Eugenio Zanetti, el artista, escenógrafo y director argentino que conquistó Hollywood con su trabajo en el diseño de producción, falleció este viernes 18 de septiembre a los 79 años en la ciudad de Buenos Aires. Según confirmaron personas de su círculo íntimo, el cordobés se encontraba ensayando la ópera Los cuentos de Hoffmann en el Teatro Colón cuando se sintió mal. Regresó a su domicilio, donde sufrió una descompensación que derivó en su muerte. Faltaba apenas un mes para que cumpliera 80 años.

La noticia llegó pocas semanas después de que presentara una retrospectiva de su obra en Córdoba, donde sus allegados señalaron que se encontraba especialmente entusiasmado con los proyectos en los que estaba involucrado. Su muerte fue tan repentina como inesperada para quienes lo rodeaban.

La noticia fue confirmada por la Asociación Argentina de Actores: “Despedimos a Eugenio Zanetti. Su extraordinaria trayectoria de proyección internacional y su excepcional talento lo convirtieron en una figura fundamental de la cultura argentina. Nos unimos al dolor de sus familiares y seres queridos ante su partida”.

Zanetti ganó el Oscar a la Mejor Dirección de Arte durante la 68.ª ceremonia de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, celebrada el 25 de marzo de 1996, por su trabajo en Restoration (1995), la película del director Michael Hoffman protagonizada por Robert Downey Jr. Compartió la estatuilla con la decoradora de set Cindy Carr.

Aquella noche en el Dorothy Chandler Pavilion de Los Ángeles, fue Whoopi Goldberg quien presentó la categoría con una broma sobre la doble faceta de la entregadora: “Para presentar el Oscar a la Dirección de Arte, una ganadora del Oscar cuyo arte fue en dos direcciones este año, como actriz y guionista de Sense and Sensibility”.

Con esas palabras convocó al escenario a Emma Thompson, quien a su vez describió al director de arte ideal como “un profesor perfeccionista de arte, historia y arquitectura con la imaginación de Picasso, la precisión infinita de un cirujano cerebral y la capacidad de crear un mundo completamente creíble”.

Al escuchar su nombre, Zanetti subió al escenario y pronunció palabras que resumían su filosofía de vida: “Restauración es la historia de un hombre que finalmente es restaurado por Dios después de seguir su corazón. Yo seguí mi corazón hasta aquí, y estoy agradecido a Dios”, dijo, para luego agradecer a su mentor, a su madre —presente en la sala— y a la Academia. “Mi único consejo es: sigan su corazón”, cerró.

Tres años más tarde, en 1999, la Academia volvió a reconocer su trabajo con una segunda nominación, esta vez por What Dreams May Come (Más allá de los sueños), la película de Robin Williams dirigida por Vincent Ward. No repitió el galardón, pero la distinción consolidó su lugar entre los escenógrafos de referencia de la industria.

Su carrera abarcó décadas y géneros. Entre sus trabajos más recordados figuran Flatliners (1990), Last Action Hero (1993) y Soapdish (1991), además de su participación en producciones argentinas como Camila y La tregua, ambas nominadas al Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa. También había obtenido el Premio al Diseño del Festival de Toronto por Some Girls (1988) y el Premio al Diseño del Festival de Moscú por The Power of Darkness.

En los últimos años, Zanetti había volcado parte de su energía hacia el teatro y la ópera, faceta que lo tenía activo hasta sus últimos días en el Teatro Colón.

A lo largo de seis décadas construyó un recorrido que no se limitó a una disciplina ni a un circuito artístico. Fue escenógrafo, director de arte, diseñador de producción, director de cine, dramaturgo y pintor. Esa diversidad definió una obra atravesada por el interés por la imagen, los espacios, los objetos y la dimensión simbólica de las escenas.

Su formación comenzó en Córdoba, donde cursó el primer año de Arquitectura en la Universidad Nacional de Córdoba a mediados de la década de 1960. Esa experiencia se vinculó después con una carrera dedicada a diseñar universos visuales para el cine y las artes escénicas. En sus primeros años también tuvo una participación en el rodaje de Medea, de Pier Paolo Pasolini, una experiencia temprana que anticipó su posterior relación con la producción cinematográfica.

Este viernes, Eugenio Zanetti murió a los 79 años. El artista cordobés, ganador del Oscar, se convirtió en figura del arte local y contaba con una trayectoria sostenida entre el cine, el teatro, la ópera y la pintura. De esta manera, su muerte causó pesar en el ámbito cultural argentino e internacional.

La noticia fue confirmada por la Asociación Argentina de Actores: “Despedimos a Eugenio Zanetti. Su extraordinaria trayectoria de proyección internacional y su excepcional talento lo convirtieron en una figura fundamental de la cultura argentina. Nos unimos al dolor de sus familiares y seres queridos ante su partida”.

Según detalló el medio El Doce, el creador murió de manera repentina el viernes por la tarde, mientras se encontraba en Buenos Aires para avanzar con los ensayos de Los cuentos de Hoffmann, la producción que preparaba para el Teatro Colón.

Según relataron personas de su entorno, Zanetti se sintió mal durante la jornada. Tras regresar a su casa, sufrió una descompensación y murió. Sus allegados señalaron que mantenía una intensa actividad profesional y que atravesaba un momento de entusiasmo por dos proyectos que concentraban su atención: el reconocimiento que acababa de recibir en Córdoba y el trabajo escénico que desarrollaba en la capital argentina.

“Se sintió mal, y cuando llegó a su casa se descompensó y murió”, indicaron desde su círculo íntimo. También destacaron que el artista estaba conforme con el homenaje que se le había dedicado en su ciudad natal y con la puesta operística en la que trabajaba. “No paraba de trabajar”, añadieron.

Zanetti nació en la ciudad de Córdoba el 19 de octubre de 1946 y habría cumplido 80 años el próximo mes. A lo largo de seis décadas construyó un recorrido que no se limitó a una disciplina ni a un circuito artístico. Fue escenógrafo, director de arte, diseñador de producción, director de cine, dramaturgo y pintor. Esa diversidad definió una obra atravesada por el interés por la imagen, los espacios, los objetos y la dimensión simbólica de las escenas.

Su formación comenzó en Córdoba, donde cursó el primer año de Arquitectura en la Universidad Nacional de Córdoba a mediados de la década de 1960. Esa experiencia se vinculó después con una carrera dedicada a diseñar universos visuales para el cine y las artes escénicas. En sus primeros años también tuvo una participación en el rodaje de Medea, de Pier Paolo Pasolini, una experiencia temprana que anticipó su posterior relación con la producción cinematográfica.

El reconocimiento de mayor alcance internacional llegó en 1996, cuando obtuvo el Oscar a la mejor dirección de arte por Restauración (Restoration). La distinción lo ubicó entre los profesionales argentinos con mayor proyección en Hollywood. Tres años más tarde recibió una nueva nominación de la Academia por el diseño de producción de Más allá de los sueños, la película protagonizada por Robin Williams.

En la industria estadounidense trabajó como diseñador de producción y director de arte junto a realizadores, intérpretes y equipos técnicos de distintas generaciones. Su aporte se concentró en la construcción visual de las películas: la arquitectura de los decorados, la elección de objetos, las texturas, el color y la relación entre el espacio y los personajes. Para Zanetti, esos elementos no funcionaban como un fondo de la acción, sino como una parte central del relato.

La misma concepción se trasladó a sus trabajos teatrales y operísticos. Sus puestas se caracterizaron por la precisión de los detalles y por el uso de referencias pictóricas, históricas y religiosas. En ellas predominaba una composición de fuerte densidad visual, con decorados y elementos que reforzaban el clima de cada obra. Esa búsqueda lo llevó a alternar entre proyectos para escenarios argentinos y producciones de alcance internacional.

En 2010, la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina le otorgó un Cóndor de Plata especial, en el marco de las celebraciones por el Bicentenario. El reconocimiento distinguió su contribución a la difusión del cine argentino y de los profesionales del país en el exterior. Compartió esa distinción con Juan José Campanella, Luis Puenzo, Gustavo Santaolalla y Luis Bacalov.

Su producción pictórica constituyó otra línea de trabajo constante. En sus telas desarrolló figuras iluminadas sobre fondos oscuros y composiciones que remitían a cuestiones espirituales y metafísicas. La pintura le permitió sostener una práctica personal en paralelo a los tiempos de producción del cine y del teatro, además de reunir motivos que también aparecieron, con otras formas, en sus escenografías.

La exposición “Eugenio Zanetti. El hombre que habita muchos mundos”, dedicada a recorrer esa amplitud de intereses y lenguajes, adquirió un nuevo significado tras su muerte. La muestra puede visitarse hasta el 8 de enero de 2027, de 9 a 16, en el Museo Tamburini de Bancor, ubicado en San Jerónimo 166, en Córdoba. La entrada es libre y gratuita.

La conductora estuvo el pasado viernes 11 de septiembre en ese espacio gastronómico cuando Bocca apareció a último momento y le extendió la invitación de manera directa. La conductora decidió aceptar y acompañarlo en su presentación en el emblemático escenario de Buenos Aires.

La llegada de la diva al Colón no pasó desapercibida. Vestida con un tapado de piel estampado animal print y botas altas negras, caminó por los alrededores del teatro rodeada de fotógrafos y curiosos que se acercaron para verla en persona.

Una fan que se encontraba en el lugar decidió transmitir el encuentro en vivo a través de Instagram. En el video que la seguidora compartió con sus seguidores, se la ve posar junto a la conductora con una sonrisa contenida, en un gesto que buscaba mostrar calma frente a la cámara. Sin embargo, las fotografías tomadas en simultáneo por los fotógrafos presentes revelan una escena distinta: la misma joven, con el teléfono todavía en la mano y reflejado en su rostro, se la observa a los gritos, con una expresión de emoción que contrasta por completo con la pose contenida que mostró en su transmisión en vivo. Esa diferencia entre lo que se ve en el video y lo que registran las fotos se convirtió en el detalle más llamativo de la cobertura fotográfica de la noche.

La emoción de la fan resultó, en definitiva, uno de los puntos centrales de la salida de la diva al teatro, un ejemplo de la reacción que genera su presencia entre el público que la sigue desde hace décadas.

Un día antes al ser consultada por la prensa, Susana también se refirió a su vínculo con Mirtha Legrand, quien recibió el alta médica el domingo 13 de septiembre tras permanecer casi una semana internada en el Sanatorio Mater Dei por un cuadro de bronquitis. La conductora, de 99 años, se retiró del centro de salud de Recoleta y regresó a su casa de la avenida del Libertador, donde continuará la recuperación indicada por los médicos.

El parte médico oficial, firmado por el director del sanatorio, Enrique Echagüe, había confirmado el alta y agradecido el acompañamiento recibido durante la internación. Horas más tarde, la familia Legrand-Tinayre difundió un segundo comunicado en el que destacó “el alto grado de profesionalismo y la excepcional calidad humana” del cuerpo médico que atendió a la diva, entre ellos el doctor Guillermo Semeniuk.

En ese contexto, Giménez confirmó que habló recientemente con Legrand y contó que la notó bien, en un tono que buscó despejar cualquier inquietud sobre el estado de ánimo de su colega tras el episodio de salud. Según su relato, ambas mantuvieron una charla extensa, de aproximadamente una hora de duración, en la que repasaron distintos temas.

Sobre el contenido específico de esa conversación, la diva de los teléfonos no dio demasiados detalles, aunque sí deslizó que existen varios proyectos laborales en danza. La conductora prefirió mantener la cautela y no adelantó de qué se trataría cada una de esas propuestas, un comportamiento habitual en ella cuando se trata de anticipar futuros compromisos profesionales antes de tener información confirmada para comunicar.

Crédito: RSFotos

Al momento de colgar para siempre sus zapatillas de punta, Olga Ferri tenía 49 años. Sí, casi cinco décadas. Corría el año 1977. Y la recordada figura del Teatro Colón se despidió de los escenarios con una inigualable versión de Coppelia. Definitivamente, su talento era fuera de serie. Y su estricta disciplina le había permitido extender su carrera profesional mucho más de lo que cualquier otra bailarina pudiera imaginar, teniendo en cuenta el desgaste físico que implica la danza clásica. Aunque, ejecutada por ella, cualquier coreografía parecía simple.

“Me gustaría ser recordada simplemente como Olga, una persona íntegra”, decía. Y así sucedió. Pero también fue recordada como una de las principales referentes de la danza clásica en la Argentina. Falleció el 15 de septiembre de 2012, cinco días antes de cumplir los 84 años. Pero su nombre siguió ligado al ballet. Al punto que, con motivo de cumplirse el primer aniversario de su desaparición física, hasta el buscador Google le rindió homenaje. Y, al conmemorarse una década de su partida, se realizó una gala en su honor en el Teatro Astral, de la que participaron artistas del Colón, del Argentino de La Plata y otras destacadas figuras invitadas.

Había nacido el 20 de septiembre de 1928 en Buenos Aires. Y, desde muy chica, supo cuál era su vocación. “Quiero ser bailarina”, fue la respuesta que le dio a sus padres cuando le preguntaron qué quería ser cuando fuera grande. Pero se sabe: la danza es un camino de sacrificio que muy pocos logran soportar. No obstante, ingresó al Instituto del Colón -que por entonces tenía otro nombre- cuando tenía 12 años. Y, cuando cumplió los 15, ya era convocada como refuerzo para el cuerpo de baile. Según recordaba, le pagaban “dos pesos con cincuenta” por su trabajo en cada función. Pero, a esa edad, para ella representaba mucho dinero.

Además de su capacidad física, Olga tenía una habilidad que la destacaba a la hora de tener que cubrir a sus colegas. “Yo tengo memoria fotográfica y podía aprender los pasos muy rápidamente”, contaba. Y esto hacía que, frente a cualquier imprevisto, los directores recurrieran a ella. De todas formas, estaba claro que Ferri estaba para más. A los 17 años se presentó en un concurso. Así fue como, con 18, ya estaba debutando como bailarina solista. Y, desde entonces, desplegó una carrera nacional e internacional pocas veces vista en su rubro.

Junto a Esmeralda Agoglia, María Ruanova, Violeta Janeiro y Norma Fontenla, integró el notable grupo de primeras bailarinas del teatro porteño entre las décadas del 50 y 70. Su carrera internacional la llevó a Brasil, luego a París donde se perfeccionó con Víctor Gsovsky, Nicolás Zverev y Boris Kniaseff, a Munich y a Berlín, para luego quedar como solista del Ballet del Marqués de Cuevas y del London’s Festival Ballet en 1960, 1961, 1963 y 1966. Giselle y La muerte del cisne juegan en punta entre sus mejores interpretaciones. Aunque también es recordada la actuación que tuvo en 1971, cuando el bailarín soviético Rudolf Nureyev la invitó a bailar con él El Cascanueces y otras obras más, marcando un hito en la historia de la danza clásica.

Pero, sin lugar a dudas, si algo vivía Olga como una verdadera pasión, era la docencia. “Es como la jardinería, pero una jardinería humana. A un cuerpo hay que ponerle un tutor, al otro hay que correrlo un poco del sol, a aquél hay que recortarlo por acá... La danza es pintura, escultura, música. Es un arte compuesto”, decía. Y sus discípulos la recordaban tan rigurosa como afable. Sin ir más lejos, en Una intensa vida, la autobiografía de Paloma Herrera, la describió como una maestra por la que sentía devoción. Y recordaba cómo la miraba íntegra, del tocado a las zapatillas, para corregirla. Reconocía los celos que se le despertaban al ver que alguna otra compañera podía llamar su atención. Y señalaba los tantos paraguas que había roto de niña imitando a Ferri marcando el tiempo con su bastón.

Su vida sentimental estuvo ligada, como no podía ser de otra manera, también a su profesión. Se casó con Enrique Lommi, primer bailarín del Colón. Juntos interpretaron obras como El lago de los cisnes, Las Silfides, Apolo y La bella durmiente. Y, en 1971 abrieron juntos su propio estudio de danzas, Ballet Estudio, desde donde se dedicaron a formar una nueva camada de bailarines, entre los que además de Paloma figuran Julio Bocca, Ludmila Pagliero e Iñaki Urlezaga. De esta manera, siguieron trabajando mucho tiempo después de haber dejado los escenarios, manteniéndose siempre vigentes.

De hecho, hay quienes aseguran que el retiro de Olga se dio de manera demasiado silenciosa y sin la pompa que hubiera ameritado. Pero ella lo decidió así. Sentía que, a esa altura de su vida, estaba dejando demasiadas cosas de lado para poder bailar muy poco. Y sintió que era el momento de empezar a disfrutar un poco más. Sin embargo, no quería un último aplauso ni la presión de la despedida. Así que guardó el secreto hasta después de la función. Y el anuncio de que ya no volvería a bailar fue, para muchos, un shock. Pero ella estaba decidida. A tal punto que luego le llegaron muchos contratos para bailar en los Estados Unidos y los rechazó a todos.

Lommi murió el 13 de marzo de 2019, a los 96 años y 7 después de haber perdido a su esposa. Él había ingresado al Teatro Colón de la mano de su mujer. Y también se había despedido del coliseo junto a ella. No tuvieron hijos. Así que la encargada de continuar su legado al frente del “templo de la danza” fundado por ambos fue la sobrina de la bailarina, Marisa Ferri. “Olga elevaba, era una persona etérea. Cuando bailaba era algo parecido a la magia. Dejaba de ser ella para ser el personaje, era una artista. Hacía sentir al público una sensación indescriptible y por eso la amaban”, dijo, describiendo a su tía, que falleció hace ya 24 años pero se mantiene viva como un ícono de la danza.

La idea pertenece al coreógrafo español Goyo Montero, quien lleva más de dos décadas con el proyecto de trasladar “El Aleph” al lenguaje de la danza. Natural de Madrid (1975), Montero desarrolló su vínculo con Julio Bocca, cuando este conducía el Ballet del Sodre de Montevideo, casi diez años antes de que el proyecto tomara forma en Buenos Aires. Los derechos para crear esta obra coreográfica sobre textos de Borges no estuvieron disponibles hasta 2025, cuando los herederos de María Kodama —viuda del escritor— los liberaron.

La música original es de Gustavo Santaolalla, con partitura adicional y diseño sonoro del compositor canadiense Owen Belton. El actor Ricardo Darín grabó la voz que se escuchará en escena: fragmentos del cuento “El Aleph” y de los poemas “Ausencia” y “Despedida”. El apartado visual está a cargo del artista plástico Eduardo Basualdo, con escenografía de Mariana Tirantte, quien comparte además con Montero el diseño de vestuario. El diseño de iluminación es de Nicolás Fischtel y la reposición coreográfica, de Igor Vieira.

Principio de éxtasis toma los personajes centrales de “El Aleph”: el propio Borges —que también es un personaje dentro del cuento— y Beatriz Viterbo, inspirada en Estela Canto, amor platónico del escritor. El rol del escritor, interpretado en el estreno por el bailarín Facundo Luqui, es encarnado por un único intérprete en la mayor parte de la obra, aunque en una escena lo representa toda la compañía. Carlos Argentino Daneri, primo hermano de Beatriz Viterbo en el relato original, aparece aquí bajo el nombre de “El Otro”.

En palabras de Montero, la obra “no intenta abarcar lo escrito por Borges, porque es inabarcable, es indescriptible como él mismo asienta en las primeras páginas” sino generar una visión del creador y su obra.

Las funciones y cómo adquirir entradas

El Ballet Estable se presenta bajo la dirección de Julio Bocca en el ciclo de funciones que incluye las noches del jueves 10, viernes 11, martes 15, miércoles 16, jueves 17, viernes 18 y sábado 19 de septiembre, a las 20h, más funciones de domingo 13 y domingo 20, a las 17h. Las entradas están disponibles de forma online en la web del teatro y presencial en la boletería (Tucumán 1171), de lunes a sábados de 9 a 20 y domingos de 9 a 17 hs.

La Secretaría de Cultura de la Nación distinguió este lunes a Raúl Lavié como Personalidad Emérita de la Cultura, el máximo reconocimiento oficial para quienes realizan un aporte excepcional al patrimonio cultural argentino, con una ceremonia realizada en La Cúpula del Palacio Libertad.

Tras la bienvenida, la organización proyectó una pieza audiovisual con un repaso de la trayectoria artística del artista, antes de la entrega de la placa.

Luego de recibir la placa, Lavié habló desde una clave biográfica y conectó el presente institucional con el inicio de su vida laboral. “Recibo esta distinción como Personalidad Emérita de la Cultura con una emoción que me desborda el pecho. Si miro hacia atrás, veo a aquel chico de 12 años que empezó a trabajar muy temprano para ayudar a mantener a sus abuelos. Por eso, estar hoy aquí, celebrando 75 años de trayectoria, tiene un valor incalculable para mí. La música y la actuación han sido mi vida. Cada personaje, cada canción y cada aplauso han sido mi verdadera formación. El arte popular se hace con el corazón y con la experiencia. Recibo este premio con la frente en alto y el alma llena de gratitud. Muchas gracias por este honor”.

En el cierre del evento, el artista interpretó Sueño imposible, tema del musical El hombre de La Mancha, acompañado por el pianista Matias Feigin.

La celebración de su trayectoria continuó con una fecha anunciada para el próximo sábado 12 de septiembre: su participación en el concierto Clásicos Argentinos junto a la Orquesta Nacional de Música Argentina “Juan de Dios Filiberto”, en el Teatro Colón.

Esta distinción a Lavié se sumó a las entregadas a referentes de la cultura del país como Mirtha Legrand, Luis Brandoni, Lalo Schifrin, Alejandro Lerner, Aldo Sessa, Mauricio Wainrot, Eduardo Costantini, Moria Casán, Lía Jelín, Valeria Lynch, Mario Benzecry y Marta Minujín.

El acto lo encabezó el secretario de Cultura Leonardo Cifelli y contó con el acompañamiento de la directora del Centro Cultural Valeria Ambrosio, además de autoridades, familiares, amigos, personalidades de la cultura e invitados especiales.

Cifelli enmarcó la distinción en la persistencia de la figura pública de Lavié dentro del repertorio popular. “Hay artistas que tienen grandes carreras, que llenan teatros y que reciben reconocimientos. Y hay otros que, con el paso del tiempo, se vuelven parte de la vida de un país. Raúl Lavié es de esos. Una voz que atravesó generaciones, que llevó el tango a escenarios de todo el mundo y que hizo que muchas de nuestras canciones se convirtieran en parte de la memoria de los argentinos”, expresó.

Por Gerardo Grieco, director general del Teatro Colón.

En una misma jornada, el Teatro Colón puede recibir a más de 1.700 alumnos de escuelas públicas, entregar los primeros diplomas oficiales de su Instituto Superior de Arte a Julio Bocca y Paloma Herrera, y cerrar la noche con una función de Otello. No es casualidad, es una estrategia que en un solo día se deja ver.

Esta estrategia consta de cuatro ejes —ampliar públicos, formar talento, trabajar en red con la Ciudad y para la Ciudad, y coproducir con excelencia y proyección internacional— que persiguen un solo objetivo: que el Colón sea de más personas y llegue más lejos.

Diez y media de la mañana. Las plateas, palcos y tertulias se llenan con estudiantes de toda la Ciudad. Muchos de ellos ven por primera vez la gran sala lírica encendida especialmente para ellos. El motivo es visibilizar el trabajo del Programa de Orquestas Infantiles y Juveniles del Ministerio de Educación de la Ciudad y la idea que lo sostiene desde hace casi 28 años, que la educación pública a través de la música puede transformar vidas.

El programa tiene una escala que impresiona: 20 orquestas, más de 2.000 estudiantes, 18 sedes en distintos barrios y más de 25.000 chicos que ya pasaron por sus filas.

Pero lo más significativo de la mañana es otra cosa: la Orquesta TAM, que reúne a los estudiantes más avanzados, comparte escenario con la Orquesta Académica del Instituto Superior de Arte, el Coro de Niños del Teatro Colón —creado en 1908, el mismo año en que se inauguró la sala— y las voces del ISA (Instituto Superior de Arte).

Juntos hacen de la música un acto capaz de reunir en una misma sala a niños, jóvenes y artistas. La imagen más potente de la mañana es una sala entera, de pie, cantando “Aurora”. Después, el “Va, pensiero” de Verdi. Por una mañana, el Colón se vuelve una escuela. Las políticas públicas se explican con datos, pero se entienden con personas.

Entre la música, el encuentro dejó dos historias. La de Jessica Juárez, que creció en Villa Lugano. Quería tocar el violonchelo y terminó abrazando el contrabajo por sugerencia de su maestro, Carlos Vega. Fue profesora y solista, pasó por la Orquesta Sinfónica Nacional y hoy forma parte de la vida artística del Colón.

Y la de Joaquín Zanabria, que empezó con la trompeta a los 11 años en la Orquesta Escuela de Villa Lugano, giró por Uruguay, Brasil y Japón, se formó en la Universidad Nacional de las Artes y en el ISA, y el año pasado ganó por concurso su lugar en la Orquesta Estable del Teatro Colón como tercer trompeta y solista de piccolo.

Dos caminos que confirman lo mismo: una orquesta puede empezar en un barrio, lejos de un teatro y, aun así, su proyección no tiene techo.

Hacia el mediodía, en el Salón Dorado, se entregaron los primeros diplomas oficiales del Instituto Superior de Arte a Julio Bocca y Paloma Herrera, dos referentes universales de la danza que, tras alcanzar la cima de sus carreras, regresaron al primer coliseo para transmitir su experiencia a las nuevas generaciones de artistas. La ceremonia fue mucho más que un homenaje.

Hace unos meses, el Ministerio de Educación de la Ciudad reconoció oficialmente los títulos del ISA. Ese reconocimiento —un logro concreto de esta gestión— le da respaldo académico a una excelencia que el Colón construyó durante generaciones y la lleva a una nueva dimensión.

Lo que antes era prestigio, hoy es también título con validez oficial. Cada vez que el Colón premia la excelencia de sus artistas reafirma el compromiso centenario de sus fundadores, que es formar y recibir a los mejores del mundo.

Desde sus aulas, salas y escenarios se han proyectado miles de bailarines, músicos, cantantes, directores, escenógrafos y técnicos. Una multitud de trayectorias que cuentan la misma historia que la de Julio y Paloma, una formación que les permitió alcanzar la excelencia y hoy recibe a cambio su regreso para enseñar, dirigir y transmitir.

Formar talento y sostener al Colón como cuna de artistas es el principal pilar de esta gestión. No se trata de administrar una herencia, sino de renovar una convicción. Como resumió la ministra de Cultura Gabriela Ricardes, “el honor es nuestro”. En esa misma línea crece la expectativa por la nueva sede del ISA, con obras que tienen fecha de inauguración para fin de año.

Por la tarde, nada se detiene. Hay capacitaciones internas, ensayos del ballet y de los próximos estrenos, y el trabajo a pleno de los talleres de vestuario, escenografía, utilería, maquinaria. Todo eso se traduce en resultados extraordinarios. Más tarde, el preestreno de “La Ópera de Tres Centavos” en el Teatro Alvear. Y al caer la noche, una función de Otello.

La ópera Otello es una coproducción con el Auditorio de Tenerife y representa buena parte del nuevo rumbo del Teatro, impulsado por el jefe de Gobierno Jorge Macri. Se trata de entender al Colón no solo como una plataforma para mostrar nuestro talento al mundo, sino también para trabajar junto a grandes teatros, compartir los costos y la titularidad para hacer que la obra viaje.

A partir del año próximo esta producción recorrerá Europa y se convertirá, así, en un activo del Teatro —cultural y económico— que multiplica su alcance y fortalece su matriz de financiamiento. Buenos Aires deja de ser solo una sala que recibe. Pasa a ser un teatro que produce para el mundo.

La crítica acompaña el rumbo ubicando esta producción entre las grandes del Colón, un Verdi imponente que —escribió— “confirma… el buen rumbo en que está embarcado el primer coliseo”.

Una jornada así es la expresión de una misma estrategia: ampliar y formar públicos, abriendo la sala a quienes nunca habían entrado; formar talento, sosteniendo al Colón como cuna de artistas y dándole respaldo académico a esa tarea; trabajar en red con la Ciudad, articulando con sus políticas públicas de educación y cultura; y alcanzar la máxima excelencia artística con proyección internacional, haciendo de cada gran producción un activo que fortalece al Teatro.

Son cuatro ejes que persiguen una sola cosa: que el Colón sea de más personas y llegue más lejos. Pero, ¿quiénes sostienen todo esto? Detrás de una producción de la magnitud de Otello —y detrás de cualquier jornada— hay una comunidad de trabajo que la institución quiere reconocer especialmente.

Los talleres y los equipos de escenotecnia superaron todas las dificultades y alcanzaron un resultado excepcional. Los equipos de Archivo Musical, Servicios Auxiliares y escenario hicieron posible, además, la gala a beneficio del Hospital de Niños y resolvieron cada cambio con profesionalismo.

El personal de Sala recibió a públicos tan distintos —los niños de la mañana, el de la gala, el de la ópera— con la misma excelencia y la misma dedicación de siempre.

Y el equipo de Producción coordinó con precisión una multiplicidad de acciones simultáneas. Cada integrante del Colón hace posible el día a día. Bertolt Brecht distinguía a quienes luchan un día, a quienes luchan un año y a quienes luchan toda la vida. A estos últimos los llamaba los imprescindibles.

En cada costura, en cada escena, en cada nota, en cada ensayo y en cada función, el Teatro Colón está hecho de imprescindibles. Por ellos, donde empieza una orquesta, un ballet, una ópera —y donde empieza el trabajo de todos— empieza un futuro.

El Teatro Colón presentará en septiembre la versión en concierto de Manon Lescaut, la ópera de Giacomo Puccini, en cuatro funciones que se realizarán en el Palacio Libertad. La producción contará con la dirección musical de Henrik Nánási, quien encabezará a la Orquesta Estable de la sala porteña junto al Coro Estable, a cargo de Miguel Martínez.

La propuesta lírica convocó a un grupo de cantantes de distintos países para los papeles principales. La soprano italiana Chiara Isotton interpretará a Manon Lescaut, mientras que su compatriota, el tenor Francesco Pio Galasso, dará vida a Renato Des Grieux. El barítono surcoreano Junhyeok Felix Park se hará cargo del rol de Lescaut y el bajo-barítono chileno Ricardo Seguel encarnará a Geronte de Ravoir.

El resto del reparto está integrado por Andrés Cofré en el papel de Edmondo, Lídice Robinson como la figura del Músico, Ramiro Pérez como maestro de baile, Juan Barrile como el posadero, Gastón Oliveira Weckesser como el farolero, Carlos Esquivel como comandante de la marina y Claudio Rotell en el rol de sargento.

Las representaciones se llevarán a cabo en el Palacio Libertad, ubicado en Sarmiento 151, con la siguiente programación: domingo 6 de septiembre a las 17:00 horas, y martes 8, jueves 10 y sábado 12 de septiembre, todas a las 20:00 horas.

La ópera, estructurada en cuatro actos, tiene libreto en italiano escrito por varios autores y se basa en la novela Histoire du chevalier des Grieux et de Manon Lescaut, publicada en 1731 por el Abad Prévost. Puccini, compositor italiano que vivió entre 1858 y 1924, firmó la partitura de esta obra que integra el repertorio operístico más representado a nivel internacional.

Las localidades pueden adquirirse en la boletería del Teatro Colón, situada en Tucumán 1171, de lunes a sábado de 9:00 a 20:00 horas, y los domingos de 9:00 a 17:00 horas. También existe la opción de compra a través del sitio web oficial, www.teatrocolon.org.ar.

El Teatro Colón presentó el ballet Principio de Éxtasis como nueva creación del Ballet Estable inspirada en El Aleph de Jorge Luis Borges, con estreno mundial el 10 de septiembre, durante un desayuno de prensa realizado por la institución.

La obra sumó un paquete creativo con nombres propios de alto perfil: Gustavo Santaolalla compuso la música original, Ricardo Darín participó con voz en off y el equipo anunció música adicional y diseño sonoro de Owen Belton, con diseño de iluminación de Nicolás Fischtel.

El encuentro reunió a la ministra de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires Gabriela Ricardes, el director general Gerardo Grieco, el director artístico Julio Bocca, el coreógrafo y director Goyo Montero, la diseñadora residente Mariana Tirantte, el escenógrafo Eduardo Basualdo, además de bailarines y bailarinas del Ballet Estable involucrados en la puesta.

Gerardo Grieco dio la bienvenida y abrió la presentación. Luego, Julio Bocca tomó la palabra y ubicó el proyecto como un desarrollo sostenido en el tiempo, a partir de conversaciones con María Kodama y Goyo Montero a lo largo de varios años.

Julio Bocca explicó que impulsó una lógica de armado de equipo asociada a la identidad del material de origen. “Le dije a Goyo Montero que me gustaría que la música la hiciera Gustavo Santaolalla, porque es un gran compositor argentino y la historia es argentina: tenía que haber gente argentina trabajando en este proyecto”, dijo el director artístico.

En el mismo tramo, definió el objetivo de gestión artística detrás del título. “Uno viene a aportar, a hacer cosas diferentes, a llevar una compañía de ballet al futuro. Y llegamos a este momento en el que ya podemos decir: Principio de Éxtasis, inspirado en El Aleph de Jorge Luis Borges, con estos grandes artistas, es una realidad”, expresó.

Goyo Montero situó su vínculo con el autor como un motor anterior a la producción. “Soy un enamorado de Borges desde mi adolescencia, lo he leído infinidad de veces y siempre encontré nuevas lecturas”, sostuvo el coreógrafo español.

También asignó a Julio Bocca un rol operativo para convertir la idea en montaje. “Sabía que Julio era la única persona que podía convocar y conseguir que este proyecto fuera realidad”, señaló.

Sobre el enfoque de adaptación, Goyo Montero delimitó el encuadre de la propuesta. “No se está intentando abarcar nada definitivo: es una mirada, un intento de acercarse desde el amor y el respeto, para que cada uno encuentre su propio Aleph, que es infinito, inabarcable, simultáneo”, afirmó.

Gustavo Santaolalla describió cómo buscó traducir el universo literario a un lenguaje musical. “El universo borgiano es algo con lo cual me siento muy identificado: esa relación con el infinito, con la memoria, con los espejos, la repetición y lo circular abunda mucho en mi música”, dijo el compositor.

En ese marco, puntualizó una línea de trabajo vinculada al tango y a la figura de Borges. “Fuimos también a buscar algo distinto dentro del tango, sabiendo las opiniones tan fuertes que tenía Borges sobre ese tema, y creo que llegamos a algo bastante original. Ha sido una experiencia realmente maravillosa trabajar con Goyo”, agregó.

Eduardo Basualdo, responsable de la escenografía, puso el foco en el proceso con la compañía y en los rituales del teatro. “Borges es como nuestra mitología, algo que todos leímos. Me fascina que en este ambiente haya rituales tan sólidos: ese momento en que se apagan las luces y todo empieza a suceder en el espacio, con el trabajo de todos”, sostuvo.

La producción informó que Principio de Éxtasis incluyó, además de la música original, música adicional y diseño sonoro de Owen Belton, voz en off de Ricardo Darín y diseño de iluminación de Nicolás Fischtel. Las funciones se programaron para los días 10, 11, 15, 16, 17, 18 y 19 de septiembre a las 20h, y el 13 y 20 de septiembre a las 17h, en la Sala Principal del Teatro Colón.

La trama sigue a Camilo, un joven bogotano que se enamora de Tatis, una estudiante costeña que conoce en la universidad. Para acercarse a ella, Camilo decide adentrarse en una cultura que le resulta ajena: sus costumbres, su forma de ver la vida y, sobre todo, su música. En ese proceso de conquista, el vallenato —declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO— deja de ser un simple acompañamiento musical para convertirse en el lenguaje que tiende puentes entre dos mundos.

El montaje propone una lectura de la diversidad cultural colombiana que va más allá de la comedia romántica convencional. A través de situaciones cotidianas y personajes reconocibles, la obra pone en escena las diferencias entre la vida en Bogotá y el Caribe colombiano, y plantea que el reconocimiento de las propias raíces puede ser el punto de partida para construir vínculos con el otro. El humor funciona como vehículo, pero la reflexión sobre la identidad nacional atraviesa cada escena.

Camilo Amores da vida al protagonista bogotano, mientras que María Laura Quintero interpreta a Tatis, una joven costeña independiente y orgullosa de sus raíces. La propuesta musical corre por cuenta de Óscar Díaz y su agrupación, que interpretan en vivo un repertorio de clásicos del vallenato —en especial canciones de Diomedes Díaz— durante el transcurso de las funciones. Esa música en vivo no opera como pausa o intermedio, sino como parte integral de la narrativa: cada canción aparece en un momento específico de la historia y amplifica las emociones de los personajes.

Una apuesta por el teatro nacional

Dago García Producciones y el Teatro Cafam se unen en esta producción como parte de una apuesta compartida por fortalecer la circulación de obras de creación nacional en los escenarios bogotanos. García, conocido por su trayectoria en el cine y la televisión colombiana, asume en esta ocasión la doble función de autor y director.

“Con Amarte más no pude quisimos contar una historia profundamente colombiana, en la que el humor, el romance y el vallenato nos permiten reconocer que nuestras diferencias regionales también son una de nuestras mayores riquezas. Es una obra que habla de identidad, de respeto por las raíces y de la capacidad que tiene la música para acercar a las personas”, afirmó García.

Desde el Teatro Cafam, la producción se inscribe en la línea de programación que la institución mantiene en torno al talento nacional. “En el Teatro Cafam creemos en las historias que representan al país y generan conversación alrededor de nuestra identidad. Amarte más no pude es una producción que conecta con distintas generaciones porque habla del amor, de la diversidad cultural y del valor de reconocer al otro desde el arte y la música”, señaló Amalia De Pombo, vocera de Cultura Cafam.

El vallenato como patrimonio y como dramaturgia

El género vallenato tiene en esta obra un rol que trasciende lo decorativo. Sus canciones —muchas de ellas asociadas a la memoria afectiva de varias generaciones de colombianos— acompañan el arco emocional de los protagonistas y funcionan como comentario sobre lo que ocurre en escena. La decisión de incluir música en vivo refuerza esa dimensión: la agrupación de Óscar Díaz no actúa desde un foso o desde las bambalinas, sino como presencia activa dentro del espectáculo.

El vallenato fue reconocido por la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, un estatus que la obra recoge y proyecta desde el escenario. Al situar este género en el centro de una historia de amor contemporánea, la producción actualiza su vigencia y lo presenta a públicos que quizás no lo frecuentan habitualmente.

Humor, romance y tradición en un mismo escenario

La puesta en escena combina actuación, música en vivo y situaciones de humor que apuntan a distintas generaciones. Las diferencias entre Camilo y Tatis —en sus formas de hablar, de relacionarse y de entender el mundo— generan los momentos cómicos, pero también los de mayor carga emocional. La obra sostiene que esas diferencias no son un obstáculo para el amor, sino parte de lo que lo hace posible.

La producción tiene funciones en el Teatro Cafam de Bogotá los viernes a las 8:00 p.m. y los sábados a las 5:00 p.m. y a las 8:00 p.m. La temporada se extiende hasta el 29 de agosto de 2026.

La gira llega a Buenos Aires después de recorrer algunos de los escenarios más exigentes del mundo. Einaudi agotó localidades en el Teatro Real de Madrid, el Royal Albert Hall de Londres, la Salle Pleyel de París y el Carnegie Hall de Nueva York, en una serie de conciertos que recorrió Europa, Norteamérica y Asia con el mismo formato de absoluta austeridad escénica.

El repertorio abarca tres décadas de obra. El programa incluye piezas como “Nuvole Bianche”, “Una Mattina”, “Experience”, “I Giorni” y “Divenire”, junto con composiciones de The Summer Portraits, su disco de 2025. La iluminación acompaña el carácter de las composiciones, pero el centro de la propuesta es la música en su forma más directa. “Son conciertos donde el silencio también suena”, definió el propio Einaudi.

Quién es Ludovico Einaudi

Nacido en Turín en 1955, Ludovico Einaudi se formó en el Conservatorio Giuseppe Verdi de Milán, donde obtuvo su diploma en composición en 1982. Luego realizó estudios de posgrado con Luciano Berio, uno de los compositores de vanguardia más influyentes del siglo XX, y entró en contacto con el minimalismo americano a través de una beca en el Festival de Tanglewood, en Estados Unidos. Esa combinación —la tradición europea de la música de cámara, la vanguardia de Berio y Karlheinz Stockhausen, y el minimalismo de Philip Glass— definió las bases de su lenguaje.

A mediados de los años 80, se alejó de las formas académicas para desarrollar una voz propia que integra el minimalismo, la música ambiental, el pop y elementos de músicas del mundo. Con más de 10.000 millones de streams, es el compositor de música clásica contemporánea más escuchado en plataformas digitales, una cifra que lo ubica en un lugar sin precedentes dentro del panorama europeo del género. Su obra ocupa un territorio que la crítica suele denominar “post-clásico”: una escritura para piano que prescinde de la complejidad técnica de la tradición académica para privilegiar la accesibilidad emocional, sin abandonar la coherencia formal. Esa posición le valió tanto una audiencia masiva como un debate permanente dentro de los círculos especializados sobre los límites entre la música de concierto y la música popular instrumental.

Su producción discográfica incluye bandas sonoras de películas como Nomadland y El padre, ambas ganadoras del Oscar, y de la serie Intocables. Ha tocado en locaciones fuera de los circuitos convencionales: sobre un glaciar ártico, en la Ópera de Sídney y en el Castillo de Carcasona, en Francia.

En Argentina, Einaudi ya tiene un historial de presentaciones con sala llena, tanto en el Luna Park como en el Movistar Arena. El concierto en el Colón representa, para su trayectoria local, un salto de escala y de formato: de los recintos de espectáculos masivos a uno de los teatros líricos con mejor acústica del mundo.

La vida de Herman pudo haber seguido otro rumbo. De niño, en cada recreo, se ilusionaba con la pelota entre los pies y soñaba con llevar una camiseta de fútbol. Esa pasión ocupó sus primeros años, hasta que un día, sin dudar, cambió los botines por las zapatillas de baile.

“Mi historia es un milagro”, reconoce Herman, recordando el episodio que lo marcó para siempre. Cuando tenía apenas once meses, una grave afección de salud lo llevó a un estado crítico. El relato familiar cuenta que su padre militar, en plena guerra de Malvinas, logró volver un instante del frente para despedirse de su pequeño. “Mi papá me besó y me desperté”, detalla Cornejo, quien siempre ha sentido que ese gesto selló su destino.

Para el bailarín, presentar esta obra en Buenos Aires es la concreción de un anhelo largamente postergado. El espectáculo simboliza la recuperación de una pieza que considera parte del patrimonio nacional y le permite compartir con su gente la riqueza de la historia de la danza local.

“Poder traer a la luz lo que hubiera sido en su momento el primer ballet para Argentina en el año 1917 es un gran honor y orgullo para mí”, confiesa el artista a Teleshow, quien siente que la obra es tanto un homenaje a la historia de la danza argentina como un acto de amor hacia la tierra donde nació.

El bailarín describe la emoción de volver a sus raíces y brindar al público argentino una obra que dialoga con el pasado y proyecta hacia el futuro, inspirada en el bailarín y coreógrafo ruso Vaslav Nijinsky.

—¿Hace cuánto tiempo que no venías a la Argentina?

—La última vez que fui…Si mi memoria no me falla, fue en el 2022. Hice este mismo espectáculo pero en en la provincia de San Juan.

—Tu deseo era presentarla en Buenos Aires...

—Sí, sí... era el primero de los deseos, porque en su momento hubiera sido así, su estreno en Buenos Aires, además que es mi casa, el público que me vio nacer.

—¿Qué te pasa con esta obra que deseas y de la que estás tan orgulloso de dirigir?

—Primero y principal, creo que lo que me llena de orgullo es poder traer a la luz lo que hubiera sido en su momento el primer ballet para Argentina en los años 1900, que era cuando le Ballet Russe con Nijinsky iban a Argentina, que no tenía una compañía de ballet, no existía. Y gracias a Vaslav Nijinsky, se creó esta energía de decir que en nuestro país, y especialmente en Buenos Aires, hacía falta crear una compañía. Luego, se creó gracias a él. Nijinsky, en ese momento, había aceptado hacer este ballet basado en una leyenda guaraní. Así que para mí es un gran honor y orgullo poder traerlo a escena.

—¿La obra tiene un significado especial para vos?

—Por todos lados, es algo muy histórico, es patrimonio nacional, y también de la humanidad. Nijinsky es el icono mundial del ballet. Argentina es la cuna, una de las cunas que tiene más de cien años de historia. En lo personal también estoy muy aferrado y apegado a lo que es la figura de Nijinsky, no solamente por haber hecho la escuela que gracias a él se creó en el Teatro Colón con las técnicas rusas. Si no lo que significó en mi carrera. Yo hice El espectro de la rosa, que fue creado para él y fui nominado al Óscar de la danza por ese rol.

—¿Qué sentiste al ser comparado con figuras como Nijinsky o Julio Bocca?

—Imaginate, es todo un honor, son cosas que te van poniendo más arriba en la lista de bailarines.

—¿Soñaste alguna vez con todo lo que te pasó y te pasa en tu carrera?

—Es rarísimo porque no tengo recuerdo de sueños, pero tengo una seguridad muy grande. Yo ahora estoy escribiendo un libro sobre mi vida. Y esto lo he contado varias veces, que cuando tenía once meses estuve en coma, mi papá justo en ese momento estaba en la Guerra de Malvinas, en el año 1982. Yo estaba en el hospital en coma, los doctores dijeron que no había vuelta atrás, estaba con un respirador, le avisaron a mi mamá que, si le quería avisar a mi padre que viniera al hospital. Mi papá vino a darme el último adiós, porque iban a desconectarme, llega...se acerca a la camilla, que él me contó que era un cuerpito delgado, un esqueletito, me da un beso en la frente para darme el último adiós y yo abro los ojos. Fue un milagro. Realmente no sé si en esos momentos, cuando uno está en coma, qué es lo que pasa, dónde está el espíritu de uno. A partir de allí cuando empiezo a crecer adquirí una seguridad muy grande, y sabía qué quería hacer y ser. Empecé ballet, no había otra opción para mí. No lo soñé, pero lo sentí desde siempre.

—¿Por qué estuviste en coma?

—Mi mamá me llevó al hospital porque tenía algo en el estómago, era como un virus. Supongo que ese malestar habría sido demasiado fuerte, pero el problema fue que me medicaron mal. Así que al medicarme mal…todo se agravó.

—¿Cuántos días estuviste en coma y cuántos meses tenías?

—Unos cuantos días, una semana por lo menos y tenía casi un año.

—¿Te acordás de algo de ese momento?

—Nada, no me acuerdo de nada en lo absoluto.

—¿Con el tiempo le encontraste un significado?

—En esta obra, claramente, porque el relato tiene ese salto para una segunda oportunidad en la vida, ese poder de la transformación. Todo se conecta, por eso es muy personal para mí.

—¿Por qué la danza, hubo otras opciones?

—Yo hacía fútbol, mi papá militar, imaginate. Mi hermana Erica sí había empezado ballet mucho antes, alrededor de los tres años. A mí como que me enganchó verla bailar en el estudio y demás, pero fue como algo que sentí profundamente: “Es esto lo que quiero hacer”. Yo tenía ocho años. A veces, me pregunto cómo un niño puede saber exactamente, con tanta firmeza, que es esto lo que le gusta, que es lo que quiere.

—¿Tus padres siempre te apoyaron en la decisión de bailar?

—Mis papás la verdad que fueron increíbles, me apoyaron desde el comienzo. Obviamente, creo que igualmente mi generación la tuvo más fácil, en el sentido que los varones en mi época era un poquito más fácil decir que querían bailar gracias a Julio Bocca, gracias a Maximiliano Guerra. Ellos fueron como los que más abrieron esas puertas. Igualmente existía un poco de prejuicios.

—¿Te sentís cómodo viviendo fuera del país?

—Mira, la verdad que yo me siento cómodo donde esté mi arte. Fui a New York realmente porque el American Ballet estaba ahí. Era la compañía de mis sueños. Yo creo que si hubiera estado en otro lugar también. No me aferro a los lugares. Si hablamos, por ejemplo, en cuestiones de casas, me mudé más de veinte veces en treinta años. Me aferro a lo que vivo en el momento, en mi carrera y mi familia.

—¿Qué sentiste al estar frente a la puerta del American Ballet Theater por primera vez?

—Obviamente, crecí en Argentina pensando en el American Ballet Theater gracias a Julio (Bocca), a Paloma Herrera... en aquel momento no había Internet, entonces la única forma de conocer cosas de afuera era la gente que entraba y contaba. Entonces, obviamente, mi sueño después de ver tanto a Julio Bocca y de estar en su compañía durante dos años era como: Llegar al American Ballet es lograrlo, es llegar a lo máximo. Y en su momento, cuando después de estar dos años en la compañía de Julio y ganar la Medalla de Oro de Moscú, que también la ganó él, Julio me pidió de hacer una función en New York en su nombre, porque él no podía viajar. Entonces yo le dije a Bocca, quiero audicionar a ABT, es mi compañía. Él me respondió: “Por supuesto”. Me pidió permiso, habló con el director para que me pudiera dar una clase, para audicionar. Y lo hice con mi hermana. Fuimos y yo dije: “Bueno, vamos y nos quedamos”. No había plan B para mí. Cuando uno es joven es como que uno no piensa mucho en las cosas, tenés esa garra y esa fe de que todo puede pasar.

—La seguridad es fundamental...

—Totalmente, porque cuando salís a escena lo único que te puedes aferrar es en lo que vos creés, en lo que vos podés hacer. Podés pasar años ensayando con un maestro cómo hacer una variación. Pero la verdad está cuando llegás al escenario, ese maestro no está más para decirte que es lo que tenés que hacer. Todo depende de vos. Entonces esa fe y esa seguridad de lo que querés hacer tiene que estar en el bailarín, porque en escena es lo que se ve.

—¿Y alguna vez te pasó de confundirte en escena?

—Cuando hay mucho entrenamiento, esa equivocación no sucede. Lo lindo que tiene la danza es que es teatral. Te abre las puertas a que pongas sensaciones, cosas de tu propia vida, por más que estés interpretando un rol, por más que estés haciendo un Romeo. Pero más allá de eso, hay esa ventanita donde uno pone lo de uno. Pones la sensación, lo que te ha pasado en tu vida, y eso es lo que te hace diferente, lo que te va a diferenciar de otros bailarines que solamente hacen la parte técnica. Así que no hay eso de confundirse. Tal vez uno lo quiere hacer diferente a propósito o si existe esa confusión de que a lo mejor te confundiste. Hay un episodio muy divertido que cuando yo entré al American Ballet, no solían enseñarle a los chicos nuevos las coreografías. Uno tenía que ser muy rápido y aprenderse, estando parado al costado, roles, porque después te decían: “A ver, probalo, quiero verte”, y lo tenías que saber.

—¿Cuándo te pasó?

—Me pasó en Romeo y Julieta cuando me pusieron a bailar, me aprendí el rol con videos y viendo a otros bailarines, pero esa vez me había faltado un pedacito que no me había aprendido. Y durante el ensayo general de este ballet empezó una danza que era la parte de la carta y no tenía ni idea de qué iba ese momento. Y bueno, me quedé parado en un costado como el mejor actor, y nada, son momentos que pasan. Por suerte era un ensayo general. Había público, pero era un ensayo general, no era la función. Al día siguiente me tocaba la función, me lo aprendí como de emergencia en el momento para hacerlo al día siguiente.

—¿Qué te dejaron esos errores o tropiezos?

—Esos momentos la verdad que te hacen más fuertes. Ese momento tragame tierra, pero mucha más vida después de eso. Una vida mucho más fuerte. Podemos hablar de Messi, de lo que le pasó en mundiales anteriores. Él pudo salir. Y decir: “Lo voy a ganar”. Eso bajones te llevan a algo más alto.

—¿Eras bueno en el fútbol cuando eras chico?

—Sí, me encantaba el fútbol, era muy bueno, era delantero. Recuerdo que yo hacía ballet y fútbol a la vez. En un momento el Teatro Colón hizo una carta a la escuela para que no me permitiera jugar más porque era contraproducente con el ballet. Si yo quería realmente ser un bailarín, en un partido te pueden lesionar, te torcés un pie. Así fue como quedó prohibido, y yo acepté, sabía que el ballet era lo mío.

—¿Posición en la cancha?

—Jugaba en la delantera. Como un Martín Palermo, ponele. Me encantaba. El día que volví para despedirme... los chicos me decían: “No, no te podés ir del equipo”. Y justo ese partido iban perdiendo y me decían: “Entrá, por favor, entrá”... pero no lo hice.

—¿Te encontraste con muchos “cisnes negros” en tu carrera?

—Cisnes negros, ¿en qué sentido? [se ríe] Gente mala, buena, hay por todos lados. Creo que eso igualmente es un estigma que lleva el ballet, que tal vez sea muy anticuado. Mi generación fue cambiando, mismo en el American Ballet. En los últimos diez la compañía cambió brutalmente, para bien. Todos esos cisnes negros desaparecieron. Esta generación de los últimos diez años es mucho más amiga, mucho más hermana. Están uno ahí para el otro, se corrigen entre ellos. Tal vez le dan la oportunidad a un cuerpo de baile de hacer un rol principal y un principal le está corrigiendo a este cuerpo de baile cómo hacer las cosas mejores. Se ha diluido un poco esa competencia que existía antes. Cuando yo entré, se vivía un poco esto de: “No, yo soy principal, no te me acerques”. “Este es mi momento o esperá tu momento”. Hoy cambió muchísimo.

