“Eso es precisamente lo que nos hace vivir, lo que nos hace sentir, lo que nos hace decir a todo nuestro público sobre el amor, el respeto, la admiración a un personaje que es la mujer universal”, dice casi cantando Rafael, al comienzo de la entrevista con Teleshow.

No queda nadie más de Los Panchos sobre los escenarios. Solo Rafael Basurto Lara. Desde el año 2018, el vínculo entre él y el grupo Mocedades se repite con frecuencia. Con más de cincuenta años de historia, Mocedades ha recorrido el mundo llevando armonías inconfundibles y clásicos que acompañaron a varias generaciones, como Eres tú y Tómame o déjame. Liderados por Izaskun Uranga, el grupo mantiene viva la esencia de la canción romántica, sumando nuevas voces y composiciones a un repertorio que trasciende el tiempo.

—El tema “Si tú me dices ven” tiene su sello indudablemente... y es uno de los clásicos

—El autor es Alfredo Gil. Pero realmente fue el que me dio todo con su inspiración. Es una canción que dio muchas satisfacciones, porque cuando la grabé por primera vez, en Europa fue un éxito total. El primer tiro fue de un millón setecientas mil copias. De ahí nuestra casa discográfica, Sony, nos mandó llamar. Y fue tanto el éxito que llenamos el Estadio Calderón, que ya no existe, desgraciadamente, en Madrid. Cuando llegamos fueron, no sé si treinta y cinco mil personas, no sé si más o menos, pero realmente me sorprendió, porque todos corearon Si tú me dices ven a una sola voz. Para mí fue como un coro de ángeles. Alfredo Gil, el compositor, se puso tan emocionado que empezó a llorar.

—¿Cómo nacieron Los Panchos?

—Yo creo que fue una bendición del universo. Casualidad o causalidad, no sé. Pero yo creo que nació precisamente para eso, para mandar mensajes de amor a todo el mundo. Claro, el creador fue el maestro Alfredo Gil. El que introdujo la guitarra, que es inolvidable. Luego don Chucho Navarro, que fue la base, y Don Hernando Avilés, que fueron los primeros, los fundadores. De ahí que hemos sido siete voces. Después de don Hernando Avilés fue Raul Shaw Moreno, de Bolivia que también estuvo aquí muchísimo en Argentina.

—¿Con qué artistas ha cantado?

—En lo personal, con Armandito Manzanero, mi productor, Dyango, Olga Guillot, con Simone, con Alberto Cortéz, con mi gran Rocío Jurado, yo la quise mucho, la quiero mucho, la recordaré por siempre. Celia Cruz, Lucho Gatica, Las Azúcar Moreno. Luego, obviamente, las recuerdos y las llevo en el corazón, tantas voces...

—Por supuesto hay un capitulo para los argentinos...

—Claro... Estelita Raval, por supuesto. María Marta Serra Lima, que además tengo la satisfacción de haberla descubierto yo.

—¿En dónde la descubrió?

—Pues, ahora sí que yo diría una suerte, porque estábamos aquí en Buenos Aires para recibir un reconocimiento con el director de Sony, y luego nos fuimos a comer, esas ricas carnitas que hay aquí. Y entonces, nos puso una cinta para que oyéramos una nueva cantante que lanzaba la discográfica. Pero yo pensé que era un joven y, como recién se había retirado el cantante puertorriqueño Johnny Albino, dije yo: “Ah, caramba, este joven parece Johnny”.

—¿Y enconces cómo descubrió que era María Marta?

—No era Albino. Me dicen... no es un joven, es una señorita, una cantante argentina. Terminamos de comer, y la vamos a ver. Ella estaba trabajando en un lugar que se llamaba África, la fuimos a escuchar y se me ocurrió decirle, ésta para hacer un disco sería muy bueno, y ahí nació la idea, fue creciendo y entonces se pusieron de acuerdo nuestra casa discográfica con Sony México, Sony Argentina. María Marta fue a grabar a México. Ahí lo grabamos y fue realmente un éxito sin precedentes, porque aquí en Argentina, el primer tiro fue de setecientas mil copias. En ese momento era mucho. Y logramos reavivar nuestra carrera con María Marta Serra Lima.

—¿Tiene algún deseo ahora? ¿Le gustaría cantar con alguien nuevo?

—Me encantaría, cómo no. La gente nueva también se está imponiendo mucho. Como un muchacho maravilloso que se llama Abel Pintos. Muchísima gente joven que está triunfando, con la música joven, es una delicia cuando canta. Comenzó desde chiquitito. Me recuerda mi historia, porque yo desde los cinco años también abracé la música y no la he dejado ni la dejaré mientras me permita la vida.

—¿Qué instrumento tomó a los cinco años?

—Principalmente la guitarra, Y yo a esa edad, más o menos, descubrí a Los Panchos. Y la idea me dio el deseo de seguir esa música, esa tradición. Y bueno, repito, no la he dejado ni la dejaré jamás.

—¿Está enamorado?

—Enamoradísimo como la primera vez. Estoy casado con mi señora hace treinta y cuatro años. Y parece que llevamos una semana. Parece que estamos recién casados. Mi señora es argentina, Celina Fernández Díaz.

El Teatro Coliseo de Buenos Aires se convertirá en escenario de un esperado reencuentro entre dos leyendas vivas de la música romántica en español: Mocedades, la velada, programada para el martes 12 de mayo, representa mucho más que un concierto: será la unión de trayectorias que han dejado una huella profunda en el cancionero latinoamericano.

El encuentro suma la presencia de Rafael Basurto Lara, a quien muchos consideran “la última voz viva y activa” del legendario Trío Los Panchos. Con más de setenta años de carrera, Basurto encarna el espíritu del bolero y el legado de una agrupación que marcó la banda sonora de América Latina con temas como “Rayito de luna” y “Si tú me dices ven”.

El casting abierto para Hairspray, la nueva producción dirigida por Fer Dente, reunió a 500 aspirantes en busca de un lugar en una de las obras musicales más populares, estrenada originalmente en Broadway en 2002. Pese a la gran convocatoria y la competencia, una sola persona logró destacarse ante el director y su equipo para interpretar el icónico papel de Tracy Turnblad: Belén Bilbao.

Desde temprana edad, Belén eligió el camino del arte y se volcó de lleno a la música, su gran pasión. Comenzó a formarse siendo aún una niña, con el objetivo de dedicarse profesionalmente y alcanzar un protagónico en el género musical. El tiempo y el esfuerzo finalmente rindieron sus frutos, y hoy la joven actriz celebra haber conseguido el rol principal en uno de los musicales más emblemáticos, abriendo una nueva etapa en su carrera y en la historia de Hairspray en la escena local.

Malasaña, un bar ubicado en el corazón de Palermo, fue el escenario elegido para el encuentro de Teleshow con la protagonista. Allí, Belén relató cómo vivió el proceso de audiciones y contó detalles de su proceso creativo, desde la búsqueda para imprimirle a Tracy su sello personal hasta la ansiedad y la expectativa por el inminente estreno, previsto para el 6 de mayo en el Teatro Coliseo.

—¿Por qué elegiste audicionar? ¿Cómo te llegó esa propuesta? Porque sé que fue un casting abierto.

—Bueno, yo siempre estoy atenta a los castings abiertos porque son una oportunidad enorme para mostrarse para tener experiencia y para conocer. Así que siempre estoy atenta, pero yo ya venía audicionando para los, para los proyectos de Fer. En septiembre había audicionado para Company, que era la obra que él protagonizó, llegué hasta el final y después me dijeron que no quedé. Lloré tres semanas. Cuando me enteré que estaba Hairspray dije: “Sí o sí vamos a volver a intentarlo”. No hubo dudas, fue como sí o sí voy a mandar un video a la convocatoria abierta y fui pasando instancia.

— Antes de mandar el video pensaste: “Uy, voy a mandarlo y por ahí otra vez no quedó”

—Sí, pero por suerte hago terapia y con mi psicóloga dijimos: “Es así”. Igual venía de esa angustia grande de no haber quedado en el proyecto anterior. Y bueno, es difícil, pero así es la carrera del artista enfrentarse a esa frustración y volver a intentar y volver a intentar. Y bueno, y después sucede.

—¿Cómo fue ese proceso de audición? Mandaste el primer video y ¿después?

—Mandé el video para la convocatoria abierta y después nos llamaron para una instancia presencial, que fueron como cinco instancias en un día, que eso fue un montón porque como que era este tira y afloje de pasás y después te vuelven a llamar. Fue esa instancia presencial y de ese día, que éramos como ciento cuarenta en esa instancia presencial nos seleccionan a doce para un entrenamiento en el verano. En ese entrenamiento fuimos cuatro días y al final se hizo una audición final en el coliseo, vestidas de la época, donde hicieron un recorte y quedamos seis.

—¿Quedaron seis y te llama Fer Dente and te dijo: “Sos vos”?

—No, no, ojalá. Después de que quedamos seis, ese mes como que me preparé yo con mis maestros para la audición final, que eran los callbacks finales. En el primer día audicionamos eramos las seis y ahí nos probaron con otros personajes y también cantamos solas y hacen un recorte y quedamos tres. Al día siguiente, que eramos solo tres, recién ahí me dijeron, al final del día, me dijeron: “Quedaste seleccionada”.

—¿Qué sentiste en ese momento?

—No lo podía a creer. Fue de lo más lindo que me pasó en la vida. Cuando te lo dicen en el momento igual no entendés, no te lo crees, no pensás que es verdad, es como mostrámelo en algún papel. ¿Esto es real?”. Fue una sorpresa enorme una alegría gigante. Y es esa cosa de no poder creerlo, que se esté dando algo que deseaste mucho tiempo.

—¿Y cómo es ese proceso para crear a tu Tracy? Alejada de las expectativas de la película y darle tu impronta, ¿cómo es tu proceso creativo?

—Qué buena pregunta. Bueno, trabajamos mucho en equipo. La verdad es que Fer y Laura todo el tiempo me están ayudando, creo que hay algo re lindo de que ellos me dejan como probar y traer lo que a mí me parece lindo para traerle al personaje o prestarle cositas mías. Ellos, desde afuera, con su mirada afuera me incentivan a traer otras cosas que por ahí no son mías y son del personaje, pero la verdad es que Tracy es un personaje increíble, que tiene muchas capas porque es muy alegre, pero también es muy creyente y como luchadora e intensa, fiel y vive todo muy intensamente, entonces es muy divertido para actuar. Es muy vital Tracy, me estoy divirtiendo encontrándola, buscando qué piensa, en qué cree, cómo se enamora, cómo se divierte, cómo se ríe. Es como muy divertido explorar, pero es buscarla.

—¿Sentís esa presión de por ahí como es un personaje tan icónico, de hacerla de una manera determinada?

—Es un desafío enorme. Por eso agradezco tanto haber tenido, si bien fue difícil y llevó mucho trabajo, esos tres meses de audición con ese entrenamiento, la verdad es que fueron un lujo para mí porque me hicieron trabajar desde antes y entrar en contacto con el material antes. Entonces, en este proceso de ensayos como que entré un poco más familiarizada con el personaje. Pero sí, me siento super desafiada y espero estar a la altura.

—¿Cómo es trabajar codo a codo con Betular? Que aparte es su primer musical

—Es que es lo más. Betu es realmente un compañero hermoso, es muy humilde, muy divertido, me hace reír mucho. Es super responsable, tiene ideas hermosas para hacer en escena, la verdad es que es un lujo y es agradecido, todo el tiempo, todo el tiempo me agradece. La verdad es que es muy divertido, no me podría haber tocado mejor compañero y se generó algo hermoso, tanto que el otro día vino Vane Butera a ver un ensayo y me dijo: “Hay algo, hay una química entre ustedes” y yo también lo siento, siento que hay algo con Betu que ya nos llevamos bien de entrada, tenemos como un humor compartido, somos muy del chistecito y también somos re perfeccionistas los dos. Entonces hay como algo lindo pasando.

—¿Y Fer Dente como director?

—Fer es increíble, tiene una cabeza que a mí me alucina. Está en todo. Yo lo observaba el otro día y conoce el material más que nadie, pero de verdad, desde cada golpe musical, cada instrumento que suena, se sabe el guion de memoria; las ideas que tiene, cómo te das cuenta que tomó una decisión porque después al final vuelve a eso. Yo estoy aprendiendo mucho de verlo trabajar y de trabajar con él, la disciplina que tiene, él es ejemplo de esa disciplina y de ese comportamiento laboral. Entonces sí o sí te ponés en ese lugar porque te espeja a eso. Aprendés un montón y él realmente quiere sacar lo mejor de vos y tiene esa cosa muy linda de mirarte y hacerte sentir valorado, así que estoy disfrutando un montón de trabajar con Fer.

—El desafío vocal, porque Tracy tiene sus momentos agudos, está mucho tiempo cantando. ¿Cómo lo trabajas?

—Sí, es un montón. Básicamente resigné mucho mi vida social. Me voy a dormir temprano, no salgo, no hago planes, es un poco la parte sacrificada sobre todo cuando te toca un rol tan demandante vocalmente. También es fijarte muy bien lo que comés, para cuidar la irritación, no hablar de más, tengo todo un equipo, tengo una fonoaudióloga que la amo con toda mi vida, siempre me hace spa vocal y me hace masajes, o me hace hacer ejercicios de optimización vocal. Tengo a César Mazoni, profesor, Fran Budas, que es coach vocal de la obra, que también está todo el tiempo ahí. Eugenia Gil Rodriguez, que es una bestialidad. O sea, hay mucha gente, no es yo sola, tengo un equipo enorme y el equipo de la obra que todo el tiempo me están cuidando.

