El comediante Alexis Renato Arroyo Mendoza, conocido como Ojitos de Huevo, prepara una función única el próximo 15 de mayo en el Teatro Silvia Pinal de la Ciudad de México, donde busca reunir lo mejor de su trayectoria y estrenar nuevo material, consolidando su presencia en la escena nacional del stand up.

El evento incorpora activaciones interactivas y una convocatoria abierta para nuevos talentos, con el objetivo de fortalecer el vínculo con su público y abrir espacio a voces emergentes.

El comediante lanzó el pasado 20 de abril de 2026 una convocatoria dirigida a quienes deseen convertirse en el telonero de la función. Los interesados deben subir un video a redes sociales con su mejor rutina de comedia; el video que sume más “likes” tendrá la oportunidad de abrir el show del 15 de mayo. Esta dinámica busca detectar nuevos talentos y ampliar la participación del público en el espectáculo.

Además, como parte de la promoción, se realizará la activación “Cuenta tu mejor chiste”, en la que la audiencia podrá subir al escenario durante el evento y compartir su humor a micrófono abierto. Este tipo de interacción pretende generar contenido adicional para redes sociales y atraer a nuevos seguidores.

La serie “Ojitos de Huevo” y el ascenso a Netflix consolidan su carrera

El crecimiento de Ojitos de Huevo se refleja no solo en los escenarios, sino también en su incursión en la pantalla internacional. La serie “Ojitos de Huevo”, producida para Netflix, explora con humor directo la vida cotidiana de una persona con discapacidad visual en la Ciudad de México. La producción destaca por mantener un tono agudo e irreverente, abordando desde la comedia temas como la inclusión y la resiliencia social.

A través de anécdotas personales, música, imitaciones y capacidad para la improvisación, Arroyo Mendoza ha convertido las experiencias derivadas de su discapacidad visual en una fuente de comedia inteligente. Su trabajo invita a reflexionar sobre la percepción social de la diferencia, pero sin perder la cercanía con el público.

Una función para celebrar el humor contemporáneo e incentivar la participación

La noche prevista en el Teatro Silvia Pinal promete un formato ágil, en el que se alternarán momentos destacados de su carrera con fragmentos inéditos, manteniendo la ironía y la observación social como ejes narrativos. La interacción directa con la audiencia y el humor áspero buscan proporcionar una experiencia memorable.

Los boletos para el evento del 15 de mayo están disponibles a través de Arema.mx y en la taquilla del teatro. Con este espectáculo, Ojitos de Huevo reafirma su posición como referente influyente dentro de la comedia mexicana actual y apuesta por una mayor apertura y renovación del stand up nacional.

Ojitos de Huevo stand-up en CDMX

Fecha: 15 de Mayo 2026

Hora: 20:00 horas

Lugar: Teatro Silvia Pinal

Dirección del evento: C. Versalles 27, Juárez, Cuauhtémoc, 06600 Ciudad de México, CDMX

Zonas y Precios para ver a Ojitos de Huevo en show de stand-up

• Vip: $550
• Preferente: $450
• General: $350

Precios + cargos por servicio

Puntos de venta oficiales:

• Teatro Silvia Pinal CDMX:  C. Versalles 27, Juárez, Cuauhtémoc, 06600 Ciudad de México, CDMX
• Gran Recinto, Satélite:  C. Benito Juárez 1905, Las Margaritas, 54050 Tlalnepantla, Méx.

Con una carrera que arrancó en el stand-up y se expandió al streaming, la televisión y las giras por todo el país, Juampi González se consagró como una de las voces más originales de la nueva comedia argentina. Dueño de un humor sagaz y una espontaneidad que cautivó a miles en las redes sociales, Juampi construyó un camino propio, saltando de los micrófonos de bares porteños a los teatros más importantes del país. En exclusiva con Teleshow, el actor y comediante habló de su presente profesional, el salto a nuevos desafíos y el aprendizaje constante que implica animarse a salir de la zona de confort.

A lo largo de los años, logró transformar su pasión por hacer reír en un fenómeno que trasciende formatos. Desde sus primeros monólogos hasta sus personajes virales y la interacción diaria con el público, supo capitalizar la cercanía con los fans y reinventarse en cada etapa. Hoy, lejos de conformarse con los logros alcanzados, González se anima a explorar matices diferentes en Regla de tres simple, la comedia romántica contemporánea que protagoniza junto a Nancy Gay y que lo pone a prueba en el escenario, más allá de los límites del stand-up tradicional.

El regreso al teatro porteño, de la mano de esta obra escrita y dirigida por Hernán Krasutzky, no solo le permitió sumar nuevas herramientas actorales, sino también conectar con un público ávido de historias frescas, risas y emociones genuinas. Entre anécdotas de sus inicios, recuerdos de su familia, y la experiencia de alternar entre el humor más agudo y la reflexión sobre los vínculos actuales, el humorista comparte el detrás de escena de un presente vibrante, en el que la creatividad y el deseo de seguir creciendo son el motor para seguir apostando al arte y al encuentro con la gente.

—Vos venís del stand-up y las redes sociales. ¿Qué tiene el teatro para vos que esos formatos no?

—Yo vengo muy de la comedia estricta. Y ahora que me embarqué en una obra de teatro donde se ven otros matices, donde se juega con otras intenciones, también con el público, tiene su parte sensible, reflexiva, emotiva por momentos. Esto también es una novedad para mí: visitar esos lugares me gusta y me divierte, salirme solamente de la comedia. Creo que acá se le propone más un viaje al espectador, que tiene que comprar desde el minuto cero y después llevarlo al destino que queremos. Es mi primera vez proponiendo eso. Si bien con el stand-up hay una propuesta, la persona por ahí se puede desconectar en algún momento y volver, se va a enganchar igual. Acá la idea es que se embarque desde el primer momento y no perderlo hasta el final.

—¿Cuál fue el puntapié para decir: “Tengo ganas de probar teatro y dejar, no totalmente, la comedia que hacías, que no era tan estructurada”?

—En parte, la propuesta me gustó porque me permitía continuar con ese lado. A la par, si bien ahora por el estreno y los ensayos puse en pausa un poco mi parte de comediante, este sábado arranco con el personal de vuelta y el mes que viene tengo gira. Algo que me gustó es intentar ponerme a prueba en esa dualidad. Yo venía con ganas de hacer teatro, mis personajes en los shows y en las redes son más caricaturas. El detonante principal fue que me presentaran la obra y me gustó, me divirtió, me reí de solo leerla. Con una frecuencia de chiste muy grande, la gente se ríe mucho. Además, que el contacto lo hiciera Nancy Gay, mi compañera de elenco, tremenda comediante y amiga de mucho tiempo, ayudó mucho. Fue un combo: mis ganas, el proyecto y el equipo.

—En tu pasado estudiaste ingeniería. ¿Cuándo dijiste: “Quiero dedicarme a la comedia y dejar ese mundo”?

—Fue cuando terminé la cursada de la carrera. Ahí empecé a tener más tiempo libre y me animé a embarcarme más en la comedia. Más o menos tres años después de la muestra de fin de año del curso de stand-up que hice mientras cursaba ingeniería, ya habiendo terminado la cursada, acepté lo que venía sintiendo: que esto era para mí, que mi desarrollo iba por acá. Siempre sentí un disfrute muy grande en hacer reír, era un poco mi objetivo en los grupos en los que estaba. El rol de hacer reír. No lo concebía como una profesión hasta que vine a Buenos Aires, empecé a hacer cursos, actué, y ver que funcionaba, que me iba bien, que la gente me empezaba a elegir, fue clave. Las veces que funcionaba bien eran muchas más y siempre tuve mucha autoexigencia, así que fue por varios motivos que elegí este camino.

—¿Qué fue lo más desafiante de dejar atrás lo estructurado de una carrera de grado y tirarte a la pileta de la comedia?

—Romper con mandatos familiares y de amigos. Nadie en mi entorno había elegido algo artístico, el salto me quedaba más lejos. Terminé el colegio en Neuquén, donde lo artístico no se incentiva tanto como en Buenos Aires. Vine a estudiar a Capital, lo que facilitó encontrar cursos y ofertas. Lo más desafiante fue animarme y asumir la decisión, y después ver cómo hacer que eso rinda, porque lo artístico conlleva inestabilidad económica. Convertir esa linda sensación en un trabajo suficiente para mantenerme fue un desafío grande.

—¿La obra con Nancy te sacó de tu zona de confort?

—Sí, totalmente. Ensayar, que me dirijan, todo me sacó a una incomodidad linda, que tenía ganas de vivir. Es distinto estar acostumbrado a estar solo en el escenario y ahora amoldarme a otro, generar química. Por suerte con Nancy es fácil porque tenemos un código de humor similar. Pero también fue desafiante. Estoy aprendiendo y supongo que esto será un camino largo, no es que a la cierta función ya está. En mis unipersonales rompo mucho los monólogos, interactúo con el público para divertirme y para que no sean todas iguales. Acá, aprenderme un guion que no escribí yo, es un juego distinto.

—¿Se permiten improvisar o el texto es cerrado?

—Por suerte la obra tiene un guiño al stand-up. No lo hacemos, pero los personajes rompen la cuarta pared y le hablan directo a la gente. Ahí nos sentimos cómodos, nos gusta. Pero todavía improvisar mucho, no nos dejan.

—La obra pone reglas para el amor. ¿Sos de poner condiciones o de tirarte al vacío en una relación? ¿Te conectás con el personaje?

—Tengo conexión con el personaje, afortunadamente me queda cerca. Somos personas bastante calculadoras, medimos los efectos. En este caso, yo no pongo reglas determinantes, pero sí me encontré midiendo más, no tan estructurado como Isidro, que en la tercera cita quiere resolver todo para no enamorarse y no sufrir después.

—¿Creés que el humor es una forma de hablar sobre temas incómodos como el rechazo, el desamor o los problemas para comprometerse?

—Siempre convencido de que el humor es la mejor forma de comunicar y que un mensaje se reciba. Generás una apertura en el espectador y alivianás temas pesados. Reírse de los encuentros y desencuentros de pareja y de las estrategias absurdas para manipular sentimientos es clave. El humor nos permite reírnos de nosotros mismos y vernos en esas situaciones ridículas.

—Hoy con tanta hiperconectividad, ¿creés que el amor está más cerca del algoritmo que del destino?

—Creo que no. Intentamos que suceda, pero la realidad es otra. Buscamos que el algoritmo mande, pero lo que sucede, sucede. Las redes sociales hicieron que las opciones se multipliquen hasta el infinito. Antes era imposible, ahora se pude conocer a alguien de cualquier parte del mundo. Pero eso genera ansiedad y la sensación de que siempre te estás perdiendo algo. Para divertirme, sí fueron un beneficio, pero para vínculos profundos, creo que todo lo contrario: generan superficialidad y es difícil sostenerlo. Todo lo que vemos son relaciones perfectas y eso sube la vara de lo que uno espera, pero la realidad es distinta.

—Si tuvieras que definir la obra en una palabra o frase para el público, ¿cuál sería?

—Una gran comedia romántica con un mensaje que genera debate. Después de la función, la gente se queda charlando, debatiendo. Es una comedia romántica que desenmascara algunas tramas de la actualidad.

—¿Qué otros proyectos tenés para este año?

—A partir de abril voy a estar en un programa de streaming, Viernes 13, que va a salir los viernes a la noche. Es un formato de entrevistas, sketch, bandas en vivo, algo bien de show y entretenimiento. También voy a tener una participación en una película que se filma ahora en abril, La navidad de los García, una comedia de actualidad, una especie de Esperando la carroza renovada. Un personaje bien cómico. Así que preparándome para eso también. Por el momento esas son las novedades.

Los videos virales de comedia familiar han impulsado a Alexa Zuart como una de las figuras emergentes del stand-up en México, destacando por mezclar humor cotidiano, vivencias personales y observaciones sociales. Sin embargo, su humor la llevó a formar parte del elenco de la serie ‘La Oficina’.

Alexa Zuart, comediante mexicana, personifica cómo la superación de adversidades económicas y familiares puede transformar una carrera y un estilo de humor. Para este 2026, consolida una década de trayectoria en el humor con su debut actoral en la esperada adaptación mexicana de The Office (La Oficina), estrenada este 13 de marzo de 2026 a través de Amazon Prime Video.

Orígenes y formación de Alexa Zuart

Nacida en la Ciudad de México, Alexa Zuart pasó parte de su infancia en la colonia Álamos y en el municipio de Nezahualcóyotl, escenarios que influyeron en su carácter y sentido del humor. Desde los cinco años, apoyó en el hogar tras el derrame cerebral de su madre, vendiendo gelatinas, fruta y colchas para contribuir a la economía familiar.

