La saga literaria de Bridgerton cautivó a millones de lectores y alcanzó una enorme popularidad internacional gracias a su adaptación en Netflix. Sin embargo, el orden en que deben leerse los libros de Julia Quinn no coincide siempre con la secuencia de la serie, lo que puede generar dudas a quienes desean adentrarse en el universo original y comprender cómo se adapta en televisión.

El mejor orden para leer los libros de Bridgerton es el de publicación, que inicia con la historia de Daphne y avanza hacia los demás hermanos en forma descendente. Por su parte, la serie de Netflix respetó este esquema en las dos primeras temporadas, pero desde la tercera comenzó a adaptar los libros en un orden diferente.

Esto significa que la experiencia del lector y la del espectador presentan diferencias notables, aunque ambas propuestas exploran las historias románticas de cada integrante de la familia.

El fenómeno de la saga comenzó en el año 2000 con El duque y yo, la primera novela de Julia Quinn. El éxito internacional creció con el estreno de la adaptación televisiva de Netflix en diciembre de 2020, bajo la producción ejecutiva de Shonda Rhimes.

Cada novela y temporada sigue a un hermano Bridgerton, con tramas centradas en sus romances dentro de la sociedad británica de la Regencia. El enfoque narrativo varía según se trate del formato literario o televisivo.

Orden recomendado para leer los libros de Bridgerton

La lista cronológica sugerida para quienes desean conocer el desarrollo de cada protagonista es la siguiente:

1. El duque y yo:

Presenta el debut en sociedad de Daphne Bridgerton, quien idea una alianza con Simon Basset, el joven duque. Su vínculo evoluciona desde la cooperación hasta un romance complejo. Como explicó la autora Julia Quinn a PEOPLE, “La ironía es que él no sabe lo que quiere, pero tiene todo el poder. Ella sí sabe lo que quiere, pero dentro de la sociedad tiene poco poder”.

2. El vizconde que me amó

Se enfoca en Anthony Bridgerton, decidido a casarse con Edwina Sheffield. Sin embargo, la relación con Kate, la hermana mayor de Edwina, altera sus planes y despierta sentimientos inesperados.

3. Te doy mi corazón

Benedict Bridgerton conoce a Sophie Beckett en un baile de máscaras. Cuando Sophie reaparece como empleada doméstica de la familia, Benedict debe enfrentar la verdad sobre su misteriosa identidad.

4. Seduciendo a Mr. Bridgerton

La amistad entre Colin Bridgerton y Penelope Featherington se transforma cuando emergen secretos y emociones ocultas que ponen a prueba su relación.

5. A Sir Phillip, con amor

Eloise Bridgerton viaja para conocer a Sir Phillip Crane, viudo de Marina Thompson y amigo por correspondencia. Sus expectativas iniciales sobre el amor se ven desafiadas por la realidad.

6. El corazón de una Bridgerton

El conflicto de Francesca Bridgerton surge tras la muerte de su esposo, cuando el conde Michael Stirling se convierte en una nueva posibilidad amorosa.

7. Por un beso

Hyacinth Bridgerton, la menor, se ve envuelta en una aventura al ayudar a Gareth St. Clair a descifrar un diario familiar con posibles secretos financieros, mientras surge el romance entre ambos.

8. Buscando esposa

Gregory Bridgerton persigue a Hermione Watson, aunque es Lucinda, amiga de Hermione, quien finalmente conquista su corazón, a pesar de obstáculos previos.

Cada título profundiza en la evolución emocional de los hermanos y marca el crecimiento de la familia a lo largo de los años. Por otro lado, hay dos libros más que pertenecen al mismo universo: Felices para siempre, donde la autora narra diferentes historias adicionales de los personajes que alimentan el mundo literario Bridgerton. Además, Quinn junto a Shonda Rhimes publicaron el spin-off de la reina Charlotte llamado La reina Carlota.

Cómo difiere la serie de Netflix del orden de los libros

La versión de Netflix introdujo cambios en el orden de adaptación. Mientras que la primera y segunda temporadas siguieron el mismo orden cronológico de las novelas, a partir de la tercera se produjeron variaciones importantes.

La tercera temporada —estrenada en dos partes en enero y febrero de 2026— se centró en Colin Bridgerton y Penelope Featherington, personajes centrales del cuarto libro. Luego, la cuarta temporada abordó la historia de Benedict Bridgerton, correspondiente al tercer libro, alterando así el orden original de publicación.

Hasta ahora, la plataforma confirmó la renovación para una quinta y sexta temporadas, pero no reveló qué historias ni qué personajes serán los protagonistas. Así, la audiencia se encuentra a la expectativa de nuevas sorpresas narrativas y cambios respecto al material literario.

Próximas temporadas y expectativas para Bridgerton en Netflix

Según declaraciones de PEOPLE, la productora ejecutiva Shonda Rhimes destacó que cada hermano Bridgerton tendrá su historia, aunque el orden no será necesariamente el de los libros de Julia Quinn. La guionista principal, Jess Brownell, insinuó en un evento reciente que las próximas entregas explorarán caminos novedosos, sin confirmar tampoco la secuencia de protagonistas.

Netflix mantiene reservados los detalles sobre los personajes principales de las temporadas 5 y 6. Esto deja abierta la posibilidad de que futuras temporadas aborden desde diferentes perspectivas la vida sentimental de los Bridgerton, garantizando el atractivo de la saga para una audiencia global.

Al margen del orden original, la franquicia sigue creciendo y promete que las vivencias de cada hermano encontrarán su lugar tanto en las páginas de los libros como en la pantalla.

La primera mitad de la temporada, disponible desde el 29 de enero, llevó al límite la tensión entre Benedict, el eterno soltero, y Sophie, una joven criada marcada por la desigualdad social e hija ilegítima de un noble. La relación llegó a un punto crítico durante una escena en las escaleras de la casa familiar, cuando Benedict lanzó una propuesta directa: “¿Serías mi amante?”. La reacción de Sophie fue inmediata; optó por huir y dejó el desenlace en suspenso.

La parte 2 retomará la trama justo después de ese suceso, mostrando a Benedict sumido en un conflicto interno y a Sophie enfrentando las limitaciones de su origen. El adelanto oficial señala: “Esta tal vez no sea la historia que esperaríamos para Benedict. Es un Benedict muy diferente el que vemos en la parte 2”, afirmó Luke Thompson (intérprete de Benedict) en diálogo con Netflix Tudum.

El avance evidenció que las dudas de Sophie sobre las promesas aristocráticas y el temor a exponerse volverán a ser centrales. Para Benedict, aceptar su vínculo implica desafiar las expectativas tanto de la sociedad como de su propia familia. Tal como muestra el avance, la matriarca Violet Bridgerton advierte en una escena: “¡Ya he tenido suficiente de las exigencias de la sociedad!”, enfatizando la presión y el aislamiento que acarrearía para su hijo.

Reconfiguración de alianzas familiares y conflicto social

El relato no se concentrará únicamente en el eje romántico. Anthony y Kate Bridgerton regresarán desde la India acompañados por su hijo, para aconsejar a Benedict en un momento clave de su vida. Sophie encontrará apoyo en Alfie, un lacayo que la alentará a no dejarse dominar por el miedo y a replantear su desconfianza.

Violet Bridgerton atravesará una transformación personal profunda. “Ha pasado gran parte de su vida siendo el ancla emocional de su familia. Esto es que finalmente se permita pedir lo que quiere”, señaló la showrunner Jess Brownell a Netflix Tudum, adelantando una faceta inédita para el personaje.

Lady Danbury, otra figura emblemática del Ton, mantendrá abierta la incógnita sobre su destino. En paralelo, la reina Charlotte continuará ejerciendo influencia sobre las decisiones de quienes desean apartarse del círculo aristocrático de Londres.

La temporada también abordará la vida matrimonial de Francesca y John Stirling, así como el debut de Penelope Bridgerton en su nuevo papel como Lady Whistledown, ahora insertada en el núcleo de confianza de la reina.

Estructura y producción

Bridgerton temporada 4 consta de ocho episodios, repartidos en dos partes de cuatro capítulos cada una. La serie se inspira en las novelas de Julia Quinn y es una producción de Shondaland, liderada por la showrunner Jess Brownell y producida ejecutivamente por Shonda Rhimes, Betsy Beers, Tom Verica y Chris Van Dusen.

Netflix y la ex empleada de Vanity Fair, Rachel DeLoache Williams, pusieron fin a una batalla legal que se extendió casi cuatro años al alcanzar un acuerdo que cierra la demanda por difamación vinculada a la serie Inventando a Anna.

El caso, tramitado en un tribunal federal de Delaware, se desestimó “con prejuicio”, lo que impide a cualquiera de las partes presentar nuevamente la misma causa y establece que cada parte asume sus propios gastos legales.

La controversia comenzó en 2022, cuando Williams, antigua amiga de Anna Sorokin (la falsa heredera retratada en la serie como Anna Delvey), acusó a la plataforma de haberla mostrado de forma “deliberadamente desleal y deshonesta”.

En su demanda, la periodista sostuvo que la producción la presentaba como “snob, desleal y codiciosa”, y que esa imagen provocó una oleada de ataques en redes sociales y en persona, así como insultos en pódcasts y otros medios.

Williams sostenía que su personaje era el único en la serie con nombre y detalles personales reales, lo que, según su argumento, la expuso al escrutinio público.

“Williams y Netflix han resuelto la demanda”, informaron tanto la portavoz de la plataforma como el abogado de Williams, Alexander Rufus-Isaacs, en un comunicado conjunto.

La producción televisiva, basada en un artículo de New York Magazine sobre Sorokin, abrió una discusión sobre los límites de la ficción y la responsabilidad al retratar hechos reales.

Rachel DeLoache Williams argumentó que la producción transformó a Anna Sorokin de “villana de la vida real” en una figura casi heroica, mientras la ubicaba a ella como antagonista.

Los abogados de la periodista afirmaron en un expediente judicial: “Shonda Rhimes y los responsables de crear y escribir Inventando a Anna creyeron que la serie necesitaba un villano. Por animadversión hacia Williams, decidieron cínicamente retratarla como tal”.

Netflix intentó sin éxito que el tribunal desestimara la demanda en 2024, al alegar que sus creadores tenían derecho a una “licencia literaria” sobre la historia.

El juez federal rechazó el argumento y la plataforma recurrió a una moción de sentencia sumaria, que continuaba pendiente cuando ambas partes optaron por el acuerdo.

Durante el proceso, el abogado Rufus-Isaacs defendió la postura de que las películas y series basadas en hechos reales no gozan de exención especial ante las leyes de difamación.

Incluso interrogó a la creadora Shonda Rhimes sobre los criterios al ficcionalizar el comportamiento de personas reales.

“Quería captar la esencia de lo que esa persona era en los momentos que representábamos y tenía la norma de nunca retratar a una mujer de manera severamente negativa”, respondió la productora. “No es lo que hacemos. Creamos personas tridimensionales”.

Entre las consecuencias detalladas por Williams, se mencionaron miles de mensajes abusivos, la publicación de su propio libro sobre el caso en 2019 y el acuerdo con HBO para adaptar su historia, hechos todos incluidos en la serie de Netflix.

Anna Sorokin explicó por qué nunca ha visto “Inventando a Anna”

Anna Delvey, cuyo nombre real es Anna Sorokin, afirmó que no tiene intención de ver la serie que la hizo célebre.

En una carta abierta publicada en Business Insider desde su celda de detención en 2022, escribió: “No parece que vaya a ver Inventando a Anna pronto. Aunque pudiera hacer que suceda, nada en ver una versión ficcionalizada de mí misma en este entorno suena atractivo”.

Recientemente, en el podcast de Mariana van Zeller, Sorokin reiteró que, aunque ha visto fragmentos inevitables en redes, nunca vio la serie completa.

“Empecé, y simplemente no fue una experiencia cómoda. Nunca tuve razón para hacerlo”, declaró.

Sobre la interpretación de Julia Garner, afirmó: “No creo que mi acento sea tan exagerado”, aunque reconoció que no le corresponde juzgar: “Es lo que es. No puedo cambiarlo. Ya está ahí”.

La condenada por estafa explicó que, cuando se estrenó Inventando a Anna, estaba en prisión y que, tras recuperar la libertad, se mantuvo demasiado ocupada para interesarse por el programa.

“Supongo que me resulta insoportable verme a mí misma. No veo por qué haría eso”, concluyó.

Tras su paso por la cárcel y una prolongada temporada en arresto domiciliario, Anna Sorokin recuperó el acceso a redes sociales en 2024 y hasta participó en un programa televisivo de baile, bajo el escrutinio público que su historia sigue provocando.

El estreno de Bridgerton en Netflix, bajo la producción de Shonda Rhimes, impulsó numerosas controversias que acompañaron a la saga literaria de Julia Quinn desde sus primeras ediciones.

La serie, reconocida por su enfoque audaz y su versión diversa de la Inglaterra de la Regencia, fue objeto de discusiones profundas sobre consentimiento, representación, adaptación y justicia en el desarrollo de sus personajes.

Violación conyugal: el episodio más discutido

Uno de los puntos más álgidos del análisis público se relacionó con la adaptación de la escena de agresión sexual incluida en el primer libro, The Duke and I.

En la serie, este momento pasa al episodio seis de la primera temporada y muestra a Daphne Bridgerton actuando sin el consentimiento de su esposo, Simon Basset.

La versión televisiva cambió el contexto respecto al libro: Simon está consciente, aunque angustiado, y Daphne actúa de manera premeditada.

En la novela, Simon está ebrio y adormilado, y Daphne decide en el momento. El resultado es el mismo: una vulneración del consentimiento masculino que no recibe disculpa ni reparación.

La narradora, Lady Whistledown, resume el dilema al afirmar: “Quizá pensó que era su única opción. O quizá no conoce la vergüenza. Pero pregunto, ¿el fin puede justificar tales medios viles?”.

Entre la comunidad lectora, la reacción fue inmediata.

En la reseña más votada de Goodreads, una usuaria expresó su disgusto: “¿Por qué arruinar una buena historia romántica con una escena de violación? ¡Solo porque es un hombre no deja de ser violación!”.

La versión televisiva omite la autocrítica, pues Daphne permanece convencida de que tenía razón y acusa a Simon de haber provocado la situación.

El hijo de Colin y Penelope

El anuncio en las redes sociales del nacimiento de Lord Elliot Featherington, hijo de Colin Bridgerton y Penelope Featherington, antes del estreno de la cuarta temporada, causó malestar.

La campaña promocional se enfocó en un bebé blanco, mientras que los hijos mestizos de otros personajes —como los de Daphne y Anthony— no recibieron una atención similar.

Para una producción apreciada por su reparto diverso y su mirada inclusiva, la omisión se interpretó como una señal de desigualdad.

Numerosos seguidores se preguntaron cuál es el sentido de presentar a Bridgerton como una serie diversa si los descendientes de parejas interraciales reciben menor visibilidad.

Un análisis en FandomWire lo resume en la pregunta: “¿Qué sentido tiene calificar a Bridgerton como una serie diversa si los personajes de color, e incluso sus hijos, son tratados como prescindibles, mientras que los personajes blancos reciben preferencia promocional?”

La showrunner Jess Brownell anticipó en TV Line que la siguiente temporada explorará en profundidad la historia de Colin y Penelope.

En ese sentido, destacó que para Penelope es “una gran temporada, porque finalmente se reveló como Lady Whistledown, así que debe aprender a moverse en un mundo donde todos saben que ella es la autora de los cotilleos”.

Sin embargo, las críticas sobre el trato desigual de los personajes racializados permanecieron.

El destino de Cressida Cowper

La situación de Cressida Cowper, antagonista en la tercera temporada, fue otro motivo de discusión.