—¿En qué lugar vivís actualmente en Nueva York?

—Viví en muchísimos lados. La mayor parte de mi vida, mientras estudiaba, viví al lado del teatro, cerca y fácil para ir a entrenar y volver. En los últimos siete años que hice una familia, me mudé al Bronx, cerca del Jardín Botánico. Para tener un lugar más grande y poder tener una familia más grande.

—¿Con quiénes vivís?

—Con mi mamá. Mi hermana, que la extraño muchísimo, ahora vive en Denver. Está ahí dirigiendo la escuela del Colorado Ballet.

—¿Y tu padre?

—Mi papá es una historia muy triste para mí. Seguimos en contacto, pero muy lejanos. Es a lo mejor una llamada de teléfono cada dos años. Vive en Argentina. Una lástima. Mis padres se divorciaron. Mi viejo se alejó muchísimo y desde hace quince años, más o menos, que no tenemos mucho contacto. Una lástima. Pero bueno, yo a mi vieja la tengo conmigo. La quiero muchísimo por todo lo que pasó en su vida y cómo nos ayudó.

—Y tu propia familia...

—Claro, mi esposa y mi nene. Mi mujer (María José Lavandera) es argentina. Nos conocimos en Buenos Aires. Ella es periodista y escritora. Tenía su propia revista de danza, Revol, en Argentina. Nos conocimos porque yo hacía diez años que no volvía a bailar a mi país y me hizo una entrevista en esa vuelta que tuve en el 2016. Y fue un flechazo. Nos enamoramos.

—¿Qué sentís al volver a Buenos Aires con tu espectáculo?

—Para mí obviamente lo más importante es lo que va a pasar el uno de septiembre en el Teatro Coliseo. Y realmente es un un placer volver a casa, a mi público.

El segundo concierto de la Orquesta Estable del Teatro Colón podrá seguirse de forma gratuita y en directo este sábado 1° de agosto a las 20, a través de la página web del teatro, así como por las cuentas institucionales de Facebook y YouTube del coliseo lírico. Bajo la batuta de su director titular, Alejo Pérez, la velada reunirá dos obras capitales del repertorio sinfónico: el poema sinfónico Don Quijote, de Richard Strauss, y la suite orquestal Los planetas, de Gustav Holst. El violonchelista francés Aurélien Pascal se sumará como solista invitado.

La elección de Don Quijote, Op. 35, de Strauss no es menor. Compuesta en 1897 e inspirada en la novela de Miguel de Cervantes, la obra es considerada el ejemplo más elaborado de pintura musical en el catálogo del compositor alemán. Su estreno tuvo lugar en Colonia el 8 de marzo de 1898, bajo la dirección de Franz Wüllner. Estructurada como una introducción, diez variaciones y un epílogo, la pieza asigna al violonchelo solista la voz de Don Quijote: un tema que atraviesa transformaciones que reflejan el deterioro mental del caballero y su eventual regreso a la lucidez antes de la muerte. La viola, la tuba tenor y el clarinete bajo encarnan a Sancho Panza, mientras que un oboe da vida a Dulcinea, la amada imaginada.

La interpretación de la obra contará con la participación especial de Aurélien Pascal, nacido en París en 1994 en el seno de una familia de músicos. Formado en el Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris bajo la tutela de Philippe Müller, su trayectoria en competencias internacionales incluye el segundo premio en el Concours International Paulo de Helsinki en 2013, el Gran Premio del Concurso Emanuel Feuermann en 2014 y el cuarto puesto como finalista más joven del Concurso Reina Isabel de Bélgica en 2017. En 2023 recibió el reconocimiento como Revelación Solista Instrumental en las Victoires de la Musique Classique de Francia. Toca un violonchelo francés Adolphe Gand de 1850.

La segunda parte del programa estará a cargo de Los planetas, Op. 32, de Holst, una suite en siete movimientos compuesta entre 1914 y 1917. La obra tiene su origen en el interés del compositor inglés por la astrología, disciplina que descubrió en 1913 durante un viaje a España con el escritor Clifford Bax. Cada movimiento retrata el carácter astrológico de un planeta: desde la brutalidad percusiva de Marte, portador de la guerra hasta la disolución etérea de Neptuno, el místico, donde la orquesta se funde con un coro femenino sin texto. El estreno de la obra tuvo lugar el 29 de septiembre de 1918 en el Queen’s Hall de Londres, bajo la conducción de Adrian Boult.

Holst compuso la mayor parte de la partitura con neuritis severa en el brazo derecho, lo que hacía doloroso sostener la pluma por períodos prolongados. Se valió de la ayuda de colegas y ex alumnas del St Paul’s Girls’ School para transcribir sus bocetos al papel orquestal completo. La suite alcanzó una popularidad masiva tras la Primera Guerra Mundial, hecho que el propio compositor recibió con incomodidad: el compositor sentía que ese éxito opacaba sus trabajos posteriores, más austeros. Con todo, Los planetas se convirtió en una referencia ineludible de la música orquestal del siglo XX y acumula más de 80 grabaciones de orquestas e intérpretes de todo el mundo.

[Fotos: prensa Teatro Colón]

El Teatro Colón fue el escenario de la primera entrega de los Premios Pinti, la nueva ceremonia que reconoce lo mejor del teatro comercial porteño. Esa noche, entre galardones y aplausos, Nico Vázquez y Dai Fernández protagonizaron un momento que se extendió más allá de la sala y llegó a las redes con fuerza propia.

La ceremonia, organizada por la Asociación Argentina de Empresarios Teatrales y Musicales (AADET), reconoció lo mejor del teatro comercial porteño. La conducción estuvo a cargo de Agustín “Rada” Aristarán y la transmisión fue por eltrece. La noche tuvo su cuota de lágrimas, aplausos y sorpresas, y una de las obras que más veces subió al escenario a recoger galardones fue Rocky.

La producción se alzó con tres premios: Mejor Producción y Espectáculo del Año en la categoría Drama o Comedia Dramática, diseño de iluminación y sonido y/o música original. El reconocimiento desató el festejo del elenco dentro y fuera de la sala.

Dai fue la primera en tomar la palabra. Desde sus redes, escribió: “Noche de gala en el Teatro Colón disfrutando de la primera entrega de los Premios Pinti. Felicitaciones a todo el equipo de Rocky, RGB Entertainmen, Preludio producciones por estos premios tan merecidos”.

El posteo no se quedó en el agradecimiento colectivo. La actriz le dedicó un párrafo especial a Vázquez, su compañero de elenco y pareja: “Gracias por llevar este proyecto a lo más alto, con tu profesionalismo y tu calidad humana como bandera. Gracias por confiar en mí para acompañarte en esta historia, es un privilegio inmenso ser parte de esta familia”.

Vázquez no tardó en responder. El actor tomó el mensaje de Dai como punto de partida y lo devolvió con creces. “Gracias a vos por confiar en mí desde antes y siempre”, escribió, antes de continuar con una definición que sus seguidores destacaron de inmediato.

“Sos una excelente actriz, pero, por sobre todo, una persona maravillosa. Tenés una belleza interior y exterior difícil de explicar. Sos de esas personas buenas de verdad, de las que hacen bien”, expresó el actor, en un tono que fue más allá del reconocimiento profesional.

El cierre del intercambio terminó de redondear la postal de la noche. “Me encanta compartir con vos arriba y abajo del escenario. Gracias por tu amor, por tu entrega y por ser ese ser humano tan amoroso”, concluyó Vázquez, con una frase que sus seguidores celebraron con cientos de mensajes de apoyo.

Un mes atrás, el actor de Casi Ángeles cumplió 49 años y lo celebró con una fiesta a sorpresa que reunió a su familia, sus amigos más cercanos y buena parte del elenco de la obra de teatro. “Cumpleaños sorpresa feliz. Festejando el aquí y ahora y agradeciendo siempre. Me siento muy bendecido de todo el amor que recibo”, escribió en el posteo que subió para marcar su nuevo año de vida.

La imagen con la que abrió el carrusel lo muestra con los brazos en alto, remera blanca, una sonrisa abierta y la torta al frente con las bengalas encendidas. Detrás, la banda tocaba en vivo mientras el resto de los invitados festejaba. Fue la postal perfecta para una noche que, según se desprende de las fotos, no tuvo un momento de pausa.

Fernández estuvo en el centro de la celebración. La actriz y pareja del cumpleañero apareció en varias imágenes del posteo, siempre al lado del actor que volverá pronto a la conducción al frente de Popstars, en la vuelta del reality. En una de ellas, los dos se miran y ríen con copas en mano, con una complicidad que no necesita epígrafe. Días antes de la fiesta, la actriz ya le había dedicado un saludo público en redes:“Que la vida tenga muchas cosas hermosas preparadas para vos. Feliz vuelta al sol. Te amo”, escribió junto a una foto de los dos abrazados en un restaurante, que acumuló rápidamente reacciones de seguidores y colegas.

“¡Qué belleza!“, lanzó el conductor en su ingreso al imponente escenario en medio de los aplausos. ”Este premio tiene 21 categorías y entraron en competencia más de 70 obras que se presentaron en el circuito comercial de Buenos Aires entre 2025 y 2026. Esto se enmarca en más de 400 obras por semana en el circuito comercial oficial y en el alternativo", resaltó, mientras destacaba a Buenos Aires como “una capital mundial del teatro”.

Al final de la noche, Charlie y la Fábrica de Chocolate se consolidó como el musical de mayor convocatoria, obteniendo además el galardón a mejor musical. En el rubro actoral, Agustín “Rada” Aristarán fue distinguido como actor en musical. La dirección fue reconocida para Ariel Del Mastro y Marcelo Caballero, completando así un total de cuatro premios para la producción.

Rocky fue seleccionado como el drama o comedia dramática de mayor convocatoria. La producción estuvo a cargo de Preludio y RGB Entertainment. El equipo conformado por Mariano Demaría y Santiago Cámara recibió el premio por diseño de iluminación, sonido y/o música original, sumando en total tres premios.

Hairspray obtuvo dos reconocimientos: Vanesa García Millán fue premiada por la coreografía y Gustavo Alderete por el diseño de vestuario, caracterización y/o maquillaje. En el caso de Berlín, Berlín, Juan Pablo Geretto recibió el reconocimiento como actor de comedia, mientras que Lucía Adúriz Bravo fue distinguida como actriz de reparto, alcanzando así dos premios para la obra.

La obra Lo que el río hace, de María Marull y Paula Marull, fue galardonada como obra de autoría nacional. Mariano Saborido fue distinguido como actor de reparto, otorgando dos premios a la producción. La comedia Una Navidad de mierda resultó ganadora principal en su categoría. Verónica Llinás obtuvo el premio a actriz de comedia, acumulando así dos premios.

El nombre de la distinción homenajea al recordado Enrique Pinti, figura central del teatro argentino. Con “Quedan los artistas”, su canción insignia de Salsa criolla, se vivió un momento muy especial a cargo de Rada y figuras importantes de los escenarios como Dalia Gutmann, Martín Rechimuzzi, Julieta Otero y Pablo Fábregas que interpretaron la canción donde el comediante entonaba “Pasan los años, pasan los gobiernos/ Los radicales, los peronistas/ Pasan veranos, pasan inviernos/ Quedan los artistas”.

La trayectoria de Carlos Rottemberg fue homenajeada con un valioso premio a su extensa y prolífica carrera como productor durante más de 50 años. “Muchas gracias. Quiero agradecer a AADET porque el reconocimiento de los pares tiene una importancia muy emocionante. Son personas con los que podemos estar de acuerdo y desacuerdo. Trabajamos a favor de la comunidad teatral. Aunque me retiré de la comisión directiva, sigo muy cerca y la trayectoria tiene relación con cómo se desarrolla”, aseguró el productor. “Mi viejo se murió hace dos años, pero mi mamá está acá y soy un agradecido a ellos porque es un trabajo de familia”, destacó, en medio de una ovación de pie.

Moria Casán recibió otro premio honorífico por su carrera teatral. La diva recordó sus comienzos, el salto que significó en su carrera la obra Brujas y le puso toda su impronta al agradecimiento por la distinción. “Es un premio hermoso y soy la única que llevo 40 años en la calle Corrientes porque me cubro con mi propia luz. Agradezco a mi salud que me permitió nunca haber faltado al teatro porque nunca me enfermé”, resaltó.

Guillermo Francella fue otro de los distinguidos con el Premio Pinti a la Trayectoria. El actor de Desde el jardín, con más de 40 años de carrera, recibió el galardón de las manos de Adrián Suar, quien destacó su estilo único y su vínculo con el público: “Es un artista que uno puede decir que tiene un lenguaje propio en su estilo. No se parece a nadie cuando hace una pausa o una mirada”. El propio Francella expresó su emoción: “El verdadero reconocimiento está en el cariño de la gente, cada uno que agradece por haber acompañado”.

Los ganadores de los Premios Pinti

Drama o comedia dramática de mayor convocatoria

• Rocky

Comedia de mayor convocatoria

• El jefe del jefe

Musical de mayor convocatoria

• Charlie y la fábrica de chocolate

Espectáculo favorito del público

• Annie

Comedia

• Berlín, Berlín
• La función que sale mal
• Medida por medida (la culpa es tuya)
• Parlamento
• Una Navidad de mierda - GANADORA

Drama o comedia dramática

• El Brote
• Habitación Macbeth
• Imprenteros
• Las Hijas - GANADORA
• Lo que el Río Hace

Musical

• Annie
• Charlie y la Fábrica de Chocolate - GANADOR
• Cuando Frank conoció a Carlitos
• Hairspray
• The Opera, Locos

Unipersonal, espectáculo de humor, stand up o formato alternativo

• Chanta
• El equilibrista
• Feliz día sutottos
• Suavecita - GANADOR
• Un poyo rojo

Obra de autoría nacional

• Cuando Frank conoció a Carlitos de Gustavo Manuel González y Raúl López Rossi
• El brote de Emiliano Dionisi
• La vida extraordinaria de Mariano Tenconi Blanco
• Lo que el río hace de María Marull y Paula Marull - GANADORAS
• Pundonor de Andrea Garrote

Actriz de comedia

• Carla Peterson - Sottovoce
• Fernanda Metilli - Berlín Berlín
• Lorena Vega - Sottovoce
• Pilar Gamboa - Parlamento
• Verónica Llinás - Una navidad de mierda - GANADORA

Actor de comedia

• Adrián Suar - Sottovoce
• Diego Reinhold - La función que sale mal
• Juan Pablo Geretto - Berlín Berlín - GANADOR
• Luis Brandoni - Quién es Quién
• Maxi de la Cruz - Berlín Berlín

Actriz de drama o comedia dramática

• Andrea Garrote - Pundonor
• Julieta Zylberberg - Prima Facie
• Lorena Vega - Imprenteros y La vida extraordinaria - GANADORA
• Pilar Gamboa - Las Hijas
• Valeria Lois - La vida extraordinaria

Actor de drama o comedia dramática

• Carlos Portaluppi - Druk
• Iñaki Aldao - El curioso incidente del perro a medianoche
• Luis Machín - La última sesión de Freud
• Pompeyo Audivert - Habitación Macbeth
• Roberto Peloni - El brote - GANADOR

Actriz en musical

• Alejandra Perlusky – Billy Elliot
• Alejandra Radano – Company - GANADORA
• Belén Bilbao – Hairspray
• Julieta Nair Calvo – Annie
• Lizy Tagliani – Annie

Actor en musical

• Agustín “Rada” Aristarán – Charlie y la Fábrica de Chocolate - GANADOR
• Fer Dente – Company
• Lucas Gerson – Cuando Frank conoció a Carlitos
• Oscar Lajad – Cuando Frank conoció a Carlitos
• Sebastián Almada – Charlie y la Fábrica de Chocolate

Actriz de reparto

• Dolores Ocampo – Charlie y la Fábrica de Chocolate
• Lucía Adúriz Bravo – Berlín Berlín - GANADORA
• Mónica Raiola – Lo que el río hace
• Paula Kohan – Cuestión de género
• Vane Butera – Company

Actor de reparto

• David Masajnik – Rocky
• Ian Ferreira – Hairspray
• Juan Isola – El Jefe del Jefe
• Marcelo Savignone – Berlín Berlín
• Mariano Saborido – Lo que el río hace - GANADOR

Dirección

• Ariel Del Mastro y Marcelo Caballero – Charlie y la Fábrica de Chocolate - GANADORES
• Emiliano Dionisi – El brote
• Fer Dente – Hairspray
• María Marull y Paula Marull – Lo que el río hace
• Natalia Del Castillo – Cuando Frank conoció a Carlitos

Coreografía

• Analía González – Annie
• Analía González – Charlie y la Fábrica de Chocolate
• Gustavo Wons – Billy Elliot
• Luciano Rosso, Nicolás Poggi y Alfonso Barón – Un poyo rojo
• Vanesa García Millán – Hairspray - GANADORA

Diseño de escenografía y/o audiovisual

• Gonzalo Córdoba Estévez – Berlín Berlín
• José Ponce Aragón – Charlie y la Fábrica de Chocolate
• Julieta Kompel y Gonzalo Córdoba Estévez – Desde el jardín - GANADORES
• Tadeo Jones – El curioso incidente del perro a medianoche
• Tato Fernández – Rocky

Diseño de vestuario, caracterización y/o maquillaje

• Gustavo Alderete para La Polilla (Vestuario) – Hairspray - GANADOR
• Matías Nazareno (Caracterización y Maquillaje) – Hairspray
• Matías Nazareno y Feliciano San Román (Caracterización y Maquillaje) – Charlie y la Fábrica de Chocolate
• Rodrigo González Garillo (Vestuario) – Parlamento
• Romina Lanzillotta y Catalina Rodríguez Loredo (Vestuario) – Charlie y la Fábrica de Chocolate

Diseño de iluminación, sonido y/o música original

• Anteo Del Mastro y Sebastián Viola (Iluminación) – Charlie y la Fábrica de Chocolate
• David Seldes (Iluminación) – Hairspray
• Gastón Briski (Sonido) – Billy Elliot
• Gonzalo González (Iluminación) – El curioso incidente del perro a medianoche
• Mariano Demaría y Santiago Cámara (Iluminación) – Rocky - GANADORES

Producción

• Club Media y Olga – Hairspray
• Guillermo Francella, Adrián Suar y Pablo Kompel – Desde el jardín
• MP Producciones, Ozono Producciones, Carlos Rottemberg y Tomás Rottemberg – Charlie y la Fábrica de Chocolate
• Preludio y RGB Entertainment – Annie
• Preludio y RGB Entertainment – Rocky - GANADOR

Esta noche, cuando las luces del Teatro Colón vuelvan a encenderse para una gala que promete convertirse en una fecha de referencia para la escena nacional, el teatro argentino escribirá una nueva página de su historia. En el escenario del coliseo más emblemático del país se celebrará la primera edición de los Premios Pinti, una distinción creada por la Asociación Argentina de Empresarios/as Teatrales y Musicales (AADET) con el objetivo de reconocer la excelencia artística y productiva del teatro comercial argentino. La ceremonia reunirá a las figuras más importantes del espectáculo en una noche que buscará rendir homenaje tanto a quienes brillan bajo los reflectores como a quienes trabajan detrás de escena para que cada función cobre vida.

La noche estará comandada por Agustín Aristarán, más conocido como Soy Rada, quien será el maestro de ceremonias. Mientras tanto, Sofía Kotler y Florencia Ferrero tendrán a su cargo la cobertura desde la alfombra roja -con transmisión de El Trece- por donde desfilarán actores, actrices, productores, directores, dramaturgos y equipos creativos que durante el último año dieron vida a algunos de los espectáculos más convocantes de la cartelera porteña.

A diferencia de otras premiaciones tradicionales, buscarán reconocer todas las dimensiones que hacen posible un espectáculo teatral. En total se entregarán distinciones en 19 categorías que abarcan tanto el trabajo artístico como el creativo y el productivo, poniendo en valor el enorme engranaje humano que existe detrás de cada obra. La intención de AADET es consolidar una celebración que destaque la calidad, el talento y el compromiso de quienes sostienen una de las industrias culturales más importantes del país.

En esta primera edición convivirán cuatro modalidades diferentes de reconocimiento. Por un lado estarán las categorías competitivas, cuyos nominados y ganadores fueron definidos por un jurado independiente especialmente convocado para la ocasión. También se entregarán los Premios Trayectoria, reservados para personalidades cuya carrera dejó una huella imborrable en la escena nacional; se distinguirán los Espectáculos del Año, elegidos en función de la convocatoria de público alcanzada durante la temporada; y finalmente se conocerá el Premio Favorito del Público, decidido mediante una votación abierta que permitirá que los espectadores también tengan voz en esta gran celebración del teatro.

La aspiración de los organizadores es que esta primera ceremonia marque el inicio de una tradición anual. Para garantizar la transparencia y el prestigio de la elección, AADET convocó a un jurado integrado por 25 personalidades de reconocida trayectoria y prestigio dentro del ámbito cultural argentino. Entre ellos se encuentran Carlos Ulanovsky, Claudia Piñeiro, Cynthia Edul, Enrique Avogadro, Federico Irazábal, Fernando Bravo, Gabriela Radice, Hugo Paredero, Jorge Dubatti, Lucía Chiola Iannone, Marcela Coronel, Marcela Godoy, Marcelo Allasino, Marcelo Stiletano, Mercedes Méndez, Mey Scápola, Natalia Laube, Pablo Scholz, Pablo Sirvén, Pamela López, Paula Sabatés, Sandra Commisso, Silvina Lamazares, Tatiana Schapiro y Teresa Donato, quienes tuvieron la responsabilidad de evaluar las producciones que formaron parte de la temporada.

Entre los momentos más esperados de la velada estará el reconocimiento a tres referentes indiscutidos del teatro nacional. Moria Casán será distinguida con el Premio Trayectoria por su aporte a la actuación teatral femenina, Guillermo Francella recibirá el galardón correspondiente a la actuación teatral masculina y el productor Carlos Rottemberg será homenajeado por una carrera que transformó la producción teatral argentina. Según destacó AADET, se trata de tres nombres cuyas trayectorias contribuyeron de manera decisiva al fortalecimiento y crecimiento del teatro comercial, convirtiéndose en verdaderos pilares de la actividad a lo largo de las últimas décadas.

El premio lleva el nombre de Enrique Pinti, una de las personalidades más influyentes e irrepetibles de la cultura argentina. Actor, dramaturgo, director y uno de los grandes observadores de la realidad nacional, Pinti construyó una carrera atravesada por el humor inteligente, la crítica política, los monólogos que marcaron generaciones y una inagotable pasión por el escenario. Su legado artístico, caracterizado por la excelencia, la creatividad y el pensamiento crítico, representa precisamente los valores que esta nueva distinción pretende poner en primer plano.

La gala de esta noche no solo repartirá estatuillas. También buscará inaugurar una nueva tradición para el teatro argentino, una celebración destinada a reconocer el talento, la creatividad, el esfuerzo colectivo y la excelencia de una industria que convierte cada función en un encuentro irrepetible entre artistas y público. En el majestuoso escenario del Teatro Colón, donde tantas páginas memorables de la cultura nacional fueron escritas, comenzará una historia que aspira a repetirse cada temporada y a convertirse en uno de los grandes acontecimientos del calendario artístico argentino.

Todos los nominados, rubro por rubro

Comedia

• Berlín, Berlín.
• La función que sale mal.
• Medida por medida (la culpa es tuya).
• Parlamento.
• Una Navidad de Mierda.

Drama o comedia dramática

• El Brote.
• Habitación Macbeth.
• Imprenteros.
• Las Hijas.
• Lo que el Río Hace.

Musical

• Annie.
• Charlie y la Fábrica de Chocolate.
• Cuando Frank conoció a Carlitos.
• Hairspray.
• The Opera, Locos.

Unipersonal, espectáculo de humor, stand up o formato alternativo

• Chanta.
• El equilibrista.
• Feliz día sutottos.
• Suavecita.
• Un poyo rojo.

Obra de autoría nacional

• Cuando Frank conoció a Carlitos de Gustavo Manuel González y Raúl López Rossi.
• El brote de Emiliano Dionisi.
• La vida extraordinaria de Mariano Tenconi Blanco.
• Lo que el río hace de María Marull y Paula Marull.
• Pundonor de Andrea Garrote.

Actriz de comedia

• Carla Peterson - Sottovoce.
• Fernanda Metilli - Berlín Berlín.
• Lorena Vega - Sottovoce.
• Pilar Gamboa - Parlamento.
• Verónica Llinás - Una navidad de mierda.

Actor de comedia

• Adrián Suar - Sottovoce.
• Diego Reinhold - La función que sale mal.
• Juan Pablo Geretto - Berlín Berlín.
• Luis Brandoni - Quién es Quién.
• Maxi de la Cruz - Berlín Berlín .

Actriz de drama o comedia dramática

• Andrea Garrote - Pundonor.
• Julieta Zylberberg - Prima Facie.
• Lorena Vega - Imprenteros y La vida extraordinaria.
• Pilar Gamboa - Las Hijas.
• Valeria Lois - La vida extraordinaria.

Actor de drama o comedia dramática

• Carlos Portaluppi - Druk.
• Iñaki Aldao - El curioso incidente del perro a medianoche.
• Luis Machín - La última sesión de Freud.
• Pompeyo Audivert - Habitación Macbeth.
• Roberto Peloni - El brote

Actriz en musical

• Alejandra Perlusky – Billy Elliot
• Alejandra Radano – Company
• Belén Bilbao – Hairspray
• Julieta Nair Calvo – Annie
• Lizy Tagliani – Annie

Actor en musical

• Agustín “Rada” Aristarán – Charlie y la Fábrica de Chocolate
• Fer Dente – Company
• Lucas Gerson – Cuando Frank conoció a Carlitos
• Oscar Lajad – Cuando Frank conoció a Carlitos
• Sebastián Almada – Charlie y la Fábrica de Chocolate

Actriz de reparto

• Dolores Ocampo – Charlie y la Fábrica de Chocolate
• Lucía Adúriz Bravo – Berlín Berlín
• Mónica Raiola – Lo que el río hace
• Paula Kohan – Cuestión de género
• Vane Butera – Company

Actor de reparto

• David Masajnik – Rocky
• Ian Ferreira – Hairspray
• Juan Isola – El Jefe del Jefe
• Marcelo Savignone – Berlín Berlín
• Mariano Saborido – Lo que el río hace

Dirección

• Ariel Del Mastro y Marcelo Caballero – Charlie y la Fábrica de Chocolate
• Emiliano Dionisi – El brote
• Fer Dente – Hairspray
• María Marull y Paula Marull – Lo que el río hace
• Natalia Del Castillo – Cuando Frank conoció a Carlitos

Coreografía

• Analía González – Annie
• Analía González – Charlie y la Fábrica de Chocolate
• Gustavo Wons – Billy Elliot
• Luciano Rosso, Nicolás Poggi y Alfonso Barón – Un poyo rojo
• Vanesa García Millán – Hairspray

Diseño de escenografía y/o audiovisual

• Gonzalo Córdoba Estévez – Berlín Berlín
• José Ponce Aragón – Charlie y la Fábrica de Chocolate
• Julieta Kompel y Gonzalo Córdoba Estévez – Desde el jardín
• Tadeo Jones – El curioso incidente del perro a medianoche
• Tato Fernández – Rocky

Diseño de vestuario, caracterización y/o maquillaje

• Gustavo Alderete para La Polilla (Vestuario) – Hairspray
• Matías Nazareno (Caracterización y Maquillaje) – Hairspray
• Matías Nazareno y Feliciano San Román (Caracterización y Maquillaje) – Charlie y la Fábrica de Chocolate
• Rodrigo González Garillo (Vestuario) – Parlamento
• Romina Lanzillotta y Catalina Rodríguez Loredo (Vestuario) – Charlie y la Fábrica de Chocolate

Diseño de iluminación, sonido y/o música original

• Anteo Del Mastro y Sebastián Viola (Iluminación) – Charlie y la Fábrica de Chocolate
• David Seldes (Iluminación) – Hairspray
• Gastón Briski (Sonido) – Billy Elliot
• Gonzalo González (Iluminación) – El curioso incidente del perro a medianoche
• Mariano Demaría y Santiago Cámara (Iluminación) – Rocky

Producción

• Club Media y Olga – Hairspray
• Guillermo Francella, Adrián Suar y Pablo Kompel – Desde el jardín
• MP Producciones, Ozono Producciones, Carlos Rottemberg y Tomás Rottemberg – Charlie y la Fábrica de Chocolate
• Preludio y RGB Entertainment – Annie
• Preludio y RGB Entertainment – Rocky

Buenos Aires despliega para las vacaciones de invierno 2026 una agenda cultural de gran alcance, con propuestas que van desde el estreno argentino de un ballet del Royal Danish Ballet en el Teatro Colón hasta espectáculos con entradas desde $10.000 en las salas del Complejo Teatral de Buenos Aires (CTBA), pasando por una oferta gratuita y masiva en el Palacio Libertad, el Centro Cultural Recoleta, la Feria del Libro Infantil y una decena de museos públicos. Teatro, circo, música, danza, literatura y talleres componen un mapa que se extiende por toda la ciudad y el conurbano durante las dos semanas del receso escolar.

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Teatro

El Teatro Colón abre las vacaciones con el estreno argentino de Alice’s Adventures in Wonderland, a cargo del Ballet Estable con dirección de Julio Bocca. La producción, del Royal Danish Ballet y el Royal Swedish Ballet, tiene coreografía de Christopher Wheeldon y música de Joby Talbot, con la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires bajo la batuta de David Briskin. Las funciones van del 17 al 25 de julio a las 20, y los domingos 19 y 26 a las 17. En la Sala Principal, el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón presenta ¿Sabías que el mar tiene corazón?, una obra lírica para chicos a partir de 7 años, con funciones del martes 21 al domingo 26. En el Salón Dorado, Cartas que cantan, aventuras líricas en el altillo se puede ver desde el sábado 18 de julio hasta el domingo 2 de agosto. Las entradas se consiguen en www.teatrocolon.org.ar.

El Complejo Teatral de Buenos Aires (CTBA) suma tres estrenos y una reapertura para las vacaciones, con entradas que arrancan en $10.000. En el Teatro Sarmiento (Av. Sarmiento 2715), el Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín presenta Remigio Verdiales, un carpincho, una comedia musical de títeres escrita y dirigida por Pablo Gorlero. La obra narra la historia de Remigio, un carpincho cuya vida en el humedal se ve alterada por el avance de la urbanización. Con humor, coreografías y canciones originales, aborda la empatía, el trabajo colectivo y la convivencia. Funciones de martes a domingos a las 15. Duración: 60 minutos. Entradas: $15.000.

En el Cine Teatro El Plata (Av. Juan Bautista Alberdi 5765), el mismo Grupo de Titiriteros presenta El Gran Circo, el clásico creado por Ariel Bufano en 1983, ahora con dirección de Adelaida Mangani y codirección de Ariadna Bufano. El espectáculo supera las 800 funciones y el medio millón de espectadores en su historia. Por la pista desfilan el Payaso Totó, el Mago Merlino, las Tres Avestruces Gigantes y el pequeño hombre-bala Goleto, entre otros personajes. Se presenta con funciones de martes a domingos a las 15. Duración: 50 minutos. Entradas: $15.000. Los martes 21 y 28 habrá funciones distendidas para personas neurodivergentes.

En el Teatro Regio, Manuelita, mi casa es el mundo, versión libre basada en el libro de María Elena Walsh, con dirección de Chacho Garabal y música de Lolo Micucci, recorre la travesía de la célebre tortuga desde Pehuajó hasta París. La propuesta presenta a una Manuelita aventurera en una búsqueda de identidad, con una puesta visual moderna y poética. Los martes habrá funciones distendidas para personas neurodivergentes.

En el Teatro de la Ribera (Pedro de Mendoza 1821, en La Boca), Benito de La Boca regresa para su cuarta temporada. El musical, con idea y dirección general de Lizzie Waisse, dramaturgia de Juan Francisco Dasso y música original de Gustavo Mozzi, integra teatro, música en vivo, artes plásticas y poesía para retratar la vida de Benito Quinquela Martín. El elenco lo encabeza Roberto Peloni —reemplazado por Mariano Magnífico en varias funciones de julio—, con músicos en escena que incluyen bandoneón, violoncello, clarinete y piano. Funciones de miércoles a viernes a las 14 y sábados y domingos a las 15. Espectáculo sugerido para mayores de 10 años. Duración: 85 minutos. Entradas: platea $18.000, pullman $12.000, viernes $10.000.

El Palacio Libertad (Sarmiento 151) propone en su Sala Argentina tres espectáculos en rotación: Héroes, villanos y mamás, con dramaturgia de Melina Pogorelsky y dirección de Maricel Santin (del 15 al 19 de julio); Clownies Cazamentiras, con dirección de Virginia Kaufmann (del 22 al 26 de julio); y Nico y la máquina de los atrapasueños, con guion y dirección de Gustavo Guzmán (del 29 de julio al 2 de agosto). El tercer piso del centro cultural suma propuestas para la primera infancia: Una sonrisa vale más que mil palabras, de Martín Garibaldi; Un mapa, una valija y te cuento, de Victoria Ciano; y Guarda!, de la Compañía Turnoc. Hasta el domingo 19, Ana María Picchio presenta Anita te cuenta un cuento en el Salón de Honor. Toda la programación es de martes a domingos, con entrada libre en la mayoría de las propuestas.

En el teatro independiente, Waminix, de Proyecto Migra, vuelve al Teatro Timbre 4 (México 3554) con múltiples funciones. El espectáculo de circo-teatro con dirección de Leticia González de Lellis y Osqui Guzmán plantea un universo distópico donde un grupo de payasos mutantes enfrenta una tiranía. Funciones: domingos, miércoles, jueves y viernes a las 16; viernes a las 15; el sábado 1° de agosto a las 15 y 17. Entrada: $25.000 por Alternativa Teatral.

¡Me acuerdo, me acuerdo!, de María Mangone y Julián Rodríguez Rona, se presenta en El Camarín de las Musas (Mario Bravo 960) los sábados 18 y 25, jueves 23 y 30, martes 28 de julio y sábado 1° de agosto, todas a las 16. La obra, recomendada para chicos de 3 a 11 años, recorre las canciones de María Elena Walsh para explorar la memoria y el olvido. Entrada: $25.000.

Abuela Luna, de la Compañía Siete Quesos, con dramaturgia de Inés Cuesta y dirección de Eduardo Bertoglio, se puede ver todos los domingos de julio y el domingo 2 de agosto a las 19 en el Teatro Club de Trapecistas (Ferrari 252, CABA). La obra cuenta con las actuaciones de Ricardo Bustos y Gabriel Soria, actor dentro del espectro autista, y narra el viaje de un científico a la Luna con un combustible ecológico. Entrada general: $20.000. Habrá funciones especiales en Quilmes el miércoles 22 de julio a las 15 y 17 h en el Centro de Producción Cultural Amaicha (Av. 844 N°2226, San Francisco Solano). Entradas en www.alternativateatral.com.

Barrocas, una posible historia, de creación colectiva con dirección de Mechi Moreno, combina música en vivo de violoncello y flauta traversa con clown y teatro físico. Se presenta en Nün Teatro Bar (Juan Ramírez de Velazco 419, CABA) los domingos 19 y 26 de julio y 2 de agosto a las 12, y los lunes 20 y 27 de julio a las 17:30. Entradas desde $25.000. El miércoles 29 habrá una función gratuita en el Cine York de Vicente López (Juan Bautista Alberdi 895, Olivos, Buenos Aires) a las 16.

En el Centro Cultural Recoleta (Junín 1930, CABA), la Capilla ofrece cada tarde un espectáculo diferente, todos con entrada libre para residentes y argentinos: Melocotón Pajarito (domingo 19 de julio a las 17); Historia del soldado de Igor Stravinsky con el Ensamble ArtHaus (jueves 23 al domingo 26 de julio, a las 18); Los Ludic Rompecabezas (miércoles 29 de julio a las 17), Las Hermanas Misterio (jueves 30 de julio a las 17), Amapola y su tormenta (vie 31 de julio a las 17), Uala y Fosi en Un Viaje Inesperado, con dirección de Julia Sigliano (sábado 1 de agosto a las 17) y Caray Circo (domingo 2 de agosto a las 17).

El Salpicón, el musical de Hugo Midón y Carlos Gianni estrenado en 1995, vuelve con una nueva puesta protagonizada por Victoria Baldomir, Guido Botto Fiora, Camila Das Neves y Julia Morgado, con dirección de Baldomir y Sabrina Zelaschi y dirección musical del propio Gianni. Las funciones serán los martes 21 y 28 a las 16, y los viernes 24 y 31 y sábados 25 y 1° de agosto a las 17.30 en NÜN TEATRO BAR (Juan Ramirez de Velasco 419, CABA).

Noa, Nu y la Ballena, de la Compañía Helena con dirección de Silvina Grinberg, combina danza, teatro, música y biología marina en una historia sobre la contaminación acústica. Se presenta en el Museo de Ciencias Naturales Bernardino Rivadavia (Av. Ángel Gallardo 480, CABA) los sábados 18 y 25, domingos 19 y 26, viernes 24 y 31 de julio, y el sábado 1 y domingo 2 de agosto, todos a las 16 h. Entradas desde $20.000 en tuentrada.com.

La Biblioteca del Congreso de la Nación presenta en su Auditorio Leonardo Favio (Alsina 1835) el Festival de Cuentos Polycromágicos con narraciones de Verónica Álvarez Rivera y dibujos en vivo de Poly Bernatene (martes 21 de julio a las 15), la obra Dafne y el dragón, para chicos a partir de 6 años (matesr 28 de julio a las 15) y la obra de títeres 3obras3 de Guillermo Bernasconi (jueves 30 de julio a las 15), y el jueves 23 de julio a las 15, El circo de la payasa Patín, con Fiorella Lo Pinto.

El Centro Ana Frank Argentina (CAFA, Superí 2647, CABA) abre sus puertas jueves, viernes, sábados y domingos de 14 a 19. El viernes 24 de julio y el sábado 1° de agosto a las 17:30 se presenta La ventana del árbol y Ana Frank, con entradas que se consiguen por Alternativa Teatral. El precio de la entrada de la obra incluye la visita guiada al museo.

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Circo

Servian El Circo presenta El Origen Mágico, un espectáculo que por primera vez integra una narrativa teatral con números circenses. La producción narra la historia real de Jorge Servian, fundador de la compañía, e incluye el globo de la muerte con cinco motociclistas, trapecistas y equilibristas. Dirección general: Cristian Servian; dirección artística: Ginett Servian; coreografías: Franco Rau. Las funciones son todos los días a las 15 y 18 en la Gran Carpa Castillo, frente al Tortugas Open Mall (Panamericana ramal Pilar Oeste, Provincia de Buenos Aires), desde el viernes 17 de julio hasta el domingo 2 de agosto. Entradas en www.serviantickets.com.

La Usina del Arte (Agustín R. Caffarena 1) recibe Innovacirco de martes a domingos durante todo el receso. Los martes habrá funciones distendidas para personas neurodivergentes con propuestas como Giorgio llega a Usina y Los Mellis Kids. En el Auditorio se presentan Grand Bohemia y Campanita, dos espectáculos que homenajean al circo, y Buscando al amigo ideal, de Les Ivans. La Sala de Cámara suma I Clown, un espectáculo de humor físico, música e improvisación.

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Música

El Auditorio Nacional del Palacio Libertad concentra buena parte de la agenda musical. El sábado 18 y el domingo 19 de julio se presenta Pipo Pescador con un recorrido por sus canciones. El martes 21, Hugo Figueras actúa junto al Coro Nacional de Música Argentina y músicos invitados. El miércoles 22, la Banda Sinfónica Nacional de Ciegos “Pascual Grisolía” y la Escuela de Formación Nacional en Danza (EFNED) presentan Las aventuras del Principito, de Ferrer Ferrán, con clásicos de María Elena Walsh y Rubén Rada, la cantante Karina Antonelli y el bailarín Federico Santucho del Ballet Folklórico Nacional. Los viernes 24 y 31 a las 18, la Orquesta Nacional de Música Argentina “Juan de Dios Filiberto” ofrece un concierto familiar con el Dúo Karma en formato sinfónico, con dirección de Ezequiel Silberstein y arreglos de Pablo Motta. El sábado 25 y el domingo 26 se presenta Las asombrosas vacaciones de El Salmón en la playa, con canciones de Andrés Calamaro. Toda la programación del Auditorio es con entrada libre.

La Banda Sinfónica Nacional de Ciegos “Pascual Grisolía” completa su ciclo con dos funciones adicionales: el viernes 31 de julio a las 17 en el Museo Nacional de Arte Decorativo (Av. Del Libertador 1902) y el sábado 1° de agosto a las 20 h en el XVI Ciclo Florida Cultura (Estanislao del Campo 1546, Florida Oeste, Provincia de Buenos Aires). Entrada libre y gratuita en las tres presentaciones.

El Centro Cultural Recoleta suma dos conciertos el sábado 18 de julio. A las 15, la Orquesta Plan Niñas y Niños del Conservatorio Superior de Música Manuel de Falla ofrece un programa con presentaciones solistas y cierre orquestal. A las 17, integrantes del Conservatorio Superior de Música Astor Piazzolla interpretan obras de Beethoven, Fauré y Víctor Heredia. Ambas propuestas son con entrada libre. Suman, además, las presentaciones de Vaivén, que presenta su primer disco OIA (martes 21 de julio a las 17 ), Coté, para chicos de 2 a 7 años (miércoles 22 de julio a las 17) y Churumbé (martes 28 de julio a las 17).

El Festivalito, primera edición de un festival inclusivo creado por Natalia Fullone de Casa Uno Producciones, se realiza el martes 27 de julio de 14 a 17 en ABRA Cultural (Hipólito Yrigoyen 840, CABA). Dirigido a familias con chicos de 3 a 10 años, propone más de 10 actividades en simultáneo. En escena: Mundo Arlequín y Cuentos que se ven. Entradas limitadas por Alternativa Teatral.

En la Usina del Arte, el Auditorio ofrece cada día a las 17 espectáculos musicales para toda la familia: Mundo Arlequín con recital en vivo, Juventus Lyrica con una versión infantil de El barbero de Sevilla, de Gioacchino Rossini, cantada en español, y Nilocos con Jugar x jugar. En la Sala de Cámara, Caracolá entrelaza música y teatro, y La gran espera, el cocinero que nunca llega combina humor y participación del público.

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Danza

MOVI, el espectáculo de danza aérea de Brenda Angiel, celebra sus 10 años con una nueva temporada en Aérea Teatro (Bartolomé Mitre 4272, CABA). La propuesta es inmersiva: cuerpos suspendidos en el aire se fusionan con imágenes y música original de Juan Pablo Arcangeli. Las funciones van del jueves 23 de julio al domingo 2 de agosto, con distintos horarios según el día. Al finalizar cada función, el público puede sumarse a un taller arancelado de danza aérea con el elenco. Entrada: $20.000, con descuentos para estudiantes y jubilados. Reservas en Alternativa Teatral.

Seres que bailan, con coreografía y dirección de Laura Falcoff, propone un recorrido por danzas de distintas épocas —desde un minué hasta piezas inspiradas en Joseph Haydn, W. A. Mozart y Erik Satie— con diez intérpretes del Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín. La obra se presenta del 23 de julio al 2 de agosto en el CTBA. El martes 28 habrá función distendida para personas neurodivergentes.

El Ballet Folklórico Nacional presenta Comunidad, escrita y dirigida por Emiliano Dionisi, el martes 28 de julio en el Auditorio Nacional del Palacio Libertad.

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Feria del Libro Infantil

La 34ª Feria del Libro Infantil y Juvenil regresa a su sede histórica: el Centro de Convenciones Buenos Aires (CEC, Av. Figueroa Alcorta y Pueyrredón), con más de 3.000 metros cuadrados y más de 70 stands. Del 18 de julio al 2 de agosto, la feria funciona todos los días de 14 a 20 h, con entrada libre y gratuita. El programa incluye talleres, narraciones, clowns, música, teatro y dos Plazas Culturales con espectáculos permanentes. Del 13 al 17 de julio, el espacio recibe visitas escolares de 9 a 17 h con inscripción previa.

Entre las editoriales presentes, Marea Editorial ocupa el stand 21 con su colección Cómo fue, una serie de títulos sobre la historia reciente y la memoria para chicos y adolescentes. El lunes 20 de julio a las 16:30 , Marcela Bublik y la ilustradora Catalina de Sanctis presentan en la Plaza C el nuevo título de la colección, Te voy a contar quién soy.

En el stand 40, La Brujita de Papel comparte espacio con pípala y otras editoriales. La editorial pípala lleva una selección de libros ilustrados para todas las edades, entre ellos la trilogía de cuentos de hadas de Myriam Dahman y Nicolas Digard —El secreto del lobo, Leina y el Señor del Bosque y La Bruja Lechuza—, con ilustraciones de Júlia Sardà. También estarán presentes los títulos de la francesa Magali Le Huche, entre ellos Héctor, el hombre extraordinariamente fuerte y Rosa-Luna y los lobos; los libros del italiano Davide Calì —Una historia sin clichés y Cuando sea grande—, ganador del premio al mejor escritor en la 44ª edición de los Premios Andersen en 2025; y los dos títulos de la poeta argentina Valeria Tentoni: Dos trenes, un tren, con ilustraciones de Sabina Schürmann, y Viaje al fondo del río, con ilustraciones de Guido Ferro.

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Museos y centros culturales

La Red de Museos BA despliega del 18 de julio al 2 de agosto una programación especial en once espacios: Museo Sívori, Museo Larreta, Museo Fernández Blanco, Museo de la Ciudad, Museo Histórico Saavedra, Museo de Arte Popular, Museo Perlotti, Museo del Cine, Casa Carlos Gardel, MIJU y Museo Quinquela Martín. La oferta incluye talleres de arte, espectáculos de música y circo, visitas guiadas y teatralizadas, y ciclos de cine. Programación completa en buenosaires.gob.ar.

El MALBA (Av. Figueroa Alcorta 3415, CABA) presenta Las chispas entre nosotros, una serie de recorridos y talleres para infancias a partir de las exhibiciones de Abel Rodríguez / Mogaje Guihu, Belkis Ayón y Dan Flavin, del 20 de julio al 2 de agosto. Las propuestas incluyen El latido de la luz, para chicos de 5 a 9 años, Destellos en la oscuridad, para chicos de 7 a 12 años y Pequeñas maneras de mirar un árbol, a cargo de Melania dos Santos. El jueves 23 habrá una visita en Lengua de Señas Argentina a las 18 h. Inscripción individual por actividad en malba.org.ar.

El Museo del Agua y de la Historia del Saneamiento de AySA (Palacio de las Aguas Corrientes) propone actividades gratuitas para chicos de 6 a 12 años. Los martes y jueves a las 14:30 se realizan visitas guiadas Un viaje en el tiempo en el Museo del Agua (con inscripción previa en museo_del_agua@aysa.com.ar). Los viernes 24 y 31 habrá un taller de arte ¿Cómo es tu mar? y el miércoles 29 un taller de Dibujo Expandido y Técnicas Mixtas para mayores de 12 años. Las visitas al palacio con guía son lunes, miércoles y viernes de 11 a 12.45 h, con entrada arancelada por Riobamba 750.

El Centro Cultural Recoleta suma talleres en su Sala de Dibujo: ilusiones ópticas con Irene Blei (sábado 18 de julio), azulejos portugueses con Marcela Palma (martes 21 y 28 de julio), stop motion con Moco y Hélium (sáb 25 de julio), cuentos ilustrados con Gustavo Sala (domingo 26 de julio), pintura coreana hojakdo con Seoho Cho del Centro Cultural Coreano (miércoles 29 de julio), taller de Moomins con Romina Santoni (jue 30 de julio) y paisajes andinos en acuarela con Andrea Maya (viernes 31 de julio, sábado 1 de agosto y domingo 2 de agosto). El cine del CCR ofrece los ciclos Las aventuras de Joe Johnston y ¡Cartoon! También habrá cortometrajes de Canadá y México. Toda la programación es libre y gratuita para residentes y argentinos.

La BCN propone en su Sala Infantil María Elena Walsh (Hipólito Yrigoyen 1750, CABA) el ciclo Vacaciones de invierno con la Kermés literaria el sábado 18 de julio de 14 a 15 y de 17 a 18.

El Centro Ana Frank Argentina abre sus puertas jueves, viernes, sábados y domingos de 14 a 19 h, con visitas guiadas por cuatro salas con objetos originales de la época. Los viernes 24 y 31 a las 16 habrá un taller de collage creativo para chicos a partir de 6 años, sin inscripción previa. Entrada general: $12.000; reducida: $9.000 para estudiantes, docentes y jubilados. Los docentes con hasta dos acompañantes entran gratis con inscripción previa.

El Palacio Libertad suma al programa de vacaciones la Sala Inmersiva con El taller de los sueños, inspirado en Pinocho, del 15 de julio al 2 de agosto. La Terraza del Auditorio Nacional se transforma en Siempre Terraza, con estaciones de literatura infantil, narraciones y talleres de títeres. Para adolescentes, las salas 606 y 607 ofrecen Fantasías inquietas, con juegos de mesa, realidad virtual, talleres de historieta y actividades con Lengua de Señas Argentina. Del 23 al 26 de julio, el centro cultural recibe Suiza Pop 2026, con animación, cine, videojuegos y arte contemporáneo. La Plaza seca se convierte en Modo Juego, con consolas, simuladores y activaciones de inteligencia artificial.

La Ciudad de Buenos Aires presentó una agenda de vacaciones de invierno con actividades para chicos y adultos entre el 18 de julio y el 2 de agosto, con propuestas en plazas, parques, teatros, museos, reservas y centros culturales que combinan espectáculos, paseos, talleres y experiencias al aire libre.

Entre los datos más amplios de la programación difundida por el Gobierno porteño, figuran un menú promocional en más de 35 restaurantes, la Feria del Libro Infantil con más de 70 stands editoriales y el mirador del Obelisco, que ya recibió a más de 20 mil personas. La oferta también incluye actividades gratuitas o con inscripción previa en distintos barrios.

Según la información oficial publicada en el sitio del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, los viernes 24 y 31 de julio habrá jornadas en parques y plazas con juegos, talleres de clown, búsquedas del tesoro, patio gastronómico y un escenario con magia, música y teatro. El 24 la actividad será de 14.30 a 17.30 en Parque Lezama y en las plazas Ciudad de Banff y Echeverría; el 31, en el mismo horario, se trasladará a Parque Chacabuco y a las plazas Almagro y Roque Sáenz Peña.

El Parque de la Ciudad, en avenida Fernández de la Cruz 4.000, funcionará como una de las sedes principales del receso. Abrirá del 24 de julio al 2 de agosto, de 10 a 18, con juegos de habilidad y destreza, circuitos para trepar, escalar, deslizarse y superar obstáculos, peloteros y el “Hormiguero”, un laberinto vertical con distintos niveles; los lunes permanecerá cerrado.

Ese mismo predio también concentrará parte de la agenda vinculada a seguridad y recreación. El viernes 24, de 13 a 16, y el viernes 31, volverán allí la banda musical de la Policía de la Ciudad, una muestra de drones, actividades de educación vial, un juego para “Pequeños Detectives”, la Brigada Blanca y exhibiciones con perros K9 y bomberos.

El receso reúne funciones, festivales y experiencias inmersivas en toda la Ciudad

El Teatro Colón sumó dos propuestas para las vacaciones. El Ballet Estable dirigido por Julio Bocca presentará el estreno argentino de Alice’s Adventures in Wonderland, un ballet en dos actos de Christopher Wheeldon con música de Joby Talbot inspirado en la novela de Lewis Carroll, con funciones el 16, 17, 18, 21, 22, 23, 24 y 25 de julio a las 20, y el 19 y 26 a las 17.

En paralelo, el ciclo Colón para Niños ofrecerá “Cuentos líricos: ¿Sabías que el mar tiene corazón?” el 21, 22, 23, 24 y 25 de julio a las 16, y el 26 a las 11. También en clave inspirada en Carroll, el Jardín Botánico albergará “Maravillosa Alicia”, una experiencia nocturna inmersiva con arte lumínico, sonido envolvente y tecnología interactiva.

La Usina del Arte programó talleres, conciertos, actividades y espectáculos del 18 de julio al 2 de agosto. Abrirá de martes a sábados de 12.30 a 20 y domingos de 11 a 20, con presentaciones de Shambala Circo, Giorgio, El Circo de Campanita, El Barbero de Sevilla, Mundo Arlequín, Caracolá e Innovacirco, entre otros.

El Planetario desplegará una agenda especial con dos nuevos espectáculos de divulgación en el domo, visitas guiadas, experiencias inmersivas, funciones distendidas y observaciones nocturnas. Los sábados se presentará Koufequin, una banda de rock y pop orientada al público infantil desde la ciencia, la tecnología y la imaginación.

El Complejo Teatral de Buenos Aires distribuirá varias obras para toda la familia en distintas salas. En el Teatro San Martín se estrenará el 23 de julio “Mundodanza”; en el Teatro Sarmiento seguirá “Remigio Verdiales, un carpincho”; en el Teatro Regio se presentará “Manuelita, mi casa es el mundo”; en el Cine Teatro El Plata estará “El Gran Circo”; y en el Teatro de la Ribera regresará Benito de La Boca para su cuarta temporada.

