Dyango lleva sus 86 años como si la edad no importara. El legendario intérprete de la música romántica y el tango comparte anécdotas, sonrisas y recuerdos en una charla distendida con Teleshow en Buenos Aires. Mientras disfruta de un tostado y una gaseosa en la tarde palermitana con la compañía de Mariona, su pareja en los últimos 51 años, el cantante catalán saca a relucir su impronta futbolera y recuerda su vínculo con el club Barcelona (“soy socio y fanático”), reciente campeón, lamenta que no haya llegado a los 100 puntos en el torneo y anota en el grabador una inolvidable historia con la familia de Lionel Messi: “El papá de Messi una vez me dijo por radio: ‘Tú tienes una parte importante en Messi’. Cuándo le pregunté por qué, contó que con su esposa escuchaban mis canciones en los momentos más álgidos del amor”, relata el artista entre risas.

Su actual presencia en Argentina es el preludio para una extensa gira por América Latina, que tendrá un importante segmento en nuestro país: 14 conciertos que incluirán dos (por ahora) en el teatro Gran Rex de Buenos Aires, el 4 y el 7 de octubre. Así, una vez más, reafirmo su vínculo único con el público local, que comenzó con su primera visita en 1968, hace 58 años. El intérprete repasa sus próximos pasos: “Primero la gira por América: Santo Domingo, varios puntos de Colombia, Perú y Chile. Luego, el regreso a Buenos Aires, donde seguro agregaremos más conciertos, porque siempre pasa”.

En diálogo con Teleshow, el artista repasa su historia, sus pasiones y su mirada sobre la música actual.

Entrevista exclusiva: la voz de Dyango

—Estás nominado nuevamente a los premios Gardel (Mejor Álbum de Música Romántica Contemporánea por “Su amigo Dyango Vol I). ¿Qué significa esta nominación?

—Ya lo estuve hace unos años, con un disco de tango que grabé con Carlos Franzetti, que es el arreglador más importante, o uno de los más importantes, de Argentina. Fue una maravilla, con la Orquesta Filarmónica de Praga, pero no ganó. Esta vez estoy nominado otra vez; si Dios quiere, a lo mejor gano, pero hay mucha competencia, muy buena también.

—La relación tuya con el tango viene de niño, ¿no?

—Conozco de tango más que los propios tangueros. Ya desde los cuatro años, mi mamá me enseñaba tango de Gardel, de Irusta, Fogazzaro y D’Amore, gente muy popular en Barcelona. Ella conocía todas las canciones, y yo las cantaba en concursos de niños, siempre ganaba. Yo cantaba tango, los otros cantaban temas de su edad, pero yo me inclinaba al tango.

—¿Y tu mamá, por qué tanto amor por el tango?

—Mi madre, porque estaba de moda. Ella conocía todas las canciones. Había canciones que yo las he cantado aquí, y no las conocía nadie.

—Tuviste una relación muy cercana con Goyeneche. Son dos “gargantas con arena”. ¿Qué recuerdos tenes de él?

—Fuimos amigos de corazón. Lo trataron muy mal aquí, no podía ser que un cantante tan grande trabajara en tres o cuatro cabarets por la noche, casi sin público. Y cantaba dos, tres canciones y se iba a otro cabaret, y así toda la noche. Yo lo acompañaba y me dolía que no se le reconociera. Acá el Polaco ha sido famoso y muy querido una vez desaparecido. Para mí fue el mejor cantante de la historia. Otros dirán: “No, y Gardel, ¿dónde lo pones?” Como una vez en una emisora me dijeron: “No digas eso porque Gardel aquí es muy querido y el Polaco no”. Óigame, es lo que yo siento, ¿qué quiere que le diga? ¿Mentiras ahora?

—¿Qué tango te marcó más?

—Uno que me cantaba mi mamá: “La noche de Reyes”. Imagínate, un niño de cuatro años cantando un tango donde se mata a un personaje, donde el personaje engaña al otro. No sabía lo que hacía ni lo que decía. . También grabé “Sur” con Goyeneche; ese es uno de mis favoritos.

— También colaboraste con muchos artistas argentinos últimamente.

—Hice un dúo con Ángela Leiva, estamos grabando el segundo disco. Tapari también canta muy bien, y con Pimpinela, claro. Me cuesta recordar nombres, pero hay muchos.

—¿Hay algo de la música nueva, la música urbana, que te atraiga?

—No hay nada que me guste de lo que pasa en lo musical con la juventud ahora. Soy músico de profesión, estudié en el conservatorio, soy trompetista, violinista también. Ahora vienen con el reguetón, es algo que no soporto. Pero, por suerte, mis canciones siguen gustando mucho en América y, sobre todo, en este país.

—¿Crees que la música va a dar toda la vuelta y volverán las melodías?

—Tiene que ser así, porque lo que se está haciendo no es música. Puede que dé la vuelta y que vuelva la música romántica o la música de amor, o, por ejemplo, el tango, el jazz, la música clásica, el bolero, sobre todo el tango.

—¿Y el rock?

—Me gusta, pero es otra historia. Son historias cantadas con más agresividad, pero son cosas buenísimas dentro de la música, claro.

—La música te marcó desde los ocho años, ¿no?

—Empecé en el conservatorio a los ocho años. Mi padre era músico. Ahora mis hijos también están todos en la música: hay dos cantantes, un técnico de sonido y, bueno, uno es chef. Hasta mi nieto canta maravillosamente bien.

—Claro, el que estuvo en la serie de Luis Miguel. ¿Te gusta que tus hijos y nietos sigan tus pasos?

—No hay mucho que hacer, la música tira mucho. Si me hubiesen dicho que no iba a ser músico, yo me muero. Hasta hoy me emociono con el jazz, la música clásica, el tango. Todo ha sido importante, como (Armando) Manzanero, que era íntimo amigo y cuya música canté mucho.

—Llevas cincuenta y un años junto a Mariona. ¿Cómo la conociste?

—Yo ya estaba casado y tenía cuatro hijos, pero apareció Mariona, mucho más joven. Adiós. Eso fue hace cincuenta y un años, y con ella no tuve hijos. Me decía que su hijo soy yo (risas). Tenía una figura brutal, la vi bailando en un sitio donde la gente daba una vuelta muy lentamente y de tanto en tanto pasaba ella y yo decía ‘madre mía, qué culo’. Me quedé paralizado y fui directamente a por ella. Y eso que estaba casado, pero quizá estaba mal casado, no sé... Pero encontré la mujer de, de mis sueños, de mi vida.

—¿Cuál es el secreto de ese amor?

—Es ella, con su bondad. Me cuida como si fuera un niño recién nacido. Es una mujer espectacular, y sigue siendo muy guapa.

—Pensaste en retirarte alguna vez, pero seguís.. acá diríamos que tenés más despedidas que los Chalchaleros...

—(Ríe) Es que tuve un momento difícil, tenía no se qué cojones, algo en la espalda. Me operaron así, pim, pum, venga (chasquea los dedos) Y a la calle. Dije: ¿y qué coño hago ahora? Pues dije, ‘perdón, les dije una mentira, voy a seguir cantando’. Recuerdo a Los Chalchaleros, esos fueron únicos, porque dijeron veinte veces que se iban (risas).

—¿Cómo te preparas para los shows con...

—(interrumpe y ríe) Dilo: ¡con 86 años! Pues no me preparo de ninguna manera. Canto y canto. No importa si me cuesta moverme en el escenario, si tengo que cantar sobre un taburete, lo esencial es cantar. Que la voz siga intacta es una suerte enorme, ¿no? Lo hago bien gracias a Dios y la gente lo agradece.

—¿Cómo cuidas tu voz?

—No la cuido para nada. Lo único es una nebulización antes de actuar y me resulta fantástico.

—Desde 1968 que venís todos los años a Argentina, excepto en pandemia. ¿Por qué ese lazo tan fuerte con nuestro país?

—La gente aquí es muy sensible, sobre todo por el tango, que es una obra de arte. Argentina es el único país al que vuelvo todos los años. He cantado en lugares donde la gente no tenía dinero. Fui a San Justo, Morón, a los pueblos. También hice una canción especial para Gilda, que me llegó al alma.

—¿Te queda algún sueño o proyecto pendiente?

—Seguir grabando. Música nueva, cosas mezcladas con jazz y melodías. Me doy cuenta de que lo sigo haciendo bien, y hay que reconocerlo. El día que me pase que no pueda cantar, ese día será mi final.

— ¿Y te vas a dar cuenta solo o te lo van a tener que decir?

— De momento, estoy aquí, cantando.

Fotos: Gustavo Gavotti

¿Acaso era posible producir un film sonoro en la Argentina? Al director Luis Moglia Barth, la idea le venía dando vueltas en la cabeza desde hacía tiempo. Y, a decir verdad, ya había hecho una prueba con un cortometraje llamado Consejo de tango, que le había permitido empezar a fantasear con la idea de ponerle un punto final a la era del cine mudo para comenzar a realizar películas habladas. O cantadas.

Había empezado la turbulenta década del ‘30, esa que luego inspiraría a Enrique Santos Discépolo a escribir Cambalache. Moglia Barth trabajaba como jefe de publicidad en Cosmos Films, donde Ángel Mentasti ocupaba el rol de gerente. Así que se animó a presentarle un proyecto. “Preparé un croquis publicitario donde había una pareja, un malevo, motivos de arrabal y la palabra ‘¡Tango!’ cruzando el gráfico. Debajo el reparto: Libertad Lamarque, Azucena Maizani, Tita Merello y todos los intérpretes. Y la siguiente leyenda: ‘Con las orquestas de Juan de Dios Filiberto, Osvaldo Fresedo y varias más’“, recordaba el director.

Obviamente, nadie podía encarar semejante empresa si no la veía redituable. Sin embargo, Mentasti le vio el costado comercial. Y se asoció a Moglia Barth para empezar a producir la película que quedaría grabada para siempre en la historia del espectáculo nacional. Finalmente, el 27 de abril de 1933, se estrenó ¡Tango! en la sala Real Cine de Buenos Aires, marcando un antes y un después en la industria cinematográfica argentina.

Pero el proceso previo no fue tan simple como el director había imaginado. Es que, si bien hasta ese momento se habían realizado algunos films que incluían algunas palabras, ningún actor estaba acostumbrado a interpretar y declamar al mismo tiempo. Por otra parte, necesitaba que quienes aparecieran en esta película fueran artistas reconocidos por el público. De lo contrario, lo más probable era que el proyecto estuviera destinado al fracaso. Así que comenzó a recorrer los teatros porteños en busca de figuras que pudieran cubrir sus expectativas.

“Los actores de cine acá prácticamente no existían, solo había dos o tres figuras que siempre eran las mismas pero no tenían ni la facilidad interpretativa ni la rapidez con que se podía trabajar con los de teatro. La grabación de la voz era más difícil que la mera interpretación de una película muda, donde muchas veces la situación se salvaba intercalando un título. El ‘hablado’ exigía que supieran hablar interpretando. Considero que el cine consiguió dar un gran paso en corto lapso gracias a la interpretación de las figuras de teatro”, explicaba Moglia Barth.

Pepe Arias, Alberto Gómez, Mercedes Simone, Alicia Vignoli y Juan Sarcione fueron algunos de los artistas seleccionados. Pero también apareció un nombre, hasta ese momento, muy poco conocido: Luis Sandrini. Oriundo de San Pedro, el actor había llegado a Buenos Aires gracias a la compañía de Enrique Muiño y Elías Alippi, donde había conocido a su primera esposa, la actriz Chela Cordero, que fue quien intercedió para que pudiera tener sus primeras oportunidades sobres las tablas. Sin embargo, a partir de esta película, su carrera y su vida personal cambiaron de rumbo.

Es que ¡Tango! no solo fue un salto profesional importante para Sandrini. También fue el trabajo que le permitió cruzarse con la Merello, quien se enamoró perdidamente de él. La actriz y cantante, a esa altura, ya era una verdadera estrella. Pero él estaba casado. Así que el romance entre ambos recién se oficializó en 1943, cuando Luis ya había dejado a su esposa. Nunca se casaron ni tuvieron hijos. De hecho, mantuvieron una relación muy turbulenta, sobre todo, por las constantes infidelidades de él. Y todo terminó abruptamente en 1952 cuando ella, tras haber sido convocada para protagonizar Filomena Marturano en la Calle Corrientes y cansada de relegarse, decidió no acompañarlo en su viaje a España y él la castigó dando por terminada la pareja.

Pero, volviendo al film de Moglia Barth, estaba claro de que más allá del argumento típico del culebrón, con una joven de arrabal que esperaba a su salvador, y los pocos diálogos que sostenían la historia, lo importante era la música. “Yo quiero un hombre y no un muñeco de vidriera. Me desespera no ver un taita de mi flor. Pero qué vachaché, paciencia y aguantar, porque si no lo encuentro yo prefiero reventar”, cantaba la Merello en el comienzo del film.

Así las cosas, la película permitió disfrutar de Malevaje, por la Filiberto, Andate en la voz de Lamarque, Milonga Sentimental por Mercedes Simone, La canción de Buenos Aires y Milonga del 900 con Maizani o los éxitos del Dúo Gomez -Vila de la mano de Alberto Gómez, entre otros temas que se iban intercalando entre una escena y otra. De esta manera, el público acostumbrado a la radio, podía verle la cara a sus artistas favoritos, recreando esas historias que solo las letras del tango pueden reflejar.

“Una película hablada como hablamos nosotros”, resaltaba el afiche promocional del film, para el que se había utilizado el Sistema Movietone, que permitía grabar la banda sonora en el mismo soporte que la imagen. Y, obviamente, para el público fue una novedad. Sin embargo, la exclusividad duró poco. Unos días más tarde, el 19 de mayo de 1933, la productora Lumiton estrenó Los Tres Berretines, película dirigida por Enrique Telémaco Susini, que contó con Sandrini, Luisa Vehil y Luis Arata como protagonistas y con las orquestas de Aníbal Troilo y Fresedo. Definitivamente, la época del cine mudo había llegado a su fin.

De hecho, para poder negociar mejor la venta del film que había costado unos 20 mil pesos frente a los dueños de los cines, Moglia Barth y Mentasti habían decidido crear la productora Argentina Sono Film. De esta manera, mientras ¡Tango! se proyectaba en varias salas de manera simultánea, presentaron su segunda película, Dancing, y anunciaron el estreno de Riachuelo, la tercera, con fecha de lanzamiento para el año siguiente. Definitivamente, la maquinaria cinematográfica se había puesto en marcha.

Es verdad que ¡Tango! estuvo lejos de conformar a sus creadores. Cuentan que, lógicamente, tuvieron muchos problemas técnicos durante el rodaje. Y que los actores, no acostumbrados a las largas jornadas de filmación, les hicieron algunos desplantes que los obligaron a modificar los guiones. Sin embargo, esta modesta primera película sonora, se convirtió en el punto de partida para que durante más de una década, la Argentina se convirtiera en el principal centro de producción y distribución de films en español.

El mundo del espectáculo y la cultura argentina atraviesa horas de profundo dolor tras conocerse la muerte de María Nieves, una de las figuras más emblemáticas del tango, quien falleció a los 91 años y dejó un legado imposible de igualar. Dueña de una personalidad arrolladora, un estilo inconfundible y una historia de vida marcada por la superación, su nombre ya forma parte de la historia grande de la danza y de la identidad cultural del país.

La Secretaría de Cultura de la Nación dio a conocer la noticia a través de un mensaje difundido por el secretario de Cultura, Leonardo Cifelli, en la red social X. “Lamento profundamente el fallecimiento de María Nieves, una figura imprescindible del tango argentino y una de sus más grandes embajadoras en el mundo”, escribió Cifelli, subrayando la magnitud artística y simbólica de la bailarina para la cultura nacional.

En la misma publicación, remarcó el reconocimiento institucional: “Desde la Secretaría de Cultura de la Nación reconocemos en ella a una artista fundamental, cuyo talento, carácter y dedicación llevaron el tango desde las milongas a los escenarios internacionales, marcando a generaciones de bailarines y bailarinas”. La Secretaría recordó también los homenajes en vida que recibió Nieves. En palabras de Cifelli: “Con enorme orgullo, la recordamos también en el Palacio Libertad, donde pudimos rendirle homenaje en vida y celebrar su legado junto al público. Un legado que es parte viva de nuestra identidad cultural”.

Nacida como María Nieves Rego el 6 de septiembre de 1934 en el barrio porteño de Saavedra, su infancia estuvo atravesada por las dificultades económicas. Creció en un conventillo junto a sus cinco hermanos y desde muy joven debió salir a trabajar. Sin formación académica en danza, encontró en el tango una pasión que cambiaría su destino. Sus primeros pasos los dio en las milongas barriales, especialmente en el Club Atlanta, en Villa Crespo, donde comenzó a forjarse una carrera que con el tiempo alcanzaría una dimensión internacional.

Fue en ese mismo ámbito donde conoció a Juan Carlos Copes, el bailarín con quien construiría una de las duplas más legendarias del tango. Juntos revolucionaron la forma de interpretar esta danza, llevándola desde los clubes de barrio a los escenarios más prestigiosos del mundo. La pareja Copes-Nieves no solo marcó una época, sino que redefinió los estándares de elegancia, técnica y expresión en el tango escénico.

El salto definitivo llegó con el espectáculo Tango Argentino, estrenado en 1983, una obra que resultó clave para el resurgimiento global del género. El éxito fue inmediato y contundente: conquistaron Broadway, permanecieron en cartel durante años y llevaron el tango a una audiencia internacional que redescubrió la potencia de esta expresión cultural. Aquella producción no solo cambió la historia del género, sino que consolidó a María Nieves como una referente indiscutida.

Su talento la llevó a escenarios de todo el mundo. Brilló en ciudades como Nueva York, París, Tokio, Roma y Madrid, y fue parte de programas emblemáticos como The Ed Sullivan Show. En 1986, junto a Copes, fue invitada a bailar en la Casa Blanca para el entonces presidente Ronald Reagan, un hito que simbolizó la llegada del tango a los más altos niveles de reconocimiento internacional.

Pero su historia no fue solo de éxitos. La relación con Copes, tanto en lo artístico como en lo personal, estuvo atravesada por intensidades, conflictos y separaciones que marcaron distintas etapas de su vida. Sin embargo, incluso después de distanciarse en los años 90, el vínculo profesional dejó una huella imborrable en la historia del tango.

Más allá de su asociación con Copes, María Nieves construyó una identidad propia, potente y reconocible. Su manera de caminar, de abrazar en la pista y de interpretar cada compás la convirtieron en una artista única. No solo bailaba: transmitía una emoción profunda, una conexión visceral con el tango que la distinguía del resto. “Yo soy tango”, solía decir, y esa frase resumía una vida entera dedicada a ese arte.

A lo largo de más de siete décadas de carrera, también incursionó en la coreografía, el cine y distintos espectáculos internacionales. Participó en la película Assassination Tango, dirigida por Robert Duvall, y continuó presentándose en escenarios incluso en su madurez, siempre ovacionada por el público. En 2011, una de sus últimas grandes apariciones fue en la avenida 9 de Julio, donde más de 15.000 personas la aplaudieron de pie.

Su impacto trascendió lo artístico. María Nieves se convirtió en un símbolo de Buenos Aires, en una representación viva de la cultura popular y de una época donde el tango era parte del día a día. Su historia, desde los orígenes humildes hasta la consagración internacional, encarna la esencia misma del género: pasión, resiliencia y entrega absoluta.

El reconocimiento institucional también llegó en vida. Cada 6 de septiembre, en coincidencia con su cumpleaños, se celebra en la ciudad de Buenos Aires el Día de la Bailarina de Tango, un homenaje que refleja la magnitud de su legado. Desde la Secretaría de Cultura de la Nación destacaron su figura como “una artista fundamental, cuyo talento, carácter y dedicación llevaron el tango desde las milongas a los escenarios internacionales, marcando a generaciones”.

Su fallecimiento deja un vacío enorme en el mundo del tango, pero también reafirma la vigencia de su legado. María Nieves no solo fue testigo de la evolución del género: fue protagonista de su transformación y expansión global. Gracias a ella y a su generación, el tango logró trascender fronteras y convertirse en un lenguaje universal.

Hoy, su figura permanece intacta en la memoria colectiva. En cada pista de baile, en cada espectáculo, en cada abrazo milonguero, su influencia sigue presente. Porque más allá del paso del tiempo, hay artistas que logran convertirse en eternos. Y María Nieves, sin dudas, es una de ellas.

Daniel Binelli inicia una serie de conciertos en Buenos Aires para celebrar su cumpleaños número 80. La agenda comienza este miércoles 15 a las 20 en la Sala Argentina del CCK, donde actuará junto a la pianista uruguaya Polly Ferman y la Orquesta Nacional de Música Argentina Juan de Dios Filiberto, bajo la dirección de Pablo Boggiano. Estas presentaciones forman parte de una serie de recitales con distintas formaciones y repertorios que continuarán en la Bolsa de Comercio, el Teatro Colón y, finalmente, el 20 de mayo, en el espacio cultural Bargoglio del barrio de Flores.

En la Sala Argentina, Binelli interpretará tres movimientos concertantes para bandoneón y orquesta, “Homenaje al Tango” —doble concierto para piano y bandoneón— y nuevas ejecuciones de piezas propias como “Metrópolis” e “Imágenes de Buenos Aires”. El programa también incluye versiones de “A Fuego Lento” de Horacio Salgán y “Oblivion” de Astor Piazzolla. La combinación de obras de Binelli junto a clásicos de referentes redefine el enfoque internacionalista y experimental que caracteriza sus últimas décadas de producción.

Cada función de la serie adopta una configuración diferente: el miércoles 15 en el CCK será con la Filiberto, el viernes 17 incluirá a la Banda Sinfónica Nacional de Ciegos “Pascual Grisolía”, el 14 de mayo participa en el Salón Dorado del Teatro Colón, y el propio día de su cumpleaños programa un concierto en Bargoglio.

Quién es Daniel Binelli

Daniel Binelli es reconocido como uno de los principales referentes del bandoneón y su trayectoria incluye diez años en la orquesta de Osvaldo Pugliese como bandoneonista, compositor y arreglador, con giras por Europa, Estados Unidos y Japón. En 1989, Piazzolla lo convocó de forma directa para sumarse al Sexteto Nuevo Tango, lo que derivó en giras conjuntas por Europa y América. Este antecedente, sumado a la relevancia de Piazzolla en la reconfiguración del tango, ha conferido a Binelli un lugar central en proyectos que vinculan lo sinfónico, lo popular y la expansión internacional del género.

El bandoneonista también se ha desempeñado como solista en la orquesta de Atilio Stampone, fue miembro de la Orquesta del Tango de Buenos Aires y lidera su propia formación, el “Daniel Binelli Quinteto”, con el que ha acompañado a la cantante italiana Milva en conciertos en Japón, Europa y América. Con Milva y el quinteto ha grabado el disco Milva, el tango de Astor Piazzolla, seleccionando piezas de Piazzolla y del propio Binelli, consolidando una presencia constante en circuitos y festivales fuera de la Argentina.

La carrera de Daniel Binelli se ha definido por la asociación con figuras clave de la música argentina y la exploración de nuevos formatos. Participó como director musical, bandoneón solista y arreglador del grupo de música y danza Tango x 2 entre 1990 y 1997. Creó el Quinteto Guardia Nueva junto a Juan José Mosalini en 1970, integró el quinteto de Hugo Baralis en 1973 y el proyecto vanguardista Generación Cero de Rodolfo Mederos en 1974. A partir de 1977 formó parte del grupo “de rock” Alas, pasó por la orquesta de Osvaldo Requena en 1986 y 1987, y en 1992 integró Tango 7.

Su primera formación viene de la mano de figuras como Francisco Abatantuono, Abelardo Alfonsín, Alberto Coronato y Pedro Aguilar, tras la motivación inicial de su padre, que le obsequió su primer bandoneón a los nueve años en Quilmes. Binelli alterna la composición y el arreglo propio con la integración en proyectos grupales. Junto al guitarrista Hugo Romero, grabó dos discos —editados en Argentina y Japón— y participó en la grabación del Concierto para bandoneón y guitarra de Piazzolla junto a la Camerata Bariloche.

[Fotos: prensa Dirección Nacional de Elencos Estables]

Todo empezó en ese Cuartito azul, en el que Mariano Mores compuso su primer tema. “Lo hice dedicado a mi primera novia, Mirna, que hoy es la abuela de mis nietos”, recordaba quien años más tarde sería destacado como el mejor compositor de tango del siglo. Y agregaba: “El cuartito era mi habitación y sigue estando en la calle Terrada 2410, en Villa del Parque. A una cuadra de donde vivía mi querida novia con sus padres”. ¿Si alguna vez volvió a ese lugar? Por supuesto: hasta quiso comprar la propiedad pero, en ese momento, aprovechando las circunstancias le quisieron pedir un dinero que él no podía afrontar.

El creador de obras célebres de la música de Buenos Aires como Gricel, Uno, Cafetín de Buenos Aires y En esta tarde gris, entre tantos otros, partió en una gira eterna a los 98 años de edad, el 13 de abril de 2016. Hacía relativamente poco que había perdido al gran amor de su vida, ya que la mujer murió el 15 de marzo de 2014. Y todo indicaba que ya tenía ganas de reencontrarse con ella. Porque, además, para entonces había dejado un legado demasiado importante como para asegurarse de que lo siguieran recordando por siempre.

Oriundo del barrio de San Telmo, Mariano Alberto Martínez -tal era su nombre real- había nacido el 18 de febrero de 1918 como el mayor de siete hermanos. En su casa, la música era algo de todos los días. Y por eso, cuando se trasladó con su familia a Tres Arroyos, su abuelo lo persuadió para que comenzara a tomar clases de piano. Tenía apenas 7 años de edad y le costaba entenderse con el instrumento. Así que, según sus profesores, su futuro no era muy prometedor. Pero se equivocaron.

“Nosotros somos músicos, antes que nada. Con lo cual la música se transmite de una manera muy natural, con todo lo que esto implica. Yo trato de dar todo lo que heredé a mi familia, lo mejor posible”, confesó muchos años más tarde, cuando le consultaron cómo había hecho para trasmitirle su pasión a los suyos. Pero fue recién después de su regreso a Buenos Aires, en 1927, que logró aprender el manejo de las teclas gracias a una vecina a la que descubrió cuando, atraído por el sonido, se asomó detrás de su puerta. Y al año, Mariano ya se había recibido de maestro de piano.

Allá por 1929, después de un breve paso por el conservatorio, se mudó a España con sus padres. En ese momento, ya tenía muy claro cuál sería su futuro. Y logró una beca para estudiar música clásica en la Universidad de Salamanca, donde los profesores lo consideraban un niño prodigio. Pero su estadía en el Viejo Continente duró solo unos años, ya que con el advenimiento de la Guerra Civil la familia decidió regresar a la Argentina en 1936. Y entonces se enamoró del tango.

Después de haber perdido a su padre y con la necesidad imperiosa de ayudar en el hogar, a los 18 años Mariano comenzó a trabajar como pianista en un bar de Chacarita. Paralelamente, empezó a dar clases en la Primera Academia Argentina de Interpretación, donde el destino lo cruzó con las hermanas Mirna y Margot Mores. Ellas hacían un dúo musical. Y, cuando Mariano se sumó a la troupe, formaron el Trío Mores. El apellido, en realidad, era de ellas. Pero el compositor se lo apropió cuando entró a trabajar en la orquesta de Francisco Canaro.

Cupido lo flechó de inmediato y él no lo dudó. “Para estar cerca de Mirna alquilé un cuartito en Villa del Parque. Lo pintaba con cal coloreada con el azul para lavar la ropa, un blanqueador. Así nació el título del tango: Cuartito azul. Fue un éxito por la música y por la letra de Mario Battistella”, explicó Mariano. Y así fue cómo, por obra del amor, compuso el tema que en 1939 fue grabado por Ignacio Corsini, catapultándolo definitivamente a la fama.

En 1948 Mores decidió emprender su carrera solista. Y a la música se le sumó la actuación. “Me ofrecieron convertirme en el galán de una película y hacer cine en aquella época, en los años cuarenta, era muy importante”, dijo recordando su participación en El otro yo de Marcela en 1950. Desde entonces, el éxito siempre lo acompañó en sus distintas facetas.

Mariano fue uno de los artistas convocados por el presidente Juan Domingo Perón, con quien entabló una gran amistad, para participar de fiestas populares junto a Hugo del Carril y Alberto Castillo y, en 1952, estrenó su tango Taquito Militar en el Teatro Colón. “Me recibía con mucho amor y siempre me esperaba con un buen habano, porque sabía que me gustaban. Desde jovencito no fumé otra cosa que no fueran habanos, puros y cubanos. Y, al final de una comida, Perón siempre tenía uno para obsequiarme. A veces no lo fumaba delante de él porque quería guardarlo para siempre. Pero eso se hace imposible, en determinado momento uno se tienta...”, recordó en una oportunidad sobre su amistad con el presidente.

Años más tarde, dirigió la Orquesta Típica contratado por Radio Belgrano. Y, en 1959, protagonizó la serie televisiva M ama a M junto a Mirtha Legrand, para luego seguir grabando discos y potenciando su carrera internacional. Sin embargo, en 1984 sufrió la pérdida de su hijo mayor, Nito, quien se había convertido en el cantante de su propia orquesta y murió a los 39 años. “Eso es algo que no podés concebir. Es la amargura más tremenda de la vida. Pero él, en mi casa, sigue vivo. Y, cualquier cosa que nos pasa, lo primero que hacemos con mi mujer es nombrarlo a él y pedirle que nos ayude”, dijo en referencia a ese duro golpe.

Nunca pudo superar el dolor. No obstante, con el tiempo el maestro sumó a su orquesta a su nuera, Claudia, a su hija Silvia y a su nieto Gabriel, quién lo acompañó hasta el último show de su gira de despedida, que tuvo lugar el 10 de febrero de 2013, para luego tomar su legado. “A la música no la voy a poder dejar nunca, porque en mi vida la música es todo mi poder. Nací para ella y por ella he conquistado lugares inmerecidos. Y está pegada a mi obsesión, es cantar para mi pueblo con mi piano”, decía por aquellos años, sin poder resignarse a aceptar el retiro. Y remarcaba: “Jamás voy a dejar de tocar. No es mi despedida, ¿quién le dijo eso? Este es un hasta luego, porque si mañana me tocan el timbre para actuar, allá voy”.

Enrique Santos Discépolo había nacido el 27 de marzo de 1901 en el barrio porteño de Once. Era “flaco, fané y descangayado”, como lo describió años más tarde el gran amor de su vida. Su talento era infinito. Pero su historia fue una sucesión de tristezas que se fueron acumulando hasta el punto en el que, simplemente, se dejó morir.

Era apenas un niño cuando el destino lo marcó para siempre con la muerte de su padre, primero, y la de su madre, después. Su hermano, el dramaturgo Armando Discépolo, fue el encargado de criarlo. Y así, casi sin planearlo, Discepolín terminó sumergido en el mundo artístico que luego lo consagraría como uno de los más grandes compositores de la Argentina.

Su carrera, en verdad, comenzó en las tablas cuando tenía apenas 16 años y debutó como actor de teatro, para luego pasar al cine de la mano de Carlos Gardel en un cortometraje en el que el cantor interpretaba Yira Yira. Tenía pasta para la dramaturgia, aunque su porte no lo ayudaba. Pero, sin lugar a dudas, su nombre quedaría grabado en la historia del espectáculo por ser el autor de letras de tangos inolvidables como Cambalache, Uno y Cafetín de Buenos Aires, entre muchos otros.

Sin embargo, su vida bien podría haber inspirado la melodía más triste jamás escrita. Hombre de principios, no le gustaba frecuentar los cabarets nocturnos. Más bien, prefería las reuniones bohemias, donde hablaba de política y soñaba con cambiar el mundo junto a otros intelectuales. Sin embargo, un día José Razzano lo convenció de que tenía que asistir al Follies Bergère para ver a una “gallega”, que con su boquilla en mano cantaba su propia versión de Esta noche me emborracho.

Corrían los años ‘30, tiempos en los que no era habitual —ni estaba bien visto— que las mujeres entonaran tangos. Tampoco que fumaran. Y, mucho menos, que tuvieran el desparpajo de Ana Luciano Divis, conocida por todos con el nombre artístico de “Tania”. No obstante, al verla, Enrique se sintió atravesado por el amor. Un amor tan pasional como tortuoso, que nunca más le permitió experimentar el significado de la palabra “tranquilidad”.

La mujer, nacida en Toledo, España, acababa de separarse de su marido, el bailarín Antonio Fernández Rodríguez, con quien había traído al mundo a su única hija, Ana. A la pequeña la había dejado en su patria natal al cuidado de su familia. Y, después de haber desembarcado en la Argentina a probar suerte con su esposo, decidió seguir su camino sola. Así que pasó de la orquesta de Roberto Firpo a la de Osvaldo Fresedo, hasta que se topó con Discépolo.

Ella misma reconocía ser una mujer superficial e interesada. “Engrupida”, era la palabra que usaba para explicar que el compositor le parecía “poca cosa” para ella. Pero fue Alfonsina Storni la que la convenció de que este bonachón podía ser el hombre de su vida. Y así fue como ambos empezaron una relación sin papeles, que terminó siendo la comidilla de todos los chismosos de la época. Y no solo porque convivieran sin la bendición del Estado ni la Iglesia. No. Lo que más inspiraba a las malas lenguas eran los rumores que daban cuenta de las supuestas infidelidades de la mujer.

“Si me vieran desnudo, la entenderían a la pobre”, cuentan que les había confesado Enrique una noche a sus amigos. El compositor prefería hacer oídos sordos a los comentarios y sufrir en silencio, en lugar de resignarse a vivir sin el calor de su amada. No obstante, las crisis de pareja se hicieron cada vez más frecuentes. Y, cuando la relación parecía ya irremontable, Discepolín viajó a México donde conoció a la actriz Raquel Díaz de León.

Por un momento, el hombre sintió que la vida le había dado una nueva oportunidad. Se enamoró, o eso creyó. Y se abrazó con fuerza a la posibilidad de ser feliz y formar una familia. Sin embargo, cuando Tania se enteró de su relación y supo que Enrique estaba esperando un hijo con su nueva pareja, enloqueció. Y no solo fue a buscarlo sino que, según cuenta la leyenda, hasta lo amenazó con quitarse la vida si no volvía con ella a la Argentina.

Fue entonces cuando Discépolo cometió el error más grande de su historia. Y abandonó a su hijo por nacer por ir detrás de esa mujer que lo atormentaba y que nunca lo había sabido valorar. Enrique Luis Discépolo Díaz de León, el único hijo del creador de Canción desesperada, nació el 21 de abril de 1947. Pero su padre no lo llegó a ver nunca. Fueron Tita Merello y Luis Sandrini quienes salieron de testigos de su paternidad y se convirtieron en sus padrinos.

El compositor, en cambio, se negó a reconocerlo solo por complacer a Tania. Pero el dolor y la culpa que sentía adentro de su ser fue creciendo tanto que, según dicen, al poco tiempo se dejó morir. O, mejor dicho, murió de tristeza. El acta de defunción del 23 de diciembre de 1951, cuando partió, a los 50 años, decía que había sufrido un ataque cardíaco. Pero quienes lo conocían aseguraban que hacía tiempo que ya no le encontraba sentido a su existencia y había tomado la decisión de irse.

Curiosamente, antes de partir, Enrique firmó un testamento por el que le dejaba el 80% de su patrimonio y los derechos de sus obras a su compañera y solo el 20 restante a su hermana Otilia. “Permanezco soltero y no tengo ni reconozco descendencia natural”, decía el documento que rubricó con su firma. Dada esta situación, su hijo recién logró que se lo incluyera en la sucesión como legítimo heredero después de una larga lucha judicial. Pero nunca llegó a recibir ni un solo peso, ya que murió el 28 de mayo de 2017, un mes antes de que se ejecutara un embargo de SADAIC para que pudiera cobrar las regalías por las obras de su padre.

El tango es el baile nacional de Argentina, conocido por su pasión, precisión y corazón. En un hospital de Buenos Aires, tiene otra finalidad: es una terapia para pacientes con enfermedad de Parkinson. Una vez a la semana, una decena de pacientes acuden al Hospital Ramos Mejía para bailar, en una sesión en la que se utilizan los movimientos del tango para ayudar a abordar problemas de equilibrio, rigidez y coordinación. El objetivo es darles aproximaciones al movimiento que puedan utilizar en su vida diaria, así como un impulso social y emocional al moverse al ritmo de la música.

El programa comenzó hace unos 15 años, inspirado por una paciente que había bailado tango desde la infancia y descubrió que ofrecía estrategias que mejoraban sus problemas de movilidad y de la marcha, dijo Nélida Garretto, neuróloga que ayudó a dirigir las sesiones.

Tomoko Arakaki, otra neuróloga que dirige el programa, dijo que los pacientes de párkinson pueden tener dificultades con los movimientos de parada y arranque al caminar y pueden beneficiarse de practicar los "pasos lentos, cortos" y las pausas del tango. Garretto dijo que, dado que el tango "es una actividad multidesafío, con estímulos motores, estímulos visuales, estímulos auditivos, todo eso simultáneo", lo que puede ayudar a los pacientes a ejecutar una serie de pequeños movimientos de las actividades cotidianas.

En primer lugar, los ejercicios de calentamiento, normalmente en ronda o círculo, en los que "intentamos sintonizar a todos los participantes para más o menos predisponer ese cuerpo, despertar ese cuerpo, para luego empezar a bailar", dijo Manuel Firmani, bailarín profesional de tango que dirige los talleres. Algunos se hacen de pie, otros sentados, según "evaluamos cómo es que llegan las personas", dijo.

"Siempre están en distintos estados, todos los cuerpos".

Tras unos ejercicios centrados en la postura, el balance y otras habilidades, comienza el baile. Cada paciente se empareja con un compañero que no tiene párkinson, a menudo amigos, familiares o voluntarios.

La danzaterapia se utiliza para otras afecciones médicas, como la esclerosis múltiple y el alzhéimer. Débora Rabinovich, psicóloga e investigadora que ayudó a crear el programa argentino, dijo que sus investigaciones han descubierto que el tango utiliza el mismo tipo de movimientos que las personas con enfermedad de Parkinson tienden a perder.

Dijo que muchos pasos de tango implican caminar hacia atrás, lo que puede resultar difícil para los pacientes de párkinson, quienes a menudo se caen hacia atrás cuando pierden el equilibrio. Los pasos de tango, agregó, obligan al cerebro a concentrarse, en parte en los movimientos hacia atrás, pero también en cualquier tipo de movimiento minucioso.

Algunos pasos de tango parecen especialmente útiles. El sanguchito, un movimiento clásico en el que el pie de un bailarín se desliza entre los pies del compañero y hace una pausa, ofrece a los pacientes de párkinson señales claras para guiar sus cuerpos, dijo Rabinovich.

"Otra cosa que hacemos mucho en el tango es cambiar el peso de un pie al otro en un mismo sitio", dijo Firmani, quien anima a los pacientes a utilizar ese movimiento en actividades como subirse a una vereda o cruzar una puerta. Dijo que el "paso lateral" del tango podría ayudar a abrir la heladera, y que una "torsión" podría aplicarse a girar el torso mientras, por ejemplo, se lavan los platos.

El tango "nos pone un cuerpo en determinada posición y nos movemos en determinadas direcciones", dijo. El párkinson puede alterar los patrones ordenados de los movimientos cotidianos. "Lo que tiene el tango es que es un gran ordenador, ordena".

A veces, los pacientes que venían a clase utilizando bastones adquieren tanta confianza que se olvidan de ellos.

A Liliana Garay, de 59 años, le diagnosticaron párkinson hace dos décadas y empezó el programa en 2011, sin experiencia en bailar tango. Dijo que le ha ayudado con la rigidez y la debilidad que siente cuando desaparece el efecto de la medicación. En casa, cuando aparecen los síntomas, practica movimientos de tango llamados "los ochos", en el que gira los pies para trazar el número ocho en el suelo, como el símbolo del infinito.

Cuando se paraliza y se queda bloqueada al agacharse para recoger algo, respira y mueve la pierna hacia atrás, hacia los lados y hacia delante, como hacen en clase de tango. Eso ayuda y "va pasando y salís caminando", dijo.

"La clase es espectacular porque no nos hacen sentir la diferencia, porque te exigen de la misma manera que exigirán a cualquiera", dijo. "No hay una cosa de que tiene párkinson, pobrecita".

Existen otros programas de tangoterapia para enfermos de párkinson, incluso en Estados Unidos. El programa de Buenos Aires, que ha atendido a unos 100 pacientes, se basa en la importancia social y cultural del tango en Argentina, y se centra en los movimientos clásicos y en la música que resuena en los pacientes, dijo Rabinovich.

Esa conexión da a los participantes un impulso emocional. "A quien tiene la sensación de que su cuerpo le traiciona, le da la posibilidad de sentir su cuerpo de un modo completamente distinto", dijo. "Puedes estar apenas moviéndote, pero sientes que has bailado".

Para Garay, que recorre una larga distancia en transporte público para llegar al taller, sus beneficios son tan poderosos que ha iniciado milongas en su ciudad, Ciudadela. En el taller del hospital, su música de tango favorita es la de Osvaldo Pugliese porque "son temas muy marcados", dijo.

La experiencia es transformadora, dijo. "Viene mucha gente en silla de ruedas, con muletas, y todos bailamos", dijo. Cuando termina la clase, se siente diferente.

"El tango para mí es salud", dijo.

Pam Belluck es una reportera especializada en salud y ciencia que cubre una gama de temas, incluyendo salud reproductiva, covid persistente, ciencia del cerebro, trastornos neurológicos, salud mental y genética.

La noche del Cabildo de Buenos Aires se prepara para recibir el pulso de la milonga con programación de tango en vivo, propuestas de baile y ambientación de época este sábado 28 de marzo, de 20 a 23 horas, en el histórico edificio de Bolívar 65. Participarán figuras como Leonardo Pastore, la orquesta típica “La Juan D’Arienzo”, Estela Bonnet y los músicos Beto Davila y Gustavo Borch, en un evento orientado a celebrar la identidad cultural argentina y revitalizar su patrimonio.

La realización de una milonga en el Cabildo de Buenos Aires, epicentro de la historia nacional, destaca por reunir a la comunidad en torno a una expresión cultural emblemática. Su relevancia radica en unir música, memoria y tradición en un espacio simbólico, fortaleciendo el valor del tango como patrimonio compartido que atraviesa generaciones.

Un Cabildo transformado en escenario porteño dará la bienvenida a los asistentes para una inmersión en el patrimonio argentino bajo la atmósfera de las décadas del treinta y el cuarenta. La organización del evento está a cargo de la Asociación de Apoyo al Museo Histórico Nacional del Cabildo y de la Revolución de Mayo y la agrupación “Los años dorados en la Argentina”, dedicada a la recreación de la época dorada.

Las entradas están disponibles a través de la plataforma Passline y lo recaudado será destinado al museo.

El tango y el Cabildo: patrimonio e identidad cultural

El encuentro adquiere relevancia al combinar el legado tangible del Cabildo de Buenos Aires con la fuerza simbólica del tango, declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad en 2009 por la UNESCO. Esta propuesta busca propiciar un diálogo entre la historia nacional y las tradiciones que han marcado la identidad rioplatense.

Según los organizadores, “la actividad resulta atravesada por una sinergia cultural donde lo tangible e intangible confluyen, dado que el tango representa identidad, costumbres y tradiciones rioplatenses”. El edificio, pieza clave de la independencia argentina y archivo vivo de la historia, se convierte así en puente entre el pasado político y el pulso artístico actual.

La integración de la comunidad con su patrimonio promueve una construcción colectiva, permitiendo resignificar el monumento histórico como escenario de encuentro y celebración.

Una fiesta de época para la comunidad

La invitación es a sumergirse en una auténtica fiesta de época, gracias a la labor de recreacionistas que ambientarán el patio colonial del Cabildo como pista de baile típica del Buenos Aires del siglo pasado. El código de vestimenta sugerido, de corte “elegante” y alusivo a la época dorada, incluye trajes y peinados tradicionales tanto para hombres como para mujeres, aunque usar atuendo de época es opcional.

Para los hombres, la recomendación es saco, pantalón de vestir, camisa, corbata y peinado con gomina. En el caso de las mujeres, se sugiere vestido midi, falda con vuelo y un estilo clásico en maquillaje y peinado. Estas pautas contribuyen al clima festivo y a la experiencia comunitaria de la noche.

El evento es abierto a todo el público y forma parte de los actuales esfuerzos por fortalecer el uso social de los espacios patrimoniales mediante actividades culturales participativas.

El propósito central de la milonga consiste en revitalizar el patrimonio a través de la transmisión del tango y la participación colectiva, asegurando la continuidad de la identidad y la vida cultural en un entorno cargado de simbolismo nacional.

El tango, nacido de la convivencia entre tradiciones locales, afrodescendientes e inmigrantes, encuentra en el Cabildo un contexto propicio para narrar historias y tender puentes entre generaciones. La propuesta afirma al tango como testimonio vivo del tiempo y la memoria, encarnado en uno de los edificios más representativos de Argentina.

El tango es el baile nacional de Argentina, conocido por su pasión, precisión y corazón. En un hospital de Buenos Aires, tiene otro propósito: servir como terapia para pacientes con la enfermedad de Parkinson. Una vez por semana, alrededor de una docena de pacientes acuden al Hospital Ramos Mejía para bailar: una sesión que utiliza los movimientos del tango para ayudar a tratar problemas de equilibrio, rigidez y coordinación. El objetivo es brindarles enfoques para el movimiento que puedan emplear en su vida cotidiana, así como un estímulo social y emocional proveniente de moverse al ritmo de la música.

El programa comenzó hace unos 15 años, inspirado por una paciente que había bailado tango desde su infancia y descubrió que esto le ofrecía estrategias que mejoraban sus problemas de movilidad y marcha, según la doctora Nélida Garretto, neuróloga que ayudó a impulsar las sesiones.

La doctora Tomoko Arakaki, otra neuróloga que lidera el programa, afirmó que los pacientes con Parkinson pueden tener dificultades con los movimientos de detenerse y arrancar al caminar, y que pueden beneficiarse al practicar los “pasos lentos y cortos” y las pausas del tango. La doctora Garretto señaló que, dado que el tango implica “realizar múltiples tareas con estímulos motores, estímulos visuales y estímulos auditivos”, puede ayudar a los pacientes a ejecutar la serie de pequeños movimientos que forman parte de las actividades cotidianas.

Primero, los ejercicios de calentamiento, generalmente en círculo, “tratan de sintonizar a todos, preparar el cuerpo, despertar el cuerpo”, según Manuel Firmani, bailarín profesional de tango que conduce los talleres. Algunos se realizan de pie, otros sentados, dependiendo del “estado en que se encuentra la gente”, dijo.

“Cada día es diferente para su cuerpo”

La terapia de baile se utiliza para otras condiciones médicas, incluidas la esclerosis múltiple y el Alzheimer. Débora Rabinovich, psicóloga e investigadora que ayudó a crear el programa argentino, dijo que su investigación ha encontrado que “el tango utiliza el mismo tipo de movimientos que las personas con párkinson tienden a perder”.

Comentó que muchos pasos de tango implican caminar hacia atrás, lo que puede ser difícil para los pacientes con Parkinson, quienes a menudo caen hacia atrás al perder el equilibrio. “Obliga a tu cerebro a concentrarse, en parte en estos movimientos hacia atrás, pero también en cualquier movimiento detallado”, afirmó.

Algunos pasos del tango resultan especialmente útiles. El sanguchito, o “sandwich”, un movimiento clásico en el que el pie de un bailarín se desliza entre los pies de la pareja y se detiene, ofrece a los pacientes con Parkinson indicaciones claras para guiar su cuerpo, según la doctora Rabinovich.

“Otro elemento fundamental del tango es el traslado del peso de un pie al otro”, señaló el señor Firmani, quien alienta a los pacientes a usar ese movimiento para actividades como subir a una vereda o entrar por una puerta. Comentó que el paso lateral en el tango podría ayudar a abrir la puerta de una heladera, y que la “rotación de torso” podría aplicarse a girar el cuerpo mientras se lavan los platos.

El tango “coloca al cuerpo en una cierta posición y lo mueve en direcciones específicas”, expresó. El párkinson puede alterar los patrones ordenados de los movimientos diarios. “El tango restablece el orden.”

A veces, pacientes que llegaron a la clase usando bastón adquieren tal confianza que se van sin él.

Liliana Garay, de 59 años, fue diagnosticada con Parkinson hace dos décadas y comenzó el programa en 2011, sin experiencia previa en el tango. Dijo que la ha ayudado con la rigidez y con la debilidad que siente cuando se desvanece el efecto de la medicación. En su casa, cuando aparecen síntomas, practica un movimiento de ocho pasos de tango, pivotando sus pies para dibujar “el número ocho en el suelo, como el símbolo de infinito”.

Cuando se congela y queda trabada al inclinarse para levantar algo, respira y mueve su pierna hacia atrás, de costado y hacia adelante, tal como lo hacen en la clase de tango. “Eso ayuda a que la rigidez pase y puedo volver a caminar”, afirmó.

“La clase es un lugar increíble porque no te hacen sentir diferente”, dijo. “Nos exigen lo mismo. No dicen: ‘Ay, tenés Parkinson, pobrecita.’”

Existen otros programas de terapia con tango para pacientes con Parkinson, incluso en Estados Unidos. El programa de Buenos Aires, que ha atendido a unos 100 pacientes, se basa en la importancia social y cultural del tango en Argentina, enfocándose en movimientos y música clásicos que resuenan con los pacientes, señaló la doctora Rabinovich.

Esa conexión brinda a los participantes un impulso emocional. “Para personas que sienten que su cuerpo los está traicionando, te da la posibilidad de sentir tu cuerpo de una manera completamente diferente”, afirmó. “Podés estar apenas moviéndote, pero sentís que bailaste.”

Para la señora Garay, que recorre una larga distancia en transporte público para llegar al taller, sus beneficios son tan poderosos que ha comenzado a organizar fiestas de tango, o milongas, en su localidad, Ciudadela. En el taller del hospital, su música de tango favorita es la de Osvaldo Pugliese, “porque su música tiene ritmos muy marcados para bailar”, dijo.

La experiencia es transformadora, según ella. “La gente viene en silla de ruedas, con muletas, y todos bailamos, y se crea un ambiente increíble”, señaló. Cuando la clase termina, se siente diferente.

“El tango, para mí”, dijo, “es salud.”

El origen del musical y el desafío de contar la vida de Francisco

Crespo relató el proceso creativo y el impulso personal que lo llevó a lanzar el proyecto: “Tuve la suerte de que se me ocurra a mí. Fue muy poquito tiempo después de su fallecimiento. Más allá de que soy una persona de fe, no era muy cercano a su vida ni a su legado. Sin embargo, cuando él se enfermó, empecé a investigar mucho sobre su vida y me quedé fascinado porque fue una persona increíble”. Agregó que la idea le surgió inspirándose en grandes musicales biográficos: “Se me vino a la cabeza Andrew Lloyd Webber contando la historia de Evita y en este caso dije: ‘No, esta historia la tenemos que contar nosotros’”.

La composición musical tomó como eje la pasión de Bergoglio por el tango. “Él fue un gran amante del tango y de la música en general. Manifestaba que era una de las artes más importantes. Así que el tango es el estilo principal, aunque pasamos por diferentes géneros”, afirmó el director musical.

La escritura del libreto también enfrentó desafíos. “Le propuse a un amigo escritor, Alejandro Smith, que escriba el texto. Me dijo que no, porque está acostumbrado a escribir ficción y en este caso era difícil, porque es un personaje importantísimo, no hay mucho margen de error. Finalmente me dijo que sí, y es un libro maravilloso”, compartió Crespo.

Un retrato de Bergoglio entre la memoria, la política y la fe

Durante la charla, Crespo subrayó el compromiso social y político de Bergoglio: “Su compromiso en las villas, su trabajo para cuidar a militantes en la dictadura, todo el trabajo en la crisis del 2001. Siempre promoviendo una Iglesia, como él decía, pobre y para los pobres”. Aportó testimonios directos de allegados y familiares del Papa: “Tengo la suerte de conocer a gente que sí lo conoció a él, inclusive a sus familiares, como Mauro Bergoglio y José Bergoglio, que me cuentan anécdotas”.

El director también abordó el debate sobre el rol de Bergoglio durante la dictadura argentina: “No, inclusive estuvo imputado por supuesta complicidad. Es muy irónico. Yo elijo creer que no fue así”. Relató que una alumna suya, Nélida, presa política en ese periodo, le transmitió historias de cómo Jorge “le salvó la vida a un montón de gente que estaba perseguida, que estaba siendo amenazada”.

Sobre el modo en que la obra refleja el carácter provocador de Bergoglio, Crespo enfatizó: “Francisco habló de una Iglesia de todos, y eso ya es una provocación, inclusive para la Iglesia. Mi primera provocación es escuchar su frase: ‘A los jóvenes les pido que hagan lío’. Hacer lío es contar, hacer arte, revolucionar, militar, hacer un noticiero”.

El espectáculo: música, memoria y trabajo colectivo

Crespo detalló la magnitud de la puesta en escena: “En total, con músicos y actores, somos 25 personas. La orquesta son 15 y hay 10 actores”. La producción es autogestiva y cuenta con el apoyo de Civil Orquesta y una cooperativa de artistas. “Ese es un desafío enorme, pero la música tuvo mucha aceptación. Presentamos algunas canciones el año pasado en el Metropolitan”, agregó.

La obra parte desde el nacimiento de Bergoglio y recorre el contexto sociopolítico de la década del ’30: “La historia comienza desde su nacimiento, contando el contexto sociopolítico de ese momento, que fue en el 37, década infame, y cómo Jorge es hijo de inmigrantes italianos que venían escapándose de la Primera Guerra Mundial, casi sucediendo la Segunda, con su nacimiento”.

Sobre el trabajo colectivo, valoró la integración lograda bajo la dirección de Luján Salazar: “Trabajar en equipo para contar una sola historia suele ser lo más difícil cuando hay un grupo humano tan grande. Sin embargo, está muy bien logrado”.

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Ariel Ardit presenta un homenaje personal a Sandro con Sandro Así, un espectáculo y álbum que incorpora su sello distintivo a uno de los repertorios más emblemáticos de la música popular argentina. El recital se presenta el viernes 13 de marzo en La Trastienda, donde el cantante explora el legado de Sandro desde la autenticidad y la búsqueda expresiva, distanciándose de cualquier imitación.

Sandro Así es el proyecto en el que Ariel Ardit interpreta clásicos de Sandro desde una mirada propia, respetando la esencia del original pero aportando su impronta tanguera. El espectáculo y el disco reúnen nuevas versiones, arregladas especialmente para la ocasión, con el objetivo de conectar generaciones y tender un puente entre el tango y la música popular argentina.

El vínculo de Ariel Ardit con el repertorio de Sandro nace en la infancia y está marcado por la emoción. “Cantar a Sandro es una necesidad como intérprete, solo y nada menos que eso. Soy todo lo que fui, no me voy de ningún lugar mío”, afirma el cantante en diálogo con Infobae Cultura. Asimismo recuerda su primera experiencia sobre el escenario: “Siempre canté tango, nunca otra cosa y en un deseo de explorarme como intérprete no tuve que ir muy lejos. Fui a mi esencia y allí estaba”. Relata, además, un recuerdo fundacional: “A los cuatro años, muchísimo antes del tango, canté por primera vez en público ‘Rosa Rosa’ en el teatro Luz y Fuerza de Córdoba. ¿Por qué Sandro? Porque me emociona. Porque se me canta”.

En la creación de Sandro Así, Ardit destaca la importancia de evitar cualquier intento de copia. “Sandro es un artista muy gigante y, como si fuera poco, es su propio creador. Es un artesano que canta, baila y escenifica lo que él mismo modeló”, define el cantante. Señala que para encontrar su identidad en estas canciones fue decisivo el trabajo de los arregladores: “Mi intención fue expresarme como Ariel Ardit, el cantor de tango, solo desde su música, así, a mi manera. Para ello fueron fundamentales Noelia Sinkunas y Daniel Vilá, que desde sus arreglos me dieron otra escenografía musical para poder cantar libre desde la interpretación”.

El disco cuenta con ocho temas seleccionados, mientras que el espectáculo en La Trastienda ofrecerá nuevas versiones que podrían formar parte de otro álbum. Ardit confirma, además, la participación de invitados especiales en la presentación.

La vigencia de las canciones de Sandro entre distintos públicos es uno de los aspectos que Ariel Ardit celebra: “Algo que realmente me alegra es la vigencia de Sandro en el recambio generacional, pero primero pensé en lo que me produce a mí”, señala. En cuanto al dramatismo presente en los temas de Sandro, reflexiona: “Yo creo que la emoción siempre tiene lugar. Después cambian las formas, cambian los estilos, pero la necesidad de decir lo que uno siente sigue estando. Sandro tenía una manera muy apasionada de hacerlo, muy frontal. Y eso todavía conmueve”.

Consultado sobre el cruce entre géneros, Ardit subraya las raíces afines que comparten: “Para mí siempre estuvieron cerca. El tango, la balada, el bolero… todos vienen de la misma tradición de canción. Lo que cambia es el traje que se ponen. Pero en el fondo siempre se trata de contar algo que le pasa a alguien”.

[Fotos: Ariel Grinberg]

“Con el codo en la mesa mugrienta y la vista clavada en un sueño, piensa el tano Domingo Polenta en el drama de su inmigración. Y en la sucia cantina que canta la nostalgia del viejo paese desafina su ronca garganta ya curtida de vino Carlon”, comienza diciendo la letra del tango La Violeta, que el poeta Nicolás Olivari escribió de una vez en la mesa de un bar porteño.

Corría el año 1929. El autor estaba comiendo unas pastas regadas con vino de la casa junto a Cátulo Castillo en un antiguo bodegón de la Capital Federal, cuando decidió hacerle una apuesta al compositor. No se sabe, exactamente, qué es lo que puso en juego mientras saboreaba sus espaguetis. Pero sí que tomó su lápiz y, de un tirón, plasmó en un papel las estrofas de este texto costumbrista que pintaba la cruda realidad de los inmigrantes. Una realidad que él conocía de primera mano por sus ancestros.

Desde la segunda mitad del siglo XIX, la Argentina había empezado a recibir ciudadanos provenientes de todas partes del mundo y, en especial, de Europa. Para muchos de ellos, “hacerse la América” no había sido tarea fácil.

Nicolás había nacido el 8 de septiembre de 1900 en Buenos Aires y era el cuarto hijo de dos inmigrantes italianos oriundos de la ciudad de Génova: Carmen Canale y Giovanni Battista Olivari. De hecho, su padre era capitán de ultramar y había desembarcado en el país apenas diez años antes de su llegada al mundo, contratado por la Compañía Argentina de Navegación Mihanovich Ltda. Así que él sabía muy bien lo difícil que era, para los extranjeros, adaptarse a la cultura del Río de la Plata.

“E...! La Violeta, la va, la va, la va...La va sul campo che lei si sognaba ch’era su gigin, que guardandola staba...Él también busca su soñado bien desde aquel día, tan lejano ya, que con su carga de ilusión saliera como La Violeta que la va... la va...Canzoneta de pago lejano que idealiza la sucia taberna y que brilla en los ojos del tano con la perla de algún lagrimón...La aprendió cuando vino con otros encerrado en la panza de un buque, y es con ella, metiendo batuque, que consuela su desilusión”, continúa diciendo el tema que grabó en primer término Roberto Maida y que Carlos Gardel se encargó de popularizar en 1930. La canción reflejaba la angustia de los que se veían obligados a dejar su tierra natal.

Olivari, sin embargo, fue un auténtico porteño y, con el tiempo, llegó a convertirse en uno de los fundadores de la Academia del Lunfardo. Creció en los barrios Once y Villa Crespo. Y cursó sus estudios secundarios en el Colegio Nacional Nicolás Avellaneda, donde tuvo como profesor de literatura a Emilio Alonso Criado, quien lo alentó para que comenzara a escribir. Así surgió su primera obra, El matón de arrabal. Y, al tiempo, editó la pieza de teatro El mejor amor, junto a Victorio Noblia.

En 1920, Olivari formó parte del mítico grupo literario Boedo junto a Lorenzo Stanchina, Leónida Barletta y Elías Castelnuovo, que se reunía en el Café El Japonés de Boedo al 800 y publicaba sus obras en la Editorial Claridad. De esa época datan obras como Carne al sol, La carne humillada, Historia de una muchachita loca, La mala vida, Bésame en la boca, María Luisa y La canción de los vientres infecundos. También integró, junto a los hermanos Enrique y Raúl González Tuñón, el Grupo Florida, con quienes escribió Un Auxilio en la 34 y Dan tres vueltas y luego se van.

Se casó con Amelia De Marco, con quien tuvo a su único hijo: Juan Carlos. Y vivió con su familia durante muchos años en un caserón ubicado frente al Parque Centenario, en avenida Díaz Vélez 4732, donde en la actualidad funciona el Centro Asistencial Veterinario San Marcos y en cuyo frente hay una placa conmemoratoria entregada en su honor.

Olivari era un bohemio al que le gustaba mucho la noche. Solía pintar mujeres desnudas, algo que algunas oportunidades hacía con modelos vivientes en los cabarets y piringundines de la época, mientras fumaba sin parar. Se lo vinculó sentimentalmente con María Luisa Rubetino, aunque esta relación extramatrimonial nunca se confirmó. Hasta que, cuando ya no pudo conjugar esta rutina con su matrimonio, se separó de su esposa.

Fue periodista en el Diario Crítica, La Época, El Mundo, La Nación, El laboralista, El pregón, Noticias gráficas y Reconquista. También creó radionovelas para Radio Belgrano. Y trabajó como guionista cinematográfico. En todos los casos, Olivari se destacaba por escribir desde la más descarnada realidad.

La Musa de la mala pata, Carne al sol, El gato escaldado, Los poemas rezagados, Diez poemas sin poesía, La amada infiel, La mosca verde, Pas de quatre, El hombre de la baraja y la puñalada, El almacén, La noche es nuestra, Los días tienen frío, Un negro y un fósforo, Novela parroquial de Buenos Aires y Mi Buenos aires querido son algunas de las obras de su autoría. Aunque, desde 1930, había registrado también el seudónimo de Diego Arzeno con los que firmó tangos y algunos de sus textos periodísticos.

Tuvo, sin embargo, un período de proscripción en el que sus obras fueron retiradas de circulación. Fue allá por los años ‘50, después de haber realizado junto a Roberto Valenti el guion de El morocho del Abasto, sobre la vida de Gardel. Es que, después de haber conocido a Eva Perón, había manifestado públicamente su adhesión a la presidencia de Juan Domingo Perón. Y, junto al Sindicato de escritores de la Argentina, apoyó su reelección. Esto hizo que la Revolución Libertadora prohibiera sus libros y hasta mandara a destruir algunos de ellos, al igual que los de otros poetas y escritores críticos de la época.

Además de La violeta, que dedicó “al marqués Enrique González Tuñón, en agradecimiento a las tantas y tan sabrosas cazuelas de pescado con que nos habéis invitado a aquella cantina italiana de la Chacarita”, Olivari dejó su sello en el tango. Compuso, entre otras obras, la letra de Desdén, pieza que musicalizó Alberto Ruiz, Dos ojos negros que hizo junto con Raúl de los Hoyos.

“Creo que ningún poeta argentino ha sufrido como yo el bárbaro chaparrón de las peores injurias. Se me negó con sistema. Se me aconsejó acremente no escribir más versos, se me disimuló y ennegreció con las peores tintas y sin embargo, señoras y señores, aquí me veis tan franco y sereno y sencillo como si nada me hubiera pasado. Que nada pasó en verdad, porque los que pasaron fueron ellos y yo quedé escribiendo versos todavía y siempre a pesar de todo. Esta es la alegría que clarifica mi voz esta tarde”, había dicho en alguna oportunidad.

Olivari escribió hasta el final de sus días. Murió en Buenos Aires, a los 66 años de edad, el 22 de septiembre de 1966. Y, además de su enorme legado, dejó como obra póstuma el libro Mi Buenos Aires querido, que fue utilizado como texto escolar hasta mucho tiempo después de su partida.

El 28 de septiembre de 2014, en el marco de los festejos por el 30 aniversario de la creación del Programa Cultural en Barrios, se bautizó con su nombre al Centro Cultural que funciona en Castro 954, Boedo.

De acuerdo con la información publicada, Martirio propone en Zaragoza un recorrido musical por los grandes clásicos del tango argentino llevados al sur de España mediante una fusión que enlaza dos de los géneros más representativos de ambas culturas: la copla andaluza y el tango rioplatense. Este encuentro no se limita a una interpretación fiel de los originales, sino que apuesta por un enfoque renovador, en el que la artista y su formación musical incorporan matices propios de la copla y una sensibilidad contemporánea, abriendo espacio tanto al respeto por la tradición como a la innovación.

Reportó el medio que la selección de repertorio incluye obras de autores emblemáticos como Gardel, Piazzolla, los hermanos Expósito, Enrique Santos Discépolo, Eladia Blázquez, Francisco Canaro, Pascual Contursi y Mariano Mores, entre otros. Estos compositores forman parte del acervo cultural compartido entre Argentina y España, un nexo que Martirio refuerza a través de letras que abordan temas universales como el amor, el desarraigo y la memoria.

La propuesta artística subraya la profunda conexión histórica y emocional entre ambos países, marcada por la influencia de la migración y el exilio. “Al Sur del Tango” se fundamenta en ese vínculo a través de la música, la literatura, el teatro y el cine, construyendo un diálogo cultural que encuentra eco en el público de ambos territorios. Tal como publicó el medio, la intención de Martirio es poner en valor las raíces comunes y la poética compartida de dos estilos desarrollados entre puertos separados por el Atlántico.

El cuarteto que acompaña a Martirio en esta gira se compone de músicos de amplio recorrido profesional y reconocimiento internacional. Marcelo Mercadante, argentino radicado en España, participa como bandoneonista, compositor y director, conocido por su extensa discografía y sus colaboraciones artísticas a lo largo de Europa y Sudamérica. Jesús Lavilla, pianista gaditano, ha mantenido una estrecha relación artística con Martirio durante años, convirtiéndose en uno de los arreglistas destacados de la escena nacional. En el violín, Olvido Lanza aporta su experiencia en escenarios de música clásica, popular y flamenca, reconocida por su particular enfoque interpretativo. El medio informó que esta formación contribuye a dotar al espectáculo de una sonoridad que mezcla conocimiento, personalidad y deseos de experimentación.

El proceso artístico planteado en “Al Sur del Tango” permite a Martirio, vinculada al tango desde finales de los años noventa, explorar la dimensión emocional de ambos géneros. Según consignó el medio, el repertorio abarca un universo de amores intensos, desgarros y soledades, fenómenos que conforman la identidad de la copla andaluza y el tango rioplatense, poniéndose de manifiesto a través de letras y melodías que transmiten pasión, desafío y memoria colectiva.

La velada musical en el Teatro de las Esquinas se estructura sobre una puesta en escena teatral que resalta el componente emocional de las canciones. El medio puntualizó que las entradas están disponibles a 38 euros para la zona de grada y a 34 euros en el anfiteatro. La apuesta de Martirio consiste en ir más allá del homenaje, estableciendo un diálogo entre dos tradiciones que comparten orígenes sentimentales y que, a través de la interpretación de su cuarteto, adquieren nuevas formas y perspectivas adaptadas al público actual.

La historia del tango y la copla se encuentra marcada por migraciones y exilios, fenómenos que han nutrido el intercambio entre España y Argentina. “Al Sur del Tango” propone devolver estos temas clásicos a sus raíces, pero desde una perspectiva enriquecida por los viajes, el cruce de géneros y la suma de experiencias de músicos que han transitado desde el jazz y el pop hasta la copla y el tango, según relató el medio. La diversidad del cuarteto se traduce en un espectáculo donde la tradición y la creatividad se sitúan en diálogo constante.

El evento busca ofrecer al público zaragozano una experiencia que trasciende los límites del género musical, abriendo la puerta a una reflexión sobre el significado del intercambio cultural y el peso de la memoria en las expresiones artísticas. Martirio y su equipo plantean una fórmula donde cada interpretación se convierte en un testimonio de la historia compartida y de las transformaciones que surgen al cruzar fronteras musicales y sentimentales.

La exposición “Es tu paso el que regresa”, obra del artista argentino Miguel Carini, centrará la atención del público granadino a finales de febrero y marzo de 2026, con un enfoque conceptual sobre el tango que abarca tanto la experiencia artística como la reflexión sobre el fenómeno migratorio. Esta propuesta se presentará junto a la actuación de la Orquesta Escuela de Tango de Granada, formando parte de una iniciativa cultural que aspira a posicionar a la ciudad en el circuito internacional, según informó el medio original.

De acuerdo con los detalles publicados, la iniciativa cuenta con el impulso del Ayuntamiento de Granada, que ha organizado dos eventos principales relacionados entre sí: la mencionada muestra de Carini y el concierto de la Orquesta Escuela bajo la dirección de Fabián Carbone. El concejal de Cultura, Jorge Saavedra, ha señalado que esta colaboración artístico-cultural responde al objetivo de presentar a Granada como una ciudad donde convergen diferentes disciplinas, fortaleciendo su candidatura a Capital Europea de la Cultura para el año 2031. Además, ha subrayado el papel de estos eventos en el fortalecimiento del patrimonio contemporáneo local y del diálogo transatlántico entre Europa y América Latina.

Según detalló la fuente, el Centro Cultural Gran Capitán abrirá sus puertas a la exposición el viernes 27 de febrero de 2026 a las 19:00 horas, y permanecerá disponible para el público hasta el 31 de marzo de ese mismo año. La muestra se articula en torno a cuatro conceptos: el primero, denominado ‘puentes poéticos’, conecta a cinco poetas vinculados al tango de Buenos Aires con cinco poetas andaluces; el segundo, ‘Suite de 30 tintas’, reúne obras que exploran los orígenes del tango a través de tres bloques narrativos: la infancia en los conventillos, el proceso migratorio y el nacimiento del género musical. El tercer apartado aborda la universalidad del tango mediante creaciones inspiradas en autores como Clarice Lispector, Octavio Paz, Julio Cortázar, Mario Benedetti y Homero Expósito, mientras que el cuarto se centra en la creación artística entendida como respuesta a la necesidad existencial y desde la perspectiva filosófica de Søren Kierkegaard, especialmente en el contexto migratorio.

Miguel Carini, nacido en Buenos Aires en 1948 y establecido en Granada desde el año 1999, suma más de 40 exposiciones individuales y ha recibido reconocimientos destacados, entre ellos el Premio de Naciones Unidas otorgado en 1998. El medio consignó que el recorrido internacional y la experiencia multidisciplinar de Carini dotan a la propuesta de un contenido singular, en sintonía con la búsqueda de diálogos culturales entre ambas orillas del Atlántico.

Como complemento a la vertiente visual, el proyecto incluye la presentación de la Orquesta Escuela de Tango de Granada, programada para el domingo 1 de marzo de 2026 a las 12:00 horas en el Auditorio de Caja Rural Granada. Fabián Carbone, bandoneonista argentino con una trayectoria que incluye colaboraciones con músicos como Enrique Morente y Fito Páez, dirige esta formación integrada por jóvenes intérpretes granadinos. La orquesta ofrecerá piezas emblemáticas del repertorio clásico junto a composiciones actuales, exhibiendo así distintas dimensiones del tango contemporáneo. Durante la actuación participarán los bailarines Lida Mantovani y Cristian Petitto, lo que sumará una nueva capa artística al evento, según reportó la fuente.

El enfoque del proyecto radica en facilitar un punto de encuentro para las diversas manifestaciones del arte relacionadas con el tango, con el fin de atraer tanto a aficionados del género como a la comunidad cultural y educativa interesada en nuevas experiencias formativas. Según el medio, la propuesta desea conectar la creación visual y musical, fomentar el desarrollo de intérpretes emergentes y ofrecer a los visitantes la oportunidad de involucrarse en una actividad cultural integral.

El patrocinio de la Fundación Caja Rural Granada respalda la realización de estos eventos, lo que se alinea con la intención de fortalecer la proyección internacional de la ciudad. Jorge Saavedra explicó que la fusión de excelencia artística, formación y participación comunitaria busca garantizar que Granada sostenga su papel como punto de encuentro entre generaciones, disciplinas y países. En sus palabras, la iniciativa pretende contribuir de manera directa a la proyección de Granada como aspirante a Capital Europea de la Cultura 2031.

Poli Servián, portavoz de la Fundación Caja Rural, declaró que existe entusiasmo en torno a la colaboración con el Ayuntamiento de Granada y Andart Producciones Culturales. Servián recordó que la fundación ha promovido el tango durante una década, ofreciendo espectáculos gratuitos que ya forman parte de la oferta estable en el auditorio local. Según publicó el medio, la continuidad de este tipo de propuestas subraya el compromiso con la cultura comunitaria y la participación activa de los ciudadanos.

La señora está embarazada, embarazadísima, pero esta noche se va con el marido al teatro. Están en la ciudad de Mar del Plata. Él la pasa a buscar en moto, llegan puntuales a la función de Cuando un pobre se divierte, el sainete de Alberto Vacarezza. Pasan los minutos y, cuando los artistas están cantando el tango La copa del olvido, la señora, que se llama Asunta Manetti, siente los dolores del parto: a correr. Salen del teatro, se suben a la moto, van entre enloquecidos y cuidadosos. Hay que llamar a la partera. El reloj pasa las 12 y ya es el 11 de marzo de 1921: entre tango y corridas ha llegado al mundo Astor Piazzolla. Esto cuenta el periodista Marcelo Gobello en su reciente Astor Piazzolla, música en estado de revolución, una biografía a cargo de alguien que conoce bien al músico.

Vamos unos años más adelante: Piazzolla vive en Nueva York con sus padres, Nonino y Asunta. Nonino ha insistido mucho para que el muchacho no se quedara con la escuela y nada más, que estudiara música, que hiciera deportes, que fuera más allá de lo obligatorio. Un día, Nonino va a comprarle patines al nene a una casa de empeños. Pero en la vidriera, ah, ve un bandoneón. Ahí, en Nueva York, un bandoneón pequeño, como para un chico. No tiene nada que pensar: paga los 19 dólares y se lo lleva. El chico, Astor, se decepciona. Lo contará él mismo, muchos años después, y lo reproduce Gobello: “El primer bandoneón que tuve me lo regaló mi papá cuando tenía ocho años. Lo trajo envuelto en una caja, y yo me alegré, creía que eran los patines que le había pedido tantas veces. Fue una decepción, porque en lugar de los patines me encontré con un aparato que nunca había visto en mi vida. Papá se sentó en una silla, lo puso sobre mis piernas y me dijo: «Astor, este es el instrumento del tango, quiero que aprendas a tocarlo». Mi primera reacción fue de bronca. El tango era esa música que él escuchaba casi todas las noches cuando volvía del trabajo, y que a mí no me gustaba".

