Su vida fue corta e intensa. Como la de tantos ídolos que se van rápido y terminan convertidos en leyenda. Se llamaba José Alberto Iglesias, pero todos lo conocían por su pseudónimo de Tanguito. Y para muchos fue el pionero del rock argentino. Pero partió hacia otro plano cuando tenía apenas 26 años de edad. Quizá, este mundo era demasiado injusto para un idealista como él. O quizá, simplemente, ya le había dado más de lo que estaba permitido por aquellos tiempos.

Había nacido el domingo 16 de septiembre de 1945 en la localidad de San Martín. Era hijo de un vendedor ambulante, José Iglesias, y de Juana Correa, una empleada doméstica, por lo que vivió una infancia modesta. Y, entrando en la adolescencia, comenzó a vincularse con la música. De hecho, tenía 15 años cuando decidió dejar el colegio secundario para seguir su sueño, cantando en plazas y trenes con su guitarra en mano. Y, después de un tiempo presentándose en clubes nocturnos, a los 18 se unió al grupo Los Dukes en reemplazo de Jorge Darrié, quien había decidido comenzar su carrera solista.

¿De dónde salió su apodo? Cuentan que se había convertido en un eximio bailarín de rock. Pero, en aquella época, lo normal era que la gente bailara tango. Así que sus amigos solían insistirle: “Bailate un tango, José, un tanguito”. Y, a fuerza de repetición, éste terminó convirtiéndose en su nombre artístico. Un nombre que mezclaba bravura y sensibilidad en una misma palabra.

Junto a esa icónica banda, con la que popularizó el tema Mi pancha, considerado por algunos como el primer rock & roll argentino, llegó a compartir escenario con Sandro y Los de Fuego, otros de los primeros grupos en incursionar en el género inspirado por Elvis Presley, y con los Bobby Cats, grupo liderado por Billy Bond. Sin embargo, un año más tarde, en 1964, decidió abandonar a sus compañeros para comenzar su carrera solista de la mano de la discográfica RCA.

Ya mudado a “Caseros City”, como le gustaba llamar al barrio en donde vivió su juventud, Tanguito empezó a frecuentar La Cueva y La Perla del Once, los dos reductos bohemios donde se juntaban los músicos de la época. El primero era visitado por Moris, Lito Nebbia, Miguel Abuelo, “Pajarito” Zaguri, Javier Martínez, Alejandro Medina, Pipo Lernoud y Sandro. En el segundo, en tanto, ocurrió el hecho que dejó grabado su nombre para la eternidad, ya que allí compuso ni más ni menos que La Balsa.

El local estaba situado en la esquina de Rivadavia y Jujuy y había sido concebido como una cafetería. Sin embargo, dada la presencia constante de jóvenes, su dueño optó por no cerrar nunca sus puertas. Allí se mezclaban los estudiantes que iban a preparar sus exámenes de la facultad, con los jóvenes que se agrupaban para compartir sus obras de arte o su música. Claro que, para no molestar a quienes tenían que concentrarse en sus libros, los que querían tocar algún instrumento tenían que ir literalmente, al baño. Y eso pasó una noche de otoño.

Era el 2 de mayo de 1967 cuando, inquieto y entusiasmado por un rapto de inspiración, Tanguito le propuso a Lito Nebbia que fueran al baño con su guitarra. Quería mostrarle algo que estaba componiendo. Tenía una frase que decía: “Estoy tan solo y triste acá en ese mundo de mierda”. Pero no sabía cómo seguirla, por lo que le pidió ayuda a su colega. Y así fue como, esa misma noche y rodeados de mingitorios, ambos le dieron vida al primer gran hit del rock nacional. El tema fue grabado por Los Gatos y arrasó en ventas alcanzando las 250 mil placas, además de recorrer toda América gracias a las distintas versiones grabadas por una veintena de artistas.

Según explicó Nebbia, la letra hablaba de la libertad. Pura y llana. Sin embargo, hubo distintas interpretaciones del mismo y, en más de una oportunidad, se ha querido hacer hincapié en que tenía referencias veladas al consumo droga. Esto, sin lugar a dudas, estaba relacionado al hecho de que Tanguito sí estaba atravesando por serios problemas de adicciones. Y que estos, en algún punto, podrían haber derivado en su misterioso y abrupto final.

