La conexión entre Kubrick, Cameron y Spielberg

Desde su lanzamiento, 2001: Una odisea del espacio transformó la percepción del cine de ciencia ficción, imponiendo un estándar técnico y narrativo que desafió convenciones previas. Steven Spielberg ha señalado que la película de Kubrick fue esencial para el desarrollo de Encuentros en la tercera fase, y la calificó como una “catedral” del género.

Cameron, por su parte, relató en entrevistas que asistió a 18 funciones de 2001 en apenas dos años, describiendo la experiencia como fundamental en su formación y comprensión de los alcances del cine.

Ambos realizadores coinciden en que el filme redefinió los horizontes del género, inspirándolos a explorar temáticas y recursos visuales innovadores. La influencia de Kubrick es visible en la construcción de mundos complejos, el abordaje de dilemas tecnológicos y la búsqueda de una estética rigurosa que distingue tanto a Terminator como a las obras más emblemáticas de Spielberg.

El proceso creativo y la obsesión de James Cameron

La relación de James Cameron con 2001: Una odisea del espacio va más allá de la admiración. El director canadiense ha declarado que cada visionado le permitía encontrar nuevos matices, lo que lo llevó a convertir la película en una referencia constante durante su formación.

Cameron reconoce que esta práctica obsesiva le permitió internalizar las posibilidades narrativas y técnicas del género, guiando su propio desarrollo como cineasta.

Espinof, portal especializado en cine, destaca que el proceso de repetición fue clave para que Cameron consolidara una visión autoral basada en la innovación y el riesgo. El cineasta identifica en 2001 el origen de su interés por los desafíos tecnológicos y la exploración de los límites de la narrativa audiovisual en la ciencia ficción.

Innovación técnica y legado conceptual

2001: Una odisea del espacio no solo sobresale por su despliegue visual, sino también por el rigor conceptual con el que aborda temas centrales de la ciencia ficción. La película introduce reflexiones sobre la inteligencia artificial, la evolución humana y el destino de la civilización, anticipando debates que hoy son centrales tanto en la ciencia como en la filosofía.

La crítica internacional coincide en que la obra de Kubrick abrió una vía para que el cine explorara preguntas existenciales desde una perspectiva estética y científica. Esta dualidad le permitió trascender los límites del género y convertirse en un referente para creadores de distintas disciplinas.

Vigencia digital y encuentro con nuevas audiencias

En la actualidad, la disponibilidad de 2001: Una odisea del espacio en plataformas digitales como HBO Max, Filmin y Movistar+ ha facilitado el acceso de nuevas generaciones a la obra de Kubrick. Esta exposición renovada contribuye a mantener vigente el debate sobre su legado y multiplica las lecturas posibles, tanto desde la crítica especializada como entre los espectadores más jóvenes.

El filme sigue siendo objeto de análisis y revisión en espacios académicos y mediáticos, lo que refuerza su estatus como pieza central en la historia del cine de ciencia ficción.

La combinación de innovación técnica, profundidad temática y capacidad de asombro explica por qué, medio siglo después, 2001 continúa deslumbrando y motivando a quienes buscan expandir los límites del cine.

El legado de Stanley Kubrick no solo se mide por la admiración de cineastas como James Cameron y Steven Spielberg, sino también por la forma en que 2001: Una odisea del espacio sigue impulsando nuevas formas de pensar el cine y la narrativa digital.

Su vigencia demuestra que la combinación de ambición artística, rigor científico y reflexión filosófica es capaz de trascender épocas, inspirando a quienes buscan revolucionar el género y explorar las fronteras de la creación audiovisual.

Stanley Kubrick inició su carrera visual en los subterráneos de Nueva York mucho antes de convertirse en uno de los cineastas estadounidenses más influyentes del siglo XX.

Un conjunto inédito de 18 fotografías tempranas tomadas en el metro de la ciudad será exhibido por primera vez en la Photography Show de Nueva York. Estas imágenes, adquiridas y descubiertas recientemente por la galería Duncan Miller de Los Angeles, ofrecen una mirada singular al pulso social de la década de 1940 y a los primeros experimentos narrativos de Kubrick.

Aunque gran parte del archivo fotográfico de Kubrick ya había sido mostrado al público en la exposición itinerante Through A Different Lens inaugurada en el Museum of the City of New York hace ocho años, estas 18 tomas específicas —todas realizadas entre la medianoche y las 06:00 horas— nunca habían sido expuestas fuera de las páginas de la revista Look.

La propia galería Duncan Miller identificó estas obras al analizar un lote reciente, como indicó su director Daniel Miller: “Estas impresiones de Kubrick estaban enterradas profundamente en una compra reciente”. Este hallazgo marca una diferencia frente a cualquier cobertura previa del legado fotográfico del director al poner en circulación imágenes inéditas para coleccionistas y críticos.

Kubrick, nacido y criado en el Bronx, comenzó a fotografiar profesionalmente incluso antes de terminar la secundaria, cuando en 1945 fue admitido como reportero gráfico en Look, una revista enfocada en el relato visual de la vida cotidiana. Su promedio académico le impedía el acceso universitario, pero logró canalizar su atención minuciosa hacia la observación de los demás a través del lente.

“En la escuela era un inadaptado. Tenía muy poco interés por lo que me enseñaban, la lectura estaba relacionada a las tareas escolares. Creo que recién comencé a leer por placer cuando terminé el secundario. Sin embargo, sí había algo que despertaba mi interés: la fotografía”, dijo el director de La Naranja Mecánica y Senderos de Gloria, entre otras.

“Empecé simplemente tomando la cámara y sacaba fotos. Aprendí luego a armar un cuarto oscuro y todas las cuestiones técnicas, y así seguí. Hasta que llegó el momento en que empecé a buscar la manera de venderlas, de convertirme en un profesional”, recordó Kubrick en una entrevista sobre esta pasión que comenzó cuando un vecino, Marvin Traub, quien también era un aficionado a la fotografía, le regaló su primera cámara, con quien revelaba en un cuarto oscuro que tenía en su hogar en el Bronx.

Entonces, Kubrick admiraba a Arthur Fellig, conocido como Weegee, un fotógrafo y reportero gráfico ucraniano especializado en documentar el ambiente callejero de Nueva York de manera desgarradora.

Kubrick pasaba horas en las calles, y así fue consiguió la imagen que sería el principio de todo. En 1945, cuando tenía 16 años, capturó a un vendedor de periódicos en su puesto, en una actitud derrotada, desconsolada, tras la muerte del presidente Franklin D. Roosevelt.

Llevó la imagen a Helen O’Brian, jefa del departamento fotográfico de la revista Look, una publicación que intentaba competir con Life a partir de las imágenes. Salió del edificio con USD 25 en el bolsillo. Meses después, colaboraciones mediante, terminó el secundario e ingresó al staff de Look, para convertirse así en el fotógrafo más joven de la historia de la revista.

Durante los cinco años que permaneció en Look, documentó escenas tan diversas como la rutina de un lustrabotas, el entrenamiento del boxeador Walter Cartier o los ensayos de la vedette Rosemary Williams. Abandonó la publicación en 1951, año en el que también realizó sus dos primeras películas documentales y concluyó su matrimonio con su novia de la secundaria.

El valor documental de este grupo de 18 imágenes reside en su contexto nocturno y su carácter transversal: Kubrick retrató con igual curiosidad los vagones llenos de jóvenes conversando, a mujeres enfrascadas en proyectos textiles en pleno trayecto, y a figuras solitarias sentadas en asientos forrados, escenas que testimonian la variedad de interacciones sociales promovidas por el transporte subterráneo.

Kubrick describía el metro como “una sala de lectura sobre ruedas, un paseo de enamorados y, después de las 23:00 horas, un albergue improvisado”. Esa pluralidad se manifiesta en gestos sutiles: miradas, evaluaciones silenciosas y hasta una mujer cubriéndose la nariz.

Para lograr la espontaneidad deseada, el joven Kubrick utilizaba un método discreto: llevaba su cámara al cuello y había acoplado un disparador de cable dentro del bolsillo del abrigo, de modo que podía fotografiar sin ser detectado, como relató Daniel Miller.

El futuro director de El resplandor, 2001: una odisea del espacio y The Full Metal Jacket, entre otras joyas, solía disparar rollos enteros de película para extraer de ellos apenas “un puñado de imágenes contundentes”. Esta búsqueda de la naturalidad anticipa la ética de observación que marcaría todo su cine posterior.

Las fotografías reunidas por Duncan Miller Gallery se presentan junto a obras de la fotógrafa contemporánea Jacqueline Woods, en una edición que fortalece la relación entre la investigación documental de la posguerra y los discursos visuales actuales. El proyecto de la galería, Your Daily Photo, lleva desde 2012 distribuyendo imágenes de archivo a suscriptores de todo el mundo y apostando por descubrimientos que, como en este caso, amplían el mapa histórico de la fotografía estadounidense.

Libros: de Julio Verne a Andy Weir

En De la Tierra a la Luna (1865), más de un siglo antes del primer viaje a la luna de la NASA, Julio Verne imaginó cómo dos norteamericanos y un francés eran enviados a la luna en una bala disparada por un cañón, basándose en los conocimientos científicos de la época. H.G. Wells publicó Los primeros hombres en la luna en 1901 e inventó la cavorita, una aleación mineral que permitía a sus protagonistas viajar a la Luna y descubrir que estaba habitada por una civilización desconocida a la que llaman selenitas.

Dos referentes del Nuevo Periodismo también se ocuparon del tema. Norman Mailer cubrió el viaje del Apolo para la revista LIFE y amplió su reportaje en el libro Moonfire: el viaje épico del Apolo 11 (Taschen) y Tom Wolfe dedicó seis años a investigar en qué había consistido realmente la carrera espacial y a sus protagonistas para escribir Elegidos para la gloria (Anagrama).

En el terreno del thriller y la ciencia ficción, novelas más recientes son Artemisa de Andy Weir -el autor de El marciano-, que imagina una ciudad lunar habitada; o la trilogía lunar de Ian McDonald, que narra las luchas de poder de cinco familias que controlan las principales empresas industriales de la Luna. Y en la divulgación, Rafael Clemente indaga en las exploraciones posteriores al Apolo XI en Los otros vuelos a la luna (Cúpula) y el ingeniero español de la NASA Eduardo García Llama combina novela y hechos reales en La apasionante historia de cómo el hombre pisó la luna por primera vez’ (Crítica).

Cine: de Méliès a “Houston, tenemos un problema”

La película que inauguró el género de la ciencia ficción fue Viaje a la luna (1902) de Georges Méliès, un corto de 14 minutos inspirado en las novelas de Verne y Wells. Fritz Lang se basó en una novela escrita por su mujer, la escritora y guionista Thea von Harbou -autora también del guion de Metrópolis- para rodar Mujer en la luna (1929).

Sin embargo, la obra de culto por excelencia es 2001, una odisea en el espacio (1968) de Stanley Kubrick, donde un equipo de astronautas de la NASA investiga las señales de un extraño monolito hallado en la luna. Y entre las más populares, Apolo 13 de Ron Howard, con un reparto capitaneado por Tom Hanks, que relata los problemas de esa fallida misión lunar y contiene una de las frases más famosas de la historia del cine: “Houston, tenemos un problema”.

Otras más recientes son El primer hombre en la Luna (2018), dirigida por Damien Chazelle con Ryan Gosling como Neil Armstrong; Talentos ocultos (2016), sobre tres mujeres científicas afroamericanas que trabajaron en la NASA en plena carrera espacial; o la española de animación Atrapa la bandera de Enrique Gato. Además, con motivo del 50 aniversario de la misión Apolo XI se estrenó, en 2019, el documental homónimo de Todd Douglas Miller.

Series, cómic y música: de Tintín a Pink Floyd

En otro guiño a Julio Verne, De la Tierra a la Luna (1998) es el título de la serie de televisión producida por Tom Hanks y HBO que cuenta la historia del programa Apolo. Fue premiada en los Emmy y los Globos de Oro. Más reciente, de 2019, es Apolo, regreso a la Luna, de National Geographic, que combina ficción, efectos 3D y archivos digitales para revivir los mejores momentos de aquel proyecto. Ya en la ficción más ucrónica, la serie de Apple TV+ For all mankind, una historia alternativa en la que es la URSS quien logra el primer alunizaje tripulado.

También el cómic se ha inspirado en los viajes a la Luna. Hergé envió a Tintín al espacio en Objetivo la Luna y Aterrizaje en la Luna. En Apolo (Norma), Matt Fitch, Chris Baker y Mike Collins dejan de lado las leyendas urbanas para centrarse en cómo fue aquella exploración pionera. Y la NASA ha publicado recientemente su propio cómic, La primera mujer (2023).

En cuanto a la música, hay álbumes conceptuales, como Dark side of the Moon (1973) de Pink Floyd, una metáfora para explorar los males de la sociedad y también canciones, como la canción “Space Oddity”, que David Bowie compuso bajo el influjo de Kubrick y que la BBC utilizó como banda sonora para su cobertura del alunizaje del Apolo XI. Pero también “Fly me to the moon” de Frank Sinatra, “Rocket Man” de Elton John o “Walking on the moon” de The Police.

Compositores de música electrónica y ambiental como Vangelis o Jean Michel Jarre también se han inspirado a menudo en la exploración espacial, con obras como Albedio 0.39 (1976), en el caso del griego, y Oxygène (1976) y Equinoxe (1978), el francés.

Fuente: EFE

Con el lanzamiento de la misión Artemis II, programado para el 1 de abril, la NASA busca llevar astronautas alrededor de la Luna por primera vez en más de 50 años. Dicha misión durará unos 10 días y servirá como antesala para futuros alunizajes.

Este renovado interés por la exploración espacial también revive viejas teorías conspirativas, entre ellas una de las más persistentes: la idea de que el histórico alunizaje del Apolo 11 fue falsificado y filmado por el cineasta Stanley Kubrick.

El 20 de julio de 1969, millones de personas en todo el mundo siguieron por televisión la llegada del ser humano a la Luna. Fue un hito tecnológico y político en plena Guerra Fría, en la que Estados Unidos buscaba imponerse a la Unión Soviética en la carrera espacial.

Sin embargo, casi desde el inicio surgieron dudas en ciertos sectores. Para los escépticos, la cualidad cinematográfica del evento resultó sospechosa: encuadres precisos y una puesta en escena que, para algunos, parecía demasiado perfecta.

En paralelo, un año antes del alunizaje, Kubrick había estrenado 2001: A Space Odyssey, una película que revolucionó la representación del espacio en el cine por su realismo visual y rigor científico. Este factor resultó clave para el nacimiento de la teoría conspirativa: si alguien podía recrear la Luna de forma convincente, ese era Kubrick.

¿Por qué Kubrick?

La teoría sostiene que el gobierno estadounidense habría recurrido al director para filmar un falso alunizaje en caso de no poder cumplir con los plazos de la misión. La lógica detrás de esta hipótesis, aunque sin pruebas, se apoya en varios elementos.

Primero, la reputación del cineasta: Kubrick era conocido por su perfeccionismo extremo y su obsesión con el detalle. Segundo, su vínculo indirecto con tecnología espacial. Años después del Apolo 11, utilizó lentes desarrolladas por la NASA para filmar escenas de Barry Lyndon, lo que alimentó la idea de una colaboración previa.

Además, como explica Far Out Magazine (2026), el hecho de que 2001: odisea del espacio se estrenara prácticamente en simultáneo con la llegada a la Luna hizo que muchos comenzaran a cuestionar cómo había logrado imágenes tan realistas.

Con el paso del tiempo, los defensores de la teoría comenzaron a buscar supuestas pistas ocultas en la filmografía del director. El principal foco fue El resplandor, donde algunos creen encontrar una “confesión” codificada.

Entre los elementos más citados están el suéter con la misión Apolo 11 que usa el personaje Danny, el número de la habitación 237 —que algunos relacionan con la distancia entre la Tierra y la Luna— y patrones visuales del hotel que, según estas interpretaciones, recuerdan plataformas de lanzamiento.

Estas ideas fueron ampliamente difundidas por el documental Room 237, que recopila diversas teorías sobre significados ocultos en la película. No obstante, otros críticos consideran estas interpretaciones como ejemplos de sobreanálisis simbólico.

A pesar de su popularidad, no existe evidencia que respalde la teoría de que Kubrick participó en un fraude de tal magnitud. De hecho, expertos y estudiosos coinciden en que se trata de una construcción conspirativa sin base factual.

Uno de los rechazos más contundentes provino de Vivian Kubrick, hija del director, quien calificó estas afirmaciones como una “grotesca mentira”, según declaraciones recogidas por Variety. La también cineasta aseguró que su padre jamás habría colaborado en un engaño de esa escala.

A pesar de los desmentidos, esa extraña hipótesis persiste. Parte de su longevidad radica en el contexto en el que nació: la desconfianza hacia gobiernos e instituciones durante la Guerra Fría y en décadas posteriores.

La vigencia del mito también se refleja en la cultura popular. La película Fly Me To The Moon de 2024 retoma la idea en clave de comedia romántica, planteando un escenario ficticio en el que se intenta filmar un alunizaje falso como respaldo de la misión real. En uno de sus guiños, incluso se menciona a Kubrick como el candidato ideal para dirigirlo.

Stephen King ha transformado el sufrimiento personal en relatos que exploran el miedo universal. El llamado Maestro del terror parte de tragedias íntimas y situaciones cotidianas para construir historias que conectan con lectores de todo el mundo y explican su vigencia en la literatura contemporánea, según SensaCine.

De la obsesión infantil al fenómeno global

Reconocido como autor superventas, King ostenta el título de escritor vivo más adaptado al cine y la televisión. Sus relatos han vendido cientos de millones de ejemplares y numerosas adaptaciones han llegado a la gran pantalla, desde Carrie y Misery hasta la reciente La larga marcha (2025). Sin embargo, su carrera ha oscilado entre el apoyo popular y la mirada escéptica de una parte de la crítica.

El propio King define su obra como “el equivalente literario de un Big Mac y papas fritas”, una imagen que recoge SensaCine. Esta autodefinición ilustra el equilibrio entre literatura para el gran público y el reconocimiento académico que ha marcado su trayectoria.

Desde sus inicios, King escribió para las masas, lo que dificultó su aceptación en los círculos literarios más elitistas. Tal como explicó en una entrevista con Lesley Stahl para 60 Minutes en 1997, prefería autores como Dean Koontz antes que los clásicos indispensables para otros.

Una dualidad única en la cultura popular

La dualidad entre el favor de millones de lectores y la reticencia de los expertos literarios ha colocado a King en una posición singular dentro de la cultura popular. SensaCine destaca su habilidad para simplificar las historias sin menospreciar a lectores ni personajes, y su capacidad para crear tramas inolvidables y accesibles.

El origen de este método narrativo se remonta a una infancia marcada por el trauma y la fascinación por lo desconocido. Desde pequeño, King sintió una especial atracción por las historias de terror, influido por la afición de su madre a todo lo “espeluznante”.

“Cuando era niño, fui a ver todas las películas de terror que podía. A veces mi hermano iba conmigo. Mi hermano era dos años mayor y se tapaba la cara con el sombrero. Yo nunca me la tapaba”, recordó King en uno de los testimonios recogidos por SensaCine.

El accidente que marcó su infancia

Uno de los episodios más impactantes de su niñez fue el accidente ferroviario que sufrió un amigo mientras King jugaba cerca de las vías. En su libro Danza macabra, relata que no guarda recuerdos del suceso, solo lo que su madre le contó posteriormente. Volvió a casa conmocionado y pasó horas en silencio, lo que alimentó su obsesión por la muerte y los temores nocturnos durante años de infancia.

Según King, durante mucho tiempo estuvo convencido de que no llegaría a la adultez y su mente se llenaba de pensamientos sobre la muerte.

Ya en la adultez, otro accidente desafió su vida y su carrera. En 1999, mientras caminaba por Maine, fue atropellado por un camión y sufrió fracturas múltiples, colapso pulmonar y lesiones graves en la cadera y el cuero cabelludo. Aunque permaneció consciente, la recuperación fue larga y dolorosa.

Durante ese periodo escribió Mientras escribo, un texto de introspección personal que, de acuerdo con SensaCine, le permitió aportar nuevas experiencias a sus novelas futuras, sin alterar su estilo narrativo.

Miedo cotidiano y personajes complejos

En la narrativa de King, el miedo cotidiano adquiere el centro de la escena. Historias como Cementerio de animales abordan el duelo por la muerte de un ser querido, mostrando que el horror literario puede surgir de tragedias reales y reconocibles.

SensaCine indica que King eleva el miedo doméstico a categoría literaria, explorando la pérdida de la inocencia, el abuso y la constante batalla entre el bien y el mal, temas presentes en toda su obra.

La destreza de King para convertir las experiencias personales y universales en argumentos de terror se refleja en la construcción de protagonistas complejos. Considera esencial que el lector se identifique con los personajes desde el primer momento.