Aunque la serie otorgó a Cressida un desarrollo más amplio que en el libro, mostrando la presión social a la que están expuestas las jóvenes para asegurar su futuro, el desenlace resultó especialmente severo: la enviaron a vivir con una tía estricta y perdió toda presencia social.

La frustración de la audiencia fue notoria al señalar que exiliar a Cressida de manera indefinida por luchar por su futuro va en contra de una serie que se basa en el amor, la empatía y las segundas oportunidades.

Además, la serie amplió tanto el personaje de Cressida respecto al libro que tiene derecho a volver a cambiar el rumbo y explorar un posible crecimiento desde la distancia.

Según Screen Rant, una cibernauta remarcó su desilusión al afirmar que se negó a ver la parte 1 de la cuarta temporada porque no apareció Cressida y que solo volvería a interesarse por la serie si el personaje recibe un cierre justo o una oportunidad de cambio.

La propuesta de Benedict a Sophie y el conflicto de poder

La relación entre Benedict Bridgerton y Sophie Baek tomó un camino distinto en la adaptación televisiva.

En la novela, Benedict le pide a Sophie que sea su amante, no su esposa, lo que fue leído como un acto manipulador, dada la desigualdad social entre ambos.

En la versión literaria, la principal crítica entre lectores apunta que “Benedict trata a Sophie como basura. La chantajea para que sea su amante o sirvienta, porque no concibe casarse con alguien de su clase, y luego se ofende cuando ella no le está agradecida” (reseña destacada en Goodreads).

También se recoge el contraste con la versión televisiva, cuando un lector pregunta: “¿Dónde quedó el Benedict artístico, vulnerable y bisexual que vimos en la pantalla? En el libro es un manipulador controlador”.

Julia Quinn, autora de la saga, explicó durante un evento con sus lectores que este tipo de propuesta es, honestamente, exactamente lo que habría hecho en esa época.

Quinn añadió que “incluso si pensaba que la amaba, el matrimonio no sería su primera opción porque así funcionaba la sociedad entonces”, según recogió Vanity Fair.

La serie, en cambio, retrasó y suavizó la propuesta, eliminando el chantaje y mostrando a Benedict como un personaje más empático.

Francesca Bridgerton y el cambio en su historia

La introducción de Michaela Stirling en la cuarta temporada fue uno de los cambios más relevantes respecto a la saga original.

En los libros, Francesca Bridgerton termina casada con Michael Stirling, primo de su primer esposo.

La serie presenta una versión femenina del personaje, marcando el inicio de una historia de amor homosexual central en la narrativa televisiva.

La showrunner Jess Brownell explicó en entrevista con Glamour que el cambio se inspiró en la experiencia de sentirse diferente, algo que la propia Francesca menciona en la serie.

Brownell dijo que “sentí que había terreno fértil en su historia para contar una historia queer. También era importante para mí poder darles un final feliz, como a todas las demás parejas”.

Sobre la relación previa con John, Brownell destacó que no cree que el descubrimiento de la orientación de Francesca invalide lo que tiene con John y que el amor entre ellos es muy real.

Añadió que es una relación basada más en la amistad y el respeto que en la pasión.

Este ajuste fue celebrado por algunos como un avance en representación y visibilidad, aunque generó también crítica sobre fidelidad a la obra original.

La nueva temporada también incluyó una reflexión sobre la sexualidad femenina a través de las experiencias de Francesca con su esposo John Stirling.

Francesca experimenta dificultades para alcanzar el orgasmo —o “pináculo”, como se le denomina en la serie—, lo que la lleva a preocuparse por su capacidad para tener hijos.

En conversación con TV Line, la showrunner aclaró que los problemas de Francesca con el “pináculo” no tienen que ver con John ni con su futuro amoroso, sino que son la representación de millones de mujeres para quienes el orgasmo no es posible solo con sexo penetrativo.

Respecto al trato de John, Brownell destacó que el discurso de John constituye uno de los momentos más románticos de la serie al expresar: “Cuando estamos juntos, siento que viajo más cerca de ti, en cuerpo y corazón. Sea lo que sea que desees en la vida, siempre intentaré dártelo. Pero también espero que sepas que eres perfecta tal como eres”.

La cuarta temporada de Bridgerton, una de las franquicias emblemáticas de Netflix y Shondaland, apostó por un enfoque de cuento de hadas en torno a Benedict Bridgerton y su búsqueda del amor, con la primera parte ya disponible y una segunda fijada para el 26 de febrero de 2026. En palabras de la showrunner Jess Brownell a Tudum, “Benedict vive en un mundo de fantasía. Sophie vive en una realidad dura. Tienes a dos personajes en extremos opuestos, y, en vez de que uno cambie completamente al otro lado, ambos necesitan avanzar hacia el centro. Entre la fantasía y la realidad, el verdadero amor se encuentra en el medio; ninguno de los dos mundos crea las circunstancias ideales para que florezca el romance. Tienes que aceptar un poco de ambos.”

Brownell detalló que esta entrega partió del tercer libro de Julia Quinn, “An Offer from a Gentleman”. “Sophie en la cuarta temporada es muy parecida a la Sophie del libro. No es una simple damisela en apuros ni en la novela ni aquí: es ingeniosa y resistente. Es una estratega, una superviviente. A veces eso juega en su contra, porque le cuesta salir del modo de supervivencia y permitirse disfrutar del amor, la diversión o la alegría. Por suerte, eso es justamente lo que Benedict sabe aportar”, afirmó la showrunner a Tudum.

Según Brownell, la nueva temporada tampoco repitió la estructura narrativa de los ciclos anteriores, sino que integró ambientes y personajes inéditos, además de expandir las locaciones en los estudios Shepperton con nuevas réplicas de arquitectura georgiana y regencia sobre una extensión de casi 0,8 hectáreas (2 acres). El equipo liderado por la diseñadora de producción Alison Gartshore, Anthony Cartlidge y Adam David Grant diseñó un backlot que permitió recrear Mayfair, casas señoriales y edificios icónicos.

Respecto al desarrollo central, Luke Thompson, quien volvió a encarnar a Benedict Bridgerton, sostuvo ante Tudum que el atractivo radicó en el choque entre “un cuento de hadas con todo su romance y la realidad concreta del mundo”. Explicó: “Hay que tener ambas cosas —el romance y la realidad— presentes. En su mejor versión, el ‘verdadero amor’ sucede justo en medio de eso”.

En ese cruce de universos, Yerin Ha, la actriz encargada de dar vida a Sophie Baek, reconoció que, al audicionar, encontró en los guiones una cualidad “lúdica, de obra de teatro”. Ha manifestó a Tudum: “Lo que me atrajo de Sophie fue que desde el principio enfrenta obstáculos, algo a lo que siempre debe sobreponerse, ya sea el conflicto sobre su estatus social o el hecho de tener que ocultar sus sentimientos hacia Benedict”.

La preparación del vínculo principal entre ambos protagonistas implicó un proceso poco común. Ha relató que el primer encuentro ocurrió durante una cena en casa de Brownell y que Luke Thompson se mostró abierto y relajado, lo que “le permitió concentrarse de verdad en la conexión en pantalla”. La actriz reveló que ensayos “especiales y muy vulnerables” formaron parte del proceso y que en ocasiones el entrenamiento de baile “parecía parte del viaje de los personajes”.

Brownell también profundizó sobre la incorporación de nuevos personajes a la trama, como Lady Araminta Gun (Katie Leung), viuda dos veces y madre de Rosamund Li (Michelle Mao) y Posy Li (Isabella Wei), quienes hacen su debut en la temporada social, con estrategias propias para lograr una posición destacada. “Mientras que Rosamund se ha convertido en el reflejo de su madre —una jugadora profesional en el mercado matrimonial—, Posy es soñadora y poco seria, algo que su madre desaprueba seguido”, indicó Brownell en Tudum, añadiendo que para Araminta y Rosamund el apellido Bridgerton no representaba inicialmente algo relevante, salvo que Benedict resultaba ser “un partido muy codiciado esta temporada”.

El equipo creativo quedó conformado nuevamente por Brownell en el rol de showrunner y productora ejecutiva, junto a Shonda Rhimes, Betsy Beers, Tom Verica y Chris Van Dusen. Thompson consideró ante Tudum que, después de cinco años al frente del drama, “tengo la suerte de trabajar con algunas de las mejores y más agradables personas. Liderar una serie consolidada y estar rodeado del elenco, el equipo creativo y los técnicos que conozco solo me hace pensar: ‘¿Por qué debería ponerme nervioso?’”

En cuanto al estreno global y la respuesta, la sinergia entre la plataforma y la propiedad intelectual generó productos derivados y experiencias inmersivas que transformaron a Bridgerton en una marca demandada, con eventos en vivo como The Queen’s Ball y aperturas previstas de espacios temáticos en Filadelfia y Dallas para finales de 2025.

Ha afrontó la construcción de Sophie en pantalla con una visión compleja: “En el libro, Sophie tiene un descaro, pero también una parte frágil y vulnerable. Me esforcé mucho en llevar eso a la serie”, explicó la actriz a Tudum.

El impacto de la franquicia se reflejó en los datos de audiencia: cada una de las tres temporadas anteriores se posicionó entre las más vistas de la plataforma, y la precuela La reina Charlotte: una historia de Bridgerton dominó el Top 10 mundial. Las nuevas entregas de la cuarta temporada seguirán sumando contenidos, con ocho episodios para este ciclo.

Thompson anticipó a Tudum que “me emociona la cantidad de giros inesperados que verán en la temporada cuatro”.

Ha expresó su entusiasmo por la visión romántica: “Recuerdo que de niña me contaban esos cuentos —su magia y su romance—. Es muy emocionante tener eso integrado en el universo de Bridgerton. Es una gran historia y, espero, muy cercana a quien la vea”.

El fenómeno de Bridgerton, la serie que transformó los hábitos de consumo cultural y turístico de millones, ilustra cómo una producción audiovisual puede reimaginar y expandir la experiencia histórica para públicos globales.

Desde su estreno en diciembre de 2020 en Netflix, la saga creada por Chris Van Dusen y producida por Shonda Rhimes —basada en las novelas de Julia Quinn— redefinió la forma en que distintas generaciones se conectan con la moda, los rituales sociales y el romanticismo del siglo XIX, influyendo no solo en las tendencias culturales sino también en los destinos turísticos de Reino Unido.

El impacto de la serie se extiende mucho más allá de la pantalla. Según el periodista especializado en viajes Damián Umansky, la popularidad de Bridgerton no radica en un apego estricto al realismo histórico, sino en la creación de una “fantasía romántica” que conjuga el atractivo visual de la Regencia con un lenguaje accesible.

“La clave está en que Bridgerton no se presenta como una serie histórica tradicional, sino como una fantasía romántica que despertó tanto interés en la estética de la época”, señaló Umansky.

En los últimos años, la narrativa de la serie inspiró la tendencia conocida como “Regencycore”, potenciado el interés por corsés, vestidos de corte imperio y rituales como la ceremonia del té.

Esta fiebre se refleja en el auge de búsquedas de teteras y recetas victorianas, así como en la proliferación de tutoriales y recreaciones en redes sociales. Umansky observa que en un contexto dominado por la informalidad, resulta “muy seductor redescubrir rituales y reglas sociales muy estrictas y ceremoniosas”.

La serie yuxtapone elementos del pasado con códigos modernos para ampliar su atractivo. “Toma elementos del pasado —los bailes, los vestidos, los códigos de etiqueta— y los amalgama con un lenguaje moderno: música actual reinterpretada, personajes diversos, diálogos ágiles”, explica Umansky.

Entre las innovaciones más notorias de la producción sobresale su banda sonora, que adapta obras de Taylor Swift y Billie Eilish en versiones instrumentales, forjando un puente entre la época victoriana y el público contemporáneo.

Para los apasionados de los viajes, la conexión entre la ficción y la realidad adquiere nuevas formas. Según Umansky, el universo de Bridgerton “está muy ligado a espacios reales que todavía pueden visitarse”.

En Londres, barrios como Mayfair y Belgravia conservan la arquitectura georgiana característica. “Caminar por Grosvenor Square o St. James’s Park es casi como entrar en un capítulo de la serie”, afirma Umansky. Bath representa otro enclave imprescindible: “Esta ciudad está apenas a 70 minutos en tren desde Londres. Hoy en día las plataformas de viaje ofrecen el tour de Bridgerton que te lleva a locaciones como el Royal Crescent”.

El magnetismo global de la serie se evidencia en eventos internacionales: “La apertura oficial del Carnaval de Venecia en la plaza San Marcos se presentó como el ‘Gran Baile de Carnaval con Bridgerton’, un evento realizado en colaboración con Netflix que transformó la plaza en un salón a cielo abierto, animado por bailarines con trajes de época inspirados en la serie”, contó Umansky.

El fenómeno describe una “nueva forma de ‘turismo emocional o inmersivo’”, donde la ficción impulsa el deseo de vivenciar escenarios reales. Este tipo de turismo, que Umansky define como “performativo”, va más allá de la simple observación: “No alcanza con visitar un lugar: ahora queremos vivirlo. Las nuevas generaciones buscan historias para contar y experiencias para compartir en redes.”

El efecto de Bridgerton en la percepción turística trasciende el turismo contemplativo tradicional. Hoy, los viajeros aspiran a sentirse protagonistas en escenarios históricos. Esta tendencia se consolida en actividades que trascienden la visita a sitios emblemáticos, como asistir a bailes temáticos, tomar clases de danza antigua o participar de picnics victorianos.

En el terreno de la sociabilidad, la serie revivió la curiosidad por los modos de interactuar del pasado. Frente a la inmediatez de las relaciones modernas, el público encontró atractivo el cortejo pausado, las cartas, las miradas discretas y la etiqueta. Este influjo alcanzó las redes sociales, donde se multiplicaron contenidos sobre vestuario, maquillaje de época, lecturas románticas y bailes.

“El regreso de los bailes de época y la fascinación por los cortejos tradicionales evidencian que, incluso en el mundo moderno, persiste un fuerte atractivo por el romanticismo y la elegancia de otros tiempos”, sostuvo Umansky.

Al reflexionar sobre el equilibrio entre la fidelidad histórica y la experiencia emocional que propone la serie, Umansky expresa: “Si un viaje logra que alguien camine por Bath o Londres y, por un instante, se sienta dentro de ese universo que vio en pantalla, y lo estimula a interiorizarse sobre la Inglaterra de la época o sobre la vida de la Reina Carlota, entonces la misión está cumplida”.

Bridgerton —cuyo universo expandido incluye la serie derivada Queen Charlotte: A Bridgerton Story— consolidó su influencia mundial con el estreno escalonado de temporadas: la segunda tuvo lugar el 25 de marzo de 2022 y la tercera se dividió en dos partes, lanzadas el 16 de mayo y el 13 de junio de 2024, respectivamente.

La producción, renovada para una cuarta temporada, demuestra que la “reimaginación” estilizada del pasado continúa impulsando nuevas formas de consumo, turismo y encuentro social, redefiniendo el lugar de la ficción histórica en la cultura digital actual.

El estreno de la vigésima segunda temporada de Grey’s Anatomy en Sony Channel el 3 de febrero, evidencia la vigencia de una de las series médicas más longevas en la televisión contemporánea. Con el debut programado para hoy a las 23h, la señal confirmó que los próximos dieciocho episodios introducirán decisiones extremas, vínculos bajo amenaza y, una vez más, un hospital al borde del colapso.

La nueva temporada arranca justo después del final impactante de la entrega anterior, cuando una explosión en el piso de quirófanos del Grey Sloan Memorial dejó el futuro de gran parte del equipo médico en suspenso. Según el comunicado de la señal, “las consecuencias de ese evento marcarán el pulso de los nuevos episodios, obligando a los médicos a enfrentar decisiones límite en un contexto de máxima presión”.