Estos son algunos de los momentos hermosos de la biografía de Gobello, pero no son los únicos. La visita, en Nueva York, a Carlos Gardel: Nonino ha tallado una escultura de un gaucho con guitarra y lo manda a Astorcito a llevársela. 13 años tenía el chico: se empilcha y va. El músico lo recibe en pijama pero el pibe, que encima toca el bandoneón, le cae bien. Lo convertirá -cuenta Gobello- en su guía en la ciudad. Hasta se irá un día a comer a lo de los Piazzolla. La biografía incluye una carta que Piazzolla escribió mucho más tarde y que publicó en el diario Clarín y que cuenta algo extraordinaio: por esas cosas de la vida, el chico termina tocando su primer tango en el piano y el que canta es Gardel: “Quizá llamándote Charlie te acordarás del pibe de 13 años que vivía en Nueva York, que era argentino y tocaba el bandoneón. ¿Te acordás cuando te llevé un muñeco de madera que había tallado mi viejo? (...) Jamás olvidaré la noche que ofreciste un asado al terminar la filmación de El día que me quieras. (...) Tuve la loca suerte de que el piano era tan malo que tuve que tocar yo solo y vos cantaste los temas del filme. ¡Qué noche, Charlie! Allí fue mi bautismo con el tango“.

Y el destino, otra vez: Gardel, impresionado, lo invitó a su orquesta. Se iban de gira. Los padres no lo dejaron, el sindicato tampoco. Por eso Piazzolla no estuvo en el avión del accidente fatal: “En vez de tocar el bandoneón estaría tocando el arpa”, decía en la carta.

Esas cosas ha escrito Gobello y ahora está, por videollamada y él también desde Mar del Plata, hablando para esta entrevista. De música quiere hablar, es lo que lo apasiona.

-Difícil una nueva biografía de alguien tan conocido. ¿Qué cosas nuevas pensaste que podías encontrar?

-Mi tío abuelo, eh, era José Gobello, el fundador de la Academia Porteña del Lunfardo. Y él era amigo de Astor. Fue el primer periodista que lo bancó cuando a él en el cincuenta y pico lo criticaban mucho. Pero yo crecí con los Beatles, con los Rolling, después con Led Zeppelin, con Yes, nunca tuve una grieta. Viví afuera y ahí lo que interes de nosotros no es Charly García, es Astor Piazzolla. Yo me encontraba con músicos de rock clásico, de grupos como Genesis, Yes, Emerson, Lake & Palmer, Deep Purple y terminábamos hablando de Piazzolla, casi que me terminaban ellos preguntándome: “¿Cómo era Astor?” “¿Lo viste tocar en vivo?” Yo tenía un contacto con la familia, un contacto muy fuerte con Daniel Hugo Piazzolla, depués con Laura, la esposa, y entre los dos fui viendo la historia.

-No te tocó la época en que los tangueros lo querían matar...

-Yo siempre tuve una mirada distinta de Astor por mi generación. Vos pensá que yo, Astor, la primera vez que, que lo vi en vivo fue en La Botonera, en 1976. Con el primer octeto electrónico, que era tan revolucionario que el propio Antonio Agri se fue después de un par de conciertos y él actor en vez de poner a otro violinista -no había otro que superara a Agri- puso a un viento que tocaba el saxo. Para mí impactante verlo con batería, con sintetizador. Yo tenía 17 años, era muy joven, pero ya la música era mi pasión.

-Se llama “La música en estado revolución” tu libro...

-Lo primero que le dije a Astor cuando lo entrevisté fue que veía cosas que se parecían a Emerson, Lake & Palmer. Y me dijo; “Sí, me gusta mucho Emerson Lake & Palmer porque ellos son fanáticos de Ginastera, que fue mi maestro. Siempre busqué por ahí salirme un poco del canon. Los viejos piazzolleros te decían: “A ver, pibe, te vas a meter con Piazzolla. ¿Cuál es el mejor grupo de Astor?" Se supone que si uno es medio wikipedico, va a decir “el quinteto”. Y no, los viejos piazzolleros te van a decir “el Noneto”, del 72. Ahí graba unos discos maravillosos y tiene un conjunto que es brillante, que es con el que primero va a viajar a Europa y con el que hace la famosa versión de Balada para mi muerte con Mina, la cantante italiana, que va a ayudar mucho para su difusión.

-¿Y cuál es tu grupo favorito?

-A mí siempre me gustó mucho el segundo octeto electrónico y hoy lo están revalorizando, durante años era mala palabra, pero realmente fue una de las cosas avanzadas. En realidad no hay una cosa mejor que otra. A mí me encanta la etapa de él con su orquesta típica en la década del 40. Me encanta el octeto Buenos Aires, que es el rompedor, me encanta lo que hizo en París. Y después vuelve y arma el Octeto Buenos Aires, donde incorpora la guitarra eléctrica y después se va y vuelve y hace el quinteto y después hace el noneto....

-En la biografía se destaca la figura del padre, al que conocemos por “Adiós Nonino. Cómo lo marca, lo hace estudiar, lo ve fuera de lo común.

-La figura de Nonino fue central en su vida. Vicente Piazzolla, el loco le decían, el loco Piazzolla, tenía una personalidad totalmente única para la época inclusive. Fijate que en la década del 20, acá todavía era la época de la inmigración y el tipo se va a Estados Unidos, no era tan común. También, como Astor nace con un defecto físico bastante pronunciado en un pie, Vicente puso en el hijo mucho empeño, que por ahí hoy no es políticamente correcto, porque en vez de cuidarlo como si fuera de cristal, inclusive en contra de lo que decían los médicos en la época, lo hacía correr, lo hacía entrenar, lo hacía boxear, lo hacía jugar al fútbol. Él veía que el hijo tenía algo, no sabía de dónde, porque la verdad que la música no se la había planteado para nada, pero veía que el hijo iba a ser distinto y que iba a ser un genio.

-Un observador...

-De hecho, él empezó a escribir una especie de diario cuando Astor era chico, un diario sobre el hijo. Y stor escucha la música de Bach, de la casa de un vecino y se enamora de la música. No del tango, que en su momento le parecía triste porque era lo que escuchaban los viejos en la pieza, donde alquilaban en Nueva York y lloraban todas las noches, sino la música de Bach. Y tambíen fue fundamental el padre por lo del bandoneón.

-¿A vos te parece que que él te discutiría algo de este libro?

-Es muy probable porque yo a él le discutí muchas cosas en el libro. Si él decía que el octeto electrónico había sido un error, yo digo que es uno de los de los mejores grupos que tuvo. Y así, mucho. No sólo los tradicionalistas le discutían. Todo el lío que tuvo Astor en su momento, con que decían que había sido el asesino del tango, que no era tango...

-¿Y no fue así?

-No solo no fue el asesino, sino fue el que rescata al tango, el que lo salva de alguna manera. Pero hasta los piazzollianos lo discuten: te dicen que Libertango es una porquería, y yo digo que es una joya.

-¿Piazzolla sigue siendo polémico o o ya está?

-La verdad, no creo que ya a esta altura siga siendo polémico. Ganó él, ganó por goleada.

Aquí viene bien un breve repaso y contextualización del valor de este disco. ¿Te acordás… Polaco? marcó el último gran momento de Aníbal “Pichuco” Troilo, bandoneonista, director y compositor pero más que eso, una de las figuras más relevantes de la historia del tango. Aunque se grabó en 1971, su esencia remite a las décadas de 1940 y 1950 (las llamadas “décadas de oro del tango”). Troilo murió cuatro años después de la edición del disco y Goyeneche estaba en pleno camino a convertirse definitivamente en aquello por lo que aún hoy se lo recuerda: una leyenda.

El arte de tapa del disco surgió de una sesión fotográfica realizada en San Telmo, donde Troilo aparece con camisa rayada, pantalones bordó y zapatillas junto a un Goyeneche delgado y sonriente. Ambos posan despreocupados, delante de paredes sin revoque, componiendo una imagen entrañable que captura el espíritu del tango en plena transformación durante los años 70.

¿Te acordás… Polaco? es, en ese sentido, un fresco de época. Un encuentro de dos grandes a mitad de caminos inversos, cuando el tango empezaba a parecer que había pasado “de moda” -la irrupción del folklore y en menor medida del rock, durante los años 60, le habían quitado terreno en las preferencias de las audiencias masivas de música popular argentina- y la Argentina asomaba a un tiempo oscuro que alumbró, hace medio siglo, otro país. El que todavía sufrimos.

En términos musicales, es un álbum en sentido pleno: el lado A incluye “Sur”, “Fueye”, “Barrio de tango”, “Toda mi vida”, “Corazón de papel” y “La violeta”; el segundo, “En esta tarde gris”, “Tinta roja”, “Una canción”, “El bulín de la calle Ayacucho” y “Fogón de huella”. Todos clásicos, potenciados por nuevos arreglos de Raúl Garello (otro grande), y la voz plena de Goyeneche, mucho antes del fraseo carraspeado y lento que lo marcó como especie de cantor de culto hasta para las generaciones rockeras en los años 80.

Según detalla la completa biografía El Polaco. La vida de Roberto Goyeneche, de Matías Longoni y Daniel Vecchiarelli, el origen del proyecto se remonta a un productor de RCA llamado Aquiles Giacometti, quien propuso a Troilo grabar sus clásicos de los años 40 con la voz de Goyeneche. Troilo aceptó la idea y hasta bautizó el disco: “Le vamos a poner ¿Te acordás Polaco?”. El libro reconstruye en detalle aquella historia, resaltando la química especial entre Troilo y Goyeneche forjada en las noches del mítico club Caño 14, un lugar central en la historia del tango de los 60 y 70, ubicado primero en Uruguay entre Paraguay y Marcelo T. de Alvear y luego mudado a pocas cuadras de ahí, Talcahuano casi Marcelo T. de Alvear.

La reedición forma parte de una serie de acciones para destacar la figura de Goyeneche a cien años de su nacimiento. Una serie de videos temáticos en redes sociales abordarán los discos fundamentales de la etapa solista de Goyeneche, de Mensaje de tango (1968) junto a la Orquesta Típica Porteña dirigida por Raúl Garello, hasta Piazzolla-Goyeneche en vivo (1982) y el canónico El Polaco por dentro (1985), grabado junto a una orquesta dirigida por el notable Carlos Franzetti.

Esta reedición en una fecha clave de la historia de Roberto “Polaco” Goyeneche, el mítico cantor porteño de familia vasca que fue colectivo de la línea 19 y que también es y será, para siempre, el hincha más famoso de Platense, cuyo barrio Saavedra ostenta un lindo paseo en forma de boulevard, que conduce de la intersección de Panamericana y General Paz hasta la avenida Congreso.

Hubo voces que definieron la identidad del tango en Buenos Aires, y la de Edmundo Rivero siempre ocupó un lugar singular. Con un registro grave y poco común, Rivero se convirtió en referente del género desde sus primeras presentaciones en la década de 1930. Su manera de cantar, pausada y precisa, transformaba cada interpretación en un acto de intensidad emocional, acercando la poesía del tango a públicos de todos los barrios y generaciones.

Nacido en 1911, Rivero desarrolló su carrera como cantor y guitarrista, y brilló como figura central en la orquesta de Aníbal Troilo durante los años cuarenta. Su estilo austero, su voz profunda y su presencia escénica imponente lo consolidaron como un símbolo porteño. En 1969 fundó El Viejo Almacén, un espacio que se volvió refugio y santuario para el tango en Buenos Aires.

Redefinió la interpretación del tango con una poética de barrio, de nostalgia y de ciudad que sigue latiendo en cada nota, en cada frase, en cada palabra cantada. Su voz de bajo, profunda y varonil, rompió con los moldes de su época para otorgarle al género una crudeza emocional sin precedentes, convirtiéndose en el máximo guardián del lunfardo. Murió el 18 de enero de 1986 a causa de una insuficiencia cardíaca, dejando un vacío que solo puede llenarse volviendo a escuchar su emblemática versión de Sur.

La infancia en Valentín Alsina y una voz sin igual

Leonel Edmundo Rivero nació el 8 de junio de 1911 en Valentín Alsina, un barrio donde el pulso fabril se mezclaba con el latido del suburbio, y que más tarde marcaría su sensibilidad artística. Solía contar que su bisabuelo materno, Lionel, de origen inglés, había sido lanceado por los indios pampas a mediados del siglo XIX. De él heredó el pelo rubio y el primer nombre, completando así la identidad que lo acompañaría toda su vida.

Cuando llegó al mundo, supieron que tenía acromegalia (enfermedad rara endocrina crónica, causada por una secreción excesiva de la hormona del crecimiento), una condición que, en la adultez, definió sus facciones marcadas, su estatura y, en parte, la profundidad de su voz. Siendo aún muy pequeño, la familia se trasladó al pueblo de Moquehuá, en la provincia de Buenos Aires, cuando su padre, empleado ferroviario, fue designado jefe de la estación local. Allí, Edmundo enfermó gravemente y, ante la falta de diagnóstico, su padre renunció y regresaron a la capital, donde finalmente pudo recuperarse.

En Buenos Aires, los Rivero se instalaron en una casona de Saavedra, en la esquina de Av. del Tejar y Manuela Pedraza, junto a los abuelos. Más tarde vivieron en distintas casas del barrio, en calles como Tronador, Cramer, García del Río y Juana Azurduy. Entre esos patios y habitaciones, Rivero descubrió la música: los valses, las zambas y los tangos que sus padres interpretaban llenaban la casa. Su tío Alberto le enseñó las primeras notas en la guitarra, y en la primaria del Colegio Molinari debutó recitando versos del Martín Fierro durante un acto patrio, dando sus primeros pasos como artista.

Durante la adolescencia, su curiosidad por el lunfardo creció. Aprendió las primeras palabras de su tío y luego se adentró en los aguantaderos de Saavedra, donde escuchó el lunfardo más crudo y encriptado, el que circulaba entre malandras y vecinos del barrio. Esa conexión con la calle y sus lenguajes clandestinos enriquecería su estilo, haciendo de su voz un instrumento que hablaba al corazón de la ciudad. También estudió música clásica, técnica vocal y composición.

A los 18 años, Rivero ya era un guitarrista conocido en el barrio y tocaba en bodegones y bares como El Cajón, cerca del puente Saavedra, un refugio de payadores, carreros y personajes del arrabal. Tras esa escuela callejera, inició estudios formales de canto y guitarra clásica en el Conservatorio Nacional de Música, mientras acompañaba a cantores locales y, más tarde, a figuras como Nelly Omar.

En 1932, cumplió con el servicio militar en el Regimiento de Granaderos a Caballo “Gral. San Martín”. Esa experiencia, contó, le dejó el uniforme, la disciplina y la camaradería, que marcaron su carácter, aunque su corazón siempre latió al compás del tango y del arrabal.

La consagración: Troilo, las noches porteñas y el nacimiento del mito

El gran salto de Rivero llegó en los años cuarenta, cuando Aníbal Troilo lo convocó a su orquesta. Pichuco buscaba una voz capaz de enfrentar la densidad poética del tango de su tiempo, y Rivero era eso: espesor, gravedad, dramatismo. “Vos no cantás, hermano… vos sangrás", le dijo Troilo y no hizo falta más... Con él, cada tango se transformaba en un diálogo entre cantante y orquesta; cada pausa, cada silencio y cada respiración eran parte de una arquitectura emocional que hacía del tango algo solemne, intenso y profundamente porteño.

Pero antes de esa consagración, Rivero aprendió a conquistar al público a fuerza de perseverancia. Apoyado por su tío músico, recorrió bares, boliches y cafés con su guitarra —su infaltable “viola”—, musicalizando películas mudas en cines del barrio y acompañando a cantores de géneros diversos, desde Nelly Omar hasta Agustín Magaldi. A veces la audiencia reaccionaba con indiferencia o incluso con enojo. Rivero recordó en una entrevista cómo, al cantar por primera vez en la película Resaca, los espectadores golpeaban el piso y protestaban porque no estaban acostumbrados a escuchar voces. Lo repitió el día siguiente y fue despedido... Pero él no se rindió: cada tropiezo fue un aprendizaje, cada fracaso un peldaño hacia su estilo único.

En esos primeros años también formó dúo con su hermana Eva, haciendo conciertos para Radio Cultura y participando en emisiones de radio Brusa y radio Buenos Aires. Tocaban música española, clásica o lo que el día exigiera, a veces sin más remuneración que un trueque. Su primer sueldo artístico fue, según contaba con humor, un pescado a elección del artista.

Entonces, llegaron los años 40 y Troilo; y la historia cambió de golpe. Su primer baile en el Tigre fue un impacto para él, cuando el bandoneonista le indicó “Ahora usted, Rivero…”, los aplausos parecían extraños, exageradamente largos, casi burlones. Y cuando Edmundo empezó a cantar, la pista se silenció y el público se acercó al palco... lejos de calmarse, comenzaron a gritarle y tirarle cosas. ¿Qué les ofendía? La voz grave de Rivero, a la que no estaban acostumbrados...

Troilo, ya inseguro porque supo que la audiencia se estaba mofando, le recomendó a Rivero que bajase del palco, pero “El Feo” (apodo que tomaba con gracia) seguro de sí mismo, bromeó: “Ah, pero a mí en los bailes siempre me aplauden así”. Aquella confianza marcó el inicio de una alianza artística indestructible.

Pese a eso, no todos los músicos de la orquesta recibieron bien su presencia: algunos intentaban sabotearlo, quitarle el micrófono o hablar mal a sus espaldas. Pero Troilo lo protegió, admirando en Rivero una voz que trascendía mezquindades y rivalidades. Su estilo austero y su porte imponente lo convirtieron en un símbolo del tango porteño y en una figura indispensable de la noche de Buenos Aires. Fue parte de esa orquesta hasta 1950, cuando inició su carrera solista.

A fines de los años cuarenta, Rivero ya era reconocido como una de las voces mayores del tango. Participó en películas como El cielo en las manos (1949) y Al compás de tu mentira (1951), y en 1952 registró uno de sus sencillos más recordados, “Cuando me entres a fallar”. Más tarde, en 1969, fundó El Viejo Almacén, espacio que se transformaría en un santuario para el tango, consolidando su rol de guardián del género y de la poética porteña que tanto lo definía.

Encuentros que marcaron su arte

El encuentro entre Rivero y Jorge Luis Borges representó la fusión definitiva entre la erudición de la biblioteca y el barro del arrabal. Ese vínculo alcanzó su punto máximo en 1965 con la grabación del álbum El Tango, donde Rivero se convirtió en el vértice de un triángulo creativo sin precedentes junto a la música de vanguardia de Astor Piazzolla. Bajo la dirección de Piazzolla, su voz de bajo dio vida a las milongas borgeanas, transformando en seres de carne y sombra a los cuchilleros y guapos que poblaban la literatura del escritor. Aunque Borges prefería la sencillez de la milonga silbada, este disco rompió esa distancia: la literatura de élite y la modernidad sonora se encontraron, sellando una complicidad intelectual que acompañaría a ambos hasta 1986, año en que Rivero y Borges partieron, dejando huérfana a la cultura argentina.

Sin embargo, la historia artística de Rivero no se explica sin Horacio Salgán, su verdadero “padre musical”. En una época donde las orquestas buscaban voces agudas y brillantes, Salgán tuvo la visión de rescatar a ese joven de registro cavernoso que otros directores consideraban “antidichoso”. Bajo su ala, Rivero comprendió que su voz profunda no era un defecto, sino una virtud y su sello inconfundible. Fue gracias a esta confianza que más tarde floreció junto a Troilo, dejando grabadas piezas como el himno Sur, que consolidaron su lugar en la historia del tango.

Más allá de sus alianzas con los grandes maestros, Rivero cultivó un compromiso íntimo con el lunfardo, al que defendió como un idioma con gramática propia. Como un arqueólogo de las palabras, rescató términos populares destinados al olvido, integrándolos en sus letras y grabaciones con una precisión y respeto que lo convirtieron en referente de la Academia Porteña del Lunfardo. Por eso, no fue solo un intérprete sino que se erigió como guardián de la memoria lingüística de Buenos Aires, asegurando que el pulso de la ciudad siguiera latiendo en cada frase cantada, en cada tango que su voz hizo eterna.

El tango como casa: los últimos años y el legado eterno

Por el escenario de El Viejo Almacén pasaron leyendas, músicos jóvenes, poetas, bohemios, turistas y porteños que buscaban un lugar donde el tango todavía respirara auténtico. Rivero lo sabía: el tango necesitaba una casa y él se la dio. En el mientras tanto, su carrera solista continuaba y grabó discos memorables, interpretó tangos clásicos y contemporáneos, y llevó su voz a escenarios de América y Europa.

Su prestigio no siempre le jugó a favor: en 1977 fue convocado para viajar a Venezuela como parte de la comitiva que acompañó al dictador Jorge Rafael Videla en visita diplomática, con la excusa de que su presencia servía para validar la “identidad nacional” en el exterior. Aunque nunca se expresó sobre ese viaje, los estudiosos de su vida destacan que mientras participaba en estas comitivas oficiales, Rivero popularizó el tango Bronca (con letra de Mario Battistella), cuya letra es una crítica feroz a las injusticias sociales, la corrupción y los abusos de poder. Muchos seguidores interpretaron su decisión de cantar este tema como una forma de resistencia o de expresar el descontento popular “entre líneas”.

Años más tarde, en diciembre de 1984, asistió a un homenaje a Carlos Gardel en la Quinta Presidencial de Olivos. Allí, el presidente Raúl Alfonsín, admirador de su arte, celebró efusivamente su actuación. En 1985, Rivero recibió el Premio Konex de Platino como Mejor Cantante Masculino de Tango, un reconocimiento merecido a toda una vida dedicada al género.

El 24 de diciembre de 1985 sufrió una miocardiopatía que lo dejó internado durante tres semanas en el Sanatorio Güemes. Falleció el 18 de enero de 1986 a las 10:35 horas, dejando un vacío imposible de llenar.

Con más de 700 canciones registradas y al menos 23 álbumes de estudio, entre ellos antologías de lunfardo y colaboraciones históricas con Borges y Piazzolla, su voz de bajo se desplegó en toda su magnitud. Aunque su paso por la orquesta de Troilo fue breve, dejó 22 piezas maestras, incluyendo himnos como Sur. Durante su etapa solista convirtió cada grabación en un documento vivo de la identidad porteña, en un canto que sigue resonando, inmutable, eterno.

Para quienes compartieron su tiempo, Gardel fue la expresión máxima del éxito popular. En una época en la que Buenos Aires y Montevideo conformaban un verdadero crisol de razas, lenguas y culturas, no resulta difícil comprender por qué tantos hombres y mujeres se sintieron representados por su figura. Gardel encarnaba el triunfo posible, el ascenso social, la voz de un pueblo que se reconocía en él. En muchos casos, ese éxito fue vivido como propio, generando un sentido de pertenencia profunda: ser gardeliano era, también, celebrar una identidad compartida.

Las generaciones que siguieron heredaron ese sentimiento. Recibieron el recuerdo de la admiración y el cariño que el incomparable cantor había despertado en padres y abuelos. Gardel se convirtió así en un legado afectivo, transmitido de generación en generación, más allá de haberlo escuchado o no en vida.

Las nuevas generaciones, en cambio, se aproximan a Gardel desde otro lugar. Lejos ya de quienes vivieron su tiempo y se llevaron consigo el impacto directo de su voz y su carisma, estos nuevos admiradores descubren las razones de su grandeza no solo a través de interpretaciones que siguen resultando excepcionales, sino mediante el análisis de su vida y de su trayectoria. En ese recorrido encuentran un encanto intransferible, una esencia difícil de explicar, que los lleva a sentirse orgullosos de un artista que trascendió fronteras y que, más allá de cualquier discusión, los define como gardelianos.

Sin embargo, junto a esta admiración genuina, también aparecen miradas marcadamente nacionalistas que, sin atender a los hechos ni a los contextos históricos, pretenden adjudicar o negar pertenencias de manera arbitraria. En estos casos, poco importa la investigación seria o el análisis documental: lo único relevante parece ser la apropiación simbólica del personaje, utilizando cualquier argumento disponible.

En los últimos días, esta discusión volvió a ocupar espacio mediático a partir de la aparición de un documento del Consulado uruguayo en la Argentina, fechado en 1920, en el que Carlos Gardel habría declarado ser de origen uruguayo. La noticia fue presentada de manera maliciosa, solo con la intención de un golpe de espasmo informativo, sin el debido análisis ni investigación contextual, desconociendo los hechos concretos que llevaron a Gardel a atravesar esa situación.

Es fundamental comprender que si bien el documento es original, no puede analizarse de forma aislada. Carlos Gardel se vio, en determinado momento de su vida, forzado a resolver por complicaciones vinculadas a su documentación original. Las razones de esa decisión responden a circunstancias legales, migratorias, personales de complejas circunstancias, propias de una época en la que los controles de identidad distaban mucho de los actuales.

Explicar en profundidad los motivos que lo llevaron a declarar un origen distinto requeriría varias páginas y un abordaje riguroso. No obstante, basta con remitirse a los trabajos de investigadores serios que, a lo largo de décadas, han estudiado su vida con profundidad y método. El periodista investigador Avlis por ejemplo, ya había hablado sobre los documento de identidad, en la década del 60, con el análisis correspondiente, sobre el cual uno puede o no coincidir, pero se trata de una investigación exhaustiva, lejos de cualquier improvisación o lectura superficial. Ignorar ese corpus de estudio es, cuanto menos, una falta de respeto hacia la historia y hacia la verdad documental.

Lamentablemente, vivimos tiempos en los que la simplificación y la falta de rigor parecen celebrarse. Basta con que alguien afirme algo sin sustento para que ese hecho comience a circular como una verdad revelada. Frente a esto, resulta indispensable reivindicar la investigación seria, el análisis contextual y el respeto por la complejidad histórica.

Carlos Gardel no necesita ser reducido a una discusión binaria sobre su origen. Su verdadera identidad se construye en su obra, en su legado y en la huella cultural que dejó y que sigue viva en millones de personas en todo el mundo. Esa es la única certeza que permanece inalterable, más allá de documentos aislados o titulares circunstanciales. Todos estos actos espasmódicos nos permiten medir el tipo de sociedad en la que estamos viviendo y nos invitan a preguntarnos si es realmente la sociedad en la que queremos vivir, aunque ese cuestionamiento exija el esfuerzo de pensar, reflexionar y actuar en consecuencia.

Para cerrar este tema, nadie puede dudar del profundo sentir de Carlos Gardel por Buenos Aires, Montevideo, París y Nueva York, ni desconocer que si hoy seguimos hablando de él no por quién fue su padre ni por el país en el que fue engendrado. Nadie elige dónde nacer ni quiénes serán sus padres; en cambio, sí elige dónde vivir a que comunidad pertenecer, y quién lo cría, lo educa y lo ama como su familia.

La Fundación no se arroga la posesión de la verdad absoluta. Sin embargo, en su carácter de albacea legal del artista y como depositaria de la mayor colección de documentación existente de y sobre Carlos Gardel, es hoy la única institución legitimada para oficializar y validar este tipo de investigaciones.

En ese marco, rechazamos y desconocemos las afirmaciones de quienes, amparados en un supuesto rol de investigadores, actúan movidos por intereses personales. Estas intervenciones, carentes de rigor histórico y metodológico, no solo desinforman, sino que atentan contra la imagen, la obra y la historia de Carlos Gardel.

*Presidente de la Fundación Internacional Carlos Gardel

Oliva explicó el modo en que la identidad argentina funcionó como eje de construcción del grupo: “La esencia es muy importante para nosotros, es la identidad de todo lo que creamos. La base de nuestros shows está compuesta por elementos de nuestra tierra, nuestras danzas, nuestros instrumentos. La fusión con elementos de jazz y flamenco proponen un producto único”. Esta visión de fusión no renuncia nunca a las raíces, sino que amplifica el repertorio hasta convertirlo en una experiencia escénica reconocible en cualquier contexto.

El impacto que causa Brutal en el público extranjero, según Oliva, radica en la energía sobre el escenario y la potencia visual de sus instrumentos: “Lo que más sorprende es la pasión con la que los argentinos ejecutamos nuestro arte, tanto el bombo como las boleadoras son elementos e instrumentos que tienen mucho impacto visual y auditivo además de ser exóticos a la vista del extranjero. El tango es patrimonio de la humanidad, y la danza folklórica es muy atractiva para el turismo”.

El reconocimiento internacional, sin embargo, nunca desplazó el sentido de pertenencia del grupo. “Para nosotros la Argentina siempre va a ocupar el primer lugar en el mapa, porque es el lugar donde nacimos, porque es el lugar por el cual peleamos y porque nos encanta trabajar en nuestro país, con mucho orgullo llevamos nuestra bandera por el mundo pero siempre buscamos el regreso a casa”, afirma.

La decisión de adaptar el espectáculo a la diversidad de escenarios resultó clave para la evolución del grupo. Oliva detalla cómo modificaron cada show atendiendo las características del espacio: “Cada espacio es diferente, por lo tanto el show va mutando y adaptándose a las necesidades de cada rubro como por ejemplo, el escenario en un circo generalmente es circular, por lo tanto el show se piensa en base a la idea de que el público está a nuestro alrededor, sin un frente fijo. En teatros, cruceros y festivales el público lo tenemos de frente a veces cerca, otras a distancia, eso hace que cada análisis sea diferente”.

La permanencia de valores internos explica la cohesión artística y humana de la compañía: “Sosteniendo los valores ante todo, como por ejemplo el respeto, el compañerismo, la lealtad, el ser agradecido, un conjunto de cosas que hacen al profesionalismo de un equipo y que con los años generan una amistad”.

El liderazgo femenino también forma parte de la transformación identitaria de Brutal. Oliva atribuye ese cambio a un desarrollo tanto espontáneo como deliberado: “Fue una evolución natural del grupo, y también una elección para resaltar que las mujeres no necesariamente tienen que ser masculinas para ejecutar danzas que antiguamente eran solo de hombres, que hoy en día ya no es así. La mujer hoy también es malambo”.

El retrato de Argentina que despliega Brutal sobre el escenario no fue simplemente retrospectivo. Oliva sintetiza: “El público tiene un pantallazo por una cultura muy rica, que aunque pasen los años su esencia y valores no se pierden, al contrario se va enriqueciendo y reafirmando cada vez más. Es decir, se llevan una noche porteña, un amor del carnaval, el sonido del monte entre otras cosas”.

[Fotos: prensa Brutal]

La Comisión Gardel Rioplatense (CGR), integrada por investigadores y gestores culturales de Uruguay y Argentina, anunció que el acta, encontrada en noviembre de 2025, certifica que Gardel nació en Tacuarembó el 11 de diciembre de 1887, hijo de ciudadanos uruguayos, y que era artista y soltero al momento de la tramitación.

Este folio, divulgado por el semanario local Búsqueda, aparece como otro elemento del archivo documental para el debate sobre la verdadera identidad del “Zorzal Criollo”. El documento, gestionado por Gardel el 8 de octubre de 1920 ante un cónsul uruguayo y dos testigos, funcionó como una partida de nacimiento provisional y le permitió tramitar su ciudadanía argentina, en un momento en el que se encontraba indocumentado.

Para la CGR, el hallazgo puede saldar definitivamente la controversia en torno al origen del cantor, al aportar un registro oficial que respalda la versión uruguaya sobre los primeros años de Gardel.

Sin embargo, el anuncio se recibió con escepticismo por parte de especialistas argentinos, quienes señalan que el acta representa “un testimonio de un momento puntual”, reflejando lo que “una persona afirmó ante un funcionario en determinadas circunstancias y con un interés particular”, sin equivaler necesariamente a una “constatación directa del hecho biográfico que declara”, según refleja la prensa uruguaya.

Para los expertos, la vida de Gardel estuvo marcada por traslados, uso de documentos diversos y necesidades laborales que lo forzaban a adaptar su identidad, por lo que la inscripción de un lugar y fecha de nacimiento en un documento oficial resulta informativa pero no concluyente.

Los especialistas también cuestionan la autenticidad y procedencia del acta. Aún resta que debe someterse a verificaciones técnicas y archivísticas, como el análisis de la tinta, el papel, las filigranas, la caligrafía, los sellos y las anotaciones marginales. Se debe constatar y comparar también con otros registros consulares para acreditar la veracidad del registro.

El proceso de validación se inició con un acta notarial realizada por una escribana uruguaya y continuará con un peritaje oficial a cargo de la Presidencia de la República, según informaron los responsables de la CGR. De acuerdo con estas fuentes, el documento podría ser determinante para que organismos internacionales restituyan formalmente la identidad de Gardel.

El historiador Gustavo Colman, que se especializa en la vida de Gardel, explicó al programa Telenoche, de Uruguay, que el hallazgo fue posible “merced a la buena voluntad y al celo profesional de un funcionario” que trajo el papel desde el Consulado Uruguayo en Buenos Aires.

“Con eso probamos que la vida de Gardel tuvo un comienzo y fue con los datos fidedignos que él sostenía, que era un ciudadano del Río de la Plata, nacido en Tacuarembó, que se registró como ciudadano uruguayo y, a raíz de eso, pudo obtener la ciudadanía argentina. Estamos hablando de un Gardel rioplatense, nunca francés”, subrayó Colman.

En los últimos años, otro documento que contrasta con esta visión acredita el mito del nacimiento de Gardel en la ciudad de Toulouse, Francia. Según esa acta de nacimiento, se lo registró como Charles Romuald Gardes, el apellido de su madre. Aquella investigación figura en el libro El padre del Gardel de los autores Juan Carlos Esteban, Georges Galopa y Monique Ruffié.

Según Colman, aquella documentación refleja que “por la plata, todo vale”. “Cuando Gardel muere no tenía herederos. Hubo un apoderado, que es el que se lleva todos los malos adjetivos, que es Armando Defino, pero también hubo cómplices uruguayos”. El investigador aclaró que “había un Charles Romuald Gardes, existió, convivió con Gardel”, pero “murió como Carlos Vacca, y tuvo que ver con el reparto de la herencia”, concluyó.

Una vez que concluya la pericia oficial, el acta será remitido a la Comisión de Derechos Humanos de Costa Rica, “para que se certifique internacionalmente y se deje constancia de que Carlos Gardel nació en Uruguay”.

Más allá de la controversia del lugar de nacimiento, Gardel creó el estilo tango-canción y optó por ser un símbolo del ser argentino, y del porteño en particular, con legendarias canciones como “Mi Buenos Aires querido”. El cantautor trabó amistades con todo tipo de gauchos, malevos, compadritos y personajes variopintos de la argentinidad, que quedarán inmortalizados en letras de tangos como “El pardo Augusto”, “El Cordobés”, “El Morocho Aldao” y “El Noy”, entre otros.

Osvaldo Sosa Cordero, en 1931, lo resumía así: “La identidad de Gardel y Buenos Aíres lloran sus milongas por boca de cientos de cantores. Casi me atrevería a afirmar que cada porteño lleva en sí un Gardel”.

La caída en su hogar, a comienzos de diciembre, fue el principio de un calvario. Ese accidente doméstico le cambió el destino a quien fue una de las voces más queridas del tango. El rumor de la tragedia se expandió rápido, y con cada hora, el país entero acompañó la espera en la incertidumbre.

En la casa familiar, la urgencia fue el único motor. Ricardo Chiqui Pereyra fue trasladado a un centro médico de la ciudad de Buenos Aires, donde ingresó en estado crítico y con pronóstico reservado. La familia, en medio del caos y el dolor, intentó mantener la calma y la esperanza para los cientos de seguidores que preguntaban sin descanso. “Para llevar tranquilidad y claridad a todos, si bien el cuadro es crítico, no nos queda otra que aguardar mínimo 48 horas donde los médicos irán monitoreando y viendo su evolución o involución, ya que pueden pasar cualquiera de las dos cosas”, publicó uno de sus seres queridos, abriendo una ventana de fe en medio de la tormenta.

El eco de ese mensaje, tan humano y directo, fue inmediato: “Agradecemos los mensajes y el apoyo, pero también pedimos paciencia porque no tenemos capacidad para estar respondiendo todos los mensajitos que llegan... gracias por el amor y apoyo... se irá informando a medida que haya algo relevante”. Cada palabra resonó entre familiares y amigos; cada silencio decía más que cualquier parte médico.

La espera fue larga y angustiante. El lunes 8 de diciembre la familia comunicó que el artista había sido intervenido quirúrgicamente y que había superado la cirugía, aunque el pronóstico seguía siendo reservado. El alivio fue apenas un suspiro antes de que la preocupación volviera a instalarse. “Ahora las horas irán variando de información según la evolución. El pronóstico sigue siendo reservado”, informaron, conscientes de que, en esos momentos, la vida se mide en partes de hospital y en la fe de quienes esperan.

La comunidad tanguera, y con ella buena parte de la cultura nacional, se unió en un mismo deseo. “Agradecemos infinitamente el apoyo de todos y pedimos por favor sepan entender la poca comunicación, pero no hay mucho que decir, solo esperar y confiar en Dios, el universo y toda la buena energía de ustedes. Seguimos pidiendo por él. Gracias”, suplicaron sus seres queridos, abrumados por la ola de afecto.

Ricardo Chiqui Pereyra había nacido el 26 de junio de 1951 en General Roca, Río Negro. Desde pequeño, el arte fue su refugio y su lenguaje. Los primeros pasos los dio en los grupos de folklore de su ciudad natal. Allí, entre ensayos y sueños, empezó a forjarse la voz que, años más tarde, conquistaría al público argentino.

La vida del artista cambió para siempre en 1978. En General Roca, una selección de nuevas voces lo llevó directamente a la televisión. Con 27 años llegó a Buenos Aires, la ciudad que sería testigo de sus mayores triunfos, para participar en el mítico programa Grandes Valores del Tango. Los directivos del canal, sorprendidos por su talento, tomaron una decisión inusual: lo retiraron de la competencia y le dieron un lugar como profesional. Desde ese momento, Chiqui Pereyra integró el elenco estable del programa hasta 1992.

El recorrido no terminó ahí. También se sumó a Botica de Tango, un clásico de la televisión argentina, y participó hasta 1988. Su calidez y timbre personal lo convirtieron en un referente del género. Los premios y reconocimientos no tardaron en llegar: en 2007, recibió el Premio Santos Vega al mejor intérprete masculino de tango.

La carrera de Pereyra fue tan extensa como apasionada. Llevó su arte a distintos rincones del país y del mundo: España, Estados Unidos, Chile, lugares donde siempre encontró públicos fervorosos y atentos. Cada actuación era una celebración, una oportunidad para desplegar ese talento que lo hacía único.

El último adiós a Chiqui Pereyra deja un vacío imposible de llenar. Mientras sus familiares, amigos y el público lo despiden con dolor, la figura del cantor crece y se transforma en símbolo de lucha y de la huella imborrable que dejan los verdaderos artistas.

El eco de una noticia golpea en el centro mismo de la emoción del tango argentino: Ricardo Chiqui Pereyra se encuentra internado con pronóstico reservado tras un accidente doméstico. Las calles y los rincones del imaginario popular, que tantas veces celebraron la voz de este cantor entrañable, vibran ahora por un motivo más sombrío.

El accidente ocurrió en los primeros días de diciembre cuando el músico se cayó de una escalera en su hogar. El golpe que sufrió encendió todas las alarmas. La noticia corrió rápida. Una caída doméstica desencadenó una conmoción que dejó mudos a quienes le deben tantas noches de melodía y nostalgia.

La urgencia fue ineludible: Pereyra fue trasladado a un centro médico de la Ciudad de Buenos Aires, donde el ingreso resultó inmediato. Allí quedó internado, y el tiempo, desde entonces, comenzó a pesar de otro modo. La primera reacción de sus seres queridos fue la comunicación constante con sus seguidores, casi a diario. La necesidad de compartir, de traducir la incertidumbre en palabras, de no quedar solos en la angustia, marcó aquellos primeros días.

Con el correr del tiempo, las comunicaciones se hicieron más espaciadas, hasta que este domingo, su esposa Elena Rodríguez actualizó su cuadro.

“Ya se cumplen 15 días de ese maldito accidente doméstico que lo llevó a estar en la situación que está”. Así comienza el comunicado familiar publicado recientemente, cuando se cumplen dos semanas del infortunio. “Pero gracias a Dios, la virgen y sus oraciones en estos 15 días, la viene peleando más que nunca… Su estado es estable, no hay complicaciones, lo cual es una tranquilidad enorme. Sigue sin reaccionar y cada tanto se va disminuyendo sedación para esperar algún indicio de conciencia”, continúa.

El mensaje firmado por su esposa Elena y su hija Natalia, no esquiva la dura realidad: “Muchos sabrán, puede ser un proceso más que largo, desgastante y con altibajos emocionales para quienes lo rodeamos de cerquita. Solo pido no nos abandonen con sus oraciones y buenas energías. Las necesita a cada minuto. Desde ya y una vez más… Gracias a todos por sus palabras, preocupación y ofrecimiento”.

El primer parte que se había difundido fue contundente y no dejó sitio a equívocos: “Para llevar tranquilidad y claridad a todos, si bien el cuadro es crítico, no nos queda otra que aguardar mínimo 48 horas donde los médicos irán monitoreando y viendo su evolución o involución ya que pueden pasar cualquiera de las dos cosas”. La frase ronda entre quienes esperan novedades. La vida, de repente, se mide en lapsos de esperanza y cautela: cada 48 horas, una posibilidad.

El lunes 8 de diciembre trajo, por fin, una brisa de alivio. El artista fue operado y superó bien la cirugía. Nadie se permitió euforias prematuras. Su entorno lo anunció con la mezcla justa de alivio y temor de quienes pueden abrazar la buena noticia, pero aún sin saber cómo continuará la historia: “Fue intervenido quirúrgicamente y salió bien de la cirugía. Ahora las horas irán variando de información según la evolución. El pronóstico sigue siendo reservado”.

La comunidad tanguera, el círculo de afectos, y tantos desconocidos unidos al cantor por una melodía, tienen claro que ahora solo resta esperar. El silencio de la habitación de terapia intensiva contrasta con el murmullo constante de afecto y oraciones desde todos los puntos del país.

“Agradecemos infinitamente el apoyo de todos y pedimos por favor sepan entender la poca comunicación, pero no hay mucho que decir, solo esperar y confiar en Dios, el universo y toda la buena energía de ustedes. Seguimos pidiendo por él. Gracias”. Así habló la familia en medio de una ola de afecto, mostrando la dimensión de lo que queda: la espera, la fe y la gratitud a quienes acompañan, de lejos, la batalla silenciosa de Ricardo Chiqui Pereyra.

Murió, a los 92 años, Claudio Segovia, director de teatro musical, creador del espectáculo mundialmente reconocido Tango Argentino, que impulsó a la musica ciudadana porteña como un fenómeno global.

Con Tango Argentino, creada junto a Héctor Orezzoli, Segovia llevó la tradición porteña a escenarios de París, Broadway y decenas de ciudades en América, Europa y Asia. La obra, estrenada en 1983, no solo revitalizó el género, sino que también fue reconocida por instituciones como la Performing Arts Library del Lincoln Center de Nueva York, que la filmó en 1986 para preservarla como documento histórico.

Durante su trayectoria se caracterizó por la búsqueda de la autenticidad en las manifestaciones artísticas. Formado en las escuelas nacionales de artes visuales “Manuel Belgrano” y “Prilidiano Pueyrredón”, así como en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova, inició su carrera en 1962 como escenógrafo y diseñador de vestuario.

Su primer gran proyecto internacional fue en 1967 con La raíz y la tierra, presentado en el Teatro Odeón de Buenos Aires y luego en dieciséis repúblicas soviéticas, Polonia, Hungría, Alemania, Italia y Portugal, con la participación de figuras como Mercedes Sosa y el ballet de El Chúcaro y Norma Viola.

En 1972, conoció a Orezzoli, con quien formó una dupla creativa inseparable. Juntos desarrollaron una línea de espectáculos centrados en la pureza de las culturas populares. Su colaboración se consolidó en París tras trabajar en el Festival de Aix-en-Provence y en montajes como Dulce pájaro de juventud de Tennessee Williams y la ópera Peleas y Melisande de Claude Debussy.

En 1980, estrenaron Flamenco Puro en el Teatro Lope de Vega de Sevilla, tras dos años de investigación en Andalucía y la selección de veinticinco artistas gitanos, entre ellos Manuela Vargas, las hermanas Fernanda y Bernarda de Utrera, El Farruco y la familia Habichuela. El espectáculo, estructurado en torno a los ritmos flamencos y el cante jondo, fue llevado posteriormente a París y Broadway.

La fórmula se replicó en Black and Blue (1985), un homenaje a la música afroamericana y el tap-dance, que rescató a artistas fuera del circuito comercial, como Ruth Brown, quien pasó de trabajar en el servicio doméstico a convertirse en la estrella del show.

El montaje triunfó en París y, en 1989, en Broadway, donde permaneció dos años en cartel y obtuvo cuatro Premios Tony, incluido el de mejor diseño de vestuario para Segovia y Orezzoli. Ruth Brown, además, ganó el Grammy a la mejor artista femenina de jazz por el álbum Blues on Broadway, grabado con los temas del espectáculo.

A comienzos de los noventa, la dupla creó Noche Tropical, centrada en la rumba y el son cubano. El proyecto, realizado en colaboración con la empresa pública cubana Artex, se estrenó en Tokio y Kobe en 1992, liderado por el bailarín Luís Tellez del cabaret Tropicana.

La obra fue galardonada como Mejor Espectáculo Musical del Año por la Asociación Japonesa de Escritores de Música, a pesar de competir con los shows de Michael Jackson y Madonna. La muerte repentina de Orezzoli, con solo treinta y ocho años, supuso un duro golpe para Segovia.

Durante la década de 1990, Segovia enfrentó conflictos contractuales con productores estadounidenses, quienes montaron espectáculos de tango en competencia directa, aprovechando cláusulas de exclusividad. No obstante, el fenómeno de Tango Argentino creció hasta convertirse en una leyenda, y la obra fue repuesta en Broadway en coincidencia con el cambio de milenio, obteniendo nuevas nominaciones a los Premios Tony y renovando su éxito con un elenco actualizado.

En el último tramo de su carrera, continuó explorando las raíces de las culturas populares. En 2005, presentó Brasil Brasileiro, un espectáculo que recorre la evolución del samba y otras expresiones coreográficas brasileñas, con la participación estelar de Elza Soares, mientras que en 2008, diseñó y dirigió Maipo siempre Maipo para el centenario del Teatro Maipo de Buenos Aires, logrando un éxito de público con 50.000 asistentes en tres meses y el reconocimiento del Premio ACE al mejor espectáculo del año.

En 2011, la Cámara de Diputados de la Nación Argentina lo homenajeó por su aporte a la difusión y permanencia del tango. Su legado, marcado por la reivindicación de las culturas populares y la excelencia artística, permanece vigente en la memoria del teatro y la música internacional.

La fecha fomenta el reconocimiento internacional de la música y la danza porteña. Según el sitio web oficial de Nación, el tango es considerado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO. Esta distinción refleja la trascendencia global del género y resalta su influencia en la identidad argentina. De acuerdo con historiadores y músicos, la fecha elegida busca unir a las generaciones alrededor de un símbolo nacional.

La tradición se mantiene vigente mediante actividades educativas y recreativas, muchas de ellas gratuitas. Además, radios y canales de televisión dedican programación especial a la obra de Carlos Gardel y Julio de Caro. La fecha atrae la atención de medios locales e internacionales, íntimamente ligados a la difusión de la cultura argentina.

El origen del Día Nacional del Tango

El origen de la efeméride se remonta a 1977. Según el Ministerio de Cultura, el impulsor fue Ben Molar, quien propuso celebrar el tango el 11 de diciembre por el doble nacimiento de Carlos Gardel y Julio de Caro. De acuerdo con fuentes oficiales, Gardel nació en 1890, y De Caro, en 1899. La coincidencia inspiró la instauración de la fecha, destinada a homenajear a intérpretes, compositores y bailarines del género.

El tango surgió a fines del siglo XIX en barrios populares de Buenos Aires. Según expertos, combinó elementos musicales africanos, europeos y criollos. La efeméride reconoce también la influencia del género en Uruguay, país estrechamente vinculado a sus orígenes. Las actividades buscan reforzar la conexión entre las ciudades de ambos países y poner en valor la diversidad artística.

A lo largo de las décadas, el tango evolucionó en su música, poesía y estilos de danza. De acuerdo con la Academia Nacional del Tango, la celebración promueve la preservación del patrimonio sonoro y visual del género. Museos, bibliotecas y clubes de barrio forman parte activa de la jornada. El Estado y organismos privados impulsan la difusión del tango en la agenda cultural nacional.

Los principales hitos de la vida de Carlos Gardel

Carlos Gardel es considerado la figura máxima del tango. Nació el 11 de diciembre de 1890 y desarrolló su carrera en Buenos Aires y París. Según la Academia Nacional del Tango, Gardel grabó más de 900 canciones y popularizó el género en América y Europa. Su voz y presencia escénica marcaron una época de oro en la música popular argentina.

De acuerdo con biógrafos, Gardel filmó películas en Francia y Estados Unidos, lo que contribuyó a difundir el tango internacionalmente. Destacan éxitos como “Cuesta abajo” y “Mi Buenos Aires querido”, compuestos en la etapa de mayor reconocimiento. Su muerte en un accidente aéreo, en Medellín, en 1935, generó conmoción en el país y consolidó su figura como mito popular.

Gardel recibió numerosos homenajes en vida y póstumamente. Según fuentes del sector cultural, su obra influyó en músicos, cineastas y poetas. La imagen de Gardel sigue presente en murales, esculturas y nombres de calles de Buenos Aires. La vigencia de su repertorio reafirma el valor universal del tango.

Los mejores tangos de Carlos Gardel

La discografía de Gardel abarca tangos, valses y milongas. Entre sus temas más emblemáticos figuran “El día que me quieras”, “Por una cabeza”, “Soledad” y “Volver”. Según críticos musicales, estas composiciones integran el cancionero básico del tango argentino. Su estilo vocal y la calidad de los arreglos permitieron la expansión del género.

Numerosos intérpretes incluyen temas de Gardel en sus repertorios actuales. De acuerdo con estudios de la industria musical, varias grabaciones superan el millón de reproducciones anuales en plataformas digitales. Gardel colaboró con letristas como Alfredo Le Pera y Armando Defino, consolidando un ciclo creativo que perdura hasta hoy.

El alcance de sus tangos trascendió fronteras. Películas, series y documentales utilizan sus piezas para ilustrar la cultura de Buenos Aires. La autenticidad y emoción de su canto se consideran fundamentales para comprender la esencia del tango.

Quién fue Julio de Caro

Julio de Caro nació el 11 de diciembre de 1899, en Buenos Aires. Fue compositor, violinista y director de orquesta. Según el Ministerio de Cultura, De Caro renovó el tango con arreglos sofisticados y dirección de conjuntos emblemáticos en los años veinte y treinta. Su estilo influyó en la consolidación del “tango romanza”, un enfoque más elaborado y expresivo.

De acuerdo con críticos musicales, las innovaciones de De Caro situaron a su orquesta entre las más prestigiosas de la época. Introdujo violines, saxofones y clarinetes, brindando profundidad tímbrica al género. Su legado incluye temas como “Boedo” y “Mala junta”.

Los especialistas reconocen su aporte al desarrollo de nuevas generaciones de músicos y bailarines. La figura de Julio de Caro es central en el panorama del tango argentino, siendo homenajeado año tras año en el Día Nacional del Tango.

Roberto Aguirre entra al salón antes que todos. No enciende las luces todavía. Prefiere ese momento donde el piso parece respirar, con las marcas de los tacos y el polvo fino que quedó de la noche anterior. Se sienta en una silla de madera, mira el espejo del fondo y acomoda los zapatos. Nunca se enseña igual dos veces. El cuerpo cambia, los alumnos cambian. Y el tango, también.

Cuando los primeros alumnos llegan, él ya está de pie. No los saluda con palabras, sino con una mirada que impone respeto. Antes de aprender a caminar el compás, dice, hay que aprender a estar de pie. Les habla del aseo, del aroma, del cuidado. Les muestra cómo se da la mano, cómo se pide permiso, cómo se dice “gracias”. En ese orden. “El tango no se baila con los pies —repite—. Se baila con los códigos”.

Los pibes de Colón, Buenos Aires, lo escuchan con una mezcla de curiosidad y reverencia. El pueblo de la pampa húmeda está a 270 kilómetros del arrabal porteño, pero las distancias se diluyen cuando el maestro comienza la clase.

Algunos de los jóvenes llegaron porque escucharon que ‘acá se baila de verdad’; otros, porque alguien les dijo que este hombre ‘te enseña a ser alguien’. Roberto no lo dice, pero lo sabe: la clase no es solo un baile, es una forma de construir dignidad.

Además, si hay una actividad que en este país enlaza generaciones es justamente el tango. En las milongas, no hay discriminación por edad; sucede incluso lo contario: los principiantes buscan bailar con veteranos o veteranas para afianzar la técnica.

En un rincón, el espejo devuelve una imagen gastada. El cuerpo de Roberto se mueve con lentitud, pero con precisión. Cada paso parece contener una memoria ajena, una voz que ya no está. A veces, cuando el silencio del salón se vuelve demasiado grande, pronuncia un nombre en voz baja: Zulma.

Fue por ella que empezó a bailar. Ella le enseñó que el abrazo no es solo una figura del baile, sino un modo de sostenerse. Hoy, cuando toma a una alumna por la espalda y le marca el compás, siente que algo de Zulma sigue ahí, guiando su mano. No la menciona en las clases; no hace falta. Su presencia está en la música, en la forma en que corrige, en el respeto con que pide que los alumnos se miren a los ojos.

En ese salón, Roberto Aguirre no enseña solo pasos. Enseña cómo dejar algo en el otro.

—Yo voy a arrancar por Zulma —dice Roberto, con esa calma de quien ya contó muchas veces la misma historia y todavía la siente en el cuerpo—. Porque si Zulma no hubiera existido, yo no habría bailado tango.

Roberto tenía 41. Se había separado hacía poco. Era 1989, los Scorpions actuaron en el Moscow Music Peace Festival, lo que inspiró la composición de “Wind of Change” tras la caída del Muro de Berlín, en Rosario explotaron los saqueos tras la hiperinflación en el gobierno de Raúl Alfonsín y el lanzamiento de la primera conexión comercial de internet no fue tapa de ningún diario. Roberto, hasta entonces, nunca había bailado tango. “Andaba con Zulma, salíamos, pero el baile no formaba parte de nuestras vidas”, dice. Hasta que un día todo cambió.

A Zulma le detectaron un problema renal. Fueron a ver a una nefróloga.

—Usted va a diálisis en tres años —le dijo la médica—, y a trasplante en cinco.

Roberto escuchó en silencio, con los brazos cruzados. “Salimos de ahí, nos fuimos a una confitería y lloramos los dos. Ahí me di cuenta de que la quería mucho, mucho, y no lo sabía. Fue como un golpe. Como el que tira el cigarrillo y no fuma nunca más.”

El sábado siguiente fueron a un baile popular. Hacía tiempo que no iban a bailar. El salón estaba lleno de gente mayor, parejas que habían nacido con el tango en los pies. “Los del cuarenta”, dice él. Los que crecieron escuchando bandoneones en la radio y se enamoraron girando en la pista.

Roberto los miró un rato largo y, sin pensarlo demasiado, dijo:

—Zulma, ¿qué te parece si empezamos a bailar tango y les mostramos que podemos hacerlo mejor que ellos?

Ella se rió.

—¿Cómo vamos a bailar si no sabemos bailar?

—Vamos a Buenos Aires —respondió él, como quien lanza un desafío que ya sabe que va a cumplir.

Viajaban seguido por trabajo, por un emprendimiento textil. Hasta que aprovecharon uno de esos viajes para meterse en una academia. Aprendieron un par de pasos y volvieron a Rosario creyendo que eran María Nieves y Juan Carlos Copes. La primera vez que entraron a la pista no pudieron dar un paso. “Nos largamos a reír los dos”, recuerda. Y volvieron a Buenos Aires.

—Siempre fui así —dice—. Cuando hago algo, lo hago en serio. Vi en el tango una forma de distinguirme, sin pasar por encima de nadie. Lo que me daba el fútbol o la política, me lo empezó a dar el baile.

Practican, practican, practican. Hasta que un día se anotan en un concurso. Nadie sabía que bailaban. Salieron quintos. “Los grandes se querían morir —dice, riéndose—. Y al público le encantábamos.”

Era la década del noventa. Luego de años de silencio el tango recuperaba su lugar como práctica artística y social, sobre todo en el baile, que funcionó como espacio de reencuentro y pertenencia frente a una sociedad fragmentada. En los noventa, las milongas se multiplicaron en Buenos Aires, y una nueva generación de bailarines —junto a veteranos que habían atravesado los años oscuros— resignificó el tango desde una perspectiva contemporánea.

Roberto y Zulma seguían bailando. Dos meses después, otro concurso: terceros. “Ya nos miraban todos.”Y en el siguiente, la final fue con el mejor de todos, Andrés De Bernardi. Bailaron varios tangos para desempatar. El jurado no pudo decidir y los declaró ganadores a ambos.

Después alguien se les acercó:

—Roberto, ¿por qué no vienen al festival?

“Me puse el saco, la corbata, subí al escenario”, dice. Hace una pausa.

—Y ahí empezó todo. Ahí empezó mi historia del tango con Zulma.

. . .

—Para mí, enseñar tango es la vida —dice Roberto—. Es lo más hermoso que me puede pasar.

Nunca pensó que iba a enseñar, ni Zulma tampoco. “Pero no solamente enseñamos”, aclara, “hicimos docencia”. Y ahí el tono cambia. “Docencia es cuando venían los chicos de escasos recursos, y no cobrábamos. Trabajábamos con lo poquito que sabíamos, lo que aprendíamos en Buenos Aires.”

No tenían filmadora, ni celular, ni nada. “Hasta que pude comprar un video para practicar un poco más.” De a poco, el tango fue ocupando cada rincón del tiempo. “Le empezamos a dedicar horas, horas y horas. Y veíamos que nos nacía, que nos gustaba. Y la enfermedad de Zulma... —hace una pausa— no la teníamos en cuenta. Claro que nos preocupaba, pero no pensábamos en eso. El tango nos mantenía vivos.”

Los primeros alumnos fueron tres o cuatro parejas de jóvenes en Hughes, pueblo limítrofe santafesino de Colón. Los habían visto bailar y se animaron:—¿Por qué no nos enseñan a bailar?

Empezaron con ellos, con los más chicos. Después vinieron los actos del jardín, las fiestas de la escuela, los aniversarios del pueblo, los encuentros de jubilados. “Nos invitaban a todos lados. Y nosotros íbamos con Zulma, felices, con el cariño de la gente”.

De a poco, descubrieron algo más profundo: “Nos dimos cuenta de que no había que sacar buenos bailarines. Había que sacar buenas personas. Porque nosotros fuimos criados así, con respeto. Respeto al otro, al profesor, al compañero. Eso también es el tango.”

En la región casi nadie bailaba. “Los que bailaban eran los viejos —corrige enseguida—, la gente mayor. Pero ellos no sabían enseñar. Tenían intuición, y eso era hermoso, pero si te especializás, si practicás, el baile cambia. Se vuelve otra cosa.”

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—La mirada del tango con el tiempo fue evolucionando muchísimo —dice Roberto—. Porque empezaron a incorporarse muchos jóvenes. Y los jóvenes vieron que ahí había una posibilidad de trabajo, de ganarse unos pesos, de vivir de esto.

“Nosotros empezamos a perfeccionarnos, a tomar clases, a buscar otro nivel.” Fueron a estudiar con distintos profesores, aunque no todos los caminos conducían al mismo lugar. “Por tomar clases con un profesor no adelanté demasiado. Pero con el tiempo me di cuenta de que la enseñanza iba por otro lado”, recuerda Roberto.

Hace una pausa. “Además de los maestros que tuvimos —que eran buenos, muy buenos—, la enseñanza pasaba por otro lugar. Hoy, por ejemplo, Colón es uno de los lugares donde más se baila tango y tiene otra calidad. No porque nosotros hayamos sido buenos con Zulma, sino porque la mirada cambió. La mirada hacia el tango.”

“La docencia, la interpretación y la práctica… la práctica es todo. Pero si la hacés correctamente. Nosotros entendimos con Zulma que no bastaba con enseñar pasos. Los pasos los enseña cualquiera. Lo que había que enseñar era el sentimiento.”

Ese sentimiento, dice, se transmite con el cuerpo. “Del cuerpo hacia la otra persona. Así se comunica el tango.” Y eso los llevó a un modo de vida. “Yo tenía un trabajo, sí. Pero con Zulma, de cinco de la tarde a dos de la mañana, nos dedicábamos al cuerpo. A estudiarlo, a entender cómo se mueve, cómo se siente.”

Lo que los distinguía no era la técnica, sino la conexión. “No éramos grandes bailarines, eso está claro. Pero llegábamos a la gente. Y eso cambia la mirada. Eso es lo que te abre puertas, lo que te deja recorrer lugares.”

Con el tiempo, los alumnos crecieron, los grupos se multiplicaron. “Hoy tengo amigos en todas partes —dice, con una sonrisa leve—. Todo empezó con Zulma, con las primeras clases, con esos pasos que no eran perfectos, pero eran nuestros.”

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—Los Juegos Bonaerenses fueron importantísimos. Porque ahí viajaron muchos chicos que después terminaron bailando por todo el mundo. Uno fue campeón del mundo. Otros, hoy están dando clases afuera. Pero sus primeras salidas, sus primeros logros fueron viajar a Mar del Plata.

Era 1998, ya llevaban casi una década bailando y enseñando. “Teníamos un grupo chiquito, dos parejas nada más. Clasificamos para Mar del Plata en menores. Los otros grupos, de Pergamino, ya eran más grandes. Nosotros éramos los nuevos, los que veníamos de abajo.” Con el tiempo, el grupo creció. “De dos pasamos a cuatro parejas. Y después vino el primer viaje internacional, a Chile.”

Habla de Iquique como quien abre un álbum de recuerdos. “Fue uno de los primeros viajes en avión. Nos habían invitado y sorprendimos a la gente bailando. De ahí nos llamaron de Antofagasta.”

El problema era otro: cómo costear el viaje. “Teníamos que viajar diez personas. Imaginate. ¿Cómo hacés? Pero una de las virtudes que tuve siempre fue esa: rebuscármela. De la nada, sacar algo. Conseguimos la plata. Diez personas: ocho alumnos y nosotros.”

Los chicos tenían entre 14 y 16 años. “En zapatillas, en vaquero… parecían de un jardín de infantes”, dice, riendo. “Cuando nos vieron llegar, los de allá no podían creer. ‘¿Estos van a bailar tango?’, se preguntaban.”

“Bailamos en una fiesta con 800 personas. Después, en el teatro de Antofagasta. Lo llenamos. Llenamos el teatro.”

En su relato aparece una coreografía de Gonzalo Cuello, otra de las Melli Beltrame. “Cada vez que me cruzo con alguien de Antofagasta, o me escriben por Facebook, se acuerdan de nosotros. Dicen que fuimos pioneros, los primeros jóvenes que llevaron el tango a ese lugar.”

—Eso fue lo que más me quedó. Que esos chicos pudieron conocer el mundo por el tango.

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—Con Zulma teníamos el taller de costura y empezamos a enseñar tango. Los chicos eran humildes, muy humildes. Nunca pensamos que íbamos a tener la trascendencia que tuvimos.

Habla con naturalidad, sin grandilocuencia: “Nosotros ofrecíamos el grupo donde podíamos. Lo llamamos ‘Ballet de Tango de Zulma y Roberto’. ¿Por qué con nuestros nombres? Porque hacíamos todo: comprábamos la ropa, armábamos las coreografías, conseguíamos las actuaciones. No podía quedar en la nada. Y así fue: hoy, vos preguntás por alguno y te dicen: ‘Bailaba con el ballet de Zulma y Roberto’.”

Su voz se quiebra apenas, pero se sostiene. “Zulma hace diez años que no está. Y sin embargo, cuando alguien me pregunta quién soy, yo digo: ‘¿Te acordás de la pareja de Zulma y Roberto?’. Ahí me reconocen. Eso es identidad.”

Esa identidad se forjó en el semillero. La Escuela de Bellas Artes de Colón, los Juegos Bonaerenses, los festivales. “Los chicos venían porque había que presentar algo de tango en la escuela, y después se quedaban. Nosotros hacíamos rifas, festivales, lo que fuera. Juntábamos plata para viajar. El tango era una forma de vida, no un negocio.”

Roberto recuerda los traqueteos de los fines de semana. “Viernes, sábado y domingo teníamos actuaciones. Los chicos aprendían disciplina, compañerismo, respeto. Eran adolescentes, pero arriba del escenario eran artistas. Les enseñábamos que había que presentarse bien, aunque bailáramos en un cumpleaños humilde o en una fiesta de ricos. Lo mismo, con la misma ropa y la misma seriedad.”

—Eso te da valor como persona. Que te reconozcan en la calle, que te digan ‘te vi bailar’. Eso los hacía sentirse importantes. Y eso, para un pibe, es muchísimo.

El viaje los llevó lejos: Chile, Uruguay, México, Australia. Cada país fue una escuela.

“En Uruguay el estilo es distinto —dice—, más cerrado, más pausado. En Chile, cuando llegamos, bailaban sin dirección: tres en la pista y parecía lleno. Les faltaba práctica, disciplina. Pero aprendieron.”

México fue otra historia. “Fuimos a Tulancingo, a un encuentro de escritores. Hablaban de poesía, de piedras, de cosas que a los chicos no les interesaban. Entonces les dije: ‘Si quieren ver algo distinto, quédense’. Nadie se movió. Nos sentamos en el piso, hicimos un círculo y bailamos tango. Fue impresionante.”

En Australia, cuenta, bailaron hasta en un supermercado. “Me querían vender un perfume a ochenta dólares. Le dije al tipo: ‘Si le bailo un tango, ¿me lo deja a la mitad?’. Y me dijo que sí. Pusimos música y bailamos ahí, en el medio de las góndolas. La gente se amontonó. El muchacho que estaba conmigo se fue de vergüenza. Pero nosotros no. Bailar tango era llevar nuestra historia al mundo.”

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El tono se vuelve íntimo, casi un susurro.—El tango me cambió la vida. A mí y a Zulma.

Recuerda su enfermedad, la diálisis que nunca llegó. “La doctora no lo podía creer. Decía que el tango podía haberle salvado la vida. Bailó 25 años sin trasplante. Un fenómeno que no entendían ni los médicos.”

Hace silencio. Luego continúa:—Zulma era una persona alegre, entradora. Tenía una simpatía única. Nosotros no éramos tangueros, pero el tango nos hizo pareja. Nos dio amigos, respeto, un lugar en el mundo.

Cuenta la historia de La Glorieta, construida en su ciudad natal: “Iba a llamarse Zulma. Pero los alumnos vinieron y dijeron: ‘No, tiene que ser Zulma y Roberto. La pareja era Zulma y Roberto. No vamos a esperar que se muera Roberto para ponerle el nombre’. Imaginate. Ver tu nombre en un lugar así… eso es inmenso.”

Una glorieta es una estructura abierta destinada a actividades culturales y recreativas en plazas o parques públicos. La Glorieta del Tango “Zulma y Roberto” fue inaugurada en 2022 en Pibelandia y se consolidó en poco tiempo como un punto de encuentro para los amantes del 2x4.

—Algún día, mi nieto, mi bisnieto, mi tataranieto van a llegar a Colón, van a ver ese cartel y van a preguntar: ‘¿Quiénes eran Zulma y Roberto?’. Y eso es dejar una enseñanza. Una cultura. Porque si hay algo que nos distingue en el mundo, es el tango.

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Roberto Aguirre nació el 8 de junio de 1948. En su historia, el tango no fue una herencia, sino una elección tardía que se convirtió en destino. Desde aquella tarde en que comenzó a bailar con Zulma, nada volvió a ser igual. Ella murió en la Navidad de 2015, pero su presencia sigue viva en cada tanda de tangos. Allí, entre luces bajas y mate en mano, los más chicos, los jubilados y los que recién empiezan comparten el mismo espacio. No hay jerarquías ni exhibiciones: todos bailan, todos aprenden. Es, como dice el maestro, “la casa abierta de Zulma y Roberto”, un lugar donde el tango vuelve a ser abrazo, comunidad y memoria.

De esa escuela artesanal —sin celulares, sin tutoriales, con una cámara prestada y una videocasetera— salieron generaciones de bailarines. Entre ellos, Diego Ortega, Campeón Mundial de Tango Escenario en 2010 junto a la japonesa Chizuko Kawamoto y luego, Campeón de Tango Pista con Aldana Silveira. El único en lograr ambos títulos.

Detrás de esos logros hay un método que es más filosofía que técnica: todos pueden aprender tango. Y quienes entran al estudio de Roberto salen bailando, pero sobre todo, entendiendo que el tango no se impone, se comunica. En su enseñanza no hay moldes fijos ni figuras cerradas: hay escucha, respeto, improvisación y códigos que se transmiten como una ética del cuerpo y del alma.

Esa ética se extiende más allá de la pista. Roberto enseña que el tango también se baila en el modo de saludar, de cuidar al otro, de presentarse limpio, de no hablar mientras suena la orquesta, de acompañar de regreso a la mesa después de la tanda.

En Colón, esa forma de entender el tango forjó una comunidad reconocible: alegre, solidaria, respetuosa. Una comunidad donde el aplauso no distingue entre campeones y principiantes. A los 77 años, con la humildad de quien aún se emociona al ver a un chico dar su primer paso de tango, Roberto Aguirre sigue enseñando lo mismo que aprendió de Zulma Jovell: que bailar es un modo de amar, y que cada abrazo —aunque dure apenas una canción— puede dejar una huella para siempre.

El cordobés, que le dijo adiós al circuito ATP ayer a los 30 años, es el ejemplo de que, en el tenis, la perseverancia importa. Es la prueba de que el protagonismo no siempre tiene que ver con grandes flashes, sino con la coherencia y la constancia. Y es, sobre todo, alguien que en su momento de gloria decidió dejar huella de una forma sencilla y emotiva: con su perro en brazos.

Así, con besos a Tango, Cachin celebró el título en Gstaad 2023, su máximo logro a nivel profesional. Aquel domingo 23 de julio vivió la jornada que tantos había soñado, y que llegó tras una victoria sobre el español Albert Ramos Viñolas por 3-6, 6-0, 7-5, lo cual le permitió alzarse con el ATP 250 suizo.

El gesto lo definió: un trabajador del tenis que no olvidó sus raíces, y que sabía que ese trofeo no era solo suyo, sino de su equipo, su familia y de Tango, por supuesto. “Gracias a mi novia, mi hermana y mi perro”, dijo entonces.

Ayer, al anunciar su retiro a través de Instagram, Cachin volvió a acordarse de quienes lo acompañaron durante sus años en el circuito. “Fue un viaje INOLVIDABLE, con muchas enseñanzas en el camino y con un objetivo claro, que en muchos momentos se veía borroso/lejano, pero que al final lo conseguimos. Digo conseguimos porque el tenis es un deporte individual que se trabaja en equipo, familia y gente que invierten su tiempo en seguirte y apoyarte, desde cualquier parte y como puedan, para conseguir ese objetivo”, expresó.

De Bell Ville a los primeros planos del tenis mundial

Nacido en Bell Ville (Córdoba) el 12 de abril de 1995, Pedro Cachin realizó su camino en el tenis profesional desde abajo, con oficio antes que flashes. A los cinco años ya golpeaba pelotas en su ciudad natal y hasta los 12 alternó entre fútbol y tenis.

En 2014, con 19 años, dio un paso clave: se trasladó a Barcelona para entrenar con la leyenda española Álex Corretja, ex número 2 del ranking y quien lo adoptó como pupilo.

El trayecto fue duro: torneos Futures, Challengers, muchos kilómetros recorridos, mucho sudor. Una carrera marcada por la constancia. Fueron las bases que, el 7 de agosto de 2023, le permitieron alcanzar el puesto 48 en la clasificación ATP.

El cordobés construyó su recorrido sobre pilares que a veces pasan desapercibidos: se fue joven de su hogar para entrenar y crecer, y ganó seis títulos Challenger -en Sevilla, Oeiras, Praga, Madrid, Todi y Santo Domingo- antes de conquistar su primer ATP. En ese trayecto, dejó triunfos memorables sobre rivales como Dominic Thiem, Richard Gasquet, Francisco Cerúndolo, Frances Tiafoe y Pablo Carreño Busta, entre otros.

Cachin deja una enseñanza que retrata la esencia del tenis argentino: el camino puede ser largo, lo que importa es recorrerlo con firmeza.

En la mítica Avenida Corrientes, donde Buenos Aires respira teatro, cafés y memoria, un edificio emblemático abrirá sus puertas este sábado 8 de noviembre para una noche única de música, danza y patrimonio. La Sindicatura General de la Nación (SIGEN) se suma a la Noche de los Museos con una propuesta que combina arte, historia y tango, en un espacio donde la arquitectura racionalista del siglo XX se fundirá con el sonido inconfundible del bandoneón.

Desde las 19 hasta las 2 de la madrugada, el Espacio Cultural de la SIGEN, en Corrientes 379, será sede de una velada dedicada al “zorzal criollo” con la muestra “Gardel: el cantor eterno”, a 90 años de su fallecimiento.

El homenaje se completa con la presentación del Sexteto de Solistas de la Orquesta Nacional de Música Argentina “Juan de Dios Filiberto”, y una Milonga Federal abierta al público, con clases, músicos en vivo y exhibiciones de bailarines.

Una noche, teges leguajes: mpusica, danza u memoria

El tango, declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO, será el hilo conductor de la noche. El Sexteto de Solistas de la Orquesta “Juan de Dios Filiberto”, integrada por músicos de trayectoria internacional —Brigitta Danko (violín), Elizabeth Ridolfi (viola), Jacqueline Oroc (violonchelo), Marcos Ruffo (contrabajo), Marina Ruiz Matta (piano) y Horacio Romo (bandoneón)— interpretará un repertorio tanguero que repasa la historia del género.

“La Filiberto” fue fundada en 1932 por el propio Juan de Dios Filiberto, autor de “Caminito”, una de las melodías más universales del tango. Desde 1948, forma parte del ámbito del Estado nacional, y en 1973 adoptó el nombre actual en homenaje a su creador. Hoy depende de la Dirección Nacional de Elencos Estables del Ministerio de Cultura.

“Caminito que el tiempo ha borrado, que juntos un día nos viste pasar... He venido por última vez, he venido a contarte mi mal. Caminito que entonces estabas bordeado de trébol y juncos en flor... Una sombra ya pronto seré, una sombra lo mismo que vos”, rememora la inmortal poesía que trascendió las fronteras del país.

Junto al concierto, la Milonga Federal ofrecerá clases abiertas para principiantes y aficionados, dictadas por los maestros Lía Pereyra y Buda Rodríguez, además de la pareja de bailarines Aldana Tade y Chulo Seffino, quienes brindarán una exhibición. La musicalización estará a cargo del reconocido DJ Ricardo Salusky, y la noche contará también con la actuación de AH Tango Dúo, integrado por Antonela Alfonso (voz) y Hugo Hoffmann (piano).

La voz eterna del tango

El corazón temático de la jornada será la muestra “Gardel: el cantor eterno”, concebida por el Espacio Cultural de la Democracia de la SIGEN junto con la Fundación Internacional Carlos Gardel. Fotografías, videos, audios y objetos personales, entre ellos su guitarra personal, reconstruyen la vida de la figura cumbre del tango y mito de la cultura argentina.

Nacido Charles Romuald Gardès en Toulouse en 1890, Gardel llegó de niño a Buenos Aires y se transformó en ícono universal. Su voz —descripta como barítono o tenor por su amplio registro— recorrió el mundo y definió el alma porteña. Falleció trágicamente en un accidente aéreo en Medellín, Colombia, en 1935, cuando estaba en la cúspide de su fama. Su leyenda, sin embargo, sigue viva: “Cada día canta mejor”, reza la frase que atraviesa generaciones.