“En la vida real, cada uno de nosotros nos consideramos el personaje principal, el protagonista, el gran queso; la cámara nos enfoca. Si puedes trasladar esa actitud a la ficción, quizás te resultará más fácil crear personajes brillantes”, explica King en una de las claves recogidas por SensaCine.

Influencia materna y perspectiva de género

La perspectiva de género en sus relatos ha llamado la atención de críticos y lectores. A diferencia de muchos autores de su generación, las mujeres en las novelas de King se presentan como figuras robustas y multidimensionales, influencia atribuida en parte a la figura de su madre.

El propio King criticó la versión de El resplandor dirigida por Stanley Kubrick por el tratamiento del personaje de Wendy Torrance, a quien consideró retratada de manera misógina e histérica.

Tragedia, realidad y esperanza

El impacto duradero de King reside en su capacidad para unir tragedia, realidad y una esperanza sutil que atraviesa generaciones. Sus historias no solo superan el paso del tiempo, sino que demuestran que la identificación con los miedos cotidianos y la superación ante lo inesperado han convertido su obra en un fenómeno universal, como resume SensaCine.

Lo que más nos gusta del séptimo arte, es su factor sorpresa. En una época donde el exceso está delimitado por las tendencias y algoritmos que dictan hacía donde mover la maquinaria de producción, algunas películas buscan romper el molde y proponen algo nuevo, contundente, fuera de lo común. Es verdad que un gran director, junto con un gran guionista y buenos actores, puede hacer una obra maestra, que reivindique el formato en cada una de sus aristas. Pero esa perfección no siempre es lo que más nos llama la atención. A veces se busca el baldazo de agua fría, lo disruptivo, lo que verdaderamente nos mueve a nivel emocional, lejos del estilo técnico refinado.

Gustos son gustos, y mucho no podemos hacer contra eso. Por eso mismo elegimos 10 exponentes que, en conjunto, más nos llegaron a todos los que hacemos Malditos Nerds. No estamos seguros si este 2025 fue un gran año, o no, para el cine. En otros momentos, quizás esta premisa estaba mucho más clara. 2025 tuvo sus altibajos, de eso no hay duda, pero si hay algo que podemos afirmar es que el cine de autor está cobrando relevancia frente a las grandes producciones. Así como en algún momento el cine digital cambió el paradigma de lo que era hacer una película, la industria pareciera estar agotando sus propuestas interesantes y le da paso a directores que tienen su propia marca registrada, como podría ser Paul Thomas Anderson o Spike Lee.

Para ser más claros, no estamos frente a un top, sino que construimos un listado con las 10 mejores películas de 2025 según nuestro propio criterio. Sin dilatarlo mucho más, los invitamos a leer el resto de la nota:

One Battle After Another (Paul Thomas Anderson)

One Battle After Another, la nueva película de Paul Thomas Anderson, se presenta como una obra ambiciosa y profundamente conectada con el clima político y social actual. Inspirada libremente en Vineland, de Thomas Pynchon, la cinta no busca ser una adaptación fiel, sino que utiliza su espíritu para construir un relato propio sobre la resistencia, el poder y los lazos familiares. La historia arranca con una acción radical contra un centro de detención migratorio liderada por un grupo clandestino, lo que da pie a un conflicto que mezcla thriller político, sátira y drama. Desde sus primeros minutos, la película deja en claro su ritmo intenso y su voluntad de confrontar al espectador con un país atrapado en un presente perpetuo, inquietantemente reconocible.

Años después, el relato se desplaza hacia un correlato más íntimo, centrado en un padre que vive oculto y en la relación con su hija adolescente, mientras viejas amenazas resurgen con mayor violencia y poder institucional. Anderson equilibra el espectáculo narrativo con una mirada profundamente humanista, apoyado en interpretaciones sólidas y una banda sonora que refuerza la tensión constante. Aunque la película retrata un mundo dominado por el miedo, el extremismo y el agotamiento moral, su conclusión apunta a una idea clara: frente a la brutalidad del sistema y la repetición del conflicto, el amor y la empatía siguen siendo la forma más radical y duradera de resistencia.

Frankenstein (Guillermo del Toro)

La nueva versión de Frankenstein dirigida por Guillermo del Toro es, ante todo, una obra profundamente personal. Inspirada por la impresión que le causó de niño el clásico de 1931 protagonizado por Boris Karloff, la película retoma el mito creado por Mary Shelley para reinterpretarlo desde la empatía hacia el monstruo, no desde el miedo. Del Toro recoge elementos de la novela original y de décadas de cine gótico, pero los reorganiza bajo una mirada propia, marcada por el dolor del rechazo, la responsabilidad de la creación y la ausencia de amor. Su Frankenstein no se limita a repetir una historia conocida, sino que la transforma en una confesión artística sobre lo que significa traer algo —o a alguien— al mundo y abandonarlo a su suerte.

Visualmente exuberante y cargada de referencias al cine clásico, la película encuentra su centro emocional en la relación rota entre Victor Frankenstein, interpretado por Oscar Isaac, y la Criatura, encarnada por Jacob Elordi con una mezcla de furia contenida y vulnerabilidad infantil. Aquí, el monstruo nace como un ser asustado y necesitado de afecto, mientras su creador reproduce los errores de una crianza marcada por el abuso y la frialdad. Del Toro deja claro de qué lado está su corazón, mostrando que el horror no reside en la Criatura, sino en quienes le niegan humanidad. El resultado es una obra que no solo amplía el legado del clásico literario, sino que reafirma al cine como un espacio donde las obsesiones personales, cuando son honestas, pueden convertirse en algo universal.

Mickey 17 (Bong Joon-ho)

Seis años después de Parásitos, Bong Joon-ho regresa al cine con Mickey 17, una ambiciosa fábula de ciencia ficción que mezcla sátira social, espectáculo visual y humor oscuro. Adaptada de la novela Mickey7 de Edward Ashton, la película imagina un futuro en el que las grandes corporaciones espaciales explotan incluso a la muerte. Nuestro protagonista, interpretado por Robert Pattinson, es un trabajador “prescindible” que muere una y otra vez en misiones letales para luego ser clonado con sus recuerdos intactos. Bong utiliza esta premisa para apuntar contra el cinismo tecnológico y el desprecio por la vida humana, en una crítica reconocible a los discursos que ven el espacio como una huida fácil frente al colapso del presente.

Visualmente impactante y más cercana al tono de Snowpiercer que al de Parásitos, Mickey 17 apuesta por un estilo expansivo que a veces juega en su contra. Con un metraje generoso y villanos deliberadamente caricaturescos, la película avanza entre momentos de horror, ternura y comedia grotesca, mientras explora el choque entre dos versiones del mismo hombre, donde una resulta ser dócil y empática, y la otra brutal y violenta. La película conserva una curiosa nota de optimismo y plantea una pregunta inquietante que nunca termina de responder: ¿qué significa morir cuando la muerte deja de ser definitiva? Esa idea abierta, sin respuesta, es lo que nos llevamos como espectadores.

Sinners (Ryan Coogler)

Con Sinners (2025), Ryan Coogler firma la película más libre y personal de su carrera. Lejos de las ataduras de las grandes franquicias que marcaron su recorrido reciente, el director se sumerge de lleno en el cine de género para usarlo como vehículo de expresión íntima, política y cultural. Ambientada en el Mississippi de los años 30, la historia combina vampiros, mafia, blues, religión y espiritualidad afroamericana en un relato que no responde a moldes clásicos ni busca la comodidad del cliché. Coogler se permite construir con paciencia un universo propio, atento a los vínculos, a la memoria colectiva y a las heridas históricas, apostando por una primera mitad más atmosférica y autoral antes de dejar que el horror y la violencia emerjan de forma orgánica.

Más que una película de terror convencional, Sinners funciona como una metáfora poderosa sobre identidad, pertenencia y resistencia. Los vampiros no son solo criaturas nocturnas, sino la representación de un sistema que explota, vacía y devora comunidades enteras. La música, compuesta por Ludwig Göransson, se vuelve el verdadero corazón del film, fusionando blues, ritualidad y modernidad hasta convertir el sonido en un personaje más. Aunque el film deja entrever caminos que podrían haberse explorado con mayor profundidad, su apuesta no está en la acumulación de acción sino en la alquimia entre lo político, lo espiritual y lo sensorial. Sinners es una obra valiente, imperfecta y profundamente singular, un manifiesto disfrazado de espectáculo que confirma a Coogler como un autor dispuesto a arriesgarlo todo para decir algo propio.

Bring Her Back (Danny Philippou y Michael Philippou)

Bring Her Back (2025) confirma a los hermanos Danny Philippou y Michael Philippou como dos de las voces más singulares del terror contemporáneo. Lejos de apoyarse en fórmulas reconocibles o guiños evidentes al pasado, la película construye su identidad desde una incomodidad constante, física y emocional, que atraviesa cada plano. No se trata de un terror basado en sustos fáciles ni en estructuras previsibles, sino de una experiencia sensorial que trabaja con el asco, la tensión y el miedo latente. Desde su puesta en escena hasta su ritmo narrativo, el film se toma el tiempo necesario para envolver al espectador en un clima opresivo, donde lo desconocido y lo cotidiano conviven de forma perturbadora, y donde la sorpresa no es un truco, sino una consecuencia natural del relato.

Más allá del impacto visceral, Bring Her Back se sostiene sobre temas como la pérdida, el duelo y la fragilidad de los vínculos humanos, utilizando el terror como una herramienta expresiva y no como un fin en sí mismo. Las actuaciones, en especial la de Sally Hawkins, aportan una dimensión perturbadora al relato, construyendo personajes que generan miedo y compasión al mismo tiempo. La película no explica de más ni subraya sus símbolos: confía en la inteligencia y la sensibilidad del espectador para completar los espacios en blanco. En ese gesto reside gran parte de su potencia. Bring Her Back no busca agradar ni ser universal, sino que propone un descenso oscuro, incómodo y profundamente personal que deja marca, y reafirma que el cine de terror todavía puede sorprender cuando se atreve a romper con lo conocido.

It Was Just an Accident (Jafar Panahi )

Jafar Panahi vuelve a desafiar al poder con una de las películas más directas y emocionalmente expuestas de su carrera. El veterano cineasta iraní, perseguido durante años por el régimen de su país, construye aquí un relato que combina sátira negra, tragedia y un humor incómodo (realmente incómodo) para hablar de la violencia del Estado y de las heridas que deja incluso cuando la vida cotidiana aparenta normalidad. La historia parte de un hecho mínimo —un accidente nocturno en una ruta— que deriva en un encuentro cargado de memoria, miedo y reconocimiento. A partir de allí, Panahi despliega un relato coral donde distintos personajes, unidos por haber sufrido abusos del sistema, se ven arrastrados a una situación tan absurda como inquietante.

La película avanza con un tono cambiante que oscila entre lo grotesco y lo doloroso, sin caer nunca en la farsa vacía. Panahi utiliza el humor como arma política, especialmente en su retrato corrosivo de la corrupción institucional, donde los sobornos se piden con naturalidad y hasta se pagan con terminales electrónicas. La puesta en escena, casi onírica por momentos, refuerza la sensación de encierro moral y social, donde no hay escapatoria posible cuando toda una vida ha sido moldeada por la violencia estructural. Con esta obra, Panahi no solo reafirma su valentía como cineasta, sino que vuelve a demostrar que el cine puede ser un acto de resistencia, capaz de incomodar, hacer reír y confrontar al espectador con verdades difíciles de digerir.

Nouvelle Vague (Richard Linklater)

Con Nouvelle Vague, Richard Linklater firma una declaración de amor al cine y, en particular, al espíritu irreverente de la Nouvelle Vague francesa. Rodada en blanco y negro y con una puesta en escena que replica la estética y las limitaciones técnicas de fines de los años 50, la película reconstruye el caótico nacimiento de À bout de souffle (Sin aliento en Argentina) el debut cinematográfico de Jean-Luc Godard. Más que una biografía clásica, el film funciona como una inmersión en un momento histórico donde la cinefilia, la intuición y la desobediencia a las normas industriales estaban a punto de cambiar para siempre la forma de hacer películas. Linklater observa ese proceso con curiosidad y afecto, mostrando un París creativo, despreocupado y febril, donde nadie parecía del todo consciente de que se estaba rescribiendo la historia.

La película encuentra su centro en las tensiones del rodaje, con la obstinación casi críptica de Godard, la impaciencia de Jean Seberg ante un método que parecía improvisado y el juego cómplice de Jean-Paul Belmondo, más dispuesto a lanzarse al vacío. Aunque su guion a veces ordena y suaviza el caos que definió a la Nouvelle Vague, esta propuesta logra algo valioso como transmitir el entusiasmo contagioso de una generación que filmaba con urgencia, convicción y muy poco dinero. Linklater no intenta desmitificar ni canonizar, sino compartir su propia fascinación por el cine y por aquellos autores que le enseñaron a mirar. El resultado es una película accesible, cálida y pedagógica, que propone tanto descubrir como revisitar un movimiento que entendió el cine como un acto de libertad.

Die, My Love (Lynne Ramsay)

Con Die My Love, Lynne Ramsay entrega una de las películas más intensas y físicamente abrumadoras de su filmografía. Adaptada de la novela de Ariana Harwicz, la película se adentra sin concesiones en la experiencia del aislamiento, la maternidad y el colapso mental, siguiendo a una mujer atrapada en una casa rural de Montana mientras su vida emocional se fragmenta. Ramsay construye este descenso con una puesta en escena feroz, donde el sonido ensordecedor, la fotografía saturada y una dirección que no da respiro funcionan como extensiones del estado psicológico de su protagonista. Desde el inicio, la película deja claro que va a ser sutil ni esperanzadora, sino que apunta a ser una inmersión total en el dolor, el deseo y la confusión.

Jennifer Lawrence ofrece una interpretación cruda y visceral como Grace, una mujer que pasa del erotismo y la euforia a la paranoia y la autodestrucción, mientras Robert Pattinson encarna a un marido cada vez más ausente, incapaz de comprender la magnitud del derrumbe. A su alrededor, Ramsay llena el relato de figuras inquietantes y tensiones tácitas, hasta que la realidad comienza a mezclarse con fantasías y alucinaciones que vuelven todo inestable. Die My Love es una película incómoda, furiosa y emocionalmente agotadora, que observa la enfermedad mental no desde la contención sino desde el exceso. Puede resultar abrasiva, incluso extrema, pero en esa falta de moderación reside su fuerza. Ramsay filma desde una posición de poder absoluto, decidida a que cada imagen y cada sonido se sientan como un golpe directo al cuerpo del espectador.

Bugonia (Yorgos Lanthimos)

Con Bugonia, Yorgos Lanthimos vuelve a demostrar su talento para obligarnos a mirar de frente a personajes que resultan moralmente repulsivos y, aun así, inquietantemente fascinantes. La película plantea un duelo tan ideológico como violento entre dos figuras extremas: una CEO farmacéutica que encarna la hipocresía pulida del capitalismo contemporáneo y un activista radical convencido de que la única justicia posible pasa por la destrucción del sistema. Lanthimos retrata este enfrentamiento con una mezcla de humor negro, frialdad quirúrgica y provocación constante, heredera del mejor Stanley Kubrick y del cine más salvaje de Oliver Stone, pero filtrada por su propia ironía. Desde el secuestro que dispara la trama, Bugonia se mueve en un terreno incómodo, donde ninguna postura resulta del todo defendible y cada argumento parece esconder su propia forma de violencia.

Emma Stone compone a una ejecutiva brillante y cruel, experta en vender empatía corporativa mientras su empresa deja víctimas a su paso, y Jesse Plemons ofrece una interpretación descomunal como un eco-terrorista paranoico, lúcido y delirante a partes iguales. El guion, afilado y sorprendentemente teatral, convierte sus diálogos en un campo de batalla sobre poder, culpa, activismo y cinismo moral, empujando al espectador a revisar continuamente sus propias empatías. Bugonia es un thriller de ideas que muta, se retuerce y termina adquiriendo una dimensión casi cósmica. Lanthimos entrega así una obra provocadora y perturbadora, capaz de incomodar y seducir al mismo tiempo, y de recordarnos que el mundo que estos personajes disputan es tan frágil como profundamente humano.

Highest 2 Lowest (Spike Lee)

Con Highest 2 Lowest, Spike Lee parece preguntarse abiertamente qué significa seguir siendo relevante después de décadas de carrera, y lo hace regresando a dos pilares fundamentales de su cine: Akira Kurosawa y Denzel Washington. El resultado es una película ambiciosa, irregular a propósito y cargada de energía, que arranca con una fidelidad casi asfixiante a High and Low antes de romperla desde dentro. En su primera mitad, el film avanza con un ritmo denso y controlado, encerrado en espacios lujosos que funcionan como metáfora de un protagonista desconectado del mundo real y de un creador que revisa su propio legado. Lee no oculta la sensación de estancamiento inicial sino que, al contrario, la utiliza para plantear una crisis artística y generacional que atraviesa tanto al personaje de Washington como al propio director.

Cuando la acción abandona el encierro y baja literalmente a la calle, Highest 2 Lowest se transforma en una explosión de cine puro. Lee recupera su pulso más visceral, mezcla música, movimiento y cultura urbana con una libertad contagiosa, y convierte una secuencia clave en una de las más vibrantes de toda su filmografía. Washington, en una de sus interpretaciones más afiladas de los últimos años, encarna a un hombre poderoso obligado a reconciliarse con su pasado, mientras el film abraza sin pudor el exceso estilístico, el humor y la identidad que siempre han definido al director. Más que un remake, Highest 2 Lowest es una declaración de intenciones, con un Spike Lee que no está mirando atrás por nostalgia, sino que está usando el pasado como trampolín para reafirmar su voz en lo que bien podría ser la etapa final de su carrera.

Mención especial: KPop Demon Hunters (Chris Appelhans y Maggie Kang)

KPop Demon Hunters podría describirse, en la superficie, como una mezcla improbable entre lo mejor de Disney y Pixar, el anime de magia y aventuras y la estética cultural del K-pop, pero su impacto va mucho más allá de esa fórmula llamativa. El fenómeno no se explica sólo por canciones que dominan los rankings o por su éxito arrollador en Netflix, sino por la solidez con la que articula espectáculo, emoción y su propio mundo narrativo. La historia de Huntrix —un grupo idol que protege a la humanidad mediante el poder literal de su voz— se sostiene sobre una mitología clara, dinámica y sorprendentemente madura. Rumi, su protagonista mitad demonio, encarna un conflicto identitario que no se queda en la metáfora fácil, sino que abraza el miedo a mostrarse tal cual es, el peso de la herencia y la culpa, y la dificultad de aceptar que incluso lo que duele forma parte de uno mismo. El guión entiende que estos temas solo funcionan si están orgánicamente ligados a los personajes, y por eso el conflicto con Jinu, líder de los Saja Boys, se vuelve el corazón emocional del relato, donde dos figuras están marcadas por su origen, enfrentadas por sistemas que los definieron antes de que pudieran elegir.

En lo formal, la película es un despliegue impresionante de energía visual y musical. La animación de Sony Pictures Animation vuelve a demostrar que el camino abierto por el Spider-Verse no es un truco estilístico, sino un lenguaje en expansión, lleno de colores vibrantes, expresividad exagerada, humor visual heredado del anime y una coreografía que convierte cada pelea y cada número musical en un acontecimiento realmente único. Pero el verdadero triunfo está en cómo la música no adorna, sino que narra. Las canciones no interrumpen la historia, sino que la empujan, la explican y la transforman, convirtiendo a KPop Demon Hunters en un musical donde cada tema es indispensable. Puede que tenga algún arco emocional menos explorado de lo deseable, pero su fuerza temática —la aceptación, la deconstrucción del odio inculcado, la hermandad— y su capacidad para generar una experiencia colectiva genuina la colocan muy por encima de la media del cine animado reciente. Estamos, sin duda, frente a una demostración de cómo el cine comercial puede ser vibrante, emotivo y honesto al mismo tiempo.

La noche del 27 de noviembre de 1975 se vivió de una forma peculiar en varios cines de España. Hacía pocos días que Franco había muerto (su cadáver acababa de retirarse del Palacio Real después de varios días en los que podía visitarse), y toda la población del país, a caballo entre el temor y la esperanza, aguardaba los acontecimientos que habrían de definir el futuro del país. Esa noche, sin embargo, la expectativa cedió su lugar a las ganas de asistir al estreno de una película que llevaba años siendo comentada en el resto del mundo... salvo en España, donde La naranja mecánica se proyectó por primera vez para el público general.

La película de Stanley Kubrick, considerada hoy como una de las mejores de la historia del cine, llegaba ya con la etiqueta de símbolo universal de la transgresión y la polémica. Una fama que le había valido tanto su leyenda como censura, que se prolongaría durante cuatro años (la cinta de Kubrick se había estrenado en 1971) hasta que le dieron ese hueco en las salas “de arte y ensayo”: un reflejo más de la transformación que estaba a punto de iniciar la sociedad.

