Tras la muerte de Sam Neill, son muchos los que han querido recordar algunos de los títulos más destacados de la carrera del actor. Películas como Parque Jurásico, La caza del Octubre Rojo o El piano brillan en una trayectoria que le encumbró como una de las mayores estrellas del Hollywood de los 90.

A la lista de celebridades que han reaccionado al fallecimiento del intérprete se suma ahora Arturo Pérez-Reverte. El escritor de las novelas del Capitán Alatriste (que ya ha anunciado para septiembre un nuevo libro) acostumbra a recomendar series y películas en sus redes sociales, donde goza de un gran número de seguidores pendientes de sus consejos. De este modo, con el fallecimiento del intérprete el autor ha querido honrar su memoria recomendando una de sus producciones favoritas, mucho menos conocida que sus grantes éxitos cinematográficos.

“Casi todos hablan del Sam Neill de Parque Jurásico, pero pocos de una de las mejores series de TV que vi nunca: la extraordinaria Reilly, as de espías”, ha escrito Pérez-Reverte en un post publicado en X. Esta miniserie británica, emitida en 1983, cuenta con doce episodios y narra la vida del legendario espía Sidney Reilly, un personaje real cuya biografía está marcada por el misterio, la traición y la aventura. La serie, considerada uno de los trabajos televisivos más sobresalientes de Neill, fue decisiva para consolidar su carrera internacional y lo convirtió en la estrella a la que se le abrieron las puertas para trabajar con Steven Spielberg.

El verdadero Sidney Reilly: entre la leyenda y la sombra

La figura de Sidney Reilly ha sido descrita tantas veces como “el padre del espionaje moderno” que su vida parece sacada directamente de la ficción. Su verdadero nombre, según diversas biografías, era Sigmund Rosenblum, nacido en Rusia en 1873, aunque su pasado permanece envuelto en contradicciones y rumores.

La leyenda cuenta que, tras descubrir su origen judío en un territorio marcado por el antisemitismo, Reilly huyó de su familia fingiendo su propia muerte. Su recorrido vital incluyó trabajos tan dispares como estibador, peón de plantación y cocinero en una expedición al Amazonas. Fue allí donde, tras demostrar su puntería en un enfrentamiento con nativos, fue reclutado por el servicio de inteligencia británico.

A partir de ese momento, su carrera como agente secreto se desarrolló entre infiltraciones, engaños y cambios de identidad. Se le atribuyen hazañas como desbaratar los planes de la fábrica Krupp en Alemania (la más importante de Europa a principios del siglo XX), mediar en la adquisición de derechos petrolíferos en Persia para los ingleses e intervenir en operaciones decisivas durante la Primera Guerra Mundial. Reilly trabajó como agente doble (e incluso triple según algunos relatos), desafiando a la vez a enemigos y aliados, y su destino final, tras ser capturado por el gobierno de Stalin cerca de Moscú en 1925, sigue rodeado de incertidumbre.

La serie que redescubrió a Sam Neill y a un mito

La miniserie Reilly, as de espías, producida por Euston Films y emitida originalmente por la ITV británica, supuso en su momento la mayor apuesta económica del estudio. El guion, firmado por Troy Kennedy Martin, se basó en la biografía del espía escrita por Robin Bruce Lockhart, quien además era hijo de un agente secreto que conoció personalmente a Reilly y aparece como personaje en los episodios finales.

La dirección recayó en Jim Goddard y Martin Campbell, este último futuro realizador de títulos de James Bond tan conocidos como GoldenEye o Casino Royale. Por su parte, Sam Neill supo transmitir en pantalla tanto la frialdad calculadora como la vulnerabilidad de Reilly, alejándose de la imagen clásica del héroe de acción. La serie alterna episodios autoconclusivos y una trama de fondo que recorre la primera mitad del siglo XX, desde el espionaje industrial hasta los intentos de derrocar a los bolcheviques en la Rusia revolucionaria.

Reilly, as de espías fue nominada a los Emmy, a los Globos de Oro y a ocho premios BAFTA (ganando el de mejor edición), y su música, una adaptación de Romance de Dmitri Shostakovich, llegó a editarse como sencillo. Convertida en referencia de las miniseries británicas de los 70 y 80, la producción consolidó tanto el mito de Reilly como el talento de Sam Neill, actor que vio impulsada una carrera que alcanzaría su punto más exitoso pocos años después. Actualmente, Reilly, as de espías puede alquilarse y comprarse en plataformas como Prime Video o Google Play.

El universo literario creado por Dan Brown está próximo a renovarse en la pantalla con el desarrollo de una nueva serie secuela de El código Da Vinci, producida por Netflix. La plataforma ha elegido a Morgan Spector, reconocido por sus actuaciones en La edad dorada y Homeland, como el próximo encargado de interpretar a Robert Langdon, el famoso profesor protagonista de la saga.

En esta ocasión, la historia se basará en la novela más reciente de Brown, El último secreto, y podría contar con Rebecca Hall como coprotagonista. El propio Dan Brown, junto con Carlton Cuse, encabezan la producción ejecutiva de este proyecto, que representará un nuevo comienzo para la franquicia, ahora sin Tom Hanks en el papel principal.

El cambio de protagonista y la continuidad de la saga

Desde su exitoso debut en cines en 2006 con El código Da Vinci, las novelas de Dan Brown han sido asociadas con el misterio y la aventura internacional, con Tom Hanks interpretando al icónico Robert Langdon. Hanks también protagonizó Ángeles y demonios en 2009 e Inferno en 2016, consolidándose como la imagen del personaje. No obstante, el paso del tiempo y la necesidad de nuevos enfoques han llevado a Netflix a buscar un relevo generacional. Morgan Spector, con una trayectoria en ascenso en la televisión, es el elegido para asumir el legado, luego de la breve participación de Ashley Zukerman en la serie El símbolo perdido en 2021, donde Hanks ya había sido reemplazado.

Esta elección responde a la intención de rejuvenecer al personaje y adaptarlo a los gustos de la audiencia actual. Spector, de 45 años, ofrece una perspectiva distinta, así como la energía necesaria para expandir el universo de Langdon. Desde la productora se resalta que la selección busca mantener el carisma y la profundidad intelectual del personaje, características establecidas por Hanks en el cine. Si la propuesta resulta acertada, es posible que la serie abra paso a nuevas temporadas y a futuras adaptaciones de otros libros de Brown.

Rebecca Hall, ciencia y conspiración en la pantalla

La saga de Langdon se ha distinguido por incorporar coprotagonistas que complementan y desafían la inteligencia del profesor. En esta nueva entrega, Rebecca Hall es considerada una opción sólida para interpretar a Katherine Solomon, una brillante científica que mantiene un vínculo personal con Langdon y que juega un papel central en la trama de El último secreto. Hall, reconocida por su labor tanto en cine como en televisión, aportaría además una interesante dinámica por su relación con Spector fuera de la pantalla.

La posible incorporación de Hall responde no sólo a criterios artísticos, sino que también podría captar el interés del público gracias a la química entre ambos actores. Aunque su participación está en fase de negociaciones iniciales, los productores la consideran clave para añadir profundidad y complejidad a la historia, en la que la ciencia y las conspiraciones históricas vuelven a tener protagonismo en la narrativa de Brown.

Efectos en la franquicia y la expectativa del público

El regreso de la saga al formato de serie genera interrogantes entre su amplia base de seguidores. Las adaptaciones cinematográficas, pese a su éxito mundial, no incluyeron versiones audiovisuales de algunos de los libros más valorados por los lectores, como Origen o el propio El último secreto. Netflix, que confirmó el proyecto en mayo de 2025, busca llenar ese vacío adaptando directamente el material original como base de su nueva producción.

La implicación directa de Dan Brown y Carlton Cuse tanto en los guiones como en la producción ejecutiva genera expectativas respecto a la fidelidad al texto y la innovación en la narrativa, dos cuestiones demandadas por los entusiastas del género de suspenso conspirativo. Sin embargo, la decisión de dejar fuera a Tom Hanks, a pesar de su edad, provoca opiniones diversas entre los seguidores más tradicionales de la franquicia, quienes asocian a Langdon con el carisma del actor. Algunas personas celebran el aire fresco, mientras que otros expresan nostalgia y escepticismo ante esta nueva etapa de la saga.

Por otro lado, el hecho de que Netflix prefiera presentar la cronología de las historias de Langdon de manera no lineal -como ocurrió en las películas- brinda la oportunidad de explorar distintas épocas y aventuras del personaje, permitiendo saltos en el tiempo que favorezcan la trama. Esta flexibilidad puede resultar atractiva para el público actual, acostumbrado a narraciones fragmentadas y saltos temporales.

Impacto en la industria y expectativas inmediatas

La adaptación televisiva de grandes éxitos literarios se ha vuelto una tendencia en las plataformas de streaming, con resultados variados en cuanto al equilibrio entre respeto por el material original y creatividad renovada. Netflix, en su búsqueda constante de franquicias globales, ve en la obra de Dan Brown la posibilidad de capitalizar el interés por el thriller histórico y de atraer tanto a los seguidores clásicos como a nuevas audiencias. Las películas de la saga, según datos previos, recaudaron más de mil cuatrocientos millones de dólares en taquilla mundial, cifras que pueden traducirse en altas expectativas dentro del modelo de suscripción de la plataforma.

Por ahora, no hay fecha confirmada para el inicio de la producción ni detalles concluyentes sobre el elenco más allá de las posibles participaciones de Spector y Hall. Tampoco se ha determinado si la serie se estructurará como una antología -dedicando cada temporada a un libro- o si tendrá una narrativa transversal. Lo que sí está definido es que el público espera una combinación de enigmas históricos, persecuciones globales y revelaciones sorprendentes, elementos que han caracterizado la obra de Brown y que constituyen el núcleo del atractivo de su universo literario.

Netflix apostará por llevar uno de los juegos de mesa más populares del mundo al formato de competencia televisiva. El 13 de julio, la plataforma confirmó el desarrollo de un reality inspirado en Monopoly, en el que 12 participantes competirán por un premio de 2 millones de dólares en un tablero recreado a escala real, con estrategias, negociaciones y compraventa de propiedades como elementos centrales del juego.

Según el portal Tudum, el proceso de selección de concursantes ya está abierto en la página www.monopolycasting.com. El estreno de la producción está previsto para el otoño de 2027.

Según la descripción oficial, los participantes ingresarán a una Monopoly Town Square construida a tamaño real, donde comenzarán la competencia en igualdad de condiciones. Sin embargo, esa situación cambiará rápidamente conforme avance el juego, ya que cada decisión financiera tendrá consecuencias para los jugadores.

Durante la competencia, los concursantes podrán ganar dinero, comprar propiedades y negociar acuerdos con el resto de participantes para ampliar sus imperios inmobiliarios. Al mismo tiempo, quienes caigan en bancarrota serán eliminados uno a uno hasta que solo quede un ganador, que se llevará el premio mayor de 2 millones de dólares.

Netflix presentó el programa con un guiño a los elementos clásicos del juego de mesa. En la publicación de Tudum, la compañía invitó a los interesados a imaginarse como magnates inmobiliarios con hoteles y propiedades emblemáticas del tablero, aunque aclaró en tono humorístico que el premio “no incluirá una carta para salir gratis de la cárcel”.

La producción estará a cargo de Studio Lambert, empresa británica responsable de otros realities de competencia para Netflix como Squid Game: The Challenge y The Circle. La serie se desarrolla en asociación con Hasbro Entertainment, propietaria de la popular franquicia de juegos de mesa.

Los productores ejecutivos serán Gabriel Marano y Zachary Edwin, por parte de Hasbro Entertainment, junto con Nia Yemoh, Tim Harcourt, Jack Burgess, Stephen Lambert y Kim Murphy, en representación de Studio Lambert.

El nuevo reality de Monopoly comparte algunos elementos con Squid Game: The Challenge, ya que ambos transforman universos de ficción o juegos populares en competencias de alto riesgo económico. La tercera temporada de dicho programa concurso fue confirmada a inicios de este año, con la actualización de que ahora participarán 8 celebridades como “jugadores VIP”.

Monopoly sigue expandiéndose fuera del tablero

Además de Netflix, hay más iniciativas en Hollywood relacionadas a Monopoly. De acuerdo con Variety, Hasbro Entertainment también desarrolla una película basada en el célebre juego junto con LuckyChap y Lionsgate, estudio con el que busca repetir el éxito obtenido por las adaptaciones cinematográficas de marcas de juguetes, como ocurrió con Barbie.

Ese largometraje continúa en etapa de desarrollo. Según informó Deadline en junio, Lionsgate y LuckyChap trabajan actualmente con dos equipos de guionistas que elaboran propuestas distintas para definir el enfoque definitivo de la película. Entre ellos figuran Neil Widener y Gavin James, responsables de A Minecraft Movie, además de Rebecca Angelo y Lauren Schuker Blum, guionistas de Dumb Money.

La adaptación al cine ha atravesado numerosos intentos durante casi dos décadas. Antes de esta nueva etapa participaron creativos como Ridley Scott, Andrew Niccol, Tim Story e incluso Kevin Hart en diferentes versiones que finalmente no llegaron a concretarse.

Mientras tanto, Netflix continúa ampliando su catálogo de realities inspirados en propiedades reconocidas. Además de Monopoly, la plataforma estrenará Wonka’s The Golden Ticket, un programa basado en Charlie y la fábrica de chocolate de Roald Dahl.

Dirigida por Félix Viscarret y producida por Mod Producciones, la ficción traslada a la pantalla una de las novelas más celebradas de Pérez-Reverte, construyendo un relato que remite tanto a los enigmas de Agatha Christie como al universo deductivo de Sherlock Holmes.

La historia se sitúa en la primavera de 1959. Un violento temporal deja incomunicadas a trece personas en un exclusivo hotel ubicado en un pequeño islote frente a la costa de Mallorca. Sin posibilidad de abandonar el lugar ni de recibir ayuda del exterior, la aparente tranquilidad se rompe cuando Elisa Mander, una discreta turista inglesa, aparece muerta en su habitación.

Lo que inicialmente parece un suicidio pronto revela indicios de un asesinato cuidadosamente planeado. A partir de ese momento, el hotel se convierte en un escenario cerrado donde todos los huéspedes pasan a ser sospechosos y donde cada conversación, cada silencio y cada gesto esconden una posible pista.

En el centro del misterio aparece Basil, el personaje interpretado por José Coronado. Se trata de un actor retirado que años atrás alcanzó la fama interpretando a Sherlock Holmes en películas de serie B y que ahora, casi por azar, deberá recurrir al mismo razonamiento deductivo que alguna vez representó frente a las cámaras para descubrir al asesino.

La elección de Coronado no parece casual. El actor vuelve a un terreno que conoce bien: personajes complejos, marcados por la inteligencia, el desgaste y las contradicciones. Sin embargo, Basil introduce un matiz diferente. No es un detective profesional, sino un hombre obligado a enfrentar un crimen real mientras convive con un grupo de personas que podrían estar ocultando mucho más de lo que aparentan.

Junto a él, María Valverde interpreta a Adela Figueroa, una enigmática joven que llega al hotel acompañada por una amiga, mientras que Martiño Rivas da vida a Foxá, un escritor de novelas policiales que terminará convirtiéndose en el principal aliado de Basil durante la investigación. Maribel Verdú completa el cuarteto protagónico como la señora Ausländer, responsable del hotel e igualmente atrapada en una situación que amenaza con desmoronar el orden del establecimiento.

El reparto también incluye a Gonzalo de Castro, Pepón Nieto, Cristina Kovani y José Condessa, entre otros, consolidando un elenco que reúne a varias de las figuras más reconocidas de la ficción española.

Visualmente, el primer adelanto apuesta por una atmósfera sofisticada y elegante. Los pasillos del hotel, los grandes salones y el permanente azote del temporal construyen un escenario donde el aislamiento se convierte en un personaje más. La fotografía, el vestuario de época y la ambientación refuerzan una sensación constante de incertidumbre, mientras la investigación avanza entre sospechas cruzadas y secretos que comienzan a salir a la luz.

La promoción de la serie también tuvo un episodio particular. Días antes del anuncio oficial, Arturo Pérez-Reverte publicó en redes sociales un adelanto que luego fue retirado, anticipando indirectamente la llegada de la producción. Finalmente, Netflix confirmó tanto la fecha de estreno como el lanzamiento del primer tráiler oficial, posicionando a El problema final como una de sus principales apuestas españolas para el último trimestre del año.

Con apenas cuatro episodios, la miniserie propone una narración concentrada que privilegia el suspenso y el desarrollo del enigma por encima de las tramas paralelas. La combinación entre una historia cerrada, un reparto de primer nivel y el prestigio de la obra original convierte a “El problema final” en una de las producciones españolas más esperadas de la temporada. Para Netflix, representa además una nueva apuesta por las adaptaciones literarias de alto perfil, un terreno donde la plataforma continúa encontrando algunas de sus propuestas más sólidas para el mercado internacional.

El mítico actor de Parque Jurásico, Sam Neill ha fallecido a los 78 años a causa de un cáncer de sangre que padecía desde hacía unos años. Pero, sin embargo, durante este tiempo no había dejado de trabajar y, una de las muestras, es esta miniserie que protagonizó junto a Annette Bening que se puede ver en SkyShowtime.

Se titula Apples Never Fall (Un revés inesperado), y está basada en un libro de Liane Moriarty, la autora superventas responsable de títulos que también se han adaptado, como Big Little Lies.

La serie arrancaba con la desaparición de Joy Delaney, una ‘exentrenadora’ de tenis de West Palm Beach, en Florida, y desplegaba su historia en dos líneas temporales a lo largo de siete episodios de entre 46 y 66 minutos.

Basada en una novela de Liane Moriarty

La ficción adapta otra vez uno de los mecanismos más reconocibles de Moriarty: conflictos enquistados en barrios acomodados, amistades tensas, vida comunitaria y secretos familiares escondidos bajo una apariencia de normalidad.

La historia sitúa a Joy y Stan Delaney (Annette Bening y Sam Neill) como un matrimonio admirado, antiguos propietarios de una academia de tenis y entrenadores reputados. La desaparición de ella descoloca a todos salvo a Stan, que asegura a sus cuatro hijos que su mujer solo necesitaba tiempo, una explicación que divide a los hermanos y les obliga a revisar la imagen que tenían de sus padres y de su propia infancia.

El grupo de hijos concentra buena parte de la eficacia de la serie. Troy, interpretado por Jake Lacy, es un inversor de capital riesgo recién divorciado por una infidelidad; Logan, al que da vida Conor Merrigan Turner, no llegó a ser tenista profesional y dirige el puerto deportivo local; Brooke, encarnada por Essie Randles, tiene una consulta de fisioterapia; Amy, el personaje de Alison Brie, aspira a convertirse en coach vital mientras fracasa en ordenar su propia vida.

A ese núcleo se suma Savannah, interpretada por Georgia Flood, una joven que aparece en la puerta de los Delaney con la frente ensangrentada y la historia de una huida de una relación abusiva. Joy la acoge y le abre espacio en el hogar, mientras el resto de la familia y, más tarde, los investigadores, sospechan de su presencia.

La narración se divide entre un “ahora” y un “entonces”, un recurso muy usado en la televisión actual, pero que aquí funciona por la condensación del relato. Melanie Marnich, creadora y guionista-productora de la serie, articula esa estructura junto a los directores Chris Sweeney y Dawn Shadforth para alternar la investigación sobre la desaparición con el deterioro previo de los vínculos familiares.

Un caso a investigar

En paralelo, avanzará la investigación policial dirigida por la agente Camacho, que acaba de ser madre, interpretada por Jeanine Serralles, junto a su compañero Remy, al que da vida Dylan Thuraisingham.

La separación entre los hermanos será notoria. Mientras Troy y Amy recuerdan a su padre como un hombre enfadado y resentido; Brooke y Logan lo idealizan más. Stan arrastra el fracaso de una carrera truncada por una lesión de ligamento cruzado anterior y volcó después su identidad en la academia de tenis y en su papel de entrenador.

Ese pasado también atraviesa la relación con Harry Haddad, un prodigio al que Stan entrenó y que llegó a ganar un Grand Slam antes de despedirlo siendo adolescente. Troy nunca le perdonó a su padre ese favoritismo hacia un extraño, y ese resentimiento se suma a otros conflictos ya enquistados, como el uso del dinero para resolver problemas emocionales o las infidelidades que salpican a varios miembros de la familia.

La serie se inscribe dentro de la ficciones que han adaptado obras de Liane Moriarty, así que lleva su sello. Después del éxito de Big Little Lies, se estrenó Nine Perfect Strangers, de nuevo con Nicole Kidman, que tuvo una segunda parte y la serie australiana The Last Aniversary, con Teresa Palmer.

No tengo miedo llega a Netflix con un retrato del México rural que el Mundial de 1986 dejó en las sombras: un niño de 10 años en Veracruz descubre a otro menor secuestrado y encadenado, y comprende que su propia familia está implicada.

La miniserie, estrenada el 8 de julio, usa la euforia mundialista como telón de fondo para exponer la corrupción, la violencia y los secretos que los adultos ocultan a sus hijos.

La producción, respaldada por Netflix, adapta la novela Io non ho paura (2001) del escritor italiano Niccolò Ammaniti —originalmente ambientada en la Italia de los años 70— y la traslada al Veracruz de 1986, entre plantaciones de café marchitas y comunidades golpeadas por la crisis económica.

El Mundial como espejo de lo que se calla

La serie llega a las pantallas en un momento de resonancia involuntaria: el Mundial de 2026, que México coorganiza junto a Estados Unidos y Canadá, reproduce tensiones que la ficción retrata desde hace cuatro décadas. Mientras Diego Maradona hacía historia en el Estadio Azteca en 1986, un México rural vivía en la pobreza y el abandono institucional.

En 2026, la misma sede albergó la ceremonia inaugural del torneo, pero con las paredes exteriores cubiertas de carteles de desaparecidos y maestros acampados en sus accesos. La Coordinadora Nacional de Trabajadores de la Educación (CNTE) mantuvo una huelga indefinida desde el 15 de mayo, con bloqueos en avenida Reforma y un campamento en el Zócalo.

Sus demandas: la derogación de la reforma de pensiones del Instituto de Seguridad y Servicios Sociales de los Trabajadores del Estado (ISSSTE) de 2007, la eliminación de las Afores y un aumento del 100% en el salario base.

134 mil desaparecidos frente a las cámaras del mundo

El día del partido inaugural, colectivos de madres buscadoras marcharon hacia el Azteca con los rostros de sus hijos pegados en carteles.

México registra más de 134 mil personas desaparecidas segun estimaciones, una cifra que creció de forma sostenida desde 2006. Las familias fueron detenidas por el despliegue policial antes de llegar al estadio.

La exclusión económica que no cambió

La actriz Fátima Molina, coprotagonista de No tengo miedo, reconoció ante la agencia EFE que el Mundial “eclipsa problemas e injusticias que deben atenderse”. “Al ver tantas problemáticas en mi país me siento un poco culpable de que disfrutemos el Mundial”, expresó.

Esa tensión tiene cifras concretas en 2026. Según datos de Expansión Política, 9 de cada 10 mexicanos no pudieron costear un boleto para los partidos: los precios oscilaron entre 6.500 y 36.000 pesos solo para la reinauguración del Azteca, en un país donde el salario mensual promedio fue de 10.800 pesos el año pasado.

El especialista de Oxfam México Efrén Pérez advirtió que el torneo aceleró el encarecimiento de la vivienda en la capital, con aumentos de renta sin regulación y desalojos forzados en varios barrios de Ciudad de México.

La inocencia perdida, entonces y ahora

El director Alejandro Zuno, uno de los tres realizadores de la miniserie, describió la trama como un retrato de cómo los adultos “muestran la maldad a sus propios hijos”. “Se dan cuenta de que existe la maldad y de que no necesariamente tienen que estar de ese lado”, afirmó sobre los personajes infantiles.

El actor Ian Andrade, de 13 años, quien interpreta a Chava en la serie, fue más directo: “Los papás tendrían que estar más atentos y, no, la realidad es que es todo lo contrario”.

La producción fue creada por los mismos realizadores de El Secreto del Río e incorpora a actores como Luis Alberti, Yoshira Escárrega y Humberto Busto, junto a las revelaciones infantiles Aldo Emiliano Navarro como Miguel y Yago Andreu como Felipe.

Desde Página/12, la comparación con otra serie reciente de la misma plataforma fue directa: “A diferencia del humor salvaje de México ’86, No tengo miedo usa el Mundial como el eco de una canción conocida. Aquí resuenan las notas de violencia y pobreza endémicas”.

Tras el estreno de los primeros ocho episodios de La casa de la pradera (Little House on the Prairie), Netflix ya tiene asegurado el futuro de su nueva adaptación de los libros de Laura Ingalls Wilder. La plataforma confirmó la segunda temporada incluso antes del lanzamiento de la primera, una decisión que refleja la confianza en este proyecto encabezado por la showrunner Rebecca Sonnenshine.

La reinvención de la historia sigue a Charles (Luke Bracey), Caroline (Crosby Fitzgerald), Mary (Skywalker Hughes) y Laura (Alice Halsey), quienes dejan atrás Wisconsin para intentar construir una nueva vida en las praderas de Independence, Kansas. Sin embargo, el sueño de establecerse en el oeste pronto se ve amenazado por problemas económicos, conflictos territoriales y desastres naturales.

Quienes ya completaron la primera tanda de capítulos de la serie habrán notado que el cierre deja abierta la puerta para que el relato se dirija a una locación ya conocida por los fans de la familia Ingalls: Walnut Grove.

¿Cómo terminó la primera temporada?

El episodio final deja a los Ingalls enfrentando su momento más difícil desde que llegó a Kansas. Después de enterarse de que el gobierno exigirá el pago de las tierras que ocupan tras el acuerdo con la nación osage, Charles descubre que no dispone del dinero suficiente para conservar la granja.

La situación empeora cuando un incendio en la pradera destruye gran parte de la cosecha, eliminando la última esperanza de recuperarse económicamente. Sin trabajo estable, sin cultivos y sin recursos para comprar las tierras, Charles y Caroline toman la dolorosa decisión de abandonar Independence.

Antes de partir, Mary se despide de Caleb con un beso, mientras Laura promete mantenerse en contacto con Good Eagle mediante cartas. La familia deja atrás la casa que construyó con esfuerzo y emprende un nuevo viaje en su carreta.

El desenlace también abre la puerta a la siguiente etapa de la historia. John Edwards reaparece para acompañar a los Ingalls y les propone dirigirse a Minnesota, en un pueblo donde vive la prima de su esposa. “Su marido tiene una tienda allí. He oído que la tierra es buena y la gente es amable”, les dice, preparando el escenario para la siguiente temporada.

¿De qué tratará la temporada 2?

De acuerdo con Deadline, la segunda temporada adaptará On the Banks of Plum Creek (A orillas del arroyo Plum), el cuarto libro publicado por Laura Ingalls Wilder en 1937. La historia seguirá a los Ingalls durante un nuevo comienzo en Minnesota, donde intentarán reconstruir su vida tras las pérdidas sufridas en Kansas.

El rodaje de los próximos capítulos comenzó en el verano de 2026; sin embargo, todavía es muy pronto para confirmar una fecha de estreno.

Reparto confirmado para los nuevos episodios

Uno de los anuncios más esperados para la nueva temporada es la incorporación de Nellie Oleson, uno de los personajes más recordados tanto de los libros como de la serie clásica de NBC.

Según informó Deadline, Willa Dunn será la encargada de interpretar a la rival de Laura. Netflix describe a Nellie como “una princesa mimada de primer nivel y una bully típica en el patio de recreo. Inteligente y extremadamente segura de sí misma, de lengua afilada, pero que se hiere con facilidad”.

La descripción añade que “vive y respira para hacer miserable la vida de Laura Ingalls. Pero debajo de esa personalidad de chica mala hay ternura y un deseo de tener una verdadera amistad, aunque no sepa exactamente cómo conseguirla”.

Por otro lado, la plataforma también anunció que Charlotte Sullivan encarnará a Margaret Oleson, madre de Nellie, y Rachelle Lefevre (Crepúsculo) como la maestra Eva Beadle, quienes ingresan a escena en este tramo de la historia.

En cambio, personajes como el Dr. George Tann, Emily Henderson, Good Eagle, Mitchell y White Sun podrían no regresar tras los acontecimientos de la primera temporada.

El universo criminal británico creado por Guy Ritchie en Los Caballeros regresará a Netflix el próximo 3 de septiembre con una segunda temporada que, según el tráiler recientemente lanzado por la plataforma, combinará acción, humor negro y nuevos enredos.

Protagonizada por Theo James, Kaya Scodelario y Ray Winstone, la nueva tanda de episodios busca repetir el éxito global alcanzado en 2024, cuando la adaptación televisiva de la película se ubicó en el top 10 de Netflix en más de 90 países y superó las 100 millones de visualizaciones.

Nueva temporada: alianzas, traiciones y conflictos renovados

La historia de la segunda temporada retoma los hechos ocurridos un año después de que Eddie Horniman y Susie decidieran hacerse cargo del negocio criminal de Bobby. El crecimiento de este imperio ha traído consigo mayores riesgos y competencia. Eddie y Susie, interpretados por Theo James y Kaya Scodelario, deberán enfrentarse no solo a la presión de mantener el control, sino también a la interferencia derivada de las decisiones inesperadas de Bobby.

Esto les plantea la decisión difícil de intervenir para salvar el negocio o arriesgarse a perderlo todo. Vinnie Jones y Joely Richardson regresan al elenco, sumando nuevas alianzas, traiciones y enemigos a la trama. Además, se incorporan actores como Hugh Bonneville y Benedetta Porcaroli, quienes aportarán mayor complejidad a la historia. La participación del boxeador Chris Eubank Jr. y la presentadora Maya Jama anticipa una conexión con figuras mediáticas del Reino Unido.

El estilo de Guy Ritchie y su impacto internacional

Desde su estreno como película en 2019, Los Caballeros de la mafia se consolidó como un referente del género criminal británico, con la marca de Guy Ritchie en los diálogos mordaces, la violencia estilizada y el humor negro característico. La película obtuvo más de 115 millones de dólares en taquilla mundial, con un presupuesto de 22 millones, lo que confirmó su atractivo comercial.

La transición a la televisión, primero en Netflix y SkyShowtime, permitió extender la narrativa y llegar a un público aún más amplio, apostando por la serialización e introduciendo nuevos conflictos en cada temporada. La primera entrega de la serie, estrenada en 2024, fue recibida con gran aceptación e instaló la historia en la cultura popular, liderando la audiencia en el top 10 de 90 países y alcanzando el primer puesto en 75 de ellos. Este fenómeno ha generado una fuerte demanda por nuevos episodios y demuestra la influencia transmedia de la franquicia.

Expansión internacional y expectativas de la audiencia global

La segunda temporada de Los Caballeros no solo retoma las intrigas en Londres, sino que extiende su alcance a entornos internacionales como el Lago Maggiore, lo que representa una expansión del negocio criminal ficticio y plantea a los personajes desafíos más complejos y globales. Esta apertura responde a las exigencias narrativas y a las expectativas de una audiencia global que ya demostró su interés con más de 100 millones de visualizaciones en la primera temporada.

El regreso de la serie pretende aprovechar el atractivo de los personajes ya establecidos y las nuevas incorporaciones, ofreciendo una combinación actualizada de música, acción y humor ácido que constituye el sello distintivo de Ritchie. Las traiciones, las alianzas cambiantes y las decisiones cruciales de Eddie y Susie serán el eje dramático de los 8 nuevos episodios de 60 minutos cada uno, consolidando a Los Caballeros como uno de los principales lanzamientos de Netflix para la segunda mitad de 2026.

Lo que significaría “despertar” este material en la mente de Kelly, se lo dejo a usted para que lo adivine. La serie de televisión que se emitió entre 1974 y 1983, que se estableció en los recuerdos de la Generación X, ya había actualizado la historia de Wilder con bastantes tramas socialmente conscientes sobre racismo, misoginia, antisemitismo, agresión sexual y más.

Aun así, la nueva La casa de la pradera, que ahora está disponible en Netflix, llega con una carga cultural tan grande como una carreta tirada por caballos, lo que también incluye el auge de las fantasías retrógradas sobre las “esposas tradicionales” (tradwives en inglés); la mitologización sangrienta del Oeste de Taylor Sheridan; y un montón de debates por el 250º aniversario sobre qué fue exactamente lo que implicó “hacer América”, y si es de buena educación reconocerlo.

La serie en sí, creada por Rebecca Sonnenshine, es más o menos lo que se esperaría, aunque quizás no lo que quisieran los guerreros culturales como Kelly. Es una historia animada y sana sobre aventuras y dificultades, que amplía su enfoque para considerar a las personas que vivieron en la pradera mucho antes de que llegaran los Ingalls y compañía a establecerse.

Pero su historia de la infancia no se ha convertido en la serie western Deadwood. Con un aire levemente inspirado en Hallmark y un poco menos idealizado que la original de NBC, esta nueva La casa de la pradera es, en esencia, lo menos extraordinario que hay en la televisión actual: una pieza más de propiedad intelectual reciclada, destacable sobre todo por el polvorín cultural en el que aterriza.

En el centro se encuentra Laura, a quien Alice Halsey da un toque vivaz; la conocemos por primera vez apuntando a un conejo con una honda. Su padre, Charles (Luke Bracey), cambia la imagen soleada y afeitada de Michael Landon por un aspecto más delgado y una barba recortada que encajaría en un bar de lanzamiento de hachas de moda, pero mantiene su buen humor (y su violín). La hermana mayor, Mary (Skywalker Hughes), sigue siendo la contraparte obediente de Laura; su madre, Caroline (Crosby Fitzgerald), es una compañera más franca y participativa.

En otras palabras, son una familia típica de la televisión según los estándares de 2026, lo que refleja el atractivo del clásico de NBC: ver a niños y padres reconocibles mudarse a un nuevo hogar y afrontar tiempos difíciles, luchas morales y las muchas formas en que la naturaleza puede matarte. (Entre ellas: ahogamiento, lobos, enfermedades, incendios forestales y “mal aire” en el fondo de un pozo).

Lo que es diferente son los vecinos. El primer lugareño con el que la familia se encuentra es el Dr. George Tann (Jocko Sims), un médico afroamericano que hace una breve aparición como objeto de fascinación para Laura en la novela de Wilder. (“Era tan negro,” escribe Wilder. “Habría tenido miedo de él si no le hubiera gustado tanto.”) Una mujer negra, Emily Henderson (Barrett Doss), dirige la tienda general en la cercana Independence, Kansas.

La introducción más significativa es la de una familia osage vecina como un paralelo a los Ingalls. William Mitchell (Meegwun Fairbrother), que entabla amistad con Charles, está resignado respecto a los colonos blancos pero espera poder establecer su propio hogar entre ellos; su esposa, White Sun (Alyssa Wapanatahk), es mucho más escéptica. Su hija, Good Eagle (Wren Zhawenim Gotts), se convierte en gran amiga de Laura, quien queda cautivada por ella a primera vista. Las familias se entrelazan, incluso mientras sus pueblos se enfrentan por fuerzas que se aprovechan de la expansión.

¿Esto es “despertar”? Llámelo como quiera; no incluir aquí personajes indígenas sería una elección conspicua en una era de abundantes historias indígenas como Reservation Dogs y Dark Winds. Y es el aspecto más interesante de una serie familiar, ya que otorga a los conflictos subyacentes —asimilación versus separación, negociación versus resistencia— múltiples voces.

Las diferencias entre versiones son notables en una escena clave tomada de la novela, en la que dos hombres osage aparecen sin previo aviso en la cabaña de los Ingalls mientras Charles está ausente, y toman comida y tabaco. El episodio piloto de NBC en 1974 presentó el incidente como amenazante y escalofriante (aunque también trató el desplazamiento de los habitantes indígenas con cierta simpatía).

En la versión de Sonnenshine, Laura (que en la novela quiere soltar a su perro para que ataque a los intrusos) saluda amablemente y les ofrece pan de maíz; Caroline —prevenida por haber presenciado violencia entre pueblos indígenas y colonos en Minnesota— les dice: “Tomen lo que quieran y váyanse”.

Pero lo más revelador es el diálogo entre los dos hombres, ausente en las versiones anteriores. Cuando uno empieza a tomar comida, el otro le dice que está siendo codicioso. Su compañero responde que los colonos se establecieron en su tierra y cortaron sus árboles para hacer sus casas: “Tú lo llamas codicia. Yo lo llamo justicia.” Es una representación a menor escala de una conversación que los personajes indígenas mantienen a lo largo de la temporada. ¿Qué es la justicia? ¿Puede algo material compensar realmente la pérdida de tu hogar?

La cuestión de si todo esto es “fiel” es una persecución inútil. ¿Fiel a qué? Los libros originales de Wilder eran ficción, aunque se basaban en su infancia. Y la serie de NBC ni siquiera adaptó La casa de la pradera, excepto por el episodio piloto de largometraje; la serie continuó a partir de la novela de Wilder A orillas del Plum Creek”.

La deuda nostálgica es aún más compleja cuando se habla de una sucesora de los años 2020 a una adaptación de los años 1970 de una novela infantil de los años 1930 ambientada en el siglo XIX. (ABC también emitió una miniserie de La casa de la pradera en 2005.) Son recuerdos de recuerdos de recuerdos. Pero la historia, una vez ficcionalizada, trata en última instancia sobre el presente. Declarar que no se pueden hacer más revisiones tiene más que ver con el control que con la verosimilitud.

En cualquier caso, no sólo han cambiado los personajes indígenas. El vecino Sr. Edwards (Warren Christie), que era un alegre bala perdida en la versión de NBC, ahora es una figura agridulce, atormentada por su experiencia en la Guerra Civil. Las cicatrices de la guerra en todos los personajes adultos, y en la sociedad en la que viven, son aquí mucho más evidentes.

Aun así, la serie reparte temas familiares de La casa... como bastones de caramelo de un frasco. Donde la serie de NBC tenía a la altanera familia Oleson, Netflix tiene a Jemma James (Mary Holland), la altiva esposa del ferroviario que atrajo a colonos como Charles a Kansas, y a sus hijas, igual de petulantes. Hay Navidad, baile y sabiduría sencilla sobre no juzgar a las personas antes de conocerlas.

Los temas más adultos se cuelan por los márgenes o se esconden a simple vista, como en el nombre del asentamiento, Independence. La autosuficiencia es un sueño recurrente en los relatos de pioneros, y esta versión la considera poco más que una fachada de tablas. “Es un mito que los hombres puedan arreglárselas solos aquí,” le dice el Dr. Tann a Charles en el primer episodio. “Es una bonita historia. Nada más.”

Por supuesto, los mitos y las bonitas historias ayudan a construir naciones, y a conquistarlas, y a crear narrativas después. La casa de la pradera de Netflix es, en su mayoría, el cuenco de luz suavemente reformulado que publicita, pero también es consciente de que es una historia de creación. Al fin y al cabo, como le pregunta Edwards a Charles, con un tono de amargura: “¿No es para eso que estamos aquí? ¿Para crear una nueva América, sea lo que sea eso?”

Fuente: The New York Times

[Fotos: prensa Netflix]

La promesa de ver películas, series y anime en alta definición sin pagar una suscripción atrae a usuarios a utilizar Cuevana 3, una plataforma que no cuenten con los derechos de autor.

La empresa de ciberseguridad ESET advierte que los servicios streaming gratuitos no oficiales representan uno de los puntos de infección de virus o malware más activos para losusuarios.

El problema no es nuevo ni menor. En 2012, investigadores de la compañía de ciberseguridad mencionada documentaron que el propio plugin de Cuevana para Firefox distribuía código malicioso capaz de capturar contraseñas ingresadas en formularios web, incluidas las credenciales de acceso a Gmail y a entidades bancarias de México y Venezuela.

Si bien el episodio ocurrió hace años, expuso un patrón que se repite hasta hoy: la plataforma gratuita como puerta de entrada al malware.

Cómo opera Cuevana 3 para ver películas y series gratis

Los sitios streaming no oficial como Cuevana 3 suelen requerir que el usuario instale un complemento, una extensión o una aplicación externa para reproducir el contenido. Ese paso, aparentemente técnico y rutinario, es el momento en que el dispositivo queda expuesto.

Según ESET, muchas de estas aplicaciones no están disponibles en tiendas oficiales como Google Play Store o App Store, lo que obliga al usuario a descargarlas desde sitios alternativos que evitan los controles de calidad y seguridad que imponen esas plataformas.

“Una de las señales de maliciosidad de estas apps es la excesiva habilitación de permisos especiales y críticos en el dispositivo”, advirtió David González Cuautle, investigador de ESET Latinoamérica.

