempo que es un trabajo. Cuando surge un cariño recíproco, lo recibo con respeto. Si me dicen “te quiero” o “te amo”, agradezco ese cariño, pero mantengo el encuadre claro y me lo tomo con simpatía. Por suerte nunca me tocó tener acosadores.

-¿Cómo reaccionó tu entorno íntimo cuando contaste que eras trabajadora sexual?

- Mi mamá se preocupó mucho porque pensó que estaba metida en la droga; recuerdo abrazarnos y llorar juntas. Una psicóloga me dijo que tenía que dejarlo inmediatamente porque me iba a hacer mal, así que dejé a la psicóloga. Mi papá, antes de morir, me dijo que estaba muy orgulloso de mí. Con mis amistades hubo de todo: algunas se alejaron y otras se interesaron demasiado. Dejé de vincularme con personas que me cosificaban por ser trabajadora sexual.

-¿Cuál creés que es el mayor prejuicio social sobre la sexualidad de las personas con discapacidad?

-Infantilizarlos y pensar que no tienen sexo. Pasan de la condescendencia del “son tan lindos” al rechazo o la repulsión cuando manifiestan su deseo. Eso es lo peor de todo.

-¿Qué es lo que más te gustaría que la gente entendiera sobre tu oficio?

-Sería precioso que se comprendiera que el estigma y el juicio no suman. El prejuicio me condicionó durante muchos años en los que estuve en el clóset. Este es un trabajo como cualquier otro.

El Centro Nacional de las Artes (Cenart) dio a conocer su programación para agosto de 2026, un mes en el que ofrecerá una amplia oferta cultural integrada por teatro, música, danza, literatura, exposiciones inmersivas y actividades académicas enfocadas en la inteligencia artificial (IA).

Durante la presentación oficial, realizada en la Plaza de las Artes, autoridades del recinto destacaron que el objetivo es acercar propuestas artísticas contemporáneas y de gran calidad a públicos de todas las edades, además de consolidar al Cenart como uno de los principales espacios culturales del país.

La agenda de agosto llega después de un exitoso primer semestre para el recinto. De acuerdo con Raúl Uribe, director de Programación Artística del Cenart, entre enero y junio se realizaron 518 actividades, entre ellas el Festival Eurojazz, el Festival Internacional del Libro de Aventuras, Universos Diversos y Más allá del arcoíris, que reunieron a 200 mil 584 asistentes.

¡Agosto llega con una programación imperdible al Cenart! 🫦 👉 Consulta todas las actividades en nuestra página: https://t.co/h2j4ck1ipy pic.twitter.com/1DHF5jlkJM

— Centro Nacional de las Artes (@cenartmx) July 30, 2026

Inteligencia Artificial protagoniza el mes de agosto

Uno de los temas centrales de agosto será la inteligencia artificial, que tendrá una programación especial organizada por el Centro Multimedia del Cenart, encabezado por Adriana Casas.

La actividad más destacada será la exposición “Memorias Orgánicas Oaxaca”, un proyecto audiovisual e inmersivo que explora la relación entre la memoria, el territorio y la identidad mediante tecnologías como el escaneo tridimensional, la fotogrametría y el registro sonoro.

La muestra podrá visitarse en la Galería Manuel Felguérez del 20 de agosto al 25 de octubre.

También se realizarán actividades académicas para reflexionar sobre el impacto de la IA en la creación artística, entre ellas:

• Conversatorio: ¿Quién le teme a la IA feroz (y cómo domarla)?
• Taller: Máquina vs. Escritores, enfocado en el uso de inteligencia artificial para la creación literaria.
• Taller: Cine sin autor con IA, dedicado a la experimentación audiovisual mediante herramientas de IA.

Programación de teatro en agosto 2026

El teatro será uno de los ejes principales de la programación del mes con dos montajes de reconocidos dramaturgos internacionales.

“El Final”, de Samuel Beckett

Del 8 de agosto al 5 de septiembre, el Foro de las Artes albergará una breve temporada de El Final, texto de Samuel Beckett protagonizado por el primer actor Arturo Ríos.

La obra sigue la historia de un anciano expulsado de un asilo que enfrenta la soledad y la incertidumbre mientras reflexiona sobre la condición humana.

Durante la presentación, Arturo Ríos señaló que se trata de un clásico que aborda problemas universales y consideró que esta temporada representa una gran oportunidad para acercar la obra del dramaturgo irlandés al público mexicano.

“Madre Coraje y sus hijos”, de Bertolt Brecht

Otra de las producciones más esperadas será Madre Coraje y sus hijos, del dramaturgo alemán Bertolt Brecht, dirigida por Luis de Tavira.

Las funciones se realizarán del 13 al 30 de agosto en el Teatro de las Artes.

La puesta en escena, interpretada por la compañía Telón de Arena, originaria de Ciudad Juárez, retrata los efectos devastadores de la guerra desde la perspectiva de una comerciante cuya supervivencia depende del conflicto armado.

La actriz Perla de la Rosa explicó que la obra mantiene plena vigencia porque ofrece una “radiografía del negocio de la guerra”, un tema que, aseguró, sigue siendo relevante en el contexto internacional actual.

Conciertos, danza y literatura

La música también ocupará un lugar destacado dentro de la cartelera.

Uno de los eventos principales será el concierto de la Orquesta Moderna, dirigido por Rosino Serrano, que presentará íntegramente sus nuevas producciones discográficas Coalescencia y Alma el 9 de agosto en el Auditorio Blas Galindo, con la participación especial del pianista Alex Mercado.

El director destacó que pocas veces una agrupación interpreta dos álbumes completos en un mismo concierto, por lo que calificó la presentación como una noche especial para los seguidores del jazz contemporáneo mexicano.

En el ámbito de la danza sobresale el Festival Internacional de Danza Contemporánea de la Ciudad de México, que se llevará a cabo del 6 al 9 de agosto, además de Festina Lente, creación de la coreógrafa sonorense Daniela Urías, con funciones los días 15 y 16 de agosto en el Teatro Raúl Flores Canelo.

La programación literaria contempla el encuentro con el escritor Juan Villoro, quien participará el 12 de agosto en el Club de Lectura, dentro del Aula Magna José Vasconcelos.

Asimismo, el público podrá asistir al concierto “Bolero, historias que conquistan”, el 15 de agosto, así como a la presentación de Yucatán A Go Go, programada para el 16 de agosto, como parte de las celebraciones por el 30 aniversario del programa Alas y Raíces.

Actividades para niñas y niños en agosto

La programación también incluye propuestas dirigidas al público infantil.

Niñas y niños de entre 9 y 13 años podrán participar en el taller “Sonidos cuánticos: música del mundo visible”, desarrollado por el laboratorio Ecologías de imaginación.

La actividad busca acercar conceptos básicos de computación cuántica mediante dinámicas de experimentación sonora, juegos y metodologías STEAM, combinando ciencia, arte y tecnología de forma accesible.

Con esta cartelera, el Centro Nacional de las Artes apuesta por una programación que combina grandes clásicos del teatro universal, música contemporánea, danza, literatura y experiencias inmersivas vinculadas con la inteligencia artificial, ofreciendo una de las agendas culturales más completas para agosto de 2026 en la Ciudad de México.

Mis obras comienzan con una escritura precisa. Me toma un buen tiempo crear y luego pulir cada material hasta decidir que está a punto para llevarlo a la escena. Siete estaciones para hablar de amor la escribí durante el 2020, ese año tan particular en el que estuvimos encerrados y el tiempo se ampliaba de formas inesperadas. Leyendo muchos de los cuentos de Antón Chéjov, llegué a “Del amor”, una historia que se desarrolla a partir de una pregunta sin una respuesta clara: ¿Qué es el amor?, ¿Cómo elegimos de quién nos enamoramos?. Evidentemente esa pregunta me interpeló y decidí tomar ese cuento como punto de partida para mi nueva escritura.

Pero claro, sucedía en Rusia a finales del siglo XIX y aquello me resultaba atractivo, pero lejano. Me apareció entonces la imagen de una parte de mi familia. La de las raíces rusas, que se vino para Argentina escapando de los malos tratos de aquel imperio y se instaló en el campo, en el Chaco, buscando un pedazo de tierra que labrar. Para ellos, la lectura, el estudio y la música eran fundamentales. Labrar la tierra era la fuente para poder instalarse en la ciudad y asistir a la universidad. Así fueron llegando, de a uno los hermanos, a nuestra querida Buenos Aires. Eran los del campo, un poco salvajes y otro tanto refinados. Habían vivido entre caballos y vacas, pero estudiaban medicina y tocaban el violín. Esos relatos que tanto me habían contado me invadieron en imágenes y situaron la obra.

Así se instala Siete estaciones para hablar de amor en una Buenos Aires de 1920 que se está poblando con ilusión y promesa de una tierra próspera. En aquel tiempo en el que “el granero del mundo” invitaba a nuevos habitantes a instalarse y a hacer suya la patria. Un tiempo con ilusión y palabra de bonanza, pero también con decepciones por labores que no eran bien pagos, de condiciones indignas de trabajo, de cierta desigualdad que se iba haciendo notar entre patrones y empleados, entre obreros y dueños de la tierra.

En medio de la escritura, investigando acerca de esa época, busqué noticias en aquellos diarios. Resulta que muchas de esas noticias parecían escritas en la actualidad. El tiempo había avanzado cien años, pero algunos problemas sociales y económicos seguían siendo casi los mismos. En ese momento se alinearon los ingredientes y comencé a construir esta historia en el papel. El amor, la historia argentina y el contexto social como hilos conductores de este material.

Así apareció el espacio. Todo sucede en la terraza de una casona en Buenos Aires a inicios del siglo XX. El piso damero y una baranda que linda con parques arbolados y da a un precipicio. Allí van transcurriendo estas siete estaciones, entre las que se denota el paso del tiempo. Y en ese tiempo se va tejiendo la trama. Lo que comienza como una amistad, va mutando en amor. Los conflictos sociales que solo inquietan a uno, comienzan a inquietarlos a todos. Lo que parecía un juego, se les va escapando de las manos. Y quien parecía tener todo bajo control, se da cuenta que no puede controlar nada.

Siete estaciones para hablar de amor es una comedia melodramática. Se juega con nuestras raíces desde el relato, pero también desde las huellas culturales. La música recorre canciones populares, payadas y una zamba romántica y melancólica. El material busca teñir con su clima, con su alegría y con su tristeza. Tiene tres personajes interpretados por un elenco preciso: Carlos Belloso, Laura Nevole y Manuel Vignau, con quienes trabajamos para construir estas criaturas que tienen el desafío de jugar en el pasado para significar en el presente. Al jugarse hace más de cien años, el trabajo con la palabra es fundamental. La búsqueda no es reproducir aquello que sucedía, sino reinterpretarlo y crear una forma nueva. Del mismo modo decidimos encarar la escenografía y el vestuario. Es una inspiración, una evocación. Como cuando leemos e imaginamos a nuestro gusto.

La obra requiere de mucha precisión en los intérpretes. También de mucha osadía. La búsqueda desde el lenguaje y desde el juego para construir esta obra que es un cuento, una lucha de clases, una historia de amor.

*Siete estaciones para hablar de amor se presenta los lunes a las 20 en el Teatro del Pueblo (Lavalle 3636, CABA).

Kenneth Branagh tenía 23 años cuando pisó por primera vez las tablas de la Royal Shakespeare Company en Stratford-upon-Avon, Inglaterra, interpretando el papel principal en una producción de Enrique V en 1984. Tras tres años en la compañía, dirigió y protagonizó una importante adaptación cinematográfica de la misma obra, que le valió dos nominaciones al Oscar y lo convirtió en una figura muy conocida a nivel mundial.

Más de cuatro décadas después de su debut, Branagh regresa a Stratford para participar en dos producciones consecutivas de clásicos de Chéjov y Shakespeare, ambas con temas que resuenan sutilmente con su propia historia en la RSC.

El jardín de los cerezos, que se estrenó la otra semana, narra historias de regresos y partidas, de recuerdos ligados a un lugar y del inexorable paso del tiempo. En una nueva interpretación de la obra de Chéjov a cargo de la dramaturga Laura Wade —dirigida por Tamara Harvey y en cartelera hasta el 29 de agosto— Branagh interpreta al emprendedor hecho a sí mismo Lopakhin, quien visita la finca donde su padre trabajó como siervo e insta a su dueña, Madame Ranyevskaya (Helen Hunt), agobiada por las deudas, a vender su propiedad para aliviar sus problemas financieros.

Tras cinco años en París, ha regresado a la casa familiar y su nostalgia la paraliza, incapaz de aceptar la sugerencia de Lopakhin de derribar su querido huerto y construir casas de campo en su lugar. Mientras ella se regodea en la nostalgia, él le suplica secamente: “¡Piénsalo!“.

En consonancia con el tema de las raíces que se revisitan, Branagh interpreta a Lopakhin con el marcado acento norirlandés de su infancia en el Belfast obrero. (Branagh y su familia se mudaron a Inglaterra cuando él tenía 9 años, y posteriormente adoptó un acento inglés).

Si su Lopakhin se presenta más como un gerente de banco preocupado que como un negociante rapaz, no es algo malo. Su genuina preocupación trasciende el interés propio y cumple con la condición de Chéjov (en una carta de 1903 al director de teatro ruso Konstantin Stanislavski) de que el personaje sea “una persona decente en todo sentido”. Lopakhin puede ser un comerciante ambicioso, pero también es —al menos en este caso— una voz de la razón.

Eso se debe a que Ranyevskaya y su séquito están en apuros. Intentan, con una frustración conmovedora, aferrarse a su dignidad en circunstancias difíciles, algo que se transmite sutilmente a través de las paredes verdes descoloridas y las tristes lonas que cubren el suelo, propias de la escenografía de Anna Fleischle.

Su difícil situación está delicadamente plasmada por un elenco talentoso. Destacan Bill Pullman como Gaev, el hermano de Ranyevskaya, un personaje rígido, locuaz y de vestimenta excéntrica (cuando declara que se ha gastado toda su fortuna en dulces, podemos creerle). Pishchik, interpretado por Guy Henry, es un parásito ingenioso y afable que no desentonaría en una novela de P.G. Wodehouse, y Michael Elwyn capta a la perfección el patetismo de la vejez del sirviente Firs, quien cree que la emancipación de los siervos fue el origen del fracaso de la sociedad rusa.

En conjunto, tienen algo de manicomio. Así que, en última instancia, es lo mejor cuando un Lopakhin ebrio de champán irrumpe en la escena culminante de la obra y anuncia, con su acento de Belfast aún más marcado por la embriaguez, que el huerto se ha vendido en subasta. Al preguntarle quién lo compró, responde con un tono arrastrado, a la vez triunfal y tímidamente avergonzado: “¡Ayyyy!“ (yo).

Para la mayoría de estos personajes, el final de la obra representa la oportunidad de un nuevo comienzo. En esto, como en el ascenso de Lophakin del anonimato a la fama, vemos ecos de los inicios de la carrera de Kenneth Branagh. En sus memorias de 1991, Beginning, recuerda cómo dejó atrás su acento norirlandés para triunfar en el mundo de la actuación y desvela las tensiones que lo llevaron a abandonar la Royal Shakespeare Company en 1987. Su tiempo en Stratford fue formativo profesionalmente, pero turbulento. Tuvo conflictos con la dirección por la carga de trabajo y el salario, y finalmente sintió que debía marcharse para prosperar.

Esa decisión parece haber dado sus frutos, y regresó a la compañía este julio como caballero. De hecho, su interpretación del mago Próspero en La tempestad tuvo una cualidad serena, casi majestuosa, que se mantuvo en cartelera durante cinco semanas antes del estreno de El jardín de los cerezos.

En la que fuesu primera aparición en un escenario de la Royal Shakespeare Company desde que interpretara a Hamlet allí en 1992-93 , Branagh subió al escenario con una capa de mago, sacó una varita de maestro y procedió a dirigir la tormenta que abre la obra, dispersando a un grupo de nobles y miembros de la realeza náufragos en la isla encantada de Próspero.

Aquí, como en El jardín de los cerezos, el personaje era el agente del cambio. Próspero domina la isla y a sus habitantes: el espíritu Ariel (Amara Okereke), su sirviente esclavizado, Calibán (Ashley Zhangazha), y su hija Miranda (Ruby Stokes). Pero ejerce su influencia con una magnanimidad que es a la vez serena y benevolente.

Cuando Miranda, al despertar de su letargo, se quejó de una “pesadez”, Branagh movió las caderas mientras la animaba juguetonamente a “¡sacudirse la pesadez!”. Fue un raro momento de desenfreno en una actuación estudiadamente contenida.

Si bien la interpretación en esta producción, dirigida por Richard Eyre, fue notablemente sobria —hasta el punto de ser casi imperceptible en ocasiones—, esto se compensó con el sonido y las imágenes, con una magnífica escenografía naranja y azul de Bob Crowley, que evocaba el sol y el mar, y el vestuario de Fotini Dimou.

Fragmentos de música interpretada con instrumentos tradicionales de África Occidental aludían a una alegoría poscolonial, al igual que la total ausencia de salvajismo en el Calibán de Zhangazha, que parecía un simple contable de barrio. La obra le devolvió su humanidad incluso antes de que Próspero lo liberara a él y a Ariel en una escena final elegantemente representada.

Branagh se arrodilló para renunciar a la “magia tosca” de Próspero, antes de partir por la mitad su batuta de director, romper sus partituras y marcharse. El telón se desvaneció, dejando al descubierto la zona entre bastidores, y el hechizo se rompió.

La tempestad fue la última obra de Shakespeare, al igual que El jardín de los cerezos lo fue de Chéjov. Al yuxtaponerlas, sus cualidades elegíacas resuenan con mayor fuerza, por lo que resulta tentador ver el regreso de Kenneth Branagh a su antiguo territorio como una despedida sentimental. Pero solo tiene 65 años, y a juzgar por lo visto, aún le queda mucho por ofrecer.

Fuente: The New York Times

[Fotos: Johan Persson/ The New York Times]

Veinte años después de convertirse en uno de los musicales más importantes en la historia del teatro en México, Hoy No Me Puedo Levantar regresó al Centro Cultural Teatro 1 con una temporada especial que reúne nuevamente al elenco original de 2006. El espectáculo revive la historia que conquistó a miles de espectadores, ahora como un homenaje a quienes dieron vida a sus personajes desde la primera temporada.

Con este reencuentro también regresó José Daniel Figueroa, quien vuelve a interpretar a Guillermo, uno de los personajes más recordados del montaje inspirado en las canciones de Mecano. En entrevista con Infobae México, el actor compartió cómo vivió este regreso, qué ha cambiado en él después de dos décadas y por qué considera que la historia sigue conectando con públicos de todas las edades.

Además de recordar los primeros años del fenómeno teatral, José Daniel habló sobre la responsabilidad de regresar al escenario junto a Alan Estrada, Fernanda Castillo, Luis Gerardo Méndez, Valeria Vera, Erika Tahís, Rogelio Suárez, Gerardo González y Jannette Chao, quienes vuelven a reunirse para esta temporada conmemorativa.

“Fue como un prom”: el reencuentro del elenco original 20 años después

La noticia del regreso llegó mientras José Daniel grababa una telenovela fuera de la Ciudad de México. Aunque la emoción apareció de inmediato, también surgió la incertidumbre por la posibilidad de no poder ajustar los tiempos. “Lo primero que me entró fue angustia, pensar si iba a poder, pero después entendí que los tiempos son perfectos y todo se acomoda como se debe acomodar”, recordó.

El actor reveló que la idea de reunir nuevamente al elenco llevaba años rondando entre algunos integrantes del musical. Incluso confesó que hace una década intentó organizar un reencuentro junto con Valeria Vera, aunque en aquel momento no fue posible reunir a todos los protagonistas. Ahora, destacó el trabajo realizado por Alan Estrada, Fernanda Castillo, Alejandro Gou y el resto del equipo para hacer realidad este homenaje. “Es una producción impecable. Es algo muy grande y muy cuidado”.

Uno de los momentos más especiales para él ocurrió al descubrir que volvería a ocupar el mismo camerino que utilizó hace dos décadas. “Ahora me toca ocupar el camerino que ocupaba hace veinte años. Todo eso se vuelve muy mágico y muy hermoso. Cuando menos cuenta te das, pasaron veinte años”, comentó entre risas.

José Daniel explica cómo cambió Guillermo con el paso del tiempo

Aunque el personaje es el mismo, José Daniel reconoce que hoy lo interpreta desde un lugar completamente distinto. El actor asegura que la experiencia acumulada durante estos años transformó por completo su manera de entender a Guillermo y también su propia historia.

“Me están cayendo muchos veintes. Aprendí a no avergonzarme de lo que soy, a sentirme orgulloso de cada célula y cada átomo que comprende este ser humano. Eso me enseñó Guillermo”, expresó durante la conversación.

También recordó que cuando estrenaron el musical en 2006 algunas escenas provocaban reacciones muy diferentes a las actuales. “Había espectadores que gritaban: ‘¡Guácala, qué asco!’ cuando venía un beso entre Guillermo y Mario. Incluso había familias que se salían del teatro”. Dos décadas después, considera que el público ha evolucionado y recibe la historia desde otra perspectiva.

“La nostalgia es tramposa”: así fue construir un homenaje sin quedarse en el pasado

Para José Daniel, uno de los mayores desafíos fue evitar que el montaje dependiera únicamente del recuerdo de quienes lo vieron hace veinte años. En su opinión, el espectáculo tenía que emocionar también a quienes jamás habían visto la obra.

“La nostalgia es bien tramposa porque nuestra memoria acomoda las cosas como quiere. Nosotros no podíamos vivir solamente de eso. Teníamos que ofrecer algo nuevo”, explicó.

Por ello, destacó el equilibrio que existe entre la experiencia del elenco original y la energía del nuevo ensamble. “Los bailarines y los vogueros nos inyectaron toda esa energía joven y nosotros llegamos con la experiencia. Es un intercambio muy bonito”. Incluso definió el montaje con una frase que resume su esencia: “Yo lo describo como un documusical teatralizado”.

La música de Mecano sigue conquistando nuevas generaciones

Uno de los aspectos que más sorprendió al actor fue comprobar que el fenómeno de Mecano continúa vigente entre jóvenes que ni siquiera habían nacido cuando se estrenó la primera temporada del musical.

“La música de Mecano no ha envejecido mal. Ya no solamente habla del amor entre un hombre y una mujer. Habla de la vida, de la libertad, de la existencia y de muchos temas que siguen siendo actuales”, aseguró.

José Daniel contó que esa conexión se percibe desde los primeros minutos del espectáculo. “Pensé que el momento de mayor conexión iba a llegar mucho después, pero desde la primera invitación al público entendimos que la gente quería formar parte del show. Se siente como un megaconcierto”. Incluso destacó que hijos de integrantes del elenco disfrutan hoy las canciones con la misma emoción que el público de hace dos décadas.

De “Maquillaje” a “La fuerza del destino”: José Daniel Figueroa definió el reencuentro con las canciones de Mecano

También participó en una dinámica en la que describió esta nueva temporada de Hoy No Me Puedo Levantar: 20 años después a través de algunas de las canciones más emblemáticas de Mecano. Lejos de responder con una sola palabra, el actor explicó qué representa cada tema dentro del montaje y cómo conecta con este reencuentro.

Sobre “Maquillaje”, aseguró que la relaciona con la diversión y con una nueva manera de contar la historia. “Me parece que está mucho mejor contado ahorita. Maquillaje es ese elemento que te ayuda a potencializar lo que eres desde el fondo de tus entrañas, a divertirte, a pedir auxilio y a sentirte orgulloso de lo que eres", expresó. Mientras que “Mujer contra mujer” la describió como “de las canciones más bellas de Mecano”, además de definirla como “vibrante, sentida, emotiva y nostálgica”, ya que le permite conectar tanto con sus compañeras de escena como con el público.

El actor también habló de “Vivimos siempre juntos”, a la que calificó como una de las composiciones más hermosas de Nacho Cano por ser “tremendamente emotiva, humana, sensorial y de conexión absoluta con el espectador”. En tanto, “El 7 de septiembre” la relacionó con el vínculo que el elenco ha mantenido durante dos décadas. “Es una fecha que siempre recordamos, una fecha muy especial en la que año con año nos mandamos un mensaje y sabemos que todos estamos bien”, comentó. Finalmente, al escuchar “La fuerza del destino”, respondió entre risas: “Es la que nos hizo repetir”, para después resumirla como una canción que habla de “esa sensación de saber que todavía tienes algo sin concluir con alguien”.

El mensaje que José Daniel enviaría al actor que comenzó esta aventura en 2006

Al cierre de la conversación, el actor imaginó que podía encontrarse frente al joven que llegó al casting de Hoy No Me Puedo Levantar hace veinte años.

“Le diría que lo amo mucho y que lo admiro muchísimo por haber tenido el valor de presentarse a esos castings sin conocer a nadie en el medio. Le agradecería esos pantalones para perseguir su sueño”, confesó.

También aseguró que el paso del tiempo le dejó una enseñanza que hoy intenta aplicar dentro y fuera del escenario. “Le diría que no espere tanto tiempo para sentirse orgulloso de quien es. Que abrace todo lo que es, porque eso es lo que lo hace especial”. Una reflexión que resume el espíritu de este reencuentro, donde el elenco original vuelve a reunirse para celebrar una de las producciones más importantes en la historia del teatro musical en México.

La primera semana de agosto llega con una oferta cultural que combina el patrimonio peruano con propuestas internacionales: Shakespeare en Miraflores, danza contemporánea con gastronomía, monólogos de comediantes consagrados y espectáculos infantiles que celebran el fin de las Fiestas Patrias con el folclore como protagonista.

TEATRO

El sueño de una noche de verano

La clásica comedia de William Shakespeare llega con una producción de Éxodo Teatro en coproducción con el Teatro Británico. La obra sigue a cuatro enamorados extraviados en un bosque mágico gobernado por Oberón, rey de los elfos, y su reina Titania, donde el duende Puck desata una cadena de enredos y hechizos. La dirección es de Jean Pierre Gamarra, con escenografía de Lorenzo Albani y un elenco que incluye a Amaranta Kun, Carolina Cano, André Silva, Oscar Yepez, Leonardo Torres Vilar, Alonso Cano, Kareen Spano y Alejandro Tagle. La obra tiene una duración de 110 minutos sin intermedio.

• Lugar: Teatro Británico, Cl. Bellavista 527, Miraflores
• Horarios: Jueves 30 y viernes 31 de julio, y sábado 1 de agosto a las 8 p.m.; domingo 2 de agosto a las 7 p.m.
• Entrada: Desde S/ 55 (tarifa general, con descuentos para estudiantes y adultos mayores). Disponible en Teleticket.

Los inoxidables

La Compañía de Teatro Arturo Escalante presenta esta comedia escrita por Piero Lévano y Renato Piaggio, bajo la dirección de Piaggio. Carlos Victoria, Carlos Thornton y Luis Menezes protagonizan una historia sobre la amistad y el paso del tiempo, con humor criollo y situaciones que oscilan entre lo desopilante y lo entrañable.

• Lugar: Teatro Auditorio Miraflores
• Horarios: Jueves 31 de julio a las 8:30 p.m.
• Entrada: S/ 80. Disponible en Teleticket.

En salsa verde

Por primera vez en escena, los escritos secretos de Don Ricardo Palma —una colección de historias que el tradicionista reservaba para tertulias íntimas— llegan al teatro en un estreno inédito. Las piezas retratan con humor a personajes como Bolívar, Sucre y Castilla, y ofrecen una mirada crítica a actitudes del virreinato, la independencia y los inicios de la república que, según la propuesta, aún tienen vigencia.

• Lugar: Centro Cultural Ricardo Palma, Av. José Larco 770, Miraflores
• Horarios: Viernes 1 y sábado 2 de agosto a las 8 p.m.
• Entrada: Desde S/ 64. Disponible en Teleticket.

Herederos

Un drama familiar con Carlos Thornton, Leslie Stewart, Caroll Chiara, Pedro Olórtegui, Betto Gómez, Tame Dávila, Pau Simons y Oscar Kid. La obra, con dramaturgia y dirección de Paco Varela y producción de X Productora, presenta a una familia sacudida por la enfermedad del padre, cuya proximidad a la muerte revela las verdaderas intenciones de quienes lo rodean. El poder, el amor y la ambición se enfrentan cuando la herencia entra en juego.

• Lugar: Teatro Auditorio Miraflores
• Horarios: Sábado 1, viernes 7 y viernes 14 de agosto a las 8:30 p.m.
• Entrada: S/ 80. Disponible en Teleticket.

Ampay: No vas a parar de reír

Trilce Cavero, Pau Simons y Paco Varela protagonizan este show cómico-musical con dramaturgia de Varela y dirección de Caroll Chiara, producido por La X Productora. La propuesta gira en torno a un triángulo amoroso que deriva en una serie de enredos, con covers que abordan el amor y el desamor. Todas las entradas incluyen bebidas de cortesía.

• Lugar: Capital Restobar, Av. Almirante Miguel Grau 680, Barranco
• Horarios: Sábado 1 de agosto a las 8 p.m.
• Entrada: Desde S/ 55. Disponible en Teleticket.

DANZAS

El siervo — XXXVIII Festival Danza Nueva del ICPNA

El ICPNA presenta la nueva edición de su Festival Danza Nueva con El siervo, a cargo de Angeldemonio Colectivo Escénico. Los asientos son numerados y la boletería en el teatro funciona únicamente los días de función, de 6 a 8 p.m.

• Lugar: ICPNA Miraflores, Av. Angamos Oeste 120, Miraflores
• Horarios: Sábado 1 y domingo 2 de agosto a las 8 p.m.
• Entrada: Desde S/ 30. Disponible en Joinnus.

Wankar: El mito del tambor sagrado

DanSa presenta esta propuesta de Vania Masías y Lucho Quequezana que combina música en vivo, danza contemporánea y tecnología para recorrer la costa, sierra y selva del Perú. La historia sigue el viaje de Inti y Killa en busca de un antiguo tambor sagrado, con expresiones como la Danza de Tijeras, la Marinera, el Son de los Diablos y la danza de los Tulumayos. La experiencia se prolonga en la mesa con un menú degustación de seis tiempos creado por el chef corporativo Cristian Ramírez, que incluye preparaciones como ceviche, causa de altura, juane y tacacho.

• Lugar: DanSa, Av. Rivera Navarrete 2692, Lince
• Horarios: De miércoles a sábado a las 7:30 p.m.
• Entrada: Desde USD 100. Disponible en Joinnus.

CONCIERTOS

Diego Torres — Mi Norte & Mi Sur Tour 2026

Diego Torres lleva al Anfiteatro del Parque de la Exposición su gira Mi Norte & Mi Sur Tour 2026, un recorrido por más de tres décadas de trayectoria que combina sus clásicos con composiciones de su álbum más reciente. El show incluye himnos como Color Esperanza y Tratar de Estar Mejor.

• Lugar: Anfiteatro del Parque de la Exposición
• Horarios: Sábado 1 de agosto
• Entrada: S/ 320 y S/ 377 (con descuento para clientes de Interbank). Disponible en Teleticket.

Yahaira Plasencia — La Patrona en Concierto: Amor, dolor y fiesta

Yahaira Plasencia presenta una nueva edición de su espectáculo en vivo con orquesta, puesta en escena e invitados especiales. El show recorre las distintas etapas del amor a través de su repertorio. El recinto exige un consumo mínimo de S/ 40 por persona.

• Lugar: Centro de Convenciones Bianca, Av. Almirante Miguel Grau 135, Barranco
• Horarios: Miércoles 30 de julio a las 9 p.m.
• Entrada: Desde S/ 49.70. Disponible en Joinnus.

Sebastián Molina — Arjona a la carta

Sebastián Molina rinde homenaje a la obra del cantautor guatemalteco Ricardo Arjona en un formato de alta interacción con el público. Los asistentes pueden solicitar cualquiera de más de 50 canciones del repertorio de Arjona a través de papelitos depositados en una ánfora; Molina extrae uno al azar, interpreta la canción elegida y dialoga con quien la pidió sobre el motivo de su elección.

• Lugar: La Estación de Barranco
• Horarios: Jueves 31 de julio a las 10:30 p.m.
• Entrada: Desde S/ 67. Disponible en Teleticket.

Fiesta Perú — La Peñita

Bajo la dirección de Darío Cavero, esta superproducción en vivo propone un recorrido por la Costa, Sierra, Selva y Altiplano del Perú a través del canto, la danza y el teatro. El espectáculo incluye tondero, huaylarsh y diablada, con músicos en vivo y despliegue escénico.

• Lugar: A confirmar con la producción
• Horarios: Jueves 31 de julio a las 7 p.m.
• Entrada: Desde S/ 43. Disponible en Teleticket.

EXHIBICIONES Y EXPOSICIONES

El Principito L’Expérience

Mall del Sur alberga esta exhibición internacional basada en la obra de Antoine de Saint-Exupéry que llega por primera vez al Perú. El recorrido combina recursos audiovisuales y tecnología para recrear los escenarios del libro, con mensajes sobre la amistad, la creatividad y lo esencial. Está dirigida a personas de todas las edades.

• Lugar: Mall del Sur
• Hasta cuándo: 30 de agosto
• Entrada: Desde S/ 41, pero revisar los descuentos con BBVA y paquetes familiares. Disponible en Teleticket.

‘Herbarios Futuros’

La galería Corriente Alterna presenta ‘Herbarios Futuros: Imaginarios y relaciones con la vida vegetal’, una exposición de arte contemporáneo curada por Carlos García-Montero que reúne obras de siete artistas —Cynthia Malamud, Ilan Valdés, Carmen Reátegui, Melissa Larrañaga, Lucía Monge, Elena Tejada-Herrera y Claudine Plantas— junto a una selección de especies botánicas vivas. Inspirada en el herbario como herramienta de conocimiento, la muestra propone un recorrido donde el arte, la memoria y la ecología se cruzan para explorar las formas en que los seres humanos imaginan, observan y conviven con el mundo vegetal. La coordinación general está a cargo de Lissett Robles.

• Lugar: Corriente Alterna (Av. Paseo de la República 2557, La Victoria) 
• Hasta cuándo: 14 de agosto de 2026 
• Horarios: Lunes a viernes de 9:00 a. m. a 9:00 p. m. | Sábados de 9:00 a. m. a 1:00 p. m. 
• Entradas: Ingreso libre

STAND UP Y MONÓLOGOS

Adal Ramones — Viajando sin maleta

El comediante mexicano Adal Ramones llega a Lima con su monólogo más reciente, un recorrido por las etapas de la vida adulta que aborda el matrimonio, los hijos, la tecnología, la inteligencia artificial y la necesidad de simplificar. Con anécdotas personales y observaciones generacionales, el show reflexiona sobre cómo pasar de cargar con todo a aprender a vivir más ligero.

• Lugar: Teatro Canout, Av. Petit Thouars 4550, Miraflores
• Horarios: Sábado 1 de agosto a las 9 p.m.
• Entrada: Desde S/ 54.50. Disponible en Teleticket.

Las Bandalas 2

Patricia Portocarrero, Katia Palma y Saskia Bernaola regresan al Teatro Plaza Norte tres años después con una mini temporada que combina humor, música y nuevas ocurrencias. El ingreso a la sala abre una hora antes de la función y los asientos no son numerados.

• Lugar: Teatro Plaza Norte, Av. Alfredo Mendiola 1400, Independencia
• Horarios: Miércoles 30 y jueves 31 de julio a las 8 p.m.
• Entrada: Desde S/ 100. Disponible en Joinnus.

Mónica Cabrejos — Doctora Bandida: Terapia de choque

Tras el éxito de su anterior espectáculo, Mónica Cabrejos regresa con un show de humor sobre el amor propio, los vínculos tóxicos y la sanación emocional. Con un estilo directo e irreverente, la propuesta apunta a una experiencia colectiva de catarsis y carcajadas.

• Lugar: La Estación de Barranco
• Horarios: Martes 5, 12, 19 y 26 de agosto a las 8 p.m.
• Entrada: Desde S/ 49. Disponible en Teleticket.

EVENTOS INFANTILES

Lulú y los colores

Ethel Requejo y Aries Córdova protagonizan este espectáculo interactivo para toda la familia, bajo la dirección de Henry Sotomayor García y Luisa Caldas, y con idea original de La Mayu – teatro para niñas y niños. La propuesta fusiona teatro, música en vivo, manipulación de objetos, ilusiones ópticas y canciones originales en un universo donde los peces vuelan y los objetos cobran vida. Apta desde los 2 años; los menores de esa edad no pagan con presentación de DNI. El espectáculo cuenta con sonidos amplificados.

• Lugar: Museo de Arte de Lima (MALI), Parque de la Exposición, Av. 9 de Diciembre 125
• Horarios: Miércoles 30 de julio a las 4 p.m.
• Entrada: Desde S/ 20. Disponible en Joinnus.

Ricitos de Oro y los tres ositos

Versión musical e interactiva del cuento clásico, con momentos de participación del público infantil. La obra narra las aventuras de Ricitos al llegar a la casa de los tres osos —papá, mamá e hijito— y los enredos que se desatan con su llegada.

• Lugar: Jazz Zone, Av. La Paz 656, Pasaje El Suche, Miraflores
• Horarios: Miércoles 30 de julio (función única)
• Entrada: S/ 25. Disponible en Joinnus.

Divertidanza

Divertidanza lleva al escenario una historia donde Kuchi ayuda a Rafa en un proyecto escolar a través de un recorrido por danzas peruanas declaradas Patrimonio Cultural de la Nación: Marinera Norteña, Festejo, Huaylarsh y otras. La obra tiene una duración de 60 minutos y es apta para toda la familia.

• Lugar: Teatro del Centro de la Amistad Peruano China, Av. De la Peruanidad s/n, Jesús María
• Horarios: Viernes 1 de agosto a las 6 p.m. y 8 p.m.; sábado 2 de agosto a las 4 p.m. y 7 p.m.
• Entrada: Desde S/ 72. Disponible en Joinnus.

Casa Warner en Plaza Norte

Plaza Norte alberga la experiencia oficial de Warner Bros. Discovery, con más de 18 salas temáticas y 35 espacios para explorar los universos de Harry Potter, Batman, Superman, Friends, Looney Tunes y Scooby-Doo, entre otras franquicias. Los ingresos se realizan cada 30 minutos.

• Lugar: Plaza Norte
• Horarios: De 11 a.m. a 9 p.m.
• Entrada: S/ 25 (niños) y S/ 45 (adultos) de lunes a viernes; S/ 30 (niños) y S/ 55 (adultos) sábados, domingos y feriados (pero hay descuentos para clientes de BCP). Disponible en Joinnus.

Tras el éxito de El agente secreto, Wagner Moura se ha volcado en el teatro, un medio que, al contrario del cine, permite la participación del público, algo que le apasiona, como explicó este miércoles en la presentación del montaje Un juicio, que cierra el Festival Grec de Barcelona.

La obra, inspirada en Un enemigo del pueblo, de Henrik Ibsen, se representará los días 30 y 31 de julio en el Teatre Lliure de Montjuïc. Llega a Barcelona tras haber pasado por festivales como el Holland de Amsterdam, el de Avignon (Francia) o el Epidaurus de Atenas y antes de viajar al de Edimburgo, donde se podrá ver del 7 al 10 de agosto.

Moura presentó la obra acompañado de la directora del espectáculo, Christiane Jatahy. Ellos dos, junto a Lucas Paraizo, han adaptado la pieza de Ibsen, publicada en 1882 y que se centra en cómo el protagonista, el doctor Thomas Stockmann, se enfrenta a la vergüenza y al exilio tras intentar destapar un escándalo de contaminación del agua en su ciudad natal.

“Soy un apasionado de Ibsen y este texto siempre me interesó. Además es muy actual. El conflicto sobre la verdad. Ahora vivimos en un mundo donde lo factual ya es compartido por todos, y cada uno en su pequeño mundo tecnológico recrea su propia versión de la verdad”, explicó Moura.

Con participación del público

En esta adaptación, que traslada la acción al Brasil contemporáneo, el destino de Stockmann (Moura) esté en manos de los espectadores, que tendrán que decidir si es inocente o si es un “enemigo del pueblo”. Y eso es precisamente lo que le interesa al actor.

Moura resaltó que está disfrutando de esta gira teatral por Europa porque la obra que proponen “es muy interactiva” y “permite mucha improvisación”.

“Es la gracia cuando haces teatro y no una película. Que el público también participa”, añadió el actor.

El espectáculo está ideado como un juicio cuyo tribunal está formado por once miembros del público previamente escogidos entre los voluntarios y que pasan toda la obra junto a los actores en el escenario. Entre todos tendrán que decidir si están o no del lado del protagonista.

“No podemos decir qué ha pasado en otras funciones. Pero sí diré que nunca hay un veredicto unánime”, confesó el protagonista de la serie Narcos, en la que encarnó a Pablo Escobar.

Fuente: EFE.

Fotos: Europa Press y Reuters/ Carlos Barria (archivo).

Con esa premisa trabajan los Versibalistas, un grupo artístico que fusiona canción, poesía y escena en un mismo espectáculo y que el sábado ocho tiene una nueva presentación en Buenos Aires.

El nombre del grupo —un neologismo construido a partir de “funambulistas”, los equilibristas de circo— anticipa el tono de la propuesta: cinco artistas que hacen equilibrio entre la palabra cantada y la palabra dicha, entre la música y la escena teatral.

“A mí me gusta el nombre porque siento que la gente no entiende. Entonces ya le genera una duda: ¿y qué quiere decir? Y ya es generar una pregunta”, reflexiona uno de sus integrantes en un registro audiovisual del grupo.

Quiénes integran Versibalistas

El ensamble está conformado por Rolando De Marco en composición, guitarra y voz; Soledad Sonatore en violonchelo; Francisco Martínez en bandoneón; Vicente Graziano en flauta traversa y bombo con platillo; y el poeta Edgardo Pígoli en poesía y voz. A ellos se suma en esta fecha Belén Landry.

La propuesta cruza lenguajes sin subordinarlos entre sí. Las canciones cuentan historias que se entrelazan con los textos poéticos y con los silencios en vivo, en un juego donde ninguno de los dos registros —el musical y el literario— existe para explicar al otro. “Uno de los intentos es esquivar la literalidad: que el texto no esté en función de la música para explicarse mutuamente”, describen. Lo que queda, en cambio, es algo que el público completa desde su propio lugar.

La figura del circo aparece como símbolo de esa búsqueda: la relación con el riesgo, con el espectáculo de forma popular, con un vínculo entre artistas y audiencia que no está determinado de antemano. “El arte tiene que ser un territorio de riesgos”, sostienen, y esa convicción aparece en cada presentación del grupo.

El riesgo como núcleo de la propuesta

“Sabemos y al mismo tiempo no sabemos, pero estamos. Sucede”, resume uno de sus integrantes, con una frase que bien podría funcionar como manifiesto del grupo. Lo circense, la relación con un público que se convierte en parte activa del espectáculo, la apuesta por lo vivo y lo irrepetible: todo eso convive en cada función de los Versibalistas.

Cuándo y dónde se presentan

La función es el sábado ocho de agosto a las 20.30 en Cualquier Lado Club de Artes, Pasaje Las Provincias 3164, barrio de Villa del Parque, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. La entrada es a la gorra.

Lima abre esta semana con una cartelera marcada por el espíritu de las Fiestas Patrias: la celebración nacional se mezcla con estrenos teatrales, conciertos multitudinarios, el inicio de la Feria del Libro 2026 y exposiciones que reivindican la identidad y la memoria del país. Hay propuestas para quienes buscan emociones en un escenario, para quienes prefieren recorrer el patrimonio a pie y para las familias con niños pequeños.

CONCIERTOS

Vibra Perú

Juanes y Gian Marco encabezan el festival más grande de las Fiestas Patrias, que este año ocupa dos días en la Costa Verde. Se les une Armonía 10, Los Shapis, Milena Warthon, Adammo, Mauricio Mesones, La Bella Luz, Tourista, Dúo Ayacucho, 6 Voltios, Los Kipus, TK, Antología, Raíces D’ Jauja, Amaranta y más de 30 artistas distribuidos en dos escenarios. La gastronomía llega con más de 40 restaurantes, huariques y carretillas, juegos mecánicos, ferias y activaciones.

• Lugar: Costa Verde – Arena 1 Park, Cúpula y Domo
• Fechas: 28 y 29 de julio
• Horarios: Desde las 11 a.m.
• Entrada: Desde S/ 179 en Ticketmaster

El Jeque de la Salsa — Tercer aniversario

Karlos Terrones, cantante peruano conocido como ‘El Jeque de la Salsa’, celebra tres años de trayectoria con un concierto especial en el que compartirá escenario con los artistas cubanos Lachy Fortuna, Susel Gómez y Ronny López.

• Lugar: Perú Bar del Círculo Militar de Jesús María
• Horarios: Sábado 25 de julio, 8:00 p. m.
• Entrada: Reservas al WhatsApp 945 136 044

Susan Ocho – Amor vs. Despecho

La artista peruana Susan Ocho ofrece una noche dedicada a sus seguidores con lo mejor de su repertorio.

• Lugar: La Estación de Barranco, Barranco
• Horarios: Viernes 24 de julio, 10:30 p. m.
• Entrada: S/ 111 en Teleticket

KILLA FEST – Serenata al Perú

Un almuerzo show dedicado a la música criolla reúne a Los Kipus, Embajadores Criollos y Carlos Ardiles, con Fernando Llomtoy como artista invitado. Un ambiente para celebrar con gastronomía peruana y música en vivo.

• Lugar: Maracaná Centro de Convenciones (Jr. Huáscar 1652, Jesús María)
• Horarios: Sábado 26 de julio desde la 1:00 p. m.
• Entrada: Desde S/ 39 en Ticketmaster

TEATRO

Corazón de Loba

Yvonne Frayssinet, Johanna San Miguel y Andrea Luna protagonizan la segunda temporada de esta comedia producida por DEA Teatro, que regresa al Teatro Claretiano con un elenco ampliado. Frayssinet interpreta a Blanca Luz, una actriz veterana convencida de que el medio le debe un reconocimiento que nunca llega. San Miguel da vida a Emperatriz, una diva que reclama al universo por ignorar su talento. Luna encarna a Flavia, una influencer que obtuvo el papel de su vida gracias a sus seguidores.

Las tres coinciden en el casting de una gran producción internacional, y lo que empieza como una oportunidad se convierte en un enfrentamiento donde afloran rivalidades, frustraciones y verdades sin filtro. La puesta en escena cuenta con textos de Eduardo Adrianzén, dirección general de David Carrillo, dirección artística de Pepe Corzo y producción de Doris Espinoza. El escenario recrea un gran set de televisión con música en vivo.

• Lugar: Teatro Claretiano, San Miguel
• Hasta cuándo: 30 de agosto
• Horarios: Viernes y sábados, 8:30 p. m. | Domingos, 7:00 p. m.
• Entrada: Desde S/ 51 en Teleticket

El Deseo

Creada y dirigida por el dramaturgo y director argentino Casper Espósito, esta experiencia escénica combina teatro, música en vivo, baile, humor y sensualidad en una propuesta inmersiva. Bettina Oneto interpreta a Bianca, la anfitriona que introduce al público en el universo del espectáculo. Vanessa Terkes completa el elenco junto a Varo Vargas, Ximena Galiano, La Langosta (drag queen y cantante peruana) y Gaizka Pasalodos. Las coreografías son de Arturo Chumbe y los arreglos musicales de Mica Hourbeigt.

“Aquí se exploran muchos tipos de deseos: carnales, emocionales, el deseo de ser. Alrededor del público pasan cosas inesperadas, con bailarines e interacciones que no se han visto antes en el país”, adelanta Oneto.

• Lugar: Centro de Convenciones Bianca (Av. Almirante Miguel Grau 135, Barranco)
• Horarios: 22 de julio y 5 de agosto, 8:00 p. m.
• Entrada: S/ 65 en Atrápalo

Bodas de sangre

La obra cumbre de Federico García Lorca, inspirada en una noticia de 1928 sobre dos amantes que huyen en vísperas de la boda de la mujer con otro hombre, llega al Teatro Marsano en una versión reimaginada por el director Edgar Saba y bajo la producción general de Makhy Arana. El montaje promete una adaptación contemporánea del clásico español con un elenco que incluye a Martha Figueroa, Víctor Prada, Mónica Domínguez, Susan León, Fernando Luque, Lilian Schiappa, Claudio Calmet y Marialola Arispe.

• Lugar: Teatro Marsano
• Hasta cuándo: 2 de agosto de 2026
• Entradas: Desde S/50 en Teleticket

Las aves de Aristófanes

La célebre comedia de Aristófanes, estrenada en Atenas en el año 414 a. C., regresa a los escenarios en una versión libre dirigida por Mateo Chiarella Viale y producida por Aranwa Teatro. La obra sigue a Pistetero y Evélpides, dos hombres que abandonan el caos de la ciudad para fundar entre las aves una nueva sociedad llamada Nubicuculandia. El elenco reúne a Alberto Isola, Ricardo Velásquez, Brunella Odar, Renzo Quintanilla y Germán Ojeda.

• Lugar: Teatro Ricardo Blume (Huiracocha 2160, Jesús María)
• Hasta cuándo: 16 de agosto de 2026
• Horarios: Viernes y sábados a las 8 p.m., y domingos a las 7 p.m.
• Entrada: Desde S/ 40 — Entradas en Ticketmaster

Entre realistas y patriotas — Visita teatralizada

Una visita teatralizada por el centro histórico que recrea los días de la conspiración independentista, con personajes que enfrentaron decisiones en una Lima dividida entre el poder virreinal y el sueño de la libertad. La actividad se realiza en colaboración con Vidanza Producciones y Munay Llaqta, e incorpora danza y arte.

• Horarios: Domingo 26 de julio, 4:00 p. m. y 6:00 p. m.
• Entrada: S/ 30. Inscripciones al 948 929 738

Los cuatro letras

Comedia dramática escrita y dirigida por David Carrillo que sigue a cuatro amigos universitarios que se reencuentran décadas después a raíz de la enfermedad de uno de ellos, Abel, quien tras un accidente cerebrovascular solo puede comunicarse con palabras breves y fragmentadas. La puesta en escena usa un juego de Scrabble limitado a palabras de cuatro letras como metáfora de las dificultades para comunicarse y reconstruir vínculos. El elenco está conformado por David Carrillo, Anneliese Fiedler, Omar García, Marijú Núñez y José Spigno, con la participación especial de Almudena Carrillo.

• Lugar: Teatro Racional (Av. Balta 170, Barranco)
• Temporada: Hasta el 8 de agosto de 2026
• Horarios: Jueves, viernes y sábados a las 8:00 p.m.
• Entradas: Disponibles en Joinnus desde S/35

Pareja abierta

La Compañía de Teatro Arturo Escalante presenta esta comedia protagonizada por Ivonne Fraysinett y Marcelo Oxenford. La obra sigue a una pareja que decide abrir su relación, con todo lo que esa decisión desencadena en términos de enredos, humor y reflexión. Una vez iniciado el evento no se permite el ingreso a la sala.

• Lugar: Teatro Auditorio Miraflores (Av. Larco 1150, Miraflores)
• Fechas: 29 y 30 de julio
• Horario: 8:30 p.m.
• Entradas: Disponibles en Teleticket desde S/80

BALLET

Carmen y Raymonda

La Municipalidad Metropolitana de Lima, en coproducción con el Patronato Amigos del Ballet Municipal, presenta dos obras del repertorio clásico interpretadas por el Ballet Municipal de Lima. Carmen, con música de Georges Bizet y coreografía de Jean Grand-Maitre, narra la historia de una mujer cuyo espíritu libre desencadena un trágico destino. Raymonda, con música de Alexander Glazunov y coreografía en estreno de Carlos Valcárcel, propone una suite de variaciones de alta exigencia técnica. Ambas obras ofrecen un contraste entre la intensidad dramática de la primera y el refinamiento clásico de la segunda.

• Lugar: Teatro Manuel A. Segura (Jr. Huancavelica 265, Cercado de Lima).
• Hasta cuándo: 2 de agosto de 2026
• Horarios: Viernes a las 8 p.m., y sábados, domingos y feriados a las 6 p.m.
• Entrada: Desde S/ 20 — Entradas en Teleticket

MUSICALES

Marco Zunino, mi vida en musicales

Marco Zunino recorre, con música y baile en vivo, los musicales de Broadway que han marcado su trayectoria: Rent, Moulin Rouge!, Cabaret, Jesucristo Superstar, Chicago y otros. El espectáculo cuenta con la participación de la actriz Gisela Ponce de León. Cada función adquiere un carácter distinto por la interacción con el público.

• Lugar: Teatro NOS PUCP (Av. Camino Real 1037, San Isidro).
• Hasta cuándo: 2 de agosto de 2026.
• Horarios: Jueves a sábado a las 8 p.m., y domingos a las 7 p.m.
• Entrada: Desde S/ 33 — Entradas en Teleticket.

Cenicienta El Musical

Directamente de Broadway, esta producción de gran formato llega al Teatro Mario Vargas Llosa con un espectáculo combina romance y humor. El elenco principal está conformado por Adriana Campos Salazar, Ítalo Maldonado y Tati Alcántara, Sandra Muente, Alicia Mercado, Bertha Bohórquez, Joaquín Escobar, junto a un talentoso grupo de artistas nacionales.

• Lugar: Teatro Mario Vargas Llosa (Av. De La Poesía 160, San Borja)
• Hasta cuándo: 9 de agosto
• Horarios: Viernes, 8:00 p. m. | Sábados y domingos, 4:00 p. m. y 7:00 p. m.
• Entrada: Desde S/ 90 en Teleticket

Mamma Mía!

Uno de los musicales más exitosos de la historia regresa al Teatro Peruano Japonés con un elenco renovado y la producción de Los Productores. Basado en las canciones del grupo ABBA, ‘Mamma Mía!’ cuenta la historia de una madre, su hija y tres posibles padres en vísperas de una boda. La obra ha sido vista por más de 56 millones de personas en más de 50 ciudades de los cinco continentes desde su estreno en 1999. El elenco de esta etapa incluye a Rebeca Escribens, Érika Villalobos, Gianella Neyra, Cielo Torres, Gustavo Mayer y Raúl Zuazo, entre otros.

• Lugar: Teatro Peruano Japonés (Av. Gregorio Escobedo 803, Jesús María)
• Temporada: Hasta el 27 de septiembre de 2026. Rebeca Escribens hasta el 9 de agosto; Gianella Neyra del 13 de agosto en adelante
• Horarios: Jueves y viernes 8:00 p.m. / Sábados 5:00 p.m. y 8:30 p.m. / Domingos 6:00 p.m.
• Entradas: Disponibles en Joinnus desde S/45

EVENTOS GRATUITOS

Noche de ballet en el MET

El elenco de Allegro Ballet Centro de Danza presenta un espectáculo de coreografías diversas de ingreso libre en el Museo Metropolitano de Lima. La actividad está dirigida al público en general, con capacidad limitada.

• Lugar: Museo Metropolitano de Lima (Av. 28 de julio 800, Cercado de Lima)
• Horarios: Jueves 23 de julio, 7:30 p. m.
• Entrada: Gratuita, capacidad limitada

Ciclo de Cine Peruano — Última semana

La Sala de Cine Armando Robles Godoy cierra su ciclo dedicado al cine nacional con una semana final de proyecciones múltiples. La programación completa está disponible en bit.ly/CicloCinePe2026.

• Lugar: Sala de Cine Armando Robles Godoy (Av. Javier Prado Este 2465, San Borja)
• Hasta cuándo: Lunes 27 de julio
• Horarios: Del viernes 24 al lunes 27, múltiples funciones
• Entrada: Gratuita hasta completar aforo. Para mayores de 14 años

Serenata al Perú

La Orquesta Sinfónica Nacional del Perú ofrece un concierto gratuito al aire libre en el marco de las celebraciones por Fiestas Patrias.

• Lugar: Multiespacio Costa 21, Circuito de Playas, San Miguel
• Horarios: Sábado 25 de julio, 8:00 p. m.
• Entrada: Gratuita

Presentación del estudio para una escuela pública de cine

El Ministerio de Cultura y la Universidad Nacional Mayor de San Marcos (UNMSM) presentan el estudio de oferta y demanda para el diseño de una escuela pública de formación en cine y audiovisual en el Perú, con análisis de la situación latinoamericana del sector. La actividad es virtual, vía Zoom, con capacidad limitada. Inscripciones previas en dafo.cultura.pe.

• Horarios: Jueves 30 de julio, 10:00 a. m.
• Entrada: Gratuita, previa inscripción en dafo.cultura.pe

Diáspora chicha

Una muestra colectiva en la que artistas exploran el concepto de diáspora desde la estética chicha y sus experiencias migrantes. Este viernes 24 de julio a las 11:00 a. m. se realiza un encuentro presencial con las y los artistas. La exposición ocupa el Piso 2 de la Torre Kuélap del Ministerio de Cultura.

• Lugar: Torre Kuélap, Ministerio de Cultura (Av. Javier Prado Este 2465, San Borja)
• Hasta cuándo: Domingo 9 de agosto
• Horarios: Martes a domingo, 9:00 a. m. a 5:00 p. m.
• Entrada: Gratuita

‘Sobreviviendo en azul y tierra’, de Erika Humala Vastag

Muestra de artes visuales de la artista Erika Humala Vastag en el distrito de Miraflores.

• Lugar: Bajada San Martín 151, Miraflores
• Horarios: Martes a domingo, 10:00 a. m. a 6:00 p. m.
• Entrada: Gratuita

Arte del Museo del Prado en el Centro Histórico

Una colección de obras inspiradas en el Museo del Prado de Madrid llega al corazón de Lima para acercar al público a los grandes maestros de la pintura española. La muestra incluye piezas de Velázquez, Goya y Murillo, entre otros, en un recorrido que permite apreciar algunas de las obras más representativas del arte europeo sin salir de la ciudad.

• Lugar: Pasaje Santa Rosa, entre la segunda cuadra del Jr. Camaná y el Jr. de la Unión, al costado de la Municipalidad de Lima y frente a la Catedral
• Hasta cuándo: 31 de julio de 2026
• Entrada: Gratuita

‘Al Este’ — Galería Oders, Barranco

La nueva exposición individual del pintor peruano Marcos Palacios, bajo la curaduría de Karol Roots, reúne diez obras en óleo y acrílico sobre lienzo, además de trabajos sobre papel y madera. La muestra marca un giro en la trayectoria del artista, conocido por series urbanas como ‘Big City Nights’ o ‘Ciudad Pasarela’: esta vez, Palacios dirige la mirada hacia su historia familiar y los vínculos de sus ancestros con la selva central peruana, específicamente con Chanchamayo.

El punto de partida fue una conversación con su abuelo que derivó en una investigación sobre fotografías antiguas, relatos orales y recuerdos sensoriales. La vegetación, la fauna y las presencias humanas conviven en composiciones donde los límites entre paisaje, historia familiar y experiencia se vuelven difusos.

• Lugar: Galería Oders, Jr. Domeyer 270, Barranco
• Inauguración: Viernes 3 de julio, 7:00 p.m.
• Hasta cuándo: 1 de agosto de 2026
• Horarios: Martes a sábado de 2:00 p.m. a 8:00 p.m.
• Entrada: Gratuita

Ruraq Maki

La exposición-venta de artesanía y arte tradicional del Ministerio de Cultura llega a su vigésima edición con Ecuador como país invitado, presente en la Sala Paracas. La Red Nacional de Mujeres Indígenas u Originarias y Afroperuanas Emprendedoras (Red MIA) participa con 31 mujeres de los pueblos Afroperuano, Asháninka, Awajún, Bora, Kukama Kukamiria, Quechua, Shipibo-Konibo y Yine, llegadas desde distintas regiones del país. Más información en gob.pe/cultura.

• Lugar: Ministerio de Cultura (Av. Javier Prado Este 2465, San Borja)
• Hasta cuándo: 29 de julio
• Horarios: de lunes a domingo, 10:00 a. m. a 8:00 p. m.
• Entrada: Gratuita

Los balcones de Lima se visten de patria

El Gran Hotel Bolívar abre sus balcones para una celebración con luces, música y recreación histórica en el marco de las Fiestas Patrias.

• Lugar: Gran Hotel Bolívar (Jr. de la Unión 958, Lima)
• Horario: Domingo 26 de julio, desde las 6:30 p. m.

La Ruta de la Independencia

Un recorrido histórico a pie por el Centro de Lima que pasa por las plazas donde José de San Martín proclamó la independencia del Perú. La actividad invita a redescubrir el patrimonio histórico de la ciudad y los rincones que guardan la memoria del proceso emancipador. Inscripciones en forms.cloud.microsoft/r/u3H4BbUahR.

• Lugar: Punto de encuentro: Monumento a Francisco Pizarro, espaldas de la Municipalidad de Lima
• Horarios: Sábado 25 de julio, 10:00 a. m. a 12:00 m.
• Entrada: Gratuita, previa inscripción

Muestra de fotografía

Imagen Expandida: Umbrales de una nueva generación visual podrá visitarse del 17 de julio al 16 de agosto en la Galería de Arte del Parque de la Amistad, en Surco. La exposición reúne los trabajos de la primera promoción de la carrera de Fotografía y Dirección de la Imagen de la Escuela Superior Toulouse Lautrec, presentando proyectos que exploran temas como la migración, la memoria, el cuerpo y la identidad.

El público podrá recorrer la muestra de lunes a viernes, en el horario de 10:30 a. m. a 8:00 p. m., y los sábados y domingos, de 12:00 m. a 7:00 p. m. Nueve jóvenes fotógrafos, entre ellos David Diaz, Alejandra Ochoa, Angie Salvador y Macarena Zapata, exponen investigaciones visuales que parten de experiencias personales y dialogan con el archivo, la instalación y otros lenguajes contemporáneos.

La exposición busca abrir una conversación sobre los nuevos caminos de la fotografía en el Perú y se presenta como un umbral entre la formación académica y el ejercicio profesional. El acceso es libre y constituye una oportunidad para descubrir las voces emergentes de la creación visual peruana.

PARA LOS MÁS PEQUEÑOS

Pequeño Pez en concierto

La banda argentina Pequeño Pez, traída a Lima por Amadeus Productions, presenta un espectáculo musical pensado para bebés, niños pequeños y sus familias. El show combina canciones originales con dinámicas de movimiento, juego e interacción que promueven valores como el respeto, la diversidad y la expresión emocional.

• Lugar: Maracaná Centro de Convenciones (Jr. Huáscar 1652, Jesús María)
• Horarios: Martes 28 de julio, 2:00 p. m. y 5:30 p. m.
• Entrada: Desde S/ 165 en Ticketmaster

El cumpleaños de la Caperucita

Espectáculo infantil interactivo en el que la Caperucita celebra su cumpleaños con canciones, bailes y situaciones cómicas que invitan a los niños a participar para ayudarla a salir de los problemas que sus travesuras le ocasionan.

• Lugar: Teatro Auditorio del Centro Cultural de Jesús María (Av. Horacio Urteaga 535, Jesús María)
• Hasta cuándo: 29 de agosto
• Horarios: Sábados, 5:00 p. m.
• Entrada: S/ 10 niños y S/ 20 adultos en Joinnus

MONÓLOGOS Y/O COMEDIA EN VIVO

Carlos Álvarez en ‘Yo fui candidato’

El humorista Carlos Álvarez regresa a los escenarios tras su paso como candidato a las elecciones generales de 2026, con un espectáculo que combina sus anécdotas de campaña con los personajes que marcaron el proceso electoral. La velada promete humor, carcajadas y reflexión sobre la política peruana reciente.

• Lugar: Centro de Convenciones Bianca (Av. Almirante Miguel Grau 135, Barranco)
• Hasta cuándo: 29 de agosto de 2026
• Funciones: 24, 25, 27, 28 y 29 de julio
• Horarios: 7:30 p.m.
• Entradas: Desde S/112 en Teleticket

‘Cómo salir de la depresión escuchando a Charly’

El actor, director y músico Gabriel Iglesias retoma temporada con su unipersonal ‘Cómo salir de la depresión escuchando a Charly’, bajo la dirección de Carla Valdivia, en el Teatro Barranco. La obra recorre canciones del músico argentino Charly García como punto de partida para hablar de ansiedad, tristeza, amor y esperanza a través de episodios de la propia vida del intérprete.

El espectáculo cierra con un mini concierto donde el público propone los temas a la carta. “Todos tenemos una canción de Charly que nos sostuvo cuando sentíamos que nos caíamos. Esta obra habla de eso”, señaló Iglesias.

• Lugar: Teatro Barranco (Av. Grau 701, Barranco) 
• Hasta cuándo: 31 de julio de 2026
• Funciones: 23, 24, 25, 30 y 31 de julio
• Horarios: 8:00 p.m. 
• Entradas: Preventa S/ 30 | General S/ 40 | Estudiantes S/ 35 — Disponibles en Passline

LITERATURA

FIL Lima 2026

La Feria Internacional del Libro de Lima celebra su 30° aniversario con más de 600 actividades culturales, 65 invitados internacionales y más de 550 horas de contenido. Ecuador es el país invitado de honor, con una delegación de más de 30 representantes culturales y literarios. Entre los autores peruanos confirmados figuran Jaime Bayly, Alonso Cueto, Renato Cisneros, Karina Pacheco, Santiago Roncagliolo y Fernando Iwasaki. La programación internacional incluye a Kim Sunmi (Corea del Sur), Yusuke Imamura (Japón), Eduardo Sacheri y Agustina Bazterrica (Argentina), Alberto Fuguet y Nona Fernández (Chile).

La feria rinde homenaje a Alfredo Bryce Echenique y conmemora el centenario de la poeta Blanca Varela. Hay también conciertos de Milena Warthon, Mauricio Mesones y La Nueva Invasión, además de un espacio Fan FIL para cultura pop y narrativa gráfica. Buses de acercamiento gratuitos desde el Parque de la Amistad y el Jockey Plaza.

• Lugar: Centro de Exposiciones Jockey, Santiago de Surco
• Hasta cuándo: 6 de agosto
• Horarios: De 11 a.m. a 10 p.m.
• Entrada: S/ 7.50 (lunes a jueves) | S/ 10.00 (fines de semana y feriados) | S/ 5.00 estudiantes y docentes. Gratuita para menores de 5 años y mayores de 65 años. Vecinos de Surco: ingreso gratis de lunes a jueves acreditando residencia. En Teleticket.

SHOWS MUSICALES

Legado — Kimbafá

El grupo Kimbafá presenta Legado, un espectáculo de percusión, danza y teatro físico que narra la transmisión de una herencia cultural entre padre e hijo. Con más de 20 artistas en escena, la propuesta combina instrumentos reciclados y percusión afroperuana en un relato sobre identidad, memoria y tradición viva.

• Lugar: Teatro Municipal de Surco (Calle Sacramento 236, Santiago de Surco).
• Hasta cuándo: 29 de julio
• Funciones: 24, 25, 26, 27, 28 y 29 de julio
• Horarios: 8 p.m.
• Entrada: Desde S/ 24 — Entradas en Ticketmaster

Como en una obra que representás durante años y en la que, de pronto, decidís probar otro papel, apareció la idea de una versión alternativa de mí misma. Entre la profesionalización del artista, la precarización del trabajo cultural y las exigencias de un mundo laboral competitivo que parece demandar identidades cada vez más específicas, empecé a imaginar “otra yo”. Una capaz de adaptarse mejor. Más eficiente. Más adecuada. Más funcional y más sencilla. Un avatar. Una doble de riesgo. Alguien que pudiera lidiar con las reglas y tener los beneficios de insertarse en el mundo laboral, mientras yo seguía insistiendo con las preguntas que me llevaron a estudiar arte y hacer teatro. ¿Cuántas versiones posibles de una misma habilita la tecnología? y a la vez ¿cuántos espacios se pueden habitar en simultáneo? Así comenzó la obra Una otra yo.

La idea nunca fue cambiar, tampoco convertirme en otra persona. La fantasía era más simple: tener un reemplazo.

De ahí surge la idea inicial de la obra: imagino una actriz sola en un teatro preguntándose qué hizo con su vida. Una especie de gaviota contemporánea atrapada entre el deseo de crear y las exigencias de un mundo voraz. Frente a esa pregunta aparece una solución: una identidad paralela. Una versión de sí misma capaz de hacer aquello para lo que ella no fue entrenada, aquello a lo que no sabe cómo acceder: un trabajo con obra social y vacaciones pagas.