Al fin y al cabo, desde que la censura franquista bloqueó la llegada de La naranja mecánica, el filme se había convertido en el Santo Grial para cinéfilos y jóvenes ávidos de modernidad o simplemente atraídos por su aura de escándalo. La naranja mecánica había sido señalada en otros países como factor de desestabilización: en Reino Unido, tras un incremento de delitos juveniles y una estela de aireadas críticas y amenazas, Kubrick optó (asesorado por la policía) por retirar la película de circulación, que poco a poco fue vetándose o recibiendo la calificación X en distintos puntos de Europa.

Historia de una censura

En España, esta postura respecto a La naranja mecánica no hizo más que incrementar el deseo y el mito. El hecho de que los españoles se organizaran para cruzar la frontera los fines de semana, acudiendo a Perpiñán para sortear la censura nacional y ver películas vetadas, muestra la magnitud de la ansiedad cultural que rodeaba a la cinta. En este clima, el anuncio del estreno legal de La naranja mecánica en Madrid tenía componentes de evento generacional. El lugar elegido fue el cine Cid Campeador, una sala de significativo tamaño situada en el barrio de Salamanca, reconvertida en “sala especial” para poder proyectar el filme en su versión original subtitulada.

El ambiente aquella noche fue singular: aunque la sala superaba las mil butacas, la ley ordenó no vender más de ochocientas entradas por sesión, lo que dejó gran parte del espacio vacío pero permitió agrupar al público en unas pocas filas, creando una sensación de corte selecto e irrepetible. El eco de las largas colas se extendía por la ciudad, y los que finalmente accedieron a esa primera sesión lo hicieron con la conciencia de asistir a un hito cultural. En las semanas siguientes, otros cines de arte y ensayo replicaron el mismo esquema para satisfacer una demanda reprimida durante años.

Entre las singularidades del estreno destaca un episodio que solo puede entenderse en aquel momento de paradojas históricas: según relata la prensa de la época, tras la muerte del dictador y ya en la segunda semana de exhibición de la película, el No-Do dedicó un monográfico fúnebre a la vida de Franco, proyectado junto a la película de Kubrick. Mientras el noticiario mostraba imágenes del dictador acompañado por la Novena Sinfonía de Beethoven, la misma que se utilizaba en la película. La carcajada general del público al advertir la “catarsis beethoveniana” ilustró no solo el cambio de época, sino la ironía de las coincidencias.

Valladolid, una excepción a la regla

Hay que decir que La naranja mecánica ya se había proyectado en un cine español con anterioridad. La película de Kubrick se había podido ver en la Semana Internacional del Cine de Valladolid, tal y como se explica en el documental La naranja prohibida. No resultó una tarea fácil, ya que el propio Kubrick era reacio a que su película se viera en España, y solo cedió cuando se le prometió que la película solo se pasaría en la Universidad de Valladolid, a sabiendas de que no iba a ser así.

La censura franquista, en aquella ocasión, no solo no prohibió su proyección sino que además animó al festival a que se viera la película, ya que los festivales les servían para medir la reacción del público ante determinadas películas. “La naranja mecánica fue un éxito absoluto y Kubrick nunca se quejó de la mentira”, explican desde el propio festival en su página web. “Su filme no gustó a todo el mundo, pero el material gráfico de 1975 deja constancia de la larguísima cola de estudiantes a la espera de conseguir su entrada, principalmente porque en España, en aquel momento, bastaba que un filme o un libro estuvieran censurados para que levantaran una gran expectación.”

En una declaración que resuena en el mundo del cine, George Lucas, creador de Star Wars, admitió que “2001: Una odisea del espacio”, dirigida por Stanley Kubrick en 1968, supera incluso a su propia saga.

Este reconocimiento revela no solo la influencia profunda de Kubrick sobre los cineastas, sino también el respeto que inspiran las grandes obras dentro de la ciencia ficción.

Influencia indiscutible en generaciones de directores

El efecto que “2001: Una odisea del espacio” produjo en Lucas no se limita a la admiración. El cineasta estadounidense señaló que el filme fue determinante en la génesis de Star Wars, hasta el punto de considerarlo “mucho mejor” que su propio trabajo.

Esta valoración pública destaca la huella indeleble que dejó Kubrick en la evolución del género y en la visión artística de sus colegas.

Otros reconocidos directores también han expresado su deuda creativa con la obra de Kubrick. El documental Standing On The Shoulders Of Kubrick: The Legacy Of 2001 recopila opiniones de cineastas como Denis Villeneuve, Christopher Nolan, Steven Spielberg y William Friedkin, quienes reconocen haber encontrado inspiración en la icónica película de 1968. SensaCine subraya que Lucas comparte con estos nombres la certeza de que Kubrick redefinió por completo la ciencia ficción.

Cambios en la percepción de la ciencia ficción

Tanto Star Wars como “2001: Una odisea del espacio” se consideran puntos de inflexión en la historia del cine, aunque cada una lo logró desde enfoques distintos.

En 1977, Star Wars: Episodio IV – Una nueva esperanza revolucionó la industria con su relato épico y efectos visuales únicos, convirtiéndose en la producción más taquillera del año y en el desarrollo de una franquicia que hoy permanece vigente.

Nueve años antes, Kubrick había alterado los límites del género, aportando un enfoque novedoso que lo distanció de su tradicional asociación con historias de bajo presupuesto y monstruos fantásticos. “2001” propuso un lenguaje visual y conceptual inédito para la ciencia ficción, mostrando que el género podía ser tan profundo y elegante como cualquier otro.

La maestría de los efectos especiales y el legado de Kubrick

En distintas entrevistas recogidas por SensaCine, Lucas ha elogiado particularmente el trabajo técnico detrás de “2001”.

Describió sus efectos especiales como un punto de inflexión en el cine tradicional, asegurando: “En cuanto a los efectos especiales tradicionales, este es el pináculo. Si miras atrás, a los primeros setenta años, esta es la mejor película en cuanto a efectos. Y siempre lo será”, afirmó Lucas.

Este reconocimiento cobra relevancia especialmente al considerar que, años después, su propio equipo revolucionaría la industria audiovisual con nuevas técnicas.

El director de Star Wars también subrayó la importancia de “2001” en la legitimación de la ciencia ficción: “Fue la primera vez que la gente tomó en serio la ciencia ficción. Hasta entonces, muchas películas del género, especialmente en la década de 1950, se parecían más a producciones de serie B, con monstruos y criaturas gigantes.”

Inspiración y proyección para futuras generaciones

El legado de Stanley Kubrick y George Lucas continúan siendo una referencia esencial en la historia del séptimo arte. Sus obras marcan un antes y un después, inspirando a cineastas que buscan fusionar espectáculo visual y profundidad conceptual en la ciencia ficción contemporánea.

La trascendencia de ambos directores se refleja no solo en los avances técnicos o narrativos, sino en la capacidad de transformar la percepción social del género, otorgándole prestigio y legitimidad dentro de la industria.

La influencia de “2001: Una odisea del espacio” persiste como motor creativo para nuevos directores y guionistas, consolidándose como parámetro de excelencia. Según SensaCine, los aportes de Kubrick y Lucas han permitido que la ciencia ficción alcance un nivel artístico capaz de explorar interrogantes filosóficas, sociales y humanas, más allá de sus límites tradicionales.

El futuro de la ciencia ficción bajo la sombra de dos gigantes

Hoy, la huella de Kubrick y Lucas se percibe tanto en las grandes superproducciones como en los enfoques más independientes y experimentales del género. Cineastas actuales continúan dialogando con los modelos que ambas figuras establecieron, y la crítica especializada considera imprescindibles sus aportes para entender la evolución de la ciencia ficción.

Así, el reconocimiento de Lucas hacia la obra de Kubrick representa un testimonio de humildad y admiración que enriquece el debate sobre la creatividad, la innovación y el alcance de la narrativa cinematográfica.

La procura incesante de nuevos horizontes, característica de ambos directores, asegura que la ciencia ficción siga expandiendo sus fronteras, sin renunciar jamás a la búsqueda de profundidad artística.

El Imperio Romano y las películas que giran alrededor de su historia se han convertido en un tema de actualidad para los espectadores contemporáneos gracias a películas como Gladiator II, convertida en un absoluto éxito de taquilla.

Quizás por esa razón, la revista británica The Guardian elaboró una encuesta para determinar cuáles han sido los mejores trabajos cinematográficos que se ambienta en esta época de la antigüedad.

Las 18 mejores películas sobre la Antigua Roma

La selección de títulos abarca un total de 18 películas dedicadas al universo romano. En este listado, el largometraje protagonizado por Kirk Douglas y dirigido por Stanley Kubrick o, lo que es lo mismo, la monumental Espartaco (1960), se impone en la lista por encima, por supuesto, de más recientes ejemplos, como Gladiator, de Ridley Scott.

El medio británico aclaraba también que su secuela Gladiator II, con un elenco encabezado por Paul Mescal, Pedro Pascal, Denzel Washington y Connie Nielsen, no figura en la clasificación, ya que, pese a su éxito comercial, no alcanzó el nivel del filme original galardonado con el Oscar.

La preferencia por Espartaco responde a una valoración que trasciende la popularidad contemporánea de Gladiator. Según el análisis de The Guardian, aunque la cinta de Scott se ha convertido en el referente inmediato cuando se piensa en gladiadores y epopeyas romanas, la obra de Kubrick representa un avance significativo dentro del género.

El diario destaca que la película se distingue por apartarse de la tradicional narrativa cristiana que predominaba en las producciones de la época, incorporando en su lugar un sutil trasfondo político de corte moderno.

Esta característica, que también se percibe en Gladiator, a través de su retrato de los compromisos políticos en una sociedad dominada por el espectáculo, otorga a Espartaco una dimensión adicional como representación de un episodio relevante de la historia romana.

‘Espartaco’, la película que revolucionó el género

El contexto en el que Kubrick realizó Espartaco resulta fundamental para comprender su impacto. El director, hoy considerado uno de los grandes nombres del cine, se sumó a una tendencia que dominó la industria durante los años cincuenta y que, en la década siguiente, comenzaba a perder fuerza.

En ese periodo, otros cineastas también participaron en la producción de películas históricas en los estudios de Cinecittà, que los profesionales del sector denominaron “sandaloni” o “péplums”.

Sin embargo, el enfoque de Kubrick logró diferenciar a Espartaco del resto, dotándolo de una identidad propia dentro del género.

The Guardian subraya que la ausencia de la habitual prédica religiosa y la introducción de un discurso político contemporáneo convierten a Espartaco en una obra imprescindible para quienes buscan una visión renovada del cine sobre la Antigua Roma.

El filme, según el medio británico, ofrece una “grandiosa representación de un episodio importante de la historia romana”, lo que justifica su posición de privilegio en la lista.

La clasificación completa de los 18 títulos seleccionados incluye títulos como Ben-Hur (1959), de William Wyler con un icónico Charlton Heston como protagonista, Cleopatra (1963), con Elizabeth Taylor o la controvertida Calígula: The Ultimaetd Cut, obra de Tinto Brass, que ha alcanzado una reivindicación inesperada en los últimos tiempos.

En el ámbito del cine de terror, pocas películas tienen la reputación de El Resplandor. La película de Stanley Kubrick, inspirada en la novela homónima de Stephen King y protagonizada por Jack Nicholson, Shelley Duval y Danny Lloyd, no convenció en un primer momento a la crítica ni logró los resultados esperados en taquilla.

Sin embargo, el tiempo fue poniéndola en su lugar y hoy en día es considerada una de las películas más importantes de la década de los años 80 y una inspiración para todos los grandes cineastas del género de terror que han llegado después. Aun así, nada pudo impedir que el mismo Stanley Kubrick afirmara que su película era un “juego de niños” en comparación con otra que, años después, vería en los cines.

Una producción europea con gran repercusión en todo el mundo

La película en cuestión es Desaparecida, una coproducción de Países Bajos y Francia dirigida por George Sluizer en la que se cuenta la historia de un hombre que, durante tres años, busca a la novia que un día desapareció en una gasolinera estando de vacaciones. Un día, empieza a recibir postales de alguien que promete decirle qué fue lo que le ocurrió a la chica. No obstante, la verdad podría ser mucho más siniestra de lo que en un momento nadie podría imaginar.

Desaparecida se convirtió en un gran éxito en las salas de cine y Hollywood no tardó en contratar a Sluizer para que hiciera una versión estadounidense que llegaría cinco años después con Jeff Bridges, Kiefer Sutherland y Sandra Bullock. Sin embargo, puede que el mayor síntoma de éxito fue la conversación que el cineasta mantuvo con Stanley Kubrick sobre su película, y que recordaba en una entrevista con The Criterion Channel.

“Para mi gran alegría, era el mayor fan de la película”, contaba entonces. “Afirmó haberla visto al menos diez veces. Me llamó cuando estaba trabajando en Los Angeles y hablamos de la película plano a plano. Recuerdo que me dijo: ‘Esta es la película más aterradora que he visto en mi vida’“. Sin embargo, en ese momento Sluizer bromeó preguntándole a Kubrick si no había visto una película llamada El Resplandor. Una chanza que no esperaba que fuera contestada por el director de la siguiente manera: “Comparada con Desaparecida, El Resplandor es un juego de niños y no da miedo en absoluto". El interés de Kubrick en Desaparecida no se quedó ahí: también trató de convencer a la actriz protagonista, Johanna ter Steege, para que trabajara junto a él en su próxima película, Los papeles arios, que jamás llegó a terminar.

La versión estadounidense de Desaparecida no tuvo la calidad ni el éxito de su predecesora, pero por suerte, esta última se puede encontrar en el catálogo de Filmin. Años más tarde, por cierto, Sluizer realizaría una película en España adaptando la novela de José Saramago, La balsa de piedra, donde se cuenta cómo un gran cataclismo abre una brecha en la frontera entre España y Francia y hace que la Península Ibérica flote a la deriva.

Hablar de Stanley Kubrick son palabras mayores. El director nacido en Nueva York fue, a lo largo de casi cinco décadas de carrera, el responsable de llegar a la gran pantalla algunas de las películas más importantes de la segunda mitad del siglo XX: La naranja mecánica, El resplandor, La chaqueta metálica, 2001: Odisea en el espacio y Espartaco, entre muchas otras.

Conocido tanto por la agudeza de su mirada como por su complicada personalidad en los rodajes, Kubrick encarnó la figura del cineasta con un fuerte estilismo autoral y dispuesto a ir siempre más allá de lo establecido. Una postura que, pese a provocar el rechazo de algunos de sus coetáneos, hizo de sus películas obras que aun a día de hoy siguen siendo referentes en varios géneros y le erigió como uno de los directores más importantes de todos los tiempos.

Las diez películas favoritas de Stanley Kubrick

Con todo, incluso los mejores artistas se han inspirado en la obra de otros compañeros para perfeccionar su propia mirada sobre el mundo. En el caso de Kubrick, este reconoció ante los medios de comunicación su respeto por el trabajo de cineastas como Elia Kazan, G. W. Pabst o Max Ophüls. Sin embargo, fue en 1963 cuando el director dio su único listado de sus películas favoritas, entre las que se incluían títulos como Ciudadano Kane, de Orson Welles, Luces de la ciudad, de Charlie Chaplin o Fresas silvestres, de Ingmar Bergman.

En el puesto número uno de ese listado, sin embargo, se encontraba la película de un director italiano muy conocido tanto dentro como fuera de su país: Federico Fellini. La película no era otra que Los inútiles, su primer gran éxito que precedería a algunos de sus títulos más recordados: desde La strada a La dolce vita, pasando por Fellini, ocho y medio o la ya tardía Amarcord.

En una cita recogida del medio británico The Guardian, se deja bien claro que Los inútiles pudo ser “la primera obra maestra” de Fellini, una consideración que para otros se eleva a considerar este largometraje como una de las doce “mejores películas de todos los tiempos”. Así lo afirma, al menos, el periodista John Simon de la New York Magazine, reconociendo así la valía de esta historia sobre un pueblo de la costa adriática italiana cuyos vecinos se dedican en buena convivencia al trabajo... hasta que cinco jóvenes deciden no hacerlo.

La admiración por un autor con una mirada propia

Kubrick incluyó la película de Fellini entre sus favoritas, aunque no explicó las razones de su decisión. Eso sí, en otra ocasión señalaría que, Fellini, Bergman y Vittorio De Sica eran cineastas que no solo eran “oportunistas artísticos” sino que tenían "un punto de vista que se expresa continuamente en sus películas“, lo que las dotaba a su vez de un valor original.

Actualmente, Los inútiles puede verse en diferentes plataformas de streaming, que van desde Prime Video y Movistar Plus hasta Flix Olé. Eso sí, antes de empezarla cabría recordar que, como Kubrick dio su lista de películas favoritas en 1963, con el tiempo podría haber cambiado de opinión. De este modo, tal y como indicaría quien trabajó con él durante muchos años, Jan Harlan, su selección podría haber cambiado ligeramente con el tiempo. Según Harlan, títulos como Fresas salvajes, Ciudadano Kane o Luces de la ciudad seguirían figurando entre los elegidos, mientras que la versión de Enrique V de Laurence Olivier habría sido reemplazada por la de Kenneth Branagh. La lista, por lo tanto, quedaría de este modo:

1. Los inútiles – Federico Fellini, 1953.
2. Fresas salvajes – Ingmar Bergman, 1957.
3. Ciudadano Kane – Orson Welles, 1941.
4. El tesoro de Sierra Madre – John Huston, 1948.
5. Luces de la ciudad – Charlie Chaplin, 1931.
6. Enrique V – Laurence Olivier, 1944.
7. La noche – Michelangelo Antonioni, 1961.
8. Detective a la fuerza – Edward F. Cline, Ralph Ceder, 1940.
9. Roxie Hart – William A. Wellman, 1942.
10. Ángeles del Infierno – Howard Hughes, James Whale, Edmund Goulding, 1930.

John Turturro experimentó uno de los episodios más insólitos de su carrera cuando Stanley Kubrick, reconocido por su perfeccionismo y exigencia, lo contactó personalmente para ofrecerle un papel principal en Ojos bien cerrados.

El aclamado director había concebido el personaje del pianista Nick Nightingale específicamente pensando en Turturro, tras ver su trabajo en distintas producciones, incluido su papel de Primo Levi en La tregua.

“He escrito este papel para ti”, recordó para el podcast Happy Sad Confused sobre el diálogo con Kubrick, quien manifestó su confianza plena en el talento del actor.

Durante una llamada, Kubrick le expresó directamente su admiración y el deseo de que interpretara el personaje. Según relató Turturro, el director le preguntó si podría acomodar su agenda, ante la percepción de que pronto dirigiría una película.

Aunque confirmó su disponibilidad, su respuesta no transmitió total disposición incondicional, ya que expresó entusiasmo, pero conversó con Kubrick en tono casual: “No le dije: ‘Haría lo que sea por este papel’”, señaló al rememorar el episodio.

Al día siguiente de dicha comunicación, John Turturro recibió la noticia de que no estaba disponible para el proyecto. El propio actor interpreta este desenlace como producto de no haber manifestado suficiente urgencia ni compromiso absoluto hacia la propuesta del director.

“Estaba indisponible porque no le dije: ‘Pase lo que pase’”, detalló sobre el motivo de su salida del proyecto. El personaje de Nick Nightingale terminó en manos de Todd Field, quien fue el encargado de desempeñar ese rol en la versión final del largometraje.

La filmación de Ojos bien cerrados se extendió durante más de 400 días, cifra récord que ilustra el nivel de dedicación y meticulosidad aportada por Stanley Kubrick.

El proceso de selección de actores fue riguroso y el propio Turturro reconoció que hubo múltiples reemplazos a lo largo del desarrollo del filme. La obra se estrenó meses después de la muerte de Kubrick, convirtiéndose en la última entrega estrenada durante su carrera.

El argumento de la película gira en torno al matrimonio de Tom Cruise y Nicole Kidman, quienes encarnaron a los personajes de Bill y Alice Harford.

Tras una confesión inesperada de Alice sobre fantasías sexuales, Bill decide sumergirse en una travesía nocturna que lo lleva hasta los límites de la vida secreta de la élite neoyorquina.

El personaje inicialmente ideado para John Turturro juega un papel determinante en la trama, ya que otorga al protagonista el acceso a la exclusiva sociedad secreta a través de una contraseña crucial.

Consultado sobre la experiencia, el artista resaltó su admiración por Kubrick y lamentó no haber trabajado finalmente con él.

“Me hubiese gustado saber cómo habría sobrevivido a una de sus tomas largas”, sintetizó el actor que llegó a interactuar brevemente con el director antes de quedar fuera del reparto.

Tom Cruise sugirió a Nicole Kidman para “Ojos bien cerrados”

La selección de Nicole Kidman como coprotagonista de Ojos bien cerrados fue impulsada directamente por Tom Cruise, según contó este último a la revista Sight and Sound.

