“Hace muchísimo que queríamos hacerla, que queríamos hacerla renovada y estoy súper contenta de que sigue estando Iñaki Aldao haciendo el personaje, que está igual que hace siete años. Fue fundamental que esté él”, reconoce Calabrese con entusiasmo. El elenco, cuenta, combina actores que ya participaron en la primera versión y otros que se suman por primera vez, en una apuesta que conjuga experiencia y mirada fresca.

Volver a poner en escena una obra internacional de esta envergadura no fue tarea sencilla. “Costó mucho esta licencia. A veces los autores tardan en querer dar las licencias de nuevo, especialmente a países que están muy lejos y en otros idiomas, porque a ellos les demanda tener que revisar de nuevo la adaptación y todo”, explica. “Pero la conseguimos después de mucho tiempo porque terminamos en el 2019, en diciembre, con fecha de vuelta en marzo. Y vino la pandemia. La idea siempre fue seguir y no pudimos”.

El regreso trae consigo novedades visuales y técnicas. “Renovamos todo, dejamos el mismo sistema, es el mismo efecto, pero está un poco distinto para que también la gente que no la vio vea algo diferente, sin cambiar lo que hace Iñaki, porque lo que hace Iñaki era para dejarlo exacto, como estaba. Así que hay sorpresas, pero de las lindas”, anticipa Calabrese.

Sobre el desafío de montar una obra con licencia internacional, Carla detalla: “La exigencia es enorme. Tenés que poder ver algo muy parecido a lo que se ve en Broadway, pero a la vez te exigen que no sea una réplica. Es como estar manejando ese lugar en donde no sea réplica y no pierda el espíritu". Y continúa: “Además, habiendo una novela tan buena que obviamente uno la lee, sacás también muchas ideas de ella, pero todas las producciones en el mundo hacen lo mismo. Entonces, es muy difícil no hacer algo que otro no haya pensado. Pero la verdad que cada puesta es diferente. Nosotros le ponemos cosas nuestras, de nuestra idiosincrasia, de nuestra perspectiva y, obviamente, siguiendo el guion, que es excelente”.

El esfuerzo económico es considerable, pero Calabrese lo asume como una inversión necesaria. “Es tan importante que si uno tiene la posibilidad lo haga, que tengamos buen teatro acá en Argentina“, explica la productora. ”Me parece que es una inversión que si vos podés esperar que vuelva lo suficiente, está buenísimo hacerlo, porque creo que los países donde tenemos situaciones económicas complicadas, donde hay muchos problemas, si no tenemos el refugio de lo que es el buen teatro, realmente no sabés dónde ir para identificarte, para compartir tus problemas, para entender lo que le pasa al otro”, compara Calabrese.

Al hacer alusión a la obra, basada en la novela de Haddon, Carla comenta: “La historia es de una familia de clase media para abajo, donde vive este chiquito que tiene todos estos temas y esta familia disfuncional que lo acompaña. Creo que mucha gente se puede sentir identificada en varios sentidos, porque todos los que tenemos hijos sabemos que todos los chicos tienen alguna cosa de la que hay que ocuparse”.

La directora pone especial énfasis en el valor educativo del espectáculo. Recuerda con satisfacción las funciones para colegios y celebra que estén previstas para el nuevo ciclo. “Me parece que este tema de entender a las personas que son diferentes, a los chicos que son diferentes, hace que se empiece a hablar también de bullying, que es tan importante y que los coles tienen que estar tan pendientes de eso”, reflexiona sobre el impacto.

Al hablar del proceso creativo detrás de cada obra, Carla comenta: “Es magia. Es muy difícil al principio que todo se arme y después cuando ves esa historia que te encantaba… Es mágico ver una historia como te la imaginás. Cuando te gustan las historias, realmente tener la posibilidad de armarlo como a vos te gusta y contarlo desde un escenario, creo que eso no hay nada que lo reemplace”.

Pero la obra no se arma sola, sino que la productora destaca que hay un gran trabajo detrás de bambalinas. “Uno tiene que estar abierto. Me parece que está buenísimo escuchar propuestas y muchas veces te venís imaginando algo que tiene que ser así hasta la última semana y ahí te das cuenta que alguien te viene diciendo también me parece que son… En un momento decís: ‘Esto que me encantaba funciona mejor sin eso’. Y tenés que estar abierto a que eso pase. No sé bien qué porcentaje, pero es un porcentaje alto, de por ahí la mitad empieza a cambiar, o un poquito menos quizás, pero si sos caprichosa te perdés lo mejor del proceso”, subraya.

La directora no duda al hablar del nivel del ámbito artístico argentino. “Yo creo que somos fuertísimos acá. Está todo el mundo que va a España, que se está convirtiendo en un lugar… pero estamos todos trabajando allá, un montón. Yo abrí una parte de la compañía allá hace poquito, hicimos Come from Away allá. Estuvimos seis meses y nos fue súper bien. Lo que vi allá hay cosas muy buenas, pero la verdad lo que se ve en Argentina en cuanto a cantidad y calidad es impresionante. En este momento las ofertas que hay de teatro en el país son enormes y la calidad que hay”, afirma Calabrese, quien supo ver de cerca el trabajo que se realiza en lugares de renombre como Broadway. Y suma: “Además, es tan importante que haya teatro en off. Es un semillero y aparte son lugares donde la gente que quizás no está pudiendo todavía trabajar formalmente empieza a armar cooperativas, y todo eso se va gestando y los actores pueden tener más experiencia”.

Entre sus últimas exitosas obras, Calabrese tiene claro qué la conmueve: “Son muy distintas. Come from Away es un musical y yo amo el musical. Esta es una obra de texto. Pero lo más importante es que sean historias fuertes, historias que a la gente les queden en el alma. Yo no puedo dirigir algo que sea solo entretenimiento. Tiene que ser profundo, tiene que llegarte y algo tiene que cambiar en vos después de que la veas. Si solo me decís: ‘Sí, la pasé rebién’. Okey. No me alcanza”.

“Cuando una obra te llega, es muy transformadora. El ser humano necesita un lugar de identificación, de entender lo que le pasa viendo lo que le pasa al otro, de cerca. Más ahora que en las redes todo está bárbaro, nos mostramos todos contentos siempre, obvio. La vida no es así. Hay un montón de lugares donde uno sufre y cuando ves otro ser humano pasando por lo mismo, te sentís menos solo”, cierra frente al estreno de la obra el próximo 18 de junio.

El regreso de El curioso incidente del perro a medianoche no es solo la recuperación de una obra aclamada: es el símbolo de una escena que resiste, crece y se reinventa. Para Carla, cada función es una invitación a mirar desde otro lugar, a encontrarse con historias que conmueven y a reconocerse en las emociones de los demás. En tiempos donde lo superficial parece ganar terreno, Calabrese apuesta por lo profundo, lo humano y lo transformador. En la sala, las luces bajan, el telón sube y la magia vuelve a ocurrir, confirmando que el teatro argentino sigue siendo un refugio y un espejo para todos los que, al salir, se llevan un poco más de vida adentro.

La entrevita completa a Carla Calabrese

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La Asociación Argentina de Actores informó el fallecimiento, el 13 de mayo de 2026, de Patricia Gilmoure, una destacada actriz y docente que marcó la escena nacional argentina durante décadas. Gilmoure, nacida el 2 de octubre de 1948, desplegó una extensa labor en teatro, televisión y formación artística.

Figura reconocida en el ámbito escénico argentino, Gilmore formó parte del Elenco Estable del Teatro Municipal General San Martín y participó en decenas de obras. Su muerte reviste importancia debido a la influencia que ejerció tanto en la dramaturgia nacional como en la formación de múltiples generaciones de actores y actrices, dejando una huella perdurable en la cultura teatral de Argentina.

La actriz, afiliada a la entidad que agrupa a los actores desde 1975, residía en la Casa del Teatro al momento de su deceso, acompañada por miembros de la comunidad artística.

El texto emitido por la Asociación subraya el reconocimiento y pesar que suscita la partida de Gilmoure, remarcando el papel que desempeñó como referente entre colegas, discípulos y amigos.

Trayectoria teatral y obras emblemáticas

La formación de Gilmoure estuvo influida por maestros como Augusto Fernandes, Raúl Serrano, Lito Cruz, Inda Ledesma y Beatriz Matar. Inició su carrera artística en los años setenta, consolidando su presencia en el teatro nacional.

Integró el Elenco Estable del Teatro Municipal General San Martín, uno de los escenarios más relevantes del país, e interpretó personajes en el repertorio tanto nacional como internacional.

Participó en el primer encuentro de Teatro Abierto en 1981, un acontecimiento fundamental durante la dictadura militar, considerado símbolo de resistencia cultural.

Además, Gilmoure trabajó en el Teatro Nacional Cervantes, en producciones independientes y en numerosas obras reconocidas. Entre los títulos más destacados están “Sorpresas”, “Relojero”, “El pelícano”, “El casamiento de Laucha”, “La casa de Bernarda Alba” y “Desconcierto”. Su trayectoria abarca también “Penas sin importancia”, “Lo que no se dice”, “Brilla por ausencia”, “Música rota”, “Traición”, “Asunción”, “El malentendido”, “Relato directo”, “Ifigenia en Áulide” y “El lugar perdido”.

Participación en televisión y cine argentino

Más allá de los escenarios teatrales, Patricia Gilmoure se desempeñó en importantes ficciones televisivas argentinas, entre ellas “Guapas”, “Alta Comedia”, “Historias del corazón” y “Cuenteros”.

Su trabajo en televisión incluyó también títulos como “Estado civil”, “La mujer del presidente”, “Fiscales BA” y “La condena de Gabriel Doyle”.

En su recorrido cinematográfico, actuó en el largometraje “Séptimo” y en el cortometraje “Una madre es demasiado”.

La amplitud de su carrera permitió que Gilmoure se destacara tanto frente al público de salas teatrales como ante las audiencias de televisión y cine.

Docencia y legado en la formación actoral

Según la Asociación Argentina de Actores, Gilmoure desarrolló una labor pedagógica intensa durante más de tres décadas, formando nuevas camadas de intérpretes y promoviendo la enseñanza actoral.

Su tarea docente se desplegó tanto de modo particular como en instituciones de renombre, entre ellas el Centro Cultural General San Martín, la Fundación Amigos del Teatro San Martín y el Centro Cultural Rector Ricardo Rojas, donde ejerció funciones de coordinación académica.

En los últimos años, ofreció cursos especializados, como los dirigidos a mayores de 60 años, promoviendo la inclusión artística dentro y fuera de aulas tradicionales.

Varias de estas propuestas fueron difundidas en redes sociales, lo que evidencia que Gilmoure dedicó sus últimos años a la formación y acompañamiento de nuevas generaciones.

Despedida y legado de Patricia Gilmore

El homenaje de la Asociación Argentina de Actores resalta la profunda huella que Gilmoure dejó en colegas y discípulos, muchos de los cuales la reconocen como maestra y referente para múltiples generaciones.

Familiares, amigos y la comunidad de la Casa del Teatro recordaron su trayectoria, reafirmando la vigencia de su legado en cada institución, escenario y aula por donde pasó.

La Asociación extendió sus condolencias, destacando el aporte de Gilmore a la cultura argentina y el acompañamiento afectuoso a quienes compartieron espacio y vocación con ella en la Casa del Teatro.

A los desafíos del teatro de elenco se suma el nombre propio de una figura ya consolidada: Malena Guinzburg sigue ampliando su camino en los escenarios argentino. Ahora forma parte del elenco de “Casual”, comedia que explora vínculos y contradicciones actuales en la cartelera porteña. Hija de Jorge Guinzburg, reconocida por su trabajo en stand up y en el grupo Las Chicas de la Culpa, Malena cruza con naturalidad la frontera entre el humor individual, la actuación en grupo y la televisión, impulsando una voz propia en el mundo del espectáculo.

El estreno de “Casual” marcó un nuevo desafío para Guinzburg, que alterna las funciones en el Multiteatro de Buenos Aires con giras, televisión y sus proyectos con Las Chicas de la Culpa. La comedia, escrita por Federico Viescas y dirigida por Pablo Fábregas, aborda identidades y vínculos en la era digital a través de descubrir los secretos de un celular. Con un elenco que integran Carlos Belloso, Diego Gentile, Mica Lapegüe, Claudio Martínez Bel, Julián Ponce Campos y Lucas Wainraich.

Con funciones semanales a cuesta y una reciente nominación al Martín Fierro con Las Chicas..., la artista conversa sobre temores, aprendizajes y autenticidad en diálogo con Teleshow.

—En “Casual” das un salto importante al teatro de elenco tras muchos años de stand up. ¿Cómo viviste este proceso y qué aprendizajes te dejó?

—Fue un cambio enorme para mí. Ya el primer desafío fue modificar totalmente mi manera de actuar: dejar de ser yo misma, como en el stand up, y pasar a aprenderme una letra, a componer un personaje con cuarta pared. Sentí muchos miedos e inseguridades, sobre todo por compartir escenario con actorazos como Diego Gentile y Carlos Belloso. Una semana antes de estrenar lo agarré a Pablo Fábregas, al director, y llorando le dije: “Soy malísima”. Y me respondió: “Dejá de hinchar las bolas, divertite”. Me animó a disfrutar y hoy estoy muy feliz. Quiero que la vea todo el mundo y ahora siento mucho orgullo.

—¿Te planteaste en algún momento posponer tu carrera como humorista por este desafío?

—Soy medio cagona evidentemente. Tuve el temor de alejarme un poco del stand up, que venía funcionando bien y donde quería armar otro unipersonal, pero las ganas de hacer algo nuevo ganaron siempre. El proyecto, la obra, el elenco y el director me gustaban mucho más que cualquier miedo. Además, sigo con Las Chicas de la Culpa, así que el deseo pesó más que la inseguridad.

—¿Sentís que esta experiencia abre nuevas puertas en tu carrera actoral?

—Ojalá. Me divierto mucho. Al principio dudaba si hacer seis funciones por semana, repitiendo el mismo texto, me iba a aburrir. Pero no me faltaron ganas ni un solo día, siempre encontré cómo hacerlo de una forma nueva. Ahora quiero dedicarme a esto toda la vida.

Los desafíos de “Casual” y la transición al teatro grupal

—La trama de “Casual” gira en torno a los secretos y lo privado en la vida actual. ¿Te identificás con esta temática?

—Creo que, como todos, tengo algunos secretos. Mi Depende quién encuentre mi celular, tal vez pueda ver cosas que preferiría que no. Mi novio tiene mi clave, no oculto nada grave, pero me daría vergüenza que vean charlas tontas, como mis preguntas al ChatGPT por un grano o alguna playlist de música y que me digan “qué grasa”. Son esas “microvergüencitas” que uno no quiere mostrar. Eso sí: en mi vida de pareja no reviso celulares ni oculto nada, pero reconozco que soy algo chusma, incluso con los amigos.

—¿Creés que hoy el celular es literalmente nuestra extensión, como muestra la obra?

—Totalmente. Si alguien analiza tu celular puede saber todo: en qué gastás, qué hacés, cuánto tiempo pasás con cada cosa. Es como la caja negra de quiénes somos.

— Y en el Instagram de tu novio, ¿no mirás si alguna chica le pone un corazoncito, por ejemplo?

—No, igual, la verdad que mi novio casi no usa las redes sociales. Cero, cero, cero. Las usa por laburo nada más. No me da esa ni esa chance. A ver, tampoco me quiero hacer la recontrasuperada en la vida. Tal vez si yo viera que sí pasa eso de: “Che, siempre te pone corazones”, no haría ningún escándalo, pero miraría para ver quién es, ¿entendés?

Secretos, privacidad y humor: la vida y el escenario

—Con Las Chicas de la Culpa saltaste del teatro al horario central de los domingos en El Trece. ¿Cómo fue esa adaptación del humor al formato televisivo?

—Entendimos desde el comienzo que eran dos cosas distintas.En el teatro somos muy zarpadas, podemos hablar de todo sin filtro. En la televisión, los domingos a las 21 horas, ni siquiera es después del horario de protección al menor, así que tuvimos que armar un código propio y empezar a filtrar. Ahora también sumamos entrevistas, lo que cambió mucho la dinámica. De a poco encontramos nuestro estilo, nos divertimos e incluso vemos el impacto en la calle; mucha gente nos habla del programa, más allá de los números.

—Siguen manteniendo la “picardía” propia pese a los nuevos límites. ¿Cómo lo logran?

—Obvio, nadie nos puede quitar la esencia. Nuestro humor tiene eso picante y natural. Aunque en tele no podemos hacer lo del teatro, tratamos de conservar la chispa.

—¿Recibiste alguna reacción inolvidable por algún chiste o situación en teatro?

—En el teatro somos cuidadosas, no nos metemos con el público porque puede ser un caos, sobre todo con mil personas en el Nacional. Lo que sí pasa es que a veces decimos cosas muy graciosas en el teatro, pero si las subís a redes pueden tomarse mal porque salen de contexto. Ya nos pasó: subimos un recorte y alguien, un famoso, se ofendió. No te voy a decir quién es porque nadie se enteró. Nos llamó directamente y lo bajamos enseguida. Es el riesgo de que el humor, fuera de su entorno, pierda sentido.

—¿Cómo lidian con esos riesgos en la era digital?

—Simple: mucho cuidado al elegir qué subimos. Sabemos que el lenguaje de las redes es distinto y hay cosas que solo funcionan cuando todos están en la misma sintonía. Con humor negro, sobre todo, hay que estar atentos a no herir.

De “Las Chicas de la Culpa” al Martín Fierro: trabajo y amistad

—Hablando de tu papá, Jorge Guinzburg, ¿cómo vivís el peso del apellido y tu propia independencia profesional?

—Siento que hice mi propio camino. Ya van más de 20 años trabajando y toda mi carrera fue sin mi viejo, que falleció en 2008. Eso no quita que me llene de orgullo cuando lo recuerdan con cariño en el medio. No busqué nunca imitarlo ni podría hacerlo, pero no reniego de mi apellido, al contrario: estoy muy orgullosa.

—¿Te inspiran algunos consejos o miradas de Jorge en tu faceta de entrevistadora?

—No busco copiarlo ni repaso sus entrevistas, pero sí me acuerdo de consejos sobre escuchar al entrevistado, que es lo básico para una buena charla. Viéndolo trabajar aprendí mucho y lo valoro.

—Con un ritmo tan intenso de compromisos, ¿cómo manejás tu vida personal y la exposición?

—Por suerte puedo salir a la calle y hacer mi vida normal. Me gusta tener contacto con el público, recibir el cariño de quienes agradecen que los hagas reír. Lo difícil es el poco tiempo libre; entre “Las Chicas de la Culpa”, las funciones de “Casual” y las grabaciones para tele, no tengo un día de descanso. Es más, ahora termino esta entrevista y tengo una reunión.

—El grupo Las Chicas de la Culpa es famoso por su trabajo en equipo y amistad. ¿Esa unión es real fuera del escenario?

—Es así, somos muy amigas y eso hace posible el éxito. Tuvimos diferencias, claro, pero las resolvimos. Venimos de una gira espectacular por Europa y hasta nos tomamos vacaciones juntas. Ahora estamos nominadas al Martín Fierro por la televisión y ya alquilamos una habitación para prepararnos juntas. Para que podamos divertirnos y decirnos lo que nos decimos en el grupo tiene que haber verdadera amistad.

—En las giras y funciones internacionales, ¿qué diferencias notaste con el público y el humor local?

—En Ámsterdam y Londres el público era latino, pero en España el 80% eran españoles, algo que nos sorprendió y nos encantó. El humor es universal, todos nos reímos de lo mismo aunque algunos públicos sean más tímidos. Como pasa acá también: en algunos lugares en el interior tardan un poco en soltarse, pero después es igual.

—¿Tienen que ajustar mucho el lenguaje o los códigos del humor dependiendo del público?

—Sí, con Las Chicas de la Culpa nos pasa seguido que alguna palabra no se entiende afuera. Entonces preguntamos: “¿Esto se entiende?”, y buscamos adaptarnos sobre la marcha. A veces, como público, te perdés alguna palabra, pero el contexto hace que todos nos entendamos.

—¿Cómo vivís la nominación al Martín Fierro? ¿Tenés algún discurso preparado para la ceremonia?

—No, nunca prepararía un discurso. Estar nominada ya es muy lindo, es un reconocimiento. El lunes iremos a divertirnos, a celebrar y ojalá ganemos, porque siempre está bueno ganar.

Fotos: Rosario González del Cerro

Hay encuentros familiares que duelen, otros que salvan y algunos que, con humor y honestidad, nos enfrentan a lo que somos y a lo que dejamos sin resolver. Sabrina Carballo lo sabe bien: desde el escenario, se anima a ser testigo y parte de esos reencuentros incómodos y tiernos, donde las cuentas pendientes y las herencias son apenas la excusa para hablar de lo que realmente importa. Entre charlas, maternidad y el vértigo de lo nuevo, la actriz habló en exclusiva con Teleshow y se permitió mostrar su costado más humano detrás de la comedia.

Guiada por la pluma y la dirección de Hernán Krasutzky, como la compañía de Selene Raimundo arriba de las tablas, Sabrina se sumerge en Mal repartidas, una obra donde dos hermanas se encuentran después de años y descubren que, a veces, lo que más duele es lo que no se dice. El escenario se convierte en campo de batalla y refugio: entre enojos, risas, recuerdos y secretos, los personajes revelan que las diferencias pueden separar, pero también unir. Y, desde el pasado 23 de abril, Carballo despliega su oficio y sensibilidad en cada escena, acompañada por una compañera de ruta que, como ella misma cuenta, vive una gran experiencia en el teatro comercial.

En este presente, Sabrina combina la intensidad del teatro con la vida cotidiana de una mamá que busca no perderse el crecimiento de su hija Caetana. Entre ensayos, horarios cambiantes y el desafío de equilibrar pasión y maternidad, la actriz reflexiona sobre la familia, el amor, el humor y la importancia de encontrar tiempo para lo esencial. Mal repartidas es la excusa perfecta para volver a mirarse, reconocerse en el espejo de los otros y, al final, salir del teatro con la certeza de que, incluso en los enredos más ácidos, siempre hay lugar para una risa y una segunda oportunidad.

—¿Qué te atrapó para volver a las tablas con este proyecto?

—Me lo propusieron en el verano. Tenía otra opción para hacer temporada, pero por diferentes motivos se pasó para más adelante y me quedé sin proyecto. El director y autor de “Nunca te fíes de una mujer despechada”, Hernán Krasutzky, me llamó con esta idea. Confío mucho en él, me gusta cómo escribe y dirige. Además, mi compañera está viviendo su primera experiencia en el teatro comercial, así que me pareció que podía estar bueno.

—¿Cómo es combinar la maternidad con un proyecto tan demandante?

—No es muy fácil. Tengo una chica que me ayuda a veces, pero ahora estoy prácticamente 24 horas con mi hija, que solo va tres horas al jardín. Nuestro trabajo no tiene horario fijo, así que organizarme es complicado. No quiero ni puedo tener una niñera todo el día; tuve una hija para criarla yo. Mi familia vive lejos, todos tienen sus vidas y no quiero molestar a nadie. A veces coordinar los horarios es complicado y estresante. Ahora, con la función fija los jueves, es más fácil pedir ayuda puntual, pero con horarios variables todo era un lío.

—¿Sentiste culpa o agotamiento por no estar tanto con tu hija por el trabajo?

—Sí, me di cuenta de que el tiempo pasa muy rápido y no quiero perderme nada de su día a día. A veces sentía culpa y pensaba que algo estaba haciendo mal, pero después entendí que a todos los padres les pasa. Si no tenes ayuda, es imposible. Quiero aprovechar que es chiquita y disfrutarla ahora.

—La obra empieza como un trámite y termina siendo un ajuste de cuentas entre hermanas. ¿Cómo se construye esa tensión en escena?

—La obra arranca con dos hermanas que no se ven hace siete años y se reencuentran por una sucesión. Es una situación muy común y la gente se siente identificada. Al principio es el reencuentro, anécdotas, enojos guardados. El final es inesperado, todos creen que va a terminar de una forma y sorprende. La obra tiene mucha comedia, pero también partes emotivas. Fue un desafío porque es la primera vez que mi compañera hace teatro comercial y la experiencia estuvo buenísima.

—¿Cómo fue trabajar con tu compañera, Selene? ¿Te sorprendió la dinámica?

—Ella es divina, superresolutiva y muy receptiva a la dirección. Me gusta mucho dirigir actores y Hernán Krasutzky me dio lugar para conectar y colaborar. Sele es como una esponja, toma todo lo que le decimos y eso facilita el trabajo. Realmente, por momentos parecía mi hermana menor, hasta fuera de libreto. El libro es muy divertido y la gente se siente identificada.

—¿Te identificás con el vínculo de las hermanas?

—Me identifico con mi personaje, que es una laburante, sostiene a la familia y trata de llegar a fin de mes. No tanto con el vínculo: tengo un hermano y nos llevamos bien. Mora, mi personaje, siempre está para ayudar a su familia, es el sostén cuando los demás la necesitan. En eso sí me siento reflejada.

—Ambas representan caminos de vida opuestos. ¿Cómo impacta eso en el conflicto?

—Justamente, al ser tan opuestas, la obra da un vuelco y muestra que no todo lo que reluce es oro. Los que parecen estar bien quizá no lo están, y viceversa. Al final, todos terminan siendo más parecidos de lo que creen. La obra muestra que todos pasamos por lo mismo en algún momento, aunque creamos que somos diferentes.

—¿Sentís que la obra interpela también a quienes no tienen hermanos?

—Sí, porque todos tienen que pasar por una sucesión o situaciones similares, con o sin hermanos. La soledad, la maternidad, las parejas, las relaciones: lo que le pasa a los personajes es universal. Cada uno se puede sentir identificado con las emociones y las situaciones, más allá de la historia en sí.

—Llevás muchos años de trayectoria e incluso dirigiste. ¿Qué tiene el teatro que te sigue atrapando?

—Me gustaría volver a hacer ficción en televisión, extraño eso. Pero el teatro tiene esa magia del aquí y ahora, la adrenalina que no tiene lo grabado. El escenario es un lugar mágico. Aunque estés enferma, cansada o sin voz, algo pasa arriba del escenario y todo fluye. Después, cuando bajás, volvés a la realidad, pero arriba es otra cosa.

—¿Cómo viviste el estreno teniendo anginas y fiebre?

—No quería suspender, el show debe continuar. Me subí al escenario sin voz y todo fluyó. Es magia, algo inexplicable. El escenario tiene eso, aunque no te sepas la letra, sale igual.

—¿Cómo ves la ausencia de ficción en televisión y la migración a las plataformas?

—Casi todo se volcó a las plataformas. No entiendo por qué no hay ficción en la televisión si la gente sigue viendo series. Hay muchos actores sin trabajo y duele. Siempre parece un momento difícil para la profesión, pero este lo es especialmente.

—¿Tenés otros proyectos además de la obra y la dirección?

—El sábado pasado estrené como directora en el Regina con Pareja imperfecta. Me ofrecieron hacer un streaming, pero no tuve tiempo aún. Quizás ahora pueda armarlo. También quiero hacer alguna otra obra con Hernán Krasutzky, que tiene libros geniales.

—¿Qué te gustaría que se lleve el público de la obra?

—Que la pase bien y se ría. Con todo lo que pasa en el mundo, si durante una hora la gente se olvida de sus problemas y se divierte, yo ya estoy feliz. Como decía Chaplin: “Un día sin sonreír es un día perdido”.

Gentileza de fotos: Agencia Coral.

Hay clásicos que atraviesan el tiempo y se resignifican en cada nueva versión. El diario de Adán y Eva, la obra basada en los textos de Mark Twain, vuelve a cobrar vida en la cartelera porteña de la mano de dos leyendas del teatro argentino: Betiana Blum y Antonio Grimau. Bajo la dirección de Juan Pablo Ragonese, los actores se reencuentran sobre el escenario para explorar, desde el humor y la emoción, la eterna danza de los vínculos humanos. En la previa al estreno, ambos hablaron en exclusiva con Teleshow sobre el desafío de encarnar estos personajes universales.

La pieza, que se presenta en el teatro Regina a partir de este 3 de mayo, invita al público a sumergirse en una historia tan antigua como la humanidad, pero a la vez cercana, cotidiana y profundamente actual. Blum y Grimau despliegan oficio y sensibilidad para darle voz y cuerpo a Adán y Eva, recorriendo el arco completo de una relación: el asombro del primer encuentro, la incomprensión, el aprendizaje, los desencuentros, la ternura y la nostalgia.

Con décadas de trayectoria y una química que se percibe dentro y fuera del escenario, Blum y Grimau celebran este nuevo desafío profesional con la misma pasión que marcó sus carreras. En esta entrevista, comparten anécdotas del proceso creativo, reflexionan sobre los temas universales de la obra y revelan cómo logran conectar con el público a través de una historia que, aún después de siglos, sigue diciendo mucho sobre el amor, la convivencia y el paso del tiempo.

—¿Cómo se sienten antes de este estreno tan esperado por sus fans?

—Betiana Blum: Estamos felices de habernos reencontrado después de tantos años y tantos trabajos en un proyecto tan lindo como lo es la obra de Mark Twain. Esta historia que como que aceptamos, no sabemos si es un cuento, qué hay de real en esto, pero bueno, es lindo contar este cuento o por lo menos imaginarnos cómo fueron estos primeros habitantes. Y toda la historia de la salida del paraíso.

—Antonio Grimau: Sí, yo sabía de la obra, de la reproducción que había tenido hace años atrás y siempre fue un texto que me interesó. Por la temática, por los personajes. Lo que no esperaba era hacerlo con mi querida y admirada Betiana, por supuesto, eso no lo podía prever, pero fue una gran satisfacción cuando me convocaron para la obra, que ya tenía pensada como un trabajo posible que me entusiasmaba. Y además, la compañía de Betiana era ideal, porque yo creo que tenemos trabajado el vínculo, hay buena química, incluso una mirada común respecto del texto que nos atrae y los personajes. Es una gran historia de amor, que tiene que ver con el primer hombre, la primera mujer y todo lo que ellos han vivido a lo largo de la relación y del conocimiento del mundo, de las primeras impresiones. Es muy particular y distinto recorrer las características de estos dos personajes que están descubriendo el mundo, sobre todo mi personaje, que va un poco de la mano de Eva. Y además, se están descubriendo ellos mismos. Es muy apasionante y totalmente distinto a todo lo que uno puede haber hecho hasta ahora.

—¿Qué creen que tiene esta obra para sea tan atemporal?

—Blum: Es un misterio, cada vez que la hacemos, empiezan y son dos bichos que andan sueltos, que se miran y se preguntan “¿qué es esto que está ahí?”. Se tienen miedo. Todo el proceso, hasta llegar a tomar contacto. Y está muy bien definido lo masculino, lo femenino, pero de una manera sutil. Va apareciendo lo masculino y lo femenino. Y después, la caída, ese momento en que los echan del paraíso. Terrible. Esta definición no se da de una manera burda, sino que va apareciendo sutilmente lo masculino, lo femenino, que se rechazan, se atraen. A mí me maravilla porque en cosas muy concretas define lo masculino y lo femenino. Hay algo como que el hombre construye, tiene toda una actividad de cuidado, de construir, y como que la mujer visiona, está viendo un poquito más. Y esto está muy bien contado.

—Grimau: Twain tiene un estilo muy particular porque maneja muy bien el humor, también la ironía, y es placentero recorrer las situaciones de estos dos personajes, que son entrañables y tienen una relación maravillosa. Yo creo que necesariamente tiene que interesar, porque es una obra necesaria, una obra que da una mirada de mucha ternura, de mucho amor, y de la revalorización de los valores de la humanidad, que se han ido perdiendo con el tiempo, y esta obra los rescata. Es la historia del mundo, la historia de la humanidad, el comienzo. Yo creo que sí, que tiene que haber un profundo interés por la obra.

—¿Cómo fue este reencuentro arriba de las tablas entre ustedes dos? ¿Encontraron cosas nuevas o maneras de trabajar que el otro no conocía?

—Blum: Hay gente que cambia con el tiempo, que te la encontrás y te reencontrás con otra persona. Pero yo me encontré con que somos los mismos. Es muy lindo.

—Grimau: Es de mucho disfrute. Vos decís bien, hay un camino, sobre todo en el teatro, que nos acerca a experiencias muy parecidas. Eso hace que el encuentro sea de mucha comunicación y entendimiento, a veces casi sin palabras. Somos los mismos que alguna vez hicimos Un guapo del 900 o Soy gitano en televisión, y eso hace que sea muy feliz el reencuentro.

—¿Qué expectativas tienen a punto de estrenar?

—Blum: Yo espero siempre lo mejor. Que la gente lo disfrute, se conmueva, se recuerde a sí misma, que diga “esto ya estaba, ya estaba la semillita ahí de todo esto”. Es la vida. Cuando veo las guerras, la forma en que se mata, se destruye, los animales... Me da mucha pena. ¿Qué vamos a hacer con esto? ¿A dónde vamos? Pero después entiendo que el único camino es uno mismo. Es serenarse, hacer lo mejor que uno pueda, cuidar el vínculo con las personas, porque eso también se ha bastardeado mucho. Yo tengo la suerte de ser conocida y recibir cariño, pero no pasa lo mismo con todo el mundo. Es dura la cosa.

—Grimau: La violencia, el insulto, está a flor de piel como un uso común y corriente. No puede ser. Naturalizar ese grado de violencia es espantoso. Y justamente esta obra tiene que ver con eso, es un buen recordatorio de cómo empezamos, como eran esos dos primeros seres y cómo se fue construyendo todo. Y confío en que volvamos a reconstruir, pero eso es un trabajo diario de cada uno.

—¿Creen que esto también va a ayudar a las nuevas generaciones?

—Blum: Coincido. Le ponemos todo y los dos tenemos la intención de pacificar, de comprender la maravilla de este mundo y cuidarlo.

—Grimau: Sí, es un excelente recordatorio. Lo que pasa con los colegios y la violencia es espantoso. Volver la mirada a esos primeros tiempos donde el amor y la maravilla del mundo estaban comenzando es placentero. La puesta es preciosa, hay música, luces, todo aggiornado.

—¿Por qué siguen eligiendo y apostando por el teatro hoy en día, con tanta modernidad y streaming?