Escribo entonces la dramaturgia de Una otra yo. “Una” va a estar en un espacio físico y la “otra”, en otro. “Una” va a ser de carne y hueso, y la “otra” una realidad virtual. Lo escribo, sin dimensionar la complejidad que tendría hacerlo. Le comparto el texto a una amiga que a su vez, me contacta con una artista a quien le puede interesar esta propuesta: Julieta Kilgelmann. Ella vive entre Santa Fe y Londres, y se interesa por el teatro y la tecnología. A partir de ese encuentro, empezamos a trabajar todas las semanas: pensamos, escribimos, y hacemos un casting en Santa Fé del que surge la actriz Ana Municoy; una actriz que despliega sus gajes del oficio y se entrega a este delirio.

Comienzan los ensayos de Una otra yo entre CABA y Santa Fe, y aparecen dificultades repetidas: dirigir a distancia, sostener la conexión de internet, diseñar un avatar low tech (casi sin recursos) y que el riesgo sostenga el desafío. Trabajar “la escena expandida” y la extendida. Los espacios exceden sus límites y se extienden a través de la conectividad e internet. Trabajamos con esa idea y también nos apropiamos de la precariedad, hacemos “un teatro pobre” en términos de Grotowski: pobre y tecnológico, con toda la belleza y el riesgo que implica.

Si hoy el trabajo, los vínculos y gran parte de la vida cotidiana están mediados por pantallas, plataformas y sistemas de comunicación remota, la escena teatral no queda exenta. El concepto de presencia estalla al ver la misma performance artística simultáneamente en distintos lugares / ciudades. Así es en Una otra yo. El teatro extiende sus límites y aquello que lo contiene puede ser también una arquitectura teatral blanda, es decir, formas de construcción teatral que desbordan un único espacio físico y permiten que la escena se despliegue entre territorios, pantallas y cuerpos distantes. Es por ello que Una otra yo es una obra transterritorial que se pregunta ¿cuántas versiones de una misma puede habitar una persona para sobrevivir en el presente?

Asi, en Una otra yo una actriz relata la construcción de un avatar de sí misma. Habla desde un teatro mientras su doble cobra vida en otro lugar: un espacio, a kilómetros de distancia. Una presencia física y una presencia holográfica dialogan en tiempo real. Original y copia. Cuerpo y proyección. Deseo y adaptación.

La tecnología no aparece como efecto especial ni como promesa futurista, la tecnología aparece como territorio de disputa. Como una herramienta capaz de amplificar nuestras posibilidades, pero también de volver más difusos los límites de quiénes somos.

Una otra yo nació como producto de una investigación académica que vengo desarrollando desde hace casi quince años en torno al teatro por internet. Hoy, se transforma en un hecho artístico al poder estrenarse en agosto en CABA y Santa Fe, en simultáneo. Una experiencia llena de riesgos, y desafíos que estamos dispuestas a atravesar, aqui y allá.

*Una otra yo. DOS ÚNICAS FUNCIONES: Domingos 2 y 9 de agosto a las 17hs en simultáneo: En CABA: Área 623 (Pasco 623). Entradas por Alternativa. En Santa Fé: C.C.Provincial “Francisco Paco Urondo” (Junín 2457). Entradas por Etickets

**La autora es la directora de la obra

El estreno de Drácula II Resurrección no solo significa el regreso de Pepe Cibrián Campoy al universo gótico que marcó a generaciones, sino también la apertura de una nueva era para el teatro musical argentino. Tres décadas después de aquel debut que conquistó corazones y rompió récords, la secuela reaviva la leyenda con una trama situada después de los sucesos de Whitby, pero también con una herencia emocional profunda: la ausencia de Ángel Mahler, el compositor que supo darle sonido a los sueños de miles. En medio de esta transición y responsabilidad histórica, Pablo Flores Torres, el músico elegido para escribir la nueva partitura, habló en exclusiva con Teleshow sobre lo que significa tomar la posta.

Desde 1991, Drácula, el Musical no solo desató un fenómeno de público con más de 4 millones de espectadores y temporadas multitudinarias en el Luna Park, sino que instaló en el imaginario colectivo una dupla artística irrepetible: Cibrián-Mahler. El fallecimiento de Ángel dejó un vacío difícil de llenar, pero también el desafío de honrar una obra amada. La nueva producción, que desde el 12 de junio despliega 28 artistas en escena, 240 trajes de época y arreglos de Yair Hilal, se enfrenta a ese reto: mantener viva la esencia y, al mismo tiempo, reinventar la banda sonora de una saga que marcó un antes y un después.

Para Flores Torres, nacido en San Juan y con apenas 35 años, el desafío es tan personal como colectivo. Su carrera, reconocida con premios Hugo, GEA, Siripo Cultura de Córdoba, Interés Cultural de la Cámara de Diputados de Santa Fe y el Reconocimiento de Argentores Sede San Juan, lo llevó a lugares de prestigio, pero nada se compara con la emoción y la responsabilidad de sentarse al piano donde alguna vez estuvo Mahler. Hoy, Flores Torres combina la pasión y el respeto, trabajando codo a codo con Cibrián Campoy para darle una nueva identidad musical a Drácula II Resurrección, en una apuesta que busca conmover tanto a los fanáticos históricos como a quienes apenas empiezan a descubrir el mito.

—Pablo, a lo largo de tu carrera la música siempre ha sido central. ¿Qué representa hoy en tu vida?

—Más que nada, la música es mi principal motor. Es lo que me entusiasma para seguir adelante y le da sentido a mi vida. La disfruto sobre todo en el teatro musical, que es el ámbito en el que trabajo y donde más me conecta desde lo emocional. No es solo la música en general, sino la experiencia de estar en el escenario contando historias. Es parte fundamental de mis emociones.

—¿Cómo surgió la propuesta para convertirte en el compositor de Drácula ll: La resurrección? ¿Te sorprendió la convocatoria?

—La propuesta llegó a principios de 2025, cuando la producción de Drácula anunció el proyecto y me contactaron. Yo estaba en otra cosa, pero me escribieron directamente para preguntarme si quería ser el compositor de la secuela. Por supuesto, acepté enseguida. Es una responsabilidad enorme, porque se trata de la continuación del musical más exitoso de Argentina, así que imaginate lo que significa.

—¿Ya habías trabajado con Pepe Cibrián Campoy antes o fue la primera vez que colaboraron juntos en un proyecto de esta magnitud?

—Habíamos trabajado antes, hace algunos años, en otros musicales que él produjo. Por ejemplo, hice la música para un musical de Sherlock Holmes que protagonizaba Adabel Guerrero. Fue desde otro lugar, más cercano a la parodia, pero ahí nos conocimos. Después de ese proyecto, cada uno siguió su camino hasta que nos reencontramos en Drácula.

—¿Cómo fue el proceso creativo para componer la música de la obra? ¿Trabajaste solo o fue una tarea colectiva?

—Fue un trabajo colaborativo. Antes de audiciones y del proceso completo, lo principal era el libreto, que indicaba los momentos que debían ser musicalizados: emociones fuertes, clímax, números festivos. Sobre esos momentos yo proponía música, recibía devoluciones, hacíamos ajustes y sumábamos o quitábamos partes según las necesidades de la obra. Cada autor tiene su método, y en este caso me adapté a la forma de trabajo de Cibrián Campoy y su equipo.

—¿Cuánto tiempo llevó todo el trabajo de composición y producción musical?

—Nos llevó casi un año entero. Fue un sacrificio enorme, pero estoy muy contento con el resultado. Siento que la música suena bien y que los intérpretes la elevan aún más. Siempre trabajé para que pudieran lucirse y contar la historia a través de las canciones.

—¿Qué sentiste al ver tu trabajo en escena, con los shows en marcha y el público presente?

—Es una sensación hermosa y muy emocionante. Ver el trabajo hecho realidad, ver al público disfrutar lo que soñaste, tiene un condimento especial. Es otra cosa, otro amor, y es imposible no emocionarse.

—Drácula tiene una historia inseparable de la dupla Cibrián-Mahler. ¿Qué significa para vos la figura de Ángel Mahler y qué influencia tuvo en tu formación?

—Ángel Mahler es uno de mis máximos referentes y fue fundamental para que me enamorara del teatro musical. Su música trascendió generaciones; el vals de Drácula, por ejemplo, se baila en casamientos y cumpleaños de 15. Para mí es un honor y una responsabilidad enorme continuar, de alguna manera, ese legado.

—¿Buscaste emular el estilo de Mahler o preferiste encontrar tu propio camino como compositor?

—Conozco muy bien su obra y me inspiró mucho, pero para este proyecto decidí no emular su estilo. Si me convocaron fue porque buscaban que la música llevara mi sello. Si hubieran querido que sonara igual a lo anterior, lo habrían llamado a él cuando comenzó a gestarse esta idea, que ocurrió previo a su triste partida. Mi objetivo fue aportar algo propio y honesto.

—¿Sentiste presión por asumir el rol de “sucesor” de Mahler en un proyecto tan icónico?

—Cien por ciento. Incluso hoy siento esa presión más que nunca. Los que hacemos teatro musical podemos hacerlo porque ellos recorrieron el camino antes. No me siento a su altura, ojalá algún día lo logre, pero si consigo emocionar al público es porque antes hubo un Ángel Mahler que marcó el camino.

—¿Tuviste contacto con la familia de Mahler a raíz de este trabajo?

—Sí, trabajé con Damián, uno de sus hijos, en un musical donde yo actuaba y él era el compositor. Hay respeto y admiración mutua. La familia de Ángel sabe lo importante que es su legado para mí y siempre lo honro en mi trabajo.

—¿Qué significa para vos ser visto como un continuador de ese legado?

—Siento una presión enorme, pero trato de no dejar que me paralice. Asumo la responsabilidad, sé que mi trabajo tiene un rumbo propio y que, con errores y aciertos, ayuda a mantener vivo el teatro musical argentino. Nuestro país produce mucho teatro musical original y es un orgullo ser parte de eso.

—Argentina está viviendo un auge del teatro musical, incluso se la compara con Broadway. ¿Cómo vivís este momento y qué te genera?

—Es una locura la cantidad de musicales en cartel y la variedad de propuestas, tanto de producciones extranjeras como originales. Nunca hubo tantas superproducciones juntas. Eso habla de un crecimiento y una demanda que nos beneficia a todos. Es un momento muy feliz y de reconocimiento para el teatro musical nacional.

—Además de Drácula, estás al frente de otros proyectos como Alberdi, que también es un fenómeno. ¿Cómo hacés para manejar tanto trabajo y qué significa para vos ese proyecto?

—Alberdi superó todas mis expectativas. Es un proyecto que trascendió el ambiente del teatro musical y llegó a públicos de todo el país. Cuando llevamos la obra a otras ciudades y vemos teatros llenos, la emoción es enorme. Es un reconocimiento que no imaginaba.

—¿Qué esperás que el público se lleve de tus trabajos actuales, tanto en Drácula como en Alberdi?

—Quiero que disfruten el espectáculo, pero sobre todo que perciban el compromiso detrás de cada obra. No pienso dejar de crear. El teatro musical argentino merece seguir creciendo y vamos a luchar para mantenerlo vivo, más allá de los desafíos y los cambios tecnológicos.

—En un mundo donde la inteligencia artificial empieza a influir en el arte, ¿cómo ves el futuro del teatro musical?

—La inteligencia artificial puede ser una herramienta, pero el teatro sigue siendo un espacio donde lo real y lo humano prevalecen. Me motiva defender ese lugar, donde el encuentro en vivo sigue teniendo una fuerza única.

—¿Qué le dirías a los fanáticos de Drácula que se acercan a ver esta nueva versión con tu música?

—Les diría que vengan abiertos a dejarse sorprender. Si buscan ver exactamente la misma obra, tienen Drácula. Esta es una nueva historia, con respeto al legado pero con una mirada propia. Yo también soy fanático de Drácula, y mi trabajo nace desde ese mismo amor por la obra original.

Nació en Carlos Tejedor en el año 1948. Probó con ser actor pero en el año 1979 Hugo Paredero empezó a autopercibirse periodista y durante veinte años ese fue su trabajo en la revista Humor. En radio participó de programas como En el árbol y el bosque, Por amor al arte, Párrafos interruptus, La siesta con Paredero, Una nueva aventura y, actualmente conduce Dos dinosaurios vivos, con Carlos Ulanovsky. Ha escrito varios libros, entre ellos Zappingmanía, Solos y mal acompañados, las biografías de Héctor Alterio, Mercedes Morán y Jorge Ginzburg y, en colaboración con Carlos Ulanovsky, Vivir entre butacas y Siete personajes en busca de un Toc Toc. Su libro Cómo es un recuerdo, la dictadura contada por los chicos que la vivieron (2007) fue declarado de interés cultural por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires.

Su nuevo libro se llama Nunca me la creí y es una biografía del gran actor argentino Jorge Luz (1922-2012) que fue publicada por editorial Marea. El libro tiene una particularidad: se trata de una biografía conversada en la que se reconstruye la vida del gran actor argentino a partir de entretenidas conversaciones y de los testimonios de colegas de Luz, lo que se traduce en un repaso exhaustivo por su trabajo en radio, cine, teatro y televisión, con anécdotas increíbles del mundo del espectáculo.

Semanas atrás conversamos con Paredero a propósito de su libro, que se demoró en llegar a las librerías porque la muerte del actor paralizó, de alguna manera, a su compañero de ruta autobiográfica y dejó en el aire el proyecto en común. Catorce años después, gracias a la insistencia de una editora y a las razones del destino que jamás estaremos en condiciones de desentrañar, Nunca me la creí –el título que Luz quería para el libro sobre su vida– dejó de ser un plan para convertirse en una realidad.

— En tu libro escribís en una suerte de prólogo ya en la primera página: “Desde chico fui admirador fanático de Jorge Luz (...) Esperaba a Los Cinco Grandes del Buen Humor pegado a la radio, con la misma excitación con que aguardaba a los Reyes Magos”. Y luego recordás cómo en materia de gustos pesa mucho más aquello que nos marca de chicos o de jóvenes porque es algo que queda para siempre. ¿Cómo fue esa fascinación?

— Sí, aquello queda para siempre… Bueno, cuando era chico vivía en pueblos y digo “en pueblos” porque mi papá era ferroviario e íbamos de pueblo en pueblo, pero nací en Carlos Tejedor. Y las películas de los Cinco Grandes (N. de la R.: el elenco del grupo humorístico que actuó en radio y en cine lo integraban Jorge Luz, Rafael “Pato” Carret, Guillermo Rico; Juan Carlos Cambón y Zelmar Gueñol) eran las más esperadas. Y, dentro de ellos, Jorge Luz era mi preferido; ya lo conocíamos, lo escuchábamos por radio. En ese tiempo veíamos la radio, la radio estaba instalada.

— Ahora la radio se ve de verdad, en esa época uno se la imaginaba.

— Uno lo imaginaba. Y él me mataba con sus imitaciones. Me hacía reír. Lo adoraba. Y, como él me contó una vez y creo que está en el libro, cuando fueron con Guillermo Rico –ya eran los únicos dos supervivientes de los cinco grandes–, a un homenaje que les hicieron en Rosario, y, de pronto, cuando subieron al escenario toda la gente de golpe como por resorte se levantó a aplaudirlos y ellos se pusieron a llorar. Y Guillermo le dice al oído: “Toda esta gente que nos está aplaudiendo son los chicos que hicimos reír hace 60 años”.

— Reír es la felicidad.

— Es así. O sea, nunca te olvidás del que te hizo reír. Nunca.

— Pero vos, que fuiste y sos muy observador y muy crítico, veías en él mucho más que una persona que hacía reír.

— Sí, veía un arte que no conocía hasta ese momento porque él era un artista. Era un artista, era un tipo con una capacidad expresiva enorme. Nunca estudió artes escénicas, nunca estudió teatro, pero estudió, como decíamos cuando hacíamos las entrevistas, observando de chiquito a la gente de su pueblo natal, Empalme San Vicente por entonces, hoy Alejandro Korn, y observaba, imitaba a todos. Había mucha comunidad española, entonces imitaba al andaluz como andaluz, al gallego como gallego, al catalán como catalán, al asturiano, como era su madre, como asturiano. Y, además, en los movimientos. Iban a los bailes del pueblo, al padre no le gustaba bailar entonces la madre bailaba con otros señores. Y él imitaba a todos. Se metía en la pista, a los 4 o 5 años. Entonces, se morían todos con el chiquito éste porque no podían creer lo que los hacía reír y la capacidad de imitación que tenía. Entonces, la observación es una escuela aparte.

— Él observaba a su alrededor pero también observaba dentro de su casa, porque ahí estaba su hermana Aida, cinco años mayor que él.

— Cinco años mayor, y Aida lo plantaba como público ahí. Había un baúl al que ella se subía y cantaba todas las canciones que se conocían por la radio. Vos fijate que Aida nació en 1917 y la radio todavía no había nacido acá. Nació en 1920.

— Y ella empezó a actuar en cine muy temprano. Fue una pionera total.

— Sí, sí, pionera, en el cine, en el canto, en la radio. Aída cantaba precioso. Todos los Luz, los Da Luz como es el verdadero apellido, cantaban y tenían un oído extraordinario. Bueno, y en las charlas que grabamos le pedí a Jorge que cantara, por si alguna vez se hace un audiolibro. Entonces empezó a cantar y a decir poemas increíbles con una voz, que vos decís: ¿de dónde la saca? En ese momento tenía 88, 89 años. Murió a los 90.

— Bueno, sobre eso quería preguntarte, porque lo que aparece de entrada tiene que ver con la relación que entablaste con él. De hecho, se trata de una biografía conversada. Y, además, vos contás que fue dando como instrucciones y legados y principios para llevar adelante tu propuesta de un libro.

— Sí, los “incisos” (risas).

— Eso, los incisos. Contame un poco la cocina del libro y empecemos por cuánto tiempo estuvieron trabajando en eso.

— Dos años, ponele, quizás un poquito más. Hasta pocos meses antes de que muriera. Mi dolor, mi tristeza, fue que no llegara a ver el libro. Porque después de que él muere, “se va de gira” como le gustaba decir a él, el 14 de julio de 2012, yo me detuve. Me golpeó mucho su muerte. Tenía todo el material desgrabado. Teníamos muchísimo, es más, es mucho lo que quedó afuera, pero había que parar en algún momento. Después hubo un parate de demasiado tiempo en el cual yo, por otros motivos y también porque no sabía cómo encararlo, me costaba meterme en eso. Mis amigos me decían: “Pero lo tenés ahí escrito, servido, le tenés que dar forma”.

— Tu problema no era sentarte a escribir sino que tenías un problema con el material, claramente.

— Por eso digo que soy un poco exagerado para los partos. Son demorados, porque el libro aparece 14 años después. Y gracias a Constanza Brunet (N. de la R.: Constanza es la editora de Marea).

— Que sabía y que insistió.

— No solo que insistió. Fue así, yo fui por otro proyecto, tratando de venderle una idea que le gustó, pero. Entonces muy amablemente me dijo: “¿Y no tenés otra cosa? Porque queremos hacer algo con vos”. Y ahí me acordé, se me prendió la luz y dije tengo un libro de Jorge Luz. Cuando dije Jorge Luz fue como si… (Paredero hace un gesto de deslumbramiento, con las manos y los ojos)

— Y, sí, claro.

— Porque resulta que ella, en su vida de periodista previa a la de editora, la primera entrevista que tuvo que hacer fue un día en la casa de los hermanos Luz.

— Qué increíble.

— Entonces le quedó, mira cómo fueron las cosas. Y salí de ahí sin el proyecto que yo había llevado y resucitado otro. Y yo sentía una resonancia de: ahora sí. Y así fue. Y le encontré la forma, la comodidad para mí, el amor. Y le entré a dar y cumplí los plazos.

— Hay zonas del libro que son muy interesantes porque son zonas de la cultura argentina, ¿no? Pienso especialmente en el capítulo que tiene que ver con Cecilio Madanes y con el teatro popular en Caminito, en La Boca, con aquella experiencia mítica de la participación de los vecinos.

— Sí, le quise dedicar un capítulo. Porque, además, él amó Caminito.

— Estuvo ahí muchos años.

— Sí, más de 12 o 13 años. Y, además, la relación que establecieron con los vecinos era conmovedora. Porque fijate que los vecinos paraban de comer. No tocaban un cuchillo porque era parte de la obra. Algunas escenas eran desde la ventana de ellos, quietitos, y otras lo usaban de camarín, otros conventillos. Se cambiaban ahí. Así que establecieron una relación de amor y de confianza, de respeto de unos a otros, enorme. Y es muy conmovedor eso de que tuviera 700 butacas y cada vecino hubiera pagado una.

— Porque cada uno había llevado una silla, qué emocionante.

— Butacas digo yo, las sillas. Cada uno llevó una silla. Lo que lo fastidiaba era que cada año había que renovar todos los trámites de la burocracia municipal. Eso los fastidiaba un poco. Pero de diciembre a abril, ya con fresco, ahí estaban al aire libre haciendo Molière, Goldoni, Shakespeare, Lorca.

— Esos nombres son muy impresionantes, sobre todo si uno lo piensa a lo largo del tiempo. Porque no se necesitaba ser universitario en esa época para ser una persona ilustrada. Pienso incluso en Alberto Olmedo, que era un tipo que no había nacido en una casa con bibliotecas.

— Ni con artistas. No, claro.

— Y, sin embargo, había algo de la cultura popular en la Argentina que se ligaba bastante con lo que hoy llamaríamos alta cultura. Y hoy no existe eso, hoy no se ve.

— Al menos se perdió por un rato.

— Leía en tu libro las cosas que Luz te decía, los autores de los que te hablaba, cómo entraban al teatro; cuando hablaban de Molière sabían de qué estaban hablando. Lo mismo sobre ópera.

— Claro, si hizo dos óperas. Lo único que no hizo fue circo. Le dije: hiciste de todo. “No, circo no hice”, me respondió. Pero hizo zarzuela, café concert, drama, comedia, ópera, revista, cine, por supuesto teatro.

— A Luz se lo recuerda fundamentalmente como comediante pero hizo drama y con personajes muy fuertes, como el gran artista que era. Ahora, vos le mencionás en un momento, en una de las conversaciones, el tema de que nunca tuvo un protagónico en el cine.

— Sí, se lo hice saber, pero es como parte de su humildad, por eso el título (Nunca me la creí) es de verdad porque me pidió llamarlo así porque es como una frase de cabecera de él, ¿no? Porque nunca se la creyó. Y entonces yo le pregunté eso y a él lo primero que se le ocurrió decir es: “ pero hay tantos que no han hecho protagónicos, la mayoría de mis colegas no ha hecho protagónicos”.

— Hay una palabra que no aparece en el libro pero sobre la que me gustaría preguntarte. ¿Pensás que él se sentía algo así como un trabajador de la cultura?

— Sí. Era un laburante. Había que levantarse a las 5 de la mañana, hacía frío, hacía calor, lo que hiciera, y siempre iba feliz a laburar. Eso así me lo dijo y así lo veía yo. Porque fuimos amigos 30 años. Entonces tenía el registro de su cotidiano.

— En tu libro hay muchos testimonios de actores, actrices, directores que compartieron trabajo con él. Y creo que es una de las actrices la que cuenta cómo él ahorraba cuando las cosas estaban bien para los años en los que podía llegar la malaria. O sea, era como muy consciente del tipo de trabajo que tenía y de las crisis en el país.

— Sí, todo el tiempo. Todo el tiempo era muy consciente. Y era muy generoso. O sea, vos pensás que la persona que ahorra puede ser un poquito agarrado, medio amarrete. No, al contrario.

— Además en un momento te dice que el pecado capital que él más desprecia es la avaricia.

— La despreciaba totalmente. ¡Y cómo se ponía de loco cuando no le querían cobrar en los restaurantes, por ejemplo! Pero no te pongas como loco, le decía yo. “No quiero, no quiero”. Y entonces dejaba de ir a esos lugares donde no le cobraban porque era: “Jorge, cómo te vas a cobrar. No queremos cobrarte, queremos invitarte” Y un día fuimos, éramos cinco o seis, a una parrilla que se llamaba “A los amigos”, que él la amaba, por Villa Crespo creo que era. “Pero vamos a paga todo”, le dijo de entrada gritando. “No va a pagar nadie acá. Nadie. Te vamos a invitar a vos y a tus amigos. Si no, se van”, le dice el dueño. Y bueno, nos quedamos.

El afecto en la calle

— Vos fuiste su amigo durante muchos años, imagino que veías mucho amor hacia él en la calle, en la gente.

— Uhhhh.

— ¿Y también había agresiones?

— No, no, no. Había amor; amor hacia un familiar muy querido que te encontrás de golpe. Me acuerdo de que fuimos juntos al velorio de Néstor Kirchner. Lo que fue eso cuando lo vieron. ¿Te acordás de lo que fue el velorio?

— Sí, claro.

— Fue multitudinario. Y pasó una cosa muy graciosa, porque teníamos un contacto para hacer una fila corta.

— Él ya era una persona muy muy grande. Fue dos años antes de su muerte.

— Claro. En 2010, imaginate, tenía 88 años. Y entonces viene a buscarnos uno de los guardias de la Casa Rosada y le dice: “Venga por favor” y avisa: “Va a pasar el señor Jorge Porcel” y yo me empecé a reír entrando en el velorio. Después lloramos, pero ahí me reí. “Hijo de puta, guacho”, me dice, “no te rías, te rías”. Odió que lo confundieran.

— Él tuvo un dúo muy popular con Jorge Porcel, y en tu libro aparecen las diferencias entre ellos, a partir de cosas que te contaba él pero también de algunos testimonios. Porcel fue una figura polémica, de esas figuras masculinas del espectáculo con alguna cuota de poder y popularidad que no habrían sobrevivido la etapa del post Ni una Menos en la Argentina. El tema del acoso y de los abusos era algo de lo que se hablaba siempre.

— Sí, es verdad.

— Y uno, claro, no asocia a Jorge Luz con esas conductas y sin embargo estuvieron muchísimos años trabajando juntos y se entendían.

— Sí, se entendían, y viajaron a Puerto Rico a hacer la Tota y la Porota. Jorge Luz lo bautizó Tota al personaje de Porcel. Y vos fijate que nunca usaron una página del libreto.

— Todo improvisado.

— Nunca usaron una página. Nada, nada.

— La frase que usaban era: “Vos, seguime”. Qué linda es esa idea, ¿no?

— Claro. Yo arranco y vos seguime. Está buena. Porque es una prueba de unión entre dos que están trenzados para lo mismo, ¿no?

— Ellos no tenían una relación de amistad.

— No.

— Se encendía la cámara y ahí se convertían en eso que se veía.

— En las vecinas que eran, claro. La Tota era como lujuriosa, vivía alzada. Y Jorge era como una conservadora, la Porota, ¿no?

— Basada en un personaje real, también, por lo que contás en el libro.

— Sí. De cuando salió un día de grabar y venía por la calle Pavón hasta Entre Ríos y una señora salió corriendo y tirándole la chancleta al hijo: “¡Vení para acá!” Y de pronto lo vio a Jorge. “¡Jorge Luz!”, gritó. Entonces él la abrazaba. Y ella le dijo: “¡Ay, qué loco, me hace reír. Yo me pregunto de dónde saca esos personajes”. Y Jorge le dice: observando señora. Observando. (Risas)

— ¿Tuvo esa memoria prodigiosa hasta el final?

— Siempre. Por ejemplo, con Aida se ponían a cantar. ¿Y cómo te acordás de esa canción?, le decía Aida. “Si vos la cantabas”, respondía él. “Sí, pero yo me la había olvidado”. Él tenía una memoria increíble.

— Eso ayudó mucho porque para la improvisación es tener como una biblioteca flotante.

— Y él avisaba, también. Lo cuenta en el libro Mónica Villa, que murió de miedo porque Mónica es una actriz de método. Lo cuenta muy lindo porque, además, le agradece infinitamente…

— Porque la liberó.

— La liberó. Claro. Y le dio esos permisos. Porque él improvisaba pero con una brújula, siempre. No se iba de mambo porque sí. No, no. Después volvía. Donde se tuvo que portar muy bien y se volvió loco es con Molière. Cuando hizo Las picardías de Scapin, que tenía que hablar en ese idioma de Molière que no era su costumbre y tuvo que estudiar mucho y le costó. Y Madanes lo esperó. Le dijo: “Mirá, cuando dejes de fumar vas a hacer esto”.

— Porque su personaje tenía un despliegue físico muy importante en escena.

— Claro. Era un tipo Arlequino.

— Él llegó a vivir con su hermana ya de grandes, cuando ella se enfermó. Para él, ella era alguien muy importante, ¿cierto?

— Sí, sí.

— De hecho, te pidió que en el libro ella ocupara un lugar relevante. La vida de ella es muy interesante. Yo no sabía que había tenido un marido, por ejemplo.

— Claro, tuvo un marido, sí. Fernando Roca. Aida tenía mucho humor.

— Era una genia total.

— Era una genia. Y también tenía esa capacidad en Matrimonios y algo más… Hacía cualquier personaje y era brillante.

— Los dos tenían una destreza natural para la actuación. En el caso de Aída, ella tenía a algunas actrices de cine como modelos, como escuela.

— Sí. Tenía a Greta Garbo y a Bette Davis. Ella decía: yo estudié con ellas porque miraba sus películas obsesivamente y estudiaba las reacciones que cada una tenía frente a determinada situación y así estudiaba. No es que después las imitara, pero les estudiaba las reacciones, sobre todo.

— El cine era algo nuevo.

— Claro, vos fijate que ella hace su primera película en el 38 y la primera película sonora es del 33, ¿no?

De eso no se habla

— El libro se empezó a armar a partir de algunos acuerdos que hiciste en este caso con tu amigo Jorge Luz, y que incluían no tratar determinados temas.

— Sí.

— Y no te voy a preguntar por esos temas que tienen que ver con su sexualidad.

— Con su vida íntima.

— Pero sí te quiero preguntar qué pensás que le pasaba a él con la cuestión de vestirse de mujer. Con las prendas de mujer. Yo pensaba en la fascinación de Manuel Puig con las divas del cine, algo así.

— Sí, sí. Pero también le gustaba, vamos a usar un verbo por ahí inadecuado, disfrazarse de lo que fuere.

— Es decir que le gustaba la idea de convertirse en otro u otra.

— De convertirse en otra persona, en otro personaje. Porque eso lo ponía ya en situación, así como hizo el alcalde de La zapatera prodigiosa, que lo hizo tres veces.

— Eso, en teatro. En cine también hizo la figura del alcalde en De eso no se habla, la película de María Luisa Bemberg.

— Sí, que tenía un ataque de hemiplejia. El alcalde ése es tremendo. Y ahí, en esa película, amó a Mastroianni porque era su ídolo.

— Ese momento de tu libro es buenísimo. El encuentro de Jorge Luz con Marcello Mastroianni, o cuando salían al boliche a comer salame y tomar vino, como te contaba.

— Sí, en una pulpería. Giorgio, lo llamaba él. Pero vos fijate que Jorge lo amaba a Mastroianni. Lo amábamos, porque yo también lo amaba a Mastroianni.

— Y, bueno, quién no

— Quién no amaba a Mastroianni, por Dios. Y entonces Jorge se sabía letras de memoria de sus películas, sobre todo de una que acá se llamó Dos hermanos, dos destinos, basada en la novela de Vasco Pratolini, Crónica familiar.

— Vos sabés que ese libro fue reeditado como Crónica de mi familia por Juan Forn en Rara Avis, una colección de Tusquets.

— Ah, mirá, no me acordaba de eso. Yo amaba ese libro.

— Es que es una maravilla. Y decís entonces que a él lo conmovía mucho.

— Mucho. Y de Mastroianni sobre todo lo conmovió que un día de mucho calor, estaban todos vestidos de invierno pero hacía mucho calor, la Bemberg, María Luisa Bemberg, la directora de De eso no se habla, estaba en otra habitación y él la escucha que le dice: Marcello, ya estás libre. “Pero falta la escena con Giorgio”, le escucha decir Jorge Luz. Y ella le dice “no, no, andá, andá, le ponemos una mano”. Porque, viste, de referencia, iba la imagen de Jorge y no se veía el otro. “No”, le dice Mastroianni, “cómo le va a poner una mano. Don Giorgio es un actor y un actor no puede hablar con una mano”.

— Claro.

— Y Jorge no se olvidó más de eso.

— Hizo cine, teatro, televisión, había hecho radio. ¿Y cuál de todos era realmente su lugar? ¿El teatro?

— Sí, él amaba el teatro. Y la radio le quedó como el amor, el gran amor de su vida, digamos. Pero al teatro lo amaba, sí. Más que al cine. Le gustó la etapa de los Cinco Grandes, que después, cuando murió Cambón, fueron Los Grandes.

— Fue su época de una fama increíble.

— Claro. Los hermanos Marx del subdesarrollo.

— Y después, hay grandes personajes como lo que hizo con La dama de las camelias.

— ¿Lo viste vos? No habías nacido.

— Soy muy joven (risas).

— Yo lo vi dos veces. No, eso era una experiencia… yo nunca me reí tanto en un teatro porque era una cosa inagotable lo que hacía. Se iba y venía. Ya les había dicho a los compañeros: yo me voy a ir (con el texto), ustedes espérenme y síganme. Pero porque se había enojado mucho con el texto original, entonces él mezclaba todo, hacía unos disparates.

— Nunca era la misma función.

— Nunca. Porque además la gente se desternillaba, se hacía encima de la risa y se levantaba para ir al baño. Vestida con tules, como Margarita, les decía: “Escuchame, ¿llevás papel?” Y la escena de su lecho de enferma era tremenda, la gente se descomponía de la risa porque él lo hacía en serio desde un lugar de capocómico infernal.

— Sí, con cierta cosa vanguardista ahí, ¿no? Estoy pensando en lo que fue después, con Batato Barea o Urdapilleta.

— Claro, éramos compañeros de teatro con Urda. A Jorge le gustaba Urdapilleta. Pero el cómico que más lo hacía reír era Gasalla.

— Y la mujer que más lo hacía reír era Nini Marshall.

— Uh, a Nini la adoraba. Yo lo cargaba porque en la película Los celos de Cándida, en la que él hace de extra, eran Nini y Augusto Codecá los protagonistas, en una playa de estudio y Jorge de bañista antiguo y la seguía porque ella, Catita, iba discutiendo con el marido. Y en Jorge no se veía a un bañista que seguía la situación, se veía a un fan deslumbrado. “Sí, sí, es verdad lo que viste”, me dijo. Son segundos que dura su aparición de extra, por lo cual ni cobró. Pero se veía la fascinación porque él la amaba de escucharla por radio. Y, después, la vida los hizo hermanos.

— Era un vínculo de mucho cariño.

— Sí, se llamaban todos los días. Él tenía varias personas con las que se hablaba siempre.

— Marilú Marini era una de ellas.

— A Marilú Marini todos los días la llamaba a París. Se moría Marilú, se escuchaba la risa. “Mirá que estoy con Paredero, estamos haciendo el libro”. Bueno, pero un ratito, decía Marilú y él le decía cualquier cosa y ella moría de risa. Con Olga Zubarry se hablaban todas las mañanas. “Y cómo amaneciste Jorgito, con qué soñaste anoche”.

— Esa forma de la conversación a diario era una costumbre que se perdió desde que no se usa el teléfono fijo, creo.

— Claro. Eso de la época en la que cuando uno salía, dejaba el teléfono, no se iba con el teléfono por ahí, como ahora.

— Y te hacías el tiempo para hablar por teléfono. Que hoy no lo tenés

— Era como tener una conversación de café, pero por teléfono.

— Exacto. Sobre todo si vivían lejos o si estabas imposibilitado de moverte.

— Claro, pero ellos mientras desayunaban hablaban. Y no había muchas cosas para contarse más que las cotidianas. Y con Elena Lucena también hablaba mucho. Y con Nini.

— Pienso en los nombres que estamos mencionando, en algunas de las fotos de tu libro y hay como un brillo y, claro, una se va poniendo grande y la sensación es como de pérdida del reino, ¿no?

— Sí, sí. Claro, hay algo de eso; uno se va poniendo grande y aumenta el brillo de aquello que lo hizo feliz a uno como espectador. Ese brillo no sólo se mantiene sino que aumenta, se engrandece.

Un periodista influyente

— ¿Sabés qué te quiero preguntar Hugo? Porque yo no sabía, o por lo menos no le había prestado la debida atención, que cuando empezaste a escribir en la revista Humor fue en realidad cuando empezaste a escribir como periodista.

— Sí, yo quería ser actor.

— Claro, pero yo recuerdo que vos escribías sobre espectáculos y tenías un desparpajo absoluto, que terminó siendo muy influyente.

— ¿Vos decís?

— Estoy segura, convencidísima. ¿Vos no pensás eso?

— No.

— ¿Nunca lo sentiste así?

— Me lo han dicho, pero no lo sentía yo. Yo vivía la felicidad de estar en la revista Humor, que amaba.

— ¿Quién te editaba?

— Tomás Sanz, el jefe de redacción. Yo nunca laburé en la redacción de Humor, llevaba mis notas y me traía las cartas que llegaban, que eran muchas. No contesté todas.

— Lo primero que escribí y se publicó fue una carta que te mandé a la revista. Tuve suerte, la mía la respondiste.

— La tuya, sí.

— Antes de terminar la charla te quiero agradecer porque, en lo personal, tus notas en Humor me mostraron que en el periodismo se podía escribir sobre temas de cultura sin solemnidad y sin verbos compuestos, además de que habilitaste la posibilidad de hablarle al lector. Estoy convencida de que, así como me pasó a mí, nos pasó a muchos.

— Gracias, muchas gracias a vos. Qué emoción.

Carlos Bañuelos, figura central de la televisión y el teatro peruano, regresa con ‘Noche de Enredos’ en el Centro Cultural Ricardo Palma. Su retorno, tras años de bajo perfil, no solo marca un reencuentro con el público, sino también una oportunidad para abordar los desafíos del espectáculo en la actualidad.

El intérprete, conocido por su papel en la telenovela ‘Carmín’, sostiene una postura clara frente al impacto de las redes sociales y la valoración del talento artístico. “En el medio siempre han convivido la vocación artística y la cultura del clic; ahora, las redes sociales simplemente tienden a amplificar esta última, porque aparentemente vende más”, declaró Carlos Bañuelos.

La comedia ‘Noche de Enredos’ se estrena el 7 de agosto y convoca a un público que, más allá de la nostalgia, busca una propuesta que combine humor y reflexión sobre el oficio actoral. La expectativa recae en el trabajo de Bañuelos, quien asume los roles de productor, director y actor en esta temporada.

Un regreso esperado: estreno de ‘Noche de Enredos’ y visión del espectáculo actual

El anuncio del regreso de Carlos Bañuelos a los escenarios ha generado interés en la comunidad artística y entre seguidores de la televisión peruana. La obra ‘Noche de Enredos’, una comedia escrita junto a Alberto Papa-Fragomen (‘Piwit’), propone una serie de situaciones cómicas sustentadas en malentendidos y personajes entrañables. La temporada se extiende del 7 al 31 de agosto en el Centro Cultural Ricardo Palma de Miraflores, con funciones que prometen llenar la sala.

El actor compartió su análisis sobre la transformación del sector artístico en el país. “El sistema exige a los jóvenes que tengan seguidores. Lo preocupante es cuando los números pesan más que el talento”, afirmó Carlos Bañuelos.

El intérprete remarcó la necesidad de reconocer la trayectoria y la formación de los artistas, más allá de la popularidad digital. “El respeto hacia los actores no solo debe expresarse con elogios, sino también con condiciones laborales dignas y una remuneración acorde con su trayectoria”, indicó.

La obra representa para Bañuelos una reafirmación de su apuesta por el teatro como espacio de encuentro genuino entre artista y público. “La mejor respuesta siempre está sobre el escenario”, sostuvo el actor, quien considera que la vigencia se demuestra con trabajo constante y propuestas de calidad.

La carrera de Carlos Bañuelos

Carlos Bañuelos se consolidó como referente de la televisión peruana en los años ochenta, gracias a su protagónico en la telenovela ‘Carmín’. El personaje de ‘El Gato’ lo convirtió en uno de los rostros más populares de la época, aunque el actor recuerda que la audiencia solía confundir la ficción con su vida personal.

Mientras interpretaba a un joven postulante universitario, él ya había cursado estudios en Derecho y Arquitectura, y posteriormente ingresó en primer lugar al Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la UNAM en México. En el teatro, la colaboración con figuras como Oswaldo Cattone y Eva Franco en la obra ‘Solo 80’ le permitió explorar nuevas facetas interpretativas y consolidar su presencia en la escena nacional.

Sin embargo, no todo fueron logros sin tropiezos. Su participación en la telenovela ‘Malicia’ durante los años noventa le dejó una sensación de frustración profesional. “Mi personaje de profesor nunca se desarrolló. Fue una decepción”, reveló Carlos Bañuelos. Pese a ello, aprovechó ese periodo para avanzar en proyectos personales, como la serie ‘El Sapo, diario de la mañana’, escrita junto a Raúl Bastante y disponible actualmente en línea.

A lo largo de su carrera, el actor ha visto desfilar generaciones de artistas, observando cómo cambian las reglas del juego y los valores predominantes en el espectáculo. “En el medio siempre han convivido la vocación artística y la cultura del clic”, reflexionó, subrayando la importancia de no perder de vista la esencia del trabajo actoral.

Más allá del escenario: reflexiones sobre el presente y futuro del arte peruano

El retorno de Carlos Bañuelos coincide con una etapa de revisión crítica sobre el estado actual del espectáculo peruano. El intérprete considera que las redes sociales han reconfigurado la manera en que se construyen las carreras artísticas, pero insiste en que el rigor formativo y la pasión por el oficio siguen siendo irremplazables.

“Lo preocupante es cuando los números pesan más que el talento”, reiteró, invitando a una reflexión sobre el papel de la industria y el público en la valoración de los artistas.

La producción de ‘Noche de Enredos’ busca ofrecer no solo entretenimiento, sino también una invitación a repensar el sentido profundo de la creación escénica. El elenco, seleccionado cuidadosamente, acompaña a Bañuelos en una puesta que apuesta por el humor inteligente y la cercanía con el espectador.

La expectativa de reencuentro con el público y la oportunidad de presentar una comedia contemporánea motivan al actor a seguir apostando por el teatro como espacio de resistencia y renovación.

Desde cuadras a la redonda, una cúpula blanca se erige imponente entre el cielo gris del sur de la ciudad de Buenos Aires. A simple vista parece una carpa de circo, pero apenas se traspasa el estacionamiento del Casino Buenos Aires la estructura toma otro ritmo. Un domo da forma a La Cúpula, el nuevo sueño hecho realidad de Flavio Mendoza.

Se percibe un clima de fiesta, de trabajo, de guías metálicas que se arman a todo ritmo bajo la atenta mirada del artífice de la mega producción que combinará teatro, circo, música en vivo, tecnología y cine en un mismo espectáculo.

Junto a su hijo Dionisio, Flavio recorre y muestra a Teleshow su proyecto que en agosto abrirá las puertas al público. Príncipe feliz príncipe dorado surge entre andamios y metales, en ese rincón inusual de la ciudad. Allí, entre operarios que ajustan guías y perfiles y voces que se mezclan con el ruido de herramientas, Flavio camina con paso firme, atento a cada detalle, a cada giro de grúa, a cada decisión de último momento. Dionisio, de ocho años, explora el lugar con la energía de quien acompaña a su padre en cada aventura, especialmente ahora, en vacaciones de invierno. En ese escenario, tan real y tan onírico a la vez, el arte y la familia se entrelazan como si nunca hubiesen estado separados.

Flavio se detiene y mira la cúpula a medio terminar. Hay algo en su expresión que combina orgullo y vulnerabilidad, la certeza de quien conoce la dificultad de crear algo único y la emoción de estar cerca de lograrlo. La elección de ese espacio, lejos de los teatros tradicionales, responde a una necesidad profunda: el deseo de libertad, de no ponerle límites a la imaginación, de no encerrar sus sueños en una caja cuadrada, de no resignar una idea por una regla ajena. “Cuando logré un espacio propio, sentí que podía dar a la gente lo que tenía en la cabeza”, explica y comienza a compartir su nuevo espectáculo.

—¿Qué esperás de este show, qué lo diferencia de tus otros proyectos?

—Es una megaproducción distinta, pero con algo que se repite: la escala, el sueño grande. Amo el teatro, pero muchas veces no deja hacer lo que uno imagina. El teatro limita, salvo que te dejen romper y después poner todo como estaba, y eso casi nunca pasa. Por eso la carpa. No es un circo, aunque tiene esa raíz. No tiene un rótulo porque no quiero que lo tenga. Quiero que el público entre y viva algo nuevo. No es mejor que nada, sino diferente a todo,

—¿Con qué se van a encontrar los espectadores?

—El hall de entrada no es solo un lugar de espera: es parte del espectáculo. Juegos, propuestas lúdicas para grandes y chicos, todo gratuito. El hall es gigante, y quiero que la experiencia empiece desde el primer paso.

—Vi que la carpa es 360 y que tiene un escenario giratorio, algo muy novedoso

—Sí, es la primera vez que se monta una carpa colgante así, sin columnas que molesten la visión. El escenario gira, sube y baja, tiene curvas. Todo es última tecnología, no existió nada igual en el país. El techo se llena de imágenes, mapping total, todo lo diseñamos en familia. Hasta la reja de la entrada la pensamos nosotros. No hay nada comprado sin sentido, cada detalle tiene nuestra marca.

Cada respuesta de Flavio revela un proceso colectivo y, a la vez, profundamente personal. El espectáculo surge de una suma de talentos y afectos: la familia participa, se involucra, acompaña y apoya. En cada rincón de la carpa se siente esa energía de clan, de grupo que apuesta y se arriesga junto.

—¿Vas a participar en escena?

—No, esta vez no voy a estar sobre el escenario. Es que no puedo estar en todos lados. Tengo que viajar a China, armar cosas allá, después volver y trabajar en el show de verano. Este año van a estar tres megaespectáculos en distintos puntos del país: Ánima en Neuquén, La Cúpula en Córdoba, y uno nuevo en Mar del Plata. No doy abasto. Pero igual estoy en todo, en la producción, en las decisiones, en la familia.

Mientras Flavio responde, Dionisio acompaña a su tía por detrás, saluda y se pierde en el clima de trabajo y juego, una convivencia natural entre lo cotidiano y la excepción.

—Siempre trabajás con tu familia, ¿es una necesidad para vos?

—Sin ellos no podría. Soy un desastre con los números. Mis tías, mis tíos, mis hermanas hacen todo lo que yo no sé hacer. Yo solo pido y sueño. Tener esta estructura en Argentina es engorroso, problemático, pero con ellos es posible.

La conversación avanza y la palabra “diferente” aparece una y otra vez. Flavio la usa para describir lo que busca, pero también para definir lo que ya encontró: un modo de hacer, una manera de pensar el arte, una relación con el público que excede lo comercial. Para él, la excelencia es la meta, el motor, el deseo.

—¿Por qué seguir invirtiendo tanto, en vez de apostar por fórmulas probadas?

—Porque creo que Argentina da para más. No hay techo. Hay mucha gente talentosa acá. Yo no produzco para ganar, primero busco la excelencia y después que eso me devuelva algo. Es mi pasión. Otros ganan más, pero yo invierto mucho. Es como quien colecciona autos, a mí me gusta coleccionar espectáculos. Me mantiene vivo.

Su mirada se ilumina cuando habla de Dionisio. La paternidad es un capítulo aparte, pero atraviesa todo.

—Quiero que mi hijo vea lo que hago, que entienda la pasión. Que no se quede quieto. Yo era bailarín y si me quedaba quieto, hoy estaría dando clase en una escuela de danza. No me quedé, armé escuelas, armé espectáculos, genero competencias, aunque no den nada, porque creo que hay que hacerlo.

—¿Dionisio tiene inclinación artística?

—Juega al fútbol, sufrió mucho con el Mundial, ¡y yo con él!. Hace acrobacia, canta. No le exijo que sea artista. Le digo que aproveche, que entrene, que disfrute, que aprenda, pero que no sienta presión. Si después no quiere, está bien. Lo importante es que sea feliz.

Llega el tema del mundial y la emoción se hace visible. Flavio cuenta que Dionisio ama a Celia, la mamá de Messi, y que la familia de Leo los recibió con cariño.

—Terminó el partido con Inglaterra y él me pidió que le escribiera a Celia, que le diga que aunque perdiéramos en la final, nosotros los amamos igual. Messi es así, generoso, humilde. Su familia tiene gestos que te muestra el tipo de gente que es.

—¿Qué sentiste con las críticas a los argentinos que surgieron con este Mundial?

—No les doy bolilla. No le presto atención a eso. Siempre hay gente buena y mala en todas partes. No hay que meter a todos en la misma bolsa. Las redes agrandan todo, los haters solo están para molestar.

—Volviendo a Dionisio, ¿cómo fue tu deseo de ser papá?

-Mi hermana me impulsó. Primero quise acomodar a mi familia, que mi mamá estuviera bien. Y recién después pensé en mí. No es fácil ser papá solo. Es una responsabilidad gigante, el amor más grande. Lo busqué, lo quise, y cuando sentí que podía, lo hice.

—¿Cómo es la crianza siendo un papá solo?

—Tiene ventajas y desventajas, ¿no? Como todo. Pero a veces cuando veo los quilombos de los padres separados con los hijos, yo digo: “Uy, qué suerte que soy papá solo, que todas las decisiones las tomo yo”. Las buenas y las malas. Y él va a tener una vida sana en ese aspecto. Sana mentalmente. No va a sufrir esa cosa de los padres separados, que un día estoy con uno y otro con el otro. Nunca quise eso. Hasta cuando estuve en pareja y hubo propuesta, seguí pensando igual. Porque cuando estás en el idilio, en el amor eterno, vos decís ”sí, quiero tener veinte hijos" y después decís no, porque hay una personita y hay que ser responsable.

—Qué bueno que tenés eso tan claro.

—Bueno, yo fui papá de más grande también. Cuando te pasa la edad también creo que te pasan muchas cosas. Tenés más experiencia y no tenés esa cosa más alocada de decir “bueno, vamos con todo ahora”. Yo creo que para mí ser padre y madre hay que buscarlo, tenés que quererlo. Es una gran responsabilidad ser papá o mamá.

—¿Cómo te llevás con los límites?

—Soy de poner límites. Dionisio, por ejemplo, no sabe lo que es el celular. No lo toca. A veces vamos en un viaje largo y él ni siquiera me pide para hacer un jueguito, porque sabe que el celular es de adulto. Tiene limitada su tablet donde ve un rato las cosas de niños. Hay cosas que le limité porque no quiero que las vea. Si bien yo le explico todo, porque no es que le digo que nacimos de un repollo. Jamás. Pero no me gusta tanto el teléfono porque puede generar adicción. Me parece que no está bueno. Está bueno el deporte. Entonces soy de ponerle límites en esas cosas, pero nunca tuve que poner un límite donde él me hizo un berrinche. Jamás me hizo un berrinche.

—¿Cómo es Dionisio?

—Es sensible. Y es muy generoso. Da todo, todo lo que tiene lo da. Eso me parece maravilloso. En mi casa casi no hay un juguete, porque todos los dio. Y todos los años yo le digo que hay que regalar cosas, pero si es por él regala todo. A veces me quedo con algún juguete de recuerdo, porque me da lástima, pero a él ni siquiera le importa. Él es de regalar todo. Si viene un compañero o una compañera y le dice que le gusta tal cosa, Dionisio viene y me pregunta: “Ay, papá, lo quiere, ¿se lo doy?”. Y yo lo apruebo. Entonces, eso es muy lindo de él. Muy lindo.

La entrevista termina y Flavio posa para la sesión de fotos. No escatima gestos, sus movimientos encienden la tarde. La cúpula, todavía desnuda, promete convertirse en refugio de fantasía y asombro. En ese espacio, la pasión por crear y el impulso por innovar encuentran su mejor escenario. Flavio Mendoza ha regresado. Príncipe feliz, príncipe dorado y la expresión del artista en estado puro.

Lima concentra esta semana una programación cultural que va desde el teatro clásico griego hasta la percusión afroperuana, con exposiciones de arte gratuitas, ballet clásico, conciertos íntimos y una feria de emprendimientos en el Museo de Arte de Lima.

La oferta se distribuye por distintos distritos de la ciudad —Jesús María, San Isidro, San Borja, el Centro Histórico— y contempla opciones de acceso libre junto a espectáculos para todos los públicos y presupuestos, muchas de ellas de ingreso libre.

EXPOSICIONES

Wunderkammer (Cámara de maravillas)

La artista peruana Paola Vela presenta en el ICPNA una muestra que interroga los mecanismos por los que las imágenes son producidas, clasificadas y puestas en circulación dentro de las lógicas del museo y el archivo. La pieza central, ‘El museo filmado’, es una videoinstalación de tres canales rodada en el Museo del Cerebro, el Museo de la Sexología de la Clínica González y el Museo de Historia Natural de San Marcos, con animaciones inspiradas en ‘Alicia en el país de las maravillas’ y citas del filósofo Walter Benjamin. La curaduría es de Carlos Zevallos Trigoso.

Lugar: Espacio ICPNA San Miguel (Av. La Marina 2469).

Hasta cuándo: 22 de agosto de 2026.

Horarios: Desde las 10:00 a.m.

Entrada: Gratuita.

Peruvian Films de Diana Kisner

Diana Kisner parte del archivo personal de su abuelo —un inmigrante de origen rumano que trabajó en la distribución cinematográfica en el Perú hasta 1953— para construir una exposición sobre memoria familiar, migración e identidad. El proyecto recupera materiales de la época, entre ellos la proyección de ‘Hitler – Beast of Berlin’, una película censurada que abre una conversación sobre el exilio y la memoria de las migraciones judías en América Latina. La muestra inaugura una nueva edición del Festival de Cine de Lima PUCP e incluye conversatorios, visitas guiadas y un encuentro con la artista.

Lugar: Sala Azul de la Casa O’Higgins (Jr. de la Unión 554, Centro de Lima).

Hasta cuándo: 23 de agosto de 2026.

Horarios: De 10:00 a.m. a 8:00 p.m.

Entrada: Gratuita.

Codesido

El Museo de Arte de Lima (MALI) y Bank of America presentan una exposición dedicada a Julia Codesido, reconocida como la primera pintora profesional del Perú, además de maestra, coleccionista pionera del arte popular peruano e investigadora etnográfica. Bajo la curaduría de Luis Eduardo Wuffarden y Ricardo Kusunoki, la muestra recorre más de cinco décadas de producción artística: desde su adhesión al indigenismo liderado por José Sabogal, hasta su diálogo con el muralismo mexicano, las tendencias no figurativas y la cultura de masas de los años 60 y 70.

Lugar: Sala 1, primer piso del MALI (Paseo Colón 125, Cercado de Lima).

Hasta cuándo: 1 de noviembre de 2026.

Horarios: Apertura a las 10 a.m. de martes a domingo. Cierran a las 6 p.m. de martes a viernes y domingos; y a las 5 p.m. los sábados.

Entrada: desde S/ 15 (precios especiales para niños y adultos mayores).

TEATRO Y ARTES ESCÉNICAS

Las aves de Aristófanes

La célebre comedia de Aristófanes, estrenada en Atenas en el año 414 a. C., regresa a los escenarios en una versión libre dirigida por Mateo Chiarella Viale y producida por Aranwa Teatro. La obra sigue a Pistetero y Evélpides, dos hombres que abandonan el caos de la ciudad para fundar entre las aves una nueva sociedad llamada Nubicuculandia. El elenco reúne a Alberto Isola, Ricardo Velásquez, Brunella Odar, Renzo Quintanilla y Germán Ojeda.

Lugar: Teatro Ricardo Blume (Huiracocha 2160, Jesús María)

Hasta cuándo: 16 de agosto de 2026

Horarios: Viernes y sábados a las 8 p.m., y domingos a las 7 p.m.

Entrada: Desde S/ 40 — Entradas en Ticketmaster

Nosotras que nos queremos tanto

Cuatro hermanas se reúnen en el departamento de su madre fallecida para repartir sus bienes. El encuentro hace aflorar viejos resentimientos, frustraciones y también el humor que, al final, permite el reencuentro genuino entre ellas. El espectáculo cuenta con las primeras actrices Yvonne Fraysinett, Cecilia Tosso, Mónica Domínguez y Patricia Fraysinett.

Lugar: Auditorio San Antonio de Padua (Huiracocha 2010, Jesús María).

Horarios: Función del 22 de julio

Entrada: Desde S/ 50 — Entradas en Teleticket

‘Marco Zunino, mi vida en musicales’

Marco Zunino recorre, con música y baile en vivo, los musicales de Broadway que han marcado su trayectoria: Rent, Moulin Rouge!, Cabaret, Jesucristo Superstar, Chicago y otros. El espectáculo cuenta con la participación de la actriz Gisela Ponce de León y propone una experiencia donde cada función adquiere un carácter distinto por la interacción con el público.

Lugar: Teatro NOS PUCP (Av. Camino Real 1037, San Isidro).

Hasta cuándo: 2 de agosto de 2026.

Horarios: Jueves a sábado a las 8 p.m., y domingos a las 7 p.m.

Entrada: Desde S/ 33 — Entradas en Teleticket.

BALLET

Carmen y Raymonda

La Municipalidad Metropolitana de Lima, en coproducción con el Patronato Amigos del Ballet Municipal, presenta dos obras del repertorio clásico interpretadas por el Ballet Municipal de Lima. Carmen, con música de Georges Bizet y coreografía de Jean Grand-Maitre, narra la historia de una mujer cuyo espíritu libre desencadena un trágico destino. Raymonda, con música de Alexander Glazunov y coreografía en estreno de Carlos Valcárcel, propone una suite de variaciones de alta exigencia técnica. Ambas obras ofrecen un contraste entre la intensidad dramática de la primera y el refinamiento clásico de la segunda.

Lugar: Teatro Manuel A. Segura (Jr. Huancavelica 265, Cercado de Lima).

Hasta cuándo: 2 de agosto de 2026

Horarios: Viernes a las 8 p.m., y sábados, domingos y feriados a las 6 p.m.

Entrada: Desde S/ 20 — Entradas en Teleticket

CONCIERTOS Y MÚSICA

Legado — Kimbafá

El grupo Kimbafá presenta Legado, un espectáculo de percusión, danza y teatro físico que narra la transmisión de una herencia cultural entre padre e hijo. Con más de 20 artistas en escena, la propuesta combina instrumentos reciclados y percusión afroperuana en un relato sobre identidad, memoria y tradición viva.

Lugar: Teatro Municipal de Surco (Calle Sacramento 236, Santiago de Surco).

Hasta cuándo: Estreno el 17 de julio; 9 funciones en total.

Horarios: Viernes y sábado a las 8 p.m., y el domingo a las 7 p.m.

Entrada: Desde S/ 24 — Entradas en Ticketmaster

Gala Puccini

El Teatro Municipal de Lima dedica una velada a la música del compositor italiano Giacomo Puccini con la participación de cuatro solistas internacionales: la soprano Marta Mari, la soprano Thayana Roverso, el tenor Davide Piaggio y el barítono Stavros Mantis. La dirección musical estará a cargo del maestro Lorenzo Tazzieri, con la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil Bicentenario y el Coro Lírico Juvenil “Simon Boccanegra”.

Lugar: Teatro Municipal de Lima (Jr. Ica 377, Centro de Lima).

Horarios: Sábado 18 de julio, 7:30 p.m.

Entrada: Desde S/ 15 — Entradas en Ticketmaster.

Amy Gutiérrez en privado

La cantante peruana Amy Gutiérrez, referente de la salsa, el pop y el R&B, lleva su formato íntimo Amy Gutiérrez en privado al Lima Norte. El repertorio incluye sus éxitos ‘No te contaron mal’, ‘No sé’, ‘Alguien’, ‘Vamos a escapar’ y ‘Qué pasaría’, además de lanzamientos recientes como ‘Best part’ y ‘Era para siempre’. El evento es apto para toda la familia y tiene aforo limitado.

Lugar: Teatro Plaza Norte — C.C. Plaza Norte, cruce de Panamericana Norte con Av. Tomás Valle, Independencia

Horarios: Domingo 19 de julio, 6:00 p.m.

Entrada: Desde S/ 80 — Entradas en Ticketmaster.

Alberto Carulla: ‘Me Va, Me Va: lo mejor de Julio Iglesias’

El Centro Español del Perú continúa su temporada dedicada a Julio Iglesias con una noche de clásicos de los años 70, 80 y 90 interpretados por Alberto Carulla: ‘Bamboleo / Caballo Viejo’, ‘Torero’, ‘Agua Dulce, Agua Salá’, ‘Baila Morena’ y otros. El evento requiere vestimenta adecuada y tiene aforo limitado.

Lugar: Centro Español del Perú (Av. Gral. Salaverry 1910, Jesús María)

Horarios: Viernes 17 de julio, 8:00 p.m.

Entrada: S/ 100 (Consumo mínimo en el local: S/ 50) - Entradas en Joinnus.

EVENTOS GRATUITOS

Feria del Patio — Edición Fiestas Patrias

El patio, el Gran Hall y el atrio del MALI se convierten durante tres días en un punto de encuentro de emprendimientos culturales, marcas emergentes y propuestas de ilustración, cerámica, accesorios, joyería y gastronomía. La programación gratuita incluye talleres, conversatorios y presentaciones musicales cada tarde. El viernes 17 actúa Daniela de Izcue; el sábado 18, Nia Vanie; y el domingo 19 cierra con un DJ set de Soraya. El sábado y el domingo se proyectarán en vivo la semifinal y la final del Mundial, con descuentos de hasta 40% en los stands durante los partidos.

Lugar: Museo de Arte de Lima (MALI) — Paseo Colón 125, Cercado de Lima

Horarios: Del 17 al 19 de julio, desde las 12:00 m. Actividades hasta las 8:00 p.m.

Entrada: Gratuita

Miércoles de Filmoteca — ‘Las voces de la tierra’

El MALI y la Filmoteca PUCP presentan el ciclo ‘Las voces de la tierra. Cinco exploraciones fílmicas de la música peruana’, con curaduría de Sebastián Pimentel y Claudio Cordero. La sesión del 22 de julio incluye dos obras: ‘Autorretrato sonoro’ (2010, 45 min.), del músico y cineasta Manongo Mujica, que convierte la costa desértica y el mar peruano en un cosmos visual y sonoro con la presencia de la familia Ballumbrosio y referencias a las tradiciones afroperuanas; y ‘Escucha, paisaje, escucha’ (2022, 23 min.), de Víctor Manuel Checa y Diego Cendra.

Lugar: Auditorio MALI — Paseo Colón 125, Cercado de Lima

Horarios: Miércoles 22 de julio, 7:00 p.m.

Entrada: Gratuita

XVII Salón de Cacao y Chocolate Internacional 2026

El evento de promoción del sector cacaotero y chocolatero de Perú y Latinoamérica, parte del calendario mundial de salones de chocolate en alianza con el Salon du Chocolat de París, reúne más de 200 stands de productores nacionales e internacionales. La programación incluye concursos de esculturas de chocolate, catas, maridajes, el Campeonato Nacional de Heladería Artesanal, foros y ruedas de negocios.

Lugar: Centro de Convenciones de Lima — Av. del Comercio 190, San Borja

Horarios: Del 16 al 19 de julio, desde las 11:00 a.m.

Entrada: Desde S/ 23 — Entradas en Joinnus.

Las vacaciones de invierno 2026 volvieron a poner a prueba el presupuesto de las familias que buscan actividades para compartir con los chicos durante el receso escolar. Entre propuestas gratuitas y planes pagos, la comparación de precios, la búsqueda de promociones y los descuentos se convirtieron en parte de la organización previa de cada salida, en un contexto en el que el entretenimiento también quedó sujeto a una planificación más cuidadosa.

En ese escenario, un relevamiento de Focus Market para el Blog de Educación Financiera de Naranja X mostró cuánto cuesta hoy una de las salidas más tradicionales del receso: ir al cine y terminar el día con una comida en un local de fast food. Para una familia tipo integrada por dos adultos y dos niños, el presupuesto necesario ascendió a $156.600, considerando entradas, snacks y la cena.

Según el informe, la salida al cine representó el mayor desembolso. El cálculo contempló cuatro entradas, que alcanzaron un valor total de $71.200, ya que el precio general de cada ticket llegó a $17.800. Para la medición se tomaron los valores sin descuentos. Hay que considerar que suele haber promociones con distintas apps y billeteras.

A ese monto se sumó un combo familiar de $45.000, integrado por dos baldes de pochoclos, cuatro gaseosas grandes, dos golosinas y una botella de agua. De esa forma, el costo de asistir al cine con los snacks necesarios para una familia de cuatro personas ascendió a $116.200.

El relevamiento también incorporó el precio de una comida en un local de comida rápida. Para ese cálculo, consideró cuatro combos, con un costo total de $40.400. La estimación incluyó dos combos medianos, de alrededor de $10.000 cada uno, y dos cajas infantiles, valuadas en $10.200 cada una.

Al sumar ambos conceptos, el gasto total llegó a $156.600, cifra que representó un incremento del 23% respecto de 2025, cuando la misma salida demandó $94.700.

“Durante las vacaciones de invierno se observa un cambio en el consumo de entretenimiento familiar. Las salidas que combinan cine o teatro con una propuesta gastronómica siguen siendo una de las opciones preferidas, pero con un comportamiento de compra mucho más racional. Las familias planifican con anticipación, comparan precios y buscan promociones, descuentos bancarios, beneficios con billeteras virtuales y paquetes que permitan optimizar el presupuesto. Más que resignar el ocio, el consumidor busca maximizar el valor de cada salida, una tendencia que refleja un consumo más estratégico y orientado a la relación costo-beneficio”, afirmó Damián Di Pace, director de Focus Market.

Además del cine, el trabajo relevó otras propuestas recreativas disponibles durante las vacaciones de invierno para quienes buscaron alternativas diferentes.

Entre ellas apareció la posibilidad de pasar el día en un parque de diversiones (Parque de la Costa), que durante julio permanecerá abierto todos los días desde las 11. Los Pases Full, que incluyeron casi todos los juegos, comienzan en $25.000 por persona mediante promociones por compra anticipada online. Esa modalidad quedó sujeta a disponibilidad, con un stock de 200 pasaportes promocionales por día.

Otra de las opciones consideradas fue el Bioparque, que entre el 2 de julio y el 3 de agosto ofrece entradas para residentes en Argentina con un valor de $52.800 para mayores y $44.890 para niños de entre 3 y 10 años inclusive. El estacionamiento permanece sin cargo.

El informe también incorporó la nueva edición de Disney On Ice, que se presenta en el Movistar Arena con entradas que oscilan entre $110.000 y $200.000, según la ubicación elegida.

Dentro de las propuestas desarrolladas en La Rural, Focus Market incluyó las experiencias inmersivas de realidad virtual, cuyos precios rondaron entre $40.000 y $50.000. Además, señaló la disponibilidad de un pack familiar para cuatro personas por $120.000.

Visita a la Rural de Palermo

En el mismo predio también se realiza la Exposición Rural Argentina, con una entrada individual online de $16.500, mientras que el valor en boletería asciende a $20.000. Para los grupos familiares también está disponible un pack 4x3 online por $49.500.

El teatro integró otra de las alternativas analizadas por la consultora. Según el relevamiento, las entradas comienzan en $20.000, aunque el precio varía de acuerdo con la obra elegida y la ubicación dentro de la sala.

El estudio también indicó que las compras realizadas a través de internet pueden incorporar un cargo por servicio, cuyo valor depende del teatro o de la plataforma utilizada para adquirir las entradas.

Junto con las opciones pagas, el informe destacó la amplia oferta de actividades gratuitas organizada por municipios, museos, centros culturales y librerías de distintos puntos del país.

“En estas vacaciones de invierno también cobra protagonismo la oferta de actividades gratuitas impulsadas por municipios, museos, centros culturales y librerías de todo el país. Frente a un consumidor que busca cuidar el presupuesto sin resignar el tiempo en familia, estas propuestas recreativas ganan cada vez más demanda. Talleres, espectáculos, funciones, visitas guiadas y actividades participativas —muchas de ellas con reserva previa de entradas— permiten ampliar las alternativas de entretenimiento y democratizar el acceso a la cultura. Esta tendencia refleja cómo el ocio de calidad no depende exclusivamente del gasto, sino también de una oferta pública y privada que acompaña las nuevas necesidades de las familias”, señaló Di Pace.