Las tramas presentan a un hospital sumido en el caos, donde la destreza profesional y los lazos entre los personajes quedan expuestos a nuevos desafíos. El drama, “construido a partir de uno de los finales más dramáticos de los últimos años de la serie”, situó a la comunidad médica no solo frente a emergencias clínicas de alto riesgo, sino también ante interrogantes personales que, en palabras de la producción, “nunca se resuelven en blanco y negro”.

La temporada muestra cambios significativos en su elenco. La salida de Natalie Morales, quien interpretó a la doctora Mónica Beltrán, se desarrolló como una despedida con impacto directo en la dinámica interna del hospital. El anuncio precisó: “Natalie Morales -Dra. Mónica Beltrán- se despide de la serie tras el destino trágico de su personaje, en una despedida que impacta de lleno en la dinámica del equipo médico”. El episodio de apertura incluye otro giro decisivo. Se introduce a Dani, una nueva residente encarnada por Jade Pettyjohn, quien protagonizó “un accidente en el quirófano en medio del caos provocado por la explosión”.

De acuerdo con la información proporcionada por Sony Channel, la temporada mantiene su enfoque en “la fortaleza —y la fragilidad— de una comunidad que encuentra refugio en el trabajo compartido, en la amistad y, muchas veces, en relaciones que van más allá de lo profesional”.

Grey’s Anatomy, creación de Shonda Rhimes, se estrenó el 27 de marzo de 2005 en la cadena estadounidense ABC. Rhimes diseñó la historia con el objetivo de mostrar “mujeres inteligentes compitiendo entre sí en un entorno profesional”. El título reflejó “el apellido de la protagonista, Meredith Grey, y el nombre del clásico libro de anatomía humana Gray’s Anatomy, de Henry Gray”. El argumento se centró en la vida personal y profesional de cirujanos internos, residentes y asistentes del hospital ficticio Seattle Grace —luego Seattle Grace Mercy West y finalmente Grey Sloan Memorial—. Desde sus inicios, la producción apostó por un reparto diverso bajo la política de “color-blind casting”, lo que permitió mayor representación en pantalla. Shonda Rhimes encontró inspiración tras escuchar testimonios de médicos sobre “la dificultad de encontrar tiempo para tareas personales en el hospital, lo que reflejaba la exigencia de la profesión”.

El desarrollo del piloto y la construcción de los personajes se llevó a cabo “sin descripciones fijas, priorizando el talento actoral sobre características específicas”. Sony Channel recordó que, pese a estar concebida inicialmente como remplazo temporal de “Boston Legal” durante cuatro semanas, “su gran aceptación llevó a que continuara en el horario”. El éxito de audiencia condujo a spin-offs como Private Practice y Station 19 y consolidó la reputación de la serie, que “recibió premios como el Globo de Oro a mejor drama en 2007”.

La señal resumió el espíritu de la temporada: “Grey’s Anatomy continúa renovándose sin perder aquello que la convirtió en un clásico: una mirada profundamente humana sobre la medicina, personajes complejos y un relato que entiende que, tanto en los quirófanos como en la vida, no existen soluciones simples”.

Su llegada al papel protagónico se dio poco después de finalizar otro contrato con la plataforma de streaming y mientras visitaba a su madre en Corea del Sur. La intérprete australiana relató que la audición le provocó ansiedad, ya que consideraba que cada proyecto podría ser el último. En menos de 24 horas, grabó y envió su audición, convencida de que su acento británico no sería suficiente.

Poco después, recibió el llamado para realizar una prueba de química actoral junto a Luke Thompson, quien interpreta a Benedict Bridgerton. A pesar del cansancio por la diferencia horaria y su poca familiaridad, la conexión entre ambos actores fue inmediata. Sobre esto, comentó: “Sentí que realmente hablábamos, a pesar del retraso y la distancia”.

Para Ha, el proceso fue veloz aunque nada sencillo. Se enteró de que sería la nueva protagonista mientras desayunaba con su madre en Gangnam. En solo cuatro días, regresó a Sídney, empacó sus pertenencias y partió a Londres para iniciar el rodaje, según relató.

Enfrentar desafíos y tener expectativas realistas

La fama no era su objetivo principal. Es así que la artista mantiene expectativas mesuradas, dado que otras experiencias le enseñaron a esperar solo lo que puede confirmar. “He tratado de protegerme y no volver a salir herida. Soy de las que creen solo cuando lo ven”, compartió.

Pese a esta actitud cauta, Yerin Ha recibió desde el principio cartas y obsequios de fanáticos, incluso antes de que la audiencia tuviera ocasión de verla en pantalla. Su principal aspiración era interpretar dignamente a Sophie y asumir la exposición mediática sin sucumbir a la presión del éxito inmediato.

El reto emocional y profesional en cámara

Encabezar una serie reconocida mundialmente supuso para Ha un desafío emocional y profesional importante. Prestó especial atención a la manera en que se tratarían las escenas de intimidad y a la presión sobre la imagen corporal. Al respecto, expresó: “Llevo mucho tiempo enfrentando temas de imagen y vergüenza, todavía estoy aprendiendo a aceptarme completamente”.

El ambiente liderado por mujeres en la producción de Bridgerton fue clave para su desarrollo. Trabajó directamente con la coordinadora de intimidad Lizzy Talbot y dialogó abiertamente con Thompson sobre inseguridades, construyendo una relación de confianza desde las primeras escenas. “Queríamos expresar la conexión humana y, para eso, a veces hay que dejar de lado los miedos personales”, explicó.

Por su arte, Shonda Rhimes, creadora de la serie, destacó su trabajo: “Yerin aporta humor y determinación; interpreta a Sophie con perfección”.

Diversidad con su herencia cultural

El personaje de Sophie, tradicionalmente conocida como “Beckett”, adoptó el apellido “Baek” como homenaje a las raíces coreanas de Yerin Ha. La actriz valoró el cambio y afirmó: “Es un reconocimiento. Solo significa decir ‘sí, es coreana, tendría un apellido coreano’. No es nada complicado”.

Nacida en Sídney en el seno de una familia coreana vinculada a las artes, Ha reconoció la influencia de su abuela, la actriz Son Sook, como crucial para descubrir la fuerza transformadora del arte. “En mi familia siempre me dijeron que era difícil, pero posible”, recordó.

Su infancia estuvo marcada por la timidez y ciertas limitaciones económicas, experiencias que la conectan con Sophie, una joven trabajadora que debe esforzarse para ser vista y valorada fuera de los cánones de la alta sociedad.

En el set de grabación, la intérprete describió un ambiente inclusivo desde el primer día. “No todas las producciones son acogedoras para los recién llegados”, relató, conmovida por el recibimiento del equipo y elenco.

Aprendizajes, autoconcepto y proyección futura

Interpretar a Sophie en Bridgerton dejó una huella trascendental en la actriz. “Me enseñó mucho sobre el amor propio y la aceptación”, afirmó. Señaló también que la relación con su personaje va más allá del aspecto cultural, pues ambas han tenido que demostrar su valor y autenticidad para abrirse camino.

Respecto al futuro, Yerin Ha solo espera seguir actuando cuanto le sea posible y crecer profesionalmente. Sueña con participar en un musical, pero su aspiración principal es simplemente continuar haciendo lo que le apasiona. Ante esto, puntualizó: “Solo quiero trabajar, eso estaría bien”.

El proyecto la desafió como artista y la llevó a un crecimiento genuino. Tras vencer sus inseguridades, se siente empoderada y lista para afrontar nuevos retos, en una etapa marcada por la autoconfianza y la determinación.

A pesar de haber conquistado la industria televisiva con éxitos como Grey’s Anatomy y Scandal, Shonda Rhimes confesó en el Mel Robbins Podcast que, en el auge de su carrera, su vida personal se sentía limitada y dominada por el miedo.

Este momento marcó el inicio de su “año del sí”, una experiencia personal en la que se comprometió durante doce meses a aceptar todo aquello que le generaba temor. El resultado fue una transformación profunda que redefinió su bienestar, su concepto de éxito y su relación consigo misma.

De la rutina al desafío: el origen del “año del sí”

La chispa de su cambio surgió durante una cena familiar de Acción de Gracias. Su hermana mayor, al escuchar la cantidad de invitaciones y oportunidades que Rhimes rechazaba, le preguntó directamente: “¿Vas a hacer alguna de estas cosas?”. Su respuesta fue negativa, justificada por su rol como madre de tres hijas y la presión de liderar varias producciones.

Sin embargo, esa frase quedó retumbando en su mente. “Decir que no me ha traído hasta aquí. Aquí no me gusta. Decir que sí podría ser mi camino hacia un lugar mejor”, recordó en el podcast, admitiendo la insatisfacción que sentía, pese a su éxito profesional.

Rhimes identificó el miedo como su principal freno. Aunque era segura como guionista, en otros ámbitos se sentía insegura y retraída. “Vivía en mi imaginación, pero mi vida real era muy pequeña”, explicó. La comodidad de lo conocido la mantenía en una especie de jaula invisible. “Hacemos lo que funciona, aunque nos mantenga en un estado de insatisfacción”, compartió.

Para ella, el miedo no desaparece, pero enfrentarlo es la única forma de superarlo: “La magia no está en la ausencia de miedo, sino en lo que eliges hacer mientras el miedo está presente”.

El valor de decir sí y la transformación personal

El primer “sí” importante fue aceptar dar un discurso de graduación en Dartmouth College, su alma mater. Aunque la idea la aterraba, su regla de decir sí a todo lo que la asustara la impulsó a aceptar. Así, cada reto —desde participar en programas de televisión hasta asistir sola a eventos sociales— la fue sacando, poco a poco, de su zona de confort. “Hacer aquello que temes deshace el miedo”, afirmó en el podcast.

Muchos de los “sí” más importantes, según Rhimes, fueron internos. Tras años de descuidar su salud física, decidió acudir a su médica y hacer pequeños cambios: beber más agua o aprender a reconocer el hambre real. “Nunca había comido por hambre, solo por costumbre o emoción”, admitió. Los resultados fueron evidentes, no solo por la pérdida de peso, sino por la nueva relación con su cuerpo: “Ahora siento que mi cuerpo es parte de mí, no solo algo que transporta mi cerebro”.

Límites, maternidad y honestidad personal

La maternidad y las relaciones personales también se vieron impactadas. Desde niña, Rhimes deseaba ser madre, pero nunca incluyó el matrimonio en sus planes. Aunque le encantan las bodas y el romance, la idea de comprometerse la asfixiaba. Admitir que no quería casarse fue, en palabras suyas, “un gran alivio”, una de las mayores liberaciones de su vida. Esta honestidad impulsó conversaciones difíciles tanto en lo personal como en lo profesional. “Decir la verdad, aunque sea incómodo, trae una paz increíble”, sostuvo.

El “año del sí” también le enseñó que poner límites es esencial. Al principio temía perder oportunidades si decía que no, pero aprendió que saber cuándo decir no es tan importante como atreverse a decir sí. “He fortalecido mi capacidad para saber exactamente cuándo decir no”, explicó en el Mel Robbins Podcast. Así, pudo diferenciar entre los compromisos significativos y los que solo satisfacían expectativas externas.

El mensaje: poder en cada decisión

A lo largo de la entrevista, Rhimes subrayó que el “año del sí” no significa complacer a todos ni volverse complaciente, sino atreverse a decir sí a lo que nutre y a decir no a lo que agota. “Cada decisión es un sí o un no, y no te das cuenta del poder que tienen hasta que lo reduces a eso”, reflexionó.

El testimonio de Rhimes ha inspirado a muchos. Ha conocido lectores que, después de aplicar el método, dejaron relaciones dañinas, iniciaron proyectos o recuperaron la confianza. Su mensaje es claro: “Somos mucho más capaces de lo que creemos. Empieza por hablarte como si importaras. Las palabras que te dices a ti mismo son como un hechizo: si las repites lo suficiente, se vuelven reales”.

La experiencia de Shonda Rhimes prueba que el cambio personal surge del valor de desafiar los propios límites. Como concluyó en el Mel Robbins Podcast, la transformación depende de la voluntad de cada persona para intentarlo, incluso cuando el miedo parece insuperable.

En esta ocasión, la trama se centrará en Benedict Bridgerton, interpretado por Luke Thompson, el segundo hijo de la familia, conocido por su espíritu bohemio y su resistencia a las convenciones sociales. Aunque sus dos hermanos mayores ya han encontrado la felicidad en el matrimonio, Benedict se mantiene reacio a comprometerse, hasta que un encuentro inesperado en el baile de máscaras organizado por su madre lo lleva a replantearse sus convicciones. La aparición de una mujer enigmática, Sophie Baek (interpretada por Yerin Ha), será el catalizador de este cambio en la vida del protagonista.

La producción de la cuarta temporada está a cargo de Jess Brownell como showrunner y productora ejecutiva, junto a Shonda Rhimes, Betsy Beers, Tom Verica y Chris Van Dusen. El elenco principal incluye a figuras como Jonathan Bailey (Anthony Bridgerton), Victor Alli (Lord John Stirling), Adjoa Andoh (Lady Danbury), Julie Andrews (Lady Whistledown), Nicola Coughlan (Penelope Bridgerton), Hannah Dodd (Francesca Stirling), Daniel Francis (Lord Marcus Anderson), Ruth Gemmell (Violet Bridgerton), Claudia Jessie (Eloise Bridgerton), Luke Newton (Colin Bridgerton), Golda Rosheuvel (la reina Charlotte) y Polly Walker (Portia Featherington), entre otros. Además, la temporada contará con la participación de Simone Ashley (Kate Bridgerton), Isabella Wei (Posy Li), Michelle Mao (Rosamund Li) y Katie Leung (Lady Araminta Gun).

Desde su debut en 2020, Bridgerton se ha consolidado como una de las series más vistas de Netflix, con cada una de sus tres temporadas anteriores posicionándose entre las más populares de la plataforma. La precuela, La reina Charlotte: Una historia de Bridgerton, también logró un lugar destacado en el Top 10 global. La franquicia ha conseguido atraer a un público internacional, especialmente a los aficionados del género romántico, y ha generado un fenómeno cultural que trasciende la pantalla, con seguidores que expresan su entusiasmo a través de memes, música, literatura, moda y decoración.

El impacto de Bridgerton se ha extendido más allá de la serie, con experiencias en vivo como The Queen’s Ball: A Bridgerton Experience y una creciente oferta de productos de consumo, lo que ha transformado la marca en un referente de estilo de vida. La llegada de la cuarta temporada representa una nueva oportunidad para que los seguidores se sumerjan en el universo de la familia Bridgerton, tanto en la ficción como en la vida real.

Netflix ha destacado el éxito sin precedentes de la franquicia, señalando que “cada una de sus tres temporadas se encuentra entre las más populares de Netflix” y que la precuela “dominó el Top 10 global”. Además, la plataforma subraya la capacidad de la serie para “crear tendencias, ya que los fans celebran su amor por la serie a través de memes, música, libros, moda, decoración y mucho más”.

Con la producción de la cuarta temporada en marcha, la franquicia Bridgerton continuará ofreciendo nuevas formas de interacción para su audiencia, consolidando su posición como uno de los fenómenos culturales más influyentes de la actualidad.

Durante casi dos décadas, Grey’s Anatomy se ha convertido en un fenómeno televisivo global, caracterizado por sus intensos giros argumentales y muertes que han dejado a millones de espectadores devastados. Desde tiroteos hasta accidentes aéreos, pocos programas han logrado mantener una montaña rusa emocional tan constante como la serie creada por Shonda Rhimes. Sin embargo, la propia creadora confesó recientemente que hay una pérdida que la marcó especialmente: la muerte de George O’Malley, interpretado por T.R. Knight.