—Esto de que resignaste un poco tu vida social, vos tenías tu banda ¿Qué pasó con eso?

—Bueno, estamos en una pausa. Fue conversado desde el minuto uno que yo me puse a audicionar e iba avanzando. Nos sentamos y tuvimos una charla las tres y, bueno Paula (Chouhy) en ese momento todavía no había audicionado, pero después quedó en el proyecto. Pero desde el principio las dos me dijeron: “Te apoyamos, sabemos lo que significa esto para vos y sabemos lo que lo deseas. Y si eso implica que sea un año más tranquilo para el proyecto que lo sea”. Va más allá también la banda para mí ellas son mi familia más que mis compañeras de trabajo. Entonces es como que no se termina eso. Cada una esté concentrada en proyectos que deseaba pero sigue ahí Vocat no se termina.

—El otro día fue el primer día en el teatro, ¿Cómo lo viviste?

—Ay, fue una emoción. Al principio, cuando entré no pude evitar llorar y dije: “Ay, Dios, necesito dejar de sentir tanto”, es muy cansador sentir así, pero fue una emoción enorme entrar de vuelta. La última vez que estuve ahí fue audicionando entonces fue muy impactante estar entrando y el camarín con mi nombre y con el de Paula y el de Sofi (Morandi), los regalitos y cómo nos cuidan, nos quieren y nos miman. Fue muy espectacular y empecé a llorar y después dije: “Bueno, hay que tener un interruptor de apagar la emoción” y decir: “Bueno, me pongo en modo trabajo”. Ahí empecé a estar en modo foco, te volvés medio robot, pero fue un poco las dos cosas, la emoción enorme y de repente tener que estar concentrada, no puedes estar desbordada de emociones siempre.

—¿Y cómo fue esa primera vez ya personaje?

—El día que hicimos las fotos fue la primera vez que me vi lookeada de Tracy de verdad y yo estaba toda emocionada y estaba toda maquillada, entonces no podía llorar entonces Fer me decía: “Laura Silva me enseñó que te tenés que inclinar hacia adelante para que las lágrimas caigan derecho al piso”. Yo estaba muy emocionada, no podía creer, encima el trabajo del equipo de maquillaje y de pelucas y de vestuario es impresionante. Realmente la caracterización de cada uno está increíble, casi que somos el personaje no está Belén, está Tracy, es increíble. Y cuando la vi a Paula también vestida y nos miramos las dos al espejo y nos agarramos la mano, era imposible no llorar. Era sentirnos niñas de vuelta. En general este proyecto trae todo el tiempo a mi Belu de diez años o sea, arranqué a los seis años a estudiar teatro musical, pero creo que a los nueve dije: “Esto es lo que más amo en la vida”. Tomármelo con un compromiso siendo una niña con mucha pasión, entonces como que este proyecto me lleva a ese lugar de vuelta, a esa niña, que encima a esa edad conocí a Paula también y que se moría por estar arriba del escenario y era lo único que le importaba.

—¿Cuánto tardás en convertirte en Tracy?

—El otro día creo que una hora, pero bueno, también el otro día fue particular porque estábamos lookeándonos todos. Pero sí creo que con una hora estoy con el maquillaje, ponerme la peluca. Tengo muchos vestuarios, tengo cambios de vestuario rapidísimos en escena que eso estamos ensayo porque es como ensayar una coreografía, es complejo y eso me da nervios. Tengo cambios de peluca, cambios de vestuario, el maquillaje es espectacular.

—Estás todo el tiempo en escena sos vos y Betular.

—Te juro. El otro día que hicimos pasada completa, dimensioné que no freno. Es demandante de energía también, corro mucho y ya estamos pensando en armar estaciones de agua, porque en los cinco segundos que tengo para salir de escena y volver a entrar tengo que tomar agua porque si no me muero. Solo tengo una canción de descanso en toda la obra.

—¿Qué esperás del estreno? ¿Cómo lo imaginas en tu cabeza?

—Yo creo que va a ser una emoción muy grande, muy grande. Espero disfrutar porque sé que no hay nada como la primera vez que hacés algo, así que me deseo estar muy, muy presente y absorber todo lo que pueda sentir ahí, porque es algo único que no se vuelve a repetir. Después empezás a ponerte más canchero y empezás a vivir las funciones de otra manera también hermosa, pero no hay nada como la primera vez. Así que espero eso, estar ahí presente y disfrutar mucho de lo cumplido.

—¿Cómo pensás que lo va a vivir el público?

—Yo creo que la gente se va a ir contenta del teatro, se va a ir feliz, se va a ir creyendo en lo lindo de la humanidad de verdad, porque es una obra que realmente promueve valores muy lindos y la inclusión, la diversidad, el festejo, la alegría. Es algo muy necesario para los tiempos que corren. Así que yo creo que la gente se va a ir muy feliz del teatro. Encima las canciones son increíbles, son muy conocidas y se van a ir felices, no tengo dudas.

Fotos: Adrián Escandar y Hairspray

Durante la función, Legrand aplaudió a los actores en el esperado estreno de Buenos Aires y recibió una ovación del público en una postal que se repite cada vez que dice presente en alguna sala de cualquier parte del país. También cruzó besos y gestos a la distancia con los protagonistas, que la reconocieron entre las butacas, en una postal que añadió un ingrediente más a un estreno de novela.

Al finalizar la función, Legrand tomó el micrófono y expresó sus emociones en caliente de lo que acababa de presenciar. “Yo no puedo más, es impresionante lo que hemos visto. Cada persona que venía de España me decía ‘no sabés el éxito de Andrea y Ricardo…’. Ahora lo entendemos", analizó, con la voz embargada por la felicidad.

A continuación, la Chiqui se enfocó en elogios para los protagonistas, que fueron correspondidos con palabras de agradecimiento: “Son maravillosos los dos, qué les voy a decir… no voy a dormir esta noche ni por mucho tiempo", sentenció. Y se despidió con un grito que sintetiza su defensa permanente de la industria del espectáculo: “Arriba ustedes y arriba el teatro”.

Una vez más, la Chiqui reafirmó su compromiso con el teatro y el espectáculo nacional, y se llevó de recuerdo un enorme ramo de rosas y los aplausos que musicalizan una trayectoria inigualable. Esa que construyó en su época de actriz y elevó al status de leyenda desde que decidió almorzar en televisión.

Mirtha fue una de las tantas figuras que colmaron la sala en el que se presenta como uno de los grandes acontecimientos teatrales de la temporada porteña, luego de su gira española. Escenas de la vida conyugal explora las complejidades de las relaciones humanas a través de una pareja que enfrenta los desafíos del amor, la rutina y el paso del tiempo. Darín y Pietra, dos referentes de la actuación argentina, encabezan el elenco bajo la producción de Grinbank, aportando su experiencia y carisma a una pieza que ha cosechado elogios tanto en el país como en el exterior.

El éxito de la obra trasciende el ámbito local. Durante su gira por España, Darín destacó la profunda conexión que el público establece con la historia y los personajes. “La gente se siente identificada con esta pareja, no por completo, pero sí reconoce que muchas de las cosas que se ponen sobre el escenario son conocidas, transitadas, alguno las ha vivido o sabe que otro las vivió. Hay una situación de ida y vuelta con el espectador y eso es lo que hace que la obra se retroalimente”, expresó el actor en diálogo con Teleshow, subrayando la universalidad de los temas abordados y la respuesta entusiasta de los espectadores en cada función.

El regreso de Andrea Pietra al teatro porteño después de quince años añade un matiz especial al estreno. La actriz, que solo había realizado una función especial en Buenos Aires en los últimos años, manifestó su emoción y nerviosismo ante la oportunidad de reencontrarse con el público local. “Tengo muchos compañeros, colegas, gente de directores, familia, mis tíos, un montón de gente que nunca me vio”, comentó Pietra a este medio, y valoró la expectativa generada por la obra y el desafío de presentarse ante una sala repleta de rostros conocidos y nuevos espectadores. La temporada en el Teatro Coliseo representa para la actriz un momento largamente esperado y una ocasión para compartir el escenario con Darín en una obra que considera profundamente significativa.

La presencia de Legrand en el estreno refuerza su papel como referente cultural y su apoyo constante al teatro argentino. Su asistencia a los principales estrenos y el reconocimiento del público la consolidan como una figura central en la promoción y difusión del espectáculo nacional.

En el escenario del Coliseo, Escenas de la vida conyugal invita a reflexionar sobre los vínculos, el paso del tiempo y la capacidad de comprender al otro, temas que trascienden fronteras y resuenan en cualquier espectador, sin importar su origen o experiencia.

El regreso de Andrea Pietra a Buenos Aires marca un momento de especial significado para la escena teatral argentina tras una exitosa gira española con la obra “Escenas de la vida conyugal”, en la que compartió escenario con Ricardo Darín y la dirección de Norma Aleandro.

Teleshow conversó con la actriz recién llegada a la Argentina sobre su vuelta, pero también por la gira por Españana, que según sus palabras fue impecable en todos los aspectos: desde la respuesta del público hasta la experiencia compartida con el equipo. El cierre en La Coruña resultó especialmente emotivo, ya que ese lugar representa el origen familiar de la actriz. Para Andrea, terminar la gira allí fue el broche de oro, un momento de gratitud y celebración que añadió una dimensión personal al éxito profesional alcanzado en tierras españolas.

Pero el regreso también marca la alegría por reencontrarse con su familia y retomar la vida cotidiana en su ciudad. “Llegamos todos más que contentos”, afirma la actriz, reflejando el clima de satisfacción tras una intensa temporada en el exterior.

La última vez que Pietra actuó en Buenos Aires fue hace quince años, salvo por una función especial realizada recientemente con “Escenas de la vida conyugal” en el Teatro Maipo. Aquella presentación, a beneficio de la Fundación Sí, permitió recaudar fondos para residencias universitarias destinadas a estudiantes de bajos recursos del interior del país. Más allá de esa excepción, la actriz no había vuelto a hacer teatro en la ciudad desde que su hija era un bebé, lo que intensifica la carga emotiva de este regreso.

La nueva temporada de “Escenas de la vida conyugal” en el Teatro Coliseo representa una oportunidad largamente esperada. La actriz reconoce sentir una mezcla de emoción y nervios ante la perspectiva de presentarse ante un público repleto de rostros conocidos, colegas, familiares y amigos. “Tengo muchos compañeros, colegas, gente de directores, familia, mis tíos, un montón de gente que nunca me vio”, señala, anticipando el desafío y la alegría que implica este reencuentro. La expectativa por cumplir con el deseo del público porteño, que desde hace tiempo reclama la obra en la ciudad, se suma al deseo de que la temporada sea tan exitosa y gratificante como las giras anteriores.

Con la mirada puesta en el escenario del Coliseo, Pietra transmite su anhelo de que la obra reciba el mismo cariño y reconocimiento que en sus presentaciones internacionales, y que el público argentino disfrute de una experiencia memorable.

El sueño de pisar la tierra de Galicia

La actriz, reconocida por su trayectoria en teatro y televisión, compartió con Teleshow la intensidad de volver de la tierra donde nacieron sus ancestros, una experiencia que la conmovió al recorrer las calles de Galicia y presentarse ante un público que colmó las salas. “Para mí es muy emocionante porque es la tierra donde nacieron mis abuelos maternos”, expresó Pietra, subrayando el significado personal de este viaje y el contraste entre la historia de emigración de su familia y el presente de éxito profesional.

Durante la entrevista con Teleshow, la actriz evocó la memoria de sus abuelos, quienes partieron de Galicia en busca de mejores oportunidades, y reflexionó sobre el paso del tiempo y el destino. “Ellos se fueron de chicos porque había hambre, guerra y todo eso... y yo vuelvo a hacer funciones hace una semana con un teatro lleno. Me conmovió muchísimo, lo que es la vida, el tiempo, lo de los ancestros”, relató. Aunque ya no conserva familiares en la región, la visita le permitió revivir historias de infancia y cuestionar la veracidad de los relatos que escuchó de niña, sumando una dimensión íntima a su paso por La Coruña.

Según relató a Teleshow, esta fue la sexta vez que la obra se presentó en España, y cada año la experiencia adquirió matices nuevos. En esta ocasión, las funciones en las ciudades recientemente incorporadas agotaron entradas en apenas dos días, y la presencia de argentinos residentes en España se hizo sentir tanto en las salas como en las calles. “Nos cruzamos por la calle y hay muchos que nos van diciendo: ‘Ey, no conseguí entrada, no hay más entradas’”, comentó Pietra, reflejando la repercusión de la obra y el vínculo con la comunidad argentina en el exterior.

El recorrido por los teatros españoles dejó anécdotas singulares para el equipo. Andrea escribió la diversidad de escenarios, desde el histórico Teatro Romea de Murcia, con su marcada inclinación, hasta el Teatro Colón de La Coruña, construido en la década de 1940. “En Murcia el escenario tenía una inclinación muy grande, parecía que estábamos en el Titanic. Para el público es bárbaro, para los actores es difícil (se ríe). Además, la actriz aprovechó cada ciudad para explorarla a pie, recorriendo hasta diez kilómetros diarios y sumergiéndose en la vida local durante la semana de funciones.

El equipo, compuesto por apenas ocho personas, desarrolló una complicidad especial: tras quince días de gira, todos comenzaron a utilizar frases del guion en su vida cotidiana. Entre las más recordadas, mencionaron: “La soledad es absoluta”, “Era una masoquista pervertida” y “Quiero ser un h d p”. Para celebrar el final de la gira, cada integrante mandó a hacer una remera con su frase favorita.

