El Teatro Colón se transformó en el punto de encuentro para la celebración de los 150 años de Laboratorios Casasco. La compañía reunió a directivos, socios, profesionales de la salud y representantes de distintos sectores para conmemorar su extensa trayectoria en la industria farmacéutica argentina, en una noche marcada por el reconocimiento y el reencuentro.

Creditos: Casasco

En el centro de este proyecto laten el duelo y la introspección. La cantante atravesó un tiempo de quebranto, enfrentando el doloroso proceso de reconocer la huella que su madre dejó en su vida. “Fue muy doloroso para mí comprender que tuviste una mamá que en muchas cosas fue dañina con vos, aunque no haya sido su intención, pero que te hizo daño grande en el alma, que hubo abuso emocional”, confesó con honestidad descarnada en una charla en el podcast Presente Perfecto, de Nata Álvarez.

La revelación da cuenta de una herida abierta: la dificultad de encontrar sostén cuando la infancia deja marcas de invalidez: “¿Qué quiere decir ‘abuso emocional’? Eso, invalidarte, decirte que sos demasiado sensible, tratarte un poco como si vos estuvieras loca. Cuando tenés de pronto una campaña que está haciendo eso, mi corazón no podía tanto. Yo estoy descubriendo el dolor de mi mamá y tengo que actuar, ¿que estoy contenta? No puedo, no puedo, no pude. La vida es una mierda, hay que hacerla cinco estrellas".

En los meses previos al homenaje, la angustia se impuso en la vida de Milone. Decidió detener todo y refugiarse en la soledad, intentando recomponerse. “Me escondí, levanté unos shows que tenía ahí en Capital, me quedé como veinte días así tratando de ver para dónde ir, porque me quedé angustiada, me quedé perdida, me desorienté. No supe qué hacer, ¿viste cuando decís: ‘No sé ni puedo ni pedir ayuda porque no sé ni qué necesito’?”. El vacío se hizo presente y el dolor, lejos de ser abstracto, era un peso concreto, diario, que solo encontraba alivio en la contención de sus amigos más cercanos.

La presencia ausente de su madre, el eco de una crianza marcada por el abuso emocional, llevó a Milone a una revelación: “Yo comprendí quién fue esa madre”. El reconocimiento de esa historia personal, lejos de paralizarla, se volvió el impulso para buscar un renacimiento. “Uno tiene que saber que la vida duele mucho”, reflexionó, en un intento de transformar el sufrimiento en un motor creativo.

En ese contexto, la música aparece como refugio y trinchera. La decisión de realizar el homenaje a Mariano Mores surgió mientras Milone buscaba reparo frente al mar de Mar del Plata, una ciudad que siempre le brindó calma y fortaleza. “Me fui fortaleciendo frente al mar, frente a Dios, como Mariano Mores. Y ahí me di cuenta que estaban por cumplirse los diez años de su fallecimiento”. La coincidencia de fechas y emociones le permitió canalizar su propio proceso de duelo y reconstrucción a través de un proyecto artístico.

El espectáculo en el Colón es, entonces, mucho más que un tributo. Es la puesta en acto de una biografía. La colaboración con la Banda Sinfónica Municipal, bajo la dirección de José María Ulla, se vuelve el marco sonoro donde Milone puede entregar su verdad. “Necesito un contacto con la Banda Sinfónica, porque se me ocurrió algo que tiene que ser la Banda Sinfónica y el sonido de Mar del Plata y Mores amaba Mar del Plata”, reveló. La fuerza de la orquesta y el legado de Mores le brindan una estructura para reconstruirse, para sostenerse en el presente.

La elección del repertorio, los arreglos y la puesta responden a una necesidad vital. Cada canción es una oportunidad para exorcizar el dolor, para resignificar la sensibilidad que durante años fue vista como debilidad. “El proyecto enorme de Mariano, siento que de algún modo me sostiene también a mí, no solo lo honro a él, sino que me sostengo yo”, confesó al dejar claro que la música es, para ella, un acto de supervivencia.

El escenario se convierte así en su refugio más genuino. “Mi Polinesia es el escenario. Yo no necesito ir a Dubái, a un hotel catorce mil estrellas. Mis infinitas estrellas están en mi universo, que es sobre un escenario. Ahí es donde yo tengo el lujo”. Frente a la hostilidad del mundo y los recuerdos de una infancia herida, el arte le permite a Milone encontrar el lujo verdadero: la oportunidad de ser, de sentir, de transformar el dolor en belleza.

Beatrice Venezi, una de las batutas más jóvenes y destacadas de la escena internacional, ha fortalecido su vínculo con Buenos Aires tras su reciente designación como directora invitada principal del Teatro Colón.

Con una proyección que busca trascender los límites del podio y forjar nuevos lazos entre Europa y Argentina, la italiana se propone consolidar un proyecto de impacto duradero tanto en la vida cultural porteña como en la formación de nuevas generaciones de músicos.

Un dato que ilustra la envergadura de su carrera es su haber dirigido más de 400 conciertos y funciones de ópera antes de los 36 años. Su presencia habitual en escenarios de primer orden —como el Teatro La Fenice de Venecia, la Arena di Verona y el Maggio Musicale Fiorentino— y en países como Japón, Corea, Francia y Reino Unido da cuenta de una trayectoria construida con rigor y reconocimiento, además de sus colaboraciones con artistas de la talla de Plácido Domingo, Andrea Bocelli y Aida Garifullina.

La consolidación de Venezi fue precoz. A los 26 años, ya ocupaba posiciones de dirección principal en Italia y en el extranjero. Entre 2022 y 2024, desempeñó un rol institucional como asesora del Ministerio de Cultura italiano en el área de música, al tiempo que dirigía la Fondazione Taormina Arte, institución de referencia en el sur del país. Estas responsabilidades institucionales se suman a su nombramiento como futura directora musical de La Fenice.

En el plano estrictamente artístico, la crítica subraya su precisión técnica, sensibilidad interpretativa y profundidad expresiva, especialmente en repertorio de Puccini, Verdi y Mozart. Su reciente interpretación de Il Trittico en el Teatro Colón fue descrita por Infobae como el "corazón pulsante" de la producción, situando a la orquesta como eje narrativo. Un hito aún más reciente fue su dirección de Cavalleria rusticana y Pagliacci para la inauguración de la temporada 2026, que constituyó uno de los mayores éxitos recientes del teatro y reforzó su vínculo con el público local.

La relación de Venezi con Buenos Aires se proyecta más allá de los compromisos episódicos, ya que avanza en la idea de crear una Fundación y Academia de Alta Formación Lírica en la ciudad, concebida como un modelo integral que combine formación, producción e inserción profesional para músicos y cantantes jóvenes, con una estructura inspirada en la tradición operística italiana.

Venezi anticipa que la iniciativa, aún embrionaria, “imagina la creación de una orquesta académica estable, integrada por talentos de Argentina y América Latina junto a músicos europeos. La idea sería generar no solo un espacio educativo, sino también una plataforma real de producción operística, donde los estudiantes puedan participar en producciones de ópera y conciertos profesionales. En ese horizonte, el objetivo es construir un puente vivo entre Italia y Argentina, traducido en intercambios con instituciones europeas, becas de perfeccionamiento, coproducciones internacionales y, eventualmente, una temporada lírica propia en Buenos Aires.”

De forma paralela a su labor en el podio, Venezi se ha destacado como divulgadora cultural y autora de libros sobre música clásica, educación musical y composición. Reconocimientos en medios como Corriere della Sera —que la incluyó entre las mujeres del año—, Forbes —entre los jóvenes líderes europeos— y Fortune —que la integró en su lista de “40 under 40”— acreditan su perfil polifacético y la influencia que ha ejercido más allá de la escena concertística.

Al asumir la función de directora invitada principal del Teatro Colón, consolida no solo una presencia recurrente en uno de los teatros líricos más importantes del mundo, sino que impulsa un proyecto de formación y colaboración internacional que podría transformar la escena lírica argentina.

La décima edición de La Noche de las Ideas reunirá a más de una veintena de expertos de Francia y Argentina en Buenos Aires, los días 22 y 23 de mayo, con acceso gratuito en el Teatro Colón. El evento, impulsado por el Institut français d’Argentine y el Ministerio para Europa y de Asuntos Exteriores de Francia, pondrá en primer plano el debate sobre innovación, derechos humanos y la lucha contra la desinformación, bajo el lema de la edición 2026: "Abrir caminos".

La programación en Buenos Aires abarcará 14 actividades que incluirán charlas, exposiciones y performances artísticas. El evento contará con la participación de Asma Mhalla, investigadora francesa especializada en la alianza entre movimientos neofascistas y el sector tecnológico, y de Camille Froidevaux-Metterie, filósofa referente del pensamiento feminista contemporáneo en Francia y autora de seguimientos sobre procesos judiciales notables como el caso Pélicot. El filósofo Michaël Foessel, conocido por sus estudios sobre los riesgos de la democracia, también participará en las jornadas.

La Noche de las Ideas, surgida en Francia en 2016, se ha consolidado como una plataforma global para la reflexión colectiva entre intelectuales, artistas, estudiantes e investigadores, proponiendo el intercambio entre disciplinas y generaciones. Este año la consigna “Abrir caminos” busca articular saberes críticos, ciencias, prácticas artísticas y derechos humanos para abordar los desafíos de emancipación en un contexto definido por tensiones políticas, sociales, ambientales e informativas.

Un eje destacado será la lucha contra la desinformación y la apuesta por la innovación y nuevos formatos de participación, con énfasis en la articulación de propuestas artísticas y debates de ideas. Además, la edición extenderá su alcance a ciudades como Córdoba, Mendoza, Santa Fe, Rosario, La Plata, Pinamar, Tandil, Mar del Plata y Jujuy, con apoyo de las Alianzas Francesas, universidades y gobiernos locales.

El programa en Buenos Aires sumará la participación de figuras internacionales como Maud Quessard, directora del área “Influencias y guerra informativa” en el Instituto de Investigación Estratégica de la Escuela Militar de Francia; Christophe Ventura, especialista en América Latina del Instituto de Relaciones Internacionales y Estratégicas de París; y Antoine Lilti, historiador y profesor en el College de France. Se suman la filósofa Emma Carenini, especialista en filosofía de las ciencias y del sol; la escritora Phoebe Hadjimarkos Clarke; y la arquitecta Frédérique Jonnard, reconocida por integrar sostenibilidad y técnicas constructivas tradicionales en la arquitectura contemporánea.

Desde Argentina, participarán el biólogo e investigador del CONICET Diego Golombek, el filósofo y docente de la Universidad Nacional de Córdoba Martín Adrian De Mauro Rucovsky, la socióloga Melina Vázquez, especialista en juventudes y políticas públicas, el politólogo y periodista de Le Monde diplomatique en España José Natanson, y la investigadora Melisa Argento, enfocada en conflictos socioambientales vinculados al extractivismo del litio en América Latina.

En las jornadas, que serán coorganizadas en Buenos Aires por el Centro de Experimentación del Teatro Colón (CETC), también habrá lugar para performances artísticas y experiencias interdisciplinarias dedicadas a la circulación de ideas. El evento cuenta además con el auspicio principal de Medifé y el acompañamiento de SIPED Búzios, CFA UBA y Novotel. La Noche de las Ideas fue concebida como respuesta a la necesidad de nuevas plataformas de encuentro intelectual frente a los desafíos del mundo actual. En su décima edición el compromiso con la “participación activa de las juventudes” y la consolidación de un espacio donde converjan innovaciones artísticas y debates críticos sobre derechos humanos y futuros posibles.

Lo primero que mira Sergio Kuchevasky cada vez que entra a la majestuosa sala del Teatro Colón es la araña de luces. La araña que pesa unos 1.300 kilos y tiene 552 focos y 12 tulipas. Mientras cientos de espectadores se detienen en los frescos que Raúl Soldi pintó en la cúpula de la ópera porteña, y otros tantos se deslumbran ante esos telones pesados, aterciopelados, preciosos, Kuchevasky mira las luces que conoció hace más de medio siglo y que todavía lo conmueven.

“Kuche”, como le gusta darse a conocer, puede recitar sin cavilaciones la lista de las prendas que su mamá le puso el domingo que empezó a cambiarle la vida: “Pantaloncitos grises, un buzo de plush, un blazer, medias Ciudadela tres cuartos y zapatos de charol”. Ese domingo, “Kuche”, un nene de siete u ocho años que se criaba en Villa Bosch, acompañó por primera vez a David, su papá, al trabajo. Y el trabajo era nada menos que en el mayor teatro lírico de Sudamérica y uno de los más importantes del mundo: el Colón.

Sergio Kuchevasky, psicólogo social, ex director del Archivo Nacional de la Memoria pero, sobre todo, un hombre que fue un niño criado en el teatro más importante de la Argentina, le cuenta a Infobae esa fascinación por la araña de luces porque acaba de contar mucho de lo que recuerda sobre esos años infantiles y deslumbrantes en su libro Cajita de colores.

Un arcón de recuerdos frescos

Todo empezó en una mudanza. “Kuche” tenía 50 años y vaciaba una pequeña biblioteca que había pertenecido a David, su papá, a quien apodaban “Kuchi”. En medio de todas esas pertenencias, encontró una caja, más bien una cajita. De madera, con el nombre de su padre y el logo del Teatro Colón estampado.

La abrió y encontró distintos colores de sombras de maquillaje y un papel que, está seguro, su padre había tipeado en una vieja máquina de escribir Remington. Uno de los tantos papeles en los que David describía, con una minuciosidad apabullante, cómo debía maquillarse cada figurante de una ópera a medida que transcurría la acción sobre el escenario. Fue como abrir el arcón de los recuerdos.

“No sabía que tenía esa caja ahí. La encontré junto a una caja completa de cosas de mi papá. Había por ejemplo un montón de discos de pasta que mi papá usaba para preparar cada una de las obras”, cuenta Sergio.

Es que David, su padre, entró a trabajar al Colón como figurante extraordinario, es decir, como alguien que iba a aparecer en escena sólo cuando lo convocaran a algunas óperas en particular, y terminó su carrera allí 45 años después, como inspector de escenario.

Ese trabajo, integral, estresante, apasionante, implicaba coordinar cada detalle de la iluminación, la música, el maquillaje, la entrada y salida de escena de los figurantes. La hoja escrita por David con la Remington era un vestigio de ese oficio en el que había que tener cada detalle de cada obra en la cabeza: no sólo la que se coordinaba en vivo, durante la función, sino la que el Colón estuviera preparando para las semanas siguientes.

Pero lo que más sorprendió a Sergio no fue ni ese papel que traducía lo estresante del oficio de su papá, ni los discos de óperas que había empezado a escuchar desde muy chiquito y que escucha hasta hoy. Lo que más lo sorprendió fue abrir esa “cajita de colores” y darse cuenta de que los maquillajes estaban blandos, frescos, listos para usarse de nuevo. Como si el tiempo no hubiera pasado.

Un teatro hecho de familias y de grandes estrellas

“Esa sensación de que los colores no se habían resecado y estaban listos para usarse fue el gran disparador para ponerme a revisar todo lo que había vivido en el teatro”, describe Kuchevasky, y suma: “Me afloraron cientos de historias. No tenía nada escrito así que empecé a hacer un punteo y después me puse a escribir cada una de las historias que había seleccionado”. Así nació su libro.

“Kuche”, que fue director ejecutivo de instituciones sociodeportivas como Hebraica y que ahora mismo es gerente general de la Fundación LeDor VaDor, dedicada a la atención de personas mayores, encontró de todo en ese arcón de los recuerdos.

Los doce años que pasó acompañando a su papá a algunas de sus jornadas de trabajo, entre 1971 y 1983, lo hicieron descubrir los entretelones de ese teatro que al principio lo deslumbró y que, con el correr del tiempo, se volvió una costumbre y un lugar de pertenencia.

Descubrió los talleres de carpintería, escenografía, zapatería y vestuario que hacen que todo lo que hay y pasa sobre el escenario sea admirado en el mundo entero. Escuchó a las familias italianas, polacas y valencianas hablar en sus idiomas y sus dialectos mientras desempeñaban sus oficios; vio a los integrantes de esas familias transmitir sus saberes de generación en generación.

Se sentó en la butaca número uno del teatro, en el Palco Presidencial y en un banquito que no puede olvidar: el que estaba al lado de uno de los puentes por el que iba y venía el director de luminotecnia del Colón. De todos los oficios que vio de cerca, ese es el que le habría fascinado tener a “Kuche”. “La vida está hecha de claroscuros. Lo que iluminás es aquello a lo que le das importancia, y todo el tiempo va cambiando aquello que iluminamos y aquello que oscurecemos”, dice.

Se acuerda -y lo cuenta en su libro- de algo que vio desde ese puente hecho de luces que apuntaban al escenario: “Yo era un pibito. El director de luminotecnia me indicó que nos quedáramos en silencio y que prestara atención a lo que estaba por pasar. Entonces oscureció casi todo el escenario y apuntó las luces a Maya Plisetskaya. La vi representar la Muerte del Cisne, obviamente en El lago de los cisnes. Vi sus manos, su caída, su final. Nunca me voy a olvidar de ese instante, fue majestuoso”, reconstruye.

Después de la función, David llevó a su pequeño hijo Sergio a que saludara a Maya Plisetskaya, la excelsa bailarina soviética perseguida por el estalinismo que acababa de brillar sobre el escenario del Colón. “Creo que fue la primera mujer a la que le di un beso en la mano”, bromea Kuchevasky.

Se acuerda no sólo del instante de la Muerte del Cisne, sino de estar acostado en su cama horas después y no poder pegar un ojo: “Me habían deslumbrado las luces, la escena, ese desenlace. Yo me tenía que dormir porque había que ir a la primaria al otro día, pero no lo lograba. Todo lo que había visto me había dejado perplejo”.

Plisetskaya fue apenas una de todas las estrellas a las que conoció Sergio cuando era apenas un chico. Estrellas a las que conocía sin poder dimensionar entonces su gravitación en el mundo lírico. Vio al tenor Plácido Domingo romper los protocolos e invitar a toda la sala del Colón a acompañarlo a cantar “Granada” y a los músicos de la Orquesta Sinfónica Nacional ponerse nerviosos pero, aún así, brillar como siempre: era 1981 y el que los dirigía en el ensayo, recién llegado a Buenos Aires, era nada menos que Zubin Mehta.

Escuchó a su papá hablar hasta el cansancio de un nuevo talento, de “un pibe que va a ser una maravilla”. Lo escuchó hablar tanto de ese chico que en un momento le advirtió, entre las risas y los celos: “Che, viejo, pero mirá que tu hijo soy yo”. Ese pibe en ciernes deslumbraría al mundo entero: era Julio Bocca.

La gran lección del Colón

De todo lo que vio en esos años sumergido en los pasillos, las oficinas, los subsuelos y los entretelones del teatro, Sergio destaca especialmente el resultado del trabajo en equipo. “Ver ese funcionamiento tan aceitado de los distintos oficios del teatro y ver cómo todos trabajaban tirando para adelante, con el nivel de responsabilidad y de orgullo que lo hacían, como si cada función fuera la primera y también la última, fue una enseñanza que me marcó para toda la vida. Lo más importante que aprendí en el Colón es que no alcanza con el mejor tenor del mundo: se necesita a todos los que tal vez ni se ven pero son los que sostienen el aplauso que reciben los artistas al final de la función”, describe Sergio.

“Eso me marcó la vida y trato de aplicarlo a todo: al trabajo, a la vida personal, a todo. Vi a trabajadores que están detrás de escena emocionarse ante la ovación del público, hacer la reverencia del saludo que se hace sobre el escenario para agradecer ese aplauso, tal vez incluso dedicar esa ovación a un ser querido. Aunque nadie los viera. Y eso es porque sin duda eran parte de eso que estaba pasando sobre el escenario, fue muy importante para mí aprender de esa manera el valor de trabajar en equipo”, suma Kuchevasky.

En 1983, cuando los pantalones cortos con los que había llegado por primera vez al teatro ya habían quedado atrás y la vuelta de la democracia asomaba, Sergio Kuchevasky subió al escenario del Teatro Colón. Fue figurante extraordinario -algo así como un actor extra- en Bomarzo, la ópera que escribió Alberto Ginastera basándose en la novela homónima de Manuel Mujica Lainez. La obra había sido censurada por la dictadura encabezada Juan Carlos Onganía. También representó La Traviata y Aída, entre otras grandes óperas.

Ese debut sobre el escenario fue una mezcla de emociones: “Para mí fue completamente normal estar en la obra. Para ese momento yo había estudiado algo de arte escénico. Y para Bomarzo, que fue la primera, me eligieron porque soy alto, entonces me daba el perfil. Sé que es algo extraordinario subirse al escenario del Teatro Colón, pero a la vez para mí era o más normal del mundo: era un lugar por el que yo circulaba todo el tiempo. Fue algo fantástico y, a la vez, muy común para mí”.

Hubo, en medio de algo que le resultaba una deriva natural de todos sus años allí, un momento completamente único: “El momento en el que sonó el aplauso de toda la sala fue tremendo, tre-men-do. Lloré, lloré mucho, y no fue la única vez que me pasó. Es un momento único, porque la sala se viene abajo y ves a todos los que trabajaron para esa obra, hayan estado o no sobre el escenario, agradeciendo el aplauso. Cuando la función sale bien, te sale casi solo llorar de la emoción, por el trabajo logrado con un equipo tan grande. Era como una emoción vivida en una gran familia que se armaba entre todos los que trabajaban en el teatro”, describe, y remata: “Era un instante muy hermoso”.

La importancia de la memoria

Kuchevasky encabezó el Archivo Nacional de la Memoria entre 2016 y 2018, y durante esos años encontró documentación coincidente con sus años de infancia y adolescencia en el Colón. Documentación que, al calor de contar todo eso en un libro, le sirvió para cotejar fechas, obras, nombres. Ahora encabeza LeDor VaDor, una fundación que trabaja en el bienestar de adultos mayores. Muchas veces organiza visitas guiadas al Colón para esa población.

“Se terminan volviendo ejercicios de memoria colectivos, que hacemos todos juntos. Uno se acuerda qué ópera vio allí, otro se acuerda cuándo fue por primera vez, quiénes se presentaban, cómo era la ciudad en ese momento. Es enriquecedor para todos”, describe.

“Cuidar la memoria de un lugar tan importante para un país es una tarea central para que ese país tenga registro de su propia historia. A la vez, un espacio como el Colón es parte de la memoria de muchísimos argentinos, por eso también es tan interesante ponerlo como punto de partida de algunos recuerdos, algo que se nota que a las personas mayores con las que intercambio les hace muy bien porque es un lugar en el que disfrutaron y del que, entonces, guardan un recuerdo feliz”, cuenta Kuchevasky.

Pasaron más de cincuenta años desde ese domingo en el que, vestido con sus mejores prendas, ese niño se subió al tren para viajar desde Villa Bosch hasta uno de los grandes núcleos de la cultura argentina. Pero los recuerdos de este adulto en el que se convirtió siguen tan frescos como el maquillaje que se escondía dentro de la cajita.

Sergio Kuchevasky presentará “Cajita de colores” el 20 de mayo en el salón izquierdo del foyer del Teatro Colón, junto a Silvina Chediek.

El Teatro Colón anunció la entrada gratuita para residentes de los barrios de la Ciudad de Buenos Aires, como parte de la celebración por el 80° aniversario de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires. El programa, presentado en el Salón Dorado del teatro, contempla la realización de 15 ensayos generales abiertos, uno por cada barrio, con la intención de permitir la participación de vecinos de toda la ciudad.

La iniciativa surge de un trabajo conjunto entre el Ministerio de Cultura, la Secretaría de Convivencia Ciudadana y el Teatro Colón, y busca ampliar el acceso a la experiencia cultural. Los asistentes podrán presenciar interpretaciones musicales durante los ensayos generales de la orquesta y acceder a uno de los espacios culturales más emblemáticos del país.

En el lanzamiento del programa estuvieron presentes autoridades del Gobierno de la Ciudad, entre ellas la ministra de Cultura, Gabriela Ricardes; el jefe de Gabinete, Gabriel Sánchez Zinny; el director general del Teatro Colón, Gerardo Grieco; entre otras figuras vinculadas a la gestión cultural y la participación ciudadana.

Durante la presentación, se destacó la importancia de acercar la vida cultural del Colón a los barrios y ampliar el alcance de sus actividades, así como el rol de las organizaciones civiles en la convocatoria y la provisión de transporte para facilitar la asistencia. El programa se integra a una política de formación de nuevos públicos y eliminación de barreras simbólicas para el acceso a la cultura.

La ministra de cultura Gabriela Ricardes explicó que el programa se integra a una política más amplia que busca generar nuevas audiencias: “Nos parecía que era el momento para que la gente se anime a entrar al Colón. Es una linda manera de brindar la primera vez, un bautismo en el Colón para muchos vecinos que lo tienen incorporado, que lo admiran, y que es su orgullo, pero que todavía a lo mejor no lo conocen.”

¿Cómo adquirir las entradas?

• La inscripción para obtener los lugares se realiza a través de Boti (enviando un mensaje al número de WhatsApp +54 11 5050-0147). Se deberá contar con clave MiBA para avanzar.
• Cada vecino podrá obtener hasta dos lugares.
• Los cupos son limitados y se asignan por orden de inscripción. Una vez tramitados, la persona recibirá un email de confirmación de los lugares.

¿Cuándo y dónde se realizan los ensayos?

• Los ensayos abiertos de la Orquesta comenzarán el viernes 17 de abril y se realizarán los viernes y sábados a las 11 de la mañana.
• Cada encuentro tendrá una duración aproximada de 75 minutos y permitirá disfrutar de los repertorios en la previa a las funciones oficiales.
• El ingreso al Colón se realizará por la calle Libertad. Se podrá ingresar a la recepción (foyer) con una antelación de una hora.

[Fotos: Juanjo Bruzza/prensa Teatro Colón]

Teatro Colón

Entrar al Teatro Colón ya es una experiencia en sí misma, una que todos deberían vivir al menos una vez. Reconocido como uno de los mejores del mundo por sus condiciones acústicas y por su arquitectura, está a la altura de otros como la Scala de Milán, la Ópera de París, la Ópera de Viena, el Covent Garden de Londres y el Metropolitan de Nueva York. Con sus más de 100 años de antigüedad, es uno de los orgullos de Buenos Aires y del país.

Es el lugar perfecto para sumergirse en la experiencia que propone el nuevo show de Disney, un recorrido sinfónico por la música de los clásicos animados que marcaron a generaciones enteras en todo el mundo. De hecho, el maridaje funciona tan bien que esta ya es la octava colaboración entre Disney y la majestuosa sala de ópera de Buenos Aires, con shows como Disney en Concierto, Sinfonía de Películas (2019), Magia y Sinfonía (2022), Disney 100 en Concierto (2023), Pixar en Concierto (2024) y Star Wars en Concierto, que tuvo sus tres ediciones en 2020, 2023 y 2024.

Mickey y Minnie

Cada uno de estos espectáculos musicales tiene sus propias características y temática, lo cual nos asegura ver siempre cosas diferentes si es que tenemos la suerte de asistir a más de uno. En esta oportunidad, el show cuenta con más de 20 bailarines y cantantes en escena, además de la orquesta sinfónica del Colón tocando en vivo todas las canciones de la obra. El despliegue visual y técnico es impecable, con vestuarios y luces que recrean el ambiente de cada película y nos llevan en un viaje a través de mundos mágicos.

De hecho, la temática de esta obra son, precisamente, los viajes. Mickey invita a Minnie a unas vacaciones extraordinarias, que los llevan a recorrer lugares inesperados tanto por ellos como por el público. Si bien es recomendable asistir al show sabiendo lo menos posible, para disfrutar de las sorpresas que tiene preparadas, hay algunos puntos dignos de destacar para ir preparados y poder vivir la experiencia al máximo.

En primer lugar, es un espectáculo para todas las edades. Disney siempre se caracterizó por brindar entretenimiento para toda la familia, y en esta ocasión le hace honor a ese legado. El recorrido comienza con una de las películas animadas más nuevas de la franquicia, y continúa con uno de sus remakes live-action que también remite al clásico animado. Es un deleite de estímulos visuales y sonoros, mientras la pantalla gigante proyecta imágenes de las películas y sobre el escenario los bailarines danzan y cantan al ritmo de la orquesta en vivo.

Orquesta

La elección de las voces protagonistas es impresionante, con un timbre y nivel de interpretación que parece salido directamente de las películas de Disney al escenario del Colón. No hay una nota fuera de lugar, lo cual con temas tan exigentes como “Canto Ancestral” de Moana y “Libre soy” de Frozen se aprecia todavía más, y de hecho hay algunos arreglos originales del show. Es el nivel de excelencia que se espera de una producción en el Colón, a la altura de la prestigiosa Orquesta Académica del teatro.

Quizás la única objeción posible para este espectáculo es la hegemonía apabullante de todos y todas las cantantes y bailarines, que no reflejan la diversidad de las películas de Disney, ni mucho menos la de nuestros artistas locales. Esto se hace más evidente en el tercer segmento, dedicado a las baladas del estudio, donde temas románticos como “La Bella y la Bestia” y “Veo en ti la luz” de Enredados son interpretados por parejas iguales que visten trajes genéricos (aunque preciosamente diseñados) y se funden con otras canciones de empoderamiento como “Reflejo” de Mulán y “Colores en el viento” de Pocahontas.

El primer acto termina con un recorrido de seis canciones (uno de los más largos y disfrutables del show) del más reciente live-action de Disney, que se funde con imágenes y canciones de la versión original animada de los noventa. Es uno de los mejores momentos del espectáculo, especialmente por el despliegue visual sobre el escenario, con elaborados trajes y dinámicas coreografías que ocupan toda la superficie del mismo, e incluso algunas acrobacias antes del intervalo de 20 minutos.

Lin-Manuel Miranda

La segunda parte tiene dos momentos inmersivos en la oscuridad de la sala, que involucran al público de las primeras butacas y disparan lo que viene a continuación. El primer segmento es un deleite para las nuevas generaciones e incluso tiene un pase cómico que involucra al director de la orquesta. Luego viene el segmento de villanos, quizás el más flojo de todo el show, ya que involucra dos canciones de Descendientes (en inglés, a diferencia de todas las demás que están en español latino) y queda desarticulado del resto.

Para el gran cierre, el anteúltimo segmento del show es puramente sinfónico, con proyección de imágenes en la pantalla gigante. Una grata sorpresa para la generación de los adultos que lleven a sus niños más pequeños. Y el broche de oro está conformado por siete canciones de una de las películas animadas más populares de los últimos tiempos, especialmente por su banda sonora compuesta por el famoso Lin-Manuel Miranda.

Un show que refuerza la nueva identidad de Disney y su era de live-actions, pero a su vez la conecta con los clásicos animados de los noventa y los estrenos de los últimos años, que ya se hicieron un lugar en la cultura popular. Disney renace una y otra vez con historias imperecederas y se vuelve a meter en nuestros corazones y en nuestros recuerdos familiares, conectando a generaciones con la misma pasión. Ese es el espíritu que busca reflejar este nuevo espectáculo musical.

El Evento

Es importante destacar que el domingo 16 de febrero a las 17:00 tendrá lugar una función distendida del show. Estará sutilmente adaptada a las necesidades y preferencias de personas neurodivergentes, para ofrecer una propuesta amigable mediante estímulos reducidos y mayor flexibilidad para que puedan disfrutarla junto a sus familias. Adicionalmente, habrá staff capacitado, espacios de descanso sensorial, recursos anticipatorios descargables, señalética en pictogramas y kits sensoriales para reducir estímulos, que podrán retirarse en el lugar presentando el DNI.

Las localidades se encuentran a la venta en la boletería del Teatro Colón, Tucumán 1171, de lunes a sábado de 9:00 a 20:00 y los domingos de 9:00 a 17:00. También se pueden adquirir de manera anticipada por internet en la web oficial del Teatro Colón y en el sitio oficial de entradas del Gobierno de la CIudad de Buenos Aires.

Entre los galardonados, la Fundación Banco Sabadell fue distinguida con el premio honorífico a la mejor iniciativa de mecenazgo. Tal como detalló Ópera XXI, la fundación, creada en 1994, ha enfocado su labor en la promoción de la divulgación, la formación y la investigación en áreas educativas, científicas y culturales, facilitando recursos y oportunidades para impulsar proyectos vinculados al desarrollo social y artístico.

Asimismo, los impulsores de la propia asociación Ópera XXI recibieron el reconocimiento a la trayectoria profesional. Este premio recayó en las personas y entidades que, en 2005, pusieron en marcha la organización, hoy considerada la principal asociación representativa del sector lírico en España. El medio informó que actualmente la asociación reúne 27 teatros, temporadas y festivales estables de ópera y zarzuela, consolidando un espacio de colaboración y visibilidad para el género lírico.

En la categoría internacional, Ópera XXI y la organización Ópera Latinoamericana concedieron el premio a la mejor nueva producción latinoamericana a “Billy Budd”, obra del compositor Benjamin Britten, producida en el Teatro Colón de Buenos Aires. El medio consignó que la puesta en escena, estrenada en julio de 2025, contó con dirección musical de Erik Nielsen y dirección escénica de Marcelo Lombardero, recibiendo distinción por la calidad y el impacto de su estreno en la región.

Según publicó la asociación, la ceremonia de entrega de los premios tendrá lugar el próximo 15 de mayo en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona. En este encuentro se reunirán representantes de los principales escenarios y festivales de la lírica en España, así como figuras claves de la producción musical y cultural, para celebrar a las instituciones y personalidades seleccionadas en esta edición.

Ópera XXI señaló que los premios honoríficos buscan visibilizar la contribución duradera de las entidades y las personas dedicadas al avance y la promoción de la lírica en España y Latinoamérica. De acuerdo con información difundida por la asociación, la ceremonia se presenta como un ejercicio de reconocimiento sectorial y fomento de la colaboración entre los múltiples actores implicados en el desarrollo artístico.

El comunicado destacó la cooperación entre Ópera XXI y Ópera Latinoamericana en el premio a la mejor producción latinoamericana, reflejando la voluntad de estrechar lazos y favorecer el intercambio cultural entre ambos continentes, así como la proyección internacional de creaciones emblemáticas como “Billy Budd” presentada en Buenos Aires.

Estos galardones, según especificó Ópera XXI, responden a una estrategia sostenida de promoción, mecenazgo y cooperación entre instituciones, dirigidas tanto a la formación de nuevos talentos como al apoyo a entidades de probada trayectoria y al impulso de obras relevantes para la escena lírica global.

La suspensión de las funciones de Marianela Núñez en el Teatro Colón sacudió la agenda cultural de Buenos Aires, donde su presencia había generado una ola de entusiasmo que se reflejó en la venta récord de entradas, agotadas en apenas media hora en febrero. La bailarina principal del Royal Ballet de Londres, cuya presentación en El lago de los cisnes estaba prevista para el viernes 20 y el domingo 22 de este mes, no podrá cumplir con este compromiso a causa de una lesión lumbar.

Este contratiempo obliga a reorganizar la grilla del máximo coliseo argentino y pospone un esperado reencuentro entre la artista y su audiencia porteña, según informó el Teatro Colón a través de sus canales oficiales.

Uno de los datos que subraya la magnitud de este fenómeno es el récord de demanda de entradas que generó Núñez: la boletería alcanzó el lleno absoluto en menos de treinta minutos, un hecho inusual en la historia reciente del Teatro Colón.

La cancelación se produce después de que Núñez, en plena función de Giselle en la Royal Opera House de Covent Garden, sufriera una fuerte caída durante el segundo acto el pasado viernes. El episodio, que se manifestó primero como una “molestia dolorosa” en la cintura, derivó horas más tarde en un espasmo lumbar intenso, según relató la propia artista en un mensaje de video difundido por el Teatro Colón en sus redes sociales.

“Me resbalé y me di un golpe fuertísimo. Pude terminar el show, pensé que iba a estar bien, pero cuando llegué a mi casa toda la zona lumbar entró en espasmo; empecé a experimentar muchísimo dolor y lo que más me preocupó es que iba perdiendo movilidad en la zona”, explicó. La recomendación médica impidió que tomara el vuelo de diecisiete horas entre Londres y Buenos Aires, situación que forzó su ausencia en las funciones programadas.

En respuesta a la baja de Núñez, el director del Ballet Estable, Julio Bocca, confirmó a través de un comunicado en video la continuidad de las presentaciones del viernes 20 y el domingo 22, aunque con cambio en el rol principal. El bailarín invitado Alejandro Virelles y la solista del ballet del Colón, Romina García Vázquez, asumirán los papeles de Odette/Odile en El lago de los cisnes.

En su mensaje grabado, Núñez transmitió su pesar por “perderme estas dos funciones y la posibilidad de estar con ustedes”, y destacó el valor que tienen sus visitas a la Argentina como “los momentos más especiales de mi temporada”. Afirmó que regresará en diciembre para encabezar El Cascanueces y habló de su deseo de compensar a quienes se quedaron sin verla: “Estoy viendo si puedo planear algo muy lindo que tengo en mente hace mucho tiempo para recuperar este momento perdido y compartirlo con quienes iban a estar conmigo este viernes y domingo, y también para todos aquellos que se quedaron sin entradas”.

La situación reconfigura la temporada del Ballet Estable, que había previsto el debut de El lago de los cisnes como episodio fundamental en la agenda 2026 de la compañía. La próxima aparición de Marianela Núñez está ya confirmada para diciembre, cuando protagonizará El Cascanueces, según reiteró el Teatro Colón.

En el plano internacional, la bailarina argentina deberá retomar su agenda tras recuperarse de la lesión, en particular el estreno de Timeless, su primera gran producción de autor programada para el verano europeo en la Royal Opera House.

Este espectáculo, que se presentará del 29 de julio al 2 de agosto, se anuncia como “una celebración del arte perdurable de la aclamada bailarina del Royal Ballet, y de la compañía y el público que tanto ama”, y será además un homenaje a los 28 años de trayectoria de Núñez en la emblemática sala londinense.

Fotos: Máximo Parpagnoli/prensa Teatro Colón

El Ballet Estable del Teatro Colón, bajo la dirección de Julio Bocca, abre la temporada 2026 el jueves 12 de marzo con El lago de los cisnes, uno de los títulos clásicos más relevantes del repertorio internacional. Esta producción cuenta con la participación de la Orquesta Estable del Teatro Colón, dirigida por Nicolette Fraillon. El dato relevante es que en las funciones del 20 y 22 de marzo, se producirá el esperado regreso Marianela Núñez, Primera Bailarina del Royal Ballet y estrella argentina de la danza, acompañada por Alejandro Virelles, distinguido bailarín principal nacido en Cuba.

Las funciones de El lago de los cisnes están programadas para los días 12, 13 y 14, 17, 18 ,19, 20 y 21 de marzo a las 20, y 22 de marzo a las 17 hs. Las entradas ya están disponibles en el sitio oficial www.teatrocolon.org.ar y en la boletería del teatro, ubicada en Tucumán 1171, de lunes a sábado de 9 a 20 y domingos de 9 a 17.

La obra, acompañada por una paleta orquestal capaz de expandir y clarificar, celebrar y lamentar junto al público cada giro de la historia, amalgama triunfos y derrotas a través de melodías inolvidables. Entre luces y sombras, contrastes cálidos y fríos, exteriores, castillos y el emblemático lago, la narrativa visual encuadra la tragedia de Odette, la manipulación de Rothbart, los engaños de Odiley la pasión de Sigfrido. En este universo de promesas, traiciones y amor, los espejos de agua reflejan en blanco y negro la dualidad entre aves y humanos, el bien y el mal, mientras El lago de los cisnes despliega su relato trágico de amores y engaños.

La propuesta artística se apoya en la música de Piotr I. Tchaikovski y la coreografía de Raúl Candal, inspirada en la versión original de Marius Petipa y Lev Ivanov. El montaje, incorporado al repertorio histórico del teatro, se estrenó en diciembre de 2007 durante la función de despedida de Julio Bocca en el Luna Park de Buenos Aires. El equipo creativo está conformado por Christian Prego en escenografía, Aníbal Lápiz en vestuario y Rubén Conde en iluminación. La reposición coreográfica estará a cargo de Isabel García.

Programa de ‘El lago de los cisnes’

Música: Piotr Ilich Tchaikovski

Coreografía: Raúl Candal, basada en la original de Marius Petipa y Lev Ivanov

Diseño de escenografía: Christian Prego

Diseño de vestuario: Aníbal Lápiz

Diseño de Iluminación: Rubén Conde

Ballet Estable del Teatro Colón

Director: Julio Bocca

Orquesta Estable del Teatro Colón

Directora: Nicolette Fraillon

Bailarines invitados

Marianela Nuñez (20, 22)

Emmanuel Vazquez (11, 14)

Alejandro Virelles (20, 22)

[Fotos: Máximo Parpagnoli/prensa Teatro Colón]

Dos meses antes de morir, Darío Lopérfido compartió algo estremecedor y penosamente realista: “El Darío de antes de la enfermedad ya murió”. Lo publicó en la revista de cultura y política Seúl, en una columna titulada “Tener ELA es una mierda”, donde describió también sin ambages: “Caminás pésimo, la voz se te vuelve de borracho y comés con el riesgo de que se te caiga la baba”. Destacó, como cosa del pasado, que había sido un buen polemista; sin embargo, hasta el final de su vida siguió escribiendo columnas que creaban chispas.

La ELA le había quitado la voz, el paso firme, la vida social. La pasión contendiente, no. Quizá no todo el Lopérfido de antes de la enfermedad había muerto antes de este 27 de febrero de 2026, cuando se conoció la noticia en Madrid, donde vivió los últimos años.

Lopérfido no era un polemista de red social, algo hoy directamente vintage. Su ironía buscaba la estructura de un argumento. Hace poco describió las discusiones entre los argentinos sobre el texto de una ley: “La consigna siempre llega primero. Leer es opcional. Entender, directamente, sospechoso”.

No siempre tuvo razón. En 2016 cuestionó la cifra de 30.000 desaparecidos de la última dictadura, una posición que contradice el consenso de los organismos de derechos humanos e hirió a tantas familias con muertos sin tumba. Pero —otra característica de Lopérfido: una coherencia a pesar de los costos— no rectificó su dicho. Años después, explicó: “Me podría haber retractado y seguir tranquilo o mantenerme en mi posición. Eso hice y me siento orgulloso de mi actitud”.

Las rivalidades inteligentes

El escritor Jorge Asís, otro polemista nivel nuclear, lo elogió en el recuerdo: “Uno de los oponentes más inteligentes que tuve en mi vida”. Los unía una mutua simpatía en tensión porque habitaban trincheras políticas opuestas. Cuando Lopérfido asumió como secretario de Cultura y Comunicación durante el gobierno de Fernando de la Rúa —contó Asís— “recuerdo haber hecho alguna ironía en una entrevista, dije que salí a buscar sus libros y no los pude conseguir en las librerías”. El chiste siguió: entonces pensó que quizá era pintor, pero tampoco lo conocían en las galerías, que tal vez era bailarín, y así. “Él se divirtió mucho, se rió y muy inteligentemente dijo: ‘Pasa que Asís y yo no somos contemporáneos’”.

En esa rivalidad lúcida, tuvieron amigos en común: “Por supuesto, la señora Esmeralda Mitre, que es un personaje absolutamente notable y fascinante”. Con los años, a Asís le quedó “una imagen intensa” de Lopérfido: “Un pibe infinitamente culto, con una erudición académica, y lo dicho: inteligente”.

Mitre, ex esposa de Lopérfido, también lo recordó con afecto en su cuenta de X: “Hoy quiero despedir a Darío con mi más profundo, dolor, agradeciéndole enormemente todos los momentos compartidos tan maravillosos y felices juntos. Darío, que Dios te tenga en la Gloria, y siempre vas a estar en mi corazón. Que descanses en Paz”.

Ideas sobre la libertad y las instituciones

Lopérfido era políticamente liberal, una expresión que en tiempos de libertarios no hay que dar por sobreentendida. Tenía como eje de su vida, según dijo en una entrevista, “la defensa de la libertad”. Lo repitió al asumir la dirección de la Cátedra Vargas Llosa, iniciativa literaria internacional, cuando habló del intelectual francés Albert Camus como “un guía intelectual: ayuda a pensar que cualquier forma de autoritarismo es cuestionable, ninguna ideología o dogma se puede superponer al hombre”.

Pensaba en las instituciones republicanas en el mundo, que sostienen esa libertad: “El hecho de no mandar tropas a Ucrania mostró que Europa deja a sus ciudadanos a la deriva frente a autócratas como Putin”, opinó. Cuando Isabel Díaz Ayuso, del Partido Popular de la Comunidad de Madrid, ganó las elecciones contra Podemos, la celebró para celebrar la democracia: había debatido en la campaña, había ganado en las urnas. “Así se hace”, escribió.

Había votado a Milei por su antikirchnerismo visceral, pero lo criticaba: “La pobreza sigue siendo enorme, la educación sigue en declive, la seguridad sigue siendo una preocupación, la corrupción no se ha erradicado”. Y cuando el presidente argentino cantó con el Chaqueño Palavecino le recordó que lo suyo era el gobierno, no el espectáculo. Lo comparó con Carlos Menem, sin visos de elogio.

Huella en la cultura argentina

Es llamativo que alguien con las credenciales de Lopérfido no haya terminado el secundario. Se formó en temas creativos desde el hoy inexistente papel de cadete en una agencia de publicidad, después en revistas culturales y en la emisora de radio FM Rock & Pop. En 1992, con 28 años, asumió la dirección del Centro Cultural Ricardo Rojas, de la Universidad de Buenos Aires, donde lo marcó “el vigor de una escena cultural porteña”, aquella de fines de los ochenta y comienzos de los noventa, que nunca olvidó.

De su gestión como secretario de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires salieron dos instituciones que sobrevivieron largamente a su fundación. El Festival Internacional de Buenos Aires nació en 1997; el BAFICI, en 1999. El festival de cine independiente se consolidó como el más importante de América Latina y una referencia internacional bajo directores artísticos como Quintín, Sergio Wolf y Marcelo Panozzo.

En febrero de 2015 asumió como director general y artístico del Teatro Colón, la histórica ópera porteña y la más importante de América Latina. Durante su gestión incrementó la presencia de figuras internacionales y de argentinos con carreras en el exterior, inició las transmisiones por streaming y abrió los ensayos al público. En diciembre de ese año el alcalde porteño Horacio Rodríguez Larreta lo nombró además ministro de Cultura de la Ciudad. Los dos cargos le duraron poco: las declaraciones sobre los desaparecidos le costaron el ministerio en julio de 2016 y la dirección artística del Colón en febrero de 2017. “Me siento bastante reconocido luego de mi paso por el Teatro Colón donde conocí a gente muy interesante”, diría luego.

El entonces presidente Mauricio Macri lo designó representante especial para la promoción de la cultura argentina en Berlín. “Para los que nos gusta la música clásica”, resumió Lopérfido, “es como estar en Disneylandia”. Duró nueve meses: en 2018 dejó la función pública para debutar como régisseur con Lulú, de Alban Berg, en el Teatro Avenida. Había elegido esa ópera, dijo, porque era “una obra maestra” y porque le interesaba “pensar en los eventos colaterales de grandes momentos de liberación sexual y efervescencia, como el Berlín del 20”.

Jorge Telerman, que fue jefe de gobierno de la Ciudad y dirigió el Teatro Colón, compartió con él esa filosofía. Se habían encontrado, dijo, “en nuestras mismas pasiones, en relación a la cultura, a la importancia del desarrollo cultural, a las actividades de riesgo, de borde, de innovación”, en la conversación sobre cómo incluirlas en la agenda pública. “Algo en lo que estábamos siempre de acuerdo, y que él hizo con excelencia en la Secretaría de Cultura y en el Colón”. Fueron muy cercanos durante años; el distanciamiento llegó “por cuestiones derivadas de la política, absolutamente menores en relación a lo que hay que considerar en la vida”, valoró Telerman. Y aun en esas diferencias, dijo, nunca dejó de reconocerle “su honestidad y el criterio de verdad con el que organizaba su pensamiento y sus expresiones, con él mismo y con los demás”.

La cercanía con Vargas Llosa

Lopérfido vivió sus últimos años en Europa. Comenzó a trabajar en la Cátedra Vargas Llosa, iniciativa literaria internacional del Premio Nobel peruano: tenía una relación antigua, personal, con Mario Vargas Llosa. “Conocer, conversar y trabajar con Mario fue una de las cosas más importantes de mi vida”, dijo. “Integrar el grupo que lo acompañó en París el día en que ingresó en la Academia de las Letras Francesas fue un honor y un hecho inolvidable.” La Cátedra organizaba eventos literarios, otorgaba el Premio de Novela Vargas Llosa y tenía como eje explícito la libertad de expresión. En ese marco, ya con la ELA avanzada, Lopérfido grabó en Madrid el ciclo El hombre rebelde: entrevistas con —entre otros— el venezolano Leopoldo López, el escritor Sergio Ramírez exiliado de Nicaragua, y Yunior García, dramaturgo cubano disidente.