La exposición en el emblemático edificio ligado a la arquitectura del periodo inmediato anterior a la Segunda Guerra Mundial en Alemania e Italia, también recupera su vínculo con el instrumento a cuerda inseparable de sus inicios junto a José Razzano, y el misterio aún no resuelto sobre el paradero de su última guitarra, que alimenta el mito del inolvidable canta autor.

El valor histórico del edifico Yatahi

El marco arquitectónico donde se desarrollará el evento tiene su propio relato. El edificio Yatahi, actual sede de la Sindicatura General de la Nación, fue construido en la década de 1940 por iniciativa del empresario naviero Alberto Dodero, para alojar las oficinas de su compañía de navegación.

El proyecto fue obra del prestigioso estudio de Santiago Sánchez Elía, Federico Peralta Ramos y Alfredo Agostini (SEPRA), integrado por Santiago Sánchez Elía, Federico Peralta Ramos y Alfredo Agostini, referentes del modernismo argentino.

La construcción, concluida hacia 1944 o 1945, refleja la influencia de la arquitectura racionalista europea del período de entreguerras, con líneas puras, simetría y funcionalidad. Inspirado en modelos como el edificio Graf Zeppelin de Stuttgart, diseñado por el alemán Paul Bonatz. El edificio Yatahi marcó una época y anticipó la estética moderna que definiría el perfil urbano de Buenos Aires en los años posteriores.

En 1949, el inmueble pasó a manos del Estado y se convirtió en sede de la Dirección Nacional de la Flota Dodero, antes de transformarse en la Flota Argentina de Navegación de Ultramar. Décadas más tarde, su recuperación como sede institucional y espacio cultural le devolvió el esplendor a un edificio que hoy conjuga patrimonio, arte y ciudadanía.

La Ciudad, un museos a cielos abierto

La Noche de los Museos 2025 desplegará más de 300 espacios culturales en toda la Ciudad, con entrada libre y gratuita. Desde Recoleta hasta La Boca, desde el Planetario hasta la SIGEN, miles de visitantes recorrerán una Buenos Aires convertida en un gigantesco museo a cielo abierto.

Como todos los años, se habilitará transporte público gratuito y se recomienda planificar el recorrido con anticipación, llevar calzado cómodo y algo para hidratarse: la noche promete largas caminatas, emociones y mucha música.

Sobre la calle Corrientes, donde late la historia del tango y del teatro argentino, la SIGEN se alista para abrir sus puertas y rendir tributo al género que mejor nos representa en el mundo. En esa esquina de historia y cultura, el sonido del bandoneón volverá a ser —una vez más— el idioma universal de una ciudad en la que aún reverbera la voz de “el rey del tango” entonando las estrofas: “Mi Buenos Aires querido, cuando yo te vuelva a ver, no habrá más penas ni olvido… Mi Buenos Aires, tierra florida, donde mi vida terminaré. Bajo tu amparo no hay desengaños, vuelan los años, se olvida el dolor.”

Dicen que era un picaflor, como muchos de sus colegas de la época. Esos bohemios que amaban tanto a la vida nocturna como a las bellas damas. Aunque, si de formalidades hablamos, la realidad es que Homero Manzi estuvo casado con una sola mujer. El poeta, nacido el 1 de noviembre de 1907 en Añatuya, Santiago del Estero, se casó únicamente con Casilda Iñíguez, quien había enviudado con dos niñas que él crio como propias, Blanquita y Chabela, y luego se convirtió en la madre de su hijo Homero Luis Manzione, más conocido como Acho. Y, sin lugar a dudas, su esposa debe haber sido la musa que lo inspiró a escribir muchos de sus versos. Pero hay otros que, al día de hoy, siguen generando dudas en relación a sus supuestas destinatarias...

Cabe señalar que, en febrero del año 1931, el hombre que estaba afiliado al partido radical y era seguidor del derrocado presidente Hipólito Yrigoyen, había sido detenido junto con un grupo de estudiantes de la Facultad de Derecho por imprimir folletos y volantes con proclamas contrarias al gobierno de facto de José Félix Uriburu y a las autoridades de la Universidad. Así que pasó unos días detenido en la cárcel de Devoto y, luego, en la de Las Heras. Pero, para no perder contacto con quien era su novia, decidió inventar un sistema como para que sus cartas llegaran a ella.

¿Qué fue lo que hizo Manzi? Juntar cualquier hoja de papel que encontrara en su camino, escribir en ella los mensajes poéticos que quería que llegaran a Casilda y, después de envolver piedras con ellos para que tomaran contundencia, arrojarlos por la ventana con la esperanza de que algún transeúnte se apiadara de él y se los hiciera llegar a la mujer que amaba. “Hace tres días que no te veo, pero te llevo en el recuerdo como una compañía inmejorable... Negrucha: Carnaval. Es lindo nuestro disfraz. Yo de presidiario, ¿y tú? Me lo imagino. Cada día me parecen más largas las horas", decía afligido en un párrafo de una misiva fechada el 14 de ese mes. Así que, tras su liberación, el 31 de diciembre del mismo año contrajo enlace con ella.

Pero claro, allá por el año ’37, Homero conoció a Nelly Omar en Radio Belgrano. Y, según las declaraciones de la cantante, apodada La Gardel con Pollera, el poeta se enamoró perdidamente de ella. Tanto, que estuvo cortejándola hasta que, en 1944, ella le dio la chance de comenzar una relación. Pero claro, aunque el romance era vox populi en el mundo del espectáculo, no podía pasar de la categoría de amantazgo porque el poeta creador de Malena estaba casado y por entonces no existía la ley de divorcio. De manera que todo se mantuvo en la “clandestinidad”.

“Malena sos vos”, le habría asegurado Manzi a Nelly según la versión de la mujer. No podía poner su verdadero nombre en la letra de uno de los temas más emblemáticos de la historia. Porque su relación paralela con la intérprete no podía ser blanqueada de ninguna manera. Así que usó un nombre de fantasía. Pero, en la intimidad, le confesó que hablaba de ella cuando se refría a esa que cantaba el tango “como ninguna”. Y Omar, que partió de este mundo a los 102 años el 20 de diciembre de 2013, murió convencida de que esa letra estaba dedicada a ella.

Lo cierto es que también circuló otra versión, quizá la que se dio a conocer de manera oficial durante mucho tiempo, que difería de esta. Contaba que, en realidad, Homero se había inspirado viendo actuar a Malena de Toledo en uno de sus viajes a Brasil. Y que, años más tarde, cuando la mujer se enteró de que ese tango había sido inspirado en ella, se emocionó de tal manera que ya nunca más lo pudo volver a entonar. Sin embargo, las fechas no coinciden, ya que esos versos fueron escritos en 1941, cuando Homero estaba en Córdoba junto a Ulyses Petit de Murat. Y que enseguida le fueron entregagos a Lucio Demare para que les pusiera música. Cuando, en el pasaporte de Manzi, figura que su salida al país vecino ocurrió recién en 1944.

La familia del poeta, en tanto, sostiene que Malena puede haber estado inspirada en la cantante Imperio Argentina, con quien Homero mantenía una relación de amistad muy profunda. Aunque, a decir verdad, la propia Tita Merello también escuchó alguna vez, de boca del poeta, que aquella letra había sido dedicada a ella. Con lo cual, lo más probable es que cada una haya colaborado con una parte de la canción aún sin saberlo. Y que Manzi les haya hecho creer a cada una que todas eran las verdaderas musas inspiradoras. Algo que, públicamente, nunca aclaró.

Fuimos, Ninguna, Solamente ella fueron otros de los tangos que hicieron que más de una mujer sonriera, en la intimidad, convencida de haber sido quien generó tamaña creación. Sin embargo, al ser consultado al respecto, el poeta aseguraba que todos habían vivido alguna vez un amor como los que describían sus letras. “Sin palabras, sin nombres ni nada”, señalaba sin querer ahondar en detalles.

¿Si se trataba solo de historias de ficción? ¿Si sus amoríos personales estaban plasmados en sus letras? ¿Si acaso su inspiración surgía de amores que le eran ajenos? Posiblemente, nunca se sepa. Manzi, cuyo talento también quedó inmortalizado en piezas como Sur o Barrio de tango, en las que no hacía falta indagar sobre ningún destinatario, falleció a los 43 años el 3 de mayo de 1941, a raíz de un cáncer. Hasta su último día, estuvo acompañado por su esposa Casilda. Y, aunque Omar aseguró haberlo ido a visitarlo en secreto en su lecho de muerte, la familia de Homero negó siempre esa versión. Y aseguró que el poeta se llevó a la tumba el secreto de los nombres que lo llevaron a volcar en un papel esos versos, que al día de hoy siguen conmoviendo a todos al oírlos cantar.

El Premio Konex de Honor 2025 distingue a Mariano Mores y Javier Martínez, dos figuras de la música argentina, desde el tango y el rock, han dejado una huella indeleble en la cultura popular del país.

La distinción, que se otorga cada década a personalidades de trayectoria y proyección histórica, resalta la capacidad de la música para trascender estilos y generaciones. En esta edición, el reconocimiento se orienta tanto a la elegancia y universalidad del tango como a la potencia y autenticidad del rock nacional, subrayando que ambos géneros comparten una raíz común: la pasión y el arte como memoria colectiva.

Mariano Mores (1918–2016) representa la sofisticación y el virtuosismo del tango. Pianista, compositor y director de orquesta, su carrera se inició junto a Francisco Canaro y continuó con una etapa solista que redefinió el género. Entre sus composiciones más emblemáticas figuran “Uno”, “Cafetín de Buenos Aires”, “Cuartito Azul”, “Adiós Pampa Mía” y “Tanguera”, piezas que llevaron el tango a escenarios internacionales y consolidaron su imagen como símbolo de la música porteña. La Fundación Konex lo ha reconocido en diversas ocasiones, consolidando su legado como referente del refinamiento y la emoción en la música argentina.

Por su parte, Javier Martínez (1946–2024) encarna la voz urbana y existencial del rock argentino. Como fundador de Manal, junto a Claudio Gabis y Alejandro Medina, impulsó la creación del blues en castellano y compuso himnos como “Avellaneda Blues”, “Jugo de tomate frío” y “Porque hoy nací”. Su obra, marcada por la poesía de la calle y la introspección, definió el pulso de una generación en busca de libertad y autenticidad. A cinco décadas de su irrupción, su influencia persiste como una voz que observa y transforma el panorama musical.

El Premio Konex de Honor 2025 no solo reconoce trayectorias individuales, sino que celebra la fuerza de la creación artística como forma de trascendencia. La selección de los galardonados estuvo a cargo de un Gran Jurado compuesto por 20 personalidades destacadas, presidido por Sandra Mihanovich (Premio Konex de Platino 1995 y 2015, Premio Konex 2005), con Alejandro Lerner (Premio Konex 1985, 1995 y 2005) como Secretario General y Dino Saluzzi (Premio Konex de Brillante 2015) como Presidente Honorario.

En el marco de los reconocimientos, el Konex de Brillante fue otorgado a Charly García, sumándose a una lista que incluye a Atahualpa Yupanqui (1985), Mercedes Sosa (1995), Horacio Salgán (2005) y Dino Saluzzi (2015).

La nómina de Premios Konex de Platino abarca a destacados exponentes de diversos géneros y roles musicales: José “Pepe” Colángelo (Solista de Tango), Orquesta del Tango de Buenos Aires (Conjunto de Tango), Soledad Pastorutti y Nahuel Pennisi (Solista de Folklore), Los Manseros Santiagueños (Conjunto de Folklore), Ricardo Lew (Solista de Jazz), Escalandrum (Conjunto de Jazz), David Lebón (Solista de Rock), Divididos (Conjunto de Rock), Lali Espósito (Solista de Pop), Babasónicos y Miranda! (Conjunto de Pop), La Delio Valdez (Tropical), Wos (Urbano), CA7RIEL & Paco Amoroso (Alternativo / Nuevo), Hernán Cattaneo (DJ / Electrónica), Abel Pintos (Melódico / Romántico), Canticuénticos (Infantil), Pablo Agri (Solista Instrumental), Fito Páez (Autor / Compositor), Fabián “Tweety” González (Productor Artístico) y Leo Sujatovich y Lito Vitale (Arreglador / Orquestador).

Entre las menciones especiales figuran nuevamente Charly García, Los Auténticos Decadentes, Pimpinela y Trombonanza, en reconocimiento a sus aportes singulares a la música popular argentina. La ceremonia de entrega se realizará el martes 11 de noviembre en la Ciudad Cultural Konex (Sarmiento 3131, CABA).

Hoy vengo a contarles una historia que nos atraviesa como porteños. Contiene a Carlos Gardel, el tango y el barrio Almagro. Un relato que recorre la calle Corrientes, pero en sentido contrario al tránsito vehicular. Del puerto a la Chacarita. Claro que con una parada intermedia en un auténtico cafetín barrial. Me refiero al café bar La Orquídea, el templo cultural almagrense que abrió a principios de los años 50 del siglo pasado en la esquina de Corrientes y Acuña de Figueroa.

Le debía una visita litúrgica a La Orquídea. También a Almagro. Hacía rato que no me daba una vuelta por el vecindario. Entré al café, como suelo hacerlo siempre, con la intención de escribir la crónica en el lugar, y busqué un toma donde enchufarme. “Acá no tenemos ningún enchufe” me respondió el mozo mientras yo deambulaba sin rumbo revisando zócalos. Bien. No voy a negar que me reconfortó saber que La Orquídea es un café analógico. Y volví al cuaderno y la birome.

La Orquídea es un hito dentro del patrimonio barrial. Deudo del difunto Mercado de Flores que ocupaba la manzana de enfrente. De allí tomó su nombre. Aunque hoy traigo otro motivo. Ya lo conocerán.

El local es un amplio, generoso y luminoso salón revestido en madera hasta tres cuartos de altura. Las ventanas son guillotinas. Todavía mantienen el barral de bronce a la mitad para que corran cortinas. Aunque estas fueron retiradas desde la última puesta a punto del lugar hace unos 15 años. El café bar tiene cuatro ventiladores de techo, también de madera, con tulipas con forma de flor. Hay siete percheros de pared. Casi todo el frente del salón está acompañado de la barra. Son diez metros aproximadamente de madera y estaño. El personal viste a tono con el mobiliario. Los ventanales, algunas pizarras en el interior y los carteles que indican los géneros a la entrada de los baños están intervenidos por el maestro de fileteado Gustavo Ferrari. Bingo. La armonía es total. Ahora La Orquídea también ha aumentado su capacidad con unas mesas afuera. Están en un deck que avanza por sobre Acuña de Figueroa. Ideal mascotas.

Ordené un café con una medialuna y vino acompañado de una porción de budín de pan. De haberlo sabido evitaba la harina. Sépanlo. Dato.

La feligresía habitual de La Orquídea está integrada, casi en su totalidad, por vecinos. Muchos escritores, miembros de la colonia artística y músicos. Mario Alarcón, el actor que hace de juez en El secreto de tus ojos, charla con unos amigos en la barra. Los mozos bandejean cafés con leche y medialunas. El fuerte del local es su tostado de miga. En una mesa un sesentón con “las nieves del tiempo plateando su sien” se toma un cortado en jarrito acompañado de huevos revueltos. Los muchachos de antes no usaban proteínas. Consumí mi servicio y me acerqué hasta la barra para charlar con el encargado. Se llama Alterio Mora. Alterio —que es su nombre de pila— lleva 38 años en La Orquídea. Sobrevivió a cinco cambios de propietarios. Así me dijo. El hombre algo bien debe hacer.

En la actualidad, abre de 8.00 a 1.00 de lunes a lunes. Alguna vez La Orquídea se jactó de ser el único café bar de Buenos Aires abierto las 24 horas. El público no cambió. Sí, las costumbres y la falta de dinero.

En verdad, me acerqué a charlar con este hombre con nombre de cantor de tango convencido de confirmar la historia que vengo a contarles. Cuando terminé de narrarla me miró desconcertado. Jamás la había oído. Y puede ser porque ocurrió hace muchos años. Incluso es anterior a la apertura del café. A mí me la transmitió Osvaldo Peredo, un prócer de las noches del Boliche de Roberto, la capillita milagrosa que aún da cobijo espiritual —y alcóholico— en Bulnes casi Perón, en diagonal a la Plaza Almagro.

La leyenda en cuestión es una puntada más del zurcido que une a Carlos Gardel con la calle Corrientes. En su larga extensión Corrientes atraviesa los barrios de San Nicolás, Balvanera, Almagro, Villa Crespo y Chacarita. Sabido es que el Café Guaraní de Corrientes y Esmeralda le tenía reservada una mesa al dúo Gardel-Razzano para alimentarlos a la salida de sus presentaciones en el Maipo, por entonces Teatro Esmeralda. Qué decir del cordón umbilical que unió al mocoso Carlitos con el Mercado del Abasto. O de la casa —hoy Museo Casa Carlos Gardel— sobre Jean Jaurés que el Zorzal le compró a su madre en las adyacencias de Corrientes. Sin embargo, no está tan impregnado en la conciencia popular el lazo entre Gardel y Almagro. Con nudo central a la esquina de Corrientes y Acuña de Figueroa.

La escena primera de esta película ocurre en el Luna Park. Corre febrero de 1936. La canícula se recuesta con todo su húmedo peso sobre Buenos Aires. Al 0 de Corrientes una multitud se agolpa alrededor del habitual sitio reservado para el ring dentro del Palacio de los Deportes. En su lugar se ha montado una capilla ardiente para despedir los restos de Carlos Gardel arribados a Dársena Norte en el Vapor Pan America, luego del fatídico accidente que le dio muerte en Medellín. El velatorio dura todo el día y su noche. A la mañana siguiente el cortejo parte a pie hacia el Cementerio de la Chacarita. Una multitud con sus mejores pilchas, sudando la gota gorda, avanza lentamente las setenta cuadras de la calle que separa el Bajo con el cementerio.

Al alcanzar la caravana el 4100 de Corrientes, esto es la intersección con Acuña de Figueroa, una mujer muy humilde, poco agraciada y encorvada de angustias, se hace lugar entre los vecinos que arrojan flores al paso para colocarse frente a la masa de fanáticos y detener su avance. El suceso sorprende a la multitud. La mujer avanza hasta el coche fúnebre, levanta una orquídea entre tantos distintos tipos de flores del piso y la apoya como ofrenda sobre el ataúd. De entre el público que observa la escena absorto se desprende un buen hombre que, conmovido por el gesto, se le acerca a la mujer y la ayuda a retirarse permitiendo que el cortejo avance. Y se conoce que tanto la protegió que al poco tiempo terminó desposándola y dándole un hijo al que le pusieron, obviamente, Carlitos. Esta es la historia que me contó Osvaldo Peredo en una mesa del Boliche de Roberto una noche de tangos y vinos al finalizar su pasada de cantor. La toman o la dejan.

Almagro es un tango de Vicente San Lorenzo cuyas primeras estrofas rezan: “Cómo recuerdo, barrio querido, aquellos años de mi niñez”. Carlos Gardel llegó a grabarlo. Pueden escucharlo en Spotify. ¿Por qué lo menciono? Porque a unas pocas cuadras de Corrientes y Acuña de Figueroa, sobre la calle Don Bosco, se encuentra el Colegio Pío IX donde Gardel asistió de niño.

En el instituto salesiano, el pequeño Carlitos Gardés —apellido real de su madre— fue compañerito de aula de Ceferino Namuncurá. El otro mito que sobrevuela por Almagro, no sin reparo, señala que con motivo de una tarea para la clase de Música, Gardel compuso su primer tango y que la letra la escribió su compinche indio. La impopularidad de la fábula obedece a que el tango nació maldito. Que el choque de culturas entre un niño francés y uno mapuche produjo un choque de energías que genera daños irreversibles con solo entonarlo o silbarlo. En 2014 escribí el guión de un corto que produjo el INCAA sobre esta historia. Y el actor principal fue Osvaldo Peredo haciendo de sí mismo. Pero no quiero provocar ningún contratiempo con este recuerdo. Mejor volver al café bar La Orquídea porque la historia aún no concluye.

Siempre según Peredo, muchos años después, a partir de los hechos transcriptos, con el bar funcionando, se creó la Orden de la Orquídea. Eran mujeres solas que daban una vuelta por el Mercado de Flores, compraban una orquídea, y cruzaban la calle para dejar la flor en los alféizares de las ventanas del bar esperando encontrar al amor de sus vidas.

Instagram: @cafecontado

El grupo, reconocido como el principal exponente actual del legado de Piazzolla y ganador de un Latin Grammy en 2019, está conformado por Cristian Zárate (piano), Joaquín Benítez Kitegroski (bandoneón), Sebastián Prusak (violín), Sergio Rivas (contrabajo) y Esteban Falabella (guitarra). Su más reciente álbum, Piazzolla QR, fue editado por Waves Affaire (Viena).

Por su parte, Daniela Herrero suma su trayectoria en el pop y rock argentino, iniciada en 2001 con el disco Sólo tus canciones. Entre sus trabajos se destacan No voy a mentirte, El Espejo, Madre y En un segundo. Su último lanzamiento, Nuestro Lugar, consolida su evolución artística.

La colaboración entre el Quinteto Revolucionario y Herrero propone un diálogo entre el tango del siglo XX y la sensibilidad musical actual, generando una experiencia que explora nuevas posibilidades para la música urbana de Buenos Aires. En diálogo con Infobae Cultura, el guitarrista del quinteto, Esteban Falabella, adelanta los shows de este fin de semana y afirma: “Daniela, con su gestualidad y sensibilidad, le da a las composiciones de Astor un aire cercano a la canción”.

—El Quinteto Revolucionario custodio y reimagina el legado de Astor Piazzolla. ¿Cómo equilibran esa fidelidad con la búsqueda de un sonido propio?

—Piazzolla parte de un gesto tanguero potente y nosotros tomamos todo ese bagaje para jugar, habiendo transitado esa paleta de recursos estilísticos con mucho compromiso y sentido de pertenencia.

—El álbum Piazzolla QR propone una lectura actual del repertorio. ¿Qué significa en términos artísticos?

—Tomamos el lenguaje estilístico más tanguero en “Caliente”, “Decarísimo” y “Don Juan”; la concepción académica en “Tres minutos con la realidad”; el sonido más rockero-tanguero en “Movimiento continuo” y “Tanguedia”; y arreglos propios en “Libertango” y “Oblivion”, donde jugamos con los sonidos y le ponemos más de nuestro bagaje y mirada. Comenzamos a abrir el juego y continuar con la creación desde nuestra personalidad.

—¿Qué proponen estos shows, con la incorporación de Daniela Herrero?

—La música de Astor está concebida para que cada uno, con su forma, pueda hacerla propia. Cuando invitamos a Daniela se abrió la posibilidad de asumir el riesgo de no saber bien qué va a surgir, pero a la vez crece el compromiso artístico, y eso lo hace una experiencia intensa para todos nosotros. Pero hasta que no estemos con el público ahí, no sabemos bien hacia dónde iremos. Es lo lindo de este encuentro: garantiza que tenemos que conectar desde lo más profundo para descubrirlo.

—El grupo fue reconocido con un Latin Grammy y se presenta en escenarios de todo el mundo. ¿Cómo perciben la relevancia internacional de la música de Piazzolla a más de 30 años de su muerte?

—Siempre nos asombra lo particular que es el tango en el mundo, y cómo Piazzolla universalizó ese lenguaje tan encriptado. Seguimos emocionándonos con lo que se genera en cada lugar donde vamos con la obra de Astor. Es muy conmovedor y nos queda la sensación de ser parte de un lenguaje que nos expresa, que muestra nuestra singularidad cultural y emotiva, con una fuerza que llega profundo al que se le cruce, venga de donde venga.

—¿Cuál es el legado de Astor Piazzolla?

—Hablar de lo que nos dejó Astor lleva a hablar de compromiso y búsqueda: compromiso con una identidad y búsqueda de la voz propia, que expresa lo que te atraviesa. Todo eso en movimiento constante. Astor dejó el desafío de continuar un lenguaje que estará transformándose por siempre, pero con la presencia de la historia que le dio vida en cada nota.

[Fotos: prensa Bebop Club]

El Auditorio Nacional del Palacio Libertad será escenario de un tributo singular a Osvaldo Piro, figura central del tango contemporáneo, en un concierto que reunirá a destacados intérpretes y que contará con la dirección invitada de Oscar De Elía. El evento, programado para el miércoles 22 de octubre a las 20 tiene entrada libre y gratuita, y también se podrá seguirse también a través de la radio online del espacio cultural.

La Orquesta Nacional de Música Argentina “Juan de Dios Filiberto” ha preparado un repertorio que recorre tanto clásicos del género como composiciones de autores fundamentales. Entre las obras seleccionadas figuran piezas de Carlos Gardel, Julián Plaza, José Fernández Blanco, Luis Bernstein, Eladia Blázquez, Ástor Piazzolla, Francisco Canaro y Juan Caruso, junto a creaciones del propio Osvaldo Piro. Todos los arreglos de la velada llevan la firma de Piro, lo que refuerza el carácter de homenaje.

El concierto contará con la participación de Alfredo Piro Rinaldi -hijo de Osvaldo Piro y Susana Rinaldi-, Hugo Marcel, Patricia Barone, Alberto Bianco y Rafael Gíntoli como artistas invitados. Además, se sumarán solistas como Brigitta Danko en violín, Horacio Romo en bandoneón y Sergio Rivas en contrabajo, quienes aportarán su impronta a distintas piezas del programa.

Entre los momentos destacados del programa, se interpretarán obras como “Melancólico” de Julián Plaza, “Magia en Buenos Aires” y “Eclipse” de Osvaldo Piro, “Bandó” y “Kicho” de Astor Piazzolla, y clásicos como “La última copa” de Francisco Canaro y Juan Caruso.

La Orquesta Nacional de Música Argentina “Juan de Dios Filiberto” fue fundada en 1932 bajo el nombre de Orquesta Porteña por Juan de Dios Filiberto, autor del emblemático tango “Caminito”. Desde 1948, la agrupación forma parte del ámbito estatal y, en 1973, adoptó su denominación actual en homenaje a su creador. Actualmente, depende de la Dirección Nacional de Elencos Estables de la Secretaría de Cultura de la Nación y tiene como misión la difusión de la música argentina y latinoamericana en todas sus vertientes, tanto populares como académicas, con el propósito de fortalecer la memoria y la evolución de la identidad musical nacional.

A lo largo de su historia, la orquesta ha sido dirigida por figuras como Osvaldo Piro, Néstor Marconi, Atilio Stampone y Luis Gorelik. En sus presentaciones y grabaciones han participado artistas de la talla de Mercedes Sosa, León Gieco, Martha Argerich, Susana Rinaldi, Leopoldo Federico, Egberto Gismonti, Jaques Morelenbaum, Hugo Fatorusso y Chango Spasiuk.

La proyección internacional de la orquesta se evidencia en sus giras por Japón, Suecia y Francia, donde se ha presentado en salas de concierto de primer nivel. En el ámbito local, realiza funciones regulares en espacios emblemáticos de Buenos Aires como la Sala Sinfónica y la Sala Argentina del Centro Cultural Kirchner —sede principal del elenco—, el Teatro Colón, la Usina del Arte, el Teatro General San Martín y el Auditorio de la Facultad de Derecho. Además, ha recorrido diversas regiones del país, incluyendo la Patagonia, el NOA, el NEA, Cuyo y la Región Pampeana, consolidando su papel en la federalización de la cultura.

Con un elenco principal donde habrá una orquesta típica en vivo y artistas como Anita Martínez, Marisol Otero y Natalia Cociuffo. A ellas se sumarán el carismático Chino Laborde y la cantante Lidia Borda en intervenciones destacadas. La producción se apoyará en algunos de los bailarines de tango más reconocidos actualmente.

Ellas son tango se construirá como un homenaje a figuras históricas —Tita Merello, Libertad Lamarque, Susana Rinaldi y María Nieves— con una propuesta escénica que combinará elementos clásicos y contemporáneos para reinterpretar el género desde la perspectiva de las mujeres que fueron fundamentales en su desarrollo. Cada segmento escénico reconstruirá aspectos esenciales de las artistas homenajeadas, mientras el espectáculo transitará desde el drama de los barrios populares hasta la sofisticación de los salones y la energía de la pista de baile. El objetivo es abordar la evolución del tango desde una mirada femenina y actual.

Durante la conversación con Teleshow, la bailarina y coreógrafa, quien coproduce el espectáculo junto a Jorge Castro bajo la dirección artística de Georgina Tirotta, reflexiona en voz alta sobre la huella íntima y poderosa que el tango ha dejado en su vida: “Aunque dicen que es un pensamiento triste que se baila, yo lo sentía como un recuerdo lindo de mis primeros años, porque los escuchaba y los veía abrazados, moviéndose todos en una melodía que para mí era rara. Pero claro, los veías abrazados, y después la gente no andaba mucho abrazada en la vida cotidiana, así que eso me llamaba mucho la atención”. Y resume con vehemencia esa marca, asegurando: “Para mí, el tango era algo que lo tenía adentro desde chica”.

La seducción, la cercanía y una elegancia única marcan según Ghidone la diferencia del tango: “Tiene una cosa de elegancia, una delicadeza, una fineza. Esa cuestión que tiene que ver con el torso… esa disociación corporal, la sutileza, en los movimientos.” Pero también, lejos de la imagen conservadora, resalta la pasión y la rebeldía que lo originan: “No te olvides que el tango, además, sale de lo prohibido, de una etapa donde era socialmente mal visto.” Esta pasión y esta historia personal son ahora el combustible de su nueva aventura escénica. “La idea es seguir homenajeando. En el espectáculo ”Madame Tango" represento a una mujer que elige su vida, que decide ser independiente, que no le interesaba casarse ni tener hijos. Ahora, en este nuevo paso, queremos ampliar ese homenaje y traer a escena a esas figuras fundamentales que hicieron grande al tango, afirma Ghidone a Teleshow.

El tango en la vida de Andrea Ghidone

—¿Aprendiste a bailar el tango desde pequeña?

—Desde chiquitita me crié entre tangos, porque, mi familia, mi vecino, mis vínculos, que eran más grandes que yo, el tango era parte del festejo, de la celebración que se estaba viviendo. En un cumpleaños en una fiesta.

—¿Y cómo era esa experiencia?

—Yo lo sentía como algo de un recuerdo lindo de mis primeros años, porque los escuchaba y los veía abrazados, así que, que se movían todos en una melodía que, obviamente, para mí era como rara, pero claro que los veías abrazados, y eso era todo para mí con esa mirada amorosa de niña. La gente no andaba mucho abrazada, así que me llamaba mucho la atención por esa cercanía, por esa cuestión medio seductora que tiene.

—¿Hoy cómo vivís esos recuerdos?

—Para mí era algo muy de la casa, de la raíz. Yo no tenía en ese momento idea de que después iba a vivir del tango, pero se ve que estaba escrito en algún lado.

El lugar de la mujer en el tango

—En el tango, históricamente, el protagonismo ha sido más varonil. ¿Cómo ves el rol de la mujer hoy?

—Viste que sí, ¿no? Que tiene una cosa de elegancia y de... Está permitido ese juego porque está totalmente enlazado con la pasión, con la seducción. Es una danza que tiene ese contenido, pero más que tenerlo, es en el bailar. Estás interpretando un personaje.

—¿Cómo ves la evolución en la percepción social sobre la mujer tanguera?

—No te olvides que el tango, sale de lo prohibido. Tiene que ver con una etapa donde, el tango estaba socialmente mal visto. Luego, después de que Carlos Gardel triunfa en Europa, se le empieza a dar otra mirada.

—¿Qué representa para vos pararte hoy en un escenario de tango?

—Hoy la mujer en el tango se ha ganado su espacio por talento. Y me encanta poder decir que no todo se trata de la apariencia. Hay talento, hay pasión, y eso es lo que te sostiene en el escenario, no otra cosa.

—¿Cómo fue esa transición de vedette a referente del tango?

—Claramente yo de haber pasado de ser vedette a cumplir este rol, a armar una idea de show, a invertir como productora y decir ‘quiero esto’, fue todo un proceso. Cuando yo arranqué hace quince años atrás, los productores se reían de mí. Pero digo, con todo el amor, porque está muy bien que me subestimes, y que entiendas que yo no sirvo tal vez para representar al tango, porque era real, era una idea muy loca mía que yo quería implementar.

—Qué te impulsó a apostar por el tango?

—Me encantaba la idea de poder hacer con el tango un show más completo, que esté en la calle Corrientes. Y todo lo que fue un sueño, un paso a paso, después de mucho trabajo, de muchos años, y de mucho esfuerzo, y mucha inversión, se fue dando.

—Un camino con reconocimiento...

—Hoy, con todo ese recorrido, puedo decir que logramos traer el tango a un espacio más amplio, más contemporáneo, sin perder lo esencial. Para mí es un orgullo haber defendido esta pasión.

—¿Qué valores buscas transmitir con este show?

—La mujeres pisamos fuerte. Hay mujeres que tienen talento. Ganaron su lugar por su capacidad más allá de la seducción y la belleza. Todos tenemos muchos roles que podemos hacer y concretar de acuerdo a la etapa de la vida que nos encontremos, no estamos para toda la vida con el mismo título, o con la misma etiqueta.

La cantora estará acompañada por su cuarteto habitual, conformado por los guitarristas Juan Otero, Leandro Ángeli y Germán Montaldo, junto a Emilio Polledo en percusión. La noche se enriquecerá con la participación de artistas invitados como Liliana Herrero, Lidia Borda, Cucuza Castiello, Diego Baiardi y Daniel Godfrid, quienes compartirán escenario con Laso para interpretar tangos, valses, boleros y otras tonadas.

En palabras de Julieta Laso, la presentación de Aves Nocturnas busca ser un espacio de encuentro y resiliencia: “Vamos a despedir este año tan difícil juntando fuerzas. En ese hermoso teatro que es el Xirgu queremos reunir a las aves nocturnas que iluminan los senderos cuando andamos medio desorientados. A veces hace falta escuchar canciones viejas y mezclarlas con canciones nuevas. Acordarnos de que tenemos un pasado, que conocimos épocas difíciles, pero que seguimos adelante siempre. La última vez que estuvimos en el Xirgu fue inolvidable. Y bueno, uno vuelve a los lugares donde fue feliz. Quiero compartir con ustedes algo del disco que saldrá el año que viene. Ojalá puedan acompañarnos”.

La trayectoria de Julieta Laso se ha consolidado a lo largo de más de una década. Su primer disco solista, Tango Rante, apareció en 2010 y la mostró interpretando clásicos del tango y la milonga junto a un trío de guitarras. Entre 2013 y 2018, integró la Orquesta Fernández Fierro, referente del nuevo tango argentino, con la que realizó giras internacionales y grabó dos discos que recibieron múltiples premios.

En 2018, su segundo álbum solista, Martingala, le valió una nominación a los Premios Gardel como Mejor Cantante Femenina de Tango. Durante la pandemia, la artista se trasladó a la provincia de Salta y protagonizó el cortometraje Terminal Norte, dirigido por Lucrecia Martel. Su tercer trabajo discográfico, La Caldera (2021), fue recibido con elogios de la crítica, mientras que su cuarto álbum, Cabeza Negra (2022), obtuvo el reconocimiento al Mejor Álbum de Tango y al Mejor Diseño de Portada en los Premios Gardel 2023.

La versatilidad de Julieta Laso también se refleja en su labor como actriz, habiendo recibido el Premio Trinidad Guevara a la “Revelación Femenina” por su actuación en la obra Ojo de Pombero de Toto Castiñeiras. En 2024, fue distinguida como Personalidad de la cultura de la Ciudad de Buenos Aires. Su voz, descrita como áspera, profunda y melodiosa, ha transitado géneros como el tango, la vidala, los valses y otras expresiones musicales latinoamericanas, logrando cautivar a públicos diversos.

Su más reciente producción discográfica, Pata de Perra, fue realizada bajo la producción de Macha Asenjo, líder de la agrupación chilena Macha y el Bloque Depresivo. Próximamente, lanzará un nuevo álbum producido por Daniel Melingo.

[Fotos: Alejandra López; Emiliano Rojas Salinas]

El Festival Porteño de Fado y Tango se perfila como un punto de encuentro entre la tradición y la renovación musical, al reunir a artistas de Portugal y Argentina en una celebración que trasciende fronteras y generaciones. Del viernes 17 al domingo 19 de octubre de 2025, se realizará una programación de conciertos, clases magistrales y exhibiciones de baile en sedes emblemáticas como Galpón B, Sanata Bar, Rondeman Abasto y el Centro Cultural Recoleta.

El evento, que llega a su séptima edición, se distingue por su vocación de intercambio y pertenencia, al propiciar el diálogo entre dos géneros declarados Patrimonio Intangible de la Humanidad por la Unesco: el fado y el tango. Ambos estilos, nacidos en ciudades portuarias y moldeados por las migraciones, comparten una historia de transmisión intergeneracional y una profunda raíz urbana. Desde su creación, el festival ha buscado no solo honrar estas tradiciones, sino también impulsar a los nuevos exponentes que renuevan su legado.

En esta edición 2025, el festival contará con la presencia destacada de Helena Sarmento y Ricardo J. Martins, dos figuras portuguesas del fado contemporáneo. Reconocidos por sus interpretaciones de clásicos y por sus composiciones originales, ambos ofrecerán los conciertos de apertura y cierre. Además, Ricardo J. Martins impartirá una masterclass de guitarra portuguesa y estilos de fado, orientada a músicos y cantantes interesados en profundizar en las técnicas y formas propias de este género.

La cantante y productora general del festival, Karina Beorlegui, expresó su entusiasmo por la nueva edición, destacando el respaldo del Mecenazgo de la Ciudad de Buenos Aires, la Fundación Santander, la Embajada de Portugal, el Instituto Camões y el apoyo de Ibermúsicas a Helena Sarmento. “Este Festival intenta homenajear la raíz identitaria, rescatar su valor cultural y ser fuente de inspiración a estas nuevas generaciones musicales para seguir generando adeptos y difundir a sus exponentes.”

El cronograma artístico de 2025 incluye la participación de Fadeiros, el Karina Beorlegui Cuarteto y la pareja de baile Cecilia Capello y Diego Amorin en el concierto de apertura el viernes 17 en Galpón B. El sábado 18, Sanata Bar albergará la masterclass de guitarra portuguesa a cargo de Ricardo J. Martins (abierta y gratuita para músicos y cantantes, sin necesidad de inscripción previa).

Esa misma noche, Rondeman Abasto será sede de un concierto con Ariel Altieri y Graciela Viegas Ruivo, Fado Trio, Mariana Accinelli Trío, Almalusa y Alfredo Piro Rinaldi. El cierre del festival, el domingo 19 de octubre a las 18:00 en el Centro Cultural Recoleta, estará a cargo de Helena Sarmento, quien ofrecerá un recital de fado como artista invitada desde Portugal.

La finalista creció en la casa de sus bisabuelos. Una infancia marcada por discos antiguos, mates y charlas familiares. Un hogar atravesado por la nostalgia y el compás del bandoneón. “Desde los cinco años ya sabía jugar al truco y pasaba los días en esa casa con la radio siempre encendida. Mi mamá trabajaba mucho, así que me crié con mis bisabuelos: escuchando música, conversando, cantando”, recuerda.

Esa herencia afectiva y musical es la que hoy la impulsa a mantener viva una tradición, llevándola al escenario con una frescura que conmueve tanto a los más grandes como a los jóvenes que descubren el tango a través de su voz.

—¿Hay algún momento particular que recuerdes de la unión del tango con tu niñez?

— Recuerdo la radio de mi bisabuelo, levantarme temprano, tomar mate o la leche y siempre la música de fondo. Aunque él después no pudo bailar por temas de salud, la música nunca faltaba. Mi bisabuela también, siempre apoyándome cuando quería cantar. A los siete, por ejemplo, ya estaba animándome a hacerlo, soñando con ser una súper estrella.

— ¿Y hay algún tango o artista que te haga pensar especialmente en esos tiempos?

—“Leguisamo solo”, ese tango le gustaba mucho a mi bisabuelo. Son canciones que me transportan a esos días en familia.

—¿Te encontraste con resistencias al elegir el tango siendo tan joven?

—Sí, me lo han dicho siempre. Con 13 años me decían: “Vos dedicate a otra cosa, porque con el tango no vas a llegar a nada”. Para mí era romperme, era una ilusión, un sueño grande y escuchar eso dolía. Incluso decían que el tango es solo para grandes, para viejos, y que está muerto. Me han llegado a decir que es un nicho muy muerto. Yo no creo que el tango sea un nicho muerto. Si todavía hay gente a la que le gusta y que se siente reflejada, no puede estar muerto. De ahí empecé también a estudiarlo más, a estudiar las letras y las épocas. Me interesa conocer y mostrar que hay mucho todavía para decir.

—¿Qué te provoca que muchas veces los jóvenes no conecten con el tango?

—Me crucé con gente joven que no sabía quién era Gardel, por ejemplo. Eso me llamaba mucho la atención, porque yo lo escuchaba desde siempre y para mí era algo familiar. Con el tiempo me fui cruzando con chicos que les gusta lo mismo que a mí, pero al principio costaba mucho.

—¿Sentís que hay una renovación en el ambiente?

—Después de la pandemia, me sorprendió ver la cantidad de jóvenes en el tango. Aunque todavía le falta, hay un pequeño resurgimiento. Lo celebro porque dejarlo de lado no es bueno, ni para el tango, ni para nosotros, ni para las nuevas generaciones que vienen. Conocer las letras, la historia, lo que dicen los tangos es muy importante.

—¿Por qué crees que el folklore tiene más presencia entre los jóvenes?

—Quizás porque el folklore se brindó a cosas nuevas: danzas estilizadas, nuevos compositores, mucho movimiento en los ballets y el baile. El tango, en cambio, no sé… Hay algo que todavía falta, como una pieza que no termina de encajar para que resurja completamente.

—¿Tenés algún objeto o recuerdo físico que haya cobrado importancia especial en tu carrera?

—Sí, tengo el anillo de mi bisabuela. Lo llevo siempre conmigo, es como un talismán. Es una manera de verla, de recordarla. Quizá con él es más fácil volver a esos momentos, es como si ella estuviera al lado.

—¿Qué lugar ocupa la presencia de tu bisabuela en tu vida artística?

—Ella siempre me apoyó mucho en todo lo que hice, sobre todo en la música. Me decía: “Quiero seguir viviendo hasta verte triunfar”. Todo lo que hago, aunque lo hago por mí, también lo hago en recuerdo de ella. Cuando falleció, seguí cantando por un pedido suyo. Aunque fue complicado, continué como una forma de mejorar el recuerdo.

—¿Las canciones te ayudaron a atravesar la ausencia?

—Algunas canciones me hacían recordar mucho, pero también fue tanto el sentimiento que me llevó a componer. No encontraba una canción que me alivie, así que de ahí salió escribir la mía propia. Después seguí escribiendo, fue como un quiebre en mi vida.

—¿Creés en las señales?

—Sí, creo. Por ejemplo, el anillo se me salió en un momento en el que tenía que tomar una decisión y para mí fue una señal. No había forma de que se saliera, pero pasó justo cuando tenía que decidir algo importante, así que lo tomé así. Desde ahí todo se fue encadenando para bien. Me gustaría creer que mi bisabuela me sigue acompañando y que algunas decisiones las tomo gracias a ella. No sé si es así, pero yo prefiero verlo de ese modo.

— ¿Qué fue lo que te impulsó a anotarte en La Voz Argentina, después de haber participado en otros concursos?

— Siempre seguía el programa, miraba videos, pero no podía anotarme porque no tenía la edad todavía. Recién este año me animé a hacer el casting y tuve la suerte de entrar. Fue algo que esperé mucho tiempo. Fue un proceso largo. Hacer el casting ya fue un logro para mí, y entrar al programa fue una mezcla de nervios y mucha alegría. Es muy distinto pasar de verlo por la tele a estar ahí adentro.

— ¿Qué sentiste cuando te diste cuenta de que ibas a estar en el equipo de La Sole?

— Me puse recontenta. Elegí a la Sole porque la considero una referente de la música nacional, por todo lo que hizo desde muy joven, defendiendo siempre el folclore y la música argentina. Para mí es una grosa en lo que hace y me inspira mucho. El tango es parte de mi historia y mi familia, pero sé que mucha gente lo asocia a generaciones más grandes. Por eso, estar en La Voz y mostrar que una joven puede apostar al tango es todo un desafío. Pero también es algo que me hace sentir orgullosa.

—¿Qué aprendiste a nivel personal y artístico al participar en un reality con tanta visibilidad?

—Aprendí que todo el mundo tiene su historia y que hay que animarse a mostrarse tal cual uno es. Yo defiendo el tango porque es lo que me tocó el alma, pero también me abro a otros géneros para aprender y compartir otras miradas.

—¿Te inspira ver que hoy hay jóvenes que se acercan al tango o buscan innovar en otros estilos?

—Sí, me sorprendió mucho después de la pandemia la cantidad de jóvenes en el tango. Hay como un pequeño resurgimiento. Me llama la atención ver fusiones como la de Milo J y folklore; eso me parece superinteresante y creativo para traer la música a nuevas generaciones.

—¿Cómo te imaginás en los próximos años, tanto personal como profesionalmente?

—Primero me veo todavía estudiando, aprendiendo, como todos. Pero sí, me gustaría hacer algo con la música. Tengo ese sueño de traer nuestra música nacional de una manera diferente, quizá trayéndola de nuevo.

—¿Sentís que tu aporte puede renovar la relación de los jóvenes con el tango?

—Ojalá. Lo que más me gustaría es compartir el tango desde el lugar que lo entiendo y trasladarlo a otra gente, a otras miradas, para que más personas se sumen y lo disfruten.

—¿Te animás a escribir tus propias canciones de tango?

—Todavía no me animé a mostrar mucho, pero sí, estoy escribiendo. Me gusta la idea de difundir temas nuevos de tango que guarden la esencia, pero también tengan algo nuevo. Es como una curiosidad rara: mantener la esencia pero traer lo nuevo.

—¿Sentís que le debés al tango una especie de “retribución” por todo lo que te dio a nivel personal?

—Sí, puede ser. Es como una retribución por tanta alegría y tantos recuerdos que me trajo el tango, tanta familia que me dio. Me nace devolverle lo que me dio a mí. Si puedo aportar aunque sea un poco para que el tango crezca entre los jóvenes, me hace muy feliz. Ojalá pueda ser parte de eso.

Fotos: Gastón Taylor

La historia transcurre en un pueblo rural y arruinado de Hungría, en los últimos años del comunismo. Es una especie de comunidad fantasmal donde la lluvia no cesa, el barro lo cubre todo y la miseria domina la vida de los habitantes. Los personajes sobreviven como pueden, entre el alcohol, la desconfianza y el tedio, hasta que se corre la voz de que Irimiás, un antiguo vecino que todos creían muerto, está por regresar. Su figura adquiere tintes mesiánicos: unos lo ven como un salvador, otros como un embaucador. Su llegada despierta esperanzas en los habitantes del pueblo, quienes sueñan con escapar de su miseria, pero esa ilusión pronto se revela como un espejismo. Irimiás manipula a todos con un discurso mesiánico, mientras en realidad trabaja como informante del Estado.

El título alude al tango no como baile literal, sino como estructura narrativa y metáfora del movimiento pendular de los personajes. La novela está construida en doce capítulos divididos en dos mitades simétricas —seis van hacia adelante y seis hacia atrás—, como si los personajes avanzaran dos pasos y retrocedieran uno, repitiendo el ritmo del tango. Krasznahorkai concibe la novela como un tango narrativo, que imita los movimientos de esa danza. Ese vaivén construye una sensación de tiempo detenido, de repetición, de destino inevitable.

Es un tango diabólico, un vaivén que conduce al vacío. De allí el adjetivo “satánico”: el movimiento circular e hipnótico no redime a nadie, sino que los arrastra en una danza infernal, una coreografía de la desesperanza.

El contexto histórico es clave: la acción se sitúa en un país colectivizado y empobrecido, donde las antiguas cooperativas agrícolas del régimen socialista se han derrumbado. Los personajes —campesinos, alcohólicos, burócratas— viven entre ruinas de ese sistema, esperando subsidios que no llegan, atrapados en la corrupción y el abandono estatal.

Esa atmósfera de poscolapso del socialismo rural convierte al pueblo en una metáfora del país entero: un espacio donde la esperanza revolucionaria se ha degradado en miseria, vigilancia y desconfianza. Krasznahorkai describe un tiempo suspendido, en el que la lluvia nunca cesa, el barro cubre todo, y los habitantes parecen vivir el final de una era sin saberlo.

El tono apocalíptico y la estructura musical del relato evocan un fin del mundo cotidiano, donde la corrupción y la mentira sustituyen cualquier posibilidad de salvación. Krasznahorkai escribe en una prosa que parece una corriente continua —frases de páginas enteras, sin respiro—, lo que acentúa la sensación de fatalidad.

En 1994, el director Béla Tarr adaptó la novela en una película de más de siete horas, también titulada Sátántangó, considerada una de las obras maestras del cine europeo contemporáneo. Tarr mantuvo el ritmo hipnótico, los planos secuencia interminables y la atmósfera desoladora que hacen del libro una experiencia tan extrema como su título.

Tango satánico (fragmento)

Una mañana de finales de octubre, poco antes de que las primeras gotas de un otoño largo e implacable cayeran sobre la tierra reseca y agrietada en la zona occidental de la explotación (para que luego un mar de barro hediondo volviera impracticables los caminos e inalcanzable la ciudad hasta la aparición de las primeras heladas), Futaki se despertó al oír unas campanadas. A unos cuatro kilómetros en dirección suroeste, en lo que fueron los antiguos terrenos de los Hochmeiss, se alzaba una ermita solitaria, pero ahí no quedaba campana alguna, es más, la torre se había derrumbado en la época de la guerra; y la ciudad se hallaba demasiado lejos para que de allí llegara sonido alguno. Además, esos sones triunfales, entre retumbantes y tintineantes, no semejaban los de una remota campana, sino que parecían venir de cerca («como si fuese del lado del molino…»), traídos por el viento. Futaki se acodó sobre la almohada para mirar por el ventanuco de la cocina, pero la explotación, sumida en los colores azulados del alba y en el ya menguante repiqueteo, permanecía en silencio e inmóvil al otro lado del cristal medio empañado: en aquellas casas alejadas la una de la otra, sólo la ventana del doctor velada por una cortina filtraba cierta luz, pues se daba la circunstancia de que su habitante llevaba años sin poder dormirse a oscuras. Contuvo la respiración para no perderse ni uno de aquellos toques que iban y venían como una marea, pues quería averiguar su procedencia («Seguro que estás dormido todavía, Futaki…») y para ello necesitaba cada sonido por muy tenue que fuese. Con sus ya legendarios pasos de suavidad felina, se acercó renqueando por el gélido suelo de mosaico de la cocina a la ventana («¿No hay nadie despierto? ¿Nadie lo oye? ¿Nadie salvo yo?)», la abrió y se asomó. Lo asaltó un aire húmedo y acre, y hasta tuvo que cerrar los ojos un instante; en medio del silencio intensificado por el canto de un gallo, por lejanos ladridos y por el aullido de un viento cortante y feroz que acababa de levantarse aguzó el oído, mas fue en vano, pues no oyó nada excepto los latidos opacos de su corazón, como si todo no hubiera sido más que el juego fantasmagórico de su duermevela, como si («… alguien hubiera querido asustarme»). Contempló con tristeza aquel cielo que no auguraba nada bueno, los restos abrasados del verano recorrido por bandadas de langostas, y de pronto vio desfilar en una misma rama de acacia la primavera, el verano, el otoño y el invierno, como si percibiera la totalidad del tiempo que jugueteaba en la esfera inmóvil de la eternidad mostrando una infernal línea recta, la cual daba la impresión de atravesar el paisaje escabroso del caos y, al crear así la altura, alimentaba a la vez la ilusión de que el vértigo era algo necesario… Y se vio a sí mismo en una cruz de madera formada por la cuna y el ataúd, se vio allí agitándose, atormentado hasta que finalmente una sentencia árida—que no conocía distintivos ni distinciones y sonaba como un chasquido—lo entregaba desnudo a los lavadores de cadáveres, a las risotadas de despellejadores afanados, en un lugar donde comprobaría sin piedad, fríamente, la verdadera medida de las cosas humanas, donde constataría que ni un solo sendero lo conducía de regreso, pues para entonces se habría enterado ya, además, de que había ido a parar a una partida cuyo resultado estaba decidido de antemano y en la que los tahúres lo despojarían incluso de la última arma que poseía: la esperanza de poder retornar algún día a casa. Volvió la cabeza hacia un lado, hacia los edificios situados en la zona oriental de la explotación, antaño abarrotados y ruidosos, ahora abandonados y amenazados de ruina, y observó con pesadumbre cómo los primeros rayos de un sol rojo e hinchado se abrían paso por la armadura del tejado de una casa rural ruinosa que se había quedado pelada, sin la cubierta. «Al final tendré que tomar una decisión. Aquí no puedo quedarme».

El juego y el amor se mezclan en un verso desgarrador. Una apuesta que se pierde por poco y esa mujer que hace que el corazón del hombre que la evoca se parta en mil pedazos por un desengaño, terminan confluyendo en la letra de Por una cabeza, el tango de Carlos Gardel y Alfredo Le Pera que se convirtió en un referente del género a nivel mundial.

Corría el año 1934. El Zorzal Criollo estaba abocado a su carrera cinematográfica. Quería conquistar Hollywood. Y estaba por rodar la película Tango Bar, del director norteamericano John Reinhardt, para la que quería componer un tema que quedara marcado para siempre en la historia. Pero, según había confesado en varias entrevistas, no sabía escribir música. Así que, cuando una melodía empezaba a dar vueltas por su mente, lo que hacía era memorizarla hasta poder compartirla con alguien que sí pudiera plasmarla en un pentagrama. Y eso fue lo que sucedió.

Apasionado por las carreras de caballos, Carlitos se inspiró para el título de este tema en una experiencia personal. Y es que el caballo que tenía como favorito, lo que en el mundo del turf se llama “una fija”, había perdido en el tramo final de la pista. Es decir que lo había hecho mantener la ilusión hasta el final, para luego dejarlo con una sensación de fracaso. Y, consecuentemente, también con sus arcas vacías.

Pero al tango que estaba buscando no podía faltarle una desilusión sentimental. Y en un parangón difícil de imaginar para alguien que no entienda al mundo “burrero”, se mezcla la decisión de no volver a apostar en el juego, con la de no volver a confiar en el amor. O sí. “Por una cabeza, de un noble potrillo, que justo en la raya afloja al llegar. Y que al regresar, parece decir, no olvides hermano vos sabés, no hay que jugar. Por una cabeza, metejón de un día, de aquella coqueta y risueña mujer. Que al jurar sonriendo el amor que está mintiendo, quema en una hoguera, todo mi querer”, comienza la letra de la canción escrita por Le Pera.

Dicen que el reloj marcaba las 3 de la madrugada cuando Gardel decidió llamar a su amigo Terig Tucci, para decirle que ya había encontrado la música para este tema. “Che, viejo, acabo de encontrar una melodía macanuda para el tango Por una cabeza”, le dijo. El director de orquesta, algo dormido, lo oyó tararear del otro lado de la línea sin dar crédito a lo que estaba escuchando. Nada le llamaba tanto la atención como para desvelarse. Pero Carlitos parecía demasiado seguro de lo que se traía entre manos.

“Por una cabeza, todas las locuras. Su boca que besa, borra la tristeza, calma la amargura. Por una cabeza, si ella me olvida. ¡Qué importa perderme, mil veces la vida, para qué vivir!”, continúa el tema en cuestión. Y la música ideada por el Morocho del Abasto lo acompaña a la perfección. Aunque, a decir verdad, hubo quienes lo acusaron de plagio... Uno de los mayores plagios del mundo.

Sucede que esos compaces inconfundibles que, inmediatamente, remiten al tango de Gardel y Le Pera, resultan muy parecidos a los de un pequeño tramo de Rondó en Do mayor para violín y orquesta, una extensa pieza de Wolfgang Amadeus Mozart de fines de 1782. ¿Puede ser que Carlitos se haya inspirado en esta melodía para su composición? ¿O que la haya tenido en guardada en su subconsciente y la haya utilizado sin tener registro de ello? Porque, a decir verdad, hay quienes con su oído afilado aseguran que entre una y otra obra, en realidad, no hay ninguna coincidencia.

Lo cierto es que el tema se grabó con la inconfundible voz del Zorzal Criollo. Y el film para el que había sido creada se rodó como estaba previsto, en febrero de 1935 en los estudios de Nueva York. Pero luego, ocurrió la tragedia que nadie esperaba. El 24 de junio de ese año, el avión en que viajaban Gardel y Le Pera, junto al resto de sus colaboradores, sufrió un accidente mientras intentaba despegar del aeropuerto de Medellín, en Colombia. En él perdieron la vida 17 personas entre las que se encontraban el cantor, su letrista, los guitarristas Guillermo Barbieri y Ángel Riverol, el secretario y técnico de sonido José Corpas Moreno y el agente de prensa Alfredo Azzaff.

Tango Bar, finalmente, terminó siendo la película póstuma de Gardel. Fue estrenada el 5 de julio de 1935, en Nueva York. En Buenos Aires, en tanto, llegó a las pantallas de los cines el 22 de agosto de ese mismo año, cuando sus seguidores todavía estaban tratando de elaborar el duelo por su prematura muerte. Pero el film, y especialmente el tema que el Morocho del Abasto aparece cantando en la cubierta de un barco en una de las primeras escenas, sin lugar a dudas quedó para la historia como él pretendía.

“Cuántos desengaños, por una cabeza. Yo juré mil veces no vuelvo a insistir. Pero si un mirar me hiere al pasar, su boca de fuego otra vez quiero besar. Basta de carreras, se acabó la timba, un final reñido ya no vuelvo a ver. Pero si algún pingo llega a ser fija el domingo, yo me juego entero. ¡Qué le voy a hacer!“, termina la letra de esa pieza. Pieza que muchos años más tarde, en 1992, quedó inmortalizada en la película Perfume de mujer, de Martin Brest, donde el personaje de Al Pacino la baila a ciegas en su versión instrumental, dejando en claro que es uno de los tangos más icónicos del Río de la Plata, junto a La Cumparsita y Caminito.

El presente relato tiene la cualidad de ser abordado por distintas vías. Tantas como el particular trazado que se dibuja entre los límites de los barrios de Villa Ortúzar, Colegiales y Chacarita. Allí confluyen las avenidas Forest, Elcano y Álvarez Thomas, que conforman ocho esquinas. ¿Qué es imposible de tres líneas que se cruzan resulten ocho ángulos? En Buenos Aires nada lo es.

“Que no te cierren el bar de la esquina” inmortalizó en su canción Joaquín Sabina. Imaginen ocho. Sin embargo, este particular rincón porteño que ofrece múltiples oportunidades existe en una única locación. Porque así somos de inclasificables los porteños. El boliche que vino a cumplir con la consigna fue bautizado con un nombre genérico que representa a las tres barriadas: Bar 8 esquinas.

El Bar 8 esquinas está ubicado en Forest 1186. Se fundó el 31 de octubre de 1939, cuando más que una intersección de avenidas la zona se parecía a un cruce de rutas por lo descampado. Lo fundaron un grupo de gallegos. Entre sus primeros parroquianos se encontraron un sinnúmero de tangueros de la Época Dorada. Cuenta Horacio Spinetto en el volúmen II del libro Cafés Notables de Buenos Aires, publicado por Patrimonio e Instituto Histórico de la Ciudad, que los hermanos Homero y Virgilio Espósito, Julián Centeya, Aníbal Troilo, Homero Manzi y Osvaldo Pugliese estaban entre los feligreses de esta pequeña capilla rutera.

Osvaldo Pugliese fue vecino del bar. Beba, su hija, lo confirmó de esta manera para el citado libro: “Ese bar antes se llamaba El Bar Alemán, llegaban de todos los barrios, incluyendo del centro, a tomar cerveza con los riquísimos sándwiches de lomito, ¡cómo no lo voy a conocer!, si ahí, en ese hermoso barrio, mis viejos se casaron y fueron a vivir a la calle 14 de julio 1111, donde yo nací...”.

El barrio al que hace referencia Beba Pugliese es Villa Ortúzar pero, por esos caprichos limítrofes, el 8 esquinas pertenece a Chacarita. Un rincón del bar homenajea a Pugliese. Es la mesa donde le gustaba sentarse a tomar café y leer el diario que le compraba al canillita de Forest y Elcano. Y entre las fotos del Maestro está enmarcada la letra y partitura del tango Mis 8 esquinas, compuesto por su hija Beba, con letra del poeta Ítalo Curio. Algún día escribiré sobre la vida migrante de Osvaldo Pugliese y cómo se lo apropian distintos barrios. En Villa Crespo nació, se formó y es su máximo referente. Boedo tiene su Esquina Pugliese, el café donde solían detenerse Osvaldo y Lidia, su mujer, cuando salían de caminata desde la casa que tenían en Almagro con destino final Pompeya. De Villa Ortúzar y Chacarita dio cuenta su hija. En fin, más barrios que los cantados por Alberto Castillo. Pero continuemos con la historia del bar.

El grupo societario original tuvo lógicas modificaciones. En los años ‘60 se sumó un nuevo miembro, de apellido Rojo, responsable de las transformaciones que se conocen hasta hoy. Fue Rojo quien le dio al boliche una impronta alemana. El “Bar Alemán” al que hacía referencia Beba Pugliese. Aunque atendido por gallegos. El tiempo pasó, Rojo falleció y el bar se mantuvo sin cambios hasta 2005 cuando pasó a manos de otra familia, los Bálsamo.

La familia Bálsamo se había afincado en la triple frontera unos pocos años antes. Eran oriundos de Pompeya, el mismo barrio del sur donde llegaba de caminata el matrimonio Pugliese cuando no eran vecinos cercanos al Bar 8 esquinas. Ya saben, porque lo repito hasta el hartazgo, que nuestro máximo escritor lo describió todo en su cuento El Aleph. En Buenos Aires todos los caminos confluyen en un punto. ¿Que no les parece suficiente esta referencia borgeana para definir al cruce de tres avenidas y el bar? A ver qué me dicen con esta otra.

Cuando Miguel Bálsamo compró el fondo de comercio del Bar 8 esquinas tenía 25 años. Un par de años antes había sufrido un accidente automovilístico con consecuencias en su visión. Por el golpe perdió la vista de un ojo y la capacidad del otro se redujo a menos de la mitad. Pasó por distintos tipos de operaciones. Todas sin éxito. La pérdida de la visión no le permitió continuar con la tarea como ayudante de su padre en el taller mecánico familiar. Sin embargo, apuntalado por la parentela calabresa pudo cumplir un viejo sueño: ponerse al frente del bar. Y Jorge Luis Borges siempre tiene algo para decir. En 1959 escribió el Poema de los dones. Los primeros versos dicen “Nadie rebaje a lágrima o reproche esta declaración de la maestría de Dios, que con magnífica ironía me dio a la vez los libros y la noche”. La referencia obedecía al nombramiento recibido para dirigir la Biblioteca Nacional al momento de quedar totalmente ciego. Pues a Miguel, con similar destreza, le dio el bar y también le concedió la misma noche.

Hoy colabora con Miguel al frente del Bar 8 esquinas su hermano menor, Daniel. Durante mi visita les digo que no hay modo de que el cruce de tres avenidas dé lugar a ocho esquinas en lugar de seis. “Vos tenés que confiar en mí que soy ciego”, sonríe irónico Miguel mientras comienza a enumerarlas siguiendo el sentido de las agujas del reloj. Lo que ocurre es que casi paralela a la Avenida Elcano corre Virrey Arredondo y es en su cruce con Álvarez Thomas que otorga la séptima y octava esquinas. Nada que no se entienda con un mapa en la mano. O en el teléfono.

¿Y cuáles fueron las decisiones estéticas y nuevos conceptos que los Bálsamo emprendieron al momento de tomar las riendas del bar? En primer lugar, con muy buen criterio comercial para un boliche arraigado a la zona, mantuvieron la histórica denominación otorgada por los originarios al mangrullo fronterizo; y, por otro lado, respetaron el perfil germánico en el interiorismo del local como también la propuesta gastronómica.

Las paredes del Bar 8 esquinas están revestidas en madera hasta la mitad y luego, hasta alcanzar el techo, ocupadas con fotografías de los tangueros que se sentaron a sus mesas más otros ídolos populares del espectáculo y el deporte. Los objetos antiguos, como ya es tradición y lo conté en anteriores relatos, fueron donaciones recibidas de vecinos. Hay una foto que Jorge Vidal, el cantor de la Orquesta de Osvaldo Pugliese, le dedicó a Miguel. También hay una copia de la última captura de Carlos Gardel, en Medellín, antes de subirse al fatídico avión. Y una bonita fotografía del local, sin fecha —pero sospecho que habrá sido de cuando se inauguró—, donde se luce la construcción art decó y se presenta como confitería y café.

La ornamentación alemana se observa en los chops, las arañas y apliques de pared y, dominando la sala, la cabeza de un ciervo. Con respecto a la gastronomía, los Bálsamo mejoraron el proveedor. Apostaron por la calidad. Ahora le compran al frigorífico Schreiber Hermanos, de Villa Ballester, el que abastece a la Embajada de Alemania en Buenos Aires.

Cuenta Miguel que para el plato estrella, Goulash con Spaetzels, se tomaron un año de prueba. También recomienda el Kassler y el Jägerschnitzel. En ambos casos, lo mejor es ir y pedirlos. No pretendan que se los explique. El idioma alemán no es lo mío y la carta es muy nutrida.

Hoy el Bar 8 esquinas abre de 11 a 23, de lunes a jueves, y hasta las 24, viernes y sábados. Ya no ofrecen desayuno temprano. El cambio surgió a partir de las nuevas costumbres observadas en el barrio luego de la pandemia por covid 19, se lamentan a dúo los hermanos Bálsamo.

Con respecto a sus visitantes famosos, el 8 esquinas mutó de tangueros de oro a rockeros y futbolistas. Lo frecuentaron Pappo Napolitano, Hilda Lizarazu, Luis Salinas, la familia de Gustavo Cerati, el Beto Alonso, el Conejo Tarantini, Ermindo Onega. La cercanía de productoras audiovisuales también acercó a gente de los medios como Diego Peretti, Héctor Bidonde, Juan di Natale, Felipe Pigna, Reynaldo Sietecase, Juan Sasturain y Carlos Polimeni.

Más allá de la descripción del bar y su relato histórico, es indudable que la gestión de Miguel, a partir de su discapacidad, me llenó de preguntas. Y fui por las respuestas.

Miguel Bálsamo conoció el bar de muy chico, cuando iba a desayunar con su padre. Al momento de comprar el fondo de comercio veía de un sólo ojo con el 70 % de reducción. Al tiempo ya no vio más nada. Y de este desenlace ya van para 15 años. Le pregunté, entonces, cómo hace para gestionar y ejercer el control de calidad sobre algo que no ve. Así respondió Miguel: “Cuando entro al negocio me preparo para intentar percibir el ambiente, el clima, los ánimos. Lo noto en los saludos, en la devolución de la gente. Ahí ya tengo una retroalimentación. Lo otro que me llega es la cantidad de personas en el salón. Si hay mucha o poca. La gente comiendo y charlando emite un calor reconfortante. Después intento estar en todo. Voy por las mesas tocando. Chequeo que estén los individuales. Paso el dedo como un maniático para sentir que todo está limpio. Percibo cómo está acomodado el mostrador. Me creé una imagen del lugar que intento que se mantenga prolija. Intento que la gente lo sienta así. También me invaden los olores al entrar al local. Me doy cuenta qué tipo de salsa están comiendo o el ahumado de un plato alemán. Pero, sobre todo, cómo salieron los platos. Entonces me siento y los pruebo para trasladar las correcciones pertinentes a la gente de la cocina. Para nosotros también es muy importante la música. Antes pasábamos algunas radios o música de un pendrive, pero dependíamos de la atención del encargado. Hasta que armé distintas listas acorde al lugar, el horario y cada situación”.

Por último, hoy comienza la primavera y como todos los años vuelve a mi cabeza la frase de Pablo Neruda: “Podrán cortar todas las flores, pero no podrán detener la primavera”. Entonces escribo estas líneas sobre el Bar 8 esquinas y la charla mantenida con Miguel y pienso que en Buenos Aires un accidente puede provocar una discapacidad, pero no puede coartar el deseo de un porteño de tener su propio café.

Instagram: @cafecontado

Los bailarines Leandro Bojko y Micaela García, oriundos de la Ciudad de Buenos Aires, obtuvieron el título de campeones mundiales de la categoría “Tango Escenario” en la edición 2025 del Tango BA Festival y Mundial. La final, realizada en el Teatro Gran Rex, reunió a cientos de asistentes y reafirmó el carácter internacional del evento.

Durante la jornada del lunes, el jurado eligió a Aldana Silveyra y Diego Ortega, representantes de Colón, provincia de Buenos Aires, como campeones en la categoría “Tango Pista”, la otra distinción central de este certamen de alcance global.

El certamen contó con la participación de parejas provenientes de más de 50 países, incluidos Alemania, Brasil, Canadá, Japón, Corea, Italia, España, Estados Unidos y Australia.

El festival, que se extendió del 20 de agosto al 2 de septiembre, comprendió más de 500 actividades y convocó a más de 2.000 artistas en 50 sedes de Buenos Aires. La programación incluyó conciertos, exhibiciones, clases, milongas, encuentros de divulgación, proyecciones y ferias, así como la competencia de baile que batió nuevos récords de inscriptos y de participación internacional.

Entre los artistas destacados que integraron la grilla del Festival y del Mundial se encuentran Raúl Lavié, Amelita Baltar, Miguel Ángel Zotto, Sandra Mihanovich, Néstor Marconi, Lito Vitale, Juan Carlos Baglietto, la Orquesta del Tango de la Ciudad, la Orquesta Típica Pichuco, José Pepe Colángelo, el Sexteto Mayor, Melingo, Jairo, Lidia Borda, Rodolfo Mederos, Milena Plebs, Adriana Varela, Tata Cedrón, Guillermo Fernández, Leo Maslíah, entre otros.

Durante la final de Tango Pista el 1.° de septiembre, el bandoneonista Walter Ríos interpretó “Adiós Nonino”, de Astor Piazzolla. Por su parte, Miguel Ángel Zotto bailó junto a Daiana Guspero, acompañado por el cuarteto dirigido por Andrés Linetzky, integrado por Humberto Ridolfi en violín, Ricardo Guzmán en contrabajo, Ramiro Boero en bandoneón y el propio Linetzky en el piano. En tanto que la final de Tango Escenario incluyó una actuación de la Compañía Café de los Angelitos, dirigidos por Gabriel Ortega y Sandra Bootz.

[Fotos: prensa Cultura C.A.B.A.]

Cuando suena el tango, Lidia Beltrán deja de lado el Parkinson que la aqueja, toma de la mano a su terapeuta y baila, con el cuerpo suelto y pasos precisos, como parte de un programa de tratamiento innovador en Buenos Aires.

Unos 200 pacientes han participado en los talleres de tango ofrecidos en los últimos 15 años en el Hospital Ramos Mejía para estudiar el impacto del baile en los síntomas de esta enfermedad neurodegenerativa incurable, informaron los organizadores.

“Uno de los principales problemas de la enfermedad es el trastorno de la marcha, y el tango, como danza caminada, trabaja el inicio y frenado de los pasos y estrategias para caminar”, explica la neuróloga Nélida Garretto.

Los resultados han sido alentadores. Muchos pacientes encuentran formas de aliviar síntomas como los bloqueos motores que “congelan” la marcha, dice la neuróloga Tomoko Arakaki.

“Una paciente nos contó que cuando se congela, intenta hacer el ‘ocho’ —uno de los pasos clásicos del tango— con los pies, y eso le permite salir del bloqueo”, relata Arakaki.

Bailar tango ayuda a construir una “vía sensorial” que facilita la caminata, según su explicación.

“Sabemos que el Parkinson requiere tratamiento farmacológico. El tango se utiliza para rehabilitar la parte motora. Con la música se puede salir de situaciones complejas”, sostiene.

Beltrán, de 66 años y diagnosticada con Parkinson hace dos, nunca había bailado tango. Se sumó al taller por recomendación médica. “Si es para frenar el avance, tengo que hacerlo, tengo que bailar para vivir”, afirma.

Además de temblores, rigidez, dificultades de equilibrio y problemas del habla, el Parkinson provoca aislamiento social y depresión. El taller de tango puede ayudar en estos aspectos.

Beltrán cuenta que la danza mejora su estabilidad y su ánimo. “Mañana seguro me voy a sentir mejor porque hoy bailé tango”, declara.

La felicidad de los martes

Los pacientes bailan con parejas que no padecen Parkinson y bajo la guía de terapeutas de danza como Manuco Firmani, bailarín profesional de tango involucrado en la rehabilitación de pacientes con Parkinson desde 2011.

Emilia, de 86 años, prefiere no dar su apellido porque baila en contra de la voluntad de su hijo, quien teme por el viaje en colectivo de dos horas que hace para llegar al estudio en el centro de Buenos Aires.

“Para mí, esta es la felicidad de todos los martes”, dice la jubilada, de cuerpo frágil y encorvado y voz suave, para quien el tango le recuerda su juventud.

“Cada año realizamos evaluaciones específicas para analizar los beneficios del tango”, señala el neurólogo Sergio Rodríguez. “Hemos medido mejoras en capacidades cognitivas, habilidades motoras, marcha y equilibrio”.

Multitarea

Según los especialistas, caminar está en el centro del tango argentino. Pero esa no es la única razón por la que es un método eficaz de rehabilitación para pacientes con Parkinson.

El tango también exige a los bailarines seguir ritmos, moverse en una dirección determinada e interpretar las señales físicas de la pareja.

“Hay muchos mensajes simultáneos que deben resolverse, lo que resulta muy positivo para esta enfermedad”, dice Garretto.

Al finalizar la clase, hay aplausos y “un aire de satisfacción” en la sala, señala la terapeuta de danza Laura Segade. “Después de todo, ¿quién puede quitar lo que se ha bailado?”

Fuente: AFP. Fotos: JUAN MABROMATA / AFP

“Ya ves, a mí y a Buenos Aires, nos falta siempre el aire cuando no está tu voz...”. Roberto “el Polaco” Goyeneche caminaba sus últimos pasos cuando recibió uno de los más conmovedores homenajes en vida: Garganta con arena, la canción que le escribió Cacho Castaña, refleja al hombre que logró que las nuevas generaciones se acercaran al tango y se enamoraran de él hasta caer rendidas.

Pero antes de eso —mucho antes— fue chofer de colectivos en la línea 219 (la actual 19), taxista y también mecánico. Vivió otra pasión: el fútbol (era hincha de Platense). A los 18 años se anotó en un concurso que buscaba nuevas voces y el resto es historia.

Primero llegó a la orquesta de Raúl Kaplún, pero el verdadero reconocimiento le llegó en 1952, cuando Horacio Salgán lo convocó para reemplazar a su cantor. Fue entonces cuando lo bautizó con el apodo que lo acompañaría por siempre: “Polaco”, por su porte y esa melena colorada. Ahí comenzó un camino sin retorno hacia la consagración, que avanzó sin tropiezos. Cuatro años después formó dupla con Aníbal Troilo.

Pero Goyeneche no cantó solamente para el público tanguero. Se coló también en la floreciente generación de músicos jóvenes que dieron vida al rock nacional en los años 80. Y hasta se animó al cine. El 27 de agosto de 1994, una neumonía se llevó su vida, a los 68 años.