La muerte que más dolió a Shonda Rhimes

Durante una entrevista con Alex Cooper, presentadora del popular pódcast Call Her Daddy, Rhimes fue directa cuando se le preguntó qué muerte dentro de la serie le había dolido más escribir. “Probablemente la de George”, respondió tras una breve pausa.

El personaje de George O’Malley, uno de los cinco internos originales que comenzaron en el Hospital Seattle Grace, falleció al inicio de la sexta temporada, luego de ser atropellado por un autobús al intentar salvar a una mujer. El episodio reveló que el paciente desfigurado que llegó al hospital era, en realidad, George. “Fue algo muy difícil de hacer, porque TR es una persona encantadora y George era un personaje profundamente querido”, explicó Rhimes.

La creadora admitió que, aunque había escrito decenas de muertes y despedidas, esta le resultó particularmente dolorosa porque representaba la pérdida de uno de los personajes más inocentes y nobles del elenco original.

El impacto de George O’Malley en la serie

Desde su debut en 2005, George O’Malley fue el corazón del grupo de internos. Su empatía, torpeza y sentido del deber lo convirtieron en uno de los personajes más entrañables para el público. Cuando en la quinta temporada anunció su decisión de unirse al Ejército para servir en la Guerra de Irak, muchos fans no imaginaron que esa sería su salida definitiva.

La escena de su muerte, titulada Now or Never (Ahora o nunca), fue una de las más impactantes de la serie. Los espectadores descubrieron junto a Meredith Grey que el hombre desfigurado en la camilla era George, cuando ella logra leer en su mano el número “007”, su apodo dentro del hospital.

“TR fue increíble porque no tenía que hacerlo, pero insistió en interpretar el papel del cuerpo, incluso cuando su rostro no se vería”, recordó Rhimes. “Sabía que el público se rompería igual que yo”.

Un secreto guardado hasta el final

En una entrevista previa con Entertainment Weekly, Shonda Rhimes contó que la identidad del paciente fue mantenida en secreto incluso dentro del set. “Ni siquiera todo el elenco lo sabía”, reveló. “Solo algunos miembros del equipo conocían que TR Knight regresaría para interpretar a George una última vez”.

La decisión de Knight de regresar al set con el rostro cubierto de maquillaje prostético fue, según Rhimes, un acto de compromiso con el personaje. “Él insistió en que fuera su cuerpo el que se viera en la mesa de operaciones, porque se notaban sus ojos azules. Eso hacía toda la diferencia”.

Esa atención al detalle fue lo que convirtió la muerte de O’Malley en una de las más recordadas y conmovedoras de toda la serie.

Un legado de emociones y pérdidas memorables

La muerte de George O’Malley marcó un punto de inflexión en Grey’s Anatomy. Fue la primera gran pérdida de un personaje principal del elenco original, abriendo paso a una larga lista de tragedias posteriores: la muerte de Lexie Grey, Mark Sloan, Derek Shepherd y muchos otros. Cada una de ellas fue escrita con la intención de reflejar la vulnerabilidad del personal médico y el costo emocional del trabajo hospitalario.

Para Rhimes, escribir muertes no se trataba solo de shock o drama, sino de evolución narrativa. “Las pérdidas hacen que los personajes crezcan, los obligan a enfrentar lo que realmente importa”, dijo en otra ocasión. En el caso de Meredith Grey, la muerte de George fue una de las primeras que la llevó a replantearse su papel dentro del hospital y su relación con los demás médicos.

La huella de George y el regreso en la temporada 17

A pesar de haber muerto en 2009, George regresó una década más tarde, en la temporada 17, durante un episodio especial en el que Meredith, en coma por COVID-19, alucinaba en una playa junto a antiguos personajes fallecidos. El reencuentro entre Ellen Pompeo y T.R. Knight fue un homenaje al espíritu original del programa y recordó a los fans la conexión emocional que ambos personajes compartían.

“Fue un cierre hermoso”, dijo Knight a Variety en 2020. “Volver fue como rendir homenaje a todo lo que Grey’s significó para nosotros”.

Shonda Rhimes y su vínculo con los personajes

A lo largo de los años, Shonda Rhimes ha admitido que cada personaje de Grey’s Anatomy representa una parte de su propia experiencia. Sin embargo, George O’Malley fue, en sus palabras, “el alma de la serie”. Su muerte no solo conmovió al público, sino que también marcó un antes y un después en la forma en que Rhimes afrontó la escritura de las pérdidas dentro de su universo televisivo.

“Me rompió, pero también me enseñó a dejar ir”, confesó en el pódcast. Y con eso, la creadora dejó claro que, incluso después de cientos de episodios, algunas historias todavía pesan más que otras.

Shonda Rhimes, una de las creadoras más influyentes de la televisión contemporánea, celebra el décimo aniversario de su libro El Año del Sí y el hito de 450 episodios de Grey’s Anatomy, la serie que la consolidó como showrunner.

En una reciente entrevista para el podcast Call Her Daddy, Rhimes compartió aspectos inéditos de su trayectoria, su proceso creativo, su visión sobre el liderazgo femenino y los desafíos personales y profesionales que ha enfrentado.

Trayectoria profesional y salto a la televisión

Rhimes inició su carrera distante de los reflectores de Hollywood. Tras graduarse de Dartmouth atravesó una etapa de incertidumbre, una experiencia habitual para quienes terminan la universidad.

Su primer empleo fue en una agencia de publicidad, donde un ensayo sobre Barbie se convirtió en un anuncio de prueba, revelando su pasión por narrar historias.

Pronto incursionó en el cine, con guiones para películas como Introducing Dorothy Dandridge, Crossroads y El diario de la princesa 2. Este último proyecto le permitió escribir diálogos para Julie Andrews y descubrir cómo era trabajar en un estudio dirigido por una mujer.

La llegada a la televisión surgió tras el nacimiento de su primera hija, un deseo intensificado después de los atentados del 11 de septiembre. Rhimes detectó que “la televisión ofrecía un espacio único para el desarrollo de personajes complejos”, lo que la motivó a crear series.

Así nació Grey’s Anatomy, inspirada en su interés por el mundo médico y la vida de las mujeres en entornos dominados por hombres. El casting fue meticuloso: TR Knight, conocido en la serie como George O´ Malley fue uno de los primeros seleccionados, mientras que Ellen Pompeo, quien interpreta a Meredith Grey, obtuvo el papel tras una reunión personal, sin audición.

Sandra Oh fue considerada para otro personaje, pero finalmente dio vida a Cristina Yang, un personaje “con el que Rhimes se sintió especialmente identificada”.

Proceso creativo y filosofía de trabajo

El proceso creativo de Rhimes implica una extensa reflexión antes de escribir. “Suelo dedicar meses a pensar en una historia antes de plasmarla en papel” y descarta la existencia del “bloqueo del escritor”. Para ella, los días sin escritura también forman parte natural del proceso; la inspiración puede aflorar a partir de una línea, un personaje o una situación cotidiana, como la dificultad de depilarse en los baños del hospital, que inspiró escenas icónicas de Grey’s Anatomy.

La representación de mujeres complejas y diversas es una constante en su obra. Rhimes asegura que “nunca concibió la idea de crear una serie que no la incluyera a ella o a perspectivas consideradas externas”.

Buscar realidades pocas veces vistas en pantalla la llevó a abordar temas controvertidos, como el aborto de Olivia Pope en Scandal, enfrentando resistencia de las cadenas televisivas. Para la guionista, era fundamental que los espectadores vieran “a personajes queridos atravesar situaciones reales y difíciles”, alejándose de los estereotipos tradicionales.

Vida personal, maternidad e independencia

La maternidad y la independencia han moldeado la vida de Rhimes. Tras años en Los Ángeles, se trasladó a Connecticut durante la pandemia en busca de anonimato y tranquilidad. Su relación con sus hijas es estrecha, aunque reconoció, entre risas, que “ninguna se muestra especialmente impresionada por su trabajo”.

Decidió formar una familia sin pareja, convencida de que no era necesario seguir el modelo tradicional. Aunque durante mucho tiempo rechazó la idea del matrimonio, hoy se siente más abierta y admite que “su visión ha evolucionado con el tiempo y la madurez”.

El Año del Sí y el crecimiento personal

El Año del Sí marcó un giro en su vida. Durante un año aceptó todo aquello que le resultaba desafiante, desde hablar en público hasta cuidar de su salud. Esta etapa le permitió desprenderse de relaciones incompatibles con su nueva identidad y comprender que “el crecimiento personal puede resultar solitario, pero es esencial para el bienestar”.

Rhimes remarcó que decir sí a nuevas oportunidades incluye aceptar los fracasos, los cuales considera “lecciones necesarias en el camino hacia el éxito”.

Mirando al futuro, la mentora de Bridgerton y Scandal atraviesa una etapa de desarrollo creativo, con nuevas historias en mente y el deseo de innovar. Su interés en el golf, su pasatiempo más reciente, le ha permitido adentrarse en espacios poco comunes para mujeres como ella, apropiándose de nuevos territorios.

Rhimes evita referirse al legado, pero espera que las mujeres que vengan detrás encuentren caminos abiertos y no los recorran en soledad. Su mayor deseo es que haya espacio suficiente para que más mujeres avancen, “sin que el peso de ser pioneras recaiga únicamente sobre sus hombros”.

Reese Witherspoon ha marcado un camino único en la industria audiovisual, combinando su faceta de actriz con la de productora y empresaria. Su recorrido, desde sus inicios en Nashville hasta la consolidación de Hello Sunshine, su productora centrada en mujeres protagonistas, ha impulsado transformaciones profundas en Hollywood y en la representación femenina en pantalla.

Así lo expuso en una extensa entrevista con The Interview, el pódcast de The New York Times, donde abordó temas clave como la maternidad, el liderazgo y los desafíos personales y profesionales.

La carrera de Witherspoon comenzó a los catorce años, cuando consiguió su primer papel protagónico tras responder a un anuncio en un periódico local. “Fue cuestión de estar en el lugar correcto en el momento adecuado”, recordó sobre esa audición en un bar de Nashville.

Pronto se destacaría con roles en Election, Cruel Intentions y, especialmente, Legalmente Rubia, que la convirtieron en un rostro internacional. El reconocimiento llegó con el Óscar por Walk the Line, aunque su ambición la llevó a buscar nuevos horizontes. “Aprendí que para tener éxito en cualquier negocio, hay que entender todos sus aspectos”, explicó en diálogo con The New York Times.

Ese deseo por profundizar provocó que fundara Pacific Standard, luego transformada en Hello Sunshine. La productora logró éxitos como The Morning Show, respondiendo a una necesidad concreta: había pocas historias con mujeres en papeles centrales.

“Había un carril vacío en el desarrollo de películas con mujeres en el centro”, afirmó. El auge de las redes sociales y la creación de su club de lectura amplificaron su influencia, permitiéndole construir una comunidad global y conectar directamente con el público.

Liderazgo femenino y visión sobre el poder

El liderazgo femenino atraviesa la visión de Witherspoon. Si bien siempre apostó por el crecimiento de las mujeres en posiciones clave, rechaza el concepto de matriarcado. “Nunca he abogado por un matriarcado. El mundo necesita equilibrio de género”, sostuvo.

Considera esencial la inclusión de los hombres en el debate sobre poder, especialmente al criar a sus dos hijos varones. “Es importante que los hombres jóvenes se sientan parte de la emergencia del poder femenino”, destacó.

El liderazgo, según Witherspoon, no fue una meta personal sino una respuesta a las circunstancias. Un punto de inflexión llegó al involucrarse de manera activa en el movimiento #MeToo, animada por la guionista Shonda Rhimes. “El liderazgo no es algo que busqué, pero entendí que debía asumirlo”, relató. La mentoría de figuras como Rhimes y Jennifer Aniston ha sido determinante en su crecimiento profesional y personal.

Maternidad y retos de la fama

La maternidad es un pilar en la vida de Witherspoon. Fue madre joven en un entorno donde esto no era habitual y enfrentó prejuicios y múltiples dificultades. “La maternidad y la carrera no son excluyentes, pero requieren sacrificios y apoyo”, señaló.

En los primeros años de su hija, rechazó papeles para priorizar a su familia y, con escasa ayuda, afrontó los desafíos del equilibrio entre trabajo y crianza. La presión mediática y el acoso de los paparazzi afectaron a sus hijos, que sufrieron episodios de ansiedad. “Era aterrador. Sobrevivimos, pero fue muy duro para mis hijos”, confesó. El avance de las redes sociales le dio mayor control sobre su imagen y más protección para su familia.

Ya con sus hijos adultos, Witherspoon reconoció la dificultad de dejar ir y el proceso de transformarse en una madre de adultos, lo que generó un nuevo tipo de vínculo. “Es duro, pero sabes que hiciste lo correcto”, reconoció.

Faceta empresarial e impacto en la industria

El mayor logro empresarial de Reese Witherspoon fue la venta de Hello Sunshine a Candle Media por casi USD 1.000 millones. Para ella, era fundamental que la valoración de la compañía reconociera el aporte de las mujeres accionistas y el papel de las historias protagonizadas por mujeres. “La venta de Hello Sunshine fue un momento muy emotivo, porque muchas mujeres tenían participación en la empresa”, explicó.

Ante las dudas del CEO de Candle Media sobre el valor del acuerdo, Witherspoon respondió: “No se puede enterrar algo que es una semilla y que va a crecer”.

Witherspoon destacó que Hello Sunshine opera en un entorno mediático en transformación, impulsado por la inteligencia artificial y cambios en el consumo de contenidos. Sostiene que el gran desafío es adaptarse e innovar constantemente para conectar con nuevas audiencias.

Al reflexionar sobre su recorrido, expresó orgullo por abrir caminos a otras mujeres y visibilizar nuevas voces en la industria. Cerró con una convicción clara: cada día representa una oportunidad para crear y reinventarse, sin aferrarse al pasado.

Según informó Netflix, la cuarta entrega explorará la vida del bohemio Benedict, quien, a diferencia de sus hermanos ya casados, se resiste a comprometerse hasta que una intrigante mujer que conoce en un baile de máscaras cambia su perspectiva.

La serie, producida por Shondaland, ha sido un fenómeno desde su lanzamiento, con cada temporada ingresando en la lista de los más populares de la plataforma. Las temporadas uno y tres se encuentran en los puestos cinco y siete, respectivamente, en esta lista. Además, la precuela La reina Charlotte: Una historia de Bridgerton ha dominado el Top 10 Global, consolidando el éxito de la franquicia. Netflix detalló que la cuarta temporada constará de ocho episodios y será filmada en Londres, Reino Unido, bajo la dirección de la showrunner Jess Brownell.

Un elenco de lujo para la nueva entrega

El elenco de la próxima temporada incluye a Yerin Ha como Sophie Baek, Jonathan Bailey como Anthony Bridgerton, y Julie Andrews como la voz de Lady Whistledown, entre otros. La producción ejecutiva está a cargo de Shonda Rhimes, Betsy Beers, Tom Verica y Chris Van Dusen. La serie ha logrado no solo atraer a un público romántico, sino también influir en la cultura popular, generando tendencias en moda, música y decoración, y expandiéndose a experiencias en vivo como The Queen’s Ball: A Bridgerton Experience.

Bridgerton: El fenómeno literario y televisivo

Bridgerton, una serie de novelas románticas escritas por Julia Quinn, ha capturado la atención del público tanto en el ámbito literario como en el audiovisual. Estos libros, ambientados en la Inglaterra de la Regencia, narran las historias de amor y vida de la familia Bridgerton, caracterizada por sus ocho hermanos y su madre viuda. La serie se lanzó inicialmente en el año 2000 con “El Duque y yo”, el cual relata el romance entre Daphne Bridgerton y Simon Basset.