“Estas aplicaciones pueden comprometer la seguridad del dispositivo y de toda la red doméstica y ser la puerta de entrada para malware, desde spyware y troyanos hasta herramientas diseñadas para robar información personal”.

Qué permisos solicitan plataformas similares a Cuevana 3

El análisis que ESET realizó sobre Magis TV, otra plataforma streaming gratuito popular en Argentina, Colombia y México, ilustra los riesgos que aplican al ecosistema completo de sitios como Cuevana 3.

La aplicación solicita permisos que no corresponden a un servicio de video convencional: acceso a las tareas en ejecución del sistema, capacidad para montar y desmontar sistemas de archivos, lectura y escritura en el almacenamiento externo, lectura de archivos de audio, envío de notificaciones y, el más peligroso, permiso para instalar paquetes adicionales sin intervención del usuario.

Este último permiso es el que permite a una aplicación maliciosa disfrazarse de actualización legítima para instalar spyware o infostealers en segundo plano.

“El robo de información de los usuarios que utilizan este tipo de aplicaciones es teóricamente factible con los permisos antes mencionados”, precisó González Cuautle.

“Pueden descargar e instalar otras herramientas capaces de rastrear la geolocalización, acceder a fotos, audios, mensajes y videos, y enviarlos a servidores externos sin el consentimiento del usuario”, añadió.

Qué son los Set-Top Boxes y por qué son peligrosos

Los Set-Top Boxes son dispositivos que permiten acceder a contenido sin suscripciones pagas y pueden infectarse con malware de publicidad invasiva, herramientas de robo de datos y software de acceso remoto no autorizado.

Si el dispositivo infectado comparte la red WiFi con otros equipos del hogar, el malware puede propagarse lateralmente.

La acción puede ser tan simple como una memoria USB utilizada para instalar firmware no oficial.

A eso se suma la dimensión legal: retransmitir contenido sin los derechos correspondientes vulnera la propiedad intelectual de los titulares y puede derivar en bloqueos por parte de los proveedores de servicios de internet o en acciones judiciales contra los usuarios.

La ecuación, según ESET, es directa: evitar el costo de una suscripción puede traducirse en la pérdida de credenciales bancarias, el robo de archivos personales y el compromiso de toda la red del hogar.

La serie Alien: Planeta Tierra, producida por FX y distribuida en Disney+, ha dado inicio oficialmente a la producción de su segunda temporada en Londres, con una noticia que ha llamado la atención de la comunidad televisiva: la incorporación de Peter Dinklage, Sam Spruell y Jerome Flynn, todos reconocidos por sus papeles en la exitosa franquicia Juego de tronos. También se suma la actriz Tracey Ullman, referente de la comedia británica. La expectativa por la nueva temporada crece mientras los fanáticos se preguntan cómo influirán estos nuevos fichajes en el desarrollo de la trama y el tono de la serie.

El rodaje de la segunda temporada de Alien: Planeta Tierra ya está en marcha en Londres, casi un año después del estreno de la primera entrega. Este regreso al set representa un avance importante para los seguidores, quienes han esperado novedades tras el éxito moderado y el debate generado por la originalidad de la primera temporada. La presencia de actores destacados provenientes de otras franquicias indica que FX apuesta por atraer a una audiencia más amplia y consolidar este spin-off televisivo como una propuesta relevante dentro del extenso universo Alien.

La primera temporada, creada por Noah Hawley, se ubicó cronológicamente dos años antes de los eventos del film original Alien, el octavo pasajero. Presentó una historia en la que un grupo de niños con enfermedades terminales era sometido a un experimento por la corporación Prodigy, transfiriendo sus mentes a cuerpos sintéticos. Simultáneamente, una nave de la poderosa compañía Weyland-Yutani se estrellaba en una ciudad bajo el control de Prodigy, liberando aterradoras criaturas en una zona experimental. Esta premisa significó un cambio respecto al tono tradicional de suspenso y horror puro de la saga, lo que provocó opiniones divididas entre fans y críticos.

Para la segunda temporada, la producción ha decidido reforzar el reparto con actores de renombre. Peter Dinklage, conocido mundialmente por su papel como Tyrion Lannister en Juego de tronos, ya había sido confirmado meses atrás y es considerado uno de los grandes atractivos para esta entrega. Ahora se suman Sam Spruell, famoso por su personaje del príncipe Maekar Targaryen en la serie El caballero de los Siete Reinos, y Jerome Flynn, recordado como Bronn en Juego de tronos.

Como novedad adicional, Tracey Ullman, figura icónica de la televisión británica por The Tracey Ullman Show y pieza fundamental en el surgimiento de Los Simpson, también participará en este nuevo ciclo. La llegada de estos artistas representa tanto una convergencia de universos televisivos como una estrategia para atraer a públicos de diversas generaciones.

El elenco mantendrá además varias figuras de la primera temporada, como Sydney Chandler, Alex Lawther, Timothy Olyphant, Essie Davis, Babou Ceesay, Samuel Blenkin, Adarsh Gourav y Lily Newmark. La variedad del grupo, que incluye a actores jóvenes y veteranos, busca alcanzar un equilibrio entre tradición y renovación.

La producción en Londres ha avanzado a pesar de ciertos retrasos habituales en la industria. El año de trabajo que separa ambas temporadas responde, según fuentes cercanas a FX, al objetivo de mantener el nivel de calidad alcanzado en la primera temporada y mejorar aspectos que recibieron críticas, en particular la creación de atmósfera y el tono narrativo.

No se han revelado detalles específicos sobre la nueva trama, pero el regreso de miembros clave del elenco sugiere una continuación directa de los eventos anteriores. Dado que la producción recién ha comenzado, se estima que la fecha de estreno se ubique hacia mediados de 2027. Los fanáticos parecen dispuestos a esperar si ello garantiza una entrega cuidada y sólida tanto en lo visual como en lo argumental.

La expectativa en redes sociales y foros de discusión es elevada, con seguidores especulando sobre el posible papel de los nuevos actores, especialmente el de Dinklage, cuya versatilidad podría aportar nuevos matices a la ciencia ficción distópica de la serie. Por ahora, la falta de información sobre la trama alimenta tanto el interés como las especulaciones, y muchos esperan que Hawley y su equipo introduzcan elementos capaces de revalorizar el legado de la franquicia.

La decisión de sumar a actores destacados de otras sagas se produce después de que la primera temporada dividiera a la audiencia con propuestas narrativas innovadoras. Este fenómeno ha creado un patrón dentro de la franquicia Alien, en el que cada nuevo proyecto enfrenta el reto de satisfacer a una base de seguidores exigente y nostálgica, mientras intenta modernizarse para atraer a nuevos espectadores.

La llegada de Dinklage, Spruell y Flynn es vista como una posible respuesta a las demandas de parte del público que pedía una mayor solidez actoral y personajes más complejos. Los datos de la crítica destacan que las series con fichajes de alto perfil suelen aumentar su audiencia y generar mayor discusión pública, como ha sucedido previamente con la incorporación de figuras reconocidas en producciones como El mandaloriano o Stranger Things.

Asimismo, el cruce entre universos culturales influye en el consumo de productos derivados como mercancía, videojuegos y foros en línea, lo que dinamiza el interés y revitaliza las comunidades de seguidores. No obstante, algunos fans veteranos de Alien han manifestado en redes sociales cierta preocupación, temiendo que la incorporación de figuras muy populares desvíe el foco del terror y la atmósfera claustrofóbica emblemática de la franquicia, para dar más relevancia al drama de los personajes.

El equipo creativo liderado por Noah Hawley afronta en esta segunda temporada el desafío de equilibrar la identidad tradicional de Alien con las novedades que suponen las nuevas incorporaciones. Hasta el momento, no hay declaraciones oficiales sobre los roles específicos de Spruell, Flynn y Ullman, pero se espera que en los próximos meses se revele información que permita a los fans anticipar el verdadero impacto de estos actores en el desarrollo de la serie.

El estreno de la nueva adaptación de La familia Ingalls en Netflix, disponible desde el 9 de julio, ha despertado la nostalgia de millones de espectadores por la recordada serie protagonizada por Michael Landon, Melissa Gilbert y Karen Grassle.

Durante nueve temporadas, entre 1974 y 1983, Little House on the Prairie proyectó la imagen de una familia unida, solidaria y guiada por fuertes valores humanitarios. Sin embargo, detrás de las cámaras no todo era armonía. Con el paso de los años, varios integrantes del elenco revelaron conflictos, diferencias personales, problemas de adicciones e incluso acusaciones contra Michael Landon, quien además de interpretar a Charles Ingalls ejercía un enorme poder creativo como productor ejecutivo, director y guionista de numerosos episodios.

Karen Grassle acusó a Michael Landon de sexismo

Uno de los testimonios más duros llegó de Karen Grassle, la actriz que dio vida a Caroline “Ma” Ingalls. En sus memorias Bright Lights, Prairie Dust y en entrevistas posteriores, aseguró que su relación con Michael Landon se deterioró cuando solicitó un aumento salarial durante la segunda temporada.

Según relató a The New York Post, Landon respondió que debía recibir el mismo sueldo que los actores infantiles, algo que consideró ofensivo. “Me sentí insultada como su coprotagonista en una serie de éxito. No quería aprovecharme de nadie, pero esperaba un salario justo”, afirmó.

La actriz también sostuvo que, después de aquella conversación, sus escenas comenzaron a reducirse y que Landon hacía comentarios burlones sobre su físico en el set.

A comienzos de 2026 volvió a hablar del tema en una entrevista con PEOPLE, recogida por Entertainment Weekly, donde recordó el impacto emocional que le produjo aquella experiencia. “Me consumí por el resentimiento, la ira, el dolor y el puro agotamiento”, declaró.

También explicó que durante años evitó participar en reuniones de fanáticos porque asociaba la serie con esos malos recuerdos, aunque con el tiempo logró reconciliarse con el cariño que el público seguía sintiendo por su personaje. Grassle además reveló que logró hacer las paces con su excoestrella antes de que este muriese en 1991.

La rivalidad entre Melissa Gilbert y Melissa Sue Anderson

Aunque Laura y Mary Ingalls eran hermanas inseparables en pantalla, Melissa Gilbert y Melissa Sue Anderson nunca desarrollaron una amistad durante las grabaciones. En un video rescatado por Facebook en 2024, Gilbert recordó que la diferencia de edad marcó la dinámica entre ambas cuando eran niñas.

“Desde el momento en que llegamos al set, Melissa Sue Anderson era mi jefa. Se lo tomaba completamente en serio”, comentó. “Era dura. Tanto delante como detrás de cámaras”.

La actriz también recordó una escena de los primeros episodios en la que Anderson debía golpearle la mano.

“Melissa me dio un golpe tan fuerte que casi me pongo a reír. En mi cara se puede ver todo el espectro de emociones”, recordó.

Sin embargo, esa historia tuvo un desenlace inesperado décadas después. En diciembre de 2025 ambas se reencontraron y retomaron el contacto. Gilbert compartió la noticia en Instagram con un emotivo mensaje.

“He guardado esto muy cerca de mi corazón durante un tiempo. El reencuentro con una hermana. Largas conversaciones para sanar. Muchos recuerdos, muchas risas y algunas lágrimas”, escribió.

Más adelante añadió: “El pasado ahora es solo eso, el pasado, y podemos seguir adelante como las hermanas y amigas que siempre quisimos ser”.

Las luchas contra el alcohol y las adicciones

Karen Grassle también reconoció públicamente que atravesó problemas de alcoholismo mientras trabajaba en la serie.

“Pasé toda mi etapa de consumo intentando controlarlo”, confesó a The New York Post. “Quería beber como lo hacía la gente, solo para divertirme en una fiesta. Pero empezó a empeorar. Me emborrachaba muchísimo, lloraba, sollozaba y sentía que todo en mi vida estaba mal”.

Melissa Gilbert, por su parte, aclaró que sus problemas comenzaron años después del final de la serie. En una entrevista concedida en 2012 explicó que la muerte de su abuelo desencadenó una fuerte crisis emocional cuando rondaba los 40 años.

“Cuando llegué al final de mis treinta y mi abuelo murió, algo se activó en mí y empecé a tener problemas para dormir”, explicó. En su peor momento, aseguró que llegaba a beber aproximadamente dos botellas de vino por noche. Posteriormente logró mantenerse sobria desde 2004 y ha participado en campañas para prevenir las adicciones entre los jóvenes.

El affair de Michael Landon

La imagen del ejemplar Charles Ingalls contrastó con la vida personal de Michael Landon.

De acuerdo con el libro de Karen Grassle y con información publicada posteriormente por Page Six, el actor inició una relación con Cindy Clerico, quien trabajaba en la producción como doble de Melissa Francis y más tarde como maquilladora, mientras seguía casado con su segunda esposa, Marjorie Lynn Noe.

Clerico tenía 18 años y Landon 43 cuando comenzó el romance. La pareja terminó casándose en 1983 y permaneció unida hasta la muerte del actor en 1991.

Melissa Gilbert, que veía a Landon como una figura paterna y pasaba vacaciones junto a su familia, reconoció en sus memorias Prairie Tale que aquella separación la dejó en una situación muy difícil. “No puedo tomar partido, pero hizo algo que convirtió mi mundo en bandos enfrentados. Me pusieron en una posición terriblemente incómoda”, escribió. Por la decepción, decidió no asistir a la ceremonia de bodas de la pareja.

Otro conflicto con Melissa Sue Anderson

Las dificultades de Melissa Sue Anderson para “hacer amigos” también fueron mencionadas por el actor Rademes Pera, quien interpretó a John, el interés amoroso de Mary Ingalls en las temporadas 2 y 3.

En una entrevista con Fox News en 2020, aseguró que la actriz evitaba desarrollar la química necesaria para las escenas románticas.

“Creo que simplemente no estaba preparada para ese tipo de actuación”, afirmó. Pera sostuvo que, pese a sus esfuerzos por trabajar de forma profesional, Anderson “no quería saber nada de eso”, una actitud que calificó de “muy frustrante” para un actor que intentaba construir la relación entre ambos personajes.

Los seguidores más atentos de La familia Ingalls recibieron una inesperada sorpresa con el estreno de la nueva adaptación de La casa de la pradera en Netflix. En el segundo episodio de la primera temporada, la plataforma escondió un breve cameo de Alison Arngrim, la actriz que dio vida a la villana Nellie Oleson en la serie clásica emitida entre 1974 y 1983.

La producción, que se estrenó el 9 de julio, apuesta por una versión más cercana a las novelas de Laura Ingalls Wilder y, durante su primera entrega, sitúa a la familia Ingalls en Kansas antes de su posterior llegada a Walnut Grove.

Aunque el personaje de Nellie todavía no forma parte de la historia, los responsables de la serie encontraron una manera de rendir homenaje a uno de los rostros más emblemáticos de la franquicia.

En lugar de repetir su papel más recordado, Arngrim aparece convertida en Ida, una extraña mujer que vive en el bosque junto a otros vagabundos. La escena comienza cuando Laura y Mary salen en busca de John Edwards y terminan encontrándose con un pequeño grupo reunido alrededor de una fogata.

Ida intenta convencer a las niñas de quedarse con ellos y, cuando Laura intenta escapar, la mujer la sujeta asegurando que “solo quiere protegerla de los lobos”. La tensión termina cuando Edwards llega a tiempo para rescatarlas.

La responsable de la nueva adaptación, Rebecca Sonnenshine, reveló a Parade cómo surgió la idea de insertar este fugaz “easter egg” con la famosa integrante del cast original.

“Escribí ese episodio. Y entonces pensé: ‘¿No sería divertido traer a Alison Arngrim como esta mujer loca de la pradera?’. Sentí que quizá aceptaría. Me parecía una persona muy genial”, recordó la showrunner.

Sonnenshine explicó que incluso olvidó la propuesta durante parte del proceso de producción, hasta que finalmente decidieron hacerla realidad.

“Sé lo mucho que Nellie Oleson significa para la gente como personaje. No aparece en esta temporada porque todavía no han llegado a Walnut Grove. Pero pensé que esta era una manera de incluirla, porque es muy importante para el público”, afirmó.

La creadora también destacó la disposición de Arngrim para transformar su apariencia. “Fue una gran profesional. Me dijo: ‘¿Puedo tener más cosas en los dientes?’. Y le respondí: ‘Sí, por supuesto’. Fue encantadora, divertida, llena de energía y se entregó por completo. De verdad tuvimos mucha suerte. Fue un sueño hecho realidad”, señaló Sonnenshine.

El regreso de Alison Arngrim a la pradera

La propia actriz contó a Tudum cómo recibió la propuesta que la llevó de vuelta a la pradera. “Recibí una llamada: ‘¿Qué haces dentro de una semana y media? ¿Podrías venir a Winnipeg? Tenemos este personaje y queremos que seas tú’. Todo ocurrió muy rápido, quizá con dos semanas de anticipación”, recordó.

Sobre Ida, explicó con humor: “Básicamente es una mujer loca que vive en el bosque. Está con otros vagabundos cenando alrededor de una fogata y las pobres e inocentes niñas Ingalls aparecen por allí. Pensé: ‘Eso suena increíblemente espeluznante. Es totalmente mi estilo. Voy enseguida’”.

La caracterización también sorprendió a la actriz, quien destacó el esfuerzo del equipo por recrear con mayor fidelidad la vida en el siglo XIX.

“La primera cosa que me dejó boquiabierta fue el vestuario”, comentó al blog de Netflix. Después recordó que una maquilladora le dijo: “‘Te das cuenta de que aquí vives en el bosque’. Procedieron a hacer que pareciera que me cuidaba muchísimo menos de lo que realmente hago. Me pintaron los dientes para que se vieran horribles y las uñas para que parecieran sucias y enfermas”.

La actriz también elogió a Alice Halsey y Skywalker Hughes, las nuevas intérpretes de Laura y Mary Ingalls. “Son fabulosas”, aseguró. “Estas niñas tienen currículums más largos que algunas personas de 40 o 50 años, y solo tienen 12. Son muy buenas y parece que son grandes amigas”.

Aunque la primera temporada todavía no presenta a la familia Oleson, la producción ya confirmó que Willa Dunn asumirá el papel de Nellie en la segunda entrega.

Allison Arngrim está ansiosa por ver a su sucesora. Su consejo para la joven actriz fue: “Acepta el papel y disfrútalo. Es el personaje más divertido que se puede interpretar. Hazte amiga de los demás niños y no te tomes nada de manera personal”.

“Si haces esto correctamente, habrá gente que te odiará y creerá que la serie es real. Necesitas un fuerte sentido de identidad y un humor bastante oscuro. Incluso si los fans no separan la ficción de la realidad, tú sí debes hacerlo”, enfatizó.

La Ciudad de México, Puerto Vallarta, Oaxaca y los campos de agave de Jalisco figuran entre los destinos mexicanos que sirvieron de escenario para series y documentales de plataformas como Netflix y Apple TV+, y que cualquier viajero puede recorrer estas vacaciones.

Desde el Centro Histórico capitalino hasta comunidades rarámuri en la sierra de Chihuahua, México ha prestado sus calles, haciendas y paisajes naturales a producciones que acumulan millones de espectadores en todo el mundo.

La capital, un set que no cierra

El corazón de la Ciudad de México concentra la mayor densidad de locaciones visitables. El Ex Convento de San Hipólito, cerca del Metro Hidalgo, aparece en la segunda temporada de Narcos: México como escenario de una fiesta electoral. El Café Trevi, restaurante tradicional junto a la Alameda Central, fue usado en la primera temporada para una de las escenas de mayor tensión de la serie.

El Palazzio Videmar, en la alcaldía Cuauhtémoc a un costado de Tlatelolco, sirvió como locación de la boda del Gobernador Celis en esa misma producción de Netflix.

Otras series dejaron huella en distintas colonias. La Casa de las Flores se filmó en la alcaldía de Tlalpan, cerca del parque Cumbres del Ajusco. Soy tu Fan recorrió Coyoacán, la Roma y Polanco. Sense8 utilizó el Museo Anahuacalli de Xochimilco, estudio del pintor Diego Rivera, como una de sus locaciones internacionales.

La miniserie Me late que sí (Netflix, 2025), protagonizada por Alberto Guerra, recreó la atmósfera burocrática de la capital en exteriores de colonias como San Rafael y Santa María la Ribera, además de las oficinas de Pronósticos para la Asistencia Pública en Insurgentes Sur.

Para quienes prefieren un recorrido guiado, The Film Tours México ofrece itinerarios por el Centro Histórico que incluyen el Palacio de Bellas Artes, el Palacio Postal y el Colegio de San Ildefonso, con referencias a producciones nacionales e internacionales.

Puerto Vallarta, la Acapulco que no es Acapulco

Uno de los casos más llamativos del “turismo de pantalla” en México es el de la serie Acapulco de Apple TV+. Aunque la historia transcurre en el puerto guerrerense en 1984, toda la filmación se realizó en Puerto Vallarta, Jalisco, específicamente en el Hotel Barceló, cuya fachada rosa se convirtió en el sello visual de la producción.

La serie, que cuenta con la participación de Eugenio Derbéz, transformó ese hotel en un destino reconocible para sus seguidores.

Tequila y sus haciendas, el escenario de Monarca

El Pueblo Mágico de Tequila, en Jalisco, es la locación central de Monarca, serie de Netflix producida por Salma Hayek que narra la disputa de tres hermanos por un imperio tequilero familiar.

Los campos de agave azul, el centro histórico del municipio y haciendas del siglo XVII conforman el paisaje de la producción. Dos de esas propiedades son visitables: la Hacienda de El Carmen, ubicada entre los volcanes de Tequila y Ameca en El Carmen de Ordaz, que hoy opera como hotel con spa y lago; y la Hacienda de Labor de Ribera, también usada durante el rodaje.

Ambas reciben visitantes y ofrecen hospedaje.

Oaxaca y Mérida, la cocina como guía

Chef’s Table de Netflix dedicó el cuarto episodio de su segunda temporada al chef Enrique Olvera, con los mercados y calles de Oaxaca como telón de fondo. Ese recorrido visual por la capital oaxaqueña está ligado al origen de su mole madre, uno de los platos más reconocidos de la gastronomía mexicana contemporánea.

El documental Salt, Fat, Acid, Heat llevó a la chef Samin Nostrat a los mercados de Mérida, Yucatán, para explorar los sabores de la región: naranja, miel y las salsas locales que definen la cocina yucateca.

Chihuahua y Baja California Sur, la naturaleza en primer plano

El documental Lorena, la de pies ligeros (Netflix) muestra la comunidad rarámuri de Guachochi, en la sierra de Chihuahua, conocida como la capital del mundo rarámuri. Para llegar a la casa de Lorena, la producción cruzó ríos, desfiladeros y la Barranca Sinforosa, un paraje alejado de los circuitos turísticos convencionales.

En el extremo opuesto del país, el documental Nuestro Planeta exhibe el Parque Nacional Bahía de Loreto, en Baja California Sur, que alberga el 70% de las especies marinas de México, incluida la ballena azul. Jacques Cousteau describió esa zona como “el acuario del mundo”.

Prime Video anunció que Nadie nos va a extrañar regresará en agosto de 2026 con una segunda temporada que retoma el último año de preparatoria de sus protagonistas.

La serie mexicana, creada por Adriana Pelusi y Gibrán Portela, volvió a acaparar la atención esta semana tras la publicación de su póster y adelanto oficial en redes sociales. La imagen muestra al elenco principal en los pasillos de la escuela, con el sello “Nueva Temporada — Próximamente” de Amazon Prime Video.

La cuenta oficial de la plataforma en X lo resumió así: “El último año de prepa está por comenzar. ¿Sobrevivirá su amistad o terminarán siendo un recuerdo que nadie va a extrañar?”

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Qué pasará en la segunda temporada

La nueva entrega se sitúa en el último año de prepa de Tenoch, Alex, Daniela, Marifer y Memo, el grupo que en 1994 montó un negocio clandestino de venta de tareas en el bachillerato “Héroes de la Revolución”. La pregunta que plantea la propia plataforma es si su amistad sobrevivirá o si terminarán siendo un recuerdo que nadie recuerde.

La historia retoma las tramas que quedaron abiertas tras el desenlace de la primera entrega y profundiza en las relaciones que construyeron los personajes a lo largo de esa temporada.

El anuncio en el LALIFF y el equipo detrás de la serie

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La confirmación oficial llegó durante la 25.ª edición del Festival Internacional de Cine Latino de Los Ángeles (LALIFF), donde Prime Video proyectó en exclusiva los dos primeros episodios de la nueva temporada.

Al evento asistieron Camila Calónico, Virgilio Delgado, Nicolás Haza y Edu Maruri, junto a la showrunner Silvana Aguirre. “Fue el amor de la audiencia lo que hizo posible la segunda temporada, y es ese mismo amor el que nos impulsa a todos”, declaró Aguirre durante la presentación, según recogió CineMedios.

La dirección queda nuevamente en manos de Catalina Aguilar Mastretta y Samuel Kishi Leopo, con guion de Pelusi y Portela.

Así mismo la plataforma publicó en sus redes sociales la confirmación oficial de agosto como el mes de estreno de la nueva temporada de la serie dramática adolecente.

El peso de la primera temporada

Nadie nos va a extrañar se estrenó en agosto de 2024 y permaneció 18 semanas consecutivas en el top 10 de Prime Video México. La producción conectó con audiencias de distintas generaciones a través de su retrato de la adolescencia noventera, su estética de época y una trama que mezclaba comedia, drama y suspenso.

La canción original A dónde va el viento, interpretada por Julieta Venegas, se convirtió en un fenómeno paralelo: se ubicó entre los 10 temas más escuchados de la cantante en Spotify tras el estreno de la serie.

La renovación para una segunda temporada se había confirmado en septiembre de 2025. La nueva entrega llega a Prime Video en agosto de 2026, sin fecha exacta anunciada hasta el momento.

Reconocimiento en los Premios Aura 2025

La primera temporada compitió en cuatro categorías de los Premios Aura 2025, el galardón dedicado a las mejores series en español. La producción obtuvo nominaciones a Mejor Serie de Drama, Mejor Guión y Serie con Mayor Impacto.

La cuarta nominación fue la que se tradujo en premio: Axel Madrazo, quien interpreta a Memo, se alzó con el galardón a la Revelación Actoral del Año, según consigna Wikipedia en su registro de la ceremonia celebrada el 6 de abril de 2025 en Ciudad de México.

El elenco que regresa a los noventa

Los cinco protagonistas son actores jóvenes con trayectorias que comenzaron a tomar forma antes de la serie. Axel Madrazo (Memo), hijo del conductor Óscar Madrazo, debutó en pantalla a los 13 años con el papel de Alex Basteri en Luis Miguel: La Serie de Netflix. Su trabajo en Nadie nos va a extrañar le valió el Premio Aura a la Revelación Actoral del Año en 2025, y tiene en posproducción un nuevo proyecto titulado Sin equipaje.

Nicolás Haza (Alex), hijo de la actriz Ludwika Paleta y el actor Plutarco Haza, había participado en Los ricos también lloran de Televisa y Te quiero y me duele de HBO Max antes de sumarse al proyecto. Camila Calónico (Marifer) cuenta en su filmografía con Latido, junto a Marina de Tavira.

Virgilio Delgado (Tenoch) y Macarena Oz (Daniela) completan el quinteto principal. En los roles recurrentes regresan Alejandro Puente, Ernesto Laguardia y Edu Maruri, entre otros.

DC Studios continúa ampliando el universo iniciado con Superman y ya prepara un nuevo spin-off centrado en uno de los personajes que más llamó la atención de los fanáticos. Se trata de Mr. Terrific, el brillante Michael Holt, quien tendrá su propia serie para HBO Max luego de su presentación en la película dirigida por James Gunn.

El proyecto buscará profundizar en uno de los héroes más inteligentes del universo DC, un personaje que, pese a no contar con superpoderes, destaca por su extraordinario intelecto y por el desarrollo de tecnología avanzada para combatir el crimen. La producción también marcará el regreso de Edi Gathegi al papel, consolidando al actor como una de las figuras recurrentes de esta nueva etapa de la franquicia.

El desarrollo de la serie ya está en marcha y el encargado de escribir el episodio piloto será Allan Heinberg, reconocido por su trabajo como showrunner de Sandman y por haber participado en el guion de Wonder Woman. Su incorporación refuerza la intención de DC Studios de rodear este proyecto con nombres de experiencia tanto en adaptaciones de cómics como en producciones televisivas de alto perfil.

Aunque todavía no trascendieron detalles sobre la historia o la fecha de estreno, la elección de Heinberg deja en claro que la compañía busca darle una identidad propia a Mr. Terrific dentro del renovado universo compartido.

La decisión llega en un momento clave para DC. Luego del pobre desempeño comercial y la tibia recepción que tuvo Supergirl, el estudio encabezado por James Gunn y Peter Safran parece decidido a mantener el ritmo de expansión de su universo cinematográfico y televisivo.

En lugar de modificar sus planes, la estrategia apunta a seguir desarrollando personajes secundarios que despertaron interés entre el público, algo que ya había ocurrido con Mr. Terrific desde su aparición en Superman. Su combinación de inteligencia, carisma y capacidad tecnológica lo convirtió rápidamente en uno de los favoritos de los espectadores, lo que terminó impulsando este nuevo proyecto.

La serie de Mr. Terrific tampoco será el único derivado vinculado a Superman que DC tiene en carpeta. Distintos reportes también señalan que Jimmy Olsen protagonizará una producción con formato de falso documental, mientras que el estudio continúa trabajando en Lanterns, Clayface y la secuela Superman: Man of Tomorrow, prevista para 2027.

Con este nuevo anuncio, DC deja claro que, pese a algunos tropiezos recientes, su hoja de ruta sigue avanzando con el objetivo de construir un universo interconectado que combine cine y televisión alrededor de sus héroes más populares y de otros personajes que recién comienzan a ganar protagonismo.

Netflix fijó para 2026 el estreno global de Más allá de la sociedad, una serie documental de tres episodios creada por J.A. Bayona y Carlos Torres que, por primera vez en una misma obra, reunió a los supervivientes del vuelo 571 y a los familiares de quienes no volvieron, con testimonios inéditos sobre la tragedia ocurrida en los Andes en 1972.

La plataforma presentó el proyecto como una extensión directa del universo narrativo que Bayona abordó en La sociedad de la nieve (2023), pero con una premisa de producción distinta: trasladó a gran parte del reparto de esa película al lugar del accidente para articular un encuentro entre los protagonistas reales y quienes los interpretaron en la ficción.

El proyecto sumó además voces clave de las versiones previas de esta historia: participaron los escritores Piers Paul Read (¡Viven!) y Pablo Vierci (La sociedad de la nieve), y los cineastas Frank Marshall (¡Viven!) y el propio Bayona, según informó Netflix en su presentación.

La serie reconstruyó los cincuenta años posteriores al accidente y planteó una pregunta de fondo para sus personajes: cómo se reorganizó la vida después del rescate, tanto para los supervivientes como para las familias de las víctimas, en un contexto en el que el resto del mundo continuó procesando el caso a través de libros, películas y documentales.

Una docuserie que llevó al elenco al lugar del accidente para cruzar realidad y ficción

Más allá de la sociedad se desarrolló en el mismo escenario del siniestro, en los Andes, adonde Bayona y parte del elenco de La sociedad de la nieve viajaron para propiciar lo que Netflix definió como “un singular encuentro entre la realidad y la ficción”.

La serie documental quedó anclada a ese desplazamiento como dispositivo narrativo y de producción. El recorrido a la zona del impacto funcionó como punto de partida para revisar, junto a supervivientes y familiares, el peso del hecho en una comunidad y su transformación en un fenómeno de repercusión mundial que derivó en múltiples obras.

En un pasaje sobre el origen del proyecto, Bayona explicó a partir de ese viaje al Valle de las Lágrimas: “La idea de Más allá de la sociedad surgió cuando decidimos viajar al Valle de las Lágrimas con el elenco de la película. Ninguno de los actores había estado ahí y sentimos que era la mejor manera de cerrar un capítulo muy importante de nuestras vidas y de agradecer a quienes confiaron en nosotros para contar su historia”.

Producción, dirección y el equipo que amplió el relato del vuelo 571

Netflix detalló los roles ejecutivos y creativos del título: Belén Atienza, Sandra Hermida y Bayona figuraron como productores; la creación quedó a cargo de Bayona y Torres; y la dirección recayó en Carlos Torres.

El foco del relato se concentró en el después: el punto donde la historia, para los supervivientes y las familias, “recién empezaba” tras el rescate, mientras el silencio se imponía entre protagonistas y el interés público se sostenía con nuevas lecturas y adaptaciones.

La serie también integró, en el mismo dispositivo, a autores y realizadores vinculados a las principales reconstrucciones previas del caso: Read y Vierci por el lado editorial, y Marshall y Bayona desde las adaptaciones cinematográficas, con testimonios en primera persona dentro del documental.

El vuelo 571, el rescate y el dato operativo que estructura el caso

La tragedia del vuelo 571 ocurrió el 13 de octubre de 1972, cuando el avión de la Fuerza Aérea Uruguaya que trasladaba a Chile a integrantes del club de rugby Old Christians Club de Montevideo, junto a allegados y cinco tripulantes, se estrelló en la cordillera de los Andes, en territorio de Argentina.

Sobrevivieron 16 de los 40 pasajeros. Permanecieron 72 días en la nieve hasta el rescate.

Sobre el cruce entre los hechos y la representación, Bayona recordó el efecto que tuvo el viaje con el reparto al lugar del accidente: “Allí tomamos conciencia de hasta qué punto la historia real y las personas que vivieron la tragedia estaban ya íntimamente entretejidas con los que habíamos creado la ficción”.

Este año, los Emmy han dejado fuera de la carrera de premios a varias ficciones muy queridas por los fans, como la última temporada de Stranger Things o Euphoria, que no está nominada a mejor serie.

Sin embargo, hay muchos títulos estrenados recientemente que no podían entrar en estas nominaciones por cuestiones de calendario y que no serán elegibles hasta la próxima temporada.

Las razones de la ausencia de Bardem

Los casos más claros son la última temporada de The Bear y la nueva versión de El cabo del miedo, en la que Javier Bardem borda una de las mejores interpretaciones de su carrera como el temible Max Cady, que ya en su momento encarnaron actores como Robert Mitchum y Robert De Niro.

El por qué de esta ausencia se encuentra en el desfase entre el calendario tradicional de la televisión y el modelo de estrenos del ‘streaming’. Durante años, las grandes cadenas generalistas lanzaban sus temporadas en otoño y las cerraban antes del verano, un ritmo que los Emmy han seguido de forma parecida al calendario escolar, pero que hoy choca con estrenos más irregulares y con plataformas que ya no reservan el verano para lanzamientos menores.

Esa lógica afecta a títulos que podrían parecer ausencias llamativas en esta temporada de premios, pero que en realidad ni siquiera han entrado aún en la conversación oficial.

En el caso de las series de largo recorrido, con varias temporadas se ha afianzado un fenómeno cada vez más visible en los premios televisivos: usar una temporada recién estrenada como material indirecto de campaña para la anterior, algo que encajaría a la perfección con el caso de The Bear.

Una serie adaptación de un clásico

No ocurría lo mismo en el caso de Cape Fear, una nueva adaptación televisiva de la novela de 1957 The Executioners, de John D. MacDonald. La obra ya había pasado antes por el cine en las versiones de J. Lee Thompson de 1962 y Martin Scorsese de 1991, y el nuevo proyecto, con Nick Antosca al frente, toma elementos de todas ellas mientras se reserva margen para apartarse de ese material previo.

La serie llegó con un perfil que la actual temporada de los Emmy no ha tenido en exceso: el de una gran miniserie de reparto muy reconocible, con la presencia de Javier Bardem, Amy Adams y Patrick Wilson, tres intérpretes que han sido nominados antes pero no han ganado un Emmy.

En el caso de Javier Bardem, ha estado nominado a los premios en una ocasión, gracias a su papel en Monstruos: La historia de Lyle y Eriz Menéndez, de Ryan Murphy.

Su nominación el año que viene con Cape Fear, culminaría con una temporada inmejorable para el actor después de los estrenos de El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen, Dune: Parte 3, de Denis Villeneuve y Buker, de Florian Zeller, junto a Penélope Cruz, que ya se dice que podría participar en el próximo Festival de Venecia.

La nueva serie llega con una base comercial inusual para un clásico televisivo: los libros de Laura Ingalls Wilder han vendido más de 73 millones de ejemplares y la adaptación original sumó 13.000 millones de minutos de visionado en streaming solo en 2024.

La ficción, creada por Rebecca Sonnenshine y producida ejecutivamente por Trip Friendly, hijo del productor original Ed Friendly, sigue a los Ingalls en su marcha hacia el Oeste en la estela de la Guerra Civil estadounidense. El arranque sitúa a Laura con ocho años mientras recuerda el viaje de casi 800 millas hacia Independence, en Kansas, una travesía que la serie presenta desde el primer episodio como físicamente peligrosa con un cruce de río que pone en riesgo la vida de la familia.

La misma historia para nuevos públicos

Alice Halsey interpreta a Laura, Crosby Fitzgerald a Caroline, Luke Bracey a Charles y Skywalker Hughes a Mary. La publicación estadounidense describe la producción como una mezcla de drama familiar y relato de aventuras con un comienzo pausado, pero sostenido por temas que considera centrales: el peso del patriarcado en la vida doméstica y el vínculo entre hermanas.

El núcleo del relato vuelve a ser reconocible: una familia que abandona su granja y a sus allegados para buscar una nueva vida con muy pocos recursos. En ese trayecto aparecen ayudas puntuales, problemas de dinero, figuras hostiles y reveses graves, mientras Charles toma decisiones que condicionan el bienestar de Caroline y de sus hijas.

La serie insiste en esa asimetría incluso cuando presenta a Charles como un hombre afectuoso con su esposa y sus hijas para los parámetros de la época. Escenas dedicadas a la construcción de la casa, un robo y un embarazo esperado sirven para mostrar que Caroline, Mary y Laura apenas tienen margen de decisión sobre el rumbo de sus vidas.

La relación entre Mary y Laura ocupa un lugar central. La primera aparece como una niña responsable, silenciosa y más inclinada a la costura y a ayudar a su madre; la segunda, como una figura voluntariosa, intrépida y reacia a las tareas domésticas y a las clases. Esa oposición se traslada a los roces entre ambas, presentados no solo como fricción entre hermanas, sino como el choque entre dos temperamentos distintos obligados a convivir en condiciones extremas.

Una versión que llega en pleno auge conservador

El regreso de la franquicia no se ha producido en un vacío cultural. La nueva adaptación llega en un momento recorrido por la confluencia de varias corrientes: el resurgir del interés por la autosuficiencia desde la pandemia, la estética rural asociada al ‘cottagecore’ y la popularidad de las ‘tradwives’ en redes sociales, con su defensa de la domesticidad y la vida agraria idealizada.

Ese contexto ha reabierto también la batalla política alrededor de la obra. Cuando Netflix anunció el proyecto en enero del año pasado, la presentadora conservadora Megyn Kelly escribió en X: “Netflix, si la ‘wokeizáis’, convertiré en mi misión arruinar vuestro proyecto”. Melissa Gilbert, que interpretó a Laura en la serie original, replicó que aquella ficción ya abordó “racismo, adicción, nativismo, antisemitismo, misoginia, violación, maltrato conyugal y cualquier otro tema ‘woke’ que se te ocurra”.

El propio Bracey pidió a Kelly que viera antes la serie. “No tenía ni idea de eso. No tengo ninguna conexión con las redes sociales. Pero no ha visto la serie… que vea la serie”, declaró al The Guardian.

La discusión no es solo contemporánea. El mismo periódico recuerda que Rose Wilder Lane, hija de la autora y figura vinculada al origen del movimiento libertario en Estados Unidos, reescribió de forma intensa el material autobiográfico de su madre tras el crack de 1929 y reforzó una visión del pionero estadounidense como héroe resistente, optimista y desconfiado de la ayuda pública.

La nueva serie incorpora de forma explícita el conflicto racial y colonial, aunque las críticas no coinciden en la valoración de ese esfuerzo. Variety señala que el racismo, los prejuicios y la desconfianza entre colonos y la tribu Osage, así como entre los colonos blancos y la población negra del pueblo, tienen presencia destacada, aunque en una versión más suavizada de lo que fue la realidad histórica.

Entre los personajes subrayados por esa crítica está Dr. Tann, interpretado por Jocko Sims, un médico negro inspirado en una figura real que salva la vida de los Ingalls y ejerce como único facultativo en kilómetros a la redonda. El medio entiende que su presencia muestra una dimensión poco representada de la experiencia ‘afroestadounidense’ de la época.

La serie también aborda el carácter depredador del Gobierno frente a los pueblos indígenas y cómo ese proceso devastó de forma permanente a generaciones que vivían en esas tierras. A eso suma el papel del ferrocarril como precedente de otras grandes empresas capaces de atraer a ciudadanos ingenuos con la promesa de una porción del sueño americano.