Habrá actividades en parques, reservas, museos y espacios patrimoniales

El Jardín Botánico Carlos Thays ofrecerá visitas guiadas sobre plantas tropicales, recorridos por el jardín de las mariposas, circuitos autoguiados y una propuesta interactiva para chicos. Estará abierto de martes a domingo, de 9.30 a 17.30, y además será sede de la experiencia nocturna basada en Alicia.

El Ecoparque permanecerá abierto todos los días de 11 a 18 con actividades de educación ambiental y recreación en contacto con la naturaleza. La entrada será gratuita para los porteños, menores de 12, mayores de 65 y personas con discapacidad.

Las reservas ecológicas de Costanera Sur y Costanera Norte también integran la programación. En la primera habrá visitas guiadas, avistaje de aves y recorridos por el centro de interpretación; en la segunda, juegos y actividades ligadas al entorno natural.

El Paseo Náutico por el Riachuelo partirá desde Vuelta de Rocha hasta el Puente Transbordador Nicolás Avellaneda. La navegación propone recorrer La Boca desde el agua y conocer parte de la historia del barrio.

En el Museo del Subte, en Del Barco Centenera 777, se celebrarán los 50 años de la Asociación Amigos del Tranvía con recorridos para chicos, visitas al Taller Polvorín, exhibiciones de coches históricos, patio gastronómico y paseos en tranvía por Caballito. La actividad será el sábado 25 de 14 a 19 y el domingo 26 de 15 a 19.

La programación museística alcanzará además a las 12 sedes de la red de Museos de la Ciudad, con talleres artísticos, música, circo, teatro, visitas guiadas, proyección de películas y postas de juegos. El sábado 25, el Museo de la Imaginación y el Juego, en Puerto Madero, tendrá la actividad “Dejá que vuele tu imaginación” para chicos de cuatro a 12 años.

La agenda incluye gastronomía, deportes, lectura y propuestas barriales

Los fines de semana del receso habrá clases para aprender a andar en bicicleta sin rueditas. La actividad se hará el 25 y 26 de julio, de 13 a 17, en el Parque de los Niños, y el 1 y 2 de agosto, en el mismo horario, en el Parque Ferroviario.

En ese parque de Colegiales también se desarrollará “Estación Vacaciones” el 1 y 2 de agosto, de 13 a 18, con un escenario central, programación artística para chicos y una carpa con juegos y actividades para resguardarse del frío. El sábado 25, de 14 a 23, el Parque de las Naciones Unidas recibirá “Experiencia Joven”, un festival con gastronomía, gaming, música de vanguardia y arte urbano.

La Feria del Libro Infantil funcionará desde el viernes y hasta el 2 de agosto en el Centro de Convenciones de la Ciudad, con apertura diaria de 14 a 20. Reunirá más de 70 stands editoriales, además de talleres, música y teatro para compartir con chicos.

La agenda gastronómica incluirá del 20 al 31 de julio una promoción en más de 35 restaurantes, pizzerías, heladerías, hamburgueserías y cafeterías con menú infantil a precio promocional: plato principal, bebida y postre. En La Rural, la Expo Rural se desarrollará hasta el 26 de julio, con desfiles de campeones, pista de tractores, cocina show, espacio de campo para familias, gastronomía y un stand de la Ciudad con startups y proyectos tecnológicos para el sector agropecuario.

También habrá propuestas en el Centro Cultural 25 de Mayo, con espectáculos como Mundo Arlequín, Los Lúdic, Cosas Chiquienormes, Caray Circo y La Linterna Mágica; en el Centro Cultural Recoleta, con conciertos, magia, clown, peñas interactivas, talleres y cine; y en el Anfiteatro del Parque Centenario, donde Nube 9 tocará el 25 de julio a las 16 y la Banda de tías se presentará el 26 a la misma hora.

El Gobierno porteño sumó además actividades puntuales como “bomberos por un día” en las estaciones de Recoleta y Parque Patricios; una programación diaria de cultura japonesa en el Jardín Japonés entre las 10 y las 18; funciones diarias de “Anilú y el Cofre Mágico” en Paseo La Plaza; la apertura del mirador del Obelisco de 9 a 21; y una visita guiada al Centro Cultural Islámico Rey Fahd el viernes 31 a las 10 para recorrer sus casi 20 mil metros cuadrados.

El Teatro Colón reprogramó la función de Alice’s Adventures in Wonderland prevista para el domingo 19 de julio a las 17 para ese mismo día a las 11 de la mañana, por la final del Mundial de Fútbol que se disputará entre Argentina y España a las 16. Así lo anunció en sus redes sociales donde Julio Bocca, director del Ballet Estable, lo cuenta con una camiseta de la selección argentina.

Quienes quieran asistir en el nuevo horario podrán usar las mismas entradas ya adquiridas, sin hacer ningún trámite adicional, anunció el Teatro. El cambio se reflejará en los tickets digitales y el código QR seguirá siendo válido tanto en formato físico como digital. Quienes no puedan concurrir a la función reprogramada podrán pedir la devolución del importe de las localidades a través del enlace informado por la institución en su perfil. La modificación alcanza solo a la presentación del domingo 19.

El Ballet Estable del Teatro Colón estrenó este jueves Alice’s Adventures in Wonderland, un ballet en dos actos con coreografía de Christopher Wheeldon y música de Joby Talbot. La producción llega con el Royal Danish Ballet y el Royal Swedish Ballet. Las funciones fueron programadas hasta el lunes 27 de julio: de martes a sábado a las 20, mientras que la del domingo 19 será a las 11 y la del domingo 26 de julio a las 17.

La llegada de la obra al coliseo porteño marca el debut local de esta producción. La Orquesta Filarmónica de Buenos Aires está a cargo de la interpretación musical bajo la dirección de David Briskin. El montaje cuenta con la reposición de Jason Fowler, Dustin Layton y Jillian Vanstone, y con guion y dramaturgia de Nicholas Wright. La obra tuvo su estreno mundial el 28 de febrero de 2011 en la Royal Opera House de Londres y, desde entonces, pasó por algunos de los principales escenarios internacionales.

La versión que llegará a Buenos Aires sigue el libro original de Lewis Carroll y conserva casi todos sus personajes y episodios. Las únicas ausencias señaladas son la Falsa Tortuga y el Grifo. La adaptación suma un prólogo situado en Oxford en 1862, donde se establecen equivalencias entre figuras reales y personajes fantásticos. Carroll aparece convertido en el Conejo Blanco, un mago en el Sombrerero Loco, un rajá visitante en la Oruga y la madre autoritaria de Alicia en la Reina de Corazones.

Esa lectura también modifica la edad de la protagonista: aquí Alicia tiene 15 años, en lugar de siete. La historia incorpora además un eje romántico con Jack, el jardinero, que después se transforma en la Sota de Corazones. La puesta se apoya en la escenografía y el vestuario de Bob Crowley, las proyecciones de Jon Driscoll y Gemma Carrington, y un trabajo de títeres y efectos escénicos basado en recursos del teatro contemporáneo. Desde su estreno londinense, la crítica internacional destacó ese despliegue técnico como uno de los rasgos más visibles del espectáculo.

La partitura de Joby Talbot, de carácter cinematográfico y pensada para el movimiento, acompaña una coreografía que alterna números de conjunto con pas de deux de tono más íntimo. Entre esos momentos aparecen el vals del jardín de verano y la secuencia neoclásica de la baraja. En el segundo acto, el Gato de Cheshire ocupa uno de los pasajes centrales de la invención escénica. El personaje está dividido en partes manipuladas por bailarines vestidos de negro, que lo hacen aparecer, flotar y desvanecerse sobre el escenario.

Murió Emilio Basaldúa, arquitecto, escenógrafo y vestuarista argentino, una figura de amplia trayectoria en el cine, el teatro y la ópera que también llegó a ser director general y artístico del Teatro Colón.

Hijo del pintor Héctor Basaldúa, desarrolló una carrera que atravesó escenarios oficiales, producciones cinematográficas y espacios de experimentación.

Su recorrido profesional combinó la formación académica con la práctica escénica: obtuvo el diploma de arquitecto en la Universidad de Buenos Aires, realizó estudios complementarios en Francia, Reino Unido y Estados Unidos, y al regresar a la Argentina ingresó en 1971 como dibujante en el equipo de escenografía del Colón. También trabajó en el Centro de Experimentación del Teatro Colón, el CETC, donde firmó diseños de escenografía y vestuario para varias producciones.

Basaldúa fue autor de diseños escenográficos y de vestuario en teatro, televisión, cine y ópera, y además dirigió documentales y audiovisuales. En teatro trabajó en títulos como Variaciones enigmáticas, de Eric Emmanuel Schmitt; Ella en mi cabeza, de Oscar Martínez; La vuelta al hogar, de Harold Pinter, e Incendios, de Wajdi Mouawad, con dirección de Sergio Renán, entre otras.

En cine se desempeñó como director de arte en una lista extensa de películas. Entre ellas figuran El muerto, sobre el cuento de Jorge Luis Borges, dirigida por Héctor Olivera en 1975; Los viernes de la eternidad, de Olivera, en 1981, y Plata dulce, también de Olivera, en 1982.

Su nombre quedó asociado además a Cuerpos perdidos, de Eduardo de Gregorio, estrenada en 1988, trabajo por el que recibió el premio Cóndor de Plata a la mejor escenografía. Más tarde obtuvo el mismo reconocimiento por Una sombra ya pronto serás, de Héctor Olivera, en 1994, y por El Mural, también de Olivera, en 2010.

En esa trayectoria también aparecen El sur, dirigida por Carlos Saura en 1990; El Impostor, dirigida por Alejandro Maci en 1996, que le valió el premio a la mejor dirección de arte en el Festival de La Habana, y Tango, de Saura, presentada en el Festival de Cannes y nominada como mejor película extranjera en los premios Oscar. Su trabajo cinematográfico incluyó además Astor, los años del Tiburón, de Daniel Rosenfeld, en 2018.

En el Teatro Colón diseñó escenografía y vestuario para La vida breve, de Manuel de Falla, en 1993, con régie de Emilio Sagi, y para La ciudad ausente, de Ricardo Piglia y Gerardo Gandini, en 1995. Allí también trabajó en Macbeth, de Verdi, con régie de Jérome Savary, en 1998, y en El cónsul, de Gian Carlo Menotti, en 1999.

Su producción en esa sala continuó con Variété, de Mauricio Kagel; Falstaff, de Verdi, en 2001; La Cenerentola, de Rossini, con régie de Sergio Renán, en 2012, y L’Elisir d’amore, de Gaetano Donizetti, también con régie de Renán, en 2015. En el CETC había realizado antes el diseño de escenografía y vestuario para Il combattimento di Tancredi e Clorinda, de Monteverdi, El milagro secreto y Mozart variationen, en 1991, además de Pierrot lunaire y Noche transfigurada, de Arnold Schönberg, en 1994.

En ese mismo ámbito firmó la escenografía de Trazas sobre Trazas y La Rosa en 2012, con música de Martín Matalón y puesta en escena de Diana Theocharidis. En 2019 hizo la puesta en escena y la escenografía de Deseo.

Su trabajo se extendió al Teatro Argentino de La Plata, donde realizó la escenografía de La fille du régiment, de Donizetti, y en el T.A.C.E.C. diseñó la escenografía de Cifra, con dirección escénica de Diana Theocharidis. También trabajó en el Teatro Solís de Montevideo, con la escenografía de La Visita, con puesta en escena de Sergio Renán, en 2014, L’Elisir d’Amore, en 2015, y Andrea Chenier, con régie de Matías Cambiasso, en 2017.

La proyección internacional de Basaldúa incluyó además escenografías para Transcripción, en el espacio Le 104 de París, y para La Rosa, con música de Martín Matalón, en el Théâtre du Conservatoire de París. Ambas producciones tuvieron dirección de Theocharidis.

El Ballet Estable del Teatro Colón, bajo la dirección de Julio Bocca, trae al escenario del coliseo porteño el estreno argentino de Alicia en el País de las Maravillas (Alice’s Adventures in Wonderland), un ballet en dos actos con coreografía de Christopher Wheeldon y música de Joby Talbot que llega con la producción del Royal Danish Ballet y el Royal Swedish Ballet. Las funciones se extenderán del 16 al 27 de julio de 2026.

La obra tuvo su primera representación mundial el 28 de febrero de 2011 en la Royal Opera House de Londres y desde entonces recorrió los principales escenarios del mundo. Su llegada al Teatro Colón (Tucumán 1171) marca el debut de esta producción en el país, con la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires bajo la dirección musical de David Briskin. El montaje estará a cargo de los maestros repositores Jason Fowler, Dustin Layton y Jillian Vanstone, con guion y dramaturgia de Nicholas Wright.

La producción se distingue por su escala visual: la escenografía y el vestuario de Bob Crowley, las proyecciones de Jon Driscoll y Gemma Carrington y un trabajo de títeres y efectos escénicos que recrean el universo de Wonderland con recursos del teatro contemporáneo. La crítica internacional, desde el estreno londinense, señaló el despliegue técnico como uno de los rasgos más llamativos del espectáculo.

Wheeldon y Wright son fieles al libro original de Lewis Carroll: casi todos los personajes y episodios de la novela están presentes, con la sola excepción de la Falsa Tortuga y el Grifo. La adaptación incorpora un prólogo ambientado en Oxford en 1862, que establece los equivalentes reales de los personajes fantásticos. Carroll mismo aparece como el Conejo Blanco; un mago se transforma en el Sombrerero Loco; un rajá visitante encarna a la Oruga; y la autoritaria madre de Alicia se convierte en la Reina de Corazones. La Alicia de esta versión tiene 15 años —no los siete del libro— y comparte un hilo narrativo romántico con Jack, el jardinero que luego se convierte en la Sota de Corazones.

La partitura de Talbot, de impronta cinematográfica y vocación bailable, acompaña una coreografía que alterna números de conjunto —como el vals del jardín de verano y la secuencia neoclásica de la baraja— con pas de deux de factura más íntima. El segundo acto presenta al Gato de Cheshire como uno de los momentos de mayor inventiva escénica: el personaje está dividido en partes manipuladas por un grupo de bailarines vestidos de negro que lo hacen aparecer, flotar y desvanecerse sobre el escenario.

El espectáculo está concebido para el público familiar, aunque no esquiva el humor negro: la escena de la cocina de la Duquesa, con su maquinaria de matadero y sus cadáveres en sartenes gigantes, convive con momentos de ternura y comedia. El juicio final, con el Sombrerero Loco como testigo, cierra el relato antes del pas de deux de Alicia y la Sota.

Las funciones de martes a sábado comenzarán a las 20; las del domingo 19 y domingo 26 de julio, a las 17. Las entradas están a la venta en www.teatrocolon.org.ar y en la boletería del teatro, de lunes a sábados de 9 a 20 horas y domingos de 9 a 17 horas.

Fotos: Carlos Villamayor / prensa Teatro Colón.

El acto contó con la presencia de más de mil alumnos de cuarto grado de distintas escuelas porteñas. Desde el escenario, el mandatario destacó: “¿Qué sentimos cuando vemos la bandera? Emoción, mucha emoción. Orgullo y pasión. Todo eso que nos pasa cuando vemos la selección también, por ejemplo. Pero sobre todo, la bandera es algo que nos une. Es ese sello de unidad que nos da identidad".

“Y hoy ustedes le están prometiendo su compromiso a esa bandera. ¿Prometen defenderla, respetarla y amarla con fraterna tolerancia y respeto, estudiando con firme voluntad, comprometiéndose a ser ciudadanos libres y justos, aceptando solidariamente en sus diferencias a todos los que pueblan el suelo argentino y transmitiendo en todos y cada uno de nuestros actos sus valores permanente e irrenunclables?“, preguntó Macri. Al grito de ”¡Sí, prometo!“, los alumnos cumplieron con la premisa.

Sin embargo, no fue el único pasaje emotivo de la jornada. ”Seguramente en muchos lugares le van a cantar el cumple, pero en un solo lugar, niños de la escuela se lo pueden cantar desde el Colón. Vamos a cantarle el cumple a él, ¿les parece bien?“, preguntó el alcalde porteño, en referencia a que hoy Lionel Messi cumple 39 años.

Inmediatamente el reconocimiento de los chicos no se hizo esperar y entonaron el feliz cumpleaños al capitán de la Selección Argentina y máximo goleador de la historia de los mundiales. Al finalizar, y bajo un mar de guardapolvos, uniformes y banderas celestes y blancas, los alumnos corearon el apellido del astro argentino.

A su vez, Macri habló de la problemática de bullying: “Hay momentos donde algún grupo carga a otro. Ustedes ven algún amigo o amiga que queda aparte y ustedes tienen dos opciones ahí: ser parte de los que hacen bullying, de los que se ríen del otro, o ir a buscar a esa persona, a ese amiguito o amiguita, que en ese momento se siente solo, señalado, discriminado, no tan querido, e ir a abrazarlo. Y esa opción es la que tienen que tomar ustedes, ir a buscarlo y abrazar a cada uno de esos que se siente distinto, un poco triste. Ahí también se hace patria todos los días”.

Con el Teatro Colón colmado, el dirigente agregó: “Miren alrededor un segundo. Hoy, este teatro está lleno de personas que los quieren. Están sus compañeros, sus familias, sus maestras y maestros. Ellos vienen a ser como una especie de directores técnicos y la hinchada que ustedes tienen. Y ustedes hoy son los jugadores y están disfrutando de este momento, pero es gracias a ellos que los cuidan todos los días, los que los abrazan, los que los impulsan a superarse”.

También resaltó el rol de los docentes y habló sobre “su compromiso como gobierno”. Y concluyó: “Nos comprometemos con ustedes, niños, a cuidarlos a lo largo de toda su vida hasta que sean grandes, que cuiden a otros niños”.

La temporada lírica del Teatro Colón estrena el martes 23 de junio I Capuleti e i Montecchi, tragedia creada por Vincenzo Bellini que regresa al escenario del primer coliseo a 55 años de su debut. La nueva versión se presenta con Evelino Pidò en la dirección musical al frente de la Orquesta Estable del Teatro Colón, y con Pablo Maritano a cargo de la dirección escénica. Las funciones están programadas para el martes 23, miércoles 24, jueves 25, viernes 26 y martes 30 de junio a las 20; el domingo 28 de junio a las 17; y el miércoles 1 de julio a las 20 hs.

Para la función del martes 30, se pusieron a la venta entradas con beneficios sub 30, con una tarifa diferencial de $30 mil para las localidades generales (excepto Paraíso) y $15 mil para Paraíso. La medida se aplica sobre una fecha puntual dentro de un esquema de siete funciones y se suma a la comercialización habitual del título, con compra habilitada online en www.teatrocolon.org.ar y en la boletería de Tucumán 1171, con atención de lunes a sábados de 9 a 20 y domingos de 9 a 17.

‘I Capuleti e i Montecchi’, un clásico de la ópera

I Capuleti e i Montecchi es una ópera en dos actos del compositor siciliano Vincenzo Bellini, con libreto de Felice Romani. Se estrenó el 11 de marzo de 1830 en el Teatro La Fenice de Venecia, dentro de la temporada de Carnaval. Bellini tuvo apenas mes y medio para escribirla, un plazo tan ajustado que recurrió a reutilizar fragmentos de su ópera anterior, Zaira, que había fracasado en Parma. El propio compositor lo resumió con ironía: “Zaira, silbada en Parma, fue vengada por I Capuleti”.

A pesar de las circunstancias de su composición, la ópera fue recibida con entusiasmo y se convirtió en un éxito inmediato. Su argumento no se basa en Shakespeare, sino en fuentes italianas del Renacimiento, entre ellas una novela de Matteo Bandello, y en el libreto que Romani había escrito para la ópera Giulietta e Romeo de Nicola Vaccai (1825). La historia sigue los amores trágicos entre Romeo, rol escrito para mezzosoprano, y Giulietta, hija del jefe del clan Capuleti, en una Verona del siglo XIII dividida por la enemistad entre las dos familias.

El Colón integró a su Coro Estable del Teatro Colón, con dirección de Miguel Martínez, dentro del esquema de la producción. En el diseño, la producción consigna a Gonzalo Córdoba Estévez en escenografía, Emilia Tambutti en vestuario, David Seldes en iluminación y Juan Selva en video.

[Fotos: Juanjo Bruzza / prensa Teatro Colón]

Bjarni Frímann, director y pianista islandés vinculado a figuras como Björk y Ólafur Arnalds, inaugura este jueves a las 20.30 la segunda edición del ciclo CET.Sessions en el Centro de Experimentación del Teatro Colón (CETC, con entrada por Viamonte 1168), el primero de una serie de conciertos que se extenderá hasta el 27 de junio y que tendrá al chelista italiano Francesco Dillon como otro de sus protagonistas.

El formato del ciclo apunta a generar una experiencia de proximidad entre el público y los intérpretes: sin la distancia que impone la Sala Principal, el espacio del subsuelo del Colón transforma cada función en un encuentro de cámara. En esta sesión, Frímann propone un recorrido por la música escandinava desde el piano, con la literatura —su otra gran pasión— como hilo conductor, y no se descarta que el público lo escuche cantar. El diseño de espacio de la sesión de esta noche estará a cargo de Martina Nosetto y Ladislao Hanczyc, el diseño de luces de Leonardo Murua y la producción artística de Emanuel Fernández.

Bjarni Frímann es director artístico del ensamble de música contemporánea BIT20, con sede en Bergen, Noruega, cargo que asumió en enero de 2025. Su trayectoria abarca desde la dirección de la Ópera y la Sinfónica de Islandia hasta colaboraciones con la Hallé Orchestra, la Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin y la Hollywood Bowl Orchestra. Como intérprete de cuerda, acompañó a Ólafur Arnalds y a Asgeir Trausti; como director, condujo los conciertos orquestales de Björk en el Iceland Airwaves y giró con la estrella islandesa del rock alternativo por el mundo.

El ciclo continúa el 23 y 24 de junio, también a las 20.30, con la presentación del Dúo Dillon Torquati, la dupla que conforman el chelista Francesco Dillon y el pianista Emanuele Torquati desde hace más de quince años. Los dos conciertos, en colaboración con el Instituto Italiano de Cultura, ofrecerán programas distintos que combinan repertorio clásico y contemporáneo para violonchelo y piano.

Francesco Dillon, nacido en Turín en 1973, es uno de los referentes actuales de la música de cámara y la creación contemporánea. Formado en violonchelo con Mario Brunello y con el legendario Mstislav Rostropovich, y en composición con Salvatore Sciarrino, trabajó de cerca con compositores como Philip Glass, Gavin Bryars y Giacinto Scelsi. En 1993 cofundó el Quartetto Prometeo, que en 2012 recibió el León de Plata en la Bienal de Música de Venecia, uno de los reconocimientos más altos del circuito internacional de música de cámara.

El desenlace del ciclo llega el sábado 27 de junio a las 20 en la Sala Principal del Teatro Colón, cuando Frímann tome la batuta de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires en el marco del ciclo Colón Contemporáneo. Dillon será el solista invitado y estará a cargo del estreno argentino del Concierto para cello y orquesta de Francesco Filidei, compositor italiano cuya obra reciente incluye el estreno mundial de su ópera Il nome della rosa en el Teatro alla Scala de Milán en abril de 2025. El programa se completa con obras de Kaija Saariaho, Aspasia Avramidou y Igor Stravinsky.

Las entradas para todos los conciertos están a la venta en www.teatrocolon.org.ar y de manera presencial en la boletería del Teatro Colón, Tucumán 1171, de lunes a sábados de 9 a 20 horas y domingos de 9 a 17 horas.

[Fotos: Flavio Ianniello; prensa Teatro Colón]

Fotos: Sancor Seguros

Sancor Seguros celebró 80 años en el Teatro Colón y aprovechó la gala para ratificar una estrategia de crecimiento que ya excede al seguro tradicional: hoy protege a más de 9,3 millones de asegurados, opera con 770 oficinas, una red de más de 11.000 productores asesores y 3.300 colaboradores en cuatro países.

La expansión internacional es parte de ese balance. La compañía, nacida en Sunchales, provincia de Santa Fe, tiene presencia en Brasil, Uruguay y Paraguay, donde suma más de 1.290.000 clientes.

El acto reunió a referentes del sector público y privado, productores asesores de seguros, colaboradores e invitados especiales. Entre los asistentes estuvieron el jefe de Gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Jorge Macri; el canciller Pablo Quirno; la ministra de Seguridad, Alejandra Monteoliva; el ex presidente Mauricio Macri, además de gobernadores, embajadores, ministros de la Corte Suprema de Justicia, presidentes de tribunales superiores provinciales, jueces, intendentes y empresarios.

La celebración comenzó con un cóctel en el salón Dorado del Teatro Colón. Luego, la empresa presentó un nuevo video institucional producido y dirigido por Juan José Campanella, que participó del encuentro.

También hubo un saludo especial de Lionel Messi por los 80 años de la compañía que llegó a pocos días del comienzo del Mundial 2026.

La compañía vinculó su aniversario con una agenda de expansión regional y diversificación

El presidente de Sancor Seguros, Carlos Casto, definió el origen de la empresa como una respuesta cooperativa a las necesidades de su tiempo: “Nuestros fundadores construyeron mucho más que una empresa, construyeron una respuesta solidaria, organizada y profundamente humana frente a las necesidades de su tiempo. Porque el cooperativismo excede el mero concepto de un modelo organizacional, implica una manera de entender el mundo”.

Casto agregó: “Es la convicción de que el crecimiento tiene más valor cuando se comparte. Es creer que la economía debe estar al servicio de las personas y que la confianza, cuando se construye colectivamente, puede atravesar generaciones”.

Por su parte, el CEO del Grupo Sancor Seguros, Alejandro Simón, enfocó su mensaje en la etapa que viene: “El futuro nos entusiasma porque vivimos en momentos de enormes transformaciones, pero tenemos lo necesario y la convicción de apostar por el desarrollo de la Argentina, de la región y de nuestras comunidades”.

Simón completó esa definición con una referencia a la identidad corporativa: “Tenemos los talentos, la experiencia, una cultura en permanente evolución y, sobre todo, tenemos claro de dónde venimos y los valores que nos trajeron hasta aquí y que nos van a transportar hacia un mañana aún mejor”.

La empresa respondió en la propia celebración a la pregunta central sobre su escala actual: además de los más de 9,3 millones de asegurados en la región, sostiene una estructura de 770 oficinas, más de 11.000 productores asesores de seguros y 3.300 colaboradores distribuidos en Argentina, Brasil, Paraguay y Uruguay.

En Brasil, la firma informó que comenzó operando solo en los estados del sur y luego amplió su despliegue. En Paraguay, indicó que ya se ubica entre las aseguradoras más importantes del mercado, mientras que en Uruguay cumplió este año su vigésimo aniversario con una oferta consolidada de productos.

El grupo amplió su negocio hacia salud, riesgos del trabajo, finanzas e innovación

La diversificación del grupo aparece como uno de los ejes de su proyección. Según la información de la compañía, esa expansión incluye a Prevención ART, líder en riesgos del trabajo con más de 1,8 millones de trabajadores protegidos, a Prevención Salud, ubicada entre las cinco principales empresas de medicina prepaga del país, y a Prevención Retiro, orientada a previsión y ahorro para el retiro.

La estructura también suma a Banco del Sol, como parte de su estrategia financiera digital, y a Sancor Seguros Real Estate, con desarrollos inmobiliarios en distintas regiones del país. A eso se agregan CITES, Sancor Seguros Impulsa y Sancor Seguros Ventures, plataformas enfocadas en emprendimientos, innovación y sectores como insurtech, fintech y healthtech.

La compañía también señaló que, a través de la Fundación Grupo Sancor Seguros, impulsa acciones orientadas a la educación mediante su colegio secundario y centro universitario, además de iniciativas de seguridad vial.

El tramo artístico de la noche fue concebido especialmente para la ocasión e interpretado por músicos de la Orquesta Sinfónica bajo la dirección del maestro Tomás Mayer Wolf, con la participación de intérpretes del Colón y otras figuras invitadas. El repertorio recorrió tango, folclore, rock nacional y clásicos como “No llores por mí Argentina” y “A mi manera”.

Jorge Rojas interpretó el Himno Nacional. También participaron Raúl Lavié, Eugenia Quevedo y el Chaqueño Palavecino, y el cierre reunió a todos en escena para “Canción con todos”.

La conmemoración quedó enmarcada en un diagnóstico explícito de la empresa sobre el sector: la industria aseguradora atraviesa un punto de inflexión por la transformación tecnológica, la aparición de nuevos riesgos y consumidores cada vez más exigentes. Frente a ese escenario, Sancor Seguros reafirmó su decisión de seguir evolucionando con una oferta integrada de protección, prevención y bienestar.

La violinista japonesa Akiko Suwanai encabezará el Concierto Conmemorativo de la Amistad entre Argentina y Japón en el Teatro Colón este viernes 5 de junio, en el acto central por el 140.º aniversario de la inmigración japonesa en Argentina. La presentación, que marca la llegada de una figura internacional de la música al escenario porteño, contempla la colaboración de Ryo Yanagitani, pianista canadiense de origen japonés, como artista invitado.

Tras su consagración global con el primer premio en el Concurso Internacional Chaikovski, la instrumentista japonesa ha sostenido una agenda de estrenos, grabaciones y giras con orquestas y festivales líderes del hemisferio Norte. Su presentación en el Teatro Colón, con repertorio de Beethoven, Franck y Sarasate, es un acontecimiento para la comunidad japonesa en Argentina.

El concierto conmemora la llegada de Makino Kinzo, considerado el primer inmigrante japonés al país en 1886, y se inscribe en una secuencia de actividades promovidas por la comunidad nikkei y entidades como la Federación de Asociaciones Nikkei en la Argentina (FANA). Víctor Murase, presidente de FANA, indicó que el evento tiene por objeto homenajear a los pioneros de la inmigración y agradecer a la sociedad argentina “como muestra de gratitud hacia toda la sociedad argentina”. Además, la convocatoria fue calificada de “única” y de fuerte simbolismo binacional por el profesor Yuzuru Yoshii, representante del Proyecto TAO de la Universidad de Tokio y de Tao Production.

La participación de Akiko Suwanai resulta relevante en el panorama local porque se produce en un escenario donde los conciertos de músicos japoneses con trayectoria global en salas argentinas son inusuales, especialmente en un recinto de la categoría del Teatro Colón.

Quién es Akiko Suwanai

Akiko Suwanai consolidó su posición en la industria internacional desde su triunfo en el Concurso Internacional Chaikovski de 1990. La violinista ha tenido una actividad sostenida en los principales circuitos de conciertos de Asia, Europa y América del Norte, girando tanto en plataformas de música de cámara como en presentaciones solistas. Su actividad reciente incluye el estreno mundial de un concierto para violín de Misato Mochizuki junto a la Orquesta Sinfónica Yomiuri Nippon, obra que también se estrenará en Norteamérica.

En las dos últimas temporadas, Suwanai ha abordado estrenos como el Doble Concierto para Flauta y Violín de Dai Fujikura con la Filarmónica de la Radio de los Países Bajos, y Seven de Peter Eötvös en el Festival de Lucerna bajo la dirección de Pierre Boulez y en los BBC Proms con Susanna Mälkki. Además, ha impulsado el repertorio contemporáneo con estrenos en Asia de piezas de James MacMillan, Esa-Pekka Salonen y Krzysztof Penderecki.

Como artista del sello Decca Classics, Suwanai lanzó en 2024 el álbum Brahms: Sonatas para violín y piano y, dos años antes, la integral de las Sonatas y Partitas para violín solo de Bach. La ejecutante utiliza el violín “Charles Reade” Guarneri del Gesù (1732), cedido por el filántropo Dr. Ryuji Ueno.

En 2012 fundó el Festival Internacional de Música NIPPON en Nagoya y Tokio, compromiso que la vincula con la promoción de nuevos repertorios y la dirección artística de proyectos que impulsan encargos a compositores contemporáneos japoneses e internacionales.

El historial sinfónico de Suwanai en la temporada 2025/26 incluye actuaciones con la Orquesta Sinfónica de Lucerna bajo Duncan Ward, la Orquesta del Festival de Budapest con Jaime Martín y el próximo debut con la Orquesta Mozarteum de Salzburgo dirigida por Andrey Boreyko. También ha confirmado giras con la Orquesta Hallé y Kahchun Wong en China, Manchester y Sheffield, y con la Orquesta Nacional de la BBC de Gales y Jaime Martín por España y Cardiff.

El Coro Estable del Teatro Colón presente este miércoles 3 de junio una función de carácter único que propone un recorrido en tiempo real por más de dos siglos de historia de la ópera, desplegando en la sala principal un repertorio que abarca tanto el bel canto italiano romántico como grandes escenas del siglo XX. El concierto, titulado Grandes escenas corales, se constituye como mapa sonoro integral de la ópera occidental, dirigido por el maestro Miguel Fabián Martínez y con Juan Ignacio Ufor en piano, en calidad de asistente de dirección del coro.

El proyecto difiere de los habituales conciertos de fragmentos: la selección contempla páginas representativas y bloques corales completos de Donizetti, Bellini, Verdi, Leoncavallo, Bizet, Vives, Panizza, Gershwin y Orff. Se incluyen obras como el «Bel conforto al mietitore» de L’elisir d’amore, fragmentos de I puritani y Anna Bolena, y dos de los coros más reconocibles del repertorio verdiano: «Fuoco di gioia» de Otello y «Patria oppressa» de Macbeth.

Este recorrido establece un itinerario ininterrumpido desde la escena europea decimonónica hacia el nacionalismo operístico argentino y los lenguajes norteamericanos del siglo XX. Uno de los puntos de inflexión programáticos es la inclusión del himno «Alta en el cielo» de Aurora (Panizza), composición clave en la historia de la ópera argentina y obra frecuentada en efemérides patrióticas oficiales.

La historia de la ópera

El armado del repertorio contempla la presencia de Amadeo Vives, a través del Coro de Románticos de Doña Francisquita, así como la incorporación de dos episodios corales contemporáneos de proyección internacional: el «Oh, I can’t sit down!» del Porgy and Bess de Gershwin y el célebre «O Fortuna» de la Carmina Burana de Carl Orff.

Para este programa transversal, la dirección musical ha priorizado una progresión cronológica, iniciando por el bel canto temprano para derivar en el drama verdiano y desembocar, sin pausas, en expresiones del siglo XX que distan tanto en origen como en estilo.

Para el segmento verdiano, el formato abandona arias y dúos habituales, eligiendo exclusivamente escenas corales que han definido la popularidad de obras como Otello y Macbeth en la programación sinfónica. De Bizet se presentará «Sur la grève en feu» de Les pêcheurs de perles, fragmento de considerable demanda en producciones recientes.

La decisión de reunir, en una única velada y en la sala principal del Teatro Colón, material de orígenes tan disímiles, marca una apuesta curatorial que integra lo canónico con lo local. La participación del Coro Estable en funciones de este tipo responde a una tendencia de los últimos años en la gestión del coliseo, orientada a públicos tanto formados como nuevos.

[Fotos: Máximo Parpagnoli/prensa Teatro Colón]

El compositor y director alemán Alexander Schubert llega por primera vez a Argentina con cinco obras propias, en una serie de funciones que el Centro de Experimentación del Teatro Colón (CETC) ofrece en coproducción con el Goethe-Institut entre el miércoles 10 y el sábado 13 de junio.

Referente de la composición post-digital, Schubert construye un lenguaje que cruza la música acústica de concierto con el techno, el free jazz y la electrónica experimental. Para esta visita, trabajará con un ensamble de músicos argentinos en un programa que integra video, luces, música electrónica y performance: las piezas Star me Kitten, Sensate Focus, Harp y F1.

La trayectoria del artista incluye producciones presentadas en escenarios europeos de referencia. Asterism, un dispositivo de inteligencia artificial, y Eternal Dawn, pieza de estética transhumanista, se estrenaron en Le Maillon Théâtre en el marco del Festival Música de Estrasburgo. Su réquiem Terminal Infinity fue comisionado por la Fundación de los Berliner Philharmoniker para su Bienal en el Radialsystem de Berlín.

Las funciones en el CETC tendrán lugar el miércoles 10, jueves 11, viernes 12 y sábado 13 de junio a las 20:30. Jubilados y estudiantes acceden con un 50% de descuento con cualquier medio de pago, previa presentación de credencial y DNI; la compra debe realizarse de forma presencial en la boletería del Teatro Colón (Tucumán 1171, C. A. B. A.).

El domingo 14 de junio, de 16 a 21, Schubert presentará la instalación Solid State con entrada gratuita y acceso continuo, aunque con capacidad limitada. La obra utiliza luces estroboscópicas y efectos de iluminación intensa; los organizadores advierten que puede afectar a personas con fotosensibilidad. Ese mismo día, el artista ofrecerá una clase abierta en la Fundación Proa.

El ensamble que acompañará a Schubert reúne a Lucila Crisman en flauta, Lautaro Abrego en clarinete; Carolina Cervetto en saxo, Daniela Cervetto en percusión, Malena Levin en piano, Juan Ignacio Ferreras en arpa, Pablo Boltshauser en guitarra eléctrica, Florencia Ciaffone en violín y Juani Ferraras en cello. Completan el elenco Guillermina Etkin en voz, Alejo Echeverria Bo y Franco Baldi. La coordinación artística y preparación musical están a cargo de Valentín Pelisch; la iluminación, de Leonardo Murua.

[Fotos: prensa Teatro Colón]

Claro, dirá Ariana Harwicz, claro que hay algo imponente en el Teatro Colón. Lo dirá porque este domingo en la gran sala lírica de la Ciudad de Buenos Aires, en ese escenario imponente, se estrena Dementia, una ópera cuyo texto escribió esta autora de 48 años que nació en Buenos Aires, que vive en Francia, que empezó autopublicando, en 2012, una novela que se llamaba Matate, amor y que, el año pasado, se filmó en Hollywood.

En el medio, Harwicz se convirtió en parte del “boom” actual de escritoras latinoamericanas. En 2022 el entonces director del Colón, Jorge Telerman, le propuso al compositor Oscar Strasnoy algo original, único: hacer una ópera con un autor contemporáneo, vivo. Barajaron nombres, llegó Harwicz. Que suele trabajar sobre lo difícil del amor, la intensidad, cierto salvajismo del deseo y también de la maternidad. Resultó.

Dementia tendrá cuatro funciones. Se trata de tres parejas que son la misma: una escritora y su traductor a los 25 años, a los 50, a los 75. Una casa. Pasiones. El tiempo, la literatura.

El texto se reconoce como escritura de Harwicz: “Todo lo que se entiende y se explica del amor está mal porque nadie lee lo que el amor es; unos tipos sudados agachados espiando por la cerradura a mujeres que van a orinar en posición musulmana”, dice, por ejemplo: no esperen mermelada, pétalos de rosa y voladitos. “Una escritora nunca está descargada”, advierte el texto. “La vida solo sirve para que la robe la escritura”.

Desde Francia, a poco de salir para Buenos Aires, Harwiz dialogó con Infobae.

-¿Qué diferencia hubo en saber que escribías para ópera?

-Escribir para ópera fue entender que la palabra sola no alcanza. En literatura una frase puede vivir en silencio. En la ópera tiene que atravesar una orquesta, un cuerpo, una respiración, un espacio enorme. Tiene que sobrevivir. Ahí entendí algo muy simple: escribir para ópera es escribir para el aire.

Y además hay una crueldad particular. En una novela podés sostener una idea durante páginas. En la ópera una frase tarda segundos en volverse ridícula o inolvidable. Pensaba mucho en ciertas óperas de Verdi o de Wagner: personajes al borde del abismo diciendo una frase elemental. El problema no es decir algo inteligente. El problema es producir intensidad.

-¿Te enseñaron cómo hacerlo, te guiaron?

-No tuve una formación técnica. Nadie me enseñó “cómo escribir una ópera”. Mejor. Porque la ópera también necesita algo salvaje, algo que no sea del todo domesticable.

-¿Viste ensayos? ¿Se siente raro un texto tuyo cantado?

-Sí, vi ensayos. Y fue perturbador. La literatura es un arte bastante humillante, pero la ópera lo es todavía más. Porque ves a otras personas respirando tus obsesiones. Y además cantándolas. Una frase escrita en una madrugada, sola, de pronto aparece amplificada por una soprano frente a dos mil personas. Es casi monstruoso.

Y sí, a veces se siente raro. O incluso falso. Hay frases que funcionan en la página y mueren cantadas. Y otras, muy simples, adquieren una violencia inesperada cuando una voz las sostiene. La ópera te obliga a aceptar que la música puede destruir o revelar tu escritura.

-No hay manera de no pensarte en el centro de ese texto, alguien que mira su vida y su obra desde la mediana edad. ¿Cómo es para vos ese paso del tiempo?

-La mediana edad tiene algo poco romántico: ya no podés mentirte igual. El cuerpo empieza a volverse un archivo. Todo queda escrito ahí. El tiempo deja de ser una abstracción filosófica y se convierte en materia.

-¿Te gusta lo que ves atrás? ¿Lo que te imaginás adelante?

-No miro atrás con nostalgia. La nostalgia suele ser una forma elegante de falsificación. Veo errores, deseo, libros escritos desde un lugar bastante extremo. También cierta ferocidad que no quisiera perder.

Y adelante no imagino serenidad. Me interesa más la lucidez. Hay algo insoportable en la idea contemporánea de “madurar” como si fuera convertirse en alguien emocionalmente higiénico. Prefiero otra cosa: una conciencia más brutal de la finitud.

-La dureza y lo salvaje del amor, la extranjería, la literatura... la ópera parece una condensaión de tus temas.

-Sí, la ópera terminó siendo una condensación muy natural de mis temas porque trabaja justamente con fuerzas extremas. Nadie entra a una ópera para ver equilibrio emocional. Se entra para ver cómo alguien ama hasta destruirse, cómo alguien pierde una patria, una lengua, un cuerpo.

-¿Alguna vez se acaba la extranjería? ¿alguna vez se suaviza el amor?

-La extranjería y el amor tienen algo operístico: siempre son excesivos. Nunca terminan de estabilizarse. Uno nunca pertenece del todo a una lengua, a una pareja, a una vida.

-¿No hay algo imponente en la idea de “En el Teatro Colón”?

No, la extranjería no se acaba. A veces, incluso, empeora. La extranjería es una posición. Uno puede sentirse extranjero en su propia lengua, en su propia familia, en su propio cuerpo envejeciendo.

Y el amor tampoco se suaviza realmente. Lo que se suaviza son ciertas fantasías. El amor sigue teniendo algo salvaje porque implica siempre una amenaza al yo. Amar es aceptar una forma de invasión.

-¿No hay algo imponente en la idea de “En el Teatro Colón”?

- Sí, claro que hay algo imponente en “en el Teatro Colón”. Pero justamente me interesaba entrar ahí sin reverencia. El problema de ciertos grandes teatros es que a veces se convierten en mausoleos culturales. Lugares donde todo está demasiado respetado. La literatura y la ópera deberían hacer lo contrario: perturbar un poco el orden.

-“Nosotros no somos los dueños, solo vinimos a escribir”, dice un personaje. Sentí que hablaba de un lugar de la literatura, de los escritores, más cuando estás poniendo “en el Colón”, justamente.

- “Nosotros no somos los dueños, solo vinimos a escribir” para mí habla de eso. La literatura no pertenece a nadie. Un escritor apenas atraviesa una lengua durante algunos años y después desaparece. La idea de propiedad en arte siempre me pareció un poco ridícula.

Y en la ópera eso se vuelve todavía más evidente porque tu texto deja inmediatamente de ser tuyo. El director lo transforma, los cantantes lo transforman, la música lo transforma. La obra empieza a traicionarte. Y eso está bien.

-Es conmovedor cuando el traductor ya mayor dice: “no sos mi mujer, mi mujer es ella”, y apunta a la joven. ¿Cómo te ves respecto del deseo, comparada con la de los 25? ¿Cómo te ves a los 75?

-Hay algo cruel en comparar el deseo a los 25 y a los 45 o 50 porque la sociedad solo acepta el deseo unido a la juventud. Especialmente en las mujeres. Como si después hubiera que convertirse en una conciencia sabia, moderada, casi desexualizada.

Pero el deseo no desaparece. Se vuelve menos narcisista y más trágico. A los 25 uno todavía cree que el tiempo es infinito. Después deseás sabiendo que el cuerpo termina. Y eso vuelve al deseo mucho más intenso.

A los 75 me imagino todavía deseando. Tal vez con menos ilusión amorosa, pero con más verdad. Porque el deseo no es un atributo de la juventud. Es una forma de resistencia contra la muerte.

Ficha

Dementia

Libreto: Ariana Harwicz

Música: Oscar Strasnoy

Dirección musical: Tito Ceccherini, al frente de la Orquesta Estable del Teatro Colón

Dirección escénica: Mariano Pensotti

Funciones: domingo 31 de mayo a las 17:00; ymartes 2, jueves 4 y sábado 6 de junio a las 20:00.

La pintura de Soldi reúne 51 personajes en una superficie de 318 m² alrededor de la araña central de 552 lámparas. Antes de esa intervención, los espectadores no encontraban ese conjunto visual al ingresar a la sala principal del teatro.

El escritor Manuel Mujica Lainez, amigo del pintor y habitué del Colón, se atribuyó en el programa de mano de la función inaugural la responsabilidad de impulsar lo que llamó una “obra audaz y bella”. Allí explicó que la idea tomó forma tres años antes, cuando supo de los trabajos de Marc Chagall en la Ópera de París y recordó, según escribió Mujica Lainez, “el ancho espacio vacío, opaco, absurdo, pobre, que rodeaba a la inmensa araña central del Colón”.

En ese mismo texto, Mujica Lainez sostuvo que en Buenos Aires la cúpula pintada anterior “se había esfumado” más de 30 años antes, a causa de humedades que destruyeron la obra de Marcel Jambon, el artista francés fallecido en 1908 poco después de la inauguración del teatro. Según el escritor, esa pérdida había dejado en su lugar “un desierto color de arenas tristes”.

La propuesta de pintar una nueva cúpula se convirtió en un objetivo personal de Soldi. El artista quería donar su trabajo al teatro, pero las gestiones tardaron en avanzar hasta que una cadena de casualidades abrió el camino administrativo.

El episodio comenzó cuando Soldi vendió un dibujo hecho a lápiz con un trazo tan tenue que la compradora pidió que lo repasara con tinta. Cuando fue a retirarlo a la casa del pintor, la atendió la esposa de Soldi y la conversación derivó en el deseo de su marido de pintar la cúpula del Colón.

La compradora era Zulema Zuberbühler de Hueyo, esposa del director de Abastecimientos de la Municipalidad. A partir de ese encuentro, ella se comprometió con el proyecto y agilizó los trámites para hacerlo posible.

A Soldi le llevó un año preparar los bocetos y ubicarlos en una maqueta en escala. Después trasladó el diseño a las telas que serían colocadas en la cúpula y realizó esos trabajos junto con artistas del área de escenotécnica del Colón en el taller del Teatro Municipal San Martín.

Terminada la temporada de 1965, se montó en la platea un gran andamio que permitió instalar un taller provisorio en altura. El artista dijo en una entrevista que, “sin exageraciones”, vivió allí más de tres meses: diciembre, enero, febrero y parte de marzo de 1966.

Luis Alberto Ballester, periodista especializado en la arquitectura de la ciudad de Buenos Aires, describió en el programa de mano de la inauguración ese espacio de trabajo instalado sobre la sala. “Arriba, sobre los andamios, fulgían las luces del improvisado taller, al cual se llegaba desde el ‘paraíso’ por una estrecha pasarela”, escribió Ballester, y precisó que la cúpula tiene 21 metros de diámetro y una superficie de 320 m².

Ballester también detalló en ese texto que Soldi utilizó pinturas y telas traídas desde Francia para esa tarea. Según el periodista, el pintor incorporó además un trozo del antiguo paño decorado por Marcel Jambon como homenaje al artista que lo había precedido en la cúpula.

El propio Ballester citó a Soldi para explicar el sentido de la obra: “Interpretar todo lo que aparece en el escenario: cantantes, bailarines, músicos, etc. Pintar instrumentos y diversas figuras en trajes de ópera, en malla de baile, cantantes y comparsas, como también una figura pintada de blanco, el ‘duende’ del teatro, que acompaña a los músicos, los cantantes, los bailarines, el público y sus aplausos”.

Ese “duende” quedó incorporado entre las 51 figuras humanas de la pintura. La obra buscó llevar a la cúpula la vida escénica que se desarrolla abajo, en el escenario, y convertir el techo en una prolongación del espectáculo.

La relación de Soldi con ese universo teatral venía de su infancia. Su padre era violonchelista y también interpretaba pequeños papeles en algunas óperas, en una época anterior a los elencos estables del Teatro Colón, cuando los artistas contratados llegaban desde otros países, pasaban la temporada en Buenos Aires y luego regresaban o seguían gira por Latinoamérica.

El padre de Soldi, nacido en Italia, cruzó dos veces el Atlántico con ese esquema de trabajo. En el tercer viaje conoció a la madre del pintor y se quedó en la Argentina.

El artista nació además en un caserón ubicado detrás del Teatro Politeama, cuyas habitaciones estaban alquiladas a artistas. En el libro Soldi por Soldi, el pintor recordó: “Apenas salías al zaguán, en la primera habitación se veía a una bailarina ensayando; en la antesala había un cantante; la casa entera era una caja de resonancias musicales y nadie podía quejarse de que su vecino molestara haciendo ruido”.

En ese mismo libro, Soldi evocó lo que sintió la noche de la inauguración del 25 de mayo de 1966, para la que también diseñó los figurines de los trajes usados en la función. “Por momentos se tenía ilusión de estar frente a un doble juego o de un ballet reflejado en un espejo, porque, en realidad, era la cúpula entera la que bailaba en el escenario”, escribió.

Tiempo después, en Soldi por Soldi, el artista volvió sobre la integración de la pintura con el teatro: “Han pasado tres años; no sé si la pintura se ha incorporado al teatro o el teatro a la pintura, porque allá arriba se han ido quedando el tiempo, el polvo, el reflejo de las luces, la música, el sonido de las voces humanas, el movimiento de los espectadores, los aplausos; la vida, en fin, del teatro”.

Sesenta años después de su inauguración, la cúpula de Soldi sigue siendo el punto hacia el que se dirige la mirada al entrar en la sala principal del Teatro Colón.

Fotos: Gentileza Teatro Colón

El encuentro entre dos referentes de la cultura argentina en el Teatro Colón marcó la noche del viernes, donde Charly García y Julio Bocca compartieron la función principal del Ballet Estable. Acompañados por la artista plástica Renata Schussheim, ambos presenciaron desde el Palco Bajo 11 La Consagración de la Primavera, con coreografía de Oscar Araiz. Al finalizar la función, García saludó personalmente al elenco del ballet tras bambalinas.

Durante la velada, Charly García asistió para disfrutar de la versión de La Consagración de la Primavera interpretada por el Ballet Estable y, posteriormente, reconoció de manera individual a los integrantes de la compañía. La ocasión significó un acercamiento entre las figuras centrales del rock nacional y el ballet argentino ante un público que colmó la sala principal.

En el Palco Bajo 11, García se ubicó junto a Julio Bocca y Renata Schussheim, siguiendo atentamente el espectáculo central de la temporada del Ballet Estable del Teatro Colón. La pieza estelar fue la interpretación de La Consagración de la Primavera, con coreografía de Oscar Araiz, y la participación de destacados solistas como Natalia Pelayo, Stephanie Kessel, Juan Pablo Ledo y Jiva Velázquez.

Charly García al elenco

Al término de la función, Charly García se dirigió al backstage acompañado por Julio Bocca y Renata Schussheim. Allí saludó de manera directa a todos los miembros de la compañía de ballet, en un gesto de reconocimiento habitual dentro del ambiente artístico argentino.

La llegada del músico al sector de camarines generó entusiasmo y agradecimiento entre los bailarines, quienes valoraron la presencia de una figura reconocida de la música nacional. La tradicional fotografía en el backstage inmortalizó el momento, con el icónico rockero en el centro del cuadro, rodeado por el elenco y el director de la compañía.

Julio Bocca y Charly García

La relación artística entre Julio Bocca y Charly García cuenta con antecedentes destacados. El bailarín interpretó la música de García en espacios emblemáticos como el Luna Park y la cancha de River Plate.

En la apertura del espectáculo Boccarock Nacional, Bocca rindió homenaje a García vistiéndose con un traje rojo y zapatillas blancas, mientras incorporaba temas como “La grasa de las capitales”, “Rasguña las piedras”, “El fantasma de Canterville” y “Los dinosaurios”. Así, el aporte del rock nacional ha influido en la propuesta coreográfica de Bocca en grandes escenarios.

‘La Consagración de la Primavera’

El programa central de la noche fue La Consagración de la Primavera, basada en la partitura de Igor Stravinsky y reimaginada por Oscar Araiz desde 1966. Esta versión se ha presentado en numerosas compañías internacionales y regresó al escenario del Teatro Colón tras una ausencia desde 2002. Araiz amplió la interpretación del libreto original al no situarla en un tiempo o lugar definidos, enfocando la obra en las pulsiones universales del sexo, la muerte y el ciclo de la vida. Los integrantes del Ballet Estable asumen el reto proponiendo una interpretación nutrida por la fuerza de la música y la intensidad dramática de la pieza.

[Fotos: prensa Teatro Colón]

El trabajo inédito del fotógrafo Marcos López propone una nueva narrativa visual para la música clásica al retratar a los artistas del CICLO AURA mediante una serie de imágenes disruptivas tomadas en los espacios menos transitados del Teatro Colón.