Luego de leer el guion y compartir una reunión privada con Stanley Kubrick, Cruise recomendó a Kidman para el papel de Alice Harford.

La estrella ya había trabajado con ella y argumentó que su desempeño la convertía en la opción ideal. “Sugerí que Nicole interpretara el papel porque, obviamente, es una gran actriz”, expresó durante el proceso de preproducción.

Cruise manifestó a Kubrick su firme decisión de llevar adelante el rodaje, pese a saber que el mismo demandaría un tiempo considerable.

“Haremos la película cueste lo que cueste”, fue la expresión utilizada por el intérprete para dejar claro su compromiso con el proyecto y el director.

Durante las grabaciones, Nicole Kidman y Tom Cruise se encontraban en la última etapa de su relación matrimonial, que finalizaría años después del estreno del filme.

Kidman descartó haber vivido tensiones derivadas del rodaje: “Fuimos felices juntos durante ese periodo”, afirmó tiempo después, restando importancia a especulaciones sobre un posible paralelismo entre la trama y su situación personal.

Un encuentro determinante en la adolescencia

La declaración de Fox, recogida por Indie Hoy, no fue producto de la duda ni de la vacilación. Para él, la comedia satírica dirigida por Stanley Kubrick desde 1964 ocupa un sitio irremplazable entre las expresiones cinematográficas más influyentes. Esa preferencia tiene raíces personales, pues Fox vio la película durante su adolescencia, en una sala de cine arte en Vancouver. La intensidad de esa experiencia consolidó su percepción sobre lo que el cine es capaz de provocar y expresar.

Kubrick es uno de los nombres más relevantes en la historia del cine. Su filmografía transita géneros tan variados como la ciencia ficción, con obras como 2001: Odisea en el espacio, el drama bélico, la sátira social y la comedia más oscura. En el caso de Dr. Strangelove, el director se propuso retratar la amenaza nuclear y la lógica absurda propia de la Guerra Fría, transformando la ansiedad de la época en una poderosa sátira. Desde su estreno, la película cosechó elogios y reconocimiento de críticos, cineastas y público.

El reconocimiento de la industria y la permanencia de un clásico

Aunque el aporte de Kubrick es extenso y plural, Dr. Strangelove se ha mantenido vigente, sumando continuas admiraciones de personalidades del cine, además de Fox. Steve Carell y George Clooney figuran entre sus entusiastas. Clooney ha llegado a describir el largometraje como "histéricamente divertida“, resaltando la ironía con la que se revisa la política estadounidense y el absurdo del conflicto nuclear. Este consenso refuerza el valor universal de la película, que tiempo después de su lanzamiento todavía provoca el interés de las nuevas generaciones.

El contexto en el que surgió Dr. Strangelove también resulta esclarecedor sobre su recepción en la sociedad. Estados Unidos vivía un clima tenso tras el asesinato de John F. Kennedy, lo que llevó al equipo creativo a realizar pequeños ajustes en el guion para evitar roces con la opinión pública. La película giraba en torno al peligro del enfrentamiento nuclear y presentaba un elenco memorable, encabezado por Peter Sellers, quien interpretó a tres personajes distintos, aportando una riqueza narrativa inusual.

La mirada de Michael J. Fox sobre los personajes de Kubrick

La visión de Fox sobre la película es tan singular como reveladora. El actor centra su análisis en la construcción de los personajes. Para él, Kubrick evita darles historias previas detalladas y se enfoca en definirlos a partir de sus acciones y de su presencia en pantalla. “Kubrick logra que cada personaje exista únicamente en el presente, sin necesidad de justificaciones. El espectador los comprende durante el transcurso de la historia y así se produce la conexión”, explicó Fox. Esta capacidad de condensar profundidad psicológica en situaciones concretas, sin recurrir a largas exposiciones, es uno de los aspectos que Fox más admira del cine de Kubrick.

Una característica central de Dr. Strangelove es su tono. La película utiliza el humor negro para abordar temas serios, introduciendo referencias ingeniosas, nombres provocativos y diálogos afilados. Sin embargo, la cinta no pierde nunca la seriedad subyacente. Para Fox, este equilibrio constituye uno de los puntos más destacados: “El humor de la película no descansa en chistes evidentes, sino que atraviesa una sátira constante y una atmósfera enérgica, manteniendo siempre su peso dramático”, expresó el actor. Este tipo de comicidad, en la que se mezcla lo absurdo con la reflexión profunda, exige una atención activa por parte del espectador.

Entre la genialidad conceptual y la vigencia histórica

La elección de Dr. Strangelove como la mejor película vista por Fox implica una invitación a repensar lo que convierte a una obra en un clásico. Más que una simple sátira política, la película dirigida por Kubrick se encuentra en la convergencia entre genialidad conceptual y excelencia artística, uniendo actuaciones memorables con un guion inteligente y una puesta en escena audaz.

No es casualidad que, después de tantas décadas, la cinta siga citándose como referencia y fuente de inspiración. El legado de Dr. Strangelove reside en su capacidad para entretener y cuestionar a la vez, exponiendo las contradicciones humanas frente a los miedos colectivos. Tal como sugiere la admiración de Michael J. Fox, revisitar este filme resulta más actual de lo que podría parecer, confirmando su carácter imprescindible dentro de la historia del cine mundial.

Estrenado en 1975, el filme fue recibido entre alabanzas y críticas: por un lado, se resaltó la admiración por su riqueza cinematográfica, aunque desde la crítica se la trató de “emocionalmente fría” y esa mirada especializada tuvo una repercusión en el público.

Barry Lyndon relata una tragedia clásica de ascenso y caída, plena de matices, donde la pasión, el engaño, la adulación y el deseo de poder representan la esencia humana a través de la figura de Redmond Barry, un irlandés que busca abrirse paso en la Europa del siglo XVIII.

Kubrick buscó crear una experiencia históricamente creíble y lo consiguió con un rigor sin precedentes en la historia del cine. Y, gracias a la nueva tecnología, podrá apreciarse como si los cuadros de William Hogarth y Thomas Gainsborough, en quienes se inspiró, tuvieran vida.

 La restauración, en ese sentido, permite apreciar cómo cada plano, gracias a los zooms lentos y encuadres precisos, se convierten en un verdader tableau vivant. Y es que Kubrick, siempre innovador, decidió realizar esta obra con la mayor cantidad de luz natural posible y para esto recurrió a una serie de lentes diseñadas para el programa lunar de la NASA.

Para su rodaje, Kubrick y el director de fotografía John Alcott lograron filmar muchas escenas interiores únicamente con luz natural, especialmente a la luz de las velas, algo extremadamente complejo. Para ello, recurrieron a tres objetivos Carl Zeiss Planar 50mm f/0.7, desarrollados originalmente para la NASA y las misiones Apolo.

Estas lentes, con una apertura sin precedentes y distancia focal fija, requirieron modificaciones especiales para adaptarse a las cámaras, permitiendo que el elemento trasero quedara a solo 2,5 mm del plano de la película. Así, fue posible rodar escenas con una iluminación media de solo tres velas, recreando la atmósfera íntima de la época.

Aunque se evitó la luz eléctrica siempre que fue posible, la mayoría de los planos se rodaron con lentes y luces convencionales, pero buscando siempre imitar la luz natural. Para iluminar los interiores más destacados, se emplearon focos Mini-Brutes, situados en el exterior y dirigidos a través de ventanas cubiertas con material difusor, lo que protegía los edificios históricos y lograba una luz uniforme. En ocasiones, la luz natural se dejó pasar, generando un tono azulado en la película frente a la luz incandescente.

El rodaje comenzó en 1973 en Irlanda, país que, cuando ya se había filmado un tercio, debieron abandonar tras recibir una llamada que tenía al director en la lista de objetivos del IRA Provisional para continuar luego en Inglaterra y Alemania.

Barry Lyndon fue realizada entre las aclamadas La naranja mecánica (1971) y El resplandor (1980), y fue su cuarta producción en color, con la multipremiada Espartaco (1960) siendo su debut (y la que le permitió embarcarse en superproducciones). En su mente estaba realizar un biopic sobre Napoleón, pero el fracaso comercial de Waterloo (1970), producida por Dino De Laurentiis, llevó a sus financiadores a retirar el apoyo.

Calificada como excesivamente lenta o pretenciosa, la película fue reivindicada, entre otros, por Martin Scorsese, quien la considera su favorita del cineasta. El humor negro recorre la narración, potenciado por la voz en off de Michael Hordern y la música fúnebre de Händel, que la transforman este drama de época en una sátira sobre la ambición, la apariencia y el poder.

Pero el uso de la fotografía en Barry Lyndon no fue solo una cuestión técnica, ya que Kubrick recurrió a su talento como fotógrafo: su temprano recorrido, forjado en las calles de Nueva York y en la redacción de la revista Look, sentó las bases de una carrera que transformó la narrativa visual.

“Stanley era una persona estoica, impasible, fuerte, y con una gran imaginación. Imponía respeto de una manera tranquila, tímida. Lo que él quisiese, lo hacías, simplemente te cautivaba. Cualquiera que haya trabajado con Stanley, hizo exactamente lo que él quería”, dijo Walter Cartier en la biografía de Vincent LoBrutto sobre Kubrick.

En julio de 1941, Kubrick recibió de su padre, el doctor Jacques Kubrick, una cámara profesional Graflex. Este obsequio resultó decisivo para el adolescente, quien hasta entonces había mostrado escaso interés por la escuela y prefería el ajedrez, la lectura y las funciones dobles en los cines del Bronx.

La cámara lo impulsó a salir de casa y a explorar la ciudad, obsesionado con capturar imágenes. Su pasión lo llevó a entablar amistad con Marvin Traub, vecino y aficionado a la fotografía, quien disponía de un cuarto de revelado en su hogar.

El propio Kubrick relató: “En la escuela era un inadaptado. Tenía muy poco interés por lo que me enseñaban, la lectura estaba relacionada a las tareas escolares. Creo que recién comencé a leer por placer cuando terminé el secundario. Sin embargo, sí había algo que despertaba mi interés: la fotografía”.

En otra entrevista, recordó: “Empecé simplemente tomando la cámara y sacaba fotos. Aprendí luego a armar un cuarto oscuro y todas las cuestiones técnicas, y así seguí. Hasta que llegó el momento en que empecé a buscar la manera de venderlas, de convertirme en un profesional”

Junto a Traub, Kubrick recorría las calles y experimentaba con los procesos químicos del revelado. Admiraba a Arthur Fellig, conocido como Weegee, reportero gráfico ucraniano que documentaba la vida urbana de Nueva York con crudeza.

“Fui paso a paso, enfrentando problemas y resolviéndolos. Y mirando hacia atrás, creo que esa experiencia es algo que no te enseñan en la escuela. Si puedes desarrollar ese costado, el de solucionar los problemas por tu cuenta, es increíble como te ayuda en cualquier otro tema. Así que creo que la fotografía fue algo mucho más valioso que las cosas que me enseñaron en la escuela”, sostuvo Kubrick.

Durante su paso por la William Howard Taft High School, el joven incursionó en la batería dentro de una banda de jazz, pero la fotografía prevaleció: se convirtió en director del club fotográfico escolar y comenzó a publicar imágenes en la revista estudiantil, cubriendo tanto eventos internos como noticias externas.

En 1945, con 16 años, Kubrick capturó la imagen de un vendedor de periódicos abatido tras la muerte del presidente Franklin D. Roosevelt. Llevó la captura a Helen O’Brian, jefa del departamento fotográfico de la revista Look, en ese momento, la gran competencia de Life. Salió de la redacción con USD 25 en el bolsillo y tras varias colaboraciones, terminó el secundario e ingresó al staff de la publicación, convirtiéndose en el fotógrafo más joven en su historia.

El trabajo en Look fue intenso y variado. Kubrick podía cubrir un circo por la mañana, retratar el tedio de los pasajeros en el subte por la tarde y documentar el trabajo en una siderúrgica por la noche.

Con el respaldo de sus colegas, desarrolló un nuevo formato narrativo: contar historias mediante secuencias de pequeñas fotografías. Una de las primeras, A Short Short in a Movie Balcony, se publicó el 16 de abril de 1946.

La serie, de carácter ficticio, exploraba los avances románticos de un joven y su novia en un cine. Los protagonistas eran amigos de Kubrick y la única espectadora visible, su hermana menor Bárbara. El director dio instrucciones contradictorias a los actores, lo que culminó en una bofetada real de la joven al muchacho por su atrevimiento.

La oportunidad de retratar celebridades llegó poco después. Kubrick realizó reportajes a figuras como Montgomery Clift, el pintor expresionista alemán George Grosz y el boxeador Rocky Graziano, además de ensayos fotográficos.

Uno de los más destacados, Prizefighter, publicado el 18 de enero de 1949, seguía la vida familiar del boxeador de peso mediano Walter Cartier durante dos combates. El trabajo mostraba el contraste entre la tranquilidad luminosa del hogar y la atmósfera oscura e inquietante del ring.

Esta experiencia resultó fundamental para su primer filme, Day of the Fight (1950), en el que volvió a seguir a Cartier con la cámara, replicando la estructura y el enfoque de Prizefighter. El vínculo con Look se mantuvo hasta 1950, periodo en el que Kubrick realizó cerca de 300 reportajes.

Con Day of the Fight inició su trayectoria como cineasta, que lo llevaría a dirigir 12 películas más. Aquella experiencia, de combate cotidiano con el uso de la luz, la creación de historias, ingresar en lo íntimo, lo profundamente humano y también lo mundanal, lo asistieron en un recorrido fílmico que vuelve a brillar a través del reestreno de Barry Lyndon.

Aunque la historia fue cuestionada por expertos como Lee Unkrich, autor de un libro sobre la película, su persistencia en el imaginario popular subraya el carácter obsesivo que se atribuye a Kubrick.

La leyenda de los sándwiches de queso

Kubrick conocía la aversión de Nicholson por los sándwiches de queso y habría ordenado que ese fuera el único alimento que recibiera durante dos semanas. La intención habría sido inducir una incomodidad real en el actor que se reflejara en su interpretación de Jack Torrance, un hombre que cae en la locura en el aislado Hotel Overlook.

Aunque no existe confirmación definitiva, Unkrich considera que la historia podría estar exagerada. Aun así, su circulación constante demuestra su potencia simbólica como reflejo del control que Kubrick ejercía sobre cada aspecto de sus producciones.

Dirección extrema y autenticidad actoral

Kubrick, nacido en el Bronx, fue conocido por su obsesión con el detalle y su tendencia a repetir tomas hasta encontrar la versión que consideraba auténtica. El medio señala que su estilo se manifestaba frente a la cámara, y en la dinámica diaria de los rodajes. La supuesta manipulación de la dieta de Nicholson se enmarca en esta búsqueda de realismo emocional.

El medio estadounidense también recuerda que otros cineastas utilizaron métodos similares, a veces cuestionables, para lograr actuaciones impactantes. En este contexto, se cita con ironía la frase del actor Sir Laurence Olivier a Dustin Hoffman: “¿Alguna vez consideraste actuar?”, aludiendo a los extremos que algunos intérpretes y directores alcanzan en nombre del realismo.

Este enfoque riguroso también se evidenció en la forma en que Kubrick trabajó con Shelley Duvall, cuya experiencia en el set fue especialmente exigente. El medio señala que la actriz sufrió un alto nivel de estrés durante la filmación, al punto de perder cabello, como resultado de la presión constante y la repetición obsesiva de escenas, en particular la célebre secuencia de la escalera.

De recepción discreta a obra de culto

Al estrenarse en 1980, El resplandor no recibió una acogida entusiasta por parte de la crítica ni obtuvo nominaciones relevantes. Su desempeño en taquilla fue modesto y la versión de Kubrick distó de convencer a Stephen King, autor de la novela original. Años más tarde, King impulsó una miniserie televisiva que consideraba más fiel a su obra.

Con el paso del tiempo, sin embargo, la película fue reevaluada y hoy es considerada una de las más influyentes del cine de terror. Su atmósfera inquietante, la interpretación de Nicholson y el uso de la música de Wendy Carlos dejaron una marca perdurable. El medio destaca la existencia de un culto en torno a la obra, con teorías que sugieren incluso verla en reversa para descubrir simbolismos ocultos.

Mito, técnica y legado

Aunque la historia de los sándwiches de queso carece de una confirmación definitiva, su difusión constante se debe en parte a que encaja con el perfil de Kubrick como un director meticuloso y exigente.

La posibilidad de que Nicholson canalizara su incomodidad en una interpretación intensa resulta verosímil dentro de este marco narrativo. La línea entre realidad y ficción parece difuminarse en El resplandor, lo que contribuye al magnetismo de la película.

Más de cuarenta años después de su estreno, la obra sigue generando análisis, homenajes y reinterpretaciones. Su legado se sostiene por su calidad cinematográfica, y por las historias que rodean su producción.

La ESA transmitirá en directo el Danubio Azul de Strauss a las profundidades del espacio, creando un puente musical atemporal entre la humanidad y el universo.

Este vals, compuesto por 13.743 notas individuales, se ha considerado durante mucho tiempo el himno espacial por excelencia: la famosa banda sonora del atraque espacial en 2001: Una odisea del espacio de Stanley Kubrick.

La antena parabólica de 35 metros de diámetro para espacio profundo de la agencia, ubicada en Cebreros (Ávila), será utilizada el 31 de mayo para transmitir El Danubio Azul al universo, interpretada en directo en el MAK (Museo de Artes Aplicadas) de Viena por la renombrada Orquesta Sinfónica de Viena, dirigida por Petr Popelka.

HIMNO ESPACIAL DESDE KUBRICK

"La música nos conecta a todos a través del tiempo y el espacio de una manera muy particular. La Agencia Espacial Europea se complace en compartir escenario con Johann Strauss II y abrir la imaginación de los futuros científicos y exploradores espaciales que algún día podrían viajar al son del himno espacial", declaró en un comunicado el director general de la ESA, Josef Aschbacher.

La estación de Cebreros, que este año celebra su vigésimo aniversario, se utiliza habitualmente para comunicarse con misiones de la ESA como Juice, BepiColombo y Hera, así como con misiones de agencias asociadas en virtud de acuerdos de intercambio de recursos. A lo largo de dos décadas, ha apoyado misiones de renombre como Rosetta, Mars Express y el rover Perseverance de la NASA. En un mes típico, ofrece más de 500 horas de conexión con naves espaciales.

"Strauss llega más allá del Sistema Solar", declaró Norbert Kettner, director de la Oficina de Turismo de Viena sobre su proyecto de difusión de este vals. "'2001: Una Odisea del Espacio' de Stanley Kubrick convirtió el Vals del Danubio en el himno del espacio. La ausencia del vals más famoso de todos en el Disco de Oro de la Voyager de 1977 es un error cósmico que corregimos con 'Vals al Espacio'. A más de 25.000 millones de kilómetros de la Tierra, la Voyager 1 es el objeto creado por el hombre más distante en el espacio. Como parte de nuestra misión con la Agencia Espacial Europea, enviamos 'Por el Hermoso Danubio Azul' hacia la sonda espacial que ya viaja por el espacio interestelar. Por lo tanto, 'Vals al Espacio' tendrá un impacto más allá de nuestro Sistema Solar e inspirará a la gente de la Tierra a experimentar la cultura en Viena".

Madrid, 23 may (EFE).- Hace cuarenta y cinco años se estrenaba en cines de Nueva York y Los Ángeles la película de terror psicológico 'El resplandor' ('The shining'), dirigida por Stanley Kubrick y protagonizada por Jack Nicholson.

Más de dos décadas después del estreno de Eyes Wide Shut, Tom Cruise recordó cómo fue el intenso rodaje de la célebre película dirigida por Stanley Kubrick junto a su entonces esposa, Nicole Kidman.

En una entrevista reciente con la revista Sight and Sound, el actor de Top Gun: Maverick mencionó cómo llegó Kidman al proyecto que se convirtió en una de las obras más enigmáticas de finales del siglo XX.

Cruise recordó que tuvo un primer encuentro con Stanley en su casa. “Volé hasta allá y aterrizé en su jardín. Había leído el guion el día anterior y nos pasamos el día hablando de eso. Yo conocía todas sus películas”, explicó.

“Básicamente nos estábamos conociendo. Y ahí sugerí que Nicole interpretara a Alice, porque obviamente ella es una gran actriz”, afirmó.

Cruise estaba tan entusiasmado con el filme que le dijo a Kubrick que “iban a hacerlo realidad, sin importar lo que cueste”.

Eyes Wide Shut, estrenada en 1999, fue la última película dirigida por Kubrick antes de su muerte ese mismo año. La trama sigue a una pareja casada —interpretada por Cruise y Kidman— que atraviesa una crisis matrimonial, la cual desata una cadena de eventos cargados de erotismo, secretos y obsesión.

