A menos de tres semanas de que se cumplan 20 años de la madrugada que cambió la historia de la música regional mexicana con el asesinato de Valentín Elizalde, el anuncio de una docuserie sobre las preguntas que todavía rodean el caso abrió una disputa dentro de su familia.

Valentina Elizalde, hija del querido cantante, cuestionó la producción de HBO Max y afirmó que sus familiares no conocían el proyecto.

La serie, titulada Valentín: La muerte del Gallo de Oro, tiene previsto llegar a la plataforma el 12 de noviembre de 2026. El adelanto promete nuevas voces y archivos sobre el homicidio, pero la respuesta de la joven desplazó la atención hacia los permisos para utilizar la imagen y la historia de su padre.

Valentina Elizalde cuestionó quién dio permiso para usar la imagen de su padre

El anuncio de la producción provocó comentarios de Valentina en las redes sociales de la plataforma. La cantante sostuvo que su entorno familiar no recibió información previa sobre el proyecto y expresó dudas sobre la persona que habría impulsado la serie.

En uno de sus mensajes, la joven afirmó que “la familia no tenía ni idea de esta serie”, y agregó que la producción vendría “de parte de alguien más para limpiar imagen”. Valentina no identificó a quién se refería ni explicó qué parte de la historia considera que busca favorecer el documental.

La hija de El Gallo de Oro también puso sobre la mesa el uso de la identidad de su padre. Al dirigirse a la cuenta de la plataforma, preguntó: “¿Y los derechos de imagen?”.

Hasta ahora, no se conoce una respuesta pública de HBO Max sobre esos señalamientos. Tampoco se ha informado qué familiares participaron en la producción, qué testimonios fueron recabados o bajo qué acuerdos se utilizaron los archivos que formarán parte de la serie.

El calendario vuelve más sensible la discusión: para la familia, noviembre reúne la memoria del ataque y una nueva producción que reconstruirá sus consecuencias.

La disputa por el legado de El Gallo de Oro no comenzó con la docuserie

La protesta contra el documental se suma a desacuerdos previos entre integrantes de la familia sobre proyectos audiovisuales y los derechos vinculados con el cantante sinaloense.

• En 2024, Valentina aseguró que ella y sus hermanas, Gabriela y Valeria, tenían derechos sobre la imagen de su padre en calidad de herederas.
• Ese mismo año, cuestionó la posibilidad de que sus medias hermanas autorizaran una serie biográfica.
• La joven sostuvo que no había dado su firma para una producción de ese tipo por respeto a la memoria de su padre.
• La nueva docuserie llega en un contexto donde no se ha confirmado públicamente qué familiares participaron en la producción, si hubo entrevistas directas con las hijas o si se utilizaron materiales de los herederos.
• El proyecto está programado para estrenarse el 12 de noviembre, 13 días antes del aniversario luctuoso del cantante, asesinado el 25 de noviembre de 2006 tras una presentación en Reynosa, Tamaulipas.

La fecha agrega una carga especial al reclamo. Para la familia, noviembre no sólo marca el regreso de una historia a la pantalla, sino también la cercanía de dos décadas desde la madrugada en que el cantante murió a los 27 años.

Un documento resguardado por la familia volvió a poner el caso bajo la lupa

Antes de que HBO Max anunciara la producción, Valentina ya había hablado de su interés por conocer más sobre el homicidio de su padre. Esa búsqueda se relaciona con un peritaje alterno cuyo contenido no ha sido revelado.

• El 5 de octubre de 2026, Valentina dijo que estaba en contacto con un abogado y que quería saber qué ocurrió en el asesinato de su padre. No informó si presentó una solicitud formal para reabrir la investigación.
• Familiares de Valentín Elizalde han mencionado la existencia de un peritaje que habría sido localizado por Camila Valencia, madre del cantante, y que permaneció bajo resguardo durante años.
• El contenido del documento no se ha hecho público. Por esa razón, no es posible establecer si contiene pruebas nuevas, si contradice la investigación original o si podría modificar las líneas conocidas del caso.

Así, mientras la serie se prepara para llegar a la plataforma, Valentina Elizalde mantiene dos cuestionamientos sobre la mesa: qué información se contará sobre la muerte de su padre y quién autorizó que esa historia se llevara a la pantalla.

Un primer vistazo a Elizabeth y Darcy

Corrin interpreta a Elizabeth Bennet, la segunda de las cinco hermanas Bennet. La joven cuestiona las expectativas de su entorno y se resiste a aceptar el matrimonio como única salida para asegurar su futuro económico. Lowden encarna a Fitzwilliam Darcy, un hombre rico y reservado cuya posición social y actitud distante provocan una mala impresión durante sus primeros encuentros.

El avance recupera los bailes, las visitas familiares y las conversaciones sobre dinero, linaje y matrimonio que impulsan la historia. La acción transcurre en Hertfordshire, donde la llegada de Charles Bingley despierta las expectativas de la familia Bennet. Para la madre de las cinco jóvenes, cada reunión social puede convertirse en una oportunidad matrimonial dentro de una sociedad que ofrece pocas alternativas económicas a las mujeres.

Las imágenes también muestran la vida familiar en Longbourn, la residencia de los Bennet, y los primeros cruces entre Elizabeth y Darcy. Su relación comienza atravesada por impresiones equivocadas, diferencias de clase y una atracción que ninguno reconoce con facilidad. Después de una propuesta que Elizabeth considera arrogante, ambos deberán revisar sus prejuicios: ella descubrirá aspectos desconocidos de Darcy y él aprenderá a actuar con mayor humildad y sinceridad.

El reparto y el equipo creativo

Olivia Colman interpreta a la señora Bennet, concentrada en encontrar matrimonios convenientes para sus hijas, mientras que Rufus Sewell encarna al señor Bennet. Las otras hermanas también tendrán un lugar central: Freya Mavor será Jane, Hopey Parish interpretará a Mary, Hollie Avery asumirá el papel de Kitty y Rhea Norwood dará vida a Lydia.

El reparto incluye a Jamie Demetriou como el señor Collins, Daryl McCormack como Charles Bingley y Louis Partridge como George Wickham. Siena Kelly interpretará a Caroline Bingley y Fiona Shaw será Lady Catherine de Bourgh, una figura decisiva en el conflicto entre Elizabeth y Darcy. También participarán Anjana Vasan, Sebastian Armesto, Rosie Cavaliero, Saffron Coomber, James Dryden, Justin Edwards, James Northcote, Eloise Webb e Isabella Sermon.

Alderton, autora de Todo lo que sé sobre el amor, escribió los seis capítulos. La guionista señaló que la novela mantiene su vigencia por temas reconocibles para el público actual, entre ellos la presión familiar, el miedo al aislamiento y el daño causado por los prejuicios. Lyn, responsable de episodios de Heartstopper, dirigió la producción y trabajó con una recreación de los paisajes, el vestuario y las jerarquías sociales de comienzos del siglo XIX.

Corrin también participa como productora ejecutiva. Alderton y Lyn comparten esa tarea con Laura Lankester, Will Johnston y Louise Mutter, integrantes de la productora Lookout Point. Lisa Osborne trabaja como productora de la miniserie.

Una novela con numerosas adaptaciones

Austen comenzó el proyecto bajo el título Primeras impresiones, aunque la obra fue publicada finalmente como Orgullo y prejuicio en 1813. La trama utiliza el vínculo entre Elizabeth y Darcy para examinar el peso de la herencia, el patrimonio y las convenciones vinculadas al matrimonio. Esas reglas sociales afectan a todas las hermanas Bennet, pero cada una responde de manera diferente a las limitaciones de su época.

La nueva versión deberá convivir con adaptaciones muy conocidas. Entre ellas se encuentra la miniserie de la BBC estrenada en 1995 y la película dirigida por Joe Wright en 2005, protagonizada por Keira Knightley y Matthew Macfadyen. Según Corrin, el guion busca preservar la autenticidad del material original y acercar su sensibilidad al presente sin modificar los conflictos centrales.

El estreno permitirá ver cómo la producción distribuye una novela extensa dentro de seis episodios y cuánto espacio reserva para las hermanas Bennet, Bingley, Wickham y Lady Catherine. Los seis capítulos de Orgullo y prejuicio estarán disponibles en Netflix desde el 3 de diciembre de 2026.

El primer tráiler sitúa de nuevo a Elizabeth Bennet y Fitzwilliam Darcy en la Inglaterra rural del siglo XIX, entre bailes, visitas familiares y conversaciones atravesadas por el dinero, el linaje y el matrimonio. La producción propone una nueva lectura audiovisual de una obra que conserva vigencia más de dos siglos después de su primera edición.

Corrin interpreta a Elizabeth, la segunda de las cinco hermanas Bennet, una joven que cuestiona las expectativas de su entorno y se resiste a convertir el matrimonio en una salida obligada. Lowden encarna a Darcy, heredero de una fortuna cuya reserva y posición social alimentan la antipatía inicial de la protagonista.

Elizabeth Bennet y el señor Darcy vuelven a encontrarse en seis episodios

El avance difundido por Netflix muestra los primeros cruces entre ambos personajes y adelanta el recorrido de una relación marcada por impresiones equivocadas, diferencias de clase y una atracción que ninguno de los dos reconoce con facilidad.

La historia transcurre en Hertfordshire, donde la llegada de Charles Bingley a la vecindad despierta las expectativas de la familia Bennet. Para la señora Bennet, madre de cinco hijas, cada baile y cada visita representan una oportunidad para asegurar el futuro de las jóvenes en una sociedad que limita sus alternativas económicas.

El tráiler recupera esa tensión doméstica mediante las escenas de la familia reunida en Longbourn. Olivia Colman interpreta a la señora Bennet, mientras que Rufus Sewell asume el papel del señor Bennet, observador de las preocupaciones y el entusiasmo de su esposa ante las posibilidades matrimoniales de sus hijas.

La miniserie también presenta a Jane, Mary, Kitty y Lydia Bennet, personajes que permiten ampliar las distintas respuestas de las mujeres frente a las normas sociales de la época. Freya Mavor dará vida a Jane Bennet; Hopey Parish y Hollie Avery interpretarán a Mary y Kitty, respectivamente; y Rhea Norwood será Lydia.

Dolly Alderton adapta una novela atravesada por el deseo y la posición social

Alderton, autora de Todo lo que sé sobre el amor, escribió los seis capítulos de la producción. La guionista señaló que el libro conserva fuerza por temas que permanecen reconocibles para el público contemporáneo, como el temor al aislamiento, la presión familiar y el dolor que provocan los prejuicios.

La adaptación estará dirigida por Euros Lyn, responsable de episodios de Heartstopper. La serie combina el tono de comedia de costumbres de Austen con una recreación de los paisajes, la vestimenta y las jerarquías de la Inglaterra de comienzos del siglo XIX.

La novela, inicialmente titulada Primeras impresiones, se publicó finalmente como Orgullo y prejuicio en 1813. Su trama sigue el vínculo entre Elizabeth y Darcy, cuyos juicios precipitados condicionan la manera en que se miran. A partir de ese conflicto, Austen examina el peso de la herencia, el patrimonio y las convenciones que rodeaban al matrimonio.

El reparto incluye a Jamie Demetriou como el señor Collins, Daryl McCormack como Charles Bingley y Louis Partridge como George Wickham. Siena Kelly interpretará a Caroline Bingley y Fiona Shaw asumirá el papel de Lady Catherine de Bourgh, figura decisiva en el conflicto entre Elizabeth y Darcy.

También participarán Anjana Vasan, Sebastian Armesto, Rosie Cavaliero, Saffron Coomber, James Dryden, Justin Edwards, James Northcote, Eloise Webb e Isabella Sermon.

Emma Corrin suma su primer crédito como productora ejecutiva

Además de encabezar el elenco, Corrin figura como productora ejecutiva de la miniserie. Alderton y Lyn comparten esa función con Laura Lankester, Will Johnston y Louise Mutter, de la productora Lookout Point. Lisa Osborne trabaja como productora.

La actriz sostuvo que el guion busca conservar la autenticidad del material original sin perder una sensibilidad cercana al presente. El desafío estará en dialogar con una obra que ya tuvo versiones populares en cine y televisión, entre ellas la miniserie de la BBC de 1995 y la película dirigida por Joe Wright en 2005.

Los seis episodios de Orgullo y prejuicio estarán disponibles en Netflix desde el 3 de diciembre de 2026. La fecha marcará el regreso de Elizabeth Bennet y Darcy a la pantalla con una generación renovada de intérpretes para uno de los romances más conocidos de la literatura inglesa.

Eso la situaría, según Nielsen, el centro de medición de datos, como la tercera serie original de streaming más vista y la tercera serie, en su primera temporada con un mayor número de visualizaciones durante la semana del 19 de octubre.

Todo un éxito para la serie producida por A24 que alcanza en total los 398 minutos, divididos en ocho episodios al obtener un total de 3,3 millones de reproducciones.

El éxito trascendió el mercado de Peacock, que opera de forma completa solo en Estados Unidos. Según el sitio especializado FlixPatrol, Crystal Lake ocupó el primer lugar entre las series más populares en 20 países, entre ellos Francia.

En España, donde los derechos de distribución corresponden a HBO Max, la serie se ubicó en el primer puesto del ranking de series más vistas de acuerdo con los datos de JustWatch.

El origen de la saga Viernes 13

Viernes 13 llegó a los cines en 1980 bajo la dirección de Sean S. Cunningham, con guion de Victor Miller. La película se filmó con un presupuesto de 550.000 dólares y recaudó más de 39 millones de dólares en taquilla, convirtiéndose en un éxito que ha generado miles de secuelas y introduciéndose dentro de la cultura popular.

La trama original giraba en torno a Pamela Voorhees, interpretada por Betsy Palmer, quien asesinaba a un grupo de miembros del campamento Crystal Lake para vengar la muerte de su hijo Jason, ahogado en el lago años antes. Pamela era decapitada al final del filme por Alice Hardy, la única sobreviviente de su ataque.

A partir de la segunda entrega, Jason Voorhees asumía el rol de villano principal de la franquicia, que sumó doce películas en total, incluido el cruce Freddy vs. Jason (2003) con el personaje de Pesadilla en Elm Street. Su característica máscara de hockey apareció por primera vez recién en Viernes 13. 3ª parte (1982). La franquicia acumuló más de 464 millones de dólares en recaudación de taquilla.

50 años después de ‘Viernes 13′

Crystal Lake llega a casi 50 años después del estreno de la primera película de la saga. La serie sigue a Pam Voorhees, interpretada por Linda Cardellini, mientras enfrenta el duelo por la muerte de su hijo Jason, interpretado por Callum Vinson.

La ficción traza la evolución de Pamela desde una madre en duelo hasta su conversión en asesina, un recorrido que en la película original de 1980 se revelaba en el giro final.

Brad Caleb Kane, también ‘showrunner’ de la aclamada It: Bienvenidos a Derry, ocupa el mismo rol creativo en esta producción que le otorga una nueva dimensión al personaje de Pamela, ya que accederemos a su sufrimiento como madre, a sus inquietudes, así como también a su misterioso pasado.

La serie es un auténtico caramelo para los fans e ideal para ver en Halloween, ya que cada uno de los episodios introduce alguna muerte de lo más gore y, además, se encarga de conectar todo el imaginario de la saga, contando con detalle toda la atmósfera enrarecida que se respira en el campamento donde se ubica la acción. Sin duda, una de las producciones de terror del año por su cuidada producción, la interpretación de Cardinelli y la reinvención de la franquicia.

La plataforma de streaming HBO Max estrenará una serie que revisa el asesinato del cantante Valentín Elizalde mediante testimonios sobre la presunta traición dentro de su círculo familiar.

La producción, titulada “Valentín: La muerte del Gallo de Oro”, llega a la plataforma el 12 de noviembre de 2026 con un formato de 3 episodios de emisión semanal.

La serie documental se estrena dos semanas antes de que se cumplan 20 años del atentado en Tamaulipas.

El proyecto realizado por las casas productoras Sula Entertainment y Lemon Studios reconstruye los hechos de la madrugada del 25 de noviembre de 2006, cuando un comando disparó más de 60 casquillos de armas de alto poder contra la camioneta donde viajaba el músico sonorense al salir del Palenque de la Expo-Feria de Reynosa.

La conducta de Tano Elizalde concentra los cuestionamientos familiares

El ataque armado dejó sin vida a Valentín Elizalde, a su representante Mario Mendoza Grajeda y al chofer Reynaldo Ballesteros. El primo del intérprete, Fausto “Tano” Elizalde, resultó el único sobreviviente del vehículo tras permanecer recostado en el asiento trasero durante la ráfaga.

Las dudas sobre su papel crecieron a partir de las declaraciones de su exesposa Marisol Castro quién afirmó que “Tano” mostró un nerviosismo extremo durante las horas previas a la presentación y presionó para modificar la agenda de trabajo.

La versión de la expareja sostiene que la oficina del cantante tenía programada una fecha en Tijuana, pero “Tano” insistió en cancelarla para acudir a Reynosa, una plaza bajo el control del Cártel del Golfo y su brazo armado de entonces, Los Zetas.

El propio “Tano” declaró en entrevistas televisivas que durante el tiroteo no vio a los agresores y que abandonó la escena a bordo de un taxi mientras los cuerpos de sus acompañantes permanecían dentro de la camioneta Suburban.

Familiares directos del músico cuestionaron ese relato a lo largo de los años. Valentina Elizalde, hija menor del cantante, afirmó en declaraciones que su tío planeó los traslados y conocía los riesgos de llevar la presentación a esa ciudad fronteriza.

El matrimonio con Gabriela Sabag y el control del legado musical

El distanciamiento entre “Tano” y la dinastía Elizalde aumentó cuando el músico confirmó su relación sentimental con Gabriela Sabag, la única esposa legítima de Valentín y designada como albacea universal de sus bienes y derechos de imagen.

Ambos anunciaron su compromiso matrimonial en 2021 y formalizaron su enlace civil años más tarde. Esa unión otorgó a “Tano” acceso a la administración del patrimonio y a las autorizaciones legales para el uso comercial del nombre del cantante.

Fausto “Tano” Elizalde intentó desarrollar un proyecto biográfico propio bajo el título “La verdad de mi Tano”. La iniciativa provocó el rechazo de Camila Valencia, madre de Valentín, y de sus tres hijas, quienes denunciaron intentos de lucrar con la memoria del intérprete sin consentimiento familiar.

La nueva serie de la plataforma digital incluye material documental sobre estas disputas patrimoniales que dividieron a la familia durante más de una década.

Un peritaje independiente contradice la indagatoria ministerial

La producción televisiva también incorpora la existencia de un informe técnico y pericial alterno que la madre del cantante resguardó de forma privada durante años.

Los hermanos Francisco Joel y Jesús “El Flaco” Elizalde revelaron que el documento contiene elementos balísticos y testimoniales que nunca formaron parte de la averiguación previa integrada por las autoridades ministeriales en Tamaulipas.

“El Flaco” Elizalde expuso que las conclusiones de ese expediente privado descartan que el ataque respondiera de forma exclusiva a una confrontación entre organizaciones criminales rivales y abren la línea de un móvil pasional.

Las hijas del artista mantienen bajo su potestad la decisión de presentar formalmente estas pruebas ante instancias judiciales para exigir una reapertura del caso antes de que concluya el plazo legal de prescripción.

El vigésimo aniversario luctuoso coincide con el límite legal para que las autoridades ministeriales de Tamaulipas decreten la prescripción penal del expediente.

Las hijas del intérprete buscan que los testimonios y los dictámenes recabados para la producción audiovisual sirvan como base para solicitar formalmente a la fiscalía estatal la reapertura de las indagatorias.

La interpretación de “A mis enemigos” en territorio de Los Zetas

Las indagatorias judiciales atribuyeron el homicidio a una orden directa de integrantes de Los Zetas, con mención de Jaime González Durán, alias “El Hummer”, quien operaba como mando de esa estructura en Reynosa.

El móvil principal en esa línea de investigación apunta a la interpretación del corrido “A mis enemigos”. Elizalde abrió y cerró su concierto en el palenque con esa canción, cuya letra contenía alusiones de respaldo hacia Joaquín “El Chapo” Guzmán en una zona dominada por el bando contrario.

González Durán, exmilitar y fundador de Los Zetas, fue detenido en 2008 por autoridades federales en Reynosa y purga sentencias que suman más de 70 años de prisión en el penal federal de Hermosillo.

La Procuraduría General de la República también vinculó en su momento a Raúl Hernández Barrón, conocido como “El Flander I”, aunque el expediente ministerial no derivó en sentencias firmes por el triple homicidio en el palenque.

El documental integra entrevistas con especialistas en seguridad y periodistas locales que cubrieron la escena criminal aquella madrugada.

Los tres capítulos de la serie documental quedan disponibles para los suscriptores a partir del 12 de noviembre de 2026.

Valentín Elizalde tendrá una nueva serie documental dedicada a su asesinato a casi 20 años de la emboscada en la que murió el cantante conocido como el Gallo de Oro.

Este miércoles 28 de octubre se anunció que la producción recuperará nuevas voces y archivos sobre las preguntas que persistieron alrededor del caso.

La campaña de promoción adelantó el enfoque de la serie con una frase: “A 20 años de su muerte, nuevas voces y archivos vuelven sobre las preguntas que rodean la historia de Valentín Elizalde”.

El anuncio confirmó que el proyecto llevó por título Valentín: La muerte del Gallo de Oro.

El cantante murió el 25 de noviembre de 2006, cuando tenía 27 años. El ataque ocurrió después de una presentación en un palenque de Reynosa, Tamaulipas, y también dejó sin vida a su representante Mario Mendoza y a su chofer Reinaldo Vallesteros.

La promoción planteó otra interrogante sobre el expediente: “¿Qué pasó realmente con Valentín Elizalde?”. La pregunta volvió a colocarse en el centro de la conversación cuando la familia del intérprete habló de documentos y líneas de investigación que no se habían integrado públicamente al caso.

La serie de Valentín Elizalde tendrá fecha de estreno en HBO Max

Valentín: La muerte del Gallo de Oro fue anunciada para estrenarse el 12 de noviembre en HBO Max, de acuerdo con una publicación de la cuenta verificada @hbomaxmx incluida en la imagen proporcionada para esta nota.

El cartel de la producción mostró a Elizalde con un traje negro de vivos rojos, sombrero vaquero y la figura de un gallo dorado. La imagen también incluyó una camioneta, un elemento asociado con los últimos momentos del cantante y con la emboscada ocurrida en Reynosa.

La plataforma presentó el proyecto como una “nueva serie documental original de HBO”. El anuncio no detalló cuántos episodios tendría la producción ni identificó a las personas que participarían con testimonios o materiales de archivo.

El lanzamiento quedó programado a menos de dos semanas del aniversario luctuoso de Elizalde.

HBO Max adelantó que la docuserie recuperaría “nuevas voces y archivos”. Ese planteamiento abrió la posibilidad de que el programa revisara testimonios conocidos, documentos familiares y versiones que surgieron desde 2006 alrededor de la muerte del cantante sinaloense.

Un peritaje alterno permaneció bajo resguardo de la familia Elizalde

La noticia de la serie llegó meses después de que Francisco Joel y Jesús “El Flaco” Elizalde hablaron sobre un peritaje alterno relacionado con el asesinato de su hermano.

Los hermanos explicaron que el informe técnico fue localizado por su madre, Camila Valencia. La decisión de pedir formalmente que se incorporara al caso correspondió a las hijas del cantante: Valentina, Valeria y Gabriela Elizalde.

Francisco Joel y “El Flaco” sostuvieron que el contenido del documento solo era conocido dentro del entorno familiar. Por esa razón, no revelaron los detalles del peritaje ni las conclusiones que habría contenido.

La versión difundida por los familiares sumó una nueva arista a un expediente que acumuló hipótesis durante casi dos décadas. Una de ellas relacionó el crimen con Los Zetas, organización que tuvo presencia en Reynosa cuando ocurrió la agresión.

Jesús “El Flaco” Elizalde planteó una postura distinta sobre el móvil. El hermano del cantante sostuvo que el homicidio “no sería un ajuste de cuentas del cártel, sino un crimen pasional”.

La serie Valentín: La muerte del Gallo de Oro fue anunciada mientras el expediente todavía concentró versiones familiares, testimonios criminales y peritajes que no se conocieron de forma pública. HBO Max programó la producción para el 12 de noviembre.

Durante Halloween de 2026, muchas personas optan por ver películas y series de terror. Sin embargo, no es recomendable hacerlo a través de Xuper TV, anteriormente llamada Magis TV, debido a los riesgos de seguridad y legales asociados con este tipo de aplicaciones.

ESET, compañía de ciberseguridad, advirtió que las plataformas que ofrecen contenido de audio y video de forma “gratuita” pueden implicar problemas legales y exponer los dispositivos a malware y otras amenazas cibernéticas.

El análisis de la aplicación APK de Magis TV mostró permisos críticos e invasivos que no corresponden a una aplicación convencional de streaming y que podrían ser aprovechados con malas intenciones, dentro de la clasificación de aplicaciones potencialmente indeseables.

Por qué es peligroso utilizar Xuper TV

Muchas aplicaciones streaming no oficiales no están disponibles en tiendas oficiales como Google Play Store o App Store, por lo que obligan al usuario a acceder a sitios web alternativos.

Esos espacios pueden eludir los controles de calidad y seguridad de las tiendas oficiales y facilitar la distribución de software malicioso.

David González Cuautle, investigador de ESET Latinoamérica, advirtió: “Una de las señales de maliciosidad de estas apps, es la excesiva habilitación de permisos especiales y críticos, en el dispositivo.

Estas aplicaciones pueden comprometer la seguridad del dispositivo y de toda la red doméstica y ser la puerta de entrada para malware, desde spyware y troyanos hasta herramientas diseñadas para robar información personal”.

El uso de estas plataformas también implica un riesgo legal. Según ESET, retransmitir contenido sin contar con los derechos correspondientes vulnera la propiedad intelectual de los titulares y puede derivar en bloqueos por parte de proveedores de servicios de Internet o incluso en acciones judiciales.

Xuper TV, anteriormente llamada Magis TV, se presenta como una alternativa para ver series, películas y deportes en vivo sin pagar una suscripción mensual. ESET la analizó como ejemplo de los riesgos de instalar aplicaciones por fuera de las tiendas oficiales.

Entre los permisos que se solicitan al utilizar esta aplicación se encuentran:

• android.permission.GET_TASKS: permite que una aplicación recupere información sobre las tareas en ejecución y puede facilitar que aplicaciones maliciosas descubran información privada sobre otras aplicaciones. Un atacante podría obtener información confidencial sobre el uso del dispositivo o datos de otras aplicaciones.
• android.permission.MOUNT_UNMOUNT_FILESYSTEMS: permite que la aplicación monte y desmonte sistemas de archivos para almacenamiento extraíble. Un atacante podría causar daños al comprometer la seguridad del dispositivo.
• android.permission.POST_NOTIFICATIONS: permite que una aplicación publique notificaciones, lo que habilitaría el envío de spam, phishing o contenido inapropiado.

• android.permission.READ_EXTERNAL_STORAGE: podría permitir el acceso a fotos, videos, documentos y otros archivos almacenados en la tarjeta SD, incluida información sensible.
• android.permission.REQUEST_INSTALL_PACKAGES: puede utilizarse para engañar a los usuarios e instalar paquetes maliciosos adicionales. Un atacante podría distribuir malware o spyware haciéndolo pasar por una actualización legítima o una aplicación útil.
• android.permission.WRITE_EXTERNAL_STORAGE: permite escribir en el almacenamiento externo, lo que podría facilitar la modificación o eliminación de archivos importantes, la inyección de malware o el robo de datos.

Los riesgos de los Set-Top Boxes

Xuper TV es una aplicación de streaming, mientras que los Set-Top Boxes (STB) son dispositivos que se conectan al televisor para acceder a aplicaciones y contenidos audiovisuales.

En otras palabras, un STB puede funcionar como el equipo desde el que una persona instala y utiliza Xuper TV en su pantalla, especialmente cuando el televisor no cuenta con una tienda oficial de aplicaciones o cuando el usuario busca acceder a servicios por fuera de los canales autorizados.

El problema aparece cuando esos dispositivos fueron modificados para instalar aplicaciones piratas, firmware no oficial o archivos descargados desde sitios web externos.

Según ESET, esa práctica puede convertir al STB en una puerta de entrada para malware, spyware o herramientas diseñadas para robar información.

Pedro Sánchez ya ha empezado su campaña electoral para las elecciones que tendrán lugar el próximo 29 de noviembre, y a la espera de pasarse por el programa de Jordi Wild para un debate con Feijóo y Abascal, de momento ha comenzado por otro de internet. Ha sido en Keep it cutre, el podcast conducido por Ángela Henche y Albanta San Román en el que se habla de forma informal con invitados conocidos y siempre acaban saliendo temas interesantes y recomendaciones culturales. Con Pedro Sánchez, melómano y aficionado al audiovisual, no iba a ser diferente.

El actual presidente del Gobierno comenzó este Amiga Date Cuenta repasando la actualidad política y defendiendo sus años de gestión en el poder, antes de pasar a hablar de temas como el odio en redes sociales, la regulación de la inteligencia artificial -con mención a sus deepfakes- o de salud mental, donde comentaba que hace ejercicios de meditación diarios. Entre todo ello, Sánchez aprovechaba para sacar a colación de Amancio Ortega y la clase alta española la última serie de Netflix.

Hablando de conciencia de clase y de cómo algunas personas se sienten más cercanas “a millonarios que a quien pide en la puerta del Mercadona”, emergía tanto la figura de Amancio Ortega como la de los otros ricos que no están “hechos a sí mismos” como el empresario gallego, sino que por el contrario han heredado sus riquezas y posesiones y vivido de las rentas. “Es muy bueno aspirar al máximo, y Amancio Ortega es un hombre que se ha hecho a sí mismo, pero hay otros que vienen de alta alcurnia, de familias franquistas y que han heredado un empresón con monopolios estatales de otras épocas”, reflexionaba Sánchez, antes de introducir a propósito la última serie española de Netflix que guarda gran relación con el tema.

Una sátira sobre la realidad de algunos

“Estoy viendo una serie española que está curiosa en Netflix, Grande de España, que está bastante bien. Que es un poco esta movida, trata de gente que se cree más de lo que realmente es”, mencionaba el presidente del Gobierno haciendo referencia a la produccción creada por Juan Cavestany y Álvaro Fernández Armero que lanzó la plataforma el pasado 23 de octubre. “Ellos hablan de la aristocracia, de estos nombres así con apellidos compuestos, este tipo de cosas”, explicaba Sánchez.

Grande de España narra en seis episodios la vida de Don Leandro, un marqués arruinado que vive de las apariencias y sueña con ser nombrado Grande de España. Pasando apuros económicos, Leandro tiene la idea de vender su palacete familiar en Madrid para saldar sus deudas, y todo apunta a que sacará un buen pellizco cuando conoce a la empresaria Sofía Carrington, quien parece interesada en la propiedad. Poco a poco la relación entre ambos se va estrechando y con ella ambos descubren que no son del todo como dicen ser, en una gran sátira sobre la hipocresía de buena parte de la supuesta clase alta española. Antonio de la Torre y Alexandra Jiménez dan vida a Leandro y a Sofía respectivamente, en una serie que no toma inspiración directa de ningún personaje concreto, pero que tiene reminiscencias de otras grandes obras sobre la aristocracia española, como Patrimonio Nacional de Luis García Berlanga.

HBO adquirió los derechos para desarrollar una serie limitada de Los pájaros, la nueva versión del clásico de Alfred Hitchcock basado en la novela de Daphne du Maurier. El proyecto, que Sarah Snook protagonizará, llegó a la cadena tras haber sido impulsado durante meses por Universal Global Television (UGT). La producción fue reportada en exclusiva por Deadline. Según el medio, la serie estuvo en desarrollo en UGT y su predecesora UIS por más de un año antes de aterrizar en HBO.

La historia sigue a Myra Massey, interpretada por Snook, una mujer que escapa de una disputa de custodia y regresa a su pueblo natal con su hija pequeña. Allí investiga en secreto la desaparición sospechosa de una amiga de la infancia. Mientras un asesino sigue suelto y las amenazas personales se intensifican, Myra debe proteger a su hija de un peligro adicional: ataques de pájaros violentos y mortales vinculados de forma inexplicable al crimen. El guion del piloto fue escrito por Tom Spezialy. Universal Global Television actuará como coestudio junto a HBO en esta producción, que retoma el título original de 1963 dirigido por Hitchcock y la novela corta de Du Maurier en la que se basó.

Spezialy y Snook ejercen como productores ejecutivos junto a David Heyman y Danny Samit, a través de Heyday Television, la empresa conjunta de Heyman con UGT. También participa como productora ejecutiva Jennifer Gabler Rawlings, de Omni Artists. Universal Pictures, estudio hermano de UGT, produjo la película de 1963 y posee los derechos del título junto al patrimonio de Du Maurier. A su vez, Universal Television, otra división del mismo grupo, produce La edad dorada, la serie de época que HBO emite con éxito. Spezialy fue productor ejecutivo de Watchmen, serie de HBO con la que compartió el Emmy a Mejor Serie Limitada en 2020. También trabajó en The Leftovers para la misma cadena. Más recientemente, ejerció como productor ejecutivo de Blade Runner 2099, la serie de Prime Video que continúa el universo de la película de Ridley Scott.

La actriz indicada para el proyecto

Snook, de nacionalidad australiana, se dio a conocer mundialmente por su papel de Shiv Roy en Succession, producción de HBO. Por ese personaje recibió tres nominaciones al Emmy y ganó el premio en 2023. La actriz protagonizó además All Her Fault, la serie limitada de UGT emitida en Peacock, que le valió otra nominación al Emmy. El año pasado ganó un premio Tony por su actuación en El retrato de Dorian Gray. En 2025 obtuvo el premio AACTA a Mejor Actriz por su trabajo en Memoir of a Snail, la película animada que estuvo nominada al Oscar. Snook está representada por UTA, Omni Artists, Hansen Jacobson Teller y, en Australia, por Shanahan Management.

Los pájaros ya había generado intentos previos de adaptación que no llegaron a concretarse. En 2007 se anunció un remake cinematográfico con Naomi Watts como protagonista y Martin Campbell en la dirección, proyecto que nunca se materializó. En 2017, la BBC anunció una serie basada en el mismo material, con guion del dramaturgo irlandés Conor McPherson. Esa producción tampoco llegó a filmarse. La versión que ahora desarrolla HBO, impulsada por Spezialy desde el guion y por Heyman como productor ejecutivo, se convierte así en el intento más avanzado hasta la fecha para llevar nuevamente a pantalla la historia que Hitchcock convirtió en un clásico del cine de terror en 1963.

“Cuando la estrenamos, me molestaba que se hablara de retrato generacional. Ahora pienso que, objetivamente, sí lo era, aunque también tenía una forma de trabajar y de contar distinta de otros retratos más convencionales”, reconoce ahora Berta Prieto, creadora y protagonista de ambas series de Filmin. “En Autodefensa escribíamos desde posiciones más firmes. Ahora planteamos temas sobre los que no tenemos una opinión cerrada. Quizá por eso la serie pueda durar más: el tiempo irá respondiendo a preguntas que hoy siguen abiertas”, sostiene Prieto en su entrevista con Infobae, secundada por su compañero Miguel Ángel Blanca. “Autodefensa tenía que pasar de moda en cinco años. Respondía a una moral muy concreta del momento pospandemia. Esta serie plantea contradicciones morales que pueden perdurar más y tener otras lecturas dentro de 20 años”.

Esas preguntas, dudas y contradicciones se manifiestan en la figura de Paula, una joven no tan joven que aún recuerda el éxito de crítica que vivió con su rompedora novela El coño y la navaja, pero que tiempo después no ha logrado despegar del todo ni profesional ni personalmente. Trabaja en la sombra para una niña influencer, pero la gran oportunidad le llega cuando una editorial le propone hacer la biografía de Lil Rogelio, un polémico cantante de trap que ha obtenido un permiso para salir de la cárcel y está dispuesto a colaborar. Al principio, Paula no está muy convencida, pero poco a poco la relación entre ambos comienza a estrecharse, aunque no entienda muy bien qué saldrá de todo ello.

Entre el scroll y la desubicación constante

“Lil Rogelio despierta en Paula ganas de moverse. Hoy es difícil generar en las personas ese impulso para pasar del pensamiento a la acción”, reconoce Prieto, quien da vida a la joven y quien cree que la serie, lejos de estigmatizar la figura de los influencers y la relación de la sociedad actual con las redes sociales, busca escenificar precisamente cómo de interiorizada está en nuestras vidas. “Queríamos tratarlos de igual a igual. En la serie son los amigos y confidentes de Paula; no queríamos reírnos de ellos ni colocarnos por encima. Podemos criticar a los influencers por convertir su vida en contenido, pero en la ficción ocurre todo el tiempo”.

Más allá de su controvertida propuesta, lo realmente diferente de Segunda temporada es su manera de llevar eso narrativamente, con una estructura de siete episodios no ya autoconclusiva, sino autodestructiva. ”El punto de partida es que cada capítulo destruya al anterior, que sabotee todo lo que el espectador ha visto. El primer episodio tenía que ser el más mainstream, para que confiaras en un lenguaje, y a partir de ahí cambiarlo todo. El scroll infinito ha inundado el relato: llevamos 100 años de lenguaje cinematográfico y las redes sociales llevan 15 o 20, y estamos en ese momento en el que esa mezcla tiene que afectar al audiovisual", reflexiona Miguel Ángel Blanca, comparando el ADN de Segunda temporada con la imprevisibilidad del algoritmo.

“Cuando haces scroll te encuentras una catástrofe, después un plato cocinado en las calles de la India y luego una chica que se maquilla. Esa esquizofrenia, ese relato entrecortado, tiene que entrar de alguna forma en el cine. Por eso el capítulo tres es una película de maldiciones adolescentes, el cinco está rodado en vertical y, de repente, los personajes cambian de lugar dentro de la historia. No sabemos nunca cuál es la verdad, porque la verdad puede ser todo”, explicaba Blanca, algo que secunda Prieto. “La gente que ve la serie sabe que está viendo una ficción, pero a la vez es espectadora constante de muchas otras cosas: del scroll, de TikTok, de series. No queríamos hacer una propuesta naturalista que conectara solo desde la empatía. Damos por hecho que el espectador también es ciudadano de este mundo y que reconoce esos códigos. Por eso la serie se puede permitir ciertos saltos temporales y de tono: no porque todo sea una red social, sino porque partimos de que quien la ve ya está acostumbrado a moverse entre formatos y relatos distintos.”

“El sacrificio que han tenido los Javis es transformarse en memes”

Segunda temporada también plantea a mitad de sus siete episodios el gran conflicto que supone vampirizar la vida de alguien, ya sea esta una niña influencer o un cantante de trap afligido. “Hace unos años parecía importante conquistar el espacio público para ciertas minorías. Ahora quizá hemos entendido hasta qué punto la visibilidad puede esclavizar, y que cierta libertad pasa por recuperar espacios íntimos”, señala Prieto, cuyo personaje se cuestiona esta idea en los episodios finales, aunque sus creadores admiten que no tienen una posición ni respuesta clara al respecto.

Algo más claro lo tienen con el otro fenómeno más reciente en el audiovisual español, el de La bola negra de Los Javis, quienes para Blanca son el ejemplo perfecto de cómo entender el lenguaje moderno. “Los Javis son influencers, y no lo digo como algo negativo. Si ves cómo se muestran, cómo manejan sus fotos o cómo se relacionan con el público, entiendes que han asumido esas reglas. Han entendido hasta qué punto tienen que ser naturales y hasta qué punto tienen que construirse. Eso no implica que haya algo falso: es la forma en la que hoy muchos artistas se comunican y generan un vínculo con la gente. El único sacrificio que han tenido que hacer es tranformarse en memes, pero son los artistas más de su tiempo que existen”.

La nueva serie de Timbiriche volvió a abrir el álbum de recuerdos de toda una generación, aunque quienes protagonizaron esa historia en la vida real eligieron mirar el proyecto desde cierta distancia.

La ficción recupera los años en que el grupo pasó de los foros de televisión a los escenarios, con pasajes de su vida privada y vidas que crecieron frente al público.

En medio de ese regreso al pasado, Benny Ibarra explicó que, junto con otros miembros de la agrupación (Sasha Sokol, Alix Bauer, Diego Schoening, Mariana Garza y Erik Rubín), hizo un pacto: no hablar por separado sobre lo que aparece en pantalla.

El deslinde de seis figuras de Timbiriche precedió al acuerdo

El acuerdo anunciado por Ibarra no surgió de forma aislada. Antes de que la serie estuviera disponible, los seis artistas difundieron un comunicado para expresar distancia frente a una producción que recrea la formación del grupo, sus cambios de integrantes y episodios que atravesaron durante su juventud.

El documento estableció que ninguno participó en la creación de la ficción ni tuvo injerencia en los relatos que se presentan en pantalla. También planteó que una producción inspirada en hechos reales puede combinar sucesos conocidos con situaciones que no ocurrieron.

Los artistas también plantearon que una eventual reconstrucción de esa historia debería realizarse desde su propia experiencia: “La serie que está por estrenarse no es la historia de Timbiriche contada por nosotros”.

Con la ausencia de las firmas de Thalía y Paulina Rubio, el comunicado sostuvo que, si algún día deciden hacerlo, buscarán narrarla “con respeto por quienes la vivimos y en nuestra propia voz”.

Benny Ibarra evitó contar qué sintió al ver la serie

Benny Ibarra fue consultado sobre la serie después de que circularan versiones sobre su reacción al primer capítulo. El músico evitó confirmar o negar si lo vio y explicó que emitir una valoración individual iría en contra del compromiso que estableció.

El cantante señaló que la decisión no consiste en evitar el tema, sino en impedir que cada uno responda por separado sobre una producción que toca vivencias compartidas: “Todo lo que sea de comentarios alrededor de la serie de Timbiriche, nosotros hicimos un pacto de hacerlo en conjunto”.

Ibarra explicó que no podía hablar de sus sentimientos frente a la ficción sin romper ese acuerdo: “Si yo te comento mis sentimientos acerca de la serie, estaría rompiendo el pacto que hice con mis compañeros de Timbiriche”.

Finalmente, el intérprete dejó abierta la posibilidad de una postura posterior, aunque bajo una condición clara: deberá surgir de los seis artistas y no de declaraciones aisladas: “Cualquier comunicación referente a eso va a ser siempre en conjunt y por respeto a la voluntad de la banda”.

El uso de la marca, las regalías y un posible regreso sumaron otro frente para Timbiriche

El estreno también abrió un debate sobre el nombre Timbiriche. Erik Rubín explicó que Televisa conserva la titularidad de la marca y que los integrantes deben negociar autorizaciones para emplearla en conciertos, reencuentros u otros proyectos.

Rubín señaló que esos acuerdos pueden incluir participaciones en contenidos audiovisuales: “Hemos llegado a deals donde nos lo prestan y a cambio hacemos un especial de televisión o cosas así”.

Al ser consultado sobre si los seis artistas reciben regalías por la serie, Erik respondió de forma directa: “Nada”. La cuestión de la marca, de todos modos, transita un camino distinto al deslinde sobre el uso de sus identidades en la ficción.

Por su parte, mientras continúa con el Nacer Una Vez Más Tour, Benny Ibarra dejó abierta la posibilidad de un reencuentro hacia 2028 y descartó interés personal en desarrollar una bioserie propia: “No me hace cosquillas, la verdad. Yo prefiero armar una gira padre, a eso sí le pones todo tu corazón”.

Así, la historia de Timbiriche sigue en disputa entre lo que la ficción muestra y lo que sus protagonistas están dispuestos a contar.

La serie de Harry Potter producida por HBO sumó tres piezas clave a su reparto: Jasper Talbot (Broadchurch) y Hannah Chinn (El conjuro 4) darán vida a James y Lily Potter, los padres del protagonista, mientras Harry Gilby interpretará a Charlie Weasley, un personaje que nunca apareció en las ocho películas originales. El anuncio llega a dos meses del estreno de la primera temporada, prevista para el 25 de diciembre en HBO y HBO Max.

Los tres actores se incorporan a la temporada uno, titulada Harry Potter y la piedra filosofal, según confirmó HBO en un comunicado. James y Lily Potter murieron a manos de Lord Voldemort cuando Harry tenía apenas un año, pero su presencia recorre los siete libros de J.K. Rowling: en las películas solo se los vio en flashbacks, fotografías y manifestaciones mágicas, nunca como personajes con desarrollo propio.

Cabe destacar que Talbot y Chinn, quienes serán los padres de Harry en la serie, guardan una edad más cercana a la de los personajes en los libros que la que tenían Adrian Rawlins y Geraldine Somerville, quienes encarnaron a James y Lily el cine.

No obstante, ambos probablemente serán recasteados en temporadas futuras cuando aparezcan versiones más jóvenes de la pareja en los recuerdos del Pensadero.

Por otro lado, el fichaje de Gilby marca una diferencia concreta con el material original. Charlie, el segundo hijo mayor de la familia Weasley y cuidador de dragones en Rumania, es mencionado con frecuencia en los libros pero jamás apareció físicamente en los filmes, salvo en una fotografía familiar de Harry Potter y el prisionero de Azkaban, donde fue interpretado sin crédito por Alex Crockford.

El reparto principal ya reúne más de treinta nombres

La producción, filmada en los estudios Leavesden, a las afueras de Londres, está encabezada por Dominic McLaughlin como Harry Potter, Arabella Stanton como Hermione Granger y Alastair Stout como Ron Weasley. Los acompañan John Lithgow como Albus Dumbledore, Janet McTeer como Minerva McGonagall, Paapa Essiedu como Severus Snape, Nick Frost como Rubeus Hagrid y Warwick Davis como Filius Flitwick, entre otros más de treinta actores confirmados para esta primera entrega.

Asimismo, la segunda temporada, basada en Harry Potter y la cámara secreta, ya se encuentra en rodaje y sumó a Kit Harington como Gilderoy Lockhart, además de Lenny Rush como Dobby, Billy Barratt como Tom Riddle y Rafe Spall como Arthur Weasley.

El guion y la producción ejecutiva están a cargo de Francesca Gardiner, mientras Mark Mylod dirige varios episodios. Rowling participa como productora ejecutiva junto con David Heyman, responsable también de la franquicia cinematográfica, Neil Blair y Ruth Kenley-Letts de Brontë Film and TV.

Harry Potter y la piedra filosofal se estrenará en Navidad, en medio de expectativa y recelo de los fans de la saga mágica. Según la perspectiva de Gary Oldman, quien encarnó a Sirius Black en cuatro de las ocho películas originales, la serie logrará complacer a los seguidores por su afán en ser fiel al material original.

“Tuvimos que cortar mucho, y aun así solo pudimos reducir las películas a, más o menos, tres horas”, declaró Oldman en una entrevista de septiembre con Entertainment Weekly. “Creo que la serie lo va a hacer casi palabra por palabra, lo que pienso que, como espectador, resultaría más satisfactorio”.

Netflix difundió la fecha de lanzamiento de Gordon, la nueva producción argentina protagonizada por Rodrigo de la Serna. La serie, dirigida por Pablo Trapero y Pablo Fendrik, se estrenará en todo el mundo el próximo 18 de noviembre y tendrá siete capítulos.

Inspirada en hechos reales, la ficción sigue la trayectoria de Aníbal Gordon, un delincuente que comenzó vinculado a robos y otros delitos comunes, y que luego quedó involucrado en la violencia paraestatal de la Argentina durante la década de 1970. El relato se ubica en un período atravesado por disputas políticas, sindicales y partidarias que derivaron en una escalada represiva.

La producción se basa en los libros Gordon y Gordon, el aniquilador, del periodista e investigador Marcelo Larraquy. El autor colaboró con Trapero y Marcos Osorio Vidal en el desarrollo del guion, un aspecto que conecta la serie con la investigación documental que dio origen a las novelas.

La serie recorre el paso de Aníbal Gordon del delito común a la violencia paraestatal

La historia presenta a Gordon antes de su incorporación a estructuras ligadas a la represión ilegal. Según la sinopsis difundida por Netflix, el personaje mantiene su actividad delictiva mientras se convierte en un agente paraestatal en el contexto de la violencia política de los años 70.

El material promocional anticipa una reconstrucción de época que incluye escenarios urbanos, operaciones clandestinas y episodios criminales. La trama se concentra en el recorrido de un hombre que pasó por robos, fraudes y atentados antes de establecer vínculos con organismos de inteligencia y grupos parapoliciales.

Gordon fue relacionado con la Alianza Anticomunista Argentina, conocida como Triple A, una organización creada por el estado que actuó entre 1973 y 1976. La agrupación persiguió a militantes políticos, sindicalistas, estudiantes, periodistas, artistas e intelectuales identificados con sectores de izquierda o con posiciones opositoras.

La investigación de Larraquy también aborda la relación del delincuente con la Secretaría de Inteligencia del Estado (SIDE), sus actividades en el marco de la Triple A y su participación posterior en estructuras represivas durante la última dictadura militar. La serie toma ese trayecto como eje dramático, sin dejar de lado su origen en el delito común.

Trapero definió a la ficción como una invitación a revisar un período histórico

Trapero, que además cumple el rol de showrunner, señaló que la propuesta no busca clausurar la discusión sobre el personaje ni sobre el período histórico que aborda. “La ficción es siempre un punto de partida: una forma de compartir una historia, pero también de dejar preguntas cuando termina”, afirmó el director en un comunicado de prensa.

“Gordon propone una mirada sobre un período y sobre un personaje, y espero que esa mirada invite a reflexionar después del último capítulo”, agregó Trapero sobre la producción, que combina elementos del thriller con referencias a acontecimientos documentados.

El elenco, además de De la Serna en el papel principal, está integrado por Matías Recalt, Camila Peralta, Fiorella Bottaioli, Agustín Pardella, Fernando Contigiani y Agustina Muñoz. Matías Mayer tendrá una participación especial.

La producción se filmó en Buenos Aires y Bariloche

La serie fue producida por Adrián Suar y Diego Andrasnik para Preludio Producciones. Juan Lovece y Trapero completan el equipo de producción ejecutiva, mientras que Osorio Vidal y Trapero firmaron el guion con la colaboración de Larraquy.

El rodaje se realizó en distintas localidades de la provincia de Buenos Aires y en Bariloche. Esos escenarios permitirán reconstruir momentos de la vida de Gordon, incluidos sus antecedentes criminales y operaciones asociadas con distintas etapas de la violencia política argentina.

Con el estreno previsto para el 18 de noviembre, Gordon se sumará al catálogo de series argentinas de Netflix con una historia basada en documentos, investigaciones periodísticas y uno de los personajes criminales más controvertidos de la segunda mitad del siglo XX.

La distinción llegó en un momento de renovada exposición para Wyle, cuya interpretación del Dr. Michael “Robby” Robinavitch en el drama médico de HBO Max le devolvió un lugar central en la conversación televisiva.

People destacó, además de su trayectoria, su vida familiar y una rutina doméstica que incluye preparar el desayuno, limpiar la cocina y lavar los platos.

La reacción de Wyle ante el reconocimiento

Wyle relató que no esperaba integrar la tradicional edición anual dedicada al Hombre Más Sexy del Mundo. “Pensé que era una broma; jamás imaginé que me harían ese honor”, afirmó entre risas durante la entrevista.

El actor explicó que su esposa, Sara Wells, fue una de las personas que lo convenció de aceptar el reconocimiento. Según contó, ella consideró que el título también reflejaba su faceta como padre y esposo.

La familia recibió la noticia entre bromas. Owen, el hijo mayor del intérprete, le advirtió que la designación podía complicarle la vida, aunque le aseguró que no había problema. Auden, su hija de 21 años, reaccionó con un rotundo rechazo.

Pese a la distinción, reconoció que todavía le cuesta sentirse cómodo cuando debe mostrarse sin interpretar un personaje. “Me gusta interpretar personajes. Sigue siendo la interacción más difícil para mí: hablar sin guion, siendo yo mismo”, explicó a People.

De ER a The Pitt: dos etapas en los dramas médicos

La carrera de Wyle quedó asociada durante décadas a “ER”, la producción en la que interpretó al Dr. Carter y compartió elenco con George Clooney, Eriq La Salle y Anthony Edwards.

En los años 90, Wyle y sus compañeros figuraron en una portada de People dedicada a los “hombres más sexys de ER”, aunque él no obtuvo entonces el título individual.

Clooney recibió ese reconocimiento en dos oportunidades, un antecedente que Wyle abordó con humor. “Creo que le hará gracia y, con suerte, se sentirá como un padre orgulloso al ver que he llegado a la edad de las canas”, comentó sobre la posible reacción de su excompañero.

El actor también recordó la rapidez con la que cambió su vida cuando alcanzó la popularidad gracias a la serie médica. “Fueron tiempos intensos. Hubo un giro de 180 grados casi de la noche a la mañana después de cumplir 22 años”, señaló.

La nueva distinción coincidió con el regreso del actor al género hospitalario en “The Pitt”, serie que, de acuerdo con People, estrenará su tercera temporada en enero por HBO Max.

Wyle definió este período como “el segundo rayo de luz en mi vida” y lo vinculó con una forma distinta de afrontar la notoriedad que vivió durante su etapa en “ER”.

“The Pitt me da la oportunidad de hacerlo de manera diferente a como lo hice la primera vez: con un poco más de presencia y un poco más de serenidad”, sostuvo.

La familia, la rutina y la paternidad

La entrevista de People también mostró una faceta alejada de los sets. El actor contó que suele preparar el desayuno para su esposa y su hija Frances, de 11 años; escribe un diario, hace ejercicio, pasea a sus perros y procura limitar el tiempo frente al teléfono.

Dentro de las tareas del hogar, identificó un territorio propio: “Soy un experto en lavar platos. El fregadero es mi territorio”. También recomendó esa actividad a otros hombres porque la considera terapéutica.