Esta colaboración entre López y los protagonistas de los conciertos —que incluyeron figuras internacionales como Jonathan Tetelman, Aigul Akhmetshina, Elīna Garanča y Nadine Sierra— redefine la forma en que el público percibe la experiencia de las galas líricas, generando un registro visual que va más allá del escenario y anticipa una expansión artística para la próxima temporada del ciclo.

En contraste con la solemnidad que suele impregnar el género, la serie de fotografías inéditas tomadas por López revela, según CICLO AURA, una perspectiva más humana y contemporánea de los intérpretes.

El proyecto se desarrolló en rincones poco habituales del Teatro Colón, como la zapatería, la sastrería, la lavandería y el CTEC, permitiendo así mostrar el universo invisible detrás de cada producción. La propuesta no solo expone la individualidad de los músicos, sino también el entramado de oficios y saberes que hace posible cada función.

La colección de imágenes será exhibida en el concierto de apertura de la nueva temporada del ciclo, marcando el comienzo de una etapa en la que el cruce entre fotografía y música refuerza la idea de que la experiencia artística puede instalarse tanto en la sala como en el relato visual.

La programación del CICLO AURA 2026 reunirá a artistas internacionales en el Teatro Colón. Entre las fechas anunciadas figuran Maxim Vengerov y Polina Osetinskaya el 28 de mayo, Xabier Anduaga junto a Hera Hyesang Park el 3 de agosto, Pinchas Zukerman con Amanda Forsyth el 28 de septiembre, y el regreso de Nadine Sierra junto a Freddie De Tommaso el 26 de octubre, acompañados en todos los casos por la Orquesta del Ciclo Aura.

En 2025, el ciclo marcó un punto de inflexión con la incorporación del trabajo fotográfico de López, aportando una dimensión inédita en la interacción con el público. Este cruce de disciplinas responde a la visión impulsada por MH LIVE y Elisa Wagner, orientada a expandir los límites de la experiencia en vivo e impulsar nuevas formas de conexión entre los intérpretes y su audiencia.

Marcos López (Santa Fe, 1958) se estableció como fotógrafo y artista visual desde 1978, con una trayectoria marcada por series emblemáticas como “Asado en Mendiolaza” y “Suite bolivariana” desarrolladas durante las décadas del noventa y dos mil. Su obra ha representado a la Argentina en bienales internacionales como París y La Habana, y se ha visto en exposiciones colectivas e individuales en países como Chile, Brasil, Perú, Venezuela, Colombia, México, Estados Unidos, Cuba, España, Francia, Italia, Finlandia, Estonia, Bélgica y Holanda.

Varias colecciones institucionales incluyen su trabajo, entre ellas el Museo Nacional de Arte Reina Sofía y el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León en España, la Fundación Daros-Latinoamérica en Suiza y Quai Branly. Esta presencia institucional robustece la posición de López como referente en la redefinición visual de la cultura latinoamericana, destacaron los organizadores de CICLO AURA. Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires.

La décima edición de la Noche de las Ideas llega el 22 y 23 de mayo al Teatro Colón de Buenos Aires con una pregunta que atraviesa toda su programación: cómo pensar el futuro en un momento de reconfiguración del poder, la democracia y el conocimiento. El evento reúne a 35 pensadores, investigadores y artistas de Francia y Argentina en 14 actividades distribuidas entre el Centro de Experimentación (CETC) y el Salón Dorado.

La conferencia inaugural, ¿Cómo pensar el porvenir?, concentra buena parte del peso intelectual del encuentro. Los filósofos franceses Asma Mhalla, Michaël Foessel y Camille Froidevaux-Metterie abrirán el viernes 22 a las 19:00 en el CETC con un análisis de tres transformaciones que definen el presente: la del sujeto, la del poder y la de la democracia. La moderación estará a cargo del filósofo Tomás Balmaceda. Esta, y todas las actividades, contarán con traducción simultánea del francés al español.

Esos mismos nombres aparecen a lo largo de los dos días en conversaciones sobre tecnopolítica, universalismo, violencias de género y extrema derecha. Mhalla, especialista en geopolítica de la tecnología, protagonizará, junto a Flavia Costa, la charla Tecnopolítica: El Gran Hermano te está mirando, sobre plataformas, inteligencia artificial e infraestructuras digitales como vectores de dominación. Froidevaux-Metterie, referente del pensamiento feminista, dialogará con la filósofa Daniela Losiggio sobre consentimiento y violencias de género a partir del caso Pelicot, con moderación de Ana Correa. Foessel, por su parte, interviene en dos mesas: una sobre los nuevos rostros de la extrema derecha —junto a la socióloga Melina Vázquez— y otra sobre las tensiones contemporáneas del universalismo, con el historiador Antoine Lilti.

La desinformación es otro de los ejes que vertebra la programación. El politólogo y periodista José Natanson y la investigadora Maud Quessard debatirán sobre sus efectos en la democracia desde perspectivas latinoamericana y geopolítica, con la participación de Olivia Sohr, de Chequeado. La misma organización presenta la exposición Desinformación Ilustrada, con 25 obras visuales sobre los mecanismos de manipulación de la información, abierta al público durante el evento.

La relación entre Estados Unidos y América Latina en la era de Trump también tendrá su espacio: Quessard y el especialista Christophe Ventura analizarán las formas de influencia estadounidense en la región —las lógicas estratégicas y militares, por un lado; una lectura histórica y política de las relaciones interamericanas, por el otro—.

La programación incluye, además, una charla sobre el aprendizaje de lenguas ante la irrupción de la inteligencia artificial; una exposición de la arquitecta Frédérique Jonnard sobre construcción sostenible y materiales tradicionales; un diálogo entre la autora Phoebe Hadjimarkos-Clarke y el biólogo Diego Golombek sobre divulgación científica en tiempos de discursos anticientíficos; y una conversación entre la filósofa Emma Carenini y el filósofo Martín de Mauro Rucovsky sobre los imaginarios de la ciencia, con moderación de Nora Bar. Los desafíos ecológicos de la economía digital y sus impactos en el Cono Sur serán abordados por Cécile Diguet, Melisa Argento, Silvina Carrizo y Bruno Sirote, de Jóvenes por el Clima.

El sábado a las 21:00, el CETC albergará ARS NATURA, una experiencia inmersiva con música electrónica en vivo, luces, humo y visuales en 3D generados en tiempo real. La obra reflexiona sobre la artificialidad de la naturaleza y los futuros posibles del entorno. Esta actividad es paga; las entradas se adquieren en la web del Teatro Colón. El sábado también habrá un taller de creación, Territorios imaginarios —una aproximación lúdica a la IA, a cargo de Marina Wainer, para un máximo de 30 personas con inscripción previa— y una actividad exclusiva para estudiantes del Lycée Mermoz sobre desinformación, con Mhalla y Sohr.

Todas las actividades cuentan con traducción simultánea del francés al español. La entrada es gratuita y se retira en la boletería del Pasaje Carruajes, los dos días del evento, una hora antes del comienzo de cada jornada.

“La Noche de las Ideas es un momento de diálogo, interesante y enriquecedor, entre referentes argentinos y franceses”, afirmó Frédéric Depetris, director del Institut français d’Argentine (IFA). La responsable del evento en Argentina, Léa Castera, describió la apuesta de esta edición: “Proponemos no solamente charlas sino también talleres, una muestra y una obra de teatro la noche del sábado: la Noche de las Ideas cruza las miradas y las disciplinas”.

El evento se extiende durante todo mayo a otras nueve ciudades del país —Mendoza, Mar del Plata, Rosario, Santa Fe, Tandil, Córdoba, La Plata, Pinamar y Jujuy— en articulación con las Alianzas Francesas, los centros franco-argentinos, universidades y gobiernos provinciales y municipales. La Noche de las Ideas fue creada en 2016 en Francia y se organiza cada año en numerosos países. El IFA y el Ministerio para Europa y de Asuntos Exteriores de Francia impulsan el encuentro, con el apoyo de Fundación Medifé como main sponsor, y de SIPED Búzios, CFA UBA y Novotel.

Fotos: Juanjo Bruzza/prensa Teatro Colón y gentileza prensa de la Noche de las Ideas.

Si las colas son una medida del deseo, si pararse a esperar muestra cuántas ganas hay de hacer algo, este viernes en la Feria del Libro se vieron deseos enormes, unas ganas bárbaras. Desde temprano, para entrar, había filas delante de los molinetes: adolescentes que pasaban gratis, constancia de alumno regular en mano. Y a las 20 cuando se liberaron las puertas el paso del público era franco. Se reitera la palabra: marea. Era una marea.

Ya se sabe, cientos de miles de libros y gente mirando libros. Pero, además, este viernes entraban -y se ponían en fila- para escuchar leer a Fito Páez y para escuchar tocar a la camerata de cuerdas del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón.

El Colón en la Feria, en esa carpa gigante que se instaló en la Pista Central, un espacio que hasta ahora la Feria del Libro no usaba.

Lo de Fito estaba anunciado a las 17.30: los encargados de sala tuvieron que hacer esfuerzos para convencer a quienes esperaban que no podía entrar ni uno más: órdenes de los bomberos. Mucha gente, sin embargo, que quedó afuera, porque cada tanto salía alguien, entraba alguien.

Páez no cantaba, leía. Leía La música en tiempos de demencia masiva, un extracto de un ensayo que tal vez -eso dijo Claudia Álvarez, la locutora de la Feria- se convierta en un libro.

No es la primera vez que el músico presenta este texto. Ya había explicado: “Es hora de resistir y nunca abandonar la lucha por los humanismos. Hacer, pensar y gozar. Todas estas acciones son obligatorias para quienes queremos vivir de una manera más amorosa. La música como arma contra todos los males de este mundo. la atesoraré siempre conmigo”.

¿De qué se trata? El título lo dice todo; lo que leyó en la feria fue una versión acotada de las que ya había leído en la universidad especializada en música de Berklee, en Boston, y en la UCA en Buenos Aires.

Páez abordó la historia de la música, el génesis de determinados ritmos, los músicos que hicieron historia en la música.

Figura masiva, el músico pidió un sala pequeña para poder leer con tranquilidad. Llegó con su computadora y desde allí leyó el texto.

Para sorpresa de algunos, Fito fue fue una de las figuras de esta edición dela Feria, a la que fue tres veces: tocó de manera gratuita en la inauguración, presentó Charly Absoluto, el libro de Miguel Rep sobre García, y ahora brindó esta lectura.

Al Colón

Hacía frío fuera de la carpa de la Feria, donde esperaban los que ansiaban escuchar la orquesta del Colón. No importaba. Desde un rato antes, se escuchaba el ensayo, ya llegaba la música. La orquesta fue dirigida por Javier Más, que también es pianista y trompetista.

El repertorio incluía incluye obras universales de Wolfgang Amadeus Mozart, Antonio Vivaldi y Johann Strauss. Pero también, como un guiño a la ciudad, de Ástor Piazzolla. El programa iba de “Las cuatro estaciones” a las “Estaciones porteñas” y la “Polka Pizzicato”, de Johann Strauss.

La iniciativa -como toda la programación musical de la carpa- estuvo a cargo de Ignacio Iraola, que preside la comisión de Actividades Culturales de la Fundación El Libro.

Un rato antes de que tocara el Colón, en el stand del gobierno porteño, el médico, historiador, escritor, Mario “Pacho” O’Donnell oficializaba la donación de una colección de 300 libros -básicamente, la Historia argentina desde el punto de vista del revisionismo- a las bibliotecas de la Ciudad. Allí, una señora del público miraba el movimiento de reflexionaba: “La Feria ya es más que libros, se ha convertido en el evento cultural del país”.

El Teatro Colón se transformó en el punto de encuentro para la celebración de los 150 años de Laboratorios Casasco. La compañía reunió a directivos, socios, profesionales de la salud y representantes de distintos sectores para conmemorar su extensa trayectoria en la industria farmacéutica argentina, en una noche marcada por el reconocimiento y el reencuentro.

Creditos: Casasco

En el centro de este proyecto laten el duelo y la introspección. La cantante atravesó un tiempo de quebranto, enfrentando el doloroso proceso de reconocer la huella que su madre dejó en su vida. “Fue muy doloroso para mí comprender que tuviste una mamá que en muchas cosas fue dañina con vos, aunque no haya sido su intención, pero que te hizo daño grande en el alma, que hubo abuso emocional”, confesó con honestidad descarnada en una charla en el podcast Presente Perfecto, de Nata Álvarez.

La revelación da cuenta de una herida abierta: la dificultad de encontrar sostén cuando la infancia deja marcas de invalidez: “¿Qué quiere decir ‘abuso emocional’? Eso, invalidarte, decirte que sos demasiado sensible, tratarte un poco como si vos estuvieras loca. Cuando tenés de pronto una campaña que está haciendo eso, mi corazón no podía tanto. Yo estoy descubriendo el dolor de mi mamá y tengo que actuar, ¿que estoy contenta? No puedo, no puedo, no pude. La vida es una mierda, hay que hacerla cinco estrellas".

En los meses previos al homenaje, la angustia se impuso en la vida de Milone. Decidió detener todo y refugiarse en la soledad, intentando recomponerse. “Me escondí, levanté unos shows que tenía ahí en Capital, me quedé como veinte días así tratando de ver para dónde ir, porque me quedé angustiada, me quedé perdida, me desorienté. No supe qué hacer, ¿viste cuando decís: ‘No sé ni puedo ni pedir ayuda porque no sé ni qué necesito’?”. El vacío se hizo presente y el dolor, lejos de ser abstracto, era un peso concreto, diario, que solo encontraba alivio en la contención de sus amigos más cercanos.

La presencia ausente de su madre, el eco de una crianza marcada por el abuso emocional, llevó a Milone a una revelación: “Yo comprendí quién fue esa madre”. El reconocimiento de esa historia personal, lejos de paralizarla, se volvió el impulso para buscar un renacimiento. “Uno tiene que saber que la vida duele mucho”, reflexionó, en un intento de transformar el sufrimiento en un motor creativo.

En ese contexto, la música aparece como refugio y trinchera. La decisión de realizar el homenaje a Mariano Mores surgió mientras Milone buscaba reparo frente al mar de Mar del Plata, una ciudad que siempre le brindó calma y fortaleza. “Me fui fortaleciendo frente al mar, frente a Dios, como Mariano Mores. Y ahí me di cuenta que estaban por cumplirse los diez años de su fallecimiento”. La coincidencia de fechas y emociones le permitió canalizar su propio proceso de duelo y reconstrucción a través de un proyecto artístico.

El espectáculo en el Colón es, entonces, mucho más que un tributo. Es la puesta en acto de una biografía. La colaboración con la Banda Sinfónica Municipal, bajo la dirección de José María Ulla, se vuelve el marco sonoro donde Milone puede entregar su verdad. “Necesito un contacto con la Banda Sinfónica, porque se me ocurrió algo que tiene que ser la Banda Sinfónica y el sonido de Mar del Plata y Mores amaba Mar del Plata”, reveló. La fuerza de la orquesta y el legado de Mores le brindan una estructura para reconstruirse, para sostenerse en el presente.

La elección del repertorio, los arreglos y la puesta responden a una necesidad vital. Cada canción es una oportunidad para exorcizar el dolor, para resignificar la sensibilidad que durante años fue vista como debilidad. “El proyecto enorme de Mariano, siento que de algún modo me sostiene también a mí, no solo lo honro a él, sino que me sostengo yo”, confesó al dejar claro que la música es, para ella, un acto de supervivencia.

El escenario se convierte así en su refugio más genuino. “Mi Polinesia es el escenario. Yo no necesito ir a Dubái, a un hotel catorce mil estrellas. Mis infinitas estrellas están en mi universo, que es sobre un escenario. Ahí es donde yo tengo el lujo”. Frente a la hostilidad del mundo y los recuerdos de una infancia herida, el arte le permite a Milone encontrar el lujo verdadero: la oportunidad de ser, de sentir, de transformar el dolor en belleza.

Beatrice Venezi, una de las batutas más jóvenes y destacadas de la escena internacional, ha fortalecido su vínculo con Buenos Aires tras su reciente designación como directora invitada principal del Teatro Colón.

Con una proyección que busca trascender los límites del podio y forjar nuevos lazos entre Europa y Argentina, la italiana se propone consolidar un proyecto de impacto duradero tanto en la vida cultural porteña como en la formación de nuevas generaciones de músicos.

Un dato que ilustra la envergadura de su carrera es su haber dirigido más de 400 conciertos y funciones de ópera antes de los 36 años. Su presencia habitual en escenarios de primer orden —como el Teatro La Fenice de Venecia, la Arena di Verona y el Maggio Musicale Fiorentino— y en países como Japón, Corea, Francia y Reino Unido da cuenta de una trayectoria construida con rigor y reconocimiento, además de sus colaboraciones con artistas de la talla de Plácido Domingo, Andrea Bocelli y Aida Garifullina.

La consolidación de Venezi fue precoz. A los 26 años, ya ocupaba posiciones de dirección principal en Italia y en el extranjero. Entre 2022 y 2024, desempeñó un rol institucional como asesora del Ministerio de Cultura italiano en el área de música, al tiempo que dirigía la Fondazione Taormina Arte, institución de referencia en el sur del país. Estas responsabilidades institucionales se suman a su nombramiento como futura directora musical de La Fenice.

En el plano estrictamente artístico, la crítica subraya su precisión técnica, sensibilidad interpretativa y profundidad expresiva, especialmente en repertorio de Puccini, Verdi y Mozart. Su reciente interpretación de Il Trittico en el Teatro Colón fue descrita por Infobae como el "corazón pulsante" de la producción, situando a la orquesta como eje narrativo. Un hito aún más reciente fue su dirección de Cavalleria rusticana y Pagliacci para la inauguración de la temporada 2026, que constituyó uno de los mayores éxitos recientes del teatro y reforzó su vínculo con el público local.

La relación de Venezi con Buenos Aires se proyecta más allá de los compromisos episódicos, ya que avanza en la idea de crear una Fundación y Academia de Alta Formación Lírica en la ciudad, concebida como un modelo integral que combine formación, producción e inserción profesional para músicos y cantantes jóvenes, con una estructura inspirada en la tradición operística italiana.

Venezi anticipa que la iniciativa, aún embrionaria, “imagina la creación de una orquesta académica estable, integrada por talentos de Argentina y América Latina junto a músicos europeos. La idea sería generar no solo un espacio educativo, sino también una plataforma real de producción operística, donde los estudiantes puedan participar en producciones de ópera y conciertos profesionales. En ese horizonte, el objetivo es construir un puente vivo entre Italia y Argentina, traducido en intercambios con instituciones europeas, becas de perfeccionamiento, coproducciones internacionales y, eventualmente, una temporada lírica propia en Buenos Aires.”

De forma paralela a su labor en el podio, Venezi se ha destacado como divulgadora cultural y autora de libros sobre música clásica, educación musical y composición. Reconocimientos en medios como Corriere della Sera —que la incluyó entre las mujeres del año—, Forbes —entre los jóvenes líderes europeos— y Fortune —que la integró en su lista de “40 under 40”— acreditan su perfil polifacético y la influencia que ha ejercido más allá de la escena concertística.

Al asumir la función de directora invitada principal del Teatro Colón, consolida no solo una presencia recurrente en uno de los teatros líricos más importantes del mundo, sino que impulsa un proyecto de formación y colaboración internacional que podría transformar la escena lírica argentina.

La décima edición de La Noche de las Ideas reunirá a más de una veintena de expertos de Francia y Argentina en Buenos Aires, los días 22 y 23 de mayo, con acceso gratuito en el Teatro Colón. El evento, impulsado por el Institut français d’Argentine y el Ministerio para Europa y de Asuntos Exteriores de Francia, pondrá en primer plano el debate sobre innovación, derechos humanos y la lucha contra la desinformación, bajo el lema de la edición 2026: "Abrir caminos".

La programación en Buenos Aires abarcará 14 actividades que incluirán charlas, exposiciones y performances artísticas. El evento contará con la participación de Asma Mhalla, investigadora francesa especializada en la alianza entre movimientos neofascistas y el sector tecnológico, y de Camille Froidevaux-Metterie, filósofa referente del pensamiento feminista contemporáneo en Francia y autora de seguimientos sobre procesos judiciales notables como el caso Pélicot. El filósofo Michaël Foessel, conocido por sus estudios sobre los riesgos de la democracia, también participará en las jornadas.

La Noche de las Ideas, surgida en Francia en 2016, se ha consolidado como una plataforma global para la reflexión colectiva entre intelectuales, artistas, estudiantes e investigadores, proponiendo el intercambio entre disciplinas y generaciones. Este año la consigna “Abrir caminos” busca articular saberes críticos, ciencias, prácticas artísticas y derechos humanos para abordar los desafíos de emancipación en un contexto definido por tensiones políticas, sociales, ambientales e informativas.

Un eje destacado será la lucha contra la desinformación y la apuesta por la innovación y nuevos formatos de participación, con énfasis en la articulación de propuestas artísticas y debates de ideas. Además, la edición extenderá su alcance a ciudades como Córdoba, Mendoza, Santa Fe, Rosario, La Plata, Pinamar, Tandil, Mar del Plata y Jujuy, con apoyo de las Alianzas Francesas, universidades y gobiernos locales.

El programa en Buenos Aires sumará la participación de figuras internacionales como Maud Quessard, directora del área “Influencias y guerra informativa” en el Instituto de Investigación Estratégica de la Escuela Militar de Francia; Christophe Ventura, especialista en América Latina del Instituto de Relaciones Internacionales y Estratégicas de París; y Antoine Lilti, historiador y profesor en el College de France. Se suman la filósofa Emma Carenini, especialista en filosofía de las ciencias y del sol; la escritora Phoebe Hadjimarkos Clarke; y la arquitecta Frédérique Jonnard, reconocida por integrar sostenibilidad y técnicas constructivas tradicionales en la arquitectura contemporánea.

Desde Argentina, participarán el biólogo e investigador del CONICET Diego Golombek, el filósofo y docente de la Universidad Nacional de Córdoba Martín Adrian De Mauro Rucovsky, la socióloga Melina Vázquez, especialista en juventudes y políticas públicas, el politólogo y periodista de Le Monde diplomatique en España José Natanson, y la investigadora Melisa Argento, enfocada en conflictos socioambientales vinculados al extractivismo del litio en América Latina.

En las jornadas, que serán coorganizadas en Buenos Aires por el Centro de Experimentación del Teatro Colón (CETC), también habrá lugar para performances artísticas y experiencias interdisciplinarias dedicadas a la circulación de ideas. El evento cuenta además con el auspicio principal de Medifé y el acompañamiento de SIPED Búzios, CFA UBA y Novotel. La Noche de las Ideas fue concebida como respuesta a la necesidad de nuevas plataformas de encuentro intelectual frente a los desafíos del mundo actual. En su décima edición el compromiso con la “participación activa de las juventudes” y la consolidación de un espacio donde converjan innovaciones artísticas y debates críticos sobre derechos humanos y futuros posibles.

Lo primero que mira Sergio Kuchevasky cada vez que entra a la majestuosa sala del Teatro Colón es la araña de luces. La araña que pesa unos 1.300 kilos y tiene 552 focos y 12 tulipas. Mientras cientos de espectadores se detienen en los frescos que Raúl Soldi pintó en la cúpula de la ópera porteña, y otros tantos se deslumbran ante esos telones pesados, aterciopelados, preciosos, Kuchevasky mira las luces que conoció hace más de medio siglo y que todavía lo conmueven.

“Kuche”, como le gusta darse a conocer, puede recitar sin cavilaciones la lista de las prendas que su mamá le puso el domingo que empezó a cambiarle la vida: “Pantaloncitos grises, un buzo de plush, un blazer, medias Ciudadela tres cuartos y zapatos de charol”. Ese domingo, “Kuche”, un nene de siete u ocho años que se criaba en Villa Bosch, acompañó por primera vez a David, su papá, al trabajo. Y el trabajo era nada menos que en el mayor teatro lírico de Sudamérica y uno de los más importantes del mundo: el Colón.

Sergio Kuchevasky, psicólogo social, ex director del Archivo Nacional de la Memoria pero, sobre todo, un hombre que fue un niño criado en el teatro más importante de la Argentina, le cuenta a Infobae esa fascinación por la araña de luces porque acaba de contar mucho de lo que recuerda sobre esos años infantiles y deslumbrantes en su libro Cajita de colores.

Un arcón de recuerdos frescos

Todo empezó en una mudanza. “Kuche” tenía 50 años y vaciaba una pequeña biblioteca que había pertenecido a David, su papá, a quien apodaban “Kuchi”. En medio de todas esas pertenencias, encontró una caja, más bien una cajita. De madera, con el nombre de su padre y el logo del Teatro Colón estampado.

La abrió y encontró distintos colores de sombras de maquillaje y un papel que, está seguro, su padre había tipeado en una vieja máquina de escribir Remington. Uno de los tantos papeles en los que David describía, con una minuciosidad apabullante, cómo debía maquillarse cada figurante de una ópera a medida que transcurría la acción sobre el escenario. Fue como abrir el arcón de los recuerdos.

“No sabía que tenía esa caja ahí. La encontré junto a una caja completa de cosas de mi papá. Había por ejemplo un montón de discos de pasta que mi papá usaba para preparar cada una de las obras”, cuenta Sergio.

Es que David, su padre, entró a trabajar al Colón como figurante extraordinario, es decir, como alguien que iba a aparecer en escena sólo cuando lo convocaran a algunas óperas en particular, y terminó su carrera allí 45 años después, como inspector de escenario.

Ese trabajo, integral, estresante, apasionante, implicaba coordinar cada detalle de la iluminación, la música, el maquillaje, la entrada y salida de escena de los figurantes. La hoja escrita por David con la Remington era un vestigio de ese oficio en el que había que tener cada detalle de cada obra en la cabeza: no sólo la que se coordinaba en vivo, durante la función, sino la que el Colón estuviera preparando para las semanas siguientes.

Pero lo que más sorprendió a Sergio no fue ni ese papel que traducía lo estresante del oficio de su papá, ni los discos de óperas que había empezado a escuchar desde muy chiquito y que escucha hasta hoy. Lo que más lo sorprendió fue abrir esa “cajita de colores” y darse cuenta de que los maquillajes estaban blandos, frescos, listos para usarse de nuevo. Como si el tiempo no hubiera pasado.

Un teatro hecho de familias y de grandes estrellas

“Esa sensación de que los colores no se habían resecado y estaban listos para usarse fue el gran disparador para ponerme a revisar todo lo que había vivido en el teatro”, describe Kuchevasky, y suma: “Me afloraron cientos de historias. No tenía nada escrito así que empecé a hacer un punteo y después me puse a escribir cada una de las historias que había seleccionado”. Así nació su libro.

“Kuche”, que fue director ejecutivo de instituciones sociodeportivas como Hebraica y que ahora mismo es gerente general de la Fundación LeDor VaDor, dedicada a la atención de personas mayores, encontró de todo en ese arcón de los recuerdos.

Los doce años que pasó acompañando a su papá a algunas de sus jornadas de trabajo, entre 1971 y 1983, lo hicieron descubrir los entretelones de ese teatro que al principio lo deslumbró y que, con el correr del tiempo, se volvió una costumbre y un lugar de pertenencia.

Descubrió los talleres de carpintería, escenografía, zapatería y vestuario que hacen que todo lo que hay y pasa sobre el escenario sea admirado en el mundo entero. Escuchó a las familias italianas, polacas y valencianas hablar en sus idiomas y sus dialectos mientras desempeñaban sus oficios; vio a los integrantes de esas familias transmitir sus saberes de generación en generación.

Se sentó en la butaca número uno del teatro, en el Palco Presidencial y en un banquito que no puede olvidar: el que estaba al lado de uno de los puentes por el que iba y venía el director de luminotecnia del Colón. De todos los oficios que vio de cerca, ese es el que le habría fascinado tener a “Kuche”. “La vida está hecha de claroscuros. Lo que iluminás es aquello a lo que le das importancia, y todo el tiempo va cambiando aquello que iluminamos y aquello que oscurecemos”, dice.

Se acuerda -y lo cuenta en su libro- de algo que vio desde ese puente hecho de luces que apuntaban al escenario: “Yo era un pibito. El director de luminotecnia me indicó que nos quedáramos en silencio y que prestara atención a lo que estaba por pasar. Entonces oscureció casi todo el escenario y apuntó las luces a Maya Plisetskaya. La vi representar la Muerte del Cisne, obviamente en El lago de los cisnes. Vi sus manos, su caída, su final. Nunca me voy a olvidar de ese instante, fue majestuoso”, reconstruye.

Después de la función, David llevó a su pequeño hijo Sergio a que saludara a Maya Plisetskaya, la excelsa bailarina soviética perseguida por el estalinismo que acababa de brillar sobre el escenario del Colón. “Creo que fue la primera mujer a la que le di un beso en la mano”, bromea Kuchevasky.

Se acuerda no sólo del instante de la Muerte del Cisne, sino de estar acostado en su cama horas después y no poder pegar un ojo: “Me habían deslumbrado las luces, la escena, ese desenlace. Yo me tenía que dormir porque había que ir a la primaria al otro día, pero no lo lograba. Todo lo que había visto me había dejado perplejo”.

Plisetskaya fue apenas una de todas las estrellas a las que conoció Sergio cuando era apenas un chico. Estrellas a las que conocía sin poder dimensionar entonces su gravitación en el mundo lírico. Vio al tenor Plácido Domingo romper los protocolos e invitar a toda la sala del Colón a acompañarlo a cantar “Granada” y a los músicos de la Orquesta Sinfónica Nacional ponerse nerviosos pero, aún así, brillar como siempre: era 1981 y el que los dirigía en el ensayo, recién llegado a Buenos Aires, era nada menos que Zubin Mehta.

Escuchó a su papá hablar hasta el cansancio de un nuevo talento, de “un pibe que va a ser una maravilla”. Lo escuchó hablar tanto de ese chico que en un momento le advirtió, entre las risas y los celos: “Che, viejo, pero mirá que tu hijo soy yo”. Ese pibe en ciernes deslumbraría al mundo entero: era Julio Bocca.

La gran lección del Colón

De todo lo que vio en esos años sumergido en los pasillos, las oficinas, los subsuelos y los entretelones del teatro, Sergio destaca especialmente el resultado del trabajo en equipo. “Ver ese funcionamiento tan aceitado de los distintos oficios del teatro y ver cómo todos trabajaban tirando para adelante, con el nivel de responsabilidad y de orgullo que lo hacían, como si cada función fuera la primera y también la última, fue una enseñanza que me marcó para toda la vida. Lo más importante que aprendí en el Colón es que no alcanza con el mejor tenor del mundo: se necesita a todos los que tal vez ni se ven pero son los que sostienen el aplauso que reciben los artistas al final de la función”, describe Sergio.

“Eso me marcó la vida y trato de aplicarlo a todo: al trabajo, a la vida personal, a todo. Vi a trabajadores que están detrás de escena emocionarse ante la ovación del público, hacer la reverencia del saludo que se hace sobre el escenario para agradecer ese aplauso, tal vez incluso dedicar esa ovación a un ser querido. Aunque nadie los viera. Y eso es porque sin duda eran parte de eso que estaba pasando sobre el escenario, fue muy importante para mí aprender de esa manera el valor de trabajar en equipo”, suma Kuchevasky.

En 1983, cuando los pantalones cortos con los que había llegado por primera vez al teatro ya habían quedado atrás y la vuelta de la democracia asomaba, Sergio Kuchevasky subió al escenario del Teatro Colón. Fue figurante extraordinario -algo así como un actor extra- en Bomarzo, la ópera que escribió Alberto Ginastera basándose en la novela homónima de Manuel Mujica Lainez. La obra había sido censurada por la dictadura encabezada Juan Carlos Onganía. También representó La Traviata y Aída, entre otras grandes óperas.

Ese debut sobre el escenario fue una mezcla de emociones: “Para mí fue completamente normal estar en la obra. Para ese momento yo había estudiado algo de arte escénico. Y para Bomarzo, que fue la primera, me eligieron porque soy alto, entonces me daba el perfil. Sé que es algo extraordinario subirse al escenario del Teatro Colón, pero a la vez para mí era o más normal del mundo: era un lugar por el que yo circulaba todo el tiempo. Fue algo fantástico y, a la vez, muy común para mí”.

Hubo, en medio de algo que le resultaba una deriva natural de todos sus años allí, un momento completamente único: “El momento en el que sonó el aplauso de toda la sala fue tremendo, tre-men-do. Lloré, lloré mucho, y no fue la única vez que me pasó. Es un momento único, porque la sala se viene abajo y ves a todos los que trabajaron para esa obra, hayan estado o no sobre el escenario, agradeciendo el aplauso. Cuando la función sale bien, te sale casi solo llorar de la emoción, por el trabajo logrado con un equipo tan grande. Era como una emoción vivida en una gran familia que se armaba entre todos los que trabajaban en el teatro”, describe, y remata: “Era un instante muy hermoso”.

La importancia de la memoria

Kuchevasky encabezó el Archivo Nacional de la Memoria entre 2016 y 2018, y durante esos años encontró documentación coincidente con sus años de infancia y adolescencia en el Colón. Documentación que, al calor de contar todo eso en un libro, le sirvió para cotejar fechas, obras, nombres. Ahora encabeza LeDor VaDor, una fundación que trabaja en el bienestar de adultos mayores. Muchas veces organiza visitas guiadas al Colón para esa población.

“Se terminan volviendo ejercicios de memoria colectivos, que hacemos todos juntos. Uno se acuerda qué ópera vio allí, otro se acuerda cuándo fue por primera vez, quiénes se presentaban, cómo era la ciudad en ese momento. Es enriquecedor para todos”, describe.

“Cuidar la memoria de un lugar tan importante para un país es una tarea central para que ese país tenga registro de su propia historia. A la vez, un espacio como el Colón es parte de la memoria de muchísimos argentinos, por eso también es tan interesante ponerlo como punto de partida de algunos recuerdos, algo que se nota que a las personas mayores con las que intercambio les hace muy bien porque es un lugar en el que disfrutaron y del que, entonces, guardan un recuerdo feliz”, cuenta Kuchevasky.

Pasaron más de cincuenta años desde ese domingo en el que, vestido con sus mejores prendas, ese niño se subió al tren para viajar desde Villa Bosch hasta uno de los grandes núcleos de la cultura argentina. Pero los recuerdos de este adulto en el que se convirtió siguen tan frescos como el maquillaje que se escondía dentro de la cajita.

Sergio Kuchevasky presentará “Cajita de colores” el 20 de mayo en el salón izquierdo del foyer del Teatro Colón, junto a Silvina Chediek.

El Teatro Colón anunció la entrada gratuita para residentes de los barrios de la Ciudad de Buenos Aires, como parte de la celebración por el 80° aniversario de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires. El programa, presentado en el Salón Dorado del teatro, contempla la realización de 15 ensayos generales abiertos, uno por cada barrio, con la intención de permitir la participación de vecinos de toda la ciudad.

La iniciativa surge de un trabajo conjunto entre el Ministerio de Cultura, la Secretaría de Convivencia Ciudadana y el Teatro Colón, y busca ampliar el acceso a la experiencia cultural. Los asistentes podrán presenciar interpretaciones musicales durante los ensayos generales de la orquesta y acceder a uno de los espacios culturales más emblemáticos del país.

En el lanzamiento del programa estuvieron presentes autoridades del Gobierno de la Ciudad, entre ellas la ministra de Cultura, Gabriela Ricardes; el jefe de Gabinete, Gabriel Sánchez Zinny; el director general del Teatro Colón, Gerardo Grieco; entre otras figuras vinculadas a la gestión cultural y la participación ciudadana.

Durante la presentación, se destacó la importancia de acercar la vida cultural del Colón a los barrios y ampliar el alcance de sus actividades, así como el rol de las organizaciones civiles en la convocatoria y la provisión de transporte para facilitar la asistencia. El programa se integra a una política de formación de nuevos públicos y eliminación de barreras simbólicas para el acceso a la cultura.

La ministra de cultura Gabriela Ricardes explicó que el programa se integra a una política más amplia que busca generar nuevas audiencias: “Nos parecía que era el momento para que la gente se anime a entrar al Colón. Es una linda manera de brindar la primera vez, un bautismo en el Colón para muchos vecinos que lo tienen incorporado, que lo admiran, y que es su orgullo, pero que todavía a lo mejor no lo conocen.”

¿Cómo adquirir las entradas?

• La inscripción para obtener los lugares se realiza a través de Boti (enviando un mensaje al número de WhatsApp +54 11 5050-0147). Se deberá contar con clave MiBA para avanzar.
• Cada vecino podrá obtener hasta dos lugares.
• Los cupos son limitados y se asignan por orden de inscripción. Una vez tramitados, la persona recibirá un email de confirmación de los lugares.

¿Cuándo y dónde se realizan los ensayos?

• Los ensayos abiertos de la Orquesta comenzarán el viernes 17 de abril y se realizarán los viernes y sábados a las 11 de la mañana.
• Cada encuentro tendrá una duración aproximada de 75 minutos y permitirá disfrutar de los repertorios en la previa a las funciones oficiales.
• El ingreso al Colón se realizará por la calle Libertad. Se podrá ingresar a la recepción (foyer) con una antelación de una hora.

[Fotos: Juanjo Bruzza/prensa Teatro Colón]

Teatro Colón

Entrar al Teatro Colón ya es una experiencia en sí misma, una que todos deberían vivir al menos una vez. Reconocido como uno de los mejores del mundo por sus condiciones acústicas y por su arquitectura, está a la altura de otros como la Scala de Milán, la Ópera de París, la Ópera de Viena, el Covent Garden de Londres y el Metropolitan de Nueva York. Con sus más de 100 años de antigüedad, es uno de los orgullos de Buenos Aires y del país.

Es el lugar perfecto para sumergirse en la experiencia que propone el nuevo show de Disney, un recorrido sinfónico por la música de los clásicos animados que marcaron a generaciones enteras en todo el mundo. De hecho, el maridaje funciona tan bien que esta ya es la octava colaboración entre Disney y la majestuosa sala de ópera de Buenos Aires, con shows como Disney en Concierto, Sinfonía de Películas (2019), Magia y Sinfonía (2022), Disney 100 en Concierto (2023), Pixar en Concierto (2024) y Star Wars en Concierto, que tuvo sus tres ediciones en 2020, 2023 y 2024.

Mickey y Minnie

Cada uno de estos espectáculos musicales tiene sus propias características y temática, lo cual nos asegura ver siempre cosas diferentes si es que tenemos la suerte de asistir a más de uno. En esta oportunidad, el show cuenta con más de 20 bailarines y cantantes en escena, además de la orquesta sinfónica del Colón tocando en vivo todas las canciones de la obra. El despliegue visual y técnico es impecable, con vestuarios y luces que recrean el ambiente de cada película y nos llevan en un viaje a través de mundos mágicos.

De hecho, la temática de esta obra son, precisamente, los viajes. Mickey invita a Minnie a unas vacaciones extraordinarias, que los llevan a recorrer lugares inesperados tanto por ellos como por el público. Si bien es recomendable asistir al show sabiendo lo menos posible, para disfrutar de las sorpresas que tiene preparadas, hay algunos puntos dignos de destacar para ir preparados y poder vivir la experiencia al máximo.

En primer lugar, es un espectáculo para todas las edades. Disney siempre se caracterizó por brindar entretenimiento para toda la familia, y en esta ocasión le hace honor a ese legado. El recorrido comienza con una de las películas animadas más nuevas de la franquicia, y continúa con uno de sus remakes live-action que también remite al clásico animado. Es un deleite de estímulos visuales y sonoros, mientras la pantalla gigante proyecta imágenes de las películas y sobre el escenario los bailarines danzan y cantan al ritmo de la orquesta en vivo.

Orquesta

La elección de las voces protagonistas es impresionante, con un timbre y nivel de interpretación que parece salido directamente de las películas de Disney al escenario del Colón. No hay una nota fuera de lugar, lo cual con temas tan exigentes como “Canto Ancestral” de Moana y “Libre soy” de Frozen se aprecia todavía más, y de hecho hay algunos arreglos originales del show. Es el nivel de excelencia que se espera de una producción en el Colón, a la altura de la prestigiosa Orquesta Académica del teatro.

Quizás la única objeción posible para este espectáculo es la hegemonía apabullante de todos y todas las cantantes y bailarines, que no reflejan la diversidad de las películas de Disney, ni mucho menos la de nuestros artistas locales. Esto se hace más evidente en el tercer segmento, dedicado a las baladas del estudio, donde temas románticos como “La Bella y la Bestia” y “Veo en ti la luz” de Enredados son interpretados por parejas iguales que visten trajes genéricos (aunque preciosamente diseñados) y se funden con otras canciones de empoderamiento como “Reflejo” de Mulán y “Colores en el viento” de Pocahontas.

El primer acto termina con un recorrido de seis canciones (uno de los más largos y disfrutables del show) del más reciente live-action de Disney, que se funde con imágenes y canciones de la versión original animada de los noventa. Es uno de los mejores momentos del espectáculo, especialmente por el despliegue visual sobre el escenario, con elaborados trajes y dinámicas coreografías que ocupan toda la superficie del mismo, e incluso algunas acrobacias antes del intervalo de 20 minutos.

Lin-Manuel Miranda

La segunda parte tiene dos momentos inmersivos en la oscuridad de la sala, que involucran al público de las primeras butacas y disparan lo que viene a continuación. El primer segmento es un deleite para las nuevas generaciones e incluso tiene un pase cómico que involucra al director de la orquesta. Luego viene el segmento de villanos, quizás el más flojo de todo el show, ya que involucra dos canciones de Descendientes (en inglés, a diferencia de todas las demás que están en español latino) y queda desarticulado del resto.

Para el gran cierre, el anteúltimo segmento del show es puramente sinfónico, con proyección de imágenes en la pantalla gigante. Una grata sorpresa para la generación de los adultos que lleven a sus niños más pequeños. Y el broche de oro está conformado por siete canciones de una de las películas animadas más populares de los últimos tiempos, especialmente por su banda sonora compuesta por el famoso Lin-Manuel Miranda.

Un show que refuerza la nueva identidad de Disney y su era de live-actions, pero a su vez la conecta con los clásicos animados de los noventa y los estrenos de los últimos años, que ya se hicieron un lugar en la cultura popular. Disney renace una y otra vez con historias imperecederas y se vuelve a meter en nuestros corazones y en nuestros recuerdos familiares, conectando a generaciones con la misma pasión. Ese es el espíritu que busca reflejar este nuevo espectáculo musical.

El Evento

Es importante destacar que el domingo 16 de febrero a las 17:00 tendrá lugar una función distendida del show. Estará sutilmente adaptada a las necesidades y preferencias de personas neurodivergentes, para ofrecer una propuesta amigable mediante estímulos reducidos y mayor flexibilidad para que puedan disfrutarla junto a sus familias. Adicionalmente, habrá staff capacitado, espacios de descanso sensorial, recursos anticipatorios descargables, señalética en pictogramas y kits sensoriales para reducir estímulos, que podrán retirarse en el lugar presentando el DNI.

Las localidades se encuentran a la venta en la boletería del Teatro Colón, Tucumán 1171, de lunes a sábado de 9:00 a 20:00 y los domingos de 9:00 a 17:00. También se pueden adquirir de manera anticipada por internet en la web oficial del Teatro Colón y en el sitio oficial de entradas del Gobierno de la CIudad de Buenos Aires.

Entre los galardonados, la Fundación Banco Sabadell fue distinguida con el premio honorífico a la mejor iniciativa de mecenazgo. Tal como detalló Ópera XXI, la fundación, creada en 1994, ha enfocado su labor en la promoción de la divulgación, la formación y la investigación en áreas educativas, científicas y culturales, facilitando recursos y oportunidades para impulsar proyectos vinculados al desarrollo social y artístico.

Asimismo, los impulsores de la propia asociación Ópera XXI recibieron el reconocimiento a la trayectoria profesional. Este premio recayó en las personas y entidades que, en 2005, pusieron en marcha la organización, hoy considerada la principal asociación representativa del sector lírico en España. El medio informó que actualmente la asociación reúne 27 teatros, temporadas y festivales estables de ópera y zarzuela, consolidando un espacio de colaboración y visibilidad para el género lírico.

En la categoría internacional, Ópera XXI y la organización Ópera Latinoamericana concedieron el premio a la mejor nueva producción latinoamericana a “Billy Budd”, obra del compositor Benjamin Britten, producida en el Teatro Colón de Buenos Aires. El medio consignó que la puesta en escena, estrenada en julio de 2025, contó con dirección musical de Erik Nielsen y dirección escénica de Marcelo Lombardero, recibiendo distinción por la calidad y el impacto de su estreno en la región.

Según publicó la asociación, la ceremonia de entrega de los premios tendrá lugar el próximo 15 de mayo en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona. En este encuentro se reunirán representantes de los principales escenarios y festivales de la lírica en España, así como figuras claves de la producción musical y cultural, para celebrar a las instituciones y personalidades seleccionadas en esta edición.

Ópera XXI señaló que los premios honoríficos buscan visibilizar la contribución duradera de las entidades y las personas dedicadas al avance y la promoción de la lírica en España y Latinoamérica. De acuerdo con información difundida por la asociación, la ceremonia se presenta como un ejercicio de reconocimiento sectorial y fomento de la colaboración entre los múltiples actores implicados en el desarrollo artístico.

El comunicado destacó la cooperación entre Ópera XXI y Ópera Latinoamericana en el premio a la mejor producción latinoamericana, reflejando la voluntad de estrechar lazos y favorecer el intercambio cultural entre ambos continentes, así como la proyección internacional de creaciones emblemáticas como “Billy Budd” presentada en Buenos Aires.

Estos galardones, según especificó Ópera XXI, responden a una estrategia sostenida de promoción, mecenazgo y cooperación entre instituciones, dirigidas tanto a la formación de nuevos talentos como al apoyo a entidades de probada trayectoria y al impulso de obras relevantes para la escena lírica global.

La suspensión de las funciones de Marianela Núñez en el Teatro Colón sacudió la agenda cultural de Buenos Aires, donde su presencia había generado una ola de entusiasmo que se reflejó en la venta récord de entradas, agotadas en apenas media hora en febrero. La bailarina principal del Royal Ballet de Londres, cuya presentación en El lago de los cisnes estaba prevista para el viernes 20 y el domingo 22 de este mes, no podrá cumplir con este compromiso a causa de una lesión lumbar.

Este contratiempo obliga a reorganizar la grilla del máximo coliseo argentino y pospone un esperado reencuentro entre la artista y su audiencia porteña, según informó el Teatro Colón a través de sus canales oficiales.

Uno de los datos que subraya la magnitud de este fenómeno es el récord de demanda de entradas que generó Núñez: la boletería alcanzó el lleno absoluto en menos de treinta minutos, un hecho inusual en la historia reciente del Teatro Colón.

La cancelación se produce después de que Núñez, en plena función de Giselle en la Royal Opera House de Covent Garden, sufriera una fuerte caída durante el segundo acto el pasado viernes. El episodio, que se manifestó primero como una “molestia dolorosa” en la cintura, derivó horas más tarde en un espasmo lumbar intenso, según relató la propia artista en un mensaje de video difundido por el Teatro Colón en sus redes sociales.

“Me resbalé y me di un golpe fuertísimo. Pude terminar el show, pensé que iba a estar bien, pero cuando llegué a mi casa toda la zona lumbar entró en espasmo; empecé a experimentar muchísimo dolor y lo que más me preocupó es que iba perdiendo movilidad en la zona”, explicó. La recomendación médica impidió que tomara el vuelo de diecisiete horas entre Londres y Buenos Aires, situación que forzó su ausencia en las funciones programadas.

En respuesta a la baja de Núñez, el director del Ballet Estable, Julio Bocca, confirmó a través de un comunicado en video la continuidad de las presentaciones del viernes 20 y el domingo 22, aunque con cambio en el rol principal. El bailarín invitado Alejandro Virelles y la solista del ballet del Colón, Romina García Vázquez, asumirán los papeles de Odette/Odile en El lago de los cisnes.

En su mensaje grabado, Núñez transmitió su pesar por “perderme estas dos funciones y la posibilidad de estar con ustedes”, y destacó el valor que tienen sus visitas a la Argentina como “los momentos más especiales de mi temporada”. Afirmó que regresará en diciembre para encabezar El Cascanueces y habló de su deseo de compensar a quienes se quedaron sin verla: “Estoy viendo si puedo planear algo muy lindo que tengo en mente hace mucho tiempo para recuperar este momento perdido y compartirlo con quienes iban a estar conmigo este viernes y domingo, y también para todos aquellos que se quedaron sin entradas”.

La situación reconfigura la temporada del Ballet Estable, que había previsto el debut de El lago de los cisnes como episodio fundamental en la agenda 2026 de la compañía. La próxima aparición de Marianela Núñez está ya confirmada para diciembre, cuando protagonizará El Cascanueces, según reiteró el Teatro Colón.

En el plano internacional, la bailarina argentina deberá retomar su agenda tras recuperarse de la lesión, en particular el estreno de Timeless, su primera gran producción de autor programada para el verano europeo en la Royal Opera House.

Este espectáculo, que se presentará del 29 de julio al 2 de agosto, se anuncia como “una celebración del arte perdurable de la aclamada bailarina del Royal Ballet, y de la compañía y el público que tanto ama”, y será además un homenaje a los 28 años de trayectoria de Núñez en la emblemática sala londinense.

Fotos: Máximo Parpagnoli/prensa Teatro Colón

El Ballet Estable del Teatro Colón, bajo la dirección de Julio Bocca, abre la temporada 2026 el jueves 12 de marzo con El lago de los cisnes, uno de los títulos clásicos más relevantes del repertorio internacional. Esta producción cuenta con la participación de la Orquesta Estable del Teatro Colón, dirigida por Nicolette Fraillon. El dato relevante es que en las funciones del 20 y 22 de marzo, se producirá el esperado regreso Marianela Núñez, Primera Bailarina del Royal Ballet y estrella argentina de la danza, acompañada por Alejandro Virelles, distinguido bailarín principal nacido en Cuba.

Las funciones de El lago de los cisnes están programadas para los días 12, 13 y 14, 17, 18 ,19, 20 y 21 de marzo a las 20, y 22 de marzo a las 17 hs. Las entradas ya están disponibles en el sitio oficial www.teatrocolon.org.ar y en la boletería del teatro, ubicada en Tucumán 1171, de lunes a sábado de 9 a 20 y domingos de 9 a 17.

La obra, acompañada por una paleta orquestal capaz de expandir y clarificar, celebrar y lamentar junto al público cada giro de la historia, amalgama triunfos y derrotas a través de melodías inolvidables. Entre luces y sombras, contrastes cálidos y fríos, exteriores, castillos y el emblemático lago, la narrativa visual encuadra la tragedia de Odette, la manipulación de Rothbart, los engaños de Odiley la pasión de Sigfrido. En este universo de promesas, traiciones y amor, los espejos de agua reflejan en blanco y negro la dualidad entre aves y humanos, el bien y el mal, mientras El lago de los cisnes despliega su relato trágico de amores y engaños.

La propuesta artística se apoya en la música de Piotr I. Tchaikovski y la coreografía de Raúl Candal, inspirada en la versión original de Marius Petipa y Lev Ivanov. El montaje, incorporado al repertorio histórico del teatro, se estrenó en diciembre de 2007 durante la función de despedida de Julio Bocca en el Luna Park de Buenos Aires. El equipo creativo está conformado por Christian Prego en escenografía, Aníbal Lápiz en vestuario y Rubén Conde en iluminación. La reposición coreográfica estará a cargo de Isabel García.

Programa de ‘El lago de los cisnes’

Música: Piotr Ilich Tchaikovski

Coreografía: Raúl Candal, basada en la original de Marius Petipa y Lev Ivanov

Diseño de escenografía: Christian Prego

Diseño de vestuario: Aníbal Lápiz

Diseño de Iluminación: Rubén Conde

Ballet Estable del Teatro Colón

Director: Julio Bocca

Orquesta Estable del Teatro Colón

Directora: Nicolette Fraillon

Bailarines invitados

Marianela Nuñez (20, 22)

Emmanuel Vazquez (11, 14)

Alejandro Virelles (20, 22)

[Fotos: Máximo Parpagnoli/prensa Teatro Colón]

Dos meses antes de morir, Darío Lopérfido compartió algo estremecedor y penosamente realista: “El Darío de antes de la enfermedad ya murió”. Lo publicó en la revista de cultura y política Seúl, en una columna titulada “Tener ELA es una mierda”, donde describió también sin ambages: “Caminás pésimo, la voz se te vuelve de borracho y comés con el riesgo de que se te caiga la baba”. Destacó, como cosa del pasado, que había sido un buen polemista; sin embargo, hasta el final de su vida siguió escribiendo columnas que creaban chispas.

La ELA le había quitado la voz, el paso firme, la vida social. La pasión contendiente, no. Quizá no todo el Lopérfido de antes de la enfermedad había muerto antes de este 27 de febrero de 2026, cuando se conoció la noticia en Madrid, donde vivió los últimos años.

Lopérfido no era un polemista de red social, algo hoy directamente vintage. Su ironía buscaba la estructura de un argumento. Hace poco describió las discusiones entre los argentinos sobre el texto de una ley: “La consigna siempre llega primero. Leer es opcional. Entender, directamente, sospechoso”.