En la vida real, los actores estaban casados desde 1990 y compartían la crianza de dos hijos adoptivos, Isabella y Connor.

“Pensé que la película era muy interesante, y quería tener esa experiencia”, dijo Cruise en la misma entrevista. “Cuando voy a hacer una película, hago una investigación detallada y paso mucho tiempo con las personas antes de comprometerme, para que entiendan lo que necesito y quiero, y yo entender lo que ellos necesitan y quieren, para realmente crear algo muy especial”

El rodaje, que se extendió por casi dos años, fue un proceso intenso y colaborativo.

“No era un equipo grande”, recordó el actor. “Llegamos en verano y básicamente empezamos a hacer pruebas... el guion era solo una idea. Estábamos constantemente reescribiendo escenas, filmando y luego volviendo a filmar para encontrar realmente el tono de la película”

Kidman, por su parte, ha hablado en múltiples ocasiones sobre su experiencia trabajando con Kubrick y su esposo. En una entrevista con The New York Times en 2020, recordó cómo, a pesar de la intensidad de las escenas que rodaban, ambos encontraban maneras de aliviar la tensión.

“Íbamos a correr en karts después de esas escenas”, contó. “Alquilábamos un lugar y salíamos a correr a las tres de la mañana”.

En 2024, durante una entrevista con Los Angeles Times, Kidman fue consultada sobre si Kubrick utilizaba su relación real con Cruise como material para la película. “Supongo que sí lo hacía”, respondió. “Había ideas que le interesaban. Hacía muchas preguntas. Pero tenía un fuerte sentido de la historia que estaba contando”.

La actriz también rememoró los largos periodos de ensayo antes de comenzar a rodar formalmente. “Cuando Tom y yo empezamos con Stanley, fue en su casa, y ni siquiera fuimos a los sets en Pinewood Studios. Pasaron seis, ocho semanas, y nos preguntábamos: ‘¿Algún día comenzaremos?’ Solo estábamos ganando confianza entre nosotros, lo suficiente para lanzar ideas. Para esa escena [cuando sus personajes fuman marihuana en la habitación], improvisamos el principio durante los ensayos”.

Sobre los rumores que vincularon el rodaje de Eyes Wide Shut con el deterioro de su matrimonio, Kidman fue categórica en un ensayo publicado en The Hollywood Reporter en 2012.

“La gente pensó que hacer la película fue el comienzo del fin de mi matrimonio, pero no creo que haya sido así. Tom y yo éramos cercanos en ese entonces, y fue muy de los tres —Stanley, Tom y yo—”, escribió la actriz.

Cruise y Kidman anunciaron su separación en febrero de 2001, citando las dificultades de sus respectivas carreras como una de las razones principales.

Desde entonces, ambos siguieron caminos personales y profesionales distintos. Cruise se casó con Katie Holmes en 2006 y tuvo a su hija Suri, antes de divorciarse en 2012. Kidman, tras un breve compromiso con Lenny Kravitz, contrajo matrimonio con el cantante country Keith Urban en 2006 y tienen dos hijas: Sunday y Faith.

El cine bélico ha sido un género muy fructífero para los grandes directores. No en vano, algunas de las mejores películas de la historia han seguido de cerca conflictos reales, como Apocalypse Now (1979), de Francis Ford Coppola, El Lawrence de Arabia (1962), de David Lean o incluso El acorazado Potemkin (1925), de Eisenstein.

Sin embargo, quizá el mejor director de cine bélico de todos los tiempos haya sido Stanley Kubrick. Este director es recordado especialmente por títulos como La naranja metálica (1971), El resplandor (1980) o 2001: Una odisea en el espacio (1968). Sin embargo, suyas también fueron La chaqueta metálica (1987), ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (1964) y, también, Senderos de gloria (1957), valorada por muchos como la mejor película bélica de la historia.

Esto hizo que, durante muchos años, los periodistas quisieran saber en qué películas se había inspirado el propio Kubrick a lo largo de su carrera para llegar a ser un maestro del género. Sobre ello, de hecho, se le preguntó en la revista Positif, algo a lo que el director sorprendió haciendo referencia a una coproducción italo-argelina de los años 60.

Un falso documental sobre un conflicto verdadero

Se trataba de La batalla de Argel, una película de Gillo Pontecorvo donde se narra la historia de la guerra de independencia de Argelia entre 1954 y 1962. Una película con banda sonora de Ennio Morricone y protagonizada por Jean Martin que comenzó a causar furor después de que Kubrick reconociera que le había impresionado.

“Todas las películas son, en cierto sentido, falsos documentales”, aseguró en su día el director estadounidense. “Intentas acercarte lo máximo posible a la realidad, pero no es la realidad. Hay gente que hace cosas muy ingeniosas que me han fascinado o engañado por completo. Por ejemplo, La Batalla de Argel. Es realmente impresionante”.

Cabe recordar que la película de Pontecorvo había sido filmada como si, precisamente, se tratara de un documental. Una técnica que seguía la tradición italiana marcada en décadas anteriores por autores como Rossellini, que en los últimos años de su vida se dedicó precisamente a este género con proyectos como India (1959).

De hecho, Pontecorvo utilizó combatientes reales para el rodaje, lo que le permitió transmitir mejor las diferentes fases del conflicto francoargelino, un conflicto clave en la historia del proceso de descolonización de África que supuso también un cambio de paradigma en la hegemonía europea. Así, Pontecorvo obtuvo el León de Oro en el Festival Internacinoal de Cine de Venecia ese año.

De ayer a hoy: el cine sobre guerras sigue dando grandes títulos

Varias décadas después, la película sigue ocupando los primeros puestos en las listas de mejores películas bélicas de todos los tiempos. Más aún si tenemos en cuenta solo los títulos europeos, donde destacarían otros trabajos italianos como Roma, ciudad abierta (1945) de Rossellini o La gran guerra (1959) de Mario Monicelli, sin olvidarnos de Una vida difícil (1961), de Dino Risi.

Afortunadamente, el siglo XXI también ha dado grandes títulos que serán recordados en las próximas décadas, con nuevas propuestas temáticas y formales que han renovado el espíritu del género. Es el caso de la ucronía con altas dosis de humor negro de Malditos bastardos (2009), 1917 (2019), la película en plano-secuencia de Sam Mendes o incluso Vals con Bashir (2008), donde los horrores de la guerra fueron fielmente reflejados con ayuda de la animación.

Uno de los enigmas más discutidos en la historia del cine finalmente ha encontrado respuesta. La fotografía que cierra la película El resplandor, dirigida por Stanley Kubrick y estrenada en 1980, ha revelado su origen tras décadas de fascinación y especulación. Según confirmó el New York Times, el periodista Aric Toler, junto con el académico británico Alasdair Spark, logró desentrañar la historia detrás de la imagen que muestra al personaje Jack Torrance, interpretado por Jack Nicholson, en un evento celebrado supuestamente en los años 20.

Después de una extensa investigación que duró un año, la instantánea original fue identificada como una fotografía tomada el 14 de febrero de 1921 en el baile de San Valentín, realizado en el Empress Ballroom del Royal Palace Hotel, en Londres. El hallazgo se debió a un meticuloso trabajo de rastreo y análisis en archivos históricos, en particular el archivo Hulton de la BBC, donde la foto había quedado registrada tras la adquisición de la extinta agencia Tropical Press. La plataforma Getty Images, actual poseedora del archivo, confirmó recientemente el origen de la imagen a través de una publicación en sus redes sociales.

El propio Aric Toler detalló el arduo trabajo que implicó esta investigación: “Junto a otras personas, gracias a Reddit, rastreamos archivos de periódicos tratando de encontrar fotos coincidentes del lugar o de las personas que aparecían en ella. Fueron muchas horas de trabajo arduo y a base de fuerza bruta, todo sin éxito. Empezaba a parecer imposible: todas las referencias cruzadas con Casani no coincidían, otros lugares que parecían probables tampoco encajaban. Había sitios de los que no podíamos encontrar imágenes y comenzamos a temer que eso significara que la foto se había perdido para la historia y que nunca sería hallada”.

El avance llegó gracias al contacto de Toler con Murray Close, fotógrafo oficial del rodaje de El resplandor, quien recordaba detalles clave sobre la procedencia de la imagen. Close aseguró que la fotografía original provenía del archivo Hulton de la BBC y que había recogido varias copias impresas de ella en distintas ocasiones durante la producción de la película. Esto corroboraba un comentario de Joan Smith, responsable del retoque de la imagen, quien insinuó en más de una ocasión que la fotografía podía haber provenido de ese archivo, aunque inicialmente la relacionó erróneamente con un inexistente archivo fotográfico de Warner Bros.

El obstáculo final, según Toler, fue la complejidad del archivo Hulton, que contiene más de 94 millones de imágenes. “Matt no se dio por vencido y rastreó el archivo Hulton varias veces más. Esta semana la encontró, tras darse cuenta de que algunas imágenes de la agencia Tropical Press habían sido reindexadas después de que el archivo Hulton la adquiriera en 1958″, afirmó Toler. Una ficha de archivo confirmó que la fotografía había sido licenciada a Hawk Films, la productora de Kubrick, el 10 de octubre de 1978.

Además, el descubrimiento reveló detalles sobre el instructor de jazz Santos Casani, quien aparece en la imagen original y cuyo rostro fue reemplazado digitalmente por el de Jack Nicholson para la versión final vista en pantalla. Según Toler, “Otro dato interesante es que Santos Casani figura en el libro de registros bajo su nombre anterior, John Golman. Siempre había asumido que su carrera como bailarín comenzó con el cambio de nombre, pero no fue así”. Este hallazgo también corrigió la afirmación de Joan Smith, quien databa la fotografía en 1923. “Stanley Kubrick dijo que era de 1921, y tenía razón”, añadió Toler.

La manipulación de la fotografía refleja el perfeccionismo característico de Stanley Kubrick. Según Murray Close, el rostro de Nicholson fue añadido para reforzar el impacto visual y narrativo del final de la película. Este nivel de detalle contribuyó a crear una de las imágenes más emblemáticas de la historia del cine de terror.

Desde su estreno, El resplandor ha sido objeto de análisis y teorías, especialmente en torno a su misteriosa fotografía final. Documentales como Room 237 exploraron interpretaciones simbólicas como la reencarnación o una conexión sobrenatural con el Overlook Hotel. Ahora, el hallazgo del origen de la imagen aporta una capa adicional a su legado, además de aclarar uno de sus detalles más enigmáticos.

Tras 45 años, El resplandor sigue siendo un referente del cine, admirada tanto por su narrativa como por su innovación visual. Este descubrimiento, resultado del trabajo conjunto de Toler, Spark y otros expertos, no solo resuelve un antiguo misterio, sino que también pone en valor la importancia de los archivos históricos para preservar y comprender mejor las obras más influyentes del cine.

• Psicosis
• El mago de Oz
• Cantando bajo la lluvia
• El resplandor

Finalmente llegó el viernes, el momento perfecto para redescubrir esos clásicos que siempre quisimos ver o para volver a disfrutar de aquellos títulos que marcaron una época. Ya sea que los hayamos visto en el pasado o que aún no los hayamos experimentado, estos filmes siguen siendo referencias culturales y cinematográficas invaluables. Por eso, en esta ocasión, exploraremos el catálogo de Max para descubrir clásicos imprescindibles que continúan sorprendiendo, emocionando y dejando una huella en el cine

Psicosis

Empezamos con Psicosis, un clásico innegable que ocupa un lugar fundamental en la historia del cine de suspenso. Dirigida por Alfred Hitchcock (Vértigo, La ventana indiscreta) y estrenada en 1960, la película sigue a Marion Crane, una secretaria que huye con una gran suma de dinero y busca refugio en un solitario motel de carretera. Allí conoce a Norman Bates, el enigmático encargado del lugar, cuya relación con su madre oculta un oscuro secreto. Con una atmósfera inquietante y giros narrativos sorprendentes, el filme marcó un antes y un después en el género del thriller psicológico.

Además de su icónica escena en la ducha, Psicosis es recordada por la magistral actuación de Anthony Perkins (Napoleón y Josefina) como Norman Bates y Janet Leigh (La niebla) en el papel de Marion Crane. El largometraje, basado en la novela de Robert Bloch, destacó por la dirección innovadora de Hitchcock. Su impacto fue tan grande que no solo redefinió el cine de terror, sino que también dio lugar a secuelas, remakes y una serie televisiva que exploró más a fondo la perturbadora historia de Norman.

El mago de Oz - The Wizard of Oz

En segundo lugar, nos encontramos con un clásico de fantasía como lo es El mago de Oz (The Wizard of Oz), lanzado en 1939. Esta película es un hito en la historia del cine, no solo por su impresionante uso de efectos especiales para la época, sino también por su narrativa que ha encantado a generaciones de espectadores. Basada en el libro de L. Frank Baum, la historia sigue a Dorothy, una joven que es transportada a un mundo mágico tras un tornado y que, junto a sus nuevos amigos, busca al misterioso Mago de Oz para regresar a su hogar en Kansas. El filme está lleno de momentos inolvidables y personajes emblemáticos, desde el Espantapájaros hasta el Hombre de Hojalata, y la famosa bruja malvada del Oeste.

Dirigida por Victor Fleming (Lo que el viento se llevó), el proyecto consagró a Judy Garland como una de las figuras más queridas de Hollywood gracias a su emotiva actuación y su inolvidable interpretación de “Over the Rainbow”. Junto a ella, el elenco contó con actores como Frank Morgan (Camaradas errantes), Ray Bolger (París en Abril) y Bert Lahr (Conozca a la gente), quienes interpretaron a los personajes secundarios, contribuyendo a la magia que aún perdura en la cultura popular. El mago de Oz es una obra atemporal que sigue siendo un referente en el cine de fantasía y sigue atrayendo a nuevas generaciones de fanáticos.

Cantando bajo la lluvia -Singin’ in the Rain

Continuamos con Cantando bajo la lluvia (Singin’ in the Rain), una de las películas más emblemáticas del cine musical de todos los tiempos. Estrenada en 1952, la historia sigue a Don Lockwood (interpretado por Gene Kelly), un actor de cine mudo cuya vida da un giro inesperado cuando la industria comienza a adoptar el cine sonoro. Junto a su compañera de pantalla, Lina Lamont (Jean Hagen), Don se enfrenta a los desafíos de esta nueva era, mientras intenta salir adelante con su carrera. El famoso número “Singin’ in the Rain” es solo uno de los momentos más recordados de esta película, que se ha convertido en un ícono de la cultura pop.

Dirigida por Stanley Donen (La cenicienta de París) y Gene Kelly (Un Americano en París), Cantando bajo la lluvia es una obra maestra que, a pesar de haber sido lanzada hace más de 70 años, sigue siendo un referente dentro del género musical. El audiovisual destaca tanto por su innovadora coreografía como por su enfoque único sobre los cambios en la industria cinematográfica. Kelly, además de ser protagonista, también contribuye a la dirección, mientras que Debbie Reynolds (Tammy and the Bachelor) interpreta a Kathy Selden, la joven que roba el corazón de Don. A lo largo de los años, esta cinta ha sido aclamada por su música, sus actuaciones y su capacidad para transmitir la “magia” del cine.

El resplandor - The Shining

En último lugar, nos vamos directamente a los 80 para ahondar en El resplandor (The Shining), dirigida por Stanley Kubrick (2001: odisea del espacio, La naranja mecánica) y basada en la novela de Stephen King. La película sigue a Jack Torrance, un escritor que acepta un trabajo como cuidador de un hotel aislado durante el invierno. Junto a su esposa Wendy y su hijo Danny, pronto se ve atrapado por los oscuros secretos del hotel, mientras la locura y las fuerzas sobrenaturales lo consumen lentamente. El resplandor se destaca por sus atmósferas inquietantes, su ritmo tenso y sus inolvidables escenas, como la famosa “Here’s Johnny!”, que se ha vuelto parte de la cultura cinematográfica.

La actuación de Jack Nicholson (Atrapado sin salida, Los infiltrados) es uno de los aspectos más recordados de la película, especialmente en su interpretación de un hombre al borde de la locura. Su intensidad y la evolución de su personaje a medida que el terror lo consume son fundamentales para la atmósfera inquietante del filme. Shelley Duvall (Popeye), en el papel de Wendy, ofrece una actuación igualmente destacada, mostrando una angustia palpable mientras su personaje lucha por mantener la seguridad de su hijo.

En 1947, el Boletín de los Científicos Atómicos creó el Reloj del Juicio Final, diseñado para evaluar la “vulnerabilidad del mundo a una catástrofe global causada por tecnologías creadas por el hombre”. Inicialmente fijado a las 23:53, el minutero ha ido avanzando y retrocediendo a lo largo de los años.

En enero de 2023, se colocó a 90 segundos de la medianoche, lo más cerca que estuvo nunca del día del juicio final, y ahí se quedó en enero de 2024. El martes se pondrá a cero. Teniendo en cuenta los catastróficos incendios forestales y otros desastres provocados por el cambio climático, así como la inestabilidad política en regímenes de todo el mundo, muchos de ellos con capacidad nuclear, no se sorprenda si el reloj avanza.

Quizá nos consuele un poco el hecho de que prever el fin del mundo o de la humanidad no es nada nuevo. En Everything must go, Dorian Lynskey examina el impresionante número de personas que han hecho esta previsión, a menudo en un lenguaje sorprendentemente similar.

Comienza con el Apocalipsis bíblico de Juan de Patmos antes de pasar a los asteroides o cometas que chocan contra nosotros, el mal tiempo interminable (la implacable oscuridad de 1816 llevó a Samuel Taylor Coleridge, Lord Byron y Mary Shelley a pensamientos apocalípticos), la bomba nuclear, la bomba de población, un desastre de reactor al estilo de Chernobyl, un colapso informático del efecto 2000, pandemias y otras enfermedades, inteligencia artificial, enfriamiento global y, ahora, el calentamiento global.

Extrañamente, el libro no es deprimente, en parte, supongo, porque estos desastres no nos han aniquilado por completo (todavía). La inteligente y perspicaz escritura de Lynskey, historiador cultural y podcaster británico, también ayuda a evitar que sea deprimente.

En compañía de obras como Los hijos del sol, de Martin Green, La Gran Guerra y la memoria moderna, de Paul Fussell, y La puerta vigilada, de Daniel Okrent, su libro demuestra que la historia intelectual apasionante no es un oxímoron. Estas obras combinan una escritura aguda con una amplia investigación, un pensamiento riguroso, interesantes minirrelatos dentro de una historia más amplia y retratos de personajes bien dibujados.

Everything must go es especialmente fuerte en el último punto. Lynskey perfila ingeniosamente figuras conocidas como Byron, Shelley, Edward Teller, H.G. Wells, Herman Kahn, Rod Serling, Carl Sagan, Kurt Vonnegut y Stanley Kubrick. Pero el libro brilla por su galería de personajes menos conocidos pero no por ello menos fascinantes: el escritor estadounidense Philip Wylie; el pionero de la informática y acuñador de la palabra “cibernética”, Norbert Wiener (”el arquetipo del bohemio despistado”); Nevil Shute, autor de la novela apocalíptica En la playa (con “cara de sabueso decepcionado”); y, el más conmovedor, el físico Leo Szilard.

Szilard fue un miembro importante del Proyecto Manhattan, pero, casi en solitario, llegó a lamentar lo que salió de él. Lynskey escribe: “De todos los hombres responsables de introducir los logros nucleares en el mundo, Szilard fue el que más trabajó para deshacer su logro, el que más luchó públicamente con su mala conciencia y el que desarrolló la comprensión más aguda de la relación entre ciencia, ficción y política”.

Lynskey, cuyo libro anterior El ministerio de la verdad es un estudio sobre el origen y el legado de 1984 de George Orwell, está fascinado por la interacción entre realidad y ficción y los sorprendentes paralelismos y resonancias que ofrece la historia. Así, muestra cómo la novela de Shelley de 1826, El último hombre, estableció los tropos que están por todas partes en historias contemporáneas como The Last of Us y The Walking Dead.

Y cómo Dr. Strangelove o: Cómo aprendí a dejar de preocuparme y a amar la bomba (1964) de Kubrick transformó el ruido de sables nuclear de Herman Kahn y el general Curtis LeMay en una sátira que ha sobrevivido a su influencia. Por su parte, 2001: odisea del espacio, de Kubrick, anticipó misteriosamente los temores actuales sobre la IA.

Lynskey reúne una gran cantidad de información, pero su libro avanza de forma atractiva, realzado por sus ideas y descripciones. Por ejemplo, sobre Douglas Rain, que puso voz a la inteligencia artificial HAL en 2001, Lynskey escribe: “Es una interpretación extraordinaria: al principio sosa, quisquillosa y petulante; luego siniestra y astuta; y finalmente melancólica y suplicante. Kubrick solía enfrentar a individuos despiadados y maquinales con humanistas angustiados, pero en 2001 el ordenador es necesitado y verborrágico, mientras que los astronautas son taciturnos e inexpresivos”.