Su formación se desarrolló bajo el cuidado de su madre y abuela, figuras clave en su identidad. Zuart optó por formarse como maestra ante el deseo de brindar una educación diferente a la que recibió, con el objetivo de ser para sus alumnos el apoyo que ella hubiera querido en su infancia.

Estudió la Licenciatura en Educación Preescolar en la Universidad Pedagógica Nacional (UPN) y atendió a su hijo, a quien tuvo a los diecisiete años. La conciliación entre estudios, trabajo y maternidad construyó una ética de esfuerzo y resiliencia que hoy distingue su perfil público y su comedia.

De maestra a comediante: el salto decisivo

Durante varios años, Zuart combinó su labor como maestra con la creación de rutinas humorísticas, aunque tomaba precauciones para que una faceta no interfiriera en la otra. Temía que su actividad como comediante pudiera causar problemas laborales, debido a posibles reacciones de familias o directivos escolares.

El punto de cambio llegó en 2015. Su hijo, mientras veían programas de stand-up juntos, le preguntó por qué ella no aparecía en pantalla como los demás comediantes. A pesar de su temor a perder el trabajo, escuchó a su hijo responder: “Pues trabajas haciendo chistes”. Ese impulso fue decisivo para que comenzara a dedicar mayor tiempo y empeño a la comedia.

A partir de ese momento, invirtió más esfuerzo en sus rutinas, sin dejar de lado su responsabilidad con la docencia. Tras participar en talleres de comedia, en 2018 su carrera como standupera despegó y, desde entonces, ha compartido escenario con talentos de la escena nacional como Franco Escamilla, Daniel Sosa, El Escorpión Dorado, Tío Robert, El Cojo Feliz y La Cotorrisa.

El humor de Alexa y su impacto en la comedia mexicana

El sello distintivo de Alexa Zuart se encuentra en su “habla cantadito, ñerón” y acento chilango, rasgos valorados por quienes la identifican con voces familiares, como madres o tías. Esta cercanía refuerza la conexión genuina entre su personaje y la audiencia, permitiendo que muchas personas se vean reflejadas en sus historias.

Desde los inicios de su carrera, Zuart estableció que su meta era crear una comedia familiar y accesible, buscando que el público se identificara con anécdotas y situaciones cotidianas inspiradas en su propia vida. Su propuesta suma referencias de la cultura popular y transforma experiencias comunes en motivo de empatía e intercambio generacional.

‘La Oficina’ su salto a la televisión

En esta versión tipo mockumentary ambientada en una empresa de jabones en Aguascalientes, Zuart da vida a Mine Romero, la especialista en marketing y comunicación de “Jabones Olimpo”. Su personaje se perfila como una de las figuras más memorables de la serie, destacando por su obsesión con la imagen, su vestuario monocromático en tonos rosa y su rol estratégico como la principal fuente de chismes dentro de la organización.

Este proyecto representa un hito en la carrera de la “Patrona”, quien comparte créditos con un elenco de primer nivel que incluye a Alejandra Ley y Fernando Bonilla. Bajo la producción de Amazon, la serie busca tropicalizar el ácido humor de la franquicia original al contexto laboral mexicano, permitiendo que Zuart explote su capacidad de improvisación y carisma frente a las cámaras.

Con este papel, la comediante no solo expande su registro artístico, sino que se posiciona como una de las piezas clave en la apuesta más ambiciosa de la plataforma para el mercado hispanohablante en lo que va del año.

Mientras compañías como Sony desarrollan tecnologías para rastrear y medir el uso de obras protegidas en piezas generadas por IA, el sector cultural se enfrenta a desafíos inéditos: la masificación de contenido sintético, la amenaza a los derechos de autor y la dificultad de distinguir entre lo humano y lo artificial.

El caso de George Carlin, el legendario comediante estadounidense, se convirtió en 2024 en uno de los ejemplos más emblemáticos de los peligros que plantea la IA generativa para el legado de los creadores.

Cómo fue la controversia de George Carlin

En enero de 2024, el canal Dudesy lanzó en YouTube y otras plataformas un especial de comedia titulado “George Carlin: I’m Glad I’m Dead”, Me alegra estar muerto, en español.

El programa, de una hora de duración, fue íntegramente generado por inteligencia artificial. El modelo de IA fue entrenado con material de archivo de Carlin, cientos de horas de grabaciones y monólogos, con el objetivo de imitar su voz, su cadencia y su estilo provocador para comentar temas sociales actuales. La IA no solo recreó la voz del comediante, sino que intentó replicar su humor irreverente y su crítica social.

La reacción de la familia Carlin no se hizo esperar. La hija del comediante, Kelly Carlin, denunció públicamente la falta de consentimiento para usar la imagen, el estilo y el material de su padre. “Es una mala imitación que intenta recrear cosas que nunca debieron ser recreadas”, declaró, subrayando que ninguna máquina puede reemplazar la experiencia vital ni la profundidad emocional del artista.

Junto con el albacea, la familia presentó una demanda en un tribunal federal de Los Ángeles, alegando violaciones de los derechos de autor y del derecho de publicidad sobre la identidad de Carlin.

Qué decidió la justicia sobre la IA y los derechos de autor

La reacción legal fue rápida y contundente. Los creadores del especial de IA acordaron retirar el contenido de todas las plataformas digitales poco después de la denuncia. En el acuerdo, reconocieron su responsabilidad por la infracción de los derechos del comediante y aceptaron no volver a usar su imagen ni su material sin autorización.

El caso se convirtió en un precedente para futuros litigios sobre la utilización de la identidad digital, la voz y el legado de artistas fallecidos en proyectos generados por inteligencia artificial.

Esta controversia se inscribe en una tendencia más amplia: la proliferación de contenido sintético creado por IA, como señala la UNESCO en su informe “Re|Shaping Policies for Creativity”. Según el organismo, cada día se suben a plataformas digitales más de 50.000 canciones generadas por IA, muchas de las cuales imitan estilos de obras protegidas por derechos de autor.

El informe ha advertido que esta saturación podría provocar una caída de hasta el 24% en los ingresos globales del sector musical y del 21% en el audiovisual para 2028. La IA no solo erosiona el valor del trabajo artístico, sino que pone en peligro la diversidad cultural y la visibilidad de los creadores humanos.

George Carlin, fallecido en 2008, fue un comediante y actor, reconocido por analizar con agudeza las contradicciones sociales y defender la libertad de expresión.

Hizo historia por su enfrentamiento a la censura y su defensa de la libertad de expresión, especialmente con su icónica rutina de las “siete palabrotas”, la cual tuvo que defender en los estrados judiciales en 1972.

Que una IA intentara recrear su voz y su estilo sin autorización evidencia los riesgos éticos y legales de la creatividad algorítmica. El caso muestra la necesidad urgente de marcos legales claros y políticas públicas que protejan la propiedad intelectual y la diversidad cultural frente a la automatización.

El caso Carlin es un recordatorio de que la tecnología debe innovar, pero también respetar la integridad y el legado de quienes hacen del arte un ejercicio genuino de humanidad.

El desarrollo del filme surgió de la colaboración entre Arnett, Cooper y Mark Chappell, aunque fue Cooper quien, al asumir la dirección, aportó una nueva intensidad al proyecto. “Cuando Bradley decidió dirigir, todo cobró otra intensidad”, resumió Arnett en una entrevista con Fotogramas.

El club de comedia como refugio

La trama gira en torno a un personaje incapaz de comunicar su dolor fuera del escenario, que solo halla alivio en un club de comedia de Nueva York.

Arnett matizó en su conversación con Fotogramas: “No se trata solo de explicar por qué termina un matrimonio. La clave es descubrir cómo la comedia se convierte en un lenguaje nuevo, algo que mi personaje nunca había encontrado fuera del humor”.

Laura Dern y el equilibrio en la historia

La presencia de Laura Dern resultó esencial para el equilibrio de la historia, según el propio Arnett. “Fue un sueño que aceptara, tuvimos mucha suerte”, afirmó.

“Era fundamental tener a una mujer fuerte, con presencia y carácter. Además, es una de las mejores personas que conocí”. Su participación permitió, en palabras de Arnett, compensar los tonos de la película y mostrar que el humor no es un fin, sino una herramienta valiosa.

El humor como vía de sanación

El enfoque terapéutico del humor atraviesa la película y también influenció la experiencia personal de Arnett durante el rodaje. Explicó a Fotogramas que el humor puede abrir conversaciones difíciles y desbloquear emociones.

Solo cuando su personaje sube al escenario y expone su ruptura ante extraños inicia su proceso de sanación. Para él, es “una catarsis, no una crisis”, y la comedia sirve para expresar lo que durante años permaneció silenciado.

Autenticidad y nuevos retos en el stand-up

Para dar autenticidad a la historia, Arnett participó en un micrófono abierto real en Nueva York, interpretando a su personaje. “Fue aterrador y revelador al mismo tiempo, aunque lo realmente complicado fue afrontar la parte dramática”, reconoció. “Nunca me había puesto serio en un escenario y fue toda una aventura personal”.

El vínculo con el stand-up continuó después del rodaje. Semanas después, Arnett regresó a un club de comedia y solicitó a Elizabeth Furiati, gestora del local y parte del elenco, que le permitiera probar material inédito no utilizado en la película.

“Imprimí mis bromas y salí al escenario. Algunos cómicos dirían que no estoy listo, probablemente tengan razón, pero disfruté la experiencia y quiero seguir intentándolo”, relató a Fotogramas.

Inspiraciones y vínculo con la animación

Sobre sus referentes actuales, Arnett mencionó a Shane Gillis, Bill Burr, Dave Chappelle y Ricky Gervais. Entre los nuevos talentos, destacó a Jordan Jensen, también presente en la película, a quien describió como “una cómica en ebullición”.

Arnett mantiene un lazo especial con la animación, recordando su papel como la voz de Batman en las películas de LEGO y su trabajo en “BoJack Horseman”, una serie que definió como oscura y fascinante, aunque prefiere enfocarse en lo positivo y seguir adelante, según comentó a Fotogramas.

Reflexión y reconstrucción personal

El rodaje consolidó su convicción de que la comedia puede transformar vidas. Encarnar a este personaje permitió a Will Arnett reflexionar sobre su vida, sus relaciones y su realidad presente.

Trabajar en Is This Thing On? representó para el actor un reto interpretativo y una nueva perspectiva sobre la reconstrucción personal y la fuerza del humor en momentos difíciles.

Durante una reciente entrevista con The Washington Post tras la presentación del filme en el New York Film Festival, señaló: “Por primera vez en mi vida, no estaba actuando para un resultado en una escena”. Con este nuevo reto, el actor explora la vulnerabilidad y el dolor de un hombre en duelo matrimonial, acercándose a la autenticidad y alejándose del humor irónico.

Salto de la comedia irónica al drama

La incursión de Arnett en un papel principal dramático representa una ruptura con su historial humorístico. Durante tres décadas, se consolidó a través de personajes que equilibran comedia y profundidad emocional, como en “Arrested Development”, “BoJack Horseman” y “30 Rock”, que le valieron nominaciones al Emmy.

“Is This Thing On?” expone la angustia interna de su protagonista, Alex Novak, un hombre que procesa su divorcio al tomar el micrófono en un club de comedia. El rodaje, dirigido por Bradley Cooper, se desarrolló durante 33 días en los que Arnett exploró nuevas facetas artísticas.

El intérprete canadiense contó que Cooper le pidió confiar plenamente en el proceso. “Me pidió que confiara en él y que realmente intentara llegar allí... eso era abrumador como un hombre de 55 años. Por eso me mudé a Nueva York cuando tenía 20 años”, compartió.

En esta interpretación, la sensibilidad y el desconcierto del personaje muestran al artista enfrentando la actuación sin el resguardo del sarcasmo. Debido a esto, explicó: “Solo intentaba ser sensible a lo que el material y la situación requerían en esos momentos, y confiar en que lo que surgiera sería lo más auténtico”.

Inspiración real y creación del guion

El origen del relato se encuentra en una historia real que lo marcó. Hace algunos años atrás, durante un almuerzo en Ámsterdam, conoció a John Bishop, humorista británico cuya carrera en la comedia comenzó cuando procesaba su divorcio en el escenario de un club en Manchester.

Aquella noche, Bishop subió a contar sus vivencias y acabó reconciliándose con su esposa, que escuchó su rutina. Inspirado por este suceso, Arnett contactó a Mark Chappell, su socio en la serie “Flaked”, quien también conocía la anécdota y había intentado adaptarla años antes. “Mark y yo estábamos muy sintonizados... dijimos: ‘Genial. Hagámoslo’”, relató.