El 19 de mayo de 1972, Tanguito se escapó del Hospital Borda en el que se encontraba internado. ¿Por qué lo habían llevado hasta allí? Nunca quedó muy claro. Dicen que estaba en un “estado límite”, por lo que había sido detenido por la policía en varias oportunidades. Que lo había trasladado hasta ese nosocomio desde la cárcel de Devoto. Y que, tras haberlo sometido a tratamientos de electroshock, lo habían declarado demente. Lo cierto es que, ese día, se tomó el tren para ir hasta su casa y, misteriosamente, cayó a las vías de la Estación Palermo del Ferrocarril San Martín y perdió su vida. ¿Suicidio, atentado u accidente? Jamás se supo, simplemente, porque su muerte no se investigó.

Dejó como legado varias canciones que hicieron historia, como Amor de primavera, que fue grabada por Luis Alberto Spinetta. También La princesa dorada y Natural, entre otras. Pero fue recién después de su muerte que vio la luz un álbum recopilatorio que había comenzado a grabar con el sello independiente Mandioca (luego llamado Talent) un par de años antes. Su idea era hacerlo con Manal como banda soporte, pero dicen que los músicos lo abandonaron cansados de sus constantes faltazos y terminó grabándolo solo con Javier Martínez y su guitarra. El álbum se llamó tan solo Tango. Y en principio no tuvo gran repercusión.

Sin embargo, el olvido no pudo con él. Con el correr de los años, fue creciendo el mito en torno a este artista de existencia fugaz. Al punto que, en 1993, Marcelo Piñeyro filmó una película sobre su vida, Tango Feroz, con guión de Aída Bortnik y el propio director, que se convirtió en un suceso absoluto. Y, con Fernán Miras en el rol de Tanguito y Cecilia Dopazo dándole el toque romántico que la historia ameritaba, el film logró devolverle al músico la visibilidad y el reconocimiento que hasta ese momento algunos le negaban.

Tango feroz: La leyenda de Tanguito regresa a la escena musical argentina con una reinterpretación moderna de su banda sonora. Este evento, parte del ciclo Discos esenciales, se llevará a cabo el sábado 21 y domingo 22 en el Palacio Libertad, día que será transmitido en vivo por Sonido Cultura desde las 19 horas. La dirección musical estará a cargo de Hernán Matorra, quien ha preparado nuevos arreglos para los temas icónicos de la película de Marcelo Piñeyro.

La banda que interpretará las canciones estará compuesta por Javier López Del Carril en guitarras, Florencia Gateno en batería, Matías Cadoni en bajo, Mariana Levitin en cello, Lucas Colque en bandoneón y Diego Cid en bandejas. Además, contará con la participación de cantantes invitados como Germán Tripel, Elis García, Flor Otero, Esteban Masturini, Sol Bloise y Pedro Velázquez.

El repertorio incluirá temas emblemáticos como “El amor es más fuerte”, “Presente”, “Amor de primavera” y “Me gusta ese tajo”, entre otros. La propuesta busca imaginar cómo sonarían estas canciones si hubieran sido compuestas en la actualidad. La música será acompañada por visuales especialmente creadas para el concierto, con imágenes originales intervenidas.

La actividad es gratuita y requiere entradas, que podrán reservarse de manera virtual a partir de dos días antes del evento, desde las 14 horas, hasta agotar el cupo disponible. Cada persona podrá solicitar hasta dos entradas, incluyendo menores de edad que deberán ingresar acompañados por un adulto. Las entradas físicas se retirarán en la boletería de la Planta Baja el día del evento, a partir de las 14 horas y hasta una hora antes del inicio.

Además, habrá un cupo de entradas que se entregarán de manera presencial en la boletería el mismo día del evento, también desde las 14 h, hasta agotar la capacidad de la sala. Este procedimiento de solicitud de entradas es provisorio, y se está trabajando en la implementación de un nuevo sistema.

Germán Tripel, conocido como Tripa, es un músico que ganó notoriedad como integrante de Mambrú, banda surgida de un reality televisivo. Tras la disolución del grupo, se unió al elenco de No hay dos sin tres en Canal 9. En 2008, lanzó su álbum debut como solista, Push!, y en 2016, junto con Flor Otero, publicó Porque te quiero. Entre 2020 y 2021, estrenó versiones de canciones clásicas en inglés.