El camino del Polaco

El 29 de enero de 1926, María Elena Costa regresaba en tren del norte argentino hacia Buenos Aires cuando las contracciones la sorprendieron a mitad de camino. Bajó en Urdinarrain, un pequeño pueblo al sur de Entre Ríos, y allí nació Roberto Emilio Goyeneche. Lo recibió en una sala de hospital regional la joven enfermera Santiaga Bondioni de Boerque: “Era un bebé pelirrojo y con muchas pecas”, repetía al recordar a quien se convertiría en una leyenda del tango.

A los pocos días, Robertito llegó con su madre a su casa, en el barrio de Saavedra. Desde ese rincón porteño que tanto amó, vivió una vida de barrio, fútbol y tango. Fue hincha incondicional de Platense y desde chico se enamoró de la música, del tango. Mientras aprendía los oficios de mecánico, taxista y chofer de la línea 219, su verdadera pasión iba gestándose, despacio, como se cocinan los sentimientos profundos.

En 1944, cuando tenía 18 años, ganó el concurso de nuevas voces: su voz ya había dejado una marca. Mientras cantaba con la orquesta de Kaplún por las noches, pasaba las tardes manejando colectivos desde Plaza Miserere hasta Carapachay.

En 1956 llegó la consagración definitiva junto a Aníbal Troilo: la química entre ellos fue instantánea, tanto arriba como abajo del escenario. “Pichuco” no solo fue su maestro musical, también fue su amigo entrañable. Juntos grabaron veintiséis canciones que hoy son patrimonio sentimental de Buenos Aires. Cuando Troilo lo alentó a seguir como solista, el Polaco emprendió un camino en solitario que lo convirtió en el cantor de todos.

Su voz, única. Su fraseo, inconfundible. Era capaz de estirar una palabra, acariciarla, arrastrarla con una precisión quirúrgica. Cada tango en su boca se volvía una historia. No solo lo cantaba: lo actuaba. Pintaba escenas. Generaba escenas mentales con el poder de su voz...

Por eso fue el elegido de tantos. Cantó junto a Astor Piazzolla en la inolvidable Balada para un loco, de 1969, y más adelante, en 1982, volvió a unirse al bandoneonista para un disco en vivo con su quinteto en el Teatro Regina. También compartió proyectos con Atilio Stampone, Raúl Garello, Armando Pontier y Osvaldo Berlingieri, entre muchos otros.

Pero no fue solo cantor para los amantes clásicos del tango. Su figura pudo romper fronteras generacionales. En los años 80, su espíritu callejero y profundo enamoró a los músicos del rock nacional, que lo adoptaron como un faro. Esa conexión se selló definitivamente cuando Fernando “Pino” Solanas lo convocó para Sur (1988), la película que lo convirtió en un símbolo vivo del Buenos Aires que dolía y resistía.

Allí compartió una escena con un joven Fito Páez, con quien nació una relación entrañable. “Si hubo, hay y habrá un artista de Buenos Aires, ese es mi Polaco. Roberto Goyeneche. Cantor de todos los barrios porteños. Amante de la luna y la noche. Eximio delirante de mi corazón. Te amo tanto, tanto, tanto… Que tus luces nos sigan iluminando bajo este sol. Te sigo extrañando", lo recordó Páez un año atrás y compartió fotos inéditas para el publico. Entrañables para él.

Esa película de Solanas fue un viaje sin retorno para Adriana Varela, la fonoaudióloga que cantaba cada tanto y que más tarde se convirtió en la ahijada musical de Goyeneche. “A partir de Sur, en la que veo al Polaco, descubro el tango. Él es el vehículo por el cual me llega", le confió la cantora, hace unos años, a Infobae. “Nunca había comprendido el tango ni a sus poetas… Escucharlo fue una revelación. Me estaba contando cómo era Buenos Aires”.

Varela y Goyeneche se conocieron en el Café Homero. Él, estaba entre el público como uno más cuando Adriana cantó. La escuchó y la llamó: “¿De dónde saliste, piba?”, le preguntó, como quien encuentra una joya inesperada. La apadrinó. En 1994, le puso voz y emoción al tributo en vida que Cacho Castaña le escribió al Polaco un año antes: Tu voz, que al tango lo emociona diciendo el punto y coma que nadie le cantó; con tu voz, con duendes y fantasmas, respira con el asma de un viejo bandoneón. (...) A vos, que tanto me enseñaste el día que cantaste conmigo una canción.

El Polaco era un artista sin edad. Un tipo del barrio que hizo del tango un lenguaje universal. Grabó 42 discos y otros 4 se editaron tras su muerte. Cuando el paso del tiempo alcanzó su garganta, ella no se rindió: se volvió aún más honda, más profunda... de arena. Cada temblor en su voz era emoción pura. Su manera de cantar fue, hasta el final, una forma de contar la vida.

“Yo siempre canté los sentimientos a flor de piel. Sin sentimientos no puede existir nada, no se puede vivir. Es la única manera que tiene el hombre de mirarse hacia adentro”, dijo Goyeneche una vez. Y así vivió; y así cantó.

Cuatro de los tango que inmortalizó

Si hubo algo que el Polaco hizo como nadie, eso fue apropiarse de los tangos que cantaba. Los hizo tan suyos, tan de su estilo, que después de escucharlo a él, cualquier otra versión suena como un eco lejano.

Su fraseo fue una revolución silenciosa. Partió el tango en dos: desde Carlos Gardel hasta Roberto Goyeneche, y desde Goyeneche en adelante. A partir de él, el tango dejó de ser “la música de los abuelos” para volverse una entidad viva, cercana, con olor a calle húmeda y corazón dolido...

Una de esas canciones que cruzó generaciones es “Balada para un loco”, esa genialidad de Astor Piazzolla con letra de Horacio Ferrer. Fue Amelita Baltar quien la estrenó en 1969, pero Ferrer mismo confesó que, al escribirla, la había imaginado en la voz del Polaco. Y cuando finalmente la grabaron juntos ese mismo año, nació una versión insuperable. No es solo que la cante bien: es que parece escrita para él. Como si la locura dulce de esa letra hubiera encontrado, por fin, su voz. El video que la registra lo muestra cantándola en Japón, frente a un público que, aun sin entender el idioma, entiende todo. Lo siente todo.

Otro tango que lleva su marca es “La última curda”, una joya nacida en 1956 del encuentro entre Cátulo Castillo y Aníbal Troilo. Cuenta la historia que una noche calurosa, en el departamento de Pichuco, el bandoneón y el tarareo se mezclaban mientras afuera, sin saberlo, una multitud se había reunido bajo la ventana abierta para escucharlos. Fue la primera vez que sonó en público, sin quererlo. La versión del Polaco, grabada en 1963, es pura melancolía.

Al hablar de tangos con historia, no puede faltar “Afiches”, una obra nacida también en 1956 del talento de Atilio Stampone y Homero Expósito. El Maestro Stampone solía contar que Homero, cansado de escuchar siempre la misma melodía melancólica que él tocaba después de comer, un día le dictó la letra y se fue. La música ya estaba lista, aunque él aún no lo sabía. La leyenda dice que ese tango fue escrito con un viejo amor en mente, pero también como una crítica sutil a la sociedad del consumo, que empezaba a llenar de carteles y promesas vacías las calles y la vida.

La primera versión no tuvo demasiado éxito, pero todo cambió cuando la cantó el Polaco en Caño 14, el mítico bar de tango que fundó el propio Stampone. Después, lo interpretó en el teatro Ópera el 22 de agosto de 1987, acompañado por Néstor Marconi en bandoneón y Ángel Ridolfi en contrabajo. Esa noche, lo cantó como si hablara con alguien que ya no estaba. Como si cada palabra fuera una despedida.

Varios años antes, y como parte de El derecho a la felicidad, una película en blanco y negro dirigida por Carlos Rinaldi de la que participó, en 1968, interpretó Garúa, otro de esos tangos que parecen escritos para la voz del Polaco. La historia dice que una noche de 1943, durante un intervalo de la orquesta de Aníbal Troilo, el propio Pichuco llamó desde el público a Enrique Cadícamo para mostrarle una melodía que tenía en mente. Subieron juntos al altillo que usaban los músicos como camarín y allí, mientras afuera lloviznaba, nació la primera frase: “Garúa… solo y triste por la acera”. Al volver a su casa, con esa melodía pegada al cuerpo, Cadícamo escribió la letra en una noche de inspiración pura.

La primera versión fue grabada por la orquesta de Troilo con la voz de Francisco Fiorentino. Pero casi dos décadas más tarde, ese tango volvió a nacer: el 9 de enero de 1962, para el mismo sello RCA Víctor, Goyeneche lo grabó con la orquesta de Pichuco y lo consagró para siempre. En su voz, el frío, la llovizna y la soledad de Garúa dejaron de ser metáforas: se volvieron carne, sentimiento y poesía en estado puro. Desde entonces, nadie volvió a caminar bajo la lluvia sin escuchar al Polaco en algún rincón del alma.

El Polaco eterno

La voz del Polaco no se apagó con su muerte. Al contrario: se quedó flotando en el aire espeso de Buenos Aires, pegada a las paredes gastadas de los bares, a las baldosas húmedas de madrugada, a los bandoneones que lloran por costumbre. Goyeneche es más que un recuerdo: es una presencia que vuelve cada vez que alguien se atreve a decir un tango sintiéndolo en el pecho.

Desde que se fue aquel 27 de agosto, su nombre se convirtió en una bandera para los amantes del tango y para los que, sin saberlo, también le deben algo. Porque el Polaco fue mucho más que un cantor: fue puente, fue transformación, fue revolución desde la ternura. Y por eso, su homenaje no quedó en palabras. La ciudad, que tanto lo amó, lo llenó de señales.

Su barrio, Saavedra, se encargó de que su nombre no se pierda entre las calles: una de las avenidas más importantes hoy se llama Parque Roberto Goyeneche, y al llegar, un cartel con su rostro le da la bienvenida a los que pisan ese suelo que él caminó tantas veces. En Galván y Balbín, su imagen y la del “Mono” Gatica decoran los muros del viaducto con un mural que fue votado por vecinos, como se elige a los entrañables.

La plaza República Oriental del Uruguay lo honra con un busto. Y frente al Parque Sarmiento, durante años, su estatua lo mostraba en gesto eterno. Cuando el vandalismo intentó apagar esa presencia, fue reubicado con respeto dentro de la sede comunal. Porque con Goyeneche no se puede: siempre vuelve.

En el Club Platense, su otra pasión, su tribuna lleva su nombre. En el Café Homero, su voz todavía vibra en las paredes. Y en El Tábano, ese club del barrio donde lo escucharon por primera vez, una placa lo celebra como “Hijo Ilustre”, como si el tiempo no hubiera pasado, como si aún pudiera aparecer a cantar un par de tangos entre amigos.

En vísperas de los 30 de su partida, su historia volvió a las pantallas. El documental “Roberto Goyeneche. Las formas de la noche” llenó salas en Villa Urquiza y en su querido Saavedra. Nadie se quiso quedar afuera. Porque cada vez que el Polaco suena, algo se mueve adentro. La garganta se aprieta y el corazón escucha: sabe que la voz eterna volverá a cantar.

La edición 2025 de Tango BA Festival y Mundial se inició con un gran espectáculo que contó con las presentaciones del Sexteto Mayor, Raúl Lavié, la Orquesta Típica Pichuco, Miguel Ángel Zotto, Sandra Mihanovich y José “Pepe Colángelo” sobre el escenario del Auditorio de la Usina del Arte.

“El tango y Buenos Aires son inseparables: se necesitan, se potencian y se disfrutan juntos. Tango BA Festival y Mundial es la celebración tanguera más convocante del planeta, donde miles de artistas se reúnen para mostrarle al mundo lo que somos”, sostuvo el Jefe de Gobierno Jorge Macri. Por su parte, la ministra de Cultura Gabriela Ricardes, expresó: “Somos la ciudad del tango y este es el mayor festival y la mayor competencia del mundo del género”.

Durante dos semanas, más de 2.000 artistas participarán en alrededor de 500 propuestas en 50 sedes de la ciudad de Buenos Aires. El evento, dirigido artísticamente por Gustavo Mozzi y organizado por el Ministerio de Cultura porteño, incluye conciertos, exhibiciones, clases, milongas, encuentros de divulgación, proyecciones, ferias y una competencia de baile que batió récord de inscriptos y sedes internacionales.

A lo largo de la programación se destacan figuras como Néstor Marconi, Lito Vitale, Juan Carlos Baglietto, Franco Luciani, Noelia Sinkunas, Víctor Lavallén, Melingo, Renato Venturini, Jairo, Lidia Borda, Rodolfo Mederos, Milena Plebs, Adriana Varela, la Orquesta del Tango de la Ciudad de Buenos Aires, Tata Cedrón, El Arranque, Guillermo Fernández, Leo Maslíah, Eduardo Arquimbau, Hugo Rivas, Minino Garay, Natalia Hills, Ariel Ardit y Vanina Bilous.

Las actividades se distribuyen en espacios que recorren la geografía porteña, desde salones de baile y bares notables hasta museos y centros culturales, con programación disponible en tangoba.org.

Actividades y sedes

En el Teatro Presidente Alvear, Sandra Mihanovich ofrecerá un concierto homenaje a Eladia Blázquez. También habrá presentaciones de la Típica Melingo, Néstor Marconi, que repasará todas sus formaciones, Jairo, acompañado por la Camerata Argentina de Cuerdas y conciertos de Pepe Colángelo, junto con su orquesta. El Hall del Teatro San Martín tendrá actuaciones del Dúo Asato-Pais, el Cuarteto De Coté y Gabriel Merlino.

La Usina del Arte desplegará su programación en auditorios y salones. Entre los conciertos figuran Amores Tangos, Andrés Linetzky Cuarteto, Hugo Rivas y Orquesta de Cuerdas, En Desórbita y Federico Pereiro Quinteto. Se prevé un encuentro especial de Guillermo Fernández con la Orquesta del Tango de Buenos Aires y un concierto de Leo Maslíah. El Salón Mayor será epicentro de milongas con orquestas, clases y exhibiciones. El auditorio principal será escenario de las rondas y semifinales del Mundial de Baile.

En el Teatro Colón, la programación del Salón Dorado incluye formaciones como Lavallén-Cabarcos, Quinteto Lumière, Juan Pablo Navarro Septeto, Renato Venturini Cuarteto, Quinteto Revolucionario, Angeleri-Zárate y cuarteto, Quinteto del Ángel, Agri-Pirotti-Sava, Bayres Horns plays Piazzolla y Tango Argentum.

El Centro Cultural San Martín albergará proyectos conceptuales de tango, con propuestas como Tablado de Tango, Speaking Tango, Dock Sud, Tango Furioso y Juárez compositor en su sala principal. Además, en sus salas de cine se proyectarán los documentales Todo el mundo al Marabú, Corsini interpreta a Blomberg y Maciel (de Mariano Llinás), Susana Rinaldi, libre y Nito y Elba: nobleza de arrabal.

El Centro Cultural 25 de Mayo, Cine Teatro Gran Rivadavia y Cine Teatro Devoto oficiarán de sedes para conciertos de Adriana Varela, Tanghetto, Rodolfo Mederos junto con el cuarteto italiano 4 Bellows 4 Tales, Amelita Baltar, Esteban Morgado, Víctor Lavallén, Lidia Borda, El Arranque, Orquesta del Tango de Buenos Aires, Negro Falótico y la Orquesta Escuela de Tango. En el 25 de Mayo, la agenda incluye milongas con la Orquesta del Plata y funciones de Así se baila el tango.

La Casa de la Cultura programará la Cumbre de Orquestas Típicas en su Salón Dorado con la participación de la O. T. Sans Souci, O. T. Victoria, O. T. Misteriosa Buenos Aires, Ramiro Boero Orquesta, O. T. Tango 64, San Osvaldo Orquesta, La Juan D’Arienzo, Color Tango y la O. T. Piazzolla, bajo la dirección de Daniel Ruggiero.

En el Centro Cultural Recoleta, la capilla será escenario de repertorios contemporáneos con Quinteto Criollo González Calo y Juan Seren, Sexteto Fantasma, Tangology, Sonia Possetti y Adam Tully.

El Auditorio Belgrano desarrollará una agenda especial, el domingo 24 a las 20 con el dúo Baglietto-Vitale y su concierto Pasionales; el jueves 28 a las 20, Julia Zenko junto al Tangoloco Trío, y el viernes 29 a las 20, Ariel Ardit con su quinteto.

En el Anfiteatro del Parque Centenario se realizarán funciones a las 16 durante dos fines de semana. El sábado 23 actuará la Orquesta del Plata. El domingo 24 será el turno de la Academia Tango Club, con la Orquesta Típica Escandalosa y la Orquesta de Guitarras La Empedrada. El sábado 30 llega el proyecto Aguafuertes de Francisco Huici; el domingo 31 cierra la Orquesta Juvenil de Tango Puente Sur, con jóvenes de 10 a 18 años del programa Orquesta y Coros para la Equidad.

El Cine Teatro El Plata en Mataderos ofrecerá programación gratuita. El hall será pista de la Milonga del Plata los viernes 22 y 29 a las 19. El sábado 23 a las 19 se presentará el Sexteto Mayor. El domingo 24 a las 18, el pianista Nicolás Ledesma desplegará Con Troilo en el alma junto a su orquesta y la cantante María Viviana Pisoni. El sábado 30 y domingo 31 a las 19, Marcelo Mazzarello estrenará la obra El Troesma.

Los bares notables y el Museo Casa de Carlos Gardel alojarán artistas como Mirta Álvarez, María José Mentana, Villarreal-Crom y Paula Castignola en el Claridge, Saint Moritz, El Gato Negro, New Brighton y La Puerto Rico. En el Museo del Abasto se presentará Alfredo Sáez y el espectáculo Gardel: historias de un artista eterno, con Eduardo Parise y Lucrecia Merico.

La Academia Nacional del Tango, en el Palacio Carlos Gardel, presentará una charla pública con los periodistas Andrés Valenzuela, Ximena Pascutti e Ignacio Villabona sobre la escena actual. Además, Tango Siglo XXI intervendrá con propuestas de Noelia Sinkunas y Tangorra en el San Martín, Piraña y Florencia Cozzani Quarteto en el Recoleta, y Gisela Magri y Cinzarazi en la Academia.

El Teatro Gran Rex será sede de las finales del Mundial de Baile, con las definiciones de Tango Pista y Tango Escenario, en dos noches conducidas por Fernando Bravo y artistas invitados.

El Bondi Tanguero, a cargo de la Academia Tango Club, circulará por diferentes barrios con música y danza al aire libre.

Las sedes principales incluyen la Usina del Arte, Centro Cultural 25 de Mayo, Cine Teatro El Plata, Centro Cultural Recoleta, Teatro San Martín, Casa de la Cultura, Anfiteatro del Parque Centenario, Cine Teatro Gran Rivadavia, Centro Cultural San Martín, bares notables, Teatro de La Ribera, Teatro Alvear, Academia Nacional del Tango, circuito de milongas, Museo Casa Carlos Gardel, Teatro Colón, Teatro Gran Rex, Auditorio Belgrano, Cine Teatro Devoto, La Vidriera, CETBA, Espacio Cultural Julián Centeya, Espacio Cultural Carlos Gardel, Espacio Cultural Adán Buenosayres y Espacio Cultural El Resurgimiento.

[Crédito de las fotos: prensa Cultura CABA.]

La edición 2025 de la mayor celebración tanguera del mundo engloba una propuesta que abarca conciertos, exhibiciones, clases de danza, milongas, encuentros de divulgación, proyecciones, muestras, feria de productos y la emblemática competencia de baile.

La dirección artística, a cargo de Gustavo Mozzi, ha diseñado una programación que busca el equilibrio entre la tradición y la innovación. La ministra de Cultura de la Ciudad, Gabriela Ricardes, sintetizó el espíritu del encuentro al afirmar: “Cada edición es un encuentro entre la tradición y las nuevas miradas que enriquecen el género. Este festival es una invitación a recorrer la ciudad y a emocionarse con un arte que nos identifica, que es parte esencial de nuestro ADN porteño y que nos conecta con el mundo”.

La apertura oficial tendrá lugar este miércoles 20 de agosto a las 20h en la Usina del Arte, con una producción especial que reunirá en un mismo escenario a figuras emblemáticas como el Sexteto Mayor, Raúl Lavié, La Orquesta Típica Pichuco, el bailarín Miguel Ángel Zotto, Sandra Mihanovich y José “Pepe” Colángelo. Cada uno de estos artistas, además, contará con presentaciones individuales a lo largo del festival.

El Sexteto Mayor acompañará a Raúl Lavié y al bailarín Miguel Ángel Zotto, quien celebra cuatro décadas de carrera. La Orquesta Típica Pichuco, reconocida por su herencia troileana, tendrá como invitado especial a José “Pepe” Colángelo, último pianista de Aníbal Troilo. Por su parte, Sandra Mihanovich ofrecerá un adelanto de su homenaje a Eladia Blázquez.

La grilla de artistas incluye nombres de referencia como Néstor Marconi, Lito Vitale y Juan Carlos Baglietto, Franco Luciani, Noelia Sinkunas, Víctor Lavallén, Melingo, Renato Venturini, Jairo, Lidia Borda, Rodolfo Mederos, Piraña, Milena Plebs, Adriana Varela, la Orquesta del Tango de la Ciudad, Tata Cedrón, El Arranque, Guillermo Fernández, Leo Maslíah, Eduardo Arquimbau, Hugo Rivas, Minino Garay, Natalia Hills, Ariel Ardit y Vanina Bilous, entre otros. La programación completa estará disponible en tangoba.org.

El despliegue territorial del festival abarca medio centenar de espacios de Buenos Aires, desde salones de baile y bares notables hasta museos y centros culturales, conformando un circuito que recorre toda la geografía porteña. Entre las sedes principales, el Teatro Presidente Alvear y el Hall del San Martín serán el eje de la sección “Tango en la calle Corrientes”, con presentaciones de Sandra Mihanovich, la Típica Melingo, Néstor Marconi, Jairo junto a la Camerata Argentina de Cuerdas y la orquesta de José Colángelo. En el Hall del San Martín actuarán el Dúo Asato-Pais, el Cuarteto De Coté y Gabriel Merlino.

La Usina del Arte funcionará como punto de encuentro y polo milonguero, con actuaciones de Amores Tangos, Andrés Linetzky Cuarteto, Hugo Rivas y Orquesta de Cuerdas, En Desórbita y Federico Pereiro Quinteto. Allí también se celebrarán las rondas clasificatorias, cuartos de final y semifinales del Mundial de Baile, además de un encuentro especial de Guillermo Fernández con la Orquesta del Tango de Buenos Aires y un concierto solista de Leo Maslíah. El Salón Mayor de la Usina albergará orquestas en vivo, clases y exhibiciones de baile.

El Teatro Colón será sede del “Ciclo acústico” en su Salón Dorado, con formaciones de cámara como Lavallén-Cabarcos con cuerdas, Quinteto Lumière, Juan Pablo Navarro Septeto, Renato Venturini Cuarteto, Quinteto Revolucionario, Angeleri-Zárate y cuarteto, Quinteto del Ángel, Agri-Pirotti-Sava, Bayres Horns plays Piazzolla y Tango Argentum.

El Centro Cultural San Martín ofrecerá proyectos conceptuales de tango y proyecciones de documentales, entre ellos Todo el mundo al Marabú, Corsini interpreta a Blomberg y Maciel (Llinás), Susana Rinaldi, libre y Nito y Elba: nobleza de arrabal. En el Centro Cultural 25 de Mayo, el Cine Teatro El Plata, el Anfiteatro del Parque Centenario, el Cine Teatro Gran Rivadavia, el Auditorio Belgrano y el Cine Teatro Devoto, se presentarán conciertos de figuras como Vitale-Baglietto, Julia Zenko, Adriana Varela, Ariel Ardit, Tanghetto, Rodolfo Mederos con el cuarteto italiano 4 Bellows 4 Tales, Amelita Baltar, Esteban Morgado, Víctor Lavallén, Lidia Borda, El Arranque, la Orquesta del Tango de Buenos Aires, Negro Falótico y la Orquesta Escuela de Tango. El Centro Cultural 25 de Mayo también será escenario de milongas con la Orquesta del Plata y del espectáculo Así se baila el tango.

La Casa de la Cultura acogerá la “Cumbre de Orquestas Típicas” en su Salón Dorado, con agrupaciones como O. T. Sans Souci, O. T. Victoria, O. T. Misteriosa Buenos Aires, Ramiro Boero Orquesta, O. T. Tango 64, San Osvaldo Orquesta, La Juan D’Arienzo, Color Tango y O. T. Piazzolla por Daniel Ruggiero. El Centro Cultural Recoleta será el espacio para “Tinta fresca, los nuevos repertorios”, con actuaciones de Quinteto Criollo González Calo y Juan Seren, Sexteto Fantasma, Tangology, Sonia Possetti y Adam Tully.

El circuito de bares notables y el Museo Casa de Carlos Gardel funcionarán como espacios patrimoniales, con presentaciones de Mirta Alvarez, María José Mentana, Villarreal-Crom y Paula Castignola en locales tradicionales como el Claridge, la confitería Saint Moritz, El Gato Negro, New Brighton y La Puerto Rico. En el Abasto, el Museo Casa de Carlos Gardel recibirá al cantor Alfredo Sáez y el espectáculo Gardel: historias de un artista eterno, con Eduardo Parise y Lucrecia Merico.

La Academia Nacional del Tango será sede de una charla pública sobre la escena actual, a cargo de los periodistas y gestores culturales Andrés Valenzuela, Ximena Pascutti e Ignacio Villabona, creadores de los Premios Tango Siglo XXI. Además, Tango Siglo XXI diseñó una sección especial del festival con presentaciones de Noelia Sinkunas y Tangorra en el Centro Cultural San Martín, Piraña y Florencia Cozzani Quarteto en el Centro Cultural Recoleta, y Gisela Magri y Cinzarazi en la Academia Nacional del Tango.

El Teatro Gran Rex albergará las grandes finales del Campeonato Mundial de Baile, donde se definirán las rondas finales de Tango Pista y Tango Escenario en dos noches con invitados especiales y la conducción de Fernando Bravo. El Bondi Tanguero de la Academia Tango Club recorrerá los barrios con propuestas de música y danza al aire libre, reforzando el carácter descentralizado y participativo del festival.

[Fotos: prensa Cultura GCBA]

Dicen que su autor le tenía tan poca fe a esta creación, que al tiempo de estrenarla terminó vendiendo los derechos de la misma por la módica suma de 20 pesos argentinos, que luego perdió apostando por el jinete equivocado en una carrera de caballos. Dicen. ¡Dicen tantas cosas! ¿Pero quién puede probarlo?

Con solo escuchar los primeros acordes de La Cumparsita, en cualquier parte del mundo pueden identificar que se trata de un tango. Sí, esta pieza compuesta por un estudiante uruguayo de apenas 20 años allá por 1916, se terminó convirtiendo en el emblema del género más característico del Río de la Plata. Y fue grabada por los más celebres músicos de la región. Sin embargo, como no podía ser de otra manera, en la tierra del 2 x 4 también tuvo sus polémicas.

Todo comenzó cuando Gerardo Matos Rodríguez, mientras se encontraba enfermo y haciendo reposo en su casa de Montevideo, decidió empezar a crear un tema para la comparsa de carnaval de la Federación de Estudiantes. El Becho, como lo apodaban, era uno de los tantos alumnos de la carrera de arquitectura, que pese a su pasión por la música se veía obligado a ir detrás de un título universitario para cumplir con el mandato familiar. Y en ningún momento pensó que lo que estaba haciendo podía convertirse en una obra de culto. Por el contrario, cuando notó que su pieza olía a tango de principio a fin, un poco se decepcionó.

Su idea era titularla Comparsita, pero el nombre se desvirtuó por una bandera que habían armado sus compañeros con la palabra Cumparsita. Algunos dicen que la intención del autor y sus amigos, todos músicos y cantantes amateurs, era recaudar unos pesos para saldar la deudas de la federación tocando con su comparsa por las calles a cambio de una colaboración “a voluntad”. Pero Matos Rodríguez, que para despuntar el vicio tocaba el piano de la boîte de su padre cuando el local estaba cerrado, creyó que lo mejor era que tuvieran una marcha propia que los identificaran. Y se ofreció para componerla.

Al poco tiempo, sin embargo, la salud de Matos Rodríguez se resintió. Dicen, que habría contraído tuberculosis. Pero que, como no quería fallarle a sus compañeros, empezó a delinear el que se convertiría en el tango más popular del planeta desde su cama, mientras la fiebre lo acechaba. Y que habría sido su hermana la que, lápiz en mano, habría trasladado al pentagrama lo que él tarareaba con su boca mientras lidiaba con la tos. Hasta que, ya recuperado, pudo terminar de pulir esta partitura que tuvo gran aceptación entre la gente de la comparsa.

Pero la cosa no quedó ahí. Por intervención de sus amigos, la pieza fue estrenada en el café La Giralda de Montevideo, con la interpretación de la orquesta dirigida por Roberto Firpo que la tocó en tiempo de tango. Y fue éste el que se animó a grabarla por primera vez. Dicen que el maestro le habría agregado un par de acordes de dos composiciones propias, La gaucha Manuela y Curda completa, ya que sentía que al tema le faltaba algún toque arrabalero. Y que, por tal motivo, habría querido figurar como coautor de la misma, algo a lo que Matos Rodríguez se habría negado.

Tras su polémico debut, La Cumparsita fue cajoneada y así fue como el Becho decidió vender sus derechos a una editorial argentina, Breyer Hnos. Eran tiempos en los que el público esperaba oír a un cantor frente a la orquesta. Y un tango instrumental, por más bueno que fuera, no resultaba atractivo. Sin embargo, por aquellos años las revistas porteñas solían estrenar tangos en cada una de sus temporadas. Y así fue como Pascual Contursi y Enrique Pedro Maroni le pusieron letra a este tema para presentarlo con la voz de Juan Ferrari en la obra Un programa de cabaret, con el título de Si supieras.

El espectáculo en cuestión, cabe aclararlo, tampoco tuvo mucha repercusión. Sin embargo, el destino quiso que fuera ni más ni menos que Carlos Gardel el que escuchara esta versión y decidiera grabar la pieza para la firma Odeón. “Si supieras, que aún dentro de mi alma, conservo aquel cariño que tuve para ti, quién sabe si supieras, que nunca te he olvidado, volviendo a tu pasado, te acordarás de mí”, se le escuchaba cantar al Zorzal. ¿El resultado? En poco tiempo, La Cumparsita empezó a sonar en todas las radios del país y, de a poco, empezó a ser escuchada también en el extranjero.

Para entonces, el Becho se encontraba trabajando como periodista en París. Pero fue un amigo el que le hizo saber lo que estaba pasando con su obra en el Río de La Plata. Dicen que entonces llegó un entuerto judicial. Por un lado, Firpo aseguraba que Matos Rodríguez había registrado la pieza incluyendo sus arreglos y sin darle crédito. Pero, por el otro, furioso por el hecho de que le hubieran puesto letra y le hubieran cambiado el nombre a una composición cuyos derechos ya no tenía, el compositor inició una controversia legal con Contursi y Maroni. Finalmente, dicen el autor pudo recuperar su obra por un detalle técnico: cuando había efectuado la venta todavía era menor de edad.

Sea como fuere, todos los músicos referentes del género se rindieron ante La Cumparsita. Aún, criticándola. Sin ir más lejos, Astor Piazzolla aseguró que era “el peor de todos los tangos jamás escrito”, porque a su entender era muy pobre en cuando a su calidad musical. Y, pese a sus implacables palabras, lo grabó en cuatro oportunidades y lo interpretó incontable cantidad de veces durante sus presentaciones. Por su parte, el Becho decidió escribir su propia letra para el tema, que según dijo era la única autorizada para ser cantada junto a esa melodía.

“La cumparsa de miserias, sin fin desfila, en torno de aquel ser enfermo que pronto ha de morir de pena. Por eso es que en su lecho solloza acongojado, recordando el pasado que lo hace padecer. Abandonó a su viejita, que quedó desamparada. Y loco de pasión, ciego de amor, corrió tras de su amada, que era linda, era hechicera, de lujuria era una flor, que burló su querer hasta que se cansó y por otro lo dejó”, decía la nueva poesía escrita por el Becho. Pero que jamás pudo imponerse sobre la que, para entonces, ya había inmortalizado el Morocho del Abasto.

Así las cosas, la obra que en su momento Matos Rodríguez había vendido por poca plata, terminó facturando miles de dólares. Y se convirtió en una pieza icónica del tango rioplatense. Pero dicen que entonces volvieron los conflictos legales, ya que Cortursi y Maroni no estaban recibiendo regalías por Si supieras o La Cumparsita, por el simple hecho de que no figuraban como coautores del tema. Ellos sostenían que habían sido quienes habían logrado “revivir” el tango gracias a su pluma. Así que recurrieron a la Justicia. Y, este conflicto, dicen, recién se resolvió muchos años más tarde, tras la muerte de los letristas y del propio Becho. Dicen. ¡Dicen tantas cosas! ¿Pero quién puede probarlo?

En Conjuro extraño: Cien años del tango canción, Oscar del Priore y Irene Amuchástegui exploran ese proceso en el que conviven oficio poético, tradiciones musicales mestizas y la conexión única entre autores, compositores e intérpretes.

Los autores proponen un recorrido por la historia del género, recuperan episodios olvidados y dan voz a sus protagonistas, invitando a descubrir la trama de encuentros, circunstancias y experiencias que modelaron al tango canción. A continuación, se presenta un fragmento de este libro:

Los temas del tango canción

¿Cuáles son los temas dominantes y los motivos más recurrentes en las letras de tango? ¿Cómo evolucionaron a lo largo de un siglo? ¿Hasta qué punto coinciden con tópicos universales y en qué medida son propios del Río de la Plata? Con poco riesgo de equivocarnos, podríamos aseverar con Charles Darwin: “El amor es el tema más constante de nuestros cantares”. Esta afirmación que el naturalista postula para cualquier época y toda la especie humana (mejor aún, para todo el reino animal, si se especula con la función galante que puede tener, por ejemplo, el canto de las aves), también vale para el tango canción.

Como en todos los cancioneros populares, el tema amoroso ocupa un espacio central en el tango (en particular, los distintos motivos del romance infortunado). Desde “Mi noche triste”, el tango canción pone en escena la traición, los celos, el abandono, la culpa, el arrepentimiento, la añoranza y todas las fatalidades asociadas al drama amoroso, encarnado en una galería de criaturas fatales, perdidas, virginales, crueles, ruines o sublimes: miserias y virtudes pueden ser, por igual, vehículo de la desgracia del sujeto lírico. Su discurso se desliza, muy seguido, sobre una lógica maniquea de la que ya se han ocupado las lecturas ideológicas y sociológicas de las letras de tango, discutiendo, en especial, el rol que estas asignan a la mujer o el modo en que resuenan en sus versos los rasgos misóginos de la sociedad que dio origen al género. Si con frecuencia, en los tangos, una mujer causa el sufrimiento de un varón, también son incontables las letras que tratan el caso inverso. Por otro lado, la exaltación amorosa de la figura femenina es motivo de un vasto repertorio galante dentro del género. Ciertamente, el ideal se encarna en una mujer amada, en el sentido pasional o platónico del asunto, con menos determinación que en la madre, la viejita, figura con larga tradición en el cancionero universal y en el criollo (con “Pobre mi madre querida”, de Betinotti, como título emblemático), que el tango abordó con asombrosa asiduidad. La madre es objeto de veneración, y su evocación es, también, motivo de remordimiento. “¡Vivir con mama otra vez!”, celebra el personaje de Victoria, de Discépolo. En el tango “Canzoneta” (letra de Enrique Lary), el tema aparece en la alusión a la canzonetta napolitana, testimoniando de paso su ascendencia en la tradición rioplatense: “Cuando escucho ‘O sole mio’, ‘Senza mamma e senza amore’ siento un frío aquí en el cuore…”.

En las letras del tango canción, podrían rastrearse las lejanas herencias de la chanson courtoise de los trovadores medievales o de las moaxajas árabes, las derivaciones más o menos directas de la canción española y la canzonetta napolitana, los asuntos y escenarios de la canción criolla. Junto con temas universales, aparecen motivos y personajes originales, propios y exclusivos del género.

O por lo menos dotados de una fisonomía particular, o inmersos en ambientes locales. Como suele ocurrir con los cancioneros populares, unas y otras variedades se funden y se confunden, sin que sea posible establecer el origen de un tema ni datar su aparición. “El gran proveedor de argumentos es el fracaso amoroso”,97 dice Idea Vilariño en su ensayo Las letras de tango. Desde la perspectiva de los años sesenta, que invita a considerar el tango como un corpus histórico cerrado, la poeta uruguaya procura fijar una taxonomía tanguera, clasificando temas y motivos y estableciendo matices diferenciados allí donde, hasta el momento, más comunes que el análisis eran la superfluidad o la estigmatización. “Los lugares comunes que manejó Manrique en sus Coplas —la destrucción de los bienes de este mundo por el tiempo, las vueltas de la fortuna, la muerte— eran […] los grandes lugares comunes de toda una tradición que todavía arrastramos. Tal vez cada siglo que pasa, cada año los hacen más comunes; no por eso dejan de volver a ser verdaderos para cada hombre, a su tiempo […] Podría pensarse que el tango abarató esas viejas ideas. A veces sí”, admite Vilariño. Pero hace notar que “en general [las letras de tango] tienen el suficiente patetismo o la suficiente melancolía para hacerlas convincentes una vez más”.

En varios sentidos, ese cancionero se recrea (en el peor de los casos, se remeda) a sí mismo, en el desarrollo de ciertos tópicos y en el uso de determinados recursos. Es también Vilariño quien señala cómo “se alimenta una cerrada y poderosa tradición que a través de los años mantiene vivos y recurrentes los asuntos, que reitera personajes, situaciones, frases, que hace posible que un autor moderno como Expósito se dirija treinta años después en Percal a la misma muchacha a quien se dirigía Pascual Contursi en Flor de fango, el segundo tango que grabó Gardel”. La observación se aplica a innumerables personajes y situaciones, incluso más lejanas en el tiempo

entre sí que los ejemplos provistos por Vilariño. El “Bandoneón arrabalero” al que Pascual Contursi personifica (“viejo fueye desinflado, te encontré como un pebete que la madre abandonó”), tres décadas más tarde es el instrumento humanizado por Julio Gutiérrez Martín en

“Mi bandoneón y yo” (“yo le hablo de hombre a fueye, mano a mano, lo mismo que si hablara con mi vieja”). Y para seguir con Gutiérrez Martín: el pequeño “canillita” de “Pajarito” (“Pajarito, que al rudo compás del grito: ¡Prensa, Argentina, Nación! Vas cortando las aceras y flameando las banderas de tu propia perdición…”, Dante A. Linyera) podría ser, casi cuarenta años más tarde, el pregonero de “Para vos, canilla” (“hermano, la vida me dio un barato pa’ estar en tu esquina un rato y evocar con tu pregón, una leyenda sencilla que cuenta como a un canilla la vida lo hizo gorrión…”). Las simetrías de este tipo son inagotables.

El Teatro Colón, este miércoles 13 de agosto, será el escenario de apertura de Tango BA Festival y Mundial 2025, el encuentro internacional más relevante del género. La jornada incluirá un homenaje a Aníbal Troilo a cincuenta años de su fallecimiento, con la participación de José Pepe Colángelo y la Orquesta Típica Pichuco.

El concierto revisitará el legado de Troilo, a medio siglo de su último recital en el Colón en 1972. Sobre el escenario actuarán músicos de distintas generaciones, entre ellos Manuel Quiroga, Bruno Franco, Emanuel Teper, Carlos Morbidoni, Dalila Álvarez, Pedro Pablo Pedrozo, Guillermo Rubino, Pablo Farhat (violines); Gustavo Barahona, Ignacio Porjolovsky (violas); Martín Baldi, Bruno Bragato (chelos); Lautaro Muñoz (contrabajo); Adrián Enriquez (piano) y Ramiro Boero, Nicolás Ledesma, Yuki Okumura, Lucas Pantarotto y Nicolás Velázquez (bandoneones). La dirección estará a cargo de la Orquesta Típica Pichuco.

Como invitado especial, José Pepe Colángelo, último pianista de Troilo, presentará el estreno de Pichuco en las estrellas de la esquina, una obra compuesta en homenaje al bandoneonista.

El programa incluirá composiciones emblemáticas como “Danzarín”, “Mañanitas de Montmartre”, “Milonguero triste”, “Quejas de bandoneón”, “La cumparsita” y “Responso”. La función busca recuperar el espíritu de Troilo y celebrar su aporte a la tradición tanguera.

Tango BA Festival y Mundial, organizado por el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, constituye una plataforma central para el desarrollo y la proyección del tango a nivel global. La gala en el Colón da inicio a la edición 2025 del festival. Más información en tangoba.org.

A bordo de “Kiryad”, un pequeño velero de 14 metros, Aurelia atravesó el Atlántico junto a otros dos tripulantes. “Es muy loco porque zarpamos el Día de Reyes y mis compañeros se llaman Noel y Melkior”, cuenta entre risas sobre la odisea que inspiró su libro, “La sangre de las aves”.

“Soy de la región de Alsacia, y frente a la catedral de Estrasburgo vi a unas parejas bailando tango, y me enganché, por el baile, por la poesía de las letras, que ya las entendía porque había estudiado castellano en el colegio”, relata Aurelia.

Tenía 23 años en aquel entonces, y tomó clases hasta los 27, hasta que sintió la necesidad de conocer la Argentina. “Dije: ‘Tengo que ir a la cuna del tango, la vida es demasiado corta, y me vine’”, revela.

—Viniste a bailar tango.

—Sí, a dedicarme al baile y a aprender más de mi pasión.

—¿Y pudiste? ¿Fue fácil dedicarte al baile?

—Llevó tiempo. Me puse a tomar clases con grandes maestros acá. Y después de unos años bailé en Caminito, después en la Plaza Dorrego, y sigo bailando.

—A la gorra, que la gente pasa, ¿y colaboran?

—Depende, hay turistas que sí y otros que no. Dos veces nos llevamos la sorpresa de que dejaron un billete de 100 dólares. Lo lindo el contacto con la gente, la calle es el público más libre, porque no tiene que quedarse, si no les gusta se pueden ir. Pasan cosas muy lindas, nenas que te dejan caramelos porque se emocionaron con el tango, y a mí eso me llega mucho.

—Llegó un momento que el baile se convirtió en trabajo, ¿y se sigue disfrutando igual?

—Sí, se disfruta. Amo trabajar bailando porque es como un regalo. Entregas tu tango a gente que a veces conoce el tango, y a veces no. Se cruzan historias de vida también, y eso alimenta mi amor por el tango, y los tangos que escribo también.

—¿Cuál es tu tango preferido?

—Escucho mucho ‘Vuelvo al Sur’, que es una letra con la que me identifico, porque vuelvo al Sur como vuelvo a mi primer amor.

—¿Cómo fue tu llegada a Argentina en 2012?

—Fueron inicios muy humildes. Viví en una pensión en Once, de una sola pieza con otras tres chicas, para poder pagar mis clases de tango. No es que venía con ahorros, solo venía con mis ganas de bailar, con mi poesía, y con mi audacia me atreví a venir.

—Una valiente.

—Sí, una valiente loca.

—¿En Francia qué estabas haciendo antes de venir?

—Escribía para un diario críticas artísticas y completaba posando para artistas. También tenía una vida bohemia, hacía modelo vivo, daba clases de tango, talleres de poesía, y trabajaba como animadora cultural, animadora para niños, títeres, cuentista para niños, eventos, cosas así.

—Te quedaste hasta el 2019, ¿y por qué decidiste volver a Francia?

—Para ver a mi familia, ya era mucho tiempo y los extrañaba mucho. Solo había ido una vez en siete años, que me quedé un mes. Y mi familia no es de viajar mucho, así que no era una opción que ellos vengan.

—¿Se enojaron cuando viniste a Argentina?

—No, más bien se asustaron. Tenían una visión de que era peligroso, que qué iba a hacer acá. Y mi madre preocupada, como todas las madres.

—¿Y qué hiciste cuando volviste a Francia?

—El primer día que llegué ya di dos clases de tango. Me duché, me preparé el mate y fui a dar esas dos clases de tango. Quería transmitir todo lo que aprendí, y ver a mi familia. Tuvimos una Navidad muy bonita y después justo empezó el aislamiento, así que todos encerrados.

—Empezó la pandemia justo cuando volviste.

—Sí, Francia tuvo un confinamiento muy estricto. Se podía salir apenas una hora por día. Yo soñando con volver y pensando en cruzar el Atlántico cuando no se podía ni ir al kiosco de la esquina.

—Vos querías volver a Buenos Aires.

—Quería volver, pero no había vuelos, y de cabeza dura empecé a pensar en alguna manera de llegar por mar.

—¿Y por qué querías volver?

—Siento que San Telmo es como vivir en una París que no existe más. Me siento como una francesa de otro siglo, que acá soy feliz.

—¿Había algún amor acá también que habías dejado?

—Me enamoré, sí, pero después me separé. No dejé un amor en el momento preciso que volví a Francia. Yo quería volver a la danza, al arte, a mi vida en Buenos Aires.

—Pleno confinamiento y empezaste a pensar en el mar. ¿Cómo fue eso?

—Me cancelaron mi vuelo de regreso y yo tenía una sed de libertad que crecía. Supe de un grupo de capitanes que buscaba tripulantes. Y yo no soy de un lugar de Francia cercano al mar, pero me recibió un amigo en Britania, mucho más cerca del mar. Me conecté ahí con marineros, hice mi primera navegación, y por más que no manejaba toda la parte técnica de la navegación, comprobé que yo tenía el aguante. Aprendí sobre los nudos, cambiar las velas, estar al timón, manejar el mal de mar, el marearse, y ahí empecé a publicar que estaba buscando un velero para cruzar el Atlántico.

—¿Hay una página en la que se publican este tipo de búsquedas?

—Sí, se llama La bourse aux équipiers en francés, que sería 'La bolsa de los tripulantes’, donde se van conectando capitanes y tripulantes.

—¿Y qué pasó cuando publicaste que querías cruzar el Atlántico?

—Estuve esperando mucho tiempo, hasta que recibí un mensaje y finalmente conseguí. Son capitanes que necesitan tripulantes, es como un intercambio y te avisan cuando te necesitan. Zarpamos del puerto La Rochelle el 3 de noviembre de 2021. El capitán, otro tripulante más y yo.

—¿Y el destino cuál era?

—Había muchas escalas, y cada navegación llevó entre cinco días y una semana. Pasé por Portugal, Madeira y Canarias. Y ahí me bajé de este primer velero.

—¿Te tocó pasar por tormentas en el mar?

—El primer día fue un bautismo tremendo porque el Golfo de Gascón sacude muchísimo. Hay olas cruzadas, y te mareás locamente. Hubo momentos de película de plena tormenta, atados con el chaleco de marineros, el salvavidas, y el capitán gritando, con relámpagos, viento, lluvia.

—¿No tenías miedo?

—No tenés tiempo de tener miedo, tenés que actuar. Después revisas lo que te pasó, pero en el momento tenés que obedecer y hacer.

—Yo me muero de miedo. ¿Y en Canarias te subiste a otro velero?

—Sí, me subí a otro rumbo a Guatemala. Fueron cuatro veleros distintos toda la travesía. El tramo más intenso fue desde Cabo Verde hasta Martinica, que son 22 días en mar abierto sin escalas.

—¿Y ahí cómo fue?

—Fue único. Me tocó un capitán que parecía un viejo pirata, un señor de 72 años que tenía muchos problemas de salud. Con él navegamos de Canarias a Cabo Verde y como no se sentía bien se le ocurrió algo muy loco: dejarnos su velero para que crucemos el Atlántico sin él.

—¿Ustedes estaban preparados para eso?

—Éramos dos tripulantes de 24 y 25 años, y yo con 38. Uno de los tripulantes era ingeniero naval, tenía una formación técnica. Fue nuestro capitán improvisado, y fuimos muy valientes los tres, muy solidarios, siempre muy atentos a cada detalle.

—¿Cómo se organizaron?

—El primer día el piloto automático dejó de funcionar y tuvimos que estar al timón 24 horas. Fue muy intenso. Nunca pudimos comer los tres juntos, siempre había uno que estaba al timón.

—¿Tenían radio por si tenían algún problema para pedir ayuda?

—Teníamos una radio, pero la verdad que no la manejábamos muy bien. Esa travesía es muy agotadora en tiempos, pero no es la más difícil. Los marineros dicen que es como una carretera, porque te lleva el propio viento.

—Ayuda el viento.

—Sí. Lo que más nos deprimió en medio del Atlántico fue que durante dos días no tuvimos viento y empezamos a pensar qué hacemos en el medio de la nada, si tendremos suficiente agua dulce y provisiones.

—Dependes 100% del viento para llegar.

—Sí, totalmente.

—¿Este era un velero más grande o más chico que el anterior?

—Más chiquito, de 11 metros.

—¿Hay mucha gente que hace esta travesía?

—Sí, sé que impresiona a la gente que no navega, pero para los marineros es algo muy común.

—Llegaron a Martinica, ¿y ahí descansaron un tiempo?

—Me bajé en Martinica de este segundo velero y me fui a Guadalupe porque ahí tenía un amigo, y conocí una asociación de tango, donde di clases durante 3 meses. No podía volver a navegar hasta que pase la temporada ciclónica. Después sí volví al mar con destino a Cartagena, Colombia, y fue muy emocionante llegar al continente. Al fin de vuelta en América.

—¿Y esa navegación cuánto duró?

—De Guadalupe hasta Cartagena fueron dos semanas.

—¿Cuando vos sos tripulante en estos barcos tenés que pagar algo por ser parte?

—No, nada, porque es un intercambio. Lo que sí que compartimos son algunas cosas que se necesiten, como los gastos en los puertos, un poquito de nafta para el motor, que lo usas únicamente cuando llegas al puerto.

—¿Qué pasa si te enfermás en el océano?

—Siempre nos llevamos algunas medicinas básicas. No me pasó por suerte, pero lo estuve pensando, porque tenés que estar al timón sí o sí, tenés que seguir, superarlo de alguna forma.

—¿Cuál fue tu momento de mayor miedo?

—Los primeros días saliendo de Cabo Verde cuando vimos que el piloto automático dejó de funcionar, que estuvimos tratando de volver a contraviento. Recién habíamos salido y quisimos volver. El motor a full, era peligroso porque se escuchaban las velas luchando contra el viento. Se podían desgarrar, y al final decidimos avanzar y estar 24 horas al timón.

—También tuviste un encuentro cercano con piratas.

—Sí, de Cartagena hasta Guatemala, en el medio del camino, en la inmensidad del mar, vimos a 30 metros un velero con treinta tipos, y no había dudas que era un ataque. Tuvimos la suerte de tener un capitán que manejaba re bien su velero e hizo una maniobra y nos escapamos. Yo ya había agarrado cuchillos, lo que pudiéramos para defendernos.

—¿Qué buscan los piratas en un velero de tres personas?

—Robar.

—¿Pero qué les podían robar?

—Lo que sea, a veces es robar y otras veces cuando ven una mujer en un velero, hay violaciones. Son pescadores que llevan mucho tiempo en el mar y son hombres. Como no hay nadie, no hay policía, se atreven a todo. Se quieren aprovechar de que no hay vigilancia. Son ladrones de mar, casi siempre armados.

—Pero lograron escapar, y cuando llegaste a Guatemala dijiste: ‘Basta, ya está’, ¿o te subiste a otro barco?

—Llegué a Guatemala el 29 de julio de 2022, después de seis meses de viaje en el mar. Ahí me bajé y no navegué más. Me quedé un poco en Guatemala y me fui a México, pero como mochilera. Vendí mi chaleco de marinera, mi salvavidas. Me dolió un poco el corazón.

—¿El capitán original del barco viajó después a buscar su velero?

—Fue terrible. Llegamos y llamamos al capitán, pero no contestaba. Llamé al hospital y me dijeron que estaba en reanimación. Dos días después falleció, o sea que nos quedamos en Martinica con el velero de un capitán que había fallecido.

—Pobre hombre, menos mal que no navegó con ustedes.

—Él tenía humor negro y decía: ‘Chicos, me encantaría navegar con ustedes, pero no quiero alimentar a los peces’.

—¿Qué se hace en una situación así en medio del océano?

—Lo hablamos, qué hubiéramos hecho si nos hubiese pasado, porque no sabríamos qué hacer, si conservarlo en el barco para su familia, pero el olor, los pájaros, son pensamientos muy horribles.

—¿Y el velero alguien lo mandó a buscar?

—Tenía dos hermanas en Francia y finalmente lo pudieron recuperar.

—Y vos empezaste a bajar de mochilera para volver a Buenos Aires.

—Sí, para volver a mi querido San Telmo. No me parece casualidad que San Pedro Telmo es el patrón de los marineros. Está representado con un velero, seguramente por la proximidad con el puerto. Yo soy de Alsacia, una región complicada que pasó a ser alemana, francesa, alemana de vuelta, después francesa otra vez. Mi abuela es catalana, pero mi bisabuela española. Tuvieron que pasar una frontera durante la Guerra Civil española para escapar del franquismo. Y para mí el tango es el baile y la música de los sin país. La música de los nómadas.

—¿El plan ahora es quedarte acá?

—El plan es presentar el libro en varios espacios, más que nada en San Telmo. Y luego volver a zarpar, esta vez desde Panamá y cruzar el Pacífico. Y escribir nuevos poemas. Y siempre volver, porque a Buenos Aires siempre se vuelve.

La propuesta de estas noches conjuga la potencia de una formación que lleva casi un cuarto de siglo redefiniendo el tango con la voz de una artista que, tras su paso por la orquesta, consolidó una carrera solista de proyección internacional. La Fernández Fierro, fundada a fines de los 90, se distingue por su ética autogestiva y su capacidad para crear un universo propio: no solo gestiona su sala de conciertos, sino que también sostiene una radio online y una discografía que incluye títulos como TICS, Ahora y siempre y Basta. La orquesta, actualmente integrada por Joaquín Aleman (piano), Manuel Barrios (bandoneón), Andrés Hojman (viola), Julia Testa, Martín Elter y Juan Villegas Restrepo (violines), y Yuri Venturin (contrabajo, voz y dirección musical), es una referencia de la escena independiente porteña.

El repertorio de su último trabajo, Basta, recorre composiciones originales de Venturin y de autores contemporáneos como Palo Pandolfo, Lele Angeli, Tape Rubín, Santiago Bottiroli y Silvio Cattáneo. Estas piezas, según la orquesta, funcionan como “postales de la áspera realidad que vivimos”, reflejando el compromiso social y estético que caracteriza a la agrupación.

Por su parte, Julieta Laso inició su carrera solista en 2010 con el disco Tango Rante, donde abordó clásicos del género junto a un trío de guitarras. Entre 2013 y 2018, su voz se integró a la sonoridad visceral de la Fernández Fierro, con la que grabó dos discos multipremiados y realizó giras internacionales. Su segundo álbum, Martingala (2018), le valió una nominación a los Premios Gardel como Mejor Cantante Femenina de Tango. Durante la pandemia, Laso se trasladó a la provincia de Salta y protagonizó el cortometraje Terminal Norte, dirigido por Lucrecia Martel.

La trayectoria de Laso se consolidó con La Caldera (2021) y Cabeza Negra (2022), galardonado como “Mejor Álbum de Tango” y “Mejor Diseño de Portada” en los Premios Gardel 2023. En el ámbito teatral, su actuación en Ojo de Pombero de Toto Castiñeiras le valió el premio Trinidad Guevara a la “Revelación Femenina”. En 2024, la Ciudad de Buenos Aires la distinguió como Personalidad de la cultura y editó su disco más reciente, Pata de Perra.

El reencuentro en el CAFF contempla un formato doble: primero, Julieta Laso presentará un show solista junto a su cuarteto; luego, compartirá escenario con la orquesta para interpretar una selección de tangos emblemáticos. La información completa sobre el evento, los precios y la venta de entradas se encuentra disponible en la página web de la Orquesta Fernández Fierro.

Es la colaboración entre tres músicos de generaciones y geografías distintas, unidos por la búsqueda de un lenguaje común que trasciende géneros. El propio Saluzzi expresa su satisfacción por el resultado al describir la interacción entre la guitarra clásica de José y la Telecaster y acústica de Young. “Se complementan muy bien. Tienen sonidos y visiones diferentes, pero cuando se trata del resultado artístico, surge algo hermoso”.

El repertorio de El viejo caminante abarca composiciones originales de los tres intérpretes, piezas nuevas y otras ya conocidas, junto a una canción de la cantante noruega Karin Krog y un par de estándares. Saluzzi concibe el álbum como una colección de músicas de distintas épocas y lugares, donde el tango, el folclore argentino y el jazz se entrelazan para dar lugar a una propuesta renovada. Esta diversidad se refleja en títulos como “Y amó a su hermano”, “Tiempos de ausencias”, “Mi hijo y yo” y “Buenos Aires 1950”, que fungen como fragmentos de una autobiografía musical. El título del disco, extraído de una de las piezas, remite a la figura del viajero incansable, capaz de transformar la memoria en arte.

La interpretación de Saluzzi se aleja de la representación fotográfica del pasado y se acerca más a la acuarela, donde los recuerdos se difuminan o enriquecen con la distancia. El bandoneón, descrito como “fueye” en la mitología del tango, sostiene un aire contenido que evoca tanto lo añorado como lo que nunca deja de sorprender. Él dice que su impulso creativo sigue orientado hacia el descubrimiento: “Siempre busco el contacto con ideas nuevas fuera de mi elemento habitual”, señala, convencido de que cada encuentro musical ofrece “potencial de crecimiento tanto artístico como humano”.

El álbum despliega una gama de climas, desde la serenidad profunda de “Y amó a su hermano” o “Quiet March” (de Young), hasta la centralidad tímbrica del bandoneón en piezas como la homónima “El viejo caminante” o “Tiempo de ausencias”, ambas compuestas por Saluzzi. El recorrido incluye también una tríada de tangos que establecen ciertamente una columna vertebral alternativa para el género. Se destaca “Buenos Aires 1950”, que Saluzzi convierte en un lienzo sonoro de una época que resuena feliz de la Argentina, filtrado por las influencias de las músicas de raíz que predominaban entonces. Esta pieza, junto a “Tango. El padre y el hijo”, concebida como una suite que sintetiza la evolución desde las brumas del Riachuelo hasta el vértigo urbano de Astor Piazzolla, ilustra su capacidad para captar la esencia cíclica y transformadora del género.

El disco incluye también “My One and Only Love”, un estándar que Saluzzi ya había interpretado en Ríos, el álbum grabado hace tres décadas junto a Anthony Cox y David Friedman. La presencia de este tema, junto a otros clásicos, refuerza la idea de un repertorio que dialoga con la historia del jazz y la propia trayectoria del bandoneonista. En cada interpretación, Saluzzi y sus compañeros logran que las referencias se conviertan en materia viva, capaz de conmover y sorprender.

[Fotos: ECM Records]

La figura de Osvaldo Piro se destaca no solo por su destreza interpretativa, sino también por la calidad y belleza de una obra que, aunque no extensa, ha dejado una huella profunda en la música popular argentina del siglo XX y extiende su influencia e impacto en estos tiempos.

Su trayectoria se forjó en La Paternal, un barrio de Buenos Aires con una fuerte impronta tanguera. Desde muy pequeño se inclinó por el bandoneón. Durante la adolescencia, participó en varios conjuntos barriales y, a los 16 años, ingresó a la orquesta de Alfredo Gobbi, una de las formaciones paradigmáticas de la época. Hasta que fundó su propia orquesta.

Esa decisión en los años 60, cuando el género ya no gozaba del favor masivo que tuvo en la “década del 40”, revela su compromiso con una tradición que muchos consideraban en declive. Mientras el tango perdía terreno entre las preferencias del público y solo sobrevivían fenómenos aislados, como el furor juvenil por Julio Sosa, el hombre se mantuvo fiel a su visión artística.

Aquí entra en escena Aníbal “Pichuco” Troilo, su padrino musical, quién respaldó el primer disco de esta orquesta con su firma en la portada del álbum. Un gesto que simbolizaba la transmisión de una herencia artística y el reconocimiento de un maestro a su discípulo.

Consultado sobre qué admiraba de su mentor, respondió: “Como intérprete, su fraseo. Y como director, todo, no existen grabaciones flojas suyas. Pichuco fue un artista de una gran intuición, por eso es único. Como compositor era de una inspiración maravillosa, un tipo tocado por la varita de Dios. En el tango ocupa un lugar de importancia vital. También en mi vida.”

La referencia no resulta casual. El estilo de Osvaldo Piro encarna la esencia de una Buenos Aires que forjó su propio mito. Es cuestión de tomarse el tiempo y hacer el pequeño ejercicio de escuchar. Su bandoneón evoca el perfume de los patios con glicinas, el bullicio de los potreros y los cafés con estaño, pero también la ciudad de asfalto y cemento, el rumor de los trabajadores, el griterío de los vendedores ambulantes y el silencio de las plazas. Su música, impregnada de la atmósfera porteña, resulta imposible de concebir en otra latitud. Su voz cascada, la charla cadenciosa y una inconfundible noctámbula, completaban el cuadro. Un epítome de la porteñidad.

Osvaldo Piro fue uno de los artistas más interesantes de su generación: un bandoneonista visceral, sagaz director e inspirado compositor y arreglador. Su legado permanecerá vivo a lo largo de los tiempos: la profundidad y la belleza de sus obras mantendrán viva su memoria. En la memoria de una ciudad que amó y sublimó con singular maestría.

[Fotos: Augusto Starita; Secretaría de Cultura de la Nación]

El creador de La Yumba, entre otros íconos de la música ciudadana, no llegó a ver nunca una imagen suya como “San Pugliese”. Y, de haberla visto, seguramente se hubiera sentido honrado, según la opinión de su nieta, la también música Carla Pugliese. “Me parece simpático este mito. Y creo que él se lo tomaría con mucha felicidad y que lo estaría agradeciendo constantemente Le hubiera encantado saber que se hacen estampitas con su foto porque él era así, un tipo alegre”, dijo la mujer en una entrevista con Infobae.

¿En qué momento don Osvaldo se convirtió en un amuleto de la suerte? ¿Y por qué? Como toda leyenda, tiene distintas versiones que con el correr de los años van adicionando más condimentos. La primera, la más aceptada, cuenta que todo ocurrió en los comienzos de los años ’90, durante la previa de un recital de Charly García. Dicen que había un inconveniente de sonido que nadie podía resolver y que, con a medida que pasaban las horas, empezó a preocupar los organizadores que temían que hubiera que cancelar el show. Hasta que a alguien se le ocurrió probar con un disco de Pugliese. Y, como por arte de magia, el problema se solucionó.

Pero también están quienes aseguran que el origen de este mito se remonta a muchos años atrás. Además de ser un artista eximio, Osvaldo tenía un gran compromiso político y social. Allá por 1935, había sido uno de los que impulsaron la creación del Sindicato de Músicos. Y luego se afilió al Partido Comunista Argentino, lo que lo puso en la mira del primer gobierno peronista que quería sacarlo de la escena popular. Sin embargo, el maestro nunca dejó de tocar. Y solía llevar claveles rojos a sus shows, que colocaba sobre su piano en señal de protesta por esta situación. Dicen que, entonces, sus detractores quisieron colgarle el mote de “mufa” para que el público dejara de apoyarlo. Pero que sucedió exactamente lo contrario, ya que su éxito se multiplicó, por lo que sus seguidores terminaron identificándolo como un talismán contra las adversidades.

“Protégenos de todo aquel que no escucha. Ampáranos de la mufa de los que insisten con la patita de pollo nacional. Ayúdanos a entrar en la armonía e ilumínanos para que no sea la desgracia la única acción cooperativa. Llévanos con tu misterio hacia una pasión que no parta los huesos y no nos deje en silencio mirando un bandoneón sobre una silla“, dice la oración que acompaña la estampita de San Pugliese. Un hombre con un talento especial para la música, pero con una vida tan cotidiana como la de cualquier otro artista.

Había nacido el 2 de diciembre de 1905 en el barrio porteño de Villa Crespo, dentro de una familia en la que la música tenía un lugar preponderante. Su padre, Adolfo, tocaba la flauta en la Orquesta Pocholo y fue quien, en 1922, le compró su primer piano Fröster alemán. Con este instrumento empezó a tomar clases con Vicente Scaramuzza. Y, cuando cumplió los 15 años, se unió al bandoneonista Domingo Faillac y al violinista Alfredo Ferrito, para formar un trío con el que debutó en Café de la Chancha, un bar de mala muerte al que los parroquianos habían bautizado con ese nombre en honor a la falta de limpieza del lugar y su propietario.

A partir de ese momento, empezó a consolidar su carrera pasando por los conjuntos de Francisca Cruz Bernardo alias Paquita, Enrique Pollet, Roberto Firpo y Pedro Maffia. Pero su sueño era tener su propia orquesta. No le resultó fácil. Y, en un primer intento, hasta tuvo que vender algunos instrumentos para poder regresar de una gira y no tuvo más remedio que volver a tocar para otros maestros. Pero, en 1936, su suerte empezó a cambiar. Por un lado, dirigió un sexteto formado por Alfredo Calabró, Juan Abelardo Fernández, Marcos Madrigal, Rolando Curzel, Juan Pedro Potenza y Aniceto Rossi, que debutó en el café Germinal de la calle Corrientes. Y, por el otro, se casó con María Concepción Florio, con quien tuvo a su hija Lucela Delma Pugliese, más conocida como La Beba.

El 11 de agosto de 1939, finalmente, don Osvaldo presentó su propia orquesta en el café El Nacional, junto a Enrique Alessio, Osvaldo Ruggiero y Eduardo Raimundo Armengol en bandoneones, Enrique Camerano, Julio Carrasco y Jaime Tursky en violines, Aniceto Rossi en contrabajo y, como cantor, Amadeo Mandarino. Y, con algunos cambios en sus integrantes pero su infaltable presencia en el piano, siguió actuando junto a ella a lo largo de más de cinco décadas.

Compuso más de 150 temas y grabó unos 600 de otros autores. Contó con la colaboración de cantores de la talla de Roberto Beltrán, ​Roberto Chanel, Alberto Morán, Jorge Vidal, Jorge Maciel, Miguel Montero, Ricardo Medina, Alfredo Belusi, Adrián Guida y Abel Córdoba. Y su prestigio era tal, que cuando cumplió los 80 años fue homenajeado con su orquesta ni más ni menos que en el Teatro Colón. Pero, la realidad es que su vida y su obra no tuvo nada de sacra. De todas formas, los músicos saben que nunca está de más llevar una estampita suya en la billetera. Y, como decía León Gieco en Los Salieris de Charly, siempre es atinado mencionarlo, por las dudas. “Pugliese, Pugliese, Pugliese”.

Cadícamo descolló como una figura representativa no solo por la cantidad, sino por la calidad de su producción, convertida en testimonio del devenir y la transformación de la Buenos Aires del siglo pasado. La influencia de sus obras permanece vigente en el repertorio tanguero y en la memoria de la cultura popular argentina. Con su amplitud creativa y sus vínculos con otros grandes artistas, representa un emblema ineludible en la historia del tango.

Nacido el 15 de julio de 1900 en General Rodríguez, provincia de Buenos Aires, Enrique Domingo Cadícamo fue hijo de inmigrantes italianos y creció en el barrio de Flores. A los 26 años publicó su primer libro, Canciones Grises (1926), donde ya se percibía la influencia del modernismo y del tango. A este debut siguieron los poemarios La luna del bajo fondo (1940) y Viento que lleva y trae (1945), la novela Café de camareras (1969) y el libro de recuerdos El desconocido Juan Carlos Cobián (1972).

Carlos Gardel y los tangos históricos

La relación con Carlos Gardel marcó un hito en la historia del tango. El propio Cadícamo recordaba el inicio de su amistad: “Lo único que recuerdo es que yo lo miraba como si fuera un ser de otro planeta. Me palmeó la espalda y desde ese día fuimos amigos”. El primer tango que Cadícamo escribió, “Pompas de jabón”, fue también el primero que Gardel grabó de su autoría, el 27 de diciembre de 1925 en España, acompañado por José Ricardo y utilizando el sistema eléctrico, tecnología que aún no había llegado a Buenos Aires. A partir de entonces, Gardel grabó al menos 20 tangos de Cadícamo, entre ellos “Muñeca brava”, “Cruz de palo”, “Madamme Ivonne” y “Anclao en París”. Este último fue compuesto en Barcelona en 1931 y enviado a Gardel, que se encontraba en Niza; la música fue obra de Guillermo Barbieri.

La producción de Cadícamo, además, abarca títulos emblemáticos como “Che papusa, oí” (1927), escrita para la Troupe Ateniense de Montevideo y grabada por Alberto Vila; “Compadrón”, con música de Luis Visca y difundida por Sofía Bozán; “De todo te olvidas”, que obtuvo el primer premio para tangos con letra en el concurso de Max Glücksmann en 1929; y “Niebla del Riachuelo”, interpretada por Tita Merello en la película La fuga (1937).

Algunos tangos de Cadícamo tienen historias particulares. “Tres Esquinas” alude al cruce de las calles Montes de Oca y Osvaldo Cruz en Barracas, y fue estrenado por Ángel Vargas con la orquesta de Ángel D’Agostino en 1940. “Los mareados”, sobre música de Juan Carlos Cobián, sufrió la censura del gobierno militar en 1943, que obligó a suprimir el lunfardo y referencias a la embriaguez, por lo que pasó a llamarse “En mi pasado”. En 1949, bajo el gobierno de Juan Domingo Perón, recuperó su nombre y letra original. “Garúa” nació de una colaboración con Aníbal Troilo: una noche, Troilo pidió a Cadícamo que le pusiera letra a una melodía; esa madrugada, bajo una llovizna, el poeta imaginó la extraordinaria frase inicial (“Que noche llena de hastío y de frío...) y completó el texto antes de regresar al cabaré Tibidabo.

La visión de Cadícamo sobre el tango moderno quedó plasmada en entrevistas y en el suplemento Testigos del siglo: el tango nacional y popular. Según el autor, “Lo que hoy se escucha como tango nada tiene que ver con las melodías y el espíritu que tenía hace cuatro o cinco décadas. El tango es un sentimiento que no tiene nada que ver con las fantasías de un arreglador que hace o deshace una composición según su gusto o los pedidos de los directores de una discográfica. Me da mucha pena escuchar temas que compuse hace un tiempo y que transmitían el clima de esa época, convertidos en una obra de corte vanguardista, con un sentido musical muy distinto. Si se quiere el tango de verdad, hay que dejarlo tal cual, se lo concibió en su momento”. Y añadía: “Con esto no quiero decir que no estoy de acuerdo con las nuevas edades de la música, pero siento que hoy perdió su personalidad y se la desvirtuó. Además ya no están nuestras fuentes de inspiración: ¿a dónde fue el barrio, la vida nocturna, la calle Corrientes? Si ese paisaje de Buenos Aires hoy es tan lejano, no podemos esperar que, a pesar de los buenos y jóvenes talentos, surjan esas canciones inolvidables que nacieron desde el alma”. Para Cadícamo, “Hoy puede haber compositores y autores de música, pero no de tangos. El tango sería entonces otra cosa, otra manifestación actual. Sería canción de Buenos Aires, u otro título que le dieran”. Y sentenciaba: “¿Cuándo termina la época de ese tango? Con los tangos conocidos, tradicionales y de antología. Ahí terminó la época. Yo puedo hacer un tango en 20 minutos o en 15. Si es media hora no vale. Lo hago todavía con el sabor y con el estilo que supe conocer en Buenos Aires en el año 20, en el 25 o en el 30”.

La obra de Cadícamo también se extendió al cine y al teatro. Escribió y dirigió películas como Virgencita de Pompeya, Noches cariocas y Nace un campeón. Fue guionista de Galería de esperanzas (Chingolo) (1934) e intérprete en Al corazón (1995), Gardel, el alma que canta (1985) y El canto cuenta su historia (1976). En teatro, creó piezas como Así nos paga la vida, La Baba del Diablo, El Romance de dos Vagos, El cantor de Buenos Aires y La epopeya del tango.

El poeta e historiador León Benarós lo describió en la revista Tanguera como un “muchacho eterno” que parecía desafiar el paso del tiempo, con su cabellera rubia y su estilo juvenil. Murió el 3 de diciembre de 1999 a los 99 años.

La próxima ceremonia de los Premios Konex 2025 pondrá en el centro de la escena a cinco figuras que han dejado una marca indeleble en el tango argentino: Lidia Borda, Juan “Tata” Cedrón, José Colángelo, Julieta Laso y Hugo Rivas. Estos artistas, seleccionados por un jurado de veinte personalidades presidido por Sandra Mihanovich, serán homenajeados el 9 de septiembre en la Ciudad Cultural Konex. La Fundación Konex, que cada año distingue una rama de la cultura nacional, ha decidido en esta edición reconocer a la Música Popular Argentina, abarcando veinte disciplinas y premiando a quienes más se han destacado entre 2015 y 2024.

El tango, símbolo de la identidad argentina y fenómeno que ha trascendido fronteras, vuelve a ocupar un lugar de privilegio en la quinta edición dedicada a la música popular por la Fundación Konex. En el pasado, el máximo reconocimiento, el Konex de Brillante, fue entregado a referentes como Atahualpa Yupanqui (1985), Mercedes Sosa (1995), Horacio Salgán (2005) y Dino Saluzzi (2015), consolidando una tradición de homenaje a quienes han enriquecido el acervo cultural del país.

Entre los galardonados de este año, Lidia Borda se destaca por su versatilidad y profundidad interpretativa. Nacida el 18 de abril de 1966, ha recibido el Premio Konex en 2005, 2015 y 2025. Su carrera, iniciada en los años 80, abarca nueve discos y una exploración de diversos géneros, aunque su impronta renovadora en el tango la ha convertido en una de las voces femeninas más admiradas de las últimas décadas. Ha sido reconocida con cuatro Premios Gardel, el Premio Tango Siglo XXI a mejor disco por “La Noche”, y ha sido distinguida como Académica Generación Intermedia de la Academia Nacional del Tango, Ciudadana Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires y Personalidad destacada de la Cultura de la Provincia de Buenos Aires.

Juan “Tata” Cedrón, nacido el 28 de junio de 1939, suma más de seis décadas de trayectoria como guitarrista, compositor y cantor. Fundador del Cuarteto Cedrón en 1964, ha musicalizado a poetas como Paco Urondo, Raúl González Tuñón, Juan Gelman, Julio Cortázar y Homero Manzi. Su discografía incluye cerca de 40 discos, la mayoría editados en Europa. En los últimos años, sobresalen los álbumes “Velay” (2016), “Jamaica Amaru” (2018) y “Flor de la Banda Oriental” (2024), así como espectáculos literario-musicales y conciertos junto a artistas como Mauricio Kartun, Daniel Frascoli y Alejo de los Reyes.