La obra, protagonizada por Pietra junto a Ricardo Darín, aborda temas universales como el amor, la rutina y el paso del tiempo. La actriz destacó ante Teleshow la profundidad emocional del texto y la conexión que logra con el público: “Esta obra tiene algo que tiene que ver con lo universal, lo que uno vive, lo que podés vivir vos acá y lo puede vivir otro en Inglaterra, los vínculos entre dos personas, el paso del tiempo, la intolerancia, el poder comprender al otro, el amor, el desamor...”.

Pietra subrayó el compromiso en cada función, buscando transmitir verdad y autenticidad, lo que lleva a los espectadores a sentir que “están espiándonos en el living de nuestra casa”. Al referirse a su personaje, aclaró que, aunque la conmueven todas las escenas, no se identifica plenamente con él: “Mi personaje no soy yo. De hecho, tiene reacciones que yo no hubiese tenido en la vida con cosas que le van pasando. Tengo una personalidad totalmente distinta, pero entiendo perfectamente lo que le pasa y la admiro”. La actriz valoró el desafío de interpretar a alguien tan diferente y la oportunidad de aprender de sus personajes.

La popularidad de Pietra se extiende más allá del teatro, especialmente por su participación en El Eternauta. Sin embargo, según relató a Teleshow, muchos espectadores no la reconocen de inmediato en ese papel. “Hay muy poca gente que se da cuenta que yo soy la del Eternauta. Ricardo dice: ‘Ella también está’. No, sos vos, ah, no sé qué. Y ahí me vienen toda una parva de amor y felicitaciones y todo. Pero no me linkean con Anita, con Ana de la serie".

El valor humano y la camaradería del equipo resultaron fundamentales durante la gira. Pietra describió la dedicación y el cariño que cada integrante aporta, desde el utilero hasta el iluminador y el sonidista, y la complicidad que se forja en cada función. En ese ambiente de afecto y compromiso, el grupo se pregunta si volverán a reunirse en el futuro, conscientes de que cada encuentro puede ser el último, pero disfrutando plenamente del presente compartido.

Al mirar hacia atrás, reconoce que cada función y cada reencuentro con el público en España dejan una huella imborrable, y la incertidumbre sobre el futuro solo intensifica el valor de cada momento vivido junto a al equipo.

Las funciones de "Escenas de la Vida Conyugal" en el Teatro Coliseo de Buenos Aires tendrán lugar del 19 al 23 de noviembre, con nuevas presentaciones programadas para los días 25, 26, 28, 29 y 30 de noviembre. Debido a la alta demanda, se incorporaron fechas adicionales en diciembre: el 2, 3 y 4 a las 20.30, el 6 de diciembre también a las 21.30 y la última función del año será el 7 de diciembre a las 19.30.

La gira, lejos de ser solo un trabajo más, le permite mantener contacto directo con públicos tan variados como apasionados: “Hay gente que la ha visto dos, tres, cuatro veces. Me encuentro con cosas rarísimas”, admite, asombrado de la recepción de la obra.

El vínculo con quienes lo siguen traspasa fronteras, y su análisis sobre el fenómeno es tan sencillo como contundente. “La gente se siente identificada con esta pareja, no por completo, pero sí reconoce que muchas de las cosas que se ponen sobre el escenario son conocidas, transitadas, alguno las ha vivido o sabe que otro las vivió. Hay una situación de ida y vuelta con el espectador y eso es lo que hace que la obra se retroalimente”, asegura, convencido de que el éxito tiene raíces en la cotidianidad más simple y universal.

Darín sabe que su figura ha alcanzado otra dimensión tras el fenómeno global de El Eternauta: “Es una explosión de exposición pública muy elevada, porque no tiene que ver solamente con España o Argentina, tiene que ver con muchos países”, cuenta.

“En España, en el teatro Rialto, a la salida de la obra nos esperaba gente de cualquier país: Rumania, Holanda, Bélgica, Alemania, Italia, Francia, Portugal, y muchísimos latinoamericanos… Eso está directamente relacionado con lo que es la exposición que te da un producto audiovisual en una plataforma como Netflix”, afirma.

Entre la pasión por el teatro, el vértigo de la pantalla y la reflexión inevitable sobre la Argentina que mira desde lejos, Ricardo Darín define el momento especial que atraviesa.

La gira teatral por España

—Vienen de Madrid con Andrea, ¿Cómo sigue la gira?

—Valencia es el principio de la gira por España. Luego hacemos Avilés, Murcia, La Coruña, y después me vuelvo a Buenos Aires.

El regreso de Escenas de la Vida Conyugal a Buenos Aires, el 19 de noviembre, ha generado una respuesta abrumadora del público, con la totalidad de las diez funciones iniciales prácticamente agotadas y la reciente confirmación de cinco fechas adicionales, lo que eleva a quince el número total de presentaciones en el Teatro Coliseo. La dirección de Norma Aleandro y las interpretaciones de Ricardo Darín y Andrea Pietra han sido elementos centrales en el éxito de esta adaptación del clásico de Ingmar Bergman.

El fenómeno El Eternauta y el impacto de las plataformas globales

—¿Te sentiste diferente frente al público después de El Eternauta? ¿Con más exposición?

—Sí, se multiplicó eso, es lo que tienen las plataformas, sobre todo Netflix, que tienen una llegada a tantos lugares en el mundo.

—Ya leíste el primer capítulo de la nueva temporada...

—Bruno (Stagnaro) tuvo la gentileza de ponerme al tanto de cuál es la estructura narrativa del primer capítulo. Esto no significa que tenga los diálogos que va a tener. Estamos hablando mucho de las estructuras narrativas del primero, segundo y tercero de los capítulos de esta nueva temporada. Y lo que me contó, y lo que leí, realmente es muy impactante.

—¿Hay fecha probable para comenzar el rodaje?

—Eso está directamente relacionado con algunos ajustes que se van a hacer en este último tiempo, en relación a tener ya los capítulos escritos. Nada concreto aún, en lo que respecta al plan de rodaje, además de todas las complicaciones que eso genera, porque va a ser muy compleja esta próxima temporada.

—¿En España qué te dicen sobre la serie?

—Increíblemente en España encontré muchos fans de la historieta. Hay un culto por el cómic, como dicen acá, muy grande. Me encontré con muchos fanáticos. A todo el mundo le impactó mucho el trabajo. Creo que el plus, así como para nosotros los argentinos reconocer que la historia pasa por barrios y emblemas argentinos, en España el plus fue el idioma, que la ciencia ficción esté en nuestro propio idioma es muy fuerte.

—Las nuevas generaciones descubrieron la fascinación por El Eternauta...

—Es increíble y emocionante. Desde niños de siete años a los jóvenes de veinticinco, y en ese caso sí, claramente notas que no sabían de qué iba la historia.

Cultura, política y el cine argentino

—Muchas personas atraviesan el arte como una grieta... Pasó, por ejemplo, con El Eternauta y El Encargado

—Esa es una costumbre tan argentina, ¿no? La contienda, el barro, que la verdad que no tiene nada que ver una cosa con la otra. Son proyectos audiovisuales distintos, de distinto tenor.

—También Guillermo Francella dijo que hay películas que reciben muchos premios, pero que va poca gente a verlas. ¿Qué pensás de esta reflexión?

—No coincido con él en ese, ni en otros sentidos, pero tiene todo el derecho de decir lo que piensa, es una opinión muy personal, muy subjetiva. Él ha hecho un camino muy largo y ha vivido diferentes experiencias y creo que tiene todo el derecho del mundo de decir lo que piensa.

—La polémica se instaló...

—Eso es innegable. Todo lo que se dice con respecto a un proyecto o a otro corre por fuera de lo que es el proyecto en sí. Está en manos de quienes utilizan eso para enfrentamientos, para decir esto está bien y esto está mal… Son cosas muy difíciles de comprobar y que no tienen nada que ver con la esencia del trabajo. Yo creo que toda forma de estímulo a las nuevas generaciones otorga oportunidades para que la gente valiosa pueda expresarse y desarrollarse, la cultura pasa por ahí. Si solo te referís al resultado de algo, eso ya es un poco perverso.

—¿Eso se relaciona con la polémica sobre el INCAA y los subsidios?

—Sí, esto nació con el tema del INCAA y después la falta de estímulo para otras áreas como el teatro y la cultura en general. Es cierto que organismos como este necesitaban una mirada transparente, hacer auditorías para entender los métodos para otorgar subsidios, pero de ahí a bajar la cortina hay una distancia muy grande.

Las palabras de Guillermo Francella

Consultado por Teleshow sobre los dichos de Guillermo Francella y el cine, Darín continuó expresándose al respecto.

—¿Pudiste ver la película “Homo Argentum”?

—No, no tuve oportunidad.

—¿Te interesaría verla?

—Supongo que en algún momento la veré, después de tanta polvareda que levantó. Sé que él hace dieciséis personajes distintos y que se supone que, de alguna manera, reflejan o representan distintas tipologías del argentino, entre comillas. También escuché alguna de las críticas que le han hecho, que se arroga esa especie de capacidad de demostrar cómo son los argentinos. Pero que no todos los argentinos son así. Por eso sí, me despertó curiosidad. Tengo ganas de verla.

La realidad argentina vista desde el exterior

—¿Cómo ves desde allá al país?

—Algunas cosas tengo acceso, a otras no. No estoy colgado de internet. Algunas veo porque no me queda más remedio.

—¿Viste la convocatoria del presidente en un estadio?

—Sí, lo vi por todos lados, extractos que se subieron en internet. No me pone muy cómodo que digamos. La verdad es que no nos hizo quedar muy bien. Por lo menos para los que estamos circunstancialmente caminando en algún lugar del extranjero, la gente que se te acerca te pregunta qué vamos a hacer, como si yo pudiera hacer algo.

—¿Qué te genera?

—Algunas cosas te dan bronca, sobre todo la pérdida de tiempo, la falta de razonabilidad, la falta de criterio. A veces no sé a qué responden algunas actitudes de funcionarios públicos. Hay como una especie de desfasaje entre lo que se supone que es la actualidad en nuestro país y una respuesta por parte de lo que es una administración acorde con lo que se está viviendo. Da la sensación de que fuera como una realidad paralela. Eso te confunde un poco. Si siempre le estamos pidiendo a la gente que aguante porque las cosas van a ir a mejor, los funcionarios deberían estar alineados con esa idea y tratar de ser lo más austeros y calmos posibles, porque le están pidiendo un sacrificio muy grande a la población. Si después los vemos festejando y pegando saltos como si las cosas nos estuvieran saliendo bien, ahí es donde se produce la confusión.

—¿Si ponés tu mirada en el futuro?

—Tenemos que esperar algún recambio generacional. Cuando yo era chico pensábamos que la sangre joven al llegar al poder iba a cambiar las cosas. En el camino empecé a dudar, porque parece ser que la sangre joven cuando llega al poder envejece muy rápidamente y toma los mismos caminos. Pero no solo lo veo en nuestro país, es algo que estoy sintiendo a nivel internacional. Hay como una oleada nueva que apunta hacia la misma dirección. Vamos a ver cómo salimos parados de ahí.

La vida personal de Ricardo Darín: futuro abuelo

Lejos del escenario y del debate político, Ricardo Darín atraviesa uno de los momentos más emotivos de su vida personal: la posibilidad de convertirse en abuelo. Con la mezcla de alegría y cautela que lo caracteriza, comparte cómo vive este nuevo capítulo junto a su familia.

—Qué felicidad. Me imagino que los dos deben estar, digo, por vos y por Florencia (Bas) más que felices...

—Sí, está todo el mundo muy contento y entusiasmado, por supuesto. Pero yo elijo siempre la cautela. A mí me gusta ir despacito, con calma. No me gusta gritar los goles antes de que la pelota atraviese el arco. Así que lo voy tomando con toda la prudencia que puedo. Pero estamos contentos, los controles que se van haciendo dicen que la cosa está muy bien. Estamos entusiasmados y expectantes.

—¿Te sentís muy grande? Vas a ser abuelo...

—No, yo estoy grande porque estoy grande, no porque vaya a ser o no abuelo (se ríe).

La Fundación SOIJAr realizará su Gran Gala Anual Solidaria el miércoles 17 de septiembre a las 19 en el Teatro Coliseo de la Ciudad de Buenos Aires. El evento, titulado Sinfonía Mágica, presentará a la Orquesta Filarmónica Federal SOIJAr, compuesta por más de 100 jóvenes músicos provenientes de diferentes regiones del país, junto con destacados artistas invitados.

El concierto ofrecerá un recorrido por obras de la música académica y clásicos del cine, además de rendir homenaje a reconocidos musicales internacionales. Entre los músicos participantes figuran intérpretes y cantantes como Laura Conforte, Sebastián Holz, Lula Rosenthal, Julián Pucheta, Inbal Comedi y la soprano Sofía Gaia Godoy. Estos artistas interpretarán piezas emblemáticas de títulos como La novicia rebelde, La bella y la bestia, El mago de Oz, La sirenita y La flauta mágica.

La dirección musical estará a cargo de Gaspar Scabuzzo, conocido por su labor al frente de producciones teatrales de relevancia en la cartelera porteña. En el escenario, la orquesta integrará a jóvenes instrumentistas que han sido seleccionados por su desempeño en diversos programas federales respaldados por la Fundación SOIJAr.

Sinfonía Mágica se inserta en el Plan Argentino de Multiplicadores, una iniciativa orientada a la formación artística y pedagógica de músicos que cumplen además funciones en la transformación cultural de sus comunidades. La gala constituye un espacio para visibilizar el impacto del modelo Orquesta-Escuela, vigente desde hace más de 25 años, que promueve la excelencia musical combinada con valores de inclusión y desarrollo integral.