A las 21 de la noche de este domingo, no serán pocas las personas que estén sentadas en sus sillas mirando a una misma dirección. Quizá haya nervios, un silencio tenso, ganas de aplaudir e incluso de insultar lo que se está viendo, aunque en este tipo de situaciones siempre cabe esperar un poco de decoro y de respeto. Estamos hablando, por supuesto, de las salas de cine, de teatro o de conciertos que, también durante la final del Mundial, seguirán con sus actividades de siempre, tanto para aquellos que busquen refugio del fútbol como para los que, simplemente, tengan algo mejor que hacer.

“No soy futbolero ni sigo a ningún equipo ni me interesan mucho las ligas, pero creo que este partido lo habría visto”, dice César Camino, actor que, mientras España y Argentina se disputan la Copa del Mundo, se encontrará en plena función de la obra Pero no se lo digas en el Teatro Bellas Artes de Madrid. Aunque la función acabará sobre las 22, todo el equipo se perderá buena parte del encuentro. “Durante la función intento no saber nada absolutamente del mundo exterior, ni del fútbol ni nada. Cualquier cosa que rompa la concentración es mala para mí”, ríe.

Camino, que ha participado en series como Los Misterios de Laura, Hospital Central, Impares, Bicho Malo y Frágiles y cuenta con una dilatada trayectoria en el mundo del teatro, adivina que la sala estará más vacía de lo habitual. “Contra algo tan grande como una final del Mundial no se puede competir”, reconoce. “En el teatro coinciden siempre cosas. Cuando no es el fútbol, es cualquier otra historia y estamos acostumbrados a competir contra todo tipo de eventos. En fin, ¿qué le vamos a hacer? A mí me gusta pensar que ofrecemos un refugio a todos aquellos que quieran huir de la omnipresencia del fútbol".

“No entiendo la importancia que se le da al fútbol”

Pero no se lo digas no será la única obra que se representará mientras se disputa la final del Mundial. La suerte de César Camino la compartirán otros actores como Pepe Viyuela, que se encuentra ahora mismo en Mérida para el Festival de Teatro Clásico. En su caso, sin embargo, será a la inversa: la obra empezará a las 22.45 y, por lo tanto, no sabrá del resultado final hasta que la representación acabe. “Ya lo sentimos, pero le vamos a quitar espectadores al fútbol”, comentaba a los periodistas hace unos días en la ciudad extremeña.

Actores, músicos, proyeccionistas... El mundo de la cultura no se detendrá aunque la pelota gire. También ha habido quien, aun pudiendo ver el partido, ha preferido no hacerlo, como el escritor David Uclés (que ha informado en sus redes sociales que se encontrará viendo La Odisea mientras España juega la final) o la novelista Laura C. Vela, que ha compartido una reflexión en su perfil sobre su falta de entusiasmo por el hecho de que España gane o pierda el Mundial. “No entiendo la importancia que se le da al fútbol”, escribe. “No todo un país, y ni siquiera la mitad, está viendo el fútbol ni nos importa”.

Aunque no importe, existe el riesgo de que la celebración de aficionados de uno u otro equipo se cuele en alguno de los planes alternativos que ofrece la cultura. Por eso, le preguntamos a César Camino: ¿qué ocurriría si, en plena función, alguien grita un gol? “Pues hombre, si en mitad de una frase se escucha, como es algo que lo va a escuchar todo el patio de butacas, creo que dará bastante alegría, te guste el fútbol o no”, responde con naturalidad. “Y de todos modos, el fútbol forma parte de la vida y siempre que la vida entra en un teatro se agradece”.

La final del Mundial 2026 entre Argentina y España altera por completo la rutina dominical del teatro en Buenos Aires. El domingo 19 de julio, ninguna de las grandes producciones comerciales subirá a escena: las salas decidieron suspender sus funciones, conscientes de que la atención del público estará puesta en el partido que se disputará a las 16 en el estadio.

La determinación de los teatro responde a una lógica inapelable: durante la final de un Mundial, la vida urbana se reorganiza y la oferta cultural se repliega. Se prevé que tanto en la capital como en el resto del país se multipliquen las reuniones de personas para acompañar al seleccionado nacional. El fenómeno excede el resultado deportivo: desde la previa, la expectativa ya modifica la agenda de la ciudad y, tras el desenlace, se esperan celebraciones o encuentros que prolongarán la jornada más allá del silbatazo final.

La medida abarca a todos los grandes títulos de la cartelera comercial. En el caso de Sottovoce, protagonizada por Adrián Suar, Lorena Vega, Carla Peterson y Fernán Mirás, las entradas ya adquiridas para este domingo podrán utilizarse para la función del domingo 9 de agosto. La misma fecha fue elegida para la reprogramación de Las hijas, con Florencia Peña, Soledad Villamil y Pilar Gamboa, así como para Anastasia, encabezada por Minerva Casero.

Por su parte, Hairspray, con Damián Betular, optó por cancelar la función sin reprogramación y confirmó que se devolverá el costo de las entradas a los compradores.

La obra Billy Elliot, con Osvaldo Laport, trasladó su función al próximo domingo 2 de agosto, que será además la última presentación de la temporada. También eligieron esa fecha para reprogramar El Jefe del jefe, con Diego Peretti y Federico D’Elia, y Ni media palabra, con Nicolás Cabré y Mariano Martínez.

La cena de los tontos estableció que las entradas de este domingo serán válidas para el domingo 26 de julio. Otras producciones, como Secreto en la montaña, La función que sale mal y Toc Toc, todas en el Multiteatro, ofrecen a los espectadores la posibilidad de gestionar el canje para nuevas fechas o, en caso de no poder asistir, solicitar la devolución del dinero.

El teatro Metropolitan ajustó su cartelera con nuevas fechas para sus principales espectáculos. Desde el jardín, con Guillermo Francella, se traslada al 23 de agosto. Cuestión de género, con Moria Casán, y Habitación Macbeth reprograman para el 9 de agosto. Por su parte, Misery se realizará el 16 de agosto.

La decisión de reprogramar responde a la expectativa de que la ciudad estará paralizada durante el horario del partido y las horas posteriores, con el público enfocado en la definición mundialista.

Las producciones orientadas al público familiar y musical también modificaron sus agendas. El musical Annie brinda la opción de canjear la entrada para otra fecha o solicitar la devolución del importe. Charlie y la fábrica de chocolate, liderada por Agustín “Rada” Aristarán, tenía programadas dos funciones para el domingo 19. En este caso, las entradas para la función de las 15 se trasladan al lunes 20 a las 20:30, mientras que las correspondientes a la función de las 18 pasan al viernes 17 a las 17:30.

Rocky, uno de los grandes éxitos del último año, también ofrece la posibilidad de gestionar el cambio de fecha o el reembolso, adaptándose a la demanda del público que priorizará el evento deportivo.

En tanto, Drácula II La Resurrección emitió un comunicado en el que informaron el cronograma del fin de semana mundialista: “Por razones ajenas a la producción, se suspenden las funciones del jueves 16, sábado 18 y domingo 19 de julio". El espectáculo creado por Pepe Cibrián Campoy informó que “quienes hayan adquirido entradas para las funciones suspendidas serán contactados para coordinar la reprogramación o devolución correspondiente” y le dejaron un guiño a la Scaloneta: “Los felicitamos por este gran momento y deseamos el mayor de los éxitos en la final".

En cuanto al Teatro Colón, el propio Julio Bocca anunció: “Con motivo del partido que la selección argentina disputará el domingo 19 de julio a las 16 horas, la función de ‘Alice’s Adventures in Wonderland’ prevista para las 17 horas será reprogramada para ese mismo día, domingo 19 de julio, a las 11 horas”. Esta decisión permite que el público disfrute del espectáculo sin superponerse con la final.

La muestra inmersiva Maravillosa Alicia, ubicada en el Jardín Botánico Carlos Thays, canceló todas sus funciones del domingo. Las entradas adquiridas para ese día serán válidas para el lunes siguiente, garantizando así la posibilidad de asistir sin perder la experiencia.

La suspensión y reprogramación masiva de funciones teatrales en Buenos Aires durante la final del Mundial 2026 refleja la magnitud del acontecimiento deportivo y su capacidad para modificar la vida cultural de la ciudad, desde la emblemática calle Corrientes hasta los principales escenarios y propuestas familiares.

Algunas artistas no solo interpretan personajes, sino que se vuelven, ellas mismas, parte de la memoria emotiva de quienes aman el teatro y la televisión. Miriam Odorico es una de esas presencias inconfundibles: su voz, su mirada y su entrega atraviesan salas y pantallas, abrazando a generaciones con la calidez de quien vive para contar historias. Forjada en el Conservatorio Nacional de Arte Dramático, lleva más de cuatro décadas apostando por la verdad escénica, el riesgo y la belleza de los vínculos humanos. Hoy, en un presente de plenitud y movimiento, se detiene para compartir sus pasiones, sus desafíos y su recorrido en una charla en exclusiva con Teleshow.

En la cartelera porteña, el nombre de Miriam resuena como un eco que no se apaga. Hace seis años que conmueve al público con la adaptación de la obra de Luigi Pirandello, UNA, su unipersonal en Almagna Teatro, donde la búsqueda de identidad y los pliegues de la memoria se transforman en poesía viva sobre el escenario. En Timbre 4, este año la encuentra por partida doble: por segundo año consecutivo, se pone en la piel de una mujer que transita entre el humor y la fragilidad en Las tragedias no mejoran a nadie, con Dalma Maradona y bajo la dirección de Julieta Cayetina, y cada semana renueva la emoción colectiva en La omisión de la familia Coleman, la obra que cumple veintidós años y que ya es leyenda para los amantes del teatro argentino.

Pero la luz de Miriam también brilla fuera de las tablas. El cine y la televisión la recibieron con los brazos abiertos y le permitieron explorar otras formas de sensibilidad: su participación en la exitosa El Encargado, junto a Guillermo Francella, y en tiras como Las Estrellas, Los ricos no piden permiso y Argentina, tierra de amor y venganza, la acercaron a nuevos públicos sin perder nunca ese pulso artesanal que define su arte. Así, Odorico confirma que el escenario, la cámara y la vida misma son territorios donde se juega siempre el milagro de empezar de nuevo, con la misma entrega y la misma pasión de aquel primer día.

—¿Cómo descubriste tu vocación por la actuación y qué recuerdos tenés de esos primeros pasos?

—Fue un poco sin querer. No tengo una historia romántica para contar. Simplemente recuerdo que me anoté en la Escuela Municipal de Teatro de Avellaneda a los 14 años. Iba todas las noches y así empezó todo. Siempre fui una nena que amaba jugar y que admiraba a Lucille Ball en Yo amo a Lucy. Me fascinaba su valentía para reírse de sí misma. Así arrancó mi camino.

—A lo largo de tu carrera transitaste teatro, cine y televisión. ¿Hubo algún formato que te marcó especialmente?

—El teatro siempre fue mi primer amor y sigue siéndolo. Es el lugar más fascinante para mí. Pero todos los formatos tienen lo suyo y me resultan enriquecedores. Cada uno tiene su idioma y sus desafíos. Me gustan todos: el cine, la tele, el teatro; cada uno me desafía de manera diferente.

—¿Sentís que tu sello como actriz es algo que fuiste construyendo de manera consciente o se dio naturalmente?

—Creo que el sello personal surge cuando una es fiel a lo que le gusta y la apasiona. Las cosas se van dando de manera natural, entre lo que una elige y lo que no. Muchas veces me sorprendieron situaciones que no esperaba.

—¿Hay alguna palabra o idea que resuma tu manera de abordar los personajes?

—No puedo definirlo en una palabra. En la obra UNA se habla mucho de eso, de las etiquetas y de cómo ponerle nombre a algo puede limitarlo. Solo intento ser fiel a mí misma, hacer lo que me gusta y lo que me hace sentir cómoda y feliz.

—¿Qué condiciones debe tener un proyecto para que decidas sumarte?

—Lo principal es que me guste el texto, sobre todo si se trata de teatro. También es importante quién dirige y con quién voy a trabajar. Si no conozco a los compañeros, me genera entusiasmo conocerlos. Todo eso influye en mi decisión.

—¿Te pasó alguna vez de dudar antes de aceptar un proyecto y después sorprenderte gratamente?

—Sí, claro. Siempre es difícil decidir, y el aspecto económico también pesa porque vivo de esto. Igual, nunca acepté un trabajo solo por el dinero si no me gustaba el producto. Siempre está el miedo de equivocarse, pero por eso leo varias veces el texto y averiguo sobre el teatro, el equipo, la producción.

—Actualmente tenés tres proyectos en cartel: UNA, Al final las tragedias no mejoran a nadie y La omisión de la familia Coleman. ¿Qué te sedujo de cada uno?

—En los tres casos lo que más me atrajo fue el texto. En La omisión de la familia Coleman, aunque la obra nació de improvisaciones, yo la tomé ya escrita y me fascinó. En Al final las tragedias no mejoran a nadie, me reía sola al leerla. Y con UNA sentí un enamoramiento absoluto y urgente por lo que plantea.

—UNA es tu primer unipersonal. ¿Qué te impulsó a enfrentarte sola al escenario y cómo viviste ese desafío?

—La necesidad de decir: “Quiero compartir esto”. Nunca soñé con hacer un unipersonal ni era un objetivo. De hecho, prefiero trabajar acompañada, pero con UNA sentí que era urgente transmitir el mensaje sobre la mirada de los otros, el peso de las etiquetas y las exigencias sociales, especialmente sobre las mujeres, es muy actual. Además, es una adaptación de una novela de Pirandello que cumple cien años, pero sigue vigente. Ahora, después de haber cumplido con todos los mandatos, siento la necesidad de preguntarme quién soy. Quiero compartir esa búsqueda y que el público pueda reírse y reflexionar sobre lo que nos pasa a todos. No era por ego, sino por necesidad.

—¿Creés que la obra ayuda a reflexionar sobre la sobreexigencia social y el impacto de las redes?

—Totalmente. UNA está hecha para eso. Después de seis temporadas, sé que la gente no sale igual de la función. Se van movilizados, pensando, conversando. Eso es lo que más me gusta del teatro.

—En Al final las tragedias no mejoran a nadie también abordás temas profundos desde la comedia. ¿Qué te atrae de esa obra?

—Me encanta actuar y me gusta mucho la comedia. UNA también es una comedia, porque nos reímos de la neurosis de la protagonista. Las tragedias no mejoran a nadie es claramente una comedia, pero deja pensando. Ese mensaje esperanzador de que siempre puede aparecer algo nuevo me parece fundamental.

—¿Cómo vivís la diferencia entre el trabajo en un unipersonal y en obras con elenco?

—Me encanta compartir con compañeros. Son procesos muy distintos. Disfruto la preparación en soledad para UNA, pero estar sola en escena es otro desafío. En las obras grupales me gusta la previa, el encuentro, las charlas, compartir la función. Son fiestas diferentes, pero siempre es una fiesta.

—También estuviste en televisión y cine, como en Las Estrellas, El Encargado, entre otros. ¿Con qué tipo de personaje sentís más afinidad?

—Me siento muy cómoda en el humor, el grotesco, el absurdo. La comicidad me hace sentir como pez en el agua. Lo dramático también me interesa, pero el humor es mi lugar.

—¿El humor es solo una herramienta artística o también te ayuda a sobrellevar la vida cotidiana?

—Es fundamental. Reírse de una misma, tomar las cosas con liviandad y entender que todo pasa es clave. Si nos tomamos todo con demasiada seriedad, nos hundimos. Hay que hacer la vida más liviana.

—Después de tantos años de oficio, ¿qué te sigue desafiando y motivando a asumir nuevos roles?

—Cada propuesta nueva es un desafío. Hace poco filmé una película de terror, La trenza, y fue una experiencia increíble porque nunca había hecho terror. No tengo algo puntual pendiente: me interesa lo que me llegue y me motive.

—¿Por qué creés que el teatro y la actuación siguen siendo necesarios hoy? ¿Cómo lo explicarías en una frase?

—El teatro es el ritual más vivo que existe. En una época en la que es más cómodo quedarse en casa, el teatro ofrece ese encuentro único: salir, compartir el aire y vivir algo irrepetible. Más allá de la inteligencia artificial o los hologramas, el teatro sigue y seguirá siendo el espacio de lo vivo.

El teatro del Siglo de Oro español desembarca en la escena porteña con dos versiones contemporáneas de comedias clásicas ibéricas, obra de tres dramaturgos argentinos de trayectoria reconocida. Lolo y Lauti —el dúo formado por Lorenzo Anzoátegui y Lautaro Camino— y Tamara Tenenbaum presentan sus reescrituras de El mágico prodigioso, de Calderón de la Barca, y Los malcasados de Valencia, de Guillén de Castro, en funciones dobles los días miércoles 22 y jueves 23 de julio a las 20 horas en la Fundación Cazadores (Villarroel 1440, Buenos Aires). Las entradas se encuentran a la venta por Alternativa Teatral.

Las dos puestas forman parte del proyecto internacional Clásicos españoles, versiones americanas, una iniciativa académica y artística que conecta instituciones de tres ciudades globales —Los Ángeles, Buenos Aires y Ciudad de México— con el objetivo de revitalizar el corpus dramático de la temprana modernidad española para audiencias del siglo XXI. El proyecto reúne a las profesoras Bárbara Fuchs (UCLA, Estados Unidos), Karina Galperin (Universidad Torcuato Di Tella, Argentina) y Gabriela Villanueva (UNAM, México).

La apuesta tiene un trasfondo que va más allá del estreno puntual. Las comedias del Siglo de Oro —obras en tres actos que abarcaron una enorme variedad de temas y gozaron de gran popularidad durante la temprana modernidad— fueron escritas y representadas a lo largo de todo el imperio español. Hoy sobrevive un vasto corpus de esas piezas, pero solo unas pocas se estudian y montan con regularidad. Shakespeare domina la concepción popular del teatro clásico incluso en América Latina, donde la tradición hispánica permanece en buena medida ignorada. El proyecto busca revertir esa asimetría a través de nuevas representaciones, publicaciones y debates interdisciplinarios entre ámbitos académicos y artísticos.

La iniciativa tiene sus raíces en 2013, cuando Fuchs encargó adaptaciones de teatro clásico hispánico a dramaturgos de Los Ángeles para que respondieran a preocupaciones contemporáneas. De esa primera etapa surgieron obras sobre inmigración, gentrificación y los disturbios de 1992, que también han sido publicadas. Luego el proyecto se amplió con Mex-Clásicos, en colaboración con la UNAM. La incorporación de la Universidad Torcuato Di Tella y los dramaturgos porteños marca la tercera expansión del programa, que ahora llega a Buenos Aires por primera vez.

Lolo y Lauti, conocidos por su práctica multiformato que cruza performance, video, instalación y ópera, y por ser curadores del festival Perfuch —el mayor festival de performance de Argentina—, abordan por primera vez el teatro clásico español. Su versión de El mágico prodigioso reimagina la obra de Calderón como una fábula pop e irreverente sobre el deseo, la fe y la búsqueda de sentido. En una Antioquía romana atravesada por la persecución de los cristianos, el joven erudito Cipriano abandona sus estudios al enamorarse de Justina, una mujer cuya virtud parece inalcanzable. Desesperado, acepta un pacto con un Demonio que le promete poderes mágicos a cambio de su alma. Entre el humor anacrónico y la cultura popular argentina, la pieza conserva el núcleo trágico del original y lo convierte en una reflexión sobre el amor, el consentimiento y la posibilidad de la redención.

Tamara Tenenbaum —filósofa, narradora y dramaturga, autora de El fin del amor y de la obra Una casa llena de agua— traslada Los malcasados de Valencia a una compañía contemporánea de música y teatro dedicada a reinterpretar textos y canciones barrocas durante una gira por España. Mientras ensayan y sobreviven a la precariedad económica de un proyecto artístico en crisis, dos matrimonios enfrentan el desgaste de sus relaciones, los celos, las infidelidades y las dudas sobre el amor duradero. A su alrededor gravita Elvira, asistente y gestora del grupo, cuya relación secreta con uno de los maridos precipita una serie de revelaciones que obligan a todos a replantearse sus vínculos. Entre canciones construidas con versos áureos y discusiones sobre el matrimonio, la obra convierte una gira artística en una exploración melancólica y humorística de las promesas y las fragilidades que sostienen tanto a las parejas como a los proyectos colectivos.

Ambos dramaturgos llegan a este repertorio sin antecedentes en el teatro clásico español: tanto Lolo y Lauti como Tenenbaum habían trabajado en reescrituras de otras tradiciones, pero nunca antes con el Siglo de Oro. Las nuevas producciones aspiran a generar estéticas propias para representar ese repertorio en América y a atraer nuevas audiencias a una escena teatral porteña que se distingue por su vitalidad experimental.

Carrie: El Musical llega al Foro Shakespeare con una propuesta que toma uno de los relatos más reconocibles de Stephen King y lo convierte en una experiencia escénica de musical.

La temporada va del 11 de julio al 29 de agosto, con funciones cada sábado a las 12:00 horas. Edith Gallegos, la actriz que da vida a Carrie White, habló sobre el personaje, la dinámica con su elenco y el reto de llevar a escena la emblemática historia.

Una historia incómoda que el musical vuelve íntima

La obra no suaviza los temas que hicieron famosa a Carrie. El bullying, el fanatismo religioso y el abuso emocional están en el centro de la puesta en escena. Edith Gallegos advierte que el público se va a topar con realidades que muchas veces se prefiere no ver.

“A lo que se va a enfrentar el público al ver esta obra es que, número uno, se van a enfrentar a muchas realidades que a veces queremos ignorar, que son incómodas, cosas que pasan todos los días y que a veces decidimos ignorar. Y aparte, ya que es un musical, le da una versión más íntima y le da otro lado y otra perspectiva a lo que normalmente conocemos de la historia. A través de las canciones le da más profundidad a los personajes, a lo que sienten.”

La música de la producción no responde al estereotipo del género. Edith confiesa que ella misma se sorprendió cuando empezó a investigar la obra.

“Mucha gente está acostumbrada a que los musicales son de que amor, brillitos, abrazos. Yo igual cuando me enteré del musical de Carrie, siendo fan de Carrie, dije: ‘Ah, caray, un musical de Carrie’. Como que eso me sacó de onda, la verdad. Pero el escuchar la música, la verdad es que está perfectamente adecuada al tono de la historia. Inclusive creo que le daría más dramatismo o más sabor.”

Identificarse con Carrie, aun teniendo una familia funcional

Para encarnar a Carrie White, Edith encontró un punto de partida en la experiencia universal del rechazo y otro en la distancia con la historia de su propio personaje. Ambas cosas, dice, le sirvieron por igual.

“En mi caso, fue tanto un reto como identificarme, ya que siento que todos en nuestra vida hemos sido Carrie por un momento, ya que a veces no nos sentimos entendidos o escuchados o hemos pasado por momentos fuertes. Entonces, por ese lado me sirve mucho atribuirle todo eso a mi personaje y darle esta intimidad y realismo que le quiero dar. Y también un reto, ya que, pues afortunadamente tengo una familia funcional, entonces buscar este lado también ha sido un reto.”

Trabajar con Samantha Salgado

Uno de los ejes de la historia es la relación entre Carrie y su madre, Margaret White, interpretada por Samantha Salgado, actriz con gran trayectoria. Edith describe ese vínculo en escena como un aprendizaje constante.

“Samantha Salgado, que es la actriz que interpreta a Margaret White, me encanta porque, para empezar, ella es un pedazo de actriz y cantante. La historia no habla solo del bullying, también habla de las creencias de la familia, de cómo a veces lo que creemos que está bien y hacemos bien, en realidad capaz no está ayudando tanto como creemos. Hablar con ella y conectar ha sido un reto, pero también hemos aprendido mucho de ella. Esos personajes, Carrie y Margaret, tienen que conectar demasiado. Y la verdad siento que estamos honrando muy bien a estos personajes.”

El baño de sangre en escena

La secuencia final —uno de los momentos más reconocibles de la cultura pop del terror— también tiene su lugar en el escenario. Edith cuenta que el día del estreno la reacción del público fue inmediata.

“Hoy que tuvimos nuestro estreno, cuando salimos de función estuvimos platicando con gente de la audiencia y nos mencionaron que se impresionaron, ya que, pues sí, siempre es impresionante ver cómo bañan a alguien así de sangre, entre comillas. Es impresionante y, como mencionaste, de los momentos más icónicos de la cultura pop, del terror de los setentas.”

El teatro y las nuevas generaciones

Al cierre de la charla, Edith reflexiona sobre cómo acercar el teatro a un público joven que creció con la pantalla en la mano. Su propuesta va más allá de la promoción: es un argumento sobre lo que el teatro puede hacer que ninguna otra pantalla puede.

“Lo que haría sería impregnar esto de decirle a las nuevas generaciones que el teatro no solamente es ir a pasar un rato, a reírte. También puedes aprender muchas cosas que a veces no puedes aprender en otros lugares. Puedes inclusive conectar contigo mismo. Una vez fui a ver una obra de teatro ante el Foro Shakespeare, que estaba pasando por un momento un poco fuerte en mi vida, y al ver esa obra me hizo concientizar muchas cosas. Ir al teatro no solamente es ir un ratito, también te puede ayudar con tus metas personales, con tus pensamientos, con todo lo que tienes dentro de ti.”

Carrie: El Musical se presenta en el Foro Shakespeare todos los sábados a las 12:00 horas, hasta el 29 de agosto.

Jorge Cao, actor cubano de 82 años y figura emblemática de la televisión y el teatro en Colombia, experimentó en días recientes la propagación masiva de una noticia falsa sobre su muerte, un episodio que lo llevó a reflexionar sobre el legado de su trayectoria y la manera en que la inmediatez digital puede distorsionar la realidad.

Según relató el propio artista a la Revista Vea, la confusión, surgida a partir de una mala interpretación de una entrevista, desató una ola de mensajes, llamadas y visitas a su domicilio, evidenciando tanto el afecto del público como los riesgos de un ecosistema informativo volátil.

“Me sentí sumamente abrumado”: el efecto emocional de la noticia

La tarde del viernes 3 de julio, varias plataformas digitales y páginas de entretenimiento anunciaron erróneamente el fallecimiento de Jorge Cao. Mientras los rumores se multiplicaban, el artista descansaba en su apartamento de Bogotá, ajeno a la conmoción que generaba su supuesto deceso.

“Estaba toda la Compañía Nacional de las Artes en la puerta llorando. El único que no sabía nada era yo”, relató el actor a la Revista Vea. El teléfono no paraba de sonar y los mensajes de colegas, amigos y familiares se acumulaban en su celular.

“Era como asistir al ensayo general de tu entierro”, confesó Cao, que admitió que la situación, que al principio le pareció graciosa, terminó resultando abrumadora. En sus palabras recogidas por la Revista Vea, describió cómo el aluvión de mensajes lo llevó a tomar conciencia de la huella que ha dejado en la vida de quienes lo rodean:

“En esta cantidad de mensajes tomé conciencia de que estos 62 años de trabajo en las artes escénicas, que yo lo he conjugado como actor, como director, como cantante, pero, sobre todo, también como maestro, de alguna manera ya he dejado algo en la gente”.

La velocidad de la desinformación y el llamado a la prudencia

El episodio puso en evidencia el alcance de la inmediatez digital y sus riesgos. Según relató Jorge Cao, la noticia falsa se originó en una confusión surgida tras una entrevista en la que habló sobre la pérdida de su hija. Algunos portales y usuarios interpretaron erróneamente sus palabras y difundieron el rumor de su fallecimiento, que pronto fue replicado por medios y redes sociales.

“¿Te das cuenta de la inmediatez de las redes sociales de este momento? Por tener un minuto de fama, son capaces de decir cualquier cosa. Y eso es sumamente peligroso porque así se están tratando los fenómenos sociales fundamentales de los países”, advirtió el artista en la Revista Vea.

Para detener la ola de desinformación, Cao grabó un video en el que, con humor, aseguró estar “vivito y coleando” y agradeció los mensajes de condolencia. No obstante, insistió en la necesidad de mayor responsabilidad y de la verificación antes de difundir información no confirmada. “La gente no lee, no entiende las puntuaciones, yo leí y entendí”, sostuvo el actor, subrayando la importancia de interpretar correctamente los contenidos, especialmente cuando se trata de temas sensibles.

Reflexión sobre legado, muerte y arte

Más allá del desconcierto inicial, la experiencia llevó a Jorge Cao a profundizar en el significado de su carrera y el legado que desea dejar. El actor, con 62 años dedicados a las artes escénicas y más de tres décadas en Colombia, valoró el reconocimiento y el cariño manifestado por colegas y admiradores:

“Los mensajes han sido extraordinarios, de qué importancia tengo yo en la vida de X personas y por qué todo eso sí o sí. Inclusive he recibido mensajes de personas que fueron amigas y que, en un momento determinado, pues, la vida te conduce a otro país, el quehacer diario te va separando y nunca te ves”.

En la entrevista con la Revista Vea, Cao también abordó su relación con la muerte, un tema que no esquiva y al que se ha enfrentado en distintas etapas de su vida, desde su participación en la guerra de Angola hasta intervenciones quirúrgicas complejas.

“Yo sé que existe la muerte, igual que existe un nacimiento, y que uno nace y va hacia esa dimensión desconocida que no ha traspasado viajero alguno, como diría Hamlet”, explicó el actor, que considera que el arte le ha permitido superar episodios difíciles: “A mí, el teatro siempre me salvó de los graves momentos de mi vida, o de los momentos más difíciles o más oscuros”.

Cuando hoy hablamos de violencia de género, maltrato psicológico, coerción emocional o dependencia afectiva, pensamos de inmediato en conceptos construidos desde la sociología, la psicología clínica o el derecho contemporáneo. Los asociamos a un vocabulario nacido en las últimas décadas, fruto de la investigación científica, la evolución legislativa y una creciente conciencia social.

Pero la literatura –y, de manera muy especial, el teatro– suele adelantarse a la historia. Antes de que la sociedad encuentre palabras para nombrar determinadas heridas, algunos creadores ya han sabido reconocerlas, observarlas y convertirlas en materia dramática.

Así sucede con una de las obras menos frecuentadas y, paradójicamente, más modernas de Benito Pérez Galdós: Bárbara (1905).

Es cierto que no podemos afirmar que fuese el primer autor en mostrar sobre un escenario aquello que hoy identificamos como violencia contra la mujer. La escena europea de finales del siglo XIX había comenzado ya a cuestionar la institución matrimonial, la autoridad patriarcal y la posición social de la mujer, especialmente las obras de Henrik Ibsen y August Strindberg. Sin embargo, sí puede sostenerse con fundamento que Galdós figura entre los primeros dramaturgos europeos –y, con seguridad, entre los pioneros de la escena española– en representar con singular profundidad los mecanismos psicológicos, emocionales y sociales del maltrato ejercido contra una mujer.

Un estreno que su tiempo no pudo leer del todo

El 28 de marzo de 1905, el Teatro Español de Madrid acogió el estreno de Bárbara, con María Guerrero al frente del reparto. No era una obra más dentro de la producción dramática galdosiana. Llegaba en un momento de plena madurez teatral, cuando el escritor canario llevaba más de una década entregado intensamente a la escena tras el estreno de Realidad en 1892, también protagonizada por Guerrero.

A primera vista podría parecer un drama de pasiones, redención moral o conflictos matrimoniales. Pero una lectura atenta revela algo mucho más incómodo y profundamente moderno: Galdós está representando el progresivo proceso de destrucción interior de una mujer sometida durante años a una relación marcada por la violencia, el control y la humillación.

En 1905 no existía la expresión “violencia de género”. Tampoco había protocolos de protección, estudios clínicos sobre relaciones abusivas ni un lenguaje jurídico capaz de nombrar la violencia psicológica. Y, sin embargo, Galdós parece reconocerla con extraordinaria lucidez.

Bárbara no aparece únicamente como una esposa desgraciada o una mujer atrapada en un matrimonio infeliz. Es una mujer emocionalmente erosionada, insegura, culpabilizada, aislada y, en muchos momentos, incapaz de reconocerse fuera de la estructura que la oprime.

Su relación con Lotario –su esposo– no responde simplemente al modelo tradicional del marido autoritario. Lotario controla, humilla, desacredita, ridiculiza, aísla y, finalmente, consigue que Bárbara termine dudando incluso de su propia percepción de la realidad, uno de los mecanismos más devastadores del maltrato psicológico.

Lo verdaderamente sorprendente es que Galdós no necesita construir grandes escenas de violencia explícita para transmitir esa opresión. Le bastan la palabra, el tono, la pausa, la repetición, el silenciamiento: la mirada del otro convertida en juicio permanente. Sobre todo, le interesan los demás, ya que, en el primer acto, en un acto de defensa, Bárbara, sin desearlo, mata a Lotario. Los restantes tres actos muestran cómo reaccionan Bárbara y la sociedad ante una tragedia de este tipo.

Quien hoy se acerque a la obra reconocerá con inquietante claridad comportamientos que la psicología contemporánea describe con términos como manipulación emocional, pérdida progresiva de autoestima, dependencia afectiva o normalización del abuso.

No estamos, por tanto, ante una lectura anacrónica proyectada desde el presente; diversas investigaciones filológicas han puesto de relieve esta dimensión de la obra. Precisamente, Carolina Melini y yo hemos estudiado la extraordinaria modernidad de Bárbara como representación dramática del maltrato y de los micromachismos.

Una preocupación constante en la obra de Galdós

Esta pieza no surge por casualidad. Casi desde los inicios de su creación Galdós había convertido a las mujeres en uno de los centros de gravedad de su universo. Fortunata, Jacinta, Tristana o Marianela demuestran el interés del autor por explorar la condición femenina dentro de una sociedad profundamente patriarcal, con mujeres condicionadas por matrimonios de conveniencia, dependencias económicas, limitaciones educativas, estructuras morales que restringían su libertad, etc.

Cuando Galdós llega al teatro, esa preocupación se intensifica: de las veintidós obras de teatro estrenadas, diecisiete de ellas tienen a una mujer como protagonista absoluta. La escena no solo permite contar el conflicto, sino compartirlo, hacerlo visible y convertirlo en experiencia colectiva. Por ello, Bárbara fue una obra especialmente incómoda para la España de comienzos del siglo XX.

¿Por qué sigue interpelándonos más de un siglo después?

Los mecanismos esenciales del abuso han cambiado menos de lo que quisiéramos pensar. Se han modificado el lenguaje, la legislación o los sistemas de protección, pero la culpa, el miedo, la dependencia, la manipulación emocional y la destrucción de la autoestima siguen formando parte de demasiadas historias.

Y ahí reside la extraordinaria modernidad de Galdós, quien nunca escribió sobre una moda intelectual de su tiempo. No construyó una simple denuncia coyuntural, sino que identificó una de las formas más persistentes de violencia dentro de la intimidad humana y tuvo la valentía de colocarla en el centro del escenario.

Por ello reivindicamos que esta obra entre en el canon. Igual que su autor, debería ser un clásico. Los clásicos no sobreviven porque hablen del pasado. Lo hacen porque siguen poniendo nombre a aquello que una sociedad, en ocasiones, todavía no se atreve a mirar de frente.

Más de ciento veinte años después del estreno de Bárbara, la pregunta no es si Galdós fue uno de los primeros dramaturgos en mostrar la violencia contra la mujer desde un escenario. La pregunta sería: si él fue capaz de verla con tanta claridad en 1905, ¿qué excusa puede permitirse nuestra sociedad para no reconocerla hoy?

Quizá haya llegado el momento de devolver Bárbara al debate público.

*Es profesora titular de Literatura española, Universidad de Las Palmas de Gran Canaria.

Este artículo fue publicado originalmente en The Conversation.

Fotos: Philadelphia Museum of Art; Centre de Documentació i Museu de les Arts Escèniques y Biblioteca Nacional de España.

Juan Vergara lleva a escena, todos los domingos de julio en el Foro Sylvia Pasquel, el unipersonal Cosas que pienso los domingos, una obra que aborda esas preguntas sobre nosotros mismos que muchas veces preferimos evitar, y que aparecen cuando el mundo se detiene en esas tardes de domingo.

La obra, escrita por Adrián Madrigal y dirigida por Diana Uscanga bajo el sello de Producciones Luna Escarlata, sigue a Domingo, un escritor que se pregunta por qué el día de descanso trae consigo melancolía, arrepentimientos y cuestionamientos que el ruido de la semana mantiene callados.

El silencio como detonador de preguntas profundas de la vida

Juan Vergara describió la premisa de la obra como un fenómeno que la mayoría reconoce: la calma del domingo como espejo incómodo. “Hay algo que son los silencios”, dijo el actor. “A veces esos silencios nos enfrenta a lo que estamos evadiendo. Y muchas veces ese ruido justo es la actividad que tienes. Lo evades con actividades, redes sociales, como con muchos vicios que uno puede llegar a tener. Pero cuando llega ese momento de calma es cuando la voz que te dicta una verdad aparece y ya decides tú qué haces con ella”.

La obra toca temas como la depresión y el suicidio. Juan Vergara contó que antes del estreno realizaron lecturas del texto frente a grupos de personas para recoger sus reacciones, porque la imagen que existe del suicidio no siempre corresponde a la realidad. “Muchas veces pensamos que la depresión es esta persona triste, que habla bajito y que se suelta. Muchas veces una persona con tendencias suicidas por la depresión es una persona energética. Desgraciadamente, por eso luego está el comentario de: ‘Es que no lo veía venir’”.

El actor también explicó la capacidad del arte para intervenir en momentos de crisis personal, especialmente una obra como esta: “Desde el punto de vista de escape, que estés teniendo un mal momento y siempre llegas a tu casa a ver esa película o esa serie que te calma. De repente conectas demasiado con el actor o el personaje que está ahí y se vuelve parte de ti. Por eso es que hay muchos fans de ciertas sitcoms o ciertas películas, porque les ha salvado la vida”.

Un actor que se encontró en el personaje

Para preparar a Domingo, Juan Vergara no tuvo que ir lejos. El actor sostiene que actuar es, en su raíz, decir la verdad, y que todo personaje guarda algo del intérprete. En este caso, la distancia fue mínima. “Llegué a conectar con muchas similitudes del personaje. Y más porque es un artista que está buscando su camino en el mundo. Es innegable el no encontrarme en eso”.

La obra estrenó el domingo 5 de julio. Juan Vergara recuerda la tensión que se respiraba en la sala antes de que comenzara la función, y lo que vino después. “Ver a la gente, por ejemplo, estaban amigos míos, amigos directores, mis papás incluso, y ver cómo después platicar con ellos. Se sentía como mucha despresurización, como una calma de haberla visto”.

El arte y el público joven en México

Vergara también se pronuncia sobre el lugar del teatro frente a otras expresiones artísticas. Reconoce que México aún no tiene las condiciones para que el teatro sea una industria rentable por sí sola, pero ve señales alentadoras en las generaciones más jóvenes. “Siento que la gente que me rodea, o mi algoritmo por lo menos, me muestra estos chavos que ya están cansados de inteligencia artificial y toda esta parte y se vuelve más de nuevo como a lo análogo. Coleccionar discos, películas, ir más al cine, buscar más teatro, cafeterías. Me siento un poco optimista con esta generación”.

Cosas que pienso los domingos se presenta los domingos de julio a las 16 h en el Foro Sylvia Pasquel.

Malinche, también conocida como Malintzin o Doña Marina, es una figura clave en la historia de México, aunque por muchos años fue señalada como símbolo de traición, al asociarse su figura con la rendición del mundo indígena ante el poder colonial europeo. Esta percepción ha cambiado gracias al trabajo de historiadores y reconocida como una figura clave en la fundación del México mestizo.

Aquí te presentamos 5 datos poco conocido de Malintzin:

1. Era de origen noble: Malintzin nació en una familia noble de la región de Coatzacoalcos. Tras la muerte de su padre fue entregada como esclava y llevada a la región maya.

2. Dominaba varios idiomas: Hablaba náhuatl (su lengua materna) y maya chontal, lo que facilitó su comunicación con diferentes pueblos indígenas. Más tarde, aprendió español rápidamente, convirtiéndose en la voz indispensable entre Hernán Cortés y los pueblos originarios.

3. Fue más que una intérprete: Su conocimiento sobre alianzas y rivalidades entre las civilizaciones indígenas la ayudó a sobrevivir. No sólo traducía, sino que también sirvió como consejera estratégica para Cortés.

4. Madre del mestizaje: Malintzin tuvo un hijo con Hernán Cortés, Martín Cortés, considerado uno de los primeros mestizos de la historia mexicana, símbolo del nacimiento de una nueva identidad cultural. Después de la conquista, Malintzin contrajo matrimonio con Juan Jaramillo, con quien tuvo una hija a la que llamó María Jaramillo.

5. De traidora a heroína: Aunque durante siglos fue vista como traidora, estudios modernos la reconocen como una mujer que, en circunstancias extraordinarias, usó su inteligencia para sobrevivir y desempeñó un papel crucial en la creación de una nueva nación.

“Malinche El Musical”, el renacimiento de una heroína

La reivindicación de Malinche o Malintzin se ha dado de diversas formas, desde las corrientes históricas hasta la artísticas. Entre ellas, está el reciente musical que lleva su nombre “Malinche”, una producción que busca rendir tributo a esta figura a través de la música y la danza.

La obra cumbre de Nacho Cano, fundador del icónico grupo español Mecano, celebra la mezcla de culturas que dio origen a la identidad mexicana y rescata la figura de Malinche como una mujer valiente.

Tras su rotundo éxito en Madrid —con 800 funciones y más de 600,000 entradas vendidas—, el espectáculo llegará a México el 28 de marzo de 2025, en el Frontón México, frente al Monumento a la Revolución.

El musical promete una experiencia envolvente que fusiona teatro, concierto en vivo y ballet contemporáneo, acompañada por las inolvidables melodías de Nacho Cano, donde el flamenco, el pop y el rock se entrelazan para dar vida a la historia de Malinche.

Además, el elenco será una mezcla de talento mexicano —17 jóvenes entrenados en España durante 9 meses— y artistas españoles, reflejando precisamente la esencia del mestizaje que celebra la obra.

“Malinche El Musical” no solo es una obra espectacular; es una invitación a repensar a este icónico personaje, no como una traidora, sino como una mujer clave en la construcción de la identidad mexicana, valiente, estratégica y llena de humanidad.

Los boletos de esta obra ya se encuentran disponibles en malinchethemusical.com/cdmx y en taquillas del Frontón México.

Entre los rincones menos transitados del centro de Madrid, el jardín secreto de la Casa Museo Lope de Vega, en el Barrio de las Letras, ofrece este verano una propuesta singular para quienes buscan experiencias diferentes en la ciudad. A escasos pasos de las rutas turísticas habituales, este espacio verde se transforma durante julio en un teatro al aire libre, con acceso gratuito y un ambiente íntimo que lo convierte en destino de quienes quieren descubrir otra cara de Madrid.

La iniciativa responde al ciclo ‘Lope a la fresca’, que recupera la costumbre popular de sentarse al aire libre durante las noches de verano, una tradición de los pueblos españoles que ha llegado incluso a proponerse como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad. Durante cuatro noches, el jardín deja de ser un simple refugio del bullicio urbano para convertirse en un punto de encuentro en torno a la literatura y el teatro, con la caída del sol como telón de fondo.

Quienes viajan a Madrid en julio o viven en la ciudad tienen una oportunidad única de disfrutar de teatro diferente, en una experiencia que mezcla patrimonio, cultura y la atmósfera especial de las noches estivales. La entrada es gratuita y el acceso se realiza por orden de llegada, lo que invita a llegar temprano y dejarse sorprender por la magia del lugar, rodeado de historia y naturaleza.

El Jardín de la Casa Museo Lope de Vega

El ciclo ‘Lope a la fresca’ se plantea como un homenaje a la convivencia vecinal de las noches de verano, recreando el ambiente de las plazas y patios donde la gente se reunía a charlar, compartir y disfrutar del fresco. La programación se concentra en cuatro fechas de julio: 17, 18, 24 y 25, siempre a las 21.00 h, cuando el calor ha dado una tregua y el entorno invita a la reunión. Las puertas del jardín abren a las 20.50 h y la entrada no requiere inscripción previa, pero la plaza se asigna por riguroso orden de llegada.

La Casa Museo Lope de Vega, ubicada en el corazón del Barrio de las Letras, suma así una nueva faceta a su oferta cultural. El ciclo está pensado para todo tipo de público y prioriza la accesibilidad, con el atractivo añadido de su gratuidad y la atmósfera acogedora del jardín, un lugar que habitualmente pasa desapercibido para quienes visitan Madrid. El evento da valor tanto al patrimonio literario como al placer de disfrutar de la ciudad de una forma menos convencional y más cercana.

‘Yo quisiera ser poeta’, la obra protagonista del verano

La propuesta teatral central del ciclo es ‘Yo quisiera ser poeta’, una obra original de la compañía Evogía que se representa en el singular escenario natural del jardín. La historia gira en torno al encuentro entre Isabel y Marcela, dos mujeres vinculadas a grandes nombres de la literatura y que buscan, en el contexto del madrileño Convento de las Trinitarias, el reconocimiento de su voz propia. El reparto cuenta con Ana Veganzones, Natalia Pérez y Noelia Pérez, quienes dan vida a este diálogo de búsqueda y afirmación femenina dentro de un mundo literario tradicionalmente reservado a los hombres.

La duración aproximada de la función es de 60 minutos, lo que permite disfrutar del espectáculo en un formato ajustado al ritmo de las noches de verano. La elección del lugar y el contenido de la obra refuerzan la conexión de la experiencia con la historia literaria del barrio y el propio Lope de Vega, ofreciendo una actividad que combina turismo cultural y ocio local. Para quienes buscan planes diferentes en Madrid y desean sumergirse en el ambiente único del Barrio de las Letras, este ciclo representa una oportunidad singular para vivir la ciudad de manera distinta, sin coste alguno y en un enclave con encanto.

Entre las propuestas escénicas de este verano en Madrid, la experiencia de asistir a ‘Lope a la fresca’ en el jardín de la Casa Museo Lope de Vega destaca por su carácter accesible, su vínculo con las raíces literarias de la ciudad y su capacidad para transformar un rincón escondido en un escenario abierto a todos.

Lima cierra la primera quincena de julio con una agenda cultural que abarca todos los géneros y públicos. La proximidad de las Fiestas Patrias marca el tono de varias propuestas, pero la oferta va más allá de la celebración patriótica: hay conciertos internacionales, rock nacional, teatro para adultos y niños, musicales en temporada, stand-up, exposiciones de arte y actividades gratuitas en bibliotecas públicas. A continuación, el detalle de lo que puede verse entre el 8 y el 15 de julio en la ciudad.

ACTIVIDADES GRATUITAS

Taller de alfabetización ‘Camino al Bienestar’

La Municipalidad de La Victoria ofrece este taller gratuito de alfabetización dirigido a adultos mayores del distrito. El espacio busca fortalecer habilidades básicas y generar un entorno de aprendizaje y socialización para este grupo etario. Las sesiones se realizan todos los martes en el Local Comunal Central del sector 19. Informes al 952 245 139.

• Lugar: Local Comunal Central, tercer piso, sector 19, lote 14 (al costado de la Plaza Mayor de La Victoria)
• Cuándo: Todos los martes
• Horario: 3:00 p.m. a 5:00 p.m.
• Entradas: Ingreso libre y gratuito

VIII Concurso de Buenas Prácticas Interculturales 2026

El Ministerio de Cultura celebra la ceremonia de premiación de la octava edición de este concurso, un espacio para reconocer iniciativas que trabajan por la inclusión y la diversidad cultural en el Perú. La noche incluye presentaciones artísticas de Susana Baca, Milena Warthon y los Elencos Nacionales.

Lugar: Gran Teatro Nacional

Fecha: Miércoles 8 de julio

Horario: 7:30 p.m.

Entradas: Ingreso libre y gratuito

Biblioterapia: La magia y el símbolo en los cuentos de los hermanos Grimm

La Gran Biblioteca Pública de Lima ofrece una sesión de biblioterapia basada en los cuentos de los hermanos Grimm, en particular ‘Los músicos ambulantes de Bremen’. La actividad aplica el método simbólico y el psicodrama para reflexionar sobre comportamientos humanos a través de la literatura y la metáfora. Dirigida a público general a partir de los 15 años.

Lugar: Hall principal de la Gran Biblioteca Pública de Lima (Av. Abancay, cuadra 4, Lima)

Fecha: Viernes 10 de julio

Horario: 5:00 p.m.

Entradas: Ingreso libre y gratuito

Cuentos sonoros peruanos

En el marco de las Fiestas Patrias, la Biblioteca Nacional del Perú ofrece este taller para niños de 3 a 8 años en el que los asistentes construyen instrumentos con materiales reciclados —tapitas, tubos de cartón, botellas, cajas— para dar vida a cuentos con personajes de la naturaleza peruana: el viento de los Andes, el jaguar de la Amazonía y el oleaje del mar. Los participantes deben llevar sus propios materiales.

Lugar: Estación de la Biblioteca Pública ‘Martha Fernández de López’

Fecha: Sábado 11 de julio

Horario: 11:00 a.m.

Entradas: Ingreso libre y gratuito

Un Nuevo Sueño Americanx

La Galería Forum presenta la exposición individual más reciente del artista peruano Gonzalo García Callegari, una muestra que propone una revisión crítica de los modelos de feminidad construidos por la cultura occidental desde la posguerra hasta el presente. Las obras, realizadas entre 2022 y 2026 en Lima y Madrid, combinan dibujo, pintura e ilustración con referencias de la cultura popular, la publicidad y la tradición pictórica. La exposición llega al Perú tras su exhibición en la capital española. El ingreso es libre.

Lugar: Galería Forum (Av. José Larco 1150, Miraflores)

Hasta cuándo: 1 de agosto de 2026

Horarios: Lunes a viernes de 11:00 a.m. a 7:00 p.m. / Sábados de 11:00 a.m. a 2:00 p.m. y de 3:00 p.m. a 7:00 p.m.

Entradas: Ingreso libre y gratuito

‘Pinturas y personajes’ — Galería Índigo

Una propuesta bipersonal del pintor Ernesto Arrisueño Eslava y el escultor Oscar Eslava Calvo que reúne once pinturas y un conjunto de esculturas en una conversación entre dos lenguajes plásticos. Arrisueño, limeño radicado en Australia durante casi cuatro décadas, presenta obras donde los recuerdos del Perú —botes, muelles, puertos— se funden con sus vivencias australianas y derivan hacia territorios de evocación poética, con campos de flores que nacen de un florero y se multiplican al infinito.

Eslava Calvo, por su parte, puebla el espacio con personajes de la vida cotidiana —niños jugando, vendedores de periódicos, figuras absortas en pequeñas acciones— elaborados en piedra, resina y metal. El resultado es un diálogo entre el color y el volumen, entre la memoria del paisaje y la presencia del personaje.

Lugar: Galería Índigo, Av. El Bosque 260, San Isidro

Hasta cuándo: 23 de julio de 2026

Horarios: Lunes a sábado de 10:30 a.m. a 8:30 p.m. / Domingos y feriados de 11:00 a.m. a 7:00 p.m.

Entrada: Libre

Arte del Museo del Prado en el Centro Histórico

Una colección de obras inspiradas en el Museo del Prado de Madrid llega al corazón de Lima para acercar al público a los grandes maestros de la pintura española. La muestra incluye piezas de Velázquez, Goya y Murillo, entre otros, en un recorrido que permite apreciar algunas de las obras más representativas del arte europeo sin salir de la ciudad.

Lugar: Pasaje Santa Rosa, entre la segunda cuadra del Jr. Camaná y el Jr. de la Unión, al costado de la Municipalidad de Lima y frente a la Catedral

Hasta cuándo: 31 de julio de 2026

Entrada: Libre

‘Unsex me: La deconstrucción de Lady Macbeth’ y ‘El Perú, en clave CARETAS. 75 años de historia fotográfica’

El Museo de Arte Contemporáneo de Lima (MAC Lima) presenta dos exposiciones simultáneas en sus salas 1 y 2. La primera, ‘Unsex me’, toma como punto de partida a Lady Macbeth, el personaje de William Shakespeare, para construir una reflexión sobre género, poder y exclusión.

Las obras reunidas no representan literalmente a la figura shakesperiana, sino que la desplazan hacia el presente a través de una mirada que abarca desde el texto original de 1606 hasta adaptaciones cinematográficas recientes como la de Joel Coen (2021), pasando por versiones operísticas de Shostakovich. La segunda muestra conmemora los 75 años de la revista Caretas con un recorrido fotográfico por la historia del Perú a través de sus páginas.

Lugar: MAC Lima

Hasta cuándo: 12 de julio de 2026

Horarios: 10:00 a.m. a 7:00 p.m. (último ingreso a las 6:30 p.m.)

Entradas: En www.maclima.pe o en la taquilla del museo

‘Al Este’ — Galería Oders, Barranco

La nueva exposición individual del pintor peruano Marcos Palacios, bajo la curaduría de Karol Roots, reúne diez obras en óleo y acrílico sobre lienzo, además de trabajos sobre papel y madera. La muestra marca un giro en la trayectoria del artista, conocido por series urbanas como ‘Big City Nights’ o ‘Ciudad Pasarela’: esta vez, Palacios dirige la mirada hacia su historia familiar y los vínculos de sus ancestros con la selva central peruana, específicamente con Chanchamayo.

El punto de partida fue una conversación con su abuelo que derivó en una investigación sobre fotografías antiguas, relatos orales y recuerdos sensoriales. La vegetación, la fauna y las presencias humanas conviven en composiciones donde los límites entre paisaje, historia familiar y experiencia se vuelven difusos.

Lugar: Galería Oders, Jr. Domeyer 270, Barranco

Inauguración: Viernes 3 de julio, 7:00 p.m.

Hasta cuándo: 1 de agosto de 2026

Horarios: Martes a sábado de 2:00 p.m. a 8:00 p.m.

Entrada: Libre

STAND-UP Y SHOWS

Mónica Cabrejos: Doctora Bandida, Terapia de Choque

Tras el éxito de ‘Bandida Retirada’, Mónica Cabrejos regresa con un nuevo show de humor en el que aborda el amor propio, los ex, los traumas emocionales y lo que ella llama “vergofilia”, con su estilo directo e irreverente. El espectáculo tiene consumo mínimo de S/45 por persona en el local.

Lugar: La Estación de Barranco (Av. Pedro de Osma 112, Barranco)

Fechas en julio: 8, 15 y 22

Horario: 8:00 p.m.

Entradas: Disponibles en Teleticket desde S/49.90

TEATRO Y MUSICALES

Mamma Mía!

Uno de los musicales más exitosos de la historia regresa al Teatro Peruano Japonés con un elenco renovado y la producción de Los Productores. Basado en las canciones del grupo ABBA, ‘Mamma Mía!’ cuenta la historia de una madre, su hija y tres posibles padres en vísperas de una boda. La obra ha sido vista por más de 56 millones de personas en más de 50 ciudades de los cinco continentes desde su estreno en 1999. El elenco de esta etapa incluye a Rebeca Escribens, Érika Villalobos, Gianella Neyra, Cielo Torres, Gustavo Mayer y Raúl Zuazo, entre otros.

Lugar: Teatro Peruano Japonés (Av. Gregorio Escobedo 803, Jesús María)

Temporada: Hasta el 27 de septiembre de 2026. Rebeca Escribens hasta el 9 de agosto; Gianella Neyra del 13 de agosto en adelante

Horarios: Jueves y viernes 8:00 p.m. / Sábados 5:00 p.m. y 8:30 p.m. / Domingos 6:00 p.m.

Entradas: Disponibles en Joinnus desde S/45

Los cuatro letras

Comedia dramática escrita y dirigida por David Carrillo que sigue a cuatro amigos universitarios que se reencuentran décadas después a raíz de la enfermedad de uno de ellos, Abel, quien tras un accidente cerebrovascular solo puede comunicarse con palabras breves y fragmentadas. La puesta en escena usa un juego de Scrabble limitado a palabras de cuatro letras como metáfora de las dificultades para comunicarse y reconstruir vínculos. El elenco está conformado por David Carrillo, Anneliese Fiedler, Omar García, Marijú Núñez y José Spigno, con la participación especial de Almudena Carrillo.

Lugar: Teatro Racional (Av. Balta 170, Barranco)

Temporada: Hasta el 8 de agosto de 2026

Horarios: Jueves, viernes y sábados a las 8:00 p.m.

Entradas: Disponibles en Joinnus desde S/35

Pareja abierta

La Compañía de Teatro Arturo Escalante presenta esta comedia protagonizada por Ivonne Fraysinett y Marcelo Oxenford. La obra sigue a una pareja que decide abrir su relación, con todo lo que esa decisión desencadena en términos de enredos, humor y reflexión. Una vez iniciado el evento no se permite el ingreso a la sala.

Lugar: Teatro Auditorio Miraflores (Av. Larco 1150, Miraflores)

Fechas: 9, 29 y 30 de julio

Horario: 8:30 p.m.

Entradas: Disponibles en Teleticket desde S/80

Vida después de la Muerte

La actriz y tanatóloga Oriana Cicconi presenta la quinta temporada de su unipersonal, una obra que aborda el duelo a través de historias reales, humor y herramientas de la tanatología. Cicconi parte de su experiencia personal tras la pérdida de su madre, la actriz Claudia Dammert, para construir un espacio de reflexión sobre la muerte y la vida. La obra está dirigida a todo público.

Lugar: Teatro del Centro de la Amistad Peruano Chino (Av. Peruanidad s/n, cruce con Jr. Los Mogaburos, frente al Campo de Marte, Jesús María)

Fecha en julio: Miércoles 15

Entradas: Disponibles en Joinnus desde S/35

El sueño de Don José de San Martín

Una propuesta teatral familiar pensada para las Fiestas Patrias. La obra narra cómo José de San Martín, a punto de proclamar la independencia del Perú, emprende un viaje imaginario junto a ‘Pari’, una parihuana que lo lleva a conocer las regiones del país para encontrar la bandera que represente a todos los peruanos. Dirección y dramaturgia de Alexander Pacheco. El elenco incluye a Mario Soldevilla, Pau Simon, Leito Monteverde, Juan Carlos Díaz y Eduardo Agreda.

Lugar: Teatro Juanita Tarnawiecki (Barranco, Lima)

Fechas: 8, 15, 22 y 29 de julio

Horario: 5:00 p.m.

Entradas: Disponibles en Teleticket desde S/34

Papelito Aventurero

El Centro Cultural de la Universidad del Pacífico y La Mayu Teatro presentan esta propuesta escénica para niños a partir de los 3 años que combina poesía, teatro, danza, música en vivo, títeres y humor. La obra, escrita por César de María y dirigida por Henry Sotomayor, sigue a Papelito Aventurero, una servilleta que emprende un viaje en busca de su propósito junto al poeta Sebastián, con personajes como una polilla hambrienta, la espuma del mar y una sabia anguila de río. La temporada llega a su última semana.

Lugar: Teatro del Centro Cultural de la Universidad del Pacífico (Jr. Sánchez Cerro 2121, Jesús María)

Hasta cuándo: Domingo 12 de julio (última semana de temporada)

Horarios: Sábados y domingos a las 4:00 p.m.

Entradas: Disponibles en Joinnus desde S/20

Taller de títeres: Atahualpa, la ópera

Un taller creativo para toda la familia en el que los participantes construyen sus propios títeres de dedo inspirados en los personajes de la ópera ‘Atahualpa’: el Inca Atahualpa, la Coya y Francisco Pizarro. El taller está a cargo de Miluska Olguín Vidaurre de Hall. La capacidad es limitada y requiere inscripción previa en el enlace forms.gle/4ba5e8V8PjS7s8Ww9 o informes al correo mmt@munlima.gob.pe y al WhatsApp 995 119 345.

• Lugar: Museo Municipal de Teatro (Jr. Huancavelica 338, Cercado de Lima)
• Dirigido a: Público en general
• Entradas: S/10 (incluye visita guiada y materiales). Inscripción previa obligatoria

CONCIERTOS

ENHYPEN

El fenómeno del k-pop llega a Lima con ENHYPEN, el grupo surcoreano creado por HYBE, la misma empresa detrás de BTS. La agrupación, conocida por su sonido entre el pop y el R&B y por sus elaboradas puestas en escena, ofrecerá un espectáculo de gran producción que promete agotar entradas.

Lugar: Estadio San Marcos

Fecha: Martes 8 de julio

Horario: 7:00 p.m.

Entradas: Disponibles en Ticketmaster. Desde S/220 en tribunas hasta paquetes platinum que superan los S/1.600

Salsa Lima Festival

Una noche de salsa con más de 17 artistas en un solo escenario. El cartel incluye a figuras de primer nivel del género como Tito Nieves, Jerry Rivera, La Sonora Ponceña, Óscar D’León, Víctor Manuelle y La India, entre otros. Una cita obligada para los amantes de la música tropical latinoamericana.

Lugar: Estadio San Marcos

Fecha: Sábado 11 de julio

Entradas: Disponibles en Teleticket. Desde S/182 en oriente hasta S/550 en box platinum individual

Rock Patrio

Por primera vez en Lima, los cinco máximos referentes del rock peruano comparten un mismo escenario: Raúl Romero, Amén, LBD, Río y Mar de Copas se reúnen en una noche que el circuito rockero local lleva años esperando. Las entradas para la fecha del 11 de julio ya se agotaron; la única fecha disponible es el domingo 12.

Lugar: Anfiteatro del Parque de la Exposición (Av. 28 de Julio s/n, Lima)

Fecha: Domingo 12 de julio

Horario: Desde las 3:00 p.m.

Entradas: Disponibles en Teleticket desde S/149

Kumbión Patrio

Una propuesta que celebra las Fiestas Patrias desde la escena independiente. ‘Kumbión Patrio’ reúne en una sola noche a las bandas locales Barrio Calavera, La Nueva Invasión, La Santa Muerte y Soul Candela, con la participación internacional de Mukangu, agrupación invitada desde Colombia. El evento apuesta por la diversidad musical latinoamericana y la cultura alternativa como forma de celebración nacional.

Lugar: Teatro Kantaro (Av. Tacna 225, Lima)

Fecha: Sábado 11 de julio

Horario: 7:00 p.m.

Entradas: Disponibles en Ticketmaster desde S/44

El musical argentino Cuando Frank conoció a Carlitos, uno de los fenómenos teatrales de los últimos años en Buenos Aires, desembarcará en Madrid el próximo invierno con Oscar Lajad y Alan Madanes, los protagonistas originales de la obra, al frente del elenco. La pieza, escrita por Raúl López Rossi y Gustavo Manuel González y producida por Héctor Caballero, recrea un encuentro imaginario entre dos leyendas de la música: Carlos Gardel y Frank Sinatra, con Nueva York y los años 30 como escenario.

La trama se sitúa en la intimidad de los estudios de la NBC: Carlos Gardel, ya consagrado como ídolo internacional del “tango canción”, termina una audición y se refugia en su camarín escapando de un amorío que quiere dejar atrás. Un golpe en la puerta interrumpe su soledad y aparece un adolescente de andar errático que sueña con ser artista: un joven Frank Sinatra de apenas 19 años, ansioso por absorber cada palabra del cantor argentino. Entre consejos, anécdotas y confesiones, los dos artistas construyen una complicidad que la ficción imagina eterna, aunque nunca haya podido comprobarse que ese encuentro haya existido realmente.

“La historia está basada en una leyenda urbana que circula desde hace tiempo en Internet y recorre mucho de los temas comunes a ambos artistas: las mujeres, los amigos, el barrio, el juego, el lunfardo, las buenas y las malas compañías”, explica Raúl López Rossi. “Todo eso entremezclado con lo mejor del repertorio gardeliano, interpretado en el estilo y el idioma del Morocho y en el estilo y el idioma de la Voz”.

De la pandemia a la calle Corrientes

La idea de Cuando Frank conoció a Carlitos nació en 2019 como una idea teatral a pequeña escala, pero la pandemia obligó a los autores y productores a reinventarlo. Así surgió primero como un telefilm, dirigido por Karina Insausti, con Oscar Lajad y Pablo Turturiello en los papeles principales, que sería estrenado en la plataforma Disney+ en agosto de 2023.

Más adelante, en julio de 2024, ya sin restricciones sanitarias, la obra recuperó su formato original y llegó al Teatro Presidente Alvear, sala del Complejo Teatral de Buenos Aires destinada a espectáculos musicales, con dirección general de Natalia del Castillo y dirección musical de Nico Posse. En esa nueva etapa, Alan Madanes tomó el rol de Sinatra.

El éxito de público llevó a la producción a trasladar la obra al Teatro Astral en septiembre de ese año, en medio de una temporada que sumó diez nominaciones a los Premios Hugo de Argentina (prestigiosos premios de teatro). Semanas después, la ceremonia coronó al musical con siete estatuillas, entre ellas la de mejor musical del año.

Pero el reconocimiento no se quedaría ahí: en noviembre de 2024, la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires declaró a la obra de Interés Cultural, distinción votada por unanimidad entre todos los bloques políticos.

Dos actores, dos construcciones distintas

Lajad, que lleva más de dos décadas interpretando a distintas versiones de Gardel en otras obras, construyó a su personaje a partir de testimonios de quienes lo conocieron en vida: amigos, colegas, gente que compartió con él los años previos a su muerte en el accidente de Medellín. Buscó alejarse de la imitación y apoyarse en su capacidad interpretativa, sin recurrir a una caracterización física marcada.

Madanes, en cambio, enfrentó el desafío de encarnar a un Sinatra poco conocido por el gran público: el joven anterior a la fama, del que existen pocos registros y mucho margen para la construcción actoral. Ambos intérpretes cantan tangos clásicos —Yira, yira, A media luz, El día que me quieras— alternando español e inglés, acompañados por bailarines y un ensamble musical en vivo.

Con más de cien funciones realizadas en distintas salas porteñas y una convocatoria que superó los 150.000 mil espectadores, Cuando Frank conoció a Carlitos suma ahora una etapa internacional cuyo paso Madrid marca el primer desembarco de la obra fuera de la Argentina desde su paso por la pantalla de Disney+. López Rossi se muuestra confiado con que el éxito se mantenga. “Gardel y Sinatra son figuras mundialmente reconocidas, a todos les gustan las buenas historias bien contadas y, modestamente, el tango sigue siendo una música que despierta emociones y pasiones en todas partes”.

Un unipersonal que nace de una pregunta: “¿Puede una canción cambiar una vida?”

El punto de partida del espectáculo no es una biografía ni un homenaje convencional. La obra se sostiene sobre una idea más íntima: cómo la música —en este caso, el repertorio de Charly García— puede acompañar procesos personales complejos y servir como refugio emocional.

En escena, Gabriel Iglesias propone un recorrido que se mueve entre el concierto, la confesión y el teatro. La estructura no busca “explicar” a Charly, sino usar sus canciones como disparador para mirar hacia adentro: experiencias propias, emociones que todos reconocen y momentos en los que una letra o una melodía parece decir lo que uno no puede.

La premisa es clara: si una canción te sostuvo alguna vez, entonces también puede ser una puerta para pensar en lo que estabas viviendo en ese momento y en cómo lograste atravesarlo.

El tono de una obra sobre ansiedad, tristeza y esperanza

‘Cómo salir de la depresión escuchando a Charly’ transita por temas de alta carga emocional, pero lo hace desde una puesta que incorpora humor y honestidad como herramientas para hablar de lo que suele callarse.

El unipersonal plantea reflexiones sobre la ansiedad, la tristeza, el miedo, el amor y la esperanza, sin presentarse como un discurso solemne ni como una “clase” sobre salud mental.

La propuesta está construida como una experiencia cercana: a medio camino entre el relato personal y la interpretación musical. A lo largo de la obra, Iglesias comparte episodios de su vida vinculados a canciones específicas, con el objetivo de activar una pregunta en el público: ¿qué música te acompañó cuando estabas mal? ¿qué canción te sostuvo cuando sentías que te caías?

“Todos tenemos una canción de Charly que nos sostuvo cuando sentíamos que nos caíamos. Esta obra habla de eso”, señala Gabriel.

Esa frase funciona como declaración de intención: la obra no está pensada solo para fans de Charly García, sino para quienes han encontrado en una canción —de cualquier artista— un espacio de compañía en un momento difícil.