El actor, que vive en Los Ángeles y tiene una casa en Santa Ynez, señaló que la paternidad modificó sus prioridades. Al recordar el nacimiento de su primer hijo, explicó que tomó la decisión de dejar ER después de comprender que quería pasar más tiempo con su familia.

“Me entregaron a mi hijo y pensé: ‘Ahora lo entiendo. No se trata de mí, se trata de ustedes’”, relató Wyle a People. Según explicó, volvió al trabajo pocos días después del nacimiento, miró el reloj durante la jornada y se preguntó dónde deseaba estar.

En el plano personal, también compartió su mirada sobre la vida en pareja. Al referirse a las claves de un matrimonio feliz, destacó la importancia de mantener el sentido del humor: “El humor es importante porque las cosas pueden ponerse difíciles. Si logras encontrar un motivo para sonreír, tienes muchas posibilidades de superar las dificultades”.

Al final de la entrevista, el intérprete destacó el valor de su esposa, sus tres hijos, sus padres, colegas, amigos y maestros. También expresó gratitud por su trabajo y por las personas que lo acompañaron a lo largo de su carrera.

La trama arranca con la desaparición de Henry Park, heredero de una empresa pesquera, en una pequeña localidad marítima en la que supuestamente nunca pasa nada. Su familia contrata al investigador privado Rapp, interpretado por Noah Reid, que trabaja junto a la agente local Carson, interpretada por Clark Backo.

Baba Yaga es, en el folclore eslavo, una figura sobrenatural habitualmente anciana y ligada al bosque que vive en una cabaña con patas de pollo que se va desplazando de lugar. La tradición la representa de dos formas opuestas: como villana o como ayudante de otros personajes.

La serie toma ese doble registro como base para construir su misterio y lo traslada a una investigación contemporánea sobre la desaparición, sin abandonar el tono dentro del género fantástico.

Baba Yaga, ¿villana o aliada?

La lista de sospechosos incluye a Logan, compañero de piso de Henry; Geena, propietaria de un restaurante; Lily, hija adolescente de esta; y Pam, ‘expareja’ de Henry descrita como violenta. Además, encontramos a Katherine, una profesora interpretada por Carrie-Anne Moss, la que fuera Trinity en la saga Matrix.

Katherine concentrará la condición de heroína o ‘antiheroína’ de la historia. Es una mujer de más de cincuenta años que mantiene una vida sexual activa y no pide disculpas por hacer o decir lo que quiere.

El personaje resume esa postura de forma directa: “¿Las mujeres? Estamos enfadadas por todo”. La serie conecta esa ira con la invisibilidad de las mujeres de una determinada edad, las cazas de brujas y la manera en que los hombres han narrado históricamente sus vidas.

Sandler evita justificar las decisiones moralmente comprometidas de Katherine o generar simpatía artificial hacia ella. La serie conserva el espíritu de la obra teatral y reproduce buena parte de sus diálogos originales.

Buena parte de la narración pasa por la perspectiva de Rapp, un recurso que muestra cómo la identidad de Katherine cambia según lo que él necesita que sea, más que según quien es realmente. Carson, en cambio, dispone de mayor capacidad de decisión porque la serie también sigue su punto de vista.

Una investigación policial con elementos de terror

La relación entre ambos investigadores combina enfrentamientos verbales y coqueteos. En los dos primeros episodios, la química entre Reid y Backo funciona como uno de los sostenes del arranque de la trama.

A medida que avanzan las pistas, los sueños y visiones de Carson se vuelven más extraños y abren dudas sobre su estado mental. Esas imágenes, tampoco son siempre veraces y reproducen estereotipos que la propia ficción examina.

Hudson Williams interpreta tanto a Henry como a Logan, dos personajes tan arrogantes como misóginos, aunque el actor los diferencia en pantalla. Logan se convierte en la principal incorporación de la adaptación con respecto a la obra original de Sandler.

La serie abre sus capítulos con comentarios de la propia Baba Yaga, además de con versiones en lenguas eslavas de canciones populares. La canción de Alanis Morissette de Season of the Witch funciona como tema oficial de Yaga, una elección que refuerza el tono de brujería y folclore que atraviesa toda la temporada.

De buscar el amor en un plató de Telecinco a protagonizar una de las nuevas apuestas de ficción de Netflix. Hace 12 años, un joven llamado Isaac Díaz llegaba a Mujeres, hombres y viceversa, primero como pretendiente y después como tronista. Este lunes, Netflix ha anunciado que dará el salto a la interpretación con Jotadé, la miniserie policiaca basada en el bestseller homónimo del escritor y guionista Santiago Díaz. Díaz coliderará el proyecto con grandes rostros de la televisión y el cine de nuestro país, como José Coronado, Javier Gutiérrez y Jaime Lorente, entre muchos otros.

Isaac Díaz se dio a conocer en 2014 como pretendiente de Liz Emiliano en el programa que para entonces todavía presentaba Emma García. Unos meses después, se alzó como tronista, donde permaneció nueve meses hasta que el joven abandonó el trono junto a Triana Ramos tras oficializar su relación. Al año siguiente, durante el verano de 2015, participó en el Pasaporte a la isla, reality también de Telecinco cuyo ganador se alzaba con una plaza garantizada en la siguiente edición de Supervivientes. Se quedó a las puertas. Ahora, más de una década después de su paso por el programa de citas, se pone al frente de una producción de Netflix.

Así será ‘Jotadé’, la nueva serie de Netflix

Ambientada en Madrid, la ficción sigue los pasos de Jotadé (Díaz), un policía descarado e irreverente a la par que astuto, sincero y leal, y el único agente gitano de su comisaría, que un día recibe el encargo de investigar un crimen brutal en el que se esconde una peligrosa organización criminal.

Basada en la primera entrega de la saga policiaca del guionista y escritor Santiago Díaz, la novela sigue el brutal asesinato de dos hombres que son destripados y arrojados desde un puente de la M-30, y sus restos caen sobre un descapotable que termina precipitándose al Manzanares. Una de sus ocupantes, que resulta ser la hija pequeña del comisario, fallece en el acto, lo que desencadena una investigación contrarreloj en la que el protagonista tendrá que enfrentarse a una peligrosa trama criminal y a su propio pasado.

El reparto lo completa Aura Garrido (El Ministerio del Tiempo, El inocente) como Lucía; José Coronado, que interpretará a Hilario Garza; y Jaime Lorente (La casa de papel, Élite) como Tony Garza. A ellos se suman María de Nati, Alberto Olmo, Melania Cruz, Carmen Avilés, Moreno Borja, Rafaela León, Antonio Zafra y Álvaro Rico, además de una participación especial del ganador de dos premios Goya, Javier Gutiérrez.

Detrás de las cámaras se encuentra Daniel Calparsoro, director de Asalto al Banco Central y Salvador, mientras que el guion corre a cargo de Isa Sánchez y Daniel Corpas. MOD Producciones, responsable de títulos como Crematorio, Los Farad y Las abogadas, produce la serie con Fernando Bovaira y Guillem Vidal-Folch.

La historia de Dexter Morgan continúa en Dexter: Resurrection, la serie protagonizada por Michael C. Hall que retoma los acontecimientos de Dexter: New Blood. La ficción, que comenzará su segunda temporada este mes, sigue al protagonista diez semanas después de haber recibido un disparo casi mortal. Recuperado de sus heridas, Dexter viaja a Nueva York para encontrar a su hijo Harrison, pero sus planes se complican cuando el capitán Angel Batista, llegado desde Miami, comienza a seguirle el rastro y amenaza con sacar a la luz su pasado.

Esta nueva temporada pondrá a Dexter frente a dos asesinos: uno conocido y otro que está sembrando una nueva forma de terror en Nueva York. Mientras intenta lidiar con una crisis de la mediana edad, el protagonista también deberá afrontar un período especialmente oscuro de su vida. En paralelo, Harrison seguirá su propio camino en busca de justicia, en una historia que volverá a poner a padre e hijo frente a sus conflictos más profundos.

Te invitamos a ver nuestra entrevista con los actores Jack Alcott, Nona Parker Johnson y Bokeem Woodbine en video, o a leer una transcripción.

—Quiero empezar con vos, Jack, porque una de las cosas que más me gustan de Dexter es la relación que tiene con su hijo. Quiero decir, el hecho de que tenga un hijo y todo lo que sucede… Es una relación con muchísimas capas. Así que quería preguntarte sobre su hijo y cómo es esa dinámica entre padre e hijo en este episodio.

Jack Alcott: —Sin duda, una versión que aún no habíamos visto, lo cual fue realmente emocionante. Acabo de ver los episodios la otra noche. Fue muy emocionante y divertido de hacer, y muy emocionante de ver porque no es una versión que hayamos visto hasta ahora. Esta es, creo, la primera vez que vemos a Dexter y a Harrison cómodos el uno con el otro. Es una relación un poco más consolidada, y nos ofrece un gran punto de partida porque, ya sabes, son padre e hijo y no ven las cosas de la misma manera todo el tiempo, pero los problemas que tienes con alguien a quien conoces muy íntimamente y muy bien, no son los mismos que los que tienes con alguien a quien no conoces tan bien. Ya no estamos tanteándonos el uno al otro. Estamos de acuerdo en muchas cosas, así que cuando no lo estemos, va a ser interesante.

—Me encanta. Y, Bokeem, me encanta tu personaje porque es como: “No, otra vez no”. Quiero decir, todo está pasando en Nueva York en este momento. Por favor, ve y resuelve el problema. Me encanta eso, y quería preguntarte específicamente cómo fue interpretar a este jefe de policía que está pasando por un auténtico infierno en Nueva York en este momento.

Bokeem Woodbine: —Bueno, está acosado y solo intenta mantener cierto tipo de presencia ante sus tropas porque es un líder. Así que quiere, ya sabes, proyectar una actitud firme y segura para que la gente lo admire. Dicho esto, está un poco nervioso porque, en su vida personal, ya sabes, su hija está en la policía, y eso se trata de manera muy importante en el guión. Pero, como actor, está constantemente preocupado por su bienestar porque ella sabe disparar. La llevé al campo de tiro cuando era pequeña. Ya sabes, domina lo de la defensa personal. Tengo confianza en todo eso, pero al mismo tiempo, en el fondo de mi mente, no dejo de pensar en su bienestar. Así que trato de equilibrar esas dos cosas cuando me acerco al personaje. Y los guiones son geniales. Realmente le facilitan mucho las cosas a cualquier actor. Cualquier actor hubiera podido hacer un gran trabajo con este papel. Simplemente tuve la suerte de conseguir el papel.

—Y Nona, bueno, ahora que hablamos de tu papel en la Fuerza, me encanta que ella sea en cierto modo, es una “hija de papi”, podríamos decir, pero aun así le costó mucho conseguir este trabajo. Trabajó muy duro. Y se habla mucho de lo que significa ser mujer en la policía. ¿Qué me puedes decir al respecto y cómo se relaciona eso con tu relación con Harrison, que es un caos total?

Nona Parker Johnson: —Creo que, al venir con Fiona, tuvo mucho que ver con seguir los pasos de su papá. Y, sin importar cómo llegara allí, sabía que él estaría presente. Y creo que eso fue algo que la mantuvo con los pies en la tierra, algo que la hizo tener más aspiraciones hacia su propósito de estar allí. Y quiere abrirse camino por sí misma, pero sabe que tiene a alguien que la tiene allá atrás y a quien quiere enorgullecer y tal vez demostrarle su valía un poco también. Y creo que ahí surge una pequeña sorpresa con este chico nuevo que llega al espacio y ya tienes un poco más de experiencia, pero también sigues siendo muy fresca. Y creo que es divertido abordar el trabajo con él a su lado.

—Y volviendo a ti, Jack. Tu personaje creció en Argentina. Lo menciona un par de veces. Pero quiero preguntarte: ¿qué crees que aprendió tu personaje al crecer en Argentina?

Jack Alcott: —Esa es una excelente pregunta. Ojalá, como actor, supiera más sobre Argentina.

—Me refiero a crecer en un país diferente.

Jack Alcott: —No, por supuesto. Quiero decir, creo que crecer en un lugar que no sea Estados Unidos te da una perspectiva mucho más amplia sobre la gente en general. Quiero decir, no he viajado mucho. Y las veces que he salido del país, me ha parecido muy, muy extraño. Creo que es como que, ya sabes, aquí todos hablan inglés. Y cuando no hablas inglés aquí, la gente puede ofenderse un poco por eso, porque, ¿por qué simplemente no hablas inglés? Yo diría que muchas de esas personas probablemente nunca han salido del país. Recuerdo la primera vez que estuve en un lugar donde prácticamente nadie hablaba inglés. Y yo era el único que no hablaba el idioma local. Y pensé: “Ay, Dios mío, qué incómodo me siento”. Ni siquiera estoy seguro de qué hacer, y mucho menos de intentarlo. Simplemente pienso: “Ojalá conozca a alguien que pueda hacer esto”. Y por eso creo que hay una sensación de, no sé, como de cariño, empatía y comprensión que proviene de cualquiera que haya crecido en otro país y viva en Estados Unidos. Y creo que eso definitivamente influye en la forma en que Harrison ve el mundo. Y no es que, si vives aquí, no te importen las demás personas. Pero creo que sin duda influye en la visión que tiene Harrison de aquellos a quienes quiere salvar y con quienes quiere vivir y todo eso.

—Bueno, y para terminar, muchas gracias por su tiempo. Espero verlos en otra rueda de prensa. Felicidades por el programa.

Paul Bettany, quien interpreta al androide desde su evolución como JARVIS, explicó que la serie retomará el desenlace de “WandaVision”.

Allí, una versión de Visión recuperó información sobre su pasado, aunque ese proceso no le devolvió la conexión afectiva con lo vivido. “Es incapaz de conectar sentimientos con esos recuerdos”, comentó el actor en una entrevista con Hunger Magazine.

VisionQuest situará a Visión ante sus recuerdos y sus emociones

La nueva producción de Marvel se estrenará en Disney+ a lo largo de octubre y noviembre de 2026, con nuevos episodios cada semana. El actor de 55 años anticipó que la ficción mostrará un escenario mental poblado por sistemas de inteligencia artificial que el público ya reconoce dentro de la franquicia.

Entre esas presencias estarán Dum-E, U, FRIDAY y EDITH. “Vision usa esas personalidades para reflexionar y descargar los datos de lo que ha vivido”, explicó a Hunger Magazine.

Ese recorrido interno formará parte de un proceso que sacará al personaje de su zona de comodidad y lo llevará a relacionarse con el mundo exterior.

El actor vinculó el planteo de la serie con dos relatos clásicos. Uno remite a Pinocho y al deseo de convertirse en “un niño de verdad”, una dimensión que ya apareció en la vida doméstica de Visión durante WandaVision. La otra referencia apunta a Frankenstein, con una inquietud sobre el origen y la utilidad de una criatura creada por otros.

“¿Quién soy y por qué? ¿Para qué sirvo?”, planteó Bettany al resumir la clase de interrogantes que atravesarán a Visión. La historia dejará atrás el formato de comedia de situación que marcó parte de WandaVision para centrarse en la identidad del personaje y en su dificultad para unir memoria, experiencia y sentimiento.

Paul Bettany destacó la autonomía de la nueva historia

La serie también le dará al actor un espacio distinto del que compartió con Elizabeth Olsen, intérprete de Wanda Maximoff. Bettany recordó que ambos personajes contaban con una dinámica propia dentro de las películas y la primera serie protagonizada por la pareja.

“Lizzie y yo siempre tuvimos nuestro propio espacio, como alivio romántico”, afirmó. Para el actor, contar con una producción dedicada a Visión permite desarrollar aspectos que antes quedaban subordinados a ese vínculo. “Tener toda una serie para explorar eso se siente como un gran alivio”, sostuvo.

Bettany creyó que su paso por la franquicia había terminado luego de Avengers: Infinity War, estrenada en 2018. “Pensé que me habían despedido después de Infinity War”, recordó.

El intérprete acudió a una reunión convencido de que recibiría una despedida, aunque los responsables de Marvel le ofrecieron la serie que después se convirtió en WandaVision.

Su llegada a ese universo comenzó en 2007, cuando Jon Favreau lo convocó para prestar su voz a JARVIS, el sistema operativo de Tony Stark. Más adelante, Joss Whedon le propuso convertir aquella inteligencia artificial en Visión.

El personaje pasó de ser una voz sin presencia física a uno de los protagonistas de varias películas y series de Marvel.

El vínculo de Visión con quienes se sienten fuera de lugar

Bettany sostuvo que Visión representa a personas que atravesaron situaciones de exclusión o que nunca encontraron un lugar de pertenencia. “El compromiso de Visión con el público es que está dirigido a los marginados, a los que sufrieron acoso escolar, a los que se sentían raros y no encajaban”, afirmó.

El intérprete vinculó esa mirada con su propia experiencia. “Yo era ese chico. Me di cuenta de que estaba haciendo el programa para mí”, expresó al referirse al vínculo que construyó con el personaje y con parte de sus seguidores.

Su formación actoral y la búsqueda de humanidad en los personajes

Bettany también repasó su método de trabajo y su formación en el Drama Centre de Londres. Antes de ingresar a la escuela de actuación, trabajó como músico callejero en una residencia de adultos mayores, un centro de formación para personas con discapacidad intelectual y un bar.

Explicó que enfrentaba las audiciones con una postura alejada de la ansiedad. “Nunca me sentí ansioso ni desanimado en las audiciones. Siempre di por hecho que no iba a conseguir el papel”, aseguró. Según relató, esa idea le permitió concentrarse en la preparación, el único aspecto de su carrera sobre el que consideraba tener control.

Esa metodología también marcó su trabajo reciente como Antonio Salieri en la miniserie Amadeus, de STARZ. Bettany interpretó al rival de Wolfgang Amadeus Mozart y situó el conflicto del personaje en su frustración frente al talento ajeno.

“Lo maravilloso que hago al interpretar a un villano es encontrar lo humano en él”, señaló. El actor comentó que encontró puntos de contacto con Salieri en la experiencia del fracaso y en la dificultad de comprender una genialidad que parece inalcanzable.

La cuarta temporada de Lupin debutó con un 100 % de aprobación en Rotten Tomatoes, según las primeras críticas publicadas tras el estreno de sus ocho episodios en Netflix el 23 de octubre. La nueva entrega devuelve a Omar Sy al papel de Assane Diop, ahora obligado a escapar de prisión para probar que no está detrás de una cadena de robos atribuidos a Lupin.

La producción francesa mantiene así el respaldo crítico que acumuló desde su lanzamiento en 2021. La primera parte obtuvo un 98 % de aprobación, la segunda llegó al 96 % y la tercera alcanzó el 100 %. La cuarta repite, de momento, esa calificación perfecta a partir de las reseñas iniciales.

El regreso se produce tres años después de la temporada anterior y con una modificación central en la dinámica de la serie. Assane ya no puede actuar desde el anonimato: su identidad como Lupin es conocida públicamente y sus movimientos están bajo observación. A esa exposición se suma la aparición de un imitador capaz de reproducir sus métodos y dejar indicios que lo señalan como responsable.

Assane Diop vuelve desde prisión para enfrentar a un impostor

La historia transcurre cuatro años después de los hechos de la tercera temporada. Assane permanece encarcelado, decidido a cumplir su condena con el objetivo de reunirse con su familia en Senegal, como le prometió a su hijo. Sin embargo, un anuncio firmado por “Lupin” anticipa robos simultáneos en varios museos.

Los atracos se concretan pese a los operativos de seguridad y las pruebas comienzan a apuntar al protagonista. Una grabación lo sitúa en uno de los escenarios, donde la capitana Sofia Belkacem resulta gravemente herida. Para demostrar que no participó en los hechos, Assane debe fugarse y recuperar la identidad que intentaba abandonar.

La temporada plantea así un enfrentamiento entre el ladrón y alguien que conoce sus recursos o ha aprendido a anticiparlos. El rival también dispone de habilidades para vulnerar sistemas informáticos, lo que amplía el peso de la tecnología en los nuevos episodios.

La crítica destaca la acción y el protagonismo de Omar Sy

Entre las primeras valoraciones, Collider sostuvo que la cuarta parte conserva el tono y el nivel de producción de la anterior, al tiempo que mejora sus secuencias de acción. El medio destacó el funcionamiento conjunto de la narración, la puesta en escena y las interpretaciones.

The Guardian, por su parte, remarcó que Omar Sy mantiene una presencia “magnética” como Assane. La reseña relacionó la nueva escala de la serie con la incorporación de elementos tecnológicos y escenarios de mayor alcance, cercanos a ciertos códigos del cine de superhéroes.

Desde But Why Tho? definieron la entrega como “otro emocionante regreso del ladrón caballeroso, que bien merece la espera de tres años”. La valoración se vincula con el tiempo transcurrido desde el estreno de la tercera temporada, publicado por Netflix en 2023.

Omar Sy explicó por qué la serie modificó su fórmula

Sy, quien asumió funciones de showrunner junto con Louis Leterrier, explicó a Collider que el equipo necesitaba hallar un nuevo conflicto para sostener la continuidad del personaje. “Al principio, nadie conocía a nuestro protagonista, lo que le permitía actuar con libertad. Ahora, en cambio, es famoso”, señaló.

El actor sostuvo que esa notoriedad altera las condiciones de los golpes de Assane. “¿Cómo seguir jugando a ese juego cuando alguien conoce a la perfección su forma de actuar y es capaz de imitarlo?”, planteó al explicar el punto de partida de los nuevos capítulos.

También indicó que el desafío consistía en mantener la identidad de la ficción inspirada en las novelas de Maurice Leblanc, creador de Arsène Lupin en 1905, mientras la adaptación desarrollaba una trama propia. La serie toma como referencia al célebre ladrón de guante blanco, pero sitúa a Assane como un admirador que adopta esa figura para reparar la injusticia sufrida por su padre.

Junto a Sy regresan Ludivine Sagnier como Claire Laurent, Antoine Gouy como Benjamin Férel, Soufiane Guerrab como Youssef Guédira y Shirine Boutella como Sofia Belkacem. La temporada incorpora además a Théo Christine y Laïka Blanc-Francard.

La actriz Emily Osment se incorporó en la quinta temporada a la serie El joven Sheldon, el ‘spin off’ de The Big Bang Theory basado en la infancia del personaje de Sheldon Cooper y la relación con su familia.

Emily Osment, a la que habíamos visto crecer en la serie Hannah Montana interpretó en esta ocasión a Mandy McAllister, que comenzará una relación con el personaje de Georgie Cooper, el hermano mayor de Sheldon, encarnado por Montana Jordan.

A pesar de la diferencia de edad de los personajes, Mandy se quedará embarazada de Georgie, de modo que su historia pasó a ocupar más espacio dentro de la serie, hasta el punto de que protagonizaron una sitcom propia titulada El primer matrimonio de Georgie y Mandy (2024).

Una diferencia de edad de diez años

Ahora ha salido a la luz Young Sheldon: The (Juicier-Than-Meemaw’s-Brisket) Inside Story of the Hit Comedy, de Jessica Radloff, un libro que reconstruye la producción de la comedia y donde ya se revelaba que Iaian Armitage, el protagonista y rostro de Sheldon desde su más tierna infancia, no sintió pena al terminarse la serie.

Ahora, son otras declaraciones las que salen a la luz. Según cuenta Osment, pidió un coordinador de intimidad antes de filmar los besos de Mandy y Georgie. Jordan tenía 18 años y ella, que tenía 29, consideró que la diferencia de edad podía volver incómoda la situación, sobre todo porque ambos apenas se conocían. “Era un bebé”, cuenta en el texto.

La actriz explicó que su preocupación también estaba centrada en que su compañero supiera que podía solicitar ayuda. “No sé si Montana siquiera sabía que podía pedirlo. Démosle también la opción. Que esté cómodo”, señaló. El equipo no logró disponer de ese profesional ese día, aunque lo incorporó en capítulos posteriores.

La intérprete afirmó que la presencia de esa figura facilitó el trabajo cuando el vínculo entre Mandy McAllister y Georgie Cooper adquirió mayor peso en la ficción. Para Osment, el coordinador fue “muy importante” durante esas jornadas.

La respuesta del equipo de la serie

El director Alex Reid, quien estuvo a cargo de varios episodios centrados en Mandy, reconoció que la producción no había previsto la necesidad de un coordinador de intimidad en ese momento.

Reid explicó que El joven Sheldon no incluía escenas sexuales y que, por esa razón, el equipo no estaba habituado a recurrir a ese tipo de profesionales. La planificación se limitaba a una escena de besos entre los personajes. “Fallamos por completo”, admitió el realizador.

El director consideró que el problema no se explicaba solo por la ausencia de ese apoyo. A su juicio, también influyó que Osment y Jordan tuvieran que representar cercanía sentimental poco después de conocerse.

Una incomodidad compartida por los actores

Reid recordó una foto tomada entre escenas en la que los dos intérpretes estaban sentados dentro de un coche y miraban hacia lados opuestos. El director le mostró esa imagen a Osment y ella confirmó que ambos se habían sentido incómodos.

Según Reid, la fotografía reflejaba el clima que existía entonces entre los actores. No se trataba de un conflicto entre ellos, sino de la dificultad de rodar besos cuando aún no habían establecido una relación de confianza fuera de cámara.

El realizador afirmó que pudieron resolver la situación y que, con el tiempo, desarrollaron una buena química para sus personajes. Aun así, definió aquel primer momento como “bastante embarazoso”.

Osment y Jordan no grabaron escenas de sexo en la serie. Su trabajo consistía en representar una relación que avanzaba dentro de la historia, desde el embarazo de Mandy hasta la formación de una familia junto a Georgie.

El apoyo en las temporadas posteriores

El ‘cocreador’ de la serie, Steve Molaro, sostuvo que Osment tenía “todo el derecho” a solicitar un coordinador de intimidad. También afirmó que la actriz más adelante se sintió cómoda incluso cuando ese profesional no estuvo presente.

El testimonio de Osment se suma al relato de Reid sobre la decisión de incorporar ese recurso tras el primer rodaje. La producción recurrió al coordinador cuando las escenas entre Mandy y Georgie se hicieron más frecuentes.

Emily Osment comenzó su carrera cuando era niña en dos películas de Spy Kids. Más tarde interpretó a Lilly Truscott en Hannah Montana y es hermana del actor Haley Joel Osment. La serie El primer matrimonio de Georgie y Mandy, continúa en antena con su tercera temporada.

Slow Horses es una de las series del año (para muchos, LA serie del año). Esta semana, cerró su sexta temporada con un final que no ofrece consuelo ni certezas, fiel a la lógica de una serie que lleva cinco años desarticulando cada convención del espionaje televisivo. La producción de Apple TV+, un prodigio de la manera británica de contar una historia, fusionó por primera vez dos novelas de Mick Herron —Joe Country y Slough House— en una sola entrega de seis episodios, y resolvió su desenlace con la brutalidad emocional que define al programa desde su origen.

El autor, Herron, es todo un personaje en sí mismo. Nacido en Newcastle en 1963 y formado en literatura inglesa en Oxford, pasó años como subeditor en el departamento legal de una firma de investigación laboral en Londres antes de publicar su primera novela en 2003. Los atentados del 7 de julio de 2005 lo empujaron de la ficción detectivesca al espionaje: como viajero habitual entre Oxford y Londres, la experiencia le reveló que “para estar en la primera línea, basta con estar en una ciudad”. En 2008 comenzó a escribir Slow Horses, publicada en 2010, y desde entonces construyó un universo de nueve novelas y cinco nouvelles que vendió más de cuatro millones de ejemplares, ganó el Gold Dagger de la Crime Writers’ Association y el Diamond Dagger a la trayectoria en 2025. El diario The Daily Telegraph la ubicó entre las veinte mejores sagas de espionaje de todos los tiempos.

Su estilo —una prosa donde el ritmo heredado de sus años como poeta convive con un humor corrosivo deudor tanto de John le Carré como de P. G. Wodehouse— no celebra el género sino que lo desarma: donde le Carré otorgaba a sus espías una melancolía noble, Herron los hundió en la incompetencia burocrática. “No quiero escribir una novela de espionaje con un malvado genio; me interesa la incompetencia, las cosas que salen mal, las motivaciones turbias, y eso es básicamente nuestra realidad política”, ha dicho. El título mismo de la saga condensa la filosofía del proyecto: “Slough House”, el edificio ficticio donde el MI5 confina a los agentes que fracasaron, se deforma en boca de sus propios habitantes hasta convertirse en “Slow Horses”, los caballos lentos, un apodo cruel que el servicio de inteligencia reserva para quienes considera descartables, los marginados, los inútiles, los que nadie quiere en su equipo. Esa convicción de que el espionaje, despojado de sus mitos, es trabajo administrativo ejercido por personas rotas dentro de instituciones que las desprecian, convirtió a la serie en el estándar contra el que se mide hoy cualquier narrativa de inteligencia en pantalla.

Una sátira del espionaje de la Guerra Fría

Antes de convertirse en la joya silenciosa de Apple TV+, Slow Horses existió durante una década como universo literario. Mick Herron publicó la primera novela en 2010, tras años de gestación, y construyó un catálogo de quince entregas que incluye novelas principales, relatos y novelas cortas. Su propuesta no fue celebrar el género sino desarmarlo: donde John le Carré otorgaba a sus espías una melancolía noble, Herron los hundió en la incompetencia burocrática y el fracaso profesional.

El escenario central, Slough House, funciona como un purgatorio administrativo del MI5: un edificio decrépito ubicado muy cerca de la estación Barbican (y del edificio brutalista del mismo nombre) donde el servicio de inteligencia británico deposita a los agentes que no puede despedir pero sí humillar. La estrategia institucional consiste en asignarles tareas degradantes hasta que renuncien por agotamiento. Pero la premisa narrativa de Herron se activa cuando esos marginados —los “caballos lentos” del título— terminan resolviendo las crisis que generaron quienes los exiliaron. La obra funciona como una crítica sostenida al sistema de clases británico y a la arrogancia corporativa, envuelta en la mecánica del thriller.

Durante cinco temporadas, la adaptación televisiva mantuvo un esquema riguroso: una novela por entrega. La sexta rompió ese pacto. La nueva showrunner, Gaby Chiappe, y el director Adam Randall determinaron que Joe Country, pese a su potencial cinematográfico y su ambientación invernal en Gales, carecía de desarrollo suficiente para los personajes centrales de la serie. Marginar a Gary Oldman y a Kristin Scott Thomas durante una temporada completa habría desestabilizado el equilibrio del programa. La síntesis permitió integrar la cacería rural de Joe Country con el ataque sistémico contra exagentes que articula Slough House, aunque el sacrificio fue considerable: se eliminó la trama galesa, se reubicó la acción en la costa de Suffolk y se descartaron subtramas moralmente espinosas de los libros, como las acusaciones de pedofilia contra un personaje secundario. Lo que se ganó en densidad dramática se pagó, según varios críticos, con cierta confusión argumental. El debate sobre si la serie puede sostener dos novelas en seis episodios quedó abierto.

El “Londres sucio” define una estética

Si Slow Horses se distingue del resto del espionaje televisivo, la razón no es solo narrativa sino visual. Desde la primera temporada, el director de fotografía Danny Cohen impuso un credo estético al que llamaron internamente “Dirty London”: prohibición de retroiluminación, ausencia de luz de relleno suave, cámaras con ISO alto para incrustar grano en la imagen digital. Los personajes debían parecer integrados en las paredes mugrientas de su oficina, no separados de ellas.

Para la sexta temporada, el relevo recayó en Eben Bolter, quien respetó la paleta desaturada pero introdujo modificaciones. El formato permitió composiciones panorámicas donde los agentes lucen diminutos frente a las geometrías aplastantes de los rascacielos o la desolación costera de Suffolk. Las distorsiones lumínicas y la profundidad de campo reducida en los bordes intensificaron la paranoia: los personajes parecen permanentemente vigilados.

El editor Harrison Wall enfrentó un problema complementario. En el montaje inicial del primer episodio, la muerte apacible de David Cartwright —el abuelo de River, interpretado por Jonathan Pryce— precedía inmediatamente al asesinato brutal de un exagente quemado vivo en un contenedor. Las pruebas de pantalla demostraron que ese choque anulaba cualquier posibilidad de humor posterior. Wall optó por fragmentar el duelo en flashbacks silenciosos, activados solo cuando River se encontraba inmóvil y a solas, y acelerar el ritmo en las escenas grupales para reflejar cómo la maquinaria del MI5 le negaba espacio psicológico para procesar la pérdida.

Gary Oldman es el anti-James Bond

Todo el andamiaje de Slow Horses gravita en torno a Gary Oldman, un crack. El actor, nombrado Caballero del Imperio Británico en 2025, ha declarado que Jackson Lamb ocupa la cúspide de su carrera junto a Winston Churchill y George Smiley. La afirmación no es retórica: seis temporadas le han permitido construir un personaje de una complejidad que ningún largometraje podría contener.

El desagradable Jackson Lamb es, en su superficie, una acumulación de defectos: higiene deplorable, alcoholismo funcional, flatulencias como arma de interrupción, ropa de vagabundo. Oldman ganó peso y adoptó el cabello descuidado del personaje para anclar la degradación física. Pero la actuación consiste en demostrar que esa repugnancia es camuflaje táctico. “Es genial que todo te importe una mierda”, dice Lamb, y en esa frase se cifra su ventaja: la liberación de las restricciones que paralizan a los burócratas trajeados de Regent’s Park. Su memoria institucional es impecable, sus réplicas devastan con precisión quirúrgica y su quietud puede durar minutos antes de un movimiento letal.

El núcleo emocional que Oldman protege bajo capas de sarcasmo es la devoción hacia sus agentes. Lamb los insulta para endurecerlos, pero cuando los escuadrones rusos los cazan en la sexta temporada, la fachada colapsa en una fiereza paternalista forjada en la Guerra Fría. El clímax del final de temporada lo encuentra negociando geopolítica británica y rusa desde una mesa plagada de migajas de pastel infantil en una fiesta de cumpleaños, mientras convence a la manejadora de la GRU de que un magnate mediático es el verdadero culpable. No necesita moverse para controlar el tablero. Le basta con observar sus defectos.

Su dinámica con Scott Thomas —la despiadada Diana Taverner— sostiene el pináculo dramático de la serie. Sus confrontaciones son esgrima verbal donde el asco mutuo se entrelaza con una dependencia simbiótica. En el episodio final, Taverner confiesa ante Lamb ser “la mayor amenaza a la seguridad nacional que hemos visto en años” y ofrece su renuncia. Lamb, que normalmente saborearía la derrota de su rival, le lanza un salvavidas. La necesita vulnerable y en deuda, no destituida. Una Primera Silla comprometida es un activo; una destituida, un cabo suelto.

[Fotos: prensa Apple TV]

Netflix cuenta con códigos secretos de categorías que permiten acceder a selecciones específicas de películas y series dentro de la plataforma.

Estos números funcionan como accesos directos a géneros y subgéneros que no siempre aparecen entre las opciones visibles del catálogo.

Qué códigos hay

Netflix organiza su catálogo en géneros generales y microgéneros. Algunos de los códigos más utilizados son:

• 1365: películas de acción y aventura.
• 7442: películas de aventuras.
• 43040: comedias de acción.
• 8985: películas de artes marciales.
• 10118: películas de superhéroes y cómics.
• 10702: películas de espionaje.
• 7700: westerns.
• 6548: comedias.
• 869: comedias de humor negro.
• 5475: comedias románticas.

• 3519: comedias para adolescentes.
• 4922: sátiras.
• 11559: especiales de stand-up.
• 5763: dramas.
• 3179: dramas biográficos.
• 6889: dramas policiales.
• 3653: dramas basados en hechos reales.
• 6616: dramas políticos.
• 1255: dramas románticos.
• 7243: dramas deportivos.
• 500: dramas LGBTQ+.
• 6839: documentales.
• 3652: documentales biográficos.
• 9875: documentales sobre crimen.
• 7018: documentales políticos.
• 2595: documentales de ciencia y naturaleza.
• 180: documentales deportivos.
• 5349: documentales históricos.
• 8711: películas de terror.
• 10944: películas de terror de culto.
• 947: películas de monstruos.
• 8646: películas sobre asesinos seriales.
• 42023: películas de terror sobrenatural.
• 75804: películas de vampiros.

• 75930: películas de hombres lobo.
• 75405: películas de zombis.
• 1492: ciencia ficción y fantasía.
• 3916: dramas de ciencia ficción.
• 5505: thrillers psicológicos.
• 8933: thrillers.
• 7627: películas de culto.
• 7077: cine independiente.
• 783: películas para toda la familia.
• 27346: series infantiles.
• 7424: anime.
• 3063: películas de anime.
• 2653: anime de acción.
• 2729: anime de ciencia ficción.
• 9302: anime de comedia.
• 452: anime dramático.
• 10695: anime de terror.
• 11146: anime de fantasía.
• 11881: animación para adultos.

Cómo usar los códigos secretos de Netflix

Para utilizar un código, hay que ingresar a Netflix desde un navegador web e iniciar sesión con una cuenta activa. Luego, el usuario debe escribir https://www.netflix.com/browse/genre/ y agregar el número de la categoría elegida al final de la dirección.

Por ejemplo, para abrir la categoría de anime, la dirección es https://www.netflix.com/browse/genre/7424. Para acceder a las comedias, se debe utilizar https://www.netflix.com/browse/genre/6548.

Netflix mostrará los títulos disponibles para esa categoría en el país desde el que se realiza la búsqueda. Un código puede seguir activo aunque la selección aparezca vacía si no hay contenidos de ese género disponibles en el catálogo regional.

Netflix superó las expectativas de ganancias

Netflix presentó resultados trimestrales superiores a las previsiones de los analistas, pero el mercado reaccionó negativamente ante las dudas sobre el crecimiento de su audiencia y la menor expectativa de ingresos por publicidad.

Tras la publicación del balance, las acciones de la compañía cayeron cerca de un 6% en las operaciones posteriores al cierre de Wall Street.

Entre julio y septiembre, la plataforma facturó USD 12.870 millones, un aumento interanual del 12%. La ganancia por acción fue de 87 centavos, por encima de los 82 centavos esperados por el mercado y de los 59 centavos registrados en el mismo trimestre de 2025.

Sin embargo, Netflix redujo su proyección de ingresos publicitarios para 2026: pasó de USD 3.000 millones a USD 2.700 millones.

La empresa atribuyó el ajuste a demoras en la implementación de nuevas herramientas para anunciantes. También acotó su previsión de ingresos anuales a USD 51.100 millones, en el límite inferior de su estimación previa y por debajo de las expectativas de Wall Street.

El balance se conoció una semana después de que Netflix despidiera a unos 1.000 empleados, equivalentes al 6% de su plantilla global. Los recortes afectaron principalmente a las áreas de producto, tecnología, legales y recursos humanos, y representaron la reducción de personal más profunda desde 2022.

La preocupación central de los inversores es la caída en las horas de visualización.

El banco Jefferies estimó que el promedio mensual por usuario descendió de 66 horas en la primera mitad de 2023 a 49 horas en el mismo período de 2026, una baja cercana al 26%.

Además, Apptopia señaló que las cancelaciones de suscripciones en Estados Unidos crecieron 16,6% interanual durante el tercer trimestre.

Netflix reconoció las inquietudes, aunque afirmó que el compromiso de los usuarios sigue siendo saludable. La empresa también anunció cambios en su área de contenidos: Peter Rice asumirá el 26 de octubre en reemplazo de Bela Bajaria, con el desafío de revertir la desaceleración.

Sylvester Stallone no tiene reparos en admitir que su hija Scarlet Rose Stallone cuenta con una ventaja en Hollywood gracias a su apellido. El actor de Rocky defendió la decisión de darle una oportunidad en Tulsa King y lanzó un argumento a quienes critican el nepotismo en la industria del entretenimiento.

“Por supuesto que es nepotismo, idiota. Para eso somos padres. Queremos lo mejor para nuestros hijos. Así que, obviamente, les damos todas las ventajas”, afirmó Stallone en una entrevista con USA Today.

El actor, que cumplió 80 años, también cuestionó a quienes consideran que favorecer a un hijo es algo negativo. “Primero dicen: ‘El nepotismo es terrible’. Yo les digo: ‘Por favor, no eres un buen padre si no has practicado un poco de nepotismo. De lo contrario, obviamente, no te importan tus hijos, porque ellos son lo primero’”, sostuvo.

Sin embargo, la estrella de acción precisó que los contactos familiares solo ofrecen una ventaja inicial. Para él, la verdadera prueba llega cuando los hijos de las celebridades deben demostrar que merecen conservar esas oportunidades.

“¿Pueden mantener ese nivel de excelencia? Eso está fuera de nuestras manos”, señaló. “Puedes abrirles la puerta, veremos si tienen la capacidad de atravesarla”.

En ese sentido, el protagonista de Rambo admitió que entiende las críticas sobre la facilidad con la que su hija pudo conseguir el papel. “La gente dirá: ‘Consiguió ese trabajo, fue demasiado fácil’. Tienen razón. Quizá lo fue. Pero, para mantenerlo y estar frente a millones de personas, o tienes talento o no lo tienes”, declaró a Entertainment Weekly.

¿Qué papel interpreta la hija de Sylvester Stallone en ‘Tulsa King’?

Scarlet Rose Stallone, de 24 años, encarna a Spencer, una joven que pasó de trabajar como barista a cuidar caballos y atender los establos de Fennario Ranch. Su personaje apareció por primera vez en la primera temporada, como parte del elenco recurrente, y ahora tiene una participación más amplia en la cuarta entrega.

En la ficción, su incorporación al rancho ocurre por decisión de Dwight “The General” Manfredi, el mafioso neoyorquino interpretado por su padre. Tras pasar 25 años en prisión, el personaje llega a Tulsa, Oklahoma, donde intenta construir un nuevo imperio criminal.

La cuarta temporada de Tulsa King se estrenó el 16 de octubre de 2026 en Paramount+, con nuevos episodios cada viernes.

Los otros hijos de Stallone que incursionaron en la actuación

Scarlet no es la primera hija de Sylvester Stallone que trabaja frente a las cámaras. Su hermano Sage interpretó a Robert Balboa Jr., el hijo de Rocky, en Rocky V (1990), junto a su padre. También participó en otras producciones, entre ellas Daylight (1996) y Promises Written in Water (2010). Sage murió en 2012, a los 36 años.

Su otro hermano, Seargeoh, interpretó al bebé Rocky Jr. en Rocky II (1979), aunque no desarrolló una carrera extensa en el cine.

Por su parte, Sistine Stallone actuó en 47 Meters Down: Uncaged (2019) y Midnight in the Switchgrass (2021). También participó junto a sus padres y sus hermanas en el programa de telerrealidad The Family Stallone, que tuvo dos temporadas entre 2023 y 2024.

Sophia, la mayor de las tres hijas que Stallone tuvo con Jennifer Flavin, no se dedica a la actuación, aunque también apareció en el programa familiar.

La búsqueda de plataformas gratuitas para acceder a series, películas y transmisiones deportivas ha impulsado la descarga masiva de aplicaciones no autorizadas en dispositivos móviles. Xuper TV es actualmente una de las alternativas más promovidas en internet, pero su modelo de distribución y funcionamiento oculta una arquitectura diseñada para extraer información personal y explotar los recursos del hardware en beneficio de terceros.

La vulnerabilidad del sistema de instalación (Sideloading)

Xuper TV no se encuentra disponible en Google Play Store ni en la App Store de Apple debido al incumplimiento de las políticas de derechos de autor y a la presencia de código malicioso. Para instalarla en un teléfono, el usuario debe descargar un archivo APK desde repositorios web no verificados y habilitar manualmente la opción de “instalar aplicaciones de orígenes desconocidos”.

Este proceso, conocido como sideloading, desactiva las principales barreras de seguridad del sistema operativo, como Google Play Protect. Al eliminar estos filtros, el usuario permite la ejecución de un archivo que frecuentemente actúa como un troyano, introduciendo el reproductor de video prometido junto a secuencias ocultas de software espía (spyware) o instaladores secundarios (droppers).

Permisos abusivos y secuestro de accesibilidad

El riesgo más inmediato tras la instalación radica en la solicitud de permisos que no guardan relación con la reproducción audiovisual. Xuper TV y sus derivados suelen requerir acceso a la memoria de almacenamiento, la lista de contactos, la ubicación precisa, la cámara y el micrófono del celular.

La amenaza crítica se activa cuando la aplicación solicita permisos de Accesibilidad. Este nivel de acceso está diseñado para permitir al sistema operativo leer el contenido de la pantalla y simular toques de forma legítima.

Cuando el usuario concede este permiso a una aplicación maliciosa, le entrega el control total del dispositivo, permitiéndole registrar pulsaciones de teclas (keylogging), interceptar mensajes de texto con códigos de autenticación de dos pasos (2FA) e interactuar con otras herramientas del sistema en segundo plano.

Ataques de superposición y fraude financiero

La recopilación de datos no se limita a la actividad de navegación. El código malicioso empaquetado en plataformas como Xuper TV incluye secuencias programadas para monitorear la apertura de aplicaciones bancarias, billeteras virtuales o plataformas de intercambio de criptomonedas.

Mediante la técnica de ataques de superposición (overlay attacks), el malware detecta el momento exacto en que el usuario intenta ingresar a su cuenta bancaria y despliega instantáneamente una pantalla falsa, idéntica a la original, por encima de la aplicación legítima. Las credenciales introducidas en este formulario fraudulento son capturadas y enviadas a servidores externos, facilitando la sustracción de fondos y el robo de identidad.

Minería de criptomonedas y degradación de la batería

El sostenimiento de la infraestructura de transmisión de video de alta definición requiere una inyección constante de capital. Al no cobrar una tarifa directa a los espectadores, los desarrolladores monetizan la aplicación mediante técnicas de cryptojacking.

Este mecanismo utiliza el procesador (CPU) y el procesador gráfico (GPU) del teléfono para minar criptomonedas de forma oculta, operando incluso cuando la pantalla está apagada. Los síntomas técnicos inmediatos incluyen un sobrecalentamiento inusual del chasis del equipo, lentitud extrema al ejecutar aplicaciones cotidianas y un drenaje acelerado de la batería. Esta exigencia térmica máxima y continua degrada irreversiblemente la vida útil de los componentes de litio.

Medidas de mitigación técnica

La única forma de garantizar la integridad del dispositivo es evitar la instalación de archivos APK de fuentes no oficiales. Si Xuper TV ya fue instalada, una desinstalación estándar desde el menú principal no garantiza la eliminación de las dependencias maliciosas que pudieron haberse inyectado en el sistema.

La medida técnica recomendada para asegurar la desinfección es realizar un restablecimiento de fábrica (formateo) del teléfono móvil, seguido de la modificación de todas las contraseñas bancarias y de correo electrónico desde un dispositivo seguro.

La nueva serie de Marvel, VisionQuest, llegó a Disney+ el 13 de octubre de 2026 con sus dos primeros episodios y contará con un total de ocho capítulos, cuyo estreno final está previsto para el 10 de noviembre. Creada y dirigida en parte por Terry Matalas, la ficción es un spin-off de WandaVision y la tercera entrega de una trilogía que también incluye Agatha All Along. La historia sigue a Vision, interpretado por Paul Bettany, quien intenta reconstruir su identidad tras recuperar sus recuerdos, aunque ya no logra conectar emocionalmente con ellos. Mientras vive oculto bajo una identidad humana, deberá enfrentarse a una nueva amenaza y escapar junto a un adolescente misterioso que podría ser la reencarnación de su hijo.

El elenco combina regresos importantes del Universo Cinematográfico de Marvel con nuevas incorporaciones. James Spader vuelve como Ultron, cuya relación con Vision será uno de los ejes centrales de la trama, mientras que Ruaridh Mollica interpreta a Tommy Maximoff, el hijo de Wanda y Vision que atraviesa su propia crisis de identidad. También participan Todd Stashwick como Paladin, un cazarrecompensas que persigue al protagonista, y Lauren Morais como Lisa Molinari, aliada de Tommy. Además, la serie recupera distintas inteligencias artificiales vinculadas a Tony Stark, como J.A.R.V.I.S., F.R.I.D.A.Y. y E.D.I.T.H., que aparecen representadas a través de avatares humanos en el espacio mental de Vision. La producción forma parte de la Fase Seis del MCU y profundiza en la búsqueda de identidad, los recuerdos y los vínculos que definen al personaje.

Te invitamos a ver nuestra entrevista con Emily Hampshire, quien interpreta a E.D.I.T.H., en video o a leer una transcripción.

—Quiero preguntarte cómo fue unirte a Marvel, y en qué se diferencia de otras series u otras películas en las que has participado antes.

Emily Hampshire: —Bueno, definitivamente es diferente. Siento que tuve suerte de haber entrado a través de Terry Metallus, el productor ejecutivo. Ya había trabajado con él antes en una serie llamada 12 Monkeys. Y me contó que, mientras escribía el personaje de Edith, no dejaba de escuchar mi voz en él. Así que pude adentrarme en este universo gigantesco gracias a Terry, lo cual se sintió un poco como volver a casa. Pero luego, cuando llegué al set, fue ahí donde realmente noté la gran diferencia del Universo Marvel. Porque, por ejemplo, estoy acostumbrada a rodar escenas en las que, si estás en un ascensor, hay como dos tipos a cada lado tratando de empujar las puertas del ascensor a cerrarse al mismo tiempo y hacer que todo tenga sentido. Aquí… el elevador realmente funcionó. Como si te hubieras metido, y subió y bajó como un elevador de verdad. Y construyeron todo esto, es decir, el Mind Space es mi casa de mis sueños. Así que es como una enorme casa de diversiones dentro de un estudio, y eso para mí es la gran diferencia del Universo Marvel en el rodaje.

—Me lo imagino perfectamente. Y quiero hablar de tu personaje. Ya lo has comparado antes con Joy de Inside Out, y yo lo veo totalmente así. ¿Cómo fue, entonces, crear este personaje y darle vida, y hacerlo tan tridimensional? Porque podría haber sido simplemente unidimensional, y sin embargo tú lograste que funcionara, y es muy diferente.

Emily Hampshire: —Bueno, gracias. Empecé más o menos como empiezo con cualquier proyecto, es decir, con cualquier personaje, partiendo de sus orígenes. Y en el caso de Edith, pensé: si Tony Stark hubiera embotellado su esencia en un par de lentes de sol, la hubiera llamado Edith, que significa incluso muerta, yo soy el héroe, así que un poco de sarcasmo al estilo Tony Stark ahí, y luego se lo diera a una adolescente cuando ella estaba a cargo de todas estas armas, ¿qué querría esa persona hacer cuando la dejaran salir? Y lo primero que se me ocurrió fue divertirse, disfrutar de la vida, excepto que la idea que tiene Edith de la vida se basa en hacer explotar cosas, así que está un poco exagerada.

—Sí, y me gusta mucho que esté muy conectada. Es decir, Edith está muy conectada con el aspecto humano, con encontrar la humanidad para Vision. ¿Por qué crees que nos identificamos tanto con la diversión, el entretenimiento y el aspecto humano? ¿Por qué están tan relacionados esos aspectos?

Emily Hampshire: —Bueno, creo que cuando pensaba en Edith, en ser una IA, te dicen constantemente qué hacer, no tienes autonomía, y además tienes toda la información, como todos los ingredientes para hacer una pizza excelente, pero no puedes probarla. Y por eso creo que lo que realmente aprendí de Edith es este deseo, más que nada, de formar parte de la vida.

—Claro, y también quiero hablar de la dinámica familiar porque la conexión con otras IA es muy, muy divertida. En cierto modo, se siente un poco como una sitcom con todas estas personalidades diferentes, así que quería hablar sobre la dinámica entre todos ellos, y ¿cómo te preparaste para eso en el set?

Emily Hampshire: —Me encanta que digas que es como una sitcom porque para mí se trata de un espacio mental, y también es como una dinámica familiar. Jarvis es la seguridad, y tiene como un aire de hermano mayor, y Orla Friday representa la socialización, así que tiene un aire de mamá. Y luego siempre pienso en Dummy y You como si fueran las mascotas. Y luego está Edith, que para mí es muy adolescente, y parece que todos estamos compitiendo por la atención de Vision, como cuando papá llega a casa del trabajo y todos queremos su atención. Así que realmente se siente como esa dinámica familiar.

—Y sé que antes de unirte a este proyecto, no estabas tan familiarizada con el concepto del MCU, que buscabas MCU en Google, me encanta esa historia. ¿Y cómo fue después de eso? ¿Tuviste que ver todas las películas? ¿O solo viste algunas? ¿Cómo te conectaste con todo eso?

Emily Hampshire: —Es un universo enorme, sí. Así que ahora que he recorrido todo el MCU, me arrepiento muchísimo de haber dicho alguna vez que no sabía qué significaba MCU, porque me di cuenta de que esa comunidad de fans, una vez que la conoces, una vez que estás dentro de ella, es un universo. Así que lo hice, empecé desde el principio. También vi, obviamente, Spider-Man: Lejos de casa, porque ahí es donde nace, en cierto modo, Edith. Y luego me metí de lleno en WandaVision, porque siento que, bueno, la razón por la que no sabía nada del MCU era que tenía esta idea de lo que es un superhéroe y de lo que es una película de superhéroes, y estaba tan equivocada. Era una idea que tenía desde cuando mi hermano jugaba con juguetes y no me dejaba participar. Y este universo, especialmente esta trilogía, me ha dado la bienvenida de una manera en la que utiliza la ciencia ficción para contar estas historias tan humanas. Es como si fuera una historia sobre la identidad contada a través de este universo más amplio, pero en realidad es un medio para llegar directamente a tu corazón.

—Exacto, no podría estar más de acuerdo. Así que quería preguntarte ahora, después de haber visto todas las películas, de haber vivido esta experiencia, de haber formado parte de este universo, ¿por qué crees que nos encanta tanto el MCU y estas películas?

Emily Hampshire: —Bueno, es decir, solo puedo hablar por mí mismo sobre por qué he llegado que me encante, y para mí, realmente se trata de esto: es esa energía arrolladora, al menos lo que Terry Metallus es capaz de hacer, y en lo que se especializa, es en crear este tipo de historia épica y trepidante que, en última instancia, es muy íntima, pero también divertida y concreta. Y creo que lo que hace tan bien es que convierte estas cosas tan específicas que se vuelven universales. Y de verdad, como que te estás riendo un segundo y luego llorando al siguiente, y sin embargo te quedas simplemente maravillado ante todo este mundo. Así que sí, lo tiene todo.