No siempre tuvo razón. En 2016 cuestionó la cifra de 30.000 desaparecidos de la última dictadura, una posición que contradice el consenso de los organismos de derechos humanos e hirió a tantas familias con muertos sin tumba. Pero —otra característica de Lopérfido: una coherencia a pesar de los costos— no rectificó su dicho. Años después, explicó: “Me podría haber retractado y seguir tranquilo o mantenerme en mi posición. Eso hice y me siento orgulloso de mi actitud”.

Las rivalidades inteligentes

El escritor Jorge Asís, otro polemista nivel nuclear, lo elogió en el recuerdo: “Uno de los oponentes más inteligentes que tuve en mi vida”. Los unía una mutua simpatía en tensión porque habitaban trincheras políticas opuestas. Cuando Lopérfido asumió como secretario de Cultura y Comunicación durante el gobierno de Fernando de la Rúa —contó Asís— “recuerdo haber hecho alguna ironía en una entrevista, dije que salí a buscar sus libros y no los pude conseguir en las librerías”. El chiste siguió: entonces pensó que quizá era pintor, pero tampoco lo conocían en las galerías, que tal vez era bailarín, y así. “Él se divirtió mucho, se rió y muy inteligentemente dijo: ‘Pasa que Asís y yo no somos contemporáneos’”.

En esa rivalidad lúcida, tuvieron amigos en común: “Por supuesto, la señora Esmeralda Mitre, que es un personaje absolutamente notable y fascinante”. Con los años, a Asís le quedó “una imagen intensa” de Lopérfido: “Un pibe infinitamente culto, con una erudición académica, y lo dicho: inteligente”.

Mitre, ex esposa de Lopérfido, también lo recordó con afecto en su cuenta de X: “Hoy quiero despedir a Darío con mi más profundo, dolor, agradeciéndole enormemente todos los momentos compartidos tan maravillosos y felices juntos. Darío, que Dios te tenga en la Gloria, y siempre vas a estar en mi corazón. Que descanses en Paz”.

Ideas sobre la libertad y las instituciones

Lopérfido era políticamente liberal, una expresión que en tiempos de libertarios no hay que dar por sobreentendida. Tenía como eje de su vida, según dijo en una entrevista, “la defensa de la libertad”. Lo repitió al asumir la dirección de la Cátedra Vargas Llosa, iniciativa literaria internacional, cuando habló del intelectual francés Albert Camus como “un guía intelectual: ayuda a pensar que cualquier forma de autoritarismo es cuestionable, ninguna ideología o dogma se puede superponer al hombre”.

Pensaba en las instituciones republicanas en el mundo, que sostienen esa libertad: “El hecho de no mandar tropas a Ucrania mostró que Europa deja a sus ciudadanos a la deriva frente a autócratas como Putin”, opinó. Cuando Isabel Díaz Ayuso, del Partido Popular de la Comunidad de Madrid, ganó las elecciones contra Podemos, la celebró para celebrar la democracia: había debatido en la campaña, había ganado en las urnas. “Así se hace”, escribió.

Había votado a Milei por su antikirchnerismo visceral, pero lo criticaba: “La pobreza sigue siendo enorme, la educación sigue en declive, la seguridad sigue siendo una preocupación, la corrupción no se ha erradicado”. Y cuando el presidente argentino cantó con el Chaqueño Palavecino le recordó que lo suyo era el gobierno, no el espectáculo. Lo comparó con Carlos Menem, sin visos de elogio.

Huella en la cultura argentina

Es llamativo que alguien con las credenciales de Lopérfido no haya terminado el secundario. Se formó en temas creativos desde el hoy inexistente papel de cadete en una agencia de publicidad, después en revistas culturales y en la emisora de radio FM Rock & Pop. En 1992, con 28 años, asumió la dirección del Centro Cultural Ricardo Rojas, de la Universidad de Buenos Aires, donde lo marcó “el vigor de una escena cultural porteña”, aquella de fines de los ochenta y comienzos de los noventa, que nunca olvidó.

De su gestión como secretario de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires salieron dos instituciones que sobrevivieron largamente a su fundación. El Festival Internacional de Buenos Aires nació en 1997; el BAFICI, en 1999. El festival de cine independiente se consolidó como el más importante de América Latina y una referencia internacional bajo directores artísticos como Quintín, Sergio Wolf y Marcelo Panozzo.

En febrero de 2015 asumió como director general y artístico del Teatro Colón, la histórica ópera porteña y la más importante de América Latina. Durante su gestión incrementó la presencia de figuras internacionales y de argentinos con carreras en el exterior, inició las transmisiones por streaming y abrió los ensayos al público. En diciembre de ese año el alcalde porteño Horacio Rodríguez Larreta lo nombró además ministro de Cultura de la Ciudad. Los dos cargos le duraron poco: las declaraciones sobre los desaparecidos le costaron el ministerio en julio de 2016 y la dirección artística del Colón en febrero de 2017. “Me siento bastante reconocido luego de mi paso por el Teatro Colón donde conocí a gente muy interesante”, diría luego.

El entonces presidente Mauricio Macri lo designó representante especial para la promoción de la cultura argentina en Berlín. “Para los que nos gusta la música clásica”, resumió Lopérfido, “es como estar en Disneylandia”. Duró nueve meses: en 2018 dejó la función pública para debutar como régisseur con Lulú, de Alban Berg, en el Teatro Avenida. Había elegido esa ópera, dijo, porque era “una obra maestra” y porque le interesaba “pensar en los eventos colaterales de grandes momentos de liberación sexual y efervescencia, como el Berlín del 20”.

Jorge Telerman, que fue jefe de gobierno de la Ciudad y dirigió el Teatro Colón, compartió con él esa filosofía. Se habían encontrado, dijo, “en nuestras mismas pasiones, en relación a la cultura, a la importancia del desarrollo cultural, a las actividades de riesgo, de borde, de innovación”, en la conversación sobre cómo incluirlas en la agenda pública. “Algo en lo que estábamos siempre de acuerdo, y que él hizo con excelencia en la Secretaría de Cultura y en el Colón”. Fueron muy cercanos durante años; el distanciamiento llegó “por cuestiones derivadas de la política, absolutamente menores en relación a lo que hay que considerar en la vida”, valoró Telerman. Y aun en esas diferencias, dijo, nunca dejó de reconocerle “su honestidad y el criterio de verdad con el que organizaba su pensamiento y sus expresiones, con él mismo y con los demás”.

La cercanía con Vargas Llosa

Lopérfido vivió sus últimos años en Europa. Comenzó a trabajar en la Cátedra Vargas Llosa, iniciativa literaria internacional del Premio Nobel peruano: tenía una relación antigua, personal, con Mario Vargas Llosa. “Conocer, conversar y trabajar con Mario fue una de las cosas más importantes de mi vida”, dijo. “Integrar el grupo que lo acompañó en París el día en que ingresó en la Academia de las Letras Francesas fue un honor y un hecho inolvidable.” La Cátedra organizaba eventos literarios, otorgaba el Premio de Novela Vargas Llosa y tenía como eje explícito la libertad de expresión. En ese marco, ya con la ELA avanzada, Lopérfido grabó en Madrid el ciclo El hombre rebelde: entrevistas con —entre otros— el venezolano Leopoldo López, el escritor Sergio Ramírez exiliado de Nicaragua, y Yunior García, dramaturgo cubano disidente.

Vargas Llosa murió en abril de 2024 sin saber que su colaborador tenía ELA: el diagnóstico se reveló al mes siguiente. Lopérfido había empezado con un problema de movilidad en una pierna; luego notó que se extendía a su mano izquierda. Como era diestro, comentó: “Por suerte puedo escribir.”

Álvaro Vargas Llosa, presidente de la Fundación Internacional para la Libertad, creada por su padre en 2002, escritor y conferencista, dijo tener “solo palabras de afecto” por Lopérfido. “Ha sentido por él admiración y gratitud por la amistad que me brindó y por la colaboración que dio a la Cátedra Vargas Llosa”, agregó. “Como ocurre con todas las personas que dicen verdades incómodas, fue una persona muy controvertida en su país, Argentina”, no eludió. “Su defensa de la libertad ha sido tenaz y su valentía y su coraje son dignos de ser imitados”.

La enfermedad, la paternidad, la muerte

La ELA, contó en Seúl, es “una enfermedad sin épica”: no hay tratamiento dramático para que los demás vean que uno “la está peleando”. Lo que sí había era deterioro constante y sin anécdotas. “Lo más heroico que te puede pasar es caerte”, escribió. “Yo me caí bastante, pero caerse da un poco la imagen de idiota”.

Era ateo —pero no “fanático, como Christopher Hitchens”, aclaró— porque simplemente no podía creer en dios. “Lo vivo, más bien, como una falta. Me hubiese gustado”. Ante la enfermedad incurable eso tenía consecuencias prácticas: “Si tenés ELA, la única alternativa para no convertirte en una planta delante del televisor es expandir la actividad cerebral al límite.”

Fue en ese contexto que grabó su última entrevista con el escritor Martín Caparrós, quien también sufre de ELA y vive en Madrid. Se conocían hace años y se respetaban a pesar de pensar distinto en, básicamente, todísimo todo: “Él es de izquierda y yo liberal, y eso no es motivo para no tener una buena relación”. Lopérfido había leído el libro de Caparrós sobre la enfermedad, Antes que nada, y decidió contarle que compartían el diagnóstico un par de días antes de grabar.

Marcelo Figoli, empresario, ex socio y dueño de los medios donde Lopérfido publicó sus columnas, lo definió como “un referente de nuestra cultura, un creativo, una persona con mucha sensibilidad y con muchas ganas de seguir innovando.” Lo vio trabajar hasta el final “con coherencia en su pensamiento político, en las ideas de la libertad desde el punto de vista humanista.” Recordó que “discutía con quien tenía que discutir, pero de manera sana, abierta, clara, respetuosa”. Lo despidió como “un gran amigo, una persona de mucho código, que vivió con austeridad y terminó su vida de la misma manera”.

Para alguien que, como Lopérfido, había explicitado su defensa la libertad individual frente al Estado, los dogmas y la corrección política, la muerte asistida —que es legal en España— era evidentemente parte de la conversación: el derecho a elegir el camino del propio cuerpo. “Uno no puede decidir nacer, pero puede decidir morir. Vivir no debe ser obligatorio”. La definió como “la más liberal de las muertes” y como “el mayor logro de la humanidad para quienes no tienen esperanza y sólo conviven con el infierno.” No había tomado esa decisión, aclaró al hablar del tema, pero saber que estaba disponible lo aliviaba. Era una posición que había tenido siempre. La ELA sólo la había vuelto personal.

Como le ha sucedido a otros muertos jóvenes, lo que más lo entristeció no fue saber que cruzaría el Leteo sino no estar de este lado cuando la vida le siguiera pasando a su hijo, Theo, todavía un niño. “Me da furia perderme cosas de mi hijo”, escribió. Había llegado a la paternidad a los 54 y lo había vivido como una revelación. “Desde que nació Theo pasamos mucho tiempo juntos”, recordó. Pero no hubo fútbol compartido, ni paseos, ni parque de diversiones.

Ante eso, hizo lo que podía dentro de lo que sabía, escribir: “Pienso que cuando crezca y yo esté muerto, él podrá leerme”.

“Yo prefiero vivirlo así, sin consuelo ni ningún Dios con quien enojarme”, reflexionó Darío Lopérfido en diciembre del año pasado sobre la esclerosis lateral amiotrófica (ELA) que padecía y contra la que batalló hasta este viernes 27 de febrero.

En un desgarrador texto publicado en Revista Seúl dos meses antes de morir y titulado “Tener ELA es una mierda”, el exdirector artístico del Teatro Colón abordó la eutanasia, la “ordinariez insoportable” de su enfermedad y la tortura de sentirse un “padre limitado” para su hijo.

“No creo ser el mismo ya. Era un buen polemista y ahora no puedo hablar bien, no camino bien, no tengo vida social y todo es raro”, escribió en uno de los párrafos de esa columna, que —advirtió— era un adelanto de un futuro libro.

A diferencia de enfermedades de mayor resonancia pública, el exfuncionario sostuvo que la ELA le negaba hasta el consuelo de la épica personal o familiar. “Un buen cáncer te da todo un tiempo con tratamientos espantosos durante el que podés aparecer pelado y decir ‘yo le voy a ganar al cáncer’. En la mayoría de los casos, el pelado se muere. Pero le deja un legado a su familia: que pueden decir ‘cómo la peleó’… En mi caso, la ELA tardó un año en arruinarme un pie. Imposible meterle épica a eso”. El deterioro, narró, llegaba sin batallas visibles, se manifestaba en caídas, pasos inseguros y actividades que se vuelven inviables.

Desde su diagnóstico, Lopérfido reconoció cómo la enfermedad fue despojando su vida social y sus rutinas. “Caminás pésimo, la voz se te vuelve de borracho y comés con el riesgo de que se te caiga la baba. Chau NOBU, chau pizzería del barrio, fue un gusto conocerlos: ya no querés que te vean comiendo y bebiendo. La ELA te embrutece”. Reveló, en ese momento, la dificultad para sostener la vida cotidiana y la tendencia progresiva al aislamiento.

La mirada ajena, según el autor, se veía atravesada por la incomodidad y el trato paternalista, una consecuencia que rechazaba abiertamente. “La gente asocia una enfermedad grave con hablarle al paciente como si fuera un niño, bajo la idea espantosa de que ese tono es una manera de darle amor… el amor no te arregla semejante desastre físico”. Por eso, admitió, “mis niveles de tolerancia han bajado y lo único que acepto es que me hablen en serio o que me hagan reír”.

El avance impiadoso de la enfermedad también impactó directamente en la identidad y el sentido de pertenencia. Lopérfido afirmó: “La vida tendría que tener velatorios parciales. El Darío de antes de la enfermedad ya murió. El actual es otra persona con otra vida y otros pensamientos. No extraño mi pasado: viví muy bien y atesoro un montón de experiencias”.

El aislamiento se reflejaba también en la pérdida de placer físico y en la transformación de la imagen personal. “Mi vida estuvo ligada a los placeres físicos e intelectuales. Los placeres físicos desaparecen: tu cuerpo se vuelve una cárcel y eso es lo que más extraño. Los placeres intelectuales, en cambio, puedo mantenerlos. Leer, escribir, hablar con amigos, escuchar música, ver películas: todo eso sigue siendo posible”.

En cuanto a la espiritualidad, Lopérfido declaró abiertamente su ateísmo. “No creo en Dios y ni siquiera soy agnóstico: soy ateo. No creo en la medicina alternativa ni en los laboratorios que se hacen ricos vendiendo ibuprofeno, y ningún dueño de ningún laboratorio va a vender su yate para investigar la cura de una enfermedad que afecta a poquísimas personas. Los entiendo, la ELA no es una causa popular”. Se apoyaba únicamente en antidepresivos y algunas sustancias recreativas para tolerar el ánimo y el hastío existencial: “Sólo creo en los antidepresivos y en algunas drogas ilegales para mantener el ánimo. No espero más... El cerebro queda siempre, y es el único órgano que vale la pena”.

En su situación, también reflexionó sobre la eutanasia y la facultad de decidir el propio final: “La eutanasia es la más liberal de las muertes y es mucho mejor que suicidarse... Uno no puede decidir nacer, pero puede decidir morir. Vivir no debe ser obligatorio. La muerte más civilizada es la que uno decide en pleno uso de sus facultades”. Consideraba que poder trabajar y disfrutar de algunos momentos placenteros eran las razones que justificaban continuar, pero rechazaba la extensión del sufrimiento en nombre del avance médico: “La medicina actual se nutre de la idea de estirar la vida, pero el tramo final no puede arruinar lo que vino antes. Mi promedio es alto y debo conservarlo”.

Entre todas las pérdidas, la relación filial se revelaba como la más dolorosa: “De todas las torturas que me depara la enfermedad, ser un padre limitado es la peor y la que no tiene solución. Escribir me calma porque pienso que cuando crezca y yo esté muerto, él podrá leerme”, expresó, quien además dijo que buscaba que su hijo encontrara en sus palabras el recuerdo que la enfermedad podría arrebatarle.

“Escribí estos capítulos, que serán parte de un futuro libro, escuchando Obertura de Tannhäuser, de Richard Wagner, por la Filarmónica de Berlín dirigida por Claudio Abbado”, cerró Lopérfido su artículo.

De amplia trayectoria en el mundo de la cultura, Lopérfido fue director artístico del Teatro Colón, presidente de Ópera Latinoamérica y secretario y ministro de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires durante el gobierno de Horacio Rodríguez Larreta. También fue secretario de Cultura y Medios durante el gobierno de Fernando De la Rúa.

Los que sean un poco más grandes quizás lo recuerden sonriente, casi pibe, lleno de ideas, a las puertas de Buenos Aires no duerme, un festival que se planteó —y lo hizo— atravesar la noche entera en un lugar lleno de artistas y actividades dirigidas a los jóvenes. Eran los últimos años de la década del 90, Darío Lopérfido, que murió este viernes, era una figura destacada —primero, y la cabeza después— en la Secretaría de Cultura porteña.

Era el ingreso de una generación nueva al gobierno, en una democracia que todavía era nueva también: Lopérfido tenía poco más de 30 años. Y, de alguna manera, con el festival nocturno marcaba distancia ideológica: del otro lado de la General Paz el peronista Eduardo Duhalde, por entonces gobernador de la Provincia de Buenos Aires, había dispuesto un límite horario para los boliches nocturnos. Entonces —el logo era un ojo abierto por un Obelisco— Buenos Aires no durmió. Tan joven y ya mostraba la hilacha: la provocación sería una marca. Si el político experimentado mandaba irse a dormir...

El Jefe de Gobierno, su jefe político, era el radical Fernando de la Rua. Uno de sus orgullos en esa gestión fue la creación del BAFICI, el festival de cine independientes que sigue siendo uno de los mayores eventos culturales de la ciudad (y del país).

Antes, todavía más joven, Lopérfido había dirigido el Centro Cultural Ricardo Rojas. Eran tiempos de vanguardia, de experimentación, de Batato Barea, Alejandro Urdapilleta y Humberto Tortonese en ese espacio de la Universidad de Buenos Aires. De nuevo: una ciudad, una sociedad, que se alejaba de las restricciones de la dictadura. Y que mostraba otra cara: raros peinados nuevos. “Teníamos un entusiasmo casi sobrenatural”, contó años después. “Una voracidad por conocer y programar obras novedosas, películas que habían sido censuradas. Me acuerdo de cuando programamos La última tentación de Cristo y se aparecieron los chicos de Tradición, Familia y Propiedad". ¿Habían pisado el palito de la provocación “los chicos”?

Cuando De la Rua pasó del gobierno de la Ciudad al de la Nación, en 1999, Lopérfido se fue con él y ocupó el lugar de Secretario de Cultura y Comunicación. Fue un recorrido corto, como el de todo ese gobierno, que cayó en diciembre de 2001. Alguna vez, en la intimidad de un bar madrileño, contó cómo habían sido las últimas horas de esa gestión para el núcleo más cercano al presidente, que veía el derrumbe desde la noche anterior en Olivos. No había cumplido 40 años y contaba la Historia en primera persona.

Pero en enero de 2015 le tocó uno de los papeles que más le gustaron: Mauricio Macri, que era Jefe de Gobierno porteño, lo nombró director del Teatro Colón. A él, que no había terminado el secundario porque cuando empezó la dictadura su padre, que era delegado gremial, fue despedido y el chico pronto tuvo que poner el hombro en la casa.

Quizás por eso le gustaba tanto el Colón, la idea de desacralizarlo, de abrir los ensayos al público, de integrar tecnología a las obras y, a la vez, de hacerlo rentable. A poco de asumir le preguntaron si ya se estaba acomodando al cargo. La respuesta fue, otra vez, provocadora: “En realidad, hace muchos años que soy director del Colón. Nadie lo sabe; sólo yo. Desde que empecé a escuchar conciertos y ver ópera, a los 18 años, mi cabeza está aquí, en el armado de temporadas, la elección de cantantes, directores y obras; el reclamo por más ensayos, el deseo de captar y entender todas las reacciones del público, la necesidad de movilizar una institución como ésta, para que no se parezca a una estatua. Soñaba con dirigir este teatro. Se trata de cosas que nunca le conté a nadie, por temor a que se me viera como un alienado. Pero hace años que me preparo secretamente para esto. Únicamente faltaba que me nombraran. Y sucedió“.

Se le veía el entusiasmo, la pasión: “El Colón del siglo XXI y de los siglos por venir es este”, dijo, cuando le sugirieron que había otro espacio -encima llamado en ese momento “Centro Cultural Kirchner- dispuesto a competirle al teatro su condición de primera sala del país.

Ejercía este puesto cuando, en diciembre de 2015, Horacio Rodríguez Larreta asumió como Jefe de Gobierno y volvió a nombrarlo ministro de Cultura porteño. Decidió quedarse también en el Colón. Pero unos días después, en una charla abierta en enero de 2016, dijo algo que cambiaría el rumbo de su vida política. Dijo que los desaparecidos “no fueron 30 mil”, y que “ese número se arregló en una mesa” para “conseguir subsidios”. No fue un comentario menor e iba más allá de la provoación: tocaba uno de los consensos más sensibles de la democracia argentina.

Enseguida intentó explicarse. Dijo que durante el kirchnerismo se había intentado afirmar la idea de que los Montoneros defendían la democracia y que no era así. Dijo, también: “A mí un desaparecido, diez, o dos me parece el mismo desastre, la misma tragedia”. Y contó: “Me pasé mi adolescencia peleando contra la dictadura en la medida en que podía”.

Era tarde. Organismos de Derechos Humanos y parte del ambiente artistico repudiaron sus dichos sobre el número de desaparecidos. En julio renunció pero siguió dirigiendo el Colón. “Primero que nada, creo en las ideas. ¿De qué sirve la política si uno parecería estar signado por un destino inalterable?", había dicho años atrás. Esa convicción —el destino no es inalterable— parecía moverlo.

Lo que sigue es conocido. Con distintas ocupaciones —la primera, un puesto para promover la cultura argentina en Berlín que le ofreció Macri, ya presidente— se fue a vivir a Europa. Mario Vargas Llosa lo eligió como uno de sus colaboradores. Tuvo un hijo. Se enfermó de ELA. “El joven que dirigió el Rojas es solo un recuerdo”, dijo hace unos días. Pero seguía trabajando, con la fuerza transformadora y la confianza en la democracia de aquel chico de los 90. ¿Haría las cosas distintas, con la experiencia que dan los años? “No suelo arrepentirme”, respondió.

El Ciclo Aura prepara su regreso al Teatro Colón en 2026 con una serie de conciertos que reunirá a figuras destacadas de la música clásica internacional y presentará la Orquesta del Ciclo Aura. El calendario incluye cuatro funciones, programadas para el 18 de mayo, 3 de agosto, 28 de septiembre y 26 de octubre, con la participación de artistas como Maxim Vengerov, Pinchas Zukerman, Nadine Sierra, Freddie De Tommaso y Xabier Anduaga, junto con la nueva formación orquestal del ciclo.

La propuesta, coordinada por el Teatro Colón, en coproducción con Mama Hungara Live y Elisa Wagner ICP, incorpora conciertos sinfónicos, recitales instrumentales y galas líricas. La Orquesta del Ciclo Aura se estrenará en dos de las cuatro fechas, bajo la dirección de Constantine Orbelian, quien ocupa también la dirección musical de la New York City Opera. Esta nueva agrupación fue concebida para fortalecer la identidad artística y expandir la proyección cultural del ciclo.

El primer concierto, el 18 de mayo, estará a cargo del violinista ruso Maxim Vengerov, acompañado al piano por Polina Osetinskaya. La segunda fecha, el 3 de agosto, propone una gala lírica con el tenor español Xabier Anduaga y la soprano surcoreana Hera Hyesang Park, junto a la Orquesta del Ciclo Aura y dirección de Orbelian. El 28 de septiembre se presentará un concierto sinfónico encabezado por el violinista Pinchas Zukerman y la violonchelista canadiense Amanda Forsyth, acompañados por el Ensamble Musical de Buenos Aires bajo la batuta de Gustavo Fontana. El cierre de temporada, el 26 de octubre, reunirá al tenor Freddie De Tommaso y a la soprano Nadine Sierra en una gala junto a la nueva orquesta y nuevamente bajo dirección de Orbelian.

Durante 2025, el Ciclo Aura consolidó su presencia en la programación del Teatro Colón con funciones agotadas y una respuesta positiva del público. La nueva edición busca mantener el vínculo entre intérpretes de proyección internacional y la escena cultural porteña.

Los abonos para la temporada 2026 estarán disponibles próximamente en www.teatrocolon.org.ar, con beneficios especiales para quienes adquieran el paquete completo. Entre los beneficios se encuentran invitaciones a eventos privados y acceso a clases magistrales ofrecidas por Maxim Vengerov, Pinchas Zukerman y Xabier Anduaga.

Artistas destacados de la temporada

Maxim Vengerov, violinista ruso, es reconocido por su trayectoria junto a orquestas internacionales y por sus grabaciones galardonadas con premios Grammy. Fue designado Embajador Internacional de Buena Voluntad de UNICEF y utiliza el violín Stradivarius ex-Kreutzer (1727). Su formación incluyó a Galina Turchaninova y Zakhar Bron.

Xabier Anduaga, tenor español, ha interpretado roles en escenarios como La Scala y la Royal Opera House. Ganador del Concurso Operalia en 2019, sobresale en el repertorio belcantista.

Hera Hyesang Park, soprano surcoreana formada en la Juilliard School, integró el ensemble de la Bayerische Staatsoper y ha desarrollado una carrera internacional abarcando desde Mozart hasta repertorio contemporáneo.

El director Constantine Orbelian se destaca por su trabajo en la dirección lírica y su colaboración con figuras como Renée Fleming. Actualmente dirige la New York City Opera y cuenta con una extensa discografía operística.

Pinchas Zukerman, violinista y violista, suma más de cinco décadas de carrera artística. Fue discípulo de Ivan Galamian y ejerció la dirección musical de la National Arts Centre Orchestra de Canadá.

La violonchelista canadiense Amanda Forsyth se formó en la Juilliard School y colabora regularmente con Zukerman. Su interpretación se asocia al repertorio romántico y al trabajo camerístico.

Freddie De Tommaso, tenor británico, ha actuado en escenarios como La Scala y la Metropolitan Opera. Su disco Passione para Decca Classics lo posicionó en el repertorio italiano y ha abordado papeles como Cavaradossi y Don José.

Nadine Sierra, soprano estadounidense, figura en carteles de la Metropolitan Opera, Teatro Real y la ópera Estatal de Viena. Ganadora de los concursos Richard Tucker y Beverly Sills, mantiene una sólida presencia discográfica.

La Orquesta del Ciclo Aura se compone de músicos destacados de la escena sinfónica de Buenos Aires. Su perfil responde a las exigencias del repertorio lírico y busca establecerse como un referente dentro del ciclo, acompañando las galas programadas para la temporada inaugural bajo la dirección de Orbelian.

Fechas de los conciertos

• 18 de mayo: Maxim Vengerov y Polina Osetinskaya.
• 3 de agosto: Gala lírica con Xabier Anduaga, Hera Hyesang Park y la Orquesta del Ciclo Aura.
• 28 de septiembre: Pinchas Zukerman, Amanda Forsyth y el Ensamble Musical de Buenos Aires.
• 26 de octubre: Gala lírica con Freddie De Tommaso, Nadine Sierra y la Orquesta del Ciclo Aura.

Las funciones se realizarán en el Teatro Colón, ubicado en Cerrito 628, Ciudad de Buenos Aires.

Fotos: gentileza prensa Ciclo Aura (Elina Garanca y Nadine Sierra).

Al día siguiente, Nicki compartió en sus redes sociales su emoción por lo vivido. En una de sus historias, se mostró aún conmovida y escribió: “Buenos días. ¿Lo de ayer qué fue??? ¿Un sueño???”, acompañando la frase con una imagen en la que se la ve emocionada, cubriéndose la boca y dejando ver lágrimas en los ojos. La reacción espontánea y la vulnerabilidad de la artista resonaron entre sus seguidores, que compartieron el sentimiento de incredulidad y agradecimiento por el momento vivido.

La cantante también compartió videos y mensajes de la función, agradeciendo el apoyo del público y de sus amigos. En otra historia, relató con humor el aviso que recibió el público antes de empezar el show: “El aviso del Colón: bueno por favor está por empezar el show no se muevan no griten disfrútenlo etc etc. Ellas: ok”, junto a un video de sus amigas haciendo el aguante desde la platea. Las imágenes mostraron la complicidad y el apoyo de su círculo íntimo, que la acompañó desde las butacas y celebró cada instante de la noche.

En sus publicaciones, Nicki expresó su gratitud: “Lo de ayer fue mágico para mí y les agradezco de corazón por todo el amor!!! Estoy repasando todo lo que viví y emocionándome una y otra vez. Eternamente agradecida”. Además, destacó momentos especiales como su interpretación de “Tienes mi alma” y la versión sinfónica de “Años luz”, que compartió con sus seguidores a través de clips y retuits de quienes estuvieron en el concierto. La emoción y los mensajes de quienes la acompañaron reflejaron la trascendencia del show para la comunidad artística y para el público joven que la sigue.

La artista también se mostró agradecida por poder interpretar “Boquitas pintada”, una canción tan especial de Tan Biónica: “Siempre voy a estar agradecida de poder interpretar esta canción tan especial, eternas gracias”, escribió, arrobando a Chano y a la banda. La fusión de estilos y generaciones fue uno de los puntos altos del espectáculo, que reunió clásicos y nuevas voces en un mismo escenario.

Uno de los momentos más emotivos de la noche fue el que compartió con Cazzu en el escenario, generando lágrimas y aplausos entre el público y los propios músicos, según reflejaron los mensajes de los seguidores: “Qué momento más hermoso, cuando Nicki estuvo por llorar yo ya lo estaba haciendo, qué madre sos Cazzu”. A las imágenes de ambas artistas abrazadas y compartiendo la emoción la cantante de “Wapo Traketero”, reaccionó con un emoji de corazón blanco.

El show de Nicki Nicole en el Teatro Colón no solo marcó un antes y un después en su trayectoria, sino que también se transformó en un símbolo de apertura y diversidad en uno de los escenarios más tradicionales del país. La emoción, la gratitud y el impacto de la noche quedaron plasmados en cada mensaje de Nicki, que celebró junto a su público un verdadero sueño hecho realidad y dejó la puerta abierta para una nueva etapa en la música argentina.

Con una propuesta sinfónica concebida como obra conceptual, la artista rosarina marcó un punto de inflexión en su carrera y en la música urbana argentina. Acompañada por más de 70 músicos bajo la dirección de Nico Sorín, se convirtió en la primera artista de su generación en presentar un espectáculo sinfónico propio en ese teatro mítico. Pero más que una consagración institucional, lo que se vivió fue una declaración artística.

En la previa, su amigo y colega Seven Kayne había declarado a Teleshow sentir “un re orgullo” y añadió: “Es la primera de la camada que está haciendo algo así, tan elevado. Me encanta y quiero ver cómo se desenvuelve la parte musical, las reversiones y con ganas de sorprenderme”.

La introducción instrumental abrió la puerta a un universo resignificado. Luego, vestida con un traje negro de líneas sobrias, camisa oscura y el cabello recogido con precisión, Nicki apareció sola bajo un haz de luz. “Wapo Traketero” fue el primer golpe emocional: la canción que la lanzó a la escena sonó envuelta en cuerdas, con una densidad dramática inesperada. No era nostalgia, era transformación.

“Colocao” y “Sheite” confirmaron la premisa: cada tema había sido reconstruido desde la raíz. La orquesta no acompañaba, expandía. Los arreglos aportaban profundidad, tensión, matices que revelaban otras capas emocionales. “Recuerdos” marcó uno de los primeros momentos de quietud introspectiva. La sala, con sus palcos iluminados tenuemente, parecía contener la respiración.

La noche fue diseñada como un viaje emocional dividido en capítulos. En “Se Va 1 Llegan 2”, bailarines irrumpieron en escena vestidos como estrellas, un símbolo central. En ese momento, Nicki se desprendió del blazer negro, como si dejara atrás una piel anterior. “Mala Vida” tiñó el escenario de rojo. Las luces, la coreografía y la intensidad vocal construyeron una atmósfera de tensión visceral.

En “Perdido”, dos bailarines retiraron una tela que cubría a una tercera figura. El gesto escénico funcionó como metáfora del concepto que atravesó todo el espectáculo: la búsqueda de la esencia. Finalmente, “ALH” llevó la puesta a un plano casi performático. Máscaras, múltiples intérpretes y un clima ritualista reforzaron la idea de identidad fragmentada.

El quiebre emocional llegó con “Boquitas Pintadas”. Un marco dorado en escena funcionó como ventana simbólica. Del otro lado, una niña. Nicki la observaba como quien mira su propio pasado. La escena se completó con un coro infantil que añadió una capa de inocencia conmovedora.

En “Años Luz”, la niña permaneció sentada junto a ella. Desde un palco, una voz femenina emergió con impronta operística, fundiendo tradición lírica y sensibilidad urbana. El Teatro Colón parecía abrazar esa síntesis improbable. “Pensamos”, “Otra Noche” y el cover de “Olvídala” sostuvieron la intimidad antes de que “No Voy a Llorar” cerrara la primera parte con una carga emocional evidente. Hubo lágrimas contenidas, respiraciones profundas y una ovación sostenida.

Tras un muy breve intervalo, un cambio de look marcó también un giro energético. La segunda parte estuvo atravesada por las colaboraciones que ampliaron el alcance del proyecto.

Milo J subió al escenario para “Dispara ***” y “Alumbre”. La complicidad generacional fue inmediata. El Colón, tradicionalmente asociado a la música académica, vibró con el pulso urbano en versión sinfónica.

Segundos después, con un vestido blanco largo de impronta clásica y teatral, Cazzu aportó una lectura intensa y matizada de “Zona de Promesas”, de Mercedes Sosa y Gustavo Cerati, con guiños folklóricos que expandieron el registro estético del concierto.

Instantáneamente, “Mamichula” encendió a la sala de inmediato. Luego, mientras sonaba “Tiene Mi Alma”, un grupo de bailarines vestidos de negro levantaron a Nicki, que cantaba, construyendo una imagen poderosa: sostener y ser sostenida.

La aparición de Jorge Drexler para interpretar “Sea” aportó una delicadeza particular. La escena fue minimalista, casi desnuda. La voz de Nicki encontró un territorio de intimidad sofisticada, sostenida por arreglos sutiles.

A modo de cierre, “Parte de Mí” funcionó como síntesis conceptual de todo el sinfónico. Entre gritos de fans y visiblemente emocionada, Nicki tomó el micrófono para agradecer: “Muchísimas gracias por esta noche tan especial. Muchísimas gracias a todos los presentes por acompañarme en esta experiencia espectacular. Quiero un aplauso gigantesco para esta orquesta que me acompaña, para este director, Nico Sorín, para toda la gente presente. Les agradezco de corazón por acompañarme en esta obra, que es la búsqueda de la esencia, la búsqueda de volver a uno mismo”.

Se rió por los nervios y el llanto, intentó recomponerse y agregó: “Disculpen si me emociono. Les quiero desear jazmines para todos… Gracias al Teatro Colón y gracias sobre todo a toda la gente que está presente, más allá de la reprogramación, más allá de todo, están acá presentes y eso se valora con todo el corazón. Los amo”. La ovación fue inmediata y prolongada, tanto para ella como para los más de 70 músicos que fueron parte de una noche única en la Ciudad de Buenos Aires.

Después de la angustia inicial por tener que reprogramar su show por el paro general, Nicki Nicole disfrutó este viernes de una de las veladas más anheladas de su vida. La rosarina se presentó en el Teatro Colón en un show sinfónico que repasó sus mayores hits y contó con grandes invitados como Milo J y Cazzu. Además, diversas figuras del espectáculo dijeron presente, mostrando su fanatismo por la intérprete de “Wapo traketero”.

Horas antes de que comience el show, mientras la expectativa se sentía en el ambiente, distintas celebridades arribaron al Teatro Colón para ocupar sus asientos. Entre ellos, uno de los primeros en llegar fue Felipe Fort. El joven empresario posó ante las cámaras con un traje oscuro compuesto por un saco negro de corte clásico y pantalón a juego, ambos de textura lisa y caída holgada. Debajo del saco, no utiliza camisa ni remera, dejando el torso parcialmente descubierto y exhibiendo un collar plateado con una cruz. Completa el look con unos lentes de sol circulares de color azul y zapatillas negras de suela gruesa. Lleva un bolso negro cruzado sobre el hombro izquierdo. Su pelo era corto y peinado con raya al medio.

Luego fue el turno de Tiago PZK. El cantante mostró toda su elegancia con un traje negro compuesto por saco y pantalón, con la particularidad de que el saco presenta un diseño cubierto de pequeños apliques plateados que generan un efecto brillante en toda la prenda. Lleva una camisa negra y una corbata del mismo color, lo que refuerza la monocromía del conjunto. Al momento de posar, el joven eligió cruzar sus manos al frente. Completó el atuendo con zapatos negros de cuero de punta redondeada y lentes de armazón transparente y luce un peinado corto y prolijo.

Otra de las que pasó por la alfombra roja fue Tuli Acosta. La cantante lucía un vestido negro de tirantes con detalles en blanco, ajustado al cuerpo y con un amplio volante en la parte inferior. El vestido deja los hombros al descubierto y tiene tirantes delgados, uno de ellos en color blanco. Luce el cabello suelto, con ondas y mechones en tonos rojizos y rubios que enmarcan el rostro. Para este look, la artista eligió un pequeño bolso de mano de color dorado y sandalias negras de tacón.

Fue entonces cuando llegó una de las parejas del momento, Fede Bal y Evelyn Botto. El actor destacaba con un traje de color beige claro con saco de corte clásico y pantalón recto, acompañado de una remera blanca de algodón de cuello redondo que aporta un contraste informal al conjunto. Completa el look con zapatos marrones de cuero y lleva el cabello corto y peinado hacia un costado, junto con barba prolija.

Por su parte, la influencer se robó las miradas con un conjunto sastre en tono blanco compuesto por saco amplio, pantalón holgado y chaleco con botones. El saco presenta un detalle bordado en la bocamanga izquierda. Lleva una blusa escotada debajo del chaleco y combina el conjunto con zapatos de tacón azul oscuro, apenas visibles bajo el pantalón. Luce el pelo largo recogido en una coleta alta y utiliza gafas de sol oscuras de gran tamaño. Sus uñas están pintadas de verde claro.

En un tono similar, Sofía Martínez también eligió un traje sastre para esta ocasión. La periodista brilló con un look de color negro compuesto por un saco cruzado de solapa amplia y pantalón de corte ancho que llega hasta el suelo. El saco tiene cierre de doble botón y bolsillos laterales con solapa. Su pelo, liso y de tono rubio oscuro, caía sobre los hombros. El maquillaje era discreto y no lleva accesorios visibles.

El productor Nico Cotton también dijo presente. El músico llevaba una camisa de manga larga de color gris oscuro, confeccionada en un tejido liso y de caída amplia, con el cuello clásico abotonado y el dobladillo suelto. Combinaba la prenda superior con un pantalón holgado de tono negro, de corte recto y pinzas visibles, lo que aporta volumen a la silueta. Completaba el conjunto con zapatos negros de charol, de punta redondeada y acabado brillante.

En otra línea, Grego Rossello llegó a la alfombra roja con un look más informal. El influencer llevaba una camisa blanca de algodón con las mangas arremangadas hasta los codos y el cuello ligeramente abierto. Combina la camisa con pantalón negro de vestir de corte recto y zapatos negros de cuero. El atuendo era sencillo y de líneas clásicas.

Por su parte, al momento del show. Nicki Nicole deslumbró con dos looks diseñados especialmente para la ocasión. Durante la primera mitad del espectáculo, la rosarina destacó con un traje negro profundo, el cual evocó el misterio y la sofisticación propia de la noche porteña. Mientras, en la segunda mitad, la artista optó por un traje en blanco hueso, el mismo buscó armonía con la majestuosidad y la luz de la sala.

Crédito: RSFOTOS

En la sala principal del Teatro Colón de Buenos Aires, las normas de la elegancia clásica y la vanguardia urbana se encontraron en un escenario inesperado. Nicki Nicole no solo debutó su faceta sinfónica ante más de 70 músicos, sino que eligió dos looks diseñados especialmente para la ocasión que dieron un nuevo significado a la sastrería femenina en uno de los templos mundiales de la lírica.

La artista se convirtió en la primera de su generación y del movimiento urbano argentino en pisar este escenario, tradicionalmente vinculado a la ópera y la música clásica.

La cita del viernes 20 de febrero no figuró como una fecha más en la agenda de la cantante rosarina. El concierto “Nicki Nicole Sinfónico” representó un hito en su carrera, marcando una etapa clave tras su primera nominación a los Premios Grammy. La interpretación orquestal de su repertorio no solo amplió la dimensión sonora de sus canciones, sino que también propuso un giro en su identidad visual.

La propuesta estética se alejó del streetwear habitual de la artista y apostó por la sastrería contemporánea. Los dos trajes, confeccionados a medida por la firma GOROF bajo la dirección de la diseñadora María Gorof, tradujeron el lenguaje clásico de la moda en una clave moderna, dialogando con la arquitectura y el simbolismo del Colón.

Noir y Off White: la dualidad sobre el escenario

Durante la velada, Nicki Nicole alternó entre dos trajes de crepé en tonos opuestos: Noir y Off White.

El primero, de un negro profundo, evocó el misterio y la sofisticación propia de la noche porteña, mientras que el segundo, en blanco hueso, buscó armonía con la majestuosidad y la luz de la sala.

Ambos conjuntos compartieron una estructura de blazer oversize levemente entallado, con hombros estructurados y solapas de líneas arquitectónicas.

En la versión Noir, las solapas de seda resaltaron el contraste y evocaron el código clásico del smoking. Como detalle singular, el look incorporó estrellas tipo joyería, bordadas a mano con cristales plateados que reflejaron destellos sutiles bajo los focos. El pantalón wide leg, de tiro bajo y pinzas marcadas, aportó verticalidad y una sensación de movimiento continuo, acompañando la impronta escénica de la artista.

Capas, texturas y símbolos: el arte del detalle

El estilismo de Nicki Nicole para el Colón fue más allá del simple cambio de paleta cromática.

En el look Off White, debajo del blazer se sumó un chaleco sastrero casi imperceptible, reforzando la estética del traje de tres piezas. La camisa, confeccionada en crepé de seda, introdujo dramatismo con un cuello de puntas largas y puños protagónicos que asomaban bajo las mangas. Una corbata del mismo material completó el conjunto, logrando un efecto de línea vertical continua, estilizando la figura de la cantante.

Para el primer acto, el conjunto Noir exploró una estética gótica y nocturna. La camisa de satén negro, con cuello alto y rígido, sumó formalidad y autoridad.

El detalle más distintivo estuvo en los accesorios metálicos de las puntas del cuello, que introdujeron un guiño de rebeldía urbana. El pantalón de tiro alto, en tela mate, equilibró visualmente el brillo de la parte superior, manteniendo una silueta proporcionada.

La elección del blanco total y la superposición de capas definieron el estilo como “minimalismo maximalista”, una combinación de paleta reducida y estructura voluminosa que marcó la transición de la artista hacia una imagen más madura y sofisticada.

Un gesto de poder en la tradición del Colón

La presentación de Nicki Nicole en el Teatro Colón significó más que un concierto: fue también una resignificación de la sastrería clásica desde una perspectiva femenina y contemporánea.

Los trajes, pensados para el movimiento y el impacto escénico, dialogaron tanto con la tradición del lugar como con la identidad de la artista.

El concierto no solo implicó un desafío artístico, sino también un acontecimiento histórico para la música argentina. La elección de un vestuario con referencias tanto a la moda de alta costura como al lenguaje urbano subrayó ese cruce de culturas y generaciones.

El show sinfónico de Nicki Nicole en el Teatro Colón quedará asociado a una doble transformación: la de su música y la de su imagen, ambas guiadas por la búsqueda de nuevas formas de expresión y poder en el escenario.

La decisión se tomó a raíz del paro general convocado para esa fecha, que afectará el funcionamiento del transporte público y la actividad en distintos espacios culturales, incluido el propio Teatro Colón. En ese contexto, la rosarina eligió expresarse públicamente y explicar los motivos del cambio.

“Ustedes saben lo importante que es para mí esta fecha en el Colón. Es un sueño que vengo construyendo hace mucho tiempo y me duele muchísimo tener que postergarla”, expresó la cantante en un mensaje dirigido a sus fanáticos. La sinceridad de sus palabras reflejó el peso emocional que tiene este show en su carrera.

La decisión fue acompañada por un mensaje de agradecimiento: “Gracias por entender, por estar y por acompañarme siempre. Los amo”. La reacción en redes no tardó en llegar. Muchos seguidores destacaron su coherencia y empatía, mientras que otros celebraron que el show se mantenga, aunque sea con un día de diferencia. Desde la producción y el Teatro Colón señalaron que trabajan para garantizar que el espectáculo se realice “en las mejores condiciones artísticas y técnicas”, subrayando que la dinámica del concierto no sufrirá modificaciones.

El mensaje fue acompañado por una explicación más detallada en sus historias de Instagram, donde buscó llevar tranquilidad a sus seguidores. “Es exactamente lo mismo, solo es un día de diferencia ya que no hay medios de transporte”, aclaró en un video. Además, explicó que los trabajadores del Teatro Colón se adhieren al paro, por lo que el recinto no contará con personal operativo el 19 de febrero. “Además de que no hay medios de transporte, mañana no hay gente trabajando en el teatro”, detalló.

La reprogramación fue confirmada oficialmente por la producción y se informó que las entradas adquiridas para la fecha original serán válidas automáticamente para el viernes 20, sin necesidad de realizar ningún trámite adicional. Quienes no puedan asistir podrán solicitar la devolución del dinero a través de la plataforma EnigmaTickets.

En otro posteo en su cuenta de X e Instagram, la artista dejó en claro su postura frente a la medida de fuerza.“Mañana es un día muy importante para el país. Creo en el derecho de lxs trabajadorxs a expresarse y acompañarse en momentos como este. Por eso vamos a reencontrarnos el viernes 20 de febrero, para vivir esa noche como se merece”.

Lejos de tratarse de una fecha más en su agenda, “Nicki Nicole Sinfónico” representa un verdadero hito en la trayectoria de la cantante. Tras su primera nominación a los Premios Grammy por “Naiki”, la artista consolida una etapa clave de su carrera con esta propuesta que la llevará a uno de los teatros más emblemáticos del mundo.

Por primera y única vez, Nicki presentará su repertorio en formato sinfónico, acompañada por más de 70 músicos dirigidos por Nico Sorín. La propuesta reimagina sus canciones desde una nueva sensibilidad orquestal, ampliando su universo sonoro sin perder la identidad urbana que la convirtió en una de las figuras más influyentes de su generación.

El concierto no solo implica un desafío artístico, sino también un acontecimiento histórico para la música argentina. Nicki Nicole se convierte en la primera artista de su generación —y del movimiento urbano argentino— en presentarse en el Teatro Colón, un escenario tradicionalmente asociado a la música clásica y la ópera.

El episodio ocurrió durante el segmento llamado “La logia del buen gusto”, dentro del ciclo Nadie nos para, conducido por Beto Casella en la Rock & Pop. Allí, mientras difundían un video del entrenamiento de Valentín Fresno, Fernández hizo comentarios dirigidos a él que fueron considerados discriminatorios por la audiencia y distintos referentes del arte.

La repercusión de sus palabras motivó que el panelista optara por manifestar públicamente su arrepentimiento, que llegó horas después a través de un video subido a sus historias de Instagram. “Hola, Valentín. Quería pedirte disculpas públicamente por lo que sucedió en la radio el miércoles, en la sección de La Lógica del Buen Gusto, en donde me extralimité”, comenzó diciendo el músico, en una publicación en la que etiquetó al bailarín.

“Me pasé, hice comentarios desubicados que no tenía que haber hecho. Pedirte disculpas, decirte que estoy acá poniendo la cara para lo que necesites”, continuó Fernández y expresó sus sensaciones por lo sucedido: “Uno en ese contexto cree que es gracioso y después viéndolo me di cuenta que no, no es ni gracioso ni nada que se le parezca”.

Por último, expresó sus “disculpas públicas para Valentín y para todo aquel que vea este video”. Cabe mencionar que, a pesar de haberlo etiquetado públicamente, hasta el momento no hubo ninguna reacción de parte del bailarín, al menos en el ámbito de las redes.

Durante la emisión radial, Fernández se refirió a los bailarines del Teatro Colón con comentarios que apuntaron a su apariencia física y modales, sugiriendo que ninguno de ellos “parece varón” y reforzando estereotipos sobre la masculinidad en la danza. “Put... relajado”, dijo entre otras cosas el astrólogo, y estas expresiones, emitidas en tono de burla, fueron rápidamente cuestionadas por oyentes y figuras del ambiente artístico, que señalaron el carácter discriminatorio de sus palabras y su impacto en la comunidad artística.

La reacción de Valentín Fresno no tardó en conocerse. El bailarín agradeció las muestras de apoyo recibidas y se refirió al impacto de las declaraciones en su vida profesional y personal. “Me dolió escuchar lo que se dijo, porque no solo me afecta a mí, sino a muchos compañeros que trabajan y se esfuerzan todos los días. Recibí mensajes de artistas, amigos y desconocidos que se solidarizaron conmigo. Creo que es importante hablar de estas cosas y que no pasen desapercibidas”, sostuvo Fresno.

La controversia también tuvo eco en personalidades destacadas del mundo de la danza. Julio Bocca, director del Ballet Estable del Teatro Colón, expresó su respaldo a Fresno y repudió los comentarios emitidos. “Me da tristeza que todavía tengamos que escuchar este tipo de comentarios en los medios. Valentín es un gran profesional, y no merece ser objeto de burlas o discriminación”, afirmó Bocca. Además, el ex bailarín remarcó la necesidad de promover el respeto en todos los espacios: “Tenemos que seguir trabajando para que el arte y la diversidad sean valorados”.

El Teatro Colón y miembros del Ballet Estable manifestaron su apoyo a Fresno mediante mensajes públicos en redes, donde resaltaron el profesionalismo y compromiso del bailarín con la compañía. Instituciones y organizaciones vinculadas a la defensa de los derechos LGBT+ también se pronunciaron, señalando la importancia de visibilizar estos hechos y reclamar un trato igualitario en los medios de comunicación. El pedido de disculpas llegó horas después, y todavía no hubo manifestaciones de Fresno.

En las últimas horas, la producción decidió exhibir un video que Valentín Fresno había compartido en redes sociales mostrando su rutina diaria como bailarín clásico. En el comienzo de las imágenes, se insertó la frase “tratamiento para homosexuales”, lo que generó risas entre los panelistas y, en particular, en Joe Fernández, uno de los integrantes del programa, quien, aprovechando el contexto, lanzó en tono burlón: “Put... relajado” y más adelante murmuró, de forma sarcástica y acercándose al micrófono: “Y la cola”.

La secuencia continuó con la edición del video, al que se le sumó un antiguo audio de Tangalanga que decía: “Estás muy bien y tenés mucha facilidad de palabra. Pero insisto, si no sos put… es de haragán”, acompañando imágenes de Fresno preparándose para una función en el Teatro Colón. Estas palabras, lanzadas al aire en uno de los ciclos radiales más escuchados del país, fueron señaladas por los bailarines del Ballet Estable del Teatro Colón como “dichos homofóbicos y descalificativos”.

La reacción del propio Valentín Fresno no se hizo esperar. El joven bailarín recurrió a su cuenta oficial de Instagram para exponer el fragmento del programa en el que se refirieron a él con expresiones homofóbicas y para expresar su indignación. En la primera línea de su comunicado, fue contundente: “Pleno 2026 y se siguen escuchando este tipo de comentarios. Estoy sin palabras”.

En su publicación, el artista lamentó que espacios de comunicación con tanta influencia difundan y avalen comentarios homofóbicos, señalando: “Con tantas cosas lindas que se pueden comentar sobre el ballet, se centren en la sexualidad de un artista...”. En su reflexión, Fresno aclaró que el comentario no lo lastimaba ni perjudicaba personalmente, pero advirtió sobre el daño que puede causar en nuevas generaciones: “A los que perjudica son a los futuros niños que quieran hacer ballet y sus familias, o ellos mismos, no los dejen porque piensen que el ballet es de ‘put...’”. Cerró su mensaje con un llamado a la responsabilidad: “No normalicemos este tipo de lenguaje y bromas”.

El testimonio tuvo una amplia repercusión en redes sociales y entre personalidades del espectáculo y los medios. Entre los primeros en manifestar su apoyo estuvo Ángel de Brito, conductor de LAM (América TV), quien escribió: “PA TE TI CO”. A este respaldo se sumó Franco Torchia, panelista de DDM (América TV), con un mensaje de aliento: “Un abrazo inmenso, Valen. Viva tu danza. Sean eternos nuestros bailes”. El conductor de Puro Show (El Trece), Pampito, expresó su indignación con un directo: “¡No se puede creer!”.

Desde el plano institucional, el Ballet Estable del Teatro Colón publicó en su cuenta oficial de Instagram un video grabado por su director, Julio Bocca, quien se pronunció de manera pública en respaldo a Fresno y en rechazo a los comentarios discriminatorios. En el posteo, se leía: “El ballet argentino nos representa en el mundo. El esfuerzo y la dedicación de Valentín Fresno, bailarín de nuestra compañía, es un ejemplo de ello. Julio Bocca, director del Ballet Estable, le expresa su apoyo”.