No es una biografía de Charly García

Una de las claves del unipersonal es lo que no pretende ser. La puesta se distancia de la idea de homenaje tradicional o biografía del músico argentino. En lugar de reconstruir su vida o enumerar hitos, el espectáculo toma las canciones como un material vivo, útil para hablar de experiencias humanas.

En ese enfoque, Charly aparece como repertorio y como lenguaje emocional compartido: letras y melodías que atraviesan generaciones y que pueden leerse desde la experiencia de cada espectador.

El resultado es una obra que se apoya en la música, pero que prioriza lo que esa música produce en la gente: identificación, memoria, catarsis y, sobre todo, la sensación de que alguien más pasó por algo parecido.

La trayectoria de Gabriel Iglesias y el carácter “cercano” del espectáculo

Con una trayectoria de más de 25 años como actor, director, guionista y músico, Gabriel Iglesias presenta un espectáculo que apuesta por un tono emotivo, directo y generacionalmente amplio. Su propuesta busca conectar con públicos distintos, unidos por un punto común: el repertorio de Charly como banda sonora de diferentes etapas de la vida.

Esa experiencia de Iglesias en varios lenguajes se refleja en el formato del unipersonal: no se limita a una actuación teatral ni a un recital. En su lugar, se mueve entre la interpretación escénica, la narración personal y la música, generando un híbrido que, por su naturaleza, invita a la participación emocional del público.

La obra no promete “recetas” ni soluciones fáciles. Lo que propone es una conversación escénica: un lugar donde la vulnerabilidad se comparte sin dramatismo, donde el humor alivia sin negar el dolor, y donde la música funciona como punto de encuentro.

Fechas, lugar, horarios y entradas: lo que se debe saber para asistir

El unipersonal retoma temporada en Teatro Barranco con cinco únicas funciones. La información completa es la siguiente:

• Obra: Cómo salir de la depresión escuchando a Charly
• Escrita e interpretada por: Gabriel Iglesias
• Dirección: Carla Valdivia
• Lugar: Teatro Barranco (Av. Grau 701, Barranco)
• Funciones:
• • Jueves 23 y 30 de julio
  • Viernes 24 y 31 de julio
  • Sábado 25 de julio
• Hora: 8:00 p.m.
• Entradas:
• • Preventa: S/ 30
  • General: S/ 40
  • Estudiantes: S/ 35
• Venta: Passline

El cierre: mini concierto con pedidos “a la carta”

La experiencia culmina con un mini concierto en el que el público propone canciones de Charly García como pedidos “a la carta”. Ese cierre le da al espectáculo un carácter flexible y participativo: cada función puede variar según lo que el público pida y según el clima emocional del momento.

En términos de puesta, el mini concierto funciona como una especie de ritual final: después del recorrido por recuerdos, reflexiones y emociones, la obra se abre a la comunidad en sala, como si dijera: ahora el repertorio es de todos.

Mario González-Solís regresa al Teatro El Milagro con Suficiente, obra escrita por Aída del Río que se presenta del 25 de junio al 19 de julio de 2026.

En entrevista con Infobae México, el actor nos habló de una puesta en escena que sitúa a seis adolescentes en el México de 2038, bajo la vigilancia de un programa gubernamental que decide su futuro, y de cómo su propia adolescencia le sirvió de materia prima para construir a su personaje.

La obra llega en segunda temporada, después de que su primera presentación, dejara en el público adulto una pregunta recurrente: ¿cuándo fue la última vez que escucharon de verdad a sus hijos?

‘Suficiente’ transcurre en un México donde el Estado decide quién merece ser considerado un ciudadano valioso

La premisa de Suficiente parte de un futuro cercano en el que el gobierno opera un programa llamado Jóvenes para el Futuro, de carácter obligatorio para los adolescentes que quieren ingresar a la universidad. El programa los clasifica en perfiles según su vocación laboral y, en la práctica, define a qué se va a dedicar cada persona.

Mario González-Solís describe el escenario central de la obra:

“Suficiente es una obra situada en el año 2038, en un México del futuro, en el que existe un programa llamado Jóvenes para el Futuro. Es un programa obligatorio del gobierno para que los adolescentes que van a pasar a la universidad tienen que atravesar para poder entrar. Este programa está dividido en diferentes perfiles, dependiendo hacia dónde se van a ir perfilando estos jóvenes en cuanto a su vida laboral. Es como si el gobierno hubiera decidido prácticamente a qué se va a dedicar cada persona dependiendo del perfil que tienen. En la obra estamos en el perfil de líderes. Es un grupo de seis adolescentes encerrados juntos en un departamento en el cual durante cuatro semanas, cada semana, alguna de esas personas es el líder de la semana y tienen que ir haciendo diferentes actividades para ir ganando puntos y prepararse para ser los líderes del mañana.”

La historia no se queda en la distopía. Lo que descubren esos seis jóvenes es que el sistema —no solo el gubernamental, sino también el familiar y el social— los obliga a ser algo que quizá no sienten. Mario González-Solís lo plantea así:

“Esta es la historia de estas seis personas que descubren que el sistema los está obligando a hacer algo que quizá no sienten tanto y que muchas veces es el propio sistema —el familiar, el social, el de amigos— el que los condiciona. Hay muchas partes de ser joven que están canceladas y que nos parece incómodo que se vean. Es en esta obra que vemos esas partes y que entendemos mejor qué implica ser un adolescente en esta etapa tan importante de la vida.”

La obra nació de estadísticas sobre suicidio adolescente, pero fue a la raíz del problema

Suficiente comenzó a gestarse hace siete años a partir del trabajo clínico de Claudia “Chuff” González, psicóloga, terapeuta y productora de la puesta en escena. Lo que encontró en su práctica profesional fue el punto de partida, aunque el proceso creativo llevó la obra a un lugar distinto al del diagnóstico inicial.

“Lo que es importante de la obra es el sentido de acompañamiento. La obra nació de una idea que tuvo nuestra productora, Claudia Churc González, que además es especialista en psicología y terapeuta. Lo que le llamó mucho la atención fue que descubrió estadísticas muy fuertes sobre el suicidio en adolescentes. Cuando propone crear una obra que hable al respecto, descubrimos en un proceso bastante complejo que de lo que realmente queremos hablar, más allá del suicidio, que evidentemente es un problema, es irnos todavía más a la raíz: que a los jóvenes se les cancela, no se les toma en cuenta. Cuando sienten una cosa extraña, hay un prejuicio muy fuerte ante ellos. Vemos un joven en la calle y es como: ay, no, va a traer problemas. Si se viste raro, va a traer problemas.”

El actor señala que la adolescencia llega cargada de mandatos que vienen de varios frentes a la vez, y que la obra busca nombrar eso sin resolverlo por el espectador:

"La adolescencia está bañada completamente de un deber ser autoimpuesto e impuesto por el sistema en el que vivimos. Lo que esta obra expresa y lo que a nosotros nos interesa es decirle a los jóvenes: no estás solo, estás acompañado. Al final de cuentas, todas las personas, en el mejor de los escenarios, atravesamos por estos procesos. El sentirse en compañía, y que los papás o personas que ya atravesaron la adolescencia la vean, es recordarnos que es un proceso muy delicado, muy complicado, hay mucha confusión. Estamos intentando descubrir el mundo, agarrar un sentido a nuestra vida y todavía no estamos bien armados. Lo que buscamos es recordar que todo el mundo pasa por ello y que lo mejor que podemos hacer es escuchar, observar y acompañar."

Mario González-Solís abrió su propio baúl de los recuerdos para construir a Ricardo

Para preparar su personaje, Mario González-Solís no buscó distancia sino reconocimiento. Su método parte de tratar a los personajes como personas, no como construcciones ajenas, y de encontrar en la empatía el puente entre su historia y la del papel que interpreta. En este caso, la adolescencia propia fue el material de trabajo.

“Absolutamente, influyó en todo el proceso, en todo el sentido y en la necesidad de contar esto. Yo nunca pienso en los personajes como un ente absolutamente diferente a mí. Me gusta pensarlos como personas y abordarlos desde la empatía. No importa qué tanto se parezca o no la historia de esos personajes a mi historia, sé que puedo empatizar con lo que les está pasando. Y definitivamente, al haber tenido el proceso de la adolescencia y tomar estas decisiones —a qué te vas a dedicar, batallar internamente con cosas de quién te gusta— eso estuvo muy presente.”

El personaje que interpreta se llama Ricardo, y Mario González-Solís le transfirió sensaciones concretas de esa etapa. Dice que tiene muy presente cómo vivió su propia adolescencia, que fue un proceso particular, como lo es para cada quien.

“Sí tuvimos que hacer un espejo muy fuerte, en lo personal muy fuerte, de recordar mi adolescencia, de saber quién era o quién creía ser y traerlo a la mesa. Creo que a Ricardo le doy mucho de esas sensaciones que tenía. Evidentemente hay puntos donde ya divergen nuestras historias. Es muy profundo y muy honesto el abrirse, el abrir esta puerta, este baúl de los recuerdos, y dejar que lo que tenga que contarse desde ahí se cuente. Como actor fue una cosa muy bonita poder reconectar con eso y sobre todo seguir practicando la empatía, que eso es a lo que nos dedicamos como actores y actrices."

En su primera temporada, los papás salieron con ganas de escuchar más a sus hijos

La obra ya tuvo una primera temporada. Mario recuerda que los comentarios del público adulto apuntaban todos hacia el mismo lugar: la necesidad de abrir conversaciones en casa que estaban pendientes.

“Esta es nuestra segunda temporada, pero la primera fue hace un par de años. Regresamos después de un par de años y en su momento fue una obra que resonó mucho, sobre todo los papás la recibieron con muchas ganas. Teníamos comentarios de: esto me hizo pensar en que tengo que hablar con mis hijos y escucharlos más. Y el público joven lo que les gustaba era verse reflejados en estos personajes."

Para esta segunda temporada, el actor espera que la obra genere el mismo efecto de comunión que describió al compararlo con el fenómeno del Mundial: algo que convoca y que hace sentir a las personas que no están solas.

“Lo que nos decían mucho era: es que yo tengo amigos así, o yo soy así, o yo soy esa persona en mi grupo de amigos. Lo que yo espero en esta segunda temporada es que sigamos teniendo un público que se sienta visto, que le despierte preguntas y curiosidades. Como ahora que está el mundial y vemos que hay una cosa muy fuerte de comunión, un sentido de unión en la ciudadanía, creo que es muy bello encontrar que cuando algo nos convoca, cuando algo nos hace sentir que no estamos solos en el mundo y que nos importa, ese poder es lo que hace que la comunión ocurra y lo que nos mueve y nos transforma. Siempre pienso que ese también es el poder del teatro: la comunión, el pensar, el abrir la conversación. Eso es lo que espero que ocurra con Suficiente. Nos ocurrió la primera vez y siento que ahora va a atravesar de manera distinta, porque es un nuevo contexto. Dos años al menos es un cambio fuerte."

Suficiente se presenta de jueves a domingo en el Teatro El Milagro hasta el 19 de julio de 2026.

El Taller de Teatro de la Casa del Adulto Mayor Tovar, del distrito de Miraflores, abre una nueva temporada de funciones gratuitas durante julio de 2026, con una programación que combina drama, humor y reflexión escénica bajo la dirección general del actor y director Leonardo Torres Descalzi.

La temporada reúne tres obras cortas —Camino Oscuro, Cita a ciegas y La alcoba erótica— y una pieza de dos monólogos titulada La vida es sueño: Dos Monólogos. El conjunto ofrece al público distintas perspectivas sobre las relaciones y la condición humana a través del teatro gratuito en Lima.

Las funciones arrancan el 7 de julio y se extienden hasta el 16 del mismo mes, con dos sedes: del 7 al 9 de julio en el Centro Cultural Ricardo Palma (av. Larco 770) y del 14 al 16 de julio en la Sala Tovar (ca. Manuel Tovar 255). Todas las presentaciones comienzan a las 7:00 p. m. con ingreso libre.

Más de dos décadas en escena

El taller que produce esta temporada no es una iniciativa reciente. La agrupación nació en 2003 como la Compañía de Teatro de la Municipalidad de Miraflores y acumula más de 20 años de trayectoria ininterrumpida en la escena cultural del distrito.

Desde 2011, el espacio funciona como un programa artístico y formativo que promueve la creatividad, la expresión personal y el trabajo en equipo entre sus participantes. A lo largo de ese tiempo, la agrupación ha consolidado un modelo que combina la formación teatral con el bienestar de adultos mayores de la comunidad miraflorina.

Una propuesta para vecinos mayores de 60 años

El taller está abierto a nuevos integrantes. Quienes deseen sumarse pueden inscribirse directamente en la administración de la Casa Tovar, ubicada en la calle Manuel Tovar 255, o comunicarse al teléfono (01) 755-0099, anexo 7554.

Los requisitos de ingreso son dos: ser vecino de Miraflores y tener más de 60 años. Las clases se dictan los lunes y viernes de 11:00 a. m. a 1:00 p. m., con una frecuencia que permite a los participantes mantener una práctica regular sin interferir con otras actividades cotidianas.

Homenaje al Maestro

Entre otras actividades de la Municipalidad de Miraflores, realizó una ceremonia de reconocimiento a docentes del distrito con motivo del Día del Maestro, en la que distinguió a 41 maestros por sus trayectorias: 21 por cumplir 25 años de servicio y 20 por superar los 30 años de labor educativa. Desde el inicio de la gestión actual, un total de 179 maestros han recibido este reconocimiento.

El alcalde Carlos Canales subrayó el valor de la labor docente para el desarrollo de la comunidad. “Creemos que la base, después del hogar, está en el colegio. Por eso, este reconocimiento es un orgullo para nosotros, porque ustedes ayudan a formar buenos ciudadanos y buenos vecinos para Miraflores y para el país”, afirmó durante el acto.

En representación de los homenajeados, la profesora Maruja Sánchez, del colegio Mater Purissima, agradeció la distinción y señaló que este tipo de gestos refuerzan el compromiso de los maestros con su vocación. “Este homenaje nos motiva a seguir educando con la misma dedicación y vocación de servicio que hemos mantenido durante todos estos años”, expresó. El Día del Maestro en Perú se celebra el 6 de julio.

La actriz quedó completamente sorprendida al ver a las dos personas más importantes de su vida dedicándole unas palabras de aliento en un momento tan significativo para su carrera artística. La emoción fue inmediata y terminó rompiendo en llanto durante la transmisión en vivo.

La aparición de ambos llamó especialmente la atención porque nunca antes habían concedido una entrevista para un programa de espectáculos. Durante años, Rebeca Escribens ha evitado exponer a su familia, prefiriendo mantener ese aspecto de su vida completamente alejado de los reflectores.

Rebeca Escribens explica por qué protege tanto su vida privada

Luego de ver el emotivo video, la conductora no pudo contener las lágrimas y decidió sincerarse con el público sobre el motivo por el que siempre ha sido tan reservada respecto a su esposo e hijos.

Entre lágrimas, reconoció que se considera una persona muy celosa de su intimidad y que nunca le ha gustado que terceros opinen sobre su familia. Sin embargo, explicó que el estreno de ‘Mamma Mia’ representa un desafío tan importante que decidió hacer una excepción.

"¡Ay qué bonito! Perdónenme que llore, soy muy celosa con mi vida privada, no muestro nunca nada porque no me gusta que nadie meta el hocico ni raje ni comente nada, pero es un estreno importante, un reto importante para mí también, casi con 50 años, cantar y actuar demanda mucha energía y preparación“, expresó visiblemente emocionada.

Las declaraciones reflejan el enorme compromiso que ha asumido para formar parte del exitoso musical. La propia Rebeca Escribens reconoció que este proyecto implica meses de preparación, ensayos y un gran esfuerzo físico debido a las exigencias del espectáculo.

Además, dejó claro que, pese a su larga trayectoria en televisión, continúa enfrentando nuevos retos con la misma ilusión que al inicio de su carrera.

Carlos Magaray dedica emotivo mensaje y revela por qué nunca aparece en televisión

Uno de los momentos más comentados fue la intervención de Carlos Magaray, quien rara vez aparece en público junto a la conductora.

Con total naturalidad, el esposo de Rebeca Escribens destacó las cualidades que, según él, han convertido a la actriz en una de las figuras más queridas de la televisión peruana.

"Está un poco loca, pero buena onda y la gente la quiere por eso, súper auténtica (…) Se merece todo lo que tiene, es súper emprendedora y la gente la adora“, comentó.

Sus palabras provocaron nuevas muestras de emoción en la conductora, quien sonrió mientras escuchaba la descripción que hacía su pareja sobre su personalidad.

Sin embargo, Carlos Magaray también aprovechó para explicar por qué tanto él como el resto de la familia siempre han preferido mantenerse lejos de la exposición mediática.

"Normalmente no, siempre le decimos a Rebeca que el trabajo es el trabajo y el tema familiar, es familiar, pero creo que esto vale la pena“, manifestó.

Thiago habla sobre el talento de su madre y revela si seguirá sus pasos

Otro de los protagonistas del homenaje fue Thiago, el hijo menor de Rebeca Escribens, quien también apareció por primera vez en televisión.

Durante la entrevista confesó sentir una profunda admiración por el talento artístico de su madre y reconoció que disfruta algunas de las actividades que ella realiza sobre el escenario.

"De momento no estoy en el mundo teatral, pero hay cosas que ella hace y que admiro. Me gusta cantar, actuar, pero tampoco me veo de grande haciendo eso, al menos ahorita no“, señaló.

Aunque dejó abierta la posibilidad de explorar el mundo artístico en algún momento, el adolescente aclaró que por ahora no tiene previsto dedicarse profesionalmente a la actuación o al teatro.

Sus declaraciones reflejaron la admiración que siente por el esfuerzo que realiza su madre, especialmente ahora que enfrenta uno de los mayores desafíos de su carrera con ‘Mamma Mia’.

El apoyo de su familia marcó uno de los momentos más emotivos de su carrera

La sorpresa preparada por América Espectáculos terminó convirtiéndose en uno de los momentos más conmovedores vividos recientemente por Rebeca Escribens en televisión.

Acostumbrada a hacer reír al público con su espontaneidad y ocurrencias, esta vez mostró una faceta completamente distinta, dejando al descubierto la sensibilidad con la que vive este nuevo reto profesional.

La aparición de Carlos Magaray y Thiago no solo permitió conocer por primera vez a la familia de la conductora, sino que también confirmó el respaldo incondicional que recibe en esta etapa de su carrera.

Con casi 50 años, Rebeca Escribens continúa apostando por nuevos desafíos en el mundo del espectáculo, demostrando que nunca es tarde para asumir proyectos exigentes y reinventarse. Y, aunque siempre ha preferido mantener a los suyos alejados de las cámaras, esta vez decidió abrir una pequeña ventana a su intimidad para compartir uno de los momentos más importantes de su vida artística, dejando una escena que emocionó tanto a ella como a los televidentes.

La primera semana de julio trae a Lima una cartelera que abarca ópera, teatro, musicales, humor y exposiciones de arte. Entre los estrenos más esperados destacan la ópera ‘Atahualpa’ en el Teatro Municipal, la llegada del musical de Broadway ’Casi Normales’ en formato inmersivo y la inauguración de ‘Al Este’, la nueva muestra del pintor Marcos Palacios en Barranco. Varios espectáculos se encuentran además en sus últimas semanas, por lo que conviene reservar entradas con anticipación.

Exposiciones

‘Pinturas y personajes’ — Galería Índigo

Una propuesta bipersonal del pintor Ernesto Arrisueño Eslava y el escultor Oscar Eslava Calvo que reúne once pinturas y un conjunto de esculturas en una conversación entre dos lenguajes plásticos. Arrisueño, limeño radicado en Australia durante casi cuatro décadas, presenta obras donde los recuerdos del Perú —botes, muelles, puertos— se funden con sus vivencias australianas y derivan hacia territorios de evocación poética, con campos de flores que nacen de un florero y se multiplican al infinito.

Eslava Calvo, por su parte, puebla el espacio con personajes de la vida cotidiana —niños jugando, vendedores de periódicos, figuras absortas en pequeñas acciones— elaborados en piedra, resina y metal. El resultado es un diálogo entre el color y el volumen, entre la memoria del paisaje y la presencia del personaje.

Lugar: Galería Índigo, Av. El Bosque 260, San Isidro

Hasta cuándo: 23 de julio de 2026

Horarios: Lunes a sábado de 10:30 a.m. a 8:30 p.m. / Domingos y feriados de 11:00 a.m. a 7:00 p.m.

Entrada: Libre

Arte del Museo del Prado en el Centro Histórico

Una colección de obras inspiradas en el Museo del Prado de Madrid llega al corazón de Lima para acercar al público a los grandes maestros de la pintura española. La muestra incluye piezas de Velázquez, Goya y Murillo, entre otros, en un recorrido que permite apreciar algunas de las obras más representativas del arte europeo sin salir de la ciudad.

Lugar: Pasaje Santa Rosa, entre la segunda cuadra del Jr. Camaná y el Jr. de la Unión, al costado de la Municipalidad de Lima y frente a la Catedral

Hasta cuándo: 31 de julio de 2026

Entrada: Libre

‘Unsex me: La deconstrucción de Lady Macbeth’ y ‘El Perú, en clave CARETAS. 75 años de historia fotográfica’

El Museo de Arte Contemporáneo de Lima (MAC Lima) presenta dos exposiciones simultáneas en sus salas 1 y 2. La primera, ‘Unsex me’, toma como punto de partida a Lady Macbeth, el personaje de William Shakespeare, para construir una reflexión sobre género, poder y exclusión. Las obras reunidas no representan literalmente a la figura shakesperiana, sino que la desplazan hacia el presente a través de una mirada que abarca desde el texto original de 1606 hasta adaptaciones cinematográficas recientes como la de Joel Coen (2021), pasando por versiones operísticas de Shostakovich. La segunda muestra conmemora los 75 años de la revista Caretas con un recorrido fotográfico por la historia del Perú a través de sus páginas.

Lugar: MAC Lima

Hasta cuándo: 12 de julio de 2026

Horarios: 10:00 a.m. a 7:00 p.m. (último ingreso a las 6:30 p.m.)

Entradas: En www.maclima.pe o en la taquilla del museo

‘Al Este’ — Galería Oders, Barranco

La nueva exposición individual del pintor peruano Marcos Palacios, bajo la curaduría de Karol Roots, reúne diez obras en óleo y acrílico sobre lienzo, además de trabajos sobre papel y madera. La muestra marca un giro en la trayectoria del artista, conocido por series urbanas como ‘Big City Nights’ o ‘Ciudad Pasarela’: esta vez, Palacios dirige la mirada hacia su historia familiar y los vínculos de sus ancestros con la selva central peruana, específicamente con Chanchamayo.

El punto de partida fue una conversación con su abuelo que derivó en una investigación sobre fotografías antiguas, relatos orales y recuerdos sensoriales. La vegetación, la fauna y las presencias humanas conviven en composiciones donde los límites entre paisaje, historia familiar y experiencia se vuelven difusos.

Lugar: Galería Oders, Jr. Domeyer 270, Barranco

Inauguración: Viernes 3 de julio, 7:00 p.m.

Hasta cuándo: 1 de agosto de 2026

Horarios: Martes a sábado de 2:00 p.m. a 8:00 p.m.

Entrada: Libre

Ópera

‘Atahualpa’ — Teatro Municipal de Lima

La ópera del compositor Carlo Enrico Pasta regresa al Teatro Municipal de Lima con una puesta en escena que recrea los últimos días del emperador inca Atahualpa y su captura por las fuerzas de Francisco Pizarro.

Con vestuarios inspirados en la iconografía andina, escenografías monumentales y un reparto internacional encabezado por el barítono Francesco Samuele Venuti en el papel protagónico, la soprano Sabrina Gárdez como Cora, el tenor Matteo Roma como Soto, el barítono Giuseppe de Luca como Pizarro y el bajo Gianluca Margheri como Valverde.

La dirección musical es del maestro Andrea Foti y la dirección de escena corre a cargo de Alejandro Chacón, con el acompañamiento de la Orquesta Sinfónica del Teatro Municipal de Lima.

Lugar: Teatro Municipal de Lima

Fechas: 3 y 8 de julio a las 7:30 p.m. / 5 de julio a las 6:00 p.m.

Entradas: Desde S/32 en Ticketmaster

Teatro

‘La vida extraordinaria’ — Teatro de la Universidad del Pacífico

La obra del dramaturgo argentino Mariano Tenconi Blanco llega al Perú bajo la dirección de Malcolm Malca Vargas, responsable del montaje ‘El monstruo de Armendáriz’. El texto, que ha recorrido escenarios y festivales de Argentina y Europa, sigue la historia de Aurora y Blanca, dos amigas que crecen en Talara y atraviesan décadas marcadas por el amor, la maternidad, las pérdidas y los deseos postergados.

En Lima, el montaje tiene además un encuentro inédito: Mónica Sánchez y Liliana Trujillo comparten escenario por primera vez como protagonistas. La obra construye su narrativa a través de cartas, diarios y recuerdos, y encuentra su potencia en lo cotidiano: las conversaciones pendientes y los vínculos que sobreviven al paso del tiempo.

Lugar: Teatro de la Universidad del Pacífico

Hasta cuándo: 13 de julio de 2026

Horarios: Viernes, sábados y lunes a las 8:30 p.m. / Domingos a las 7:00 p.m.

Entradas: Desde S/25 en Joinnus

‘Casi Normales Inmersivo’

Tondero y Stringnet presentan por primera vez en el Perú este aclamado musical de Broadway en español, con música de Tom Kitt y libreto de Brian Yorkey, en un formato inmersivo que rompe la barrera entre el público y los actores. La obra sigue a una familia que enfrenta los desafíos de la salud mental, el amor y la memoria. El elenco incluye a Gisela Ponce de León, Marco Zunino, Italo Maldonado, Ariana Fernandez y Thiago Vernal, bajo la dirección en Perú de Mela Lenoir.

Lugar: Magitek (Av. Manuel Olguín 249, Santiago de Surco)

Hasta cuándo: 12 de julio de 2026

Horarios: Jueves, viernes y sábados a las 8:30 p.m. / Domingos a las 6:30 p.m.

Entradas: En Ticketmaster

‘Bodas de sangre’ — Teatro Marsano

La obra cumbre de Federico García Lorca, inspirada en una noticia de 1928 sobre dos amantes que huyen en vísperas de la boda de la mujer con otro hombre, llega al Teatro Marsano en una versión reimaginada por el director Edgar Saba y bajo la producción general de Makhy Arana. El montaje promete una adaptación contemporánea del clásico español con un elenco que incluye a Martha Figueroa, Víctor Prada, Mónica Domínguez, Susan León, Fernando Luque, Lilian Schiappa, Claudio Calmet y Marialola Arispe.

Lugar: Teatro Marsano

Hasta cuándo: 2 de agosto de 2026

Entradas: Desde S/50 en Teleticket

‘La casa de las niñas peculiares. El musical’ — Teatro Municipal de Surco

Un musical de drama y humor que gira en torno al reencuentro de cinco hermanas en el hogar familiar con motivo del cumpleaños de su madre, Elizabeth, exvedette de carácter fuerte. Cada hija carga sus propios conflictos: la mayor lucha por encajar, otra vive entre ilusiones románticas, la menor oculta un amor no correspondido. Lo que comienza como una celebración se convierte en un torbellino de secretos y confesiones. El elenco incluye a Alexandra Graña, Daniela Camaiora, Daniela Darcourt, Ximena Palomino, Elisa Costa y Giuliana Muente, entre otros. La dramaturgia y dirección son de Rodrigo Falla Brousset.

Lugar: Teatro Municipal de Surco, Cl. Sacramento 236, Santiago de Surco

Horarios: Viernes y sábados a las 8:00 p.m. / Domingos a las 7:00 p.m. (tolerancia máxima de ingreso: 20 minutos después del inicio)

Entradas: Desde S/45 en Joinnus. Apta para mayores de 13 años.

‘Mi madre, mi novia y yo’

La comedia más taquillera de Latinoamérica llega a Lima con César Ritter, Ana Cecilia Natteri y Milene Vásquez en los roles protagónicos. Fernando organiza una cena de cumpleaños para presentar a su nueva enamorada, Leticia, sin saber que dos secretos están a punto de desatarse: ella ignora que él aún vive con su madre, y la madre no sabe que su hijo planea mudarse. El enredo entre las dos mujeres y un hombre atrapado entre ambas es el motor de una noche de equívocos y verdades a punto de explotar.

Lugar: Multiteatro Movistar (Av. Alfredo Benavides 4981, Santiago de Surco)

Hasta cuándo: 5 de julio de 2026

Horarios: Jueves, viernes y sábados a las 8:00 p.m. / Domingos a las 7:00 p.m.

Entradas: Desde S/52 en Teleticket

Humor

Carlos Álvarez en ‘Yo fui candidato’

El humorista Carlos Álvarez regresa a los escenarios tras su paso por las elecciones generales de 2026, con un espectáculo que combina sus anécdotas de campaña con los personajes que marcaron el proceso electoral. La velada promete humor, carcajadas y reflexión sobre la política peruana reciente.

Lugar: Centro de Convenciones Bianca (Av. Almirante Miguel Grau 135, Barranco)

Hasta cuándo: 29 de julio de 2026

Entradas: Desde S/112 en Teleticket

El actor español Javier Bardem debutará en el teatro el 5 de noviembre próximo con un montaje de su maestro de interpretación, el argentino Juan Carlos Corazza, a partir de obras breves, cuentos y escritos del ruso Anton Chéjov.

El espectáculo, Chéjov, Chéjov, se representará hasta el 31 de enero de 2027 en Madrid, en el escenario Espacio Zafra Teatro, un espacio artístico dirigido por Corazza y que cuenta con Bardem entre los socios.

Completarán el reparto Alicia Borrachero, Rafa Castejón, Ben Temple y Manuela Velasco, anunció el teatro este martes en un comunicado. Es una producción de Pingüin Films y Zafra Teatro, con producción ejecutiva de Producciones Teatrales Contemporáneas.

“Con sencillez, humor y brevedad, Chéjov mira lo humano sin juicios, con ternura, profundidad y compasión”, señala en la nota Corazza, que ha dedicado gran parte de su trayectoria a la formación de intérpretes, y que firma tanto la dirección como la adaptación de esta obra.

Bardem es el actor español más internacional del momento. Su carrera incluye títulos como Before Night Falls, Biutiful y No Country for Old Men, con la que ganó el Oscar de actor de reparto (2008).

Ganador de seis premios Goya del cine español, también ha participado en las películas Mar adentro, Los lunes al sol, El buen patrón y El ser querido, entre muchas otras.

Sobre la pieza

¡Chéjov, Chéjov! es una adaptación de obras breves, cuentos y escritos de Antón Chéjov dirigida por Juan Carlos Corazza, con un elenco encabezado por Javier Bardem, Alicia Borrachero, Rafa Castejón, Ben Temple y Manuela Velasco, y acompañamiento en vivo de acordeón y violín. La puesta recorre el universo de las comedias breves del escritor ruso, donde los personajes se enredan en contradicciones, torpezas y deseos de conexión, con un tono que oscila entre lo cómico y lo profundamente humano. La producción es una coproducción de Pingüin Films y Zafra Teatro, con dirección musical de Vadim Yukhnevich y diseño de iluminación y espacio escénico de Javier Ruiz de Alegría.

Con información de EFE.

Fotos: EFE/Ellas Comunicación/ ©Sergio Parra y Estudio Zafra Teatro.

Javier Bardem, ganador del Oscar y figura reconocida del cine internacional, dará este año un paso inédito en su carrera: su debut en el teatro. El intérprete, que hasta ahora no había pisado las tablas, se presentará en Madrid bajo la dirección de su maestro y amigo Juan Carlos Corazza. Lo hará con ¡Chéjov, Chéjov!, un montaje basado en textos breves y cuentos del dramaturgo ruso Antón Chéjov, que reunirá en escena a un grupo de actores vinculados desde hace años a la enseñanza de Corazza.

La obra se representará en el Espacio Zafra Teatro de Madrid, del 5 de noviembre de 2026 al 31 de enero de 2027, con funciones de jueves a domingo. Se trata de una propuesta que, según la nota de prensa difundida por la compañía, busca acercar al público la mirada de Chéjov sobre la condición humana, combinando sencillez, humor y profundidad. La noticia supone un giro significativo en la trayectoria de Bardem, quien a sus 57 años y en un momento profesional destacado —con el estreno cinematográfico de ‘El ser querido’ previsto para finales de agosto— decide abordar por primera vez el escenario teatral.

Hasta la fecha, Javier Bardem se había mantenido alejado de los escenarios, concentrando su actividad en el cine, donde ha construido una carrera de alcance internacional. El estreno de ¡Chéjov, Chéjov! marcará su primera aparición en una obra teatral. La elección de Madrid para este debut responde tanto a su vínculo personal con la ciudad como a la oportunidad de trabajar junto a Corazza, referente en la formación actoral en España. Bardem compartirá escenario con Alicia Borrachero, Rafa Castejón, Ben Temple y Manuela Velasco, todos ellos exalumnos de Corazza. El reparto subraya la continuidad entre la labor pedagógica del director y la creación artística, consolidando la presencia de su escuela en el panorama teatral. Según el comunicado, la coincidencia de estos intérpretes en el montaje responde al deseo de “reunirse, soñar y comprendernos” a través del teatro.

Corazza, amigo y mentor

La dirección y adaptación del espectáculo recaen en Juan Carlos Corazza, figura central en la formación de actores en España. Corazza firma la selección de textos de Chéjov y la propuesta escénica, en la que colabora con un equipo artístico especializado. El diseño del espacio escénico ha sido desarrollado junto a Javier Ruiz de Alegría, responsable también de la iluminación. El vestuario y el atrezzo están a cargo de Pier Paolo Álvaro y Roger Portal (AAPEE). El equipo se completa con Betina Waissman en la preparación corporal, Leticia Santa Fe en la preparación vocal, Anastasia Kostyuchek como asesora de ruso (Instituto Ruso Pushkin de Madrid), Vadim Yukhnevich en la dirección musical y acordeón, y Andrea Szamek al violín. El comunicado destaca la intención de que el teatro funcione como un espacio de encuentro y reflexión, guiados por la sensibilidad de Chéjov.

El espectáculo se construye a partir de una selección de obras breves, cuentos y escritos de Antón Chéjov, buscando trasladar a escena el humor, la ternura y la ausencia de juicios del autor ruso. “Con sencillez, humor y brevedad, Chéjov mira lo humano sin juicios, con ternura, profundidad y compasión”, señala Corazza en una nota de prensa. La puesta en escena pretende recuperar el teatro como lugar de reunión y empatía. Las funciones de ¡Chéjov, Chéjov! tendrán lugar en el Espacio Zafra Teatro de Madrid, del 5 de noviembre de 2026 al 31 de enero de 2027, de jueves a domingo. La compañía invita al público a sumarse a esta experiencia colectiva en torno a la obra de Chéjov y la reunión de un reparto formado por intérpretes estrechamente vinculados a Corazza.

En el marco del anuncio, Javier Bardem ha subrayado el compromiso que implica el teatro y su papel ante el contexto social actual. En sus palabras: “La neutralidad no es una opción ante las atrocidades que estamos viviendo”. Esta declaración resalta la dimensión ética del proyecto y la intención de que el arte funcione como herramienta de conciencia y diálogo. Por su parte, Juan Carlos Corazza destaca el valor de Chéjov y del teatro como espacios de comprensión mutua. “Gracias a Chéjov, al público y a esta compañía, el teatro vuelve a ser un espacio para reunirnos, soñar y comprendernos”, afirma el director, señalando la vigencia de estos textos en el presente. El debut teatral de Javier Bardem en Madrid, bajo la dirección de Corazza y junto a un elenco de antiguos alumnos, configura uno de los acontecimientos culturales destacados del año.

Lenguajes del adiós ya está en escena. En la sala Luisa Vehil del Teatro Nacional Cervantes se despliega la obra escrita, dirigida e interpretada por Patricio Abadi. Recorre la última etapa de vida de su madre, junto a un material audiovisual recuperado y digitalizado durante la pandemia, casi 20 años después de haber sido generado.

La obra despliega una reconstrucción del vínculo entre madre e hijo a partir de relatos, música, imágenes, videos y monólogos. La puesta articula momentos de ficción con un dispositivo audiovisual en escena de carácter performático.

Lenguajes del adiós se centra en el proceso de transitar una despedida y convertir esa experiencia en materia escénica. La propuesta busca un encuentro cercano con el espectador desde la emoción y el humor, con la ternura, el arte y los hijos como vías para transformar el dolor y reescribir la propia historia.

El crítico e investigador Ricardo Dubatti, en el prólogo del inminente libro de la obra, dijo que el proyecto “pone en escena el proceso de recorrer, de pensar, de imaginar, dar palabras y metáforas, a los otros pero también a uno mismo”.

El equipo artístico está integrado por Jazmín Titiunik en coreografía y diseño de movimiento, Gaspar Carvajal en colaboración artística, Daniela Colucci en asesoría artística, Demián Ledesma Becerra en diseño audiovisual y mapping, Ricardo Sica en iluminación, Martina Nosetto en vestuario y Rodrigo González Garillo en escenografía.

La llegada de Lenguajes del adiós al Teatro Nacional Cervantes coincide con otro lanzamiento de Abadi: este año la editorial Atuel publicará el libro homónimo con prólogo de Dubatti y texto de contratapa a cargo de Mauricio Kartun.

Abadi es escritor, actor, director, formador y licenciado en Comunicación con orientación en Letras. Egresó de la carrera de Dramaturgia de la Escuela Municipal de Arte Dramático dirigida por Kartun. Fue coautor de la exitosa El equilibrista, protagonizada por Mauricio Dayub.

A fines de 2023 estrenó Balada para un sueño y Estrellas fugaces en Estados Unidos y participó como invitado especial en los Martín Fierro Latinos de Miami. Recientemente presentó en la Feria del Libro Ya no pienso en matambre ni le temo al vacío (Monólogos), editado por Atuel, que reúne los textos de la obra. En su tarea como formador brindó workshops en Buenos Aires, Uruguay, España y Estados Unidos.

* “Lenguajes del adiós” está de jueves a domingo a las 18 horas en la sala Luisa Vehil del Teatro Nacional Cervantes (Avenida Libertad 815, Ciudad Autónoma de Buenos Aires).

La verdadera patria del hombre es la infancia dice el poeta Rainer Maria Rilke y yo suscribo con vehemencia a dicha frase, en el caso del proceso de escritura y de ensayos de Osamenta y patria da en el clavo. La obra en cuestión, que acabamos de estrenar en el querido Teatro del Pueblo los viernes a las 20 horas, surge de un intrincado, por lo menos para mí, entrecruce de ciertos imaginarios de mi infancia en el campo y una mirada literaria de esa desmesura que llamamos patria. La patria y la infancia. La pampa y la infancia. Soy nacido en Bahía Blanca pero criado en Macachín, un pueblo del medio de la provincia de La Pampa, un pueblito muy pequeño, en esa época no pasábamos de los tres mil habitantes, contando la periferia de chacras y tambos. La casa familiar en la que vivíamos daba a una calle, enfrente una arboleda de eucaliptus, un alambrado de seis hilos y el campo. Podía ver mientras desayunaba desde la ventana del living algún novillo a las perdidas, pastando en la vereda, algún tero siempre gritando, si te quedabas mirando un rato de seguro pasaba a las corridas una mulita o una liebre y en los postes vigilando cual milico de frontera, un par de chimangos. La versión escrita de Osamenta y patria se nutre de estos imaginarios. Imaginarios que mirados desde otro punto de vista, o mejor, desde el punto de vista de la ciudad podrían afirmar que “eso que está ahí” ese objeto, chimango, mulita, tero, liebre, vaca pastando en una vereda son algo así como una imagen precisa de “la verdadera patria”.

Lo que se pregunta la obra, la premisa fundacional de Osamenta y patria tiene que ver con esto ¿Qué vendría siendo eso que llamamos patria? O mejor aún: ¿Dónde es que se territorializa ese concepto? Pura pregunta imposible e inútil y por lo tanto entrañable. En nuestra obra aparece la incursión hacia un fortín, la búsqueda de una osamenta del periodo mesozoico, especie de vaca voladora a la manera de los pterodáctilos descubiertos en la Alemania del siglo diecinueve pero en el caso de la Argentina son osamentas ínfimas, mínimas vacas voladoras del tamaño de un plato de sopa aproximadamente. La zanja de Alsina como mito proveedor, aporte de las entrañas de la tierra a los fortines, desentierro, el discurso epistolar como equívoco, el viaje de una paleontóloga junto con dos baqueanos que colaboran con la búsqueda de ese cadáver de cuarenta millones de años, que dentro de la ficción de la obra, se piensa como fundacional de eso que llamamos Patria, conservado por la zanja de Alsina, especie de muralla china invertida, el hallazgo de la osamenta entre calaveras, teclas de piano, cuentas de colores.

Una obra de carretera, un salir de la ciudad, transitar el campo y sus desventuras, sus encuentros fortuitos y volver a la ciudad. Eso se propone la obra. Un recorrido que podríamos pensar cómo clásico, la inefable road movie, pequeña odisea pampeana intermediada por ese imaginario que puede llegar a decir “esto es la patria” en los ojos idiotas de un novillo que pasta en la vereda de enfrente en la soledad más absoluta o que también podría decir “esta si es la patria” cuando ese novillo se convierta en osamenta y sea un montón de huesos brillando al sol en un potrero de la pampa.

Nadie sabe lo que puede un pozo. Nadie sabe de lo que es capaz una zanja en el medio de la pampa. A lo mejor el punto de llegada, la vocación final de Osamenta y patria tenga que ver con esto, como si pudiéramos pensar que la patria es un agujero, una zanja, una falta, la infancia que ya no está y sin embargo contra todo realismo, contra todo pronóstico, nos embarcamos en su búsqueda, nos subimos a la carreta y si bien lo más probable es que a esa infancia no la encontremos, al menos, a la manera del mejor de los consuelos, tenemos el paisaje enorme del teatro, el juego, la osamenta de la infancia en el presente que aún reluce, fosforescente y nos llena de entusiasmo.

Osamenta y patria, dramaturgia y dirección Andrés Binetti. Funciones: viernes a las 20. Teatro del Pueblo - Lavalle 3636 - Entradas www.alternativateatral.com

Actuación: Edgardo Marchiori, Cecilia De Paoli, Malala González, Juan Anun, Sergio Lobo, Ignacio Bozzolo, Alejandra Oteiza, Virginia Flammini. Duración del espectáculo: 75 minutos.

* Andrés Binetti, dramaturgo, director y docente teatral. Egresado de la carrera de Puesta en Escena de la Escuela Metropolitana de Arte Dramático (EMAD). Docente a cargo en diferentes instituciones. Integrante de la Fundación SOMI/Teatro Del Pueblo.

Fotos: gentileza prensa de Osamenta y patria.

El antiguo Centro de Creación de las Artes de Alcorcón (CREAA), conocido popularmente como La Mole, tendrá una nueva vida después de casi dos décadas paralizado. El grupo Wonderland, vinculado al productor teatral Luis Álvarez y a nombres como Santiago Segura y José Mota, invertirá cerca de 30 millones de euros para terminar el macrocomplejo, según ha publicado El Mundo.

El proyecto pasará a llamarse Soho City y ocupará la mayor parte de los edificios del antiguo CREAA, una infraestructura impulsada entre 2008 y 2009 con la aspiración de convertir Alcorcón en un referente cultural. La obra quedó suspendida en 2012, cuando ya se había ejecutado buena parte del complejo y después de una inversión pública superior a los 100 millones de euros.

Desde entonces, el edificio se ha convertido en uno de los grandes símbolos de los proyectos fallidos en la Comunidad de Madrid: una construcción de grandes dimensiones, situada junto al parque de los Castillos, abandonada durante años y atravesada por reproches políticos entre PSOE y PP.

Un proyecto cultural bloqueado desde hace más de una década

El antiguo CREAA fue concebido como un gran espacio dedicado a las artes escénicas, la música y la creación cultural. El complejo estaba formado por nueve edificios, aunque nunca llegó a entrar plenamente en funcionamiento. Durante años se sucedieron distintos intentos de reactivación, desde propuestas universitarias hasta proyectos culturales, pero ninguno llegó a materializarse.

Ahora, el Ayuntamiento de Alcorcón ha confirmado la adjudicación del complejo a Wonderland Group, liderado por Luis Álvarez, para poner en marcha Soho City. El recinto seguirá siendo público, pero su gestión quedará en manos de la empresa durante 50 años, sin inversión directa por parte del Consistorio, según ha explicado el Gobierno municipal.

A cambio, Wonderland abonará al Ayuntamiento un canon anual de 215.000 euros, según EFE. La inversión prevista para completar el recinto rondará los 30 millones de euros.

Teatro, circo, auditorio y rodajes

Soho City ocupará ocho de los nueve edificios del antiguo CREAA. El noveno se reservará para Atenpro, un centro nacional de referencia para la atención y protección de víctimas de violencia de género y de sus hijos, cedido a la administración estatal y financiado con fondos europeos.

El nuevo proyecto mantendrá parte de la idea original del complejo cultural. Según el Ayuntamiento, el recinto contará con un espacio circense, una sala configurable para grandes espectáculos, un conservatorio de música y un auditorio. Cadena SER cifra la capacidad del teatro en más de 1.600 butacas y señala que el complejo superará los 66.000 metros cuadrados.

A estos usos se sumará un hub audiovisual destinado a la producción de series y películas. La intención de los promotores es convertir el recinto en un polo vinculado a las artes escénicas, el ocio, la formación y la actividad audiovisual.

El papel de Wonderland

Wonderland Group es el grupo que asumirá la recuperación del complejo y está vinculado a distintos espacios culturales y teatrales, entre ellos el Gran Teatro CaixaBank Príncipe Pío, el Teatro Pavón, el Teatro Serrano y el Castillo de Pedraza.

La presentación pública de Soho City está prevista para diciembre de este año, aunque todavía no hay un calendario cerrado para la apertura de cada espacio. El objetivo municipal es que durante 2026 todos los edificios del antiguo CREAA estén ya en funcionamiento o en fase avanzada de reforma.

La oposición pide revisar el expediente

La recuperación del complejo también tiene lectura política. Telemadrid ha informado de que la oposición quiere llevar el expediente a la Cámara de Cuentas para revisar la concesión. El Gobierno local, por su parte, defiende que la adjudicación permite desbloquear una infraestructura abandonada desde hace años sin cargar nuevas inversiones al presupuesto municipal.

La operación pone fin, al menos sobre el papel, a 18 años de bloqueo en torno a uno de los edificios más reconocibles de Alcorcón. Un macroproyecto que nació como emblema cultural quedó paralizado tras una fuerte inversión pública y ahora queda en manos de un grupo privado para intentar convertirse en una ciudad del espectáculo.

La puesta en escena “¡MUAK!“ se prepara para ocupar el foro la Gruta del Centro Cultural Helénico entre el 26 y el 28 de junio. La obra plantea una crítica política envuelta en comedia y espectáculo, mientras examina el ejercicio del poder en una sociedad dominada por la imagen y el consumo mediático.

La compañía Cabaret de Diez propone un espectáculo donde la risa se convierte en una vía para la reflexión y la crítica social. El montaje utiliza la sátira para cuestionar las formas de poder, desnudando lo incómodo y transformando el humor en diálogo y pensamiento.

El elenco, formado por Carlos Alexis, Daniel Berthier, Mónica Magdiel, Sofía Montaño y Conny Cambambia, desarrolla un trabajo actoral que fusiona interpretación, musicalidad y una interacción cercana con el público, fiel a las convenciones del cabaret contemporáneo.

La producción cuenta con un equipo creativo integrado por Fernando Romero en la música en escena; Alberto Reyna a cargo del diseño de escenografía e iluminación; Erick George y Airam Nanti en el vestuario; Marco Torres como asistente de dirección y producción; Ximena Carrasco en la producción ejecutiva; Carlos Alexis en la producción general e idea original; y Héctor Ortega en el diseño de cartel.

En entrevista con Sofía Montaño: de esto trata MUAK

En entrevista con Infobae México, Sofía Montaño lleva a nos cuenta de Muak, una obra de teatro cabaret que toma como punto de partida el cuento clásico del traje del rey para reescribirlo como sátira de la política mexicana contemporánea. La producción regresa con cambios, ahora en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico, después de una primera temporada en el Foro Lucerna hace menos de un año.

La premisa viene del dramaturgo Carlos Alexis, quien adaptó el cuento para ponerlo en diálogo con la actualidad del país. Sofía Montaño lo resume así:

“Muak es la reimaginación de un cuento que todos conocemos, que es el cuento del traje del rey. Carlos Alexis, el dramaturgo, reimaginó este cuento para adaptarlo a nuestra política mexicana. Nada más ahí te lo dejo para que te des una idea de que va a ser un viaje, un viaje dentro de nuestra bonita actualidad política, que, la verdad es que da mucho de qué hablar y a veces ni siquiera hay que hacerle mucho truco para que sea absurda y para que sea graciosa.”

El humor como herramienta de crítica social

La obra apuesta por el cabaret político como género, un formato que combina música, comedia y mensaje. Para la actriz, el humor no suaviza la crítica: la hace posible.

“A través del humor podemos ver todo desde cualquier ángulo, podemos ver lo absurdo de cualquier personalidad política, podemos ver lo absurdo de cualquier situación, porque el humor nos lo permite. Desde el humor nosotros podemos jugar muchísimo. Y creo que eso es algo que tiene Muak, que además usa recursos, no solo del humor, sino de la música. La gente va a ir a ver un espectáculo que tiene un mensaje bien claro, que tiene una crítica social, como debe ser el teatro cabaret.”

La temporada anterior dejó ganas de continuar. La obra vuelve actualizada porque la realidad también cambió: personajes nuevos, situaciones distintas, referencias que no existían hace un año. Quienes ya la vieron encontrarán material nuevo; quienes no, llegan sin deuda.

“Da mucho de qué hablar. Nosotros nos divertimos muchísimo haciéndolo. Tuvimos una temporada hace un poco menos de un año en el Foro Lucerna y nos fue superbién. Nos quedaron ganas de volverla a hacer y de que más gente la disfrute. Muchas cosas se tuvieron que adaptar porque pasó casi un año. Mucho cambió en la realidad política. Pero se hicieron los cambios. Las personas que ya lo hayan visto van a encontrar muchos nuevos detalles, muchas nuevas cosas, y los que no lo han visto se van a botar de la risa.”

Aprender el ritmo del cabaret desde adentro

Prepararse para Muak implicó un proceso de aprendizaje distinto al de otros géneros. El teatro cabaret exige estar en sintonía con el momento: lo que ocurre en las redes, lo que dijo un funcionario esa mañana, lo que se volvió meme la noche anterior. Ninguna función es idéntica a la anterior.

“Fue mucho trabajo de aprendizaje. Yo no había tenido la oportunidad de hacer teatro cabaret como tal. Es un género bien específico y usa mucho la improvisación, la participación del público. Tenemos que estar superpendientes de las noticias, de qué dice en el Twitter, de qué pasó acá, de qué dijeron acá. Ningún show es igual. Tenemos que estar modificándolo todo el tiempo, todo cambia todo el tiempo. Un poco yo como actriz, abrirme a esa experiencia de estar en un proyecto donde nada está escrito. Sí está escrito, pero todo puede cambiar en un segundo. También la participación del público. Eso como actriz, a veces no sucede. Luego en ciertos géneros de teatro, la cuarta pared es importantísima. En el teatro cabaret eso no ocurre.”

Ese aprendizaje ocurrió junto a la compañía Cabaret de Diez, con alrededor de diez años de trayectoria. El dramaturgo Carlos Alexis y el actor Richi John fueron sus principales referencias para entender la cadencia del género.

“Fue muy divertido para mí explorarlo con los chavos de Cabaret de Diez, que así se llama su compañía. Ya están cumpliendo varios años, creo que como diez o algo así. Han hecho bastantes proyectos. Aprender en especial de Carlos Alexis, que es el dramaturgo, del ritmo que se necesita, de la cadencia que se necesita para que caigan ciertos chistes. De cómo utilizas el público a tu favor. Me he divertido y en especial he aprendido mucho.”

Construir un personaje desde afuera, aunque venga de adentro

La actriz tiene un método para acercarse a sus personajes: aunque compartan rasgos con ella, los trata como entes separados. No se identifica con ellos; los construye. En Muak, ese ejercicio fue colectivo y específico: cinco actores y un músico, cada uno con un ángulo distinto de la historia.

“A mí lo que me sirve, creo que si el personaje tiene muchas similitudes conmigo, aun así me sirve mucho verlo como un ente completamente separado. No me gusta construir personajes a partir... Sí lo construyo a partir de mí, pero es un ente separado. Es un ente que le tengo que construir sus vivencias. Tengo que entender por qué piensa así, por qué dice lo que dice. Por qué dice las cosas como las dice. Todo eso es algo muy ajeno a mí al final. Es interesante. Creo que justo como toda la creación ahorita que tuvimos en Muak fue de cómo construir, que al final el cabaret claro que son personajes arquetípicos, pero también son superespecíficos. Cada uno tiene como un ángulo o una perspectiva que es bien importante contar. En este caso, por ejemplo, somos cinco actores y un músico.”

“Nuestros personajes representan la voz del pueblo. Representa la clase trabajadora, el pueblo. Es también muy importante que todo lo que abordemos, sí, a través de la música, sí, a través del humor, pero también sí a través de una vista muy sensible, muy empática. No porque sea comedia es burla. Siempre quisimos hacer todo muy respetuoso y que sea una comedia para todos y no en contra de alguien.”, añadió.

Un público nuevo en un espacio poco habitual para el cabaret

El Helénico no es el territorio natural del cabaret político. Eso, para la actriz, es parte del atractivo de esta temporada: descubrir cómo responde un público que no necesariamente espera ese tipo de obra.

“Es siempre interesante además encontrar otro espacio, porque ahora vamos a estar presentándonos en el Centro Cultural Helénico, en el Foro La Gruta. Es un lugar en donde no hay mucho teatro cabaret. Sí ha habido en el Helénico y en sus espacios, pero no es algo que se acostumbre ir a ver al Helénico. Va a ser interesante explorar cómo ese público que va mucho al Helénico va a responder a una obra de cabaret, cabaret político, además. Eso es siempre bien interesante descubrirlo. Como te decía, cada función es diferente. Luego nos ha pasado que tenemos una función donde la gente está supersimple y super participativa. Luego nos tocan públicos más críticos que nos están escuchando y nos están escuchando muy serios. Y cambia el espectáculo. Tenemos ganas de ver con qué nos vamos a topar. Lo que sea es bueno, porque a mí no me gusta decir: ‘Si no se ríen, qué mal público’. El público que está ahí, que está en el teatro, que pagó su boleto, es el mejor público del mundo. Solo ser capaces de abordar cómo ellos necesitan escuchar la historia.”.

Tras un día sin La Revuelta con motivo del Mundial 2026, el programa conducido por David Broncano ha vuelto en su horario habitual con un invitado recién llegado de París: Fernando Arrabal (Melilla, 93 años), dramaturgo, poeta y cineasta, además de patafísico y sátrapa. Todas estas acepciones, avaladas por Arrabal, han sido debatidas durante la emisión en RTVE. Además, el artista multidisciplinar ha ahondado en la defición de patafísica a partir de rememorar su amistad con Dalí y Picasso, remontándose al Mayo francés, aquel 1968 en el que ardió París.

“La felicidad que tengo de venir de París y veros aquí”, ha remarcado Arrabal, en alusión a su llegada al país del que nunca ha querido renegar, pese a las varias persecuciones que sufrió durante el franquismo. “Yo seré siempre español”, ha zanjado el artista. Fernando Arrabal ha sido recientemente nombrado comendador de la Orden de las Artes y las Letras de Francia; reconocimiento que sigue a la Orden Civil de Alfonso X el Sabio que se le ha otorgado en España, así como la Orden de Isabel la Católica. “España es tan cachonda...”, ha comentado entre risas Arrabal, en referencia con la cantidad de premios que recibe en su vejez, y no en su juventud.

El dramaturgo, quien es además el escritor de teatro más leído del mundo, tal y como ha recordado Broncano, ha hecho un alegato final a leer en el transporte público. “Hay que hacer una petición para que se lea”, le ha reprochado Arrabal al presentador, “para que se lean poetas desconocidos en el metro”. No obstante, al mismo tiempo, el artista se ha dado autobombo al recordar que sus poemas “son tan fantásticos”, que merecen ser leídos.

Además de sus escritos, Fernando Arrabal también ha querido revisionar su paso por el Mayo francés, aquel 1968 en el que hubo “un follón en París”. Según ha explicado el artista, ardieron coches y calles. Durante las protestas estudiantiles, Arrabal ha recordado cómo ocupó, junto a otros poetas, el colegio de España en la capital francesa. “Es la primera vez que algo es ocupado en medio de la dictadura [franquista]”, ha apuntado el artista.

“La patafísica, como el saber, es la verdad”, ha explicado Fernando Arrabal en ‘La Revuelta’

“Soy patafísico”, ha declarado Fernando Arrabal durante los primeros minutos de programa. Ante un público atónito, Broncano ha entrado en el juego rápidamente para instar a desarrollar la idea al invitado de esta noche. “Soy el representante de la orden patafísica”, ha continuado Arrabal, quien al final del programa ha conseguido hilar la definición del concepto patafísica: “La patafísica, como el saber, es la verdad”. Lo cierto es que esta es una filosofía y pseudociencia creada a finales del siglo XIX por el escritor francés Alfred Jarry. Y se define formalmente como la “ciencia de las soluciones imaginarias”.

Lo cierto es que este movimiento está vinculado al surrealismo, en el cual se enmarca el artista, junto a otros grandes españoles como Salvador Dalí o Joan Miró. En él, hay reglas que marcan el lenguaje de quienes integran el movimiento. Una de ellas la ha explicado Arrabal durante el programa de RTVE. “En patafísica nunca decimos morir, sino se ocultó”, ha explicado el poeta. A diferencia de sus contemporáneos, Arrabal se ha reivindicado a sí mismo como el único surrealista (y por ende, patafísico) que queda: “Se ocultaron los surrealistas; yo siento mucho que ya no haya surrealistas”.

Hay personajes que pertenecen a una época y otros que terminan perteneciendo a todas. Don Quijote es uno de ellos. Más de cuatrocientos años después de que Miguel de Cervantes lo imaginara cabalgando por los caminos de La Mancha, sigue apareciendo allí donde alguien se atreve a defender una idea, un sueño o una ilusión.

Cuando empezamos a trabajar en Un Tal Quijote no queríamos hacer una adaptación convencional de la novela. Tampoco nos interesaba reconstruir el universo cervantino desde una mirada académica. Lo que nos atraía era la extraordinaria vigencia del personaje. Nos preguntábamos qué quedaba hoy de aquel caballero que confundía molinos con gigantes y qué podía decirnos en un mundo aparentemente más racional, pero no necesariamente más libre.

Descubrimos que el Quijote sigue vivo en quienes se atreven a imaginar futuros diferentes, en quienes defienden ideales que otros consideran imposibles y en quienes no tienen miedo de parecer ridículos por aquello en lo que creen. Desde esa intuición nació el espectáculo.

En nuestro trabajo teatral siempre nos han interesado los personajes que viven en los márgenes de la normalidad: extravagantes, vulnerables, contradictorios y profundamente humanos. Por eso decidimos acercarnos al Quijote desde nuestro propio lenguaje escénico: el humor, el teatro físico, el clown, la improvisación y el juego constante con el público.

En Un Tal Quijote todo comienza cuando un conferenciante especializado en Cervantes y un técnico de mantenimiento coinciden accidentalmente sobre un escenario. Poco a poco la realidad se resquebraja y el universo cervantino invade el presente. El conferenciante deja de ser únicamente un experto y el operario deja de ser únicamente un trabajador anónimo. Ante los ojos del público aparecen Don Quijote y Sancho Panza.

Nos interesaba especialmente ese tránsito entre realidad y ficción. Las transformaciones suceden a la vista de todos, con pocos elementos y sin esconder los mecanismos teatrales. Nos gusta que el espectador vea cómo se construye la ilusión, porque el teatro, como el propio Quijote, es un pacto entre la imaginación y la realidad.

Durante el proceso creativo descubrimos que la relación entre Don Quijote y Sancho Panza era mucho más que un recurso cómico. En ella encontramos una metáfora profundamente contemporánea: el encuentro entre el idealismo y el sentido práctico, entre la necesidad de soñar y la obligación de convivir con la realidad. Lejos de oponerse, ambos se necesitan.

Esa idea atraviesa todo el espectáculo. Vivimos en una época donde a menudo se nos invita a ser pragmáticos y productivos. Sin embargo, creemos que las sociedades también necesitan soñadores, personas capaces de cuestionar lo establecido y de imaginar alternativas.

Por esta razón el humor ocupa un lugar central en la propuesta. No como un fin en sí mismo, sino como una herramienta para observar la realidad desde otro lugar. Nos interesa un humor que provoque carcajadas, pero que también invite a pensar y emocione.

La próxima gira por Argentina y Uruguay añade una dimensión especialmente emocionante a esta aventura. El Quijote es una de esas obras que han atravesado océanos y generaciones hasta convertirse en un patrimonio compartido. Llevar nuestra mirada sobre este personaje a países con una tradición teatral tan intensa supone una enorme alegría.

Nos ilusiona especialmente encontrarnos con el público argentino y uruguayo porque compartimos mucho más que una lengua. Compartimos una sensibilidad hacia el humor, la emoción y las historias que hablan de la condición humana. Creemos que las preguntas que plantea Don Quijote siguen resonando con fuerza a ambos lados del Atlántico: cómo defender los ideales en tiempos de desencanto y cómo preservar la imaginación en un mundo cada vez más acelerado.

Después de más de veinticinco años de trayectoria con Cascai Teatre seguimos creyendo en un teatro cercano, popular y profundamente humano. Un teatro que nace del encuentro entre actores y espectadores y que celebra la imaginación como una forma de libertad.

Un Tal Quijote es nuestra manera de reivindicar esa mirada. Una celebración de la amistad, de la imaginación y de la capacidad de defender aquello en lo que creemos. Una invitación a reír, a pensar y a recordar que, a veces, quienes parecen más locos son precisamente quienes se atreven a mirar más lejos.

*UN TAL QUIJOTE, con dirección y actuación de Marcel Tomàs. ÚNICAS 2 Funciones: sábado 4 y domingo 5 de julio a las 20.30hs Teatro Empire (Hipólito Yrigoyen 1934, CABA). Entradas por Alternativa

GIRA: 12 de julio en Mar del Plata (Teatro Payró) y 14 de julio en Montevideo, Uruguay (Centro Cultural de España)

**Los autores integran Cascai Teatre

Sentado, tras un alto en los ensayos en el Auditorio Belgrano donde el 20 de junio subirá a ls tablas con Vivitos y colenado 2, disruta de un café con leche mientras habla de la obra con la misma pasión que un chico contando su juguete favorito,

Guzmán encuentra las palabras justas para explicar por qué este material sigue emocionando. “La obra de Carlos Gianni y Hugo Midón ha atravesado las infancias de cuatro generaciones. Mi hija de siete años, cuando entró al jardín, le dieron uno de los temas que hago acá en la obra. Es interminable la cadena de ADN cultural que creó el material de Midón y Gianni”, cuenta. Y no habla solamente desde la admiración profesional. Habla desde la emoción de quien sabe que está parado sobre un legado artístico irrepetible.

Para él, el gran desafío de actuar frente a chicos sigue siendo el mismo de siempre: mantenerse vivo. “Los niños no están enfermos de sociabilidad ni de protocolos como los adultos. Van al teatro y toman lo que les das de una manera que estalla en su imaginación. Son muy expresivos. El mayor desafío es mantenerse vivo, despierto, presente”. En esa definición aparece condensada buena parte de su filosofía artística. Porque Guzmán nunca entendió la actuación como una técnica vacía sino como una forma de presencia absoluta.

La fascinación que siente por el universo creado por Midón y Gianni atraviesa toda la conversación. “Carlos Gianni es un genio. Es un genio a la altura de Charly García, es un genio a la altura del Indio Solari. Te digo por qué: porque sus canciones son todas hits”. Y cuando habla de Hugo Midón, su voz adquiere un tono casi reverencial. “No subestimó a las infancias haciendo del teatro un entretenimiento para chicos. Le dio calidad. Vestuario, actuación, música, dramaturgia. Siempre hizo teatro para la familia”.

Quizás por eso este presente lo encuentra especialmente feliz. “Más allá del cansancio y de todo lo que cuesta, estoy dentro de una alfombra mágica”, resume.

La frase parece sencilla, pero detrás de ella hay más de cincuenta años de vida y décadas de trabajo. Porque antes de convertirse en Osqui, el actor reconocido por el público y respetado por sus colegas, existió un chico, Oscar Germán Walter Guzmán, nacido en Buenos Aires en 1971, hijo de inmigrantes bolivianos llegados desde Potosí y Oruro, que creció en una casa donde el trabajo era una forma de supervivencia.

La Boca de aquellos años no tenía nada que ver con las marquesinas teatrales. En una vivienda humilde de clase media baja funcionaba el taller de costura familiar. Allí pasó buena parte de su infancia acompañando a su madre mientras cosía durante jornadas interminables para sostener la economía de la casa. El ruido constante de las máquinas de coser forma parte de los primeros recuerdos que conserva.

La situación económica era compleja. Hubo privaciones, deudas de alquiler y momentos difíciles. Durante la adolescencia llegó a coser para ayudar en el emprendimiento familiar. Sin embargo, cuando recuerda aquellos años, no habla desde el resentimiento sino desde la gratitud.

“Mi mamá se encargaba de que yo no sufriera las necesidades. Vivíamos en un cuartito de cuatro por cuatro, pero ella siempre encontraba la manera. Nos hacía un puchero y decía: ‘Mirá que no todo el mundo come puchero’”, detalló, a la vez que recordó: “Hubo cumpleaños donde el regalo era salir a tomar un café con leche... cuando había regalo”.

La figura materna atraviesa toda su historia. Mientras ella cosía, él se sentaba a su lado y escuchaba historias sobre Bolivia. Aquellas conversaciones se transformaron en una escuela de vida. “Mi mamá me decía: ‘Agachá el lomo y trabajá’. Entonces yo aprendí eso. Cierro la boca y trabajo”.

“No invitaba amiguitos a mi casa, porque en mi casa no se podía invitar. Mi mampa no podía ponerse a limpiar. Se levantaba para cocinar y hacer la comida solamente. Y a veces la hacía mi papá también. Después deudas de alquiler y esas cosas y dolores al respecto de mis viejos de no poder darnos algo más, ¿viste? Y tratar de entender eso, que era doloroso, pero mi mamá siempre se encargaba de decirme: ”Todo bien, pero esto que hago no lo tiene cualquiera".

Durante años creyó que su destino estaba lejos de los escenarios. Era fanático de las artes marciales y soñaba con convertirse en profesor de kung-fu. Más tarde estuvo a punto de estudiar traumatología. La medicina aparecía como una salida concreta y respetada. De hecho, su padre esperaba verlo convertido en médico.

La actuación llegó casi por accidente. Y cuando decidió abrazarla definitivamente, el conflicto familiar fue inevitable. Su padre no aceptó aquella elección. La decepción fue tan profunda que dejaron de hablarse durante tres años.

Tres años de silencio entre un hombre que soñaba con un hijo médico y otro que acababa de descubrir que su verdadera vocación estaba arriba de un escenario.

Lejos de abandonar, Guzmán siguió adelante. Debutó en el Teatro Callejero de la Ribera, en La Boca, haciendo sainetes. Después llegaron las experiencias en el circuito independiente, los años de búsqueda, las funciones para veinte espectadores y la construcción lenta de una carrera que jamás se apoyó en la popularidad televisiva. “Mi vida fue preguntarme cosas”, resume. Esa búsqueda encontró uno de sus momentos más conmovedores en 1999.

Aquel año recibió el Premio ACE Revelación por Los indios estaban cabreros, obra que protagonizaba en el Teatro Cervantes. Sus padres estaban sentados en la sala.

Lo que ocurrió esa noche permanece intacto en su memoria: “Antes de entrar me fui a Las Cuartetas y escribí un poema en un cuaderno”, recuerda.