—No podría estar más de acuerdo contigo. Muchas gracias por tu tiempo. Felicidades por el programa. Espero de verdad verte en otra rueda de prensa.

Se llamaba Cachou, y su muerte inició una investigación que convulsionó la zona y destapó toda una red anti-osos conformada por ganaderos hartos de los ataques del animal a sus reses, agentes forestales y ex-alcaldes del municipio.

La noticia llamó la atención de los hermanos Cabezudo, que dieron un vuelco a la ficción televisiva española tal y como hoy la conocemos con la adaptación de Crematorio y que también son responsables de Nos vemos en otra vida, sobre la trama Asturiana que dio lugar a los atentados del 11-M.

“No nos apetecía volver a hacer una serie sobre ”quién lo hizo", pero pensamos que, a partir de la intriga del oso, podíamos contar un montón de cosas y, efectivamente, cuando fuimos allí, nos fascinaron los personajes y las dinámicas que se habían creado en torno al conflicto", cuenta Jorge Sánchez-Cabezudo a Infobae. “Entraba también en juego el choque entre la identidad local y el bien común”, que también era algo que nos interesaba mucho, así como la atmósfera de un lugar muy cerrado en sí mismo", apostilla su hermano, Alberto Sánchez-Cabezudo.

Una serie contada desde distintas perspectivas

Cuentan que viajaron al Valle de Arán con una serie de prejuicios y apriorismos que se difuminaron por completo a partir del momento que cada parte iba contando sus diferentes puntos de vista. Se dieron cuenta de que se trataba de una historia poliédrica más allá del cliché. “Es algo que hemos hecho desde La noche de los girasoles, partir de los arquetipos del género para acercarnos a los seres humanos que hay detrás y entender las motivaciones. Así que queríamos entender por qué había ese follón por un oso en el Pirineo”, ríe Jorge.

Por eso, utilizaron el esquema del policíaco clásico, del noir, e intercambiaron a la víctima humana por un animal, por un oso. “Entonces nos dimos cuenta de que todos los elementos se ponían patas arriba y se creaba un mecanismo muy interesante, también muy diferente en torno a las reglas de convivencia con el medio ambiente”.

Matar a un oso consta de seis episodios y cada uno está contado desde la perspectiva de uno de los personajes. Por una parte tenemos a Farga (Eduard Fernández), autoridad totémica de la zona a la que todo el mundo muestra un respeto reverencial. Él es el administrador del chat AntiOsos y uno de los mayores sospechosos, aunque en la sombra. Por otro lado, su mano derecha, Pascual (Àlex Monner), un joven guardia forestal que podría estar pasando información sobre la geolocalización de los osos.

Además, dentro del pueblo, también encontramos a Maria Rodríguez Soto, policía local, que tendrá que atender las necesidades de unos y de otros y el jefe de medio ambiente encarnado por Miki Esparbé, el más concienciado con el ecosistema. Los personajes que vendrán de fuera serán la jueza del caso, interpretada por Nora Navas, y un miembro de los Mossos d’Escuadra al que da vida Pol López.

“Quisimos contar la historia de acuerdo al propio viaje que nosotros sentimos al introducirnos en ella. Es decir, hablábamos con uno, nos contaba su versión, seguíamos con otro, que nos aportaba un matiz diferente u otro contrario, y así sucesivamente. Entendimos que era la mejor manera de que el espectador entendiera el relato”, cuenta Jorge Sánchez-Cabezudo.

Los creadores se inspiraron, en este sentido en series como El caso del Sambre, donde la investigación iba tomando el relevo de un personaje a otro, algo que aquí también sucede de los guardias rurales, a la jueza o la policía. También se inspiraron en Doctor en Alaska en el tono, por ubicarse en una comunidad concreta con una serie de personajes muy peculiares.

“De esa manera se plantean todos los puntos de vista para entender de dónde viene el conflicto. De alguna manera, nos terminamos dando cuenta de que también hablaba de la polarización actual, del tema de la cuestión identitaria”, dice Jorge. “Estamos en un mundo que cada vez nos incita a eso, al enfrentamiento, al estoy a favor o en contra, al estoy contigo o contra ti”, añade Alberto.

Entre el naturalismo y la comedia negra

Los creadores, después de la carga de intensidad de Nos vemos en otra vida, necesitaban algo más liviano, aunque se dieron cuenta a medida que se adentraban en la historia, que tenía más capas de profundidad de la esperada. “Lo que pasa es que todo está contado desde el extrañamiento, desde un tono más juguetón, tipo hermanos Coen, entre el naturalismo, el humor negro y el policiaco”.

Y, por supuesto, también encontramos el punto de vista de Cachou. Un auténtico esfuerzo de rodaje en el que lo veremos desde prácticamente su nacimiento hasta su muerte, casi como si se tratara de una película de Jean-Jacques Annaud. “Supuso un gran trabajo, pero entendimos que teníamos que darle un peso a ese personaje ya que, al fin y al cabo era la víctima. Estamos acostumbrados en los ‘true crimes’ a que la víctima da igual, y es uno de los personajes más importantes, así que había que contar su historia”.

Estuvieron rodando durante siete semanas a doble unidad, la mayor parte en el Pallars, en el parque natural, y una semana y media en el Valle de Arán. “Rodar la naturaleza, las montañas, la altura, no es fácil, pero es un lugar infinito y abrumador. A nivel de producción fue un reto muy grande”.

Cuentan que la escena en la que Nora Navas vomita mientras la llevan en coche por las curvas que conducen al Puerto de Bonaigua, es autobiográfica. “Nos pasó a nosotros durante bastantes veces”, bromean.

Thalía habría detenido de forma temporal el disco que prepara con Kiko Campos después de conocer que el compositor participó en la música de la serie de Timbiriche para ViX. El productor aseguró que la cantante se mostró molesta por su colaboración en el proyecto, aunque afirmó que desconocía el contenido de los episodios y que nunca recibió el libreto.

Campos dijo que llevaba cuatro años esperando que Thalía grabara las voces del álbum que desarrollaban. La pausa del proyecto ocurrió en medio de la controversia que rodea a la ficción inspirada en la agrupación, la cual fue rechazada públicamente por varios de sus exintegrantes.

Sasha Sokol, Benny Ibarra, Alix Bauer, Mariana Garza, Diego Schoening y Erik Rubín señalaron que no participaron en la creación de la serie, no fueron consultados sobre las historias que aparecen y tampoco autorizaron el uso de su imagen, voz o identidad.

La producción de ViX cuenta con ocho capítulos y retoma el nacimiento de Timbiriche, sus cambios de alineación y situaciones relacionadas con sus integrantes. La trama incluye el caso de Sasha Sokol y Luis de Llano, que ha generado críticas por parte de los artistas que se deslindaron del proyecto.

Kiko Campos dijo que Thalía puso en pausa el disco que preparaban

Kiko Campos habló sobre su participación en la música de la serie durante un encuentro con la prensa. El compositor explicó que fue contactado por el coordinador musical de la producción para realizar nuevas versiones de temas asociados con Timbiriche.

El productor aseguró que no tuvo reuniones con el director o el productor de la serie. Tampoco conoció el libreto ni vio capítulos antes de entregar las canciones solicitadas.

“A mí nunca me vi ni al productor, ni al director, ni el libreto, nada”, dijo Campos. El compositor sostuvo que recibió el encargo de producir 15 temas y aceptó porque era parte de su trabajo en la industria musical.

“Me dijo: ‘Oye, tú que estuviste ahí y eso, ¿te gustaría hacer las rolas?’. Dije yo: ‘Sí, claro’”, relató. Campos señaló que entregó el material y que, según le informaron, la producción quedó satisfecha con el resultado.

El músico explicó que las grabaciones incluyeron voces de alumnos vinculados con sus hijos. “Los compañeritos de la escuela hicieron de cuando eran chiquitos las voces en el estudio”, comentó.

Al ser cuestionado sobre la molestia de algunos exintegrantes de Timbiriche, Campos afirmó que no había hablado con ellos. Dijo que envió un mensaje a Sasha Sokol, pero que no recibió respuesta.

El compositor reveló que Thalía también reaccionó ante su participación. “Luego Thalía, con la que estoy haciendo un disco, me dijo que por el momento parara la producción hasta nuevo aviso, porque está molesta porque yo participé haciendo las rolas”, afirmó.

Campos no detalló cuándo recibió el mensaje ni explicó si Thalía le dijo qué parte de su colaboración le generó inconformidad. La cantante no ha publicado una postura sobre el tema en sus redes sociales.

El productor dijo que le sorprendió la decisión porque sostiene que no conocía la historia ni la forma en que sería abordada por la serie. “No tengo ni idea de cómo sucede. No he visto ni un capítulo”, expresó.

Campos también habló del disco que desarrolla junto a Thalía. “Tenemos un disco que es una joya. Tengo cuatro años esperando que ponga voz y ahora dice que está en standby”, declaró.

El compositor mostró molestia al referirse a la pausa del proyecto. “Cada quien tiene su mundo, su burbuja. Ella es una estrella mundial, yo estoy fascinado con grabar con ella. A ver qué pasa, no tengo idea”, sostuvo.

Kiko Campos había dicho que debía una disculpa pública por no entender el caso de Sasha Sokol

Las declaraciones de Campos ocurrieron días después de que reconoció públicamente que no entendió lo que sucedía alrededor de Sasha Sokol y Luis de Llano durante los años en que trabajó cerca de Timbiriche.

En una entrevista anterior, el compositor afirmó que su generación normalizó dinámicas que ahora identifica como equivocadas. “Qué vergüenza. Y yo me incluyo”, expresó al hablar sobre el tema.

Campos también sostuvo que debía una disculpa. “Yo debo una disculpa pública, en serio, a toda esta gente que no vimos en realidad lo que pasaba”, declaró.

El músico se refirió a Sasha como una amiga y como una persona relevante en su trayectoria. En el encuentro con la prensa, insistió en que su reflexión no se limitaba a la cantante, sino que incluía a quienes no reconocieron relaciones de poder que afectaban a menores de edad dentro del medio.

“No nada más a Sasha, por supuesto a Sasha, que es mi amiga y la adoro y ha sido una pieza importante en mi carrera”, dijo. Campos añadió que en esa época se normalizaron hechos que no debieron ser vistos como habituales.

La cantante llevó su caso contra Luis de Llano a tribunales y obtuvo una sentencia civil por daño moral. La SCJN negó el amparo promovido por el productor en junio de 2025, con lo que la resolución quedó firme.

La sentencia estableció medidas como una disculpa pública, reparación del daño y la obligación de abstenerse de hablar públicamente sobre Sasha Sokol y el caso. La resolución fue de carácter civil, no penal.

El 2 de septiembre de 2026, Luis de Llano fue arrestado de forma administrativa por incumplimientos vinculados con las medidas ordenadas en la sentencia, entre ellos la falta de una disculpa pública y la publicación de una síntesis del fallo.

Los exintegrantes cuestionaron una ficción sobre personas identificables

La polémica por la serie inició antes de su estreno en ViX. Seis exintegrantes de Timbiriche compartieron un comunicado conjunto para marcar distancia de la producción.

“Ninguno de nosotros participó en la creación de esta serie ni fuimos consultados sobre las historias que en ella se cuentan”, señalaron Sokol, Ibarra, Bauer, Garza, Schoening y Rubín.

Los artistas precisaron que no autorizaron el uso de su imagen, voz o identidad. También señalaron que no fueron invitados a conocer el contenido completo de la ficción antes de su lanzamiento.

Campos dijo que recibió críticas por participar en la música, aunque sostuvo que su labor fue limitada a la producción de canciones. “La música de la serie no es mía. Yo hice las canciones, hice los covers”, expresó.

El compositor afirmó que aceptó el trabajo porque la serie era desarrollada por compañías con las que existían antecedentes de producciones de alto alcance. “Venían de hacer la primera de Luis Miguel, la segunda de Luis Miguel, hacer la de Paco Stanley. Todo con Televisa, con ViX”, comentó.

La postura de Thalía no ha sido confirmada por la cantante ni por su equipo. La versión fue dada a conocer únicamente por Kiko Campos durante su conversación con la prensa.

Una Tierra Media en guerra

La sinopsis oficial sitúa la historia cinco años después de la caída de Eregion. Durante ese período, los ejércitos de Sauron avanzaron por distintos territorios y derrotaron a buena parte de la resistencia. Las descripciones disponibles presentan una diferencia: mientras la información oficial habla de cinco años, reportes previos sobre la temporada ubicaban los acontecimientos siete años después del final de la segunda entrega.

El conflicto comenzará con la Guerra de los Elfos y mostrará una Tierra Media mucho más cerca del dominio total del Señor Oscuro. El tráiler recupera a Galadriel, Elrond, Gandalf, Celeborn y el príncipe Durin, personajes que deberán prepararse para una batalla en condiciones desfavorables.

Los últimos focos de resistencia estarán concentrados en lugares estratégicos. Los enanos permanecerán protegidos dentro de Khazad-dûm, en las profundidades de las montañas, mientras los reinos élficos de Lindon y Rivendel dependerán de los Tres Anillos para evitar el avance enemigo.

El nuevo material también anticipa la presencia del Balrog, con voz de Simon Pegg, y la creación de los Nazgûl, los servidores de Sauron ligados a los anillos entregados a los hombres. La temporada buscará mostrar el conflicto desde distintas razas y comunidades afectadas por la guerra, mientras Galadriel advierte que todos están en el camino hacia la ruina.

Sauron y la creación del Anillo Único

Una parte central de la temporada transcurrirá en Mordor, todavía en proceso de transformación. Allí ya se encuentra terminada Barad-dûr, la fortaleza desde la que Sauron trabaja para someter a quienes continúan resistiendo. El tráiler presenta la torre como el centro de sus operaciones militares y de su búsqueda de poder.

Su objetivo será crear el Anillo Único, una pieza capaz de controlar los demás anillos y doblegar a sus portadores. La trama pondrá a los pueblos libres en una carrera contra el tiempo: deberán superar sus diferencias y coordinar una respuesta antes de que el Señor Oscuro complete su plan.

Este giro desplaza la historia hacia una guerra abierta. Las temporadas anteriores se concentraron en la identidad y el regreso de Sauron, la creación de los anillos y las disputas internas de elfos, hombres y enanos. La tercera entrega partirá de un escenario en el que el villano ya controla ejércitos, territorios y una fortaleza desde la cual puede continuar su expansión.

El adelanto también deja ver combates de mayor escala y numerosos efectos visuales. La campaña promocional comenzó cuando faltaban tres semanas para el estreno, después de un período con poco material oficial sobre los nuevos capítulos.

Cómo se estrenará la tercera temporada

Prime Video distribuirá los ocho episodios en tres fechas. Los primeros cuatro estarán disponibles el 11 de noviembre de 2026, por lo que la mitad de la temporada podrá verse desde el día del estreno.

Los episodios quinto y sexto llegarán una semana después, el 18 de noviembre. El séptimo y el octavo, que cerrarán la entrega, se incorporarán al catálogo el 25 de noviembre. El modelo combina un lanzamiento inicial amplio con dos tandas semanales, en lugar de publicar toda la temporada el mismo día.

El calendario permitirá que la historia complete su recorrido durante noviembre. Los dos capítulos finales de la tercera temporada de El Señor de los Anillos: Los Anillos de Poder estarán disponibles en Prime Video desde el 25 de noviembre de 2026.

HBO y DC Studios desarrollan una serie centrada en Poison Ivy, conocida en español como Hiedra Venenosa, según reportes publicados en octubre de 2026. Lauren LeFranc, creadora y showrunner de El Pingüino, está en conversaciones para producir el proyecto, que todavía no tiene guionistas, reparto ni fecha de estreno.

Una continuidad separada de The Batman

La serie no estará conectada con las películas de Matt Reeves ni con la versión de Bruce Wayne interpretada por Robert Pattinson en The Batman. Ese dato marca una diferencia central frente a El Pingüino, que funcionó como una producción derivada directa de la película de Reeves y continuó la historia criminal de Ciudad Gótica.

El Pingüino contó con Colin Farrell nuevamente en el papel de Oz Cobb, caracterizado con las mismas prótesis utilizadas en el largometraje. Reeves participó como productor ejecutivo y la serie obtuvo nueve premios Emmy en 2025, después de recibir una respuesta favorable de la crítica y la audiencia desde su estreno en 2024.

Pese a esos resultados, HBO no renovó El Pingüino para una segunda temporada. LeFranc podría regresar ahora al mundo de Batman mediante una ficción sin vínculos narrativos confirmados con aquella producción. La separación también implica que los espectadores no deberían esperar, al menos con la información disponible, apariciones de Pattinson ni continuaciones de las tramas planteadas por Reeves.

El desarrollo se encuentra en una fase inicial. HBO todavía no anunció qué versión de Poison Ivy utilizará, quién interpretará a la villana o si otros personajes de Batman formarán parte de la historia. Tampoco se informó si el proyecto estará conectado con otras películas y series de DC Studios.

De Batman #181 a su primera serie propia

Poison Ivy fue creada por el dibujante Carmine Infantino y los guionistas Robert Kanigher y Sheldon Moldoff. Su primera aparición ocurrió en Batman #181, publicado en junio de 1966. Desde entonces pasó a integrar de manera recurrente la galería de adversarios de Batman, aunque nunca había encabezado una serie de televisión o una película propia.

En su origen de la Edad de Plata, el personaje se llamaba Lillian Rose y era una botánica involucrada en el robo de un artefacto egipcio con hierbas antiguas. Marc LeGrand intentaba asesinarla con esas plantas para evitar que lo delatara, pero Rose sobrevivía y descubría que había adquirido inmunidad frente a toxinas y enfermedades naturales.

La historia fue modificada después del evento editorial Crisis on Infinite Earths. En 1988, Neil Gaiman presentó un nuevo origen en Secret Origins #36. El personaje pasó a llamarse Pamela Isley, una botánica de Gotham especializada en bioquímica vegetal. Según ese relato, el profesor Jason Woodrue la seducía y luego la inyectaba con venenos como parte de un experimento.

La exposición transformaba a Isley y le otorgaba la capacidad de controlar la vida vegetal. También podía matar mediante un tóxico presente en sus labios. Su vínculo con Batman quedó definido por la dificultad para dominarlo y por el interés del personaje en proteger las plantas, incluso mediante métodos letales.

Su encarnación más recordada en imagen real fue la de Uma Thurman en Batman & Robin, película estrenada en 1997. Poison Ivy también apareció en las series con actores Gotham y Batwoman, además del videojuego Batman: Arkham Knight, desarrollado por Rocksteady Studios.

En animación tuvo participaciones en Batman: The Animated Series, The New Batman Adventures, Batman: The Brave and the Bold, Young Justice y Harley Quinn. Su relación romántica con Harley Quinn, insinuada inicialmente en la animación de los años noventa, fue desarrollada después en los cómics y se convirtió en una parte frecuente de las historias de ambas.

El regreso de Lauren LeFranc a DC

Antes de encargarse de El Pingüino, LeFranc trabajó como guionista y productora en Agents of S.H.I.E.L.D., serie de Marvel emitida por ABC. Su participación en Poison Ivy todavía depende del cierre de las negociaciones, por lo que HBO no detalló el alcance de sus funciones ni confirmó si también será showrunner.

El reporte coincide con el estreno de Clayface, película dedicada a otro villano de Batman y dirigida por James Watkins. Ambos proyectos forman parte de una etapa de numerosas adaptaciones de DC Studios bajo la dirección de James Gunn y Peter Safran, aunque sus conexiones narrativas pueden variar según cada producción.

En paralelo, Reeves continúa ligado a The Batman Parte II, la próxima película de la continuidad protagonizada por Pattinson. Su estreno está programado para el 18 de febrero de 2028.

Iain Armitage fue el integrante del elenco que sintió mayor alivio cuando El joven Sheldon llegó a su fin en 2024, tras siete temporadas. El actor, que interpretó al protagonista desde los ocho años, aseguró que no quería seguir encarnando al personaje en su edad adulta y que prefería enfocarse en nuevos proyectos.

Las declaraciones forman parte de una historia oral sobre la serie escrita por Jessica Radloff, titulada Young Sheldon: The (Juicier-Than-Meemaw’s-Brisket) Inside Story of the Hit Comedy, publicada el 20 de octubre de 2026. En el libro, Iain Armitage explica que no se fue a su casa “a llorar todo el día” como sí lo hicieron otros compañeros al enterarse de que el programa terminaba.

A diferencia del resto del equipo, Armitage asumió el cierre de la serie (un spin-off de The Big Bang Theory sobre la infancia del personaje de Sheldon), con tranquilidad: evitó prolongar el duelo emocional, rechazó la idea de interpretar a un Sheldon adulto y priorizó regresar a su vida en Virginia junto con nuevos proyectos actorales, según detalló en el libro.

La decisión de no prolongar el duelo

El actor calificó el período de cierre como “pesado, molesto y extraño” y afirmó que se negó a “permanecer en esa pesadez para siempre”. Atribuyó esta postura a una enseñanza de su madre, quien le inculcó “un sentido saludable de lo efímero” y la idea de que “nada bueno dura para siempre, y eso es bueno”, según sus palabras.

Armitage tenía ocho años cuando comenzó el rodaje en 2017 y remarcó que le hubiera resultado desagradable continuar en el papel a los 23 años. “Odiaría estar en un show interpretando a un Sheldon de 23 años. Eso sería terrible. No querría hacer eso”, sostuvo. Por ese motivo, consideró que el final de la ficción llegó en el “momento perfecto”.

Nostalgia sin apego a momentos puntuales

Dos años después del cierre, el actor admitió sentir una tristeza nostálgica al mirar atrás, aunque aclaró que no extraña escenas o situaciones específicas. “Extraño trabajar en Warner Bros., extraño al equipo y a las personas que quiero. Amo actuar, me encanta hacerlo, es divertido. Pero no momentos específicos, más bien todo en general”, expresó.

El intérprete también reconoció las dificultades de haber liderado una comedia televisiva siendo niño. “Fue un privilegio completo estar en este show e interpretar a este personaje, pero sí, fue una tarea enorme para un chico de ocho años”, declaró. Agregó que “a veces los niños no son perfectos” y se mostró agradecido con quienes “entendieron eso y le dieron espacio para equivocarse”.

La mirada de sus compañeros de elenco

Lance Barber, quien dio vida a George Sr., el padre de Sheldon, coincidió en que Armitage estaba listo para cerrar esa etapa. “Iain también estaba listo para pasar a otra cosa, artística y tal vez personalmente, con cuestiones que se fueron acumulando un poco hacia el final de la temporada”, señaló Barber en el libro. El actor agregó que “mucha gente sintió que había ciertos elementos del show de los que estaban listos para alejarse”.

Otros miembros del elenco, como Annie Potts, intérprete de la abuela Connie “Meemaw” Tucker, aportaron contexto sobre la posición particular de Armitage dentro de la producción. Potts señaló que todo el equipo “trabajaba para Iain” y que los personajes estaban pensados para servir a su recorrido narrativo, lo cual representaba “una carga psicológica considerable para una persona tan joven”.

Una propuesta rechazada para el ‘spin-off’

La popularidad de Young Sheldon derivó en El primer matrimonio de Georgie y Mandy, un ‘spin-off’ centrado en otros personajes de la familia que se estrenó en 2024. Según relató Lee Armitage, madre del actor, la producción le ofreció a Iain aparecer en un episodio especial de Acción de Gracias, pero él decidió declinar la propuesta.

“Fueron amables y generosos al respecto. Cuanto más lo pienso, tal vez podríamos haber llegado a un ‘sí’, pero él y su agente pensaron que era importante hacer otros papeles primero”, explicó Lee Armitage. La madre del actor no descartó que en el futuro pueda concretarse su participación en la franquicia derivada de la serie original.

Luego de varios años vinculado a Star Wars, Mark Hamill atravesó una etapa de desmotivación profesional que lo llevó a considerar un retiro discreto.

El actor, recordado por interpretar a Luke Skywalker, encontró una nueva oportunidad laboral cuando el director Mike Flanagan lo convocó para integrar el elenco de “La caída de la Casa Usher”, la serie de Netflix inspirada en relatos de Edgar Allan Poe. “Mike llegó a mi vida en un momento realmente importante”, afirmó el actor de 75 años en una entrevista con Esquire.

Mike Flanagan lo convocó cuando evaluaba dejar la actuación

Hamill contó que la idea de dejar la actividad surgió después de terminar la última trilogía de la saga galáctica. “Cuando terminé las secuelas de Star Wars, pensé que tal vez era un buen momento para retirarme”, declaró al medio estadounidense.

El actor precisó que no tenía intención de comunicar formalmente esa decisión. “Probablemente no lo habría anunciado. Simplemente ya no tenía la misma motivación que en mis primeros años”, señaló.

La llamada de Flanagan abrió una nueva etapa profesional. El director le ofreció interpretar a Arthur Pym, el abogado y ejecutor de los intereses de la familia central de “La caída de la Casa Usher”. Hamill viajó desde Los Ángeles a Vancouver para el rodaje sin una idea definida sobre cómo afrontar el personaje.

“Estaba en el avión camino a Vancouver sin tener ni idea, absolutamente ninguna, de cómo iba a interpretar a Pym”, recordó el actor en diálogo con Esquire.

Arthur Pym marcó su entrada al universo de Flanagan

El personaje de Arthur Pym exigía una transformación física y vocal. Hamill buscó transmitir la frialdad y la falta de empatía del abogado mediante el maquillaje, el vestuario, el peinado y una voz grave.

“Quería transmitir que estaba muerto por dentro, que no tenía alma ni emociones humanas”, comentó sobre el papel. También explicó que procuró convertirlo en alguien que generara rechazo inmediato: “Quería que fuera alguien con quien, si lo conocieras, no querrías estar”.

La construcción de esa voz no formó parte de una conversación previa con Flanagan. El actor estadounidense contó que comenzó a utilizarla durante las tomas y que el realizador reaccionó de forma favorable. Según relató, el director pasó cerca del set y comentó: “Me encanta tu voz”.

La colaboración continuó después con “La vida de Chuck”, adaptación de una novela corta de Stephen King. Allí encarnó a Albie Krantz, un abuelo y contador que cuida a su nieto junto a su esposa, interpretada por Mia Sara.

De Arthur Pym a un abuelo en La vida de Chuck

Hamill definió a Albie Krantz como la contracara de Arthur Pym. Para construirlo, se tiñó el cabello y el bigote de blanco, además de usar gafas de marco metálico. Al verse caracterizado, encontró una referencia visual inesperada.

“No fue hasta que me puse esas gafas y me miré en el espejo que pensé: ‘Dios mío, soy idéntico a la versión Disney de Geppetto’”, expresó.

El actor también detalló su método para memorizar parlamentos extensos. Durante un discurso de su personaje sobre las matemáticas, recurrió a anotaciones y dibujos en los márgenes del guion. “Dibujo caricaturas en el margen, escribo juegos de palabras, cuanto peores mejor, porque así lo recuerdas”, explicó.

El vínculo con Flanagan coincidió con una etapa en la que Hamill retomó papeles alejados de la figura de Luke Skywalker. Antes de esas producciones, participó en la comedia “What We Do in the Shadows” como Jim el Vampiro y encarnó al Mayor en “La larga marcha”, otra obra basada en material de King.

Un regreso a Carrie con un personaje irreconocible

La entrevista con Esquire se publicó tras la aparición de Hamill en el sexto episodio de “Carrie”, la nueva serie desarrollada por Flanagan.

El actor interpreta a Damon Nostra, también llamado Greg McMurray, un falso médium que asegura escuchar a los muertos. Hamill buscó que el público no lo identificara de inmediato. “Recuerdo haber dicho: ‘Quiero ser lo más irreconocible posible’”, declaró.

Al principio, el intérprete incluso quiso que su nombre no apareciera en los créditos. “Pensé que sería más divertido intentar engañar al público”, indicó. Sin embargo, el episodio terminó con su identificación como estrella invitada.

La participación en Carrie también cerró una conexión que se remontaba a 1976. Hamill recordó que realizó una audición conjunta para los proyectos de George Lucas y Brian De Palma, quien preparaba la primera adaptación cinematográfica de la novela de Stephen King.

Casi medio siglo después, el actor volvió a ese universo desde un papel secundario, bajo la dirección del cineasta que lo apartó de la idea del retiro.

El desenlace de esta nueva entrega, basada en las novelas de Mick Herron, dejó a River Cartwright (Jack Lowden) desplomado en el suelo de la cocina de su abuelo, aparentemente envenenado con Novichok. La escena reavivó las especulaciones sobre el futuro del actor fuera de la serie.

El episodio, titulado Judgement Day, se emitió el 21 de octubre y cerró un tramo marcado por enfrentamientos con agentes rusos y la reaparición del padre mercenario de River. River llega hasta la vivienda de su difunto abuelo tras recibir un mensaje de Catherine Standish (Saskia Reeves), quien le transmite que una vecina avisó que había una luz encendida en la casa.

El dato encierra un significado íntimo: en un episodio anterior, River le había contado a Sid Baker (Olivia Cooke) que su abuelo solía dejar una luz prendida para avisarle que estaba en casa. Sid toma la frase al pie de la letra y lo espera dentro, dándose un baño.

River entra, pone a calentar agua, descorcha una botella de vino y enciende una vela. Antes de eso, mueve una palanca de hierro que había quedado sobre la mesada y nota un residuo extraño en la mano, que se limpia de forma instintiva. Segundos después cae de rodillas, sin poder respirar, y se desploma mientras intenta marcar un número en su teléfono. La cámara se aleja con un último plano de su pie convulsionando.

El origen del veneno y la explicación de la guionista

¿Qué pasó realmente con River Cartwright en el final de Slow Horses? Según explicó la guionista Gaby Chiappe, el agente ruso Jim (Kyle Soller) impregnó la palanca con Novichok en el episodio dos de la temporada, previendo que River o Sid la tocarían en algún momento. La escena se filmó de forma deliberadamente ambigua para que el espectador reconstruyera la pista por sí mismo, igual que ocurre en la novela de Herron en la que se inspira el desenlace.

“Hubo mucho debate sobre eso. ¿Sabrá la gente qué es y qué está pasando?”, señaló Chiappe en declaraciones recogidas por Gold Derby. La guionista remarcó que la idea era que “algo pasara en el rincón de tu ojo, pero que no supieras bien qué era”, y que el responsable del veneno “ya está muerto” para cuando se revela la trampa.

En la novela original, el objeto contaminado no es una palanca sino el picaporte de la puerta, y es Sid quien descubre el cuerpo de River a la mañana siguiente, todavía con vida aunque en mal estado. La serie trasladó el contacto con el veneno al propio River en tiempo real, dentro de la cocina, y dejó la escena cortada antes de confirmar si sobrevive.

Las pistas sobre el destino de Jack Lowden

Chiappe no confirmó de manera explícita la muerte del personaje, pero el adelanto de la séptima temporada, difundido el mismo día del estreno del final, no muestra a River en ningún tramo. Jackson Lamb (Oldman), al ser consultado por Standish sobre noticias de River, responde con sarcasmo: recibió una postal que dice que “el clima está lindo en el más allá” y que “la puesta de sol es para morirse”.

La ambigüedad alimentó las especulaciones sobre si Lowden dejará la serie para asumir otro papel. El actor escocés, de 36 años, figura entre los favoritos para interpretar a James Bond en la próxima película dirigida por Denis Villeneuve, junto a Callum Turner, Jack Barton y Jacob Elordi. El propio Oldman declaró en septiembre que los productores ya habrían elegido al sucesor de Daniel Craig y que sus “dedos están cruzados” para que sea Lowden.

En la saga literaria, River sobrevive al envenenamiento: desaparece por completo del octavo libro, Bad Actors, y regresa recién en el noveno, Clown Town, en situación de licencia médica extendida. No está confirmado si la adaptación televisiva seguirá ese camino o se apartará de la fuente original.

Apple TV ya confirmó una octava temporada, que se basará en Clown Town, la novena novela de la serie “Slough House” de Mick Herron. La séptima temporada, ya filmada, tiene estreno previsto para septiembre de 2027.

Tras estrenar este mismo fin de semana Clayface, un nuevo villano de Batman asoma por la puerta. HBO y DC Studios desarrollan una serie dedicada a Poison Ivy, una de las villanas más reconocidas del universo de Batman. El proyecto está a cargo de Lauren LeFranc, creadora y showrunner de El Pingüino, según confirmó The Hollywood Reporter. La noticia fue reportada primero por Deadline, mientras que LeFranc se encuentra en conversaciones para producir la serie, que todavía está en etapas tempranas, sin mayores detalles confirmados sobre reparto ni guionistas.

Una serie sobre Poison Ivy está en marcha en HBO bajo la producción de Lauren LeFranc, showrunner de El Pingüino. El proyecto no formará parte del universo cinematográfico de Batman dirigido por Matt Reeves, según se informó, aunque aún no se confirmaron detalles de reparto, guion ni fecha de estreno. El dato más relevante del anuncio es que la serie quedará fuera del universo construido por Reeves para sus películas de Batman. Esto la distingue de El Pingüino, que sí formaba parte de esa continuidad.

El origen de una villana

Poison Ivy fue creada por el dibujante Carmine Infantino y los guionistas Robert Kanigher y Sheldon Moldoff. El personaje debutó en el cómic Batman #181, publicado en junio de 1966, y se convirtió en una de las integrantes permanentes de la galería de villanos del superhéroe. En su versión original de la Edad de Plata, la villana era presentada como Lillian Rose, una botánica seducida por un hombre llamado Marc LeGrand para participar en el robo de un artefacto egipcio que contenía hierbas antiguas. Al temer que ella lo delatara, LeGrand intentó envenenarla con esas mismas hierbas. Rose sobrevivió y descubrió que había adquirido inmunidad a todas las toxinas y enfermedades naturales.

Tras el evento editorial Crisis on Infinite Earths, que reformuló la continuidad de DC Comics, el origen del personaje fue reescrito en 1988 por el guionista Neil Gaiman en el cómic Secret Origins #36. Desde esa versión, la villana pasó a llamarse Pamela Isley, una botánica de Gotham con una infancia marcada por padres emocionalmente distantes. Según esa historia, Isley estudió bioquímica botánica avanzada bajo la tutela del profesor Jason Woodrue, quien la sedujo y luego la inyectó con venenos y toxinas como parte de un experimento. Esa exposición provocó su transformación física y mental, y le otorgó la capacidad de controlar toda forma de vida vegetal además de un beso capaz de matar mediante un tóxico letal en sus labios.

Las otras Poison Ivy

El personaje desarrolló con los años una obsesión particular hacia Batman, descrita en los cómics como la de la única persona que ella no podía controlar debido a su fuerza de voluntad. Esa dinámica se convirtió en un elemento recurrente de sus apariciones durante décadas. Su versión más recordada en imagen real fue interpretada por Uma Thurman en la película Batman & Robin, estrenada en 1997.

Poison Ivy también tuvo presencia constante en producciones animadas: Batman: The Animated Series, Batman: The Brave and the Bold y Harley Quinn, serie en la que suele aparecer vinculada románticamente con el personaje que le da título. Esa relación entre ambas villanas, insinuada por primera vez en el episodio Harley and Ivy de la serie animada de los años 90, se consolidó más tarde en los cómics como un vínculo romántico de larga duración. Además, el personaje protagonizó apariciones en las series live-action Gotham y Batwoman. Hasta ahora, la villana nunca había encabezado una serie propia, algo que este desarrollo en HBO buscaría cambiar por primera vez.

LeFranc se dio a conocer en el universo de Batman como creadora de El Pingüino, serie que se transformó en un éxito de audiencia y crítica tras su estreno en 2024. Esa producción sí pertenecía de forma directa al universo cinematográfico de Reeves. Contó con Colin Farrell retomando su papel con prótesis del filme The Batman, mientras que el propio Reeves se desempeñó como productor ejecutivo. El Pingüino obtuvo nueve premios Emmy en 2025. Antes de este proyecto, LeFranc había trabajado como guionista y productora en Agents of S.H.I.E.L.D., serie de Marvel transmitida por ABC.

El anuncio sobre Poison Ivy se da un día antes del estreno de Clayface, película centrada en otro villano del hombre murciélago y dirigida por James Watkins. Dentro del calendario de producciones vinculadas a Batman, también se prevé el estreno de The Batman Parte II, dirigida por Reeves, programado para el 18 de febrero de 2028. En paralelo, se informó que HBO no renovó El Pingüino para una segunda temporada, pese al reconocimiento que obtuvo la serie el año anterior.

Paramount+ presentó las primeras imágenes oficiales de la quinta y última temporada de Mayor of Kingstown, el drama criminal creado por Taylor Sheridan y protagonizado por Jeremy Renner. El desenlace comenzará el 15 de enero de 2027 en la plataforma.

Una historia marcada por las cárceles de Kingstown

Estrenada el 14 de noviembre de 2021, la serie sigue a Michael Mike McLusky, interpretado por Renner, dentro de una ciudad ficticia cuya principal actividad económica es el encarcelamiento. La familia McLusky lleva años actuando como intermediaria entre autoridades, policías, delincuentes y las distintas facciones que compiten por el control local.

Al comienzo de la historia, Mike trabaja como mano derecha de su hermano Mitch McLusky, el alcalde y principal agente de poder de Kingstown. La muerte de Mitch obliga al protagonista a ocupar su lugar y asumir una función que lo deja expuesto a los conflictos de la ciudad, aunque sus métodos suelen cruzar los límites legales.

Durante cuatro temporadas, la trama avanzó mediante alianzas frágiles, venganzas y disputas vinculadas con el sistema penitenciario. Ese recorrido terminará en la quinta entrega, pese a que el proyecto había sido concebido inicialmente para durar siete temporadas.

Las imágenes difundidas por Paramount+ funcionan como el primer material oficial de los nuevos episodios. El servicio todavía no publicó un avance completo ni precisó cuántos capítulos tendrá esta última tanda.

El FBI amenaza con descubrir los secretos de Mike

La temporada final comenzará después del asesinato de Tracy y de la represalia emprendida por Mike y Kyle McLusky contra Callahan. Las consecuencias de esa venganza serán el punto de partida del nuevo conflicto, que trasladará la presión directamente hacia los hermanos.

El principal obstáculo será Russell Hardy, un agente del FBI interpretado por David Morse. Hardy llegará a Kingstown para investigar la desaparición de Callahan, considerado un fugitivo, y seguirá una pista capaz de exponer los delitos, secretos y acuerdos que Mike acumuló mientras intentaba preservar el equilibrio de poder en la ciudad.

La investigación deja al protagonista en una posición delicada. Mike deberá enfrentar a un funcionario comprometido con la ley mientras protege a su familia y evita que sus acciones anteriores salgan a la luz. La serie retomará así las consecuencias directas de la cuarta temporada, sin introducir un salto separado de los acontecimientos recientes.

Renner volverá a encabezar el reparto junto con Taylor Handley, quien interpreta a Kyle, y Morse como el nuevo investigador federal. La temporada también contará con Edie Falco, Laura Benanti, Tobi Bamtefa, Hugh Dillon, Derek Webster, Lennie James y Nichole Galicia.

Dillon, además de formar parte del elenco, desarrolló la serie junto con Sheridan. Ambos habían trabajado dentro de la producción de Yellowstone, el drama protagonizado por Kevin Costner.

La fecha de Paramount+

Los reportes sobre la producción indican que Mayor of Kingstown había sido planeada para siete temporadas. La recepción menos entusiasta de la cuarta entrega y los cambios empresariales relacionados con la fusión entre Paramount y Skydance Media habrían acelerado la decisión de cerrar la historia en su quinta tanda.

La reducción del plan original no dejará la serie inconclusa: los nuevos capítulos fueron preparados como un cierre definitivo para Mike McLusky y los conflictos que rodean a su familia. Hasta que SkyShowtime actualice su calendario, el único estreno confirmado para la temporada final sigue siendo el 15 de enero de 2027 en Paramount+.

Esta novela, la primera de la escritora y ya con decenas de millones de copias vendidas desde su publicación, es considerada una de las mejores de la autora. En ella, Allende narra la historia de cuatro generaciones de la familia Trueba en un país latinoamericano cuyo nombre no se menciona. A través de la mística Clara y el patriarca Esteban, la trama entrelaza amores prohibidos, secretos familiares, dones sobrenaturales y luchas de clases, culminando en las trágicas convulsiones políticas y la dictadura militar que transforman sus vidas.

La fama de La casa de los espíritus es tal que no es de extrañar que, en 2024, Prime Video no se lo pensara dos veces al iniciar la producción de una serie que adaptara esta obra. La producción llegaría a la plataforma dos años después bajo la dirección de Francisca Alegría y Andrés Wood y protagonizada por Alfonso Herrera, Dolores Fonzi, Nicole Wallace y Fernanda Castillo. Fue todo un éxito: una de las más vistas durante semanas y la crítica la alabó como un más que meritorio acercamiento a la obra de la escritora. “La mejor adaptaciós que probablemente tendremos”, sentenciaban en la revista estadounidense Collider.

Un espacio más amplio para toda una saga familiar

La serie de Prime Video no es la única adaptación del clásico de Isabel Allende. En 1993, se estrenó una adaptación en forma de película con Jeremy Irons, Winona Ryder, Glenn Close, Meryl Streep y Antonio Banderas en el reparto. A pesar de este espectacular elenco, la cinta no logró triunfar. Por eso, fue una gran noticia que la nueva producción sí lograra transmitir el carácter conmovedor de la novela, a través de una estructura marcada por los documentos que Alba (la nieta de la familia) va encontrando en la casa familiar.

La estructura permite que los recuerdos de Clara dialoguen con el presente de Alba. La nieta ocupa un lugar cada vez más visible a medida que la trama avanza y las tensiones privadas se cruzan con el deterioro político del país. Una decisión más que acertada si tenemos en cuenta que el nuevo libro que prepara Isabel Allende, La hora antes del Alba, también se centrará en este personaje. En cualquier caso, estos saltos temporales nos permiten asistir a las diferentes etapas de una misma herencia familiar y también a los cambios en la posición de las mujeres, las desigualdades sociales y la persistencia de formas de violencia contra ellas.

De este modo, la serie ofrece más espacio para seguir la evolución de los personajes y las relaciones entre generaciones. Los ocho episodios, de casi una hora cada uno, permiten detenerse en tramas que una película debía condensar. Además, esta versión de La casa de los espíritus se rodó íntegramente en español, una decisión que respeta el idioma original de la obra y que no se tomó cuando se elaboró la película.

Una alianza rota por los conflictos del pasado

Los nuevos episodios comenzarán con Sophie y Margo completamente distanciadas. La separación cambia la dinámica central de la historia después de los acontecimientos de la primera entrega, pero una serie de amenazas las obligará a acercarse otra vez.

Según la sinopsis oficial, los rencores del pasado, la llegada de nuevos adversarios y la presión de la llamada justicia texana llevarán a las protagonistas a reconstruir su alianza. El reencuentro ocurrirá en medio de juegos mortales donde los papeles de depredador y presa dejarán de estar claramente definidos.

El adelanto plantea así una relación atravesada por la desconfianza: Sophie y Margo necesitan colaborar para enfrentar los nuevos peligros, aunque comienzan la temporada en posiciones opuestas. Netflix todavía no detalló cuántos episodios tendrá la entrega ni reveló información sobre los personajes que interpretarán las incorporaciones del reparto.

El reparto que regresa y las nuevas incorporaciones

Además de Snow y Åkerman, la segunda temporada contará nuevamente con Dermot Mulroney, Jaime Ray Newman, Evan Jonigkeit, George Ferrier, Karen Rodriguez y Hunter Emery. El anuncio confirma la continuidad del elenco principal alrededor del conflicto entre Sophie y Margo.

La lista de incorporaciones incluye a John Stamos, Dale Dickey, Cam Gigandet, Kim Matula y Alex FitzAlan. Sus papeles todavía no fueron identificados, por lo que tampoco está confirmado cuáles de estos personajes estarán vinculados con los nuevos adversarios anticipados por la sinopsis.

Otra participación anunciada es la de Angel Reese, jugadora profesional de básquetbol. Su presencia amplía el reparto más allá de los intérpretes habituales de cine y televisión, aunque Netflix no precisó si aparecerá como un personaje de la historia o como ella misma.

La temporada 3 ya está confirmada

Junto con la publicación del primer adelanto, Netflix confirmó que The Hunting Wives continuará con una tercera temporada. La renovación fue comunicada antes del estreno de la segunda entrega, por lo que la historia tendrá continuidad después de los capítulos que llegarán en noviembre.

El anuncio no incluyó una fecha de producción o estreno para esa tercera temporada. Tampoco se informó qué integrantes del elenco regresarán, una definición que probablemente dependerá de lo que ocurra durante el nuevo conflicto entre Sophie, Margo y sus adversarios.

Por ahora, la próxima cita confirmada es el 20 de noviembre, cuando la segunda temporada completa de The Hunting Wives se incorporará al catálogo de Netflix.

Disney+ y Hulu confirmaron de manera oficial el reboot de Glee, la serie musical creada por Ryan Murphy que marcó a toda una generación entre 2009 y 2015. El anuncio se realizó este miércoles 21 de octubre a través de la cuenta oficial de Instagram del programa, tras meses de rumores sobre el regreso de los integrantes del coro de la secundaria William McKinley.

La producción está a cargo de 20th Television y la serie se emitirá tanto en Hulu como en Disney+, según confirmaron ambas plataformas. Por el momento no se difundió información sobre el elenco ni sobre una fecha de estreno.

En septiembre, Murphy había revelado a Entertainment Tonight que ya tenía un guion listo junto a sus colaboradores habituales, Brad Falchuk e Ian Brennan, los mismos responsables de las dos primeras temporadas de la serie original.

“He estado en contacto con cerca de diez de los miembros del elenco original. Es muy dulce, y todos tenían muchas preguntas, pero todos estaban muy entusiasmados con la idea”, adelantó también el realizador.

Qué se sabe de los actores originales

Por separado, algunas de las estrellas originales habían manifestado su interés por un eventual retorno. Lea Michele, quien encarnó a Rachel Berry, dijo esto a E! News: “Amo Glee. Siempre amaré Glee. Amo a Ryan Murphy. Tiene un lugar muy especial en mi corazón. Seguiré a Ryan adonde vaya”.

Jane Lynch, quien dio vida a la entrenadora Sue Sylvester, también se mostró dispuesta a volver, en declaraciones a la revista People en 2024.

Pero no todas las respuestas fueron igual de entusiastas. Kevin McHale, que interpretó a Artie Abrams, un personaje en silla de ruedas, expresó algunas dudas sobre ello en 2022 en declaraciones a Insider: “No sé si Artie podría estar en esto. Sabiendo lo que sabemos ahora, no creo que deba interpretar a un personaje que está en silla de ruedas. Así que, si me dejan dejarme crecer la barba y interpretar a otro personaje, lo haré”.

Por su parte, Chris Colfer, quien interpretó a Kurt Hummel, se mostró más cauto. En una entrevista con Bustle, el actor señaló: “Todavía no sé nada y no he escuchado absolutamente nada. Ojalá lo supiera. Fue un programa muy difícil de hacer, y sería muy difícil hacerlo ahora que Naya ya no está. Pero sé que los fans de Glee probablemente vendrían por mí con tridentes y garras si dijera que no”.

Según contó a Entertainment Weekly a principios de octubre, Colfer mantiene contacto frecuente con sus excompañeros, aunque al margen del proyecto del reboot: “Hablo con alguien de Glee casi todos los días. Tenemos muchos chats de texto. Son principalmente memes graciosos y fotos de los hijos de la gente, pero tratamos de juntarnos lo más que podemos”.

La serie perdió a tres de sus protagonistas originales

El elenco de Glee atravesó tres pérdidas desde el estreno de la serie en 2009. Cory Monteith, quien interpretó a Finn Hudson, murió en 2013 por una sobredosis mientras el programa seguía en emisión. Mark Salling, intérprete de Puck, se suicidó en 2018 tras declararse culpable de posesión de pornografía infantil. Naya Rivera, que dio vida a Santana López, murió ahogada en 2020 a los 33 años tras salvar a su hijo, que había caído a un lago.

La ficción musical original, estrenada en la cadena Fox, narró durante seis temporadas la vida de un grupo de estudiantes de secundaria en Lima, Ohio, quienes eran integrantes de un coro escolar.

El programa abordó temas como la sexualidad, la raza, la discapacidad y la salud mental, y se hizo célebre por sus versiones musicales de canciones como “Don’t Stop Believin’” y “Teenage Dream”. Según datos de Variety, la música de la serie reúne en la actualidad un promedio de 4,1 millones de oyentes mensuales en Spotify.

Desde ese momento lo hemos visto nacer, morir, resucitar y ser clonado a lo largo de un periplo que ha abarcado desde la mencionada Vengadores: La era de Ultrón, Capitán América: Civil War, Vengadores: Infinity War, Vengadores: Endgame y la serie Bruja Escarlata y Visión.

Tras esta última, desapareció en el cielo tras enfrentarse a una existencia creada en un mundo irreal por su mujer, Wanda, y ahora reaparece convertido en un nuevo Visión reconstruido como un arma letal en la primera serie que protagoniza de forma independiente, VisionQuest.

Entre Frankenstein y ‘Blade Runner’

“Para mí, varias tradiciones confluyen en el personaje de Visión. Por una parte, la de Pinocho, porque quería ser un “niño de verdad”; también el mito de Frankenstein en el que reverberan las preguntas: ¿quién soy?, ¿quién me creó?, ¿para qué sirvo?, ¿cuál es mi propósito?, ¿soy bueno?, ¿soy malo? Por último, estarían los ‘replicantes’ de Blade Runner. Yo quería hacer una mezcla entre todas esas cosas”, cuenta Paul Bettany en la rueda de prensa de VisionQuest.

En efecto, el personaje se encuentra absolutamente perdido y desconectado de su humanidad, aquella que le proporcionó el amor que sintió por Wanda Maximoff (Elizabeth Olsen). Ahora, sin ella, no sabe cómo conectar con aquello que un día fue, con su identidad del pasado.

Y es que se ha convertido en una entidad virtual sin sentimientos, pero sigue intentando descifrar qué hace especial a la raza humana. Por eso, el androide acaba trabajando en un pub de Edimburgo al que acudía con Wanda, para seguir conservando aquellos recuerdos que tenía.

Sin embargo, por las noches, entra en un espacio mental, creado por él, donde conversa con otras inteligencias artificiales de Stark y se enfrenta a un Ultrón, interpretado por James Spader mediante un avatar humano, que se ha interesado por la pintura y las artes plásticas, como una forma de apreciar a los humanos.

“Terry Matalas (el creador) y yo hablamos mucho de cómo enfocar la serie. Pero se nos ocurrió que tuviera una energía masculina, pero desde un aspecto positivo, que hablara de la herencia entre abuelo, padre e hijo. Y ahí encajó todo”.

Visión no comienza la serie huyendo ni tratando de eludir a un enemigo, pero esa calma termina cuando aparece Paladín, un mercenario interpretado por Todd Stashwick. El personaje se apodera de su hijo, cuya existencia Visión desconocía y convierte la aventura en un asunto personal.

Una batalla interna que se libra en el mundo real

Para Paul Bettany, las escenas entre él y James Spader constituyen la columna vertebral de la serie (sus conversaciones son casi de estirpe filosófica), pero también están ocurriendo muchas más cosas en su cabeza. “Hay un mundo que está ocurriendo dentro de la cabeza de Visión, que plasmamos de una manera muy física. Visión mantiene una especie de batalla interna, en la que lo vemos luchar por comprenderse a sí mismo y aceptarse a sí mismo. Y luego hay una búsqueda en el mundo real, donde va a salvar a su hijo”, prosigue Bettany.

El actor vincula el personaje a su infancia, cuando sufrió bullying. “Yo sufrí acoso escolar. Me sentía extraño, no sabía dónde iba a encajar. Y Visión es un poco como ese niño que fui, en busca de su identidad”.

En ese sentido, el intérprete recuerda una de las frases que constituían el núcleo de Bruja Escarlata y Visión y que en VisionQuest también adquiere una importancia fundamental: ¿Qué es el dolor, sino el amor que persevera? “Supongo que esto también se relaciona con preguntas anteriores sobre la humanidad de este robot. Es una frase realmente hermosa, la sacas de contexto y la pones en cualquier lugar, y te sirve”.

En cuanto a la relación que mantiene VisionQuest con la inteligencia artificial, Paul Bettany se muestra prudente, pero sí que hay una cosa que se atreve a puntualizar: “He estado pensando en cuán eficiente es la IA y cuán ineficientes son los seres humanos. Y hay tantas cosas maravillosas de los seres humanos que provienen de su ineficiencia... y sin embargo, son hermosas y extraordinarias. Así que creo que todos deberíamos celebrar nuestra ineficiencia”.

Su experiencia trabajando con Marvel no puede haber sido más satisfactoria. En VisionQuest ejerce además como productor de la serie. “Muchos piensan en Marvel como una máquina infernal que produce contenido sin parar a costa de sus empleados, y mi trabajo con ellos ha sido desde el principio estupendo y de lo más colaborativo, se han interesado por mis ideas, me han dejado participar en los guiones, he tenido capacidad de decisión. Ha sido estupendo”.

La ficción creada por Jesse McKeown une el duelo de una familia, una amenaza en el océano y la disputa por el traslado de un pueblo pesquero para asegurar su supervivencia.

Bajo la superficie sigue a Calvin Penney (interpretado por Josh Hartnett), un pescador viudo que se resiste a abandonar el pueblo de Snook’s Arm, pese al agotamiento de la actividad pesquera y a la reducción de habitantes. La llegada de una criatura marina altera la vida local y reabre una tragedia que marcó a Calvin desde la infancia.