El fenómeno de ventas de los libros de Bridgerton fue potenciado por la adaptación televisiva producida por Shonda Rhimes, estrenada en Netflix en diciembre de 2020. La serie rápidamente se convirtió en un éxito global, atrayendo a millones de espectadores y aumentando exponencialmente las ventas de las novelas. Este resurgir en popularidad ha llevado a los libros de Julia Quinn a convertirse en best sellers internacionales, con ediciones revisadas y reediciones para satisfacer la creciente demanda del público.

La serie de televisión ha sido elogiada por su enfoque moderno, diversidad en su elenco y su opulenta representación de la época. Esta combinación innovadora influyó significativamente en el interés por la literatura de la Regencia, convirtiendo a Bridgerton en un fenómeno cultural que trasciende las páginas de los libros y las pantallas de televisión.

Netflix destacó que la franquicia ha evolucionado hasta convertirse en una marca de estilo de vida, permitiendo a los fans disfrutar de su historia favorita de múltiples maneras. Con la producción de la cuarta temporada en marcha, se espera que el universo Bridgerton continúe ofreciendo nuevas experiencias tanto en la pantalla como fuera de ella, manteniendo a su apasionada base de seguidores inmersa en su mundo.

A lo largo de sus 20 años en pantalla, Grey’s Anatomy ha sido una de las series más exitosas de la televisión. A la par de presentar interesantes casos médicos, la ficción de la productora Shondaland capturó a miles de espectadores con drama, romance y rivalidades entre los protagonistas de bata blanca.

Sin embargo, la historia de esta producción incluye episodios de tensión fuera de cámaras y peleas que fueron tan severas que afectaron el rumbo del programa.

El encontronazo entre Patrick Dempsey e Isaiah Washington

Uno de los conflictos más polémicos en la historia de Anatomía según Grey ocurrió en 2006, cuando una discusión entre los actores Patrick Dempsey (Dr. Shepherd) e Isaiah Washington (Dr. Burke) escaló a una pelea física en el set de la exitosa serie. La disputa no solo resultó en la salida de Washington, sino que también marcó el comienzo del fin para T.R. Knight, quien interpretaba a George O’Malley.

El altercado tuvo lugar durante la grabación de un episodio escrito por Mark Wilding. Según reveló el propio guionista en el libro How to Save a Life: The Inside Story of Grey’s Anatomy, la pelea comenzó por un problema de puntualidad.

“Creo que uno de ellos había llegado tarde al set un día y el otro decidió vengarse haciéndolo también. Luego, todo explotó. Comenzaron a discutir y, antes de que nos diéramos cuenta, estaban peleando físicamente”.

El escritor Harry Werksman, quien presenció la pelea, detalló lo ocurrido: “Isaiah, por alguna razón, lo tomó a mal y se lanzó contra Patrick. Supongo que sintió que le habían faltado el respeto porque él y el equipo habían estado esperando. Fue contra Patrick, lo empujó contra la pared y le dijo: ‘No puedes hablarme como le hablas a ese pequeño m----ón de T.R.’”.

Ese comentario no tardó en generar reacciones dentro del equipo de producción y del elenco.

El insulto homofóbico utilizado por Washington fue particularmente dañino debido a que en ese momento la orientación sexual de T.R. Knight no era de conocimiento público.

Marty Carrillo, otro testigo, recordó la reacción inmediata: “Todos sabíamos que T.R. era gay. Por alguna razón, Isaiah simplemente perdió el control y lo empujó contra la pared. Se podía ver cómo sus pupilas se dilataban, como si pensara: ‘¿Qué acabo de hacer?’ Todo quedó en silencio. Todos tuvimos que salir del set”.

El incidente tuvo repercusiones inmediatas y volvió a la palestra en los Globos de Oro de 2007, cuando Washington negó haber usado el insulto. “No, no llamé a T.R. un m----ón. Nunca pasó, nunca pasó”, afirmó en la sala de prensa. Sin embargo, sus palabras solo empeoraron la situación. Su compañera Katherine Heigl reaccionó de inmediato. “Voy a ser completamente honesta: él necesita dejar de hablar en público. Punto. Eso no debía decirse y no estoy de acuerdo con ello”, dijo la actriz que encarnaba a Izzie Stevens.

Pese a que Washington se disculpó públicamente por su conducta, la cadena ABC decidió prescindir de él en 2007.

“Pensé que había hecho todo lo que los productores y la cadena me pidieron hacer”, dijo Washington en How to Save a Life, en referencia a los esfuerzos por remediar la situación. “Pero, aparentemente, esa no era la misma visión que tenían para mi futuro en Grey’s Anatomy“.

La salida de T.R. Knight y el distanciamiento con Shonda Rhimes

La controversia con Isaiah Washington fue solo el comienzo de la difícil situación que enfrentó T.R. Knight en Grey’s Anatomy. Luego de que su nombre apareciera en los titulares por la pelea entre Washington y Dempsey, el actor sintió que debía hablar públicamente sobre su orientación sexual.

“Supongo que había algunas preguntas sobre mi sexualidad y quería acallar cualquier rumor innecesario”, dijo Knight en un comunicado a People en 2006. “Si bien prefiero mantener mi vida personal en privado, espero que el hecho de que sea gay no sea lo más interesante sobre mí”.

Sin embargo, el impacto de haber sido expuesto públicamente fue profundo.

“Todos sentimos mucha pena por T.R. porque aún no había salido del clóset con su familia”, comentó Harry Werksman en el libro How to Save a Life. “Esa fue la manera en que la noticia les llegó, y todos pensamos: ‘Dios mío, no podría haber una forma peor’”.

Además de la presión mediática, Knight comenzó a notar cambios en su rol dentro de la serie. Durante la quinta temporada, su personaje, George O’Malley, apareció en pantalla solo 48 minutos en los primeros nueve episodios, mientras que Sandra Oh, quien interpretaba a Cristina Yang, tuvo 114 minutos de tiempo en escena.

“Mi experiencia de cinco años me demostró que no podía confiar en ninguna respuesta que me dieran sobre George”, confesó Knight en una entrevista con Entertainment Weekly en 2009. “Y, con respeto, decidí dejarlo ahí”.

El actor también habló sobre su relación con Shonda Rhimes, creadora de la serie, y cómo sintió un distanciamiento progresivo. Según su testimonio, Rhimes trató de persuadirlo para que no hablara públicamente sobre su sexualidad. “Creo que estaba preocupada porque mi declaración saliera tan cerca del incidente inicial”, comentó Knight.

No obstante, la showrunner negó esta versión: “Le dije: ‘Si quieres salir del clóset, eso es increíble. Te apoyaremos totalmente’”.

En ese contexto, con la “falta de comunicación con la producción” persistente, el intérprete de O’Malley prefirió retirarse del proyecto.

Aunque su amiga y compañera Katherine intentó convencerlo de quedarse, Knight estaba decidido: “No pensé que fuera la decisión correcta, pero cuando finalmente sucedió, me alegré por él porque estaba listo para irse”, recordó Heigl.

Knight dejó la serie al final de la quinta temporada y, aunque su salida fue polémica, con el tiempo reconstruyó su relación con Shonda Rhimes y volvió a trabajar con la creadora en otra de sus ficciones.

La abrupta salida de Katherine Heigl

La actriz que encarnaba a Izzie también tuvo sus propias discrepancias con Shonda Rhimes.

La disputa comenzó en 2008, cuando Heigl sorprendió al público y a la industria al rechazar su nominación a los premios Emmy. “No sentí que me dieran el material suficiente este año para merecer una nominación al Emmy y, en un esfuerzo por mantener la integridad de la organización de la Academia, no quería quitarle la oportunidad a otra actriz que sí recibió dicho material”, declaró Heigl en un comunicado publicado por Entertainment Weekly.

Las palabras de la actriz fueron interpretadas como un desaire a los guionistas de la serie, especialmente a Rhimes, creadora y showrunner del drama médico.

Según el libro How To Save A Life, la declaración de Heigl fue vista como una traición dentro del equipo de producción y generó tensión inmediata con Rhimes. Heigl intentó disculparse en 2010, y admitió que “podría haber manejado la situación con más elegancia”.

El distanciamiento entre la actriz y el equipo creativo se profundizó en 2009 cuando, en una entrevista con David Letterman, Heigl criticó el largo horario laboral en el set, calificándolo de “cruel y mezquino”. Una vez más, se percibió ello como un ataque indirecto a la producción.

La tensión acumulada llevó a Heigl a solicitar su salida de la serie en 2010, 18 meses antes del final de su contrato. Explicó que su decisión se debía a su deseo de pasar más tiempo con su familia y evitar que los espectadores vieran a su personaje, Izzie Stevens, aparecer y desaparecer sin una historia clara. Sin embargo, los rumores sobre su supuesta actitud conflictiva en el set persistieron.

Rhimes, sin mencionar directamente a Heigl, dejó entrever su postura en 2014 al afirmar en una entrevista con The Hollywood Reporter que en su otra serie, Scandal, “no hay Heigls”, y que ya no trabaja con “gente desagradable”.

A pesar del conflicto, en años recientes Heigl ha expresado su disposición a regresar a Grey’s Anatomy, mientras que Rhimes ha señalado que estaría “dispuesta a ver a Izzie otra vez”.

Aunque la relación entre ambas todavía no se ha reparado públicamente, el paso del tiempo ha suavizado las tensiones, dejando abierta la posibilidad de una reconciliación en la pantalla.

Desde su ascenso en la serie hasta su incursión como productora, la actriz ha construido un patrimonio sólido y ha dejado una huella en la lucha por la equidad salarial en Hollywood.

El histórico aumento salarial de Ellen Pompeo en 2018

En 2018, Pompeo renegoció su contrato con ABC y logró un acuerdo sin precedentes: 20 millones de dólares anuales, lo que equivalía a 575.000 dólares por episodio. Este contrato la convirtió en la actriz mejor pagada de la televisión en ese momento, superando a otras figuras de la industria.

Además del salario por episodio, recibió una bonificación de firma de siete cifras y dos puntos de capital de backend en la serie, lo que le generó entre 6 y 7 millones de dólares adicionales.

La actriz explicó en una entrevista con The Hollywood Reporter que esta negociación fue un momento crucial en su carrera. A pesar de su éxito en la serie, enfrentó dudas sobre si merecía pedir un aumento.

“Un hombre no tendría ningún problema en pedir 600.000 dólares por episodio”, dijo Pompeo. “Y como mujeres, pensamos: ‘¿Puedo pedir eso? ¿Está bien?’”.

El temor a parecer “codiciosa” y el apoyo de Shonda Rhimes

Pompeo reconoció que enfrentó una barrera psicológica antes de solicitar su aumento. Durante años, había sido condicionada a creer que exigir un salario acorde a su impacto en la serie podría hacerla parecer “codiciosa”. Para superar este miedo, buscó el consejo de Shonda Rhimes, creadora de Grey’s Anatomy, quien la respaldó en su decisión.

Cuando Rhimes se preparaba para trasladar su carrera a Netflix, Pompeo le preguntó si Grey’s Anatomy debía terminar. La showrunner le respondió que, si la serie continuaba, la actriz debía ser “incentivada” y sentirse “empoderada” con algún sentido de “propiedad”.

Su agencia, CAA, recopiló datos que demostraban la enorme rentabilidad de la serie para Disney, revelando que Grey’s Anatomy había generado casi 3.000 millones de dólares para la empresa. Con esta información, Pompeo comprendió que tenía derecho a una parte de esas ganancias.

La disparidad salarial con Patrick Dempsey

Durante años, el estudio usó la presencia de Patrick Dempsey como una estrategia para contener las exigencias salariales de Pompeo. “Siempre podían usarlo como palanca en mi contra —‘No te necesitamos; tenemos a Patrick’—, lo cual hicieron durante años”, declaró la actriz.

En ese sentido, Pompeo intentó negociar en conjunto con Dempsey, pero él nunca mostró interés. En un momento, solicitó ganar 5.000 dólares más que su coprotagonista por ser el rostro principal de la serie, pero la propuesta fue rechazada.

Tras la salida de Dempsey en 2015, Pompeo tuvo más margen para negociar. Aunque le molestó que su trabajo no fuera valorado de la misma manera que el de su colega, aclaró que no se trataba de que él no mereciera su sueldo, sino de que ella también debía recibir una remuneración justa.

Luego de su entrevista con The Hollywood Reporter, en la que reveló detalles de su contrato, Pompeo enfrentó una oleada de críticas. Para su sorpresa, muchas de ellas provinieron de mujeres que la culparon por la salida de las actrices Sarah Drew y Jessica Capshaw de la serie.

“La reacción no me sorprendió viniendo de hombres, pero que las mujeres me culparan... Me dejó completamente impactada”, expresó Pompeo, quien agregó: “Necesitamos unirnos y apoyarnos mutuamente, no atacarnos. No podemos competir ni compararnos”.

Antes de hacer pública su negociación, su representante le advirtió que podría volverse “impopular”. Años después, en una entrevista con el pódcast Call Her Daddy, reflexionó sobre este comentario y reconoció que la sociedad tiene dificultades para celebrar el éxito de otros si creen que han logrado algo que ellos desean.

Más allá de Grey’s Anatomy: sus negocios y nuevos proyectos

Además de su carrera como actriz, Pompeo ha construido su trayectoria como productora y directora. En 2011, fundó su propia compañía, Calamity Jane, con la que desarrolló varios proyectos. Como parte de su acuerdo de 2018 con ABC, obtuvo espacio de oficina en los estudios de Disney y compromisos para desarrollar pilotos.

Su más reciente producción, Good American Family, en Hulu, está basada en la historia real de Natalia Grace, una niña cuyos padres adoptivos afirmaron que en realidad era una adulta que fingía ser menor de edad. Con este proyecto, Pompeo sigue explorando su faceta como productora y actriz, demostrando que su carrera va más allá de Grey’s Anatomy.

La historia de Katherine Heigl es una de contrastes. Desde ser una joven promesa en la televisión hasta convertirse en una de las figuras más criticadas en Hollywood, su carrera ha tenido momentos de gran éxito y grandes dificultades. Sin embargo, Heigl ha demostrado ser más que una actriz de comedias románticas por su capacidad de resiliencia y apuesta a nuevos desafíos. Hoy, a sus 46 años, Heigl sigue siendo una figura relevante en la industria. Su historia es un testimonio de cómo la fama puede ser efímera y cómo la reinvención y la autenticidad son claves para seguir adelante en el cambiante mundo del entretenimiento.

Una pérdida prematura

Katherine Marie Heigl nació el 24 de noviembre de 1978 en Washington, D.C. Hija de padres de ascendencia alemana e irlandesa, su familia se trasladó a Connecticut cuando ella tenía poco más de un año. La familia Heigl sufrió una gran pérdida cuando ella era una niña: su hermano mayor, Jason, murió en 1986 a causa de lesiones cerebrales en un accidente automovilístico cuando conducía con amigos a los 15 años y fue arrojado desde la parte trasera de una camioneta. Cuando los médicos determinaron que tenía muerte cerebral, la familia tomó la difícil decisión de donar sus órganos. Heigl en aquel momento tenía 7 años y tuvo que enfrentarse a la vida tras una pérdida demasiado perturbadora. La muerte de Jason impactó en su vida y admitió que durante mucho tiempo tuvo miedo de “permitirse ser feliz porque sabía lo fácil que podía ser arrebatada la felicidad”. Más tarde entendió que eso no era vivir y decidió abrazar los momentos felices. Este doloroso capítulo le dio a Katherine un mayor aprecio por la vida, y la motivó a usar su fama para promover la importancia de la donación de órganos.