En el video publicado, Julio Bocca se dirigió directamente a Valentín y valoró la forma en que el bailarín contestó a los dichos homofóbicos. Bocca destacó: “Hola, Valentín. Quería felicitarte por tu respuesta a los comentarios homofóbicos. La verdad fue con mucha altura y con valores que se están perdiendo en el mundo, con respeto y educación”. El director del Ballet Estable hizo hincapié en la importancia de pensar en las nuevas generaciones: “Y además, no solo pensaste en vos sino también en los niños. Gracias por eso. Y somos bailarines y el ballet también representa a la Argentina en el mundo”.

La intervención institucional de Bocca y del Teatro Colón apuntó a dejar en claro el posicionamiento de la principal compañía de ballet del país frente a los hechos de discriminación y los discursos de odio. Subrayaron la necesidad de respeto y la defensa de los valores en el ámbito artístico, además del reconocimiento del esfuerzo y la dedicación de quienes integran el ballet nacional.

La frase sintetiza la vida, la obra y el pensamiento de Astor Piazzolla y es una muestra acabada de esa mezcla de militancia y obstinación sostenida en el tiempo. Y de alguna manera acompaña cada paso de Astor, Piazzolla Eterno, el musical de manufactura artesanal y resultado for export, que brilla en el Teatro Colón y que aporta una aproximación tan fiel como disruptiva a uno de los artistas más importantes de la historia argentina. Una puerta de entrada a su obra extraordinaria y un paseo por nombres esenciales como Carlos Gardel, Aníbal Troilo, Amelita Baltar y Horacio Ferrer.

Para abordar la vida y la obra de un mito con infinitas aristas posibles, la coproducción del Teatro Colón con RGB, la productora de Gustavo Yankelevich, destinó el trabajo en tres cabezas independientes que pusieron su conocimiento y espíritu colectivo al servicio del producto final. La puesta en escena y dirección es de Emiliano Dionisi, la dirección musical de Nicolás Guerschberg y la dirección artística de Tato Fernández. En charla con Teleshow, los directores desandan este camino de relojería desde aquellas charlas en la que todo estaba por hacerse hasta el orgullo de ver la obra ya realizada, en el escenario más emblemático de la cultura argentina y que recibió aplausos y elogios del público y la bendición de la familia del bandoneonista.

Cada uno llegó a la obra de Piazzolla por caminos diferentes y eso también empieza a explicar la dinámica del espectáculo. Emiliano se impregnó de su música como ocurre con los clásicos: “Lo conocí de manera casi inconsciente, es como Romeo y Julieta, hasta el que no la leyó más o menos sabe de qué se trata. Después, el tango me llega por mi viejo, que le gustaba mucho Julio Sosa. Y ya en lo laboral, soy diplomado en Artes del Circo, en la Universidad San Martín, y la música de Piazzolla se utiliza mucho para el circo contemporáneo, porque es una música muy teatral, con mucho corazón y con mucho desarrollo”, explica.

En cambio, para Nicolás se volvió casi una obsesión en su carrera de músico, sea como intérprete, estudioso o arreglador. Giró por el mundo con el Quinteto Astor Piazzolla y hace 27 años formó Escalandrum con Pipi Piazzolla, uno de los nietos de Astor, el sexteto de jazz que entre tantas vertientes recrea a su manera la obra del genio. “Todo eso me acercó a Astor de diferentes maneras, desde su obra hasta su vida y su familia, y me convertí en una especie de devoto de este gran hombre”.

Responsable de la puesta de Rocky, uno de los tanques del musical por estos días, y de fenómenos pop como Nicki Nicole y Bizarrap, Tato Fernández completa este improvisado cómo conocí a Piazzolla y, sin ponerse de acuerdo con sus compañeros, ofrece una tercera posición. “La primera vez fue escuché algo de Piazzolla fue en el cine, cuando fui a ver 12 monos. Escuché ‘Suite Punta del Este’ y me voló la cabeza. Era adolescente, es lo que más me acuerdo de la peli, y eso que es excelente”. En resumen, tres diferentes maneras de acercarse al hombre y al mito. Un aperitivo ideal para adentrarnos en la cocina del show que se presenta en el Colón de Buenos Aires hasta el 16 de febrero.

—¿De quién fue la idea de que haya un Piazzolla coral y no un intérprete único?

Emiliano: Estamos en la era de las biopics, y no quería imaginarme a un actor que hiciera de Piazzolla, con el bandoneón. Me propuse ser muy fiel a la personalidad de Astor que era un artista que todo el tiempo subvertía lo que se esperaba de él. Entonces, en vez de un Piazzolla hay seis cantantes que son Piazzollas, pero también dos bailarines que son Piazzollas y la orquesta entera es Piazzolla. Y me animo a decirte que el espacio es Piazzolla, esa propuesta para meterse en la cabeza de una persona que vibra con la música. La escenografía se mueve como si fuesen partituras musicales y todo vibra en el entorno piazzolliano. No podíamos hacer un espectáculo de Piazzolla sin sorprender, sin ir por donde nadie se lo esperaba.

Nicolás: Todo eso es de Emiliano, que hizo grandes obras y esto no hace más que confirmar su talento. Es un placer para mí estar trabajando con él desde el comienzo y fue muy hermoso cómo se dio todo de manera muy fluida. A él se le ocurrió esta manera tan original y única de contarlo, y yo me subí a este barco hermoso, con todas las puertas abiertas para proponer desde la música.

Tato: Emi tenía la propuesta del libro armado y sobre esa idea del multi Astor, armamos un no espacio, esa especie de exterior que puede ser un patio, o un café o la calle. Y lo mismo con la idea de usar una pantalla para generar ideas de lugares, no caer en la típica foto de la estatua de la libertad para hablar de Nueva York, sino más bien jugar con los recuerdos y el imaginario que rodea a las grandes ciudades. Como esas cúpulas locas y toda esa onda art decó que tiene Buenos Aires.

—¿El formato de musical surgió en esa construcción o venía de antes?

Emiliano: Siempre estuvo la idea del relato, y a partir de ahí hay un texto que naturalmente iba a tener música, porque estamos hablando de un músico con una creación extraordinaria. Por consecuencia, y por ese engranaje, cuando la gente lo ve, lo considera un espectáculo de teatro musical. Hay mucho prejuicio en pensar el teatro musical como esa cosa medio burlesque o de revista y entretenimiento, cuando puede ser un arma poderosísima, narrativa, absolutamente emotiva o despampanante. Y, sobre todo, cuando estamos narrando la historia de un tipo que su música te lleva a lugares tan extraordinarios.

—¿Cómo se trabajó para condensar una vida como la de Piazzolla en una hora y media de función?

Emiliano: Sabía de entrada que tenía que hacer un trabajo de condensación. Es la vida entera de una persona que además ha tenido una vida de momentos maravillosos, momentos más duros, momentos de pelearla y momentos de tocar el cielo con las manos. Y eso sin contar su música, que tiene una producción impresionante. En esa condensación sentíamos que estaba lo esencial para un relato que le resulte conmovedor y honesto para aquel que conoce a Piazzolla y que sea un viaje disfrutable para los que no saben tanto de su vida. En ese equilibrio estuvimos, con el suficiente arco emocional para que entres en la historia, te comprometas con ese personaje, llegues a lo más alto y a lugares también dolorosos y emotivos y fuertes.

Nicolás: No se sabe exactamente, pero dicen que tiene más de dos mil obras escritas, es una barbaridad. Desde lo musical, nos centramos en ciertas obras cumbres, representativas, que tengan cierta repercusión, no solamente los grandes hits, sino otras que van acompañando el cuento.

—Nicolás, más allá de los amplios márgenes que supone el sello del artista, venías interpretando a Piazzolla en formatos más convencionales.

Nicolás—Sí, y fue un gran desafío, porque ya de entrada no iba a ser un concierto, había algo diferente en lo teatral, lo musical y la puesta. Y es muy emocionante vivir cada día esta experiencia, hacer dos funciones diarias es fuerte, física, intelectual, emocionalmente, pero es una maratón hermosa. Y te vas con esos aplausos de un Colón colmado, el homenaje tan hermoso a esta figura que amamos y admiramos tanto. Todo eso te deja el espíritu lleno para encararlo el otro día.

—Es muy interesante cómo se cuentan y se cantan, todos los movimientos que hay en la vida de Piazzolla. Inmigraciones, desarraigos, exilios…

Emiliano: Yo de lo que estoy muy orgulloso es que casi sin darnos cuenta, no solo pusimos en escena la obra de un tipo extraordinario en su quehacer musical, sino que ponemos en un escenario como el Colón, que es sinónimo de validación en la Argentina, a un tipo que sufrió mucho el rechazo, que lo acusaron de ser “el asesino del tango”, que le dieron la espalda. Un tipo que cambió la forma de sonar de un país y al que le costó tanto validarlo, lo hace una especie de antihéroe perfecto para este escenario. Y eso me fascina.

—Cómo dialogan la música y la puesta en general con esa escenografía que sugiere más de lo que muestra, que no avasalla en ningún momento, aun en un ambiente tan imponente como es el Colón.

Emiliano: Fue hermoso el trabajo en colaboración con cada una de las áreas, la música, el sonido, el diseño del sonido, las imágenes, la iluminación, el vestuario, la coreografía, nunca nadie quiso invadir ni ponerse por delante del otro. Y sabíamos que teníamos que construir un espacio evocativo y onírico, y que se transformara como si realmente estuviésemos viendo la conciencia de una persona y no un espacio físico real. Y en esa conciencia aparecen espacios que se sugieren, que parecen conocidos, que cambian de color, que cambian de lógica, que se deforman o desaparecen. Yo estoy muy contento que hayamos logrado esta sintonía evocativa de un tipo que escribía al futuro.

Tato: Y también la idea de que las visuales se muevan con lógica de maquinaria teatral, tenemos creo que solo dos fundidos en toda la obra, el resto sucede a través de un elevador que se lo lleva o de un telón que se corre. Creo que nunca se había puesto una pantalla en el Colón, y esto de ser locos y disruptivos en un espacio como este, acostumbrado a las puestas descomunales, tiene que ver con la obra de Piazzolla también. El desafío era dialogar con la sala pero sin tanta escenografía, poner a los actores y músicos lo más adelante posible y que estén cerca de la gente, y jugar con las pantallas.

—Tato, cómo hiciste para administrar los recursos escénicos y no caer en la tentación de la tecnología?

Tato: Las visuales las hice yo mismo, es todo artesanal con la idea de que nade pase por encima de la música, pero sí que dialogue y aporte. No es un concierto, por eso quise armar un imaginario a la altura de la música de Piazzolla, por eso esa pantalla gigante, que no tiene principio de fin y que si la mirás de arriba, hasta tiene una curva y contracurva que se asemeja al bandoneón.

—Venimos hablando de una persona artísticamente revolucionaria, que rompía estructuras y forzaba límites todo el tiempo sobre quien paradójicamente se fue gestando cierto fundamentalismo alrededor de su figura. ¿Tuvieron esto en mente a la hora de pensar el espectáculo?

Tato: Así como a él le decían que era el asesino del tango, capaz algunos nos pueden decir a nosotros que somos asesinos de Piazzolla (risas). Es lo que nos vibró, y lo hicimos con mucho respeto, cuidado y amor.

Nicolás: En cualquier espectáculo va a haber gente que va a estar a favor y otra no. El caso de Piazzolla es un caso de un artista enorme, muy representativo, que vivió una vida de lucha y rechazo hasta que llegó la aceptación. Y todo esto es parte del juego a la hora de encarar un proyecto así. De todos modos, yo creo que lo que nosotros podemos hacer como artistas y como devotos de nuestro trabajo y de la obra de este genio, es hacerlo de la mejor manera, poder plasmar todo el esfuerzo y toda la ambición y el amor que le pusimos. Después, por supuesto, las repercusiones son inevitables, y eso quiere decir que realmente estamos haciendo algo. Si no, nos quedamos en nuestra casa

Emiliano: Podríamos haber tomado un camino más fácil y hacer un homenaje mucho más conservador, tocando sus temas y contando su historia, pero todos sentíamos de corazón que teníamos que ser muy honestos con el tipo de artista que estamos evocando, con un tipo que siempre se corría de lo esperado. Es más arriesgado, pero también es más genuino y tiene más corazón.

—¿Para vos, Nicolás, significó algo particular por estar más ligado a su obra, incluso a su familia?

Nicolás: No hubo incertidumbre ni miedo, pero sí compromiso para darlo todo y poder realmente representar esto de la mejor manera. Traté de estar muy atento a que la música represente lo que Emiliano quería decir. Y después, como director musical, seleccionar a un grupo que responda.

—Cuál fue la reacción de Pipi al ver el trabajo?

Nicolás: Yo tengo una amistad, una hermandad con Pipi y los muchachos de Escalandrum, hace 27 años que estamos juntos. Él supo antes que yo que lo iba a dirigir, y me dice “Escuchame, boludo, hacelo bien, ¿eh?, que te voy a matar”, esas cosas lindas de la amistad, pero siempre apoyando. Y cuando lo vio me dijo: “Es muy bueno lo que están haciendo. Estoy feliz. Mi abuelo estaría orgulloso, mi viejo también”. Vino Laura Escalada, la esposa de Astor, su nieto Daniel Villaflor Piazzolla, Pipi con su familia, mucha gente relacionada al entorno Piazzolla, y recibimos un apoyo muy lindo de toda la gente que lo quiere a Astor. Y eso, obviamente es un espaldarazo, porque es toda gente querida, y me da más fuerza para seguir trabajando.

Emiliano: Amelita Baltar vino al estreno, me enteré después porque si no me hubiese agarrado un infarto. Si bien no se la imita en ningún momento, obviamente aparece en la historia desde la voz. Y me dijo: “Es la primera vez que desde la butaca me puedo ver en el escenario”. Y es hermoso porque no se la imita, no se hace una caracterización, y que ella se haya sentido representada significa que dimos con una tecla evocativa que funciona.

—No se la nombra a Amelita, eso también fue una decisión?

Emiliano: Es que el espectáculo es evocativo, por eso Astor es todo en el escenario, es el espacio, es el movimiento, es cómo se derrama la luz, son los músicos, es la respiración de un bandoneón. Nosotros buscamos evocar un personaje, y para eso no tenés que imitarlo.

Nicolás: Es algo vivo, que está presente, y uno se siente realmente parte de este viaje hermoso que es Astor Piazzolla eterno. De este clásico que se impuso como uno de los grandes compositores del mundo y tiró la pelota del tango y de la música argentina y de Buenos Aires para adelante. Que tenía la ilusión, parafraseando a Discépolo, que se lo escuche en el 3000 también.

—¿Creen que él fue consciente de eso? ¿Llegó a verlo?

Nicolás: No sé si se imaginaba tanto, porque realmente Astor luchó y llegó a ver la punta del iceberg de su reconocimiento, de su fama, pero se ha convertido en un músico planetario, con una obra y una influencia enormes.

—Jugando con esta idea de futuro que atraviesa su obra, ¿Qué estaría haciendo Astor en el contexto de la música actual?

NG: Haciendo música nueva. De hecho, siempre hablamos con músicos amigos de que él no paró nunca. En el final de su vida estaba escribiendo una ópera basada en Gardel, tenía encargos de orquestas, de cuartetos de cuerdas... Tenía mucha música, estaba en su apogeo y bueno, lamentablemente a veces la vida juega esas cuestiones. Y a él se lo avisaron un año antes, que si seguía tocando arriesgaba su vida. “Yo me voy a subir al escenario hasta el último día”, les dijo. Y así fue.

*Astor, Piazzolla Eterno: hasta el 16 de febrero en el Teatro Colón: Emiliano Dionisi: autor, puesta en escena y dirección. Nicolás Guerschberg: arreglos y dirección musical. Tato Fernández: dirección artística

Cantantes: Natalia Cociuffo, Federico Llambí, Belén Pasqualini, Rodrigo Pedreira, Nacho Pérez Cortés, Alejandra Perlusky

Bailarines: Alejandro Andrian, Victoria Rosario Galoto

Orquesta: Alejandro Guerschberg (bandoneón) Lucio Balduini (guitarra eléctrica) Serdar Geldymuradov (violín) Sara Ryan (violín) Paula Pomeraniec (violoncello) Daniel Falasca (contrabajo) Francisco Huici (Multi instrumento y efectos) Nicolás Guerschberg (piano y dirección)

Tras un mes de intenso trabajo en Mar del Plata, Mirtha Legrand regresó a la ciudad de Buenos Aires para continuar con su histórico programa. En ese marco, este martes, la Chiqui aprovechó la templada noche porteña para disfrutar de uno de los espectáculos más llamativos del Teatro Colón: Astor Piazzolla Eterno.

La Chiqui llegó al centro porteño a las 21.30 de muy buen humor, acompañada por un grupo de amigos: Alejandro Veroutis, el Dr. Guillermo Semeniuk, médico personal de la diva, y su amiga Amalia Idoyaga. Con una puesta de gran potencia visual, musical y emocional, la obra desplegó el legado de Astor Piazzolla en uno de los escenarios más prestigiosos del mundo. La respuesta del público, que colmó la sala y acompañó cada pasaje con entusiasmo, marcó el tono de una noche inolvidable.

La figura de la televisión disfrutó de la función desde el palco 11 y lució un vestido de Claudio Cosano. Mirtha llamó la atención de los presentes con un conjunto de tono celeste compuesto por un vestido de tela translúcida con aplicaciones florales en relieve y bordados que cubren las mangas y el torso. Llevaba un chal del mismo tono apoyado sobre los hombros, un collar plateado ajustado al cuello y aros a juego.

En la imagen, la cual fue tomada antes de dar sala, se ve a Legrand sosteniendo un programa del evento. Sobre el apoyabrazos del asiento de la Chiqui se observaba su cartera de color plateada con cierre brillante y un par de anteojos. Cuando el reloj marcó las 11.15, la figura de la televisión se retiró del establecimiento para cenar junto a su grupo de amigos.

La figura del espectáculo guarda una profunda admiración por Piazzolla. En 1964, Daniel Tinayre dirigió la película Extraña ternura, la cual fue musicalizada por Astor. A este film se suma Bajo un mismo rostro, la cual fue interpretada por Mirtha Legrand junto a su hermana Silvia.

Así, la diva disfrutó del espectáculo y aplaudió de pie esta obra que despliega y celebra el legado de Astor Piazzolla. Se trata de una coproducción del Teatro Colón con RGB, la productora de Gustavo Yankelevich, que cuenta con puesta en escena y dirección de Emiliano Dionisi, dirección musical de Nicolás Guerschberg y dirección artística de Tato Fernández.

Este viernes, tras su despedida de La Feliz, la diva comenzará a grabar su programa desde la ciudad de Buenos Aires. En su último programa, la Chiqui se emocionó al cerrar una nueva etapa desde la costa atlántica. “Este es mi último programa desde Mar del Plata, pero vengan, vengan, porque la ciudad está muy linda. Yo me voy, pero la ciudad queda maravillosa. Es lindísimo Mar del Plata. Y el próximo sábado, Buenos Aires, allá vamos”, comenzó diciendo la conductora al iniciar su ciclo.

Luego de unos segundos de pausa, Legrand continuó relatando sus sentimientos por su despedida: “Me da pena irme. Fui muy feliz acá. No sé ustedes cómo lo han pasado. Al equipo, muchísimas gracias. Han sido todos amorosos”, confesó la conductora. En su discurso, la figura de la televisión no dejó de mencionar el espacio que la hospedó: “A este hotel, Costa Galana, que es fantástico, que me tratan con tanto cariño como si fuera mi casa. Sobre todo al público que me demuestra su amor de una manera que a mí me emociona“, dijo, valorando el trato recibido en su estancia.

Legrand se mostró sorprendida por el afecto que no distingue edades. “Yo soy grande, chicos, y no puedo creer que todavía haya chiquitos que corran para saludarme. Realmente es emocionante”, reconoció, reflejando la profundidad de su vínculo con la audiencia. Además, ahora, la Chiqui ultima detalles para la celebración de su cumpleaños, el 23 de febrero, el cual será dentro de unas semanas.

La muestra Colón Inmersivo: Monet en el mítico Teatro Colón marca un antes y un después en la agenda cultural de Buenos Aires.

La propuesta permanecerá abierta al público entre el 15 de diciembre y el 18 de febrero. Deslumbra combinando la inmensidad del espacio con la tecnología digital más avanzada, convocando a los visitantes a experimentar el arte de Claude Monet desde una perspectiva innovadora.

Desde el inicio, la experiencia sorprende por el modo en que transforma el Centro de Experimentación del Colón en un entorno multisensorial.

Según señalan desde el Gobierno de la Ciudad, “la obra de Claude Monet se despliega en todo su esplendor y pleno de dinamismo”. Las proyecciones en 180 grados permiten que los cuadros más emblemáticos del pintor francés adquirieran movimiento y volumen, mientras rompen los límites del marco tradicional y envuelven al público en un mar de colores y luz.

La muestra no se limita a la contemplación visual. Los organizadores incorporaron una narración que relata la vida y obra del artista, junto a una banda sonora especialmente creada para potenciar la inmersión.

La ambientación sonora y los relatos permiten que los asistentes, guiados por frases emblemáticas de Monet y sus contemporáneos, profundicen en el proceso creativo y en la búsqueda estética del impresionismo.

El recorrido incluye estaciones interactivas y didácticas, con decorados inspirados en cuadros célebres de Monet, ideales para obtener fotografías únicas.

Los cascos de realidad virtual suman una dimensión lúdica, al tiempo que réplicas de obras, mesas de dibujo y salas de proyección invitaron a la experimentación artística y el juego sensorial. La integración de estos dispositivos tecnológicos facilita el acceso a públicos de todas las edades, generando una conexión emotiva y lúdica con el arte.

El acceso está cuidadosamente regulado para conservar su carácter íntimo y garantizar una vivencia personalizada. Los pases de ingreso, limitados a 30 personas por turno y con una duración de 15 minutos, aseguraron una circulación fluida y sin aglomeraciones.

La exposición está disponible todos los días de 10 a 20 horas, en la sede de Viamonte 1168, en el barrio de San Nicolás, con entradas a la venta en Ticketek. La experiencia Colón Inmersivo no solo permite acercarse a la obra de Monet, sino también comprender la relevancia histórica y artística del pintor.

Oscar-Claude Monet, nacido en París en 1840, es considerado el fundador y mayor exponente del impresionismo. Su cuadro “Impresión, sol naciente” (1872) dio nombre al movimiento y revolucionó la pintura occidental, al priorizar la percepción de la luz, el color y la atmósfera sobre el detalle y la narración.

A lo largo de su vida, se dedicó a explorar los efectos de la luz en distintos paisajes y estaciones, desarrollando series como “Los almiares”, “La catedral de Rouen”, “El Parlamento de Londres” y las famosas “Nenúfares” inspiradas en el jardín de su casa en Giverny. En estas obras, el espectador asiste a la transformación del paisaje en función de las horas del día y las estaciones del año.

Como resumió el propio Monet: “Quiero pintar el aire en el que se encuentra el puente, la casa, el bote. La belleza del aire que rodea esas cosas, y que es imposible de captar”.

El recorrido de la muestra permite que los visitantes se sumerjan en ese universo. Desde el área de Turismo de la Ciudad se resaltó que la iniciativa “llegó por primera vez al Teatro Colón, fusionando tradición y modernidad en una experiencia artística que desafió los límites de la percepción”.

La oportunidad de “caminar dentro de un cuadro y sentirse parte de una obra maestra” fue celebrada tanto por especialistas como por un público amplio, deseoso de nuevas formas de participación cultural. La exposición Colón Inmersivo: Monet ofrece una síntesis de este legado, traducido al lenguaje del siglo XXI.

La artista, tras haber convocado a 250 mil personas en Rosario para celebrar los 300 años de la ciudad, enfrenta ahora el desafío de llevar su show al escenario más prestigioso de Argentina. “Creo que van a ser muy felices en esa fecha. Estamos preparando algo muy hermoso”, aseguró.

Comprometida con cada detalle de la presentación, Nicki Nicole destacó su “superexigencia” y “obsesión por el proceso creativo”, subrayando el esfuerzo colectivo de su equipo. “Solo sepan que acá del otro lado estoy yo con mi superexigencia y mi obsesión por el proceso creativo... dándolo todo con el equipo para que eso sea lo más mágico que existe”, afirmó.

El espectáculo sinfónico está programado para el jueves 19 de febrero a las 20:00 en el Teatro Colón y reunirá a más de 70 músicos en escena. Las entradas ya se encuentran agotadas, y la propia artista mencionó la posibilidad de añadir una nueva función ante la alta demanda: “Dejen de putearme por mensajes de si voy a hacer otro”.

En medio de la expectativa y con la proximidad de los premios Grammy en su agenda, la cantante mantiene el contacto cercano con sus seguidores. A ese primer video lo cerró escribiendo “los amo hoy y siempre”, con una serie de seis corazones con vendas, dando a entender que el cariño del público es el que puede enmendar lo que sintió luego de la ruptura con el futbolista del Barcelona Lamine Yamal, con quien salió el año pasado.

Pero a continuación, se despachó con otro video, al que tituló como “Cosa a definir”, y en el que comenzó excusándose por el tono de voz un poco ronca que tenía a causa del aire acondicionado.

El vínculo con la audiencia se refleja incluso en los aspectos logísticos, como la vestimenta en el evento: “Yo no quiero que nadie se me cague de calor, ¿viste? Porque el Teatro Colón es de gala y eso yo lo sé. No va a hacer calor dentro del lugar, eso esten tranquilos”. Propuso también definir el “dress code” junto a sus seguidores: “Quisiera definir el dress code con ustedes, que me digan cómo van a ir de pimpeados realmente”.

Sobre el sentido artístico de la velada, Nicki Nicole remarcó la importancia conceptual del recital y su conexión con futuras etapas de su carrera: “Esta fecha conecta conceptualmente lo que es este show, este Sinfónico, con lo próximo que viene”. Añadió: “Para mí no es un show alejado, no es un show sinfónico y nada más, sino que cuenta una historia y tiene una gran conexión. No les voy a spoilear ni mucho menos. Solamente que sepan, a los que van, que se les va a estar contando algo. Y a mí me gusta mucho esto de las pistas, los misterios, los conceptos, así que nada. Los invito a que estén atentos en el show y a que sean felices. Nada más. Con esto me retiro, desaparezco, como siempre. Muacks”.

Fiel a su estilo, la artista invitó a su público a dejarse llevar por la sorpresa y a disfrutar plenamente de la experiencia, dejando la puerta abierta a nuevos capítulos en su trayectoria.

El Teatro Colón presentó la programación de su temporada 2026, que incluirá siete títulos líricos, tres óperas de cámara y ocho producciones de ballet, junto con la celebración de los 80 años de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires. El anuncio fue realizado por la institución porteña, que también confirmó el regreso de la Berliner Philharmoniker tras veintiséis años y la participación de figuras internacionales como Marianela Núñez.

Entre los ejes principales de la programación se destacan los siete títulos de la temporada lírica, que incorpora el regreso de Die Walküre al escenario del Colón, y reintroduce la obra de Wagner en idioma alemán. También están previstas producciones como Les contes d’Hoffmann, bajo la dirección escénica de Eugenio Zanetti, y el estreno mundial de Dementia, compuesta por Oscar Strasnoy. El repertorio italiano contará con cinco títulos, desde I Capuleti e i Montecchi de Bellini hasta Otello de Giuseppe Verdi. La temporada de ópera de cámara sumará tres obras del siglo XX: Historia del soldado, de Igor Stravinsky; La ópera de los tres centavos, de Weill-Brecht, y Otra vuelta de tuerca, de Benjamin Britten.

En el ámbito de la danza, el Ballet Estable del Teatro Colón, dirigido por Julio Bocca, llevará a cabo ocho producciones. La bailarina argentina Marianela Núñez protagonizará la apertura con El lago de los cisnes y también el cierre con El cascanueces. Entre las novedades se incluyen estrenos argentinos y el estreno mundial de Borges, con música de Gustavo Santaolalla y Owen Belton, y coreografía de Goyo Montero.

La Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, que cumple ocho décadas, programó 19 conciertos en su ciclo de abono y ocho funciones extraordinarias. Su directora principal, Zoe Zeniodi, encabezará una temporada que reunirá a solistas y directores de trayectoria internacional. En tanto, la Orquesta Estable del Teatro Colón, bajo la dirección de Alejo Pérez, ofrecerá tres conciertos propios, además de su participación en ópera y ballet. La Orquesta Académica del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón sumará un ciclo de ocho conciertos de marzo a diciembre.

El calendario internacional estará marcado por la visita de la Berliner Philharmoniker, dirigida por Kirill Petrenko, que regresará al Colón luego de más de dos décadas. El pianista Daniil Trifonov será el solista invitado en los tres conciertos programados.

La programación de Colón Contemporáneo, a cargo de Martín Bauer, ofrecerá cuatro funciones en la sala principal, incluyendo cinco estrenos latinoamericanos de obras de los siglos XX y XXI y la proyección con interpretación en vivo de la película Blade Runner. El Centro de Experimentación del Teatro Colón (CETC) mantendrá su perfil experimental con doce propuestas de danza, música electroacústica, instalaciones audiovisuales y teatro, entre otras disciplinas.

El ciclo Colón para niños, gestionado por el Instituto Superior de Arte, contará con cinco títulos familiares, entre los que figuran adaptaciones de El rey Arturo, Cuentos líricos, El barbero de Sevilla y El lago de los cisnes, además del ballet cantado Un sueño navideño.

El Salón Dorado ofrecerá actividades organizadas en once ejes temáticos que incluyen música coral, tango, jazz, música de cámara y homenajes a figuras de la música nacional y jóvenes talentos.

La renovación de abonos para la temporada 2026 comenzó el 12 de diciembre, tanto de manera presencial como online a través del sitio oficial www.teatrocolon.org.ar.

Coproducciones como los ciclos Grandes Intérpretes y Aura se sumarán a propuestas como Astor, Piazzolla eterno y nuevas experiencias del ciclo Colón Inmersivo, que presentará Monet y Aida.

Fotos: gentileza prensa Teatro Colón (© Carlos Villamayor; © Máximo Parpagnoli).

El legado de la periodista y abogada Nínawa Daher se proyecta día a día con vigor y actualidad a través de las acciones inclusivas que impulsa la fundación que lleva su nombre y que preside su madre, Alicia Daher.

La organización consolidó una presencia decisiva en la promoción de la accesibilidad cultural, artística y educativa en espacios públicos, museos y teatros de la Ciudad de Buenos Aires y otras regiones, honrando el compromiso de la joven comunicadora quien falleció el 9 de enero de 2011 en un accidente de tránsito en el barrio de Retiro.

Este domingo 11, a las 20:30 horas, se llevará a cabo una misa en su honor en la Capilla Santa Teresa de Jesús de Pinamar, ubicada en la calle de la Calandria y Fragata, con la presencia de familiares y amigos.

La trayectoria de la Fundación Nínawa Daher

Las recientes actividades de la Fundación Nínawa Daher incluyeron la entrega de planos hápticos para el Teatro Colón, abarcando tanto el sector de Carruajes como la sala principal del teatro.

Además, se realizaron donaciones de réplicas tridimensionales de animales a instituciones como Temaikèn y Ecoparque, junto con planos accesibles para plazas emblemáticas de la ciudad, como Plaza Chile, Lago Regatas y Plaza Alemania. Este accionar culminó con la donación, en ocasión del 150º aniversario, de una réplica del Patio Andaluz, exhibida en la Comuna 14 para enriquecer las visitas guiadas por el Parque Tres de Febrero.

Desde el año 2013, la fundación priorizó el desarrollo de recursos específicos para la discapacidad visual mediante el proyecto Arte para Ciegos. A ello se suma la publicación del audiolibro Breves Relatos para Grandes Corazones, escrito por Ninawa Daher, para facilitar la lectura a personas con dificultades visuales.

Con esa iniciativa, se promovió la creación de la primera sala táctil en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, incorporando réplicas en 3D de obras patrimoniales, cartelería en braille, audiodescripciones y audioguías, destinados a favorecer la participación de personas ciegas o con baja visión en las actividades del departamento de Educación.

Adicionalmente, colaboró con el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), el Museo Sívori, el Museo de la Cárcova y el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) para facilitar la experiencia multisensorial en el ámbito cultural.

La expansión de las acciones de accesibilidad se extendió al espacio público y al medioambiente. La fundación fue responsable de la provisión, ya sea como donación directa o en colaboración, de planos hápticos para sectores céntricos y barrios históricos de Buenos Aires como Puerto Madero, Palermo, Recoleta, Monserrat y San Nicolás, y para espacios como el Rosedal, el Lago Regatas y el Parque Ferroviario en Colegiales.

También realizó acciones en hospitales y santuarios, incluyendo el Hospital Garrahan, la Basílica de Guadalupe en Santa Fe y el Santuario de Nuestra Señora del Valle en Catamarca.

Entre los avances celebrados por la Fundación se destaca la creación de un espacio multisensorial en el Rosedal de Palermo con rosas de fragancia intensa y señalización en braille, denominado Cantero Nínawa Daher, diseñado especialmente para personas con discapacidad visual.

Alicia Daher destacó la colaboración continua con el Museo de Arte Moderno, permitiendo que la Noche de los Museos sea inclusiva durante los últimos cuatro años, esfuerzo que en la actualidad se extiende al Museo Sívori y al Museo de la Cárcova.

La Fundación anuncia, año tras año, nuevas acciones destinadas a la mejora de la accesibilidad, con el objetivo de sumar más santuarios y espacios naturales como el que en 2026 se hará en el Santuario del Cura Brochero y el de Nuestra Señora de Lourdes en Córdoba a su red de apoyos.

La Orquesta y Coro Estable del Teatro Colón celebrarán su centenario con una gala sinfónico-coral de acceso libre, que tendrá lugar el sábado 20 de diciembre a las 20:00 en el Anfiteatro del Parque Centenario. Este evento, que marca los cien años de trayectoria de dos de los cuerpos artísticos más emblemáticos de Buenos Aires, busca no solo rendir homenaje a su historia, sino también proyectar su legado hacia el futuro, según informó el propio Teatro Colón.

La entrada será gratuita y se entregará una localidad por persona, por orden de llegada, a partir de las 18:00 del mismo día en el acceso del Anfiteatro, ubicado en Leopoldo Marechal y Lillo. La organización advirtió que la disponibilidad estará sujeta a la capacidad del recinto, por lo que se recomienda asistir con antelación para asegurar un lugar.

La gala contará con la dirección musical de Beatrice Venezi y la participación de la soprano Monserrat Maldonado. El programa incluirá obras de grandes compositores como Gioachino Rossini, Giuseppe Verdi, Giacomo Puccini, Pietro Mascagni y Charles Gounod, abarcando desde oberturas y coros célebres hasta intermezzos de óperas reconocidas.

Entre las piezas destacadas figuran la Obertura Italiana in Algeri de Rossini, la Obertura de La forza del destino de Verdi, el Intermezzo de Manon Lescaut de Puccini, el Intermezzo y “Regina coeli...Inneggiamo” de Cavalleria rusticana de Mascagni, el Coro de la “Kermesse” de Fausto de Gounod, así como el Coro “Gli arredi festivi” de Nabucco y la Marcha triunfal de Aida de Verdi.

El Coro Estable del Teatro Colón, bajo la dirección de Miguel Martínez, y la Orquesta Estable del Teatro Colón serán los protagonistas de esta velada, que se presenta como una oportunidad única para el público de la ciudad de disfrutar de un repertorio que recorre los grandes hitos de la ópera y la música sinfónica.

La institución subrayó que este centenario representa “la reafirmación de un legado y la proyección de un futuro”, así como un homenaje a quienes han construido y mantienen viva la excelencia artística de estos cuerpos estables.

El jefe de Gobierno porteño Jorge Macri reunió a embajadores, empresarios y referentes de organizaciones de la sociedad civil en el Teatro Colón para expresar su agradecimiento por el trabajo conjunto durante el año y reafirmar la vocación internacional de la ciudad de Buenos Aires.

En el evento, que también contó con la presencia de miembros de los poderes Ejecutivo, Legislativo y Judicial, Macri enfatizó la necesidad de fortalecer los vínculos institucionales e internacionales para consolidar una Buenos Aires abierta, segura y hospitalaria.

En su intervención, el mandatario porteño subrayó que Buenos Aires se distingue como una capital global, cuya identidad se forja en la diversidad cultural y la convivencia. Macri afirmó: “Queremos seguir construyendo una Buenos Aires que respira libertad, donde la convivencia segura y pacífica se valora y se defiende, donde los porteños encuentran condiciones para progresar, y quienes llegan descubren una Ciudad hospitalaria y cercana”.

El encuentro, coordinado por el Secretario General y de Relaciones Internacionales de GCBA, Fulvio Pompeo, reunió a representantes del cuerpo diplomático acreditado en Buenos Aires, líderes religiosos y figuras del sector privado. Durante su discurso, Macri destacó el papel central del sector privado como motor del desarrollo y el de las organizaciones sociales como pilares del diálogo.

El encuentro contó con la presencia de 42 países, incluidos el embajador de Reino Unido, David Cairns, con quien el alcalde porteño tuvo una reunión bilateral previa al brindis para que la Ciudad de Buenos Aires y Londres coordinen acciones de trabajo en inteligencia artificial, transporte, salud y educación. También estuvo Peter Lamelas, embajador de Estados Unidos y el saliente representante de Chile, José Antonio Viera-Gallo Quesney.

Del brindis también participaron CEOs o dirigentes de empresas como Adidas, la Cámara Argentina de la Construcción (CAC), la Asociación Empresaria Argentina (AEA), Coca Cola, FIAT y J.P. Morgan, entre otros como así también representantes religiosos de la Asociación Mutual Israelita Argentina (AMIA), la Delegación de Asociaciones Israelitas Argentinas (DAIA), la Alianza Cristiana de las Iglesias Evangélicas de la República Argentina (ACIERA) y el Centro Islámico.

Presupuesto 2026 en la mira

El reclamo por la deuda de coparticipación que mantiene el gobierno nacional con la Ciudad de Buenos Aires se convirtió en el eje central de la reunión a comienzos de diciembre entre el ministro del Interior, Diego Santilli, y el jefe de Gobierno porteño, Jorge Macri.

El encuentro, que se desarrolló en la Casa Rosada, estuvo marcado por la exigencia de la administración porteña de que el Presupuesto 2026, que se tratará mañana en el Congreso, incluya un mecanismo explícito para el pago semanal de los fondos adeudados, cuyo monto asciende a $274.000 millones.

Durante la rueda de prensa posterior, Jorge Macri evitó comprometer el apoyo de su bloque al Presupuesto, al subrayar que la inclusión de los recursos para la Ciudad constituye una condición indispensable. El jefe de Gobierno precisó: “Hay que discutirlo, esa es tarea de los diputados nacionales primero y del Senado después, pero con este pedido, que se incluya los recursos de la ciudad de manera explícita. El presidente del bloque debe tener un montón de requerimientos, este es uno más”.

El reclamo porteño se fundamenta en el fallo de la Corte Suprema de Justicia, que ordenó la restitución de fondos a la Ciudad de Buenos Aires mediante un giro semanal equivalente al 1,55% de la coparticipación. Desde agosto, este proceso presenta demoras, lo que motivó la insistencia de la administración de Jorge Macri en que el Presupuesto 2026 contemple un ítem específico que garantice el denominado “goteo” diario de recursos.

Voceros del gobierno porteño, citados desde la sede de Uspallata en el barrio de Parque Patricios, calificaron la situación como un tema “sin avances”.

En la reunión, además de Santilli y Macri, participaron el jefe de Gabinete porteño, Gabriel Sánchez Zinny, el ministro de Hacienda y Finanzas, Gustavo Arengo, el ministro coordinador, Manuel Adorni, y la jefa de bloque de La Libertad Avanza en la Legislatura porteña, Pilar Ramírez.

El temario incluyó también la transferencia de competencias del Poder Judicial para avanzar en la autonomía de la Ciudad y la actualización de la obra para la construcción de la Cárcel de Marcos Paz.

Previo al encuentro político, los equipos técnicos de las áreas económicas de ambas administraciones mantuvieron una segunda reunión para abordar la deuda, tras la reciente foto entre Jorge Macri y el ministro de Economía, Luis Caputo, en la que el alcalde porteño reiteró la necesidad de incorporar la deuda en el Presupuesto 2026.

La temporada 2026 del Teatro Colón se perfila como una de las más ambiciosas y diversas de su historia, con una programación que abarca desde grandes clásicos de la lírica y el ballet hasta propuestas contemporáneas y experimentales. Entre los hitos más esperados destaca el regreso, tras veintiséis años, de la Berliner Philharmoniker al escenario porteño, bajo la dirección de Kirill Petrenko y con la participación del pianista Daniil Trifonov como solista. Además, la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires celebrará su 80 aniversario con un ciclo de diecinueve conciertos de abono y ocho extraordinarios, convocando a solistas y directores de renombre internacional.

En el último tramo de la temporada, el público podrá disfrutar de la presencia estelar de Marianela Nuñez, quien abrirá el año con El lago de los cisnes y lo cerrará con El cascanueces, reafirmando su vínculo con el Ballet Estable del Teatro Colón dirigido por Julio Bocca. La institución también anunció que la renovación de abonos para 2026 estará disponible desde el viernes 12 de diciembre, tanto de manera presencial en Libertad 621 como online a través de su sitio web oficial.

La oferta lírica incluirá siete títulos de abono y tres de Ópera de Cámara. Entre las producciones más destacadas figura el retorno de Wagner al Colón con Die Walküre, así como la reposición de Les contes d’Hoffmann de Jacques Offenbach, en la puesta de Eugenio Zanetti estrenada en 2019. El repertorio contemporáneo tendrá un lugar central con el estreno mundial de Dementia, obra comisionada al compositor argentino Oscar Strasnoy. La tradición italiana estará representada por cinco títulos, entre ellos I Capuleti e i Montecchi de Vincenzo Bellini, Manon Lescaut de Puccini en versión concierto, Pagliacci de Ruggero Leoncavallo, Cavalleria rusticana de Pietro Mascagni —que inaugurará la temporada en abril bajo la dirección escénica de Hugo de Ana— y la monumental Otello de Giuseppe Verdi.

La Ópera de Cámara permitirá el encuentro con tres obras fundamentales del siglo XX: Historia del soldado de Igor Stravinsky, La ópera de los tres centavos de Weill-Brecht y Otra vuelta de tuerca de Benjamin Britten. En el ámbito del ballet, la programación contempla ocho títulos, con reposiciones, estrenos argentinos y un estreno mundial. Entre las novedades se encuentra Borges, una obra comisionada a Goyo Montero con música de Gustavo Santaolalla y Owen Belton, que tendrá su estreno mundial en septiembre. Además, se presentarán Alicia en el país de las maravillas de Christopher Wheeldon, Manon de Kenneth MacMillan y un programa mixto con obras de Harald Lander, Demis Volpi y Aszure Barton.

La Orquesta Estable del Teatro Colón, bajo la dirección de Alejo Pérez, ofrecerá tres conciertos propios, además de su participación en las temporadas de ópera y ballet. Por su parte, la Orquesta Académica del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón brindará un ciclo de ocho conciertos entre marzo y diciembre, consolidándose como semillero de jóvenes talentos argentinos.

El ciclo Colón Contemporáneo, dirigido por Martín Bauer, presentará cuatro funciones en la Sala Principal, incluyendo cinco estrenos latinoamericanos de obras de los siglos XX y XXI. La temporada se inaugurará con la proyección e interpretación en vivo del film Blade Runner. El Centro de Experimentación del Teatro Colón (CETC), también bajo la dirección de Bauer, desplegará una programación heterogénea con doce propuestas que abarcan danza contemporánea, música electroacústica, instalaciones audiovisuales, conferencias, clases magistrales, performance, teatro, ópera y cine experimental.

El Colón para niños, a cargo del Instituto Superior de Arte, ofrecerá cinco títulos pensados para toda la familia, entre los que se incluyen El rey Arturo, Cuentos líricos, adaptaciones de El barbero de Sevilla y El lago de los cisnes, y el ballet cantado Un sueño navideño. El Salón Dorado, estructurado en once ejes temáticos, albergará propuestas de música coral, vocal e instrumental de cámara, tango, jazz y homenajes a grandes maestros de la música nacional, además de dar espacio a jóvenes intérpretes.

En el plano internacional, la visita de la Filarmónica de Berlín se suma a coproducciones como los ciclos de Grandes Intérpretes y [Aura], así como a nuevas experiencias multisensoriales del ciclo Colón Inmersivo, que en 2026 incluirá “Monet” y “Aida”. Entre los datos destacados de la temporada figuran los diecinueve conciertos de abono y ocho extraordinarios de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, el estreno mundial de Dementia de Oscar Strasnoy y la presencia de Marianela Nuñez en los títulos de apertura y cierre del ballet.

La esclerosis lateral amiotrófica (ELA) es una enfermedad que suele avanzar sin estridencias, despojando a quienes la padecen tanto de la vitalidad física como de los relatos heroicos que acompañan otros diagnósticos. Darío Lopérfido, ex director del Teatro Colón y especialista en gestión cultural, compartió en un artículo publicado este domingo en la revista Seúl una reflexión frontal sobre su experiencia con la ELA, el deterioro cotidiano y la ausencia de consuelo religioso.

“Tener ELA es una mierda. No por la posibilidad de morir, que me tiene sin cuidado. La vejez me resulta odiosa; morir sin atravesar esa catástrofe humana, en cambio, me parece un alivio”, relató Lopérfido, marcando el tono directo y sin eufemismos de su testimonio. El exfuncionario contó que el artículo es un adelanto de un futuro libro.

A diferencia de enfermedades de mayor resonancia pública, el ex funcionario sostiene que la ELA le niega hasta el consuelo de la épica personal o familiar. “Un buen cáncer te da todo un tiempo con tratamientos espantosos durante el que podés aparecer pelado y decir ‘yo le voy a ganar al cáncer’. En la mayoría de los casos, el pelado se muere. Pero le deja un legado a su familia: que pueden decir ‘cómo la peleó’… En mi caso, la ELA tardó un año en arruinarme un pie. Imposible meterle épica a eso”. El deterioro, narra, llega sin batallas visibles, se manifiesta en caídas, pasos inseguros y actividades que se vuelven inviables.

Desde su diagnóstico, Lopérfido reconoce cómo la enfermedad fue despojando su vida social y sus rutinas. “Caminás pésimo, la voz se te vuelve de borracho y comés con el riesgo de que se te caiga la baba. Chau NOBU, chau pizzería del barrio, fue un gusto conocerlos: ya no querés que te vean comiendo y bebiendo. La ELA te embrutece”. Revela, además, la dificultad para sostener la vida cotidiana y la tendencia progresiva al aislamiento.

La mirada ajena, según el autor, se ve atravesada por la incomodidad y el trato paternalista, una consecuencia que rechaza abiertamente. “La gente asocia una enfermedad grave con hablarle al paciente como si fuera un niño, bajo la idea espantosa de que ese tono es una manera de darle amor… el amor no te arregla semejante desastre físico”. Por eso, admitió, “mis niveles de tolerancia han bajado y lo único que acepto es que me hablen en serio o que me hagan reír”.

El avance impiadoso de la enfermedad también impacta directamente en la identidad y el sentido de pertenencia. Lopérfido afirma: “La vida tendría que tener velatorios parciales. El Darío de antes de la enfermedad ya murió. El actual es otra persona con otra vida y otros pensamientos. No extraño mi pasado: viví muy bien y atesoro un montón de experiencias”. Reconoce el corte definitivo entre quien fue antes y quien es ahora, obligado por la ELA a reconstruirse.

El aislamiento se refleja también en la pérdida de placer físico y en la transformación de la imagen personal. “Mi vida estuvo ligada a los placeres físicos e intelectuales. Los placeres físicos desaparecen: tu cuerpo se vuelve una cárcel y eso es lo que más extraño. Los placeres intelectuales, en cambio, puedo mantenerlos. Leer, escribir, hablar con amigos, escuchar música, ver películas: todo eso sigue siendo posible”.

En cuanto a la espiritualidad, Lopérfido declara abiertamente su ateísmo. “No creo en Dios y ni siquiera soy agnóstico: soy ateo. No creo en la medicina alternativa ni en los laboratorios que se hacen ricos vendiendo ibuprofeno, y ningún dueño de ningún laboratorio va a vender su yate para investigar la cura de una enfermedad que afecta a poquísimas personas. Los entiendo, la ELA no es una causa popular”. Se apoya únicamente en antidepresivos y algunas sustancias recreativas para tolerar el ánimo y el hastío existencial: “Sólo creo en los antidepresivos y en algunas drogas ilegales para mantener el ánimo. No espero más... El cerebro queda siempre, y es el único órgano que vale la pena”.

En su situación, Lopérfido también reflexionó sobre la eutanasia y la facultad de decidir el propio final: “La eutanasia es la más liberal de las muertes y es mucho mejor que suicidarse... Uno no puede decidir nacer, pero puede decidir morir. Vivir no debe ser obligatorio. La muerte más civilizada es la que uno decide en pleno uso de sus facultades”. Consideró que poder trabajar y disfrutar de algunos momentos placenteros son las razones que justifican continuar, pero rechaza la extensión del sufrimiento en nombre del avance médico: “La medicina actual se nutre de la idea de estirar la vida, pero el tramo final no puede arruinar lo que vino antes. Mi promedio es alto y debo conservarlo”.

Entre todas las pérdidas, la relación filial se revela como la más dolorosa: “De todas las torturas que me depara la enfermedad, ser un padre limitado es la peor y la que no tiene solución. Escribir me calma porque pienso que cuando crezca y yo esté muerto, él podrá leerme”, expresó, quien además dijo que busca que su hijo encuentre en sus palabras el recuerdo que la enfermedad podría arrebatarle.

“Escribí estos capítulos, que serán parte de un futuro libro, escuchando Obertura de Tannhäuser, de Richard Wagner, por la Filarmónica de Berlín dirigida por Claudio Abbado”, cerró Lopérfido su artículo.

De amplia trayectoria en el mundo de la cultura, Lopérfido fue director artístico del Teatro Colón, presidente de Ópera Latinoamérica y secretario y ministro de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires durante el gobierno de Horacio Rodríguez Larreta. También fue secretario de Cultura y Medios durante el gobierno de Fernando De la Rúa.

De acuerdo a los entendidos, los actores no eran buenos, hacían llorar cuando debían provocar alegría y el público reía cuando el libreto apuntaba a la emoción. Para colmo, no resultaban para nada convincentes aquellos criollos que abrazaron la vocación de las tablas ya que eran instruidos por españoles bien castizos, que imponían acento y modos de desplazarse y comportarse según usanzas de la península que distaban con las costumbres de acá. Pero como en la Buenos Aires virreinal poco había para pasarla bien, el teatro, por más miserable que pareciera y con actores improvisados, era cita obligada de los domingos entre las cuatro y las siete de la tarde.

Hasta ese momento, las representaciones teatrales eran aisladas, asociadas a los ámbitos religioso y político y gratuitas, pero costeadas por ciudadanos de la elite porteña.

El virrey Juan José Vértiz dispuso la construcción de una sala teatral, que se llamaría Casa de las Comedias, pero que el decir popular la identificaba como el teatro de la Ranchería.

Ubicado en la esquina de Alsina y Perú, se convirtió en uno de los primeros espacios (algunos autores señalan que hubo una sala en 1757) donde se representaron piezas dramáticas en Buenos Aires. De esta manera, este espacio se transformó en un ámbito de encuentro.

Vértiz autorizó al español Francisco Velarde, que había nacido en 1742, a llevar adelante el negocio. Se comprometía a construirlo y a entregar dos mil pesos anuales a la Casa de Niños Expósitos y a atenerse a todo lo que dispusiera el Cabildo.

El de la Ranchería de los Jesuitas o de las Misiones era un galpón de paredes de adobe y techo de paja en el que los jesuitas lo habían destinado al almacenamiento de los productos que venían de las misiones y también de los negros esclavos.

El edificio tenía un frente de 30 metros y una profundidad de 63. Poseía una puerta grande a su frente y dos a los costados, que se abrían para afuera para facilitar la evacuación en caso de incendio. De su techo colgaban dos arañas de hierro con velas de sebo, y tenía candilejas que alumbraban el escenario, que no era amplio.

Los espectadores se dividían entre los bancos de madera ubicados en el patio, los de las primeras filas tenían respaldo. Allí no podían sentarse los negros. Luego venían algunas filas más de bancos y por último el lugar desde donde se podía ver la función parado. A los costados había una suerte de cuatro palcos y el sitio de honor estaba reservado al virrey. Los palcos eran el único espacio que podían compartir hombres y mujeres. De otra forma, debían estar separados. Ningún hombre podía acercarse al sector femenino, ni acercarse a las mujeres en el patio.

Pero en definitiva, en un mismo ambiente se mezclaban los distintos sectores sociales, y la elite local compartía un mismo recinto con las clases más bajas.

El director era el español Antonio Aranaz, que fue contratado en la península a través de un comerciante residente en Cádiz, no solo para dirigir la sala sino para enseñar a cantar y componer la música de las piezas que se interpretarían. Para ello había armado una orquesta de cuatro violines, un bajón, dos oboes y dos trompas, ejecutados por esclavos músicos.

Aranaz firmó contrato el 10 de diciembre de 1787 y se estipuló que su sueldo fuera una cuarta parte del total de las ganancias que diera la sala, descontando el sueldo de los empleados, el monto que iba a los Niños Expósitos y el arrendamiento del terreno.