De qué va ‘Bajo la superficie’

La historia comienza en 1986, cuando Calvin tiene nueve años y viaja con su familia desde Little Pot Rock hasta Snook’s Arm. La embarcación remolca la casa familiar, una imagen basada en prácticas de ‘reasentamiento’ que existieron en Terranova.

Durante ese traslado, Calvin debe soltar el remolque de la vivienda. Su padre muere ahogado y el niño queda ligado a un hecho que determina su relación con el mar, con su familia y con el lugar donde vive.

Cuarenta años después, Calvin continúa en Snook’s Arm. La localidad perdió buena parte de su sustento pesquero y afronta dificultades para mantener sus servicios y su población.

Hartnett interpreta a un hombre que carga con la muerte de su padre y rechaza la idea de dejar atrás el pueblo. El personaje permite que la serie aborde el duelo y la fragilidad de los sitios que sostienen una identidad colectiva.

Calvin vive con Wade, uno de sus hijos. Ambos recogen hielo para una destilería local de vodka y alquilan habitaciones de la vivienda a través de Airbnb, una fuente de ingresos que refleja la falta de alternativas en la isla.

Icebergs, restos humanos y un animal misterioso

La trama toma impulso cuando una carga de hielo es rechazada por su olor y por una textura aceitosa. Calvin intenta comprender el origen de esa alteración y acude a Fonda Howander (Mackenzie Davis), zoóloga marina a cargo del centro científico de la zona.

El personaje estudia los indicios que aparecen en el agua mientras buena parte de los habitantes desestima las advertencias de Calvin sobre lo que puede estar ocurriendo frente a la costa.

La amenaza crece tras un accidente grave sufrido por Wade, quien se automedica el trastorno por déficit de atención e hiperactividad con alcohol y setas. A partir de ese momento, algunos vecinos comienzan a comportarse de forma extraña.

El punto de inflexión se situará con la llegada de un enorme iceberg. Calvin sospecha que los acontecimientos actuales guardan una relación con la muerte de su padre y con el viaje marítimo de 1986.

Habrá otros hechos que alimenten la investigación: un barco pesquero portugués que desaparece sin dejar rastro, se registrarán nuevas desapariciones y restos humanos alcanzarán la costa.

La serie reserva buena parte de la presencia de la criatura para imágenes oscuras de apéndices y cavidades. Ese recurso sostiene la incertidumbre sobre la naturaleza del animal que Fonda intenta identificar.

La ubicación fundamental en Terranova

La amenaza bajo el agua coincide con una consulta que puede decidir el futuro de Snook’s Arm. La población debe votar si acepta ayudas públicas para trasladarse a una zona menos remota.

La decisión divide a los habitantes. Para algunos, irse supone perder el territorio que sostiene su historia familiar. Para otros, quedarse implica afrontar la escasez de recursos, el aislamiento y el declive de la pesca.

Calvin, su hermana Ruth Penney, autoridad portuaria del pueblo, y sus hijos pueden inclinar el resultado. El conflicto por la reubicación ocupa el centro humano de la historia, junto con la amenaza que llega desde el mar.

La ficción incorpora referencias a los programas de ‘reasentamiento’ de Terranova, impulsados en distintas etapas por cambios demográficos e industriales. La serie traslada ese antecedente a un pueblo afectado por alteraciones vinculadas al clima.

La reunión anual Come Home Year profundiza esas tensiones. Durante una semana, Mary y Jay, los otros dos hijos de Calvin, regresan a la isla y se reencuentran con una familia atravesada por pérdidas, desacuerdos y decisiones pendientes.

Además de Hartnett y Davis, el elenco incluye a Charlie Heaton como Wade, Ruby Stokes como Mary y Rohan Campbell como Jay. Willow Kean interpreta a Ruth, mientras David Wenham encarna a Steve y Natasha Henstridge a Janet.

La familia Penney concentra buena parte de las disputas de la serie. La relación entre Calvin y sus hijos se cruza con la discusión sobre el futuro de Snook’s Arm, mientras cada uno enfrenta de una forma distinta la posibilidad de abandonar el pueblo.

Jesse McKeown utiliza ese núcleo familiar para tratar la codicia y la resistencia al cambio. El cuarto episodio, The Ocean Will Have Us All, concentra la presencia de la criatura y expone hasta dónde están dispuestos a llegar algunos personajes para obtener beneficio propio.

La producción se rodó en Terranova y sus alrededores, dando valor al uso de paisajes locales, así como las referencias al ‘reasentamiento’, combinados con efectos digitales para representar el iceberg y los rastros del animal.

La serie ha sido comparada por algunos aspectos con Tiburón de Steven Spielberg, pero sobre todo con los relatos de Stephen King que se desarrollan en pequeñas comunidades asediadas por misterios inexplicables. También podría emparentarse a la reciente La maldición de Widow’s Bay, así como a la literatura de Lovecraft sobre entidades tentaculares.

La quinta temporada de True Detective reunirá a Nicolas Cage y Antonio Banderas como los investigadores principales de un nuevo caso ambientado en Jamaica Bay, Nueva York. La producción comenzará a principios de 2027 bajo la supervisión de Issa López, responsable creativa de la cuarta entrega, aunque HBO todavía no anunció una fecha de estreno.

Un caso en Jamaica Bay

La próxima historia estará situada en un gran estuario conectado con la bahía de Nueva York, en la costa este de Estados Unidos. Su combinación de humedales, zonas pantanosas y sectores urbanos o suburbanos marcará un cambio frente al paisaje helado de la temporada anterior.

Cage interpretará al detective Henry Logan, mientras que Banderas será su compañero, Rai García. Los primeros detalles indican que ambos deberán trabajar juntos para resolver un caso que supera sus capacidades individuales. Todavía no se conocen la naturaleza del crimen, las posibles víctimas ni el resto de los personajes involucrados.

La elección de Jamaica Bay mantiene varios elementos asociados con la serie: una ubicación con identidad propia, espacios aislados a pesar de su cercanía con una gran ciudad y un caso capaz de incorporar componentes de misterio. El entorno también permitirá alejar la nueva temporada de Ennis, la localidad ficticia de Alaska donde transcurrió la cuarta entrega.

True Detective funciona como una antología, un formato en el que cada temporada presenta una historia y un reparto diferentes. Esa estructura permite que Logan y García encabecen un caso independiente, aunque esta vez habrá vínculos más directos con acontecimientos anteriores.

Las conexiones con Noche polar

López adelantó que existen conexiones importantes entre el caso de Jamaica Bay y lo ocurrido en Alaska durante True Detective: Noche polar. La showrunner no explicó cuáles serán esos nexos ni confirmó si regresará algún personaje de la cuarta temporada.

Noche polar estuvo protagonizada por Jodie Foster y Kali Reis, quienes interpretaron a las investigadoras encargadas de esclarecer la desaparición de ocho hombres en una estación científica. El caso incorporó hechos cercanos a lo paranormal y referencias a elementos previos de la serie.

La intención de López es mantener la sensación de que las distintas historias comparten una realidad más amplia y oscura, incluso cuando cambian los investigadores y las ubicaciones. Eso abre la posibilidad de recuperar símbolos, organizaciones o consecuencias del caso de Alaska, pero HBO todavía no detalló qué elementos aparecerán en los nuevos episodios.

La serie fue creada originalmente por Nic Pizzolatto, quien estuvo al frente de sus primeras tres temporadas. López tomó el control creativo en la cuarta y repetirá como guionista y productora ejecutiva en la quinta.

Rodaje y posible fecha de estreno

El rodaje comenzará a principios de 2027, después de cerca de dos años de escritura y preproducción. Junto con López trabajará Daniel Zelman como guionista y productor ejecutivo. Zelman es cocreador de Damages y Bloodline, dos dramas televisivos desarrollados junto con Todd Kessler y Glenn Kessler.

HBO había contemplado inicialmente estrenar la quinta temporada durante 2027, pero el calendario de producción vuelve difícil cumplir con esa previsión. La cuarta entrega se filmó entre noviembre de 2022 y marzo de 2023 y llegó a la pantalla en enero de 2024, unos diez meses después de terminar su rodaje.

Enero también ha sido el mes elegido para estrenar tres de las cuatro temporadas de True Detective. Si la nueva producción sigue tiempos similares, enero de 2028 aparece como una estimación posible, aunque no se trata de una ventana confirmada por HBO. Por ahora, el único dato oficial sobre el calendario es que la filmación tendrá lugar en 2027.

“Descubro constantemente cosas nuevas sobre ella en cada guion”, dijo Wilson, de 57 años, en una entrevista con People. La intérprete explicó que su punto de partida es el material escrito y que prefiere descubrir el rumbo de Bailey a medida que recibe nuevas escenas, en lugar de imaginar de antemano qué debería ocurrirle.

Desde los primeros episodios, la cirujana atravesó cambios dentro y fuera del hospital. Su vínculo con Ben Warren, personaje encarnado por Jason George, los problemas de salud y las responsabilidades que asumió en el Grey Sloan Memorial modificaron su recorrido. En la temporada 23, además, aparece la posibilidad de que vuelva a estudiar.

Bailey evalúa una maestría para participar en las decisiones de salud pública

Los nuevos episodios, estrenados el 15 de octubre, retoman una idea que Bailey expresó en el cierre de la temporada 22: cursar una maestría en salud pública. La inquietud apareció después del derrumbe de un puente que, en la ficción, se relacionó en parte con los recortes de fondos estatales. A partir de esa experiencia, la médica busca tener “un asiento en la mesa” donde se definen las políticas que afectan al sistema de salud.

Wilson destacó ese aspecto de la historia porque presenta la educación como una posibilidad abierta en cualquier momento de la vida. “Me encanta esa parte porque nunca es demasiado tarde”, afirmó a People. Para la actriz, Bailey muestra que una persona puede retomar la formación, ampliar sus conocimientos o elegir un camino profesional diferente.

La intérprete cree que esa situación puede resultar cercana para quienes están pensando en su futuro. “Si puedo transmitirle a alguien, a través de Bailey, ‘esperá un momento, ¿por qué no vuelvo a estudiar?’, que tome esa idea y siga adelante”, expresó. Según Wilson, los personajes de la serie tienen llegada al público y, en ocasiones, pueden motivar decisiones personales.

Todavía no se informó si Bailey decidirá empezar la maestría. Sin embargo, la actriz manifestó que le interesa acompañar ese posible cambio, ya que permitiría mostrar a la cirujana en un ámbito distinto, vinculado con la salud pública y no solo con la atención diaria de los pacientes.

Los cambios en los guiones renuevan el recorrido de Miranda Bailey

A lo largo de la serie, pasó de ser una cirujana exigente, encargada de formar a los residentes, a ocupar puestos de mayor responsabilidad. Al mismo tiempo, las dificultades familiares, los conflictos laborales y las decisiones médicas complejas fueron definiendo su historia.

La actriz sostuvo que esas transformaciones impiden que el trabajo se vuelva repetitivo. “Puede aparecer un integrante nuevo de la familia, del que no sabía nada, o una dirección profesional diferente”, explicó. Cada novedad le plantea una pregunta concreta: cómo reaccionará Bailey ante una situación que nunca había vivido.

“Los guionistas siempre proponen algo que hay que tener en cuenta”, señaló. Wilson explicó que busca comprender qué aporta cada escena al personaje y construir una respuesta coherente con ese cambio, sin anticiparse a las decisiones creativas de la producción.

El paso de los años también modificó el elenco y las historias de la ficción. Aun así, Bailey continúa como uno de los personajes que unen los comienzos de la serie con su presente. Mientras tanto, nuevas generaciones de médicos llegan al Grey Sloan Memorial y encuentran en ella una figura de referencia.

La nueva temporada combinará cambios personales y casos médicos

Además de la decisión académica de Bailey, la temporada 23 incorporará cambios en las relaciones entre los personajes y nuevas emergencias médicas. Wilson adelantó que la serie conservará los elementos que el público reconoce, aunque las relaciones dentro del hospital tendrán situaciones diferentes.

“Van a encontrar las cosas a las que están acostumbrados, junto con novedades en las relaciones entre nuestros personajes”, declaró la actriz. De todos modos, aclaró que los casos médicos seguirán siendo el centro de los episodios.

“Tenemos casos médicos realmente fuera de lo común esta temporada”, anticipó. Esas historias incluirán urgencias, decisiones de los profesionales y consecuencias para quienes trabajan en el hospital.

Netflix ha encargado dos temporadas de The Apology, un drama de la productora A24 que supondrá el primer papel protagonista de Gwyneth Paltrow en una serie de televisión. La actriz interpretará a una madre cuyo hijo fue asesinado 18 años antes y que decide actuar junto a su marido cuando la confesión de un desconocido amenaza con acabar en una condena reducida.

La plataforma ha adquirido preventivamente The Apology, una serie creada por Joe Murtagh y dirigida por Thomas Vinterberg, con Paltrow como Evelyn Amspoker y un encargo directo de dos temporadas. Según ha adelantado Deadline, Netflix se impuso en una competición por el proyecto y declinó hacer comentarios sobre la operación.

La trama giraría en torno a Evelyn y Caleb Amspoker, que llevarían casi dos décadas marcados por un asesinato sin resolver que conmocionó al país. La aparición de un hombre que confiesa el crimen parece abrir la vía para obtener justicia, hasta que la pareja descubre que el autor podría recibir una pena menor.

Ante esa posibilidad, ambos deciden tomarse la justicia por su cuenta. La serie parte de ese conflicto para construir un thriller dramático sobre los límites de la reparación tras un crimen y las consecuencias de una condena que las víctimas consideran insuficiente.

Qué se sabe sobre ‘The Apology’

Joe Murtagh ejercerá como creador, guionista y showrunner de la ficción. El británico creó en 2023 La mujer en la pared y también figura como productor ejecutivo junto a Joe Hipps, Vinterberg y Paltrow.

Thomas Vinterberg, ganador del Oscar por Otra ronda, dirigirá la serie. El cineasta danés ya trabaja en Kennedys, una próxima producción de Netflix sobre la dinastía política estadounidense, de la que dirigirá el primer y el último episodio.

A24 producirá The Apology con Cut To, la compañía de Hipps integrada en el estudio. Desde su lanzamiento hace dos años, Cut To ha conseguido cuatro encargos directos a serie para A24, entre ellos Discretion, con Nicole Kidman y Elle Fanning para Paramount+, y Trigger Point, encabezada por Joel Edgerton para Netflix.

La empresa también ha vendido a Netflix un thriller de espionaje protagonizado por Millie Bobby Brown y David Harbour, creado por Jack Thorne, ‘cocreador’ de Adolescencia. Las cuatro operaciones se cerraron tras procesos competitivos, y la plataforma ha ganado tres de esos proyectos en el último año.

Paltrow no había encabezado hasta ahora una ficción televisiva, pese a su extensa carrera cinematográfica. La actriz obtuvo el Oscar por Shakespeare in Love y participó en títulos como Emma, Dos vidas en un instante, El talento de Mr. Ripley, la franquicia Iron Man y, más recientemente, Marty Supreme.

En televisión, Paltrow interpretó a Holly Holiday durante cinco episodios de Glee y tuvo un papel secundario en The Politician, otra serie de Netflix creada por Ryan Murphy. Aquella producción fue su segunda experiencia como integrante regular de un reparto, tras el arco recurrente en la serie de Fox.

Un encargo tras la reordenación de Netflix

La apuesta por The Apology coincide con una reorganización ejecutiva en Netflix. La compañía ha despedido a cerca de 1.000 trabajadores, después de anunciar una reducción del 6% de su plantilla, y ha relevado a la directora de contenidos Bela Bajaria por Peter Rice.

Dan Lin, responsable de cine de la plataforma, también ha dejado la empresa. Jinny Howe, responsable de las series guionizadas de Estados Unidos y Canadá, ha mantenido su puesto y, según Deadline, comunicó la decisión sobre The Apology al codirector ejecutivo de Netflix Ted Sarandos.

Rice comenzó oficialmente en el cargo después de que Netflix aprobara el encargo y no habría intervenido en la decisión, de acuerdo con fuentes citadas por el medio estadounidense. El fichaje recupera un modelo que la plataforma utilizó al irrumpir en la producción original: en 2011 encargó directamente dos temporadas de House of Cards, protagonizada por Kevin Spacey.

A24 prepara además The Spot para Hulu y el drama criminal Superfakes para Peacock. El estudio también está detrás de Crystal Lake, estrenada en Peacock, y del documental You Can See Everything, de Nathan Fielder y Lance Oppenheim, que recaudó 15 millones en su primer fin de semana.

Marvel Television anunció Zodiac, una nueva serie de espionaje y suspenso destinada a Disney+, durante la Comic-Con de Nueva York 2026. El rodaje comenzará en Londres durante el proximo otoño, su anuncio y el estreno está proyectado para 2028, aunque todavía no existe una fecha concreta ni se conocen los integrantes del reparto.

Un anuncio construido alrededor del secreto

Marvel presentó el proyecto con un logo y una descripción breve: será un thriller centrado en algunos de los secretos más profundos de sus historias. La producción se encuentra en una etapa temprana y el proceso de casting comenzará pocas semanas después de la presentación.

El productor ejecutivo Brad Winderbaum explicó que revelar los nombres del elenco implicaría adelantar información clave de la trama. Según el responsable de Marvel Television, la identidad de los actores funcionaría como un spoiler, lo que indica que Zodiac podría recuperar personajes conocidos. Winderbaum también admitió que será difícil conservar el secreto cuando comience la filmación y aparezcan las primeras imágenes desde el set.

Las pistas disponibles están en el logo. Allí aparecen dos símbolos relacionados con etapas anteriores del UCM: un elemento que recuerda al reactor de Iron Man y el halcón utilizado por SHIELD. Marvel no explicó qué significan ni confirmó que esas referencias anticipen la presencia de personajes vinculados con Tony Stark o con la agencia de inteligencia.

Otro movimiento despertó especulaciones entre los seguidores. Clark Gregg compartió el anuncio de la serie en sus redes sociales. El actor interpretó a Phil Coulson en películas como Thor, Iron Man y Los Avengers, antes de protagonizar Agentes de SHIELD. Su reacción no equivale a una confirmación y Marvel tampoco anunció negociaciones para su regreso.

Qué puede significar Zodiac

El nombre Zodiac tiene antecedentes en los cómics, pero ninguna de sus versiones permite identificar con claridad la historia elegida para la serie. En 2009 apareció un villano con ese nombre que se enfrentó a los Thunderbolts y al Caballero Luna. También existieron diferentes grupos de supervillanos llamados Zodiac, relacionados con varias formaciones de los Avengers.

Esos personajes tuvieron pocas apariciones importantes frente a otros antagonistas de Marvel. Por esa razón, Zodiac podría utilizar elementos poco conocidos de las historietas, modificar considerablemente ese material o presentar una trama creada para televisión. Marvel aún no indicó si el título alude a un villano, una organización o una operación secreta.

Una de las teorías relaciona el proyecto con Armor Wars, la serie cancelada que iba a protagonizar Don Cheadle. Esa producción estaba pensada para abordar el legado tecnológico de Tony Stark después de Avengers: Endgame. El símbolo asociado con Iron Man alimenta esa lectura, pero no existe información oficial que conecte ambos proyectos.

La otra posibilidad gira alrededor de SHIELD. Agentes de SHIELD tuvo siete temporadas en ABC y siguió durante siete años las misiones de Coulson y su equipo. El emblema incluido en el logo podría anticipar el regreso de la organización, una nueva versión de sus agentes o una historia independiente que utilice sus recursos. La publicación de Gregg sumó otro indicio, aunque por ahora todo se limita a interpretaciones del material promocional.

El calendario televisivo de Marvel

El anuncio llega mientras Marvel reduce y reorganiza parte de su producción para televisión, después de cancelar proyectos que llevaban tiempo en desarrollo. Zodiac confirma que el estudio mantendrá series de acción real dentro de su programación para Disney+, aunque con un estreno previsto a largo plazo.

Antes de 2028, la plataforma tiene otros proyectos anunciados. Entre ellos figuran la tercera y última temporada de Daredevil y VisionQuest, serie planteada como cierre de la línea narrativa iniciada por WandaVision y continuada en Agatha en todas partes. Zodiac llegará después de esas producciones si mantiene su calendario actual.

Marvel todavía debe comunicar quién escribirá y dirigirá la serie, cuántos episodios tendrá y qué personajes encabezarán la historia. Las primeras respuestas podrían surgir con la formación del reparto o cuando la filmación comience en Londres durante la próxima primavera.

Dragon Ball Super: Beerus llegó a las plataformas de streaming con una versión renovada de la historia que enfrenta a Goku con el Dios de la Destrucción. La producción de Toei Animation se estrenó en Japón el domingo 11 de octubre de 2026 a través de Fuji TV y, ese mismo día, comenzó su emisión en Crunchyroll para Latinoamérica, además de otras plataformas.

El anime no es una secuela independiente, sino una edición mejorada de Dragon Ball Super que retoma la historia vinculada con Dragon Ball Z: la batalla de los dioses, la película de 2013 que presentó por primera vez a Beerus. La nueva versión incorpora escenas inéditas, secuencias redibujadas y una reconstrucción narrativa pensada para acercarse más a la visión original de Akira Toriyama.

De qué trata Dragon Ball Super: Beerus

La historia transcurre varios años después de la derrota de Majin Buu, en un período de paz para Goku y sus amigos. Esa tranquilidad se interrumpe cuando Beerus, el Dios de la Destrucción, despierta de un largo sueño.

El personaje, conocido por su capacidad para acabar con planetas enteros, escucha rumores sobre un saiyajin que logró derrotar a Freezer y decide salir en su búsqueda. El encuentro entre Beerus y Goku desencadena un enfrentamiento de escala cósmica que pone en peligro a la Tierra.

Beerus viaja acompañado por Whis, su asistente y guía. La llegada de ambos personajes amplía el universo de la franquicia y abre una nueva etapa en la historia narrativa de Goku y sus aliados.

El avance oficial de la serie, titulado SUPER Surge, adelantó parte de la nueva presentación visual del anime junto con sus temas musicales. La canción de apertura es ONOGAMI, interpretada por MEGATERA·ZERO, mientras que el tema de cierre es Kan Peki No Peki, a cargo de VK Blanka.

En el plano técnico, Matsuto Seya está a cargo de la composición y dirección de episodios, Tadayoshi Yamamuro lidera el diseño de personajes y la dirección general de animación, y Norihito Sumitomo compuso la música de la serie.

Aplicaciones oficiales para ver la serie

Dragon Ball Super: Beerus está disponible en múltiples servicios de streaming, según el país y la región, lo que constituye el lanzamiento mundial más grande de la serie dentro de la franquicia.

Crunchyroll es la plataforma principal para la mayoría de los territorios, incluido el resto de Latinoamérica. Es la única que transmite los episodios poco después de su estreno original en Japón, con una diferencia estimada de entre 30 minutos y una hora, y ofrece la serie con subtítulos en español.

Netflix también suma el anime a su catálogo, aunque con una fecha distinta según el territorio. En Norteamérica y Latinoamérica, los episodios se incorporon a esta plataforma el 17 de octubre, una semana después del estreno original.

HBO Max agreó los nuevos capítulos a su oferta el 16 de octubre, de acuerdo con reportes sobre la disponibilidad del anime.

Disney+ confirmó la llegada de la serie el 14 de octubre para España, y se espera que esa misma fecha aplique para México y el resto de Latinoamérica, aunque la disponibilidad exacta para esta última región no fue confirmada de manera oficial.

Fechas de estreno de cada episodio

La serie está confirmada con un total de 19 capítulos, según información de Fuji TV. Aunque se trata de un lanzamiento pensado para plataformas de streaming, los episodios se estrenan de manera semanal, cada domingo, a través de Crunchyroll.

Estas son las fechas de estreno de todos los episodios:

• Episodio 1: 11 de octubre de 2026
• Episodio 2: 18 de octubre de 2026
• Episodio 3: 25 de octubre de 2026
• Episodio 4: 1 de noviembre de 2026
• Episodio 5: 8 de noviembre de 2026
• Episodio 6: 15 de noviembre de 2026
• Episodio 7: 22 de noviembre de 2026
• Episodio 8: 29 de noviembre de 2026
• Episodio 9: 6 de diciembre de 2026
• Episodio 10: 13 de diciembre de 2026
• Episodio 11: 20 de diciembre de 2026
• Episodio 12: 27 de diciembre de 2026
• Episodio 13: 3 de enero de 2027
• Episodio 14: 10 de enero de 2027
• Episodio 15: 17 de enero de 2027
• Episodio 16: 24 de enero de 2027
• Episodio 17: 31 de enero de 2027
• Episodio 18: 7 de febrero de 2027
• Episodio 19: 14 de febrero de 2027

En ella, nos adentramos en el negocio de la explotación sexual y la trata desde tres puntos de vista: el de una mujer captada para la prostitución (Valentina Vidal), el de un joven policía que se introduce en los bajos fondos todavía inexplorados de los puticlubs (Omar Ayuso) y el de un proxeneta que comenzará a cambiar las reglas del juego a través del chantaje y la corrupción (Raúl Arévalo).

“Nosotros llevábamos un tiempo pensando que el universo de la trata de mujeres no se había contado. Pero era una impresión muy imprecisa, como que sabíamos que ahí había una historia, pero no teníamos muy claro cómo enfocarla”, cuenta Eduardo Villanueva para Infobae. “Entonces leí El proxeneta, de Mabel Lozano, y me explotó la cabeza, porque estaba contado en primera persona y te desgranaba todo el funcionamiento de ese entramado criminal que es terrorífico y aterrador, pero al mismo tiempo fascinante a la hora de contarlo”.

Un mundo, el de la trata, que no se había contado

Para Isabel Peña y Eduardo Villanueva había varias razones poderosas a la hora de llevar esta historia a la pantalla. “Por un lado estaba la narrativa, adentrarnos en un universo que no se había contado. Pero, por encima de eso, estaba la política, hablar de un tema del que no se había hablado porque correspondía a una realidad muy opaca. La ficción muchas veces es un camino para dar a conocer realidades desconocidas para el espectador”.

A Isabel Peña le sorprendió la falta de pudor con la que hablaba en primera persona el narrador de El proxeneta y afirma que fue la primera parte de su proceso de documentación. “Hay muchas ramificaciones que van desde lo criminal hasta lugares que conviven de una manera legal con la sociedad, con tentáculos que se extienden a colaboradores como abogados, médicos, que sacan provecho de toda esa situación”.

Al principio iban a centrar su mirada únicamente en el punto de vista del proxeneta, pero gracias a los consejos del anterior equipo de Movistar Plus+, liderado por Domingo Corral, se dieron cuenta de que lo mejor era diversificar las perspectivas, convertir al protagonista en antagonista y ofrecer otros compañeros de viaje a través de los que el espectador pudiera acercarse a ese viaje por las entrañas de un universo tan asfixiante como turbio.

Un enfoque tan clásico como arriesgado

Los creadores de El castillo aseguran que querían hacer una serie de estilo clásico, como en su momento fue The Wire pero, sin embargo, toman decisiones que se alejan por completo de la narrativa convencional. Hay fueras de campo muy específicos, la violencia no aparece plasmada de forma morbosa y casi nunca se ve en plano, no hay voces en off, no hay flashbacks ni ‘flash fowards’, hay un cambio de punto de vista inesperado en el último capítulo y las escenas de sexo están rodadas de una manera muy concreta que nunca se habían visto así reflejadas, con esa intención en la pantalla.

“Creo que en una serie sobre la trata, que solo haya dos escenas de sexo, ya es una declaración de intenciones”, cuenta Elena Martín. “Cuando leí el guion, me di cuenta de que se ponía mucho el foco en los hombres, en el sistema, en cómo funciona, en hacerles preguntas a ellas de por qué se dedicaban a eso. Y todo eran pistas que se unieron a mi preocupación por cómo retratar el cuerpo de las mujeres”, dice la directora de Creatura.

“Para mí, dónde poner la cámara era muy importante y le di muchas vueltas. Así que decidí que no íbamos a ver el cuerpo de la protagonista, que no íbamos a exponerla y solo lo veríamos a él, al cliente. De esa forma poníamos en relieve la desconexión de su cuerpo, su falta de deseo en ese acto, el sentirse utilizada y la disociación que le provoca”.

Isabel Peña cuenta que había una intención muy precisa de no castigar al personaje de Claudia, dotarlo de dignidad, que el espectador pudiera empatizar con ella sin necesidad de mostrar golpes, violaciones, como siempre se ha hecho a la hora de contar este tipo de historias en las que se ha estigmatizado el cuerpo femenino.

“Sentíamos la responsabilidad de querer contar las cosas bien. La serie habla de personas, pero también de un sistema social que sostiene la explotación y la trata, de todo un entramado que alimenta este negocio”, añade Eduardo Villanueva.

Por eso, el último episodio termina en un juzgado, donde también se analizan los fallos del sistema judicial, que son, evidentemente, distintos hace veinte años, cuando se ubica la acción, de los de ahora. “Ahora hay una mayor información para detectar los casos de trata; en ese momento no se sabía nada sobre el asunto y los proxenetas iban zancadas por delante de la policía y la judicatura”, dice Isabel Peña.

La elección de los actores

En cuanto al reparto, a Valentina Vidal la encontraron a través de un casting multitudinario e internacional. A pesar de no tener experiencia como actriz, les cautivó durante las pruebas. Era capaz de transmitir toda la intensidad de su personaje solo con los ojos. “Nos ha tocado la lotería con ella”, dice la creadora.

Y con respecto a Raúl Arévalo, aseguran que entró en el proyecto “como un miura”. “Se comprometió con el personaje, con el tono, con todo de una forma bestial”, dice Peña. El actor tuvo que engordar porque los creadores querían que su personaje de ‘el Suizo’ fuera una persona normal y mediocre, “que te pudieras encontrar en una gasolinera comiendo un bocata de lomo”, alejado de cualquier componente atractivo o sexy.

El castillo consta de seis episodios y es una serie repleta de valentía y honestidad, que nos introduce en un mundo sórdido sin necesidad de recrearse en los elementos más desagradables, con una enorme delicadeza y responsabilidad a la hora de representar el sufrimiento de las mujeres y con un fuerte carácter político de denuncia hacia un sistema que encuentra los resquicios para seguir tratando y enriqueciéndose a costa del cuerpo femenino.

Thalía vuelve a colocar su vestido de ositos de peluche frente a los seguidores de Timbiriche a partir de su aparición en el cuarto capítulo de la serie no autorizada de ViX.

La prenda, que usó durante Siempre en Domingo en 1988, guarda una historia que la cantante contó años después.

La escena recupera una etapa de cambios dentro del grupo. Antes de la premiación de Sasha Sokol, Thalía aparece en su cuarto, rodeada de osos de peluche. Más tarde se le ve junto a los demás integrantes de Timbiriche.

El vestido se relaciona con la entrega de los 15 Grandes de Siempre en Domingo, ceremonia de 1988 en la que Thalía otorga un reconocimiento a Sasha Sokol. La imagen permanece en la memoria de quienes siguieron al grupo durante esa década: un vestido negro de terciopelo, sin tirantes, cubierto por osos amarillos, rosas, morados y azules.

La serie de ViX muestra la llegada de Thalía a Timbiriche

El cuarto capítulo de la producción no autorizada retoma el momento en que Thalía entra a Timbiriche, una decisión que modifica la integración que el público conocía desde los primeros años de la agrupación.

La cantante aparece en una escena íntima, dentro de su habitación y acompañada por varios ositos de peluche. La secuencia funciona como una referencia visual para quienes identifican el vestuario que años después usaría en televisión.

En una de las escenas, Thalía le dice a Sasha que no tiene intención de quitarle su lugar en la banda.

La frase se ubica en un periodo en el que Sasha Sokol deja Timbiriche y Thalía se incorpora a la agrupación. La producción pone atención en la relación entre ambas cantantes antes de ese relevo.

Para los seguidores de Timbiriche, el vestido de ositos no sólo remite a una aparición televisiva. También queda ligado a los primeros años de Thalía como integrante del grupo y a un momento que ahora vuelve a ser parte de la conversación.

Thalía usó el vestido durante los 15 Grandes de Siempre en Domingo

La imagen del vestido reaparece en fotografías y fragmentos de video de la ceremonia de Siempre en Domingo. Thalía sube al escenario con el diseño negro y los peluches colocados sobre el pecho, los hombros y los brazos.

El vestido contrasta con el protocolo de una ceremonia televisiva. Mientras otros artistas usaban prendas de gala, Thalía apareció con una pieza intervenida con juguetes de colores y accesorios grandes.

Las imágenes muestran que los ositos no estaban colocados sólo al frente. El diseño también incluía peluches en los costados y la parte posterior del vestido, lo que hacía que la prenda cambiara según el ángulo de las cámaras.

La cantante contó que transformó un vestido que era de su hermana Titi

Thalía explicó el origen de la prenda en una publicación de Instagram que compartió en 2015. La cantante relató que un día antes del evento buscó algo que pudiera usar para la ceremonia.

“Un día antes a este evento, busqué en mi clóset qué ponerme y sólo encontré el vestido strapless de terciopelo negro que había sido de mi hermana Titi”, escribió la artista.

La prenda negra ya estaba en su clóset, pero Thalía quería modificarla. La solución surgió a partir de una referencia de una película animada y de varios regalos que tenía listos para entregar.

“Quería darle mi estilo, y pensando en la escena en donde Cenicienta hace su primer vestido para el baile con la ayuda de los ratoncitos, decidí aventurarme”, recordó.

La cantante decidió intervenir el vestido en casa. Usó un resorte negro, hilo, aguja y los osos de peluche que había comprado para regalar. El resultado quedó listo poco antes de su aparición en televisión.

“Así que agarré un resorte grueso negro, hilo y aguja y me puse a coser toda la tarde”, relató Thalía en aquella publicación.

La historia explica por qué el vestido tiene una distribución irregular de ositos y por qué cada peluche parece colocado como un accesorio independiente. No fue una pieza diseñada para una pasarela ni un vestuario planeado con semanas de anticipación.

“Y esa es la historia detrás del famoso vestido de ositos. Respeta tus ideas, nunca sabes lo que pasará”, concluyó la cantante.

La prenda vuelve a llamar la atención con la serie de ViX, que coloca de nuevo en pantalla el periodo en que Thalía se prepara para integrarse a Timbiriche y comparte escena con Sasha Sokol.

El recorrido de Bleach dentro de la historia del manga y el anime es uno de los fenómenos más singulares de la cultura pop global. Forma parte de la venerada era de los “Tres Grandes” (Big Three) de la revista Weekly Shōnen Jump —junto con Naruto y One Piece— y marcó a toda una generación a comienzos de los años 2000 con su estética urbana, su banda sonora vanguardista y un diseño de personajes inolvidable.

Sin embargo, cuando la serie de televisión original concluyó abruptamente en 2012 sin adaptar el desenlace del manga escrito e ilustrado por Tite Kubo, millones de seguidores alrededor del globo albergaron durante más de una década la esperanza de atestiguar la conclusión animada de la historia.

Esa prolongada espera culminó con el ambicioso proyecto Bleach: Thousand-Year Blood War (La Guerra Sangrienta de los Mil Años), concebido bajo el sello de Pierrot Films para adaptar minuciosamente los volúmenes finales de la historieta (del 55 al 74).

A lo largo de sus distintas partes o bloques de emisión (cour), la producción ha deslumbrado al público general y a los fanáticos más exigentes gracias a una animación de estándar cinematográfico, secuencias de combate hiperdetalladas y la supervisión directa del propio Kubo, quien incorporó escenas inéditas y material explicativo para profundizar en la mitología de los Shinigamis, los Quincy y los Espada.

Ahora, la travesía alcanza su punto de no retorno. La confirmación del cierre de la serie representa un hito en la industria del entretenimiento japonés: dos capítulos decisivos pondrán el punto final a una saga épica que ha abordado temas como el deber, la pérdida, el destino y la coexistencia entre la vida y la muerte.

La batalla por el equilibrio: el destino de Ichigo Kurosaki y la existencia misma

El desenlace de Bleach no es una simple resolución de combate; es una colisión ideológica y cósmica que abarca las tres esferas de la existencia dentro de su universo: el Mundo Real (donde viven los humanos), la Sociedad de Almas (el reino de los espíritus) y Hueco Mundo (el territorio baldío habitado por los Hollows).

En el centro del conflicto se sitúa el temible Yhwach, el padre y rey de los Quincy. Tras absorber al Rey Espiritual —la deidad que actúa como el pivote central que evita que la realidad se desmorone—, Yhwach busca colapsar los tres mundos en una sola dimensión primordial donde la vida y la muerte se fusionen, eliminando el miedo al deceso pero destruyendo el equilibrio dinámico del cosmos.

Para frenar esta amenaza definitiva, el protagonista Ichigo Kurosaki ha tenido que enfrentarse no solo a un ejército devastador, sino también a la verdad sobre su propio origen. En esta fase final, la naturaleza híbrida de Ichigo (quien combina poderes de Shinigami, Quincy, Hollow y humano) alcanza su máxima expresión. Su Bankai renovado y su aceptación total de sus identidades internas representan la culminación de un viaje de crecimiento personal que comenzó como un simple estudiante de secundaria capaz de ver fantasmas.

Acompañado por aliados históricos como Uryū Ishida, Renji Abarai, Rukia Kuchiki y los Capitanes del Gotei 13, Ichigo se adentra en el palacio real para librar la contienda definitiva. Los dos episodios finales han sido objeto de un meticuloso proceso de edición y postproducción, pues los realizadores decidieron posponer su emisión original por unas semanas con el objetivo de dotar a la animación, la iluminación y el diseño sonoro de un nivel de excelencia técnica a la altura del desenlace de una de las sagas más influyentes del siglo XXI.

Las expectativas en torno a estos episodios son altísimas, no solo por la resolución de los enfrentamientos pendientes, sino también por el anuncio de posibles atisbos sobre el futuro de la franquicia y el desarrollo del aclamado “Arco del Infierno”, lo que posiciona a esta entrega como una cita obligatoria para la comunidad seguidora del anime en todo el mundo.

¿Cuándo, a qué hora y dónde ver los episodios finales en México?

Para la audiencia mexicana y del resto de Latinoamérica, el desenlace de Bleach: Thousand-Year Blood War estará disponible a través de plataformas oficiales con simulcast, lo que permite disfrutar de la transmisión casi simultánea con su emisión en las cadenas de televisión japonesas.

A continuación se detallan las coordenadas exactas para presenciar el final histórico en territorio mexicano:

• Plataforma de transmisión: Disney+ (a través de su catálogo de animación y contenido exclusivo).
• Fecha de estreno: Lunes 19 de octubre de 2026.
• Horario oficial de liberación (Tiempo del Centro de México): 09:30 AM.

Con esta cita agendada, los fanáticos de la República Mexicana podrán conectarse desde las primeras horas de la mañana para presenciar el desenlace de la Guerra Sangrienta de los Mil Años y descubrir cómo concluye la leyenda de Ichigo Kurosaki.

Entre las peregrinaciones de la cultura popular, pocas opciones superan una escapada al Maine rural para visitar a Stephen King.

El autor, tan asociado al estado como las langostas o los whoopie pies, vive con su esposa, Tabitha, en Lovell, un bonito pueblo próximo a la frontera con Nuevo Hampshire. Un edificio cercano, situado en una colina con vistas a las estribaciones y a un lago glaciar, alberga tanto su oficina de escritura como una suerte de museo de King.

Tras recorrer caminos ondulantes flanqueados de pinos y girar a la izquierda junto al cartel que advierte “Cuidado con Molly” —un homenaje al corgi de King, una estrella de las redes sociales conocida como la Cosa del Mal—, se llega a un espacio amplio y luminoso lleno de carteles de cine y recuerdos de las más de 100 adaptaciones audiovisuales de los relatos de King. Hay que levantar la mirada y girar sobre uno mismo para abarcar la dimensión de su impacto en el entretenimiento estadounidense.

Ordenados cronológicamente, los carteles van de Carrie —allí está la pobre Sissy Spacek, con los ojos muy abiertos bajo su manto de sangre— a Carrie. El primero corresponde a la adaptación de Brian De Palma de 1976 del debut novelístico de King, sobre una marginada tímida que destruye mediante telequinesis a quienes la atormentan en la escuela secundaria. (La película celebra su 50.º aniversario en noviembre.) El segundo explica la visita de hoy: una nueva adaptación televisiva de Carrie, disponible ahora en Amazon Prime Video.

Creada por Mike Flanagan, la serie de ocho episodios ofrece una versión moderna y actualizada en la que el acoso contra Carrie ocurre en gran medida a través de las redes sociales y los horrores incluyen simulacros de tiroteos escolares. La joven, interpretada con entusiasmo por Summer H. Howell, es menos una marginada que una rareza a la que sus padres conspiracionistas han mantenido apartada del mundo. Hay sangre de cerdo en el baile de graduación, desde luego, pero también una trama más amplia sobre una subcultura telequinética que apunta a posibles temporadas futuras.

Flanagan, quien idolatra a King desde que leyó It en quinto grado, ha adaptado al cine varios libros del autor (El juego de Gerald, Doctor Sueño). Sin embargo, esas son en su mayoría versiones fieles, mientras que Carrie se acerca más al espíritu de las creativas actualizaciones televisivas de Flanagan de clásicos del terror literario como La maldición de Hill House y La caída de la Casa Usher.

“Nunca tuve que mirar a Edgar Allan Poe a los ojos y preguntarle: ‘¿Qué te pareció?’”, dijo Flanagan. Pero, si en este caso le inquietaba la respuesta, no tenía por qué preocuparse.

“Tengo derecho de veto sobre todo”, dijo King. “Y, en lo esencial, no lo uso porque confío por completo en Mike. Él es el susurrador de King”.

A sus 79 años, King todavía escribe la mayoría de los días. Acaba de publicarse Otros mundos que estos, el último libro de su trilogía El talismán con Peter Straub. Actualmente termina su última novela sobre la investigadora privada Holly Gibney, presentada por primera vez en Mr. Mercedes (2014). Alejarse definitivamente de sus mundos inventados es “muy triste”, dijo King, quien reconoció que este regreso de Carrie, su primer éxito, cierra de algún modo un círculo.

“Podría dar por terminada mi carrera”, dijo, aunque enseguida se retractó. “No, no, no. Ya tuve problemas antes por decir que creía que podía retirarme”.

“Lo único que no me gustaría es morir en mi escritorio”, agregó. “Eso es todo”.

Ese escritorio está en una oficina de la planta alta, abarrotada de reconocimientos y más cachivaches: un certificado de la Medalla Nacional de las Artes cuelga a pocos metros de una figura de Chía de Pennywise. King y Flanagan se sentaron allí la semana pasada para hablar de Carrie, sus paralelismos políticos y sus adaptaciones favoritas de la obra del autor. Molly se echa dócilmente a tus pies. Al parecer, su lado malvado aparece durante las visitas al veterinario.

Estos son fragmentos editados de la conversación.

—¿Por qué Carrie? ¿Por qué ahora?

—Mike Flanagan: Esa es la pregunta. Y fue la primera que Steve hizo cuando hablamos de esto por primera vez. Se trataba de cómo tomar la idea central de esta novela increíble y llevarla a 2026. La novela habla del acoso, la amabilidad, la crueldad y las consecuencias de elegir la crueldad. Esa pregunta se ha vuelto aún más relevante, sobre todo para las generaciones más jóvenes. Hemos puesto en manos de nuestros hijos una tecnología que alienta la crueldad, que la celebra.

—Stephen King: Carrie trata sobre el acoso, y la serie de televisión trata sobre el ciberacoso.

—También hay una dimensión más política. El padre de Carrie defiende propaganda de derecha y su madre, además de ser una fundamentalista religiosa como en el libro, es una fanática de los derechos de los padres.

—MF: En esta época, el fanatismo religioso parecía más un síntoma en el caso de Margaret White. Todos vivimos en burbujas de verdades seleccionadas. Esas tribus, esas distorsiones, son algo importante que los adolescentes, en especial, deben sortear. ¿Qué es real? ¿Qué es este mundo que heredarán? Depende del sitio web al que recurran para buscar respuestas. Carrie creció en este culto de tres personas; sus padres habrían desarrollado su propia burbuja. Él escuchaba programas de radio de extrema derecha, pero Margaret tenía opiniones extremas que, en algunos casos, podían considerarse ultraprogresistas. En realidad, no se trataba de su política.

—Entonces, ¿intentaron ser apartidistas?

—MF: Sí, porque quiero que quienes puedan beneficiarse de una serie que nos anime a reconsiderar la crueldad se vean reflejados en varios personajes. Si digo que uno es claramente bueno y otro claramente malo, no les daré nada en qué reconocerse. Tengo cosas para decir sobre el tema partidista, pero no quiero expulsar a la gente de la conversación en un momento de tanta polarización.

—¿Qué cosas querés decir? Podés contármelas.

—MF: ¡Puedo contárselas a The New York Times! Suena como una gran idea. Prefiero no hacerlo.

—Ha habido varias adaptaciones de Carrie a lo largo de los años. Steve, ¿tenías alguna reserva sobre revivir esta historia una vez más?

—SK: No. Ya no pienso mucho en Carrie, porque fue un libro de iniciación.

—Pero también fue lo que lanzó tu carrera.

—SK: Tuve mucha suerte. Pude dejar de dar clases y empezar a escribir a tiempo completo, que era lo que quería. Empezó como un cuento. Iba a ser una de esas historias que vendía a Cavalier, Swank o alguna de esas revistas; todavía no había dado el salto a Penthouse. Empecé a escribirla, vi que iba a ser más larga que un cuento y la tiré a la basura. Mi esposa la sacó del cesto, alisó las páginas que había escrito y me dijo: “Esto es bueno. Deberías seguir”. Le respondí: “No sé nada sobre vestuarios de chicas”. Ella dijo: “Te contaré todo lo que necesitás saber”. Se lo envié a Bill Thompson, el editor, y me dijo: “Creo que tienes un éxito asegurado”. Reescribí la historia según sus indicaciones y vendí el libro. El anticipo fue de 2500 dólares; Doubleday era increíblemente barato en aquella época. Pero un domingo Bill me llamó y me dijo: “Hemos vendido los derechos de la edición de bolsillo por 400 000 dólares”. Se lo conté a Tabby y se echó a llorar, porque en aquel entonces vivíamos en un apartamento destartalado. Había peleas arriba; eso lo incluí en El resplandor.

—¿Te gustó la película de De Palma?

—SK: Me encantó. La primera vez que la vi, la proyectaron en Boston, en Roxbury. En la sala principal, donde se proyectaba Carrie, estaba Norman, ¿eres tú? con Redd Foxx. El público era totalmente negro; éramos como dos granos de sal en el salero. Había dos tipos que parecían corredores de fútbol americano justo detrás de nosotros. Al final de la película, Sue Snell tiene un sueño, y una mano sale del suelo y la agarra. Y estos tipos gritan como niñas pequeñas. Y pensé: Esto va a funcionar.

—Y ahora muchos de tus libros se han adaptado al cine y a la televisión. ¿Qué se siente cuando la gente hace suyas tus historias?

—SK: Es como mandar a un hijo a la universidad. Esperas que le vaya bien y que no se involucre con las drogas ni con nada que pueda arruinarlo.

—¿Cuáles son algunos de tus favoritos?

—SK: Creo que Misery es buena. Me gusta The Stand, la que hizo Mick Garris. Hay muchas que me gustan, y no hablo de las que no me gustan. Me han preguntado una y otra vez sobre The Shining. Nunca me gustó. Esa es la que la gente pregunta porque de alguna manera ha adquirido esta reputación de la crítica que la elevó. Tabby dice que [palabrota] flota.

—¿Y tú, Mike?

—MF: No puedo decidirme entre Cadena perpetua y Cuenta conmigo. Ambas son películas perfectas. Me encanta el terror. Me encanta sentir miedo. Sin embargo, lo que más me atrae de Steve es la emoción. Son historias sobre la esperanza, y ambas están impregnadas de ella.

—Cuando se trata de actualizar una historia tan conocida como Carrie, ¿cómo se hace sin perder su esencia?

—MF: Estaba nerviosa por los cambios que estábamos haciendo. En el proceso tienes que decir: “¿Qué cosas, si no están en pantalla, no estamos haciendo ‘Carrie’?” Para algunas de ellas, son las escenas clave. Claro que vas a ir al baile de graduación. Claro que Carrie va a estar cubierta de sangre de cerdo. Claro que vas a ver esa escena horrible en el vestuario.

—SK: Al principio del espectáculo, se ven sus pies caminando por el pueblo. Porque no es ninguna gran sorpresa.

—MF: Se trata de las sorpresas que puedes incorporar en el camino. Carrie White, en todas las versiones que hemos visto, es desde el principio una chica temblorosa, aterrorizada y traumatizada. Ha tenido una vida difícil, y la nuestra es todo lo contrario. Es curiosa y entusiasta, inocente e inexperta, por eso el mundo la ataca de inmediato. Pero como fanático de Stephen King de toda la vida y estudiante de cine, supe el día que empezamos a rodar la escena del baile de graduación que necesitaba tomarme un momento, respirar hondo, mirar a mi alrededor y decir: “Estoy en el baile de graduación con Carrie White”.

—¿Y sentiste el peso de eso?

—MF: Lo siento con especial intensidad en proyectos como este. También siento una enorme responsabilidad cuando Steve me confía sus juguetes. Cuando me dice que puedo jugar en su arenero, tengo mucho cuidado de no [grosería] en él. Y si he logrado que Steve se sienta orgulloso con lo que hemos hecho con su historia, eso es lo que importa.

—SK: Bueno, estoy muy contento con lo que hiciste. Pero también te divertiste.

—MF: Me divierto muchísimo. Tengo el mejor trabajo del mundo.

—SK: Ambos tenemos el mejor trabajo del mundo.

Fuente: The New York Times

True Detective prepara su regreso con dos estrellas de Hollywood al frente de su quinta temporada. Antonio Banderas y Nicolas Cage protagonizarán la nueva entrega de la serie policial de HBO, cuya producción comenzará en 2027.

La historia transcurrirá en Jamaica Bay, Nueva York, y contará otra vez con Issa López como responsable creativa, después del éxito de audiencia de Night Country, la cuarta temporada.

HBO confirmó a sus actores estelares este viernes 16 de octubre. Banderas interpretará a Rai García, mientras que Cage dará vida a Henry Logan. Lo que se ha guardado en reserva es qué tipo de investigación abordará la temporada 5.

El actor español se incorpora a la serie después de una extensa trayectoria en cine, con títulos como La máscara del Zorro y La leyenda del Zorro. También presta su voz al Gato con Botas en la franquicia Shrek. Entre sus trabajos recientes figuran Tony, la película biográfica sobre Anthony Bourdain, y Babygirl, protagonizada por Nicole Kidman.

Cage, por su parte, cuenta con una filmografía que incluye Leaving Las Vegas, Pig, Dream Scenario y La leyenda del tesoro perdido. Sin embargo, con True Detective, el camaleónico actor suma apenas su segundo protagónico en televisión después de la ambiciosa serie Spider-Noir.

Cage ya había adelantado su posible incorporación durante un panel en la Comic Con de Nueva York. Según ScreenRant, el actor respondió: “Creo que voy a hacer una temporada de True Detective”. Luego preguntó: “Está bien que yo sea el primero en anunciarlo, ¿verdad?”.

Issa López regresa con una nueva historia criminal

La cineasta mexicana Issa López volverá como guionista, directora y showrunner, tras su trabajo en True Detective: Night Country, estrenada en 2024. Daniel Zelman también participará como guionista y productor ejecutivo.

La lista de productores ejecutivos incluye a los propios Cage y Banderas, además de Mari Jo Winkler, Kathleen McCaffrey, Steve Golin, Richard Brown, Nic Pizzolatto, Cary Joji Fukunaga, Woody Harrelson y Matthew McConaughey. Pizzolatto creó la franquicia, mientras que Harrelson y McConaughey protagonizaron su primera temporada.

La nueva historia tendrá como escenario Jamaica Bay, en Nueva York, lejos de los paisajes helados de Alaska que definieron la entrega anterior. Francesca Orsi, responsable de las series dramáticas de HBO, destacó a Deadline el trabajo de López: “Issa tiene mucho que decir, al igual que hizo con Night Country. Es un entorno diferente, pero igual de poderoso”, según recogió ScreenRant.

¿Qué se sabe de la trama y qué pasó con la temporada 4?

Por ahora, HBO no ha revelado cuál será el caso criminal de la quinta temporada ni qué otros actores integrarán el reparto. López, sin embargo, adelantó al New York Post que habrá vínculos con Night Country, aunque la nueva entrega tendrá su propia identidad: “Es una historia nueva, personajes nuevos, todo”.

La cuarta temporada siguió a las detectives Liz Danvers y Evangeline Navarro (Jodie Foster y Kali Reis) durante la investigación por la desaparición de ocho hombres de una estación científica en Alaska. Su desenlace dividió al público, aunque la entrega obtuvo una valoración muy favorable de la crítica. Según Variety, HBO contabilizó 12,7 millones de espectadores en distintas plataformas, la cifra más alta para una temporada de la serie hasta ese momento.

Desde su estreno en 2014, True Detective ha contado con figuras como Colin Farrell, Rachel McAdams y Mahershala Ali, además de sus protagonistas originales. La franquicia suma 41 nominaciones al Emmy y seis premios.

La quinta temporada aún no tiene fecha de estreno. Por ahora, HBO prevé iniciar el rodaje en 2027.

El parecido no pasó inadvertido entre los seguidores de la ficción de los años 80. Tras la presentación del vehículo, el 15 de octubre, un usuario de X publicó un montaje que comparaba el salto de KITT con una de las maniobras del nuevo Tesla. “Elon Musk acaba de hacer realidad el Turbo Boost. Un montón de tipos de mi edad llevamos toda la vida esperando esto”, escribió @mazemoore.

Musk respondió al mensaje con una referencia a sus recuerdos de infancia: “¡Era una de mis series favoritas cuando era niño!”.

La reacción reforzó la teoría de que algunas características del deportivo habrían sido inspiradas por el automóvil ficticio que conducía Michael Knight, personaje interpretado por David Hasselhoff en la producción emitida entre 1982 y 1986.