Los fondos recaudados durante el evento se destinarán a crear nuevas oportunidades de formación, para ampliar, así, el alcance de los programas de la Fundación SOIJAr y fomentar la igualdad y la integración de niños y jóvenes del país.

Fundada en 2004, la Fundación SOIJAr ha impulsado más de 286 programas a nivel nacional, provincial y municipal, alcanzando a miles de niños, adolescentes y educadores. Solo en 2024, su programa de becas benefició a más de 120 jóvenes mediante capacitaciones basadas en la Metodología Orquesta-Escuela. Actualmente, la red abarca a 700 becarios de todo el país, 43 encuentros regionales y una serie de festivales con representación federal e internacional.

Las entradas para la gala están disponibles desde $16.950 a través de Ticketek.

* Teatro Coliseo, en Marcelo T. de Alvear 1125, C.A.B.A.

Fotos: Gentileza prensa Fundación SOIJAr.

La noche del 27 de agosto de 1920 marcó un antes y un después en la historia de la comunicación en Argentina, cuando cuatro jóvenes visionarios lograron realizar la primera transmisión radial del país desde la terraza del Teatro Coliseo. Aquella emisión, que apenas alcanzó a menos de 100 oyentes, no solo inauguró la radiofonía argentina, sino que también sentó las bases para el desarrollo de un medio que transformaría la vida cotidiana y cultural de la sociedad.

El grupo, conocido posteriormente como “Los locos de la azotea”, estaba integrado por Enrique Telémaco Susini, médico de 25 años, y sus colegas César Guerrico, Luis Romero Carranza y Miguel Mujica, todos estudiantes de la Universidad de Buenos Aires. Aunque su formación principal era la medicina, compartían una profunda pasión por la radio y la música clásica, y concebían la radio como una herramienta para difundir la cultura. Su iniciativa, impulsada por el deseo de acercar el arte al público, se materializó en una transmisión pionera que, según sus propios testimonios, fue la primera de su tipo en el mundo.

La hazaña técnica de aquella jornada resultó tan innovadora como rudimentaria. Los jóvenes construyeron una antena de 40 metros de altura, ensamblaron una bocina para sordos, un micrófono y un transmisor de 5 vatios, y lograron emitir la ópera Parsifal de Richard Wagner. La señal solo pudo ser captada por quienes en Buenos Aires disponían de auriculares “a galena”.

A las 21:00, Susini pronunció las primeras palabras de la radio argentina: “Señoras y señores, la Sociedad Radio Argentina les presenta hoy el Festival Sacro de Richard Wagner, Parsifal, con la actuación del tenor Maestri, el barítono Aldo Rossi Morelli y la soprano argentina Sara César, todos con la orquesta del teatro Costanzi de Roma, dirigida por el maestro Félix von Weingarten”. El éxito de la experiencia motivó la continuidad de las transmisiones, que en los días siguientes incluyeron óperas como Aída, Iris, Rigoletto y Manón, y se extendieron al escenario del Teatro Colón.

“Los Locos de la Azotea eran todos radioaficionados, y un año después que se hiciera la primera emisión de radio en el Coliseo, fundan el Radioclub Argentino, en octubre de 1928. Esa fue la entidad más importante de radioaficionados del país y segunda en el mundo”, explicó este miércoles el director de RAE y radioaficionado Adrián Korol en Radio Nacional. Y agregó: “Los Locos de la Azotea inciaron esto sin un fin comercial sino con la intención de difundir cultura. Luego si lo fueron armando, y siguieron adelante con el cine sonoro hasta las primeras transmisiones de televisión”.

El impacto de este acontecimiento fue inmediato. La concesión de la primera licencia de radiodifusión en el país dio origen a Radio Argentina (Sociedad Argentina de Broadcasting), la primera emisora de habla hispana con emisiones regulares. Desde sus inicios, la radio transmitió desde distintos teatros, con el objetivo de promover el arte y la cultura. Pronto surgieron otras emisoras emblemáticas como Radio Sudamericana, Radio Cultura, Radio Brusa (más tarde Radio Excelsior), Radio Splendid, Radio Nacional - Estación Flores, Radio Municipal y Radio Fénix (luego Radio Antártida).

Durante la década del cincuenta apareció “Las Dos Carátulas”, que se transformó en un clásico de Radio Nacional, mientras que el fútbol comenzó a ganar espacio en la grilla con sus transmisiones en vivo.

En los sesenta, Cacho Fontana marcó un antes y un después con el “Fontana Show”, y Héctor Larrea dejó huella con Rapidísimo, considerado durante décadas el gran referente de las mañanas radiales. Luego se sumaron programas históricos como Argentinísima, Imaginate Flecha Juventud, Magdalena Tempranísimo, Modart en la noche, La noche con amigos, Matinata, Soldán Esquina Tango, La vida y el canto y La venganza será terrible, entre muchos otros.

La llegada de las FM en los setenta impulsó la radio musical, y en los ochenta cobraron fuerza los programas de opinión, una tendencia que sigue vigente y hoy convive con el streaming. En la actualidad, las emisoras incorporaron cámaras en los estudios que permiten seguir las transmisiones en vivo por internet, y algunas incluso comparten señal con canales de TV. Además, los contenidos se expandieron a plataformas digitales, aplicaciones móviles y podcasts, sin dejar de ser, en esencia, radio. Este medio, que combina información y entretenimiento, continúa siendo uno de los más cercanos y accesibles para el público, manteniendo su vigencia como parte fundamental de la vida cotidiana en todo el mundo.

Quiénes fueron “Los locos de la azotea”

La figura de Enrique Susini destaca no solo por su papel en la fundación de la radio, sino también por su brillante trayectoria académica y profesional. Completó la escuela primaria a los 10 años y la secundaria a los 14. A los 23 ya era médico especializado en otorrinolaringología y amplió su formación en el Instituto Pasteur de París, donde se especializó en vacunas. Además, se graduó como profesor de canto y violín en Viena, fundó la Escuela de Danzas del Teatro Colón y en 1931 creó la empresa cinematográfica Lumiton, que en 1938 obtuvo el primer premio internacional para el cine argentino en Venecia.

En 1951 dirigió la primera transmisión de televisión en Argentina, fue el primer director general de Canal 7 y organizó el Primer Festival de Cine en Mar del Plata en 1948. También incursionó en la industria minera y en proyectos tecnológicos, como las pantallas gigantes para la Fiesta de la Vendimia en 1957.

Los colaboradores de Susini también alcanzaron logros destacados tras aquel episodio fundacional. Miguel Mujica se graduó como médico y fue ministro de Comunicaciones durante la presidencia de Arturo Frondizi. César Guerrico dirigió Radio Splendid, mientras que Luis Romero Carranza se especializó en radiología, fundó la primera fábrica de celuloide virgen para cine, patentó un sistema de grabación de sonido y desarrolló un micrófono de velocidad innovador.

Los antecedentes de la primera radiotransmisión en Argentina

El camino hacia la transmisión de 1920 fue el resultado de una década de experimentación. Durante el centenario de la Revolución de Mayo, el italiano Guillermo Marconi, inventor del “telégrafo inalámbrico”, realizó pruebas de transmisión en Buenos Aires, utilizando un barrilete para elevar una antena y logrando comunicarse con Irlanda y Canadá.

Estas experiencias estimularon el interés de Susini y su grupo por la radiofonía. A pesar de las dificultades impuestas por la Primera Guerra Mundial, que volvió confidencial el desarrollo radiofónico, el grupo persistió.

En 1917, la Armada argentina envió a Susini a Francia, de donde trajo equipos de 5 kW utilizados por las fuerzas armadas francesas. Carranza debió retirar una antena de su domicilio en Libertad y Paraguay tras sospechas de que transmitía información a barcos alemanes.

La innovación de Susini y su equipo no se detuvo en la radio. En 1927, exploraron la onda corta con fines medicinales y desarrollaron un sistema de radiocomunicación telegráfica. Al año siguiente, fundaron el Radioclub Argentino. Intentaron establecer bases en Londres, París y Berlín, pero enfrentaron la oposición de grandes corporaciones como ITT y Telefunken. Finalmente, Susini propuso instalar una base en España, bajo el reinado de Alfonso XIII. Tras negociaciones exitosas, adquirió un terreno en Madrid para instalar una antena de gran tamaño destinada a recibir señales de onda corta, lo que transformó las telecomunicaciones en apenas dos años.

27 de agosto: Día de la Radiodifusión en Argentina

El interés por el Día de la Radio en Argentina mostró un fuerte crecimiento en las últimas horas, según datos de Google Trends. La mayor concentración de búsquedas se registró en provincias como Catamarca, La Rioja y Santa Cruz, con picos de consultas desde la madrugada del 27 de agosto. Entre los temas relacionados, se destacaron “radiodifusión” y “27 de agosto”, lo que confirma la relación directa con la conmemoración de la primera transmisión radial en el país en 1920.

En paralelo, las tendencias en tiempo real ubicaron a “día de la radio” entre los términos más consultados del día, con más de mil búsquedas en pocas horas y un aumento del 600%. También crecieron consultas asociadas como “día nacional de la radio”, “día de la radiodifusión” y “día de la radio argentina”. El interés comenzó a crecer desde temprano en la jornada y se mantuvo en niveles altos durante toda la mañana, reflejando la vigencia del medio en la memoria colectiva y su lugar en la agenda cultural del país.

El legado de Los locos de la azotea se celebra cada 27 de agosto como el Día de la Radiodifusión en Argentina. La transmisión de Parsifal no solo fue la primera emisión artística completa y regular, sino que también inauguró la cobertura en vivo de eventos políticos, como la asunción presidencial de Marcelo T. de Alvear el 12 de octubre de 1922, y la creación de noticieros y equipos de locutores. “Yo quiero reclamar, no por inmodestia, ni para aumentar el mérito nuestro, sino porque le corresponde a la ciudad y al país la absoluta seguridad que la primera transmisión nuestra fue la primera del mundo en radiodifusión”, afirmó Susini. Aunque persiste el debate sobre la primacía mundial de la experiencia argentina, el carácter pionero y sistemático de aquella transmisión resulta indiscutible.

Cuándo se celebra el Día de la Radiodifusión a nivel mundial

El Día Mundial de la Radio se conmemora cada 13 de febrero, fecha instaurada por la UNESCO y ratificada por la Asamblea General de la ONU en 2012. La elección de este día reconoce a la radio como un medio esencial para la comunicación, la educación y el acercamiento entre culturas. La propuesta surgió en 2008 de Jorge Álvarez, presidente de la Academia Española de la Radio, y finalmente fue respaldada por el Gobierno de España en 2011.

Desde entonces, la jornada busca resaltar el rol de la radio en la vida social y cultural, así como promover su vigencia en un entorno mediático en constante transformación. En Argentina, esta celebración encuentra un eco especial cada 27 de agosto, cuando se recuerda el “Día de la Radio” en honor a la primera transmisión realizada en 1920 por “Los locos de la azotea”.

Los Premios Gardel 2025 se realizaron este miércoles 18 de junio en y tuvieron como principales ganadores a CA7RIEL y Paco Amoroso, que se quedaron con siete premios, entre ellos, el codiciado Gardel de Oro, y el del mejor Álbum del Año.

La gala se inició con el anuncio de los primeros ganadores a través de las redes sociales de CAPIF, la Cámara Argentina de Productores de Fonogramas y Videogramas, entidad organizadora del evento. Esta primera etapa, como es habitual, antecedió a la ceremonia principal que se transmitió en vivo desde el Teatro Coliseo. Allí, se celebró la segunda parte de la velada, donde se revelaron las ternas más populares y se realizaron las presentaciones en vivo.

En esta edición número 27 de los galardones, se premiaron trabajos publicados entre enero y diciembre de 2024 en un total de 51 categorías, abarcando los principales géneros y formatos musicales del país. Los artistas con mayor cantidad de estatuillas fueron el dúo formado por Catriel Guerreiro y Ulises Guerriero, seguidos por Lali Espósito y Luck Ra, ambos flamantes jurados de La Voz Argentina (Telefe), que coleccionaron tres premios cada uno.