Vargas Llosa murió en abril de 2024 sin saber que su colaborador tenía ELA: el diagnóstico se reveló al mes siguiente. Lopérfido había empezado con un problema de movilidad en una pierna; luego notó que se extendía a su mano izquierda. Como era diestro, comentó: “Por suerte puedo escribir.”

Álvaro Vargas Llosa, presidente de la Fundación Internacional para la Libertad, creada por su padre en 2002, escritor y conferencista, dijo tener “solo palabras de afecto” por Lopérfido. “Ha sentido por él admiración y gratitud por la amistad que me brindó y por la colaboración que dio a la Cátedra Vargas Llosa”, agregó. “Como ocurre con todas las personas que dicen verdades incómodas, fue una persona muy controvertida en su país, Argentina”, no eludió. “Su defensa de la libertad ha sido tenaz y su valentía y su coraje son dignos de ser imitados”.

La enfermedad, la paternidad, la muerte

La ELA, contó en Seúl, es “una enfermedad sin épica”: no hay tratamiento dramático para que los demás vean que uno “la está peleando”. Lo que sí había era deterioro constante y sin anécdotas. “Lo más heroico que te puede pasar es caerte”, escribió. “Yo me caí bastante, pero caerse da un poco la imagen de idiota”.

Era ateo —pero no “fanático, como Christopher Hitchens”, aclaró— porque simplemente no podía creer en dios. “Lo vivo, más bien, como una falta. Me hubiese gustado”. Ante la enfermedad incurable eso tenía consecuencias prácticas: “Si tenés ELA, la única alternativa para no convertirte en una planta delante del televisor es expandir la actividad cerebral al límite.”

Fue en ese contexto que grabó su última entrevista con el escritor Martín Caparrós, quien también sufre de ELA y vive en Madrid. Se conocían hace años y se respetaban a pesar de pensar distinto en, básicamente, todísimo todo: “Él es de izquierda y yo liberal, y eso no es motivo para no tener una buena relación”. Lopérfido había leído el libro de Caparrós sobre la enfermedad, Antes que nada, y decidió contarle que compartían el diagnóstico un par de días antes de grabar.

Marcelo Figoli, empresario, ex socio y dueño de los medios donde Lopérfido publicó sus columnas, lo definió como “un referente de nuestra cultura, un creativo, una persona con mucha sensibilidad y con muchas ganas de seguir innovando.” Lo vio trabajar hasta el final “con coherencia en su pensamiento político, en las ideas de la libertad desde el punto de vista humanista.” Recordó que “discutía con quien tenía que discutir, pero de manera sana, abierta, clara, respetuosa”. Lo despidió como “un gran amigo, una persona de mucho código, que vivió con austeridad y terminó su vida de la misma manera”.

Para alguien que, como Lopérfido, había explicitado su defensa la libertad individual frente al Estado, los dogmas y la corrección política, la muerte asistida —que es legal en España— era evidentemente parte de la conversación: el derecho a elegir el camino del propio cuerpo. “Uno no puede decidir nacer, pero puede decidir morir. Vivir no debe ser obligatorio”. La definió como “la más liberal de las muertes” y como “el mayor logro de la humanidad para quienes no tienen esperanza y sólo conviven con el infierno.” No había tomado esa decisión, aclaró al hablar del tema, pero saber que estaba disponible lo aliviaba. Era una posición que había tenido siempre. La ELA sólo la había vuelto personal.

Como le ha sucedido a otros muertos jóvenes, lo que más lo entristeció no fue saber que cruzaría el Leteo sino no estar de este lado cuando la vida le siguiera pasando a su hijo, Theo, todavía un niño. “Me da furia perderme cosas de mi hijo”, escribió. Había llegado a la paternidad a los 54 y lo había vivido como una revelación. “Desde que nació Theo pasamos mucho tiempo juntos”, recordó. Pero no hubo fútbol compartido, ni paseos, ni parque de diversiones.

Ante eso, hizo lo que podía dentro de lo que sabía, escribir: “Pienso que cuando crezca y yo esté muerto, él podrá leerme”.

“Yo prefiero vivirlo así, sin consuelo ni ningún Dios con quien enojarme”, reflexionó Darío Lopérfido en diciembre del año pasado sobre la esclerosis lateral amiotrófica (ELA) que padecía y contra la que batalló hasta este viernes 27 de febrero.

En un desgarrador texto publicado en Revista Seúl dos meses antes de morir y titulado “Tener ELA es una mierda”, el exdirector artístico del Teatro Colón abordó la eutanasia, la “ordinariez insoportable” de su enfermedad y la tortura de sentirse un “padre limitado” para su hijo.

“No creo ser el mismo ya. Era un buen polemista y ahora no puedo hablar bien, no camino bien, no tengo vida social y todo es raro”, escribió en uno de los párrafos de esa columna, que —advirtió— era un adelanto de un futuro libro.

A diferencia de enfermedades de mayor resonancia pública, el exfuncionario sostuvo que la ELA le negaba hasta el consuelo de la épica personal o familiar. “Un buen cáncer te da todo un tiempo con tratamientos espantosos durante el que podés aparecer pelado y decir ‘yo le voy a ganar al cáncer’. En la mayoría de los casos, el pelado se muere. Pero le deja un legado a su familia: que pueden decir ‘cómo la peleó’… En mi caso, la ELA tardó un año en arruinarme un pie. Imposible meterle épica a eso”. El deterioro, narró, llegaba sin batallas visibles, se manifestaba en caídas, pasos inseguros y actividades que se vuelven inviables.

Desde su diagnóstico, Lopérfido reconoció cómo la enfermedad fue despojando su vida social y sus rutinas. “Caminás pésimo, la voz se te vuelve de borracho y comés con el riesgo de que se te caiga la baba. Chau NOBU, chau pizzería del barrio, fue un gusto conocerlos: ya no querés que te vean comiendo y bebiendo. La ELA te embrutece”. Reveló, en ese momento, la dificultad para sostener la vida cotidiana y la tendencia progresiva al aislamiento.

La mirada ajena, según el autor, se veía atravesada por la incomodidad y el trato paternalista, una consecuencia que rechazaba abiertamente. “La gente asocia una enfermedad grave con hablarle al paciente como si fuera un niño, bajo la idea espantosa de que ese tono es una manera de darle amor… el amor no te arregla semejante desastre físico”. Por eso, admitió, “mis niveles de tolerancia han bajado y lo único que acepto es que me hablen en serio o que me hagan reír”.

El avance impiadoso de la enfermedad también impactó directamente en la identidad y el sentido de pertenencia. Lopérfido afirmó: “La vida tendría que tener velatorios parciales. El Darío de antes de la enfermedad ya murió. El actual es otra persona con otra vida y otros pensamientos. No extraño mi pasado: viví muy bien y atesoro un montón de experiencias”.

El aislamiento se reflejaba también en la pérdida de placer físico y en la transformación de la imagen personal. “Mi vida estuvo ligada a los placeres físicos e intelectuales. Los placeres físicos desaparecen: tu cuerpo se vuelve una cárcel y eso es lo que más extraño. Los placeres intelectuales, en cambio, puedo mantenerlos. Leer, escribir, hablar con amigos, escuchar música, ver películas: todo eso sigue siendo posible”.

En cuanto a la espiritualidad, Lopérfido declaró abiertamente su ateísmo. “No creo en Dios y ni siquiera soy agnóstico: soy ateo. No creo en la medicina alternativa ni en los laboratorios que se hacen ricos vendiendo ibuprofeno, y ningún dueño de ningún laboratorio va a vender su yate para investigar la cura de una enfermedad que afecta a poquísimas personas. Los entiendo, la ELA no es una causa popular”. Se apoyaba únicamente en antidepresivos y algunas sustancias recreativas para tolerar el ánimo y el hastío existencial: “Sólo creo en los antidepresivos y en algunas drogas ilegales para mantener el ánimo. No espero más... El cerebro queda siempre, y es el único órgano que vale la pena”.

En su situación, también reflexionó sobre la eutanasia y la facultad de decidir el propio final: “La eutanasia es la más liberal de las muertes y es mucho mejor que suicidarse... Uno no puede decidir nacer, pero puede decidir morir. Vivir no debe ser obligatorio. La muerte más civilizada es la que uno decide en pleno uso de sus facultades”. Consideraba que poder trabajar y disfrutar de algunos momentos placenteros eran las razones que justificaban continuar, pero rechazaba la extensión del sufrimiento en nombre del avance médico: “La medicina actual se nutre de la idea de estirar la vida, pero el tramo final no puede arruinar lo que vino antes. Mi promedio es alto y debo conservarlo”.

Entre todas las pérdidas, la relación filial se revelaba como la más dolorosa: “De todas las torturas que me depara la enfermedad, ser un padre limitado es la peor y la que no tiene solución. Escribir me calma porque pienso que cuando crezca y yo esté muerto, él podrá leerme”, expresó, quien además dijo que buscaba que su hijo encontrara en sus palabras el recuerdo que la enfermedad podría arrebatarle.

“Escribí estos capítulos, que serán parte de un futuro libro, escuchando Obertura de Tannhäuser, de Richard Wagner, por la Filarmónica de Berlín dirigida por Claudio Abbado”, cerró Lopérfido su artículo.

De amplia trayectoria en el mundo de la cultura, Lopérfido fue director artístico del Teatro Colón, presidente de Ópera Latinoamérica y secretario y ministro de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires durante el gobierno de Horacio Rodríguez Larreta. También fue secretario de Cultura y Medios durante el gobierno de Fernando De la Rúa.

Los que sean un poco más grandes quizás lo recuerden sonriente, casi pibe, lleno de ideas, a las puertas de Buenos Aires no duerme, un festival que se planteó —y lo hizo— atravesar la noche entera en un lugar lleno de artistas y actividades dirigidas a los jóvenes. Eran los últimos años de la década del 90, Darío Lopérfido, que murió este viernes, era una figura destacada —primero, y la cabeza después— en la Secretaría de Cultura porteña.

Era el ingreso de una generación nueva al gobierno, en una democracia que todavía era nueva también: Lopérfido tenía poco más de 30 años. Y, de alguna manera, con el festival nocturno marcaba distancia ideológica: del otro lado de la General Paz el peronista Eduardo Duhalde, por entonces gobernador de la Provincia de Buenos Aires, había dispuesto un límite horario para los boliches nocturnos. Entonces —el logo era un ojo abierto por un Obelisco— Buenos Aires no durmió. Tan joven y ya mostraba la hilacha: la provocación sería una marca. Si el político experimentado mandaba irse a dormir...

El Jefe de Gobierno, su jefe político, era el radical Fernando de la Rua. Uno de sus orgullos en esa gestión fue la creación del BAFICI, el festival de cine independientes que sigue siendo uno de los mayores eventos culturales de la ciudad (y del país).

Antes, todavía más joven, Lopérfido había dirigido el Centro Cultural Ricardo Rojas. Eran tiempos de vanguardia, de experimentación, de Batato Barea, Alejandro Urdapilleta y Humberto Tortonese en ese espacio de la Universidad de Buenos Aires. De nuevo: una ciudad, una sociedad, que se alejaba de las restricciones de la dictadura. Y que mostraba otra cara: raros peinados nuevos. “Teníamos un entusiasmo casi sobrenatural”, contó años después. “Una voracidad por conocer y programar obras novedosas, películas que habían sido censuradas. Me acuerdo de cuando programamos La última tentación de Cristo y se aparecieron los chicos de Tradición, Familia y Propiedad". ¿Habían pisado el palito de la provocación “los chicos”?

Cuando De la Rua pasó del gobierno de la Ciudad al de la Nación, en 1999, Lopérfido se fue con él y ocupó el lugar de Secretario de Cultura y Comunicación. Fue un recorrido corto, como el de todo ese gobierno, que cayó en diciembre de 2001. Alguna vez, en la intimidad de un bar madrileño, contó cómo habían sido las últimas horas de esa gestión para el núcleo más cercano al presidente, que veía el derrumbe desde la noche anterior en Olivos. No había cumplido 40 años y contaba la Historia en primera persona.

Pero en enero de 2015 le tocó uno de los papeles que más le gustaron: Mauricio Macri, que era Jefe de Gobierno porteño, lo nombró director del Teatro Colón. A él, que no había terminado el secundario porque cuando empezó la dictadura su padre, que era delegado gremial, fue despedido y el chico pronto tuvo que poner el hombro en la casa.

Quizás por eso le gustaba tanto el Colón, la idea de desacralizarlo, de abrir los ensayos al público, de integrar tecnología a las obras y, a la vez, de hacerlo rentable. A poco de asumir le preguntaron si ya se estaba acomodando al cargo. La respuesta fue, otra vez, provocadora: “En realidad, hace muchos años que soy director del Colón. Nadie lo sabe; sólo yo. Desde que empecé a escuchar conciertos y ver ópera, a los 18 años, mi cabeza está aquí, en el armado de temporadas, la elección de cantantes, directores y obras; el reclamo por más ensayos, el deseo de captar y entender todas las reacciones del público, la necesidad de movilizar una institución como ésta, para que no se parezca a una estatua. Soñaba con dirigir este teatro. Se trata de cosas que nunca le conté a nadie, por temor a que se me viera como un alienado. Pero hace años que me preparo secretamente para esto. Únicamente faltaba que me nombraran. Y sucedió“.

Se le veía el entusiasmo, la pasión: “El Colón del siglo XXI y de los siglos por venir es este”, dijo, cuando le sugirieron que había otro espacio -encima llamado en ese momento “Centro Cultural Kirchner- dispuesto a competirle al teatro su condición de primera sala del país.

Ejercía este puesto cuando, en diciembre de 2015, Horacio Rodríguez Larreta asumió como Jefe de Gobierno y volvió a nombrarlo ministro de Cultura porteño. Decidió quedarse también en el Colón. Pero unos días después, en una charla abierta en enero de 2016, dijo algo que cambiaría el rumbo de su vida política. Dijo que los desaparecidos “no fueron 30 mil”, y que “ese número se arregló en una mesa” para “conseguir subsidios”. No fue un comentario menor e iba más allá de la provoación: tocaba uno de los consensos más sensibles de la democracia argentina.

Enseguida intentó explicarse. Dijo que durante el kirchnerismo se había intentado afirmar la idea de que los Montoneros defendían la democracia y que no era así. Dijo, también: “A mí un desaparecido, diez, o dos me parece el mismo desastre, la misma tragedia”. Y contó: “Me pasé mi adolescencia peleando contra la dictadura en la medida en que podía”.

Era tarde. Organismos de Derechos Humanos y parte del ambiente artistico repudiaron sus dichos sobre el número de desaparecidos. En julio renunció pero siguió dirigiendo el Colón. “Primero que nada, creo en las ideas. ¿De qué sirve la política si uno parecería estar signado por un destino inalterable?", había dicho años atrás. Esa convicción —el destino no es inalterable— parecía moverlo.

Lo que sigue es conocido. Con distintas ocupaciones —la primera, un puesto para promover la cultura argentina en Berlín que le ofreció Macri, ya presidente— se fue a vivir a Europa. Mario Vargas Llosa lo eligió como uno de sus colaboradores. Tuvo un hijo. Se enfermó de ELA. “El joven que dirigió el Rojas es solo un recuerdo”, dijo hace unos días. Pero seguía trabajando, con la fuerza transformadora y la confianza en la democracia de aquel chico de los 90. ¿Haría las cosas distintas, con la experiencia que dan los años? “No suelo arrepentirme”, respondió.

El Ciclo Aura prepara su regreso al Teatro Colón en 2026 con una serie de conciertos que reunirá a figuras destacadas de la música clásica internacional y presentará la Orquesta del Ciclo Aura. El calendario incluye cuatro funciones, programadas para el 18 de mayo, 3 de agosto, 28 de septiembre y 26 de octubre, con la participación de artistas como Maxim Vengerov, Pinchas Zukerman, Nadine Sierra, Freddie De Tommaso y Xabier Anduaga, junto con la nueva formación orquestal del ciclo.

La propuesta, coordinada por el Teatro Colón, en coproducción con Mama Hungara Live y Elisa Wagner ICP, incorpora conciertos sinfónicos, recitales instrumentales y galas líricas. La Orquesta del Ciclo Aura se estrenará en dos de las cuatro fechas, bajo la dirección de Constantine Orbelian, quien ocupa también la dirección musical de la New York City Opera. Esta nueva agrupación fue concebida para fortalecer la identidad artística y expandir la proyección cultural del ciclo.

El primer concierto, el 18 de mayo, estará a cargo del violinista ruso Maxim Vengerov, acompañado al piano por Polina Osetinskaya. La segunda fecha, el 3 de agosto, propone una gala lírica con el tenor español Xabier Anduaga y la soprano surcoreana Hera Hyesang Park, junto a la Orquesta del Ciclo Aura y dirección de Orbelian. El 28 de septiembre se presentará un concierto sinfónico encabezado por el violinista Pinchas Zukerman y la violonchelista canadiense Amanda Forsyth, acompañados por el Ensamble Musical de Buenos Aires bajo la batuta de Gustavo Fontana. El cierre de temporada, el 26 de octubre, reunirá al tenor Freddie De Tommaso y a la soprano Nadine Sierra en una gala junto a la nueva orquesta y nuevamente bajo dirección de Orbelian.

Durante 2025, el Ciclo Aura consolidó su presencia en la programación del Teatro Colón con funciones agotadas y una respuesta positiva del público. La nueva edición busca mantener el vínculo entre intérpretes de proyección internacional y la escena cultural porteña.

Los abonos para la temporada 2026 estarán disponibles próximamente en www.teatrocolon.org.ar, con beneficios especiales para quienes adquieran el paquete completo. Entre los beneficios se encuentran invitaciones a eventos privados y acceso a clases magistrales ofrecidas por Maxim Vengerov, Pinchas Zukerman y Xabier Anduaga.

Artistas destacados de la temporada

Maxim Vengerov, violinista ruso, es reconocido por su trayectoria junto a orquestas internacionales y por sus grabaciones galardonadas con premios Grammy. Fue designado Embajador Internacional de Buena Voluntad de UNICEF y utiliza el violín Stradivarius ex-Kreutzer (1727). Su formación incluyó a Galina Turchaninova y Zakhar Bron.

Xabier Anduaga, tenor español, ha interpretado roles en escenarios como La Scala y la Royal Opera House. Ganador del Concurso Operalia en 2019, sobresale en el repertorio belcantista.

Hera Hyesang Park, soprano surcoreana formada en la Juilliard School, integró el ensemble de la Bayerische Staatsoper y ha desarrollado una carrera internacional abarcando desde Mozart hasta repertorio contemporáneo.

El director Constantine Orbelian se destaca por su trabajo en la dirección lírica y su colaboración con figuras como Renée Fleming. Actualmente dirige la New York City Opera y cuenta con una extensa discografía operística.

Pinchas Zukerman, violinista y violista, suma más de cinco décadas de carrera artística. Fue discípulo de Ivan Galamian y ejerció la dirección musical de la National Arts Centre Orchestra de Canadá.

La violonchelista canadiense Amanda Forsyth se formó en la Juilliard School y colabora regularmente con Zukerman. Su interpretación se asocia al repertorio romántico y al trabajo camerístico.

Freddie De Tommaso, tenor británico, ha actuado en escenarios como La Scala y la Metropolitan Opera. Su disco Passione para Decca Classics lo posicionó en el repertorio italiano y ha abordado papeles como Cavaradossi y Don José.

Nadine Sierra, soprano estadounidense, figura en carteles de la Metropolitan Opera, Teatro Real y la ópera Estatal de Viena. Ganadora de los concursos Richard Tucker y Beverly Sills, mantiene una sólida presencia discográfica.

La Orquesta del Ciclo Aura se compone de músicos destacados de la escena sinfónica de Buenos Aires. Su perfil responde a las exigencias del repertorio lírico y busca establecerse como un referente dentro del ciclo, acompañando las galas programadas para la temporada inaugural bajo la dirección de Orbelian.

Fechas de los conciertos

• 18 de mayo: Maxim Vengerov y Polina Osetinskaya.
• 3 de agosto: Gala lírica con Xabier Anduaga, Hera Hyesang Park y la Orquesta del Ciclo Aura.
• 28 de septiembre: Pinchas Zukerman, Amanda Forsyth y el Ensamble Musical de Buenos Aires.
• 26 de octubre: Gala lírica con Freddie De Tommaso, Nadine Sierra y la Orquesta del Ciclo Aura.

Las funciones se realizarán en el Teatro Colón, ubicado en Cerrito 628, Ciudad de Buenos Aires.

Fotos: gentileza prensa Ciclo Aura (Elina Garanca y Nadine Sierra).

Al día siguiente, Nicki compartió en sus redes sociales su emoción por lo vivido. En una de sus historias, se mostró aún conmovida y escribió: “Buenos días. ¿Lo de ayer qué fue??? ¿Un sueño???”, acompañando la frase con una imagen en la que se la ve emocionada, cubriéndose la boca y dejando ver lágrimas en los ojos. La reacción espontánea y la vulnerabilidad de la artista resonaron entre sus seguidores, que compartieron el sentimiento de incredulidad y agradecimiento por el momento vivido.

La cantante también compartió videos y mensajes de la función, agradeciendo el apoyo del público y de sus amigos. En otra historia, relató con humor el aviso que recibió el público antes de empezar el show: “El aviso del Colón: bueno por favor está por empezar el show no se muevan no griten disfrútenlo etc etc. Ellas: ok”, junto a un video de sus amigas haciendo el aguante desde la platea. Las imágenes mostraron la complicidad y el apoyo de su círculo íntimo, que la acompañó desde las butacas y celebró cada instante de la noche.

En sus publicaciones, Nicki expresó su gratitud: “Lo de ayer fue mágico para mí y les agradezco de corazón por todo el amor!!! Estoy repasando todo lo que viví y emocionándome una y otra vez. Eternamente agradecida”. Además, destacó momentos especiales como su interpretación de “Tienes mi alma” y la versión sinfónica de “Años luz”, que compartió con sus seguidores a través de clips y retuits de quienes estuvieron en el concierto. La emoción y los mensajes de quienes la acompañaron reflejaron la trascendencia del show para la comunidad artística y para el público joven que la sigue.

La artista también se mostró agradecida por poder interpretar “Boquitas pintada”, una canción tan especial de Tan Biónica: “Siempre voy a estar agradecida de poder interpretar esta canción tan especial, eternas gracias”, escribió, arrobando a Chano y a la banda. La fusión de estilos y generaciones fue uno de los puntos altos del espectáculo, que reunió clásicos y nuevas voces en un mismo escenario.

Uno de los momentos más emotivos de la noche fue el que compartió con Cazzu en el escenario, generando lágrimas y aplausos entre el público y los propios músicos, según reflejaron los mensajes de los seguidores: “Qué momento más hermoso, cuando Nicki estuvo por llorar yo ya lo estaba haciendo, qué madre sos Cazzu”. A las imágenes de ambas artistas abrazadas y compartiendo la emoción la cantante de “Wapo Traketero”, reaccionó con un emoji de corazón blanco.

El show de Nicki Nicole en el Teatro Colón no solo marcó un antes y un después en su trayectoria, sino que también se transformó en un símbolo de apertura y diversidad en uno de los escenarios más tradicionales del país. La emoción, la gratitud y el impacto de la noche quedaron plasmados en cada mensaje de Nicki, que celebró junto a su público un verdadero sueño hecho realidad y dejó la puerta abierta para una nueva etapa en la música argentina.

Con una propuesta sinfónica concebida como obra conceptual, la artista rosarina marcó un punto de inflexión en su carrera y en la música urbana argentina. Acompañada por más de 70 músicos bajo la dirección de Nico Sorín, se convirtió en la primera artista de su generación en presentar un espectáculo sinfónico propio en ese teatro mítico. Pero más que una consagración institucional, lo que se vivió fue una declaración artística.

En la previa, su amigo y colega Seven Kayne había declarado a Teleshow sentir “un re orgullo” y añadió: “Es la primera de la camada que está haciendo algo así, tan elevado. Me encanta y quiero ver cómo se desenvuelve la parte musical, las reversiones y con ganas de sorprenderme”.

La introducción instrumental abrió la puerta a un universo resignificado. Luego, vestida con un traje negro de líneas sobrias, camisa oscura y el cabello recogido con precisión, Nicki apareció sola bajo un haz de luz. “Wapo Traketero” fue el primer golpe emocional: la canción que la lanzó a la escena sonó envuelta en cuerdas, con una densidad dramática inesperada. No era nostalgia, era transformación.

“Colocao” y “Sheite” confirmaron la premisa: cada tema había sido reconstruido desde la raíz. La orquesta no acompañaba, expandía. Los arreglos aportaban profundidad, tensión, matices que revelaban otras capas emocionales. “Recuerdos” marcó uno de los primeros momentos de quietud introspectiva. La sala, con sus palcos iluminados tenuemente, parecía contener la respiración.

La noche fue diseñada como un viaje emocional dividido en capítulos. En “Se Va 1 Llegan 2”, bailarines irrumpieron en escena vestidos como estrellas, un símbolo central. En ese momento, Nicki se desprendió del blazer negro, como si dejara atrás una piel anterior. “Mala Vida” tiñó el escenario de rojo. Las luces, la coreografía y la intensidad vocal construyeron una atmósfera de tensión visceral.

En “Perdido”, dos bailarines retiraron una tela que cubría a una tercera figura. El gesto escénico funcionó como metáfora del concepto que atravesó todo el espectáculo: la búsqueda de la esencia. Finalmente, “ALH” llevó la puesta a un plano casi performático. Máscaras, múltiples intérpretes y un clima ritualista reforzaron la idea de identidad fragmentada.

El quiebre emocional llegó con “Boquitas Pintadas”. Un marco dorado en escena funcionó como ventana simbólica. Del otro lado, una niña. Nicki la observaba como quien mira su propio pasado. La escena se completó con un coro infantil que añadió una capa de inocencia conmovedora.

En “Años Luz”, la niña permaneció sentada junto a ella. Desde un palco, una voz femenina emergió con impronta operística, fundiendo tradición lírica y sensibilidad urbana. El Teatro Colón parecía abrazar esa síntesis improbable. “Pensamos”, “Otra Noche” y el cover de “Olvídala” sostuvieron la intimidad antes de que “No Voy a Llorar” cerrara la primera parte con una carga emocional evidente. Hubo lágrimas contenidas, respiraciones profundas y una ovación sostenida.

Tras un muy breve intervalo, un cambio de look marcó también un giro energético. La segunda parte estuvo atravesada por las colaboraciones que ampliaron el alcance del proyecto.

Milo J subió al escenario para “Dispara ***” y “Alumbre”. La complicidad generacional fue inmediata. El Colón, tradicionalmente asociado a la música académica, vibró con el pulso urbano en versión sinfónica.

Segundos después, con un vestido blanco largo de impronta clásica y teatral, Cazzu aportó una lectura intensa y matizada de “Zona de Promesas”, de Mercedes Sosa y Gustavo Cerati, con guiños folklóricos que expandieron el registro estético del concierto.

Instantáneamente, “Mamichula” encendió a la sala de inmediato. Luego, mientras sonaba “Tiene Mi Alma”, un grupo de bailarines vestidos de negro levantaron a Nicki, que cantaba, construyendo una imagen poderosa: sostener y ser sostenida.

La aparición de Jorge Drexler para interpretar “Sea” aportó una delicadeza particular. La escena fue minimalista, casi desnuda. La voz de Nicki encontró un territorio de intimidad sofisticada, sostenida por arreglos sutiles.

A modo de cierre, “Parte de Mí” funcionó como síntesis conceptual de todo el sinfónico. Entre gritos de fans y visiblemente emocionada, Nicki tomó el micrófono para agradecer: “Muchísimas gracias por esta noche tan especial. Muchísimas gracias a todos los presentes por acompañarme en esta experiencia espectacular. Quiero un aplauso gigantesco para esta orquesta que me acompaña, para este director, Nico Sorín, para toda la gente presente. Les agradezco de corazón por acompañarme en esta obra, que es la búsqueda de la esencia, la búsqueda de volver a uno mismo”.

Se rió por los nervios y el llanto, intentó recomponerse y agregó: “Disculpen si me emociono. Les quiero desear jazmines para todos… Gracias al Teatro Colón y gracias sobre todo a toda la gente que está presente, más allá de la reprogramación, más allá de todo, están acá presentes y eso se valora con todo el corazón. Los amo”. La ovación fue inmediata y prolongada, tanto para ella como para los más de 70 músicos que fueron parte de una noche única en la Ciudad de Buenos Aires.

Después de la angustia inicial por tener que reprogramar su show por el paro general, Nicki Nicole disfrutó este viernes de una de las veladas más anheladas de su vida. La rosarina se presentó en el Teatro Colón en un show sinfónico que repasó sus mayores hits y contó con grandes invitados como Milo J y Cazzu. Además, diversas figuras del espectáculo dijeron presente, mostrando su fanatismo por la intérprete de “Wapo traketero”.

Horas antes de que comience el show, mientras la expectativa se sentía en el ambiente, distintas celebridades arribaron al Teatro Colón para ocupar sus asientos. Entre ellos, uno de los primeros en llegar fue Felipe Fort. El joven empresario posó ante las cámaras con un traje oscuro compuesto por un saco negro de corte clásico y pantalón a juego, ambos de textura lisa y caída holgada. Debajo del saco, no utiliza camisa ni remera, dejando el torso parcialmente descubierto y exhibiendo un collar plateado con una cruz. Completa el look con unos lentes de sol circulares de color azul y zapatillas negras de suela gruesa. Lleva un bolso negro cruzado sobre el hombro izquierdo. Su pelo era corto y peinado con raya al medio.

Luego fue el turno de Tiago PZK. El cantante mostró toda su elegancia con un traje negro compuesto por saco y pantalón, con la particularidad de que el saco presenta un diseño cubierto de pequeños apliques plateados que generan un efecto brillante en toda la prenda. Lleva una camisa negra y una corbata del mismo color, lo que refuerza la monocromía del conjunto. Al momento de posar, el joven eligió cruzar sus manos al frente. Completó el atuendo con zapatos negros de cuero de punta redondeada y lentes de armazón transparente y luce un peinado corto y prolijo.

Otra de las que pasó por la alfombra roja fue Tuli Acosta. La cantante lucía un vestido negro de tirantes con detalles en blanco, ajustado al cuerpo y con un amplio volante en la parte inferior. El vestido deja los hombros al descubierto y tiene tirantes delgados, uno de ellos en color blanco. Luce el cabello suelto, con ondas y mechones en tonos rojizos y rubios que enmarcan el rostro. Para este look, la artista eligió un pequeño bolso de mano de color dorado y sandalias negras de tacón.

Fue entonces cuando llegó una de las parejas del momento, Fede Bal y Evelyn Botto. El actor destacaba con un traje de color beige claro con saco de corte clásico y pantalón recto, acompañado de una remera blanca de algodón de cuello redondo que aporta un contraste informal al conjunto. Completa el look con zapatos marrones de cuero y lleva el cabello corto y peinado hacia un costado, junto con barba prolija.

Por su parte, la influencer se robó las miradas con un conjunto sastre en tono blanco compuesto por saco amplio, pantalón holgado y chaleco con botones. El saco presenta un detalle bordado en la bocamanga izquierda. Lleva una blusa escotada debajo del chaleco y combina el conjunto con zapatos de tacón azul oscuro, apenas visibles bajo el pantalón. Luce el pelo largo recogido en una coleta alta y utiliza gafas de sol oscuras de gran tamaño. Sus uñas están pintadas de verde claro.

En un tono similar, Sofía Martínez también eligió un traje sastre para esta ocasión. La periodista brilló con un look de color negro compuesto por un saco cruzado de solapa amplia y pantalón de corte ancho que llega hasta el suelo. El saco tiene cierre de doble botón y bolsillos laterales con solapa. Su pelo, liso y de tono rubio oscuro, caía sobre los hombros. El maquillaje era discreto y no lleva accesorios visibles.

El productor Nico Cotton también dijo presente. El músico llevaba una camisa de manga larga de color gris oscuro, confeccionada en un tejido liso y de caída amplia, con el cuello clásico abotonado y el dobladillo suelto. Combinaba la prenda superior con un pantalón holgado de tono negro, de corte recto y pinzas visibles, lo que aporta volumen a la silueta. Completaba el conjunto con zapatos negros de charol, de punta redondeada y acabado brillante.

En otra línea, Grego Rossello llegó a la alfombra roja con un look más informal. El influencer llevaba una camisa blanca de algodón con las mangas arremangadas hasta los codos y el cuello ligeramente abierto. Combina la camisa con pantalón negro de vestir de corte recto y zapatos negros de cuero. El atuendo era sencillo y de líneas clásicas.

Por su parte, al momento del show. Nicki Nicole deslumbró con dos looks diseñados especialmente para la ocasión. Durante la primera mitad del espectáculo, la rosarina destacó con un traje negro profundo, el cual evocó el misterio y la sofisticación propia de la noche porteña. Mientras, en la segunda mitad, la artista optó por un traje en blanco hueso, el mismo buscó armonía con la majestuosidad y la luz de la sala.

Crédito: RSFOTOS

En la sala principal del Teatro Colón de Buenos Aires, las normas de la elegancia clásica y la vanguardia urbana se encontraron en un escenario inesperado. Nicki Nicole no solo debutó su faceta sinfónica ante más de 70 músicos, sino que eligió dos looks diseñados especialmente para la ocasión que dieron un nuevo significado a la sastrería femenina en uno de los templos mundiales de la lírica.

La artista se convirtió en la primera de su generación y del movimiento urbano argentino en pisar este escenario, tradicionalmente vinculado a la ópera y la música clásica.

La cita del viernes 20 de febrero no figuró como una fecha más en la agenda de la cantante rosarina. El concierto “Nicki Nicole Sinfónico” representó un hito en su carrera, marcando una etapa clave tras su primera nominación a los Premios Grammy. La interpretación orquestal de su repertorio no solo amplió la dimensión sonora de sus canciones, sino que también propuso un giro en su identidad visual.

La propuesta estética se alejó del streetwear habitual de la artista y apostó por la sastrería contemporánea. Los dos trajes, confeccionados a medida por la firma GOROF bajo la dirección de la diseñadora María Gorof, tradujeron el lenguaje clásico de la moda en una clave moderna, dialogando con la arquitectura y el simbolismo del Colón.

Noir y Off White: la dualidad sobre el escenario

Durante la velada, Nicki Nicole alternó entre dos trajes de crepé en tonos opuestos: Noir y Off White.

El primero, de un negro profundo, evocó el misterio y la sofisticación propia de la noche porteña, mientras que el segundo, en blanco hueso, buscó armonía con la majestuosidad y la luz de la sala.

Ambos conjuntos compartieron una estructura de blazer oversize levemente entallado, con hombros estructurados y solapas de líneas arquitectónicas.

En la versión Noir, las solapas de seda resaltaron el contraste y evocaron el código clásico del smoking. Como detalle singular, el look incorporó estrellas tipo joyería, bordadas a mano con cristales plateados que reflejaron destellos sutiles bajo los focos. El pantalón wide leg, de tiro bajo y pinzas marcadas, aportó verticalidad y una sensación de movimiento continuo, acompañando la impronta escénica de la artista.

Capas, texturas y símbolos: el arte del detalle

El estilismo de Nicki Nicole para el Colón fue más allá del simple cambio de paleta cromática.

En el look Off White, debajo del blazer se sumó un chaleco sastrero casi imperceptible, reforzando la estética del traje de tres piezas. La camisa, confeccionada en crepé de seda, introdujo dramatismo con un cuello de puntas largas y puños protagónicos que asomaban bajo las mangas. Una corbata del mismo material completó el conjunto, logrando un efecto de línea vertical continua, estilizando la figura de la cantante.

Para el primer acto, el conjunto Noir exploró una estética gótica y nocturna. La camisa de satén negro, con cuello alto y rígido, sumó formalidad y autoridad.

El detalle más distintivo estuvo en los accesorios metálicos de las puntas del cuello, que introdujeron un guiño de rebeldía urbana. El pantalón de tiro alto, en tela mate, equilibró visualmente el brillo de la parte superior, manteniendo una silueta proporcionada.

La elección del blanco total y la superposición de capas definieron el estilo como “minimalismo maximalista”, una combinación de paleta reducida y estructura voluminosa que marcó la transición de la artista hacia una imagen más madura y sofisticada.

Un gesto de poder en la tradición del Colón

La presentación de Nicki Nicole en el Teatro Colón significó más que un concierto: fue también una resignificación de la sastrería clásica desde una perspectiva femenina y contemporánea.

Los trajes, pensados para el movimiento y el impacto escénico, dialogaron tanto con la tradición del lugar como con la identidad de la artista.

El concierto no solo implicó un desafío artístico, sino también un acontecimiento histórico para la música argentina. La elección de un vestuario con referencias tanto a la moda de alta costura como al lenguaje urbano subrayó ese cruce de culturas y generaciones.

El show sinfónico de Nicki Nicole en el Teatro Colón quedará asociado a una doble transformación: la de su música y la de su imagen, ambas guiadas por la búsqueda de nuevas formas de expresión y poder en el escenario.

La decisión se tomó a raíz del paro general convocado para esa fecha, que afectará el funcionamiento del transporte público y la actividad en distintos espacios culturales, incluido el propio Teatro Colón. En ese contexto, la rosarina eligió expresarse públicamente y explicar los motivos del cambio.

“Ustedes saben lo importante que es para mí esta fecha en el Colón. Es un sueño que vengo construyendo hace mucho tiempo y me duele muchísimo tener que postergarla”, expresó la cantante en un mensaje dirigido a sus fanáticos. La sinceridad de sus palabras reflejó el peso emocional que tiene este show en su carrera.

La decisión fue acompañada por un mensaje de agradecimiento: “Gracias por entender, por estar y por acompañarme siempre. Los amo”. La reacción en redes no tardó en llegar. Muchos seguidores destacaron su coherencia y empatía, mientras que otros celebraron que el show se mantenga, aunque sea con un día de diferencia. Desde la producción y el Teatro Colón señalaron que trabajan para garantizar que el espectáculo se realice “en las mejores condiciones artísticas y técnicas”, subrayando que la dinámica del concierto no sufrirá modificaciones.

El mensaje fue acompañado por una explicación más detallada en sus historias de Instagram, donde buscó llevar tranquilidad a sus seguidores. “Es exactamente lo mismo, solo es un día de diferencia ya que no hay medios de transporte”, aclaró en un video. Además, explicó que los trabajadores del Teatro Colón se adhieren al paro, por lo que el recinto no contará con personal operativo el 19 de febrero. “Además de que no hay medios de transporte, mañana no hay gente trabajando en el teatro”, detalló.

La reprogramación fue confirmada oficialmente por la producción y se informó que las entradas adquiridas para la fecha original serán válidas automáticamente para el viernes 20, sin necesidad de realizar ningún trámite adicional. Quienes no puedan asistir podrán solicitar la devolución del dinero a través de la plataforma EnigmaTickets.

En otro posteo en su cuenta de X e Instagram, la artista dejó en claro su postura frente a la medida de fuerza.“Mañana es un día muy importante para el país. Creo en el derecho de lxs trabajadorxs a expresarse y acompañarse en momentos como este. Por eso vamos a reencontrarnos el viernes 20 de febrero, para vivir esa noche como se merece”.

Lejos de tratarse de una fecha más en su agenda, “Nicki Nicole Sinfónico” representa un verdadero hito en la trayectoria de la cantante. Tras su primera nominación a los Premios Grammy por “Naiki”, la artista consolida una etapa clave de su carrera con esta propuesta que la llevará a uno de los teatros más emblemáticos del mundo.

Por primera y única vez, Nicki presentará su repertorio en formato sinfónico, acompañada por más de 70 músicos dirigidos por Nico Sorín. La propuesta reimagina sus canciones desde una nueva sensibilidad orquestal, ampliando su universo sonoro sin perder la identidad urbana que la convirtió en una de las figuras más influyentes de su generación.

El concierto no solo implica un desafío artístico, sino también un acontecimiento histórico para la música argentina. Nicki Nicole se convierte en la primera artista de su generación —y del movimiento urbano argentino— en presentarse en el Teatro Colón, un escenario tradicionalmente asociado a la música clásica y la ópera.

El episodio ocurrió durante el segmento llamado “La logia del buen gusto”, dentro del ciclo Nadie nos para, conducido por Beto Casella en la Rock & Pop. Allí, mientras difundían un video del entrenamiento de Valentín Fresno, Fernández hizo comentarios dirigidos a él que fueron considerados discriminatorios por la audiencia y distintos referentes del arte.

La repercusión de sus palabras motivó que el panelista optara por manifestar públicamente su arrepentimiento, que llegó horas después a través de un video subido a sus historias de Instagram. “Hola, Valentín. Quería pedirte disculpas públicamente por lo que sucedió en la radio el miércoles, en la sección de La Lógica del Buen Gusto, en donde me extralimité”, comenzó diciendo el músico, en una publicación en la que etiquetó al bailarín.

“Me pasé, hice comentarios desubicados que no tenía que haber hecho. Pedirte disculpas, decirte que estoy acá poniendo la cara para lo que necesites”, continuó Fernández y expresó sus sensaciones por lo sucedido: “Uno en ese contexto cree que es gracioso y después viéndolo me di cuenta que no, no es ni gracioso ni nada que se le parezca”.

Por último, expresó sus “disculpas públicas para Valentín y para todo aquel que vea este video”. Cabe mencionar que, a pesar de haberlo etiquetado públicamente, hasta el momento no hubo ninguna reacción de parte del bailarín, al menos en el ámbito de las redes.

Durante la emisión radial, Fernández se refirió a los bailarines del Teatro Colón con comentarios que apuntaron a su apariencia física y modales, sugiriendo que ninguno de ellos “parece varón” y reforzando estereotipos sobre la masculinidad en la danza. “Put... relajado”, dijo entre otras cosas el astrólogo, y estas expresiones, emitidas en tono de burla, fueron rápidamente cuestionadas por oyentes y figuras del ambiente artístico, que señalaron el carácter discriminatorio de sus palabras y su impacto en la comunidad artística.

La reacción de Valentín Fresno no tardó en conocerse. El bailarín agradeció las muestras de apoyo recibidas y se refirió al impacto de las declaraciones en su vida profesional y personal. “Me dolió escuchar lo que se dijo, porque no solo me afecta a mí, sino a muchos compañeros que trabajan y se esfuerzan todos los días. Recibí mensajes de artistas, amigos y desconocidos que se solidarizaron conmigo. Creo que es importante hablar de estas cosas y que no pasen desapercibidas”, sostuvo Fresno.

La controversia también tuvo eco en personalidades destacadas del mundo de la danza. Julio Bocca, director del Ballet Estable del Teatro Colón, expresó su respaldo a Fresno y repudió los comentarios emitidos. “Me da tristeza que todavía tengamos que escuchar este tipo de comentarios en los medios. Valentín es un gran profesional, y no merece ser objeto de burlas o discriminación”, afirmó Bocca. Además, el ex bailarín remarcó la necesidad de promover el respeto en todos los espacios: “Tenemos que seguir trabajando para que el arte y la diversidad sean valorados”.

El Teatro Colón y miembros del Ballet Estable manifestaron su apoyo a Fresno mediante mensajes públicos en redes, donde resaltaron el profesionalismo y compromiso del bailarín con la compañía. Instituciones y organizaciones vinculadas a la defensa de los derechos LGBT+ también se pronunciaron, señalando la importancia de visibilizar estos hechos y reclamar un trato igualitario en los medios de comunicación. El pedido de disculpas llegó horas después, y todavía no hubo manifestaciones de Fresno.

En las últimas horas, la producción decidió exhibir un video que Valentín Fresno había compartido en redes sociales mostrando su rutina diaria como bailarín clásico. En el comienzo de las imágenes, se insertó la frase “tratamiento para homosexuales”, lo que generó risas entre los panelistas y, en particular, en Joe Fernández, uno de los integrantes del programa, quien, aprovechando el contexto, lanzó en tono burlón: “Put... relajado” y más adelante murmuró, de forma sarcástica y acercándose al micrófono: “Y la cola”.

La secuencia continuó con la edición del video, al que se le sumó un antiguo audio de Tangalanga que decía: “Estás muy bien y tenés mucha facilidad de palabra. Pero insisto, si no sos put… es de haragán”, acompañando imágenes de Fresno preparándose para una función en el Teatro Colón. Estas palabras, lanzadas al aire en uno de los ciclos radiales más escuchados del país, fueron señaladas por los bailarines del Ballet Estable del Teatro Colón como “dichos homofóbicos y descalificativos”.

La reacción del propio Valentín Fresno no se hizo esperar. El joven bailarín recurrió a su cuenta oficial de Instagram para exponer el fragmento del programa en el que se refirieron a él con expresiones homofóbicas y para expresar su indignación. En la primera línea de su comunicado, fue contundente: “Pleno 2026 y se siguen escuchando este tipo de comentarios. Estoy sin palabras”.

En su publicación, el artista lamentó que espacios de comunicación con tanta influencia difundan y avalen comentarios homofóbicos, señalando: “Con tantas cosas lindas que se pueden comentar sobre el ballet, se centren en la sexualidad de un artista...”. En su reflexión, Fresno aclaró que el comentario no lo lastimaba ni perjudicaba personalmente, pero advirtió sobre el daño que puede causar en nuevas generaciones: “A los que perjudica son a los futuros niños que quieran hacer ballet y sus familias, o ellos mismos, no los dejen porque piensen que el ballet es de ‘put...’”. Cerró su mensaje con un llamado a la responsabilidad: “No normalicemos este tipo de lenguaje y bromas”.

El testimonio tuvo una amplia repercusión en redes sociales y entre personalidades del espectáculo y los medios. Entre los primeros en manifestar su apoyo estuvo Ángel de Brito, conductor de LAM (América TV), quien escribió: “PA TE TI CO”. A este respaldo se sumó Franco Torchia, panelista de DDM (América TV), con un mensaje de aliento: “Un abrazo inmenso, Valen. Viva tu danza. Sean eternos nuestros bailes”. El conductor de Puro Show (El Trece), Pampito, expresó su indignación con un directo: “¡No se puede creer!”.

Desde el plano institucional, el Ballet Estable del Teatro Colón publicó en su cuenta oficial de Instagram un video grabado por su director, Julio Bocca, quien se pronunció de manera pública en respaldo a Fresno y en rechazo a los comentarios discriminatorios. En el posteo, se leía: “El ballet argentino nos representa en el mundo. El esfuerzo y la dedicación de Valentín Fresno, bailarín de nuestra compañía, es un ejemplo de ello. Julio Bocca, director del Ballet Estable, le expresa su apoyo”.

En el video publicado, Julio Bocca se dirigió directamente a Valentín y valoró la forma en que el bailarín contestó a los dichos homofóbicos. Bocca destacó: “Hola, Valentín. Quería felicitarte por tu respuesta a los comentarios homofóbicos. La verdad fue con mucha altura y con valores que se están perdiendo en el mundo, con respeto y educación”. El director del Ballet Estable hizo hincapié en la importancia de pensar en las nuevas generaciones: “Y además, no solo pensaste en vos sino también en los niños. Gracias por eso. Y somos bailarines y el ballet también representa a la Argentina en el mundo”.

La intervención institucional de Bocca y del Teatro Colón apuntó a dejar en claro el posicionamiento de la principal compañía de ballet del país frente a los hechos de discriminación y los discursos de odio. Subrayaron la necesidad de respeto y la defensa de los valores en el ámbito artístico, además del reconocimiento del esfuerzo y la dedicación de quienes integran el ballet nacional.

La frase sintetiza la vida, la obra y el pensamiento de Astor Piazzolla y es una muestra acabada de esa mezcla de militancia y obstinación sostenida en el tiempo. Y de alguna manera acompaña cada paso de Astor, Piazzolla Eterno, el musical de manufactura artesanal y resultado for export, que brilla en el Teatro Colón y que aporta una aproximación tan fiel como disruptiva a uno de los artistas más importantes de la historia argentina. Una puerta de entrada a su obra extraordinaria y un paseo por nombres esenciales como Carlos Gardel, Aníbal Troilo, Amelita Baltar y Horacio Ferrer.