Cuando anunciaron su nombre, algo inesperado sucedió: “Todos empezaron a cantar ‘¡Ole, ole, ole, Osqui!’ y yo pensaba: ‘¿Por qué pasa esto?’”.

Subió al escenario conmovido. Entonces abrió el cuaderno y leyó aquellas líneas escritas minutos antes: “Lo único que recuerdo del poema era un verso para mi mamá. Decía: ‘Esto es para mi mamá, que levantó la casa hasta el alba solo para que yo estudie teatro’”.

La sala entera quedó atravesada por la emoción. También sus padres. Aquella costurera que trabajaba hasta la madrugada y aquel hombre que alguna vez dejó de hablarle por abandonar la medicina estaban allí viendo cómo el hijo por el que habían sacrificado tanto recibía uno de los reconocimientos más importantes de su carrera.

Todavía hoy, cuando recuerda aquella escena, la emoción sigue intacta: “A mi papá lo veo sonriendo muchas veces desde la platea. Siento su sonrisa. Y a mi mamá siempre le digo que todo lo que hago es su trabajo”.

Con los años llegaron el reconocimiento, las giras internacionales, espectáculos emblemáticos como El Bululú, que continúa girando por el país y el exterior, además de El centésimo mono, de que es parte en Timbre 4, además de Waminix, en la misma sala, del que es director, todo actualmente en cartel.

Todo eso sumado a una larga lista de trabajos que lo transformaron en referencia indiscutida del teatro argentino. Sin embargo, su mirada sigue puesta en el mismo lugar: el trabajo cotidiano.

Por eso observa con preocupación el presente cultural del país: “En un momento tuvimos una mirada más clara hacia las infancias. Surgió Paka Paka, surgieron contenidos que no subestimaban a los chicos y tenían calidad. Hoy por hoy estamos retrocediendo”.

Sus críticas no apuntan únicamente a la producción de contenidos. También se detiene en el debilitamiento de organismos históricos vinculados a la actividad teatral: “Lo del Instituto Nacional del Teatro nos duele mucho. Para los artistas independientes esos lugares son vitales. No es la plata. Es todo lo que cuesta construir esos espacios de organización”.

Sin embargo, lejos de instalarse en la queja, reivindica el papel del teatro como refugio y resistencia: “La lucha está en el cuerpo de los artistas. Resistimos con nuestra respiración, con nuestro cansancio, con nuestra danza, con nuestro canto”.

Para Guzmán, el teatro argentino sigue siendo uno de los más potentes del mundo gracias al movimiento independiente: “En Argentina el teatro es importantísimo gracias al teatro independiente. El que viaja por el mundo es el teatro independiente. Los maestros que enseñan afuera vienen de ahí”.

“Esto que llaman batalla cultural es una ridiculez. La cultura se devora cualquier cosa. No podés batallar contra la cultura. No te pertenece la cultura. Es como si dijéramos que los actores somos la cultura. No la somos, somos trabajadores de la cultura, en todo caso, pero siempre la cultura es lo que sucede y lo que pasa, lo que pasa entre los que estamos en el escenario y los que estaban en el público. Algo ahí en el medio que nos pertenece a todos”.

Esa convicción aparece una y otra vez durante la charla. Lo mismo ocurre con la idea del trabajo como motor de toda existencia. Una enseñanza heredada directamente de aquella costurera boliviana que marcó su vida. “Mi mamá decía: ‘Todo es el trabajo, hijo. Todo es el trabajo’. Y tenía razón”.

Tal vez por eso, a pesar de los premios, las giras internacionales, el reconocimiento del público y el cariño que recibe cada noche al bajar del escenario, Osqui Guzmán sigue pareciéndose mucho a aquel chico que observaba coser a su madre en una casa humilde de La Boca. Sigue creyendo que el arte nace de las preguntas, que el teatro es un acto de fe y que el trabajo es la única herramienta capaz de sostener los sueños.

Y cada vez que se apagan las luces de la sala y escucha los aplausos, vuelve a sentir que detrás de cada función, de cada personaje y de cada emoción compartida con el público, siguen estando ellos: su padre sonriendo desde alguna platea invisible y su madre levantando la casa hasta el alba para que él pudiera estudiar teatro.

El otro Ulises lleva su historia de vínculos y humor al escenario de Ítaca - Complejo Teatral los domingos 21 y 28 de junio a las 17, en Humahuaca 4027, con una propuesta que combina comedia y reflexión sobre la soledad y el deseo.

La pieza, escrita por el novelista y dramaturgo Nerio Tello —escritor nacido en La Rioja con más de 40 libros publicados, actor, director de cine y docente universitario—, plantea el encuentro entre un escritor retraído y una joven que irrumpe en su cotidianeidad. El eje narrativo gira en torno a un proyecto literario del protagonista que indaga en un interrogante de Jorge Luis Borges, y la manera en que esa convivencia imprevista transforma el desánimo del personaje. “Desear es una forma de la felicidad”, sostiene el escritor ficticio en uno de los momentos de la obra.

La dirección está a cargo de Cristina Miravet, con una extensa carrera como directora, actriz y dramaturga, quien trabaja el juego interpretativo de los actores para poner en primer plano la dinámica de los vínculos. Los protagonistas son Melody Llarens y Hugo Mouján, dos intérpretes de reconocida trayectoria en la escena teatral argentina.

El contrapunto entre los dos personajes estructura la trama: él, con un perfil rígido y cargado de historia; ella, fresca e histriónica, capaz de desarticular la desazón del protagonista a través del humor. Cada episodio compartido abre nuevas dimensiones en esa convivencia, que transita de la incomodidad inicial hacia algo más cercano al afecto.

El otro Ulises explora los matices de las relaciones humanas con humor —a veces corrosivo— y apela al amor como motor de transformación. Tello, cuya obra literaria abarca desde crónica narrativa hasta ficción y dramaturgia, también ha participado en producciones cinematográficas como Elefante Blanco, de Pablo Trapero, y El cielo del Centauro, de Hugo Santiago.

[Fotos: prensa El Otro Ulises]

La conductora y actriz peruana Rebeca Escribens anunció su regreso a los escenarios con ‘No soy una señora’, un espectáculo unipersonal con música en vivo que se presentará en seis funciones en la Cúpula de las Artes entre septiembre y octubre. La conductora decidió este año enfocarse en un proyecto propio, por ello, Rebeca Escribens vuelve a las tablas con una propuesta que nació de su propia inquietud creativa.

El espectáculo, escrito por Diego Lombardi a partir de una idea original de la conductora, combina humor, relatos personales, música en vivo y coreografías en una puesta en escena que promete diferenciarse del formato tradicional del teatro unipersonal. La producción está a cargo de Bluhaus y la dirección de Raúl Zuazo y Renato Bonifaz.

La dirección musical recae en Diego Dibos, mientras que las coreografías fueron diseñadas por Gastón Curbelo. El proceso creativo contó además con el acompañamiento de Ítalo Carrera, cuya mirada contribuyó al desarrollo escénico del espectáculo.

"Más que un unipersonal, va a ser un electrizante show musical que te llevará a un viaje lleno de diversión, risas, poderosas historias y música en vivo“, adelantó Escribens al presentar el proyecto. La actriz y conductora describió la propuesta como una experiencia que va más allá del formato convencional para convertirse en una celebración de la autenticidad.

Un show construido desde la experiencia personal

‘No soy una señora’ se apoya en las múltiples facetas de la personalidad de Escribens, conocida por su espontaneidad y franqueza frente a las cámaras. “¿Intensa? Sí, gracias. ¿Irreverente? Obvio. Dulce… pero no te confíes”, afirmó la artista al describir el espíritu del espectáculo, que busca conectar con las vivencias de muchas mujeres a través de historias sin filtro.

La conductora de ‘América Espectáculos’ en América TV tiene una trayectoria consolidada tanto en televisión como en teatro. En el ámbito personal, ha compartido públicamente momentos significativos de su vida, como la pérdida de sus padres o su rol como madre, experiencias que han marcado su forma de comunicarse con el público.

Fue madre por primera vez a los 17 años y tiene dos hijos: Salvador y Tiago. Lleva más de 15 años de matrimonio con su esposo Carlos. Ese bagaje personal permea el contenido del espectáculo. “Es ese abrazo, ese grito, ese baile y las canciones que te hacen cantar a todo pulmón”, describió Escribens sobre la esencia del show, que se presenta como un encuentro cercano entre la artista y su audiencia.

Seis funciones en la Cúpula de las Artes

‘No soy una señora’ tendrá solo seis funciones, programadas en la Cúpula de las Artes a las 8:00 p.m. Las fechas confirmadas son el 24, 25 y 26 de septiembre, y el 1, 2 y 3 de octubre. La propuesta incluye bailarines en escena y una banda en vivo, lo que le otorga al espectáculo un formato más cercano al show musical que al monólogo teatral convencional.

La decisión de Escribens de apostar por un proyecto propio llega luego de que ella participara de anteriores proyectos musicales como ‘Planchando el Despecho’, el musical que protagonizó junto a Gianella Neyra, Katia Condos y Almendra Gomelsky. Las entradas para ‘No soy una señora’ ya están disponibles a través de Teleticket.

Mi infancia la pasé en Villa Ángela, una ciudad ni muy grande ni muy chica de la provincia del Chaco. De vez en cuando, llegaba un parque de diversiones. Se instalaban siempre en el mismo predio, frente a la estación de tren, convertida en escuela de música, donde yo estudiaba trompeta. Veía cómo armaban los juegos, anclando a la tierra una infinidad de estructuras de hierro, acero, tornillos, postes, cables. Veía cómo emergían de los camiones las partes del gusano loco, los autos chocadores, la vuelta al mundo.

Ese enorme rompecabezas metálico se convertía, después de varios días de trabajo pesado, en una ordenada coreografía de máquinas que garantizaban, a cambio de unas monedas —explicar hoy aquel valor de 50 centavos sería motivo de una comedia diabólica en el contexto actual—, unos agitados minutos de vueltas, giros, caídas, choques y sustos. Todo lo que un infante —y muchos adultos— necesitan.

Con las guirnaldas de luces encendidas, el parque parecía una pequeña isla luminosa, confinada en el centro mismo del monte chaqueño. Recuerdo la luz iridiscente de las incontables lamparitas y recuerdo, también, la música que rugía por las bocinas en los postes como un señuelo invisible. ¿Sonaba Sandro, canciones infantiles, Los charros, Xuxa? ¿Qué sonaba?

Los dueños del parque hacían promoción visitando las escuelas y regalaban algunos pases. A veces, el adulto que venía estaba acompañado por un niño o niña. El niño o niña nos miraba con cierta neutralidad, y con la certeza de que un par de semanas después estaría en otro pueblo. Alguna vez, también, ese niño o niña, de los tantos parques que pasaron por Villa Ángela, concurría algunos días a la escuela. Esto era todavía más extraño, una pequeña presencia fantasmal que aparecía y desaparecía del aula.

¿Cómo sería vivir en un parque de diversiones? Además de conocer lugares nuevos, podés subirte a los juegos cuando quieras, dormís en esos camiones-casas gigantes, vas a miles de escuelas, tenés amigos en todos lados…

Patricia Rivero —actriz y cabeza de producción de la obra— era, hasta los siete años, una de esas niñas nómadas que viajaba con los parques. De ascendencia circense, su familia tuvo —y tiene— varios parques que recorrieron Argentina durante décadas.

Cuando Patricia me propuso que escriba a partir de su historia, inmediatamente mi imaginario se situó en esos parques de mi propia infancia. Patricia me compartió fotos, música, horas y horas de anécdotas y sobre todo, me dejó ver una emoción que viajaba con ella, y que tenía dos frentes. Por un lado, eso que en portugués se nombra como saudade y que, sin traducción directa al español, puede ser descripto como una mezcla “agridulce” de alegría y tristeza por algo o alguien del pasado. Por otro lado, Patricia me narraba todo con cierta euforia: abrir el parque, que la gente llegue, se divierta. Ser, junto a su familia, algo así como una anfitriona itinerante de la diversión de cada pueblo que visitaba.

En mis clases de dramaturgia suelo mencionar que una obra es como un parque de diversiones. El proceso de escritura trama, necesariamente, un recorrido por una serie de “juegos” donde se diversifican la intensidad, el ritmo, y se constituye algún relato del que sobreviene, posiblemente, una emoción. Se trata de una experiencia que, además, es grupal e implica necesariamente el cuerpo. En parte está diseñada y en parte se configura por la presencia activa de un grupo que la actualiza cada vez.

Armando esta columna me di cuenta de que en 2020, la escritura de La Yoli Mindolacio, obra que estrenamos con Olave Mendoza y dirección de Manuela Méndez, incluyó una escena completa en un parque de diversiones. El mismo año escribimos con Andrés Gallina El descanso —sin estrenar— donde los personajes, durante un largo viaje del monte al mar, hacen una parada y van a un parque. En 2021, la escritura de El brillo nómade trajo nuevamente este paisaje que, evidentemente, también forma parte de mi subjetividad.

Saudade y euforia, como emociones centrales, empujaron la escritura de la obra. Se trata de un viaje en el que la misma persona aparece multiplicada en el tiempo y en el espacio —Niña, Joven, Mujer, Vieja— y desde esa simultaneidad se narran a sí mismas. Esas multiplicaciones arman un gran mapa que se despliega en todas las direcciones, pero de fondo, la tintura madre de todo es un viaje en el que una mujer decide ir tras su huella nómade.

Todos quisimos, o querremos alguna vez, abandonar la ciudad y sus convenciones, abandonar el pueblo y sus ciclos, las rutinas y su tautología. Será que hay una memoria salvaje que sigue pulsando el cuerpo y que, por si acaso, nos recuerda que la comodidad conduce, casi siempre, a la quietud. Y como dice la canción de Drexler: “Si quieres que algo muera, déjalo quieto”.

Entonces, estamos frente a un viaje eufórico, lleno de saudade, que Lucie Bach, directora radicada en Argentina y con familia circense en Francia —vaya coincidencia— reconstruye junto al elenco —Patricia Rivero, Stella Maris Isoldi, Camila Ohlobiak y Ana Julia Torre— y su equipo creativo. La puesta captura, finalmente, la esencia de ese paisaje original que inauguró todo: el parque de diversiones, su música, la vertiginosidad de sus atracciones, la simultaneidad de niños y adultos, y la vibración propia de ese mapa que se puede recorrer por muchos caminos.

La invitación de Patricia a que escribiera estuvo acompañada de un pedido: que la obra no fuera un unipersonal, y que evitara el registro documental. Probablemente este condicionante, que permitió la aparición de una escritura coral, esté sedimentado en algo que, a la distancia, identifico mejor: en el El brillo nómade intentamos que el relato individual se abra hacia lo grupal, hacia lo colectivo. Y lo hacemos desde la ficción que, al igual que el parque de diversiones, convoca al cuerpo, lo sacude y lo pone a transpirar.

Ojalá que, en estos tiempos que corren, nos sorprenda la diversión. Y que la podamos compartir.

*El brillo nómade, con dramaturgia de Fabián Díaz y dirección de Lucie Bach, se presenta los domingos de junio a las 17:30 en el Teatro Los Pompas Club de Arte, (Brasil 2640, C. A. B. A).

Cate Blanchett, una de las actrices más premiadas del cine contemporáneo, fue nombrada profesora visitante de teatro en la Universidad de Oxford para el año académico 2026-27, según anunció este martes el centro educativo. La actriz australiana afincada en el Reino Unido ocupará la Cátedra Cameron Mackintosh con sede en el Saint Catherine’s College, donde participará en un programa de conversaciones, conferencias y encuentros con estudiantes y con la comunidad universitaria en general.

Al conocerse el nombramiento, Blanchett afirmó que esperaba “comenzar este alboroto creativo” y describió la cátedra como “una oportunidad electrizante” para entablar “un diálogo creativo directo y sólido con la próxima generación de pensadores y creadores”. La actriz también subrayó que “el arte derriba las fronteras y los límites de la imaginación” y que sus años de práctica creativa le dieron la posibilidad de “afinar sentimientos hasta convertirlos en ideas y de abrir caminos hacia la comprensión”.

Sir Cameron Mackintosh, el productor teatral que en 1990 financió y creó la cátedra que lleva su nombre, dijo estar “encantado” con la incorporación de Cate Blanchett. “Su carrera, tanto como actriz y productora en el teatro, el cine y la televisión, será una gran inspiración para los estudiantes de Oxford“, declaró según recogió la BBC.

La lista de artistas que han ocupado la cátedra a lo largo de sus más de tres décadas de historia incluye a figuras como Stephen Sondheim, Ian McKellen, Arthur Miller, Tom Stoppard, Stephen Fry y Diana Rigg. La actriz australiana sucede en el cargo a la escenógrafa Es Devlin, quien amplió el alcance y la visibilidad de la posición durante su mandato.

La designación llega respaldada por una trayectoria artística de primer nivel. En el cine, Cate Blanchett acumula dos premios Óscar —el primero por su retrato de Katharine Hepburn en El aviador (2004) y el segundo por su papel en Blue Jasmine (2013)—, cuatro BAFTA, cuatro Globos de Oro y ocho nominaciones a la Academia, lo que la convierte en la australiana con más candidaturas al Óscar en la historia. Entre sus trabajos más reconocidos figuran Elizabeth (1998), la trilogía de El señor de los anillos (2001-2003), Carol (2015) y Tár (2022).

Su vínculo con las artes escénicas es igualmente extenso. Fue codirectora artística y ejecutiva de la Sydney Theatre Company de Australia junto a su marido, el dramaturgo Andrew Upton, entre 2008 y 2013, período en el que impulsó nuevas producciones e iniciativas de sostenibilidad. Sobre los escenarios ha trabajado con directores como Liv Ullmann, Benedict Andrews, Katie Mitchell y Thomas Ostermeier, y en 2017 protagonizó su debut en Broadway con The Present, adaptación de Plátonov de Chéjov, que le valió una nominación al Tony.

La Cátedra Cameron Mackintosh tiene como objetivo conectar a figuras de relevancia internacional del teatro, el cine y las artes escénicas con los estudiantes y la comunidad universitaria de Oxford. Blanchett asumirá sus funciones a partir del próximo otoño, cuando arranque el curso 2026-27.

Con información de: EFE

En el filme dirigido por Fernán Mirás y protagonizado junto a Natalia Oreiro, Marrale interpreta a Titi Malvestiti, el utilero de un club venido a menos pero que guarda en su foja de servicios haber estado en aquel inolvidable vestuario de México. La ficción disparada de un hecho real -el intercambio de camisetas entre Diego Maradona y el inglés Steve Hodge y el derrotero posterior de la número 10 del astro-, propone una gesta entre un relato desgarrador y los pasos de comedia que surgen mientras busca recuperarla. A él no le interesa tanto aquel pedazo de tela azul, conseguida de apuro en la previa del 22 de junio de 1986 y cosida a mano por las costureras de la concentración del América. Él sabe que guarda un secreto vinculado a su hijo caído en combate en la guerra de Malvinas. Y nadie le quita de la cabeza que eso tuvo mucho que ver con lo que ocurrió sobre el césped del Azteca.

Por eso, Titi Malvestiti sufre con las apariciones de su hijo en las noches, mientras (sobre) vive en las entrañas de un club que se cae a pedazos. Por eso, Jorge Marrale conecta con aquel pibe que creció en Barracas “sin más alternativas que ser de Boca”, habitué de la Bombonera y admirador de Pescia, Edwards, Rattín, Gonzalito y Valentim”. En esta charla con Teleshow, los recita como quien se aferra a una niñez a la que, gracias a la magia del oficio, cada tanto puede reconectar.

Las imágenes quedaron marcadas para siempre. Las caminatas con su padre, su tío y su primo a la cancha, cuando todavía se entraba gratis en el segundo tiempo. “Era emocionante estar frente a los molinetes, escuchar el griterío y ver que con una seña pasábamos a la gloria”, evoca. Y entremezcla el eco de la voz del estadio y el clamor de la hinchada mientras apuraba los escalones hasta la tercera bandeja, con el aroma de un menú que repite hasta hoy. “Pizza de cancha previo al partido y a veces choris a la pomarola. Estómagos de acero”, suelta con una carcajada.

—Con este bagaje futbolero, qué recuerdo tenés de aquel Argentina vs Inglaterra y el momento en el que se confabularon la mano de Dios y el gol del siglo?

—El recuerdo del partido es una mezcla de lo real con una montaña de emociones desbordadas, afonía, palpitaciones lágrimas y miradas infinitas para inaugurar el DIOS para siempre. Enfrentar a los ingleses era una historia aparte. Estaba Malvinas amasándose en el pecho de todo el país. Y de los ingleses seguro que tambien pero con signo distinto. ¿Quien podía dudar de lo que se jugaba en esa cancha? Esa batalla había que ganarla. Todos teníamos en la cabeza y el corazón a los pibes que no volvieron más. A los veteranos que ya empezaban a ser descuidados o corridos por aquellos insensibles, necios, brutos de corazón, ciegos idiotas que insistían en depositar la derrota en el cuerpo de esos pibes. Todo esto que te cuento lo tuve en mente y cuerpo todo el rodaje. La película para mí, por el rol que tuve que asumir, estaba sumergida en esa mezcla de hecho mítico y al mismo tiempo doloroso. Un hijo que no vuelve más y una camiseta que lo contiene y de alguna manera lo revive.

—¿Cómo viviste la guerra en tiempo real?

—La viví como el espanto y horror que significó la dictadura. Como la continuidad de un proyecto de destrucción en manos de seres perversos. Pasados 44 años de un período aberrante, la guerra, la muerte que conlleva forma parte de uno mismo. No hay que recordar porque ya está alojada en un estado de permanencia. Forma parte de mi historia. Hoy, apoyando la teoría de que el tiempo no pasa sino que todo esta al mismo tiempo interactuando dentro nuestro (presente, pasado y futuro), la significación de la guerra es la confirmación de cómo se pudo romper un país y al mismo tiempo verificar cómo se lo puede seguir rompiendo.

—Yendo a tu personaje, Titi tiene una ligazón muy fuerte con su club, su lugar en el mundo, y al que se aferra a pesar de que siempre parece la peor posibilidad o a cada rato surge un inconveniente. ¿Qué lectura hacés de esa resistencia? ¿Hay una declaración de principios o se parece más a una resignación?

—Entendí a Titi como un ser real pero al mismo tiempo no pude correrlo de considerarlo un ser metafórico. Un viejo en los tiempos presentes. Un viejo que amó apasionadamente su pertenencia a un espacio de enseñanza, participación, crecimiento de pibes ilusionados por triunfar pero con conciencia de poder creer en lo creativo de lo que cada uno ellos es dueño. El que ama, resiste. Aunque el objeto se diluya. Más que una declaración de principios es una acción básica para poder seguir, para sostener el motor que le da vida y pertenencia. Por eso el personaje puede desdoblarse y ser metafórico. ¿Quien puede sobrellevar la perdida de la pasión sin dejar en esa lucha todo lo que lo sostiene? Titi, un poco, somos todos. Todos los que no aceptan la resignación. Los que eligen seguir hasta que las velas no ardan.

—Actuás con tu hijo Federico, quien hace el mismo papel en su juventud y el parecido es realmente impactante ¿Conversaron entre ustedes sobre la construcción de ese personaje?

—Actuar con Federico fue un hallazgo de Fernán Mirás. Él lo propuso desde el inicio. Hay una serie de escenas en donde presente y pasado se unen. Y ahí nos cruzamos el Titi del 86 y el Titi de hoy. Fede y yo. Vernos haciendo esas acciones, por más ficción que sea, resuena de una manera única. Transitar lo que nos enamora a los dos, lo que nos da felicidad y caminar mirándonos en esa secuencia me hizo ver en un sentido existencial lo que Fede “es en mí “y lo “que yo soy en Fede”. Es difícil de explicar, sólo se puede sentir por ser lo que somos: padre e hijo.

—¿Y cómo se generó la química con Natalia Oreiro? Ella tiene un amor fuerte por su padre y, a su manera, por el club, pero hay un vínculo que resulta complejo a partir de algunas discrepancias.

—Titi y su hija tienen un mundo del pasado no resuelto. Titi está cognitivamente averiado. Los recuerdos no pueden verificarse como sucedidos lo cual hace que esos dos mundos choquen sin poder repararse. Lo que considero notable en el encuentro con Nati Oreiro es que esa dificultad insalvable nos haya hecho crear ese vínculo tan particular. La ausencia del hijo, de su hermano, es el pilar desde donde pueden reencontrarse. Confieso que toda la secuencia que va desde ir a reconocer la camiseta hasta el final sentados en un sillón es una de las secuencias más emotivas transitada por mi en mi historia como actor. Solo había que sentir y mirarnos. Natalia y su entrega serán inolvidables para mí.

Luego de su estreno en salas comerciales el pasado 9 de abril, La casaca de Dios puede verse desde principios de junio en Amazon. Una realidad de estos tiempos que corren, donde el cine y las plataformas dialogan con mayor o menor fluidez en un momento de la industria particular, diferente a otros que atravesó Marrale. La ficción en televisión parece una quimera y el teatro se ofrece como un lugar de resistencia en un escenario en el que la cultura parece ser enemiga de las políticas oficialistas. “La gente en general ama el cine y sus variables audiovisuales”, dice el actor con la autoridad que le otorga su experiencia, y se dispone a analizar este presente, tanto desde su rol de artista como de dirigente en la presidencia de la Sociedad Argentina de Gestión de Actores Intérpretes (SAGAI).

—¿Cómo es esto de ser actor en tiempos del dominio de las plataformas?

—Las plataformas se instalaron en el mundo para ser mercados activos de venta del audiovisual. También generaron trabajo para el universo que crea esos audiovisuales. Los actores somos, con los técnicos, probablemente el mayor número de beneficiados. No entro a considerar acá las notables diferencias que hay entre los países que imponen a conciencia una cuota de obra nacional con respecto a aquellos, como el nuestro, que no propone, desde el estamento estatal, ninguna cuota. Esto hace que algunas industrias audiovisuales se desarrollen de una manera sustantivamente superior a otras. No quiero abundar en lo que está sucediendo en nuestro espacio laboral, pero es importante resaltar que la falta de ficción en TV sumado a la casi parálisis del fomento al cine y la escasa inversión privada generan una desocupación más que preocupante en todo nuestro universo laboral.

—¿Cómo se explica el éxito de algunas producciones locales en el mundo?

—Es cierto que nuestras obras audiovisuales, muchas de ellas, tienen llegada a otros públicos con reconocimiento y repercusión. Esto es porque hay talento y perseverancia en la concreción de las obras. Lo que no hay es estímulo y apoyo a ese desarrollo. Esa es la consecuencia de este parate cultural. La negación de lo propio. El ataque a la cultura es un proyecto, un próposito. Las demoliciones de las culturas generadas por la humanidad tienen larga data. Son las formas más arcaicas de dominación.

—¿Cuál es la tarea de SAGAI en este escenario?

—Desde SAGAI lo que hacemos es conectar con las distintas plataformas para conformar acuerdos en donde se respete la Propiedad Intelectual de nuestros socios. Trabajo arduo si los hay. No todas las plataformas responden en tiempo y forma lo cual provoca una restricción en cobro y distribución de regalías. Pero estamos avanzando en acuerdos de reciprocidad con distintas Sociedades de Gestión del mundo y eso hace que sus obras y las escasas obras nuestras, puedan ser cobradas.

—En este panorama el teatro parece vivir una etapa de florecimiento del que formás parte con Cuestión de Género, la obra con Moria Casán. ¿Cuál es el secreto de ese éxito?

—Cuestión de Género es un evento. Encara un acontecimiento particular que promueve carcajada y silencio transitando prejuicio y realidad cruda y dura. Una mezcla explosiva. La química que conseguimos con Moria es un factor esencial en el suceso de la obra, sumado al trabajo de Paula Kohan y Ariel Pérez De María, con los cuales armamos un cuarteto por momentos desopilante. Felices todos de estar haciendo esta obra en el Metropolitan. El teatro puede pasar por momentos críticos pero lo que no pierde nunca es una renovación permanente de nuestro publico que no solo va al teatro, sino que lo necesita. Nuestra historia da cuenta de esto. El teatro independiente, que nació hace tantos años, desarrolló un camino que no tiene retorno. Seguirá dando muestras acabadas de lo que es con nuevos autores más actrices y actores. Es una fuente inagotable de creación teatral. Solo hay que esperar que los ramalazos de los que no lo quieren no lleguen a dañarlo más de lo esperable.

Un mercado de la Ciudad de México se transforma en escenario para Pásele, pásele, una obra que utiliza la fuerza de la danza contemporánea, el teatro físico y sonidos inspirados en la cultura sonidera para retratar la vida de las personas en situación de calle y con adicciones. La propuesta, dirigida y coreografiada por Nael De Anda, invita a romper la indiferencia social y mirar de frente la realidad de quienes habitan los márgenes urbanos.

La historia sigue a Krikoman, un personaje sin hogar que busca integrarse a la comunidad durante el aniversario del mercado. Comerciantes y vecinos se preparan para la celebración, mientras él enfrenta el rechazo y los prejuicios del entorno. A través de esta narrativa, la obra expone la dificultad de alcanzar la pertenencia en una ciudad marcada por tensiones y contrastes.

La puesta en escena tendrá funciones en la Biblioteca Vasconcelos los días 13 y 14 de junio. Además, llegará a espacios públicos: el 19 de junio a las 14:00 en el centro histórico Ciudadela, el 20 de junio a las 14:00 en la Plaza de la Conchita, y el 26 de junio a las 14:00 en la Plaza la Santísima.

En entrevista con Infobae México, Nael De Anda nos contó todo sobre el proyecto.

Entrevista con Nael De Anda, director de “Pásele, pásele”

“El Krikoman es una persona que consume cristal, que es una persona en situación de calle, que según los locatarios del mercado le da mala vista al mercado. Es así como a través de la cumbia, de los ritmos latinos y del folklore y del folclor mexicano, se cuenta esta historia donde el Krikoman intenta encajar para que lo inviten, pero al mismo tiempo los estigmas y todo el señalamiento de las personas hacia las personas consumidoras de sustancias nocivas, las personas en situación de calle, se ven reflejados. Es así como invita a divertirnos bailando cumbia, pero al mismo tiempo a reflexionar sobre estas personas que consumen cristal”, explicó el director de la obra respecto al tema central del proyecto.

Preguntamos a Nael de Anda la forma en la que mejor puede contar las historias: ¿Desde el desconocimiento o desde el área de las cosas que conoce y que ha visto? “¿Cuál de estas dos formas para ti es mejor ingrediente para tu creatividad?“:

“Creo que podría contestarte ambas. Cuando ya hay algo que vivir y lo plasmo en escena me siento como pez en el agua, ¿no? Sé más, como por ejemplo, en esta obra cómo se consume el cristal, de qué manera se hace, cuáles son los mecanismos que se ha hecho o que yo viví para consumirlo. O sea, tengo más facilidad. Sin embargo, me ha tocado también hablar y escribir sobre obras, por mencionar un ejemplo, de personas privadas de su libertad. Yo no tengo ni un familiar y yo tampoco fui una persona privada de su libertad. Pero entonces, ¿de qué manera voy a hablar y voy a relacionar todos los mundos de varias personas con una obra de teatro? ¿Cómo voy a hacer fidedigno? Ahí hacemos labor de investigación y es cuando yo sí soy esa persona que se va a meter hasta los penales para entrevistar y para saber. Me da otro panorama. Lo que me gusta mucho de escribir cosas que yo desconozco es que me acerca a otras realidades y borra mis sesgos".

La audiencia en vital para la realización de un proyecto escénico como Pásele, pásele. Al respecto, el director nos contó:

“Para empezar, siento que quiero que el público llegue y que se eche una cumbia, porque de eso se trata el arte, sobre todo el arte escénico, de generar convivio. ¿Y qué mejor convivio que generarlo a través de la danza, del teatro? Ese es mi primer acercamiento para con el espectador. Sin embargo, como decimos en la obra, generamos emociones. Y generar emociones a través del movimiento, a través del texto hablado, es también provocar reflexión. Es decir, para mí sería maravilloso que los espectadores que vayan a ver ‘Pásele, pásele’ se sientan identificados con el sabor latino de la cumbia, del dembow, de la bachata, pero al mismo tiempo que todos esos movimientos les generen reflexión sobre quiénes son las personas en situación de calle, sobre todo, no qué son”.

Finalmente, Nael de Anda nos habló de su intención al contar una historia como Pásele, pásele:

“Queremos alejarnos de la alta cultura que llaman. Simplemente para nosotros no hay alta ni baja, simplemente hay cultura. A partir de ello es que abordamos sucesos personales que han pasado, ya sea a través de mi vida o a través de la vida de alguien del grupo, para llevarlos a escena. Yo fui un consumidor no problemático de cristal. Es así cuando por esa vivencia me relaciono con personas en situación de calle y veo todo el estigma al que se somete, todo el señalamiento, todos los prejuicios. Tuve amigos que no pudieron dejar el consumo. Tuve amigos que tienen un consumo no problemático y pueden consumir y estar en la vida tal cual. Ese fue el motor y fue como nos metimos también a los mercados, a enfrentar y a investigar a los locatarios, porque para nosotros es bien importante que si hacemos algo, tratemos de ser lo más fidedignos en lo que estamos hablando. Hay muchos compañeros del gremio que les gusta hablar sin saber. También está bien, pero no es nuestro camino creativo. Nosotros queremos ser lo más fidedignos a la realidad, a lo que estamos hablando y lo que estamos construyendo”.

Ahora, el director Pietro Marcello compone un atípico biopic en torno a su figura marcado por el estilo característico del autor, que suele mezclar en sus películas ficción, imágenes documentales y una pizca de poesía crepuscular. De alguna forma, esta película compondría una especie de díptico con su impresionante Martin Eden.

El director se concentra en los últimos años de Eleonora Duse, nacida en 1858 y muerta en 1924, cuando regresó a los escenarios después de 12 años de ausencia, enferma, endeudada y en un país donde el fascismo empezaba a apropiarse de símbolos culturales. Su negativa a aceptar las condiciones impuestas sobre su trabajo artístico definió también su relación con el poder, en especial a través de su cercanía a Gabriele D’Annunzio, poeta y dramaturgo cuyas ideas estéticas fueron claves para configurar la estética y la simbología de la extrema derecha de Benito Mussolini.

Una mujer que rompió los esquemas en el teatro

Pietro Marcello eligió los años de decadencia de la actriz porque “nunca se cuenta esta parte de los mitos de la historia”. En lugar de una biografía total, la película observa el momento en que Duse, después de haber sido una celebridad, vuelve al teatro en una etapa de fragilidad física y económica.

A Eleonora Duse la interpreta Valeria Bruni Tedeschi, en un papel casi hecho a su medida ya que pocas actrices podrían acercarse a un personaje tan complejo y ambiguo de una manera tan vulnerable como poderosa y egocéntrica.

Y es que Duse fue una intérprete que rompió los esquemas, las ficciones y los clichés del teatro del siglo XIX. Su forma de estar en escena desconcertaba al público, que vivía sus actuaciones como una sacudida más existencial que estética, y su arte fue descrito como un “fenómeno espiritual” capaz de llevar la interpretación a límites inéditos.

Influencia en los intelectuales europeos

Su influencia alcanzó a varios nombres centrales de la cultura europea, directamente relacionados con la transformación de la conciencia del siglo XX, así como pensadores y autores como Friedrich Nietzsche y Henrik Ibsen. También se dice que su forma de trabajo, inspiró a Konstantin Stanislavski, para establecer su famoso método.

Fue admirada por autores y artistas de su tiempo, de Hugo von Hofmannsthal a Rainer Maria Rilke, de Antón Chéjov a Charlie Chaplin. Esa dimensión histórica convive en la película con una figura íntima y vulnerable: una mujer con problemas respiratorios a causa de una prolongada tuberculosis, deudas crecientes y relaciones personales deterioradas.

Ese retrato incluye la relación con su hija Enrichetta, interpretada por Noémie Merlant, uno de los ejes del relato dada la distancia que se impone entre ambas. También aparecerá la mítica actriz Sarah Bernhardt, encarnada por Noémie Lvovsky, con la que siempre mantuvo una amistad marcada por la rivalidad.

Mussolini rindió homenajes a Duse y le ofreció una pensión del Estado, pero Pietro Marcello recuerda que ella “nunca recibió dinero de Mussolini porque se fue a Estados Unidos y no se quedó en Italia”, convirtiéndose en una de las pocas figuras capaces de desafiar al dictador, aunque tuviera que exiliarse a Estados Unidos donde finalmente falleció.

Roald Dahl publicó Charlie y la fábrica de chocolate en 1964. Con varias adaptaciones cinematográficas, un musical que ha recorrido los escenarios más importantes del mundo y décadas de merchandising han construido alrededor del texto original una capa tan gruesa de interpretaciones y nostalgia que leerlo hoy requiere un esfuerzo deliberado de desobediencia: hay que resistir la tentación de ver lo que se recuerda y mirar, en cambio, lo que está escrito. Lo que está escrito es considerablemente más perturbador, más ambiguo y más inteligente de lo que la industria cultural que lo rodea suele admitir.

Dahl tenía cincuenta años cuando publicó el libro y llevaba ya una década escribiendo cuentos para adultos de una crueldad refinada y deliberada. Esa sensibilidad no desaparece en su literatura infantil: se disfraza. Lo que en los cuentos para adultos es explícito, temas como la venganza, la humillación, el poder malentendido, en los libros para niños se dibuja como gracias, chiste, superficialidad y entonces la literatura infantil de Dahl funciona en dos registros simultáneos: el niño lee una aventura, el adulto lee una alegoría, y ninguno de los dos está completamente equivocado. Escribe literatura infantil para hablarle a los adultos y decirle a los niños “cuidado que esta gente está mal”.

Willy Wonka es uno de los personajes más inquietantes de la literatura infantil del siglo XX. Su excentricidad funciona como coartada: la ropa extravagante, el humor absurdo, la fábrica que desafía las leyes de la física crean una atmósfera de fantasía que desactiva el sentido crítico del lector. Pero lo que Wonka hace a lo largo de la novela es diseñar un sistema de eliminación donde cada niño es destruido precisamente por el rasgo que lo define. Augustus Gloop cae porque es glotón. Violet Beauregarde se convierte en arándano porque es competitiva. Veruca Salt cae por el conducto de las nueces malas porque es caprichosa. Mike Teavee es reducido a tamaño microscópico porque está obsesionado con la televisión. Cada castigo es perfectamente calibrado para el pecado correspondiente, lo cual significa que Wonka los conocía de antemano. Los invitó sabiendo exactamente lo que iba a ocurrir y eso desde el vamos genera como mínimo incomodidad. Los niños no son castigados por ser malos en ningún sentido profundo: son castigados por ser imperfectos de maneras que resultan socialmente inconvenientes para Wonka. La gordura, la competitividad, el consumismo, la fascinación por la televisión, ninguno de estos rasgos es una maldad genuina. Son características que la cultura adulta desaprueba y que Dahl convierte en causas de eliminación. El sistema de Wonka es un sistema de selección cultural: elige al niño que encarna los valores que él mismo ha decidido que son correctos y descarta a todos los demás. Charlie sobrevive porque es pobre y obediente y porque ama a su familia por sobre todas las cosas. Wonka lo elige no a pesar de su miseria sino, en parte, a causa de ella.

Un punto y aparte merecen los Oompa Loompas. En la versión de 1964, los Oompa Loompas eran pigmeos africanos que Wonka había importado desde el “profundo África” para trabajar en su fábrica a cambio de cacao. La NAACP (asociación norteamericana que defiende los derechos de las personas de color) señaló en los años setenta la dimensión abiertamente racista de esa representación y Dahl reescribió el texto en 1973. En la revisión, Dahl los convirtió en seres de piel rosada o dorada, de cabello largo y colorido, provenientes de un país completamente ficticio llamado Loompaland.

Nada de esto invalida Charlie y la fábrica de chocolate como obra literaria. El libro es extraordinario precisamente porque es problemático: la tensión entre su superficie de cuento de hadas y su sustrato perturbador genera una energía narrativa que los textos moralmente cómodos no pueden producir. Dahl entendía que los niños soportan más ambigüedad de la que los adultos les atribuyen, y escribió para esa capacidad con una honestidad que a veces roza la crueldad.

Siempre que se piensa en una adaptación de alguna obra de Roald Dahl obliga a hacerse antes de entrar a la sala: ¿quién decide cuánto de la oscuridad original sobrevive al traslado? Dahl no era un escritor para niños en el sentido condescendiente del término. Era un escritor que respetaba profundamente la capacidad infantil para procesar el miedo, la injusticia y la ambigüedad moral, y que construyó universos donde los adultos son frecuentemente crueles, donde la pobreza es real y donde la recompensa no siempre llega por las razones que uno esperaría. Charlie y la fábrica de chocolate es, en ese sentido, uno de sus textos más complejos: una fábula sobre la avaricia que se disfraza de cuento de hadas, un tratado sobre la desigualdad económica envuelto en papel de regalo, una historia donde el protagonista gana no por ser especial sino por ser, simplemente, bueno. Trasladar eso al teatro musical implica un riesgo dramatúrgico considerable. La versión argentina que Ariel Del Mastro y Marcelo Caballero estrenan en el Gran Rex no solo asume ese riesgo sino que lo convierte en su mayor virtud.

La producción lleva el sello de Ozono, MP y los Rottemberg, el mismo equipo que en los últimos años ha llevado a la calle Corrientes La sirenita, Matilda y Escuela de rock, acumulando más de 500.000 espectadores en el proceso. El libro es de David Greig, la música de Marc Shaiman, y las letras de Shaiman y Scott Wittman,que alternan con inteligencia entre el número de comedia pura y la canción emocionalmente cargada, sin que ninguno de los dos registros traicione al otro. La dirección musical de Fede Vilas sostiene ese equilibrio con criterio: las canciones suenan con precisión quirúrgica, porque el nivel vocal del elenco es parejo y la dirección musical entiende que en este material la canción no es ornamento sino el momento en que el texto dice lo que la prosa no puede.

La escenografía de José Ponce Aragón merece detenimiento. En un texto donde el espacio físico es el argumento: la miseria del barrio de Charlie, la opulencia imposible de la fábrica, la frontera entre ambos mundos que Wonka administra con arbitrariedad soberana Ponce Aragón construye mundos que se contradicen y se suceden con una economía visual sorprendente con una escala de producción de nivel internacional. No hay derroche por el derroche: cada decisión escenográfica tiene peso dramático. La transición entre el exterior y el interior de la fábrica es uno de esos momentos en que el teatro justifica su existencia como experiencia colectiva e irrepetible, porque lo que ocurre en ese pasaje no puede ser reproducido en ningún otro soporte. Completando el universo visual, el trabajo de iluminación de Anteo Del Mastro y Sebastián Viola opera con la misma lógica: la luz no decora, construye. El vestuario de Romina Lanzillotta y Catalina Rodríguez Loredo, por su parte, resuelve el siempre difícil problema de la coherencia visual en un elenco numeroso con una paleta que distingue los mundos de cada personaje con belleza y claridad.

Las coreografías de Analía González son uno de los logros más consistentes del espectáculo: cada número tiene una lógica corporal propia que no rompe con el universo visual de la obra. La excentricidad de Wonka, la codicia de los niños, la dignidad discreta de Charlie encuentran en los movimientos la identidad que los distingue en escena.

Agustín Rada Aristarán construye su Willy Wonka desde adentro hacia afuera, sin apoyarse en las lecturas previas del personaje, ni en el Wilder melancólico de 1971, ni en el Depp deliberadamente perturbador de 2005, ni en la historia del origen que Chalamet protagonizó en 2023. La presencia escénica de Rada organiza el espacio cada vez que entra: hay en él una calidad de atención que obliga al ojo a seguirlo, y esa cualidad es su mayor mérito, es inescapalbe, omnipresente. Mery del Cerro encuentra en la Sra. Bucket una dimensión que el material original no siempre le concede a este personaje: la madre de Charlie no es el fondo de la historia sino su centro moral, y Del Cerro lo sabe, y su gestualidad, y su voz lo plasman a la perfección. Sebastián Almada, como el abuelo Joe, construye un personaje a la vez gracioso y emocionalmente preciso, con una voz que sorprende en los momentos en que el musical lo requiere. El conjunto de actores que da vida a los padres de los otros niños, Denise Cotton, Dolores Ocampo, Sebastián Holz y Marcelo Albamonte, funciona como un coro griego contemporáneo, cada uno con su propio registro cómico perfectamente calibrado. Ocampo, en particular, destaca en varios momentos.

Sobre los Oompa Loompas no debiera decirse nada nada para que el espectador que lea estas ígneas se sorprenda al verlos aparecer sin que nadie le anticipe nada. Solo se puede decir que la resolución de estos personajes, históricamente los más problemáticos del texto y los que han generado más debates en torno a su representación, es aquí impecable: inteligente, original, coherente con el universo estético de la producción y completamente desprovista de cualquiera de los problemas que versiones anteriores arrastraron.

El elenco infantil merece un párrafo aparte porque es uno de los datos más extraordinarios de esta producción. Se realizó un casting federal: 911 chicos inscriptos en todo el país, 307 en instancia presencial del que emergieron cuatro grupos rotativos de intérpretes de entre 9 y 12 años que se alternan en las funciones. El nivel es de intérpretes formados, con capacidad vocal, corporal y actoral que desafía cualquier preconcepto. Cada uno de ellos ya tiene un lugar en las tablas futuras del teatro argentino. Se lo ganaron.

Del Mastro y Caballero resuelven con inteligencia la tensión fundamental de esta compleja novela al mantener el registro del absurdo oscuro de Dahl con la emoción genuina sin caer en la condescendencia hacia el público infantil ni en el guiño cómplice hacia el adulto. No eligen entre los dos: los sostienen en tensión permanente, y esa tensión es exactamente de lo que trata la novela. El teatro musical tiene una larga historia de suavizar los textos que adapta, de limar las aristas que podrían incomodar, de apostar a la celebración por encima del conflicto. Esta producción se niega a hacer eso, y esa negativa es su marca de distinción.

Más de cien personas trabajan para que este espectáculo ocurra ocho veces por semana en la Avenida Corrientes. Eso se percibe: hay una energía colectiva en escena que las grandes producciones internacionales no siempre logran porque la escala las vuelve mecánicas. Lo que ocurre en el Gran Rex no es la copia de algo que existe en otro lugar: es una versión que tiene su propia identidad, su propio ritmo, su propia manera de entender el material. Que otros viajen a Covent Garden o a Broadway a ver musicales, nosotros los tenemos en la calle Corrientes.

[Fotos: Soy Prensa; The New York Times; Warner Bros. Entertainment Inc./ Peter Mountain]

Teatro UNAM lleva el futbol al escenario con lecturas dramatizadas, danza y un torneo de futbolito gratuito entre el 5 y el 28 de junio, dentro del programa La mano de Dios: fútbol y teatro, impulsado por CulturaUNAM en el marco de la Copa Mundial de Futbol 2026.

La propuesta forma parte del ciclo multidisciplinario Cancha Expandida y plantea al balompié como territorio de afectos, memoria e identidad colectiva. La cancha, según el enfoque del programa, no es solo el lugar donde se disputa un partido: también es un escenario donde se negocian relatos, emociones y tensiones sociales.

Tres obras latinoamericanas en la Sala Carlos Chávez

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El ciclo de lecturas dramatizadas arrancó el 5 de junio con El camino del insecto, del dramaturgo mexicano David Gaitán, dirigida por Luis Enrique Armenia. La obra sitúa al público en un México futurista donde una final mundialista y un año electoral se superponen: el portero de la selección pierde la vista justo antes de atajar el penal decisivo, mientras una dictadura de 42 años intenta eliminar al candidato opositor.

El 19 de junio llega Los días de la Fragilidad, del argentino Andrés Gallina, con dirección de Frida Barco. El texto traza el vínculo entre amor, deseo y futbol a través de dos jóvenes: ella, goleadora del Club Atlético Once Unidos; él, poeta mudo que escribe las canciones del mismo equipo.

El cierre del ciclo, el 26 de junio, corresponde a El gato de Schrödinger, del uruguayo Santiago Sanguinetti. En ese universo delirante, un jugador abandona la cancha en pleno partido, dos peluches gigantes actúan como mascotas oficiales del equipo y multiversos colisionan en el vestuario de un estadio con zombis y la barra brava del Boston River.

Las tres funciones son los viernes a las 19 horas en la Sala Carlos Chávez del Centro Cultural Universitario, con entrada gratuita hasta completar el aforo. Las lecturas son coordinadas por Luis Lesher, actor y docente de la Facultad de Filosofía y Letras (FFyL) de la UNAM, e interpretadas por egresados del Colegio de Literatura Dramática y Teatro de esa misma facultad.

Un taller que convierte los gestos del juego en materia escénica

En paralelo, del 8 al 28 de junio se desarrolla el taller-laboratorio “La cancha como archivo corporal: narrativas del cuerpo en juego”, organizado en colaboración con Danza UNAM a través de la Compañía Juvenil de Danza Contemporánea (DAJU).

El taller es impartido por Checho Tamayo, de Colombia, junto a los mexicanos Rodrigo Vázquez Maya y Cynthia Laureen Ordóñez Pérez. Está dirigido a integrantes de la DAJU y a egresados del Centro Universitario de Teatro y del Colegio de Literatura Dramática y Teatro de la FFyL.

Los participantes exploran cómo los gestos, desplazamientos y reglas del futbol pueden convertirse en materia para la creación contemporánea. El avance del proceso se mostrará el 26 de junio a las 11 horas en una función abierta de work in progress en la Explanada de la Espiga.

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Torneo de futbolito gratuito para cerrar el ciclo

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El sábado 27 de junio, la Explanada de la Espiga del Centro Cultural Universitario se transforma con La cancha también es escena, torneo de futbolito abierto a la comunidad teatral y al público en general a partir de las 12:30 horas.

La actividad no gira en torno a la competencia: busca fortalecer vínculos entre generaciones de creadores escénicos y recuperar el juego como experiencia colectiva. Quienes no lleguen con equipo formado pueden sumarse a uno el mismo día del torneo.

Mayor información sobre el programa está disponible en www.teatrounam.com.mx y en las redes sociales de @TeatroUNAM.

La reciente temporada de El esposo de Daniel arrancó el 8 de mayo en el Foro Lucerna bajo la dirección de Sebastián Sánchez Amunátegui. La puesta en escena, escrita por Michael McKeever, reúne a Pablo Perroni, Axel Santos, Juan Ríos Cantú, Pilar Flores del Valle y Rodrigo Oscós en los papeles centrales.

El relato sitúa al público ante la vida de Daniel y Michel, una pareja que parece tenerlo todo: un hogar armónico, una red de amistades sólida y hasta el apoyo de una madre entusiasta ante la idea de una boda. Sin embargo, la aparente perfección se ve amenazada por un desacuerdo fundamental. Michel, uno de los protagonistas, no comparte la creencia en el matrimonio entre personas del mismo sexo, lo que introduce una tensión latente en la relación.

Durante el mes de junio, las funciones continuarán los domingos a las 18:30 y los lunes a las 20:30. El público interesado podrá acudir al Foro Lucerna para presenciar una narrativa cargada de emociones y cuestionamientos vigentes sobre los vínculos humanos.

Entrevista con Pablo Perroni: sobre los temas, la intención y la conexión que tiene “El esposo de Daniel” con el público

En Entrevista con Infobae México, Pablo Perroni nos contó todo sobre su participación en la puesta en escena. Para el actor, la clave del éxito de la obra está en su capacidad de sorprender con “giros de trama que no te imaginas que va a suceder”, y resalta que disfruta más cuando el espectador llega sin saber qué esperar, lo que intensifica el impacto emocional.

“Este tipo de proyectos y de historias es más disfrutable cuando no sabes qué esperar y te sorprende. Ese es el tipo de obras o de historias que a mí me interesa contar, sobre todo porque el teatro tiene esta magia de ser presente, de estar vivo y de que vas con el público en este acuerdo que existe entre actores y público, que está ocurriendo por primera y única vez. En estos últimos años he buscado estas historias que justamente hacen eso, sorprender y tienen estos giros de tuerca y estas cosas, giros de trama que no te imaginas que va a suceder. Es muy disfrutable”.

El apartado temático de la obra es otro de los elementos que la han convertido en un éxito. Pablo nos cuenta sobre la dinámica entre los dos personajes principales y su controvertido dilema matrimonial:

“Ellos llevan juntos ya siete años. El único problema es que Michel no quiere casarse. Michel tiene opiniones muy claras y muy contundentes acerca del matrimonio. No está de acuerdo con la institución, no está de acuerdo con cómo se ha manejado durante todos los años y él considera que no es algo que se tenga que hacer, independientemente de que haya una lucha atrás, de que ahora podemos. Entonces, obviamente, es una obra que trata sobre esos conflictos. Pero va más allá. Va más allá”.

El esposo de Daniel es una obra que impregna todo tipo de emociones en los espectadores, y los vuelve parte de la dinámica durante las actuaciones. El actor lo explica:

“Está muy bien escrita, te retrata a unos personajes muy reales, muy entrañables, y para cuando ya realmente quieres a todos los personajes, ya estás comprometido con ellos, ya estás muy invertido en la historia, ocurre algo, ocurre un suceso que no te puedo revelar, que cambia absolutamente todo. Y como la vida misma, te hace replantear todas las decisiones que has tomado, realmente sale cómo las dinámicas de relación, las dinámicas familiares, incluso las de amigos, pueden cambiar.”

Pablo Perroni, que lleva años produciendo obras desde que se abrió el Teatro Milán Foro Lucerna, asegura que “esta obra en particular me parece que es la que más ha conectado con el público. Me parece que es en la que el público sale más conmovido, sale más con ganas de hablar, con ganas de discutir. Los personajes, como te digo, están muy bien escritos, entonces no hay villanos aquí. Y es un gran debate. Se crea una gran conversación al final de la función”.

El protagonista de la obra considera que la reacción tan positiva del público tiene que ver con la manera en la que se reflejan con la historia:

“El público reacciona increíble. Lo agradecen mucho. Yo realmente me he enfocado en los últimos años a buscar ese tipo de historias que tienen representación, que son personajes complejos, que retratan realidades, ¿no? Y que a mí me hubiera encantado que existieran en mis tiempos de juventud. El teatro es eso, el teatro, tú vas al teatro a sí, a divertirte, pero también a verte reflejado, a hacerte preguntas, a ver la realidad enfrente de ti. Y por eso es tan increíblemente mágico, ¿no? Porque te hace pensar, te hace reflexionar, te hace conmoverte, te hace sentir. Y este tipo de obras, además. Pareciera que están enfocadas únicamente a la comunidad. Hemos tenido la oportunidad de tener público heterosexual también y se conmueven de la misma manera, porque al fin y al cabo son obras humanas. Estamos hablando de seres humanos y todos sentimos de la misma manera“.

“Creo que ha sido la obra que más me ha demandado en cuestión emocional. Es cansado, sí es desgastante, pero ese aplauso que hay después, ese aplauso de cinco minutos sin parar y que ves a la gente que realmente con su aplauso te está dando las gracias por llevarlos a sentir todas esas emociones, a contarles esa historia, a lograr que se desconectaran y realmente estar involucrados con esta historia, vale toda la pena”, agregó.

Para Pablo, hay algo especial en actuar junto a Axel Santos, quien es su pareja en la vida real:

“En particular, en esta obra, además, es la primera vez que estoy actuando con mi pareja, que también es mi socio, con Axel. Entonces, los ensayos fueron muy difíciles en el sentido de que lo que le sucede a esta pareja es definitivamente algo que no querríamos que nunca nos pasara. Entonces, somos muy profesionales, somos actores, estamos acostumbrados, pero actuar eso con tu pareja en la vida real tiene también sus peligros”.

Además de El esposo de Daniel, Pablo Perroni participa actualmente en la obra Fucking Men, en funciones los viernes y sábados. De esta manera, alterna dos propuestas que abordan realidades distintas y temáticas actuales. Ambas producciones buscan visibilizar problemáticas relevantes y derivan de su interés en contar historias con impacto.

Veinte años después de convertirse en un fenómeno del teatro musical en México, Hoy no me puedo levantar volverá a reunir a quienes dieron vida a una de las producciones más exitosas de su época.

Sin embargo, Alan Estrada deja claro que no se trata de una reposición ni de una nueva temporada de la obra original, sino de una celebración construida desde la memoria, la madurez y el cariño por una historia que cambió la vida de quienes formaron parte de ella.

En entrevista con Infobae México, el actor explicó que la idea comenzó a tomar forma desde el año pasado, cuando se acercaba el vigésimo aniversario del montaje. A partir de ese momento inició la tarea de contactar a cada integrante del elenco original para plantearles la posibilidad de reencontrarse sobre un escenario y rendir homenaje a una experiencia que dejó huella en el teatro mexicano.

El resultado es un espectáculo completamente nuevo que busca conectar con quienes vivieron aquella etapa y, al mismo tiempo, abrir la puerta a nuevas generaciones. Para Estrada, el proyecto representa una oportunidad para celebrar un legado artístico que sigue vigente gracias a la música de Mecano y al impacto emocional que la obra conserva entre el público.

La idea que comenzó con una llamada al pasado

Alan Estrada recordó que el proyecto nació de una inquietud personal relacionada con la proximidad de una fecha significativa para la producción. “Fue una idea que yo tenía en la cabeza desde el año pasado, que se acercaban los veinte años de Hoy no me puedo levantar y empecé a buscarlos a todos”, relató.

Una vez que logró reunir al elenco, el siguiente paso fue encontrar la manera adecuada de materializar el proyecto. Fue entonces cuando buscó a Alejandro Gou, productor que actualmente posee los derechos de la obra y que comparte una profunda conexión con el montaje. “Le dije: ‘Oye, quiero que hagamos un homenaje a Hoy no me puedo levantar’”, recordó.

Desde el inicio, la intención fue clara. Estrada enfatizó que el público no verá una reproducción de la historia original. “Es importante recalcar que no vamos a hacer la obra de nuevo. No es la historia que están acostumbrados a ver, es un show nuevo en el cual rendimos homenaje a lo que vivimos hace veinte años”. Por ello, define el proyecto como “casi, casi un tributo”.

El desafío de volver al mismo teatro dos décadas después

Además de actuar, Estrada asumió la responsabilidad de escribir y dirigir el espectáculo, una labor que reconoce como una de las más demandantes de su carrera reciente. La expectativa de los seguidores es uno de los aspectos que más le generan incertidumbre.

“Lo que me tiene más nervioso es darle a los fans de Hoy no me puedo levantar lo que esperan”, confesó. Para él, el desafío consiste en encontrar el equilibrio entre la nostalgia y la innovación, ofreciendo un espectáculo capaz de honrar el recuerdo de la obra sin intentar copiarla.

La carga emocional es aún mayor porque el homenaje se realizará en el mismo recinto donde comenzó la historia. “Lo vamos a hacer en el mismo lugar exactamente”, explicó. Sin embargo, considera que intentar recrear el pasado sería imposible. “Ya no tenemos la edad, ya no somos los mismos, ni el público ni nosotros. Entonces, hacer un show digno, que se vuelva tan memorable como hace veinte años fue la obra, eso es lo que a mí me mantiene nervioso”.

Un espectáculo cargado de sorpresas y recuerdos inéditos

Quienes asistieron al montaje original encontrarán múltiples referencias a aquella etapa. Según adelantó Estrada, el espectáculo estará construido a partir de elementos que conectarán directamente con la memoria emocional del público.

“Van a escuchar todas las canciones que escucharon hace veinte años y otras más de sorpresa”, señaló. Además, aseguró que cada función contará con momentos especiales que enriquecerán la experiencia de los asistentes.

Uno de los mayores atractivos será la incorporación de material nunca antes visto. “Tenemos mucho material inédito de hace veinte años, que nunca nadie ha visto”, reveló. A esto se suma un elenco de veinte bailarines y una producción diseñada para ofrecer un espectáculo de primer nivel. “Hay muchas sorpresas y mucho abrazo al pasado”, resumió.

El reencuentro de una generación que creció junta

La reunión de figuras como Fernanda Castillo y Luis Gerardo Méndez representa uno de los elementos más emotivos del proyecto. Todos ellos han desarrollado carreras exitosas desde que participaron en la obra, por lo que el regreso ocurre desde una perspectiva completamente distinta.

Para Estrada, la coincidencia entre todos fue inmediata. “Sería absurdo volvernos a poner el traje de los personajes y tratar de hacer a alguien que tiene veintidós años”, afirmó. La visión compartida consistió en recordar el pasado desde la experiencia acumulada durante dos décadas.

“No queremos revivir lo que pasó hace veinte años, queremos celebrarlo”, sostuvo. Por ello define el espectáculo como “una fiesta, una celebración, un tributo”. También destacó el ambiente que se vive durante los ensayos. “Nos morimos de la risa, la pasamos muy bien”, comentó. Para el actor, el proyecto es un recordatorio de todo lo que aquellos años significaron para el elenco.

Mecano, la emoción y el legado que sigue conquistando generaciones

Al analizar por qué Hoy no me puedo levantar continúa conectando con públicos de distintas edades, Estrada no dudó en señalar el factor principal detrás de su permanencia. “La conexión que tiene la gente se llama Mecano”, aseguró.

El actor destacó que la fuerza de la obra descansa en la calidad del repertorio de la agrupación española. “Estamos hablando del repertorio musical de una de las bandas en español más importantes que ha habido en la historia”, afirmó. Para él, las letras, las melodías y las historias contenidas en las canciones son el verdadero corazón del fenómeno.

Más allá de la nostalgia, su deseo es que el espectáculo provoque emociones genuinas. “Lo que menos me gustaría es que no sintieran nada”, confesó al hablar de las expectativas que tiene para el público. “Mientras se emocionen y sientan lo que sientan, ya sea nostalgia, emoción, tristeza, recuerdos, añoranza o esperanza, eso depende más del espectador que de mí”. Y concluyó con una reflexión que resume el espíritu del homenaje: “Lo más triste del arte es cuando no nos hace sentir nada”.

El presente de Alan Estrada, nuevos proyectos y el mensaje que deja a su audiencia

Alan aseguró que atraviesa un momento de plenitud tanto personal como profesional, destacando su evolución más allá del escenario teatral. “Pues muy pleno, muy feliz. Estoy muy contento trabajando como nunca”, expresó al describir la etapa en la que se encuentra actualmente.

El actor explicó que en los últimos años ha desarrollado una faceta como creador y productor que le ha permitido explorar nuevas formas de trabajo. “He descubierto una fase de unos años para acá mía de creador y de productor que me gusta mucho y que disfruto mucho”, comentó, al señalar que continúa aprendiendo y consolidando esa línea dentro de su carrera.

En cuanto a lo que más lo motiva en este momento, Estrada destacó la incertidumbre creativa del proyecto que prepara junto al elenco original. “Me entusiasma mucho porque es un show nuevo, entonces me entusiasma ver cómo va a quedar”, afirmó. Finalmente, al ser cuestionado sobre una experiencia que recomendaría a sus seguidores, respondió sin dudar: “Yo creo que escuchar en vivo la música de Mecano sería algo que no descartaría”, subrayando la importancia de vivir la experiencia del espectáculo en directo.

La ciudad de Buenos Aires alberga hasta el 14 de junio la residencia binacional TORCIDA Transcordillerana, un programa de artes escénicas que reúne a artistas de Chile y Argentina y que culminará con una apertura pública gratuita el 14 de junio en Planta Inclán, una instancia que extenderá en Argentina un proceso de investigación y creación iniciado el año pasado en la Araucanía andina chilena.

La actividad de cierre tendrá entrada gratuita y una capacidad para 100 espectadores en Planta Inclán, en Inclán 2661, donde además se realizará un conversatorio con artistas y directoras de la residencia.

El programa, que concentra nueve días de trabajo creativo con foco en montaje escénico, dramaturgia corporal y tutorías técnicas de iluminación y sonido, es una iniciativa conjunta de SIERRA Residencia de Arte y Plataforma, de Chile, y Planta Investigación & Creación Transversal, de Argentina.

La nueva edición es la continuación internacional de TORCIDA, una residencia que en octubre pasado reunió a nueve artistas escénicos en Sierra, en Malalcahuello, Araucanía Andina: siete chilenos, un argentino y un uruguayo. Ese espacio se dedica a explorar la interacción entre artes, ciencia y tecnología, además de perspectivas vinculadas con los posthumanismos y la naturaleza expandida.

En esta edición, los tres proyectos convocados son Micro Willimapu, Médium Vegetal y Piel de Agua.

Micro Willimapu es una propuesta de Valún Paillaleve, performer e investigadora, y Yoram Neptuno, músico y compositor. El proyecto se plantea como una obra de danza y un conjunto de prácticas ligadas a la observación de pequeñas formas de vida en la ciudad, con el propósito de hacer visible la descomposición como motor de regeneración y de vincular procesos naturales con el espacio urbano.

Sus creadores trabajan desde una inspiración en la herencia williche-champurria y reconfiguran tanto el lenguaje del baile como la música house. La obra propone formas de adaptación en el entorno citadino comparables con la manera en que el musgo se integra en el cemento.

Médium Vegetal reúne a Fito Mellado, performer y diseñador escénico, y Bárbara Pestán, directora de cine y actriz. La propuesta fusiona los proyectos “Antes todo esto era Campo” y “Mar Rojo” para investigar, a través de la performance, el sonido y lo audiovisual, las huellas persistentes en territorios atravesados por tala, incendios y restos de carbón.

La obra sitúa esa búsqueda en los vestigios del incendio del lago Peñuelas, en la región de Valparaíso, Chile, ocurrido en febrero de 2024, donde amplias hectáreas de monocultivo de pino y eucalipto alimentaron un fuego que hizo que múltiples especies perdieran sus hábitats y sus vidas, según la presentación del proyecto. La investigación entiende al cuerpo como médium y como experiencia sensible en diálogo con la geografía y con lo ausente.

Por su parte, Piel de Agua es un proyecto de Poly Rodríguez, artista e investigadora en danza, Cristián Reyes, artista escénico y bailarín, y Katiuska Valenzuela, diseñadora escénica integral. La propuesta explora la piel como sensor que responde a mundos en formación y plantea interacciones entre cuerpos humanos para investigar las dimensiones culturales y sensoriales del contacto.

El proceso experimental utilizará materiales como gel deslizante, además del susurro y la voz en el plano sonoro, para profundizar la experiencia háptica y el diálogo entre percepción, sonido e iluminación. Según su descripción, la obra busca indagar qué relaciones emergen del contacto y cómo esos cruces transforman la percepción de la propia corporalidad.

Rosa Santoni, directora de Sierra y co-directora y curadora de la residencia, explicó que los tres proyectos ya habían participado en TORCIDA en Sierra durante el año pasado: “Todos los proyectos que participarán de TTC ya fueron parte de la residencia TORCIDA en Sierra el año pasado. Desde ahí veníamos habitando un campo de resonancia muy fértil, que nos permitió reconocer afinidades y abrir un espacio para continuar y expandir esos procesos de investigación y creación, ahora de cara a su puesta en escena”.

La curadora añadió que las tres obras formulan críticas a la matriz moderno-capitalista, pero avanzan hacia otros imaginarios posibles. En sus palabras: “Si bien los tres proyectos formulan críticas a la matriz moderno-capitalista, no se quedan ahí, ya que proponen y ensayan otros imaginarios posibles. En ese sentido, las obras no sólo se sostienen desde un espacio crítico sino que también propositivo y contra-hegemónico, incorporando al hacer desde el cuerpo tensiones eco-sociales, políticas, de/coloniales y ambientales, lo que permite ir fisurando sentidos a partir del movimiento, lo sonoro y lo táctil”.

Sobre la curaduría, Santoni señaló que los ejes de la residencia provienen de Sierra y están marcados por performatividades, disidencias y naturaleza expandida, con influencia del pensamiento de Karen Barad y de su texto La performatividad queer de la naturaleza. También indicó: “En esta nueva etapa, continúan performatividades y disidencias, y se suma el eje Sur-Sur, que viene desde el trabajo de residencias de PLANTA. Ahí aparece un cruce interesante poniendo énfasis en modos situados de hacer desde el sur global y, a la vez, desde territorios específicos”.