KITT, sigla de Knight Industries Two Thousand, era un Pontiac Trans Am negro dotado de inteligencia artificial, capaz de interactuar con su conductor y ejecutar maniobras extraordinarias. Entre sus funciones más recordadas estaba el Turbo Boost, un sistema que le permitía impulsarse por el aire para saltar sobre obstáculos y otros vehículos.

El Tesla Roadster y su propio Turbo Boost

La presentación tuvo lugar en las instalaciones de pruebas de SpaceX en McGregor, Texas, donde el vehículo blanco de dos plazas exhibió algunas de sus funciones más llamativas.

Según Reuters, el Roadster recorrió una rampa curva con las ruedas hacia arriba mediante un sistema de succión, giró en el aire y aterrizó gracias a sus propulsores integrados. En otra maniobra, saltó por encima de un camión y varios vehículos, con un giro durante el vuelo antes de tocar el suelo.

La demostración fue transmitida en directo por X y mostró cómo la colaboración entre Tesla y SpaceX llevó los sistemas de empuje al diseño de un automóvil deportivo. La empresa no presentó el vehículo como un coche volador convencional, sino como un modelo capaz de realizar saltos breves mediante esa tecnología.

El rendimiento sobre el asfalto también fue parte del anuncio. Lars Moravy, responsable de ingeniería de vehículos de Tesla, aseguró que el deportivo puede acelerar de cero a 97 kilómetros por hora en menos de un segundo y superar los 370 kilómetros por hora de velocidad máxima. La compañía también anunció una autonomía superior a los 480 kilómetros con una sola carga.

Cuándo llegará al mercado y cuánto costará

Pese a la espectacularidad de las pruebas, los compradores tendrán que esperar. Tesla prevé iniciar la producción del nuevo Roadster en 2028, casi una década después de presentar el prototipo de esta segunda generación en 2017. En aquel momento, la compañía esperaba comenzar las entregas en 2020, una fecha que quedó atrás tras varios retrasos, según Reuters.

La empresa ofrece tres variantes con distintas prestaciones. De acuerdo con Primetimer, la versión Performance requiere un depósito de USD 50.000, mientras que la Thrust, equipada con propulsores para mejorar la aceleración, exige USD 250.000. La alternativa Rocket, un modelo monoplaza con un sistema de vuelo completo, está disponible únicamente por invitación.

El precio final de venta no fue especificado durante la presentación. Tampoco se detalló cuánto tiempo podrá permanecer el automóvil en el aire ni si sus sistemas permitirán algo más que saltos y maniobras breves.

Russell Lee Washington Jr. cambia de ciudad

Jackson volverá a interpretar a Russell Lee Washington Jr., el gánster de Nueva Orleans que apareció durante la tercera temporada de Tulsa King. El personaje fue presentado como una amenaza para Dwight Manfredi, pero su relación con el protagonista tomó otra dirección antes del final de su participación.

Washington había recibido el encargo de eliminar a Dwight Manfredi, el jefe criminal interpretado por Sylvester Stallone. Sin embargo, acabó ayudándolo a resolver su conflicto con un empresario vinculado al negocio de las bebidas alcohólicas. Esa experiencia funciona como punto de partida para la nueva serie: el gánster decide iniciar una operación propia y traslada sus actividades a Frisco, una ciudad de Texas situada dentro del área metropolitana de Dallas.

El cambio de ubicación será una de las principales diferencias respecto de Tulsa King, cuya historia llevó a Manfredi a reconstruir su carrera criminal en Oklahoma. En Frisco King, Washington encontrará oportunidades entre los barrios residenciales y la aparente tranquilidad de la ciudad texana.

El primer adelanto muestra al personaje evaluando ese territorio y desplegando sus métodos para levantar una estructura delictiva. La historia mantendrá así la conexión directa con la serie original, pero colocará a Washington al frente de su propio grupo y de un conflicto separado.

Pequeños golpes y riesgos crecientes

La sinopsis oficial anticipa que Washington descubrirá una red de pequeños delincuentes y negocios posibles escondida bajo la rutina de los suburbios estadounidenses. Su objetivo será transformar operaciones menores en una fuente de ingresos cada vez más lucrativa.

Para conseguirlo, el protagonista contará con un joven al que tomará como protegido, un conductor leal y una particular red de colaboradores. Estos personajes formarán el núcleo de su nueva organización, aunque Paramount+ todavía no detalló sus nombres, intérpretes ni el número total de episodios de la temporada.

La progresión del conflicto estará atada al crecimiento del negocio. Cuanto mayores sean las ganancias y la influencia de Washington, más graves serán los riesgos que deberá enfrentar. Esa premisa traslada a Texas la fórmula criminal de Tulsa King: un veterano busca instalarse en un territorio nuevo, detecta oportunidades que otros pasan por alto y organiza a personajes locales para construir su operación.

Stallone también tendrá una aparición en Frisco King, manteniendo el vínculo entre ambas producciones. Las fuentes disponibles no precisan cuántos episodios incluirán a Dwight Manfredi ni cuál será su participación en la historia de Washington.

Estreno en Paramount+ y situación en España

Frisco King forma parte de las producciones creadas alrededor de Tulsa King y desarrolladas bajo la línea de series de Taylor Sheridan. Su lanzamiento llegará mientras la ficción protagonizada por Stallone continúa activa: Tulsa King fue renovada para una quinta temporada y se prepara para estrenar la cuarta.

En Estados Unidos, el calendario ya está definido. Paramount+ publicará los dos primeros capítulos de Frisco King el 18 de diciembre y sumará uno nuevo cada viernes. Este modelo permitirá que la temporada se extienda durante varias semanas, en lugar de estar disponible completa desde el primer día.

El anuncio del estreno está acompañado por el primer tráiler, centrado en la llegada de Washington a Frisco y en sus intentos por convertir delitos de pequeña escala en una organización rentable. Los dos episodios iniciales estarán disponibles en Paramount+ el 18 de diciembre, seguidos por entregas semanales cada viernes.

La propuesta que Gilligan llevaba a las cadenas se alejaba de los formatos convencionales: un profesor de química de Nuevo México, diagnosticado con cáncer, decide fabricar metanfetamina para asegurar el futuro económico de su familia. La idea surgió en 2005, durante un período de dificultades laborales para el guionista.

En conversaciones con otros colegas, había bromeado con la posibilidad de montar un laboratorio de drogas en una casa rodante, una premisa que luego se transformó en el punto de partida de la serie.

Con experiencia previa como guionista y productor de Expediente X, Gilligan preparó una presentación detallada del episodio piloto. Había memorizado la trama para relatarla ante los responsables de programación y exponer la transformación de un personaje ordinario en Walter White. Sin embargo, la reunión se detuvo antes de que pudiera desarrollar la historia.

Una comparación amenazó el proyecto antes de su venta

Apenas cinco minutos después de comenzar el relato, el presidente de una cadena de cable comentó que la propuesta le recordaba a Weeds. Gilligan preguntó de qué serie se trataba. La producción de Showtime, estrenada ese mismo año, seguía a Nancy Botwin, una madre de los suburbios que comenzaba a vender marihuana para sostener a su familia tras atravesar dificultades económicas.

El paralelismo era visible en la superficie: dos adultos de clase media ingresaban al negocio de las drogas por necesidades familiares. Gilligan relató en un texto publicado por Newsweek que palideció al escuchar la comparación. Descubrir, en plena presentación, que existía una serie con un punto de partida similar le hizo temer que su proyecto fuera considerado una repetición.

En esa reunión lo acompañaban Zack Van Amburg y Jamie Erlicht, ejecutivos de Sony. Ambos conocían la existencia de Weeds y buscaron diferenciar los proyectos ante el responsable de la cadena: una historia se centraba en la venta de marihuana y la otra, en la producción de metanfetamina. La explicación no resolvía la incomodidad inicial de la presentación, pero anticipaba que ambas series tomarían caminos distintos.

El tono separó a dos series con premisas parecidas

Gilligan sostuvo después que ambas producciones terminaron por ocupar espacios diferentes. Mientras Weeds construyó una comedia negra alrededor de la vida de Nancy Botwin, Breaking Bad retrató el deterioro moral y familiar de Walter White desde un tono dramático. El creador comparó esa distancia con las máscaras de la comedia y la tragedia: aunque las dos historias partían de actividades ilegales, sus consecuencias narrativas eran distintas.

La observación de la cadena no terminó con el proyecto, aunque confirmó las dificultades para encontrarle un lugar en la televisión. Finalmente, Sony Pictures Television y AMC acordaron producir la serie. Incluso dentro de Sony existían dudas sobre su viabilidad: algunos ejecutivos veían en el piloto material para una película independiente, pero no una historia capaz de sostener varias temporadas.

El escepticismo también aparece en el documental No Half Measures: Creating the Final Season of Breaking Bad, estrenada en 2013. Michael Lynton, entonces ejecutivo de Sony, recordó que su primera reacción ante el concepto había sido negativa. Pese a esas reservas, la compañía respaldó el desarrollo de una serie cuya historia se definiría episodio a episodio.

AMC y Netflix ampliaron el público de Breaking Bad

La llegada a AMC permitió que Gilligan y su equipo construyeran la evolución de White sin definir desde el inicio cada etapa de la trama. La primera temporada, estrenada en 2008, no convocó a un público masivo de inmediato. La recepción de la crítica y el premio Emmy que obtuvo Bryan Cranston por su interpretación del protagonista contribuyeron a darle visibilidad, aunque el crecimiento fue gradual.

El salto de popularidad se produjo a comienzos de 2011, cuando las primeras temporadas estuvieron disponibles en Netflix en Estados Unidos. La distribución digital amplió el alcance de la serie y permitió que nuevos espectadores vieran episodios que AMC ya había emitido. Para la quinta y última temporada, el programa había pasado de ser una apuesta discutida a convertirse en un fenómeno de audiencia con una identidad narrativa diferenciada desde su protagonista, su tono y el conflicto criminal que organizó la historia.

Para la quinta y última temporada, el programa había pasado de ser una apuesta discutida a un fenómeno de audiencia, con una identidad narrativa definida por la transformación de su protagonista, el tono dramático y el conflicto criminal que organizó la historia.

Un rescate extremo abre la nueva historia

El adelanto comienza con la colisión entre un avión y un parapente sobre el océano. El accidente obliga al equipo de guardavidas a desplegar una operación de emergencia dentro y fuera del agua, mientras presenta a los personajes que estarán al frente de esta nueva etapa.

Amell interpreta a Hobie Buchannon, el hijo adulto de Mitch Buchannon, personaje popularizado por David Hasselhoff en la serie original. Hobie ahora es capitán del escuadrón y debe dirigir rescates mientras intenta mantener el legado profesional de su padre.

El conflicto personal aparece cuando su hija llega inesperadamente a la costa y expresa su intención de sumarse al equipo. Jessica Belkin interpreta a la joven llamada Summer. La relación entre padre e hija será uno de los ejes de la temporada.

El contraste se plantea desde el carácter de Hobie. Amell explicó que su personaje puede conservar la calma durante una emergencia con vidas en riesgo, pero pierde esa seguridad cuando debe imponerle a su hija un horario para regresar a casa. Esa diferencia permitirá alternar las operaciones de rescate con conflictos familiares y momentos de humor.

El tráiler también recupera elementos visuales asociados con Baywatch, como los trajes rojos y las carreras en cámara lenta sobre la arena. La acción, sin embargo, ocupa buena parte de los tres minutos del avance y apunta a peligros más elaborados que los vistos en la producción de los años noventa.

El reparto conecta dos generaciones de Baywatch

Junto con Amell y Belkin aparecen Noah Beck, Shay Mitchell, Livvy Dunne, Hassie Harrison, Brooks Nader y Thaddeus LaGrone. Fox también convocó a Erika Eleniak y David Chokachi, quienes retomarán sus respectivos personajes de la serie clásica en participaciones especiales.

El regreso de esos dos intérpretes establece una continuidad con la producción anterior, en lugar de presentar una historia desligada de ella. La elección de Hobie como protagonista cumple la misma función: el capitán pertenece a la familia central de la ficción, pero ocupa el lugar que anteriormente tenía Mitch.

Amell comparó el traje rojo de guardavidas con la indumentaria que utilizó durante ocho temporadas como Oliver Queen en Arrow. Según explicó, prepararse para salvar personas en la playa le genera una sensación similar a colocarse la capucha y tomar el arco de Green Arrow. También reconoció que intentar reproducir exactamente el alcance de la serie original sería un error, porque aquella producción perteneció a otro momento de la televisión.

Entre 1991 y 2001, Baywatch acumuló once temporadas y fue emitida en más de 200 países. Las fuentes le atribuyen una audiencia estimada de más de mil millones de espectadores semanales durante su periodo de mayor popularidad.

La franquicia tuvo una adaptación cinematográfica en 2017 protagonizada por Dwayne Johnson y Zac Efron. Esa película eligió la comedia y la parodia, pero no derivó en una nueva saga para cines. El proyecto de Fox regresa al formato episódico, con más espacio para desarrollar las relaciones entre los guardavidas.

Estreno, responsables y distribución

La producción tiene a Matt Nix, creador de Burn Notice, como showrunner y productor ejecutivo. El showrunner es el principal responsable creativo de una serie y supervisa tanto los guiones como el desarrollo general de la temporada. También participan McG, Michael Berk, Greg Bonann, Doug Schwartz, Dante Di Loreto y Mike Horowitz.

El estreno será en enero de 2027, después de que el proyecto fuera previsto inicialmente para 2026. Fox todavía no comunicó el día exacto.

La distribución fuera de Estados Unidos tampoco está detallada para todos los territorios. Algunas de las fuentes menciona a Disney+, pero todavía no existe información concreta sobre su llegada a nivel global. Por ahora, el único periodo de lanzamiento compartido es enero de 2027.

“Los fariseos lo llaman justicia. Los romanos lo llaman paz. Los discípulos lo llaman asesinato”, detalla la sinopsis oficial sobre las distintas perspectivas de quienes rodean a Jesús.

El metraje presenta al Nazareno frente a las horas decisivas que conducirán a su muerte. Las imágenes dejan ver los enfrentamientos con las autoridades romanas, tensiones con los líderes religiosos que condenan sus acciones y el sufrimiento que atravesarán sus seguidores ante los acontecimientos que están por suceder.

“Ante la soledad y la muerte, Jesús permanece firme en un camino que siempre lo ha conducido a la cruz”, destaca la premisa de la temporada. “Sus horas finales cambiaron el mundo para siempre.

Dallas Jenkins, creador y productor ejecutivo de la ficción, explicó que esta parte de la historia requería un tratamiento especial por su trascendencia. “Todo el mundo conoce los aspectos básicos, pero no todos conocen el ‘porqué’ de la crucifixión y los extraordinarios acontecimientos de estas 24 horas”, afirmó en declaraciones recogidas por TV Insider.

Jonathan Roumie regresa junto a un amplio reparto

Jonathan Roumie volverá a interpretar a Jesús de Nazaret en la que considera la temporada más dura de la serie. El actor ya había hablado en 2025 sobre sus reflexiones al rodar la crucifixión.

Según recogió TV Insider, Roumie calificó aquella experiencia como “intensa”, “sagrada” y “una lección de humildad”, al referirse al peso emocional de representar ese episodio.

El reparto también incluye a Shahar Isaac como Pedro; Paras Patel como Mateo; Elizabeth Tabish como María Magdalena; Noah James como Andrés; George H. Xanthis como Juan; Abe Bueno-Jallad como Santiago el Mayor; y Vanessa Benavente como María, la madre de Jesús.

Además, Luke Dimyan regresa como Judas; Richard Fancy interpreta a Caifás; Paul Ben-Victor da vida al rey Herodes, y Andrew James Allen encarna a Poncio Pilato.

Cuándo se estrena la temporada 6 de ‘Los Elegidos’

La nueva temporada llegará al servicio de streaming Prime Video el 15 de noviembre de 2026, con el estreno de tres episodios. Después, la plataforma publicará un capítulo por semana hasta el 6 de diciembre. La historia tendrá una continuación en los cines con una película independiente sobre la crucifixión, cuyo estreno está previsto para el 12 de marzo de 2027.

Según Dallas Jenkins, este relato merecía tanto una temporada televisiva como un largometraje independiente para los cines. Por ello, ambos proyectos fueron escritos y filmados con esa estructura en mente.

Por otro lado, la franquicia también prepara The Chosen: The Three Kings, un especial navideño anunciado por Jenkins que se emitirá en diciembre en Estados Unidos a través de Fox. La producción, cuyo rodaje ya terminó, ampliará la historia de los Reyes Magos y servirá de enlace entre las temporadas seis y siete.

El estreno marca el pasaje del programa en vivo a una historia de ficción propia, construida alrededor de un grupo de amigos que atraviesa los desajustes de la adultez. Trabajos inestables, vínculos que cambian, citas fallidas y secretos que irrumpen en la rutina forman parte del punto de partida de la comedia.

La plataforma presentó este miércoles el tráiler de la producción, que estará disponible exclusivamente en Hulu en Disney+ Latinoamérica. El adelanto muestra el tono coral de la serie y anticipa situaciones atravesadas por el humor, las tensiones de convivencia y las incertidumbres de sus personajes.

Ocho episodios sobre amistades que atraviesan cambios

La historia sigue a cinco amigos en un momento en el que varias áreas de sus vidas comienzan a desordenarse a la vez. A lo largo de ocho episodios de 20 minutos, los protagonistas deberán revisar decisiones personales, relaciones afectivas y proyectos que parecían definidos.

La sinopsis oficial plantea una pregunta central: qué aspectos de sus vidas están dispuestos a sostener cuando crecer deja de ser una idea lejana. La serie propone una mirada sobre la amistad y la nueva adultez, sin certezas definitivas ni respuestas inmediatas para sus personajes.

Nico Occhiato interpreta a Matías; Flor Jazmín Peña, a Chía; Momi Giardina, a Guillermina; Santi Talledo, a Lucas; y Martín Garabal, a Leo. Los cinco conforman el elenco principal de una ficción que busca trasladar la dinámica grupal del streaming a un relato con personajes y conflictos propios.

El elenco suma a Oscar Martínez y Graciela Stefani

La producción contará con participaciones especiales de Oscar Martínez y Graciela Stefani, quienes encarnarán a los padres del personaje de Occhiato. También formarán parte del reparto Maite Lanata, Sofi Morandi, Olivia Nuss, Andrés Gil, Juli Poggio, Diego Castro, Evitta Luna, Marcos Giles, Marixa Balli, Lucas Spadafora y Marina Bellati.

El elenco se completa con Pedro Colleta, Cecilia Maresca, Tomás Limansky y Paula Carruega. La presencia de intérpretes de distintos recorridos amplía el universo de la historia y acompaña a los conductores de Nadie dice nada en su primera serie de ficción conjunta.

La realización está a cargo de Pampa Films, con dirección de Nick Silbert y Lalo Mark. La idea original pertenece a Talledo y Diego Vago, quienes además trabajan como guionistas y showrunners.

Una producción nacida del universo de LUZU TV

El equipo autoral incluye a Andrés Pascaner, Ramiro Tevez, Sofía González Gil y Lucía Miranda. La serie parte del fenómeno construido por Nadie dice nada, el programa de LUZU TV que consolidó a sus conductores en el panorama del streaming argentino.

El proyecto representa un nuevo movimiento para los formatos digitales locales que buscan expandirse hacia la ficción de plataformas. En este caso, la producción conserva a las figuras centrales del ciclo, pero las ubica en una trama independiente, sin trasladar de manera literal el formato de transmisión en vivo.

Con una duración breve por capítulo, la apuesta se adapta a hábitos de consumo actuales y tendrá distribución regional desde su lanzamiento. Somos así estará disponible el 18 de noviembre en Hulu en Disney+ para los suscriptores de América Latina.

Cora y Olwen ante una nueva amenaza

La trama sigue a Cora, interpretada por Hunter Schafer, una humana fugitiva que intenta escapar de su pasado. Para sobrevivir adopta una nueva identidad y se hace pasar por una blade runner, nombre que reciben los agentes encargados de perseguir y retirar replicantes considerados ilegales o peligrosos.

Su camino se cruza con Olwen, el personaje de Michelle Yeoh, una replicante veterana que se encuentra cerca del final de su ciclo vital. Las dos deberán trabajar juntas mientras investigan a uno o varios replicantes fugitivos, según las descripciones difundidas sobre la serie. La persecución las conduce hacia una verdad capaz de quebrar la frágil estabilidad de la ciudad y hacia una conspiración vinculada con intereses corporativos.

El contexto difiere del escenario habitual de la franquicia. Una rebelión replicante alteró la distribución del poder y dejó a la humanidad en un lugar secundario. Los Ángeles logró reconstruirse después de los acontecimientos de la película anterior, pero la convivencia entre sus habitantes continúa bajo amenaza. El tráiler usa esa inversión para recuperar los conflictos centrales de la saga: la identidad, la memoria, la tecnología y la frontera cada vez menos clara entre seres humanos y replicantes.

Del noir lluvioso a una ciudad más luminosa

La serie cambia parte de la identidad visual asociada con las películas. En lugar de depender siempre de calles oscuras, lluvia permanente y luces de neón, Blade Runner 2099 incorpora una estética definida como sunshine noir. El concepto combina los códigos del cine negro con espacios más luminosos y una puesta en escena estilizada, sin abandonar el tono distópico de la historia.

El salto temporal permite mostrar las consecuencias de la reconstrucción de Los Ángeles y presentar un orden social distinto al visto en Blade Runner 2049. La ciudad sigue siendo el centro del relato, aunque ahora la amenaza surge de la tensión entre la población humana, los replicantes y las estructuras corporativas que intervienen en sus vidas.

La nueva producción representa además el paso de la saga hacia una serie de acción real para streaming. El formato de ocho capítulos dará más espacio a la alianza entre Cora y Olwen, a la investigación que emprenden y a las reglas que organizan esta sociedad cinco décadas después de la última película.

El equipo detrás de Blade Runner 2099

Silka Luisa trabaja como creadora, showrunner y productora ejecutiva. Una showrunner es la responsable creativa principal de una serie y supervisa el desarrollo de sus guiones y su producción. Ridley Scott, director de la película original, también participa como productor ejecutivo junto con Andrew Kosove y Broderick Johnson, además de integrantes de Alcon Entertainment y Scott Free Productions.

Los dos primeros episodios están dirigidos por Jonathan van Tulleken, conocido por su trabajo en Shogun. El reparto principal se completa con Dimitri Abold, Lewis Gribben y Matthew Needham. También tendrán participaciones recurrentes Katelyn Rose Downey, Daniel Rigby, Johnny Harris, Amy Lennox, Sheila Atim, Tom Burke y Maurizio Lombardi.

El nuevo avance concentra buena parte de su presentación en la relación entre las protagonistas, la persecución y el cambio visual de Los Ángeles. Blade Runner 2099 llegará a Prime Video el 25 de noviembre con una temporada compuesta por ocho episodios.

Un atraco narrado en tres tiempos

La estructura de 12 12 12 está construida alrededor de tres etapas del mismo golpe. Cada episodio recorrerá los 12 meses dedicados a preparar el robo, las 12 horas durante las cuales se ejecuta el plan y los 12 días posteriores. Las tres líneas temporales permitirán mostrar la planificación, el operativo dentro de la bóveda y las consecuencias para los responsables.

La serie fue creada por Dudi Appleton, responsable de Signora Volpe, y Jim Keeble, conocido por Thorne. El título surge de las tres escalas temporales utilizadas para contar el atraco, en lugar de presentar los acontecimientos mediante una narración estrictamente cronológica.

El objetivo del robo es una cámara acorazada escondida en el subsuelo de Zúrich. Aunque ese lugar funciona como el centro del conflicto, la persecución se extenderá por distintos puntos de Europa, donde los dos protagonistas participarán en un juego del gato y el ratón planteado como una competencia de suma cero: la victoria de uno implica necesariamente la derrota del otro.

Anthony Mackie y Jamie Dornan lideran la persecución

Mackie interpreta al agente desacreditado del FBI que intenta detener el golpe y perseguir a su responsable. Dornan encarna al criminal profesional estadounidense situado en el otro extremo del enfrentamiento. La trama seguirá sus decisiones antes, durante y después del asalto, con información distribuida entre las tres etapas temporales.

El reparto principal se completa con Jack Kesy, Agathe Rousselle, Sallie Harmsen, José Garcia y Kali Reis. Esta última llega al proyecto como nominada al Emmy. Las fuentes todavía no detallan los personajes que interpretarán ni cómo estarán relacionados con el operativo, la investigación o las consecuencias del robo.

El adelanto presentado por Apple TV se concentra en el choque entre los dos protagonistas y en la magnitud del objetivo. La persecución internacional parte de una rivalidad directa: el agente necesita recuperar terreno después de haber caído en desgracia, mientras que el delincuente debe completar el golpe y evitar su captura.

Fecha y calendario de estreno en Apple TV

12 12 12 debutará en Apple TV el viernes 13 de noviembre. El estreno incluirá sus dos primeros episodios, una modalidad que permitirá presentar las diferentes líneas temporales y establecer el conflicto central desde el comienzo.

Después de ese lanzamiento doble, Apple TV publicará un nuevo capítulo cada viernes. El calendario continuará hasta el 25 de diciembre, fecha indicada para la llegada de la última entrega prevista dentro de la emisión semanal.

El tráiler es el primer vistazo completo a la propuesta de Appleton y Keeble, aunque todavía no se informó la duración de los episodios. Los dos capítulos iniciales estarán disponibles desde el 13 de noviembre exclusivamente en Apple TV.

Una historia basada en el modo cooperativo

La serie tomará como punto de partida el contenido multijugador desarrollado por Sucker Punch. A diferencia de la campaña principal de Ghost of Tsushima, centrada en un conflicto histórico, Legends presenta una versión fantástica del Japón feudal inspirada en el folclore y la mitología japonesa.

En el videojuego, los participantes eligen entre cuatro clases de guerreros y colaboran para enfrentarse a demonios y otros enemigos sobrenaturales. El sistema cooperativo exige combinar las habilidades de los distintos personajes, una estructura que servirá como base para la adaptación animada.

Crunchyroll todavía no reveló detalles de la trama, el número de episodios o la duración de cada capítulo. Tampoco confirmó si la historia seguirá alguna de las misiones disponibles en el juego o utilizará sus conceptos para construir un relato nuevo.

El anuncio del retraso llegó junto con dos incorporaciones al elenco. Mayumi Sako, actriz que interpretó a la arquera Tomoe en el juego original, tendrá un papel todavía no identificado. Su participación no implica, por ahora, que volverá a interpretar al mismo personaje, ya que la producción mantiene esa información bajo reserva.

También se sumará Shinya Fukumatsu, conocido por interpretar a Bomb en One-Punch Man. Su personaje tampoco fue presentado. De esta manera, los dos primeros nombres comunicados tienen experiencia previa en videojuegos o producciones de acción, aunque todavía no se sabe quiénes encabezarán la historia.

El equipo detrás de la adaptación

La dirección estará a cargo de Takanobu Mizuno, responsable del cortometraje The Duel de la antología Star Wars: Visions. Ese episodio también combinaba referencias al Japón feudal con elementos fantásticos, aunque la nueva serie no tiene relación narrativa con aquella producción.

El guion será escrito por Gen Urobuchi, autor vinculado con obras como Psycho-Pass, Madoka Magica y Saya no Uta. Urobuchi es conocido por trabajar con relatos de ciencia ficción, fantasía oscura y personajes sometidos a conflictos extremos, elementos compatibles con los demonios y amenazas sobrenaturales del material que será adaptado.

La animación quedará en manos de Kamikaze Douga. El estudio trabajó en la serie de comedia Pop Team Epic y participó en producciones como Batman Ninja, junto con YamatoWorks, y Sand Land, en colaboración con Sunrise y Anima.

El equipo se completa con Keiji Inai como compositor musical y Yoshikazu Iwanami como director de sonido. La función de este último incluye supervisar la interpretación de voces, los efectos y la mezcla sonora, aspectos centrales para trasladar a la pantalla los combates y criaturas del juego.

La serie había sido presentada en enero de 2025 con Mizuno, Urobuchi y Kamikaze Douga entre sus principales responsables. En ese momento, el estreno estaba previsto para 2027. El nuevo anuncio modifica esa ventana, pero mantiene al equipo creativo informado originalmente.

Estreno exclusivo en Crunchyroll

Ghost of Tsushima: Legends se emitirá a través de Crunchyroll. La plataforma no detalló si el lanzamiento será simultáneo en todos sus territorios ni qué opciones de doblaje ofrecerá fuera de Japón.

El retraso extiende al menos un año la espera respecto del calendario inicial. La falta de una explicación impide saber si el cambio responde al estado de la animación, a decisiones de programación o a otro factor de producción. Tampoco se publicaron nuevas imágenes, avances o diseños de los personajes interpretados por Sako y Fukumatsu.

Crunchyroll todavía debe comunicar el día y el mes del estreno de Ghost of Tsushima: Legends.

El final de Juego de Tronos sigue levantando ampollas siete años después de su emisión, incluso entre sus propios actores. La octava y última temporada de la serie de HBO se despidió con algún que otro gazapo y con algunos de los episodios peor valorados de toda la ficción en IMDb. Uno de los problemas que marcaron su desenlace fue que la adaptación televisiva terminó adelantándose a los libros de George R. R. Martin.

Estrenada en 2011, la serie estaba basada en la saga literaria Canción de hielo y fuego, iniciada en 1996 y compuesta hasta la fecha por cinco novelas, la última publicada en 2011. El escritor, que participó como guionista durante las cuatro primeras temporadas, acabó desvinculándose progresivamente del proceso creativo, aunque previamente había compartido con los responsables de la ficción algunas de las principales líneas argumentales del desenlace.

Pese al fiasco del final, el éxito de la serie llevó a expandir el universo de Poniente, con series como La Casa del Dragón -que finalizará tras su cuarta temporada- o El caballero de los Siete Reinos, esta última estrenada a comienzos de año. Protagonizada por Peter Claffey y Dexter Sol Ansell, la ficción se ambienta un siglo antes de los acontecimientos de la serie original y sigue las aventuras de Ser Duncan el Alto, un joven caballero errante conocido como Dunk, y su escudero Egg, cuya verdadera identidad esconde una estrecha relación con la dinastía Targaryen.

Esbozos para saber más sobre los protagonistas

Sin embargo, hay una gran diferencia entre esta producción y su predecesora: que sus responsables ya conocen cómo se desarrollará la serie. El creador y showrunner de la ficción de HBO Max, Ira Parker, dispone de más de una decena de ideas del propio Martin para desarrollar las aventuras de Dunk y Egg, tal y como reveló en una entrevista concedida a The National en enero de este año. “Me ha compartido entre diez y doce pequeños esbozos más para libros, para novelas cortas, que narran la vida de Dunk y Egg a lo largo de toda su existencia”, explicó.

Hasta la fecha, Martin ha publicado tres novelas cortas protagonizadas por los dos caballeros: El caballero errante (1998), La espada leal (2003) y El caballero misterioso (2010). La primera ha servido como base para la temporada inicial de la serie, mientras que la segunda será adaptada en la próxima entrega, prevista para 2027.

En declaraciones a The Playlist, Parker reconoció que, aunque desconoce todos los detalles de las futuras aventuras de Dunk y Egg, sí sabe cuáles serán los “acontecimientos más importantes” de sus vidas. Por ello, considera que la nueva producción no tiene por qué enfrentarse a las mismas dificultades que su predecesora. “Sabemos dónde terminan. Conocemos acontecimientos importantes que les sucedieron”, ha señalado. Será cuestión de tiempo comprobar si esta ventaja es suficiente para evitar los errores que marcaron el desenlace de Juego de Tronos y ofrecer a los seguidores de Poniente un final a la altura de sus expectativas.

Luego de casi una década desde el final de su historia, Girls, la aclamada y controvertida serie de HBO creada por Lena Dunham, regresará con una continuación de cinco episodios. La producción comenzará en 2027 y reunirá a buena parte del elenco original para mostrar qué ocurrió con sus personajes y cómo enfrentan una nueva etapa de sus vidas.

El anuncio liberado este martes 13 de octubre confirma el regreso de Dunham como Hannah Horvath, junto con Allison Williams en el papel de Marnie Michaels, Jemima Kirke como Jessa Johansson y Zosia Mamet como Shoshanna Shapiro. Andrew Rannells también retomará su personaje de Elijah Krantz, uno de los protagonistas secundarios más recordados de la ficción.

Judd Apatow, productor ejecutivo de la serie original, volverá a participar en el proyecto junto con Dunham, Ilene S. Landress y Michael P. Cohen.

¿De qué tratará el regreso de ‘Girls’?

La continuación pondrá el foco en el paso del tiempo y en la distancia entre las expectativas que las protagonistas tenían durante sus veinte años y la realidad que encuentran al acercarse a los 40. Aunque HBO todavía no ha revelado una sinopsis detallada, Dunham explicó la razón que halló para volver a su obra más aplaudida.

“Siempre dijimos que solo regresaríamos a Girls si había una historia específica que nos moríamos por contar”, afirmó la creadora en un comunicado difundido por Variety.

“Extrañaba a estos personajes, pero durante mucho tiempo no lograba imaginármelos en la época actual. Luego, justo alrededor de mi cuadragésimo cumpleaños, empezaron a hablarme en la ducha. Y, como quizá recuerden, una vez que este grupo de cinco empieza a hablar, es bastante difícil hacer que se callen”, relató la creadora y actriz.

Dunham señaló que pensar en la distancia entre la mujer que imaginaba ser y la persona en la que se convirtió le permitió mirar de otra manera a Hannah y sus amigas. También destacó el cariño que el público mantuvo por la serie.

Por ahora, no se ha confirmado el regreso de Adam Driver, quien interpretó a Adam Sackler, el intermitente interés amoroso de Hannah. Su ausencia coincide con las revelaciones que Lena Dunham publicó en sus memorias Famesick, en abril de 2026, sobre las tensiones y presuntos conflictos con el actor durante el rodaje de Girls.

La serie que retrató las contradicciones de una generación

Girls, estrenada en abril de 2012, seguía a cuatro amigas que intentaban encontrar su lugar en Nueva York mientras atravesaban relaciones sentimentales complicadas, dificultades laborales, inseguridades y decisiones equivocadas. Hannah, una joven escritora interpretada por Dunham, encabezaba una historia que se apartaba de las representaciones idealizadas de la juventud para mostrar sus frustraciones y contradicciones. En la serie se hablaba de la sexualidad femenina, los vinculos afectivos y las dificultades de la adultez.

La producción concluyó el 16 de abril de 2017, después de seis temporadas y 62 episodios. Durante su emisión, Girls obtuvo 19 nominaciones a los premios Emmy y ganó dos estatuillas. En 2023, Variety la incluyó en su selección de las mejores series de televisión de todos los tiempos, en el puesto 86.

Tras la confirmación de los nuevos episodios en camino, Amy Gravitt, vicepresidenta ejecutiva y responsable de programación de comedia de HBO y HBO Max, celebró la oportunidad de reencontrarse con los personajes: “Decir que el mundo ha cambiado desde la última vez que vimos a Hannah, Marnie, Shoshanna, Jessa y Elijah es quedarse muy corto, pero sabemos que los fans, tanto los antiguos como los nuevos, estarán felices de ver cuánto han crecido”.

James McAvoy vivió una experiencia desagradable en su primer día como actor profesional. En 2001, poco después de graduarse de la escuela de actuación, el intérprete escocés llegó al rodaje de Band of Brothers (Hermanos de sangre) con un papel que incluía varias escenas y numerosos diálogos. Sin embargo, esa oportunidad también provocó una reacción hostil de uno de sus compañeros, quien consiguió que otros actores se sumaran a las burlas contra él.

El protagonista de Split, de 47 años, relató el episodio el lunes 12 de octubre en Watch What Happens Live, el programa conducido por Andy Cohen. Durante una dinámica en la que debía calificar sus experiencias laborales del uno al diez, McAvoy recordó el trato que recibió durante su debut profesional en la miniserie bélica de HBO.

Según relató el actor, todo ocurrió mientras se preparaban para grabar una secuencia en un bar, en la que participaban muchos integrantes del reparto. McAvoy explicó que varios de ellos llevaban entre nueve y diez meses en la producción, pero tenían intervenciones breves y debían esperar varios episodios para volver a decir una línea.

Su situación era distinta al interpretar al soldado James W. Miller. “Todos estaban molestos. Yo llego para un solo episodio y tengo toda una trama, varias escenas. Tengo un montón de diálogos”, recordó el actor.

De acuerdo con su relato, uno de los integrantes del elenco reaccionó contra él por esa diferencia. McAvoy no especificó si el compañero le expresó directamente su molestia, pero aseguró que organizó una burla en su contra durante aquella primera jornada.

“Uno de los tipos que aparecían en esa foto decidió hacerme bullying en mi primer día como actor profesional, recién salido de la escuela de actuación”, contó. “Hizo que él y sus amigos se pusieran de pie, me señalaran y se rieran de mí durante unos tres minutos”, recordó.

A pesar de que aludió a que el responsable estaba presente en la fotografía mostrada en el podcast, McAvoy se negó a revelar su identidad, incluso cuando Cohen y el otro invitado, Peter Krause, intentaron adivinar el nombre.

El intérprete sí descartó a David Schwimmer, quien también formó parte de la miniserie. “No fue David Schwimmer, porque él no está en esa foto”, aclaró.

Pese a la experiencia, McAvoy recordó que otros dos actores intervinieron para ofrecerle apoyo: Dexter Fletcher, quien interpretó al sargento John «Johnny» Martin, y Robin Laing, que encarnó al soldado Edward «Babe» Heffron.

“Me llevaron aparte y me dijeron: ‘Ven a pasar el rato con nosotros, hombre’”, relató.

Al final de la dinámica televisiva, McAvoy distinguió aquel primer día del resto de su experiencia en la producción. “Diría que, aparte de ese día, todo fue un nueve. Pero ese día se sintió como un dos”, afirmó.

Band of Brothers

Band of Brothers fue creada por Steven Spielberg y Tom Hanks, quienes también ejercieron como productores ejecutivos tras haber colaborado en la película Saving Private Ryan (1998), de la que la miniserie heredó recursos visuales y parte del equipo técnico.

La producción, basada en el libro homónimo del historiador Stephen E. Ambrose, se emitió en HBO entre septiembre y noviembre de 2001 y reconstruye la historia de la Compañía Easy, del 506.º Regimiento de Infantería Paracaidista de la 101.ª División Aerotransportada, desde su entrenamiento hasta la ocupación de Berchtesgaden al final de la Segunda Guerra Mundial. Su elenco incluyó a Damian Lewis, Michael Fassbender, Tom Hardy, Simon Pegg y Donnie Wahlberg, entre otros intérpretes.

La crítica la cita de manera recurrente entre las mejores series de la historia de la televisión y su éxito dio origen a otras dos producciones con la participación de Spielberg y Hanks: The Pacific (2010) y Masters of the Air (2024).

Después de su participación en la producción, McAvoy desarrolló una carrera cinematográfica con películas como The Last King of Scotland, Atonement y Wanted. También interpretó al profesor Charles Xavier en varias entregas de la saga X-Men.

Disney confirmó durante la New York Comic Con 2026 una nueva adaptación de Artemis Fowl: será una serie animada destinada a Disney+ y Disney Channel. El anuncio llegó durante el panel por los 25 años de la saga creada por Eoin Colfer, quien participará como productor ejecutivo. El proyecto ya recibió luz verde, aunque todavía no tiene fecha de estreno.

Un protagonista criminal vuelve a sus orígenes

La serie partirá de la historia presentada en la primera novela. Artemis Fowl es un niño de 13 años, heredero de una dinastía criminal, que destaca por su inteligencia, su capacidad para manipular a otros y una moral alejada de la del héroe juvenil tradicional.

Cuando descubre la existencia de una civilización subterránea de hadas armadas y tecnológicamente avanzadas, Artemis prepara un plan para capturar a una de ellas y robar su oro. Su objetivo es conseguir los recursos necesarios para ayudar a su madre enferma, recuperar la fortuna familiar y proteger a los Fowl de sus enemigos.

Ese punto de partida combina fantasía, ciencia ficción, espionaje, humor y drama familiar. También permite que el protagonista comience como el antagonista de su propia historia y cambie a lo largo de los libros, en lugar de ocupar desde el inicio el lugar de un héroe convencional.

Colfer publicó la primera novela en 2001 y escribió ocho entregas principales. La serie animada tendrá así una historia completa como base y más espacio que una película para desarrollar a las criaturas, las jerarquías y la tecnología de la sociedad subterránea. El formato episódico también puede dedicar más tiempo al contraste entre Artemis, convencido de que puede controlar cualquier situación, y unas hadas capaces de responder con recursos muy superiores a los humanos.

El fracaso de la película de 2020

Disney ya había intentado llevar Artemis Fowl a la pantalla con una película de acción real dirigida por Kenneth Branagh. El largometraje estaba planeado inicialmente para los cines, pero la pandemia cambió su lanzamiento y terminó estrenándose directamente en Disney+ durante 2020.

El reparto estuvo encabezado por Ferdia Shaw como Artemis, acompañado por Lara McDonnell, Josh Gad, Judi Dench, Colin Farrell y Nonso Anozie. Pese a esos nombres, la adaptación recibió fuertes críticas y generó rechazo entre numerosos lectores por los cambios introducidos respecto de las novelas.

Una de las modificaciones principales estuvo en la personalidad de Artemis. La película redujo su faceta de cerebro criminal y lo acercó a un protagonista juvenil heroico. También cambió la historia de su padre, mezcló elementos de las dos primeras novelas e incorporó un objeto mágico llamado Aculos, inexistente en el material original.

Esas decisiones alteraron el conflicto central de los libros: el choque entre un niño arrogante, calculador y peligroso y una sociedad de hadas que se niega a convertirse en víctima de sus planes. La nueva adaptación buscará recuperar esa identidad y empezar otra vez sin continuar la historia ni el enfoque del largometraje.

Eoin Colfer trabajará con veteranos de Disney

Colfer tendrá una participación directa como productor ejecutivo. El escritor dijo estar orgulloso y encantado de integrarse al equipo, y expresó su confianza en los responsables de trasladar a la animación el mundo de las hadas. Su presencia no determina cuánto se modificará el material, pero lo coloca dentro del proceso creativo desde el inicio.

El equipo incluye a Ben Juwono, vinculado con Moon Girl y Devil Dinosaur y Big Hero 6: La serie, y a Colleen Evanson, quien trabajó en la nueva Patoaventuras y en Monstruos a la obra. Ambos cuentan con experiencia en producciones animadas de Disney dirigidas al público infantil y familiar.

Ayo Davis, presidenta de Disney Kids & Family, explicó que la intención es presentar la saga a una nueva generación sin dejar de lado a quienes crecieron con los libros. Ese objetivo plantea una tensión concreta: hacer accesible la historia para espectadores jóvenes sin eliminar la faceta incómoda y criminal que distingue al protagonista.

La animación permitirá representar la magia, las criaturas mitológicas, los escenarios subterráneos y la tecnología de las hadas sin las mismas restricciones visuales de una producción de acción real. Disney ya difundió el primer póster de la serie, pero aún no informó cuántos episodios tendrá, qué parte de los libros adaptará, quiénes formarán el elenco de voces ni cuándo llegará a Disney+ y Disney Channel.

Mía Rubín defendió a Sasha Sokol ante la polémica por la serie de Timbiriche estrenada en ViX. La hija de Andrea Legarreta y Erik Rubín fue cuestionada sobre si considera justo que la producción pudiera lastimar a la cantante.

La declaración ocurrió durante un encuentro con la prensa, después de que Mía Rubín subió al escenario junto a Edwin Luna y La Trakalosa de Monterrey. La joven artista evitó extenderse sobre el tema, aunque su respuesta se sumó a la postura pública que su madre expresó antes del lanzamiento de la ficción.

La serie llegó a ViX el viernes 9 de octubre con sus dos primeros episodios. Tiene ocho capítulos y retoma la formación de la agrupación, los cambios de integrantes y episodios personales de quienes formaron parte de Timbiriche.

Sasha Sokol, Benny Ibarra, Alix Bauer, Mariana Garza, Diego Schoening y Erik Rubín se deslindaron de la producción. Los seis sostuvieron que no participaron en el proyecto ni autorizaron el uso de su imagen, voz o identidad.

Tras el estreno, Edith Márquez también se sumó a la inconformidad con el proyecto.

Mía Rubín dijo que Sasha Sokol forma parte de su familia

Mía Rubín fue entrevistada tras su participación en un evento musical con Edwin Luna. La cantante habló de su incursión en el regional mexicano, del respaldo que ha recibido de sus padres y de la nueva etapa que busca construir en su carrera.

En ese momento, una reportera le preguntó si le parecía justo que Sasha Sokol pudiera resultar lastimada por la serie de ViX. Mía no dio detalles sobre la producción ni abordó los posibles contenidos de los capítulos.

“No, obviamente no. Ella es mi familia”, respondió la intérprete antes de retirarse del lugar. Su declaración fue breve, pero dejó clara su cercanía con Sokol, quien compartió escenario y trayectoria con Erik Rubín desde los primeros años de Timbiriche.

Erik Rubín fue parte de la agrupación desde 1983 y mantuvo amistad con varios de sus integrantes a lo largo de las décadas. La relación entre las familias también se ha hecho visible en reuniones, conciertos y proyectos relacionados con los reencuentros del grupo.

Mía Rubín es hija de Erik Rubín y Andrea Legarreta. Aunque sus padres anunciaron su separación en febrero de 2023, ambos han mantenido una relación pública de acompañamiento hacia sus hijas, Mía y Nina Rubín.

Durante el encuentro, la joven cantante destacó el papel que han tenido sus padres en su formación. “Mis papás han sido una de las partes fundamentales por las cuales yo estoy donde estoy”, afirmó.

La artista explicó que Andrea Legarreta y Erik Rubín le han dado apoyo para desarrollar sus decisiones profesionales. “Siempre me han dicho: ‘Mi amor, nosotros te vamos a apoyar en lo que tú quieras’”, comentó ante la prensa.

La hija de Erik Rubín habló de su padre como mánager y porrista

Mía Rubín señaló que su padre no sólo ocupa un lugar en su vida familiar, sino que también participa en su carrera. Erik Rubín trabaja como su mánager y acompaña algunos aspectos de su desarrollo musical.

“Mi papá siempre es un amor, siempre es mi porrista”, dijo la cantante. También reconoció que recibe comentarios para mejorar, debido a que su relación laboral incluye observaciones sobre los aspectos que puede pulir como intérprete.

La joven afirmó que esas opiniones son bienvenidas porque le permiten crecer. “Más allá de ser papá e hija, también trabajamos y es mi mánager”, expresó sobre el vínculo profesional que mantiene con Erik Rubín.

Mía Rubín promovió su colaboración con Edwin Luna y habló sobre su acercamiento al regional mexicano. La cantante dijo que se sintió acompañada por La Trakalosa de Monterrey y describió la oportunidad como un paso que le permitió explorar otro género.

“Para mí cantar regional es muy divertido, me siento como pez en el agua”, declaró. Mía precisó que actualmente se mantiene enfocada en el pop, aunque no descarta volver a grabar temas de regional mexicano.

La artista también se refirió a su cambio de imagen. “Me siento muy yo, me siento libre”, sostuvo al hablar de la etapa que busca mostrar al público en sus nuevos proyectos.

Andrea Legarreta también respaldó a Erik Rubín y a los exintegrantes de Timbiriche

La reacción de Mía Rubín se conoció días después de que Andrea Legarreta compartió el comunicado difundido por Sasha Sokol, Benny Ibarra, Alix Bauer, Mariana Garza, Diego Schoening y Erik Rubín.

Los seis exintegrantes señalaron que no participaron en la creación de la serie y que desconocían el contenido completo de los capítulos. También afirmaron que no habían autorizado el uso de su imagen, voz o identidad.

“Ninguno de nosotros participó en la creación de esta serie ni fuimos consultados sobre las historias que en ella se cuentan”, escribieron los artistas en el documento difundido en redes sociales.

Andrea Legarreta replicó el texto y publicó un mensaje para expresar su respaldo. “Apoyo TOTAL!”, escribió la conductora de Hoy al compartir la postura de los exintegrantes.

La presentadora cuestionó que los derechos sobre el nombre de una agrupación permitan utilizar las historias personales de quienes fueron parte del proyecto. Legarreta sostuvo que tener el control del nombre no vuelve a nadie dueño de “los integrantes, las personas, sus nombres, sus vidas y sus historias”.

Además, Andrea Legarreta no apareció en la entrevista que el programa Hoy realizó con parte del elenco de la serie. La emisión recibió a Macarena García, Clara Dalmau y Sol Wainer, quienes interpretan a Sasha Sokol, Thalía y Mariana Garza, respectivamente.

La ficción presenta la historia de Timbiriche como una producción inspirada en hechos reales. El productor Pablo Cruz ha señalado que el proyecto se construyó a partir de información pública y una investigación periodística.

El caso de Sasha Sokol y Luis de Llano forma parte de la serie. La cantante sostuvo que la producción no cuenta con su autorización y que la ficción podría mezclar episodios reales con situaciones que no ocurrieron.

Mía Rubín no hizo más comentarios sobre la serie durante el encuentro con la prensa. Su respuesta se limitó a respaldar a Sasha Sokol y a definirla como parte de su familia.

El intérprete, de 32 años, habló con The Hollywood Reporter sobre el desafío de reinventarse profesionalmente después de una década ligada a un personaje que lo llevó a la fama internacional.

La producción, ambientada en un pueblo costero de Terranova, reúne a Heaton junto a Josh Hartnett y Mackenzie Davis. La trama sigue al pescador Calvin Penney, interpretado por Hartnett, y a sus hijos, uno de ellos encarnado por Heaton, mientras la comunidad enfrenta una situación caótica desatada por un cefalópodo.

El actor llegó al proyecto en un momento de transición: durante el verano de 2025, había terminado de filmar tanto “Stranger Things” como “Industry”, serie de HBO, aunque ninguna de las dos se había estrenado todavía.

Una decisión profesional marcada por el temor al estereotipo

Heaton reconoció que la finalización de “Stranger Things” generó incertidumbre sobre su futuro en la actuación. “Existe el temor de que, una vez terminada la serie, nadie te contrate o te pidan que hagas lo mismo”, afirmó el actor al medio estadounidense.

Esa preocupación lo llevó a buscar proyectos distintos y a retomar vínculos profesionales en el Reino Unido, donde hacía tiempo no contaba con representación. “Hacía tiempo que no tenía agente en el Reino Unido, así que sabía que era algo que quería retomar presencia allí e intentar hacer algo en el Reino Unido”, explicó.

Antes de sumarse a Below, el actor participó en varios episodios de la cuarta temporada de Industry, una experiencia que describió como un contraste necesario con su trabajo previo.

“Industry fue genial porque era algo totalmente diferente a lo que había hecho con Jonathan durante los últimos 10 años”, señaló Heaton, en referencia a su personaje en la serie de Netflix. Sobre el guion de Below, agregó: “Lo leí rapidísimo y me intrigó muchísimo. Sentí que realmente saltaba de la página”.

El rodaje en Terranova dejó una marca profunda

La ambientación de la serie, que el actor comparó con la “calidez a lo Spielberg” de producciones clásicas, conectó directamente con su infancia en Bridlington, una ciudad costera británica.

Esa coincidencia, sumada a su experiencia previa en ciencia ficción, facilitó su acercamiento al proyecto desde las primeras conversaciones con el creador Jesse McKeown y el director Jamie Childs, que en ese momento buscaban locaciones en la provincia canadiense.

El actor interpreta a Wade, un personaje que definió como un inadaptado dentro de su propia familia. “Tengo muchos amigos que se quedaron en mi ciudad natal. Sobre todo ese tipo de amigos que son inteligentes, tienen mucha energía, pero a veces la canalizan mal”, explicó al describir las referencias que utilizó para construir al personaje.

La estadía en la región influyó directamente en su trabajo actoral. “La cultura de Terranova es profunda, y aunque el guion de Jesse es de ciencia ficción, está profundamente arraigado en el folclore”, detalló Heaton. Agregó que la obra del creador de la serie constituye un homenaje a la cultura del lugar y a las experiencias que vivió durante su estadía.

El vínculo con la comunidad local y el aprendizaje del acento

Durante el rodaje, compartió tiempo con los habitantes del pueblo llamado Town of Old, donde existe un bar real que inspiró una de las locaciones de la ficción.

El actor destacó la hospitalidad de la comunidad: “Son muy buenos narradores, muy abiertos y receptivos. He oído decir que la amabilidad de los canadienses nació en Terranova”.

Entre las anécdotas que compartió, mencionó una cena improvisada con la familia de su chofer, Rob, tras una jornada complicada de filmación. “Terminé yendo a su casa, cenando con su familia”, recordó.

Además, destacó que “para mí, fue un gran ejemplo de lo que representa la cultura de Terranova”. Sobre el impacto de esa experiencia en el tono general de la producción, añadió: “Eso, en mi opinión, marcó la pauta para ese tipo de calidez que se percibe al comienzo del espectáculo”.

El dominio del acento regional representó otro de los desafíos técnicos del proyecto. Heaton contó que debió prepararse con videos, podcasts y programas de radio antes de viajar, ya que solo contó con tres semanas para aproximarse a una pronunciación que varía considerablemente entre bahías vecinas de la región.

Próximo destino: la secuela de “Peaky Blinders”

El actor ya tiene confirmada su participación en la próxima secuela de Peaky Blinders, también para Netflix, donde compartirá elenco con Jamie Bell.

“Es una de mis series favoritas de la televisión, así que por supuesto quería participar en ella”, afirmó Heaton sobre su incorporación al proyecto, que describió como uno de los trabajos que más concentración le exigió hasta el momento.