Siempre le fue difícil cobrar los 80 pesos mensuales en tiempo y forma ya que le pagaban en cuotas de 20 o 30 pesos. En una oportunidad debió recurrir a las autoridades.

A los actores los asistían dos apuntadores. Además, estaba el personal que cobraba la entrada, que valía dos reales, y otra persona que organizaba el guardarropas. Asimismo, había cuatro peones, un carpintero, dos peluqueros, uno para hombres y otro para mujeres.

El que protestó airadamente fue el clero, ya que asociaba el contenido teatral a lo obsceno y a lo contrario de las buenas costumbres y de la fe cristiana. Esto obligó a Vértiz a elaborar una suerte de Instrucciones de veinte artículos. Las obras a interpretarse debían pasar por la revisión de un grupo de censores, a pesar de que este material venía con la aprobación de la corte española; se estipulaban las medidas para evitar los incendios, los actores no debían apartarse de sus libretos ni improvisar bromas que pudieran ser malinterpretadas; les recomendaban ser educados y que no apareciesen vestidos en forma indecente.

Estas instrucciones contemplaban la colocación de una madera al borde del escenario, que debía tapar los pies de las mujeres que actuasen.

Imposible promocionar una obra con el nombre de los actores, ya que todos eran ilustres desconocidos. Y en los dramas más importantes los papeles femeninos eran interpretados por hombres.

Quedó oficialmente inaugurado el domingo 30 de noviembre de 1783. La primera obra teatral de autor criollo, estrenada en Buenos Aires durante el carnaval de 1789, fue “Siripo” de Manuel de Lavardén, una tragedia en cinco actos. Pasó a la historia como la primera obra de autor criollo estrenada en Buenos Aires.

Se ponían en escena dramas, sainetes, tonadillas, zarzuelas en prosa. Generalmente los actores recitaban y solían cantar, y muchas piezas terminaban en baile.

Para saber si había función, encendían un farol en el frente de la farmacia de los Angelitos, en Chacabuco y Alsina.

Las estrellas de entonces eran, por ejemplo, Juan Antonio Cárcamo, un andaluz con un pasado de presidiario; también sobresalía el chileno Domingo Salazar. Entre las mujeres, la potosina treintañera Josefina Somalloa y Escobar no tenía buena química con el público. La reemplazó Josefa Ocampos, una chica de 18 años casada con Ángel Rodríguez, también actor.

No era para nada fácil para una mujer dedicarse al teatro, ya que para muchos era una tarea indecente y algunos vecinos la vinculaban con la prostitución. Hubo casos en que la familia de la mujer tomaba como una afrenta al buen nombre y honor esta actividad.

Había competencia para todos los gustos y el Cabildo debió mediar para equilibrar las cosas. La iglesia, por un lado, presionaba para que no hubiera funciones en los horarios de misas, porque les sacaba público; y los del teatro protestaban porque a veces la sala no se llenaba ya que había corrida de toros o la gente iba a apostar a los reñideros de gallos.

Nunca se supo si fue obra de la casualidad o si fue intencional. El jueves 16 de agosto de 1792, durante la celebración de fiestas patronales, un cohete, disparado desde el atrio de la iglesia de San Juan Bautista, en la actual Alsina y Piedras, distante dos cuadras, impactó sobre el techo de paja del galpón. La sala ardió por completo y quedó destruida. Las llamas destruyeron el archivo de obras teatrales y el primer manuscrito de Siripo, que se perdió para siempre.

En conmemoración de la apertura de la Ranchería, se instituyó el 30 de noviembre como el Día Nacional del Teatro.

Aramaz se quedó sin trabajo y junto a su familia se radicó en Chile, donde continuó su carrera de músico. Los porteños debieron esperar hasta mayo de 1804, cuando se inauguró en la esquina de Rivadavia y Reconquista, el Coliseo que nunca se terminó. Algo debía tener esa esquina, porque fue el lugar elegido para levantar el primer Teatro Colón que tuvo nuestra ciudad. Pero eso es argumento para otra obra que mereció aplausos de pie.

El cierre de la Temporada 2025 del Ballet Estable del Teatro Colón estará marcado por la presentación de El cascanueces, la célebre fantasía navideña de Piotr Ilich Chaikovski, que se ha consolidado como una de las piezas más emblemáticas del repertorio clásico y de las celebraciones de fin de año. Esta producción, que se inscribe en el año del centenario de los elencos estables del teatro, representa también el final del primer ciclo de gestión de Julio Bocca al frente del Ballet Estable.

La puesta en escena de El cascanueces contará con la coreografía de Silvia Bazilis y la dirección musical compartida entre Emmanuel Siffert y Diego Censabella, quienes estarán al frente de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires. La versión que se presentará retoma la estrenada por el Ballet Nacional del Sodre (Uruguay) en 2011 y reúne a un equipo artístico de reconocida trayectoria: la escenografía estará a cargo de Gastón Joubert, el vestuario será diseñado por Gino Bogani, la iluminación estará en manos de Rubén Conde y la dirección de títeres será responsabilidad de Antoaneta Madjarova.

Inspirada en la adaptación de Alejandro Dumas del cuento de E.T.A. Hoffmann, y con libreto de Iván Vsévolozhsky y Marius Petipa, esta versión de El cascanueces se presenta como un homenaje a la tradición y a la renovación artística del Ballet Estable. Las entradas para las funciones ya están disponibles y pueden adquirirse de manera online a través de la página web del Teatro Colón o personalmente en la boletería ubicada en Tucumán 1171, de lunes a sábados entre las 9 y las 20 horas, y los domingos de 9 a 17 horas.

Los papeles principales serán interpretados por bailarines invitados y figuras destacadas del elenco. El personaje de El Cascanueces será asumido por Lucas Erni y Gustavo Carvalho, junto con el primer bailarín Federico Fernández y el solista Jiva Velázquez. El rol de Clara estará a cargo de Camila Bocca y Ayelén Sánchez, ambas solistas del Ballet Estable, así como de Yoshino Horita y Rocío Agüero. El personaje de Drosselmeyer será interpretado por Matías Santos, Alejo Cano Maldonado, Antonio Luppi y David Juárez, todos integrantes del Ballet Estable.

Las funciones se desarrollarán los días 12, 13, 16, 17, 18, 19, 20, 23, 26 y 27 de diciembre a las 20, mientras que las presentaciones de las 17 tendrán lugar el 14, 21 y 28 de diciembre. Entre los invitados, Lucas Erni participará en las funciones del 12, 14 y 17 de diciembre, y Gustavo Carvalho lo hará en las del 21, 23 y 26 de diciembre; ambos forman parte del Ballet de Düsseldorf.

[Fotos: Carlos Villamayor/prensa Teatro Colón]

Luis Ovsejevich, presidente de la Fundación Konex, recibirá el título de doctor honoris causa por parte de la Universidad Maimónides (UMAI) en reconocimiento a sus “méritos académicos, científicos y profesionales”.

Así lo resolvió el Consejo Superior Universitario de la institución, que hará realizará la ceremonia en un acto abierto al público, este miércoles 26 a las 18.30 horas, con la participación del presidente de la Corte Suprema de Justicia, Horacio Rosatti, y el médico Jorge Lerman, ex jefe de Cardiología del Hospital de Clínicas.

El rector de la universidad, doctor Adrián Giacchino, encabezará el ritual de entrega del diploma honoríco.

La distinción coincide con una larga trayectoria de Ovsejevich, creador de los Premios Konex, en el ámbito cultural y educativo. Nacido en Buenos Aires en 1941, creció en un entorno familiar vinculado al arte y la música. Su madre fue profesora de piano y aficionada a la pintura, acercándolo desde joven a expresiones clásicas. A los 19 años obtuvo su título de abogado mientras ya contaba con la formación como profesor de piano.

El profesional ingresó a la docencia universitaria a los 20 años y a los 24 fue designado profesor adjunto en las facultades de Derecho y de Ciencias Económicas de la Universidad de Buenos Aires (UBA). En 1969, Ovsejevich fundó la empresa Konex-Canon, dedicada a la comercialización de equipos de oficina y reconocida por su política de apoyo a instituciones y actividades culturales. La promoción del ajedrez internacional fue uno de sus primeros compromisos filantrópicos, que más tarde dieron lugar a la creación de la Fundación Konex en 1980.

Ovsejevich también fue homenajeado por los premiados y jurados de la Fundación Konex y distinguido como Mecenas y Benefactor de la Cultura Nacional. En diciembre de 2023, fue declarado “Personalidad Destacada de la Ciudad de Buenos Aires” por la Legislatura porteña.

En el ámbito cultural, encabezó el lanzamiento en 1991 del ciclo Vamos a la Música, con el propósito de acercar a los niños a la ópera, el ballet y los conciertos, sobre la base de obras de grandes compositores universales. Bajo su gestión, la Fundación desarrolló también eventos de gran escala como los Festivales Konex de la Cultura y el Festival Konex de Música Clásica, ampliando la proyección de la música y el arte en el país.

Durante su paso por el Teatro Colón en las temporadas 1998 y 1999, como director ad honorem de la icónica institución, implementó nuevas modalidades de abonos y promovió temporadas con artistas internacionales de primer nivel. Dentro de su visión de gestión cultural, impulsó la participación de representaciones diplomáticas extranjeras, elevando el carácter internacional del histórico teatro argentino.

A lo largo de su vida profesional y social, Ovsejevich colaboró con importantes organizaciones, entre las que se destaca su presencia en el Rotary Club de Buenos Aires, institución de la que fue presidente en el período 2017-2018.

Uno de los hitos recientes en su actividad filantrópica fue la restauración arquitectónica del Salón de Actos de la Facultad de Derecho de la UBA durante 2019, iniciativa llevada adelante a través de la Fundación Konex en coordinación con la universidad. Además, en 2022 recibió convocatoria internacional como único latinoamericano para participar en el Foro de Filantropía Estratégica para las Artes del Conservatorio della Svizzera Italiana en Lugano, Suiza, lo que subraya su proyección internacional en la gestión cultural.

Entre los galardones más significativos recibidos por Ovsejevich figuran el Premio Scopus otorgado por la Universidad Hebrea de Jerusalem y la distinción Gratia Artis concedida por la Academia Nacional de Bellas Artes. La Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires declaró de Interés Cultural tanto a los Premios Konex como a la Ciudad Cultural Konex, espacios emblemáticos surgidos de su iniciativa.

La historia de una cortesana enamorada

La Traviata, ópera en tres actos escrita en italiano, narra la tragedia de Violetta Valéry, una cortesana parisina de los altos círculos aristocráticos, convaleciente y entregada a los placeres mundanos, que se enamora de Alfredo. Aunque el amor es correspondido, las convenciones sociales la obligan a renunciar.

El primer acto transcurre durante una fiesta en su casa, donde Violetta conoce a Alfredo, joven de buena familia que le declara su amor. Ella, escéptica, le ofrece solo su amistad y, conmovida, le entrega una camelia blanca, instándolo a regresar cuando la flor se marchite. Luego comprende que lo que siente por él es amor, y celebra la alegría de ser correspondida: Essere amata, amando (Ser amada, amando).

Ambos se mudan al campo y viven juntos, sostenidos por los bienes que ella vende, hasta que el padre de Alfredo, Giorgio Germont, le pide que lo abandone para preservar la reputación familiar. Violetta acepta el sacrificio y sabe que será su final.

Tres elencos, 140 trajes y el sello de Renata

La dirección musical está a cargo de los italianos Renato Palumbo (18, 20, 23, 25 y 28 de noviembre) y Beatrice Venezi (19, 21, 26 y 29 de noviembre), quienes se alternan al frente de la Orquesta Estable del Teatro Colón. La puesta en escena es del español Emilio Sagi, mientras que el diseño de vestuario está en manos de Renata Schussheim, la gran artista plástica, ilustradora y escenógrafa argentina que desde 1966 se destaca en galerías latinoamericanas y europeas, además de participar en producciones teatrales internacionales junto a directores como Oscar Araiz, Jean François Casanovas, Julio Bocca, Mstislav Rostropovich, Lluís Pasqual, Sara Baras y el propio Sagi.

Infobae dialogó con Schussheim un día después del estreno, en su primera experiencia con La Traviata a sus 76 años, un desafío que encaró con entusiasmo en un teatro que considera uno de los más hermosos del mundo —“si no el más”— y con una mística única. La artista contó que estuvo muy enfocada durante meses con la ópera de Verdi, por la magnitud de la producción. “Comencé a dibujar en el verano pasado. Tuvimos la reunión técnica en abril, como encuentro general para ver cómo era la producción. Es muy grande porque son tres elencos y mucho coro. Son alrededor de 140 trajes, prácticamente todos confeccionados desde cero”, detalla.

Renata describe la primera fiesta de la ópera con atuendos en blanco y negro, y la segunda, en variantes del rojo. “Me felicitan por la idea, pero he de ser franca: es de Emilio Sagi. Él siempre tiene una claridad conceptual maravillosa sobre lo que quiere y la transmite. Eso te dispara la imaginación. Trabajar con él es delicioso: es claro, preciso, tiene sentido del humor y es muy amable en los ensayos. Entonces, todos quieren volver a trabajar con él”, asegura. “Como él dice: ‘Para agarrarnos berrinches estamos grandes’ —ríe—. No es un enfant terrible, todo lo contrario. Y con Daniel Bianco también formamos equipo en muchos espectáculos, así que para mí es una fiesta trabajar con ellos”.

No conforme con la cantidad de prendas, Schussheim se impuso un desafío adicional. “Tuve una idea muy loca, que nunca me había pasado: ¿y si hago todos los vestidos distintos? Como sucede realmente cuando uno va a una fiesta. El trabajo de dibujarlos fue al principio encantador, después creí que me moría, y ni te digo cuando hubo que hacerlos. Y después se agregaron más mujeres al coro. Los hombres son más simples porque van de esmoquin, pero cada mujer tiene un vestido distinto”, cuenta. Eso implicó buscar combinaciones y telas dentro de la gama de los rojos: del carmín al naranja, pasando por el fucsia. “Fue complicado, pero muy excitante y diferente. Y no hubiese sido posible sin una ayuda fundamental que es como una extensión de mí: mis dos asistentes, Martina Nosetto y Mariana Seropian”.

Con sus dos asistentes trabaja codo a codo hace mucho tiempo, sobre todo con Mariana, a quien le tiene mucha confianza porque comparten la mirada. “Son dos personas jóvenes y con mucha energía. Toda la primera parte, más de elección de telas, la hice con Martina, y toda la segunda parte, con Mariana (que había estado filmando en Costa Rica),y luego volvió a involucrarse Martina. Tuvieron que hacer pruebas de ropa multitudinarias, además de estar en el detalle de lo que lleva la solista en escena. “Lo cual es muy complicado porque eso se tiene que ver bien, tiene que ser fácil y tiene que quedar bien”, explica y agrega: “No es una producción que es pupupú, que uno dice: ‘La hago con los ojos cerrados’. Es la primera vez que hago La Traviata. Es una música hermosa, te lleva, es icónica, es la ópera más conocida y querida en general de Verdi. El resultado creo que es bueno, por lo menos estamos todos muy contentos los que hicimos esta producción. Yo feliz de trabajar”.

La inspiración de los diseños fue tomada de fines de los años cincuenta, principios de los sesenta, la época de Balenciaga, Balmain, Dior. “Yo adoro Balenciaga de esa época, con esos vestidos abullonados, los talles altos. Y Dior, que es todo lo contrario. Picoteé un poquito de todo”, detalló.

Los talleres del Colón se ocuparon de confeccionar minuciosamente cada pieza, a un ritmo también vertiginoso. También, debieron sortear las dificultades de cambios de temporada o no encontrar los metros suficientes de géneros y tener que sustituirlos.

“Los talleres, todos, desde zapatería, el taller de peluquería, la cantidad de tocados, de pelucas, de sombreros fue, la verdad, como un tour de force. Con muchas ganas y mucho entusiasmo me acompañaron y les estoy enormemente agradecida a los artesanos. Porque acá, en el Colón, son las manitos de los artesanos que hacen todo dentro del teatro. No se manda nada hacer afuera. Entonces, la gente que lo hace, sabe y tiene experiencia y lo hace con amor y quiere el teatro. Y bueno, todo eso se ve arriba del escenario", expresa con satisfacción.

Renata comparte una foto con un valetto, quienes están del lado de adentro del escenario y corren los telones pesadísimos. “Siempre nos sacamos fotos en los estrenos”. Y agrega: “Vos te subís a ese escenario y es algo impresionante lo que se siente. No hay mucho así en el mundo. Yo he trabajado afuera, pero te digo como esto, no hay”.

Las siguientes funciones están programadas para este jueves 20, el viernes 21, martes 25, miércoles 26, viernes 28 y sábado 29 de noviembre a las 20 horas y domingo 23 de noviembre a las 17. Las localidades se podrán adquirir en la boletería del Teatro Colón, Tucumán 1171, de lunes a sábado de 09 a 20 y los domingos de 09 a 17. O por Internet en: www.teatrocolon.org.ar.

La propuesta del director asturiano se aleja de la grandilocuencia habitual de las puestas tradicionales, aunque evita transformaciones radicales en la ambientación, ya que el libreto de La traviata mantiene referencias espacio-temporales constantes que dificultan cambios drásticos. El diseño escenográfico, a cargo de Daniel Bianco, se caracteriza por líneas depuradas y una predominancia del blanco, mientras que la iluminación de Eduardo Bravo realza la atmósfera general. El foco de la puesta se traslada hacia el trabajo actoral, considerado el verdadero eje de este melodrama.

La dirección musical está a cargo de Renato Palumbo y Beatrice Venezi, quienes se alternan al frente de la Orquesta Estable del Teatro Colón. Palumbo dirige las funciones del jueves 20, domingo 23, martes 25 y viernes 28 de noviembre, mientras que Venezi está al frente el miércoles 19, viernes 21, miércoles 26 y sábado 29. El Coro Estable del Teatro Colón, bajo la dirección de Miguel Martínez, también formará parte de la producción. La traviata es una ópera en tres actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Francesco Maria Piave, basado en la novela La Dama de las Camelias de Alejandro Dumas (hijo). El diseño de vestuario está a cargo de Renata Schussheim.

El calendario de funciones incluye nueve presentaciones: miércoles 19, jueves 20, viernes 21, martes 25, miércoles 26, viernes 28 y sábado 29 de noviembre a las 20, y domingo 23 a las 17. Las entradas están disponibles a la venta en la boletería del Teatro Colón (Tucumán 1171), de lunes a sábado de 9 a 20 y los domingos de 9 a 17 hs., así como a través de la página web del teatro.

[Fotos: Juanjo Bruzza-Lucía Rivero/prensa Teatro Colón]

Después de su exitoso y multitudinario show en Rosario, Nicki Nicole busca dar un paso más en su carrera. La joven, una de las voces más representativas de la música urbana argentina, confirmó que se presentará con un show sinfónico en uno de los recintos más emblemáticos de Buenos Aires: el Teatro Colón. La artista rosarina, reconocida por su capacidad para fusionar géneros y estilos, llevará su repertorio a uno de los escenarios más destacados de la ciudad.

La presentación, bajo la dirección musical de Nico Sorín, reunirá a más de 70 músicos en escena. En este formato sinfónico, Nicki reinterpretará sus canciones más emblemáticas, permitiendo al público descubrir nuevas dimensiones en su obra. La velada se anuncia como una oportunidad única para experimentar la música urbana desde una perspectiva orquestal, en un espacio tradicionalmente reservado para la ópera, el ballet y la música clásica. La elección del Teatro Colón subraya la intención de la artista de expandir sus horizontes creativos y de tender puentes entre universos musicales que, hasta ahora, parecían distantes.

El impacto de este evento trasciende lo artístico: Nicki Nicole será la primera exponente de su generación y del movimiento urbano argentino en presentarse en el Colón. Este cruce entre la música popular contemporánea y la tradición clásica representa un hito tanto para la artista como para el emblemático teatro porteño, y simboliza la apertura de nuevos caminos para la cultura argentina.

El anuncio del concierto, organizado para el 19 de febrero, llega en un momento de consolidación internacional para la cantante. Recientemente, fue nominada por primera vez a los Premios Grammy en la categoría “Mejor Álbum de Música Urbana” por su disco Naiki, que también le valió una nominación a los Latin Grammy 2025. El álbum, lanzado a finales de 2024, debutó en el Top 9 Global de Spotify y ya suma más de 150 millones de reproducciones en plataformas digitales, con colaboraciones junto a Duki y Khea. Estas distinciones refuerzan el carácter innovador de Naiki y su regreso a las raíces musicales de la artista.

El antecedente más cercano de este formato sinfónico tuvo lugar en Rosario, donde Nicki Nicole ofreció un concierto ante más de 250.000 personas en el Monumento a la Bandera, en el marco del 300° aniversario de la ciudad. Aquella jornada reunió a familias, amigos y fanáticos que colmaron el centro y el parque, creando una atmósfera de celebración colectiva. La artista, visiblemente conmovida, saludó a su público con palabras que resonaron en toda la ciudad: “Qué alegría poder decir esto: Buenas noches, Rosario. Estoy orgullosa de haber nacido aquí”. El repertorio, adaptado a la potencia de la orquesta, incluyó temas como “Wapo Traketero”, “Colocao”, “Perdido” y “Ya No”, y momentos de profunda conexión con los asistentes, como cuando confesó: “Me hicieron vivir la mejor noche de mi vida. Gracias de corazón. No saben lo que emociona a uno y lo que es estar en casa”. El espectáculo también rindió homenaje a la cumbia santafesina con un tributo a Los Palmeras, convirtiéndose en una postal de identidad y pertenencia para Rosario.

La llegada de Nicki Nicole al Teatro Colón no solo representa un logro personal, sino que también encarna el espíritu de una generación que transforma la música argentina y la proyecta al mundo. Su capacidad para unir tradición y modernidad, barrio y escenario internacional, se refleja en cada paso de su carrera y en la expectativa que genera este concierto sinfónico, donde la emoción y la innovación se darán cita en una noche destinada a quedar en la memoria colectiva.

Las cifras que acompañan la trayectoria de Nicki Nicole reflejan su alcance global: 23 millones de seguidores en Instagram, 16 millones de oyentes mensuales en Spotify, 16 millones de seguidores en TikTok y 5 millones de suscriptores en YouTube. Durante 2023, agotó nueve funciones en el Movistar Arena de Buenos Aires y realizó giras internacionales que la llevaron a presentarse ante 500.000 personas en 13 ciudades europeas, Marruecos y Estados Unidos, con localidades agotadas en Nueva York, Los Ángeles y Miami durante su “ALMA World Tour”. Este recorrido artístico, marcado por la superación constante de fronteras, encuentra en el Teatro Colón un nuevo escenario para la evolución de su propuesta.

El Centro de Experimentación del Teatro Colón se convirtió en escenario de una experiencia musical inusual: desde el viernes 14 de noviembre a las 20.30h, una multitud se congregó en torno al emblemático teatro porteño para asistir al estreno de Vejaciones, una performance de veinticuatro horas dedicada a celebrar el centenario de Erik Satie. La convocatoria, que marcó el primer homenaje al compositor francés en este espacio, atrajo a un público numeroso, cuya fila llegó a rodear el edificio en el centro de Buenos Aires.

La propuesta, que se extiende hasta el sábado 15 de noviembre a las 20.30h, ofrece acceso libre, gratuito y continuo, aunque con aforo limitado. Los asistentes pueden ingresar y permanecer en la sala el tiempo que deseen, lo que permite una circulación constante y una vivencia personalizada de la obra. El ingreso se realiza por el Pasaje de los Carruajes, en Tucumán 1171.

Durante la performance, la célebre pieza para piano de Erik Satie se interpreta de manera ininterrumpida, repitiéndose una y otra vez a lo largo de todo el evento. Noventa pianistas, provenientes de distintas generaciones y trayectorias, se relevan cada diez minutos. Entre ellos se encuentran concertistas de reconocida carrera, músicos de otros géneros, docentes, estudiantes y pianistas amateur, lo que imprime a la propuesta un marcado espíritu horizontal.

Este enfoque colectivo y abierto remite a la histórica realización organizada por John Cage en 1963, recuperando la lógica experimental y participativa que caracterizó aquel acontecimiento. A lo largo de las veinticuatro horas, la música se acompaña de proyecciones de video que establecen un diálogo visual con la experiencia sonora, enriqueciendo la vivencia del público y subrayando el carácter experimental del homenaje.

[Fotos: Juanjo Bruzza-Lucía Rivero/prensa Teatro Colón]

Fotos de Gustavo Gavotti

La Fundación Teatro Colón reunirá figuras del mundo cultural, empresarial y político en su tradicional Gala de Primavera 2025, una velada destinada a recaudar fondos para el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón (ISATC), considerado el principal semillero de artistas del emblemático teatro argentino.

El evento, que se celebra el 12 de noviembre, ofrece una experiencia artística integral en la que los propios estudiantes del ISATC protagonizaron la programación musical y coreográfica.

La conducción de la gala estará a cargo de Silvina Chediek, mientras que la ambientación es obra de Javier Pita y la firma Dior aporta su acompañamiento. La propuesta artística se despliega en distintos espacios del teatro, permitiendo que los asistentes presenciaran fragmentos musicales y coreográficos interpretados por los jóvenes talentos en formación.

El inicio de la noche estará marcado por la interpretación de la Pequeña serenata nocturna de Wolfgang A. Mozart a cargo del Cuarteto de Cuerdas de la Academia Orquestal. Posteriormente, el Ballet del ISATC presenta el Vals de las flores de El cascanueces de Piotr I. Chaikovski, con coreografía de Sabrina Streiff y arreglos de Pablo Bocchimuzzi.

El cierre, a cargo del Coro de Niños del Teatro Colón, dirigido por Helena Cánepa y acompañado por el Ensamble Instrumental de la Academia Orquestal, quienes interpretarán obras de Benjamin Britten y María Elena Walsh.

Uno de los momentos destacados de la gala será el reconocimiento al Dr. Alejandro Cordero, mecenas de la Fundación, por su apoyo sostenido al arte lírico y a los jóvenes intérpretes del ISATC. La organización subrayó que “su contribución de más de una década ha hecho posible becas, concursos internacionales y recitales que impulsan la proyección internacional de artistas argentinos”. Este respaldo ha sido fundamental para que nuevas generaciones de músicos, bailarines y cantantes accedan a oportunidades de formación y desarrollo profesional.

La Fundación Teatro Colón, creada en 1978 como una organización sin fines de lucro, tiene como misión contribuir de manera privada al desarrollo de las actividades del Teatro Colón. En más de cuarenta años de trayectoria, la entidad ha impulsado iniciativas que abarcan aspectos estructurales, artísticos y educativos. Entre sus principales logros, la Fundación destaca la entrega de más de 1.400 becas a jóvenes talentos del ISATC, entre quienes figuran nombres como Julio Bocca, Paloma Herrera, Maximiliano Guerra y Eleonora Cassano.

El Centro de Experimentación del Teatro Colón se prepara para rendir homenaje al compositor francés Erik Satie con dos propuestas musicales que exploran tanto la resistencia física como la profundidad conceptual de su obra. La primera de estas experiencias, una interpretación ininterrumpida de Vejaciones durante veinticuatro horas, reunirá a cerca de sesenta pianistas de distintas trayectorias y edades, quienes se alternarán cada diez minutos para mantener la ejecución constante de la pieza.

El evento comenzará el viernes catorce de noviembre a las 20:30 y concluirá el sábado quince de noviembre a la misma hora, permitiendo el acceso libre y gratuito al público durante todo el desarrollo, aunque con aforo limitado. Los asistentes podrán ingresar y retirarse en cualquier momento, permaneciendo el tiempo que deseen en la sala del CETC, cuyo ingreso se realiza por el Pasaje de los Carruajes, en Tucumán 1171. La performance, además, contará con intervenciones de proyecciones de video, sumando una dimensión visual a la experiencia sonora.

Vejaciones es reconocida por su carácter enigmático y su estructura minimalista: una breve melodía para piano, intercalada con dos armonizaciones distintas, cuya ejecución a tempo normal no supera los dos minutos. Sin embargo, la partitura incluye una indicación singular de Satie: “Para tocar esta pieza 840 veces seguidas, será conveniente prepararse con antelación en el más profundo silencio”.

Esta instrucción fue tomada literalmente en 1963, cuando el compositor experimental John Cage organizó la primera interpretación completa en la Universidad de Nueva York, estableciendo un sistema de relevos entre pianistas para sostener la maratónica ejecución. Aquella experiencia marcó un antes y un después en la música contemporánea, abriendo el camino a nuevas formas de abordar obras de larga duración y estructuras repetitivas.

La dinámica de relevo que caracteriza la performance actual se inspira en la absoluta horizontalidad propuesta por Cage en aquella ocasión, donde concertistas consagrados, músicos de otros géneros, docentes, estudiantes y pianistas amateurs comparten el escenario en igualdad de condiciones. Esta diversidad de intérpretes y la naturaleza abierta del evento refuerzan el espíritu experimental y comunitario de la obra.

El ciclo de homenajes continuará el sábado veintinueve de noviembre a las 20:30 y el domingo treinta de noviembre a las 18:00, con la presentación de Sócrates, la pieza que Satie consideraba su obra maestra. Este “drama sinfónico” basado en textos de Platón será interpretado por primera vez en el Teatro Colón, en un recital escenificado que reunirá a un pianista, una soprano y un narrador. La obra, rara vez ejecutada en vivo, se convierte así en el centro de un segundo tributo que busca profundizar en la faceta más ambiciosa y reflexiva del compositor francés.

El evento de este jueves, al que acudió Infobae, registró la presencia de más de 300 personas entre periodistas, influencers y los principales dirigentes de la Liga Profesional, entre ellos el Comité Ejecutivo de la AFA. Desde otro rol, Juan Román Riquelme y Diego Milito fueron los dos grandes invitados de la noche, ya alejados de la cancha y siendo elegidos por sus hinchas para desempeñarse en el máximo cargo en Boca Juniors y Racing, respectivamente.

El ingreso al recinto se permitió desde antes de las 19, pero los oradores dieron sus primeras palabras pasadas las 20:20. Durante esos más de 80 minutos, todas las personas pudieron disfrutar de las comodidades de un lugar ambientado para la ocasión con una alfombra roja que marcaba el camino y, a los costados, se distinguieron dos maniquíes que simulaban ser Lionel Messi y Emiliano Dibu Martínez, ambos con la nueva indumentaria puesta.

En este sentido, hubo dos lugares dedicados al mejor jugador del mundo. En el exterior, se montó una serie de recortes sobre su paso por la Selección y, en el interior, se dejó ver una colección con algunas de sus grandes reliquias: una camiseta autografiada por él, la cinta de capitán que llevó en la final de la Copa América 2021, los botines que utilizó en esa definición contra Brasil y ante Colombia en la edición de 2024 y la camiseta vestida frente a la Tricolor.

La organización dispuso una serie de actividades, dentro de las que los participantes podían jugar al truco, una tradición argentina que fue parte del video que grabó la marca de las tres tiras para dar a conocer la casaca de la Celeste y Blanca y que será difundido al público en general este viernes. El “Quiero vale 4″ provoca una alusión inmediata a la cuarta estrella que buscará la Scaloneta en la competencia organizada por Estados Unidos, México y Canadá. Esto lo equipararía a Italia y Alemania como los segundos máximos ganadores en Mundiales, por detrás del pentacampeonato de Brasil. Este juego podía otorgar una serie de premios a los ganadores, que iban desde un mazo personalizado a stickers especiales, todo relacionado a la Selección.

Otra de las posibilidades que se brindaba era que los propios asistentes pudiesen colocar una serie de imanes de diferentes colores en los lugares adecuados para terminar de armar la camiseta distintiva entre todos. Incluso, se repartió un diario breve, cuya tapa tenía en letra grande la frase “Seguí soñando”. A lo largo de las siete páginas, la firma alemana repasa los detalles de una tela que reúne un efecto de tres tonos de celeste en sus clásicas franjas verticales, evocando las camisetas utilizadas en las conquistas de 1978, 1986 y 2022. Esto se suma a un seguimiento de todas las pelotas usadas en Mundiales: desde la Telstar de la edición de México 1970 pasando por la Tango de 1978, la Jalisco de México 1986, la Al Rihla de Qatar 2022 y la Trionda, el balón oficial de la siguiente Copa del Mundo.

El “menú” de los campeones del mundo tampoco pasó desapercibido en las entrañas del Teatro Colón. El ritmo incesante de los mozos trajo comida por doquier en sus idas y vueltas a la cocina y hubo opciones para todos los paladares.

Uno de los primeros platos que salió al salón fue un canapé con salmón ahumado y le siguieron un crostini de cebolla caramelizada y queso brie, ingrediente que se repitió en una combinación con morcilla como relleno de una empanada. La característica comida nacional también incluyó una versión con carne para los más tradicionales. Además, se sirvieron mini canastitas de cebolla, portobellos rellenos, mini hamburguesas, buñuelos y bondiola a la barbacoa entre panes, entre otras exquisiteces. Tampoco faltó el mini choripán con salsa criolla. Además, hubo barra libre para tomar vino, gaseosa, cerveza o agua.

Soda Stereo y Airbag fueron algunas de las bandas que marcaron el paso de la velada y la periodista Sofía Martínez fue la encargada de romper los múltiples focos de diálogos que se producían en su entorno para dar paso a la conducción del evento. Ella presentó a Claudio Tapia y Pablo Lamo, gerente general de Adidas Argentina. Este último fue el encargado de romper el hielo: “Qué gusto estar acá en el Teatro Colón. Es una casa preciada por todos los argentinos y la casa de la cultura. Le agradezco a Claudio (Tapia) por acompañarnos hoy y a todo el Comité Ejecutivo que está presente”.

“Queremos enaltecer el fútbol argentino y para todos los que trabajamos en Adidas es un orgullo enorme. Es una camiseta que está diseñada para conmemorar los tres títulos mundiales. Es un orgullo y una responsabilidad enorme y nuestra misión es seguir trabajando en el fútbol argentino por la emoción que dan los hinchas cada vez que juega la Selección”, añadió.

A continuación, fue el turno de Tapia, quien soltó un chiste para descontracturar antes de comenzar su discurso: “Primero, antes que nada, es un día especial. Es un momento muy particular poder estar en el teatro más lindo del mundo presentando la camiseta de los campeones del mundo. Es un lugar icónico del país y es uno de los lugares que caracteriza a los argentinos. Aquí se desplegó la camiseta gigante de los campeones del mundo. Había casi cuatro generaciones que no veían a nuestra selección campeona del mundo”.

“Quiero agradecerles a todos los miembros del Comité Ejecutivo, a Adidas por esta asociación que nos tendrá unidos hasta 2038. Les pido un aplauso a quienes defendieron la camiseta de la selección argentina, Juan Román Riquelme y Diego Milito”, manifestó hacia las dos estrellas invitadas al evento.

Todos los presentes se acoplaron a esa muestra de afecto para dos futbolistas que supieron desplegar su talento con la Argentina. Riquelme convirtió 17 goles y 20 asistencias en 51 juegos, sumado a disputar el Mundial 2006, mientras que Milito anotó 4 tantos y 2 pases gol en 25 partidos y defendió estos colores en el Mundial 2010 con Diego Maradona como DT.

Por último, Tapia hizo mención a la actividad actual de las Selecciones Nacionales y profundizó en la camiseta que se lanzó en sociedad: “Representa los colores de las tres camisetas y contiene el año que se fundó la AFA. Esta camiseta será la más linda porque esta es la que va a defender la cuarta. Estamos muy felices de que empecemos a vivir el Mundial y nos pongamos la camiseta de la Selección”.

Segundos después, los miembros del Comité Ejecutivo de la AFA subieron las escalinatas para sacarse una foto junto a Tapia y, mientras se le pedía a los presentes marcharse de ese lugar para dar paso a la segunda parte del evento, Riquelme y Milito tuvieron un gesto para destacar porque se quedaron sacándose algunas fotos con los invitados que estaban a centímetros de ellos.

A continuación, se dio paso a la segunda parte de la reunión a cielo abierto sobre la calle Libertad. La misma puerta por la que se entró al Salón Foguier indicó el próximo paso de una noche que tenía guardadas varias sorpresas más. La fachada del emblemático edificio se utilizó como un proyector gigante para difundir una serie de filmaciones junto al gran trabajo de la orquesta del Teatro Colón dirigida en esta oportunidad por Pablo Motta.

La combinación de violines y violonchelos, en conjunto a diversos instrumentos, selló una armonía inigualable para llevar a cabo un emocionante homenaje a la selección argentina con tres canciones elegidas con un preciso sentido del tiempo. Seminare, tema perteneciente a Serú Girán lanzado en 1978 y considerado uno de los mejores en la historia del rock nacional, fue el elegido para conmemorar la gesta del conjunto conducido por César Luis Menotti. A esto le siguió Costumbres Argentinas, estrenada por Los Abuelos de la Nada en 1985, otra melodía que marcó una época, en la que todo un pueblo se acostumbró a las cábalas de Carlos Salvador Bilardo con ese plantel que coronó en México. La elección para homenajear la gesta de 2022 se tornó obvia. “Muchachos...” rebotó sobre el improvisado escenario al aire libre para entonar las estrofas de un himno nacional que acompañó a todos los hinchas en Qatar.

Este fue el broche de oro de una noche tan fresca como inolvidable en la Capital Federal. La Argentina cerrará el año con un amistoso frente a Angola en África y apuntará a un 2026 con el Mundial en el horizonte, sumado a la posibilidad de disputar la Finalissima con España. Todo eso en medio de las dudas sobre si Lionel Messi dirá presente en la cita mundialista y, si lo hará, empezará la cuenta regresiva para un adiós que nadie quiere que llegue. Por el momento, hay que seguir soñando. Así lo quiere nuestro capitán, que se ilusiona con el bicampeonato, como todo un país.

La intensidad dramática y la audacia musical de Salomé, la ópera de Richard Strauss basada en la obra de Oscar Wilde, regresan al escenario del Teatro Colón en una nueva producción que se estrena este martes 28 de octubre. Bajo la dirección musical de Philippe Auguin y la dirección escénica de Bárbara Lluch, la obra promete una experiencia sensorial y psicológica que explora los límites del deseo y la obsesión.

La dirección escénica de Bárbara Lluch, reconocida por su enfoque visualmente poético y su lectura contemporánea de los personajes, constituye uno de los ejes distintivos de esta versión. Nieta de la legendaria actriz Nuria Espert, Lluch se formó en Londres y ha trabajado en instituciones como el Royal Opera House y el Teatro Real, consolidando una trayectoria en la ópera europea que se caracteriza por el respeto a la partitura y la exploración de los conflictos internos de los protagonistas.

El ciclo de funciones se extenderá a lo largo de seis presentaciones: martes 28, miércoles 29, jueves 30 y viernes 31 de octubre a las 20; domingo 2 de noviembre a las 17 y martes 4 de noviembre a las 20 hs. Las entradas pueden adquirirse tanto de manera online, a través de la web del teatro, como presencialmente en la boletería de Tucumán 1171, abierta de lunes a sábados de 9 a 20 y domingos de 9 a 17 hs.

Estrenada en 1905, Salomé es una ópera en un acto con libreto de Hedwig Lachmann basado en la pieza homónima de Oscar Wilde. La trama se desarrolla en el palacio de Herodes y narra la historia de la joven princesa Salomé, cuya fascinación erótica por el profeta Jokannán (Juan el Bautista), prisionero en las mazmorras del rey, desencadena una espiral de deseo y violencia. Tras ser rechazada por el profeta, Salomé ejecuta la célebre Danza de los siete velos, logrando que Herodes le conceda como recompensa la cabeza de Jokannán.

La partitura de Strauss se distingue por su orquestación monumental y un lenguaje armónico extremo, cercano al atonalismo, que expresa la decadencia moral y la tensión entre erotismo y muerte presentes en toda la obra. Esta ópera, que condensa en poco más de una hora un torbellino de emociones, inauguró un lenguaje expresionista que el compositor expandiría en obras posteriores como Elektra (1908).

El equipo creativo de esta nueva producción del Teatro Colón incluye a Daniel Bianco en el diseño de escenografía, Clara Peluffo en el vestuario, Albert Faura en la iluminación y Mercè Granè en la coreografía y asistencia de dirección de escena. La interpretación musical estará a cargo de la Orquesta Estable del Teatro Colón.

El desenlace de la ópera, en el que Salomé besa la cabeza cortada de Jokannán, culmina con un acorde que, según la crítica de la época, fue considerado “el acorde más repugnante de toda la historia de la ópera”.

[Fotos: Juanjo Bruzza/prensa Teatro Colón]

La conmemoración de los 30 años de la Orquesta Académica del Teatro Colón tendrá un punto culminante el sábado 1 de noviembre a las 17:00, cuando el conjunto juvenil se presente en la Sala Principal del emblemático teatro bajo la dirección de Juan Miceli.

El programa, que incluye la Obertura de Los maestros cantores de Núremberg de Richard Wagner y la Quinta sinfonía de Piotr Chaikovski, marca un hito en la historia de la agrupación y en la formación de jóvenes músicos en Buenos Aires.

Fundada en 1995 por iniciativa del maestro Oscar Piluso, la Orquesta Académica del Teatro Colón nació en el seno de la Filarmónica de Buenos Aires con el propósito de brindar a sus integrantes una experiencia orquestal integral, orientada a la excelencia profesional.

Desde 2010, la orquesta se consolidó como área de formación del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, integrando a estudiantes de la carrera de Academia Orquestal y constituyéndose en el principal organismo sinfónico juvenil del teatro.

A lo largo de estas tres décadas, la orquesta ha participado en proyectos operísticos, sinfónicos y de ballet, tanto en la Sala Principal como en el Salón Dorado del Teatro Colón.

Su actividad ha sido clave para el desarrollo de músicos jóvenes, quienes han tenido la oportunidad de adquirir experiencia en escenarios de primer nivel y bajo la guía de destacados directores.

El repertorio seleccionado para esta ocasión incluye la Obertura de Los maestros cantores de Núremberg de Richard Wagner (1813-1883), una de las piezas más emblemáticas del repertorio sinfónico, y la Sinfonía n.° 5 en mi menor, op. 64 de Piotr I. Chaikovski (1840-1893), que se interpretará en sus cuatro movimientos: I Andante—Allegro con anima, II Andante cantabile con alcuna licenza, III Valse. Allegro moderato y IV Finale. Andante maestoso—Allegro vivace.

Las entradas para el concierto ya están disponibles a través de www.teatrocolon.org.ar y en la boletería del Teatro Colón, ubicada en Tucumán 1171, con atención de lunes a sábados de 9:00 a 20:00 y los domingos de 9:00 a 17:00.

La propuesta de Zulberti se articula en torno a la interacción entre un film original —que funciona como una extensa introducción— y la expansión de esa narrativa hacia el espacio escénico, donde los intérpretes transitan entre la proyección cinematográfica y la acción en vivo.

Tras su participación en la Bienal de Danza de Venecia en 2024 con el espectáculo Posguerra, Melisa Zulberti profundiza en la investigación sobre el cuerpo como territorio en disputa. En Sobrecarga, la artista explora cómo el cuerpo se convierte simultáneamente en escenario y vía de escape dentro de un paisaje de control, donde la fisura abre la posibilidad de resistencia. La obra plantea un orden que vigila y devora, situando al cuerpo como materia visible, disponible y exigida.

El elenco de Sobrecarga está integrado por Nora Koppel, Hernán González, Romina Alaniz, Marcelo Martínez y Alejandro Aguilar, con la participación especial de Damián Pleitto Castillo. La composición y la música en vivo están a cargo de Julián Tenembaum, quien acompaña la acción escénica y contribuye a la integración de los lenguajes artísticos.

La trayectoria de Melisa Zulberti se caracteriza por el cruce de disciplinas: su práctica abarca las artes visuales, el cuerpo, el cine, el diseño, la música y la tecnología. En sus obras, despliega estructuras cinéticas y dispositivos que expanden la relación entre acción y espacio. Su investigación se orienta a la función de los dispositivos y mecanismos escénicos como intérpretes activos, generando tensiones entre lo humano y las máquinas, lo íntimo y lo colectivo. A través del lenguaje cinematográfico y la performance, Zulberti indaga en la posibilidad de humanizar lo tecnológico y de abrir nuevas percepciones sobre el gesto y la memoria corporal.

Sobrecarga propone así una experiencia escénica donde la frontera entre disciplinas se diluye, invitando al espectador a sumergirse en un paisaje sensorial y conceptual que desafía las categorías tradicionales del arte en vivo.

[Fotos: Delfina Pignatiello; Prensa Teatro Colón/ Patricio Cortés]

Para celebrar la presencia en la Argentina de Jamie Dimon, su CEO global, el JP Morgan recibió en un exclusivo cóctel celebrado en un salón del Teatro Colón a empresarios, dirigentes políticos y otras personalidades de la Argentina y del exterior.

Junto a Dimon, estuvieron presentes el ex primer ministro del Reino Unido, Tony Blair; la ex secretaria de Estado de los Estados Unidos, Condoleezza Rice; el dueño de Mercado Libre, Marcos Galperín, el presidente del grupo IRSA, Eduardo Elsztain y el ex presidente Mauricio Macri, entre otros. También estuvo presente el empresario emiratí Khaldoon Al Mubarak, integrante del gobierno de su país.

La actividad se enmarca en el encuentro anual del organismo en Buenos Aires y que propiciará mañana un encuentro de Dimon con el presidente Javier Milei y el ministro de Economía, Luis Caputo.

Además de los mencionados, estuvieron presentes Vladimir Werning, vicepresidente del Banco Central, y José Luis Daza, secretario de Programación Económica, en representación del equipo económico del gobierno argentino.

Recibidos por el presidente de JP Morgan Argentina, Facundo Gómez Minujín, participaron autoridades de JP Morgan de toda la región como Daniel Pinto (VP), Andrés Errázuriz (Chile), Felipe García Moreno (México), Angela Hurtado (Colombia), Lisandro Miguens (Mercados de Capital de la región) y Cassiana Fernández (research Latam), entre otros.

Entre los empresarios invitados al ágape se destacaron Horacio Marín (YPF), Marcelo Mindlin (Pampa Energía), Alejandro y Marcos Bulgheroni (PAE), Mariano Bosch (Adecoagro), Guillermo Cerviño (Comafi), Hugo y Martín Eurnekian (Corporación América), Bernardo Andrews (Genneia), Martin Migoya (Globant), Armando Loson (Albanesi), Juan Pablo Bagó (Bagó), Eduardo Escasany (Galicia), Federico Braun (La Anónima), Manuel Santos Uribelarrea (MSU) y Pierpaolo Barbieri (Ualá).

También estuvieron invitados empresarios extranjeros, como Amin Nasser (Saudi Aramco); los brasileños Marcelo Noronha y Luiz Carlos Trabuco Cappi, CEO y presidente de Bradesco; Tarciana Medeiros, presidenta de Banco de Brasil; Guilherme Johannpeter (Gerdau); Carlos de Moraes Toledo Neto (Aurok); los chilenos Iván Arriagada (Antofagasta), Eduardo Chadwick, Bernardo Larraín (Colbún), Enrique Ostalé (Falabella); los mexicanos Jorge Rojas Mota Velasco, Luis Cervantes Legorreta (General Atlantic). También el panameño Stanley Motta (Copa) y el peruano Eduardo Hochschild ( Hochschild Mining).

Sobre Jamie Dimon

Dimon es una de las figuras más influyentes del sector financiero internacional. Nació en Nueva York en 1956 y estudió en la Universidad de Tufts y en la Harvard Business School. Inició su carrera en American Express y luego trabajó junto a Sandy Weill en Travelers Group y Citigroup. En 2004 asumió como director de Bank One, y tras la fusión con JPMorgan Chase en 2004, quedó a cargo de la entidad resultante. Desde 2005 es el CEO de JPMorgan Chase.

Durante la crisis financiera de 2008, Dimon gui​​ó al banco de una manera que le permitió sortear el colapso del mercado mejor que muchos de sus rivales, consolidando su reputación en Wall Street. Bajo su dirección, se expandió, integró operaciones tecnológicas y aumentó su rentabilidad.

Con información y fotos de NA

Alejo Pérez asumirá el cargo de Director Titular de la Orquesta Estable del Teatro Colón a partir de 2026, según anunciaron la ministra de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, Gabriela Ricardes, y el director general del teatro, Gerado Grieco. El director argentino, reconocido por su trayectoria internacional, dirigirá dos títulos de ópera y tres conciertos sinfónicos durante la temporada 2026.

La designación de Pérez representa un impulso para los músicos de la Orquesta y el público del Teatro Colón, consolidando el legado de excelencia artística que caracteriza a la institución. Su experiencia incluye seis años como director musical de la Flemish Opera en Bélgica, cargo que concluirá al finalizr 2025, y colaboraciones con orquestas como la del Maggio Musicale Fiorentino, la Orquesta Filarmónica de Radio France y la Orquesta de la Suisse Romande.

A lo largo de su carrera, Pérez ha dirigido en escenarios internacionales como la Wiener Staatsoper, la Semperoper Dresden, la Chicago Lyric Opera, la Ópera de Roma, el Teatro Real de Madrid y la Opera Bastille en París. Su repertorio abarca obras de Verdi, Mussorgsky, Wagner, Prokofiev, Debussy, Shostakovich, Mozart y Richard Strauss, entre otros.

En la temporada 2024/25, concluirá la trilogía de Guerra y Paz, Lady Macbeth del distrito de Mtsensk y Khovanshchina en el Grand Théâtre de Genève, además de regresar a la Tokyo Nikikai Opera y al Teatro Municipal de Santiago de Chile. Entre sus próximos compromisos en Flandes figuran nuevas producciones de Salomé y Wozzeck, así como conciertos de Norma.

Formado en composición, dirección y piano en Buenos Aires y Karlsruhe, trabajó como asistente de Peter Eötvös, Michael Gielen y Christoph von Dohnányi en la Orquesta Sinfónica de la NDR. En 2019, recibió el Premio Konex de Platino por sus logros artísticos.

Al referirse a su nombramiento, Pérez expresó: “Me une al Teatro Colón un sentimiento de pertenencia muy fuerte, y es un privilegio asumir este trabajo junto a la Orquesta Estable y ser parte de su rica historia. Honrado y ansioso de volver a hacer música con ellos, saludo con afecto a todo el personal del Teatro y su público”.

[Fotos: prensa Teatro Colón]

Pero apareció Jorge Codicimo, un estudiante de diseño gráfico de 23 años, y no le importó demasiado si la industria estaba lista para dar ese salto a la locura y junto a su amigo y compañero de carrera, Nicolás Bernaudo, metió un disco de rock dentro de una computadora. No solo había audio sino también imágenes, videos y secretos. Centrados en una pirámide, se podía explorar Desierto, el nuevo disco de Los 7 Delfines, como si fuera un videojuego místico.

Inspirado —y en parte legitimado— por el atrevimiento de David Bowie, que ya había lanzado un CD-ROM interactivo en el hemisferio norte, pensó: ¿Por qué no intentarlo acá? Y se lo propuso a Richard Coleman, quien le había encargado el arte de tapa del nuevo disco. “Podemos hacer que, además del disco, haya una tecnología que te permita mezclar datos y audio”, le dijo al músico. A los pocos días, ya estaban imaginando cómo convertir Desierto en el primer álbum de rock de América Latina en ese formato. Veinticinco años después, el mismo espíritu terminaría moldeando la estrategia digital del Teatro Colón durante la pandemia.

El delirio del CD-ROM y una pirámide en medio del desierto

A mediados de los 90, Jorge y Nicolás trabajaban con Los 7 Delfines y les habían encargado idear el arte de tapa. En ese momento, su camino se cruzó con la innovación de Bowie, y presentaron la idea a los músicos en los estudios de Del Cielito Récords, un lugar donde había algo más que humo de cigarrillos y el ruido de cintas adhesivas sujetando posters de bandas en las paredes. Allí se respiraba curiosidad, pero también algo de miedo ante cada avance tecnológico.

“Gustavo Gauvry, el dueño del sello, le tenía terror a mezclar un track de datos con el audio del CD... temía que se rompieran los equipos”, recuerda Codicimo sobre la primera reacción al plantear la idea de un material inédito. No era paranoia: “¡Imaginate lo que era la tecnología en ese entonces! La gente pensaba que si metías un CD-ROM en una compactera, se podía romper”, compara con aquellos años.

Ante esa duda, y sabiendo que no todos los fans contaban con una lectora adecuada, la solución fue casi salomónica: lanzaron dos versiones. Una con el formato moderno y el track de datos —que, según las reglas tecnológicas de entonces, debía ir como pista número uno— y otra versión tradicional, solo con el audio. Así no solo calmaron los temores, sino que generaron un impacto inesperado y la novedad tuvo una gran repercusión en la prensa.“Nos convertimos en los primeros en lanzar un CD-ROM de rock en América Latina”, recuerda Codicimo.

Así, Los 7 Delfines y su equipo gráfico lograron fusionar tecnología y música, transformando el disco Desierto en una experiencia casi mitológica por descubrir. Inspirados por el título, crearon una pirámide digital en la que los usuarios podían explorar videos ocultos de la banda, interactuar con elementos como instrumentos que sonaban al tocarlos, escuchar a los músicos contar detalles del disco, o incluso encender una radio para que sonara música. En una parte del recorrido, se encontraban unas radios donde al clickear se escuchaba a algunos conductores presentar los temas del disco, entre ellos Mario Pergolini, Juan Di Natale, Conrado Geiger. No fue todo: los fans podían leer las letras de canciones como Cábalas, Secreto y Flores negras.