—Blum: Toda mi carrera ha sido el teatro. Después llegó la televisión y pude hacer novelas con muchísimo éxito. Pero ahora no entiendo cómo no hay una novela en el aire. Es triste. Todo el tiempo la gente me dice: “Te estoy viendo en tal novela”. Volver a ver esas producciones es volver a lo nuestro.

—Grimau: La respuesta del público es para agradecer. Aunque no haya ficción en televisión, nos buscan en el teatro y el cine. Hay una necesidad de ver al actor argentino, de identificarse con nuestra idiosincrasia. No las novelas turcas, que no nos pertenecen. Lo nuestro tiene que ver con darnos a conocer en el mundo, y la pérdida de trabajo es terrible.

—¿Cómo les repercute a ustedes, como otras figuras importantes del espectáculo, la muerte de Luis Brandoni?

—Blum: Fue sorpresivo porque no dijeron que Beto estaba tan grave. Decían que había tenido un problema, qué sé yo, y al día siguiente nos enteramos de la muerte. A mí me impactó mucho. Yo trabajé con él desde Canal Siete. Recuerdo que Landolfo dirigió una obra muy conocida de un tren, donde los protagonistas estaban en escena y Beto y yo éramos los dos chicos que estaban en el bar, teníamos algunas escenitas ahí. Mirá de dónde lo recuerdo a Beto.

O también me acuerdo de estar esperando para grabar, también en Canal Siete, digo Canal Siete porque es lo más antiguo, cuando (Sergio) Renán dirigía unas novelas y teníamos un ensayo y Beto no llegaba. No llegó, y no llegó, y después supimos que se había tenido que ir a México porque lo estaban amenazando mucho. Tengo esos recuerdos, ¿no? Después, cuando volvió, la primera obra que estrenaron fue Convivencia, de Viale, con Lupi. Yo, la verdad, no tengo formación política, tengo formación humana, respeto los valores y, aunque coinciden, en ese momento no tenía conciencia de todo lo que pasaba. Había conversaciones como: “¿qué va a pasar cuando Luppi y Brandoni hagan una obra en el teatro? ¿Habrá balazos en la platea? ¿Qué pasará?” Y bueno, nada de eso, nos fue muy bien, fue un éxito. Después vino Esperando la carroza. Compartí con Beto muchísimas obras.

El día que me enteré de su muerte el teléfono explotó, pero no atendí ningún llamado. Sentí como que Beto vino a charlar conmigo... Tenía esa sensación, como si estuviera en casa, hablando conmigo. Fue muy fuerte. Para mí, una pérdida así es del corazón.

—Grimau: No trabajé con él, pero siempre lo admiré. Como profesional y dirigente sindical fue una figura importantísima y una gran pérdida.

—¿Cuál es la clave para mantener un vínculo tan intacto y reencontrarse con tanto cariño y química?

—Blum: Ser buena persona, tener valores, afecto y reconocimiento por el otro. El valor del otro es tan importante como el propio. Yo creo que ahí hay una posibilidad de vínculo real, positivo, amoroso. Asimismo, si el otro tiene los mismos valores que vos, entonces se vuelve maravilloso.

—Grimau: El amor por lo que hacemos y el respeto mutuo son fundamentales. La convivencia en el teatro puede ser amarga si no hay armonía y admiración, como también si no existe un mínimo de respeto y de admiración por el otro.

—¿Han tenido experiencias negativas de maltrato en el medio?

—Blum: En general, trato de no trabajar con gente con mal trato o mal carácter. Ya más o menos uno sabe y trata de escaparse.

—Grimau: Ya no permito atropellos o faltas de respeto. Antes, sí, uno lo sufrió, pero con el tiempo aprendés a poner límites. Por suerte, ahora los directores y los compañeros tienen otra mirada, y eso ha cambiado para mejor.

—¿Con qué palabra o frase definirían la obra para invitar al público?

—Blum: Es un recordatorio de lo masculino y lo femenino, de cómo los primeros seres se descubren y encuentran valor en lo humano. Es conmovedora y hermosa, y está contada con mucho humor.

—Grimau: Una maravillosa historia de amor, entrañable, que llega a la emoción a través del humor y la ternura.

Crédito de fotos: RSFotos.

Murió Luis Brandoni. La noticia se dio a conocer en la madrugada del lunes. El actor tenía 86 años y una extensa trayectoria en cine, teatro y televisión. Su última participación en la obra Parque Lezama lo unió a Eduardo Blanco, amigo y actor. En diálogo con Infobae en Vivo Al Amanecer recordó al artista.

“Yo estaba un poco al tanto de que esto podía suceder, pero bueno, cuando sucede no deja de entristecer e impactar”, expresó Blanco quien, por estas horas, se encuentra en Madrid, España. “Esta mañana me desperté con esta noticia”, dijo.

El vínculo entre Blanco y Brandoni se consolidó especialmente en la obra Parque Lezama. Blanco compartió su experiencia junto al actor: “Para mí, un gran aprendizaje. Nos ha acompañado con las historias que ha contado y, a mí en particular, me es muy significativo. Yo siempre le decía, en la época que comencé a ser actor, integrar, pasar a ser parte del sindicato de actores era un privilegio, una emoción”, comentó.

Y agregó: “Él en ese momento conducía, junto con Jorge Rivera López, el sindicato de actores y se hacía una ceremonia muy hermosa que te entregaban el carnet de actores y eso era como un privilegio”. Blanco recordó especialmente el día en que Brandoni le entregó ese carnet: “Yo tuve el privilegio porque te sentías pertenecer cuando tenías tu carnet de actores, una cosa como muy importante y emocionante. Y él fue quien me lo entregó a mí”, enfatizó.

Al mismo tiempo, Blanco hizo alusión a las enseñanzas recibidas por parte de Brandoni: “Frases como solo él podía sintetizar o graficar de muchas cosas. De muchas cosas que uno puede saberlas, puede sentirlas, pero escucharlas de su boca era distinto. Siempre recuerdo cuando hacíamos gira por Argentina e íbamos a ciudades pequeñas, en teatros hermosos y grandísimos. Y él me decía: ‘Qué país pensaron estos tipos’”, recordó.

Los últimos años y la dedicación de Brandoni

Blanco se refirió al último tramo de la carrera de Brandoni en el teatro y la manera en que enfrentó problemas de salud. “Cuando estábamos haciendo en la última etapa en el Politeama, Parque Lezama, la obra de teatro, él un Viernes Santo fue cuando tuvo su primera ACV. Se tuvo que quedar internado viernes, sábado y domingo. El miércoles estaba haciendo función“, contó.

El relato da cuenta del compromiso del actor con su vocación. Según Blanco: “Un tipo que era su pasión. Creo que con lo público lo conocemos todos y era lo que transmitía”.

Agregó una de las reflexiones de Brandoni que, asegura, quedarán para siempre en su memoria: “'Qué responsabilidad que tenemos que tener en lo nuestro, porque vos fijate que la gente paga la entrada sin saber lo que vamos a ofrecerle. Por lo tanto, no hay que fallarle, ¿no?’, me decía", expresó.

Blanco subrayó la regularidad y la dedicación de Brandoni: “El teatro tiene eso, además, que de repente no todos los actores somos regulares a la hora de subirnos a un escenario. Porque imaginate que con Parque Lezama hicimos como 1.300 funciones, él estaba en todas igual, impecable. Puede estar un actor ocho puntos y un día puede estar nueve y otro día siete, pero difícilmente un actor como él pueda estar ocho puntos y un día tres. No, no existe.”

El legado y la enseñanza de Brandoni

Sobre su aprendizaje en el escenario junto a Brandoni, Blanco recordó: “Primero cómo habitaba el escenario con una impunidad maravillosa, con una impunidad que me gustaría tenerla a mí sobre un escenario. Era una relajación que no estaba impuesta ni siquiera trabajada. Él era ahí”.

Respecto a su experiencia laboral reciente, Blanco mencionó la realización de la película de Parque Lezama: “Hemos justo terminado el año pasado la película de Parque Lezama, quien no la vio está en Netflix y yo la recomiendo, es disfrutarlo en un personaje que él amó y que mucha gente compartió ese amor cuando nos ha venido a ver en el teatro, bueno, y la gente que ya ha visto la película también”.

En relación a la ética y compromiso de Brandoni, Blanco señaló: “Más allá de cualquier diferencia política que cualquiera pueda tener con él, porque también además fue un tipo muy comprometido políticamente, yo siempre digo, más allá yo mismo de estar de acuerdo con algunas cosas sí u otras no, ponele, pero un tipo de honestidad intelectual. Quiero decir, jamás hizo nada para tener un beneficio propio”.

Blanco definió a Brandoni como “un actor argentino. Porque él es argentino y era argentino. Es un argentino que ni siquiera se bancó el exilio. Estuvo once meses y con riesgo de vida volvió a Argentina porque no se lo bancaba”.

Ante la consulta sobre la mejor manera de despedir a Brandoni, Blanco concluyó: “Aplaudiéndolo. Él disfrutaba mucho el aplauso del público, el cariño del público. Era un disfrute para él”.

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A lo largo de más de cinco décadas, Luisa Albinoni se consolidó como una de las grandes figuras del espectáculo argentino. Dueña de una versatilidad única, supo cómo brillar tanto en la comedia popular como en la televisión y el cine hasta la actualidad, convirtiéndose en una referente indiscutida de la escena nacional. Hoy, la actriz atraviesa un presente de plenitud y nuevos desafíos: está a punto de debutar en Negociemos… una historia de amor, la obra que la reúne con Rodolfo Ranni, que promete recorrer el país juntos el próximo 1º de mayo. En la previa al estreno, Luisa habló en exclusiva con Teleshow sobre este momento especial y el significado de volver al escenario con una propuesta tan cercana a su sensibilidad.

La obra, escrita por Alicia Muñoz y dirigida por Ernesto Medela, pone el foco en las segundas oportunidades, el amor en la madurez y el humor como motor para sanar viejas heridas. Para Albinoni, la experiencia de compartir tablas con Ranni implica no solo la posibilidad de reencontrarse con un colega admirado, sino también el desafío de encarnar personajes que invitan a la reflexión y el disfrute en partes iguales. Negociemos… promete conquistar al público con una historia de enredos, emociones y guiños a la vida real, en un contexto donde la comedia se convierte en un puente para el reencuentro generacional.

Con una vida marcada por la pasión por el arte y una personalidad entrañable, Albinoni disfruta de este presente profesional sin perder su esencia. Famosa por su trayectoria en la revista porteña, el cine y la televisión, supo reinventarse y sumar nuevos públicos a lo largo de los años. Hoy, lejos de los prejuicios y las etiquetas, la actriz celebra la libertad de elegir proyectos que la representen, y se ilusiona con la respuesta del público ante una obra que, según anticipa, será tan entrañable como divertida.

—¿Cómo fue sumarte a Negociemos...una historia de amor y reencontrarte sobre el escenario con Rodolfo Ranni?

—Con Rodolfo ya habíamos trabajado juntos en Los locos Grimaldi, tanto de gira como en Canal Nueve, y hacía mucho que queríamos volver a compartir teatro, pero por mis compromisos en televisión no coincidíamos. Esta vez, por suerte, se dio y estoy feliz porque para mí es un honor trabajar con él, lo admiro muchísimo y siento un respeto enorme. Ensayar con Rodolfo es un placer y el equipo que tenemos es maravilloso. La comedia, escrita por Alicia Muñoz, dirigida por Ernesto Medela y producida por Damián Sequeira, tiene un mensaje que me toca especialmente porque hace casi cinco años doy talleres de teatro para adultos mayores en el Centro Cultural de Arte de Malvinas Argentinas,, y la obra deja un mensaje muy positivo para ellos.

—¿Te sentiste identificada con Amalia, tu personaje?

—Absolutamente. Amalia tiene muchas cosas mías, de mi manera de pensar y de vivir. Eso me encantó. Incluso antes de leer la obra ya había aceptado el proyecto porque trabajar con Rodolfo era un honor y me dio mucha felicidad coincidir. Cuando leí el guion, me sorprendí de lo cercana que me resultaba la historia y el mensaje.

—¿Qué te genera volver a trabajar con Ranni y compartir escenario con él?

—Tenemos un cariño y un respeto de muchísimos años. Trabajar con él es un aprendizaje constante y es un verdadero maestro. En los ensayos, a veces me quedo mirándolo, casi me olvido de lo mío porque me fascina lo que hace como actor.

—La obra habla de segundas oportunidades en el amor. ¿Ese mensaje te interpela en lo personal?

—Creo que siempre hay tiempo para todo, que el amor no tiene edad. A veces las oportunidades llegan en la juventud y otras veces en otra etapa de la vida, cuando uno aprende a valorar otras cosas. Para mí nunca es tarde, siempre hay nuevas oportunidades para el amor y para disfrutar la vida desde otro lugar.

—¿Sentís que la tecnología y las redes sociales cambiaron la forma de relacionarse?

—Sí, creo que las redes sociales nos alejaron bastante. Las uso porque tuve que aprender por mi hija, Verónica, y por trabajo, pero veo que la comunicación cara a cara se perdió mucho. Antes había más contacto y más charla; ahora todo es más rápido y superficial, y eso genera desilusiones o vínculos poco profundos.

—¿Charlás sobre estos temas con tu hija? ¿Le transmitís tu experiencia sobre el amor y los vínculos?

—Sí, obviamente. Con la llegada de mi hija tuve que abrir mi cabeza y aggiornarme para estar cerca de ella. Ella vive con las redes, como todos los adolescentes y adultos. Justamente, el lunes tuvimos una conversación profunda sobre la vida y la sociedad, y me sorprendió lo madura que es. Usa las redes para informarse y para interiorizarse históricamente y socialmente. Es una persona muy especial, tuvo un comienzo de vida distinto, es adoptada, sufrió abandono y su visión de la vida es diferente a la de otros chicos con familia estable. Estoy muy orgullosa de ella porque podemos tener charlas profundas y adultas.

—Después de tantas experiencias, ¿hay algo que ya no estés dispuesta a negociar en una relación?

—Me costaría volver a convivir. Es bastante difícil. En especial cuando una está grande, tuve ocho parejas, con algunas conviví y con otras no, y por mi trabajo también se hace difícil. Lo más práctico es cada uno en su casa y reencontrarse, compartir, lo que se llama “cama afuera”. Me resultaría difícil aceptar la forma de vida de otra persona, si es prolijo, si cuida cosas, esas cosas que nos quejamos todas las mujeres. He vivido mucho tiempo sola y creo que lo que más me costaría es adaptarme a vivir en una misma casa. Con los años una se vuelve un poco hincha pelo..., y pobre el hombre que le toque, va a tener que negociar más de lo que parezco.

—¿Qué diferencia a este proyecto de tus trabajos recientes?

—Ahora tengo muchísimo movimiento. Sigo haciendo televisión con Jimena Monteverde en La Cocina Rebelde (El Trece), aunque menos por la gira de teatro. Mantengo mis talleres de teatro para adultos mayores y también trato de aprovechar el tiempo con mi hija. Siempre estoy generando trabajo y proyectos nuevos, y eso me da mucha vitalidad.Hace casi cinco décadas que trabajo y no sé lo que son las vacaciones, pero me hace bien estar activa. Cuando tengo un día libre trato de aprovecharlo para la familia, para estar en casa, salir, tomar un café, charlar, ir de compras, esas cosas simples que a veces el trabajo te quita y que son importantes para no perder calidad de vida.

—¿Te gustaría experimentar con formatos nuevos, como el streaming o proyectos interactivos?

—Estoy abierta a todo. Hace años hice streaming en radio y me encanta lo que hacen los chicos ahora. Cada formato tiene lo suyo y me parece genial que haya opciones.

—¿Qué mensaje te gustaría que la gente se lleve de esta obra?

—Que siempre se puede, que no hay edad para el amor ni para reinventarse. No hay cancelación por la edad y lo que no pudiste hacer de joven, tal vez puedas disfrutarlo después.

Gentileza de fotos: Nacho Lunadei para Iron Estudio.

Victoria Carreras lleva sobre sus hombros un apellido que remite de inmediato a los orígenes del teatro argentino. Hija de Enrique Carreras y Mercedes Carreras, su infancia transcurrió entre camarines, ensayos y estrenos. El oficio actoral no solo le fue transmitido, también lo adoptó como una forma de vida. Hoy, con una trayectoria consolidada, suma un nuevo capítulo a su carrera con la puesta en escena de El conventillo de la paloma, obra que marcó su reciente consagración en Mar del Plata y que ahora llega a Buenos Aires.

El regreso de este clásico, a casi cien años de su primera función, propone un giro audaz: por primera vez El conventillo de la paloma se presenta como un gran sainete musical. Victoria asume un doble rol, como codirectora junto a su hermana María Carreras y como actriz en el papel de la gallega Mariquiña. El proyecto reúne a más de treinta artistas y técnicos en escena, con un equipo marplatense que apuesta a renovar la vitalidad de los conventillos y a poner en diálogo las tradiciones porteñas con las sensibilidades actuales.

En los pasillos del Teatro Regina, la expectativa se percibe en el ambiente. El espectáculo, que convoca a actores, músicos y bailarines, busca recrear el universo de los conventillos de principios del siglo XX y celebrar la diversidad cultural que los caracterizaba. Para Victoria Carreras, este estreno representa mucho más que un desafío profesional: es un tributo a la memoria artística de su familia y una invitación a que nuevas generaciones descubran la potencia y el espíritu colectivo del teatro argentino. En ese marco, mientras ultima detalles para el estreno de este domingo a las 18, la actriz recibió a Teleshow en un café de Buenos Aires.

- ¿Cómo estas en este momento de tu vida?

- La verdad que es un momento de mucha intensidad y de mucha plenitud, venimos de una temporada que para este espectáculo, El conventillo de la Paloma, fue muy positiva, y ahora frente a un desafío importante que es movilizar esta compañía de treinta artistas. Un equipo de 30 personas de Mar del Plata, grandes artistas, grandes actores y también toda la parte de vestuario y escenografía y producción ejecutiva. Y movemos todo esto al teatro Regina en Buenos Aires. Tiene que ver con un momento de una expansión mía personal también, de animarme a un proyecto semejante, de haber creído en esto cuando parecía un disparate.

- ¿Disparate desde la cantidad de personas?

- Sí, cuando todo el mundo está haciendo un unipersonal o pensando en teatros de pequeño formato, junto con mi hermana se nos ocurrió reversionar este clásico del teatro rioplatense. Es una obra que tiene casi cien años, en una versión de sainete musical, con una cantidad de artistas como nunca se hizo. La confluencia de público que tuvimos, la cantidad de premios que recibimos y de estímulos del público, sobre todo, la sala llena todas las funciones. Pero bueno, una cosa es Mar del Plata y otra cosa ahora es Buenos Aires, así que es un nuevo desafío.

- No es nada fácil triunfar en el verano marplatense...

- Soy consciente de eso. Pero hay momentos en la vida de un artista donde la fortuna gira hacia arriba. Y no sé si es esta obra, una obra angelada, porque cada vez que se hace El conventillo de la Paloma es un éxito, por algo perdura y perdura a través del tiempo. No sé también si es algo como aluvional en el sentido del camino artístico de mi hermana y mío, donde nosotras hicimos un formato de obra en el que tenemos mucho contacto con la gente. La obra termina con un baile popular, terminamos bailando con el público en el hall y con los músicos acompañando. Entonces, en ese momento hay una comunicación muy directa con los espectadores y ahí se produce una catarsis emotiva muy fuerte, donde la gente te reconoce. Yo empecé a trabajar y mi hermana también, muy niñas en la ciudad de Mar del Plata, haciendo teatro con mis padres, Mercedes y Enrique Carreras. Y es como si esos niños jóvenes que nos venían a ver en ese momento, hoy ya vienen con sus nietos o traen a sus padres mayores, o te dicen: “Yo iba con mis viejos y ahora te vengo a ver de vuelta”. Hay como un revival de algo, no sé que tiene que ver con esto, ¿no? Como si la gente celebrara la obra y también celebra un recorrido de las Carreras.

- Y como propio de su familia, de ser un recuerdo de ellos en algún momento.

- Sí, hay algo de eso que se activa con esta obra mágicamente. Y entonces es como cuando vos te encontrás con un primo que hace mucho que no veías y de repente lo ves bárbaro y lo ves bien. Como que nunca te dejaste de ver. Esa es la sensación con el público. Vos te encontrás con los espectadores en Mar del Plata, te dejás de ver por un año y cuando volvés es como si reanudaras la conversación que quedó.

- ¿Y en Buenos Aires?

- ¿Qué va a pasar en el Regina? La verdad es que ayer me enteré que hay una gran cantidad de entradas vendidas para el estreno. Entonces digo: “Esto está sucediendo y es real, vamos a aceptarlo. Por ahí es un éxito”.

- Y el primer capítulo de este nuevo Conventillo de la Paloma empezó en Mar del Plata...

- Claro, empezamos a ensayar en septiembre, octubre y el 7 de enero estábamos debutando. Y antes de estrenar, ya la gente del teatro Regina me pidió el espectáculo. Yo dije: bueno, sí.

- Cuando leías el proyecto, ¿qué te convenció de hacerlo? Y más de esta manera, con treinta artistas.

- Yo vengo de un estirpe de teatro popular. El último proyecto que tuvo Enrique Carreras, mi padre, quedó inconcluso, no llegó a cumplirse, él quería hacer la segunda versión fílmica de El conventillo de la paloma. La primera es de Carlos Torres Ríos. Mi padre quería reversionar esa película y falleció y no lo pudo hacer. Pero mi viejo murió hace treinta años. No es que yo estuve treinta años pensando que lo quería hacer. De repente un día empecé a pensar en esta obra, y a imaginar que era necesaria una reposición. Porque es un género que no es como el teatro contemporáneo. Hay una forma de actuar, de hablar, hay melodías que tienen que ver con el tango, hay que saber bailar. Muchas cosas que tienen que suceder para que salga bien. Y si eso no se replica, se pierde en el tiempo.

- ¿Por qué crees que tu papá ya quería reversionar la película? ¿Qué veía en esta historia?

- Él tenía un olfato para lo popular y decía: “El conventillo siempre es un batacazo”. Cada vez que se hace funciona bien. Y él la quería filmar, a él le gustaba hacer un cine industrial y masivo. Entonces, por eso quería hacer eso. Algo de razón tiene, porque treinta años después de la muerte de mi viejo, nosotras montamos esta obra y se vuelve a llenar la sala. El nieto de mi hermana, Augusto, que tiene trece años, fue al estreno y nosotras pensábamos: “¿Le gustará una obra donde se habla, se baila el tango, se habla lunfardo?”. Cuando terminó la función, él dijo que le encantó y que era como El Chavo del Ocho. Es perfecto.

- ¿Cómo se han repartiendo el trabajo con tu hermana?

- Nos dividimos bastante bien las tareas y hubo un momento en el que participé de la búsqueda de los personajes, las marcaciones, el estilo, el ritmo y todo, y hubo un momento donde la obra quedó lisa y llanamente bajo la mirada de María. Yo estoy en el escenario y no puedo estar marcando a un compañero al tiempo que actuo. Para eso somos dos.

- Es medio raro, pero vos tenés la capacidad y la trayectoria para eso.

- Sí. Pero hay un momento donde quiero solamente disfrutar con mis compañeros a la par, que es algo único, inigualable y lo que más me gusta hacer en la vida. La obra es coral, no es un protagónico exclusivo, sino es que todo el mundo tiene lugar. Por ahí en las escenas donde yo no participaba podía estar un poco más desde afuera, pero ahí me entregaba a la mirada de María.

- Sos el nexo entre ambas partes dirección y el elenco en el escenario.

- Es una idea que yo le llevé a mi hermana, María. Fue una ocurrencia mía feliz, de la que estoy muy contenta de haberme animado y de haber persistido. Y entre las dos armar este equipo, que no es menor, (risas) somos muchos.

- ¿Y te ves hacia futuro jugando con este doble rol en otras ocasiones?

- Sí. Ya estoy pensando lo que voy a hacer el año que viene. Estoy adaptando una versión de Frutilla, una obra que escribió Abel Santa Cruz, una comedia musical argentina de la década del setenta. La protagonizaron Osvaldo Miranda y Mercedes Carreras. Era una comedia musical de pequeño formato y ahora la vamos a hacer más grande.

- ¿Y en la familia cómo se va charlando y llevando los nuevos proyectos?

- Es una familia grande que ha ido cambiando de forma a lo largo del tiempo, por decisiones de vida, porque nos hemos casado, nos hemos separado, nos hemos vuelto a juntar. Hay gente que falleció, que se incorporó, hay gente joven. La va mutando, pero sí, es una familia artística y es un tema predominante y se habla en voz alta (risas), se discute, se comparte.

- ¿Cómo se traslada la pasión por el teatro a las generaciones más jóvenes?

- A mí me entusiasma mucho el teatro en este momento, porque como es una época de tanta pantalla, me parece revolucionario imaginar que te vas a encerrar a una habitación oscura con gente que no conocés, donde hay gente de carne y hueso que transpira, que está ahí y que no sabés qué va a pasar. Hay un pacto de creer que va a llegar a término, pero puede no pasar. Y eso es extraordinario, porque está vivo y está sucediendo ahí.

Durante una extensa charla con el staff de Infobae al Regreso —integrado por Gonzalo Aziz, Diego Iglesias, Malena de los Ríos, Matías Barbería y Mica Mendelevich— Leyrado repasó las transformaciones de la televisión, la precarización laboral en el sector artístico y la dimensión educativa y política de su nuevo proyecto teatral.

El deterioro de la identidad y la televisión argentina

Leyrado fue contundente al describir el presente del sector: “Ahora la desocupación es muy grande en la gente, en los actores, actrices. Siempre fue grande. Ahora estará, te digo, en un noventa por ciento de desocupación”.

En su repaso por la televisión de décadas pasadas, subrayó: “La gente extraña muchísimo la televisión argentina. Primero porque tenía un nivel extraordinario. Exportábamos mucho material y ahora nos pasaron por encima”. Para el actor, el problema excede lo económico: “Es un tema cultural, también económico, son cosas que no entiendo realmente”.

En ese marco, Leyrado advirtió sobre el impacto de la tecnología en el oficio: “Ahora las máquinas salen inclusive más baratas que los técnicos. Pero, ¿hacen la misma escena? Yo creo que lo importante es la pre y la postproducción. La materia prima, lo del medio, no es tan importante. Vos ves un tipo volando y decís: ‘Qué genial volando’, pero cuando lo filmás, el tipo está con una soga de arriba”. Sin embargo, defendió el valor irreemplazable del factor humano: “Cuando empiece a desaparecer cada vez más el ser humano, va a aparecer eso. No vamos a tener la experiencia humana de ver las cosas, las vamos a ver por medio de una técnica”.

Sarmiento en el escenario: entre la fascinación y el espanto

Sobre su desafío actual, Leyrado relató: “Nunca imaginé que iba a hacer a Sarmiento. Me negué totalmente, porque ¿cómo hacer a ese personaje tan…? Tan ignorante que somos de Sarmiento, tan poca información que tenemos. Cuando empecé a leer para tener claro por qué no lo iba a hacer, me di cuenta que no sabía nada de Sarmiento”.

El actor confesó su propio proceso de reconciliación: “De pibe pensaba que era un facho y después dije: ‘Uy, ¿cómo no lo leí completo?’ Me reconcilié cuando encontré cosas mías. No era de izquierda, no era comunista, pero el tipo hizo muchísimo. Aparte era un loco, y no conocemos absolutamente nada de él”.

Leyrado detalló el abordaje de “Sarmiento, la clase”: “Lo traen para que dé una charla. Punto. Es teatro, está permitido todo. Sarmiento explica por qué vino, la clase que quiere dar, cosas que se han dicho por él, cosas que él pensaba y cosas que piensa. Lo llevan a pasear por la avenida Sarmiento”. Respecto al guion, aclaró: “La idea es mía, pero el guion es de Juan Dasso. Me ayudó mucho Felipe Pigna cuando empecé, pero había que escribir un monólogo de una hora con la vida de Sarmiento”.

La argentinidad, el juego y la pertenencia

En otro tramo, Leyrado reflexionó sobre el sentido de su profesión: “Para mí es tan natural ser actor. Es una forma de vida, es prolongar el juego de la infancia. Yo me hice actor porque cuando jugaba al fútbol, que no jugaba tan bien, en la mitad me aburría, me ponía a hacer pavadas”.

Al profundizar en la identidad nacional, fue categórico: “Descubrí algo que me dio alegría descubrir, y eso es personal: que no amamos nuestro país, que nos acostumbramos o nos hicieron tipos que rechazamos el país que vivimos. Todo lo que hacemos acá lo ponemos en otro lugar, todo lo que traemos de allá es mal, vaciamos, la división de las tierras y todo eso, que ya no tiene que ver con una ideología política, ya tiene que ver con una ideología humana”.

Consultado sobre lo que le sigue atrayendo de la actuación, Leyrado respondió: “Estar en el escenario frente al público. Yo me siento mejor ahí que estando en un lugar mío”. Y acerca del teatro como espacio vital, concluyó: “Para mí el teatro, esta profesión, es un lugar de pertenencia y siempre lo fue en mi vida. Me encuentro con el otro, me encuentro jugando conmigo, me veo a veces actuar desde arriba, que no viene mal. Hago todo lo que se puede hacer desde un escenario”.

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La Asociación Cronistas del Espectáculo (ACE) entregó los Premios ACE que reconocen la producción teatral argentina, en una ceremonia realizada en el Teatro Astros de Buenos Aires con la conducción de Carla Rosaria Maieli y Marcelo Oliveri. La apertura de la ceremonia estuvo a cargo de la presidenta de la entidad, Nora Lafón, y su vicepresidente, Carlos Abeijón.

Rocky y La revista del Cervantes resultaron las grandes ganadoras. Rocky es una comedia dramática que recrea la icónica película escrita y dirigida por Sylvester Stallone. Dirigida por Nicolás Vazquez y Mariano Demaría, y protagonizada por el mismo Vázquez, la obra se llevó el premio ACE de Oro y otros siete galardones. “Somos bendecidos. Hacemos lo que amamos, tenemos uno de los trabajos más lindos del mundo. La gente nos aplaude y nos dice cosas lindas. Quiero trabajar hasta que me muera arriba de un escenario”, dijo visiblemente emocionado el director y protagonista de la obra.

Todos los premios ACE

Mejor espectáculo de teatro musical

• Cuando Frank conoció a Carlitos

Mejor espectáculo de teatro alternativo

• Incidente en Vichy

Actuación femenina en musical

• Alejandra Radano (La revista del Cervantes)

Actuación masculina en musical

• Marco Antonio Caponi (La revista del Cervantes)

Dirección general de musical, music hall, café concert

• Pablo Maritano (La revista del Cervantes)

Dirección musical

• Giuliana Sosa (Las mujeres de Lorca y Despertar de primavera)

Actuación Femenina en Teatro Alternativo

• Yamila Ulanovsky (El arte de esgrimir)

Actuación Masculina en Teatro Alternativo

• Mateo Chiarino (Incidente en Vichy y El arte de esgrimir)

Dirección en Teatro Alternativo

• Pablo Gorlero (Incidente en Vichy)

Drama o Comedia Dramática

• Rocky

Actriz protagónica en Drama o Comedia Dramática

• Ana María Picchio (El secreto)

Actor protagónico en Drama o Comedia dramática

• Joaquín Furriel (Ricardo III)

Dirección de Drama o Comedia Dramática

• Nicolás Vázquez y Mariano Demaría (Rocky)

Comedia

• Una navidad de mierda

Actriz en Comedia

• Verónica Llinás (Una navidad de mierda)

Actor en comedia

• Jorge Marrale (Cuestión de género)

Director de comedia

• Peto Menahem y Verónica Llinás (Una navidad de mierda)

Actriz o actor de reparto en drama o comedia

• David Masajnik (Rocky)

Actuación masculina en obra para un sólo personaje

• Agustín “Rada” Aristarán (Chanta)

Actuación femenina en obra para un sólo personaje

• Julieta Zylberberg (Prima Facie)

Revelación Femenina y Masculina

• Albana Fuentes (La sirenita)

Music hall, café concert

• La revista del Cervantes

Espectáculo de humor

• Un poyo rojo

Coreografía

• Andrea Servera (La revista del Cervantes)

Infantil

• El barbero de Sevilla

Música original

• Vane Butera (Coraza. Cáscara. Casa)
• Nacho Medina (Las mujeres de Lorca)

Escenografía

• Tato Fernández (Rocky)

Iluminación

• Mariano Demaría y Santiago Cámara (Rocky)

Sonido

• Eugenio Mellano Lanfranco (La sirenita, Rocky y Cuando Frank conoció a Carlitos)

Vestuario

• María Emilia Tambutti (La revista del Cervantes)

Producción

• RGB Entertainment y Preludio (Rocky)

Distinción especial

• Centro Latinoamericano de Investigación Teatral

Reconocimiento

• Carlos Rottemberg, por 50 años de labor teatral

[Fotos: RS Fotos; Gustavo Gorrini; prensa ‘Rocky’]

La incorporación de una voz en off interpretada por Alicia Borrachero, que introduce elementos sobre la creación del mundo y la naturaleza, centra la atención en el carácter literario y reflexivo de la puesta de ‘La vida extraordinaria’, mientras enmarca los acontecimientos de la obra en la conexión entre lo cotidiano y lo trascendente. Esta propuesta, que forma parte de la programación de escenAvilés, tendrá su estreno en el Teatro Palacio Valdés el viernes 20 de marzo y el sábado 21, a las 20.00 horas en ambos casos. Según consignó el medio de origen, el texto y la dirección pertenecen al dramaturgo argentino Mariano Tenconi. El elenco principal está integrado por las actrices Malena Alterio y Carmen Ruiz, quienes asumen el rol de dos amigas cuyas existencias, aparentemente comunes, revelan dimensiones excepcionales a lo largo del desarrollo escénico.

De acuerdo con la información publicada, ‘La vida extraordinaria’ destaca por ofrecer una perspectiva poética sobre la vida cotidiana, en donde la literatura y la amistad ocupan un lugar central en la narrativa. Tanto Aurora como Blanca, los personajes encarnados por Alterio y Ruiz, atraviesan diferentes etapas vitales en un universo que, pese a su aparente normalidad, presenta momentos de singularidad y profundidad. El medio detalló que la trama incide en cómo las pequeñas historias personales adquieren relevancia y belleza cuando se interpretan a través de un prisma literario y sensible.