En la película, la historia se adapta a una pareja estadounidense: Alex y Tess Novak (interpretada por Laura Dern) viven en un suburbio de Nueva York y atraviesan una crisis vital. El guion mantiene los momentos cruciales del relato original. Con respecto a ello, remarcó: “Ha habido personas que creen que es inverosímil que ella fuera a ver su rutina, pero esa parte es totalmente cierta”.

Colaboración crativa con Bradley Cooper

El impulso decisivo para el filme llegó cuando el intérprete pidió a Cooper—director y frecuente nominado al Óscar— analizar el guion durante una pausa en la producción de “Maestro”. Cooper no solo accedió, sino que decidió liderar el proyecto y reformuló elementos clave del libreto para resaltar la comunicación rota entre los protagonistas.

Según Arnett, esto “completamente elevó” la complejidad de la historia, alejándola de una simple comedia romántica. “Mark y yo siempre bromeamos que, si quedaba solo en nuestras manos, probablemente habría terminado como una buena comedia romántica”, recordó.

La relación profesional y personal entre ambos se consolidó tras años de colaboración y confianza, forjada en SmartLess, el pódcast donde Arnett apoyó al cineasta en momentos difíciles. Cooper dirigió a Arnett mostrando el distanciamiento emocional de Alex, usando la cámara para acentuar la distancia visual al principio y acercándose cuando el personaje sube al escenario.

Stand-up como desafío personal y reflexiones

El personaje de Alex vive su crisis personal en el legendario Comedy Cellar. Para dotar de autenticidad a su interpretación, el actor experimentó el stand-up por primera vez antes de la filmación. Se subió realmente al escenario ante públicos desconocidos para ensayar distintas rutinas y confrontar sus propios temores.

“El stand-up es increíble. Es aterrador. No hay dónde esconderse”, confesó el artista en su exclusiva para The Washington Post. Con este proceso, comprobó el “miedo escénico” y la dificultad de conectar, probando líneas, ajustando su material y enfrentando fracasos. “Y fracasé bastante, de verdad, de forma dura”, comentó.

Durante la escritura del guion, Arnett y Mark Chappell incorporaron experiencias propias para dotar de realismo a la historia, sumando elementos de sus vidas y relaciones. Pese a que el comediante evita profundizar sobre el impacto directo de su divorcio con Amy Poehler en el filme, reconoció: “Creo que es imposible, cuando trabajas en algo, ya sea escribiendo o actuando, no aportar tu propia experiencia”.

Al cierre de su reportaje, Will Arnett le aclaró a The Washington Post que los momentos que cambian el rumbo de la vida rara vez llegan con dramatismo. Sostuvo que suelen darse en la cotidianidad, dejando claro que “la simpleza de lo real” es donde radica el auténtico poder emocional de una historia.

Según explicó a Rolling Stone, incursionar en el drama y mostrar vulnerabilidad en pantalla le permitió reconectar con el entusiasmo que lo llevó a Nueva York hace 35 años.

La inspiración para el proyecto surgió en una embarcación en Ámsterdam en 2022, donde Arnett conoció a John Bishop, un hombre que atravesaba un divorcio y decidió probar suerte en una noche de micrófono abierto. Bishop compartió su situación personal ante desconocidos y, como relató Arnett, regresó la semana siguiente para repetir la experiencia, sin comentarlo con nadie.

Al cabo de unos meses, las personas a su alrededor notaron un cambio genuino en su ánimo. Para Arnett, esa búsqueda de autenticidad fue el motor para llevar la historia al cine.

Transformar esa vivencia en una película implicó abandonar el molde cómico que lo había definido. El propio Arnett reconoció que no sentía la necesidad de demostrar algo diferente, pero la historia lo impulsó a preguntarse: “¿Por qué no yo?”.

La colaboración de Bradley Cooper, amigo desde hace 20 años, resultó esencial. Cooper, quien también dirigió y coescribió el guion, aportó una visión aguda sobre las relaciones humanas y orientó el enfoque hacia la desconexión en los vínculos de pareja.

El desafío del stand-up y la transformación actoral

Para interpretar a Alex Novak, Arnett debió sumergirse en el circuito real del stand-up neoyorquino, una experiencia inédita para él. Durante seis semanas, se presentó cada noche —hasta tres veces por jornada— en el Comedy Cellar, enfrentando a un público que muchas veces lo reconocía, pero que exigía autenticidad en escena.

Cooper supervisó de cerca el proceso y, en palabras de Arnett, lo animó a no buscar la aprobación del público ni a hacerlos reír, sino a explorar otra forma de presencia sobre el escenario. “Eso me permitió aceptar el silencio y la incomodidad”, admitió el actor.

Aseguró en su entrevista con Rolling Stone que el proceso fue arduo y no estuvo exento de noches frustrantes. Arnett llegó a considerar que, tras experimentar la indiferencia de 50 personas en el público, ya nada podía herirlo de la misma manera. La experiencia, que describió como transformadora, lo llevó a repensar su vínculo con la actuación y el escenario.

A lo largo del rodaje, la frontera entre lo artístico y lo personal se fue desdibujando. Mientras exploraba la crisis matrimonial de Alex, Arnett advirtió que transitaba un proceso propio similar, donde logró dejar atrás el cinismo acumulado durante años y recuperar el entusiasmo de sus primeros días en Nueva York. Según reconoció, este paralelismo fue una coincidencia reveladora que lo impulsó a modificar viejas actitudes.

Fama, autenticidad y un renacimiento artístico

El impacto de Is This Thing On? también modificó la percepción que Arnett tiene sobre su carrera y la fama. Aunque alcanzó notoriedad mundial con personajes como Gob Bluth en “Arrested Development” y en “BoJack Horseman”, el actor remarcó que su objetivo siempre fue actuar y ser tomado en serio, no perseguir el reconocimiento. La comedia, aseguró, surgió como una necesidad económica, no como elección principal.

Respecto a la relación entre visibilidad y autenticidad, Arnett se mostró tajante al afirmar que muchas de las teorías sobre su vida en los medios son simples especulaciones y no lo definen. La motivación esencial detrás de cada proyecto, insistió, siempre fue la búsqueda personal y el placer de experimentar.

“En ‘Arrested Development’ pensábamos que quizá estábamos creando la peor serie del mundo o algo especial; solo nos divertíamos y experimentábamos”, recordó.

En esta nueva etapa, Arnett considera que el cambio trasciende lo profesional y supone una transformación interna significativa. Asegura haber dejado atrás hábitos y posturas que lo definieron durante mucho tiempo, identificando en el recorrido de Alex una apertura que se refleja en su propio crecimiento como intérprete y como persona.

El rodaje, realizado en apenas 33 días y con bajo presupuesto, fue vivido por Arnett y su círculo cercano como una experiencia profundamente íntima.

La revitalización de Will Arnett con Is This Thing On? va más allá de cualquier logro artístico; reside en la energía y el entusiasmo renovados por su oficio. El proceso creativo de esta película significó para él un renacimiento auténtico, inspirándolo a encarar futuros desafíos tanto en el cine como en su vida personal. La búsqueda de autenticidad, el riesgo y la transformación artística definen esta nueva etapa.

Silvia De Frente, comediante colombiana radicada en México, presenta su show “Tamagochi”, una puesta en escena que explora la identidad de una generación marcada por la transición entre lo analógico y lo digital. La artista, reconocida por su humor introspectivo y referencias a la cultura pop de los noventa y dos mil, vive un momento clave en su carrera tras años de consolidación en el circuito del stand-up latinoamericano.

La historia profesional de Silvia De Frente comenzó lejos del escenario. En sus propias palabras: “Yo estudié ingeniería civil. ¿Por qué? No sé. Tal vez ese fue mi mejor chiste, no lo sé. Y también estudié historia del arte y artes plásticas en Colombia”. El camino académico no era suficiente. “Justo antes de graduarme de la universidad, iba con pánico a la idea de trabajar en una oficina como ingeniera y el casco no me quedó tan bien. Dije, ‘voy a buscar teatro’. Me acordé de las épocas escolares y busqué un taller de stand-up comedy, y ya nunca hubo vuelta atrás”. Hace nueve años, el escenario reemplazó la oficina y la comedia se volvió su vida.

Durante su carrera, Silvia creó y participó en proyectos claves que definieron su voz como artista. “Mi primer show fue ‘El bueno, el malo y la Grinch’. Normalmente uno se junta con otros comediantes... ese fue el primer show donde vendíamos las entradas, alquilamos un teatro. Fue la primera vez que me lancé al agua, a atreverme a producir lo mío propio”.

Más adelante llegó “No es fácil ser fácil”, su primer espectáculo unipersonal. El proceso, recuerda, le permitió “mostrarme a mí misma que sí puedo sacar un show completo y que fue el show que me permitió también encontrarme como artista. Para encontrar mi voz, encontrar quién soy yo ahí arriba del escenario y poderlo explotar”.

En México, Silvia expandió su carrera, grabó especiales, y ahora lleva dos años con “Tamagochi”. El espectáculo, que tendrá su última función en CDMX el 27 de noviembre en el Foro Lenin, los boletos están disponibles a través de Boletia.

“Caímos en cuenta que yo le hablo mucho a los millennials. Esa generación que vivió el cambio del mundo sin internet al mundo con internet... Tamagochi es ese gran referente en común. Y además, es una gran metáfora para los millennials: un aparatito que necesita atención, y si no le juegas, se muere. Así somos, necesitamos atención”.

Silvia apuesta por conectar no solo con quienes crecieron en los 90, sino con un público más amplio que se identifica con la nostalgia y los cambios culturales. “El próximo año voy a girar por todo México con el nuevo show, que se llama ‘No me digas que me calvo’. Está interesante ver qué sale de ese nuevo show”. Así, Silvia De Frente cierra una etapa y abre nuevas rutas, sosteniendo el humor como herramienta de identificación y autoconocimiento.

Cabe mencionar que este show estará disponible en YouTube a partir del 1 de enero de 2026 a las 11:00 horas. am.

Kevin Hart, uno de los comediantes más reconocidos del planeta, compartió una visión honesta sobre el verdadero camino al éxito en The Diary Of A CEO. Nada de atajos ni fórmulas rápidas: su trayectoria, aseguró, estuvo marcada por años de esfuerzo, errores y lecciones.

“La mayoría de la gente opta por rendirse en el año dos y busca un retorno rápido. Solo sigues renunciando para empezar otra cosa que crees que es una idea, y es solo un ciclo. Nunca completas nada”, explicó en el pódcast, subrayando que la perseverancia y terminar lo que uno comienza son ejes centrales de su filosofía.

Infancia dura y disciplina materna

En su diálogo con Steven Bartlett, Hart regresó a su infancia en el norte de Filadelfia, un entorno donde su padre estuvo ausente y su madre impuso una estricta disciplina. Contó que su padre entraba y salía de prisión: “Mi madre no iba a permitir que eso me pasara a mí”, recordó, dejando claro el papel decisivo de ella como guía y protectora.

Las reglas en casa eran severas. La mayor lección materna, insistió Hart, fue no rendirse jamás. Según explicó, su madre tenía motivos para ser dura: había vivido el fracaso con su hijo mayor, atrapado por las drogas y la delincuencia. Esa experiencia la llevó a exigir a Hart que terminara cada cosa que comenzaba. “El mayor aprendizaje de mi madre fue: ‘No vas a renunciar’. Y no mucha gente está dispuesta a pasar 13 años de trabajo duro”, reflexionó durante la conversación.

La precariedad y la carencia de figuras paternas marcaban su entorno. Hart relató que en su barrio era habitual la ausencia de los padres: la mayoría de sus amigos solo los veía esporádicamente, y esa realidad se aceptaba como lo normal. Aunque lo percibía como una vida común, solo con el paso del tiempo pudo comprender el verdadero valor de las enseñanzas recibidas en casa.

Descubrir la vocación y convencer a la familia

Para Hart, la entrada a la comedia ocurrió de forma inesperada. Tras una etapa de apatía escolar y empleos poco inspiradores, encontró en la venta de zapatillas su primer escenario, donde su carisma comenzó a destacarse.

Fue una colega quien lo impulsó hacia el stand up, y después de aquella primera experiencia sobre las tablas supo que había encontrado su rumbo. “Nunca pensé en ser comediante antes de eso. Sabía que era gracioso, que me gustaba ser el centro de atención, pero no lo veía como un camino”.

El desafío fue convencer a su madre de que la comedia era una opción profesional real. Contó que establecieron un acuerdo: tendría un tiempo limitado para que la comedia funcionara; si no lo lograba, debía seguir el plan materno de continuar estudiando y buscar un trabajo tradicional. Hart decidió jugarse todo por la pasión que acababa de descubrir, convencido de que no tenía alternativa.