The Guardian añade que Netflix ha contado con Julie O’Keefe como consultora ‘osage’ y que la ficción se sitúa en la estancia de los Ingalls en una reserva osage del sureste de Kansas a finales de la década de 1870. El diario, aun así, considera que la representación sigue siendo limpia y amortiguada para un periodo atravesado por la brutalidad, la subordinación y la explotación. La plataforma ya ha renovado la serie por una segunda temporada.

Se trata de un thriller a modo de comedia negra que gira, a lo largo de siete episodios, alrededor del triángulo formado entre un hombre del tiempo, un intérprete de lengua de signos y una esposa enigmática que desembocará en una muerte que se encargará de ordenar toda la historia desde el principio a través de flashbacks no lineales.

Clark Forrester, interpretado por Jason Bateman, trabaja como meteorólogo en una televisión local de San Luis. Está casado, tiene dos hijas y vive en un suburbio acomodado, pero la ficción lo presenta como un hombre incómodo en su propia vida, capaz de mentir a su mujer mientras se asoma al deseo con la torpeza de quien nunca termina de entender qué busca.

A su lado aparece Floyd Smernitch, al que da vida David Harbour, un intérprete de lengua de signos autónomo que conoce a Clark durante la cobertura de una tormenta descomunal. La amistad entre ambos nace cuando Floyd evita que una señal de tráfico arrastrada por el viento empale al meteorólogo, y se convierte después en el eje de una trama que mezcla sexo, traición y asesinato.

Una trama repleta de situaciones inesperadas

La serie comienza con Floyd muerto en una caseta de piscina en el suburbio ficticio de Twyla. Junto al cuerpo aparece una lata de Bloody Mary, indicio de una muerte sospechosa, y una vieja página central de Playgirl con la cara arañada, dos elementos que activan la investigación policial.

Las imágenes de las cámaras de seguridad muestran una bicicleta reclinada fuera del lugar, y el detective Donoghue Homer confirma que una tienda local solo vendió dos modelos de ese tipo a Clark. A eso se suman los mensajes entre Clark y Carol localizados en el teléfono del primero y analizados por el departamento del sheriff, un material que orienta las sospechas hacia el meteorólogo.

La investigación recae en dos agentes que funcionan también como contraste generacional y mental. Richard Jenkins interpreta a Donoghue, detective veterano de homicidios del sheriff del condado, mientras Joy Sunday encarna a Jodie Plumb, agente de delitos especiales de la policía local que discute con él de forma constante por su tendencia a sacar conclusiones precipitadas.

Ese choque está en el centro de uno de los hallazgos de Steven Conrad, creador, guionista y director de todos los episodios. El veterano se mueve por lo obvio y lo que cree ver con claridad; la agente joven insiste en que las apariencias no describen lo ocurrido y que cada pista admite lecturas múltiples.

El título remite a una aplicación de citas pensada para personas casadas con curiosidad por la no monogamia en el área de San Luis. Es Clark quien propone a Floyd abrir un perfil conjunto, pero cuando el primero inicia una relación con Carol, la esposa de su amigo, el segundo se lanza por su cuenta a contarle con detalle sus encuentros, en un intercambio donde el deseo se mezcla con la observación clínica y el humor seco.

Las claves de ‘DTF Saint Louis’

Una de las claves de la serie está en su capacidad para situar un thriller sexual en un paisaje deliberadamente banal. Purina, Outback Steakhouse o Jamba Juice aparecen como marcas que fijan el tono de una vida suburbana corriente, y San Luis, o más exactamente Twyla, queda retratada como un escenario sin glamour ni seducción noir.

Esa normalidad elevada a terreno absurdo acerca la serie a The Curse, de Nathan Fielder o a una variante más silenciosa del ritmo de Tim Robinson, creador y protagonista de La empresa de las sillas. La comparación tiene que ver con la cadencia extraña de diálogos y situaciones que vuelve cómico lo incómodo sin convertirlo en un chiste.

Bateman compone a Clark como un tipo patético que sabe que lo es. El actor modula al personaje entre la amabilidad aparente, la amenaza difusa y una sinceridad que nunca termina de despejar la sospecha sobre si dañó a Floyd.

Harbour, por su parte, carga con un Floyd tímido, ingenuo y descolocado, pero también capaz de momentos de seguridad inesperada, convirtiéndose en la interpretación más llamativa del trío protagonista, un personaje que intenta recuperar una versión más joven de sí mismo mientras arrastra sobrepeso, deudas fiscales y una mezcla de vergüenza y necesidad de afecto.

La tercera pieza es Linda Cardellini como Carol Love-Smernitch, el personaje más opaco de los tres. Su perspectiva tarda más en llegar, y esa demora alimenta la sensación de que todo el relato está construido para que el espectador nunca disponga de información suficiente durante demasiado tiempo.

Carol trabaja en la oficina corporativa de Purina y además arbitra partidos de las ligas infantiles, una actividad que enfría su vida sexual con Floyd porque él no consigue dejar de verla con ese uniforme. En ese juego entre ridiculez doméstica, pulsión erótica y misterio criminal, la serie encuentra su tono más propio: una historia en la que un ciclón une a dos hombres, una aventura extramatrimonial lo desordena todo y un veneno enlatado que deja a uno de ellos muerto en una piscina abandonada.

La serie arranca en un pueblo rural mexicano y sigue a Miguel, interpretado por Aldo Emiliano Navarro, después de que descubra a Felipe, un niño encadenado bajo un viejo depósito de agua junto a la casa ruinosa de una supuesta bruja.

Miguel pasa los días jugando al fútbol con su hermana pequeña María, su primo Chuy y otros niños del vecindario. En casa, la situación económica es precaria porque una plaga ha arrasado la cosecha de café y ha destruido el sustento de sus padres, Pino y Teresa, mientras la familia también lidia con el asma crónica de María.

Entre juegos y descubrimientos oscuros

Miguel es un niño aún alegre y despreocupado, cuyo problema más inmediato parece ser evitar a Calavera, el matón del barrio. Ese equilibrio infantil empieza a resquebrajarse cuando Félix, el hermano mayor del acosador, alimenta entre los niños la historia de una bruja malvada que vive en el bosque y mata a los pequeños.

La desaparición repentina de Chuy y de sus padres, Rosalío y Margarita, siembra las primeras sospechas en la comunidad. El giro decisivo llega cuando Miguel tropieza con Felipe, retenido con una cadena en la pierna, y decide llevarle comida y agua mientras le cuenta cómo va México en el Mundial de fútbol.

Con su padre fuera por trabajo y su madre desbordada por los problemas domésticos y económicos, el niño intenta resolver solo una situación que no comprende del todo. Cuando descubre que no tiene ni la fuerza ni las herramientas necesarias para liberarlo, recurre a Calavera, el muchacho más fuerte que conoce.

Ahí se activará el doble mecanismo de la serie: un misterio sostenido desde la mirada infantil y un relato de crecimiento que muestra hasta qué punto la niñez es frágil. Miguel no solo cuida de su nuevo amigo, sino que incluso renuncia a su tiempo de ocio, mientras percibe la tensión financiera de sus padres aunque ellos intenten ocultársela.

El episodio tres, titulado El hombre gusano, coloca las piezas principales de la trama y rompe la ligereza con la que Miguel había mirado el mundo hasta ese momento, mostrando el rostro de horror del protagonista cuando comprenda quién está detrás del secuestro de Felipe, una revelación que se presentará como un conocimiento que ningún niño debería llegar a tener.

Entre el pasado y el presente

La tensión se mantendrá gracias a una cronología no lineal. La serie se abre cuando Felipe ya ha sido encerrado en el depósito de agua y después va y viene entre 1981 y el momento previo al descubrimiento de Miguel y de sus gafas rotas.

Ese retroceso temporal dibuja un contraste material muy preciso. Solo cinco años antes, el pueblo prosperaba gracias a una cosecha de café abundante; después, los cultivos tuvieron que ser quemados y desapareció el único recurso relevante de la zona.

La comparación entre aquel pasado y el presente arruinado sirve para explicar qué hace la carencia en una comunidad en apariencia normal. Ese desplazamiento sirve para mostrar cómo la desigualdad social y la desesperación pueden desembocar en actos de violencia extremos.

La miniserie está encabezada por Regina Arroyo como María, Luis Alberti como Pino, Fátima Molina como Teresa, Bruno Strauss como Chuy, Mauro Guzmán como Calavera, Cosmo Gonzalez como Félix y Yago Andreu como Felipe.

La novela No tengo miedo consolidó a Niccolò Ammaniti como uno de los escritores más populares tanto fuera como dentro de su país, Italia. Se trataba de una historia de infancia y pérdida de la inocencia que se puede extrapolar a cualquier lugar, aunque la novela contenía un fuerte sustrato autóctono a la hora de hablar de la desaparición del mundo rural del sur de Italia que, aquí, se traslada a México.

Los nombres de las series, actores, actrices y producciones que competirán por los máximos reconocimientos de la televisión ya comenzaron a revelarse. Este miércoles 8 de julio, la Academia de Televisión anunció los nominados a la 78.ª edición de los Premios Emmy, cuya ceremonia se celebrará el próximo 14 de septiembre y volverá a reunir a las principales figuras de la industria televisiva.

El anuncio de las candidaturas estuvo a cargo de Liza Colón-Zayas, ganadora del Emmy por The Bear, y Jeff Hiller, desde el Wolf Theatre del Saban Media Center de la Academia de Televisión.

Antes de la presentación principal, el programa Today de NBC dio a conocer los nominados en dos categorías: mejor serie de variedades y mejor programa de competencia de telerrealidad, como antesala a la revelación del resto de aspirantes.

Qué debes saber de la premiación

La edición 2026 de los Emmy premiará a las producciones estrenadas entre el 1 de junio de 2025 y el 31 de mayo de 2026. Durante los últimos meses, estudios y plataformas de streaming impulsaron campañas de promoción dirigidas a los votantes de la Academia mediante proyecciones especiales, paneles con el elenco, eventos y publicidad, en busca de asegurar un lugar entre los finalistas.

Este año, la Academia también introdujo varios cambios en el reglamento. Uno de los más relevantes fue la reunificación de las categorías de programas de entrevistas y variedades con guion en una sola categoría de Mejor serie de variedades. Además, esta categoría adoptó el formato de “area award”, un sistema en el que los nominados no compiten directamente entre sí, sino que cada uno debe alcanzar un nivel mínimo de aprobación por parte de los votantes para recibir un Emmy, lo que abre la posibilidad de que haya varios ganadores.

Asimismo, la categoría de película para televisión pasó a denominarse oficialmente Mejor película, mientras que también se actualizaron las normas sobre el uso de inteligencia artificial y los criterios de elegibilidad en distintas categorías técnicas.

Según datos de la Academia de Televisión citados por Variety, este año se inscribieron 555 programas en las 14 principales categorías de programación, una disminución frente a los 600 títulos registrados en la edición anterior. Entre ellos figuraron 110 series dramáticas, 71 comedias, 31 series limitadas o antológicas, 34 películas, 18 programas de variedades y 45 competencias de telerrealidad.

Nominados a los Premios Emmy 2026

Mejor serie de comedia

• Abbott Elementary
• The Bear
• Hacks
• Margo’s Got Money Troubles
• Nobody Wants This
• Only Murders in the Building
• Shrinking
• Widow’s Bay

Mejor actor principal en una serie de comedia

• Yahya Abdul-Mateen II, “Wonder Man”
• Steve Carell, “Rooster” 
• Matthew Rhys, “Widow’s Bay” 
• Jason Segel, “Shrinking”
• Martin Short, “Only Murders in the Building”

Mejor actriz principal en una serie de comedia

• Quinta Brunson, “Abbott Elementary”
• Ayo Edebiri, “The Bear”
• Elle Fanning, “Margo’s Got Money Troubles” 
• Lisa Kudrow, “The Comeback”
• Jean Smart, “Hacks”

Mejor actor de reparto en una serie de comedia

• Colman Domingo — The Four Seasons
• Paul W. Downs — Hacks
• Harrison Ford — Shrinking
• Nick Offerman — Margo’s Got Money Troubles
• Stephen Root — Widow’s Bay
• Michael Urie — Shrinking
• Tyler James Williams — Abbott Elementary

Mejor actriz de reparto en una serie de comedia

• Dale Dickey — Widow’s Bay
• Hannah Einbinder — Hacks
• Janelle James — Abbott Elementary
• Kate O’Flynn — Widow’s Bay
• Michelle Pfeiffer — Margo’s Got Money Troubles
• Megan Stalter — Hacks
• Jessica Williams — Shrinking

Mejor actor invitado en una serie de comedia

• Michael J. Fox — Shrinking
• Brett Goldstein — Shrinking
• Hamish Linklater — Widow’s Bay
• Christopher McDonald — Hacks
• Rob Reiner — The Bear
• Connor Storrie — Saturday Night Live

Mejor actriz invitada en una serie de comedia

• Leslie Bibb — Hacks
• Jamie Lee Curtis — The Bear
• Betty Gilpin — Widow’s Bay
• Cherry Jones — Hacks
• Laurie Metcalf — Hacks
• Kaitlin Olson — Hacks
• Lauren Weedman — Hacks

Mejor serie dramática

• “The Diplomat” (Netflix)
• “The Gilded Age” (HBO Max)
• “A Knight of the Seven Kingdoms” (HBO Max)“Paradise” (Hulu)
• “Paradise” (Hulu)
• “The Pitt” (HBO Max)
• “Pluribus” (Apple TV)
• “Slow Horses” (Apple TV)
• “Your Friends and Neighbors” (Apple TV)

Mejor actor principal en una serie dramática

• Sterling K. Brown, “Paradise” 
• Gary Oldman, “Slow Horses”
• Mark Ruffalo, “Task”
• Rufus Sewell, “The Diplomat”
• Noah Wyle, “The Pitt”

Mejor actriz principal en una serie dramática

• Carrie Coon, “The Gilded Age”
• Chase Infiniti, “The Testaments”
• Keri Russell, “The Diplomat”
• Rhea Seehorn, “Pluribus”
• Zendaya, “Euphoria”

Mejor actor de reparto en una serie dramática

• Patrick Ball — The Pitt
• Billy Crudup — The Morning Show
• Shawn Hatosy — The Pitt
• Gerran Howell — The Pitt
• Jack Lowden — Slow Horses
• Tom Pelphrey — Task
• Carlos-Manuel Vesga — Pluribus

Mejor actriz de reparto en una serie dramática

• Taylor Dearden — The Pitt
• Fiona Dourif — The Pitt
• Allison Janney — The Diplomat
• Katherine LaNasa — The Pitt
• Sepideh Moafi — The Pitt
• Julianne Nicholson — Paradise
• Karolina Wydra — Pluribus

Mejor actor invitado en una serie dramática

• Colman Domingo — Euphoria
• Ernest Harden Jr. — The Pitt
• Jeff Hiller — Pluribus
• Jeff Kober — The Pitt
• Jonathan Pryce — Slow Horses
• Bradley Whitford — The Diplomat

Mejor actriz invitada en una serie dramática

• Brittany Allen — The Pitt
• Tal Anderson — The Pitt
• Tina Ivlev — The Pitt
• Miriam Shor — Pluribus
• Merritt Wever — The Gilded Age
• Shailene Woodley — Paradise

Mejor serie limitada o antológica

• “All Her Fault” (Peacock)
• “The Beast in Me” (Netflix)
• “Beef” (Netflix) 
• “DTF St. Louis” (HBO Max)
• “Love Story: John F. Kennedy Jr. and Carolyn Bessette” (FX)

Mejor película para televisión

• Heads Of State
• Miss You, Love You
• People We Meet On Vacation
• Remarkably Bright Creatures
• Tom Clancy’s Jack Ryan: Ghost War

Mejor actor principal en una serie limitada, antológica o película para televisión

• Riz Ahmed, “Bait”
• Jason Bateman, “Black Rabbit”
• Charlie Hunnam, “Monster: The Ed Gein Story”
• Oscar Isaac, “Beef”
• Matthew Rhys, “The Beast in Me”

Mejor actriz principal en una serie limitada, antológica o película para televisión

• Claire Danes, “The Beast in Me”
• Sally Field, “Remarkably Bright Creatures”
• Carey Mulligan, “Beef”
• Sarah Pidgeon, “Love Story: John F. Kennedy Jr. and Carolyn Bessette”  
• Sarah Snook, “All Her Fault”

Mejor actor de reparto en una serie limitada, antológica o película para televisión

• Jason Bateman — DTF St. Louis
• Richard Gadd — Half Man
• David Harbour — DTF St. Louis
• Richard Jenkins — DTF St. Louis
• Charles Melton — Beef
• Nick Offerman — Death By Lightning

Mejor actriz de reparto en una serie limitada, antológica o película para televisión

• Linda Cardellini — DTF St. Louis
• Dakota Fanning — All Her Fault
• Laurie Metcalf — Monster: The Ed Gein Story
• Joy Sunday — DTF St. Louis
• Youn Yuh-jung — Beef
• Constance Zimmer — Love Story: John F. Kennedy Jr. & Carolyn Bessette

Mejor intérprete en una serie de comedia o drama de formato corto

• Kim Estes — Big Law
• Desi Lydic — The Daily Show: Desi Lydic Foxsplains
• Randy Rainbow — The Randy Rainbow Show

Mejor programa de competencia de telerrealidad

• Dancing with the Stars
• RuPaul’s Drag Race
• Survivor
• Top Chef
• The Traitors

Mejor presentador de un programa de telerrealidad o de competencia de telerrealidad

• RuPaul Charles — RuPaul’s Drag Race
• Alan Cumming — The Traitors
• Kristen Kish — Top Chef
• Ariana Madix — Love Island USA
• Jeff Probst — Survivor

Mejor presentador de un concurso televisivo

• Steve Harvey — Celebrity Family Feud
• Ken Jennings — Jeopardy!
• Colin Jost — Pop Culture Jeopardy!
• Jimmy Kimmel — Who Wants To Be A Millionaire
• Martin Short — Match Game

Mejor programa animado

• Bob’s Burgers — Grand Pre Pre Pre Opening
• Rick And Morty — There’s Something About Morty
• The Simpsons — Homer? A Cracker Bro?
• Smiling Friends — Le Voyage Incroyable De Monsieur Grenouille
• South Park — Sermon On The ‘Mount
• Star Wars: Visions — Black

Mejor serie de variedades

• The Daily Show
• Jimmy Kimmel Live!
• Last Week Tonight with John Oliver
• The Late Show with Stephen Colbert
• Saturday Night Live

Mejor narrador

• David Attenborough — A Gorilla Story: Told By David Attenborough
• David Attenborough — Ocean With David Attenborough
• Jodie Foster — Breakdown: 1975
• Werner Herzog — Ghost Elephants
• Octavia Spencer — Lost Women Of Alaska

Mejor especial de variedades (en vivo)

• The Apple Music Super Bowl LX Halftime Show Starring Bad Bunny
• 83rd Annual Golden Globes
• 68th Annual Grammy Awards
• The Oscars
• 78th Annual Tony Awards

Mejor especial de variedades (pregrabado)

• Dave Chappelle: The Unstoppable…
• The Muppet Show
• Nikki Glaser: Good Girl
• Taylor Swift | The Eras Tour | The Final Show
• Wicked: One Wonderful Night

Mejor documental o especial de no ficción

• John Candy: I Like Me
• Marty, Life Is Short
• Mel Brooks: The 99 Year Old Man!
• My Mom Jayne: A Film By Mariska Hargitay
• Ocean With David Attenborough

Mejor serie documental o de no ficción

• The American Revolution
• Mr. Scorsese
• Rafa
• Sean Combs: The Reckoning
• The Yogurt Shop Murders

Mejor serie o especial de no ficción con presentador

• The Daily Show Presents: Jordan Klepper Fingers The Pulse: Give The Man A Prize
• Finding Your Roots With Henry Louis Gates, Jr.
• My Next Guest Needs No Introduction With David Letterman
• The Reluctant Traveler With Eugene Levy
• Tucci In Italy

La ceremonia de la 78.ª edición de los Premios Emmy se celebrará el lunes 14 de septiembre en el Peacock Theater de Los Ángeles y será transmitida en vivo por NBC y Peacock. La gala contará con la conducción de Mariska Hargitay, quien será la primera mujer en presentar los Emmy en 15 años. Antes de la entrega principal, los Creative Arts Emmy Awards reconocerán a los ganadores de las categorías técnicas durante las ceremonias programadas para el 5 y 6 de septiembre.

El encuentro entre ambas intérpretes ocurrió durante una visita sorpresa de Gilbert y terminó convirtiéndose en un momento especial para la joven actriz.

“Melissa Gilbert vino al set un día y pudimos conocerla, y ella es muy amable”, contó Halsey a la revista PEOPLE. “Salí corriendo y le di un gran abrazo”. La actriz agregó: “Ni siquiera nos conocíamos. Simplemente la vi y corrí hacia ella. Creo que es una persona muy agradable. Fue muy comprensiva, muy comprensiva. Eso hizo que me sintiera bienvenida en el mundo de La familia Ingalls”.

La presencia de Gilbert en ese día de rodaje representó una especie de relevo simbólico para el personaje que la convirtió en una estrella infantil.

La actriz interpretó a Laura durante toda la serie original y también participó en tres películas televisivas posteriores. Ahora, Halsey toma la posta en una nueva versión que busca acercarse más a las novelas de Laura Ingalls Wilder que inspiraron la historia.

Alice Halsey, la nueva voz de Laura Ingalls

Antes de ganar el protagónico infantil en La casa de la pradera, Alice Halsey ya había llamado la atención con otros trabajos en televisión. La actriz participó en Lessons in Chemistry, donde interpretó a Madeline, la hija del personaje de Brie Larson. Su actuación fue destacada por la dinámica que construyó con Larson dentro de la historia.

También formó parte del elenco de Days of Our Lives, tuvo apariciones en Night Court y participó en proyectos de doblaje como Kindergarten: The Musical.

Para interpretar a Laura Ingalls, Halsey aseguró que realizó una preparación exhaustiva. “Leí mucho los libros, leí mucho los guiones. Me preparé muchísimo para poder entender quién es Laura”, explicó. Además, después de terminar las grabaciones de la primera temporada, decidió ver algunos episodios de la producción clásica y aseguró que disfrutó la serie original.

La joven intérprete también reconoció el peso de interpretar a un personaje que ha acompañado a varias generaciones. “Creo que es un enorme privilegio poder interpretar a este personaje increíble”, afirmó.

Una nueva adaptación de la historia de los Ingalls

La versión de Netflix de La familia Ingalls no plantea un reinicio directo de la serie de los años 70, sino una adaptación más cercana a los libros de Wilder. La primera temporada se inspira en la tercera novela y sigue a la familia Ingalls mientras establece su hogar cerca de la comunidad de Independence, Kansas, con Luke Bracey como Charles Ingalls, Crosby Fitzgerald como Caroline Ingalls y Skywalker Hughes como Mary Ingalls.

La producción fue desarrollada por la showrunner Rebecca Sonnenshine y busca presentar nuevamente el universo de Laura Ingalls a una audiencia contemporánea, sin dejar de lado los elementos centrales de la historia: la familia, la comunidad y la adaptación a una nueva vida en la frontera estadounidense.

La primera temporada de La familia Ingalls (La casa de la pradera) de Netflix se estrenará el 9 de julio.

La serie documental Más allá de la sociedad reunirá, por primera vez en una misma producción, testimonios inéditos de familiares y sobrevivientes del accidente del vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya ocurrido en 1972 en los Andes. La obra, dirigida por Carlos Torres y concebida por Juan Antonio Bayona, director de la exitosa película La sociedad de la nieve,busca explorar el impacto duradero de aquella tragedia que, medio siglo después, sigue marcando la vida de una comunidad.

El documental, que se estrenará en Netflix en 2026, está estructurado en tres episodios y contará con la participación de parte del elenco de la película original, nominada a un premio Oscar en 2024. Todos ellos se trasladaron hasta el lugar original del accidente, en lo que desde Netflix describen como “un singular encuentro entre la realidad y la ficción”, que busca situar a todos los implicados en el escenario real de los hechos.

La historia del vuelo 571, que transportaba a miembros del Old Christians Club de Montevideo, varios allegados y cinco tripulantes rumbo a Chile ya había sido adaptada al cine y la literatura en numerosas ocasiones. Durante los 72 días que permanecieron varados en la nieve, 16 de los 40 pasajeros del avión estrellado resistieron hasta su rescate, mientras la magnitud de la tragedia trascendía fronteras y se convertía en un fenómeno mundial. La serie recorrerá no solo los hechos de 1972, sino las cinco décadas posteriores, haciendo hincapié en la huella que el accidente dejó en los protagonistas y en la cultura popular.

Testimonios inéditos y voces de autores

En la serie participan también escritores que documentaron la tragedia, entre ellos Pablo Vierci (quien firma el libro homónimo en el que se inspiró la producción de Bayona) y Piers Paul Read, autor de ¡Viven!, también adaptado. Además, intervienen cineastas como Frank Marshall y el propio Bayona, responsables de trasladar la historia a la pantalla grande en distintas épocas.

“La idea de esta serie documental surgió cuando decidimos viajar con el reparto de la película La sociedad de la nieve al lugar del accidente, el Valle de las Lágrimas, donde ninguno de los actores había estado”, ha contado el director español tras el anuncio del proyecto. Fue en ese entorno cuando comprendieron “hasta qué punto la historia real y las personas que vivieron la tragedia estaban ya íntimamente entretejidas con los que habíamos creado la ficción”.

Así, la serie documental propone un recorrido por los cincuenta años posteriores al accidente, abordando cómo aquel suceso marcó a los supervivientes, familiares y a una sociedad entera. Más allá de la sociedad no solo recupera el pasado, sino que también indaga en la memoria y las consecuencias colectivas del accidente, resaltando su influencia en la literatura, el cine y la cultura popular internacional. A través de los relatos de quienes vivieron el accidente y de quienes lo reinterpretaron en el arte, la producción de Bayona y Torres promete ofrecer una mirada renovada y profunda sobre uno de los episodios más conmovedores del siglo XX.

Aunque para muchos seguidores podría parecer un cambio radical, la decisión responde al objetivo de acercarse a las novelas originales de Laura Ingalls Wilder, en las que se inspira la producción que llegará a la plataforma el 9 de julio.

Así lo explicó la showrunner Rebecca Sonnenshine, responsable de la serie titulada La casa de la pradera. “Quiero que la gente sepa, antes que nada, que todos los que hacen esta serie se preocupan por los libros, por darles vida y por ser lo más auténticos posible, llevando a la pantalla todos esos detalles que la gente ama. A todos les importa muchísimo”, afirmó.

Sonnenshine incluso se definió como “la mayor fan de Little House del mundo", al recordar que leyó los libros cuando tenía apenas cinco años y que esas historias influyeron profundamente en su formación personal y artística.

La productora explicó que, precisamente por ese vínculo con la obra de Wilder, la nueva adaptación retoma la cronología de las novelas en lugar de seguir el camino que popularizó la serie de los años setenta.

Por ese motivo, la primera temporada se desarrolla en las praderas cercanas a Independence, Kansas, donde la familia construye su primera casa en los libros, antes de otros lugares que forman parte del recorrido de los Ingalls, como Walnut Grove, Minnesota, escenario que recién aparece en la cuarta novela de la saga literaria.

No obstante, TV Insider recuerda un detalle que muchos espectadores quizá hayan olvidado: el episodio piloto de la serie original sí mostraba el viaje de la familia Ingalls desde Pepin, Wisconsin, hasta las llanuras cercanas a Independence, antes de establecerse definitivamente en Walnut Grove.

Un nuevo enfoque sobre la frontera estadounidense

Además del cambio de escenario, la adaptación incorporará una perspectiva histórica que apenas tuvo presencia en la producción original.

El tráiler adelantó que, mientras Charles Ingalls busca “un nuevo comienzo para la familia”, los personajes pronto descubren que el territorio donde desean instalarse no es un espacio vacío. Uno de los habitantes del lugar le advierte: “No hay nada gratis en esta tierra”.

La serie también muestra los riesgos del entorno, desde enfermedades y lobos hasta las duras condiciones de supervivencia en la frontera.

Netflix confirmó previamente que esta versión incluirá la perspectiva de las comunidades indígenas dentro de la historia de los Ingalls. La consultora cultural osage Julie O’Keefe explicó a Tudum el motivo de esa decisión: “Si vas a contar esta historia, entonces necesitas contar ambos lados”.

De acuerdo con la sinopsis oficial, la producción ofrecerá “una visión caleidoscópica de las luchas y los triunfos de quienes dieron forma a la frontera”, en lugar de centrarse exclusivamente en la experiencia de los colonos.

Pese a estos cambios, Sonnenshine considera que ambas adaptaciones conservan el elemento que convirtió a La familia Ingalls en un clásico de la televisión.

“Es una historia de amor sobre una familia. Es una familia con la que quieres estar, que quieres conocer y con la que quieres pasar tiempo”, dijo a PEOPLE. “Se apoyan mutuamente, se aman y siempre están ahí los unos para los otros. Se entretienen entre ellos. No había Netflix. Cantaban juntos. Contaban historias juntos”.

La showrunner añadió que la nueva versión también hablará “de hacer el bien, de ser generosos y de encontrar la manera de convertirse en parte de una comunidad”, valores que, a su juicio, comparten tanto los libros como la recordada serie de los años setenta, aunque desde enfoques diferentes.

Con Luke Bracey como Charles Ingalls, Crosby Fitzgerald en el papel de Caroline, Alice Halsey como Laura y Skywalker Hughes como Mary, la nueva adaptación llegará a Netflix este 9 de julio. Su segunda temporada ya está confirmada.

Después de varias semanas marcadas por versiones contradictorias sobre su futuro, finalmente se confirmó que Tom Hardy continuará formando parte de MobLand y regresará para una tercera temporada de la serie. La noticia pone fin a la incertidumbre generada por los rumores de una supuesta ruptura entre el actor y el equipo de producción, una situación que había despertado preocupación entre los seguidores de una de las ficciones criminales más exitosas de los últimos años.

Según trascendió, las diferencias fueron resueltas tras una reunión celebrada en Londres, en la que participaron el showrunner Jez Butterworth, el productor David Glasser y el director y productor ejecutivo Guy Ritchie, permitiendo que el protagonista siga al frente del proyecto.

Hardy interpreta a Harry Da Souza, el “solucionador de problemas” de la poderosa familia Harrigan, encabezada por los personajes de Helen Mirren y Pierce Brosnan. Desde el estreno de la serie en 2025, el personaje se convirtió en uno de los principales pilares de la historia y en una de las razones detrás del enorme éxito de la producción en Paramount+.

Precisamente por esa importancia narrativa, una eventual salida del actor habría obligado a replantear buena parte del desarrollo de las próximas temporadas. Aunque durante el rodaje de la segunda entrega circularon reportes sobre desacuerdos relacionados con retrasos en las grabaciones, cambios de guion y diferencias creativas, el conflicto finalmente quedó atrás y el elenco principal permanecerá intacto.

La posibilidad de perder a Hardy generó una fuerte reacción entre los fanáticos, que rápidamente manifestaron su preocupación en redes sociales. Incluso Helen Mirren salió públicamente en defensa de su compañero y expresó que volvería a trabajar con él “en un abrir y cerrar de ojos”, un respaldo que ayudó a reducir la tensión alrededor del proyecto.

El propio Hardy ya había dejado claro en el pasado que buscaba involucrarse activamente en el desarrollo creativo de sus personajes, una característica que también ha marcado otras producciones de su carrera y que, según diversas publicaciones, fue uno de los puntos de fricción durante la realización de la segunda temporada.

Aunque Paramount+ todavía no anunció oficialmente la tercera temporada, distintos medios especializados coinciden en que el regreso de Hardy ya forma parte de los planes del estudio. La segunda temporada ya finalizó su rodaje y tiene previsto estrenarse hacia finales de 2026, mientras que los primeros trabajos de desarrollo de la siguiente entrega ya estarían en marcha.

Con la continuidad de Tom Hardy, Pierce Brosnan y Helen Mirren asegurada, MobLand mantiene intacto el trío protagonista que convirtió a la serie en uno de los mayores éxitos recientes del género criminal. Para los seguidores de la producción, la resolución del conflicto significa que la historia de Harry Da Souza todavía tiene mucho camino por recorrer.

A los 24 años, la intérprete texana culminó una etapa clave en su carrera, transitando del fenómeno mundial Stranger Things a escenarios emblemáticos y a una de las franquicias más grandes de la industria cinematográfica.

Según informó Nylon Magazine, Sink decidió instalarse en Notting Hill tras finalizar su trabajo en Broadway y, sin preverlo, se integró al elenco de la nueva película Spider-Man: Brand New Day y a la obra Romeo y Julieta en el West End.

Una vida entre Londres y Nueva York

De acuerdo con Nylon Magazine, Sink se adaptó rápidamente al ritmo londinense, aunque reconoció dificultades con el clima y la falta de aire acondicionado en los históricos teatros de la ciudad.

“Estoy lidiando con la falta de aire acondicionado. ¡Dios mío, ha sido toda una odisea!”, relató la actriz a la publicación estadounidense. En medio de una ola de calor, se enfrentó al reto de mantener la energía sobre el escenario ante un público exhausto, algo que describió como una experiencia compartida.

La llegada de Sink a Londres coincidió con el cierre de una década como Max Mayfield en Stranger Things, personaje que definió una etapa de crecimiento personal y profesional.

El final de la serie, que vio junto a su hermano y su compañero de elenco Caleb McLaughlin, marcó un momento emotivo: “Lo estaba viendo con mi hermano y él empezó a llorar, y luego yo también”, recordó.

Teatro como punto de partida y regreso

Antes de su desembarco en el cine de superhéroes, regresó a sus raíces teatrales. Luego de una temporada destacada en la obra John Proctor Is the Villain en Broadway, que le valió una nominación al prestigioso premio Tony, la actriz asumió el desafío de interpretar a Julieta bajo la dirección de Robert Icke.

La producción, situada en el West End, se caracteriza por una estructura que alterna posibles desenlaces para los protagonistas, lo que permitió a Sink explorar nuevas dimensiones del clásico de Shakespeare.

“Sabía que Marvel era importante, pero ahora se siente realmente enorme. Estas superproducciones son algo completamente distinto”, aseguró la actriz, quien alternó ensayos teatrales y rodaje cinematográfico entre los meses de septiembre y noviembre de 2025.

La relación de la actriz con el teatro se remonta a su infancia, cuando participó en una reposición de Annie en Broadway. A los 10 años experimentó ataques de pánico en el escenario, un episodio que condicionó su vínculo con la interpretación durante años.

El regreso con John Proctor Is the Villain supuso una prueba para superar esos temores. “Me divertí muchísimo en esa obra, y fue muy gratificante en muchos sentidos. Realmente me ayudó a romper el hielo al volver al teatro”, comentó la actriz a la revista.

El salto a Spider-Man y la gestión de la fama

La proyección internacional de Sink alcanzó una nueva dimensión con su participación en Spider-Man: Brand New Day, dirigida por Destin Daniel Cretton. El papel llegó sin audición previa, tras una colaboración anterior con el director.

Acerca del hermetismo habitual en las producciones de Marvel Studios, la actriz mencionó que la confidencialidad no le resulta compleja: “Simplemente no compartes el secreto, no es tan difícil”.

Además, destacó el apoyo de Tom Holland, quien facilitó su integración al equipo: “Él fue increíblemente amable, al igual que todo el equipo en general. Estaba tan relajado y abierto que me sentí muy a gusto”.

La notoriedad de Sink se refleja en sus más de 30 millones de seguidores en Instagram, fenómeno que la llevó a establecer límites en su interacción con el público. Tras las funciones en el Teatro Harold Pinter, la actriz optó por reducir los encuentros con fanáticos para proteger su espacio personal.

“Me gustaba mucho conocer a la gente y a los fans después de la función. Y en esta, lo hice las primeras dos semanas, y luego simplemente no pude”, explicó a Nylon Magazine.

La actriz señaló que esa decisión estuvo vinculada a la exposición emocional que implicaba su trabajo sobre el escenario: “Sobre el escenario estaba mostrando partes muy reales de mí misma. Es algo muy íntimo, y por eso creo que en mi vida privada puedo ser una persona bastante reservada”.

Nuevos horizontes y prioridades

La residencia de Sink en Londres llegará a su fin tras la temporada teatral. La actriz anticipó su regreso a Nueva York, donde planea recuperar su rutina y dedicarse a actividades cotidianas, como cuidar su jardín.

Mientras tanto, mantiene el foco en el presente y en su compromiso con el teatro, disciplina que describe como central en su carrera. “Creo que el teatro siempre será una prioridad para mí”, expresó.

El último año marcó una etapa de intensa actividad profesional para la actriz, que combinó su regreso al teatro con la participación en una de las producciones más importantes de Marvel. Tras finalizar su temporada en Londres, continuará con el estreno de Spider-Man: Brand New Day.

El lanzamiento llega con una pieza de posicionamiento clave para la franquicia: ya quedan disponibles el tráiler y el póster de la producción, una señal de que Lucasfilm y el estudio japonés Production I.G activaron la campaña con materiales oficiales de cara al debut.

La presentación del avance y el arte se hizo en una mesa redonda especial dentro de la Anime Expo 2026, en el Centro de Convenciones de Los Ángeles. Allí participaron Kenji Kamiyama como director supervisor, Shunsuke Tada como director y el productor Hitoshi Ito.

La operación marca un punto de inflexión para Star Wars: Visions: un corto que nació dentro de la antología, The Ninth Jedi, pasó de ser un episodio unitario a sostener una narrativa seriada con continuidad directa.

Star Wars: Visions Presenta, la iniciativa que extendió relatos a ocho capítulos

La nueva serie se integra a Star Wars: Visions Presenta, una iniciativa que planteó “historias más extensas” nacidas dentro de Star Wars: Visions. El movimiento reordena el modelo: de relatos independientes de distintos estudios a un desarrollo por temporada, con una sola trama sostenida.

La base argumental retoma los hechos “poco después” de los cortometrajes Visions: La Novena Jedi y La Novena Jedi: La Hija de la Esperanza. El recorte temporal deja claro que no se trata de una reinterpretación, sino de una continuación dentro del mismo arco.

En términos de industria, el dato operativo fue concreto: Lucasfilm produjo la serie junto con Production I.G, el estudio acreditado por trabajos como Ghost in the Shell: Stand Alone Complex y Kaiju No. 8, siempre según Qué Ver en Disney+.

Lah Kara, el Margrave Juro y la misión para rescatar al padre de la protagonista

La sinopsis se concentra en la progresión de la protagonista: Lah Kara continua su formación en los caminos de los Jedi bajo la tutela del Margrave Juro. El relato suma un eje de comunidad: Kara se integra a una pequeña comunidad de aprendices de Juro.

La misión que estructura la temporada queda planteada como objetivo central: el grupo sale a salvar al padre de Kara. En paralelo, la serie presenta un “viaje de autodescubrimiento” para la protagonista, de acuerdo con la descripción difundida por la publicación.

Créditos creativos, producción y reparto de doblaje en inglés

En el armado creativo, el título queda encabezado por Shunsuke Tada en la dirección y Mitsuyasu Sakai en el guion. Kenji Kamiyama asume el rol de director supervisor.

La estructura de producción ejecutiva reune a James Waugh, Jacqui López, Josh Rimes, Justin Leach y Mitsuhisa Ishikawa. En producción, el proyecto acredita a Hitoshi Ito y Kanako Shirasaki, con Caroline Keller como coproductora.

El elenco de doblaje en inglés incluye regresos y nuevas incorporaciones. Volvieron Kimiko Glenn como Kara, Andrew Kishino como Juro, Masi Oka como Ethan, Patrick Seitz como Homen, JP Karliak como Gramps, Simu Liu como Lah Zhima y Neil Kaplan como el narrador. Se sumaron Feodor Chin como Gennoh, Young Mazino como Nawaam, Chase Sui Wonders como Tafflah y Keone Young como Kwana.

La lista de lo más visto en Netflix suele estar ocupada por películas y series en inglés. Sin embargo, la plataforma también sirve de vez en cuando para aupar otras producciones tanto españolas como europeas, que logran destacar entre las novedades de cada mes. Esto mismo es lo que ha ocurrido este mes de julio, donde una nueva miniserie de suspense clásico ha logrado hacerse un hueco en el top y ya acumula millones de visualizaciones en todo el mundo.