El regreso de Alterio al Teatro Palacio Valdés se produce tras su participación en ‘Los amigos de ellos dos’ durante 2024, mientras que Carmen Ruiz ya había sido parte de la programación en 2019 con ‘7 años’, ambas experiencias bajo la dirección de Daniel Veronese. Esta conexión previa con el escenario avilesino aporta un componente de continuidad para el público local, según mencionó la concejala de Cultura de Avilés, Yolanda Alonso, durante la presentación del montaje. En el mismo acto, la edil valoró el estreno como una oportunidad destacada para la ciudad, al acoger una muestra representativa del teatro argentino contemporáneo y resaltar la trayectoria de Tenconi dentro del panorama internacional.

El propio Mariano Tenconi expresó su satisfacción por inaugurar la obra en España y subrayó la relevancia de contar con intérpretes a quienes calificó como indispensables por su nivel y compromiso profesional. Según el medio, Tenconi consideró la presencia de Alterio y Ruiz como esencial para el desarrollo de una propuesta que, por sus características, demanda un elevado grado de versatilidad y entrega en las actuaciones. En esa línea, Malena Alterio hizo hincapié en la complejidad de asumir fragmentos extensos en solitario sobre el escenario y calificó la experiencia como un desafío que implica enfrentarse a situaciones de intenso compromiso actoral.

Durante la presentación, la participación de la violinista Diana Valencia y el pianista Jorge Naveros fue confirmada para reforzar los aspectos musicales de la función, lo que suma capas a la atmósfera creada sobre el escenario. Según publicó el medio, la suma de elementos musicales y literarios pretende profundizar la percepción de lo extraordinario dentro de lo rutinario, en consonancia con la apuesta estética y conceptual de la obra.

La crítica ha destacado el montaje por su enfoque singular y por la manera en que combina recursos teatrales, música en vivo y elementos visuales para ofrecer una perspectiva renovadora del teatro actual. La recepción previa en otros contextos sugiere que ‘La vida extraordinaria’ ha generado interés entre especialistas y público, en buena medida por la reputación de su equipo creativo y las trayectorias acumuladas de los integrantes del elenco. El medio de origen también puntualizó que la selección de Avilés como primer escenario para la presentación en España responde al interés de fortalecer la colaboración cultural entre instituciones teatrales argentinas y españolas, promoviendo el intercambio de propuestas innovadoras y la circulación de autores contemporáneos.

La obra, al enfocar el relato en la amistad entre mujeres y al incorporar reflexiones sobre la literatura y los afectos, se alinea con tendencias actuales del teatro de habla hispana que buscan articular temáticas universales desde miradas personales y sensibles. Según informó el medio, la propuesta de Tenconi explora la belleza en las situaciones convencionales y recurre a diferentes recursos del lenguaje escénico, como los monólogos prolongados y el trabajo con la voz en off, para expandir los límites de la narrativa tradicional en el teatro.

El contexto de las funciones en Avilés habilita la posibilidad de acercar a la audiencia local propuestas internacionales seleccionadas por su calidad y actualidad, como parte de la agenda de escenAvilés. La organización consideró la programación de ‘La vida extraordinaria’ dentro de un calendario que incluye otros montajes relevantes y actividades vinculadas a la promoción de las artes escénicas, según detalló la información publicada.

Tanto la dirección de Mariano Tenconi como la interpretación de Alterio y Ruiz han sido objeto de comentario entre los especialistas consultados, quienes remarcan la demanda de concentración y versatilidad en las escenas construidas a partir de textos extensos y contenidos introspectivos. De acuerdo con el medio, la estructura de la obra permite a las intérpretes fluctuar entre registros íntimos y pasajes más dinámicos, adaptando su actuación a la evolución emocional de los personajes.

La programación de las funciones, una de ellas en calidad de abono y la otra fuera de abono, tiene lugar dentro de la temporada cultural 2024 del Teatro Palacio Valdés. El horario de las actuaciones ha sido confirmado para ambas fechas a las 20.00 horas, posibilitando la asistencia del público habitual y de nuevos espectadores interesados en los lenguajes emergentes del teatro contemporáneo, según reportó el medio. Con la producción de ‘La vida extraordinaria’, el escenario avilesino refuerza su apuesta por la internacionalización de su cartel y la presencia de figuras destacadas del teatro argentino y español.

“Querida compañera”, dirá, por teléfono, la voz ronca de Juan Domingo Perón esta tarde de marzo. “Querida compañera”, dirá, y se reirá. Claro, no es una sesión de espiritismo -aunque, quien sabe, el teatro lo sea- sino una actriz, nada menos que Cristina Banegas, interpretando al Líder. No es por nada: Banegas será Perón en un espectáculo que está por hacer en su teatro, El Excéntrico de la 18. Y no es por nada que lo hace: El Excéntrico está cumpliendo 40 años y esta obra, La Bala de Plata, es parte la programación preparada para festejarlo.

“Son tiempos en los que todo es mucho más difícil, todo es mucho más costoso, todo es mucho irrealizable. Y sin embargo, seguimos haciendo teatro, seguimos haciendo música, seguimos haciendo cine”, dirá enseguida la actriz.

El teatro abrió allá por 1986 con El Padre de August Strindberg, que dirigía Alberto Ure. Escuela y sala se propuso Banegas, y así fue. Ha contado ya algunas veces que el nombre lo puso Ure, justamente, y que tenía que ver con que su ubicación -en la calle Lerma, donde Villa Crespo empieza a volverse Palermo- estaba, en ese momento, bastante extrarradio. Y la 18, bueno, era la circunscripción electoral. El toque político, gusta decir Banegas.

Cuatro obras habrá para el festejo y tres serán protagonizadas por ella: la mencionada La bala de plata -que hará con Karina Elsztein y dirección de Graciela Camino-, Molly Bloom, ese monólogo basado en el último capítulo del Ulises de Joyce (dirección de Carmen Baliero) y el entrañable Proyecto Quevedo, donde la actriz hace una performance sobre textos de Francisco de Quevedo, sobre una mesa que perteneció a su madre, Nelly Prince (dirige Jorge Thefs).

La cuarta obra es No yo, de Samuel Beckett, actuada por Agostina Prato y Paulo Livieri con dirección de Marcelo Allasino.

Pero más allá de las obras, el tema son los 40 años -¡ya cuarenta años!- del teatro y por eso Banegas está del otro lado del teléfono y antes de ser Perón es Cristina.

-¿Qué pasó en estos 40 años?

-Fndamentalmente lo que pasó fue que se extendió por toda la ciudad el teatro independiente. Con diferentes formatos, estilos, estéticas. Y hay teatros en toda la ciudad, en todos los barrios. Somos una plaga.

-¿Qué pasa en este país con el teatro? ¿Por qué se sostiene, crece, tiene tantas salas...?

-Creo que es como una cualidad genética que tenemos los argentinos. Así como hay muy buenos futbolistas, hay muy buenos actores, muy buenos teatristas, muy buena gente que filma. Somos así. Es parte de nuestra identidad cultural. Y creo que eso, más allá de que quieran destruirlo, somos nosotros, no es destructible. Mientras sigamos viviendo, seguiremos reproduciéndonos y teniendo nuestros proyectos y nuestras necesidades de crear comunidad. Porque el teatro crea comunidad, fundamentalmente. Como el cine, no se puede hacer si no es grupalmente. Eso nos da una perspectiva que va más allá de las políticas culturales siniestras que están destruyendo nuestras instituciones. Hablo del INCAA, del Instituto Nacional de Teatro, del Instituto Nacional de la Música. Pero bueno, vamos a seguir haciendo teatro, vamos a seguir cantando, vamos a seguir haciendo cine.

-También es cierto que hay un público...

-Hay un público teatrero muy fuerte, no solo en Buenos Aires, porque el Instituto Nacional del Teatro creó espacios en todo el país. Se hace teatro y se va a hacer teatro además: si no hay más teatros, se hará en las calles, se hará en las plazas, se hará en los balcones. Somos indomables.

-Se hace en las casas...

-Desde hace mucho tiempo. Ute lo hizo en la época de la dictadura, por ejemplo. Hacía Casa de muñecas, de Ibsen, enn casas. ¡Eso era un acto de resistencia!

-¿Ha cambiado el teatro, la forma de hacerlo, lo que se dice en este tiempo? ¿O para el teatro, que es tan antiguo, 40 años no son nada?

-Hay muchas novedades, hay muchas variaciones. Hay además cuestiones que vuelven, estéticas que vuelven: lo audiovisual, por ejemplo, vuelve. Lo performático está muy presente también. Hay oleadas.

-¿Y vos sos la misma actriz?

-¿La misma que yo misma? Bueno, intento ser la misma, acabo de cumplir 78 años. Intento ser lo más parecida posible a quien deseo, proyecto y necesito ser para sobrevivir en este país, en este mundo tan terrible que nos está tocando vivir.

-¿Hay algo que añores de cuando empezaron, de aquel Excéntrico?

-Bueno, extraño a Alberto Ure, por supuesto.

-Contaste que, en el nombre, lo de “la 18″ era por la circunscripción política. ¿Se mantuvo la intención política? ¿En qué se ve?

-Se mantuvo, está en la programación, en las miradas. Y cada vez más. Por ejemplo, vamos a abrir la temporada con varios espectáculos y el primero es, es La bala de plata. Es una instalación sobre la correspondencia entre Perón y John William Cooke. Y lo hacemos dos mujeres. Karina Elsztein hace Cooke, hace un gran Cooke, es una actriz fantástica. Y yo soy Perón.

-¿Cómo?

-“Querida compañera”.

-¿Cómo estudiaste el personaje, qué rasgos pensaste, cómo armaste este Perón?

-Pasaron dos cosas. La primera es que Graciela Camino venía desde hacía años queriendo hacer la obra. Hablaba con Tato Pavlovsky, con Pompeyo Audivert, con Bartís, con actores, con muchachos, varones, para que hicieran a Perón y Cooke. Nadie podía, nadie podía, nadie podía y Graciela dejó el proyecto en stand by porque no conseguía actores. Y a mí me pasó algo,, bueno, esas cosas que pasan en la vida.

-¿Qué pasó?

-Una vez Horacio González presentó un libro en el bar de la Facultad de Ciencias Sociales cuando estaba en Marcelo T. de Alvear. Era un bar imposible, con una máquina de café muy ruidosa, con un extractor más ruidoso, con un pasillo con gente que pasaba y gritaba, con gente adentro, que también pasaba y gritaba. Con un equipo de sonido pésimo, lógicamente. Y Graciela me dijo: “Yo hablo en un momento en el libro de Perón en Caracas”, que es un monólogo que escribió Leonidas Lamborghini, “y me gustaría que leyeras un fragmento”. Entonces pensé: “Voy a leer las didascalias con mi voz y cuando habla Perón, para diferenciar, voy a hablar con una tonalidad más grave”. Y entonces empiezo aleer y en un momento “bajó” la voz de Perón. Me empezó a salir la voz de Perón, de un Perón fantasma, de un Perón roto. Se apagó el extractor, se apagó la máquina del café, se hizo silencio. Lamborghini lloraba, todos estaban emocionados, yo también. Y a partir de ese momento le dije a Graciela Camino: “Dame una oportunidad, hagámoslo dos mujeres”. Y Karina es perfecta para Cooke. Y muy buena actriz y muy buena compañera.

-¿Y cómo se lee eso en este presente?

-Se lee todo lo que van discutiendo sobre lo que significa el proceso del peronismo. Imaginate que empiezan a escribirse desde antes de la Revolución Cubana, por ejemplo. Hoy el texto se resignifica, se actualiza. Es un Perón que va del de Caracas al de Puerta de Hierro, ya con el Brujo López Rega, con Isabelita...

-También vas a hacer Molly Bloom, que la hiciste hace años.

-Pasé mucho tiempo sin hacerla, ahora me dirige Carmen Baliero. Y Molly Bloom es música, es la música de la cabeza de Molly, de modo que es fundamental que me dirija una música.

-¿Vale la pena verla de nuevo?

- Absolutamente. Es como la buena música, la podés volver a escuchar muchas veces, ¿o no?

-Y también reestrenás Proyecto Quevedo, que de algún modo es muy personal.

-Claro, lo hago sobre una mesa de cristal de dos metros sesenta por dos diez, que era de mi madre, Nelly Prince. De la gran reina, gran.

-¿Por qué elegiste esa mesa?

-Porque mi mamá murió, ahora en mayo van a hacer cinco años. y yo pude finalmente vender su departamento, el Palacio Prince, como lo llamaba yo cariñosamente. Y está esta inmensa mesa...

-Lo que te estoy preguntando es por qué elegís la mesa de tu mamá.

-Porque es un homenaje a mi mamá. Porque la amo, porque la amé, porque, porque es un escenario sobre un escenario. Esa mesa ya en sí misma es un escenario, pero es un escenario de cristal.

-Me imagino que la mayoría de la gente con la que trabajás ahora es mucho más joven que vos. ¿Cómo te llevás con eso?

-Voz 1: Claro. Bueno, Jorge Thefs, que es el director Proyecto Quevedo, tiene veintinueve años. A los jóvenes los siento como pares. Como compañeres.

Ficha

El Excéntrico de la 18

Dirección: Lerma 420, CABA

Entradas: $22.000 (venta por Alternativa y en boletería del teatro)

“No yo”

Autor: Samuel Beckett

Dirección: Marcelo Allasino

Elenco: Agostina Prato y Paulo Livieri

Funciones: Sábados 7, 14, 21 y 28 de marzo a las 22.30 hs

Duración: 40 minutos

Público sugerido: Mayores de 16 años (incluye desnudo total)

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“La bala de plata”

Sinopsis: Reconstrucción documental de la correspondencia entre John William Cooke y Juan Domingo Perón (1955-1966)

Elenco: Cristina Banegas y Karina Elsztein

Dirección: Graciela Camino

Funciones: Viernes 20.30 hs (del 13/3 al 17/4)

Duración: 40 minutos

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“Molly Bloom”

Basada en: Último capítulo de “Ulises” de James Joyce

Elenco: Cristina Banegas

Dirección: Carmen Baliero

Funciones: Sábados 20.30 hs (del 14/3 al 18/4)

Duración: 60 minutos

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“Proyecto Quevedo”

Basado en: Sonetos y poemas satíricos de Francisco de Quevedo

Elenco: Cristina Banegas

Música en escena: Lucía Gómez (cello y voz)

Dirección: Jorge Thefs

Funciones: Domingos 20.30 hs (del 15/3 al 19/4)

Duración: 60 minutos

En diálogo con el equipo de Infobae al Mediodía, integrado por Maru Duffard, Andrei Serbin Pont, Jimena Grandinetti, Fede Mayol y Facundo Kablan, Cibrián recordó: “Cuando era muy joven, siempre la frase cuando yo fantaseaba con mis delirios del teatro musical era: ‘No, no, Pepe, aquí no podemos hacerlo’. Entonces estaba en Londres y había visto Chorus Line y mientras la veía yo pensaba esto es lo que a mí me gustaría hacer en Buenos Aires, por esa estética de la nada, pero ahí que sea conceptual”.

La pasión por el teatro y la vigencia de los clásicos

El director resaltó el recorrido de su obra y la permanencia de los desafíos: “Estoy muy feliz de volver a hacerla. La gente del Teatro Regina me dijeron que si yo quería hacerla y dije sí, claro. Produjeron ellos y ha sido muy, muy, muy exitosa y gusta muchísimo. Es muy bella. Ahí empezó Sandra Mihanovich, Ana María Cores, muchísima gente”.

Al repasar su relación con el éxito y el público, Cibrián confesó: “Yo hice el año pasado una obra sobre Wilde que había estrenado con mi madre hace 20 años y había ido muy bien. Y en esta oportunidad, que la hice con Ana Costa y un grupo de actores, no fue nadie. Y bueno, y después la otra va todos”. Frente al fracaso, no hay tiempo para la queja: “Nada. Digo, bueno, hay que hacer otra enseguida corriendo. No, no, no hay día, es así. Una y otra, y otra. Hice sesenta obras ya”.

El teatro, para Cibrián, es una experiencia viva y desafiante: “En Drácula, un personaje que hacía John, otro coprotagonista, tenía un tema musical. Estaba lleno el Luna Park. El público ese día no le aplaudió. Entonces, sale y no se dio cuenta que no le habían bajado el micrófono. ‘¿Qué público daño?’, y todo el Luna Park se empezó a escuchar su voz puteando como loco”.

La lógica del éxito y el sentido de pertenencia

El creador de “Drácula” desmontó la idea de éxito asegurado: “Me dicen: ‘No, pero vos hacés-- Oh, el éxito’. No, el éxito no está nada asegurado”. Cuestionó el vínculo entre éxito y dinero: “Cuando hablamos de éxito en nuestra sociedad capitalista, digamos, es plata. Ni la calidad de la obra. O sea, Van Gogh no sé, será un imbécil porque no vendió un cuadro en toda su vida. Entonces ahora valen 200 millones de dólares. Él nunca se enteró que valían esto”.

Cibrián compartió su método para enfrentar las salas vacías: “En una ocasión hacía lo de Wilde e iban muy poca gente, 30, 40 y la sala tenía como 400. Entonces le dije a mi community manager: ‘Mirá, hacé esto, vos decís que vas a rifar o a regalar cuatro entradas para Wilde’. Efectivamente, mandaron, no sé, dos mil personas. Y digo: ‘Dáselas a todos’. Que vengan, el teatro lleno”.

La exigencia y la inseguridad conviven en el artista: “Un día me acuerdo en Luna Park, cinco mil personas. Salgo, me ovacionan porque realmente son tan generosos. Todo el mundo de pie gritando. Y había tres personas sentadas en primera fila, así. Me cagó la noche. Me quitaron todo tres personas, o sea que era ser imbécil de mi parte, por supuesto”.

El teatro argentino y la creatividad frente a la adversidad

Cibrián reivindicó la creatividad por sobre la espectacularidad: “He hecho puestas de Las mil y una noches con tres telones de tul, de gasa, de cortina de plástico. Lo he hecho y estaba feliz en el Teatro Ópera. Y era feliz. Cuando yo hice Drácula, fui descartando. Tito y Ernestina me daban lo que me diera la gana. Así me dieron diez años, hasta que se murió Tito. Y entonces, si yo pensaba, ¿no? Digo, bueno, en mi delirio: ‘Tito, ¿qué te parece?’, porque claro, en el Circo Justo entraban elefantes, entraban todos. Y fuimos sacando cosas, sacando cosas. Y lo único que tiene Drácula son seis torres de hierro y cuatro escaleras, una muy grande y otra más chica. Nada más. Y me decían: ‘Pepe, la gente no se va a enterar’. Se va a enterar de todo, porque era el castillo de Drácula y era el castillo de Drácula. Era la posada y era la posada”.

La falta de reconocimiento estatal no es novedad: “Siempre en Argentina se ha hecho muy buen teatro, ¿no? Hoy en día se apuesta muy poco los grandes productores por lo nacional, por el teatro de obras nacionales. Hay grandes autores, hay grandes actores que no son de pronto populares, pero que llenan sus teatros alternativos, que hacen una función por semana, dentro de un día de seis otras funciones, y luchan por cumplir su sueño de pisar un escenario”. Y subrayó: “Nosotros nunca hemos estado apoyados en ningún gobierno, la cultura teatral, para nada, siempre es esa cosa de, del argentino”.

Sobre la vigencia de los jóvenes y el recambio generacional, advirtió: “Hoy, actores míos jóvenes, muchos, no saben ya quién fue Pinti, no te digo ni Marshall. No saben quién fue Sandrín, no saben quién fue Alcón. Es muy grave. Y también es, bueno, falta, por supuesto, de los gobiernos, este, el anterior...”.

El orgullo de ser argentino y el valor del oficio también estuvieron presentes: “Sentirse profundamente argentino y eso a mí me causa mucho orgullo. Somos un país maravilloso. Acá se hacen... Por eso te digo, con nada una vez... Me acuerdo que los directores de Los Miserables, un director estos vino a ver una obra mía, fuimos a comer. No sé, no es que me dijeran: ‘¡Oh!, la producción’. Imaginate, bajan aviones, se tira un portaaviones. Pero me dijo: ‘Pepe, ¿de dónde sacás tanta sangre?’”.

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Todo se dio cuando la actriz asistió a una entrevista en un medio local de La Feliz. Al principio de la charla, Peña comenzó hablando de hace cuánto tiempo no dejaba de hacer teatro. “Hace mucho. De hecho, este año voy a dejar de hacer un ratito porque estoy muy cansada. Este invierno no hago”, dijo en diálogo con Radio Brisa.

Luego, Florencia opinó sobre la ciudad y recordó épocas pasadas en la ciudad: “Me encanta “Mar del Plata”. Creo que es mi temporada número seis a lo largo de mi historia. Ya había venido con Enrique Pinti, con Vale Todo, en el auditorio, que también había sido hermosa. Esa es una versión que se llama Anything Goes en Estados Unidos y era con música de Cole Porter. Y la verdad que Mar del Plata es un lugar que a mí me fascina porque es una ciudad con mar. Hay algo de eso. Yo soy bastante cosmopolita. Y es una ciudad con mar y además tiene algo de que tenés todo. A mí me gusta ir a fiestas electrónicas, tenés mute. ¿Querés teatro? Tenés teatro”.

Días atrás, la reciente suspensión de funciones de la obra Pretty Woman en el teatro de Mar del Plata, protagonizada por Florencia Peña, generó inquietud y versiones encontradas en la comunidad teatral. El programa Intrusos (América) aportó detalles clave y subrayó que la actriz enfrenta un problema de salud que afecta sus cuerdas vocales, negando que la decisión esté vinculada a una posible baja en la venta de entradas.

Durante el programa, Adrián Pallares introdujo el tema: “Vienen noticias un poco preocupantes desde Mar del Plata con Pretty Woman. Hacía funciones de martes a domingos. Es una de las pocas obras que no hace dos funciones los fines de semana”.

Daniel Ambrosino, también en Intrusos, destacó lo poco común de este cambio en plena temporada teatral: “Es raro, porque generalmente cuando empiezan a bajar la cantidad de funciones es a partir del 15, que la gente ya se está volviendo, que empiezan a preparar las cosas para los chicos, para el colegio”.

Más adelante, Florencia Peña fue consultada por un cronista del programa para explicar el motivo real de la suspensión: “La levantó mi productor que vio que estaba realmente muy mal de la garganta. A mí me cuesta mucho levantar funciones. Me volví a Buenos Aires, me hice un estudio para ver cómo estaban mis cuerdas. Todavía no estoy tan bien”, manifestó en conversación con Intrusos.

Con sinceridad, la actriz expresó los sentimientos que le generó esta decisión. “El domingo estaba realmente en estado de probar. De hecho, tenía notas que hacer y las tuve que bajar todas. Bueno, raro en mí, pero realmente tengo que cuidar”, señaló.

Ya desde Buenos Aires, Peña relató el proceso médico recomendado para su caso. “La verdad es que no estoy bien todavía”, reconoció durante la entrevista en Intrusos. Añadió que la prioridad es recuperarse siguiendo el consejo médico recibido y que esa fue la razón de su regreso temporal a la capital.

Florencia Peña también negó cualquier relación entre la suspensión y eventuales problemas en la venta de localidades, despejando especulaciones surgidas tras la cancelación de la función en el teatro Mar del Plata. “A mí me cuesta mucho levantar funciones”, reiteró, y descartó cualquier motivación ajena al cuidado de su salud vocal.

Estrenada en diciembre, Pretty Woman se presenta en Mar del Plata. La obra narra la historia de Vivian, una prostituta que conoce a Edward, un hombre millonario. Juntos atraviesan situaciones que transforman sus vidas y profundizan en el universo de las clases altas.

En todo momento, Peña dejó claro que su principal preocupación es resguardar su bienestar físico para evitar complicaciones mayores. Lamentó no poder cumplir con el público y el equipo, pero reafirmó su compromiso de priorizar la recuperación, con la esperanza de retomar las funciones habituales en Mar del Plata cuando su salud lo permita, tal como expresó en su diálogo final con Intrusos.

Durante la ceremonia de los Carlos, la pareja acaparó la atención de la prensa, y fue el periodista Pablo Layús quien tuvo la oportunidad de acercarse a Cabré para consultarle cómo vivía ese gran momento, rodeado de premios y afectos. “Somos privilegiados, hacemos de lo que nos gusta, disfrutamos y tenemos un elenco hermoso… Estamos bien”, reconoció Cabré, con una sonrisa amplia, mientras se encontraba al lado de su esposa. La respuesta dejó ver el clima de satisfacción y alegría que atraviesa la pareja, pero fue más allá cuando Layús le preguntó sobre el significado de esa noche. Cabré, sin dudar, hizo una declaración que sorprendió por su romanticismo y espontaneidad: “Recién me preguntaban y, lo digo de verdad, hace dos años la conocí a ella en los Carlos. Yo ya gané”, afirmó, sellando la entrevista con una frase que rápidamente se replicó entre los presentes y en las redes sociales.

Momentos antes de la intervención de Cabré, fue Pardo quien dialogó con el periodista y se mostró emocionada por el reconocimiento al trabajo de todo el equipo. “No tengo el número final de cuántos ganamos porque tenemos muchas producciones. Pero la verdad es una caricia para los artistas. Estamos muy contentos”, expresó.

Además de los premios, la noche estuvo atravesada por gestos de afecto y respeto. Rocío fue consultada por los dichos de la China Suárez en La Mañana con Moria (El Trece), donde la actriz se refirió a la buena relación que mantiene con Pardo debido al cuidado que brinda a Rufina, la hija que tuvo con Cabré. Sin rodeos, la actriz respondió: “Es lo que siempre digo, mientras la familia está bien, afuera también lo va a estar. Es fundamental. Si tuviera una hija, me gustaría que pase lo mismo. Así que hay que priorizar eso sobre todas las cosas”. La declaración fue celebrada por muchos, que vieron en sus palabras un ejemplo de madurez y empatía en los vínculos familiares.

La noche de los premios Carlos fue especialmente exitosa para Cabré y Pardo. Ni media palabra se llevó el galardón a Mejor Comedia, mientras que Cabré fue distinguido como Mejor Actor. El espectáculo sumó además varias nominaciones en categorías como Mejor Libro, Mejor Actor de Reparto y Mejor Diseño Escenográfico, entre otras, consolidando así el trabajo conjunto de la pareja en la dirección y producción de la obra.

Este desafío compartido llegó poco después de que Cabré y Rocío pasaran por el altar, marcando un nuevo capítulo en sus vidas tanto en lo personal como en lo profesional. La convivencia diaria en la villa serrana y el trabajo codo a codo en el teatro sumaron un ingrediente extra a la relación, que ambos describen como “natural” y “fluida”. “Es un desafío hacer la dirección juntos y creo que armamos un buen equipo en el que cada uno se enfoca en lo que al otro no le gusta. Es un trabajo complejo, pero así vamos armando las piezas. Nos llevamos bien, pensamos muy parecido y todo fluye naturalmente”, explicó Rocío en declaraciones a Teleshow antes del estreno, anticipando el clima de colaboración que caracterizó el proceso creativo.

La experiencia en Carlos Paz, los logros obtenidos y el reconocimiento del ambiente artístico dejaron en claro que Cabré y Pardo, además de compartir la vida, lograron construir una sociedad artística sólida y exitosa. Entre premios, declaraciones de amor y una temporada inolvidable, la pareja se consolida como una de las protagonistas indiscutidas del verano teatral 2026.

El encuentro se produjo de manera inesperada en el espacio Zona Franca (Blender) convocados por Juanita Groisman. La periodista logró generar un intercambio cara a cara que no estaba previsto en la agenda del programa.

Mientras los testimonios sobre el trabajo en equipo y la convivencia se alternaban, Juanita validó cómo el fenómeno trascendía la pantalla y penetraba en una audiencia que lo vivía como propio: “Yo me sentía un poco parte del grupo”, admitió, y recibió la aprobación de Fede: “Está bien y eso es buenísimo”.

Durante un reencuentro televisivo, Juanita presentó la canción que el hijo de Carmen Barbieri compuso para Laura, quien escuchó el tema en el estudio entre risas. Al referirse a la pieza, él confesó: “Es lo más triste y penoso que hice en mi vida”. La inspiración para este regalo musical surgió tras una discusión de pareja, según relató Laura, quien asoció el tema a un intento fallido de reconciliación.

Ambos recordaron sus experiencias durante el ciclo conducido por Marcelo Tinelli, una etapa que marcó un período de exposición mediática y en la que continuaron bailando juntos tras hacer pública su relación. La pareja habló sobre los aspectos positivos y negativos de la fama, destacando las situaciones vividas durante esos años de popularidad.

En el terreno del humor y la autocrítica, emergieron anécdotas que cruzaban lo profesional y lo personal. Laurita Fernández sorprendió al preguntar entre risas: “¿Vos gastaste guita llamando para votarnos?”, a lo que Juanita admitió entre risas: “Cantidad. Y faltaba a la facultad”. Esta revelación sobre el entusiasmo y la implicancia incluso económica dio pie a que Federico Bal bromease: “¿Se la devolvemos?”, desatando la complicidad entre los presentes.

El intercambio se tornó aún más personal al tocar antiguas discusiones y manifestaciones en redes sociales. Federico Bal recordó: “Te enojabas a veces conmigo, porque siempre te enojabas conmigo, ¿no?”, y Juanita admitió: “Y, en general, me quedé enojada con vos”.

En ese sentido, también puso en valor el rol de las plataformas digitales para crear lazos y oportunidades laborales: “Incluso en Twitter también me fui haciendo una carrera como tuitera hablando de los Bailando. La gente me sigue, me sigue recordando como eso”.

Al profundizar en la influencia de las redes, Federico Bal reconoció la vehemencia de los mensajes de Juanita: “Ella me bardeaba mucho, desde el amor, como la hija cuando se separan los papás y se va con la mamá. Y el papá queda en el apartamento de soltero. Mucho misil tiraba por ahí”. Lejos de arrepentirse, la tuitera se hizo cargo y reflexionó a la distancia: “Era un poco merecido... aunque quizás alguno no tanto. Ahora estoy pensando”.

El mundo del espectáculo despide a Adela Gleijer, reconocida actriz argentina de origen uruguayo, quien falleció a los 92 años. La noticia generó un profundo pesar en la comunidad artística, que expresó su acompañamiento a su hija, Andrea Tenuta, así como a familiares y colegas del ámbito cultural.

Diversas asociaciones de actores manifestaron su dolor y resaltaron el aporte de Gleijer como referente de las artes escénicas. Su recorrido abarcó más de seis décadas en el teatro, la televisión y el cine del Río de la Plata, donde construyó una trayectoria admirada en ambos países.

Adela Gleijer nació en Montevideo el 20 de septiembre de 1933. Comenzó su labor actoral en la capital uruguaya, impulsada por una fuerte vocación artística desde joven. Esta etapa marcó el inicio de una trayectoria que luego desarrolló principalmente en Buenos Aires.

En la década de 1950, se trasladó a Argentina y consolidó su carrera sobre los escenarios porteños. Su debut escénico fue en 1956, en el Teatro El Galpón de Montevideo, con la obra “El centroforward murió al amanecer”. Allí conoció al actor Juan Manuel Tenuta, quien se convertiría en su esposo y compañero inseparable en la vida artística y familiar.

Durante esa etapa inicial, participó en piezas como “El círculo de tiza caucasiano” y “Rey Lear”, junto a la compañía El Galpón. Ya en Buenos Aires, amplió su presencia en los teatros más relevantes, integrando los elencos del Teatro San Martín y el Teatro Nacional Cervantes. Entre los títulos destacados de su repertorio figuran “Hombre y superhombre”, “Lo frío y lo caliente”, “Gris de ausencia”, “Lupines”, “El prisionero de la Segunda Avenida” y “Gris de ausencia”.

A lo largo de su carrera, fue parte de ciclos emblemáticos como Teatro Abierto y TeatroxlaIdentidad, espacios dedicados a la reivindicación cultural y social. En estas iniciativas, su labor fue reconocida por la profundidad interpretativa y el compromiso con causas ligadas a la memoria y los derechos humanos.

En el ámbito de la televisión argentina, Gleijer dejó una huella indeleble con su participación en ficciones de amplia repercusión. Entre los programas sobresalen “Verano del 98”, “Sos mi vida”, “Celeste, siempre Celeste”, “Amo y señor”, “Mujeres de nadie”, “Mi familia es un dibujo”, “El árbol azul”, “Verdad consecuencia”, “Enséñame a vivir”, “Princesa”, “El hombre de tu vida”, “Vulnerables”, “Mujeres asesinas”, “Los buscas de siempre”, “Los Roldán”, “Trillizos dijo la partera” y “Pobre diabla”.

Su paso por el cine sumó participaciones en películas como “Flores robadas en los jardines de Quilmes”, “La fidelidad”, “El señor presidente”, “Cerro Bayo”, “Casi no nos dimos cuenta”, “Algún lugar en ninguna parte”, “El hombre del subsuelo”, “Contragolpe” y “Clínica con música”. Esta pluralidad de registros consolidó su figura como una intérprete versátil y querida por directores y público.

En el plano personal, la unión con Juan Manuel Tenuta forjó una de las parejas más recordadas de la escena artística rioplatense. Compartieron escenarios y proyectos, transmitiendo su pasión por el teatro a su hija Andrea Tenuta, quien también se dedica a la actuación y continúa el legado familiar.

El trabajo y la ética profesional de Gleijer fueron reconocidos con el Premio Podestá a la Trayectoria Honorable en 2006, distinción otorgada por la Asociación Argentina de Actores y Actrices junto al Senado de la Nación. El galardón significó un homenaje a su aporte al arte escénico y al compromiso sostenido a lo largo del tiempo.

Colegas, instituciones y allegados destacaron su integridad humana, su entrega en los elencos y su defensa de la identidad cultural argentina y uruguaya. El público y la crítica valoraron su honestidad y la calidad de su labor artística.

El legado de Adela Gleijer permanece en la memoria del teatro, la televisión y el cine, inspirando a quienes compartieron su camino y a las nuevas generaciones de intérpretes. Su influencia persiste en la cultura rioplatense, en cada escenario y obra que la vio brillar.

La noticia fue difundida en las redes oficiales de la Asociación Argentina de Actores. En el mensaje se destacó la trayectoria sólida de Ferrero, resaltando su “profunda sensibilidad artística”, y la entidad extendió su acompañamiento a la familia y allegados de la intérprete en este momento. El comunicado no incluyó detalles sobre la causa de muerte.