Perseverar y aprender en la adversidad

Uno de los momentos más reveladores de la entrevista llegó cuando Hart habló de los 13 años que pasaron entre su debut y el despegue de su carrera. Explicó que nadie creyó en su potencial como comediante, ni siquiera sus amigos, quienes pensaban que ser gracioso no bastaba para dedicarse a la comedia profesional. Solo él confiaba plenamente en sus propias decisiones.

Durante ese período, enfrentó dudas internas, dificultades económicas y la ausencia de reconocimiento. Confesó que en más de una ocasión pensó en dejarlo todo porque no podía pagar el alquiler, pero siempre se mantuvo fiel a una idea clara: si empezaba algo, debía terminarlo. Para Hart, solo así una persona puede decir que vivió de verdad, viendo cada proceso hasta el final.

Explicó que, a su juicio, éxito y fracaso van de la mano. “No hay éxito sin fracaso. Van juntos, y con el fracaso vienen lecciones increíbles”. Hart considera determinante no abandonar cuando otros sí lo hacen. “La línea se va vaciando porque la gente no quiere esperar ni hacer el trabajo duro otra vez. Yo decidí que la comedia era lo que iba a terminar”.

Humildad y búsqueda constante de aprendizaje

Hart enfatizó la necesidad de reconocer la propia ignorancia y pedir ayuda cuando sea necesario. Aseguró que no teme ser “el tonto en la sala”, porque considera que esa actitud le permitió acceder a conversaciones importantes, especialmente en el mundo de las inversiones y los negocios.

Según Hart, la información no es gratuita pero está disponible para quienes se atreven a admitir sus propias limitaciones. Invitó a los jóvenes a rodearse de personas que aporten perspectivas nuevas y que los motive a crecer.

Equipos, liderazgo y gestión empresarial

En su faceta empresarial, Hart reconoció la importancia de formar equipos sólidos y de aprender a delegar tareas. Explicó que el líder debe pasar por personas equivocadas antes de encontrar a las correctas, y que parte del crecimiento reside en saber confiar en otros y dejar de intentar controlarlo todo.

En el mundo corporativo aprendió a distinguir entre lo personal y lo profesional, asumiendo responsabilidad por los errores cometidos. Contó que antes firmaba contratos sin supervisión, confiando en otros, pero hoy prioriza una revisión profesional: no es desconfianza, recalcó, es una práctica de negocio.

El costo real del éxito

Hart admitió que el precio del éxito es el tiempo y que la ambición nunca se sacia del todo. Explicó que hoy en día busca crear espacios de silencio y priorizar lo verdaderamente importante.

Reconoció que el estrés es una constante en su vida, pero aclaró que aprendió a operar dentro de esa presión. “Lo que he aprendido es que necesito momentos de silencio, de desconexión”.

La carga de trabajo también afecta sus vínculos cercanos; a veces, la gente no comprende sus decisiones, y él aprendió a aceptar ese distanciamiento como parte de su realidad. Resulta indispensable saber poner límites para no quedar atrapado en ciclos interminables.

Consejos y visión a futuro

Al dirigirse a quienes inician en la comedia o en cualquier otro ámbito, Hart fue contundente: el dinero no llega rápido y quien espere resultados inmediatos probablemente abandone. Para él, el éxito se mide en el impacto positivo sobre otros y en el fortalecimiento de los lazos familiares.

Se imagina en el futuro disfrutando tanto de su oficio como de su familia: “Si en 10 años puedo sentarme en un club de comedia pequeño, disfrutar de mi oficio, jugar al golf y pasar tiempo con mis hijos y nietos, eso es éxito para mí”.

La charla con The Diary Of A CEO cerró con Hart seguro de que, tras años de esfuerzo, su mayor orgullo es haber consolidado el legado familiar y haber dado lo mejor de sí en cada etapa. “Mi mayor satisfacción es saber que fortalecí a mi familia y entregué lo mejor de mí en cada momento”.

El anuncio de que La Bea e Isra Punk planean casarse tras quince años de relación ha despertado un notable interés entre los seguidores de La Granja VIP.

La revelación, realizada por la propia participante durante el programa, no solo sorprendió a sus compañeros, sino que también motivó a la audiencia a indagar en la vida personal y profesional de ambos, especialmente en la figura de Isra Punk, quien ha sido un pilar fundamental en la trayectoria de la comediante.

Aunque Tania González, conocida como La Bea, inició su participación en La Granja VIP con un perfil bajo, su carisma y autenticidad la han convertido rápidamente en una de las favoritas del público.

Su popularidad en redes sociales, donde suma 234.000 seguidores en Instagram, se consolidó gracias a su contenido humorístico y su participación en proyectos como “La Isla”, “La culpa es de la Malinche” y “LOL: Last One Laughing”.

Antes de ingresar al reality, recorrió el país con su gira “Mi barrio me respalda”, lo que le permitió afianzar su presencia en la escena del stand up nacional.

El interés por conocer a Isra Punk creció a medida que la relación de la pareja se hizo más visible en el programa. Originario de Chalco, Estado de México, Isra Punk también ha forjado una carrera en la comedia, destacándose como standupero y generador de contenido junto a La Bea en redes sociales.

Según relató en una entrevista con Marlene Fernanda en YouTube, la música ha sido una constante en su vida desde la infancia, ya que proviene de una familia de músicos. Esta influencia le permitió dominar instrumentos como el teclado, el acordeón, el bajo, las percusiones y la guitarra.

La formación académica de Isra Punk incluye una licenciatura en Psicología, disciplina que marcó el inicio de su incursión en el stand up. Su tesis universitaria abordó el fenómeno de los Open mics, lo que le abrió las puertas al mundo de la comedia en vivo.

La relación con La Bea comenzó cuando ambos eran estudiantes y, desde entonces, han compartido quince años de vida en común. La influencer anunció recientemente que la pareja tiene previsto casarse el próximo año.

Durante una dinámica en La Granja VIP, La Bea se refirió a Isra Punk como una de las personas más significativas en su vida, lo que la llevó a emocionarse hasta las lágrimas al recordar el apoyo constante de su pareja.

En ese contexto, expresó: “Él me prende en todos los sentidos. Es una persona que amo infinitamente, llevamos 15 años juntos y es un amor que atesoro mucho porque recuerdo que los dos empezamos desde super abajo y es bonito ver para atrás y ver todo el crecimiento que hemos tenido juntos. Es una persona que me ha apoyado en todo, que me ha levantado en los momentos más difíciles, que me ha acompañado y que me encanta que de la nada me componga canciones, me hace reír mucho y siento que yo no sería la persona que soy sino tuviera su amor, su compañía, pero, sobre todo, las palabras de aliento”.

La historia de La Bea y Isra Punk ha trascendido el ámbito personal para convertirse en un ejemplo de crecimiento conjunto, tanto en lo profesional como en lo afectivo, consolidando a ambos como referentes dentro del mundo del stand up y las redes sociales.

El Auditorio Nacional de la Ciudad de México será el escenario donde Ricardo O’Farrill presentará por primera vez su espectáculo “Corto Circuito” el 16 de abril de 2026.

Este evento marcará el cierre de su gira internacional y el final de una etapa personal en la que el comediante ha abordado abiertamente su proceso de rehabilitación y recuperación de adicciones.

La función está programada para una sola noche, en la que O’Farrill compartirá con el público una historia que ha recorrido escenarios de Latinoamérica, Estados Unidos, Canadá y Europa.

La preventa de boletos comenzará el 29 de agosto, mientras que la venta general estará disponible a partir del 30 de agosto, tanto en Ticketmaster como en la taquilla del Auditorio Nacional.

“Corto Circuito” es un show basado en experiencias personales, donde el comediante relata su paso por clínicas de rehabilitación, el proceso de dejar atrás las adicciones y las lecciones aprendidas en ese trayecto.

La presentación en el Auditorio Nacional representa un cierre definitivo: tras esa noche, O’Farrill no volverá a abordar este tema en sus presentaciones, lo que convierte al evento en una oportunidad única para quienes han seguido su evolución artística y personal.

El propio O’Farrill ha destacado la importancia de este espectáculo en su vida.

“Este show cierra un capítulo de mi vida. Hablé de mi paso por clínicas de rehabilitación y de mi recuperación. Después de esta noche, eso queda atrás en el escenario”, expresó el comediante, subrayando el carácter irrepetible de la función y la decisión de dejar atrás públicamente esa etapa.

Con una trayectoria que abarca escenarios en México y el extranjero, O’Farrill se ha consolidado como una de las figuras más reconocidas del stand up en español. Sus especiales, como “Live From Pachuca”, “Ciudadano Mexicano”, “Ciudadano Mexicano Animado” y “Falacia”, han destacado por un humor directo y honesto, siempre cercano a la audiencia.

Además de sus giras y presentaciones internacionales, su presencia en plataformas digitales ha contribuido a transformar la manera en que se produce y disfruta la comedia en México.

O’Farrill, al mirar hacia atrás, reconoce que la vida no siempre sigue el plan previsto, pero cada experiencia le ha dejado aprendizajes que ahora busca compartir con su público en una noche que será recordada por su significado.

Las adicciones de Ricardo O’Farrill

Ricardo O’Farrill ha hablado públicamente sobre sus problemas de adicciones. Durante 2023, O’Farrill se convirtió en noticia tras realizar transmisiones en vivo en las que se mostró desinhibido y habló sobre su consumo de alcohol y drogas. Reconoció que el abuso de estas sustancias le afectó tanto en su vida personal como profesional.

Posteriormente, su familia reportó que la situación se volvió preocupante y, por recomendación médica, fue ingresado en una clínica de rehabilitación. En entrevistas y espacios digitales, O’Farrill ha confesado que el consumo de drogas y alcohol formó parte de la dinámica en el medio del entretenimiento, lo que incrementó sus problemas emocionales y generó diversos conflictos con colegas y familiares.

A partir de ese episodio, se ha mantenido alejado de escenarios y redes sociales por periodos prolongados para enfocarse en su recuperación.

Nikki Glaser ha dejado de ser únicamente una figura destacada en el circuito de stand-up para convertirse en una de las voces más influyentes y honestas de la comedia contemporánea. Tras un año repleto de logros —incluida su participación en el mediático roast de Tom Brady, la conducción de los Golden Globes y el estreno de su especial en HBO—, Variety la reconoció con el premio Creative Impact in Comedy 2025.

Este galardón llega en un período en el que Glaser no solo ha consolidado su carrera, sino que ha demostrado cómo la comedia puede ser una herramienta de transformación personal y profesional. La publicación destacó que la comediante ha alcanzado un impacto que trasciende los escenarios, marcando tendencia en la cultura pop y abriendo espacio para nuevas generaciones de humoristas.

Un reconocimiento a la autenticidad y evolución

El premio Creative Impact in Comedy de Variety no solo reconoce el talento de Glaser, sino también su capacidad para influir en la industria y el público. El medio señala que Glaser logró este reconocimiento después de un año de gran visibilidad, en el cual su autenticidad y su presencia mediática la han posicionado como referente. Según Variety, Glaser se transformó en una figura central del stand-up, combinando agudeza y una empatía poco frecuente en el género.

La distinción, que se entregará en 2025, celebra no solo los éxitos recientes de la comediante, sino también su trayectoria y su aporte a la evolución de la comedia. Variety remarcó que Glaser ha sabido reinventarse y adaptarse a los cambios de la industria, preservando siempre su voz y una ética de trabajo inconfundibles.

De St. Louis al estrellato: honestidad desde el inicio

Nacida y criada en St. Louis, Nikki Glaser se formó en un entorno donde la franqueza no siempre era bienvenida. Desde pequeña, destacó por expresar lo que pensaba, característica que le trajo problemas en su infancia, pero que terminó siendo la base de su carrera. “Creo que por eso me atrajo el stand-up, porque puedes decir la verdad. Lo que digo en el micrófono es la máxima rebelión por haber sido avergonzada de niña por decir lo que pensaba”, confesó Glaser, según Variety.

Su primer contacto con el stand-up ocurrió en la universidad, en un momento especialmente difícil. Animada por una amiga, participó en un showcase universitario, experiencia crucial para su futuro. “Cuando terminé, estaba llorando y le dije a mi papá: ‘Sé lo que quiero hacer. Quiero ser comediante’”, recordó Glaser. Ese instante marcó el comienzo de una carrera que pasó de pequeños escenarios a plataformas internacionales.

Durante su etapa universitaria, Glaser participó en el programa de competencia Last Comic Standing, llegando a las semifinales en la séptima temporada. Aunque pensaba que ese logro impulsaría su carrera de inmediato, la realidad fue distinta. “Pensé que las cosas iban a empezar a llegar, pero no fue así y tuve que volver a casa con mis padres”, relató.

Lejos de rendirse, siguió perfeccionando su arte en espacios pequeños hasta mudarse a Nueva York, donde lanzó el podcast You Had to Be There junto a Sara Schaefer, que luego derivó en el programa de MTV Nikki & Sara Live.