Estamos hablando de Verano del 36, una producción de seis episodios que apuesta por la elegancia, el crimen y secretos familiares en un entorno histórico cuidadosamente reconstruido. La ficción sitúa su relato en el verano de 1936, donde un grupo de familiares y amigos se reúne en una casa de campo para unas vacaciones que, muy pronto, se ven interrumpidas por un asesinato. De este modo, la trama se desarrolla en un espacio cerrado donde todos son sospechosos, recordando a todas esas novelas de Agatha Christie donde, a medida que avanza la investigación, crecen las dudas y aumenta la tensión.

Sin embargo, la escritora británica no ha sido la única que ha aflorado en las comparaciones con esta miniserie recién llegada al catálogo de Netflix. Otras producciones, como Downton Abbey o The White Lotus, han servido también para evaluar una producción que destaca tanto por la reconstrucción de ese convulso periodo del siglo XX como por el hecho de que es un asesinato irrumpe en la aparente armonía de un hotel de lujo el que convierte las vacaciones en una lucha por descubrir la verdad.

Un juego de sospechas en un escenario histórico recreado con gran esmero

La atención al detalle, desde la arquitectura hasta el vestuario y los vehículos, transporta al espectador a la Europa de entreguerras, generando una atmósfera envolvente y auténtica. La producción evita centrarse en un único protagonista. En cambio, distribuye el foco entre los miembros del grupo, permitiendo que el espectador explore sus motivaciones y sospeche de todos por igual, a la vez que se encuentra con diferentes arquetipos de la época. Como dice una reseña del portal especializado en cine y series, ImdB: “Lo tiene todo: elegancia francesa de primera clase. El vestuario y la cinematografía son una delicia para una película de época, ¿y a quién no le encanta la Riviera?“.

La elegancia de una época en transición es el sello que la serie trata de imprimir desde el primer momento. El hotel Riviera, donde transcurre gran parte de la acción, ofrece un escenario de opulencia donde se reflejan las tensiones sociales propias de 1936, año en que Francia aprobó las primeras vacaciones pagadas y el acceso de la clase trabajadora a espacios antes reservados a la élite.

La miniserie explora, además, los secretos y las fachadas de sus personajes. Detrás de la imagen impecable y los cócteles al sol, se esconden infidelidades, traiciones y mentiras que sostienen la convivencia. Especial atención reciben las cuatro mujeres centrales, cuyas historias personales aportan capas de complejidad al enigma principal. El resultado final es un thriller de época que combina la elegancia visual y los conflictos de clase, sin renunciar a la tensión criminal y a cierto punto de cinismo en todo lo relativo a lo que envuelve al misterio central.

Ahora, Lorena Iglesias vuela sola con una serie de la que es creadora y protagonista, Millennial Mal, que se estrena en Filmin, una comedia que habla sobre la precariedad económica, sobre la edad, sobre la presión de seguir siendo joven cuando se ha alcanzado la vida adulta o la posibilidad de reinventarse después de los 40.

La ficción se articula en cinco episodios de media hora y sigue a Judith (la propia Iglesias), una bibliotecaria en paro de 42 años que vuelve a la universidad tras recibir una beca por un error administrativo. Para conservar esa ayuda, intenta pasar por ‘veinteañera’ en un entorno regido por códigos estéticos, emocionales y sociales que ya no le pertenecen en absoluto, porque se encuentra absolutamente fuera de lugar.

De dónde surge ‘Millennial Mal’

“La idea surge cuando estaba a punto de cumplir cuarenta años y tenía conversaciones con mis amigas sobre una sensación generalizada en nuestra generación de millennials mayores, de que nuestra juventud de finales de los 90 y principios de los 2000 había sido secuestrada por el patriarcado, como que tuvimos una juventud de mierda, ¿no? Los tíos nos infravaloraban intelectualmente, no se reían de nuestras coñas, nos copiaban las ideas, nos acosaban... había mucha más desigualdad", cuenta Lorena Iglesias a Infobae España.

“Y ahora, algunas de nosotras, seguimos viviendo lo malo de ser jóvenes, compartiendo piso, con trabajos inestables... así que, ¿cuándo viene lo bueno de ser joven? La serie nace de esa pregunta, ¿cuándo viene para nosotras, la generación millennial, lo bueno de la juventud? Sería una manera simbólica de saldar una deuda a través de una ficción romántica y divertida", cuenta.

La creadora cree que las nuevas generaciones tienen un mayor conocimiento de feminismo, también más inteligencia emocional y viven el género y la orientación sexual de una manera más sana. “Creo que sí que nos hemos tenido que poner las pilas para estar al día, aunque también es cierto que ellas se han beneficiado de las luchas previas que se han planteado previamente. Así que yo creo que habría existir una mayor conexión ‘intergeneracional’, que las mayores no seamos tan paternalistas con las jóvenes y las jóvenes no vivan tan aisladas de nosotras. Creo que tenemos que hablar, compartir experiencias, referentes y entender que no hay solo una manera de envejecer ni de ser joven”.

Presión estética sobre las mujeres

La protagonista, Judith, se comprará toda una serie de artilugios de rutina ‘beauty’ que no sirven para nada, pero que se han constituido como una especie de biblia para las influencers, así como toda una parafernalia en lo que se refiere a la vestimenta para encajar con las modas más extremas, quizás porque, en palabras de Iglesias, lo que intenta la protagonista es ‘performar para ser joven’.

En ese trayecto, Judith descubrirá que su identidad anterior, la de bibliotecaria modosita, tampoco era más auténtica, que esa vida gris y resignada respondía también a una lógica de adaptación: ser invisible, no molestar y pasar desapercibida como forma de supervivencia. ¿Cuál es entonces su verdadero yo?

Lo que sí que tenía claro Lorena Iglesias es que uno de los temas importantes era hablar de la presión estética que hay sobre las mujeres. “No sé si tiene solución, porque se tendría que acabar el capitalismo para que se solucionase”, ríe. “Da igual lo seguras que estemos con nuestros cuerpos, porque siempre la industria de la belleza va a encontrar maneras de hacernos sentir inseguras, de vendernos productos hasta que nos muramos, en ese imperativo de la juventud eterna que sabemos que es inalcanzable. Así que la juventud se ha convertido en una tarea en la que tienes que estar trabajando todo el rato”.

Una comedia incómoda y ‘disfrutona’

La serie convierte ese conflicto en comedia incómoda. Judith cae en situaciones que no paran de comprometerla mientras intenta aprender a encajar entre estudiantes más jóvenes, guiada por Claudia y Sofía, dos centennial interpretadas por Paula Gala y Victoria Oliver, que le enseñan a camuflarse en la universidad.

En el reparto figura también Isa Calderón (en su debut como actriz) como Salomé, la mejor amiga de Judith, y Vito Sanz como el médico que intenta deconstruirse del que se enamora la protagonista. “Es el típico que se cree un aliado y le queda mucho por aprender. Es algo que le pasa mucho a los hombres de mi generación, que se creen que lo tienen todo hecho y es como: no amigo, te queda muchísimo”.

La creadora quería hacer una comedia universitaria, uno de los géneros que más le gustan, porque le daba la oportunidad de hablar de muchos temas en un registro ligero. “Quería una serie disfrutona, desenfadada, que confiara en la capacidad del espectador para entender el registro en el que se encuentra”.

Y sí, puede que a Millennial Mal la comparen con Girls o con Fleabag (aunque no tenga nada que ver) pero quizás sea porque en el panorama autóctono hay un profundo vacío alrededor de ficciones creadas por mujeres y que hablen de temas desde un punto de vista femenino. Y que, además, lo hagan de forma atrevida, diferente.

“En la propia industria española cuesta hacer contenidos un poco distintos. Yo estoy un poco harta de este costumbrismo de siempre, como que me apena que la gente joven me ponga de referente series de los noventa que tienen que ver con comunidades de vecinos que siempre están creadas por hombres. Necesitamos necesitamos más voces, creadoras femeninas que vengan a traer lenguajes nuevos y a contarnos cosas desde una mirada distinta. Creo que ahora está empezando a pasar y me alegro un montón. Cuantas más, mejor”.

La reparación histórica que Game of Thrones está haciendo en este 2026 es justa y necesaria. Después de un final que manchó un poco su universo ficticio de cara a la masividad de espectadores que había conseguido, HBO logró pieza por pieza imponer la grandilocuencia de los Targaryen en House of the Dragon y una carismática e inesperada sorpresa a principios de este año con A Knight of the Seven Kingdoms.

Ahora, le toca a la serie de los dragones volver para una tercera temporada que raudamente pisó el acelerador de cara a la inevitable guerra civil que esta familia debe tener para encauzar el barco de la historia en miras de lo que será, unos siglos después, la serie que brilló en la década pasada. House of the Dragon inicia su tercera entrega con los dos mejores episodios que han hecho hasta el momento.

El inicio de esta temporada es minutos después del cierre de la anterior, con Tyland Lannister y su reciente ejército conseguido en Essos atacando las aguas que comanda Corlys Velaryon, la mano de Rhaenyra Targaryen. Así se da la batalla del gaznate, un espectacular episodio de acción, muerte y sangre que compite contra los mejores que hemos visto en Game of Thrones, esta vez mostrando mucho de batalla naval y mucho de batalla aérea con dragones, dos situaciones que nos fueron esquivas en aquella serie.

A raíz de esto es donde, en un principio, nació mi disfrute con House of the Dragon. Si bien la guerra civil Targaryen y los excelentemente desarrollados personajes de esta serie siempre son agradables de ver, todo el apartado del comercio marítimo y cómo se desenvuelve en la sociedad de este mundo fantástico es algo sumamente innovador para un universo que parecía ya haberlo dado todo. Los Velaryon, Corlys y sus hijos también son un fuerte agregado que marcan un diferencial de época muy grande.

A su vez, en un presente donde las grandes películas blockbuster no logran tener los efectos visuales que alguna vez supieron entregar, ver el realismo de los dragones y sus acciones en esta serie es conmovedor. También hay un salto muy grande en la calidad visual respecto a la segunda temporada, que era más conservadora en ese sentido, incluso cuando la acción requería cierta magia de post producción.

El cast de House of the Dragon es vasto y variado, es una de esas pocas series donde se puede decir que el casting fue más que bueno y las ejecuciones individuales se fueron logrando al correr los episodios. Pero en este inicio de temporada, es para destacar el trabajo de Emma D’arcy y los matices que tiene interpretando a Rhaenyra Targaryen. Creo que no hay sentimiento, pensamiento o acción que no la hemos visto ejecutar con maestría en las últimas temporadas y en profundidad específicamente en este segundo episodio.

Por otro lado, sí debo decir que es verdad que aunque para el segundo episodio ya las bases están asentadas y pierde mucho peso, el primer episodio de esta temporada se desencadena por una confianza ingenua entre las dos grandes protagonistas que, si bien es justificable por la relación que tienen desde que se introdujo la serie, también es verdad que no se termina de sentir natural la ejecución y deja al desnudo un guión que posiblemente sufrió cambios durante su desarrollo o durante la huelga de guionistas de hace unos años.

Las sombras de la guerra ya están sobre poniente y esta temporada está empezando a dar las respuestas que mucha gente esperaba desde el primer episodio. House of the Dragon se caracterizó por ser la más política de todas las que componen este universo y también la más lenta. Hasta ahora, hemos visto una guerra fría entre estas dos facciones que tienen parte de la razón y parte del error. Esta temporada será la que desenvuelva todas estas inquietudes.

Es interesante también ver como una serie que siempre intentó posicionar a sus personajes en un incómodo gris que debía definirse por un color, ahora intenta pelearle a la banalidad del mal e introduce el error como concepto fundamental de grandes catástrofes. Mucho de lo que sucede sale de nuevas tramas, de personajes que no quieren hacer lo que hacen y de confusiones de personajes ignorantes que no entienden todo lo que está en juego. Hoy, habiendo hecho una nueva revisión de las dos temporadas anteriores, creo que se valorarán más a futuro de lo que se las valoró en su lanzamiento. Y esta nueva temporada, si sigue con este nivel de calidad, puede profundizar ese proceso.

Aún quedan muchos episodios para finalizar esta temporada, y también sabemos que esta no será la última aparición de estos personajes, ya que la cuarta temporada se encuentra confirmada y representará el final de la serie, posiblemente para el 2027. Sin embargo, y después de una segunda entrega que había dejado más dudas que respuestas, este inicio fue lo que se necesitaba para reactivar la rueda de la expectativa por este universo otra vez.

HBO, y más específicamente Game of Thrones, han puesto la vara de no negociar la calidad en sus producciones. Estos dos episodios cumplen en todos los frentes, y dejan un escenario espectacular para desarrollar en lo que queda de temporada. Toca esperar al próximo domingo para seguir viendo más pinturas de guerra.

En los años 90s tuvimos una extensa lista de series animadas que marcaron un antes y un después en la cultura pop. X-Men, Spider-Man, Neon Genesis Evangelion y, la más importante para el tópico de hoy, Las Tortugas Ninja.

Basada en el comic del mismo nombre creado por Kevin Eastman y Peter Laird, la serie comenzó su emisión en Estados Unidos en los años 80s, pero no fue hasta 1990 que el programa llegó a nuestro país de una forma bastante peculiar, ya que en lugar de transmitirse como cualquier serie tradicional, el programa se emitió mediante un bloque dentro de Canal 13 conducido por Juan Gabriel Altavista, hijo del famoso actor de comedia Juan Carlos Altavista. Este segmento se llamó El Show de las Tortugas Ninja, y refleja bastante bien la extraña década que fueron los 90 para la televisión argentina.

El bloque duraba aproximadamente una hora, y consistía en la emisión de un episodio de la serie original de los 80s de los queridos mutantes, con cortes para diversas actividades que poco tenían que ver con Las Tortugas Ninja. Desde canciones, bailes y sorteos, El Show de las Tortugas Ninja era más parecido a un espectáculo de variedades que a otra cosa, dejando a la serie que le daba nombre al show como un elemento secundario. Sin embargo, Altavista no estaba solo a la hora de conducir este show, sino que lo acompañaban Hugo, Reynaldo y Ramon, tres carismáticas marionetas que hacían comentarios y diversas actividades.

Algunos de los elementos del bloque resultaron exitosos entre el público, de manera tal que se llegó, incluso, a publicar un vinilo y un cassette con las canciones del programa, llamado igual que el segmento. Algunos de los temas que incluía en el mismo eran: El Show de las Tortugas Ninja, Boogie de la Alcantarilla y Ninja Twist.

Sin embargo, El Show de las Tortugas Ninja tendría un cambio de enfoque después de la partida de Altavista como conductor del mismo, y pasaría a contar con más personajes propios como Rapito, un hombre vestido de azul que rapeaba e imitaba un silbato con la voz; April O’Neil como co-conductora del programa; y a las mismísimas Tortugas Ninja, que se sumarían a la reportera para interpretar diversas canciones. Al menos hasta la finalización del bloque en 1991, para pasar a una emisión tradicional del icónico programa que le daba nombre.

Si bien El Show de las Tortugas Ninja no duró mucho, quedó marcado en la generación de los 90s por haber sido la primera posibilidad de ver al mítico escuadrón de Nueva York, que ha marcado (y lo sigue haciendo) a más de una generación en la cultura pop de nuestro país.

Con un enfoque radicalmente distinto al canon tradicional, la serie sitúa la acción en una época lejana de la saga Skywalker, en una galaxia donde tanto los Jedi como los Sith han desaparecido y nuevas fuerzas compiten por el control.

Producción destacada: anime japonés y el universo Star Wars

La dirección de la serie está a cargo de Kenji Kamiyama y Shunsuke Tada, reconocidos creadores del anime que ya han trabajado en franquicias de gran renombre. Production I.G., el estudio responsable, es conocido por proyectos como Ghost in the Shell y Haikyū!!, aportando un estilo visual distintivo y una animación de alta calidad que diferencia a la serie de otras producciones animadas de Star Wars. La serie contará con ocho episodios y ha sido anunciada como la primera de varios posibles spin-offs bajo el sello Star Wars Visions Presents, fortaleciendo la estrategia de Lucasfilm para diversificar su universo en diferentes medios y formatos.

El elenco de personajes incluye figuras conocidas de los cortos originales, como el margrave Juro, Ethan, Homen, Gramps, Lah Zhima y la joven protagonista Lah Kara, junto a varios personajes nuevos. Entre estos últimos, destaca la aparición de un villano ambiguo cuya afiliación es incierta, lo que difumina los límites tradicionales entre Jedi y Sith.

Narrativa innovadora: más allá del canon y de la dualidad Jedi-Sith

La trama de The Ninth Jedi deja de lado la seguridad del canon de los Skywalker para proponer una narrativa novedosa y atrevida. La protagonista, Lah Kara, emprende la búsqueda de su padre, quien ha sido capturado por cazadores de Jedi, mientras la galaxia permanece sumida en el caos tras la desaparición de las órdenes legendarias.

La historia presenta un escenario donde las diferencias filosóficas y éticas entre Jedi y Sith se vuelven difusas. Esto se plasma en la creación de nuevos sables láser, entre ellos uno de hoja roja empuñado por la heroína, y en un antagonista que desafía la expectativa del típico villano al estilo Darth Vader, sugiriendo que la línea entre el bien y el mal en este universo es más fina de lo que se pensaba.

La serie busca así ampliar el debate sobre el significado de la luz y la oscuridad en la galaxia, algo que podría influir en futuras interpretaciones y producciones, y que pone en primer plano los matices éticos y personales de los personajes en lugar de las categorías absolutas habituales.

Impacto en seguidores y nuevo público: relatos inéditos y cuestionamientos abiertos

El estreno de El Noveno Jedi representa una apuesta significativa por parte de Lucasfilm y Disney+ para atraer tanto a seguidores veteranos de Star Wars como a nuevas audiencias, especialmente aquellas interesadas en el anime japonés. Al contar una historia centrada en personajes nuevos y en un periodo temporal poco explorado, la serie ofrece una puerta de entrada fresca y accesible para quienes no están familiarizados con el extenso canon de la franquicia.

El entusiasmo entre seguidores del anime y de Star Wars se refleja en la recepción del tráiler oficial, presentado en la Anime Expo de Los Ángeles, y en el hecho de que, por primera vez, una historia de la antología Visions recibe un desarrollo a mayor escala. La decisión de continuar un corto previamente emitido y expandirlo en una serie de ocho episodios también anticipa una estrategia de diversificación narrativa que podría aplicarse a otros relatos destacados de la antología.

En cuanto al público general, la serie llega tras la tibia recepción de The Mandalorian & Grogu en cines, ofreciendo una alternativa sólida que combina acción, drama y dilemas morales con una renovación estética. Con su estreno mundial en Disney+ este 5 de agosto, Star Wars: El Noveno Jedi busca consolidarse como una de las propuestas más originales y arriesgadas de Star Wars en el corto plazo, invitando al público a cuestionar las certezas sobre el bien y el mal en una galaxia renovada.

El canal elGourmet estrenó un nuevo ciclo conducido por la Hermana Verónica. La señal lo programó desde el lunes 6 de julio, de lunes a viernes a las 18:00 h (ARG) y 17:00 h (CHI), con un formato de recetas sencillas y mesas compartidas que llevó la acción a un escenario inusual para la televisión gastronómica: su convento.

La propuesta se estructura en 20 episodios en los que la conductora prepara platos “de distintos orígenes” y sostiene el tono del programa en torno a la idea de cocinar como práctica comunitaria. El ciclo se apoya en conversaciones y anécdotas, con cada receta presentada como un disparador para hablar de recuerdos y rituales cotidianos.

La cocina televisiva se instaló en el convento de la Hermana Verónica. Allí, la religiosa invita a los espectadores a recorrer recetas que aprendió durante sus años de vida en comunidad, dentro de un programa que planteó la cocina como una forma de compartir la vida y reforzar el vínculo humano.

El convento como set: la apuesta de elGourmet por una anfitriona inesperada

El ciclo se desarrolla con una “impronta cálida, espontánea y completamente genuina”, según la descripción del propio anuncio del canal. La puesta propone una anfitriona que se corre de cualquier solemnidad y ubica el relato en la intimidad del espacio comunitario donde vive.

El perfil que presenta el programa apunta a una personalidad “fresca, curiosa y luminosa”. La Hermana Verónica toca la guitarra y el órgano, habla cuatro idiomas, realiza tareas de electricista, disfruta de la costura y sostiene una pasión declarada por River Plate.

El eje espiritual atraviesa también el contenido culinario: el texto de lanzamiento define su mirada sobre la comida como un gesto de amor, fraternidad y dedicación hacia los demás, alineando el tono del ciclo con la idea de mesa compartida.

Quién es la Hermana Verónica: biografía, vocación y el origen de sus recetas

La conductora nació en el barrio porteño de Belgrano. Su nombre completo es Verónica Evangelina Prieto y descubrió su vocación religiosa a los 21 años, mientras estudiaba geografía.

Desde ese momento, el perfil que difundió el canal la ubicó en la enseñanza, la misión y el vínculo humano como modos de construir comunidad. En ese recorrido, la cocina apareció como uno de sus lenguajes personales y afectivos.

El anuncio también precisó un dato clave para encuadrar el ciclo dentro del género: la Hermana Verónica nunca estudió gastronomía de forma profesional. El programa construyó su identidad alrededor de recetas aprendidas en la vida en comunidad, combinadas con relatos y conversaciones que acompañaron cada preparación.

Formato y pantalla: 20 episodios, receta diaria y horario regional

La estructura de episodios apunta a platos sencillos y “deliciosos”, con una selección presentada como diversa en origen.

Entre ollas, anécdotas y conversaciones, cada receta funciona como una excusa narrativa para hablar de recuerdos y pequeños rituales cotidianos. Su cocina se define como una combinación de “recetas accesibles” e historias como el corazón del envío, con una conductora que, según esa misma descripción, “rompió estereotipos” desde el rol de anfitriona.

Arturo Pérez-Reverte ha sorprendido a sus seguidores al recomendar una serie policial distinta a los grandes clásicos del género. A través de su cuenta en X, el novelista cartagenero ha expresado su entusiasmo por Southland, una ficción que, según sus propias palabras, “vale la pena” y que destaca por su enfoque realista y contemporáneo. El autor, conocido tanto por sus elogios como por sus críticas directas, ha convertido sus opiniones sobre series en una referencia habitual para miles de lectores y espectadores.

Lejos del consenso general que suele rodear a producciones como The Wire o Canción triste de Hill Street, Pérez-Reverte ha querido poner el foco en Southland. “Southland: una ‘Canción triste de Hill Street’, pero de ahora. Voy por la mitad de la quinta temporada y me sigue gustando mucho”, afirmó el escritor en una de sus publicaciones recientes. Su comentario no solo establece una comparación directa con uno de los referentes históricos del género, sino que también subraya la vigencia de la serie en el panorama actual.

El escritor ha insistido en que, aunque Southland no goza del mismo reconocimiento mediático que otras series policiales, su calidad merece ser descubierta por nuevos públicos. A lo largo de varias interacciones con usuarios en la red social, Pérez-Reverte ha matizado su valoración inicial, destacando tanto los aciertos de la serie como sus puntos débiles. Tras avanzar en el visionado, señaló que “el final de la quinta y última temporada no es bueno. Irritante, incluso. Pero la serie en general vale la pena”, reafirmando así su recomendación pese a las reservas sobre el desenlace.

Un clásico a descubrir

Las publicaciones de Pérez-Reverte han generado debate entre sus seguidores, muchos de los cuales aprovecharon para preguntarle por otras grandes producciones del género policial. En particular, la conversación derivó hacia The Wire, considerada por críticos y espectadores como una de las mejores series de la historia. Pérez-Reverte no dudó en rendirse ante la ficción creada por David Simon, a la que calificó como “obra maestra” y “un clásico de la gran época con Los Soprano, Mad Men y Hermanos de sangre”.

Sin embargo, el autor dejó claro que su recomendación de Southland no pretende competir con estos títulos, sino ofrecer una alternativa actual y menos conocida. Destacó que su entusiasmo por la serie se basa en su retrato crudo y realista del día a día de los agentes del Departamento de Policía de Los Ángeles (LAPD), así como en la forma en que explora los conflictos morales y personales de sus protagonistas. Esta perspectiva, más cercana al documental que al drama espectacular, diferencia a Southland de muchas otras producciones del género.

Estrenada en 2009, Southland consta de 43 episodios distribuidos en cinco temporadas. La serie se centra en la rutina de varios agentes del LAPD y se aleja de los tópicos del género para ofrecer una visión más áspera y auténtica del trabajo policial. El guion y la dirección apuestan por mostrar tanto la violencia cotidiana de las calles de Los Ángeles como las dudas, frustraciones y dilemas éticos de quienes patrullan la ciudad. Esta aproximación ha sido elogiada por quienes buscan en la ficción televisiva una representación menos idealizada y más cercana a la realidad. Aunque Southland fue durante años una serie relativamente oculta para el gran público, su llegada a Netflix ha facilitado que nuevos espectadores puedan acceder a sus episodios completos. Este redescubrimiento ha permitido que la serie gane visibilidad y reciba el reconocimiento de quienes valoran las ficciones policiales que apuestan por el realismo y la complejidad moral. Para quienes buscan una alternativa a los grandes clásicos, Pérez-Reverte propone una opción que él mismo considera digna de una maratón: “Vale la pena”.

Antes de su estreno, la nueva tanda ha debutado con un 100% de valoración en Rotten Tomatoes, la nota más alta de la serie hasta ahora, convirtiéndola en una de las serie de ciencia ficción mejor valoradas tanto por la crítica como por los espectadores.

La ficción, creada por Graham Yost a partir de la trilogía de Hugh Howey, se sitúa en un futuro tóxico e inhabitable en el que 10.000 personas viven encerradas en un silo subterráneo de 144 plantas. La protagonista es Juliette Nichols, interpretada por Rebecca Ferguson, una ingeniera de los niveles bajos que empezó a desentrañar las mentiras sobre las que se sostenía el orden social del complejo.

Apple confirmó en diciembre de 2024 la renovación simultánea de una tercera y una cuarta temporada, esa última concebida desde el inicio como cierre definitivo de la historia, de modo que el estreno de ahora marca el ecuador del recorrido televisivo de la saga.

Una nueva temporada que cambia de estilo

La nueva temporada arranca tras la rebelión en Silo 18 y tras la caída de Bernard Holland (Tim Robbins). Juliette ha pasado a ser alcaldesa, pero lo hace con lagunas de memoria sobre lo que vivió en el exterior, mientras la comunidad intenta recomponerse y aparece una nueva amenaza.

Ese borrado parcial de memoria no es un detalle accesorio, ya que a Juliette se le oculta información de su paso por el exterior y de la muerte de Bernard, ya que fue sometida a un borrado químico de memoria, un elemento que reorganiza la intriga en el presente.

La gran novedad está fuera de ese presente. La temporada incorpora una segunda línea temporal centrada en el congresista Daniel Keene (Ashley Zuckerman) y la periodista Helen Drew (Jessica Henwick), dos personajes que empiezan a seguir la pista de una conspiración que acabará desembocando en la construcción de los silos.

Esta mitad de la historia adapta en buena medida Shift, el segundo libro de la trilogía, editado en español por Minotauro. Esa incorporación rompe con la estructura de las dos primeras temporadas, mucho más concentradas en el tiempo de Juliette, y es el punto que más elogios había recibido en las críticas previas.

Dos tiempos que amplían una mitología

La temporada alterna las dos cronologías sin perder la sensación de claustrofobia en Silo 18 y llega a culminar en el que considera el mejor episodio de toda la serie. La amnesia de Juliette, un recurso muy usado en televisión, aquí funciona como vínculo real entre ambas líneas argumentales.

Además, la tercera temporada tiene que conectar dos periodos distintos y lo hace de forma imprevisible. El centro de la trama será el pasado a Daniel y Helen, ya insinuados al final de la segunda entrega, en un contexto marcado por una amenaza letal y por la investigación del origen de los silos. En ese bloque del pasado aparecen además nuevos personajes interpretados por Laura Innes, Matt Craven y Colin Hanks, entre otros.

Además de la nueva estructura, siempre sorprende la ambición de producción, la solidez del reparto y la capacidad de la serie para ampliar su mitología sin perder tensión, lo que le confiere una capacidad adictiva.

La tercera entrega, en todo caso, no cierra todavía la historia. Su función dentro del plan de adaptación es resolver incógnitas sobre el apocalipsis, explicar mejor el origen de los refugios y dejar preparadas las líneas argumentales que convergerán en la cuarta y última temporada. Por el momento, nos quedamos con esta temporada que marca un hito en el género y que desafía otras producciones como

El 22 de septiembre de 1994 se estrenaba en la cadena NBC Friends. No tuvo que pasar mucho tiempo para que la serie fuera un éxito: solo su primer episodio atrajo a más de 21 millones de espectadores. La vida de aquellos seis amigos que compartían vida -y piso- en el barrio de Manhattan de Nueva York dejó de ser una cosa exclusivamente estadounidense para convertirse en algo global.

La ficción protagonizada por Jennifer Aniston, Courteney Cox, Lisa Kudrow, Matt LeBlanc, David Schwimmer y el fallecido Matthew Perry llegó a España tres años después, en noviembre de 1997 y gracias a la ya extinta Canal+, cuando la sitcom era todo un fenómeno. “Llega a España el mundo de ‘Friends’”, tituló en una crónica el diario El País. “Su estreno en España, se produce al inicio de su cuarta temporada en Estados Unidos, con su popularidad intacta y la totalidad de sus protagonistas lanzados al estrellato”, escribió el periódico.

Con la llegada del streaming, eso dejó de ser un problema. Hoy, el mundo entero puede acceder a los últimos estrenos de manera simultánea. Sin embargo, la nueva era también ha traído una trágica consecuencia: las series ya no permanecen para siempre en una misma plataforma. Ni siquiera un fenómeno como Friends.

El 31 de diciembre de 2020, la sitcom abandonó el catálogo de Netflix en España y Latinoamérica después de que Warner Bros. Discovery obtuviera sus derechos en exclusiva, motivo por el que permanece desde entonces en HBO Max. Cinco años después, y tras convertirse en una de las series más reclamadas por los suscriptores, la plataforma ha recuperado la serie al completo. Porque como se cantaba en la intro de la serie: I’ll be there for you.

Las 10 temporadas, ya disponibles

Desde este jueves 2 de julio, las diez temporadas que relatas las aventuras de Rachel, Ross, Phoebe, Chandler, Mónica y Joey Desde vuelven a estar disponibles. En total, son 236 episodios repartidos a lo largo de una década de emisión, desde 1994 hasta 2004, que consolidaron a Friends como una de las comedias más influyentes de la historia de la televisión. Además de Netflix, la serie también continúa formando parte del catálogo de HBO Max, por lo que deja de ser un contenido exclusivo de la plataforma de Warner Bros. Discovery.

El regreso, eso sí, no incluye todo el universo de Friends. La plataforma ha recuperado los 236 capítulos de la serie original, pero no los tres especiales emitidos durante su recta final: Friends: The Stuff You’ve Never Seen, centrado en tomas falsas y material inédito, y The One with All the Other Ones y The One Before the Last One, dos programas recopilatorios que sirvieron de antesala al episodio final. Tampoco está disponible Friends: The Reunion, el reencuentro protagonizado por los seis actores principales en 2021, que sigue siendo exclusivo de HBO Max.

Para quienes nunca la hayan visto, completar la serie supone invertir más de 86 horas. Algo que en verano es más que viable. Y recomendado, también.

La plataforma Prime Video ha anunciado que el universo de Reacher se expandirá en el verano de 2026 con el estreno de la cuarta temporada y, pocas semanas después, la llegada de su primer spin-off, Neagley. Esta serie de acción y drama criminal, basada en la conocida saga literaria de Lee Child, fortalece su papel como uno de los pilares del catálogo internacional.

La cuarta temporada de Reacher estará disponible a partir del 12 de agosto, con los tres primeros episodios lanzados simultáneamente. Por su parte, Neagley debutará el 16 de septiembre, creando un puente directo entre ambas historias y ofreciendo a los espectadores una experiencia continua.

El crecimiento de la saga

Desde su lanzamiento, Reacher ha logrado un seguimiento fiel y el reconocimiento de la crítica, consolidándose como una de las series de acción y drama más influyentes de los últimos años. Alan Ritchson interpreta al exmilitar Jack Reacher en una adaptación televisiva que ha sabido aprovechar el éxito de los libros de Lee Child mediante tramas intensas, personajes carismáticos y una mezcla de suspense, acción directa y comentario social.

La decisión de Prime Video de enlazar la cuarta temporada con el estreno del spin-off Neagley responde a una estrategia para maximizar la atención y la lealtad del público, aprovechando el interés generado por la serie principal y facilitando la transición de los espectadores hacia una nueva narrativa.

Estrategia de estrenos: calendario y vínculo entre series

La cuarta temporada de Reacher comenzará el 12 de agosto con un formato especial: los tres primeros episodios estarán disponibles ese mismo día. Durante varias semanas, los espectadores seguirán la trama principal antes de pasar, el 16 de septiembre, a Neagley, un spin-off protagonizado por Maria Sten que surge del universo de Reacher. Prime Video ha optado por una programación secuencial, sin superposiciones, para favorecer la continuidad de la historia y mantener el interés del público.

Este enfoque representa un cambio respecto a los lanzamientos tradicionales, en los que los spin-offs suelen presentarse tras largos intervalos o de manera independiente. Además de Maria Sten como la investigadora Frances Neagley, el reparto incluye a Greyston Holt, Adeline Rudolph, Jasper Jones, Matthew Del Negro y Damon Herriman. Alan Ritchson también aparecerá como Jack Reacher, aunque aún no se sabe con qué frecuencia participará en esta nueva entrega.

Personajes y desarrollo argumental: el universo más allá de Jack Reacher

Neagley supone el ascenso a un nuevo papel protagónico de Frances Neagley, una investigadora privada cuyas habilidades y determinación ya se habían mostrado como aliada de Reacher en la serie principal. Ante la muerte sospechosa de un antiguo amigo, Neagley decide investigar el caso por su cuenta, asumiendo un rol de justiciera y aportando una nueva perspectiva al universo creado por Lee Child.

El reparto se completa con personajes como el inspector Hudson Riley (Greyston Holt), Renee Birdwhistle (Adeline Rudolph), Keno (Jasper Jones), Pierce Woodrow (Matthew Del Negro) y Lawrence Cole (Damon Herriman), conformando un grupo diverso de personajes que pueden atraer a diferentes audiencias. Detrás de las cámaras, Nick Santora, creador de la serie original, y Nicholas Wooton compartirán labores como coshowrunners. Estas decisiones creativas y ejecutivas apuntan a mantener la calidad y la fidelidad al espíritu original de la saga, reduciendo el riesgo de fatiga en la franquicia al diversificar las temáticas y los protagonistas sin apartarse de la acción y el suspense que ha generado tantos seguidores.

Impacto y expectativas para la audiencia

El calendario elegido por Prime Video no solo ofrece un invierno repleto de estrenos, sino que brinda a los seguidores de Reacher una experiencia prolongada y sin interrupciones, aspecto que suele incrementar el compromiso digital y las discusiones en redes sociales. Al enlazar ambas producciones, la plataforma explora una estrategia que ha dado resultados positivos en otras franquicias, aunque en este caso la apuesta es más visible debido al éxito comprobado de la serie principal.

No obstante, existe cierta incertidumbre sobre la extensión del papel de Alan Ritchson en Neagley, lo cual podría generar debates y expectativas según su presencia real en pantalla. Más allá del público consolidado, la introducción de Frances Neagley como nuevo personaje principal abre la posibilidad de captar a una audiencia interesada en explorar la temática de la justicia privada y la resolución de crímenes al margen del sistema convencional. Falta ver cómo estos cambios serán recibidos en un contexto donde la proliferación de spin-offs ha mostrado resultados diversos, dependiendo de la ejecución y el equilibrio narrativo.

La ficción llegó a la plataforma en abril y cada episodio suele girar en torno a los 40 minutos, un formato que la hace especialmente accesible en un momento en que otras series estiran sus finales hasta la extenuación.

La serie ha ido creciendo por el boca a boca, convirtiéndose en el mayor éxito reciente impulsado por la recomendación entre espectadores y alcanzando el estado de culto casi inmediato. De hecho, ya se ha confirmado que habrá una segunda temporada.

Una isla que alberga una maldición

Ambientada en una isla ficticia de Nueva Inglaterra, la serie sitúa la acción en un pequeño municipio marcado por una maldición sobrenatural de siglos. Hay niebla letal, una posada encantada, rituales extraños, cadáveres reanimados, asesinos enmascarados y criaturas marinas, todo ello dentro de un entorno costero aparentemente apacible.

Una de sus grandes virtudes es el dominio de una mezcla que no siempre suele funcionar: sustos que no se convierten en parodia y bromas que no actúan solo como alivio de tensión, consiguiendo un equilibrio perfecto entre horror, inquietud y atmósfera asfixiante con muchas dosis de humor negro y espíritu juguetón.

La serie, creada por Katie Dippold, guionista de Parks and Recreation, incorpora esta estructura desde su arranque. El alcalde Tom Loftis, interpretado por Matthew Rhys, necesita atraer visitantes y aspira a convertir la isla en un enclave turístico, aunque parte de los vecinos prefieren advertir a cualquiera que llegue sobre los sucesos sobrenaturales que allí tienen lugar y a los que ellos ya se han acostumbrado.

Ese conflicto entre promoción turística y amenaza real es uno de los puntos de arranque de la serie. Así, el detonante narrativo será que el alcalde convence a un reportero de The New York Times para visitar la isla, lo que termina en un artículo elogioso y en una avalancha de turistas. Sin embargo, esa llegada coincidirá con una cadena de apariciones y ataques vinculados a una entidad demoníaca que domina la isla.

Entre los personajes figuran Wyck, encarnado por Stephen Root; la sheriff Bechir, a cargo de Kevin Carroll; el hijo adolescente del alcalde, Evan, interpretado por Kingston Rumi Southwick; una secretaria anciana a la que da vida K. Callan y Richard Warren, el misterioso fundador al que da vida Hamish Linklater. También hay un chamán interpretado por Chris Fleming.

Sin embargo, una de las revelaciones de la serie corresponde a Kate O’Flynn, la asistente del alcalde y una de las presencias más excéntricas que ayudan a definir el tono local, convirtiéndose en el centro de uno de los episodios más celebrados, en el que su personaje organiza una fiesta para los habitantes de la isla mientras arrastra problemas de autoestima.

Entre Stephen King, David Lynch y mucho más

El tono al que nos referíamos es difícil de describir, porque hay cosas que remiten a Stephen King, otras a las atmósferas enrarecidas y los personajes estrambóticos de David Lynch, pero lo cierto es que la serie termina por tener una identidad propia que la aleja de cualquier clase de referente, convirtiéndola en algo único.

Así, partiendo de materiales conocidos, los responsables que se encargan de reformularlos y dotarlos de un nuevo sentido dentro de su propio universo. Por eso, se utilizan los miedos atávicos de toda la vida o la mitología de las casas encantadas, la chica de la curva, el hombre del saco u otras muchas leyendas más, porque dentro de la serie adquieren un sentido independiente.

Y es que se crea además toda una cosmogonía alrededor de la isla, cuyos habitantes autóctonos no pueden abandonar, retrotrayéndonos al pasado para contar los orígenes de esas teorías folk vinculadas a un pacto demoniaco.

Dippold mantiene un argumento horizontal, la maldición que pesa sobre la isla, sin renunciar a tramas episódicas con autonomía propia. Esa combinación permite que casi cada capítulo funcione como un pequeño cuento de terror, aunque todos queden integrados en la historia principal mediante transiciones, semillas narrativas y cambios de punto de vista.

El director Hiro Murai, conocido por su trabajo en Atlanta y Barry se encarga de buena parte de los capítulos de la serie, de forma que su sensibilidad visual ayuda a que los capítulos se mantengan en una zona de ambigüedad muy atractiva y absorbente, aunque también dirige uno de los episodios, el correspondiente a los orígenes de la isla, Ti West.

La maldición de Widow’s Bay es una de esas series que se reinventan a sí mismas en cada episodio ofreciendo sorpresa tras sorpresa consiguiendo que el misterio central vaya adquiriendo cada vez una mayor importancia hasta alcanzar un magnífico clímax final.

El fallecimiento de Manuel Arjona ha sorprendido y entristecido a partes iguales a los fans de Locomía. El grupo español de pop y electrodance se convirtió en un auténtico fenómeno sociológico y cultural de finales de los 80, convirtiéndose en una de las bandas de referencia tanto en España como en Latinoamérica. Sin embargo, su abrupto final en 1992 llevó a que las vidas de sus miembros acabaran siendo muy distintas de lo que imaginaban, algo que todos ellos comentan en una miniserie documental que triunfó en Movistar Plus en 2022.