El pianista, director, arreglador y compositor José Colángelo, nacido el 22 de octubre de 1940, ha colaborado con figuras como Julio Sosa, Leopoldo Federico y Aníbal Troilo. Fue director musical de Susana Rinaldi y realizó diez giras a Japón. Su obra supera las 100 composiciones e incluye música para cine. En la última década, actuó en escenarios como el Teatro Colón, Usina del Arte, Teatro 25 de Mayo y CCK, y participó en festivales internacionales en Granada, Zárate, Vermont (Estados Unidos), Medellín, Río Cuarto y Cosquín. En 2020 ofreció una Master Class en la Universidad de Boston y en 2021 celebró sus 80 años en la Usina del Arte. Ha recibido el Gobbi de Oro, el Premio Gardel y el Premio a la Trayectoria del CCK, y es Miembro de Honor de la Academia Nacional del Tango y Personalidad Destacada de la Cultura de la Ciudad de Buenos Aires.

Julieta Laso, nacida el 7 de septiembre de 1982, es reconocida tanto por su labor como cantante como por su faceta actoral. En 2014 integró la Orquesta Fernández Fierro, referente del nuevo tango argentino, con la que recorrió escenarios internacionales y grabó dos discos multipremiados. Su discografía incluye “Tango Rante” (2010), “Martingala” (2018, nominado al Premio Gardel), “La Caldera” (2021, ganador del Gardel a mejor Artista de Tango), “Cabeza Negra” (2022, Gardel a mejor Álbum de Tango y mejor diseño de portada) y “Pata de Perra”, donde versiona clásicos románticos latinoamericanos junto a Vicentico y La Dama Blanche. Como actriz, protagonizó el documental “Terminal Norte” de Lucrecia Martel y participó en obras como “Ojo de Pombero” (Premio Trinidad Guevara a revelación femenina) y “Las Lágrimas de los Animales Marino”. Ha sido declarada Personalidad Destacada de la Cultura de la Ciudad de Buenos Aires.

El guitarrista Hugo Rivas, nacido el 26 de agosto de 1974, inició su formación junto a su padre y su tío, Los Hermanos Rivas, y debutó en la escena porteña desde joven. Integró el dúo Peralta-Rivas, acompañando a Jorge Vidal durante cinco años, y colaboró con artistas como Julio Pane, Rudi y Nini Flores, Raúl Garello, Peteco Carabajal, Rubén Juárez, Juanjo Domínguez, Dino Saluzzi y Néstor Marconi. Junto a Leopoldo Federico grabó “Sentido único”, que obtuvo un Premio Gardel y fue nominado al Grammy. Ganó el Premio Estrella de Mar al mejor recital de 2015 en Mar del Plata y ha compartido escenario con Yamandú Costa. Actualmente lidera su cuarteto, con el que lanzó “Abriendo caminos” en 2019, y desarrolla el proyecto Hugo Rivas + Cuerdas junto a Juan Pablo Gallardo, además de presentarse regularmente con José Colángelo.

La selección de estos artistas estuvo a cargo de un jurado presidido por Sandra Mihanovich (Premio Konex de Platino 1995 y 2015), con Alejandro Lerner como Secretario General (Premio Konex 1985, 1995 y 2005) y Dino Saluzzi como Presidente Honorario (Premio Konex de Brillante 2015).

[Fotos: prensa Fundación Konex]

El 11 de julio se conmemora el Día Nacional del Bandoneón, fecha que conmemora el nacimiento de Aníbal Troilo, figura central del tango argentino. A cincuenta años de su muerte, la Ciudad de Buenos Aires despliega una programación especial para evocar el legado de Pichuco a través de conciertos, actividades educativas y muestras en distintos espacios culturales.

La Orquesta del Tango de Buenos Aires y la Orquesta Escuela Emilio Balcarce protagonizarán la agenda musical de la fecha. Por su parte, el Polo Bandoneón organiza una jornada especial el sábado 12, que inicia con la inauguración de la Sala Museo Aníbal Troilo, además de una exposición de murales temáticos y múltiples propuestas artísticas y pedagógicas.

La Usina del Arte será sede de un Bandoneonazo el viernes 11 a las 20, con participación de la Orquesta del Tango de Buenos Aires, con dirección de Néstor Marconi, que además actuará como solista. El repertorio incluye composiciones de Troilo, Piazzolla y Julián Plaza, junto con clásicos como “Negro nacarado”, “Che Buenos Aires” y “La muerte del ángel”. La entrada es gratuita.

El 11 de julio a las 20, también, la Orquesta Escuela de Tango Emilio Balcarce, bajo la dirección del maestro Víctor Lavallén, bandoneonista y arreglador, actuará en el Centro Cultural Borges, con Horacio Cabarcos, referente del contrabajo tanguero, como invitado. El programa recorre estilos de referentes como Troilo, Leopoldo Federico y el propio Lavallén, interpretados por jóvenes músicos de la Orquesta Escuela.

El Museo Casa Carlos Gardel se suma a la celebración con un cierre de curso a cargo del profesor Rubén Berenblum, dedicado a la obra y la influencia de Troilo en la historia del tango. La actividad se realiza el viernes 11 de 17 a 18:30.

La agenda del sábado 12 en el Centro Cultural Polo Bandoneón, que comenzará a las 11 con la inauguración de la Sala Museo Aníbal Troilo y la muestra de murales –que podrán visitarse los lunes, miércoles y sábados de 11 a 16–, continuará con conciertos, clases magistrales e interpretaciones a cargo de docentes y estudiantes del Polo.

Se destacan, entre esas, el concierto La guitarra de Grela en las formaciones de Troilo, a las 12; la clase magistral El piano en la orquesta de Troilo, a las 12:45; la presentación Los cantores de Troilo, a las 13:15 y una actuación de la orquesta del Polo Bandoneón, dirigida por Leonardo Marconi y Carla Algeri, a las 14.

Se prevé, además, una charla referida a la importancia de la cuerda en las orquestaciones de Aníbal Troilo, a cargo de César Rago, Rubén Jurado y Omar Randazzo.

En el marco de este homenaje, Carla Algeri presentará Yo soy el bandoneón, un musical con orquesta sinfónica y proyecciones audiovisuales, programado también para una función internacional en Medellín.

Las propuestas incluyen un espacio para la historia y el presente de la luthería del bandoneón, a partir del reconocimiento de Pichuco por parte de Patrimonio BA. El oficio de los luthiers, imprescindible para la continuidad del instrumento, se destaca también en iniciativas como el proyecto Pichuco, de la Universidad de Lanús, dedicado a la fabricación local de bandoneones de estudio para nuevas generaciones.

Información útil:

* Usina del Arte, en Agustín R. Caffarena 1, C. A. B. A.

* Centro Cultural Borges, en Viamonte 525, C. A. B. A.

* Museo Casa Carlos Gardel, en Jean Jaures 735, C. A. B. A.

* Centro Cultural Polo Bandoneón, en Av. Sáenz oeste 1480, C. A. B. A.

Fotos: Gentileza prensa Cultura de la Ciudad de Buenos Aires.

La anciana dejaba su encierro autoimpuesto por el dolor y el profundo desconsuelo por su hijo muerto, solo para ir al cementerio o al cine. Se reconfortaba viendo las películas de ese cantante galán y famoso, que había muerto trágicamente en un accidente de aviación el 24 de junio de 1935, y al que había parido como madre soltera, para escándalo de la época, 44 años atrás.

En las primeras salidas, soportó estoica un constante acoso de la gente que la veía entrar a la sala cinematográfica, y recurría a la ayuda de Adela Blasco, la esposa del apoderado de su hijo, que siempre la acompañaba. Pugnaban por besarla, abrazarla o tan siquiera tocarla. Es que Berta era la mamá de Carlos Gardel.

Mientras veía la película, se ilusionaba con pensar que su hijo estaba de gira, y cuando en su casa escuchaba la radio, subía el volumen cuando pasaban un tango cantado por él.

Berta Gardes nació el 14 de junio de 1865 en Toulouse, una ciudad que también era conocida como “la ville Rose”. Su padre Jean Gardes y Hélene Cinegonde Camares eran dueños de una sombrerería en el barrio de calles medievales de Arnaud-Bernard y vivían en Canon D’Arcole 4.

La infancia de Berta Gardes

Cuando Berta era apenas una niña, sus padres se separaron, algo bastante inusual para la época, y la madre tiempo después se casó con Louis Carichou. Cuando Berta tenía 17 años, viajó con la familia a Venezuela a probar suerte, pero debieron regresar en 1882, previa escala en Nueva York.

Berta tenía un hermanastro llamado Charles, quien murió el 11 de octubre de 1918 en la batalla de El Marne, peleando para Regimiento 212 de Artillería.

El padre del Zorzal

Era aún una criatura cuando fue a vivir con sus tíos Luis Gardes y Lucía Gregoire, en el pueblo de Saint Geniez d’Olt, a unos 200 kilómetros de Toulouse. Tenían tres hijos: José, Pedro y Eduardo, menores que ella.

A los 25 años lo tuvo a Charles Romuald en el hospital Sain Joseph de la Grave, situado a orillas del río Toulouse. Además del escándalo que supuso ser madre soltera, siempre hubo controversias sobre quién había sido el padre.

Por un lado, ella siempre aseguró que el padre de su hijo, Paul Gardes, había fallecido meses después del nacimiento.

Otra versión asegura que lo había tenido con Paul Lassere, para algunos un viajante de comercio, para otros un empresario, un imprentero o el hijo de la dueña de un taller de planchado.

Y una tercera historia vinculó a Berta con José, uno de sus primos. El era menor que ella y se habrían enamorado. El muchacho era seminarista y cuando en la familia se supo del embarazo, a Berta la echaron y movieron los hilos para que José fuera enviado a misionar a África.

En el interín, Berta con Carlos bebé viajaron a Buenos Aires. Cuando José regresó y renunció a la vida religiosa, la buscó y cuando supo que vivía en Argentina, quiso viajar, pero la tía se opuso terminantemente a esta unión. José se casaría en Argentina y formaría su familia.

La historia más difundida es que lo tuvo a Carlos, fruto de la relación con Lasserre, un hombre casado, y debió irse de la ciudad por la hostilidad familiar quien reprobaba su condición de madre soltera y por una sociedad que la miraba de reojo.

Tomó a su hijo y en Bordeaux abordaron el vapor portugués “Dom Pedro”. El 11 de marzo de 1893 estaban en Buenos Aires. En el puerto declaró tener 27 años, ser viuda, planchadora y católica.

Fueron a vivir a Uruguay 162 y se empleó de planchadora en el taller que su compatriota Anais Beaux tenía sobre la calle Montevideo 463, con quien serían grandes amigas.

El taller de planchado le insumía demasiadas horas de trabajo a Berta. El niño Carlos, hasta que pudo ir a la escuela, era cuidado por su amiga y vecina Rosa de Franchini, quien tenía varios hijos, y que Carlos la llamaba “Mamá Rosa”.

En 1901 inscribió a su hijo en el Pío IX, el colegio salesiano, en el curso de artesanos y, particularmente, en el taller de encuadernación. Culminaría sus estudios primarios en el colegio San Estanislao de la calle Tucumán 2646.

Ya había finalizado la primera guerra mundial, y Gardel ya era famoso. Según se relató, apareció por Buenos Aires su papá Lasserre y habló con Berta, con la idea de casarse y regularizar la situación. La mujer consultó a su hijo, quien le respondió que ya no lo necesitaba y que ella podía hacer lo que quisiese. El hombre murió en Francia en 1921.

Con el correr del tiempo, Gardel también visitó a los parientes de su mamá en Toulouse, y de ellos dijo que era gente muy buena y muy amable.

A partir de 1927 vivía en la casa de Jean Jaurés 735, que el hijo le había comprado para que estuviera más cómoda que en el departamento de Rincón 137, cerca del café de los Angelitos, donde Gardel se reunía con sus amigos. El hogar tenía ocho habitaciones en dos plantas, y Gardel la adquirió por treinta mil pesos. También vivían su gran amiga Anais y su pareja Fortunato Muñiz.

Esa vivienda, donde Berta todas las mañanas lo despertaba con un beso en la frente y con un mate. La casa estaba llena de retratos del cantante y de sus efectos personales.

El día que murió Gardel

Berta estaba en Francia visitando a sus parientes cuando se enteró del accidente en Medellín. La última vez que se vieron fue a comienzos de 1934 cuando su hijo viajó a Francia para iniciar una extensa gira. Fue a Toulouse a saludarla, donde ella había ido a visitar a su hermano.

Quiso regresar lo antes posible a Buenos Aires, a la que arribó el 17 de agosto de 1935. “Yo sé que volverá. Aunque me digan que es un sueño, yo solamente sé que volverá”, se la escucha en una grabación realizada al año de la muerte de su hijo. Quedaron truncos los proyectos de Gardel de comprarle una casa en Niza, ya que consideraba que tenía un clima ideal para ella.

Ir al cine o al cementerio eran salidas que la agotaban y decidió comprarse un auto, que quiso ponerlo a nombre de Armando Defino, el apoderado de su hijo, quien nunca la dejó sola. Cuando su amiga Anais falleció en 1939, ella fue a vivir con Defino y su esposa.

A fines de 1942 su salud desmejoró y a partir de abril quedó postrada en cama. Solo tenía a su alcance la radio para escuchar a su hijo, y a la vista un retrato grande suyo, al que le hablaba y le preguntaba cuándo la llevaría a su lado. Murió en la madrugada del 7 de julio de 1943.

Fue enterrada en el mausoleo donde, desde noviembre de 1937, descansaban los restos de Carlos Gardel, en el cementerio de la Chacarita, y donde nunca faltó una flor.

El vals “Yo no sé qué me han hecho tus ojos” se hace esperar en el escenario, aunque es la composición más célebre que Francisco Canaro dedicó a Ada Falcón. Este detalle, lejos de ser casual, revela la cuidadosa administración de homenajes en La Falcón, el musical de tango que revive la vida de la llamada “Emperatriz del tango”. Inspirada en la trayectoria de la cantante Ada Falcón y su vínculo sentimental con Canaro, la obra se sumerge en los años 20, 30 y 40 para explorar tanto el brillo como las sombras de una de las voces femeninas más influyentes de la música popular argentina.

El espectáculo, dirigido por Cintia Miraglia y con dramaturgia de Augusto Patané, sitúa a todos los personajes en un estudio de radio, donde se despliega el permanente tira y afloje amoroso entre Falcón y Canaro, uno de los grandes renovadores del género. La puesta en escena se enriquece con momentos musicales que incluyen varias de las composiciones que el director de orquesta escribió para la cancionista. El primer tema que interpreta el personaje de Ada, acompañada por dos guitarras, es “La morocha”, tango de Enrique Saborido y Ángel Villoldo, que fue la primera grabación que realizó junto a Canaro.

La obra también retrata la personalidad arrolladora de Falcón, marcada por sus caprichos y exigencias, rasgos que podrían atribuirse a su condición de hija ilegítima. El guion expone su creciente temor a presentarse ante el público, hasta el punto de exigir cantar detrás de una cortina, separada incluso de los músicos. Cuando llega el momento de su retiro, se alude a su destino final: en diciembre de 1942, tras una presentación en Radio Splendid, la diva desapareció de la escena y terminó sus días en un convento en Salsipuedes, Córdoba.

La Falcón se presenta en un formato renovado de café concert, con canciones adaptadas y una atmósfera íntima. Cuenta con un elenco integrado por María Colloca, Carlos Ledrag, Florencia Craien, Mónica Driollet, Federico Justo y Victoria Páez. El vestuario está a cargo de Paula Molina, la escenografía de Victor Salvatore, la iluminación de Cintia Miraglia y la fotografía de Nacho Lunadei. Los arreglos musicales son responsabilidad de Florencia Craien, Federico Justo y Carlos Ledrag.

Las únicas dos funciones tendrán lugar los domingos 13 de julio y 10 de agosto a las 13 hs. en el Bar de Hasta Trilce (Maza 177, CABA).

[Fotos: gentileza NSB prensa]

En el aniversario de su fallecimiento, la Fundación Piazzolla ha lanzado una iniciativa digital que pone a disposición de los amantes de la obra de Astor Piazzolla el acceso integral a su legado. El sitio www.astorpiazzolla.com reúne los acontecimientos fundamentales de su carrera, su discografía completa, una crono-biomusical y material inédito sobre su vida y obra.

El objetivo es relevar, organizar y visibilizar el catálogo completo de sus creaciones, facilitando el acceso a más de 780 obras registradas. Además, la plataforma permite escuchar su música a través de enlaces directos a los canales oficiales de Spotify (Astor Piazzolla), Youtube (@astorpiazzollaoficial) e Instagram (@astorpiazzollaoficial).

El proyecto responde a la necesidad de ampliar el conocimiento sobre las composiciones de Piazzolla, ya que solo una fracción de ellas se interpreta o escucha globalmente. Con el respaldo de la SACEM (Sociedad de Autores y Compositores de Francia), Warner Chappel Francia y la Editorial Curci de Italia, el sitio se consolida como la referencia digital más completa sobre la música del artista. Además, fomenta el contacto con quienes gestionan las partituras y las solicitudes de sincronización, facilitando el acceso a permisos para la reproducción de sus obras en documentales, películas, series o publicidad.

La información publicada en www.astorpiazzolla.com está disponible en inglés y español, y se basa en investigaciones de Carlos Kuri, Omar García Brunelli, Mistumasa Saito y en los registros de la SACEM. El contenido se organiza en cuatro secciones principales. A Puro Piazzolla ofrece el catálogo completo de 680 composiciones, ordenadas alfabéticamente y acompañadas de datos para contactar a las editoriales responsables. También incluye el catálogo de obras académicas para formaciones clásicas, destacando aquellas con bandoneón solista, y una selección de obras fundamentales, desde las primeras grabaciones en 1945 hasta el último concierto en Atenas, en 1990.

La sección Acontecimientos transcendentales analiza los períodos clave de la carrera de Piazzolla, sus composiciones y los conjuntos que definieron su legado, presentando la información en cápsulas cronológicas ilustradas. En Discografía, los usuarios acceden a detalles de cada álbum, organizados por año de grabación, y pueden escuchar las obras, además de visualizar imágenes de portadas y vinilos. La Crono BioMusical recorre la trayectoria del músico en una línea de tiempo que resalta influencias, maestros, estudios, premios, formaciones, conciertos, grabaciones, músicos, escenarios, composiciones, viajes y giras.

El proyecto Astor Piazzolla, El Legado también implicó la organización de su música en las principales plataformas digitales y la creación de perfiles oficiales en Spotify para Astor Piazzolla y su Quinteto, así como en Youtube e Instagram. La Fundación Piazzolla incluyó el programa educativo Piazzolitas en esta iniciativa, con resultados positivos en escuelas de Buenos Aires, según testimonios de docentes y directivos que destacan el impacto en los niños y el valor pedagógico del proyecto.

[Fotos: Fundación Piazzolla; archivo Infobae]

Su amor por el tango había surgido cuando era apenas un niño. Hijo de Vicente Piazzolla y Asunta Manetti, dos descendientes de italianos que residían en la ciudad de Mar del Plata, nació el 11 de marzo de 1921 y se crió escuchando las creaciones de Julio de Caro que su padre hacía rodar una y otra vez en su viejo tocadiscos. Aún, cuando tres años más tarde la familia decidió mudarse a Nueva York, Estados Unidos.

De hecho, Nonino -como llamaba a su padre a quien tras su muerte le dedicaría uno de sus temas más emblemáticos de su carrera-, quería que Astor fuera músico. Y, para incentivarlo, cuando cumplió los 6 años le regaló un bandoneón que le había costado 19 dólares en una casa de compra venta de artículos usados. Con él empezó a tomar sus primeras clases de música. Y aunque luego tuvo otros nuevos, mucho más caros y de mejor calidad, conservó ese primer instrumento hasta el final de sus días.

El encuentro con Gardel

Fue en 1934 cuando conoció a Carlos Gardel. El encuentro se dio durante el rodaje del film El día que me quieras, en el que tuvo una breve participación encarnando a un canillita. Cuentan que hubo buena química, por lo que compartieron varios encuentros. Y que el joven Astor ofició de traductor de inglés, para que el Zorzal Criollo pudiera comunicarse con las admiradoras que se acercaban a saludarlo. También lo acompañó a ir de compras por las tiendas de la ciudad, lo invitó a su casa a comer los ravioles de su madre y le regaló un muñeco de madera tallado a mano por su padre, que según cuentan el cantante llevaba consigo el día de su muerte, ocurrida el 24 de junio de 1935 en Medellín, Colombia.

“Pibe, vos tocás el bandoneón como un gallego”, le dijo Charly -como lo llamaba Astor a Gardel desde que éste le peguntó cómo se decía su nombre en inglés- cuando por fin se animó a interpretar un tema delante de suyo. Pero estaba claro que Piazzolla venía a romper las reglas. Decía que no concebía “el color pastel” en el tango. “Mi bandoneón tiene que cantar y gritar. Esos golpes que pego en la caja por lo general son parte de la música, un efecto de percusión”, decía.

Corría el año 1937 cuando, ya instalado en Buenos Aires, empezó a trabajar de manera profesional tocando el bandoneón en distintas presentaciones porteñas. Y, a fines de 1939, ya había empezado a hacer arreglos para la orquesta de Aníbal Troilo, mientras tomaba clases de música con el maestro Alberto Ginastera. Finalmente, en 1945 decidió comenzar su propia carrera. Todavía tenía alguna que otra duda en relación al género que más le convenía ejecutar. Pero, en 1954, viajó a París para estudiar con la maestra Nadia Bulanger. Y durante su estadía en la capital francesa, grabó su primer álbum, Sinfonía de tango, con el que definió su destino para siempre.

“Mi sueño es imponer mi música, la de mi país, en todo el mundo”, decía. Y la realidad es que, durante un tiempo, sus composiciones tenían mejor recepción en el exterior que en su propio país. Estaba casado con su primera esposa, Dedé Wolff, madre de sus hijos Diana y Daniel, cuando en 1959 escribió el que definió como “el tema más lindo”, de su carrera: Adiós Nonino. La inspiración surgió de una tragedia familiar, ya que estando de gira por Puerto Rico se enteró de que su padre había muerto en un accidente andando en bicicleta. Y cayó sumido en la tristeza. Así que, cuando regresó a su casa, le pidió a su familia que lo dejara solo.

Entonces, Astor reversionó Nonino, una pieza que había compuesto cinco años antes en Paris. Y dejó que su bandoneón llorara, expresando con notas musicales el dolor que él mismo no podía verter en palabras. “Él creía en mí. Pero creía en mí de una manera… Como si yo hubiera sido genial. Y no era genial. Él me hizo sentir que yo era importante. Siempre quería que yo tocara. Y yo sé que él sabe todo lo que está pasando conmigo. Él ha luchado tanto por mí. Creo que yo fui el hijo que él ha deseado tener”, contaba Piazzolla recordando a Vicente.

Para entonces, ya se había convertido en una figura consagrada. Y decidió hacer la ópera María de Buenos Aires, para la cual convocó a Amelita Baltar, quien fuera su pareja “sin papeles” durante los siguente siete años. La relación se rompió, según la cantante, cuando ella quedó embarazada y él, que ya tenía dos hijos grandes, le pidió que no continuara con la gestación. Nunca pudo perdonarlo. Sin embargo, al día de hoy, sigue siendo quien mejor interpreta Balada para un loco, otro de los temas consagratorios de Piazzolla.

En 1976, en tanto, Astor conoció a la locutora Laura Escalada con quien se casó de inmediato. Ella se exilió con él en París, cuando le dijeron que figuraba en las “listas negras” de la dictadura militar y nadie lo llamaba para tocar en el país. Y, de regreso a la Argentina una década más tarde, se mantuvo a su lado hasta que, con 71 años, el músico sufrió una hemorragia cerebral que se lo llevó para siempre de este mundo. Entonces, fue la encargada de preservar su legado desde la fundación que lleva el nombre de Piazzolla. Además de cosechar muchos reconocimientos tardíos, que hubiera preferido que el bandoneonista y compositor hubiera podido disfrutar en vida.

La primera entrega de esta serie consiste en un disco que rescata cuatro piezas fundamentales: “La Cumparsita”, “Chique”, “Triste” y “Dedé”. Este material ya puede escucharse en línea bajo el título Astor Piazzolla en TK : 1950-1951, remasterizado por el productor e ingeniero de grabación Gustavo Gauvry.

Las remasterizaciones incluyen cinco álbumes históricos, enriquecidos con versiones inéditas de piezas registradas por Astor Piazzolla durante su paso por el sello Sicamericana S.A.. Entre los materiales recuperados se encuentra una ficha de una de las cintas máster del catálogo, que contiene la pieza “Taconeando”.

El vínculo de Astor Piazzolla con el sello TK se remonta a 1950, año en que comenzó a grabar una serie de obras que reflejan la evolución de su lenguaje musical en un corto período. Su primera grabación para el sello incluyó “Chiqué”, una pieza que ya había arreglado previamente para Aníbal Troilo, y “Triste”, compuesta por José De Caro y Ángel Maffia. Posteriormente, el músico registró una versión del clásico “La Cumparsita”, acompañada en el lado B por “Dedé”, una pieza instrumental dedicada a su esposa.

En 1954, Piazzolla viajó a Europa, donde permaneció casi un año perfeccionando su estilo bajo la tutela de Nadia Boulanger. A su regreso a Buenos Aires, publicó nuevas grabaciones, entre las que destacan “Lo que vendrá”, una versión renovada de “Marrón y azul” y arreglos de obras como “Negracha” de Osvaldo Pugliese y “Sensiblero”. En 1959, grabó y publicó el álbum Tango en Hi-Fi, consolidando su posición como uno de los grandes renovadores del género.

Uno de los hitos más relevantes de este período es el concierto que Piazzolla ofreció en 1981 en el Teatro Gran Rex, registrado por el ingeniero de grabación Carlos Melero. Este documento sonoro captura la maestría del compositor tanto en la interpretación como en los arreglos. Además, el catálogo recuperado incluye la composición y grabación de la banda sonora de la película 5º Año Nacional, también editada originalmente por Music Hall.

La reedición de este material se concretó gracias a un acuerdo entre el INAMU, la Fundación Astor Piazzolla y los herederos directos del músico marplatense. Este esfuerzo conjunto no solo permite la recuperación patrimonial de grabaciones esenciales para la historia de la música argentina, sino que también garantiza el acceso global a este legado, abriendo la posibilidad de que nuevas generaciones descubran y disfruten la obra de Piazzolla desde cualquier lugar del mundo.

El proceso de recuperación del catálogo de Music Hall representa un acontecimiento de gran trascendencia para la cultura argentina. El INAMU logró rescatar un acervo discográfico que perteneció a Sicamericana S.A., empresa que operaba comercialmente bajo los nombres Music Hall, Sazam y TK. Este catálogo, compuesto por más de 2.500 discos nacionales, permaneció paralizado desde 1993 debido a un proceso judicial de quiebra. Durante más de dos décadas, las grabaciones estuvieron imposibilitadas de reeditarse, lo que también impidió que los intérpretes recibieran ingresos por su trabajo, a pesar de haber sido los creadores de esas obras.

La recuperación de este patrimonio discográfico abarca géneros emblemáticos como el folclore, el tango, el chamamé, la música clásica, la música popular y el rock argentino. Uno de los objetivos centrales del INAMU es que los intérpretes principales de estos álbumes puedan administrar la reedición de sus obras en el formato de comercialización que elijan. Para ello, el Instituto otorga una licencia que se extiende hasta el final del plazo legal establecido, es decir, 70 años después de la fijación del fonograma.

[Imágenes: prensa Inamu]

El 24 de junio de 1935, en el Aeródromo Olaya Herrera de Medellín, Colombia, ocurrió uno de los accidentes aéreos más trágicos de la historia cultural del continente: el choque entre dos aviones que provocó la muerte de Carlos Gardel.

El ícono del tango viajaba rumbo a Cali en el marco de una gira latinoamericana cuando la aeronave que lo transportaba colisionó en tierra con otro avión que esperaba en la pista. La explosión posterior dejó un saldo de 17 muertos, entre ellos el guitarrista Guillermo Barbieri, el letrista Alfredo Le Pera y otros miembros de su equipo.

La noticia paralizó a millones y dejó una herida abierta en la historia del tango. Durante décadas, los detalles del siniestro estuvieron rodeados de mitos, silencios oficiales y versiones contradictorias.

La historia enterrada, dos aviones, una colisión fatal

Mucho se dijo sobre el accidente en el que murió Carlos Gardel, pero poco —o casi nada— se contó sobre por qué los expedientes oficiales fueron ocultados durante décadas.

Una serie de documentos recuperados y estudios posteriores permite hoy revisar bajo una nueva luz las causas del accidente ocurrido el 24 de junio de 1935 en Medellín, donde murió Carlos Gardel. Más allá de la conmoción y el impacto cultural, emergen evidencias que apuntan a una cadena de errores técnicos, negligencias operativas y silencios institucionales que durante décadas evitaron una reconstrucción precisa de los hechos.

El abogado colombiano Alfonso Uribe Misas fue uno de los primeros en indagar en profundidad sobre el caso. Su trabajo, reunido en el libro La Verdad, cuestionó la narrativa oficial y aportó elementos clave para comprender que el siniestro no fue simplemente una fatalidad.

La versión difundida entonces —una colisión accidental entre dos aeronaves en la pista del Aeródromo Olaya Herrera— fue aceptada rápidamente, sin que se realizara una investigación exhaustiva ni se garantizara el acceso público al expediente civil, que permaneció oculto más de 70 años, hasta que en 2014 fue hallado por casualidad en un altillo de la Universidad de Medellín. La falta de transparencia alimentó versiones contradictorias y especulaciones que persistieron por décadas. Pero los documentos sugieren que la historia fue mucho más compleja.

Aquella mañana del 24 de junio de 1935, estaban programados dos vuelos hacia Cali: uno operado por SACO, compañía colombiana, y otro por SCADTA, empresa colombo-alemana. En el avión de SACO, un Ford Trimotor F-31, viajaban Carlos Gardel, su equipo artístico y el piloto Ernesto Samper Mendoza. La aeronave de SCADTA, matrícula Manizales, acababa de aterrizar y aguardaba su salida, con el piloto alemán Hans Ulrich Thom al mando.

La pista era precaria, de ripio, sin torre de control ni señalización. El F-31 despegó con viento de cola —una maniobra desaconsejada—, sobrecargado con baúles y equipaje técnico. Cuando Samper aceleró, el avión se desvió hacia la izquierda, fuera del eje de pista, e impactó al Manizales, que esperaba alineado para despegar.

El choque fue brutal: las dos aeronaves estallaron. Murieron Gardel, los guitarristas Guillermo Barbieri y Ángel Domingo Riverol; el secretario personal de Carlitos, José Corpas Moreno; el piloto Ernesto Samper Mendoza y tripulantes de ambas compañías. Solo tres personas sobrevivieron con heridas graves (José María Zuloaga, copiloto del avión de SACO, que sufrió heridas graves; Luis Urdaneta, mecánico de SACO, que resultó gravemente herido y Eduardo Bianco, violinista y músico, sobrevivió con quemaduras).

El mito y la falta de respuestas

Carlos Gardel tenía 44 años, fue el primer argentino famoso en todo el mundo, y estaba en el punto más alto de su carrera. Tras su consagración en Nueva York y el éxito de sus películas El día que me quieras y Tango Bar, desarrollaba una ambiciosa gira por América Latina. Medellín era solo una escala más.

La noticia del accidente conmocionó al continente. Sin embargo, no hubo una investigación penal ni se esclarecieron oficialmente las causas. El expediente técnico se mantuvo fuera del alcance público, alimentando especulaciones durante décadas sobre las causas reales: hubo negligencia y omisiones

Tanto así que el análisis posterior señaló al piloto Samper como principal responsable. El avión despegó con el timón de profundidad mal regulado —en posición de “nariz abajo”— y con viento desfavorable. A esto se sumó la decisión de SCADTA de mantener su aeronave en la cabecera de pista, en lugar de retirarla a una zona segura.

La investigación interna reveló detalles alarmantes: Samper había estado bebiendo esa mañana, no contaba con licencia habilitante para pilotear ese tipo de aeronave y fue acompañado por un copiloto de apenas 19 años, sin experiencia ni conocimiento del modelo. Además, la carga estaba mal distribuida y superaba el límite admitido.

La falta de pericia y el contexto técnico deficiente fueron determinantes. El copiloto, inexperto, no ajustó el estabilizador trasero, impidiendo el control direccional del avión al despegar.

En 1936, la empresa SCADTA encomendó a Uribe Misas la publicación de un libro con los resultados del sumario judicial. El texto fue censurado por el gobierno colombiano y se argumentó que su contenido podía afectar intereses diplomáticos y comerciales, ya que Pan American Airways —empresa estadounidense— tenía participación en ambas compañías involucradas.

La investigación quedó archivada. Solo décadas después, con la aparición del expediente original y documentos filtrados, fue posible reconstruir los hechos.

Un legado interrumpido

A 90 años del accidente, la figura de “Carlitos” sigue vigente. Pero también lo está la necesidad de restituir la verdad. Su legado merece ser recordado no solo en la emoción popular, sino también desde la evidencia histórica.

Con su muerte no solo se perdió un cantor, sino el máximo exponente del tango. Un artista innovador, compositor, actor y empresario visionario que se encontraba en el punto más alto de su carrera internacional, con contratos firmados en Estados Unidos para muchas más películas en proceso y giras planeadas por América Latina.

Su trágica muerte no solo conmovió a millones: también interrumpió un momento de expansión cultural y económica sin precedentes para la música rioplatense. Pese a las cinco décadas que nos separan de ese trágico día, su voz, su música y su figura siguen formando parte del ADN cultural de millones. Ese vuelo tiene detrás una verdad y no debió haber terminado como terminó.

*El autor de esta nota es presidente de la Fundación Internacional Carlos Gardel.

La primera motivación para hacer un libro sobre Carlos Gardel tuvo que ver con la fecha redonda: este 24 de junio de 2025 se cumplen 90 años del insólito y terrible accidente ocurrido en Medellín que terminó con la vida de cantor. Y las fechas redondas siempre tienen un atractivo especial.

Después surgió la pregunta: ¿qué decir de Carlos Gardel si hay tantas biografías y trabajos analizando su carrera artística? Entonces apareció esta idea de contar 50 historias de un artista eterno. Es decir, 50 historias que muestran sus distintas facetas como artista y como persona, pero recordando y recopilando hechos, datos, anécdotas que no son tan conocidas o que pueden sorprender. Así aparece información de su madre, su desconocido padre, su infancia y su escolaridad, sus amores, su ciudad natal, sus guitarristas y hasta alguna gira que fue un fracaso.

Claro que hay otras referencias sorprendentes. Un ejemplo: durante veinte años de su carrera nuestro artista cantó con una bala insertada en un pulmón, producto de un ataque que sufrió el día en el que cumplía 25 años. Como era muy complicado sacarla, quedó allí. Eso no impidió que se convirtiera en una figura mundial demostrando que su talento superaba esos límites.

Y pocos conocen que en 1893, en la travesía del barco que lo trajo a la Argentina, el pequeño Charles Romuald sufrió de coqueluche o tos convulsa, una enfermedad contagiosa que afecta las vías respiratorias altas. En ese tiempo no existían los antibióticos, pero a juzgar por su capacidad pulmonar para cantar, se puede decir que en Buenos Aires se recuperó totalmente.

Otra demostración de ese talento son algunas de las proezas técnicas que Carlos Gardel. 50 historias de un artista eterno recopila y que realizó en tiempos en los que la tecnología estaba en pañales. ¿Cuáles? Cantar a dúo con él mismo; o presentarse cantando en una radio de Nueva York acompañado por sus guitarristas que tocaban en Buenos Aires, o en 1930 haciendo videoclips musicales, algo común en los cantantes actuales. Y todo eso se refleja en su obra: entre 1912 y 1935 Gardel grabó 969 temas, además de actuar en diez películas y diez cortos.

Por supuesto, hay otras cosas destacadas en su vida. Muchos saben que Gardel era un “burrero” de ley. Y que tenía un caballo famoso llamado Lunático. Pero no era el único porque también fue propietario de otros ocho pura sangre. Además, fue dueño de dos studs: uno, en sociedad con José Razzano que se llamaba Las guitarras; el otro, era Gardel C. cuyos jockeys usaban chaquetilla blanca con mangas turquesa y gorra color oro. Aquella pasión por las carreras de caballos lo tenía siempre ocupando las primeras gradas de la tribuna de Profesionales en el hipódromo de Palermo, ya que era socio del Turf Club Argentino y además contaba con carnet de propietario por ser socio del Jockey Club.

También, entre las anécdotas de su historia no todas fueron rosas. Hubo algunas espinas. Una lo lastimó en 1930 cuando ya era una estrella internacional. Fue en un teatro de la calle Florida días después del golpe militar que derrocó al presidente Hipólito Yrigoyen. Muchos espectáculos se habían suspendido pero Gardel no quería dejar de cumplir con su compromiso y se presentó igual. Al salir al escenario, grupos de militantes radicales le brindaron un fuerte abucheo y silbatina, algo inédito para semejante artista. Ese día decidió no actuar más en teatros porteños.

Como se aprecia, estas 50 historias -reunidas en un trabajo de investigación que llevó meses- apuntan a convertirse en una guía de referencia que pone a la vista cómo este niño, que a los 3 años de edad llegó con su inmigrante madre soltera, que tuvo el coraje de criarlo en una época en la que aquello significaba una deshonra, se convirtió, gracias a su prolijo trabajo y a sus virtudes vocales, en un artista aclamado y admirado por representantes de todas las clases sociales del mundo. Y que, aunque ya pasaron nueve décadas de su muerte física, sigue atrapando con esa voz mágica que se mantiene invicta.

*Carlos Gardel. 50 historias de un artista eterno tiene una versión en papel que se puede adquirir en la librería Medio pan y un libro, Virrey Avilés 3700, CABA.

El legado de Carlos Gardel volverá a ser protagonista en la Ciudad de Buenos Aires durante la Semana Gardeliana, que se desarrollará entre el 23 y el 29 de junio, al cumplirse 90 años del fallecimiento del máximo referente del tango. Se desplegará una programación especial que incluye conciertos, cine, actividades en museos y homenajes en espacios emblemáticos de la capital argentina para recordar al artista que inmortalizó la cultura porteña.

El martes 24 de junio, fecha exacta del aniversario, el Centro Cultural 25 de Mayo será escenario de varias actividades. Ese espacio revive un momento histórico, ya que allí Carlos Gardel cantó ante el público porteño por última vez. En la sala principal se realizará un concierto homenaje, que culminará en el balcón sobre la avenida Triunvirato. En ese sitio, el actor Oscar Lajad —protagonista de Cuando Frank conoció a Carlitos, obra que estrenó el Complejo Teatral de Buenos Aires en julio de 2024— ofrecerá una interpretación especial desde lo alto.

Tras ese acto central, la celebración se extenderá a diferentes rincones de Buenos Aires. La Orquesta del Tango de Buenos Aires ofrecerá presentaciones con invitados destacados tanto en el Centro Cultural 25 de Mayo como en el Hall Alfredo Alcón del Teatro San Martín. A la vez, la Sala Leopoldo Lugones proyectará películas icónicas y restauradas que tuvieron a Gardel como protagonista, destacando su faceta cinematográfica.

El Museo Casa Carlos Gardel será sede de la muestra Ignacio Corsini, el príncipe de la canción porteña, junto con una programación que incluye visitas guiadas, charlas, espectáculos y teatro.

Los Bares Notables, escenarios habituales del tango, también integrarán la Semana Gardeliana, con presentaciones de artistas como Mica Sancho, Cardenal Domínguez y Abel Roggantini, acompañados por encuentros que reviven anécdotas y melodías emblemáticas del repertorio de Gardel. Además, museos como el Luis Perlotti, el Museo del Cine y el Fernández Blanco participarán con exposiciones y actividades abiertas a todo público, sumando recursos para profundizar el tributo.

El cierre del homenaje tendrá lugar el domingo 29 de junio en el Anfiteatro del Parque Centenario, donde se celebrará la Tarde Gardeliana en el Día del Cantor Nacional. Las Guitarras Sensibles de Flores estarán acompañadas por los cantores Jesús Hidalgo, Lautaro Mazza y Alfredo Pittis, quienes interpretarán clásicos de Gardel con el objetivo de subrayar la vigencia del tango y su creador.

PROGRAMACIÓN COMPLETA

• Jueves 19 de junio: Muestra Ignacio Corsini, el príncipe de la canción porteña”. Inaugura a las 18 en el Museo Casa Carlos Gardel (Jean Jaurès 735). Primera muestra dedicada al célebre cantor y su estrecho vínculo con Gardel. Fotografías inéditas, partituras originales y objetos personales.
• Sábado 21 de junio: Concierto homenaje del Polo Bandoneón, a las 16– Esquina Homero Manzi. El Polo Bandoneón interpretará a Gardel en la emblemática esquina de San Juan y Boedo. Con participación de alumnos de canto y la dirección de Miguel Pereiro, Carla Algeri y Armando Benavidez.
• Lunes 23 de junio: Proyección de Cuesta abajo (1934) de Louis J. Gasnier, a las 20., en el Centro Cultural 25 de Mayo. Película protagonizada por Gardel, con escenarios entre Nueva York y París.
• Exhibición del libro Zogoibi de Enrique Larreta. Hasta el viernes 1° de agosto, en el Museo de Arte Español Enrique Larreta. El libro Zogoibi, escrito en 1926 por Enrique Larreta e inspirado en la historia narrada en el tango “Refucilos”, será exhibido junto a la Biblioteca durante la Semana Gardeliana.
• Intervención expositiva: “Agustín Magaldi. La voz sentimental de Buenos Aires”. Hasta el domingo 29 de junio - Museo de la Ciudad. Selección de piezas patrimoniales dedicadas a Agustín Magaldi, entre ellas, su guitarra criolla y el disco original de Porque te fuiste hermano, en homenaje a Gardel.

Programación especial

• Hasta el domingo 29 de junio, en el Museo de Esculturas Luis Perlotti, exhibición del yeso original del Monumento a Gardel de Mariano Pagés, faroles “Tango” de Luis Perlotti y una obra de Juan Carlos Ferraro.
• Miércoles 25 – 15 a 17 h: show de danza, concierto musical y clase abierta de tango.
• Jueves 26 – 16 a 18 h: danza y conciertos a cargo del Prof. Gerardo Bengochea y músicos invitados.

Gardel, el cantor eterno es una nueva propuesta expositiva que se suma a las actividades conmemorativas por los 90 años de la muerte de Carlos Gardel. Organizada por el Espacio Cultural de la Sindicatura General de la Nación (SIGEN), la muestra ofrece un recorrido por la vida y la obra del Zorzal Criollo a través de fotografías, documentos, objetos personales y material de archivo. La exposición pone en foco su trayectoria artística, su discografía, filmografía y el papel que desempeñó en la proyección internacional del tango como símbolo cultural. Puede visitarse a partir del 23 de junio en la planta baja de la SIGEN, Av. Corrientes 389, de lunes a viernes de 9:00 a 17:00, con entrada libre y gratuita. Permanecerá abierta durante los meses de junio, julio y agosto.

Martes 24 de junio:

• Recorrido guiado “Tango en el Casco Histórico”. A las 10 - Punto de encuentro: Balcarce y ChileCaminata que invita a redescubrir las raíces del tango porteño a través del Casco Histórico. Con inscripción previa.
• Muestra “Gardel Dibujado. Historietas e ilustraciones del Zorzal Criollo”. A las 16. Casa del Historiador. Exposición con parte de la Colección Ana Turón. Presenta materiales poco conocidos de colecciones públicas y privadas.
• Charla “Gardel en las historietas”, a las 17, en la Casa del Historiador. Conversación con Ana Turón y el historietista José Massaroli sobre la representación gráfica de Gardel.
• Charla “El Morocho del Abasto”, a las 17, en el Bar El Colonial. Disertación a cargo de Daniel Vega sobre la figura de Gardel y su impronta en la historia del tango.
• 90 años no es nada, a las 20, en el Centro Cultural 25 de Mayo (Triunvirato 4444). Acto central de la Semana Gardeliana. Donde Gardel cantó por última vez en Buenos Aires, el cantante y actor Oscar Lajad —protagonista de Cuando Frank conoció a Carlitos, estrenada en 2024 en el Complejo Teatral— junto a la Orquesta Aeropuertos Argentina interpretarán sus tangos más emblemáticos para hacer vibrar al barrio de Villa Urquiza.
• Conciertos Sandra Luna, Guitarras de Gardel y Hugo Rivas Cuarteto, a las 16, en el Museo Casa Carlos Gardel.
• Show musical Sandra Luna y las guitarras de Gardel. Gardel y Le Pera, a las 18, en el Museo Casa Carlos GardelShow musical de Hugo Rivas Cuarteto con dúo de cantores.
• Concierto Mica Sancho, a las 20:30, en el Bar La Poesía. Repertorio gardeliano en uno de los Bares Notables de San Telmo.
• Cine El día que me quieras, a las 15, en la Sala Leopoldo Lugones - Teatro San Martín. Proyección restaurada de uno de los clásicos del Zorzal Criollo.
• Cine Así cantaba Gardel + Cuesta abajo de Louis J. Gasnier
• a las 18 h - Sala Leopoldo Lugones - Teatro San MartínProyección restaurada protagonizada por Carlos Gardel.

Miércoles 25 de junio:

• Recorrido guiado “Presencia de Gardel”, a las 15. Punto de encuentro: Agüero y Humahuaca. Recorrido a cargo de Daniel Vega por los lugares emblemáticos del Abasto vinculados a Gardel.
• Concierto Dúo Cortelezzi Cáseres, a las 15, en el Espacio Cultural Carlos Gardel. Repertorio íntegramente dedicado a Gardel.
• Cine Así cantaba Gardel + Cuesta abajo de Louis J. Gasnier, a las 15 y a las 21, en la Sala Leopoldo Lugones - Teatro San Martín. Proyección restaurada protagonizada por Carlos Gardel.
• Cine Tango bar, a las 16.Espacio Carlos Gardel. La última película protagonizada por Gardel, con guión de Alfredo Le Pera y coprotagonizada por Rosita Moreno, Enrique de Rosas y Tito Lusiardo.
• Concierto Enrique Espinosa, a las 18. Museo Casa Carlos Gardel
• Concierto Marcelo Balsells y Oscar De Elía, a las 20. Claridge’s BarPresentación de piano y voz con tangos emblemáticos.
• Proyección de El sonido de antes de Yael Szmulewicz, a las 20. Centro Cultural 25 de Mayo.

Jueves 26 de junio:

• Concierto Orquesta del Tango de Buenos Aires, a las 13. Hall Alfredo Alcón - Teatro San Martín. Repertorio gardeliano interpretado por la orquesta estable de la Ciudad.
• Gardel y los barrios. Roberto Minondi y Las guitarras de Gardel, a las 18. Casa del Historiador. Con Roberto Minondi, Las Guitarras de Gardel y Mariano Escobar. Con inscripción previa.
• Charla “Tras los pasos de Gardel”, a las 18. Bar La Poesía. Disertación de Horacio Spinetto sobre los recorridos urbanos de Gardel.
• Cine El día que me quieras, a las 18. Sala Leopoldo Lugones - Teatro San Martín. Tercera entrega del ciclo cinematográfico en copia restaurada.
• Concierto Daisy Lombardo y Ariel Pirotti, a las 21. Las Violetas. Dúo en piano y voz con un repertorio dedicado al tango.

Viernes 27 de junio:

• Concierto Orquesta del Tango de Buenos Aires con Guillermo Fernández
• , a las 20. Centro Cultural 25 de MayoPresentación especial dirigida por los maestros Néstor Marconi y Juan Carlos Cuacci, con la voz de Guillermo Fernández.
• Concierto Mirta Álvarez y Walter Castro
• , a las 20. Confitería Saint MoritzConcierto íntimo con guitarra y bandoneón en homenaje a Gardel.

Sábado 28 de junio:

• Jornada especial en el Polo Bandoneón. Desde las 11. Polo Bandoneón. Actividades especiales en homenaje a Carlos Gardel: A las 11, Masterclass sobre las guitarras de Gardel a cargo de Armando de la Vega, A las 11, Ensamble orquestal y charla sobre la importancia de la melodía gardeliana a cargo de Leonardo Marconi. A las 13:30, Gardel intérprete a cargo de Eduardo Pulis. A las 13:30, Gardel para niños, charla didáctica a cargo de Amelia Jurado. A las 14, Masterclass sobre la melodía de Gardel con violín solista, a cargo de Omar Randazzo, Cesar Rago y Rubén Jurado.
• Proyecciones especiales - Museo del Cine, a las 15. Así cantaba Carlos Gardel (1935) de Eduardo Morera. Recopilación de canciones interpretadas por Gardel que reflejan su carisma y legado. A las 16, Carlos Gardel, historia de un ídolo (1964) de Solly Schroder. Documental en blanco y negro con testimonios y material de archivo sobre la vida del artista.
• Concierto Flores para Gardel, a las 18:30. Espacio Cultural Marcó del Pont. Espectáculo musical con artistas invitados.
• Concierto Marina Ruiz Matta y Florencia Cozzani, a las 21, El Gato Negro. Dúo femenino que homenajea al Zorzal Criollo.
• Concierto Cardenal Domínguez, a las 21, Bar La Orquídea. Noche de tango con clásicos reinterpretados.

Domingo 29 de junio:

• Concierto “Cortelezzi Cáseres” en la Feria de Mataderos, de 11 a 18. Escenario principal de la Feria. Show con cinco músicos en escena y un repertorio íntegramente gardeliano.
• Concierto Tarde Gardeliana – Día del Cantor Nacional, a las 16. Anfiteatro del Parque Centenario. Espectáculo al aire libre con Las Guitarras Sensibles de Flores y los cantores Lautaro Mazza, Jesús Hildalgo y Alfredo Pittis.
• Encuentro musical en homenaje a Carlos Gardel, a las 16. Centro Cultural 25 de Mayo. A cargo de la agrupación Urquiza Coral.
• Proyecciones especiales - Museo del Cine, a las 16. Cuesta abajo (1934), de Louis J. Gasnier. Película protagonizada por Gardel, con escenarios entre Nueva York y París. A las 18, Melodía de arrabal (1933), de Louis J. Gasnier. Con Carlos Gardel e Imperio Argentina. Narra la vida de un cantor que encuentra en el amor una oportunidad de redención artística.
• Concierto “El alma aferrada” – Homenaje a Carlos Gardel, a las 17. Museo Fernández Blanco. El dúo Bernales Cativiela ofrecerá un concierto especial titulado El alma aferrada, evocando el célebre verso del tango Volver.
• Concierto Abel Roggántini, a las 19. Bar Imperio/ Hotel Savoy. Concierto de cierre de la Semana Gardeliana en otro Bar Notable de la Ciudad.
• Tangódromo gardeliano con la Orquesta Escuela de Tango Emilio Balcarce, a las 19. Espacio Cultural Julián Centeya. Presentación especial dentro del tradicional tangódromo dominical con un repertorio en homenaje a Carlos Gardel.
• Milonga del 25 con la Orquesta del Plata, a las 19. Centro Cultural 25 de MayoSe realizará la tradicional milonga en la Sala Redonda del Centro Cultural 25 de Mayo, coordinada por Julio Duplaa, y con la Orquesta del Plata en vivo.
• Milonga gardeliana con la Orquesta del Plata, a las 20. Espacio Cultural Carlos Gardel. Milonga especial con la Orquesta del Plata y una performance de tango a cargo del profesor Pablo Ruiz y su pareja, con repertorio íntegramente gardeliano.
• Presentación de la Orquesta Escuela de Tango Emilio Balcarce, a las 20. Centro Cultural CenteyaLa Orquesta Escuela de Tango Emilio Balcarce se presenta con Leo Fernández como invitado.
• DURANTE TODA LA SEMANA. Estantería gardeliana en la Biblioteca Pública Digital Jorge Luis Borges. Disponible en https://bibliotecadigital.bue.edu.ar. Selección especial de títulos vinculados a Carlos Gardel para disfrutar de su historia y legado desde cualquier dispositivo.

Fotos: Gentileza prensa Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires.

En un lugar es el más reciente trabajo discográfico de Nicolás Guerschberg, uno de los pianistas y compositores más reconocidos de Argentina que aquí plantea una conjunción de jazz, tango y música de cámara.

En este nuevo proyecto, Guerschberg se rodea de dos músicos de trayectoria: Daniel Pipi Piazzolla en batería y Mariano Sívori en contrabajo. Juntos conforman un trío que, según palabras del propio pianista, ha compartido escenarios y proyectos durante más de dos décadas, manteniendo una relación artística y personal que se refleja en la música. El disco incluye diez temas, entre los que se encuentran composiciones originales de Guerschberg, piezas de Piazzolla, Shostakóvich, Mozart, Ginastera, Stevie Wonder y Luis Alberto Spinetta, lo que evidencia la amplitud de influencias y la libertad estilística que caracteriza al trío.

La grabación de En un lugar se realizó en una sola sesión en vivo en Aguaribay Estudios, bajo la supervisión de Nicolás Kalwill. El trío eligió grabar sin separaciones físicas ni sobregrabaciones, buscando capturar la interacción y el diálogo espontáneo entre los músicos.

“Lo grabamos en una sola sesión en vivo, tocando juntos sin ningún tipo de separación en el escenario que tiene el estudio. Tampoco hubo sobre-grabaciones. Es la manera en que concebimos esta música, tocando juntos, escuchándonos y teniendo un diálogo constante de ideas y sonidos”, explica Guerschberg. El instrumento elegido para la ocasión fue un piano Fazioli de gran cola, único en el país, que aportó una sonoridad especial al registro.

El repertorio del álbum se compone de diez piezas: “Dilema”, “Dora’s vals”, “Yaco’s song” y “Milonga del adiós”, todas de autoría de Guerschberg; “Apocalipsis”, de Daniel Pipi Piazzolla; “Waltz 2”, de Dmitri Shostakóvich; “Lacrimosa”, de Wolfgang Amadeus Mozart; “Danza de la moza donosa”, de Alberto Ginastera; “Overjoyed”, de Stevie Wonder; y “Laura va”, de Luis Alberto Spinetta. Esta selección permite al trío transitar con naturalidad entre el tango, la música clásica y la improvisación jazzística, siempre con una atmósfera porteña como telón de fondo. “El trío tiene algo único que es la libertad y horizontalidad en la forma de tocar y expresarse”, afirma Guerschberg, quien destaca la madurez interpretativa alcanzada por el grupo en este momento de su carrera.

La presentación en vivo del álbum contará con la formación original del disco: Guerschberg al piano, Piazzolla en batería y Sívori en contrabajo. El concierto en BeBop Club representa una oportunidad para experimentar en directo la química y el entendimiento musical que el trío ha cultivado a lo largo de los años. “Durante más de dos décadas venimos compartiendo este trío de manera intermitente pero constante. Fueron apareciendo nuevas obras, cambiamos repertorio, recorrimos muchos lugares juntos”, relata Guerschberg, quien agradece a sus compañeros por el compromiso y apoyo constante.

La trayectoria de Nicolás Guerschberg abarca 25 años como integrante del sexteto de jazz Escalandrum, con el que ha recorrido escenarios nacionales e internacionales. Además, suma ocho discos solistas, entre los que se encuentra este nuevo lanzamiento. Como pianista, arreglador y director musical, ha colaborado con figuras de la talla de Ute Lemper, Richard Galliano, Paquito D’Rivera, Hermeto Pascoal, Concha Buika, Julieta Venegas, Marty Friedman, Elena Roger, Quinteto Astor Piazzolla, Susana Rinaldi, Raúl Lavié y Manolo Juárez, entre otros.

La edición de En un lugar marca un nuevo capítulo en la carrera de Guerschberg, quien expresa su satisfacción por haber concretado un proyecto largamente esperado. “Espero que disfruten de este trabajo que aguardó su momento para ver la luz, pero finalmente de la mano del Club del disco está disponible para todo el mundo”, concluye el pianista.

Entusiasmado, incluso emocionado, Marcelo Ezquiaga prepara los últimos detalles para su nuevo concierto: Gardel Pop. Será el domingo 22 de junio a las 19 horas en la Sala Ballena Azul del Palacio Libertad (anteriormente conocido como CCK), enmarcado en el Ciclo Esenciales del centro cultural.

“Es un concierto soñado en una sala en la que siempre quise tocar, la Ballena Azul del CCK. Somos un equipo grande de gente que lo prepara. Es muy lindo poder compartir con otros artistas porque siempre vas moldeando la propuesta para que encajen las personalidades artísticas y musicales”, cuenta el cantautor, productor y compositor que ha editado nueve discos de estudio, firmados con su nombre y antes, en los 90, como Mi Tortuga Montreux.

En breve se cumplirán noventa años de la muerte de Carlos Gardel. Fue en un accidente de avión en Medellín, Colombia, el 24 de junio de 1935. Tenía 44 años. Este concierto es un homenaje al gran cantante que busca reinterpretar su legado imaginando clásicos del tango en clave pop e indie. “Gardel para mí es el primer artista pop. Es alguien que para mi fue siempre un poco enigmático, siempre lo vi como alguien muy vanguardista y distinto de lo que es el tango en sí. Como un primer ídolo pop argentino.

Estará lleno de figuras invitadas: Kevin Johansen, Goyo Degano (Bandalos Chinos), El Príncipe Idiota, Tizishi, Dina, María Ezquiaga y Nicolás Kramer (El Robot bajo el agua), quienes “se sumaron re bien a la propuesta que era sacar a Gardel del tango y traerlo a un sonido mas actual y propio”.

“Es un trabajo plástico el de trabajar con artistas con una impronta tan marcada. Yo grabe hace unos 9 años ya el álbum Morocho que fue el homenaje a Gardel con una mirada para mí más actual y en él participaron cantidad de artistas muy admirados: Julieta Venegas, el mismo Kevin Johansen que va a estar en este concierto, Moreno Veloso, Ruben Albarrán de Café Tacvba, Chano, en fin, algunos amigos y otros que fui conociendo en el camino. Pero se aprende mucho", cuenta Ezquiaga.

El repertorio incluirá versiones renovadas de tangos emblemáticos como “Por una cabeza”, “Volver”, “El día que me quieras” y “Soledad“, entre otros, con arreglos originales e incorporando elementos de candombe, rumba y pop.

“Me atraía la idea de sacar a Gardel del sonido del tango que es algo que parece que es estático. Sin embargo son canciones y además tan buenas que creo que resisten cualquier transformación”, cuenta. El objetivo siempre fue que “sonara a algo de ahora, propio”, y si bien no cree en los homenajes tributo, aunque “es lindo tocarlos en mi casa”, asegura que siempre trata de “aportarles algo nuevo”.

“En este caso era cambiar todo menos las letras y los acordes y melodías. El resto son teclados, samplers, guitarras, en fin, con los instrumentos que tienen la música con la que crecí y con la que convivo siempre. Meter un bandoneón sería raro, amo ese instrumento pero no es tan habitual para mi, por eso no hay nada de eso. Está más cerca de Miranda (quienes también fueron parte de ese álbum) que de Troilo”, dice.

“Fue como un experimento lindo de hacer. Además de convertirlo en un disco abierto, siempre puedo repetirlo con artista nuevos, como en este caso, además de Kevin Johansen, se sumaron Goyo Degano de Bandalos Chinos, Mariano Príncipe Idiota o Mi amigo invencible, Dina, Tizishi, El Robot Bajo el Agua, María Ezquiaga (mi hermana)“, concluye el músico.

El concierto contará con la participación de músicos como Lucas Herbin en batería, Paco Arancibia en bajo, Francisco Funes y Victoria Sofía Hassler en guitarras, Valentín Cremona en teclados, Christine Brebes en violín y Fidel Makon Ramírez en trompeta. El vestuario estará a cargo de Daniela Bustamante, mientras que la producción general recae en Omara Barra y el propio Palacio Libertad.

*Gardel Pop de Marcelo Ezquiaga se presenta el domingo 22 de junio a las 19 horas en el Auditorio Nacional del Palacio Libertad (Sarmiento 151, CABA). El recital tiene ingreso gratuito. La reserva previa (hasta dos entradas por persona) se podrá gestionar de manera virtual desde este viernes 20, a partir de las 14 hs. Por otra parte, habrá un cupo de entradas que se entregarán de modo presencial en la boletería, el domingo 22 desde las 14 hs.

La Esquinita es un altarcito. Quiero decir, si en los cafés de Buenos Aires, en un rinconcito de los estantes detrás de sus barras, se veneran santos religiosos, imágenes paganas, fotos familiares, trofeos de campeonatos de algo y objetos en desuso, entonces el café bar La Esquinita, en su totalidad, es eso.

Según la liturgia de la Iglesia Católica, el altar es una mesa rectangular donde el sacerdote celebra la misa. Pues La Esquinita es un café rectangular. Ocupa la planta baja de un edificio de los años 60 que, en verdad, fue concebido para albergar a dos locales comerciales separados, pero que desde un principio funcionó como uno solo. Y fue un café bar de esquina.

La Esquinita está ubicada en la esquina noreste de la avenida Independencia y Tacuarí. Para muchos ese rincón pertenece a San Telmo. Pues no, es Montserrat. ¿Entonces San Telmo debe estar enfrente, al otro lado de Independencia? Tampoco, esa vereda le corresponde a Constitución. El límite este de San Telmo es la calle Piedras.

La confusión de límites surge porque la construcción de la Avenida 9 de Julio le hizo perder relevancia a los viejos contornos barriales. Mejor dicho parroquiales. Lo explico: en barriología y diversidad cultural, el historiador e investigador Ángel Prignano, revela que “la primera división por barrios de la ciudad de Buenos Aires surgió de la necesidad que tenían los españoles de reprimir el contrabando. Una forma de hacerlo era poner un territorio bien delimitado a cargo de una persona de confianza para que entendiera de celar el modo de vida de los vecinos”.

En 1734 el gobernador Miguel de Salcedo, cuando todavía no éramos Virreinato, creó ocho cuarteles o barrios y designó un comisario en cada uno de ellos. Señala Prignano que “treinta y cinco años después, por Real Cédula del 8 de julio de 1769, quedó oficializada la primera división eclesiástica con la creación de seis parroquias: San Nicolás, El Socorro, La Concepción, Montserrat, La Piedad y Catedral”.

Y fue Vértiz, ya como virrey del flamante Virreinato del Río de la Plata, en 1778, quien organizó administrativamente la ciudad en seis cuarteles cuyos territorios coincidieron con las parroquias mencionadas. De los nombrados, solo San Nicolás y Montserrat mantuvieron sus nombres. Un siglo más tarde de su creación, La Concepción se convirtió en Constitución.

La parroquia Purísima Concepción está ubicada en diagonal a La Esquinita. Según el sitio BA Iglesias, es la más antigua de la ciudad. El proyecto de construcción data de 1727. Finalmente, se inauguró en 1733. En 1740 se celebraron los primeros bautismos y en 1749 se la nombró viceparroquia de la Catedral. El templo que conocemos en la actualidad fue construido en 1862. Y su atrio fue recortado cuando se ensanchó Independencia.

Otro dato histórico significativo tiene que ver con un baldío, lindero a la iglesia, donde luego de la Batalla de Caseros, en 1853, sirvió de escenario de los fusilamientos de Ciriaco Cuitiño —comisario de Policía durante el gobierno de Juan Manuel de Rosas— y el mazorquero Leandro Antonio Alen, padre de Leandro N. Alem, quien luego cambió la última letra de su apellido para despegarse de ese pasado familiar rosista.

Los cadáveres de ambos militantes del gobierno destituido fueron exhibidos, a modo de ejemplo, en la Plaza de la Concepción, desaparecida como tal con la apertura de la Avenida 9 de julio.

El primer nombre del cafecito de la esquina de Independencia y Tacuarí fue, como correspondía, Bar Concepción. Luego, con su primer cambio de dueño, mutó a Facundito. Los datos los aportó Julián Méndez, quien junto a Daniel Cruz llevan 17 años al frente de La Esquinita. Julián y Daniel fueron quienes renombraron el lugar por última vez. Denominación más ajustada no pudieron encontrar.

La Esquinita abre de lunes a lunes, como le gusta decir a los gastronómicos dejando por sentado el sacrificio religioso que implica operar sus templos para nosotros, los devotos que deambulamos sin horarios en busca de cobijo y consuelo sobre sus mesas que nunca preguntan (Discépolo dixit).

Volví de visita a La Esquinita una mañana de entre semana. Era el turno de Julián, quien me recordó que el edificio que contiene al café fue proyectado originalmente como hotel alojamiento, pero que la presión de la parroquia lo impidió. Y puede ser. La fe católica afirma que María no fue alcanzada por el pecado original. Por lo tanto, los religiosos no iban a aceptar que huéspedes eventuales se alojaran para transgredir el dogma en turnos transitorios.

En La Esquinita todo el día suena la 2x4, la radio de tango que forma parte del sistema de medios públicos del Gobierno de la Ciudad. Me contó Julián que Antonio Dobal, el dueño que los precedió, fue tajante cuando les traspasó el negocio: “Acá la gente escucha tangos”. Y como ni Julián ni Daniel venían de la gastronomía no quisieron contradecirlo y ya van para dos décadas transmitiendo nuestra música popular.

Antes de hacerse cargo de La Esquinita, Julián Méndez manejó garajes y estaciones de servicio. Mientras que Daniel Cruz era productor de seguros. Amigos de muchos años andaban en busca de abrir un lavadero de ropa cuando se les presentó la oportunidad de hacerse cargo del café bar de Independencia y Tacuarí. Eran jóvenes con ganas de emprender, aunque sin capital.

Quien les tendió una mano fue el proveedor de café. Les prestó la cafetera, les proveyó de producto y les salió de garante. Si hay algo que los tostadores y vendedores de café necesitan son bocas de expendio.

Con el escaso presupuesto que disponían, Julián y Daniel mantuvieron el interiorismo del café. O sea, el mobiliario actual es el original. Al menos, el que tenía en uso Antonio Dobal. La Esquinita como cafetín no desentona en nada. Ventanas guillotina, cortinas por la mitad, una barra revestida en madera con cinco butacas fijas forradas en cuerina. Un café puro que charla con la antigüedad del edificio y que exhibe en las paredes a gran parte de la memorabilia porteña.

El nombre La Esquinita, entonces, fue una decisión de Julián y Daniel. También convocaron a Miguel Ángel —pavada de nombre para ejercer como artista y pintor de una barriada—, un letrista de la vuelta, quien intervino las vidrieras. Todo lo demás, como sucede con todos los cafés de Buenos Aires, lo hacen los parroquianos.

Le pregunté a Julián por la marcha del negocio. “Vivimos”, sintetizó para luego de una breve pausa agregar “la contra es que se nos mueren los clientes”. La clientela actual de La Esquinita son remiseros que llevan su auto al lavadero cercano, estudiantes universitarios, turistas de hostels y la feligresía religiosa de la Concepción a la salida de misa. Doy fe. Durante mi paso vi pasar un poco de todo eso. A lo que hacía referencia Julián es que la masa crítica, esa que conforman los vecinos que hacen la diaria, va partiendo al otro plano y no se les renueva.

En los últimos años, por ejemplo, perdieron a Gabriel, un músico que se tomaba siete cervezas de tres cuartos por día. Cuatro antes del mediodía y las restantes a la tarde. Otros que dejaron su huella fueron una pareja de abuelos que iban todos los días. “Dame un veneno”, ordenaba él. La referencia tóxica era para la cerveza. “Esto es una porquería” repetía luego de cada trago. Venenoso, pero económico. “¿Cuántos pueden dejar cinco lucas por día hoy en un café?”, se pregunta de manera retórica Julián.

Una noche de frío los abuelos se fueron a dormir, pero antes cerraron bien todos los ingresos de aire de su departamento. Una mala combustión de gas se los llevó para siempre. La nieta, en homenaje a la fidelidad de sus nonos con La Esquinita, les llevó de regalo el bastón y el sombrero de uso diario. Ambos objetos son parte de los recuerdos exhibidos dentro del local.

Como escribí antes, La Esquinita funciona de altarcito porteño. Entrar al café es introducirse en una performance en vivo. Es como formar parte de un pesebre viviente frente a la casa de la Inmaculada Concepción. En cada centímetro cuadrado de las paredes, en los estantes y en el espacio disponible de la barra, hay un objeto que nos trae el recuerdo de tiempos vividos.

Hay fotos de Gardel, Pugliese, Troilo, Olmedo, Diego Maradona y Ricardo Bochini. También libros, revistas, chapones de antiguas publicidades, planchas, radios Spica, discos de vinilo, boletos de colectivos, afiches y fileteado porteño. En fin, una Capilla Sixtina Porteña pintada por un Miguel Ángel de Catedral al Sur.

Antes de terminar estas líneas, no puedo ignorar que hoy es el Día del Padre. ¿Acaso hubiese sido la oportunidad para narrar algún encuentro cafetero con mi viejo? Es cierto. Como que también ya lo recordé en la nota sobre el Bar El Motivo.

Sin embargo, La Esquinita no elude la celebración familiar. Todo lo contrario. Alude al Padre Supremo. Y es por eso que la traje a cuento. ¿Recuerdan que les hablé que este café está ubicado en la Avenida Independencia y Tacuarí, en diagonal a la Purísima Concepción? Y que también mencioné la presión que ejerció la parroquia para que no se instale un Hotel Alojamiento que mancille el dogma religioso.

Pues parece que la gracia divina fue un poco más allá. Porque La Esquinita, siendo el Bar Concepción, tuvo su nacimiento como es lógico. ¿Y a que no saben cómo se llamó ese primer dueño que abrió un café frente a la Inmaculada Concepción? Pues Jesús, obvio. Don Jesús Álvarez. En Buenos Aires el café es religión.

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Todos nacieron en 1993: apenas cuatro años después de la caída del Muro de Berlín. Los cuatro niños polacos, Michał Główka, Jakub Czechowicz, Marcin Antkowiak y Marek Dolecki, se criaron en Poznan, una ciudad ubicada en la Polonia occidental, a medio camino entre Berlín y Varsovia, lo que la convirtió en un lugar estratégico en lo geopolítico. Polonia tiene una larga y rica tradición de música folklórica, con géneros como la mazurca, la polonesa y el krakowiak, entre otros, como también de música clásica y orquestas sinfónicas y de cámara. No es común que alguien de allí escuche tango, esa música que suena a más de 12 mil kilómetros, originada en un país remoto llamado Argentina. Y, menos aún, que hagan de esa música rioplatense, la que conquistó el mundo con Carlos Gardel, Francisco Canaro y Astor Piazzolla, con cumbres como La cumparsita, Volver y El día que me quieras y con el baile como estandarte, que hagan de esos sonidos arrabaleros una identidad musical en un nuevo y exótico país del centro europeo.

Hay varios historiadores que marcan, en Polonia, el grado cero del cambio de época tras el fin de la llamada Guerra Fría. Sin ir más lejos el mismo año de la caída del Muro, en junio de 1989, en Polonia el movimiento sindical “Solidaridad”, de Lech Valesa, obtuvo una victoria aplastante en dos rondas de elecciones parlamentarias allanando el camino hacia el desmoronamiento del comunismo. Poznan, desde aquellos tiempos, es una importante sede urbana para las academias, las ciencias, la cultura y los deportes. Miles de estudiantes polacos como extranjeros pueblan los distintos centros docentes y científicos, en una vida cultural y estudiantil que tiene un peso gravitatorio con veinte museos, cinco teatros, un auditorio de ópera y salas de conciertos. En esa ciudad de hoy 550 mil habitantes nacieron y se formaron Michał Główka, Jakub Czechowicz, Marcin Antkowiak y Marek Dolecki y en 2010 sacudieron el tablero: no irían a tocar la música polaca ni la música sinfónica europea sino que armaron una banda de tango. Con Michal en bandoneón y acordeón, Jakub en violín, Marcin en contrabajo y Marek en piano, por entonces brotaba Bandonegro: un cuarteto de talentosos jóvenes polacos tocando tango.

“En su música combinan magistralmente la elegancia del jazz europeo con el espíritu apasionado de Buenos Aires. ¡Realmente extraordinario!”, se maravilló de inmediato Pablo Ziegler, pianista, compositor y arreglista argentino ganador del Grammy. “Una energía sin igual y un sonido excepcional. ¡Son cuatro pero suenan como una orquesta de diez personas!”, acotó Nito García, legendario bailarín argentino. “Vuestra música conmueve los corazones. ¡Estoy feliz de haber podido escucharos!”, sumó Fernando Suárez Paz, eslabón fundamental del Astor Piazzolla Quinteto, antes de fallecer en 2020. “¡No sabía que los polacos tocan tan bien tango! Gran respeto”, se emocionó al escucharlos José Colángelo, último pianista de la orquesta de Aníbal Troilo.

“Nuestra historia no es sólo la de un grupo que se enamoró del tango. Es también una historia de amistad, familia, responsabilidad y decisiones cotidianas que forman la vida de quienes tocan una música nacida al otro lado del mundo”, dice Michał Główka. Los artistas llevan tocando muchos años juntos: se conocieron de pequeños en la escuela primaria y desde allí estudian música. En ese entonces, nadie imaginaba que algún día estarían tocando en los festivales de tango más importantes del mundo. “Desde aquel momento, todo ha cambiado: crecimos, formamos familias, construimos nuestras vidas. Pero algo permanece intacto: seguimos siendo una banda y un grupo de amigos que sabe trabajar en equipo”, agrega Marek Dolecki. Los cuatro se graduaron entre las Academias de Música de Poznan y Bydgoszcz. Todavía viven en Poznan y no pasa semana sin que se dejen de ver. Ensayos, grabaciones, conciertos y reuniones con el tango como eje. En los últimos tiempos, incluso, organizaron un festival de tango: el Gotango Poznań Festival. Hoy, en su repertorio, tienen sus propias composiciones inspiradas en el legado argentino.

Lo primero que escucharon en el tango fue a Astor Piazzolla, entre clases y materiales que circulaban de boca en boca. No fue sólo una escucha, sino una emoción: la piel de gallina en escuchar al músico que deslumbró Europa y revolucionó el tango. Todos dicen que empezaron a estudiar música desde el 2000: fueron a una escuela que combinaba educación general con formación musical. Allí, cada uno encontró su instrumento: el violinista y el pianista fueron asignados desde el principio, mientras que los demás eligieron después. “Desde niños nos unía la música, pero también una amistad profunda. Jugábamos al fútbol, compartíamos tardes enteras, nos entendíamos sin palabras”, comenta Jakub Czechowicz.

En 2010, durante las vacaciones de invierno, Marcin Antkowiak tocó por primera vez la música de Piazzolla junto a una orquesta de cámara y un bandoneonista invitado. Interpretaron piezas como Oblivion, La Muerte del Ángel y Las Estaciones Porteñas. Al mismo tiempo, Michał Główka, acordeonista, escuchó en un festival a un conjunto polaco, Tangata Quintet —inspirado en el quinteto de Piazzolla—, liderado por Klaudiusz Baran, uno de los primeros bandoneonistas en Polonia y actual rector de la Universidad de Música Fryderyk Chopin en Varsovia, la academia de música más prestigiosa del país. “Aquellos momentos nos marcaron. Al regresar a clase, decidimos formar un grupo, como forma de rebelión contra el sistema académico clásico y solista. El tango, con su energía y complejidad, nos pareció exótico, vivo, diferente”, expresa Marcin.

Al final de sus estudios, entonces, fueron a fondo: se dedicaron profesionalmente al tango. Se metieron con la historia del género, a analizar los estilos de las orquestas clásicas, y luego, paso a paso, a construir su propio lenguaje. “Fusionamos el tango con sonidos modernos, creando algo a la medida del siglo XXI. Queremos romper con los estereotipos, rejuvenecer el tango, conquistar a las nuevas generaciones”, define Michał Główka, quien recuerda sus primeros concursos, primero locales, después nacionales. “Pero nos dijeron que, sin un profesor oficial, no podíamos participar formalmente. Tras muchas charlas con la dirección de la escuela, conseguimos a la persona adecuada y seguimos adelante. A medida que fuimos teniendo buenos resultados, era natural buscar nuevos desafíos. En 2011 viajamos a Castelfidardo, en Italia, la capital europea del acordeón, y ganamos el concurso en la categoría ‘Música de Astor Piazzolla’. Allí, nuestro acordeonista también tocó por primera vez un bandoneón. Fue un momento clave”.