A lo largo de los años, Glaser participó en programas como Inside Amy Schumer y lideró su propio show, Not Safe With Nikki Glaser. Además, produjo varios especiales de stand-up; el más reciente, Nikki Glaser: Someday You’ll Die, se estrenó en HBO en mayo de 2024.

Un año de impacto: del roast de Tom Brady al liderazgo en grandes eventos

El 2024 representó un punto central en la carrera de Glaser. Su participación en el roast de Tom Brady para Netflix la llevó a otra dimensión popularidad. En solo 9 minutos, la comediante logró impactar a colegas y celebridades con una mezcla de ingenio y audacia, como detalló Variety.

Frases como “Pones el ‘ick’ en Ozempic” dirigida a Jeff Ross, o sus comentarios sobre Gisele Bündchen y el nuevo novio de la exesposa de Brady, se viralizaron y consolidaron su reputación entre los mejores roasters del momento.

Glaser reconoció el efecto de ese evento: “Tom Brady cambió mi vida. Al día siguiente, empecé a ver titulares, la gente me reconocía en todas partes. Fueron 20 años para convertirme en un éxito de la noche a la mañana”, declaró a Variety.

Robbie Praw, vicepresidente de stand-up y formatos de comedia en Netflix, elogió su performance: “Nikki es una de las mejores comediantes de stand-up del mundo. Y una de las mejores roasters que he visto”.

El efecto del roast superó la televisión. Nick Nuciforo, socio y jefe de giras de comedia en UTA, explicó que el equipo de Glaser estrenó su especial Someday You’ll Die el fin de semana después del roast, aprovechando el auge mediático. “Se convirtió en el centro de la cultura pop y su notoriedad se disparó”, afirmó Nuciforo a Variety.

A continuación, Glaser fue elegida para conducir los Golden Globes, consolidando así su estatus en la industria. Helen Hoehne, presidenta de los Golden Globes, aseguró: “Nikki era exactamente el tipo de presencia valiente, divertida y talentosa que buscábamos en una presentadora”.

El respaldo de la industria y la admiración de sus colegas

La trayectoria de Glaser no pasó desapercibida para sus colegas y figuras clave de la industria. Lisa Lampanelli, la “Queen of Mean”, subrayó la amabilidad y vulnerabilidad de Glaser: “Lidera con su corazón y su vulnerabilidad, y eso se nota”.

Esther Povitsky, también comediante, valoró la honestidad radical de Glaser: “Su compromiso con ser tan fiel a sí misma en público es lo que la hace una gran comediante. Lo que muchos ocultarían por vergüenza, ella lo comparte con el mundo, y eso convierte su trabajo en un servicio, en particular para las mujeres”.

Robbie Praw y Nick Nuciforo coincidieron en destacar la ética profesional de Glaser. “Vimos lo en serio que se tomaba su material y sabíamos que iba a robarse la noche”, comentó Nuciforo sobre su preparación para el roast de Brady. Alex Murray, socio de Brillstein Entertainment Partners y mánager de la comediante, remarcó: “Su vulnerabilidad combinada con una ética de trabajo increíble es lo que la separa de otras figuras del stand-up”.

Superación personal: la comedia como salvavidas

La vida de Glaser estuvo marcada por la lucha contra la anorexia y pensamientos suicidas. Abierta sobre sus dificultades, reconoció que la comedia fue clave para su recuperación. “La comedia me salvó la vida, y no es una hipérbole”, declaró a Variety.

Durante la adolescencia, sintió la presión de seguir dietas, lo que la llevó a una situación límite. “Lo más noble que podías hacer era no comer o seguir una dieta. Finalmente era buena en algo. Pero empezó a matarme”.

El período universitario significó un cambio decisivo. Aunque pensó que sería su final, fue donde, en su intento por hacer amigos, destacó por su sentido del humor. “Por primera vez, empecé a recibir comentarios sobre lo graciosa que era y que debería probar el stand-up”, recordó.

El apoyo de su familia, en un principio preocupada por su vida, resultó fundamental durante su recuperación y en el arranque de su carrera.

Sobre el escenario, Glaser transformó esa vulnerabilidad y honestidad en herramientas poderosas. “Quiero que la gente se divierta en mis shows. Me asombra que paguen tanto por verme. Lo peor que podría hacer es hacerlos sentir mal consigo mismos o faltarles al respeto. Ese es mi mayor miedo”, confesó.

Proyectos actuales y próximos desafíos

Actualmente, Glaser mantiene una agenda profesional intensa. Según Variety, la comediante celebró su show número 100 en la gira actual, y el año solo va por la mitad. En octubre grabará un nuevo especial en el Fox Theater de St. Louis, su ciudad natal, un evento que promete ser uno de los momentos más importantes de su carrera reciente.

Entre los proyectos en desarrollo, destaca una película para Paramount Pictures basada en el juego infantil MASH, en la que participará como protagonista, productora y coguionista. “Nikki es más que una comediante de stand-up: es un talento multifacético, valiente en todos los formatos y lista para triunfar en cada categoría”, afirmó Nuciforo.

Su mánager, Alex Murray, expresó el entusiasmo ante la incursión de Glaser en la gran pantalla: “Está escribiendo, produciendo y protagonizando varias películas que espero ayuden a revivir el género de la comedia en el cine”.

Un estilo directo y aspiraciones renovadas

El éxito de Glaser se explica, en parte, por su estilo frontal y capacidad de conectar con el público a través de la honestidad y la vulnerabilidad. Reconoce que la industria ha mostrado un interés creciente en su trabajo, permitiéndole acceder a nuevas oportunidades y disminuir la necesidad de audicionar. “Ahora estoy en una posición en la que la gente quiere desarrollar cosas a mi alrededor”, comentó a Variety.

Entre sus nuevas metas, Glaser expresó su deseo de sumarse al elenco de la serie The White Lotus, creada por Mike White, a quien admira tanto por su talento como por seguir sus pasiones. “Ese es el sueño. Estoy obsesionada con ese show, con Mike White. Solo quiero lanzarme a cosas que me ilusionen, sean lucrativas o no, o consideradas cool o no. Eso es lo mejor de este trabajo: te permite hacer cosas geniales que siempre soñaste hacer”.

Con una carrera en pleno auge, un premio de impacto y una agenda repleta de proyectos, Nikki Glaser se consolida como una de las figuras más influyentes y valientes de la comedia actual. Su historia evidencia que la honestidad y el trabajo constante pueden transformar vidas y abrir nuevas sendas en la industria del entretenimiento.

La grafóloga Maryfer Centeno, conocida por su trabajo en el análisis de escritura y su presencia en redes sociales, ha decidido incursionar en el mundo del stand-up comedy.

Según informó la revista TVNotas, la especialista en grafología está preparando un monólogo en el que abordará, con humor, las críticas y polémicas que ha enfrentado en su carrera.

La presentación, que se llevará a cabo en su propio espacio llamado Grafocafé, aún no tiene una fecha definida, pero se espera que ocurra en menos de un mes.

De acuerdo con lo publicado por TVNotas, Maryfer Centeno explicó que esta nueva faceta representa un desafío personal y una oportunidad para hacer catarsis a través del humor.

“Creo que una de las formas más inteligentes de desahogarte es a través del humor. Dicen que esto es de personas inteligentes. Se me antoja hacer cosas diferentes. Es un reto. Un desafío importante. También es catártico”, afirmó la grafóloga.

Un proyecto que nació de la inspiración y el aprendizaje

El interés de MaryFer Centeno por el stand-up surgió tras una conversación con el comediante Gon Curiel, quien fue invitado a su programa Grafos y gestos.

Según detalló la revista, durante ese encuentro, Centeno expresó su deseo de explorar nuevos horizontes y probar suerte en la comedia. Fue entonces cuando Curiel le sugirió tomar un curso de stand-up, lo que marcó el inicio de esta nueva aventura.

La grafóloga ha tomado este proyecto con seriedad y se encuentra preparándose con clases semanales. “Tomo clases los lunes de 7 a 10 pm”, comentó.

Además, explicó que el stand-up tiene puntos en común con el psicoanálisis lacaniano, una rama de la teoría freudiana que se enfoca en el inconsciente y las palabras. Para Centeno, esta conexión entre el humor y el análisis psicológico es fascinante, ya que ambos buscan liberar tensiones y explorar emociones.

Temas que abordará en su monólogo

MaryFer Centeno adelantó que su espectáculo incluirá temas relacionados con su especialidad, la grafología, y las percepciones erróneas que existen sobre esta disciplina.

Según explicó a TVNotas, muchas personas creen que la grafología tiene el poder de encarcelar a alguien, lo cual calificó como un mito. “Eso lo hacen los jueces. El grafólogo analiza un dibujo, una escritura, y describe qué es lo que ve en esos rasgos, que son una representación del inconsciente”, aclaró.

Sin embargo, el enfoque principal de su monólogo será el humor autocrítico. Centeno aseguró que se burlará de sí misma y de las críticas que ha recibido en redes sociales.

“Me han dicho: ‘Perra, charlatana, estafadora, voz de pito, hija de Cachirulo’. Hablaré hasta de mi amistad con la reina Isabel”, comentó con ironía.

Para la grafóloga, el objetivo es encontrar significado en las experiencias dolorosas y conectar con el público a través de la risa.

“Me voy a burlar de mí misma. Lo importante es encontrarle un significado al dolor, conectar conmigo. La risa es un gran motor”, expresó.

Maryfer Centeno, reconocida grafóloga y especialista en lenguaje corporal, ha decidido probar una nueva faceta de su carrera y explorar nuevos terrenos artísticos. La también influencer dio a conocer un anuncio que ha dejado intrigados a sus seguidores: se está preparando para debutar como comediante de stand up.

A través de sus redes sociales, Centeno compartió los detalles de este proyecto que, según ella, representa una forma de diversificar su trayectoria, además de una herramienta para poder aprender a reírse de sí misma.

En un video publicado en su cuenta de Instagram, Centeno adelantó que está tomando un curso de stand up con el reconocido comediante Gon Curiel, quien la está guiando para desarrollar su primera rutina en este género.

“Estoy preparando un curso, gracias Gon Curiel. Bueno, me está dando un curso de stand up porque estoy preparando mi propia rutina, lo cual me tiene sumamente contenta, sumamente emocionada”, explicó la grafóloga.

Para Maryfer Centeno, quien ha sido constantemente criticada en redes sociales durante los últimos meses, esta incursión en la comedia se traduce en la oportunidad de desmitificar su propia figura a través del humor.

“Por un lado, hacer catarsis componiendo con la enorme Emilia Vega y, por otro lado, poderme reír de mí misma con el gran Gon Curiel en este show de stand up el cual va a ser extraordinario. Yo le voy a echar todas las ganas del mundo, estoy muy contenta, ¿qué les puedo yo decir?”, reveló.

Pero este no es el único proyecto en el que Centeno está trabajando. En el mismo video, la influencer anunció que también está tomando clases de composición musical con Emilia Vega, como una forma más de liberar las emociones acumuladas a lo largo de su vida y carrera.

“Son dos anuncios: el primero es que estoy tomando clases de composición con Emilia Vega. Entonces quiero hacer como esa catarsis”, comentó.

Aunque es conocida por su firme análisis de lenguaje corporal y su habilidad para interpretar textos manuscritos, Centeno dejó claro que este nuevo rumbo no significa un abandono de su especialidad. Por el contrario, podría tratarse de un complemento que le permitirá conectar de manera distinta con su audiencia, quienes ahora podrán conocer una faceta completamente diferente de la profesional.

En redes sociales, la noticia generó reacciones diversas. Algunos de sus seguidores aplauden la versatilidad de la grafóloga, mientras que otros han expresado curiosidad sobre cómo integrará su característica forma de ser en sus rutinas de comedia.

Desde luego, otros comentaron nada más que críticas. Sin embargo, la grafóloga de las estrellas se mantiene positiva. Por ahora, la expectativa de la gran mayoría es conocer el resultado de la nueva faceta que mostrará la influencer, quien se prepara para subir el escenario y probar suerte en terrenos desconocidos para ella.

“Quiero reírme de mí misma”, concluyó Maryfer Centeno.

Tras obtener su título de abogado, Kristof descubrió que lo suyo no eran la jurisprudencia ni los tribunales, sino el humor: hacer reír a la gente. Los malentendidos culturales fueron su primer material. Bélgica y Argentina son dos mundos opuestos y él quedó atrapado en el medio. Se convirtió en un detallista observador de sus diferencias.