Katherine saltó a la fama por primera vez como modelo infantil. Una tía que visitaba a la familia en New Canaan tomó varias fotografías de la pequeña Katie, que entonces tenía nueve años, en una serie de poses para promocionar un producto para el cuidado del cabello que ella había inventado. Al regresar a Nueva York, con el permiso de los padres, envió las fotos a varias agencias de modelos. En pocas semanas, Katherine había firmado con Wilhelmina, una reconocida agencia de modelos internacional. Casi inmediatamente, hizo su debut en un anuncio de revista y pronto siguió con una aparición televisiva inaugural en un anuncio nacional de una marca de cereales.

Después de una serie de anuncios y trabajos como modelo para Sears y Lord & Taylor, hizo su debut en la pantalla grande en That Night (1992), a los 11 años, protagonizada por Juliette Lewis y C. Thomas Howell. Fue entonces cuando se dio cuenta de que su pasión era actuar, más que modelar. En 1993, Katherine apareció en el drama de la época de la Depresión de Steven Soderbergh, aclamado por la crítica, King of the Hill (1993), antes de conseguir su primer protagónico como una adolescente rebelde, junto a Gérard Depardieu, en Mi padre, el héroe (1994) y empezó a sentir confianza. Durante este tiempo, continuó asistiendo a New Canaan High School, equilibrando sus estudios académicos con el trabajo en películas y modelaje, que realizaba durante las vacaciones y los fines de semana. Pero a sus compañeros de clase no les gustó, le hicieron el vacío y sufrió bullying. Sin saber en qué les falló, trató de evitar que se repitiera el desplante convirtiéndose en “la chica complaciente”, aunque pronto abandonó esta mentalidad.

De la cima de su carrera a la cancelación

En 1995, interpretó a Sarah Ryback, la sobrina del personaje de Steven Seagal, en Under Siege 2: Dark Territory (1995), que fue su debut en el género de películas de acción. La actuación se estaba convirtiendo en su actividad más importante, aunque todavía modelaba y aparecía regularmente en revistas como Seventeen. Pronto siguieron apariciones en televisión hasta asumir el papel principal en Pide un deseo (1996) de Disney. También fue durante ese año que los padres de Katherine se divorciaron y, después de su graduación de la escuela secundaria en 1997, se mudó con su mamá a una casa de cuatro habitaciones en el área de Malibu Canyon de Los Ángeles. Esto le permitió centrarse en la actuación con la guía y el apoyo de su madre, quien manejaba su carrera.

En 1997, Katherine interpretó a Taffy Entwhistle, la doble de Rita Hayworth, en Stand-ins (1997) y también fue elegida como la bella Princesa Ilene en la producción europea El príncipe Valiente (1997). Luego hizo su debut en una película hecha para televisión, coprotagonizando con Peter Fonda una nueva versión de la obra clásica de Shakespeare, La tempestad (1998), actualizada con un tema de la Guerra Civil estadounidense. En esta película, interpretó a Miranda Prosper, una joven dividida entre su amor por su padre y un soldado de la Unión. Bug Buster (1998) y La novia de Chucky (1998) representaron una incursión en el género de terror para Katherine.

Katherine comenzó su ascenso a la fama con la serie de televisión Roswell (1999). Interpretó a Isabel, un personaje con una personalidad tan aguerrida como la suya propia. Pero la serie tuvo problemas y estuvo a punto de ser cancelada en varias ocasiones, sólo para ser salvada por sus fans. Los extraterrestres de la serie tenían una extraña afinidad con la salsa Tabasco y Heigl dijo que los fans enviaron cientos de botellas de salsa Tabasco a la cadena para protestar por la cancelación del programa. Esto ayudó a que fuera renovada dos veces. Heigl contó que se divirtió mucho durante su trabajo en Roswell y le encantó “tener tanta libertad creativa a la hora de representar a su personaje”. Para dar a conocer su papel en el programa, Katherine apareció en las portadas de revistas como TV Guide, Maxim y Teen.

El verdadero auge de Katherine Heigl llegó en 2005, cuando fue seleccionada para interpretar a Izzie Stevens en la exitosa serie de televisión Grey’s Anatomy. La serie no sólo catapultó a Heigl al estrellato internacional, sino que también le valió un premio Emmy en 2007 como Mejor Actriz Secundaria en una Serie Dramática. Durante las primeras temporadas de la serie, su personaje fue muy popular entre los fanáticos. Izzie fue una mujer joven, talentosa y muy emocional, lo que hizo que la audiencia se sintiera conectada con ella. La química entre Heigl y sus compañeros de elenco, especialmente con el actor T.R. Knight, fue clave para el éxito de la serie. Pero, un año después de ganar la estatuilla, decidió no presentar su nombre para una nominación, diciendo en ese momento que no sentía que el trabajo que hizo en la serie esa temporada era material digno de un Emmy. La creadora de la serie, Shonda Rhimes, no se tomó a bien la razón de Heigl para retirarse. Más tarde, la actriz aclaró sus comentarios y reveló que se había disculpado con Rhimes. Pero evidentemente Rhimes no quedó contenta y lo hizo saber al país cuando habló del incidente con Oprah Winfrey: “Sí, en cierto nivel me molestó y en cierto nivel no me sorprendió. Cuando la gente te muestra quiénes son, créeles”, dijo la creadora de la serie. También se burló de Heigl en una entrevista mientras hablaba de Scandal, otro show de su autoría. Mientras explicaba lo bien que se llevaba el reparto, Rhimes dijo: “No hay Heigls en esta ocasión”.

El carácter de Katherine Heigl no siempre le ayudó. Además de sus comentarios que llevaron al drama con la creadora de Grey’s Anatomy, Heigl también apareció en el programa de David Letterman en el 2009, donde habló sobre las largas horas de trabajo del reparto y el equipo. Heigl también recibió críticas por llamar a Ligeramente Embarazada (2007) una película “sexista”, y que no estaba satisfecha con la forma en que representa a las mujeres; dijo que los personajes masculinos son representados como divertidos mientras que las mujeres son vistas como difíciles; y que no le gustaba la película, aunque disfrutó haciéndola.

En 2007, protagonizó la exitosa comedia romántica 27 bodas (2008), que fue un éxito de taquilla y consolidó su lugar como una de las actrices principales de Hollywood. Al año siguiente, volvió a brillar en Líos de familia (2008), junto a Gerard Butler, lo que la convirtió en una de las comediantes románticas más taquilleras del momento. Sin embargo, a pesar de su éxito en el cine, Heigl también comenzó a enfrentar dificultades. A mediados de la década de 2010, sus películas comenzaron a no tener el mismo impacto en las boleterías. Películas como Ámame o muérete (2010) y One for the Money (2012) no lograron el mismo éxito que sus anteriores comedias románticas. Esta caída en popularidad, sumada a su fama por declaraciones públicas sobre su desdén por la industria y la calidad de los guiones, afectó en extremo su carrera. Además, sus comentarios sobre la industria del cine, en los que calificó algunas de sus películas como “terribles” o “sin valor”, no fueron bien recibidos en Hollywood. Esto, combinado con su actitud a veces “difícil” en los sets, hizo que algunos de sus compañeros de trabajo y directores se distanciaran de ella, afectando su reputación profesional para siempre.

La actriz y el cantante

Katherine Heigl conoció a su marido, Josh Kelley, durante el rodaje del vídeo musical de su canción Only You en el 2005. El cantante llamó la atención de Heigl, pero ella contó que él no pareció fijarse en ella hasta que todos los que trabajaron en el clip salieron a cenar y finalmente consiguió mantener una conversación con él. Su relación floreció a partir de ahí y en 2007 se casaron. En una entrevista con Oprah Winfrey, Heigl llenó de halagos a Kelley y admitió que no siempre es la persona más fácil de tratar y que él, de alguna manera, se las arregla para tomárselo con calma, haciéndola responsable de sus actos y aceptándola con todos sus defectos. “Es un hombre fenomenal, fenomenal. Nunca he conocido a un hombre como él y... no sé si volveré a hacerlo”, reveló.

La hermana de Heigl, Meg, fue adoptada en Corea, por lo que Heigl quería hacer lo mismo. En el 2009, ella y Kelley adoptaron a su primera hija, Naleigh, de Corea del Sur, quien en ese entonces tenía 9 meses y estaba recién operada a corazón abierto. En ese momento, Heigl estaba trabajando en la película Bajo el mismo techo (2010) que, según dijo, era algo surrealista porque su personaje también era una madre primeriza. Tres años más tarde, en el 2012, la pareja adoptó a otra niña, Adalaide, esta vez de EE.UU. La actriz tuvo que convencer a su marido para volver a adoptar, hasta que finalmente accedió.

En 2016, Heigl quedó embarazada por primera vez del que sería su tercer hijo. Al anunciar la noticia en su blog, escribió sobre cómo ella y su marido no rechazaban ampliar su familia, incluso considerando la posibilidad de adoptar a un niño. Luego, todo cambió cuando se enteró de que estaba embarazada, algo que no estaba segura de que fuera una opción para ella a sus 30 años. Más tarde declaró que el embarazo no era algo que deseaba.

Y para ampliar sus rumbos, la actriz se aventuró en el mundo de los negocios, lanzando su propia línea de ropa y productos para el hogar. Además, ha trabajado activamente en causas benéficas, especialmente en temas de adopción y salud infantil.

En honor a su hermano

Heigl tiene 36 mascotas en su rancho, desde perros hasta caballos. Su amor por los animales la une a su difunto hermano, Jason, que sentía lo mismo. “Sinceramente, los inocentes y los que no tienen voz eran lo suyo, eran lo suyo. Era un gran defensor, incluso a los 15 años, lo cual es algo extraordinario”, compartió la actriz. Ella y su madre, Nancy, crearon la Fundación Jason Debus Heigl para honrarlo. El objetivo principal de la fundación es ayudar a los refugios a rescatar y encontrar hogares para las mascotas, especialmente las que corren un alto riesgo de pasar por eutanasia. Además, proporciona fondos a varias clínicas para animales e incluso utiliza sus recursos para responsabilizar a los maltratadores de animales y animar a la gente a tomar medidas cuando sospechan de maltrato animal. De hecho, Heigl instó a la Legislatura del Estado de Utah a hacer ilegal la eutanasia con cámaras de gas.

La muerte de su hermano cambió la vida de Katherine Heigl para siempre, pero ella sigue manteniendo viva su memoria animando a la donación de órganos. En el 35º aniversario de la muerte de su hermano Jason, la actriz compartió en Instagram sus recuerdos de él y la difícil decisión que su familia tuvo que tomar tras su muerte. Heigl se tomó un momento para animar a otros a convertirse en donantes de órganos, diciendo: “Las tragedias ocurren. Pero ninguno de nosotros está solo en esto. Al menos, eso es lo que me enseñó Jason”.

En los últimos años, Heigl volvió a enfocarse en su carrera, especialmente en la televisión. En 2019, consiguió un papel principal en la serie El baile de las luciérnagas (2021), basada en el popular libro de Kristin Hannah, que fue un éxito y permitió a Heigl reconectar con una nueva audiencia, mostrando una faceta más madura de su carrera.

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El episodio de apertura, titulado “We’ve Only Just Begun”, establece el tono para esta nueva fase. En este capítulo, Meredith reevaluará su futuro, mientras los nuevos residentes, entre ellos Simone Griffin (Alexis Floyd), Lucas Adams (Niko Terbo), Mika Yasuda (Midori Francis), Jules Millin (Adelaide Kane) y Daniel “Blue” Kwan (Harry Shum Jr.), enfrentan las consecuencias de sus errores.

Pompeo continuará su vínculo con la serie más allá de la pantalla, manteniéndose como narradora y productora ejecutiva. Además, aparecerá en varios episodios, a pesar de que su personaje ha decidido buscar nuevos horizontes en Boston para trabajar en la investigación del Alzheimer, una causa profesional de gran relevancia para Meredith. La influencia de Meredith en el hospital Grey Sloan Memorial y en la vida de los personajes que dejó atrás se mantendrá viva.

Grey’s Anatomy ha encontrado la manera de mantener su frescura y ritmo a pesar de los numerosos cambios en su elenco principal a lo largo de los años. “La nueva tanda de episodios no es la excepción”, indica una fuente de la producción. “La doctora Miranda Bailey (Chandra Wilson) y el doctor Richard Webber (James Pickens Jr.) también enfrentarán nuevos desafíos y asumirán un papel más destacado como los miembros más veteranos del programa”.

La serie ha conseguido equilibrar de forma efectiva las tramas dramáticas del personal del hospital con la narrativa médica y eventos de proporciones trágicas que sacuden el mundo de estos personajes. Desde su estreno en 2005, Grey’s Anatomy se ha establecido como un pilar de la televisión moderna, manteniendo su relevancia y atractivo para la audiencia.

La salida de Meredith Grey como personaje regular ha generado preocupación entre los fanáticos, pero la serie sigue adelante con nuevas historias que prometen capturar la atención de los espectadores. “Nos sentimos honrados de celebrar este 20 aniversario y esperamos seguir presentando historias que resuenen con nuestra audiencia”, afirmó un portavoz de Sony Channel.

Pompeo y un regreso inesperado

A pesar de que los fanáticos estaban desolados por el alejamiento de la doctora Grey del drama médico, se confirmó que la actriz Ellen Pompeo volverá a la pantalla en la temporada 21, donde participará en al menos siete episodios. La confirmación de su regreso fue divulgada por The Hollywood Reporter, llevando alivio a los seguidores del drama médico de más larga duración en horario estelar. La actriz, quien también es productora ejecutiva del programa, retomará su papel como la narradora principal.

Tras casi dos décadas en el frente de Grey Sloan Memorial, Meredith se despidió temporalmente en el estreno de la temporada 19, cuando su personaje se mudó a Boston con su familia, como se vio en el episodio titulado I’ll Follow the Sun. Más adelante, regresó en el final de temporada titulado Wedding Bell Blues/Happily Ever After. Pero se la verá en la temporada 20 y en siete episodios de la entrega 21.

Además del regreso de Grey’s Anatomy, Sony Channel actualizará su programación con los estrenos de nuevas entregas de The Good Doctor, Fire Country, y Station 19.

Netflix ofrece una gran variedad de contenidos para todos los gustos y edades. Entre esas producciones, se destaca una notable cantidad de series limitadas que cuentan una historia de manera concisa en pocos episodios. Ejemplos de estas exitosas miniseries incluyen el reciente éxito Bebé Reno (Baby Reindeer - 2024), donde conocemos la historia de Donny Dunn y Martha Scott. Por otro lado, también está Gambito de Dama (The Queen’s Gambit - 2020), donde seguimos a Beth Harmon, interpretada por Anya Taylor-Joy (Fragmentado, Furiosa: de la saga Mad Max, El menú), una prodigio del ajedrez.

Por eso, en esta oportunidad, vamos a explorar tres producciones limitadas para disfrutar en Netflix.

Las cosas por limpiar - Maid (Creada por Molly Smith Metzler - Disponible en Netflix)

Empezamos esta selección con Las cosas por limpiar (Maid), una miniserie lanzada en el año 2021 inspirada en el libro autobiográfico de Stephanie Land, Maid: Hard Work, Low Pay, and a Mother’s Will to Survive. El proyecto, creado por la cineasta Molly Smith Metzler (Orange Is the New Black, Shameless), cuenta la historia de una madre joven que escapa de una relación opresiva y lucha por construir una nueva vida para ella y su pequeña hija. Con actuaciones destacadas y una narrativa poderosa, la serie no solo resalta las luchas cotidianas, sino también la resiliencia y la determinación de una madre que hará lo que sea necesario para proporcionar un futuro mejor para su familia.