Tenían 18 años y habían ganado reconocimiento internacional. Desde ese momento, comenzaron una intensa actividad de conciertos para, según sus propios objetivos, “promover la cultura del tango en Polonia”. Brillaron en escenarios más grandes como los de Varsovia (Teatr Roma), Cracovia (Teatro Juliusz Słowacki), Wrocław (Ópera de Wrocław), Gdańsk (Filarmónica del Báltico), Łódź (Filarmónica de Łódź) y Poznań (Sala Ziemi). “Para nosotros fue como formar una banda de rock en la secundaria: una manera personal de buscar libertad artística”, bromea Marek Dolecki.

Se ríen cuando hablan de las costumbres argentinas. Es la tercera vez que visitan el país y además de una presentación en la embajada de Polonia, tocaron el miércoles a la noche a sala llena en un concierto en Bebop, refugio del jazz en Buenos Aires, donde presentaron su último disco, Tanuevo. “Siempre estamos en movimiento. Lamentablemente, al día siguiente del concierto en Buenos Aires ya tomamos un vuelo de regreso a Europa, porque el sábado tocamos en Sofía, Bulgaria. Tenemos muchos planes de conciertos, también relacionados con el lanzamiento del álbum. Haremos el concierto de estreno en nuestra ciudad natal el 29 de agosto. Y a finales de este año, realizaremos una gran gira por Japón, donde también presentaremos nuestro tango original”, expresa Marcin Antkowiak.

Los cuatro jóvenes treintañeros, rubios europeos sin fisonomía rioplatense, vestidos elegantemente de camisa y pantalón, peinados a la moda y con anteojos snob, toman mate, son fanáticos del fútbol argentino y hasta el contrabajista y compositor Marcin Antkowiak se animó a tomar clases de baile de tango. Remarcan una idea de comunidad, de pequeño núcleo fogueado en las raíces polacas pero con vuelo internacional. Cuentan que el contrabajista tiene esposa y tres hijos. El pianista y el violinista también están casados, y ambos esperan su primer bebé. El bandoneonista parece ser el espíritu libre del grupo: siempre listo para viajar, siempre en movimiento. Cada uno aporta algo más al proyecto, más allá del sonido de su instrumento: el violinista se encarga de las redes sociales y la comunicación, el bandoneonista de las ventas y el networking, el pianista de las finanzas y la contabilidad, y el contrabajista —además de componer— también gestiona la parte tecnológica, el sonido y el sitio web. “Somos como una pequeña empresa bien organizada, pero con alma y sueños”, sintetiza Jakub Czechowicz.

Sin nunca abandonar su base en el tango, Bandonegro se orientó cada vez más hacia la música para cine y teatro, creando la banda sonora de la película Tanze Tango mit mir (2021) para ARD Mediathek y proporcionando sus composiciones para la serie Alphonse (2023), producida por Amazon Prime France. Además, la banda ha sido becaria del Presidente de la Ciudad de Poznan por sus destacados logros artísticos y también ha sido galardonada con la Medalla de Arte Joven, que honra a artistas talentosos de la Gran Polonia. Desde hace unos, en rigor, la Embajada de Argentina en Polonia ha asumido el patrocinio honorario de las actividades de la banda. En su descubrimiento de Argentina, los músicos polacos dedicaron dos temas en el último disco a paisajes regionales. Uno llamado Cuyo y el otro Patagonia. Así lo explica Marcin Antkowiak: ”En nuestros comienzos, como nuestra música estaba muy influenciada por la cultura argentina, decidí abrir un mapa del país y buscar un nombre que sonara bien y tuviera cierta resonancia. Así fue como descubrí la región de Cuyo. El nombre me pareció perfecto: musical, misterioso y profundamente argentino. Patagonia, en cambio, recibió su nombre gracias a Daniel “Pipi” Piazzolla, nieto de Astor. Antes de grabarla, esta pieza tenía un título provisional, relacionado con la calle donde habíamos encontrado una nueva sala de ensayo. Pero una vez que terminamos de grabarla en Fort Music Studio y fuimos a escucharla en la sala de control, Pipi dijo de inmediato: “¡Esto suena a Patagonia!” Y tenía toda la razón. La música tenía esa sensación de amplitud, paisaje y melancolía que uno asocia con esa región”.

“La cultura del tango nos ha recibido con los brazos abiertos. No nos sentimos ajenos, sentimos que somos parte de esta comunidad. Para muchos argentinos es una sorpresa ver a cuatro europeos que no sólo quieren tocar bien, sino que también comprenden el alma de esta música. Para nosotros, eso es un gran honor”, subraya Marek Dolecki. El camino, sin embargo, fue arduo. “Claro que no siempre fue fácil –agrega Michał Główka–. El momento más difícil fue cuando tuvimos que decidir si queríamos vivir exclusivamente de este proyecto, dejar otros caminos profesionales y apostar todo: el tiempo, el dinero, el corazón. Sabíamos que, para llegar a los escenarios más importantes del tango, teníamos que estar completamente comprometidos. Y eso implicaba riesgos. De vez en cuando volvemos a ese tipo de decisiones: cómo seguir creciendo, en qué invertir, qué rumbo tomar. Pero el hecho de que nos conozcamos desde hace tanto tiempo, que hayamos pasado por tantas etapas de la vida juntos, nos da fuerza y la capacidad de llegar a acuerdos”.

Hasta el momento, Bandonegro ha lanzado cinco álbumes a través de discográficas polacas premiadas como Dux, Sj Records y Rec Art. Su álbum original Hola Astor, que combina tango con elementos de jazz y rock, fue considerado por los críticos internacionales como una revolución del género. Su último disco, Tanuevo, según ellos, apuesta a combinar la esencia del “tango nuevo” con jazz y música minimalista. Las grabaciones se realizaron en el icónico Fortmusic Studio en Buenos Aires, con la participación especial de músicos de jazz argentinos, incluyendo a Pipi Piazzolla y destacados productores musicales como el Club del Disco. En sus giras cosmopolitas se presentaron en más de treinta países en cuatro continentes, en festivales de tango y prestigiosos escenarios mundiales de Estados Unidos, Canadá, Taiwán, Indonesia, Alemania, Dinamarca y Portugal, entre otros. Fue en 2019 que el público argentino quedó impactado por su performance. Allí realizaron una gira de cinco semanas en Buenos Aires, actuando en clubes icónicos como Salón Canning y La Viruta, y en el festival Argentina Tango Salón. Una versión de la pieza Gallo Ciego, de Osvaldo Pugliese, interpretada por los polacos, todavía se sigue recordando como un acontecimiento singular durante las finales del Mundial de Tango de Buenos Aires.

Pasión y fronteras trashumantes, la vieja guardia y los sonidos contemporáneos; el tango como lenguaje en común, cruce de sentimientos y costumbres y la música, en definitiva, como elemento universal, capaz de unir culturas tan diversas y remotas. “El tango nos ha dado no sólo música, sino, sobre todo, personas. Gracias a él conocimos a gente maravillosa en todos los continentes. Y aunque a veces nos separan los idiomas o miles de kilómetros, nos une la sensibilidad, la apertura y la convicción de que la música realmente puede acercar culturas. Hoy sabemos que el tango no es sólo un estilo musical. Es una forma de vida”, concluye Marcin Antkowiak, en un nuevo amor que se consolida entre Argentina y Polonia.

Bandonegro emergió como una forma de expresión artística entre amigos que se conocieron desde pequeños en la escuela de su ciudad natal, Poznań, ubicada en el oeste de Polonia y famosa por la belleza del casco antiguo y una activa vida universitaria. Influenciados inicialmente por la música de Astor Piazzolla, vieron el tango como una alternativa fresca y libre en lugar de la clásica educación solista.

En diálogo con Infobae Cultura, Marcin Antkowiak describe su proceso compositivo como “intuitivo y emocional”, influido por diversos géneros y músicos, entre ellos el jazz, la música clásica y la electrónica. Y Michał Główka relata su acercamiento al bandoneón como una experiencia inspiradora, cargada de deseo y descubrimiento.

—¿Qué los llevó a enamorarse del tango desde un lugar tan distante como Polonia?

—Marcin Antkowiak: Bandonegro nació como una forma de libertad artística. Fundamos la banda en 2010, todavía en la secundaria. El tango nos pareció entonces algo exótico y libre. Fue nuestra forma juvenil de rebelarnos contra el sistema de educación clásica solista, como si estuviéramos formando una banda de rock. Con el tiempo descubrimos todo un universo del tango y nos enamoramos completamente.

—¿Qué representa Tanuevo para el grupo y qué buscaban explorar a nivel musical?

—Marcin Antkowiak: es nuestro proyecto más personal, ya que incluye material original. Por un lado, rendimos homenaje a la tradición, inspirándonos en la rica cultura del tango; por otro, construimos un nuevo lenguaje, contemporáneo y lleno de emociones. Queríamos mostrar que el tango puede ser fresco, auténtico y cautivador también hoy, incluso si nace al otro lado del mundo.

—¿Cómo fue esa experiencia de trabajar con músicos argentinos y qué aportaron al universo sonoro de Bandonegro?

—Marcin Antkowiak: Para nosotros fue un sueño hecho realidad. Pipi y Lucio aportaron a nuestra música no solo virtuosismo, sino también una comprensión profunda del espíritu de Buenos Aires. Mis composiciones naturalmente beben del legado de Astor Piazzolla, por eso Pipi era para nosotros la persona ideal con quien colaborar. Desde los primeros ensayos sentimos que había un verdadero diálogo a través de los sonidos.

—¿Qué significa para ustedes presentar este material en Buenos Aires, la cuna del tango? ¿Cómo imaginan ese encuentro con el público local?

—Michał Główka: Es un gran honor, pero también una gran responsabilidad. Presentar el álbum en la cuna del tango es, ante todo, la realización de un sueño que hace 15 años parecía muy lejano y que hoy se convierte en realidad. También es una oportunidad para compartir nuestra contribución a la cultura del tango, que nació en la región del Río de la Plata.

No será nuestro primer encuentro con el público local, ya que vinimos por primera vez a Buenos Aires en 2019 y en esa ocasión tocamos en 17 milongas con un repertorio tradicional.

Estábamos un poco asustados por la reacción del público local: “¿Qué dirán los argentinos, que cuatro jóvenes músicos de Polonia tocan su música?“, pensábamos. Pero ya después del primer tema, los miedos desaparecieron. La reacción del público fue sumamente entusiasta y cálida, fuimos recibidos con los brazos abiertos. Nos sorprendió de forma positiva. Espero que esta vez sea igual — o incluso mejor.

[Fotos: prensa Bebop]

El hallazgo de antiguos arreglos musicales en un placard familiar marcó el inicio de un proyecto que, años después, se transforma en un disco póstumo del notable bandoneonista Julio Pane, muerto el 12 de junio de 2024, uno de los grandes músicos del tango argentino contemporáneo. Ahora, la orquesta típica que lleva su nombre y está dirigida por su hijo Leandro “Yoyo” Pane presentará Legado Pane el miércoles 11 de junio en el mítico Salón Marabú (Maipú 365, CABA) en la víspera del primer aniversario del fallecimiento del maestro.

Leandro Pane, quien representa la continuidad de una tradición familiar que abarca varias generaciones (su abuelo Francisco y su tío abuelo Vicente también fueron bandoneonistas), contó que descubrió en un placard los arreglos originales que conforman el disco, los transcribió y luego los compartió con su padre, quien se entusiasmó con la idea de formar la orquesta y grabar el material. “Allí nos aventuramos en un viaje único donde mi viejo dejó que fluyera toda su preciosa inspiración llena de gorriones; de que me despertara a las 4 de la mañana porque no quería que se le olvidara una idea y sentarnos a escribir hasta cualquier hora”.

El proceso de creación del disco implicó muchas horas trabajo conjunto entre padre e hijo. “Fueron largas jornadas, días, meses y años para el resultado que hoy se puede escuchar. Su exigencia siempre fue máxima”, expresó “Yoyo”.

El disco, que lleva el sello personal del estilo tan personal que plasmó Julio Pane a lo largo de 5 décadas, incluye homenajes a su familia, la amistad y los recuerdos de su infancia. Entre las piezas destacadas se encuentran “Recuerdos de una tarde”, un vals compuesto por Francisco Pane; “A los Cayumbos”, una milonga dedicada a la hermana, el sobrino y el cuñado de Yoyo; “Milonguetta para Taranta”, dedicada a Osvaldo Tarantino; y “De Profesión Tango”, compuesta en honor a Leopoldo Federico. Además, el álbum incluye “A las Orquestas”, inspirada en la infancia de Julio Pane en Radio El Mundo, y “Negro nacarado”, un tango que Néstor Marconi dedicó al propio Julio. El álbum completo estará disponible a partir de este viernes 6 de junio.

La ficha técnica del disco incluye once temas, entre los que figuran tangos, milongas y un vals, con composiciones de autores como Pedro Laurenz, Maruja Pacheco Huergo, Virgilio San Clemente, Agustín Bardi, Astor Piazzolla, Gerardo Matos Rodríguez, Pascual Contursi, Enrique Pedro Maroni, Néstor Eude Marconi y Eduardo Héctor Lettera. La orquesta cuenta con una formación de cuatro bandoneones, cuatro violines, viola, violonchelo, contrabajo, piano, flauta y arpa, con la participación de músicos como Darío Jozami, Martín Benedetti, Humberto Ridolfi, Christine Brebes, Gemma Scalia, Javier Rodriguez Kase, Rubén Jurado, Martín Baldi, Jorge Bergero, Manuel “Popo” Gómez, Horacio Cabarcos, Fernando Marzán, Maia Perduca y Sarah Stern.

Sobre esta grabación que se publicará el viernes, Julio Pane relató: “Mi hijo descubrió todo este repertorio que estaba perdido para orquesta y que fui escribiendo durante años. Y me di cuenta que era una síntesis de todo lo que escuché en mi vida. Es la clásica orquesta de tango en un formato que se fue dando entre los ‘40 y los ‘50. Estas formaciones por lo general eran bailables, aunque con el vanguardismo se empezó a ejecutar con otras ideas, a partir de Piazzolla y Salgán. Me parece que el equilibrio orquestal de bandoneones y cuerdas es muy proporcionado. Lo más importante para mí es poder haber logrado un estilo y eso queda a juicio de los escuchas”.

Quién fue Julio Pane

Julio Oscar Pane nació en Buenos Aires en 1947, y se sumergió en el mundo del tango desde muy joven, influenciado por su entorno familiar. Comenzó sus estudios en 1964 bajo la tutela de Julio Ahumada, una figura prominente del género, y mantuvo esta relación hasta 1968. Poco después, se sumó al prestigioso local El Viejo Almacén y posteriormente a Caño 14, lo que marcó el inicio de una asociación con algunas de las orquestas más memorables del tango, como las de Horacio Salgán, Osvaldo Manzi y el Sexteto de Astor Piazzolla, entre otras.

En 1983, Pane se convirtió en el primer bandoneón solista de la Orquesta del Tango de Buenos Aires, bajo la dirección de Raúl Garello y Carlos García. En 1989, después de tres décadas sin incluir un segundo bandoneón en sus formaciones, Astor Piazzolla lo eligió para integrar su último sexteto, con el que grabó un memorable disco en vivo y realizó giras internacionales. Además de su carrera como intérprete, destacó como docente, influyendo en una nueva generación de solistas, entre los que se encuentran Marcelo Nisinman y Pablo Mainetti.

“El fraseo de su bandoneón recorre variados caminos, que al transitarlos, nos ofrecen una infinidad de climas donde el sentimiento del artista combina las delicadas formas de Pedro Maffia con la pereza rezongona de Aníbal Troilo y el vigor contemporáneo de Astor Piazzolla”. Así lo definió el coleccionista, historiador y director del sitio web todotango Ricardo García Blaya. “Pane fue el último eslabón de una cultura centrada en el fueye, con su moral, su filosofía y su nostalgia”, escribió sobre él el periodista y melómano tanguero Julio Nudler.

[Fotos: prensa Orquesta Típica Julio Pane; gentileza Karina Nisinman]

Organizado por Casa de América de Madrid y el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, el festival persigue fortalecer los lazos culturales entre ambas ciudades.

Durante eta semana, la convocatoria ha puesto el foco en dos expresiones artísticas emblemáticas de la cultura argentina: el tango y el filete porteño, ambos reconocidos por la UNESCO como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.

El programa ha abierto un espacio para el tango con humor de las Hermanas Rubí, el concierto Sueño al Sur, dedicado al tango y al folclore argentino y para clases abiertas de tango y milonga para todos los niveles.

También para los amantes del fileteado, la popular técnica que permite crear diseños ornamentales y tipográficos con pinceles finos.

La agenda, que concluirá este fin de semana, incluye la exposición fotográfica Urbana BA III y la proyección de cinco películas en el marco del ciclo Buenos AIres Film Commission, como el clásico 'Camila', de María Luisa Bemberg.

Esta iniciativa, que se celebra por tercer año consecutivo, busca consolidarse como una plataforma de intercambio artístico entre Madrid y Buenos Aires, y reafirma el compromiso de ambas ciudades con la promoción de la cultura iberoamericana, según los organizadores. EFE

“Alguien dijo una vez que yo me fui de mi barrio. ¿Cuándo? ¿Pero cuándo? Si siempre estoy llegando“, comentó una vez Aníbal Troilo. Este 18 de mayo, se conmemoran ni más ni menos que 50 años de la muerte del bandoneonista nacido en el Abasto. Y, mientras en todas partes del mundo se lo homenajea recordando su obra, en la Argentina su familia se lamenta porque aquella casa de la calle José Antonio Cabrera 2937, donde nació, ya no existe.

“La casa natal fue demolida hace unas dos semanas. Lamentablemente, nadie dio aviso de que esto iba a suceder. Estaba declarada de Interés Cultural por la Legislatura Porteña, pero parece que se hizo caso omiso a esa ordenanza y se perdió ese lugar histórico”, explica en diálogo con Infobae Francisco Torné, nieto del creador de Barrio de Tango y Garúa, entre otros tantos clásicos de la música ciudadana.

El maestro había llegado al mundo en ese domicilio el 11 de julio de 1914, como fruto del matrimonio de don Aníbal Troilo y Felisa Bagnoli, quienes también tenían a Marcos y Concepción. Fue su padre quien lo apodó Pichuco. Y fue su madre quien, cuando él tenía apenas 10 años y ella ya había enviudado, le compró el primer bandoneón por 140 pesos de entonces a pagar en 14 meses, lo que resultó una ganga ya que después de la cuarta cuota el vendedor desapareció.

La vivienda había sido vendida por la madre del músico allá por los años ’30 y, después, fue cambiando de propietario hasta que el último decidió tirar abajo la construcción. Sin embargo, todavía permanece en pie la casa de la calle Soler 3280, donde se crio. “Ahí desarrolló toda su infancia y vivió con su mamá, hasta que se casó con mi abuela. A ella le dedicó el tango Nocturno a mi barrio. Y también fue declarada de Interés Cultural en 2008, gracias a un movimiento que hizo como legislador el Chango Farías Gómez junto al maestro Raúl Garello”, explica Torné.

Y agrega: “Esa casa también había estado a punto de ser demolida. Había pertenecido a la familia Troilo y después a una sobrina, que la vendió a un particular. Y a lo que nosotros aspiramos es que, alguna fundación o algún empresario, tengan el mismo gesto que tuvo Eduardo Eurnekián con la casa de Carlos Gardel, que la compró y la donó al Gobierno de la Ciudad para que hiciera un museo. Tenemos la ilusión de que, ahí, se haga el Museo Aníbal Troilo dedicado al bandoneón. Así que, esperemos que por una vez, podamos preservar el patrimonio de artistas que son inmortales”.

Pichuco debutó a los 11 años en un bar pegado al mítico Mercado del Abasto, luego integró una orquesta de señoritas y, cuando cumplió los 14, formó su primer quinteto. Tocó junto a Osvaldo Pugliese, Juan Pacho Maglio, Julio de Caro, Juan D’Arienzo, Ángel D’Agostino, Juan Carlos Cobián y grabó a dúo con el maestro Astor Piazzolla. Hasta que el 1 de julio de 1937 debutó con su Orquesta Típica en la boite Marabú, junto a Orlando Goñi, Enrique Kicho Díaz, Roberto Gianitelli, Juan Miguel Toto Rodríguez y el cantor Francisco Fiorentino. Y, con el tiempo, cantaron junto a él Roberto Rufino, Roberto Goyeneche, Elba Berón, Tito Reyes y Nelly Vázquez. Pero, entrados los años ‘60, decidió empezar a correrse del rol de ejecutante para dedicarse de lleno a la dirección.

El 3 de noviembre de 1966, Troilo se casó por iglesia con la griega Ida Dudui Calacci, a quien todos conocían como Zita. La relación había empezado unas décadas antes, allá por el año 1938, cuando ella lo había ido a ver tocar junto a su madre y él quedó prendado por sus encantos. ¡Si hasta dejó, aunque con algunas excepciones, sus noches de bohemia y whisky por estar a su lado! Decía que, después de haberse cruzado con ella, se había acabado el planeta para él. Y no tardaron en empezar a convivir.

En tanto, el 3 de agosto del año 1971, finalmente, ambos dieron el sí por primera vez en el Registro Civil de Buenos Aires. Aunque, según cuenta la leyenda, también habrían concretado otras bodas previas vía México y Uruguay, ya que ella estaba separada de su primer marido y la ley local recién le permitió formalizar su pareja con Troilo cuando enviudó.

“Él no tuvo hijos. Pero su esposa tenía una hija, Edith, de un matrimonio anterior. Y ella nos tuvo a mis hermanos, Edith y Juan Carlos, y a mí. O sea que yo soy nieto de Zita por parte de madre. Y Pichuco es mi abuelo político. Pero nunca hubo un planteo sobre ese tema. Y él siempre trató a mi mamá como si fuera su hija y a nosotros como si fuéramos sus nietos de sangre”, explica Torné. Y recuerda esos paseos con él durante la infancia, cuando tardaba horas en recorrer apenas unas cuadras ya que Troilo se paraba a hablar de fútbol y tango con todos los que se acercaban a saludarlo.

“Yo sé que la gente me quiere. No sé si soy un ídolo. Por otra parte, no soy tan vanidoso como para creerme eso. ¿Buenos Aires? No, qué voy a ser Buenos Aires... Pero yo quisiera ser media calle de un barrio cualquiera de mi ciudad”, dijo en alguna oportunidad, imaginando la manera en la que podrían homenajearlo tras su partida. Falleció a los 60 años en el Hospital Italiano, luego de haber sufrido un derrame cerebral y varios paros cardíacos. Sus restos descansan en el Rincón de los Notables del cementerio de la Chacarita, junto a otros grandes del tango. Y en Almagro, hay un Pasaje que lleva su nombre, además de varias plazoletas y monumentos levantados en su honor en todo el país y en distintas partes del mundo.

Meses atrás, Enrique Fasuolo, un querido bandoneonista callejero de Buenos Aires, sufrió el robo de su preciado bandoneón Germania de 1930, un instrumento que lo había acompañado durante toda su vida. Este desafortunado incidente no solo afectó su salud, sino que también movilizó a la comunidad artística y cultural de la ciudad.

En respuesta a este suceso, la Secretaría de Cultura ha organizado un concierto homenaje para el músico de 84 años, que se llevará a cabo este viernes16 de mayo a las 20 h en la Sala Argentina del Palacio Libertad, parte del Centro Cultural Domingo F. Sarmiento.

Fasuolo es una figura emblemática de la ciudad de Buenos Aires, conocido por su música en las calles y estaciones de subte durante más de cuatro décadas. Este evento no solo busca rendir homenaje a su trayectoria, sino también reconocer la importancia de la cultura callejera que él representa.

El concierto, que será conducido por el periodista Julio Lagos, reunirá a destacados músicos como la bandoneonista Carla Algeri, los pianistas Leonardo Marconi y Claudio Guiragossian, el guitarrista Daniel Martí, el contrabajista Marcelo Ugarteche y Héctor Ugarteche en guitarra y voz.

Interpretarán clásicos del repertorio como “Sur” y “Mimí Pinsón”, entre otras obras. Carlos Alberto Cuenca, discípulo y amigo de Fasuolo, expresó su agradecimiento a la Secretaría de Cultura por su intervención, destacando la importancia de este reconocimiento a la cultura del día a día en Buenos Aires.

Cuenca también adelantó que el concierto reunirá a diez músicos, todos amigos de Fasuolo, quienes han compartido escenario con él en diversas agrupaciones. Interpretarán una variedad de géneros, incluyendo música clásica, ciudadana y folclore. Este evento no solo es un homenaje a Fasuolo, sino también una celebración de la música y la cultura que él ha promovido a lo largo de su vida.

Enrique Fasuolo comenzó a tocar el bandoneón a los 10 años y actualmente reside en el barrio de Barracas. A pesar de su avanzada edad, sus presentaciones callejeras continúan siendo una fuente de sustento para él. La actividad es gratuita, pero con cupo limitado, y las entradas se podrán retirar en la boletería del Hall central del Palacio Libertad desde dos horas antes del inicio del concierto, hasta agotar la capacidad de la sala.

Tenía que atravesar Saavedra, el barrio que vio nacer y que vio morir a Roberto “El Polaco” Goyeneche. El barrio que nunca dejó mientras se convertía en uno de los protagonistas del tango y de Buenos Aires durante casi medio siglo, y también el que lo vio ser un hincha inquebrantable de Platense cuando la cancha quedaba allí y no en Vicente López. Tenía que ser una línea que recorriera esas calles tan suyas la que tuviera al Polaco como colectivero.

Fue en la que a fines de los años 40 era la línea 219 y después se convertiría en la 19: recorría desde Once hasta Puente Saavedra, y hoy empieza en Plaza Miserere y termina en Carapachay.

El Polaco había nacido en 1926, en el seno de una familia vasca afincada en ese barrio en el límite de la ciudad. Pasó sus primeros años en una casa a ocho cuadras del viejo estadio del “Calamar” y a esa misma distancia del Parque Saavedra, el gran pulmón verde del barrio.

Tango en la sangre

Creció también en el seno de una familia cuyo tío, al que no llegó a conocer pero de quien había heredado el nombre Roberto, se había dedicado a ser pianista e incluso había encabezado su propia orquesta de tango. El tío Roberto había musicalizado obras de Enrique Cadícamo y también de Horacio Ferrer, que años después escribiría la letra de “Balada para un loco”.

Y aunque la madre del pequeño Roberto no quería saber nada con ese mundo que había habitado su cuñado, nocturno y de dudosa reputación, a su hijo “le picó el bichito” y, encima, se le notaban cada vez más los dotes para cantar.

Antes de cumplir los 18 años, ese joven al que todavía nadie le decía Polaco se presentó en un concurso de voces que organizaba el Club Federal Argentino: ganó. Era 1944, Roberto ya tenía una novia del barrio y esa victoria le valió su debut. Lo invitaron a que grabara “Celedonio”, su primera canción, a Radio Belgrano. Estaba naciendo el mito, pero a su vida le faltaba pasar por algunos oficios más terrestres.

Un amor y una promesa

La novia de barrio -Saavedra le dio todo al Polaco, también el amor- se convertiría en su esposa en 1948. Y el paso por Radio Belgrano lo acercó a la orquesta de Raúl Kaplún. Pero esa incorporación le traía dos problemas. Por un lado, la orquesta, que se presentaba en cafés y en cabarets, se disolvió el mismo año en que el Roberto y su novia se casaron. Por otro lado, no había manera de convencer a la madre de que le pareciera bien que el Polaco se moviera cada vez más en la noche porteña: buscar otra orquesta en la que cantar no asomaba como una opción.

Por esos años, esa madre fue la que le hizo jurar a su hijo Roberto, nada menos que por la memoria de su padre ya muerto, que no iba a ir por el “mal camino” que había habitado su tío: el de la noche y el tango. El (futuro) Polaco hizo su promesa y aguantó casi cinco años “portándose bien”.

En esos años, alejado de esa primera orquesta en la que había cantado, Roberto se buscó la vida lejos del tango y cerca de los motores. Durante un tiempo fue taxista, fue incluso mecánico, precisamente de motores, y finalmente se subió al colectivo 219 para manejar de Once a Puente Saavedra, ida y vuelta, varias veces por día.

El viaje que cambió su vida

Aunque todavía no había vuelto a formar parte de una nueva orquesta, de vez en cuando a Roberto lo convocaban para presentarse a cantar en alguna cafetería porteña. La leyenda cuenta que incluso hubo noches en las que el cantor le ganó al colectivero, y frenó el recorrido en medio de su turno. Hizo bajar a los pasajeros, bajó él a cantar, y siguió camino después de su presentación.

Roberto no había estudiado música, ni estudiaría después, pero su picardía sobre el escenario, su forma casi recitada de frasear y esa voz a la que Cacho Castaña le compondría “Garganta con arena” lo volvían atractivo para aquellos que tenían la suerte de cruzarse con alguna de sus (todavía) pocas presentaciones en vivo.

Una noche de 1952, Goyeneche hacía lo mismo que había hecho tantas otras noches: cantaba mientras manejaba el colectivo. Inesperadamente, un hombre se le acercó y le hizo una propuesta que, a pesar de la promesa que le había hecho a su madre, Roberto decidió no rechazar: el hombre lo escuchó y lo invitó a probarse en una orquesta.

Era José Otero, el representante nada menos que de Horacio Salgán, y la prueba a la que lo invitaba era para integrar esa formación de músicos, una de las más destacadas de mediados del siglo XX.

¿Qué hubiera pasado si José Otero se tomaba otro colectivo y no el que manejaba Goyeneche? Es imposible saberlo. Ese talento y esa sangre tanguera seguramente insistieran en otro momento de su vida.

Pero Roberto aceptó la invitación, se presentó a la prueba y fue inmediatamente incorporado a la orquesta. Nunca más bajó de los escenarios. Y cuando murió, en 1994, se había convertido en el cantante de tangos vivo más importante de la Argentina.

Del colectivo a la gloria

“¿Y este polaco quién es?”, preguntó alguno de los integrantes de la orquesta de Salgán cuando lo vieron llegar a la prueba. El mundo del tango estaba mucho más acostumbrado a los morochos (Gardel, el ídolo total, era nada menos que el “Morocho del Abasto”) que a un rubio de pelo más largo de lo habitual. Pero la pregunta, medio sobradora, no amedrentó a Goyeneche, sino todo lo contrario. De ese desprecio nació el apodo con el que se volvería popular.

Conoció a Aníbal Troilo unos años después y a través de Horacio Ferrer. “Pichuco” no estaba del todo convencido sobre los dotes del nacido y criado en Saavedra, pero lo invitó igual a sumarse a su orquesta.

Se volvieron amigos inseparables, compartieron siete años sobre el escenario y grabaron alrededor de cincuenta canciones juntos. Hasta que el Polaco se subió a la orquesta de Atilio Stampone.

A fines de los sesenta, más precisamente en 1969, Goyeneche no dudó. En medio de esa grieta que crecía alrededor de la obra revolucionaria de Astor Piazzolla, esa que hacía que para algunos ese sonido fuera la evolución del tango y para otros, una herejía, el Polaco le puso voz a “Balada para un loco”, con música del bandoneonista y letra de Ferrer.

Goyeneche y Piazzolla se hicieron grandes amigos, y la versión que registraron juntos fue récord de ventas. Incluso por encima de los discos de Leonardo Favio, que eran un boom en ese momento. Pero a la voz del Polaco le quedaba un escollo de los grandes.

Una voz inolvidable

En 1979 Goyeneche tuvo que operarse la garganta. Hubo notas a las que no llegó nunca más, pero dejar de cantar no era una opción. O, al menos, no era una opción dejar de interpretar. Se acentuó su típico fraseo, ese recitado inconfundible de sus versiones, y así “se las arregló” para que la cirugía y sus consecuencias no truncaran su camino.

Ya con cierta desmejoría en la voz, se presentó en el Teatro Regina junto a Piazzolla, en mayo de 1982, en seis noches que quedaron registradas en un disco exquisito. Hizo que a la garganta cada vez más llena de arena se le antepusiera su cuerpo entero. Sobre el escenario, el Polaco movía las manos, transpiraba, se secaba, golpeaba el piso con los pies. Todo él daba el espectáculo.

Grabó más de cien discos e integró orquestas como la de Pugliese y la Filarmónica del Colón. No se privó de actuar junto a Jorge Porcel en televisión y bajo la dirección de Pino Solanas en su película Sur.

Lo mató una neumonía en agosto de 1994. Había grabado, apenas un tiempo antes, una versión conmovedora de “Los Mareados” junto a Mercedes Sosa. Todavía vivía en Saavedra, ese barrio en el que hoy una de sus avenidas más importantes se llama como él.

También se llama “Roberto Goyeneche” una tribuna del actual estadio de Platense, en Vicente López, y un paso bajo nivel de su barrio de siempre. En una de sus paredes, alguien pintó un retrato del Polaco y un colectivo 19. Ese en el que cautivó al hombre indicado y no le quedó otra que romper la promesa que le había hecho a su madre. Es que, dicen por ahí, el tango te espera. También esperó al Polaco Goyeneche.

El periodista y escritor Alberto Speratti trabajó con el compositor marplatense y en abril de 1969 fue publicada Con Piazzolla, la primera biografía del notable bandoneonista y compositor marplatense. El libro, además, terminó siendo un acto fundacional de la mitología piazzolliana, un relato ya legendario, infaltable en cualquier reseña sobre el artista.

Ausente de las librerías desde hace más de medio siglo, el libro tuvo este mes una reedición a cargo de la editorial Vademécum, esta vez con la curaduría del especialista rosarino Carlos Kuri (autor de Piazzolla, la música límite y Archivo Piazzolla).

A continuación, un fragmento del capítulo en que se narra —recordemos: esta es la primerísima versión impresa de aquella fantástica historia— el célebre encuentro del niño Astor Piazzolla con Carlos Gardel en la ciudad de Nueva York, en febrero de 1934.

Piazzolla y Gardel en Nueva York

A los diez años se es un montón de cosas. Se tiene un pasado, apretado y chiquito, un presente como una llanura y un futuro que cabe en tres palabras: cuando sea grande. A los diez años, Astor Piazzolla acumulaba, como en el cuarto de los trastos viejos, al marino que recorrió el mundo con su barco a vela, a una historia de inmigraciones y afincamientos que culminó en el casamiento de sus padres —tras pasar peripecias que envidiarían Romeo y Julieta— y su propio accidentado nacimiento, que aterró tanto a la madre, que no quiso reincidir y lo situó en la ríspida, angosta franja donde viven los hijos únicos.

Acumulaba también sus propias experiencias, sus primeros amigos, sus correrías, una madre que trabajaba duramente, un padre bromista, inquieto, dominador, definitivo. Eran tiempos en los que el chico respondía en inglés cuando le hablaban en castellano, y a lo sumo accedía a confesarse italiano: argentino nunca, por temor a ser confundido con un portorriqueño. Eran tiempos en los que “tenía muchos problemas en la escuela, no me gustaba, era camorrero, no quería lola con el colegio por nada del mundo. En realidad, no me gustaba que me mandaran; nunca me gustó que me impongan cosas, que me empujen, que me tomen de las solapas, que me tironeen. Aún hoy me pone nervioso”. No pudo entonces enamorarse de su primera maestra, la cambió por sus amigas y sus compañeritas para cumplir con sus primeros escarceos de Don Juan.

[…]

A los trece años, Astor Piazzolla se enamora de María Alberti, hija de los panaderos del barrio. La sigue, la aguarda, la asedia hasta descubrir que ella prefiere a Peter Renda. Cae en profunda depresión, se rechaza a sí mismo físicamente, se siente feo, poco inteligente, poco destacado. “Qué increíble lo que sufrí entonces. En el 58 volví al barrio a mirar y todo estaba perdido en la memoria. Tan poca cosa entonces, y a mis trece años todo eso parecía definitivo, que el tiempo no iba a pasar nunca”.

Entonces, llega la cauterización, la vida nueva. Como una ráfaga, a los trece años su vida es inundada, de pronto, por los acordes que llegan desde la casa de un pianista húngaro que vive al lado de los Piazzolla. Se llamaba Bela Wilda, y “mamá me decía: ‘Qué hacés que no salís con tus amigos, tenés trece años, a tu edad hay que salir, hay que ir a patinar, a correr y divertirse’. Yo me quedaba en mi casa para oírlo tocar el piano. Él estudiaba nueve horas por día y yo me quedaba como un loco esperando que tocara Bach. A la mañana estudiaba y a la tarde tocaba Bach. A la noche, daba conciertos. Mi papá quería que estudiara el bandoneón, pero yo sólo quería estudiar con Bela Wilda”.

Y lo consiguió. El chico conocía la técnica del bandoneón, su profesor no; pero le adaptó las piezas. La pobreza también fue compartida.

“Este hombre estaba tan mal, pero tan mal, que yo iba a clase llevándole una fuente de ñoquis, tallarines o capellettis, cosas que le preparaba mi madre”. La relación se convierte en una amistad inter familiar, y el matrimonio Wilda almuerza diariamente en la casa de los Piazzolla. Mientras, el discípulo se adentra en la música clásica, conoce a Bach, a Chopin, descubre una veta íntima que sólo esporádicamente empañarán sus correrías, su pasión por la armónica y el zapateo americano, su adhesión permanente al mundo salvaje que se extiende fuera de su casa en el que reina su grupo, en el que puede vivir experiencias definitivas: “Empecé a trabajar en radio en 1933. Al año siguiente ya había grabado discos y era una especie de niño prodigio a quien un chileno llamado Armando Segri introducía en colegios y universidades norteamericanas, tocando la Obertura de Guillermo Tell, Poeta y aldeano o la Marcha turca de Mozart. Luego conocí a Agustín Cornejo y a un peruano que se llamaba Picciardo, con los que formé un trío y actuamos en radio tocando rancheras, zambas, música folklórica del país. Nada de tango. Llamábamos la atención, porque el bandoneón era un instrumento desconocido allá, y mucho más porque lo manejaba un pibe, yo”.

“Yo entonces tenía doce o trece años, y de la Argentina sabía muy pocas cosas. De los músicos argentinos no sabía nada. Pero mi padre conocía a Carlos Gardel de la Argentina, y cuando supo que había llegado a Nueva York le hizo una talla en madera y se la dedicó. Averiguó dónde vivía y me dijo: ‘Andá, lleváselo’”.

“Era en la calle 48, en los departamentos Bellas Artes. Entré a la casa con el paquete, y junto al ascensor había un señor, pelado, alto, que llevaba una botella de leche en la mano. Yo le pregunté en inglés a qué piso iba, y él, en castellano, me dijo que no hablaba inglés. ‘Yo hablo español’, le dije, en mi español bastante norteamericano. Cuando le dije que era argentino, prácticamente no me creía. Era Alberto Castellanos, el que escribía música para Gardel”.

“Subimos hasta el piso dieciocho, y el hombre se tantea los bolsillos y me dice: ‘Venís bien, pibe, me olvidé la llave de entrada’. Así que tuve que pasar por la escalera de incendios hasta entrar por la ventana y despertarlo a Gardel. Pero me equivoco, y a quien despierto es a Alfredo Lepera, que tenía muy malas pulgas”.

“Finalmente desperté a Gardel que, de entrada, me pareció un tipo muy simpático. Casi se desmaya cuando supo que era argentino. Se emocionó, me acuerdo; abrió el paquete, vio la talla y me la agradeció. Me preparó el desayuno, me regaló una foto que aún conservo”.

“Tampoco podía creer que yo pudiera tocar el bandoneón. Después me oyó y me metió en la película, en la que yo hacía el papel de canillita. Era El día que me quieras, y me pagaron veinticinco dólares por debutar como actor. Con él también grabé la música del film para la RCA Victor de Nueva York”.

Carlos Gardel permanece unos cuantos meses en la ciudad y Piazzolla se convierte en su cicerone, en su amigo, en su consejero práctico. Suple su ignorancia del idioma, lo pasea por la ciudad, lo acompaña a las sastrerías a comprarse ropa —“era muy exigente para eso”— y a las mejores zapaterías. En ese tiempo —casi un año— Gardel demuestra un particular afecto por el chico: a cambio recibe una admiración sin límites, un cariño sincero. Y también el apoyo, para cantar acompañado sólo por él, cuando Alberto Castellanos no puede ser de la partida.

“Además, a él le gustaba mucho la ópera; me hacía tocar en el bandoneón temas clásicos, le encantaba la música. La primera vez que me escuchó tocar un tango se me acercó, y muerto de risa me dijo: ‘Mirá pibe, el fueye lo tocás fenómeno, pero el tango lo tocás como un gallego’. Y no se equivocaba; yo no sentía el tango para nada en esos años”.

Cuando Carlos Gardel deja Nueva York, en su séquito figura Corpas Moreno, un motociclista amigo de Vicente Piazzolla, recomendado por este para cumplir funciones de secretario y masajista. Antes de irse, el cantor argentino propone al chico que lo acompañe. Los padres se niegan. Desde México el pedido se repite por telegrama, y también la negativa. (La corta edad podrían haberle acarreado serios problemas gremiales, aun cuando Piazzolla ya hubiera tocado en la orquesta de Eduardo Bianco).

“El día que murió —recuerda ahora— llamaron por teléfono a mi casa y dijeron que había muerto Carlos. Yo creía que era Carlos Gianotti, un bailarín amigo nuestro que estaba en Hollywood. Pero era Carlos Gardel. Y con él, naturalmente, también murió Corpas Moreno”.

“Nos dolió muchísimo la muerte de Carlos, yo no lo sufro ahora, después de tanto tiempo; pero lo lamento como todo el mundo”.

“Lo insólito es que en el año 56 o 57, más de veinte años después, vino a verme Andrés D’Acquila a Buenos Aires y me dijo: ‘Astor, voy a contarte algo que te va a poner los pelos de punta. La vez pasada, caminando por el Greenwich Village, encontré en un negocio que estaba en un sótano, un muñeco todo quemado, todo chamuscado, con un cartel debajo que decía Muñeco que perteneció a un cantor argentino. Bajo, entro y pregunto cuánto vale. La empleada me dice veinte dólares. Busco, sólo tengo diez y le digo mañana lo vengo a buscar. Voy al día siguiente con la guita, y el muñeco ya no estaba. Lo habían vendido’. Es escalofriante pensar en las vueltas que pegó este muñeco. Se lo di yo a Gardel de las manos de mi padre, fue con Gardel, cayó con él en Medellín, quemándose parcialmente, y de allí alguien lo robó. Vaya uno a saber cómo viajó desde Colombia hasta Nueva York, hasta un negocio que estaba a sólo una cuadra de la casa donde mi papá lo talló. Pareciera como si el muñeco hubiera querido volver por un momento a la calle 9, al lugar donde había sido creado”.

En la búsqueda de mejorar la salud física y mental, muchas veces pensamos inmediatamente en actividades como correr, ir al gimnasio o practicar deportes. Sin embargo, un ejercicio igualmente beneficioso y frecuentemente olvidado es el baile.

Además de ser una actividad divertida y energética, bailar tiene múltiples ventajas para el cuerpo y la mente que rivalizan con las de los ejercicios tradicionales. De hecho, para quienes buscan una forma amena de mantenerse activos, el baile puede ser la opción perfecta.

El baile como ejercicio físico

La Dra. Alycia Fong Yan, Profesora Titular de Ciencias del Ejercicio y el Deporte en la Universidad de Sydney, ha dirigido investigaciones que demuestran que los beneficios para la salud que se obtienen del baile son comparables, e incluso superan, a los de muchos otros tipos de ejercicio físico estructurado. Según Fong Yan, al considerar la danza desde una perspectiva de salud pública, los resultados son igual de positivos que aquellos de actividades como correr o levantar pesas.

“El baile tiene efectos positivos en la función cardiovascular, la quema de calorías, la mejora del colesterol y el fortalecimiento muscular. En muchos casos, incluso puede ser más efectivo que otras formas de ejercicio estructurado" comentó Fong Yan en Mindfood. La danza, independientemente del estilo —ya sea salsa, tango o danza moderna— implica movimientos complejos que trabajan diferentes grupos musculares y contribuyen al aumento de la agilidad, la flexibilidad y la resistencia.

En su investigación inicial, Fong Yan comparó los efectos de las intervenciones de baile con otros tipos de actividad física en la salud de los participantes. Los resultados fueron sorprendentes: bailar fue igual de efectivo, o más, que el ejercicio tradicional para reducir la masa grasa, mejorar la condición cardiovascular, y aumentar la flexibilidad.

Además, aumentó la funcionalidad diaria de los participantes, lo que se traduce en una mejor calidad de vida.

Beneficios cognitivos: más allá de lo físico

El impacto del baile no se limita únicamente a lo físico. En un estudio más reciente, la Dra. Fong Yan exploró cómo las intervenciones de baile afectan la cognición, la memoria y la función ejecutiva.

Sus hallazgos mostraron que la danza estructurada es tan efectiva como otros ejercicios físicos en la mejora de aspectos psicológicos y cognitivos, tales como la reducción de la ansiedad, la depresión y la mejora de la calidad de vida en pacientes con Parkinson.

Además, el componente social del baile desempeña un papel importante en el bienestar emocional de las personas. Las clases de baile, en particular, no solo permiten mejorar las habilidades motrices, sino también fomentar un sentido de comunidad y pertenencia.

“El baile activa el cerebro de muchas maneras. Aparte de aprender los movimientos, el bailarín también debe recordar secuencias, ajustar su postura y coordinar con los demás miembros del grupo. Estos son beneficios cognitivos adicionales que no se obtienen con otros ejercicios tradicionales” explicó Fong Yan.

La danza como alternativa para aquellos que ven el ejercicio como una carga

Para muchos, la idea de hacer ejercicio puede parecer una tarea ardua o aburrida. Sin embargo, para aquellos que disfrutan de la música y el movimiento, el baile ofrece una alternativa atractiva. Fong Yan destacó que muchas personas que disfrutan bailar no suelen percibirlo como una forma de ejercicio. Sin embargo, incluso si se realiza de manera informal —como bailar en la cocina o en un club nocturno—, el baile cuenta como actividad física, con todos sus beneficios asociados.

“Queremos que las personas vean el baile como una forma válida de ejercicio. Para aquellos a los que les gusta bailar, quizás no se den cuenta de que están haciendo una actividad física que tiene efectos tan positivos como otros ejercicios más tradicionales” añadió la investigadora.

Si bien la investigación sobre los beneficios específicos del baile aún está en sus primeras etapas, lo que ya sabemos sugiere que es una alternativa válida y sumamente beneficiosa al ejercicio tradicional.

Para aquellos que aún no lo han probado, quizá sea el momento de cambiar una rutina de gimnasio por una clase de baile. No importa el estilo, ya sea salsa o hip-hop; lo importante es moverse y disfrutar.

Del 8 al 23 de mayo de 2025, Madrid será el escenario de una nueva edición de Conexión Buenos Aires–Madrid, un programa cultural que busca estrechar los lazos entre estas dos ciudades hermanas a través de una amplia oferta artística. Según informó el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, la programación incluirá tango, filete porteño, cine, artes visuales y más, con la participación de destacados artistas como Luciano Cáceres, Verónika Silva, Ceci Calvet, Marcelo Balsells, Daniela Horovitz y Gustavo Nardi.

El evento, que se desarrollará en diversos espacios del centro de Madrid, como TAI-Escuela Universitaria de Artes, la Galería i23, hasta el 16 de mayo, para luego continuar en Casa de América, del 16 al 23 de mayo, y Olavide Bar de Libros, con una actividad el 20 de mayo, tiene como objetivo proyectar el talento y la creatividad de Buenos Aires a nivel global.

En esta edición, el tango y el filete porteño, ambos reconocidos como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO, ocuparán un lugar central. El filete porteño será protagonista de la muestra Cuadros sobre ruedas, curada por Helena Ferronato y con la participación de la artista Ceci Calvet, quien también ofrecerá un taller sobre esta técnica tradicional. Además, se llevará a cabo la charla “Filete porteño: pasado y presente”, organizada en colaboración con la Dirección General de Patrimonio, Museos y Casco Histórico del Ministerio de Cultura de Buenos Aires.

El tango, por su parte, contará con espectáculos como Hermanas Rubí, con Verónika Silva, Daniela Horovitz y Hernán Reinaudo, y Sueño al sur: Tango y folklore argentino, con Marcelo Balsells, Claudio Méndez, Gustavo Nardi y César Angeleri. Estas presentaciones buscan conectar al público con la riqueza cultural argentina a través de la música y la poesía. También se ofrecerán clases de tango y milonga a cargo de los bailarines Ezequiel Herrera y María Antonieta Tuozzo.

El cine será otro de los ejes destacados de la programación, con un ciclo organizado por la Buenos Aires Film Commission en colaboración con la Dirección General de Desarrollo Cultural y Creativo. Entre las películas seleccionadas se encuentran La educación de los cerdos, dirigida por Eduardo Pinto; Quinografía, un homenaje a Joaquín Salvador Quino Lavado; y Elijo creer: el camino del campeón, con la participación de figuras como Lionel Messi y Ricardo Darín. Además, se proyectará el clásico Camila, de María Luisa Bemberg, una coproducción entre Argentina y España que marcó un hito en la historia del cine.

La literatura también tendrá su espacio con la lectura dramatizada de la obra Paraíso, a cargo de Luciano Cáceres, y la charla “Buenos Aires-Madrid: Conexión sonora”, que analizará el impacto de la música porteña en España. Este último encuentro contará con la participación de expertos como Sergio Chiappetta, Camilo Carballo, Gustavo González y Jaime Nieto, bajo la moderación de Victoria del Baño.

Por último, la programación incluirá la performance El insomnio de Goethe ¿por qué las cabras están locas?, protagonizada por Georgina Rey y presentada como parte del Proyecto Escenas Urbanas en Madrid.

Según detalló la ministra de Cultura porteña, Gabriela Ricardes, esta iniciativa busca resaltar la identidad cultural de la ciudad, que se caracteriza por su riqueza artística y su capacidad de diálogo con el mundo. Por su parte, la directora de Cooperación Cultural, María Victoria Alcaraz, destacó que el programa genera oportunidades para artistas, productores y gestores culturales, además de fomentar la cooperación internacional.

El evento, que celebra la creatividad y el talento porteño, busca consolidar el vínculo cultural entre Buenos Aires y Madrid, promoviendo un intercambio que trasciende fronteras. La programación completa está disponible en las páginas web del Ministerio de Cultura de Buenos Aires, de Casa de América y de TAI-Escuela Universitaria de Artes.

Fotos: Gentileza Prensa Cultura de la Ciudad de Buenos Aires.

La Ciudad de Buenos Aires es uno de los destinos más cosmopolitas de América Latina. Reconocida como un punto de encuentro de culturas, es una ciudad que destaca por su mezcla de tradiciones y modernidad. En cada rincón, desde sus avenidas arboladas hasta sus barrios con arquitectura de diversas épocas, se percibe una energía que invita a explorar. Con su oferta cultural, gastronómica y artística, es un lugar donde conviven influencias europeas, latinoamericanas y locales.

En este ecositema, tanto los hoteles como restos y bares, están adoptando un papel más proactivo al posicionarse no solo como lugares de alojamiento o gastronomía, sino también como auténticos embajadores de la ciudad. La clave de esta tendencia, conocida como hiperlocalización, busca integrar distintos lugare en el tejido cultural del destino. Cada propuesta gana, justamente, por ofrecer una experiencia más auténtica. Conectar con el lugar es la cuestión.

“Recoleta y Retiro se convirtieron en epicentros de una Buenos Aires que evoluciona sin perder su elegancia. Hoy, el turista busca algo más que postales: quiere vivir experiencias auténticas, con identidad y narrativa”, reflexiona a Infobae Seba García, fundador y director creativo de Presidente Bar Buenos Aires y Miami. Sobre este rincón de la ciudad, distintos platos y tragos de autor, delinean un verdadero mapa de sentidos.

Reflejo cultural

Aquí, los viajeros pueden encontrar desde plazas históricas, como la Plaza San Martín, hasta una vida cultural que incluye teatros, galerías de arte y tiendas que exhiben el diseño local. Este contraste, que define el barrio, se refleja ahora en la manera en que las ofertas turísticas del área buscan conectarse con los visitantes a través de experiencias que van más allá de la simple hospitalidad.

La cultura porteña es un entrelazado de influencias europeas y de inmigrantes de todo el mundo, lo que crea una identidad única, cargada de diversidad y riqueza.

Desde el tango, que se baila en las milongas hasta los sabores intensos de la parrilla argentina, pasando por la tradicional cultura del café, Buenos Aires es una ciudad que invita a ser explorada siempre.

El Museo Nacional de Bellas Artes, es sin dudas un lugar que llama a los turistas (y no turistas) y exhibe una vasta colección de arte argentino e internacional. El Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), reconocido por su enfoque en el arte moderno y contemporáneo de América Latina. También están cerca el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA) y el Museo de la Ciudad, que ofrecen una variedad de exposiciones y actividades culturales, permitiendo a los huéspedes explorar la riqueza artística de la capital.

Lugares emblemáticos como el Obelisco, símbolo de Buenos Aires, y la Avenida 9 de Julio, conocida por su amplitud y su intensa actividad, son parte de este lugar visitado miles de turistas año a año.

Gastronomía que despierta los sentidos

Ubicado en pleno corazón de Buenos Aires, Buono Italian Kitchen aparece como una opción que no solo se distingue por su oferta gastronómica, sino también por su enfoque inclusivo y accesible. Ubicado en el Sheraton Buenos Aires Hotel & Convention Center se posiciona como un punto estratégico tanto para turistas, viajeros y los propios ciudadanos.

A solo unas cuadras, los huéspedes pueden disfrutar de la Plaza San Martín, un espacio verde que combina tranquilidad con una rica oferta gastronómica y monumentos históricos.

Son muchas las personas que eligen a veces concurrir al hotel solo para aprovechar las ofertas gastrónómicas. Este es el caso de Buono. Si bien la cocina italiana es famosa por su tradición y calidad, la nueva carta otoño-invierno de este restaurante da un paso más allá al fusionar lo mejor de la gastronomía italiana con un fuerte compromiso con la sustentabilidad.

Así, la experiencia gastronómica se transforma en una celebración de la frescura de los productos locales, la trazabilidad de los ingredientes y el disfrute consciente de cada bocado.

Con más de 40 platos que combinan clásicos italianos con innovadoras creaciones pensadas para el clima frío, los risottos, pastas artesanales y carnes se presentan en versiones cuidadosamente adaptadas para realzar los sabores propos de la estación.

“Esta nueva carta busca rescatar lo mejor de la cocina italiana, pero adaptada a lo que la estación nos brinda”, comenta Infobae Matías Lorenzo, chef ejecutivo del restaurante. Entre los platos más destacados se encuentran los Agnolotis di manzo, rellenos de osobuco, servidos con su jugo de cocción y gírgolas grilladas. Este plato, de gran riqueza en sabores, es una de las nuevas incorporaciones de la carta que no puede pasar desapercibida para los amantes de la buena mesa.

Otro plato que promete conquistar paladares es el risotto di barbabietola rossa, ideal para comenzar la comida con un toque de frescura y color, aprovechando los productos de estación como la remolacha. Y para cerrar esta experiencia gastronómica, el tradicional tiramisú italiano se presenta como un clásico infalible, una verdadera alegría para quienes buscan la autenticidad del postre italiano por excelencia.

Un aspecto nuevo que acompaña la renovación de la carta es la inclusión de un maridaje exclusivo con vinos orgánicos de Mendoza. Esta especial de vinos ha sido cuidadosamente elegida para complementar los sabores de la nueva selección gastronómica, brindando una experiencia integral que resalta las cualidades tanto de los platos como de los vinos.

Con cinco o seis opciones de vinos orgánicos certificados, los comensales pueden disfrutar de etiquetas representativas de la vitivinicultura local, conocidas por sus prácticas responsables y alineadas con el respeto por el medio ambiente.

Puerto Madero, uno de los barrios más modernos y exclusivos de Buenos Aires, amplía en esta zona las opciones de entretenimiento y gastronomía. En este lugar se encuentran restaurantes de alta gama, bares de lujo y propuestas culinarias que abarcan desde cocina internacional hasta sabores tradicionales argentinos.

Además, circuito alberga el icónico Puente de la Mujer, diseñado por el arquitecto Santiago Calatrava, que no solo es un símbolo de la arquitectura contemporánea de la ciudad, sino también un lugar ideal para paseos junto al río.

Para quienes gustan de disfrutar un rasgo distintivo refleje el sentir porteño, un show de tango ofrece además una experiencia gastrómica especial.

“Tenemos un menu variado de platos clásicos a los cuales les imprimos la impronta del lugara, donde sin dudas la principal protagonista es la carne argentina. Se puede comer desde el clásico bife de chorizo de 400 gramos a la parrlla hasta una carne braseada 8 hs con perfume de hierbas y vino malbec”, destacan desde Madero Tango.

Y suman: “Pero como no todo es carne, en nuestra carta contamos con platos vegetarianos, veganos, que no contienen tacc en su elaboracion, risottos, pastas, de elaboracion propia y variedad de postres comenzando por los clasicos flan y budin de pan, pasando por postres frutales, de chocolate y el infaltable dulce de leche”.

Seba García, apunta para cerrar, cómo la coctelería es parte de este fenómeno también de la hiperlocalización. “Presidente Bar es parte de una nueva escena que celebra la cultura, el buen beber y la hospitalidad con un lenguaje contemporáneo. No venís solo a tomar un cocktail, te adentrás en un universo donde la coctelería dialoga con la cultura y el alma de la ciudad”, explica.

Y cierra: “Proponemos una experiencia que va mucho más allá del cocktail. Nuestra novedad no está solo en los ingredientes o en las técnicas —que por supuesto cuidamos al detalle—, sino en el modo en que reinterpretamos la hospitalidad. Apostamos a una coctelería que celebra nuestras raíces latinoamericanas con una mirada contemporánea, una estética sofisticada y un servicio que busca emocionar. Cada visita es una invitación a vivir un ritual: el del buen beber, el del encuentro, el del asombro”.

“Hoy, recién, recién, miro las cosas sin sombras ni mentiras y comprendo cuanto enseñan las lecciones de la vida”, escribió Homero Manzi en 1943. Es una frase que pertenece a Recién, tango al que le puso música Osvaldo Pugliese. El poeta, sin embargo, quedó en el recuerdo por las letras de Sur, Malena y Mi noche triste, junto a inolvidables valses y candombes.

Su talento coincidió en tiempo con una Argentina atravesada por la inmigración, la urbanización y los conflictos ideológicos entre el conservadurismo, la modernización y los movimientos populares emergentes. En las décadas de 1930 y 1940, cuando el país comenzaba a mirar hacia su interior buscando una identidad cultural propia, Manzi fue una de las voces que le dio forma a ese anhelo.

De su puño y letra salieron poemas que engalanaron la música porteña: lejos de buscar el estereotipo del compadrito o el lunfardo por sí mismo, apuntó a la emoción, a la memoria barrial y a la melancolía del tiempo perdido. En eso se diferenció de su contemporáneo Enrique Santos Discépolo, el letrista con una mirada (y emoción) más pesimista, sarcástica y existencial. Manzi, en cambio, se destacó por a la lírica sobria y nostálgica, profundamente emotiva, que puso a la ciudad, al barrio y al amor en el centro de su universo.

“Pero a la par que plasmaba en el tango la poesía que tenía como protagonistas a los sectores populares, Manzi prosiguió su militancia política”, lo describió el historiador Felipe Pigna en Homero Manzi, el poeta de tangos inolvidables.​

Dejó 172 obras registradas en la Sociedad Argentina de Autores y Compositores (SADAIC). Murió el 3 de mayo de 1951, a los 43 años, a causa del cáncer.

De Santiago del Estero a la cuna de “Sur”

Homero Nicolás Manzione Prestera nació en Añatuya, Santiago del Estero, el 1 de noviembre de 1907, y fue el quinto de ocho hermanos; hijo de Luis Manzione, un modesto hacendado, y Ángela Prestera, ama de casa, oriunda de Concepción del Uruguay.​

Durante su infancia, Manzi vivió hasta los 9 años en su ciudad natal, donde su padre se dedicaba al trabajo rural. Luego se mudó con su madre a Buenos Aires, y se instalaron en el barrio porteño de Pompeya, mientras Don Manzione permanecía en la provincia. De camino al Colegio Luppi, donde estudió, se deleitaba admirando el paisaje urbano formado por paredones, terrenos baldíos y los terraplenes del ferrocarril. Esas postales (tan diferentes a Añatuya), despertaron su sensibilidad artística y, más tarde, volcaría su sentido de pertenencia en tangos como Barrio de tango y Sur.

Pese a ese arraigo con Buenos Aires, nunca dejó de lado el fuerte vínculo con su provincia natal. Por eso, en ocasiones, firmó sus obras con el seudónimo “Arauco”, que en quechua significa “rebelde”, para destacar su identidad santiagueña.

Durante sus años de juventud, hizo amistad con Cátulo Castillo (también poeta, periodista y letrista) y Sebastián Piana (compositor y pianista clave en la renovación de la milonga). Sin dudas, fue la influencias Cátulo y su padre, José González Castillo, un reconocido escritor, lo que lo orientó a la literatura. A los 14 años, escribió su primera letra, el vals ¿Por qué no me besás?, que fue grabado por Ignacio Corsini en 1926. Poco después, presentó el tango “Viejo ciego” al concurso de la revista El Alma que Canta.

Además de ser letrista, Homero experimentó en el teatro: escribió, dirigió y actuó en producciones locales. El arte y la necesidad de expresión afloraban en él. Luego, fue profesor de literatura en los colegios nacionales Mariano Moreno y Domingo Faustino Sarmiento, pero le hicieron pagar el costo de su militancia política. Desde entonces, y entendiendo las limitaciones del sistema, se dedicó plenamente a la actividad artística.

“El golpe cívico militar del 6 de septiembre de 1930 lo encontró defendiendo la causa de Hipólito Yrigoyen. Los golpistas no querían saber nada con poetas revoltosos y, como tantos compatriotas, terminó en la cárcel. Cuando recuperó la libertad, Manzi volvió al barrio y desató entonces su pasión por el tango”, resume Pigna esa etapa.

Así se hizo lugar entre los grandes letristas y se convirtió en uno de los creadores de la lírica popular argentina. Su figura representa un momento clave de la cultura nacional: aquel en que el tango, género nacido del arrabal y la marginalidad, encontró en la palabra poética una forma de elevar su sensibilidad sin perder su raíz.

El costo político de un artista militante

A lo largo de su carrera, Manzi renovó el tango desde la palabra. Su contacto con la música popular durante las giras por las provincias argentinas, Chile y Perú lo llevaron a colaborar con Sebastián Piana y juntos revitalizaron la milonga. De ellos nacieron obras como Milonga del 900 (1932) y Milonga sentimental, grabada por Carlos Gardel: eso marcó un punto de inflexión en el género.

En los años siguientes escribió las letras de algunos de los tangos más emblemáticos de la música argentina: Malena (1941) —con música de Lucio Demare— y Sur (1948), junto a Aníbal Troilo. Estas piezas se convirtieron en clásicos del repertorio nacional y aún hoy se las escucha y canta.

En paralelo a su militancia política, Manzi desarrolló una intensa actividad en el cine. Escribió guiones, musicalizó películas y cofundó la productora Artistas Argentinos Asociados, clave de la cinematografía nacional. Participó en películas como La guerra gaucha, Escuela de campeones, Donde mueren las palabras y El último payador, que dirigió en 1950, ya afectado por el cáncer.

En esos años también enfrentó la censura estatal. A partir de 1943, bajo el régimen militar y también durante el gobierno constitucional de Perón, se impusieron restricciones al uso del lunfardo y a ciertas expresiones populares. Por ellas, el tango Cafetín de Buenos Aires fue prohibido por su tono melancólico y Tal vez será mi alcohol, compuesta junto a Lucio Demare, debió cambiar su título a Tal vez será su voz para evitar la censura radial. Como presidente de SADAIC, Manzi encabezó gestiones para que esas restricciones fueran revisadas; y en 1949 logró tener una audiencia con Perón, quien ordenó anular las directivas más severas. Pero, las medidas persistieron bajo distintas formas.

En sus últimos meses de vida, ya consciente de que su cáncer avanzaba, escribió un texto íntimo en el que decía: “Sé que hay recuerdos que querrán abandonarme / Sólo cuando mi cuerpo hinche un hormiguero sobre la tierra. / Sé que hay lágrimas largamente preparadas para mi ausencia... / Y también sé que a veces dejará de ser un nombre / Y será sólo un par de palabras sin sentido”.

Un poeta radical amigado con el peronismo

Homero Manzi estuvo ideológicamente comprometido con la política argentina y expresó abiertamente su adhesión inicial al radicalismo desde temprana edad. Como admirador de Hipólito Yrigoyen, se identificó con los principios del sufragio libre, la soberanía popular y la Reforma Universitaria. Su militancia en la Unión Cívica Radical fue en su vida sinónimo de persecución tras el golpe de Estado de 1930: el gobierno de José Félix Uriburu lo encarceló y luego exoneró de sus cátedras a causa de su activismo. Eso marcó su alejamiento definitivo de la docencia y su dedicación a tiempo completo al arte y la política.

En 1935, junto a Arturo Jauretche, Raúl Scalabrini Ortiz y otros jóvenes intelectuales, fundó FORJA (Fuerza de Orientación Radical de la Joven Argentina), un espacio que denunciaba la sumisión del Estado a los intereses extranjeros y la exclusión del interior del país. Con una mirada nacionalista, federal y antiimperialista, FORJA se posicionó como una línea interna crítica dentro de la UCR frente a la dirigencia conservadora alineada con Marcelo T. de Alvear. En ese contexto, Manzi forjó una estrecha relación con Jauretche y Scalabrini, con quienes compartía la visión de una Argentina postergada por el centralismo porteño y los capitales británicos.

Según el historiador Pigna, Manzi fue “partidario del abstencionismo y la insurrección contra el fraude y la corrupción del gobierno del general Agustín P. Justo en aquella Década Infame”. También, en su casa llegó a funcionar como “una especie de comité clandestino, que albergó pólvora para la fabricación de bombas caseras, hasta que accidentalmente estalló en pedazos el baño”, describió Pigna. Su militancia estuvo atravesada por un profundo rechazo a la concentración de poder económico en la ciudad de Buenos Aires y una defensa de las provincias empobrecidas por el modelo centralista. Su célebre frase —“Santiago del Estero no es una provincia pobre, sino empobrecida”— sintetiza esa visión estructural de la desigualdad.

Aunque en los primeros años de esa militancia estuvo alejado del peronismo emergente, a finales de 1947 su postura cambió. En un discurso transmitido por Radio Belgrano, titulado Tablas de sangre del Radicalismo, dijo: “Perón es el reconductor de la obra inconclusa de Yrigoyen. Mientras siga siendo así, nosotros continuaremos creyéndole”.

Ese acercamiento también lo consolidó como un intelectual comprometido con un proyecto nacional y popular. Su vínculo con el peronismo no fue meramente discursivo: en sus últimos años escribió Payada para Perón y Payada para Evita, a pedido de Hugo del Carril. Así, Manzi cerró su itinerario político transitando un camino que había comenzado en el radicalismo popular y desembocado en una adhesión crítica y poética al peronismo. Su vida política, al igual que su obra, fue expresión de una búsqueda constante por representar a los sectores postergados, desde la palabra, la música y la acción pública.

En 1949, Homero Manzi fue diagnosticado con cáncer, una noticia que afrontó con lucidez y resignación. A pesar del avance de la enfermedad, continuó escribiendo, componiendo y participando de la vida pública. Su muerte (de la que hoy se cumplen 74 años) fue profundamente lamentada en los círculos culturales y políticos del país.

Bucarest, 31 ene (EFE).- La cantante argentina Analía Selis inicia este domingo una gira por Rumanía, junto con el pianista Mariano Castro, dos veces nominado a los premios Grammy Latinos, y el guitarrista Julio Santillán.

La tucumana de 47 años tuvo hasta 2014 una exitosa carrera como cantante de pop latinoamericano en Rumanía -donde se instaló en 2003 por razones familiares- con sus dos primeros álbumes "Aquí, hoy" y "Aquí, Mañana".

Con estos discos Selis ganó popularidad en el país balcánico, donde suele actuar en los escenarios más prestigiosos.

A partir de 2014 la cantante desarrolló nuevos proyectos musicales en Rumanía y también otros países europeos, interpretando piezas de míticos compositores argentinos de tango como Astor Piazzolla, Carlos Gardel o Sebastián Piana.

Para 2025, Selis lanzó un nuevo evento musical en torno al tango y el folclore latinoamericano con una gira titulada "Argentinissimo, raíces", que incluye recitales en trío y conciertos sinfónicos, en 15 ciudades rumanas, entre ellas Bucarest, Craiova y Brasov, entre este domingo y el próximo 8 de marzo.

La cantante, galardonada en 2022 con la distinción "Marca País" otorgada por el Gobierno argentino por su contribución a la construcción de la identidad nacional argentina en el exterior, destacó la buena acogida de la música latinoamericana en Rumanía.

"Es muy bienvenida, sobre todo el tango, que es un estilo tan conocido y querido en todo el mundo", aseguró Selis en declaraciones a EFE en Bucarest, con motivo del inicio de su gira.

"Pero en Rumanía lo más hermoso es el público, que es muy educado y abierto a recibir cualquier tipo de música, es un público curioso y atento", agregó la cantante.

En su gira por Rumanía, Selis estará acompañada por Mariano Castro, un pianista, guitarrista y compositor argentino, también radicado en el país balcánico desde 2013.

Junto con el grupo Narcotango, creado como una fusión entre tango, jazz y música electrónica, Castro fue nominado dos veces a los Grammy Latinos (2009 y 2010) en la categoría "Mejor Álbum de Tango".

Además, actuará Julio Santillán, otro compositor y guitarrista de jazz argentino, que ha aparecido como solista en festivales, como el argentino 'Guitarras del Mundo' o en el certamen internacional de guitarra 'Miquel Llobet', en Barcelona. EFE

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Empezó a fantasear con la idea de hacer una película sonora desde mucho tiempo antes. De hecho, fascinado por este nuevo formato después de años de cine mudo, el director Luis Moglia Barth ya había probado rodando un cortometraje llamado Consejo de tango, que le había permitido empezar a desentrañar los secretos de esta nueva posibilidad que le brindaba la pantalla grande. Pero estaba dispuesto a ir por más y a dejar grabada su huella en la historia audiovisual. Y, el 27 de abril de 1933, estrenó ¡Tango! en la sala Real Cine de Buenos Aires, marcando un antes y un después en la industria cinematográfica argentina.

¿Cómo surgió esta idea? “Estábamos con Ángel Mentasti en Cosmos Films, donde él era gerente y yo jefe de publicidad, y preparé un croquis publicitario donde había una pareja, un malevo, motivos de arrabal y la palabra ‘¡Tango!’ cruzando el gráfico. Debajo el reparto: Libertad Lamarque, Azucena Maizani, Tita Merello y todos los intérpretes. Y la siguiente leyenda: ‘Con las orquestas de Juan de Dios Filiberto, Osvaldo Fresedo y varias más’“, recordaba Moglia Barth. Lo primero que le preguntó a quien se convirtió en su socio fue si eso se podía vender. Y apenas obtuvo una respuesta afirmativa, puso manos a la obra.

El mayor desafío para el director fue encontrar actores que estuvieran preparados para semejante desafío. Es que muchos estaban acostumbrados a las pantomimas. Y, aunque a decir verdad ya se habían filmado películas que incluían ruidos y palabras, esta era la primera vez que los actores tenían que interpretar y declamar al mismo tiempo. Así que encontró la solución recorriendo los teatros porteños, para buscar figuras que estuvieran a la altura de las circunstancias y que, además, fueran nombres conocidos.

Dicho sea de paso, por este motivo es que fue convocado Luis Sandrini, por entonces abocado solo a las tablas. En los años ’30, el hombre oriundo de San Pedro había entrado a trabajar en la compañía de Enrique Muiño y Elías Alippi, donde conoció a su primera esposa, la actriz Chela Cordero. Pero fue justamente durante el rodaje de ¡Tango!, donde se cruzó con la Merello, con quien luego vivió un tormentoso romance que duró casi una década entre 1943 y 1952, según la versión oficial, o tal vez más si es que realmente no fueron capaces de frenar el flechazo de ese primer encuentro hasta la separación del actor.

Pepe Arias, Alberto Gómez, Mercedes Simone, Alicia Vignoli y Juan Sarcione completaban el elenco. “Los actores de cine acá prácticamente no existían, solo había dos o tres figuras que siempre eran las mismas pero no tenían ni la facilidad interpretativa ni la rapidez con que se podía trabajar con los de teatro. La grabación de la voz era más difícil que la mera interpretación de una película muda, donde muchas veces la situación se salvaba intercalando un título. El ‘hablado’ exigía que supieran hablar interpretando. Considero que el cine consiguió dar un gran paso en corto lapso gracias a la interpretación de las figuras de teatro”, explicaba Moglia Barth sobre su decisión.

Obviamente, la música era la gran protagonista. Pero, entre tema y tema, se contaron historias que tuvo que imaginar el guionista Carlos de la Púa. “Yo quiero un hombre, y no un muñeco de vidriera. Me desespera no ver un taita de mi flor. Pero qué vachaché, paciencia y aguantar, porque si no lo encuentro yo prefiero reventar”, cantaba la Merello en el comienzo del film, encarnando a una joven de arrabal que soñaba con un futuro mejor de la mano de un “príncipe salvador”. Y luego se iban incorporando un enamorado, un malandra y todo el resto de los personajes que le dieron sentido al relato.

Pero, obviamente, el gran atractivo de esta propuesta tenía que ver con la esencia del tango que impregnaba cada una de las tomas. En tiempos en la que la televisión todavía era una ilusión lejana, el cine le permitía al público ver a sus artistas interpretando las canciones que sonaban en la radio. Y recreando historias de amor y desamor, típicas de la poesía que conlleva la música ciudadana.

Claro que, para poder negociar mejor la venta del film que había costado unos 20 mil pesos frente a los dueños de los cines, Moglia Barth y Mentasti decidieron pensar en grande. Y así fue como surgió la productora Argentina Sono Film. De esta manera, al mismo tiempo que proyectaban ¡Tango! en varias salas en simultáneo, presentaban su segunda película, Dancing, y anunciaban la tercera, Riachuelo, para el año siguiente.

A la distancia, es posible que este primer film sonoro en blanco y negro no lograra cumplir con los objetivos previstos, a pesar de contar con músicos de primera línea y letras de maestros como Manuel Romero, Sebastián Piana, Rodolfo Sciammarella y Homero Manzi. De hecho, sus mismos creadores reconocieron haber tenido problemas técnicos. Y esto sin contar con los desplantes de algunos de los actores, no acostumbrados al ritmo de rodaje, que los obligaron a cambiar sobre la marcha algunos de los guiones.

Sin embargo, no cabe duda de que este film influenciado por el cine musical de Hollywood, fue el puntapié inicial para dar lugar a una industria que con los años logró posicionarse a nivel internacional. Y que sirvió de plataforma para que la gran mayoría de sus protagonistas pudieran construir una carrera sólida en la pantalla grande. “Una película hablada como hablamos nosotros”, rezaba el afiche promocional despertando el interés de todos.