El belga alto y rubio que llegó con acento extranjero y hablaba muy poco español, terminó adoptando todas las mañas del porteño promedio. Aprendió a putear en el tránsito, a discutir sobre política en asados y a sufrir con el fútbol aunque no tenga un equipo favorito. El humor fue su pasaporte definitivo. Con él logró sortear barreras idiomáticas y explicar su historia de la única manera en la que tiene sentido: riéndose de sí mismo.

En Buenos Aires, Kirstof se enamoró dos veces: primero de su exesposa y luego de su ex pareja, con quien tiene dos hijas de 4 y 7 años. Y aunque ninguna de esas relaciones funcionaron, la relación con Argentina se mantuvo. “Uno puede divorciarse de una persona, pero no de un país, Y Argentina, con todos sus quilombos, ya es parte de mí”, aseguró.

“Me separé, me reinventé y, antes de darme cuenta, ya estaba puteando en el tránsito, comiendo medialunas de parado y discutiendo sobre si Racing tiene más historia que Independiente”, ironizó con humor sobre su cotidianeidad.

“Vivir en Argentina me enseñó muchas cosas, pero la más importante: el amor va y viene, pero la argentinidad se te mete en la sangre y no hay divorcio que la saque”, afirmó con convicción.

Cuando conoció a Victoria, en 2002, Kristoff extendió su estadía de cinco meses a catorce. Volvió a Bélgica, pero al poco tiempo regresó por ella. Se casaron en abril de 2005 y aunque probaron de vivir allá, con la excusa de que ella realizara un posgrado y que él organizara viajes para europeas en Argentina, terminaron otra vez instalados en Buenos Aires. “Mi idea era que le gustara y nos quedáramos más tiempo, pero después de un año quiso volver”, explicó.

Mientras él seguía trabajando en sector turístico, donde oficiaba de guía para extranjeros, buscó alternativas para vencer su miedo a hablar en público, lo que lo llevó a inscribirse en un curso de stand up comedy. “Vi un cartel en un árbol en Palermo y pensé que podía ayudarme con el miedo a hablar en público”, recordó Kristoff, quien en ese momento manejaba contingentes de hasta 30 personas.

“Para la segunda clase, la profesora nos había pedido llevar algo escrito: un chiste, una historia o alguna anécdota graciosa. Yo escribí sobre algo que siempre me había llamado la atención en Argentina: cuando sube una anciana al colectivo, las chicas jóvenes gritan pidiendo un asiento. Nunca había visto algo así en Bélgica ni en otro país. Me parece una actitud genial. Hablé de eso en el escenario. Fue una historia larguísima, pero al final se rieron”, contó el belga al descubrir que quería dedicarse a hacer stand up para entretener a la gente. Así fue como arrancó con sus primeros shows.

Sin embargo, en 2009, cuando el matrimonio con Victoria llegó a su fin, Kristoff se mudó nuevamente a Bélgica. Pero todo empeoró al encontrar dificultades para conectar con el público desde el humor. “Allá no tenía el mismo impacto hablar de ser extranjero”, contó.

Pasé tres años en Bélgica recorriendo el circuito de los “open mic” y la experiencia no fue para nada gratificante. Ni trabajando ni en el plano personal. Socialmente, era un caso aparte. “Cuando alguien en Bélgica a los veinte años persigue el sueño de vivir del arte, es algo simpático. A los treinta años, con un título de abogado encima, ya pasaba a ser un rarito. Además, no me acostumbraba a vivir de vuelta en Bélgica. Era el típico caso de alguien que había vivido años en otro país y ya no se sentía en casa en ningún lado”, admitió.

Por eso, en 2014, decidió regresar a Argentina y continuar con su carrera humorística. Tiempo después, conoció a Marina en el ambiente artístico, con quien tuvo dos hijas y empezó a ganarse la vida de lo que realmente le gustaba.

Su primera participación en el programa “Bendita TV”, de Canal 9, le dio un empujón importante, y el primer año vivió principalmente de shows en cumpleaños, casamientos y empresas. Y en septiembre de ese año, estrenó su primer unipersonal llamado “Un belga en Argentina”, todos los jueves en el Paseo la Plaza.

Con el tiempo pasó a hacer hasta cinco shows por semana y, aparte de ser comediantes, junto a Marina se convirtieron en productores. “Fue la primera vez en mi vida que sentí que vivía de algo que realmente me gustaba hacer”, recordó.

Así fue surgiendo la idea de abrir su propio teatro. Ese sueño lo cumplieron en 2018 cuando inauguraron Stand Up Club en el barrio porteño de Recoleta. Hoy, a pesar de estar separados tras ocho años de relación, ambos siguen trabajando juntos y protagonizan el espectáculo “Sí, mi amor”, un show de stand up sobre relaciones de pareja.

En ese mismo teatro, Kristof creó un espacio para dedicarse a la docencia. “Enseño a otros a transformar sus ideas en risas y a encontrar su propia voz en el escenario”, contó.

Después de casi 20 años en Argentina y varios intentos fallidos para volver a instalarse en Bélgica, la pregunta sigue siendo la misma: “¿Por qué sigo acá?”. Y así lo explicó: “Dicen que el argentino nace donde quiere, y siento que, en muchos aspectos, soy más argento que el dulce de leche”.

Kristoff está convencido de que más allá de todas complejidades y desafíos, Argentina sigue siendo el lugar donde puede avanzar, crecer y seguir impresionando, tanto en el escenario como fuera de él.

La separación de Marina, lejos de apagar su chispa, le dio más material. Sus reflexiones sobre la paternidad, la vida de soltero y los absurdos de la adultez se convirtieron en parte fundamental de sus monólogos y de su último libro, que acaba de estrenar esta semana. “Cuando te divorciás en Argentina, pensás: ‘Nunca va a encontrar a alguien como yo’. Y después te enterás de que te cambió por uno que sí sabe bailar tango”, bromeó.

Tras cuatro años de éxito con“Sí, mi amor”, y más de 400 funciones, el belga y su ex continúan haciendo humor con sus observaciones sobre la idiosincrasia argentina. “No hay mejor manera de entender un país que aprender a reírse de él”, concluyó Kristoff.

El creador de contenido nació en el Perú y, aunque hoy en día es un referente en el mundo digital, su trayectoria no comenzó en las redes sociales. Oscar Tito es ingeniero químico de profesión y ejerció en su campo durante varios años, pero su verdadera vocación siempre estuvo ligada a la comedia. En una conversación con Renzo Schuller en su canal de YouTube, reveló cómo fue su transición hacia el entretenimiento y el impacto que ha tenido en su vida.

De la química a la comedia: el giro en su carrera

Oscar Tito estudió ingeniería química porque le fascinaban las reacciones y procesos científicos. Sin embargo, mientras avanzaba en su carrera profesional, descubrió que su verdadera pasión estaba en hacer reír a los demás.

Durante el 2018, cuando realizaba sus prácticas profesionales, un jefe le sugirió que probara suerte en el mundo de la comedia. Esta idea quedó en su mente y, tras la cuarentena por la pandemia, decidió inscribirse en un curso de stand-up. Con el tiempo, sus rutinas se volvieron cada vez más sólidas y comenzaron a atraer público.

A pesar de su crecimiento en el escenario, no abandonó su carrera de ingeniero. Según contó, la modalidad de trabajo remoto le permitió continuar en su profesión mientras desarrollaba su faceta humorística. “El home office me dio la oportunidad de combinar ambas cosas”, explicó.

Ascenso en redes sociales y el uso del humor en la publicidad

El camino de Oscar Tito en las plataformas digitales comenzó con videos de comedia, pero con el tiempo descubrió una forma innovadora de hacer publicidad. Sus clips se caracterizan por una narrativa humorística que hace que las promociones sean atractivas para la audiencia. Esta estrategia le ha permitido colaborar con negocios de distintos rubros, desde gastronomía hasta gimnasios.

En la actualidad, cuenta con más de 187 mil seguidores en TikTok, 103 mil en Instagram y más de 7 mil en YouTube. Su estilo espontáneo y cercano ha sido clave en su crecimiento. “Mi objetivo es que la gente disfrute la publicidad, que no la sienta forzada”, indicó en una entrevista con el portal Los Andes.

Uno de sus videos más virales es una reseña de un restaurante en la que parodia a los clientes más comunes. Esta manera de presentar los negocios ha generado que muchas marcas busquen su colaboración para atraer público de forma orgánica.

El impacto de la comedia en su vida personal

Más allá del éxito en redes, Oscar Tito considera que la comedia ha sido una herramienta de autoconocimiento y crecimiento personal. A los 25 años, decidió hacer pública su orientación sexual y aseguró que el humor tuvo un papel fundamental en este proceso.

A pesar de haberse convertido en un referente digital, no ha dejado de lado su pasión por el stand-up. En paralelo a su contenido en redes, sigue presentándose en espectáculos en diferentes ciudades del Perú. “Nunca voy a dejar de hacer comedia en vivo, es lo que me mantiene conectado con el público”, comentó.

El futuro de Oscar Tito en la creación de contenido

Con un crecimiento constante en redes, el creador de contenido ha manifestado su interés en explorar nuevos formatos para seguir en contante innovación. Si bien el marketing digital ha sido una pieza clave en su desarrollo profesional, también busca ampliar su presencia en el mundo del entretenimiento. “Me encantaría hacer algo en televisión o llevar mi show a más lugares”, dijo en su entrevista con Los Andes.

Su capacidad para mezclar el humor con la publicidad ha demostrado ser una estrategia efectiva, y con su creatividad aún marca tendencia en el ecosistema digital. Mientras tanto, su público sigue creciendo y espera ver cuál será su próximo paso en la industria del entretenimiento.

La cantante Madonna sorprendió al público con una inesperada incursión en la comedia stand-up en el Comedy Cellar, uno de los clubes más emblemáticos de Nueva York. La artista subió al escenario el pasado sábado 25 de enero tras la actuación de su amiga y comediante Amy Schumer, ofreciendo un monólogo de media hora.

De acuerdo con una fuente citada por el medio británico, la audiencia quedó “tan atónita” con la presencia de Madonna que “les tomó todo el set acostumbrarse a ella”. La misma fuente agregó: “No lo hizo tan bien como se podría pensar, pero lograba risas cada vez que soltaba una grosería, porque escuchar a Madonna maldecir es gracioso”.

El interés en la comedia y el apoyo de Amy Schumer

Tras la presentación, Schumer compartió en redes sociales una selfie con Madonna en una mesa reservada exclusivamente para comediantes del Comedy Cellar. La comediante también habló sobre la experiencia en The Howard Stern Show, destacando la dedicación de la estrella pop. “Ella tiene algo dentro que la hace interesarse en el stand-up, y sabe que, como cualquier otra cosa, hay que trabajar muy duro en ello”, dijo Schumer.

Schumer reveló que ambas han visitado el club “varias veces”, incluyendo una ocasión en 2017, cuando Madonna ya había intentado un número similar. Esta vez, “ella dijo: ‘Quiero subir. Tengo cosas que quiero expresar’”.

Según la comediante, Madonna se presentó con un cuaderno de notas y grabó su propio monólogo para revisar posibles mejoras. “No es vergonzoso. Es graciosa. Tiene chistes, tiene cosas que decir. Tiene ‘tea’”, aseguró, usando la jerga inglesa para referirse a información jugosa o polémica.

No es la primera vez que Madonna expresa su interés en la comedia. En 2015, participó en The Tonight Show Starring Jimmy Fallon, donde realizó un monólogo de tres minutos ante la audiencia del programa.

Críticas al gobierno y éxito en la música

Más allá de su incursión en la comedia, Madonna ha seguido siendo una figura mediática activa. Esta semana, criticó al gobierno de Estados Unidos en una publicación de Instagram, acusándolo de estar “desmantelando lentamente todas las libertades por las que hemos luchado”, en referencia a una serie de órdenes ejecutivas firmadas por Trump que afectan a inmigrantes y personas transgénero.

En el ámbito musical, su gira Celebration Tour fue una de las diez más lucrativas de 2024, con múltiples fechas agotadas, incluidas varias noches en el O2 Arena de Londres. Su espectáculo inaugural recibió una calificación de cinco estrellas de NME, que lo describió como “una serie de espectaculares puestas en escena que hacen referencia a momentos icónicos del reinado de Madonna”.

Además, la cantante insinuó en diciembre que lanzará nueva música en 2025, lo que marcaría su primer álbum de estudio desde Madame X (2019). Para su tour de grandes éxitos, volvió a colaborar con el productor Stuart Price, quien recordó en declaraciones a The Sun: “Cuando anunció la gira, la llamé para felicitarla y ella me dijo: ‘Justo estaba pensando en ti, eres la persona perfecta para trabajar en esto’”.