Para abordar la vida y la obra de un mito con infinitas aristas posibles, la coproducción del Teatro Colón con RGB, la productora de Gustavo Yankelevich, destinó el trabajo en tres cabezas independientes que pusieron su conocimiento y espíritu colectivo al servicio del producto final. La puesta en escena y dirección es de Emiliano Dionisi, la dirección musical de Nicolás Guerschberg y la dirección artística de Tato Fernández. En charla con Teleshow, los directores desandan este camino de relojería desde aquellas charlas en la que todo estaba por hacerse hasta el orgullo de ver la obra ya realizada, en el escenario más emblemático de la cultura argentina y que recibió aplausos y elogios del público y la bendición de la familia del bandoneonista.

Cada uno llegó a la obra de Piazzolla por caminos diferentes y eso también empieza a explicar la dinámica del espectáculo. Emiliano se impregnó de su música como ocurre con los clásicos: “Lo conocí de manera casi inconsciente, es como Romeo y Julieta, hasta el que no la leyó más o menos sabe de qué se trata. Después, el tango me llega por mi viejo, que le gustaba mucho Julio Sosa. Y ya en lo laboral, soy diplomado en Artes del Circo, en la Universidad San Martín, y la música de Piazzolla se utiliza mucho para el circo contemporáneo, porque es una música muy teatral, con mucho corazón y con mucho desarrollo”, explica.

En cambio, para Nicolás se volvió casi una obsesión en su carrera de músico, sea como intérprete, estudioso o arreglador. Giró por el mundo con el Quinteto Astor Piazzolla y hace 27 años formó Escalandrum con Pipi Piazzolla, uno de los nietos de Astor, el sexteto de jazz que entre tantas vertientes recrea a su manera la obra del genio. “Todo eso me acercó a Astor de diferentes maneras, desde su obra hasta su vida y su familia, y me convertí en una especie de devoto de este gran hombre”.

Responsable de la puesta de Rocky, uno de los tanques del musical por estos días, y de fenómenos pop como Nicki Nicole y Bizarrap, Tato Fernández completa este improvisado cómo conocí a Piazzolla y, sin ponerse de acuerdo con sus compañeros, ofrece una tercera posición. “La primera vez fue escuché algo de Piazzolla fue en el cine, cuando fui a ver 12 monos. Escuché ‘Suite Punta del Este’ y me voló la cabeza. Era adolescente, es lo que más me acuerdo de la peli, y eso que es excelente”. En resumen, tres diferentes maneras de acercarse al hombre y al mito. Un aperitivo ideal para adentrarnos en la cocina del show que se presenta en el Colón de Buenos Aires hasta el 16 de febrero.

—¿De quién fue la idea de que haya un Piazzolla coral y no un intérprete único?

Emiliano: Estamos en la era de las biopics, y no quería imaginarme a un actor que hiciera de Piazzolla, con el bandoneón. Me propuse ser muy fiel a la personalidad de Astor que era un artista que todo el tiempo subvertía lo que se esperaba de él. Entonces, en vez de un Piazzolla hay seis cantantes que son Piazzollas, pero también dos bailarines que son Piazzollas y la orquesta entera es Piazzolla. Y me animo a decirte que el espacio es Piazzolla, esa propuesta para meterse en la cabeza de una persona que vibra con la música. La escenografía se mueve como si fuesen partituras musicales y todo vibra en el entorno piazzolliano. No podíamos hacer un espectáculo de Piazzolla sin sorprender, sin ir por donde nadie se lo esperaba.

Nicolás: Todo eso es de Emiliano, que hizo grandes obras y esto no hace más que confirmar su talento. Es un placer para mí estar trabajando con él desde el comienzo y fue muy hermoso cómo se dio todo de manera muy fluida. A él se le ocurrió esta manera tan original y única de contarlo, y yo me subí a este barco hermoso, con todas las puertas abiertas para proponer desde la música.

Tato: Emi tenía la propuesta del libro armado y sobre esa idea del multi Astor, armamos un no espacio, esa especie de exterior que puede ser un patio, o un café o la calle. Y lo mismo con la idea de usar una pantalla para generar ideas de lugares, no caer en la típica foto de la estatua de la libertad para hablar de Nueva York, sino más bien jugar con los recuerdos y el imaginario que rodea a las grandes ciudades. Como esas cúpulas locas y toda esa onda art decó que tiene Buenos Aires.

—¿El formato de musical surgió en esa construcción o venía de antes?

Emiliano: Siempre estuvo la idea del relato, y a partir de ahí hay un texto que naturalmente iba a tener música, porque estamos hablando de un músico con una creación extraordinaria. Por consecuencia, y por ese engranaje, cuando la gente lo ve, lo considera un espectáculo de teatro musical. Hay mucho prejuicio en pensar el teatro musical como esa cosa medio burlesque o de revista y entretenimiento, cuando puede ser un arma poderosísima, narrativa, absolutamente emotiva o despampanante. Y, sobre todo, cuando estamos narrando la historia de un tipo que su música te lleva a lugares tan extraordinarios.

—¿Cómo se trabajó para condensar una vida como la de Piazzolla en una hora y media de función?

Emiliano: Sabía de entrada que tenía que hacer un trabajo de condensación. Es la vida entera de una persona que además ha tenido una vida de momentos maravillosos, momentos más duros, momentos de pelearla y momentos de tocar el cielo con las manos. Y eso sin contar su música, que tiene una producción impresionante. En esa condensación sentíamos que estaba lo esencial para un relato que le resulte conmovedor y honesto para aquel que conoce a Piazzolla y que sea un viaje disfrutable para los que no saben tanto de su vida. En ese equilibrio estuvimos, con el suficiente arco emocional para que entres en la historia, te comprometas con ese personaje, llegues a lo más alto y a lugares también dolorosos y emotivos y fuertes.

Nicolás: No se sabe exactamente, pero dicen que tiene más de dos mil obras escritas, es una barbaridad. Desde lo musical, nos centramos en ciertas obras cumbres, representativas, que tengan cierta repercusión, no solamente los grandes hits, sino otras que van acompañando el cuento.

—Nicolás, más allá de los amplios márgenes que supone el sello del artista, venías interpretando a Piazzolla en formatos más convencionales.

Nicolás—Sí, y fue un gran desafío, porque ya de entrada no iba a ser un concierto, había algo diferente en lo teatral, lo musical y la puesta. Y es muy emocionante vivir cada día esta experiencia, hacer dos funciones diarias es fuerte, física, intelectual, emocionalmente, pero es una maratón hermosa. Y te vas con esos aplausos de un Colón colmado, el homenaje tan hermoso a esta figura que amamos y admiramos tanto. Todo eso te deja el espíritu lleno para encararlo el otro día.

—Es muy interesante cómo se cuentan y se cantan, todos los movimientos que hay en la vida de Piazzolla. Inmigraciones, desarraigos, exilios…

Emiliano: Yo de lo que estoy muy orgulloso es que casi sin darnos cuenta, no solo pusimos en escena la obra de un tipo extraordinario en su quehacer musical, sino que ponemos en un escenario como el Colón, que es sinónimo de validación en la Argentina, a un tipo que sufrió mucho el rechazo, que lo acusaron de ser “el asesino del tango”, que le dieron la espalda. Un tipo que cambió la forma de sonar de un país y al que le costó tanto validarlo, lo hace una especie de antihéroe perfecto para este escenario. Y eso me fascina.

—Cómo dialogan la música y la puesta en general con esa escenografía que sugiere más de lo que muestra, que no avasalla en ningún momento, aun en un ambiente tan imponente como es el Colón.

Emiliano: Fue hermoso el trabajo en colaboración con cada una de las áreas, la música, el sonido, el diseño del sonido, las imágenes, la iluminación, el vestuario, la coreografía, nunca nadie quiso invadir ni ponerse por delante del otro. Y sabíamos que teníamos que construir un espacio evocativo y onírico, y que se transformara como si realmente estuviésemos viendo la conciencia de una persona y no un espacio físico real. Y en esa conciencia aparecen espacios que se sugieren, que parecen conocidos, que cambian de color, que cambian de lógica, que se deforman o desaparecen. Yo estoy muy contento que hayamos logrado esta sintonía evocativa de un tipo que escribía al futuro.

Tato: Y también la idea de que las visuales se muevan con lógica de maquinaria teatral, tenemos creo que solo dos fundidos en toda la obra, el resto sucede a través de un elevador que se lo lleva o de un telón que se corre. Creo que nunca se había puesto una pantalla en el Colón, y esto de ser locos y disruptivos en un espacio como este, acostumbrado a las puestas descomunales, tiene que ver con la obra de Piazzolla también. El desafío era dialogar con la sala pero sin tanta escenografía, poner a los actores y músicos lo más adelante posible y que estén cerca de la gente, y jugar con las pantallas.

—Tato, cómo hiciste para administrar los recursos escénicos y no caer en la tentación de la tecnología?

Tato: Las visuales las hice yo mismo, es todo artesanal con la idea de que nade pase por encima de la música, pero sí que dialogue y aporte. No es un concierto, por eso quise armar un imaginario a la altura de la música de Piazzolla, por eso esa pantalla gigante, que no tiene principio de fin y que si la mirás de arriba, hasta tiene una curva y contracurva que se asemeja al bandoneón.

—Venimos hablando de una persona artísticamente revolucionaria, que rompía estructuras y forzaba límites todo el tiempo sobre quien paradójicamente se fue gestando cierto fundamentalismo alrededor de su figura. ¿Tuvieron esto en mente a la hora de pensar el espectáculo?

Tato: Así como a él le decían que era el asesino del tango, capaz algunos nos pueden decir a nosotros que somos asesinos de Piazzolla (risas). Es lo que nos vibró, y lo hicimos con mucho respeto, cuidado y amor.

Nicolás: En cualquier espectáculo va a haber gente que va a estar a favor y otra no. El caso de Piazzolla es un caso de un artista enorme, muy representativo, que vivió una vida de lucha y rechazo hasta que llegó la aceptación. Y todo esto es parte del juego a la hora de encarar un proyecto así. De todos modos, yo creo que lo que nosotros podemos hacer como artistas y como devotos de nuestro trabajo y de la obra de este genio, es hacerlo de la mejor manera, poder plasmar todo el esfuerzo y toda la ambición y el amor que le pusimos. Después, por supuesto, las repercusiones son inevitables, y eso quiere decir que realmente estamos haciendo algo. Si no, nos quedamos en nuestra casa

Emiliano: Podríamos haber tomado un camino más fácil y hacer un homenaje mucho más conservador, tocando sus temas y contando su historia, pero todos sentíamos de corazón que teníamos que ser muy honestos con el tipo de artista que estamos evocando, con un tipo que siempre se corría de lo esperado. Es más arriesgado, pero también es más genuino y tiene más corazón.

—¿Para vos, Nicolás, significó algo particular por estar más ligado a su obra, incluso a su familia?

Nicolás: No hubo incertidumbre ni miedo, pero sí compromiso para darlo todo y poder realmente representar esto de la mejor manera. Traté de estar muy atento a que la música represente lo que Emiliano quería decir. Y después, como director musical, seleccionar a un grupo que responda.

—Cuál fue la reacción de Pipi al ver el trabajo?

Nicolás: Yo tengo una amistad, una hermandad con Pipi y los muchachos de Escalandrum, hace 27 años que estamos juntos. Él supo antes que yo que lo iba a dirigir, y me dice “Escuchame, boludo, hacelo bien, ¿eh?, que te voy a matar”, esas cosas lindas de la amistad, pero siempre apoyando. Y cuando lo vio me dijo: “Es muy bueno lo que están haciendo. Estoy feliz. Mi abuelo estaría orgulloso, mi viejo también”. Vino Laura Escalada, la esposa de Astor, su nieto Daniel Villaflor Piazzolla, Pipi con su familia, mucha gente relacionada al entorno Piazzolla, y recibimos un apoyo muy lindo de toda la gente que lo quiere a Astor. Y eso, obviamente es un espaldarazo, porque es toda gente querida, y me da más fuerza para seguir trabajando.

Emiliano: Amelita Baltar vino al estreno, me enteré después porque si no me hubiese agarrado un infarto. Si bien no se la imita en ningún momento, obviamente aparece en la historia desde la voz. Y me dijo: “Es la primera vez que desde la butaca me puedo ver en el escenario”. Y es hermoso porque no se la imita, no se hace una caracterización, y que ella se haya sentido representada significa que dimos con una tecla evocativa que funciona.

—No se la nombra a Amelita, eso también fue una decisión?

Emiliano: Es que el espectáculo es evocativo, por eso Astor es todo en el escenario, es el espacio, es el movimiento, es cómo se derrama la luz, son los músicos, es la respiración de un bandoneón. Nosotros buscamos evocar un personaje, y para eso no tenés que imitarlo.

Nicolás: Es algo vivo, que está presente, y uno se siente realmente parte de este viaje hermoso que es Astor Piazzolla eterno. De este clásico que se impuso como uno de los grandes compositores del mundo y tiró la pelota del tango y de la música argentina y de Buenos Aires para adelante. Que tenía la ilusión, parafraseando a Discépolo, que se lo escuche en el 3000 también.

—¿Creen que él fue consciente de eso? ¿Llegó a verlo?

Nicolás: No sé si se imaginaba tanto, porque realmente Astor luchó y llegó a ver la punta del iceberg de su reconocimiento, de su fama, pero se ha convertido en un músico planetario, con una obra y una influencia enormes.

—Jugando con esta idea de futuro que atraviesa su obra, ¿Qué estaría haciendo Astor en el contexto de la música actual?

NG: Haciendo música nueva. De hecho, siempre hablamos con músicos amigos de que él no paró nunca. En el final de su vida estaba escribiendo una ópera basada en Gardel, tenía encargos de orquestas, de cuartetos de cuerdas... Tenía mucha música, estaba en su apogeo y bueno, lamentablemente a veces la vida juega esas cuestiones. Y a él se lo avisaron un año antes, que si seguía tocando arriesgaba su vida. “Yo me voy a subir al escenario hasta el último día”, les dijo. Y así fue.

*Astor, Piazzolla Eterno: hasta el 16 de febrero en el Teatro Colón: Emiliano Dionisi: autor, puesta en escena y dirección. Nicolás Guerschberg: arreglos y dirección musical. Tato Fernández: dirección artística

Cantantes: Natalia Cociuffo, Federico Llambí, Belén Pasqualini, Rodrigo Pedreira, Nacho Pérez Cortés, Alejandra Perlusky

Bailarines: Alejandro Andrian, Victoria Rosario Galoto

Orquesta: Alejandro Guerschberg (bandoneón) Lucio Balduini (guitarra eléctrica) Serdar Geldymuradov (violín) Sara Ryan (violín) Paula Pomeraniec (violoncello) Daniel Falasca (contrabajo) Francisco Huici (Multi instrumento y efectos) Nicolás Guerschberg (piano y dirección)

Tras un mes de intenso trabajo en Mar del Plata, Mirtha Legrand regresó a la ciudad de Buenos Aires para continuar con su histórico programa. En ese marco, este martes, la Chiqui aprovechó la templada noche porteña para disfrutar de uno de los espectáculos más llamativos del Teatro Colón: Astor Piazzolla Eterno.

La Chiqui llegó al centro porteño a las 21.30 de muy buen humor, acompañada por un grupo de amigos: Alejandro Veroutis, el Dr. Guillermo Semeniuk, médico personal de la diva, y su amiga Amalia Idoyaga. Con una puesta de gran potencia visual, musical y emocional, la obra desplegó el legado de Astor Piazzolla en uno de los escenarios más prestigiosos del mundo. La respuesta del público, que colmó la sala y acompañó cada pasaje con entusiasmo, marcó el tono de una noche inolvidable.

La figura de la televisión disfrutó de la función desde el palco 11 y lució un vestido de Claudio Cosano. Mirtha llamó la atención de los presentes con un conjunto de tono celeste compuesto por un vestido de tela translúcida con aplicaciones florales en relieve y bordados que cubren las mangas y el torso. Llevaba un chal del mismo tono apoyado sobre los hombros, un collar plateado ajustado al cuello y aros a juego.

En la imagen, la cual fue tomada antes de dar sala, se ve a Legrand sosteniendo un programa del evento. Sobre el apoyabrazos del asiento de la Chiqui se observaba su cartera de color plateada con cierre brillante y un par de anteojos. Cuando el reloj marcó las 11.15, la figura de la televisión se retiró del establecimiento para cenar junto a su grupo de amigos.

La figura del espectáculo guarda una profunda admiración por Piazzolla. En 1964, Daniel Tinayre dirigió la película Extraña ternura, la cual fue musicalizada por Astor. A este film se suma Bajo un mismo rostro, la cual fue interpretada por Mirtha Legrand junto a su hermana Silvia.

Así, la diva disfrutó del espectáculo y aplaudió de pie esta obra que despliega y celebra el legado de Astor Piazzolla. Se trata de una coproducción del Teatro Colón con RGB, la productora de Gustavo Yankelevich, que cuenta con puesta en escena y dirección de Emiliano Dionisi, dirección musical de Nicolás Guerschberg y dirección artística de Tato Fernández.

Este viernes, tras su despedida de La Feliz, la diva comenzará a grabar su programa desde la ciudad de Buenos Aires. En su último programa, la Chiqui se emocionó al cerrar una nueva etapa desde la costa atlántica. “Este es mi último programa desde Mar del Plata, pero vengan, vengan, porque la ciudad está muy linda. Yo me voy, pero la ciudad queda maravillosa. Es lindísimo Mar del Plata. Y el próximo sábado, Buenos Aires, allá vamos”, comenzó diciendo la conductora al iniciar su ciclo.

Luego de unos segundos de pausa, Legrand continuó relatando sus sentimientos por su despedida: “Me da pena irme. Fui muy feliz acá. No sé ustedes cómo lo han pasado. Al equipo, muchísimas gracias. Han sido todos amorosos”, confesó la conductora. En su discurso, la figura de la televisión no dejó de mencionar el espacio que la hospedó: “A este hotel, Costa Galana, que es fantástico, que me tratan con tanto cariño como si fuera mi casa. Sobre todo al público que me demuestra su amor de una manera que a mí me emociona“, dijo, valorando el trato recibido en su estancia.

Legrand se mostró sorprendida por el afecto que no distingue edades. “Yo soy grande, chicos, y no puedo creer que todavía haya chiquitos que corran para saludarme. Realmente es emocionante”, reconoció, reflejando la profundidad de su vínculo con la audiencia. Además, ahora, la Chiqui ultima detalles para la celebración de su cumpleaños, el 23 de febrero, el cual será dentro de unas semanas.

La muestra Colón Inmersivo: Monet en el mítico Teatro Colón marca un antes y un después en la agenda cultural de Buenos Aires.

La propuesta permanecerá abierta al público entre el 15 de diciembre y el 18 de febrero. Deslumbra combinando la inmensidad del espacio con la tecnología digital más avanzada, convocando a los visitantes a experimentar el arte de Claude Monet desde una perspectiva innovadora.

Desde el inicio, la experiencia sorprende por el modo en que transforma el Centro de Experimentación del Colón en un entorno multisensorial.

Según señalan desde el Gobierno de la Ciudad, “la obra de Claude Monet se despliega en todo su esplendor y pleno de dinamismo”. Las proyecciones en 180 grados permiten que los cuadros más emblemáticos del pintor francés adquirieran movimiento y volumen, mientras rompen los límites del marco tradicional y envuelven al público en un mar de colores y luz.

La muestra no se limita a la contemplación visual. Los organizadores incorporaron una narración que relata la vida y obra del artista, junto a una banda sonora especialmente creada para potenciar la inmersión.

La ambientación sonora y los relatos permiten que los asistentes, guiados por frases emblemáticas de Monet y sus contemporáneos, profundicen en el proceso creativo y en la búsqueda estética del impresionismo.

El recorrido incluye estaciones interactivas y didácticas, con decorados inspirados en cuadros célebres de Monet, ideales para obtener fotografías únicas.

Los cascos de realidad virtual suman una dimensión lúdica, al tiempo que réplicas de obras, mesas de dibujo y salas de proyección invitaron a la experimentación artística y el juego sensorial. La integración de estos dispositivos tecnológicos facilita el acceso a públicos de todas las edades, generando una conexión emotiva y lúdica con el arte.

El acceso está cuidadosamente regulado para conservar su carácter íntimo y garantizar una vivencia personalizada. Los pases de ingreso, limitados a 30 personas por turno y con una duración de 15 minutos, aseguraron una circulación fluida y sin aglomeraciones.

La exposición está disponible todos los días de 10 a 20 horas, en la sede de Viamonte 1168, en el barrio de San Nicolás, con entradas a la venta en Ticketek. La experiencia Colón Inmersivo no solo permite acercarse a la obra de Monet, sino también comprender la relevancia histórica y artística del pintor.

Oscar-Claude Monet, nacido en París en 1840, es considerado el fundador y mayor exponente del impresionismo. Su cuadro “Impresión, sol naciente” (1872) dio nombre al movimiento y revolucionó la pintura occidental, al priorizar la percepción de la luz, el color y la atmósfera sobre el detalle y la narración.

A lo largo de su vida, se dedicó a explorar los efectos de la luz en distintos paisajes y estaciones, desarrollando series como “Los almiares”, “La catedral de Rouen”, “El Parlamento de Londres” y las famosas “Nenúfares” inspiradas en el jardín de su casa en Giverny. En estas obras, el espectador asiste a la transformación del paisaje en función de las horas del día y las estaciones del año.

Como resumió el propio Monet: “Quiero pintar el aire en el que se encuentra el puente, la casa, el bote. La belleza del aire que rodea esas cosas, y que es imposible de captar”.

El recorrido de la muestra permite que los visitantes se sumerjan en ese universo. Desde el área de Turismo de la Ciudad se resaltó que la iniciativa “llegó por primera vez al Teatro Colón, fusionando tradición y modernidad en una experiencia artística que desafió los límites de la percepción”.

La oportunidad de “caminar dentro de un cuadro y sentirse parte de una obra maestra” fue celebrada tanto por especialistas como por un público amplio, deseoso de nuevas formas de participación cultural. La exposición Colón Inmersivo: Monet ofrece una síntesis de este legado, traducido al lenguaje del siglo XXI.

La artista, tras haber convocado a 250 mil personas en Rosario para celebrar los 300 años de la ciudad, enfrenta ahora el desafío de llevar su show al escenario más prestigioso de Argentina. “Creo que van a ser muy felices en esa fecha. Estamos preparando algo muy hermoso”, aseguró.

Comprometida con cada detalle de la presentación, Nicki Nicole destacó su “superexigencia” y “obsesión por el proceso creativo”, subrayando el esfuerzo colectivo de su equipo. “Solo sepan que acá del otro lado estoy yo con mi superexigencia y mi obsesión por el proceso creativo... dándolo todo con el equipo para que eso sea lo más mágico que existe”, afirmó.

El espectáculo sinfónico está programado para el jueves 19 de febrero a las 20:00 en el Teatro Colón y reunirá a más de 70 músicos en escena. Las entradas ya se encuentran agotadas, y la propia artista mencionó la posibilidad de añadir una nueva función ante la alta demanda: “Dejen de putearme por mensajes de si voy a hacer otro”.

En medio de la expectativa y con la proximidad de los premios Grammy en su agenda, la cantante mantiene el contacto cercano con sus seguidores. A ese primer video lo cerró escribiendo “los amo hoy y siempre”, con una serie de seis corazones con vendas, dando a entender que el cariño del público es el que puede enmendar lo que sintió luego de la ruptura con el futbolista del Barcelona Lamine Yamal, con quien salió el año pasado.

Pero a continuación, se despachó con otro video, al que tituló como “Cosa a definir”, y en el que comenzó excusándose por el tono de voz un poco ronca que tenía a causa del aire acondicionado.

El vínculo con la audiencia se refleja incluso en los aspectos logísticos, como la vestimenta en el evento: “Yo no quiero que nadie se me cague de calor, ¿viste? Porque el Teatro Colón es de gala y eso yo lo sé. No va a hacer calor dentro del lugar, eso esten tranquilos”. Propuso también definir el “dress code” junto a sus seguidores: “Quisiera definir el dress code con ustedes, que me digan cómo van a ir de pimpeados realmente”.

Sobre el sentido artístico de la velada, Nicki Nicole remarcó la importancia conceptual del recital y su conexión con futuras etapas de su carrera: “Esta fecha conecta conceptualmente lo que es este show, este Sinfónico, con lo próximo que viene”. Añadió: “Para mí no es un show alejado, no es un show sinfónico y nada más, sino que cuenta una historia y tiene una gran conexión. No les voy a spoilear ni mucho menos. Solamente que sepan, a los que van, que se les va a estar contando algo. Y a mí me gusta mucho esto de las pistas, los misterios, los conceptos, así que nada. Los invito a que estén atentos en el show y a que sean felices. Nada más. Con esto me retiro, desaparezco, como siempre. Muacks”.

Fiel a su estilo, la artista invitó a su público a dejarse llevar por la sorpresa y a disfrutar plenamente de la experiencia, dejando la puerta abierta a nuevos capítulos en su trayectoria.

El Teatro Colón presentó la programación de su temporada 2026, que incluirá siete títulos líricos, tres óperas de cámara y ocho producciones de ballet, junto con la celebración de los 80 años de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires. El anuncio fue realizado por la institución porteña, que también confirmó el regreso de la Berliner Philharmoniker tras veintiséis años y la participación de figuras internacionales como Marianela Núñez.

Entre los ejes principales de la programación se destacan los siete títulos de la temporada lírica, que incorpora el regreso de Die Walküre al escenario del Colón, y reintroduce la obra de Wagner en idioma alemán. También están previstas producciones como Les contes d’Hoffmann, bajo la dirección escénica de Eugenio Zanetti, y el estreno mundial de Dementia, compuesta por Oscar Strasnoy. El repertorio italiano contará con cinco títulos, desde I Capuleti e i Montecchi de Bellini hasta Otello de Giuseppe Verdi. La temporada de ópera de cámara sumará tres obras del siglo XX: Historia del soldado, de Igor Stravinsky; La ópera de los tres centavos, de Weill-Brecht, y Otra vuelta de tuerca, de Benjamin Britten.

En el ámbito de la danza, el Ballet Estable del Teatro Colón, dirigido por Julio Bocca, llevará a cabo ocho producciones. La bailarina argentina Marianela Núñez protagonizará la apertura con El lago de los cisnes y también el cierre con El cascanueces. Entre las novedades se incluyen estrenos argentinos y el estreno mundial de Borges, con música de Gustavo Santaolalla y Owen Belton, y coreografía de Goyo Montero.

La Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, que cumple ocho décadas, programó 19 conciertos en su ciclo de abono y ocho funciones extraordinarias. Su directora principal, Zoe Zeniodi, encabezará una temporada que reunirá a solistas y directores de trayectoria internacional. En tanto, la Orquesta Estable del Teatro Colón, bajo la dirección de Alejo Pérez, ofrecerá tres conciertos propios, además de su participación en ópera y ballet. La Orquesta Académica del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón sumará un ciclo de ocho conciertos de marzo a diciembre.

El calendario internacional estará marcado por la visita de la Berliner Philharmoniker, dirigida por Kirill Petrenko, que regresará al Colón luego de más de dos décadas. El pianista Daniil Trifonov será el solista invitado en los tres conciertos programados.

La programación de Colón Contemporáneo, a cargo de Martín Bauer, ofrecerá cuatro funciones en la sala principal, incluyendo cinco estrenos latinoamericanos de obras de los siglos XX y XXI y la proyección con interpretación en vivo de la película Blade Runner. El Centro de Experimentación del Teatro Colón (CETC) mantendrá su perfil experimental con doce propuestas de danza, música electroacústica, instalaciones audiovisuales y teatro, entre otras disciplinas.

El ciclo Colón para niños, gestionado por el Instituto Superior de Arte, contará con cinco títulos familiares, entre los que figuran adaptaciones de El rey Arturo, Cuentos líricos, El barbero de Sevilla y El lago de los cisnes, además del ballet cantado Un sueño navideño.

El Salón Dorado ofrecerá actividades organizadas en once ejes temáticos que incluyen música coral, tango, jazz, música de cámara y homenajes a figuras de la música nacional y jóvenes talentos.

La renovación de abonos para la temporada 2026 comenzó el 12 de diciembre, tanto de manera presencial como online a través del sitio oficial www.teatrocolon.org.ar.

Coproducciones como los ciclos Grandes Intérpretes y Aura se sumarán a propuestas como Astor, Piazzolla eterno y nuevas experiencias del ciclo Colón Inmersivo, que presentará Monet y Aida.

Fotos: gentileza prensa Teatro Colón (© Carlos Villamayor; © Máximo Parpagnoli).

El legado de la periodista y abogada Nínawa Daher se proyecta día a día con vigor y actualidad a través de las acciones inclusivas que impulsa la fundación que lleva su nombre y que preside su madre, Alicia Daher.

La organización consolidó una presencia decisiva en la promoción de la accesibilidad cultural, artística y educativa en espacios públicos, museos y teatros de la Ciudad de Buenos Aires y otras regiones, honrando el compromiso de la joven comunicadora quien falleció el 9 de enero de 2011 en un accidente de tránsito en el barrio de Retiro.

Este domingo 11, a las 20:30 horas, se llevará a cabo una misa en su honor en la Capilla Santa Teresa de Jesús de Pinamar, ubicada en la calle de la Calandria y Fragata, con la presencia de familiares y amigos.

La trayectoria de la Fundación Nínawa Daher

Las recientes actividades de la Fundación Nínawa Daher incluyeron la entrega de planos hápticos para el Teatro Colón, abarcando tanto el sector de Carruajes como la sala principal del teatro.

Además, se realizaron donaciones de réplicas tridimensionales de animales a instituciones como Temaikèn y Ecoparque, junto con planos accesibles para plazas emblemáticas de la ciudad, como Plaza Chile, Lago Regatas y Plaza Alemania. Este accionar culminó con la donación, en ocasión del 150º aniversario, de una réplica del Patio Andaluz, exhibida en la Comuna 14 para enriquecer las visitas guiadas por el Parque Tres de Febrero.

Desde el año 2013, la fundación priorizó el desarrollo de recursos específicos para la discapacidad visual mediante el proyecto Arte para Ciegos. A ello se suma la publicación del audiolibro Breves Relatos para Grandes Corazones, escrito por Ninawa Daher, para facilitar la lectura a personas con dificultades visuales.

Con esa iniciativa, se promovió la creación de la primera sala táctil en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, incorporando réplicas en 3D de obras patrimoniales, cartelería en braille, audiodescripciones y audioguías, destinados a favorecer la participación de personas ciegas o con baja visión en las actividades del departamento de Educación.

Adicionalmente, colaboró con el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), el Museo Sívori, el Museo de la Cárcova y el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) para facilitar la experiencia multisensorial en el ámbito cultural.

La expansión de las acciones de accesibilidad se extendió al espacio público y al medioambiente. La fundación fue responsable de la provisión, ya sea como donación directa o en colaboración, de planos hápticos para sectores céntricos y barrios históricos de Buenos Aires como Puerto Madero, Palermo, Recoleta, Monserrat y San Nicolás, y para espacios como el Rosedal, el Lago Regatas y el Parque Ferroviario en Colegiales.

También realizó acciones en hospitales y santuarios, incluyendo el Hospital Garrahan, la Basílica de Guadalupe en Santa Fe y el Santuario de Nuestra Señora del Valle en Catamarca.

Entre los avances celebrados por la Fundación se destaca la creación de un espacio multisensorial en el Rosedal de Palermo con rosas de fragancia intensa y señalización en braille, denominado Cantero Nínawa Daher, diseñado especialmente para personas con discapacidad visual.

Alicia Daher destacó la colaboración continua con el Museo de Arte Moderno, permitiendo que la Noche de los Museos sea inclusiva durante los últimos cuatro años, esfuerzo que en la actualidad se extiende al Museo Sívori y al Museo de la Cárcova.

La Fundación anuncia, año tras año, nuevas acciones destinadas a la mejora de la accesibilidad, con el objetivo de sumar más santuarios y espacios naturales como el que en 2026 se hará en el Santuario del Cura Brochero y el de Nuestra Señora de Lourdes en Córdoba a su red de apoyos.

La Orquesta y Coro Estable del Teatro Colón celebrarán su centenario con una gala sinfónico-coral de acceso libre, que tendrá lugar el sábado 20 de diciembre a las 20:00 en el Anfiteatro del Parque Centenario. Este evento, que marca los cien años de trayectoria de dos de los cuerpos artísticos más emblemáticos de Buenos Aires, busca no solo rendir homenaje a su historia, sino también proyectar su legado hacia el futuro, según informó el propio Teatro Colón.

La entrada será gratuita y se entregará una localidad por persona, por orden de llegada, a partir de las 18:00 del mismo día en el acceso del Anfiteatro, ubicado en Leopoldo Marechal y Lillo. La organización advirtió que la disponibilidad estará sujeta a la capacidad del recinto, por lo que se recomienda asistir con antelación para asegurar un lugar.

La gala contará con la dirección musical de Beatrice Venezi y la participación de la soprano Monserrat Maldonado. El programa incluirá obras de grandes compositores como Gioachino Rossini, Giuseppe Verdi, Giacomo Puccini, Pietro Mascagni y Charles Gounod, abarcando desde oberturas y coros célebres hasta intermezzos de óperas reconocidas.

Entre las piezas destacadas figuran la Obertura Italiana in Algeri de Rossini, la Obertura de La forza del destino de Verdi, el Intermezzo de Manon Lescaut de Puccini, el Intermezzo y “Regina coeli...Inneggiamo” de Cavalleria rusticana de Mascagni, el Coro de la “Kermesse” de Fausto de Gounod, así como el Coro “Gli arredi festivi” de Nabucco y la Marcha triunfal de Aida de Verdi.

El Coro Estable del Teatro Colón, bajo la dirección de Miguel Martínez, y la Orquesta Estable del Teatro Colón serán los protagonistas de esta velada, que se presenta como una oportunidad única para el público de la ciudad de disfrutar de un repertorio que recorre los grandes hitos de la ópera y la música sinfónica.

La institución subrayó que este centenario representa “la reafirmación de un legado y la proyección de un futuro”, así como un homenaje a quienes han construido y mantienen viva la excelencia artística de estos cuerpos estables.

El jefe de Gobierno porteño Jorge Macri reunió a embajadores, empresarios y referentes de organizaciones de la sociedad civil en el Teatro Colón para expresar su agradecimiento por el trabajo conjunto durante el año y reafirmar la vocación internacional de la ciudad de Buenos Aires.

En el evento, que también contó con la presencia de miembros de los poderes Ejecutivo, Legislativo y Judicial, Macri enfatizó la necesidad de fortalecer los vínculos institucionales e internacionales para consolidar una Buenos Aires abierta, segura y hospitalaria.

En su intervención, el mandatario porteño subrayó que Buenos Aires se distingue como una capital global, cuya identidad se forja en la diversidad cultural y la convivencia. Macri afirmó: “Queremos seguir construyendo una Buenos Aires que respira libertad, donde la convivencia segura y pacífica se valora y se defiende, donde los porteños encuentran condiciones para progresar, y quienes llegan descubren una Ciudad hospitalaria y cercana”.

El encuentro, coordinado por el Secretario General y de Relaciones Internacionales de GCBA, Fulvio Pompeo, reunió a representantes del cuerpo diplomático acreditado en Buenos Aires, líderes religiosos y figuras del sector privado. Durante su discurso, Macri destacó el papel central del sector privado como motor del desarrollo y el de las organizaciones sociales como pilares del diálogo.

El encuentro contó con la presencia de 42 países, incluidos el embajador de Reino Unido, David Cairns, con quien el alcalde porteño tuvo una reunión bilateral previa al brindis para que la Ciudad de Buenos Aires y Londres coordinen acciones de trabajo en inteligencia artificial, transporte, salud y educación. También estuvo Peter Lamelas, embajador de Estados Unidos y el saliente representante de Chile, José Antonio Viera-Gallo Quesney.

Del brindis también participaron CEOs o dirigentes de empresas como Adidas, la Cámara Argentina de la Construcción (CAC), la Asociación Empresaria Argentina (AEA), Coca Cola, FIAT y J.P. Morgan, entre otros como así también representantes religiosos de la Asociación Mutual Israelita Argentina (AMIA), la Delegación de Asociaciones Israelitas Argentinas (DAIA), la Alianza Cristiana de las Iglesias Evangélicas de la República Argentina (ACIERA) y el Centro Islámico.

Presupuesto 2026 en la mira

El reclamo por la deuda de coparticipación que mantiene el gobierno nacional con la Ciudad de Buenos Aires se convirtió en el eje central de la reunión a comienzos de diciembre entre el ministro del Interior, Diego Santilli, y el jefe de Gobierno porteño, Jorge Macri.

El encuentro, que se desarrolló en la Casa Rosada, estuvo marcado por la exigencia de la administración porteña de que el Presupuesto 2026, que se tratará mañana en el Congreso, incluya un mecanismo explícito para el pago semanal de los fondos adeudados, cuyo monto asciende a $274.000 millones.

Durante la rueda de prensa posterior, Jorge Macri evitó comprometer el apoyo de su bloque al Presupuesto, al subrayar que la inclusión de los recursos para la Ciudad constituye una condición indispensable. El jefe de Gobierno precisó: “Hay que discutirlo, esa es tarea de los diputados nacionales primero y del Senado después, pero con este pedido, que se incluya los recursos de la ciudad de manera explícita. El presidente del bloque debe tener un montón de requerimientos, este es uno más”.

El reclamo porteño se fundamenta en el fallo de la Corte Suprema de Justicia, que ordenó la restitución de fondos a la Ciudad de Buenos Aires mediante un giro semanal equivalente al 1,55% de la coparticipación. Desde agosto, este proceso presenta demoras, lo que motivó la insistencia de la administración de Jorge Macri en que el Presupuesto 2026 contemple un ítem específico que garantice el denominado “goteo” diario de recursos.

Voceros del gobierno porteño, citados desde la sede de Uspallata en el barrio de Parque Patricios, calificaron la situación como un tema “sin avances”.

En la reunión, además de Santilli y Macri, participaron el jefe de Gabinete porteño, Gabriel Sánchez Zinny, el ministro de Hacienda y Finanzas, Gustavo Arengo, el ministro coordinador, Manuel Adorni, y la jefa de bloque de La Libertad Avanza en la Legislatura porteña, Pilar Ramírez.

El temario incluyó también la transferencia de competencias del Poder Judicial para avanzar en la autonomía de la Ciudad y la actualización de la obra para la construcción de la Cárcel de Marcos Paz.

Previo al encuentro político, los equipos técnicos de las áreas económicas de ambas administraciones mantuvieron una segunda reunión para abordar la deuda, tras la reciente foto entre Jorge Macri y el ministro de Economía, Luis Caputo, en la que el alcalde porteño reiteró la necesidad de incorporar la deuda en el Presupuesto 2026.

La temporada 2026 del Teatro Colón se perfila como una de las más ambiciosas y diversas de su historia, con una programación que abarca desde grandes clásicos de la lírica y el ballet hasta propuestas contemporáneas y experimentales. Entre los hitos más esperados destaca el regreso, tras veintiséis años, de la Berliner Philharmoniker al escenario porteño, bajo la dirección de Kirill Petrenko y con la participación del pianista Daniil Trifonov como solista. Además, la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires celebrará su 80 aniversario con un ciclo de diecinueve conciertos de abono y ocho extraordinarios, convocando a solistas y directores de renombre internacional.

En el último tramo de la temporada, el público podrá disfrutar de la presencia estelar de Marianela Nuñez, quien abrirá el año con El lago de los cisnes y lo cerrará con El cascanueces, reafirmando su vínculo con el Ballet Estable del Teatro Colón dirigido por Julio Bocca. La institución también anunció que la renovación de abonos para 2026 estará disponible desde el viernes 12 de diciembre, tanto de manera presencial en Libertad 621 como online a través de su sitio web oficial.

La oferta lírica incluirá siete títulos de abono y tres de Ópera de Cámara. Entre las producciones más destacadas figura el retorno de Wagner al Colón con Die Walküre, así como la reposición de Les contes d’Hoffmann de Jacques Offenbach, en la puesta de Eugenio Zanetti estrenada en 2019. El repertorio contemporáneo tendrá un lugar central con el estreno mundial de Dementia, obra comisionada al compositor argentino Oscar Strasnoy. La tradición italiana estará representada por cinco títulos, entre ellos I Capuleti e i Montecchi de Vincenzo Bellini, Manon Lescaut de Puccini en versión concierto, Pagliacci de Ruggero Leoncavallo, Cavalleria rusticana de Pietro Mascagni —que inaugurará la temporada en abril bajo la dirección escénica de Hugo de Ana— y la monumental Otello de Giuseppe Verdi.

La Ópera de Cámara permitirá el encuentro con tres obras fundamentales del siglo XX: Historia del soldado de Igor Stravinsky, La ópera de los tres centavos de Weill-Brecht y Otra vuelta de tuerca de Benjamin Britten. En el ámbito del ballet, la programación contempla ocho títulos, con reposiciones, estrenos argentinos y un estreno mundial. Entre las novedades se encuentra Borges, una obra comisionada a Goyo Montero con música de Gustavo Santaolalla y Owen Belton, que tendrá su estreno mundial en septiembre. Además, se presentarán Alicia en el país de las maravillas de Christopher Wheeldon, Manon de Kenneth MacMillan y un programa mixto con obras de Harald Lander, Demis Volpi y Aszure Barton.

La Orquesta Estable del Teatro Colón, bajo la dirección de Alejo Pérez, ofrecerá tres conciertos propios, además de su participación en las temporadas de ópera y ballet. Por su parte, la Orquesta Académica del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón brindará un ciclo de ocho conciertos entre marzo y diciembre, consolidándose como semillero de jóvenes talentos argentinos.

El ciclo Colón Contemporáneo, dirigido por Martín Bauer, presentará cuatro funciones en la Sala Principal, incluyendo cinco estrenos latinoamericanos de obras de los siglos XX y XXI. La temporada se inaugurará con la proyección e interpretación en vivo del film Blade Runner. El Centro de Experimentación del Teatro Colón (CETC), también bajo la dirección de Bauer, desplegará una programación heterogénea con doce propuestas que abarcan danza contemporánea, música electroacústica, instalaciones audiovisuales, conferencias, clases magistrales, performance, teatro, ópera y cine experimental.

El Colón para niños, a cargo del Instituto Superior de Arte, ofrecerá cinco títulos pensados para toda la familia, entre los que se incluyen El rey Arturo, Cuentos líricos, adaptaciones de El barbero de Sevilla y El lago de los cisnes, y el ballet cantado Un sueño navideño. El Salón Dorado, estructurado en once ejes temáticos, albergará propuestas de música coral, vocal e instrumental de cámara, tango, jazz y homenajes a grandes maestros de la música nacional, además de dar espacio a jóvenes intérpretes.

En el plano internacional, la visita de la Filarmónica de Berlín se suma a coproducciones como los ciclos de Grandes Intérpretes y [Aura], así como a nuevas experiencias multisensoriales del ciclo Colón Inmersivo, que en 2026 incluirá “Monet” y “Aida”. Entre los datos destacados de la temporada figuran los diecinueve conciertos de abono y ocho extraordinarios de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, el estreno mundial de Dementia de Oscar Strasnoy y la presencia de Marianela Nuñez en los títulos de apertura y cierre del ballet.

La esclerosis lateral amiotrófica (ELA) es una enfermedad que suele avanzar sin estridencias, despojando a quienes la padecen tanto de la vitalidad física como de los relatos heroicos que acompañan otros diagnósticos. Darío Lopérfido, ex director del Teatro Colón y especialista en gestión cultural, compartió en un artículo publicado este domingo en la revista Seúl una reflexión frontal sobre su experiencia con la ELA, el deterioro cotidiano y la ausencia de consuelo religioso.

“Tener ELA es una mierda. No por la posibilidad de morir, que me tiene sin cuidado. La vejez me resulta odiosa; morir sin atravesar esa catástrofe humana, en cambio, me parece un alivio”, relató Lopérfido, marcando el tono directo y sin eufemismos de su testimonio. El exfuncionario contó que el artículo es un adelanto de un futuro libro.

A diferencia de enfermedades de mayor resonancia pública, el ex funcionario sostiene que la ELA le niega hasta el consuelo de la épica personal o familiar. “Un buen cáncer te da todo un tiempo con tratamientos espantosos durante el que podés aparecer pelado y decir ‘yo le voy a ganar al cáncer’. En la mayoría de los casos, el pelado se muere. Pero le deja un legado a su familia: que pueden decir ‘cómo la peleó’… En mi caso, la ELA tardó un año en arruinarme un pie. Imposible meterle épica a eso”. El deterioro, narra, llega sin batallas visibles, se manifiesta en caídas, pasos inseguros y actividades que se vuelven inviables.

Desde su diagnóstico, Lopérfido reconoce cómo la enfermedad fue despojando su vida social y sus rutinas. “Caminás pésimo, la voz se te vuelve de borracho y comés con el riesgo de que se te caiga la baba. Chau NOBU, chau pizzería del barrio, fue un gusto conocerlos: ya no querés que te vean comiendo y bebiendo. La ELA te embrutece”. Revela, además, la dificultad para sostener la vida cotidiana y la tendencia progresiva al aislamiento.

La mirada ajena, según el autor, se ve atravesada por la incomodidad y el trato paternalista, una consecuencia que rechaza abiertamente. “La gente asocia una enfermedad grave con hablarle al paciente como si fuera un niño, bajo la idea espantosa de que ese tono es una manera de darle amor… el amor no te arregla semejante desastre físico”. Por eso, admitió, “mis niveles de tolerancia han bajado y lo único que acepto es que me hablen en serio o que me hagan reír”.

El avance impiadoso de la enfermedad también impacta directamente en la identidad y el sentido de pertenencia. Lopérfido afirma: “La vida tendría que tener velatorios parciales. El Darío de antes de la enfermedad ya murió. El actual es otra persona con otra vida y otros pensamientos. No extraño mi pasado: viví muy bien y atesoro un montón de experiencias”. Reconoce el corte definitivo entre quien fue antes y quien es ahora, obligado por la ELA a reconstruirse.

El aislamiento se refleja también en la pérdida de placer físico y en la transformación de la imagen personal. “Mi vida estuvo ligada a los placeres físicos e intelectuales. Los placeres físicos desaparecen: tu cuerpo se vuelve una cárcel y eso es lo que más extraño. Los placeres intelectuales, en cambio, puedo mantenerlos. Leer, escribir, hablar con amigos, escuchar música, ver películas: todo eso sigue siendo posible”.

En cuanto a la espiritualidad, Lopérfido declara abiertamente su ateísmo. “No creo en Dios y ni siquiera soy agnóstico: soy ateo. No creo en la medicina alternativa ni en los laboratorios que se hacen ricos vendiendo ibuprofeno, y ningún dueño de ningún laboratorio va a vender su yate para investigar la cura de una enfermedad que afecta a poquísimas personas. Los entiendo, la ELA no es una causa popular”. Se apoya únicamente en antidepresivos y algunas sustancias recreativas para tolerar el ánimo y el hastío existencial: “Sólo creo en los antidepresivos y en algunas drogas ilegales para mantener el ánimo. No espero más... El cerebro queda siempre, y es el único órgano que vale la pena”.

En su situación, Lopérfido también reflexionó sobre la eutanasia y la facultad de decidir el propio final: “La eutanasia es la más liberal de las muertes y es mucho mejor que suicidarse... Uno no puede decidir nacer, pero puede decidir morir. Vivir no debe ser obligatorio. La muerte más civilizada es la que uno decide en pleno uso de sus facultades”. Consideró que poder trabajar y disfrutar de algunos momentos placenteros son las razones que justifican continuar, pero rechaza la extensión del sufrimiento en nombre del avance médico: “La medicina actual se nutre de la idea de estirar la vida, pero el tramo final no puede arruinar lo que vino antes. Mi promedio es alto y debo conservarlo”.

Entre todas las pérdidas, la relación filial se revela como la más dolorosa: “De todas las torturas que me depara la enfermedad, ser un padre limitado es la peor y la que no tiene solución. Escribir me calma porque pienso que cuando crezca y yo esté muerto, él podrá leerme”, expresó, quien además dijo que busca que su hijo encuentre en sus palabras el recuerdo que la enfermedad podría arrebatarle.

“Escribí estos capítulos, que serán parte de un futuro libro, escuchando Obertura de Tannhäuser, de Richard Wagner, por la Filarmónica de Berlín dirigida por Claudio Abbado”, cerró Lopérfido su artículo.

De amplia trayectoria en el mundo de la cultura, Lopérfido fue director artístico del Teatro Colón, presidente de Ópera Latinoamérica y secretario y ministro de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires durante el gobierno de Horacio Rodríguez Larreta. También fue secretario de Cultura y Medios durante el gobierno de Fernando De la Rúa.