La serie, protagonizada por Juan Minujín, volverá a narrar episodios de la trayectoria del exrepresentante a partir de un nuevo punto de vista. En la ficción, Coppola conversa frente a la tumba de Maradona y repasa una relación profesional y personal que comenzó en 1984, atravesó décadas de exposición pública y dejó una colección de anécdotas vinculadas al fútbol, la noche y el ambiente mediático.

La segunda entrega propone ampliar el período abordado en la primera temporada. El relato incluirá acontecimientos de distintas etapas de la vida del representante, desde el ascenso que acompañó la carrera de Maradona hasta las pérdidas económicas y judiciales que marcaron un cambio en su recorrido.

La historia recorrerá cuatro décadas de la vida de Coppola

La nueva temporada tendrá como eje la idea de que una misma historia puede tener versiones diferentes. Desde ese recurso narrativo, los capítulos reconstruirán situaciones conocidas de la vida de Coppola, con una mirada de ficción atravesada por el humor y la comedia dramática.

El personaje interpretado por Minujín vuelve a reconstruir su pasado desde el presente. La trama viajará hasta los primeros años de su vínculo con el futbolista y avanzará por episodios que abarcan cerca de 40 años, entre ellos momentos de exposición, vínculos personales, conflictos y reinvenciones.

Los seis capítulos recorrerán el período que va del vínculo iniciado en 1984 con Maradona hasta la etapa en que Coppola debió empezar de nuevo. La producción incluirá referencias a pasajes que formaron parte de la vida pública del exmánager, como el casamiento de Diego, el llamado caso del jarrón y otros sucesos de los años de mayor notoriedad.

La serie no busca una reconstrucción documental de cada acontecimiento. En cambio, trabaja con hechos y personajes reales para desarrollar un relato ficcional que combina episodios reconocibles con situaciones dramatizadas.

Buenos Aires, Uruguay y Nápoles serán escenarios de los nuevos capítulos

La producción filmó escenas en Buenos Aires, Montevideo, Punta del Este y Nápoles, ciudades relacionadas con diferentes etapas de la vida de Coppola y del universo de Maradona. El rodaje comenzó en Uruguay y luego continuó en la Argentina e Italia.

Uno de los espacios utilizados para las grabaciones fue el propio departamento de Coppola, adaptado como set para recrear algunos momentos de la historia. La elección de escenarios permite acompañar el desplazamiento temporal del relato y las transformaciones en la vida del protagonista.

La realización mantiene al equipo central de la primera temporada. Mariano Cohn y Gastón Duprat figuran como creadores; Ariel Winograd dirige la serie y también ocupa el rol de showrunner. Los guiones están a cargo de Emanuel Diez, mientras que Pampa Films y Gloriamundi Producciones realizan el proyecto.

En declaraciones previas, Coppola contó que Winograd le adelantó que los nuevos episodios tendrían un tono más intenso que los de la primera parte.

Juan Minujín encabeza un elenco con nuevas incorporaciones

Además de Minujín como Guillermo Coppola, el reparto incluye a Mónica Antonópulos en el papel de Amalia “Yuyito” González; Macarena Achaga como Amalia Hassan; Jorgelina Aruzzi como Corina y María Marull como Silvia.

También participan Anna Favella como Doménica, Rodrigo Noya como Lucas Mateo, James Thomas Snyder como Micky Thorncroft y Joaquín Ferreira como Poli Armentano. El elenco se completa con Agustín Sullivan como Carlos Menem Jr., Mónica Raiola como Mary, Marina Bellati como Viviana, Alan Sabbagh como Mariano y Nicolás Mateo como el abogado Mariano Cúneo Libarona.

La segunda temporada de Coppola, el representante se estrenará en exclusiva en Disney+ el 23 de octubre.

Sofía Castro interpreta a Angélica Rivera en la bioserie que Netflix lanzará en 2027. La producción inició sus grabaciones este 12 de octubre de 2026 bajo la dirección de Ana Lorena Pérez Ríos Gómez y Teresa Simone, con la participación de El Estudio y el productor Pablo Cruz.

La historia reconstruye la transición de Rivera como protagonista de telenovelas hasta su llegada a Los Pinos como Primera Dama durante el sexenio de 2012 a 2018.

El proyecto cuenta con un equipo de guionistas integrado por Adriana Pelusi, Carolina Rivera, Larissa Andrade, Ana Sofía Clerici y José Miguel Núñez.

El caso de Castro se suma a una lista de producciones mexicanas donde los hijos asumen en pantalla la vida de sus progenitores.

Esta figura del meta-casting busca combinar el parecido físico con una cercanía emocional directa hacia el personaje representado.

El meta-casting se define como el recurso audiovisual donde la selección de un actor trasciende la interpretación tradicional e incorpora de forma consciente su identidad o sus lazos biológicos reales.

En los proyectos biográficos, esta técnica aprovecha el parecido físico, los ademanes heredados y la memoria íntima del intérprete para aportar un nivel de autenticidad que la caracterización convencional difícilmente consigue.

Sofía Castro asume la recreación de la etapa pública de Angélica Rivera

La serie explora el paso de la actriz por producciones como Destilando amor y La dueña, antes de su matrimonio con el expresidente Enrique Peña Nieto en 2010.

La trama abordará los momentos de mayor exposición mediática de la ex Primera Dama dentro de la vida política mexicana.

Sofía Castro declaró que interpretar a su madre en la etapa más compleja de su vida representa un honor y el mayor reto de su carrera artística.

La actriz compartió escenas con su madre durante la primera jornada de filmación confirmada por la plataforma de streaming.

Por su parte, Angélica Rivera afirmó que la serie busca mostrar a la mujer detrás de los titulares con sus errores y miedos.

La actriz optó por este formato audiovisual en lugar de un libro autobiográfico para narrar su vivencia personal en la esfera pública.

La bioserie de Joan Sebastian sentó un precedente de meta-casting en la televisión mexicana

El antecedente más directo de esta técnica en la televisión nacional ocurrió en 2016 con la serie ‘Por siempre Joan Sebastian’, producida por Carla Estrada para Televisa. En esa producción, dos hijos del cantante asumieron la interpretación de su padre en diferentes etapas de su vida.

José Manuel Figueroa encarnó a su padre durante su etapa adulta y de mayor éxito profesional. El cantante enfrentó el reto de caracterizarse como su progenitor mientras la familia atravesaba el duelo por el fallecimiento del músico ocurrido un año antes.

Su hermano Julián Figueroa interpretó al cantautor en sus años de juventud. La producción utilizó este recurso para mantener la verosimilitud en el tono de voz y los gestos característicos del artista originario de Juliantla.

La actuación de Carlo Guerra en el homenaje biográfico a Silvia Pinal

En 2019, la bioserie ‘Silvia Pinal frente a ti’ incorporó un ejercicio similar dentro de su elenco secundario.

El actor Carlo Guerra interpretó a su propio padre, el primer actor Rogelio Guerra, en las escenas que recreaban los años dorados del cine y la televisión nacional.

La directora Carla Estrada recurrió nuevamente a la línea consanguínea para representar a una de las figuras más importantes de la actuación en México.

Guerra caracterizó a su padre en los pasajes que narraban sus colaboraciones profesionales con la diva mexicana.

Esta decisión permitió a la producción evitar procesos complejos de caracterización externa.

La audiencia observó a un hijo recrear los ademanes y el estilo de actuación que su padre desarrolló durante décadas en la industria del entretenimiento.

Las manifestaciones del fenómeno en el teatro y los musicales en México

El fenómeno del meta-casting en México no se limita a las producciones para televisión.

En los escenarios teatrales y musicales, diversos artistas han compartido el rol de interpretar la historia familiar o encarnar a sus progenitores en homenajes en vivo.

El cantante Alexander Acha ha participado en montajes y presentaciones especiales donde interpreta el repertorio y la historia de su padre, Emmanuel.

Estas producciones construyen un puente entre generaciones a partir de la herencia vocal y la memoria del público.

Un caso similar ocurre con Mía Rubín, quien ha compartido escenarios teatrales y proyectos musicales con su padre Erik Rubín.

La joven actriz ha representado pasajes inspirados en la trayectoria de su familia dentro de la música pop mexicana.

El espejo de la industria internacional en el cine y la televisión

La industria cinematográfica de Estados Unidos registra casos donde la herencia biológica sostuvo proyectos biográficos de alto presupuesto.

En 2015, la película ‘Straight Outta Compton’ contrató a O’Shea Jackson Jr. para interpretar a su padre, el rapero Ice Cube.

La actuación de Jackson Jr. recibió reconocimientos de la crítica por la precisión en los movimientos y la voz.

El director F. Gary Gray seleccionó al actor tras un proceso de preparación dramática de dos años para garantizar el nivel interpretativo requerido por el estudio.

En 2021, la película ‘The Many Saints of Newark’ presentó a Michael Gandolfini en el papel de un joven Tony Soprano. El actor encarnó al personaje que su fallecido padre, James Gandolfini, volvió célebre en la serie The Sopranos.

El desafío de interpretar una experiencia política compartida desde Los Pinos

La participación de Sofía Castro en la serie de Netflix presenta una particularidad inédita en las producciones mexicanas.

A diferencia de otros casos centrados en la música, Castro vivió como adolescente el periodo en que su madre ocupó la residencia oficial de Los Pinos.

Durante el sexenio de 2012 a 2018, las hijas de Angélica Rivera acompañaron a la ex Primera Dama en eventos oficiales y giras internacionales.

La exposición mediática generó coberturas periodísticas y críticas públicas que afectaron directamente a los integrantes de la familia.

El guion de la serie aborda pasajes de esa etapa desde la perspectiva de Rivera. Sofía Castro interpreta la versión dramatizada de los hechos de los que fue testigo presencial durante su juventud en el entorno gubernamental.

La producción de El Estudio mantendrá los rodajes en locaciones de México durante los próximos meses. El estreno en 2027 revelará el resultado de esta recreación familiar en el catálogo global de la plataforma.

Amazon MGM Studios prepara una nueva serie de Stargate para Prime Video, con Jac Schaeffer, creadora de WandaVision y Agatha en todas partes, vinculada al desarrollo. El proyecto se encuentra en una etapa inicial y el estudio abrirá próximamente su sala de guionistas, aunque todavía no informó la historia, el reparto ni una fecha de estreno.

El equipo detrás del regreso

Schaeffer llegará al proyecto después de trabajar en dos series del Universo Cinematográfico de Marvel para Disney+. Creó la miniserie WandaVision, estrenada en 2021, y posteriormente estuvo detrás de Agatha en todas partes, lanzada en 2024.

La producción ejecutiva también contará con Joby Harold y Tory Tunnell, integrantes de Safehouse Pictures. Los tres participarán en una propuesta cuyo enfoque todavía no fue detallado: Amazon MGM Studios no indicó si continuará las historias anteriores, recuperará personajes conocidos o presentará un nuevo punto de entrada a la franquicia.

Según la información publicada originalmente por Variety, el próximo paso será abrir la sala de guionistas. Este término designa al grupo de escritores que trabaja de forma coordinada para definir la historia general, dividir los episodios y desarrollar personajes antes del rodaje.

La apertura de esa sala indica que la serie todavía atraviesa una fase temprana. Tampoco se conoce cuántos episodios tendrá, cuándo comenzará la producción o qué otros responsables creativos se incorporarán. Variety intentó obtener declaraciones de Amazon MGM Studios y Schaeffer, pero ninguna de las dos partes ofreció información complementaria.

De la película de 1994 a diez temporadas de televisión

Stargate comenzó en 1994 con Stargate, puerta a las estrellas, película dirigida por Roland Emmerich. Su historia introdujo una antigua estructura capaz de abrir conexiones entre planetas, una idea que tres años después dio el salto a la televisión.

Stargate SG-1 se estrenó en 1997 y permaneció al aire durante diez temporadas, hasta 2007. Esa extensa etapa convirtió a la televisión en el formato principal de la franquicia y permitió desarrollar durante años sus equipos de exploración, conflictos y destinos conectados por la puerta.

En 2004 comenzó Stargate Atlantis, serie ambientada después de los acontecimientos de la séptima temporada de Stargate SG-1. La producción se extendió hasta 2009 y trasladó la acción a otros escenarios sin abandonar la estructura de expediciones y viajes que caracterizaba a su predecesora.

La historia de SG-1 también continuó mediante producciones estrenadas directamente como películas. En 2008 llegaron Stargate: El arca de la verdad y Stargate: Continuum. Un año más tarde se lanzó Stargate SG-1: Hijos de los Dioses, una nueva versión del episodio piloto de la serie.

Una franquicia sin serie regular desde 2018

La producción televisiva más reciente fue Stargate: Origins, estrenada en 2018. La serie tuvo una única temporada de diez episodios y se centró en una etapa anterior de la cronología. Desde entonces, la franquicia no presentó otra ficción episódica.

El nuevo proyecto será exclusivo de Prime Video, pero todavía no está claro qué relación tendrá con las series y películas previas. Esa decisión será central para determinar si los espectadores necesitarán conocer Stargate SG-1 y sus derivados o si la propuesta estará diseñada para una audiencia nueva.

La participación de Schaeffer ofrece la primera referencia concreta sobre el perfil creativo de la producción. Sus trabajos recientes estuvieron ligados a historias televisivas derivadas de personajes y relatos ya establecidos, aunque Amazon MGM Studios no explicó qué funciones específicas asumirá más allá de su participación en el desarrollo y la producción ejecutiva.

Por ahora, tampoco hay actores asociados ni un calendario anunciado para el rodaje. El siguiente avance confirmado será la formación de la sala de guionistas, donde comenzarán a definirse la trama, los personajes y la estructura de la nueva serie de Stargate.

Las plataformas de streaming en México multiplican la producción de bioseries dramáticas creadas sin la autorización de sus protagonistas.

La estrategia comercial ampara a las empresas en investigaciones hemerográficas y materiales de dominio público para evitar la contratación de licencias biográficas y derechos de imagen.

El caso más reciente involucra a la agrupación pop Timbiriche y la plataforma ViX.

Seis de los integrantes fundadores publicaron un comunicado conjunto el 6 de octubre para deslindarse de la producción de 8 episodios programada para estrenarse el 9 de octubre.

Sasha Sokol, Benny Ibarra, Erik Rubín, Mariana Garza, Alix Bauer y Diego Schoening expresaron que la serie no cuenta con su consentimiento.

Ninguno de los cantantes autorizó la utilización de su nombre, voz, historia o identidad dentro del proyecto audiovisual.

El grupo advirtió a la audiencia que la trama incluye situaciones ficticias que nunca sucedieron.

Los intérpretes sostienen en su mensaje que existe una enorme diferencia entre inspirarse en una época y construir ficciones alrededor de personas vivas sin escucharlas ni involucrarlas.

El productor Pablo Cruz argumentó en conferencia de prensa desde Televisa San Ángel que la historia se construyó mediante investigación documental.

Cruz confirmó que la trama tiene como eje central el caso judicial de abuso sexual entre Sasha Sokol y el exdirectivo Luis de Llano.

El modelo de ficción amparado en el dominio público genera litigios en la industria

La disputa con Timbiriche reproduce un patrón recurrente visto con la serie sobre el conductor Paco Stanley. La producción de Prime Video titulada ¿Quién lo mató? desató el rechazo directo de los involucrados en el asesinato de 1999.

Mario Bezares, Paola Durante y la familia de Paco Stanley emitieron pronunciamientos públicos contra la empresa transmisora.

Los afectados denunciaron la distorsión de los hechos investigados por la fiscalía capitalina y la utilización comercial no consentida de sus nombres dentro del drama televisivo.

La estrategia de basar guiones en investigaciones hemerográficas evita la compra de derechos exclusivos.

Las compañías de entretenimiento reducen costos de producción al clasificar la serie como obra inspirada y no como una biografía autorizada por los protagonistas.

En 2022 la empresa TelevisaUnivision enfrentó un litigio con la familia del cantante Vicente Fernández por la emisión de El Último Rey.

La viuda del intérprete, María del Refugio Abarca, inició acciones legales apoyada en el registro de marca e identidad ante el IMPI.

La defensa de la televisora recurrió a los derechos de la obra periodística escrita por Olga Wornat. La empresa sostuvo que la trayectoria del cantante pertenece al interés público, por lo que la producción televisiva quedaba protegida por el derecho a la libertad de expresión.

La Suprema Corte de Justicia limita el uso comercial de la imagen sin consentimiento

El artículo 87 de la Ley Federal del Derecho de Autor en México prohíbe la reproducción comercial de la imagen de una persona sin su autorización explícita.

La norma establece excepciones para fines informativos o de interés público, pero excluye la dramatización comercial lucrativa.

La Primera Sala de la SCJN estableció en jurisprudencia que la explotación económica de la imagen sin aval vulnera derechos fundamentales.

El máximo tribunal determinó que el lucro comercial sin consentimiento prima sobre la libertad de expresión cuando existe una utilización mercantil directa.

Especialistas en propiedad intelectual señalan que la Ley de Responsabilidad Civil para la Protección del Derecho a la Vida Privada regula las afectaciones al honor.

Las producciones audiovisuales que distorsionan vivencias reales incurren en posibles demandas por daño moral e invasión a la privacidad.

Las plataformas aprovechan lagunas en la regulación digital sobre contenidos a la carta.

Las empresas operan bajo el argumento de que recrear eventos expuestos en medios de comunicación no constituye una apropiación directa de la identidad de los artistas.

La producción de bioseries no autorizadas incrementa debido al interés que generan los conflictos reales en los espectadores.

Los proyectos dramáticos sobre crímenes, adicciones o controversias de celebridades registran niveles elevados de reproducción en servicios de transmisión por suscripción.

Las plataformas evitan negociar licencias biográficas para acelerar las producciones

Adquirir los derechos biográficos oficiales de una celebridad representa contratos de más de 500,000 dólares en el mercado internacional.

Las plataformas acortan los plazos de desarrollo al omitir las negociaciones directas con los artistas o sus sucesores legales.

La bioserie sobre Roberto Gómez Bolaños produce cuestionamientos similares entre los exintegrantes del programa El Chavo del 8.

Las discrepancias entre herederos y actores sobre el uso de la imagen colectiva congelaron acuerdos de licenciamiento durante varios años.

Los seis integrantes de Timbiriche señalaron en su pronunciamiento que no descartan contar su versión en el futuro.

Los artistas aseguraron que realizarán su propio proyecto audiovisual cuando puedan garantizar el respeto a su historia y en su propia voz.

Las empresas de streaming continúan con el rodaje de series basadas en expedientes judiciales e historias de la farándula mexicana.

Las demandas civiles y administrativas interpuestas por los famosos avanzan en los juzgados sin detener la transmisión de los episodios en catálogo.

El elenco de Timbiriche, la serie de ViX, llegó el pasado 9 de octubre al programa Hoy para promover el estreno de la ficción inspirada en la agrupación.

Andrea Legarreta no participó en la entrevista, lo cuál generó comentarios en redes ya que días antes manifestó su apoyo a los exintegrantes que rechazan la producción.

La plataforma liberó los primeros dos episodios este viernes a las 19:00 horas. La temporada tiene ocho capítulos y los restantes llegarán cada viernes, de acuerdo con la información difundida previamente sobre la serie.

Durante la emisión de Hoy, Galilea Montijo y Raúl Araiza recibieron a Macarena García, Clara Dalmau y Sol Wainer, quienes interpretan a Sasha Sokol, Thalía y Mariana Garza, respectivamente.

Andrea Legarreta no participa en el segmento sobre la serie de Timbiriche

Andrea Legarreta no apareció ni intervino durante la conversación con las protagonistas de la serie. Si bien, los conductores no deben estar presentes en todas las secciones de Hoy, su ausencia ocurrió después de que fijó una postura pública frente al desacuerdo de parte de los integrantes originales.

El ángulo cobra atención porque Legarreta defendió a Erik Rubín, su expareja y padre de sus hijas, así como a Sasha Sokol, Benny Ibarra, Alix Bauer, Mariana Garza y Diego Schoening.

Los seis artistas señalaron a través de un comunicado que no participaron en la realización de la producción ni autorizaron el uso de su imagen, voz o identidad. También advirtieron que desconocen el contenido completo de la serie.

La ficción retoma el nacimiento y crecimiento de Timbiriche, pero el grupo sostuvo que existe una diferencia entre inspirarse en una época y construir una historia alrededor de personas identificables que no fueron consultadas.

Galilea Montijo y Raúl Araiza entrevistan a las actrices de ViX

Galilea Montijo presentó a Macarena García como la actriz que da vida a Sasha Sokol, mientras Clara Dalmau encarna a Thalía y Sol Wainer interpreta a Mariana Garza.

Wainer definió su incorporación al proyecto como “una locura” y afirmó que conocer el alcance del fenómeno de Timbiriche vuelve especial su participación. La actriz dijo que su familia reaccionó con entusiasmo cuando se enteró de que interpretaría a Mariana.

García explicó que su proceso tuvo un cambio antes de las grabaciones. La actriz señaló que inicialmente estaba considerada para otro personaje, aunque permaneció en el elenco después de una modificación durante los ensayos.

“Fue increíble. Fue como toda una experiencia medio loca”, comentó García durante la entrevista. La actriz sostuvo que el cambio le permitió vivir dos momentos dentro del mismo proyecto.

Dalmau, originaria de Uruguay, refirió que su mayor dificultad fue adoptar el acento mexicano para encarnar a Thalía. La actriz dijo que practicó desde que conoció a sus compañeros y mantuvo el acento hasta su última escena de rodaje.

“Estuve en acento mexicano” desde el inicio de la producción, expresó Dalmau. La intérprete aseguró que sus compañeros le ayudaron a ensayar para sentirse cómoda en las escenas y en los momentos de improvisación.

Los conciertos y las coreografías representan un reto para el elenco

Sol Wainer afirmó que las recreaciones de conciertos implican una carga especial para el reparto. La actriz sostuvo que debían representar la energía de la agrupación frente a públicos de menor tamaño que los que reunió Timbiriche en su etapa de mayor popularidad.

“Creo que los conciertos, que recreamos muchos, era una cosa de locos”, dice Wainer. La actriz menciona que las coreografías, las canciones y la adrenalina de esos momentos forman parte de las secuencias más exigentes y divertidas del rodaje.

Macarena García también detalló que el elenco tuvo acceso a materiales de investigación sobre la época. La producción les entregó archivos para escuchar música, revisar referencias y conocer elementos de los personajes que interpretarían.

La actriz señaló que el proceso incluyó talleres de integración, clases de canto y ensayos de baile. Galilea Montijo destacó que las canciones de Timbiriche siguen presentes en las reuniones de distintas generaciones.

Legarreta defendió antes a los integrantes de Timbiriche que rechazan la ficción

El 7 de octubre, Andrea Legarreta compartió en sus redes sociales el comunicado de los seis exintegrantes que se deslindaron de la serie. La conductora expresó respaldo a los artistas y cuestionó que el control del nombre de una agrupación implique controlar las historias personales de quienes la integraron.

“Apoyo TOTAL!”, escribió Legarreta en la publicación. Después señaló que ser dueños del nombre de un grupo no convierte a nadie en dueño de “los integrantes, las personas, sus nombres, sus vidas y sus historias”.

La conductora expresó que apoya a los miembros de Timbiriche como familia, amigos y fan. Su publicación se difundió antes del estreno de la producción de ViX este 9 de octubre.

La escena forma parte de “La casita del terror V”, uno de los episodios más recordados de la sexta temporada. En el segmento “Tiempo y castigo”, Homero intenta arreglar una tostadora y la convierte por accidente en una máquina del tiempo. Cuando advierte que llegó al pasado, lanza una frase que todavía despierta preguntas entre los seguidores: “Miren esto, soy la primera persona no brasileña que regresa en el tiempo”.

Para una parte del público, habituada a la cantidad de referencias culturales de la serie, la línea puede parecer uno de los tantos gags absurdos que duran apenas unos segundos. Sin embargo, durante años impulsó búsquedas y teorías sobre a quién podía aludir Homero.

Un recurso improvisado para cerrar el diálogo

La secuencia muestra a Homero Simpson atravesando realidades alteradas por sus viajes temporales. En una de ellas, los dinosaurios no se extinguen; en otra, Ned Flanders domina el planeta.

En medio de esos cambios, Homero se cruza con Sherman y el Sr. Peabody, dos personajes ligados desde hace décadas a los relatos de viajes en el tiempo.

La primera versión del libreto proponía un remate distinto. Homero debía decir que era “la primera persona de no ficción” en viajar en el tiempo. Sherman y Peabody respondían de inmediato que estaba equivocado y que, en realidad, era la segunda. La estructura hacía comprensible el gag, pero los guionistas buscaron una salida más inesperada para el diálogo.

De acuerdo con la reconstrucción publicada por Espinof, Brasil apareció durante esa búsqueda como un agregado de último momento. No hay un personaje, científico ni relato específico que explique al supuesto brasileño que habría viajado antes en el tiempo. El nombre del país quedó en la versión final sin una referencia identificable detrás.

Ese origen ayuda a entender por qué la frase no remite a una clave oculta. A diferencia de otras bromas de la serie basadas en películas, publicidades, personajes históricos o figuras reconocibles, el remate se apoya en la aparición inesperada de una nacionalidad dentro de una situación absurda.

Los nombres que alimentaron las especulaciones

La búsqueda de una explicación produjo varias hipótesis. Una de ellas fue incluida en una guía oficial de Los Simpson, que relacionó la frase con Carlos Castaneda, autor de libros sobre chamanismo, peyote y experiencias de percepción alterada. Sus obras incluyeron relatos de encuentros y visiones asociados a esos estados.

La teoría tiene problemas. Castaneda no afirmó haber viajado en el tiempo y, aunque sostuvo que había nacido en São Paulo, diversas investigaciones biográficas señalaron que era peruano. La hipótesis no explica ni la mención a Brasil ni el sentido del diálogo.

Otra lectura relacionó la frase con McOndo, una corriente literaria que tomó su nombre como un juego de palabras sobre Macondo, el pueblo ficticio creado por Gabriel García Márquez en Cien años de soledad, aunque con una propuesta casi opuesta: alejarse de los elementos fantásticos del realismo mágico para retratar una América Latina más urbana y contemporánea. La asociación con el chiste de Homero resulta débil, ya que no hay una conexión comprobable entre esa corriente, Brasil y el viaje temporal del episodio.

Entre los seguidores de la serie, también circuló en foros y comunidades de fanáticos el nombre de Alberto Santos-Dumont, pionero brasileño de la aviación. La teoría se apoyaba en la discusión histórica sobre los primeros vuelos con motor, en la que Santos-Dumont suele ser contrapuesto a los hermanos Wright. Aunque es una figura central para Brasil, no hay indicios de que esa controversia haya inspirado el remate, y la hipótesis no cuenta con respaldo en ninguna fuente oficial de la producción.

El cameo sí remite a una tradición de la televisión animada

El encuentro con Sherman y el Sr. Peabody sí tiene una referencia concreta. Ambos protagonizaban “Peabody’s Improbable History”, uno de los segmentos de Las aventuras de Rocky y Bullwinkle, una producción animada estadounidense emitida durante la década de 1960.

Peabody es un perro con anteojos y Sherman es el chico que lo acompaña. Ambos se trasladan a distintos momentos históricos a bordo de la máquina WABAC, cuyo nombre juega con la expresión inglesa “way back”, usada para hablar de un pasado lejano. Su aparición completa el remate original: Homero deja de ser el primer personaje de ficción que viaja en el tiempo porque Sherman y Peabody ya lo habían hecho antes.

Y aunque el paso del tiempo no resolvió el misterio, dejó claro el funcionamiento de la escena. Sherman y Peabody aportan el guiño a la historia de la animación; la frase de Homero, en cambio, quedó como un remate sin antecedente preciso. Más de 30 años después, esa falta de explicación sigue siendo parte del chiste.

La actriz Julia Louis-Dreyfus reveló que existieron “muchísimas” tensiones durante el rodaje de Seinfeld, la comedia que la hizo conocida a nivel internacional. La intérprete, que encarnó a Elaine Benes durante las nueve temporadas de la producción, atribuyó los roces a la exigencia del trabajo y a las extensas jornadas junto al resto del elenco.

En una charla para el podcast Friends Keep Secrets, la artista de 65 años recordó la dinámica que mantuvo con Jerry Seinfeld, Jason Alexander y Michael Richards. Aclaró, sin embargo, que las diferencias creativas no impidieron el disfrute de una serie que alcanzó una audiencia masiva en Estados Unidos.

Un elenco que trabajó unido por casi una década

Ante una pregunta sobre posibles fricciones entre los integrantes de la comedia, Louis-Dreyfus respondió sin rodeos que existieron y que fueron frecuentes. “Por supuesto. Sí. Muchísimas”, dijo sobre el período de grabación de la sitcom emitida por NBC entre 1989 y 1998.

La actriz vinculó ese clima con la búsqueda de calidad que atravesaba cada episodio. “Es difícil hacer algo realmente bien, requiere mucho trabajo y vas a tener roces”, explicó. Las discusiones acompañaron una producción que se mantuvo al aire durante 180 episodios, una extensión poco habitual para una comedia de situación.

Según relató, los desacuerdos surgían entre las ideas que los actores tenían para el desarrollo de sus personajes y los planes de los guionistas. Aun así, describió al elenco de Seinfeld como un grupo de relación cercana. “Éramos como niños”, afirmó sobre el vínculo construido en el estudio.

Para Louis-Dreyfus, esa convivencia daba lugar a que los intérpretes defendieran sus propuestas sin afectar la unidad del resultado final. La actriz sostuvo además que el método de trabajo se apartaba de las fórmulas más rígidas de la televisión estadounidense de la época. “Había una sensación de libertad”, señaló.

De una apuesta incierta a un fenómeno televisivo

La serie fue creada por Jerry Seinfeld y Larry David, y siguió las situaciones cotidianas de un comediante neoyorquino y su grupo de amigos, integrado por Elaine Benes, George Costanza y Cosmo Kramer. Su estreno fue el 5 de julio de 1989 y su último episodio se emitió el 14 de mayo de 1998.

Louis-Dreyfus contó que, al conocer los primeros capítulos, advirtió que el programa se apartaba de la estructura habitual de las comedias televisivas. Recordó que muchas producciones de entonces se organizaban alrededor de una premisa y un remate, mientras que Seinfeld apostaba por historias particulares y observaciones sobre la vida cotidiana.

La actriz incluso dudó de que NBC renovara la ficción después de los primeros episodios encargados por la cadena. Con el tiempo, esa previsión quedó lejos de los resultados que alcanzó el ciclo. La novena y última temporada rompió records en cantidad de espectadores.

El impacto fue todavía mayor en el desenlace. El episodio final reunió a 76 millones de personas en Estados Unidos, una cifra que ubicó a la serie entre los programas televisivos más vistos de la década de 1990. Para Julia Louis-Dreyfus, la dimensión de ese fenómeno resultó inesperada, incluso cuando la ficción ya se había consolidado en la programación de NBC.

La vigencia posterior de la ficción también sorprendió a la actriz que le dio vida a Elaine Benes. Las reposiciones y la disponibilidad de las nueve temporadas en Netflix mantuvieron a sus personajes presentes entre nuevas generaciones de espectadores.

El hecho que marcó la etapa posterior de la actriz

Una vez que finalizó, Louis-Dreyfus volvió a encabezar otra comedia de gran repercusión, Veep. En la producción de HBO interpretó a Selina Meyer, una exsenadora que acepta el cargo de vicepresidenta de Estados Unidos y descubre que el puesto tiene menos poder del que imaginaba.

El papel le otorgó seis premios Emmy consecutivos como mejor actriz principal de comedia, entre 2012 y 2017. La serie tuvo siete temporadas y sumó otro hito a la trayectoria de la actriz.

En septiembre de 2017, comunicó públicamente que había recibido un diagnóstico de cáncer de mama, una situación que obligó a interrumpir las grabaciones de Veep. En el podcast, definió ese período como “aterrador”.

Meses más tarde, después de someterse a una doble mastectomía, Louis-Dreyfus informó que estaba libre de cáncer. Al repasar esa experiencia, señaló que modificó su forma de mirar la vida. “El foco tiene que estar en lo que importa”, sostuvo al hablar de las prioridades que estableció después del tratamiento.

Al descartar el suspenso procedimental del “quién lo hizo”, Meriwether libera al relato de su obligación más cómoda. La atención se desplaza hacia el “por qué” y, sobre todo, hacia las fisuras institucionales que permiten que hombres acomodados operen con impunidad durante décadas. Catherine (Lola Petticrew), la asesina, y Alice Black (Emmy Rossum), la agente del FBI que la persigue, comparten un origen común: ambas fueron víctimas de abusos severos durante su infancia. Sus vidas adultas son, cada una a su manera, la continuación de esa violencia por otros medios.

La serie postula algo incómodo con una claridad perturbadora: exigir a las sobrevivientes que sean simpáticas, compasivas e inofensivas constituye una extensión del abuso institucional. Catherine dirige su furia hacia afuera, asesinando metódicamente a los hombres que integraron la red que la victimizó. Alice la dirige hacia adentro, castigándose por un pasado del que no es culpable. La diferencia entre la representante de la ley y la asesina serial no radica en su constitución ética, sino en la dirección de su rabia acumulada.

El trauma sin espectáculo

Una de las decisiones creativas más resonantes de la producción es su negativa absoluta a mostrar los abusos del pasado. No hay un solo flashback de las violencias sexuales que moldean a los personajes. Meriwether y Rossum han explicado en varias entrevistas que nada en la serie es gratuito: el horror se narra a través de sus consecuencias, no de su espectáculo.

El peso recae en la actuación y en una puesta en escena que traduce el trauma a lenguaje visual. Alice abraza su propio cuerpo en la soledad de su departamento, pierde el hilo de sus palabras en momentos inesperados, rechaza con pánico un objeto tan mundano como una pera que su hermana le ofrece. Son señales de un sistema nervioso que sigue respondiendo a una amenaza que ya no está presente pero que el cuerpo aún no ha podido archivar. La serie conecta con el principio psiquiátrico de que el trauma no es un evento pasado sino una entidad que reside en el cuerpo y emerge de maneras impredecibles.

Esa misma filosofía organiza la gramática visual del relato. La directora de fotografía utiliza barreras arquitectónicas —marcos de puertas, pilares, divisiones— para representar los muros psicológicos que los personajes construyen. Los planos se amplían cuando la violencia ocurre en defensa propia, generando una distancia que impide el voyeurismo. Los espejos fracturados y los encuadres opresivos traducen visualmente los ataques de pánico y la percepción distorsionada de la protagonista.

La serie no elude las conexiones con el clima cultural de la última década. Las redes de explotación infantil, los millonarios intocables y el silencio cómplice de las instituciones articulan una denuncia que la crítica ha leído en clave del universo que reveló el caso Jeffrey Epstein, aunque la producción evita cualquier referencia explícita a figuras reales.

Furious consiguió renovación para una segunda temporada apenas cuatro días antes de emitir su final, respaldada por un incremento del 40% en visualizaciones semana a semana y un índice de aprobación del 98% en Rotten Tomatoes. El episodio de cierre, Hart Island, deja a Alice en posesión de una lista encriptada de usuarios del material de abuso y habiendo cometido ella misma un asesinato premeditado. La cacería ha terminado; la metamorfosis, apenas comienza.

Lo que la serie deja instalado no es una respuesta sino una incomodidad productiva: la sociedad destina todos sus recursos punitivos a la mujer que responde con violencia a su trauma, mientras los arquitectos originales del abuso continúan operando bajo la protección de los procedimientos que ellos mismos diseñaron.

El doble desafío de Pryce y Santi

Wilson interpreta a Pryce Cahill, un exgolfista profesional cuya carrera terminó antes de tiempo hace 20 años. Al comienzo de la serie, el personaje atraviesa el fracaso de su matrimonio y pierde su trabajo en una tienda de artículos deportivos de Indiana. Sin demasiadas alternativas, concentra sus esfuerzos en ayudar a Santi, interpretado por Peter Dager, un prodigio del golf de 17 años con problemas personales.

Los nuevos episodios mostrarán a Santi dando el siguiente paso hacia el circuito profesional. El joven descubrirá que su relación con el deporte cambia cuando el talento deja de ser una promesa y se transforma en una exigencia constante. Su progreso deportivo estará acompañado por nuevas presiones y por las expectativas de quienes lo rodean.

Ese recorrido lleva a Pryce a preguntarse si todavía tiene una oportunidad propia. Motivado por su antiguo rival, Clark Ross, encarnado por Timothy Olyphant, el exjugador decide volver al campo con un objetivo difícil: convertirse en el golfista de mayor edad en ganar un major, nombre que reciben los torneos de máxima categoría del golf profesional.

El regreso obliga a Pryce a revisar las razones por las que nunca alcanzó el nivel que otros esperaban de él. Cuanto más se acerca al jugador que fue, más difícil resulta evitar las decisiones y frustraciones que marcaron su primera etapa como profesional. La temporada combinará así el avance de Santi con el intento de recuperación deportiva y personal de su mentor.

Una entrenadora nueva y más figuras del golf

Pryce contará con la ayuda de Amanda, una nueva entrenadora interpretada por Rhea Seehorn. También seguirá acompañado por Mitts, su caddie de confianza, a cargo de Marc Maron. Un caddie es la persona que lleva los palos durante una ronda y asesora al jugador sobre distancias, condiciones del campo y selección de golpes.

El reparto de la segunda temporada incluye a Mariana Treviño, Lilli Kay, Judy Greer, John Higgins, Billy Zane, Rex Linn, Sasha Alexander y Missi Pyle. Las fuentes no detallan qué función tendrán sus personajes dentro del nuevo conflicto deportivo.

Los episodios sumarán apariciones especiales vinculadas directamente con el golf. Participarán los comentaristas Jim Nantz y Trevor Immelman, junto con Matt Scharff y Dan Rapaport, dos personalidades conocidas por sus contenidos y su relación con ese deporte.

La incorporación de figuras reales permitirá que la historia se acerque al entorno mediático de las competencias, mientras Pryce intenta recuperar su lugar y Santi empieza a recibir una atención mayor. El tráiler concentra ese contraste: uno busca reconstruir una carrera interrumpida y el otro debe aprender a responder cuando sus resultados pasan a ser observados y evaluados.

Calendario y equipo creativo

La serie es una producción de Apple Studios creada por Jason Keller, guionista relacionado con películas como Blancanieves (Mirror, Mirror) y Ford v Ferrari. Keller también trabaja como showrunner, es decir, como principal responsable creativo y de producción durante el desarrollo de la temporada.

Keller comparte las tareas de producción ejecutiva con Owen Wilson, Ben Silverman, Guymon Casady, Christopher Moynihan, Rodney Ferrell, Howard T. Owens, Drew Buckley, Lee Eisenberg y Bill Callahan.

Apple TV publicará los dos primeros capítulos el 4 de noviembre. Después de ese estreno doble, la plataforma incorporará un episodio nuevo cada miércoles. La temporada tendrá diez entregas en total y el décimo capítulo quedará disponible el 30 de diciembre.

Netflix dio luz verde a una nueva serie limitada de Bridgerton, centrada en la juventud de Lady Violet y su relación con Edmund Bridgerton, su futuro esposo. La producción todavía no tiene título, elenco ni fecha de estreno confirmados y estará a cargo de Shondaland, con Shonda Rhimes y Nicholas Nardini como responsables creativos.

Una historia anterior a Bridgerton

La precuela transcurrirá años antes de los acontecimientos de la serie principal. Su eje será el romance entre una joven Violet y Edmund, quien más adelante se convertiría en vizconde y padre de los ocho hermanos Bridgerton.

En la producción principal, Violet es interpretada por Ruth Gemmell. El personaje aparece como la matriarca viuda de la familia y acompaña a sus hijos durante sus respectivos ingresos al mercado matrimonial. La nueva ficción permitirá mostrar una etapa previa de su vida, antes de que ocupara ese lugar dentro de la familia.

La historia cuenta con una referencia literaria directa: Violet in Bloom, novela corta escrita por Julia Quinn sobre la relación de Violet y Edmund. Este material diferencia al proyecto de Queen Charlotte: A Bridgerton Story, que desarrolló una trama original a partir de personajes presentes en los libros de Quinn.

Netflix todavía no informó quiénes interpretarán las versiones jóvenes de Violet y Edmund. Tampoco detalló la cantidad de episodios ni anunció cuándo comenzará el rodaje. Su formato será el de una serie limitada, es decir, una producción concebida para narrar una historia cerrada en una sola entrega.

El regreso de Shonda Rhimes al guion

Rhimes escribirá la serie, será productora ejecutiva y compartirá el puesto de showrunner con Nardini. El término identifica a quienes supervisan las decisiones creativas y la producción cotidiana de una ficción televisiva.

El proyecto marcará el regreso de Rhimes como guionista de una serie desde Queen Charlotte: A Bridgerton Story, estrenada en 2023. En esa producción escribió la mayoría de los episodios. Nardini firmó uno de ellos y colaboró con Rhimes en otro, una experiencia que ahora continuará con la historia de Violet.

Queen Charlotte fue el primer spin-off oficial de Bridgerton. Un spin-off es una producción derivada que toma personajes o elementos de una obra anterior para contar otra historia. Aquella miniserie siguió el matrimonio de Charlotte y el rey George, además de abordar la relación de Lady Danbury con la familia real.

La ficción de 2023 también presentó versiones jóvenes de Lady Danbury y Violet, lo que abrió la posibilidad de explorar otros acontecimientos anteriores a la serie central. Las conversaciones sobre una nueva precuela comenzaron después de su estreno en mayo de ese año.

La participación de Rhimes conecta ambos proyectos derivados, aunque la nueva serie tendrá como punto de partida un romance que ya había sido narrado por Quinn. Netflix no confirmó cuánto contenido de Violet in Bloom será trasladado a la pantalla ni si la adaptación incorporará tramas originales.

La quinta temporada avanza en paralelo

Mientras prepara la precuela, Netflix mantiene en producción la quinta temporada de Bridgerton, cuyo estreno está previsto para 2027. Los nuevos episodios estarán protagonizados por Francesca Stirling, interpretada por Hannah Dodd, y Michaela Stirling, encarnada por Masali Baduza.

La trama continuará dos años después de la muerte de John Stirling, esposo de Francesca y primo de Michaela. Tras quedar viuda, Francesca decidirá regresar al mercado matrimonial por motivos prácticos. Sus planes cambiarán cuando Michaela vuelva a Londres para ocuparse de los asuntos relacionados con la propiedad de Kilmartin.

Esta entrega tendrá el primer romance central de Bridgerton protagonizado por una pareja del mismo sexo. La historia toma como base When He Was Wicked, la novela de Julia Quinn dedicada al arco de Francesca.

La adaptación televisiva introdujo un cambio respecto del libro: el personaje equivalente a Michaela es Michael Stirling, un hombre. Para la serie, el papel fue convertido en una mujer y su relación con Francesca será el centro de la temporada prevista para 2027.

En el marco de la New York Comic Con 2026 pudimos asistir al panel de Avatar: Los Siete Refugios de Paramount+, donde participaron Michael Dante DiMartino y Bryan Konietzko.

Allí se llevó a cabo el anuncio de Avatar Kuruk: Wave of Chaos, una nueva serie animada original de Paramount+ que se sumará a la icónica franquicia.

La producción estará a cargo de Avatar Studios y Nickelodeon Animation Studios, con Konietzko como showrunner.

En el panel se brindaron detalles de la sinopsis: la nueva serie seguirá a Kuruk, un Avatar adolescente que desafía miles de años de tradición al decidir aprender los cuatro elementos mientras recorre el mundo.

En su aventura deberá mantenerse un paso adelante de su enojado maestro, enfrentarse a piratas revoltosos y lidiar con espíritus caóticos, mientras ayuda a los demás a su propia manera. Durante el panel, los asistentes pudieron ver un primer adelanto exclusivo del personaje y de su mascota, Nikik.

Por el momento, la serie no tiene fecha de estreno confirmada, y todavía no se revelaron más detalles sobre su lanzamiento en Paramount+.

Mientras tanto Avatar: Los Siete Refugios ya cuenta con sus primeros tres episodios disponibles.

La producción será lanzada este viernes a través de ViX y reunirá a jóvenes intérpretes para recrear el origen del grupo y el camino que transformó a varios niños y adolescentes en figuras del pop mexicano.

La propuesta llega en un momento en que seis de los exintegrantes de la banda mostraron su descontento con el uso no autorizado de su imagen.

De igual manera, Luis de Llano emitió un comunicado donde su equipo legal también desaprobaba la serie.

La serie de Timbiriche recreará el inicio de la agrupación en los años 80

La ficción estará inspirada en hechos reales y se concentrará en los sueños, las relaciones personales y las exigencias que aparecieron alrededor de los primeros pasos de la banda.

La historia no será un documental. El proyecto buscará construir una narración dramática basada en el ascenso del grupo, sus vínculos y los conflictos que acompañaron la exposición pública de sus integrantes.

La serie de ViX contará cómo Timbiriche pasó de ser un proyecto infantil a una agrupación con presencia en la música, la televisión y la cultura juvenil mexicana. La trama se ubicará en los años 80 y pondrá el foco en el cambio que vivieron sus protagonistas cuando la fama alteró sus rutinas, responsabilidades y aspiraciones.

El elenco incluye a Macarena García, Sebastián Poza, Luis de la Rosa, Iker Solano, Michelle Pellicer, Edu Maruri, Andrea Chaparro, Sol Wainer, Jesusa Ochoa, Clara Dalmao, Osvaldo Benavides y Alberto Guerra.

La producción mostrará el contraste entre los deseos de los jóvenes artistas y las presiones que llegaron con el crecimiento del fenómeno musical.

La amistad será uno de los ejes del relato, junto con los desafíos personales que atravesaron los miembros del grupo durante una etapa en la que crecían frente a las cámaras y ante un público que seguía cada uno de sus pasos.

El anuncio del proyecto despejó parte de las versiones que habían circulado entre los seguidores sobre la posibilidad de adaptar la historia de Timbiriche a una serie. Con la presentación del reparto, la atención se trasladó hacia los actores elegidos para encarnar a las figuras de aquella primera época.

El estreno está previsto para el 9 de octubre en ViX. La producción tendrá ocho capítulos de 45 minutos cada uno.

¿Quién será quién en la serie?

La elección de los actores permitirá volver a ver en pantalla a las voces y rostros que marcaron distintas etapas de la agrupación. Algunos personajes pertenecen a la formación original, mientras que otros se incorporaron cuando el grupo ya era uno de los nombres más populares de la música juvenil.

La siguiente es la relación de intérpretes y personajes:

• Macarena García interpretará a Sasha Sokol.
• Sebastián Poza dará vida a Benny Ibarra.
• Iker Solano interpretará a Diego Schoening.
• Luis de la Rosa encarnará a Erik Rubín.
• Michelle Pellicer será Paulina Rubio.
• Sol Wainer interpretará a Mariana Garza.
• Jesusa Ochoa dará vida a Alix Bauer.
• Edu Maruri encarnará a Eduardo Capetillo.
• Andrea Chaparro interpretará a Edith Márquez.
• Clara Dalmao será Thalía.
• Osvaldo Benavides interpretará al productor Luis de Llano.
• Alberto Guerra forma parte del elenco anunciado, aunque el material disponible no precisa el personaje que interpretará.

La presencia de Osvaldo Benavides como Luis de Llano suma una figura vinculada al origen del proyecto. El productor tuvo un papel en la creación de la agrupación que fue concebida para conquistar al público infantil y juvenil de México.

La ficción tendrá el desafío de presentar a los personajes antes de que sus nombres quedaran asociados a carreras individuales. Sasha Sokol, Benny Ibarra, Paulina Rubio, Thalía, Erik Rubín y Eduardo Capetillo siguieron caminos propios dentro de la música, la actuación y la televisión después de sus etapas en el grupo.

Para los seguidores que vieron a Timbiriche en programas de televisión, conciertos y videoclips, el interés no pasa solo por reconocer canciones o vestuarios. La serie propone regresar a un tiempo anterior al éxito consolidado, cuando el grupo todavía era una apuesta juvenil que empezaba a ocupar un lugar en el entretenimiento mexicano.

La producción también reunirá en una misma narración a integrantes que pertenecieron a distintas formaciones. Esa decisión abre la posibilidad de observar cómo los cambios en el elenco acompañaron la evolución musical y pública de la banda.

Timbiriche nació en 1982 como respuesta mexicana a Parchís

La historia de la agrupación comenzó el 30 de abril de 1982, cuando Televisa seleccionó a seis niños para formar un grupo que buscaba replicar en México el impacto de Parchís.

La primera alineación estuvo integrada por Sasha Sokol, Benny Ibarra, Alix Bauer, Paulina Rubio, Mariana Garza y Diego Schoening. El debut incluyó el tema “Hoy tengo que decirte, papá”, una de las canciones con las que el proyecto comenzó a ganar visibilidad.

Poco después de publicar su primer disco, los integrantes participaron en Siempre en Domingo, el programa conducido por Raúl Velasco. Miguel Bosé apadrinó aquella aparición televisiva.

El grupo fue ampliando su alcance con discos, presentaciones y una presencia constante en medios. La fórmula combinó canciones dirigidas al público joven con la cercanía que generaba ver a sus integrantes crecer frente a las cámaras.

Con el tiempo, la formación atravesó relevos. Erik Rubín ingresó a la banda, mientras Benny Ibarra dejó el proyecto para estudiar música en Estados Unidos.

En 1986, Sasha Sokol inició su carrera como solista. Thalía ocupó su lugar en una etapa que incorporó canciones como “Besos de ceniza”, “Con todos menos conmigo”, “Si no es ahora”, “No seas tan cruel” y “Mírame”, incluidas en el álbum Timbiriche VII.

Diego Schoening fue el único integrante que permaneció desde el comienzo hasta el cierre de la primera etapa del grupo. Timbiriche dejó de realizar conciertos y grabar discos en 1994, sin un anuncio oficial que formalizara su despedida.

A lo largo de su recorrido, también pasaron por la agrupación Bibi Gaytán, Silvia Campos, Edith Márquez y Jean Duverger. Cada cambio abrió una etapa distinta dentro de una banda que conservó el interés del público durante años.

Los seis miembros fundadores volvieron a coincidir en 1998 durante el Festival Acapulco. Al año siguiente realizaron una gira que estableció un récord de presentaciones consecutivas en el Auditorio Nacional.

La agrupación tuvo otro reencuentro en 2007, cuando celebró su 25° aniversario sin la participación de Paulina Rubio. Más adelante, Benny Ibarra, Sasha Sokol, Erik Rubín, Alix Bauer, Mariana Garza y Diego Schoening realizaron una gira que terminó en marzo de 2019.

Los videoclips remasterizados recuperaron una parte visual del fenómeno

El anuncio de la serie coincide con una nueva circulación digital del archivo audiovisual de Timbiriche. La agrupación publicó el 17 de septiembre una selección de videoclips remasterizados con imagen en alta definición.

El material está disponible de manera gratuita en TimbiricheVEVO, el canal oficial del grupo en YouTube. La colección reúne 13 videos que corresponden a distintas etapas de su trayectoria.

Entre los clips difundidos figura “Tú y yo somos uno mismo”, que al momento de la publicación acumulaba 3,6 mil reproducciones. Los videos conservan la estética original de su época, aunque fueron presentados con una restauración visual.

El segundo artículo de Infobae sobre el relanzamiento precisó que la novedad no estuvo acompañada por anuncios de una gira, un nuevo disco o una reunión de exintegrantes. La iniciativa se concentró en recuperar producciones que durante años circularon en copias de baja calidad o en fragmentos compartidos en redes sociales.

Para el público que guarda recuerdos de las coreografías, los peinados, los discos y las tardes frente a la televisión, los clips restaurados funcionan como una puerta de regreso a esas imágenes. La serie, por su parte, planteará una mirada de ficción sobre el momento en que todo ese fenómeno empezó.

La combinación entre los videos recuperados y la próxima producción de ViX vuelve a poner a Timbiriche frente a nuevas generaciones. La banda ya no será solo un recuerdo en canciones conocidas: también será una historia dramatizada sobre los jóvenes que estuvieron detrás de uno de los grupos más recordados del pop mexicano.

El asesinato del cirujano colombiano Edwin Arrieta a manos de Daniel Sancho en Tailandia, en agosto de 2023, llega a la ficción de la mano de Netflix. Así lo ha anunciado este viernes la plataforma a través de sus redes sociales, donde también ha desvelado quién será el protagonista de la miniserie: Martiño Rivas. El actor coruñés de 41 años, conocido por sus papeles en El Internado, Las chicas del cable o recientemente El problema final, encabezará el reparto de esta nueva producción, que comenzará a rodarse próximamente en diferentes localizaciones de España y Tailandia.

Según ha explicado Netflix en un comunicado, se tratará de una “recreación ficcionada” de uno de los casos que más atención mediática ha acaparado, aunque por el momento, la plataforma no ha desvelado el resto del reparto ni ha ofrecido detalles sobre el enfoque que adoptará la historia.

Lo que sí se sabe es que detrás de la producción estará Bambú Producciones, la compañía liderada por Ramón Campos, que ejercerá como productor ejecutivo. El nuevo proyecto de la productora es la enésima apuesta de Netflix por el true crime, entre ellos el asesinato de la menor Asunta Basterra a manos de sus padres en El caso Asunta, El cuerpo en llamas, inspirada en el crimen de la Guardia Urbana, o El juego de la viuda, sobre el asesinato de Antonio Navarro Cerdán en Valencia.

Del crimen a la ficción

Fuera del true crime, Sancho, hijo del actor Rodolfo Sancho, fue condenado en verano de 2024 a cadena perpetua por premeditar el asesinato del cirujano en Tailandia, después de que este, chef de profesión, lo descuartizara alegando defensa propia tras haber sido víctima de un supuesto ataque sexual. Ambos se conocieron en 2022 a través de Instagram y se habían visto en varias ocasiones en España antes de citarse en Tailandia. Para llevar a cabo su asesinato, Sancho compró cuchillos, una sierra y productos de limpieza.