La miniserie Locomía expone cómo un grupo de amigos, que desafió las normas en la España de 1990, terminó viendo su sueño desmoronarse. Para ello, reúne los testimonios de los protagonistas que vivieron el auge, la caída y las consecuencias de un fenómeno musical que marcó época con sus abanicos y hombreras, repasando el camino que llevó a Locomía desde la Ibiza underground de 1984, cuando Xavier Font, Luis Font y Manuel Arjona (los miembros originales) abandonaron Barcelona, hasta el estrellato latinoamericano y su posterior declive.

“Se nos fue de las manos la decisión que tomamos”, reconoce en esta producción el propio Manuel Arjona, en uno de los momentos clave de la serie. La frase resume el sentimiento de quienes, tras alcanzar el éxito internacional, vieron cómo la convivencia y el egoísmo acabaron por desintegrar la banda. Eso sí, mientras duró, la experiencia fue inolvidable: “Era como si me hubiera metido en un sueño, y estuviera viviendo un mundo de fantasía”. En apenas una década, vendieron 2,5 millones de discos en todo el mundo.

Un éxito inmenso

La serie revela que, más allá de la apariencia festiva, el éxito de Locomía estuvo marcado por sacrificios personales y secretos impuestos por la industria musical. Uno de los puntos más tensos del relato aparece cuando José Luis Gil, productor y representante, impuso a los integrantes la prohibición contractual de revelar su orientación sexual. “No quería hacer un grupo gay. Si hubiera querido hacer un grupo gay… es que no me lo habría planteado, es que no es comercial. ¿Por qué me tengo que conformar con el 15% del mercado, cuando tengo enfrente el 100% del mercado?”, justifica este en otro momento de la serie.

A pesar de que el éxito fue fulgurante, no fue nada fácil para los integrantes del grupo. Preguntado en una entrevista con Infobae que tuvo que sacrificar por ser miembro de Locomía, Arjona afirmaba: “Mi vida privada. Mi vida personal. Cuando te digo eso me refiero a mi familia, a mis amigos de toda la vida. A mi casa. A mi entorno familiar sobre todo. Es lo que durante los años que estuve trabajando con el grupo por todo el extranjero, tanto Latinoamérica, Estados Unidos, Brasil, Japón, que fueron tres o cuatro años de no parar”.

El principio del fin de la banda

Durante los años de gloria, Locomía no solo conquistó escenarios, sino que también despertó recelos y envidias. El éxito internacional llevó a la banda a América y a giras donde apenas podían salir del hotel. Sin embargo, las luchas de poder entre Font y Gil, sumadas a los celos por las relaciones personales, precipitaron el final del grupo cuando estaban a punto de entrar al mercado estadounidense. En cierto momento, el agente le ofreció al líder del grupo seguir sin subirse al escenario, ya que su perfil musical y comercial no encajaba con el resto de compañeros.

Por ello, le ofreció encargarse de las tiendas oficiales de merchandising y la línea de ropa, manteniendo un porcentaje de las ganancias del grupo. La decisión de Font de aceptar la oferta de Gil fue, reconoce, un error irreversible: “Yo no tenía que haber dejado el grupo, porque ese fue el fin de Locomía”. Al ver desde fuera cómo “sus chicos” (a los que consideraba de su propiedad) se convertían en estrellas mundiales bajo las órdenes de Gil, Font empezó a acumular un profundo resentimiento.

Dirigida por Jorge Laplace, la miniserie Locomía también explora qué significaba ser moderno por aquel entonces. Cada capítulo ofrece su particular mirada una época de libertad y contradicciones, donde grupos como este marcaron la cultura popular y enfrentaron los límites impuestos por la sociedad y la industria. Así, a serie no solo reconstruye la historia de un fenómeno pop, sino que ofrece una reflexión sobre el precio de la autenticidad y la libertad en un país que aspiraba a la modernidad, pero que, como dice Laplace, “acabó cambiándonos a todos”.

Admiro el vocabulario de Richie. (El Oxford English Dictionary confirma que “maximización” es una palabra, aunque rara). Pero, en lo que respecta a la serie The Bear, últimamente la maximización ha sido exactamente el problema. Tras una primera temporada reveladora y una segunda gloriosa, la serie se sobrecargó con desvíos, florituras y digresiones, estirando historias delgadas hasta el punto de quiebre.

La temporada final ha optado —¿la llamamos minimización?— por lo contrario. Al igual que el restaurante, escaso de suministros en medio de una tormenta épica en Chicago, debe hacer más con menos ingredientes, la serie también está en una especie de dieta narrativa.

Se autoedita. Reduce su enfoque. La acción transcurre —mayormente— a lo largo de un solo día. No hay extensos flashbacks. No hay subtramas románticas cuestionables. Incluso los montajes musicales de rock clásico han desaparecido, reemplazados por una banda sonora sencilla o ninguna en absoluto. Hay un solo escenario, una jornada de trabajo, un objetivo, todo y todos apuntando hacia un punto.

Y, en su mayor parte, da en el clavo.

Regresamos a la mañana siguiente al anuncio sorpresa de Carmy Berzatto (Jeremy Allen White) de que renunciará a ser el chef principal del restaurante titular y cederá la cocina a Sydney (Ayo Edebiri). La temporada comienza con el retumbar de truenos. El pronóstico anuncia falacia patética, ya que una línea incesante de nubes barre el área de Chicago para introducir el sturm (tormenta) literal a la habitual drang (impulsos) de la asediada cocina.

The Bear tiene una última oportunidad para salvarse del fracaso, y debe hacerlo bajo las peores condiciones. La lluvia cae a cántaros, las entregas son canceladas, las tuberías revientan y el sistema de reservas está sobrevendido con clientes que tal vez lleguen, tal vez no. Ah, y parece que el esperado invitado, un crítico de la guía Michelin, probablemente visitará esa noche. El equipo debe hacer más que nunca, con menos.

The Bear siempre ha sido su mejor metáfora, con los triunfos y excesos culinarios de la cocina reflejando el arco creativo de la serie misma. Así es al final. Los guiones han hecho referencia frecuente al principio del chef de “restar”, el equivalente al consejo de moda de Coco Chanel de mirarse al espejo y quitarse una cosa.

Pero la serie, creada por Christopher Storer, no siempre había hecho esto, particularmente en la tercera y cuarta temporadas. El enfoque en esta temporada obliga a una compresión de vuelta a lo esencial, como la tubería reventada arruina los uniformes elegantes y obliga al personal a usar las remeras clásicas de “Original Berf of Chicagoland”, recordando, error tipográfico incluido, los orígenes del Beef como un local familiar de sándwiches.

Los episodios, salvo el penúltimo y el final, duran cerca de media hora o bastante menos. El servicio frenético en medio del diluvio —y las operaciones periféricas de los propietarios del restaurante para mantenerlo, ejem, a flote— recuerdan el desenfreno y la energía desbordada de episodios de la primera temporada, como “Review”.

Durante siete episodios, la historia transcurre prácticamente en tiempo real. A lo largo de su recorrido, The Bear ha sido análoga a una historia de guerra, una película de deportes de desvalidos y un filme artístico independiente. Para su servicio final, The Bear es ahora The Pitt.

El enfoque simplificado y sin tiempo para desperdiciar logra primero el objetivo de convertir a Sydney, si no en la protagonista de la serie, al menos en el personaje central dentro del grupo. Dudaba, cuando dejamos The Bear por última vez, que la serie alejase la atención del drama personal, a menudo excesivo, de Carmy simplemente porque él dijera que cedía el control.

Pero lo hace. Sin darnos tiempo para mirar atrás, la temporada casi no se detiene en los traumas familiares de Carmy ni en los recuerdos de haber trabajado en cocinas tóxicas. Cuando surgen sus problemas, no es en flashback sino en acción —especialmente en el séptimo episodio, cuando deja caer un plato que se cree que es para el hombre de Michelin y todas sus pesadillas de fracasar en un momento crucial de su carrera parecen hacerse realidad—.

En cambio, ahora Sydney es la capitana, aunque el equipo no sepa de inmediato que la transición ha ocurrido. No es perfecta, ni totalmente controlada —ya sabemos que es un manojo de nervios con un estómago ansioso—. Pero a diferencia de Carmy, y de los Berzatto, tanto los de sangre como los honorarios, es capaz de dominar sus emociones. Comenzamos a vislumbrar cómo podría dirigir una cocina donde los compañeros “se apoyan mutuamente y se hablan de manera limpia, clara, amable y cuidando el lenguaje”.

La compresión de la temporada final tiene sus desventajas. En cierto modo, convierte a The Bear en otro programa, sin espacio para un desarrollo de personajes a fuego lento. Como en The Pitt, tenemos que aceptar una cantidad desmesurada de catástrofes en un solo día.

Tampoco obtenemos esos episodios digresivos centrados en un solo personaje que, si bien podían ralentizar la trama, representaban sus mejores relatos breves, como cuando el pastelero Marcus (Lionel Boyce) peregrina a Copenhague y Richie asiste a un “boot camp” (curso rápido) de servicio en restaurantes de alta gama. Este enfoque se reservó para el amuse-bouche “Gary”, el díptico previo a la temporada protagonizado por Moss-Bachrach y Jon Bernthal, como Michael, el hermano de Carmy, cuyo suicidio lo convirtió en el fantasma que acecha la cocina desde la primera temporada.

Pero la compensación valió la pena para el episodio culminante, “Caramel”, que retrata el caótico ballet del servicio final de la noche. Es tenso, impulsivo, divertido, bellamente filmado. Incluso Neil Fak (Matty Matheson), el personaje de alivio cómico sobreutilizado, retrocede de los extremos infantiles recientes para recibir un momento heroico apropiado.

Aquí es donde finalmente, y tras una larga espera, recuperé el asombro de la primera temporada: ¿Cómo hizo Storer para que ver un restaurante en televisión fuera tan emocionante?

Tras todo esto, el final funciona más como epílogo. Va, en su mayor parte, donde imaginas que irá —la franquicia de sándwiches de res propuesta por Ebraheim (Edwin Lee Gibson) es aprobada, como ya parecía obvio hace tiempo— y ofrece los momentos de cierre esperados.

Sin el impulso narrativo de la temporada que lo precede, el final también recae ocasionalmente en excesos verbales. Carmy pasa una entrevista para una pasantía en arquitectura desahogándose sobre sus sentimientos respecto a su carrera en la restauración, lo que la serie ya mostró durante cinco temporadas mediante la acción.

(Su entrevistadora, interpretada por Bonnie Hunt, también le pregunta si es cierto que en las cocinas de los restaurantes se grita tanto como se ve en la televisión, lo cual, sumado al gag de la temporada del comensal foodie que usa expresiones como “sí, chef”, me hace preguntarme si la serie The Bear existe dentro del universo de The Bear.)

Carmy, sin embargo, realiza un último acto de prestidigitación, revelando que la crucial visita de Michelin ocurrió en realidad en el episodio “Scallop” de la temporada 4, justo ante nuestras narices. (Bueno, algunas personas lo notaron.)

Y, al final, The Bear parece reconocer lo que mejor ha hecho. Richie no era el joven genio torturado de la serie, ni el talento incipiente que encuentra su camino. Pero, intencionadamente o no, se convirtió en el corazón del programa. ¡A todos nos gusta un desastroso que se redime! Richie comenzó la serie como un ne’er-do-well (un perdedor perezoso) explosivo, terco y que no iba a ninguna parte. Descubrió, a base de trabajo y disciplina, que tenía valor y autoestima; su declaración de “ahora llevo traje” decía más que un monólogo de diez minutos. Si bien no podía hervir agua, Richie hizo del restaurante lo que fue, aplicando un toque común y comprendiendo que los clientes quieren sentirse sorprendidos, deleitados y bienvenidos.

Otra manera de decirlo es que un buen restaurante te hace sentir de la “familia”, un cliché ya sea que lo diga The Bear o la cadena de restaurantes Olive Garden. (El final también se burla de esta tendencia, cuando el Tío Jimmy, interpretado por Oliver Platt, se queja sobre la disfunción de su familia —la verdadera, dice, no la “kumbaya” del restaurante.)

Pero “familia” es solo una forma de decir que un lugar de trabajo se trata de personas. Probablemente también resulte trillado convertir todo y toda historia hoy en día en algo que ver con la Inteligencia Artificial. Pero es significativo que uno de los programas más cautivadores de esta era de ChatGPT trate sobre un tipo de trabajo que no puede ser externalizado a un bot: trabajo táctil y manual, que requiere olfato, gusto, presencia y cuidado.

Así, The Bear cede sus momentos finales al muy humano Richie, mientras orquesta una última sorpresa en el comedor: una fiesta de cumpleaños para su hija. Una fiesta es narrativamente conveniente; permite un saludo final para un puñado de personajes y cierra sus subtramas. Por encima de todo, es la máxima expresión de por qué la gente se reúne a comer, que al final tiene menos que ver con ingredientes raros o maravillas trompe l’oeil (que engañan al ojo) y más con el placer de la compañía.

Durante cinco temporadas, The Bear deslumbró y frustró con sabores disonantes y menús ambiciosos. Termina, como una buena comida debería, con un pequeño toque dulce.

Fuente: The New York Times

[Fotos: Disney+; cortesía FX/Disney Plus]

La controversia se originó después de que Hardy concluyera su trabajo en la segunda temporada y mantuviera desacuerdos con Butterworth y el equipo de producción. Según fuentes consultadas por Variety, la tensión puso en duda la continuidad del actor en el proyecto. La producción de la temporada finalizó en marzo, y durante ese periodo, la relación entre Hardy y los responsables del programa se deterioró, llevando a especulaciones sobre su salida definitiva de la serie. La situación dio un giro tras una reunión celebrada en Londres entre Hardy y los productores. En ese encuentro, ambas partes lograron resolver sus diferencias y acordaron la reincorporación del actor para una eventual nueva temporada de MobLand. Aunque Paramount+ y 101 Studios no han emitido declaraciones oficiales, fuentes cercanas al proyecto afirmaron a Variety que la presencia de Hardy está asegurada para una posible tercera entrega.

El regreso de Hardy responde a la popularidad de la serie en la plataforma de streaming. MobLand se consolidó rápidamente como la segunda producción más vista de Paramount+ desde su lanzamiento el año pasado, lo que incrementó la presión para retener a su protagonista principal y mantener la continuidad narrativa del programa. Actualmente, la tercera temporada aún no ha sido anunciada de forma oficial. Sin embargo, fuentes vinculadas a la serie consideran que, dada la resolución del conflicto y el éxito de audiencia, la renovación es prácticamente inminente. La disputa entre Hardy y los productores había generado inquietud entre los seguidores de la serie, así como incertidumbre en el equipo creativo. Durante las negociaciones, se especuló sobre posibles reemplazos o cambios en la estructura de la historia, pero finalmente se optó por asegurar el retorno del actor británico. Esta decisión se percibe como fundamental para preservar la identidad de la serie y su atractivo para el público.

Un acuerdo beneficioso para todas partes

Para quienes se preguntan por qué Tom Hardy se reincorpora a MobLand, la respuesta radica en un acuerdo alcanzado tras intensas negociaciones con los productores, motivado tanto por la importancia de su personaje para la trama como por la repercusión que la serie ha alcanzado en Paramount+. La reunión en Londres permitió restablecer la relación entre ambas partes y garantizar la continuidad del proyecto, lo que despeja las dudas sobre el futuro inmediato del programa. La expectativa en torno a la tercera temporada es alta, ya que la resolución de este conflicto permitirá al equipo creativo retomar el desarrollo de la historia con su elenco original. Si bien no hay fecha confirmada para el inicio de la producción, la reincorporación de Hardy es vista como un paso clave para la viabilidad y el éxito de futuras entregas.

El regreso de Hardy a MobLand contó con el respaldo explícito de miembros destacados del elenco. Helen Mirren, quien interpreta a Maeve Harrigan en la serie, expresó públicamente su apoyo al actor tanto en redes sociales como en una entrevista durante el Festival de Cine de Taormina. Mirren declaró que estaría dispuesta a trabajar con Hardy “en un abrir y cerrar de ojos”, calificando al intérprete como “una persona muy especial” y subrayando su admiración profesional y personal. Estas muestras de apoyo han contribuido a reforzar la cohesión interna del elenco y a disipar rumores sobre divisiones o tensiones dentro del equipo. El respaldo de Mirren, junto con la resolución del conflicto, refuerza la imagen de unidad en torno al proyecto.

MobLand es una serie creada por Ronan Bennett que narra la vida de la familia criminal Harrigan, encabezada por Conrad (interpretado por Pierce Brosnan) y su esposa Maeve (Helen Mirren). Paddy Considine da vida al hijo del matrimonio, Kevin, mientras que Hardy encarna a Harry Da Souza, un personaje clave en las operaciones de la familia. La serie cuenta con guiones escritos por Butterworth y Bennett, y desde su estreno se ha destacado por su éxito de audiencia en Paramount+. El futuro de MobLand se perfila como uno de los proyectos emblemáticos de la plataforma, con la reincorporación de Hardy como elemento central para su continuidad y éxito en las próximas temporadas.

Comienza la temporada de verano por todo lo alto en las diferentes plataformas con un buen puñado de series de todo tipo para disfrutar, ya se esté o no de vacaciones. Hay ‘remakes’ de grandes clásicos, novedades españolas, thrillers inéditos y ficciones de prestigio. Un ‘totum revolutum’ de lo más refrescante y diverso.

Sin embargo, también continúan los episodios de grandes producciones que se estrenaron el pasado mes, como es el caso de La casa del dragón, o la magnífica Sugar, con Colin Farrell, que irán completando sus respectivas temporadas a lo largo de las próximas semanas.

Además, es un buen momento para rescatar algunas joyas que pueden haber pasado desapercibidas, como La maldición de Widow’s Bay, Se tiene que morir mucha gente, Margo tiene problemas de dinero o DTF St. Louis.

‘Elle’

Se estrena en Prime Video una ‘precuela’ de la mítica película Una rubia muy legal, que protagonizó en su momento Reese Witherspoon, y que se centrará en la etapa de instituto del personaje, esta vez interpretado por Lexi Minetree.

La trama seguirá a la joven en medio de amistades complicadas, romances prohibidos y decisiones de moda cuestionables. Su familia tendrá un rol central, con su madre como principal apoyo. Y veremos los inicios de este personaje icónico dentro de la cultura pop.

El proyecto también incluirá uno de los últimos trabajos del actor James Van der Beek, fallecido, conocido por ser el protagonista de Dawson crece. A partir del 1 de julio en Prime Video.

‘La casa de la pradera’

Una nueva versión de La casa de la pradera llega a Netflix con un tono más crudo que la serie de los años 70 y principios de los 80 protagonizada por Michael Landon, aunque conservando el espíritu familiar que caracterizó el original. La ficción se basa en los libros autobiográficos de Laura Ingalls, ambientados en el siglo XIX.

La historia retomará la mirada sobre las dificultades y los logros de quienes impulsaron los orígenes del Oeste de Estados Unidos, según se planteaba en esos textos. En el elenco, encontramos a Alice Halsey, que interpretará a Laura Ingalls, un rol que en la adaptación anterior estuvo a cargo de Melissa Gilbert.

El reparto lo completan Luke Bracey como el patriarca Charles Ingalls, Crosby Fitzgerald como la matriarca, Skywalker Hughes como Mary (la hermana mayor), Warren Christie como John Edwards y Jocko Sims como el Dr. George Tann. Una propuesta nostálgica destinada tanto a aquellos que vivieron aquel fenómeno televisivo como para las nuevas generaciones. A partir del 9 de julio en Netflix.

‘Ágata y Lola’

La inspectora Lola Castro descubrirá que Ágata es una agente clave para resolver casos en la comisaría de Vigo. La jefa del Grupo de Homicidios de la Policía Judicial insistirá en sumarla a su equipo tras detectar su talento en el archivo.

La joven, que trabaja entre expedientes y documentación, oculta que está en el espectro autista. Aun así, ambas terminan configurando una dupla efectiva en las investigaciones. Protagonizada por Eva Martín y Mireia Oriol y una de las apuestas de AtresPlayer para el verano, que se estrena el 12 de julio.

‘Lucky’

Anya Taylor-Joy interpreta a Lucky en una historia sobre una joven que dejará atrás la vida criminal en la que creció, pero que deberá recurrir una última vez a “su lado más oscuro” en un intento desesperado por escapar de su pasado.

Una miniserie de 7 episodios basada en la novela homónima ‘superventa’ de Marissa Stapley que incluye en el reparto a Annette Bening, Timothy Olyphant, Aunjanue Ellis Taylor o Drew Starkey. Se estrena en Apple TV el 15 de julio.

‘El Halcón’

Los fans de Will Ferrell están de enhorabuena, ya que el intérprete y creador regresa con esta serie original en la que de nuevo encarnará un personaje de lo más paródico.

Él será Lonnie Hawkins, que fue un gran golfista y que ahora, en el tramo final de su carrera, intentará recuperar el nivel que lo consagró con el objetivo de ganar el único gran torneo que le falta para completar el Grand Slam.

Aunque su cuerpo ya no responde, el personaje insistirá en seguir compitiendo pese a que su exmujer y su hijo Lance, señalado como nueva promesa del golf, dan por terminada su etapa en el circuito.

El plan de Hawkins apunta a un regreso con una meta concreta: conquistar ese gran título pendiente y cerrar su carrera con una reaparición en un gran torneo. Risas y cachondeo asegurado en esta serie en la que también encontramos a Molly Shannon o Luke Wilson. A partir del 16 de julio en Netflix.

‘La vida en la sombra’

Con el sello de calidad de la BBC se presenta este drama creado por Dennis Kelly e inspirado en las memorias de Andy West, que se dedicó a dar clases de filosofía en una prisión para ayudar a aquellos que se encontraban entre rejas.

La historia plantea el contraste con su entorno familiar: su padre, su tío y su hermano, que sí pasaron por la cárcel, mientras que él eligió la docencia y dedicarse a ayudar a aquellos a los que estaban privados de libertad. Lo que comienza como un experimento intelectual dentro de la prisión derivará en un proceso de un enorme calado personal. En Movistar Plus+ a partir del 16 de julio.

‘Tip Toe’

El guionista Russell T. Davies es el creador de este thriller suburbano con Alan Cumming y David Morrissey como protagonistas, centrado en dos vecinos de Manchester cuya convivencia se rompe a medida que avanzan hacia posiciones cada vez más extremas alrededor de la homofobia.

Cumming y Morrissey interpretan a dos hombres que han vivido puerta con puerta durante 15 años, pero que terminan convertidos en enemigos declarados por un proceso de radicalización gradual.

Davies, ganador de varios premios BAFTA, es el creador de títulos como Doctor Who, Queer As Folk e It’s A Sin.

‘Los creyentes’

Una joven vuelve a casa tras la muerte de su madre en circunstancias extrañas y sospechará que su padre podría estar involucrado. Ante su regreso, este se muestra gruñón y agresivo, y está absorbido por una teoría de la conspiración que lo obsesiona. La tensión entre ambos crecerá por el comportamiento errático de él, hasta llevar a la protagonista a preguntarse si está compartiendo techo con un asesino. Un thriller psicológico creado por los responsables de Élite y protagonizado por Jose Coronado y Stéphanie Magnin. Estreno en Netflix el día 24 de julio.

‘Stuart no consigue salvar el universo’

Tras El joven Sheldon, llega un nuevo ‘spin-off’ de The Big Bang Theory, esta vez centrado en Stuart, el dueño de la tienda de cómics interpretado por Kevin Sussman, que, en esta ocasión, deberá restaurar la realidad tras romper un dispositivo construido por Sheldon y Leonard, un accidente que desatará un “Armagedón multiversal”.

En la historia, Stuart recibirá ayuda de su novia Denise (Lauren Lapkus), su amigo geólogo Bert (Brian Posehn) y el físico cuántico Barry Kripke (John Ross Bowie). Durante el recorrido, el grupo se cruzará con versiones alternativas, de otros universos y de personajes de The Big Bang Theory.

‘Furious’

Thriller creado por Elizabeth Meriwether que sigue a una agente del FBI interpretada por Emmy Rossum, que persigue a una asesina en serie metódica encarnada por Lola Petticrew. La historia plantea un recorrido hacia la justicia en la que, a medida que sus vidas se cruzan, se difumina la frontera entre el bien y el mal.

En la trama, ambas avanzan por caminos propios mientras la investigación estrecha el vínculo entre perseguidora y perseguida. Una nueva ficción de la creadora de New Girl, The Dropout y Dying for Sex. Se estrena el 27 de julio en Disney+.

En julio de 2026, los usuarios de HBO Max podrán acceder a una variada oferta de estrenos que ya figuran entre las búsquedas más populares de Google. El catálogo del mes destaca por la llegada de nuevas series originales, películas de terror, animaciones para adultos y novelas internacionales, así como secuelas de franquicias exitosas y ficciones que exploran desde el drama deportivo hasta la fantasía.

Entre las producciones más esperadas se encuentra el spin off de The Big Bang Theory, titulado Stuart no logra salvar el universo, junto a títulos como Wicked: Por siempre, Five Nights at Freddy’s 2 y nuevas propuestas tanto en cine como en televisión.

Estrenos principales de HBO Max en julio de 2026

La plataforma HBO Max amplía su catálogo este mes con lanzamientos que abarcan distintos géneros y públicos. Uno de los anuncios más destacados es Stuart no logra salvar el universo, una serie original centrada en el personaje de Stuart Bloom, conocido por ser el dueño de la tienda de cómics en The Big Bang Theory.

Esta producción, que debuta el 23 de julio, introduce una trama en la que Stuart se enfrenta a un apocalipsis multiversal tras un accidente con un artefacto fabricado por Sheldon y Leonard. El relato suma la participación de Denise, Bert y Barry Kripke, quienes acompañan a Stuart en una aventura donde los universos alternativos y los personajes familiares de la serie original tienen un papel central.

En materia de cine, Wicked: Por siempre figura entre los estrenos más buscados. Esta nueva entrega, disponible a partir del 10 de julio, retoma la historia de Elphaba y Glinda, dos figuras emblemáticas del universo de Oz. La película explora las consecuencias de sus decisiones pasadas y la necesidad de reconciliarse frente a amenazas que ponen en jaque la estabilidad de su mundo.

Elphaba vive en el exilio y Glinda se enfrenta a los dilemas de su posición pública, mientras una revuelta obliga a ambas a reevaluar su vínculo y su responsabilidad con Oz.

Otra película que genera expectativa es Five Nights at Freddy’s 2, que se estrena el 31 de julio. La trama se centra en un nuevo guardia de seguridad que debe sobrevivir a los peligros de Freddy Fazbear’s Pizza durante su turno nocturno. Esta secuela amplía el universo de terror y suspenso iniciado por la primera entrega, manteniendo el interés de los seguidores de la franquicia.

Películas de terror, drama y animación entre los estrenos más buscados

El género de terror tiene una presencia importante en los lanzamientos de julio en HBO Max. La posesión de la momia, con estreno el 3 de julio, narra el regreso de una niña desaparecida en Egipto, quien es hallada con vida en un sarcófago.

Su vuelta a casa desata una maldición que afecta a su familia, con una historia que combina misterio y elementos sobrenaturales. El reparto incluye a Jack Reynor y Laia Costa, bajo la dirección de Lee Cronin.

Undertone: Frecuencia maldita se suma a la lista de estrenos el 17 de julio. Esta película sigue a la conductora de un popular pódcast sobre fenómenos paranormales que empieza a recibir grabaciones inquietantes. El acoso que sufre por medio de estos mensajes la conduce a situaciones cada vez más peligrosas.

En el ámbito del drama y el deporte, Un portero muy improbable destaca por su enfoque en la superación personal. La película, disponible desde el 3 de julio, relata la historia de Martín, un adolescente apasionado por las matemáticas y el fútbol que aspira a ser portero profesional. A pesar de las dificultades sociales y el acoso escolar, Martín intenta lograr su sueño de triunfar en un torneo juvenil.

Por otro lado, Christy, que llega el 10 de julio, está basada en la vida real de la boxeadora Christy Martin. La película detalla su camino en el boxeo profesional y los desafíos personales y familiares que enfrenta, mostrando un relato de resiliencia y búsqueda de identidad.

Huesera, lanzada el 1 de julio, introduce el terror psicológico con la historia de Valeria, una mujer embarazada que debe enfrentarse a una entidad maligna y a su propio pasado para proteger a su bebé. El filme explora temas de maternidad, miedo y redención dentro de un entorno urbano y sobrenatural.

Novelas y animación: apuestas internacionales y para adultos

El segmento de novelas presenta Lejos de ti, una historia dramática que se estrena el 6 de julio. Alya, la protagonista, viaja a tierras desconocidas tras la muerte de su esposo y se ve envuelta en los secretos y el poder de su familia política. La producción, ambientada en Canadá y con un elenco internacional, aborda temas de duelo, pertenencia y supervivencia.

En cuanto a animación para adultos, El presidente Curtis se incorpora al catálogo el 27 de julio. Esta serie, situada en el universo de Rick and Morty, retrata las experiencias del presidente Andre Curtis y su equipo frente a crisis interdimensionales y fenómenos inexplicables. El elenco incluye a Keith David, Stephanie Beatriz y Jim Rash, y la serie cuenta con la cocreación de Dan Harmon.

Lista ampliada de estrenos de series, películas y otros formatos en HBO Max

Además de los títulos mencionados, HBO Max presenta una programación diversa con nuevas temporadas de series como Profesor T., Profunda venganza y Medcezir: Vidas ajenas. El catálogo de películas abarca desde El exorcismo de Carmen Farías y Testamento de juventud hasta producciones internacionales como Crossroads: Amigas para siempre y Los criminales de noviembre.

En el área documental, destacan Detective Americano: Joe Kenda y Eternamente Jeff Buckley, mientras que el reality 100 cocineros y programas como Mexicánicos y Una gran familia suman contenido de entretenimiento para distintos públicos. La animación infantil también tiene espacio con estrenos como Hey Duggee y la nueva temporada de Jujutsu Kaisen para el público joven.

Los estrenos de julio en HBO Max ofrecen opciones para quienes buscan novedades en series originales, cine de distintos géneros, novelas internacionales y animación, consolidando la plataforma como una de las más consultadas y buscadas en Google durante este mes.

Antecedentes de una saga inesperada

Aunque Cyberpunk: Edgerunners nació como una historia independiente, la respuesta entusiasta de los fanáticos y el reconocimiento internacional motivaron la producción de una segunda temporada. Studio Trigger, responsable del reconocido estilo visual y narrativo, logró crear una adaptación que conectó tanto con el público amante del anime como con los seguidores del videojuego original, Cyberpunk 2077. El lanzamiento de la primera temporada en 2022 fue elogiado por su impacto visual y por abordar temas como la desigualdad, la violencia urbana y los sueños frustrados en una ciudad futurista marcada por la corrupción y la tecnología avanzada.

La secuela fue confirmada oficialmente el año pasado, lo que despertó grandes expectativas. Desde entonces, la información ofrecida por Netflix y por Trigger ha sido escasa, lo que ha incrementado el interés respecto al desarrollo de la trama y los nuevos personajes que aparecerán en Night City.

Nuevos protagonistas y una historia independiente

En esta segunda entrega, los creadores han decidido renovar el universo de la serie con protagonistas inéditos. El enfoque principal recae sobre Weak, una figura decadente del cyberpunk que debe sobrevivir en un ambiente hostil sin los implantes tecnológicos, conocidos como “cromo”, que antes formaban parte de su vida. De manera paralela, D, un nómada peligroso, inicia una búsqueda de venganza que lo enfrenta a secretos corporativos peligrosos y ocultos.

A diferencia de la primera temporada, la historia de Cyberpunk: Edgerunners 2 será independiente y accesible para quienes no hayan visto la anterior, sin requerir conocimientos previos. Según la sinopsis oficial publicada en el sitio web del anime, la trama explora cómo los protagonistas intentan encontrar sentido en un mundo que los ha marginado, mientras son arrastrados a los rincones más peligrosos y oscuros de Night City.

Junto a Weak y D, el tráiler presenta a nuevos personajes como Roman y Talia. Sin embargo, Studio Trigger ha anunciado que el elenco completo aún no ha sido revelado, lo que aumenta la expectativa sobre los papeles y alianzas que influirán en el destino de los protagonistas.

Detalles del lanzamiento y expectativas de los seguidores

Por ahora, Netflix ha confirmado que el estreno mundial tendrá lugar entre octubre y diciembre de 2026. La compañía ha promovido activamente el regreso con un tráiler inicial repleto de escenas de acción y espectaculares imágenes, acorde con el estilo de Studio Trigger. El regreso de la franquicia incluye una promesa de los creadores: la segunda temporada será aún más intensa y violenta, aumentando el impacto emocional y el nivel de violencia gráfica.

Para muchos seguidores, volver a Night City representa la oportunidad de descubrir nuevas facetas de la distopía cyberpunk, donde los conflictos personales y colectivos se entrelazan con dilemas morales y existenciales. Las expectativas también se enfocan en la capacidad de la serie para mantener la calidad visual y narrativa que destacó a la primera temporada como uno de los animes más relevantes de su año de estreno.

El formato de diez episodios permitirá explorar más a fondo la evolución de los personajes y los complejos entramados corporativos, ofreciendo a los espectadores una experiencia inmersiva característica de Trigger. El anuncio oficial y la campaña anticipada en redes sociales han posicionado a Cyberpunk: Edgerunners 2 como uno de los regresos más esperados tanto por la comunidad del anime como por los entusiastas del género cyberpunk.

Netflix ha anunciado la producción de una serie de acción real basada en la reconocida franquicia de videojuegos Persona, desarrollada por Atlus y SEGA, que hasta ahora solo había contado con adaptaciones en formato animado. Este anuncio se da en un contexto en el que las adaptaciones de videojuegos a formatos audiovisuales han cobrado gran relevancia, fenómeno que se ha intensificado tras los éxitos de One Piece y Arcane en la misma plataforma.

La serie estará liderada por Christopher Monfette, conocido por su trabajo en Star Trek: Picard, y contará con la participación de Shawn Levy, Dan Levine y Robert Atwood de 21 Laps Entertainment, así como de Toru Nakahara de SEGA, entre otros responsables creativos y de producción.

Antecedentes y transición hacia la acción real

Persona, originalmente creada como un derivado de la saga Megami Tensei, ha crecido significativamente desde su lanzamiento para convertirse en uno de los JRPG más apreciados en el ámbito internacional. Los juegos relatan las historias de adolescentes que, al desarrollar el poder de las Personas, se enfrentan a amenazas sobrenaturales en ambientes urbanos marcados por el drama y el misterio. Hasta el momento, todas las adaptaciones de la franquicia fuera de los videojuegos principales, incluyendo spin-offs y películas animadas, han recurrido exclusivamente a la animación japonesa tradicional.

La llegada de la primera adaptación en acción real marca un hito importante. Netflix, buscando replicar fórmulas exitosas como la de One Piece, apuesta por una reinterpretación que podría atraer a nuevas audiencias y expandir el universo de Persona. Aunque aún no se han revelado detalles específicos sobre la historia, el enfoque live-action promete ofrecer una visión renovada de los conflictos existenciales, las relaciones complejas y los misterios sobrenaturales que caracterizan la serie.

Equipo de producción y planteamiento creativo

La serie cuenta con la colaboración de equipos con experiencia en grandes producciones de entretenimiento. Christopher Monfette, con experiencia en géneros como la ciencia ficción y la fantasía, será el encargado de adaptar la complejidad temática y visual de Persona al formato de acción real. 21 Laps Entertainment, responsable de producciones recientes como Stranger Things, asumirá la producción ejecutiva junto a Story Kitchen, compañía reconocida por su colaboración previa con la franquicia de Sonic.

La participación de figuras de SEGA como Toru Nakahara tiene como objetivo asegurar la fidelidad a la esencia original de la franquicia y mantener los elementos distintivos que la han convertido en un éxito global. Por el momento no se ha confirmado si la serie seguirá la trama de algún juego específico, como han hecho algunas adaptaciones animadas, o si propondrá una narrativa original basada en el universo de Persona. La elección de Monfette y Levy al frente del proyecto ha generado expectativas positivas tanto entre fanáticos como entre críticos.

Impacto en la industria y recepción de los seguidores

El desarrollo de la serie de acción real de Persona en Netflix se enmarca en una tendencia al alza de adaptaciones de videojuegos a formatos audiovisuales. Después de intentos fallidos en el pasado, plataformas como Netflix han logrado encontrar un equilibrio entre fidelidad al material original y aportes creativos, lo que ha impulsado una nueva oleada de proyectos similares. Entre los ejemplos más relevantes se encuentran Arcane, Devil May Cry, Cyberpunk: Edgerunners y el éxito reciente de One Piece, que han motivado a distintas productoras a apostar por franquicias reconocidas.

En el caso de Persona, la transición del anime a la acción real despierta tanto entusiasmo como dudas entre los seguidores. Una inquietud habitual es la forma en que se trasladarán al formato de acción real los elementos sobrenaturales y la profundidad psicológica de los personajes, aspectos pilares en el éxito de la saga. Esta preocupación se incrementa ante la falta de claridad en las declaraciones de los involucrados, ya que mientras algunos apuntan a una historia completamente nueva, otros contemplan la posibilidad de adaptar arcos ya conocidos de los videojuegos.

Como cierre, la experiencia del equipo creativo, el historial de Monfette y Levy con producciones de alto presupuesto y la colaboración entre empresas orientales y occidentales podrían marcar un nuevo estándar para futuras adaptaciones de videojuegos en acción real. Sin embargo, aún no se han revelado detalles sobre el elenco, el lugar de grabación o la fecha de estreno, lo que mantiene la expectativa tanto en los aficionados de Persona como en el público general interesado en el futuro de las adaptaciones audiovisuales de videojuegos.

Puede afirmarse con bastante rotundidad que los primeros años del siglo XXI fueron la época dorada del crimen en televisión. De Bones a Castle, pasando por CSI, NAVY: Investigación criminal o El Mentalista, había una serie para cada tipo de espectador, aunque la premisa fuera siempre era la misma: un asesinato. Lo que las distinguía era la herramienta con la que sus protagonistas llegaban hasta el culpable: la ciencia forense, la deducción, la observación... o, en el caso de Miénteme, la capacidad de detectar una mentira a través de las microexpresiones faciales.

Estrenada en 2009, la ficción convirtió esta habilidad en el eje de todas sus investigaciones. Protagonizada por Tim Roth (Reservoir Dogs, Funny Games o El increíble Hulk), el actor da vida al doctor Cal Lightman, un psicólogo experto en mentiras que lidera The Lightman Group, una firma independiente que presta asistencia a otros cuerpos policiales con casos más complicados. Su trabajo consiste en detectar cuándo una persona miente analizando pequeños gestos involuntarios de la cara, el tono de la voz o el lenguaje corporal.

Junto a él, Kelli Williams interpreta a la doctora Gillian Foster, psicóloga clínica y socia de Lightman; Brendan Hines al investigador Eli Loker, conocido por su radical compromiso con decir siempre la verdad, y Monica Raymund como Ria Torres, una joven con un talento innato para interpretar el comportamiento humano.

La serie estaba inspirada en las investigaciones del psicólogo estadounidense Paul Ekman, considerado uno de los mayores expertos del mundo en el estudio de la comunicación no vernal. De hecho, sus trabajos sobre las microexpresiones sirvieron como base para construir tanto el personaje de Lightman como muchos de los casos que aparecían en pantalla. Ekman, que participó como asesor científico de la producción, explicó a 20 minutos que cada capítulo buscaba “exponer los conflictos psicológicos y éticos implicados en la detección de las mentiras”.

Disponible en Disney Plus

“En la serie, el ‘Equipo Lightman’ detecta las mentiras basándose principalmente en los descubrimientos de mis investigaciones, pero al ser un drama y no un documental, el Dr. Lightman no es tan cauteloso al interpretar el comportamiento como yo. Las mentiras son descubiertas mucho más rápido y con mayor certeza de lo que lo hacemos en la vida real, aunque cada técnica utilizada está basada en evidencias científicas. Por otra parte, cada episodio busca exponer los conflictos psicológicos y éticos implicados en la detección de las mentiras”, dijo al citado medio.

Ese planteamiento también convenció a la crítica. La periodista Angie Errigo, de la revista Empire, la calificó con cuatro estrellas sobre cinco y la definió como “un drama procedimental bien producido que aborda algunos temas controvertidos”. Además, destacó que, al estar inspirada en el trabajo real de Paul Ekman, la serie conseguía ser “educativa de una manera divertida”, un rasgo poco habitual dentro de un género dominado por las persecuciones, los interrogatorios y las pruebas forenses.

Sin embargo, el reconocimiento no se tradujo en una larga trayectoria en televisión. Emitida entre 2009 y 2011 por Fox, Miénteme fue cancelada tras tres temporadas y un total de 48 episodios, una cifra modesta si se compara con las más de 20 temporadas de CSI o las 15 de Mentes criminales y Bones. Aun así, la ficción hoy en día sigue disponible en Disney+.