De acuerdo a los entendidos, los actores no eran buenos, hacían llorar cuando debían provocar alegría y el público reía cuando el libreto apuntaba a la emoción. Para colmo, no resultaban para nada convincentes aquellos criollos que abrazaron la vocación de las tablas ya que eran instruidos por españoles bien castizos, que imponían acento y modos de desplazarse y comportarse según usanzas de la península que distaban con las costumbres de acá. Pero como en la Buenos Aires virreinal poco había para pasarla bien, el teatro, por más miserable que pareciera y con actores improvisados, era cita obligada de los domingos entre las cuatro y las siete de la tarde.

Hasta ese momento, las representaciones teatrales eran aisladas, asociadas a los ámbitos religioso y político y gratuitas, pero costeadas por ciudadanos de la elite porteña.

El virrey Juan José Vértiz dispuso la construcción de una sala teatral, que se llamaría Casa de las Comedias, pero que el decir popular la identificaba como el teatro de la Ranchería.

Ubicado en la esquina de Alsina y Perú, se convirtió en uno de los primeros espacios (algunos autores señalan que hubo una sala en 1757) donde se representaron piezas dramáticas en Buenos Aires. De esta manera, este espacio se transformó en un ámbito de encuentro.

Vértiz autorizó al español Francisco Velarde, que había nacido en 1742, a llevar adelante el negocio. Se comprometía a construirlo y a entregar dos mil pesos anuales a la Casa de Niños Expósitos y a atenerse a todo lo que dispusiera el Cabildo.

El de la Ranchería de los Jesuitas o de las Misiones era un galpón de paredes de adobe y techo de paja en el que los jesuitas lo habían destinado al almacenamiento de los productos que venían de las misiones y también de los negros esclavos.

El edificio tenía un frente de 30 metros y una profundidad de 63. Poseía una puerta grande a su frente y dos a los costados, que se abrían para afuera para facilitar la evacuación en caso de incendio. De su techo colgaban dos arañas de hierro con velas de sebo, y tenía candilejas que alumbraban el escenario, que no era amplio.

Los espectadores se dividían entre los bancos de madera ubicados en el patio, los de las primeras filas tenían respaldo. Allí no podían sentarse los negros. Luego venían algunas filas más de bancos y por último el lugar desde donde se podía ver la función parado. A los costados había una suerte de cuatro palcos y el sitio de honor estaba reservado al virrey. Los palcos eran el único espacio que podían compartir hombres y mujeres. De otra forma, debían estar separados. Ningún hombre podía acercarse al sector femenino, ni acercarse a las mujeres en el patio.

Pero en definitiva, en un mismo ambiente se mezclaban los distintos sectores sociales, y la elite local compartía un mismo recinto con las clases más bajas.

El director era el español Antonio Aranaz, que fue contratado en la península a través de un comerciante residente en Cádiz, no solo para dirigir la sala sino para enseñar a cantar y componer la música de las piezas que se interpretarían. Para ello había armado una orquesta de cuatro violines, un bajón, dos oboes y dos trompas, ejecutados por esclavos músicos.

Aranaz firmó contrato el 10 de diciembre de 1787 y se estipuló que su sueldo fuera una cuarta parte del total de las ganancias que diera la sala, descontando el sueldo de los empleados, el monto que iba a los Niños Expósitos y el arrendamiento del terreno.

Siempre le fue difícil cobrar los 80 pesos mensuales en tiempo y forma ya que le pagaban en cuotas de 20 o 30 pesos. En una oportunidad debió recurrir a las autoridades.

A los actores los asistían dos apuntadores. Además, estaba el personal que cobraba la entrada, que valía dos reales, y otra persona que organizaba el guardarropas. Asimismo, había cuatro peones, un carpintero, dos peluqueros, uno para hombres y otro para mujeres.

El que protestó airadamente fue el clero, ya que asociaba el contenido teatral a lo obsceno y a lo contrario de las buenas costumbres y de la fe cristiana. Esto obligó a Vértiz a elaborar una suerte de Instrucciones de veinte artículos. Las obras a interpretarse debían pasar por la revisión de un grupo de censores, a pesar de que este material venía con la aprobación de la corte española; se estipulaban las medidas para evitar los incendios, los actores no debían apartarse de sus libretos ni improvisar bromas que pudieran ser malinterpretadas; les recomendaban ser educados y que no apareciesen vestidos en forma indecente.

Estas instrucciones contemplaban la colocación de una madera al borde del escenario, que debía tapar los pies de las mujeres que actuasen.

Imposible promocionar una obra con el nombre de los actores, ya que todos eran ilustres desconocidos. Y en los dramas más importantes los papeles femeninos eran interpretados por hombres.

Quedó oficialmente inaugurado el domingo 30 de noviembre de 1783. La primera obra teatral de autor criollo, estrenada en Buenos Aires durante el carnaval de 1789, fue “Siripo” de Manuel de Lavardén, una tragedia en cinco actos. Pasó a la historia como la primera obra de autor criollo estrenada en Buenos Aires.

Se ponían en escena dramas, sainetes, tonadillas, zarzuelas en prosa. Generalmente los actores recitaban y solían cantar, y muchas piezas terminaban en baile.

Para saber si había función, encendían un farol en el frente de la farmacia de los Angelitos, en Chacabuco y Alsina.

Las estrellas de entonces eran, por ejemplo, Juan Antonio Cárcamo, un andaluz con un pasado de presidiario; también sobresalía el chileno Domingo Salazar. Entre las mujeres, la potosina treintañera Josefina Somalloa y Escobar no tenía buena química con el público. La reemplazó Josefa Ocampos, una chica de 18 años casada con Ángel Rodríguez, también actor.

No era para nada fácil para una mujer dedicarse al teatro, ya que para muchos era una tarea indecente y algunos vecinos la vinculaban con la prostitución. Hubo casos en que la familia de la mujer tomaba como una afrenta al buen nombre y honor esta actividad.

Había competencia para todos los gustos y el Cabildo debió mediar para equilibrar las cosas. La iglesia, por un lado, presionaba para que no hubiera funciones en los horarios de misas, porque les sacaba público; y los del teatro protestaban porque a veces la sala no se llenaba ya que había corrida de toros o la gente iba a apostar a los reñideros de gallos.

Nunca se supo si fue obra de la casualidad o si fue intencional. El jueves 16 de agosto de 1792, durante la celebración de fiestas patronales, un cohete, disparado desde el atrio de la iglesia de San Juan Bautista, en la actual Alsina y Piedras, distante dos cuadras, impactó sobre el techo de paja del galpón. La sala ardió por completo y quedó destruida. Las llamas destruyeron el archivo de obras teatrales y el primer manuscrito de Siripo, que se perdió para siempre.

En conmemoración de la apertura de la Ranchería, se instituyó el 30 de noviembre como el Día Nacional del Teatro.

Aramaz se quedó sin trabajo y junto a su familia se radicó en Chile, donde continuó su carrera de músico. Los porteños debieron esperar hasta mayo de 1804, cuando se inauguró en la esquina de Rivadavia y Reconquista, el Coliseo que nunca se terminó. Algo debía tener esa esquina, porque fue el lugar elegido para levantar el primer Teatro Colón que tuvo nuestra ciudad. Pero eso es argumento para otra obra que mereció aplausos de pie.

El cierre de la Temporada 2025 del Ballet Estable del Teatro Colón estará marcado por la presentación de El cascanueces, la célebre fantasía navideña de Piotr Ilich Chaikovski, que se ha consolidado como una de las piezas más emblemáticas del repertorio clásico y de las celebraciones de fin de año. Esta producción, que se inscribe en el año del centenario de los elencos estables del teatro, representa también el final del primer ciclo de gestión de Julio Bocca al frente del Ballet Estable.

La puesta en escena de El cascanueces contará con la coreografía de Silvia Bazilis y la dirección musical compartida entre Emmanuel Siffert y Diego Censabella, quienes estarán al frente de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires. La versión que se presentará retoma la estrenada por el Ballet Nacional del Sodre (Uruguay) en 2011 y reúne a un equipo artístico de reconocida trayectoria: la escenografía estará a cargo de Gastón Joubert, el vestuario será diseñado por Gino Bogani, la iluminación estará en manos de Rubén Conde y la dirección de títeres será responsabilidad de Antoaneta Madjarova.

Inspirada en la adaptación de Alejandro Dumas del cuento de E.T.A. Hoffmann, y con libreto de Iván Vsévolozhsky y Marius Petipa, esta versión de El cascanueces se presenta como un homenaje a la tradición y a la renovación artística del Ballet Estable. Las entradas para las funciones ya están disponibles y pueden adquirirse de manera online a través de la página web del Teatro Colón o personalmente en la boletería ubicada en Tucumán 1171, de lunes a sábados entre las 9 y las 20 horas, y los domingos de 9 a 17 horas.

Los papeles principales serán interpretados por bailarines invitados y figuras destacadas del elenco. El personaje de El Cascanueces será asumido por Lucas Erni y Gustavo Carvalho, junto con el primer bailarín Federico Fernández y el solista Jiva Velázquez. El rol de Clara estará a cargo de Camila Bocca y Ayelén Sánchez, ambas solistas del Ballet Estable, así como de Yoshino Horita y Rocío Agüero. El personaje de Drosselmeyer será interpretado por Matías Santos, Alejo Cano Maldonado, Antonio Luppi y David Juárez, todos integrantes del Ballet Estable.

Las funciones se desarrollarán los días 12, 13, 16, 17, 18, 19, 20, 23, 26 y 27 de diciembre a las 20, mientras que las presentaciones de las 17 tendrán lugar el 14, 21 y 28 de diciembre. Entre los invitados, Lucas Erni participará en las funciones del 12, 14 y 17 de diciembre, y Gustavo Carvalho lo hará en las del 21, 23 y 26 de diciembre; ambos forman parte del Ballet de Düsseldorf.

[Fotos: Carlos Villamayor/prensa Teatro Colón]

Luis Ovsejevich, presidente de la Fundación Konex, recibirá el título de doctor honoris causa por parte de la Universidad Maimónides (UMAI) en reconocimiento a sus “méritos académicos, científicos y profesionales”.

Así lo resolvió el Consejo Superior Universitario de la institución, que hará realizará la ceremonia en un acto abierto al público, este miércoles 26 a las 18.30 horas, con la participación del presidente de la Corte Suprema de Justicia, Horacio Rosatti, y el médico Jorge Lerman, ex jefe de Cardiología del Hospital de Clínicas.

El rector de la universidad, doctor Adrián Giacchino, encabezará el ritual de entrega del diploma honoríco.

La distinción coincide con una larga trayectoria de Ovsejevich, creador de los Premios Konex, en el ámbito cultural y educativo. Nacido en Buenos Aires en 1941, creció en un entorno familiar vinculado al arte y la música. Su madre fue profesora de piano y aficionada a la pintura, acercándolo desde joven a expresiones clásicas. A los 19 años obtuvo su título de abogado mientras ya contaba con la formación como profesor de piano.

El profesional ingresó a la docencia universitaria a los 20 años y a los 24 fue designado profesor adjunto en las facultades de Derecho y de Ciencias Económicas de la Universidad de Buenos Aires (UBA). En 1969, Ovsejevich fundó la empresa Konex-Canon, dedicada a la comercialización de equipos de oficina y reconocida por su política de apoyo a instituciones y actividades culturales. La promoción del ajedrez internacional fue uno de sus primeros compromisos filantrópicos, que más tarde dieron lugar a la creación de la Fundación Konex en 1980.

Ovsejevich también fue homenajeado por los premiados y jurados de la Fundación Konex y distinguido como Mecenas y Benefactor de la Cultura Nacional. En diciembre de 2023, fue declarado “Personalidad Destacada de la Ciudad de Buenos Aires” por la Legislatura porteña.

En el ámbito cultural, encabezó el lanzamiento en 1991 del ciclo Vamos a la Música, con el propósito de acercar a los niños a la ópera, el ballet y los conciertos, sobre la base de obras de grandes compositores universales. Bajo su gestión, la Fundación desarrolló también eventos de gran escala como los Festivales Konex de la Cultura y el Festival Konex de Música Clásica, ampliando la proyección de la música y el arte en el país.

Durante su paso por el Teatro Colón en las temporadas 1998 y 1999, como director ad honorem de la icónica institución, implementó nuevas modalidades de abonos y promovió temporadas con artistas internacionales de primer nivel. Dentro de su visión de gestión cultural, impulsó la participación de representaciones diplomáticas extranjeras, elevando el carácter internacional del histórico teatro argentino.

A lo largo de su vida profesional y social, Ovsejevich colaboró con importantes organizaciones, entre las que se destaca su presencia en el Rotary Club de Buenos Aires, institución de la que fue presidente en el período 2017-2018.

Uno de los hitos recientes en su actividad filantrópica fue la restauración arquitectónica del Salón de Actos de la Facultad de Derecho de la UBA durante 2019, iniciativa llevada adelante a través de la Fundación Konex en coordinación con la universidad. Además, en 2022 recibió convocatoria internacional como único latinoamericano para participar en el Foro de Filantropía Estratégica para las Artes del Conservatorio della Svizzera Italiana en Lugano, Suiza, lo que subraya su proyección internacional en la gestión cultural.

Entre los galardones más significativos recibidos por Ovsejevich figuran el Premio Scopus otorgado por la Universidad Hebrea de Jerusalem y la distinción Gratia Artis concedida por la Academia Nacional de Bellas Artes. La Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires declaró de Interés Cultural tanto a los Premios Konex como a la Ciudad Cultural Konex, espacios emblemáticos surgidos de su iniciativa.

La historia de una cortesana enamorada

La Traviata, ópera en tres actos escrita en italiano, narra la tragedia de Violetta Valéry, una cortesana parisina de los altos círculos aristocráticos, convaleciente y entregada a los placeres mundanos, que se enamora de Alfredo. Aunque el amor es correspondido, las convenciones sociales la obligan a renunciar.

El primer acto transcurre durante una fiesta en su casa, donde Violetta conoce a Alfredo, joven de buena familia que le declara su amor. Ella, escéptica, le ofrece solo su amistad y, conmovida, le entrega una camelia blanca, instándolo a regresar cuando la flor se marchite. Luego comprende que lo que siente por él es amor, y celebra la alegría de ser correspondida: Essere amata, amando (Ser amada, amando).

Ambos se mudan al campo y viven juntos, sostenidos por los bienes que ella vende, hasta que el padre de Alfredo, Giorgio Germont, le pide que lo abandone para preservar la reputación familiar. Violetta acepta el sacrificio y sabe que será su final.

Tres elencos, 140 trajes y el sello de Renata

La dirección musical está a cargo de los italianos Renato Palumbo (18, 20, 23, 25 y 28 de noviembre) y Beatrice Venezi (19, 21, 26 y 29 de noviembre), quienes se alternan al frente de la Orquesta Estable del Teatro Colón. La puesta en escena es del español Emilio Sagi, mientras que el diseño de vestuario está en manos de Renata Schussheim, la gran artista plástica, ilustradora y escenógrafa argentina que desde 1966 se destaca en galerías latinoamericanas y europeas, además de participar en producciones teatrales internacionales junto a directores como Oscar Araiz, Jean François Casanovas, Julio Bocca, Mstislav Rostropovich, Lluís Pasqual, Sara Baras y el propio Sagi.

Infobae dialogó con Schussheim un día después del estreno, en su primera experiencia con La Traviata a sus 76 años, un desafío que encaró con entusiasmo en un teatro que considera uno de los más hermosos del mundo —“si no el más”— y con una mística única. La artista contó que estuvo muy enfocada durante meses con la ópera de Verdi, por la magnitud de la producción. “Comencé a dibujar en el verano pasado. Tuvimos la reunión técnica en abril, como encuentro general para ver cómo era la producción. Es muy grande porque son tres elencos y mucho coro. Son alrededor de 140 trajes, prácticamente todos confeccionados desde cero”, detalla.

Renata describe la primera fiesta de la ópera con atuendos en blanco y negro, y la segunda, en variantes del rojo. “Me felicitan por la idea, pero he de ser franca: es de Emilio Sagi. Él siempre tiene una claridad conceptual maravillosa sobre lo que quiere y la transmite. Eso te dispara la imaginación. Trabajar con él es delicioso: es claro, preciso, tiene sentido del humor y es muy amable en los ensayos. Entonces, todos quieren volver a trabajar con él”, asegura. “Como él dice: ‘Para agarrarnos berrinches estamos grandes’ —ríe—. No es un enfant terrible, todo lo contrario. Y con Daniel Bianco también formamos equipo en muchos espectáculos, así que para mí es una fiesta trabajar con ellos”.

No conforme con la cantidad de prendas, Schussheim se impuso un desafío adicional. “Tuve una idea muy loca, que nunca me había pasado: ¿y si hago todos los vestidos distintos? Como sucede realmente cuando uno va a una fiesta. El trabajo de dibujarlos fue al principio encantador, después creí que me moría, y ni te digo cuando hubo que hacerlos. Y después se agregaron más mujeres al coro. Los hombres son más simples porque van de esmoquin, pero cada mujer tiene un vestido distinto”, cuenta. Eso implicó buscar combinaciones y telas dentro de la gama de los rojos: del carmín al naranja, pasando por el fucsia. “Fue complicado, pero muy excitante y diferente. Y no hubiese sido posible sin una ayuda fundamental que es como una extensión de mí: mis dos asistentes, Martina Nosetto y Mariana Seropian”.

Con sus dos asistentes trabaja codo a codo hace mucho tiempo, sobre todo con Mariana, a quien le tiene mucha confianza porque comparten la mirada. “Son dos personas jóvenes y con mucha energía. Toda la primera parte, más de elección de telas, la hice con Martina, y toda la segunda parte, con Mariana (que había estado filmando en Costa Rica),y luego volvió a involucrarse Martina. Tuvieron que hacer pruebas de ropa multitudinarias, además de estar en el detalle de lo que lleva la solista en escena. “Lo cual es muy complicado porque eso se tiene que ver bien, tiene que ser fácil y tiene que quedar bien”, explica y agrega: “No es una producción que es pupupú, que uno dice: ‘La hago con los ojos cerrados’. Es la primera vez que hago La Traviata. Es una música hermosa, te lleva, es icónica, es la ópera más conocida y querida en general de Verdi. El resultado creo que es bueno, por lo menos estamos todos muy contentos los que hicimos esta producción. Yo feliz de trabajar”.

La inspiración de los diseños fue tomada de fines de los años cincuenta, principios de los sesenta, la época de Balenciaga, Balmain, Dior. “Yo adoro Balenciaga de esa época, con esos vestidos abullonados, los talles altos. Y Dior, que es todo lo contrario. Picoteé un poquito de todo”, detalló.

Los talleres del Colón se ocuparon de confeccionar minuciosamente cada pieza, a un ritmo también vertiginoso. También, debieron sortear las dificultades de cambios de temporada o no encontrar los metros suficientes de géneros y tener que sustituirlos.

“Los talleres, todos, desde zapatería, el taller de peluquería, la cantidad de tocados, de pelucas, de sombreros fue, la verdad, como un tour de force. Con muchas ganas y mucho entusiasmo me acompañaron y les estoy enormemente agradecida a los artesanos. Porque acá, en el Colón, son las manitos de los artesanos que hacen todo dentro del teatro. No se manda nada hacer afuera. Entonces, la gente que lo hace, sabe y tiene experiencia y lo hace con amor y quiere el teatro. Y bueno, todo eso se ve arriba del escenario", expresa con satisfacción.

Renata comparte una foto con un valetto, quienes están del lado de adentro del escenario y corren los telones pesadísimos. “Siempre nos sacamos fotos en los estrenos”. Y agrega: “Vos te subís a ese escenario y es algo impresionante lo que se siente. No hay mucho así en el mundo. Yo he trabajado afuera, pero te digo como esto, no hay”.

Las siguientes funciones están programadas para este jueves 20, el viernes 21, martes 25, miércoles 26, viernes 28 y sábado 29 de noviembre a las 20 horas y domingo 23 de noviembre a las 17. Las localidades se podrán adquirir en la boletería del Teatro Colón, Tucumán 1171, de lunes a sábado de 09 a 20 y los domingos de 09 a 17. O por Internet en: www.teatrocolon.org.ar.

La propuesta del director asturiano se aleja de la grandilocuencia habitual de las puestas tradicionales, aunque evita transformaciones radicales en la ambientación, ya que el libreto de La traviata mantiene referencias espacio-temporales constantes que dificultan cambios drásticos. El diseño escenográfico, a cargo de Daniel Bianco, se caracteriza por líneas depuradas y una predominancia del blanco, mientras que la iluminación de Eduardo Bravo realza la atmósfera general. El foco de la puesta se traslada hacia el trabajo actoral, considerado el verdadero eje de este melodrama.

La dirección musical está a cargo de Renato Palumbo y Beatrice Venezi, quienes se alternan al frente de la Orquesta Estable del Teatro Colón. Palumbo dirige las funciones del jueves 20, domingo 23, martes 25 y viernes 28 de noviembre, mientras que Venezi está al frente el miércoles 19, viernes 21, miércoles 26 y sábado 29. El Coro Estable del Teatro Colón, bajo la dirección de Miguel Martínez, también formará parte de la producción. La traviata es una ópera en tres actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Francesco Maria Piave, basado en la novela La Dama de las Camelias de Alejandro Dumas (hijo). El diseño de vestuario está a cargo de Renata Schussheim.

El calendario de funciones incluye nueve presentaciones: miércoles 19, jueves 20, viernes 21, martes 25, miércoles 26, viernes 28 y sábado 29 de noviembre a las 20, y domingo 23 a las 17. Las entradas están disponibles a la venta en la boletería del Teatro Colón (Tucumán 1171), de lunes a sábado de 9 a 20 y los domingos de 9 a 17 hs., así como a través de la página web del teatro.

[Fotos: Juanjo Bruzza-Lucía Rivero/prensa Teatro Colón]

Después de su exitoso y multitudinario show en Rosario, Nicki Nicole busca dar un paso más en su carrera. La joven, una de las voces más representativas de la música urbana argentina, confirmó que se presentará con un show sinfónico en uno de los recintos más emblemáticos de Buenos Aires: el Teatro Colón. La artista rosarina, reconocida por su capacidad para fusionar géneros y estilos, llevará su repertorio a uno de los escenarios más destacados de la ciudad.

La presentación, bajo la dirección musical de Nico Sorín, reunirá a más de 70 músicos en escena. En este formato sinfónico, Nicki reinterpretará sus canciones más emblemáticas, permitiendo al público descubrir nuevas dimensiones en su obra. La velada se anuncia como una oportunidad única para experimentar la música urbana desde una perspectiva orquestal, en un espacio tradicionalmente reservado para la ópera, el ballet y la música clásica. La elección del Teatro Colón subraya la intención de la artista de expandir sus horizontes creativos y de tender puentes entre universos musicales que, hasta ahora, parecían distantes.

El impacto de este evento trasciende lo artístico: Nicki Nicole será la primera exponente de su generación y del movimiento urbano argentino en presentarse en el Colón. Este cruce entre la música popular contemporánea y la tradición clásica representa un hito tanto para la artista como para el emblemático teatro porteño, y simboliza la apertura de nuevos caminos para la cultura argentina.

El anuncio del concierto, organizado para el 19 de febrero, llega en un momento de consolidación internacional para la cantante. Recientemente, fue nominada por primera vez a los Premios Grammy en la categoría “Mejor Álbum de Música Urbana” por su disco Naiki, que también le valió una nominación a los Latin Grammy 2025. El álbum, lanzado a finales de 2024, debutó en el Top 9 Global de Spotify y ya suma más de 150 millones de reproducciones en plataformas digitales, con colaboraciones junto a Duki y Khea. Estas distinciones refuerzan el carácter innovador de Naiki y su regreso a las raíces musicales de la artista.

El antecedente más cercano de este formato sinfónico tuvo lugar en Rosario, donde Nicki Nicole ofreció un concierto ante más de 250.000 personas en el Monumento a la Bandera, en el marco del 300° aniversario de la ciudad. Aquella jornada reunió a familias, amigos y fanáticos que colmaron el centro y el parque, creando una atmósfera de celebración colectiva. La artista, visiblemente conmovida, saludó a su público con palabras que resonaron en toda la ciudad: “Qué alegría poder decir esto: Buenas noches, Rosario. Estoy orgullosa de haber nacido aquí”. El repertorio, adaptado a la potencia de la orquesta, incluyó temas como “Wapo Traketero”, “Colocao”, “Perdido” y “Ya No”, y momentos de profunda conexión con los asistentes, como cuando confesó: “Me hicieron vivir la mejor noche de mi vida. Gracias de corazón. No saben lo que emociona a uno y lo que es estar en casa”. El espectáculo también rindió homenaje a la cumbia santafesina con un tributo a Los Palmeras, convirtiéndose en una postal de identidad y pertenencia para Rosario.

La llegada de Nicki Nicole al Teatro Colón no solo representa un logro personal, sino que también encarna el espíritu de una generación que transforma la música argentina y la proyecta al mundo. Su capacidad para unir tradición y modernidad, barrio y escenario internacional, se refleja en cada paso de su carrera y en la expectativa que genera este concierto sinfónico, donde la emoción y la innovación se darán cita en una noche destinada a quedar en la memoria colectiva.

Las cifras que acompañan la trayectoria de Nicki Nicole reflejan su alcance global: 23 millones de seguidores en Instagram, 16 millones de oyentes mensuales en Spotify, 16 millones de seguidores en TikTok y 5 millones de suscriptores en YouTube. Durante 2023, agotó nueve funciones en el Movistar Arena de Buenos Aires y realizó giras internacionales que la llevaron a presentarse ante 500.000 personas en 13 ciudades europeas, Marruecos y Estados Unidos, con localidades agotadas en Nueva York, Los Ángeles y Miami durante su “ALMA World Tour”. Este recorrido artístico, marcado por la superación constante de fronteras, encuentra en el Teatro Colón un nuevo escenario para la evolución de su propuesta.

El Centro de Experimentación del Teatro Colón se convirtió en escenario de una experiencia musical inusual: desde el viernes 14 de noviembre a las 20.30h, una multitud se congregó en torno al emblemático teatro porteño para asistir al estreno de Vejaciones, una performance de veinticuatro horas dedicada a celebrar el centenario de Erik Satie. La convocatoria, que marcó el primer homenaje al compositor francés en este espacio, atrajo a un público numeroso, cuya fila llegó a rodear el edificio en el centro de Buenos Aires.

La propuesta, que se extiende hasta el sábado 15 de noviembre a las 20.30h, ofrece acceso libre, gratuito y continuo, aunque con aforo limitado. Los asistentes pueden ingresar y permanecer en la sala el tiempo que deseen, lo que permite una circulación constante y una vivencia personalizada de la obra. El ingreso se realiza por el Pasaje de los Carruajes, en Tucumán 1171.

Durante la performance, la célebre pieza para piano de Erik Satie se interpreta de manera ininterrumpida, repitiéndose una y otra vez a lo largo de todo el evento. Noventa pianistas, provenientes de distintas generaciones y trayectorias, se relevan cada diez minutos. Entre ellos se encuentran concertistas de reconocida carrera, músicos de otros géneros, docentes, estudiantes y pianistas amateur, lo que imprime a la propuesta un marcado espíritu horizontal.

Este enfoque colectivo y abierto remite a la histórica realización organizada por John Cage en 1963, recuperando la lógica experimental y participativa que caracterizó aquel acontecimiento. A lo largo de las veinticuatro horas, la música se acompaña de proyecciones de video que establecen un diálogo visual con la experiencia sonora, enriqueciendo la vivencia del público y subrayando el carácter experimental del homenaje.

[Fotos: Juanjo Bruzza-Lucía Rivero/prensa Teatro Colón]

Fotos de Gustavo Gavotti

La Fundación Teatro Colón reunirá figuras del mundo cultural, empresarial y político en su tradicional Gala de Primavera 2025, una velada destinada a recaudar fondos para el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón (ISATC), considerado el principal semillero de artistas del emblemático teatro argentino.

El evento, que se celebra el 12 de noviembre, ofrece una experiencia artística integral en la que los propios estudiantes del ISATC protagonizaron la programación musical y coreográfica.

La conducción de la gala estará a cargo de Silvina Chediek, mientras que la ambientación es obra de Javier Pita y la firma Dior aporta su acompañamiento. La propuesta artística se despliega en distintos espacios del teatro, permitiendo que los asistentes presenciaran fragmentos musicales y coreográficos interpretados por los jóvenes talentos en formación.

El inicio de la noche estará marcado por la interpretación de la Pequeña serenata nocturna de Wolfgang A. Mozart a cargo del Cuarteto de Cuerdas de la Academia Orquestal. Posteriormente, el Ballet del ISATC presenta el Vals de las flores de El cascanueces de Piotr I. Chaikovski, con coreografía de Sabrina Streiff y arreglos de Pablo Bocchimuzzi.

El cierre, a cargo del Coro de Niños del Teatro Colón, dirigido por Helena Cánepa y acompañado por el Ensamble Instrumental de la Academia Orquestal, quienes interpretarán obras de Benjamin Britten y María Elena Walsh.

Uno de los momentos destacados de la gala será el reconocimiento al Dr. Alejandro Cordero, mecenas de la Fundación, por su apoyo sostenido al arte lírico y a los jóvenes intérpretes del ISATC. La organización subrayó que “su contribución de más de una década ha hecho posible becas, concursos internacionales y recitales que impulsan la proyección internacional de artistas argentinos”. Este respaldo ha sido fundamental para que nuevas generaciones de músicos, bailarines y cantantes accedan a oportunidades de formación y desarrollo profesional.

La Fundación Teatro Colón, creada en 1978 como una organización sin fines de lucro, tiene como misión contribuir de manera privada al desarrollo de las actividades del Teatro Colón. En más de cuarenta años de trayectoria, la entidad ha impulsado iniciativas que abarcan aspectos estructurales, artísticos y educativos. Entre sus principales logros, la Fundación destaca la entrega de más de 1.400 becas a jóvenes talentos del ISATC, entre quienes figuran nombres como Julio Bocca, Paloma Herrera, Maximiliano Guerra y Eleonora Cassano.

El Centro de Experimentación del Teatro Colón se prepara para rendir homenaje al compositor francés Erik Satie con dos propuestas musicales que exploran tanto la resistencia física como la profundidad conceptual de su obra. La primera de estas experiencias, una interpretación ininterrumpida de Vejaciones durante veinticuatro horas, reunirá a cerca de sesenta pianistas de distintas trayectorias y edades, quienes se alternarán cada diez minutos para mantener la ejecución constante de la pieza.

El evento comenzará el viernes catorce de noviembre a las 20:30 y concluirá el sábado quince de noviembre a la misma hora, permitiendo el acceso libre y gratuito al público durante todo el desarrollo, aunque con aforo limitado. Los asistentes podrán ingresar y retirarse en cualquier momento, permaneciendo el tiempo que deseen en la sala del CETC, cuyo ingreso se realiza por el Pasaje de los Carruajes, en Tucumán 1171. La performance, además, contará con intervenciones de proyecciones de video, sumando una dimensión visual a la experiencia sonora.

Vejaciones es reconocida por su carácter enigmático y su estructura minimalista: una breve melodía para piano, intercalada con dos armonizaciones distintas, cuya ejecución a tempo normal no supera los dos minutos. Sin embargo, la partitura incluye una indicación singular de Satie: “Para tocar esta pieza 840 veces seguidas, será conveniente prepararse con antelación en el más profundo silencio”.

Esta instrucción fue tomada literalmente en 1963, cuando el compositor experimental John Cage organizó la primera interpretación completa en la Universidad de Nueva York, estableciendo un sistema de relevos entre pianistas para sostener la maratónica ejecución. Aquella experiencia marcó un antes y un después en la música contemporánea, abriendo el camino a nuevas formas de abordar obras de larga duración y estructuras repetitivas.

La dinámica de relevo que caracteriza la performance actual se inspira en la absoluta horizontalidad propuesta por Cage en aquella ocasión, donde concertistas consagrados, músicos de otros géneros, docentes, estudiantes y pianistas amateurs comparten el escenario en igualdad de condiciones. Esta diversidad de intérpretes y la naturaleza abierta del evento refuerzan el espíritu experimental y comunitario de la obra.

El ciclo de homenajes continuará el sábado veintinueve de noviembre a las 20:30 y el domingo treinta de noviembre a las 18:00, con la presentación de Sócrates, la pieza que Satie consideraba su obra maestra. Este “drama sinfónico” basado en textos de Platón será interpretado por primera vez en el Teatro Colón, en un recital escenificado que reunirá a un pianista, una soprano y un narrador. La obra, rara vez ejecutada en vivo, se convierte así en el centro de un segundo tributo que busca profundizar en la faceta más ambiciosa y reflexiva del compositor francés.

El evento de este jueves, al que acudió Infobae, registró la presencia de más de 300 personas entre periodistas, influencers y los principales dirigentes de la Liga Profesional, entre ellos el Comité Ejecutivo de la AFA. Desde otro rol, Juan Román Riquelme y Diego Milito fueron los dos grandes invitados de la noche, ya alejados de la cancha y siendo elegidos por sus hinchas para desempeñarse en el máximo cargo en Boca Juniors y Racing, respectivamente.

El ingreso al recinto se permitió desde antes de las 19, pero los oradores dieron sus primeras palabras pasadas las 20:20. Durante esos más de 80 minutos, todas las personas pudieron disfrutar de las comodidades de un lugar ambientado para la ocasión con una alfombra roja que marcaba el camino y, a los costados, se distinguieron dos maniquíes que simulaban ser Lionel Messi y Emiliano Dibu Martínez, ambos con la nueva indumentaria puesta.

En este sentido, hubo dos lugares dedicados al mejor jugador del mundo. En el exterior, se montó una serie de recortes sobre su paso por la Selección y, en el interior, se dejó ver una colección con algunas de sus grandes reliquias: una camiseta autografiada por él, la cinta de capitán que llevó en la final de la Copa América 2021, los botines que utilizó en esa definición contra Brasil y ante Colombia en la edición de 2024 y la camiseta vestida frente a la Tricolor.

La organización dispuso una serie de actividades, dentro de las que los participantes podían jugar al truco, una tradición argentina que fue parte del video que grabó la marca de las tres tiras para dar a conocer la casaca de la Celeste y Blanca y que será difundido al público en general este viernes. El “Quiero vale 4″ provoca una alusión inmediata a la cuarta estrella que buscará la Scaloneta en la competencia organizada por Estados Unidos, México y Canadá. Esto lo equipararía a Italia y Alemania como los segundos máximos ganadores en Mundiales, por detrás del pentacampeonato de Brasil. Este juego podía otorgar una serie de premios a los ganadores, que iban desde un mazo personalizado a stickers especiales, todo relacionado a la Selección.

Otra de las posibilidades que se brindaba era que los propios asistentes pudiesen colocar una serie de imanes de diferentes colores en los lugares adecuados para terminar de armar la camiseta distintiva entre todos. Incluso, se repartió un diario breve, cuya tapa tenía en letra grande la frase “Seguí soñando”. A lo largo de las siete páginas, la firma alemana repasa los detalles de una tela que reúne un efecto de tres tonos de celeste en sus clásicas franjas verticales, evocando las camisetas utilizadas en las conquistas de 1978, 1986 y 2022. Esto se suma a un seguimiento de todas las pelotas usadas en Mundiales: desde la Telstar de la edición de México 1970 pasando por la Tango de 1978, la Jalisco de México 1986, la Al Rihla de Qatar 2022 y la Trionda, el balón oficial de la siguiente Copa del Mundo.

El “menú” de los campeones del mundo tampoco pasó desapercibido en las entrañas del Teatro Colón. El ritmo incesante de los mozos trajo comida por doquier en sus idas y vueltas a la cocina y hubo opciones para todos los paladares.

Uno de los primeros platos que salió al salón fue un canapé con salmón ahumado y le siguieron un crostini de cebolla caramelizada y queso brie, ingrediente que se repitió en una combinación con morcilla como relleno de una empanada. La característica comida nacional también incluyó una versión con carne para los más tradicionales. Además, se sirvieron mini canastitas de cebolla, portobellos rellenos, mini hamburguesas, buñuelos y bondiola a la barbacoa entre panes, entre otras exquisiteces. Tampoco faltó el mini choripán con salsa criolla. Además, hubo barra libre para tomar vino, gaseosa, cerveza o agua.

Soda Stereo y Airbag fueron algunas de las bandas que marcaron el paso de la velada y la periodista Sofía Martínez fue la encargada de romper los múltiples focos de diálogos que se producían en su entorno para dar paso a la conducción del evento. Ella presentó a Claudio Tapia y Pablo Lamo, gerente general de Adidas Argentina. Este último fue el encargado de romper el hielo: “Qué gusto estar acá en el Teatro Colón. Es una casa preciada por todos los argentinos y la casa de la cultura. Le agradezco a Claudio (Tapia) por acompañarnos hoy y a todo el Comité Ejecutivo que está presente”.

“Queremos enaltecer el fútbol argentino y para todos los que trabajamos en Adidas es un orgullo enorme. Es una camiseta que está diseñada para conmemorar los tres títulos mundiales. Es un orgullo y una responsabilidad enorme y nuestra misión es seguir trabajando en el fútbol argentino por la emoción que dan los hinchas cada vez que juega la Selección”, añadió.

A continuación, fue el turno de Tapia, quien soltó un chiste para descontracturar antes de comenzar su discurso: “Primero, antes que nada, es un día especial. Es un momento muy particular poder estar en el teatro más lindo del mundo presentando la camiseta de los campeones del mundo. Es un lugar icónico del país y es uno de los lugares que caracteriza a los argentinos. Aquí se desplegó la camiseta gigante de los campeones del mundo. Había casi cuatro generaciones que no veían a nuestra selección campeona del mundo”.

“Quiero agradecerles a todos los miembros del Comité Ejecutivo, a Adidas por esta asociación que nos tendrá unidos hasta 2038. Les pido un aplauso a quienes defendieron la camiseta de la selección argentina, Juan Román Riquelme y Diego Milito”, manifestó hacia las dos estrellas invitadas al evento.

Todos los presentes se acoplaron a esa muestra de afecto para dos futbolistas que supieron desplegar su talento con la Argentina. Riquelme convirtió 17 goles y 20 asistencias en 51 juegos, sumado a disputar el Mundial 2006, mientras que Milito anotó 4 tantos y 2 pases gol en 25 partidos y defendió estos colores en el Mundial 2010 con Diego Maradona como DT.

Por último, Tapia hizo mención a la actividad actual de las Selecciones Nacionales y profundizó en la camiseta que se lanzó en sociedad: “Representa los colores de las tres camisetas y contiene el año que se fundó la AFA. Esta camiseta será la más linda porque esta es la que va a defender la cuarta. Estamos muy felices de que empecemos a vivir el Mundial y nos pongamos la camiseta de la Selección”.

Segundos después, los miembros del Comité Ejecutivo de la AFA subieron las escalinatas para sacarse una foto junto a Tapia y, mientras se le pedía a los presentes marcharse de ese lugar para dar paso a la segunda parte del evento, Riquelme y Milito tuvieron un gesto para destacar porque se quedaron sacándose algunas fotos con los invitados que estaban a centímetros de ellos.

A continuación, se dio paso a la segunda parte de la reunión a cielo abierto sobre la calle Libertad. La misma puerta por la que se entró al Salón Foguier indicó el próximo paso de una noche que tenía guardadas varias sorpresas más. La fachada del emblemático edificio se utilizó como un proyector gigante para difundir una serie de filmaciones junto al gran trabajo de la orquesta del Teatro Colón dirigida en esta oportunidad por Pablo Motta.

La combinación de violines y violonchelos, en conjunto a diversos instrumentos, selló una armonía inigualable para llevar a cabo un emocionante homenaje a la selección argentina con tres canciones elegidas con un preciso sentido del tiempo. Seminare, tema perteneciente a Serú Girán lanzado en 1978 y considerado uno de los mejores en la historia del rock nacional, fue el elegido para conmemorar la gesta del conjunto conducido por César Luis Menotti. A esto le siguió Costumbres Argentinas, estrenada por Los Abuelos de la Nada en 1985, otra melodía que marcó una época, en la que todo un pueblo se acostumbró a las cábalas de Carlos Salvador Bilardo con ese plantel que coronó en México. La elección para homenajear la gesta de 2022 se tornó obvia. “Muchachos...” rebotó sobre el improvisado escenario al aire libre para entonar las estrofas de un himno nacional que acompañó a todos los hinchas en Qatar.

Este fue el broche de oro de una noche tan fresca como inolvidable en la Capital Federal. La Argentina cerrará el año con un amistoso frente a Angola en África y apuntará a un 2026 con el Mundial en el horizonte, sumado a la posibilidad de disputar la Finalissima con España. Todo eso en medio de las dudas sobre si Lionel Messi dirá presente en la cita mundialista y, si lo hará, empezará la cuenta regresiva para un adiós que nadie quiere que llegue. Por el momento, hay que seguir soñando. Así lo quiere nuestro capitán, que se ilusiona con el bicampeonato, como todo un país.

La intensidad dramática y la audacia musical de Salomé, la ópera de Richard Strauss basada en la obra de Oscar Wilde, regresan al escenario del Teatro Colón en una nueva producción que se estrena este martes 28 de octubre. Bajo la dirección musical de Philippe Auguin y la dirección escénica de Bárbara Lluch, la obra promete una experiencia sensorial y psicológica que explora los límites del deseo y la obsesión.

La dirección escénica de Bárbara Lluch, reconocida por su enfoque visualmente poético y su lectura contemporánea de los personajes, constituye uno de los ejes distintivos de esta versión. Nieta de la legendaria actriz Nuria Espert, Lluch se formó en Londres y ha trabajado en instituciones como el Royal Opera House y el Teatro Real, consolidando una trayectoria en la ópera europea que se caracteriza por el respeto a la partitura y la exploración de los conflictos internos de los protagonistas.

El ciclo de funciones se extenderá a lo largo de seis presentaciones: martes 28, miércoles 29, jueves 30 y viernes 31 de octubre a las 20; domingo 2 de noviembre a las 17 y martes 4 de noviembre a las 20 hs. Las entradas pueden adquirirse tanto de manera online, a través de la web del teatro, como presencialmente en la boletería de Tucumán 1171, abierta de lunes a sábados de 9 a 20 y domingos de 9 a 17 hs.

Estrenada en 1905, Salomé es una ópera en un acto con libreto de Hedwig Lachmann basado en la pieza homónima de Oscar Wilde. La trama se desarrolla en el palacio de Herodes y narra la historia de la joven princesa Salomé, cuya fascinación erótica por el profeta Jokannán (Juan el Bautista), prisionero en las mazmorras del rey, desencadena una espiral de deseo y violencia. Tras ser rechazada por el profeta, Salomé ejecuta la célebre Danza de los siete velos, logrando que Herodes le conceda como recompensa la cabeza de Jokannán.

La partitura de Strauss se distingue por su orquestación monumental y un lenguaje armónico extremo, cercano al atonalismo, que expresa la decadencia moral y la tensión entre erotismo y muerte presentes en toda la obra. Esta ópera, que condensa en poco más de una hora un torbellino de emociones, inauguró un lenguaje expresionista que el compositor expandiría en obras posteriores como Elektra (1908).

El equipo creativo de esta nueva producción del Teatro Colón incluye a Daniel Bianco en el diseño de escenografía, Clara Peluffo en el vestuario, Albert Faura en la iluminación y Mercè Granè en la coreografía y asistencia de dirección de escena. La interpretación musical estará a cargo de la Orquesta Estable del Teatro Colón.

El desenlace de la ópera, en el que Salomé besa la cabeza cortada de Jokannán, culmina con un acorde que, según la crítica de la época, fue considerado “el acorde más repugnante de toda la historia de la ópera”.

[Fotos: Juanjo Bruzza/prensa Teatro Colón]

La conmemoración de los 30 años de la Orquesta Académica del Teatro Colón tendrá un punto culminante el sábado 1 de noviembre a las 17:00, cuando el conjunto juvenil se presente en la Sala Principal del emblemático teatro bajo la dirección de Juan Miceli.

El programa, que incluye la Obertura de Los maestros cantores de Núremberg de Richard Wagner y la Quinta sinfonía de Piotr Chaikovski, marca un hito en la historia de la agrupación y en la formación de jóvenes músicos en Buenos Aires.

Fundada en 1995 por iniciativa del maestro Oscar Piluso, la Orquesta Académica del Teatro Colón nació en el seno de la Filarmónica de Buenos Aires con el propósito de brindar a sus integrantes una experiencia orquestal integral, orientada a la excelencia profesional.

Desde 2010, la orquesta se consolidó como área de formación del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, integrando a estudiantes de la carrera de Academia Orquestal y constituyéndose en el principal organismo sinfónico juvenil del teatro.

A lo largo de estas tres décadas, la orquesta ha participado en proyectos operísticos, sinfónicos y de ballet, tanto en la Sala Principal como en el Salón Dorado del Teatro Colón.

Su actividad ha sido clave para el desarrollo de músicos jóvenes, quienes han tenido la oportunidad de adquirir experiencia en escenarios de primer nivel y bajo la guía de destacados directores.

El repertorio seleccionado para esta ocasión incluye la Obertura de Los maestros cantores de Núremberg de Richard Wagner (1813-1883), una de las piezas más emblemáticas del repertorio sinfónico, y la Sinfonía n.° 5 en mi menor, op. 64 de Piotr I. Chaikovski (1840-1893), que se interpretará en sus cuatro movimientos: I Andante—Allegro con anima, II Andante cantabile con alcuna licenza, III Valse. Allegro moderato y IV Finale. Andante maestoso—Allegro vivace.

Las entradas para el concierto ya están disponibles a través de www.teatrocolon.org.ar y en la boletería del Teatro Colón, ubicada en Tucumán 1171, con atención de lunes a sábados de 9:00 a 20:00 y los domingos de 9:00 a 17:00.

La propuesta de Zulberti se articula en torno a la interacción entre un film original —que funciona como una extensa introducción— y la expansión de esa narrativa hacia el espacio escénico, donde los intérpretes transitan entre la proyección cinematográfica y la acción en vivo.

Tras su participación en la Bienal de Danza de Venecia en 2024 con el espectáculo Posguerra, Melisa Zulberti profundiza en la investigación sobre el cuerpo como territorio en disputa. En Sobrecarga, la artista explora cómo el cuerpo se convierte simultáneamente en escenario y vía de escape dentro de un paisaje de control, donde la fisura abre la posibilidad de resistencia. La obra plantea un orden que vigila y devora, situando al cuerpo como materia visible, disponible y exigida.

El elenco de Sobrecarga está integrado por Nora Koppel, Hernán González, Romina Alaniz, Marcelo Martínez y Alejandro Aguilar, con la participación especial de Damián Pleitto Castillo. La composición y la música en vivo están a cargo de Julián Tenembaum, quien acompaña la acción escénica y contribuye a la integración de los lenguajes artísticos.

La trayectoria de Melisa Zulberti se caracteriza por el cruce de disciplinas: su práctica abarca las artes visuales, el cuerpo, el cine, el diseño, la música y la tecnología. En sus obras, despliega estructuras cinéticas y dispositivos que expanden la relación entre acción y espacio. Su investigación se orienta a la función de los dispositivos y mecanismos escénicos como intérpretes activos, generando tensiones entre lo humano y las máquinas, lo íntimo y lo colectivo. A través del lenguaje cinematográfico y la performance, Zulberti indaga en la posibilidad de humanizar lo tecnológico y de abrir nuevas percepciones sobre el gesto y la memoria corporal.

Sobrecarga propone así una experiencia escénica donde la frontera entre disciplinas se diluye, invitando al espectador a sumergirse en un paisaje sensorial y conceptual que desafía las categorías tradicionales del arte en vivo.

[Fotos: Delfina Pignatiello; Prensa Teatro Colón/ Patricio Cortés]

Para celebrar la presencia en la Argentina de Jamie Dimon, su CEO global, el JP Morgan recibió en un exclusivo cóctel celebrado en un salón del Teatro Colón a empresarios, dirigentes políticos y otras personalidades de la Argentina y del exterior.

Junto a Dimon, estuvieron presentes el ex primer ministro del Reino Unido, Tony Blair; la ex secretaria de Estado de los Estados Unidos, Condoleezza Rice; el dueño de Mercado Libre, Marcos Galperín, el presidente del grupo IRSA, Eduardo Elsztain y el ex presidente Mauricio Macri, entre otros. También estuvo presente el empresario emiratí Khaldoon Al Mubarak, integrante del gobierno de su país.

La actividad se enmarca en el encuentro anual del organismo en Buenos Aires y que propiciará mañana un encuentro de Dimon con el presidente Javier Milei y el ministro de Economía, Luis Caputo.

Además de los mencionados, estuvieron presentes Vladimir Werning, vicepresidente del Banco Central, y José Luis Daza, secretario de Programación Económica, en representación del equipo económico del gobierno argentino.