Elis García es cantante y actriz, con una carrera que comenzó a los seis años grabando coros para discos infantiles. Ha participado en musicales como La caja Mágica, Experiencia Tita, El otro lado de la cama y Quién retiene a quién. En televisión, formó parte de la banda de Puente musical en Canal 9 y condujo programas como Musicales Baires y Bienal de Arte Joven. Actualmente, es la cantante del grupo musical Humana.

Flor Otero es actriz y cantante, debutando a los nueve años en la comedia musical Los Miserables como Pequeña Cosette. Ha estudiado con destacados profesionales en canto, teatro y danza, y se ha destacado en numerosas producciones teatrales y cinematográficas. Junto con Germán Tripel, lidera la banda FlowerTrip desde 2008.

Esteban Masturini es cantante y actor, con una trayectoria de veinte años en renombradas salas de teatro de Buenos Aires y en diversas producciones audiovisuales. Ha ganado premios como el María Guerrero, Trinidad Guevara y Estrella de Mar, y ha participado en la película Esteros y la miniserie El Tigre Verón.

Sol Bloise es actriz, cantante y bailarina, egresada de la Escuela de Música de Buenos Aires (EMBA). Ha participado en espectáculos como Queremos dormir, La escuela del mundo al revés y Asesinato para dos. Actualmente, trabaja en un proyecto que combina la danza con el fitness.

Pedro Velázquez es actor, cantante, director de teatro y dramaturgo. Ha formado parte de musicales como Tick, Tick, Boom y Kinky Boots, y ha dirigido obras como Bare, una ópera pop. Como cantautor, tiene tres discos editados: El derecho a la ternura, En modo equino y Hondo. El staff del evento se completa con Lu Rojo en vestuario, Tati Rojo en maquillaje, Emiliano Huala en puesta de luces y Juliana Manarino Tachella en animación de visuales.

Leyenda Feroz se propone desentrañar el por qué de una inesperada y masiva resonancia. La película no solo marcó un antes y un después en el cine argentino, sino que también se considera una obra que, en medio de un tiempo social y político particular (los años del “menemismo”), logró capturar el espíritu rebelde y transformador de una juventud que defendía valores como la educación pública y se identificaba profundamente con la música y la historia de su tiempo. Abarca el proceso creativo y los desafíos de la producción original, y también explora las voces de críticos y músicos que en su momento se distanciaron del proyecto, ofreciendo así un espectro completo del impacto cultural de la película.

El documental tuvo su estreno mundial en el reciente Festival de Cine Independiente de Buenos Aires (BAFICI) y ahora llega a las salas de cine. No solo es un homenaje a Tango Feroz sino también una reflexión sobre el poder del cine como espejo de su tiempo y herramienta de cambio cultural. Infobae Cultura dialogó con los directores Denise Urfeig y Mariano Frigerio sobre sus experiencias anteriores en el género, el proceso creativo del documental, la búsqueda de testimonios para la película y la significación de su estreno en un momento tan particular del cine argentino.

—¿Cuál fue el origen de este proyecto? Al igual que con Carroceros, optaron por realizar una película acerca de otra película.

Mariano Frigerio: —Hicimos previamente el documental Carroceros, centrado en los admiradores de Esperando la carroza. Al concluir esa película, nos planteamos qué seguiría. Nos interesaba profundizar en el mundo del documental, especialmente en el cine argentino. Surgió la pregunta: ¿qué otra película nos había dejado una marca significativa? Y la respuesta fue clara: Tango Feroz. Para nuestra generación, nacida en los años 80, fue un hito cultural. Recordamos dónde estábamos cuando se estrenó, con quién la vimos, en qué cine. Sentimos que este material era lo suficientemente rico como para explorarlo más a fondo. Así que nos adentramos en su historia y descubrimos un trasfondo fascinante para realizar otro documental.

—¿Qué diferencia encontraron entre este proyecto y aquel, donde no era tan evidente lo que podía haber detrás?

MF: —En Carroceros, teníamos muy claro que nuestro documental trataba sobre los fanáticos, queríamos mostrar ese universo de seguidores, similar a la obsesión por Star Wars en Argentina. Con Tango Feroz fue al contrario, queríamos hacer un documental sobre la película en sí, así que el enfoque fue completamente diferente.