Uno por uno, los ganadores de los Premios Gardel 2025

Gardel de Oro

Ca7riel y Paco Amoroso

Álbum del Año

• 166 - Milo J
• Por cesárea -Dillom
• Baño María - CA7RIEL & Paco Amoroso (GANADORES)
• La lógica del escorpión - Charly García
• El último baile - Trueno

Mejor Álbum de Jazz

• Gardel – Hernán Jacinto (GANADOR)
• Volumen 2 – Ligia Piro
• Becoming Human – Roxana Amed

Mejor Álbum Folklore Alternativo

• 11 Puerta 3 – Abi González (GANADOR)
• Pu Ko / Aguas – Anahí Rayen Mariluan
• Alterego – Franco Ramírez

Mejor Álbum Conceptual

• Atahualpa Yupanqui en Michigan – Atahualpa Yupanqui (GANADOR)
• Por cesárea – Dillom
• Hilda canta Charly – Hilda Lizarazu, Lito Vitale
• Éxtasis Total – Las canciones de los Abuelos de la Nada – Cachorro López

Mejor Álbum Artista Pop Tradicional

• As de corazones – Eddie Sierra (GANADOR)
• Acércate más – Dany Martin
• Laura Esquivel – Laura Esquivel

Mejor Colaboración Urbana

• TODO ROTO – Nathy Peluso, CA7RIEL & Paco Amoroso (GANADORES)
• Alegría – Tiago PZK, Anitta, Emilia
• Young Miko: Bzrp Music Sessions, Vol. 58 – Bizarrap, Young Miko
• WE LOVE THAT SHIT – Nicki Nicole & KHEA
• Cuando Te Vi | CROSSOVER #5 – Big One, Maria Becerra, Trueno

Mejor Álbum Instrumental-Fusión-World Music

• Yvy Purahéi – Los Núñez (GANADORES)
• La noche – Lidia Borda y Daniel Godfrid
• Diez piezas breves para armónica cromática – Franco Luciani

Productor del Año

• Gustavo Santaolalla (GANADOR)
• Nico Cotton
• Bizarrap
• Gonzalo Moreno Charpentier (BAMBI)

Ingeniería de Grabación

• Baño María – CA7RIEL & Paco Amoroso (GANADORES)
• De Fábrica (Versión Extendida)
• Maquillada en la cama
• Hecho en Jamaica
• Por cesárea

Mejor Álbum Artista de Rock

• La lógica del escorpión – Charly García (GANADOR)
• Herencia Lebón – David Lebón
• Hija de ruta – Lucy Patané

Mejor Álbum Infantil

• Margarita, que tu cuento valga la pena – Margarita (GANADORA)
• Buscapié – Luis Pescetti y Juan Quintero
• Cumpleaños – Pim Pau

Mejor Álbum de Música Clásica

• Parotti, obras para violín solo – Vol. 2 – Elías Gurevich (GANADOR)
• Ámbar Púrpura – Guillo Espel
• Escrito sobre escrito sobre escrito – Compañía Oblicua y Marcelo Delgado

Mejor Álbum Grupo Tropical / Cumbia

• Messirve Mix 9 – La T y La M (GANADORES)
• Aprendí – Lemonchamp
• Uriel Lozano: Sin Miedo Session #44 – Sin Miedo y Uriel Lozano

Mejor Álbum Grupo Pop

• Muchachos – La Mosca Tse-Tse (GANADORES)
• Arco y Flecha – Mi Amigo Invencible
• Hipnótica – Hipnótica

Mejor Álbum Rock Pesado

• Pase lo que pase – Arde la sangre (GANADORES)
• Súper premium ultra – Dum Chica
• El diablo – Horcas

Mejor Diseño de Portada

• Baño María – terrivle, Iván Resnik, Valentina Luppino, El Ovbio (GANADORES)
• Quiero mejor – Omar Souto, Nora Lezano
• La lógica del escorpión – Renata Schussheim, Martín Gorricho
• Súper Premium – Ultra – Nano Benayon

Mejor Álbum Artista de Tango

• Pratanguero: 3° Esquina, la que se alumbra – Ariel Prat (GANADOR)
• Contrapunto – Mariana Quinteros
• ¿Y el fin del amor? – Mariana Mazú

Mejor Álbum de Reggae / Ska

• Hecho en Jamaica – Nonpalidece (GANADORES)
• TULI – Señor Flavio
• Rocker Riddim
• Forever – Dancing Mood

Mejor Álbum Pop Alternativo

• Maquillada en la cama – Juliana Gattas (GANADORA)
• Grasa – Nathy Peluso
• Cursi – Zoe Gotusso

Mejor Colaboración

• AGUA – CA7RIEL & Paco Amoroso, TINI (GANADORES)
• Arruinarse – Tan Bionica ft. Airbag
• En Otra Vida – Yami Safdie y Lasso
• Luck Ra: Bzrp Music Sessions, Vol. 61 – Bizarrap, Luck Ra
• Es ahora – Abel Pintos & Luciano Pereyra
• HOLA PERDIDA – Luck Ra, KHEA
• Ahí ahí (Remix) – El Negro Tecla, DJ Tao, Pablo Lescano, L-Gante, La T y La M

Grabación del Año

• Real gangsta love – Trueno (GANADOR)
• Ojos verdes – Nicki Nicole
• Luck Ra: Bzrp Music Sessions, Vol. 61 – Bizarrap y Luck Ra
• Arruinarse – Tan Bionica ft. Airbag

Mejor Colección de Catálogo

• Mercedes Sosa en New York, 1984 – Mercedes Sosa (GANADORA)
• Canciones para cantar en el cordón de la vereda – Miguel Abuelo
• Música del Alma – Charly García

Mejor Álbum Artista de Folklore

• Legado popular I y II – Peteco Carabajal (GANADOR)
• Mil noches – Juan Fuentes
• Soy milonga – Casiana Torres
• Que Sea Con Suerte – Soledad

Mejor Álbum Canción de Autor

• Quiero mejor – Kevin Johansen (GANADOR)
• REC or dando – María Pien
• Ese Fuego – Luna Sujatovich

Mejor Álbum Banda de Sonido Cine/TV

• Pedro Páramo – Gustavo Santaolalla (GANADOR)
• Margarita, que tu cuento valga la pena – Margarita
• El Encargado 3 – Alejandro Kauderer e Ignacio Gabriel
• Cromañón – Varios artistas

Mejor Álbum Grupo de Folklore

• A los amores – El folklórico Vol. 1 – Duratierra (GANADORES)
• Sinfónico – Destino San Javier
• Nocheros en la mesa – Los Nocheros

Mejor Canción de Rock

• Yo ya sé – Charly García (GANADOR)
• Lío – Eruca Sativa
• Anarquía en Buenos Aires – Airbag
• Buenos tiempos – Dillom
• Pasos al costado – Turf y Milo J

Mejor Álbum Orquesta y/o Grupo de Tango y/o Instrumental

• Costero Criollo – Noelia Sinkunas y Milagros Caliva (GANADORAS)
• La Marca – Orquesta de Tango del Falla
• Neotípico – Ramiro Boero

Mejor Canción Urbana

• Real gangsta love – Trueno (GANADOR)
• Young Miko: Bzrp Music Sessions, Vol. 58 – Bizarrap, Young Miko
• 3 pecados después – Milo J
• Máscara – Nicki Nicole & Duki
• Cuando te vi | CROSSOVER #5 – Big One, Maria Becerra, Trueno

Mejor Canción Tropical / Cumbia

• Perdonarte, ¿para qué? – Los Ángeles Azules y Emilia Mernes (GANADORES)
• Amor de Vago – La T y la M, Malandro
• Hoy – Valentino Merlo y The La planta
• Te amo – Fer Vázquez y Flor Álvarez
• Piel – Tiago PZK y Ke Personajes
• Si Un Día Estás Sola | CROSSOVER #7 – Emanero, Valentino Merlo y Big One
• Dice que no le importa – La Delio Valdez y Los Palmeras

Mejor Canción Pop Urbano

• Agora – María Becerra (GANADORA)
• La cueva – Cazzu
• A vos – Milo J
• Aprender a amar – Nathy Peluso
• Noviogangsta <3 – Emilia

Mejor Álbum Música Electrónica

• Artificial – Peces Raros (GANADORES)
• DUALIDAD – Malena Narvay
• R333MIX – Evlay
• Satisfire – Six Sex

Mejor Canción de Rkt

• San Turrona - La Joaqui (GANADORA)
• Antes que me vaya - L-Gante
• Tal Para Cual - Salastkbron y Omar Varela
• Gitano - Ponte Perro y Doble P
• Suelta - Callejero Fino

Mejor Álbum Pop Urbano

• Modales - Yami Safdie
• Baño María - CA7RIEL & Paco Amoroso (GANADORES)
• GOTTI - Tiago PZK

Mejor Videoclip Corto

• Pa - Dirección: Bárbara Farré
• Fanático - Dirección: Lautaro Espósito y Lali (GANADORES)
• Arruinarse (En Vivo En River Plate) - Dirección: Andrea Ussher
• MVP - Dirección: Agustín Portela

Mejor Álbum Artista Pop

• Vuelve - Axel
• Momentos - Nahuel Pennisi (GANADOR)
• Un mechón de pelo - TINI

Mejor Canción de Cuarteto

• No podrás - En vivo - Eugenia Quevedo
• Luck Ra: Bzrp Music Sessions, Vol. 61 - Bizarrap y Luck Ra
• Mil preguntas- Q´ Lokura y Luck Ra
• Fama de Diabla - La K’onga - David Bisbal - Emanero
• Hola perdida - Luck Ra y KHEA (GANADORES)

Mejor Canción de Tango

• Pesar - Melingo y Pity Álvarez
• Tormenta - Lidia Borda y Daniel Godfrid (GANADORES)
• La vida del brujo - Sexteto Fantasma

Mejor Videoclip Largo

• Luna en Obras- Dirección: Hernán Marino
• Baño María- Dirección: Brian Kazez (GANADORES)
• La Última Noche Mágica En Vivo - Estadio River Plate - Dirección: Andrea Ussher y AgustÍn Svarz
• Mercedes Sosa en New York, 1974 - Dirección: Martín Benchimol
• Un mechón de pelo - Dirección: Terrivle, Bàrbara Farré
• Intro + 3 pecados + Ni Carlos ni José -,Dirección: Justo Benedetto

Mejor Álbum en vivo

• La Última Noche Mágica En Vivo - Estadio River Plate - Tan Biónica (GANADORES)
• BAÑO MARÍA En vivo - Buenos Aires - CA7RIEL & Paco Amoroso
• Airbag - En vivo - Estadio Vélez - Airbag
• 18 En vivo - Estadio de Morón - Milo J
• Q’LOKURA / Zapada EN VIVO en UN POCO DE RUIDO! - Pinky SD, Un Poco de Ruido, Q’Lokura

Mejor Canción de Folklore

• Siempre a la misma hora - Teresa Parodi (GANADORA)
• Raza Morena - Flor Paz
• Como un tren - Juan Fuentes y León Gieco
• De la forestal - Patricia Gómez Grupo
• Mi Última Carta - Los Nocheros y Chaqueño Palavecino

Mejor Álbum Artista Tropical / Cumbia

• Tu patrona de lujo - La Joaqui (GANADORA)
• Conmigo te gustó - Nico Mattioli
• Celda 4 - L-Gante

Mejor Canción de Pop

• Fanático - Lali (GANADORA)
• Pa - Tini
• La_Playlist.mpeg - Emilia
• IMAN (Two Of Us) - Maria Becerra
• En otra vida - Yami Safdie y Lasso
• Es ahora - Abel Pintos y Luciano Pereyra

Mejor Álbum Rock Alternativo

• Ultracromático - Daniel Melero
• No hagas que me arrepienta - Winona Riders
• Por cesárea - Dillom (GANADOR)
• Correntada - El Plan de la Mariposa
• De fábrica (versión extendida) - Florian

Mejor Canción Pop Rock

• No entiendo si es amor - El Zar
• Cristal - Indios
• Verte de cerca - Airbag
• De abajo para arriba - Un verano
• Arruinarse - Tan Biónica ft. Airbag (GANADORES)
• La renta - SER y Paty Cantú

Mejor Álbum Urbano

• NAIKI- Nicki Nicole
• 166 - Milo J
• AMERI - Duki
• El último baile - Trueno (GANADOR)
• En dormir sin Madrid (deluxe) - Bizarrap y Milo J

Mejor Álbum Grupo de Rock

• Cocoliche Life - Bersuit Vergarabat
• Nueve - Massacre (GANADORES)
• Esencia - Cruzando el charco

Mejor Álbum de Cuarteto

• De Córdoba pal mundo - Eugenia Quevedo
• Serie favorita - La K’onga
• Que nos falte todo - Luck Ra (GANADOR)
• BXXI: fiesta cuartetera en el Luna Park - Banda XXI
• Pisando firme - Ulises Bueno

Mejor Álbum de Pop Rock

• Un Verano - Un Verano
• MARTTEIN - Marttein
• Jet Love - Conociendo Rusia (GANADORES)
• Salvando las distancias - Benjamín Amadeo

Mejor Nuevo Artista

• Dum Chica
• Juana Rozas
• Olivia Wald (GANADORA)
• Margarita
• K4OS

Canción del Año

• IMAN (Two Of Us) - Maria Becerra
• Ojos verdes - Nicki Nicole
• Hola perdida - Luck Ra y KHEA
• Luck Ra: Bzrp Music Sessions, Vol. 61 - Bizarrap y Luck Ra
• 3 pecados después - Milo J
• Fanático - Lali (GANADORA)
• Cirugía - Dillom
• Verte de cerca - Airbag
• Real gangsta love - Trueno
• En otra vida - Yami Safdie y Lasso
• Mi primer amor - Luciano Pereyra

Por primera vez en su carrera, Kurt Elling, uno de los vocalistas de jazz más reconocidos a nivel mundial, se presentará en Argentina, junto al guitarrista Charlie Hunter, para presentar el disco SuperBlue en el Teatro Coliseo.

Presentado por Bebop Club, el artista, ganador de dos premios GRAMMY, que se presenta el martes 22 de abril, contará además con la participación de Julius Rodriguez en teclados y Marcus Finnie en batería.

Kurt Elling es considerado el vocalista masculino de jazz más destacado de la actualidad, un título respaldado por una carrera de más de veinticinco años que lo ha llevado a reinventar estándares clásicos y a crear composiciones originales que destacan por su profundidad y sensibilidad artística.

Su virtuosismo y audacia creativa lo han hecho merecedor de múltiples galardones, entre ellos tres Prix du Jazz Vocal en Francia, dos premios Echo en Alemania y dos premios Edison en los Países Bajos. Además, ha sido nominado al GRAMMY en dieciséis ocasiones, consolidándose como una figura central en el panorama del jazz contemporáneo.