Un nuevo documental sobre Madonna

En paralelo, Sky ha aprobado un nuevo documental titulado Becoming Madonna, que ofrecerá “una perspectiva fresca sobre un ícono perdurable”, según un comunicado de la compañía. Según Deadline, el filme relatará el ascenso de Madonna hasta convertirse en “la mayor estrella femenina del pop en la historia”, a través de imágenes raras, fotos inéditas y entrevistas íntimas con familiares, amigos y colaboradores, algunos de los cuales nunca han hablado en un documental antes.

Entre la comedia, la música y un próximo documental, Madonna sigue demostrando su capacidad de reinventarse y mantenerse relevante en la industria del entretenimiento.

Ken Flores, artista estadounidense de stand-up comedy, falleció este martes a los 28 años. Aunque inicialmente los familiares se reservaron compartir la causa del fallecimiento, luego confirmaron a TMZ que se trató de un paro cardíaco.

Ken Flores, nacido como Kenyi Flores en Chicago, perdió la vida en su hogar de Los Ángeles. De acuerdo con el informe de TMZ, un acompañante llamó a servicios de emergencia y le practicó resucitación cardiopulmonar (RCP) tras el colapso repentino.

Aunque los paramédicos llegaron rápidamente al lugar, el comediante ya no tenía signos vitales. Fue declarado muerto en la escena. De acuerdo con los medios, las autoridades a cargo del caso no sospechan de violencia o delito en relación a su fallecimiento.

Ken Flores comenzó su carrera en el humor sacándole provecho a las plataformas digitales. A lo largo de su juventud, fue un activo creador de contenido en YouTube, donde sus videos se hicieron virales en WorldStarHipHop, una plataforma de videos populares en línea.

A los 22 años, mientras trabajaba en un banco de la ciudad de Aurora, Flores decidió probar suerte en el stand-up, un género que lo atrapó desde su primer intento.

En una entrevista de 2023 con The Comedy Gazelle, Flores describió su primera experiencia sobre el escenario como un momento crucial de su vida. “Si consigues ese primer gran aplauso, te pica el bicho del stand-up y te vuelves adicto”, comentó. “Desde que subí por primera vez, no pude parar”.

Después de esa primera presentación en el Comedy Shrine de Aurora, Flores se entregó por completo a la comedia. Se hizo conocido en la escena de Chicago y comenzó a viajar por todo el país, actuando en lugares emblemáticos como Zanies Comedy Club y el Hollywood Improv.

El artista emergente estaba en medio de su primera gira nacional, el Butterfly Effect Tour. Las presentaciones comenzaron en Portland el 10 de enero de 2025 e iban a extenderse hasta abril, con paradas en ciudades como Nashville, Philadelphia, Austin y San Diego.

En una de sus entrevistas, Flores reveló sus aspiraciones para el futuro. “Quiero hacer giras por el resto de mi vida, escribir material nuevo y hacer que la gente sea feliz”, expresó.

“Hay mucha gente como yo alrededor del mundo que piensa como yo, y simplemente no tenemos una voz”, agregó, destacando la falta de representación de su trasfondo latino en la comedia mainstream.

“Hay comediantes latinos como Gabriel Iglesias, pero él no es como yo. No creció en un barrio difícil, no fue adicto a las drogas. Él no habla por mí. Pero hay muchas personas a las que puedo representar”, explicó.

En las redes sociales, varios de sus amigos y compañeros de profesión compartieron mensajes de despedida y tributo. El Hollywood Improv, uno de los clubes más importantes de Los Ángeles, rindió homenaje a Flores con un conmovedor mensaje en Instagram.

“Tuvmos el honor de compartir tu talento en nuestros escenarios. Fuiste grande, y solo era cuestión de tiempo hasta que el mundo entero lo viera. También eras amable y un tremendo amigo para todos los afortunados que te conocieron. Te amamos, Ken, gracias por todas las risas”, escribieron en su cuenta oficial.

Comediantes como Pedro Herrera, René Humberto Valdiviezo y Neema Naz también expresaron su dolor. Herrera comentó: “Una estrella — nos vemos al otro lado, hermano 💫 🕊️”, mientras que Valdiviezo, con quien Flores compartió escenarios, publicó: “Mi hermano, fue una bendición conocerte y compartirte con el mundo. Cambiaste mi vida. Tenías tanto por hacer. Mi corazón duele por todos los que tuviste que dejar atrás.”

Dope as Usual podcast, un popular programa de comedia, también lamentó su partida. “Estamos absolutamente destrozados por la noticia del fallecimiento de nuestro buen amigo Ken Flores. Ken fue verdaderamente una de las personas más divertidas del planeta, un increíble contador de historias y un gran amigo.

En un mundo donde el humor suele traspasar límites para captar la atención del público, Nate Bargatze ha encontrado un camino diferente, pero igualmente efectivo: la comedia limpia y familiar. Con un estilo sencillo y accesible, Bargatze logró consolidarse como una de las figuras más importantes del stand-up actualmente, convirtiéndose en el comediante con mayores ingresos en taquilla, según la revista Pollstar.

Su reciente participación como anfitrión de Saturday Night Live en el otoño de 2023 fue un punto de quiebre en su carrera. “Nos disparó como un cohete”, comentó Bargatze a The Hollywood Reporter sobre la experiencia que le dio una visibilidad sin precedentes. Desde entonces, no ha parado: lanzó su tercer especial de stand-up en Netflix, lideró un espectáculo navideño producido por Lorne Michaels para CBS y fue elegido como uno de los invitados especiales para la transmisión de NFL Christmas Gameday.

A pesar de su creciente éxito, Bargatze se mantiene fiel a sus gustos simples y accesibles. Es un amante declarado de la comida rápida, especialmente de McDonald’s y los Blizzards de Dairy Queen, dulces que a menudo menciona en sus rutinas. Su humor también refleja su fascinación por la cultura suburbana: las cadenas de tiendas, los vecindarios tranquilos y los maratones de películas clásicas en televisión.

Además, disfruta de uno de los pasatiempos más representativos de esta vida suburbana: el golf. Aunque su swing no siempre es el mejor, Bargatze lo practica regularmente. Durante una jornada reciente en el club exclusivo Troubadour, en Tennessee, bromeó sobre sus errores en el campo mientras equilibraba su apretada agenda, que incluye grabar podcasts y liderar reuniones para su productora.

Mientras nombres como Dave Chappelle o Ricky Gervais apuestan por un humor más arriesgado y divisivo, Bargatze se ha ganado un lugar al ofrecer contenido familiar y universal. En un momento en que el stand-up busca constantemente polémica, su estilo sencillo es un soplo de aire fresco que conecta con una audiencia más amplia.

Un camino marcado por oportunidades fallidas

A pesar de su éxito actual, el camino no siempre fue sencillo. Hace una década, Bargatze intentó abrirse paso en la televisión con un piloto de sitcom producido por Jimmy Fallon, proyecto que él mismo consideraba “su gran oportunidad”. Sin embargo, la serie nunca vio la luz.

“Pensé que sería un cambio de vida, pero ahora me alegra que no haya funcionado”, reflexionó Bargatze con The Hollywood Reporter. Aquel fracaso, lejos de detenerlo, lo ayudó a enfocarse en su verdadera pasión: el stand-up.

Otro golpe importante fue su audición para The Daily Show, donde quedó finalista junto a Jordan Klepper. “Era un desastre, terrible”, admitó Bargatze con humor sobre su desempeño. Estas experiencias, lejos de desanimarlo, lo llevaron a permanecer fiel a su propio estilo. En un momento en que el stand-up favorecía la irreverencia y los temas polémicos, Bargatze decidió evitar el contenido divisivo y apostar por la observación de lo cotidiano.

Comedia para todos: el sello de Nate Bargatze

Mientras que muchos comediantes apuestan por un humor más provocador o político, Bargatze se mantiene firme en su estilo limpio y accesible. Desde sus inicios, ha tenido un objetivo claro: hacer reír a todos. Bargatze hizo de lo cotidiano el núcleo de su comedia. Desde anécdotas sobre pedidos por DoorDash hasta las peculiaridades de vivir en los suburbios, su humor encuentra gracia en las absurdidades que todas las personas comparten.

“Quiero ser para todo el mundo. Esa es la meta”, aseguró el comediante a The Hollywood Reporter. Su estilo, lejos de ser restrictivo, conecta con audiencias diversas, lo que refleja su interés por ofrecer comedia que pueda disfrutarse sin generar incomodidad.

Bargatze, quien fundó su propia compañía de entretenimiento familiar, Nateland Entertainment, entiende que la comedia puede ser universal sin necesidad de alienar a nadie. Esta filosofía lo diferencia de otros grandes nombres del género y lo posiciona como una figura auténtica y refrescante dentro de la industria.

Sus especiales en Netflix: éxito global

Los especiales de Nate Bargatze en Netflix fue una parte clave de su ascenso meteórico. Con títulos como The Tennessee Kid y Greatest Average American, Bargatze aumentó su base de seguidores, logrando que su comedia llegue a millones de personas en todo el mundo.

La plataforma permitió que el humor ingenioso y familiar de Bargatze brillara, destacando su habilidad para transformar situaciones simples en anécdotas divertidas y universales. Su éxito radica en conectar con una audiencia diversa mediante un estilo amable y observador, sin recurrir a temas polarizantes y alejándose de las polémicas o los extremos que dominan la comedia actual. Esto lo consolidó como una de las figuras más relevantes del stand-up contemporáneo.

Del stand-up al cine: el próximo paso

A sus 45 años, Nate Bargatze no solo domina los escenarios, sino que también mira hacia el futuro con proyectos en cine. Su comedia The Breadwinner, desarrollada junto a TriStar, será su primer gran salto a la pantalla grande, donde coescribirá y protagonizará la historia.

Inspirado por producciones como las de Happy Madison, Bargatze apuesta por un contenido que pueda disfrutarse en familia. “Empiezo en PG. Tal vez PG-13, pero necesito saber por qué”, comentó a The Hollywood Reporter.

Aunque el mundo del cine aún lo desafía, sus intentos pasados con audiciones lo dejaron con un sabor amargo, Bargatze decidió crear sus propias oportunidades y mantenerse fiel a su estilo.

En una industria saturada de humor rápido y a veces divisivo, Nate Bargatze emergió como una alternativa fresca, cercana y auténtica. Su comedia, construida sobre la observación de lo cotidiano y libre de polémicas, no solo lo convirtió en el comediante con mayores ingresos en taquilla, sino también en un nombre que empieza a resonar con fuerza fuera de Estados Unidos.

Con nuevos proyectos en el horizonte y un estilo que conquista sin ofender, Bargatze está demostrando que no se necesitan excesos para ser el comediante del momento. Su éxito, como su comedia, es un recordatorio de que a veces lo más simple puede ser lo más efectivo.

El próximo 5 de enero de 2025, la comediante y actriz Nikki Glaser asumirá uno de los mayores retos de su carrera: ser la anfitriona de los Globos de Oro. La ceremonia, que será transmitida en CBS, marca un nuevo capítulo en la historia del evento tras el fracaso del año anterior, cuando Jo Koy recibió críticas generalizadas por un monólogo que no conectó con la audiencia.

Preparación a toda marcha

Desde finales de agosto, cuando se anunció su participación, Glaser se sumergió en un régimen riguroso de ensayos y escritura. Durante más de tres semanas, trabajó en clubes de comedia en Nueva York, Los Ángeles, y pequeñas localidades como Vermont y New Hampshire. Cada noche, realiza hasta cuatro presentaciones para probar y ajustar su material. “No habrá un solo día en que pueda decir ‘debí trabajar más’”, asegura con firmeza en diálogo con Vanity Fair.

Glaser siente que fue la elección correcta y espera que su monólogo deje huella, tanto en la sala llena de celebridades como en los millones de espectadores en casa. “Quiero que sea uno de esos momentos icónicos que se comparten y recuerdan”, afirma, refiriéndose a anfitriones legendarios como Tina Fey, Amy Poehler y Ricky Gervais.

El equilibrio entre humor y crítica

Uno de los mayores desafíos para Glaser será conectar con públicos muy distintos. Por un lado, debe cautivar a los asistentes en la sala, compuesta por grandes figuras de Hollywood, y por otro, entretener a una audiencia global. Este equilibrio es clave, ya que una mala recepción en el lugar podría reflejarse negativamente en los espectadores en casa.

“En Nueva York o Vermont, algunas películas como Emilia Pérez o Conclave no son tan conocidas”, admite. Para Glaser, es esencial educar al público sobre los contenidos menos populares sin perder la chispa humorística. Sin embargo, reconoce que referencias más universales, como Wicked o el escándalo de criptomonedas Hawk Tuah, suelen resonar mejor.

El tono también será crucial. Aunque reconoce que el público general disfruta de un humor mordaz hacia las celebridades, Glaser prefiere evitar la crueldad gratuita. “Quiero que sea una ocasión festiva y que nadie esté nervioso por lo que voy a decir”, asegura.