Y luego está este bonito uso de la crítica literaria forense: El escritor británico J.G. Ballard “hizo su hogar ficticio en bloques de pisos desiertos, automóviles destrozados, máquinas oxidadas, casas abandonadas, playas silenciosas y barcos fantasma”. Según una concordancia en línea de la obra de Ballard, la palabra vacío aparece 979 veces y abandonado 475. Presentaba las ruinas como el estado natural de las cosas, como si el periodo en que estos lugares habían sido habitables no fuera más que “una aberración fugaz e intrascendente”.

Cuando el libro llega a su fin, Lynskey se enfrenta a un problema. Acaba de relatar dos milenios de predicciones apocalípticas, muchas emitidas con certeza, ninguna de las cuales, como se ha señalado, se ha cumplido. Sin embargo, cree (como yo) que la amenaza actual del cambio climático es diferente.

El reto, por tanto, consiste en defender este argumento -que el cambio climático, si no se invierte, será lo que acabe con nosotros- y no parecer un niño que gritó que viene lobo o un cobarde. Esto es especialmente difícil debido a la naturaleza del problema: aunque el planeta muestra cada vez más signos de angustia y emergencia, algunos más vívidos que los continuos incendios forestales en California, la vida cotidiana de muchas personas ha seguido su curso habitual.

Ni siquiera los escritores de ficción y los directores de cine, históricamente tan rápidos a la hora de imaginar catástrofes, han sido de gran ayuda. “En comparación con la guerra nuclear”, escribe Lynskey, “la emergencia climática priva a los narradores populares de sus herramientas habituales. ¿Cómo se elabora una trama ajustada a partir de una crisis que se desarrolla a lo largo de décadas en lugar de meses o días?”. Además, “nuestra complicidad colectiva en una sociedad alimentada por el carbono es un aguafiestas, moral y dramáticamente”.

Al final, Lynskey no tiene las palabras mágicas para sacar al mundo de su disonancia cognitiva. Pero, para ser justos, ¿quién de nosotros las tiene?

Fuente: The Washington Post

Sin embargo, lo que pocos sabían en ese momento era que Kidman había negociado una cláusula contractual específica para sentirse cómoda durante las escenas más íntimas del film. Este acuerdo especial entre la actriz y el director fue clave para su participación en una producción que marcó un hito tanto en su carrera como en la historia del cine.

¿Qué llevaba a una actriz del calibre de Nicole Kidman a tomar estas precauciones? Para entender esta decisión, es necesario adentrarse en los detalles de la producción, la visión de Kubrick y el contenido provocador de la película. Ojos bien cerrados no fue solo un desafío cinematográfico, sino también una prueba de confianza entre el elenco y el equipo de producción.

La filmación rompió récords en la industria del cine al convertirse en el rodaje continuo más largo registrado por el Libro Guinness de los Récords. Con una duración de más de 15 meses, el proceso fue conocido por la obsesión de Kubrick por la perfección. Cada escena fue repetida innumerables veces, lo que generó tensiones, pero también garantizó un resultado visual y narrativo impactante.

Durante el rodaje, Kidman y Cruise, quienes interpretaban a Alice y Bill Harford, estaban casados en la vida real. Este elemento agregó una capa adicional de complejidad al proyecto, especialmente porque la historia exploraba los límites de la intimidad y los celos dentro de un matrimonio.

La película también contenía escenas de desnudez frontal y un controvertido “baile de máscaras” con orgías, que posteriormente fue modificado digitalmente para obtener una clasificación R en los Estados Unidos.

La cláusula: seguridad en la vulnerabilidad

En una entrevista con New York Magazine, Nicole Kidman reveló que inicialmente sintió dudas respecto a la desnudez requerida para el papel. “Cuando fui a trabajar con Stanley Kubrick, él me dijo: ‘Voy a necesitar desnudos frontales completos’, y yo estaba como, ‘Ahh, no estoy segura’”, confesó la actriz.

Para abordar esta inquietud, llegaron a un acuerdo contractual inusual pero efectivo. La cláusula establecía que Kubrick debía mostrarle a Kidman las escenas en las que aparecía desnuda antes de incluirlas en el corte final de la película. Esto le permitió a la actriz sentirse cómoda y protegida mientras exploraba un personaje complejo y vulnerable. “Quise asegurarme de que no iba a ser solo yo desnuda y todos riéndose de mí”, explicó Kidman, según New York Magazine.

La actriz también enfatizó que nunca rechazó ninguna escena después de establecer la cláusula, ya que confiaba en la visión artística de Kubrick. Este nivel de transparencia entre el director y la actriz demostró ser fundamental para la creación de un ambiente de trabajo seguro en una producción tan demandante.

El legado de la Película

Cuando Ojos bien cerrados fue estrenada, recibió críticas mixtas, pero con el tiempo alcanzó el estatus de obra de culto. El filme actualmente tiene una puntuación de 7.6 en IMDb y un 77% en Rotten Tomatoes. Roger Ebert, reconocido crítico de cine, le otorgó 3.5 de 4 estrellas, describiéndola como un “sueño hipnótico de fantasía sexual”.

No obstante, la película también enfrentó controversias. Tras la muerte de Kubrick, ocurrida solo seis días después de que mostrara el corte final a Warner Brothers, el estudio tomó la decisión de alterar digitalmente algunas escenas para moderar su contenido sexual explícito. Este movimiento fue duramente criticado por algunos expertos, incluido el propio Ebert, quien argumentó que “Kubrick no lo habría aceptado”.

La experiencia de Nicole Kidman en Ojos bien cerrados subraya la importancia de establecer límites claros y acuerdos respetuosos en la industria del entretenimiento, especialmente en proyectos que exploran temáticas delicadas.

La cláusula que negoció no solo le permitió desempeñar un papel desafiante con confianza, sino que también sirvió como ejemplo de cómo las actrices pueden proteger su integridad en un medio que a menudo demanda vulnerabilidad extrema.

En definitiva, la película no solo marcó el cierre de la carrera de Kubrick, sino también un capítulo significativo en la vida profesional y personal de Nicole Kidman y Tom Cruise. La complejidad de su narrativa, la tensión en su producción y las decisiones contractuales innovadoras hacen de Ojos bien cerrados una obra que continúa fascinando al público y la crítica más de dos décadas después de su estreno.

Los Reyes Magos aun no han llegado, pero si existen los Reyes cinematográficos, desde luego han querido adelantarse con un gran regalo para todos los cinéfilos. Mientras algunas plataformas aprovechan estos días para lanzar grandes ofertas y captar nuevos usuarios, como AppleTV+ con su fin de semana completamente gratuito, hay quien ha innovado con otros regalos. Y qué mejor forma de dar la bienvenida al año que celebrando un gran cumpleaños.

No hablamos del de Florence Pugh ni ninguna otra celebridad, sino del aniversario de una película. Una gran película, para ser exactos, dirigida nada menos que por uno de los mejores directores de la historia y que está considerada como uno de sus grandes trabajos. El hombre es Stanley Kubrick y la película no es ni El resplandor ni La naranja mecánica, ni siquiera Eyes Wide Shut que tanto se presta a estas fiestas por su temática navideña. Se trata de la obra que hizo entre medias de todas esas y que hoy día sigue siendo reinvindicado como uno de sus mejores trabajos, especialmente por su tratamiento de la luz y la composición, marcas de la casa en el cine del estadounidense nacionalizado británico.

Hablamos de Barry Lyndon, la película que Kubrick realizó a continuación de La naranja mecánica y antes de El resplandor, y en la que de nuevo dio un giro radical a su cine aunque manteniendo en gran medida la esencia de este. En ella Kubrick realizaría una nueva historia de época, pero esta vez adaptando la novela de William Makepeace Thackeray y trasladándose a la Irlanda y la Inglaterra de mediados del siglo XVIII. Allí se desarrolla la historia de Barry (Ryan O’Neal), un joven ambicioso quien se ve obligado a huir de su hogar tras batirse en duelo por amor y termina viviendo grandes aventuras a lo largo de la vieja Europa, que incluyen luchar en la Guerra de los Siete Años, jugar a las cartas con aristócratas prusianos o convertirse en un señor de la nobleza británica. Ahora, Warner Bros ha puesto la película de forma gratuita en YouTube y cualquiera puede verla con motivo de su 50 aniversario.

Una película de época irrepetible

Los 50 años que han pasado desde el estreno del filme han hecho valorar más aun si cabe la proeza de Kubrick con esta película. Si bien se estrenaron otras obras de temática similar como Los duelistas -la primera película de Ridley Scott- por aquellos años, Barry Lyndon ha sobrevivido como una obra especial por el uso de la luz natural y los espacios que empleó Kubrick, fiel a su filosofía de ambientar sus películas de la mejor manera posible y siendo meticuloso con hasta el último detalle. La iluminación, el vestuario, el maquillaje o la descripción de los duelos o los juegos de la época son solo algunos de los elementos que Kubrick buscó plasmar de la manera más fidedigna posible, resultando en una película que por momentos transporta a aquellos tiempos.

Oh hey, WB just uploaded Barry Lyndon for free on YouTube. Happy New Year! https://t.co/HKU9Vb7g3m

— TheRealMattC (@TheRealMattC) January 1, 2025

En los tiempos actuales en los que cada vez resulta más complicado encontrar películas de época fieles a la realidad y cuidadas con mimo, Barry Lyndon permanece como testigo de uno de los grandes directores de la historia del cine y como una obra tan ambicioso y divertida como su propio protagonista. Ahora todo aquel que no la haya visto podrá disfrutarla de manera gratuita o simplemente redescubrirla, ya que por algo está llena de detalles. La película también se encuentra disponible en nuestro país a través de Movistar+.

• La fuerza del cariño
• Mejor... imposible
• Chinatown
• Atrapado sin salida
• El resplandor

Jack Nicholson es uno de los actores más icónicos de la historia del cine, reconocido por su talento y su capacidad para interpretar una amplia variedad de personajes. Desde su inolvidable papel como el Joker en Batman (1989) de Tim Burton, hasta su participación en comedias irreverentes como Marcianos al ataque (Mars Attacks! - 1996), Nicholson ha dejado una huella imborrable en la pantalla grande. Su versatilidad también se reflejó en su interpretación en Los infiltrados (The Departed, 2006), donde encarnó a un mafioso corrupto, mostrando una vez más su habilidad para dar vida a personajes complejos.

A pesar de su enorme trayectoria y sus innumerables largometrajes, en esta ocasión vamos a hacer una breve selección de cinco películas que definieron su carrera como actor.

La fuerza del cariño - Terms of Endearment

La fuerza del cariño (1983) es una de las películas que marcó un antes y un después en la carrera de Jack Nicholson, quien se destacó por su interpretación de Garrett Breedlove, un ex astronauta que se convierte en un personaje fundamental en la vida de una madre y su hija. Basada en la exitosa novela de Larry McMurtry, la trama se desarrolla a lo largo de tres décadas, explorando temas de amor, familia, enfermedad y la inevitable pérdida. La película se centra en la relación entre Aurora y su hija Emma, mientras se enfrenta a los altibajos de la vida. La presencia de Nicholson aportó un matiz oscuro a la película, transformando a su personaje en un hombre que, pese a su egoísmo y actitudes despectivas, revela una vulnerabilidad que lo hace memorable.

Este aclamado drama no solo recibió la ovación crítica, sino que también fue un éxito comercial, recaudando más de 108 millones de dólares con un presupuesto modesto de 8 millones. La película fue nominada a 11 premios Oscar, de los cuales ganó cinco, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor Secundario para Nicholson. Este éxito en los Premios de la Academia consolidó a La fuerza del cariño como un hito del cine de los años 80, al mismo tiempo que permitió a Nicholson reforzar su estatus como uno de los actores más versátiles y admirados de Hollywood.

La dirección de James L. Brooks (Detrás de las noticias, ¿Cómo saber si es amor?), conocido por su habilidad para combinar la comedia y el drama con una mirada profunda sobre las relaciones humanas, fue crucial para el tono emocionalmente complejo de la película. Además de los sobresalientes trabajos de Nicholson, el elenco contó con otros nombres como Shirley MacLaine (Piso de soltero, Magnolias de acero), Debra Winger (El casamiento de Raquel, Reto al destino), Danny DeVito (Matilda, Batman regresa), Jeff Daniels (Una pareja de idiotas) y John Lithgow (Riesgo total).

Mejor... imposible - As Good as It Gets

En 1997, Nicholson y el director James L. Brooks se reunieron nuevamente para dar vida a Mejor... imposible (As Good as It Gets), una comedia romántica que se convirtió en uno de los mayores éxitos de la carrera de ambos. En esta película, Nicholson interpreta a Melvin, un escritor neurótico que lleva una vida solitaria, marcada por su desprecio hacia el mundo que lo rodea. La historia, cargada de humor ácido y emociones profundas, se centra en las inesperadas relaciones que Melvin establece con una madre soltera, un vecino artista y otros personajes que, de alguna manera, logran desafiar sus prejuicios y ofrecerle una perspectiva diferente de la vida.

Mejor... imposible fue un éxito tanto de crítica como comercial, y recibió varios galardones importantes, incluyendo dos premios Oscar. Nicholson fue reconocido por su brillante interpretación, llevándose la estatuilla como Mejor Actor, mientras que Helen Hunt (Tornado, Lo que ellas quieren), quien compartió pantalla con él, obtuvo el premio a Mejor Actriz. Además, la película cuenta con un reparto liderado por Greg Kinnear (Pequeña Miss Sunshine), Cuba Gooding, Jr., (Jerry Maguire - Amor y desafío), Shirley Knight (El dulce pájaro de la juventud) y Skeet Ulrich (Jóvenes brujas).

Barrio chino - Chinatown

En tercer lugar, tenemos Barrio Chino (Chinatown), un thriller dramático lanzado en 1974, dirigido por Roman Polanski (Repulsión, El bebé de Rosemary). Esta película se ha convertido en un pilar del cine negro moderno. La trama sigue a Jake Gittes, un detective privado interpretado por Jack Nicholson, que se ve envuelto en una intrincada red de engaños y secretos mientras investiga un caso de infidelidad. A medida que se adentra en la investigación, Gittes descubre una compleja conspiración que involucra a la élite de Los Ángeles, poniendo en peligro su vida y su moralidad.

El elenco es fundamental para el éxito de la película. Faye Dunaway (Bonnie y Clyde, Mommie Dearest), en el papel de Evelyn Mulwray, es crucial para la trama, interpretando a una mujer con oscuros secretos. John Huston (El halcón maltés), como Noah Cross, el antagonista principal, también ofrece una actuación memorable. La película cuenta además con el talento de actores como John Hillerman (Magnum) y Diane Ladd (Noches de rosa), quienes aportan solidez a los personajes secundarios.

Atrapado sin salida - One Flew Over the Cuckoo’s Nest

En cuarto lugar, tenemos Atrapado sin salida (One Flew Over the Cuckoo’s Nest), un drama psicológico dirigido por Miloš Forman (conocido por Amadeus) y estrenado en 1975. Basada en la novela de Ken Kesey, la película sigue a Randle McMurphy, interpretado magistralmente por Nicholson, quien finge tener una enfermedad para evitar una sentencia de prisión, solo para encontrarse atrapado en una institución psiquiátrica. En esta ocasión, McMurphy desafía las reglas de la enfermera Ratched, interpretada por Louise Fletcher (Flores en el Ático), quien se convierte en la principal figura de autoridad de la institución.

El audiovisual no solo es notable por su poderosa narrativa, sino también por sus interpretaciones y su profunda exploración de temas como la locura, la libertad y el poder. Además del trabajo brindado por Nicholson y Fletcher, el elenco incluye las actuaciones de Danny DeVito (Gemelos), Christopher Lloyd (Volver al futuro) y Brad Dourif (El muñeco diabólico).

El resplandor - The Shining

En último lugar, si hablamos de largometrajes que marcaron la carrera del actor, no podemos dejar de mencionar un clásico del cine de terror: El resplandor (The Shining). Dirigida por Stanley Kubrick (Odisea del espacio) en 1980, esta adaptación de la novela homónima de Stephen King se ha convertido en una de las películas más influyentes y perturbadoras de todos los tiempos. La historia sigue a Jack Torrance, un escritor que acepta un trabajo como cuidador de invierno en el aislado Hotel Overlook, junto a su esposa Wendy y su hijo Danny. A medida que el clima extremo y los oscuros secretos del hotel afectan la estabilidad mental de Jack, su salud mental se desintegra, llevándolo a la violencia y el caos.

La actuación de Nicholson como Jack Torrance se ha convertido en un referente dentro del cine de terror, destacando especialmente por su intensidad y su capacidad para transmitir la locura creciente del personaje. Shelley Duvall (Popeye), por su parte, interpreta a Wendy, la esposa que se enfrenta no solo a la amenaza externa de su esposo, sino también a los horrores sobrenaturales del hotel. La atmósfera inquietante de la película, combinada con la dirección precisa de Kubrick, crea una sensación de claustrofobia y desesperación, mientras que el uso innovador de la cámara y la música contribuyen a la tensión constante.

La popularidad de la novela provocó que el albergue terminará apodándose como ‘el hotel de El resplandor’: no sólo porque Stephen King pasase la noche en una de sus habitaciones, sino porque sirvió de fuente de inspiración directa para la novela que, más adelante, Stanley Kubrick convertiría en una cinta de culto. Hace exactamente 50 años, el escritor pasó la noche en un hotel aislado de Colorado, el Stanley Hotel. Él y su mujer eran los únicos huéspedes, y el resto es historia.

El hotel, inaugurado en 1909, tiene vistas panorámicas de las Montañas Rocosas y sigue aceptando reservas para aquellos curiosos que quieran vivir una noche de escándalo (o terror cinéfilo). Considerado como un destino turístico, la habitación en la que se hospedó el escritor fue apodada con su nombre. Todo lo que rodea al hotel que inspiró a King a escribir la novela que, más adelante, se adaptó a la gran pantalla, es un auténtico misterio. Algunos huéspedes que se han despertado en sus habitaciones han encontrado su espacio más ordenado que la noche anterior, con la ropa doblada y las maletas organizadas.

“El hotel estaba a punto de cerrar por temporada y éramos los únicos huéspedes en el lugar, con todos esos enormes pasillos vacíos”, dijo el escritor en una entrevista en 1989. Su soledad en el enigmático enclave fue esencial para la construcción de una novela que quebró todos los estándares y que Kubrick convirtió en unas de las cintas esenciales de la historia del cine. Sin embargo, ¿qué llevo al autor a querer convertir su mística estancia en un relato superventas?

Aquella noche, a finales de septiembre de 1974, el autor de El resplandor afirmó haber visto a un niño de camino a su habitación, lo que no era posible teniendo en cuenta que no había más huéspedes. Hubo varios informes más sobre ruidos inexplicables, figuras y objetos robados o rotos. Mientras dormía, soñó que su hijo de tres años corría y gritaba por los espeluznantes pasillos. “Me desperté, encendí un cigarrillo, me senté en una silla a mirar por la ventana y, antes de terminarme el cigarrillo, ya tenía en la cabeza toda la estructura del libro”, contó King.

Los largos pasillos y la sensación de aislamiento le inspiraron rápidamente, convirtiendo al Hotel Stanley en elemento clave de una novela de misterio y terror que se convertiría en un auténtico fenómeno. La propiedad se construyó inicialmente para alojar a enfermos de tuberculosis. En 1903, Freelan Oscar Stanley, el hombre que creó el coche de vapor, luchó contra dicha enfermedad. La mejor forma de recibir tratamiento era trasladarse a un lugar con aire fresco y seco y mucha luz solar, así que Stanley y su esposa Flora viajaron a las Montañas Rocosas para hospedarse en el hotel.

Al ver que su salud mejoraba notablemente, Freelan Oscar Stanley desarrolló Estes Park, un pueblo cercano al Stanley Hotel, como centro turístico para personas que, como él, necesitaban recuperar la salud, y para veraneantes que quisieran relajarse allí. En la década de 1979, el esplendor del hotel se había apagado por falta de cuidados e inversión, pero la visita de Stephen King cambió por completo el destino del complejo. Varias reformas han restaurado el recinto de 140 habitaciones, que ahora es conocido por su “encanto”.

Una adaptación peligrosa

En el libro de Stephen King (publicado en el año 1977), la historia gira en torno al punto de vista del niño, mientras que en la película de Stanley Kubrick (estrenada en el 1980) es el padre el personaje principal. De hecho, una de las diferencias más notables radica en el perfil psicológico de Jack Torrance (a quien interpreta Jack Nicholson en la gran pantalla). Según la novela, el padre es un hombre corriente y equilibrado que, poco a poco, va perdiendo el control.