Durante catorce años consecutivos, Elling lideró las encuestas de críticos y lectores de la prestigiosa revista DownBeat, y ha sido reconocido en doce ocasiones por la Jazz Journalists Association como el “Vocalista Masculino del Año”. Su capacidad para explorar diversos enfoques musicales y dotarlos de su sello personal lo ha llevado a colaborar con grandes nombres del género, como Branford Marsalis, Danilo Pérez, Fred Hersch, Charlie Hunter y Stefon Harris.

Además de sus colaboraciones con otros músicos, Kurt Elling ha actuado como solista junto a algunas de las orquestas y conjuntos más prestigiosos del mundo. Entre ellas se encuentran la Filarmónica de Nueva York, la BBC Concert Symphony, la Count Basie Orchestra, la WDR Big Band and Orchestra, la Clayton-Hamilton Orchestra y la Village Vanguard Orchestra. Estas presentaciones han permitido que su talento trascienda los límites del jazz tradicional, llevándolo a escenarios de gran relevancia internacional.

El concierto en el Teatro Coliseo contará con la participación de Charlie Hunter, un guitarrista ampliamente reconocido por su habilidad única para tocar simultáneamente líneas de bajo, melodías solistas y ritmos complejos en guitarras híbridas de siete y ocho cuerdas.

Hunter tiene una carrera de más de treinta y cinco años, durante los cuales ha lanzado más de treinta álbumes y ha trabajado con artistas de renombre como Norah Jones, Mos Def, John Mayer, D’Angelo, Frank Ocean y Silvana Estrada, además de su colaboración con Elling.

El repertorio del concierto estará centrado en SuperBlue, el último trabajo discográfico de Kurt Elling y Charlie Hunter, que ha recibido elogios de la prensa especializada por su frescura y originalidad. Este álbum combina elementos del jazz tradicional con influencias contemporáneas, mostrando la capacidad de ambos artistas para reinventarse y explorar nuevos horizontes musicales.

*Martes 22 de abril a las 21 h en el Teatro Coliseo, M.T de Alvear 1125 (CABA). Entradas online o a través de la boletería de martes a sábados, de 12 a 20, o en puerta.

Créditos: Live Photos.

Cada década propone nuevos sonidos, búsquedas y formas de entender un lenguaje que nace del cruce entre culturas y jamás dejó de transformarse. En esa travesía constante, pocos intérpretes lograron desarrollar una identidad tan poderosa como la de Kurt Elling, el cantante norteamericano que, por primera vez, ofrecerá un recital en Buenos Aires: será el próximo martes 22 de abril en el Teatro Coliseo.

Su historia personal no responde a los recorridos más conocidos entre los artistas del género. Criado en la ciudad de Chicago, inició sus estudios universitarios enfocado en la teología, con el objetivo de ingresar al ministerio. Su amor por la palabra, la lectura y la reflexión filosófica marcaron una sensibilidad que luego trasladó al escenario.

Durante sus años en la educación superior, descubrió en los clubes nocturnos un espacio donde la música se ofrecía como acto poético. Allí encontró en el vocalese una forma de expresión que le permitió desarrollar un estilo propio. Su voz, el fraseo inconfundible, el swing preciso y una comprensión profunda del texto le otorgaron un lugar destacado en la escena del jazz internacional.

SuperBlue: el giro eléctrico de una carrera madura

En el concierto de abril, Elling interpretará composiciones de su proyecto SuperBlue, junto al guitarrista Charlie Hunter, uno de los músicos más creativos de la escena funk-jazz estadounidense. Este disco representa una exploración hacia terrenos sonoros menos tradicionales.

El repertorio incluye también obras del segundo volumen del proyecto, SuperBlue – Guilty Pleasures, donde se percibe con mayor claridad una orientación hacia el groove, el soul y estructuras que invitan al movimiento. La formación se completa con Julius Rodriguez en teclados y Marcus Finnie en batería.

Letras que respiran poesía

Uno de los aspectos más valorados de su obra reside en la dimensión poética que imprime a sus canciones. Lejos de limitarse a la improvisación vocal, Elling incorpora textos de autores como Rainer Maria Rilke, Pablo Neruda, Walt Whitman o Jack Kerouac, lo que establece una continuidad entre palabra hablada y canto.

En este punto, su visita a Buenos Aires despierta una expectativa especial. El propio artista manifestó su admiración por escritores como Jorge Luis Borges y Julio Cortázar, así como su interés por el tango y sus íconos, entre ellos Carlos Gardel y Astor Piazzolla.

El jazz como lenguaje abierto

Para Elling, el jazz no se define por fórmulas fijas ni estructuras inamovibles. Su mirada lo ubica como un lenguaje en constante cambio, capaz de incorporar elementos del rap, del R&B, de la ópera o de la electrónica sin perder su esencia.

El proyecto SuperBlue representa el punto más visible de esa evolución estética. La unión con Charlie Hunter, músico que trabaja sobre guitarras híbridas, ofrece un campo fértil para explorar texturas poco frecuentes en el jazz vocal. El resultado combina espontaneidad, rigor técnico y una búsqueda permanente de frescura.

Un evento con curaduría de Bebop Club

El recital de Kurt Elling forma parte de la agenda internacional presentada por Bebop Club, espacio que en la última década impulsó la llegada de grandes figuras del jazz contemporáneo a la Argentina. Su programación se enfoca en acercar proyectos vigentes, con propuestas desafiantes que dialogan con el presente musical global.

El Teatro Coliseo fue el lugar elegido para esta primera visita de Elling al país. Con entradas disponibles por Ticketek y en la boletería, el evento ofrece un beneficio exclusivo para clientes de Banco Galicia con tarjetas Visa, quienes accederán a un 15% de descuento y la opción de pagar en seis cuotas sin interés.

El martes 22 de abril, el jazz mundial se encontrará con el público argentino en una cita largamente esperada. La llegada de Kurt Elling, una de las voces más prestigiosas y originales del género, representa un momento único para quienes siguen su obra desde hace años.

Cada gesto suyo hablaba. Cada movimiento era una frase no dicha, una declaración en silencio. Sandro no era un simple intérprete. Era un lenguaje. Uno corporal, uno emocional, uno que atravesaba la piel y quedaba tatuado en la memoria. Su cuerpo entero cantaba: las manos extendidas, los pasos felinos, las caderas como un péndulo que marcaba el tiempo del deseo.

En cada canción suya hay un pedazo de verdad que ya no se dice, una forma de amar sin filtros, sin ironías, sin distancia. Y por eso duele, y por eso emociona. Porque Sandro no se parece a nadie. Porque su voz no es solo un sonido, es un cuerpo, es una escena, es un recuerdo que sigue latiendo incluso en los que nacieron después de su muerte.

Teleshow conversón con parte del equipo de lo que será Sandro, el Gran Show. La obra dirigida artísticamente por Ana Sans y Julio Panno, con la dirección musical de José Luis Pagán, narra la historia de un joven que enfrenta el reto de interpretar las canciones del legendario Sandro. Este espectáculo busca rendir homenaje a la figura del artista argentino, combinando el legado musical del ídolo con una propuesta escénica renovada y protagonizada por jóvenes intérpretes con amplia trayectoria teatral: Alan Madanes, Nacho Pérez Cortés, Sofía Val y Malena Rossi.

Olga Garaventa de Sánchez, viuda de Sandro, expresó su emoción y apoyo al proyecto, resaltando que le resulta especialmente significativo que este tributo se realice en el año en que su esposo hubiera cumplido 80 años. El espectáculo, prometen, cautivará al público, celebrando con sensibilidad y respeto al legado del “Gitano”.

Reinterpreta al ídolo desde la esencia

“Sandro era su público más que ningún otro artista”, dice Alan Madanes, con una mezcla de emoción y expectativa en la voz. Junto a Nacho Pérez Cortés, ambos actores encabezan “Sandro, el Gran Show”, una apuesta escénica que, desde el vamos, desafía cualquier formato tradicional para homenajear a un ícono popular.

“Es como una apuesta distinta de lo que uno imaginaría para representar la historia de un ícono. Ya partiendo de la base de que no va a estar él representado físicamente en un solo actor, eso lo pone en otro lugar del espectáculo”, explica Madanes. La obra no busca imitar ni contar biográficamente la vida del Gitano, sino invocar su esencia desde múltiples cuerpos y voces. “Nosotros tratamos de que aparezca la palabra ‘esencia’.

La propuesta, que se define como un show musical y no como un musical convencional, coloca a los intérpretes en un juego de espejos, donde la figura de Sandro se reconstruye a partir de sus gestos, su voz, su presencia y su inagotable magnetismo.

Con funciones próximas a estrenarse y una enorme expectativa sobre cómo responderá el público, el espectáculo se posiciona como un homenaje colectivo, fragmentado e íntimo. “Creemos siempre cuando hablamos del proyecto que se va a terminar de completar y de cobrar otro valor cuando el Teatro Coliseo se llene de gente”, anticipa Alan a Teleshow.

Una apuesta escénica que rompe moldes

Desde su concepción, “Sandro, el Gran Show” se distancia deliberadamente de cualquier intento de reconstrucción literal o biográfica de la figura de Sandro. Para Alan Madanes, esa decisión fue clave desde el arranque: “La idea no es una biopic. O sea, no es la vida de él, sino que es un poco la historia de nosotros haciendo de nosotros mismos”, explica a Teleshow.

El eje central gira en torno al personaje de Alan, quien en escena intenta montar un show sobre Sandro. Para eso, imagina un doble, un alter ego que encarna todo lo que él no es o teme ser. Ese doble está representado por Nacho Pérez Cortés, quien describe el vínculo como “un juego de dobles”, una estrategia que introduce una complejidad emocional y escénica potente. “Ahí aparece la tensión de la obra, en esta pregunta: ¿Cómo hacer para no imitar a Sandro, sino para ser Sandro?”

Lo que podría parecer un desafío imposible —evocar a un ícono sin replicarlo— se convierte en el motor creativo del espectáculo. En lugar de perseguir la copia, los artistas apuestan por una aproximación emocional y corporal. “Siento que es un artista que tiene tantas aristas distintas. No solo es un romántico, sino que es un cuerpo, cómo se mueve. Está tomado por una energía que lo sobrepasa”, dice Madanes.

Una búsqueda desde el cuerpo y la energía

En el universo de “Sandro, el Gran Show”, nadie se pone una peluca, nadie se esfuerza por imitar una voz, nadie actúa como Sandro. Y sin embargo, Sandro aparece. Esa es la paradoja poderosa que impulsa al elenco: la certeza de que al abandonar la imitación, algo más profundo puede emerger. “No tratamos de pensarlo como una imitación, sino de encontrarnos en él, que nos pase esa energía”, dice Alan Madanes.

“Cada uno en el rol que le toca en la obra, viene a cubrir un poco de cada una de esas facetas que solo él podía abarcar”, explica Alan, reconociendo que es imposible que un solo cuerpo encarne todo lo que fue Sandro, pero sí puede reconstruirse su esencia desde lo colectivo.

“Trabajamos mucho con los directores: cómo suena él, cómo se planta, cómo se mueve”, detalla Nacho. Esa labor minuciosa permite sostener la ilusión escénica sin necesidad de impostaciones externas. Desde ahí, empieza a surgir algo propio que, en palabras de Madanes, “llene un poco ese espacio que él transitaba arriba del escenario”.

“Cada uno con las chicas, incluso, estamos haciendo algún aspecto de Sandro. Entonces es medio como un crisol donde aparece él. Era un artista tan integral que impacta mucho a cualquier actor, cantante o intérprete que quiera subirse a esa energía que él manejaba arriba de un escenario”, explica Alan a Teleshow.

El fuego sagrado

“El desafío es para todos, en este caso, porque tenemos que evocar la figura de un ícono. El trabajo es muy profundo y realmente estamos indagando mucho en sus letras y trayendo mucho de él, pero poniéndole nuestra propia verdad”, así describe Sofía Val lo que implica formar parte de Sandro, el gran show, una ambiciosa puesta en escena que celebra al ídolo sin caer en la imitación, apostando a una lectura contemporánea, emocional y profundamente personal de su legado.

A su lado, Malena Rossi coincide: “Vamos a disfrutar muchísimo y yo creo que la gente, cuando nos escuche, va a poder llevarse algo de Sandro desde un lugar distinto, pero muy genuino, muy verdadero.” Juntas, comparten escenario en una producción que reinterpreta el mito del Gitano desde múltiples voces y miradas, con énfasis en la autenticidad de cada artista.

En diálogo con Teleshow, ambas artistas –actrices, cantantes y bailarinas formadas en el musical y la actuación– cuentan cómo fue el proceso de sumarse a este homenaje sin precedentes. Desde el inicio, las artistas sabían que se trataba de algo distinto. “Cuando convocaron al casting decían: no imitadores, nada. Y eso ya marcaba un rumbo”, recuerda Malena Rossi. El objetivo era claro: rendir homenaje desde una verdad propia, no desde el disfraz.

Sofía Val lo explica con claridad: “Estamos trayendo mucho de él, pero poniéndole nuestra propia verdad”, una frase que resume la esencia del espectáculo. Esa autenticidad también atraviesa el proceso de construcción artística: bucear en las letras, entender su profundidad, y desde allí componer una interpretación que no busque parecerse sino conectar.

El equipo creativo planteó un punto de partida inusual: los intérpretes no encarnan personajes ficcionales ni adoptan identidades ajenas. Son ellos mismos en escena. “No estaba muy claro para nosotras a la hora de presentarnos al casting, que nos llegó de distintos modos a cada una”, cuenta Rossi, en relación al misterio inicial que rodeaba al proyecto. Pero con el tiempo, todo cobró sentido: “Más allá de que la figura es Sandro y que el libro tiene que ver con su historia, lo que atraviesa a todos los personajes es esto de ser nosotros”, reflexiona la cantante y actriz.