Denise: —Nos sorprendió descubrir la cantidad de fanáticos que tiene Tango Feroz y cómo ha impactado en la vida de tanta gente, que desean volver a verla y que incluso los padres la comparten con sus hijos.

—¿Cómo influyó el aniversario redondo del estreno?

MF: —Fue pura casualidad. Al inicio del proyecto no estábamos al tanto de la efeméride, pero resultó ser una coincidencia muy conveniente. Nos permitió conectar con la proyección documental en el Cine Gaumont, coincidiendo con los 30 años desde su estreno, lo cual fue muy útil para resaltar la emoción que la película continúa generando en la actualidad.

—¿Cuál fue la reacción al contactar a los protagonistas y al director? ¿Sentían que estarían interesados en participar en el proyecto?

DU: —Al contactar a Marcelo Piñeiro, el primero en ser abordado, su reacción inicial fue de sorpresa, ya que no consideraba que su historia fuera digna de ser documentada. Sin embargo, conforme avanzaba el rodaje y, especialmente, tras la proyección en el Gaumont a los 30 años del estreno, donde presenció la emoción del público y la alegría de los actores al hablar de la película, comenzó a comprender la importancia del proyecto.

MF: —Para los actores, al ser el rostro de Tango Feroz, aún reciben preguntas y comentarios sobre la película de manera regular, lo que generó una respuesta diferente. Para Marcelo Piñeyro, la película había tenido polémica y éxito, pero no la consideraba tan relevante en la actualidad. En cambio, Fernán Mirás mencionaba que cuando lo entrevistaban y no sabían de qué hablar, inevitablemente surgía el tema de Tango Feroz.

—¿Cómo contactaron a los músicos que estuvieron en contra de participar en la película?

MF: —Teníamos claro que queríamos abordar este punto en la historia de Tango Feroz porque fue un conflicto real que existió. Marcelo Piñeiro originalmente quería utilizar el tema “La balsa” y no pudo debido a este conflicto con los autores. Así que era importante contar esa parte. Afortunadamente, Piñeiro y Claudio Pustelnik siempre nos dieron libertad creativa; nunca nos censuraron ni nos dijeron que no querían que apareciera cierta persona. En cuanto a la producción, encontrar a esos rockeros fue como en cualquier documental independiente, poco a poco, consiguiendo contactos y presentándonos. Nuestra experiencia previa con Carroceros nos facilitó un poco las cosas, al menos teníamos algo para presentarnos.

DU: —Comenzamos por Litto Nebbia, quien no otorgó los derechos de “La balsa”. Nos habría gustado entrevistarlo, pero su respuesta por correo electrónico fue amable y comprensiva. Nos dijo que podíamos hacer y decir lo que quisiéramos, investigar, lo que nos dejó tranquilos. Sin embargo, dejó claro que no quería hablar del tema porque aún le duele, incluso 30 años después.

—¿Por qué eligieron ciertos escenarios de Tango Feroz para el documental?

MF: —Nos atrajo mucho la poética de la ciudad dentro de la película. Buenos Aires era como un personaje principal, muy protagonista. Casi todas las escenas de la película se desarrollan en exteriores. Así que nos pareció hermoso ver la reacción de los actores al llevarlos a esos lugares nuevamente, y nos funcionó muy bien. Utilizamos escenografías que eran parte de la película, pero que ahora tenían una nueva perspectiva. Por ejemplo, la terraza del Teatro Colón que en la película no se registra que es ahí. La experiencia de llevar a los actores allí fue emocionante. Cecilia Dopazo se conmovió mucho. Con Federico D’Elía y David Masajnik recreamos la escena de Glorias Argentinas, que ahora tenía un giro cómico, pero funcionó perfectamente. Llevamos a Fernán y a Marcelo al Muelle de los Pescadores, un lugar icónico de la película.

—¿Cómo fue el desarrollo del guion para unir todas esas historias y elementos?

DU: —El guion inicial, creado por Mariano, reflejaba bastante fielmente nuestra visión inicial, aunque algunas cosas se fueron ajustando durante el proceso. En él estaban todas las escenas planificadas, las locaciones, y se destacaba el papel de Buenos Aires como un protagonista más. Después, Karina Espósito, la montajista, realizó un trabajo excepcional que embelleció aún más el resultado final. Logró unir de manera fluida el presente y el pasado en un montaje que quedó hermoso, queríamos mostrar cómo había cambiado la ciudad en los últimos 30 años.