Desde mediados de los años 90, Ferrero se dedicó a la formación actoral de niñas, niños y adolescentes. Ejerció como maestra y profesora universitaria, acompañando el desarrollo artístico y humano de estudiantes en diversas instituciones y espacios dedicados a la enseñanza.

La formación constante fue una característica en su recorrido profesional. Se perfeccionó en actuación con Ricardo Bartís, Javier Daulte, Pompeyo Audivert y Alejandro Maci.

Profundizó sus conocimientos en dirección teatral con Juan Carlos Gené y Guillermo Cacace. También amplió su perfil sumando disciplinas como clown, danza, tango, técnica vocal, escritura, composición musical, musicoterapia y se acreditó como profesora de Educación Inicial.

Nacida como Agueda Gabriela Ferrero el 1 de julio de 1961, comenzó su carrera en el ámbito teatral, tanto en el circuito independiente como en el oficial y comercial. Formó parte de la compañía Sportivo Teatral, integró el grupo Ácido Carmín con Eugenia Alonso y participó en Los Celebrantes bajo dirección de Vivian Luz.

Actuó en obras como La memoria futura. Voces de las abuelas, Largo viaje de un día hacia la noche, Bodas de sangre, La comedia es peligrosa, Once Berlin, Mi hijo solo camina un poco más lento, Diamante, El vestidor, 38SM, UMBRiO y Un mechón de tu pelo. También participó en títulos como La crueldad de los animales, Mau Mau o la tercera parte de la noche, 33 variaciones, Almas ardientes, 4D Óptico, El diario de Carmen y Rosa Mística.

En televisión y plataformas digitales, tuvo presencia en ficciones como Santa Evita -donde interpretó el rol de Juana Ibarguren, la madre de Eva Perón-, Cuéntame cómo pasó, Doce casas y La casa. Además, integró los elencos de Entre horas, Graduados, El donante, El pacto, Trátame bien, Amas de casa desesperadas, La Lola, Mi señora es una espía y el Ciclo de terror de Canal 7.

En el cine, su filmografía incluye Los adoptantes, La flor, Los que aman odian, Iniciales SG, Cetáceos, La tercera orilla, El crítico, Noelia, La mirada invisible y Séptimo. Gaby Ferrero dejó una huella profunda en quienes compartieron con ella aulas y escenarios. Su vocación y entrega artística y pedagógica permanecen vivas en el recuerdo de colegas, estudiantes y público.

Anécdotas en primera persona

En una entrevista con el periodista Alberto Catena, Gaby Ferrero recordó su trayectoria artística y los inicios de su carrera, marcados por su participación en el taller de Pompeyo a los treinta años y su colaboración con Ricardo Bartis. Allí, Ferrero relató que su ingreso al ámbito teatral se dio luego de abandonar la musicoterapia y en un contexto de recursos limitados, destacando: “Siempre tuve buena estrella en la vida y el trabajo”.

Durante su formación, Ferrero participó en la performance Marcos, presentada por Pompeyo en la Fundación Patricios, y más adelante realizó una versión de Venus y Adonis de Shakespeare en una de las muestras anuales de Bartis. Sobre esa experiencia, detalló que construyó “con maderitas y clavos una especie de retablo pobre, con dos teloncitos y dos muñecos de juguetería, que encarnaba a Venus y Adonis, y yo era la relatora y contaba la historia”. Este monólogo integró el evento Textos por asalto, que también surgió del estudio Sportivo, y fue presentado en el teatro Babilonia y en el primer festival internacional de teatro de Buenos Aires.

La actriz llevó su montaje teatral a Europa durante un viaje de dos meses, donde realizó funciones en un bar para generar ingresos adicionales. “Pensé que si no me alcanzaba la plata, ya que el viaje era de placer y con poco dinero, haría teatro a la gorra y podría hacer unos pesos. Y así fue”.

En una ciudad que nunca duerme y donde el verano parece multiplicar las emociones, hay algo que logra detener el tiempo para los amantes del teatro: la experiencia de una comedia musical vivida a sala llena. Ya no hace falta soñar con Broadway ni mirar de lejos, porque en la calle Corrientes el aplauso, la risa y la reflexión se encuentran cada noche en el mismo lugar. Así lo demuestra el fenómeno de Company, la nueva apuesta de Fer Dente que, aún con el asfalto ardiendo y las temperaturas elevadas, convoca multitudes mientras que el teatro musical argentino atraviesa uno de sus momentos más vibrantes y, además, llama a la reflexión de uno de los temas más debatidos del mundo: el amor.

El Teatro El Nacional, con su atmósfera de terciopelo rojo, cortinas pesadas y luces atenuadas, se transforma en el escenario ideal para este viaje. El público, que desde el pasado 8 de enero vive a flor de piel las emociones que suscita la obra, llega con la ansiedad de quienes buscan algo más que entretenimiento: esperan verse reflejados, conmovidos y sorprendidos. Dente, que regresa al escenario tras cuatro años de ausencia, dirige y protagoniza una versión que deja atrás el dramatismo de Despertar de Primavera para sumergirse en una comedia mordaz y aguda, donde el humor y la emoción se equilibran con precisión.

Para Dente, asumir el desafío de llevar a escena un musical de culto de Stephen Sondheim tuvo tanto vértigo como magia. “Mucha inconsciencia. Es la única manera que encuentro de encarar una tarea de semejante tamaño. Mucha confianza en el equipo conformado también, mucho trabajo previo y la ilusión de poder construir algo propio sabiendo que hay un material que es de excelencia”, confesó a Teleshow, dejando entrever la mezcla de riesgo y esperanza que atraviesa el proceso creativo.

La historia comienza en un clima de bullicio: es el cumpleaños 35 de Bobby, el personaje central, quien se ve asediado por llamados y mensajes de voz de sus amigos, todos casados. Ambientada en la gran ciudad de Buenos Aires, la trama se centra en las dudas, los miedos y el desconcierto de Bobby ante el compromiso, la intimidad y la presión social por “no quedarse solo”. Desde el primer minuto, la obra invita al público a sumergirse en la mente de Bobby, a compartir sus pensamientos en una fecha tan significativa como su cumpleaños, donde la alegría parece estar lejos y la evasión se convierte en refugio.

Para Fer, ponerse en la piel de Bobby fue un viaje único. “Está siendo una experiencia espectacular. Es un rol muy hermoso. De esos que hacen todo. Baila, canta, actúa… es como un nene en un parque de Disney cerrado para él y sus amigos. Sigo muy emocionado con la recepción del público durante todo el show pero sobre todo al final. Extrañaba mucho volver a tener esa conexión”, aseguró a este medio.

El minimalismo de la puesta es uno de los grandes hallazgos: el vestuario negro y la escenografía en grises apagados generan un clima de contención, solo alterado por la luz de los escalones y, sobre todo, por la melena roja de Alejandra Radano. Radano, con el carisma que la caracteriza, se luce en la piel de Joanne, un personaje sarcástico y magnético, brillante en su mirada sobre el amor y el matrimonio. Su presencia es un faro visual y emocional, y aporta el contrapunto ideal al recorrido introspectivo de Bobby. El vestuario y la escenografía cambian radicalmente en la segunda mitad, cuando el propio Bobby se abre a la posibilidad de la intimidad y, de golpe, el escenario se llena de colores cálidos, del amarillo al rosado.

En diálogo con Teleshow, Radano reflexiona: “El texto es todo y lo que no está en él también lo es. Joanne es un personaje que pierde el control y dice lo que piensa sin medir las consecuencias, sobre todo para ella”. Amplía la mirada sobre el conjunto: “La obra es muy onírica, todos los personajes aparecen de manera fragmentada para hablar del pensamiento de aquel que está pensando todo en la obra y ese es Bobby, nosotros somos fractales de su propia personalidad. Es muy atrayente entender que esta obra expone que los demás, definitivamente, vienen a reflejarnos partes y sombras de nosotros mismos”.

Ser parte de Company es, para Radano, una oportunidad de exploración emocional y artística. “Me atrae entender qué viene a enseñarme ese personaje, qué faceta de mí misma viene a develarme, también creo que los personajes llegan porque uno tiene algo para ofrecer y se dispone a ser vehículo para contar una historia”, señala. “Me gusta ver al teatro desde las artes plásticas, uno funciona básicamente como un color que gradúa sus intensidades según el personaje que le toca en suerte. Y cada uno definitivamente es un color único personal, aunque interpretemos la misma canción”.

La música, dirigida por Damián Mahler, cuyo talento sigue el legado de su fallecido padre, Ángel, es uno de los grandes pilares del espectáculo. La orquesta se ubica en el centro de una escenografía de madera, iluminada con led cálidos, y cobra vida propia: es un personaje más, que envuelve e impulsa la acción. Temas como “Being Alive”, “The Ladies Who Lunch”, “Another Hundred People” y “Getting Married Today” son interpretados en español, en versiones que emocionan y deslumbran por la calidad vocal y la entrega del elenco.

El reparto suma nombres destacados y familiares para el público local: Vanesa Butera como Amy, Paz Gutiérrez como Kathy, Mariel Percossi como Martha, entre otros. Cada actor y actriz aporta su matiz a una historia coral, donde el miedo a estar solo, la búsqueda del amor ideal y la presión por encajar resuenan en cada escena. Las coreografías, los movimientos corales y la dirección de Dente logran una conjunción que se siente fresca, dinámica y profundamente auténtica.

La pieza, una de las más complejas y vigentes de Sondheim, no ofrece respuestas fáciles ni un final de cuento. Cuando la fiesta de cumpleaños termina y Bobby queda solo, vestido de blanco, con una torta y un globo, el público entiende que la pregunta por el amor y la conexión es más importante que cualquier respuesta. El canto de “Being Alive”, en ese contexto, es una declaración de esperanza: la posibilidad de abrirse al otro, de aceptar la vulnerabilidad y de creer que todavía es posible una relación significativa.

El público lo reconoce con ovaciones de pie, noche tras noche. Company, bajo las luces de Corrientes, es mucho más que un musical: es una experiencia de comunidad, de emoción y de belleza, donde el talento argentino se mide con las mejores producciones del mundo. Y donde, por un rato, todos los que entran al teatro sienten que la magia está mucho más cerca de lo que imaginaban.

Fotos: Bautista Araya/Gentileza de prensa.

El murmullo del mar en Mar del Plata acompaña el regreso de Vanina Escudero a la ciudad que fue escenario de sus veranos de infancia. Esta temporada, la actriz y bailarina se sumerge en una rutina distinta: combina las funciones teatrales con la vida en familia, otorgando un sentido especial a su estadía. No es solo un viaje profesional, sino un reencuentro vital que la conecta con sus recuerdos y le permite compartirlos con sus hijos.

“Para mí estas últimas semanas fueron diferentes, porque vinimos a Mar del Plata a trabajar, y también a disfrutar en familia”, confiesa Escudero en diálogo con Teleshow desde la ciudad costera.

La Perla del Atlántico, que antes fue solo suya y de su hermana Silvina, ahora se abre a una nueva generación. “Mis hijos no conocían Mar del Plata. Entonces, todo tiene otro sabor en lo que estamos viviendo junto a ellos”, agrega con una enorme sonrisa.

Las jornadas se diseñan en torno al teatro, pero el corazón de la artista late en la convivencia familiar. De martes a domingo, Vanina sube al escenario; los viernes y sábados, el desafío se duplica con dos funciones, con lo cual agradece al público que se acerca al teatro para ver, Passión, la marca del engaño, la obra que encabeza Nito Artaza con un elenco que incluye nombres como Mónica Farro, Alejandro Paker, Kitty Locane, Hernán Figueroa y Belén Di Giorgio.

Pero la prioridad, dice Vanina, es otra: “Estamos preparando cada día para estar en familia, para que todos disfrutemos de la playa y hagamos actividades juntos”, asegura. Rememora el equilibrio logrado el verano anterior y espera que la armonía se repita. No faltan las anécdotas que cosen el presente con la memoria. “Nosotros tenemos una foto icónica con papá, Silvina y yo en una de esas bicicletas que son para ir de a tres, y el año pasado papá fue y la reprodujo”, relata Escudero, al recordar todos los momentos vividos en la ciudad feliz.

En eso mira a su hija Joaquina en la arena y el tiempo se disuelve en un reflejo que cobra vida: “Me acuerdo de quedarnos en Playa Grande hasta cualquier hora de la noche con Silvina, haciendo castillos en la arena, hasta que se te llenaba el traje de baño de arena de tanto cavar”. Un ritual que parece prehistórico en la era digital y que se empeña en transmitirle a sus hijos.

En ese sentido, la actriz valora volver a lo esencial, entendiendo naturalmente el tiempo presente. “Ya estamos lo suficientemente invadidos por pantallas y por tecnología. Así que todo lo que podamos estar en contacto con la naturaleza es bienvenido. También nos fascina caminar por la rambla, salir a correr”. Mar del Plata se revela así como un refugio para fortalecer el vínculo familiar y reconectar con el entorno natural.

Trabajar con Nito Artaza, toda una experiencia

Vanina Escudero habla de Nito Artaza como “un compañero increíble”. Al momento de reflexionar sobre la conocida impuntualidad del humorista, es tema de risas y sinceridad: “No podemos tapar el sol con la mano”, admite, aludiendo a su costumbre de llegar sobre la hora. Pero hay algo más importante: “A cualquier otro quizás se lo recriminarías, pero sinceramente, él es muy buen compañero de laburo. Se preocupa porque brillen los que están en el escenario con él”, señala sobre el cabeza de cartel.

Ya llevan tres temporadas junto a Nito, en verano y en invierno, lo que para la actriz significa un aprendizaje constante. “Me tocó trabajar con humoristas muy talentosos, y de todos aprendí un montón de cosas. La comedia es un rubro que quiero hacer y disfruto mucho”, relata con entusiasmo.

En el plano personal, Vanina aclara que la sintonía con su hermana Silvina se mantiene intacta y desestima rumores de distanciamiento. “De nosotras nunca salió nada”, afirma en relación a las versiones que circularon. “Cuando una es familia, más allá de que por un momento puedas tener un desencuentro, hay un respeto y hay un amor. Yo no comparto a la gente que tira todo a los medios. Me parece que hay cosas que hay que guardar”, sostiene convencida. Y aporta que pasaron juntas las fiestas como prueba de su relación.

El teatro de revista

Consultada sobre su paso por la última edad de oro de la revista y la actualidad del género, Vanina responde con honestidad: “La verdad, no lo extraño puntualmente”. Entre las causas, enumera cambios recientes en el género y señala que, a veces, participaron personas con poca experiencia. Sin embargo, atesora los recuerdos: “Lo que me gustaba de la revista era bailar. Yo soy una bailarina de formación y cuando estuve con Miguel Ángel Cerutti, por ejemplo, las inversiones en escenografía, en vestuario, eran una cosa increíble. Pero hoy es distinto”, compara.

En la misma mirada retrospectiva, Vanina revive la emoción de compartir escena con Carmen Barbieri: “No lo podía creer... Yo la veía durante los ensayos, y decía: ‘Tengo a esta mujer acá al lado y yo bailo en el cuadro siguiente a ella’”, cuenta como si lo estuviera reviviendo.

Escudero arquitecta

Fuera del teatro, la vida de Escudero gira en torno a la arquitectura y el interiorismo. “2025 fue un año para mí de mucho laburo, no solo porque estuve haciendo teatro, sino porque estuve con proyectos muy importantes en arquitectura”, cuenta. En ese presente que se diversifica, entregó un proyecto de 900 metros cuadrados cubiertos y actualmente se dedica sobre todo a la decoración.

Sobre estas bases sólidas de la familia, el trabajo y los proyectos, Vanina Escudero transita el vaivén del verano en Mar del Plata y encuentra plenitud en pequeños gestos: la rutina artística, los paseos al aire libre, la risa de sus hijos en la playa y disfrutar de cada momento juntos.

Fotos: Jose Tetty

“¿No estás haciendo teatro en este momento?”, comenzó preguntándole Mirtha Legrand a su invitada al recibirla en su mesaza. Fiel al estilo tranquilo y efusivo que caracteriza a Silveyra, la actriz comentó: “En este momento no, pero debutamos el siete con Beto. Agradezco muchísimo que me hayan invitado porque necesitaba comunicar que Brandoni está muy bien de salud”.

Para cerrar, la actriz se refirió a los rumores en torno a la salud de Brandoni y aclaró: “Porque dicen que está internado, no, está bien. Ha tenido una taque de presión, pero por suerte está bien”. Feliz por la noticia que estaba escuchando, Legrand le pidió a la mesaza que mostrara su apoyo al artista: “Vamos a brindarle un aplauso porque es uno de nuestros grandes actores, actorazo”.

Tal como decía Soledad, Brandoni había recibido el alta médica un mes atrás, luego de sufrir un pico de presión. El actor, de 85 años, fue hospitalizado la noche del viernes 28 de noviembre debido a un pico de presión arterial, que lo bligó a suspender las funciones programadas de su obra en el Teatro Liceo. Teleshow habló en el mediodía del sábado 29 con el productor Carlos Rottemberg, quien había comunicado la suspensión de la obra y señaló que “Brandoni se encuentra estabilizado. Pasó la noche en el sanatorio para su monitoreo y se estima que en unas horas ya podrá regresar a su casa para continuar con la recuperación necesaria y seguir mejorando”.

El productor le había explicado a este medio que la internación fue una medida de precaución tras el episodio de presión alta que sufrió el actor. “Beto tuvo un pico de presión el domingo que obligó a suspender las funciones de ese día. A partir de eso se vienen realizando estudios que no muestran nada importante, pero en la semana estuvo bastante caído, lo que provocó suspender también el miércoles y luego la función de anoche, jueves”, detalló Rottemberg. El productor subrayó que la prioridad es la salud de Brandoni y que, por recomendación médica y familiar, se decidió cancelar las presentaciones restantes en Buenos Aires para permitir una recuperación completa.

En línea con la preocupación mostrada anteriormente, la producción y los integrantes del elenco eligieron no hacer temporada en Mar del Plata luego de que Luis recibiera una indicación médica. El actor, de 85 años, debió cancelar la esperada temporada de su obra junto a Soledad Silveyra en la ciudad de la Costa Atlántica, tras recibir indicaciones médicas que le exigen permanecer cerca de su domicilio en la ciudad de Buenos Aires. Esta situación generó preocupación en el ambiente artístico y entre el público, y derivó en una muestra de solidaridad entre colegas que permitió reubicar la obra en la capital y mantener la actividad teatral prevista.

La decisión de cancelar la temporada marplatense se formalizó a través de un comunicado de Multiteatro. Según el texto oficial, “por indicación médica, al Sr. Brandoni se le prescribió un tratamiento vitamínico para optimizar aún más su cuadro de salud. Este tratamiento requiere permanecer en un radio cercano a su domicilio, motivo por el cual el proyecto marplatense debe cancelarse, no así sus funciones en Buenos Aires, aunque a la fecha no quedan escenarios de primera línea disponibles sin programación”.

Frente a la dificultad de encontrar un escenario disponible en Buenos Aires para mantener la obra en cartel, la respuesta del ambiente teatral fue inmediata. Según informó Multiteatro, los actores Gerardo Romano y Ana María Picchio, protagonistas de la comedia “El Secreto”, ofrecieron ceder el escenario del Multitabaris a Brandoni y Silveyra. En ese espacio estaba previsto el regreso de “El Secreto”, dirigida por Manuel González Gil.

El comunicado de Multiteatro destacó: “En un gesto de solidaridad, ‘El Secreto’ se trasladará a la temporada marplatense, con el objetivo de permitir que Brandoni y Silveyra cuenten con un escenario en la ciudad de Buenos Aires”. De este modo, la obra de Brandoni y Silveyra podrá continuar su actividad en la capital, mientras que “El Secreto” ocupará el lugar vacante en Mar del Plata.

“Mi propio teatro, que es El Excéntrico de la 18, el año que viene cumple cuarenta años”, dice Banegas. Explica que fue un año intenso y que están preparando un libro digital para contar su historia, un espacio que fue pionero como modelo de teatro en la ciudad de Buenos Aires.

Recuerda que hoy hay cientos de salas en todos los barrios, pero que hace cuarenta años Villa Crespo quedaba muy lejos de la zona de los teatros, al evocar el nacimiento de un lugar que se transformó en referencia del teatro independiente.

Su infancia estuvo marcada por la presencia artística de sus padres, la actriz Nelly Prince y el productor Oscar Banegas, y por una soledad temprana tras la separación de ambos.

Banegas recuerda que tenía nueve años y que en esa época no era habitual que los padres se separaran, y menos aún que esa intimidad apareciera en las revistas. “Mamá salía en la tapa muchas veces, porque fue una pionera de la televisión argentina, Nelly Prince, una diosa total”, dice.

A pesar de ese entorno artístico, sus primeros deseos no se orientaron hacia la actuación. “Nunca quise ser actriz. Yo quería ser bailarina y quería ser escritora, poeta”, cuenta, y precisa que empezó a escribir a los diez años y a tomar clases de danza clásica a los cuatro. “Así que no sé cómo llegué hasta aquí”, confiesa entre risas.

La escritura y la danza fueron sus primeras pasiones. Banegas cuenta que durante mucho tiempo escribió guiones para Televisión Española junto a su padre, productor de televisión, y que tenían un programa infantil de gran éxito que se sostuvo durante unos siete años. “Se llamaba Los Chiripitifláuticos”, precisa.

Dice que además de los guiones escribió letras de canciones, y que también trabajó durante bastante tiempo en letras junto a Marilina Ross. Recuerda, además, la escritura de una obra de teatro que luego se estrenó en el Teatro Nacional Cervantes y que protagonizó su hija Valentina Fernández de Rosa. “El país de las brujas, se llama”, detalla.

El debut teatral llegó a los 19 años, en una obra para niños que ella misma escribió y que dirigió su entonces marido, Paco Fernández de Rosa.

“La música era de la gran Leda Valladares, genia total. Y actué, bailé, canté, hacía todo como si supiera”, rememora. Su relación con la televisión comenzó aún antes, en el viejo Canal 7, donde sus padres le permitieron participar en un capítulo de un programa producido por su padre.

“Me casé a los 16 años, estando en cuarto año en el Liceo 1 de Señoritas, y terminé el año con mi delantal blanco, casada. Tenía que llevar la libreta de casamiento al cine, porque en esa época las películas eran prohibidas para dieciocho”, relata.

La fundación de El Excéntrico de la 18 marcó un hito en su vida y en la escena porteña. Banegas explica que en principio el espacio empezó como un estudio de teatro y no como una sala. “Recién cuando hicimos El padre de Strindberg, dirigida por Alberto Ure, ahí empezó a funcionar como teatro”, señala, y aclara que originalmente era un lugar pensado para dar clases y también para vivir.

Recuerda que decidió comprar una casa con un galpón de cien metros cuadrados en el fondo, que funcionara como espacio de trabajo y como su hogar, en el origen de un lugar que con el tiempo se transformó en familia artística y laboratorio de creación.

El sentido de comunidad atraviesa su concepción del arte. “El teatro, el cine, la televisión son todas acciones comunitarias. Siempre son un nosotros”, afirma.

Cita a Alberto Ure para explicar que lograr que una obra funcione es como organizar un asalto a un banco: “Hay que tener una buena banda y un buen plan”. En ese marco, subraya la importancia de trabajar con personas que aprecia y admira. “Trato de trabajar con la gente que aprecio, que admiro, y con la que realmente es hermoso trabajar. Si no, prefiero no trabajar, obviamente”, dice.

Las pérdidas personales dejaron una marca profunda en su vida y en sus decisiones profesionales. Banegas confiesa que tomó resoluciones tajantes tras la muerte de su madre. “No voy a dirigir más. No voy a cantar más. Cuando murió mamá, con quien compartimos sus últimos años con un show de tangos que era muy divertido, no quiero cantar más”, afirma.

La muerte de su hija Valentina también marcó un antes y un después. Recuerda que estaba dirigiendo un trabajo en el momento en que su hija atravesaba el tramo más grave de la enfermedad y que no podía pensar ni imaginar. “No podía dirigir, no podía pensar, no podía imaginar”, enumera.

A pesar de los duelos, Banegas mantiene una agenda activa y una energía creativa constante. Cuenta que en febrero cumplirá 78 años. “Me siento bastante bien, físicamente, camino mucho, tengo mucha plasticidad”, dice, y lo atribuye a una vida atravesada por la danza y distintas técnicas corporales, desde tai chi y kung fu hasta chi kung y acrobacia en su juventud.

Señala que siempre fue laxa y que esa plasticidad sigue presente, sin demasiados achaques por ahora. La hiperactividad también continúa. “Hago muchas cosas, soy hiperactiva y de hacer diferentes cosas”, enumera, entre ellas la programación y la curaduría de El Excéntrico, las obras, los eventos, las performances y los talleres. Destaca que ese trabajo lo comparte con su secretaria jefa, Caro Kurtz, y que juntas sostienen el espacio “con mucho coraje”.

El aprendizaje vital y profesional ha sido constante. Banegas se define como una persona ansiosa, aunque cree haber aprendido a ser más paciente y a comprender mejor al otro.

Explica que ese aprendizaje también tiene que ver con su historia personal: hija única, con tres hermanas del segundo matrimonio de su padre que viven en España, pero con una infancia atravesada por cierta soledad. “Y aprendí a ser más grupal, a trabajar más en comunidad, a sentir que ese nosotros que se crea en cada obra de teatro es como una familia transitoria”, reflexiona.

En cada proyecto, Banegas encuentra una nueva oportunidad para construir lazos y comprender al otro, convencida de que el teatro es, ante todo, un espacio de encuentro y aprendizaje compartido.

La muerte de Héctor Alterio en Madrid, a los 96 años, marca el final de una era para el cine y el teatro a ambos lados del Atlántico. Figura emblemática del espectáculo argentino, su vida estuvo atravesada por el exilio en España durante los años 70, sus posteriores regresos de un mundo entre dos tierras y una vigencia artística que se mantuvo hasta sus últimos días. “Siento que la vida ha pasado rápido y eso es algo que no puedo controlar, y cada día es un día menos. Hay que aceptarlo, lo único que uno quiere es que reconozcan las cosas buenas y olviden las malas”, le dijo a Teleshow en una de sus últimas entrevistas en Buenos Aires. Una frase que pinta su humildad, su sencillez y abre la puerta a un legado que recién por estas horas se empieza a tomar dimensión.

Nacido en Buenos Aires, hijo de inmigrantes italianos que buscaron un futuro mejor en Argentina, Alterio evocaba sus orígenes con sencillez: “La actuación corrió por mis venas desde muy corta edad”, resumía. Sin embargo, su vocación artística se consolidó en la puerta a la vida adulta, cuando, a los 19 años, debutó en el teatro con la obra Prohibido suicidarse en primavera, de Alejandro Casona. “Mientras comenzaba a cumplir mi sueño, también trabajaba, porque en mi casa no sobraba nada. Hice de todo: pinté casas, vendí productos en la calle y hasta fui visitador médico”, recordó sobre aquellos años en los que alternaba oficios para sostenerse y financiar sus estudios.

En 1950, con apenas 21 años, fundó el grupo Nuevo Teatro, que impulsó el teatro independiente en Argentina. “Fue un antes y un después, porque dimos inicio a una nueva etapa en la actuación”, explicó. Su incursión en el cine llegó en 1965, pero el reconocimiento masivo se produjo en 1974 con La Patagonia rebelde y La tregua, esta última nominada al Oscar. “Nunca me propuse ser una estrella, pero llegué a tal rango por peso propio”, confesó. Hollywood le tenía guardada una revancha que llegaría una década después.

El exilio marcó un punto de inflexión en su vida. En 1975, mientras realizaba una gira teatral por España, una carta lo alertó de que la Triple A lo amenazaba en Argentina. “Eso hizo que no volviera, y que tuviera que empezar de cero en tierras españolas”, relató a Teleshow. La adaptación no fue sencilla: “No era una persona conocida allá e introducirme no me fue fácil. Durante mucho tiempo viví de ahorros y de amigos”. La historia de cualquier inmigrante para un desarraigo que, sin embargo, le permitió reconstruirse y forjar una carrera en el cine y el teatro español. “Ahí es donde se encuentra quién es quién. Si bien no es un idioma diferente, hay otras músicas, entonaciones, cosas que difieren de lo que uno estaba acostumbrado. Dicho así es muy fácil, pero tener que interpretarlo, vivirlo, hacerlo permanentemente, eso conlleva muchas cosas, y algunas de ellas angustiosas”, reflexionó a este medio.

El regreso a la Argentina, tras casi una década, fue celebrado por el público y la crítica. “Cuando se decidió que no tenía problema, volví y fue una fiesta para mí. Lo hice con Tita, mi mujer, y eso hizo que los impactos no fueran tan fuertes”. Su retorno estuvo acompañado de grandes éxitos, como Camila y La historia oficial, que obtuvo el Oscar a la mejor película extranjera con una trama que contaba el horror de la dictadura. “No soy de aquí ni soy de allá”, citó alguna vez evocando a Facundo Cabral, para describir su identidad tras el exilio, esa máxima del trotamundos que hizo lema.

La relación con Buenos Aires, su ciudad natal, fue un eje constante en su vida y en los guiones de sus espectáculos. En su última entrevista con Teleshow, antes de presentarse en el Teatro Reina Victoria de Madrid con Una pequeña historia, Alterio fue categórico sobre la posibilidad de volver a vivir en la capital argentina: “Definitivamente no, pero tengo ganas de ir allí a pegar unas vueltas. Sería maravilloso”. El tango, especialmente la canción "Volver", ocupó un lugar central en su identidad artística. Y recitó la primera frase para que no quedaran dudas: “Yo adivino el parpadeo de las luces que a lo lejos van marcando mi retorno...”. Ese último adiós a su Buenos Aires querido quedó trunco. Pero su estampa, su voz, su acento mestizo y un talento a prueba de cualquier guion lo ubica en lo más alto de los grandes actores de la historia argentina.

Nombrar aquí su currículum sería tan trabajoso como injusto. Hay mojones ineludibles de su trabajo, con la pantalla grande como consagración definitiva como actor de época. A los ya mencionados, se suman títulos como Tango Feroz, Caballos Salvajes, El hijo de la novia, A un Dios desconocido o Asignatura pendiente, que le valieron dos de los mayores reconocimientos a los que aspira un actor argentino-español: el Cóndor de Plata honorífico a la trayectoria y el Goya de honor.

En televisión se recordará especialmente su papel de Vientos de agua, una historia de inmigraciones y destierros tan parecida a la suya, al punto de que interpreta el mismo papel que su hijo Ernesto en diferentes etapas de su vida. También se lo vio en Alén, luz de luna, 7 vidas, Cuéntame cómo pasó, El barco, Su majestad y Tiempo final.

El teatro, aquel gran amor, lo vio brillar desde los sótanos porteños a las grandes salas del mundo. Títulos a montones, entre ellos Casa de muñecas, Un enemigo del pueblo, La sonrisa etrusca, Divinas palabras, Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín, El mercader de Venecia y esa última vez con Una pequeña historia, casi una ironía para albergar a un actor gigante. Escrita y dirigida por su gran compañera de la vida, Ángela Bacaicoa, se planteó como un drama, o comedia, cantado y autobiográfico de su último siglo de vida. La continuidad, o la readaptación de lo que mostró su última vez en la ciudad que lo vio nacer.

Entonces este texto urgente vuelve a aquella primavera de 2023, cuando se presentó en el Teatro Astros de Calle Corrientes con A Buenos Aires, una obra en la que repasó su vínculo con la ciudad y el paso del tiempo. “Volver es una palabra que uno no puede conducir como querría”, expresó a este medio con sabiduría y cierta resignación. “Pero entre todas las cosas que aparecen, deseo que se repita la oferta de ‘te necesitamos en Buenos Aires’. Ahí nací, está mi vida, mi gente, me siento muy bien, realmente. Y estoy interesado en todo lo que ocurre”. Una visita que hoy se interpreta como una despedida, con homenajes oficiales y el reencuentro con los afectos.

La despedida de los escenarios llegó en Madrid, donde ofreció tres funciones de Una pequeña historia que conmovieron al público. “Abrazo las palabras y no le temo a los silencios, siempre rescato algo pequeño y lo transformo en un momento inigualable”, relató sobre su forma de actuar. El barrio de Chacarita, las calles de su infancia y la memoria de Buenos Aires siguieron siendo puntos de referencia en su vida y en su arte.

La familia ocupó un lugar central en sus afectos. Orgulloso de sus hijos, Héctor y Malena, fruto de su relación con Ángela Bacaicoa, celebraba que ambos lo acompañaran en su camino. “Ellos también siguieron mis pasos y se desempeñan con gran éxito, lo que me genera cierto orgullo que no puedo ni quiero ocultar”, admitió emocionado.

En sus últimos años, Alterio mantuvo una mirada lúcida y autocrítica sobre su vida y su carrera. “Algunos papeles por una cosa, otros por otra, todos tienen un recuerdo inevitable, incluso aquellos que me perjudicaron. Trato de no repetir los errores, eso creo que es lo más positivo, estar lo más atento posible a no pisar la misma cáscara de banana y no resbalarse y romperse la cabeza”, reflexionó.

El significado de “volver” atravesó su vida y su obra, y en sus propias palabras quedó la huella de una existencia marcada por la nostalgia, el aprendizaje y la gratitud. La experiencia del regreso, siempre compleja y cargada de emociones, fue para Alterio un territorio imposible de dominar del todo, una búsqueda constante que definió su identidad y su legado. Y el escenario, ese aliado para mitigar las tristezas y acercar las distancias: “Practico mi profesión con el mismo entusiasmo, las mismas posibilidades y la misma inquietud, pero con más años. Soy feliz, pero es cierto que tampoco puedo parar”, reconoció.

El reciente episodio de salud de Luis Brandoni, figura central de la escena argentina, provocó cambios significativos en la cartelera teatral de la temporada de verano. El actor, de 85 años, debió cancelar la esperada temporada de su obra junto a Soledad Silveyra en Mar del Plata, tras recibir indicaciones médicas que le exigen permanecer cerca de su domicilio en la ciudad de Buenos Aires. Esta situación generó preocupación en el ambiente artístico y entre el público, y derivó en una muestra de solidaridad entre colegas que permitió reubicar la obra en la capital y mantener la actividad teatral prevista.

La decisión de cancelar la temporada marplatense se formalizó a través de un comunicado de Multiteatro. Según el texto oficial, “por indicación médica, al Sr. Brandoni se le prescribió un tratamiento vitamínico para optimizar aún más su cuadro de salud. Este tratamiento requiere permanecer en un radio cercano a su domicilio, motivo por el cual el proyecto marplatense debe cancelarse, no así sus funciones en Buenos Aires, aunque a la fecha no quedan escenarios de primera línea disponibles sin programación”.