Vesna Brzovic, co-directora de TTC y encargada de proyectos en Planta Inclán, vinculó esos ejes con el programa de residencias Sur-Sur que la institución desarrolla desde 2024. Brzovic sostuvo que se trata de un trabajo orientado a “crear conexiones, relaciones e intercambios artísticos entre países, territorios y artistas del Sur Global” para “rescatar el conocimiento que habita en nuestros territorio, recircularlo, reconocer las diferencias y similitudes, reactivar las memorias”.

Brzovic es investigadora, gestora cultural y productora de artes escénicas, fue becaria Fondart Chile en 2020 y 2025 y es candidata a magíster en Estudios Culturales de América Latina en la Universidad de Buenos Aires, según la información institucional. Santoni, por su parte, es magíster en Teoría e Historia del Arte por la Universidad de Chile, periodista y licenciada en Comunicación Social por la Pontificia Universidad Católica de Chile, y dirige SIERRA en Malalcahuello, Araucanía.

Planta Inclán, sala de artes escénicas, cuenta con Dirección General de Elisa Carricajo y Juan Onofri Barbato. Durante los nueve días intensivos de trabajo creativo, con foco en el montaje escénico, la dramaturgia corporal y también hay tutorías técnicas de iluminación, a cargo de Josefina Soria, y de sonido, por parte de Lucía Roig, entre otras.

*Apertura pública y gratuita: domingo 14 de junio de 2026, a las 20 hrs. En Planta Investigación & Creación Transversal, Planta Inclán, Inclán 2661. Entrada: gratuita — capacidad para 100 espectadores. Actividad de cierre: conversatorio con artistas y directoras de la residencia.

La ceremonia de reinauguración incluyó la presentación de la Orquesta Tunquelén en la vereda de acceso, que dio la bienvenida a vecinos y autoridades. Minutos después, el hall principal se colmó de asistentes que aguardaban el inicio de la función principal.

Una sala histórica, ahora con mayor confort

Las obras ejecutadas por la Municipalidad de Escobar permitieron modernizar la sala principal sin alterar la identidad arquitectónica que distingue al edificio desde 1889. El público estrenó las nuevas butacas y pudo apreciar la conservación de los pisos de pinotea, las molduras y las arañas de iluminación originales.

Durante la remodelación también se realizaron tareas de recambio de alfombras, mejoras en los espacios de circulación, trabajos de pintura y la renovación integral del sistema de iluminación. El resultado combinó tecnología actual con el respeto por los elementos patrimoniales del teatro, uno de los pocos de la provincia de Buenos Aires que conserva detalles de finales del siglo XIX.

Programación especial que convocó al público

La agenda de actividades comenzó con un concierto de la Asociación de Profesores de la Orquesta Estable del Teatro Colón, que interpretó obras de Edward Elgar y Gustav Holst, y un bis de Antonín Dvořák. La velada continuó con una intervención musical a cargo de Inés Estévez, que aportó un momento íntimo y emotivo.

Uno de los momentos más destacados fue el homenaje a Eleonora Cassano, quien recibió una distinción especial por su trayectoria artística y por su aporte a la cultura escobarense, ya que desde hace años dicta clases en el Teatro Seminari. El tributo incluyó una intervención coreográfica y musical, junto a una obra de Astor Piazzolla ejecutada en vivo.

El teatro musical tuvo su espacio con la puesta en escena de Drácula: La Resurrección, que sorprendió al público por su despliegue escénico. El cierre de la jornada estuvo a cargo de la Orquesta de Cámara de Escobar, que presentó un repertorio especialmente seleccionado para la ocasión.

Un fin de semana de sala llena y figuras reconocidas

Tras la reapertura, el Teatro Seminari Cine Italia continuó con una programación especial durante todo el fin de semana. El viernes 5 de junio, la obra “Tirria” subió a escena con las actuaciones de Diego Capusotto, Andrea Politti y Rafael Spregelburd.

El sábado 6 fue el turno de la comedia “Mi Amiga y Yo”, con Sebastián Presta y Florencia Torrente. El domingo, el espectáculo “Palabra Plena” de Gabriel Rolón ofreció doble función ante una sala colmada.

Las entradas para cada una de las propuestas se agotaron en pocas horas, lo que reflejó el interés del público por volver a vivir espectáculos en uno de los espacios más emblemáticos de la región.

El valor patrimonial y cultural, eje de la restauración

El Teatro Seminari Cine Italia es considerado un símbolo para los habitantes de Escobar. A lo largo de su historia, albergó a artistas como Horacio Guaraní y Nacha Guevara, así como a orquestas de tango que marcaron las décadas de 1950 y 1960. Con el paso del tiempo, el lugar dejó de funcionar y cerró sus puertas en 2015.

En 2018, volvió a abrir tras gestiones municipales encabezadas por Ariel Sujarchuk. En una ceremonia tras la reapertura se mostraron juntas las tres divas del momento: Mirtha Legrand, Susana Giménez y Moria Casán. Esa noche, “La Chiqui” recordó, visiblemente emocionada: “en este escenario toqué las castañuelas con mi hermana”.

La restauración reciente respetó la esencia artística y arquitectónica del edificio, al tiempo que incorporó mejoras técnicas que facilitan la producción y la experiencia del público. Desde la Municipalidad de Escobar remarcaron que el objetivo fue preservar la identidad original y, al mismo tiempo, adaptar el teatro a las demandas actuales de la actividad cultural.

“La reapertura de nuestro teatro representa un logro colectivo. Es un espacio que vuelve a estar al servicio de la comunidad y la cultura”, sostuvo Ariel Sujarchuk, intendente de Escobar, al cierre del evento.

Con su reinauguración, el Teatro Seminari Cine Italia reafirma su lugar como motor de la cultura local en una nueva etapa para el arte en la región norte de la provincia de Buenos Aires.

La noticia más importante de su vida estaba colgada de un helicóptero. Cuando la nave tocó tierra en Vallegrande, cientos de personas esperaban. Era octubre de 1967. En un pueblo boliviano de calles polvorientas y techos bajos, la gente se apretaba detrás de los cordones militares para ver un cuerpo. Lo habían traído sujeto a una plataforma externa de una aeronave. Decían que era Ernesto “Che” Guevara. Decían también que había muerto en combate.

El periodista argentino Walter Operto había llegado como cronista de la revista Así, enviado a cubrir los últimos capítulos de un enfrentamiento que, desde hacía meses, ocupaba la atención de América Latina. Mientras los comunicados militares repetían una versión ordenada y conveniente, él comenzó a escuchar otra historia. Una historia hecha de contradicciones, horarios que no cerraban, médicos que observaban heridas imposibles de conciliar con el relato oficial y soldados que hablaban más de la cuenta.

Años después, en Rosario y a sus 89 años, cuando recuerda aquel trabajo, lo cuenta como quien recuerda un oficio. Escuchar. Caminar. Preguntar otra vez. Contrastar. El periodismo, para él, siempre fue eso.

Mucho antes de Vallegrande, antes de Buenos Aires y antes de las redacciones multitudinarias, Walter fue un niño de San Mariano, una pequeña localidad santafesina donde su padre era chacarero, panadero y más tarde presidente comunal. Allí creció entre diarios, conversaciones de pueblo y una curiosidad inagotable. Más tarde estudió con los jesuitas. Durante un tiempo creyó que el camino podía ser el sacerdocio.

“Podría haber sido Papa como Bergoglio”, dijo entre risas. No fue cura ni militar, aunque estuvo cerca. Ingresó en la Escuela Naval Militar de Río Santiago. La disciplina castrense no logró imponerse sobre otra inquietud que comenzaba a crecer. Le gustaba escribir. Le gustaba observar. Entonces apareció Rosario.

A los dieciséis años desembarcó en una ciudad que todavía conservaba algo de puerto, algo de frontera y mucho de laboratorio cultural. Allí descubrió los cafés. El Laurak Bat fue uno de esos refugios donde se mezclaban estudiantes, poetas, periodistas y gente de teatro. Operto se sentaba a escuchar. Las redacciones llegaron después.

Ahora es junio de 2026, estamos en un quinto piso de un edificio de Barrio Martin de Rosario. Hace frío, todavía no es invierno y los recuerdos llegan a través de las palabras y un montón de tapas de revistas repartidas entre sillones y mesas.

— ¿Cómo llegás al periodismo?

— Yo comienzo en el periodismo a los dieciocho años acá en Rosario. Estaba estudiando en la Escuela Naval Militar de Río Santiago y el director era nada menos que Isaac Rojas. Yo había saltado de los jesuitas; me iba a hacer cura. Podría haber sido el Papa como Bergoglio, pero no llegué porque él tuvo más vocación jesuítica, aunque soy de esa generación. Para irme de los jesuitas me fui a la Escuela Naval Militar, donde no entraba cualquiera. Entré por mi padrino, Carlos Saavedra Lamas, el primer premio Nobel que tuvimos, porque tenía estancias en San Mariano, mi pueblo natal en el departamento de Las Colonias. Ahí había una relación con mi padre; ellos eran demócratas progresistas, lo que llamaban conservadores progresistas.

Aguanté un año nada más, era como un servicio militar, y volví a mi pueblo. Mis padres creían que seguía en la Escuela Naval. Recuerdo a un abuelo piamontés que, contento, me decía: «Hacés bien en estudiar de militar, porque en este país los militares llegan a presidentes». Era la época de los golpes en América Latina. Entonces desembarco en Rosario porque tenía un tío. Comencé en los diarios Rosario y Democracia. Tenían una editorial acá y los camiones salían a repartir hasta el Chaco y Entre Ríos. Democracia era un tabloide y Rosario un diario sábana; uno salía a la mañana y el otro a la tarde. También empecé a descubrir el cine y a trabajar en LT3. Los mediodías hacíamos un programa que se llamaba Quinteto, con producción de Granados Monti, de Gramo Publicidad, junto a Evaristo Monti, que fue quien me llamó. Monti hablaba de fútbol, Raúl Granados pasaba y comentaba discos de tango y folclore, que se escuchaba mucho en esa época.

— Para las nuevas generaciones, Raúl era el abuelo de Migue Granados y el padre de Pablo.

— Eso mismo. Ahí arranqué. Después el diario se cerró y quedamos muchos sin trabajo. Yo había conocido a don Juan Petrone, que había sido secretario de redacción de la mítica Crítica de Buenos Aires y vino a dirigir diarios a Rosario. Después volvió a Buenos Aires y ya era secretario de Crónica. Un día gané un sorteo que hacíamos entre compañeros junto a Segovia, otro periodista, y como no teníamos un mango, usé esa guita para tomarme el tren a Buenos Aires. Caminé desde Retiro hasta la redacción de Crónica, en Sarmiento y Riobamba, donde después estuvo Crónica Televisión.

Llegué y pregunté abajo por don Petrone. No me esperaba, pero llamaron y me dijeron que subiera al primer piso. Fue muy simple entrar. Don Juan tenía una voz finita. Me dice: «Buen día». «Buen día, don Juan», le digo. Estaba en una redacción enorme con ochenta o cien periodistas que empezaban a trabajar para el vespertino. Crónica ya tiraba trescientos o cuatrocientos mil ejemplares por día; era el año 62 o 63. Como él sabía que había un éxodo de gente que se había quedado sin laburo hacia Buenos Aires, me pregunta: «¿Venís a buscar trabajo?». «Sí, don Juan», le digo. Ahí nomás le dice al ordenanza: «Mirá, limpiale aquel escritorio y ponele una máquina de escribir, andá y sentate». Así entré. Era otra época.

— Impresionante. Muy de otra época…

— Ese fue mi nacimiento como periodista en la Editorial Sarmiento. Ahí mismo, en un rincón de ese gran salón, había una redacción más chiquita de siete u ocho periodistas que era la revista Así. Yo llevaba dos meses en Crónica cuando viene Marcos de la Fuente, un periodista al que le decíamos “el chileno” porque había trabajado en Chile, aunque nació en Máximo Paz. Él dirigía Así y, al enterarse de que yo también era de la provincia de Santa Fe, vino a hablar conmigo. Habló con Petrone y este le dijo que yo era bueno para las notas largas, casi noveladas, que era lo que necesitaba la revista. Los redactores de Así teníamos un plus, ganábamos un poco más que el convenio, porque si a alguna de las ediciones de Crónica le interesaba lo que escribíamos, metíamos treinta o sesenta líneas para el diario también. Trabajábamos para los dos.

— Claro, era como que iban fragmentando el contenido para el diario y otro para la revista. Y Héctor Ricardo García andaba dando vueltas por ahí…

— Héctor Ricardo García era un trabajador más. No era el director que está en su directorio y lo ves cada tanto. Él venía desde muy abajo, había sido fotógrafo, así que estaba presente permanentemente. Un tipo fabuloso. Te cuento una anécdota. Una vez fui a a Tucumán en la época de la toma de los ingenios azucareros. Estuve como veinte días mandando notas para una sección en Crónica que se llamaba “Tucumán, otro país”. El presidente era Onganía y secuestró un número de la revista Así porque estaba prácticamente dedicado al conflicto de los ingenios. El responsable fui yo. A la mañana me llama Serra, que después fue un periodista importante en Atlántida y entonces era compañero mío, y me dice: «Venite porque te espera García y te va a matar. Esta mañana secuestraron los ejemplares de la revista por tu nota». Fui y García se estaba lustrando los zapatos con un boliviano en la puerta. Me ve y me dice: «¿Viste lo que pasó? Por tu culpa». «Bueno, Héctor, hace un mes que estamos escribiendo sobre esto», le digo. «Está bien, es mi culpa. ¿Qué querés que haga? ¿Querés que renuncie?». «Bueno, renunciá», me dice. Fui, me marché a la máquina de escribir y renuncié sin hacer ningún conflicto. Todos los compañeros me decían que estuve muy bien.

A mí me gustaba mucho el boxeo y con un amigo, Julio Bortnik, otro periodista conocido, íbamos los jueves al Luna Park. Ahí lo vimos crecer a Monzón. Un jueves, a la salida, me encuentro a García hablando con Tito Lectoure y nos chocamos de frente. Nos saludamos y García me pregunta: «¿Estás trabajando?». «Sí, vendo notas por mi cuenta», le digo. «Bueno, vení mañana a la redacción, volvé mañana», me dice. Era así, otra época. Ahora es muy difícil vivir del periodismo, sobre todo para la gente joven.

—¿Y qué pasó luego de tu regreso?

— Hay una anécdota. Él tenía una invitación para el Concorde, ese avión mítico que unía Nueva York con Londres o París en pocas horas y se fabricaba una parte en Francia y otra en Inglaterra. Él tenía que viajar con otros directores, pero me dice: «Tengo una invitación y te la voy a dar a vos como premio por lo que hiciste en Bolivia». Y yo hice ese viaje parando en todos los Hilton sin un mango. Eso te describe lo que era Héctor Ricardo García; tranquilamente podría haber ido él como dueño y propietario, porque lo habían invitado a él.

—¿Cómo fue la cobertura de la construcción del Concorde?

—Nos llevaron a Manchester, donde se construía. Nos llevan a un hangar de la Rolls Royce donde estaban los motores y vimos un gran esqueleto. La otra parte se construía en París, pero eso no lo vimos. Era un hangar enorme con un avión gigante en esqueleto y nosotros estábamos con nuestras camaritas colgadas del cuello. Dijimos: «No nos van a dejar sacar fotos por aquello del espionaje industrial», pero mientras nadie nos dijera nada, seguíamos adelante. Entramos, nadie nos dijo nada, subimos por un ascensor y sacamos fotos. Bueno, de esas fotos no salió ninguna. En aquel momento no te decían nada, pero ya tenían preparado el hangar con luces que anulaban toda posibilidad de sacar fotos y arruinaban el rollo.

—Walter, te pregunto por el viaje a Bolivia: ¿en qué contexto se da y cómo fue esa cobertura?

— Nosotros estábamos atentos en la redacción. Te digo nosotros porque compartíamos todo; éramos ocho o nueve periodistas con Marcos de la Fuente como director y el poeta Joaquín Giannuzzi como secretario de redacción. La revista Así tenía tres ediciones semanales: la negra, la sepia y la verde. Es la única revista que los canillitas llevaban bajo el brazo y la voceaban: «¡Salió la Así, salió la Así!». Tenía salida como un diario y llegaba hasta Chile y Paraguay.

Veníamos siguiendo con interés el desembarco de guerrilleros en Bolivia. No se hablaba del Che Guevara, sino de un grupo de guerrilleros; una implementación de la estrategia foquista como había sido en Cuba. Eso de crear un espacio, asaltar un cuartel, robar quince fusiles, sumar quince guerrilleros más y crecer así. Después de la Revolución Cubana, era el primer grupo que aparecía en América Latina; ese era todo el interés periodístico, no se sabía nada más. De golpe, en octubre de 1967, aparece la noticia de que había sido capturado el Che y que había dicho: «Soy el Che, no me maten, para ustedes valgo más vivo que muerto». Había sido un enfrentamiento entre un grupo de élite del ejército boliviano entrenado en Estados Unidos y los guerrilleros en la Quebrada del Yuro.

El Che logró tener treinta hombres divididos en columnas de diez; dos columnas ya habían sido eliminadas y quedaba una sola. Mi hipótesis es que el Che estaba tratando de salir de Bolivia hacia la zona más llana de Santa Cruz de la Sierra porque se dieron cuenta de que no habían conseguido la solidaridad del campesino boliviano, cosa que sí había pasado en Sierra Maestra. En su diario, dos semanas antes de que lo detengan, el Che escribe: «Esta mañana nos cruzamos con una viejita que tiene una vaca; le preguntamos por dónde estaba el ejército y nos indica una dirección». Pero pasaba que cuando venía el ejército y preguntaba por los guerrilleros, les decían: «Por allá». El campesinado no tomó partido; para ellos era el fusil, no diferenciaban el fusil legal de un soldado del fusil de un guerrillero que decía que lo quería liberar.

—¿Y en qué momento llegás a Bolivia?

—En medio de esa confusión de si era o no el Che, Héctor Ricardo García decide mandar el avión de Crónica, que era el único diario que tenía un Cessna propio y por eso llegábamos rápido. El piloto era Miguel Fitzgerald, el comandante que después hizo el desembarco simbólico y clavó la bandera argentina en Malvinas; una operación de García, porque él hacía notas que eran operaciones patrias (se ríe). Llegamos a Bolivia dos días después de que exhibieran el cadáver. Fuimos a Santa Cruz de la Sierra y de ahí a Vallegrande. Cuando llegamos, el coronel Selich nos recibe en una conferencia de prensa y me cuenta que el Che se entregó y que murió al día siguiente por las heridas sufridas en combate. Era todo muy lógico, estaba herido en las piernas y en un hombro, así que no teníamos razón para no creerles.

Le pedí a Selich entrevistar a algunos de los soldados que combatieron en la Quebrada del Yuro para tener más detalles del combate, pero me dijo que no, que los soldados y los heridos estaban todos en La Higuera y que en el Hospital Señor de Malta no quedaba ninguno. Después de ver a Selich, corrí a ver a uno de los médicos que había hecho la autopsia, el doctor Caso, un médico boliviano muy humilde que vivía a dos cuadras del hospital. Me recibió y le pedí que me describiera las heridas. Me detalló que tenía impactos en ambas piernas por un golpe de metralla, en el hombro derecho, en el izquierdo y una bala de distinto calibre que le perforó la tetilla izquierda. Le pregunté si se podía sobrevivir a esa bala y me dijo: «No, la muerte es instantánea». Ahí vi la contradicción, porque había fotos del Che caminando cinco kilómetros desde la quebrada hasta La Higuera, donde habló con una enfermera y una maestra, y donde Gary Prado, de la fuerza especial de los Rangers, le había prometido que iba a ser juzgado.

Ahí mismo el médico me dice: «¿No hablaron con los soldaditos que combatieron en la quebrada del Yuro?». Le dije que no, que el coronel me había dicho que no había ninguno, y me contestó: «Hay seis o siete heridos acá en el Hospital de Malta». Salí de hablar con Caso sabiendo que había algo raro que no cerraba. En la puerta me crucé con Chousiño, que venía a hacer lo mismo. Él era corresponsal de la Columbia Television Color para América Latina; un tipo gordo, grandote, impresionante, que andaba con una cámara enorme. Le conté mi duda y le dije que esa herida era mortal, por lo que el Che no pudo haber caminado y dicho «no me maten» con ese disparo. Ahí se sumó a nosotros; cuando digo nosotros, hablo de Hugo Lazaridis, el fotógrafo de Crónica, y yo.

Dijimos de ir al hospital. Sabíamos que si le pedíamos permiso a Selich nos iba a decir que no. En esa época, por una cuestión atávica de la cultura de ellos, el mestizo boliviano ante el blanco tendía a retirarse y a dejar hacer. Dijimos de usar eso mismo para entrar. Había una guardia de siete u ocho soldados, así que encaramos a paso redoblado con Hugo, Chousiño y su cámara enorme. Les dijimos: «Buenos días, soldados», la guardia se abrió y nos contestó el saludo sin saber quiénes éramos. Entramos al patio principal del Hospital Señor de Malta, que tiene una arquitectura colonial típica con galerías y un aljibe en el medio. Vi a una enfermera cruzando el corredor de enfrente y le grité apenas entré: «Enfermera, ¿dónde está el soldado Choque?», porque el doctor Caso me había dado un par de nombres. Me señaló una puerta y nos metimos. Abrimos y había cinco o seis soldados en sus camas. Pregunté quién era Choque y saltó uno: «Yo, señor». Les pregunté si lo habían visto vivo o muerto. «Lo vimos vivo, señor», me dijeron. «¿Andá cuándo murió?». «Al otro día». «¿Y quién lo mató?». «Lo mató Gary Prado», dijo uno; «lo mató el sargento», dijo otro, se contradecían entre ellos.

Empezamos a sacar fotos y Chousiño filmaba todos mis diálogos. En eso entra un enfermero, ve que había periodistas y pega el grito: «¡Llamen a la guardia, llamen a la guardia!». Nosotros teníamos el Cessna en una canchita de fútbol a tres cuadras; yo ya le había dicho a Fitzgerald que si nos veía corriendo pusiera en marcha el motor. Salimos por la parte de atrás, corrimos, subimos, el avión carreteó cien metros, levantó vuelo y así nos fuimos de Bolivia.

Empecé a escribir la nota en el aire diciendo que el Che había sobrevivido y que había sido asesinado, porque los soldados nos dijeron quién y cómo. Crónica sacó primero la información.

—¿Primicia mundial?

—Fue primicia. Las primeras cuarenta y ocho horas Bolivia y Estados Unidos insistían en que había muerto por las heridas de combate y nos atacaban diciendo que éramos periodistas pagos por la guerrilla. La información estuvo latente dos días, pero la tapa de Crónica la tomaron todas las agencias internacionales.

—¿Y cómo recordás los días posteriores, cuando llegan acá y se difunde la noticia?

—En el final de una de las tantas notas que seguí escribiendo durante varios números sobre el Che y el pueblo boliviano, me acuerdo que puse lo que sentí frente a su muerte. Para nosotros era invencible, como inmortal; y no fue así. Escribí algo como: «El cielo no se oscureció, la tierra no tembló. Nada de lo que yo pensé para su muerte ocurrió». Me dolió mucho el desinterés de ese lugar, que los campesinos lo miraran como un cadáver y nada más; no había pasado nada. Los campesinos fueron totalmente indiferentes a la propuesta del Che.

— ¿Qué otras coberturas históricas te acordás, Walter?

— Hay varias. Una de las más fuertes fue la muerte de Rucci. Fui el último periodista que le hizo una nota. También para la revista Así. Salió ahí el último reportaje, una nota grande. Estuve con él cuarenta y ocho horas antes de que lo mataran. Le hice el reportaje en los altos de Azopardo y Garay, en la CGT, donde él tenía un bulín y a veces se quedaba a dormir. Él pidió hablar con la revista Así a raíz de una nota que había hecho.

“Yo recuerdo que en una oportunidad, estando en Madrid, el general Perón me dijo: Rucci, usted no se preste al juego de la provocación porque la provocación está instrumentada por el propio régimen. Usted cuide la CGT Vamos a necesitar, no a muy largo plazo, las estructuras intactas del movimiento obrero. Y me señaló también: No conozco, y no existe en la historia, ningún gobierno de la característica del gobierno de Lanusse, un gobierno liberal, un gobierno que responde a los monopolios internacionales, un gobierno que tiene sus mandantes en el extranjero, que pueda ser el cauce que permita establecer la justicia social en nuestro país”, así empieza la entrevista publicada en Así.

—Sé que le hiciste una entrevista histórica a Ricardo Balbín en La Plata justo antes de la vuelta de Perón. ¿Cómo fue ese encuentro?

—Fue una larga entrevista a Balbín cuando Perón iba a volver. Está publicada en la revista Así y se llama “Yo, Balbín”. Era para saber el rol que iba a jugar el radicalismo. Perón no quería ser presidente; quería una fórmula compartida entre el radicalismo y el peronismo porque entendía que el setenta por ciento del voto del pueblo estaba ahí. Fui a La Plata, le hice la nota a Balbín y le meché la pregunta. Él me dijo que una fórmula compartida no. Le pregunté por qué y me contestó: «Porque el radicalismo nunca participó de un frente». Era cierto; en ese momento siempre iban solos los radicales, después empezaron a hacer frentes. Esa información le llegó a Perón. Por eso después viene acá y, aunque no querían, arman la fórmula Perón-Perón.

—La revista Así vendía mucho por sus tapas. ¿Qué pasaba cuando no había ninguna noticia trascendental?

—Cuando no había ninguna tapa fuerte había que buscar… Una noche de cierre, un amigo de apellido Castro, que trabajaba en La Nación y le gustaba mucho el boxeo, le dice a Marcos de la Fuente: «Está acá en Buenos Aires un muchacho peso pesado que se está abriendo camino en Estados Unidos». La propuso como nota. Vivía en Parque Patricios, frente a la cancha de Huracán. Marcos mandó al fotógrafo para meterlo en tapa. El tipo se había traído una gorra de Ringo Starr; era un payaso y posaba porque iba a salir en tapa. El fotógrafo le dice: «Ponete la gorra», y se la puso. Mientras el compañero le hacía la nota, varios de nosotros escribíamos los pies de las fotos para el cierre. No sé quién fue el que agarró la foto esa y le puso “Óscar Ringo Bonavena”, y así salió en la tapa.

— ¿Y antes no le decían Ringo?

— No, ahí empezó a ser Ringo. Después se hizo muy amigo de García y un hermano de él entró a trabajar como chofer de los jeeps de Crónica. García lo hizo cantar hasta el Pío, pío.

— ¿Y por qué decidiste volverte a Rosario después de tantos años en Buenos Aires?

— Me fui en el 76, amenazado. Yo trabajaba en Canal 11 cuando estaban intervenidos los canales. Me tuve que ir por una amenaza de López Rega y me fui a vivir a Goya con un Fiat 1500 verde que me prestaron, porque yo no tenía auto. En Goya armé un periódico que se llamaba La Semana. Estuve cinco o seis años yendo y viniendo al Ejército porque me llamaba el jefe del cuartel para saber qué estaba haciendo ahí. Tuve suerte porque yo no era guerrillero ni ponía bombas, pero bueno, tenía lo del Che y un montón de cosas encima.

Después me fui a Reconquista y creé el diario Panorama del Norte Santafesino para tener una fuente de trabajo. Ahí vino Malvinas, la vuelta de la democracia y me dieron un carguito chico en Cultura Santa Fe, en Reconquista. Después Néstor Zapata, que era el secretario de Cultura, me pidió ir a Santa Fe. Me fui para allá a hacer prensa en Cultura durante el gobierno peronista de Luis Vernet. En el gobierno siguiente, me pidieron si me podía hacer cargo de la Lavardén (sala cultural de Rosario) y me vine para acá. Estando en Lavardén, un compañerazo, el periodista rosarino Helio Abaca, muy elegante, que ya se jubiló... me dice: «Mirá, ahora que empieza el tema de que en Rosario se comen gatos...». Ahí ya estamos en los 90 y yo entro a Télam por esa noticia.

En mayo de 1996, el apodo “comegatos” se instaló en el imaginario argentino a partir de un informe televisivo realizado por un noticiero nacional en una de las zonas más humildes del sur de Rosario. El reportaje, emitido en plena crisis social y económica de los años noventa, mostró a vecinos cocinando gatos a la parrilla ante la falta de alimentos. Aunque el objetivo del programa era exponer el impacto de la pobreza extrema, el episodio derivó en una estigmatización que marcó a la ciudad: el mote se transformó en un mito urbano y en un insulto recurrente hacia los rosarinos, usado tanto como burla en el fútbol como en el habla cotidiana. El trasfondo: en 1995, la tasa de desocupación en Argentina superó el 18%, una de las cifras más altas desde el retorno de la democracia, y Rosario encabezaba los índices de desempleo y pobreza urbana en todo el país.

—¿Entraste a Télam por el mote de los “come gatos”?

—Sí, porque en la época de Menem no tenían corresponsal acá. Todo fue una movida que armó una concejal radical. Le dijo a un periodista que “en el Saladillo hay gente que está muerta de hambre y comen gatos”. Fueron a hacer la nota, mandaron al fotógrafo y salió que en Rosario se comían gatos por el hambre que generaba el menemismo. Era la época que el ministro Corach salía y daba conferencias de prensa afuera de su casa. Un colega le pregunta por la información que mandó Télam sobre los gatos y Corach le dice: «No es tan así. Estamos viendo qué pasó, porque fíjese que en la parrilla es cierto que había un gatito, pero también había dos sábalos». Entonces no era una cuestión de hambre, era una puesta en escena; o una cuestión de gusto, porque les gustaba comer gato. Después vino Canal 13 con las imágenes. Fue tan tremendo que me acuerdo de que River fue a jugar con Colo-Colo a Chile y la hinchada chilena puso carteles que decían: «Argentinos come gatos». Ya éramos todos los argentinos los que comíamos gatos. Ahí en Télam se dieron cuenta de que no tenían un corresponsal y Helio me dice: «Walter, mandá tu currículum que están buscando corresponsal». Yo estaba dirigiendo la Lavardén y ganaba unos pesos, pero mandé, me llamaron y a los dos meses me pusieron en planta permanente. Eso fue por el año 95.

—¿Y cuántos años estuviste en Télam hasta que te jubilaste?

—Me jubilé en Télam, habré estado unos ocho o diez años.

—¿Todo esto lo hacías a la par de escribir obras de teatro? ¿Cómo hacías?

—Simultáneamente. Yo siempre fui teatrero; me paré en el teatro y en el periodismo, una cosa alimentaba a la otra. Tengo unas veinte obras escritas y habré dirigido unas sesenta. A mí se me recuerda mucho por el teatro político, hay varios libros que escribieron algunos ensayistas sobre eso. Comencé con el teatro acá a los dieciocho años, cuando hice el servicio militar en el Regimiento 11, que en ese momento era un regimiento castigado. En el 55 o 56 se levantaron un par de cuarteles a favor de Perón, que estaba en el exilio en Caracas, y el Regimiento 11 se levantó junto con mujeres de Villa Manuelita. Los reprimieron y el castigo para los oficiales y suboficiales consistía en que no tenían salida, vivían ahí encerrados.

—¿Qué te gusta más, escribir periodismo o teatro? ¿Ficción o realidad?

—Para mí fue siempre una mezcla; el periodismo también es narración y el teatro es narración, así que no encontré diferencia. Muchas de mis obras están alimentadas por personajes reales. Ceremonia al pie del obelisco, por ejemplo, comenzó siendo una nota periodística. En la revista Así las fotografías de las agencias llegaban en francés, italiano o inglés, y dos veces por semana venía un amigo que era traductor, psicólogo y psiquiatra. Él trabajaba en el hospital psiquiátrico Melchor Romero de Buenos Aires y un día me dice: «Walter, ¿no te interesa hacer una nota? Hay un paciente que está hace cuarenta años internado y está totalmente lúcido». Coordiné, fui y me lo presentó. Un viejo anarquista que había puesto un par de bombas, estuvo tres o cuatro años en la cárcel y un abogado hábil lo hizo pasar por loco para meterlo ahí. Después lo olvidó el Estado, lo olvidó la familia y el viejo era el chico de los mandados del hospital; salía a comprar cigarrillos, empanadas, iba y venía totalmente lúcido. Me acuerdo de que era hincha de River y yo le preguntaba cómo formaba el equipo en los años cuarenta o cincuenta y se sabía las formaciones de memoria. A ese personaje lo metí en Ceremonia al pie del obelisco, que transcurre toda en un manicomio y cuenta la historia argentina desde la inauguración del obelisco hasta la aparición de las organizaciones armadas. Ahí pongo a un tipo lúcido y le meto textos de Perón; algunos se avivaron. Así que una cosa se alimentaba de la otra.

Su compañera de vida fue la escritora María Angélica Scotti, nacida en Buenos Aires en 1945 y egresada de Letras de la UBA. Tras radicarse en el interior en 1976, combinó el periodismo con talleres literarios y publicó novelas como Buenos augurios (Premio Konex-FNA 1985), Señales del cielo (Premio Alcides Greca), Diario de ilusiones y naufragios (Premio Emecé y Primer Premio Municipal de Buenos Aires) y Las orillas del fuego. Dejó además el libro de testimonios Las voces de la memoria y la novela El pasajero del sueño antes de su fallecimiento en 2024.

La familia se asentó en la zona. Su hija Ana Cecilia vive en Santa Fe, Natalia gestiona un espacio de microteatro y un taller de cerámica, y Elisa reside en Rosario. En Funes vive Juan. La historia familiar está marcada por la muerte de su primer nieto, Julián Castillo, quien de chico bautizó a Walter como “Lolo”. Julián tenía 32 años y murió el 8 de marzo de 2023 durante una intervención policial en el marco de una crisis de salud mental en la vía pública. Su madre, Cecilia, y el Foro contra la Impunidad impulsan la causa judicial por violencia institucional contra los policías imputados, bajo la constante demanda de justicia y la consigna “Juli presente”. El escenario del Solar de SADOP fue nombrado en su memoria y recientemente se estrenó un documental sobre su historia.

En una época obsesionada con las especializaciones, Operto eligió transitar varios oficios a la vez. Periodista. Dramaturgo. Director. Editor. Antes de irnos nos habla de la soledad. Pero la soledad no es estar solo, sino saber que muchos de sus contemporáneos ya murieron. También habla de su próximo libro, un resumen de sus mejores crónicas. “Somos eso, cronistas”, me dice.

En 2021 la Legislatura santafesina reconoció su trayectoria. Recibió una placa y un diploma. Hubo discursos, agradecimientos y fotografías. Pero la verdadera medida de una vida está en las huellas. Las huellas de un hombre que pensó el periodismo y el teatro como herramientas para reconocernos.

Fotos: Juan Mascardi y archivo.

Quentin Tarantino ha definido a la industria cinematográfica actual como una “fábrica insípida de salchichas”, en una extensa nota para Sight and Sound, la famosa revista de cine publicada por el Instituto Británico de Cine. El director, identificado globalmente por Pulp Fiction, vinculó este diagnóstico con el estancamiento creativo de Hollywood tras la pandemia y la dificultad personal que enfrenta para conectar con los estrenos recientes, al punto de preferir la lectura de libros antes que asistir a una sala. La declaración refuerza la percepción de un desgaste de la experiencia cinematográfica en salas tradicionales, una tendencia que ha profundizado el debate sobre modelos de producción, circulación y consumo audiovisual en la pospandemia.

El realizador comparó explícitamente el momento actual con la situación industrial de los años ochenta del siglo XX, reconociendo que, a pesar de sus críticas a esa década, mantenía entonces una relación de apego con la experiencia de ver películas. La diferencia, subrayó, es la ausencia de una conexión afectiva con el cine contemporáneo, teñida de lo que denomina “desprecio” por un concepto de película que, a su juicio, ha perdido capacidad de riesgo y originalidad.

Sin embargo, Tarantino sí identificó excepciones dentro de la producción reciente, mencionando The Rip de Joe Carnahan como uno de los pocos largometrajes capaces de captar su interés de principio a fin. También indicó que el West Side Story de Steven Spielberg y los dos primeros capítulos de Horizon: An American Saga, dirigidos por Kevin Costner, han figurado entre los títulos que ha valorado en los últimos años, aunque recalcó que ninguno lo ha impulsado a recuperar aquella sensación de “ser arrastrado por la magia” que, según su testimonio, fue el motivo inicial de su vocación.

Según el artículo de Sight and Sound, Tarantino sostuvo: “Desde la pandemia, parece casi imposible que se estrene una película nueva que yo no desmenuce hasta el cansancio. Defectos, inverosimilitudes, complacencia con el público, actores mal seleccionados o simplemente tonterías terminan por hundir cada estreno salido de la fábrica insípida de salchichas que solía llamarse Hollywood”.

Próximos proyectos de Tarantino

Actualmente, Quentin Tarantino está desarrollando The Popinjay Cavalier, una obra de teatro “de capa y espada” con estreno previsto en el West End de Londres para 2027. Esta incursión en la dramaturgia marca un viraje en su actividad creativa, tras la publicación en 2021 de la novela basada en su película Once Upon a Time… in Hollywood, a la que ahora sigue la preproducción de un spin off dirigido por David Fincher.

En 2024, el director tomó la decisión de cancelar su décimo largometraje, titulado inicialmente The Movie Critic, pensado como su filme de despedida. El proyecto ha quedado fuera del calendario, dejando como última obra cinematográfica su largometraje ambientado en los años sesenta, estrenado en 2019, que consolidó la exploración de Tarantino sobre el mito de la industria estadounidense.

Esta enumeración confirma el estado actual creativo de Tarantino: en fase avanzada de producción teatral, sin proyecto fílmico inmediato y con un giro tangible hacia formatos ajenos a la gran pantalla. Esta posición lo instala fuera de las tendencias dominantes de Hollywood y refuerza su condición de autor en tensión con la lógica industrial contemporánea.

Hace tiempo que los consumos culturales cambiaron, y en especial los de las nuevas generaciones. Las obras parecen diluirse y aquello que las circunda gana terreno. Ni las grandes producciones, ni los estrenos más esperados del cine, e incluso obras de teatro independiente, pueden contra esa tendencia. La obra deja de importar y prevalece contar la experiencia como consumidor. Y quizás está bueno ir en grupo al cine pintados de verde; puede ser divertido. Pero...

¿Cuál es la potencia distintiva del teatro y, sobre todo, del teatro independiente? ¿Puede ofrecerle algo a la escena actual? ¿Hay ganas de hacerlo? ¿Hay más ganas de pegarla? ¿Qué hacemos? ¿La escena actual es un embole? La crisis de representación es un tema del que se habla a diario y, siendo la representación una de las materias primas —e históricas— de nuestro oficio, nos parece justo atribuirle a nuestro trabajo la hazaña de dar mil vueltas sobre su objeto de estudio o su matriz. Para que aparezcan más preguntas u otra cosa. Si todo se parece a todo, nos dan ganas de que el teatro no se parezca a nada.

El próximo furor es una obra que nace de la cuarta residencia artística, esta vez, junto al Teatro Empire. Las Residencias son programas que armamos en la compañía para experimentar junto a artistas de diferentes áreas que no se conocían antes de empezar a trabajar, y que consisten en residir durante tres meses en un espacio en particular para crear una obra. El equipo surge de una convocatoria abierta y, en esta oportunidad, fue elegido entre más de 500 postulantes.

El próximo furor es una obra, pero también es una residencia, y también es un musical. Aunque esto último es casi una excusa para acercarnos a un tipo de teatralidad que no frecuentamos y jugar al teatro musical por un rato. La idea surgió de observar ciertas dinámicas de representación del pasado, como el surgimiento de bandas pop —especialmente las boy bands— en contextos de crisis históricas, como ocurrió en la Argentina de 2001 con el reality Popstars, y valernos de esa estética para pensar las formas de representación en la actualidad. Así fue como el pop, la representación y la crisis se convirtieron en ejes fundamentales para la creación de la obra.

Pero nos parecía importante que, más allá de la obra y de todo el juego en torno al furor de un estreno o del fanatismo que puede causar el teatro musical, el proyecto de residencia fuera la verdadera obra: mostrar la cocina, el medio de producción, que la distancia fuera la más pequeña posible. Que el verdadero protagonista fuera el vínculo entre un grupo de 18 artistas que no se conocían y que tuvieron la voluntad de irse a los bifes en pos de crear algo. Discrepar y mezclar sus formas, sus certezas y sus ganas. Hacer un musical y después cantar sus canciones a los gritos. Que sea divertido, pero que más divertido sea hacerlo.

En este momento, como compañía, tenemos varias obras en cartel, espacios de formación y esta residencia artística, pronta a estrenar una obra. En una entrevista nos invitaban a pensar sobre la productividad y, en respuesta a eso, dijimos que dicho caudal respondía a las ganas. Ganas genuinas que volcaban inquietudes en escena, en los talleres o en las obras y que, como una caja de resonancia, potenciaban esas preguntas y las ampliaban. Esa forma de generar conocimiento volvía a ser combustible para crear nuevas escenas posibles. Entonces nos gusta pensar esa productividad como una consecuencia deseosa y genuina, que tiene más chances de perder que de producir en términos de un buen trader.

El teatro siempre fue un lugar para nosotros —desde chicos y, seguramente, para muches de quienes compartimos esta pasión— donde poder ser eso que en el mundo no podía desplegarse; un lugar que se hacía cargo de las falencias, que hacía existir aquello que, de alguna manera, era castigado en otros sitios.

Durante mucho tiempo, y principalmente como miembros de la comunidad LGBTIQ+, se nos ha dicho que “no servíamos para nada” como una condena: no servir para amar, para hacer amigos, para formar una familia, para hacer deportes, para defender y ser defendides, para señalar lo importante, para ser representados, para no querer ser parte, etcétera.

En un mundo en el que la productividad manda, determinar nuestra inutilidad y condenarnos a la nada encierra la lógica de la desaparición. Por eso celebramos cada vez que logramos, con un proyecto, expandir nuestras inquietudes, ampliar los equipos de trabajo y dar nuevas formas a nuestros métodos de producción.

Nos parece importante, en estos tiempos, que las formas de producción se vinculen con las pistas que nuestra identidad sugiere, que intenten refundar ciertas lógicas, que no le tengan miedo al quilombo de encontrarnos.

En Los Pipis encontramos un amor épico, las amistades más preciadas, la prótesis para una pasión inexplicable. Empezamos preguntándonos si la escena actual era consecuente o necesaria, si debía romper más, pelearse más, bla. Sin embargo, no creemos saber qué necesita el mundo —si más amor, más teatro o qué—, pero lo que sí sabemos es que en Los Pipis hay una pequeña certeza: hoy el teatro es potencia de todo aquello de lo que el mundo carece.

* “El próximo furor” se estrena el viernes 12 de junio a las 21 horas en el Teatro Empire (Hipólito Yrigoyen 1934, CABA). Entrada general: $25.000 (desc. PRE-VENTA y HOT SALE) por Alternativa Tetral.

La sala de La Teatrería se alista para recibir una propuesta escénica donde el amor y el futbol cruzan caminos en una narrativa singular.

‘El día que México ganó el Mundial’ coloca a Pablo y Bárbara, una pareja tras dieciséis años de matrimonio, frente al último “silbatazo” de su relación: la inminente firma de su divorcio, acompañados en escena por dos cronistas deportivos que relatan su historia como si se tratara de una final.

En este montaje dirigido por Fernando Zuluaga, la ruptura matrimonial se narra a través del lenguaje del futbol, con la pareja reviviendo jugadas, polémicas y goles fallidos que marcaron su convivencia.

El elenco principal está conformado por Carlos Speitzer y Alexa Martin en los papeles de Pablo y Bárbara, y los cronistas deportivos, interpretados por Rafa Pineda y Galo de la Cruz, alternan la voz narrativa para analizar los momentos clave de la relación.

La dramaturgia original de Guillermo Ríos, escrita en los años noventa, es revisada y adaptada para esta temporada por Santiago Cortina.

El resultado es una puesta en escena que dialoga con las dinámicas actuales de pareja, sin perder la esencia del texto original.

El futbol es aquí mucho más que un telón de fondo: es la herramienta que permite analizar, narrar y hasta celebrar los aciertos y errores de una vida en común.

Argumento: Metáfora futbolística y resonancia emocional

Pablo y Bárbara, después de casi dos décadas juntos, esperan la firma del divorcio, el “silbatazo final” que cerrará su historia de amor.

Mientras tanto, los cronistas deportivos irrumpen en escena para relatar, analizar y reinterpretar los recuerdos, pleitos y reconciliaciones de la pareja con la intensidad de una transmisión deportiva.

El público podrá ser testigo de cómo los protagonistas desmenuzan los momentos más significativos de su relación, desde los inicios hasta los desencuentros que los llevaron a ese punto.

La obra no sigue una cronología rígida; por el contrario, utiliza recursos del futbol como las repeticiones, el análisis de jugadas y los comentarios en tiempo real para iluminar los hitos de la convivencia.

Esta estructura fragmentada y dinámica permite que la historia avance en distintas direcciones, alternando entre la nostalgia, la ironía y la reflexión.

La pareja no solo revive sus mejores goles y sus peores faltas, sino que también enfrenta la presión del público —el espectador— que, como en un estadio, acompaña cada jugada con expectativa.

Funciones, duración y boletos

‘El día que México ganó el Mundial’ se presentará en La Teatrería del 6 al 27 de junio al de 2026, con funciones los sábados a las 18:00 y 20:00 horas.

La obra tiene una duración aproximada de 90 minutos y está pensada para un público adulto, interesado en historias que exploran el amor y el desencanto desde una perspectiva original y cercana.

Las entradas generales tienen un costo de 640 pesos, con opciones de preventa y descuentos especiales.

¿Qué esperar de la obra?

Quienes asistan a la función encontrarán una obra que desafía las convenciones del teatro tradicional, apostando por una narrativa fragmentada y dinámica en la que el futbol y el amor se entrecruzan.

La experiencia invita a la reflexión y al reconocimiento personal, mostrando que el final de una relación puede narrarse con la intensidad, la pasión y la nostalgia de un partido inolvidable.

Así, ‘El día que México ganó el Mundial’ se convierte en una oportunidad para revisitar los grandes “partidos” de la vida amorosa, donde cada pareja juega su final y donde, a pesar del resultado, siempre queda la posibilidad de entender lo vivido desde otra perspectiva.

La propuesta escénica “Sandra y Julia (o lo que queda de ti)” llega al Foro Shakespeare con una temporada que se extiende del 5 al 26 de junio, los viernes a las 20:30.

La obra explora los lazos familiares, el duelo y los silencios que atraviesan generaciones, valiéndose de máscaras teatrales para multiplicar voces y versiones dentro de una misma historia.

El argumento gira en torno a Sandra, quien, tras la muerte de su abuela Julia, regresa a la casa de su infancia guiada por una carta inesperada. En ese regreso, la protagonista se enfrenta a recuerdos y ausencias, descubriendo aspectos desconocidos de su historia familiar.

La puesta en escena recurre a máscaras como recurso visual central, permitiendo que cuatro actores den vida a múltiples edades y matices de la memoria.

En entrevista con Infobae México, el actor Mauricio Moncayo nos contó todo sobre sus papeles en la obra de teatro.

¿De qué trata Sandra y Julia?

“Es una historia que escribió nuestra directora Karla Gordillo. Narra la vida de una mujer, Sandra, cuya abuela le deja una carta. A través de esa carta, la abuela le avisa que le hablará o le enseñará cosas sobre su pasado. Cuando Sandra llega a la casa de su abuela, encuentra recuerdos y momentos del pasado relacionados con la vida de su abuela. La historia aborda cómo, incluso entre familiares cercanos, a veces desconocemos detalles importantes o secretos de su vida que nunca nos contaron o que nunca pensamos en preguntar”.

¿Cuál es tu papel en la historia y cómo participas en el guion de la obra?

“Es teatro de máscaras, teatro físico. No decimos ninguna palabra durante toda la obra. Hay varios personajes porque somos cuatro actores y usamos diecinueve máscaras. En mi caso, interpreto principalmente a las parejas tóxicas o abusivas. Represento tanto a la pareja de Sandra como a la de Julia en el pasado. Ha sido interesante explorar diferentes fisicalidades, ya que ambos personajes son agresivos y erráticos, pero provienen de contextos distintos. Trabajamos en cómo diferenciarlos corporalmente, ya que no hay diálogos que los distingan. Analizamos en qué parte del cuerpo se encuentra cada personaje, cómo camina, cómo se para y cómo reacciona. Ha sido un proceso actoral muy interesante.

¿Cómo te preparaste para hacer a estos personajes?

“De hecho tengo experiencia en baile, soy bailarín, pero en el trabajo con máscaras me sorprendió el nivel de detalle necesario. Es interesante explorar la línea entre evitar la pantomima exagerada, que puede volverse caricaturesca, y, al mismo tiempo, marcar con claridad ciertas situaciones o gestos para que el público los entienda. Ha sido un estar ahí tanteando junto con la directora. Por ejemplo, definir cuántas veces se repite un gesto en particular y cuánto tiempo se mantiene Los silencios, por ejemplo, también son un reto, porque al inicio nos dábamos cuenta de que nosotros sentíamos que ya llevábamos un ratote solo mirándonos, Pero Karla nos decía: “Aguántenlo”, porque ese es el momento en el que la audiencia está completando lo que se están diciendo o qué significa este silencio para los personajes”.

¿Qué es mejor para encarnar un personaje? ¿reflejarse en él o no reflejarse en él en lo absoluto? ¿Cómo es tu relación con los personajes que encarnas y con estos personajes en particular?

“Creo que hay verdad en ambas cosas. Existe la idea de no juzgar a los personajes; tienen una razón de ser en el punto al que llegaron y entenderlos no significa justificarlos necesariamente. Pero también al momento de encontrar esos puntos en los que no soy tan diferente de lo que lo que es esta persona, o las reacciones que puede tener, creo que hace que conectes a nivel humano, porque claro que puede ser algo muy aparte de ti, pero creo que hay ciertos universales a los que, si no te sientes tú completamente, creo que también puedes conectar en otro nivel. En mi proceso, primero reconozco y construyo al personaje sin juzgarlo. Después, busco conectar a nivel humano y entenderlo desde la empatía, analizando cómo su trayectoria es igual o diferente a la mía”.

¿Cuál es la expectativa que tienes tú de la audiencia?

“Al estar trabajando con máscaras ,le hablamos a un par de personas que nos dieron su feedback de si se entendía. Cuando Karla nos habló de teatro de máscaras y sin diálogos, pensamos que sería algo sencillo a nivel narrativo, pero no, que nos avienta de todo, desde brincos en el tiempo, hasta múltiples personajes en diferentes puntos de edad. Mi expectativa es que el público pueda identificarse y reconocer en su propia vida ciclos o situaciones que se repiten, y que tal vez sean ellos quienes puedan romperlos. Lograrlo requiere valor y una convicción muy fuerte”.

¿Cuál sería la forma que tú aconsejarías para que más más personas fuéramos al teatro?

“Estamos en México en este limbo curioso donde se hace y se consume bastante teatro, pero aun así siempre oímos que se está muriendo el teatro. Mucho de lo que conocemos es el teatro más grande, ¿no? Tipo las grandes producciones. Y claro que eso se trata como ir a un evento. Creo que conocer otras producciones, otros espacios que te pueden dar historias muy interesantes y distintas es ideal. sobre todo en este punto en el que siento que nuestro contenido multimedia o entretenimiento se está volviendo un poco homogéneo. Creo que el teatro es un refugio donde todavía se exploran y se pueden hacer muchas propuestas que en otros medios se busca lo seguro”.

Hamlet, continúe (Please, Continue -Hamlet-), la performance del director catalán Roger Bernat y el dramaturgo suizo Yan Duyvendak, transforma el escenario en un tribunal real: jueces, fiscales, abogados y peritos son profesionales del sistema judicial argentino convocados para cada función, y parte del público es sorteado para integrar el jurado popular que emite el veredicto.

Hamlet llega a Buenos Aires convertido en un expediente judicial, y Paraíso Club lo trae al Teatro Regio del Complejo Teatral de Buenos Aires (CTBA) durante dos únicas funciones los días 5 y 6 de junio a las 20 hs.

La propuesta toma el caso de Shakespeare como punto de partida —un joven acusado de matar a su tío, quien a su vez había asesinado a su padre— y lo convierte en un juicio con todas las formalidades legales.

La pieza, que acumula más de 160 presentaciones en 13 países desde su estreno, refuerza la dimensión aurática del teatro. El dispositivo escénico plantea que cada función sea irrepetible: la jueza sortea entre los espectadores a quienes integrarán el jurado popular, que delibera en una sala aparte antes de emitir su fallo. El veredicto varía de noche en noche.

“Los juicios son representaciones que se realizan en todas partes, pero en cada país, incluso en cada región, tienen particularidades de procedimiento que, desde el punto de vista teatral, no solo definen el desarrollo del juicio sino que definen una cultura”, señala Roger Bernat.

Y agrega: “Asistir a un juicio en un marco teatral nos da la oportunidad de fijarnos en los síntomas de una sociedad sin tener que preocuparnos por la enfermedad del enfermo, dado que, pase lo que pase, el veredicto no va a tener consecuencias”.

Para Bernat, la conexión entre la tragedia isabelina y el presente no requiere actualización forzada: “Hamlet es un tipo que se enfrenta a un problema que lo sobrepasa, y sus respuestas son siempre insuficientes o directamente malas. Como se suele decir ahora, el sistema lo machaca, aunque él haga todo lo posible por encajar”.

Los únicos roles a cargo de actores son el del propio Hamlet, interpretado por Julián Larquier, y los testigos Gertrudis (Alejandra Flechner) y Ofelia (Bárbara Massó). El resto del tribunal está integrado por figuras del derecho argentino, que en esta oportunidad son los abogados defensores Ricardo Gil Lavedra y Graciana Peñafort; los fiscales María Piqué y Manuel Garrido; las juezas Karina Andrade y Natalia Ohman; el perito psiquiatra Leonardo Ghioldi; el perito forense Santiago Maffia; y la secretaria judicial Paula Garrido.

La producción local está a cargo de Paraíso Club, que articuló con el CTBA, el Centro Cultural 25 de Mayo, el Goethe-Institut, el Instituto Francés y Pro Helvetia para sumar financiamiento internacional. “La programación internacional de Paraíso apuesta al cruce con escenas de otros países que nos permitan entrar en contacto con lenguajes contemporáneos que tienen como interrogante cómo puede ser un teatro que enfrente los desafíos del siglo XXI”, explicó Cynthia Edul, directora de Paraíso Club. “Es una gran apuesta económica que se puede hacer en la medida en que articulamos con instituciones públicas e internacionales.”

Edul subrayó que cada título implica más de un año de gestión con las compañías y las instituciones aliadas, y que los resultados se traducen en posibilidades de internacionalización en un contexto de retracción de la cultura en Argentina. Hamlet, continúe marca la segunda colaboración entre Paraíso y el CTBA, luego de la presentación de Centroamérica de Lagartijas tiradas al sol en el Teatro de la Ribera en marzo.

Fotos: gentileza prensa Paraíso Club (©Magali Girardin y ©Greg Noo-Wak_32).

“Por suerte estamos muy bien disfrutando de este momento, revinculándonos como familia, así que muy bien”, respondió Araceli cuando le preguntaron cómo estaba hoy el vínculo con Suar. Sobre quién dio el primer paso en este acercamiento, no dudó: “Yo, yo, yo. Yo lloro y avanzo, es así. Lo di. Creo que es el trabajo de muchos años, ¿viste? No es que uno de golpe hace las cosas. Hace de golpe después de trabajar mucho en uno. Así es”.

La actriz contó que el proceso de acercamiento no fue repentino, sino el resultado de un trabajo interno y conversaciones profundas. También relató que la invitación para el estreno vino directamente del productor teatral, tras una cena emotiva: “Tuvimos una cena preciosa los tres, nos reímos mucho, fue muy emocionante y ahí nos invitó a venir a todos”.

Consultada sobre si la unión fue por todos o por algo puntual, Araceli explicó que, en lo personal, tomó la iniciativa por su hijo. “No quiero preguntas más incómodas para él en su vida”, afirmó, en referencia a Toto Kirzner. La actriz remarcó la importancia de dar un paso al costado con los conflictos para priorizar el bienestar familiar: “Estamos en nuestro lugar también, ¿no? Es como que uno se va apartando con los conflictos, pero ahora es un momento muy lindo”.

Acerca de la presencia de Fabián Mazzei, Araceli aclaró que no la acompañó esa noche porque tenía otro compromiso: “Fabi hoy tuvo la presentación de Disney, pero él va a estar en el estreno de Toto en agosto”. Ante la pregunta sobre el presente de la pareja, fue contundente: “Hermoso, hermoso”, y sumó que Fabián estaba invitado, pero que consideraron que esa noche era especial para el núcleo familiar ensamblado con Suar y sus hijos: “Vamos de a poco, ¿no? Si no, ya los ravioles el domingo. Vamos de a poco, vamos de a poco”.

Sobre la posibilidad de que en el futuro puedan compartir encuentros más amplios, incluyendo a las respectivas parejas, Araceli se mostró abierta y recordó que ya vivió algo similar con el padre de su hija Florencia, Ruben Torrente, quien falleció: “Yo creo que con el padre de mi hija, que lamentablemente falleció, era así la relación. Por eso estamos muy felices. Es un momento hermoso”.

La actriz celebró también la oportunidad de conocer a Margarita, hija de Suar y de Griselda Siciliani. “Ahora creo que tiene la misma fila, voy a conocer a Margarita, que no la conozco”, comentó entre risas y buen humor, dejando en claro que la reconstrucción del vínculo familiar está en marcha y que las puertas están abiertas para sumar nuevos afectos.

Cuando le preguntaron si hablaban de los asuntos económicos y del pasado, Araceli fue clara: “Todo, todo, todo. Eso quedó atrás. Otra vida”. El mensaje fue directo: la actriz prefiere mirar hacia adelante y dejar el pasado judicial y mediático en el olvido.

Al final de la entrevista, y ante una pregunta sobre si compartirían una comida después de la función, Araceli aclaró que no habría festejo extendido: “No, yo me voy a casa porque Toto se levanta temprano y Flor también”. La actriz se despidió con una sonrisa, en medio de los saludos y la expectativa de los fans y la prensa, y bromeó sobre la generación de Rocío Robles, la actual pareja de Suar, a quien dijo no conocer aún en persona. “No, yo mucho no conozco. Yo no estoy en todos lados y ella es joven. Yo soy otra camada, soy más grande”, cerró, con buen humor.

Crédito: RSFotos

Durante décadas, la cultura popular ha construido una imagen recurrente del cómico: alguien capaz de hacer reír a todos mientras, fuera del escenario, arrastra una vida solitaria, triste o incluso oscura. El llamado “síndrome del payaso triste” ha sido repetido en películas, biografías y titulares, hasta convertirse casi en una verdad asumida.

La muerte de Robin Williams reforzó ese imaginario colectivo. ¿Cómo alguien que había hecho reír a millones podía estar tan lejos de la felicidad? Desde entonces, la pregunta se repite: ¿la comedia es una máscara? ¿un refugio? ¿o una forma de supervivencia emocional? Pero, ¿qué hay de verdad en ese relato? ¿Es el cómico, necesariamente, una persona herida que sube al escenario para llenar una carencia? ¿O estamos ante un cliché que simplifica en exceso una realidad mucho más diversa?

Este reportaje se adentra en la vida nocturna de la comedia en Madrid para contrastar ese imaginario con la experiencia real de tres cómicos en activo y el análisis de profesores de comedia y una psicóloga vinculada al humor escénico. Del escenario a la cotidianeidad, de la risa pública al silencio privado, la pregunta es clara: ¿qué queda del cómico cuando se baja del escenario?

Subirse al escenario por carencia: Ignatius Farray

Cualquier jueves, a las 11 de la noche, el Beer Station empieza a vaciarse. El público sale comentando chistes, todavía riendo, buscando taxis o bares abiertos. Sobre el escenario, sin embargo, Ignatius Farray continúa. Su show tenía una duración prevista de 75 minutos, pero nadie parece saber exactamente cuándo terminará. “Es impredecible”, advierte el camarero. A veces se alarga una hora más. A veces dos.

La primera vez que acudí para entrevistarlo no entré al teatro. Me quedé esperando fuera, convencido de que el espectáculo estaba a punto de acabar. Pasó media hora. Luego otra. Al preguntar si Ignatius había salido por la puerta de atrás, la respuesta fue clara: seguía actuando. No había estimaciones fiables. Solo una certeza compartida por el personal del local: cuando se sube al escenario, no hay reloj que valga.

La espera se hizo más larga de lo previsto. El móvil, casi sin batería, obligó a tomar una decisión práctica: volver otro día, esta vez como espectador, y asegurar la entrevista al final del show. Aquella noche terminó sin conversación, pero con una intuición clara: algo ocurría ahí arriba que no encajaba del todo con la idea de la comedia como mero entretenimiento programado.

Ignatius Farray no esquiva el cliché del “cómico triste”: lo asume. Cuando se le pregunta qué queda de él al bajar del escenario, no duda en reconocer una fractura clara entre el personaje y la vida cotidiana. “Yo, en concreto, sí que cambio mucho de estar arriba a estar fuera del escenario. Soy una persona que tiende a los remordimientos, al arrepentimiento. En mi caso, sinceramente, el estereotipo sí que se cumple”.

Para Ignatius, el escenario no es solo un lugar de trabajo ni un espacio de exhibición, sino un territorio de necesidad. Subirse a actuar no responde tanto al talento como a algo más profundo. “La persona que convierte el subirse a un escenario en una costumbre, no lo hace porque tenga un talento especial, sino porque tiene la necesidad de hacerlo. Y la necesidad nace de la carencia. Y en la carencia está el dolor”.

Ese dolor no se presenta como una anomalía, sino como una condición compartida, una sombra común que cada persona gestiona de forma distinta. En su caso, la resolución se produce frente al público. “Todo el mundo tiene una sombra. Pero no todo el mundo la resuelve de la misma manera. Hay personas que eso lo resuelven arriba de un escenario”.

La experiencia escénica, explica, es paradójica: profundamente dolorosa y al mismo tiempo placentera. Una exposición extrema que exige vulnerabilidad y coraje. “Subirse a un escenario es algo muy doloroso y muy placentero a la vez. Te puedes sentir muy expuesto, muy vulnerable. Y la persona que reúne el coraje para hacerlo tiene que necesitarlo mucho”. Esa necesidad también explica su forma de actuar: funciones que se alargan más allá del tiempo previsto, actuaciones que parecen no querer terminar. “Cuando tienes una necesidad, lo haces de manera compulsiva. Y entonces se te va de las manos”.

Lejos de entender la comedia como una vía de escape, Ignatius rechaza frontalmente esa idea. Para él, el humor no sirve para evadirse de la realidad, sino para enfrentarse a ella. “Me jode mucho cuando la gente dice que va a ver comedia para evadirse de la realidad. Si lo que ves arriba del escenario es bueno, es todo lo contrario: te mete de lleno en la realidad del mundo y de la vida”. Defiende la comedia como forma de trabajar con el absurdo y el sinsentido porque ahí reside una parte esencial de lo real. “La realidad es absurda. Y la comedia tiene mucho de eso. Ojalá la comedia te abra los ojos y te diga de verdad cómo es el mundo”.

En cuanto a los límites del humor, Ignatius no habla de temas prohibidos, sino de formas irresponsables de reírse de algo. “Uno se puede reír de todo, pero no de cualquier manera. Hay risas intolerables y maneras de hacer comedia que son meteduras de pata”. Asumir ese riesgo forma parte del oficio. Por el contrario, nos avisa de que callarse por miedo empobrece el lenguaje humorístico y la libertad creativa. “La libertad es angustia. Es jugártela y no saber si ese chiste va a entrar o no. Pero cuando entra, se crea una complicidad muy especial”.

Al hablar de los inicios, rechaza dar fórmulas cerradas. El único consejo que se permite es evitar la imitación excesiva y lanzarse al vacío creativo. “La tentación es hacerlo como se supone que hay que hacerlo. Pero, en la medida de lo posible, hay que evitar eso y hacerlo como te salga del corazón”. Para explicarlo, recurre a una frase de Samuel Beckett que resume su filosofía artística: Dance first, think later. That’s the natural order.

Y concluye con una idea que, aunque en su día le pareció cursi, hoy considera central en la comedia: “Lo más importante para un cómico es tener corazón. No esconderte detrás de una trinchera, sino exponerte y dejarte afectar por la mirada del público”.

El escenario como recreo: Javi Durán

A diferencia de Ignatius Farray, Javi Durán no describe el escenario como un lugar de carencia, sino como una extensión natural de su vida. Para él, subirse a actuar no supone una ruptura con la cotidianidad, sino uno de los pilares que sostienen su equilibrio personal. “El escenario es solo una pata de la mesa de todo lo que hago. Mi cabeza sigue funcionando exactamente igual. Para mí, el escenario es como el recreo”.

Durán concibe la comedia como el resultado visible de un trabajo que ocurre, sobre todo, fuera del foco. La respuesta del público no solo valida lo que sucede arriba, sino también el esfuerzo previo: la creación de contenido, la constancia y el cuidado personal. “Si viene mucha gente al show, es que lo estoy haciendo bien fuera del escenario. Y ya he aprendido que para mí es muy importante la estabilidad mental: ir al gimnasio, tener la cabeza bien”.

Su proceso creativo se ha ido alejando de la escritura clásica frente al ordenador para encontrar el material directamente en el escenario. Los open mics funcionan, en su caso, como un laboratorio permanente. “Los open son mi gimnasio cómico. Voy mínimo a tres a la semana. A veces voy con una idea en mente y empiezo a hablar, y según veo por dónde va, digo: ‘Hostia, esto ha ido bien’”.

La inspiración aparece en Durán de forma inesperada: en la moto, en la calle, en mitad del día. El escenario no es solo el lugar donde se ejecuta el chiste, sino donde se descubre. “Antes era más de abrir un Word y escribir. Ahora cada vez menos. Me funciona mejor encontrarlo en el escenario”.

Con casi nueve años de experiencia, Durán reconoce que una de sus fortalezas siempre ha sido la interacción con el público. No como una técnica aprendida, sino como una habilidad natural que ha ido puliendo con el tiempo. “Manejar el público, ser rápido… siempre lo he tenido. Luego lo que tienes que trabajar es lo que no se te da tanto”. En cuanto al vínculo emocional con el escenario, su relación dista mucho de la idea del cómico que no sabe bajarse del foco. Aquí, la función tiene un principio y un final que son claros. “Yo vengo, hago lo que quiero hacer y me piro. No soy de alargar el show porque sí. Respeto absoluto a Ignatius, pero yo no tengo esa necesidad”.

Esa diferencia marca también su visión sobre la famosa “carencia” del cómico. Mientras otros encuentran en el escenario una forma de saciar algo que falta, Durán no se reconoce en ese relato. “Yo no lo tengo. No siento que tenga que cubrir nada arriba del escenario”. Su estilo se apoya en exponerse a sí mismo como primer objetivo del chiste, una estrategia que, según explica, genera confianza y relaja al público. “Cuando me disparo a mí mismo, todo el mundo se relaja. Yo voy a pintar un paisaje, pero estoy ahí dentro”.

En este caso, la comedia sí cumple una función emocional clara. No tanto como evasión inmediata, sino como una herramienta para procesar lo vivido. “Cuando me pasa algo muy malo, sé que, dándole las semanas que toque, ahí va a haber un buen chiste. Pero hay cosas que no hacen gracia en el momento. Hay que procesarlas”.

Desde una mirada más amplia, Durán define a los cómicos como observadores externos, retratistas de una realidad que ya existe. “Somos retratistas del paisaje. Yo no he construido esas casas: el suelo ya estaba ahí, yo solo lo pinto”. Cuando habla a quienes empiezan, su consejo es directo y sin épica: hacer, probar y tener paciencia. Y concluye con una advertencia que se repite en su discurso: “No tengas prisa. Esto no es una carrera de fútbol. Es una maratón”.

El oficio y la supervivencia: Mikel Bermejo

Si Ignatius Farray habla del escenario como una necesidad emocional y Javi Durán lo vive como un espacio de disfrute, Mikel Bermejo introduce una tercera vía: la del oficio construido desde la supervivencia.

Bermejo no se reconoce en la imagen del cómico permanentemente gracioso fuera del escenario. Al contrario, describe una separación clara entre el foco y la vida cotidiana. “Cuando acabamos el show, siempre acabamos en el hotel o cenando un kebab solos. No es lo que la gente cree”.