—¿Cómo vivieron las presentaciones de la película?

MF: —Estábamos extremadamente nerviosos. Nadie, aparte de nosotros, había visto la película antes de su estreno. Era realmente una premiere. Además de los nervios propios de un estreno, también estábamos ansiosos por las reacciones de los protagonistas. Marcelo y Claudio, en particular, no estaban preparados para la presencia de críticos o voces disidentes, lo cual los ponía un poco nerviosos. Sin embargo, agradecieron mucho su participación, ya que permitió que el documental fuera completo y no solo un homenaje parcial.

DU: —Fue una celebración, un reencuentro. Considerando el momento difícil que atraviesa la industria cinematográfica, la película, que es en sí un homenaje al cine, cobró un significado aún más profundo. La respuesta fue increíblemente positiva. Hubo muchos aplausos en diversos momentos, pero uno que destacó fue cuando se mostró un plano del cine Gaumont y la audiencia ovacionó como si estuvieran aplaudiendo a un ídolo.

—¿Qué reflexión tenían sobre la percepción de “Tango Feroz”, considerando tanto su popularidad como las críticas sobre su comercialización y la representación de sus personajes?

MF: —Sí, teníamos la impresión de que era un gran éxito de los años 90, respaldado por mucho dinero y numerosos productores, con la seguridad de que arrasaría en taquilla y vendería miles de discos. Sin embargo, nos sorprendió descubrir que todo esto era totalmente contrario a la realidad. La película se realizó realmente a pulmón, llevando seis años completarla. Mucha gente no comprendía por qué estaba dirigida a adolescentes en ese momento, cuando ese no era el público objetivo habitual.

DU: —Una de las cosas que más me sorprendió de las entrevistas fue descubrir que tenía la percepción de que Tango Feroz era una película totalmente comercial destinada a ser un gran éxito, pero no fue así. Estaba convencida de que estaba hecha para romperla en taquilla, pero en realidad, se trató de un proyecto que se construyó con mucho esfuerzo y dedicación.

—¿Cómo fue la experiencia de hablar con los actores, considerando que para muchos de ellos la película significó un gran punto de partida en sus carreras?

MF: —Tanto Fernán, Cecilia, Federico, David y los demás, nos expresaron su agradecimiento. Estaban realmente contentos de que quisiéramos realizar el documental y recordaban con claridad muchas anécdotas de la película, mostrando que no la habían olvidado. Para muchos de ellos, fue el inicio de carreras sumamente exitosas. Por ejemplo, Marcelo Piñeiro conoció a Leo Sbaraglia durante el rodaje y dos años después realizaron Caballos salvajes. Y luego, por supuesto, están las carreras destacadas de Cecilia Dopazo y Fernán Mirás. Este último menciona en nuestro documental que la película marcó un punto de inflexión en su carrera, pero también significó un gran desafío para seguir adelante.

—¿Cómo perciben el panorama actual del cine argentino, entre la alegría de estrenar una película y la incertidumbre sobre el futuro?

DU: —Nos sentimos realmente contentos. Siendo espectadores asiduos del BAFICI, estrenar nuestra película allí era un sueño hecho realidad. Sin embargo, el día de nuestro estreno se anunció la posibilidad de cierre del Cine Gaumont por parte del INCAA. Es una tristeza y una incertidumbre total. Nuestro documental ahora adquiere otro significado al mostrar la importancia del cine para la gente y la necesidad de seguir apoyando la producción cinematográfica nacional.

MF: —La industria del cine es una fuente importante de trabajo para muchas personas, y el INCAA posibilita la diversidad de voces en la producción cinematográfica. Con las medidas que se están tomando, parece que solo quedarán películas mainstream, dejando fuera a muchos talentos. Es preocupante y nos insta a estar alertas y luchar. Nuestro documental también evidencia esto: muestra cómo una película puede impactar positivamente en el público, abriendo salas y generando interés en el cine argentino. Es una situación desoladora y preocupante, pero también puede ser una oportunidad para unirnos y trabajar juntos hacia un futuro mejor para el cine argentino.