Con respecto al elenco de este proyecto, lo lidera Margaret Qualley, la actriz a quien vimos en proyectos cómo Había una vez en Hollywood (Once Upon a Time in Hollywood - 2019), Pobres criaturas (Poor Things - 2023) y El amor es un viaje en trineo al infierno (Drive-Away Dolls - 2024). Junto a ella, el elenco se completa con Nick Robinson (Yo soy Simón, La quinta ola), Anika Noni Rose (Jingle Jangle: una mágica Navidad) y Andie MacDowell (Cuatro bodas y un funeral, Boda sangrienta)

Eric (Creada por Abi Morgan - Disponible en Netflix)

En segundo lugar, tenemos una de las miniseries más populares de Netflix del último año: Eric. Estrenada el pasado mes de mayo y con una duración de 8 episodios, la serie sigue la historia de Vincent, uno de los titiriteros y artistas más populares de su ciudad natal. A través de sus marionetas, Vincent brinda alegría a los niños que miran sus espectáculos en la televisión. Sin embargo, la vida de Vincent y su esposa cambia drásticamente cuando su pequeño hijo de nueve años desaparece misteriosamente.

A partir de este momento, Vincent se embarca en un viaje oscuro y angustiante. En su dolor y desesperación, decide crear un títere basado en un dibujo hecho por su hijo, pero pronto descubre una extraña conexión entre él y su creación. Eric está protagonizada por Benedict Cumberbatch (Doctor Strange en el multiverso de la locura, Sherlock), McKinley Belcher III (One Piece, Ozark), Gaby Hoffmann (Amigas para siempre), Jeff Hephner (Love Takes Flight) y Dan Fogler (Animales fantásticos y dónde encontrarlos).

Inventando a Anna - Inventing Anna (Creado por Shonda Rhimes - Disponible en Netflix)

Por último, tenemos Inventando a Anna (Inventing Anna), la serie limitada estrenada en el año 2022. Lo interesante del proyecto es que fue creado por Shonda Rhimes, la mente creativa detrás de Grey’s Anatomy y productora del éxito Bridgerton. En esta ocasión, la serie está basada en el artículo de la revista New York, How Anna Delvey Tricked New York’s Party People, y sigue la increíble historia de una joven que se hizo pasar por una rica heredera alemana bajo el nombre de Anna Delvey, engañando a la élite de Nueva York y estafando a hoteles, bancos y muchos seres queridos.

Inventando a Anna está protagonizada por un elenco talentoso que incluye a Julia Garner (The Americans, The Fantastic Four, Ozark) en el papel principal, junto a Anna Chlumsky (Veep, Mi primer beso), Laverne Cox (Orange Is the New Black), Saamer Usmani (El problema de los tres cuerpos), Alexis Floyd (The Bold Type) y Katie Lowes (Scandal). La serie explora cómo la joven logró infiltrarse en los círculos sociales más exclusivos de Nueva York, mientras una periodista, interpretada por Chlumsky, intenta descubrir la verdad detrás de sus engaños y ascenso meteórico.

Pompeo ha tenido una participación intermitente en las últimas temporadas de Grey’s Anatomy. Apareció en ocho episodios de la temporada 19 y en solo cuatro de la temporada 20, que se vio afectada por las huelgas de guionistas y actores de 2023. Su regreso viene después de su trabajo en una serie limitada para Hulu titulada Natalia, inspirada en la historia real de Natalia Grace. Este nuevo proyecto finalizará su rodaje antes del inicio de la producción de la temporada 21 de Grey’s Anatomy.

La serie, creada por Shonda Rhimes, ha reiterado en varias ocasiones que Meredith Grey es fundamental para el show. Respecto a su rol en la producción actual, Rhimes expresó en una conversación con Lacey Rose de The Hollywood Reporter: “Durante mucho tiempo, incluso cuando no era el showrunner de Grey’s, seguía editando todos los episodios. Ahora no hago nada de eso”. Sin embargo, afirmó que su participación sigue siendo crucial para tomar decisiones importantes.

Pompeo, quien ha liderado más de 400 episodios de la serie, redujo su papel de regular a recurrente en 2022 para enfocarse en la serie de Hulu. Tras casi dos décadas en el frente de Grey Sloan Memorial, Meredith se despidió temporalmente en el estreno de invierno de la temporada 19, cuando su personaje se mudó a Boston con su familia, como se vio en el episodio titulado I’ll Follow the Sun. Más adelante, regresó en el final de temporada titulado Wedding Bell Blues/Happily Ever After.

En la temporada 20, el personaje de Pompeo, Meredith, finalizó con una perspectiva positiva. Meredith y Nick, interpretado por Scott Speedman, planearon mudarse a una casa en las afueras de Boston. Intentaron estabilizar su vida tras evitar una crisis profesional relacionada con la investigación del Alzheimer de Catherine Fox y Amelia Sheperd, personajes actuados por Debbie Allen y Caterina Scorsone respectivamente.

Eric Dane, conocido por su papel como Dr. Mark Sloan o McSteamy, reveló en una entrevista que fue “despedido” de Grey’s Anatomy porque “no era el mismo tipo” que contrataron inicialmente. Este tipo de declaraciones de actores que alguna vez formaron parte del elenco indican el impacto duradero de la serie y su capacidad de generar interés a lo largo de los años.

Meg Marinis, quien actualmente dirige el proyecto como showrunner, mantiene una comunicación continua con Rhimes para asegurar que la narrativa de la serie se mantenga fiel a sus raíces. Rhimes mencionó: “Meg todavía me llama y me propone la temporada porque quiere mi bendición. Y me llama si tiene problemas”.

La temporada 21 de Grey’s Anatomy promete emocionar a sus seguidores con el regreso de Pompeo. El creador de la serie ha manifestado en reiteradas ocasiones que Grey’s no sería lo mismo sin Meredith Grey, y esta temporada busca probar exactamente eso, incorporando elementos que lleven a la serie en nuevas direcciones mientras mantiene sus esencias.

Episodio anterior:

• Nostalgia pop - Episodio 1: ¿Hollywood se quedó sin ideas?

Episodio 2: Sobredosis de TV (o de streaming)

“No te pongas tan cerca de la televisión que te hace mal a la vista”. Si creciste en las últimas décadas del milenio pasado, escuchaste por lo menos una decena de veces esta frase. Pero nada podía superar la sensación de sentarnos frente a la tele por horas a ver nuestros programas favoritos o de trasnochar en compañía de su luz intermitente. De enchufar el family game para desafiar a nuestros hermanos y amigos a unas partidas de Mario Bros. Y de alquilar el último estreno (o por enésima vez Toy Story) en el videoclub el fin de semana para ver en familia.

Al final el mito de la vista tan repetido por nuestros padres y abuelos tenía una parte de verdad: la exposición prolongada a la pantalla de la televisión podía causar fatiga ocular. Pero el efecto era temporal. Y los recuerdos que nos dejó son para siempre. Con el tiempo aprendimos que la tele no era tan mala como se decía en esa época, solo tenía mala fama. Como cualquier herramienta, artefacto o instrumento, su valor depende pura y exclusivamente del uso que le damos. Y supimos darle grandes usos a la televisión.

Hace ya varios años, la TV tradicional dio paso al On Demand. Es decir, que podemos elegir los contenidos con la misma facilidad que antes podíamos cambiar de canal con el control remoto. Incluso quienes crecimos consumiendo y amando la TV, la magia de enganchar una película haciendo zapping o de ver episodios sueltos de alguna serie, valoramos la posibilidad de elegir lo que queremos ver cuando queremos y podemos. De hecho, quizás lo valoramos mucho más que quienes siempre tuvieron esa opción.

Las plataformas de streaming nos ofrecen un sinfín de producciones audiovisuales para elegir dentro de sus catálogos, cómo y cuándo queremos, con propuestas que abarcan todos los géneros. Sin ir más lejos, estas últimas semanas tuvimos varios estrenos fuertes de series a la vez. Para bien o para mal -tal como lo comentábamos en la columna anterior- una buena parte de ellas suele tratarse de secuelas, precuelas, remakes o adaptaciones de lo que mirábamos entonces, con pocas propuestas completamente originales.

En Prime Video destaca el estreno de la cuarta temporada de The Boys (2019-) precisamente por su capacidad para reinventarse constantemente. Si bien está basada en el cómic homónimo de 2006 y ya tiene su propio spin-off, los temas de actualidad que trata le dan la posibilidad de adaptarse al contexto y seguir estirando la trama, con grandes aciertos e incluso superando ampliamente al material original. Otra que supo hacer lo propio fue Bridgerton (2020-), que estrenó el mismo día la segunda parte de su tercera temporada en Netflix. Una novela rosa a cargo de una de las mentes más brillantes de la TV tradicional: Shonda Rhimes, la creadora de Grey’s Anatomy (que ya va por su ¡vigésima! temporada).

Rhimes es el ejemplo perfecto de los creativos de televisión que supieron adaptarse exitosamente a los nuevos formatos y formas de consumo, trasladando su expertise televisiva a un campo con mucho por explorar y en continua expansión. Hasta se volvió una práctica común que las plataformas de streaming fichen a experimentados showrunners para producir contenido original en sus filas, con presupuestos considerablemente superiores a los que manejaban en televisión. Ryan Murphy, Donald Glover, Phoebe Waller Bridge y Amy Sherman Palladino fueron algunos de los grandes nombres convocados para aportar su visión creativa a las producciones originales de plataformas como Netflix y Prime Video.

En la vereda opuesta, Disney y Max siguen explotando dos de las franquicias más exitosas de la cultura pop de todos los tiempos. Por un lado, The Acolyte (2024-) estrenó con una historia situada 100 años antes del nacimiento de los Skywalker en el Episodio 1 de Star Wars y de todo lo que conocemos sobre la saga espacial de George Lucas. La recepción por parte de los fanáticos ha estado bastante dividida, especialmente por la incorporación de conceptos rupturistas y personajes modernos en la tradición del canon. Con episodios semanales, Disney+ mantiene la atención del fandom y la conversación en redes, una estrategia que cada vez más plataformas están adoptando.

La que nunca resignó su formato semanal, incluso cuando Netflix amenazó con imponer un nuevo ritmo de estrenos lanzando sus temporadas completas, fue HBO. El canal más prestigioso de la televisión se resistió a la maratón furiosa y mantuvo un modelo híbrido con su plataforma de streaming -que cambió varias veces de nombre hasta convertirse en Max- estrenando semanalmente en simultáneo en el cable y on demand. En su férrea resistencia como último bastión del modelo tradicional, supo construir una de las series más exitosas de los últimos tiempos, generando un verdadero fenómeno cultural con los estrenos dominicales de Game of Thrones (2011-2019).

Ahora vuelven a intentar replicar aquel pico de popularidad y prestigio con el estreno de la segunda temporada de su precuela, House of the Dragon (2022-). Situada también un siglo antes de los sucesos de la saga principal de Canción de Hielo y Fuego, la trama está basada en la obra Fuego y Sangre (2019), una especie de libro de historia de Westeros, narrando los acontecimientos que llevaron a la caída de la casa Targaryen. Escrito por el mismo autor, George R.R. Martin, es solo uno de los tantos spin-off que se desprendieron del éxito arrasador de la serie y la renovada popularidad de los libros que adapta.

Estos son solo algunos de los títulos más grandes que llegaron a las plataformas de streaming en apenas un par de semanas. En la época de la televisión tradicional, quizás mirábamos hasta dos o tres series a la vez. ¿Nos pusimos a pensar cuántas vemos hoy? La oferta es continua y hasta apabullante por momentos. Y sin embargo, a pesar de tener todas las plataformas habidas y por haber (y pagar una fortuna por ellas), no son pocas las veces en las que nos encontramos con que ninguna de ellas tiene el título que buscamos en ese momento. Es el nuevo “no hay nada para ver en la tele”.

Bridgerton destaca como una de las producciones más exitosas de Netflix, creada por Chris Van Dusen (Scandal) y producida por Shonda Rhimes (Grey’s Anatomy), adaptando la obra literaria de Julia Quinn. A lo largo de sus dos primeras entregas, la trama se enfoca en distintos miembros de la familia Bridgerton, explorando sus vivencias personales y amorosas. Mientras que las primeras temporadas se centraron en Daphne Bridgerton y Anthony Bridgerton, la tercera temporada, estrenada en dos partes, introduce a nuevos protagonistas: Nicola Coughlan y Luke Newton, quienes interpretan a Penelope Featherington y Colin Bridgerton.

Nicola Coughlan cómo Penelope Featherington en Bridgerton

En esta tercera entrega, cuya segunda tanda de episodios llegará a Netflix el próximo 13 de junio, Penelope Featherington, la joven curiosa e introvertida, ocupará el centro del escenario. Acompañaremos su evolución mientras exploramos cómo las presiones sociales y familiares la impulsan a buscar un esposo en los interminables eventos de la alta sociedad. En esta búsqueda, se verá confrontada por el amor de su juventud, sus secretos peligrosos que deben permanecer ocultos y un hombre que le ofrece la estabilidad que tanto desea.

Sin embargo, antes de su participación en Bridgerton, Nicola Coughlan ya había protagonizado otra serie en Netflix llamada Derry Girls

Derry Girls, la comedia liderada por un grupo de adolescentes en Irlanda del Norte

Nicola Coughlan es una de las protagonistas de Derry Girls, probablemente una de las series más infravaloradas de los últimos años. A pesar de esto, la crítica y reconocidos cineastas como Martin Scorsese (Taxi Driver, El lobo de Wall Street) han elogiado este proyecto a lo largo de sus temporadas. Este título sigue las vidas de un grupo de amigas adolescentes con distintas personalidades que asisten a un colegio de monjas, donde enfrentan situaciones comunes a la adolescencia: primer amor, conflictos familiares, amistad y la búsqueda de su identidad.

Lo que distingue a este proyectos de otras series juveniles es su ambientación en los años 90 y su ubicación en Derry, Irlanda del Norte, escenario del trágico Domingo Sangriento. Aunque la serie no se centra directamente en los acontecimientos políticos, los aborda contextualmente, mostrando cómo es crecer y encontrar su lugar en el mundo en medio de dicha realidad.

Lanzada en 2018, Derry Girls cuenta con tres temporadas disponibles en Netflix. Creada y escrita por Lisa McGee (conocida por su trabajo en The Deceived y The Things I Haven’t Told You), la serie está inspirada en las experiencias de juventud de la propia McGee. Con un enfoque fresco y auténtico, Derry Girls ofrece una mirada nostálgica y humorística a la vida adolescente en una época y lugar turbulentos.

¿Quiénes conforman el elenco de Derry Girls?

Junto a Coughlan, el elenco de completa con Saoirse-Monica Jackson (Encontrando un destino, Ascenso, Liverpool Ferry), Louisa Harland (Boys from County Hell, Renegade Nell), Jamie-Lee O’Donnell (Screw, Amor redentor), Dylan Llewellyn (Un gato con suerte, Big Boys) y Tara Lynne O’Neill (El último veterano), entre otros.

La factoría de Shonda Rhimes, ‘showrunner’ responsable de éxitos como Anatomía de Grey, sabe cómo enganchar al espectador y atraparlo en su tela de araña. No es nada malo ser adicto a Los Bridgerton. Pero, lo realmente increíble, es que haya logrado mantener la categoría de ‘hype’ después de dos temporadas en las que, incluso, se han cambiado los protagonistas.

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He aquí su gran logro, su capacidad de convertirse en fenómeno global: lo que importan son los romances imposibles, las intrigas, los escándalos y, por supuesto, los cotilleos, como si fuera una extensión del extinto Sálvame en versión ‘telenovela’ de sobremesa perfectamente adornado con todos los valores de producción habidos y por haber, (factura de lujo), y con ese juego constante con la ‘posmodernidad’ en el que se mezclan las canciones pop, al estilo de Maria Antonieta de Sofia Coppola, con el más rancio arquetipo de la historia decimonónica.