En su entorno personal, no ocupa el rol del gracioso del grupo. Esa función se activa exclusivamente sobre el escenario. “En mi grupo de amigos paso desapercibido. Creo que es porque todos tenemos un ego. Yo el mío lo sacio encima del escenario. Cuando bajo, ya no tengo que cubrir nada”.

En sus primeros años, la motivación no era tanto expresiva como práctica. Subirse a actuar respondía a una necesidad concreta: ganarse la vida. “Al principio no era por ego. Era por supervivencia. Yo quería poder pagar el alquiler y comer”. Esa lógica marcó una etapa de comedia hecha en condiciones adversas: bares, fiestas de pueblo y locales no preparados para escuchar. “Llegabas y pensabas: ‘¿Cómo hago para que esta gente me haga caso?’”.

De ahí surge una de las claves de su trayectoria: la interacción con el público, hoy conocida como crowdwork. Sin embargo, en el caso de Bermejo, no era una técnica ni una moda. “Yo no lo llamaba crowdwork. Yo lo llamaba sobrevivir. O hacía eso, o el show no salía bien”. La improvisación no nacía de la búsqueda creativa, sino de la necesidad de captar la atención en entornos hostiles: discotecas, público borracho, música de fondo. “Paraban la música, la gente estaba mamada… ¿cómo ganas la atención?”.

Con el tiempo, esa forma de trabajar se convirtió en una seña de identidad. Aunque reconoce que no fue pionero, sí fue de los primeros en trasladar ese material a redes sociales. “Yo empecé a subir vídeos en 2018, cuando la gente lo hacía pero no lo subía”. La decisión no fue evidente desde el principio. De hecho, fue su pareja quien le señaló que aquello improvisado conectaba más que el texto escrito. “Me dijo: ‘Tu texto está muy bien, pero lo otro es más gracioso’. Y yo pensaba que eso no tenía futuro”.

El contexto en el que se formó Bermejo explica parte de su mirada. Cuando empezó, el circuito era mínimo. “En Madrid había dos open mics. Ahora puede haber 30 tranquilamente”. Durante meses llegó a actuar todos los días de la semana, combinando trabajo y comedia. La rutina era estricta: escribir a diario, probar material constantemente y aprender a base de ensayo y error. “Por el día escribía chistes. Mínimo una hora”.

En aquella etapa, recuerda, los rookies disponían de apenas tres minutos para demostrar si funcionaban. Ese sistema, más exigente, obligaba a una precisión extrema. “En tres minutos tenías que meter 12 o 15 chistes”. La repetición constante enseñaba algo fundamental: que un mismo texto no funciona igual en todos los contextos. “El mismo chiste podía funcionar en un sitio y no entrar en otro, con la misma energía y la misma pausa”.

Hoy, con la estabilidad profesional alcanzada, Bermejo reconoce que el ego ha quedado en segundo plano. Lo que permanece es el respeto al oficio y a quienes lo ejercen. “Yo ya no tengo esa necesidad de quedar por encima de nadie en el escenario”.

Entre el mito del “payaso triste” y la máscara escénica: Edu Ruiz

Para Edu Ruiz, cómico y profesor de comedia, el llamado “síndrome del payaso triste” es, en gran parte, una construcción cultural romantizada. No porque niegue el malestar emocional de algunos artistas, sino porque considera que ese malestar no es exclusivo del cómico, sino transversal a cualquier profesión y a cualquier época. “En el fondo, cualquier persona en la España de hoy (y probablemente en cualquier momento de la civilización occidental) tiene un pozo de pesimismo o tristeza, unos más que otros”.

Para explicarlo, Ruiz recurre a comparaciones alejadas del mundo de la comedia: un chef obsesionado con su trabajo que vive para crear platos, un profesor entregado que motiva a sus alumnos pero vuelve solo a casa, o un músico que experimenta el subidón del escenario y el vacío posterior. En todos los casos, el contraste no nace del oficio en sí, sino de la diferencia entre la intensidad del trabajo vocacional y la vida cotidiana.

En la comedia, ese contraste puede ser especialmente visible porque la risa funciona como una señal inmediata de validación: cuando alguien se ríe, hay una confirmación directa de aceptación, de pertenencia y de valor personal. Al desaparecer ese estímulo, el bajón puede sentirse con más fuerza, pero no es una anomalía exclusiva del cómico.

Desde su experiencia docente, Ruiz matiza además la idea de “personaje” escénico. En sus clases evita ese término y habla más bien de la “persona cómica”. El cómico no deja de ser él mismo en el escenario, sino que modula partes de su personalidad, del mismo modo que cualquier persona se comporta de forma distinta según el contexto social. “No soy el mismo con mis alumnos que con otros profesores, ni con mis amigos que con mi suegro. En el escenario pasa lo mismo: eres tú, pero con la mesa de mezclas ajustada”.

Edu Ruiz insiste en una idea central: el cómico no crea un personaje ajeno, sino que exagera, deforma y amplifica rasgos propios. El escenario no exige convertirse en otro, sino aprender a ser una versión distinta de uno mismo. “En el escenario subes tu parte más exagerada, más deformada, pero no dejas de ser tú mismo. Eso es lo difícil: ser tú mismo de una forma diferente a la cotidiana”.

La clave no está en “comportarse distinto”, sino en activar una parte concreta de la personalidad, llevándola más lejos de lo que permitiría la vida diaria. Esa deformación, explica, es un proceso consciente y entrenable. En sus clases, insiste en evitar la imitación directa de otros cómicos. No porque aprender de referentes sea negativo, sino porque copiar voces ajenas impide encontrar una propia. “Puedes copiar la estructura, la forma del chiste, la presencia escénica… pero no la voz. Si eres cantante e intentas imitar al cantante de Marea, vas a fracasar. Pero si cantas como tú mismo, va a ser más auténtico”.

Esa búsqueda de autenticidad es, para Ruiz, el mayor reto del aprendizaje cómico. Encontrar una voz propia implica ensayo, error y tiempo, y no todos los alumnos llegan al mismo ritmo. “Hay gente que lo encuentra muy pronto y otra a la que le cuesta más. A mí mismo me costó encontrar el punto en el que estaba cómodo, me era fácil y funcionaba”.

En su propio caso, relata cómo ese proceso lo llevó a integrar elementos del clown en su comedia, descubriendo un registro que ya formaba parte de él desde la infancia. “Me encontré cómodo cuando incorporé el clown: un clown inocente, tierno, que solo quiere caer bien. Eso era algo que llevaba haciendo toda la vida”. Ese hallazgo no surgió de la imitación, sino del reconocimiento de una inclinación personal que ya estaba presente en otros contextos: dinamización de grupos, trabajo con niños o animación de adultos. “Cuando llevé eso al stand-up, entendí que esa era mi voz”.

Desde esta perspectiva, la comedia no consiste en construir una máscara artificial, sino en afinar una identidad escénica hasta hacerla reconocible, sostenible y honesta.

El “payaso roto”: Jaime Bartolomé

Para Jaime Bartolomé, cómico y profesor de comedia, el cliché del payaso triste se queda corto. En su experiencia, el problema no es tanto la tristeza como la fractura. “Yo más que del payaso triste hablaría del payaso roto. Y creo que es diferente”.

Bartolomé defiende que no hay cómico que no esté roto por algún sitio, aunque esa rotura no siempre adopte la forma de melancolía o depresión. Puede ser inseguridad, timidez, necesidad de validación o sensación de no encajar. La comedia funciona como un mecanismo de defensa y, en muchos casos, como una forma de reparación parcial. No siempre suficiente, pero sí significativa. “La comedia es una manera de curar cosas. En algunos casos repara lo suficiente. En otros, no”.

Bartolomé no niega la existencia del “payaso triste”, pero la sitúa como un caso extremo dentro de un espectro más amplio. El ejemplo que menciona es recurrente en el imaginario colectivo: “Robin Williams es el paradigma: una persona que parecía pura alegría y que, poco después de una entrevista brillante, se suicida”.

Sin reducirlo todo a una explicación psicológica simple (“el cerebro humano es un misterio”, nos avisa), Bartolomé insiste en que la clave está en entender la comedia como respuesta a una grieta previa, no como su causa. Además, desde sus vivencias como docente de comedia, asegura detectar esas grietas con rapidez en el aula. “En la sexta clase ya soy capaz de ver por dónde está roto cada alumno. En algunos se ve en el minuto uno; en otros tarda más. Pero la grieta está”.

Para explicarlo, recurre a una metáfora provocadora tomada de la biología evolutiva: mientras unos destacan por su apariencia o su talento musical, otros encuentran en el humor una vía alternativa de visibilidad y relación. “En el ser humano hay un tercer tipo de “pichón rojo”: el que no canta bien ni tiene plumas bonitas, pero cuenta chistes”.

Bartolomé no plantea esto como una estrategia consciente ni calculada, sino como una adaptación progresiva, casi intuitiva, a un entorno en el que el humor permite ser visto, escuchado y aceptado. Sostiene que la distancia entre la persona real y la figura que aparece en el escenario existe, pero es mucho menor que en otras disciplinas artísticas. “Creo que hay mucha más distancia en los actores dramáticos que en los cómicos”.

Mientras un actor puede interpretar personajes completamente ajenos a su identidad cotidiana, el cómico no deja nunca de ser él mismo, aunque sí aparece deformado, exagerado o amplificado, según explica. De esta forma, recurre a una metáfora clásica de la literatura española: los espejos deformantes del esperpento. “Cuando subimos al escenario, nos ponemos delante de esos espejos de feria que te engordan, te hacen flaco o te deforman. Lo que sale es una versión distorsionada de nosotros mismos”.

Exposición, validación y defensa: Laura del Barrio

Desde la psicología, hablar ante un público implica inevitablemente exponerse a la evaluación externa. Al dirigirse a un grupo, se activan inseguridades, aparece la sensación de ser observado y juzgado, y surge el miedo a no gustar. Cuando, además, el objetivo concreto es provocar risa, la presión aumenta: no solo se expone la persona, sino que su desempeño se mide en función de un resultado inmediato.

Laura del Barrio, psicóloga con experiencia en interpretación, comedia y creación de contenido, explica que en la comedia no existen fórmulas universales. “El mismo chiste puede funcionar con un público y no hacerlo con otro, dependiendo de factores culturales, sociales o emocionales”.

Esa imprevisibilidad intensifica la tensión emocional del cómico. Por otro lado, muchos humoristas hablan de una “necesidad” o “carencia” que les impulsa a subirse al escenario. Esta idea, a nivel psicológico, tiene sentido si se entiende la necesidad como la búsqueda de un beneficio emocional. Según Del Barrio, una de las motivaciones frecuentes es la búsqueda de aceptación y validación: “Reírse de uno mismo puede ser una forma de anticiparse a la crítica externa; al exponer primero la vulnerabilidad desde el humor, se desactiva parte de su impacto y se recupera cierto control”.

La validación del público juega un papel central en la comedia. A diferencia de otros trabajos, el feedback es inmediato, visible y audible. “La risa no es fingible durante una hora”.

Esa respuesta directa puede aumentar la dependencia del reconocimiento externo, especialmente cuando el “producto” no es algo separado del trabajador, sino la propia persona. “La ausencia de risa puede vivirse no como un fallo del material, sino como un cuestionamiento personal”.

En este sentido, la comedia también puede funcionar como un mecanismo de regulación emocional y autoprotección. El humor permite tomar distancia de experiencias dolorosas, resignificarlas y convertirlas en relato compartido. “No hay una base clínica clara que sostenga el cliché del ‘payaso triste’ como norma, pero sí es comprensible que personas con mayor necesidad de expresar o elaborar experiencias difíciles encuentren en la comedia una herramienta especialmente eficaz”.

El riesgo aparece cuando la validación externa se convierte en el único regulador de la autoestima, algo que las redes sociales amplifican al multiplicar tanto el reconocimiento como la crítica. Como conclusión, según Del Barrio, el llamado “payaso triste” es más una simplificación cultural que una realidad psicológica general. “El humor transforma el dolor en algo compartido, pero hablar de una regla universal es reducir una experiencia mucho más compleja y diversa”.

¿Qué sacamos en claro?

Después de escuchar a tres cómicos en activo y a tres voces vinculadas a la enseñanza de la comedia y a la psicología, el cliché del payaso triste o, mejor dicho, del payaso roto, aparece menos como una verdad universal y más como una simplificación. No todos los cómicos son personas apagadas cuando se bajan del escenario, ni todos viven la comedia como una huida. Pero casi todos comparten una relación intensa (y a veces contradictoria) con la exposición, la mirada del otro y la necesidad de ser escuchados.

Entonces, ¿qué queda del cómico cuando se baja del escenario? Queda una persona. No necesariamente triste. No necesariamente feliz. Una persona que, durante un rato, ha tenido el control remoto de una sala llena de desconocidos. Y que, al bajar, vuelve a una vida donde ese poder desaparece. Para algunos, ese contraste pesa. Para otros, libera. Para casi todos, explica por qué la comedia no es solo un oficio, sino una forma muy concreta de estar en el mundo.

En una cabaña perdida entre la nieve, donde el silencio pesa tanto como el temor, Paul Sheldon despierta a un destino incierto. Afuera, la tormenta es paisaje; adentro, cada palabra escrita puede sellar su suerte. Sobre las tablas, esa tensión se traslada a la piel de Juan Gil Navarro, quien junto a Julia Calvo dará vida a los inolvidables protagonistas de Misery, la obra de Stephen King que desafía los límites entre la admiración y la obsesión. En exclusiva con Teleshow, el actor revela los secretos de un proyecto que lo saca de su zona de confort y lo enfrenta a un género pocas veces explorado en su carrera.

El encuentro tuvo lugar en el corazón de Villa Crespo, en una habitación luminosa y repleta de libros, pósters de obras y fotos. Como si el clima de encierro y desvelo de la ficción se filtrara en la vida real, Gil Navarro se mueve con la soltura de quien ha transitado escenarios y sets diversos: desde el drama intenso de Las brujas de Salem y Druk, hasta los desafíos corales de Votemos y los fenómenos televisivos que lo convirtieron en un rostro familiar para el público.

No se trata solo de protagonizar una historia de encierro, fijación y locura. El rol de Paul Sheldon lo enfrenta con dilemas que trascienden la ficción y lo invitan a reflexionar sobre los límites de la admiración, la salud mental y el poder de la palabra. Como si la atmósfera de la sala donde transcurre la entrevista, invadida de recuerdos, guiños teatrales y futuros posibles, fuera la antesala de la obra que en pocos días cobrará vida bajo las luces del Teatro Metropolitan, y nuevamente con la dirección Manuel González Gil, en la emblemática calle Corrientes, el próximo 18 de junio. Allí, el reconocido actor se prepara para provocar, inquietar y conmover a un público que busca mucho más que un simple sobresalto.

—¿Qué te sedujo en primer lugar para aceptar un proyecto tan desafiante y en un género como el terror psicológico?

—Justamente eso, el diferencial. El drama tiene sus reglas y la comedia tiene sus reglas. Esto, que es más suspenso y terror psicológico, también tiene una manera distinta de ensayar y de ejecutarse en el escenario. Requiere mucha precisión. Incorpora elementos muy fuertes para la narración, como la incidencia de la luz y la música, que en otros géneros pueden estar más o menos presentes, pero acá son decisivos.

—¿Habías leído alguna obra de Stephen King o visto la adaptación cinematográfica?

—No soy fanático del terror o del suspenso psicológico. En general me han gustado otros géneros. Recuerdo haber visto la película hace muchos años, cuando se estrenó. También recuerdo haber visto esta obra en 1999.

—¿Cuál fue el primer pensamiento que tuviste al ver tu personaje y leer sobre él?

—Siempre me pareció interesante la figura del escritor, como un testigo del mundo que habita, alguien que tiene algo para decir. Hay escritores con los que sentí una atracción por su pensamiento, más allá de lo que escribían. Es la primera vez que me toca contar la historia de un escritor. Además, el personaje es muy narcisista, un poco omnipotente al principio de la historia, hasta que se encuentra sujeto a algo en lo cual su omnipotencia no lo ayuda. Lo que lo va a ayudar es su ingenio, su sentido del humor y su ironía.

Un amigo me dijo hace poco: “Esto de alguna manera habla de la esclavitud, ¿no?”. No lo había pensado desde ese lugar, pero tiene que ver con lo que hacemos ahora, tanto mundial como localmente, para encontrar posturas y salidas frente a la estupidez, la locura y el maltrato. Eso fue lo que me sedujo.

—¿Cómo fue la construcción de tu personaje? ¿Investigaste sobre él o viste escenas de versiones anteriores?

—No quise ver nada. Si me tocara hacer Hamlet, tampoco vería nada del trabajo de otros. Me divierte mucho encontrar mi propia visión respecto a esto.

—¿Cuál fue el primer desafío que encontraste al encarar este personaje en los primeros ensayos?

—El desafío siempre es constante. No se diferencia de otro proceso. Todo parte de un caos y de algo muy general, y después se va ciñendo de a poco hasta que, por conveniencias y convenciones, uno va encontrando algo. Cuando ya tenés eso, pasas al escenario y otra vez todo se vuelve caótico y lo moldeas hasta llegar a un punto de partida, porque la obra siempre está viva y cada vez que se representa tiene matices. No es lo mismo ver la función número uno que la número cuarenta o la noventa. Siempre hay algo que va creciendo. El desafío es ese: producir un descubrimiento, llegar a un acuerdo y entender que todas las noches puede ser diferente, con más o menos matices.

—¿Cómo fue reencontrarte con Julia y con estos personajes tan fuertes?

—Conocí a Julia haciendo teatro en una obra que se llamaba Las alegres mujeres de Shakespeare hace muchos años. Luego trabajamos juntos en Soy gitano, en Las brujas de Salem y ahora aquí. Es un placer. Julia es una rockstar, una actriz con mucho trabajo hecho detrás. Tiene una mirada sobre el oficio que me encanta y respeto mucho. Comulgo con esa idea de tomarse muy en serio el trabajo, pero no a uno mismo.

—¿En algún momento durante los ensayos, más allá del vínculo entre ustedes, empezaste a sentir miedo por las interpretaciones?

—No, es un juego. Tengo muy claro que lo es y lo juego intensamente. Puede que alguien de afuera pregunte si estoy bien, pero es un truco de magia. El trabajo del actor es un truco de magia. La paloma no sufre cuando la agarra el mago; nadie sale lastimado y la gente ve cosas espantosas, pero es un truco.

—Has trabajado recientemente en En el barro y en Druk. ¿Qué tiene de distinto este proyecto que te hizo elegirlo?

—No me gusta repetirme. En este momento de mi vida, tengo una postura más vehemente respecto a varios temas y necesito encontrar cosas que acompañen esa visión. Antes me relajaba más con algunos proyectos, pero ahora busco que lo que hago esté en línea con lo que quiero contar y cómo quiero contarlo.

—En esta obra se tratan temas como la obsesión y la salud mental. ¿Sentís que puede ayudar al público a reflexionar sobre estos temas?

—No lo sé, honestamente. Lo único que sé es que nosotros podemos hacer algo y ponerlo en escena. Luego, depende de cada espectador y de su sensibilidad si quiere llevarse algo. Hay gente que se para frente a Guernica y no le pasa nada; depende mucho de cada uno. No es una pastilla salida de un laboratorio para que alguien la tome y diga: “Ahora me di cuenta de esto”. Espero que quien tenga ganas y se acerque a ver esto pueda, además de pasar un buen rato, pensar que la obra habla de otras cosas y que tenga una segunda lectura.

—¿Alguna vez viviste una situación en la que un fan se haya sobrepasado o hecho algo fuera de lugar?

—No, no me acuerdo. Siempre hay alguien que tiene alguna expectativa, pero en general he tenido suerte. Tampoco soy John Lennon para que alguien quiera matarme. O eso espero.

—¿Qué tiene el teatro para vos que lo diferencia de otros formatos y lo seguís eligiendo?

—El teatro tiene corazón. Todo bien con el cine y las series, pero las escenas en lo audiovisual son cada vez más flojas a nivel de diálogo. Crecí con una televisión donde había escenas de cuatro o cinco páginas, y eso se ha perdido bastante. Cada tanto lo encuentro en algo extranjero, como si en otros lugares se permitiera explorar más. Las cosas que suelo ver acá me parecen muy básicas.

—Y en la actualidad, ¿cómo te sentís con el hecho de que no existe la ficción en la televisión y todo pasa a plataformas o a este fenómeno conocido como “novelas verticales”?

—Es difícil. Cuando apareció el streaming, había cosas que superaban a la televisión. Luego, el streaming pasó a ser la televisión, pero no la buena televisión, sino la mala. Ahora llega el formato vertical. La velocidad le quita el sentido a las cosas. No es lo mismo mirar el paisaje a 50 kilómetros que a 250. Me pregunto dónde puede estar el sentido en tres minutos.

—Hoy se dice que la capacidad de atención se redujo por las redes sociales y los nuevos formatos. ¿Qué opinás?

—Eso se llama lobotomía en medicina. Es una lobotomía digital.

—Si te propusieran participar en un proyecto de ese tipo, ¿aceptarías?

—No, prefiero hacer teatro en una plaza con una alfombra. No por prejuicio, sino porque no es lo que quiero. Cuando el cine dejó de ser mudo, mucha gente resistió el cambio, pero aun así surgieron cosas interesantes. Esto me parece distinto, una consecuencia de la velocidad de los tiempos. No quiero ser cómplice de las lobotomías digitales.

—A lo largo de tu carrera hiciste miles de papeles y proyectos. Últimamente has estado muy activo y, al menos para nuestra generación, se te recuerda mucho por el Freezer de Floricienta. ¿Te molesta o intentás separarte de ese personaje para que la gente se fije en tus nuevos proyectos?

—No, porque cada uno ve lo que quiere ver. Yo no puedo convencer a nadie.

—¿Recordás con cariño ese personaje?

—Sí, claro. Sí, con cariño y con gratitud.

—Ahora que incursionás en el terror psicológico, ¿qué tiene este género que no tuvieron tus proyectos anteriores?

—En teatro es muy raro escenificar el suspenso. Las últimas dos obras que hice eran más comerciales, como Votemos o Druk, que iban por otra línea. Esto plantea otra cosa, no solo es entretenimiento. Votemos hablaba de la salud mental, Druk sobre lo que pasa cuando uno no dice lo que quiere y por qué se supone que uno necesita un poco de alcohol para animarse a vivir mejor. Esto plantea qué pasa cuando uno es rehén de la estupidez y la locura. La pregunta es qué hace uno para salir de esa situación.

—Si estuvieras en una situación similar, ¿qué harías o qué le aconsejarías a alguien que la viva?

—Probablemente haría lo mismo que hace este escritor: tratar de conservar la vida de la manera más ingeniosa posible y pensar que siempre hay una salida.

—¿Podrías adelantar algún proyecto en el que estés trabajando?

—Además de esto, terminé una serie que se llama Sanamente, que produce Adrián Suar y escribió Ariadna Asturzzi. Saldrá el año que viene por TNT. También, a fin de año o para febrero del próximo año, se estrenará una película, ópera prima de Nicolás Lanusse, llamada El refugio, que está excelentemente escrita. Cuenta la historia de un padre al que le matan el hijo y, en vez de vengarse, toma al asesino y trata de reincorporarlo, porque sabe que matarlo no lo ayuda a transitar el duelo. Me pareció fantástica esa visión.

—Si tuvieras que resumir Misery en una frase o palabra para invitar al público, ¿cuál sería?

—Había un actor, Alejandro Urdapilleta, que en una serie llamada Tumbero decía: “Si pensás, salís”. Esa frase la recordé mucho durante la pandemia y la anotaba cada mes en 2020: “Si pensás, salís”. Creo que es aplicable a Misery y a este momento. Si pensás, salís.

Crédito: RSFotos.

“¿Y cómo vas a hacer cuando tengas tres funciones?”, le preguntó Pergolini al aire. La respuesta de Rada fue tan directa como desafiante: “Yo te avisé, ¿te acordás?”. Mario no recordaba —o eligió no recordar— ningún aviso. Y cuando Rada insistió en que sí lo había hecho, el conductor remató: “¿Y qué me importa? Contame a mí lo que me tenés que avisar”.

El intercambio siguió con Rada intentando minimizar el impacto: “Hay unos días, señor Mario, que no voy a venir a trabajar. Pero muy poquitos”. Pergolini preguntó cuánto tiempo. “Una semana”, admitió Rada. Fue entonces cuando el conductor sacó a relucir el historial: “La otra vez nos encajó un pibito”, en referencia a un reemplazo anterior que Rada había enviado cuando tampoco pudo presentarse. Rada no negó el episodio, sino que lo encuadró bajo la misma lógica: un compromiso previo que el programa debía absorber.

“Es esto como que yo tengo una enfermedad preexistente”, argumentó. “Yo ya venía con Wonka acá”. Pergolini escuchó, procesó y lanzó su propio contrapunto: “Yo generalmente no falté, levanté los programas”. Rada respondió sin inmutarse: “Bueno, está bien, pero usted es el que conduce”. El estudio estalló en risas y Pergolini también, aunque con ese gesto de quien no termina de entender al público que tiene enfrente: “Qué jodidos son todos ustedes, son rarísimos. Se ríen de lo que no hay que reírse”.

Lejos de las cámaras del programa, Rada habló con Intrusos (América) y el tono cambió. Sin la presión del intercambio en vivo, reconoció abiertamente el esfuerzo que sus ausencias generan en el equipo. “Todos se levantan más temprano para mí. Les pido mil disculpas, les agradezco mucho y eso lo hago todos los días que entro”.

El agradecimiento incluyó a los guionistas, que deben reorganizar el libreto cada vez que Rada no está, y al propio Pergolini, que modificó los horarios de grabación para acomodar su agenda teatral. “Me honra mucho que Mario cambie el horario de grabación y que me permita estos días no venir”, señaló.

Pero Rada también fue claro sobre la jerarquía que ordena sus prioridades. La televisión, las redes sociales, la exposición pública: todo responde a un único objetivo. “Todo lo que yo hago alrededor del teatro es para que la gente venga a verme al teatro”, afirmó. “Me inmolé en las redes sociales gritando como un loco. Todo era para que alguno diga: ‘A ver este chabón en las redes qué hace en el teatro’”.

La razón de fondo, según sus propias palabras, es un espacio de gratitud a las tablas y al arte en vivo y en directo. “Lo que hago en el teatro es lo único en lo que me siento que digo: ‘Esto es lo que sé hacer y dejo el alma’”, sostuvo. Y aclaró que en Otro día perdido también deja el alma, pero que el orden de las cosas estaba definido antes de que el programa existiera. “Que yo iba a ser Willy Wonka lo sabía antes de que exista Otro día perdido”, remarcó. Y agregó que tanto Pergolini como el resto del equipo estaban al tanto desde el inicio.

La noche tuvo un momento especial. Desde el escenario, Nico Vázquez los nombró ante el público, y la sala entera respondió con una ovación para los tres futbolistas. Después de la función, el encuentro continuó en los camarines, donde se sacaron una foto con el protagonista y con su pareja Dai Fernández, quien interpreta a la inolvidable Adrian.

La salida fue, también, una postal de familia en un momento de plenitud para los Simeone. Giovanni llegó con Giulia Coppini, su esposa, con quien en enero de 2026 dio la bienvenida a Tullio Pablo, el primero de sus hijos. Gianluca lo hizo junto a la modelo Eva Bargiela, madre de Faustino, que en abril celebró sus seis meses de vida. Y Giuliano estuvo acompañado por Irene Ariza, la española graduada en Administración de Empresas que comparte su vida en Madrid y que, según él mismo contó, es quien lo baja a tierra cuando llega del entrenamiento.

En el caso del menor de los hermanos tuvo un condimento especial. Un rato antes, Lionel Scaloni había dado la tan ansiada lista para el Mundial y su nombre es uno de los 26 que defenderá el título logrado en Qatar. Con este debut mundialista, seguirá los pasos de su padre, quien defendió a la albiceleste en Estados Unidos 94, Francia 98 y Corea - Japón 2002.

Cuando Messi también fue a ver Rocky

Los hermanos Simeone no son los primeros referentes del fútbol argentino en ocupar una butaca del Lola Membrives. En septiembre de 2025, Lionel Messi asistió a una función a horas del partido ante Venezuela por las Eliminatorias Sudamericanas.

Al terminar la obra, Vázquez lo invitó a subir al escenario. Messi habló ante el público: “La verdad que fue espectacular. Son unos fenómenos todos. Para mí, esta es una noche muy, muy especial”. Luego agregó: “Te lo había prometido que iba a venir, tenía que venir. Por suerte pude venir, pude disfrutarlo, pude estar acompañado de mi familia”.

La salida del teatro desbordó la calle Corrientes. El público lo esperaba en la vereda y lo despidió con cánticos mientras Messi era escoltado por Vázquez y su equipo de seguridad hasta el auto que lo trasladó de regreso a la concentración.

No era la primera vez que Messi asistía a un espectáculo del actor. En marzo de 2023, meses después de la consagración de Argentina en Qatar, había visto Tootsie, la obra que Vázquez protagonizaba junto a Julieta Nair Calvo, y también había recibido la ovación del público esa noche.

Rocky, el fenómeno que no para

Rocky no es solo una obra de teatro. Es la adaptación no musical de la película de Sylvester Stallone que Nico Vázquez protagoniza y codirige en el Lola Membrives, y que en su segunda temporada alcanzó 101 mil espectadores en 101 funciones, todas con localidades agotadas. Semanas atrás, la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires la declaró de Interés Cultural, sumando distinciones a su palmarés.

El espectáculo ganó el ACE de Oro a la mejor producción y sumó otros siete galardones en la última edición de los premios al teatro. Vázquez arrancó el proyecto junto al productor Gustavo Yankelevich para obtener los derechos de una versión no musical, a diferencia de la realizada en Broadway. El proceso de adaptación del guion, a cargo de Mariano Demaría y el traductor Fernando Masllorens, llevó más de nueve meses.

La escenografía, diseñada por Tato Fernández, recrea ocho lugares de la historia original. El elenco y el equipo técnico suman 90 personas. El propio Stallone pidió imágenes de la versión argentina tras sorprenderse por una convocatoria de público superior a la de Broadway.

Fotos: Gentileza Prensa

Malinche es un espectáculo musical para toda la familia creado por Nacho Cano que cuenta la historia de Malinche, una mujer que tuvo la valentía de cambiar su historia y unir dos mundos. La obra cumbre del creador de Mecano es una celebración de México, del mestizaje y de nuestra cultura.

Una espectacular puesta en escena que fusiona las mejores melodías de Nacho Cano, creando una experiencia musical única donde se entrelazan el flamenco, el pop y el rock. Malinche reúne lo mejor del teatro, la fuerza de un concierto en vivo y la elegancia de una compañía de ballet contemporáneo.

Banco Azteca reconoce la importancia de la música y el arte en México y considera a este tipo de espectáculos de clase mundial, por su calidad y contenido, un transmisor activo de valores culturales relevantes para la identidad de una comunidad o de un país; por ello, Banco Azteca comenzará con la preventa exclusiva de este musical para sus tarjetahabientes el día 18 de diciembre.

Malinche El Musical, celebra el nacimiento de un pueblo único, fruto de la fusión de dos culturas milenarias.

Este espectáculo resalta la importancia de una identidad nueva, nacida de la evangelización de América y los valores que surgieron de este histórico encuentro. La obra honra a la figura de la mujer y es un homenaje a Malinche; quien con su valentía y amor supo equilibrar los acontecimientos históricos del mestizaje, contribuyendo así a la formación de la identidad de México.

Malinche El Musical es una celebración de nuestras raíces, del mestizaje y de la cultura mexicana, en una experiencia que reúne lo mejor del teatro, la fuerza de un concierto en vivo y la elegancia de una compañía de ballet contemporáneo.

MALINCHE LLEGA A MÉXICO

Tras tres exitosas temporadas en Madrid, 800 funciones y 600,000 entradas vendidas, el espectáculo más esperado de Nacho Cano llegará a México para su estreno el 28 de marzo de 2025. Será en el icónico Frontón México, centricamente ubicado frente al Monumento a la Revolución de la Ciudad de México.

Nacho Cano junto a los productores ejecutivos, María Laura Medina de Salinas y David Hatchwell, en alianza con Banco Azteca, traen a México este espectáculo único que contará con:

• Preventa: Banco Azteca invita a sus tarjetahabientes a la preventa el día 18 de diciembre de 2024.
• Venta anticipada: A partir del 19 de diciembre de 2024, en malinchethemusical.com/cdmx
• Casting nacional: En enero de 2025, en colaboración con Televisión Azteca.
• Venta general: Gestionada por FEVER.

Preguntas adicionales a través de infomexico@malinchethemusical.com ​​

Elenco en México

Malinche El Musical, contará con un elenco mexicano y español, el equilibrio perfecto para narrar esta historia como la imaginó su creador, Nacho Cano. Esta combinación de talentos refleja el mestizaje cultural que celebra este musical.

• Talento mexicano: 17 jóvenes formados durante 9 meses en España en flamenco, hip-hop, canto, baile urbano, actuación e inglés.
• Casting complementario: En enero de 2025, se realizará un casting nacional con el apoyo de Televisión Azteca para ampliar el elenco.
• Participación española: La primera temporada en México contará con bailarines de flamenco y actores españoles, enriqueciendo la experiencia con un enfoque internacional.

Malinche El Musical fue reconocido como El Mejor Musical y la Mejor Escenografía en la XV Edición Premios del Teatro Musical. Además de que en Madrid, ha contado con la participación de grandes nombres como:

• Álex González de Maná.
• Juan Pablo Manzanero.
• Mariachi Vargas de Tecalitlán.
• Banda El Recodo.
• El Tri.
• Marta Sánchez.
• Juan Magán.

El documental, La Creación de Malinche, que narra la gestación de esta gran puesta en escena, ha tenido un gran éxito entre la audiencia de Netflix.

La historia que unió dos mundos estará presentándose en el Frontón México a partir del 28 de marzo del 2025.

El dramaturgo Ramón Paso fue detenido tras ser acusado de mantener un comportamiento de carácter sexualizado con una menor de 15 años en la vía pública. El incidente fue denunciado por dos testigos, que alertaron a la policía tras observar los hechos en la zona peatonal del Paseo del Prado, en Madrid. Según la información difundida, los testigos señalaron que Paso, reconocido por su trayectoria en el teatro y su relación familiar con figuras como Alfonso Paso y Enrique Jardiel Poncela, habría realizado tocamientos en los muslos y las nalgas de la menor, además de besarla en el cuello y los hombros. La joven, alumna suya en clases de teatro, fue identificada por los agentes tras la intervención policial.

La policía localizó a Ramón Paso junto a la adolescente en el Paseo del Prado. En su declaración a los agentes, Paso afirmó que se encontraban “dando una vuelta” y que estaba “consolando” a la menor, quien le habría llamado por un presunto caso de acoso sufrido en su centro educativo. Los padres de la joven desconocían que su hija estaba acompañada por su profesor; creían que se encontraba en el cumpleaños de una amiga. La víctima fue trasladada a un centro médico para su valoración y atención especializada, mientras que el dramaturgo fue conducido a las dependencias de la Unidad de Atención a la Familia y Mujer de la Policía Nacional. El hecho generó una rápida reacción entre los presentes y en el entorno teatral.

De acuerdo con los testigos, la actuación de Paso fue considerada “de carácter sexualizado”. La denuncia fue motivada tras observar cómo el adulto besaba a la menor y le realizaba tocamientos en plena calle. La intervención policial se produjo poco después de la llamada, permitiendo identificar tanto al adulto como a la víctima. La policía informó que la menor es alumna de clases de teatro impartidas por Ramón Paso. El dramaturgo intentó justificar su presencia con la joven alegando que la estaba ayudando emocionalmente tras un episodio de acoso escolar. Sin embargo, los agentes procedieron a su detención para esclarecer los hechos denunciados. Según las informaciones recogidas, los padres de la menor confirmaron que desconocían la verdadera ubicación de su hija en ese momento. La joven fue atendida en un centro médico para una valoración exhaustiva y garantizar su bienestar.

Con antecedentes por denuncias en 2024

El caso reciente se suma a una serie de denuncias previas por supuestos delitos contra la libertad sexual presentadas contra Ramón Paso por distintas mujeres. En 2024, la Fiscalía de Madrid presentó una querella basada en los testimonios de varias denunciantes, atribuyéndole presuntos delitos sexuales. Además, siete actrices solicitaron unirse a la denuncia por agresión sexual contra el dramaturgo. Estas acusaciones han suscitado atención mediática y generado un debate en el ámbito cultural y teatral. La trayectoria de Paso, nieto de Alfonso Paso y bisnieto de Enrique Jardiel Poncela, ha estado marcada en los últimos años por la repercusión de las denuncias. La Fiscalía actúa en función de los testimonios y pruebas recabadas hasta el momento, mientras que las investigaciones continúan abiertas.

La noticia de la detención y las denuncias previas han tenido un impacto inmediato en la actividad profesional de Ramón Paso. Tras la presentación de la querella en 2024, el Teatro Infanta Isabel suspendió las funciones previstas de la obra Jardiel enamorado, dirigida por Paso. El actor Pepe Viyuela, quien iba a protagonizar la obra, anunció su salida del proyecto, manifestando públicamente: “No tengo tripas para salir a escena esta tarde”, y expresó su apoyo a las presuntas víctimas. La suspensión de funciones y la retirada de actores reflejan el alcance de las consecuencias sociales y profesionales que enfrentan quienes son objeto de denuncias de esta naturaleza dentro del sector cultural. El caso de Ramón Paso continúa bajo investigación judicial y policial, mientras la comunidad teatral y la opinión pública siguen atentas a los próximos desarrollos y decisiones de las autoridades.

¿Tenés ganas de reunirnos y charlar, a ver en qué andamos? Pensaba que, por ahí, puede ser la semana que viene.

Recibo este mensaje de Julieta Koop en enero de 2023. Me cuenta que está con Danae Cisneros, su socia creativa, que venían pensando en la posibilidad de este encuentro, y que también le extendieron la invitación a Zoilo Garcés.

Con Zoilo trabajamos hace muchos años juntos, hicimos varias obras, y creo que encontramos la tensión justa para una relación artística, entre la complicidad y el rigor.

Hace pocos meses coincidimos lxs cuatro en la Bienal de Arte Joven 2022. El último tiempo, de manera un poco azarosa, nos encontró cerca, y apareció el deseo de acercarnos aún más.

Nos encontramos para buscar juntxs. Para compartir, o crear, un espacio con inquietudes y preguntas, y en el camino descubrir nuevas formas de creación.

El horizonte es hacer una obra, pero, a la vez, es una excusa para indagar en formas de atravesar un proceso creativo y colectivo.

Y como muchas veces, está habitado de dudas, miedos, frustración. Pero también, en ese tránsito, está la posibilidad que aparezca una sensación poderosa: se puede dudar mucho, pero cuando algo es, no hay dudas.

Un día, hablamos de nuestros trabajos, nuestra rutina, la profesión. Con Julieta somos docentes e intercambiamos sobre las clases, sobre textos y situaciones. Julieta es profesora de semiótica en la Universidad Nacional de las Artes, y muchos de los textos y referentes que aparecen en la obra, devienen de esa experiencia, de ese intercambio, de esos contenidos.

A ver, Juli… Empezá a dar una clase.

Sugiero, o pido, en una propuesta repentina. Esto no está en mi planificación del día, pero, como la intuición es otro componente que tiene mucho lugar en nuestros ensayos, me lo permito.

La obra tiene que ser sobre las clases.

Este postulado abre otra instancia donde nuestro camino toma otro carácter, y la búsqueda deja de hacer foco en la exploración de distintos universos, para encauzar lo creativo en este mundo: las clases.

Después de una pausa por viajes y compromisos, nos reencontramos. Danae nos cuenta que se va a vivir a Italia. Por más que no se haga explícito, la noticia genera incertidumbre.

¿Qué se hace con lo acumulado durante más de un año? ¿Seguimos nosotrxs tres? ¿Buscamos a alguien? ¿Hay obra?

A partir de esa crisis, volvemos a la fuerte convicción de hacer juntxs, y ahí los hechos suceden con una fluidez irrefrenable.

Me dispongo a proponer un sistema, un texto, un nuevo orden, aun caótico, para las pruebas que vendrán, para aventurarnos en lo que se volvería “Las despedidas”.

Nos juntamos lxs tres a leer.

Es un borrador - me excuso algo temeroso.

Silencio.

Hagámosla.

Dicen Julieta y Zoilo, casi al unísono y sin dudar. Y este ímpetu es fundamental.

En abril de 2024 nos juntamos con Martín Flores Cárdenas en Casa Teatro Estudio, espacio que se volverá nuestro hogar, por cómo nos recibe, por su búsqueda de lenguaje y por el intercambio que se genera, donde nos sentimos representados.

Esa misma semana un acontecimiento bisagra funda la Compañía El Asombro.

Llamo a Natalí Lipski.

Nos conocemos hace años, somos amigxs, pero esta vez ella nota que el llamado es distinto a otros.

Natalí se suma al proyecto, y parece incorporarse como si siempre hubiera estado ahí. Su estar acumula lo invisible y lo que desconoce, y lo hace cuerpo. Lo vuelve propio y lo transforma. Empieza un nuevo período de pruebas y ensayos.

A los pocos días empezamos un intercambio con el Teatre Nu, en Sant Martí de Tous, para hacer una residencia en enero de 2025.

Después de meses de ensayos y pruebas, en diciembre viajamos a España con una obra por terminar. Llegamos el 2 de enero a Tous y vivimos diez días de ensueño, y mucho ensayo. Hacemos jornadas de 10 u 11 horas por día.

El equipo del Teatre Nu nos recibe y acompaña como si fuéramos familia.

Siempre le temo un poco a la exageración o la cursilería, pero en esta ocasión no encuentro otro modo: creo que dejamos una parte de nosotrxs en Tous, y que esos días mágicos con su gente se quedarán en nosotrxs por siempre.

El 11 de enero estrenamos la primera versión de “Las despedidas”, y me asombra la naturalidad con la que vivimos lo extraordinario.

La obra es finalmente sobre las clases, pero también sobre mucho más.

Todo sucede en un espacio de creación simultánea y de discusión constante. Personas que se encuentran y se enfrentan, pero ante todo, todo el tiempo están buscando algo. Y ese algo está en unx otrx.

Es en esa dialéctica, entre la obra y la clase, donde circula la energía, y las fricciones que se producen, se traducen en experiencia colectiva.

Las siguientes semanas hacemos funciones en L’Estranger en Barcelona y en Madrid en el Ciclo de Teatro Argentino en el Umbral de Primavera.

Volvemos a Buenos Aires y miramos hacia nuestro estreno.

Son unos días frenéticos en la previa. Salimos del ensayo general, y como muchas veces, caminamos unas cuadras juntxs y hablamos sobre el ensayo.

Julieta, siempre inquieta, atenta y curiosa, me pregunta:

¿Cuándo te diste cuenta que había obra?

En seguida.

Unas líneas más arriba escribí que, a veces, uno no tiene claro por dónde es, o qué es, pero cuando sucede, no hay dudas.

Y en esta ocasión, no tengo dudas. No tengo dudas que acá sí es.

Estrenamos en junio de 2025, y estuvimos todos los sábados hasta diciembre.

Ahora volvemos, de nuevo los sábados, en el mismo horario y lugar, pero ya no somos lxs mismxs.

Una obra puede ser un montón de cosas...

Y vuelvo a ese primer mensaje cargado de entusiasmo y convicción.

A ese desencadenante.

Nos vimos “la semana que viene”.

Y acá estamos, cuatro años después, imaginando un futuro con mundos posibles.

*“Las despedidas”, una obra de la Compañía El Asombro. Sábados a las 18hs en Casa Teatro Estudio (Guardia Vieja 4257, CABA) Entrada: desde $10.000 por Alternativa

**El autor es director y dramaturgo.

El regreso de Hoy no me puedo levantar a los escenarios de la Ciudad de México ha encendido la emoción del público al confirmarse una temporada especial que reunirá al elenco original que marcó su estreno en 2006. La producción, encabezada por el productor Alex Gou, se presentará del 25 de julio al 8 de agosto en el Centro Cultural Teatro 1, con solo 14 funciones programadas.

El anuncio no solo generó expectativa entre los seguidores del musical, sino también entre quienes recuerdan el impacto cultural que tuvo la obra desde su llegada a México.

Ambientada en la movida madrileña de los años ochenta, la historia combina música, drama y temas de libertad juvenil que marcaron a toda una generación.

El elenco original que marcó una época en el teatro musical

El montaje de 2006 reunió a un grupo de actores que más tarde consolidaron carreras destacadas en televisión, cine y teatro. Alan Estrada interpretó a Mario, mientras Fernanda Castillo dio vida a María y Luis Gerardo Méndez encarnó a Colate, personajes centrales de la historia.

El reparto se complementó con Jannette Chao como Ana, José Daniel Figueroa como Guillermo, Rogelio Suárez como Chakas, Gerardo González como Venancio, Valeria Vera como Patricia y Erika Tahís en el papel de Malena, conformando una de las alineaciones más recordadas del teatro musical en México.

La reunión de estos actores ha sido interpretada como un acontecimiento poco habitual dentro de la escena teatral, al tratarse de un reencuentro después de casi dos décadas de trayectoria individual en distintos proyectos.

Un fenómeno cultural que marcó al público mexicano

Desde su estreno, Hoy no me puedo levantar se convirtió en un referente del teatro musical en México gracias a su combinación de nostalgia ochentera y el repertorio del grupo español Mecano.

Su propuesta técnica y escénica elevó los estándares del género en la cartelera nacional, convirtiéndose en un fenómeno de taquilla.

Con el paso de los años, la obra ha regresado en distintas versiones, pero esta nueva temporada destaca por reunir nuevamente a sus protagonistas originales, lo que ha intensificado el interés del público y reavivado la conversación en redes sociales.

Una temporada limitada que despierta expectativas y recuerdos

La nueva puesta en escena se ha anunciado como un show completamente nuevo, aunque mantendrá la esencia que convirtió al musical en un éxito. La preventa de boletos, esta activa desde el 24 al 28 de mayo a través de Ticketmaster.

El regreso del elenco original también ha sido visto como una oportunidad para revivir una etapa clave del teatro musical.

El regreso de Hoy no me puedo levantar promete convertirse en una de las producciones en vivo más comentadas del año.

Entre imitaciones, comentarios absurdos y referencias a la cultura pop, el actor dejó ver un costado poco conocido de su personalidad. Desde recuerdos ligados al béisbol hasta historias de teatro y rodajes interminables, Cranston abordó la conversación con un humor constante que desarmó el perfil serio con el que suele asociárselo en Hollywood.

El tono distendido quedó claro desde el comienzo, cuando respondió con ironía a una observación del conductor, Ike Barinholtz. “Lo inquietante es que creas que podría asaltarte en cualquier momento. Pensé que hablaríamos de mi trabajo, pero veo que hablas de mi persona”, lanzó entre risas, marcando el espíritu de una entrevista cargada de bromas internas y confesiones inesperadas.

Uno de los momentos más comentados llegó al hablar de la segunda temporada de The Studio. Allí, el actor ironizó sobre el impacto que podría tener el proyecto en su imagen pública: “O subo mucho mi reputación en la calle o destruyo mi carrera”.

También recordó las agotadoras jornadas nocturnas junto a Seth Rogen y Kathryn Hahn, describiendo cómo el cansancio llevaba al elenco a conversaciones completamente delirantes. “Cuando te ofrecen sopa francesa de cebolla a las 4.30, te sorprende considerar aceptar”, comentó.

Al hablar de su productora Moonshot, Cranston explicó que el nombre está inspirado en el exjugador de béisbol Wally Moon y en su capacidad para superar obstáculos durante su carrera. “Ese es el espíritu que quiero transmitir: aprender a enfrentar y rodear los retos”, señaló, vinculando el deporte con su forma de entender el trabajo artístico.

La trivia y las respuestas de Bryan Cranston

El juego de preguntas de cultura general y absurdo, distintivo de Funny You Ask with Ike Barinholtz, intensificó el tono lúdico. Sobre los Dodgers, Cranston respondió sin titubear: “El mánager con más partidos fue Walter Alston. No necesito pista”.

La conversación derivó en retos culinarios dentro del estadio y bromas sobre comida: “Mi pedido en el Dodger Stadium incluye al menos dos salchichas y nachos en sombrero”. Y bromeó sobre el desafío de consumir un hot dog y una cerveza en cada inning: “Eso termina con traslado directo al hospital”.

En las preguntas sobre el maguey y el agave, Cranston explicó: “El maguey solo florece una vez; la flor final se llama ‘flor de la muerte’, y es asombroso cómo todo termina en el mezcal”.

En la dinámica de “cócteles para personajes”, asignó una sarsaparilla a Hal de Malcolm in the Middle y “el mejor whisky, solo” a Walter White. Barinholtz bromeó sobre duelos ficticios entre fabricantes de tequila, ubicando a Aaron Paul como su aliado contra celebridades como George Clooney o Dwayne Johnson.

Memorias personales de Bryan Cranston

En un tono más íntimo, Bryan Cranston recordó momentos de su infancia: “Mi padre nos abandonó cuando tenía 11 años; el béisbol y la voz de Vin Scully me ofrecían tres horas de paz en medio del caos familiar”. En ese sentido, rememoró sus primeras visitas al Dodger Stadium y cómo el teatro se convirtió en refugio emocional y vocacional.

Sobre su conexión con el teatro, narró su experiencia al ver Hair en 1977: “Tenía poco más de veinte años, y ver esa libertad en el escenario me sacudió; entendí que quería dedicarme a esto”.

Y añadió que, durante un accidentado viaje en moto, la lectura de libros de obras fue esencial: “Sin ese libro, habría perdido la cabeza. Decidí apostar por algo que realmente amara”.

Durante el “speed round” del programa, dejó ver su agilidad mental: “El debutante apodado ‘El Toro’ en los Dodgers fue Valenzuela”. Alternó anécdotas familiares con recuerdos sobre apodos como “Red” por su color de pelo y “El Niño” durante su juventud: “Son nombres difíciles de mantener con los años”.

Hacia el final, Cranston reflexionó sobre sus aspiraciones escénicas: “Hace tiempo que quiero interpretar al diablo en Damn Yankees, pero creo que nunca lo representan como una figura realmente temible. Hay personajes artísticos que merecen ser tan inquietantes como poderosos”.

“Hoy No Me Puedo Levantar” volverá a los escenarios de la Ciudad de México después de 20 años con una temporada especial que reunirá al elenco original que conquistó al público en 2006. El esperado regreso se realizará del 25 de julio al 8 de agosto en el Centro Cultural Teatro 1 con únicamente 14 funciones.

La producción confirmó la participación de Alan Estrada, Fernanda Castillo, Luis Gerardo Méndez, Valeria Vera, Gerardo González, Erika Tahís, Rogelio Suárez, José Daniel Figueroa y Jannette Chao, nombres que quedaron ligados a una de las etapas más exitosas del teatro musical en México.

El anuncio desató una ola de reacciones entre fanáticos de la obra y seguidores de Mecano, “20 años después celebramos su llegada a México”, fue la frase que rápidamente encendió la emoción en redes sociales por el reencuentro del elenco original.

Un fenómeno teatral que marcó a toda una generación

La historia de “Hoy No Me Puedo Levantar” sigue a dos jóvenes que dejan su pueblo para perseguir el sueño de triunfar en Madrid con su propia banda. La trama, ambientada en los años ochenta, aborda temas como la libertad, la música y los excesos en medio de una etapa de transformación cultural.

Desde su estreno en México en 2006, la obra logró consolidarse como uno de los musicales más exitosos del país. Las canciones de Mecano, entre ellas “Hijo de la luna” y “Cruz de navajas”, ayudaron a convertir el espectáculo en un referente del entretenimiento en español.

A lo largo de distintas temporadas y giras, el musical sumó nuevos protagonistas y alternantes como Danna Paola, María León, Belinda y Yahir. Sin embargo, para muchos seguidores, el elenco original continúa siendo el más recordado por el impacto que tuvo en la primera etapa de la producción.

La preventa ya desató furor entre los fanáticos

La nueva temporada fue presentada como “un show completamente nuevo con una espectacular producción”, aunque conservará la esencia nostálgica que convirtió a la obra en un fenómeno teatral. La expectativa aumentó debido a que solo habrá 14 funciones disponibles en la capital del país.

La preventa Banamex estará activa del 24 al 28 de mayo a través de Ticketmaster, con la posibilidad de adquirir boletos a meses sin intereses. Tras el anuncio, usuarios en redes sociales comenzaron a compartir recuerdos, fotografías y canciones relacionadas con el musical.

El regreso de “Hoy No Me Puedo Levantar” también representa el reencuentro de actores que, dos décadas después, consolidaron carreras importantes en televisión, cine y teatro. La reunión del elenco original promete convertirse en uno de los eventos más comentados de la cartelera de entretenimiento en México durante 2026.

Si la vida fuera una comedia de enredos, una de las primeras imágenes podría mostrar a una dupla de actores con dos periodistas de espectáculos. “Ah, ¿son dos?, nunca hice algo así”, se asombra Adrián Suar al entrar al escenario del Teatro Nacional y ver a los editores de Teleshow. Ya sentada a su lado está Carla Peterson, su compañera de elenco, quien junto a Lorena Vega y Fernán Mirás el jueves estrenaron Sottovoce, nadie puede guardar un secreto. La sorpresa da paso a las risas, donde más adelante repasarán, entre muchos otros detalles, el avance de la inteligencia artificial en todos los ámbitos. “Si le doy la consigna y le digo: ‘vinieron dos periodistas con dos actores, ¿qué podría pasar? ¿qué punto de giro podría haber si hay un asesinato?’ ¡Y la IA me hace una historia con eso…!”, relata Suar con la permeabilidad y la creatividad que lo caracterizan al interpretar las nuevas tecnologías.

Durante más de media hora, los protagonistas de esta comedia hablarán sobre esta nueva aventura teatral que los encuentra, después de más de una década, juntos otra vez sobre las tablas. También habrá tiempo para los proyectos, para el análisis profundo de la actualidad de las producciones artísticas, de sus vidas y de sus sueños.

La escenografía, que proyecta un Puerto Madero nocturno y cinematográfico, es la fábrica textil Sottovoce, que da título a la obra y también al argumento. Esos secretos que las familias se empeñan en esconder bajo la alfombra, y que afloran cuando menos se los esperan para desatar una hecatombe en una sola noche. En el caso de ellos, la venta o no de la empresa familiar que desnuda miserias y pone en tela de juicio las convicciones y los afectos.

Suar y Peterson vuelven a trabajar juntos sobre el escenario a 15 años de La guerra de los Roses, y la convocatoria no podría haber sido de otra manera que no sea una comedia. Es un proyecto que Adrián maquinó no bien terminó Felicidades y, acorde a su personalidad inquieta, ya pensaba en el siguiente paso. Enseguida visualizó a Carla como la protagonista. “Quería volver a trabajar con ella”, dice sobre el germen de Sottovoce, que en su rol de productor dibujó con el director Mariano Pensotti.

“La obra es un traje a medida”, agrega el actor para ayudar a comprender la arqueología de una puesta en escena de esta magnitud. “Y si no había Carla no había obra”, sigue mientras ella dibuja una sonrisa.

La obra apela una vez más al humor como antídoto ante los golpes y zancadillas que ofrece la realidad. De la misma manera que lo hacen en la vida real, tan parecida y tan diferente a la del escenario. “Para mí, es una linda vía de escape para estar bien en la vida”, asegura Suar. “Y también encontrarle a los momentos complicados esa cosa que a veces, en el medio de la tragedia, descubrís algo lindo o alegre para no pasarla tan mal, ¿no? Siempre hay algo que te sorprende”, suma Peterson.

Carla escucha y su recuerdo viaja en el tiempo al momento en que le llegó la propuesta de Adrián. “Estaba en un motorhome haciendo no sé qué serie cuando recibo un llamado.’¿Estás para hacer una obra de teatro para el 2026?´, relata como quien está frente a un ofrecimiento de un futuro lejano. “Si vos actuás, sí, pero falta tanto…”, fue su respuesta en aquel momento, lo más espontánea que pudo. “Como ya había trabajado con él, sabía lo divertido que es y lo bien que la pasé haciendo Los Roses”, evoca. El teatro, y en esto también coinciden, pone a prueba otras vibras actorales para las que el compañero correcto se hace todavía más importante. “Yo necesito por lo menos que haya otra confianza, otra disposición frente al trabajo, porque yo también me lo exijo”, explica.

Sottovoce terminó de cobrar forma con Fernán Mirás quien, con su recorrido de amistad y compañerismo junto a Adrián desde la época de La banda del Golden Rocket en 1991, se sumó a la acotada y exclusiva lista. Finalmente, Lorena Vega, la actriz más buscada del momento a partir de su revelación en Envidiosa, a quien conocían del off y tanto Adrián como Carla querían a su lado. Cuatro nombres convocantes por sí mismos, lo que presenta un desafío extra: “Hay un recorrido ganado, pero ahora arrancamos de cero”, dice Suar, y explica por qué siente cada paso como una validación.

“Tenemos que subir al escenario, la gente paga su entrada con el esfuerzo que genera venir y elegirnos. Por eso para mí la ceremonia del teatro tiene algo de tanto cariño, de tanto amor y de tanta responsabilidad, porque yo quiero que te vayas bien a tu casa, y las reglas para que te vayas bien tienen que ser más o menos acorde a lo que ideológicamente sentimos cada uno, cómo hacemos reír. Porque a veces la manera de hacer reír, en algunos casos, que es válido, no es la que yo comulgo, no vale todo en función de hacer reír. Y para mí es el antiteatro eso. Pero la comedia bien entendida, como nos gusta a los comediantes, es con el texto y hacer reír con lo que pasa en la situación. Y eso es más difícil que el drama. Los que hacen drama van a decir: ‘Callate, enano de mierda’”, afirma Suar entre risas. “Pero lo digo en serio porque es muy difícil hacer reír”, asegura convencido.

—Son dos actores que se ve que apelan al humor en su vida cotidiana, por más que no estén catalogados como comediantes. ¿Comparten los mismos códigos del humor?

Peterson:— Sí, compartimos y creemos en el humor del otro. Yo sé que si se me ocurre algo que está bueno, él lo va a agarrar. Si hay algo que no está tan bueno, porque a veces no conviene para el tiempo o el momento, él sabe dónde ponerlo y también cómo decir que no. A veces hay remates que vemos que tienen humor, pero no lo encontramos de una manera y probamos de otra. Confío mucho en el criterio de mis compañeros, y eso te da una tranquilidad de que lo vamos a encontrar, que va a salir, que le vamos a encontrar el tono.

—Los dos son directores de teatro, ¿les ayuda a mejorar el texto?

Peterson: —Sí, pero ese es un trabajo que hacen todos los actores.

Suar:— A veces la dirección es una mezcla. El director ordena, pero como productor, a veces cuando me toca dirigir, confío mucho en el instrumento. Digo: “Por algo te llamé, ¿qué traés? ¿Qué vas a proponer?”. Confío en el GPS propio que trae el actor para ir para allá, para acá. Eso es lindo también.

—El teatro se convirtió en un refugio en este momento que no hay ficción en pantalla

Suar: —Y tampoco cine.

—Tampoco. Pero sí hay ficción en las plataformas. ¿Cuál es la diferencia?

Suar:—Y las plataformas no hacen tanto. Antes hacías ficción y había dos canales que hacían, ponele, dos ficciones cada uno de cada canal, con 250 horas al año. Son 500 horas contra a lo mejor veinte ficciones de treinta minutos. Es decir, entre las dos plataformas hacen diez ficciones de, aproximadamente, ochenta o cien horas al año contra 500 que se hacían antes.

Peterson: —Pero también antes se filmaban tal vez algunas películas que no eran tan grandes. Y ahora cuesta más para alguien que está empezando, para el mundo independiente.

Suar: —Está difícil ahora, pero va a volver a tener una dinámica la tele, a lo mejor con la combinación de la plataforma con canal de aire. Los dos compartimos el costo - un costo más barato-, pero que a la plataforma le sirva para tener algo, porque necesita tener contenido. Todo esto es muy nuevo, la plataforma fuerte lleva como mucho diez años.

—¿Adrián, en la tele te gustaría hacer ficción? ¿Tenés algún proyecto?

Suar: —Sí, estamos hablando para hacer algo en colaboración con una plataforma, ojalá se dé.

—Si la ficción es buena, la gente ve ficción

Suar: —Yo en ese sentido soy más realista. Entiendo la arenga de la ficción, que somos los mejores haciendo ficción… Sí, hay muy buena ficción, buenos actores, pero es muy difícil hacer una buena ficción. De cien, con toda la furia, para mí 20 son buenas y 80 normales. Es difícil hacer una ficción que te atrape, y no solo en Argentina, en el mundo.

—Y cómo se viven los éxitos en las plataformas? Antes las tiras parecía durar más tiempo, un año mínimo. Hoy es un furor de un par de días.

Peterson: —Con las tiras también pasaba lo mismo. Vos entrabas todos los días en pantalla, pero después nadie se acordaba. Los chicos no saben quién sos. Y de golpe los padres sí, o las abuelas, porque yo ya tengo edad para ser abuela. Ahora con las series también. Las series de plataforma llevan mucho tiempo de producción, mucha anticipación, tienen otro tiempo de edición y salen cuando la plataforma dispone. De golpe, pasaron dos años y vos ya estás en otro proyecto. Y todo ese trabajo la gente lo consume en uno o dos días. Todos esos tiempos cambiaron y de golpe la gente ve los seis capítulos en un segundo, en vez de aguantar a que salga mañana el próximo y después el otro. Entonces también cambió la manera de la gente de esperar.

Suar: —Son explosiones. El Eternauta, veinte días, Envidiosa también veinte días. Explota cuando explota, pero después queda. Vos vas por la calle: “Te vi en El Eternauta”, es conversación. Pero lo que dice Carla es cierto, antes tardabas seis meses en ver una serie, pero también terminaba y andá corriendo a pedir fiado porque ya no te querían más. No se acuerdan. Pero en la vida también es así, con los amores, imaginate en la vida real… Pero lo que queda a través de los años es el recuerdo emocional, de haberte visto en tal o cual novela. Eso es lo bueno que te deja la tele, y nosotros agarramos una buena camada entre los 90 y entre 2010 y 2015.

—¿Tenés en cuenta la opinión del público?

Suar:—Me ha pasado de subir a un taxi, a un colectivo y alguien me decía: “Te vi ayer. Flojo el capítulo de ayer, el actor que entró es malo. Ojo que es bueno aquel pibe”. Y ahí decís, tiene una mirada, porque el rango de estrato de la clase media, media-baja sobre todo, tiene un olfato para detectar lo que funciona. Y en un ochenta por ciento acertaban. Había algo del olor, de la intuición, que me decían: “Floja la novela” en el lenguaje que podían, porque no saben de ficción pero sí saben de mirar. Es muy interesante ese fenómeno. Y después están los dramaturgos, los autores, que te explican, te explican…, y alguien, un plomero o un panadero, te decía: “Lo vi, no me atrapó”. Y vos decías: “Tiene razón el hijo de remil puta” (risas).

—Hoy la devolución y la interacción con el público también se da en las redes. ¿Cómo se llevan con eso?

Peterson: —No sé, porque yo estaría retirándome ya de las redes [ríen]. No de la televisión, pero me agota.

Suar: —Yo no tengo ninguna red social. No lo sé hacer, soy un inútil. El Instagram para laburar, pero me lo manejan.

Peterson: —Claro, para mi trabajo lo uso, pero cada vez menos, porque también me doy cuenta que si lo tengo en la mano puedo estar horas y no quiero perder tiempo en eso. Es una gran herramienta si la sabés usar, que no es mi caso. Y se nota que no sé usarla.

—¿Y con la inteligencia artificial? ¿La ven como una posibilidad para incorporar en el trabajo?

Suar: —Para mí es un avance tremendo. Para algunas cosas la inteligencia artificial es buena y para otras cuando dice que puede reemplazar te da miedo. ¿Qué va a reemplazar? ¿Cuántas cosas va a reemplazar? Te da miedo. Pero algunas cosas no va a poder reemplazar nunca, y otros trabajo mutarán, como mutaron en 1902.

—¿Qué opinión tienen de las ficciones verticales? Casi lo opuesto a lo que hablábamos de aquellas tiras que duraban un año o más…

Suar: —Si para gente es una vía de ingresos económicos y de dar trabajo, no lo veo mal. No sé si lo haría, a lo mejor como servicio de producción. Nosotros lo hacíamos, cuando en los capítulos teníamos un sobrante de escenas lo hemos hecho… En definitiva, son veinte capítulos de un minuto, lo juntás todo y se puede armar una minificción.

—Para cerrar, y volviendo a Sottovoce. ¿Cuánto se parece la familia que integran en la ficción a sus propias historias?

Suar: —Cada familia es un mundo y hay particularidades en todas, pero acá en la comedia lo que se divide es la locura, la avaricia, la compulsión que uno tiene a raíz de una venta de una empresa familiar, no hecha por nosotros, sino por nuestros padres. Y a ver cómo nos vamos a repartir los porcentajes de la venta.

Peterson:—Y al ser una comedia, la obra también permite un juego de poder decirnos cualquier cosa y seguir adelante, porque es un chiste. Y también como en la familia, con la gente que uno más quiere, se anima a ser un poco más, no sé si es o malo, verdadero, o decir cosas que tal vez con alguien que no conocés tanto no lo harías y acá eso pasa. Son personajes que se exceden por distintas cosas, que también son juegos que nos facilitan para hacerlo más divertido, más extremo, por no decir exagerado, porque el teatro es exagerado. El teatro no es real, es un recorte y nos permite divertirnos mucho.

En 2015 se estrenó en España una de las obras teatrales que más impacto han causado en los últimos años. Se trataba de La piedra oscura, del joven dramaturgo Alberto Conejero que dirigió Pablo Messiez. Ahora, esta pieza, es una de las claves que Javier Ambrossi y Javier Calvo han utilizado para articular su última y aclamada obra en el Festival de Cannes, La bola negra.

La representación de La piedra oscura, logró suscitar un interés renovado por la memoria histórica, articulando un vínculo entre la necesidad de recordar y el deseo de comprender, utilizando como motor el encuentro ficticio entre un teniente republicano y un soldado del bando nacional, a través de una pieza que se desmarca por su modo de abordar el legado de aquellos que, como Rafael Rodríguez Rapún, quedaron al margen del relato oficial de la historia española.

Conejero sitúa la acción de La piedra oscura en una habitación de hospital militar cerca de Santander, donde Rafael Rodríguez Rapún vive sus horas finales bajo la custodia de Sebastián, un joven inexperto del bando contrario. La clave ‘diferenciadora’ reside en que la obra se inspira en la figura real de Rodríguez Rapún, identificado como “el más hondo amor de Lorca”, aunque ‘ficciona’ el encuentro nocturno con Sebastián para acentuar la dimensión humana y moral de la tragedia. El texto no busca el enfrentamiento, sino la capacidad de dos enemigos para reconocerse y comprenderse en mitad de una guerra.

Un texto basado en reivindicar la memoria

La génesis de La piedra oscura remite a un minucioso trabajo de documentación, en el que se mezclan la investigación sobre fuentes históricas y testimonios directos, como el del hermano menor de Rodríguez Rapún.

Además, el texto está marcado por el legado que Federico García Lorca confió a Rodríguez Rapún: tres obras Así que pasen cinco años, El público y Comedia sin título y unos poemas cuya custodia simboliza la “memoria colectiva que hay que preservar”, según subrayó el propio Conejero.

El dramaturgo insistió en su momento en su reivindicación de la memoria histórica al considerar que es un espacio de justicia, y que solo desde la vivencia compartida de un relato se puede comprender el pasado y evitar su repetición.

Desde esta perspectiva, Conejero elige como título de la obra el de un proyecto inédito de García Lorca sobre la homofobia, aportando así un sentido dual: “lápida” y “paredón”, pero también “el amor que no puede decirse”.

La palabra como acto de resistencia

El dramaturgo destaca la función del diálogo y la palabra como herramientas esenciales de transformación y entendimiento mutuo: la fuerza de transformación que ejerce la palabra estructura la dramaturgia y contribuye a que el teatro, al margen de artificios, ofrezca un lugar de resistencia frente a la desmemoria.