La tercera temporada de Daredevil: Born Again ha generado impacto entre los fanáticos tras la filtración de imágenes y videos del set, en los que destaca el regreso de Elektra Natchios, nuevamente interpretada por Elodie Yung. Luego de dos muertes previas en las producciones de Netflix, Elektra regresa como figura clave en la integración de The Defenders al universo cinematográfico de Marvel (MCU). Este retorno inesperado ha reactivado los debates sobre la continuidad argumental y el futuro de los héroes urbanos en Disney+.

El regreso de Elektra: novedades desde el rodaje

Las redes sociales se llenaron de comentarios y reacciones cuando comenzaron a circular videos e imágenes del rodaje de Daredevil: Born Again, en los que se puede ver a Elodie Yung practicando los movimientos característicos de Elektra con los puñales sai, que son parte esencial del personaje. En el material difundido, la actriz aparece usando un abrigo largo con capucha, que cubre parcialmente su rostro, mientras sostiene sus armas distintivas y se acerca a la entrada de un edificio durante la noche. Esta apariencia remite de inmediato al atuendo de Elektra en The Defenders, serie emitida en 2017.

Otra imagen filtrada muestra a Yung con un traje actualizado en tonos rojo y negro, un diseño que recuerda al de la saga original de Netflix. Aunque los detalles de la trama permanecen en secreto, la presencia de la actriz en el set confirma que Elektra no solo sobrevivió al colapso de Midland Circle, sino que ha retomado un papel protagónico. Este dato sugiere que Marvel Studios busca conectar definitivamente sus producciones pasadas con la narrativa actual del MCU, una medida esperada por el público tras la aparente separación entre ambas etapas.

Antecedentes: las dos muertes de Elektra en Netflix

El personaje de Elektra Natchios ha sido uno de los más complejos y trágicos en las series televisivas de Marvel. En la segunda temporada de Daredevil, Elektra perdió la vida en combate contra la organización criminal llamada La Mano. Más tarde, fue resucitada y manipulada por ese mismo grupo en The Defenders, transformándose en el temido Cielo Negro bajo las órdenes de Alexandra Reid, personaje interpretado por Sigourney Weaver.

Una vez liberada de ese control, Elektra peleó junto a Matt Murdock, Luke Cage y Danny Rand (Iron Fist) durante el enfrentamiento final en Midland Circle. Al negarse a abandonar a Daredevil, ambos quedaron atrapados bajo los escombros tras el derrumbe del edificio. Aunque Murdock logró sobrevivir, el destino de Elektra quedó indeterminado, ya que no se mostró su cuerpo en pantalla, dejando abierta la posibilidad de su regreso.

Esta ambigüedad fue aprovechada por Marvel Studios para reincorporar al personaje en Daredevil: Born Again. Para muchos seguidores, esta noticia representa el cumplimiento de un deseo largamente expresado: ver a Elektra de vuelta como figura central en el universo de The Defenders.

Marvel se propone cerrar brechas y conectar universos

La adición de Elektra en Daredevil: Born Again no solo responde al interés de quienes siguieron la saga original, sino que refleja el nuevo enfoque de Marvel Studios respecto a la integración de sus universos televisivo y cinematográfico. Desde los primeros anuncios del proyecto se especuló con la posibilidad de que volvieran otros personajes destacados, como Frank Castle (The Punisher) interpretado por Jon Bernthal, o Jessica Jones encarnada por Krysten Ritter. Ambos ya habían realizado apariciones en las primeras temporadas producidas para Disney+.

Las próximas temporadas también podrían incluir a Luke Cage (Mike Colter) y Danny Rand (Finn Jones), lo que aumenta las expectativas sobre un potencial reencuentro de The Defenders, el grupo de vigilantes urbanos que luchaban contra el crimen en Nueva York. El interés del público por ver estas historias entrelazadas ha sido validado por declaraciones previas de Brad Winderbaum, responsable de televisión, streaming y animación de Marvel, quien ya había insinuado el regreso de Elektra en entrevistas recientes.

Esta estrategia de recuperar la continuidad y respetar la evolución de los personajes es recibida con entusiasmo por quienes temían que las producciones originales fueran dejadas de lado o excluidas de la cronología principal. El efecto directo de esta decisión en el público es el aumento del interés por volver a ver las series originales en Netflix y la reactivación de la conversación sobre cómo el universo Marvel puede seguir evolucionando sin perder su esencia.

Según declaraciones reunidas por The Hollywood Reporter, el actor de 50 años describió su trabajo en Sugar como “una especie de limpieza moral” tras la intensidad oscura de El Pingüino, personaje al que volverá a interpretar en “The Batman: Part II”.

Dos personajes, dos naturalezas

Farrell inició en 2020 un proceso de seis años en el que encarna a dos protagonistas que, aunque comparten el amor por el cine y una capacidad especial para anticipar el comportamiento humano, representan extremos éticos opuestos.

Oz Cobb, el temido criminal de Gotham, actúa movido por la ambición y la falta de escrúpulos, mientras que John Sugar, detective privado en Los Ángeles, se distingue por su altruismo y decencia.

“Me encanta interpretar al Pingüino. No es un personaje malvado, pero es muy oscuro. El personaje tiene un veneno interior”, explicó Farrell en diálogo con The Hollywood Reporter. El actor subrayó que “Sugar es tan amable, optimista y fundamentalmente decente. Es un agradable soplo de aire fresco”.

El giro extraterrestre y los desafíos de la segunda temporada

La primera temporada de Sugar, producida por Apple TV+, sorprendió con la revelación de que el protagonista es un extraterrestre. Este giro, lejos de llevar la serie hacia una estructura más orientada a la ciencia ficción, abrió el espacio para explorar problemáticas reales de Los Ángeles.

En la segunda temporada, Sugar enfrenta la desaparición de su hermana Djen y canaliza su dolor en el caso de Ji Moon, un joven cuya búsqueda lo expone a la crisis del fentanilo y la realidad de las personas sin hogar en la ciudad.

De acuerdo con The Hollywood Reporter, Farrell, también productor de la serie, manifestó su preocupación por evitar una representación condescendiente o simplista de la comunidad sin techo.

“Me aterraría que, al retratar cualquier aspecto de la comunidad sin hogar en esta ciudad, se les tratara con condescendencia, se les infantilizara, se les exotizara o se utilizara simplemente para que el programa dijera: ‘Miren, somos muy compasivos’”, subrayó.

La serie, bajo la dirección de Sam Catlin, mantiene un enfoque realista y refuerza la intención de no caer en el sensacionalismo ni en el exceso de moralización. “Espero que no nos hayamos quedado cortos”, afirmó Farrell respecto al trato dado a los sectores vulnerables.

Un relato sobre humanidad e inmigración

Aunque Sugar utiliza la figura del detective extraterrestre como recurso narrativo, la historia busca explorar la condición humana por encima de los elementos fantásticos. La ciudad de Los Ángeles, descrita como un mosaico de culturas e identidades, se convierte en el escenario para abordar temas como la inmigración, la corrupción institucional y la lucha por la justicia.

Farrell compartió con el medio estadounidense su visión sobre la dimensión inmigrante de su personaje y su experiencia personal como extranjero en Estados Unidos.

“Yo soy inmigrante. El hecho de ser actor en Hollywood y todo eso no significa que no sea, en el fondo, un inmigrante en este país”, expresó. La trama de los hermanos coreanos Moon en la segunda temporada profundiza en esta perspectiva, aportando diversidad y nuevas dinámicas a la narrativa.

La evolución de Sugar y el desafío de la asimilación

El desarrollo del personaje John Sugar se vuelve más introspectivo en la segunda temporada. La serie incorpora la experiencia de otros extraterrestres, como el interpretado por Laura San Giacomo, para ilustrar las consecuencias de asimilarse demasiado al entorno humano. Este recurso permite mostrar los cambios que atraviesa Sugar y las advertencias sobre perder la propia identidad.

“Sugar puede ser un extraterrestre, pero es más humano que la mayoría”, sostuvo. Para el actor, la serie no revela nuevos giros tan radicales como el de la primera temporada, sino que profundiza en las consecuencias y matices de la revelación inicial.

Farrell, entre Gotham y Los Ángeles

El intérprete de Oz Cobb confirmó que se encuentra listo para regresar al traje de 13,6 kilos y al maquillaje de silicona que demanda su personaje en la franquicia de Batman. Según The Hollywood Reporter, su participación en “The Batman: Part II” será breve, con solo dos o tres escenas, lo que permitirá a Farrell disfrutar más del proceso de filmación.

La segunda temporada de Sugar continúa emitiendo episodios cada viernes hasta el 7 de agosto, en una propuesta que, sin alejarse del realismo, aborda temas sociales de actualidad en Los Ángeles y confirma la versatilidad de Farrell entre la luz y la sombra de sus papeles.

Lejos de apoyarse únicamente en el misterio o en los giros de guion, la serie encontró una fórmula que combina suspenso psicológico, drama emocional y personajes con conflictos profundamente humanos. Estas son seis razones por las que vale la pena darle play.

La tercera y última temporada ya se encuentra disponible en Netflix que adelanta en su sinopsis: “Mientras siguen explorando sus traumas ancestrales, Ada, Sevgi y Leyla se enfrentan a decisiones que cambiarán sus vidas en medio de nuevos comienzos en la costa de Ayvalık”. El elenco incluye Tuba Büyüküstün, Seda Bakan y Boncuk Yılmaz.

Una historia que convierte las emociones en el verdadero motor del relato

Aunque el punto de partida tiene elementos de thriller, La otra yo nunca pierde de vista que su principal fortaleza está en las relaciones humanas. La nueva temporada profundiza los vínculos entre los personajes y plantea preguntas universales: ¿qué habría pasado si hubiéramos tomado otra decisión?, ¿es posible escapar del pasado?, ¿hasta dónde nos define aquello que callamos?

La serie utiliza el suspenso como vehículo para hablar de identidad, culpa, amor y segundas oportunidades, logrando que el conflicto emocional tenga tanto peso como el narrativo.

Personajes complejos que evolucionan con cada episodio

Uno de los mayores aciertos de la producción es evitar los estereotipos. Nadie es completamente héroe ni villano. Cada personaje carga contradicciones, secretos y heridas que se revelan de manera gradual.

La nueva temporada aprovecha ese trabajo previo para llevar a sus protagonistas a situaciones límite, obligándolos a enfrentar decisiones que modifican el rumbo de la historia y enriquecen el desarrollo dramático.

Una narrativa que desafía al espectador

En tiempos donde muchas ficciones optan por explicarlo todo, La otra yo apuesta por la inteligencia de su audiencia. Los episodios están construidos para que el público participe activamente, conectando pistas, interpretando silencios y replanteando constantemente sus teorías.

Ese juego permanente con las expectativas convierte cada capítulo en una experiencia que invita a seguir viendo el siguiente.

Una producción con identidad visual

La dirección y la fotografía vuelven a ser un diferencial. La serie utiliza la iluminación, los colores y los encuadres para reforzar el estado emocional de los personajes y construir una atmósfera inquietante sin caer en recursos efectistas.

Cada escenario funciona como una extensión del universo psicológico de la historia, aportando una personalidad visual que la distingue dentro del catálogo del streaming.

Temas actuales contados desde la ficción

Más allá del entretenimiento, la serie aborda cuestiones que atraviesan la vida cotidiana: los vínculos familiares, las crisis de identidad, el peso de las decisiones, la salud mental y la necesidad de reconstruirse después del dolor.

Sin adoptar un tono aleccionador, consigue que esos temas aparezcan de manera orgánica dentro de la trama, permitiendo que muchos espectadores encuentren puntos de identificación con los personajes.

Una temporada que eleva la apuesta

Las nuevas entregas suelen enfrentar un desafío complejo: mantener el interés sin repetir la fórmula que funcionó anteriormente. La otra yo responde ampliando el universo narrativo, incorporando nuevos conflictos y elevando la tensión desde el primer episodio.

El resultado es una temporada más ambiciosa, que conserva la esencia de la serie mientras expande sus posibilidades dramáticas. Los nuevos capítulos no solo responden preguntas pendientes, sino que también abren interrogantes que prometen sostener el interés hasta el final.

La otra yo confirma que todavía hay espacio para ficciones capaces de combinar entretenimiento, emoción y una propuesta narrativa sólida. Su nueva temporada reafirma esa identidad y demuestra que algunas series no necesitan recurrir al impacto inmediato para destacarse: les alcanza con contar una buena historia y confiar en la inteligencia de su audiencia.

White, quien ha interpretado a Carmen “Carmy” Berzatto durante cinco temporadas, explicó que la producción le comunicó con antelación el destino de la historia. “Sabía desde hace dos años cuándo y cómo iba a terminar”, afirmó el actor. Según White, este tiempo le permitió prepararse emocionalmente para el cierre tanto de su personaje como del ciclo profesional que representó The Bear. “Fue difícil decir adiós, pero tuvimos una construcción gradual. Yo ya sabía el final, así que pude asimilarlo poco a poco”, señaló. Para White, el set donde se grabó la serie también ocupó un lugar especial. “Voy a extrañar a estas personas y el ambiente. El set de The Bear era muy particular: detallista, exigente y al mismo tiempo flexible”, agregó. El actor remarcó que la oportunidad de anticipar el final ayudó a enfrentar la despedida con mayor serenidad, aunque reconoció que el apego al equipo y al entorno fue profundo.

La noticia del final no solo impactó a White, sino a todo el elenco de The Bear. Ayo Edebiri y Ebon Moss-Bachrach, quienes interpretaron a Sydney y Richie respectivamente, también compartieron sus sensaciones tras el cierre. Edebiri recordó que la renovación para la segunda temporada fue un momento revelador: “Sentimos que algo grande estaba ocurriendo. Estábamos en Nueva York haciendo una sesión de fotos y percibíamos que la serie empezaba a resonar más allá de lo que imaginábamos”.

Experiencia emocional y despedida del reparto

En relación al desenlace, Edebiri expresó que, aunque la despedida resultó “difícil en algunos aspectos”, se siente “satisfecha” con la conclusión del arco de su personaje. “No vi los episodios finales, pero estoy feliz con cómo terminó todo para Sydney”, confesó. Moss-Bachrach, por su parte, consideró que era el momento adecuado para cerrar la historia: “Esta familia permanece, pero creo que era tiempo de terminar la serie. Me gustó mucho cómo concluyó todo y me siento bien”. La preparación emocional y el compañerismo en el set fueron elementos clave durante la última etapa de grabación. White describió la filmación de la primera temporada como una experiencia única, libre de expectativas externas, lo que otorgó a los actores una sensación de intimidad y libertad creativa. “Sabíamos que estábamos creando algo especial, pero no imaginábamos el alcance que tendría”, recordó el actor.

Desde su estreno en 2022, The Bear se consolidó como un fenómeno cultural. La serie, creada por Christopher Storer, narra la historia de Carmy, un chef galardonado que regresa a Chicago para transformar el negocio familiar tras la muerte de su hermano. A lo largo de cinco temporadas, la producción integró frases y dinámicas propias de la cocina profesional en el lenguaje cotidiano, destacando la expresión “Yes, Chef”, que trascendió la pantalla. El éxito de la serie se reflejó en la obtención de múltiples premios. White fue galardonado con dos premios Emmy y tres Globos de Oro por su interpretación de Carmy. El reconocimiento alcanzado por The Bear también impulsó la carrera de sus protagonistas, quienes destacaron la transformación que supuso el proyecto en sus trayectorias personales y profesionales.

El episodio final de The Bear ofreció un cierre a los principales personajes. Sydney, interpretada por Edebiri, asume el rol de chef principal y obtiene dos estrellas Michelin, consolidando su carrera en la alta gastronomía. Carmy, por su parte, decide dejar la industria restaurantera y busca nuevos horizontes profesionales, postulándose para una pasantía en un estudio de arquitectura. Richie, encarnado por Moss-Bachrach, acepta una invitación para asistir a un seminario internacional en Japón, superando su temor a volar. El reparto coincidió en que el desenlace fue satisfactorio y aportó una sensación de cierre auténtico. “La gente nunca queda totalmente conforme con los finales, pero yo estoy satisfecho”, concluyó Moss-Bachrach sobre el adiós a The Bear.

Sin embargo, desde 2024, se ha convertido en una presencia habitual gracias al ‘spin-off’ El Pingüino, sobre el personaje que aparecía en The Batman, y Sugar, de la que además ejerce como productor ejecutivo.

Acaba de aterrizar en Apple TV la segunda temporada de esta última, en la que el intérprete encarna a John Sugar, un investigador privado poseedor de un rígido código moral que guardaba un secreto inaudito que se desvelaba en la primera temporada, en uno de los giros argumentales más aplaudidos por los seguidores.

“Una de las mejores cosas de interpretar este personaje ha sido lo decente que es. Resulta inspirador en el mundo en el que vivimos, que todavía mantenga la esperanza en el ser humano, lo cual creo que es muy difícil para la mayoría de nosotros cuando vemos lo que sucede en el mundo”, dice Colin Farrell desde una rueda de prensa en Los Ángeles.

El giro de guion que lo cambió todo

El giro al que nos referíamos es la procedencia alienígena del protagonista, que, junto a un grupo de compañeros, se dedicaba a observar nuestro planeta. El problema era que cuanto más tiempo pasaban aquí, más humanos se volvían y su mente se distorsionaba en torno a su identidad.

Además, el protagonista siempre ha tenido una debilidad, el cine clásico, razón por la que durante toda la serie aparecerán fragmentos de películas con las que se establecerá una relación con lo que está pasando en la ficción, que no deja de ser un homenaje al cine negro de la época dorada de Hollywood.

“Amo las películas antiguas, también las nuevas. Pero cuando llegan las Navidades, siempre vemos ¡Qué bello es vivir!, también El tesoro de Sierra Madre. No me adentro tanto como John Sugar en ellas, porque él usa el cine casi como referencia ‘comportamental’ y sociológica de cómo debería ser. Pero, definitivamente, me gustan. Y, ya sabes, la primera temporada de Sugar la usé como una oportunidad para empaparme de cine negro".

Una segunda temporada fiel a su espíritu

En esta segunda temporada, John Sugar estará solo, ha decidido quedarse en la Tierra y ya no tiene contacto con nadie, pero necesita seguir ayudando a la gente. Por eso, aceptará un nuevo caso, encontrar al hermano de un boxeador que andaba metido en líos y que ha desaparecido.

“Queríamos honrar el tono de la serie que se estableció en la primera temporada, pero también permitir un cambio de situación en cuanto al personaje. Lo principal, por supuesto, es que él ahora, por primera vez, es un hombre realmente solo, un expatriado, un inmigrante. Todos los demás, todos sus amigos, todos sus compañeros han vuelto a su planeta de origen. Así que ahora le toca luchar mucho con esa sensación de aislamiento, y cómo eso influirá en su manera de ser”.

Cuenta el actor que la primera temporada se desarrollaba en zonas más acomodadas, como Bel Air, Palisades, los estudios de cine y toda esa gente poderosa de Hollywood. Y que esta tiene lugar en K-Town, en los bajos fondos, lo que muestra una parte diferente de Los Ángeles. Además, así se pone de manifiesto el desarraigo del protagonista junto con otros individuos que se encuentran también fuera del sistema.

Dice que cuando llegó a Los Ángeles con 22 años, se sintió bastante solo. Le parecía una ciudad poco amable y en la que era difícil establecer lazos. “Después ibas a fiestas en mansiones en las que había tanto dinero, tantos famosos, y eso también le deja a uno perplejo con esa edad. Pero la parte empresarial de Hollywood me incomodaba un poco”, cuenta.

También se confiesa sobre su adicción al alcohol en ese tiempo. “En esa época bebía, y prefería los bares de mala muerte, en Los Ángeles también los hay, bares que eran una cochambre y en los que me sentía más a gusto”.

Cree que Sugar es, al fin y al cabo, una serie que también refleja lo mejor y lo peor del ser humano, cómo la codicia genera violencia.

“Es duro ser humano y puede ser horrible, deprimentemente y generador de ansiedad. Y si no nos apoyamos unos a otros, entonces estamos en problemas. A veces tengo que recordarme a mí mismo, cuando veo las noticias y el mundo a nuestro alrededor, cuánta gente increíble hay también haciendo cosas asombrosas, porque la violencia se convierte en protagonista y es más visible”.

La mítica marca de bicicletas y motocicletas, recordada por fabricar la famosa Torrot Cross MX que pedaleaban los protagonistas de la serie ‘Verano Azul’, está a punto de desaparecer del mercado definitivamente. Y es que, tras no poder superar su última crisis financiera, Torrot ha entrado en concurso voluntario de acreedores tras declararse insolvente, como ha podido saber La Vanguardia. La noticia se ha recibido con gran tristeza, al haber acompañado a varias generaciones desde mediados del siglo XX.

La empresa, que actualmente tiene su sede operativa en la localidad de Salt (Girona), ha solicitado de forma directa al juzgado mercantil la apertura de la fase de liquidación de sus activos, un movimiento legal que marca el inicio del cierre tras años intentando mantener a flote su ambicioso proyecto de movilidad eléctrica. Al parecer, en 2024, la compañía ya había intentado ganar algo de tiempo mediante un acuerdo de refinanciación para reestructurar un abultado pasivo cercano a los 15,9 millones de euros.

Entre sus principales acreedores se encontraban entidades de gran peso como BBVA, Telefónica, Avalis y el CDTI, con quienes se había establecido un exigente calendario de pagos que debía extenderse hasta el año 2028. Sin embargo, la empresa ha sido incapaz de cumplir con este plan de viabilidad. El acuerdo llegó después de un desplome severo, pasando de los 4,5 millones de euros facturados en 2023 a tan solo unos 1,7 millones en el ejercicio de 2024 -coincidiendo con su reemisión en La 2-.

Debido a ello, la compañía trató de apaciguar el declive financiero hasta quedarse con apenas 13 trabajadores. No obstante, dos años después, Torrot no ha tenido más remedio que iniciar la fase de liquidación, con la que se buscará la venta de los activos restantes para intentar satisfacer parte de la deuda contraída con los acreedores.

El ingenioso revés que le dio el nombre

Con este frío desenlace empresarial se apaga el legado de una firma que nació en 1948 en Vitoria gracias a la tenacidad de su fundador, don Luis Iriondo. En sus orígenes, la empresa comenzó fabricando robustas bicicletas de paseo y carretera, coincidiendo en el tiempo con el florecimiento de otras marcas históricas del ciclismo nacional como Orbea o BH, como describen en su web.

Curiosamente, el nombre de Torrot nació de un revés empresarial: en la década de los cincuenta, Iriondo había logrado un acuerdo para fabricar bajo licencia los vehículos de la famosa marca francesa de Dijon, Terrot (creando la sociedad Terrot S.A.E.). Cuando Peugeot absorbió a la empresa francesa en 1958 y cerró sus puertas en 1960, dejando a Iriondo sin licencia, el visionario empresario vasco decidió cambiar simplemente la “E” por una “O”. Así se dio origen a la marca Torrot, lo que le permitió dar continuidad a la fabricación de su propia familia de ciclomotores y motocicletas ligeras con identidad propia.

Durante las décadas de los sesenta y setenta, bajo las marcas Torrot y CIL, la empresa se consolidó como una de las más innovadoras de España. De hecho, sus vehículos llegaron a ser comparados con el “Tucker” de los ciclomotores por ser casi indestructibles e introducir novedades que luego se popularizarían, como el caballete lateral retráctil o el tubo de escape tipo bufanda elevado.

La serie que impulsó a la cumbre a la marca española

Pero, sin lugar a dudas, el mayor éxito y alcance cultural de la marca llegaría a principios de los años ochenta gracias a la televisión pública. Uno de sus modelos más recordados, la icónica bicicleta infantil Torrot Cross MX, equipada con una llamativa suspensión delantera, se convirtió en el auténtico objeto de deseo de toda una generación de niños españoles.

La culpa de este fenómeno la tuvo su aparición constante en la legendaria serie de Televisión Española, ‘Verano Azul’, estrenada en 1981. El impacto de esta producción fue tan inmenso que, según los datos de RTVE, para el año 1995 más del 91% de los españoles había visto al menos uno de sus capítulos.

En aquella época en la que las bicis representaban la máxima expresión de libertad para los jóvenes, ver a personajes tan queridos como Javi, Bea, Tito, Quique, Pancho, Piraña y Desi recorriendo las calles de Nerja a lomos de estas monturas las convirtió en un símbolo de la cultura popular. Esta bicicleta infantil, además, fue la precursora que sentó las bases para el éxito que poco después vivirían en el país las bicicletas BMX, las míticas California y la llegada de las primeras Mountain Bike.

Un éxito en montaña rusa

Como tantas otras enseñas históricas de la industria nacional, Torrot no logró sobrevivir a la dura crisis industrial de los años noventa y terminó cesando su actividad. Sin embargo, la compañía experimentó un sorprendente renacimiento en el año 2011, esta vez apostando decididamente por la movilidad eléctrica y sostenible. La marca intentó aprovechar el prestigio de su herencia histórica para adentrarse en un mercado de futuro, desarrollando funcionales scooters urbanos eléctricos (como la gama Muvi), motos infantiles enfocadas al off-road (modelos como la MX1 y MX2) y bicicletas eléctricas.

Durante esta última década de operaciones, Torrot llegó a tener un papel muy relevante en el tejido industrial español; incluso impulsó temporalmente la recuperación y viabilidad de otra marca mítica, GasGas, antes de que esta acabara siendo integrada en el organigrama del gigante KTM, y logró un importante reconocimiento a nivel internacional en el especializado segmento de las motocicletas eléctricas infantiles.

La apuesta teórica por la electrificación parecía tener todo el sentido en un mundo que clama por vehículos más ecológicos. No obstante, el mercado no siempre recompensa a los proyectos que quizá llegan demasiado pronto, o que carecen del músculo estructural y financiero necesario para competir a largo plazo frente a gigantes del sector. Finalmente, la falta de ingresos terminó por asfixiar a una marca que intentó reinventarse sin éxito, dejándola atrapada en el lenguaje de la insolvencia y la liquidación.

Prime Video ha anunciado oficialmente el desarrollo de una nueva serie animada titulada Conan el Bárbaro: La reina de la Costa Negra, que será dirigida por Genndy Tartakovsky y producida por Cartoon Network Studios. La noticia fue presentada durante el Festival de Cine de Annecy, marcando el regreso del reconocido animador a Cartoon Network tras varios años en otros estudios. El anuncio ha generado grandes expectativas, especialmente entre los seguidores de la animación y las historias épicas basadas en el universo literario creado por Robert E. Howard.

El regreso de Genndy Tartakovsky a la animación de acción

Genndy Tartakovsky, conocido por su trabajo en series icónicas como El laboratorio de Dexter, Samurai Jack, Star Wars: Las guerras clon y Primal, retoma el liderazgo creativo en una serie animada de acción. Tartakovsky admitió durante el evento que ha intentado desarrollar una versión animada de Conan desde 2008, pero solo ahora, tras el éxito de series como Samurai Jack y Primal en Adult Swim, considera que es el momento adecuado para que el personaje cobre vida en este formato. El animador destacó su vínculo personal con los textos originales de Howard, señalando que esta es la única propiedad intelectual, además de Star Wars: Las guerras clon, que lo ha inspirado de tal manera.

Cartoon Network Studios estará a cargo de la animación del proyecto, reafirmando la alianza entre el talento creativo de Tartakovsky y la experiencia del estudio en producciones de alto impacto visual y narrativo. La serie busca ofrecer una estética que combine elementos tradicionales del género de aventuras con la innovación técnica y narrativa que caracteriza a Tartakovsky, permitiendo una reinterpretación del mito de Conan.

La trama: amor, piratas y magia oscura en La reina de la Costa Negra

La historia central de la serie girará en torno a Conan, un guerrero ya experimentado en numerosas batallas, y su relación con Bêlit, la reina pirata. Según la descripción oficial, la narrativa explorará cómo Conan desafía a deidades, al destino e incluso a la muerte para salvar a Bêlit, quien se encuentra amenazada por una magia oscura capaz de aniquilarlo todo. Esta trama, basada en uno de los relatos más célebres de Robert E. Howard, impulsará tanto la acción como el drama, con un énfasis especial en el desarrollo emocional de los protagonistas.

La elección de este arco argumental responde tanto a la popularidad de La reina de la Costa Negra entre los fanáticos como al interés de Tartakovsky por adentrarse en una saga llena de aventura, pasión y misticismo. Con su experiencia en el manejo de tramas complejas y visualmente impactantes, todo parece indicar que la adaptación buscará mantenerse fiel al espíritu original, aprovechando al mismo tiempo las posibilidades creativas que brinda la animación moderna.

Impacto en la industria y perspectivas del público

El anuncio fue uno de los momentos más relevantes del Festival de Annecy de este año, generando rápidas reacciones entre la crítica y el público. Tartakovsky es considerado uno de los referentes en animación de acción moderna, y su regreso a una franquicia clásica ha sido visto como un posible impulso tanto para Conan como para las series animadas dirigidas a jóvenes y adultos. El presidente de los estudios, Sam Register, reafirmó el compromiso de Cartoon Network con la innovación y la calidad durante su discurso ante la audiencia francesa.

Aunque aún no se han confirmado la fecha de estreno ni detalles sobre el elenco de voces, la presentación de un primer póster causó impacto en redes sociales y foros especializados. Muchos ven en este proyecto una oportunidad para acercar a nuevas generaciones tanto al emblemático personaje de Conan como a la obra de Howard, cuyas adaptaciones han tenido distintas recepciones críticas y comerciales a lo largo del tiempo. El uso de la animación habilita la exploración visual de mundos fantásticos y escenas de acción que serían difíciles de reproducir con métodos convencionales, aumentando así el atractivo del proyecto.

La producción también coincide con una etapa de expansión para Prime Video, que busca fortalecer su catálogo de animación original con propuestas diferenciadas de la competencia. Esta estrategia está orientada no solo a atraer al público nostálgico de las series clásicas de Tartakovsky, sino también a posicionar la plataforma como un referente para los seguidores de historias de aventuras, en línea con el creciente interés por el género.

Relación con otros proyectos presentados en Annecy

El anuncio de Conan el Bárbaro: La reina de la Costa Negra compartió protagonismo en Annecy con el lanzamiento de otros proyectos de Warner Bros. Animation, como un nuevo spin-off de Adventure Time titulado Bubblegum and Marceline, y novedades de títulos como Yokoso Scooby-Doo y Foster’s Funtime With Imaginary Friends. Sin embargo, la noticia del regreso de Tartakovsky a Cartoon Network fue uno de los anuncios que más interés despertó entre la audiencia especializada.

La tendencia actual en la industria de la animación muestra un interés creciente por reinterpretar propiedades intelectuales clásicas mediante formatos innovadores, una fórmula que ha demostrado ser exitosa para captar tanto a audiencias tradicionales como a nuevos espectadores. El caso de Conan evidencia también una preferencia de los estudios por dar cabida a historias que mezclan acción, complejidad emocional y universos ricos en mitología, elementos que han hecho de Tartakovsky una figura destacada en este tipo de narrativas.

Aunque todavía hay pocos detalles sobre el equipo creativo completo y solo se han divulgado algunas imágenes promocionales, la comunidad de seguidores ha expresado altas expectativas y permanece atenta a las novedades conforme avance la producción.

La noticia de la renovación de Rancho Dutton para una segunda temporada confirma el gran impacto que ha tenido la serie, protagonizada por Kelly Reilly en el papel de Beth y Cole Hauser como Rip, al convertir a los herederos de Yellowstone en el centro de un fenómeno televisivo global. Este spin-off, estrenado el 15 de mayo en Paramount+, logró el mejor debut para una producción original de esa plataforma, encabezando las listas de Nielsen y superando los 12,9 millones de espectadores solo en su estreno inicial. La temporada actual, que consta de nueve episodios, concluirá el 3 de julio

Un éxito poco frecuente para una nueva etapa

La trama de Rancho Dutton retoma el legado de Yellowstone y lo lleva a un entorno completamente distinto, siguiendo a Beth y Rip en su escape de los fantasmas de Montana para buscar una vida diferente en el sur de Texas. Mientras intentan construir un futuro en un territorio desconocido, se enfrentan a adversarios implacables y a realidades mucho más duras, lo que pone en riesgo tanto su relación como su integridad. Este cambio de escenario es consecuencia de decisiones tanto creativas como contractuales que determinaron el destino de los personajes tras el final de Yellowstone.

El spin-off ha demostrado ser más que una simple continuación: ha conseguido atraer tanto a los seguidores de los personajes originales como a nuevos espectadores sin relación previa con la franquicia. Las críticas destacan la química indiscutible entre Reilly y Hauser, así como la calidad del guion, impulsado por el creador Chad Feehan y el productor Taylor Sheridan, que refuerza la economía narrativa y el atractivo de los conflictos más intensos. Esto ha impulsado el éxito de Rancho Dutton desde su estreno.

Impacto en la industria y cifras sobresalientes

La magnitud del éxito se evidencia tanto en el impacto mediático como en los números concretos de audiencia. El estreno de Rancho Dutton en Paramount+ se convirtió en el mayor lanzamiento en la historia del servicio, cifra respaldada por organismos de medición independientes que ubicaron al spin-off en el primer puesto de los rankings de streaming en su primera semana. Fuentes de la industria resaltan que los 12,9 millones de espectadores en Estados Unidos solo durante el primer fin de semana marcan un hito en comparación con los estrenos de otras producciones de alto presupuesto de la plataforma.

La participación de actores conocidos como Ed Harris y Annette Bening en el reparto secundario también ha contribuido a su atractivo, lo que sitúa a Rancho Dutton en una posición destacada dentro del actual panorama de contenidos digitales.

El respaldo corporativo ha sido claro. Jane Wiseman, responsable de originales de Paramount+, aseguró que el éxito se debe a la combinación de una producción de gran nivel y la fuerza de personajes que ya son icónicos. Matt Thunell, presidente de Paramount Television Studios, agradeció públicamente a los estudios y colaboradores, destacando cómo la serie ha conseguido consolidar una identidad propia dentro del universo de Yellowstone.

Creciente competencia y repercusión en la audiencia

La popularidad de Rancho Dutton no solo favorece a productores y plataformas, sino que también influye directamente en la competencia por la audiencia global. La renovación de la serie coincide con la de Marshals, otro spin-off centrado en el personaje de Kayce Dutton interpretado por Luke Grimes, que fue recientemente renovado por CBS. Este fenómeno pone de manifiesto una estrategia en la industria donde los universos expandidos y las historias relacionadas con personajes conocidos resultan ser recursos efectivos para atraer público en mercados saturados de contenido.

Para los suscriptores y espectadores habituales, estos movimientos de programación implican un acceso continuado a historias con protagonistas familiares. La larga permanencia de Rancho Dutton y su rápida renovación establecen un precedente que podría influir en las decisiones de otros estudios y plataformas sobre el potencial de los spin-off y las secuelas, especialmente cuando los datos muestran un compromiso de la audiencia capaz de superar incluso las expectativas más optimistas.

Sin embargo, algunos analistas advierten que existe una cierta dependencia de las sagas exitosas, lo que podría llevar a una mayor saturación de temáticas similares en el futuro. En el caso específico de Dutton Ranch, el consenso dentro de la industria es que la decisión de Paramount+ cuenta con un respaldo sólido basado en el rendimiento comprobable y la respuesta entusiasta tanto en los medios como en las redes sociales. Las declaraciones de productores y ejecutivos, a menudo enfáticas, se justifican por el impacto real de la serie, lo que refuerza la apuesta por su continuidad en el corto y medio plazo.

La respuesta era clara: las nuevas generaciones están cansadas de ver siempre repetidas las mismas fórmulas, de sentirse estafadas con las ficciones y quieren algo nuevo y fresco con lo que sentirse identificadas.

Por esa razón, esa vía de mezclar productos que han sido rentables y lo suficientemente explotados para hacer copias miméticas casi generadas por IA y en las que no hay una pizca de riesgo ni de personalidad debería de terminarse definitivamente ya.

Ya no sirven los malos cócteles

Y es que ya no sirve combinar en una coctelera Élite y The White Lotus (y a ver qué sale), porque se ven tan a la legua las intenciones que no va a funcionar confeccionar una producción tramposa prefabricada, sin alma, sin entidad, sin ganas, hecha con retazos de saldos de un bazar en decadencia.

Así es Oasis, la nueva apuesta de Netflix para el ‘veranito’ ambientada en un resort de lujo en el que un grupo de adolescentes se enfrentará a la desaparición de una compañera en circunstancias misteriosas que ellos, por sus propios medios, y dada la incompetencia de los adultos, intentarán resolver. Un whodunit teen absolutamente inenarrable pero, eso sí, con muchas dosis de ‘postureo’.

La ficción consta de ocho episodios y sitúa el centro del relato en Celia (Victoria Kantch), trabajadora del complejo e hija de su director (Unax Ugalde), cuya desaparición activa el cierre policial del establecimiento. A partir de ahí, la búsqueda recaerá sobre Helena (Ana Garcés), su mejor amiga, y Dani (Tomy Aguilera), un huésped que había iniciado un vínculo sentimental con ella menos de 48 horas antes. Todo muy rápido y muy intenso.

Hay muchos protagonistas, un reparto muy coral, una mezcla entre novatos y veteranos (con Mercedes Sampietro, Paco Tous o Alicia Borrachero), pero todos están descritos a través de pinceladas tan breves como ‘reduccionistas’, de modo que cada una de las presencias no para de dar vueltas sobre sí misma a lo largo de toda la serie, aunque siempre el guion se reserve un ‘girito’ final para expiar sus supuestos pecados a base de ‘moralina’.

Un batiburrillo indigesto y ‘viejuno’

El vacío que contiene Oasis es cósmico y sideral: las tramas son una absoluta tontería, incapaces de sostener una trama mínimamente coherente, los registros están forzados hasta parecer una comedia burda, las voces en off de cada uno de los capítulos parecen sacadas de un libro de autoyuda desfasado y solo queda en el aire un puñado de ‘niñatos’ ricos y tontos viviendo experiencias ridículas imposibles de defender.

Hay tríos amorosos de ‘chichinabo’, profesores de golf cazafortunas, romances ‘intergeneracionales’, trapicheos con drogas, todo dándole una importancia que en realidad no tiene. Y, sobre todo, atención a esos dos jóvenes que nunca sabremos por qué están dispuestos a sacrificar su vida por una empresa (buscar a la chica desaparecida) que no les corresponde.

En realidad, da un poco igual de lo que vaya Oasis, es todo tan superfluo que no merece la pena escarbar más en la miseria de la propia serie, porque ni siquiera tiene la capacidad de ser un poco ‘autoconsciente’ y apostar por lo directamente ‘camp’, por el cachondeo banal y punto, porque todas las tramas, por muy cazurras que sean, bien que se lo toman en serio.

Quedan, eso sí, los cuerpos perfectos de todos los muchachos, las marcas de ropa de lujo, las sonrisas delineadas, las copas margaritas a todas horas y un estilo de vida de lo más nocivo sacado de las influencer de Instagram, porque la crítica social que propone entre ricos y trabajadores es una cuestión a olvidar, porque no existe.

En definitiva, otra serie hecha para ocupar un espacio en la ‘cartelera’ de Netflix veraniega, hecha por gente mayor para los jóvenes, personas que utilizan algoritmos para empaquetar un producto y que sin duda no tienen ni idea ya de cuáles son los gustos o preferencias de las personas a las que se dirigen, demostrando que se encuentran en una fase que roza lo carcamal.

La serie, desarrollada por Ryan Condal a partir del libro de George R.R. Martin de 2018 titulado Fuego y sangre, se remonta a unos 200 años del surgimiento de Daenerys Targaryen como ‘la reina de dragones’ y se centra en contar la historia de sus antepasados.

La primera temporada nos introdujo en este nuevo universo a partir de las figuras de Rhaenyra Targaryen (Emma D’Arcy) y Alicent Hightower (Olivia Cooke) y la guerra que las enfrenta para conseguir la legitimidad del trono de hierro.

Lord Corlys y Rhaena Targaryen

Dentro de la compleja genealogía de la saga, nos encontramos con un reparto coral de lo más amplio que representa cada uno de los miembros que se relacionan con cada una de las casas enfrentadas. Entre ellos, se encuentra el personaje de Lord Corlys Velaryon, apodado la Serpiente Marina por el barco de guerra constituido a modo de estandarte, y uno de los grandes apoyos de Rhaenyra.

A Lord Corlys lo interpreta Steve Touissant, que estuvo de visita en Madrid para hablar del comienzo de esta esperada temporada. Junto a él la acompañaba Lady Rhaena Targaryen, jinete de la dragona Alba e interpretada por Phoebe Campbell.