Recibidos por el presidente de JP Morgan Argentina, Facundo Gómez Minujín, participaron autoridades de JP Morgan de toda la región como Daniel Pinto (VP), Andrés Errázuriz (Chile), Felipe García Moreno (México), Angela Hurtado (Colombia), Lisandro Miguens (Mercados de Capital de la región) y Cassiana Fernández (research Latam), entre otros.

Entre los empresarios invitados al ágape se destacaron Horacio Marín (YPF), Marcelo Mindlin (Pampa Energía), Alejandro y Marcos Bulgheroni (PAE), Mariano Bosch (Adecoagro), Guillermo Cerviño (Comafi), Hugo y Martín Eurnekian (Corporación América), Bernardo Andrews (Genneia), Martin Migoya (Globant), Armando Loson (Albanesi), Juan Pablo Bagó (Bagó), Eduardo Escasany (Galicia), Federico Braun (La Anónima), Manuel Santos Uribelarrea (MSU) y Pierpaolo Barbieri (Ualá).

También estuvieron invitados empresarios extranjeros, como Amin Nasser (Saudi Aramco); los brasileños Marcelo Noronha y Luiz Carlos Trabuco Cappi, CEO y presidente de Bradesco; Tarciana Medeiros, presidenta de Banco de Brasil; Guilherme Johannpeter (Gerdau); Carlos de Moraes Toledo Neto (Aurok); los chilenos Iván Arriagada (Antofagasta), Eduardo Chadwick, Bernardo Larraín (Colbún), Enrique Ostalé (Falabella); los mexicanos Jorge Rojas Mota Velasco, Luis Cervantes Legorreta (General Atlantic). También el panameño Stanley Motta (Copa) y el peruano Eduardo Hochschild ( Hochschild Mining).

Sobre Jamie Dimon

Dimon es una de las figuras más influyentes del sector financiero internacional. Nació en Nueva York en 1956 y estudió en la Universidad de Tufts y en la Harvard Business School. Inició su carrera en American Express y luego trabajó junto a Sandy Weill en Travelers Group y Citigroup. En 2004 asumió como director de Bank One, y tras la fusión con JPMorgan Chase en 2004, quedó a cargo de la entidad resultante. Desde 2005 es el CEO de JPMorgan Chase.

Durante la crisis financiera de 2008, Dimon gui​​ó al banco de una manera que le permitió sortear el colapso del mercado mejor que muchos de sus rivales, consolidando su reputación en Wall Street. Bajo su dirección, se expandió, integró operaciones tecnológicas y aumentó su rentabilidad.

Con información y fotos de NA

Alejo Pérez asumirá el cargo de Director Titular de la Orquesta Estable del Teatro Colón a partir de 2026, según anunciaron la ministra de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, Gabriela Ricardes, y el director general del teatro, Gerado Grieco. El director argentino, reconocido por su trayectoria internacional, dirigirá dos títulos de ópera y tres conciertos sinfónicos durante la temporada 2026.

La designación de Pérez representa un impulso para los músicos de la Orquesta y el público del Teatro Colón, consolidando el legado de excelencia artística que caracteriza a la institución. Su experiencia incluye seis años como director musical de la Flemish Opera en Bélgica, cargo que concluirá al finalizr 2025, y colaboraciones con orquestas como la del Maggio Musicale Fiorentino, la Orquesta Filarmónica de Radio France y la Orquesta de la Suisse Romande.

A lo largo de su carrera, Pérez ha dirigido en escenarios internacionales como la Wiener Staatsoper, la Semperoper Dresden, la Chicago Lyric Opera, la Ópera de Roma, el Teatro Real de Madrid y la Opera Bastille en París. Su repertorio abarca obras de Verdi, Mussorgsky, Wagner, Prokofiev, Debussy, Shostakovich, Mozart y Richard Strauss, entre otros.

En la temporada 2024/25, concluirá la trilogía de Guerra y Paz, Lady Macbeth del distrito de Mtsensk y Khovanshchina en el Grand Théâtre de Genève, además de regresar a la Tokyo Nikikai Opera y al Teatro Municipal de Santiago de Chile. Entre sus próximos compromisos en Flandes figuran nuevas producciones de Salomé y Wozzeck, así como conciertos de Norma.

Formado en composición, dirección y piano en Buenos Aires y Karlsruhe, trabajó como asistente de Peter Eötvös, Michael Gielen y Christoph von Dohnányi en la Orquesta Sinfónica de la NDR. En 2019, recibió el Premio Konex de Platino por sus logros artísticos.

Al referirse a su nombramiento, Pérez expresó: “Me une al Teatro Colón un sentimiento de pertenencia muy fuerte, y es un privilegio asumir este trabajo junto a la Orquesta Estable y ser parte de su rica historia. Honrado y ansioso de volver a hacer música con ellos, saludo con afecto a todo el personal del Teatro y su público”.

[Fotos: prensa Teatro Colón]

Pero apareció Jorge Codicimo, un estudiante de diseño gráfico de 23 años, y no le importó demasiado si la industria estaba lista para dar ese salto a la locura y junto a su amigo y compañero de carrera, Nicolás Bernaudo, metió un disco de rock dentro de una computadora. No solo había audio sino también imágenes, videos y secretos. Centrados en una pirámide, se podía explorar Desierto, el nuevo disco de Los 7 Delfines, como si fuera un videojuego místico.

Inspirado —y en parte legitimado— por el atrevimiento de David Bowie, que ya había lanzado un CD-ROM interactivo en el hemisferio norte, pensó: ¿Por qué no intentarlo acá? Y se lo propuso a Richard Coleman, quien le había encargado el arte de tapa del nuevo disco. “Podemos hacer que, además del disco, haya una tecnología que te permita mezclar datos y audio”, le dijo al músico. A los pocos días, ya estaban imaginando cómo convertir Desierto en el primer álbum de rock de América Latina en ese formato. Veinticinco años después, el mismo espíritu terminaría moldeando la estrategia digital del Teatro Colón durante la pandemia.

El delirio del CD-ROM y una pirámide en medio del desierto

A mediados de los 90, Jorge y Nicolás trabajaban con Los 7 Delfines y les habían encargado idear el arte de tapa. En ese momento, su camino se cruzó con la innovación de Bowie, y presentaron la idea a los músicos en los estudios de Del Cielito Récords, un lugar donde había algo más que humo de cigarrillos y el ruido de cintas adhesivas sujetando posters de bandas en las paredes. Allí se respiraba curiosidad, pero también algo de miedo ante cada avance tecnológico.

“Gustavo Gauvry, el dueño del sello, le tenía terror a mezclar un track de datos con el audio del CD... temía que se rompieran los equipos”, recuerda Codicimo sobre la primera reacción al plantear la idea de un material inédito. No era paranoia: “¡Imaginate lo que era la tecnología en ese entonces! La gente pensaba que si metías un CD-ROM en una compactera, se podía romper”, compara con aquellos años.

Ante esa duda, y sabiendo que no todos los fans contaban con una lectora adecuada, la solución fue casi salomónica: lanzaron dos versiones. Una con el formato moderno y el track de datos —que, según las reglas tecnológicas de entonces, debía ir como pista número uno— y otra versión tradicional, solo con el audio. Así no solo calmaron los temores, sino que generaron un impacto inesperado y la novedad tuvo una gran repercusión en la prensa.“Nos convertimos en los primeros en lanzar un CD-ROM de rock en América Latina”, recuerda Codicimo.

Así, Los 7 Delfines y su equipo gráfico lograron fusionar tecnología y música, transformando el disco Desierto en una experiencia casi mitológica por descubrir. Inspirados por el título, crearon una pirámide digital en la que los usuarios podían explorar videos ocultos de la banda, interactuar con elementos como instrumentos que sonaban al tocarlos, escuchar a los músicos contar detalles del disco, o incluso encender una radio para que sonara música. En una parte del recorrido, se encontraban unas radios donde al clickear se escuchaba a algunos conductores presentar los temas del disco, entre ellos Mario Pergolini, Juan Di Natale, Conrado Geiger. No fue todo: los fans podían leer las letras de canciones como Cábalas, Secreto y Flores negras.

Pero no todo fue entusiasmo. “Hasta ese momento, la tecnología y lo nerd no se llevaba bien con el rock”, recuerda Codicimo sobre las primeras impresiones tanto del público como de algunos músicos. El mismo líder de la banda no estuvo de acuerdo cuando le contaron la idea: “¿Es como un jueguito? ¿Y yo qué voy hacer?... ¿Voy a estar, así, moviendo una banderita?”, indagó desconcertado. Pero cuando supo que su ídolo David Bowie ya había experimentado en ese formato, se animó y entre resistencias y risas, el proyecto avanzó.

“Filmamos a los músicos contando algunas cositas del disco y estuvo muy bueno”, revive. Pero hacer todo eso en 1995 no fue tarea fácil: debían encontrar quién tuviera una placa capturadora de video (algo muy raro para el mercado argentino de entonces) y transformar el material grabado en un archivo compatible con las primeras computadoras multimedia.

Una vez logrado, el CD-ROM fue presentado en ferias de tecnología, donde se cruzaban diseñadores, melómanos y visionarios. También viajó con la banda a Colombia, cuando Los 7 Delfines tocaron en Rock al Parque, un festival masivo aún vigente. Pero esta vez no solo llevaban guitarras, también contaban la experiencia de haber lanzado un disco que se exploraba mientras se escuchaba. “Nosotros viajamos también para contar nuestra experiencia de llevar la música a un nuevo soporte”, recuerda Codicimo.

Aunque nunca fueron una banda que convocara a millones de fanáticos, sí tenían un público fiel. “Siempre fueron una banda de culto, como Coleman, que es músico super respetado en el mundo del rock, el público le tiene respeto, pero nunca fue mainstream”, explica Jorge. Tal vez eso les dio libertad para animarse a algo impensado en la industria.

Ahora, volviendo la vista atrás mientras repasa esa parte de su historia, asume: “Era como librar una batalla contra una tecnología que recién empezaba”. Y sí: lo hicieron desde Buenos Aires, sin banda ancha, sin placas integradas de audio, con más intuición que manuales, y con el vértigo de saltar al vacío. Todo era prueba y error, desde las capturadoras de video hasta las máquinas sin placa de sonido. Pero la voluntad de empujar los límites estaba ahí. “El aporte fue ese. Lograr unir el mundo del diseño, de la tecnología y la innovación sumado a la música, y lograr un producto que no fuera visto solamente por ‘la gente de las computadoras’, como les decían a los nerds”.

Lo que parecía una rareza de laboratorio terminó dejando una huella más profunda de lo que nadie imaginaba. Ese cruce entre lo técnico y lo emocional, lo digital y lo artístico, marcaría para siempre la carrera de Codicimo. Aunque entonces no lo sabía, la lógica de conectar mundos que parecían inconexos volvería a emerger muchos años después, en un escenario tan inesperado como simbólico: el Teatro Colón, en plena pandemia.

El mismo salto, en otra época

Para Jorge, la pandemia no fue solo una pausa en lo laboral: fue un déjà vu. El mismo vértigo que había sentido décadas atrás, al meter un disco de rock dentro de una computadora, volvió en 2020 con otros nombres, otras urgencias, pero el mismo motor: hacer que la tecnología y el arte dejen de ser mundos separados.

Esta vez, el objetivo era mucho más ambicioso: ayudar a digitalizar y sostener una de las instituciones culturales más importantes del país… con las puertas cerradas. Jorge no había dejado de innovar en esos 25 años. Desde los 18 trabajó en el ámbito de la cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, y entre 2016 y 2022 fue director de Comunicación Institucional del Teatro Colón. En paralelo, desde 2004 inició su carrera docente en la UBA, la Universidad de Palermo y la Escuela Superior de Creativos Publicitarios, donde sigue enseñando. Su recorrido construyó un perfil poco común, el de un diseñador con visión estratégica, sensibilidad artística y experiencia en políticas culturales.

“Me tocó ‘mudar’ el escenario del Colón al ámbito digital durante la pandemia”, dice, con una mezcla de vértigo y orgullo. El salto tecnológico fue radical: conciertos en streaming, recorridos interactivos por el edificio, contenidos pensados para redes sociales y YouTube. Pero más allá de la plataforma, lo que guiaba todo era esa misma convicción de los 90: contar historias, no solo mostrar archivos. “Lo que nosotros aprendimos en el mundo del rock era que no alcanza con poner una cámara y transmitir. Hay que emocionar, hay que generar experiencia”, explica. Y así como antes una pirámide digital escondía canciones, ahora era el propio Teatro el que se abría como un laberinto virtual para ser explorado desde las casas que se llamó Casas de Ôpera.

La experiencia fue tan potente que fue presentada por Codicimo en el Beijing Forum for Performing Arts de China, y luego reconocida como caso de buenas prácticas por Ópera Europa, la organización que nuclea a los teatros de ópera europeos, y también por OLA, su par latinoamericano. Lo que parecía una rareza de laboratorio noventoso se había transformado, con los años, en un modelo de referencia global.

Hoy, Jorge dirige su propio estudio, Random Bureau, una agencia boutique que trabaja con clientes tan diversos como entidades culturales, empresas de tecnología o la industria de la moda. “Random, como nuestra manera de ver el mundo: con cruces inesperados, pero siempre con narrativa”, resume. Y aunque los tiempos hayan cambiado, la idea sigue siendo la misma: contar historias en pantallas, con diseño, emoción y una buena dosis de riesgo creativo.

“Si te fijás, fue lo mismo. Hacer que lo digital no sea solo una réplica de lo físico, sino otra cosa, con su propia narrativa”, dice. Y ahí está, quizás, el verdadero legado de aquel delirio noventoso: haber sembrado una forma distinta de pensar la tecnología, no como herramienta, sino como aliada para contar, emocionar y crear.

El regreso de Marianela Núñez al escenario del Teatro Colón ha generado una notable expectativa entre los amantes de la danza, quienes aguardan con entusiasmo la interpretación de la primera bailarina del Royal Ballet de Londres en el papel principal de Onegin. Esta producción, que cuenta con la participación del austríaco Jakob Feyferlik, bailarín principal del Bayerisches Staatsballett de Múnich, tendrá una nueva función el domingo 12 de octubre a las 17:00.

La puesta en escena de Onegin por parte del Ballet del Teatro Colón, bajo la dirección artística de Julio Bocca, representa una confluencia de literatura, música y danza. La obra, estructurada en tres actos, se inspira en la novela Evgueni Onieguin de Alexander Pushkin y destaca por la intensidad de su desarrollo dramático y la profundidad psicológica de sus personajes, un rasgo poco frecuente en el repertorio académico del ballet.

La coreografía original de John Cranko, figura central del ballet británico del siglo XX, es objeto de una reposición a cargo de los maestros Agneta Valcu y Victor Valcu, quienes trabajan junto al elenco del Teatro Colón. La supervisión general de la producción recae en Reid Anderson, mientras que la Orquesta Estable acompaña la función bajo la batuta del director invitado Ermanno Florio.

El diseño escenográfico de Pier Luigi Samaritani, el vestuario de Roberta Guidi di Bagno y la iluminación de Rubén Conde contribuyen a la atmósfera de la obra, que se apoya en la música de Piotr Ilich Tchaikovsky. Los arreglos y la orquestación, realizados por Kurt-Heinz Stolze, adaptan la partitura para potenciar la expresividad de la coreografía.

La trama de Onegin explora los amores frustrados entre Tatiana, una joven que reside con su madre y su hermana en un entorno rural acomodado, y Onegin, un hombre de ciudad, sofisticado y cínico, que irrumpe en la vida de la familia y despierta en Tatiana un sentimiento no correspondido. El acercamiento inicial de Tatiana, expresado en una carta, recibe una respuesta fría y distante de Onegin, lo que marca el inicio de una serie de desencuentros.

Con el paso del tiempo, la dinámica entre los protagonistas se invierte, desembocando en un desenlace dramático. Entre los personajes secundarios, Lenski, poeta y amigo de Onegin, y Olga, hermana de Tatiana y prometida de Lenski, desempeñan roles fundamentales. La actitud coqueta e irresponsable de Olga precipita la tragedia que cierra el segundo acto: en un duelo a pistola, Onegin da muerte a Lenski. Finalmente, el príncipe Gremin, con quien Tatiana contrae matrimonio, aporta un matiz adicional a la compleja red de relaciones que define la obra.

Onegin se distingue no solo por la riqueza de su construcción dramática, sino también por la belleza de su coreografía y la complejidad de sus personajes, elementos que la convierten en una pieza singular dentro del repertorio del ballet clásico.

[Fotos: Carlos Villamayor-Juanjo Bruzza/prensa Teatro Colón]

La expectativa por la próxima presentación de Elīna Garanča en el Teatro Colón crece a medida que se acerca la fecha del concierto, programado para el lunes 20 de octubre a las 20:00. En esta ocasión, la reconocida mezzosoprano letona participará en el ciclo Aura, acompañada por el pianista Malcolm Martineau, y ofrecerá un repertorio que abarca algunos de los momentos más emblemáticos de la música vocal y la ópera internacional.

Formada en la Academia de Música de Letonia y originaria de Riga, Garanča ha consolidado una trayectoria que la sitúa entre las voces más influyentes de la escena lírica contemporánea. Su presencia en escenarios de referencia como The Metropolitan Opera, La Scala y la Royal Opera House ha sido constante, interpretando papeles centrales en producciones de gran envergadura. Entre los personajes que ha encarnado destacan Carmen, Dalila, Amneris y Kundry, figuras que han contribuido a cimentar su prestigio internacional. Su discografía, galardonada en diversas ocasiones, refleja la amplitud y profundidad de su interpretación artística.

El programa de la velada se estructura en dos partes y reúne obras de compositores fundamentales de los siglos XIX y XX. En la primera sección, el público podrá escuchar piezas de Johannes Brahms, como Liebestreu, op. 3, n.º 1, Geheimnis, op. 71, n.º 3, O wüßt’ ich doch den Weg zurück, op. 63, n.º 8 y Von ewiger Liebe, op. 43, n.º 1, todas ellas representativas del romanticismo alemán.

A continuación, se interpretará «D’amour, l’ardente flamme» de La damnation de Faust de Hector Berlioz, seguida de la Canción de cuna (Šūpuļdziesma, op. 8) de Jāzeps Vītols. El repertorio continúa con «Io son l’umile ancella» de Adriana Lecouvreur de Francesco Cilea, Sapņojums (Sueño) de Jāzeps Mediņš, y dos nuevas piezas de Vītols: Sapņu tālumā (En sueños distantes) y Man prātā stāv vēl klusā nakts (Aún recuerdo aquella silenciosa noche). La primera parte concluye con «Plus grand dans son obscurité» de La Reine de Saba de Charles Gounod.

La segunda parte del concierto incluye la célebre aria «Mon coeur s’ouvre à ta voix» de Samson et Dalila de Camille Saint-Saëns, así como cuatro canciones de Henri Duparc: Au pays où se fait la guerre, L’invitation au voyage, Extase y Phidylé. El pianista Malcolm Martineau interpretará en solitario «Clair de lune» de la Suite bergamasque de Claude Debussy. El programa prosigue con «Voi lo sapete, o mamma» de Cavalleria rusticana de Pietro Mascagni, y dos fragmentos de zarzuela: «Cuando está tan hondo» de El barquillero y «Carceleras» de Las hijas del Zebedeo, ambas de Ruperto Chapí y Lorente. El cierre estará a cargo de «Art is calling for me» de la ópera The Enchantress de Victor Herbert.

Las entradas para este evento ya están disponibles y pueden adquirirse a través de la página web oficial del Teatro Colón (www.teatrocolon.org.ar). También es posible comprarlas de manera presencial en la boletería del teatro, ubicada en Tucumán 1171, de lunes a sábados entre las 9:00 y las 20:00, y los domingos de 9:00 a 17:00.

Héctor Basaldúa fue uno de los artistas argentinos más influyentes del siglo XX a partir de una trayectoria que abarcó la pintura, la escenografía y la ilustración, y que lo llevó a recibir distinciones en Europa y América.

Su obra, caracterizada por una constante renovación estilística y una profunda conexión con la tradición y la modernidad, dejó una huella indeleble en la escena artística de Argentina y del exterior. Hoy, se cumplen 130 años de su nacimiento. Algunas líneas para recorrer su vida y legado:

Basaldúa (Pergamino, 1895 - Buenos Aires, 1976) inició su formación artística en la Academia Bolognini y luego en la Academia Nacional de Bellas Artes, donde obtuvo el título de Profesor de Dibujo en 1923 y tuvo como compañeros a Alfredo Bigatti, Spilimbergo, Pedro Domínguez Neira y Enrique de Larrañaga.

Ese mismo año, una beca otorgada por el gobierno de la provincia de Buenos Aires le permitió viajar a Europa, donde se sumergió en el ambiente artístico de París. Allí, comenzaría su verdadera carrera.

En la ciudad de las luces estudió en la Academia Colarossi bajo la tutela de Charles Guérin, y completó su aprendizaje en los talleres de André Lhote, maestro de maestros, y Othon Triesz.

Durante su estancia, estableció vínculos con otros argentinos como Antonio Berni, Lino Enea Spilimbergo, Raquel Forner y Aquiles Badi, conformando el famoso Grupo de París, que impulsó una renovación de los lenguajes artísticos en Argentina.

Aunque su paso por París coincidió con el auge de movimientos vanguardistas como el cubismo y el expresionismo, se inclinó por una estética más cercana al impresionismo y al postimpresionismo. Sus obras, como Calle (1914) y Aldeana con Mandolina (1927), esta última realizada en París y considerada su pieza más emblemática, se distinguen por el uso de colores vivos, la violencia en las formas y la representación de paisajes, escenas urbanas y retratos con un enfoque desfigurado.

Muchos críticos lo ubicaron dentro de la escuela postimpresionista, aunque su estilo incorporó también elementos fauves y expresionistas, especialmente tras la influencia de la llamada “vuelta al orden” en Europa durante los años veinte.

La actividad expositiva de Basaldúa fue intensa desde sus primeros años en Europa. En 1923 realizó su primera muestra en París junto a otros jóvenes argentinos, y en 1925 participó en el Salón de Otoño.

Luego, sus obras se exhibieron en la Exposición Independiente de 1928, en el Salón de las Naturalezas Muertas y las Figuras de 1929 y en una Exposición Internacional en Nueva York ese mismo año.

Permaneció en Francia hasta 1930, cuando regresó a Buenos Aires y tuvo su primera individual en la mítica sala Amigos del Arte de la calle Florida. Su obra Expresso Villalonga (El Calle), realizada en 1937, forma parte de la colección del MoMA de Nueva York.

La obra de Basaldúa, junto a la de otros integrantes del Grupo, introdujo una visión renovadora en el ambiente artístico argentino, hasta entonces dominado por una estética académica.

Entre las actividades que marcaron su proyección pública, destaca su participación en 1940 en el ciclo El arte en la calle organizado por la tienda departamental Harrods en Buenos Aires, donde diseñó vidrieras junto a figuras como Juan Batlle Planas, Juan Carlos Castagnino, Emilio Pettoruti y Pablo Curatella Manes. Esta iniciativa propició un diálogo entre arte, moda y consumo, y se mantuvo vigente durante dos décadas.

Por otro lado, a partir de su regreso, la escenografía adquirió un papel central en su carrera: entre 1932 y 1950, y nuevamente entre 1956 y 1959, se desempeñó como Director Escenógrafo del Teatro Colón, donde realizó la escenografía de la mayoría de las óperas y ballets presentados en ese período.

En 1935, fue reconocido con la Medalla de Oro en la Exposición Internacional de Arte Decorativo de París y con el Premio Municipal de Pintura en 1937. La Comisión Nacional de Cultura le otorgó becas para perfeccionarse en escenografía y técnica teatral en Alemania, Francia e Italia, y en 1946 viajó a Estados Unidos invitado por el Departamento de Estado para profundizar sus conocimientos en la materia.

A partir de 1953, su paleta experimentó un giro hacia los valores de negros, grises y blancos, logrando composiciones sintéticas y climas fantasmales, aunque el color recobró protagonismo en su producción a comienzos de los años sesenta.

Su versatilidad se manifestó también en su trabajo como ilustrador. Colaboró en ediciones de obras literarias de autores como Jorge Luis Borges, Manuel Mujica Láinez, Silvina Ocampo, Ricardo Güiraldes, Francisco Luis Bernárdez, Estanislao del Campo y Adolfo Bioy Casares.

Además, publicó dos libros propios: Escenografías de Héctor Basaldúa y Litografías, este último con textos de Borges. En 1932 ilustró el Fausto editado por los Amigos del Arte de Buenos Aires y, hacia 1930, realizó ilustraciones para Los consejos del Viejo Vizcacha, inspiradas en el personaje del Martín Fierro.

La fusión entre cine y música contemporánea alcanzará un nuevo hito con el estreno latinoamericano de la ópera-film que Philip Glass compuso en 1994 sobre la legendaria película La Bella y la Bestia de Jean Cocteau. El evento, programado para este viernes 19 de septiembre a las 20 horas, reunirá en la sala principal del Teatro Colón a un elenco de destacados cantantes líricos y al Ensamble ArtHaus, que interpretarán la partitura en vivo mientras se proyecta la célebre obra cinematográfica de 1946.

La propuesta, impulsada por El Colón Contemporáneo y el Ensamble ArtHaus, representa una experiencia escénica singular: la música de Glass, caracterizada por sus “estructuras repetitivas” y su inconfundible sello minimalista, dialogará en tiempo real con las imágenes oníricas y simbólicas de Cocteau.

El reparto estará encabezado por Jaquelina Livieri en el papel de La Bella, Víctor Torres como La Bestia y Avenant, Constanza Díaz Falú como Félicie, Daniela Prado como Adélaïde, Alejandro Spies en los roles de Ludovic y el Oficial del Puerto, y Gustavo Gibert como El Padre y El Usurero. La dirección musical estará a cargo de Pablo Druker.

El Ensamble ArtHaus, creado a finales de 2022 como parte de Arthaus Central, se ha consolidado como un referente en la interpretación de música experimental del siglo XX y XXI. Integrado por solistas de alto nivel, el grupo se presenta por segundo año consecutivo en el Teatro Colón dentro del ciclo Colón Contemporáneo, esta vez con una formación instrumental expandida que suma 27 músicos.

Desde su fundación en 2011 bajo la dirección de Martín Bauer, el Colón Contemporáneo ha renovado la programación de la sala principal del Teatro Colón con estrenos de música, cine con música en vivo, ópera y arte sonoro, posicionándose entre los principales programas de música contemporánea de Latinoamérica. El ciclo ha sido clave para acercar al público local propuestas innovadoras y espectáculos de vanguardia.

La película La Bella y la Bestia, dirigida por Jean Cocteau en 1946, es considerada una joya del cine fantástico y un hito en la integración de mitos clásicos con experiencias personales. Cocteau (1889–1963), figura central de la vanguardia francesa, destacó como poeta, novelista, dramaturgo, pintor, cineasta y diseñador.

Su obra, de fuerte impronta simbólica y surrealista, incluyó colaboraciones con artistas como Picasso, Satie y Stravinsky, y abordó temas como la homosexualidad y la adicción al opio. Entre sus creaciones más influyentes se encuentran la novela Los niños terribles (1929), la obra teatral La voz humana (1930) y películas como La sangre de un poeta (1932) y Orfeo (1949).

Por su parte, Philip Glass (nacido en 1937, hoy tiene 88 años) es uno de los compositores estadounidenses más influyentes de las últimas décadas. Aunque frecuentemente vinculado al minimalismo, él mismo define su música como basada en “estructuras repetitivas”.

A lo largo de su carrera ha compuesto óperas como Einstein On The Beach (1976) y Akhenaton (1984), sinfonías, obras de cámara y música para teatro y cine, obteniendo nominaciones al Óscar. Fundador del Philip Glass Ensemble a finales de los años 60, su disco Glassworks (1981) y sus colaboraciones con figuras como Ravi Shankar, David Bowie, Brian Eno y Aphex Twin han contribuido a borrar las fronteras entre la música pop y la académica.

El legado de Máximo Parpagnoli se mantiene vivo en cada imagen que capturó a lo largo de más de cuarenta años en el Teatro Colón, institución que lamentó profundamente su fallecimiento a través de un comunicado en donde lo destaca como “fotógrafo y artista incansable que supo captar con su estilo único la vida artística de nuestra casa”.

Nacido en Tucumán en 1958, Parpagnoli inició su formación en fotografía desde 1969, lo que sentó las bases de una carrera dedicada a documentar la vida artística. Su vínculo con el Teatro Colón comenzó en 1984, cuando ingresó como fotógrafo, y fue ratificado en el cargo por concurso en 1988. En 2013, volvió a obtener por concurso la posición de Supervisor en Fotografía, función que desempeñó hasta 2023.

La obra de Parpagnoli trascendió los límites del teatro y se difundió en publicaciones especializadas en lírica y ballet, como Revista del Teatro Colón, Revista Clásica, Balletin Dance, Música Hoy, Correo Musical Argentino, Cantábile, L’Avant Scène Opera, Opera Magazine y Música Clásica BA, entre otras. Sus imágenes ilustraron libros, folletos, afiches, almanaques, avisos publicitarios y programas de mano del propio Teatro Colón.

En 2019, el Teatro Colón editó un libro fotográfico titulado Arnaldo y Máximo, fotógrafos del Teatro Colón, que reúne imágenes de su autoría y de Arnaldo Colombaroli. Este año, su trabajo también integra la publicación conmemorativa Cien años de los elencos estables del Teatro Colón, dedicada al legado artístico del Ballet, el Coro y la Orquesta Estable.

Entre las exposiciones individuales más destacadas de Parpagnoli figuran Fotografías del Teatro Colón (Universidad de Santiago de Chile, 2006) y Dos décadas en el Colón (Museo de Arte Contemporáneo de Salta, 2007). Su excelencia fue reconocida internacionalmente al recibir el premio internacional 35 awards, que lo posicionó entre los cien mejores fotógrafos de Argentina.

Según fue comunicado, el último adiós a Máximo Parpagnoli se realiza el domingo 14 de septiembre a las 10 de la mañana en la capilla del Cementerio de Chacarita.

La Orquesta Filarmónica de Qatar realizará su debut en el Teatro Colón de la Ciudad de Buenos Aires el 17 de septiembre de 2025, en el marco del Año de Cultura Qatar-Argentina 2025. El concierto forma parte de una gira organizada junto al Ministerio de Cultura del Gobierno porteño y, como anticipo, tendrá una primera función en el Centro Nacional de Convenciones de Qatar el 14 de septiembre.

La visita al Teatro Colón representa la primera gira sudamericana de la orquesta. El repertorio incluirá obras de compositores de ambos países, con la participación de más de 70 músicos bajo la dirección de Enrique Arturo Diemecke, cuya trayectoria lo vincula con el Colón, donde fue director general artístico entre 2017 y 2022.

El programa prevé la presencia del bandoneonista argentino Víctor Hugo Villena, quien interpretará Concierto para Bandoneón: “Aconcagua” de Astor Piazzolla. Entre las piezas seleccionadas figuran la Obertura Tanguera de Esteban Benzecry, Polaris and Borealis de Dana Al Fardan, Variaciones Concertantes de Alberto Ginastera y Four Seasons & Spirit of Maqam, compuesta por Nasser Sahim, Subdirector Ejecutivo de la Filarmónica y reconocido investigador musical.

De acuerdo con los organizadores, el concierto busca construir un puente cultural y compartir el legado musical de Oriente Medio y Sudamérica. La Orquesta Filarmónica de Qatar, creada en 2007 por la jequesa Moza bint Nasser, cuenta con músicos de 28 países y antecedentes en formaciones como la Filarmónica de Nueva York y la Sinfonía de la BBC. La agrupación se ha presentado en escenarios internacionales, entre ellos La Scala y el Royal Albert Hall.

El acceso a las funciones será gratuito. La visita y el programa en Buenos Aires se enmarcan en los lineamientos de la iniciativa Años de Cultura, que organiza anualmente intercambios culturales entre Qatar y diversos países, bajo la dirección de Al Mayassa bint Hamad bin Khalifa Al Thani.

El proyecto cuenta con la participación de instituciones y embajadas, y busca promover el diálogo y el conocimiento entre comunidades, a través de propuestas artísticas, exposiciones y actividades orientadas al patrimonio y las industrias creativas. La edición Qatar-Argentina se suma a las colaboraciones impulsadas anteriormente con Japón, Brasil, Turquía, China, Alemania, Rusia, India, Francia, Estados Unidos, Indonesia y Marruecos.

Fotos: Archivo.

El fallecimiento de Guillermo Brizzio marca el cierre de una trayectoria que dejó huella en la vida musical de Argentina y en escenarios internacionales. Reconocido por su versatilidad y compromiso, Brizzio asumió responsabilidades de relevancia en instituciones culturales de primer nivel, consolidando una carrera que abarcó desde la dirección artística hasta la formación de nuevas generaciones de músicos.

A lo largo de su vida profesional, Brizzio ocupó cargos de dirección en organismos emblemáticos. Entre 1977 y 1979, fue director de estudios del Teatro Argentino de La Plata, y posteriormente, entre 1980 y 1985, se desempeñó como director titular de la Orquesta Sinfónica de Bahía Blanca. Su experiencia internacional se enriqueció al ejercer como asistente musical de la Fundación Teresa Carreño de Caracas en los años 1980, 1981 y 1983. Más adelante, asumió la dirección musical y artística de la Orquesta Estable del Teatro San Martín de Tucumán en los períodos 1987, 1989 y 1990.

La gestión artística de Brizzio se extendió también al Teatro Argentino de La Plata, donde fue director artístico en dos etapas, 1985-1986 y 1992-1993, y lideró la Ópera Estudio de la misma institución. Su vínculo con el Teatro Colón de Buenos Aires resultó especialmente significativo: integró el elenco de maestros desde 1990 y, entre 2005 y 2007, ejerció como director de estudios, además de dirigir la ópera de cámara y formar parte del cuerpo de maestros internos.

Su formación y perfeccionamiento internacional incluyeron una invitación de la Dirección General de Relaciones Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores de Francia y el Mozarteum Argentino para estudiar el funcionamiento de los teatros líricos de París, Avignon y Marsella durante 1982 y 1983. En 1997, el Theater & Philharmonie Essen de Alemania y el Aalto Theater lo convocaron, iniciando así una colaboración que se mantuvo en las temporadas de ópera de esas instituciones.

En el ámbito de la ópera, fue designado en 2002 como director musical de la Ópera de Cámara del Teatro Colón de Buenos Aires, donde dirigió L’occasione fà il ladro de Rossini en 2002 y el estreno de El emperador de la Atlántida de Ullmann en 2003. Su labor con la asociación Buenos Aires Lírica incluyó la dirección de Macbeth de Verdi en 2004, Der Freischütz de Weber, Le nozze di Figaro en 2005, Faust en 2006, El holandés errante en 2007, L’italiana in Algeri en 2008 e I Puritani en 2009.

La mezzosoprano rusa Aigul Akhmetshina, identificada por la prensa anglosajona como “la nueva Anna Netrebko” debutará en el Teatro Colón el domingo 14 de septiembre junto al pianista británico Jonathan Papp, dentro del Ciclo Aura, una coproducción entre la sala lírica porteña, Mama Hungara Live y Elisa Wagner ICP, que contempla una serie de recitales enfocados en la lírica internacional.

Aigul Akhmetshina, nacida en Rusia y con gran notoriedad en las principales casas de ópera del mundo, interpretará un programa que abarca obras de Rossini, Donizetti, Saint-Saëns, Cilea y Bizet, entre otros autores. La primera parte de su recital incluye arias del repertorio lírico, como fragmentos de Il barbiere di Siviglia (El barbero de Sevilla), Adriana Lecouvreur y Carmen, piezas que conforman clásicos del género.

La segunda mitad del evento contará con piezas de Rajmáninov, Mark Minkov, Dénes Buday y el estreno mundial de “Mujer fatal”, compuesta por Elena Roussanova. Además, el programa incorpora temas del repertorio latinoamericano como “La rosa y el sauce” de Guastavino, tangos de Gardel y la canción “Granada” de Agustín Lara.

Aigul Akhmetshina inició su carrera internacional tras su debut como Carmen en la Royal Opera House a los 21 años y ha recibido el Gran Premio en el Concurso Internacional Hans Gabor Belvedere, además del International Opera Award. Entre sus presentaciones recientes y futuras, se encuentran producciones en la Wiener Staatsoper, el Teatro di San Carlo, la Metropolitan Opera y la Deutsche Oper Berlin. Ha interpretado roles como Charlotte en Werther, Rosina en Il barbiere di Siviglia y Adalgisa en Norma, entre otros.

El pianista Jonathan Papp, a cargo del acompañamiento de la mezzosoprano, posee formación en la Royal Academy of Music y trayectoria como coach vocal junto a intérpretes reconocidos. Ha actuado en el Wigmore Hall, la Ópera de Sídney y en festivales internacionales. Se desempeña como fundador y director artístico de la Georg Solti Accademia en Italia y director musical del Estudio de Ópera Mascarade en Florencia.

El Ciclo Aura continuará el 20 de octubre con la presentación de la mezzosoprano Elīna Garanča y el pianista Malcolm Martineau. Reconocida por su técnica y profundidad interpretativa, Garanča regresará al Teatro Colón después de su paso en 2019. El concierto final tendrá lugar el 3 de diciembre, con la soprano Nadine Sierra como protagonista y el pianista Bryan Wagorn. Sierra, quien debutó en ese escenario en 2022, compartirá un repertorio de arias y canciones populares junto al pianista canadiense.

Programa:

Giaochino Rossini (1792 – 1868)

Una voce poco fa (Il barbiere di Siviglia)

Francesco Cilea (1866 - 1950)

Acerba voluttà (Adriana Lecouvreur)

Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840 – 1893)

Aria de Olga (Eugene Onegin)

Aria de Polina (La dama de picas)

Camille Saint-Saëns (1835 – 1921)

Mon coeur s’ouvre a ta voix (Samson et Dalila)

Jules Massenet (1842 – 1912)

Va! Laisse couler mes Larmes (Werther)

Georges Bizet (1838 – 1875)

Habanera (Carmen)

Seguidilla (Carmen)

Intervalo

Serguéi Rajmáninov (1873 – 1943)

Не Пой Красавица При Мне (No me cantes, mi bella)

Здесь хорошо” (¡Qué justo este lugar!)

Mark Minkov (1944 – 2012)

Пейзаж (Paisaje)

Dénes Buday (1890 – 1963)

Букет Цветов Из Ниццы (Flores de Niza)

Elena Roussanova (1974 - )

Mujer fatal (World premiere)

Carlos Guastavino (1912 – 2000)

La rosa y el sauce

Carlos Gardel (1883 – 1935)

Por una cabeza

El día que me quieras

Agustín Lara (1897 – 1970)

Granada

[Fotos: Gentileza prensa Ciclo Aura]

La iniciativa de Bocca se difundió el viernes 29 de agosto a través de un video en el que explica que, tras una conversación con Núñez, ella le habría puesto como condición para su regreso la obtención de ese millón de seguidores en la plataforma.

El propio artista expresó: “Marianela me dijo que si llego al millón de seguidores en Instagram, vuelve a bailar en la Argentina”. Este desafío, que combina el alcance de las redes sociales con el deseo de ver a una de las figuras más destacadas del ballet internacional en su tierra natal, rápidamente captó la atención de la comunidad artística y del público general.

Esta semana, desde Viena, Bocca subió otro video -esta vez en compañía de su compañera de toda la vida, Alessandra Ferri- para anunciar que la cuenta había llegado a los 125 mil seguidores y que estaba “más cerca de Londres” para “convencer” a Marianela.

La bailarina, que desde hace años reside en el Reino Unido y es una de las principales figuras del Royal Ballet, mantiene una relación cercana con Bocca, quien ha sido una referencia fundamental en su carrera. El regreso de Núñez a los escenarios argentinos es un anhelo compartido por el público y por la comunidad de la danza, que reconoce en ella a una de las exponentes más sobresalientes del ballet clásico a nivel mundial.

El desafío planteado por Bocca no solo pone de manifiesto el poder de convocatoria de las redes sociales, sino que también evidencia el impacto que una figura como Núñez tiene en el imaginario cultural argentino. La posibilidad de verla nuevamente en el país depende ahora de la respuesta del público y de la capacidad de movilización digital que logre la campaña.

El Teatro Colón vivió una jornada inusual al recibir a una multitud de jóvenes menores de 30 años que agotaron las entradas para una función exclusiva de la ópera Werther.

La convocatoria, que ofreció localidades a un precio único de 30 mil pesos, logró que la sala se colmara de una energía renovada, distinta a la habitual, y marcó un hito en la apertura del coliseo a nuevas generaciones.

La experiencia no se limitó a la representación de la ópera. Una hora antes del inicio, los asistentes participaron en una charla abierta que abordó aspectos musicales, escénicos y dramatúrgicos, facilitando el acceso al universo de Werther.

Esta obra, que regresó al escenario del Colón tras una década de ausencia, contó con la dirección musical de Ramón Tebar al frente de la Orquesta Estable y la puesta en escena de Rubén Szuchmacher.

La función se inscribió en una serie de acciones orientadas a acercar el arte lírico a públicos jóvenes, permitiendo que los asistentes vivieran la ópera como una experiencia colectiva y personal.

El Teatro Colón reafirma así su compromiso de invitar a las nuevas generaciones a apropiarse del arte y experimentarlo de manera transformadora en el espacio más emblemático del país.

Werther, considerada la obra maestra y más íntima de Jules Massenet, se basa en la novela epistolar Las penas del joven Werther de Johann Wolfgang von Goethe. El libreto, escrito en francés por Édouard Blau, Paul Milliet y Georges Hartmann, acompaña una partitura que explora el universo literario del movimiento Sturm und Drang.

La ópera, estrenada originalmente en alemán el 16 de febrero de 1892 en Viena, en el Teatro Imperial Hofoper, ha sido reconocida como una de las piezas más influyentes del repertorio lírico francés.

[Fotos: Juanjo Bruzza/prensa Teatro Colón]

La ópera experimental OOO, concebida por el músico argentino Valentín Pelisch junto a la artista francesa Emma Terno, propone un escenario donde la humanidad ha desaparecido y solo quedan plantas, inteligencias artificiales y objetos para interactuar en un mundo suspendido. En este impactante espectáculo audiovisual, la ausencia de seres humanos da lugar a una serie de entidades que exploran su propia existencia y buscan sentido en un presente desprovisto de guías tradicionales. Se presenta el miércoles 3, jueves 4, viernes 5, sábado 6, martes 9 y miércoles 10 de septiembre a las 20:30, y el domingo 7 de septiembre a las 18 hs. en el Centro de Experimentación del Teatro Colón (Tucumán 1168).

La obra se inspira en una larga tradición cinematográfica que ha explorado la autonomía de las máquinas, desde el androide rebelde de Metrópolis (1927) hasta la computadora HAL 9000 de 2001: odisea del espacio (1968), pasando por el robot militar Johnny 5 de Short Circuit (1986) y el icónico Terminator (1984). Incluso en registros más amables, como el de Wall-E (2008), la narrativa de la máquina que lucha por sobrevivir de manera independiente se mantiene vigente. Todos estos referentes estuvieron presentes en la mente de Pelisch al momento de crear la obra.

El título de la obra, OOO, responde a la sigla de “ontología orientada a los objetos”, una corriente filosófica que, según explica Pelisch, “se pregunta por la existencia autónoma de los objetos. Parte de la idea de que todo es objeto e investiga su esencia y sus posibles agrupamientos. También dice que las cosas no se definen solo por su funcionalidad y pueden ser pensadas como entidades con capacidades propias para interactuar”. El músico menciona además el libro Materia vibrante de Jane Bennett, donde la autora “propone también que los objetos tienen la capacidad de actuar y causar efectos a partir de su vibración interna”.

La génesis de OOO se remonta a una experiencia previa de Pelisch junto a Ariel Farace en la ópera muda post-humana Meine (presentada en el Festival Nueva Ópera 2022), donde cuatro criaturas sobrevivientes recorrían un living intentando comprender a los humanos a través de la reinterpretación de sus objetos cotidianos. A partir de ese antecedente y de nuevas hipótesis sobre la autonomía de los objetos, Pelisch y Terno decidieron crear una obra en la que una nueva serie de entes interactúa sin intervención humana. La acción transcurre en un sótano abandonado, el CETC, en un estado de suspensión temporal donde los cuerpos olvidados desconocen cómo comportarse en un presente sin humanos.

La escenografía de OOO representa una colección de residuos históricos de la humanidad. Además de la planta y la inteligencia artificial, aparecen artefactos obsoletos como cuatro autómatas sonoros —un ensamble instrumental compuesto por saxo barítono, viola, chelo y clarinete bajo—, televisores antiguos, herramientas en desuso, una tiorba barroca que simboliza pensamientos filosóficos y dos crash test dummies (maniquíes utilizados en pruebas de accidentes de tránsito), interpretados por Emma Terno y Manuel Atwell.

La interacción entre la planta y la inteligencia artificial se construye a partir de una voz en off que expresa los recuerdos y pensamientos existenciales de la planta, mientras que la IA se comunica mediante textos en pantalla, a modo de subtítulos o zócalos informativos. La planta reflexiona en soledad hasta que irrumpe el bot, iniciando un diálogo que articula la aparición de otros personajes a lo largo de distintos episodios.

El componente sonoro es central en OOO. La música se presenta de manera fragmentada, como si fueran piezas desvinculadas de obras que se desintegraron con el tiempo y cuyos fragmentos flotan sin contexto. La tiorba, interpretada por Laura Fainstein, tiene un momento destacado en el que ejecuta un pequeño concierto dentro de la obra.

[Fotos: Prensa Teatro Colón/ Lucía Rivero]

El sábado 9 de agosto de 2025 la Filarmónica de Buenos Aires fue dirigida por Srba Dinic e interpretaron en la primera parte, la Obertura Coriolano, op. 62 y la Sinfonía n.º 8 en la mayor, op. 93, ambas de Ludwig van Beethoven (1770-1827); en la segunda, de Sergei Rachmaninov (1873-1943), el Concierto para piano y orquesta n.º 2 en do menor, op. 18. El pianista fue Nicolai Lugansky y el concierto tuvo lugar en el Teatro Colón de Buenos Aires.

La Obertura Coriolano, Ouvertüre zu Coriolan (original en alemán), fue compuesta por Beethoven como introducción musical a una tragedia del jurista y poeta alemán Heinrich Joseph von Collin, secretario áulico del emperador de Austria. Trata del líder romano Cayo Marcio Coriolano. Se estrenó en marzo de 1807 en un concierto privado que tuvo lugar en la casa del príncipe Joseph Franz von Lobkowitz. La obra de Collin había sido dada a conocer en 1802. Se la revivió para una sola representación en abril de 1807. El propio Beethoven dirigió el estreno en el palacio del príncipe Lobkowicz, en la ciudad de Viena. El primer tema caracteriza el alma orgullosa y ruda de Coriolano. Es en do menor, tonalidad que el gran compositor alemán frecuenta para descripciones épicas, poderosas y a veces tempestuosas. El segundo motivo se vincula más con la ternura femenina, la conmiseración. La suavidad de este tema, que se ejecuta en otra tonalidad, es un lado más humano, tal vez un ruego orientado a no invadir Roma. Esta suerte de contradicción en el desarrollo queda bien expresada y concluye con el “renunciamiento” de Cayo Marcio Coriolano que es vencido por su destino y se suicida, lo cual está simbolizado con cuerdas, pitzicatos y silencios.

“El primer tema caracteriza el alma orgullosa y ruda de Coriolano.”

Beethoven elaboró la Sinfonía n.º 8 (de las 9 que compuso) entre la primavera de 1812 y abril de 1813. De acuerdo a los borradores del Cuaderno de bocetos Petters, fue concebida como un concierto para piano. Luego, evidentemente cambió de idea; en octubre de 1812 empezó a escribir la partitura definitiva. Lo cierto es que en marzo de 1813 ofreció dos sinfonías completamente nuevas (Sinfonía n.º 7 y n.º 8) a Joseph von Varena, organizador de conciertos. La primera edición fue publicada en diciembre de 1816 en Viena.

Es la única sinfonía del compositor que no incluye un movimiento adagio, lo que confirma su fama de obra ligera porque dicho movimiento es sustituido por un allegretto scherzando fantasioso y cómico. Por otra parte, este movimiento tiene como tema un canon compuesto tiempo antes por Beethoven para el cumpleaños de su amigo Johann N. Mælzel (inventor del metrónomo). También luce creatividad en el final del primer movimiento con el repentino corte del tema central. Existe ese scherzo en la repetición de las notas en el segundo movimiento hasta el final. Chaikovski dijo que el mismo era “una de las más grandes obras maestras sinfónicas de Beethoven”. La sinfonía termina con un pasaje muy largo de fuerte armonía tónica. El final es “prodigioso, una de las páginas más atrevidas de Beethoven”, recuerda Igor Markevitch.