Lo cierto es que el reinado de ¡Tango! duró apenas unos días. El 19 de mayo de 1933, la productora Lumiton estrenó Los Tres Berretines, dirigida por Enrique Telémaco Susini, que contó con Luis Sandrini, Luisa Vehil y Luis Arata como protagonistas y con las orquestas de Aníbal Troilo y Osvaldo Fresedo. En ella se habla de los principales caprichos de los porteños: el fútbol, el tango y el cine. Pero, para entonces, la historia de la primera película sonora ya estaba escrita.

“Se dice que soy fiera…”, entonó la intérprete, con una voz que no pedía permiso ni pedía disculpas. Sin los artificios que algunos le achacan, sin el filtro del autotune, sin la máscara de la performance urbana. Ahí estaba cruda y filosa, como el tango mismo.

Era domingo 13 de abril cuando el video fue subido a YouTube. Hoy, apenas horas después, ya acumula más de 34 mil reproducciones, y una estela de reacciones en redes que parece no apagarse. X (ex Twitter) fue el primer termómetro. “Excelente entonación y métrica perfecta. Sorprendido gratamente”; “Che, la rompió La Joaqui”; “Primera vez que la escucho cantar sin hacer voz de nena”. Lo que para algunos fue un descubrimiento, para otros sonó a confirmación. Un usuario escribió: “No te conozco mucho como artista, pero qué linda interpretación hiciste de esta canción”.

¿Qué sucedió en ese salón informal, decorado con flores, luces, instrumentos y miradas cómplices? Ocurrió algo más grande que una buena versión de un clásico. Sucedió un desplazamiento. Porque La Joaqui, una de las voces más identificadas con la cumbia, el RKT y el trap argentino, decidió apropiarse de un himno del lunfardo, del machismo retrucado, de la femineidad provocadora y popular, y hacerlo suyo. Fue un gesto político. Una toma de posición. Una manera de decir “sí, esto también soy yo”.

El ciclo ¡FA!, creado y dirigido por Mex Urtizberea junto a Nicolás Tolcachier, Fabiana Segovia y Pedro Saborido, se propone como un espacio de encuentro sin etiquetas. Esta vez, en el primer encuentro de este año, bajo el tema “La Juventud”, reunió a figuras tan disímiles como Tiago PZK, Los Caligaris, Julieta Zylberberg, Julia Zenko, Alexandra Kohan, Santiago Bilinkis, Piti Fernández, Rep, Lito Vitale y la propia Joaqui. La consigna no era trazar una definición de juventud, sino dejarse atravesar por ella. Por sus dudas, sus pasiones, su música. Por la emoción –quizás olvidada– de sentirse joven.

En ese contexto, el tango de Canaro y Pelay, escrito en 1954 para ser un manifiesto de empoderamiento antes de que la palabra existiera en el diccionario mainstream, se volvió más actual que nunca. “Se dice que soy fiera, que camino a lo malevo...”, cantó la joven como si cada sílaba fuera un dardo dirigido a todos los que alguna vez la subestimaron.

El video, de apenas poco menos de tres minutos, logró lo que muchas campañas de marketing no pueden: conectar. Porque hay algo en esa escena –la calidez del entorno, la crudeza del canto, la historia que se reescribe– que traspasa la pantalla. “Espectacular”, “Brillante”, “No me lo esperaba”: las frases se repiten, pero lo que hay detrás es un reconocimiento tácito.

Desde sus inicios, La Joaqui fue blanco de comentarios hirientes. Su estética, su voz, su lírica, su forma de habitar el escenario y las redes sociales. Ella misma lo dijo más de una vez: “La gente asume o me adjudica que porque hago música para divertirme no sé ser pensante”, para luego cerrar: “Soy una persona muy inteligente, lamento decirles”.

Y ahí está. Cantando tango. En el centro de una ronda plural, intergeneracional, sensible. Como si dijera, sin decirlo: sí, se dice de mí muchas cosas… pero ahora escuchen esto. Y lo escucharon.

En 1941 el pianista Sebastián Piana compuso, con letra de Cátulo Castillo, el tango Tinta Roja. Por entonces, en la esquina sudoeste de Adolfo Alsina y Solís, en una cuadra pródiga en patrimonio histórico y cultural del barrio de Montserrat, se levantó un edificio en cuya planta baja había un bar con billares. Hoy, en el mismo lugar, funciona el Café Bar Alsina. Fui de recorrida y cuando empujé un manijón de una de las dos puertas de doble hoja y entré, me sentí dentro de los versos de Cátulo. ¿Acaso el café está pintado de rojo en su interior? Claro que no. Sin embargo, el rojismo de sus gruesas cortinas, que niegan el paso del sol por toda la esquina, dominan la paleta cromática del lugar.

El Alsina es un clásico café del Centro. Tiene piso con forma de damero, boiserie en todas las paredes que rematan en espejos, mesas con tapas de color verde y sillas acolchadas de la misma tonalidad. ¿Por qué da tan rojo el lugar entonces? Pues por como ingresa la luz del sol y por la cantidad de espejos que multiplican e invaden todo de color rojo.

Ramón Pinto está al frente del Café Bar Alsina desde 2014. Es un gastronómico con muchos años en el oficio. En 1984 entró a trabajar en el Histórico Bar de Diagonal Sur en Presidente Julio A. Roca 622. En mi relato sobre el Bar Comet mencioné al Histórico como una de las referencias inevitables a la hora de hablar de los cafés con carpintería de aluminio que fueron representativos de una época en la ciudad.

Entre 2004 y 2014, don Ramón fue uno de sus socios hasta abrirse del Histórico para asumir las riendas del Alsina. Me cuenta Ramón que antes de desembarcar con su familia en la esquina de Alsina y Solís, el boliche era administrado por unos gallegos que también tenían una fábrica de pastas en la esquina de enfrente. Y que, a partir de su gestión, el local cambió de nombre por “Alsina”. Bien por Ramón. Una manera correcta de generar pertenencia con el territorio vecino es asignarle al negocio una denominación que la barriada pueda apropiarse. Le pregunté a Ramón por el primitivo nombre comercial y me dijo: “Alai”.

Pedí un café y volví a mi mesa para continuar con mis observaciones. ¿A qué me referí cuando dije que la cuadra ofrece un patrimonio cultural de excepción? Por ejemplo, en su arquitectura. En la esquina de enfrente, la sudeste, existe un edificio de rentas, de estilo academicista francés, construido en la década de 1930, que remata en una cúpula, que también es una vivienda familiar, con forma de tambor, de tres niveles.

Pero, específicamente en la cuadra del Café Bar Alsina, a la altura del 1700, las historias vividas son insuperables. En el departamento número 2 de Alsina 1743, a media cuadra del Alsina, entre septiembre de 1918 y junio de 1919, vivió Marcel Duchamp. Esto es al año siguiente de que el creador del arte conceptual presentó, a la Sociedad de Artistas Independientes de Nueva York, su obra “La fuente”, el famoso mingitorio. Se desconoce por qué Duchamp pasó una breve temporada en Buenos Aires. Probablemente estuviera relacionada con huir de la Primera Guerra Mundial y evitar su reclutamiento. Lo poco que se sabe de su estadía porteña surge del intercambio epistolar mantenido con amigos y coleccionistas. Tan limitada era la información de la estadía del artista en Buenos Aires, que cuando la Televisión Francesa vino a registrar dónde había vivido Duchamp, nadie por el barrio tenía idea del hecho.

Pero, como si no fuera suficiente, en el mismo inquilinato, y en simultáneo, vivió el compositor de tango y director de orquesta, Francisco Canaro. Es decir que Duchamp y Pirincho fueron vecinos. Sin más.

Cuando Jorge Luis Borges escribió su cuento El Aleph no pudo ubicar esa esfera que lo contenía todo —como ocurre en nuestra amada Buenos Aires— en otra calle que no fuera la Avenida Garay, un homenaje al tozudo vasco que bajó desde Asunción para concretar esta ciudad de ensueño.

Desde 1977 hasta hace unos pocos años, en la planta baja de la casa de Duchamp y Canaro, funcionó el Bar Oscar. El boliche, que pertenecía a la familia del cantante Ricardo “Chiqui” Pereyra, tenía dedicadas sus vidrieras al artista parisino de quien se sabe que era un fanático del ajedrez. Hoy los dos ingresos a la construcción original de Alsina 1743 y 1745 están tapiados. El Bar Oscar fue desmantelado. Pero el ploteo de Duchamp sigue en su sitio.

En diagonal al inquilinato de Duchamp y Canaro, en Alsina 1762, se encuentra la sede de la Asociación Argentina de Actores que ocupa el edificio que fuera el Palacio Dassen. Claro Cornelio Dassen fue un ingeniero y matemático porteño nacido en 1873. El palacio se lo encargó al arquitecto Alejandro Christophersen en 1914 y remata con un faro urbano. La lista de obras de Christophersen en la ciudad es interminable. Solo mencionaré la más emblemática y la cafetera: el Palacio Anchorena —actual Palacio San Martín, sede de la cancillería— y la fachada del Gran Café Tortoni sobre la Avenida de Mayo.

Otro edificio cargado de historia de la cuadra, a pasos de la avenida Entre Ríos, en Alsina 1786, es la sede central de la Unión Cívica Radical. Está claro que estas dos instituciones, actores y radicales, proveen a diario de figuras públicas a las mesas del Café Bar Alsina. Nombrarlas sería inabordable. Mejor digamos que todos y todas pasaron por la esquina de Ramón.

Mientras saboreo mi café con una exquisita medialuna de grasa, en una mesa vecina, cuando la mañana todavía no alcanzó a definirse, un parroquiano pide un omelet con un jugo de naranja. Definitivamente, estos son otros tiempos. Como los que te ofrece Google en donde busco el significado de la palabra “alai”. Encuentro que en euskera “alai” puede ser un adjetivo, un nombre o un sustantivo. Y que significa alegre o feliz. Es decir que los “gallegos”, como los definió Ramón a los anteriores dueños del café, probablemente fueran vascos. Igual que Juan de Garay.

“¿Dónde estará mi arrabal? ¿Quién se robó mi niñez? ¿En qué rincón, luna mía, volcas como entonces tu clara alegría?” escribió Cátulo Castillo para ponerle letra a la melodía del maestro Piana en Tinta Roja. Amo encontrar estas coincidencias entre cafés, poesía e historia. Porque este rincón de Buenos Aires, el Café Bar Alsina, hace rato que le han robado la niñez y a la alegría pareciera que se la han llevado a otro lado. Ramón Pinto abre de lunes a viernes de 7 a 16. A esa hora le pone llave a la puerta y cierra mientras terminan de consumir los últimos clientes. Dice que la zona se convierte en “tierra de nadie”. La esquina está a 100 metros de la Plaza del Congreso como de la avenida Entre Ríos. Y a dos cuadras del Congreso Nacional. “No es suficiente para estar seguro”, me confirma Ramón.

Tinta roja es una apología a la nostalgia. ¿Todos los tangos son nostálgicos? No todos. Y pocos describen la melancolía como ese. “Tu emoción de ladrillo feliz sobre mi callejón, con un borrón, pintó la esquina…” y no va que Ramón “pintó” su esquina de rojo. Es una pena que Duchamp, en su estadía en Buenos Aires, no se haya cruzado con los más grandes poetas del tango. En una de sus conocidas cartas le escribió a un amigo “Buenos Aires no existe. No es más que una gran población provinciana con gente muy rica sin pizca de gusto que todo lo compra en Europa”. El tango no, Marcel. El tango no se lo compramos a nadie. Es todo nuestro.

¿Y cómo es que fue vecino de Pirincho Canaro y no reconoció este arte genuino? Será porque el primer tango canción, Mi noche triste —sí, reconozco que no es la manera más feliz de estrenar un género— fue escrito en 1917, año que lo ocupaba a Duchamp en otros menesteres artísticos. Y que las más ilustradas líricas se crearon con posterioridad a su paso por esta ciudad “inexistente”. Por suerte siempre tenemos a mano a Borges que juzgó a Buenos Aires “tan eterna como el agua y el aire”.

Ya saben donde queda el Café Bar Alsina. También conocen sus horarios de apertura y los principales hitos históricos cercanos. Recomiendo su visita. Se darán un baño de rojo carmesí como cantó Sandro, otra figura de la música popular. En resumen, nuestra historia de vida transita por Monserrat y sus veredas. “Veredas que yo pisé, malevos que ya no son, bajo tu cielo de raso trasnocha un pedazo de mi corazón”.

Son las seis de la tarde de un viernes de la naciente primavera y en el Casco Viejo de Bilbao, la localidad más poblada del País Vasco, el sol se esconde y deja de iluminar la ría, para dar lugar a la mística tarde y posterior noche, de una ciudad que encuentra historias y culturas.

Atrás quedan el Guggenheim y el Ensanche. En la calle de la Tendería, una de las siete fundacionales de Bilbao, frente a la Catedral de Santiago, se escucha un tarareo de tango. Las estrofas provienen de esta misma intersección peatonal, específicamente de la voz de Ignacio Hernaiz, un porteño, educador y artista, que actualmente reside en el país vasco en donde ejerce como profesor y consultor para la internacionalización en la Universidad de Deusto, la más antigua de la comunidad autónoma.

País Vasco, o Euskal Herria como lo llaman los oriundos en euskera, es una de las zonas más destacadas de España y Europa. Su historia, su idioma, que lingüísticamente hablando es casi indescifrable por no poseer raíces latinas, y su matriz cultural en todas las vertientes posibles, es única y destacable. Lejos de ser una comunidad cerrada, de ellos se conoce y se sabe mucho a nivel mundial, no sólo por su identidad como pueblo, sino que en gran parte se debe a la diáspora vasca, que en Argentina resulta ser de las mayores a nivel internacional.

“¿Siempre con un tango en la garganta?”, asiente con la mirada y se ríe. Ignacio, o mejor dicho Iñaki como le dicen aquí, invita a su casa para hablar de Argentina, de historia, de lo que pasa en la actualidad del mundo, y de lo que va a ocurrir específicamente el viernes 4 de abril: junto al pianista Ander Marzana, subirá a cantar tangos en el escenario del teatro del Centro Municipal de la localidad de Begoña, Bilbao.

—Se nota que sos un porteño de ley, porque donde vas llevás la música rioplatense, ¿es algo que viene de familia?

—Hay algo previo al tango. Yo crecí en una casa donde se escuchaba música, donde se apreciaba todo tipo de música. Para darte un ejemplo,  mi mamá -Maitena- todos los 31 de julio (día de San Ignacio de Loyola, patrono del pueblo vasco) nos despertaba tocando en el piano la marcha de San Ignacio. Y ella, incluso con su vida austera, siempre contaba con un abono en el Teatro Colón para llevarnos.

La familia Hernaiz es íntegramente vasca y como le gusta referenciarse, tiene los ocho apellidos vascos. Hablamos de una de las tantas familias migrantes que llegaron a la Argentina, en este caso desde Bilbao, Ondárroa y Logroño, hacia 1920. Y de ellos mantiene vivo el recuerdo: “hay amigos que me dicen que mi mejor virtud es la lealtad y el valor de la palabra, y eso es una característica inherente a los vascos”.

—¿Cómo llega el tango a tu vida? ¿Hay un encuentro entre tus abuelos vascos y el tango argentino?

—Todo lo contrario, mi abuela Casimira, por ejemplo, no escuchaba tango, y mis padres, amantes de todo tipo de música, no eran unos fanáticos en particular. El tango lo empecé a descubrir por Buenos Aires, por los amigos, y por las peñas, en la juventud, en las reuniones políticas y la vida de “cuadrilla” (este concepto lo aplica mucho, para los vascos hablar de una familia amplia es hablar de cuadrilla). Ya con el tiempo tuve la suerte de acercarme a Lidia Borda, Dolores Solá o Adriana Varela. Pero antes de eso, el tango me llegó por las calles de Buenos Aires.

—¿Te trae nostalgia?

—Hay a veces una idea que el tango es un género triste y melancólico, y es cierto que algo de eso encierra el Río de La Plata, sin embargo el tango de Discépolo, por ejemplo, tiene una conexión con la actualidad, empatiza con la realidad de hoy, son atemporales, como “Cambalache” o “Yira Yira”.

—Digamos que el tango, entonces, es un género que describe una sociedad, un modo de pensar y ver las cosas en la vida.

—El tango dice verdades.

—¿Por qué?

—El tango habla de solidaridad. ¿Un ejemplo? Bueno, pongamos “Cafetín de Buenos Aires”: “de chiquilín te miraba de afuera…” Y en un momento dice “yo aprendí filosofía, dados, timba y la poesía cruel, de no pensar más en mí…” Es decir, pensar en el otro. Claro, es una manifestación política. Bueno, yo creo que en este caso este tango es un fruto del vínculo de Discépolo con Evita.

—Pero el tango no es solamente eso.

—No, claro, hay una fuerza en la emoción gardeliana, con “Mi Buenos Aires querido”, o “Volver”. “El Día que me quieras” es un himno internacional, es bello a nivel melódico, el recitado es alucinante, demuestra un mundo de amor. Yo me enganché mucho con los tangos de amores, como “Cuesta abajo” también. Es una mezcla entre tristeza pero levantarse y seguir caminando.

Los padres de Iñaki fueron docentes, nacieron y crecieron en Buenos Aires, como es su caso y el de su hermano. En su juventud, luego de egresar del La Salle de Capital, se formó a nivel universitario y se especializó en Ciencias de la Educación, obteniendo el título de magister. Ha sido funcionario público a nivel nacional y diplomático en el ámbito de la cooperación internacional, con un arduo trabajo en educación, cultura y derechos humanos.

“Hice mi carrera profesional y nunca dejé el tango, y en el camino me encontré con gente que se sumó a esta pasión y con la que hemos armado grupos para cantar en eventos solidarios, fiestas de amigos, acciones por los derechos humanos, a nivel nacional y también por el mundo”.

—¿Y cómo llega el tango a la Ría de Bilbao?

—Hay un vínculo muy afectivo entre el País Vasco y el tango, aunque del euskera poco se encuentre en el lunfardo. Hace unos años, volviendo de un encuentro de vascos que se hizo en Buenos Aires, con Andoni Ortuzar (ex presidente del Partido Nacionalista Vasco) y artistas, comenzamos a cantar tangos y me di cuenta de la cantidad de canciones que ellos conocían. Recuerdo que al llegar al hotel donde ellos se hospedaban, nos dijimos que algún día íbamos a cantar y llevar el tango porteño al país vasco.

—Y eso va a ocurrir este viernes 4 de abril en el Teatro de Begoña.

—Exactamente, junto a Ander Marzana, y gracias al apoyo del Ministerio de Cultura local, llevaremos adelante el concierto Tangos de Buenos Aires a Bilbao. Allí el repertorio serán todos estos tangos de amor, de pensamiento filosófico y de humor.

—Será tu primera presentación en Bilbao, pero no tu primera vez en el escenario.

—Para nada, tuve la oportunidad de cantar en momentos muy especiales para amigos, para compañeros y personalidades de nuestro tiempo, desde mi juventud hasta hoy. De hecho, una de las primeras veces ocurrió en la primera peregrinación de la juventud a Luján.

—¿Cómo es eso?

—Claro, como jóvenes de acción católica y lasallanos, fuimos los primeros en organizar la peregrinación juvenil a Luján, allá por octubre del 75′, y en el móvil uno de la marcha estaba yo, con micrófono en mano arengando y cantando.

Cincuenta años han pasado desde el momento en que la caravana partió de San Cayetano. Medio siglo se cumplen desde aquella vez en la que con un micrófono en mano, arriba de un móvil de esa primera peregrinación juvenil a Luján, Iñaki juntó coraje y se animó a alegrar a los peregrinos. El escenario de hoy, este viernes 4 de abril, será distinto a aquel del que solamente se encuentran registros en blanco y negro. En esta oportunidad se podrá ver por streaming en vivo. También será en otro país, pero la ansiedad, la invocación y la pasión por cantar y hablar a través de la música será siempre la misma, en Buenos Aires o en Bilbao. El tango, el folklore, nuestra música, son nuestra identidad nacional. No son canciones de protesta, son más bien canciones de propuesta.

“Jugado”, le puso Juan Pablo Dicovskiy a su primer álbum y sí, algo jugado es. Murguista -es parte de La cuerda floja-, cantor de tangos, pero economista de profesión, Dicovskiy saca este disco-debut cuando acaba de cumplir 59 años. “La más vieja de las jóvenes promesas”, le han dicho. Y él lo toma. Orgulloso de su recorrido y de su “doble vida”.

Pero Jugado es jugado, sobre todo, por sus apuestas estéticas, por su forma de explorar el lenguaje del tango con un enfoque innovador. En palabras del propio Dicovskiy, el álbum incluye “un rock medio heavy metal, una milonga transformada en cumbia, un vals con influencias de la chanson parisina y un cover de Charly García”. “Conozco esta ciudad...” cantará Dicovskiy dándole otra cadencia al tema de Charly y, también, haciéndolo propio. Claro que la conoce y así se percibe en su voz.

“Para mí, que hice el secundario en la dictadura”, ese tema de Charly habla de la opresión en la dictadura. Luego lo escuché a él decir otras cosas, pero así lo siento”; contó Dicovskiy.

No puede evitar mirar la realidad desde su música y sus letras. Así, se destaca en el disco Mi crueldad, que cabalga entre el tango y el rock pesado y donde el músico canta: “Vengo al fin a vencer a los enclenques los pobres, fracasados y perdidos, a darles su sabroso merecido. Llego macho y feroz, pidiendo sangre. Desde hoy, solo mía será el hambre y no de esos oscuros delincuentes. Mi mentira tiene filo de verdady te clava presuntuosa mi crueldad”. La escribió en 2021, cuando veía nacer sentimientos y movimientos sobre los que creyó necesario alertar.

Esta diversidad de estilos refleja la capacidad del artista para fusionar diferentes géneros musicales, creando una propuesta única en el ámbito del tango contemporáneo.

Jugado se lanzará el próximo sábado 5 de abril a las 21 en Galpón B, un espacio cultural ubicado en el barrio de San Cristóbal, en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Este evento marca un momento significativo en la trayectoria de Dicovskiy, quien ha dedicado más de treinta años al mundo del tango, destacándose en boliches y milongas de la capital argentina y sus alrededores.

El álbum es una muestra de la evolución artística de Dicovskiy, quien ha incursionado en la composición a lo largo de su carrera. Está compuesto casi en su totalidad por temas originales del artista, que empezó a acercarse al tango pasados los treinta años.

El carácter de músico y economista se refleja en su enfoque innovador hacia el tango, un género que ha sabido reinventar a lo largo de los años. El lanzamiento de Jugado no solo representa un logro personal para Dicovskiy, sino que también ofrece a los oyentes la oportunidad de disfrutar de su propuesta musical desde cualquier lugar.

El álbum cuenta con una página web dedicada y está disponible en plataformas digitales como Spotify y Apple Music.

Para la presentación en Galpón B, Dicovskiy estará acompañado por un grupo de 11 músicos en el escenario. Las entradas para el evento están disponibles a través de Passline y en las redes sociales del artista: IG: @juanpa_dic Fb: juanpa.dicovskiy, X: @juandicovskiy.

También se podrán adquirir en la puerta del Galpón B el día del concierto, con un precio anticipado de 10.000 pesos, mientras que en la puerta costarán 12.000 pesos.

“Buenos Aires siempre será parte de mí. Volver significa reencontrarme con mi historia, con los sonidos y la energía de la ciudad que me formó. Es un regreso emocional, porque cada calle, cada rincón, me recuerda mis comienzos y la influencia que esta ciudad ha tenido en mi música”, le dijo a Infobae Cultura en la previa de sus recitales en el club de jazz de Palermo, en donde se presentará junto a Quique Sinesi (guitarra), Walter Castro (bandoneón) y Horacio Hurtado (contrabajo).

A sus 81 años y con varias décadas de residencia en Estados Unidos, Ziegler puede presumir de una gran historia con el tango. Durante más de una década, formó parte del legendario quinteto de Astor Piazzolla, participando en álbumes icónicos como Tango: Zero Hour y La Camorra. Desde hace más de 25 años, lidera sus propios grupos, explorando nuevas fronteras dentro del tango contemporáneo y redefiniendo su sonido con un enfoque innovador y sofisticado. Ha llevado su música a escenarios de renombre como el Royal Albert Hall de Londres, y el Carnegie Hall y Lincoln Center de Nueva York, y festivales internacionales de jazz en Montreal, Tokio y San Francisco. Ejerció la docencia en prestigiosas universidades como Yale, Harvard y Berklee. Y recibió importantes premios, entre ellos varios Grammy y Latina Grammy.

—¿Cuál es el estímulo para seguir tocando a su edad, y con su gran trayectoria?

—La música es mi vida. No se trata solo de una carrera o de un trabajo, sino de una necesidad vital. Seguir tocando significa seguir explorando, descubriendo nuevas formas de expresión y conectándome con el público. Cada concierto es una experiencia única, una oportunidad para compartir emociones y mantener viva la tradición del tango desde mi propia visión. Es la única manera de conectarme con la realidad que nunca abandonaría. Me renueva y rejuvenece.

—¿Qué repertorio interpretará en estos conciertos de Bebop?

—Voy a presentar una selección de mi música, incluyendo composiciones propias y algunos clásicos de Piazzolla con mi impronta personal. Habrá espacio para la improvisación y para explorar la riqueza del nuevo tango en un formato más íntimo, donde cada instrumento puede dialogar con libertad.

—¿Se siente cómodo bajo la caracterización de “nuevo tango”? ¿Cómo lo define?

—Me siento cómodo porque es un reconocimiento a una evolución dentro del tango. Pero el nuevo tango no es solo una etiqueta, sino una manera de expandir los límites del género, incorporando armonías más complejas, una rítmica más libre y una actitud más cercana a la música de cámara o al jazz. En mi caso, lo defino como una forma de jazz tango o tango contemporáneo, abierto a la improvisación y a la interacción entre los músicos.

—A su entender, ¿qué tienen en común el tango con el jazz? ¿Se puede decir que definitivamente se unieron en las grabaciones de Piazzolla con Gary Burton?

—Nuevo Tango y jazz comparten la improvisación y la libertad rítmica, aunque con enfoques distintos. En el nuevo tango, la interpretación es muy expresiva y llena de matices rítmicos, mientras que en el jazz, la improvisación es una parte esencial de la estructura musical. La colaboración de Piazzolla con Gary Burton fue un momento clave en la fusión de ambos géneros, pero yo diría que esa conexión ya existía en la música de Piazzolla desde antes. Él absorbió influencias del jazz y las incorporó a su lenguaje, y yo he seguido explorando ese camino con mi propia visión.

—A la distancia de tiempo y lugar, ¿sigue sintiendo que el tango es la música de Buenos Aires?

—Sin duda. El tango nació en Buenos Aires y su esencia sigue ligada a la ciudad, a su melancolía, su ritmo y su historia. Pero al mismo tiempo, el tango se ha globalizado y ha evolucionado en distintas direcciones. Hoy es una música del mundo, con intérpretes y públicos en todas partes, pero su alma sigue siendo porteña.

[Fotos: Shigeto Imura-Masae Shiwa; gentileza Pablo Ziegler web]

El nuevo comienzo de un ciclo lectivo escolar me convoca a contar el Café de los Angelitos. Todo surge a partir de hechos fortuitos. O no tanto. El último es el primero que voy a relatar. Hace unas semanas me crucé en un evento con Shela Estévez, profesora de Historia en el Normal N° 5 Martín Miguel de Güemes de Barracas.

Hoy Shela es una docente jubilada, pero años atrás, siendo vecinos de enfrente entre el bar La Flor de Barracas (que yo administraba) y el Normal 5 realizamos distintas actividades educativas con los alumnos. Desde concursos de fotografías, ciclos de cortos audiovisuales, charlas sobre cafés, patrimonio e identidad. Pues al evento en cuestión Shela me llevó de regalo una revista publicada en octubre de 2003 por el Instituto Histórico de la Ciudad de Buenos Aires. La publicación —Año 6, N° 15— “Voces recobradas. Revista de Historia Oral”, incluye una extensa nota escrita por Marcela Vilela y Susana Vega titulada: “Un acercamiento a la historia del Café de los Angelitos”.

Entre testimonios de vecinos, bandoneonistas, poetas y milongueros, sobresalen las voces de docentes y alumnos de la Escuela N° 1 Esteban de Luca de Balvanera. En 1993, cuando el Café de los Angelitos se encontraba cerrado, esa Escuela planteó como proyecto institucional su reapertura. ¿Cómo sucedió esa movida? ¿Y por qué? Antes de continuar con el relato corresponde ordenar de manera cronológica la historia de uno de los cafés más representativos de nuestra identidad.

El Café de los Angelitos abrió en 1890 en la esquina de Rivadavia y Rincón. Su fundador fue el italiano Batista Fazio. Nada en particular. El negocio de bares gastronómicos fue común a la colectividad italiana durante los siglos XVIII y XIX. La “Segunda Colonización Española” al frente de nuestros cafés y bares se produjo a partir de las primeras décadas del siglo XX.

El primer nombre del bar fue Rivadavia. Lo frecuentaban malandrines y tarambanas. Era un galpón orillero, con billares, techo de chapa y piso de tierra. En verdad, todo el vecindario, por entonces, era bastante precario. El cercano edificio del Congreso Nacional se inauguró recién en 1906 y la Confitería del Molino en 1916.

¿Acaso se convirtió a poco de abrir en un reducto tanguero que acaparaba a todos sus miembros y seguidores? Para nada. Carlos Gardel, por ejemplo, nació en diciembre del mismo año de su apertura. ¿Es que el tango nació con Gardel? Claro que no. Sólo fue una mención referencial.

El primer tango registrado como tal fue “El entrerriano”, en el año 1896, compuesto por el músico afroargentino Rosendo Mendizábal. Los habitués del primitivo Bar Rivadavia se reunían para escuchar las payadas de Gabino Ezeiza y José Betinotti.

Recién en 1920 pasó a llamarse Café de los Angelitos luego de que su nuevo dueño, el español —ahora sí— Ángel Salgueiro, lo refaccionara y colocara en el frente angelitos de yeso. Aquí comienza la leyenda sobre su nombre definitivo. La tradición oral cuenta que fue el comisario de la zona quien le ordenaba a sus agentes, cada vez que le llegaba el cuento de una trifulca en el bar: “Muchachos, vamos a ver qué pasa en el café de los angelitos”. Y que ese sobrenombre se arraigó entre los parroquianos por lo que don Salgueiro no tuvo más que acompañar los dichos de la feligresía.

Una vez que el tango tomó posesión de cada rincón de la ciudad el Café de los Angelitos pasó a ser una de sus principales sedes. Por sus mesas pasaron Gardel —vivió por un tiempo breve a una cuadra y media, en Rincón 137—, Razzano, Castillo, Troilo y Pugliese. Pero también lo hicieron Roberto Arlt, los hermanos Discépolo, Florencio Parravicini, Carlos de la Púa, Tito Lusiardo, Irineo Leguizamo, Nicolás Olivari, los hermanos González Tuñón y los socialistas Juan B. Justo, Américo Ghioldi, Nicolás Repetto y Alfredo Palacios.

En 1944 José Razzano y Cátulo Castillo le dedicaron un tango. “Yo te evoco, perdido en la vida, y enredado en los hilos del humo, frente a un grato recuerdo que fumo y a esta negra porción de café”, dicen los primeros versos de Café de los Angelitos.

No tengo evidencias, pero me animo a inferir que este café corrió igual suerte que el tango. Y que cuando éste dejó de ser escuchado y bailado masivamente, las mesas del café, en simultáneo, se vaciaron.

Algo de esto deja traslucir la Revista de Historia Oral. Es Horacio Salas quien comentó que “en los 70 ya no era lo mismo y que el último esplendor del viejo café fue aportado por los integrantes de la llamada generación del 60: Abelardo Castillo, Arnoldo Liberman, Liliana Hecker, Humberto Constantini y Roberto Santoro”. Y continúa Salas: “Después vinieron el grill, las mesas de fórmica, las tulipas de plástico y la falta de personalidad”. Lo mismo cuenta Jorge, otro vecino entrevistado: “En el 64 empieza a declinar. Los dueños eran tres: Luis Gómez, Noya y Pablo Domínguez y ponen una cervecería tipo Munich. El ambiente que tenía ya empieza a tener un poquito de todo”.

Son los mismos años cuando el tango deja de escucharse en las radios, televisión y fiestas populares. El local cerró en 1992, a poco de cumplir su primer centenario. Su último dueño fue Germán Lozada. Un año más tarde se presentó el proyecto ideado por el profesor de música de la Escuela Esteban de Luca. La Escuela salió a la calle en defensa del patrimonio del café. Y toda la comunidad se movilizó con la propuesta.

En 1996 antiguos parroquianos conformaron la Asociación de Amigos del Café de los Angelitos. Todos los miércoles organizaron una milonga en la vereda como expresión de reclamo por su reapertura. Pero la falta de uso del lugar percudió la estructura y, en 2000, hubo un principio de derrumbe. Tanto que el Gobierno de la Ciudad, por la seguridad de todos, lo demolió. La legendaria esquina de Rivadavia y Rincón se convirtió en un baldío. De pronto la ciudad, el tango y Balvanera habían trocado un patrimonio tangible por uno intangible. También habían perdido una marca, la referencia edilicia que activaba la memoria.

En 2001 comenzó un largo proceso de reconstrucción que terminó con la reapertura del café en 2007. Recuerden que la revista que mencioné en el primero de los párrafos se publicó en 2003. Lo que da cuenta la publicación fue que a la hora de recuperar el imaginario del anterior local no existía ninguna referencia. Sólo existían testimonios orales para poder reconstruir ladrillo a ladrillo una historia de más de 100 años. O sea, como tantas otras veces, la siempre salvadora memoria colectiva.

La primera medida que tomó el grupo inversor que compró las ruinas del viejo café fue levantar un salón de 9 metros de altura. Hoy el Café de los Angelitos abre todos los días de 9 a 19. Y por las noches ofrece cena show. Su lógica comercial es similar a la Esquina Homero Manzi.

La nueva obra tuvo en cuenta copiar los ventanales del tipo guillotina. El piso es de mosaico calcáreo con una disposición que simula al cuadrado de una pista de baile de una gran milonga. En el centro del salón hay una araña con un sinnúmero de lamparitas eléctricas. El resto de la iluminación son apliques cenitales, hechos en bronce, con forma de ángeles. Las mesas tienen tapas revestidas en símil madera y las sillas son acolchadas con tapizado de color verde inglés. La barra es de madera y debajo de la tapa tiene espigas pintadas en dorado.

Falta, eso sí, el característico altarcito de otros bares porteños con trofeos e imágenes. Suele ocurrir cuando el propietario no es una persona física sino una jurídica. En todas las paredes hay colgadas fotos cedidas por el Archivo General de la Nación para recrear la historia del café y la ciudad. Pegado a ese gran salón hay otro, más paquete, armado sobre una tarima de piso entarugado, con sillones tipo butaca con la letra A bordada en su espaldar. Y a continuación, la gran sala con escenario y palcos que recrea a un teatro.

En cuanto al servicio, se puede ordenar al mozo un café, sin mayores aclaraciones, y vuelve un café en pocillo. Qué mejor para la Buenos Aires actual. Ah, y el azúcar viene en terrones. Del viejo cafetín ni rastros. Pero sí de la perseverante batalla de una comunidad para que vuelva a ocuparse un hueco donde, con anterioridad, existía un café que representaba los lazos sociales de una barriada.

Para terminar, retomo las coincidencias escolares. En 2024, junto a Lucio Cantini, mi primo dibujante, fuimos invitados por Anabella Hallabe, directora de la Escuela N° 15 Arzobispo Mariano Antonio Espinosa de Barracas, para dar un taller sobre cafés y bares de Buenos Aires a todo el alumnado. Sin exclusión etaria. Desde sala de 5 hasta séptimo grado. Fueron dos jornadas de ocho clases donde pudimos transmitirles a los chicos valores culturales, históricos y barriales. Fomentar y activar la memoria. Los más pequeños aprendieron a dibujar tazas, mesas y sillas. El trabajo de campo incluyó la visita a los bares. Otra vez la escuela salió a la calle. La tarea incluyó escritura, lectura y la experiencia. Y el resultado final fue presentado en la Muestra Cuatrimestral 2024 donde cada aula se convirtió en un café. Y el patio de la Escuela, en la Gran Milonga Gran.

Uno de los cafetines escogidos fue, y cómo no, la esquina de Rivadavia y Rincón. Si como dijo Enrique Santos Discépolo “el café es una escuela de todas las cosas” este es el camino. Sigamos formando angelitos.

Instagram: @cafecontado

Los años treinta. Plena década infame. Su contraparte, su contracultura: la música: el tango. Bajo el magma de la cotidianidad, en los subsuelos de Buenos Aires, el tango se filtraba por todos lados.

Uno de esos lugares, uno de esos subsuelos, fundado en 1935 por Juan Leslie Sala, fue el Salón Marabú, emblemático cabaré de la gran capital argentina, que hoy celebra nueve décadas de vida.

Con el corazón en la mano

En su escenario debutaron figuras como Aníbal Troilo con su orquesta y el cantor Francisco Fiorentino en 1937, así como Rodolfo Biagi en 1938. También fue el lugar donde Carlos Di Sarli presentó a Roberto Rufino, quien más tarde se consolidaría como una de las voces más representativas del tango.

El salón, decorado al estilo art déco y con una pista de baile rodeada de mesas y barras, fue testigo de innumerables historias que inspiraron tangos memorables. Allí se conocieron Mariano Mores y Discépolo.

Una de ellas fue la que dio origen a “Como dos extraños”, compuesto por José María Contursi y Pedro Láurenz, cuya letra relata un desgarrador encuentro que tuvo lugar en este cabaré.

“Me acobardó la soledad / y el miedo enorme de morir lejos de ti”, se cantaba a garganta pelada, con el corazón en la mano. Los años treinta.

90 años y muchísimas vidas

De aquel tiempo pasó, no una vida, ¡muchísimas vidas! En el medio, tras décadas de esplendor, el Salón Marabú cerró sus puertas a mediados de los sesenta, reabrió brevemente en 1984 con una presentación de Osvaldo Pugliese, hasta que volvió a cerrar.

La Fundación Internacional de Tango Argentino lo rescató del olvido. Fue en el año 2017 que renació como milonga, todo remodelado y con nuevo equipo de sonido.

Y ahora, hoy, esta noche, el Salón Marabú cumple 90 años. Sí: nueve décadas de vida. Y presenta su orquesta escuela “La Tradicional Milonguera” con un concierto titulado D´Arienzo Sinfónico, a cargo de Pablo Ramos y Los Herederos del Compás..

No hay tiempo para agendar: hoy, miércoles 5 de marzo, a las 19 horas en Maipú 365, pleno centro de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. La entrada es libre pero la capacidad limitada.

El tango como religión, según Joe Fish

El aniversario del Salón Marabú también será la ocasión para rendir homenaje a Joe Fish, titular de la Fundación Internacional de Tango Argentino y principal responsable de la restauración y reapertura del mítico salón en 2017.

Fish será reconocido como Personalidad Destacada de la Cultura por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires en un acto que se llevará a cabo el 7 de marzo en el Salón Dorado del edificio ubicado en Perú 160.

En septiembre de 2023, el magnate británico fue distinguido por la Legislatura de Buenos Aires por comprar el Salón Marabú antes de que lo remataran y devolverle el esplendor que supieron darle Troilo, Manzi, Mores, Contursi y Darienzo. Todos los años organiza el festival de tango más importante de Estados Unidos y con su Fundación lleva realizados más de una docena de documentales.

Inglés de nacimiento, habitante por adopción de Stowe, un pueblo de cuatro mil habitantes en el estado de Vermont, Estados Unidos, Fish lleva con orgullo su amor por el tango. Todo empezó hace más de cuarenta años cuando su novia le propuso ir a ver Tango Argentino al Teatro Sadler’s Wells, en Londres.

El espectáculo producido por Claudio Segovia venía de varios meses de éxito en Le Chatelet, de París, y llegaba a la capital inglesa con las mejores críticas. “Ese día me convertí: cambié de religión”, le dijo a Javier Febré en una entrevista con para Infobae Cultura.

“Hay estudios de neurólogos que explican muy bien el poder del baile del tango, cómo hay zonas en el cerebro captando la música y después el cuerpo la va incorporando y finalmente producen efectos, como aumentar la resistencia al dolor y también mejoran el bienestar de la pareja. Eso lo sabían los milongueros mucho antes que los científicos”, aseguró.

Que la resistencia se expanda

El Salón Marabú es el último sobreviviente de una época en la que los cabarés porteños, como el Chantecler, el Armenonville y el Tibidabo, eran centros de música, poesía y danza. Con su aniversario número 90, reafirma su lugar como un símbolo de la tradición y la innovación en el tango, y siembra el terreno para que la resistencia se expanda.

Su supervivencia va más allá de un nombre. Hay, por ejemplo, iniciativas como la creación de la Orquesta Escuela Marabú, un proyecto educativo y artístico que será presentado oficialmente durante los festejos. Se trata de “La Tradicional Milonguera”, una orquesta escuela diseñada para promover el reconocimiento y la valoración de los estilos del tango desde una perspectiva milonguera.

Este proyecto, impulsado por la Fundación Internacional de Tango Argentino, ofrece formación a jóvenes músicos de entre 18 y 30 años, quienes serán seleccionados mediante audiciones que se realizarán en los meses de febrero y marzo. Las clases se impartirán los jueves por la tarde en el Salón Marabú, y por la noche, los integrantes de la orquesta tendrán la oportunidad de participar en una milonga que llevará el mismo nombre del proyecto.

Además, se contará con la presencia de artistas invitados y la realización de masterclasses a cargo de destacados maestros del género. El ciclo lectivo de esta iniciativa se extenderá desde marzo hasta diciembre de 2025.

El Salón Marabú también ha inaugurado el Paseo del Bandoneón, una exposición permanente que exhibe una colección de bandoneones marca Doble A, donada por la Fundación. Esta muestra, que se encuentra en vitrinas dentro del salón, incluye piezas históricas como el bandoneón que perteneció al maestro Julio Pane.

Los instrumentos no solo estarán en exhibición, sino que también serán utilizados por los estudiantes de la orquesta escuela, reforzando el objetivo de formar a las nuevas generaciones en el arte del tango. Desde el fondo del pasado, en la noble tradición, es que arremete el porvenir. Hay futuro.

La iniciativa tuvo el sello del Ballet Hispánico, la mayor organización cultural latina de Estados Unidos, que ofrecía una experiencia “redonda” en torno al baile emblemático de Argentina y una invitación con doble sentido: “Let culture move you” (Deja que la cultura te mueva, o te conmueva).

El evento, enmarcado en la serie Work & Process del museo, comenzó con una presentación en el auditorio por parte de Eduardo Vilaró, el director artístico y ejecutivo del Ballet Hispánico, de tres coreografías contemporáneas de Graciela Daniele, Alejandro Cervera y Matthew Neenan.

De Daniele se representó un extracto de su obra “Cada noche... tango”, de 1988, de tintes “habaneros”, en el que dos hombres bailan interrumpidos por una mujer, y de Neenan una pieza para el Instituto Coreográfico del Ballet Hispánico en la que, apuntó Vilaró, tampoco se ve un dueto, sino un baile en “comunidad”.

Cervera, que tomó el micrófono, describió el tango ante el público, generalmente anglosajón, como una “ensoñación” pasional que se baila en un sentido inverso al de las agujas del reloj y repasó su historia, asegurando que ha tenido un “camino serpenteante” desde su aparición en los “arrabales” hasta hoy.

Fue precisamente una coreografía suya la que destacó en la noche, “Tango Vitrola”, que tomó el centro de la llamada “rotonda” del Guggenheim: una plaza redonda rodeada por los balcones de la rampa en espiral que asciende hasta una bóveda, desde los que se asomaban decenas de personas que después bajaron a bailar.

La puesta en escena fue sencilla: ellos, descamisados, con pantalones y sombrero negros; ellas, con vestidos de escote halter del mismo color, pero sus movimientos y miradas sensuales, bailando en torno a sillas de madera, cargaron de erotismo el espacio habitualmente aséptico de la pinacoteca.

Tras el espectáculo, se encendieron luces de colores y subió el volumen de la música para una fiesta en la “rotonda”, esta vez abierta a los asistentes, empezando con una clase de tango de NYCity Tango Collective a la que no dudaron en apuntarse varias parejas que se convirtieron en el centro de atención.

Repartidas a lo largo del recorrido ascendente del Guggenheim se exponían casi un centenar de obras abstractas, con vibrantes colores y formas, del conocido como “orfismo” o “cubismo órfico”, nacido en París a principios de 1910, con firmas como Sonia Delaunay, Francis Picabia o František Kupka.

Y es que fue el tango uno de los bailes populares que llegaron a París en aquella época desde Argentina y Uruguay, y sedujeron a los artistas que intentarían trasladar sus movimientos sensuales a esos mismos lienzos -señala el museo en uno de sus letreros- que hoy escucharon su banda sonora original.

Fuente: EFE

¿Si hubo un romance entre ellos? “Nos hablamos y correspondimos mucho. Sí puedo asegurar que hubo una mutua atracción. Era difícil sustraerse a la que él ejercía sobre todo el mundo. Y yo también era muy atractiva y tenía mis pretendientes. Pero muchas veces, por razones de trabajo u otras, dos personas simpatizan y, sin embargo, las circunstancias impiden que germine la planta. A veces los sentimientos se bifurcan o los troncha la muerte, como sucedió en este caso...”, explicó la actriz. Sea como fuera, los rumores que daban cuenta de una pasión descontrolada entre ellos nunca terminaron de resonar. Y hasta hubo quienes se animaron a sugerir que el Morocho del Abasto, que falleció el 24 de junio de 1935 a raíz de un accidente aéreo ocurrido en Colombia, tenía pensado casarse con ella.

Gardel era mujeriego, es verdad. Pero esa mujer de cabellera negra y mirada inquietante, había logrado entrar en su corazón. Rosa Emma Mona María Marta Capdevielle -tal su nombre real- había nacido en San Telmo, Buenos Aires el 7 de noviembre de 1906 como fruto de un matrimonio conformado por una madre vasca y un padre francés. Pero, cuando era apenas una niña, quedó huérfana y se fue a vivir con su abuela a Francia. Trabajó como enfermera durante la Primera Guerra Mundial y estudió danzas con el sueño de convertirse en bailarina. También vivió en Italia y en Alemania, donde dio sus primeros pasos en la actuación rodando algunas películas. Pero fue a partir del 31 de diciembre de 1928, cuando desembarcó en los Estados Unidos de la mano de Joseph Schenck, presidente de United Artists, cuando se convirtió en una estrella internacional.

Mona estaba dispuesta a conquistar la pantalla grande. Para entonces, vivió su primer fracaso matrimonial con el director de cine Clarence Brown, con quien estuvo casada entre 1929 y 1931. Pero no estaba dispuesta a fracasar en su profesión. Así que se focalizó en su trabajo y logró en una de las figuras más codiciadas del naciente cine sonoro de Hollywood. De hecho, fue ella la que le abrió las puertas de mercado estadounidense a Carlitos, quien recién estaba asomando la cabeza en esos pagos. “Gardel era algo nuevo en Nueva York. Había conquistado el mundo, pero le faltaba conquistar Norteamérica. Y la película que hicimos juntos era una especie de prueba que salió muy bien”, explicó Mona.

Con dirección de Louis Gasnier y guion de Alfredo Le Pera, el film ya había comenzado a producirse cuando cayeron en la cuenta de que no había artistas hispanos en la Gran Manzana. “Llamaron a la Paramount, nos entrevistaron por teléfono a una gran cantidad de artistas latinoamericanos y, finalmente, me eligieron a mí. Así que viajé desde California y enseguida lo conocí a Gardel”, contó Maris. ¿Cómo fue ese primer encuentro con Carlitos? “Me impresionó increíblemente. Era un hombre muy tranquilo, muy educado y muy buen mozo. Tenía unos ojos y una sonrisa increíbles. Pero, sobre todo, era un ser humano tan simple. Y muy tímido. Reconocía que tenía muy poca experiencia en cine. Y lo primero que me dijo fue que esperaba que yo lo pudiera ayudar”.

Nunca negó haberse sentido atraída por Gardel. Decía que tenía “una seducción fuera de lo normal” y que a ella le constaba porque lo había conocido “lo suficientemente bien”. Pero nada más. Después, ocurrió la tragedia. Y sea lo que fuera que pasó entre ellos, se truncó de un día para el otro sin que nadie pudiera imaginárselo. “A Carlos lo vi por última vez en Nueva York, en agosto de 1934. Fue en una cena. Habíamos terminado Cuesta Abajo y quedamos en comunicarnos telefónicamente para continuar filmando, pero él después tuvo que marcharse. Yo regresé a Los Ángeles y posteriormente me fui a Europa. Una mañana, estando en Londres, me dieron la noticia de su muerte. Tuve una reacción muy fuerte, estuve un mes sin querer hacer nada”, confesó la actriz.

A partir de ese momento, Mona se alejó de la pantalla grande hasta 1941. Nadie entendía bien por qué. O sí, pero en aquella época no se decía. A su regreso, siguió filmando películas con gran repercusión. Pero, en 1946 y con apenas 40 años de edad, decidió abandonar Hollywood. Entonces regresó a la Argentina, donde siguió trabajando aunque no con tanta regularidad. En 1960, en tanto, se casó con el ingeniero holandés Hernan Rick, de quien se divorció en 1969. Y ya retirada de la actuación, en 1971 se instaló en en San Carlos de Bariloche y luego en Buenos Aires.

La prensa se olvidó de ella. De hecho, ella misma dejó de lado a la diva y se presentó ante sus vecinos como Rosita, tal como figuraba en su documento de identidad. Pero, en 1984, aceptó volver a pararse frente a una cámara para formar parte de la película Camila. Y, en los años siguientes, dio muchas entrevistas en las que se animó a hablar de Gardel y de los tesoros que de él atesoraba. Murió el 23 de marzo de 1991, en Buenos Aires, tras sufrir una complicación pulmonar. Y se llevó a la tumba el secreto de su gran amor.

Un tango silencioso como oración por el estado de salud del papa argentino. Esta ha sido la idea de Daiana Guspero, una bailarina de tango que ha hecho una llamada en las redes sociales a toda “la comunidad tanguera” para congregarse el domingo 16 de marzo a las 16 horas frente al hospital donde continúa ingresado el papa Francisco desde el pasado 14 de febrero.

“Domingo 16 a las 16:00 me gustaría muchísimo ir a bailar un tango como oración por nuestro querido papa Francisco. Creo que él se sentirá muy querido y me gustaría mucho que vinierais a acompañarnos: primero a bailar un tango en silencio y luego un tango con música, como a él tanto le gusta”, afirmaba la bailarina en sus redes sociales con voz emocionada.

Guspero se despido adelantado que dará más informaciones sobre la cita más adelante, pero que por ahora lo que es seguro es que será delante del hospital donde está ingresado el pontífice, el Policlínico Gemelli de Roma.

El centro hospitalario se ha convertido estos días en un punto más de peregrinación para los fieles, que se acercan a rezar una oración o un rosario frente al altar improvisado a los pies de la estatua de Juan Pablo II.

El amor del papa por el tango

En varias entrevistas, el papa Francisco ha mencionado que en su juventud bailaba y disfrutaba mucho el tango, y que era también un admirador de Carlos Gardel.

Cuando cumplió 78 años, en 2014, miles de bailarines le rindieron homenaje con un gran tango masivo en la Plaza de San Pedro, lo que reflejó su conexión con esta música y danza tradicional de Argentina.

“Un porteño que no baila tango no es un porteño”, llegó incluso a exclamar Francisco en una entrevista en la televisión italiana cuando le preguntaron si lo bailaba de joven.

La fecha del evento organizado por Daiana Guspero se ve lejana, cuando el seguimiento de la salud del papa evoluciona día a día con información a cuentagotas. Esperemos que para esa fecha, Francisco esté ya fuera de peligro y pueda escuchar desde la ventana de su habitación las notas de la música de su tierra natal.

Siempre había mentido en relación a su fecha de nacimiento, ocurrido en Toledo, España. Pero se estima que el 17 de febrero de 1999, cuando murió en Buenos Aires, Tania había cumplido ya los 105. Y estaba sola. La cantante, cuyo nombre real era Ana Luciano Divis, había llegado a la Argentina cuando todavía estaba casada con el bailarín Antonio Fernández Rodríguez, con quien había tenido una hija, Ana de las Angustias, a la que había dejado al cuidado de su abuela en su tierra natal. De él se separó de inmediato. Y con la niña, que de grande también se dedicó a la música bajo el nombre de Choly Mur y falleció en un accidente automovilístico con apenas 27 años en 1983, casi no tuvo contacto. Ser madre y esposa, estaba claro, no era su meta en la vida. Así que se dedicó al tango. Tuvo varios amoríos. Y atormentó con sus encantos ni más ni menos que el maestro Enrique Santos Discépolo, quien murió en 1951. El artista le dejó a Tania el 80 por ciento de su patrimonio y los derechos de su obra.

“Desde pequeña me gustó actuar en teatro. En mi colegio en Valencia, formaba parte de un grupo que decíamos versos, dábamos obras de teatro, trozos de zarzuelas...Entre mis compañeras había una niña que se llamaba Tania, hija de rusos. ¡Y me encantaba el nombre! Para actuar, había decidido llamarme Ana Luciano, pero en ese tiempo mi hermana actuaba con su verdadero nombre, Isabel Luciano. Y como ella cantaba muy bien y era bastante conocida, le dijo a mi madre: ‘Mirá mamá, me parece que Anita no debiera ponerse Ana Luciano, porque mi nombre es grande y esta chica recién empieza. No sabemos si podrá seguir en el teatro o no...’ Todo eso parece un poquito ridículo, pero fue así”, contaba sobre el comienzo de su carrera.

Siendo apenas una adolescente, comenzó a hacer giras por las localidades cercanas. Luego tuvo su propia compañía, con la que se presentó en Barcelona y Madrid. Y allí coincidió con el Trío Mexican, donde conoció a quien se convirtió en su legítimo esposo en el año 1924. “Nos salió un contrato para ir a Canarias y, cuando llegamos, nos enteramos que teníamos que actuar en un circo. Estaba la jaula de los leones y mi marido me dio las castañuelas, él se puso las suyas y nos pusimos a ensayar con un pandero. Cantábamos Vengo de Bohemia y escucho que él me dice: ‘Ahora van a salir los leones pero no te preocupes que hay una reja que no separa. ¡Casi me muero del susto!”, recordaba sobre aquellos tiempos.

Su vida cambió cuando desembarcó en Buenos Aires, para presentarse en el famoso cabaret Maipú Pigall. “Era un epicentro social, con el motor de los ricos que malgastaban su dinero. Las artistas mujeres éramos allí las reinas mimadas. Lo que los empresarios tenían de regularmente atentos para con nosotras, lo tendrían, supongo, de tenebrosos para las milongueras”, señaló. La gira, luego, continuó por Brasil y Uruguay. Pero, finalmente, su marido regresó solo a España y ella volvió a la Argentina ya con un par de tangos agregados a su repertorio.

“Al llegar acá noté que los cambios que me exigía el tango se prestaban a mi personalidad. Pero uno de aquellos señores de la sociedad porteña le dijo al empresario: ‘Si esta mina canta tangos, yo me hago obispo’. Cada vez que me encuentro con este abuelo le echo en cara su falta de palabra”, decía para ejemplificar los prejuicios de la época con los que tuvo que luchar entonces. De hecho, ella misma se definió como “la Madonna de los años ‘30″, por la manera en que se enfrento a los mandatos impuestos por la sociedad machista de entonces.

Uno de los primeros en apreciar su talento fue Carlos Gardel. El otro, Discepolín. “Una noche, José Razzano me dijo que al día siguiente cantara otra vez Esta noche me emborracho, que él iba a venir con el autor, que era amigo suyo. Enrique, que ya tenía 26 años, nunca había ido a un cabaret. Suena a risa, porque es la edad en la que los chicos iban a los cabarets. Pero así fue. Razzano le empezó a decir que yo era una chica que cantaba canciones españolas y que ahora cantaba tangos, que me querían mucho en el cabaret, que me habían prorrogado el contrato...Le contó mi historia y lo convenció. Discépolo me oyó cantar su tango y al día siguiente me mandó flores”, relató sobre su primer encuentro con el maestro.

Tímido, Discépolo tardó en concretar una cita a solas con la cantante. “Yo lo quería llevar a tomar té a mi casa. Yo tenía un departamento muy lindo en la calle Uruguay, en el que vivía con dos amigas y ahí tenía de todo. Yo quería que viniera, pero él, muy pudoroso, no aceptaba. Hasta que un día me dijo: ‘Alquilé un departamento chiquito pero lindo en la calle Cangallo, cerca del Tropezón. Ya vivo ahí, pero solo, no con mi hermano. ¿Por qué no venís a tomar un café? ¡Yo encantada! Y fui. Pero por las dudas me llevé una valijita con un desabillé, un batón muy mono lleno de encajes, unas chinelas y unas cosas más como para al día siguiente levantarme e irme a mi casa. Pero me quede...¡Me quedé para siempre!”, explicó sobre el comienzo de la relación.

Claro que Tania era un compendio de todo lo que estaba mal visto para las mujeres de la época. Y Discepolín tuvo que hacer oídos sordos a los comentarios de sus amigos, y en especial de su hermano Armando, para poder seguir adelante con la pareja. “Llegué con una voituré roja. Toqué la bocina y salió Enrique a buscarme. Me invitaron a su mesa y todos fueron muy amables. Y estaban Alfonsina Storni, Roberto Tálice, Paulina Singerman y el marido, Edmundo Pucho Guibourg...¡Todos astros! Me tomaron como una cosa rara porque era bonita, tenía algunas alhajitas y venía en una voituré roja”, recordó acerca de la primera vez que fue al Tropezón.

“Alfonsina me hizo entender que aquel flaco fané y descangayado era, sin duda, el hombre de mi vida”, explicó luego. Su sueño era encontrar a un hombre potentado y no a un hombre bueno. Ella estaba acostumbrada a los regalos costosos. Y además, se aburría con las charlas sobre política y libros que compartía el compositor junto a sus amigos bohemios. Pero reconoció que el maestro la impulsó a dominar su altanería. “Discépolo me enseñó a querer a la gente. Antes de conocerlo, yo era un poquito pedante. Me sentía linda, bien vestida, con alhajas...No lo hacía de mala, no me daba cuenta. Pero yo era como una nena y él me corregía a cada momento. No se daba cuenta de que yo era mayor, deseada, pretenciosa, con admiradores. En ese momento, un poco me fastidiaba. Pero al pasar los años y la vida, me di cuenta de que me hizo muy bien”, confesó.

Hubo muchas idas y vueltas en la pareja. Y, en una de esas, el autor de Cambalache viajó a México, donde comenzó un romance con la actriz Raquel Díaz de León. Pero la abandonó embarazada de seis meses cuando Tania se enteró y, según cuenta la leyenda, lo habría amenazado con matarse si no regresaba con ella. Pese a su cargo de conciencia, Discepolín nunca reconoció a su único hijo, Enrique Luis, a quien dejó afuera de su testamento en el que declaró no haber contraído matrimonio ni haber tenido descendientes. “Con Enrique nunca habíamos pensado en casarnos. No lo necesitábamos. Como decíamos, ‘el pueblo ya nos ha casado’. Ser la viuda de una leyenda es tremendo. Es algo que comienza por halagar, más tarde envuelve, aprisiona y casi ahoga”, aseguró la Gallega que siguió activa casi hasta el final de sus días.

El tango sigue vivo y con fuerza en el conurbano bonaerense. Este sábado 15 de febrero, la peña de cantores Bordona Oscura celebrará su edición número 100 con un evento especial en el Centro Cultural Conurbania de Banfield. La velada contará con la participación del reconocido cantor de tangos Hernán Cucuza Castiello, la presentación de artistas sorpresa y sorteos, en una jornada que promete ser memorable para los amantes del género. Con entrada “al sobre”, la convocatoria busca sostener el espíritu abierto e inclusivo que ha caracterizado al ciclo desde su nacimiento en 2019.

Un espacio tanguero con identidad propia

Lo que comenzó como un encuentro quincenal en las cercanías de la Universidad Nacional de Lanús se ha convertido en un pilar de la escena tanguera del sur del Gran Buenos Aires. La iniciativa de Bordona Oscura nació a principios de 2019, tomando su nombre de una obra del docente y compositor Juan Lorenzo, y desde entonces ha sido impulsada por los músicos Kalén Ortiz y Alejandro Forneiro, integrantes del dúo Las Guitarras de Laprida.

A lo largo de estos seis años, el ciclo ha reunido a más de doscientos artistas con una premisa clara: no repetir nombres y brindar un espacio tanto a figuras consagradas como a nuevos talentos. Entre los músicos y cantantes que han pasado por su escenario se encuentran Ana Sofía Stamponi, Cintia Trigo, Noelia Moncada, Alfredo “Tape” Rubín, Bernardo Monk, Natalia Mancini y muchos otros, consolidando a Bordona Oscura como una plataforma de encuentro y difusión del tango contemporáneo.

La esencia de la “recalada”: tango sin intermediarios

El ciclo busca recuperar la esencia de la “bohemia tanguera” que durante décadas marcó la escena porteña, trasladándola al conurbano. Según Kalén Ortiz, la idea surgió con la intención de replicar en la zona sur los espacios de encuentro que existen en la Ciudad de Buenos Aires, como La Bohemia Tanguera en Almagro.

Uno de los momentos más valorados de cada encuentro es la “recalada”, un espacio posterior al espectáculo donde el público puede sumarse espontáneamente a cantar y tocar. Ortiz destaca la importancia de estas instancias informales en la formación de músicos y cantantes: “Para aprender a acompañar cantantes y conocer repertorio, hay que habitar estos espacios”.

Lejos de competir con las instituciones académicas, Bordona Oscura complementa la enseñanza formal con la experiencia viva del tango en comunidad. “No le quita mérito para nada a escuelas como la EMPA (Escuela de Música Popular de Avellaneda), sino todo lo contrario: las complementa”, señala el organizador.

Un festejo atípico y simbólico

A diferencia de los encuentros habituales, que se realizan los lunes, la edición número 100 tendrá lugar un sábado, facilitando la asistencia de quienes han sido parte del ciclo en distintas etapas. “El tango es maravilloso, y nos parecía un acto de justicia territorial que haya algo así en la zona sur”, sostiene Ortiz, destacando la importancia de descentralizar las propuestas culturales y democratizar el acceso al género.

La presencia de Cucuza Castiello como invitado especial refuerza el carácter simbólico del evento. “Tomamos mucho de su filosofía del tango que vuelve al barrio ‘humildemente, pero sin pedir permiso’. Es un gran referente, y un placer enorme tenerlo en la Bordona Oscura”, comenta Ortiz.

Con la promesa de sorpresas y un ambiente de celebración, la noche del 15 de febrero quedará marcada en la historia de Bordona Oscura. “Será una noche especial en nuestras vidas, que vamos a recordar siempre”, concluye Ortiz.

[Fotos: prensa Bordona Oscura/ Conurbania]

“Ya ves, el día no amanece. Polaco Goyeneche, cantame un tango más. Ya ves, la noche se hace larga. Tu vida tiene un karma, cantar, siempre cantar...Tu voz, que al tango lo emociona, diciendo el punto y coma que nadie le cantó. Con tu voz, con duendes y fantasmas, respira con el asma de un viejo bandoneón”, comienza diciendo Garganta con Arena, el tema compuesto por Cacho Castaña que una joven en ascenso llamada Adriana Varela grabó en 1994. Fue una suerte de homenaje en vida. Meses más tarde, exactamente el 27 de agosto de ese año, el cantor que había servido como inspiración para esta letra murió.

Roberto Goyeneche había nacido el 29 de enero de 1926 en el barrio de Saavedra. Y tenía 67 años cuando, a fines del ‘93, su amigo Cacho entró a su camarín en el Teatro Alvear después de una presentación tarareando estas estrofas. El Polaco se emocionó. Pero, apelando a su humor habitual, le retrucó: “¡Che, pero todavía estoy vivo!”. De alguna manera, sabía que lo que buscaba Castaña era rendirle una suerte de homenaje. Y le dio su visto bueno, no sin antes poner una condición.

En la misma habitación se encontraba Varela, una cantante proveniente del mundo del rock a quien el mismísimo Goyeneche había persuadido de que lo suyo era el tango a principios de los ‘90. El Polaco, con una sonrisa pícara, la miró de reojo. Y, dirigiéndose a Cacho, ordenó: “Que lo cante ella”. Y Adriana, a quien luego Cacho bautizó con el apodo de La Gata, así lo hizo.

El tango quedó registrado en La última curda, él álbum que Goyeneche editó ese mismo año. Y hablaba de esas largas noches de bohemia del Polaco, en las que rondaba de un cabaret al otro, para regresar a su hogar, donde lo esperaba su esposa Luisa Mireda, recién cuando el sol de la mañana empezaba a desplegar sus rayos. La mujer, con quien se casó en 1948 y tuvo a sus dos hijos, Jorge Luis y Robledo, lo había conocido en el club El Tábano. Y sabía que él era un hombre de la noche al que nunca iba a poder domar. Así que, más allá de algún que otro reproche, lo acompañó hasta el final de sus días.

La canción también hacía hincapié en el fraseo que distinguía a Goyeneche de todos sus colegas. No era solo su impactante voz. Ni su rasgos nórdicos, que hicieron que Ángel Paya Díaz lo rebautizara como el Polaco. Lo que se destacaba de él, era su particular manera de decir la letra de cada pieza. Y de interpretar los sentimientos que los distintos autores intentaban transmitir en cada tango. “Canta, garganta con arena. Tu voz tiene la pena que Malena no cantó. Canta, que Juárez te condena, a lastimar tu pena con su blanco bandoneón. Canta, la gente está aplaudiendo. Y aunque te estés muriendo no conocen tu dolor. Canta que Troilo desde el cielo, debajo de tu almohada un verso te dejó...”.

Había trabajado de taxista, colectivero y mecánico. Y amaba tanto el fútbol como el tango. Pero la música ganó la pulseada cuando, en 1944, se presentó en un concurso de voces del Club Federal Argentino y empezó a hacer sus primeras presentaciones junto a la orquesta de Raúl Kaplún. Al tiempo debutó en Radio Belgrano y, en 1946, grabó Celedonio, su primer tema. Su carrera siguió junto a Horacio Salgán, a quien se unió en 1952. Y, en 1956, pasó a formar parte de la orquesta de Aníbal Troilo, quien lo alentó para que comenzara su faceta solista.

“Cantor de un tango algo insolente, hiciste que a la gente le duela tu dolor. Cantor de un tango equilibrista, más que cantor artista con vicios de cantor. Ya ves, a mí y a Buenos Aires, nos falta siempre el aire cuando no esta tu voz. A vos que tanto me enseñaste, el día que cantaste conmigo una canción”. Y sí: muchos comenzaron a entender el sentido de algunos temas recién después de escucharlos de la boca del Polaco. Era generoso y amiguero. Y así como Cacho y la Gata, muchos fueron los cantores que se rindieron frente al talento de Goyeneche.

Trabajó con Armando Pontier, Ernesto Baffa, Osvaldo Berlingieri y Raúl Garello, con quienes grabó temas emblemáticos como Sur o Como dos extraños. Debutó como actor en El derecho a la felicidad (1968), de Carlos Rinaldi, luego participó del musical El canto cuenta su historia (1976), de Fernando Ayala y Héctor Olivera, y, finalmente, tuvo un rol destacado en la película Sur (1987), de Pino Solanas. En 1982, se unió al gran Astor Piazzolla para ofrecer un recital en el Teatro Regina, llamado Piazzolla-Goyeneche en vivo. Y grabó con intérpretes tan disímiles como Mercedes Sosa o Dyango. Pero también entabló un vínculo cercano con varias figuras del rock nacional, como Litto Nebbia, Fito Páez, Charly García y Andrés Calamaro, a quienes les contagió su pasión por el tango.

Tenía 68 años cuando falleció, a raíz de una neumonía. Para entonces, el Polaco ya era considerado uno de los cantores más emblemáticos del Río de la Plata, junto con Carlos Gardel, Julio Sosa y Edmundo Rivero. “Canta, garganta con arena. Tu voz tiene la pena que Malena, no cantó. Canta que Juárez te condena, a lastimar tu pena con su blanco bandoneón. Canta, la gente está aplaudiendo. Y aunque te estés muriendo no conocen tu dolor. Canta que Troilo desde el cielo, debajo de tu almohada un verso te dejó”, repite Castaña en la letra del himno que compuso en su honor.

Una aseveración popular sostiene que nada que cambie, de manera constante, su denominación e identidad puede permear en un grupo social. También se dice que para cada regla existe una excepción.

Ubiquémonos ahora en Buenos Aires donde todos nos creemos excepcionales. Pues la esquina noroeste de San Juan y Boedo supo tener, desde 1927, cuatro nombres distintos.

En su primera versión fue El Aeroplano, por el dibujo de un avión en una de las vidrieras. Diez años más tarde, en 1937, el local fue adquirido por los japoneses Azato Eizen y Azato Chosu y el café pasó a llamarse Nippon. Antes de venderlo, los Azato estuvieron al frente del bar durante 11 años. Sus nuevos dueños lo nombraron Canadian. Más tarde fue Homero Manzi. Y, finalmente, desde 2001: Esquina Homero Manzi.

Me detengo unas líneas en la curiosidad de sus propietarios nipones. Existió una gran comunidad japonesa al frente de cafés y bares durante las primeras décadas del siglo XX. Sin embargo, el lugar de procedencia no fue la isla asiática: fue Brasil. Entre el Imperio japonés y la República Federativa del Brasil mantenían convenios de inmigración. En 1908 llegó al puerto de Santos, Brasil, el Kasatu Maru, primer vapor con nikkeis —denominación del emigrante japonés— empleados para trabajar en los cafetales. En unos pocos meses quedó en evidencia que las condiciones de trabajo y el pago no habían sido como se prometió. Fue así que algunos presentaron la renuncia para continuar el descenso continental hacia Buenos Aires.

No encontré información que expliqué por qué la comunidad japonesa se ocupó en bares y cafés. Quizás fuera por el conocimiento que traían sobre cómo tratar los granos de la planta. En los años ‘20, ‘30 y ‘40 los hubo en cantidad y fama en la ciudad. The Japan Bar fue uno de los más conocidos. Abrió en la década de 1920. Estaba en la calle 25 de Mayo 427, entre Corrientes y Lavalle, cuando la actual city financiera ofrecía un perfil cabaretero y portuario. The Japan Bar llegó a contar con más de 50 mozos y con una orquesta conocida como First Class Ladies Orchestra. Los propietarios eran los señores Oshiro y Arakaki.

El Nippon no fue el único café de esa comunidad en Boedo. Sobre la avenida homónima, al 873, casi esquina con el Pasaje San Ignacio, existió el café El Japonés. En sus mesas se reunían los miembros del Grupo Boedo —Barletta, Mariani, Gálvez, Castelnovo, Yunque, Olivari, Cátulo Castillo, los dos Tuñón y Homero Expósito—, bando cuya afinidad ideológica mantenía una disputa intelectual con el Grupo Florida que tenía como base a la Confitería Richmond. El propietario del El Japonés era Motokichi Yamakata uno de los desembarcados del Kasato Maru, en 1908, en costas brasileñas.

Otra gran cantidad de cafés japoneses funcionaron en las barriadas portuarias de La Boca y Barracas. Roberto Arlt en su novela “Los siete locos” hizo célebre al Bar Japonés que quedaba en la esquina de Cerrito y Lavalle, en la vereda demolida por el avance de la avenida 9 de Julio.

A partir de mediados de la década de 1940, con la reconfiguración económica de la Argentina, los integrantes de la colectividad nipona, lentamente, abandonan la actividad gastronómica para abrir tintorerías porque, del mismo origen, eran las máquinas planchadoras.

En ese tránsito, fue que el café Nippon pasó a ser el Canadian. Y eso ocurrió mientras Homero Manzi compuso los inmortales versos del tango “Sur”. Pero no fue Manzi el único tanguero que se sentó a sus mesas. Al listado se suman Aníbal Troilo, Osvaldo Pugliese, Cátulo Castillo, Sebastián Piana, Julián Centeya, José María Contursi, Roberto Rufino, Argentino Ledesma, Carmen Duval, Tito Reyes y Vicente San Lorenzo.

Una memorable anécdota ocurrió allí en 1980, cuando era el Bar Canadian, durante el IV Centenario de la 2° Fundación de Buenos Aires. El protagonista fue el escritor Isidoro Blaisten, que en su libro “Anti-conferencias”, narra las dificultades que encontró para cumplir con la tarea encomendada por el diario Clarín: la escritura de una nota con motivo del cumpleaños de la ciudad. Confiesa Blaisten en el texto que no se le ocurría nada. Su cabeza estaba vacía. No sabía por dónde empezar y todo lo que ocurría dentro del bar o en la calle, a través de sus ventanas, era motivo de distracción a la que se aferraba como excusa para no enfrentarse con el cometido.

Mientras tanto, tomó varios cafés servidos por Rodas, uno de los socios, boliviano de La Paz. Entre pocillo y pocillo, de pronto sintió un golpecito en el hombro, “un toque incierto, inverosímil”, era el fantasma de Roberto Arlt. Y pidieron otro café. Cuando Blaisten volvió en sí de su viaje imaginario arltiano, abrió el cuaderno Gloria, tomó la birome y, al igual que en “El Aleph” de Borges, en la primera página en blanco, vio toda la ciudad. Y en esa mañana, en la esquina de San Juan y Boedo, sentado en una mesa del Canadian, escribió dos palabras: Homero Manzi.

Eulogio Pérez llegó a la Argentina, con 8 años de edad, en 1952. Vino directo de un pueblito gallego perteneciente a La Coruña. Pocos meses antes de su arribo, los porteños habían enterrado a su, por entonces, máximo poeta del tango: Enrique Santos Discépolo. El niño Eulogio, obviamente, desconocía todo lo referido al tango y su poesía. Los años pasaron y don Eulogio se convirtió en dueño de un espacio que homenajea a otro enorme poeta tanguero: Homero Manzi.

A los nueve años Eulogio entró a cursar primer grado inferior. No sabía leer ni escribir. Vivía en Valentín Alsina. Es decir, en los términos poéticos del gran Homero, en medio de la “inundación”. Cuando cumplió 11 empezó a trabajar con su padre como repartidor de leche. Y entre los 19 y los 23 ya tenía a su cargo un recorrido lechero por los barrios de Barracas y Constitución. Todavía hoy las manos de Eulogio están llenas de callos. Son las marcas del sacrificio de haber cargado de a tres botellas o tarros entre sus dedos.

En 1967, con otros socios que lo duplicaban en edad, abrió un bar en la avenida San Juan y Saavedra. Lo vendieron en 1980. Por esos años, y por insistencia de sus padres porque él no quería saber nada, volvió de paseo a La Coruña. En el viaje observó que el despegar económico de España tenía una clara explicación: el turismo receptivo. Y su cabeza emprendedora comenzó a trabajar.

En 1991 compró la propiedad del, en ese entonces, café Homero Manzi, más cuatro locales subsiguientes. Sin embargo no pudo entrar a trabajar en el lugar. Tuvo que esperar nueve años para cumplir su sueño. El fondo de comercio del local tenía un contrato vigente y su dueño no quería largar la esquina. Finalmente, en 2000 se liberó el contrato y cerró las puertas para comenzar las obras que dieron forma al café que hoy conocemos.