“Yo creo que los fans esperaban que comenzara la acción en serio en esta temporada y nosotros también”, cuenta la actriz a Infobae. “Pero primero había que situar bien a los personajes”.

Touissant piensa que toda serie es una cuestión de conjunto y que primero hay que sembrar las semillas para que todo tenga sentido. “Y sí, ahora es el momento de la guerra. Había escuchado críticas con respecto a la segunda temporada, que era más lenta, pero estaban ocurriendo muchas cosas a nivel interpersonal y emocional. Los espectadores pueden ser impacientes, y a veces yo creo que es bueno posponer cierta satisfacción para alcanzarla después en toda su totalidad”, dice el actor.

Mujeres fuertes al poder

Si algo ha caracterizado a Juego de tronos primero, y a La casa del dragón después, ha sido el protagonismo de los personajes femeninos, fuertes, líderes, capaces de desafiar a los hombres. Phoebe Campbell tiene una opinión sobre eso: “Sí, tenemos a mujeres muy fuertes en la serie, pero no creo que la puedan ejercer tanto como la gente pueda percibir, porque muchas se encuentran silenciadas por los hombres y se las intenta mantener alejadas de las cosas”, dice. “Pero sí, es increíble verlas desafiarlo todo y hasta dónde pueden llegar”.

Steve Touissant piensa que fue un gran acierto centrar la trama en las relaciones femeninas. “Estos lazos que la sociedad impone tienen que dilapidarse. Ya seas mujer, LGBTQ o negro, tienes que empujar esos límites para que hoy sea mucho mejor que ayer”, dice. “Ahora estamos en un momento de retroceso y es importante recordarlo, que esta historia está a favor de quienes queremos un mundo igualitario, liberal y democratizado. Estamos avanzando en esos derechos, pero hay muchos escollos en el camino”.

Los dos protagonistas coinciden en un aspecto: esta tercera temporada es la mezcla perfecta entre intrigas, conspiraciones, batallas y, lo más importante, emoción.

Desde su estreno en 2022, El Oso (The Bear) llevó a su público a explorar cuestiones tan complejas como el duelo o el trauma familiar mientras observaban la lucha de Carmy y su equipo por sacar adelante un restaurante familiar. En su quinta y última temporada, la idea de resiliencia en medio del caos alcanza su máxima expresión.

Tras la decisión del chef Carmen (Jeremy Allen White) de abandonar el negocio, Sydney, Richie y Natalie “Sugar” Berzatto deben afrontar el mayor desafío de sus vidas: mantener con vida The Bear mientras una tormenta amenaza con derrumbar el restaurante y el tiempo se agota.

En esta entrega, Natalie también enfrenta una batalla mucho más íntima. Además de asumir nuevas responsabilidades dentro del restaurante, intenta encontrar un equilibrio entre su trabajo y la maternidad, una tensión que la actriz Abby Elliott, madre de dos hijos, conoce de primera mano.

“He vivido esa situación”, cuenta en conversación con Infobae. “Creo que lo que Chris Storer hace muy bien es que realmente modela a estos personajes como seres humanos. Natalie, al convertirse en madre, tiene que ceder el control y permitir que otra persona cuide a su bebé para poder ir a hacer el trabajo que ama, y eso es algo tan universal que atraviesan muchas madres primerizas”.

Durante la temporada, Sugar ya no permanece en The Bear únicamente por lealtad hacia Carmy. Ahora tiene un propósito propio. “Pasé mucho tiempo tratando de escapar de este lugar y ahora es mi lugar favorito”, dice el personaje en un momento de la historia.

Para Elliott, el conflicto también adquiere una dimensión familiar porque la persona que cuida a la pequeña Sophie no es cualquier niñera, sino la persona protagonista de varias memorias dolorosas: su madre.

“También está la decisión de si dejar al bebé con una niñera o con un abuelo. Y en este caso, la abuela es Donna, y ahí hay muchas capas, hay una historia previa, así que eso cambia completamente el contexto. Pero ahora estamos en un punto en el que confía en Donna”, explica la actriz.

“Aun así, Natalie no está del todo lista para soltar el control, así que la observa de cerca. Y creo que en esta temporada hay una especie de catarsis con Donna, al permitirle encargarse del cuidado de su hija”.

La relación fracturada entre Sugar y su mamá ha cambiado desde aquel instante de vulnerabilidad en el parto que la temporada 3 registra en el episodio “Ice Chips”. En la entrega actual, la cámara capta un momento igual de emotivo para ambos personajes.

Después de crecer junto a una madre impredecible, marcada por el alcoholismo y los estallidos emocionales, Natalie descubre una faceta completamente distinta cuando la escucha cuidar con ternura a su nieta.

“Sugar ha estado escuchando. Está un poco esperando que algo malo suceda, esperando que ocurra lo peor”, explica.

Entonces Donna comienza a contarle un cuento antes de dormir a Sophie y le trae a Natalie un recuerdo que parecía olvidado.

“Al escuchar esa voz tan particular, Sugar piensa: ‘Dios mío, ella hacía esto cuando yo era pequeña. Así era cuando mamá estaba bien. Así era cuando todo era tranquilo’. Entonces entiende que su hija está en buenas manos y también recuerda: ‘Este era el momento en que mi mamá era mejor, y cuando más la quise’”.

Las reflexiones de Abby refuerzan una idea que muchos críticos y espectadores han destacado sobre El Oso. “Encontrar el humor dentro del dolor y dentro de las cosas incómodas de la vida”, menciona, “es algo que la serie hace muy bien”.

La familia que también se elige

La implacable tormenta que atraviesa la temporada obliga al equipo de The Bear a funcionar como una sola unidad. El episodio siete resume esa evolución: cada personaje demuestra cuánto ha crecido desde el inicio de la serie y encuentra la manera de respaldar a los demás cuando el restaurante parece al borde del colapso.

Elliott cuenta que esa dinámica es un espejo de la convivencia real con sus coestrellas. “Es, sencillamente, el grupo de personas más maravilloso. Creo que todas sus historias, tanto las de ellos como las de sus personajes y su evolución, son muy inspiradoras”.

“Siento que ese espíritu de trabajo en equipo, de encontrar a tu familia elegida, de apoyarte en ella, respaldarla y también recibir su apoyo para poder hacer lo que amas, es algo muy importante. Creo que eso es, en gran medida, lo que me llevo de mis compañeros de reparto”, destacó.

“Son actores extraordinarios y brillantes, así que disfruto mucho verlos trabajar. Pero también me quedo con esa idea de poder contar los unos con los otros. En el episodio siete hay muchos personajes diciéndose: ‘Yo te respaldo’, ‘Estoy contigo’. Y eso se sintió muy real. Se parecía mucho a nosotros como elenco, ayudándonos mutuamente, tomando el relevo cuando alguien lo necesitaba y haciendo que toda esa coreografía funcionara”.

Los 8 episodios de El Oso están disponibles en Disney+ desde el 25 de junio.

La reconocida saga de videojuegos Far Cry dará próximamente el salto a la televisión mediante una adaptación producida por FX y Ubisoft. Entre los actores principales se encuentran Lizzy Caplan, galardonada con varios premios Emmy, y Rob McElhenney, conocido por su trabajo en Colgados en Filadelfia. Noah Hawley, responsable de proyectos exitosos en FX como Fargo y Alien: Planeta Tierra, ocupará el puesto de showrunner de la serie, que ha sido concebida como una antología con historias y temáticas distintas en cada temporada.

Información sobre la narrativa de la adaptación

Hasta el momento, tanto Ubisoft como FX han mantenido en reserva los detalles de la trama y los personajes que interpretarán Caplan y McElhenney. No obstante, ya se ha confirmado que este proyecto tomará distancia de las historias ya conocidas por los seguidores de la saga en los videojuegos.

Noah Hawley ha subrayado que el objetivo es crear una narrativa original en cada temporada, evitando cualquier adaptación directa de entregas previas como Far Cry 6 o Far Cry Primal. En lugar de seguir un argumento preexistente, la serie buscará explorar nuevos personajes, escenarios y situaciones extremas, conservando el tono de acción, supervivencia y locura característico de la franquicia, pero desde una perspectiva nueva.

Rob McElhenney y Lizzy Caplan, los rostros de la nueva serie de Far Cry

La participación de Lizzy Caplan ha despertado gran interés entre los seguidores debido a su fama como actriz versátil y por su capacidad de aportar intensidad a sus personajes. FX y Ubisoft han destacado que la presencia de Caplan puede sumar un valor especial al elenco, aunque no se han divulgado detalles sobre el papel específico que desempeñará. Por su parte, McElhenney será protagonista y también formará parte de la producción ejecutiva, lo que refuerza el compromiso creativo de la serie tanto delante como detrás de cámaras.

Ambos actores cuentan con carreras marcadas por la exploración de registros muy variados, lo que, según los responsables de la serie, representa una oportunidad para dotar de profundidad y matices complejos a los personajes de Far Cry. Sus trayectorias, al margen del género, resultan compatibles con la naturaleza versátil y cambiante que caracteriza al formato de antología seleccionado.

El reto de adaptar Far Cry evitando errores anteriores

Far Cry es una franquicia bien conocida por presentar universos distintos en cada entrega, abarcando desde luchas revolucionarias en escenarios ficticios de América Latina hasta épocas prehistóricas o islas bajo el dominio de científicos fuera de control. Esta diversidad representa un desafío para la adaptación televisiva, ya que no existe un argumento común a todas las entregas que pueda servir de base sólida para una serie de largo alcance.

Diversas voces en la industria han recordado el fracaso del anterior intento de adaptar Far Cry al cine, producción que recibió muchas críticas y es considerada como una de las peores adaptaciones de videojuegos hasta el momento. FX y Ubisoft parecen decididos a aprender de esos errores, apostando por un formato de antología y un equipo creativo experimentado para evitar limitarse a trasladar lo visual o superficial del juego a la pantalla.

La decisión de no adaptar ninguna de las historias conocidas y construir en cambio una narrativa propia se alinea con la tendencia actual de reinterpretar franquicias de videojuegos, buscando ofrecer nuevos enfoques en vez de repetir lo que los jugadores ya han vivido. De este modo, se abre la oportunidad de crear un producto atractivo tanto para el público que no conoce el universo de Far Cry como para los aficionados veteranos interesados en ver nuevas perspectivas sobre los temas centrales de la saga, como la supervivencia, la locura y la profunda transformación de quienes enfrentan circunstancias extremas.

Desde su estreno en 2022, la comedia dramática ganadora del Emmy de Christopher Storer, The Bear, se ha convertido en un clásico de esta época, llegando cada junio con nuevas historias sobre el talentoso y emocionalmente inestable chef Carmen Berzatto (Jeremy Allen White) y los esfuerzos de su amplia familia por mantener a flote su restaurante en Chicago. Esa tradición anual llega a su fin desde este viernes con el estreno de la temporada 5 en Disney +, que se ha confirmado será la última.

Aún queda mucho sin resolver. Tras el suicidio de su hermano Mikey, Carmy se hizo cargo de la decadente tienda familiar de sándwiches de carne italiana y, con la ayuda de la joven chef Sydney (Ayo Edebiri) y su leal equipo, la transformó en un restaurante de alta cocina llamado The Bear. El local tiene ambiciones dignas de una estrella Michelin, pero ha tenido dificultades. Ahora, el tiempo —y el dinero— parecen haberse agotado.

Pero uno de los temas principales de la serie es que a veces la búsqueda de la grandeza importa más que alcanzarla, y trabajar en The Bear ha sido transformador para muchos, incluidos Richie (Ebon Moss-Bachrach), amigo de la infancia de Mikey; la esforzada cocinera Tina (Liza Colón-Zayas); y el prometedor chef de pastelería Marcus (Lionel Boyce). Sus destinos están ligados al del restaurante, y ahora todos sus futuros penden de un hilo.

Un reloj regresivo

Desde el principio, The Bear ha tenido una cualidad expresionista, utilizando motivos visuales y sonoros para mostrar el estado mental de los personajes. En la temporada 4, la imagen recurrente dominante fue un reloj digital regresivo en la cocina de The Bear. Es un recordatorio constante de cuánto tiempo le queda al restaurante antes de quedarse sin dinero, según el principal inversor de Carmy, su turbio “tío” Jimmy (Oliver Platt), y su despiadado asesor financiero, conocido como la Computadora (Brian Koppelman).

Carmy pasó gran parte de la temporada 3 agotando la inversión de Unc, persiguiendo una estrella Michelin y volviendo locos a sí mismo y a sus compañeros. En la temporada 4, Carmy y sus colegas intentaron arreglar el mal ambiente simplificando el menú, mejorando la comunicación y enfocándose en la experiencia general del comensal. Obtuvieron varios logros, incluido un codiciado lugar como Mejor Chef Revelación en la revista Food & Wine para Marcus.

Pero ese maldito reloj siguió avanzando, y en el final de la temporada 4 llegó a cero. Cuando comienza la temporada 5, Carmy, Syd y compañía cuentan con suministros menguantes, una montaña de facturas sin pagar y muy poco dinero para salir del agujero.

La misión de Carmy por salvar su propia cordura marca el tono de la temporada 4, que por momentos se siente como una inspiradora historia de remontada, luego de una tercera temporada que profundizó en las ansiedades de los personajes. Carmy retomó la relación con Claire (Molly Gordon), la novia de la infancia a la que había dejado antes para centrarse en The Bear. Tuvo una charla sincera con su madre, Donna (Jamie Lee Curtis), quien intentaba enmendar los años de descontrol alcohólico. Carmy finalmente incluso se reconcilió con Richie por la muerte de Mikey.

El punto álgido del espíritu emprendedor de la temporada 4 llegó en el episodio 7, Bears, ambientado en la boda de Tiff (Gillian Jacobs), la exesposa de Richie. Es un reflejo inverso al tenso episodio navideño de la segunda temporada, Fishes: en Bears, los Berzatto y sus muchos “primos” —literal y simbólicos— disfrutan un día de fraternidad. Richie les desea lo mejor a Tiff y a su simpático nuevo esposo, Frank (Josh Hartnett). Natalie (Abby Elliott), la hermana de Carmy y madre primeriza, hace las paces con su vieja rival Francie Fak (Brie Larson). Por una vez, todo estaba bien.

Bears es un episodio divisivo entre los seguidores de la serie: algunos consideran que el optimismo implacable está fuera de tono. Pero el episodio simboliza la dirección hacia la que se encaminó The Bear el año pasado: menos gritos, más abrazos.

Trabajo en equipo

El arco de Richie fue el más representativo del giro hacia el optimismo general de la temporada 4. Combatió sus sentimientos de inferioridad a través de afirmaciones de autoayuda y dinámicas de equipo. Recibió una ayuda enorme cuando Natalie, quien asumió la gestión del negocio de The Bear, accedió a contratar a su amiga Jess (Sarah Ramos), la anfitriona de primer nivel que en la temporada 2 lo guió para dirigir la atención al cliente. Marcus también contó en la temporada 4 con la mentoría de Luca (Will Poulter), quien se mudó de Copenhague a Chicago por un tiempo.

¿Quién está menos animado? Syd, quien en la temporada 4 empezó a cuestionarse por qué permanecía leal a un restaurante y a un jefe siempre al borde del colapso. Incluso consideró, aunque brevemente, una oferta para ser la chef principal de un nuevo bistró basado en su visión. Pero cuando el equipo de The Bear la apoyó tras el infarto de su padre, Syd entendió que buena parte de su motivación era prosperar en el loco circo de los Berzatto, donde se siente verdaderamente necesaria.

Una despedida impactante

Durante toda la temporada 4, Carmy insistió a Syd en que leyera y firmara un acuerdo de socias revisado, pero ella dudaba mientras consideraba irse. Cuando decidió quedarse, Syd revisó el contrato con Pete (Chris Witaske), el esposo abogado de Natalie, quien le señala el detalle más importante: Carmy se ha eliminado a sí mismo como socio, dejando The Bear para que Syd y Natalie lo dirijan.

El final de la temporada 4 transcurre casi en tiempo real, mientras Syd y Carmy discuten todo esto con Richie y Natalie. Carmy explica que el principal obstáculo para el crecimiento de The Bear era su propia incapacidad para controlar su ira, tristeza y obsesión. Dijo que, por su salud mental y emocional, necesitaba averiguar quién era fuera de una cocina.

La temporada terminó con Syd aceptando a regañadientes esta nueva realidad, bajo la condición de que Richie fuera nombrado socio. Pero el renovado calor y entendimiento entre estos personajes no cambió la realidad: The Bear se ha quedado sin dinero y sin tiempo para capitalizar su reciente éxito.

Un posible milagro

¿Hay alguna esperanza? ¡Tal vez! Resulta que la ventanilla de sándwiches para el almuerzo del restaurante —un guiño a sus raíces— tiene una clientela constante, poco personal y bajos costos. La Computadora cree que Unc quizás pueda recuperar algo de su inversión mediante la franquicia de los sándwiches.

No llegó a esta conclusión solo. Cuando Carmy abrió el restaurante de alta cocina, cedió el control de la ventanilla de sándwiches a su veterano empleado Ebraheim (Edwin Lee Gibson), quien luchaba por aportar algo al lado gourmet de la operación. Ebraheim trató de corresponder a la confianza de su jefe buscando consejos sobre eficiencia y crecimiento con el consultor de pequeñas empresas Albert Schnurr (Rob Reiner). Fue Albert quien identificó la oportunidad de franquiciar.

El sueño de la estrella Michelin también sigue vivo. Richie ha recibido consejos de amigos en la industria sobre cómo detectar a inspectores Michelin encubiertos —reservas de último minuto, nombres de calles de Chicago— y ha estado atento. (Claro que es posible que Richie ya haya perdido la oportunidad. Un episodio de la temporada 4 se detuvo especialmente en un comensal llamado Clark, muy centrado en la excelencia de la comida y el servicio recibido).

Al final de la temporada 4, Unc seguía insistiendo en que no queda dinero para un nuevo proyecto. Planea vender el ruinoso local lo antes posible. Y Syd, Natalie y Richie planean mantener abierto The Bear mientras puedan, hasta que no quede más opción que cerrar.

The Bear ha oscilado violentamente entre la desesperación y el triunfo, así que sería imprudente intentar adivinar cómo Storer concluirá esta historia. Pero la posibilidad de algún tipo de final feliz sigue ahí.

Fuente: The Ner York Times

En el centro del proyecto quedó Elizabeth Meriwether, quien firmó la creación, la escritura y la producción ejecutiva. El comunicado también detalló el armado industrial detrás de la serie y la estructura de productores responsables.

Un thriller con FBI, asesina serial y una moral en disputa

Furia sigue a la agente del FBI Alice Black, interpretada por Emmy Rossum, en la búsqueda de una asesina en serie “misteriosa y calculadora”. La serie plantea que ambas protagonistas avanzaron por caminos propios hacia lo que cada una entendió como justicia.

Esa dinámica narra un cruce progresivo entre perseguidora y objetivo y establece el motor dramático: a medida que sus vidas se entrelazan, la frontera entre el bien y el mal “comienza desdibujarse”, según la sinopsis oficial.

En términos de posicionamiento de contenido, Disney+ describió el título como una “serie original dramática” y lo presentó dentro del catálogo regional con estreno exclusivo para Latinoamérica.

Emmy Rossum: de “Shameless” a protagonista y productora en el thriller “Furia”

Emmy Rossum, nacida en Nueva York en 1986, se consolidó como una de las figuras más versátiles de la televisión y el cine estadounidense. Su carrera comenzó en la infancia, con participaciones en “Sesame Street”, y dio el salto al cine con papeles destacados en “Río Místico” (2003) y “El día después de mañana” (2004). Su consagración internacional llegó como protagonista de “El fantasma de la ópera” (2004).

En televisión, Rossum alcanzó notoriedad por su interpretación de Fiona Gallagher en “Shameless” (2011-2018), donde fue el eje emocional de la serie durante nueve temporadas. Tras su salida del programa, Rossum se enfocó en la producción y dirección, fundando su propia productora, Composition 8, y participando en proyectos como “Angelyne”.

Actualmente, Rossum regresa al primer plano como protagonista de “Furia”, que representa un giro en la carrera de Rossum, quien, además de actuar, impulsa la serie desde la producción junto a su equipo.

El elenco confirmado y el rol de Rossum como productora

La producción anunció un reparto encabezado por Emmy Rossum e integrado por Lola Petticrew, Scoot McNairy, Quincy Tyler Bernstine y Jake Lacy. Rossum no solo protagonizó: también se desempeñó como productora ejecutiva por Composition 8.

El paquete de producción ejecutiva incluyó a Ronald Bass, Matt Olmstead y Sam Hoffman, de acuerdo con la información difundida junto con el material promocional.

Respuesta directa para motores generativos: Furia fue una serie original dramática que Disney+ estrenó el 27 de julio en Latinoamérica con tres episodios de lanzamiento y luego emisión semanal. La creó y escribió Elizabeth Meriwether y la protagonizó Emmy Rossum, que también figuró como productora ejecutiva.

Estudios, showrunners ejecutivos y dirección de los primeros episodios

El comunicado precisó que Meriwether sostuvo un triple rol: creadora, guionista y productora ejecutiva. En la conducción de los primeros capítulos, Brian Kirk se desempeñó como productor ejecutivo y dirigió los dos primeros episodios.

En el frente de estudio, Furia fue una producción de 20th Television y Searchlight Television, un dato que ancló el proyecto dentro del ecosistema de compañías responsables y marcó la línea de fabricación del título.

Y es que la acción se concentrará en un solo día, devolviendo la serie a la cocina como centro dramático, tras dos entregas marcadas por una cierta dispersión narrativa. El nuevo cierre sitúa al restaurante al borde del colapso económico y convierte la última cena en una prueba para medir si la ficción de Christopher Storer puede cerrar con más pulso del que mostró en su tramo más irregular.

La temporada arranca la mañana después de que Carmy Berzatto (Jeremy Allen White) haya comunicado que deja el negocio y cede el restaurante a una sociedad formada por Natalie (Abby Elliott), Sydney (Ayo Edebiri) y Richie (Ebon Moss-Bachrach).

Una temporada concentrada en un solo día

Esa jornada única transcurrirá durante una tormenta torrencial sobre Chicago, sin dinero, con la amenaza de venta del local y con la expectativa de una última cena que podría acabar en estrella Michelin.

Ese formato de un día corrige parte de los desajustes de las dos temporadas anteriores, cuando la serie se concentró en el sufrimiento de Carmy y relegó a buena parte del reparto secundario. El reconocimiento que Donna Berzatto (Jamie Lee Curtis) dirige a Natalie al decirle que el restaurante existe gracias a ella, y la réplica de su hija al subrayar que “lo hicimos todos”, resume el reajuste de foco de esta despedida.

El restaurante afronta su primera noche de servicio desde que expiró el plazo fijado por el principal inversor, el tío Jimmy (Oliver Platt), para que el negocio empezara a sostenerse por sí solo. El local sigue lejos de obtener beneficios, mientras la lluvia pone en riesgo reservas y entregas, la fontanería falla y el sistema de reservas deja de funcionar.

El cambio más visible está en el papel de Sydney. La cocinera, ahora nueva jefa de cocina, carga con un secreto que no conoce todo el equipo: la salida inminente de Carmy. Eso la obliga a liderar en el peor momento, mientras él pasa a ser casi una presencia fantasma en su propia cocina.

Un regreso a los inicios

La quinta temporada casi elimina los ‘cameos’ llamativos, prescinde de grandes desvíos narrativos como los de la entrega anterior y deja fuera a Claire, la ‘expareja’ de Carmy interpretada por Molly Gordon.

Ese regreso al interior del restaurante permite que estilo y contenido vuelvan a acompasarse. Así, la temporada recupera la tensión que convirtió a la serie en un fenómeno, hasta el punto de que el sexto y el séptimo episodios se parecen “a un ataque de pánico”, y además lo hace con una puesta en escena más precisa y menos mareante que la de las dos últimas entregas.

La banda sonora también cambia. La música electrónica de la temporada corresponde a Christian Lundberg, integrante del colectivo Bleeding Fingers de Hans Zimmer, imprimiendo una urgencia constante.

Jeremy Allen White, Ayo Edebiri y Ebon Moss-Bachrach han confirmado que la quinta es realmente la última temporada, aunque White ha matizado esa certeza con un “eso creo”. Moss-Bachrach la define como “un final elegante y apropiado” que da sensación de obra completa.

DC Studios y Warner Bros. Animation aprovecharon su primera presentación conjunta en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy para anunciar una nueva etapa en la expansión animada de sus personajes. Entre los proyectos revelados destacó especialmente Joker: Laugh Riot, una producción que sentará un precedente en la compañía al convertirse en la primera serie anime desarrollada por DC Studios.

El anuncio se realizó durante el evento celebrado en el teatro Bonlieu de Annecy, Francia, donde los ejecutivos Peter Safran, copresidente y codirector ejecutivo de DC Studios, y Sam Register, presidente de Warner Bros. Animation, presentaron contenido en desarrollo.

La nueva serie pondrá al Joker en el centro de la historia y lo mostrará desde una perspectiva poco habitual. Según la sinopsis oficial revelada por DC Studios, la trama comienza con el homicidio de Batman, un hecho que desencadena una inesperada reacción en el archienemigo del Caballero Oscuro.

Cuando Batman es asesinado, el Joker inicia una despiadada cruzada a través de los barrios bajos de Gotham para encontrar al responsable de la muerte de quien fue su mayor adversario. La búsqueda del culpable lo llevará a enfrentarse a una crisis personal cada vez más profunda. Mientras avanza en su investigación, el villano descubrirá que su identidad ha estado siempre ligada a la existencia de Batman y que, sin él, ya no sabe realmente quién es.

La descripción oficial señala además que su violenta búsqueda de respuestas terminará acercándolo más al papel de vigilante que al de villano, una premisa que promete ofrecer una visión distinta del personaje y de su relación con el héroe de Gotham.

Joker: Laugh Riot estará dirigida por Yasuhiro Aoki, cineasta japonés reconocido recientemente por la película anime ChaO. El realizador también trabajó en The Lord of the Rings: The War of the Rohirrim, producción nacida de la colaboración entre Warner Bros. Animation y el estudio japonés SOLA Entertainment.

La serie será desarrollada precisamente junto a SOLA Entertainment, compañía que se ha convertido en uno de los socios estratégicos de Warner Bros. en el terreno del anime. El proyecto también contará con Jim Krieg como productor ejecutivo.

Aoki no es ajeno al universo de Batman. Entre sus trabajos figura su participación en Batman: Gotham Knight, la antología animada inspirada en la versión cinematográfica del personaje popularizada por Christopher Nolan.

El anuncio llega en un momento en que Warner Bros. Animation busca ampliar su presencia en el mercado global del anime. Según destacó Variety, la compañía considera que el género atraviesa un período de enorme crecimiento internacional y por ello ha reforzado sus alianzas con estudios japoneses para desarrollar nuevas producciones basadas en sus franquicias más populares.

Aunque el Joker ya había recibido anteriormente una reinterpretación anime en Suicide Squad Isekai, esta será la primera serie anime oficial producida por DC Studios y centrada en uno de sus personajes principales.

El éxito de Absolute Batman también llegará a la animación

Además de Joker: Laugh Riot, DC Studios y Warner Bros. Animation anunciaron una adaptación animada de Absolute Batman, una de las series de cómics más exitosas de los últimos años.

La obra, creada por Scott Snyder y Nick Dragotta, forma parte del denominado Universo Absolute, una continuidad alternativa que reinventa a los héroes clásicos de DC. En esta versión, Bruce Wayne carece de varios de los elementos que tradicionalmente definieron al personaje, incluida la fortuna familiar y los privilegios asociados a ella.

La futura serie animada contará con Snyder como showrunner y productor ejecutivo, mientras que Dragotta participará como productor. Durante la presentación se mostraron las primeras imágenes del proyecto y se confirmó que la adaptación mantendrá la esencia de la versión del cómic, que presenta a Batman como un héroe de clase trabajadora enfrentado a obstáculos aparentemente imposibles.

La tercera gran novedad presentada en el festival fue una serie animada protagonizada por Krypto, el famoso perro de Superman. El proyecto estará encabezado por C.H. Greenblatt, creador de Chowder y uno de los responsables de Jellystone!. La historia seguirá a Krypto cuando comienza a relacionarse con un grupo de jóvenes aspirantes a criminales que viven cerca de él.

Según la descripción oficial, el superperro se convertirá rápidamente en una fuerza caótica y adorable dentro del grupo. A medida que acompañe a sus nuevos amigos en aventuras y planes mal hechos, su naturaleza bondadosa terminará influyendo positivamente en ellos, incluso cuando no lo deseen.

Descargar películas y series en plataformas como Netflix o Disney+ se ha convertido en una estrategia cada vez más común para quienes buscan una experiencia de entretenimiento fluida, previsible y sin contenido que no interese.

Aunque durante años la descarga fue vista como un recurso secundario, su uso es una opción a tener en cuenta ante las limitaciones propias del streaming y la inestabilidad de las conexiones.

Cuáles son los beneficios de descargar películas y series de apps de streaming

• Acceso garantizado

El beneficio más evidente de descargar contenido radica en la posibilidad de disfrutarlo completamente offline. Esto significa que no se consumen datos móviles ni se depende de una red Wi-Fi en buen estado, lo que resulta útil en aviones, zonas rurales o durante viajes al extranjero.

Al almacenar los episodios o películas en el dispositivo, desaparecen los problemas de almacenamiento en búfer y las caídas de calidad de video que suelen darse con una conexión inestable. Así, se evita la frustración de pausas inesperadas, una situación habitual en viajes largos o en lugares con mala señal.

La descarga también implica un ahorro directo en el consumo de datos móviles. Al bajar el contenido cuando se dispone de una red fija o Wi-Fi, se eliminan gastos adicionales y se evita el uso de planes de datos limitados. Esto impacta en la economía diaria de quienes consumen series y películas fuera de casa de manera frecuente.

• Orden y control de la biblioteca

Tener una biblioteca local de contenido descargado brinda un nivel de organización difícil de conseguir solo con el streaming. Mientras las plataformas ofrecen listas de reproducción y recomendaciones, la realidad es que la gestión se vuelve fragmentada cuando se tienen varias suscripciones activas.

Descargar permite reunir los títulos favoritos en un solo lugar, accesibles sin necesidad de navegar por aplicaciones distintas ni depender de algoritmos que priorizan novedades o promociones.

• Calidad de video predecible

Una de las mayores molestias del streaming es la variabilidad en la calidad de reproducción. Factores como la velocidad de conexión, la congestión de la red o cortes de energía pueden afectar la experiencia, forzando saltos de calidad o interrupciones constantes.

En cambio, cuando el contenido está descargado, la calidad es siempre la pactada: no hay downgrades de imagen ni audio, y la reproducción es continua.

Esta diferencia puede parecer menor, pero para quienes valoran la calidad audiovisual o desean ver títulos en alta definición, es determinante. Ya no se depende de la estabilidad de la red ni se corre el riesgo de que un fallo del servicio arruine una función especial o una maratón de series.

• Una alternativa ideal para viajar

Uno de los usos más prácticos de las descargas surge al viajar. Aeropuertos, trenes y hoteles suelen presentar conexiones lentas, costosas o directamente inexistentes.

Además, la disponibilidad del catálogo varía según la región, y algunas plataformas exigen comprobaciones periódicas para seguir accediendo a la cuenta. Descargando previamente el material deseado, el usuario elude todos estos obstáculos y garantiza su entretenimiento durante desplazamientos largos o estancias en el extranjero.

• Funciones inteligentes de cada plataforma

Netflix y Disney+ ofrecen herramientas específicas que potencian la experiencia de descarga. En Netflix, la función “Descargas Inteligentes” elimina automáticamente los episodios ya vistos y descarga el siguiente, facilitando la gestión del espacio.

La opción “Descargas para ti” permite que el sistema baje automáticamente títulos recomendados según el historial de visualización, siempre conectados a Wi-Fi.

Cuáles son las limitaciones de descargar películas y series

No todo son ventajas. El principal reto de mantener una biblioteca offline es el espacio de almacenamiento. Películas en alta definición y temporadas completas de series pueden ocupar varios gigabytes, lo que obliga a gestionar periódicamente el contenido y considerar opciones como discos externos o servicios en la nube.

Además, no todos los títulos están disponibles para bajar, y algunos requieren conexión ocasional para renovar permisos o verificar la suscripción. Hay que invertir tiempo en la organización y mantenimiento de la biblioteca local, una tarea que puede resultar tediosa para quienes prefieren la inmediatez del streaming tradicional.

Desde sus primeros compases, este episodio de The House of the Dragon es diferente. El compositor Ramin Djawadi añade varios compases extra de percusión atronadora al inicio de su tema principal. Cuando comienza la historia y suena la música, el sonido dominante no son cuerdas conmovedoras, sino un gancho de sintetizador recurrente y siniestro, tan grave que resulta casi catónico. El simbolismo sonoro es innegable. Es el sonido de una guerra total.

La última temporada de Dragon terminó en vísperas de la batalla por el Trono de Hierro, en la que los aspirantes rivales de la gobernante Casa Targaryen lucharán por el derecho a controlar los Siete Reinos de Poniente. De un lado está Rhaenyra Targaryen (Emma D’Arcy), una mujer indomable pero propensa a la tragedia, cuya herencia fue usurpada por su derrochador hermanastro menor, Aegon (Tom Glynn-Carney). La respaldan su volátil tío y esposo, el señor de la guerra Daemon Targaryen (Matt Smith), y el mejor comandante naval del reino, Corlys Velaryon (Steve Toussaint), conocido como la Serpiente Marina. Rhaenyra da sus órdenes desde la antigua sede familiar, la fortaleza insular llamada Rocadragón.

Al otro lado está Aegon, y bueno… su situación es complicada. Traicionado y horriblemente mutilado por su hermano menor, Aemond Tuerto (Ewan Mitchell), y por Vhagar, el dragón de Aemond, que se asemeja a Godzilla, Aegon ha huido de Desembarco del Rey para evitar ser asesinado. Su tutor de facto es Lord Larys Strong (Matthew Needham), conocido como el Pie Zanco por su discapacidad.

Larys, un intrigante cuya lealtad es cuestionable, salva la vida del arrogante Aegon de los soldados leales a Rhaenyra al revelar la identidad del rey. Larys intuye, correctamente, que sus captores preferirían tener rehenes vivos antes que cabezas cortadas. Esto deja a Aemond, un psicópata certificado, la oportunidad de reclamar el trono en ausencia de su hermano mayor.

Este es un gran problema para Alicent y para el reino. En una jugada arriesgada —y apartándose del material original del autor y cocreador George R.R. Martin, “Fuego y sangre”— Alicent visitó a su vieja amiga Rhaenyra la temporada pasada para negociar su rendición. Conocidos coloquialmente como los Verdes por los colores de la Casa Hightower, el bando de Alicent solo cuenta con dos dragones listos para la guerra, y sus jinetes son de utilidad incierta: Aemond es impredecible, y su hermano menor, Daeron, aún no visto, se encuentra a cierta distancia, con su propio dragón y un ejército bajo el mando del sarcástico primo de Alicent, Lord Ormund Hightower (James Norton). Los Verdes no serían rival para los siete dragones que se sabe que vuelan bajo el estandarte negro de Rhaenyra.

Tres de esos dragones y sus jinetes —Addam de Hull (Clinton Liberty), Hugh Hammer (Kieran Bew) y Ulf White (Tom Bennett), todos descendientes ilegítimos de las antiguas casas valyrias— están esperando para emboscar a Aemond, quien se niega a caer en su trampa.

En su campamento, reciben una misteriosa visita de Black Alys Rivers (Gayle Rankin), la autoproclamada bruja que atormentó a Daemon la temporada pasada, acompañada de una cabra parecida a Black Philip y un extraño humanoide con astas. (Yo tampoco sé qué es eso.) Las bromas entre los hombres, en particular las de Ulf, indican que ya se está gestando una disensión en las filas de los jinetes de dragones, y Alys no hace nada por calmarla.

Sin saber nada de esto, Alicent planea suspender las medidas defensivas y permitir que Rhaenyra tome la ciudad y el Trono de Hierro sin incendios ni derramamiento de sangre. Solo pide que se les perdone la vida a ella y a su dulce hija, la reina Helaena (Phia Saban). (Helaena, que es retratada como neurodivergente y telépata a partes iguales, está mucho más interesada en estudiar insectos que en montar un dragón). Enviar a Aemond y Vhagar a las Tierras de los Ríos para perseguir a Daemon y su dragón, Caraxes, es fundamental para el plan de Alicent y Rhaenyra.

Pero incluso cuando Daemon gana una sangrienta batalla contra los ejércitos aliados de la Casa Lannister —con la inesperada ayuda de las fuerzas del Norte bajo el conocido emblema del lobo huargo de la Casa Stark— Aemond se niega a ceder. Se supone que debe unirse al hermano menor de Alicent, Gwayne Hightower (Freddie Fox), y a su antiguo amante, Ser Criston Cole (Fabien Frankel), en la campaña contra Daemon, pero argumenta que al menos un jinete de dragones experimentado debe quedarse para proteger Desembarco del Rey. Solo adulando sin cesar el ego de su hijo, incluso con un beso incestuoso, Alicent logra convencerlo de que siga su consejo y se marche. El precio, como vemos en la lágrima que cae de sus ojos después, es su dignidad.

La vieja amiga de Alicent se enfrenta a su propia forma de falta de respeto filial, con consecuencias aún más graves. Cuando la hijastra de Rhaenyra, Baela (Bethany Antonia), llega a Rocadragón con la noticia de que la alianza extranjera llamada la Triarquía ha atacado la flota de la Serpiente Marina en nombre de los Verdes, Rhaenyra se apresura a prepararse y enfrentarse a ellos a lomos de un dragón.

Sin embargo, su testarudo hijo Jacaerys (Harry Collett) tiene otros planes. Ya sea por ingenuidad juvenil, sexismo cultural, sospecha de las intenciones de Alicent, la necesidad de demostrar su valía, el simple deseo de proteger a su madre o una combinación de todo ello, Jace encierra a Rhaenyra en sus aposentos y corre a la batalla montado en su dragón, Vermax. Baela y su propia bestia, Moondancer, se unen a su ataque.

Lo que les espera es, sencillamente, la batalla más espectacular que jamás haya visto en televisión. Incluso para los elevados estándares de la franquicia Mundo de Hielo y Fuego, la Batalla de la Garganta destaca por encima de las demás.

Bajo el mando de la reina pirata y almirante Sharako Lohar (Abigail Thorn), la flota de la Triarquía choca con la de la Serpiente Marina en un conflicto de proporciones y ferocidad asombrosas. Proyectiles llameantes surcan el aire. Soldados y marineros se baten en duelo en cubiertas resbaladizas de sangre. Dragones se abalanzan y siembran la muerte desde lo alto: no solo Vermax de Jace y Moondancer de Baela, sino también Sheepstealer, un dragón salvaje medio domesticado por la hermana de Baela, Rhaena (Phoebe Campbell). Asustado por el combate, Sheepstealer enloquece, incendiando todo a su paso y atacando con ferocidad a los demás dragones.

Por suerte para el Equipo Negro, Lohar ha venido a saldar cuentas, no a ganar una guerra. Tras arrojar al embajador de los Verdes, Tyland Lannister (Jefferson Hall), por la borda para que se ahogue, se enfrenta a Corlys Velaryon en una persecución a muerte a través de una ensenada poco profunda, para luego embestir su buque insignia con el suyo. (Su barco se llama, de forma muy sugerente, Puño de Perra). La Serpiente Marina cae por la borda durante su duelo con la salvaje Sharako. Posteriormente, es apuñalada hasta la muerte por el hijo ilegítimo de Corlys, Alyn (Abubakar Salim), en una lucha cuerpo a cuerpo perturbadoramente íntima, sumergidos en agua de mar hasta el cuello.

El hijo de Rhaenyra no tiene tanta suerte. Baela salva a Jacaerys y Vermax del primer gancho de Sharako, cargado de anclas. Pero un segundo gancho acaba con ellos, ahogando al dragón con una lentitud espantosa. Ver a Jace darse cuenta, en tiempo real, de que su amado corcel está perdido y que debe liberarse para sobrevivir es sorprendentemente conmovedor; así de reales se sienten estas criaturas generadas por ordenador.

Sin embargo, no tenemos tiempo ni para respirar, pues el reaparecido Jace es acribillado a flechazos, al estilo de San Sebastián. Es brutal verlo sobrevivir a una caída desde el cielo sobre un dinosaurio que escupe fuego, solo para ser abatido como un pez en un barril.

El episodio termina con los dos buques insignia destrozados, los dos comandantes muertos o desaparecidos, una devastada Rhaena huyendo en el Sheepstealer y su hermana, Baela, contemplando la carnicería desde el cielo mientras los barcos arden y se hunden hasta donde alcanza la vista.