Su autor era, ya por aquel entonces, un escritor superventas que, tras el taquillazo de Carrie, podía presumir de éxitos en adaptaciones para la gran pantalla. Por su parte, Kubrick llevaba un tiempo con la idea de dirigir un filme de terror; y es que unos años antes, mientras Barry Lyndon decepcionaba en la taquilla, otra película de Warner Bros. que él había rechazado dirigir, El exorcista, dirigida por William Friedkin, batía récords de recaudación por todo el mundo.

El escritor, que no quedó del todo satisfecho con la interpretación que Kubrick había hecho de su obra, pidió que el hotel Stanley sirviera como escenario principal de la miniserie de televisión basada en su novela que se estrenó en 1997, casi dos décadas después del estreno de El resplandor en los cines de todo el mundo.

Jack Nicholson es una de las leyendas más importantes de Hollywood, reconocido tanto por su talento actoral como por su habilidad como director. A lo largo de su carrera, ha dejado una huella imborrable en el cine con interpretaciones memorables en películas clásicas. Su papel en La fuerza del cariño (Terms of Endearment , 1983) le valió un Oscar como Mejor Actor de Reparto, y su magistral actuación en Mejor... imposible (As Good as It Gets, 1997) le otorgó el Oscar al Mejor Actor principal. Además, su participación en Barrio chino (Chinatown, 1974) consolidó su estatus como uno de los grandes del cine, mostrando una versatilidad que le ha permitido interpretar desde personajes complejos y oscuros hasta roles más ligeros y carismáticos.

En esta ocasión, aunque es difícil abarcar la totalidad de su carrera, nos centraremos en cuatro largometrajes en los que Nicholson ha trabajado con directores de renombre como Martin Scorsese, Stanley Kubrick, Milos Forman y Tim Burton.

Los infiltrados - The Departed

Comenzamos este recorrido con Los infiltrados (The Departed), un notable largometraje de 2006 dirigido por Martin Scorsese, uno de los cineastas más influyentes de la industria. Con una filmografía que incluye obras como Taxi Driver, Buenos muchachos (Goodfellas, 1990), El lobo de Wall Street (The Wolf of Wall Street, 2013) y La isla siniestra (Shutter Island, 2010), Scorsese demuestra su maestría en este thriller de crimen, que se ha convertido en un referente del género. Esta película representa una colaboración memorable entre el director y Jack Nicholson, quien aporta su inconfundible carisma y profundidad al personaje principal.

En este proyecto, Nicholson encarna a Frank Costello, un astuto jefe de la mafia de Boston, cuyo dominio y manipulaciones llevan a la historia por un camino oscuro y lleno de intriga. La trama gira en torno a la lucha entre la policía y la mafia, donde un agente encubierto intenta infiltrarse en la organización criminal, mientras que un informante en la policía trabaja para Costello. Este juego del gato y el ratón mantiene a la audiencia al borde de su asiento, mientras los personajes navegan por un mundo de traiciones y doble juego.

El elenco de Los infiltrados es excepcional y cuenta con interpretaciones que complementan la intensidad de la narrativa. Leonardo DiCaprio (Los asesinos de la luna, Titanic) y Matt Damon (Jason Bourne) se suman al formidable reparto, aportando sus talentos a esta intrincada historia de lealtad y engaño. Además, la película cuenta con las actuaciones secundarias de Mark Wahlberg (Ted), Martin Sheen (Grace and Frankie), Ray Winstone (Damsel), Vera Farmiga (El conjuro), Alec Baldwin (Beetlejuice) y Anthony Anderson (Transformers).

El resplandor - The Shining

En segundo lugar, tenemos una de las participaciones más icónicas del actor en El resplandor (The Shining), lanzada en 1980 y considerada una obra maestra del terror psicológico, bajo la dirección de Stanley Kubrick. Este realizador es conocido por su estilo único y visionario, que ha dado lugar a películas emblemáticas como 2001: Odisea del espacio (2001: A Space Odyssey, 1968), La naranja mecánica (A Clockwork Orange, 1971) y Ojos bien cerrados (Eyes Wide Shut, 1999), entre otras.

La historia se centra en Jack Torrance, un escritor que acepta un trabajo como cuidador de invierno en el aislado Hotel Overlook. Junto a su esposa Wendy y su hijo Danny, se embarcan lentamente en una estancia que pronto se tornará aterradora. A medida que el aislamiento y la influencia sobrenatural del hotel comienzan a afectar a Jack, la tensión se incrementa y la locura se apodera de él, lo que desencadena una serie de eventos escalofriantes.

Su actuación captura la transformación gradual de Jack, desde un padre amoroso hasta un ser desquiciado, lo que se traduce en algunas de las escenas más memorables del cine. A su lado, Shelley Duvall (Popeye) brinda una actuación conmovedora como Wendy, su esposa, quien se convierte en el blanco de la creciente locura de Jack. Además, el joven Danny Lloyd aporta una profundidad emocional a su personaje, haciendo que la historia sea aún más inquietante.

Atrapado sin salida - One Flew Over the Cuckoo’s Nest

Seguimos con Atrapado sin salida (One Flew Over the Cuckoo’s Nest), una película dirigida por Miloš Forman, conocido por su trabajo en Amadeus, Larry Flint: El nombre del escándalo (The People vs. Larry Flynt, 1996) y Hair. Basada en la novela homónima de Ken Kesey, la historia sigue a Randle McMurphy, interpretado por Jack Nicholson, quien es enviado a un hospital psiquiátrico tras simular locura para evadir una condena. Lo que comienza como una búsqueda de libertad pronto se convierte en un enfrentamiento con la administración del lugar, liderada por la enfermera Ratched.

En esta película, Nicholson ofrece una actuación destacada que le valió un Oscar como Mejor Actor. A su lado, el elenco incluye a Louise Fletcher (Flores en el Ático), quien ganó el Oscar como Mejor Actriz por su papel de la enfermera Ratched, así como a Danny DeVito (Matilda, Gemelos), Christopher Lloyd (Volver al futuro), Sydney Lassick (Sonny Boy) y Brad Dourif (El muñeco diabólico). Juntos, crean un retrato de la vida en el hospital, donde las dinámicas de poder y la resistencia individual emergen en medio de la lucha por la dignidad y la humanidad.

Batman y Marcianos al ataque

En último lugar, tenemos dos participaciones de Nicholson con Tim Burton, conocido por su trabajo en Beetlejuice (1988), El cadáver de la novia (Corpse Bride, 2005) y El joven manos de tijera (Eduardo Manostijeras, 1990). La primera colaboración es Batman, lanzada en 1989, donde se presenta la historia del héroe de Gotham City enfrentándose al crimen y a su archienemigo. En esta película, encarna al icónico villano Joker, ofreciendo una interpretación que combina el humor oscuro con la locura, lo que se ha convertido en otro de los papeles más memorables de su carrera.

Además, también tuvo un papel importante en Marcianos al ataque (Mars Attacks!, 1996), una comedia de ciencia ficción que narra la invasión de la Tierra por extraterrestres que, a pesar de su apariencia inofensiva, desatan el caos en el planeta. En esta ocasión, Nicholson interpreta a dos personajes: el presidente de los Estados Unidos y un magnate de los casinos, lo que le permite mostrar su versatilidad y su capacidad para moverse entre el drama y la comedia.

• La novia de Frankenstein
• Psicosis
• El exorcista
• El resplandor
• El despertar del diablo

Con la llegada de octubre, nos adentramos en una temporada perfecta para disfrutar de las mejores películas de terror. Max ofrece una selección inigualable de títulos que dejaron una huella imborrable en la historia del cine. Desde el horror psicológico de Psicosis al visceral y grotesco de El despertar del diablo, la plataforma de streaming se convierte en el refugio ideal para los amantes de los gritos y lo macabro.

Hoy en Malditos Nerds recorremos algunas películas icónicas que no solo definieron el cine de terror, sino que dejaron su marca en la cultura pop.

La novia de Frankenstein (The Bride of Frankenstein, 1935) - Dir. James Whale

Una de las primeras propuestas cinematográficas que podemos encontrar en Max es el clásico de monstruos, La novia de Frankenstein. Dirigida por James Whale, esta película funciona como una secuela de Frankenstein (1931), y en muchos aspectos, logra superar a su predecesora. La cinta retoma la historia justo donde terminó la original, con el doctor Frankenstein sobreviviendo a su encuentro con la criatura interpretada por Boris Karloff. Sin embargo, un antiguo mentor lo persuade para crear una compañera para su monstruo, lo que da pie a una historia aún más compleja, con elementos de terror y drama emocional.

La novia de Frankenstein se destaca por un tratamiento más profundo de la monstruosidad y de la soledad. La criatura se muestra más consciente de su trágica existencia, lo que la humaniza ante los ojos del público. Además, los efectos especiales y el diseño de producción (particularmente la icónica apariencia de la novia en cuestión), siguen siendo impresionantes hasta el día de hoy convirtiéndola en una pieza clave dentro de la galería de monstruos de Universal Studios.

Psicosis (Psycho, 1960) - Dir. Alfred Hitchcock

Una segunda opción que podemos encontrar en el catálogo de Max es Psicosis, la obra de Alfred Hitchcock que no solo es considerada un pilar del cine de terror, sino también un referente del séptimo arte en general. Su historia sigue a Marion Crane, interpretada por Janet Leigh, una secretaria que, tras robar una importante suma de dinero, busca refugio en el apartado Motel Bates. Pero, lo que parece una parada tranquila termina convirtiéndose en una pesadilla, cuando las aparentes tensiones entre el casero, Norman Bates, y su enigmática madre se hacen presentes.

El impacto de Psicosis va más allá de su trama. La famosa escena de la ducha marcó un antes y un después en la representación de la violencia en la pantalla. La película también ha sido considerada una precursora del subgénero slasher, que tuvo su auge en las décadas de los 70 y 80 con películas como Halloween (1978) y Viernes 13 (1980).

A su vez, Psicosis también fue pionera en la exploración de la psicopatía y el trastorno de identidad disociativo. Norman Bates, interpretado por Anthony Perkins, es uno de los personajes más complejos en el cine de terror, y su caracterización marcó el inicio de la representación de asesinos psicológicamente complejos.

El exorcista (The Exorcist, 1973) - Dir. William Friedkin

Nos adentramos en el terreno de las posesiones demoníacas y en el catálogo de Max encontramos a El exorcista, una película que se ganó el lugar entre las más aterradoras de la historia del cine. Basada en la novela de William Peter Blatty y dirigida por William Friedkin, esta cinta sigue la historia de Regan, una preadolescente que comienza a mostrar signos de posesión demoníaca. Esto lleva a su madre a buscar la ayuda de dos sacerdotes, el padre Merrin de Max von Sydow y el Karras de Jason Miller.

El impacto cultural de El exorcista fue inmenso, rompiendo récords de taquilla y generando una oleada de controversia debido a su contenido explícito. Fue la primera película de terror nominada al Oscar en la terna a Mejor Película, lo que ayudó a consolidar al género como algo más que simple entretenimiento. Sus efectos prácticos, actuaciones destacadas y una banda sonora que potencia el clima de auténtico terror, han permitido que la película siga siendo tan poderosa como el día de su estreno.

El resplandor (The Shining, 1980) - Dir. Stanley Kubrick

En 1980, Stanley Kubrick llevó a la pantalla grande El resplandor, la novela homónima de Stephen King. La película, que mezcla el terror psicológico con elementos sobrenaturales, narra la historia de Jack Torrance, un escritor que acepta un trabajo como cuidador en el Hotel Overlook, instalándose allí con su esposa e hijo. Sin embargo, a medida que el aislamiento se apodera de él, el hotel comienza a ejercer una influencia maligna sobre su mente, lo que lleva a una espiral de locura y violencia.

Aunque inicialmente recibió críticas mixtas, El resplandor ha sido reevaluada con el tiempo y ahora se considera una obra maestra del cine de terror. La actuación de Jack Nicholson en su rol protagónico es icónica y muchas de sus escenas se han grabado en la memoria colectiva.

El resplandor también es notable por su atmósfera inquietante y la ambigüedad de sus elementos sobrenaturales. La combinación del estilo visual único de Kubrick y el innovador uso de la Steadicam para crear movimientos de cámara inmersivos, hacen de esta cinta otra de las obras maestras del género imperdibles presentes en Max.

El despertar del diablo (Evil Dead, 1981) - Dir. Sam Raimi

Por último, en Max también podemos encontrar El despertar del diablo (en Hispanoamérica también conocida como Posesión infernal o Evil Dead), una de las obras maestras de Sam Raimi. Esta película, que mezcla de manera salvaje el terror y la comedia grotesca, sigue a un grupo de amigos que deciden pasar un fin de semana en una cabaña aislada en el bosque. Pero lo que parece una escapada ideal se transforma en una pesadilla cuando accidentalmente liberan a entidades demoníacas inmortales.

El despertar del diablo fue revolucionaria en su enfoque del gore y el horror físico. A pesar de contar con un presupuesto reducido, Raimi utilizó todo tipo de trucos visuales y efectos prácticos que la hicieron destacar entre las películas de terror de su época. Su tono irreverente también fue adoptado y replicado en innumerables películas posteriores. Por todos estos motivos, a más de cuarenta años desde su estreno su legado continúa vivo con secuelas, series de televisión y una legión de fanáticos alrededor del mundo.

Además, también protagoniza la serie de Netflix La pareja perfecta, que está arrasando en visionados en la plataforma de streaming y lleva dos semanas como número uno mundial.

No se trata exactamente de un resurgir de Nicole Kidman, porque siempre ha estado ahí, nunca ha dejado de demostrar su interés por autores arriesgados dentro o fuera de la industria, pero sí que es cierto que hacía tiempo que no volvía a acaparar todas las miradas desde su gran época dorada a principios de los 2000, cuando ganó el Oscar por Las horas al mismo tiempo que estrenaba el ya clásico de culto Moulin Rouge!

Productora de series dirigidas por mujeres

En los últimos años, la actriz parecía sentirse cómoda dentro de la ficción televisiva, sobre todo a raíz del éxito de la serie Big Little Lies (HBO Max), en la que también ejerció de productora ejecutiva junto a su compañera de reparto Reese Witherspoon.

Le seguiría su participación en Top of the Lake: China Girl, a las órdenes de Jane Campion, con la que ya había trabajado en Retrato de una dama, la miniserie The Undoing, creada por David E. Kelley y dirigida por Susanne Bier (con la que ha vuelto a contar para La pareja perfecta), Nine Perfect Strangers y Expatriadas, de Lulu Wang.

La mayor parte de sus últimos proyectos están dirigidos por mujeres (también Babygirl) convirtiéndose en una de las máximas impulsoras de la importancia de la mirada femenina detrás de la cámara en Hollywood.

La intérprete, que alcanzó el reconocimiento gracias a la película australiana Calma total en 1989, al principio de su carrera en Estados Unidos cargó con la losa de ser la pareja de Tom Cruise a partir del rodaje de Días de trueno (1990), una relación que terminaría en 1999 tras Eyes Wide Shut, la última película que rodó Stanley Kubrick.

Apuesta por autores transgresores

Pero desde el principio, Nicole Kidman demostró que no era una actriz al uso al servicio del sistema. Optó por decisiones atrevidas para demostrar su valía como intérprete: trabajó con el ‘outsider’ Gus Van Sant en Todo por un sueño, vino a España a rodar la película de terror Los otros, de Alejandro Amenabar, se atrevió a protagonizar la experimental Dogville a las órdenes de Lars Von Trier y a respaldar carreras de raras avis como Jonathan Glazer en Birth, en la que se obsesionaba un niño que pensaba que era la reencarnación de su marido fallecido.

Su carrera está llena de decisiones nada obvias que la han llevado a encarar papeles de lo más convulsos como ocurrió en El chico del periódico, de Lee Daniels (en la que coincidió con Zac Efron, con el que acaba también de estrenar Un asunto familiar), se metió en la piel de la fotógrafa Diane Arbus en Retrato de una obsesión (Fur), trabajó con el director coreano Park Chan-wook en Stoker, con Yorgos Lanthimos en El sacrificio de un ciervo sagrado, con Sofia Coppola en La seducción y con John Cameron Mitchell en varias ocasiones. Además, volvió a trasgredir límites en Destroyer. Una mujer herida, de Karyn Kusama.

En su faceta de productora sigue siendo de lo más reivindicativa, como demuestran proyectos como Roar, para Apple TV+, una serie capitular que abordaba diferentes problemáticas a las que se enfrenta la mujer en nuestros días.

Entre sus próximos proyectos, encontramos más títulos dirigidos por mujeres, entre ellos el thriller Holland, Michigan, de Mimi Cave, junto a la actriz ‘indie’ Rachel Sennott.

No hay duda de que Tom Cruise es una de las grandes estrellas de Hollywood, con una carrera llena de papeles icónicos que se han convertido en clásicos. Además, ha tenido el privilegio de trabajar con algunos de los cineastas más aclamados de la industria. Desde Joseph Kosinski en las entregas de Top Gun hasta la franquicia Misión Imposible, que ha contado con directores como John Woo (Contracara), Brian De Palma (Los intocables, Scarface), J.J. Abrams (Star Wars: el despertar de la fuerza), Christopher McQuarrie (Jack Reacher) y Brad Bird (Los Increíbles, El gigante de hierro).

En esta ocasión, nos centraremos en las colaboraciones de Tom Cruise con directores como Steven Spielberg, Paul Thomas Anderson, Stanley Kubrick y Ridley Scott.

Tom Cruise y sus películas junto a Steven Spielberg

En primer lugar, Tom Cruise y Steven Spielberg han formado una colaboración cinematográfica destacada, con dos proyectos memorables que han dejado una marca en la historia del cine. En 2002, el dúo se unió para Sentencia previa (Minority Report), una película de ciencia ficción basada en el relato de Philip K. Dick. Cruise interpreta a John, un oficial de la policía en un futuro donde los crímenes son prevenidos antes de que ocurran gracias a una tecnología avanzada. Su actuación, junto con la visión innovadora de Spielberg, resulta en una exploración profunda de temas como el libre albedrío y la privacidad, marcando un hito en el género.

Tres años después, en 2005, Cruise volvió a colaborar con el realizador en La guerra de los mundos (War of the Worlds), una adaptación moderna de la novela clásica de H.G. Wells. En esta película, Cruise encarna a Ray Ferrier, un padre que lucha por proteger a su familia en medio de una invasión extraterrestre devastadora. Junto al actor, el elenco se completa con Dakota Fanning (Observados, Hombre en llamas) y Justin Chatwin (Dragonball Evolution, Shameless).

Tom Cruise en Magnolia (Dir. Paul Thomas Anderson)

En segundo lugar, la colaboración entre Cruise y Paul Thomas Anderson en Magnolia (1999) emerge como una de las más notables en la carrera del actor. Anderson, conocido por su visión audaz y su capacidad para explorar la complejidad humana, ha creado obras emblemáticas como Petróleo sangriento (There Will Be Blood - 2007), Boogie Nights y El hilo fantasma (Phantom Thread - 2017). Sin embargo, Magnolia se mantiene como una pieza central en su filmografía, un ambicioso drama que entrelazan múltiples historias en un retrato épico de la vida y las relaciones en Los Ángeles.

En Magnolia, Tom Cruise interpreta a Frank T.J. Mackey, un carismático y polémico conferencista de autoayuda que promueve una filosofía oscura sobre las relaciones y el poder.

El elenco de Magnolia se completa con una un elenco de primer nivel, incluyendo a Julianne Moore (Secretos de un escándalo), John C. Reilly (Kong: la Isla Calavera), Jason Robards (Érase una vez en el Oeste), Melinda Dillon (Encuentros cercanos del tercer tipo), April Grace (Jugando con el corazón), Philip Seymour Hoffman (The Master) y William H. Macy (Shameless). Cada actor aporta una dimensión única a sus respectivos papeles, creando una red intrincada de historias que exploran temas de redención, amor y el impacto del pasado en el presente. La combinación de un guión poderoso y actuaciones magistrales, junto con la dirección de Anderson, convierte a Magnolia en una obra cinematográfica que sigue resonando con el público.

Tom Cruise en Ojos bien cerrados - Eyes Wide Shut (Dir. Stanley Kubrick)

Seguimos con Ojos bien cerrados (Eyes Wide Shut), un filme lanzado en 1999 bajo la dirección de Stanley Kubrick, conocido por sus obras maestras como El resplandor (The Shining - 1980), 2001: odisea del espacio (2001: A Space Odyssey - 1968) y La naranja mecánica (A Clockwork Orange - 1971). Este trabajo, que resultó ser el último de Kubrick antes de su fallecimiento, explora temas de deseo, poder y la vida secreta de la élite a través de una narrativa intrigante y visualmente impactante.

Tom Cruise interpreta a Bill Harford, un médico cuya vida aparentemente perfecta se ve sacudida por una serie de eventos que lo llevan a descubrir un mundo oculto de decadencia y rituales secretos. Nicole Kidman (Big Little Lies), en el papel de Alice Harford, la esposa de Bill, también ofrece una actuación destacada, aportando una perspectiva crucial al drama de la película y enriqueciendo la exploración de las tensiones dentro de su relación.