La Esquina Homero Manzi integra el listado de Bares Notables. Es un espacio inmenso que ofrece shows de tango todas las noches del año menos dos: el 1 de enero y el 25 de diciembre. Del antiguo Aeroplano, Nippon y Canadian solo quedó la fachada. Eulogio concibió el lugar como lo pensó en su viaje a España, para turistas. Eso no lo aleja del público local. Para nada. La Esquina abre todos los días a las 7. Es decir, sus primeros parroquianos de la mañana son vecinos del barrio. Y lo mismo pasa con el almuerzo, las mesas las ocupan trabajadores de la zona.

Eulogio no escatimó en gastos para construir un rincón que transmite patrimonio y cultura porteña, pero que se apoya en la identidad barrial. El local tiene un escenario de 50 m² más cuatro camarines con baño privado. Toda la espacialidad y el diseño lumínico para los shows fueron concebidos por la empresa de Juan Carlos Baglietto. La extensa barra está cubierta por una tapa de mármol, y fileteada por el maestro Luis Zorz. Sobre la barra hay cinco palcos —Carlos Gardel, Anibal Troilo, Azucena Maizani, Enrique Santos Discépolo y Libertad Lamarque— y en todo su largo se exhiben originales de Hermenegildo Sábat con Homero Manzi como protagonista. También existe una boutique con merchandising y por todas las paredes se ven fotografías de Manzi, un poncho que le pertenecía más otros objetos que fueron donados por Acho Manzi, hijo del poeta.

Ningún detalle dentro del local está librado al azar. Los mozos visten de pantalón y chaleco negro, camisa blanca y moño rojo. Una importante escalera conduce al entrepiso. En el recodo hay una vitrina con uno de los tarros de leche que repartía Eulogio. También hay colgadas fotografías de todos los artistas de tango que pasaron por el escenario de la Esquina, copias de notas periodísticas que daban cuenta del cierre del bar cuando, en verdad, Eulogio tenía otros planes y recortes de momentos históricos del Club Atlético San Lorenzo de Almagro. No falta nada. Boedo hecho y derecho.

Eulogio sigue yendo todos los días. Hoy tiene 81 años. Durante mi visita uno de sus hijos estaba en la caja. Otro está al frente de otra gran esquina gastronómica en Parque Chacabuco. Al igual que como hizo su padre, Eulogio inició en el trabajo, como lavacopas, a sus hijos varones, todos los días sábados a partir de los 11 y 13 años.

“Yo me siento 100% argentino, pero tengo que reconocer que a este país lo hicieron rico los extranjeros”, me dijo Eulogio. También las distintas colectividades hicieron únicos y legendarios sus cafés.

Instagram: @cafecontado

Desde 2015 se celebra cada 23 de enero, como el Día Nacional del Músico, en homenaje a Luis Alberto Spinetta. El Flaco nació un día como hoy hace 75 años y su legado y su obra permanecen más vigentes que nunca. En sus colegas, algunos compañeros de ruta, otros herederos naturales de su increíble forma de crear. Y también en el público, ese que transmitió su obra de generación en generación, en ese traspaso genuino y ancestral que remite a lo más profundo de los sentimientos.

Desde sus primeras composiciones en la prehistoria de Almendra hasta el final de sus días, Luis fue un artista fiel a sus convicciones. Odió repetirse, eligió reinventarse y evitó caer en las tentaciones de lo conveniente. En su recorrido hay rock clásico, sonidos pesados, jazz, electrónica, pop y las pinturas más diversas de la música popular argentina. Una obra que intentó sintetizar el 4 de diciembre de 2009, en uno de los conciertos más impactantes en nuestro país, donde amplió los caminos que había transitado. Y que en el Día Nacional del Músico es preciso volver a recorrerlos.

Bajo el signo de “Las bandas eternas”, Luis repasó en aquella noche inolvidable su trayectoria con algunos de sus ex compañeros de Almendra, Pescado Rabioso, Invisible, Jade y Los Socios del Desierto y de sus diferentes proyectos solistas. Fueron más de cinco horas de emociones y sorpresas en el estadio de Vélez, en las que los contemporáneos viajaron en el tiempo y los más jóvenes vieron cómo un sueño se hacía realidad. Unos y otros se dieron el gusto de ver a esos dioses de la adolescencia, aunque sea por un rato regalándole algunas de las canciones de los días de sus vidas.

Al comenzar ese show, en un ejercicio de honestidad artística que aplicó durante toda su carrera, Luis advirtió lo que iban a presenciar las más de 40 mil almas que se habían dado cita bajo el cielo de Liniers. Agradeció a los músicos que lo habían acompañado en el armado de semejante gesta pero no iban a estar presentes, y nombró, a modo de disculpas, a los artistas que no iba a poder versionar, pero que le hubiera gustado hacerlo: Moris, Andrés Calamaro, Indio Solari y Hugo Fattoruso.

En dicho concierto, Luis paseó como nunca por el repertorio propio y ajeno. Siempre reacio a este tipo de prácticas -basta mencionar su histórica reticencia ante el clamor “Flaco, tocá Muchacha”, que también hizo aquella noche en una interpretación conmovedora- Luis versionó a Litto Nebbia, Miguel Abuelo, Manal, Pappo y Tanguito, y cantó con Charly García, Fito Páez, Gustavo Cerati y Juanse, entre otros.

Además de su repasar poco su propia obra, hasta aquel 4 de diciembre Luis había versionado muy poco a otros artistas. Cada una de las interpretaciones de sus trabajos en vivo y en estudio no están puestas al azar. Representan una pintura del momento histórico, un abrazo de admiración y gratitud, una toma de decisiones ante la vida. En resumen, un gesto artístico como cada uno de sus pasos. Y de eso se trata esta nota, de visitar al Luis que visitaba a otros artistas.

Pappo: “Castillo de piedra” y “Era de tontos”

Cuando Almendra no se dividió sino que se multiplicó (Edelmiro Molinari dixit), lo hizo en un contexto explosivo de la camada pionera del rock local. Lo mismo harían casi en simultáneo Manal y Los Gatos, y sus músicos dispararían en diferentes dimensiones. Luis, como casi todos sus colegas, se tomó un tiempo para un viaje experimental por Europa. Pero antes hizo otro tipo de experimento.

En una casa de la localidad de Florida, y en un lapso de 36 horas, registró el que fue su primer trabajo solista. Se trató de un proyecto anárquico y lisérgico, propio de la disgregación que experimentaban los náufragos pioneros del rock de acá. Por allí pasaron Miguel Abuelo para aportar percusión y algunos coros, el baterista Héctor Pomo Lorenzo (ex Abuelos de la Nada y futuro Invisible) y Pappo Napolitano, que había grabado con Los Gatos y Los Abuelos y se preparaba para construir su propio camino. El álbum se llamó Spinettalandia y sus amigos, aunque la compañía fraguó el nombre y la portada. Tuvieron que pasar 25 años para que tuviera una edición aproximada a la original.

En ese material Luis registró dos temas del Carpo, “Castillo de piedra” y “Era de tontos”, y en rigor de verdad, no se trata de covers sino de las primeras versiones de dichas canciones. De las dos, Pappo solo grabaría “Castillo de piedra”, rebautizada como “Tema I”, en dos ocasiones junto a Pappo’s Blues, mientras que la otra quedaría como su único registro discográfico. La química entre ellos alcanzó su punto máximo en esa grabación y desde entonces se fue resquebrajando, con una guitarra que Luis le regaló al Carpo y que éste luego vendió como el principio del fin.

El experimento de Only love can sustain

Grabado entre Nueva York y Los Ángeles, Only love can sustain (1980) es el álbum menos spinetteano de su discografía y naturalmente, el menos personal en cuanto a las composiciones. Aquí registra “Who’s to Blame” (Harold Payne, Tom Pierson) y “Omens of love”, del canadiense Gino Vannelli, como reflejo de la atmósfera jazz pop que sobrevuela el trabajo más extraño de su carrera.

Luis solo firmó letra y música en tres canciones, en medio de un trabajo disperso que incluye una letra musicalizada por Guillermo Vilas. Amigo desde que golpeó la puerta de la casa de Arribeños como un fan más, padrino de su hijo Dante, Willy fue el puente para materializar el proyecto. Tenía contactos con la CBS, lo que acercaba a la música de Spinetta al mercado anglo. Fue un trabajo lujoso y ambicioso, entre limousinas y sesionistas, que no conformó ni al artista ni a la compañía. El contrato de cinco años se hizo un bollo y fue a parar al tacho de basura.

El disco fue ignorado, odiado y/o reivindicado por los críticos, los fans y el propio Luis según el curso de los años. Al respecto, el Flaco dijo tiempo después, en pleno proceso de aproximación: “Estaba muy rayado con el resultado final, pero bueno... si existe Spinettalandia y Sus Amigos, el disco del caos, como contrapartida existe el otro ‘disco negro’, el norteamericano, que es hiperorganizado. Son dos extremos”, reflejó en el libro “Crónica e iluminaciones”, de Eduardo Berti.

Mariano Mores y José María Contursi: “Gricel”

En 1986, Spinetta y Fito Páez editaron el álbum doble La La La. Entre canciones de uno y otro, se cuela “Gricel”, el clásico de Mariano Mores y José María Contursi estrenado en 1942. Según narró el rosarino, la armonización es obra de Luis, que es quien lleva la voz líder y logra darle su sello particular a un tema clásico de la canción argentina. Su registro entre el susurro y el temblor marca cierto pulso siniestro de la versión, que cuenta con efectos en su voz para ambientar aún más la cuestión.

En la obra del Flaco, como en la de Fito, siempre estuvo presente el tango. Desde el bandoneón de Rodolfo Mederos en el primer disco de Almendra, hasta algunos de sus fraseos y cierta melancolía porteña que impregna sus canciones, más allá de estar lejos de poder catalogarlo como un artista nostálgico. Nunca se rebeló per se al tango, como se suponía que debía hacer un rockero de la época.

Quizás todo se explique en la figura de Luis Santiago Spinetta, su padre cantor. “Mi viejo era cantante de tangos. Lo recuerdo ensayando con sus guitarristas. Yo tendría unos cinco años. Abrían esos estuches, brotaba el olor a madera de la guitarra. Y me veo escuchando a mi viejo en una RCA Víctor, tipo catedral, de madera, que había que esperar que se calentara. Hasta que salía la voz de mi viejo cantando por Radio El Mundo”, le contó al periodista y escritor Rodolfo Braceli. Luis ya le había puesto música a un poema de Luis Santiago en tiempos de Invisible y volvería a hacerlo en su último trabajo de estudio en vida, Un mañana (2008).

Pechugo: “El mono tremendo”

En 1988 Luis publica Tester de violencia, un ensayo urgente y conceptual, donde las postales más cruentas las aportan un grupo de niños. Desde muy chicos, los hijos de Luis (Dante, Catarina y Valentino, por entonces no había nacido Vera) y los de sus grandes amigos, el fotógrafo Eduardo Dylan Martí y Mercedes Villar (Lucas, Guadalupe y Emmanuel, hijo de Mercedes de una relación anterior) incluían entre sus juegos la construcción de canciones. Con la deformación como ejercicio artístico innegociable, los niños y las niñas se nutrían de lo que veían hacer a sus padres y sus amigos. Y de aquellas travesuras nació este tema, elegido como el mejor del año en encuesta de lectores del suplemento Sí de Clarín.

El piberío ya había sido subyugado por los sonidos del rap y del hip hop y en esos sentidos iban sus primeras aventuras. El nombre del grupo es obra de Luis, que en una muestra de su filosa ironía, los bautizó Pechugo, inspirado en el furor que causaba por entonces el grupo Menudo. Para ser precisos, Luis fue el cantante invitado de la banda y según detalla Sergio Marchi en la biografía “Ruido de magia”, hay un consenso en que fue Lucas Martí quien mayores aportes hizo en la composición.

Pechugo acompañó a Spinetta a la presentación oficial del disco en el Teatro Broadway al año siguiente repitieron en el Estadio Obras, que le cantó el feliz cumpleaños a Dante. Fue la muestra pública más acabada del diálogo musical que tenía Luis con sus hijos y las generaciones más jóvenes, que nunca fue unidireccional. También fue el germen de Illya Kuryaki y la puerta de entrada al Spinetta familiero, herencia directa de sus ancestros tanos, que hizo de la casa de Arribeños una usina creativa de puertas abiertas.

José Alberto Iglesias, Tanguito: “Amor de primavera”

En 1990, con más de veinte años de carrera, Luis editó su primer álbum formal en vivo. Con la única experiencia previa del regreso de Almendra en Obras (1980), el Flaco se dispuso a un ejercicio del que no era muy amigo: revisar su propio catálogo en algo parecido a un grandes éxitos. Se supone que de eso se tratan los trabajos en directo convencionales. Pero este no fue un álbum convencional.

Por entonces, el Flaco ya trabajaba con el ingeniero de sonido Gustavo Gauvry, fundador del estudio Del Cielito Records y por contrato debía un álbum luego de Tester de violencia y Don Lucero. Dispuesto a salir de una vez por todas del asunto, aceptó embarcarse en el disco en vivo, con algunas salvedades. Se grabaría en un ambiente extraño para los conciertos de rock, como el auditorio de la Facultad de Ciencias Exactas de la UBA, y las entradas las iba a vender el centro de estudiantes. Faltaba resolver el asunto del repertorio, que se tironeaba entre la tradicional reticencia de Luis a visitar su pasado y en la insistencia del ingeniero para que toque temas de Almendra, Pescado e Invisible.

“Fue muy gracioso porque no lográbamos ponernos de acuerdo. Al final se cansó y me dijo: ‘Mirá, Gus, hagamos una cosa. Vos armá una lista con los temas que quieras que toque y yo los toco. ¡Y listo!”, señaló Gauvry a este medio. Finalmente, hubo un consenso: Luis estrenó algunos inéditos y concedió visitar “Plegaria para un niño dormido”, “Parvas”, “La cereza del zar” y “Que ves el cielo”. Y dentro de ese viaje al pasado, sobresale una conmovedora interpretación de “Amor de primavera”, de José Alberto Iglesias (Tanguito) y Hernán Marcelo Pujó. ”‘Amor de primavera’ decidió ponerlo él y no sé por qué. Quizás porque el disco iba a ser lanzado en primavera. Ahí no tuvo el problema de sentir que estaba recurriendo al pasado, porque el tema no era suyo”, interpretó Gauvry.

Luis, que ya había grabado la versión en un single de Invisible, tenía por Tanguito un cariño especial. El coautor de “La balsa” solía frecuentar la casa de la calle Arribeños hasta que su situación personal se hizo cada vez más difícil, con la heroína como barrera entre ambos mundos. “El tipo estaba por ahí o justo llegaba con su séquito, se apoyaba contra un auto y empezaba: ‘Abre el barril de lluvia y toma una copa y el hombre de cristal volverá a vibrar’. El flaco ya había compuesto unas canciones preciosas con unos tonos muy simples pero con una profundidad tremenda”, contó en el libro “Martropía”, de Juan Carlos Diez, acerca de su relación con el artista de Caseros.

Ratones Paranoicos: “Sucia estrella”

Promediando los ‘90, Spinetta formó junto a Marcelo Torres y Daniel Wirtz el power trío Los Socios del Desierto. Impregnado por el espíritu garagero y grunge, volvió a la tracción a sangre con un álbum doble y visceral que presentó oficialmente en el teatro Gran Rex. Por entonces sorprendió incluyendo dentro de su repertorio, una versión de “Sucia Estrella”, incluida en el primer disco de Ratones Paranoicos.

En época de tribus bien delimitadas, se trató de una jugada absolutamente inesperada. ¿Qué le pasaba al Flaco que hacía una de los Ratones? Lo concreto es que el tema se quedó para siempre en el repertorio del trío y lo repitió en el Paseo La Plaza, en la serie de conciertos que quedaron registrados en el directo Sauna de lava ardiente (1998). Antes y después de ello, había una historia que lo justificaba.

Desde su preadolescencia, Juanse era fanático de Luis Alberto, sobre todo de su etapa con Invisible, y tardó en darse cuenta si era un sueño o una alucinación eso de escuchar una de sus canciones en la voz de uno de sus héroes. Con el tiempo, tejieron una amistad en torno a ensayos, comidas y sobremesas y Juanse destacó la ayuda de Luis para superar sus adicciones. Como pares, compusieron la bellísima “Sacrificio japonés”, incluida en el álbum homónimo de los Ratones publicado en 2009. En la presentación en el Luna Park cruzaron en escena “Sucia estrella” en una cadencia más paranoica que desértica. “Gracias a los Ratones por este groove”, sintetizó el Flaco aquella noche, ante la mirada embelesada de las fieras lunáticas.

The Beatles: “Don’t bother me”

El 21 de diciembre de 2001, Spinetta tenía planeado presentar su trabajo Silver sorgo en el Estadio Obras, pero el estallido social que terminó con el gobierno de Fernando de la Rúa obligó a pasar la fecha para el 29. Fue un show extenso, emotivo y cambiante, que derivó en el disco Argentina Sorgo Films presenta: Spinetta Obras, publicado el año siguiente.

Todavía conmovido por la reciente muerte del beatle George Harrison, Luis interpretó una versión despojada de “Don’t bother me”, la primera contribución que aportó George a los cuatro de Liverpool, y acompañó a su coach vocal Grace Cosceri en los coros de “Good night”, el réquiem del Álbum Blanco. Más tarde iba a recurrir a John Lennon, cuando hizo “Oh my love” en el homenaje a los Beatles que orquestaron Los Durabeat acompañados por un seleccionado del rock local.

Como muchos adolescentes de los ‘60, Spinetta enloqueció cuando escuchó a los Beatles pero su inquietud lo hizo ir más allá. Con Emilio del Guercio, entonces compañero de banco en el Instituto San Román y luego bajista de Almendra, tenía un grupo Bundlemen, en cuyas actuaciones informales se nutrían básicamente de canciones de los Fab Four, más allá de los primeros temas propios.

En aquel entonces, Modart en la noche era el ciclo radial en el que los rockeros se mantenían al tanto de lo que pasaba más allá del Atlántico. Sobre esto habló Luis con Miguel Grinberg en “Como vino la mano”, libro fundacional de la cultura rock en Argentina. “Pasaban Los Beatles y nos poníamos a llorar como dos boludos. Cuando estrenaron ‘Strawberry fields forever’ y ‘Penny Lane’ con Emilio estábamos pegados a la radio y casi nos da un ataque. Quedamos como paralizados, no sabíamos si reír o llorar, porque eso nos hacía bolsa. Imaginate la manija que había, porque de ahí salió todo”.

El tango es una danza que se caracteriza por su pasión, intensidad emocional y movimientos elegantes. Fue reconocido por la UNESCO como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad en 2009 porque simboliza la identidad cultural de Argentina y Uruguay, y ha trascendido fronteras para convertirse en una práctica global.

La práctica del tango ofrece múltiples beneficios para la salud física, mental y social, como mejorar la postura, el equilibrio, la coordinación y la capacidad cardiovascular.

Recientemente, cuatro estudios científicos han aportado pruebas claves que demuestran que ese baile podría sumarse como complemento a los tratamientos probados para pacientes que tienen estas patologías:

• Parkinson
• Artritis reumatoidea y otras enfermedades reumatológicas.
• Cáncer
• Deterioro cognitivo y demencias

Cómo ayuda el tango a personas con Parkinson

La enfermedad de Parkinson es un trastorno neurodegenerativo que modifica el sistema motor. Provoca rigidez, temblores y dificultades para mantener el equilibrio y realizar movimientos controlados.

En Italia, investigadores del Centro de Ciencias de la Mente/Cerebro (CIMeC) de la Universidad de Trento, la Universidad de Brescia y la Unidad de Neurología del Hospital de Rovereto, publicaron un estudio sobre el tango y la enfermedad de Parkinson en la revista Scientific Reports.

El hallazgo más destacado fue que tanto el tango adaptado como la fisioterapia grupal estabilizaron las capacidades motoras y cognitivas de pacientes con Parkinson. Además, se observaron beneficios específicos en el grupo de tango, como mejoras en el reconocimiento de emociones faciales.

Participaron 24 pacientes con Parkinson, divididos en dos grupos: uno asistió a sesiones de tango adaptado y el otro a fisioterapia grupal. Durante cuatro meses, realizaron actividades supervisadas dos veces por semana. Antes y después de las intervenciones, los pacientes fueron evaluados con pruebas motoras y cognitivas.

Al evaluar los resultados, los investigadores señalaron que “el tango fomenta la interacción social y el disfrute, lo que puede tener efectos beneficiosos adicionales”.

En diálogo con Infobae, el doctor Marcelo Merello, jefe del servicio de Movimientos Anormales de Fleni e investigador en ciencias médicas del Conicet, contó que ya recomienda practicar tango a sus pacientes.

“El tango es una gran terapia. Es la única danza que fomenta la coordinación visoespacial. Además, como el paciente copia al compañero que no está enfermo, sirve como entrenamiento. He observado pacientes que cuando caminan solos tienen dificultades. Pero cuando bailan tango parece que no tienen Parkinson”, dijo.

Qué produce el tango en los pacientes con artritis reumatoidea

La artritis reumatoidea (algunos la llaman “reuma” de manera informal) y la espondiloartritis son tipos de reumatismo inflamatorio crónico. Se caracterizan por la inflamación persistente en las articulaciones y otras partes del cuerpo.

Afectan significativamente la calidad de vida y la movilidad de los pacientes. Por este motivo, los profesionales de la salud recomiendan realizar actividad física regular. Sin embargo, raramente es practicada por los pacientes.

Un equipo internacional de investigadores de Francia y Finlandia evaluó si el tango podía ayudarlos. Analizaron los efectos de sesiones de la danza rioplatense en la actividad física total de pacientes con artritis reumatoide y espondiloartritis.

Los pacientes fueron asignados a un programa de tango inmediato o a un grupo control que empezó las sesiones tras tres meses. Se midió la actividad física de forma subjetiva y objetiva simultáneamente con cuestionarios y acelerómetros a lo largo de seis meses.

Los resultados fueron publicados en la revista Clinical Rheumatology y demostraron que el tango mejoró la percepción corporal y las capacidades físicas de los participantes, como caminar más rápido y mejorar el equilibrio. Se observó también una reducción del dolor en el grupo de tango.

El equipo sugiere combinar los programas de tango con recomendaciones continuas para aumentar la actividad física y reducir el sedentarismo en la vida diaria de los pacientes.

El tango como terapia para la fatiga asociada al cáncer

Investigadores de instituciones médicas y científicas de Berlín, Alemania, analizaron cómo el tango puede mitigar la fatiga crónica asociada al cáncer de mama, un síndrome multifactorial que altera la calidad de vida de aproximadamente un tercio de las pacientes supervivientes de esta enfermedad.

La fatiga suele presentarse tras recibir tratamientos como cirugía, quimioterapia o radioterapia y puede persistir por años.

El estudio reclutó a 50 pacientes en etapa I-III de cáncer de mama con síntomas de fatiga y las comparó con 108 pacientes en un grupo de control, que no realizaron una actividad similar.

Se usaron cuestionarios validados y se evaluaron parámetros de calidad de vida antes, durante y hasta 12 meses después de una intervención de seis semanas de tango.

Los resultados, publicados en la revista Cancers, indicaron mejoras sostenidas en fatiga y funcionamiento físico en las participantes del grupo de tango durante seis meses, en contraste con el grupo control.

En los pacientes que continuaron practicando tango en su casa o en otros entornos se mantuvieron ciertos beneficios después de las seis semanas de la intervención.

Como consecuencia, los investigadores aconsejaron incorporar al tango en programas de rehabilitación para promover calidad de vida y resultados clínicos a largo plazo.

Danza como terapia para la demencia

Otro estudio incluyó el tango en relación con las demencias en personas mayores. Fue liderado por Lucía Bracco, del Inserm y la Universidad de Borgoña, en Francia, junto con investigadores de la Universidad de León, España, entre otros.

Fue publicado en BMC Geriatrics y los investigadores evaluaron cuál era la eficacia del tango frente al ejercicio físico en personas mayores con demencia para mejorar la velocidad al caminar, la movilidad funcional y la calidad de vida.

Las demencias impactan en la cognición y las actividades diarias, y puede aumentar el riesgo de caídas debido a trastornos en la marcha y el equilibrio.

A nivel global, más del 50% de los residentes en instituciones geriátricas tienen demencias. Estudios previos habían sugerido que la música y la danza benefician el equilibrio y la coordinación, pero no han confirmado consistentemente su eficacia en personas con demencia.

El estudio incluyó 31 participantes, que tenían entre 65 y 93 años. Fueron distribuidos aleatoriamente en dos grupos: unos accedieron a la tango-terapia y los otros al ejercicio físico.

Tras tres meses, la tango-terapia mostró mejoras significativas en la velocidad al caminar y en la mitigación del deterioro funcional.

Qué hace el baile del tango en el cerebro

En diálogo con Infobae, el neurocientífico Agustín Ibañez, quien forma parte del Instituto Latinoamericano de Salud Cerebral (BrainLat), la Universidad Adolfo Ibáñez, en Chile, y del Instituto de Salud del Cerebro Global, que depende del Colegio Trinity en Dublín, Irlanda, entre otras instituciones, comentó: “El tango es una especie de intervención multicomponente, al combinar estimulación rítmica, motora, auditiva, psicológica y social”.

En el plano neurológico, bailar tango mejora el control motor, la marcha y la plasticidad cerebral, estimulando circuitos motores y sensoriales.

“Las llamadas funciones ejecutivas, que se requieren para planificar, secuenciar, ejecutar y monitorear tanto la acción como las actividades mentales, son intensamente estimuladas en las complejas secuencias del tango”, expresó Ibáñez, quien también es profesor de la Universidad de San Andrés, en Argentina.

Otros beneficios son que el tango ayuda a reducir síntomas de depresión y ansiedad, mejora la cognición al integrar movimientos complejos y ritmo, y fomenta el placer y la autoestima.

“Socialmente, promueve la interacción y reduce el aislamiento, lo que incrementa los comportamientos de cooperación y la empatía, dos aspectos clave de nuestra salud cerebral”, afirmó.

Puede ralentizar el deterioro cognitivo y motor. “De esta manera, ofrece una intervención no farmacológica efectiva que mejora la calidad de vida y el bienestar integral”, sostuvo.

“El tango tiene un efecto muy especial en el cerebro. Nuestro equipo demostró en 2014 que el cerebro de los expertos tangueros tiene una capacidad única. Anticipa errores en secuencias de otros bailarines antes de que ocurran, posee una organización funcional única de sus redes, y permite identificar el nivel de experticia de un tanguero por sí solo”, mencionó Ibáñez. Su trabajo fue publicado en la revista NeuroImage.

Desde el asiento de atrás de un auto, Iñaki Urlezaga atiende el teléfono y dice que se escucha perfecto, que hablemos. Se dirige a un canal de televisión. Tiene 49 años —acaba de cumplirlos el mes pasado— y ya no lleva en la espalda el peso de la disciplina de élite: hace casi siete que se retiró de los escenarios, y si bien colgó el traje de bailarín, su carrera no frenó: es maestro, coreógrafo y director de obras como La ruta de Piazzolla. Son dos días: 13 y 15 de enero en el Teatro Tronador de Mar del Plata. Al elenco lo encabezan Julieta Paul y Bautista Parada. Toca el Cuarteto de Buenos Aires.

Devolver a Piazzolla todo lo que dio

La ruta de Piazzolla nació por un pedido: homenajear al músico fallecido en 1992. “Si yo tengo que ser totalmente honesto, a mí me dio muchas ganas de hacerla cuando, a mitad de año, que supe cumplía 50 años Libertango. Yo ya tenía un espectáculo armado que no era tal cual lo que terminó siendo y me pareció que la mejor excusa era reversionarlo y darle sentido a esta maravillosa partitura que tenía. La obra empieza y termina con Libertango, pero a la mitad, si bien no es todo Piazzola, también hay partituras de Mariano Mores, por ejemplo”, cuenta Urlezaga.

No se olvida de destacar un momento de la obra: “algo favorito mío”, dice, “algo que a veces se puede lograr y a veces no, depende de la calidad de la línea que tengas”: “El día que me quieras bien”, de Carlos Gardel. “Cuando surgió la posibilidad de homenajear a Astor como me lo habían pedido a mí, digo ‘sí, claro’. Uno siente como bailarín que nunca nada es suficiente para devolverle todo lo que este señor dio... Sinceramente es una enorme satisfacción poder hacer un espectáculo así en Mar del Plata, homenajeándolo a él, sabiendo que, además, él era de ahí”, agrega.

Volver al origen

“Cuando yo fui chico, hace bastantes años, el tango estaba muerto”, recuerda. Estamos hablando de la decada del ochenta, incluso los noventa. “En Argentina el tango no se escuchaba en lo más mínimo. Las milongas habían dejado prácticamente de existir. Tengo el reflejo, como si alguien dijera: ‘Uy, no, eso es de otra época, eso no vuelve más, eso ya no sirve’. Había pasado el éxito de Astor. Lógicamente, con la muerte de él se dejó un poco. Se lo reconoció, eso sí: quién era. Pero después dejó de existir el tango en sí mismo. No solamente Astor, todo el tango”.

Nacido en La Plata en 1975, formado en el Colón, donde fue primera figura, perfeccionado en el American Ballet de Estados Unidos, Urlezaga decide irse a Londres en el año 1995 para incorporarse en el Royal Ballet. Un día, como cualquier otro, entra en una disquería, en una sucursal de la cadena Tower Récords, y encuentra un CD titulado Las ocho estaciones. “Eran las cuatro estaciones de Astor y las cuatro estaciones de Vivaldi; estaban juntas”, recuerda. Llega a su casa, pone el CD en el equipo de música y apareció aquel sentimiento temprano, inolvidable, nacional: la nostalgia.

“A mí me devolvió, como en un segundo, a Buenos Aires. Fue un viaje, un querer volver. Para mí fue como estar en mi tierra, como estar de nuevo en mi lugar de origen. Y seguramente después, con la comprensión y el psicoanálisis y demás, era una manera de estar cerca de lo que yo extrañaba que era la familia, que era Buenos Aires, que era el mate, que era toda esta comunidad hermosa que tiene la Argentina y que es como una red de afectos muy fuerte para los argentinos en general. Los argentinos, cuando estamos afuera, sufrimos bastante, se lo padece bastante”, asegura.

Esa “nostalgia de querer siempre estar volviendo” aparecerá de forma frecuente a lo largo de sus años en Inglaterra, donde se encontraba bailando en una meca: el Royal Opera House, también conocido como el Covent Garden. “Fue a través de Piazzolla que yo pude estar un poco más cerca de todo esto. Entonces ahí me enamoré o, mejor dicho, descubrí el tango. Porque yo no lo había escuchado nunca y me enamoré de él porque, lógicamente, me permitió a través de su música, estar en contacto con mi gente. Esas cosas no se olvidan”, dice sensible, agradecido.

Como nombrar a Borges

Tiempo después, ya establecido en Buenos Aires, un día —otro día, como cualquier otro— va al Mercado de las Pulgas. No recuerda bien a qué: “a comprar un mueble o algo de esa época, no sé”. “Y había, en un puestito, un señor que atendía. Y yo paso caminando por el pasillo y suena ‘Invierno porteño’ en la radio. ‘Invierno porteño’ es una de las cuatro estaciones que te conté que yo había comprado el primer CD. Y me frené, me quedé escuchándolo un ratito porque, siempre que lo escucho vuelvo como a ese primer momento que tomé contacto con la música”.

En ese trance plácido, encantador, el puestero, un hombre de unos setenta y pico de años, hace una mueca. “Fue como un gesto de desaprobación. Y te diría más de odio. Era una reacción a la canción, la sensación que le daba escucharla. Pero fue instantáneo, ni bien sonaron los primeros acordes. ‘Esto no es tango’. Él estaba escuchando una radio de tango, lógicamente. Y yo pensé: qué increíble que aún a la fecha todavía Astor sea tan combativo, tan resistido, después de todo lo que le dio a la Argentina. Para el mundo, Astor Piazzolla es como nombrar a Borges. Es un pasaporte”.

Alquimia, coraje, verdad

La ruta de Piazzolla es tango y danza. Ese maridaje, aunque propicio, no es algo natural. Para Urlezaga “esta alquimia, esta amalgama, surgió con PIazzolla. Él tiene una capacidad de componer, no te quiero decir clásica, pero sí de mucha riqueza melódica. No es el dos por cuatro tradicional. Por ahí rítmicamente no varía tanto a lo largo del tema, pero en la melodía sí. Esto fue una innovación para los bailarines clásicos, porque tiene una parte que es un adagio, una parte que es más rítmica y un final bien arriba o fuerte, por decirlo de alguna forma: es una manera muy orgánica de bailar”.

“Es algo muy sintético que puede tener un principio, un momento de quiebre, de dolor, digamos, o de intimidad y una resolución final. Y no se daba tan fácilmente, porque previo Piazzola el tango canción era todo melódico y todo lento, o como decía el Rey del Compás, Juan D’Arienzo: punchi, punchi, punchi hasta el final. Y Piazzola tiene justamente esta variedad y esta variación dentro de la misma música que lo hace mucho más cómodo, al menos para los bailarines clásicos”, dice el director, con experiencia creativa a ambos lados: arriba y abajo del escenario.

¿Cómo hizo Piazzolla para alcanzar tal grado de originalidad? Urlezaga dice que hay que poner atención en la vida, además de la obra. “Para mí tiene que ver con qué persona fue Piazzola. Pensá que él tuvo la el coraje y la valentía de ser él mismo y de luchar contra el mundo para poder ser él mismo. Si bien a los 15 años, cuando estaba en París, donde estudió con Nadia Boulanger, también estudió composición musical y orquestal. Era realmente una muy persona formada. No sólo artísticamente, te diría que hasta intelectualmente. Y todo eso se lleva a su música”.

“Después de ir analizándolo todo lo que fue su vida, el poder haber sido él mismo, el haber compuesto realmente lo que él ha querido... es algo muy orgánico, muy vivo, muy espontáneo. Hizo realmente lo que él sentía. Y creo que cuando uno logra hacer algo así, siempre está presente, siempre está vivo. Porque las emociones humanas, por más que todos las sintamos de forma distinta, son lo mismo. El amor lo siente de mil maneras, pero es amor, si realmente es amor. Por eso va a seguir existiendo: son músicas no solo bellas y originales, también verdaderas”, sentencia.

La vocación no muere

¿Son tiempos difíciles para el arte, la pausa, la emoción? Mientras el mundo tiembla y las guerras se retuercen, mientras la economía se estanca y el desánimo apesta, ¿cómo seguir dándole rienda al oficio de crear? “Con mejor, con más o con menos apoyo, el artista siempre intenta poner su propia voz. Más allá de los gobiernos, la vocación no muere ni deja de existir porque sienta que está más difícil la realidad. Y al contrario: muchas veces, de todas estas adversidades surgen movimientos nuevos, disruptivos, contestatarios. Sino no existiría la canción de protesta”, empieza su respuesta.

“De alguna manera, el ser humano siempre encuentra a través del arte la forma de una expresión, porque lo que hace el arte es sintetizar lo que está ahí, en el aire, aparentemente de forma intangible. A través de una pintura, una música, lo que quieras, con lo que vos te identifiques, siempre vas a encontrar la posibilidad de contar tu realidad. Porque Oriente medita y Occidente expresa con arte. Para mí son dos maneras de sacar afuera la emoción. A veces, con mayores crisis, hay mayor producción artística porque es cuando más revolucionado está uno internamente”, concluye.

* “La ruta de Piazzolla” se presenta los días 13 y 15 de enero en el Teatro Tronador de Mar del Plata. Las entradas están a la venta por Ticketek.

Hay que estar muy loco, o ser un gran poeta, para pararse frente a Dios y decirle: “Flaco, no te pongas triste; todo no fue inútil, no pierdas la fe. En un cometa con pedales, dale que te dale yo sé que has de volver”.

Y hay que tener un guiño de Dios, además de ser un gran poeta, para imaginar que un loco enamorado sale de atrás de árbol de la calle Arenales y se planta frente a la amada con esta pinta, que ella describe con asombro: “Mezcla rara de penúltimo linyera y de primer polizonte en el viaje a Venus. Medio melón en la cabeza, las rayas de la camisa pintadas en la piel, dos medias suelas clavadas en los pies, y una banderita de taxi libre levantada en cada mano.”

Eso, y mucho más, hizo por la poesía y la música Horacio Ferrer, que murió hace diez años, el 21 de diciembre de 2014, y dejó un hueco que todavía no se cubrió, como suele pasar cuando mueren los grandes de la música y la poesía populares. Junto al genio de Astor Piazzolla le hizo dar una vuelta carnero al tango; ambos lo dotaron de nuevos acordes, de nuevos arreglos, de nuevos compases; saltearon métrica y ritmos; crearon nuevos verbos, nuevos adverbios y nuevos sustantivos que fueron cantados, gritados, proclamados por voces claras o roncas, daba igual; abaritonadas o con registro de tenor, daba igual; voces masculinas o femeninas, daba igual, que respetaban el fraseo o creaban uno nuevo, con medio melón en la cabeza y las rayas de la camisa pintadas en la piel; voces como las de Héctor de Rosas, Amelita Baltar, Roberto Goyeneche, Raúl Lavié, Jairo, José Ángel Trelles, Julia Zenko entre otras voces de gloria.

El tango les pagó con mala moneda y sólo el tiempo, y el buen gusto popular, y un fervor juvenil a los que no fueron ajenos las figuras del rock nacional, terminó por hacerles justicia. Tarde tal vez, y ya se sabe que cuando la justicia tarda, deja de ser justa.

Horacio Ferrer era uruguayo. Había nacido en Montevideo el 2 de junio de 1933 y se nacionalizó argentino cuando el país recuperó la democracia después de una larga dictadura militar a finales de 1983. El papá, Horacio Ferrer Pérez, era profesor de historia; y la mamá argentina era Alicia Ezcurra Franchini, sobrina bisnieta de Juan Manuel de Rosas, una mujer cultísima que hablaba varios idiomas, y había conocido, o había recibido influencias a través de su propio padre, al gran poeta nicaragüense Rubén Darío. Por lo que de la mano de su madre, Horacio recibió de legítima fuente qué y cómo había sido el despertar del modernismo poético en el continente.

La casa de Ferrer respiraba poesía; además de haber conocido a Amado Nervo y a Federico García Lorca, su madre le enseñó a recitar o, lo que es lo mismo, la transmitió las enseñanzas que ella había recibido de Alfonsina Storni. Las obras de Ferrer, su aporte al tango, incluyen por lo general un recitado breve; y él mismo, en espectáculos unipersonales o en asociación con grandes músicos, desgranaba sus poesías con una calidez y cierto encanto juvenil que le valieron el mote de “Duende”, apodo que Ferrer aceptaba encantado porque era también uno de los personajes de su “operita” María de Buenos Aires.

Estudió arquitectura sin acabar los estudios, trabajó como periodista en el diario El Día, de Montevideo. Veinteañero y entusiasta, en los años 50 fue uno de los realizadores del programa “Selección de tangos” en la radio uruguaya, para impulsar las nuevas tendencias en el tango de su país. Organizó en Montevideo recitales de los músicos que, para la época, revolucionaban el tango. Era una revolución tenue si se quiere, que trabajaba nuevas armonías, nuevos arreglos, nuevas cadencias que hiciera trepar un par de peldaños a una música popular que parecía estancada, inmóvil, en los rigores de los años 20 y 30. Entre esos músicos que dieron recitales en Uruguay, estaba Aníbal Troilo, que había tenido como arreglador y bandoneonista de su orquesta a Astor Piazzolla, y el pianista y director Horacio Salgán.

Ferrer fundó en esos años la revista Tangueando, que él mismo redactaba e ilustraba. Formó parte como bandoneón de una pequeña orquesta y publicó su primer libro sobre la historia del tango y su evolución. En los inicios de la década del 60 estrenó en el Teatro Circular de Montevideo su obra, junto a Hugo Mazza, “El tango del Alba”, que retrataba la vida de Ángel Villoldo, poeta de un tango emblemático: “El choclo”, que se había estrenado en 1903 y había desnudado parte de los orígenes del género, que fue prostibulario y sólo fue bien recibido en el Río de la Plata una vez que Europa lo aprobó. Dice “El Choclo”. “Carancanfuca se hizo al mar con su bandera / y en un pernod mezcló a París con Puente Alsina”.

En 1964 Ferrer publicó “Discepolín, poeta del hombre de Corrientes y Esmeralda” y al año siguiente “Historia sonora del tango”. En 1967 se animó con su primer libro de poemas “Romancero canyengue”, que solía recitar en público acompañado por un guitarrista. Sintió que, hasta entonces, su poesía no decía nada de él, no lo representaba, que era un remedo de los franceses, de Verlaine, o del propio Rubén Darío. Ese poemario soltó su imaginación y su verba; hizo que estallara su fantasía y que lanzara al papel nuevas palabras, acaso ligadas al surrealismo, pero explícitas de sus sentimientos: las cosas llegaban en la vida “tangamente”, el tiempo pasaba “tangamente”; Ferrer hablaba de “bandoneonía”, de “misticordia”, de “transmilongero”. Tal vez sin que fuera su propósito, menos su intención, despertó conciencias, llamó la atención, planteó interrogantes, sacudió varias y preciadas canastas. El “Romancero canyengue” fue elogiado en Buenos Aires por Troilo, por Piazzolla y también por grandes poetas como Cátulo Castillo y Homero Espósito; en Uruguay lo celebró Mario Benedetti. El tango ensayaba un nuevo idioma.

El poemario incluía, “La última grela”, destinado a ser musicalizado por Troilo. Pero fue Piazzolla quien le dio las notas; los versos hablaban de la prostituta, la “grela”, según el lunfardo porteño y montevideano, a las que Ferrer prefería llamar “las proletarias del amor”. Dice el poema: “Del fondo de las cosas y envuelta en una estola / de frío, con el gesto de quien se ha muerto mucho / vendrá la última grela, fatal, canyengue y sola / taqueando entre la pampa tiniebla de los puchos”.

Ferrer se trasladó a Buenos Aires para instalarse en la ciudad: arriesgó el trabajo, la profesión y el futuro que había alcanzado en Montevideo; lo arriesgó todo aunque mantuvo su casa Uruguay. Lo había convocado Piazzolla con un ruego que no quería ser tal, una súplica que pretendía ser inexistente, una exhortación lanzada al más puro estilo Piazzolla: “Si no venís a trabajar conmigo, sos un imbécil”. Vivió en un departamento del quinto piso de Lavalle 1447, entre Paraná y Uruguay, vecino al Palacio de Justicia y a una cuadra de la mítica calle Corrientes. Piazzolla buscaba letra para sus melodías. Había formado parte de una inolvidable y novísima producción discográfica de Ben Molar, “14 para el tango”, que reunía a poetas, músicos y artistas plásticos “no tangueros”, por decirlo de algún modo, para cantarle al tango. Astor le había puesto música a la “Milonga para Jacinto Chiclana”, de Jorge Luis Borges (“Siempre el coraje es mejor / la esperanza nunca es vana / vaya pues esta milonga / para Jacinto Chiclana”). Luego buscó a Ferrer, revelaría el propio Horacio, con una lógica de acero: “Mi música es igual a tus versos”.

Lo primero que lanzaron al ruedo Piazzolla-Ferrer no fue un tango, fue una ópera. Había que tener coraje. Ferrer la llamó “operita” y la bautizó: “María de Buenos Aires”. Una historia de amor desangelado, un texto vinculado al surrealismo, una mujer que se corporiza en Corrientes y Esmeralda, un duende encompinchado con marionetas y murguistas y una música explosiva, lánguida o cortante según la ocasión. Se estrenó en 1968 en la Sala Planeta de Buenos Aires con Héctor de Rosas y Amelita Baltar en las voces principales y el propio Ferrer, como “El Duende”, en los recitados. Ferrer sintió, o supo, que su obra no había sido entendida, ni valorada por la gente. Aquello no era tango, no era ópera, ¿Qué era aquello? Aquello era el embrión de una profunda renovación de la música popular. El rock nacional, también en embrión si se quiere en esa época, se sintió tocado en el alma por aquella música y aquellos versos que incluían un tema, “Fuga y Misterio”, que terminó por convertirse en un himno porteño.

La operita terminó por ser la obra dramática del teatro argentino más puesta en escena en el mundo. Se dio en setenta y cinco ciudades de veinticinco países distintos. En 1996, Ferrer encabezó una gira mundial con “María de Buenos Aires”, dirigida por el violinista letón Gidon Kremer, con Julia Zenko y Jairo, luego reemplazado por Raúl Lavié, en las voces. Tres años después, Trelles la cantó, dirigido por Kremer al frente de su “Kremerata Báltica”, en Tokio y en Yokohama. Trelles cantó la operita también, junto a la cantante italiana Milva, en Palermo, Sicilia, con una orquesta dirigida por Daniel Binelli.

La dupla Ferrer-Piazzolla compuso otras piezas tangueras, resistidas por los tradicionalistas del género que eran muchos y ruidosos. Poesía y música se abrieron paso a penas muy duras frente a una sociedad que se resistía al cambio, en un momento en el que el mundo cambiaba por horas. En 1969, un año después del Mayo francés, el año en el que, en Córdoba, una gigantesca manifestación popular jaqueó a la dictadura militar liderada por el general Juan Carlos Onganía y conocida como “Revolución Argentina”, Ferrer tomó un vals de Piazzolla, valsecito decían los autores sin temor al diminutivo, para parir al “Chiquilín de Bachín”.

Bachín era un bodegón que funcionaba en Sarmiento, casi esquina Montevideo, a una cuadra de Corrientes y a dos o tres del departamento de Ferrer. Integraba lo que fue en su momento el Nuevo Mercado de Buenos Aires, fue demolido con los años, como fue demolida la mayor parte de esa manzana porteña, para dar paso al complejo teatral “La Plaza”. Por aquel bodegón aparecían chicos muy chicos que vendían flores mesa por mesa, tentados por un personal y certero estudio de mercado: por allí iban a comer los famosos, y no famosos, que salían de los teatros vecinos. Ferrer tomó a uno de ellos como su musa inspiradora: “Por las noches, cara sucia / de angelito con bluyín / Vende rosas por las mesas / del boliche de Bachín / Si la luna brilla / sobre la parrilla / come luna y pan de hollín”. Y luego: “Cada día, en la basura / con un pan y un tallarín / se fabrica un barrilete / para irse y sigue aquí / Es un hombre extraño / niño de mil años / Que por dentro le enreda el piolín”. Y para terminar; “Chiquilín / dame un ramo de voz / así salgo a vender / mis vergüenzas en flor / Baleáme con tres rosas / que duelan a cuenta / del hambre que no te entendí / Chiquilín”.

Esas botas calzaba Horacio que después, frente a su Dios iba a admitir: “Al flaco, ¡pobre flaco!, de asalto y por la espalda / su bicicleta blanca le entramos a romper / Le dimos como en bolsa, sin asco, duro, en grande, / la hicimos mil pedazos. Y, al fin, yo vi que él / mordiéndose la barba, gritó: ¡que yo los salve! / Miró su bicicleta, sonrió, se fue de a pie”.

Hay que estar piantao, piantao, piantao para encararlo así a Dios; o para hablarle a un chico hambreado que cambia rosas por un tallarín. El tango, que jamás había desdeñado una profunda visión social de las duras décadas que abarcaron su vida desde su nacimiento a principios del siglo XX, ahora había dejado el fervor orillero, las casas malas, el machismo a ultranza, la secta del coraje y el cuchillo de la que hablaba Borges, y encaraba una nueva mirada hacia la miseria y hacia la infancia.

El chiquilín de Bachín era real. Pablo Alberto González tenía once años en 1969 y vendía flores en el boliche de Bachín, aquello no era verso. En 1970 lo entrevistó la revista Siete Días. En el reportaje el chico se sinceró: antes de las flores había abierto las puertas de los taxis, siempre en la calle para llevar algo de dinero a la pensión en la que vivía con su madre. El reportaje terminaba con un derroche de inocencia: “¿Te gusta Chiquilín de Bachín?” “Me gusta mucho. La parte más linda es esa que dice, Angelito cara sucia y vende flores en el boliche de Bachín, baleáme con tres rosas el hambre que yo te entendí“ ”¿Entendés lo que quiere decir?”, preguntó el periodista “No. Pero me gusta igual”. Ferrer fue el padrino de bodas de González.

Aquel 1969 iba a terminar con un escándalo mayúsculo. Tenía nombre y apellido: “Balada para un loco”. Era, cómo no, otra locura de Ferrer. La del medio melón en la cabeza y las banderitas de taxi libre en cada mano. Era una poesía para ser cantada por una mujer, Amelita Baltar, que ya había iniciado o estaba a punto de iniciar su historia de amor con Piazzolla. Es una mujer quien relata el encuentro con el loco: “Y así, medio bailando y medio volando / se saca el melón, me saluda / me regala una banderita y me dice…”; para ser interpretada por hombres, la letra tuvo que ser modificada en parte.

¿Y qué es lo que le dice el loco a esa mujer? Después de un breve recitado, propio de las obras de Ferrer, el loco dice lo que los enamorados dicen siempre, desde Romeo y Julieta, y antes, a la fecha: “Ya sé que estoy piantao, piantao, piantao / ¿no ves que va la luna rodando por Callao? / Que un corso de astronautas y niños, con un vals, / me baila alrededor, ¡bailá!, ¡vení!, ¡volá! / Ya sé que estoy piantao, piantao, piantao... / Yo miro a Buenos Aires del nido de un gorrión / Y a vos te vi tan triste, ¡vení!, ¡volá!, ¡sentí! / El loco berretín que tengo para vos”. Nada nuevo bajo el sol. El enamorado quiere ser querido como es, quién no. Lo que era nuevo era el lenguaje, la forma, el estilo, el vocabulario, la idea del amor: “Cuando anochezca en tu porteña soledad / por la ribera de tu sábana vendré / con un poema y un trombón / a desvelarte el corazón / ¡Loco!, ¡loco!, ¡loco! / Como un acróbata demente saltaré / sobre el abismo de tu escote hasta sentir / que enloquecí tu corazón de libertad / ¡Ya vas a ver!”.

Si Rubén Darío hubiera escuchado lo del poema y el trombón, lo del acróbata demente y lo del abismo de tu escote, volvía veloz a su tumba de padre del modernismo poético en el continente. La canción la estrenó Amelita Baltar en Michelángelo, que era entonces un templo nuevo del tango, si se quiere en competencia disonante, nunca mejor dicho, con otro templo tanguero: “Caño 14″. Luego, los autores deciden presentarla en el Primer Festival Iberoamericano de la Danza y la Canción que se realizó en el Luna Park de Buenos Aires entre del 9 al 14 de octubre de 1969. Allí se armó la que se armó.

Las canciones del concurso, de eso se trataba el festival, iban a ser evaluadas y juzgadas por dos jurados: uno que integraban músicos y compositores, entre ellos el brasileño Vinicius de Moraes y la peruana Chabuca Granda, junto a Eduardo Lagos, Horacio Malvicino y el tanguero y diplomático argentino Albino Gómez, y otro jurado, llamado “popular”. Al escenario subieron Piazzolla, su quinteto y Baltar.

Al terminar la “Balada…” estalló la furia. Malvicino, un guitarrista y arreglador excepcional, que estaba en un sector de la platea donde abundaban músicos, poetas, cantantes, vio que la gente, la que lo rodeaba, “rompía en aplausos y vítores”. Pero en el escenario, frente a la platea popular, Baltar vivía otra cosa. “Yo sólo escuchaba silbidos e insultos. Veía como Cacho Tirao, que era el guitarrista del quinteto, protegía su guitarra para que no le pegaran los monedazos que nos llovían”. Hubo más que monedas; llovió de todo sobre aquel escenario, a modo de una tormenta de disconformidad. Albino Gómez recordaría después: “Los integrantes del jurado técnico votamos para el primer premio a la “Balada…” Pero el tema perdió por decisión del jurado popular. Ganó el tengo “El último tren”, de Julio Ahumada. Ese tango se grabó una sola vez, la que auspiciaba el concurso. Nunca más se grabó. En cambio la “Balada…” fue un éxito mundial.

El tema de Piazzolla y Ferrer perdió por veinticinco votos a nueve, sus autores perdieron también los cinco mil dólares del premio y Baltar los dos mil quinientos destinados a quien cantara la canción ganadora. Días después, el sello discográfico CBS editó un simple, oh la gloriosa época de los discos simples, con la “Balada para un loco” del lado A y “Chiquilín de Bachín” del lado B: vendió doscientas mil placas en pocos días. “Balada…” se convirtió en un éxito; de inmediato la grabó Roberto Goyeneche, con una leve adaptación de la letra para que la cantara un hombre. La canción popular argentina había dado un giro completo en calidad musical y poética y los versos de Ferrer se incorporaron a la cultura popular: “Las tardecitas de Buenos Aires tienen ese qué sé yo, ¿viste?” Eso era, ¿viste?

La luna siguió rodando por Callao y la producción de Ferrer para Piazzolla, y viceversa, no se detuvo. En 1970 nacieron “Balada para mi muerte” “Canción de las venusinas”, “La bicicleta blanca”, “Juanito Laguna ayuda a su madre” y “Fábula para Gardel” que formaron el álbum “Astor Piazzolla y Horacio Ferrer en persona”. El dúo compuso más de cuarenta temas. Muchos quedaron inéditos, vestidos y sin visitas.

En 1970 Ferrer escribió el Libro del tango: arte popular de Buenos Aires, que corrigió y amplió en 1980 y es una guía ilustrada de la música popular. En 1976 decidió instalarse en el Hotel Alvear, un toque de distinción, en plena Recoleta. A modo de excusa dijo que no sólo amaba ese barrio, sino que, además, en su cementerio estaba enterrado su abuelo y en la vecina Plaza Francia jugaba su madre cuando era una niña.

En 1982 se unió a la pintora Lulú Michelli, que alguna vez confesó que le gustaban “todas las locuras” de Horacio. Ferrer decía que ella era “la mujer de la que soy el hombre; no digo ‘mi mujer’ porque no la compré en un remate”. Una de las mesas del bar “La Poesía”, de Chile y Bolívar, San Telmo pleno, recuerda que allí se conoció la pareja: “En esta mesa, la artista plástica Lulú Michelli conoció al poeta Horacio Ferrer en un amor que aún perdura. Junio de 1982″. El amor perduró hasta la muerte de Ferrer. Él por cierto, le dedicó un vals, o un tango-vals, o algo así, queréme así piantao, que se llamó “Lulú” y tuvo música de Raúl Garello: “¿Te acordás del café La Poesía / esa mágica noche en San Telmo? / Buenos Aires urdió nuestro encuentro, / tan romántica y dulce Lulú. (…) Y te amo, te amo, te amo, / perplejo en los milagros de tu juventud.”

En 1985 Ferrer recibió el prestigioso premio Konex, Diploma al Mérito, como uno de los cinco autores de tango más importantes de la década, distinción que volvió a recibir en 2005. Impulsó la creación de la Academia Nacional del Tango que nació en 1990 y fue su primer presidente, con sede en el Palacio Carlos Gardel, sobre el histórico Café Tortoni que luce en su vereda una estatua del poeta. En aquel lejano 1990, con Piazzolla derrumbado por un infarto cerebral, compuso con Horacio Salgán un “Oratorio Carlos Gardel” que se grabó ese mismo año con la Orquesta Sinfónica Nacional y el Coro Polifónico Nacional dirigidos por Simón Blech y con la participación como solistas de Leopoldo Federico en bandoneón, Ubaldo de Lío en guitarra, Salgán al piano y Ferrer en el recitado.

Abundó también en presentaciones personales en las que recitaba sus poemas con emotiva gracia, una voz chica, corta, de sabia intención y unos gestos dignos de la Commedia dell’Arte, que enriquecían sus adjetivos disparatados, sus metáforas amigas de la sinestesia. En uno de ellos hablaba con ternura de una dama que había entrado a la fiesta con un vestido color relincho. Ferrer había adoptado para sí la personalidad de “El Duende” de su operita “María de Buenos Aires”, vestía con elegancia trajes de colores de cuidada estridencia, con grandes cuadros, salvo que eligiera el negro, con un moño de lazo al cuello, una flor infaltable en el ojal; llevaba un andar casi etéreo, lento y elegante, tenía siempre a mano una carcajada astuta y bondadosa. Era un tipo cálido y entrañable.

Luego de la muerte de Astor Piazzolla, el 4 de julio de 1992, Ferrer cumplió con escrupulosa fidelidad uno de los encargos que Astor le había dejado para ejecutar en su ausencia. Un puñado de canciones escritas por ambos y que permanecían inéditas todas, junto a un pedido: “Dáselas al Flaco Trelles para que las grabe”. Así nació “Piazzolla-Ferrer Inéditos”, como una certificación de que el arte y la creación sobreviven a la muerte. En 1995, el disco le valió a Trelles, que murió el 10 de diciembre de 2022, el Premio ACE de la Asociación de Cronistas del Espectáculo. Con arreglos de Gustavo Fedel y de Juan Carlos Cirigliano, incluye además de los infaltables “Balada para un loco” y “Balada para mi muerte”, poemas de notable hondura como “El Bocha”, o “Mi loco bandoneón”, o “Pepe Cascabel”.

Uno de aquellos inéditos es, “El gordo triste”, un responso dolido a Aníbal Troilo, con quien Ferrer y Piazzolla anduvieron tantos caminos. Y Ferrer le reza: “¿De qué Shakespeare lunfardo se ha escapado este hombre / que en un fósforo ha visto la tormenta crecida, / que camina derecho por atriles torcidos, / que organiza glorietas para perros sin luna? (…) ¿Quién repite esta raza, esta raza de uno, / pero, quién la repite con trabajos y todo?”

Si César Vallejo imaginó su muerte, “Me moriré en París con aguacero / un día del cual tengo ya el recuerdo”, Horacio Ferrer también imaginó la suya, por supuesto en forma de balada y con música de Piazzolla. “Moriré en Buenos Aires, será de madrugada / Guardaré mansamente las cosas de vivir. / Mi pequeña poesía de adioses y de balas, / mi tabaco, mi tango, mi puñado de esplín / Me pondré por los hombros, de abrigo, toda el alba / Mi penúltimo whisky quedará sin beber / Llegará, tangamente, mi muerte enamorada / Yo estaré muerto en punto, cuando sean las seis”.

Ferrer murió el 21 de diciembre de 2014 porque su corazón amplio y generoso dijo basta. Tenía ochenta y un años. Sus cenizas fueron entregadas al Río de la Plata, en un sitio equidistante de su Uruguay natal y su Argentina de adopción. También a él le caben los versos de su responso a Troilo: ¿Quién repite esta raza de uno?

Hoy, cuando los chiquilines deambulan aún por mil “Bachín” diferentes, los locos ya no circulan por Arenales, ni se esconden tras los árboles, ni danzan en la ribera de tu sábana o en el abismo de tu escote. Son otros locos. Ya no son raros u ocasionales como entonces; por el contrario, abundan. Hacen otras locuras; ya ni siquiera sorprenden, son obvios, reiterativos, redundantes. Si algo sobra, son locos. Lo que se extraña cada día más son los piantaos. Es el tiempo que pasa.

Cada 11 de diciembre, Argentina celebra el Día Nacional del Tango, una fecha que conmemora la música y el baile que han marcado la identidad cultural del país. Esta fecha tiene una gran carga simbólica y se ha consolidado como uno de los momentos más importantes para celebrar un género que, más allá de ser una forma de música, es un símbolo de la cultura argentina en el mundo. El tango, nacido en los barrios populares de Buenos Aires a finales del siglo XIX, ha trascendido fronteras, convirtiéndose en un referente mundial de la pasión, el amor y la melancolía.

¿Por qué se celebra el Día del Tango el 11 de diciembre?

El Día Nacional del Tango se celebra el 11 de diciembre porque esta fecha fue elegida específicamente para conmemorar el nacimiento de dos figuras clave en la historia del tango: Carlos Gardel y Julio de Caro, quienes nacieron en ese día, pero con una diferencia de nueve años (1890 y 1899, respectivamente).

La celebración fue instaurada en 1977 gracias a una iniciativa del autor y productor musical Ben Molar, con el objetivo de destacar la importancia del tango como parte fundamental de la identidad cultural argentina. El 11 de diciembre fue seleccionado porque, además de coincidir con los nacimientos de Gardel y De Caro, estos artistas fueron figuras trascendentales que contribuyeron al desarrollo y popularización del tango a nivel nacional e internacional.

Los hitos en la vida de Carlos Gardel

Carlos Gardel, conocido también como “El Zorzal Criollo” y “El Morocho del Abasto”, fue una figura central en la historia del tango y la música mundial. Nació el 11 de diciembre de 1890 en Toulouse, Francia, aunque su familia se trasladó a Buenos Aires cuando él era apenas un niño. A lo largo de su vida, Gardel alcanzó fama internacional como cantante, compositor y actor de cine, y su música sigue siendo un pilar en la cultura argentina.

Uno de los hitos más importantes en la vida de Gardel fue su primera grabación, realizada en 1917 junto a José Razzano, con quien formó un exitoso dúo. Juntos, grabaron temas fundamentales del tango, como Mi noche triste, que se considera el primer tango canción. Sin embargo, sería a partir de la década de 1930 cuando Gardel alcanzaría su máximo esplendor. Su voz única y su capacidad para conectar con el público lo convirtieron en el máximo referente del tango a nivel mundial. Composiciones como “Por una cabeza”, “El día que me quieras” y “Volver” y “sus ojos se cerraron” marcaron su carrera y se convirtieron en himnos que aún resuenan hoy en día.

Además de su éxito en la música, Gardel incursionó en el cine y grabó películas como “El tango en Broadway” y “Cuesta abajo”. Estas producciones ayudaron a consolidar su imagen en el ámbito internacional, llevando el tango a nuevos públicos, especialmente en América Latina y Europa.

El 24 de junio de 1935, a los 44 años, Gardel murió trágicamente en un accidente aéreo en Medellín, Colombia, cuando su avión colisionó con otro durante el despegue. Su muerte prematura dejó un vacío en la música argentina, pero su legado sigue vivo en su música y en el recuerdo de millones de personas en todo el mundo.

¿Quién fue Julio De Caro?

Julio De Caro fue uno de los músicos más importantes en la historia del tango. Nació el 11 de diciembre de 1899 en Buenos Aires, y desde joven mostró un talento excepcional para la música. Hijo de un músico de escuela, inició sus estudios musicales con su padre y continuó su formación con grandes maestros como David Boglia y Francassi. A lo largo de su carrera, De Caro fue mucho más que un violinista; fue un compositor, arreglador y director de orquesta que transformó el tango en un género más sofisticado y complejo.

En 1923, Julio De Caro creó su propio sexteto, que marcó una nueva etapa en el tango. Su estilo se caracterizó por la incorporación de arreglos más elaborados y una mayor presencia de la orquesta sinfónica, lo que permitió al tango dejar de ser una música exclusivamente popular para convertirse en una forma de música para la escucha atenta, incluso en los teatros. Su innovación se reflejó en temas como “Boedo”, “El malevo” y “Berretín”, que se convirtieron en clásicos del tango.

Además de su influencia musical, De Caro fue un hombre de grandes convicciones y principios. A lo largo de su vida, luchó por la profesionalización del tango y por el reconocimiento de su valor artístico.

10 tangos clásicos para escuchar este día

El Día Nacional del Tango es la oportunidad perfecta para disfrutar de los clásicos que han marcado la historia de este género musical, considerado un símbolo cultural de Argentina y un patrimonio de la humanidad. Desde sus raíces en los arrabales de Buenos Aires hasta su reconocimiento mundial, el tango ha dado vida a composiciones inmortales que siguen emocionando a millones de personas.

• La cumparsita, Gerardo Matos Rodríguez y Pascual Contursi
• Cambalache, Enrique Santos Discépolo
• Por una cabeza – Carlos Gardel y Alfredo Le Pera

• Mi Buenos Aires querido – Carlos Gardel y Alfredo Le Pera
• Caminito – Carlos Gardel
• Mano a mano, Carlos Gardel
• El día que me quieras – Carlos Gardel y Alfredo Le Pera
• Fuga y Misterio - Astor Piazzolla
• Malena – Homero Manzi y Lucio Demare
• Nostalgias – Enrique Cadícamo y Juan Carlos Cobián

Estos tangos son una muestra del inmenso legado cultural que representa el tango, una música que sigue viva gracias a su profunda conexión con la historia, la identidad y las emociones humanas

—¿De qué se trata esta propuesta que mezcla tango y burlesque?

—Justamente, lo que me encantó de esta obra es que fusiona estos dos estilos que yo amo. Es como si el público entrara a un cabaret porteño: yo digo que es el Moulin Rouge de Buenos Aires. En el salón hay mesitas para tomar algo. Y en el show se van mezclando escenas propias del burlesque, de un alto contenido erótico, con coreografías de tango. Y todo el tiempo, la experiencia es como inmersiva. Es decir que no es solo lo que pasa en el escenario, sino que la gente también está adentro del espectáculo.

—¿Cómo fue que la convocaron?

— Me postulé sola a la convocatoria y quedé.

— O sea que en este caso no va a bailar con Claudio González, su pareja de siempre...

— No, voy a estar rotando con distintos bailarines.

— En este tipo de danza hay una persona que conduce, por lo cual la falta de visión no sería un problema. ¿O acaso le costó fusionarse con el grupo?

— En realidad, siempre es muy fácil. Yo digo que no hay que hacer un curso acelerado de cómo bailar con una persona no vidente. Simplemente, se trata de entregarse a ese vínculo y a la escucha del otro. Además, en el caso del tango, al tener ese contacto físico literal, en el abrazo y las manos, estar conmigo es igual que estar con cualquier otra persona, independientemente de que yo no vea. De hecho, cuando hay un casting, el director selecciona mi material por mi currículum y yo no pongo: “Soy ciega”. Sería como autoexcluirme.

— Entiendo.

— Sí me ha pasado muchas veces que, después de que me seleccionan y yo les digo que soy ciega, me bajan la persiana. Por eso digo que no se trata de la aceptación de la discapacidad que yo padezco, como las que tienen tantas otras personas en distintas áreas, sino de la lucha contra el prejuicio del otro. Porque, en esta sociedad, parecería que no ver es una limitación absoluta. Y entonces, es como que uno tiene que estar rindiendo examen todo el tiempo. En algunos casos, mi situación despierta una admiración absoluta, que viene acompañada de mucho amor. Pero a veces cuesta que esa admiración pase a lo concreto como para que alguien pueda decir: “Te doy un trabajo” o “Quiero que estés en mi obra”. Eso sucede en los pocos casos en los que la admiración supera al miedo y la confianza y el talento le gana al prejuicio.

—¿Como ocurrió en esta oportunidad?

— Acá pedían una bailarina de tango y yo me postulé. La audición me la hizo el mismo director y guionista, que se llama Juan Cruz Argento. Y, cuando le dije que no veía, primero se sorprendió. Pero después me dijo: “Me encanta, porque es tu distinción”. Lo mismo me han dicho Diego Pérez, Lito Cruz, que fue mi padrino en la actuación, y Claudio González, que me formó de cero en el tango. Son maestros a los cuales les estoy profundamente agradecida. Y todos ellos me dijeron: “Chicas que bailen hay muchas, pero que lo hagan sin ver no. Esa es tu distinción, así que vamos a ir por ese lado”.

—Tal cual.

— Esto es lo que vio también el director de Porteño Carajo. Me dijo: “Mirá que yo quiero recalcar esto en la obra. Que la gente no solo vea un baile bonito, sino también una superación, una historia de vida que conmueva e interpele al público desde muchas aristas”.

—Al no contar con la visión, seguramente ha desarrollado más otros sentidos. ¿Verdad?

—Totalmente. Además, yo tuve que ir adaptándome a cada etapa de la pérdida de mi visión. Porque yo de chica veía perfecto, pero después fui perdiendo esa capacidad por etapas. Todo empezó cuando tenía 15 años. De repente, un día no leía, otro no veía las caras...

— En ese momento usted era bailarina clásica y tenía una proyección como actriz...

— No solo eso: era gimnasta de elite. Me estaba preparando para los Juegos Olímpicos de Atenas 2004 y entrenaba ocho horas por día, de lunes a sábado. Era una deportista de alto rendimiento, en un deporte en el que la precisión para hacer saltos mortales arriba de la viga o pasar de una paralela a la otra es fundamental. Pero, hasta ahí, veía perfecto. Y, cuando me retiré de esta actividad, empecé a notar la falta de visión al leer, por ejemplo. Tenía que estudiar los guiones de teatro y no veía las letras chiquitas. Tampoco las gráficas de las calles. Y ahí se empezaron a dar cuenta de que tenía una patología neurológica y que hacía episodios de neuritis óptica.

—¿Esto fue in crescendo?

—Sí, los episodios me fueron sucediendo año tras año. Y, para cuando cumplí los 20, ya estaba prácticamente ciega. Solo veía algunos colores. Me acuerdo que, en ese momento, estaba haciendo una obra con Lito. Y, si tenía que salir por una pata de escenario, por ejemplo, ponían ahí algún color que yo pudiera detectar como para poder guiarme. Pero, después, me manejaba por los sonidos. Por ahí, otra actriz hacía sonidos para que yo dirigiera la mirada hacia algún lugar. Y, así, nadie se daba cuenta de que yo no veía. Hasta que llegué a los 25 y ya no captaba ni las luces.

—¿Hoy su ceguera total?

— Absoluta.

— Habiendo nacido con una visión normal, ¿cómo hizo para ir asimilando este proceso?

— Creo que el deseo que yo tenía de ser actriz y bailarina era tan fuerte, que cuando empecé a perder la vista en lo único que pensaba era en estar arriba del escenario. Y, entonces, en cada etapa de la pérdida de la visión, lo que hacía rápidamente era generar un mecanismo de adaptación como para poder seguir haciendo eso que me gustaba. Me ayudaban mucho mis compañeras, así que era un trabajo en equipo. Y, con distintos sonidos, me indicaban lo que tenía que hacer sin que la gente en la platea se diera cuenta.

—¿Esa lucha por poder seguir haciendo lo que ama fue lo que le impidió ponerse en un lugar de víctima?

—Sí, totalmente. Porque yo tampoco quería que me vieran así. No quería ser la “pobrecita”. Quería que me siguieran dando oportunidades por mi talento y no por lástima.

— Fuera de lo laboral, ¿cómo fue su proceso de adaptación?

— El ser humano es una máquina extraordinaria. Cuerpo, mente y alma: no tenemos dimensión de lo que somos. Me acuerdo que, cuando yo veía a una persona ciega en la calle, pensaba que era imposible vivir sin ver. Creía que era la peor de todas las discapacidades, porque la vista tiene injerencia en todos los aspectos. Y, sin embargo, cuando me empezó a pasar esto me di cuenta de que estás tan ocupado en buscar la manera de hacer lo mismo que antes pero desde otra realidad, que no no te da tiempo de lamentarte.

—¿El instinto de superación es más fuerte?

—Tal cual. Por ejemplo, yo volvía a estar internada, me fui a lavar los dientes y me di cuenta que siempre ponía el dentífrico arriba de las cerdas del cepillo como lo hace el 90 o el 100% de la gente. Pero que ya no veía donde tenía que poner la pasta dental. Entonces, automáticamente, me la puse en el dedo, donde podía sentirla y medir la cantidad, y así me la ponía en la boca para empezar a cepillarme. Pero eso no me lo enseñó nadie, fue mi propio cuerpo el que fue buscando la forma de hacer lo mismo estando ciega.

— Entiendo.

— Hoy me pasa con mi hijo, que tiene dos años y medio y todavía no habla bien. Él se fue dando cuenta cómo relacionarse conmigo sin necesidad de racionalizar el hecho de que su mamá es no vidente. Y capta que si no me trae su juguete y me lo da en la mano, yo no me doy cuenta de cuál es. O, cuando necesita que lo cambie, me hace tocar el pañal. El otro día, por ejemplo, pasó algo que a mí me emocionó. Porque yo estaba tratando de tantear con el tenedor dónde estaba el pedacito de comida y él me agarró la mano y me hizo pinchar el tomate en el plato. Y yo digo: “¿Cómo se da cuenta?” Pero esto nace de estar en el día a día con el otro, forjando un vínculo.

— Cuénteme cómo se dio la relación con su marido...

— Estamos juntos hace ocho años. Yo estaba buscando trabajo y me llamaron de la Municipalidad de Vicente López para ofrecerme un puesto como profesora de teatro. Era para dar clases en colegios y en barrios vulnerables. Y me preguntaron si necesitaba estar siempre en un mismo espacio. Entonces yo les expliqué que no, que podía rotar de lugar, pero que necesitaba una pareja pedagógica por cualquier cosa que sucediera. Porque, estando con chicos, si de repente uno le hace algo a otro que yo no podía ver, podía ser un problema. Y bueno, me pusieron al lado al profe de arte.

—¿Fue un flechazo o el amor surgió con el tiempo?

—En el primer encuentro que tuvimos, empezamos a charlar y resultó ser que él vivía a una cuadra de mi casa. Literal: yo vivía en una esquina y Diego en la otra, cruzando la vereda. Así que me empezó a pasar a buscar para ir a trabajar todos los días. Y, en un momento, le dije: “Mirá que yo tengo una bicicleta doble, si querés podemos usarla para ir a las clases”. Obviamente, él que ve bien iba adelante y yo lo acompañaba pedaleando atrás. Y con esa cosa romántica de la bici empezamos a ir y venir y nos fuimos conociendo. Hasta que surgió el amor. Y hoy tenemos un hijo.

— Qué linda historia...

— Ojo: no todo es color de rosas.

— ¡En ninguna pareja!

— Claro. Y a veces le tengo que decir: “Diego, ¿te acordás que yo no veo?”. Porque, como tengo este espíritu independiente y no me gusta quedarme quieta, siempre estoy buscando la forma de poder hacer todo: desde limpiar o cocinar hasta cuidar al nene. Y, por momentos, no se da cuenta de que necesito ayuda. Porque uno también tiene que lidiar con sus propias angustias. Por ahí, parecería que está todo superado, pero la realidad es que es un día a día. Yo me levanto, abro los ojos y no veo. Así que, a partir de ese momento, empiezo a enfrentarme con distintas barreras. Desde tener que viajar en colectivo un día de lluvia, en el que la gente está distraída y no te registra, a tener que hacer tiempo y no poder llevar a Amadeo sola a la plaza.

— Con respecto a su hijo, más allá de los miedos de cualquier madre, ¿sintió algún temor por lo que le podría demandar su crianza?

— En realidad, el deseo era tan fuerte, tan fuerte, que pudo más que todo. Yo siempre quise ser mamá. Lo soñaba. Y creo que el momento más feliz de mi vida fue el parto. Cuando me pusieron a mi bebé en la panza no podía más de amor. En ese momento no pensé: “No veo, ¿cómo voy a hacer?”. Yo soy muy creyente, creo en Dios, en las energías, en la gente... Así que siempre supe que alguien me iba a ayudar. Y la verdad es que el vínculo lo voy construyendo con Amadeo. El otro día, por ejemplo, fui a una actividad en el jardín, en la que había que ir rotando de espacio. Y él me agarraba la mano y me llevaba de un sector al otro, haciéndome tocar lo que había en cada uno de ellos. Y no me choqué a nadie, porque él mismo me guió. Fue un momento maravilloso.