De este modo, la imposibilidad de viajar a Mar del Plata por razones médicas dejó a la obra sin posibilidad de presentarse en la ciudad balnearia durante la temporada de verano, lo que representó un cambio significativo en la programación teatral y en las expectativas del público.

Frente a la dificultad de encontrar un escenario disponible en Buenos Aires para mantener la obra en cartel, la respuesta del ambiente teatral fue inmediata. Según informó Multiteatro, los actores Gerardo Romano y Ana María Picchio, protagonistas de la comedia “El Secreto”, ofrecieron ceder el escenario del Multitabaris a Brandoni y Silveyra. En ese espacio estaba previsto el regreso de “El Secreto”, dirigida por Manuel González Gil.

El comunicado de Multiteatro destacó: “En un gesto de solidaridad, ‘El Secreto’ se trasladará a la temporada marplatense, con el objetivo de permitir que Brandoni y Silveyra cuenten con un escenario en la ciudad de Buenos Aires”. De este modo, la obra de Brandoni y Silveyra podrá continuar su actividad en la capital, mientras que “El Secreto” ocupará el lugar vacante en Mar del Plata.

Teleshow se comunicó con el productor teatral Carlos Rottemberg, quien indicó que “Luis Brandoni está bien, está reponiéndose muy bien después de aquellas suspensiones que propusimos en el final del Teatro Liceo, pero simplemente el médico prefiere que este verano esté cerca de casa haciendo funciones en Buenos Aires, cosa que no estaba previsto, obviamente, porque ya estaba todo avanzado en Mar del Plata, incluso con las entradas a la venta. Siempre privilegiando la opinión médica, se ha logrado en estas 24 horas, gracias al gesto solidario de Gerardo Romano y Ana María Picchio de ceder el escenario, para el que también tenían ya las entradas a la venta para enero y hacer este enroque teatral para poder continuar con las dos comedias en cartel, en plazas distintas a las que teníamos previsto hasta ayer”.

La reacción del ambiente teatral ante la situación de Brandoni puso de manifiesto el valor del acompañamiento y la cooperación entre figuras destacadas del sector. Tanto la decisión de Romano y Picchio como la coordinación entre los elencos y la producción permitieron sostener la cartelera y garantizar la continuidad de dos de las comedias más reconocidas del circuito.

La resolución conjunta de los protagonistas y la rápida adaptación de la programación reflejan el compromiso del teatro argentino con sus artistas y su público, en un contexto donde la salud y el bienestar de sus figuras resultan prioritarios.

La preocupación por la salud de Brandoni se intensificó a finales de noviembre, cuando el actor fue internado en el Sanatorio Anchorena de Buenos Aires tras sufrir un pico de presión arterial. Según explicó en ese momento Rottemberg a Teleshow, la hospitalización se realizó como medida de precaución luego de que el actor experimentara un episodio de presión alta el domingo previo, lo que obligó a suspender las funciones de ese día. Rottemberg detalló que, aunque los estudios médicos no arrojaron resultados alarmantes, Brandoni se mostró “bastante caído” durante la semana, lo que llevó a cancelar también las funciones del miércoles y del jueves.

El productor subrayó que la prioridad absoluta es la salud del actor y que, por recomendación médica y familiar, se decidió cancelar las presentaciones restantes en Buenos Aires para permitir una recuperación completa. En diálogo con Teleshow, Rottemberg precisó: “Brandoni se encuentra estabilizado. Pasó la noche en el sanatorio para su monitoreo y se estima que en unas horas ya podrá regresar a su casa para continuar con la recuperación necesaria y seguir mejorando”. El alta médica se produjo alrededor de las 14:00 del sábado 29 de noviembre.

La indisposición de Brandoni tuvo un efecto inmediato en la agenda teatral porteña. El comunicado oficial difundido por Multiteatro y recogido por Teleshow informó que las funciones previstas para el fin de semana en el Teatro Liceo quedaban canceladas debido a la situación de salud del actor. En ese momento, se anunció que la obra “¿Quién es quién?”, protagonizada por Brandoni y Silveyra, retomaría su temporada en enero de 2026 en el Teatro Atlas de Mar del Plata.

El acuerdo alcanzado entre los elencos y la producción no solo resguarda la salud de Brandoni, sino que también asegura la permanencia de dos obras emblemáticas en la agenda teatral, gracias a la colaboración y el apoyo mutuo entre los protagonistas del escenario nacional.

El regreso de Flor de la V al teatro argentino ya tiene fecha y escenario: a partir del 22 de enero de 2026, la actriz y conductora encabezará Sex, el espectáculo escrito y dirigido por José María Muscari, en el Gorriti Art Center de Buenos Aires. Tras una pausa de siete años en los escenarios (la última vez fue en 2018 en la temporada de verano en Villa Carlos Paz), Flor de la V asume el rol de protagonista y anfitriona de una obra que, según sus propias palabras, llega en un momento clave de su vida y su carrera. En diálogo con Teleshow, la artista compartió sus expectativas, reflexiones sobre la sexualidad y la diversidad, y su visión sobre el impacto del arte en la sociedad.

Pero antes de charlar con ella, Muscari le contó a Teleshow que la decisión de convocar a Flor de la V era algo que esperaba desde hace muchos años. “La había llamado un montón de veces y no se daba. O no daba la agenda o no era el proyecto que ella quería en ese momento. Pero yo creo que soy un muy buen escuchador de los ‘no’, cuando son una especie de ‘ni’: puede ser un ‘sí’ en algún momento. Entonces, seguí insistiendo. Cuando me enteré que este verano ella continuaba con la tele, dije: ‘Ah, bueno, quizás en el verano puede’, en Buenos Aires. La invité a ver el nuevo show porque ya había visto el anterior y le copó. Y la verdad que yo estoy re contento. Siento que Sex es un gran lugar para Flor. Le va a dar una identidad única. Hay algo de la impronta de Sex que tiene mucho que ver con Flor, que tiene que ver con la trasgresión, que tiene que ver a la vez con el peso de esa trasgresión, no de la trasgresión al pedo, digamos, no de la burbuja o el quilombo, con un peso, con un lugar para ocupar un lugar y dejar algo”.

Al preguntarle a Flor de la V, sus palabras son como un espejo de lo que dice Muscari sobre su incorporación: “Tenía muchas ganas de volver, muchas ganas de hacer teatro y creo que Sex llegó en el momento justo. Hace muchos años que me llamaba Muscari y me decía: ‘Tenemos que trabajar’, y nunca, por una cosa u otra, concretábamos. Este año dijo: ‘Tengo un proyecto para vos. Yo sé que no me vas a decir que no’. Digo: ‘¿Cuál?’. ‘Sex’. Y digo: ‘¿Sex? ¿Te parece?’. Me dice: ‘Sí’. Y acá estoy”.

La actriz le dijo a Teleshow que, tras ver la obra, se sintió cautivada por su propuesta: “Primero, que es una fiesta. Segundo, que lo que se plantea es hablar sobre sexualidad, sobre diversidad, sobre la humanidad, tiene tantas aristas tan interesantes. No intenta ser adoctrinar a nadie, no intenta ser Maestra Ciruela, sino que plantea el mundo de la sexualidad de una manera tan hermosa y amorosa que dije: ‘Ay, la verdad que podría ser’”. Flor de la V recordó una experiencia particular durante la función que vió: “Había una mujer de setenta años y le empezaron a preguntar y ella hablaba. Fue tan hermoso lo que se vivió y lo que ella contaba. Nosotros somos una generación donde el sexo era tabú, donde el goce no estaba permitido, no se hablaba. Entonces, es un espectáculo que es liberador”.

Sobre su papel en Sex, Flor detalló: “Seré la protagonista, voy a ser la anfitriona del espectáculo, voy a hacer diferentes monólogos. José me dice: ‘Vos podés jugar con el humor, vos tenés una cosa de un desparpajo que podés decir cualquier cosa y también una vida, un camino’. Me explicó que ya no soy la Florencia que debutó hace treinta años con Gerardo (Sofovich). Ahora, me dijo, ‘sos una persona hecha y derecha, que tiene muchas cosas para contar y que siento que el público te encantaría escuchar’”. Flor de la V reconoció el reto que implica este regreso: “Desde ese lugar era un desafío muy interesante”.

—¿Y cómo creés que cambió el público desde aquel que te veía debutar con Sofovich al que irá a verte en Sex?

—El argentino, a pesar de lo que la gente piense, siempre fue evolucionado. Porque yo estuve hace treinta años en el mundo del espectáculo y la gente sacaba una entrada para ir a verme. Siempre me acuerdo que me lo contó una periodista, que yo quiero mucho. Su papá se había casado con otra mujer y formó otra familia. Me explicó que era muy homofóbica, pero lo más homofóbico que vos te puedas imaginar. Sin embargo, ella le decía a mi papá: ‘Tenemos que sacar entrada para ir a ver a Florencia’. Entonces, venía a ver mis espectáculos. Mirá cómo el arte es transformadora. Hace que quizás uno entre de una manera que no te podés imaginar.

—Quizás porque aunque siempre luchaste por tus derechos, nunca lo hiciste desde un lugar de imposición, de un discurso agresivo.

—Yo hace muchos años que lleno teatros, que la gente me acompaña, porque creo que hay algo que ven en mí que va más allá de la sexualidad o del género. Y siento que indirectamente también he acompañado el crecimiento de esta sociedad. Le pude mostrar a la gente que existe la diversidad, que también hay otras personas que viven de manera diferente, como yo y que también pueden vivir dignamente. Y creo que esto fue parte de este crecimiento cultural que tuvo nuestra sociedad. Por eso después tuvimos matrimonio igualitario, la identidad de género y otras conquistas que hoy por hoy la verdad que son leyes, que son nuestro orgullo en toda Latinoamérica. A mí me pasa, por ejemplo, con mi programa Los Profesionales, todos los días entro a los hogares argentinos. Ya eso plantea una charla, y me parece que esa es la mejor forma de combatir el odio o los discursos de odio que, quizás, hoy están creciendo, ¿no? Con visibilidad, con presencia ahora en el teatro nuevamente. Son pequeños espacios que en otro momento no ocupamos, hoy sí y tenemos que seguir luchando y conquistando.

—También llama la atención tu incorporación a Sex porque en desde hace años mostras un lado tuyo muy femenino, como referente de la moda, por ejemplo, pero no muy sexual.

—Es que somos mucho más que solamente eso. Porque a veces quizás la gente se queda con esa porción. Me parece que hay algo que la gente no puede entender que le sucede quizás a otras compañeras, que tiene que ver con la adolescencia travesti o la adolescencia trans, que quizás una necesita quemar muchas etapas, o gritan el orgullo de una manera que a alguno le puede parecer excesivo también. Pero yo creo que cuando uno se pone en los zapatos de esas personas que les tocó vivir la opresión, la persecución, el odio y otras violencias, esos momentos de liberación los viven de esa manera, pero nosotras somos mucho más que eso. Tenemos referentes como Marlene Wayar, Susy Shock, Camila Sosa Villada. Y la verdad que es interesante lo que sucede. Pero Sex lo que me abre también es volver a permitirme poder jugar, poder ponerme ese traje y decir: bueno, yo me quiero divertir, yo quiero jugar con la sexualidad, yo quiero sentir lo que vive la gente. Cuando fui, la verdad que la pasé bárbaro. Me parece que es un espectáculo que invita al espectador a liberar su mente, a liberar los prejuicios, hasta creo que es beneficioso para muchas parejas, te digo. Porque nosotros a veces nos quedamos con nuestra parte de la historia, con lo que conocemos, y creo que el sexo es mucho más que todo eso, que lo que nos enseñaron, lo que vimos con mi marido. Entonces, cuando estuve con él le decía (sonríe): ‘mirá, ya me había olvidado que se podía ensamblar tanta cosa con tanto’. Fue divertido, entretenido y liberador.

—¿Y desde ese rol de presentadora, cuál será tu discurso?

—No sé, lo tengo que charlar con Muscari, pero él me dio libertad. Él me dijo que yo tengo una estructura, porque hay una estructura que yo la tengo que seguir, pero en base a eso hay otros monólogos que se desprenden solo para mí. Y en eso vamos a jugar, nos vamos a divertir y vamos a tratar de que el público la pase lo mejor posible”.

—En marzo cumpliste 50 años. ¿En qué momento te llega esto?

—Siento que estot ‘a punto caramelo’ (ríe). Creo que es el momento justo también. Me parece que hay algo que se tenía que dar, ¿no? Cumplí cincuenta años, me siento sólida artísticamente, crecida personalmente también, porque hay algo que pasó en mi interior. Yo nunca fui a hacer balances, pero sí siento que, que mi cabeza y mi cuerpo cambiaron, cambiaron completamente. No siento ni que soy igual a como pensaba hace dos años. Así que hay muchas cosas interesantes para contar y para transitar y que estoy dispuesta a darlo todo. Siempre me gustaba cuando una tía mía me decía eso: ‘Estoy a punto caramelo’. Es una frase exacta, así que siento que estoy así.

“Yo soy muy hacedora de mis pasiones y no paro hasta lograrla”, afirma, dejando en claro que la iniciativa propia y la perseverancia han guiado cada uno de sus proyectos, tanto en los escenarios como en la vida cotidiana.

Desde sus primeros pasos en la televisión y el teatro, Lago ha sostenido una filosofía de acción y compromiso. “Generalmente hago eso, si no me llaman, genero”, argumenta sobre su forma de enfrentar los desafíos laborales y la inestabilidad propia del mundo artístico.

Para ella, la autogestión no es solo una estrategia profesional, sino una actitud vital: “La vida del actor es muy, muy difícil, ¿no? Es una carrera de hambre, dicen. Yo tendré ganas de trabajar hasta que la vida me lo permita”.

La actriz subraya la importancia de no transitar el camino en soledad. “Solos no hacemos nada”, sostiene con convicción, y remarca que el trabajo en equipo y el aprendizaje de los demás han sido esenciales en su desarrollo.

“Me gusta cada día aprender un poquito más”, confiesa, y recuerda con gratitud a quienes la acompañaron en sus inicios, como Wilfredo Ferrán, quien la invitó a debutar en el teatro a los17 años: “Aprendí tanto con eso, porque era un elenco muy grande y había gente grande dentro del elenco. Y Wilfredo, fundamentalmente.”

El entorno familiar también ha sido un pilar en su vida. “Me contenían muchísimo”, dice sobre sus padres y hermanos, evocando la figura de su padre, Emilio Lago, a quien describe como un gran músico y sabio, y de su madre, quien se ocupaba de crear un hogar cálido y abierto a los amigos.

Esta tradición de hospitalidad y cercanía la ha continuado con sus propios hijos: “En general, los amigos de mis hijos vienen a casa y es su casa. Así que bueno, eso lo practico mucho”.

La pasión artística y la vocación son, para Lago, el verdadero motor de la existencia: “Una gran pasión por mi trabajo, por mi vocación, por mi placer, mi locura con lo que hago.”

Considera que la disciplina y el deseo de seguir aprendiendo son inseparables de la tarea artística: “Creo que tener pasión, que vos me decías hace un ratito antes de comenzar a ensayar el reportaje, que lo que te encanta primero: trabajar en grupo y además la pasión que tiene la tarea que vos trabajás”.

A lo largo de su carrera, Lago ha elegido interpretar a mujeres históricas de gran fortaleza, como Edith Piaf, Violeta Parra y Frida Kahlo.

“Me encantan, porque me enseñaron”, reconoce. De Piaf aprendió a no juzgar, de Kahlo, la capacidad de transformar el sufrimiento en arte, y de Parra, la entrega total a un sueño colectivo.

“La Piaf ha sufrido tanto, pobrecita, tanto... Era una artista excepcional y esa historia que tenía con el amor, ese amor a ese hombre tan increíble. Violeta hizo un circo, una carpa. Soñaba con eso, de que los artistas fueran a esa carpa, que todos se instalaran ahí, hacer lo que querían compartir. Y ahí se pegó un tiro Violeta, se mató en ese lugar donde algunos dicen que fue por ese amor. No sé por qué, pero había puesto tanto amor en esa carpa, soñando que todos los artistas iban a ir allí y no fueron todos los artistas”.

El equilibrio entre la vida familiar y profesional ha sido otro de los desafíos que ha sabido afrontar. “Yo también hago eso con los amigos de mis hijos”, comenta sobre la costumbre de abrir su casa, y relata cómo sus hijos crecieron entre ensayos y funciones: “Vivieron mucho el trabajo de Héctor y el trabajo mío, lo convivieron con mucha felicidad. Tenían siempre mi casa llena de gente porque hacíamos reuniones, nos divertimos, y ellos se divertían con nosotros. Y venían al teatro y, acostumbrados de pronto a dormirse en la platea. Compartieron mucho el teatro, mucho”.

El vínculo con su marido, Héctor, ha sido tanto personal como profesional. “Mucho hemos trabajado juntos. Ahora estamos haciendo Gracias María Elena, una obra que Héctor armó con textos de María Elena Walsh, quien yo tuve el placer, el honor, el agradecimiento de ser su amiga”, relata.

Sobre la convivencia laboral y doméstica, reconoce: “No es fácil trabajar con la pareja. Hay que aprender a hacerlo, porque eso es la convivencia también. Y agregar la convivencia de casa con la del teatro es una convivencia más grande. Pero yo creo en que hay que conversar las cosas, a veces nos enojamos, a veces... bueno, y a la mañana ni le saludo. Pero sí, sí, yo me enojo también y él también, pero como no me dura mucho el enojo y Héctor se ríe cuando me enojo”.

La actriz reflexiona sobre el paso del tiempo y la necesidad de reinventarse. “Yo voy aprendiendo siempre, sí. Reinventando. Sí, sí. Porque si vos creés que ya lo sabés todo, no sabés nada, retrocedés, porque es así. Tiene que aprender, uno siempre aprende con el otro, ¿no? Todos necesitamos de todos, todos necesitamos de todos. Una caricia que bien viene, algo que uno no sabe y decir: no lo sé. Y otro que se lo enseña. Así es la vida”.

Sobre los proyectos futuros, Lago mantiene la ilusión y la energía intactas. “Es un proyecto extraordinario, no lo quiero decir todavía”, adelanta sobre una próxima obra de comedia musical. A pesar de las dificultades del sector, como la escasez de producción local en televisión, sostiene su compromiso con el arte y la autogestión: “Como yo hago las cosas... si no me llaman, me llamo yo. Entonces, hago lo que me gusta hacer. A veces, me voy al teatro independiente, al teatro off, hago obras que me gustan allí, dirijo, yo soy directora hace muchos años, soy docente también”.

Para Virginia Lago, la edad no es un límite ni una preocupación. Su deseo de seguir trabajando y creando depende únicamente de las ganas y del impulso vital que la acompaña.

De acuerdo a los entendidos, los actores no eran buenos, hacían llorar cuando debían provocar alegría y el público reía cuando el libreto apuntaba a la emoción. Para colmo, no resultaban para nada convincentes aquellos criollos que abrazaron la vocación de las tablas ya que eran instruidos por españoles bien castizos, que imponían acento y modos de desplazarse y comportarse según usanzas de la península que distaban con las costumbres de acá. Pero como en la Buenos Aires virreinal poco había para pasarla bien, el teatro, por más miserable que pareciera y con actores improvisados, era cita obligada de los domingos entre las cuatro y las siete de la tarde.

Hasta ese momento, las representaciones teatrales eran aisladas, asociadas a los ámbitos religioso y político y gratuitas, pero costeadas por ciudadanos de la elite porteña.

El virrey Juan José Vértiz dispuso la construcción de una sala teatral, que se llamaría Casa de las Comedias, pero que el decir popular la identificaba como el teatro de la Ranchería.

Ubicado en la esquina de Alsina y Perú, se convirtió en uno de los primeros espacios (algunos autores señalan que hubo una sala en 1757) donde se representaron piezas dramáticas en Buenos Aires. De esta manera, este espacio se transformó en un ámbito de encuentro.

Vértiz autorizó al español Francisco Velarde, que había nacido en 1742, a llevar adelante el negocio. Se comprometía a construirlo y a entregar dos mil pesos anuales a la Casa de Niños Expósitos y a atenerse a todo lo que dispusiera el Cabildo.

El de la Ranchería de los Jesuitas o de las Misiones era un galpón de paredes de adobe y techo de paja en el que los jesuitas lo habían destinado al almacenamiento de los productos que venían de las misiones y también de los negros esclavos.

El edificio tenía un frente de 30 metros y una profundidad de 63. Poseía una puerta grande a su frente y dos a los costados, que se abrían para afuera para facilitar la evacuación en caso de incendio. De su techo colgaban dos arañas de hierro con velas de sebo, y tenía candilejas que alumbraban el escenario, que no era amplio.

Los espectadores se dividían entre los bancos de madera ubicados en el patio, los de las primeras filas tenían respaldo. Allí no podían sentarse los negros. Luego venían algunas filas más de bancos y por último el lugar desde donde se podía ver la función parado. A los costados había una suerte de cuatro palcos y el sitio de honor estaba reservado al virrey. Los palcos eran el único espacio que podían compartir hombres y mujeres. De otra forma, debían estar separados. Ningún hombre podía acercarse al sector femenino, ni acercarse a las mujeres en el patio.

Pero en definitiva, en un mismo ambiente se mezclaban los distintos sectores sociales, y la elite local compartía un mismo recinto con las clases más bajas.

El director era el español Antonio Aranaz, que fue contratado en la península a través de un comerciante residente en Cádiz, no solo para dirigir la sala sino para enseñar a cantar y componer la música de las piezas que se interpretarían. Para ello había armado una orquesta de cuatro violines, un bajón, dos oboes y dos trompas, ejecutados por esclavos músicos.

Aranaz firmó contrato el 10 de diciembre de 1787 y se estipuló que su sueldo fuera una cuarta parte del total de las ganancias que diera la sala, descontando el sueldo de los empleados, el monto que iba a los Niños Expósitos y el arrendamiento del terreno.

Siempre le fue difícil cobrar los 80 pesos mensuales en tiempo y forma ya que le pagaban en cuotas de 20 o 30 pesos. En una oportunidad debió recurrir a las autoridades.

A los actores los asistían dos apuntadores. Además, estaba el personal que cobraba la entrada, que valía dos reales, y otra persona que organizaba el guardarropas. Asimismo, había cuatro peones, un carpintero, dos peluqueros, uno para hombres y otro para mujeres.

El que protestó airadamente fue el clero, ya que asociaba el contenido teatral a lo obsceno y a lo contrario de las buenas costumbres y de la fe cristiana. Esto obligó a Vértiz a elaborar una suerte de Instrucciones de veinte artículos. Las obras a interpretarse debían pasar por la revisión de un grupo de censores, a pesar de que este material venía con la aprobación de la corte española; se estipulaban las medidas para evitar los incendios, los actores no debían apartarse de sus libretos ni improvisar bromas que pudieran ser malinterpretadas; les recomendaban ser educados y que no apareciesen vestidos en forma indecente.

Estas instrucciones contemplaban la colocación de una madera al borde del escenario, que debía tapar los pies de las mujeres que actuasen.

Imposible promocionar una obra con el nombre de los actores, ya que todos eran ilustres desconocidos. Y en los dramas más importantes los papeles femeninos eran interpretados por hombres.

Quedó oficialmente inaugurado el domingo 30 de noviembre de 1783. La primera obra teatral de autor criollo, estrenada en Buenos Aires durante el carnaval de 1789, fue “Siripo” de Manuel de Lavardén, una tragedia en cinco actos. Pasó a la historia como la primera obra de autor criollo estrenada en Buenos Aires.

Se ponían en escena dramas, sainetes, tonadillas, zarzuelas en prosa. Generalmente los actores recitaban y solían cantar, y muchas piezas terminaban en baile.

Para saber si había función, encendían un farol en el frente de la farmacia de los Angelitos, en Chacabuco y Alsina.

Las estrellas de entonces eran, por ejemplo, Juan Antonio Cárcamo, un andaluz con un pasado de presidiario; también sobresalía el chileno Domingo Salazar. Entre las mujeres, la potosina treintañera Josefina Somalloa y Escobar no tenía buena química con el público. La reemplazó Josefa Ocampos, una chica de 18 años casada con Ángel Rodríguez, también actor.

No era para nada fácil para una mujer dedicarse al teatro, ya que para muchos era una tarea indecente y algunos vecinos la vinculaban con la prostitución. Hubo casos en que la familia de la mujer tomaba como una afrenta al buen nombre y honor esta actividad.

Había competencia para todos los gustos y el Cabildo debió mediar para equilibrar las cosas. La iglesia, por un lado, presionaba para que no hubiera funciones en los horarios de misas, porque les sacaba público; y los del teatro protestaban porque a veces la sala no se llenaba ya que había corrida de toros o la gente iba a apostar a los reñideros de gallos.

Nunca se supo si fue obra de la casualidad o si fue intencional. El jueves 16 de agosto de 1792, durante la celebración de fiestas patronales, un cohete, disparado desde el atrio de la iglesia de San Juan Bautista, en la actual Alsina y Piedras, distante dos cuadras, impactó sobre el techo de paja del galpón. La sala ardió por completo y quedó destruida. Las llamas destruyeron el archivo de obras teatrales y el primer manuscrito de Siripo, que se perdió para siempre.

En conmemoración de la apertura de la Ranchería, se instituyó el 30 de noviembre como el Día Nacional del Teatro.

Aramaz se quedó sin trabajo y junto a su familia se radicó en Chile, donde continuó su carrera de músico. Los porteños debieron esperar hasta mayo de 1804, cuando se inauguró en la esquina de Rivadavia y Reconquista, el Coliseo que nunca se terminó. Algo debía tener esa esquina, porque fue el lugar elegido para levantar el primer Teatro Colón que tuvo nuestra ciudad. Pero eso es argumento para otra obra que mereció aplausos de pie.

Después de un año cargado de risas, drama y música, las figuras del teatro argentino se preparan para llevar su talento a Mar del Plata. En ese marco, La Feliz ultima detalles para recibir todo tipo de propuestas. Así, con las ansias a flor de piel, este miércoles, los artistas más importantes del país celebraron el lanzamiento de la temporada teatral 2026.

El encuentro contó con la participación de elencos y artistas que protagonizarán los espectáculos del próximo año en los teatros América, Atlas, Bristol, Lido, Mar del Plata y Neptuno. Además, se anunció la continuidad de la política de precios amigables, que garantiza entradas accesibles para todo el público.

El ambiente festivo estuvo marcado por la tradicional foto con los pulgares en alto junto a Carlos Rottemberg, quien celebrará en 2026 su 48ª temporada ininterrumpida en la ciudad. La presencia de referentes como Soledad Silveyra, Julieta Ortega, Martín Bossi, Gustavo Bermúdez, Laurita Fernández, Agustín “Rada” Aristarán, Florencia Peña, Juan Ingaramo, Martín Seefeld, Damián de Santo, Gloria Carrá, Nico Riera, José María Muscari, Malena Solda, Vanesa González, Alberto Ajaka, Esteban Meloni, Ernesto Claudio, Diego Pérez, Natacha Córdoba, Gabriela Grinblat y Gabriela Licht subrayó la relevancia de la temporada y anticipó una oferta artística de primer nivel.

La cartelera de la temporada 2026 incluye una amplia variedad de géneros y propuestas. Entre los musicales, destaca Pretty Woman, encabezado por Florencia Peña y dirigido por Ricky Pashkus, con Juan Ingaramo y un equipo artístico de renombre. El teatro Atlas será escenario de Quién es quién, una comedia que reunirá por primera vez en escena a Luis Brandoni y Soledad Silveyra bajo la dirección de Héctor Díaz. En el teatro Lido, Damián De Santo y Martín Seefeld protagonizarán Una clase especial, una comedia de Daniel Dátola dirigida por Manuel González Gil.

El clásico Toc Toc celebrará sus 15 años en el teatro Bristol, con Lía Jelin, Diego Pérez y Ernesto Claudio en el elenco. El teatro América presentará Sex, la obra, de José María Muscari, con Diego Ramos, Julieta Ortega, Gloria Carrá y Nicolás Riera. Agustín “Rada” Aristarán llevará Chanta al teatro Lido, bajo la dirección de Marcelo Caballero y con texto de Mariano Cohn y Gastón Duprat. En el teatro Neptuno, Martín Bossi, Gustavo Bermúdez y Laurita Fernández protagonizarán La cena de los Tontos, dirigida por Marcos Carnevale. Además, Made in Lanús, estrenada en 1986 por Brandoni, celebrará su 40° aniversario con una nueva puesta en el teatro Atlas, dirigida por el propio actor y con un elenco integrado por Cecilia Dopazo, Malena Solda, Alberto Ajaka y Esteban Meloni.

Durante el evento, Rottemberg destacó la importancia de mantener la política de precios amigables, implementada hace tres años y que continuará vigente en 2026. “Vamos a contar con una entrada garantizada hasta el final de la temporada, en un sector de la platea en todos nuestros teatros, de $35.000, válida para todas las formas de pago”, afirmó. El empresario atribuyó el éxito de esta iniciativa tanto al compromiso de los artistas como al rol de la prensa nacional, que permitió informar y dar certezas sobre la propuesta a todo el país.

Con 48 temporadas ininterrumpidas de actividad teatral, Mar del Plata se reafirma como un polo cultural de referencia. La ciudad se prepara para recibir a miles de espectadores que podrán disfrutar de una programación que abarca desde comedias clásicas hasta grandes musicales, en un entorno que privilegia la accesibilidad y la calidad artística.

La próxima temporada teatral en Mar del Plata se anuncia como una de las más variadas y ambiciosas, con propuestas para todos los gustos y una política de precios que busca acercar el teatro a nuevos públicos, consolidando a la ciudad como el principal escenario del espectáculo en Argentina.

Durante la función, Legrand aplaudió a los actores en el esperado estreno de Buenos Aires y recibió una ovación del público en una postal que se repite cada vez que dice presente en alguna sala de cualquier parte del país. También cruzó besos y gestos a la distancia con los protagonistas, que la reconocieron entre las butacas, en una postal que añadió un ingrediente más a un estreno de novela.

Al finalizar la función, Legrand tomó el micrófono y expresó sus emociones en caliente de lo que acababa de presenciar. “Yo no puedo más, es impresionante lo que hemos visto. Cada persona que venía de España me decía ‘no sabés el éxito de Andrea y Ricardo…’. Ahora lo entendemos", analizó, con la voz embargada por la felicidad.

A continuación, la Chiqui se enfocó en elogios para los protagonistas, que fueron correspondidos con palabras de agradecimiento: “Son maravillosos los dos, qué les voy a decir… no voy a dormir esta noche ni por mucho tiempo", sentenció. Y se despidió con un grito que sintetiza su defensa permanente de la industria del espectáculo: “Arriba ustedes y arriba el teatro”.

Una vez más, la Chiqui reafirmó su compromiso con el teatro y el espectáculo nacional, y se llevó de recuerdo un enorme ramo de rosas y los aplausos que musicalizan una trayectoria inigualable. Esa que construyó en su época de actriz y elevó al status de leyenda desde que decidió almorzar en televisión.

Mirtha fue una de las tantas figuras que colmaron la sala en el que se presenta como uno de los grandes acontecimientos teatrales de la temporada porteña, luego de su gira española. Escenas de la vida conyugal explora las complejidades de las relaciones humanas a través de una pareja que enfrenta los desafíos del amor, la rutina y el paso del tiempo. Darín y Pietra, dos referentes de la actuación argentina, encabezan el elenco bajo la producción de Grinbank, aportando su experiencia y carisma a una pieza que ha cosechado elogios tanto en el país como en el exterior.

El éxito de la obra trasciende el ámbito local. Durante su gira por España, Darín destacó la profunda conexión que el público establece con la historia y los personajes. “La gente se siente identificada con esta pareja, no por completo, pero sí reconoce que muchas de las cosas que se ponen sobre el escenario son conocidas, transitadas, alguno las ha vivido o sabe que otro las vivió. Hay una situación de ida y vuelta con el espectador y eso es lo que hace que la obra se retroalimente”, expresó el actor en diálogo con Teleshow, subrayando la universalidad de los temas abordados y la respuesta entusiasta de los espectadores en cada función.

El regreso de Andrea Pietra al teatro porteño después de quince años añade un matiz especial al estreno. La actriz, que solo había realizado una función especial en Buenos Aires en los últimos años, manifestó su emoción y nerviosismo ante la oportunidad de reencontrarse con el público local. “Tengo muchos compañeros, colegas, gente de directores, familia, mis tíos, un montón de gente que nunca me vio”, comentó Pietra a este medio, y valoró la expectativa generada por la obra y el desafío de presentarse ante una sala repleta de rostros conocidos y nuevos espectadores. La temporada en el Teatro Coliseo representa para la actriz un momento largamente esperado y una ocasión para compartir el escenario con Darín en una obra que considera profundamente significativa.

La presencia de Legrand en el estreno refuerza su papel como referente cultural y su apoyo constante al teatro argentino. Su asistencia a los principales estrenos y el reconocimiento del público la consolidan como una figura central en la promoción y difusión del espectáculo nacional.

En el escenario del Coliseo, Escenas de la vida conyugal invita a reflexionar sobre los vínculos, el paso del tiempo y la capacidad de comprender al otro, temas que trascienden fronteras y resuenan en cualquier espectador, sin importar su origen o experiencia.

La Plata, ciudad de diagonales y avenidas, de proyectos ambiciosos al borde de la pampa húmeda, supo tener un teatro que era emblema no sólo de su madurez urbana, sino de su deseo de grandeza estética, de ópera, de ballet, de orquesta. Ese era el viejo Teatro Argentino: de estilo renacentista, con herradura, palcos, galerías, terciopelos, dorados, un público que se recogía con cierta pompa para escuchar Otello, Verdi, Strauss, Pavlova. Hasta que el fuego lo consumió. Y luego la política lo concluyó. Pero, como en casi todos los dramas argentinos, quedaron voces, mitos, cenizas que alumbran el presente. Esta es esa historia.