El trasfondo histórico de la obra se sitúa entre los años 1936 y 1937, periodo en que la violencia y la represión marcaron la vida y muerte tanto de Lorca como de Rodríguez Rapún. La relación entre ambos, aunque conocida por los especialistas, ha permanecido históricamente silenciada; un silencio que forma parte de la homofobia, de negar la realidad, esconderle las palabras, no darle términos escritos ni verbales.

Conejero, recogiendo este legado y apoyándose en la labor de historiadores como Ian Gibson, reconstruye el itinerario de olvido y ocultación que ha marcado la comprensión pública del significado personal y político de figuras como Lorca y Rodríguez Rapún.

Los Javis recuperan ‘La piedra oscura’

La clave literaria y emocional de la obra reside en la capacidad de Conejero de sintetizar, en una convivencia ficticia pero verosímil, la experiencia del odio, la soledad y la esperanza de reconciliación que definieron la guerra civil española. El dato de que Rodríguez Rapún murió un año exacto después de Lorca, el 18 de julio de 1937, tras ser herido por un bombardeo del bando nacional, aporta una dimensión de fatalidad que la ficción teatral explora y ‘resignifica’.

El desenlace de La piedra oscura no es ‘revanchista’ ni busca dictar sentencia sobre el pasado, sino que supone, en palabras de Conejero un ruego explícito: este país no puede estar ribeteado de muertos en sus cunetas y que los familiares tengan que financiarse ellos mismos las exhumaciones a través de asociaciones.

Ahora, Los Javis, en colaboración con Alberto Conejero, abren precisamente su último filme con la historia que recoge La piedra oscura, la de Sebastián y Rafael Rodríguez Rapún (encarnado por Miguel Bernardeau), el carcelero y la pareja de Lorca en 1937. La segunda historia (son tres, que se abrirán como un abanico perpetuando la memoria herida), corresponderá a las cuatro páginas que Lorca dejó escritas de La bola negra y, los creadores imaginarán qué pasaría si estuviera completa. Ediciones Cátedra acaba de sacar una edición a cargo de Emilio Peral Vega y Simone Trecca que contiene La piedra oscura, Ushua y En mitad de tanto fuego.

La escena se abrió sobre el escenario de San Abasto Subterráneo Cultural en Buenos Aires, donde el público presenció una obra de teatro centrada en la salud mental y la prevención de la demencia. “Olivia” se convirtió en un espacio de encuentro impulsado por el décimo aniversario del Instituto Global de Salud Cerebral (GBHI).

La trama se enfoca en la vida de una mujer que atraviesa un deterioro cognitivo progresivo e irreversible. El guion llevó a los espectadores a recorrer los pasajes internos del laberinto de recuerdos rotos de la protagonista, quien perdió independencia.

La puesta en escena, dirigida por José Luis “Pepe” Arias, convirtió el escenario en una representación visual de la mente de Olivia, donde las memorias desordenadas se entrelazan con versos perfectamente recitados de literatura universal en una cronología difusa que encarna la confusión de la mujer.

Tras la función, la actividad continuó con un panel interdisciplinario encabezado por la doctora Lucía Crivelli, investigadora del CONICET y jefa de Neuropsicología del FLENI, junto con Adolfo García, director del Centro de Neurociencias Cognitivas de la Universidad de San Andrés y Senior Atlantic Fellow del GBHI.

El panel profundizó en los síntomas de la demencia que van más allá de la pérdida de memoria, como los cambios en la conducta, el lenguaje, la orientación y el ánimo. También se abordó el impacto que la enfermedad tiene en las personas, sus familias y los cuidadores, y se propuso un espacio de sensibilización y diálogo.

La doctora Crivelli sumó un dato fundamental: según dijo, un estudio en Argentina mostró que hasta el 60% de los casos puede prevenirse, mientras que en países de altos ingresos la proporción baja al 45%. La diferencia, afirmó, también expone el peso de factores de riesgo más frecuentes en contextos como el argentino.

El panel fue moderado por Dani Macri, fellow argentino del GBHI, ingeniero y artista, productor y actor de la obra.

García explicó durante el intercambio: “La demencia es un conjunto de síndromes, de condiciones, que se desarrollan principalmente cuando uno supera los 60 o 65 años”. Luego, precisó que el rasgo decisivo no es un olvido aislado, sino la pérdida de funcionalidad: “Tiene que haber dependencia, incapacidad de valerse por uno mismo”.

La obra reconstruye la mente de la protagonista con recuerdos y referencias literarias que se encadenan fuera de una cronología estable. Ese recurso dramático dialogó con una definición clínica que García planteó ante el público. “Hay que entender que la demencia no es una etapa natural de envejecer ni algo que tengamos que esperar que suceda”, dijo al describir una diferencia que, según señaló, puede ser sutil al comienzo.

El investigador indicó que los síntomas no siempre se concentran en la memoria. En algunos casos, detalló, el primer impacto aparece en el lenguaje o en las capacidades de interacción social, pero el cuadro adquiere dimensión clínica cuando esa alteración se vuelve sistemática, progresa y afecta la capacidad de desenvolverse sin ayuda.

Crivelli reforzó esa idea con una descripción escalonada del proceso. “Empieza de a poquito. Empiezan los olvidos, las desorientaciones, los trastornos del lenguaje, la falta de organización, y va progresando hacia el síndrome que vimos hoy: una persona que ya está funcionalmente afectada”, dijo en el panel.

La neuropsicóloga sostuvo que Olivia no solo retrata la enfermedad, sino también el “síndrome de sobrecarga del cuidador”. En esa lectura, la obra amplía el foco y muestra que la demencia no se limita al paciente: reorganiza vínculos, distribuye tareas de manera desigual y abre conflictos dentro del entorno familiar.

“Dos de cada tres casos de demencia transcurren en mujeres. Las mujeres tenemos el doble de chances de tener demencia que los hombres. Y además, dos de cada tres cuidadores son mujeres”, dijo Crivelli durante la conversación. El montaje, observó, invierte parcialmente esa frecuencia al colocar en el centro a un cuidador varón.

Dani Macri, quien interpretó el papel del hijo de Olivia, vinculó esa perspectiva con su propia experiencia personal. Contó que, cuando tenía 22 años, acompañó a su abuelo y narró cómo, aun en medio del deterioro, persistían memorias antiguas ligadas a la música: mientras él tocaba el piano, su abuelo podía corregirle tangos que recordaba.

Crivelli retomó ese punto para subrayar una paradoja propia de ciertos cuadros, aspecto que también se ve en la obra. Señaló que la protagonista todavía mantiene cultura general y memoria semántica, incluso con capacidad para recitar versos, mientras falla la memoria reciente. Para ilustrarlo, mencionó también el caso de Tony Bennett, capaz de ofrecer un recital entero de memoria y olvidar al día siguiente que lo había hecho.

La prevención empieza antes de los síntomas y atraviesa toda la vida

La pregunta sobre qué hacer y cuándo empezar ocupó una parte central del panel. Crivelli respondió con una fórmula amplia. “Nunca es demasiado temprano y nunca es demasiado tarde para trabajar sobre la demencia”, dijo al plantear que la prevención debe pensarse desde la juventud en adelante.

La especialista enumeró cinco ejes: salud cardiovascular, ejercicio físico, actividad intelectual, alimentación adecuada y vida social activa. “Cuidar el cerebro también es cuidar el corazón”, afirmó al incluir en ese primer bloque el control de la hipertensión, la obesidad y otros factores vinculados con el sistema cardiovascular.

Después añadió otros riesgos que exceden esa lista inicial: el bajo nivel educativo, la depresión, la hipoacusia y los trastornos visuales no compensados. A su juicio, el hecho de que en Argentina el potencial de prevención sea mayor no solo es una noticia alentadora, sino también una señal de que esas condiciones tienen más peso local.

Crivelli y García hablaron después de la función de Olivia en Buenos Aires. Los especialistas explicaron que la demencia no es una consecuencia natural del paso del tiempo y que puede prevenirse en una proporción alta de casos. Al mismo tiempo, la obra expuso la carga que la enfermedad traslada a cuidadores y familias.

Arias, el director, explicó que una de las decisiones del montaje fue introducir humor en un material atravesado por la pérdida. Contó que tomó esa orientación después de acompañar a su abuelo, quien tuvo Alzheimer, a lo largo del último año de su vida y de registrar que no había perdido ese rasgo aun dentro del hogar donde vivió esa etapa.

“Lejos de pretender reírnos de una tragedia como lo son algunas de las demencias, tratamos de rescatar el humor involuntario que siempre hay en los equívocos, en las confusiones”, dijo Pepe Arias al referirse a una obra que, según señaló, también trabajó con elementos de demencia con cuerpos de Lewy y alucinaciones. Para el director, ese registro puede modificar también la actitud de quienes visitan a un familiar enfermo.

Arias sostuvo que muchas veces el entorno llega “cargado” por la dimensión trágica de la situación y que ese tono no siempre ayuda. “Estaría bueno contarles un chiste”, planteó como gesto concreto para sostener un vínculo más ameno con la persona afectada.

Sobre el cruce entre disciplinas, Macri había destacado que la obra se trabajó junto con expertos para el abordaje. “La idea es poder ver cómo cada disciplina se puede enriquecer de las otras”, dijo al abrir una conversación que terminó enlazando arte, medicina, investigación y tareas de cuidado. Este es el objetivo de la iniciativa del GBHI, que pretende instruir a personas de distintas áreas sobre la importancia de concientizar sobre las demencias, y otras condiciones neurológicas, para que luego difundan esa información y enriquezcan sus respectivas áreas.

Crivelli cerró con una escena de consulta ocurrida el mismo día. Relató que recibió a tres hermanos junto con su madre y que, sentados frente a ella, discutían qué hacer mientras algunos trataban a la mujer como si no tuviera demencia y otros intentaban hacer entender que estaba enferma. “La verdad es que me parece una representación artística muy real”, dijo sobre una experiencia que, según afirmó, se parecía a lo que había vivido esa misma mañana.

Elenco y claves de la obra Olivia

El elenco, integrado por Celina Telleria, Dani Macri, Andrea Di Lascio, Ileana Jaciw, Nicole Gaudiero Bascopé y Lucas Krutnik, dio vida a los personajes que acompañan a Olivia en su tránsito por un universo fragmentado y épico.

La salud cerebral, uno de los conceptos centrales de la función, apareció en cada interacción. Desde el inicio, la obra presentó la demencia como una problemática compleja, que afecta la memoria, el pensamiento y la conducta, e interfiere con la vida cotidiana.

A diferencia del envejecimiento normal, donde pueden aparecer olvidos leves, la demencia implica un deterioro mayor que obstaculiza tareas habituales como manejar dinero, orientarse o comunicarse. Este conjunto de síntomas se produce por enfermedades que afectan el cerebro, como el Alzheimer.

El dispositivo escénico propuso un viaje sensorial por la mente de Olivia, donde los espectadores observaron cómo una mujer fuerte e imaginativa enfrentó la desorganización de sus recuerdos y la pérdida de autonomía. Su hijo, figura clave en la obra, intentó acompañarla en ese proceso complejo, lidiando con la reconstrucción imposible de una memoria desmoronada. El resto de los personajes, como la médica, la cuidadora o el enfermero, se entrelazaron en escenas que no siguieron una línea temporal establecida, lo que refleja la fragmentación propia de la enfermedad.

El Instituto Global de Salud Cerebral, fundado en 2015 con sedes en la Universidad de California, San Francisco y Trinity College Dublin, motorizó este tipo de iniciativas para mitigar el impacto de la demencia mediante el arte, la ciencia y el diálogo. Su programa Atlantic Fellows for Equity in Brain Health formó a líderes emergentes de distintas disciplinas para mejorar la salud cerebral y reducir el impacto de la demencia en el mundo. Desde su creación, doce personas de Argentina formaron parte de esta red internacional.

La función, que se lleva a cabo los jueves en San Abasto Subterráneo Cultural, se convirtió en una herramienta de divulgación y concientización. El teatro sirve como un canal para acercar a la comunidad los saberes científicos y las historias personales que rodean a la demencia.

A través de la obra y el panel, la comunidad accedió a herramientas concretas para comprender la enfermedad y su prevención, y pudo reflexionar sobre la importancia de un enfoque interdisciplinario y humano.

La celebración del décimo aniversario del GBHI impulsó la realización de eventos similares en diferentes países, lo que consolida el vínculo entre ciencia, arte y comunidad. La función de Olivia en Buenos Aires formó parte de una red global de acciones orientadas a transformar la manera en que se concibe la salud cerebral y la prevención de la demencia.

El director José Luis Arias aportó su experiencia en dramaturgia colectiva y dirección actoral para construir una puesta que se nutrió tanto de la investigación científica como de la sensibilidad artística. La producción general estuvo a cargo de Dani Macri y el GBHI, con vestuario de El Aleph y fotografía de Federico Moriconi.

La propuesta demostró que el teatro puede funcionar como un puente entre el conocimiento y la experiencia, permitiendo que conceptos como la prevención de la demencia y el cuidado de la salud cerebral lleguen a públicos diversos.

*Fotos: Gustavo Gavotti

Ismael Serrano se mete en la piel de Antonio Machado en el espectáculo Golpe a golpe, verso a verso, el célebre verso del poema “Cantares”, de Antonio Machado, que da título a la obra de la que el cantautor madrileño es protagonista, un montaje armado también a partir de las canciones de Joan Manuel Serrat.

Ismael Serrano aseguró en una entrevista con esta agencia este lunes que siempre ha sido una “fantasía personal” subirse a un escenario a interpretar, aunque ya se había enfrentado a la interpretación en algunas películas.

“El teatro es otro código, hay que dejarse traspasar por la emoción y sobre todo por la personalidad del personaje”, algo a lo que asegura que le está ayudando el director Paco Grande y el resto del elenco, formado por Alberto Berzal, Cristina de Inza, Laura Porras, Néstor Rubio y Jacob Sureda, que se subirá al Teatro Infanta Isabel de Madrid del 20 de mayo al 28 de junio.

El texto recorre el tramo final de la vida de Antonio Machado, cuando cruza a pie los Pirineos junto a su madre, camino al exilio, tras la Guerra Civil española.

Serrano afirma que ha supuesto un “reto” ponerse en la piel de un personaje como Machado (Sevilla, 1875-Colliure-Francia 1939). Su figura de Machado es tan importante dentro de la literatura y del imaginario colectivo que confiesa haber sentido “cierto vértigo” al enfrentarse a su vida y su ejercicio poético.

Sin embargo, su relación con Machado no es nueva y recuerda el episodio en el Congreso en 2023 en el que Feijóo confundió unos versos suyos con los del poeta sevillano en su réplica a Sánchez.

Serrat y Machado

Las canciones de Cantares, el disco que Serrat realizó con los poemas de Antonio Machado atraviesan la historia. “He crecido escuchando esas canciones”, reseña el músico, han ayudado a acercar la figura del poeta a todo el mundo -incide- y ayudan reivindicar su historia.

No la primera vez que Serrano interpreta canciones de Serrat, pero sí la primera que lo hace con “La saeta”, “A un olmo seco” o “Cantares”.

De Machado, apunta, “solo tenemos cierta idea de su personalidad: un sevillano que no era tan sevillano, un hombre bueno -según cuentan los que los conocieron y él se definía-, alguien más bien tímido”, añade.

A pesar de las vicisitudes de su vida, “su verdadero drama, independientemente de sus amores, fue la relación con su hermano, los desencuentros con Manuel”, señala Serrano.

El cantautor confía que con este montaje se acerque la historia de la Guerra Civil a los más jóvenes, a través del recorrido y los desencuentros en una misma familia, con algunas licencias que confía en que no sean mal entendidas por sus seguidores.

“Era un hombre de paz y muere en el exilio pagando precisamente su compromiso político”, subraya Serrano, que detalla un mensaje del poeta a los más jóvenes en el que les animaba a participar en política.

“Haced política porque si no, habrá quien la haga por vosotros o contra vosotros”, les dijo, y advierte que España debería de haber hecho un ejercicio de memoria histórica para superar esa etapa.

Se lamenta de que las administraciones, el Estado, no hayan asumido “la responsabilidad que les tocaba. Sigue habiendo fosas sin exhumar y las que se han llevado a cabo se han hecho sin prácticamente ayuda del Estado”.

En este sentido alaba los museos de la memoria de Argentina o Chile y sus procesos judiciales. “Aquí hemos vivido con ese déficit”, apunta “ha faltado valentía y un compromiso democrático de quienes de alguna manera son herederos o se sienten herederos del franquismo; no que no han sabido ser lo suficientemente contundentes a la hora de condenarlo”.

Se reconoce comprometido con la sociedad que le ha tocado vivir, “es inevitable, Machado es el ejemplo más claro. Era un activista de la República y de la Paz”.

Una razón por la que el canta a lo que le emociona y se compromete denunciando la situación en Gaza. “Se trata de asumir responsabilidades. Hubo un tiempo en el que se penalizaba, ahora creo que no es así, cuesta ahora más quedarse callado, muy poca gente decide mirar para otro lado ante lo que sucede allí”.

Fuente: EFE.

Fotos: Ricardo Rubio/ Europa Press; Teatro Infanta Isabel y archivo.

“Hola amigos. Me resulta desolador tener que dar de nuevo explicaciones que he repetido, una y otra vez, sobre mis objetivos en mis proyectos teatrales”. Con estas palabras inicia el comunicado que el actor y productor teatral malagueño, Antonio Banderas, ha publicado en redes sociales para responder a determinadas informaciones que habrían destapado los números rojos del Teatro del Soho Caixabank, regentado por él mismo.

“La ruina de la que se me hace víctima en determinados medios no existe. Lo siento por aquellos que pudiesen encontrar un cierto placer en que esto fuese así”, ha sentenciado. “El proyecto del Teatro del Soho CaixaBank es un proyecto donde solo me planteo un objetivo: hacer las cosas como creo que se deben hacer y tratar de buscar la excelencia en nuestras producciones, más allá del déficit económico que estos acarreen, y que, gracias a Dios, puedo asumir sin ningún problema. Ese es el pacto con mi pasión por el teatro, por mi ciudad, y conmigo mismo”.

Por todo ello, el actor ha reivindicado que “si hubiese querido ganar dinero habría sido muy fácil”. “Pero he preferido hacer producciones grandes, donde he dado trabajo a cientos de personas, y he disfrutado como no lo había hecho en toda mi carrera”, continúa. “La noticia es que voy a seguir haciéndolo. Lo he dicho en ruedas de prensa y en diferentes entrevistas en incontables ocasiones”.

La felicidad de Antonio Banderas

El actor ha querido recordar el carácter altruista de la empresa del Teatro del Soho Caixabank, subrayando que “no recibe subvenciones de dinero público y no lo hará mientras yo esté vivo”. " Me hago cargo de los gastos derivados de acometer proyectos carísimos que difícilmente veréis en empresas que han de presentar una cuenta de resultados", ha defendido. “Y aquí me gustaría agradecer la destacada participación de los magníficos patrocinadores que me acompañan en esta aventura”.

Finalmente, Antonio Banderas ha señalado que el año pasado el Teatro Soho logró reunir a casi 200.000 espectadores, contando con la producción presentada en Madrid. “Hemos logrado romper moldes en estos años y lo vamos a seguir haciendo. No, amigos míos, no estoy arruinado, ¡estoy a tope! ¡Y soy amenazantemente feliz! Hasta la vista babies”.

Un sueño personal

En noviembre de 2019, el actor inauguró oficialmente el nuevo proyecto que iba a iniciar en el antiguo Teatro Alameda, espacio emblemático de la ciudad andaluza, que el actor había adquirido para transformarlo completamente. Partiendo de un sueño personal, Banderas decidió reinvertir su propio capital en su ciudad natal. No lo planteó como un negocio puramente comercial, sino como un “centro de creación artística” sin ánimo de lucro personal, donde los beneficios se reinvierten en el propio proyecto.

A los pocos meses de abrir, la pandemia de COVID-19 obligó al cierre temporal. Sin embargo, Banderas aprovechó ese tiempo para crear Teatro del Soho Televisión, produciendo programas culturales y llegando a organizar y presentar la Gala de los Premios Goya 2021 desde el propio escenario del Soho. Desde entonces, el espacio ha servido para el estreno de musicales como Godspell o Gypsy, presentado también en el Teatro Apolo de Madrid. Además de las grandes producciones de Banderas, el teatro se ha convertido en un espacio multidisciplinar, donde se celebran desde ciclos de flamenco a diferentes formaciones de música y artes escénicas.

Elisabetha Gruener encabeza la obra Fiesta de compromiso. Esta puesta en escena prescinde por completo del diálogo, rompiendo con las convenciones tradicionales del teatro.

El lenguaje corporal y los sonidos pregrabados funcionan como los principales recursos para narrar la historia, marcada por emociones, conflictos y revelaciones. Se estrena el 17 de mayo en el Foro Shakespeare.

La trama sigue a Elisabetha Gruener, la novia, y Alberto Quijano, el novio, quienes viven la víspera de su fiesta de compromiso. La celebración se convierte en un escenario donde emergen tensiones familiares, secretos y deseos.

En entrevista con Infobae México, la actriz Elisabetha Gruener contó todo sobre su participación en la puesta en escena.

Entrevista con Elisabetha Gruener

¿De qué trata el proyecto?

“La primera línea de comunicación es a través del cuerpo y de la coreografía. Habla sobre la familia, los deberes de la familia y los roles que cada uno ocupamos dentro de ella, que son muy distintos a los roles que ocupamos con el resto del mundo. Eso lleva a pequeñas explosiones, a secretos, a descubrimientos y a puntos de inflexión”.

¿Cómo te preparas para un papel así?

“No hubo una preparación previa; más bien, fue un proceso emocional y mental. Nadie sabía de qué se trataba la obra hasta que comenzamos a montarla. Hicimos un voto de confianza en Clemente, el creador, y en los actores y bailarines del elenco. Fue como aventarnos juntos al cenote, sin saber si íbamos a caer bien o no. Eso ha sido lo más interesante. Me gustan estos procesos de laboratorio en los que descubres la esencia conforme avanzan los ensayos. Eso fue lo que ocurrió y fue genial”.

¿Cuál es tu expectativa para el público? ¿Cómo crees que va a reaccionar la audiencia, que es, básicamente esencial para una obra de teatro?

“Todavía no sabemos cómo va a terminar la historia; estamos a punto de descubrirlo en estas últimas semanas. No hemos tenido oportunidad de mostrársela a nadie.

Espero que el público entre sin la expectativa de buscar una historia o un mensaje concreto. Muchas veces llegamos a una obra, película o exposición tratando de encontrarle un sentido intelectual y racional a lo que vemos, pero creo que el sentido de esta obra es mucho más sensorial, en lo que nos hace sentir.

La mayoría de los proyectos que hacemos Clemente y yo, que ahora tenemos varios en marcha, son sensoriales. Como qué nos hace sentir en ese momento las imágenes, la música, la iluminación, a qué huele ese lugar. Y creo que eso es lo que me gustaría o lo que yo esperaría del público, que entrara con una apertura de, pues a ver qué pasa, a ver qué siento, a ver qué me despierta".

Cuando eras pequeña, no querías ser actriz, decías que era un mundo algo emocional. ¿Qué pasó para que cambiara y hoy estés en una obra tan particular como esta?

“Creo que la razón por la que no quería ser actriz tenía más que ver con el deber ser. Mis padres y mi hermano son artistas, así que mi resistencia era justo hacia esa expectativa de cumplir con lo que los demás esperan. Si decides ser artista, a veces parece que otros trazan el camino en vez de que lo hagas tú. Por ahí iba mi resistencia, y justo de eso habla la obra. Por eso es tan personal. Yo creo que todos tenemos una familia o un grupo donde existe ese deber ser, esa expectativa sobre lo que tienes que ser. Puedo relacionar esa decisión de dedicarme a esto con la historia de la obra. Hay un deber ser muy fuerte siempre, y me parece importante poder trascenderlo. Eso es justo lo que he intentado desde que decidí seguir el mismo camino que mi mamá y mi papá. En esta obra es muy personal para mí. Siento que puedo conectarlo de inmediato con algo muy cercano. Todos entramos sin saber de qué iba a tratar, con el nervio de descubrir el trayecto emocional de nuestros personajes. De pronto te das cuenta de que habla de la familia, del deber ser, de los roles, de todo eso que está en todos nosotros. Por eso esta historia es importante y creo que será inesperada para el público”.

¿Cuál es la mejor vía para interpretar mejor un papel? ¿Cuando te ves reflejada en el personaje o cuando no tiene nada que ver contigo?

“Siempre dicen que hay que separar al artista de su arte, pero pues yo no creo que se pueda hacer eso, porque por lo menos yo cuando estoy creando, ya sea que el personaje sea lo más alejado de mí o lo más cercano a mí, siempre parte desde mí, desde mi ser, desde lo que he vivido, desde lo que he sentido, desde mis experiencias”.

Hay historias que nacen en los márgenes. En aulas pequeñas, en ejercicios de improvisación, en actores que todavía están buscando su voz mientras aprenden a escuchar la del otro. Y hay obras que ya nzcen como un fenómeno, ya tienen algo de verdad latiendo debajo de cada escena. Eso sucede con MetAMORfosis del amor, la propuesta teatral surgida del laboratorio de Montaje Teatral —último año de la escuela de actuación de NÜN Teatro Bar— que encontró en los vínculos de pareja un territorio tan incómodo como universal: el lugar donde el amor convive con el miedo, la dependencia, la pérdida y las heridas que nunca terminan de cerrar.

Con funciones los domingos a las 15.30 hasta el 31 de mayo, la obra se convirtió en una de esas experiencias teatrales que no se limitan a entretener. Porque detrás de cada diálogo, de cada escena atravesada por el humor o la crudeza, aparece una pregunta que incomoda al espectador incluso después de salir de la sala: ¿qué hacemos cuando amar ya no alcanza?

Lejos de las fórmulas románticas perfectas, se instala justamente en las zonas grises de los vínculos. Allí donde nadie tiene razón del todo. Allí donde quedarse puede doler tanto como irse. Allí donde el deseo de amar choca contra las limitaciones humanas más profundas.

La obra está interpretada por Mica Cvitanovic, Cintia González, Abril Arigüel, Florencia Morosan, Ionatan Pérez, Sebastián Rigolino, María Ruggeri, Erica Rusyniak, Tincho Tudela y Danilo Cavilla, con voz en off de Emilia Risso y dirección de Thelma Demarchi y Marcela Grasso. Pero más allá del elenco coral, lo que atraviesa la experiencia es la sensación de estar viendo fragmentos de vidas reales, pequeños pedazos emocionales donde cualquier espectador puede reconocerse.

En charla con Teleshow, Florencia Morosan, quien interpreta a Federica, destaca que la construcción de su personaje nació de la observación obsesiva de lo cotidiano. “Mi historia surge desde la búsqueda de intentar pensar cuál sería el mayor dolor que una pareja puede atravesar para no estar juntos”, explica. Y en esa reflexión aparece uno de los núcleos más desgarradores de la obra: dos personas que se aman profundamente, pero que al mismo tiempo están atravesadas por algo tan inmenso que termina separándolas.

“Hay veces que el amor no alcanza”, analiza la actriz. Y esa frase parece resumir el espíritu entero de la obra. Porque no busca respuestas cómodas ni moralejas tranquilizadoras. Habla de personas haciendo lo que pueden. De vínculos imperfectos. De emociones contradictorias. De la dificultad de sostenerse cuando el dolor gana terreno.

Danilo Cavilla (Santiago en la ficción) reconoce que uno de los mayores desafíos actorales “fue explorar esos vínculos donde las emociones se confunden. La obra me invitó a preguntarme qué pasa cuando la línea entre el afecto, la necesidad y lo patológico se vuelve casi imperceptible”.

Y justamente allí aparece uno de los grandes aciertos del espectáculo: no juzgar a sus personajes. La obra no señala culpables. No divide entre buenos y malos. Observa. Expone. Humaniza. Como si cada escena fuera un espejo roto donde el público pudiera ver fragmentos de sí mismo.

El proceso de creación colectiva también terminó marcando profundamente al elenco. Mica Cvitanovic, quien interpreta a Lucía, recordó uno de los momentos más íntimos de los ensayos: cuando los actores comenzaron a compartir experiencias personales vinculadas al amor, al desamor y a las pérdidas emocionales.

“Fue muy movilizante descubrir que la creación colectiva no es algo lineal”, explica a este medio. Entre distintas ideas, búsquedas y miradas, todos coincidían en algo esencial: querían hablar de vínculos reales. De relaciones imperfectas. De emociones reconocibles.

Entonces ocurrió algo inesperado: “Empezamos a compartir nuestras propias contradicciones sobre el amor y las parejas, y ahí entendimos que eso que nos atravesaba a nosotros también podía atravesar al público. Fue como encontrar el corazón de la obra”.

Ese corazón aparece constantemente en escena. En los silencios incómodos. En las discusiones cargadas de ironía. En las risas que llegan justo antes de una escena devastadora.

Sebastián Rigolino (Iván en la ficción) asegura que el humor funciona como un puente emocional indispensable dentro de la propuesta: “Hay algo muy verdadero en la convivencia de lo cómico con lo trágico, porque así pasa en la vida. Todo junto y muchas veces sin poder verlo venir”.

Esa mezcla genera un efecto particular en el espectador: primero la risa, después el golpe emocional. Y quizá ahí radique una de las razones por las que la obra logró generar tanta conexión con el público. “Cuando te reís, bajás defensas”, sostiene. “Entonces quedás más receptivo para emociones más complejas”.

La respuesta de quienes asistieron a las funciones terminó confirmando esa conexión inesperada. Erica Rusyniak, que interpreta a Valentina, admite que el elenco todavía se sorprende con las reacciones del público: “La gente se reía en momentos que ni siquiera imaginábamos”. Y enseguida agrega que después de la risa aparecía otra cosa: silencios, emoción, identificación, incomodidad. “Ver lo que se genera en el otro nos inspira muchísimo”, aseguró.

Con entradas agotadas y devoluciones que crecieron función tras función, MetAMORfosis del amor empezó a consolidarse como una de esas obras independientes que encuentran potencia justamente en su honestidad emocional. Sin grandes artificios. Sin golpes bajos directos. Sólo personas intentando entender por qué amar puede ser tan hermoso como devastador.

Ahora, mientras se acercan las últimas funciones, el grupo ya piensa en lo que viene. Tincho Tudela, en el rol de Juan, reconoce que el primer objetivo es cerrar esta etapa de la mejor manera posible, pero también proyectar el espectáculo hacia nuevos escenarios: “Es una obra muy viva”, explica. “Siempre aparecen cosas nuevas para ajustar, descubrir y potenciar”.

La posibilidad de presentarse en festivales o continuar el recorrido en otros espacios aparece como uno de los próximos desafíos. Aunque también existe otro obstáculo muy concreto: coordinar las agendas de diez actores y dos directoras.

Sin embargo, el entusiasmo sigue intacto. Porque cuando una obra logra que el público se vea reflejado en escena, algo cambia. Ya no se trata solamente de teatro. Se transforma en experiencia compartida. En conversación pendiente. En emoción reconocible.

Y quizás ahí esté el verdadero corazón de MetAMORfosis del amor: en recordar que, aun en medio de las heridas, de las contradicciones y de las despedidas inevitables, las personas siguen intentando encontrar una forma posible de amar.

Durante una entrevista en el ciclo Se Nota Mucho de Vorterix, detalló el origen de esa experiencia. Luego de que la pandemia lo sorprendiera con la barba crecida, su entorno comenzó a notar el parecido con el clásico personaje navideño. Entre bromas, llegó a imaginar que alguien podría convocarlo para el rol. Lo que comenzó como un comentario casual, terminó materializándose poco después: Flavio Mendoza lo contactó para invitarlo a ser parte del espectáculo Una Mágica Navidad.

"Mi señora me decía que me queda linda la barba. ‘Sí, me la voy a dejar, ¿pero sabés por qué me la voy a dejar? Porque alguno me va a llamar para hacer de Papá Noel’”, respondió, sin imaginar lo que ocurriría apenas días después.

Straneo continuó su relato: “A las dos semanas, teléfono. ¿Quién era? Flavio Mendoza. ‘¿Qué hacés? Hola, Pichu, ¿cómo estás? Te quiero hacer una propuesta. Escuchame, ¿cómo estás para hacer de Papá Noel?’ Digo: ¿Vos me estás jodiendo?”. La situación, teñida de humor, se transformó en un hecho real y Straneo se convirtió en el primer Papá Noel de la obra que Mendoza presenta cada diciembre.

El espectáculo Una Mágica Navidad se caracteriza por su despliegue escénico y la interacción con el público infantil. El humorista recordó detalles de su participación y las consignas que recibía en bambalinas: “Decía: ‘Escondete, estúpida. Que no te vean los chicos’”. Estas instrucciones, relatadas con tono humorístico, muestran la dinámica detrás del escenario y la importancia de preservar la ilusión para los niños.

La experiencia de interpretar a Papá Noel no solo resultó un desafío actoral para Straneo, sino que también reforzó su vínculo con Mendoza. El humorista destacó el trato afable del productor y coreógrafo, e incluso imitó su voz durante la entrevista, generando risas entre los conductores del ciclo radial. El episodio evidencia cómo el humor y la espontaneidad atraviesan la trayectoria de Straneo, incluso en contextos inesperados.

En paralelo a su labor como actor y humorista, Pichu Straneo atravesó el último tiempo un momento de profunda transformación tras la muerte de su madre. El dolor por la pérdida se convirtió en motor creativo y lo impulsó a concretar un proyecto musical largamente postergado. Así nació Gotanguayo, su primer disco, en el que participaron figuras como Ariel Ardit, Hernán Cucuza Castiello, Dani Suárez, Cóndor Sbarbati de La Bersuit y Rodrigo Manigot.

Sobre el trabajo explicó que el fallecimiento de su madre fue un punto de inflexión: “La verdad no lo esperaba porque estaba más mal mi viejo. Yo esperaba quizás que le pasara algo a mi viejo. Mi vieja se bloqueó y se fue ella primero. Y la madre es la madre...”. En ese momento, recordó una deuda pendiente con ella: “Le tenía una deuda a mi vieja que ella siempre me decía ‘vos tenés que hacer tal cosa’. Y lo cumplió”. El disco surgió como un homenaje y una forma de canalizar el duelo a través del arte.

El lanzamiento de Gotanguayo no solo significó cerrar un ciclo personal, sino también abrir un nuevo capítulo en su carrera artística. La colaboración con músicos de renombre aportó diversidad al proyecto y permitió a Straneo explorar su faceta como cantante, sumando una nueva dimensión a su perfil público.

El actor celebró su regreso al teatro tras 20 años de ausencia, expresando su entusiasmo por reencontrarse con su “primer amor” en una etapa que equilibra cine, escenarios y vida familiar. El retorno ocurrió después de haber estado alejado dos décadas de los escenarios, hecho que considera fundamental en su carrera.

“Había pasado tanto tiempo que dejé de contar, porque comenzaba a ponerme triste”, reconoció al recordar su anterior producción. “Siempre estuvo en mi cabeza… es mi primer amor, y sabía que eventualmente volvería. Solo faltaba que se dieran las circunstancias adecuadas, y ahora se dieron”, explicó a CBS Sunday Morning, el programa de entrevistas de CBS.

Cheadle detalló que producir la obra Strange Loop fue determinante para reavivar su deseo de volver. “Si bien como productores no aportamos mucho al proceso creativo, ver esa obra tan original y valiente me hizo pensar: ‘Sí, eso es lo que necesito, quiero volver ahí’. Definitivamente fue el comienzo de todo otra vez”, afirmó.

La experiencia teatral cobra para el actor un valor irremplazable. “No hay segundas oportunidades. No puedes detenerte y volver; es algo único… No existe nada como sentir la energía de miles de personas en un teatro, la inmediatez de los errores y cómo, entre todos, debemos continuar. Esa conexión mágica es inigualable”, reflexionó.

Trayectoria como Rhodey en el MCU y evolución del personaje

El camino de Don Cheadle en el Universo Cinematográfico de Marvel (MCU) implicó una decisión tomada en plena celebración familiar. “Me llamaron en medio de la fiesta de cumpleaños de mi hija. Primero me dieron una hora para decidir, después dos, pero lo consulté con mi esposa en plena partida de laser tag”, relató al medio. “Sabía que era una decisión que afectaría los próximos diez años de mi vida”.

Cheadle confesó que, al aceptar el papel, desconocía cuál sería el desarrollo de Rhodey. “No tenían definido hacia dónde iría el personaje… Me preguntaron si estaba dentro o fuera. Aceptar implicaba decirle no a muchas cosas que podrían surgir. Hice cuentas y eran diez años de mi vida dedicados a esto, pero lo que tenía delante era emocionante e interesante y las posibilidades valían la pena”, rememoró.

Sobre el futuro inmediato, el actor subrayó que lo más interesante es afrontar los nuevos caminos de su personaje. “La posibilidad de descubrir hacia dónde irá Rhodey es lo que más me atrae… Lo inmediato es lo que toca, y quiero cruzar ese siguiente umbral”, expresó en CBS Sunday Morning, el programa de entrevistas de CBS.

El impacto del teatro y del cine en su vida personal y profesional

A lo largo de su carrera, Cheadle interpretó personajes con gran carga social, como en Hotel Rwanda, la película nominada al Oscar. “Ese proyecto cambió la trayectoria de mi vida. Me abrió los ojos a temas de derechos humanos, no solo en África, sino en todas partes”, explicó durante la charla difundida por CBS Sunday Morning, el programa de entrevistas de CBS.

Describió que trabajar en esa película lo llevó a involucrarse en el activismo y a comprender el poder que puede tener la notoriedad pública: “Me implicó en espacios de activismo y defensa que existían desde antes de que yo llegara, y comprendí el verdadero poder de tener una voz pública: ‘¿Ustedes me miran a mí? Miren aquello’. Es una de las mejores formas de usar la notoriedad”.

Al reflexionar sobre cómo emplea su tiempo y elige sus proyectos, Cheadle señaló: “Lo único que no se puede recuperar ni comprar es el tiempo. Quiero dedicarlo a proyectos en los que creo, que tengan sentido trabajar con ciertas personas y contar ciertas historias. No todo se trata de premios o reconocimientos; es más importante el propósito que el resultado”, enfatizó.

También se refirió a la experiencia en Ocean’s Eleven. Destacó la camaradería en el equipo y la dinámica creada por el director y los productores. “Nos dábamos cuenta de lo afortunados que éramos. Si alguien intentaba sobresalir, el grupo lo notaba. El trabajo y la diversión iban de la mano”.

Familia, relaciones y el sentido del legado

Las raíces familiares tienen un papel esencial en la visión de Don Cheadle. Hijo de un psicólogo y una educadora, valoró la libertad de opinión y la autonomía promovidas en su casa: “En mi familia, podía hablar, debatir, aunque igual había que obedecer. Eso fue invaluable y es algo que intenté transmitir a mis propios hijos”, relató a CBS Sunday Morning, el programa de entrevistas de CBS.

Sobre su relación duradera con Bridgette, resumió el aprendizaje conjunto de cómo afrontar las diferencias: “No vi a mis padres discutir nunca, así que con Bridgette aprendimos con el tiempo y con terapia de pareja. Hemos procurado ser un frente común para nuestros hijos, aunque a veces haya que cerrar la puerta y discutir nosotros para encontrar una decisión familiar”.

Al abordar la idea de legado, se mostró sencillo: “No me obsesiona el legado como algo grandilocuente. Si al final soy recordado como alguien que fue buen compañero, que hizo bien su trabajo y fue generoso con los demás, para mí eso es suficiente”.

La transformación personal y artística de Antonio Banderas ha llamado la atención tras la publicación de una fotografía antigua que ilustra los cambios en su vida durante más de tres décadas. El actor, hoy centrado en el teatro y en Málaga, su ciudad natal, ha compartido recuerdos y reflexiones sobre el paso del tiempo, el miedo y su forma de vivir, según Men’s Health.

A los 65 años, Antonio Banderas aborda su presente con una mirada marcada por la madurez y la autenticidad. Ahora, prioriza la tranquilidad, el equilibrio personal y los proyectos que considera significativos, dejando de lado la presión por llegar a lo más alto del estrellato internacional. Prefiere disfrutar de aquello que realmente le aporta satisfacción.

Desde los comienzos en Málaga, el actor ha construido una carrera que abarca cine, teatro y televisión. Su capacidad le permitió consolidarse como uno de los rostros más apreciados del cine español y acceder a la industria internacional, donde ha interpretado personajes variados, bajo la dirección de figuras reconocidas y ha sido galardonado en repetidas ocasiones a lo largo de su trayectoria.

La transformación de Antonio Banderas

El impacto visual de la fotografía compartida recientemente fue inmediato. En la imagen, tomada hace unos 30 años en la Puerta de Brandeburgo de Berlín, el actor aparece con un aspecto juvenil que evoca otras etapas de su vida y su carrera.

De acuerdo con Men’s Health, Banderas se ha transformado física y mentalmente para encarnar a los diferentes personajes de su filmografía. Ha pasado de llevar el cabello largo a rapado, y de siluetas delgadas a una apariencia más fuerte, mostrando así una entrega absoluta a su profesión y una destacada versatilidad.

Estas transformaciones frecuentes han cimentado su reputación de adaptabilidad y resiliencia, cualidades valoradas tanto por la crítica como por el público.

Su visión del éxito y la tranquilidad

A lo largo de los años, Antonio Banderas ha expresado cómo su relación con el éxito ha ido evolucionando. En entrevistas recogidas por Men’s Health, originadas en su conversación con The Talks, reconoció que en su juventud sentía ansiedad por recibir reconocimiento, aunque la concreción de sus objetivos le aportaba calma temporal.

El actor expuso que no es recomendable obsesionarse con estar en las primeras posiciones del cine mundial. “Es mucho más inteligente y mejor para la vida no ser el número uno, el número dos o el número tres. Es mejor estar en un lugar donde se pueda vivir con cierta comodidad, sin ser perseguido, y al mismo tiempo hacer el trabajo que uno quiere”, afirmó el malagueño en declaraciones recogidas por Men’s Health. Explicó que una mentalidad demasiado egocéntrica y ambiciosa arrastra a querer ocupar siempre el primer lugar, una meta que considera que “no vale la pena”.

Para Banderas, la verdadera realización está en encontrar serenidad y elegir los proyectos que le aportan satisfacción, más allá de la presión mediática o de la competencia constante en el ámbito internacional.

Un regreso a las raíces y el teatro

En este momento, el actor ha situado a Málaga en el centro de su vida y su inspiración artística. Tras años de triunfos internacionales, Banderas enfocó sus esfuerzos en el teatro y en fortalecer los lazos con su ciudad natal.

Este cambio le permitió desarrollar nuevas facetas artísticas, apostar por producciones teatrales propias y participar activamente en la vida cultural de la ciudad. La decisión de volver a casa surge tanto de motivaciones afectivas como de la búsqueda de un entorno más sereno, donde puede combinar la pasión por la actuación con una vida cotidiana más alejada del escrutinio público.

En este contexto, Men’s Health indica que valores como la autenticidad y la tranquilidad pesan ahora más que el reconocimiento público para el artista. Málaga representa un refugio y una plataforma desde donde Banderas, tras viajar por el mundo, opta por crear y compartir desde sus raíces.

Vivir desde el corazón: su filosofía de vida

Para afrontar el miedo y la incertidumbre, Banderas expone una manera de actuar guiada por la intuición y las emociones. El propio actor comenta: “Sería una gran respuesta si dijera que reflexiono mucho, pero no es cierto. Simplemente dejo que mi intuición fluya en situaciones de miedo. Vivo desde el corazón. No soy una persona cerebral. Nunca lo seré”.

Desde pequeño, relata, se inclinó por lanzarse a nuevas experiencias, incluso ante el temor. Recuerda que con 15 años enfrentó sus miedos alentado por el ejemplo de un amigo y de otros jóvenes, mostrando así su tendencia a dejarse guiar por el impulso en vez de la planificación excesiva.

Esa actitud influye tanto en su trabajo como en su vida personal, permitiéndole superar desafíos, disfrutar de los logros y valorar cada etapa.

La carrera de Antonio Banderas demuestra una transformación que trasciende lo físico; el intérprete ha aprendido a priorizar la serenidad y la autenticidad sobre los honores pasajeros. Apoya su modo de vida en la intuición y un enfoque sereno, sustentado en años de experiencia tanto en escenarios internacionales como en los rincones de Málaga, y mantiene como principios la pasión y la libertad en cada etapa de su trayectoria.

El regreso de Marta Hazas y Javier Veiga al plató de ‘El Hormiguero’, con motivo del estreno de la obra teatral Un matrimonio sin filtros, ha permitido conocer aspectos inéditos de su relación personal y artística. Ambos han conversado con Pablo Motos sobre cómo los conflictos cotidianos y la convivencia influyen tanto en su vida privada como en su trabajo conjunto sobre el escenario.

En su intervención, Hazas y Veiga han explicado que la función permanecerá en el Teatro Maravilla hasta el 28 de junio, con entradas aún disponibles, antes de iniciar una gira que se extenderá de agosto hasta final de año.

La obra, escrita por Veiga e interpretada por ambos, aborda “problemas cotidianos como la adicción al móvil o el fracaso de las relaciones”, pero según sus protagonistas, el valor diferencial reside en “el punto de vista”, ya que “el público es partícipe, aunque no es interactivo. El público está dentro del espectáculo”.

Objetos, discusiones y silencios en la convivencia

Preguntados sobre la influencia de sus vivencias personales en el texto, ambos han aclarado que, aunque existen referencias a su vida conjunta, los protagonistas, Marga y Jaime, llevan también 15 años juntos, la obra se distancia de la realidad. Javier Veiga ha admitido que recoge detalles y frases de discusiones, a pesar de que en ocasiones intenta ocultarlo, mientras que Marta Hazas ha reconocido que el proceso creativo le permite llegar más lejos en los debates representados en escena.

La conversación ha permitido identificar la dinámica de los desencuentros dentro del matrimonio. Ambos han definido sus disputas como “la Guerra Fría”: silencios prolongados y actitudes de indiferencia, sin llegar a discutir abiertamente sobre cuestiones de calado. A este respecto, Marta Hazas ha contado que “estuvimos tres días sin hablarnos por la independencia de Cataluña”, señalando ese episodio como la mayor crisis que han vivido, en la que el perdedor de la discusión “se pone porculero” y puede llegar a perder la ilusión.

Preguntados sobre objetos con valor sentimental, Hazas ha señalado que no dejaría a su pareja llevarse los álbumes de fotos y una escultura de un autor gallego, regalo que define como “de ida y vuelta”. Veiga, por su parte, ha afirmado que sería precisamente la escultura lo primero que protegería en caso de disputa, adelantando que llegado el momento la guardaría antes de que la discusión comenzase.

Ambos han coincidido en que, pese a los años de convivencia, continúan existiendo aspectos desconocidos del otro, pensamientos o reacciones que sólo emergen ante situaciones inéditas. La falta de micro en el teatro obliga, además, a adaptar el ritmo de la función a las reacciones del público, lo que puede alargar determinadas escenas cuando las carcajadas lo requieren.

Rigor en escena y anécdotas personales

El ámbito profesional de la pareja también ha sido objeto de análisis, especialmente por la exigencia de Veiga con el guion de la obra. Según ha relatado Marta Hazas, el texto debe seguirse al pie de la letra: “No se enfada y te pone cara en el escenario, que es peor. Ya le he amenazado con que si sigue así llevo la obra por otro lado. Todo está escrito, soy como Lina Morgan hasta cuando parece que me río. Todo, todo clavado.” Veiga ha justificado este rigor explicando que, aunque algunos aspectos se perfeccionan durante la función, considera que si una fórmula funciona no hay motivo para cambiarla.

Sobre el inicio de su relación, han recordado que surgió tras el rodaje de Bandolera, y que fue un mensaje de Whatsapp lo que confirmó el interés mutuo. También han compartido curiosidades personales, como la facilidad de Marta Hazas para asustarse en la vida cotidiana y las diferencias en la manera de vivir ciertas emociones tanto dentro como fuera del escenario.

En el plano médico, Hazas ha relatado su operación de miopía: “Tenía siete dioptrías cuando me operé. De cerca veía muy bien. Ahora ya veo bien de lejos. Está todo muy sucio. Vivía en un cuadro impresionista y ahora veo los contornos de las cosas. Yo de los cráteres de la Luna pensé que no se veían desde la Tierra. Y cuando lo vi, dije, ‘¿En serio?’”, haciendo hincapié en cómo la mejora de la visión ha alterado su percepción cotidiana y sus hábitos.

“Estrenamos este jueves, la estamos rompiendo, está espectacular”, aseguró Vicuña, entusiasmado por la inmediatez del debut y convencido de que la obra logrará conmover al público. El actor destacó el fenómeno de adaptar éxitos cinematográficos al escenario: “Es como ya casi un género más, ¿no? Lo vimos con Rocky, lo vimos con la de Francella”, comentó, ilustrando una tendencia que, según su visión, cobra cada vez más fuerza en la cartelera porteña.

Pergolini, conocido por su escepticismo hacia el teatro, admitió: “Fui este fin de semana. Fui a ver a Francella”, lo que generó la invitación inmediata de Vicuña: “Te invitamos que vengas, que nos vengas a ver a nosotros.” El intercambio dejó en claro tanto el esfuerzo de los actores por atraer nuevos públicos como la camaradería que reina entre quienes comparten el oficio sobre las tablas.

Durante la charla, la curiosidad del equipo del programa giró rápidamente hacia las escenas de intimidad entre los protagonistas. Vicuña sorprendió y dijo sobre los besos en la obra: “Seguramente son los chapes más violentos que he tenido en ficción, en teatro.”

En ese clima de bromas, Pergolini y Vicuña evocaron otros trabajos del actor, incluyendo un beso memorable con el español Javier Cámara. “Pará, con Lamothe es más largo”, bromeó Vicuña, mientras la risa se apoderaba del estudio. El actor recalcó la profesionalidad y el talento de su colega español: “Javier Cámara es un actor importantísimo, muy, muy groso de Almodóvar.”

En la conversación surgió una primicia inesperada. Vicuña reveló: “Acá el señor (Lamothe) sale en bolas en la obra, pero así, como Dios lo trajo al mundo”. Pergolini reaccionó entre la sorpresa y la ironía: “¿Y tenés que abrazarlo en el momento que sale?”, mientras el propio Vicuña le animaba a comprobarlo en vivo: “Tenés que venir a ver la obra.”

Un mensaje inesperado de Esteban Lamothe a Pergolini

La entrevista cobró un giro especial cuando Pergolini anunció la llegada de un mensaje de Esteban Lamothe. El video, reproducido en el estudio, aportó un toque de complicidad y humor al encuentro. “Benja, amigo, sé que estás ahí, en el frente, en la línea de fuego. Tené cuidado, no te dejes amedrentar por Pergolini”, arrancó Lamothe, dirigiéndose tanto a su compañero como al conductor.

El mensaje incluyó una respuesta a una broma previa: “Me quedé recaliente con vos cuando me dijiste que era feo. Un saludo ahí para Rada y para todos los que están ahí, para Evelyn, para Mario. Y vengan a ver la obra que se van a emocionar.”

En palabras de Vicuña, el encuentro con Lamothe en el escenario es una experiencia intensa y divertida a la vez. “Esteban está muy bien en la obra, la verdad que es un compañero espectacular. Estaba muy dolido con lo que le dijiste”, relató con ironía, mientras Pergolini se defendía entre risas. La conversación evidenció la química entre los protagonistas y la confianza que los une.

Al abordar el proceso de adaptación, Vicuña explicó: “Agarramos esa adaptación y la hizo también Marcos Carnavale y Javier Daulte". El actor remarcó que la versión argentina se nutre de experiencias previas en otros países: “Existe la obra, se hizo en Inglaterra, en Brasil y acá, que es una capital del teatro impresionante.”

La pieza teatral, según Vicuña, combina el drama de la película original con elementos de humor y ritmo que buscan “descomprimir” la intensidad emocional, especialmente en la dinámica del teatro de calle Corrientes. Además, el elenco se completa con Laura Paredes y Gabriel Tocastro, aportando nuevas capas a la narrativa.

La versión teatral de Secreto en la montaña es un drama con momentos de humor, y su puesta promete movilizar al público a partir de la fuerza de la historia y la entrega de sus intérpretes. El guion adapta la esencia del filme que “sacudió al mundo”, pero introduce matices que dialogan con el público local.

Nacido en Bucarest el 16 de enero de 1926, Tandarica llegó a este país como refugiado rumano y se convirtió en uno de los cómicos más reconocidos de la televisión de los años ochenta. Su número del mozo torpe y aparentemente ebrio en VideoMatch, el éxito que catapultó a la fama a Marcelo Tinelli, fue el que le valió el apodo de “el Chaplin argentino”.

Tandarica trabajó durante años en circos de Rumania. La dictadura comunista de Nicolae Ceaușescu, que comenzó en 1965, lo empujó a abandonar el país. Según relató su hija Aglaja Veteranyi en un libro sobre su padre, se fue con el dinero que había tomado de la caja del circo nacional rumano.

La huida tuvo consecuencias graves. Cuando las autoridades rumanas tomaron conocimiento del robo y de sus creencias religiosas, fueron condenados a muerte en ausencia. Esa sentencia le cerró para siempre la posibilidad de regresar a su país de origen.

La primera parada fue Suiza, donde la familia obtuvo un pasaporte de refugiados. Desde allí, Tandarica y su esposa comenzaron a recorrer distintos países con su trabajo circense, sin un destino fijo. Una vida itinerante.

Esa vida del circo tuvo un costo familiar enorme. Tandarica se casó dos veces y tuvo dos hijas. A Aglaja la tuvo con una trapecista que trabajaba en el mismo circo que él.

La movilidad constante llevó al humorista a tomar una decisión que marcaría la infancia de sus hijas: las dejó en un internado de Suiza. Aglaja permaneció allí gran parte de su niñez y llegó a la adolescencia sin saber leer ni escribir. Cuando cumplió 15 años, su madre fue a buscarla para llevarla a trabajar al circo.

Ya adulta, Aglaja aprendió a leer y escribir, y llegó a desarrollar una carrera como dramaturga, guionista y ensayista. Publicó el libro Por qué se cuece el niño en la polenta, donde narró situaciones muy duras sobre su relación con su padre. Se suicidó en Suiza tiempo después de la muerte de Tandarica, ella tenía 39 años.

En 1974, el humorista desembarcó en la Argentina y se incorporó al conocido circo Tihany, con el que actuó en las temporadas veraniegas de Mar del Plata. A principios de los años ochenta se radicó en Buenos Aires, donde comenzó a construir una carrera en teatro, cine y televisión.

Antes de consolidarse en el país, Tandarica ya había ganado el “Óscar del Humor”, un reconocimiento que se entregaba en España para premiar a los grandes cómicos. Lo obtuvo por sus imitaciones de figuras de la historia contemporánea como Stalin, Fidel Castro y Francisco Franco.

Su debut teatral en Argentina fue en 1980, con la obra Los años locos del Tabarís, junto a Moria Casán, Carmen Barbieri, Orlando Marconi, Alberto Anchart y otros. La obra lo instaló en el circuito del teatro de revista porteño, un género que convocaba muchos espectadores por aquellos años.

A lo largo de los años ochenta encadenó varias temporadas. Trabajó en La revista del paro general (1984) con el inolvidable José Marrone, Tristán y Luisa Albinoni; en La noche está que arde (1987), estrenada en el Teatro La Sombrilla de Villa Carlos Paz junto a Marrone y Adriana Aguirre; y en La revista corrupta (1991), en el Teatro Tabarís, con Nito Artaza y Beatriz Salomón, entre otros.

En cine participó en varias películas del género de comedia como El telo y la tele (1985), Los colimbas al ataque (1987), Los bañeros más locos del mundo (1987) y Corona se va al karate (1990).

Dice la leyenda que el entrañable Tandarica llegó a filmar una película en Hollywood junto a Sylvester Stallone, aunque no hay confirmación de aquello haya sucedido realmente.

En televisión apareció en uno de los programas de mayor suceso en la década de 1980 como fue Mesa de Noticias (1983). Integró el elenco de Recreo 11, Las mil y una de Sapag, Las gatitas y ratones de Porcel (1986), Badía y Compañía (1987) y Ritmo de la Noche. Pero fue VideoMatch, el programa diario conducido por Tinelli, el espacio donde su personaje se volvió verdaderamente popular.

El número que caracterizaba a Tandarica consistía en representar a un mozo con bigote a lo Chaplin que parecía ebrio y tropezaba permanentemente y desataba desastres en cadena a su alrededor. Era un gag puramente corporal, sin palabras, que conectaba directamente con la tradición del mimo clásico pero con mucha más energía y movimiento. Ese personaje le dio el apodo que lo acompañó el resto de su vida.

En 2013, el programa Sin codificar le rindió homenaje con un personaje llamado “El Nieto de Tandarica”. La televisión húngara produjo además una película titulada Aglaya, centrada en la historia de su hija y en la propia vida del cómico.

Tandarica murió hace 31 años. Tal vez un reportaje publicado en la revista Somos, en mayo de 1985, se pueda revelar algo más sobre la vida de un actor, mimo y humorista que hacía del silencio una virtud escénica.

-¿Por qué eligió la mímica y no la actuación, Tandarica ?

—No me expreso bien con la palabra y decidí hacerlo con el cuerpo. Pero quiero decir que con mi cuerpo hablo, transmito un mensaje, ¿entiende?

-Sabemos que su currículum es frondoso. . .

—Sí: trabajé en el Moulin Rouge, en el Folies Bergére, en un circo suizo financiado por Chaplin, en el Tihany. De chico me enviaron a estudiar a la escuela de circos de Moscú y llegué a actuar para el mismísimo Stalin. Egresé como regisseur circense cuando el gran clown Popov estaba en su apogeo. Hice 60 cortometrajes en Rumania y anduve de gira por África, Europa y Sudamérica. Acaban de contratarme para ir a un casino de Las Vegas. Pienso quedarme seis meses y volver a la Argentina, país que me gustó tanto cuando vine que me casé por segunda vez con una criolla: María Teresa.

-¿Y su anterior mujer?

—Quería vivir en Suiza y no en la Argentina, así que me abandonó y yo volví a casarme aquí. Me gustan los argentinos: sus modos, sus gestos. . .

-¿Le gusta más la tevé que el circo?

—El olor del circo me desagrada, créalo. Claro que no reniego de él.

-¿No ha recibido ofertas para tener su propio programa?

—Sí: de ATC (Argentina Televisora Color) y de Alejandro Romay en Canal 9. Pero son sólo ofertas.

-Ese bigotito chaplinesco, ¿tiene algo que ver con Charlotte?

—Es para darle carácter a mi personaje, nada más. En cuanto a Chaplin, él me ayudó mucho durante mis primeros tiempos en Suiza. Además de ser uno de los financistas del circo donde yo actuaba, se encargaba él mismo de la alimentación de los animales. ¡Qué personaje! Cuando ya estaba postrado en la silla de ruedas, le gustaba ver sus películas. Yo no podía sentir más que agradecimiento y cariño por él, así que iba a su casa y hacía de proyectorista. Chaplin no hablaba, pero se emocionaba.

-Su estilo mímico no se parece al de Marcel Marceau. ¿Qué opina de él?

—Trabajamos juntos en el Folies Bergére. Usa toda la cara blanca, una máscara estupenda para lo suyo. Es un tipo singularmente bueno, además.

-¿Se ríen de igual modo los públicos que lo han visto actuar, Tandarica?

—Todos me reciben igual, créalo. El secreto esta en mi cuerpo: él les dice todo lo que hace falta para reírse. Siento que la gente me entiende.

-¿No extraña Rumania, Suiza, Europa?

—En Rumania no me queda nada. Mis padres han muerto y yo soy hijo único. Piense lo que habrá significado para ellos, actores que no estudiaron, desprenderse de su único hijo en aras del estudio. En Suiza, con mi ex mujer, tengo una hija de 12 años que estudia cine. Otra hija mía, de 28 años, casada, vive en México. Tengo dos nietos, y pienso visitarlos.

-¿Usted estaba en Europa cuando la Segunda Guerra, verdad?

—Sí, pero no me gusta hablar sobre la guerra. Yo era chico, pero el servicio militar era obligatorio. Tenía 20 años y todo fue feo, muy triste, ¿sabe? Fui segundo piloto y también actué un poco para las tropas.

-¿Qué tipo de show haría de concretarse algo con ATC o Canal 9?

—Un show de mimos, claro; pero abriendo más el espectro de posibilidades. Ahora estoy haciendo gags y bromas para chicos, digamos, pero me encantaría hacer humor para adultos. Nada picante: fino, apoyado en el gag visual y para grandes y chicos. La idea básica: un pobre ayudante de pista de un gran circo que debe reemplazar a quien falta, y que fracasa siempre. O no.

Así hablaba Tandarica. Un hombre que hizo reír solo con sus gestos y la torpeza sublime de su personaje más recordado.

“En esta madrugada del lunes 20 de abril de 2026, la muerte de Luis Brandoni me impacta. Hace cuarenta y ocho años nos hicimos amigos a partir del estreno de un espectáculo teatral y desde entonces compartimos un camino que nunca se interrumpió, incluidos estos últimos días en los que pude visitarlo en el sanatorio.

Tomé conciencia de su gravedad hace unas noches, cuando ya no me reconoció más. No era para contarlo en esos días. Por él y por su familia.

Con Beto se va el último primer actor argentino de una generación que ya costará encontrar, y un símbolo del teatro nacional inigualable: defendió al autor nacional siempre, actuándolo cada vez que pudo.

En estas horas se suceden infinidad de muestras de cariño y admiración. Es lógico, porque participó de recordados personajes en todas las disciplinas artísticas que lo tuvieron de intérprete.

En lo personal, me sonrío recordando sus manías, por las cuales chisporroteamos tantas veces: vestirse completo para desayunar, aún estando solo en su casa porque no se permitía hacerlo en pijama, leer el diario solamente en papel y enojarse mucho con las redes sociales, ponerse chinchudo con facilidad… Cuántas de esas pinceladas hoy me ablandan su despedida.

Compartimos también momentos difíciles por su participación gremial: desde aquel volante intimidatorio en Pinamar del ‘79 hasta sacar al público de los teatros en plena dictadura, cuando aparecían las amenazas de bombas durante las funciones. Todo eso también nos unió para siempre.

Hace apenas tres semanas hizo algo que hoy le doy el valor de una despedida: se tomó un descanso inusual, al no trabajar una semana, para viajar con su pareja a Punta Cana. Raro en Beto el priorizar un viaje por sobre sus funciones teatrales. Volvió contento, con más ganas de subirse al escenario. Lo uno a este desenlace, previsible pero prematuro.

Guardo para el final un gesto que me va a acompañar siempre: al enterarse que estaba escribiendo un libro sobre mis cincuenta años en el teatro, me ofreció escribir el prólogo.

Me lo leyó por teléfono emocionado y me lo envió el viernes 3 de abril, apenas hace días. Ese texto, hoy toma un valor superlativo en mí. Fue su último regalo.

Abrazo con toda mi fuerza a su familia, con la convicción de que hay amistades que son para siempre.

¡Se te extrañará, Beto querido! "

Además el productor productor teatral Carlos Rottemberg, conversó con Teleshow y se refirió al impacto que dejó la partida de Beto, evocando la huella profunda que el actor y dirigente dejó en su entorno y en el público. “Atravesados quienes lo quisimos a Beto por, por el, por el dolor de estas horas, pero con el convencimiento de, de qué bien la llevó y qué bien la luchó hasta el final”, expresó Rottemberg, describiendo el temple y la entereza con la que su amigo enfrentó los momentos más difíciles.

El vínculo entre el artista y su audiencia fue, según Rottemberg, uno de los pilares de su carrera. “Si bien siempre privilegió la familia, sabemos que, que tuvo en el teatro, pero también en la televisión y en, y en el cine, un gran compromiso con todo lo que desarrolló”, sostuvo, destacando la dedicación de Beto en cada uno de los escenarios que transitó.

Para quienes buscan entender qué representa hoy la figura de Beto, Rottemberg remarcó que sus personajes “quedan en, en la memoria emotiva de, de su audiencia y también ese compromiso para, para con el conjunto”. La afirmación sintetiza el legado artístico y social que deja el actor, recordado no solo por su talento sino por su entrega a la comunidad.

El productor también subrayó la vocación colectiva de Beto, en contraste con actitudes más individualistas: “Nunca fue un individualista, por eso fue dirigente gremial en la, en la época más dura y por eso desarrolló, eh, su faceta política cuando sintió que tenía algo para dar”.

La despedida, reconoció Rottemberg, está marcada por el dolor, pero también por la gratitud. “La verdad que como amigo duele mucho lo que se vive, pero nos quedamos con los hermosos momentos que obviamente, eh, guardaremos para siempre”. Con estas palabras, el productor definió el sentimiento compartido por quienes acompañaron a Beto en su vida y su labor artística.

En el programa Luis Novaresio Entrevista, que se emite por A24, el periodista dialogó con el artista y le consultó por el sentido de la vida. A lo que Brandoni contestó: “Tratar de hacer algo que a uno lo haga sentir útil. Sus parientes, sus hijos, sus amores, sus amigos. Tratar de ser útil me parece que es lo más importante. Más allá de los logros de orden económico o social, me parece que eso es lo más importante”.

Luego, el entrevistador le consultó qué va a hacer cuando sea grande, a lo que el entrevistado declaró: “Cuando sea grande voy a tratar de, en lo posible, y esto no lo puedo definir yo, pero de morirme de golpe, sin molestar a nadie. Ya esto lo tengo sabido, me voy a morir”.

“Me voy a morir lo más rápido que pueda, para no molestar a nadie y que digan ‘qué lástima, se fue’”, agregó Brandoni. Acto seguido, Novaresio consultó qué hay después de la muerte, a lo que el intérprete reflexionó: “Nos morimos y voy a ser un recuerdo. Un poeta escribió una de sus frases y decía: ‘se vive con la esperanza de llegar a ser un recuerdo’”.

De la vida al recuerdo eterno

Luis Brandoni, quien permanecía internado en terapia intensiva en el Sanatorio Güemes, falleció este lunes a los 86 años a causa de un hematoma originado por una caída en su hogar.

Con su partida, deja una huella profunda en la cultura, el gremialismo y la vida pública argentina. La noticia fue confirmada por Carlos Rottemberg, quien expresó: “Murió Luis Brandoni. Con Beto se va el último primer actor de una generación inolvidable. Impulsor del teatro nacional, desde esta Casa Teatral seguiremos aplaudiendo su compromiso permanente, que excedió el ámbito del escenario. Hoy es un día muy triste para nuestra cultura”.

A lo largo de su vida fue actor, dirigente sindical y militante político. Nacido como Adalberto Luis Brandoni el 18 de abril de 1940 en Dock Sud, Buenos Aires, consolidó una trayectoria de más de seis décadas en el arte y la política nacional. Su legado abarca desde clásicos del cine argentino hasta la defensa de los derechos laborales, dejando marca en varias generaciones de colegas, espectadores y militantes.

Su vocación artística surgió en la infancia. A los ocho años organizó una obra de títeres en su casa y poco después debutó en la radio, en un ciclo de teatro infantil. Tras completar la escuela secundaria, eligió el Conservatorio Nacional de Música y Arte Escénico, donde fue alumno de Cunil Cabanellas, Osvaldo Bonet y Camilo Da Passano. Brandoni reconocía: “Una parte de lo que soy se la debo a esos maestros. Ellos me inculcaron la profundidad de este oficio, la responsabilidad, lo que es una verdadera ética profesional”.

El debut profesional tuvo lugar el 2 de mayo de 1962, con la comedia musical “Novio” en el Teatro Coliseo. Poco después ingresó a la Comedia Nacional bajo la dirección de Armando Discépolo, experiencia que consideraba fundacional para su carrera.

Brandoni construyó el arquetipo del actor argentino, seleccionando papeles en obras y películas emblemáticas. En cine participó en 60 películas, entre ellas La Patagonia rebelde, La tregua, Juan que reía, Seré cualquier cosa pero te quiero, Cien veces no debo, Darse cuenta, La Odisea de los giles, El cuento de la comadreja y Esperando la carroza; en esta última, su frase de las tres empanadas se volvió parte del imaginario colectivo, aunque él la veía más como una escena triste que graciosa.