La carga de la controversia

Los Globos de Oro estuvieron en el ojo del huracán en los últimos años, tanto por decisiones controvertidas de sus anfitriones como por críticas a la institución misma. Glaser, sin embargo, se muestra agradecida por la oportunidad. “Confían en mí para manejar este equilibrio, y eso significa mucho”, explica.

Al hablar de los anfitriones recientes, Glaser reconoce las dificultades de Jerrod Carmichael y Jo Koy, pero señala a figuras como Fey, Poehler y Meyers como ejemplos a seguir. Su meta es que el monólogo combine humor revelador y crítica social con un ambiente festivo que deje al público pidiendo más.

Un año personal importante

Además de ser la anfitriona, Glaser está nominada en la categoría de mejor actuación en stand-up televisado. Sin embargo, asegura que esta nominación es secundaria. “Si pierdo, será un momento gracioso que aprovecharé en el escenario”, comenta con humor.

Por otro lado, su experiencia personal como una persona sobria desde hace 10 años también juega un papel importante. A pesar de que los Globos son famosos por ser un evento lleno de celebraciones y copas, Glaser no considera su sobriedad una desventaja.

Expectativas y legado

Para Glaser, el éxito no radica únicamente en las risas que pueda generar, sino en el impacto duradero de su actuación. “Espero que las personas quieran verme hacerlo de nuevo”, dice, pensando en la posibilidad de futuros eventos.

Al final de la noche, su objetivo personal será disfrutar del after-party, algo que solo hará si siente que cumplió con su misión. “Si no me ven ahí, sabrán que no fue una buena noche para mí”, bromea.

La comediante está lista para enfrentarse a uno de los escenarios más grandes del mundo. Con meses de preparación y una visión clara de lo que quiere lograr, Nikki Glaser promete un espectáculo que podría redefinir el rol del anfitrión en los Globos de Oro y, tal vez, dejar un legado imborrable en la industria del entretenimiento.

La estrella de cine y comediante Jamie Foxx compartió detalles sobre la emergencia médica que lo llevó al hospital en abril del año pasado, a través de un espectáculo unipersonal titulado “One More Chance: An Evening with Jamie Foxx” en Atlanta.

Foxx, de 56 años, expresó su gratitud en una publicación de Instagram el 14 de octubre, describiendo la experiencia de contar su historia como algo que llenó su corazón y alma de “pura alegría”.

El show de stand-up, que tuvo lugar los días 3, 4 y 5 de octubre, no solo fue su primer espectáculo desde la hospitalización, sino también su primera actuación en vivo en 18 años.

“No he estado en el escenario en 18 años, pero necesitaba el escenario y necesitaba un público que se compone de nada más que puro amor y eso es lo que eran”, escribió.

El ganador del Oscar describió el espectáculo como una “explicación artística” de algo que “salió terriblemente mal”. Aunque no reveló detalles específicos sobre su condición médica, Foxx agradeció efusivamente al Hospital Piedmont de Atlanta por permitirle recuperarse y volver a actuar.

Jamie Foxx fue hospitalizado durante un rodaje

La emergencia médica ocurrió en abril de 2023 mientras Jamie Foxx se encontraba filmando la comedia de acción de Netflix De vuelta a la acción junto a Cameron Diaz, cuyo estreno está programado para enero de 2025.

Dicho incidente interrumpió abruptamente la producción y generó una ola de preocupación en la industria del entretenimiento y entre sus fans.

En julio, el actor fue grabado mencionando algunos detalles sobre el incidente. Jamie recordó haber tenido un fuerte dolor de cabeza y haber pedido un Advil a un amigo antes de “desaparecer durante 20 días”, afirmando que no recordaba nada de ese período.

La hospitalización de Foxx en abril generó una intensa especulación y preocupación en los medios y entre sus seguidores.

Fue dado de alta en mayo y comenzó a hablar sobre lo sucedido en las redes sociales en los meses siguientes, aunque manteniendo un aire de misterio sobre los detalles específicos.

Su reaparición pública se produjo en diciembre, y a principios de este año anunció su intención de realizar este espectáculo sobre su emergencia médica.

En el Almuerzo de Premios de Logros Especiales de la 7ª Asociación Anual de Críticos de Cine Afroamericanos, Jamie Foxx anticipó que abordaría lo ocurrido “a su manera”, respondiendo al interés general por conocer los detalles de su experiencia.

El espectáculo “One More Chance: An Evening with Jamie Foxx” incluyó una variedad de elementos artísticos, combinando stand-up comedy, monólogos y números musicales.

Las fotos compartidas por Foxx en sus redes sociales muestran momentos emotivos en el escenario, incluyendo una imagen donde aparece sentado frente a un piano, demostrando sus habilidades para la música.

Otra imagen captura un momento conmovedor donde observa a su hija de 16 años, Anelise, tocando la guitarra eléctrica, lo que sugiere que el espectáculo también tuvo un componente familiar y personal.

La publicación en su perfil oficial de Instagram recibió numerosas respuestas positivas de figuras prominentes de la industria del entretenimiento.

El productor musical Breyon Prescott describió el espectáculo como “una de las cosas más asombrosas que he presenciado en mis más de 30 años en este negocio”.

Por su parte, el rapero Busta Rhymes felicitó al artista de Hollywood, expresando que “había sido extrañado por muchos”, reflejando el cariño y respeto que el actor goza en la comunidad artística.

Aunque los detalles específicos de la condición médica de Jamie Foxx siguen siendo escasos, su regreso a los escenarios y su disposición a compartir su experiencia han sido bien recibidos por sus colegas y seguidores.

El actor continúa manteniendo cierta reserva sobre los detalles exactos del pasado incidente, optando por abordar el tema a través de su arte y en sus propios términos.

En una emocionante culminación del concurso Open MIXX, Erik Zamora se proclamó como el ganador de la primer temporada. Destacándose entre importantes figuras de la comedia en México, en un evento marcado por una competencia reñida pero amistosa.

El comediante que es psicólogo y orgulloso miembro de la comunidad LGBT+ conquistó al público con su carisma y habilidad única para interactuar con la audiencia. El evento final, que contó con la participación de invitados especiales como José Eduardo Derbez y Kike Vázquez, está disponible para disfrutar en la plataforma VIX.

¿Cómo fue el paso de Erik por el concurso?

Erik Zamora emergió victorioso entre diez talentosos comediantes que participaron a lo largo de cinco rondas competitivas, donde cada uno tuvo la oportunidad de mostrar su destreza en el stand-up. Adrián Mondragón, Pedro Vargas, Taymy, Ferras, Mau Juárez, Jey Aderith, Jorge Zepeda, Ro Herrero y Coral Echeverría fueron los demás concursantes de este programa.

Los premios ofrecidos incluyeron un curso de stand-up en el extranjero y una suma monetaria, incentivando el desarrollo del talento emergente.

Desde que inició el concurso, Faisy fungió como el conductor, junto con los entrenadores Alexis De Anda, Manu Nna, Daniel Sosa y el juez de hierro El Cojo Feliz. Personalidades invitadas como Carlos Ballarta, Herly RG, Poly Díaz y Alexa Zuart también contribuyeron a elegir al vencedor.

La competencia culminó con Adrián Mondragón en segundo lugar y Pedro Vargas en tercero, destacándose todos ellos por sus rutinas que reflejaron la clave del éxito en la comedia: ser auténtico. La colaboración de comediantes experimentados como Ray Contreras y Kike Vázquez proporcionó una cátedra invaluable a los concursantes, reflejando el espíritu de compañerismo y apoyo en la comunidad de la comedia mexicana.

La temporada completa del show, que ha dejado una marca indeleble en el paisaje de la comedia nacional, ya se encuentra disponible en VIX para aquellos que deseen revivir los momentos más emocionantes del concurso.

El comediante mexicano Franco Escamilla regresa a las batallas de rap con su nuevo evento titulado King Of Funny. El cerebro detrás del innovador formato traerá de nueva cuenta un evento estelarizado por los freestylers más reconocidos en la escena nacional, así como talento extranjero.

La diferencia con otras presentaciones se da gracias a la presencia de comediantes mexicanos pertenecientes al mundo del Stan-Up. El espectáculo donde se medirán los comediantes contra MC´s consagrados promete estar lleno de ingenio, risas, gritos y sobre todo, barras.

Quiénes participarán en King of Funny

Los participantes confirmados, así como el cruce de enfrentamientos, quedará divido de la siguiente manera:

• Ciudad de México

Ztcima vs Ricardo Pérez

El competidor de FMS México recordado por su espectacular minuto contra Kaiser en la contienda internacional de Freestyle Master Series de 2019 llega para medirse contra el famoso conductor de La Cotorrisa, quien ha reconocido en varias ocasiones su admiración hacia los competidores de las batallas de improvisación.

Azuky vs Slobotzky

La nueva promesa del freestyle “mexa” vuelve después de su participación en la final nacional de Red Bull el pasado mes de julio. A pesar de haber sido descalificada en la primer ronda contra Garces, continúa generando expectativas gracias a otras presentaciones en las que se le ha visto, incluso ponerse “al tu por tu” con competidoras de la talla de la española Sara Socas. Por su parte el también conductor de La Cotorrisa dará cátedra de sus remates vistos en el programa, será cuestión de ver qué tanto “fluye” sobre la base.

Zaki vs Ricardo O’ Farril y Alexa Zuart

Este 2 contra 1 trae al salvadoreño de 32 años. Recordemos que una de sus participaciones más destacables fue en los cuartos de final de Red Bull Centroamérica 2023 donde cayó contra Ritmodelia. En la otra esquina, la dupla conformada por los capitalinos, puede considerarse interesante al tener en cuenta la presencia y dominio del escenario de O’Farril, así como el estilo y punchlines de Zuart.

Yoiker vs Alex “El Chaparro” Salazar y Hugo “El Cojo Feliz”

Los compañeros y amigos del Stan-Up han mostrado su capacidad para tirar chistes ácidos y remates en el programa “Duelo de Comediantes” de Comedy Central. Ahora como pareja, tendrán que sacar la casta contra el “el flow más pesado de Mex” y bicampeón nacional de Red Bull México.

Gonzo vs Artil

Para revivir el under, veremos al oriundo de Tabasco y al Duranguense quienes salieron de “El Club de la Pelea”.

Lobo Estepario vs Lobo López

El actual campeón de FMS México tendrá su frente a frente contra Escamilla. Ambos, titanes de la tarima, pueden dar un show sin precedentes. Recordemos que Lobo López es el nombre de freestyler del comediante, quien ya ha tenido experiencia en el formato gracias a su participación en la edición de 2023 de FMS.

Rapder vs Kodigo

Como show principal tendremos a dos leyendas. Este es el segundo regreso de Kodigo al frente del micrófono de la mano de Escamilla, con ello, se eleva el hype por ver su desempeño en contra del campeón de Red Bull internacional.

• Guadalajara

Lancer Lirical vs Ricardo O’ Farril

Desde Venezuela, Lancer mostrará su flow y estilo único en contra de O’ Farril que ahora se verá en un uno contra uno.

B One vs Hugo “El Cojo Feliz”

Uno de los grandes del doble tempo podrá mostrar su talento visto en BDM Gold México 2019 en su tierra natal.

Zaki vs Alex “El Chaparro” Salazar

Pelea que puede dar una sorpresa pero que falta ver cómo se desempeñan cara a cara.

Lobo Estepario vs La Cotorrisa

A los tres los hemos visto juntos gracias a un Live navideño realizado en 2020 por parte de la dupla de comediantes. Sin embargo, el enfrentarse contra uno de los más grandes de la escena nacional los pondrá en jaque para demostrar no solo de improvisación, sino de estructura. Aunque ahora como dupla, tienen grandes probabilidades de ponerse a la altura del también campeón de God Level 2022 gracias a su química.

Mena vs Panmonstruo

Este enfrentamiento de jóvenes mujeres trae a la también jalisciense y salida de El Club de la Pelea en contra de la capitalina que, de salir del Foro Shakespeare, ahora estará codo a codo con grandes de su rubro.

Damian vs Saturno

Kodigo vs Reverse

Jony Beltran vs Lobo Lopez

Vale la pena mencionar que, de acuerdo con Escamilla en una entrevista para el canal de YouTube Eyou Tv, la dinámica del enfrentamiento consistirá en un primer round escrito por parte de los comediantes contra un round de respuesta improvisado de los freestylers.

Cuándo y dónde se llevará a cabo el evento

Ciudad de México: Viernes 16 de agosto en el Auditorio BB

Guadalajara: Sábado 17 de agosto en el Teatro Galerías.

El costo de los boletos en ambas sedes es a partir de los 500 pesos. Pueden adquirirse a través de la página oficial de Boletia.