La Plata fue fundada el 19 de noviembre de 1882, por Dardo Rocha. Era una ciudad pensada, planificada, con gran ambición. Pero le faltaba algo vital: un teatro de gran porte. Esa carencia fue saldada por vecinos que en 1885 constituyeron la Sociedad Anónima Teatro Argentino. Compraron el terreno entre las avenidas 51 y 53 y las calles 9 y 10. El arquitecto encargado: Leopoldo Rocchi, italiano, formado en tradiciones académicas, con sensibilidad para la ornamentación, el equilibrio, el estilo renacentista. El proyecto era ambicioso: planta en forma de herradura, cinco niveles (palcos, galerías), capacidad para alrededor de 1.500 personas (algunas fuentes hablan de 1.500, otras señalan entre 1.500 y 2.200, dependiendo si cuentan pullman, superpullman, platea).

El foyer —o foaier, como también se le llamaba— era un espacio majestuoso, revestido en mármoles, con techos ornamentados y grandes arañas de cristal. Este hall de acceso servía no solo como antesala a la sala principal, sino también como un lugar de encuentro social. Estaba decorado con molduras doradas, espejos de gran formato y obras de arte que reflejaban el refinamiento del edificio.

La araña central era una majestuosa luminaria de cristal tallado y bronce, suspendida del centro de la cúpula de la sala principal. De gran tamaño y peso, dominaba visualmente el espacio con su imponente presencia. Contaba con múltiples brazos curvos ornamentados, cada uno portando lámparas que imitaban la forma de velas, iluminando la sala con una luz cálida y elegante. Sus cientos de prismas de cristal facetado reflejaban destellos dorados sobre los frescos del techo. Era un símbolo del lujo y el refinamiento de la arquitectura teatral de fines del siglo XIX.

Después de unos cinco años de obras (se inició entre 1885 y 1887, según diferentes fuentes), financiamiento precario, préstamos, hipotecas sobre el terreno, disputas, finalmente el teatro se inauguró el 19 de noviembre de 1890, coincidiendo con el octavo aniversario de la ciudad. La obra inaugural fue la ópera Otello de Giuseppe Verdi, con la soprano italiana Elvira Colonnese, el tenor uruguayo José Oxilia, el barítono Pietro Cesari, la mezzosoprano Margarita Preziosi. Aquella noche quedó marcada como el primer despliegue de lo que La Plata aspiraría a ser: epicentro cultural y símbolo del esplendor pampeano.

Durante décadas, bajo ese techo renacentista, desfilaron figuras de enorme calibre: orquestas internacionales como la Filarmónica de Viena, compositores y directores como Richard Strauss, divas como Ana Pavlova, virtuosos de distintos rincones del mundo, pero también hubo crisis: mantenimiento defectuoso, deudas crecientes, litigios, cambios de titularidad. En algún momento de los años veinte, la “Sociedad Anónima Teatro Argentino” que lo tenía no pudo sostenerlo y como corría peligro de demolición lo compró el Estado provincial y recién en 1937, durante la gobernación de Manuel Fresco, fue reabierto bajo administración estatal.

El martes 18 de octubre de 1977, hacia las 14:30 horas, mientras el Ballet Estable del Teatro Argentino se preparaba para un ensayo, comenzó lo que sería la tragedia definitiva. Desde una de las líneas de iluminación sobre el escenario se produjo una chispa que prendió uno de los telones o elementos del decorado (telón de voile). El fuego se propagó con rapidez: primero el decorado, luego el escenario, luego los talleres, los depósitos bajo la platea. La sala principal quedó atrapada por las llamas. Los palcos se incendiaron, el techo colapsó.

Se calcula que había unas ochenta personas presentes (bailarines, técnicos). No se reportaron víctimas fatales, aunque el impacto psicológico, patrimonial y simbólico fue gigantesco. En los días posteriores al incendio, mientras removían escombros, hallaron una figura que había estado guardada en los depósitos del teatro. Era una imagen de la Virgen María, confeccionada en papel maché para una puesta de Tosca de Puccini en los años setenta. Su autor: Dino Orlandini, jefe de utilería del teatro. La escultura mide más de un metro y medio, con brazos de yeso, estructura de madera, manto de liencillo engomado. Estaba hecha para durar unos días sobre el escenario. No era una escultura sagrada, sino un objeto escenográfico. Pero contra todo pronóstico, contra fuego, humo y derrumbe, la imagen apareció intacta. Entre vigas calcinadas, entre techos caídos, rodeada de cenizas, la Virgen estaba ilesa. Ni quemada, ni rajada, ni afectada visiblemente. Solo con una ligera pátina gris. Desde entonces, empezó a ser llamada por todos como “La Virgen de las Cenizas”.

Años después fue restaurada por el artista platense Zacarías Gianni con colaboración de Eugenio Zanetti. Fue bendecida por el arzobispo Monseñor Héctor Aguer y por un tiempo estuvo en la Catedral de La Plata. En el 2013, entre el 2 y el 3 de abril, la imagen estaba en los depósitos del subsuelo para su limpieza, el depósito quedo totalmente inundado, pero la escultura de papel y yeso salió nuevamente ilesa. Hoy puede verse nuevamente en el Teatro Argentino, custodiando de algún modo la memoria del fuego y la historia del agua.

Volvamos al teatro y al incendio. La estructura perimetral —las paredes exteriores, la herradura interior (más precisamente lo que abrazaba la sala)— resistió en parte. El foyer, ciertas escaleras, oficinas laterales, algunas secciones técnicas no ardieron. Pero la sala, el alma del teatro, quedó destruida. Las llamas devoraron la acústica, los palcos, todo lo que hacía vibrar a los oyentes. Inmediatamente después del incendio hubo reclamos de los trabajadores, de artistas, vecinos, especialistas locales e internacionales para restaurar lo que quedaba, reconstruir la sala, preservar lo salvable. Expertos como el arquitecto inglés Roy Worskett, convocado por organizaciones de patrimonio, afirmó que la estructura exterior, los muros perimetrales, estaban en buen estado, que se podía recuperar mucho.

La dictadura militar de turno entendió otra cosa: en lugar de restaurar, decidió demoler. Se adujeron riesgos de derrumbe, peligro eléctrico, daños irreversibles, inhabilidad del edificio. Con decreto del gobernador Ibérico Saint Jean el 13 de diciembre de 1977 se dio orden de demolición total. Para entonces el fuego, que había destruido la sala, era el cierre simbólico de un edificio que ya estaba en la línea de desgaste edilicio, de abandono estatal, de desinversión. Pero la demolición integral significó perder no solo la sala sino un monumento histórico, un referente arquitectónico de estilo académico europeo, de influjo italiano, que se alineaba con la idea de ciudad moderna pero culta que Dardo Rocha había pensado. Se vendieron ladrillos como souvenir del viejo teatro: 2.500 ladrillos numerados con certificado de autenticidad, para que los platenses conservaran algo físico.

Hubo quienes dijeron que el incendio fue oportuno para los planes del gobierno de facto, para imponer un nuevo estilo, para borrar rastros de lo tradicional, para mostrar modernidad de estilo “brutalista”, funcionalidad sobre ornamentación. Rumores, sospechas, contrademandas, todas quedaron en la memoria colectiva.

Tras la demolición vino el llamado a concurso nacional de anteproyectos. Se presentaron 71 proyectos para reemplazar al viejo teatro con una construcción moderna, un gran complejo artístico-cultural que integrase diversas disciplinas. El proyecto ganador fue el de un equipo platense formado por Enrique Bares, Tomás García, Roberto Germani, Inés Rubio, Carlos Ucar y Alberto Sbarra. Su propuesta se inclinaba hacia líneas contemporáneas, grandes volúmenes, funcionalidad, presencia del estilo brutalista: hormigón —concreto expuesto—, superficies duras, jerarquía de vacíos y llenos, espacios amplios para talleres, producción, técnica, ensayos.

La obra se inició formalmente el 1 de diciembre de 1980, con un plazo estimado de cuatro años. Pero las crisis económicas, los vaivenes políticos, los recortes presupuestarios, la falta de continuidad gubernamental hicieron que la construcción quedara paralizada en tramos, retrasada. Finalmente, tras casi dos décadas, se inauguró la Sala Principal “Alberto Ginastera” del nuevo complejo el 12 de octubre de 1999. La apertura contó con el ballet Tango en Gris y luego con un concierto lírico con fragmentos de óperas de Verdi, Gounod, Umberto Giordano, Donizetti.

A esto se sumó más tarde la “Sala Astor Piazzolla”, orientada a artes de cámara, con capacidad para unas 300 personas, y la “Sala de Exposiciones Emilio Pettoruti”, además de talleres técnicos, utilería, sastrería, escenografía, etcétera. Hoy el teatro ocupa unos 60.000 metros cuadrados cubiertos, un centro complejo de artes provinciales.

El Teatro Argentino de La Plata es más que un edificio. Es un sitio de historia encarnada. De ambición urbana, de aspiraciones culturales, de derrota, de recuperación. Tiene algo de espejo de lo que ocurre en muchas ciudades argentinas: se construyó algo bello, se deterioró, se destruyó, y luego se intentó reconstruir, pero ya no con las mismas manos, las mismas decoraciones, con otros costos, con otros discursos.

La arquitectura brutalista que ahora lo acoge puede escandalizar al amante de los ornamentos clásicos. Puede parecer frío, severo, áspero en comparación. Pero esa arquitectura es también expresión de época: de los tiempos duros que vinieron tras décadas de crisis, de dictadura, de olvido. Y hay belleza también: en lo monumental, en lo expuesto, en lo honesto de lo funcional; en las luces del escenario, en la acústica que respeta la herradura restaurada, en los espacios de trabajo para escenografía, utilería, en los coros y el ballet que vuelven a actuar, en el público que vuelve a aplaudir.

Actriz, directora, dramaturga y guionista. Lorena Vega es una de las artistas argentinas más polifacéticas y exitosas, viene del ‘off’, la escena alternativa porteña, pero también triunfa en Netflix. Con una seguridad arrolladora, afirma: “El teatro es resistencia”.

Lorena Vega tiene en cartel siete obras en Buenos Aires, la capital latinoamericana del teatro: cuatro como actriz y tres como directora. También es “Fernanda”, la psicóloga de Envidiosa, que está entre las series más vistas y que a inicios de 2026 estrenará su tercera temporada en Netflix; e interpreta a “La Zurda” en En el barro, en la misma plataforma. Y es artífice de uno de los fenómenos culturales argentinos que está recorriendo el mundo: Imprenteros, un innovador proyecto documental dirigido y escrito por ella, en el que actúa junto a sus hermanos. Se trata de un “biodrama”, la historia de su familia, que está disponible en obra teatral, película y libro impreso.

En todas sus obras, siempre aparece el cartel “entradas agotadas”, pese a que la escena cultural argentina atraviesa una crisis aguda por los recortes del gobierno de Javier Milei, que afectan al Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (Incaa) y el Instituto Nacional del Teatro.

“El teatro es resistencia”, afirma Lorena Vega al explicar cómo es posible que en la coyuntura actual haya en Buenos Aires cientos de propuestas escénicas, tanto en el off como en la zona de Corrientes, el Broadway porteño. Vega se considera “privilegiada” porque llena teatros, graba series y presenta películas, pero reconoce que los recortes son “una herida muy grande porque hay muchísima gente que no tiene trabajo”. “Estamos activos, el sector no se quedó callado, como muchos sectores que están siendo atacados en esta gestión y que han salido a expresarse, a luchar, con el costo que está teniendo (...). Es un sector movilizado y estamos haciendo muchas cosas, es el resultado de una tradición de lucha que tiene Argentina para defender sus derechos conquistados”, agrega.

Y añade: “Es una disciplina que tiene mucha tradición de batalla. Muchos y muchas de los que hacemos teatro somos hijas e hijos de referentes, de gente que lo hacía durante la última dictadura cívico militar (1976-1983), resistiendo en pequeños sótanos o boliches ocultos donde hacían sus performance, donde recitaban sus poesías, donde los músicos -la cultura del rock en Argentina ha sido de mucha resistencia- y el teatro estuvieron muy mezclados”. Según ella, “toda esa gente hizo un movimiento artístico muy importante, que dejó una huella de identidad en nuestro país. Son quienes marcaron un camino, hicieron algo auténtico y genuino”.

Está convencida de que la situación “se puede revertir” porque confía en la fuerza y la convicción del sector cultural: “Hemos estado defendiendo no perder el Instituto de Teatro, y lo hemos logrado”.

Imprenteros

El éxito de Lorena Vega, nacida en Buenos Aires en 1975, se explica en su capacidad para llevar a cabo buenas propuestas propias y elegir entre las ofertas que recibe. Actuó en Madrid y hasta Pedro Almodóvar la fue a ver, la felicitó en su camerino. Ahora está llevando Imprenteros y Testosterona por distintos países. La primera se podrá ver en formato película en el festival de cine iberoamericano de Trieste (Italia) y en el de Girona (España), así como en la Cinemateca de Montevideo, entre octubre y noviembre próximos.

Con Testosterona, otro biodrama sobre la vida de Cristian Alarcón, el periodista y escritor chileno-argentino que dirige la revista Anfibia, toca uno de los asuntos más sensibles del colectivo LGTBI: los tratamientos de conversión a los que fueron sometidos cientos de niños en Latinoamérica.

Pero si algo le ha supuesto un antes y después en su carrera es Imprenteros, según reconoc: “Un punto de inflexión en mi desarrollo creativo, en mi profesión, sobre todo en mi voz artística”. “A partir de ese trabajo, que ya van a ser ocho años en que voy indagando, me fui corriendo hacia el lado del teatro documental, lo que llamamos en Argentina ‘biodrama’, piezas escénicas que cuentan vidas reales con sus protagonistas reales o con testigos reales directos de la historia”, explica.

Otra temática que persigue a Lorena Vega es la historia argentina, el periodo colonial y la construcción de la República Argentina, asuntos que trata en Las cautivas, que es un grito a la independencia de la mujer -con una actuación magistral-, y Civilización, una comedia que saca a relucir la libertad de expresión y donde ejerce de directora.

Preguntada sobre si se siente igual de cómoda en el off que en el cine comercial o en las plataformas, concluye: “Estoy orgullosa y bastante tranquila con respecto a todo lo que pude hacer en cada trabajo que elegí”.

Fuente: EFE

[Fotos: Pablo Barrera/EFE; prensa Netflix]

La entrega de los Premios María Guerrero tuvo lugar este miércoles al mediodía en el Teatro Nacional Cervantes con una original ceremonia ideada como una experiencia teatral, que contó con la dirección y dramaturgia de Mariángeles Bonello, Natalia Casielles y Yanina Gruden, música original de Pablo Viotti y la colaboración de un grupo de artistas invitados.

Esta es la lista completa de premiados.

ACTUACIÓN UNIPERSONAL

Mariano Saborido, por Viento blanco

Julieta Zylberberg, por Prima facie

ACTUACIÓN REVELACIÓN

Manuel Di Francesco, por Saraos uranistas

Luis Rodríguez Echeverría, por El principito, una aventura musical

Nicole Kaplan, por Desertoras

ACTUACIÓN DE REPARTO

Marita Ballesteros, por Lo que se pierde se tiene para siempre.

Jorge Thefs, por Las lágrimas de los animales marinos

ACTUACIÓN PROTAGÓNICA y CO-PROTAGÓNICA

Belén Blanco, por Clandestina

Sofía Gala Castiglione, por Lo que se pierde se tiene para siempre

INSTITUCIONES

Escuela Metropolitana de Arte Dramático (50 años)

PREMIO ESPECIAL

Compañía de danza aérea Brenda Angiel (30 años)

Revista Llegás (20 años)

Teatro x la Identidad La Plata (10 años)

TRAYECTORIA

Margarita Balli

ESPECTACULO INTERNACIONAL

Tierra, Dirección: Sergio Blanco (Uruguay/Chile/Argentina/España)

DANZA Y ARTES DEL MOVIMIENTO

Luciana Acuña (coreografía y dirección) y Carla Di Grazia (coreografía), por Bailarinas incendiadas

TEATRO PARA LAS INFANCIAS Y ADOLESCENCIAS

Moliendo a Molière, Dirección: Emiliano Dionisi

TEATRO DE TÍTERES Y OBJETOS

Paula Quintana (actuación titiritera) y Fernanda Bohigues, Tatalo Muzzín y Paula Quintana (diseño y realización de títeres y objetos), por Expediente Ofelia

FOTOGRAFÍA

Irish Suarez, por Saraos uranistas

REALIZACIÓN AUDIOVISUAL/MULTIMEDIA

Alejo Moguillansky, por Bailarinas incendiadas

VESTUARIO

Victoria Molotok (diseño y realización), por Gwen

ILUMINACIÓN

Matías Sendón, por Bailarinas incendiadas, Clandestina, Quiero decir te amo y Viento blanco

ESCENOGRAFÍA Y DISEÑO ESPACIAL

Gonzalo Córdoba Estévez, por Cuando Frank conoció a Carlitos y Las lágrimas de los animales marinos

ADAPTACIÓN

Mariano Bragán y Compañía Payasos del Matute, por Tercer cordón del conurbano, una tragedia marrón

TRADUCCIÓN

Andrea Garrote, por Prima facie

DRAMATURGIA

Juanse Rausch, por Saraos uranistas

DIRECCIÓN

Paula Sánchez, por 24 Toneladas y Tercer cordón del conurbano, una tragedia marrón

[Fotos: Gustavo Gorrini/gentileza Asociación Amigos del Teatro Cervantes]

Agradecimientos: Gerard Confalonieri; Carolina Desinano

Bárbara Mujica tenía apenas 46 años cuando murió, el 1 de agosto de 1990. Fue por un infarto de miocardio. Y su partida causó una profunda conmoción tanto entre sus seres queridos como en el mundo del espectáculo en general. Dueña de un talento extraordinario y un rostro imposible de olvidar, su trabajo en cine, teatro y televisión había marcado una época. Y, al día de hoy, sigue siendo recordada tanto por sus colegas como por el público.

Había nacido el 13 de marzo de 1944 en el seno de una familia de artistas. Era hija de la actriz Alba Mujica y de José Antonio Moinelo y sobrina del director René Mujica. Llevaba la pasión por la actuación en la sangre. Y, con apenas 3 años debutó junto a su madre en el cortometraje El Muro, del debutante Leopoldo Torre Nilsson. Sin embargo, no tenía los mejores recuerdos de esa época. “La mía fue una infancia solitaria, sin amigos, trascurrida entre personas mayores, música clásica y libros. Quizá fuera por eso que pasaba el día haciendo preguntas a mi madre. Todo lo cual influyó de modo particular en la formación de mi carácter, de mi personalidad”, señaló Bárbara en una oportunidad.

Su futuro laboral, se supone, ya estaba marcado. Y, siendo una adolescente, trabajó junto al padre de su primer director, Leopoldo Torres Río, en los films Edad difícil (1956) y Demasiado Jóvenes (1958). Allí conoció a Oscar Rovito, quien luego se convirtió en su esposo y con el que trajo al mundo a sus dos hijos: Pablo y Gabriel. Sin embargo, en tiempos en los que no existía la ley de divorcio y la separación estaba “mal vista” por la sociedad, cuando se terminó el amor se animó a dar por concluida la relación. Y esto le valió muchas críticas de las revistas del corazón de la época, que la acusaron de haber abandonado a sus hijos. “A quien abandoné fue a mi ex marido. En cuanto a los chicos, dejé de verlos solamente cuando fuerzas superiores a las mías, es decir, la negativa de mi ex esposo en cuya casa vivían, me lo impidieron”, respondió en una entrevista.

Enseguida, Mujica que convirtió en una de las actrices fetiches del nuevo cine nacional, junto con Graciela Borges, Susana Freyre, Violeta Antier y Elsa Daniel. Hizo 16 películas entre las que se destacan La casa del ángel (1957), de Leopoldo Torre Nilsson; Quinto año nacional (1961) y Los que verán a Dios (1963), de Rodolfo Blasco; Las ratas (1963), de Luis Saslavsky; Los guerrilleros (1965), de Luca Demare; Los muchachos de antes no usaban arsénico (1976), de José Martínez Suárez; Gracias por el fuego (1984), de Sergio Renán; y Malayunta (1986), de José Santiso.

En 1965, se casó con el director Daniel Stivel, con quien compartió su vida hasta 1976. Por él, se dijo, había “dejado” a su ex, algo que por entonces parecía imperdonable. “Me enamoré de él porque mi matrimonio era un fracaso. Nuestros intereses vitales no se correspondían, porque las pocas cosas en común que teníamos cuando nos casamos, siendo adolescentes, se desgastaron en cinco años”, respondió frente a la prensa siendo una jovencita de 26 años. Y dejó les dejó en claro a los que pensaban que su actitud había sido “cruel”, que esa decisión los había terminado favoreciendo a ambos ya que, finalmente, habían podido encontrar la felicidad al lado de sus nuevas parejas.

Junto a Stivel, Mujica había hecho Hamlet en televisión, con Alfredo Alcón. Y, a partir de ese momento, se sumó al grupo Gente de Teatro, integrado por Norma Aleandro, Federico Luppi, Marilina Ross, Carlos Carella, Emilio Alfaro y Juan Carlos Gené. Los llamaban “el Clan Stivel”. Y se destacaron en cine, con Los herederos (1970), y en teatro, con El rehén y Todo el jardín, pero en especial en la pantalla chica, donde rompieron todas las reglas con el ciclo Cosa Juzgada (1969), que escribían autores de la talla de Griselda Gambaro, Roberto Cossa y Carlos Gorostiza.

“Fue un hecho muy importante para todos nosotros, no solamente en lo artístico sino también en lo personal. Pero siento pena de que de alguna manera se lo recuerde como algo que no se puede repetir. O como algo que no se puede superar. Porque eso habla también de la gran dificultad que tenemos para ver las cosas nuevas que se aportan. Y pareciera que no se hace nada mejor, que tampoco es cierto. Yo creo que fue muy importante en ese momento el lenguaje que apareció, porque creó un nuevo idioma en la televisión que hasta ese momento venía muy circunscripto a un solo estilo. Abrió una posibilidad, una veta nueva que después se retomó. Porque después vinieron cosas al estilo de Cosa Juzgada, tipo Los Miedos o Compromiso. Pero eso de que los equipos de actores haciendo programas dramáticos podían ser importantes, creo que es lo que creamos”, reflexionó Mujica, que a partir de este trabajo estuvo prohibida por la dictadura militar entre 1976 y 1983, en una entrevista que dio muchos años más tarde.

El amor tiene cara de mujer (1964), teleteatro que protagonizó durante cuatro temporadas junto a Rodolfo Bebán, Rodolfo Ranni y Soledad Silveyra, fue uno de sus éxitos más resonantes en la televisión. Aunque también se destacaron sus trabajos en Cuatro mujeres para Adán (1966), La dama de las camelias (1973), Alta Comedia (1973/1974), Ruggero (1983), Situación límite (1984), Duro como la roca frágil como el cristal (1985), Ficciones(1987) y el ciclo Atreverse y La Bonita Página (1990), entre muchos otros.

Nunca se tiñó el pelo ni se hizo cirugías estéticas. Ni siquiera, para encajar en los parámetros estéticos exigidos por los productores. Su último trabajo fue en Loraldia, el tiempo de las flores (1991), una película dirigida por Oskar Aizpeolea que se estrenó un año después de su muerte y le valió el Cóndor de Plata a la mejor actriz. “Creo que no soy una rebelde, pero tampoco me considero una burguesa”, decía de sí misma. Hoy se cumplen 35 años de su partida. Y sigue siendo una referente para sus colegas.

El plan de revitalización del Teatro Argentino se despliega en varias fases. La primera, que se materializará en agosto, contempla la inauguración del Foyer, un espacio polivalente y heterogéneo que funcionará como punto de partida para una programación original y sensible. Este Foyer, ubicado en Bartolomé Mitre 1448, ha sido concebido como un lugar de encuentro y exhibirá una oferta artística diversa.

Entre las más de 20 propuestas confirmadas destacan la presentación de Pepe Cibrián Campoy, la actuación del grupo Habana Tropic All Star Big Band, el espectáculo Un Tango Italiano y la propuesta En Lengua Viva de Mariano Magnífico. Además, el espacio albergará charlas, conferencias, cenas-show, sesiones de yoga y meditación, consolidando su carácter inclusivo y multidisciplinario.

La segunda etapa del proyecto está prevista para 2026, cuando se abrirá la Sala “Norma Aleandro”, que rendirá homenaje a la legendaria actriz argentina y contará con una capacidad superior a 700 personas. Esta sala principal se sumará a la infraestructura del complejo, que en su conjunto podrá albergar hasta 1.500 asistentes. El diseño arquitectónico y el equipo técnico han trabajado de manera coordinada para dotar al teatro de una infraestructura de primer nivel, con insonorización, acústica e iluminación de excelencia.

Según palabras de Diego Sebastián Oria, director artístico, “El Teatro Argentino es un espacio cultural en transformación que combina arte, comunidad y pensamiento contemporáneo. Reabrimos nuestras puertas con una nueva identidad, comenzando por el foyer como punto de partida para una programación original y sensible”. Oria también subrayó la intención de proyectar el teatro como un polo creativo para artistas emergentes y consagrados, con un compromiso simbólico y una mirada orientada al futuro. “Impulsamos experiencias artísticas transformadoras, creamos comunidad y trabajamos para construir un nuevo modelo de gestión cultural: más abierto, humano, colaborativo y vivo”, añadió.

La versatilidad del complejo se refleja en su capacidad para adaptarse a distintos tipos de eventos. La configuración de escenografía, escenarios y asientos permite la realización de conciertos, conferencias, exposiciones, ferias, muestras, teatro tradicional y espectáculos tecnológicos de vanguardia. El diseño arquitectónico incorpora una terraza con espacio gastronómico y área para actividades al aire libre, así como más de 200 cocheras y 200 departamentos para alquiler temporario, destinados a visitantes, compañías artísticas y expositores. Esta oferta convierte al Teatro Argentino en el primero y único en la región en brindar tales comodidades.

La reconstrucción se lleva a cabo en cumplimiento de la Ley Nº 14.800, que exige la edificación de una sala teatral cuando otra desaparece. Mariano Maioli, socio fundador de la compañía, expresó: “Es un honor para mí y mi familia poder ser parte de la historia grande de la cultura argentina y que hoy podamos abrir nuevamente el Teatro Argentino es un logro de todos”.

Matías Taverna, director de producción, explicó que “nuestro espacio busca atraer a un público que quizás todavía no llegó al teatro con un enfoque flexible y adaptable que permita a directores y productores materializar ideas disruptivas, abriéndonos a la diversidad de propuestas artísticas y a la unión del sector teatral”, afirmó.

[Fotos: Nacho Lunadei; prensa Teatro Argentino]

La Sala Ginastera del Teatro Argentino de La Plata será el escenario del cierre del 2.º Encuentro Latinoamericano de Orquestas LATE 2025, que reunirá a 300 jóvenes músicos de Argentina y otros ocho países de la región. El concierto, que se realizará este miércoles 23 de julio a las 14 horas, será gratuito y abierto al público.

El evento integra el Programa Coros y Orquestas Bonaerenses, impulsado por la Dirección General de Cultura y Educación de la Provincia de Buenos Aires, a través de la Dirección de Políticas Socioeducativas. En esta edición, participan jóvenes provenientes de Bolivia, Brasil, Colombia, Ecuador, Paraguay, Perú, Uruguay y Venezuela, junto a músicos locales.

La programación incluirá obras académicas y populares, interpretadas por los jóvenes participantes y artistas invitados, como Lucas Yasar, Marian Betervide y Silvia Gómez.

El encuentro promueve la integración regional y destaca el rol de las orquestas juveniles como espacios de formación artística, inclusión social y fortalecimiento de la comunidad. La iniciativa busca favorecer el intercambio cultural y potenciar el acceso a la educación musical para niñas, niños y adolescentes.

La versión de Cyrano que dirige y adapta Willy Landin comenzará su recorrido en el Teatro El Círculo de Rosario los días 10, 11 y 12 de julio, continuará en Santa Fe en el Teatro Municipal 1º de Mayo el 18, 19 y 20 de julio, seguirá en Mendoza en el Teatro Mendoza el 7, 8, 9 y 10 de agosto, y llegará a Córdoba en el Teatro Libertador el 14, 15, 16 y 17 de agosto.

La pieza, que narra la historia del célebre personaje de nariz prominente y secretamente enamorado de su prima Roxane, ha logrado cautivar a públicos de todas las edades gracias a la interpretación de Gabriel Goity, reconocido recientemente con el Martín Fierro de Oro de Teatro. El espectáculo, pensado para toda la familia, se presenta como una superproducción que desafía las apariencias a través de una historia de amor y sacrificio. El elenco que acompaña a Gabriel Goity incluye a María Abadi, Mariano Mazzei, Horacio Acosta, Daniel Miglioranza, Larry De Clay, Fernando Lúpiz, Pacha Rosso y María Rosa Frega entre otros.

La experiencia personal y la pasión por el teatro clásico motivaron la interpretación de Cyrano por parte de Goity, quien describió su vínculo con el personaje como una relación de ”amor y valentía". Según respondió, Cyrano sirve tanto de vehículo para recitar el verso alejandrino original como de excusa para compartir vivencias propias: “Vas a ver a Cyrano y a escuchar el texto alejandrino, pero lo que te voy a contar es mi vida, escondida, o no tanto… pero cuando esté recitando, voy a estar contando mi dolor, mis alegrías, mis frustraciones, mi amor, todo en la estructura de un verso alejandrino. Pero te voy a contar mi historia, quién era mi abuelo, mis amores y desamores, mis dolores, mis amigos, los que están y los que no están”.

A la hora de imprimir su propio sello en la obra, el intérprete destacó que la principal dificultad radica en encarnar una pieza no contemporánea, cuyo lenguaje y estructura resultan ajenos a muchos públicos actuales. Señaló que en décadas previas, como en 1977, el público estaba más habituado a la poesía y a escuchar textos complejos, pero hoy considera que estas obras han quedado en manos de una minoría. “Hoy es patrimonio de una elite... ¡Que también es una cagada! ¡Y eso es culpa nuestra, es culpa nuestra!, no del público. Porque los actores tendemos a ser elitistas. Nos llenamos la boca con ‘lo popular’, pero después decimos: ‘no, eso no lo hago y aquello tampoco’”.

La historia de ‘Cyrano’

Desde su estreno en 1897 en el Théâtre de la Porte-Saint-Martin de París, el éxito de Cyrano de Bergerac ha ido en aumento, hasta convertirlo en uno de los personajes teatrales más reconocidos. La obra, inspirada libremente en la vida de Cyrano de Bergerac, un singular escritor y filósofo gascón del siglo XVII, fue escrita por Edmond Rostand, quien, pese a su escasa fortuna previa, creó un drama de capa y espada repleto de romanticismo. El protagonista, descrito como “un personaje inolvidable, lleno de contrastes, hábil con la espada y con la palabra, capaz del sacrificio más grande”, se transformó en un verdadero héroe del teatro francés.

[Fotos: Gustavo Gavotti/prensa CTBA]

Era un personaje entrañable. Tan talentosa como divertida: daba tanto gusto verla actuar como escucharla condimentar sus anécdotas en una charla distendida con algún conductor. Por eso, ese 8 de julio de 2006, cuando falleció a los 80 años después de pasar varios días internada en la Clínica Trinidad a raíz de una neumonía, todo fue tristeza en el espectáculo del país que había elegido como propio, Argentina. y de cada lugar del mundo que visitó. Ella era Ana María Campoy. Y su recuerdo seguirá presente por siempre.

“En la vida hay que decir ‘Bendito sea Dios’. Porque no hay mal que por bien no venga. No hay que ser colérico. La vanidad no sirve para nada. Y el ego hay que alimentarlo en la medida que no te explote”, decía para tratar de explicar su optimismo desmedido. Y, aunque reconocía que la gente aprendía de grande a disfrutar de lo cotidiano, aseguraba que estaba en cada uno saber aprovechar el tiempo que le quedara por delante: “Yo por eso me duermo tan tarde, del placer de lo que estoy viviendo. Caigo dormida cuando ya no puedo más. Y, una vez que me despierto, me alegro de poder dibujar el día en un papel blanco que tengo. Si llueve, pienso en lo lindo que es el pasto húmedo. O veo que brotó una flor. Y me pongo bien”.

Por esas cosas del destino, había nacido en Bogotá, Colombia, el 26 de julio de 1925. Era hija de dos españoles, el actor Ernesto Campoy y la actriz Anita Tormo, de quienes heredó su pasión por el teatro al igual que su hermana, Carmen Campoy. La primera vez que se subió a un escenario tenía apenas 4 años y lo hizo en la compañía de teatro familiar de Málaga, en la tierra de sus padres. “Salí a jugar, a hacer monerías. Para mí no hay otra profesión. Puedo decirlo con conocimiento de causa. A pesar de la incertidumbre, este oficio tiene el privilegio de la esperanza. Una sabe que todo es posible”, señaló al recordar ese momento. A los 12, en tanto, debutó en cine con el film Aurora de una esperanza (1937). Y, desde entonces, no paró de trabajar.

La madre guapa (1941); Tuvo la culpa Adán (1944); Ella, él y sus millones (1944); y Tierra sedienta (1945), fueron solo algunas de las 17 películas que hizo en España. Y luego, al igual que sus progenitores, siguió viajando por el mundo filmando en Portugal y en México, entre otros países. Hasta que, en 1947, conoció en tierra azteca al hombre de su vida: el actor y director argentino José Pepe Cibrián. “Me buscó con el pretexto de hacer una temporada de teatro. Subió a mi departamento con un saco azul, el rostro bronceado y con unos dientes que no se podía creer. Guapísimo. Fue amor a primera vista”, reconoció Campoy. Con él se casó en Guatemala. Y, en 1948, dio a luz a su primer hijo, al que todos conocieron como Pepito y hoy es un artista consagrado.

Después de recorrer teatros de distintas latitudes ofreciendo obras clásicas, en 1949 Ana María y Pepe decidieron radicarse en la Argentina. Ella estaba feliz. No solo porque estaba cansada de sufrir las consecuencias de la guerra y la posguerra europea, sino también porque desde el primer minuto se enamoró de este país. “Recorrí toda América para saber cuál era el lugar ideal para vivir. Todo era bonito, pero no era la tierra prometida”, decía ya instalada con su familia en Buenos Aires, donde fue recibida por su amiga Tita Merello. Y tras su primera recorrida por la noche porteña junto a la cantante le dijo a Cibrián que no se iba a ir a ningún otro lado. Años después recordaría lo que más la había asombrado: “¡Había vidrieras con bifes de chorizo!“.