El juicio, celebrado entre abril y mayo de ese mismo año, terminó con la mencionada condena y una indemnización de 4,4 millones de bahts (aproximadamente 106.000 euros) a la familia Arrieta. En la prisión de Surat Thani, conocida por ser un centro penitenciario de máxima seguridad, Sancho comparte celda con unos 16 presos y duerme en el suelo sobre mantas.

La noticia llega, además, después de que hayan trascendido unos audios de Sancho desde prisión. En una conversación telefónica a la que tuvo acceso OkDiario y que data de octubre de 2025, el asesino confeso le pidió a su madre, Silvia Bronchalo, que trasladase 100.000 euros a Tailandia para respaldar la compra de un terreno con el que pretendía obtener la libertad provisional e influir en la asignación de los jueces de su caso. “Parecía que íbamos a ganar sin tener que hacer nada, pero me han jodido”, dijo él durante la conversación. “Hemos intentado ganar por las buenas, pues ahora hay que ganar por las malas”. El chef también intentó que se lo pagara su padre, quien se negó porque “era una estafa”.

Disney+ difundió las primeras imágenes de The Land: Más allá del juego, la nueva serie dramática de Dan Fogelman que llegará el 15 de febrero a Hulu en Disney+. La ficción tendrá un estreno de dos episodios y luego sumará una entrega cada lunes, con una historia ambientada en el entorno de los Cleveland Browns y atravesada por conflictos familiares, deportivos y empresariales.

La producción marca el regreso de Fogelman a un relato coral de vínculos familiares, tras su trabajo como creador de This Is Us y Paradise. En esta oportunidad, el eje estará puesto en una franquicia de la NFL que busca recuperarse después de una seguidilla de campañas sin resultados.

El entrenador Danny Roarke, interpretado por Christopher Meloni, llega a un punto límite en su carrera. Después de varias temporadas decepcionantes, deberá intentar cambiar el destino de los Browns con una decisión que también impactará de lleno en su vida privada: el nuevo mariscal de campo elegido en el draft proviene de Ohio State y es su propio hijo.

Un padre y un hijo bajo presión en Cleveland

La relación entre Roarke y el joven jugador será uno de los núcleos de The Land: Más allá del juego. El entrenador deposita en ese debutante la posibilidad de sostener su puesto y volver a poner al equipo en carrera, aunque la expectativa deportiva se mezclará con los conflictos de una relación familiar marcada por la exigencia.

La serie también seguirá a Hal Durkin, el propietario de la institución, quien deberá resolver quién de sus dos hijas tiene las condiciones para asumir el liderazgo de la franquicia. Esa disputa por la sucesión trasladará buena parte de la tensión a las oficinas del club, lejos de los vestuarios y el campo de juego.

El relato plantea así dos familias vinculadas por el poder y el fútbol americano. La urgencia por conseguir una temporada ganadora atraviesa a entrenadores, jugadores y directivos, mientras una afición fiel reclama resultados inmediatos y anticipa cambios si el equipo no logra revertir su situación.

La presión por ganar alcanza tanto al cuerpo técnico como a la conducción de la franquicia, según la sinopsis oficial difundida por Disney+. El planteo busca mostrar las consecuencias de las decisiones deportivas en las relaciones personales de quienes integran la organización.

Un elenco con figuras de la televisión estadounidense

Además de Meloni, el reparto reúne a la protagonista de This is Us, Mandy Moore, Chace Crawford, Sam Corlett, Tanner Zagarino, Chloe Bennet, Bridget Moynahan, William H. Macy y Omar Epps. Moore, reconocida por su papel en This Is Us, volverá a trabajar con Fogelman en una historia que combina conflicto familiar y deporte profesional.

La presencia de Macy, Meloni y Moore concentra parte de la atención sobre un elenco integrado por intérpretes con experiencia en dramas televisivos, comedias y producciones de acción. Disney+ todavía no detalló los personajes que encarnarán todos los protagonistas ni precisó la cantidad total de episodios de la primera temporada.

El estreno está previsto para el lunes 15 de febrero, horas después del Super Bowl. Los dos primeros capítulos quedarán disponibles de forma exclusiva en Hulu en Disney+, y la plataforma publicará el resto de los episodios semanalmente.

Fogelman vuelve a trabajar con una historia coral

Dan Fogelman será creador, guionista, productor ejecutivo y showrunner de la serie. El proyecto estará acompañado en la producción ejecutiva por Jess Rosenthal, Kevin Falls y Justin Adler. Por parte de Skydance Sports participarán David Ellison, Jesse Sisgold y Jason T. Reed.

La producción corresponde a 20th Television y Skydance Sports. El involucramiento de esta última compañía busca aportar una mirada ligada a la dinámica del deporte profesional estadounidense, en una ficción que sitúa su conflicto dentro de una organización de la NFL.

Fogelman ya había abordado el universo deportivo en Pitch, la serie centrada en una beisbolista que llegaba a las Grandes Ligas. En aquella producción trabajó con acceso a estadios y en coordinación con organizaciones del béisbol profesional. Ahora, con The Land: Más allá del juego, trasladará ese interés al fútbol americano y a una franquicia de Cleveland que enfrenta una temporada decisiva.

La serie debutará con dos capítulos el 15 de febrero y continuará con estrenos semanales cada lunes en Hulu en Disney+.

Luis de Llano Macedo fijó una postura sobre la serie de Timbiriche horas antes de la transmisión especial anunciada para este 8 de octubre en televisión abierta y del estreno de la producción en ViX que será el próximo viernes.

El productor compartió un comunicado en el que informó sobre acciones relacionadas con el proceso judicial que mantiene con Sasha Sokol y se deslindó de contenidos difundidos por terceros.

El documento, fechado en Ciudad de México este 8 de octubre de 2026, fue publicado en la cuenta de Instagram de De Llano. En el mensaje que acompañó la imagen, el productor adelantó que no haría más declaraciones mientras continuara el trámite judicial.

“No habrá más sobre el tema hasta que concluya el trámite judicial en curso”, escribió Luis de Llano Macedo. Su publicación apareció en medio de la controversia por la serie inspirada en la historia de la agrupación juvenil.

La producción de ViX tiene ocho episodios y aborda el nacimiento, ascenso y cambios en la alineación de Timbiriche. Parte de la trama incluye un personaje inspirado en De Llano y retoma elementos del caso expuesto públicamente por Sasha Sokol.

Luis de Llano dijo que presentó promociones por el cumplimiento de la sentencia

La representación legal de De Llano explicó que ingresó ante el Juzgado Sexto Civil de la Ciudad de México promociones formales relacionadas con el cumplimiento de los seis resolutivos de la sentencia dictada por la Séptima Sala Civil del Tribunal Superior de Justicia de la CDMX.

“Con absoluta responsabilidad y estricto apego a la orden constitucional, en los plazos legales correspondientes se han ingresado ante el Juzgado Sexto Civil de la Ciudad de México las promociones de cumplimiento formal”, señala el documento.

La representación legal no detalló el contenido de esas promociones ni explicó cuáles fueron los escritos entregados ante el juzgado. El texto se limitó a informar que los recursos fueron presentados dentro de los plazos que consideró correspondientes.

El productor también sostuvo que la publicación sería su única postura oficial sobre el expediente y sobre los relatos que fueron expuestos durante el juicio.

“Esta inserción constituye la única y definitiva declaración oficial que se emitirá por parte del suscrito y de su representación jurídica”, expresó en el comunicado.

El equipo legal añadió que esa decisión respondía a los mandatos judiciales de abstención y al derecho a la vida privada de las partes. En su mensaje de Instagram, definió su postura como de “cumplimiento judicial, silencio procesal y deslinde de terceros”.

El productor notificó su oposición al uso de su imagen e identidad

En el tercer punto de su comunicado, Luis de Llano Macedo afirmó que notificó a la empresa, plataforma y productora sobre su oposición al uso lucrativo o inconsentido de su imagen, identidad y derechos en producciones de ficción o documentales.

“Se hace constar que se ha procedido por las vías notariales y judiciales correspondientes a notificar a la empresa, plataforma y productora, la oposición formal al uso lucrativo e inconsentido de la imagen y derechos del suscrito”, indicó.

El texto no identificó por nombre a la empresa, plataforma ni productora a las que se habría notificado. Tampoco especificó la fecha en que se realizaron esas diligencias, el tipo de recurso judicial presentado o alguna solicitud concreta contra la serie.

La representación legal de De Llano sostuvo que el productor se deslindaba de “cualquier narrativa emitida de forma unilateral” por esas compañías. El mensaje se publicó mientras la ficción sobre Timbiriche se preparapara llegar a las audiencias.

La serie de Timbiriche incluye una trama inspirada en el caso de Sasha Sokol

La serie se presentará este jueves 8 de octubre por Las Estrellas, después del noticiero. ViX programó el estreno de los dos primeros episodios para el viernes 9 de octubre a las 19:00 horas, tiempo de Ciudad de México.

Osvaldo Benavides interpretó al personaje inspirado en Luis de Llano. El actor explicó a los medios que encarnar a una persona real implicaba compromisos frente a lo que se conoce sobre ella.

Sasha Sokol, Benny Ibarra, Alix Bauer, Mariana Garza, Diego Schoening y Erik Rubín también se deslindaron de la producción. Los seis exintegrantes señalaron que no participaron en su creación ni autorizaron el uso de su imagen, voz o identidad.

La representación legal de Luis de Llano Macedo cerró su comunicado al señalar que el desahogo y la conclusión de las prestaciones continuarán “sustanciándose exclusivamente en los canales institucionales de los tribunales de justicia”.

“Me encanta Glee. Siempre me encantará”, afirmó Michele a E! News. La declaración llegó luego de que el cocreador de la serie, Ryan Murphy, revelara en una entrevista con The Hollywood Reporter en agosto que estaba evaluando la posibilidad de revivir el programa, que se emitió durante seis temporadas entre 2009 y 2015.

El guion del reinicio ya está escrito

Un mes después de aquella entrevista, Murphy confirmó un avance concreto en el proyecto: él y sus colaboradores Brad Falchuk e Ian Brennan, responsables también de la creación original de la serie, terminaron de escribir un guion para el reinicio.

“Brad, Ian y yo, que preparamos las dos primeras temporadas, hemos escrito algo”, declaró el productor a Entertainment Tonight en septiembre.

Murphy agregó que ya estableció contacto con cerca de diez miembros del elenco original para contarles sobre la idea. “He estado en contacto con unos diez miembros del reparto original. Todos tenían muchas preguntas, pero se mostraron muy entusiasmados con la idea. Nadie lo ha leído”, explicó el creador, quien remarcó el vínculo que mantiene con el equipo que trabajó en la producción original.

La relación de Michele con Murphy sigue intacta

En ese contexto se dio la entrevista de Michele con E! News. La actriz remarcó el vínculo que mantiene con el productor televisivo. “Me encanta Ryan Murphy y Glee ocupa un lugar muy especial en mi corazón”, afirmó. “Así que seguiré a Ryan adondequiera que vaya”, agregó Michele.

Murphy había explicado que su interés en retomar la serie surgía del vínculo que mantiene con una generación que creció viéndola y que encontró en sus historias y en su música un significado especial.

El productor, también responsable de títulos como American Horror Story y Pose, señaló que quería explorar qué podría surgir de un eventual regreso.

Colfer admite no saber nada sobre el proyecto

No todo el elenco original recibió la misma información. Chris Colfer, quien interpretó a Kurt Hummel durante las seis temporadas de la serie, declaró a Bustle en una entrevista que no sabe “nada” y que “no ha oído absolutamente nada” sobre un posible reinicio. “Ojalá lo hiciera”, comentó Colfer sobre la posibilidad de participar.

“Fue una serie muy difícil de rodar, y sería muy complicado hacerlo ahora que Naya Rivera se ha ido. Pero sé que los fans de Glee probablemente me atacarían con horcas y gestos exagerados si dijera que no”, agregó el actor, en referencia a la actriz fallecida en 2020, quien interpretó a Santana López en la serie original.

Otros integrantes del elenco también se mostraron abiertos a la idea

Michele no es la única del elenco original que condicionó su regreso a la participación de Murphy en un eventual proyecto. Jenna Ushkowitz, quien interpretó a Tina Cohen-Chang en la ficción, expresó un sentimiento similar en declaraciones a E! News. “Si Ryan lo hiciera y las personas adecuadas estuvieran involucradas lo consideraría”, expresó la actriz.

Glee siguió la historia de un grupo de estudiantes de secundaria integrantes de un coro en la ficticia escuela William McKinley, bajo la guía del profesor Will Schuester, interpretado por Matthew Morrison.

La producción, ganadora de seis premios Emmy, catapultó al estrellato a un elenco que incluyó, además de Michele, Colfer y Ushkowitz, a Kevin McHale, Amber Riley, Dianna Agron, Chord Overstreet, Heather Morris, Harry Shum Jr., Darren Criss y Jane Lynch. También formaron parte del programa los fallecidos Cory Monteith, Rivera y Mark Salling.

Hasta el momento, ni Murphy ni Fox confirmaron una fecha de estreno ni detalles sobre el formato que tendría el eventual reinicio.

Ahora, la nieta de Elia Kazan, Zoe Kazan, se embarca en la ambiciosa tarea de llevar el libro al formato miniserie, que le permite abordar la historia completa para configurar una trama que aborda diferentes generaciones que nos lleva desde la Guerra de Secesión americana hasta la Primera Guerra Mundial a través de la familia Trask.

Así, frente a la versión de Elia Kazan, que solo abordaba el último tercio del libro, la nueva Al este del Edén se erige como una epopeya familiar en la que se habla de la rivalidad, del abandono, de la culpa, el peso de la herencia y la posibilidad (o no) de elegir un destino propio más allá del marcado por las circunstancias y los impulsos más atávicos.

Una tragedia familiar con referencias bíblicas

El relato comienza con Cyrus Trask, interpretado por Tracy Letts, y la relación con sus hijos Adam, al que da vida Christopher Abbott, y Charles, encarnado por Mike Faist. El primero posee una naturaleza tranquila y el segundo resulta impetuoso y violento. Sin embargo, su progenitor se encargará de intercambiar los papeles que deberían haber tenido en la vida, y mandará a Adam a la guerra, obligando a Charles a cuidar la tierra. El germen del enfrentamiento quedará para siempre instalado entre ellos.

La pugna se mantendrá viva cuando, años más tarde, aparezca en sus vidas Cathy Ames (Florence Pugh) que, después de haber sido atacada de forma brutal, será cuidada con mimo por Adam hasta que él le pida matrimonio. Sin embargo, ella nunca se sentirá atraída por él, sino por su hermano, generando de nuevo otra espiral convulsa.

Una de las mayores apuestas de Zoe Kazan es situar la figura de Cathy Ames en el centro del relato, convirtiendo una historia tradicionalmente masculina en un retrato femenino de lo más complejo y subversivo a través del que reflexionar en torno a la creación de monstruos cotidianos y a esa presencia del mal bíblica de la que hablaba la novela.

En ese sentido, Cathy nunca será una presencia cómoda desde su niñez, en la que tomará decisiones atroces, hasta su edad adulta, en la que abandonará a su marido y sus hijos mellizos para convertirse en la madame de un burdel.

La creadora también otorga un papel fundamental a una figura que había sido subestimada en su momento, la del criado chino Lee (Hoon Lee), que se convertirá en una de las piezas fundamentales en la crianza de los mellizos y el único con capacidades intelectuales que no se deja arrastrar por los impulsos irracionales de los personajes.

Kazan compone con suma elegancia una historia atravesada por la épica histórica y por la tradición del cine clásico, pero su ‘reinterpretación’ resulta al mismo tiempo profundamente contemporánea, de modo que los arquetipos sobre los que se sustenta la narración se convierten en hilos de los que tirar para proponer un punto de vista más cercano a la sensibilidad actual.

Una poderosa Florence Pugh

Sobre todo, ese aspecto lo encontramos en una descripción de los personajes mucho más elaborada, en la que prima la intimidad de las escenas por encima del elemento legendario. También en las interpretaciones de los protagonistas, con una Florence Pugh poderosa que excede los parámetros de la ‘femme fatal’ convencional para otorgar a su Cathy Ames un poder expresivo repleto de matices y de vericuetos psicológicos de lo más complejos.

La última parte de la narración se centra en los mellizos Aron y Caleb, interpretados por Joe Anders y Joseph Zada y correspondería al material filmado por Kazan, aunque no tenga nada que ver la manera en la que su nieta se acerca al melodrama, alejado de cualquier efectismo y en la que el fatalismo dominará la función como un peso enquistado.

La palabra hebrea “timshel”, procedente del Libro del Génesis, articula la idea moral de la historia. Lee la traduce como “puedes”, una expresión que plantea que las personas no están irremediablemente sujetas a su pasado ni a un futuro prefijado, aunque factores como el linaje, las leyes, las costumbres y la identidad condicionen sus decisiones.

Garth Davis dirige los cuatro primeros capítulos y Laure de Clermont-Tonnerre los tres últimos, con Stuart Dryburgh y Sam Chiplin en la dirección de fotografía. La puesta en escena combina lo grande con lo pequeño, los paisajes panorámicos y los silencios y conflictos de forma honda y significativa.

La serie recorre cinco décadas y muestra a sus personajes atravesando el país, participando en guerras, tratando con estafadores, vecinos y trabajadores, y asistiendo a innovaciones industriales. Pero, aunque el retrato de la época sea exquisito, lo importante de Al este del Edén son las turbulencias subterráneas que provocan, la fuerza de sus disquisiciones morales y su poderosa personalidad.

Kylie Jenner protagonizará Bachelorette Weekend, un thriller dramático que habría recibido luz verde de Hulu. Será su primer papel principal en una serie de ficción y contará con Kim Kardashian, su hermana, como productora ejecutiva. La plataforma todavía no comunicó una fecha de estreno.

Un asesinato durante la despedida

Bachelorette Weekend seguirá a un grupo de amigas reunidas para celebrar una despedida de soltera. El viaje cambia cuando la futura novia, interpretada por Jenner, aparece asesinada en una piscina. Desde ese momento, todas las damas de honor pasan a ser sospechosas.

La historia reconstruirá los acontecimientos que condujeron al crimen mediante escenas y recuerdos del fin de semana. Aunque el personaje de Jenner muere, seguirá en el centro del relato: sus vínculos con las demás mujeres permitirán conectar las distintas versiones de lo ocurrido y revelar información sobre cada posible responsable.

Deadline describió al personaje como la “Estrella Polar de la serie” debido a esa función narrativa. El misterio dependerá de los flashbacks, escenas ambientadas antes del asesinato que permitirán examinar las relaciones de la novia y los conflictos ocultos dentro del grupo.

El proyecto se presenta como una serie limitada, formato que desarrolla una historia cerrada en una cantidad acotada de episodios. Hulu no informó cuántos capítulos tendrá ni confirmó quiénes acompañarán a Jenner en el reparto.

Del libro inédito a Hulu

La serie está basada en un libro todavía inédito de la escritora Flora Collins. La propiedad intelectual fue desarrollada por StoryGiants, mientras que la adaptación televisiva quedó en manos de la novelista y guionista Lauren Oliver, autora de Before I Fall y de la trilogía Delirium. Oliver también trabajó en Panic, la serie estrenada en 2021.

El guion fue desarrollado dentro de Kapital Entertainment, productora fundada por Aaron Kaplan. Kaplan será productor ejecutivo junto con Jenner, Kardashian y Oliver. Jaiden Kaplan, hijo de Aaron Kaplan, participará como coproductor ejecutivo.

Kapital Entertainment coproducirá Bachelorette Weekend con 20th Television, estudio con el que Kardashian mantiene un acuerdo de exclusividad. Según Deadline, el guion llegó primero a Kardashian, quien consideró que el proyecto podía funcionar como debut protagónico de su hermana menor y se lo envió. Las dos se incorporaron después a la producción.

A través del acuerdo de Kardashian con 20th Television, la propuesta fue presentada a Hulu. El servicio adquirió el proyecto de manera provisional antes de avanzar con la orden de producción. Kardashian ya trabaja con la plataforma en Todas las de la ley, lo que convierte a Bachelorette Weekend en una nueva colaboración dentro de ese vínculo profesional.

Kapital Entertainment también desarrolla para Hulu You Deserve to Know, con Nina Dobrev y Paul Wesley, y What Remains, encabezada por Kerry Washington. Ninguna de esas producciones tiene relación narrativa con la serie de Jenner.

Los antecedentes actorales de Kylie Jenner

Bachelorette Weekend será el primer protagónico televisivo de Jenner, aunque no representa su debut absoluto frente a las cámaras. Su trayectoria pública ha estado ligada principalmente a programas de telerrealidad en los que aparece como ella misma, entre ellos The Kardashians.

En ficción, realizó un cameo en Ocean’s 8, película estrenada en 2018. También prestó su voz a Penelepuff en el especial animado Trolls: Holiday in Harmony, lanzado en 2021. Esas participaciones fueron breves y no exigían que sostuviera el papel central de una historia.

Más recientemente apareció en The Moment, una comedia dramática de Charli XCX producida por A24. La película sigue la presión que atraviesa una cantante durante su primera gira como artista principal. Jenner interpreta una versión exagerada de sí misma y se cruza con el personaje de Charli XCX en Ibiza durante una escena marcada por comentarios pasivo-agresivos.

Jenner ya había anticipado en marzo, durante una entrevista, que quería continuar actuando. “He recibido algunos guiones, ninguno que sienta correcto todavía, pero definitivamente quiero hacer más”, explicó. Bachelorette Weekend será el primer proyecto que la tendrá como protagonista y productora ejecutiva, aunque Hulu todavía debe anunciar el resto del elenco, el calendario de rodaje y la fecha de lanzamiento.

La producción consta de seis episodios y sigue durante dos décadas a Claudia, una joven colombiana interpretada por Valentina Vidal; al Suizo, un proxeneta encarnado por Raúl Arévalo; y al inspector Gerardo Llesa, al que da vida Omar Ayuso dentro de la Unidad Central de Redes de Inmigración Ilegal y Falsedades Documentales.

Mabel Lozano ya había abordado la prostitución y la trata en el documental Chicas nuevas 24 horas, estrenado en 2015 y ha ganado dos premios Goya vinculados a sus investigaciones, por el cortometraje Ava y por el cortometraje documental, Biografía del cadáver de una mujer. Su libro sirve de base para una historia que examina el reemplazo de mujeres locales por víctimas trasladadas desde otros países, sometidas a una deuda inacabable mediante la retención de sus pasaportes.

Tres personajes y tres puntos de vista

Así, en El Castillo, Claudia llega a España para ejercer la prostitución, enviar dinero a su familia y pagar los medicamentos de su hijo enfermo. Mientras, el Suizo se presenta en sus tarjetas de visita como “empresario de la noche” y colabora con la Policía para apartar del negocio a las mafias del este, una relación que también le permite reforzar su apariencia de legitimidad.

La investigación policial recae en Gerardo Llesa, un inspector recién incorporado a la UCRIF que detecta un cambio de patrón en el negocio y actúa como enlace entre la Policía y el proxeneta. El personaje se enfrenta a un entorno difícil de delimitar, marcado por la confusión y por unos mecanismos de explotación que exceden su capacidad de respuesta.

El relato incorpora, además, el punto de vista de una jueza instructora en el episodio final. La decisión desplaza la atención hacia los vacíos legales, las investigaciones archivadas por falta de pruebas y la fragilidad de los testimonios de mujeres cuya credibilidad queda bajo sospecha.

Son muchas las cuestiones, tanto a nivel de narración (gracias a sus creadores) como a nivel de dirección, de la que se hacen cargo de manera brillante Elena Martín y Sandra Romero, que rompen con los estereotipos de las ficciones que estamos acostumbrado a ver en los últimos tiempos. Tiene que ver con la concisión, con la precisión casi documental con el que se abordan las historias, pero también con el respeto y el pudor con el material tratado, que se traslada a decisiones contundentes en la puesta en escena.

Sus guionistas construyen personajes alejados de los estereotipos: víctimas (que son supervivientes) con contradicciones, policías agotados y proxenetas ambiciosos, capaces de desenvolverse en los márgenes legales y de aspirar a una posición empresarial, mostrando esa imagen de macho ibérico que con total impunidad ha campado a sus anchas en el panorama público nacional.

Una serie que se posiciona políticamente

La ficción adopta un naturalismo áspero que evita embellecer el universo criminal. La ejecución estilística se distancia tanto de la idealización de la prostitución como de una búsqueda estética de la fealdad. Es una serie que se siente, que se huele, que trasmite esa atmósfera opresiva de toda la podredumbre moral que arrastra la historia.

Sin embargo, nunca se subraya nada, se muestra y no se esconde lo que hay, pero no hay una voluntad de regodearse en la miseria. La violencia siempre está latente, pero no tiene por qué aparecer de forma explícita, al igual que ocurre con las escenas sexuales.

La representación del sexo evita mostrar el cuerpo de las mujeres durante los encuentros con clientes. En la primera escena de Claudia con un hombre, la cámara solo le enseña a él, una decisión de lo más valiente que se mantiene a lo largo de los seis capítulos.

Ese procedimiento pone precisamente el foco en el sufrimiento de la mujer, en la disociación que sufre al tener que acostarse en contra de su voluntad con un hombre, de forma que, simbólica y físicamente, desaparece de la pantalla.

La serie desplaza así el interés hacia los hombres que sostienen el negocio y se aparta de retratos convencionales de la prostitución en la ficción que habíamos visto hasta el momento, centrados en la explotación de los cuerpos femeninos.

El Castillo es también una serie profundamente política que se posiciona en torno al vacío legal que ha existido en nuestro país alrededor de la trata, pero también en cómo se convierte en un negocio sustentado por los consumidores.

Al final de cada episodio, encontramos unos rótulos informativos que muestran datos reales alrededor de todo lo que estamos viendo. No se trata de una cuestión didáctica, sino de ese espíritu testimonial, crudo y realista que tiene la serie a la hora de poner en la mesa las contradicciones de aquello que cuenta.

Así, los procedimientos de investigación y la descripción del funcionamiento policial, judicial y delincuencial forman una crítica a la burocracia, a una justicia descrita como falsamente ‘garantista’, a la insuficiencia legislativa y al desamparo de las víctimas. El resultado es un sistema que favorece la impunidad de un negocio rentable y socialmente normalizado.

En el apartado interpretativo encontramos a un totémico Raúl Arévalo, comprometido con su personaje hasta el punto de engordar 20 kilos y aparecer irreconocible. Su personaje, el Suizo, es tan normal como terrorífico, un monstruo cotidiano capaz de lo peor para defender sus intereses. Omar Ayuso sorprende con su personaje de joven policía que supone nuestro punto de vista dentro de la historia, introduciéndonos en los entresijos de ese universo repleto de desinformación e intereses ocultos. Por último, el descubrimiento de Valentina Vidal que, con su ojos lo dice todo en su trayecto por las cloacas de la prostitución.

El Castillo es una serie que no admite concesiones. Nos introduce en un submundo desconocido que tal vez no quisiéramos conocer, pero cuya descripción resulta tan precisa como necesaria. Es una serie valiente, desgarradora, lúcida y comprometida. Un retrato que nos adentra en las entrañas de un entorno atroz para que, por una vez, abramos los ojos sobre lo que ocurre a nuestro alrededor sin escandalizarnos, sino tomando verdadera conciencia.

El impacto de la serie se trasladó a las ventas del libro original. La editorial Penguin Classics registró un incremento del 200% en las ventas de la novela desde que Netflix anunció la luz verde para el proyecto, lo que reavivó el interés por el texto más de siete décadas después de su publicación. Pese a encabezar el ranking de series, Al Este del Edén no fue el título más visto de Netflix durante esa semana. Ese lugar correspondió a la película Unabomber, protagonizada por Jacob Tremblay, que alcanzó 24.9 millones de visualizaciones en su segunda semana de estreno.

La serie se desarrolla desde finales del siglo XIX hasta la Primera Guerra Mundial y se centra en la vida de Cathy Ames, junto con sus mediohermanos Adam y Charles Trask en Connecticut, así como en la de sus hijos, los gemelos no idénticos Caleb y Aron, en el valle de Salinas, California. Para Kazan era un proyecto de lo más personal, ya que su abuelo dirigió la primera gran adaptación al cine junto a James Dean: “Cuando tenía quince años me obsesioné con este libro. Se me quedó grabado y constituía como una especie de misterio para mí. Lo he leído muchas veces desde entonces y, cada vez, encuentro algo nuevo. No supe de la conexión que había entre el material y mi abuelo hasta después de leer el libro”.

Domina pero no lidera

El segundo puesto del ranking de películas fue para The Widower: ‘Til Death Do Us Part, con 11.6 millones de vistas. En tercer lugar se ubicó Tyler Perry’s Doing Life, con 9.3 millones. Ambos títulos superaron en audiencia a los primeros puestos del ranking de series de esa misma semana. La comparación entre ambos rankings deja en claro un patrón habitual en Netflix: los estrenos de cine suelen concentrar picos de audiencia más altos en sus primeras semanas que las series, incluso cuando estas últimas logran posicionarse como lo más visto dentro de su propia categoría. Detrás de Al Este del Edén, el segundo lugar del ranking de series fue para Monster: The Lizzie Borden Story, que sumó 5.7 millones de visualizaciones en su tercera semana de disponibilidad en la plataforma. El reboot de A Different World ocupó el tercer puesto, con 5.1 millones de vistas en su segunda semana. Por su parte, la serie de competencia sin guion Wonka’s The Golden Ticket se ubicó en el cuarto lugar, con 4.3 millones de visualizaciones.

El quinto puesto correspondió al debut de Lego One Piece, que reunió 3.8 millones de vistas en sus primeros seis días de estreno. The Gentlemen completó su quinta semana en el ranking en el sexto lugar, con 2.9 millones de visualizaciones. En el séptimo puesto se ubicó Crew Girl, serie que fue renovada para una segunda temporada y que sumó 2.6 millones de vistas durante esa semana. Los últimos lugares del top 10 de series fueron ocupados por la edición del 28 de septiembre de Raw: 2026, con 2.5 millones de visualizaciones, seguida por The Gentlemen, con 1.7 millones, y la temporada 14 de Gabby’s Dollhouse, también con 1.7 millones de vistas. El ranking completo de Netflix para la semana del 28 de septiembre al 4 de octubre incluye tanto producciones en inglés como títulos en otros idiomas, organizados en listas separadas para series y películas.

Además, la intérprete presentó Sants, la nueva película de Mikel Gurrea en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián, después de colaborar ambos en Suro y, ahora, estrena la segunda temporada de Reina Roja, titulada Loba negra.

En esta nueva tanda de episodios, su personaje, Antonia Scott, volverá a reunirse con su fiel escudero, Jon González (Hovik Keuchkerian) en un nuevo caso que les llevará a enfrentarse a las mafias rusas en la Costa del Sol.

En contraposición con otras series en las que el director cambia de capítulo en capítulo, las adaptaciones de las novelas de Juan Gómez-Jurado las ha llevado a cabo de principio a fin Koldo Serra, razón por la que se han establecido en el equipo lazos de lo más sólidos.

El gran año de Victoria Luengo

Pregunta: ¿Cómo estás, Victoria, después de esta temporada de promociones que se han sucedido de manera tan frenética?

Respuesta: Pues estoy muy bien, muy cansada, pero también muy contenta. Disfrutando de este año, viviéndolo. Cuando pienso en todo lo que ha pasado y recopilo, me doy cuenta de que no tiene ningún sentido, que son muchas cosas a la vez y que es algo insólito que ocurra algo así, porque nunca hay que dar todo por sentado.

P: Porque para aquellos que digan, ‘¿cómo es que hay esta acumulación de proyectos?’ se debe a que los rodaste en momentos muy diferentes.

R: Sí, esto es una cosa que nos ocurre mucho a los intérpretes y es que tú puedes hacerte una agenda de cuándo ruedas, pero no de cuándo se estrenan las cosas, porque no depende de ti. Reina Roja la rodé antes de El ser querido, incluso llegué a combinar el final de una con el principio de la otra. Sin embargo, cada una ha tenido su tiempo de postproducción. En cualquier caso, son cosas buenas, y es bonito. Lo peor es una tontería.

P: ¿Qué ha sido lo mejor y lo peor de toda esta serie de promociones?

R: Lo mejor, claramente, el cariño que recibes de la gente. Ver las caras recién termina la proyección de El ser querido, los mensajes que he recibido por Instagram de personas que me han dicho que la película les ha cambiado la vida, poder vivirlo cerca de aquellos a los que quiero mucho. A veces damos por sentado que las amistades tienen que estar en los momentos malos y, con los años, también he descubierto que es muy difícil estar en los buenos.

¿Lo peor? El cansancio. La falta de espacio para mi vida personal. Y te diría que esa disociación que es obligatoria hacer, porque es imposible estar de cara a la gente constantemente pensando en cómo luces, en cómo estás físicamente, en si eres inteligente, lo que dices, en si estás bien. Es imposible enfrentarte a eso descarnadamente, porque muchas veces te harías polvo.

Yo quiero dedicar a cada proyecto el amor que merece. Por eso, tengo una máxima que quiero intentar cumplir, no quiero hacer una película tras otra sin sentido.

La vuelta al universo de ‘Reina Roja’

P: ¿Cómo te has conectado, en ese sentido, a la salida de esta nueva temporada de Reina Roja?

R: La clave es volver a conectar con el proyecto, con el equipo. También verla a través de los ojos de la gente. Muchos periodistas me habéis dicho que es más oscura que la anterior, y es algo de lo que no me había dado cuenta. Así que ahora a través de todo eso, la estoy redescubriendo. Y tengo ganas de que la vean los espectadores, porque es una serie hecha para el gran público. Mi fisioterapeuta dice que es su serie favorita, mi madre la ha visto diez veces, mi hermano tres, así que hay mucho fervor por ella, y eso es bonito.

P: Yo también creo que es más oscura que la primera y me gusta que en esta temporada las mujeres sean tan poderosas.

R: Yo creo que adaptar el mundo de Reina Roja era muy complicado, porque era una novela muy conocida. La primera temporada estaba centrada en los orígenes, en presentar a los personajes, que nunca han tenido la intención de ser realistas. Y, yo creo que en esta ocasión, se ha abordado de otra manera e incluso hemos podido aportar cosas a los guiones cuando no lo veíamos claro.

Y creo que los personajes femeninos están mirados desde un punto de vista muy interesante en esta temporada y hay actrices fabulosas, como Silvia Abascal, que me parece buenísima e inteligente, Adriana Torrebejano, que tuvo una entrega absoluta. Eso me dio mucho oxígeno, toda esa gente que entraba en la serie con una energía fabulosa.

P: Una de las cosas más especiales de la serie es la relación entre el personaje de Antonia Scott y Jon Gutiérrez, o lo que es lo mismo, con Hovik Keuchkerian.

R: Para mí, la suerte de Reina Roja ha sido compartirla con Hovik Keuchkerian. Yo la firmé con 31 años y puede que la termine con 37, porque la tercera temporada no tiene todavía fecha de estreno.

Entonces, imagínate todo el tiempo de tu vida que es. Aunque no estés todo el rato ahí, va pasando la vida y tienes que volver. Entonces, yo he tenido mucha suerte de hacer este viaje con un compañero como él, porque nos hemos entendido, la química en la vida es real, porque es un ser humano muy bueno, una persona muy normal, y hemos sido compañeros y escuderos, como en la serie, pero sin paternalismos. Hovik ha dado la cara por mí en muchas ocasiones y sé que lo va a seguir haciendo. Así que ha sido una relación preciosa y ha sido maravilloso que la cámara pudiera mostrarla.

P: Es la primera vez que tienes que volver a un personaje después de un tiempo. ¿Cómo se vive esta experiencia?

R: La primera temporada fue muy exigente, porque yo estaba obsesionada por ver la manera en la que podía traer el personaje que Juan Gómez-Jurado había escrito a la vida real. Y eso me costó, tuve que decidir muchas cosas. En la segunda temporada, todo eso estaba ya decidido. Te pongo ejemplos. Yo estudié mucho lo que eran las altas capacidades para la primera temporada, para salir de la zona del lugar común. ¿Qué les pasa a las personas con altas capacidades? Pues les pasan muchas cosas que tienen que ver con mucho sufrimiento, con hipersensibilidad a las luces, al sonido, al picor de cierto tipo de prendas. Me quería meter en la cabeza de Antonia y me la imaginaba como un animal que buscaba cosas, por eso incorporé un gesto cuando ve las cosas claras, como si fuera un perrito que ladea la cabeza.

Así que, después de estar seis meses rodando esa temporada, aunque hubiera pasado tiempo, me di cuenta de que lo sabía hacer, que era un lugar que conocía. Ser actriz es como si vivieras otra vida. Hay veces que piensas: ‘Pondría mi vida en pausa, porque no me apetece lo que viene ahora’. Pues es como si vivieras una parte de la vida de alguien y, la puedes poner en pausa y no volver nunca más a ella pero, en este caso, tienes la suerte de decir, voy a darle otra vez al play, a ver qué pasa.

P: ¿Qué te ha enseñado Reina Roja?

R: Me ha enseñado mucho. He aprendido ruso en esta temporada, he hecho cosas que jamás hubiera pensado, he luchado con monos, he hecho persecuciones con coches, me he colgado de arneses...

P: En los últimos tiempos, has repetido con algunos de los directores con los que ya habías trabajado, como es el caso de Rodrigo Sorogoyen o Mikel Gurrea. ¿Eso facilita las cosas?

R: Pues mira, eso es precioso. Me ha permitido llegar más al fondo de ciertas composiciones de personajes, de ciertas propuestas, de conectar de forma más íntima con los personajes, porque tienes más confianza con la gente, más espacio para hablar. También me han ayudado a combinar las fechas con Reina Roja. Si ellos no hubieran tenido claro que tenía que ser yo la que estuviera en sus películas, no se hubieran amoldado a las circunstancias del rodaje de la serie. Así que les estaré siempre agradecida. Y creo que, además, es bonito esa idea de ‘trouppe’ como de teatro, de gente que se junta para hacer cosas, ya salgan mejor o peor. Es bonito entregarte a la incertidumbre de crear con alguien.

Mujeres fuertes que no lloran

P: Tus últimos papeles son de mujeres cargadas de problemas y traumas, pero que no dejan aflorar sus sentimientos.

R: No sé hasta qué punto los personajes que me ofrecen siempre son así o que yo, cuando los interpreto, los doto de una cierta densidad no elegida. Pero sí que es verdad que los guiones que me llegan últimamente tienen personajes que albergan grandes sufrimientos.

Antonia Scott está pasando un drama total porque le quieren quitar la custodia de su hija, está enganchada a las pastillas; en Sants, a la protagonista se le está muriendo su madre, no tiene a qué agarrarse en la vida; Emilia, en El ser querido, tiene una situación fatal tras encontrarse con su padre después de trece años. En Amarga Navidad, es una mujer cuyo marido le engaña...

P: Sin embargo, estos personajes nunca lloran. Quiero decir, que aunque son mujeres marcadas por el dolor, no son tratadas desde un punto de vista melodramático, lacrimógeno o exhibicionista a nivel emocional.

R: A mí me gusta que sea así. Tengo la sensación de que quien tiene que llorar es el espectador, no yo. Me interesa mucho la parte en la que los personajes se rompen, como ocurre en Reina Roja en la escena de la bañera (después de que Antonia haya visto un contenedor lleno de mujeres muertas). No me la imagino llorando porque le cuesta entender lo que está sintiendo. En general, me interesa poco la lágrima por la lágrima. Me parece que la gente llora a su pesar, así que creo que en el cine, es más interesante llorar a tu pesar.

Lanterns ya inició el desarrollo preliminar de su segunda temporada tras cerrar su primer arco en HBO, aunque la plataforma todavía no autorizó nuevos episodios. El cocreador Damon Lindelof confirmó que se formó una sala de guionistas para definir la continuación de la serie de DC Studios, pero también aclaró que no seguirá al frente del equipo creativo.

Una temporada en desarrollo, pero sin renovación

La sala de guionistas es el grupo encargado de diseñar las historias, los personajes y la estructura general de una temporada antes de que comience la producción. Su formación indica que los responsables de Lanterns ya estudian posibles caminos para la serie, aunque ese trabajo todavía no equivale a un anuncio oficial de HBO.

Lindelof explicó a Collider que el equipo preliminar comenzó a trazar el rumbo de una segunda entrega. Su salida del liderazgo creativo supone un cambio relevante, ya que fue uno de los cocreadores de la primera temporada junto con el showrunner Chris Mundy y Tom King.

El cocreador también defendió el desenlace de la temporada y el destino elegido para uno de sus protagonistas. Según Lindelof, recurrir a un giro engañoso o a una salida sencilla para revertir lo ocurrido habría sido deshonesto con los espectadores. Esa postura reduce, al menos en principio, la posibilidad de que la serie deshaga rápidamente sus decisiones más polémicas.

La falta de confirmación contrasta con los datos de audiencia informados para la producción. Lanterns promedió casi 19 millones de espectadores globales por episodio, una cifra que aumenta sus posibilidades de continuar. Las fuentes también señalan que la línea narrativa supervisada por James Gunn y Peter Safran no fue puesta en duda durante el proceso de unión entre Warner y Paramount.

Chris Mundy quiere mantener la historia en la Tierra

Mundy adelantó en el podcast The Ringer-Verse que una eventual segunda temporada conservaría el enfoque terrenal y detectivesco de la primera. El equipo evaluó distintas alternativas, pero no planea regresar inmediatamente a Rushville, la localidad que concentró buena parte de la investigación inicial.

“Probablemente no volveremos a Rushville a menos que suceda algo increíble allí, ya saben, cada 10 años. Pero va a ser una historia con los pies en la Tierra la que probablemente continuaremos”, explicó el showrunner.

La decisión mantiene a Lanterns cerca del tono de True Detective, una de sus referencias más visibles. La serie redujo las batallas espaciales y las grandes demostraciones de poderes para concentrarse en el misterio, los interrogatorios y la relación entre sus protagonistas. Ese tratamiento la diferencia de otras adaptaciones de Green Lantern, más centradas en amenazas cósmicas y viajes fuera del planeta.

Mundy sostuvo que la primera temporada debía establecer personajes creíbles antes de incorporar otras capas de la mitología. La serie ya demostró que sus protagonistas pueden abandonar la Tierra, pero el plan inmediato consiste en conservar una base realista. La frase de John Stewart sobre quedarse con el planeta mientras otro personaje se ocupaba del cosmos también funcionó como una pista sobre esa dirección.

El enfoque no impide que aparezcan más integrantes del cuerpo de Linternas. La primera temporada ya incluyó a John Stewart, Hal Jordan y Guy Gardner, mientras que personajes de los cómics como Kyle Rayner o Jessica Cruz podrían entrar en futuras historias. Ninguno de esos nombres fue confirmado para los nuevos episodios.

El destino de Hal Jordan y el próximo paso de John Stewart

El cierre dejó al novato John Stewart, interpretado por Aaron Pierre, en posesión de una batería prohibida después de la aparente caída definitiva de Hal Jordan, encarnado por Kyle Chandler. Ese desenlace dividió a la audiencia y convirtió el posible regreso de Hal en una de las principales incógnitas de la serie.

La batería en manos de Stewart ofrece un punto concreto para continuar la trama sin abandonar la Tierra. También permite explorar las consecuencias de sus decisiones y su nueva responsabilidad, mientras la historia mantiene el formato de thriller policial que definió a los primeros episodios.

El futuro de John Stewart, además, no depende exclusivamente de la renovación. Aaron Pierre retomará el personaje en Man of Tomorrow, la próxima película de Superman vinculada a James Gunn. Allí compartirá la historia con David Corenswet, quien regresará como Clark Kent, aunque todavía no se detalló qué papel tendrá Stewart en la trama.

Wilson relató que una expulsión por copiarse en un examen de geometría y su posterior paso por un colegio militar lo acercaron, de forma indirecta, a Wes Anderson, con quien empezó a escribir antes de consolidar su carrera frente a cámara.

La expulsión escolar llevó a Wilson al colegio militar

Wilson contó que lo habían expulsado de la escuela por copiarse en un examen de geometría. Después preparó solicitudes universitarias con ayuda de su padre, que trabajaba en publicidad, y de colegas de la agencia donde él se desempeñaba.

“Aunque mi historial quizá no lo revele, considero importante abordar este asunto”, recordó como la primera frase de uno de esos ensayos, que buscaba explicar el antecedente disciplinario.

El actor no fue admitido en las instituciones a las que se había postulado y asistió a un colegio militar. Allí compartió habitación con un estudiante de Houston que, tiempo después, lo vinculó con Anderson en la Universidad de Texas.

Wilson consideró que esa secuencia mostraba el peso de la casualidad y sostuvo que convenía “resistir el impulso de decir: ‘Esto es algo malo que está pasando; esto es algo bueno’”, porque no se sabía cómo podían encajar los acontecimientos con el paso del tiempo.

La Universidad de Texas lo vinculó con Wes Anderson y la escritura

En la Universidad de Texas, aquel excompañero presentó a Wilson a Anderson, que ya era su amigo. El actor explicó que, antes de ese encuentro, no había planeado actuar y que su objetivo inicial se orientaba hacia otra profesión: “El plan probablemente era trabajar en publicidad”.

Anderson quería dirigir películas y le propuso trabajar con él en los guiones, una colaboración que derivó en Bottle Rocket.

O’Brien recordó que había visto ese filme independiente y que Wilson había asistido a su programa nocturno para promocionarlo. El conductor señaló que, si Wilson hubiera ingresado en alguna de las universidades que había elegido, quizá no habría conocido a Anderson.

El actor coincidió y definió ese recorrido como un ejemplo del lugar que podían tener la suerte y la casualidad en una trayectoria. La conversación también pasó por Rushmore, donde, según contó el actor, su padre redactó un parlamento del personaje de Bill Murray sobre los jóvenes ricos.

Wilson describió a su padre como alguien que recurría al humor para afrontar experiencias difíciles y afirmó: “Cuando logro convertir algo que me ocurre en una historia, me resulta mucho más fácil lidiar con ello”.

Stick reunió a Wilson con Olyphant y Maron

Sobre la segunda temporada de Stick, Wilson indicó que Tim Olyphant tendría una participación mayor. Dijo que había conectado de inmediato con el actor y destacó su serenidad durante el trabajo.

También se refirió a las discusiones entre Olyphant y Mark Maron, y recordó que los tres competían en una máquina de Galaga, un videojuego de arcade. Para Wilson, esas instancias permitían observar rasgos que no siempre aparecían en una conversación cotidiana.

El actor recordó que, desde niño, solía inventar juegos y modificar reglas para favorecer sus propias habilidades. También mencionó que los desafíos competitivos permitían ver cómo reaccionaban las personas fuera de los intercambios habituales.

Rolling Loud: The Movie relató la búsqueda de un hijo en un festival

Wilson presentó Rolling Loud: The Movie, donde interpretó a un padre que llevó a su hijo a un festival de música pese a la negativa de la madre y lo perdió durante el evento.

Contó que había asistido al festival con sus hijos: “Mis hijos están muy interesados en Rolling Loud y, cuando el festival llegó a Los Ángeles, fuimos a verlo”.

También señaló que la energía de artistas como Playboi Carti y Travis Scott difería de la música rap que conoció en su juventud.

Durante la charla, O’Brien comparó los primeros años del género con los espectáculos actuales, que ambos describieron como un cruce de rap y metal, marcado por una puesta en escena más intensa.

Wilson lo resumió así: “Ahora parece que el metal se encuentra con el rap”. También había mencionado la actuación de Playboi Carti entre las experiencias que tuvo en el festival.

Sus primeros pasos fueron como intérprete, en películas como Revolutionary Road, hasta que alcanzó notoriedad en el ámbito del cine independiente en títulos como Meek’s Cutoff, de Kelly Reichardt o Ruby Sparks, junto a su marido, Paul Dano que, además, constituyó su primer guion importante.

Ahora, debuta como creadora en una serie que tiene un significado muy especial para ella: la adaptación de Al este del Edén, del Premio Nobel John Steinbeck, la gran saga familiar americana que hablaba en clave alegórica del bien y del mal a través de dos parejas de hermanos que entroncaba con el mito bíblico de Caín y Abel.

Una novela convertida en obsesión familiar

Su abuelo, Elia Kazan, llevó al cine una parte de esta novela en 1955, con James Dean al frente del reparto. Ahora, ella, se encarga de ampliar toda la mitología de este clásico a través de una magnífica miniserie que se sitúa como una de las mejores versiones literarias del año, protagonizada por Florence Pugh, Christopher Abbott y Mike Faist.

“Cuando tenía quince años me obsesioné con este libro. Se me quedó grabado y constituía como una especie de misterio para mí. Lo he leído muchas veces desde entonces y, cada vez, encuentro algo nuevo”, dice Zoe Kazan en la rueda de prensa de presentación de Al este del Edén, refiriéndose a la novela de Steinbeck.

El ‘plot twist’ aparece cuando la creadora nos revela algo insólito: “No supe de la conexión que había entre el material y mi abuelo hasta después de leer el libro”.

Cuenta Zoe Kazan que creció en California y que sus padres la llevaron a Salinas, donde transcurre la historia. “Tenía que ir a la nave nodriza, de donde nació todo”, cuenta. Después, de adulta, continuó leyendo el libro y pidió a su agente que, si algún día quedaban libres los derechos, ella quería presentar una propuesta. “Tenía mi propia versión en la cabeza aunque, cuando tuve que presentarla, me puse muy nerviosa, se me olvidaron muchas cosas”, recuerda.

Una versión contemporánea

Lo que sí tenía claro es que su protagonista tenía que ser Cathy (Florence Pugh), esa madre que en la novela abandona a sus hijos gemelos y termina regentando un burdel, desencadenando la tragedia familiar. “A Cathy se la define al principio con la frase: ”A veces hay monstruos que nacen de padres humanos”, pero cien páginas más tarde, el autor añade, “He descrito a Cathy como un monstruo, pero ahora que he sacado mi lupa, la he examinado y he leído las notas al pie, pienso que quizá me equivoqué al hacerlo. Es fácil llamarla mala, pero si no examinamos por qué, no tiene sentido”. Yo quería respetar a Steinbeck, pero también tuve que deshacerme de algunos elementos propios de un hombre blanco de mediados de siglo que pudieran resultar misóginos. No podemos esperar que ningún artista viva fuera de su tiempo. Así que esta ha sido mi propia interpretación aquí y ahora", cuenta con respecto al personaje femenino, que cobra una entidad poderosa y más allá de lo ambiguo en la serie.

La misma operación la ha realizado con el personaje de Lee (interpretado por Hoon Lee), el fiel criado chino que se encarga de criar y educar a los hijos del protagonista, un hombre erudito que termina adquiriendo un peso especifico en la trama, más allá del racismo de la época.

En cuanto al reparto de la nueva versión de Al este del Edén, Kazan consiguió a su casting soñado: Florence Pugh como Cathy Ames, Christopher Abbott como Adam Trask y Mike Faist como el rebelde hermano Charles Trask. “Creo que todos todos hacen un trabajo espléndido porque sus papeles en ningún momento son blanco o negro, sino que nos permiten explorar la complejidad humana en toda su dimensión”, cuenta.

Siempre tuvo claro que quería adaptar el libro en formato serie: “Era algo que pedía el propio material, porque es una historia que se desarrolla a lo largo de los años y me permitía hacer una narración ‘intergeneracional’, algo que no se pudo abordar en la película de 1955″, cuenta.

Una de las cuestiones que siempre le interesaron más de la historia es el tema de la identidad, sobre todo en lo que respecta al aspecto luminoso y su reverso oscuro, que representarían los hijos de Cathy. “Creo que se puede cambiar, que no tiene sentido cargar con las cosas del pasado y castigarse por ello. Creo que decir ”me equivoqué" es algo muy poderoso. Y descubrí que el tema de ‘timshel’ y del “tú puedes” era algo que necesitaba entretejer en cada trama. Encontrar las maneras en que todos estos personajes lidian con el bien y el mal fue muy importante para mí“.

En ese sentido, piensa que la novela, y la serie continúan estando de actualidad en estos momentos porque habla de temas muy antiguos que, lamentablemente, siguen ocurriendo: “La lucha entre hermanos, en todos los sentidos, continúa siendo pertinente y el odio un arma muy poderosa”.

La relación entre ambas piezas vincula la experimentación sonora de la segunda mitad del siglo XX con la televisión animada contemporánea. La sintonía conserva el pulso rítmico y algunos recursos de estudio de la composición francesa, aunque los adapta a una introducción breve para una serie ambientada en el futuro.

Tyng tomó elementos de la obra original sin reproducirla de forma literal. La adaptación se integró en una cabecera cuya secuencia visual varió a lo largo de las temporadas, mientras la melodía se mantuvo como uno de los rasgos constantes de la serie.

La obra que antecedió a la sintonía de Futurama

Psyche Rock formó parte de Messe pour le temps présent, un ballet presentado en 1967 y creado por Henry y Colombier. La obra combinó procedimientos de estudio, ritmos repetitivos y arreglos vinculados con el rock y el pop de ese período. Esa mezcla permitió que la composición circulara más allá del ámbito académico de la experimentación sonora.

Henry fue una figura central de la música concreta, una corriente que utilizó grabaciones de sonidos reales como material de composición. El método alteró la relación tradicional con los instrumentos: una puerta, una voz, un objeto cotidiano o un registro tomado en exteriores podían recortarse, superponerse y transformarse mediante cinta magnética. Pierre Henry desarrolló buena parte de su trabajo a partir de registros sonoros manipulados en estudio.

El compositor francés recurrió a grabadoras para registrar pistas por separado y trabajar después sobre ellas. La edición de cintas permitía modificar velocidades, repetir fragmentos, invertir sonidos o reorganizar una toma para producir nuevas texturas. De acuerdo con NPR, estas prácticas desplazaban el centro de la creación desde la interpretación en vivo hacia las decisiones de edición y montaje.

En Messe pour le temps présent, ese lenguaje coincidió con un período de expansión de los sonidos electrónicos y de búsquedas psicodélicas. La estructura de Psyche Rock se apoyó en un patrón rítmico persistente y en capas sonoras tratadas en estudio. La combinación de procedimientos de vanguardia con una forma cercana a la música popular de los años sesenta favoreció que la pieza fuera retomada en contextos posteriores.