El Concierto para piano n.º 2, Op. 18 en do menor de Rachmaninov fue compuesto entre 1900 y abril de 1901, estrenado con su autor como solista y con la batuta de su primo Aleksander Ziloti el 27 de octubre de 1901. Desde entonces, el éxito la acompañó hasta nuestros días. Las duras críticas recibidas tras el estreno de su Sinfonía n.º 1 en 1897 —aunque hoy es reconocida como una obra destacada— sumió a nuestro autor en una depresión que duró algunos años. Su segundo concierto para piano puso en claro que ya había superado ese trance. La obra fue dedicada a su médico, Nikolái Dahl, que ayudó a recuperar confianza en su pluma musical.

“Su segundo concierto para piano puso en claro que ya había superado ese trance.”

El movimiento inicial (Moderato) empieza con una serie de acordes en el piano como si fueran campanas y tras ello, el primer tema. La orquesta interpreta una melodía de estilo ruso mientras que el piano acompaña con arpegios. Le sigue el segundo tema en mi bemol mayor, más lírico. Con motivos de ambos temas cambiando la tonalidad y pasa a varios instrumentos mientras una nueva idea musical se va gestando lentamente. La música alcanza un clímax con una nueva idea musical. Mientras la orquesta repite de nuevo el primer tema el piano, que al principio acompañaba, ahora interpreta frases de estilo semejante al de una marcha (que ya había sido presentado a medias en el desarrollo). El resto de la recapitulación es bastante literal. El segundo (Adagio sostenuto) empieza con una serie de acordes lentos a cargo de las cuerdas que terminan en mi mayor. El piano realiza un tema arpegiado, sigue la flauta que luego vuelve al piano y otros instrumentos, le sigue un corto clímax en manos del solista; se repite el motivo principal y la música parece evaporarse. El tercer movimiento (Allegro scherzando) realiza una breve introducción orquestal y da paso al piano solo que se ocupa de desplegar el primer y agitado tema. El oboe y las violas introducen un motivo de gran lirismo que deja atrás aquella sonoridad y reaparece el tema abordado en el primer movimiento. Tras un largo periodo de desarrollo la tensión crece. El compositor recupera el segundo tema con una gran orquestación y sonoridad ahora, llegando a una breve coda que pone fin al concierto de modo magistral.

La batuta estuvo en manos de Srba Dinic, nacido en Serbia, quien se graduó como director de orquesta en la Academia de Música de Belgrado y desde 2017 es director general de música de la Orquesta del Teatro Estatal de Braunschweig. Ha sido director musical de la Ópera de Berna, también de la Orquesta del Palacio de Bellas Artes de México, de la Orquesta de Cámara de Belgrado St George Strings; estuvo al frente de la Orquesta de Múnich, Hamburgo, Basilea, Shanghái, entre muchas otras. Su lenguaje en la conducción fue pulido. Se ocupó en detalle de la entrada de los instrumentos y enfatizó desde lo lírico hasta lo épico haciendo notar cuál era el concepto de cada frase.

La orquesta puso de relieve su habitual nivel técnico, conocimiento profundo de las obras y plasticidad.

De Nikolai Lugansky, que estuvo a cargo del piano, recordemos que ha trabajado con las principales orquestas internacionales como la Filarmónica de Berlín, Países Bajos, Radio Francia y Oslo, entre muchas otras. Con relación a la música de cámara, trabajó con Mischa Maisky, Vadim Repin y otros. Realizó sus estudios en la Escuela Central de Música y en el Conservatorio de Moscú.

“Nikolai Lugansky estuvo a la altura de las exigencias; es un especialista en este compositor, lució con soltura, tuvo el temperamento que la obra reclama y la imprescindible técnica.”

Rachmaninov, además de haber compuesto obras inmortales, era un virtuoso pianista. El concierto que tratamos fue compuesto para pianistas de análogo calibre. Nikolai Lugansky estuvo a la altura de las exigencias; es un especialista en este compositor, lució con soltura, tuvo el temperamento que la obra reclama y la imprescindible técnica; demostró solvencia en todo el decurso de la obra abordando con naturalidad los pasajes más exigentes.

Síntesis, muy buen concierto resultado de dos grandes compositores en excelentes manos.

El Teatro Colón presenta una nueva producción de Werther, la ópera de Jules Massenet, con dirección musical de Ramón Tebar y puesta en escena de Rubén Szuchmacher. El estreno será el domingo 24 de agosto a las 17, y marcará el regreso de esta obra al escenario porteño después de diez años.

El ciclo de funciones se extenderá hasta el miércoles 3 de septiembre –domingo 31 de agosto a las 17; martes 26, miércoles 27, jueves 28 y viernes 29 de agosto a las 20; y martes 2 y miércoles 3 de septiembre a las 20, esta última función será exclusiva para menores de 30 años–, y contará con la participación de la Orquesta Estable del Teatro Colón, el Coro de Niños del Teatro Colón dirigido por Helena Cánepa, y un destacado elenco internacional.

La ópera, basada en la novela epistolar Las penas del joven Werther, de Johannes Wolfgang von Goethe, fue estrenada originalmente en alemán el 16 de febrero de 1892 en Viena, en el Teatro Imperial Hofoper. El libreto, en francés, fue escrito por Édouard Blau, Paul Milliet y Georges Hartmann. Considerada la obra más personal de Massenet, Werther explora el universo literario del movimiento Sturm und Drang, y ha sido reconocida como una de las piezas más influyentes del repertorio lírico francés.

La producción contará con los tenores Jean-François Borras y Arturo Chacón-Cruz, que alternarán en el papel principal. En el rol de Charlotte, estarán Annalisa Stroppa y María Luisa Merino Ronda. El reparto principal se completa con Jaquelina Livieri, Constanza Díaz Falú, Alfonso Mujica, Sebastián Angulegui, Sebastián Sorarrain, Luis Gaeta, Cristian De Marco, Gustavo Gibert, Pablo Urban, Gabriel Centeno, Rocío Arbizu y Mauricio Meren. Las fechas de cada intérprete titular varían según la función.

El equipo creativo incluye a Jorge Ferrari en diseño de escenografía y vestuario, Gonzalo Córdova, a cargo de la iluminación, y Mariana Svartzman como responsable de la coreografía, con asistencia de Florencia Ayos y Florencia Tutusaus en la dirección escénica y la producción.

Las localidades pueden adquirirse en la boletería del Teatro Colón, Tucumán 1171, de lunes a sábado, de 9 a 20 y domingos, de 9 a 17, o a través de la web oficial.

Función para menores de 30 años

El miércoles 3 de septiembre a las 20 se ofrecerá una función exclusiva de Werther destinada a jóvenes menores de 30 años. Las entradas tendrán un valor único y será condición presentar documento identificatorio al ingreso. Una hora antes se realizará una charla abierta en el foyer del teatro para brindar herramientas sobre la obra y su puesta en escena, desde las perspectivas musical, escénica y dramatúrgica. Esta iniciativa tiene la intención de generar nuevas formas de acercar el arte lírico a las nuevas generaciones.

Programa

Ópera en cuatro actos (1892)

Música de Jules Massenet; Libreto en francés de Édouard Blau, Paul Milliet y Georges Hartmann; Basada en la novela epistolar Las penas del joven Werther, de Goethe; Dirección musical: Ramón Tebar; Dirección de escena: Rubén Szuchmacher; Diseño de escenografía y vestuario: Jorge Ferrari; Iluminación: Gonzalo Córdova.

Coreografía: Mariana Svartzman; Asistencia de dirección de escena: Florencia Ayos; Asistencia de escenografía y vestuario: Florencia Tutusaus; Orquesta Estable del Teatro Colón

Coro de Niños del Teatro Colón: Directora: Helena Cánepa; Principales intérpretes, Werther: Jean-François Borras (24, 27 y 29 de agosto y 2 de septiembre); Arturo Chacón-Cruz (26, 28, 31 de agosto y 3 de septiembre); Charlotte: Annalisa Stroppa (24, 27, 29 de agosto y 2 de septiembre); María Luisa Merino Ronda (26, 28, 31 de agosto y 3 de septiembre); Sophie: Jaquelina Livieri (24, 27, 29 de agosto y 2 de septiembre); Constanza Díaz Falú (26, 28, 31 de agosto y 3 de septiembre); Albert: Alfonso Mujica (24, 27, 29 de agosto y 2 de septiembre); Sebastián Angulegui (26, 28, 31 de agosto y 3 de septiembre); Johann: Sebastián Sorarrain (24, 27, 29 de agosto y 2 de septiembre); Luis Gaeta (26, 28, 31 de agosto y 3 de septiembre); Alguacil: Cristian De Marco (24, 27, 29 de agosto y 2 de septiembre); Gustavo Gibert (26, 28, 31 de agosto y 3 de septiembre); Schmidt: Pablo Urban (24, 27, 29 de agosto y 2 de septiembre); Gabriel Centeno (26, 28, 31 de agosto y 3 de septiembre; Kätchen: Rocío Arbizu; Brühlmann: Mauricio Meren.

Fotos: Crédito: Juanjo Bruzza/prensa Teatro Colón.

La Corte Constitucional aseguró la realización del evento central de la Jurisdicción Constitucional conforme a la agenda, pese a la relevante ausencia del presidente Gustavo Petro en la cita de apertura de este miércoles, 20 de agosto, en el Teatro Colón, a las 4:00 p.m.

La programación continuará con la intervención de importantes funcionarios y líderes del Estado, evidenciando la solidez de las instituciones aún en ausencia del jefe de Estado.

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Según informó la Corte Constitucional, el presidente Petro no participará del acto inaugural, aunque el despliegue institucional permanece con la confirmada asistencia de Lidio García, presidente del Senado; Gregorio Eljach, procurador General; y Carlos Fernando Galán, alcalde de Bogotá, junto a otras figuras clave.

“La presencia de las principales autoridades marca la relevancia institucional de la cita, pese a la ausencia del jefe de Estado”, subrayó la Corte en la información oficial.

De acuerdo con la agenda divulgada para el evento, la jornada incluye una serie de intervenciones que subrayan la pluralidad y el peso institucional del acto.

Destacan las palabras de Iris Marín Ortiz, defensora del Pueblo, previstas entre las 5:50 p.m y las 6:05 p. m.; seguidas por la intervención de Carlos Hernán Rodríguez Becerra, contralor General de la Nación, de las 6:05 p. m. a las 6:20 p. m. Más adelante, el gerente general del Banco de la República, Leonardo Villar Gómez, tomará la palabra hasta las 6:35 p. m.

También figuran en la lista de oradores Hernán Penagos Giraldo, registrador Nacional del Estado Civil, con intervención entre las 6:35 p. m. y las 6:50 p.m., y Carlos Fernando Galán Pachón, alcalde de Bogotá, quien cerrará la serie de intervenciones principales de las 6:50 p.m. a las 7:05 p.m. El programa refleja la participación coordinada de las altas esferas gubernamentales y de control del Estado.

La ausencia del presidente Petro, confirmada por la Corte Constitucional, no modificará la programación ni el contenido institucional del acto, que conserva su carácter central en el contexto jurídico y político del país y manifiesta la capacidad de respuesta y continuidad de las entidades convocadas.

Presidencia pide a la Corte reservar datos de viajes de Petro

La Presidencia de la República solicitó a la Corte Constitucional restringir la publicación de información sobre los movimientos internacionales del presidente Gustavo Petro durante el proceso de la reforma pensional, argumentando que la protección de estos datos responde a criterios de seguridad nacional y relaciones internacionales.

La petición se apoya en el artículo 2.1.1.4.2.1 del Decreto 1081 de 2015, que concede a la autoridad generadora la potestad de clasificar la información como reservada, en alineación con la Ley 1712 de 2014.

El objetivo de la medida radica en evitar la exposición en la página oficial de la Corte de datos sensibles como horarios y rutas de viaje.

En el contexto de esta solicitud, la Presidencia envió a la Corte Constitucional documentos requeridos en el proceso de revisión de la Ley 2381 de 2024.

El envío de la documentación obedece a una orden emitida por el magistrado Jorge Enrique Ibáñez el 22 de julio de 2025, dentro de una acción pública de inconstitucionalidad que evalúa la legalidad del trámite legislativo de la reforma.

Entre los papeles remitidos figuran antecedentes de distintos decretos, copias del Diario Oficial y certificaciones sobre publicación de cada norma.

Resalta el Decreto 747 del 27 de junio de 2025, que convocó al Congreso a sesiones extraordinarias con el fin de corregir un vicio de procedimiento señalado previamente por la Corte el 17 de junio de ese año. Junto a este, la Presidencia envió copias de los decretos 733 y 737 de junio de 2025 y del Diario Oficial 53.163.

Héctor Panizza nació en Buenos Aires el 12 de agosto de 1875. Para el pequeño Héctor, la música, siendo hijo de Giovanni Grazioso Panizza, chelista lombardo solista, era una herencia espiritual y una cuestión de sangre. Su talento y conexión natural con el arte desbordaron su hogar de infancia y se perfeccionaron en el Conservatorio de la ciudad de Buenos Aires y en el de Milán.

Con su debut en Roma en 1897, comenzó una peregrinación por los templos más importantes de la música a nivel mundial. La Scala de Milán, el Covent Garden de Londres y el Metropolitan Opera de Nueva York fueron algunos de los emblemáticos escenarios donde Panizza logró unir el cielo con la tierra. Sin embargo, fue en el Teatro Colón de Buenos Aires donde su obra fue canonizada, marcando para siempre el corazón del pueblo argentino.

En 1908, Héctor Panizza presentó en el Teatro Colón lo que se consideraría la primera ópera argentina: Aurora.

El tenor Amadeo Bassi interpretó el papel principal. Para el libreto, Panizza se asoció con Luigi Illica, conocido por su colaboración con Giacomo Puccini. El libreto, dividido en tres actos, estaba originalmente en italiano y contaba una historia dramática de amor en el contexto de la Revolución de Mayo. En 1943, Aurora fue traducida al español y en 1945 volvió a estrenarse en el Teatro Colón con el libreto en castellano. Posteriormente, mediante un decreto del gobierno nacional, se estableció oficialmente el aria de Aurora como “saludo a la bandera”. Desde entonces, los corazones de los niños argentinos reciben las semillas de la patria a través de las melodías que acompañan el texto que reza: “Es la bandera de la patria mía…”

Héctor Panizza, fue además protagonista, junto a Arturo Toscanini, de la reforma y creación del organismo autónomo del Teatro alla Scala de Milán. Formó y seleccionó a ilustres músicos y maestros que contribuyeron a la cultura en Italia a mediados del siglo XX. Entre 1908 y 1955 realizó cerca de 600 funciones en el Teatro Colón. Creó la Orquesta Filarmónica de ese teatro y motivó a los músicos del Colón a salir de gira por distintos lugares de la República Argentina.

El regreso de Aurora

En 2017 se presentó el libro Alta en el cielo, escrito por Sebastiano De Filippi y Daniel Varacalli Costas, un trabajo serio y bien documentado sobre la vida y obra de Héctor Panizza. Los autores señalaban, no sin algo de vergüenza ajena, que hasta ese momento no había ningún libro que contara la vida y analizara la obra de uno de los más grandes compositores de ópera y directores de orquesta de nuestra nación.

Durante 2024, bajo la dirección musical de Ulises Maino y la dirección de escena de Betty Gambartes, Aurora volvió al Colón. Esta ópera es, de algún modo, el bote salvavidas que garantiza que el legado del genio de la música argentina no naufrague en los mares de la historia. Pero Héctor Panizza es más que Aurora.

Durante agosto de 2025, entre discretos homenajes y presentaciones, un joven director de orquesta mendocino, llamado Juan Ignacio Miranda y apasionado de Héctor Panizza, dará una conferencia en la Universidad Católica Argentina de Buenos Aires para los alumnos de la cátedra de dirección orquestal el miércoles 20 a las 10:00 AM.

El joven maestro Miranda, vinculado a los maestros Riccardo Muti y Roberto Abbado, es egresado de la Universidad Nacional de Cuyo y del Conservatorio G. B. Martini de Bolonia, Italia, donde reside actualmente. En estos días, realiza un breve paso por Argentina, debido a una invitación que le hizo el Teatro Independencia de Mendoza para dirigir su orquesta filarmónica en el marco de la celebración de los cien años de dicho teatro.

Miranda ha estudiado e investigado exhaustivamente la obra de Héctor Panizza, en particular la ópera Medioevo Latino. El joven músico se pregunta: ¿puede Héctor Panizza ser olvidado o erosionado por el tiempo? ¿Es posible haber oído hablar tan poco sobre él durante los años de mi formación y actividad en Argentina e Italia? Miranda expresa el deseo de volver a poner en valor la obra de Panizza, involucrando a agentes musicales y culturales para abordar la recuperación de una obra que, en su opinión, debe ser rescatada y devuelta al patrimonio musical. Ciertamente no es una tarea sencilla, pero es necesaria para nosotros, promotores e intérpretes.

Esperemos que el tiempo pueda concretar este deseo y que las futuras generaciones puedan reconocer el legado de otro argentino que, a nivel mundial, supo dejar nuestra bandera “alta en el cielo…”

Una experiencia musical única e irrepetible se avecina en el Teatro Colón, donde la destacada soprano Verónica Cangemi llevará al público a realizar un viaje por el universo barroco europeo el próximo lunes 18 de agosto.

Reconocida internacionalmente por sus interpretaciones líricas y su pasión por difundir la música clásica, la artista compartió en diálogo con Infobae en Vivo, durante el programa de la mañana, detalles íntimos de su presente profesional y recordó cómo el arte puede transformar la vida de las personas.

“El Colón será el único que hace Barroco porque normalmente se hacen óperas clásicas y tengo la suerte de cantar como solista en este concierto, con una orquesta que yo armé”, expresó Cangemi, entusiasmada por el proyecto y la oportunidad de impulsar repertorios menos frecuentes en el gran teatro argentino.

Estas declaraciones fueron realizadas en diálogo con Infobae en Vivo, durante el programa de la mañana, que cuenta con la conducción de Gonzalo Sánchez, Maru Duffart, Carola Gil y Cecilia Boufflet. En ese contexto, Cangemi anticipó su rol como solista en un viaje musical centrado en los compositores del barroco, como Vivaldi y Handel, y describió las singularidades de abordar esta época: “La diferencia con las otras orquestas es que tiene las cuerdas originales y la entonación es más antigua”. De esa manera, el Colón pondrá en escena una experiencia sonora fiel a los orígenes, minuciosa en la interpretación y llena de matices históricos.

En este sentido, la soprano se opuso con firmeza al mito que relaciona el mundo lírico con la elite: “Mucha gente piensa que ir al Teatro Colón o que la ópera es de elite y no es así. El mundo de la ópera fue siempre de la calle, que fue desde donde nació. La música transforma a las personas, me transformó a mí, me hizo otra Verónica, una mendocina distinta”, reflexionó.

Sus inicios

Repasar su historia es repasar también los sacrificios y la dedicación que exige la vida del músico profesional. Cangemi rememoró: “Durante muchísimos años tuve una vida de 365 días, 300 conciertos al año desde 1991 hasta 2012. Vivía en París, con un manager alemán. Mi vida era en un hotel y en un avión. Desde hace algunos años me quedé en Argentina y tengo una vida más normal, con cenas o salidas. Antes, con la exigencia de la agenda, vivía un sacerdocio porque sacrificás las salidas, las comidas, los cumpleaños”.

La artista mendocina resaltó el valor de sus raíces y la relevancia de su familia en su desarrollo humano y artístico: “Vengo de Mendoza, estudié en la Universidad Nacional de Cuyo y mi madre fue quien me inscribió en mi primer concurso nacional. Gané varios concursos y así llegué al manager más importante del mundo, que organizó la carrera de Plácido Domingo y Pavarotti. Grabé 35 discos y venía a Argentina a estudiar los roles con mi madre, porque siempre es fundamental tener un coach”, compartió.

La huella materna fue determinante. “Tuve la suerte de tener una familia con tanto amor y una cabeza avanzada. Mi madre me dijo: ‘Te tenés que ir, te vas a vivir afuera’, y yo tenía quince años”.

Su madre también vivió un desafío personal: “A sus 15 años, e hija de sicilianos, le dijo a su madre que quería ir a estudiar al Teatro Colón. A su padre le encantaba la ópera, pero todos sus hermanos son médicos, ginecólogos, veterinarios. Y le dijeron que era una carrera de prostitutas, pero no pasó nada".

“Se tomó un tren, se vino a Quilmes a vivir, trabajó en una peluquería, aprendió pedicuría, manicuría, hizo la carrera de estudio en el Teatro Colón y después fue maestra en el Teatro Colón”, relató con orgullo.

El recuerdo de su primera función como espectadora permanece imborrable: “Tengo una historia muy especial con el Colón. Cuando era muy chica, mis padres me trajeron a ver Macbeth, que para una niña es aburridísima. Estaba en el gallinero, apoyada en los hierros. Salió la soprano y me impactó su vestido y su voz, ahí supe que quería ser ella”.

Cuidados y definiciones

“La voz se cuida como un deportista cuida su cuerpo: las cuerdas vocales son músculos y requieren entrenamiento diario”, explicó Cangemi.

La artista comparó el rigor de su disciplina con el entrenamiento de un futbolista, haciendo especial hincapié en el trabajo cotidiano, la vocalización frente al piano y la importancia de no sucumbir ante mitos infundados: “Este mito de si te da frío o calor, nunca lo llevé. Es más psicológico, porque cuando no cantás no te enfermás. Me sorprende a veces cómo con la mente podemos arruinar o favorecer el cuerpo”.

En cada una de sus jornadas, el día comienza a primera luz para la soprano: “Me despierto muy temprano, hago pilates y después un buen desayuno, lo más sano posible. Empiezo a vocalizar con el piano durante media hora y después arranco con el repertorio, que dura entre una hora y hora y media. Un día sin cantar para mí es raro”. Este trabajo metódico es lo que le ha permitido desarrollar una carrera de relevancia internacional, actuando en los escenarios más exigentes del mundo.

Ya consagrada, Cangemi compartió su proyecto más ambicioso: “‘Ópera en camino’ busca sacar la ópera a la calle, a través de un camión que se abre como un transformer y permite llegar a pueblos donde la gente no tiene idea de lo que es la ópera. Espero que pronto podamos llevarlo a cabo. Hay que llegar en Sudamérica a todos los pueblos donde la gente no tiene idea, porque la música es transformadora”.

Comparando escenarios internacionales, la soprano fue contundente: “El Teatro Colón es muy diferente. Es más grande, hecho a la italiana en la arquitectura. Cuando debuté en La Scala de Milán con Gustavo Dudamel, pensaba encontrar algo enorme y, sin embargo, eran teatros pequeños. Además, la acústica del Colón es impresionante: hablás y sentís que una persona está al lado aunque esté lejos. Y para mí, es mi país, mi tierra”.

La entrevista completa a Verónica Cangemi

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• De 9 a 12: Gonzalo Sánchez, Maru Duffard, Ramón Indart y Cecilia Boufflet.

• De 18 a 21: Jesica Bossi, Diego Iglesias, Virginia Porcella y Federico Mayol.

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El Teatro Colón, este miércoles 13 de agosto, será el escenario de apertura de Tango BA Festival y Mundial 2025, el encuentro internacional más relevante del género. La jornada incluirá un homenaje a Aníbal Troilo a cincuenta años de su fallecimiento, con la participación de José Pepe Colángelo y la Orquesta Típica Pichuco.

El concierto revisitará el legado de Troilo, a medio siglo de su último recital en el Colón en 1972. Sobre el escenario actuarán músicos de distintas generaciones, entre ellos Manuel Quiroga, Bruno Franco, Emanuel Teper, Carlos Morbidoni, Dalila Álvarez, Pedro Pablo Pedrozo, Guillermo Rubino, Pablo Farhat (violines); Gustavo Barahona, Ignacio Porjolovsky (violas); Martín Baldi, Bruno Bragato (chelos); Lautaro Muñoz (contrabajo); Adrián Enriquez (piano) y Ramiro Boero, Nicolás Ledesma, Yuki Okumura, Lucas Pantarotto y Nicolás Velázquez (bandoneones). La dirección estará a cargo de la Orquesta Típica Pichuco.

Como invitado especial, José Pepe Colángelo, último pianista de Troilo, presentará el estreno de Pichuco en las estrellas de la esquina, una obra compuesta en homenaje al bandoneonista.

El programa incluirá composiciones emblemáticas como “Danzarín”, “Mañanitas de Montmartre”, “Milonguero triste”, “Quejas de bandoneón”, “La cumparsita” y “Responso”. La función busca recuperar el espíritu de Troilo y celebrar su aporte a la tradición tanguera.

Tango BA Festival y Mundial, organizado por el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, constituye una plataforma central para el desarrollo y la proyección del tango a nivel global. La gala en el Colón da inicio a la edición 2025 del festival. Más información en tangoba.org.

Con más de 30 años de trayectoria, el aclamado tenor italiano Andrea Bocelli brindará una velada íntima dedicada a la música clásica el próximo 17 de noviembre, acompañado por una orquesta en vivo, en un entorno sin igual: el Teatro Colón de Buenos Aires.

El concierto, que contará con la producción de DF Entertainment, será la primera vez que Andrea Bocelli se presente en uno de los templos más míticos de la lírica internacional, en una noche que promete quedar grabada en la historia.

Las entradas para esta velada única estarán disponibles únicamente desde allaccess,com.ar desde este martes 12 de agosto a las 10 hs con cualquier medio de pago.

Bocelli ha vendido más de 90 millones de discos, generado más de 16 mil millones de reproducciones y recibido múltiples reconocimientos internacionales, entre ellos 6 nominaciones a los premios Grammy, 6 Latin Grammy, un Globo de Oro, siete Classical BRITs, 7 World Music Awards y una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Ha cantado para presidentes, papas, casas reales y en los eventos más relevantes del planeta, desde los Juegos Olímpicos hasta los premios Oscar.

A lo largo de su carrera, ha compartido escenario con artistas de la talla de Luciano Pavarotti, Celine Dion, Sarah Brightman, Ed Sheeran, Karol G, Ariana Grande, Stevie Wonder, Dua Lipa, Tony Bennett y muchos más, cruzando fronteras entre géneros con una elegancia que lo convierte en una figura sin comparación.

El concierto en el Teatro Colón será mucho más que un show: será una experiencia irrepetible donde la historia, la música y la emoción se fusionarán en un marco inigualable. Una noche para dejarse conmover por la voz de un artista eterno.

Los dos italiano más globales

La estrella del tenis Jannik Sinner se ha aventurado en el mundo de la música, lanzando este viernes un dúo con el renombrado tenor italiano Andrea Bocelli.

La canción, "Polvere e Gloria"(Polvo y Gloria), incluye al tricampeón de torneos Grand Slam, Sinner, quien recita partes de sus discursos de victoria y derrota, grabados en el estudio de Bocelli en la Toscana. “Estoy muy feliz y honrado de formar parte de este proyecto con Andrea, quien durante 30 años ha sido una voz única y extraordinaria, un emblema de nuestro país ante el resto del mundo”, declaró Sinner, número uno del mundo del ranking de tenis masculino.

“Jamás habría imaginado escuchar mi voz en una de sus canciones. Es algo sumamente conmovedor.”, agregó.

Sinner ganó el Abierto de Estados Unidos en 2024 y el Abierto de Australia en 2024 y 2025, además de 19 títulos ATP. Este mes fue subcampeón en el Abierto de Francia sobre polvo de ladrillo en Roland Garros. La canción tiene letras tanto en italiano como en inglés.

El video que acompaña la canción muestra a Sinner y Bocelli, dos de los italianos más famosos del mundo, en un entorno campestre bucólico, sentados junto a un piano. La pieza audiovisual incluye imágenes personales y de archivo de la infancia de ambos, junto con escenas filmadas durante su colaboración en la finca de Bocelli.

El “bambino” de Lajatico

Andrea Bocelli, de 66 años, es un tenor italiano reconocido internacionalmente por su versatilidad en la música clásica y popular. Ha grabado álbumes en colaboración con artistas como Céline Dion, Sarah Brightman y Ariana Grande. Su interpretación de “Con te partirò” y otros éxitos lo consolidó en el panorama musical global. Mantiene una activa carrera tanto en escenarios de música clásica como en proyectos contemporáneos.

Nació en Lajatico, Italia, en 1958. Desde niño mostró interés por la música y poco a poco desarrolló su talento, a pesar de haber perdido la visión casi por completo a los doce años debido a un accidente. Tras graduarse en derecho, comenzó a cantar en bares y participó en concursos de canto, imponiéndose por la calidad de su voz.

El Ballet Estable del Teatro Colón, dirigido por Julio Bocca, celebró el jueves por la noche su cien años de historia. La celebración incluyó a la Orquesta Estable, que también cumple un siglo, dirigida en la ocasión por Manuel Coves y Beatrice Venezi, y al Coro Estable, bajo la dirección de Miguel Martínez.

La actuación evidenció una conexión genuina entre los artistas y quienes asistieron, una cercanía que el público refrendó al concluir el espectáculo con una ovación extendida. Este aplauso expresó con fuerza el reconocimiento a una institución relevante de la cultura argentina y el aprecio por el momento compartido en la sala.

La gala presentó fragmentos de piezas reconocidas del repertorio clásico y contemporáneo, como Don Quijote, Carmen, La sílfide, Jewels: Diamonds, Carmina Burana, After the rain, y se estrenó, a nivel mundial, Partita, una nueva coreografía de Oscar Araiz.

La función contó con la participación de destacadas figuras de la danza nacional e internacional, entre ellas, Marianela Núñez, Wilma Giglio, Tiler Peck, Rocío Agüero, Viengsay Valdés, Ludmila Pagliero, María Celeste Losa, Luana Brunetti Mattion, María Eva Prediger, Emily Bromberg, Natalia Pelayo, Ayelén Sánchez, Camila Bocca, Jiva Velázquez, Facundo Luqui, Federico Fernández, Juan Pablo Ledo, Nicola del Freo, Hernán Cornejo, Ciro Tamayo, Daniel Proietto, Emmanuel Vázquez, Rodrigo Jesús Colomba y Sergio Neglia. Durante el evento se proyectó un video que repasó los principales hitos del ballet a lo largo de estos cien años.

El Ballet Estable del Teatro Colón, dirigido actualmente por Julio Bocca, sostiene desde hace un siglo una programación artística permanente y la construcción de una identidad coreográfica propia. Además, funciona como espacio de formación y transmisión para nuevas generaciones.

La velada, que reunió a artistas y público, destacó el rol del Teatro Colón como referente cultural de la Ciudad de Buenos Aires y escenario de producciones locales e internacionales. El cierre de la función estuvo marcado por una ovación sostenida de la audiencia.

[Fotos: Carlos Villamayor - Juanjo Bruzza/ prensa Teatro Colón]

“100 años de excelencia artística por 100 años más.” Con estas palabras, Gerardo Grieco, director general del Teatro Colón, sintetizó el espíritu de la gala extraordinaria que conmemorará el centenario del Ballet del Teatro Colón. El evento, que se celebrará el jueves 7 de agosto a partir de las 20 hs., no solo rinde homenaje a una tradición centenaria, sino que también subraya la vitalidad y proyección internacional de una compañía que se mantiene en la vanguardia de la danza.

La presentación oficial de la gala tuvo lugar en la sala del Centro de Experimentación del Teatro Colón, donde se reunieron figuras clave de la cultura y la danza. Entre los asistentes destacaron la ministra de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, Gabriela Ricardes; el propio Gerardo Grieco; la directora adjunta del Ballet, África Guzmán; y un elenco de bailarinas y bailarines argentinos que integran compañías internacionales, junto a artistas invitados del exterior y los miembros actuales del Ballet del Teatro Colón.

El programa de la gala se concibe como un recorrido por la historia y el presente de la danza, con una selección de obras que abarca desde los grandes títulos clásicos hasta creaciones contemporáneas. El escenario del Colón se convertirá en un verdadero mapa coreográfico, con piezas emblemáticas como Paquita, La Sylphide, Gopak, El lago de los cisnes, Tchaikovsky pas de deux, Diamonds, El adagio de la rosa, Carmen y Carmina Burana. A estos clásicos se suman propuestas actuales como Chacona, Romance del Diablo, From Earth, After the Rain y Don Quijote, entre otras.

La ministra Gabriela Ricardes destacó el papel de los bailarines como embajadores culturales: “Cada uno de estos bailarines encarna el espíritu del Colón y lo proyecta al mundo”. Subrayó que la gala representa una oportunidad para que el público se acerque a los protagonistas de esta historia y escuche sus voces, en un espacio de encuentro que trasciende generaciones.

El espectáculo reunirá a artistas invitados de altísimo nivel, muchos de ellos argentinos que regresan especialmente para la ocasión. África Guzmán, directora adjunta del Ballet, expresó su entusiasmo al presentar a los invitados: “Verles bailar es un ensueño. Es un placer tenerlos de regreso en casa”. Entre los nombres confirmados figuran Marianela Núñez (The Royal Ballet), María Celeste Losa (Teatro alla Scala), Herman Cornejo (American Ballet Theatre), Wilma Giglio (Royal Danish Ballet), Emmanuel Vázquez (Teatro Municipal de Santiago de Chile), Sergio Neglia (fundador y director artístico de Neglia Ballet Artists), Ludmila Pagliero (Opéra National de Paris), Daniel Proietto (fundador y director de Know Nation), María Eva Prediger (Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín), Rodrigo Colomba (Ballet Folklórico Nacional) y los integrantes del Ballet del Teatro Colón.

La dimensión internacional de la gala se refuerza con la presencia de artistas extranjeros como Nicola Del Freo (Teatro alla Scala), Tiler Peck (New York City Ballet), Emily Bromberg y Viengsay Valdés (directora del Ballet Nacional de Cuba), entre otros. La música en vivo estará a cargo de la Orquesta Estable del Teatro Colón, bajo la dirección de Beatrice Venezi y Manuel Coves, y del Coro Estable del Teatro Colón.

[Fotos: Juanjo Bruzza/prensa Teatro Colón]

La última función del ballet Don Quijote en el Teatro Colón reunió a una multitud que colmó la sala y las veredas del teatro. El espectáculo concluyó con aplausos de pie y muestras de entusiasmo tanto dentro como fuera del edificio.

Marianela Núñez, que encarnó el papel de Kitri, fue la figura central de la noche. Al finalizar la función, salió al encuentro de su público y firmó programas mientras posaba para fotos con los asistentes, que ya la esperaban desde temprano en la entrada principal. Junto a ella, estuvo Patricio Revé, su compañero en el escenario.

Durante la función, también se destacó la presencia de Julio Bocca en uno de los palcos, quien recibió una ovación especial de parte del público. El ambiente festivo se extendió más allá de la sala, con largas filas, cánticos, carteles y un clima de celebración. Para la comunidad del ballet, la noche dejó imágenes que reflejan la adhesión y el fervor por una de las producciones más emblemáticas de la temporada.

Fotos: Juanjo Bruzza [Prensa Teatro Colón].

La ópera Werther de Jules Massenet regresa al escenario del Teatro Colón tras una década de ausencia, pero lo hace con una propuesta que desafía las convenciones habituales del mundo lírico: una función exclusiva para jóvenes menores de 30 años. Esta iniciativa, que forma parte de las nuevas políticas de desarrollo de audiencias del teatro, busca transformar la experiencia operística en una vivencia colectiva y cercana, eliminando el tradicional código de vestimenta y promoviendo la libertad y la participación entre pares de generación.

El miércoles 3 de septiembre a las 20 hs., el Colón abrirá sus puertas para esta función extraordinaria, con entradas a un valor único de 30 mil pesos por localidad. El acceso requerirá la presentación del DNI junto con la entrada, una medida que garantiza la exclusividad del evento para el público joven. Las localidades ya están disponibles tanto en la boletería del teatro, ubicada en Tucumán 1171 y con horario extendido de lunes a sábado de 9 a 20 y domingos de 9 a 17 hs., como a través de la página web oficial.

La propuesta no se limita a la función en sí. Una hora antes del inicio, el foyer del teatro albergará una charla abierta destinada a ofrecer herramientas para disfrutar de la obra desde distintas perspectivas: musical, escénica y dramatúrgica. Esta instancia busca facilitar el acceso intelectual y emocional a una pieza que, por su densidad temática y musical, puede resultar desafiante para quienes se acercan por primera vez al género.

La elección de Werther para esta experiencia no es casual. Considerada la obra más personal y lograda de Massenet, la ópera adapta la novela epistolar Las penas del joven Werther de Johann Wolfgang von Goethe, un texto que marcó un hito en la literatura europea del siglo XVIII.

La historia, centrada en el amor imposible de Werther por Charlotte, una joven comprometida con otro hombre, explora las emociones extremas y el conflicto entre la pasión individual y las normas sociales. El desenlace, el suicidio del protagonista, plantea interrogantes sobre la naturaleza de las decisiones humanas frente a los sentimientos más intensos.

A diferencia de muchas óperas que giran en torno a mujeres consumidas por el amor, Werther se distingue por su enfoque en la psicología masculina y en la intensidad emocional de un joven poeta. La obra no atribuye el desenlace a un destino ineludible, sino a la elección consciente de su protagonista, lo que añade una dimensión ética y existencial al relato. Massenet y sus libretistas enriquecen la trama original de Goethe al dotar de profundidad a los personajes secundarios y al retratar una sociedad donde las pasiones individuales chocan con el peso de la convención y el honor.

La dirección musical estará a cargo de Ramón Tebar, quien liderará a la Orquesta Estable del Teatro Colón, mientras que la puesta en escena llevará la firma de Rubén Szuchmacher.

[Fotos: prensa Teatro Colón]

Miami (EE.UU.), 31 jul (EFE).- El cantautor colombiano Andrés Cepeda dijo en entrevista con EFE que su nuevo disco 'Bogotá Deluxe', que estrenó este jueves, rinde homenaje a la ciudad que lo vio nacer y crecer y que mientras él ha envejecido, "Bogotá cada vez está más joven, más diversa y más grande".

Esta nueva edición especial de su álbum más reciente 'Bogotá', lanzado el pasado abril, incluye tres canciones inéditas: 'Bien', junto a la banda colombiana Morat; 'Próxima estación', de la mano del dúo mexicoestadounidense Ha*Ash, e 'Imagina', con el cantante puertorriqueño Luis Fonsi, con quien graba por primera vez tras años de amistad.

Este proyecto empezó cuando Cepeda regresó a la casa donde nació y creció, en Bogotá, la cual compró para vivir allí de nuevo: "Había ausencias, el tiempo había pasado, los niños no estaban, los viejos no estaban, muchas cosas habían cambiado", relató.

Una sensación de nostalgia y de paso del tiempo que le llevó a empezar este homenaje a su ciudad: "Estuve varias semanas andando por Bogotá, tomando nota, recordando personajes y lugares que han sido importantes para mí".

Para el artista, "cantándole y creando vínculos emocionales con ella, y no solamente habitándola", es "una manera de hacer que una ciudad sea mejor y más amable".

Y en un disco que le canta a la ciudad al pie de los cerros, no podía faltar el grupo Morat que, como Cepeda, se originó en esta misma urbe, y con el que comparte los temas 'Déjame ir' (2020) y 'Mi pesadilla' (2021).

"Me encanta colaborar con ellos porque siento que estoy regresando a esos orígenes", subrayó Cepeda sobre el grupo, que le recuerda a cuando se adentró en el mundo de la música en la década de los 90 con la banda de pop-rock bogotana Poligamia, conocida por temas como 'Desvanecer' y 'Mi generación'.

Aunque es un disco profundamente personal y local, "a cualquier persona que oiga 'Bogotá Deluxe' le puede pasar lo que me pasó a mí cuando escuchaba cantar a Charly García sobre Buenos Aires, a Joaquín Sabina sobre Madrid o a Billy Joel sobre Nueva York", declaró Cepeda, quien pretende que "una persona que no conozca mi ciudad, pueda entender a qué sabe y a qué suena Bogotá".

"Dentro de lo más local y de lo más inmediato están las historias más universales", aseguró, destacando que así logra conectar con personas de diferentes culturas.

"Un buen ejemplo de un colombiano que hizo eso con gran éxito es (el Nobel de Literatura Gabriel) García Márquez, quien compartiendo desde lo más local y provincial, logró llegar a la mente, a las emociones y al interés de lectores en todos los idiomas y en todo el planeta", añadió.

El 6 de agosto, día en que se celebra el aniversario de la capital colombiana, Cepeda presentará el nuevo álbum en el emblemático Teatro Colón de su ciudad, un lugar "muy significativo" para el cantautor, quien recordó que su madre, que falleció cuando él tenía 20 años tras enfrentar un cáncer de páncreas y a quien dedicó el tema 'Bogotá', soñaba con verlo cantar en ese escenario.

El artista bogotano regresó de una gira por Suramérica, Canadá y España, y ahora se prepara para conciertos en Colombia, República Dominicana y Estados Unidos, entre ellos su debut el 2 de noviembre en el James L. Knight Center de Miami, un emblemático escenario de la música latina al que llega con "mucha ilusión".

El próximo año regresará a Europa para continuar su gira, y reveló que acaba de grabar en vivo un disco en formato 'big band' que recorre la historia del jazz, desde Nueva York y Chicago, pasando por Cuba, Puerto Rico y México hasta "vestirse de porro y de cumbia" en Colombia, y que planea presentar entre finales de 2025 y comienzos de 2026.

Tras más de 30 años en la música, que para él ha sido "un viaje muy interesante" por géneros que van desde el rock y los boleros hasta la música caribeña y las baladas románticas, Cepeda se mantiene motivado por un oficio que le encanta, y reconoció que aprende mucho de la interacción con músicos más jóvenes, quienes le transmiten su "ímpetu e ideas diferentes y nuevas".

Blanca Escriche

“Empecé a bailar el pas de deux a los 15 años y terminé haciendo más de 1.500 funciones. Mi Basilio fue evolucionando con la edad y la experiencia; traté de divertirme y sacar sonrisas en la compañía”. Con estas palabras, Julio Bocca sintetizó el espíritu que envuelve la nueva producción de Don Quijote en el Teatro Colón, una propuesta que busca trascender el escenario y acercar la danza clásica a públicos diversos.

Desde el jueves 24 de julio, el Ballet del Teatro Colón, bajo la dirección de Julio Bocca, presentará una versión renovada de este clásico, con funciones programadas hasta el 3 de agosto según la siguiente programación: jueves 24, viernes 25 y sábado 26 a las 20; domingo 27 a las 17; martes 29, miércoles 30 y jueves 31 de julio a las 20; viernes 1 y sábado 2 de agosto a las 20, y domingo 3 a las 17 hs.

La presentación oficial de este espectáculo tuvo lugar en el Foyer del Teatro Colón y reunió a figuras clave de la escena cultural porteña. Entre los asistentes se encontraban la ministra de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, Gabriela Ricardes; el director general del teatro, Gerardo Grieco; el propio Julio Bocca; la asistente de dirección artística, África Guzmán; y varios de los protagonistas de la obra, como Marianela Núñez, María Celeste Losa, Ayelén Sánchez, Rocío Agüero, Patricio Revé, Maynard Miranda Fernández y Jiva Velázquez.

Durante el encuentro, la ministra Gabriela Ricardes subrayó la capacidad del ballet para conectar generaciones y sensibilidades, y destacó la importancia de abrir el proceso creativo al público: “el ballet es un lenguaje universal que conecta generaciones y sensibilidades. Estos encuentros con el elenco permiten mostrar el esfuerzo detrás de escena y acercar el arte a toda la comunidad”.

La dirección artística de Julio Bocca imprime un sello particular a esta producción: enfatizó que la coreografía, a cargo de Silvia Bazilis y Raúl Candal, constituye una versión “corta, precisa y que no pierde la esencia ni la historia de Don Quijote”. Además, valoró la presencia de figuras invitadas como Celeste Losa y Marianela Núñez, quienes provienen de compañías de renombre internacional: la Scala de Milán y el Royal Ballet. Bocca remarcó que su participación se inscribe en el marco de los 100 años de ballet en el Teatro Colón.

La producción incorpora elementos que dialogan con la tradición internacional del ballet. La coreografía general, firmada por Silvia Bazilis y Raúl Candal, se basa en la versión original de Marius Petipa. En la célebre Variación de las copas en Taberna, se suma la coreografía de Mikhail Baryshnikov, lo que refuerza el intercambio con grandes escuelas del mundo. La reposición estará a cargo de la maestra invitada Lorena Fernández Sáez, con producción del teatro uruguayo Sodre. Y la música original de Ludwig Minkus será interpretada por la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, bajo la dirección musical de Manuel Coves.

[Fotos: Juanjo Bruzza/prensa Teatro Colón]

“El mismo día que me mostraron un video con un violín flotando, Julio Bocca me dijo ‘tenemos que hacer algo’. A partir de ahí empezaron a aparecer bahienses por todas partes. Nos pusimos en marcha, y en pocos meses la música volvió. Esto es mucho más que música: es interpretar juntos, expandir horizontes, celebrar lo que somos capaces de hacer cuando trabajamos con un objetivo en común”, expresó Gerardo Grieco, director general del Teatro Colón, al recibir a la Orquesta Escuela de Ingeniero White en el Salón Dorado.

Este viernes por la tarde, la agrupación juvenil de Bahía Blanca ofreció un concierto especial con los instrumentos nuevos que reemplazaron a los perdidos durante las inundaciones que afectaron a la ciudad sureña a comienzos de año.

La jornada no se limitó a la presentación musical. Los integrantes de la orquesta participaron en una visita guiada por el Teatro Colón y recorrieron también Colón Fábrica, profundizando el vínculo entre la institución y los jóvenes músicos. El evento se transformó en una celebración de las posibilidades que surgen cuando el arte y la comunidad se encuentran, y evidenció el compromiso del Teatro Colón con una política cultural que concibe la música como un derecho y al propio teatro como un espacio abierto, dispuesto a acompañar y construir junto a otros.

Pocas semanas después del desastre climático, el Teatro Colón organizó un concierto solidario en su sala principal, con la participación de la Orquesta Académica y el impulso de numerosos artistas y colaboradores. Ese primer gesto solidario, sumado al apoyo de la empresa de energía Grupo DESA permitió la adquisición de los instrumentos que hoy utilizan los chicos y chicas instrumentistas.

La orquesta de Ingeniero White, bajo la dirección de Laura Fuentes Pereira, integra una red nacional de orquestas infantiles y juveniles que promueven el acceso a la cultura y el aprendizaje colectivo. La experiencia en el Teatro Colón representó no solo la recuperación material tras la pérdida, sino también la reafirmación de la música como herramienta de integración y desarrollo comunitario.

[Fotos: Juanjo Bruzza/prensa Teatro Colón]

El Teatro Colón se inauguró en 1908, pero tuvieron que transcurrir setenta años para que tuviera un café de cercanía que conversara con su calificada propuesta artística. Raro para una ciudad que siempre aspiró a emparejarse con las grandes capitales culturales de Occidente. “Setenta años y ningún café” podrían haber sido versos escritos por un poeta observador de los barrios porteños.

El Petit Colón abrió en 1978 en la esquina de Lavalle y Libertad. Ocupa la planta baja de un edificio construido en 1941. Casi en simultáneo con la finalización de la Diagonal Norte. Me cuenta Domingo, el encargado del Edificio Libertad, vecino del Petit Colón, que anteriormente la esquina había sido un establo y luego un garage para carruajes hasta la irrupción del automóvil.

En efecto, en una foto del año 1939 de la Colección Luis Fiori se observa la silueta de una típica construcción de guardacoches tan común en Buenos Aires entre los años 30 y 40 que se presentaban bajo el título de Gran Garaje.

También me informa Domingo que la fecha de apertura del Petit Colón coincidió con la inauguración del Mundial de Fútbol. Pero los puntos de contacto entre el café, que se concibió para ser el salón de reunión de una clase social con abono al máximo coliseo, y los aficionados a nuestro deporte más popular son muchos más. Porque en el mismo lugar donde opera el Petit Colón funcionó una agencia de Armando Automotores, la concesionaria de autos de Alberto J. Armando quien fuera presidente del Club Atlético Boca Juniors.