El reconocimiento de sus pares y del público fue inmediato. Y la Campoy sentía que no podía pedirle nada más a la vida cuando su marido la sorprendió con una propuesta que no se esperaba. Era una oferta para trabajar en televisión, un medio hasta entonces desconocido que todavía no contaba con grandes presupuestos. Ella, al principio, dudó. “¡Es todo tan amateur! Y la paga es insignificante...”, decía acostumbrada a trabajar junto a grandes profesionales y con un buen cachet. Pero Cibrián estaba seguro de que su futuro estaría ligado a este nuevo invento y la convenció de firmar un contrato para debutar en Canal 7.

Corría el año 1951 cuando Ana María y Pepe se convirtieron en los protagonistas de Néstor Villegas vigila, una serie de misterio de quince minutos que se emitía en vivo y que, dado el éxito, a los pocos meses se transformó en el Teleteatro de suspenso que llegó a durar una hora por capítulo. Para entonces, la pareja ya se había familiarizado con el manejo técnico de la televisión. Y sus programas se convirtieron en un clásico de la pantalla chica, con títulos como Cómo te quiero, Ana o Cómo te odio, Pepe, entre otros.

En 1959 nació el segundo hijo del matrimonio, Roberto, quien no siguió el legado familiar y se dedicó a la arquitectura. Para entonces, ya estaba más que claro que Campoy no tenía intención de mudarse a otra parte. Nunca abandonó, sin embargo, su tonada y sus modismos españoles. Pero se sentía inmensamente argentina y así lo demostró. Además de sus trabajos en cine y teatro, siguió destacándose en televisión gracias a ciclos como Chau, amor mío, Compromiso, El infiel, La cuñada y La extraña dama, por mencionar algunos. Y, entre los premios que recibió, se destacan el Martín Fierro a la trayectoria que obtuvo junto a su esposo en 1992, uno por su programa La Campoy en 1994 y el Konex de Platino como Actriz de Comedia de la década, en 1981.

Cuando en 1990 Cibrián sufrió un derrame cerebral, ella tuvo que limitar su trabajo para poder cuidarlo. El actor y director pasó muchos años recluido en su casa de Belgrano hasta el 28 de diciembre de 2002, cuando murió a los 86 años. Durante ese tiempo Ana María se mostró poco, aunque participó de algunos ciclos como Stress y Soy Gina. Luego, además de algunas actuaciones en tiras como Dr. Amor, siguió dando clases de teatro en la escuela que ella misma había creado en el Teatro del Globo, hasta un mes antes de su fallecimiento que puso de luto a toda la farándula local e internacional, donde dejó un huella imborrable.

La Orquesta Estable del Teatro Argentino, bajo la dirección de Carlos David Jaimes, será la encargada de rendir tributo a la artista con versiones sinfónicas de los temas que ella popularizó. El programa incluirá arreglos y orquestaciones de Julián Caeiro y Pablo Marino, y contará con la participación de músicos y cantantes invitados: la pianista Fernanda Morello, el armonicista Franco Luciani y los vocalistas Flor Bobadilla Oliva, Tomi Llancafil, Javi Caminos y Maitén Piedra.

El concierto se estructurará en diferentes secciones, entre ellas la Obertura, la Suite para piano y orquesta sobre Mujeres argentinas de Ariel Ramírez, la Suite para orquesta sobre canciones del repertorio de La voz sudamericana y la Suite para armónica solista y orquesta La voz de su tierra. Cada una de estas partes incluirá una selección de obras emblemáticas que Mercedes Sosa llevó a la fama, permitiendo al público revivir su legado a través de una interpretación orquestal.

Las entradas para este homenaje serán gratuitas y podrán reservarse de manera online a partir de este viernes 4 de julio, mediante la página web y las redes sociales del Teatro Argentino. Además, las personas mayores de 65 años tendrán la posibilidad de acceder a un cupo especial de tickets de forma presencial, este viernes hasta las 18, presentando su DNI en la boletería del teatro.

Mercedes Sosa fue una de las voces más emblemáticas de la música latinoamericana. Nacida en Tucumán el 9 de julio de 1935 dedicó su carrera a interpretar y difundir el folclore tradicional y la nueva canción. Su estilo se caracterizó por la profundidad interpretativa y el compromiso social presente en su repertorio. Sosa colaboró con artistas de distintos géneros y nacionalidades, consolidando su figura en escenarios internacionales. Su presencia marcó un puente entre la cultura popular y la defensa de los derechos humanos.

A lo largo de su trayectoria, Mercedes Sosa grabó más de cuarenta discos y ofreció conciertos en numerosos países, expandiendo la influencia de su música. Su voz grave y poderosa se transformó en símbolo de resistencia durante los años de represión en América Latina. Canciones como “Alfonsina y el mar” y “Solo le pido a Dios” se volvieron himnos. Reconocida por su capacidad para emocionar y unir públicos diversos, dejó un legado artístico que trasciende generaciones. Mercedes Sosa es recordada como “La voz de América”.

[Fotos: prensa Teatro Argentino de La Plata]

El gobernador de la provincia de Buenos Aires, Axel Kicillof, encabezará este jueves un acto en el Teatro Argentino de la ciudad de La Plata en el que se espera que haya un nuevo pronunciamiento en pos del desdoblamiento electoral. La particularidad es que será mientras la Cámara de Diputados bonaerense discutirá la suspensión de las elecciones Primarias en PBA y la posibilidad de que se termine imponiendo una concurrencia electoral, algo que afecta los planes que tiene el Ejecutivo de cara a la elección legislativa de este año.

El gobernador estará a cargo del el acto de cierre del ciclo de charlas “Debates del Futuro” en el Teatro Argentino de La Plata, ubicado en avenida 51 entre 9 y 10. Será a partir de las 15 horas. A escasos metros, en avenida 53 entre 7 y 8, la Cámara de Diputados buscará -a la misma hora- suspender las elecciones Primarias. Eso es lo que espera el Ejecutivo, pero los planes no están tan en sintonía. Es que a la discusión por la suspensión de las PASO asoma la posibilidad de que en la sesión también se aplique un régimen concurrente a la elección general de este año. Algo que pidió el kirchnerismo con un proyecto propio en el Senado impulsado por la jefa del bloque de Unión por la Patria, Teresa García. La iniciativa va a contramano de lo que desea el gobierno provincial, que sostiene que el desdoblamiento es lo más adecuado para enfrentar el cronograma electoral y que ese desenganche de fecha tiene establecer que la elección provincial sea antes que la nacional.

Para llegar a esa instancia se necesitan los dos tercios de los votos de un cuerpo de 92 integrantes. Hasta entrada la noche de este miércoles, según pudo recabar Infobae, esa condición no se alcanzaba y el peronismo —repartido entre el kirchnerismo y el Frente Renovador— no lograba incluir la concurrencia en el texto a votarse. Todo, sin embargo, es minuto a minuto y en el correr de este jueves hasta que se retome la sesión puede darse vuelta la historia. “Parece que festejan en gobernación”, insinuaba ayer un legislador de la oposición que observa los cruces a cielo abierto que protagonizan camporistas y axelistas en distintas esferas. El “festejo” sería porque no se discute el proyecto para hacer concurrente la elección y el mandatario anunciaría el desdoblamiento en los próximos días.

En este contexto, Kicillof cerrará el acto en el Teatro Argentino. La jornada contará con presencia de los ministros políticos más cercanos al mandatario, como así intendentes. Según la organización del encuentro tendrán lugar, en la primera fila, el ministro de Desarrollo de la Comunidad, Andrés Larroque; el ministro de Gobierno, Carlos Bianco; el intendente de La Plata, Julio Alak —que además será uno de los oradores—. Estarán sobre el escenario, Kicillof junto a la vicegobernadora, Verónica Magario y el Subsecretario de Economía Social y coordinador nacional de Barrios de Pie, Daniel Menéndez, que fue el organizador del ciclo de charlas que hoy culmina con la palabra de Kicillof.

Se espera que el gobernador trace un balance de su gestión y que confronte contra las políticas del gobierno nacional a cargo de Javier Milei. De hecho, en la previa, Menéndez, destacó que “cerramos un ciclo donde pusimos en valor los ejes y las tareas que se realizan desde el equipo de Axel en la provincia de Buenos Aires. Son políticas públicas antagónicas a las del gobierno de Milei, y que construyen un escudo para todos los bonaerenses. Tenemos el desafío, a través de las ideas que se expresan desde la gestión, de construir la esperanza que necesita nuestro pueblo”.

Pero algunos de los dirigentes que estarán presentes en el Teatro se animan a arriesgar que el gobernador podría marcar algunas precisiones sobre cómo afrontar el calendario electoral. “No tengo claro que es lo que va a decir, pero evidentemente lo va a usar como tribuna para que elípticamente tirar algún mensaje. No creo que sea un lugar donde anuncie el desdoblamiento, pero no lo descarto”, consideró un funcionario provincial que se sentará a escuchar a Kicillof este jueves.

Algunos sectores referenciados en el axelismo convocaron al acto que se llevará adelante en la Sala Ginastera, la principal del complejo artístico, que tiene una capacidad de 1.780 espectadores en plateas y tres niveles de palcos y galerías. “Este jueves nos vemos en La Plata para escuchar a Axel y seguir encendiendo la esperanza”, fue la invitación que emanó desde las redes del Movimiento Derecho al Futuro, el espacio que creó Kicillof para pararse desde una estructura propia en la discusión interna del peronismo. Este jueves 3 de abril podría ser otro punto de inflexión.

Murió a los 97 años, el 20 de febrero de 2012. Pero no hacía mucho que había dejado de trabajar. Para Lydia Lamaison, su profesión era mucho más que un medio de vida. Era su vida. Así que disfrutaba de poder actuar, ya sea interpretando a las mujeres más buenas como a las peores malvadas del cine, el teatro y, fundamentalmente, la televisión. Alta comedia, Muchacha italiana viene a casarse, Rosa...de lejos, Hay que educar a papá, Situación Límite, Celeste siempre Celeste, Nano, Zingara, Muñeca Brava, Son amores y Collar de Esmeralda son solo algunas de las tantas ficciones de las que participó.

Había nacido el 5 de agosto de 1914 en Mendoza. Pero creció en Buenos Aires, en el barrio de Monserrat, donde un día visitando el convento de Avenida Independencia y Salta fantaseó con la idea de ser monja. “Era una vida linda, con tiempo para leer y estar sola”, dijo sobre ese impulso de su pubertad. Pero la realidad es que el destino tenía otros planes para ella. Y no sería, justamente, el de ser esposa y madre como se podía esperar para las damas de la época.

Su primer acercamiento al arte llegó de la mano de la música. Después de estudiar guitarra durante una década, se presentó en el Café Tortoni donde fue presentada ni más ni menos que por Alfonsina Storni. “Toqué Asturias, de Albérniz, y después seguí yendo. A esa peña iban personas que yo miraba con admiración, como Norah Lange, Jorge Luis Borges y Quinquela Martín. Incluso, llegué a ver ahí a Federico García Lorca. Pero, desgraciadamente, dejé de tocar. Esa es una de las cosas que nunca me perdoné. Dejé todo por el teatro”, comentó en una oportunidad.

De todas formas, en su juventud Lydia no pudo escapar de los mandatos sociales. Se recibió de maestra de escuela y estudió filosofía y letras, como si tuviera la intención de tener una vida “normal”. Sin embargo, a mediados de la década del ‘30 empezó a presentarse en audiciones teatrales. Su primera oportunidad sobre las tablas llegó de la mano de la compañía Juan B. Justo. Fue elegida para protagonizar Cándida. Y luego siguió con Marie Curie, en la compañía Blanca Podestá, trabajo por el que recibió el premio como Actriz Revelación, para luego continuar con obras como Perdidos en Yonkers, Los Físicos, Doña Disparate y Bambuco, Ollantay, Biógrafo y Pasajeras.

Habiéndose consagrado ya como actriz de teatro, tuvo un paso muy importante por la pantalla grande. Alas de mi patria, La Caída, Un guapo del 900, En mi casa mando yo, La fiaca, Pasajeros de una pesadilla, La puta y la ballena y Mentiras piadosas fueron solo algunas de las más de 25 películas que hizo a lo largo de su carrera. Pero, sin lugar a dudas, la popularidad la ganó gracias a su trabajo en las telenovelas, con las que entró a los hogares de todos los argentinos y logró alzarse con tres Premios Martín Fierro y una placa en honor a su trayectoria, entre muchos otros reconocimientos que incluyen un Konex de Platino y el nombramiento como Ciudadana Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires.

Tenía 33 años cuando se casó -“de grande” según sus propias palabras- con el actor Oscar Soldati. Quedó viuda en 1982. Ese fue el único amor que se le conoció y nunca tuvo hijos. “Me hubiera gustado tener hijos, pero tengo sobrinos, sobrinos nietos y sobrinos bisnietos. Para mí esa burrada de que las mujeres si no son madres no están realizadas es absurda. Me siento muy bien así”, decía Lydia cuando le preguntaban por la maternidad que había postergado por su carrera.

Sin embargo, ella nunca renegó de su situación. Al contrario. “Parece cruel lo que digo, pero no sé lo que es sentir soledad como una carga. No sé lo que es el aburrimiento. Me gusta estar sola. No soy nada nostálgica. No vivo de mis recuerdos. Selecciono”, decía. Y explicaba lo que, quizá, era el secreto de su felicidad: “Trato de vivir el presente de la mejor manera y de hacer un espacio para el ocio, a pesar de que trabajo mucho. Cuando no hago nada, hago exactamente eso: nada. Creo que sí, que fui una avanzada para la época”.

Su trabajo le había permitido ponerse en la piel de muchas mujeres y vivir las más diversas vidas. Así que, sin dejar que los aires de diva se le subieran nunca a la cabeza y habiendo atravesado situaciones difíciles como la prohibición de la que fue víctima durante el peronismo y el hecho de estar incluida en las listas negras de la dictadura, había logrado su objetivo ser una distinta. “Parezco una señora muy protocolar, pero no lo soy. No soy muy diplomática. A mí me molestan mucho la injusticia y la discriminación. Y en este país hay mucha discriminación aunque no se diga. Discriminación hacia los que tiene menos, hacia las mujeres...”, decía.

Más allá de las arrugas que nunca quiso borrar de su rostro con ninguna cirugía estética, tenía un estado físico envidiable. Si hasta algunos compañeros la vierono bailando sobre una mesa en alguna fiesta de fin de grabación. Y todos querían saber su fórmula. “Como sano y he tenido siempre una gran salud. Esa es mi gran fortuna. pero no todo el mundo tiene training para hacer televisión como tengo yo. Parecería que por pose digo que no me canso. Pero no me canso. No sé lo que es el estrés. Dicen que las actrices después de que pasan los 40 años no tienen trabajo. Pero a mí me pasa lo contrario”, contaba Lamaison.

Sus problemas físicos habían comenzado en 2011, cuando sufrió una obstrucción intestinal que la había dejado muy debilitada. Hasta el 2008, había estado trabajando en Mujeres de nadie. Pero después se fue retirando de la actuación por pequeños achaques típicos de la edad y su cuadro se fue complicando hasta su muerteeñ 20 de febrero del 2012. “Amo la vida. Quiero entrar en el Guinness”, decía en sus cumpleaños. Y lo fundamentaba: “No sólo por mi vocación, sino por todo. La vida tiene tanto para ofrecerte, como estudiar, trabajar, moverse, viajar, leer, opinar. Puedo recordar, pero vivo hoy. Y si el futuro viene, que venga. Esa es una manera interesante de vivir”.

Ana Milena Varón

Los Ángeles, 25 oct (EFE).- Luciano Cáceres se lanza por primera vez a la conquista del público de Estados Unidos, tras 36 años de carrera en las tablas, la televisión y el cine argentino, con el monólogo ‘Muerde’, una historia con la que espera que la audiencia se sienta identificada.

Desde hace un año, Cáceres encarna a René, un hombre abandonado por su madre al nacer y dejado a los 10 años por su padre en un taller de carpintería, donde adquiere la capacidad de ver en la oscuridad, algo que lo hace diferente y que es usado por la gente del pueblo donde vive.

En entrevista telefónica con EFE, el actor, nacido en Buenos Aires, cuenta que su personaje es un hombre físicamente, pero su mente y espíritu quedaron atrapados en la niñez, lo que le hace vulnerable ante la gente del pueblo y obliga a moverse de noche, en las sombras.

“Creo que el público en Estados Unidos podrá encontrar en esta obra y en este personaje algo de sí mismo, porque ¿quién no se ha sentido diferente en algún momento? ¿quién no se ha sentido discriminado, no ha sufrido un abandono, una pérdida o ha sido usado y manipulado?”, ahonda en la entrevista Cáceres, de 47 años.

Escrita y dirigida por Francisco Lumerman, ‘Muerde’ es una de las obras más premiadas del teatro argentino de la pasada década. Entre los últimos galardones que ha recibido la pieza de teatro se destacan el Premio de la Escuela de Espectadores de Buenos Aires en el 2023 y el Premio Estrella de Mar en el 2024.

El monólogo fue incluido entre las obras que Club Media Network, dedicada a difundir teatro en español en EE.UU.,  trajo este año al país y se une a una cartelera con producciones con talento local.

Cáceres, que hace teatro desde los once años, resalta que el éxito de la obra radica en que “está planeada para estar muy cerca del público”, lo que le permitirá al personaje tener  “una comunión” con la audiencia hispana.

El actor, reconocido por las decenas de telenovelas, series y filmes en los que ha participado, dice que el sugestivo monólogo es también una obra de suspenso policial que seguramente atrapará al público.

“René aparece con las manos llenas de sangre y la obra tiene una línea secundaría que invita al público a explorar quién es la víctima, si es que la hay, y qué tan comprometido está este personaje con este crimen”, adelanta el actor.

Cáceres confiesa que está emocionado por traer propuestas en español a Estados Unidos. “Son primeros pasos, pero tenemos que hacerlo, no puede ser que tanto tiempo hemos consumido historias en otro idioma, como lo hacemos en el terreno audiovisual, y no contar nuestras historias en nuestro idioma”.

‘Muerde’ se presenta este sábado en el Tower Theater de Miami, el 29 y 30 de octubre en The Producers Club de New York, y el 2 de noviembre en el Promenade Playhouse de Los Ángeles, donde Cáceres cierra la gira.

“Más allá de nuestro modismos y de la musicalidad de cada región nos podemos entender en nuestro idioma, el español, así que espero que esta sea la primera de muchas en donde podamos ofrecer más obras de calidad”, puntualizó el actor y director argentino. EFE

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¡Hoy en cartelera!: Diálogos del cine y el teatro en 101 afiches, muestra que inaugura este martes 5 de noviembre a las 18:30 en la Casa Nacional del Bicentenario –Riobamba 984, CABA–, con entrada libre y gratuita, se extenderá hasta el 15 de diciembre. Por primera vez en el país se realizará una exhibición que ofrece un recorrido visual sobre la evolución del diseño gráfico aplicado al cine y al teatro de Argentina.

Organizada por el Mercado de Industrias Culturales Argentinas (MICA), a través de su línea MICA Conecta Audiencias, de la Subsecretaría de Promoción Cultural y Artística de la Secretaría de Cultura, la exhibición tendrá lugar durante más de un mes en el que se podrá participar de actividades como talleres, recorridos y un conversatorio. A través de un centenar de afiches, el proyecto curatorial recorrerá los últimos cincuenta años de la comunicación visual del cine y el teatro argentino, en los que se podrá observar cómo el diseño gráfico ha sido una pieza clave para narrar su identidad.

El evento no solo se centra en la exposición de afiches, sino que también incluye talleres y conversatorios que permitirán a los asistentes profundizar en el papel del diseño gráfico en la industria cultural. Más de 25 diseñadores han colaborado con fotógrafos, ilustradores y tipógrafos para crear estas piezas, reuniendo el trabajo de más de 50 profesionales que han dado vida a las obras de más de 100 directores de cine y teatro.

Una sección especial de la muestra rinde homenaje a Edgardo Giménez, un referente en la gráfica teatral argentina, cuyo trabajo en los años 80 marcó un hito en la comunicación visual del sector. Este tributo resalta su influencia y legado en el diseño gráfico teatral.

Participan: Alejandro Ros, Andrés Mendilaharzu, Boogieman Media, Bordenave & Cardinali, el Departamento de Diseño del Teatro General San Martín, el Departamento de Diseño Teatro Nacional Cervantes, Diego Berakha, Diego Heras, Edgardo Giménez, Estudio Lelime, Estudio Trineo, Ezequiel Black, Florencia Bembihy, Gabriela Kogan, Johanna Wolf, Juan Lo Bianco, Leandro Ibarra, Marcelo Granero, Martín Gorricho, Martín Lehmann, Nicolás Risso, Pablo Bologna, Romina Del Prete y Renata Schussheim, entre otros profesionales de la comunicación visual.

Programa

• Martes 5 de noviembre, a las 18:30: Inauguración de la muestra de 101 afiches históricos y contemporáneos de obras de teatro y películas argentinas
• Sábado 9 de noviembre, de 20 a 23, taller Manos al afiche, collage colaborativo por Render Martínez , artista, ilustrador, collagista y diseñador argentino, y el público. En el marco de La Noche de los Museos, se creará, en un espacio abierto, una gran pieza gráfica colectiva utilizando imágenes, recortes, y otras herramientas compositivas para fusionar ideas y estilos en un collage único. El espacio será libre para quienes quieran sumarse y no se necesita experiencia previa.
• Sábado 9 de noviembre, de 22 a 1, Activación Performática Guiada. En el marco de La Noche de los Museos, el colectivo performático Lindalinda, dirigido por Natalia Chami y Romina Zak, sorprenderá con recorridos desopilantes en el museo a mitad de la noche. Con un estilo único, mostrarán diferentes formas de ver las historias detrás de cada película u obra de teatro, con el humor y la emoción que los afiches de esta muestra despiertan. Una experiencia imperdible.

• Miércoles 13 de noviembre, de 18.30 a 20. Recorrido guiado El Oficio del Afiche. Nicolás Risso propone una recorrida guiada. Acompaña Natalia Viñes. La propuesta invita a acercarse al proceso creativo detrás de la creación de los afiches exhibidos en la exposición a través de la mirada y experiencia de Nicolás Risso, diseñador gráfico en Risónico y docente en FADU-UBA. Desde la concepción de la idea hasta su materialización final, se abordarán las técnicas, decisiones y relatos que dan forma a estos proyectos visuales, una oportunidad para descubrir cómo una idea evoluciona hasta convertirse en una obra gráfica.
• Miércoles 20 de noviembre, de 17 a 20, taller De la palabra a la imagen, la tipografía en acción. Taller de experimentación tipográfica aplicada al diseño de afiches que explora la palabra escrita en su dimensión expresiva y poética, que trasciende el rol informativo para imprimir carácter, emoción y significado. Un viaje por la selección de fuentes y los usos tipográficos que transforman la lectura y la percepción de los mensajes visuales. Destinado a estudiantes de Diseño Gráfico, ilustradores y otros interesados en la producción de afiches para las Industrias Culturales. Con inscripción previa en este enlace. Coordina Paula Rodríguez de Trineo, diseñadora gráfica formada en la FADU-UBA.

• Miércoles 27 de noviembre, de 17 a 20, taller No hay banda, y aun así escuchamos una banda, taller de afiches de películas a partir de sus bandas sonoras, coordinado por Leandro Ibarra, diseñador gráfico de FADU-UBA que se formó en pintura, música, fotografía, historia del arte, filosofía y teatro con reconocidos maestros. La invitación es ingresar al mundo cinematográfico y su vínculo con los posters desde un abordaje que parte desde el sonido hacia la construcción de la imagen. Se trata de la realización de un afiche a partir de los universos sonoros y conceptuales de las películas y sus bandas musicales. Será un juego de traducción: a partir de una sonoridad, se propondrá imaginar gestos, trazos y comportamientos compositivos para producir un afiche a mano. Destinado a estudiantes de Diseño Gráfico, ilustradores y otros interesados en la producción de afiches para las Industrias Culturales. Con inscripción previa en este enlace.
• Miércoles 4 de diciembre, de 17 a 20, taller La chispa inicial –el comienzo de un afiche–. A través de un recorrido inicial teórico se analizará la historia de los afiches de cine, a través de ejemplos y principales referentes. Luego se pasará a una instancia práctica donde los participantes podrán bocetar con diferentes técnicas manuales un principio de cartel. Para finalizar, se destinarán unos minutos para el análisis y el debate entre los participantes. Destinado a estudiantes de Diseño Gráfico, ilustradores y otros interesados en la producción de afiches para las Industrias Culturales. Requiere inscripción previa. Andrés Mendilaharzu, es diseñador gráfico y artista plástico especializado en desarrollo de imagen para cine y teatro, sobre todo, en el ámbito independiente.

• Miércoles 11 de diciembre, de 18:30 a 20, conversatorio: “El poder del cártel: Mujeres que iluminan la calle Corrientes”. Participantes: Gabriela Kogan (diseñadora gráfica), Alejandra López (fotógrafa) y Johanna Wolf (diseñadora gráfica), modera Natalia Viñes. Una conversación junto a las protagonistas de los afiches de las obras más reconocidas del circuito comercial del teatro de Buenos Aires. El diálogo se dispone para dar a conocer el proceso creativo de las estrategias comunicacionales abordadas por sus protagonistas.

Fotos: Gentileza prensa de la muestra.

El Palacio Libertad fue el escenario de la 14° edición de los Premios Hugo, donde se reconocieron las mejores producciones de teatro musical estrenadas entre el 1° de agosto de 2023 y el 31 de julio de 2024. La ceremonia, transmitida por la Televisión Pública tuvo la conducción a cargo de Florencia Peña, junto a Pablo Gorlero y a Ricky Pashkus. Además, hubo números musicales de las obras que estaban nominadas.

El musical “Cuando Frank conoció a Carlitos” resultó el gran ganador de la noche, con siete premios: “mejor musical”, “dirección musical”, “libro de musical argentino”, “arreglos musicales”, “escenografía”, “dirección general” (compartido con “School of Rock”) y “actor protagónico” (también compartido con “School of Rock”). La obra, dirigida por Natalia del Castillo y con dirección musical de Nico Posse, narra el encuentro ficticio entre Carlos Gardel y un joven Frank Sinatra en 1934. La producción se estrenó en el Teatro Presidente Alvear y actualmente se presenta en el teatro Astral.

Otra obra destacada fue “Las mujeres de Lorca”, que ganó en la categoría Mejor Music Hall, Café Concert y/o Varieté Musical. Este musical, basado en personajes y textos de Federico García Lorca, fue creado por Marisé Monteiro y dirigido por Nacho Medina. La interpretación de Ana María Cores en esta obra le valió el premio a Mejor Actuación Femenina en Music Hall, Café Concert y/o Varieté Musical.

“School of Rock”, una adaptación del éxito cinematográfico de 2003, también fue reconocida en varias categorías. Ariel del Mastro y Natalia del Castillo compartieron el premio a Mejor Dirección por esta producción, que además recibió el galardón a Mejor Producción Integral. Agustín “Soy Rada” Aristarán fue premiado por su actuación protagónica en esta obra, que destaca por su elenco de jóvenes talentos que actúan, cantan y tocan instrumentos en vivo.

En la categoría Mejor Musical Off, el premio fue para “Atte. tus vecinos”, con letras de Joaquín Scotta y Juan Pablo Schapira. La dirección de Rubén Viani también fue reconocida en esta categoría.

La Asociación Civil Premios Hugo, creada por Ricky Pashkus y Pablo Gorlero, tiene como objetivo estimular y reconocer todas las formas de teatro musical en Argentina. Los premios llevan el nombre de Hugo Midón, en homenaje a uno de los maestros más importantes del género.

Entre los invitados a la ceremonia se encontraban figuras destacadas del espectáculo como Florencia Peña, Laurita Fernández, Ángela Leiva, Lizy Tagliani y Mario Pasik, entre otros.

La lista completa de premiados incluyó categorías como Mejor Coreografía, que fue compartida por Vanesa García Millán por “Rent” y Verónica Pecollo por “Mamma Mia!”, y Mejor Dirección Vocal, otorgada a Eugenia Gil Rodríguez por “Rent”. En el ámbito infantil y juvenil, “El Principito” y “Lexi, hablemos de dislexia” fueron reconocidos en varias categorías.

La ceremonia de los Premios Hugo no solo celebra el talento y la creatividad en el teatro musical, sino que también busca fomentar la formación y el perfeccionamiento profesional en este campo, contribuyendo al crecimiento y desarrollo de las artes escénicas en Argentina.

Ganadores Premios Hugo 2024

Mejor Musical: Cuando Frank conoció a Carlitos

Mejor Music Hall, Café Concert y/o Varieté Musical: Las mujeres de Lorca

Mejor Musical Off: Atte. tus vecinos

Mejor Dirección: Ariel del Mastro (School of Rock) y Natalia del Castillo (Cuando Frank conoció a Carlitos)

Mejor Coreografía: Vanesa García Millán (Rent) y Verónica Pecollo (Mamma mia!)

Mejor Dirección Musical: Nico Posse (Cuando Frank conoció a Carlitos)

Mejor Libro De Musical Argentino: Raúl López Rossi - Gustavo Manuel Gutiérrez (Cuando Frank conoció a Carlitos)

Mejores Letras de Musical: Joaquín Scotta - Juan Pablo Schapira (Atte. tus vecinos)

Mejor Adaptación y/o Traducción de Libro y Letras: Natalia del Castillo - Tato Fernández (School of Rock)

Mejor Música Original: Nacho Medina (Las mujeres de Lorca)

Mejores Arreglos Musicales: Nico Posse (Cuando Frank conoció a Carlitos)

Mejor Actuación Protagónica Masculina: Agustín “Soy Rada” Aristarán (School of Rock) y Alan Madanes (Cuando Frank conoció a Carlitos)

Mejor Actuación Protagónica Femenina: Florencia Peña (Mamma Mia!) y Laurita Fernández (Legalmente rubia)

Mejor Actuación Masculina en Music Hall, Café Concert y/o Varieté Musical: Joaquín Catarineu (Tin Pan Alley, noches de Broadway)

Mejor Actuación Femenina en Music Hall, Café Concert y/o Varieté Musical: Ana María Cores (Las mujeres de Lorca)

Mejor Actuación de Reparto Masculina: Sacha Bercovich (Rent)

Mejor Actuación de Reparto Femenina: Andy Cho (Avenida Q)

Mejor Interpretación Masculina en Ensamble: Alejandro Vázquez (School of Rock) y Juan Martín Giménez (Avenida Q)

Mejor Interpretación Femenina en Ensamble: Carmen Mesa (Las mujeres de Lorca)

Mejor Dirección Vocal: Eugenia Gil Rodríguez (Rent)

Mejor Producción Integral: MP Producciones - Ozono Producciones - Carlos y Tomás Rottemberg - Preludio Producciones (School of Rock)

Revelación Masculina: Patricio Coutoune (Gayola en París)

Revelación Femenina: Ángela Leiva (School of Rock)

Mejor Diseño de Vestuario Original: Javier Ponzio (Mujercitas)

Mejor Escenografía y/o Diseño Audiovisual Original: Gonzalo Córdoba Estévez (Cuando Frank conoció a Carlitos)

Mejor Diseño de Caracterización: Feliciano San Román (pelucas y maquillaje de La caja mágica).

Mejor Diseño de Luces Original: Agnese Lozupone (Las mujeres de Lorca)

Mejor Diseño de Sonido Original: Eugenio Mellano Lanfranco (School of Rock)

Mejor Espectáculo Musical para un Solo Intérprete: Gayola en París (Patricio Coutoune)

Mejor Dirección en Musical Off: Rubén Viani (Atte. tus vecinos)

Mejor Interpretación Masculina en Musical Off: Diego Bros (Un tango italiano)

Mejor Interpretación Femenina en Musical Off: Rosana Laudani (Un tango italiano)

Mejor Musical Infantil y/o Juvenil: Lexi, hablemos de dislexia

Mejor Dirección en Musical Infantil y/o Juvenil: Eduardo Gondell (El Principito)

Mejor Coreografía en Musical Infantil y/o Juvenil: Laura Cattalini “Catta” (El Principito) y Margarita Fernández (Moliendo a Molière)

Mejor Libro en Musical Infantil y/o Juvenil: Delfina Perri (Lexi, hablemos de dislexia)

Mejores Letras en Musical Infantil y/o Juvenil: Delfina Perri (Lexi, hablemos de dislexia)

Mejor Música Original de Musical Infantil y/o Juvenil: Raquel Ratti - Eduardo Frigerio (El Principito)

Mejor Actuación Femenina en Musical Infantil y/o Juvenil: Luján Blaksley (Lexi, hablemos de dislexia).

Mejor Actuación Masculina en Musical Infantil y/o Juvenil: Luis Rodríguez Echeverría (El Principito)

Mejor Producción en Musical Infantil y/o Juvenil: Club Media - Aleph Media - Carlos Mentasti (El Principito)

Mejor Diseño De Escenografía en Musical Infantil y/o Juvenil: Mariano Smaldini (El Principito)

Mejor Diseño De Vestuario en Musical Infantil y/o Juvenil: Alejandra Robotti (El Principito)

Este martes por la noche, la Ciudad Cultural Konex fue escenario de la 45ª edición de los Premios Konex en donde 100 personalidades argentinas del mundo de las letras recibieron el Diploma al Mérito. Esta es la quinta ocasión en la que se premia la actividad literaria, anteriormente reconocida en 1984, 1994, 2004 y 2014. La edición 2024 celebró a los más destacados escritores y escritoras de la última década (2014-2023) en 20 diferentes géneros.

Durante la ceremonia, Luis Ovsejevich, presidente de la Fundación Konex, destacó el valor de estos premios: “Desde la oralidad épica de Homero a las formas y soportes impuestos por el vértigo de la actualidad la literatura no descansa. Se renueva, genera cultores y vertientes nuevas, exhibiendo la vigencia perdurable de su creatividad. La Argentina es una demostración cabal de ese fenómeno” y agregó: “en momentos difíciles como los que hoy angustian a nuestro país y al mundo, la literatura nos sosiega y nos agita, nos emociona y nos hace reflexionar. Nos enseña que la imaginación y el pensamiento son las armas más generosas de la condición humana”.

El Gran Jurado responsable de seleccionar a los premiados estuvo presidido por María Teresa Andruetto, acompañado por Hinde Pomeraniec como Secretaria General y José Emilio Burucúa como Invitado Especial, y 20 destacadas personalidades de la cultura, quienes eligieron a los galardonados entre más de 1.396 candidatos. En palabras de Andruetto, se trató de un proceso arduo debido a la “rica y potente literatura” de Argentina, lo que en algunos casos obligó a elegir seis premiados por categoría en lugar de los cinco habituales.