Recuerdos de Sandro y su presencia mediática

Para Sofía Val y Malena Rossi, el vínculo con Sandro no nació desde una escucha deliberada, sino más bien desde una presencia constante en el imaginario colectivo argentino. Aunque por edad no llegaron a vivir la época dorada del ídolo, ambas reconocen haberlo absorbido de forma indirecta, casi inevitable.

A la hora de revisar su repertorio, se toparon con un fenómeno curioso: muchas de sus canciones estaban más incorporadas de lo que creían. “Creo que de algún modo todos los cantamos y no nos acordábamos, quizás por la edad”, reflexiona Sofía. Y agrega: “No tuve la suerte antes de tener que encarar este repertorio, claro, no a este nivel, pero sí siempre está algún tema conocido dentro de algún repertorio, en algún show”, reconoce Sofía a Teleshow.

El desafío de representar sin representar

Uno de los aspectos más singulares de Sandro, el Gran Show es su decisión de no esconder a los artistas detrás de personajes. A diferencia de los musicales tradicionales, en los que los intérpretes se sumergen en roles definidos, aquí cada uno sube al escenario como sí mismo. “Somos nosotras. No estamos haciendo de otra persona. No somos un personaje clásico”, explican las artistas, subrayando la particularidad de la propuesta.

Sofía Val agrega otra capa a esta experiencia: “Creo que lo que atraviesa a todos los personajes es esto de ser nosotros, por eso nuestros nombres”. La honestidad en escena se convierte así en una especie de pacto con la audiencia. No se trata de representar a Sandro literalmente, sino de abrir una puerta para que su música y su figura resuenen desde nuevas corporalidades y perspectivas.

La mirada femenina sobre el mito Sandro

“Nosotras como mujeres y como cantantes vamos a disfrutar muchísimo”, dice Sofía con entusiasmo, pero también con conciencia del lugar que ocupan. No se trata de replicar un fenómeno masculino, sino de habitarlo desde otro ángulo. Las canciones, cargadas de pasión, de deseo y de romanticismo, adquieren nuevas resonancias cuando son interpretadas por voces femeninas.

El espectáculo no busca revisar ni juzgar, sino redescubrir. Y en ese proceso, cada artista aporta su sensibilidad única. “Yo creo que la gente, cuando nos escuche, va a poder llevarse algo de Sandro desde un lugar distinto, pero muy genuino, muy verdadero”, dice Sofía. Esa “verdad” a la que se refiere no es solo emocional: es también estética, corporal y política. Implica afirmar que el legado de Sandro puede ser interpretado, apropiado y resignificado por nuevas generaciones y nuevos géneros.

La puesta, sin embargo, no borra al ídolo, sino que lo expande. Malena Rossi lo resume con claridad cuando habla de cómo la figura de Sandro sigue presente, pero desde una multiplicidad de voces. En lugar de centrarse en un solo cuerpo, un solo gesto, una sola voz, el show se abre a una coralidad que incluye, transforma y emociona.

La potencia del talento argentino

En tiempos donde lo tecnológico parece avanzar más rápido que lo humano, Ana Sans no duda en señalar el valor de lo artístico: “El ser artista nos aleja un poco de la inteligencia artificial y nos hace más personas.” Para ella y Julio Panno, el fenómeno de Sandro, el Gran Show no solo tiene que ver con homenajear a un ídolo popular, sino con reconocer el momento de madurez del arte argentino, explican a Teleshow.

Ambos directores coincidieron en destacar la calidad y profundidad del talento local que encontraron durante el proceso de audiciones. “Hay mucho talento argentino. Mucho, de verdad”, subrayó Panno a Teleshow.

El proceso del casting

Desde el principio, Julio Panno y Ana Sans tuvieron claro que Sandro, el Gran Show no podía caer en el lugar común de la imitación. La indicación fue contundente y quizás desconcertante para algunos: “No queremos imitadores.” Lo cuentan con franqueza, conscientes de que la frase generaba dudas. “Era una palabra rara que no era muy clara, porque un actor que hace de Sandro lo imita de alguna manera,” admite Panno.

Pero detrás de esa exigencia había una búsqueda mucho más profunda: lo que se pedía era interpretación, no copia. En palabras de Sans, la idea era encontrar intérpretes con la capacidad de “encarnar al personaje”, de capturar su esencia sin repetir gestos vacíos. Esa decisión no fue arbitraria: “Fue un pedido también de la familia,” explican. La dirección artística entendió que la figura de Sandro merecía un abordaje que respetara su dimensión humana, no solo su estilo icónico.

“Lo que se busca es que se encarne al personaje, no que se lo imite. O sea, que tenga una profundidad y un compromiso actoral,” enfatiza Panno.

La verdad en escena: lo que transmitía Sandro

Pocas figuras del espectáculo argentino lograron lo que Sandro: emocionar con una intensidad tan auténtica que el público sentía que todo lo que cantaba, lo vivía. Esa capacidad de transmitir verdad desde el escenario es uno de los ejes que marcaron la dirección artística de Sandro, El Gran Show.

La vara es alta porque el referente lo exige. Sandro no era solo un cantante o un ídolo popular: era un narrador de emociones en vivo, alguien que “en el escenario, se jugaba entero,” dicen los directores. Por eso, cada elección artística dentro del show apunta a eso: a construir momentos donde el público no vea una representación, sino una experiencia emocional real.

En cada audición, los directores buscaron algo más que talento: buscaban verdad, riesgo, entrega. El resultado es un elenco que, más allá de las elecciones individuales, refleja una visión artística sólida: una apuesta por el arte como verdad, por la interpretación como entrega, y por el homenaje como acto profundamente humano.

Desplegando dotes carismáticos, entre sonrisas y saludos, Meloni irrumpió a las 19 en el auditorio del Teatro Coliseo y caminó sobre el pasillo central hacia la primera fila. Cerca de 1000 personas de la comunidad italiana aplaudieron su ingreso de pie. ¡Grazie, grazie!, respondía la primera ministra mientras saludaba con su mano derecha extendida. Se detuvo un instante, hizo un giro de 360 grados para agradecer a todo el salón y luego llegó a su ubicación.

Si bien el presidente Javier Milei estaba invitado, no estuvo presente en el Teatro Coliseo por razones de agenda. Había estado reunido con Meloni por la mañana en su despacho de Casa Rosada. La primera ministra fue recibida y saludada en la ceremonia vespertina del centro porteño por Fabrizio Lucentini, embajador de Italia en Argentina, Eduardo Bustamante, vicecanciller, y por Amador Sánchez Rico, embajador de la Unión Europea en Buenos Aires. En las primeras filas también se hicieron presentes dirigentes como Mariano Cúneo Libarona, ministro de Justicia, Sebastián Amerio, secretario de Justicia, Pablo Quirno, secretario de Finanzas, y los legisladores Fernando Iglesias (PRO) y Nicolás Mayoraz (La Libertad Avanza).

Antes de comenzar la gala de ballet, Lucentini ratificó la importancia de la visita de Meloni para fortalecer la relación bilateral y comercial con Buenos Aires. Luego, la Presidenta del Consejo de Ministros dio un breve discurso ante los presentes. “Italia y Argentina son naciones hermanas”, enfatizó la líder italiana. Durante sus palabras, habló sobre la “hermandad” entre ambos países y los lazos y tradiciones compartidas que pasaron “de generación en generación”.

Meloni contó que hacía seis años que un primer ministro de Italia no visitaba Argentina. El último había sido Giuseppe Conte, que estuvo en Buenos Aires en noviembre de 2018 y fue recibido por el entonces presidente, Mauricio Macri. Además, resaltó que desde que ella llegó al poder, en 2022, este fue su primera visita oficial a un país de América Latina. Si bien estuvo esta semana en Brasil, no fue a esa nación para una bilateral, sino para participar en el G20 de Río de Janeiro.

Meloni fue la invitada de honor en la gala “Luz, Cámara, ¡Danza!”, organizada en el Teatro Coliseo. La ceremonia celebró la excelencia cultural italiana con un homenaje al cine y la danza, destacando figuras icónicas del séptimo arte como Federico Fellini, Sophia Loren y Ennio Morricone. Bajo la dirección artística de Daniele Cipriani, la gala fusionó la danza y el cine, con presentaciones de destacados bailarines internacionales como Alessandro Frola y Sergio Bernal.

La jornada de hoy había comenzado con una reunión bilateral en la Casa Rosada entre Meloni y Milei. Ambos mandatarios compartieron una declaración conjunta en el Salón Blanco, donde destacaron la sintonía ideológica entre ambos. Milei ha elogiado a Meloni como una fuente de inspiración para programa libertario. La visita profundizó la alianza estratégica que los dos líderes comenzaron a tejer con el primer viaje del jefe de Estado a Roma, a principios de año.

Ayer, Milei agasajó a Meloni con una cena en la Residencia Presidencial de Olivos. Se trató de un encuentro distendido y reservado, por fuera del protocolo formal, que ayudó a fortalecer el vínculo personal y la afinidad diplomática. El Presidente había estrenado ese formato el sábado pasado con Emmanuel Macron y lo replicó este martes con la líder italiana.

La visita de Meloni no sólo fue el glamour del Teatro Coliseo. El Palazzo Chigi tiene interés estratégico en Argentina. Por su afinidad con Milei, ve a Buenos Aires como la puerta de entrada para profundizar la inserción comercial en la región. Fue un gesto simbólico con peso diplomático, el hecho de que haya sido el primer país al que viajó luego del G20.

En lo comercial, Italia tiene interés de dinamizar el intercambio y en explorar inversiones en áreas estratégicas con la Inteligencia Artificial y la alta tecnología. En Argentina hay 300 empresas italianas donde trabajan cerca de 20 mil personas. Se estima que facturan en torno a US$ 2.800 millones en sectores como la infraestructura, automotriz y la energía.

En el plano geopolítico, Roma apoya el proceso de ingreso a la OCDE que inició Argentina en mayo. Además, respalda la posición en contra del régimen de Nicolás Maduro en Venezuela y se suma a la presión internacional para que el país bolivariano exhiba las actas de las elecciones del 28 de julio, en las que el líder chavista se autoproclamó ganador ante el opositor Edmundo González Urritia.

En tanto que Meloni y Milei convergen en la perspectiva sobre conflictos globales como la situación en Medio Oriente y la condena a Rusia por la invasión a Ucrania.

Mientras que Milei busca consolidar una Liga de Naciones Conservadoras que funcione como contrapeso de la agenda que promueve la ONU. Conoce que al igual que Trump, Meloni comparte valores en ese sentido -aunque no rechaza en pleno la Agenda 2030-. La foto de ambos en Balcarce 50 fue un modo de ratificar esa convergencia.

La sintonía ideológica y personal de Milei y Meloni fue inmediata desde el principio. Tanto que hoy sellaron su cuarto encuentro en el lapso de un año.

El Presidente cerró así una de sus semanas de mayor vuelo diplomático en su política exterior. Empezó hace 10 días con su encuentro íntimo con Donald Trump, presidente electo de Estados Unidos, en la CEPAC de Mar-A-Lago, en Palm Beach, siguió con la visita a Argentina de Emmanuel Macron, continuó con su viaje Brasil, donde mantuvo bilaterales con Xi Jinping (China), Narenda Modi (India) y Kristalina Giorgieva (titular del FMI). Y concluyó con la visita oficial de Meloni a Buenos Aires.

El Día de la Radio se celebra el 27 de agosto en la Argentina, en recuerdo a la primera transmisión de la historia del país. Esta fecha tuvo como protagonistas a un grupo de cuatro jóvenes denominado como “Los locos de la azotea”. La jornada rinde homenaje también a uno de los medios de comunicación más antiguos y a todos aquellos que pertenecen a esta actividad que, a pesar del avance tecnológico y competencia digital, permanece vigente.

Por qué se celebra hoy el Día de la Radio en Argentina

El 27 de agosto de 1920 cuatro amigos, el médico Enrique Susini, de 25 años y tres colaboradores, todos estudiantes de la Universidad de Buenos Aires, fueron responsables de un hito histórico: la primera emisión radial en la Argentina. Transmitieron Parsifal de Wagner desde la terraza del Teatro Coliseo y fue captado por menos de cien personas. Ellos aseguraron de que se trató de la primera del mundo en radiodifusión. Por este acontecimiento, cada 27 de agosto se celebra el Día de la Radiodifusión en la Argentina

Cómo fue la primera transmisión de radio en Argentina: la historia de “los locos de la azotea”

A las nueve de la noche del 27 de agosto de 1920, Enrique Susini (médico argentino, artista pleno y un pionero de la radiodifusión mundial) pronunció frente a un micrófono de radio las que serían las primeras palabras de una transmisión en Argentina. Si bien ese histórico momento, originado desde la terraza del Teatro Coliseo, solo fue escuchado por menos de 100 personas, estableció un precedente significativo en la radiofonía mundial, cambiando para siempre la vida cotidiana de los argentinos. Fue tan bien recibida la novedad, que continuaron los siguientes días transmitiendo las óperas Aída, Iris, Rigoletto y Manón, y se extendieron al escenario del Teatro Colón.

A raíz de este reconocimiento, Susini, junto con sus colaboradores, César Guerrico, Luis Romero Carranza y Miguel Mujica, se ganaron el apodo de “Los locos de la azotea”.