Domingo hace 33 años que trabaja pegado al Petit Colón. Entró a cubrir una suplencia del encargado titular en 1991 y sigue en su puesto. Más suplente que Ricardo La Volpe del Pato Fillol para el mismísimo Mundial ‘78. Durante sus primeros años en cumplimiento de la suplencia Domingo llegó a conocer a Pepe y Monte, los últimos sobrevivientes del grupo de gallegos que manejaban el café. Muchos empezaron a desprenderse de “puntitos” —como le dicen a la participación societaria— hasta que quedaron los dos mencionados. Luego uno solo mantuvo el 50 % y, finalmente, otro grupo gastronómico compró la totalidad de las acciones y tomó las riendas del negocio en 2005.

En el Petit Colón pude charlar con Hugo, al frente del local desde la llegada de la nueva gestión. Me contó de las mejoras y modificaciones que le hicieron al diseño anterior. Por ejemplo, la reducción del largo de la barra con el fin de ganar más mesas. También la aplicación de placas reductoras de ruidos en el techo para ganar en intimidad durante las conversaciones o introspección en los pensamientos. Dos situaciones que se encuentran fuera de contexto en una zona de la ciudad que, por la proximidad de Tribunales, fiscalías y oficinas, vibra a un ritmo frenético.

El mobiliario del Petit Colón funciona como una continuidad del teatro homónimo. Quien haya sido el regisseur de escena mantuvo la jerarquía de la barra, pese al recorte de su longitud, y su cristalero de bronce. Las paredes las revistió de boiserie y gobelinos. A las mesas les colocó tapas marmoladas —como a la araña principal— y en cada una de las esquinas grabó el logo comercial. Las sillas las tapizó en pana color bordó similar a las butacas de la platea, pero con el respaldo esterillado. Y para reforzar el concepto de Escenario Mayor de Buenos Aires, al televisor —siempre encendido pero en silencio— lo disimuló dentro de un importante marco para cuadro.

La elegancia continúa en el exterior. El servicio en la vereda se ofrece en mesas de tapa redonda con las sillas alineadas contra la vidriera del local para que la vida cotidiana se represente como en un escenario, al estilo de los cafés parisinos. Las sillas exteriores son diferentes. Y este detalle también se apoya en nuestro inconsciente colectivo porque son de un estilo playero, parecido, sin ser exactas, a las que se usaban en los bares bajo la recova de la rambla marplatense para ver y dejarse ver. En definitiva, ir a tomar un café al Petit Colón remite de forma directa a situaciones de goce y descanso.

Otro detalle de excelencia se observa en la indumentaria del personal. Los camareros visten de estricta camisa blanca, con moño, chaleco negro y faldón también albo. La extrema blancura expresa la pulcritud y limpieza del local. Hugo, como responsable a cargo del Petit Colón viste igual al resto, pero en lugar de moño luce un corbatín negro.

Toda la decoración del Petit está vinculada a los artistas que han pasado por el Teatro Colón. Músicos, cantantes y bailarines son recordados a cada paso. Algunos como Paloma Herrera o Daniel Baremboim han dejado sus fotos firmadas con dedicatoria. También hay gran cantidad de retratos de —esto es una opinión personal— el porteño más porteño que vivió completo todo el siglo XX: Enrique Cadícamo.

Entre tanta singularidad dentro del frondoso repertorio cafetero de la ciudad, el detalle que definitivamente lo distingue, es su sótano. Al pie de la escalera que conduce al subsuelo se luce una obra del pintor argentino Camilo Lucarini. Es una pintura de una recova donde las mesas de los cafés se suceden en todo su largo. Camilo Lucarini nació y murió en Buenos Aires. De joven se trasladó a Europa para continuar con sus estudios en Bellas Artes. En el sitio Los Coleccionistas, Pintura Argentina, se menciona que sus obras de animales salvajes integran las colecciones de Christina Onassis, Thierry Roussel, Amalia Fortabat, Claudio Z. Thyssen y Sean Connery.

El sótano del Petit Colón es un refugio anti fin de los tiempos. Las mesas son similares a las del piso superior, pero agrupadas para fomentar las reuniones grupales. Todas las sillas tienen apoyabrazos y el espacio también dispone de sillones de varios cuerpos forrados en cuero. El piso está alfombrado. Una pequeña isla en el medio del salón ofrece todo tipo de bebidas alcohólicas. Sin embargo, entre tantos estímulos, el detalle es el botón incrustado en todas las mesas que sirve para llamar al servicio que solo circula por la planta baja. Dato de interés: todos los días a toda hora el sótano está abierto al público. Aunque vayan solos y sean los únicos que se refugian en su interior. Sentarse en alguna de sus mesas es todo lo contrario a la tan gastada frase “salir de la zona de confort”, en este caso es introducirse. El único contacto con la vida del exterior dentro de este búnker es la vibración que produce el subte de la línea D cuando circula entre las estaciones Tribunales-Teatro Colón y 9 de Julio.

Le pregunto a Hugo por la gastronomía del Petit. Sospecho que debe ser imponente. Y es tal cual. Me dice que toda la pastelería se produce en el lugar. Y que recomienda probar los platos estrella del cocinero Julio Saracho: Lomo a la pimienta y Callos a la madrileña. Saracho, como Hugo, lleva dos décadas en la cocina del Petit Colón. Mientras Hugo me describe otras obras de arte culinarias realizadas por Saracho me imagino en el sótano tocando el timbre para pedir la reposición de otra botella de un exquisito vino para maridar con los callos.

El Petit Colón puede alardear de haber atendido a tres argentinos que resultaron presidentes: Eduardo Duhalde, Alberto Fernández y Javier Milei. Aunque, sin duda, son miembros del Poder Judicial quienes completan sus mesas a diario. El Petit Colón debe ostentar la mayor cantidad de corbatas por metro cuadrado de todos los cafés de Buenos Aires.

Retomo la observación sobre los nexos entre el fútbol y el Petit Colón. Pero en este caso no por hechos relacionados con el Mundial Argentina ‘78. Tampoco es por Boca Juniors, aunque sí por su archirrival: River Plate. En la charla con Hugo surge el recuerdo de cuando se llevó a cabo el juicio contra los hermanos Schlenker que concluyó con la cadena a reclusión perpetua como instigadores del homicidio de Gonzalo Acro. Miembros de la barra riverplatense, conocida como Los borrachos del tablón, circulaban por el Petit Colón alterando la tranquilidad del café. Los líderes de las facciones que se disputaban el control del paravalanchas, cuyos rostros y nombres se emitían por la televisión del local, ocupaban las mesas. Algunos habitués alzaron sus voces contra los foráneos de cuestionables actividades. Pero la cosa no pasó a mayores. El juicio terminó y no volvieron a pasar. Así, el Petit Colón retomó la puesta en escena cotidiana diseñada por su regisseur. El telón no se mancha.

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Una de las firmas que encarna ese recorrido es Fontenla, que hoy se posiciona como un referente global.

Su huella en el sector combina artesanía, innovación y una visión que le ha permitido transformar espacios emblemáticos.

El recorrido de esta firma por el universo del diseño de élite comenzó con proyectos de restauración y embellecimiento en algunos de los lugares más icónicos de Argentina. Uno de los hitos más destacados fue la restauración de más de 2.500 sillas en el Teatro Colón, un trabajo que requirió la intervención de manos expertas y procesos de producción avanzados.

Entre los establecimientos que han confiado en el diseño y mobiliario de Fontenla se encuentran el Alvear Palace, Alvear Icon, Faena, Four Seasons, City NH, Hotel Emperador, Llao Llao, Hyatt, Marriott Panamericano, entre otros.

Las creaciones de esta compañía que comenzó en el seno de una familia no solo embellecieron hoteles y residencias, sino también espacios institucionales de relevancia.

En el ámbito gubernamental, la firma ha restaurado el mobiliario histórico de la Casa de Gobierno, la Presidencia de la Nación, el Salón Azul y el Recinto del Senado de la Nación, así como el mobiliario de la Cancillería. Además, ha trabajado para la Auditoría General de la Nación, el Banco de la Provincia de Buenos Aires, el Banco Central de la República Argentina, el Consejo de la Magistratura y la Cámara de Diputados. Estos proyectos han contribuido a preservar y realzar el patrimonio institucional del país.

En el sector comercial, la presencia de Fontenla es igualmente significativa: ha participado en proyectos para Aeropuertos Argentina 2000, Sancor Seguros y American Express. En el ámbito de la salud, destaca su colaboración con Swiss Medical Group, entre otras instituciones.

Así, esta proyección internacional ha llevado sus creaciones a ciudades como Dubái, Nueva York, Madrid, Miami y Punta del Este. La artesanía argentina de la marca adorna espacios tan emblemáticos como la Torre Trump en Miami, el Hotel Carrasco en Uruguay, el Sheraton en Chile y el Sofitel en República Dominicana.

El orgullo por los logros alcanzados y la ambición de seguir creciendo se reflejan en las palabras de los directivos de la empresa.

Federico Fontenla, uno de los líderes de la firma, expresó: “Es un orgullo contar los trabajos que nos marcaron a nivel nacional e internacional, como también hablar de los sueños que todavía nos quedan por cumplir”.

Por su parte, Fernando Fontenla afirmó: “Todos estos desarrollos muestran quiénes somos y hacia dónde vamos”.

Finalmente, Roberto Fontenla, considerado el alma máter de la compañía, subrayó: “Desde Argentina seguimos llevando diseño y talento a los hoteles más prestigiosos y a los hogares más especiales, en nuestro país y en distintos rincones del planeta”.

La reciente reapertura de la tienda insignia en Arenales 1359, en la Ciudad de Buenos Aires, marca un nuevo capítulo en la historia de la empresa. El local, con más de 700 metros cuadrados distribuidos en tres pisos y un entrepiso, se presenta como un oasis para los amantes del diseño. La planta baja destaca por su amplitud y un innovador “pulmón verde central” que aporta armonía y una conexión directa con la naturaleza. Cada nivel del edificio, de gran valor histórico y arquitectónico, está concebido para exhibir diferentes universos estéticos, permitiendo la convivencia de diversas colecciones bajo una identidad de marca unificada.

Las dos vidrieras principales del local funcionan mostrando las últimas tendencias en diseño interior, atrayendo tanto a profesionales como al público general en busca de inspiración.

En esta nueva tienda se encuentran las colecciones Nuda & Nuvola, alineadas con las tendencias globales del diseño de lujo. Para interiores, destacan las líneas Labbra, Vossa, Terra, Puro y Esencia, que apuestan por una estética orgánica y sofisticada. Para exteriores, las colecciones Santorini, Bakú, Amalfi y Saint Tropez combinan confort y resistencia, adaptándose a las exigencias de los ambientes al aire libre.

La inspiración de Fontenla proviene tanto de su trayectoria como de un análisis profundo de las mejores marcas de lujo internacionales, desde Milán y Nueva York hasta Tokio. La morfología de sus colecciones fusiona tendencias orgánicas de alta gama con estilos japandi, minimalismo italiano y diseño escandinavo, generando ambientes relajantes, armónicos y elegantes.

La paleta cromática de la tienda anticipa las tendencias de 2025, con tonos tierra inspirados en la naturaleza: beige, marrón, visón, terracota y grises, complementados por acentos en verdes y azules. En cuanto a materiales, la propuesta abarca desde placas de Dekton o Neolith hasta revestimientos en madera, PVC y empapelados. Los géneros incluyen telas náuticas para exteriores, chenille y cuero para interiores, junto a elementos decorativos de vanguardia.

Federico Fontenla, vicepresidente de la marca, destacó: “Los clientes encontrarán no solo muebles de alta gama, sino también soluciones integrales en iluminación, revestimientos y decoración, junto al expertise de nuestro equipo para solucionar las necesidades de cada cliente”.

Por su parte, Roberto Fontenla, presidente de la firma, añadió: “Buscamos lo suntuoso, lo especial, lo distinto, junto a las tendencias que marcan el nivel de competitividad en el mundo. Esta tienda refleja nuestra visión de ser referentes en diseño de élite para Argentina”.

Cada colección en la nueva tienda representa la visión de crear espacios exclusivos donde belleza y funcionalidad se integran, brindando soluciones integrales para el diseño de interiores y elevando el estándar de la alta gama en el país.

En el corazón de la tienda, se ha inaugurado un espacio especial para Sofía Willemoës, quien regresa a Arenales con un spot propio dentro del mega store. Desde su atelier en Buenos Aires y con presencia en Nueva York, Los Ángeles, París y próximamente Madrid, la diseñadora despliega murales panorámicos, empapelados oníricos y géneros que narran historias a través del arte y la naturaleza.

Con la tienda de Recoleta y 11 puntos de venta adicionales, Fontenla reafirma su apuesta por la innovación y la expansión, y se consolida como referente indiscutido en la industria del diseño y la decoración de alta gama, tanto en Argentina como en el escenario internacional.

El libreto de E. M. Forster y Eric Crozier explora el enfrentamiento entre la ley y la conciencia moral en un contexto cargado de tensión. La narrativa se desarrolla con una intensidad notable, característica poco frecuente en el repertorio operístico tradicional. El conflicto central se convierte en el motor de la obra, ofreciendo situaciones donde la rectitud legal y los dilemas internos se entrelazan de manera dramática.

Un ambiente sobrio aumenta la sensación de tensión y dramatismo sin recurrir a elementos visuales superfluos o interpretaciones unívocas. La forma en que el equipo creativo ha construido el espacio escénico resalta la carga emocional del argumento, y la calidad de la escritura musical exigida por Britten se ve reforzada por la forma en que los elementos visuales interactúan con la complejidad coral y orquestal.

La historia de ‘Billy Budd’

Legitimado por su posición, Claggart observa, desea, condena. Su crueldad, lejos de originarse en el poder, surge de la impotencia: de anhelar ser o poseer aquello que no comprende. Ese odio inexplicable hacia Billy Budd revela un deseo oculto, una forma distorsionada de amor que solo encuentra salida en la destrucción. Esta interpretación, que Benjamin Britten y sus libretistas no explicitan pero insinúan con intensidad, cobra una inquietante vigencia en la actualidad. En una época donde la crueldad resurge como respuesta al deseo o al rechazo de la diferencia, la ópera se reafirma como una obra imprescindible. La nueva producción del Teatro Colón la presenta con inteligencia, rigor y una profunda actualidad.

La puesta en escena, dirigida por Marcelo Lombardero y con dirección musical de Erik Nielsen, ofrece una lectura de claridad y profundidad sobre el conflicto central de la ópera, donde ley, conciencia y poder se tensan hasta el límite. El libreto, escrito por E. M. Forster y Eric Crozier a partir de la novela homónima de Herman Melville, sirve de base para una exploración escénica que aprovecha al máximo las posibilidades del espacio. El regisseur Marcelo Lombardero expande el espacio tanto vertical como horizontalmente, e incluso incorpora la propia sala al universo dramático.

La escenografía, flexible y dinámica, permite transitar entre lo colectivo y lo íntimo, articulando zonas de gran escala con espacios de cercanía. A este diseño se suma el uso de proyecciones, concebidas con un sentido simbólico y estructural. Desde el inicio, el reflejo del agua proyectado sobre el escenario —como visto desde abajo, desde la perspectiva del cuerpo sumergido de Billy Budd— marca la fatalidad y sumerge al espectador, tanto literal como metafóricamente, en el mundo de la ópera.

En el plano musical, la labor del coro destaca por su excelencia y solidez a lo largo de toda la función, aportando profundidad a la obra. La orquesta, bajo la dirección de Erik Nielsen, ofrece una interpretación rigurosa y sensible, dotando de cohesión a cada sección dramática de la partitura y articulando los momentos de tensión y las pausas necesarias para la narrativa musical.

La producción del Teatro Colón logra articular con precisión los distintos niveles de la obra, desde la escenografía hasta la interpretación musical y vocal, reafirmando la vigencia de Billy Budd como una pieza fundamental en el repertorio operístico contemporáneo.

Luego de su estreno en la noche del martes, tiene funciones previstas el miércoles 2, jueves 3, sábado 5 y martes 8 a las 20; domingo 6 a las 17; jueves 10 y sábado 12, a las 20 hs. Las localidades pueden adquirirse en la boletería de Tucumán 1171, de lunes a sábado de 09 a 20 y los domingos de 09 a 17, o a través de la página web oficial del teatro.

Por primera vez en su historia, el Teatro Colón presenta la ópera Billy Budd de Benjamin Britten, una obra monumental basada en la novela de Herman Melville. La producción, con dirección musical de Erik Nielsen y dirección escénica de Marcelo Lombardero, se estrena el martes 1 de julio a las 20 y tendrá funciones el miércoles 2, jueves 3, sábado 5 y martes 8 a las 20; el domingo 6 a las 17. Se agregaron, además, dos presentaciones debido a la alta demanda de público: el jueves 10 y el sábado 12, también a las 20 hs.

Las localidades pueden adquirirse en la boletería del Teatro (entrada por Tucumán 1171), de lunes a sábado de 09 a 20 y los domingos de 09 a 17, o a través de la página web oficial del teatro.

La llegada de Billy Budd al escenario del Teatro Colón marca un hito en la programación del coliseo lírico. Compuesta en 1951, la ópera de Benjamin Britten se apoya en un libreto en inglés de E. M. Forster y Eric Crozier, y se distingue por una escritura orquestal y coral de gran complejidad. El conflicto central, que enfrenta la ley y la conciencia, se despliega con una intensidad poco habitual en el repertorio operístico.

La puesta en escena, a cargo de Diego Siliano en la escenografía, Luciana Gutman en el vestuario y José Luis Fiorruccio en la iluminación, crea un espacio sobrio y cargado de tensión. Esta concepción escénica potencia la acción dramática sin imponer una interpretación única, permitiendo que el público se enfrente a los dilemas éticos y existenciales que plantea la obra.

El elenco alterna a destacados intérpretes internacionales. John Chest y Sean Michael Plumb asumen el papel de Billy Budd, mientras que Toby Spence y Stephen Costello encarnan al Capitán Vere. Sus interpretaciones, sólidas y expresivas, enriquecen la dimensión humana del conflicto y aportan matices a una trama que explora la lucha entre el bien y el mal, la justicia y la legalidad. Gerardo Grieco, director general del Teatro Colón definió a Billy Budd como “la ópera del año”, una afirmación que resume el entusiasmo institucional por este estreno.

Por su parte, Marcelo Lombardero profundizó en los temas centrales de la obra: “En toda la literatura dramática de Britten está presente esta idea de la estigmatización del más débil, de la mirada de la violencia ejercida desde el poder. Billy Budd representa la lucha del bien y del mal. Claramente estas cosas nos resuenan, la guerra, la violencia ejercida sobre el más débil. Hay algo que es central en la historia, que es la diferencia entre lo legal y lo justo, que generalmente no son lo mismo. El orden legal es un orden establecido por seres humanos mediocres que responde a intereses claros, que juegan para los más poderosos.”

Por su parte, el director musical asistente Pedro Bartolomé, quien trabajó junto a Erik Nielsen en la preparación de la obra, compartió una anécdota sobre el lugar de Britten en la historia de la música: “La madre de Britten le dijo que él tenía que ser la cuarta B: Bach, Beethoven, Brahms y Britten. Ese es el panorama con el que arrancó su carrera musical. El respeto que tiene cada una de sus notas escrupulosamente escritas con un detalle ínfimo desde el mínimo punto, al mínimo silencio, al mínimo ataque es el nivel interpretativo que necesita."

[Fotos: Juanjo Bruzza/prensa Teatro Colón]

El clima que propició la Orquesta Académica del Colón, con sus fabulosas interpretaciones de Bach y a Beethoven, terminó de darle forma a la emocionante gala que la Fundación Esteban Bullrich organizó en el teatro más emblemático de la Argentina con el fin de recaudar fondos para continuar sus trabajos de formación de médicos y enfermeros en el combate a la Esclerosis Lateral Amiotrófica (ELA).

“La vida es hoy” es el nombre que las autoridades de la Fundación eligieron para enmarcar esta jornada solidaria en el Teatro Colón de Buenos Aires. La fecha designada no ha sido casual: este sábado 21 de junio se celebra justamente el Día Internacional de la Esclerosis Lateral Amiotrófica.

Esteban Bullrich, ex ministro de Educación y ex senador, fue diagnosticado con esta patología en 2021 y, desde ese momento, él y su familia se pusieron al frente de la concientización sobre esta enfermedad crónica que afecta las neuronas y la médula espinal hasta provocar la pérdida del control muscular.

Por supuesto, Bullrich estuvo en el Colón acompañado de su esposa, María Eugenia Sequeiros, y sus hijos Agustín, Lucas y Paz. También estuvieron sus hermanos y sus padres.

La gala fue conducida por el periodista José Del Río y la directora ejecutiva de la Fundación, Agustina Burgnard. En uno de los palcos del Colón se vio al jefe de Gobierno porteño, Jorge Macri, junto a su esposa, María Belén Ludueña, y al jefe de Gabinete porteño, Gabriel Sánchez Zinny.

El objetivo de la gala, que tuvo un lleno prácticamente total del Colón, fue recaudar fondos para continuar con el trabajo que lleva adelante la Fundación desde 2022 y que hasta la fecha acompañó a 726 familias, formó a 4.251 estudiantes y profesionales de la salud y cuenta con 34 organizaciones aliadas y 162 voluntarios.

La Orquesta Académica del Colón tuvo una actuación deslumbrante que constó de dos etapas. Apenas pasadas las 4 de la tarde, bajo la batuta del director Juan Miceli, interpetaron el Concierto de Brandeburgo n° 2 en fa mayor, de Johann Sebastian Bach (1685-1750) y luego la Sinfonía n° 2 en re mayor, op.36, de Ludwig van Beethoven.

Sequeiros agradeció en el final de la gala la presencia y colaboración del público y tuvo palabras especiales para su marido. “Gracias por tu fuerza de voluntad, tu perseverancia. Tu cuerpo está frenado pero no están frenadas tus ideas, tus intereses por la historia, por ver una Argentina unida, por la actualidad, por la cocina. Por inspirarnos cada día y seguir dándonos consejos increíbles para los chicos”, dijo.

Qué es la ELA

La ELA es una enfermedad degenerativa del sistema nervioso de causa desconocida. Afecta a las neuronas motoras del cerebro y de la médula espinal, y de manera progresiva produce la parálisis generalizada de los músculos de los brazos y las piernas, los músculos fonatorios, de la deglución y los músculos respiratorios.

En el 90% al 95% de los casos la enfermedad ocurre de manera esporádica, es decir, al azar. Solo entre un 5% y un 10% se debe a causas hereditarias.

En la actualidad, los tratamientos farmacológicos disponibles solo retrasan el progreso de los síntomas por lo que reviste gran importancia el abordaje interdisciplinario de los pacientes y su entorno.

Por su baja incidencia, la ELA es considerada una enfermedad poco frecuente. De acuerdo a un estudio de pacientes del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, la ELA afecta a 3,25 personas cada 100.000 habitantes, mayormente entre 55 y 65 años. Se estima que en Argentina afecta entre 2.000 a 3.000 personas.

Pero la Fundación Esteban Bullrich cuenta con un registro voluntario de pacientes (se llama “RegistELA”) que al momento lleva relevadas a 858 personas que padecen la enfermedad: 529 son hombres y 329 mujeres en todo el país. En muchos casos se trata del único paciente con estas características en su localidad.

El Mes de la ELA

Con ejes en el acompañamiento a familiares y pacientes que padecen esclerosis lateral amiotrófica (ELA), en la formación de profesionales de la salud y en la concientización de la sociedad, a lo largo del mes de junio, la Fundación Esteban Bullrich realizó distintas actividades que concluyeron con la gala solidaria del Teatro Colón.

La agenda del Mes de la ELA comenzó el 4 de junio con el encuentro virtual de familias y pacientes “Cuidar a los que cuidan”, un espacio de intercambio en el que la Fundación, junto a los profesionales del proyecto “Dar Cuidado”, brindaron una capacitación a las familias que transitaban la ELA.

El miércoles 11, en asociación con la Universidad Nacional del Litoral y el Centro de Especialidades Médicas Ambulatorias (CEMAFE), se llevó a cabo el encuentro de formación “Santa Fe habla de ELA” con los objetivos de contribuir en la formación específica de profesionales de la salud y estudiantes de carreras afines; mejorar la detección temprana y acompañamiento de pacientes en los efectores de salud; y propiciar el desarrollo de una red de referentes locales.

El viernes 13, en el aula magna del Hospital Fernández, se desarrollaron las “Jornadas Multidisciplinarias sobre Enfermedades de las Neuronas Motoras 2025” destinadas a equipos de salud. Allí, destacados profesionales abordaron los últimos avances sobre ELA; diagnóstico; manejo respiratorio y nutricional del paciente; rehabilitación y dispositivos de apoyo; cuidados paliativos, y también aspectos legales de los pacientes.

En tanto, el jueves 19, junto a estudiantes de carreras de Ciencias Médicas de la Facultad de Medicina de la Universidad Nacional de Buenos Aires (UBA), se llevó a cabo el “Encuentro Interdisciplinario sobre ELA”, donde especialistas de neurología, nutrición, fonoaudiología, kinesiología y enfermería expusieron sobre esta patología.

El 25, la Fundación realizará el encuentro virtual “Vivir la ELA en Familia”, un espacio de intercambio y contención que contó con la guía del equipo interdisciplinario de la Red Cruzar.

A fines de junio se producirá el egreso de la 1° Cohorte de Curso Enfermería en Cuidados Integrales de Pacientes con ELA, una formación de alcance federal organizada por la Fundación en conjunto con la Cruz Roja Argentina y la Fundación Navarro Viola.

El acto de graduación será el próximo 17 de julio en la Fundación Navarro Viola donde los 37 egresados de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Buenos Aires, Salta, Jujuy, Neuquén, Entre Ríos y Córdoba compartirán sus trabajos finales y recibirán sus diplomas.

El Ballet Estable del Teatro Colón inicia una nueva etapa bajo la dirección artística de Julio Bocca al presentar Don Quijote, uno de los clásicos del repertorio académico. El estreno está previsto para el jueves 24 de julio, con funciones a lo largo de dos semanas.

La puesta en escena cuenta con la coreografía general de Silvia Bazilis y Raúl Candal, inspirada en la versión original de Marius Petipa, a la que se suma la coreografía de Mikhail Baryshnikov para la Variación de las copas en Taberna, una elección que reafirma el diálogo con las grandes tradiciones internacionales. Lorena Fernández Sáez será la repositora invitada y la producción corresponde al Sodre.

La música original de Ludwig Minkus estará interpretada por la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, bajo la dirección musical de Manuel Coves. La escenografía y el vestuario están diseñados por Hugo Millán y la iluminación es de Pablo Pulido.

Entre los bailarines invitados para los roles de Kitri y Basilio figuran Celeste Losa y Nicola Di Freo (funciones del 30 de julio y 2 de agosto) y Marianela Nuñez junto con Patricio Revé, el 31 de julio y el 3 de agosto.

Las funciones tendrán lugar el jueves 24, viernes 25, sábado 26, domingo 27, martes 29, miércoles 30 y jueves 31 de julio, además del viernes 1°, sábado 2 y domingo 3 de agosto. Todas comenzarán a las 20, salvo los domingos 27 de julio y 3 de agosto, programados para las 17.

Las entradas para las funciones del 25, 26, 29, 30 y 31 de julio estarán disponibles desde el viernes 13 de junio a las 12 a través del sitio oficial www.teatrocolon.org.ar, así como en la boletería del teatro (Tucumán 1171), abierta de lunes a sábados de 9 a 20 y domingos de 9 a 17.

Fotos: Arnaldo Colombaroli (gentileza prensa Teatro Colón).

Este año, el Teatro Colón conmemora cien años desde la creación de sus cuerpos estables: el Ballet, el Coro y la Orquesta Estable. La fecha invita tanto a repasar una historia extraordinaria como a reconocer cómo esa decisión estratégica de 1925 sigue definiendo la identidad cultural de Buenos Aires y proyectando su arte en el mundo. En ese marco, el Teatro presenta Cien años de los Elencos Estables del Teatro Colón, una publicación conmemorativa que rinde homenaje a las generaciones de artistas que dieron vida a este proyecto colectivo, reafirmando el compromiso con la excelencia que distingue a la institución.

La historia de estos elencos está estrechamente ligada a la del propio Teatro Colón. Concebido en el siglo XIX e inaugurado en 1908, el Colón fue desde sus orígenes una de las grandes apuestas culturales de la Argentina moderna. Con una arquitectura monumental y una acústica reconocida internacionalmente, pronto se comprendió que su grandeza estructural debía sostenerse con una política artística de largo aliento. La creación de cuerpos estables fue la respuesta a ese desafío: una apuesta por la formación permanente, la transmisión del conocimiento y la consolidación de un lenguaje artístico propio.

Hasta entonces, las temporadas del Teatro se alimentaban de compañías extranjeras que llegaban con sus producciones y artistas, lo que implicaba altos costos y una programación muchas veces discontinua. La fundación del Ballet, el Coro y la Orquesta Estable marcó un punto de inflexión. Permitió reducir la dependencia del circuito europeo y, al mismo tiempo, sentar las bases de una tradición local con identidad y continuidad. Fue una decisión con visión de futuro que, con el paso del tiempo, posicionó al Colón como uno de los grandes teatros de producción del mundo.

El libro recorre esa trayectoria a través de hitos fundamentales y de voces que, a lo largo del tiempo, fueron construyendo la identidad de los cuerpos artísticos del Teatro. Desde los primeros ensayos hasta las grandes noches de estreno; desde la formación de técnicos, maestros y directores, hasta las giras, las crisis y los renacimientos. En sus páginas resuena no solo el legado de los grandes nombres, sino también el trabajo silencioso de quienes sostuvieron, con profesionalismo y entrega, el pulso cotidiano de una institución en permanente movimiento.

A lo largo de estas décadas, el Teatro Colón no se limitó a consagrar artistas. También ayudó a expandir el ecosistema de las artes en todo el país. Muchos de sus músicos, cantantes, bailarines y técnicos se transformaron luego en docentes, gestores y referentes en otras instituciones. La transmisión generacional ha sido, y sigue siendo, una de las claves del Colón como proyecto cultural.

En ese sentido, el libro funciona como homenaje y como reafirmación: la excelencia no es un punto de llegada, sino un trabajo constante. La decisión de formar cuerpos estables fue, ante todo, una política cultural sostenida en el tiempo, que apostó por el desarrollo artístico desde la base. En un presente desafiante para las instituciones públicas, esa lógica de continuidad cobra una relevancia renovada.

Los festejos por este aniversario no se limitan a mirar el pasado. En su labor cotidiana, el Teatro Colón sigue construyendo ciudadanía a través del arte: cada función, cada ensayo, cada instancia de formación es también un gesto de transmisión y de apertura. Desde los ciclos educativos hasta las políticas de accesibilidad, desde la producción de nuevos títulos hasta la participación en grandes eventos internacionales, el Teatro reafirma su vocación pública y su compromiso con una cultura viva, exigente y plural.

El arte nos une. La historia nos inspira. Y en ese entramado de voces, gestos y decisiones que se suceden desde hace un siglo, los elencos estables del Teatro Colón siguen siendo el corazón artístico de un proyecto cultural que nunca dejó de mirar al futuro.

[Fotos: gentileza Teatro Colón]

En conmemoración del centenario del nacimiento del compositor italiano Luciano Berio, el Teatro Colón organiza una serie de actividades que reúne conciertos, charlas y experiencias de escucha, protagonizadas por referentes nacionales e internacionales de la música contemporánea. El ciclo, articulado entre el Colón Contemporáneo, el Centro de Experimentación (CETC) y la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, se extiende del 28 de junio al 2 de julio, con una agenda que destaca la obra y el legado de Berio, uno de los grandes pioneros de la música del siglo XX.

El homenaje tiene su apertura el sábado 28 de junio a las 20:00 en la Sala Principal del Teatro Colón, donde la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires interpretará Sinfonía, de Luciano Berio, y Circulating Ocean, de Toshio Hosokawa, bajo la dirección de Tito Ceccherini.

El domingo 29 de junio a las 17:00, el CETC será escenario del concierto homenaje a cargo del centro de investigación musical italiano Tempo Reale, fundado por Berio y dirigido en la actualidad por Francesco Giomi. El programa incluye obras de Berio, Bruno Maderna, Sylvano Bussotti y del propio Giomi, con la interpretación de Monica Benvenuti (voz), Claudia Bucchini (flauta) y Tempo Reale (Francesco Canavese y Francesco Giomi) en la dirección sonora y electrónica en vivo, con el apoyo del Instituto Italiano de Cultura de Buenos Aires.

El martes 1 de julio a las 20:00, el ensayista y crítico musical Pablo Gianera coordina la actividad Berio: una enciclopedia musical, una noche de escucha dedicada al análisis y reflexión sobre la obra del compositor, realizada con el acompañamiento de Artlab.

El cierre de la celebración se realizará el miércoles 2 de julio a las 20:00 en el CETC, con una audición de nueva música electroacústica curada por Germán Campos. El programa incluye piezas de Luciano Berio junto con compositores como João Pedro Oliveira, Mario Mary, David Bastien, Eduardo Gilio, Germán Campos y Pedro Castillo Lara. En esta instancia y en la anterior se empleará un sistema de audio de alta fidelidad que incluye los históricos parlantes Altec A7 “The Voice of the Theatre”.

Luciano Berio, cuya obra abarca desde la experimentación sonora hasta la relación de la música con la poesía, el teatro y la antropología, marcó un hito en la historia de la música italiana e internacional. Creó en 1954 el Studio di Fonologia Musicale en la RAI de Milán, primer laboratorio italiano de música electrónica. Entre sus composiciones sobresalen Sinfonia para voces y orquesta y la serie Sequenza para solistas, piezas emblemáticas en la historia de la música contemporánea.

Las entradas para todas las funciones pueden adquirirse a través de la web oficial del Teatro Colón (www.teatrocolon.org.ar) o en la boletería del teatro, en Tucumán 1171.

El martes 14 de junio a las 20, la pianista china Yuja Wang, referente indiscutida de la escena internacional, actuará en el Teatro Colón en el marco del ciclo Grandes Intérpretes. Estará acompañada por la Mahler Chamber Orchestra y el concertino José María Blumenschein.

Wang abordará un programa que incluye el Concierto en mi bemol mayor Dumbarton Oaks, de Igor Stravinsky, el Concierto n° 2 para piano de Chopin, la Obertura Coriolano de Ludwig van Beethoven y el Concierto para piano n.º 1 en si bemol menor de Piotr Ilich Tchaikovsky.

Reconocida tanto por su virtuosismo como por su carisma y presencia escénica, Yuja Wang actuó junto a los directores, solistas y agrupaciones más destacados. Nacida en una familia de músicos, comenzó sus estudios de piano a los seis años. Recibió formación avanzada en Canadá y en el Curtis Institute of Music de Filadelfia bajo la tutela de Gary Graffman.

Su consagración internacional llegó en 2007, cuando reemplazó a Martha Argerich como solista con la Boston Symphony Orchestra. En 2009 firmó contrato exclusivo con Deutsche Grammophon, y desde entonces su carrera experimentó un crecimiento sostenido, acompañada por la publicación de álbumes elogiados por la crítica. Acumula cinco nominaciones al Grammy y recibió su primer galardón en 2023 como Mejor interpretación instrumental clásica por The American Project, además de un premio Opus Klassik en la categoría Concierto.

En la música de cámara, mantiene colaboraciones estables con artistas de referencia y recientemente emprendió una gira de recitales a dúo con el pianista Vikingur Ólafsson, con conciertos en América del Norte y Europa. Actualmente es Artista en Residencia tanto de la Mahler Chamber Orchestra como de la Filarmónica de Nueva York, y este año inaugurará la temporada 2025-2026 del Carnegie Hall, donde dirigirá desde el piano el Concierto para piano n.º 1 de Tchaikovsky.

La Mahler Chamber Orchestra, fundada en 1997, se consolidó como una de las agrupaciones de cámara más influyentes de la escena internacional, con base en Europa y gran reconocimiento por su excelencia artística.

El ciclo Grandes Intérpretes próximamente incluirá a Benjamin Bernheim junto con Carrie-Ann Matheson, el 18 de junio, y Jessica Pratt, con Kamal Khan, el 27 de junio.

Las entradas para estos conciertos están a la venta en la web del teatro o personalmente en la boletería (Tucumán 1171), de lunes a sábados de 9 a 20 y domingos de 9 a 17.

[Fotos: Konzerthaus Wien © Julia Wesely/prensa Teatro Colón]

El pasado 28 de mayo, Systema Solar publicó en plataformas digitales Futurx Primitivx 20|25, su cuarto trabajo discográfico y uno que trasciende lo musical para convertirse en un tributo a la ancestralidad, la tierra y las raíces multiculturales de este colectivo, que durante casi dos décadas se volvió fundamental para entender las fusiones musicales en Colombia.

Con su habitual mezcla de ritmos tradicionales y sonidos electrónicos, esta cuarta producción celebra la identidad, la resistencia y la vida comunitaria, oscilando entre la alegría, la melancolía y la necesidad de que la humanidad se reconecte con la naturaleza en un panorama más definido por la relación de esta con los avances tecnológicos.

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Con esta placa, Systema Solar rinde sus respetos a las comunidades indígenas y su visión del mundo, y son los que impulsan la presentación oficial de esta producción el próximo sábado 7 de junio en el teatro Colón de Bogotá, prometiendo una experiencia multisensorial cargada de música, baile y visuales.

Además, se ofrecerán actividades complementarias para introducir y explorar junto a los asistentes las raíces culturales que impulsaron la creación de Futurx Primitivx 20|25, incluyendo talleres de percusión dirigidos a niños. Además, se sumaron a una campaña de reforestación con la que buscan poner de su parte en este afán de impulsar esta reconexión de la humanidad con la naturaleza.

A pocos días del estreno en vivo de esta producción (y coincidiendo curiosamente con el Día del Medio Ambiente, Infobae Colombia habló con Walter “Indigo” Hernández, Andrés “Andrew” Gutiérrez y DJ Corpas, tres de los miembros del colectivo sobre su nuevo álbum, la preparación de su nuevo espectáculo en vivo (que llevaran por Europa en las próximas semanas), y su activismo más allá de la música.

¿Por qué el Teatro Colón fue el elegido para el lanzamiento de Futurx Primitivx?

Walter “Indigo” Hernández: Debíamos recuperar el ritual de compartir los lanzamientos de discos. En este momento de plataformas, normalmente se mueven sencillos y ese tipo de lógica, y pues nuestra manera de compartir siempre con el público es la experiencia del en vivo.

Entonces, esta es una gran oportunidad de ritualizar el cuarto álbum, y Bogotá es la ciudad en donde más conexión hay. Establecimos una alianza con el Centro Nacional de las Artes y a partir de allí, bueno, el Teatro Colón es una un escenario emblemático. Entonces se conjugan todos esos elementos para poner en escena nuestro contenido, que lleva vestuarios nuevos, escenografía, trabajo músico visual, justamente conectado al contenido que tenemos.

Este es el momento, como lo hemos hecho en otros años, de ligar esta propuesta con campañas con relacionamiento temático a partir de la propuesta de cada canción. Este mundo puede cambiar en la medida en que cada una de nosotras, como personas, esté dispuesto o dispuesta a reconectarse con los principios, con los principios de la vida. Invocar al origen no es volver al pasado en sí mismo como un ejercicio nostálgico, sino conectarse con lo fundamental para poder moverse. Y nosotros no hacemos nada si no es bailando (risas).

Cuando deben montar un espectáculo, y sobre todo si es en solitario, ¿Qué es lo más importante para Systema Solar? ¿Qué efecto buscan causar en el público?

Andrés “Andrew” Gutiérrez: ¡Que no sea en solitario! (risas) Todo el Systema Solar es un proyecto para sentir en comunidad, para construir sociedad, para hacer todo ,menos estar en solitario. Incluso la música de nosotros funciona estando todos juntos en un estudio, así sea el uno sentado escuchando lo que está haciendo la otra persona.

Si toda la banda vibra, es porque lo que estamos haciendo se está sintiendo bien en colectivo y por ende se va a sentir bien en un concierto. Creo que hoy día la tecnología ha como ensimismado o individualizado La música. Un productor hace toda la música, hace bajo, guitarra, canta, compone, mezcla, masteriza... ¿Sabes? Todo termina sonando a una persona. Se ha vuelto un proceso muy individual, cuando realmente debería construirse como un proceso muy colectivo.

En tiempos de crisis ambiental y social, ¿cómo ven el papel de la música como vehículo de transformación?

Andrés: Yo no la vería como un vehículo, la vería como una pista sobre dónde transitan las ideas. Y las letras son el vehículo, las ideas, el concepto de lo que se está tratando, eso es lo que se mueve.

Hoy día no hay mucho mensaje. Hay mucho puente, pero dentro no hay, o es el mismo mensaje, ¿sabes? Entonces, me parece importante tener en cuenta que tanto el concepto musical como la filosofía que se está transmitiendo tienen que ir de la mano.

Seguimos en el combate (Ave Fénix) es de los momentos más destacados de Futurx Primitivx. Primero porque la mezcla habitual de electrónica y folclor acá se hace más densa, y segundo porque la letra es como un manifiesto a seguir defendiendo las ideas, pero también a resurgir de los momentos oscuros. ¿Cómo surge esta canción?

Walter: Viene de la de la primera sesión, de este disco, que justo fue ahí, unos días antes de que se cerrara el mundo por la pandemia. Tiene unas conexiones de los aportes de cada uno.

Hay unos sintetizadores aportados por Daniboom (otro miembro de Systema Solar). Esa energía de sintetizadores, tiene una conexión con las gaitas y con toda esa tradición gaitera de los Montes de María.

Las frases van surgiendo en la medida en que todo ese sonido nos fue evocando un territorio también ancestral que es Turbaco. Esa frase “Seguimos en el combate” fue como un leitmotiv que nos animó, que nos siguió conectando a los demás, “No perder el sendero” fue algo que salió de las improvisaciones vocales, y automáticamente John Pri (cantante de Systema Solar junto a Walter) contestó eso.

Tiene su intensidad, es como bastante evocadora, tiene esa energía porque tiene una parte en donde no canta nadie, No cantamos mucho y se dice lo puntual, pero eso puntual es como un mantra.

Además del lanzamiento, hay una serie de actividades paralelas que Systema Solar va a adelantar entre talleres e iniciativas que buscan impulsar esa reconexión con la naturaleza, como su campaña de reforestación. ¿Qué esperan que el público, en especial el más joven, se lleve de estos espacios culturales y educativos que propone el grupo?

DJ Corpas: Que se encuentren con ellos. Que al final se den cuenta de que en ellos hay más sistemas solares, Y a que hay mucho futuro también, porque la gente que va a llegar ahí... Yo sé que hay muchos artistas, hay muchos músicos, creadores, y la idea es que nosotros podamos inspirarlos a ellos, también a seguir haciendo otras cosas más allá de la música. Yo sé que el sábado va a llegar mucho potencial. y esa es la idea.

Yo creo que en cada uno está el potencial. Muchas veces no somos víctimas. La vida no trajo víctimas aquí, trajo protagonistas, líderes. A veces tenemos muchas excusas y estamos como “Si no me dan, si el Gobierno no me da, yo no hago. Si no tengo plata, no hago”.

Entonces, el objetivo con todo esto es mostrar nuestro proceso, y al mismo tiempo darnos cuenta de que solo necesitamos, como decía Walter, ahora que hablábamos de Seguimos en el combate, o sea, seguimos combatiendo contra la pobreza, contra la escasez. Seguimos combatiendo todo eso y no hay que parar. Vamos a seguir haciendo con lo que tenemos. Y ese es el mensaje también.

¿Qué sigue para ustedes en 2025, luego de presentar Futurx Primitivx en el Teatro Colón?

Andrés: Después de la gira por Europa, seguir con el lanzamiento del disco y, simultáneamente, ir trabajando en el nuevo disco. Queremos que la energía se mantenga, porque en otras ocasiones pasa mucho que descuidamos lo que viene por el ahora. Quizás de pronto, por inexperiencia en años pasados, como nos dejamos llenar de toques y giras, cuando vienen a ver pasan tres años y ahí fue… ¿Y qué hacemos? Y entonces empieza a caer uno en la trampa de los sencillos. De sencillo en sencillo lo tiran a uno cada cuatro meses. Entonces es eso, aprovechar el buen momento, la buena energía de la banda.

Estamos muy orgullosos, muy contentos con este trabajo que hicimos. Futurx Primitivx se tomó su tiempo, tuvo que madurar, pero yo creo, y me atrevo a hablar por todos, que es un disco con el que todos nos sentimos totalmente identificados e involucrados. Y el Futurx Primitivx llega el sábado 7 de junio al Teatro Colón.

El Teatro Colón de Buenos Aires anunció la apertura de inscripciones para su primer Opera Studio, un programa de formación intensiva dirigido a jóvenes cantantes líricos. Esta iniciativa es pionera en Latinoamérica y estará bajo la dirección de la reconocida soprano argentina Verónica Cangemi.

Este proyecto, que se desarrollará entre agosto de 2025 y noviembre de 2026, busca acompañar a los participantes en su transición hacia el ámbito profesional al ofrecerle una experiencia integral que incluye clases, ensayos y producciones escénicas y musicales.

El Opera Studio tiene como objetivo principal proporcionar a los participantes los recursos técnicos, expresivos y estilísticos necesarios para su desarrollo como artistas líricos. El programa está diseñado para jóvenes de entre 18 y 29 años, ya sean argentinos o extranjeros, con documentación habilitante, que cuenten con formación vocal en curso o recientemente finalizada.

Además, se requiere que los postulantes tengan conocimientos sólidos de lectura musical y un nivel básico o intermedio de italiano, alemán y francés aplicados al repertorio lírico. La disponibilidad horaria completa para las actividades del programa es otro de los requisitos fundamentales.

El proceso de inscripción está abierto hasta el 14 de junio de 2025, y se realiza a través de un formulario en línea disponible en el sitio oficial del Teatro Colón. Las audiciones presenciales se llevarán a cabo el 10 de julio de 2025 en las instalaciones del teatro, donde se seleccionarán 10 cantantes para integrar el programa.

Según detalló el Teatro Colón, los seleccionados tendrán la oportunidad de participar en un recorrido intensivo que incluirá no solo formación técnica, sino también la experiencia de trabajar en producciones escénicas y musicales. Para obtener más información sobre el proceso de inscripción y los detalles del programa, los interesados pueden visitar el sitio web oficial del Teatro Colón.

Este proyecto representa un paso significativo en el desarrollo de talentos líricos en la región, lo que consolida al Teatro Colón como un referente en la formación artística de excelencia.

Quién es Verónica Cangemi

Nacida en Mendoza, Verónica Cangemi cuenta con una destacada trayectoria internacional. Inició su formación musical en la Universidad Nacional de Cuyo, donde se especializó en canto, y posteriormente se perfeccionó en instituciones de renombre, como la Universidad de Karlsruhe, en Alemania, y en Londres. Su talento ha sido reconocido con el primer premio en el Concurso Festivales Musicales, en Buenos Aires, y en el Concurso Francisco Viñas, en Barcelona, España.

A lo largo de su carrera, ha interpretado roles protagónicos en escenarios de prestigio mundial, como el Teatro alla Scala, de Milán, la Wiener Staatsoper, el Teatro Real, de Madrid, y el propio Teatro Colón. Su repertorio abarca desde la música barroca hasta el bel canto, en los que se destacá en obras de compositores como Vivaldi, Haendel, Mozart y Gluck.

[Fotos: Juanjo Bruzza/prensa del Teatro Colón]

Los músicos del Teatro Colón ofrecieron un concierto a beneficio de la Orquesta Escuela de Bahía Blanca, gravemente afectada por el temporal de marzo, que dejó 17 muertos y severos daños materiales.

La función, que tuvo lugar este martes, estuvo a cargo de la Orquesta Académica del prestigioso teatro porteño. Gracias a la recaudación lograda, la escuela bahiense podrá readquirir los materiales que perdió durante las inundaciones.

Bajo la dirección del maestro Juan Miceli, los músicos interpretaron obras de Felix Mendelssohn y Robert Schumann en un concierto que quedó grabado en la memoria de los niños, jóvenes y docentes de la institución.

Entre otros, participaron el violinista Xavier Inchausti -como solista- y el actor y comediante Agustín “Rada” Aristarán, quien se sumó como anfitrión. Ambos son bahienses.

El primero es oriundo de la ciudad, una de las áreas más dañadas por el temporal. Mediante su música, encontró la manera de apoyar a quienes experimentaron pérdidas materiales y emocionales, y lo hizo desde el Teatro Colón, donde actualmente trabaja.

En tanto, “Rada” sostuvo: “Para mí es un honor inmenso, como artista y como bahiense, que estamos juntos en esta sala impresionante, para que la música salve a la música”.

Durante la presentación, además, el comediante anunció que gracias a la colaboración de todos los presentes y al trabajo realizado por la distribuidora de energía DESA, “ya se consiguió lo necesario para comprar todos los instrumentos”.