La presidenta del jurado destacó: “En su poema La Luna, Borges habla de un hombre que quiso cifrar el universo y al terminar la tarea alzó los ojos y comprendió aturdido que se había olvidado de la luna. Algo de eso nos pasó al pensar en los grandes escritores que murieron en estos diez años que van desde la última edición de los Konex de Letras a esta que hoy estamos celebrando. Escritores enormes, grandes referentes de nuestra literatura como los queridos, tan necesarios, Andrés Rivera, Ricardo Piglia, Abelardo Castillo, Irene Gruss, Leopoldo Brizuela, Liliana Bodoc, Juan Gelman o Edgardo Cozarinsky, inolvidables que no figuraron en nuestras primeras listas y queremos destacar aquí”.

Entre los premiados en la categoría de novela se encuentran nombres como Selva Almada y María Sonia Cristoff, quienes han sido reconocidos por sus contribuciones significativas entre 2018 y 2023. En la disciplina de cuento, están Sergio Bizzio y Mariana Enriquez en dos periodos quinquenales del mismo intervalo de tiempo. Y en el ámbito poético, el reconocimiento recayó en figuras como Carlos Battilana y Diana Bellessi.

Además de la entrega de diplomas, la ceremonia rindió homenaje a los “Inolvidables”, escritores fallecidos durante la última década, entre los que se encuentran nombres prominentes como Sergio Chejfec, Ruth Corcuera y Angélica Gorodischer. Hablando sobre ellos, Andruetto remarcó que se trató de “Escritores enormes, grandes referentes de nuestra literatura” y reconoció su enorme influencia en la cultura argentina.

Por su parte, Andrea Giunta, en representación de los 100 destacados, destacó el significativo reconocimiento: “Este es un premio en el que recibimos el reconocimiento de nuestros pares, y eso provoca alegría singular”. Además, subrayó la importancia de mantener vivas las humanidades y las artes en un contexto donde su valor es continuamente cuestionado: “¿Qué significa recibir este reconocimiento en tiempo presente, cuando quienes confiamos en el poder de la cultura nos encontramos expuestos ante discursos que cotidianamente jaquean la necesidad de las humanidades, del pensamiento crítico, de la pluralidad de voces y perspectivas? Un manto de sospecha se extiende sobre nuestro hacer, apelando a discursos que estigmatizan la creación artística, la reflexión, la diferencia y la disidencia”.

Y continuó: “el arte, la escritura, las humanidades, construyen su lugar de intervención y también su poder desde la autonomía. No obedecen a programas, a mandatos, a silenciamientos o a censuras. En un tiempo en el que las imágenes y los textos se simplifican para el consumo acelerado, las humanidades llaman a expandir las formas de vivir y concebir futuros. Estas se expresan en la educación pública en todos sus niveles, en el apoyo a escritura, a la investigación, a la edición, a la traducción. La existencia de esta trama compleja no puede quedar supeditada exclusivamente al mercado”.

El evento marcó el inicio de un proceso que culminará el 12 de noviembre de 2024 con la entrega de los Premios Konex de Platino y el máximo galardón, el Konex de Brillante. Entre los galardonados de años anteriores que participaron del jurado se encuentran figuras como Pablo De Santis y Maristella Svampa, ambos con una destacada trayectoria en el ámbito literario y académico.

La ceremonia fue también una oportunidad para destacar la labor editorial con premios otorgados a editoriales como Bajo La Luna Editorial y Caja Negra Editora, así como reconocimientos especiales a instituciones que han contribuido notablemente al campo de las letras en Argentina.

En conclusión, los Premios Konex 2024 no solo honraron a figuras destacadas de la última década, sino que también celebraron la riqueza y diversidad de la literatura argentina, reafirmando su importancia cultural en tiempos de adversidad.

Premios Konex 2024 Letras Argentinas 2014-2023

1- NOVELA: PERÍODO 2014-2017

Juan José Becerra

Gabriela Cabezón Cámara

Gustavo Ferreyra

María Gainza

Federico Jeanmaire

Claudia Piñeiro

2- NOVELA: PERÍODO 2018-2020

Selva Almada

Jorge Consiglio

Daniel Guebel

Eduardo Sacheri

Luis Sagasti

Miguel Vitagliano

Luis Chitarroni recibirá el Konex de Honor y Ailton Krenak de Brasil el Konex Mercosur

3- NOVELA: PERÍODO 2021-2023

María Sonia Cristoff

Carlos Gamerro

Ariana Harwicz

Martín Kohan

Diego Muzzio

Hernán Ronsino

4- CUENTO: QUINQUENIO 2014-2018

Sergio Bizzio

Federico Falco

Mariano Quirós

Samanta Schweblin

Mariana Travacio

5- CUENTO: QUINQUENIO 2019-2023

Eduardo Álvarez Tuñón

Mariana Enriquez

Alejandra Kamiya

Clara Obligado

Pedro B. Rey

6- POESÍA: QUINQUENIO 2014-2018

Carlos Battilana

Diana Bellessi

Bárbara Belloc

Jorge Boccanera

Dolores Etchecopar

Julio Salgado

7- POESÍA: QUINQUENIO 2019-2023

Miguel Ángel Federik

Luisa Futoransky

Alicia Genovese

Mario Ortiz

Luis Osvaldo Tedesco

Horacio Zabaljáuregui

8- ENSAYO LITERARIO

Graciela Batticuore

Guillermo David

Nora Domínguez

Elsa Drucaroff

Graciela Maturo

Matías Serra Bradford

9- ENSAYO FILOSÓFICO

Tomás Abraham

Eduardo Grüner

Ricardo Ibarlucía

Laura Klein

Alicia Puleo

10- ENSAYO SOBRE ARTES

Abel Gilbert

Andrea Giunta

Elena Oliveras

Cora Roca

Graciela Speranza

11- ENSAYO POLÍTICO

Ezequiel Adamovsky

Flavia Costa

Verónica Gago

Roberto Gargarella

Pablo Stefanoni

12- ENSAYO ANTROPOLÓGICO Y SOCIOLÓGICO

Pablo Alabarces

María Carman

Adolfo Colombres

Rita Segato

Pablo Semán

13- TEATRO: QUINQUENIO 2014-2018

Lola Arias

César Brie

Cristina Escofet

Emilio García Wehbi

Ricardo Halac

Mauricio Kartun

14- TEATRO: QUINQUENIO 2019-2023

Gonzalo Demaría

Matías Feldman

Rafael Spregelburd

Vivi Tellas

Mariano Tenconi Blanco

15- INFANTIL

Pablo Bernasconi

Sandra Comino

Roberta Iannamico

María Cristina Ramos

Sandra Siemens

16- JUVENIL

Sergio Aguirre

Martín Blasco

Paula Bombara

Andrea Ferrari

Inés Garland

17- BIOGRAFÍAS, MEMORIAS Y DIARIOS

Ivonne Bordelois

Christian Ferrer

María Moreno

María Negroni

Laura Ramos

18- CRÓNICA

Martín Caparrós

Leila Guerriero

Josefina Licitra

Julián Varsavsky

Liliana Villanueva

19- TRADUCCIÓN

Jorge Aulicino

Jorge Fondebrider

Silvio Mattoni

Guillermo Piro

Laura Wittner

20- LABOR EDITORIAL

Bajo La Luna Editorial

Caja Negra Editora

Ediciones Ampersand

EDUVIM - Editorial Universitaria de Villa María

Eterna Cadencia Editora

HECHOS DESTACADOS

FED - Feria De Editores

Festival Internacional de Poesía de Rosario

Historia Crítica de la Literatura Argentina

“LOS INOLVIDABLES”

Sergio Chejfec

Marcelo Cohen

Ruth Corcuera

Horacio González

Angélica Gorodischer

Noé Jitrik

Tamara Kamenszain

Alberto Laiseca

Josefina Ludmer

Sylvia Molloy

Ricardo Monti

Mirta Rosenberg

Hebe Uhart

MENCIONES ESPECIALES

AHIRA - Archivo Histórico de Revistas Argentinas

Programa Los Siete Locos

Programa Sur

Antonio Requeni (por Trayectoria)

KONEX DE HONOR

Luis Chitarroni

KONEX MERCOSUR

Ailton Krenak (Brasil)

[Fotos: Nicolás Stulberg]

Hola, ahí.

Si hay algo que envidio profundamente a veces es la fe de los otros. Los que confían, los que creen en un dios, cualquiera sea; los que piensan que las cosas malas se resuelven o, al menos, se suavizan rezando o por medio de los milagros de los santos, todos ellos habitan un espacio que para mí es desconocido.

Tener fe, creer en algo por encima de lo humano me resulta una conducta lejana. A lo largo de los años, excepcionalmente y en el colmo de la desesperación, me encontré metida para adentro e invocando o pidiéndole ayuda a alguna clase de deidad, pero siempre como de prestado. Y es que, como dije, no soy consecuente en el terreno de la fe, no soy de fiar.

Soy, más bien, una aprovechada ocasional del cielo ajeno.

La nena y su muñeca

Las tragedias se escriben con sangre y algunas veces encarnan en leyendas.

Pilar Zaracho tenía cuatro años el 12 de octubre de 1917, cuando viajaba junto con sus padres en un carruaje tirado por bueyes por un camino de arena. La familia se estaba mudando de Mercedes a Concepción de Yaguareté Corá, en Corrientes. La nena llevaba con ella una muñeca de trapo para jugar durante el viaje y, cuando faltaban 30 kilómetros para llegar a Concepción, la muñeca se le cayó de las manos y fue a parar a la ruta. En el intento por recuperarla, por salvarla, por no perderla, Pilar cayó del carruaje. Murió aplastada por una de las ruedas.

La historia dice que fue allí mismo que su padre puso una cruz y que desde que comenzaron a recordarla se iniciaron los milagros que convirtieron el recuerdo en veneración. El lugar hoy es el Paraje Cerro Pitá -en los Esteros del Iberá, a casi 200 km. de Corrientes capital- y año a año, cada 12 de octubre llegan hasta allí miles de peregrinos que van a pedirle a Pilar, La Pilarcita, por su dolor o por el dolor de los que aman.

Esa fe en la niña santa va creciendo con el tiempo y la ofrenda es, naturalmente, una muñeca. Kilómetro 22 de la ruta a Concepción: llegan en micro, a pie, en auto o en chatas. Muchos son personas necesitadas de un milagro y otros muchos, gente que vuelve cada año a agradecerle a La Pilarcita por haberle conservado o cambiado la vida.

Hay muñecas de todas las especies y tamaños -incluso ya existe ahí un pequeño museo con muñecas del mundo-, hay también asado, polenta y baile popular para multitudes: todo eso es lo que se comparte el día del homenaje a la santita popular litoraleña.

La Pilarcita de María

Un pueblo del interior de Corrientes, calor de ahogo. Un patio, una pelopincho mínima, sábanas colgadas, un juego de jardín blanco, de hierro y con firuletes. Una joven intenta estudiar, otra se pasea en bikini rosa, habla y habla y de noche cose el traje de plumas que la tiene ilusionada. Es el que va a usar en la comparsa, en apenas unas horas. A un costado, un altar colmado de muñecas.

El lugar es una posada muy modesta, las chicas (Celina es la estudiante, Celeste, la inocente charleta) se encargan de atenderla. Hernán, el hermano de Celina, dejó el pueblo pero cada tanto vuelve y busca con esfuerzo seguir pareciendo local. Una pareja acaba de llegar a la posada desde Santa Fe. Horacio, el hombre, no sale de la habitación, pero Selva, que vino con él, entra y sale para atenderlo. Se la ve desesperada y superada por la situación.

Él está enfermo; ella no es su esposa pero abandonó lo que era su vida antes de conocerlo para estar a su disposición. Fue Selva quien tuvo la idea de viajar a Corrientes para pedirle a La Pilarcita que haga el milagro de salvarlo. Como a la niña santa hay que llevarle una muñeca y Selva no trajo ninguna, Celeste le ofrece ayudar: va a coser una muñeca para que la mujer la lleve como ofrenda.

Selva es mucho más grande que Celeste y la consume la amargura. Celeste aún es muy joven, pero no sabe hacia dónde enfilar y, pese a su extraordinaria energía, solo sabe dar vueltas en círculo. Llora todas las noches, cuenta, aunque asegura que no le hace mal. “No lo pienso, me acuesto y lloro nomás”, dice. Hay un choque de culturas y una fusión de deseos entre ellas. El encuentro entre estas mujeres -la mujer urbana y muy vivida y la pueblerina inocente e inexperta- y el lugar y el tiempo en el que sucede esa comunión cambiarán definitivamente la vida de ambas. Porque los milagros suceden.

Esto que te cuento es una historia chiquita y universal. Se trata del argumento de La Pilarcita, la obra escrita y dirigida por María Marull que está pronta a cumplir diez años de su estreno. Sigue siendo representada en El Camarín de las Musas todos los viernes y un año atrás pudo verse una muy buena adaptación en la TV Pública, en un ciclo que contó con la curaduría de Rubén Szuchmacher y que tenía como presentador a Maxi Legnani. María Marull resultó nominada como autora para el Martín Fierro por la versión televisiva de la obra, que puede verse y disfrutarse en Youtube.

El milagro, ya que de esto hablamos, es que se logró encontrar una forma de traducir, adaptar la obra a otro formato y a otro lenguaje sin perder ni la belleza ni la esencia del teatro. Pero además, de esta manera se pudo llevar la pieza a lugares remotos, y a las casas de familias que habitualmente no van al teatro y que, tal vez, luego de ver La Pilarcita, se quedan con ganas de más. La obra tiene vida propia y tiene también una dinámica propia.

“Una vez Mauricio Kartun me dijo una frase que me quedó y que es que las obras son como las plantas, nunca se sabe hacia dónde pueden crecer. Y en ese sentido La Pilarcita ha crecido para muchos lugares, es como si se hubiera ramificado”, me dice María Marull.

Diez años y una vida propia

Charlar con María, escuchar todo lo que tiene para contar sobre su obra y el milagro de esta especie de vida propia que adquirió la pieza, puede ser fascinante. Fue escrita en 2012, bajo la supervisión de Mauricio Kartun, entonces director de la carrera de Dramaturgia en la EMAD, Escuela Metropolitana de Arte Dramático, y se estrenó en 2015. A lo largo de los años, los actores fueron cambiando, algunos se fueron y volvieron, otros regresan por breves temporadas como si no pudieran terminar de decirle adiós, y todos los que pasaron por la obra tienen una historia de amor con ella.

La Pilarcita también se representó en otras provincias y en España, con algunas leves adaptaciones. Hay algo profundamente conmovedor en esta historia chiquita y profunda en la que no falta el humor y a la que la música le añade algo especial, ya que las canciones compuestas por la misma Marull y Julián Kartun (quien representó originalmente el personaje de Hernán) no solo funcionan como intervalo o descanso de los diálogos sino que brindan información clave del desarrollo de la historia.

En la versión que puede verse actualmente en el teatro, Celeste es interpretada por Mercedes Moltedo, Celina, por Agustina Cabo, Selva, por Julia Catalá y Hernán, por Julián Rodríguez Rona.

Cuenta María que arrancó a escribir la obra atravesada por dos imágenes: una, la de la espera para ver al padre Ignacio, el cura sanador al que acuden multitudes desesperadas en Rosario, y la otra, un hotel y un patio en Esquina, Corrientes, que de alguna manera se terminó transformando en la posada de La Pilarcita, ahí donde pasan sus días Celeste y Celina.

Lo cuenta así:

“Una vez fui a ver al padre Ignacio, adonde va mucha gente a pedir milagros, y algo de esa espera de horas me conmovió. Lo que me conmovió fue esa espera y todo lo que pasa en esos lugares, donde hay algo que de alguna manera iguala a la gente. Todos los que están ahí van a pedir algo importante y se trata de personas muy distintas, que vienen de lugares diferentes y esa comunión, eso que pasa ahí, esa antesala no sé si de la desesperación o de la fe o esa última cosa que uno va a pedir, hay algo ahí muy conmovedor que a mí me atravesó.

Pero yo no quería hablar en sí del padre Ignacio, entonces me acuerdo que en ese momento Mauricio Kartun me prestó un CD con todo un archivo de santos populares argentinos y leí Santos ruteros, un libro de la periodista Gabriela Saidon en el que habla de la Difunta Correa y del Gauchito Gil y de todo lo que significa, lo que tiene que ver con los promesantes y estos eventos así, tan masivos, y ahí encontré la historia de La Pilarcita. Yo escribí la obra sin haber ido y sin conocer el sitio de veneración en persona. Pero en 2018 viajamos al festejo real de La Pilarcita con Mercedes Moltedo (N. de la R.: la actriz que hace de Celeste), y fue un viaje maravilloso, muy conmovedor”.

Celebración con multitudes

María y Mercedes “Peche” Moltedo viajaron a conocer el paraje en el que, según el mito, el padre de Pilar Zaracho clavó la cruz para que todos veneraran a la niña que murió al caer del carruaje, la misma que les concede los milagros a los peregrinos. Compartieron comida, baile y oraciones con la multitud. Al regreso, Marull escribió una crónica preciosa en el sitio Damiselas en apuros, de la que extraigo unos fragmentos.

“Cuando le preguntamos a Munda -que fue cuidadora del altarcito por cuatro años- sobre el comienzo de los milagros en La Pilarcita nos dijo que la gente que pasaba por ahí no podía seguir de largo. Que cuando los baqueanos seguían de largo, algo malo les pasaba. Tenían la sensación de parar y no se querían ir. Si estaban apurados y pasaban de largo arreando vacas, las vacas se les perdían. Entonces sentían la necesidad de parar. Y agradecer también, cuando volvían. Así empezó todo, hace ya más de cien años”.

“Me hubiera quedado ahí toda la vida. Observando a la gente que bailaba y agradecía. Bailaban con seriedad, agradecían con respeto. Qué lindo es creer en algo”.

“Le escribí ‘gracias’ en el pecho a la muñequita que había llevado desde acá, encendí la vela color rosa y me arrodillé. Me costaba adentrarme de tanta gente y cosas que había. Se me iba el cuerpo a las canciones, los ojos a las historias que la gente traía. No tenía ningún apuro, me quedé ahí hasta que la gratitud y el pedido llegaron. Lloré. Dejé a la muñequita al lado de esas tres muñequitas de trapo de las señoras. Y me levanté”.

“En el hotel me seguía sonando la música en la cabeza. Los personajes de esa fiesta. Las muñecas y mi querida Pilarcita. Esa nena que sin querer se había transformado en alguien tan importante para mí”.

La magia de la santita se continúa en la obra. Hace poco tiempo, familiares de la niña milagrosa fueron a verla en una de las funciones que se hicieron en el CCK. Eran unas sobrinas nietas de Pilar Zaracho, primas entre ellas, que hacía unos 50 años que no se veían: este encuentro, parece pensar María, también puede leerse como algo parecido al milagro.

Actores, actrices, fundadores

Cuando se estrenó la obra, la actriz que representaba a Celeste era Lucía Maciel y el personaje de Celina lo hacía Paula Grinszpan, las actrices que actualmente actúan y brillan en Las reinas, obra que escribieron y además dirigen. Muchas mujeres acuden al paraje de La Pilarcita en Corrientes para pedirle a la niñita el milagro de un embarazo que no llega. Cuenta María que mientras la obra estaba en escena, quedaron embarazadas ella -autora y directora- y dos de las actrices. Milagros de santita correntina.

Lucía Maciel era compañera de María en la carrera de Dramaturgia de la EMAD y era amiga de Paula, tenían ganas de hacer algo juntas y pensaron en María para que las dirigiera. A María, que también conocía a Paula como actriz, se le ocurrió que tal vez las chicas podían ser Celeste y Celina en su obra, si bien eran más grandes que los personajes.

“Entonces hicimos una lectura en un bar con ellas dos. Me acuerdo que Paula, mi hermana, hizo de Selva, el personaje que después hizo Luz Palazón”, cuenta María. “Y ahí sentí que sí, que iba a estar hermoso. Empezamos a ensayarla, después lo convocamos a Julián Kartun, que les puso música a las canciones de la obra y la estrenamos hace 10 años en El Camarín de las Musas. Es una obra que se sostiene en el tiempo también porque los actores la quieren mucho, le ponen el corazón”.

María me cuenta todo esto y pienso en la rotación de los actores, en el amor por esta pieza que sienten quienes la protagonizan pero también muchos espectadores, que la han visto más de una vez. Y me pregunto y le pregunto cuánto pesa la impronta de aquellos que representaron a los personajes al comienzo para todos los que siguen actuando. ¿Es realmente un peso o una guía? ¿Es posible diferenciarse mucho? Su respuesta me encantó.

“Creo que hay algo fundante en los primeros actores que le ponen el cuerpo al texto que uno escribe porque hay algo en el traspaso del texto, de esa imagen que yo tengo de ese personaje y que luego es una persona. Yo cuando escribo nunca pienso en un actor, entonces ese personaje existe en mi imaginación y tiene una voz, una altura, un pelo, ¿no? Después, cuando uno tiene que volcar eso al cuerpo del actor, hay algo que se pierde porque no existe ese personaje que uno inventó y hay algo que se gana, que es todo lo que el actor le pone, que es su corazón, su poética, su imaginario, su voz, su cuerpo, su magia. Entonces, hay un trabajo en conjunto.

En este caso, ese trabajo yo lo hice con Paulita, con Lucía, con Julián Kartun y con Luz Palazón, que fue el primer elenco que moldeó y que le dio vida a esos personajes. Y fue un proceso muy hermoso que yo tuve con ellos, y muy lúdico. Creo que también estuvo esta pretensión de hacer algo chiquito, en el buen sentido, y que sigue siendo chiquito y que creo que nos permitió jugar sin exigencia. Ahora, también aprendí que cada actor puede hacer una versión diferente de ese personaje y parecida al mismo tiempo, digamos.

Cuando viene un actor nuevo, hay que volver como a cero porque hay cosas que no están. Pongo un ejemplo, Lucía Maciel canta y baila muy bien, entonces había algo en la construcción de su Celeste en donde usábamos eso. Ahora Peche, Mercedes Moltedo, que vino después, tiene otras cosas, pero eso no, pero lo usamos a favor porque en la obra ahora Celeste dice que no canta ni baila bien y eso está usado a favor. Es como que igual el personaje quiere hacerlo y ensaya para que le salga bien a pesar de ella.

El trabajo que yo hago en estos casos es volver otra vez al papel, a la imagen, al texto y volcar eso en ese cuerpo nuevo que ahora se presenta para ser Celeste. No tanto copiar exactamente la poética de Lucía, sino encontrar la de Peche, una nueva Celeste.

Pero respecto a la pregunta que me hacés, creo que sí, que hay algo que queda, una huella. Hay algo que ellos fundaron para mí, que encontramos en conjunto, con sus colores, con su poética, con su cuerpo, con su alma, que está y que va a estar siempre”.

Me despido después de un envío a puro teatro, en una semana en la que además hice y publicamos en Infobae una entrevista a Mariano Saborido, un actor que me maravilla cada vez que lo veo en escena (“el problema es que provoca adicción”, dijo esta semana Hugo Paredero) y que justamente trabaja con las hermanas María y Paula Marull en ese fenómeno popular que es la obra Lo que el río hace, escrita, actuada y dirigida por ellas.

Espero que tengas una buena semana, que vayas a ver La Pilarcita -podés hacerlo los viernes a las 20 y a las 22 en El Camarín de las Musas, Mario Bravo 960, CABA- y que si no podés o estás lejos, veas la versión televisiva de la obra, que también está buenísima.

Las imágenes que acompañan este envío son de diferentes épocas de La Pilarcita, de la grabación de la obra en la TV Pública y del viaje que hicieron María Marull y Mercedes Moltedo a la celebración de la santita.

Vuelvo a decirte que, aunque me emociona la fe de los otros, sigo sin creer en algo superior a la humanidad que digita nuestros destinos. Se me ocurre que tal vez, aquella frase de mi viejo que decía “No creo en Dios, creo en los hombres” me marcó con el fuego de su humanismo racional.

Respeto -hasta envidio a veces, como dije al comienzo- a los que creen, en cambio repudio a aquellos que buscan imponer su credo. Prefiero mantenerme lejos de fundamentalistas y autoritarios que, fuera de toda sensibilidad, solo buscan avanzar sobre la sensibilidad de los demás.

Te recuerdo mi correo, por si te dan ganas de escribirme para contarme algo o hablarme de estos envíos. Es hpomeraniec@infobae.com.

Hasta la próxima.

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Estar cara a cara con el público es lo que lo mantiene activo a Raúl Rizzo, además de las clases de actuación que dicta, esas en las que termina retroalimentándose de las ganas de aprender y el entusiasmo que le llevan sus alumnos.

Todos los domingos, el intérprete de 76 años sube al escenario del Centro Cultural de la Cooperación (Av. Corrientes 1543) para ser parte de Rojos globos rojos, del eterno Eduardo Tato Pavlovsky, en una reescritura que incluye escenas y fragmentos de otras obras fundamentales del propio autor como La muerte de Marguerite Duras, Pablo, Cámara Lenta, Paso de Dos, Cerca y Potestad, que muestran a través de El Cardenal y Las Popis la desesperación por mantenerse en el escenario, ante el posible cierre de su teatrito. Con dramático humor, cuentan sobre sus pasiones, miedos, amores, ilusiones, en un claro homenaje al teatro independiente.

Casualmente, es la misma obra que el propio Rizzo fue a ver en su presentación original. “Esta obra la vi cuando la hizo el mismo Tato Pavlovsky en un teatro que se llamaba Babilonia, en el Abasto, hace por lo menos 35 años. Cuando salí dije: ‘¡Qué obra! Cómo me encantaría hacerla’. Al final, cuando apareció esta propuesta de la mano del director Christian Forteza, casi tenía las tres cuartas partes del ‘Sí’”, contó en charla con Teleshow.

El café donde se realiza esta entrevista es, justamente, el lugar que eligieron el intérprete y el director al momento de sellar el acuerdo para esta nueva versión del clásico: “La obra me conmovía. Tiene una vigencia notable en muchos sentidos, no solo en el sentido ideológico, sino existencial, social, además de la poética que maneja. Una cantidad de factores que hacen que uno… Bueno, de inmediato le dije que ‘Sí' y, al poco tiempo, nos pusimos a trabajar”.

Es que la obra no es la original estrenada hace más de tres décadas, pero tampoco se la podría encasillar como una adaptación. Según Rizzo: “Se le sumaron otros textos de Pavlovsky, de obras como La muerte de Marguerite Duras (2000) o Potestad (1985), lo que en definitiva demuestra que los autores, tanto de novela, de teatro, como de cuento, persiguen una idea y la van puliendo con el tiempo. La verdad estamos realmente muy contentos de hacerla porque la respuesta es muy buena”.

Respecto del desafío al momento de hacerse cargo del texto, el actor explicó que “es casi un unipersonal, porque mi personaje, que es El Cardenal, lleva el 90% y un poquito más de la acción junto con mis dos compañeras, las actrices Gabriela Perera y Marta Igarza, que son las Hermanas Popis. La historia es un teatrito chiquito, independiente, que la pelea a brazo partido y que está a punto de ser clausurado por falta de permisos, falta de pago en el alquiler y la luz. Es decir, este es el elemento que dispara todas las conductas y toda la historia de este personaje. De su devenir y su tragedia, su pequeña tragedia con la vida y con el arte. Hay una equivalencia que parece escrita ayer a la tarde y tiene, no quiero exagerar, 40 años desde que se escribió”.

Para Rizzo, el hecho de cargar al hombro un unipersonal a esta altura de su vida, se siente como una novedad, como un desafío gigante, ya que en el pasado solo había realizado otros más chicos, más simples y sencillos. En esta oportunidad, en cambio, hay un punto tanto atractivo como revitalizante, y es el vínculo directo con la gente: “Mi interlocutor es el público. Además, trabajamos en una sala que es la Tuñón del Centro Cultural de la Cooperación, donde prácticamente el público está pegado a nosotros. Esto la convierte en una sala ideal para el espectáculo porque el vínculo se hace más potente, fuerte y vivo. Así que era un desafío, pero a medida que lo voy transitando cada vez lo hago más mío, me apodero cada vez más”.

“El público tiene muchas reacciones y la más elocuente es la risa, pero hay otras que uno percibe a través de la experiencia ya adquirida, como los silencios cargados de interrogantes o de sensaciones que a uno le llegan”, agrega.

Sobre su presente laboral, Rizzo reconoce sentirse un “privilegiado”, ya que en el último tiempo también fue parte de una ficción que hace pocos días terminó de filmarse. “La mayor parte la grabamos en Pinamar y, después, algunas cosas en Capital Federal, pero es una excepción. Soy un privilegiado que estuvo convocado a una serie, porque, como digo siempre, antes competíamos entre nosotros los actores, pero había trabajo. Ahora competimos con todos los actores del mundo debido a las plataformas”, reflexiona.

Pero por más pantalla chica que haya, el actor destaca que el vínculo con el teatro es único: “Lo que pasa le pertenece a ese encuentro con el público”. La magia del teatro la sintió en forma tan directa por primera vez a sus 15 años, cuando uno de sus amigos le propuso ir a ver una obra. “Yo paraba en un café no muy lejos de acá, con la barra. Y uno de los pibes que era muy teatrero me dijo: ‘¿A vos te gusta el teatro, no? Esta noche vamos a ir a ver una obra’. Y me llevó al Teatro Argentino a ver Israfel, la obra de Abelardo Castillo. Quedé fascinado con Alfredo Alcón. Además, fue un trabajo memorable y la obra tenía una intensidad y una fuerza tremenda. Y me quedé como media hora esperándolo en el hall del teatro. No me olvido más. Y no era yo solo, había unos cuantos”, cuenta.

“Cuando llegó Alcón le pedimos que repitiera un pasaje de la obra y lo hizo ahí en el hall”, rememora Rizzo sobre el instante en que entendió que la actuación era lo suyo. Pero la anécdota sigue: “Me acerqué y le dije: ‘Alfredo, ¿no me firma esto?’. Así que fue el primero y el único actor al que yo le pedí un autógrafo. ¿Viste esos episodios que te hacen definir un devenir en tu vida? Ese día, al ver esa obra, dije: ‘Esto es lo que yo quiero hacer, no otra cosa’. Y a partir de ahí puse todas las pilas”.

Atrás quedó el jugador de fútbol, una destacada figura de equipos como Ferro o Atlanta, pero que una hepatitis frenó su desempeño en las canchas: “Tenía 15 o 16 años. Me sigue gustando mucho el fútbol. Me encanta. Pero no para jugarlo, ya no”.

“Me acuerdo de que en mi barrio había un grupo de teatro que hacía obras independientes por los clubes. Yo me enteré dónde ensayaban, fui a buscarlos y les dije: ‘Miren, yo hago lo que ustedes me pidan: si tengo que pintar, pinto; si tengo que martillar clavos, los martillo; pero quiero estar en una de las obras que hacen’. Y así me incorporé. Los sorprendí tanto con el planteo que terminé haciendo ‘Historias para ser contadas’ de Osvaldo Dragún”, dice.

Fue entonces que llegó otro momento clave: “En una de esas presentaciones alguien del público me preguntó si estaba estudiando y le dije que no, porque quise entrar al conservatorio y no tenía el secundario terminado. Entonces me dijeron que fuera a ver a Alejandra Boero, una pope del teatro independiente. Estuve con ella tres años: no me olvido más. A los pocos meses, ella nos dio la posibilidad de ir a hacer una obra de teatro de verano en la plaza de Las Heras y Coronel Díaz, donde se había montado un teatro bárbaro. Hicimos Madre Coraje, de Bertolt Brecht. Así que allí estábamos Mario Pasik, Juan Leyrado y un servidor”.

Luego, llegaron las obras más grandes y, más adelante, el desembarco en la televisión gracias a una publicidad de cigarrillos donde solo aparecía cinco segundos; finalmente, el momento de la ficción en el Canal 9 comandado por Romay y también algunos proyectos en Canal 13 o en Canal 11, mucho antes de pasar a denominarse Telefe.

Sobre el presente, además de su regreso a las tablas y la ficción, Rizzo brinda clases de teatro tres veces por semana para distintos alumnos en los que se ve reflejado, con las emociones y esperanzas que él también vivió. Todo esto, luego de los graves problemas de salud que debió atravesar en el último tiempo.

Debido a un cuadro grave de Covid, el actor estuvo cuatro meses internado, para continuar tres más con internación domiciliaria: “Yo el año 2021 casi me lo pasé internado. Fueron tres meses alimentado a sonda. Perdí entre 12 y 15 kilos, parecía un tero. Me miraba las piernas y lo intentaba, pero no me podía parar. El primer mes internado alucinaba, estaba en coma inducido y a mi mujer le dijeron: ‘Está grave, le aviso porque no le vamos a pedir permiso para intubarlo’. Y fueron 14 días intubado. Me hicieron un nuevo estudio de Covid y dio negativo, pero a los dos días me agarró una infección intrahospitalaria, neumonía bilateral y otra vez al estado gravísimo. Me hicieron una traqueotomía: estaba entregado. Pinchazos todos los días. Lo más terrible fue que, dormido, tendía a sacarme la sonda, como un reflejo, así que me terminaron atando las manos”.

A principios de este año, la muerte de su hija Anahí fue el golpe más duro que le dio la vida: “Los hijos despiden a los padres, no al revés. No podés dimensionarlo. Yo opté casi como un ejercicio de llevar a mi hija a todas partes. Está conmigo, siempre acá adentro mío. Salgo al escenario y está conmigo. Ahora que estamos hablando, está conmigo. Ella está conmigo siempre. Es la única forma de transitar y de convivir. Ya se cumplieron seis meses desde que partió”.

“La decisión de hacer esta obra inmediatamente, más allá de las ganas que yo tenía cuando me la ofrecieron, estaba marcada por ese episodio también. Era una manera de ser yo en algo que quiero hacer y me permitía sobrellevar la situación todavía mejor, haciendo algo que yo quería hacer, no solo hacer teatro, sino hacer algo que a mí me gusta hacer en teatro. Porque si pienso el hecho de haber pasado eso y encima sin tener posibilidad de actuar o de nada, hubiera sido dolorosísimo. Más, mucho más doloroso”, cerró.