Argentina, pionera en radiofonía

A partir de ese momento, la radio se convirtió en un medio de comunicación masiva en el país, desempeñando un papel crucial en la vida cotidiana de los argentinos. En las décadas de 1930 y 1940, la radio vivió su época dorada, con programas de gran popularidad como radioteatros, noticieros y transmisiones deportivas que captaron la atención del público.

Durante los años 50 y 60, la radio siguió siendo una fuente importante de entretenimiento y noticias, adaptándose a los cambios tecnológicos y las nuevas preferencias de los oyentes. Con la llegada de la televisión, la radio se reinventó, enfocándose en el formato de mayor interacción, como los programas de entrevistas y debates en vivo.

Hoy en día, la radio en Argentina sigue siendo un medio influyente y accesible, especialmente en comunidades rurales y áreas alejadas. Además, la evolución digital ha permitido la creación de radios online y podcast, manteniendo a la radio como una forma relevante de comunicación e información.

Diversas emisoras, tanto nacionales como locales, siguen desempeñando un papel esencial en informar y entretener a la población. La radio ha sido parte de la construcción de la identidad cultural del país y continúa siendo relevante en la era digital.

La radio es accesible en casi cualquier lugar y a cualquier hora. Se puede escuchar en el automóvil, en el trabajo, mientras se realizan actividades domésticas, y en áreas rurales donde la cobertura de internet puede ser limitada. Además, la radio ofrece actualizaciones instantáneas de las noticias, eventos deportivos y emergencias. Su capacidad de transmitir información en tiempo real es un factor decisivo para mantener a la audiencia informada al instante.

El entrerriano Enrique Telémaco Susini fue sin dudas una mente brillante. Un repaso por su trayectoria académica y profesional así lo demuestra: completó la escuela primaria a los 10 años y la secundaria a los 14. A los 23 era médico y se dedicó a la otorrinolaringología. Además, prosiguió sus estudios en el renombrado Instituto Pasteur de París, donde se especializó en vacunas.

Tenía a quien salir. Cuando a René Favaloro le preguntaban cuál era su modelo de médico, respondía “Telémaco Susini”, cuyo nombre remite al hijo de Odiseo y Penélope, inmortalizados en La Odisea. Era el papá de Enrique, y fue un hombre de carácter fuerte que hizo de todo: médico municipal, docente universitario, creador y director de la oficina sanitaria del Departamento Nacional de Higiene; el ideólogo del sistema de ambulancias, que es la prehistoria del SAME; fue cónsul en Viena y fundó un instituto que hoy lleva su nombre.

Nace la radio

Más allá del ejercicio de la profesión Enrique, junto a otros estudiantes de medicina, se enfrascó en la cuestión de la transmisión de radio. Susini dedicó todos sus esfuerzos para realizar su primera transmisión y sorteó todo tipo de obstáculos. A pesar del estallido de la Primera Guerra Mundial, que convirtió al desarrollo radiofónico en un asunto de carácter confidencial, el grupo avanzó con su trabajo. Si bien la Argentina tuvo una posición neutral durante el conflicto, existía un interés militar en comprender el uso de gases y de los radiotransmisores en el campo de batalla. En este contexto, en 1917, la Armada le solicitó a Susini que viajara a Francia a estudiar el tema. De allí trajo a la Argentina equipos de 5Kw que habían sido usados por las fuerzas armadas francesas.

Construyeron una antena de cuarenta metros de alto y combinaron una bocina para sordos, con un micrófono y un transmisor de 5 vatios. En forma rudimentaria, en la terraza del Teatro Coliseo, hicieron su sueño realidad.

A las nueve de la noche del 27 de agosto de 1920 Susini, de 36 años, pronunció frente a un micrófono de radio las que serían las primeras palabras de una transmisión en Argentina. Ese histórico momento, originado desde la terraza del Teatro Coliseo, estableció un novedoso precedente en la radiofonía mundial y cambió para siempre la vida cotidiana de los argentinos. Fue tan bien recibida la novedad, que continuaron los siguientes días transmitiendo las óperas Aída, Iris, Rigoletto y Manón, y se extendieron al escenario del Teatro Colón. Y la radio no paró más.

La señal solo fue captada por un centenar de individuos, aquellos privilegiados en Buenos Aires que contaban con auriculares “a galena”, un rudimentario receptor AM que usaba un mineral de plomo cubierto con una bobina de alambre de cobre, y que con una aguja en forma manual el usuario buscaba la emisora.

“Señoras y señores, la Sociedad Radio Argentina les presenta hoy el Festival Sacro de Richard Wagner, Parsifal, con la actuación del tenor Maestri, el barítono Aldo Rossi Morelli y la soprano argentina Sara César, todos con la orquesta del teatro Costanzi de Roma, dirigida por el maestro Félix von Weingarten”.

A raíz de este reconocimiento este médico –- junto con sus colaboradores, César Guerrico, Luis Romero Carranza y Miguel Mujica, se ganaron el apodo de “Los locos de la azotea”.

¿Quiénes eran ellos? Venían del campo de la medicina: Susini, ya era médico, mientras que Mujica, Guerrico y Romero Carranza, entre los 18 y 22 años aún eran estudiantes en la Universidad de Buenos Aires. Más allá de su formación académica, compartían un gran interés por la radio. Eran radioaficionados apasionados por la música clásica con una visión clara: poner la radio como herramienta al servicio de la cultura. En aquel entonces, por más vanguardistas que fueran todavía no tenían en claro la dimensión que alcanzaría este nuevo medio, que se convertiría -con el paso del tiempo- en un fenómeno de masas.

Desde ese día, las transmisiones se realizaron de forma continua. Al día siguiente, se emitieron las óperas Aída y Parsifal, y durante la noche, Iris. Este hito derivó en la concesión de la primera licencia de radiodifusión en el país: LOR, Radio Argentina (Sociedad Argentina de Broadcasting). Fue la primera radio de emisiones regulares en nuestro país y de habla hispana en el mundo. Transmitía desde diferentes teatros, entre ellos el Colón, con el firme propósito de estos jóvenes de promover el arte y la cultura. Luego llegaron Radio Sudamericana, Radio Cultura, Radio Brusa (luego Radio Excelsior), Radio Splendid, Radio Nacional - Estación Flores, Radio Municipal, Radio Fénix (luego Radio Antártida), entre otras.

Primera transmisión mudial

“Yo quiero reclamar, no por inmodestia, ni para aumentar el mérito nuestro, sino porque le corresponde a la ciudad y al país la absoluta seguridad que la primera transmisión nuestra fue la primera del mundo en radiodifusión”, expresó Susini. Algunos cuestionan esta atribución, argumentando que hubo numerosos intentos previos en otras naciones. A pesar de que el debate continúa, es innegable que se trató de la primera emisión con propósitos artísticos, y la pionera en transmitir una obra completa, estableciendo así una regularidad en las emisiones y sistematizando el servicio. Además, esta emisora se distinguió por ser la primera en cubrir en vivo la asunción de un presidente, que fue Marcelo T. de Alvear, el 12 de octubre de 1922, así como en ofrecer un noticiero y en conformar un equipo de locutores.

“Vía Radiar” representa una muestra más del ingenio de Susini y su equipo. Tras haber establecido la radio en 1920, para 1927 ya estaban explorando las potencialidades de la onda corta, inicialmente con objetivos medicinales. Esta investigación los llevó a idear un sistema de radiocomunicación telegráfica de onda corta. Aunque buscaron establecer puntos estratégicos en ciudades europeas clave, encontraron resistencia en Londres, París y Berlín, donde corporaciones gigantes como ITT y Telefunken veían en ellos una potencial amenaza competitiva. Ante estos obstáculos, Susini propuso establecer una base en España, que en ese momento estaba bajo el reinado de Alfonso XIII. Tras conversaciones exitosas, se decidió que España sería el punto de inicio para este ambicioso proyecto. En Madrid, Susini adquirió un terreno para instalar una antena de gran envergadura destinada a recibir señales de onda corta. Esta movida, aunque complicada, resultó transformadora para las telecomunicaciones en tan solo dos años.

Además, gracias a este sistema, muchos inmigrantes pudieron comunicarse con los familiares que habían quedado en el Viejo Mundo.

Más allá del ámbito médico, Susini demostró ser un polímata. Se graduó como profesor de canto y violín en Viena, fundó la Escuela de Danzas del Teatro Colón. De un un viaje a Estados Unidos trajo los planos de la Metro Goldywn Meyer. Estudió cine, contrató a los mejores técnicos y le compró a la familia Zeller su quinta en Munro, y así creó la empresa cinematográfica Lumiton en 1931.

Allí se filmaron 99 películas y la primera de ellas fue “Los tres berretines”. Muchas fueron dirigidas por él, escribió guiones y componía la música. Y le copiaron la presentación que tenía el sello, donde Michel Barowsky, primer bailarín del Teatro Colón, golpeaba un gigantesco gong.

En 1938, en Venecia, Susini recibió el primer premio internacional para el cine argentino y en 1948 fue su idea la de organizar un festival de cine en Mar del Plata.

Sus logros no se limitaron al cine y la radio: en 1951 estuvo al frente de la primera transmisión de televisión en Argentina, fue primer director general de Canal 7 y también su primer camarógrafo. Tuvo incursiones en la industria minera y en proyectos tecnológicos innovadores, como las pantallas gigantes para la Fiesta de la Vendimia en 1957.

Sus colaboradores, luego de aquél día histórico, se destacaron en sus carreras. Miguel Mujica se recibió de médico y ocupó el cargo de ministro de Comunicaciones durante la administración de Arturo Frondizi. César Guerrico, también médico, asumió la dirección de Radio Splendid. Mientras que Luis Romero Carranza se especializó en radiología y estableció la primera fábrica de celuloide virgen destinado al cine. Además, patentó un sistema de grabación de sonido y un innovador micrófono de velocidad.

Por este acontecimiento, cada 27 de agosto se celebra el Día de la Radiodifusión en la Argentina y se recuerda este acontecimiento, que tuvo repercusión mundial, nacido en jóvenes mentes brillantes para quienes la imaginación y la realidad no tenía límites.

El miércoles 28 de agosto a las 20 horas, se llevará a cabo el concierto solidario de la Orquesta Filarmónica Federal de SOIJAr en el Teatro Coliseo (Marcelo T. De Alvear 1125, C.A.B.A.), esta vez con la participación especial de Juan Carlos Baglietto, Lito Vitale e Hilda Lizarazu. El objetivo del espectáculo es recaudar fondos para los programas y actividades de la Fundación SOIJAr.

La Orquesta Filarmónica Federal de SOIJAr, integrada por más de 100 jóvenes músicos de todo el país, pertenece al Sistema de Orquestas y Coros Infantiles y Juveniles de Argentina. Estos jóvenes forman parte del Plan Argentino de Multiplicadores (PAM), un proyecto de capacitación destinado a alumnos de orquestas infantiles y juveniles. Durante el concierto, la orquesta interpretará reconocidos temas del rock argentino, homenajeando a artistas emblemáticos como Serú Girán, Gustavo Cerati, Divididos, Sumo y Manal.

Desde su creación en 2005, la Fundación SOIJAr se ha focalizado en brindar formación musical y pedagógica a niños, niñas, adolescentes y jóvenes, así como a educadores y agrupaciones musicales de Argentina. Su misión es utilizar la música como herramienta de educación ciudadana y promoción humana. Actualmente, la organización alcanza a más de 3500 niños y jóvenes en 19 provincias del país.

El Sistema de Orquestas Infantiles y Juveniles de Argentina tiene sus raíces en la primera Orquesta-Escuela del país, fundada en 1998 en Chascomús con el apoyo de la Municipalidad local y aportes empresariales. Esta iniciativa, que fusiona la formación musical con el desarrollo social, fue reconocida y respaldada por diversas entidades y figuras del ámbito musical, como el maestro José Antonio Abreu, creador del sistema venezolano “El Sistema”.

A lo largo de los años, la Fundación SOIJAr ha recibido numerosos reconocimientos y ha establecido convenios con universidades para ofrecer diplomaturas y tecnicaturas en música. En 2014, se inauguró el Centro Educativo, Social y Cultural “José Antonio Abreu” en Chascomús, que se convirtió en la sede de la Orquesta-Escuela y en un epicentro nacional de actividades.

La Orquesta-Escuela de Chascomús también recibió prestigiosos premios, como el Premio Konex a la trayectoria en educación en 2018, y Valeria Atela, autora de la metodología de la Orquesta-Escuela, ha sido galardonada con múltiples premios, incluido el “Mujer Innovadora” por la Honorable Cámara de Senadores de Buenos Aires y Emprendedora Social por Ernst & Young.

La obra y metodología de SOIJAr han sido reconocidas internacionalmente, y en 2021, la Orquesta-Escuela recibió una mención en los términos de la Convención para la Salvaguardia del Patrimonio Cultural Inmaterial de la UNESCO. Estas actividades no solo han impactado positivamente en la vida de los niños y jóvenes participantes, sino que también han contribuido a su desarrollo integral y a su integración comunitaria.

El impacto socioeducativo de la Metodología Orquesta-Escuela ha sido reconocido a nivel nacional e internacional, con visitas de referentes de la educación, el arte y el desarrollo social de diversas jurisdicciones y países. Destaca su colaboración con el Consejo Provincial de Educación de Santa Cruz para desarrollar la primera Escuela Provincial de Música con esta metodología.

Las entradas para este evento solidario están disponibles desde $11300, y se pueden adquirir a través de Ticketek o en la boletería del teatro. La recaudación de fondos ayudará a continuar con la misión de la Fundación SOIJAr de transformar vidas mediante la música.