La escuela de Ingeniero White recibirá los elementos pronto y, próximamente, tanto alumnos como maestros bahienses viajarán a la Ciudad de Buenos Aires para hacer su propia función en el Teatro Colón.

El espectáculo “Para que vuelva la música” se pudo seguir en vivo a través del canal de YouTube del Teatro Colón.

La Orquesta Escuela fue fundada en 2008 en el puerto de Ingeniero White, impulsada por docentes, estudiantes y familias de la comunidad.

Desde sus comienzos, se convirtió en un espacio pedagógico que promueve “la inclusión, la ciudadanía y el arraigo mediante la práctica musical”, asistiendo a niños y adolescentes en su desarrollo.

La coordinadora actual de la orquesta, Alejandra Hall, detalló que la institución enfrentó significativas pérdidas materiales: el agua dañó instrumentos, deformó las maderas y oxidó las cuerdas de los equipos utilizados por los profesores en sus clases. Además, se perdieron elementos adquiridos desde la fundación de la orquesta durante el trágico episodio.

El evento solidario contó con el respaldo de DESA (Distribuidora de Energía S.A.), que agrupa a las principales empresas distribuidoras eléctricas de Buenos Aires y Salta: EDES, EDEA, EDEN, EDELAP y EDESA.

Previo al temporal, la orquesta escuela tenía 115 alumnos de entre 6 y 18 años. “El objetivo de las orquestas escuela es integrar la formación musical en la educación de niños, niñas y adolescentes como una forma de estimular su desarrollo intelectual y como personas”, relataba Hall, en diálogo con el medio local La Nueva.

En la misma entrevista, publicada en noviembre del año pasado, agregó: “La escuela-orquesta se termina transformando en una segunda familia para los que concurren. Pasamos muchas horas juntos y los docentes estamos muy pendientes de sus vidas”.

Después del agua, el silencio. En marzo, un temporal devastador golpeó a Bahía Blanca y dejó una huella profunda en Ingeniero White, donde la Orquesta Escuela —un proyecto comunitario que desde 2008 brinda educación musical estatal y gratuita a más de cien niños, niñas y jóvenes— perdió todo: instrumentos, partituras, equipos. Lo que había llevado años construir, desapareció en apenas unas horas.

“Perder los instrumentos fue como perder una parte de nuestra historia”, dice Alejandra Hall, su coordinadora. “Eran las voces de quienes encuentran en la música un lugar, una forma de expresarse”.

Pero hay silencios que no se resignan. El próximo martes 6 de mayo a las 20 horas, el Teatro Colón abrirá su Sala Principal para un concierto solidario que buscará reunir los fondos necesarios para que la Orquesta Escuela pueda volver a funcionar. El evento contará con la participación de la Orquesta Académica del Colón, bajo la dirección de Juan Miceli, e incluirá al violinista Xavier Inchausti —concertino de la Filarmónica de Buenos Aires— y al humorista y músico Agustín “Rada” Aristarán, ambos oriundos y orgullosos hijos de Bahía Blanca.

“Todavía me acuerdo de los estuches llenos de agua, las maderas hinchadas, las cuerdas oxidadas”, recuerda Hall. “Había instrumentos que estaban con nosotros desde el día uno, desde que fundamos la orquesta. No eran sólo herramientas: eran parte nuestra”.

La iniciativa cuenta con el impulso del Ministerio de Cultura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires y el apoyo del Grupo DESA. Se podrá seguir por streaming y todo lo recaudado se destinará a la reposición de instrumentos.

“No sabíamos cómo seguir. ¿Cómo se enseña música sin instrumentos?”, plantea Hall. “Pero la solidaridad empezó a llegar. Gente que se conmovió, medios que hicieron circular lo que nos pasaba”.

La Orquesta Escuela no es solo un espacio de formación musical: es también una red de contención, un refugio, una segunda casa para muchas infancias atravesadas por la desigualdad. “Hay chicos que lo dicen tocando. Chicos silenciosos que, cuando tocan, dicen todo”, resume Hall. “Donde hubo barro, queremos volver a poner música”.

El 6 de mayo, el Colón no será solo un escenario: será también un puente. Entre el pasado y el futuro. Entre el dolor y la reparación. Las entradas están disponibles en la web del Teatro Colón. Lo recaudado será destinado íntegramente a la compra de instrumentos para la orquesta bahiense. Porque si algo enseñó esta historia, es que la música también puede ser una forma de resistencia.

Todo parece indicar que los nativos de estas tierras estamos más que acostumbrados a los proyectos de larguísimo aliento, esos que se anuncian pero que demoran en concretarse. Porque la idea de que la ciudad de Buenos Aires contase con un teatro como la gente venía de los tiempos de los virreyes. Estaba en la cabeza de muchos pero habría que esperar décadas para llevarlo a la práctica.

Y no es que en la capital del virreinato no haya habido entusiastas de la ópera, de la música y de la dramaturgia. Ocurría que debían contentarse en asistir al Teatro de la Ranchería, un ámbito que había abierto sus puertas en 1783. Funcionó en Alsina y Perú y poco se parecía a un teatro y más a un galpón de paredes de adobe y techo de paja. Allí se mezclaban los distintos sectores sociales, y la elite local compartía un mismo recinto con las clases más bajas y hasta con las personas de color que empezaban a dejar de ser esclavos. Su cierre fue determinado por un incendio ocurrido en 1792, y nunca quedaron claras las causas del siniestro.

En 1804 el virrey Sobremonte le había encargado a Tomás Toribio, un arquitecto español que había sido enviado por la corona a llevar adelante distintos proyectos tanto en Montevideo como en Buenos Aires, el diseño de un teatro, cuya construcción estaría a cargo de Francisco Cañete, uno de los mejores en su especialidad, que años después levantaría la Pirámide de Mayo. El virrey lo bautizó Coliseo Grande para diferenciarlo del Coliseo Provisional, que funcionaba como podía en Reconquista y Perón. En ese teatro, el director de orquesta era el catalán Blas Parera, quien le pondría la música al himno. En un local lindante, el francés Raymund Aignasse abrió un bar, donde se comía bastante bien, al punto que las familias enviaban a sus esclavos a tomar lecciones de cocina y el hombre organizaba banquetes a pedido. Y además había abierto una puerta para que ambos locales estuvieran conectados.

Fue memorable la función que se brindó el 27 de mayo de 1810, donde los integrantes de la Primera Junta fueron largamente vivados y aplaudidos. Esa sala, por su estado ruinoso, llegó a ser clausurada temporalmente por las autoridades y la gente no concurría por miedo a ser víctima de un accidente. A partir de 1838 fue llamado Teatro Argentino y en 1872 fue demolido.

Cañete alcanzó a levantar algunos gruesos muros en el Hueco de las Ánimas, el baldío que estaba pegado a la catedral, pero luego la ciudad fue sorprendida por las invasiones inglesas y, como una constante en nuestra historia, no hubo fondos para terminar las obras.

Por lo visto, voluntad no faltaba, ya que Bernardino Rivadavia intentó instalar allí una escuela de teatro, pero nuevamente no hubo presupuesto. Durante la época de Juan Manuel de Rosas, los porteños podían ir al Teatro de la Victoria, en el número 954 de la calle del mismo nombre, entre Tacuarí y Bernardo de Irigoyen.

Luego de la sanción de la Constitución de 1853, que Buenos Aires no reconoció, el país quedó partido al medio. Por un lado la Confederación Argentina, con Justo José de Urquiza como presidente y el Estado de Buenos Aires, con Bartolomé Mitre a la cabeza. Buenos Aires tuvo ventaja: manejaba los ingresos de la aduana y el puerto, lo que le valió contar con un presupuesto interesante. Se realizaron diversas obras públicas en la ciudad y comenzó a correr el primer ferrocarril, tirado por la famosa locomotora La Porteña. Con la caída de Rosas, al respirarse más libertad, surgieron nuevas manifestaciones de sociabilidad. Así germinó la idea de tener una sala teatral a la altura de las mejores del mundo.

Se formó una comisión con Hilario Ascasubi, José Oyuela y Joaquín Lavalle, entre otros, en la que estuvo a su frente el ingeniero francés Carlos Enrique Pellegrini. Había venido al país en 1828 para trabajar en las obras públicas proyectadas por el gobierno de Rivadavia. El futuro padre del presidente Carlos Pellegrini descubrió que tenía talento para hacer retratos, y fue quien tuvo a su cargo la confección de los planos.

Manos a la obra

Las obras comenzaron el 1 de marzo de 1855 en el famoso Hueco de las Ánimas. En los tiempos de la conquista, ese terreno perteneció a Juan de Garay; luego de que fuera un baldío, el gobierno instaló una barraca de depósito fiscal. Tiempo después, en la época de las invasiones inglesas, allí vivieron los Martínez de Hoz.

Se contó con un presupuesto de 5.500.000 pesos. El edificio, con una superficie cubierta de 2.744 metros cuadrados, que ocupaba casi la mitad de la manzana, se transformaría en el más importante de la ciudad. Constaba de una planta en forma de herradura con cinco niveles. La entrada principal era por la calle Rivadavia y tenía otra por Reconquista. Un millar de espectadores podían optar por unos 80 palcos y una fila entera estaba reservada a las mujeres, por la platea, la tertulia, la cazuela y el paraíso.

Había un amplio espacio de doce metros para la orquesta, un taller para elaborar la escenografía y un profundo sótano que, entre otras funciones, se usaba para almacenar el hielo para refrigerar la sala.

Casi todos los materiales fueron traídos de Europa, como los tirantes de hierro para el techo, la maquinaria y la utilería. Incluyeron grandes tanques de agua para la prevención de incendios. La iluminación era a gas.

La inauguración fue el 25 de abril de 1857 con “La traviata”, de Verdi, a cargo de la compañía lírica del empresario Achille Lorini. En los papeles principales figuró su esposa Sofía Vera Lorini y el tenor de 37 años Enrico Tamberlick, uno de los grandes de la lírica de entonces, a quien se le pagó una fortuna.

Primera función

La primera gala de importancia fue la noche del 5 de mayo, en la que estuvo presente el gobernador de Buenos Aires Pastor Obligado.

Hubo también un gran baile de máscaras. Durante ese año además se ofrecieron diversos espectáculos de zarzuela y de ballet con artistas franceses. Las funciones empezaban a las ocho de la noche y se acostumbraba que en los entreactos hubiera pequeños números para entretener a los espectadores.

En ese solar también comenzó a funcionar, desde diciembre de 1857, la Gran Logia de la Argentina de Libres y Aceptados Masones.

Mucha agua había corrido bajo el puente. Desde el teatro de la Ranchería, donde todas las clases sociales se mezclaban en un ámbito común, hasta 1880 cuando un palco en el Colón llegó a costar 13 veces más que una entrada al paraíso, ubicado en la zona más alta y que era lo más económico.

Fue considerado como uno de los más lujosos de América. Como el año anterior en Montevideo había abierto el Teatro Solís, que homenajeaba al navegante y explorador que llegó al Río de la Plata, se habría sugerido llamar a éste Colón. En 1857 también abrió sus puertas en Santiago de Chile el Teatro Municipal.

Posteriormente fueron surgiendo otras salas donde se podía disfrutar de la ópera. Los teatros Variedades y Ópera abrieron en 1872; el Politeama y el San Martín en 1879; el Nacional, en la calle Florida, en 1882; el Odeón en 1892; el Marconi, en 1903 en el barrio Once.

Cientos de figuras que pasaron por ese primer Colón hicieron historia y dejaron su marca. Como el tenor Luis Lelmi, un italiano que por 1854 vino al Río de la Plata. Cantó en Uruguay, Brasil y en nuestro país, y durante la epidemia de fiebre amarilla de 1871 fue uno de los tantos voluntarios que ayudaron en esos terribles meses. No volvió más a su país, por 1900 era inspector general de teatros y falleció en Morón, provincia de Buenos Aires, en diciembre de 1907.

Paulatinamente la estrella del Colón fue apagándose y cerró sus puertas el 13 de septiembre de 1888. El edificio sería vendido al Banco de la Nación Argentina y con el producto de la venta se levantaría una sala moderna y con los últimos adelantos. Se pensó erigirlo en la manzana donde luego se construiría el Palacio del Congreso pero se eligió un predio en Plaza Lavalle. El Colón, tal como lo conocemos en la actualidad, fue inaugurado en 1908, veinte años después del cierre del primero. Un proyecto de largo aliento.

El sábado 12 de abril, el Ballet Estable del Teatro Colón, en la sala principal, representó Carmen. Se trata de un ballet en dos actos basado en la ópera homónima de Georges Bizet, con libreto de Ludovic Halévy y Henri Meilhac, inspirado en la novela de Prosper Mérimée, con arreglos musicales de Albena Dobreva, coreografía de Marcia Haydée, diseño de escenografía y vestuario a cargo de Pablo Núñez, y diseño de iluminación por Ricardo Castro. La Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, bajo la conducción de Diego Censabella, acompañó la función.

Carmen es la primera obra que presenta el Director Julio Bocca en su gestión, coincidente con la celebración del centenario de otro de los cuerpos estables, el Ballet, y demostró un gran nivel en todos los aspectos de su producción.

Georges Bizet (1838-1875) seguramente no imaginó que sus melodías serían inmortales, permaneciendo en el oído de tanta gente en todo el mundo, incluso de aquellos que no cultivan el género. Graduado en el Conservatorio de París y habiendo recibido premios, fue profesor y realizó muchas adaptaciones de obras para piano y canto. El Pescador de Perlas es otra de sus obras, aunque Carmen es sin duda su composición estrella. Fue estrenada el mismo año de su muerte, y la crítica fue muy dura. El tiempo, que suele ser el mejor juez en muchas circunstancias, la coronó con todos los galardones. La trama es muy conocida: sintéticamente, trata de un triángulo de pasión con trágico final.

En la piel de Don José estuvo Federico Fernández, primer bailarín de la Compañía e integrante del Ballet Estable desde 2004. Fue discípulo de Raúl Candal. El torero Escamillo fue representado por Juan Pablo Ledo, quien integra el Ballet Estable también desde 2004, es primer bailarín de la Compañía y se formó con Lucía Wurst y en el ISATC. Tanto el desempeño de Fernández como el de Ledo estuvo a la altura de las exigencias de ambos personajes. La prestancia, la seducción, capote y espada en el caso del torero, y los distintos momentos por los que se ve afectada la personalidad de Don José. La expresividad en el desplazamiento. Excelentes ambos.

Camila Bocca tuvo la responsabilidad de ser Carmen en el escenario. Debe su formación a Beatriz Torres y Leorkis Cala Durand e integra el Ballet Estable desde 2015. Carmen es bella, posee una personalidad arrolladora y extrovertida. Integra un pueblo nómade que camina en procura del sustento; cada día puede venir con dolor o prodigar oportunidad. La vida la llevó a ser habanera. Conoce el arte de la seducción tanto como la violencia más cruel e ignora el temor. Se tutea con la osadía. No responde a las normas de la burguesía. Pues bien, Camila Bocca puso en escena a esa misma Carmen. Lo hizo con destreza, convicción y una gran expresividad hasta el final.

Por recordar solo una parte, el prolegómeno de la tragedia es espléndidamente actuado y sucede en la escena III del segundo acto, en Sevilla, frente a la Plaza de Toros, cuando Don José observa pasar a Carmen elegantemente vestida, del brazo de Escamillo (se escucha la aragonesa del inicio del cuarto acto de la ópera). El público vitorea al torero. Y le sigue el desenlace del drama, que es actuado y danzado a la perfección por la pareja protagonista. Don José aparta a Carmen e intenta por todos los medios que regrese con él, recobrar el fuego, pero ella lo rechaza insistente y categóricamente. Así, la tensión va escalando; discuten acaloradamente. Don José saca un cuchillo, que Carmen observa, pero no se amedrenta. Él la mata. El rojo del telón de fondo de la escenografía opera como marco perfecto en todo el desarrollo de esta última parte. La plasticidad y armonía que guardan aún en el desencuentro es destacable.

Tanto la dueña de la fábrica, en escena por Amalia Sosa Guerrero, el primer oficial por Alejo Cano Maldonado y Antonio Leborans en el segundo oficial, estuvieron a la altura de las circunstancias, con excelente desempeño. El conjunto de la Compañía luce todo su talento en la escena de la taberna.

La coreografía fue de altísima calificación, habiendo observado hasta el detalle en cada momento de la obra, y se debe a una de las más destacadas bailarinas de su generación, la brasileña Marcia Haydée. Formada en la Sandler’s Wells School de Londres (actual Royal Ballet School), trabajó con las más importantes compañías de danza del mundo. No es eso todo, dado que ha bailado junto a partenaires como Rudolf Nureyev, Baryshnikov y Jorge Donn, entre otros. Durante dos décadas fue directora del Ballet de Stuttgart, también del de Santiago. Realizó coreografías propias no solo para Carmen, sino también sobre El Lago de los Cisnes, La Bella Durmiente y otras. En 1961, John Cranko la incorporó al Ballet de Stuttgart como Primera Bailarina. No solo eso, sino que fue su musa, dado que creó para ella los roles femeninos principales de varias obras, entre ellas Romeo y Julieta (1962), que fueron llevadas a los principales teatros del mundo. Homenajeada en el Teatro Bolshoi de Moscú con el premio Benois, entre muchas otras distinciones, se encuentran el Premio Nijinsky (2003) y la Cruz Federal de Mérito de Alemania (2009).

En suma, un espectáculo que pone a las claras el alto nivel del Ballet Estable, la orquesta, su director y el resto de los equipos imprescindibles para obtener el resultado de excelencia.

Para cerrar, ponemos de relieve algo que aparece muy acertado: el Director General, Gerardo Grieco, desde la primera función del Ballet, comenzó una etapa de conversatorios en el espacio que está en el lateral derecho del ingreso al teatro, sobre la calle Tucumán del Foyer. Esto se desarrolla una hora antes de cada función. El compositor y docente Félix Adrogué dialoga con miembros del equipo creativo y artístico, para suministrar a los asistentes más elementos de valoración sobre la creación original, la versión en escena y la producción del Teatro Fábrica.

El cantante y bajista Pedro Aznar, reconocido como uno de los artistas esenciales en la historia del rock argentino, celebrará 50 años de carrera con dos conciertos en Colombia.

Así lo dio a conocer el Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella en un comunicado con el que dio a conocer los detalles alrededor de las dos presentaciones que brindará el artista como parte de su gira Pedro Aznar 5.0: 50 años de música, con la que celebra medio siglo de trayectoria.

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Las fechas serán el jueves 8 de mayo en el Teatro Santander de Bucaramanga, y el sábado 10 de mayo en el Teatro Colón de Bogotá. Según confirmó el CNA, el concierto en Bucaramanga forma parte de la iniciativa La Ruta de Los Andes, que con apoyo del Ministerio de Cultura y la Red Nacional de Teatros busca fortalecer la circulación de propuestas artísticas por todo el territorio nacional. Ambas funciones están programadas para las 7:30 p.m., y las entradas ya se encuentran disponibles a través de Tuboleta.

Como viene sucediendo en la gira, las presentaciones de Aznar se realizarán en formato acústico y con una puesta en escena íntima, que recorrerá las distintas etapas de su vida musical, en lo que el cantante define como “un hermoso viaje en el tiempo”. Dicho formato apunta a que se produzca un contacto más directo con el público, en una atmósfera donde la voz, los instrumentos acústicos y la narración construyen un puente con la historia musical de Aznar.

Según adelantó el propio artista, el repertorio viene estructurado en orden cronológico, por lo que incluye obras de su autoría, junto con versiones de grandes referentes del cancionero latinoamericano.

“Va a haber música de toda mi discografía, ninguno de los grupos en los que toqué va a quedar por fuera y cierro el concierto con un estreno”, anticipó Aznar en un comunicado de prensa.

De este modo, el repertorio abarca desde sus inicios con Madre Atómica, banda reconocida en la escena underground de Buenos Aires, hasta su consolidación como solista.

El recorrido incluye su paso por agrupaciones fundamentales del rock argentino como Alas, Pastoral y, sobre todo, Serú Girán, considerado el primer supergrupo del rock argentino y conformado junto a Charly García, David Lebón y Oscar Moro, del que se desprenden clásicos del rock en español como A cada hombre, a cada mujer, Canción de Alicia en el país, que también forman parte del programa.

A lo anterior se le suma la presencia en el repertorio de algunas colaboraciones que realizó con Charly García (particularmente de su aclamada serie de discos Tango) o Luis Alberto Spinetta, con el que llegó a tocar durante una temporada en la agrupación Spinetta Jade y del que versionó algunas de sus canciones posteriormente.

Aznar también sumará composiciones de sus días tocando con el Pat Metheny Group, y versiones del cancionero latinoamericano a figuras como Mercedes Sosa, Violeta Parra o Víctor Jara, a lo que se suma su amplio repertorio en solitario, que a la fecha llega a los 14 álbumes, sin contar sus colaboraciones con Charly o el cantautor Manuel García.

Con una carrera que cruza generaciones, Pedro Aznar celebrará su estatus como una de las figuras más influyentes y virtuosas de la música en español. De igual modo, su paso por Colombia, país que ha visitado en múltiples ocasiones y donde mantiene una base sólida de seguidores, servirá para reforzar su conexión con la audiencia que no dudará en celebrar su talento para maravillar y conmover en vivo.

El Quinteto Astor Piazzolla, uno de los mayores exponentes del legado musical del compositor argentino, se presentará los días 15, 16 y 17 de mayo en el Teatro Colón del Centro Nacional de las Artes en Bogotá, como parte de una gira de presentaciones que continuará por varios países de Europa.

Este ciclo de presentaciones busca rendir homenaje al legendario bandoneonista Astor Piazzolla, el músico reconocido como el responsable de llevar el tango a fusionarse con el jazz y la música clásica, a pesar de la fuerte resistencia que recibió en su momento por parte de toda la comunidad tanguera.

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Y es que el Quinteto (que tomó su nombre del Quinteto Tango Nuevo, el nombre de la banda más recordada de Piazzolla) ya cuenta con más de 25 años de trayectoria y supo trascender fronteras y conquistar públicos alrededor del mundo gracias a la destreza de sus músicos, que incluyen a Pablo Mainetti (bandoneón), Matias Feigin (piano), Serdar Geldymuradov (violín), Armando de la Vega (guitarra) y Daniel Falasca (contrabajo).

Entre todos se propusieron preservar la esencia y el carácter desafiante de la obra de Piazzolla, a la par que imprimen su sello personal con cada interpretación.

Los músicos, ganadores de dos Premios Latin Grammy por Mejor álbum de tango (el más reciente en 2023 por Operation Tango), son reconocidos por su precisión y su capacidad para transmitir la profundidad emocional que caracteriza a la obra de Piazzolla.

Este homenaje al maestro se centrará en algunas de las composiciones más icónicas de su repertorio, como Oblivion, Escualo, Adiós Nonino y Libertango, junto a otras piezas representativas que permiten apreciar la intensidad y sofisticación de su estilo.

Esta serie de presentaciones no solo constituyen un homenaje, sino que también confirman la vigencia del legado de Piazzolla, particularmente en Colombia donde su obra fue celebrada de manera incondicional. Luego de las tres presentaciones del Quinteto en mayo, la gira llevará a la agrupación por Francia, España, Alemania, Bélgica y Portugal.

Las entradas pueden adquirirse en Tu Boleta para las tres fechas, con precios entre los $119.200 y los $179.200, dependiendo de la localidad. Cabe señalar que este rango de precios incluye el costo añadido por el servicio de la tiquetera.

Astor Piazzolla y la reinvención del tango

Lo que hace tan especial al denominado Nuevo Tango (o Tango de Vanguardia) de Piazzolla es su capacidad para fusionar elementos aparentemente dispares de la música clásica y el jazz con la tradición del tango.

Su quinteto original de los años 60 fue el primer paso hacia una reinvención del género, alejándose de la nostalgia y el meláncolismo que tradicionalmente definían al tango, para dar paso a una música más compleja, con contrastes marcados y un pulso rítmico más audaz.

En medio de esa convivencia particular del bandoneón con el violín, o el hecho de añadir guitarra a los acompañamientos usuales de piano y contrabajo, la obra de Piazzolla apostó por composiciones menos pensadas para el baile y más para la contemplación sonora.

De ahí, y pese a su reconocimiento en el medio como arreglista, se desprendieron buena parte de las reacciones negativas de los puristas del tango durante los años 50 y 60, que incluso se negaron a considerar la obra de Piazzolla como represetantiva del tango.

Fue a partir de los años 80 cuando su obra alcanzó un mayor reconocimiento en los círculos académicos, hasta ser considerado como uno de los músicos latinoamericanos más importantes y revolucionarios del siglo XX.

“Sí, es cierto, soy un enemigo del tango; pero del tango como ellos lo entienden. Ellos siguen creyendo en el compadrito, yo no. Creen en el farolito, yo no. Si todo ha cambiado, también debe cambiar la música de Buenos Aires. Somos muchos los que queremos cambiar el tango, pero estos señores que me atacan no lo entienden ni lo van a entender jamás. Yo voy a seguir adelante, a pesar de ellos“, explicó Piazzolla en una entrevista para la revista Antena en 1954.

En la noche del lunes, en el corazón cultural de Buenos Aires, Mirtha Legrand volvió a ocupar su lugar en el palco 15 de la Sala Mayor del Teatro Colón. Acompañada por su hija Marcela Tinayre y su íntimo amigo Alejandro Veroutis, la diva presenció una función de gala que celebró los diez años de la Orquesta Aeropuertos Argentina. Desde el 23 de febrero no se la veía en un evento social de estas características, excepto por su presencia en el homenaje que le hicieron en el Palacio Libertad.

Con un elegante tailleur del diseñador Claudio Cosano, Mirtha se lució con un look total black que resaltó aun más su glamour. Chiquita mantuvo su impronta impecable, con un rostro luminoso y una actitud relajada. Durante toda la velada se mostró de buen humor y atenta a cada detalle del espectáculo que tuvo lugar en uno de los escenarios más imponentes de la ciudad.

La función fue mucho más que una gala conmemorativa. Marcó una década de existencia de la Orquesta Aeropuertos Argentina, una formación musical integrada por jóvenes de barrios populares del sur de Buenos Aires, como Mataderos, Lugano, La Boca, Barracas y la Villa 31. El proyecto, impulsado por la Fundación Corporación América, surgió en 2015 como una oportunidad concreta para adolescentes con talento musical que no encontraban espacio para desarrollarlo. Desde entonces, más de doscientos chicos pasaron por sus filas. La gala en el Colón no fue solo una celebración institucional, sino también un acto de afirmación artística y social.

Durante el concierto, titulado “Todas las músicas”, la orquesta interpretó un repertorio que desafió las clasificaciones tradicionales. Con naturalidad alternaron obras de Vivaldi, Chopin y Mendelssohn con composiciones de Taylor Swift, Astor Piazzolla y temas de películas firmadas por Ennio Morricone. Cada pieza reflejó no solo la diversidad musical sino también la pluralidad de trayectorias de los músicos en escena. Entre ellos, se destacó la violinista Ruth Gerez, oriunda de Villa Lugano, quien forma parte de la orquesta desde su creación y hoy ya ejerce como profesional. La joven fue una de las solistas de la noche.

El 1 de abril Mirtha recibió un homenaje a su trayectoria en el Palacio Libertad. Allí fue distinguida como Personalidad Emérita de la Cultura en un acto organizado por la Secretaría de Cultura de la Nación, con una función teatral titulada Mirtha, el mito. La obra, dirigida por José María Muscari, propuso una aproximación poética al universo simbólico que representa la trayectoria de la conductora. Combinando música, danza y actuación, el espectáculo no recurrió a una narrativa cronológica sino a una evocación libre de sus múltiples facetas. La cita fue abierta al público y reunió a destacados referentes del ambiente artístico y cultural. Pero entre los asistentes hubo una ausencia notoria: ningún miembro de su familia directa estuvo presente.

Durante su discurso, conmovida y con la voz entrecortada, Mirtha expresó su malestar: “Me hubiera gustado que mi familia estuviera aquí esta noche. ¡Son difíciles, eh! ¡Qué barbaridad! Ustedes son mi familia”. Y añadió, con evidente emoción: “Solo les pido una cosa. Yo soy muy grande, muy mayor. Y cuando me vaya de este mundo, no me olviden”. Sus palabras, lejos de pasar desapercibidas, generaron reacciones inmediatas del público, que respondió con aplausos y gestos de apoyo. Pero también activaron una controversia mediática que no tardó en escalar.

Marcela Tinayre, consultada al respecto por el periodista Juan Etchegoyen en el programa Desayuno Americano, aseguró: “Nadie sabía que era un homenaje, pensamos que era una obra de teatro. A mí no me invitaron y hemos ido a mil homenajes”. Su declaración incluyó una crítica velada a la difusión del evento: “Nadie le dio mucha importancia, salvo ustedes”.

A sus 98 años, Mirtha Legrand sigue generando episodios que exceden el homenaje y se convierten en parte de la conversación pública. En el Colón o en el Palacio Libertad, su presencia continúa siendo un símbolo de una época, pero también una figura viva en el presente cultural argentino.

La idea surgió de observar a los chicos que pululan por el sur de la Ciudad de Buenos Aires con un talento para la música, pero sin oportunidades. En 2015, con el respaldo de la Fundación Corporación América de Eduardo Eurnekian, se fundó la Orquesta Aeropuertos Argentina, creada para chicos y chicas de zonas vulnerables que encontraron allí un refugio y una oportunidad.

Este 2025 marca los 10 años de vida de la Orquesta Aeropuertos Argentina. Diez años de puertas abiertas, de pasillos con partituras, de jóvenes que tomaron un instrumento para no soltar nunca más sus sueños. Y lo festejaron a lo grande con un concierto en el Teatro Colón. “El escenario será nuestro, por eso es muy importante para los chicos”, afirma antes del evento Néstor Tedesco, director del grupo, en diálogo con Infobae.

Detalles del concierto

En la noche consagratoria del Colón, la orquesta interpretó lo mejor de su repertorio. el evento se llamó “Todas las músicas”. En ese sentido, no hay etiquetas, ni géneros . El repertorio es tan ecléctico como sus historias. La orquesta interpretó desde Vivaldi, Chopin y Mendelssohn, hasta Taylor Swift, Piazzolla y las músicas de película de Ennio Morricone.

Tedesco tiene una amplia trayectoria en el mundo de la música de cámara. Fue violonchelista, graduado en Columbia y New England Conservatory, y fue primer atril del Teatro Colón durante 40 años. Tocó con Mercedes Sosa, León Gieco y para coreografías de Julio Bocca. Pero su misión más profunda es otra: formar músicos en donde otros ven apenas sobrevivientes.

El músico, además, fue director de la orquesta en Villa 31, declarada Embajada de Paz por la UNESCO, y fundó “La Orquesta de los Barrios”. Recibió premios de la International Peace Federation y del Reino de los Países Bajos. Pero lo que más valora, dice, “es ver progresar a los chicos. Desde su primer contacto con los instrumentos a los que llegaron hasta la orquesta de Aeropuertos Argentina”.

En noviembre de 2022, la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires declaró al proyecto como de interés social y cultural. “Pasaron más de 200 jóvenes por la orquesta desde el inicio. Y con mucho tabajo logramos un nivel de excelencia que se ve en este concierto en el Colón”, dijo el director musical.

Tedesco revela intimidades de la orquesta. “Hay momentos de exigencias pura porque se los trata como lo que son músicos profesionales. Son jóvenes, pero tienen esa exigencia -explica el director-. Después también hay espacio para la diversión y el encuentro”.

Los inicios de la orquesta

Los instrumentos llegaron antes que los escenarios. Las primeras clases se dieron en salas prestadas. Pero pronto, las cuerdas empezaron a sonar con fuerza. Hoy son 45 músicos, entre los 18 y los 25 años que forman el grupo. Su historia es de conciertos y también biografías de superación. “No quiero dar nombres, ni personalizar, pero hay muchos de estos chicos que muchas veces no tienen ni para el boleto de colectivo -sostiene Tedesco-. Lo importante, y se nota, es el apoyo de las familias para que los músicos puedan progresar. Acá llegan por compromiso, talento y pasión por la música”.

No es fácil entrar. No se trata solo de saber tocar. Tedesco va a buscar a los músicos donde nadie más busca: en Villa Lugano, Villa 31, Bajo Flores, La Boca, Constitución, Parque Avellaneda. Los que entran lo saben. Ensayar no es solo técnica. Es aprender a llegar puntual cuando no hay tren. Es sostener una cuerda sin soltar las propias lágrimas. Es entender que en ese atril está en juego algo más que una partitura.

Cada joven elegido entra becado. Sin pagar un peso, acceden a instrumentos, clases con docentes de excelencia, vestuario para los conciertos, salas de ensayo, y la chance de cursar estudios superiores gracias a un convenio con la Universidad Nacional de las Artes, que les permite ingresar sin examen y con exención de materias prácticas.

“Muchas veces los chicos tienen la vocación, pero las familias no lo entienden. Creen que es algo difícil o que no van a poder vivir de esto. Pero con esfuerzo se logra vivir y lo más importante: están haciendo algo que les gusta. Persiguen sus deseos. Y yo los ayudo en la formación para que lo puedan concretar”, explica Tedesco.

Con el paso de los años, la Orquesta se volvió más que una orquesta. En 2024, se sumaron dos nuevos núcleos: El Semillero, para jóvenes que recién se inician, y la Cantera de Talentos, destinada a niños prodigio. Aquí se presentaron en el Colón dos de los alumnos más destacados. “Ulises Belén tiene 11 años y es una maravilla en el piano. Y Marcos Carreras en violín de 12 años, otro gran talento”, describe el director en la previa del concierto.

Hoy, sumando todos los grupos, el programa reúne a 54 personas. Mientras ensayan con la orquesta, algunos tocan en cruceros de lujo; otros, en teatros porteños; muchos, en las aulas donde ahora enseñan lo que aprendieron.

Como orquesta tocaron en el Teatro Colón en otra oportunidad acompañando a otros músicos, el Luna Park, el Teatro Ópera, el Avenida, universidades como UADE y la UBA, y por supuesto, en su casa espiritual: los aeropuertos de Ezeiza, Bariloche, Córdoba, Salta y Aeroparque.

Algunas de las integrantes de la Orquesta Aeropuertos Argentina siguieron sus estudios en Europa. Es el caso de Victoria Ramos y Dafne Pugliese, que viajaron al conservatorio de París, becadas. Joaquín Zanabria, otro de los chicos formados por Tedesco, juega ya en Primera de la música de cámara. Es trompetista de la Orquesta Sinfónica Nacional.

Entre los solistas de la noche del lunes estuvo la violinista Ruth Gerez, de Villa Lugano. La chica arrancó desde los inicios de la orquesta hace una década y en este concierto Tedesco le dio la chance de brillar en el escenario del Colón. La chica ya se gana la vida como música profesional. Participó con mucho éxito en la obra teatral “Cuando Frank conoció a Carlitos”, éxito rotundo en la calle Corrientes.

El detrás de escena de la orquesta

Infobae accedió a los camerinos de los músicos antes del concierto. Por los pasillos del Colón se veía a los jóvenes que pasaban se sonreían y aguardaban nerviosos el momento de subir al escenario. Gerez se plancha el pelo y su violín descansa a su lado. Esta joven de 26 años, hoy solista de la orquesta, proviene de una familia de músicos folklóricos de Villa Lugano. “Arranqué con el bombo y a los 9 años me gustó el violín y mi mamá me llevó a la orquesta municipal del barrio -cuenta Ruth-. Enseguida me gustó y no paré hasta este momento”.

Junto a ella, con camisa negra impecable, está Ariel Núñez también solista de violín de 24 años. El joven empezó en una orquesta de Mataderos y de allí sintió desde ese momento que la música era su vocación. Ahí estaba su futuro. El chico es de familia de inmigrantes bolivianos que llegaron al país a mediados de la década del 90. Además de su participación en el grupo de Tedesco, Ariel hace ya una vida de músico profesional. “Puedo tocar a pedido la música de Dragon Ball para un casamiento o cumbia sinfónica. Lo importante es que hago lo que me gusta”, explica.

Los chicos por ahora dicen estar tranquilos. Aún faltaba casi dos horas para el concierto. “Los nervios arrancan cuando subís al escenario y ves de frente al público -asegura Ruth-. Mi papá Orlando va a estar y eso es un orgullo para mí”. “Mi familia también viene y seguro terminan todos llorando de la emoción”, agrega Ariel.

Ahí estuvo Ruth frente a la orquesta con su violín. Interpretó Primavera Porteña de Astor Piazzolla. También pasó Ariel para tocar los solos de La Primavera de Vivaldi. Cuando terminaron el Colón rompió en aplausos. Los dos jóvenes hicieron un gesto casi calcado de mirar hacia arriba. Quizás, buscaban a sus familiares y por dentro pensaban que los sueños están para cumplirse.

El jueves 27 de marzo de 2025, a las 20:00 horas, se dará inicio a la nueva temporada del Centro de Experimentación del Teatro Colón (CETC) con la puesta en escena de Experimentum Mundi, una obra de teatro musical del compositor italiano Giorgio Battistelli. La propuesta contará con la participación de 15 trabajadores técnicos del Teatro Colón, quienes, por primera vez, se convertirán en protagonistas escénicos. Junto con ellos estarán un percusionista, cuatro voces femeninas, que también forman parte del personal del Teatro y un narrador. La dirección musical estará liderada por Lucas Urdampilleta.

En esta experiencia innovadora, estarán presentes oficios como los de zapateros, herreros, cocineros, albañiles, utileros y más, representando los sonidos, gestos y movimientos característicos de sus labores cotidianas. Estos serán acompañados por música y textos extraídos del Diccionario Razonado de las Ciencias, las Artes y los Oficios del Siglo XVIII, una obra colaborativa de Denis Diderot y Jean Baptiste d’Alembert. Además, se destaca la incorporación del percusionista Bruno Lo Bianco, el narrador Pablo Seijo y las intérpretes vocales Andrea Morbelli, Cristina López, Andrea Dominguez y Victoria Lombardero.

La obra tendrá varias funciones posteriores: el 28 y 29 de marzo a las 20:00 horas, el 30 de marzo a las 17:00 horas, y continuará el 2, 3 y 4 de abril a las 20:00 horas. Al concluir cada presentación, los actores en escena habrán realizado actividades como hornear pan, construir una pared o fabricar un par de zapatos, todo en sincronía con la partitura creada por Battistelli, que evidencia la integración entre arte y trabajo manual.

La iluminación estará a cargo de Eduardo Pérez Winter, el diseño sonoro será responsabilidad de Ariel Passadore, mientras que la coordinación técnica y el diseño del espacio recaerán en Edgardo Aguilar. También se contará con subtítulos realizados por Lucía Banegas, y la asistencia técnica estará bajo la supervisión de la maestra de luces Miranda Bejanuel.

Esta obra plantea una dinámica inversa a las corrientes de arte contemporáneo que tradicionalmente llevan el arte al espacio público. Según se destaca en la información oficial del CETC, Experimentum Mundi introduce a los trabajadores y sus oficios al escenario teatral, sin manipulaciones o adaptaciones, logrando un delicado refinamiento artístico y musical. La habilidad del compositor Giorgio Battistelli es fusionar el mundo laboral con composiciones sofisticadas para trasladar las prácticas diarias de diversos oficios a una acción escénica singular.

Las entradas pueden adquirirse en la boletería del Teatro Colón, situada en Tucumán 1171, con atención de lunes a sábado de 09:00 a 20:00 horas y los domingos de 09:00 a 17:00 horas. Asimismo, están disponibles a través de su sitio web oficial, www.teatrocolon.org.ar. Se ofrecen descuentos del 50% para jubilados y estudiantes que acrediten su condición con los documentos pertinentes. Esta promoción es válida únicamente para compras presenciales en la boletería.

Fotos: gentileza prensa del Teatro Colón.

Este año se cumplen cien años de la creación de los elencos estables del Teatro Colón de Buenos Aires, porque en 1925 la Orquesta Estable, junto al Coro y al Ballet, fueron concebidos como parte fundamental de la labor artística de nuestro primer coliseo. Su calidad lo colocó desde entonces en uno de los teatros más encumbrados del mundo por su nivel de excelencia, a la par de su perfecta acústica. Y en lo que hoy tratamos, existen tres nombres que impulsaron aquellos esfuerzos: el entonces intendente C. Noel, el presidente de la nación, Marcelo T. de Alvear, y su consorte, la soprano Regina Pacini. Desde entonces, la Orquesta Estable fue garante de calidad en conciertos, ópera y Ballet del Teatro. Maestros como Tulio Serafin, E. Klebiber, Panizza, Juan José Castro, Toscanini, Herbert von Krajan fueron algunas de las grandes figuras que la condujeron. También hicieron lo propio en el podio compositores como Camille Saint Saens, Richard Strauss, Stravinski, Pietro Mascagni, entre otros. Y por cierto, su labor acompañó a las voces de los más grandes cantantes como P. Domingo, Pavarotti, Mirella Freni, etc. También brillaron con solistas como Martha Argerich, Arthur Rubinstein y bailarines del más alto nivel mundial. El debut de la Orquesta Estable fue el 25 de mayo de 1925.

En rigor, fue la mirada larga y elevada de aquellas personalidades que pusieron norte en la excelencia cultural de una institución que, con aquel legado, supo continuarlo sin mengua, obteniendo el reconocimiento permanente no solo local sino internacional.

En la celebración mencionada se interpretó, en su primera parte, de Franz Schubert (1797-1828), la Sinfonía N.º 9 en do mayor, D.944, La Grande, I Andante-Allegro ma non troppo, II Andante con moto III Scherzo. Allegro vivace IV Finale. Allegro vivace y en la segunda, de Ludwig van Beethoven (1770-1827), la Sinfonía N.º 7 en la mayor, Op 92. I Poco sostenuto-Vivace II Allegretto III Presto IV Allegro con brío.

La primera de las nombradas es tal vez, desde su título, la obra emblemática del compositor, por su envergadura, cuya idea se anuncia desde la introducción, pasando por el desarrollo y cerrando en un climax pleno de espectacularidad y esplendor. También por su duración (casi una hora). Iniciada su composición hace dos siglos (1825) la terminó en los primeros meses del año siguiente, aunque en 1828 comenzó a revisarla. Entre una pila de obras inéditas, R. Schuman la encontró en casa del hermano del compositor y el 21 de marzo de 1839 Felix Mendelssohn dirigió el estreno en Leipzig con la Orquesta de la Gewandhaus, once años después de la muerte del compositor.

La Sinfonía n.º 7 en la mayor, Op. 92 fue compuesta por Ludwig van Beethoven entre 1811 y 1812. Es la séptima de sus nueve sinfonías. La partitura está dedicada al conde Moritz von Fries.

En julio de 1812 Beethoven conoció a otro gigante, Johann Wolfgang von Goethe, en la ciudad bohemia de Teplice, época en la que estaba en plena composición y, por otra parte, recibía tratamiento para su creciente sordera. La obra fue estrenada en 1813 en la Universidad de Viena, con la batuta del propio Beethoven, y la repitió a los pocos días a pedido del público. En la extensa introducción del primer movimiento pone de relieve el marcado ritmo y presenta el alegre tema principal. El Alegretto del segundo movimiento ha trascendido como gran juego de cuerdas, una cuidada armonía y también la marcación persistente del ritmo a cargo de las más graves. El final Allegro aparece como una feliz resolución de los distintos climas que lo preceden.

El director de orquesta, Evelino Pidó, estudió fagot y el piano. Diez años de conservatorio y en los 70, con 17 años de edad, se convirtió en el instrumentista más joven de la orquesta de La Scala de Milán en ganar un concurso solista con Claudio Abbado, de quien fue su asistente por muchos años. Es uno de los principales conductores del repertorio italiano y francés, habiendo trabajado con innumerables orquestas y teatros del mundo, como la Opera de Viena, la Opera de París, la de Lyon, el Coven Garden de Londres, el Grand Theatre de Ginebra, Teatro Colón, etc. En la temporada 2023, Evelino Pidò recibió en préstamo de mano de la Orquesta Estable, la batuta de Toscanini. Este símbolo exterioriza el reconocimiento y afecto que los músicos profesan al director italiano.

La elección del repertorio no puede haber sido más acertado para la celebración que convocó al auditorio. Dos obras majestuosas.

Para el cierre, el director sumó algunos bronces y timbales, al redoble de los cuales comenzó la afamada Marcha Radezky, cargada de brío. El público se sumó al ritmo con las palmas, bajo la conducción también de Pidó. La Orquesta lució con su mejor arte en todo momento, las cuerdas mostraron su alto nivel, entre otros pasajes, con las exigencias de la composición de Schubert. En suma, una fiesta, un concierto digno de la celebración del centenario desde todo punto de vista

En la tarde de este jueves 27 de febrero de 2025, el presidente Gustavo Petro presentará a los integrantes que conformarán su gabinete con el que estará en el último tramo de su administración.

Así lo confirmó la Presidencia de la República, quienes sostuvieron que el evento estará en la agenda del día del mandatario de los colombianos, y se realizará a partir de las 4 de la tarde en el Teatro Delia Zapata de Bogotá, pese a que en primera instancia, se había notificado que el acto público se realizaría en el Teatro Colón, en el centro de la capital colombiana, tal como se reveló en las redes sociales.

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Entre los funcionarios que serán presentados por el mandatario nacional se encuentra Armando Benedetti, quien fue designado como ministro del Interior, en reemplazo de Juan Fernando Cristo, y que tras el nombramiento, estuvo realizando visitas al Congreso, así como varias reuniones con varios congresistas para definir los apoyos hacia las reformas sociales.

De igual manera, en el evento se espera la presentación del general en retiro, Pedro Sánchez, quien fue anunciado como nuevo ministro de Defensa, ocupando la cartera que estaba liderada por Iván Velásquez.

Así mismo, se espera que se realice la presentación de Antonio Sanguino como nuevo ministro del Trabajo, Patricia Duque, nueva ministra del Deporte, Lena Yanina Estrada, nueva ministra de Ambiente, María Fernanda Rojas, ministra de Transporte, y Yannai Kadamani, nueva ministra de Cultura.

También, está previsto que en el evento, el presidente confirme si otros funcionarios cambiarán de carteras a otras entidades del Estado, como es el caso de Susana Muhamad, que pasaría del Ministerio de Ambiente a la dirección del Departamento Nacional de Planeación (DNP), en reemplazo de Alexander López, quien ocupará la jefatura de despacho de la Casa de Nariño, tras la designación de Benedetti como ministro de Interior.

A su vez, se conocerá el nuevo ministro de Minas y Energía, tras conocerse que el presidente Gustavo Petro aceptará la carta de renuncia de Andrés Camacho, así como el titular de la cartera de Tecnologías, Información y Comunicaciones (TIC), tras la salida de Mauricio Lizcano.

Del mismo modo, en el evento se conocerá si se mantienen otros funcionarios en sus cargos, como es el caso de Francia Márquez en el Ministerio de Igualdad, pese a que se conoció en los medios de comunicación que podría abandonar dicho cargo, pero que horas después la cartera desmintió dicha información.

Igualmente, se conocerá si Luis Carlos Reyes permanecerá a cargo del Ministerio de Comercio, Industria y Turismo, tras haber presentado su renuncia protocolaria tras el polémico Consejo de Ministros, y que, según información revelada por los medios de comunicación, sería asignado a un sector del Partido Liberal.

El acto en el Teatro Delia Zapata no solo será una oportunidad para presentar a los nuevos ministros, sino también para enviar un mensaje de unidad y renovación en un momento crítico para la administración de Gustavo Petro. Este remezón ministerial responde a la necesidad de superar las tensiones internas y fortalecer la capacidad del Gobierno para avanzar en su agenda legislativa.

Con la presentación del nuevo gabinete, el presidente Petro busca cerrar un capítulo de incertidumbre y consolidar su equipo de trabajo para enfrentar los retos que se avecinan. La atención estará puesta en los discursos y en los anuncios que puedan surgir durante el evento, los cuales definirán el rumbo del Gobierno en los próximos meses.

Después del polémico Consejo de Ministros, realizado el 4 de febrero, que fue transmitido por televisión nacional, el jefe de Estado pidió la renuncia protocolaria de sus funcionarios, de los cuales, se han realizado 13 cambios en las diferentes carteras y entidades del orden nacional.

En este encuentro, varios de los funcionarios manifestaron su desacuerdo con la presencia de Armando Benedetti y Laura Sarabia, quien fue designada como ministra de Relaciones Exteriores de Colombia. No obstante, el mandatario aseguró que, pese a los cuestionamientos, ambos funcionarios “merecen una segunda oportunidad”.