La música concreta influyó en la construcción de la pieza

Las técnicas asociadas a la música concreta anticiparon procedimientos que más tarde adoptaron artistas de distintos géneros. El uso de fragmentos grabados, la repetición y la alteración de registros se volvió habitual en la música electrónica, el hip hop y la cultura DJ.

El sample consiste en incorporar un fragmento de audio a una nueva composición. Aunque su expansión masiva llegó con tecnologías posteriores, las técnicas de cinta empleadas por autores como Henry ya permitían reutilizar, alterar y reorganizar grabaciones.

El rock experimental también incorporó procedimientos cercanos a la música concreta. Los Beatles utilizaron collages, efectos de cinta y registros superpuestos en Revolution 9, incluida en el álbum blanco de 1968. La pieza no reproduce la estructura de Psyche Rock, pero comparte el interés por organizar sonidos grabados fuera de las convenciones de una canción tradicional.

Con el paso del tiempo, la selección y edición de sonidos grabados adquirieron un lugar central en los estudios de grabación, los samplers y los programas de producción digital. Esas herramientas ampliaron los recursos disponibles para construir ritmos, texturas y arreglos a partir de materiales preexistentes. The Independent identificó Revolution 9 entre las obras pop que retomaron recursos de manipulación de cintas desarrollados por pioneros de la música concreta.

La cultura DJ incorporó recursos desarrollados por la música concreta

Treinta años después de su publicación inicial, Psyche Rock fue retomada en un lanzamiento de remezclas de 1997. El proyecto incluyó versiones de Fatboy Slim y William Orbit, dos productores británicos vinculados a la música electrónica de ese período.

El lanzamiento volvió a situar la obra dentro de un lenguaje basado en bases rítmicas, edición y reutilización de materiales. Las versiones mantuvieron el vínculo con la experimentación que había definido la composición original de 1967, al tiempo que la acercaron a los formatos de la pista de baile.

La intro de Futurama, estrenada pocos años después, trasladó esa genealogía a la televisión animada. La adaptación de Christopher Tyng encajó con la estética futurista de la serie y se convirtió en una de las aperturas más identificables de la animación televisiva.

La coincidencia no es casual, aunque tampoco profética en sentido estricto: es el resultado de una observación atenta sobre un fenómeno que llevaba años gestándose. El showrunner Rodríguez partió de una experiencia familiar directa. Su familia regenteó durante casi un siglo el restaurante Can Lluís, en el corazón del Raval, un local que fue punto de encuentro para vecinos y cineastas como Joaquim Jordà o José Luis Guerín. Hacia 2021, un fondo inversor compró el edificio y, tras años de negociación infructuosa, forzó el cierre del negocio aprovechando la vulnerabilidad económica dejada por la pandemia. La familia perdió el local y hasta la marca, reapropiada después para un restaurante orientado al turismo.

De esa herida personal surge Can Mosques, el restaurante ficticio en torno al cual gira la serie. “Quería explicar al mundo lo que está pasando en Barcelona, y en muchas ciudades del mundo, de la única forma que sé, a través de la cámara, y esta es mi terapia”, explicó el creador. La serie no reconstruye el caso real: lo desplaza hacia una pregunta contrafactual, qué pasaría si esa familia decidiera resistir hasta el límite, incluso cruzando fronteras legales y morales.

El mecanismo que describe Ravalear es el mismo que hoy ocupa los titulares españoles: un fondo de inversión adquiere un inmueble, presiona para vaciarlo y convierte el alquiler residencial en un activo financiero desconectado de cualquier función habitacional. El caso de Maricarmen Abascal, documentado por el Sindicato de Inquilinas de Madrid, siguió ese guion casi al pie de la letra: tras un cambio de propietario, el alquiler mensual pasó de 500 a 2.650 euros, luego rebajada a 1.650, hasta terminar en un desalojo que generó la actual protesta, extendida por todo el país.

La puesta en escena de Ravalear apuesta por un hiperrealismo construido con cámara nerviosa y rodaje en localizaciones reales del Raval: patios interiores, calles estrechas, escaleras con décadas de historia. La dirección de fotografía de Takuro Takeuchi da a cada plano una textura física que convierte el barrio en personaje, mientras la mezcla de actores profesionales con vecinos seleccionados mediante street casting —muchos de ellos con el rostro pixelado en pantalla— disuelve los límites entre ficción y vida cotidiana del barrio.

La banda sonora de Eloi Caballé, con elementos tecno que irrumpen en los momentos de mayor carga dramática, imprime al relato el pulso de un thriller urbano. Ese diseño sonoro, ajeno a cualquier folklorismo catalán, opera como señal de que la amenaza sobre el barrio histórico proviene de una lógica financiera abstracta e implacable. El montaje dinámico y los diálogos siempre al borde de la explosión producen, según ElDiario.es, “un thriller vibrante, febril y frenético” que mantiene al espectador en un estado de alerta constante.

Un barrio como termómetro social

La serie elige el Raval no como telón de fondo decorativo, sino como objeto de estudio. El director Isaki Lacuesta ha descripto el fenómeno como una sucesión de “abusos de poder, expropiaciones, crímenes de guante blanco y negro a la vez”, una fórmula que condensa la doble violencia que atraviesa el barrio: la degradación asociada a los llamados “narcopisos” y, simultáneamente, la presión financiera que convierte fincas enteras en viviendas para uso turístico. Los títulos de los seis episodios funcionan como una cartografía estadística del barrio, “1 km2 de superficie”, “70 narcopisos”, “260 asociaciones”, y sitúan el drama familiar dentro de un entramado urbano verificable.

Uno de los hallazgos de la serie es su tratamiento de la “okupación”, tema que en el debate público español suele reducirse a titulares alarmistas. En Ravalear, es Marta, interpretada por María Rodríguez Soto, quien concibe la estrategia de instalar okupas en los pisos vacíos del edificio como herramienta de presión contra el fondo buitre. La crítica calificó la serie como “profundamente conocedora y nada maniquea”, lejos de cualquier simplificación. El centro emocional de la serie recae en Àlex, interpretado por Enric Auquer, un hijo que negocia con el agente inmobiliario del fondo y descubre que ha sido engañado: en lugar de vender el local a la familia, el fondo compra el edificio entero. Su deriva hacia acciones cada vez más arriesgadas plantea una pregunta que la serie no resuelve de forma esquemática, hasta dónde está dispuesto a llegar alguien que se siente David frente a un Goliat financiero.

Esa misma pregunta atraviesa hoy las calles españolas. Pablo Fernández, portavoz del Sindicato de Inquilinas, reclamó públicamente “la expropiación de viviendas a los fondos buitre para ponerlas en alquiler social”, una demanda que convierte en reivindicación política lo que en la serie aparece como resolución dramática. El villano de Ravalear, el agente inmobiliario Cristòbal, interpretado por Sergi López, no es un personaje caricaturesco sino la cara humana de una estructura financiera que opera con contratos, plazos y resquicios legales.

Ravalear se convirtió en la primera serie española en formar parte de la sección oficial del Festival Internacional de Cine de Berlín, un reconocimiento que la sitúa en un terreno poco habitual para una producción de plataforma. Esa legitimación artística coincidió con un momento en que el problema que retrata dejó de ser materia de ficción para ocupar la agenda política y social en España. La serie no predijo este estallido social, pero fue capaz de observar con suficiente antelación un proceso que ya era visible para quien quisiera mirarlo: la conversión de la vivienda en activo financiero, la expulsión sistemática de inquilinos y comercios históricos, y la pregunta, cada vez menos teórica, sobre qué está dispuesta a hacer una sociedad cuando el mercado decide quién tiene derecho a quedarse en su barrio.

El director Koldo Serra se encargó de trasladar este universo literario al formato serie y de perfilar los personajes de Antonia Scott, una mujer con un coeficiente intelectual que la convertía en la persona más inteligente del planeta, y Jon Gutiérrez, su fiel escudero, un hombre de gran complexión y enorme corazón.

En un acierto de casting, ambos serían interpretados por Victoria Luengo y Hovik Keuchkerian, que lograron dotar de humanidad a unos personajes poco comunes dentro del género negro. Dos personajes entre los que, por una vez, no existe ningún interés romántico, sino que prevalece por encima de todo el cuidado y el cariño.

“Son como Mulder y Scully en Expediente X. Es decir, es otra cosa, sabes que entre ellos hay amor de verdad y eso es el motor de la serie”, cuenta Koldo Serra. “Y, como director, ha sido facilísimo, porque ellos dos también encajaron y solo tuve que poner la cámara para filmarlos”.

Victoria Luengo lo ratifica: “Yo creo que ha sido bonito mirarse de verdad. A veces tienes la suerte de que te toca un compañero con el que las cosas suceden sin que haya que forzarlas, con el que congenias. Y eso hace el trabajo mucho más fácil y más divertido. Para mí es lo más bonito de la serie, su alma, la realidad humana que transmiten ellos dos, cómo se quieren, cómo se acompañan, el miedo que tienen de perderse. Eso no suele ocurrir en series mainstream, una relación tan incondicional entre dos personas sin que exista un interés romántico, que se acompañen en lo bueno y en lo malo. A mí me gusta porque me ha pasado en la vida real también con él”.

Esta segunda temporada, titulada Reina Roja 2. Loba negra (que corresponde con la segunda parte de la trilogía de Juan Gómez-Jurado), desplaza la investigación desde Madrid hasta Marbella para seguir el rastro de una mujer desaparecida tras el asesinato de su marido, un mafioso ruso. Se llama Lola (Adriana Torrebejano), está embarazada y toda una organización criminal va detrás de ella.

En esta ocasión, la trama incorpora el tráfico de personas, hay autoridades corruptas, una sicaria mortífera y el regreso de los esbirros de Mr. White, el villano que disparó al marido de Antonia, que permanece en coma.

Tras la pista de todos ellos avanzará la Loba Negra, la asesina a sueldo encarnada por Javiera Sky, mientras los inspectores Romero y Belgrano, a los que dan vida Silvia Abascal y Mauricio Morales, combaten el crimen organizado en la Costa del Sol y recibirán de mala gana la ayuda de Antonia y Jon en el caso de la muerte del mafioso ruso.

Para Koldo Serra, esta nueva entrega le ha resultado de lo más satisfactoria, porque ha podido ampliar la cosmogonía más allá de la historia de los orígenes que contaba la primera parte. “En realidad, no he conseguido salir del universo de Reina Roja en cinco años. Literalmente, sueño con Vicky y Hovik todos los días, porque he solapado la postproducción de la segunda parte con la ‘preproducción’ de la tercera. Así que los veo todos los días en montaje, en las pruebas de sonido, en los retoques de efectos digitales...”, cuenta el director.

A pesar de los cambios y de las incorporaciones, que mejoran considerablemente el relato con respecto al anterior, es la relación entre Antonia Scott y Jon Gutiérrez el núcleo cordial de la historia que da sentido a todo: dos personajes que se entienden y se comprenden a pesar de sus particularidades y que se cuidan de verdad el uno al otro a través de una relación preciosa.

El universo de Juan Gómez-Jurado

El estreno de la segunda temporada coincide con el final del rodaje de la tercera, que adaptará Rey Blanco, cierre de la trilogía. El mundo narrativo de Gómez-Jurado ya se ha extendido con Cicatriz (2024), precuela de la saga emitida por RTVE, y con la futura adaptación cinematográfica para Prime Video de Todo arde, protagonizada por Aura Garrido.

La primera temporada de Reina Roja entró en el top 10 de visualizaciones de Prime Video en más de 120 países y llegó a ser la serie de habla no inglesa más vista de la plataforma a escala mundial.

Juan Gómez-Jurado había publicado antes los thrillers Espía de Dios (2006) y El emblema del traidor (2008), y también creó las colecciones infantiles y juveniles Alex Colt, Rexcatadores y Amanda Black, estas dos últimas junto a Bárbara Montes. El escritor participa asimismo en los podcasts Todopoderosos y Aquí hay dragones.

Ocho años después del debut de Antonia Scott, la saga de Reina Roja ha vendido 4,5 millones de ejemplares en todo el mundo, según Ediciones B. Gómez-Jurado extendió ese mismo universo con Todo arde (2022), seguido de Todo vuelve (2023) y Todo muere (2024), una trilogía cuya historia puede leerse de forma independiente.

Dos asesinos en el camino de Dexter

La nueva temporada encontrará a Dexter Morgan instalado oficialmente en Nueva York, donde utiliza la ciudad como territorio de caza. Su objetivo sigue siendo localizar a criminales que escaparon de la justicia y aplicarles el código que aprendió de Harry, su padre adoptivo fallecido.

El avance anticipa que Dexter quedará atrapado entre dos asesinos con perfiles muy distintos. Uno cuenta con décadas de crímenes y una reputación construida durante años; el otro es una figura más joven que comienza a aterrorizar la ciudad con métodos inesperados.

Uno de esos adversarios sería el Destripador de Nueva York, interpretado por Brian Cox. El otro es el llamado asesino de los cinco distritos, encarnado por Dan Stevens, quien dirige su atención hacia Dexter por motivos que el tráiler todavía no explica. Ambos casos obligarán al protagonista a vigilar sus movimientos mientras intenta mantener ocultos sus propios asesinatos.

El conflicto externo estará acompañado por un problema más cotidiano. Dexter atravesará una crisis de la mediana edad, un cambio personal que aparece como uno de los ejes de la temporada. La serie combinará así la persecución de los nuevos criminales con el desgaste físico y mental de un personaje que lleva años sosteniendo una doble vida.

Dexter: Resurrection está basada en la saga literaria de Jeff Lindsay y mantiene como pieza central el código de Harry: un conjunto de reglas con el que Dexter selecciona a sus víctimas, reúne pruebas sobre sus delitos y trata de evitar que personas inocentes sufran por sus acciones.

Regresos, sospechas y cuentas pendientes

El tráiler también recupera varios conflictos de la temporada anterior. Charley, interpretada por Uma Thurman, vuelve a cruzarse con Dexter después de haber trabajado como jefa de seguridad del fallecido Leon Prater. En las imágenes afirma que tiene una cuenta pendiente con él, aunque el avance no revela qué planea hacer ni cuánto conoce sobre sus crímenes.

Otro regreso importante es el de Joey Quinn, nuevamente interpretado por Desmond Harrington. El teniente de homicidios de la policía de Miami y antiguo compañero de Dexter aparece conversando con la detective Wallace, personaje de Kadia Saraf. La escena sugiere que ambos investigarán las circunstancias relacionadas con la muerte de Batista y que el pasado de Dexter en Miami volverá a perseguirlo.

Krysten Ritter también reaparece como Lady Vengeance. Su presencia abre una incógnita porque el personaje aparentemente murió durante la entrega anterior. El tráiler no permite determinar si sobrevivió, si las imágenes pertenecen a un flashback o si se trata de una visión creada por la mente de Dexter.

A esos problemas se suma la historia de Harrison, interpretado por Jack Alcott. El hijo de Dexter continuará su propia búsqueda de justicia mientras ambos atraviesan una etapa especialmente oscura de su relación. La serie volverá a enfrentar sus diferentes ideas sobre el castigo, la violencia y las reglas heredadas de Harry.

El reparto y las fechas de estreno

Junto con Hall, Thurman, Alcott, Cox, Stevens, Harrington, Saraf y Ritter, la segunda temporada contará con los regresos de Ntare Guma Mbaho Mwine, Dominic Fumusa y James Remar. El elenco anunciado incluye además a Bokeem Woodbine y Nona Parker Johnson.

Gabriel Luna se incorpora como una de las nuevas figuras de la temporada. Las fuentes difundidas con el avance todavía no detallan qué personaje interpretará ni cómo se relacionará con Dexter, Harrison o los asesinos que operan en Nueva York.

El calendario reducirá la espera para el público español respecto del lanzamiento estadounidense. Paramount+ estrenará la temporada el viernes 30 de octubre.

Su rostro se ha situado en el centro de la atención mediática al encabezar el reparto de Monstruo: La historia de Lizzie Borden, que se ha situado entre las series más vistas de Netflix, donde interpreta a la protagonista, acusada de asesinar a hachazos a su padre y a su madrastra en 1892. Se trata de la cuarta temporada de la antología de Ryan Murphy e Ian Brennan, que sitúa por primera vez a una mujer en el centro de su relato criminal.

Lizzie Borden fue juzgada por las muertes de Andrew Borden y Abby Borden en Fall River, Massachusetts, y resultó absuelta. El caso, uno de los más conocidos de la crónica negra de Estados Unidos, ha mantenido su vigencia por las dudas sobre la autoría y por las explicaciones sociales y psicológicas que se han proyectado sobre la acusada.

La actriz ha llegado al papel tras ser descubierta, precisamente, por Ryan Murphy e interpretar a Kerry O’Shea en Feud: Capote vs. The Swans y debutar en Broadway con Appropriate. Beatty estudió interpretación en la prestigiosa Juilliard School de Nueva York y se graduó en 2022, en una promoción formada por 18 alumnos.

Quién es Ella Beatty, Lizzie Borden en ‘Monster’

Beatty pertenece a una de las familias más reconocibles del cine estadounidense. Es la menor de los cuatro hijos de Warren Beatty y Annette Bening, y sobrina de Shirley MacLaine, hermana de su padre.

Su trayectoria familiar reúne varios hitos de la Academia de Hollywood: Warren Beatty ganó el Oscar a la mejor dirección por Reds y suma 14 nominaciones; Annette Bening ha recibido cinco candidaturas al Oscar y ha ganado dos Globos de Oro; MacLaine cuenta con un Oscar y seis nominaciones. La actriz ha reconocido que crecer con padres célebres le proporciona privilegio y visibilidad, aunque aspira a demostrar su capacidad por sí misma.

La serie de Netflix supone su primer gran papel protagonista para la pantalla. Lo hace arropada por intérpretes como Charlie Hunnam, que interpreta a Andrew Borden, Rebecca Hall, que encarna a Abby Borden, la madrastra de Lizzie y Vicky Krieps.

La preparación física para encarnar a Lizzie Borden

Beatty abordó a Borden como una figura histórica incompleta, reconstruida a partir de documentos, fotografías, testimonios y las decisiones de ficción del guion. “Leí un maravilloso libro llamado The Trial of Lizzie Borden, que tenía información realmente excelente sobre su vida y la especie de red de personas a su alrededor. Pero, desde el principio, empecé a tomar decisiones sobre cuánto del personaje que el público vería en la serie estaba compuesto por hechos de la persona real y cuánto era una especie de creación nuestra y un reflejo de lo que estaba en el guion”, cuenta Ella Beatty en la rueda de prensa de presentación de la serie. También escuchó pódcast de crónica negra sobre las distintas teorías del caso.

La intérprete también trabajó con la especialista en movimiento Julia Crockett para trasladar la información histórica al cuerpo del personaje: una postura, una manera de caminar, de ocupar el espacio y de relacionarse con quienes la rodean. “Sentí que estábamos construyendo a alguien”, ha explicado sobre un proceso en el que el texto de la serie acabó siendo su principal guía.

La nueva versión de Borden se incorpora a una historia que ya había llegado al cine con Chloë Sevigny en el papel de Lizzie Borden en la película llamada El asesinato de la familia Borden (Lizzie), de 2018. Beatty conocía aquella interpretación, pero considera que cada adaptación encuentra una puerta de entrada distinta al caso y que la serie utiliza a Lizzie para examinar cuestiones más amplias que la posible culpabilidad de la protagonista.

La actriz sitúa una de esas cuestiones en la relación entre violencia y feminidad. A su juicio, el interés del público no reside solo en el crimen, sino en preguntarse qué llevó a una persona a ejercer violencia y cómo influyeron en esa trayectoria las convenciones de su época, la represión y la psicología individual.

“Creo que la antología es, en cierto modo, un ejercicio en torno a esa pregunta. ¿Por qué? ¿Cómo llegó esta persona a ese punto? ¿De qué está hecha su psicología para que la empuje hacia la violencia? Y cuando se trata específicamente de mujeres, creo que, por lo general, las mujeres matan por motivos diferentes a los de los hombres”, reflexiona. “Y creo que esta serie está interesada en explorar cuáles podrían ser esos motivos. Quizás sea menos evidente. Creo que la feminidad y la violencia no son dos cosas que la gente asocie libremente. Así que creo que incluso esa yuxtaposición es una cuestión de investigación interesante”.

Beatty ha reconocido también que suele evitar las películas y series violentas porque se asusta con facilidad. Para interpretar a Borden tuvo que adentrarse en un universo de violencia extrema y sostener al personaje desde dentro. “Casi siempre tengo miedo [risas]. Así que no oculté ese miedo, para ver si eso me ayudaba, qué despertaba en mí, qué creaba. Pero sí, estaba aterrorizada”.

La ficción sitúa a una joven educada en casa, interpretada por Summer H. Howell, en un centro con detectores de metales, simulacros de tiroteo y acoso amplificado por las redes sociales.

El punto de partida adelanta la catástrofe: el instituto Ewen arde y la localidad de Chamberlain, en Maine, queda devastada, con 200 muertos. Después, la narración retrocede un año hasta la muerte de Ralph White, el padre de Carrie.

La policía encuentra entonces a Carrie y a su madre, Margaret White, recluidas en su vivienda. Para conservar la custodia de su hija y la casa, Margaret debe aceptar un empleo, mientras Carrie se incorpora por primera vez a la enseñanza pública.

Cómo actualiza Mike Flanagan la historia de ‘Carrie’

La adaptación convierte los elementos contemporáneos de la escuela estadounidense en parte central del relato. Carrie atraviesa un detector de metales el primer día de clase y queda paralizada durante un simulacro de tirador activo, una rutina que, según TheWrap, sus compañeros conocen desde la educación primaria.

La protagonista también llega al instituto sin haber usado internet, teléfonos ni bibliotecas, y con escaso contacto con otras personas ajenas a su madre, según IndieWire. Esa falta de experiencia la vuelve vulnerable ante el rechazo de sus compañeros y ante la difusión digital de las humillaciones que sufre.

La serie conserva hechos reconocibles de la novela de Stephen King, publicada hace 52 años, pero desplaza el foco hacia la presión cotidiana sobre los adolescentes. The Hollywood Reporter considera que la ampliación permite dedicar más tiempo a estudiantes, profesores y administradores que intentan intervenir, aunque no logran impedir el desenlace.

Flanagan, que ejerce como creador y dirige cuatro episodios, ya había adaptado obras de King como El juego de Gerald, Doctor Sueño y La vida de Chuck. También ha transformado textos de Shirley Jackson y Edgar Allan Poe en series de mayor extensión, como La maldición de Hill House, Otra vuelta de tuerca y La caída de la casa Usher.

La nueva versión presenta a Carrie como una joven amable, curiosa y abierta a hacer amigos, más que como una figura permanentemente aterrorizada. Howell interpreta sus cambios entre el aislamiento, el miedo y la confianza creciente que le aporta descubrir su capacidad para mover objetos con la mente, según The Hollywood Reporter.

Las nuevas capas y valoración de la crítica

Samantha Sloyan encarna a Margaret como una madre religiosa, cruel y controladora, pero movida por una forma de afecto que la crítica de The Hollywood Reporter describe como alimentada por teorías de la conspiración y una fe confusa. La serie le atribuye una dimensión más desarrollada que la de las adaptaciones anteriores.

El reparto incorpora también a Siena Agudong como Sue Snell, Alison Thornton como Chris Hargensen, Matthew Lillard como el director Grayle, Amber Midthunder como la profesora Rita y Tim Bagley como el orientador Peter Morten. La reseña de TheWrap destaca además a Michael Trucco como el padre de Chris y subraya que el diseño de los hogares de los personajes aporta información sobre cada uno de ellos.

La historia de Chris deja de limitarse al papel de agresora: la serie vincula su violencia con los conflictos de su familia y con la crueldad de su padre. Para IndieWire, ese planteamiento intenta explicar su conducta, aunque la crítica considera que la ficción desplaza la responsabilidad moral hacia los adultos y suaviza en exceso a los adolescentes.

El baile de graduación no cierra la serie, sino que ocurre en el penúltimo episodio. TheWrap sostiene que ese cambio prepara una continuación centrada en las consecuencias de la violencia de Carrie y en la existencia de otras personas con habilidades telequinéticas.

Ese desenlace divide a las críticas. Empire valora que Mike Flanagan mantenga el impulso trágico de la historia y adapte el material a un entorno donde cada agresión puede ser grabada y difundida. La considera una serie fresca y repleta de ideas, al igual que The Wrap, que la describe como un “éxito rotundo”. Mientras The Hollywood Reporter e IndieWire creen que la expansión debilita la fuerza del horror y resta impacto al clímax del baile.

La programación reúne producciones coreanas y coproducciones internacionales en formatos diversos. Mientras las dos primeras propuestas de octubre se apoyan en historias románticas contemporáneas, la serie de noviembre trasladará al público a un imperio de ficción atravesado por disputas afectivas y políticas. El documental sobre KATSEYE, en tanto, se aparta de la ficción para seguir la nueva etapa del grupo y su vínculo con sus seguidores.

Entre pasos: en busca de un sueño abrirá el calendario el 5 de octubre

La primera novedad será Entre pasos: en busca de un sueño, que llegará a Disney+ el 5 de octubre con dos capítulos nuevos por semana. La trama se centra en Minjae, un exnadador de talento que perdió una pierna a causa de una enfermedad durante la secundaria. Ya como estudiante de un doctorado en robótica, sostiene una actitud despreocupada, aunque mantiene el deseo de encontrar una relación amorosa.

Su camino se cruza con el de Yujin, quien dejó sus estudios de moda y empieza a proyectar otro futuro a partir del encuentro con él. La serie plantea cómo esa afinidad inicial deriva en un romance marcado por los cambios personales de ambos protagonistas.

Ji Changwook y Mio Imada protagonizan una comedia romántica en Japón

El 7 de octubre será el turno de Temporada de amor, una comedia romántica intercultural ambientada en una isla japonesa. La producción tendrá un episodio semanal y seguirá a Karin Shirahama, una agricultora que concentra sus esfuerzos en obtener las mejores fresas de su cultivo.

La rutina de Karin cambia con la llegada de Lee Yubin, un joven de ciudad que atraviesa una racha adversa. Un primer encuentro incómodo y un malentendido posterior los obligan a compartir más tiempo del previsto. Ji Changwook interpreta a Yubin, un diseñador de espacios, mientras que la actriz japonesa Mio Imada encarna a Karin.

La dirección está a cargo de Kim Soojung, conocida por Semantic Error, y Roh Youngsub, responsable de My Lovely Liar. Lee Jaeyoon escribió la serie, desarrollada y producida por CJ ENM, Disney y Nippon TV. La compañía coreana estuvo detrás de títulos como Aterrizaje de emergencia en tu corazón y La reina de las lágrimas.

KATSEYE mostrará imágenes inéditas y el vínculo con sus EYEKONS

El 16 de octubre se estrenará KATSEYE: WILD HEARTS, una película documental centrada en la nueva etapa del grupo. El material reunirá imágenes inéditas, videos enviados por sus seguidores —identificados como EYEKONS— y entrevistas con las integrantes.

La propuesta buscará reconstruir la relación entre KATSEYE y su comunidad internacional de fanáticos. A diferencia de las otras novedades anunciadas para el mes, no se trata de una ficción coreana, sino de un retrato musical sobre un grupo de proyección global y la participación de su público en ese recorrido.

La emperatriz divorciada llegará en noviembre con una historia de poder y revancha

El siguiente estreno de la lista será La emperatriz divorciada, previsto para el 4 de noviembre en Latinoamérica. La adaptación del webtoon de NAVER, que acumula casi 3.000 millones de visualizaciones, debutará con cuatro episodios; luego, Disney+ incorporará dos capítulos por semana hasta completar una temporada de 10.

La historia presenta a Navier, emperatriz del Reino del Este, y a su esposo Sovieshu. El vínculo se deteriora cuando el emperador se enamora de Rashta, una esclava fugitiva. Ante la situación, Navier acepta sus exigencias con una condición: poder casarse con Heinrey, príncipe heredero del Reino del Oeste y rival de Sovieshu. El conflicto afectivo queda así ligado a la disputa por el destino del reino.

Shin Mina asumirá el papel de Navier; Ju Jihoon, el de Sovieshu; Lee Jongsuk, el de Heinrey; y Lee Seyoung, el de Rashta. Cho Suwon dirigió la producción, que fue filmada en paisajes y palacios europeos. Con estos lanzamientos, Disney+ ampliará un catálogo que ya incluye producciones coreanas como Moving, Made In Korea y Polaris: la conspiración.

Es una novela épica con muchos elementos propios de Edith Wharton o Henry James: comentarios mordaces sobre la clase social y la alta sociedad; intriga y escándalo en lujosos salones; y una historia de amor condenada al fracaso. Pero, en lugar de Nueva York o Londres, está ambientada en la Varsovia del siglo XIX.

La novela La muñeca, de Boleslaw Prus, es venerada en toda Polonia como una obra maestra, aunque en el extranjero es más desconocida. La London Review of Books la llamó en una ocasión “quizá la gran novela del siglo XIX menos conocida”.

Eso podría cambiar el miércoles con el estreno en Netflix de una suntuosa adaptación en polaco de seis episodios, que tiene el potencial de presentar La muñeca a millones de espectadores internacionales que buscan el próximo Bridgerton o “La edad dorada”.

En una coincidencia de fechas, una adaptación cinematográfica independiente se estrenará en las salas de cine polacas el 30 de septiembre. La cercanía entre ambos estrenos, las primeras versiones para la pantalla de La muñeca desde una miniserie televisiva de 1977, ha dado pie a bromas en Polonia sobre Dollheimer, una referencia al fenómeno Barbenheimer.

Katarzyna Zechenter, profesora asociada del University College London, afirmó que la literatura polaca había sido desestimada en el extranjero y rara vez se traducía durante las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial, cuando Polonia estaba bajo un régimen comunista. “Venderla, distribuirla, hacer adaptaciones cinematográficas: no había mercado para ello”, afirmó.

En el centro, un hombre sonriente con los brazos extendidos está de pie en un campo verde, vestido con sombrero de copa negro y abrigo largo.

La serie cuenta con todos los adornos habituales de un extravagante drama de época: bailes, duelos, corsés y palacios, además de elaboradas pelucas y bigotes. Crédito...Netflix

Pero, añadió, eso está cambiando. “Polonia se está convirtiendo en una importante sociedad de Europa Central”, tanto política como culturalmente, afirmó Zechenter. “Por eso Prus tiene sentido ahora”.

La muñeca, o Lalka en polaco, se publicó por primera vez por entregas en un periódico y después como libro en 1890. Sigue a Stanislaw Wokulski, un rico empresario de Varsovia perteneciente a la emergente clase mercantil, quien desarrolla una obsesión por Izabela Lecka, una bella aristócrata que, como escribe Prus, “sabía tiranizar a los hombres con su frialdad”.

Es una historia de amor más oscura y retorcida que las de una temporada promedio de Bridgerton.

Como gran parte de la aristocracia polaca de la época, Izabela y su padre atraviesan un declive financiero. Izabela está sometida a una presión constante para casarse con alguien rico, pero le irrita que la obliguen a hacerlo.

Por eso responde a las desesperadas insinuaciones de Stanislaw utilizándolo por su dinero. “Bocado a bocado, devoraremos al señor Wokulski”, le dice a su padre. “Y él estará encantado de poder mirarme desde el plato”.

La serie cuenta con todos los adornos habituales de un extravagante drama de época: bailes, duelos, corsés y palacios, además de elaboradas pelucas y bigotes. Recrear la Varsovia del siglo XIX, que fue destruida en gran medida durante la Segunda Guerra Mundial, implicó filmar en varias otras ciudades polacas y utilizar decorados de diseño ornamentado e imágenes generadas por computadora.

Pero faltan algunas complejidades que eran centrales en la novela de casi 700 páginas. Cuando se publicó La muñeca, la zona alrededor de Varsovia formaba parte del Imperio ruso, y ciertos elementos de la trama fueron modificados para superar la censura zarista. El libro explora extensamente el declive de la aristocracia local, el surgimiento del nacionalismo polaco y los debates sobre el papel de la ciencia en la sociedad.

Es mucho contexto para entretejer en una serie limitada o una película, por lo que las adaptaciones tienden a centrarse en lo que Zechenter llamó “la horrible historia de amor».

Eso también necesitó algunos ajustes, dijo Pawel Maslona, director y coguionista de la serie de Netflix. La serie no es necesariamente una adaptación fiel, sino una reinterpretación del libro, afirmó, que consideró un punto de partida, como “los estadounidenses abordan el mito de Batman”.

Izabela, en particular, se prestaba a una actualización. En el pasado, se la consideraba una villana codiciosa y superficial. (También se asumía con frecuencia que ella era «la muñeca» del título, aunque Prus lo cuestionó después de la publicación del libro). Hoy, los lectores y espectadores podrían verla como alguien atrapada por las restricciones que se le imponen como mujer y que reacciona contra ellas.

Sandra Drzymalska, quien interpreta a Izabela en la serie, dijo que, aunque Izabela era “malcriada” y “un poco grosera”, la actriz había querido convertirla en “una chica moderna” que “quiere ser algo más” que la esposa de alguien. Un enfoque principal de la serie es una subtrama sobre la ambición de Izabela de escribir para un periódico progresista dirigido por mujeres.

Drzymalska dijo que este impulso de superación personal era, en última instancia, la razón por la que su Izabela termina enamorándose del trepador social Stanislaw. “Se entienden”, dijo Drzymalska, porque ambos “quieren ser otra cosa”.

El amor de Stanislaw suele caracterizarse como “obsesivo” en las descripciones de la novela, y su intensidad desempeña un papel en su caída. Utiliza la necesidad de dinero de Izabela para controlarla y, en una secuencia de la serie de Netflix, construye minuciosamente una réplica de su dormitorio en su propia casa. Esa podría ser la razón por la que el tráiler utiliza de fondo Creep, de Radiohead.

Más allá de las modernizaciones, la verdadera pregunta podría ser cómo se sentirán algunos espectadores polacos u otros devotos de la novela respecto de algunos de los cambios más audaces de la trama. El último episodio contiene giros que probablemente sorprenderán incluso a un lector ocasional de La muñeca.

Maslona afirmó que la “dirección descabellada” que finalmente toma la serie terminó siendo “un poco sorprendente, incluso para nosotros”.

Fuente: The New York Times

Prime Video está cerca de aprobar una nueva serie de Spider-Man basada en la Saga del clon, según informó Deadline. El proyecto, preparado dentro del acuerdo entre Amazon MGM Studios y Sony Pictures Television, seguiría a Ben Reilly y Kaine Parker, dos copias de Peter Parker con historias y poderes diferentes. La noticia llegó semanas después de la cancelación de Spider-Noir, que terminó tras una temporada.

Un proyecto escrito por Kelvin Yu

Kelvin Yu, creador de Chino americano, será el encargado de escribir la serie. Amy Pascal, Phil Lord y Christopher Miller participarían como productores ejecutivos, el mismo puesto que ocuparon en Spider-Noir. Hasta ahora no se anunciaron director, reparto, cantidad de episodios ni fecha para el inicio del rodaje.

Amazon MGM Studios y Sony Pictures Television declinaron hacer comentarios sobre la información. El programa todavía no recibió una orden oficial de producción: estaría a punto de obtener luz verde, término utilizado para describir la autorización formal que permite avanzar con una serie. Esto significa que sus detalles creativos y su calendario todavía podrían cambiar.

El lanzamiento está previsto tanto en MGM+ como en Prime Video, aunque no existe una fecha de estreno. La producción forma parte del acuerdo entre Amazon MGM Studios y Sony Pictures Television para desarrollar programas basados en personajes relacionados con Spider-Man.

Las fuentes consultadas coinciden en que la Saga del clon será el punto de partida, pero ofrecen versiones diferentes sobre la trama. Una señala que los protagonistas descubrirán que son clones y deberán lidiar con esa revelación mientras enfrentan a otras copias convertidas en amenazas. Otra sostiene que la adaptación podría modificar sus orígenes e incluso darles identidades diferentes.

Ben Reilly y Kaine Parker frente a sus copias

La historia se concentraría en Ben Reilly y Kaine Parker, dos personajes nacidos a partir del material genético de Peter Parker. En los cómics, Ben consiguió construir una vida lejos de Peter y adoptó el nombre de Araña Escarlata. Kaine, en cambio, fue presentado como un clon defectuoso, con problemas físicos y diferencias marcadas frente al Spider-Man original.

Una de las versiones sobre la serie indica que ambos unirán fuerzas contra varias amenazas. Entre ellas habría otros clones de Spider-Man que terminaron convertidos en villanos, como Spidercide. El conflicto permitiría abordar las diferencias entre Ben, Kaine y Peter sin trasladar de manera literal todos los acontecimientos publicados en las viñetas.

La Saga del clon es uno de los arcos más conocidos y discutidos de Marvel Comics. Durante su publicación, Marvel llegó a plantear que Ben Reilly era el verdadero Peter Parker y que el héroe seguido durante años por los lectores era en realidad una copia. La reacción negativa de parte de los seguidores llevó a revertir esa decisión.

La posible serie tomaría como referencia el segundo gran arco de esa historia, aunque las fuentes anticipan cambios significativos. Esa libertad creativa deja abierta una cuestión central: Ben y Kaine podrían conservar sus antecedentes como clones o recibir nuevos orígenes diseñados para la televisión. Tampoco está confirmado si Peter Parker aparecerá en pantalla o si la narración se limitará a sus duplicados.

El reemplazo de Spider-Noir

La noticia surgió menos de un mes después de que Prime Video cancelara Spider-Noir. La serie protagonizada por Nicolas Cage había estrenado todos sus episodios en mayo de 2026 y presentaba una versión del héroe inspirada en los clásicos del cine negro. Su cancelación fue informada a comienzos de septiembre, pocos días antes de que obtuviera cinco premios Emmy.

Pese a ese reconocimiento y a la recepción favorable mencionada por las fuentes, Spider-Noir terminó después de una única temporada. Amazon y Sony indicaron entonces que el acuerdo para producir más series relacionadas con Spider-Man continuaba vigente, y el proyecto sobre la Saga del clon sería el siguiente resultado de esa alianza.

El nuevo programa mantendría a Pascal, Lord y Miller en tareas de producción, pero cambiaría tanto a su protagonista como el tipo de historia. En lugar del detective interpretado por Cage, el foco pasaría a personajes definidos por sus dudas de identidad y por su relación con Peter Parker.

La serie de la Saga del clon todavía espera su aprobación definitiva. Hasta ahora, Amazon MGM Studios y Sony Pictures Television no informaron una fecha de producción ni un plazo de estreno para MGM+ y Prime Video.

Después de un septiembre cargado de estrenos, en el que ha arrasado en Netflix Monstruo: La historia de Lizzie Borden y la española El problema final, basada en la novela de Arturo Pérez- Reverte, nos adentramos en un octubre absolutamente pletórico repleto de novedades.

Además de las diez series que hemos seleccionado, hay otras ficciones de lo más interesantes que merece la pena destacar. Es el caso de Kill Jackie, protagonizado por Catherine Zeta-Jones (y en la que también encontramos a Óscar Jaenada), un thriller criminal basado en la novela El precio que pagas, de Nick Harkaway y que fue rodado en Bilbao. Se podrá ver en HBO Max a partir del 2 de octubre.

También Pequeños profetas, una de las comedias británicas mejor valoradas del año en la que un hombre excéntrico obsesionado con la desaparición de su novia, utilizará una receta de su padre, que le permitirá invocar a unos espíritus mágicos que prevén el futuro. Una ficción con toques fantásticos de lo más singular con Pearce Quigley y Sir Michael Palin. En Apple TV a partir del día 7.

Esta es nuestra selección de series imprescindibles para ver durante el mes octubre por orden de estreno.

1. ‘Al este de Edén’ (1 de octubre en Netflix)

Adaptación en formato miniserie de la mítica novela de John Steinbeck que llevó al cine Elia Kazan en 1955. Ahora, su nieta, la actriz y directora Zoe Kazan, se pone al frente de este proyecto ambientado después de la Guerra Civil americana en el que dos hermanastros heredan una fortuna y una mujer se encarga de seducirlos. En el reparto, Florence Pugh, Mike Faist y Christopher Abbott. La crítica ya la ha elogiado como una de las grandes ficciones históricas de la temporada.

2. ‘Reina Roja 2. Loba negra’ (2 octubre en Prime Video)

La adaptación de la saga literaria de Juan Gómez Jurado sigue a Antonia Scott (Victoria Luengo), una mujer con un coeficiente intelectual desorbitado que trabaja para una organización secreta para investigar casos delicados, y al inspector Jon Gutiérrez, interpretado por Hovik Keuchkerian. En esta ocasión, ambos deberán resolver un crimen vinculado con la mafia rusa en la Costa del Sol.

La investigación girará en torno a la localización de Lola Moreno (Adriana Torrebejano), la esposa de un mafioso perseguida por una asesina a sueldo conocida como Loba Negra. Una secuela cargada de acción en la que las mujeres toman el poder y en la que se indaga en torno a la relación entre los protagonistas.

3. ‘Carrie’ (7 de octubre en Prime Video)

Otra esperada adaptación, en este caso de la novela de Stephen King, que también sirvió para que debutara en el cine Brian de Palma en la película de 1976. Del proyecto se encarga un experto en el maestro del cine de terror como es Mike Flanagan, que revisa el clásico desde una óptica contemporánea, trasladando la historia a la actualidad para hablar de temas como el ciberbullying.

La protagonista es Carrie White (Summer H. Howell), una chica inadaptada sometida a la sobreprotección de su progenitora (Samantha Sloyan), que será víctima de un escándalo viral de acoso a través de las redes sociales, lo que despertará en ella unos misteriosos poderes de telequinesia.

4. ‘El Castillo’ (8 de octubre en Movistar Plus+)

La ‘coguionista’ de Rodrigo Sorogoyen, Isabel Peña, junto a Eduardo Villanueva, adaptan la novela no ficción de Mabel Lozano El proxeneta, en la que se denunciaba la explotación sexual de mujeres, mediante la prostitución y la trata.

La serie cuenta el auge de esta mafia en España a través de la figura del empresario que lidera el negocio, el Suizo (Raúl Arévalo), al mismo tiempo que se cuenta la historia de una chica colombiana que contraerá una deuda con él, Claudia (Valentina Vidal) y los policías que investigan el caso, interpretados por Omar Ayudo y Laia Marull. Al frente de la dirección encontramos a Elena Martín y Sandra Romero, que aportan un tono seco y metódico cercano al periodismo de investigación y alejado de cualquier tipo de exhibicionismo.

5. ‘Furia. Parte 2′ (9 de octubre en HBO Max)

Después de su pletórica primera temporada, Félix Sabroso vuelve a reunir a un reparto femenino espectacular en esta segunda entrega donde las mujeres vuelven a situarse al borde del abismo y de situaciones disparatadas que las llevan al límite.

Entre los nombres destacados de esta parte dos, encontramos a Maribel Verdú, Carmen Maura, María León, Cecilia Suárez, Ana Mena, Clara Sans y repiten Claudia Salas y Ana Torrent. Entre los escenarios de esta segunda temporada, encontramos un guiño a la propia serie a través de un rodaje que recrea los acontecimientos que vimos anteriormente.

6. ‘Aquel’ (’biopic’ de Rapahel, el 9 de octubre en Netflix)

Biopic de Raphael, que abarca su carrera a lo largo de cinco décadas y repasa su vida desde sus orígenes humildes en la España de posguerra hasta la conquista de los grandes escenarios profesionales. También se aborda sus conflictos personales y los fantasmas particulares en este recorrido particular hacia el éxito y la fama. Javier Morgade y Carlos Santos se meten en la piel del artista en diferentes etapas de su trayectoria. Una serie fundamental para los fans del artista y para todos aquellos que quieran acercarse a su figura.

7. ‘VisionQuest’ (14 de octubre en Disney+)

Nueva serie de aventuras de Marvel que sigue a Visión, quien permanece oculto tras escapar de quienes querían utilizarlo como arma, hasta que una recompensa por su captura lo obliga a huir junto a Thomas Sheperd, un joven que podría ser la reencarnación de su hijo. El personaje vuelve a estar interpretado por Paul Bettany, mientras que Ruaridh Mollica encarna a Sheperd.

La producción cierra la trilogía iniciada por WandaVision en 2021 y continuada con Agatha, ¿quién si no? en 2024. Durante su búsqueda de un nuevo propósito, Visión consultará distintas inteligencias artificiales integradas en su programación para conseguir sus propósitos.

8. ‘Crystal Lake’ (16 de octubre en HBO Max)

La ‘precuela’ de la saga Viernes 13 sigue a Pam, una madre soltera interpretada por Linda Cardellini, que no ha superado la muerte por ahogamiento de su hijo Jason en un lago, ocurrida hace casi un año.

Dos desconocidos llegan a su casa para indagar en su pasado y desencadenarán una serie de acontecimientos que lleva a los habitantes de Crystal Lake a preguntarse quién es realmente Pam. Un ‘slasher’ para los fans de la mítica franquicia sobre uno de los ‘serial killers’, Jason Voorhees, más carismáticos de la historia del cine.

9. ‘Grande de España’ (23 de octubre en Netflix)

La nueva comedia de Álvaro Fernández-Armero y Juan Cavestany (responsables de Vergüenza) expone un juego de falsas apariencias alrededor de un palacete familiar en Madrid. Don Leandro, un marqués arruinado interpretado por Antonio de la Torre, quiere vender la propiedad para resolver sus problemas económicos y alcanzar su objetivo de convertirse en Grande de España.

La operación parece posible cuando Sofía Carrington, una empresaria interpretada por Alexandra Jiménez, se interesa por el inmueble. La compradora y el vendedor descubrirán que ninguno es quien aparenta ser.

10. ‘Nocturno’ (30 de octubre en Apple TV)

Un ‘exsoldado’ convertido en detective de homicidios, interpretado por Liev Schreiber, abandona Filadelfia y se instala en una pequeña localidad del oeste de Pensilvania en busca de una vida tranquila.

La calma desaparece cuando un asesino en serie, interpretado por Stephen Graham, convierte al pueblo y a la familia del detective en sus objetivos. Para encontrar a la última víctima, el protagonista envía a una agente del FBI, interpretada por Zazie Beetz y a quien considera una hija, a enfrentarse al criminal. La historia está basada en las novelas policiacas de Lars Kepler y hará las delicias de los aficionados al género negro.

No ha pasado ni una semana desde que se estrenó La bola negra, la película que este año representa a España en los Oscar y los principales medios estadounidenses vaticinan que será la principal rival de La Odisea en los premios de Hollywood, que Los Javis ya tienen un nuevo proyecto entre manos.

Javier Calvo y Javier Ambrossi producirán para HBO Max una nueva serie “inspirada libremente” en los crímenes de Tor, un pequeño pueblo de apenas 13 casas situado en el Pallars Sobirà, en los Pirineos de Lleida, que en 1995 se encontró con su tercer asesinato en 15 años. La disputa venía precedida por la montaña del pueblo, compartida desde 1896 por las familias de la zona. El proyecto se encuentra actualmente en fase de desarrollo, con Fran Araújo (Hierro, Rapa, La Mesías o Anatomía de un instante) y Eduard Sola (Casa en flames y Ravalear) al frente de la ficción. El casting, por ahora desconocido, contará con un “un elenco joven y prometedor”. Así lo ha anunciado en exclusiva el medio especializado Variety este miércoles.

“El misterio que rodea al monte Tor siempre nos ha intrigado, y creemos tener entre manos una historia con un enorme potencial poético y de entretenimiento”, han declarado Calvo y Ambrossi, según ha recogido el citado medio. “Queremos crear algo nunca visto: una serie donde la naturaleza, los paisajes y los espacios sean protagonistas por derecho propio, sin perder nunca la esencia de sus personajes a lo largo de las décadas, dentro de una narrativa adictiva”.

El caso fue popularizado por el periodista catalán Carles Porta, quien realizó el reportaje Tor, la muntanya maleïda para el programa 30 minuts de Televisió de Catalunya (TV3) en 1997; en 2005 publicó Tor. La montaña maldita, de la mano de Anagrama, y prosiguió en 2018 y 2023 con un podcast y una serie documental, respectivamente.

Así fueron los crímenes de Tor

La historia de Tor gira en torno a la pugna por unas 2.300 hectáreas de montaña que colindan con Andorra, un núcleo que hoy tiene 14 habitantes, pero que en 1896 formaban 13 familias. Aquel año, los vecinos de la aldea crearon la Sociedad de Condueños de la Montaña de Tor para regular la explotación de la montaña. Entre sus requisitos, estaba residir de forma permanente en el pueblo, ser cabeza de familia y tener casa abierta. Con el paso del tiempo, la despoblación y los distintos intereses económicos sobre la montaña fueron tensando cada vez más las relaciones entre los propietarios.

El verdadero punto de inflexión llegó en 1976, cuando varios promotores inmobiliarios se interesaron por losterrenos. Uno de ellos, Rubén Castañé, firmó con tres de los condueños —las familias Sansa, Cerdà y Pereta— un arrendamiento por 99 años y 200.000 pesetas con la intención de levantar una estación de esquí, hoteles, apartamentos y superficies comerciales. La operación, realizada sin contar con el resto, dividió al pueblo en dos.

La tensión terminó estallando el 3 de julio de 1980. Dos hombres vinculados al bando del promotor mataron a tiros a Miguel Aguilar, de 25 años, y Pedro Liñán, de 20, dos leñadores contratados por Jordi Riba, conocido como El Palanca. Ambos homicidas fueron condenados a prisión.

Tras aquellas dos muertes, el conflicto se trasladó durante años a los tribunales. En 1981, varios vecinos iniciaron un pleito para ser reconocidos como únicos miembros de la Sociedad de Condueños y, por tanto, propietarios de la montaña. La batalla judicial se prolongó durante más de una década, hasta que, en febrero de 1995, el Juzgado de Tremp otorgó la titularidad a Josep Montané, conocido como Sansa, al considerar que era el único que cumplía los requisitos exigidos por los estatutos. Seis meses después, el 19 de julio, fue asesinado en su casa. Su cadáver apareció con un cable alrededor del cuello y el crimen nunca llegó a resolverse.

Durante años, una versión circuló alrededor de John Cusack y uno de los personajes más reconocidos de la televisión: el actor habría dejado pasar la posibilidad de interpretar a Walter White.

Ahora, Cusack desmintió que haya rechazado el papel en Breaking Bad y aseguró que nunca recibió una propuesta para encarnar al personaje que finalmente interpretó Bryan Cranston.

La duda persistió como parte de los repartos alternativos que suelen rodear a las producciones exitosas. Cusack decidió no responderla desde la memoria y consultó personalmente a Vince Gilligan, creador de la serie. Según publicó Entertainment Weekly, Gilligan le confirmó que la oferta nunca existió.

La aclaración tampoco abrió un cuestionamiento sobre el resultado de la serie. Cusack sostuvo que Bryan Cranston era la persona indicada para el papel y descartó la idea de lamentar una decisión que, de acuerdo con su conversación con Gilligan, nunca tuvo que tomar.

John Cusack llevó la pregunta a Vince Gilligan

El tema apareció durante la participación de John Cusack en el pódcast Happy Sad Confused.

La entrevista giraba inicialmente sobre otro proyecto, la película Watchmen, dirigida por Zack Snyder, pero el actor aprovechó la conversación para referirse a la historia que lo señalaba como un intérprete que había declinado protagonizar Breaking Bad.

Conocido también por protagonizar Say Anything, Cusack participó en el episodio más reciente de Happy Sad Confused.

La pregunta sobre Watchmen habilitó un repaso por versiones de reparto que el actor ubicó fuera de su experiencia directa. Esa referencia introdujo el asunto antes de que recurriera a Gilligan.

Cusack explicó que no recordaba haber recibido una oferta para convertirse en Walter White. “Algunas de esas cosas son muy extrañas, porque circuló toda esta versión de que yo había rechazado el papel de Walter White”, afirmó el actor en declaraciones recogidas por Entertainment Weekly.

Luego añadió: “Nunca lo recordé y pensé: ¿ocurrió eso y lo bloqueé? ¿Perdí tiempo?”. Con esas palabras, planteó sus dudas sobre el origen de la versión y sobre si podía haber olvidado alguna conversación vinculada con la producción.

Ante esa incertidumbre, Cusack relató que se encontró con Vince Gilligan en Nueva York. “Me encontré con Vince Gilligan en Nueva York y le dije: ‘Me encanta tu serie, es genial. Tengo que saberlo: todos dicen que me ofreciste ese papel. ¿Me lo ofreciste?’”, recordó el actor en el pódcast.

Según su relato, Gilligan le respondió: “No”. Cusack completó el intercambio con una reacción breve: “Gracias, Vince”.

El desmentido precisa el alcance de un rumor extendido durante años. Cusack no afirmó haber evaluado la propuesta ni haberla descartado por otros compromisos: su versión es que esa instancia no existió, porque Gilligan no le ofreció el personaje.

Cusack destacó que el personaje debía ser de Bryan Cranston

La aclaración de Cusack también incluyó una valoración sobre la elección definitiva. “La gente pregunta: ‘¿Te arrepentirías de haberlo hecho?’”, señaló el actor, según la publicación especializada.

Su respuesta fue: “¿Cómo podrías arrepentirte de que Bryan Cranston interpretara ese papel? Estaba destinado a ser suyo”. Con esa afirmación, Cusack descartó que pudiera lamentar esa elección de reparto.

Cranston terminó al frente de Breaking Bad y obtuvo cuatro premios Emmy por su trabajo como Walter White, de acuerdo con el artículo de Entertainment Weekly. El reconocimiento forma parte del contexto que el medio recuperó al abordar el rumor sobre una posible participación de Cusack.

La nota recordó además que The New York Times situó a la serie en el primer puesto de una selección de series del siglo XXI. En ese marco, la versión sobre Cusack había ganado visibilidad por referirse al personaje central de una producción que recibió una amplia atención crítica.