Pero no todo fue entusiasmo. “Hasta ese momento, la tecnología y lo nerd no se llevaba bien con el rock”, recuerda Codicimo sobre las primeras impresiones tanto del público como de algunos músicos. El mismo líder de la banda no estuvo de acuerdo cuando le contaron la idea: “¿Es como un jueguito? ¿Y yo qué voy hacer?... ¿Voy a estar, así, moviendo una banderita?”, indagó desconcertado. Pero cuando supo que su ídolo David Bowie ya había experimentado en ese formato, se animó y entre resistencias y risas, el proyecto avanzó.

“Filmamos a los músicos contando algunas cositas del disco y estuvo muy bueno”, revive. Pero hacer todo eso en 1995 no fue tarea fácil: debían encontrar quién tuviera una placa capturadora de video (algo muy raro para el mercado argentino de entonces) y transformar el material grabado en un archivo compatible con las primeras computadoras multimedia.

Una vez logrado, el CD-ROM fue presentado en ferias de tecnología, donde se cruzaban diseñadores, melómanos y visionarios. También viajó con la banda a Colombia, cuando Los 7 Delfines tocaron en Rock al Parque, un festival masivo aún vigente. Pero esta vez no solo llevaban guitarras, también contaban la experiencia de haber lanzado un disco que se exploraba mientras se escuchaba. “Nosotros viajamos también para contar nuestra experiencia de llevar la música a un nuevo soporte”, recuerda Codicimo.

Aunque nunca fueron una banda que convocara a millones de fanáticos, sí tenían un público fiel. “Siempre fueron una banda de culto, como Coleman, que es músico super respetado en el mundo del rock, el público le tiene respeto, pero nunca fue mainstream”, explica Jorge. Tal vez eso les dio libertad para animarse a algo impensado en la industria.

Ahora, volviendo la vista atrás mientras repasa esa parte de su historia, asume: “Era como librar una batalla contra una tecnología que recién empezaba”. Y sí: lo hicieron desde Buenos Aires, sin banda ancha, sin placas integradas de audio, con más intuición que manuales, y con el vértigo de saltar al vacío. Todo era prueba y error, desde las capturadoras de video hasta las máquinas sin placa de sonido. Pero la voluntad de empujar los límites estaba ahí. “El aporte fue ese. Lograr unir el mundo del diseño, de la tecnología y la innovación sumado a la música, y lograr un producto que no fuera visto solamente por ‘la gente de las computadoras’, como les decían a los nerds”.

Lo que parecía una rareza de laboratorio terminó dejando una huella más profunda de lo que nadie imaginaba. Ese cruce entre lo técnico y lo emocional, lo digital y lo artístico, marcaría para siempre la carrera de Codicimo. Aunque entonces no lo sabía, la lógica de conectar mundos que parecían inconexos volvería a emerger muchos años después, en un escenario tan inesperado como simbólico: el Teatro Colón, en plena pandemia.

El mismo salto, en otra época

Para Jorge, la pandemia no fue solo una pausa en lo laboral: fue un déjà vu. El mismo vértigo que había sentido décadas atrás, al meter un disco de rock dentro de una computadora, volvió en 2020 con otros nombres, otras urgencias, pero el mismo motor: hacer que la tecnología y el arte dejen de ser mundos separados.

Esta vez, el objetivo era mucho más ambicioso: ayudar a digitalizar y sostener una de las instituciones culturales más importantes del país… con las puertas cerradas. Jorge no había dejado de innovar en esos 25 años. Desde los 18 trabajó en el ámbito de la cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, y entre 2016 y 2022 fue director de Comunicación Institucional del Teatro Colón. En paralelo, desde 2004 inició su carrera docente en la UBA, la Universidad de Palermo y la Escuela Superior de Creativos Publicitarios, donde sigue enseñando. Su recorrido construyó un perfil poco común, el de un diseñador con visión estratégica, sensibilidad artística y experiencia en políticas culturales.

“Me tocó ‘mudar’ el escenario del Colón al ámbito digital durante la pandemia”, dice, con una mezcla de vértigo y orgullo. El salto tecnológico fue radical: conciertos en streaming, recorridos interactivos por el edificio, contenidos pensados para redes sociales y YouTube. Pero más allá de la plataforma, lo que guiaba todo era esa misma convicción de los 90: contar historias, no solo mostrar archivos. “Lo que nosotros aprendimos en el mundo del rock era que no alcanza con poner una cámara y transmitir. Hay que emocionar, hay que generar experiencia”, explica. Y así como antes una pirámide digital escondía canciones, ahora era el propio Teatro el que se abría como un laberinto virtual para ser explorado desde las casas que se llamó Casas de Ôpera.

La experiencia fue tan potente que fue presentada por Codicimo en el Beijing Forum for Performing Arts de China, y luego reconocida como caso de buenas prácticas por Ópera Europa, la organización que nuclea a los teatros de ópera europeos, y también por OLA, su par latinoamericano. Lo que parecía una rareza de laboratorio noventoso se había transformado, con los años, en un modelo de referencia global.

Hoy, Jorge dirige su propio estudio, Random Bureau, una agencia boutique que trabaja con clientes tan diversos como entidades culturales, empresas de tecnología o la industria de la moda. “Random, como nuestra manera de ver el mundo: con cruces inesperados, pero siempre con narrativa”, resume. Y aunque los tiempos hayan cambiado, la idea sigue siendo la misma: contar historias en pantallas, con diseño, emoción y una buena dosis de riesgo creativo.

“Si te fijás, fue lo mismo. Hacer que lo digital no sea solo una réplica de lo físico, sino otra cosa, con su propia narrativa”, dice. Y ahí está, quizás, el verdadero legado de aquel delirio noventoso: haber sembrado una forma distinta de pensar la tecnología, no como herramienta, sino como aliada para contar, emocionar y crear.

El regreso de Marianela Núñez al escenario del Teatro Colón ha generado una notable expectativa entre los amantes de la danza, quienes aguardan con entusiasmo la interpretación de la primera bailarina del Royal Ballet de Londres en el papel principal de Onegin. Esta producción, que cuenta con la participación del austríaco Jakob Feyferlik, bailarín principal del Bayerisches Staatsballett de Múnich, tendrá una nueva función el domingo 12 de octubre a las 17:00.

La puesta en escena de Onegin por parte del Ballet del Teatro Colón, bajo la dirección artística de Julio Bocca, representa una confluencia de literatura, música y danza. La obra, estructurada en tres actos, se inspira en la novela Evgueni Onieguin de Alexander Pushkin y destaca por la intensidad de su desarrollo dramático y la profundidad psicológica de sus personajes, un rasgo poco frecuente en el repertorio académico del ballet.

La coreografía original de John Cranko, figura central del ballet británico del siglo XX, es objeto de una reposición a cargo de los maestros Agneta Valcu y Victor Valcu, quienes trabajan junto al elenco del Teatro Colón. La supervisión general de la producción recae en Reid Anderson, mientras que la Orquesta Estable acompaña la función bajo la batuta del director invitado Ermanno Florio.

El diseño escenográfico de Pier Luigi Samaritani, el vestuario de Roberta Guidi di Bagno y la iluminación de Rubén Conde contribuyen a la atmósfera de la obra, que se apoya en la música de Piotr Ilich Tchaikovsky. Los arreglos y la orquestación, realizados por Kurt-Heinz Stolze, adaptan la partitura para potenciar la expresividad de la coreografía.

La trama de Onegin explora los amores frustrados entre Tatiana, una joven que reside con su madre y su hermana en un entorno rural acomodado, y Onegin, un hombre de ciudad, sofisticado y cínico, que irrumpe en la vida de la familia y despierta en Tatiana un sentimiento no correspondido. El acercamiento inicial de Tatiana, expresado en una carta, recibe una respuesta fría y distante de Onegin, lo que marca el inicio de una serie de desencuentros.

Con el paso del tiempo, la dinámica entre los protagonistas se invierte, desembocando en un desenlace dramático. Entre los personajes secundarios, Lenski, poeta y amigo de Onegin, y Olga, hermana de Tatiana y prometida de Lenski, desempeñan roles fundamentales. La actitud coqueta e irresponsable de Olga precipita la tragedia que cierra el segundo acto: en un duelo a pistola, Onegin da muerte a Lenski. Finalmente, el príncipe Gremin, con quien Tatiana contrae matrimonio, aporta un matiz adicional a la compleja red de relaciones que define la obra.

Onegin se distingue no solo por la riqueza de su construcción dramática, sino también por la belleza de su coreografía y la complejidad de sus personajes, elementos que la convierten en una pieza singular dentro del repertorio del ballet clásico.

[Fotos: Carlos Villamayor-Juanjo Bruzza/prensa Teatro Colón]

La expectativa por la próxima presentación de Elīna Garanča en el Teatro Colón crece a medida que se acerca la fecha del concierto, programado para el lunes 20 de octubre a las 20:00. En esta ocasión, la reconocida mezzosoprano letona participará en el ciclo Aura, acompañada por el pianista Malcolm Martineau, y ofrecerá un repertorio que abarca algunos de los momentos más emblemáticos de la música vocal y la ópera internacional.

Formada en la Academia de Música de Letonia y originaria de Riga, Garanča ha consolidado una trayectoria que la sitúa entre las voces más influyentes de la escena lírica contemporánea. Su presencia en escenarios de referencia como The Metropolitan Opera, La Scala y la Royal Opera House ha sido constante, interpretando papeles centrales en producciones de gran envergadura. Entre los personajes que ha encarnado destacan Carmen, Dalila, Amneris y Kundry, figuras que han contribuido a cimentar su prestigio internacional. Su discografía, galardonada en diversas ocasiones, refleja la amplitud y profundidad de su interpretación artística.

El programa de la velada se estructura en dos partes y reúne obras de compositores fundamentales de los siglos XIX y XX. En la primera sección, el público podrá escuchar piezas de Johannes Brahms, como Liebestreu, op. 3, n.º 1, Geheimnis, op. 71, n.º 3, O wüßt’ ich doch den Weg zurück, op. 63, n.º 8 y Von ewiger Liebe, op. 43, n.º 1, todas ellas representativas del romanticismo alemán.

A continuación, se interpretará «D’amour, l’ardente flamme» de La damnation de Faust de Hector Berlioz, seguida de la Canción de cuna (Šūpuļdziesma, op. 8) de Jāzeps Vītols. El repertorio continúa con «Io son l’umile ancella» de Adriana Lecouvreur de Francesco Cilea, Sapņojums (Sueño) de Jāzeps Mediņš, y dos nuevas piezas de Vītols: Sapņu tālumā (En sueños distantes) y Man prātā stāv vēl klusā nakts (Aún recuerdo aquella silenciosa noche). La primera parte concluye con «Plus grand dans son obscurité» de La Reine de Saba de Charles Gounod.

La segunda parte del concierto incluye la célebre aria «Mon coeur s’ouvre à ta voix» de Samson et Dalila de Camille Saint-Saëns, así como cuatro canciones de Henri Duparc: Au pays où se fait la guerre, L’invitation au voyage, Extase y Phidylé. El pianista Malcolm Martineau interpretará en solitario «Clair de lune» de la Suite bergamasque de Claude Debussy. El programa prosigue con «Voi lo sapete, o mamma» de Cavalleria rusticana de Pietro Mascagni, y dos fragmentos de zarzuela: «Cuando está tan hondo» de El barquillero y «Carceleras» de Las hijas del Zebedeo, ambas de Ruperto Chapí y Lorente. El cierre estará a cargo de «Art is calling for me» de la ópera The Enchantress de Victor Herbert.

Las entradas para este evento ya están disponibles y pueden adquirirse a través de la página web oficial del Teatro Colón (www.teatrocolon.org.ar). También es posible comprarlas de manera presencial en la boletería del teatro, ubicada en Tucumán 1171, de lunes a sábados entre las 9:00 y las 20:00, y los domingos de 9:00 a 17:00.

Héctor Basaldúa fue uno de los artistas argentinos más influyentes del siglo XX a partir de una trayectoria que abarcó la pintura, la escenografía y la ilustración, y que lo llevó a recibir distinciones en Europa y América.

Su obra, caracterizada por una constante renovación estilística y una profunda conexión con la tradición y la modernidad, dejó una huella indeleble en la escena artística de Argentina y del exterior. Hoy, se cumplen 130 años de su nacimiento. Algunas líneas para recorrer su vida y legado:

Basaldúa (Pergamino, 1895 - Buenos Aires, 1976) inició su formación artística en la Academia Bolognini y luego en la Academia Nacional de Bellas Artes, donde obtuvo el título de Profesor de Dibujo en 1923 y tuvo como compañeros a Alfredo Bigatti, Spilimbergo, Pedro Domínguez Neira y Enrique de Larrañaga.

Ese mismo año, una beca otorgada por el gobierno de la provincia de Buenos Aires le permitió viajar a Europa, donde se sumergió en el ambiente artístico de París. Allí, comenzaría su verdadera carrera.

En la ciudad de las luces estudió en la Academia Colarossi bajo la tutela de Charles Guérin, y completó su aprendizaje en los talleres de André Lhote, maestro de maestros, y Othon Triesz.

Durante su estancia, estableció vínculos con otros argentinos como Antonio Berni, Lino Enea Spilimbergo, Raquel Forner y Aquiles Badi, conformando el famoso Grupo de París, que impulsó una renovación de los lenguajes artísticos en Argentina.

Aunque su paso por París coincidió con el auge de movimientos vanguardistas como el cubismo y el expresionismo, se inclinó por una estética más cercana al impresionismo y al postimpresionismo. Sus obras, como Calle (1914) y Aldeana con Mandolina (1927), esta última realizada en París y considerada su pieza más emblemática, se distinguen por el uso de colores vivos, la violencia en las formas y la representación de paisajes, escenas urbanas y retratos con un enfoque desfigurado.

Muchos críticos lo ubicaron dentro de la escuela postimpresionista, aunque su estilo incorporó también elementos fauves y expresionistas, especialmente tras la influencia de la llamada “vuelta al orden” en Europa durante los años veinte.

La actividad expositiva de Basaldúa fue intensa desde sus primeros años en Europa. En 1923 realizó su primera muestra en París junto a otros jóvenes argentinos, y en 1925 participó en el Salón de Otoño.

Luego, sus obras se exhibieron en la Exposición Independiente de 1928, en el Salón de las Naturalezas Muertas y las Figuras de 1929 y en una Exposición Internacional en Nueva York ese mismo año.

Permaneció en Francia hasta 1930, cuando regresó a Buenos Aires y tuvo su primera individual en la mítica sala Amigos del Arte de la calle Florida. Su obra Expresso Villalonga (El Calle), realizada en 1937, forma parte de la colección del MoMA de Nueva York.

La obra de Basaldúa, junto a la de otros integrantes del Grupo, introdujo una visión renovadora en el ambiente artístico argentino, hasta entonces dominado por una estética académica.

Entre las actividades que marcaron su proyección pública, destaca su participación en 1940 en el ciclo El arte en la calle organizado por la tienda departamental Harrods en Buenos Aires, donde diseñó vidrieras junto a figuras como Juan Batlle Planas, Juan Carlos Castagnino, Emilio Pettoruti y Pablo Curatella Manes. Esta iniciativa propició un diálogo entre arte, moda y consumo, y se mantuvo vigente durante dos décadas.

Por otro lado, a partir de su regreso, la escenografía adquirió un papel central en su carrera: entre 1932 y 1950, y nuevamente entre 1956 y 1959, se desempeñó como Director Escenógrafo del Teatro Colón, donde realizó la escenografía de la mayoría de las óperas y ballets presentados en ese período.

En 1935, fue reconocido con la Medalla de Oro en la Exposición Internacional de Arte Decorativo de París y con el Premio Municipal de Pintura en 1937. La Comisión Nacional de Cultura le otorgó becas para perfeccionarse en escenografía y técnica teatral en Alemania, Francia e Italia, y en 1946 viajó a Estados Unidos invitado por el Departamento de Estado para profundizar sus conocimientos en la materia.

A partir de 1953, su paleta experimentó un giro hacia los valores de negros, grises y blancos, logrando composiciones sintéticas y climas fantasmales, aunque el color recobró protagonismo en su producción a comienzos de los años sesenta.

Su versatilidad se manifestó también en su trabajo como ilustrador. Colaboró en ediciones de obras literarias de autores como Jorge Luis Borges, Manuel Mujica Láinez, Silvina Ocampo, Ricardo Güiraldes, Francisco Luis Bernárdez, Estanislao del Campo y Adolfo Bioy Casares.

Además, publicó dos libros propios: Escenografías de Héctor Basaldúa y Litografías, este último con textos de Borges. En 1932 ilustró el Fausto editado por los Amigos del Arte de Buenos Aires y, hacia 1930, realizó ilustraciones para Los consejos del Viejo Vizcacha, inspiradas en el personaje del Martín Fierro.

La fusión entre cine y música contemporánea alcanzará un nuevo hito con el estreno latinoamericano de la ópera-film que Philip Glass compuso en 1994 sobre la legendaria película La Bella y la Bestia de Jean Cocteau. El evento, programado para este viernes 19 de septiembre a las 20 horas, reunirá en la sala principal del Teatro Colón a un elenco de destacados cantantes líricos y al Ensamble ArtHaus, que interpretarán la partitura en vivo mientras se proyecta la célebre obra cinematográfica de 1946.

La propuesta, impulsada por El Colón Contemporáneo y el Ensamble ArtHaus, representa una experiencia escénica singular: la música de Glass, caracterizada por sus “estructuras repetitivas” y su inconfundible sello minimalista, dialogará en tiempo real con las imágenes oníricas y simbólicas de Cocteau.

El reparto estará encabezado por Jaquelina Livieri en el papel de La Bella, Víctor Torres como La Bestia y Avenant, Constanza Díaz Falú como Félicie, Daniela Prado como Adélaïde, Alejandro Spies en los roles de Ludovic y el Oficial del Puerto, y Gustavo Gibert como El Padre y El Usurero. La dirección musical estará a cargo de Pablo Druker.

El Ensamble ArtHaus, creado a finales de 2022 como parte de Arthaus Central, se ha consolidado como un referente en la interpretación de música experimental del siglo XX y XXI. Integrado por solistas de alto nivel, el grupo se presenta por segundo año consecutivo en el Teatro Colón dentro del ciclo Colón Contemporáneo, esta vez con una formación instrumental expandida que suma 27 músicos.

Desde su fundación en 2011 bajo la dirección de Martín Bauer, el Colón Contemporáneo ha renovado la programación de la sala principal del Teatro Colón con estrenos de música, cine con música en vivo, ópera y arte sonoro, posicionándose entre los principales programas de música contemporánea de Latinoamérica. El ciclo ha sido clave para acercar al público local propuestas innovadoras y espectáculos de vanguardia.

La película La Bella y la Bestia, dirigida por Jean Cocteau en 1946, es considerada una joya del cine fantástico y un hito en la integración de mitos clásicos con experiencias personales. Cocteau (1889–1963), figura central de la vanguardia francesa, destacó como poeta, novelista, dramaturgo, pintor, cineasta y diseñador.

Su obra, de fuerte impronta simbólica y surrealista, incluyó colaboraciones con artistas como Picasso, Satie y Stravinsky, y abordó temas como la homosexualidad y la adicción al opio. Entre sus creaciones más influyentes se encuentran la novela Los niños terribles (1929), la obra teatral La voz humana (1930) y películas como La sangre de un poeta (1932) y Orfeo (1949).

Por su parte, Philip Glass (nacido en 1937, hoy tiene 88 años) es uno de los compositores estadounidenses más influyentes de las últimas décadas. Aunque frecuentemente vinculado al minimalismo, él mismo define su música como basada en “estructuras repetitivas”.

A lo largo de su carrera ha compuesto óperas como Einstein On The Beach (1976) y Akhenaton (1984), sinfonías, obras de cámara y música para teatro y cine, obteniendo nominaciones al Óscar. Fundador del Philip Glass Ensemble a finales de los años 60, su disco Glassworks (1981) y sus colaboraciones con figuras como Ravi Shankar, David Bowie, Brian Eno y Aphex Twin han contribuido a borrar las fronteras entre la música pop y la académica.

El legado de Máximo Parpagnoli se mantiene vivo en cada imagen que capturó a lo largo de más de cuarenta años en el Teatro Colón, institución que lamentó profundamente su fallecimiento a través de un comunicado en donde lo destaca como “fotógrafo y artista incansable que supo captar con su estilo único la vida artística de nuestra casa”.

Nacido en Tucumán en 1958, Parpagnoli inició su formación en fotografía desde 1969, lo que sentó las bases de una carrera dedicada a documentar la vida artística. Su vínculo con el Teatro Colón comenzó en 1984, cuando ingresó como fotógrafo, y fue ratificado en el cargo por concurso en 1988. En 2013, volvió a obtener por concurso la posición de Supervisor en Fotografía, función que desempeñó hasta 2023.

La obra de Parpagnoli trascendió los límites del teatro y se difundió en publicaciones especializadas en lírica y ballet, como Revista del Teatro Colón, Revista Clásica, Balletin Dance, Música Hoy, Correo Musical Argentino, Cantábile, L’Avant Scène Opera, Opera Magazine y Música Clásica BA, entre otras. Sus imágenes ilustraron libros, folletos, afiches, almanaques, avisos publicitarios y programas de mano del propio Teatro Colón.

En 2019, el Teatro Colón editó un libro fotográfico titulado Arnaldo y Máximo, fotógrafos del Teatro Colón, que reúne imágenes de su autoría y de Arnaldo Colombaroli. Este año, su trabajo también integra la publicación conmemorativa Cien años de los elencos estables del Teatro Colón, dedicada al legado artístico del Ballet, el Coro y la Orquesta Estable.

Entre las exposiciones individuales más destacadas de Parpagnoli figuran Fotografías del Teatro Colón (Universidad de Santiago de Chile, 2006) y Dos décadas en el Colón (Museo de Arte Contemporáneo de Salta, 2007). Su excelencia fue reconocida internacionalmente al recibir el premio internacional 35 awards, que lo posicionó entre los cien mejores fotógrafos de Argentina.

Según fue comunicado, el último adiós a Máximo Parpagnoli se realiza el domingo 14 de septiembre a las 10 de la mañana en la capilla del Cementerio de Chacarita.

La Orquesta Filarmónica de Qatar realizará su debut en el Teatro Colón de la Ciudad de Buenos Aires el 17 de septiembre de 2025, en el marco del Año de Cultura Qatar-Argentina 2025. El concierto forma parte de una gira organizada junto al Ministerio de Cultura del Gobierno porteño y, como anticipo, tendrá una primera función en el Centro Nacional de Convenciones de Qatar el 14 de septiembre.

La visita al Teatro Colón representa la primera gira sudamericana de la orquesta. El repertorio incluirá obras de compositores de ambos países, con la participación de más de 70 músicos bajo la dirección de Enrique Arturo Diemecke, cuya trayectoria lo vincula con el Colón, donde fue director general artístico entre 2017 y 2022.

El programa prevé la presencia del bandoneonista argentino Víctor Hugo Villena, quien interpretará Concierto para Bandoneón: “Aconcagua” de Astor Piazzolla. Entre las piezas seleccionadas figuran la Obertura Tanguera de Esteban Benzecry, Polaris and Borealis de Dana Al Fardan, Variaciones Concertantes de Alberto Ginastera y Four Seasons & Spirit of Maqam, compuesta por Nasser Sahim, Subdirector Ejecutivo de la Filarmónica y reconocido investigador musical.

De acuerdo con los organizadores, el concierto busca construir un puente cultural y compartir el legado musical de Oriente Medio y Sudamérica. La Orquesta Filarmónica de Qatar, creada en 2007 por la jequesa Moza bint Nasser, cuenta con músicos de 28 países y antecedentes en formaciones como la Filarmónica de Nueva York y la Sinfonía de la BBC. La agrupación se ha presentado en escenarios internacionales, entre ellos La Scala y el Royal Albert Hall.

El acceso a las funciones será gratuito. La visita y el programa en Buenos Aires se enmarcan en los lineamientos de la iniciativa Años de Cultura, que organiza anualmente intercambios culturales entre Qatar y diversos países, bajo la dirección de Al Mayassa bint Hamad bin Khalifa Al Thani.

El proyecto cuenta con la participación de instituciones y embajadas, y busca promover el diálogo y el conocimiento entre comunidades, a través de propuestas artísticas, exposiciones y actividades orientadas al patrimonio y las industrias creativas. La edición Qatar-Argentina se suma a las colaboraciones impulsadas anteriormente con Japón, Brasil, Turquía, China, Alemania, Rusia, India, Francia, Estados Unidos, Indonesia y Marruecos.

Fotos: Archivo.

El fallecimiento de Guillermo Brizzio marca el cierre de una trayectoria que dejó huella en la vida musical de Argentina y en escenarios internacionales. Reconocido por su versatilidad y compromiso, Brizzio asumió responsabilidades de relevancia en instituciones culturales de primer nivel, consolidando una carrera que abarcó desde la dirección artística hasta la formación de nuevas generaciones de músicos.

A lo largo de su vida profesional, Brizzio ocupó cargos de dirección en organismos emblemáticos. Entre 1977 y 1979, fue director de estudios del Teatro Argentino de La Plata, y posteriormente, entre 1980 y 1985, se desempeñó como director titular de la Orquesta Sinfónica de Bahía Blanca. Su experiencia internacional se enriqueció al ejercer como asistente musical de la Fundación Teresa Carreño de Caracas en los años 1980, 1981 y 1983. Más adelante, asumió la dirección musical y artística de la Orquesta Estable del Teatro San Martín de Tucumán en los períodos 1987, 1989 y 1990.

La gestión artística de Brizzio se extendió también al Teatro Argentino de La Plata, donde fue director artístico en dos etapas, 1985-1986 y 1992-1993, y lideró la Ópera Estudio de la misma institución. Su vínculo con el Teatro Colón de Buenos Aires resultó especialmente significativo: integró el elenco de maestros desde 1990 y, entre 2005 y 2007, ejerció como director de estudios, además de dirigir la ópera de cámara y formar parte del cuerpo de maestros internos.

Su formación y perfeccionamiento internacional incluyeron una invitación de la Dirección General de Relaciones Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores de Francia y el Mozarteum Argentino para estudiar el funcionamiento de los teatros líricos de París, Avignon y Marsella durante 1982 y 1983. En 1997, el Theater & Philharmonie Essen de Alemania y el Aalto Theater lo convocaron, iniciando así una colaboración que se mantuvo en las temporadas de ópera de esas instituciones.

En el ámbito de la ópera, fue designado en 2002 como director musical de la Ópera de Cámara del Teatro Colón de Buenos Aires, donde dirigió L’occasione fà il ladro de Rossini en 2002 y el estreno de El emperador de la Atlántida de Ullmann en 2003. Su labor con la asociación Buenos Aires Lírica incluyó la dirección de Macbeth de Verdi en 2004, Der Freischütz de Weber, Le nozze di Figaro en 2005, Faust en 2006, El holandés errante en 2007, L’italiana in Algeri en 2008 e I Puritani en 2009.

La mezzosoprano rusa Aigul Akhmetshina, identificada por la prensa anglosajona como “la nueva Anna Netrebko” debutará en el Teatro Colón el domingo 14 de septiembre junto al pianista británico Jonathan Papp, dentro del Ciclo Aura, una coproducción entre la sala lírica porteña, Mama Hungara Live y Elisa Wagner ICP, que contempla una serie de recitales enfocados en la lírica internacional.

Aigul Akhmetshina, nacida en Rusia y con gran notoriedad en las principales casas de ópera del mundo, interpretará un programa que abarca obras de Rossini, Donizetti, Saint-Saëns, Cilea y Bizet, entre otros autores. La primera parte de su recital incluye arias del repertorio lírico, como fragmentos de Il barbiere di Siviglia (El barbero de Sevilla), Adriana Lecouvreur y Carmen, piezas que conforman clásicos del género.

La segunda mitad del evento contará con piezas de Rajmáninov, Mark Minkov, Dénes Buday y el estreno mundial de “Mujer fatal”, compuesta por Elena Roussanova. Además, el programa incorpora temas del repertorio latinoamericano como “La rosa y el sauce” de Guastavino, tangos de Gardel y la canción “Granada” de Agustín Lara.

Aigul Akhmetshina inició su carrera internacional tras su debut como Carmen en la Royal Opera House a los 21 años y ha recibido el Gran Premio en el Concurso Internacional Hans Gabor Belvedere, además del International Opera Award. Entre sus presentaciones recientes y futuras, se encuentran producciones en la Wiener Staatsoper, el Teatro di San Carlo, la Metropolitan Opera y la Deutsche Oper Berlin. Ha interpretado roles como Charlotte en Werther, Rosina en Il barbiere di Siviglia y Adalgisa en Norma, entre otros.

El pianista Jonathan Papp, a cargo del acompañamiento de la mezzosoprano, posee formación en la Royal Academy of Music y trayectoria como coach vocal junto a intérpretes reconocidos. Ha actuado en el Wigmore Hall, la Ópera de Sídney y en festivales internacionales. Se desempeña como fundador y director artístico de la Georg Solti Accademia en Italia y director musical del Estudio de Ópera Mascarade en Florencia.

El Ciclo Aura continuará el 20 de octubre con la presentación de la mezzosoprano Elīna Garanča y el pianista Malcolm Martineau. Reconocida por su técnica y profundidad interpretativa, Garanča regresará al Teatro Colón después de su paso en 2019. El concierto final tendrá lugar el 3 de diciembre, con la soprano Nadine Sierra como protagonista y el pianista Bryan Wagorn. Sierra, quien debutó en ese escenario en 2022, compartirá un repertorio de arias y canciones populares junto al pianista canadiense.

Programa:

Giaochino Rossini (1792 – 1868)

Una voce poco fa (Il barbiere di Siviglia)

Francesco Cilea (1866 - 1950)

Acerba voluttà (Adriana Lecouvreur)

Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840 – 1893)

Aria de Olga (Eugene Onegin)

Aria de Polina (La dama de picas)

Camille Saint-Saëns (1835 – 1921)

Mon coeur s’ouvre a ta voix (Samson et Dalila)

Jules Massenet (1842 – 1912)

Va! Laisse couler mes Larmes (Werther)

Georges Bizet (1838 – 1875)

Habanera (Carmen)

Seguidilla (Carmen)

Intervalo

Serguéi Rajmáninov (1873 – 1943)

Не Пой Красавица При Мне (No me cantes, mi bella)

Здесь хорошо” (¡Qué justo este lugar!)

Mark Minkov (1944 – 2012)

Пейзаж (Paisaje)

Dénes Buday (1890 – 1963)

Букет Цветов Из Ниццы (Flores de Niza)

Elena Roussanova (1974 - )

Mujer fatal (World premiere)

Carlos Guastavino (1912 – 2000)

La rosa y el sauce

Carlos Gardel (1883 – 1935)

Por una cabeza

El día que me quieras

Agustín Lara (1897 – 1970)

Granada

[Fotos: Gentileza prensa Ciclo Aura]

La iniciativa de Bocca se difundió el viernes 29 de agosto a través de un video en el que explica que, tras una conversación con Núñez, ella le habría puesto como condición para su regreso la obtención de ese millón de seguidores en la plataforma.

El propio artista expresó: “Marianela me dijo que si llego al millón de seguidores en Instagram, vuelve a bailar en la Argentina”. Este desafío, que combina el alcance de las redes sociales con el deseo de ver a una de las figuras más destacadas del ballet internacional en su tierra natal, rápidamente captó la atención de la comunidad artística y del público general.

Esta semana, desde Viena, Bocca subió otro video -esta vez en compañía de su compañera de toda la vida, Alessandra Ferri- para anunciar que la cuenta había llegado a los 125 mil seguidores y que estaba “más cerca de Londres” para “convencer” a Marianela.

La bailarina, que desde hace años reside en el Reino Unido y es una de las principales figuras del Royal Ballet, mantiene una relación cercana con Bocca, quien ha sido una referencia fundamental en su carrera. El regreso de Núñez a los escenarios argentinos es un anhelo compartido por el público y por la comunidad de la danza, que reconoce en ella a una de las exponentes más sobresalientes del ballet clásico a nivel mundial.

El desafío planteado por Bocca no solo pone de manifiesto el poder de convocatoria de las redes sociales, sino que también evidencia el impacto que una figura como Núñez tiene en el imaginario cultural argentino. La posibilidad de verla nuevamente en el país depende ahora de la respuesta del público y de la capacidad de movilización digital que logre la campaña.

El Teatro Colón vivió una jornada inusual al recibir a una multitud de jóvenes menores de 30 años que agotaron las entradas para una función exclusiva de la ópera Werther.

La convocatoria, que ofreció localidades a un precio único de 30 mil pesos, logró que la sala se colmara de una energía renovada, distinta a la habitual, y marcó un hito en la apertura del coliseo a nuevas generaciones.

La experiencia no se limitó a la representación de la ópera. Una hora antes del inicio, los asistentes participaron en una charla abierta que abordó aspectos musicales, escénicos y dramatúrgicos, facilitando el acceso al universo de Werther.

Esta obra, que regresó al escenario del Colón tras una década de ausencia, contó con la dirección musical de Ramón Tebar al frente de la Orquesta Estable y la puesta en escena de Rubén Szuchmacher.

La función se inscribió en una serie de acciones orientadas a acercar el arte lírico a públicos jóvenes, permitiendo que los asistentes vivieran la ópera como una experiencia colectiva y personal.

El Teatro Colón reafirma así su compromiso de invitar a las nuevas generaciones a apropiarse del arte y experimentarlo de manera transformadora en el espacio más emblemático del país.

Werther, considerada la obra maestra y más íntima de Jules Massenet, se basa en la novela epistolar Las penas del joven Werther de Johann Wolfgang von Goethe. El libreto, escrito en francés por Édouard Blau, Paul Milliet y Georges Hartmann, acompaña una partitura que explora el universo literario del movimiento Sturm und Drang.

La ópera, estrenada originalmente en alemán el 16 de febrero de 1892 en Viena, en el Teatro Imperial Hofoper, ha sido reconocida como una de las piezas más influyentes del repertorio lírico francés.

[Fotos: Juanjo Bruzza/prensa Teatro Colón]

La ópera experimental OOO, concebida por el músico argentino Valentín Pelisch junto a la artista francesa Emma Terno, propone un escenario donde la humanidad ha desaparecido y solo quedan plantas, inteligencias artificiales y objetos para interactuar en un mundo suspendido. En este impactante espectáculo audiovisual, la ausencia de seres humanos da lugar a una serie de entidades que exploran su propia existencia y buscan sentido en un presente desprovisto de guías tradicionales. Se presenta el miércoles 3, jueves 4, viernes 5, sábado 6, martes 9 y miércoles 10 de septiembre a las 20:30, y el domingo 7 de septiembre a las 18 hs. en el Centro de Experimentación del Teatro Colón (Tucumán 1168).

La obra se inspira en una larga tradición cinematográfica que ha explorado la autonomía de las máquinas, desde el androide rebelde de Metrópolis (1927) hasta la computadora HAL 9000 de 2001: odisea del espacio (1968), pasando por el robot militar Johnny 5 de Short Circuit (1986) y el icónico Terminator (1984). Incluso en registros más amables, como el de Wall-E (2008), la narrativa de la máquina que lucha por sobrevivir de manera independiente se mantiene vigente. Todos estos referentes estuvieron presentes en la mente de Pelisch al momento de crear la obra.

El título de la obra, OOO, responde a la sigla de “ontología orientada a los objetos”, una corriente filosófica que, según explica Pelisch, “se pregunta por la existencia autónoma de los objetos. Parte de la idea de que todo es objeto e investiga su esencia y sus posibles agrupamientos. También dice que las cosas no se definen solo por su funcionalidad y pueden ser pensadas como entidades con capacidades propias para interactuar”. El músico menciona además el libro Materia vibrante de Jane Bennett, donde la autora “propone también que los objetos tienen la capacidad de actuar y causar efectos a partir de su vibración interna”.

La génesis de OOO se remonta a una experiencia previa de Pelisch junto a Ariel Farace en la ópera muda post-humana Meine (presentada en el Festival Nueva Ópera 2022), donde cuatro criaturas sobrevivientes recorrían un living intentando comprender a los humanos a través de la reinterpretación de sus objetos cotidianos. A partir de ese antecedente y de nuevas hipótesis sobre la autonomía de los objetos, Pelisch y Terno decidieron crear una obra en la que una nueva serie de entes interactúa sin intervención humana. La acción transcurre en un sótano abandonado, el CETC, en un estado de suspensión temporal donde los cuerpos olvidados desconocen cómo comportarse en un presente sin humanos.

La escenografía de OOO representa una colección de residuos históricos de la humanidad. Además de la planta y la inteligencia artificial, aparecen artefactos obsoletos como cuatro autómatas sonoros —un ensamble instrumental compuesto por saxo barítono, viola, chelo y clarinete bajo—, televisores antiguos, herramientas en desuso, una tiorba barroca que simboliza pensamientos filosóficos y dos crash test dummies (maniquíes utilizados en pruebas de accidentes de tránsito), interpretados por Emma Terno y Manuel Atwell.

La interacción entre la planta y la inteligencia artificial se construye a partir de una voz en off que expresa los recuerdos y pensamientos existenciales de la planta, mientras que la IA se comunica mediante textos en pantalla, a modo de subtítulos o zócalos informativos. La planta reflexiona en soledad hasta que irrumpe el bot, iniciando un diálogo que articula la aparición de otros personajes a lo largo de distintos episodios.

El componente sonoro es central en OOO. La música se presenta de manera fragmentada, como si fueran piezas desvinculadas de obras que se desintegraron con el tiempo y cuyos fragmentos flotan sin contexto. La tiorba, interpretada por Laura Fainstein, tiene un momento destacado en el que ejecuta un pequeño concierto dentro de la obra.

[Fotos: Prensa Teatro Colón/ Lucía Rivero]

El sábado 9 de agosto de 2025 la Filarmónica de Buenos Aires fue dirigida por Srba Dinic e interpretaron en la primera parte, la Obertura Coriolano, op. 62 y la Sinfonía n.º 8 en la mayor, op. 93, ambas de Ludwig van Beethoven (1770-1827); en la segunda, de Sergei Rachmaninov (1873-1943), el Concierto para piano y orquesta n.º 2 en do menor, op. 18. El pianista fue Nicolai Lugansky y el concierto tuvo lugar en el Teatro Colón de Buenos Aires.

La Obertura Coriolano, Ouvertüre zu Coriolan (original en alemán), fue compuesta por Beethoven como introducción musical a una tragedia del jurista y poeta alemán Heinrich Joseph von Collin, secretario áulico del emperador de Austria. Trata del líder romano Cayo Marcio Coriolano. Se estrenó en marzo de 1807 en un concierto privado que tuvo lugar en la casa del príncipe Joseph Franz von Lobkowitz. La obra de Collin había sido dada a conocer en 1802. Se la revivió para una sola representación en abril de 1807. El propio Beethoven dirigió el estreno en el palacio del príncipe Lobkowicz, en la ciudad de Viena. El primer tema caracteriza el alma orgullosa y ruda de Coriolano. Es en do menor, tonalidad que el gran compositor alemán frecuenta para descripciones épicas, poderosas y a veces tempestuosas. El segundo motivo se vincula más con la ternura femenina, la conmiseración. La suavidad de este tema, que se ejecuta en otra tonalidad, es un lado más humano, tal vez un ruego orientado a no invadir Roma. Esta suerte de contradicción en el desarrollo queda bien expresada y concluye con el “renunciamiento” de Cayo Marcio Coriolano que es vencido por su destino y se suicida, lo cual está simbolizado con cuerdas, pitzicatos y silencios.

“El primer tema caracteriza el alma orgullosa y ruda de Coriolano.”

Beethoven elaboró la Sinfonía n.º 8 (de las 9 que compuso) entre la primavera de 1812 y abril de 1813. De acuerdo a los borradores del Cuaderno de bocetos Petters, fue concebida como un concierto para piano. Luego, evidentemente cambió de idea; en octubre de 1812 empezó a escribir la partitura definitiva. Lo cierto es que en marzo de 1813 ofreció dos sinfonías completamente nuevas (Sinfonía n.º 7 y n.º 8) a Joseph von Varena, organizador de conciertos. La primera edición fue publicada en diciembre de 1816 en Viena.

Es la única sinfonía del compositor que no incluye un movimiento adagio, lo que confirma su fama de obra ligera porque dicho movimiento es sustituido por un allegretto scherzando fantasioso y cómico. Por otra parte, este movimiento tiene como tema un canon compuesto tiempo antes por Beethoven para el cumpleaños de su amigo Johann N. Mælzel (inventor del metrónomo). También luce creatividad en el final del primer movimiento con el repentino corte del tema central. Existe ese scherzo en la repetición de las notas en el segundo movimiento hasta el final. Chaikovski dijo que el mismo era “una de las más grandes obras maestras sinfónicas de Beethoven”. La sinfonía termina con un pasaje muy largo de fuerte armonía tónica. El final es “prodigioso, una de las páginas más atrevidas de Beethoven”, recuerda Igor Markevitch.

El Concierto para piano n.º 2, Op. 18 en do menor de Rachmaninov fue compuesto entre 1900 y abril de 1901, estrenado con su autor como solista y con la batuta de su primo Aleksander Ziloti el 27 de octubre de 1901. Desde entonces, el éxito la acompañó hasta nuestros días. Las duras críticas recibidas tras el estreno de su Sinfonía n.º 1 en 1897 —aunque hoy es reconocida como una obra destacada— sumió a nuestro autor en una depresión que duró algunos años. Su segundo concierto para piano puso en claro que ya había superado ese trance. La obra fue dedicada a su médico, Nikolái Dahl, que ayudó a recuperar confianza en su pluma musical.

“Su segundo concierto para piano puso en claro que ya había superado ese trance.”

El movimiento inicial (Moderato) empieza con una serie de acordes en el piano como si fueran campanas y tras ello, el primer tema. La orquesta interpreta una melodía de estilo ruso mientras que el piano acompaña con arpegios. Le sigue el segundo tema en mi bemol mayor, más lírico. Con motivos de ambos temas cambiando la tonalidad y pasa a varios instrumentos mientras una nueva idea musical se va gestando lentamente. La música alcanza un clímax con una nueva idea musical. Mientras la orquesta repite de nuevo el primer tema el piano, que al principio acompañaba, ahora interpreta frases de estilo semejante al de una marcha (que ya había sido presentado a medias en el desarrollo). El resto de la recapitulación es bastante literal. El segundo (Adagio sostenuto) empieza con una serie de acordes lentos a cargo de las cuerdas que terminan en mi mayor. El piano realiza un tema arpegiado, sigue la flauta que luego vuelve al piano y otros instrumentos, le sigue un corto clímax en manos del solista; se repite el motivo principal y la música parece evaporarse. El tercer movimiento (Allegro scherzando) realiza una breve introducción orquestal y da paso al piano solo que se ocupa de desplegar el primer y agitado tema. El oboe y las violas introducen un motivo de gran lirismo que deja atrás aquella sonoridad y reaparece el tema abordado en el primer movimiento. Tras un largo periodo de desarrollo la tensión crece. El compositor recupera el segundo tema con una gran orquestación y sonoridad ahora, llegando a una breve coda que pone fin al concierto de modo magistral.

La batuta estuvo en manos de Srba Dinic, nacido en Serbia, quien se graduó como director de orquesta en la Academia de Música de Belgrado y desde 2017 es director general de música de la Orquesta del Teatro Estatal de Braunschweig. Ha sido director musical de la Ópera de Berna, también de la Orquesta del Palacio de Bellas Artes de México, de la Orquesta de Cámara de Belgrado St George Strings; estuvo al frente de la Orquesta de Múnich, Hamburgo, Basilea, Shanghái, entre muchas otras. Su lenguaje en la conducción fue pulido. Se ocupó en detalle de la entrada de los instrumentos y enfatizó desde lo lírico hasta lo épico haciendo notar cuál era el concepto de cada frase.

La orquesta puso de relieve su habitual nivel técnico, conocimiento profundo de las obras y plasticidad.

De Nikolai Lugansky, que estuvo a cargo del piano, recordemos que ha trabajado con las principales orquestas internacionales como la Filarmónica de Berlín, Países Bajos, Radio Francia y Oslo, entre muchas otras. Con relación a la música de cámara, trabajó con Mischa Maisky, Vadim Repin y otros. Realizó sus estudios en la Escuela Central de Música y en el Conservatorio de Moscú.

“Nikolai Lugansky estuvo a la altura de las exigencias; es un especialista en este compositor, lució con soltura, tuvo el temperamento que la obra reclama y la imprescindible técnica.”

Rachmaninov, además de haber compuesto obras inmortales, era un virtuoso pianista. El concierto que tratamos fue compuesto para pianistas de análogo calibre. Nikolai Lugansky estuvo a la altura de las exigencias; es un especialista en este compositor, lució con soltura, tuvo el temperamento que la obra reclama y la imprescindible técnica; demostró solvencia en todo el decurso de la obra abordando con naturalidad los pasajes más exigentes.

Síntesis, muy buen concierto resultado de dos grandes compositores en excelentes manos.

El Teatro Colón presenta una nueva producción de Werther, la ópera de Jules Massenet, con dirección musical de Ramón Tebar y puesta en escena de Rubén Szuchmacher. El estreno será el domingo 24 de agosto a las 17, y marcará el regreso de esta obra al escenario porteño después de diez años.

El ciclo de funciones se extenderá hasta el miércoles 3 de septiembre –domingo 31 de agosto a las 17; martes 26, miércoles 27, jueves 28 y viernes 29 de agosto a las 20; y martes 2 y miércoles 3 de septiembre a las 20, esta última función será exclusiva para menores de 30 años–, y contará con la participación de la Orquesta Estable del Teatro Colón, el Coro de Niños del Teatro Colón dirigido por Helena Cánepa, y un destacado elenco internacional.

La ópera, basada en la novela epistolar Las penas del joven Werther, de Johannes Wolfgang von Goethe, fue estrenada originalmente en alemán el 16 de febrero de 1892 en Viena, en el Teatro Imperial Hofoper. El libreto, en francés, fue escrito por Édouard Blau, Paul Milliet y Georges Hartmann. Considerada la obra más personal de Massenet, Werther explora el universo literario del movimiento Sturm und Drang, y ha sido reconocida como una de las piezas más influyentes del repertorio lírico francés.

La producción contará con los tenores Jean-François Borras y Arturo Chacón-Cruz, que alternarán en el papel principal. En el rol de Charlotte, estarán Annalisa Stroppa y María Luisa Merino Ronda. El reparto principal se completa con Jaquelina Livieri, Constanza Díaz Falú, Alfonso Mujica, Sebastián Angulegui, Sebastián Sorarrain, Luis Gaeta, Cristian De Marco, Gustavo Gibert, Pablo Urban, Gabriel Centeno, Rocío Arbizu y Mauricio Meren. Las fechas de cada intérprete titular varían según la función.

El equipo creativo incluye a Jorge Ferrari en diseño de escenografía y vestuario, Gonzalo Córdova, a cargo de la iluminación, y Mariana Svartzman como responsable de la coreografía, con asistencia de Florencia Ayos y Florencia Tutusaus en la dirección escénica y la producción.

Las localidades pueden adquirirse en la boletería del Teatro Colón, Tucumán 1171, de lunes a sábado, de 9 a 20 y domingos, de 9 a 17, o a través de la web oficial.

Función para menores de 30 años

El miércoles 3 de septiembre a las 20 se ofrecerá una función exclusiva de Werther destinada a jóvenes menores de 30 años. Las entradas tendrán un valor único y será condición presentar documento identificatorio al ingreso. Una hora antes se realizará una charla abierta en el foyer del teatro para brindar herramientas sobre la obra y su puesta en escena, desde las perspectivas musical, escénica y dramatúrgica. Esta iniciativa tiene la intención de generar nuevas formas de acercar el arte lírico a las nuevas generaciones.

Programa

Ópera en cuatro actos (1892)

Música de Jules Massenet; Libreto en francés de Édouard Blau, Paul Milliet y Georges Hartmann; Basada en la novela epistolar Las penas del joven Werther, de Goethe; Dirección musical: Ramón Tebar; Dirección de escena: Rubén Szuchmacher; Diseño de escenografía y vestuario: Jorge Ferrari; Iluminación: Gonzalo Córdova.

Coreografía: Mariana Svartzman; Asistencia de dirección de escena: Florencia Ayos; Asistencia de escenografía y vestuario: Florencia Tutusaus; Orquesta Estable del Teatro Colón

Coro de Niños del Teatro Colón: Directora: Helena Cánepa; Principales intérpretes, Werther: Jean-François Borras (24, 27 y 29 de agosto y 2 de septiembre); Arturo Chacón-Cruz (26, 28, 31 de agosto y 3 de septiembre); Charlotte: Annalisa Stroppa (24, 27, 29 de agosto y 2 de septiembre); María Luisa Merino Ronda (26, 28, 31 de agosto y 3 de septiembre); Sophie: Jaquelina Livieri (24, 27, 29 de agosto y 2 de septiembre); Constanza Díaz Falú (26, 28, 31 de agosto y 3 de septiembre); Albert: Alfonso Mujica (24, 27, 29 de agosto y 2 de septiembre); Sebastián Angulegui (26, 28, 31 de agosto y 3 de septiembre); Johann: Sebastián Sorarrain (24, 27, 29 de agosto y 2 de septiembre); Luis Gaeta (26, 28, 31 de agosto y 3 de septiembre); Alguacil: Cristian De Marco (24, 27, 29 de agosto y 2 de septiembre); Gustavo Gibert (26, 28, 31 de agosto y 3 de septiembre); Schmidt: Pablo Urban (24, 27, 29 de agosto y 2 de septiembre); Gabriel Centeno (26, 28, 31 de agosto y 3 de septiembre; Kätchen: Rocío Arbizu; Brühlmann: Mauricio Meren.

Fotos: Crédito: Juanjo Bruzza/prensa Teatro Colón.

La Corte Constitucional aseguró la realización del evento central de la Jurisdicción Constitucional conforme a la agenda, pese a la relevante ausencia del presidente Gustavo Petro en la cita de apertura de este miércoles, 20 de agosto, en el Teatro Colón, a las 4:00 p.m.

La programación continuará con la intervención de importantes funcionarios y líderes del Estado, evidenciando la solidez de las instituciones aún en ausencia del jefe de Estado.

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Según informó la Corte Constitucional, el presidente Petro no participará del acto inaugural, aunque el despliegue institucional permanece con la confirmada asistencia de Lidio García, presidente del Senado; Gregorio Eljach, procurador General; y Carlos Fernando Galán, alcalde de Bogotá, junto a otras figuras clave.

“La presencia de las principales autoridades marca la relevancia institucional de la cita, pese a la ausencia del jefe de Estado”, subrayó la Corte en la información oficial.

De acuerdo con la agenda divulgada para el evento, la jornada incluye una serie de intervenciones que subrayan la pluralidad y el peso institucional del acto.

Destacan las palabras de Iris Marín Ortiz, defensora del Pueblo, previstas entre las 5:50 p.m y las 6:05 p. m.; seguidas por la intervención de Carlos Hernán Rodríguez Becerra, contralor General de la Nación, de las 6:05 p. m. a las 6:20 p. m. Más adelante, el gerente general del Banco de la República, Leonardo Villar Gómez, tomará la palabra hasta las 6:35 p. m.

También figuran en la lista de oradores Hernán Penagos Giraldo, registrador Nacional del Estado Civil, con intervención entre las 6:35 p. m. y las 6:50 p.m., y Carlos Fernando Galán Pachón, alcalde de Bogotá, quien cerrará la serie de intervenciones principales de las 6:50 p.m. a las 7:05 p.m. El programa refleja la participación coordinada de las altas esferas gubernamentales y de control del Estado.

La ausencia del presidente Petro, confirmada por la Corte Constitucional, no modificará la programación ni el contenido institucional del acto, que conserva su carácter central en el contexto jurídico y político del país y manifiesta la capacidad de respuesta y continuidad de las entidades convocadas.

Presidencia pide a la Corte reservar datos de viajes de Petro

La Presidencia de la República solicitó a la Corte Constitucional restringir la publicación de información sobre los movimientos internacionales del presidente Gustavo Petro durante el proceso de la reforma pensional, argumentando que la protección de estos datos responde a criterios de seguridad nacional y relaciones internacionales.

La petición se apoya en el artículo 2.1.1.4.2.1 del Decreto 1081 de 2015, que concede a la autoridad generadora la potestad de clasificar la información como reservada, en alineación con la Ley 1712 de 2014.

El objetivo de la medida radica en evitar la exposición en la página oficial de la Corte de datos sensibles como horarios y rutas de viaje.

En el contexto de esta solicitud, la Presidencia envió a la Corte Constitucional documentos requeridos en el proceso de revisión de la Ley 2381 de 2024.

El envío de la documentación obedece a una orden emitida por el magistrado Jorge Enrique Ibáñez el 22 de julio de 2025, dentro de una acción pública de inconstitucionalidad que evalúa la legalidad del trámite legislativo de la reforma.

Entre los papeles remitidos figuran antecedentes de distintos decretos, copias del Diario Oficial y certificaciones sobre publicación de cada norma.

Resalta el Decreto 747 del 27 de junio de 2025, que convocó al Congreso a sesiones extraordinarias con el fin de corregir un vicio de procedimiento señalado previamente por la Corte el 17 de junio de ese año. Junto a este, la Presidencia envió copias de los decretos 733 y 737 de junio de 2025 y del Diario Oficial 53.163.