‘Shondaland’: Una fórmula que funciona

En la primera temporada, el tándem formado por El Duque (Regé-Jean Page) y Daphne (Phoebe Dynevor) resultó irresistible y nadie podía imaginar que esa historia, basada en las novelas románticas de Julia Quinn pudiera ir más allá.

Pero, lo consiguió. La segunda temporada replicaba la estructura original a través del hermano mayor de Daphney, Anthony, heredero de la casa Bridgerton (interpretado por Jonathan Bailey) que se vería atrapado en un incómodo triángulo amoroso entre las hermanastras Kate Sharma (Simone Ashley) y Edwina (Charithra Chandran). Y todo funcionó de maravilla, ante la sorpresa del personal.

Y aquí, en su tercera temporada, es cuando llega el triple salto mortal. Por fin, el relato se articula en torno una de las bases constitutivas desde el principio de la serie, o lo que es lo mismo, la pluma afilada de Lady Whistledown que se encarga de destripar las intrigas de la corte de la reina Charlotte (Golda Rosheuvel) y toda la hipocresía de un sistema de castas que se empeña en emparentarse entre sí para alcanzar poder económico y reconocimiento social.

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Desde el principio, Lady Whistledown tenía todos nuestros afectos. Era capaz de quitar las máscaras y mostrar la verdad detrás de toda esa parafernalia de apariencias. Pero no es ‘spoiler’ decir que hace tiempo que sabemos la identidad de esta gacetillera en la sombra, que no es otra que Penelope Featherington (Nicola Coughlan), sobre la que el concepto de ‘gordofobia’ siempre ha planeado y se le ha humillado indiscriminadamente a lo largo de las dos anteriores temporada. Pero ahora es su momento.

El poder y las debilidades de Lady Whistledown

Es uno de los aspectos importantes de esta tercera temporada. Por fin una serie de éxito tiene como auténtica protagonista a una mujer cuyo cuerpo escapa a los cánones ‘heteronormativos’, que tiene personalidad, ingenio y, por supuesto belleza, aunque sea no convencional. Bendita Penélope.

Ahora es la protagonista y eso requiere casi un reclinatorio. Pero, no nos engañemos, la cosa empieza mal, con titubeos. A esta tercera temporada le cuesta arrancar, sobre todo porque ya conocemos sus mecanismos. Y hay cosas muy rancias, como los numeritos de los celos: cuando un hombre en apariencia no tiene interés por una mujer y, si la ve coquetear con otro, de pronto siente un afán de posesión.

Eso es lo que le ocurrirá a Colin Bridgerton (Luke Newton, convertido en el galán para la ocasión) que, después de haberse curtido en numerosos viajes en el extranjero, llegará a Londres como un gallito en el corral y descubrirá que, en el fondo, siempre ha estado enamorado de Penelope.

Da igual que esta premisa nos la creamos o no. El caso es que funciona. Y lo hace como siempre, a golpe de sinvergonzonería sin tapujos. Lo de este romance no tiene límites para el sonrojo y, sin embargo, no puedes parar de verlo. Quieres más.

En efecto, el verdadero ‘intrigulis’, está relacionado con la identidad de Lady Whistledown, que por el momento solo conoce su (antes) mejor amiga Eloise Bridgerton (Claudia Jessie) y que en esta temporada aparece como casi su antagonista, después de aliarse con Cressida Cowper (Jessica Madsen), que ya va por su tercer año sin encontrar marido.

Al mismo tiempo, la reina Charlotte endurecerá sus medidas para encontrar a Lady Whistledown y la madre de los Bridgerton encontrará un interés amoroso en el recién llegado hermano de Lady Agatha Danbury (Adjoa Andoh). Un lío.

Entre lo ridículo y lo sublime, entre lo chabacano y el ansia

Pero, ¡oh, milagro! Lo que podría haber sido una insensatez repetitiva de fórmulas, sigue siendo un auténtico triunfo, quizás porque es pura ambrosía de materiales de escombro convertidos en lujuria de todo a cien.

De nuevo, la tercera temporada de Los Bridgerton (al menos estos cuatro episodios que componen esta tanda: nota, esta periodista ha visto más y va a mejor), deja claro que sabe cómo bascular a la perfección lo ridículo con lo sublime, lo chabacano con lo sofisticado, la mugre con el perfume malsano audiovisual. Una delicia.

Además, continúa con su esencia de heroínas fuertes y decididas que, a pesar del amor, no quieren renunciar a sus sueños, a su identidad. Y al deseo, al deseo insatisfecho que por fin se convierte en sexualidad jubilosa. Y eso está siempre muy bien.

Esta nueva etapa se centra en una pareja diferente, pese a alterar la secuencia de las novelas de Julia Quinn. En lugar de adaptar la tercera novela, Te doy mi corazón, la serie ha optado por Seduciendo a Mr. Bridgerton, según difundieron desde la plataforma. Los primeros cuatro episodios, titulados En el candelero, Bajo la luz de la luna, Fuerzas de la naturaleza y Viejas amistades ya están disponibles desde hoy 16 de mayo, mientras que los restantes cuatro episodios, Tic, tac, Seduciendo a Mr. Bridgerton, Uniendo manos y Hacia la luz, se lanzarán el 13 de junio.

¿De qué se trata esta nueva temporada?

El foco principal de esta temporada recae en los personajes de Colin Bridgerton (Luke Newton) y Penélope Featherington (Nicola Coughlan). Después de años profesando un amor sin correspondencia, Penélope decide encontrar a un marido que, aunque quizás no pueda amar, considere un compañero de vida y la deje ser independiente. Por ello, inicia un cambio radical de imagen para distanciarse de la estética familiar y enfrentar las dificultades en el “mercado nupcial”. Colin, por su parte, se da cuenta de sus sentimientos cuando descubre los planes de Penélope. El joven regresa de un viaje por Europa con una asombrosa transformación física y de personalidad que capta la atención de la corte londinense.

La relación entre Penelope y Colin es un foco crucial esta temporada. Tras los dolorosos comentarios de Colin al final de la segunda temporada, Penelope decide cambiar su vida.

Además de los protagonistas, personajes secundarios ganan relevancia. La familia Mondrich, dueños de un club, enfrentan nuevos desafíos al ser parte de la aristocracia de Mayfair. Entre las nuevas caras, destaca Lord Marcus Anderson, interpretado por Daniel Francis, quien es hermano de Lady Danbury y tendrá un rol intrigante. Otros personajes, como Cressida Cowper y Eloise Bridgerton (Jessica Madsen y Claudia Jessie), también tendrán líneas narrativas significativas. Asimismo, Lord Debling (Sam Phillips), presentándose como pretendiente de Penelope, aporta frescura con su carácter singular.

La producción de Shondaland ha puesto más énfasis en la coherencia estética. “No faltan las puntillas, los brocados, los tirabuzones y las plumas, que seguirán dejando alucinados a los amantes de los elaborados vestuarios”, indicaron desde un comunicado. Un evento destacado dentro de la temporada es la demostración del vuelo de un globo aerostático en el tercer episodio, ofreciendo una perspectiva distinta a los tradicionales bailes.

La serie también introduce cambios en otros personajes secundarios. Eloise Bridgerton (Claudia Jessie) entabla una nueva amistad inesperada, mientras que Violet Bridgerton (Ruth Gemmell), la madre viuda, empieza a considerar recomponer su vida sentimental. En paralelo, Francesca Bridgerton se presenta en sociedad, aunque enfrenta dificultades debido a su gran amor por el pianoforte y la falta de pretendientes que compartan su pasión por la música y la tranquilidad. La actriz original de Francesca, Ruby Stokes, ha sido reemplazada por Hannah Dodd, conocida por su participación en Enola Holmes 2.

El resto del elenco lo completan Adjoa Andoh (Lady Danbury), Harriet Cains (Philippa Featherington), Bessie Carter (Prudence Featherington), Florence Hunt (Hyacinth Bridgerton), Claudia Jessie (Eloise Bridgerton), Golda Rosheuvel (Reina Charlotte), Luke Thompson (Benedict Bridgerton), Will Tilston (Gregory Bridgerton), Polly Walker (Portia Featherington), Julie Andrews (narradora de Lady Whistledown) y Simone Ashley (Kate Bridgerton), entre otros.

Finalmente, resulta notable el esfuerzo en la producción y ambientación para mantener el interés de los seguidores, aunque algunos aspectos puedan resultar predecibles. La intención de la serie sigue siendo ofrecer un entretenimiento con toques de romance y grandes dosis de drama, característicos de los cuentos de hadas.

Bridgerton es una producción televisiva de Netflix creada por Chris Van Dusen y producida por Shonda Rhimes, la visionaria detrás de Grey’s Anatomy. Inspirada en las obras literarias de Julia Quinn, la serie nos transporta a la elegante y controversial sociedad de la Regencia inglesa, donde los enredos, secretos y romances son moneda corriente entre las familias aristocráticas de la época.

La historia principal sigue el recorrido de la familia Bridgerton, cuya primera temporada se centra en la vida de Daphne Bridgerton durante su debut en la sociedad londinense en busca de un matrimonio ventajoso. La serie va más allá de los límites del amor y el deber al abordar temáticas como las expectativas sociales, nuestras verdaderas pasiones y las presiones familiares, explorando así las complejidades de la vida en la alta sociedad de principios del siglo XIX. Golda Rosheuvel, Ruth Gemmell y Adjoa Andoh charlaron con nosotros y nos contaron cómo es volver en esta nueva temporada.

Te invitamos a ver nuestra entrevista en video o a leer, debajo, una transcripción.

—Gracias por tomarse el tiempo de hablar con nosotros. Quería preguntarles, en primer lugar, ¿cómo fue para ustedes reencontrarse con sus personajes? Porque ha pasado mucho tiempo. ¿Dónde está parado cada uno de ustedes?

Ruth Gemmell: —Bueno, es encantador volver a estar juntos ahora. Por supuesto, cuando lo estábamos haciendo, estábamos haciendo dos cosas al mismo tiempo. Hacíamos Queen Charlotte y Bridgerton, así que ya éramos amigos, Así que todos necesitábamos un poco de descanso. Ha pasado un poco de tiempo, así que es realmente encantador volver a estar juntos ahora. Sí, realmente encantador.

Adjoa Andoh: —Lo cierto es que es realmente instructivo ver el apetito por la tercera temporada porque tenemos la primera temporada, la segunda temporada, Queen Charlotte: A Bridgerton Story, y luego la tercera temporada. Así que este es como ese momento de “¡Vamos, vamos, vamos! De acuerdo, aquí está”. Ha sido genial ver que la gente quería ver la tercera temporada, que la gente la ha estado esperando, que hay un deseo por ella, un amor por ella, y querer tenerla de nuevo en la vida de la gente. Así que es una serie encantadora para hacer, un sentimiento encantador. Sí, definitivamente.

Golda Rosheuvel: —Estoy de acuerdo.

—Perfecto. Lo que a mi me encanta es que al ver la serie, a veces miro la pantalla y grito cosas como, “No, ¿no te das cuenta de eso? ¡Dale un beso ahora!”. Tiene ese efecto. Quería saber si ustedes leyeron los libros primero o simplemente leen el guión y cuáles fueron sus reacciones mientras lo hacían.

Ruth Gemmell: —Yo leí todos los libros justo al principio, cuando hicimos la primera temporada, y luego, como hay un poco de licencia artística con cómo adaptamos, tomamos la historia, nos basamos en ella y la hacemos a nuestra manera. Por eso, automáticamente las cosas cambian de esa manera. Entonces ya no me guío por los libros de la misma manera, pero sí recurro a ellos porque me resultan útiles para ver cómo me siento con respecto a ciertos personajes y cómo se sienten ciertos personajes con respecto a mi, porque la historia siempre va a estar basada en la historia del libro, pero el mundo de esa historia cambia. Intento ser lo más fiel posible al personaje y dejo que los guiones determinen lo demás. Sí.

Golda Rosheuvel: —Yo tengo un trabajo interesante… o un viaje interesante, debería decir, porque la reina no es un personaje de los libros, es un personaje completamente nuevo. Así que el guión es como mi Santo Grial, junto con el mundo que se crea dentro de esos guiones y las relaciones que la Reina tiene con los personajes de esos guiones. Así que para mí, esa es mi forma de entrar en el mundo. Los libros no los he leído, y me dijeron al principio que no necesitaba leerlos porque no era algo que fuera a ser relevante para mi personaje.

Adjoa Andoh: —Creo que para mí, ya que Shonda se apoya en los libros y luego les da su propia vuelta de tuerca… Lady Danbury en los libros no es de descendencia africana. Entonces, hay una característica diferente de quién es en parte Lady Danbury con ese origen diferente. Creo que ella todavía… Ella ama a los niños de la manera que ama a los niños. Ella ama a Violet en la forma en que ama a Violet. Y todo ese… Ese amor que tenemos con Lord Ledger es realmente fantástico porque esa es la condición. Pero creo que para mí, estoy probablemente entre Ruth y Golda. Hay un poco de… hay un poco de toque de Shonda más lo establecido por Julia.

—Y para terminar, sé que hay muchos grandes besos en esta serie. Estuvimos hablando ayer con Nicola y Luke sobre escenas de besos en diferentes series o películas. ¿Tienen alguna escena de beso favorita que recuerden de alguna película o alguna serie?

Adjoa Andoh: —Sí, yo tengo. Maldición, ¿cuál es esa película? Con… Con… Kristen Wiig… Sobre bodas… ¡Bridesmaids!

—Sí, me encanta Bridesmaids.

Adjoa Andoh: —Creo que en realidad no hay un beso, pero es ella y su mejor amiga… Que es la actriz afroamericana Maya Rudolph. En realidad no se besan, pero son mejores amigas y se frotan chocolate por toda la cara y se acercan como para besarse. “Te quiero” “No, yo te quiero más”. Y tienen chocolate en la cara. Me encanta porque es como si se estuvieran portando sexy, pero es algo tonto, y sus caras están cubiertas de chocolate y son mujeres adultas.

Ruth Gemmell: —De acuerdo, la mía es una completa evasión de la pregunta. Es Cinema Paradiso, porque las… Las películas fueron todas censuradas y quitaron los besos, pero pusieron todos los clips juntos, así que hay un largo reel solo de besos. Ese reel es mi respuesta.

Golda Rosheuvel: —Voy a decir que no tengo ni idea de otras cosas. Voy a hablar de Bridgerton y de las experiencias sexuales de esta temporada para nuestros jóvenes amantes. Me parecieron increíbles.

Adjoa Andoh: —Me encanta el carruaje.

Golda Rosheuvel: —Sí, bastante increíbles en la forma en que pude identificarme con ellas. Incluso los besos en el carruaje. Después de que sucedieron, yo pensaba “esto es realmente genial”. Yo… Yo lo entiendo. ¿Sabes a qué me refiero? Entiendo la conexión emocional con eso y el tipo de… Cuando salen del carruaje y están como “¿Sucedió eso? Dios mío, mejores amigos haciendo… ¡De acuerdo, bien!”. Se siente tan real y tan honesto. Me pareció que era divertido. Y la forma en la que ella dice “Puede que nunca me besen. ¿Podrías hacerlo por mí?” Y su mejor amigo dice “De acuerdo”. Y el final es la última toma de él pensando “Aguarda un minuto, ¿qué fue lo que pasó?” Es como… es tan real.

—Sí, completamente.

Golda Rosheuvel: —Ya sabes, es algo sincero. Y yo pensaba, “esto es realmente genial”.

—Me encanta y me encanta la serie, así que muchas gracias por el tiempo de nuevo y felicitaciones por esta tercera temporada.