La combinación de las actuaciones de Cruise y Kidman con el enfoque meticuloso de Kubrick y su estilo visual distintivo crea una experiencia cinematográfica que invita a la reflexión sobre las capas ocultas de la sociedad y las complicaciones de las relaciones humanas.

Leyenda - Legend (Dir. Ridley Scott)

En último lugar, está el protagonismo de Tom Cruise en Leyenda (Legend), un divertido proyecto de fantasía dirigido por Ridley Scott, conocido por sus obras como Alien: El octavo pasajero, Gladiator y Napoleón. Estrenada en 1985, Leyenda transporta a los espectadores a un mundo mágico y oscuro, donde Cruise interpreta a Jack, un joven héroe destinado a luchar contra el mal para salvar a la princesa Lili y restaurar el equilibrio en su reino. La dirección de Scott, combinada con la atmósfera onírica y visualmente rica, da vida a un universo lleno de criaturas fantásticas y paisajes encantados, creando una experiencia inmersiva y divertida.

El largometraje contó con actuaciones notables de otros talentosos actores, incluyendo a Mia Sara (Un experto en diversiones) en el papel de la princesa Lili y Tim Curry (The Rocky Horror Picture Show) como el temible señor de las sombras, una figura icónica con un maquillaje impresionante.

La actriz Shelley Duvall, conocida sobre todo por su papel en El resplandor y presente en otras películas como Annie Hall, Roxanne o Popeye, ha fallecido este jueves a los 75 años en Blanco, en el estado de Texas, a causa de complicaciones derivadas de la diabetes, tal y como ha informado el medio estadounidense The Hollywood Reporter.

Su carrera, plagada de éxitos junto a directores tan relevantes como Stanley Kubrick, Woody Allen o Terry Gilliam también vino acompañada de diferentes logros en el ámbito de la producción en televisión, con dos nominaciones a los premios Emmy por Cuentos de hadas y Grandes cuentos y leyendas.

Su mayor distinción en la interpretación, no obstante, llegaría de la mano de otro realizador con el que colaboró en hasta seis películas, Robert Altman, que la escogió para protagonizar Tres mujeres. Sería con esta producción con la que Duvall lograría el Premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cannes de 1977.

La actriz será recordada, no obstante, sobre todo por su papel en la adaptación de una de las novelas más famosas de Stephen King, en la que Duvall interpretó, junto a Jack Nicholson y Danny Lloyd, a la familia Torrance. El resultado fue una de las películas de terror más célebres de todos los tiempos, con escenas tan memorables como la del patriarca de la familia rompiendo una puerta con un hacha y diciendo: “¡Aquí está Jack!”.

Los rumores sobre el rodaje de ‘El Resplandor’

El éxito -más bien tardío, pues al principio tuvo muy mala acogida- de la película vino acompañado, no obstante, de numerosos rumores acerca de lo tortuoso que había sido el rodaje con Stanley Kubrick. El director siempre tuvo fama de ser muy complicado en el trato, con numerosas peticiones casi obsesivas a los distintos miembros que trabajaban en el equipo.

Y es que el mismo año en el que la película se estrenó en cines, se pudo ver también un Making of estrenada por Vivian Kubrick, hija del realizador. Allí había material de rodaje y entrevistas con el reparto, además de varias imágenes en las que podía verse a Duvall con ataques de ansiedad.

“De mayo a octubre, tuve problemas de salud constantemente”, explicaba ella misma en ese documental. “La tensión a la que me sometió el papel fue tan grande, y la tensión por estar lejos de casa, arrancada de mi hogar. Acababa de terminar una relación, todo fue muy tumultuoso”.

La actriz explicó también que el director la había sometido a mucha presión, con enfados y gritos constantes. Sin embargo, también concedió que había sido “un mal necesario” para extraer lo que buscaba a nivel artístico y que seguía sintiendo simpatía por él “como director y como persona”.

Las dudas sobre su salud mental en los últimos años

La imagen de la actriz, que se retiró a principios de los 2000 tras otro batacazo en taquilla y crítica como lo fue Popeye, pero reapareció en 2016 en una entrevista con Phil McGraw para asegurar que el que fue su compañero de rodaje en esta última película, Robin Williams, estaba con vida, cuando el actor se había suicidado hacía dos años.

Una imagen muy distinta mostró en 2021, cuando a los 71 años la actriz se vio mucho más serena en una entrevista, precisamente, con el Hollywood Reporter. En esta conversación desveló nuevamente algunos de los aspectos más duros del rodaje con Kubrick: “No utilizaba nada hasta la toma 35. Tantas tomas corriendo, llorando y cargando a un niño es muy duro”.

Duvall incluso señaló las consecuencias que este estrés había originado en ella: “Después de eso, tu cuerpo se rebela y dice: ‘Deja de hacerme esto, no quiero llorar cada día’. A veces, solo ese pensamiento me hacía llorar más”.

Su última película se pudo ver en 2023, cuando decidió volver como actriz principal en otra película de terror: The Forest Hills.

El terror no solo nos asusta, sino que también nos permite explorar y confrontar nuestros propios temores en un entorno seguro. Las películas de terror a menudo reflejan las ansiedades sociales y los conflictos internos de la época en que fueron creadas, ofreciendo una forma de catarsis para el público. En este contexto, Max ofrece una selección excepcional de clásicos del terror que han dejado una marca indeleble en el cine y en la cultura popular. De Psicosis a El resplandor, a continuación, te presentamos cinco películas imperdibles que han definido y redefinido el género del terror, disponibles ahora en la plataforma de streaming.

El resplandor (1980) - Dir. Stanley Kubrick

Basada en la novela homónima de Stephen King, El resplandor (The Shinning) narra la historia de Jack Torrance (Jack Nicholson), un escritor que acepta un trabajo como cuidador de invierno en el aislado Hotel Overlook. Acompañado por su esposa Wendy (Shelley Duvall) y su hijo Danny (Danny Lloyd), Jack comienza a experimentar inquietantes fenómenos sobrenaturales que lo llevan a la locura.

Aunque inicialmente recibió críticas mixtas, El resplandor ha sido reevaluada con el tiempo y ahora se considera una obra maestra del cine de terror. La actuación de Jack Nicholson es icónica, y la dirección meticulosa de Stanley Kubrick ha sido objeto de numerosos análisis y estudios. La película ha influenciado a generaciones de cineastas y sigue siendo un referente en el género.

La película de Kubrick también se destaca por su atmósfera opresiva, su inquietante banda sonora y su innovador uso de la Steadicam para crear movimientos de cámara fluidos y perturbadores.

Christine (1983) - Dir. John Carpenter

Otra adaptación destacada de Stephen King presente en el catálogo de Max es Christine. Su historia sigue a Arnie Cunningham es un adolescente tímido que compra un auto Plymouth Fury de 1958. Cuando Arnie inicia sus reparaciones, el vehículo (al que denomina Christine) demuestra que es mucho más que una máquina inanimada. No solo es capaz de auto-repararse, sino que demuestra tener una personalidad celosa y posesiva, dispuesta a vengarse de cualquiera que se atreva a hacerle daño a ella o a su propietario.

Aunque no alcanzó el mismo nivel de reconocimiento que otras adaptaciones de King, la película ha ganado un estatus de culto entre los fanáticos del terror y, en especial, entre los seguidores de Carpenter. La transformación de Arnie y la siniestra presencia del auto están correctamente ejecutadas, y la película logra combinar de manera efectiva elementos de terror psicológico con efectos prácticos impactantes para su época.

El exorcista (1973) - Dir. William Friedkin

A cincuenta años desde su estreno, El exorcista (The Exorcist, 1973) es todavía considerada como una de las mejores y más aterradoras películas de terror en la historia del cine. Basada en la novela de William Peter Blatty y dirigida por William Friedkin, la cinta ha sentado las bases de todo un subgénero.

La trama sigue a Regan MacNeil (Linda Blair), una preadolescente que resulta poseída por un demonio. Desesperada, su madre Chris (Ellen Burstyn) busca la ayuda de dos sacerdotes, el experimentado exorcista Padre Merrin (Max von Sydow) y el atribulado Padre Karras (Jason Miller), para liberar a su hija de la posesión demoníaca.

Además de ser un éxito de taquilla y crítico, El exorcista ganó dos Premios de la Academia y fue nominada a otros ocho, incluyendo el de Mejor Película. Su impacto cultural fue profundo, generando controversias y dejando una huella duradera en el género de terror. La película aborda temas de fe, duda y el enfrentamiento entre el bien y el mal, ofreciendo una experiencia intensa y perturbadora que ha perdurado a lo largo de las décadas.

Luna Roja (1993) – Dir. Eric Red

Luna Roja (Bad Moon) sigue a Ted Harrison (Michael Paré), un fotógrafo que es atacado por un hombre lobo mientras está de expedición. Tras regresar a casa para recuperarse, Ted lucha por mantener su humanidad mientras su familia, incluida su hermana Janet (Mariel Hemingway) y su sobrino Brett (Mason Gamble), comienzan a notar su comportamiento extraño.

Aunque Luna Roja no fue necesariamente un éxito comercial, ha encontrado una audiencia fiel entre los aficionados al cine de hombres lobo. La película es apreciada por sus efectos especiales prácticos y su narrativa efectiva. La actuación de Michael Paré como un hombre atrapado entre dos mundos y la relación central entre los personajes también añaden profundidad emocional a la historia de terror.

Psicosis (1960) - Dir. Alfred Hitchcock

Otro de los clásicos del cine de género presentes en el catálogo de Max es Psicosis (Psycho). Esta película sigue a Marion Crane (Janet Leigh), una secretaria que huye con una gran suma de dinero robado y se refugia en un aislado motel administrado por el enigmático Norman Bates (Anthony Perkins). Lo que comienza como una historia de crimen se convierte en una terrorífica exploración de la locura y el horror.

No es ninguna novedad que Psicosis resultó ser un éxito crítico y comercial, y es ampliamente considerada una de las mejores películas de Alfred Hitchcock. Anthony Perkins brinda una interpretación icónica y la película ha sido elogiada tanto por su dirección, como por su guion y su capacidad para sorprender al público.

Con su audaz narrativa, la película de Hitchcock revolucionó el cine de terror sino que redefinió el género, dejando una marca indeleble en la cultura popular y en la forma en que se concibe el horror en el cine.

Stephen King es, por lejos, uno de los escritores más influyentes de los últimos años. Con una carrera que abarca más de cinco décadas, ha creado un vasto universo de historias que exploran los rincones más oscuros del miedo humano y que van desde el horror psicológico hasta el sobrenatural. A su vez, el impacto del autor de Maine en la cultura popular no solo se mide en ventas de libros, sino también en cómo sus historias han trascendido el papel para convertirse en fenómenos culturales que han dejado una marca indeleble en el cine y la televisión.

Tanto sus novelas como relatos cortos han sido adaptadas en numerosas ocasiones, dando lugar a algunas de las películas más emblemáticas del género de terror y más allá. Desde El Resplandor (The Shinning) de Stanley Kubrick, hasta la conmovedora historia de redención de Sueños de fuga (The Shawshank Redemption), pasando por la escalofriante reimaginación de It de los hermanos Muschietti, hoy en Malditos Nerds repasamos algunas adaptaciones destacadas que se pueden encontrar en el catálogo de Max.

It: Capítulo 1 / It: Capítulo 2 (Dir. Andy Muschietti, 2017 y 2019)

Publicada en 1986, It (también conocida como Eso) se ha convertido en una de las obras más reconocidas y emblemáticas de Stephen King. Esta historia, que mezcla terror y elementos del coming of age (historias que retratan el paso a la adultez de sus personajes), ha dejado una profunda huella en la cultura popular, llegando a inspirar producciones como Stranger Things.

Ambientada en la pequeña ciudad de Derry, Maine, It sigue a un grupo de preadolescentes, que se enfrentan a una entidad maligna que adquiere la forma de un tétrico payaso conocido como Pennywise. A través de su obra, King exploró temas universales como la amistad, el miedo y el poder del mal, fascinando a lectores de todo el mundo durante décadas.

Luego de una adaptación televisiva estrenada en 1990 que contó con Tim Curry como el villano principal, en 2017 el director argentino Andy Muschietti presentó la primer parte de una duología cinematográfica. La icónica imagen del payaso diabólico, ahora interpretado por Bill Skarsgård, y la narrativa de enfrentarse a los miedos infantiles resonaron profundamente con una nueva generación de espectadores, consolidando aún más el legado de King. Tanto esta entrega como su secuela que llegó a los cines dos años más tarde, se encuentran disponibles en el catálogo de Max.

El resplandor - The Shining (Dir. Stanley Kubrick, 1980)

Aunque el propio Stephen King no es devoto de esta adaptación, la atmósfera inquietante, actuaciones viscerales y escenas visualmente escalofriantes han convertido a El resplandor en todo un clásico del terror contemporáneo, que ofrece una experiencia cinematográfica tan aterradora como fascinante.

Dirigida por Stanley Kubrick, la película sigue los pasos de Jack Torrance quien acepta un trabajo como cuidador del aislado Hotel Overlook y debe mudarse a sus instalaciones junto a su esposa Wendy y su hijo Danny. A medida que los días pasan y el invierno se vuelve más crudo, el aislamiento y las fuerzas sobrenaturales del hotel comienzan a afectar la mente de Jack, haciendo que su familia se vea en un peligro cada vez mayor.

Christine (Dir. John Carpenter, 1983)

Arnie Cunningham es un adolescente tímido y torpe que compra un auto Plymouth Fury de 1958 al que denomina, Christine. A medida que Arnie inicia sus reparaciones, el vehículo comienza a mostrar signos de ser algo más que una máquina inanimada y los espectadores descubren el secreto: el coche está poseído por un espíritu maligno que parece tener una personalidad celosa y posesiva. Christine no solo es capaz de auto-repararse, sino que está dispuesta a vengarse de cualquiera que se atreva a hacerle daño a ella o a su propietario.

La película, que también está presente en el catálogo de Max, ofrece una combinación única de terror y thriller sobrenatural. John Carpenter, maestro del cine de género, aporta su estilo característico, haciendo de un automóvil una figura temible y perturbadora.

Sueños de fuga - The Shawshank Redemption (Dir. Frank Darabont, 1994)

Sueños de fuga o Sueños de libertad se ha convertido en una de las adaptaciones de Stephen King más aclamadas por la crítica. Inspirada en el relato corto de 1982, Rita Hayworth y la redención de Shawshank, la película dirigida por Frank Darabont (The Walking Dead) recibió un total de 7 nominaciones a los Premios Oscar y ha logrado hacerse un lugar entre las mejores producciones de las últimas decádas.

La trama sigue a Andy Dufresne quien resulta condenado a cadena perpetua por el asesinato de su esposa y su amante, aunque él sostiene su inocencia. En la prisión de Shawshank, Andy se hace amigo de Red y juntos experimentan las duras realidades de la vida en prisión. A través de su ingenio y resiliencia, Andy intenta mantener la esperanza viva, planeando una audaz escapada que cambiará sus vidas para siempre.

El cazador de sueños - Dreamcatcher (Dir. Lawrence Kasdan, 2003)

Cuatro amigos de la infancia con habilidades psíquicas se reúnen para un tradicional viaje de caza en una cabaña aislada en Maine. Pero lo que comienza como una reunión nostálgica se convierte en una lucha por la supervivencia cuando descubren que una fuerza alienígena ha invadido el área.

El cazador de sueños (Dreamcatcher) combina terror, ciencia ficción y gore. Aunque no es una de las adaptaciones memorables de Stephen King y recibió críticas mixtas tras su estreno, se destaca por su capacidad de mantener una atmósfera de tensión constante y momentos visualmente sorprendentes, haciéndola una opción entretenida que vale la pena explorar.

Stanley Kubrick (1928-1999) fue un destacado director de cine estadounidense que encontró en el ajedrez una herramienta fundamental para su carrera cinematográfica. Su interés por este juego no era un secreto, y se reflejó en varias de sus obras, como su película de 1956, “The Killing”. Antes de dar inicio a su carrera como cineasta, Kubrick participaba en torneos de ajedrez en la Washington Square Park de Nueva York, donde también jugaba por dinero.

Entre los años 70 y 80, durante una serie de entrevistas dadas al crítico Michel Ciment, Kubrick explicó cómo el ajedrez influyó en su forma de pensar y resolver problemas, destacando la importancia de la paciencia. Según relató, “cuando estás haciendo una película, tienes que tomar la mayoría de tus decisiones sobre la marcha, y hay una tendencia a disparar sin pensar.” Para Kubrick, el ajedrez le enseñó a detenerse y evaluar la situación antes de actuar.

El cineasta fue reconocido internacionalmente por su capacidad para manejar géneros diversos, desde la ciencia ficción en “2001: Una odisea del espacio” hasta el horror en “El resplandor”. Su trasfondo como jugador de ajedrez ayudó a perfeccionar su paciencia y disciplinas necesarias en la caótica atmósfera de un set de rodaje.

“Cuando haces una película tienes que tomar la mayoría de las decisiones sobre la marcha, y hay una tendencia a disparar siempre sin pensar. Hay que tener más disciplina de la que uno se imagina para pensar, aunque sólo sea durante 30 segundos, en el ambiente ruidoso, confuso y cargado de presión de un plató”, dijo en Visual Memory durante uno de esos diálogos con Ciment. Y agregó: “Pero unos segundos de reflexión a menudo pueden evitar que se cometa un grave error sobre algo que parece bueno a primera vista. En lo que respecta a las películas, el ajedrez es más útil para evitar que cometas errores que para darte ideas”.

Kubrick señaló que pensar detenidamente era una habilidad que había amoldado gracias al juego, enseñándole a sopesar las opciones antes de tomar una acción definitiva. Su interés por el ajedrez y el cine están entrelazados, demostrando que estrategias del tablero pueden aplicarse a la dirección de una película.

- Usted es ajedrecista y me pregunto si el ajedrez y su lógica tienen paralelismos con lo que dice.

- En primer lugar, incluso los grandes maestros internacionales, por mucho que analicen una posición, rara vez pueden ver el final de la partida. Así que sus decisiones sobre cada jugada se basan en parte en la intuición. Yo era un jugador de ajedrez bastante bueno, pero, por supuesto, no de esa clase. Antes de tener algo mejor que hacer (hacer películas) jugaba en torneos de ajedrez en los clubes de ajedrez Marshall y Manhattan de Nueva York, y por dinero en parques y otros lugares. Entre otras muchas cosas, el ajedrez te enseña a controlar la excitación inicial que sientes cuando ves algo que tiene buena pinta. Te entrena a pensar antes de agarrar, y a pensar con la misma objetividad cuando estás en apuros. Cuando haces una película tienes que tomar la mayoría de las decisiones sobre la marcha, y hay una tendencia a disparar siempre sin pensar. Hay que tener más disciplina de la que uno se imagina para pensar, aunque sólo sea durante treinta segundos, en el ambiente ruidoso, confuso y de alta presión de un plató. Pero unos segundos de reflexión pueden evitar a menudo que se cometa un grave error sobre algo que parece bueno a primera vista. En lo que respecta a las películas, el ajedrez es más útil para evitar que cometas errores que para darte ideas. Las ideas surgen espontáneamente y la disciplina necesaria para evaluarlas y ponerlas en práctica suele ser el verdadero trabajo.

- ¿Jugó al ajedrez en el plató de El resplandor como lo hizo en Dr. Insólito (con George C. Scott) y en 2001?

- Jugué algunas partidas con Tony Burton, uno de los actores de la película. Es muy buen jugador de ajedrez. Estaba muy cerca del final de la película y las cosas habían llegado a un punto bastante sencillo. Jugué bastante con George C. Scott durante el rodaje de Dr. Strangelove. George también es un buen jugador, pero si no recuerdo mal no me ganaba muchas partidas. Esto me daba cierta ventaja con él en todo lo demás. Si te consideras un buen jugador de ajedrez, tienes un respeto desmesurado por la gente que puede ganarte.

Kubrick nació el 26 de julio de 1928 en Nueva York y es reconocido como uno de los directores más influyentes del cine contemporáneo. Su carrera se destacó por una obsesiva atención al detalle y una innovadora utilización de la tecnología cinematográfica. Kubrick dirigió películas icónicas como “2001: Una odisea del espacio” (1968), una visión futurista que redefinió el género de la ciencia ficción, y “La naranja mecánica” (1971), una adaptación provocadora de la novela de Anthony Burgess.

Otros títulos significativos en su filmografía incluyen “El resplandor” (1980), una adaptación de la novela de Stephen King, y “Ojos bien cerrados” (1999), su última película antes de su fallecimiento el 7 de marzo de 1999 en Inglaterra. A lo largo de su carrera, Kubrick dejó una huella permanente en la historia del cine, siendo admirado por su meticulosa dirección y su capacidad para explorar temáticas complejas y controvertidas.