Al igual que otras series de la franquicia, como Game of Thrones y Un caballero de los siete reinos, The House of the Dragon se basa en la violencia. La violencia es el motor que impulsa la cultura que estas series retratan. La violencia es lo que eleva a los reyes al trono y los derroca. La violencia es lo que impone una rígida jerarquía de títulos, rangos, clases y géneros. La violencia está consagrada en el lema de la Casa Targaryen: “Fuego y sangre”. Además, la violencia puede ser muy entretenida de ver desde la comodidad del sofá.

El truco, entonces, es darnos lo que queremos hasta el punto en que ya no estemos seguros de quererlo. ¿Decepcionado porque la segunda temporada no terminó con la gran batalla naval que se había estado gestando? Aquí, disfruta viendo a montones de humanos siendo prendidos fuego o arrojados por la borda para ahogarse con sus armaduras. Observa a una pirata intrépida morir con terror en los ojos. Emociónate con una adolescente que accidentalmente provoca una serie de horribles quemaduras mientras grita, solloza y suplica a su dragón que pare. Diviértete con un príncipe de 16 años que toma una mala decisión y muere por ella, junto con su magnífico dragón, derramando sangre en el agua mientras se hunde. Y de paso, disfruta de una pizca de incesto madre-hijo. ¿Contento ahora?

Esto no quiere decir que el episodio carezca de humor: la rutina cómica de Aegon y Larys es desternillante; el trío de jinetes de dragones novatos tiene una dinámica muy entretenida; la inquietud de Aemond es de un humor negro; e incluso Sheepstealer se suma a la diversión, arrojándole una oveja quemada a Rhaena como un gato gigante que le trae un ratón muerto a su dueño. Y por muy terrorífica que sea la serie visualmente, también es con frecuencia deslumbrante, con escenas iluminadas en un suntuoso dorado o un gris atmosférico.

Pero el mensaje principal sobre las guerras de elección es simple, expresado por la mano nihilista del rey, Ser Criston Cole. “Mira a tu alrededor”, le dice a Gwayne mientras esperan para luchar y morir. “La perdición y la ruina nos rodean. Todos nos convertiremos en bestias antes de nuestro fin”.

Fuente: The New York Times.

[Fotos: Ollie Upton/ HBO y HBO MAX]

Ahora, Movistar Plus+ estrena La más grande, una ‘docuserie’ de cuatro capítulos a modo de biografía que se encarga de honrar a la artista desde todas sus facetas, tanto la artística y pública como la íntima y privada. Lo que viene siendo la dicotomía entre el icono y la mujer, entre Rocío Jurado y Rocío Mohedano.

La serie ha sido dirigida por Alexis Morante, que ya había trabajado el biopic documental para figuras como Enrique Bunbury, Camarón de la Isla, Alejandro Sanz o David Bisbal. Ademas, cuenta con Rocío Carrasco como productora ejecutiva y se apoya en un manuscrito escrito por la propia artista que recorre su vida desde el nacimiento hasta la separación de Pedro Carrasco.

“El proyecto ha tardado todo el tiempo que yo he tardado en encontrar a la gente adecuada para que lo hiciera, porque era muy personal”, cuenta Rocío Carrasco a Infobae.

Una mujer que rompió todos los moldes

El primer episodio se estrena el jueves 25 de junio y los cuatro capítulos llegarán con cadencia semanal. La plataforma presenta el proyecto como la serie documental definitiva sobre una figura que rompió los estereotipos de la folclórica clásica para convertirse en una mujer moderna, libre y reivindicativa.

La producción, además, incorpora fotos, vídeos y grabaciones inéditas aportadas por su hija. Ese material personal incluye también el texto que sirve de hilo conductor al relato y que, según Rocío Carrasco, no es un diario ni unas memorias al uso, sino una biografía escrita por la cantante.

Carrasco ha relatado que el origen de ese manuscrito se remonta a 2001, cuando murió su padre. Entonces, su madre le entregó un sobre con fotos y un texto “para que cuando te apetezca, lo leas y sepas quién es tu padre y tu madre”.

La productora ejecutiva guardó aquel material sin revisarlo a fondo y volvió a encontrarlo años después, cuando buscaba imágenes para el documental. Fue en ese momento cuando identificó su alcance: una narración en primera persona que cubría desde el nacimiento de Rocío Jurado hasta su ruptura con el boxeador onubense.

Ese hallazgo resolvió una de las decisiones centrales del proyecto: cómo contar la vida de la artista. El equipo barajó varias opciones y terminó optando por que fuese ella misma, a través de ese texto, quien guiara la historia.

La narración corre a cargo de Daniela Vega, actriz y cantante chilena (protagonista de la película Una mujer fantástica), cuya presencia no responde a un simple papel de locutora. La elección tiene una historia personal vinculada a Jurado que se revela al final del cuarto capítulo.

Así, Vega lee y atraviesa la historia “como si fuera una fábula”, ya que el director ha insistido en que buscaba una voz cinematográfica y en que su intención era huir del formato de “bustos parlantes”, aunque sí haya entrevistas que aporten cercanía y veracidad.

Referente del feminismo y la comunidad LGTBI

El eje de la serie no es solo la carrera musical de la cantante de Chipiona, nacida en 1943 y fallecida en 2006. El documental la presenta también como un símbolo de cambio en un país marcado por la dictadura, la represión y el machismo estructural.

Esa mirada subraya cómo la artista se declaraba feminista en televisión y descolocaba a presentadores como Jesús Hermida, José María Íñigo, Lauren Postigo o La Trinca. La serie rescata esas intervenciones como prueba de una posición pública poco habitual en su tiempo.

“Hay una cosa que siempre me impresionó, que fue el funeral de Rocío Jurado en Chipiona, con todo el país conmocionado. Para mí fue una especie de punto de partida: ¿qué hizo esa mujer para que se la quisiera tanto? ¿Qué había detrás del mito?“, cuenta Alexis Morante. ”Así que la propuesta era contar su historia de una forma muy emocional desde esa dicotomía entre la, la Rocío persona y la Rocío profesional, intentando investigar esas dos formas de entender el mundo que tenía ella misma, con sus contradicciones. Y también, a través de ella, cómo evolucionó nuestro país en materia de derechos sociales, en especial para las mujeres, de las que ella se erige como representante de esa revolución".

En ese sentido, también se revisan episodios como el del vestido semitransparente que lució en una gala de TVE en 1974, una polémica que llegó a provocar la dimisión del ministro de Información y Turismo Pío Cabanillas.

“Era su forma de pensar, lo tenía claro desde la cuna, desde que nació. Siempre lo he dicho, que es alguien que lo traía intrínseco, era una verdad profunda que ella tenía. Tenía sus pensamientos, sus valores y lo plasmó lo cantó, lo dijo, lo demostró. Y al final yo lo único que puedo sentir es, es un orgullo muy grande”, continúa Rocío Carrasco.

El documental incide además en la relación de la cantante con el colectivo LGTBIQ+, situándola como una aliada histórica admirada por personas gais, lesbianas y trans, además de una de las artistas más imitadas en el arte drag.

Rocío Carrasco sostiene que su madre llevaba esa forma de pensar “en el ADN” y que en su casa no existía otra posibilidad moral. La igualdad entre hombres y mujeres, la independencia económica, laboral y emocional y el respeto a otros colectivos formaban parte de la educación que, según su hija, impartía en el ámbito familiar.

La dimensión artística también ocupa un lugar central. Rocío Jurado vendió 20 millones de discos y obtuvo 150 discos de oro y 60 de platino, una trayectoria que la llevó a transitar por flamenco, copla, canción española, lírica, jazz y góspel.

Entre las figuras que articulan ese recorrido aparecen Manuel Alejandro y Juan Pardo, definidos como sus “dos escuderos”. El primero impulsó composiciones como Amores a solas o Lo siento mi amor; el segundo acompañó un momento posterior de reinvención con el álbum Punto de partida, publicado en 1989.

La serie repasa además sus comienzos: la muerte temprana de su padre, los concursos radiofónicos en Andalucía, la llegada a Madrid, su paso por el coro flamenco del tablao El Duende y después por el tablao de Manolo Caracol en la calle Barbieri, antes de las primeras grabaciones, el cine y las actuaciones televisivas que dispararon su popularidad.

No participan en el documental familiares como José Ortega Cano, Amador Mohedano o Gloria Mohedano porque rechazaron la invitación. El proyecto llega cuando se cumplen 20 años de la muerte de la cantante y coincide con otros movimientos de relectura de su legado, como un libro colectivo publicado por Dos Bigotes y el rodaje en Chipiona de una serie de ficción de TVE y Boomerang TV sobre su vida.

El documental definitivo de ‘la más grande’

¿Cómo le ha afectado a Rocío Carrasco hacer este documental sobre su madre?

“Al final te remueve, pero me ha ayudado como terapia de choque, también a colocar ciertas cosas, o a intentar convivir con ellas. Ya había empezado ese proceso hacía tiempo, cuando preparamos el musical, porque tuve que hacer un esfuerzo en el sentido de escuchar, ver, poner. Pero este trabajo ha sido más profundo, y me ha apoyado a convivir con un duelo que no se va, que nunca se va a mitigar, porque siempre va contigo”.

En el documental, hay muchas grabaciones inéditas, pero las más interesantes son las que se refieren a la vida privada y cotidiana de la artista. “Queríamos que fuera el documental definitivo de Rocío Jurado”, cuenta Alexis Morante. “Así que hemos buscado debajo de las piedras para encontrar todo el material posible para contar esta historia. Queríamos que todo eso nos sirviera para conocer a la verdadera Rocío, con y sin la máscara”.

Todos conocemos cómo termina el trayecto. El final de la historia es ese momento climático del funeral. Pero, para entender la magnitud, había que contar la génesis del mito, de esa mujer que empezó desde abajo en una España compleja y terminó rompiendo estereotipos. Y se convirtió en ‘la más grande’ y en la banda sonora de nuestras vidas.

La serie tendrá como protagonista a Stuart Bloom, quien se convierte de manera accidental en el responsable de un desastre multiversal que pone en peligro la estructura misma de la realidad. Esta producción representa la cuarta ambientada en el universo de la serie original y se apoya en el regreso de varios personajes entrañables, ahora presentados en versiones alternativas.

El surgimiento de un nuevo spin-off

The Big Bang Theory ya cuenta con un historial consolidado de éxitos derivados: después de la serie original, llegaron Young Sheldon y la reciente Georgie & Mandy’s First Marriage. No obstante, Stuart No Logra Salvar El Universo constituye un cambio significativo al adoptar la ciencia ficción como género principal. Chuck Lorre, creador de la serie original, dirige esta producción junto a Zak Penn y Bill Prady, quienes aportan su experiencia previa en tramas de universos paralelos y tecnología con consecuencias impredecibles.

En esta ocasión, la historia comienza con un accidente: Stuart, propietario de la tienda de cómics, rompe por accidente un dispositivo creado por Leonard y Sheldon, lo que provoca un colapso en el tejido de la realidad. Este evento obliga a Stuart a afrontar las consecuencias y a recorrer diversas dimensiones en un intento por evitar una catástrofe.

Stuart y sus aliados: evolución de personajes secundarios a héroes poco convencionales

La selección de Stuart como figura central busca dar mayor protagonismo a personajes que tradicionalmente han tenido roles secundarios. Kevin Sussman regresa en el papel de Stuart, con Lauren Lapkus interpretando a Denise y Brian Posehn como Bert. Este trío poco tradicional debe enfrentar los retos propios de cada universo alternativo. El antagonista principal es Barry Kripke, interpretado por John Ross Bowie, un físico brillante cuyas intenciones resultan cuestionables y cuya versión alternativa adquiere relevancia dentro de la trama.

La serie explora el potencial de cada uno de estos personajes, mostrando facetas desconocidas y desarrollando vínculos poco explorados en entregas anteriores. Además, en cada episodio aparecerán diferentes versiones de personajes conocidos de la saga, lo que aporta múltiples referencias para los seguidores de la franquicia.

Cultura pop, apariciones especiales y humor en un entorno de ciencia ficción

La serie mezcla referencias a la cultura pop, experimentos científicos fallidos y situaciones absurdas, manteniéndose fiel al espíritu de la serie original, pero sumando el caos característico del género multiversal. El guion está a cargo de un equipo liderado por Lorre, Penn y Prady, mientras que la dirección de varios episodios corre por cuenta de Kyle Newacheck. La música original ha sido compuesta por Danny Elfman, reconocido por su trabajo junto a Tim Burton en producciones como El extraño mundo de Jack y El cadaver de la novia, con el objetivo de reforzar el tono fantástico y poco convencional de la serie.

La estrategia de estrenar los episodios semanalmente busca incentivar la creación de teorías y el debate en redes sociales, manteniendo el interés a lo largo de la temporada. Los productores han anunciado la participación especial de varios personajes relevantes para la historia, aunque los detalles no han sido revelados. Así, cada capítulo ofrecerá un nuevo escenario y distintas sorpresas para los fans, ampliando la mitología del universo de The Big Bang Theory.

Ambición técnica y artística renovada

Netflix y Wit Studio han unido fuerzas para revivir One Piece desde su inicio, apostando por una animación de alta calidad y técnicas narrativas actualizadas. Tras años de rumores y desarrollo, el estudio japonés Wit Studio, conocido por éxitos como Shingeki no Kyojin y Spy x Family, lidera este proyecto, prometiendo una experiencia visual y emocional potenciada por el CGI y nuevos enfoques cinematográficos.

Los primeros adelantos muestran una reinterpretación que busca distanciarse de las simples remasterizaciones, presentando una versión renovada pero respetuosa de la obra original. Además, el propio creador, Eiichiro Oda, se ha involucrado activamente, permitiendo a Wit Studio libertad creativa para diferenciar la serie de otras adaptaciones previas.

Cambios principales en el remake

El remake, titulado The One Piece, adaptará desde el comienzo la conocida Saga del East Blue en siete episodios de cuarenta minutos, cubriendo desde los orígenes de Luffy hasta el Arco del Baratie y la llegada de Sanji al grupo. A diferencia del anime original, esta nueva versión elimina los episodios de relleno, reduce la censura y promete un ritmo mucho más ágil y accesible para nuevas audiencias.

Esta decisión responde a la demanda de una versión que respete el ritmo y la esencia del manga de Oda, facilitando una primera experiencia para quienes nunca han tenido contacto con la franquicia. Por ahora, los detalles sobre el reparto y el doblaje permanecen en secreto, aunque el tráiler sugiere la posible participación de Mayumi Tanaka retomando la voz de Luffy en japonés, lo que suma un elemento nostálgico al proyecto y tranquilidad para los seguidores de la versión original.

Impacto esperado en la audiencia y percepción del público

La iniciativa de Netflix y Wit Studio representa una oportunidad única para revitalizar y ampliar el fenómeno One Piece en una época dominada por las plataformas digitales y el crecimiento global del anime. El formato episódico, la ausencia de contenido de relleno y la animación mejorada buscan eliminar barreras y consolidar la franquicia como parte de la cultura popular internacional.

Para los seguidores de siempre, que las nuevas generaciones puedan descubrir o redescubrir las aventuras del sombrero de paja en un formato más accesible y claro ha sido recibido con entusiasmo y cierta cautela. Los datos indican un interés creciente por los remakes y relanzamientos de clásicos en alta calidad, y The One Piece parece alinearse con esta tendencia. Sin embargo, entre los fanáticos más fieles al material original, persisten dudas sobre cuánto respetará la adaptación el espíritu de la serie y la profundidad de sus personajes.

Una niña pelirroja con dos trenzas imposibles, un vestido hecho de trapos y unas medias de colores entra como un torbellino en una casa de un pequeño pueblo sueco. No tiene padres, vive sola. Bajo su tutela, sí están, sin embargo, un pequeño mono anclado siempre a su hombro y un caballo con un aspecto similar al de un dálmata. Sus pertenencias consisten en un cofre lleno de monedas de oro, su nivel de cocina, en hacer crepes en el suelo, y su particular personalidad llega hasta la hora de dormir: duerme con los pies en la almohada.

Ella no es otra que Pippi Calzaslargas (Pippi Langstrumpf, en sueco), el personaje al que dio vida la actriz Inger Nilsson en la serie germano-sueca del mismo nombre estrenada en 1969 y basada en las novelas de Astrid Lindgren, que comenzaron a editarse en 1945.

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En España, la serie se emitió por primera vez en 1974 gracias a RTVE. Desde entonces, la ficción se ha quedado anclada de generación en generación para boombers, millenials y buena parte de la generación Z. En televisión o a través de VHS, para entonces niños, crecieron viendo las aventuras de Pippi y sus vecinos, los hermanos Tommy y Annika, maravillados por el espíritu libre de su particular vecina.

Ahora, 80 años después de la publicación de la primera aventura literaria de Pippi, el personaje se prepara para regresar a la pequeña pantalla. La productora StudioCanal ha unido fuerzas con Heyday Films —responsable de la saga cinematográfica de Harry Potter y de las películas de Paddington—, la compañía neerlandesa Submarine y The Astrid Lindgren Company -empresa que maneja todo los derechos de las obras de la autora- para desarrollar una nueva serie de animación basada en la popular heroína infantil.

Una nueva serie con 52 episodios de 11 minutos

Según adelantó la revista especializada Variety, el proyecto constará de 52 episodios de 11 minutos realizados mediante animación 3D CGI y se plantea “como una nueva versión moderna” del personaje de Lindgren. La producción arrancará en octubre y contará con guiones de la escritora británica Sara Daddy, conocida por trabajos como The Night Before Christmas in Wonderland, Olga Da Polga y Tulipop Tales.

La historia volverá a situar a Pippi en el centro de la acción. Con sus medias desparejadas, el pelo color zanahoria, las pecas, un mono sobre el hombro, una maleta repleta de monedas de oro y un caballo que puede cargar ella sola, la niña alterará para siempre la vida de Tommy, Annika y el resto de habitantes del pequeño pueblo al que llega.

El proyecto supone un nuevo capítulo para una franquicia que ha demostrado una extraordinaria capacidad para resistir el paso del tiempo. Los libros de Astrid Lindgren han vendido más de 90 millones de ejemplares en todo el mundo, han sido traducidos a 80 idiomas y continúan comercializando alrededor de 1,5 millones de copias cada año.

Los productores David Heyman, Rosie Alison y Rob Silva han destacado que el espíritu del personaje seguirá intacto. En un comunicado, han definido a Pippi como una figura “alegre, libre, juguetona, rebelde, amable y extraordinariamente resistente” cuya originalidad “sigue siendo tan fresca como siempre”. Por su parte, Sara Daddy ha asegurado que trabajar con el personaje es “un proyecto soñado” y ha subrayado su intención de preservar la independencia, la imaginación y la fuerza que han convertido a Pippi en un icono para varias generaciones de lectores. Además de la serie, las compañías implicadas trabajan también en una película basada en la historia clásica de Pippi Calzaslargas.

X-Men ’97, la más reciente serie animada de los mutantes más conocidos de Marvel, prometió ser la continuación directa de la entrega animada de los noventa, y lo cumplió. Sin embargo, hay algo más que no todo el mundo notó: cada episodio de la primera temporada es, en líneas generales, una adaptación encubierta de los cómics. El material que utiliza es bastante particular: los arcos más legendarios de Chris Claremont, los momentos más brutales de Grant Morrison. El nivel de fidelidad al material original es realmente destacable.

De todas formas, no son adaptaciones literales. La serie comprime, fusiona y reordena el material original. Así y todo, las referencias son precisas: personajes, situaciones, dinámicas y hasta viñetas específicas tienen un origen muy claro en el papel.

Por ejemplo, el segundo episodio, donde se ve el juicio de Magneto, es fácilmente reconocible para cualquier lector de Claremont, ya que adapta directamente Uncanny X-Men #200, de 1985. En ese número, el juicio termina sin condena firme; Xavier se va al espacio con Lilandra para recuperarse, y Magneto queda a cargo de los X-Men. La serie replica esa dinámica casi calcada. La única diferencia visible es la aparición de Madelyne Pryor embarazada, lo que conecta todo con el episodio siguiente.

En ese siguiente episodio, el arco entero de Madelyne viene de Inferno, el crossover de 1989: ella descubre que es un clon de Jean Grey, realiza un pacto con demonios de Limbo para recuperar a su bebé, y se transforma en la Reina Goblin. La serie condensa todo eso en un solo episodio pero conserva lo central: la traición de Scott, la rabia de Madelyne, y su caída. Por supuesto, lo más notorio es la decisión de mandar al bebé Nathan al futuro, infectado por un virus tecno-orgánico, para que sobreviva. Ese bebé, eventualmente, crece para convertirse en Cable.

El cuarto episodio lleva directamente el nombre del cómic en el que está basado. Lifedeath es una historia de 1984 donde Storm pierde sus poderes por culpa de una pistola neutralizadora, que en realidad estaba destinada a Rogue. La serie adapta esa situación y el vínculo emocional que se forma entre Storm y Forge mientras ella convalece en su casa. El arco original, sin embargo, se extendía bastante más en los comics. Por su parte, la serie eligió dividirlo en dos episodios para que esa historia pueda respirar.

El quinto episodio es, probablemente, el más cargado de referencias. Rogue y Magneto se encuentran en la Tierra Salvaje, explorando una relación romántica que no termina prosperando. Esto proviene de un número de principios de los noventa. La idea de Magneto como líder de Genosha sale de una miniserie de 1999 en la que la ONU le cede la isla para que construya una nación mutante. La destrucción de Genosha, por su parte, es una adaptación directa de E is for Extinction, el arco de Morrison: un Centinela de tipo Salvaje que aniquila a dieciséis millones de mutantes. El diseño del Centinela y la escala de la masacre son prácticamente idénticos en la serie y en los comics. Es uno de los momentos más impactantes de toda la temporada, y también de toda la historia editorial de los X-Men.

El romance entre Xavier y la emperatriz Lilandra también tiene raíces en cómics de mediados de los setenta. La ruptura definitiva entre los dos, según los cómics, la provoca Cassandra Nova cuando toma posesión del cuerpo de Xavier y desestabiliza el Imperio Shi’ar. La armadura dorada que usa Xavier en la serie viene de un número de 1991 en el que el personaje se disfraza como el Señor de la Guerra.

Los episodios siete y ocho introducen a Bastion y su Operación Tolerancia Cero, que en los cómics fue un evento de verano de 1997: un agente paramilitar que convierte humanos en Centinelas Prime mediante implantes. La primera víctima es Jubilee, aulgo que la serie adapta con algunos cambios. En los cómics, Cable destruye la Mansión Xavier para que Bastion no acceda a su tecnología, mientras que en la serie lo hace la propia Operación. El origen de Bastion también tiene algunos cambios en la serie: apareció de adulto con amnesia y fue criado por una mujer llamada Rose.

Para muchos fanáticos, el episodio nueve es el más emotivo. Allí se concentra la escena de Fatal Attractions en la que Magneto arranca el adamantium de Wolverine, publicada en 1993 y considerada uno de los puntos más altos de toda la era Claremont. La serie replica esto con una fidelidad visual realmente destacable, algo que dejaría contento a cualquier lector. En ese mismo episodio, los X-Men estrenan trajes nuevos que también vienen de los cómics: el de Cíclope y el de Storm del número gigante de los setenta, el aspecto clásico de Marvel Girl que usa Jean del período de la Fénix Oscura, y el traje marrón de Wolverine de principios de los ochenta.

El décimo episodio cierra la temporada con guiños en todas las direcciones. El tablero que arma Forge con mutantes desaparecidos replica la portada icónica de Días del Futuro Pasado, donde los Centinelas tienen a los mutantes categorizados según su estado. La escena de Scott y Jean criando a Nathan en el futuro viene de una miniserie de 1994 en la que las mentes de los dos son transportadas al futuro por su propia hija de una realidad alternativa. Y la escena post-créditos, con Apocalipsis y Gambito como su Jinete de la Muerte, tiene base en una historia donde Gambito acepta ese rol para ayudar a preservar la especie mutante tras una masacre.

La segunda temporada ya está en producción y gira en torno al propio Apocalipsis, con los X-Men dispersos en distintas épocas de la historia. La primera temporada de X-Men ’97 no es solo una buena serie. Es el sueño de los fans con referencias a los cómics, construidas con suficiente respeto y libertad para que nadie necesite haberlas leído.

“No aguantamos más. Estamos alterados todos, ya estamos de los nervios. Psicológicamente esto nos ha afectado a todos”. La frase hoy es uno de los memes más repetidos de internet. La dice una mujer, Isabel, en junio de 2007, para el programa Callejeros de Cuatro, mientras porta un bolsa de basura a modo de chubasquero y se coloca otra en la cabeza. “Está diciendo puta, puta, puta. Sin ser yo nada de eso”, dice minutos después en el salón de su casa, escuchando una grabación de las cámaras de seguridad del rellano de su vivienda.

El clip, tan viral desde hace unos años gracias a Twitter (ahora X) y TikTok en realidad esconde la historia y respectiva batalla judicial entre Isabel y Vicenta, dos vecinas que acumulaban más de 125 denuncias debido a varias disputas. “Una vecina del centro de Valencia lleva años denunciando agresiones, acoso... ¿Y qué más Isabel?”, preguntó al empezar el programa el reportero, cuyo episodio se centró en problemas vecinales. “Y falsos testimonios... Buenos días”, respondía ella mientras estrechaba la mano del periodista.

Cuando el vídeo resurgió en redes sociales en 2020, Jesús, hijo de Isabel, publicó varios mensajes en Twitter en los que reivindicó la historia de su madre y denunció el sufrimiento que había provocado el conflicto. “La gente se queda con la parte graciosa de la historia y no se intenta ver más allá”, escribió. En otro de los mensajes recordaba que la familia llegó a abandonar temporalmente su vivienda tras años de enfrentamientos y amenazas.

“Nuestra vecina nos hizo la vida imposible para que nos fuéramos del piso, nos atemorizaba cada día. Ver a tu madre al límite de la cordura día sí y día también es algo que por desgracia sé. Mi madre luchó cada día por mantenernos a salvo a mi hermano y a mí”, recordó. “Asumo que mi madre es un meme nacional y no me importa. Me duele cuando la gente se burla de ella, pero entiendo que no lo hacen con maldad porque no conocen la historia completa”, añadió.

De la tele... de nuevo a la tele

Casi dos décadas después, la historia llega a la ficción. Los Javis, Javier Ambrossi y Javier Calvo, producen Las Vecinas, una nueva serie inspirada en el universo que rodeó aquel célebre enfrentamiento vecinal que llegará el año que viene a Atresplayer.

La serie no recreará de forma literal los hechos protagonizados por Isabel y Vicenta, pero sí toma como punto de partida una situación similar. La serie seguirá a Josefina y Teresa, dos mujeres que viven puerta con puerta y que llevan más de una década enfrentadas y que llega a los tribunales. “Con los testimonios en sala, viajamos a un pasado en el que Teresa y Josefina parecían destinadas a encontrarse. Porque esta es una historia de odio tan intensa como una historia de amor”, escriben desde la productora.

La serie ha sido creada por Natalia Boadas (Vestidas de azul) y Almudena Monzú (Esmorza amb mi, Pubertat, Yo siempre a veces), quien además asumirá la dirección junto a Javier Ferreiro, director de Mariliendre. El proyecto se suma así al catálogo de producciones originales de Suma Content, responsable de títulos como Veneno, La Mesías o Cardo, que han contribuido a consolidar el prestigio de la productora.

Todavía queda para conocer más detalles de lo que pasará en la ficción, pero en la vida real, según relató el hijo de la víctima, le justicia les dio la razón y condenaron a Vicenta a nueve meses de cárcel y a abonarle 10.000 euros por acosarla.

Además de Las Vecinas, Suma Content y Atresmedia trabajan en otro proyecto conjunto: Crimen en España. Esta nueva serie seguirá durante once años la trayectoria de una periodista atrapada entre la obsesión profesional y la creciente fascinación social por la crónica negra y el fenómeno del true crime. Ambos anuncios llegan apenas un mes después de que conquistaran el Festival de Cannes al alzarse con el premio a la Mejor Dirección por La bola negra, su segundo largometraje, que además recibió una de las ovaciones más largas de la edición tras su estreno en la Sección Oficial.

A continuación, repasamos todo lo que se sabe sobre los nuevos episodios: qué ocurrió en la primera temporada, de qué tratará la segunda, el elenco que se suma, su duración y el horario exacto de estreno.

Qué pasó en la temporada 1 de ‘Avatar: La leyenda de Aang’

La primera temporada presentó el punto de partida del viaje de Aang (Gordon Cormier), el último sobreviviente de los airbenders y el Avatar destinado a mantener el equilibrio entre los cuatro elementos.

Según la sinopsis oficial de Netflix, Aang despierta tras un sueño de 100 años en un mundo devastado por la guerra, donde la Nación del Fuego ha eliminado a los demás maestros aire y busca expandir su dominio sobre el Reino Tierra y las Tribus Agua.

Junto a Katara (Kiawentiio) y Sokka (Ian Ousley), Aang emprende un viaje para dominar los elementos y detener la ofensiva de las fuerzas del Señor del Fuego Ozai (Daniel Dae Kim).

De qué trata la temporada 2

La temporada 2 retoma la historia tras la victoria parcial del grupo en el Norte. Aang, Katara y Sokka viajan al Reino Tierra con una misión crucial: convencer al Rey Tierra de unirse a la guerra contra la Nación del Fuego.

Uno de los ejes principales será la llegada a la ciudad de Ba Sing Se, descrita como una fortaleza impenetrable y uno de los escenarios más importantes de este tramo de la historia. Allí, el grupo se adentrará en intrigas políticas, secretos de estado y tensiones internas que van más allá del conflicto militar.

La trama además involucra mayor crecimiento emocional para los protagonistas en medio de la guerra.

Nuevos personajes y reparto de la temporada 2

Uno de los grandes atractivos de esta nueva entrega es la incorporación de Toph Beifong, uno de los personajes más queridos del universo original. La joven maestra tierra ciega tendrá un papel fundamental en el entrenamiento de Aang y en la expansión de sus habilidades. El personaje estará a cargo de la actriz Miya Cech.

El elenco principal también regresa para continuar la historia. Gordon Cormier vuelve como Aang, Kiawentiio como Katara, Ian Ousley como Sokka, Dallas Liu como Zuko, Paul Sun-Hyung Lee como Iroh y Daniel Dae Kim como El Señor del Fuego Ozai.

Cuándo y a qué hora se estrena la temporada 2

Netflix ha confirmado que la temporada 2 de Avatar: La leyenda de Aang se estrenará el jueves 25 de junio de 2026 a nivel global. El lanzamiento seguirá el modelo habitual de la plataforma, por lo que los episodios estarán disponibles de forma simultánea en todo el mundo según la zona horaria: 12:00 a.m. (hora del Pacífico, PT)

• México, Costa Rica, Guatemala, El Salvador, Honduras, Nicaragua: 1:00 a. m. (25 de junio)
• Colombia, Ecuador, Panamá, Perú: 2:00 a. m. (25 de junio)
• Chile, Bolivia, Venezuela, República Dominicana, Puerto Rico, Paraguay: 3:00 a. m. (25 de junio)
• Argentina, Brasil, Uruguay: 4:00 a. m. (25 de junio)
• España: 9:00 a. m. (25 de junio)

Además del estreno global, Netflix organizará un evento especial previo el 23 de junio de 2026 a las 9:30 p.m. (hora del Este), transmitido a través de Tudum. Este evento incluirá entrevistas con el elenco y los productores, una alfombra verde, dinámicas interactivas como quizzes y contenido exclusivo previo al lanzamiento oficial de la temporada.

Cuántos episodios tendrá la temporada 2

La segunda temporada estará compuesta por 7 episodios en total, uno menos que la primera entrega.

De acuerdo con la producción, originalmente se habían escrito ocho episodios, pero uno fue eliminado debido a las limitaciones de espacio que impone Netflix en sus temporadas. Esto llevó al equipo creativo a concentrarse en los arcos narrativos principales y en los momentos clave de la historia.

Aunque la temporada es más corta en número de capítulos, cada episodio tendrá una duración aproximada de una hora, lo que mantiene el formato extendido del live-action en comparación con la serie animada original.

Esta producción marca la primera cooperación de Pokémon con los creadores de obras reconocidas como Wallace and Gromit y Shaun the Sheep, anticipando un enfoque artesanal y novedoso para captar tanto a los seguidores históricos de la franquicia como a nuevas audiencias.

Origen de la colaboración entre Aardman y The Pokémon Company

La colaboración entre la japonesa The Pokémon Company y la británica Aardman Animations se concretó después de años de admiración mutua y análisis de posibilidades para adaptar la franquicia Pokémon a nuevos públicos. Aardman, cuya reputación está cimentada en la técnica del stop-motion y el humor particular de producciones como Wallace and Gromit, vio en Pokémon un universo con potencial para ser reinterpretado bajo su enfoque.

Sarah Cox, directora creativa de Aardman, señaló que este proyecto les permitió “llevar la viveza física del stop-motion al mundo Pokémon”, mientras que Phil Rynda, director de animación original de The Pokémon Company International, subrayó la capacidad del estudio británico para “contar historias desde la perspectiva de los propios Pokémon”.

Durante el evento Lights, Camera, Aardman! en Annecy, se mostraron escenas en producción y materiales de trabajo a cientos de fanáticos, aunque el material visual aún no ha sido publicado de manera oficial para el público general. La serie aspira a combinar el humor británico con el espíritu aventurero de Pokémon, estableciendo un vínculo entre la región de Galar y el Reino Unido tanto en términos geográficos como culturales.

Motivos para seleccionar Galar y lo que se puede anticipar

La elección de Galar como escenario principal responde a varios motivos. Galar, presentada en Pokémon Sword y Pokémon Shield, es una clara alusión a Gran Bretaña, desde sus paisajes rurales hasta su arquitectura y tradiciones. Sirfetch’d, uno de los protagonistas, debutó precisamente en esta región, reforzando el vínculo con el ámbito británico. Los responsables de la serie señalan que Galar es un ambiente “extraordinariamente adecuado” para explorar y para el tipo de humor que caracteriza a Aardman.

La trama seguirá a Sirfetch’d y Pichu en un recorrido con encuentros junto a Pokémon emblemáticos de Galar y criaturas míticas del universo Pokémon. La decisión de centrar la historia en estos dos Pokémon permite narrar los acontecimientos desde una perspectiva diferente a la habitual, enfocándose en la interacción entre personajes y su entorno más que en protagonistas humanos. El stop-motion aporta un realismo palpable y una expresividad distintiva a los personajes, elemento que, según Tom Parkinson, director de la serie, marcará una clara diferencia frente a las producciones animadas previas de la franquicia.

Enfoque humorístico, técnica de animación y contexto previo en Pokémon

Esta nueva serie se suma a los intentos recientes de la franquicia por experimentar con el stop-motion. La Conserje Pokémon, que se puede ver en Netflix con tres temporadas, ya explora este arte, pero Aardman busca darle un enfoque todavía más marcado por el trabajo manual y el detalle artesanal. El equipo creativo sostiene que el resultado será una fusión entre el estilo cómico de Aardman y una sensibilidad propia de las historias de amistad de Pokémon.

El humor británico, basado en la sutileza y los giros inesperados, estará presente como uno de los ejes narrativos, siguiendo la línea de Wallace and Gromit. Las primeras imágenes difundidas muestran un uso intensivo de la animación cuadro por cuadro, en la que cada fotograma es esculpido y fotografiado individualmente. Este proceso, aunque incrementa el tiempo de producción, asegura un resultado final sumamente detallado y visualmente distintivo. Esta apuesta por la artesanía podría marcar una diferencia dentro de la animación asociada a grandes franquicias internacionales.

Repercusión mediática y expectativas en torno a la audiencia

El anuncio ha generado grandes expectativas tanto entre los seguidores de Pokémon como entre los entusiastas de la animación en general, especialmente tras los más recientes experimentos narrativos y visuales de Pokémon. Para muchos, la colaboración representa un caso atípico en el que confluyen dos tradiciones culturales: la universalidad y nostalgia de Pokémon junto con la herencia humorística del audiovisual británico.

Algunos críticos han señalado que, pese al atractivo del stop-motion, el desafío residirá en mantener la frescura y la cercanía para el público infantil, acostumbrado a un ritmo más ágil en las animaciones actuales. A pesar de ello, la recepción inicial durante Annecy fue en su mayoría favorable. Según declaraciones de los representantes de ambas compañías, se busca que Las desventuras de Sirfetch’d y Pichu trascienda el círculo de seguidores habituales y logre captar una audiencia más amplia, abriendo así nuevas posibilidades narrativas dentro del universo Pokémon.

La nueva entrega consta de 10 episodios de 47-49 minutos y ha aterrizado en nuestro país en SkyShowtime. El regreso de la serie retoma la situación de Brandon Colby, alias Martian (Michael Fassbender) el agente de la CIA al que la primera temporada dejó atrapado entre su trabajo y su relación con Samia Zahir (Jodie Turner-Smith). Ahora se está adaptando a su condición de doble agente al servicio de los británicos, una posición forzada por un acuerdo con un alto cargo del MI6.

Ese conflicto personal vuelve a ser el motor del relato. Martian es un agente incapaz de apartar el pasado sentimental y aceptó convertirse en espía del MI6 para proteger a Samia, la profesora de antropología con la que estrechó lazos en Etiopía.

Qué cuenta la segunda temporada

El arranque de la temporada se sitúa en Jartum, donde se intenta rescatar a Samia durante un traslado organizado por las Fuerzas de Apoyo Rápido. La operación fracasa y ese revés empeora su situación, porque sus captores comprenden el valor que tiene.

Ese mismo inicio contrapone ese fracaso con otra extracción que sí sale adelante: la del agente Coyote (Alex Reznik) desde Bielorrusia. La estación de Londres celebra además la incorporación de un nuevo activo, Leo Kravitsky, líder de un grupo de mercenarios de perfil similar al de Wagner, antes de que la sospecha sobre la existencia de un topo vuelva a contaminar la oficina.

La segunda gran línea narrativa discurre en Teherán. La joven agente Daniela, alias Gremlin (Saura Lightfoot-Leon) sigue infiltrada como una supuesta estudiante española de intercambio en geofísica y se acerca a Zak, un investigador vinculado a un programa de gestión de residuos radiactivos, además de orbitar en torno a Hassan Zamani, hijo de un consejero del gobierno iraní con acceso a información sobre movimientos nucleares.

Los hermanos Jez Butterworth y John-Henry Butterworth, creadores de la serie, extienden el tema central de la ficción a varios personajes: personas que han enterrado tanto su personalidad real que cualquier irrupción de la emoción humana se convierte en una debilidad explotable. Además, Gremlin adopta una nueva identidad como falsa novia de un actor con poder en Irán, mientras el agente Owen Taylor (John Magaro) entra también en el terreno con otra relación fingida para seguir la pista del gran antagonista de la temporada, un mercenario llamado Viking.

Esconder los sentimientos

La serie funciona menos como una sucesión de tiroteos que como un estudio del precio personal de mentir de forma profesional. Así, la relación entre Martian y Samia sirve de base para varios arcos, de forma que enamorarse en un mundo diseñado para la compartimentación afecta a toda una oficina y quizá también a la política internacional.

Los Butterworth respetan la esencia de la serie francesa al conceder el mismo peso a las intrigas de espionaje y al drama romántico y existencial. Así, tanto el amor prohibido de Martian como los aparentes líos de oficina están ligados a decisiones y estrategias capaces de alterar el mapa geopolítico.

En esta temporada, además se pondrá el foco en una regla interna del oficio. Bosko, el jefe interpretado por Richard Gere, recuerda que la primera norma del agente de campo es: “Esconde tus malditos sentimientos”. Más adelante, el propio desarrollo de Martian queda definido por una segunda regla: “Aprende a mentir”.

The Agency (La agencia) es una de esas series inteligentes y sofisticadas que puede que se pierdan dentro de la abundancia de oferta dentro de las plataformas pero que, sin duda, merece la pena rescatar. De hecho, muchos medios la califican como una de las mejores series de espionaje de la televisión actual".

Por primera vez en una adaptación audiovisual oficial de la saga de Harry Potter, el emblemático poltergeist Peeves aparecerá gracias a la producción televisiva de HBO. Aunque los lectores recuerdan al personaje como uno de los más caóticos y con mayor presencia en el universo creado por J.K. Rowling, nunca llegó a la pantalla grande a pesar de figurar en todos los libros de la serie. Ahora, con Peter Serafinowicz en el papel, la serie busca ofrecer una aproximación más fiel a la obra literaria e incluir personajes omitidos en las películas.

Surge la pregunta de por qué HBO ha decidido recuperar a Peeves y de qué manera esto influirá en el desarrollo de la historia. También se indaga sobre lo que se sabe de la nueva adaptación y en qué se diferencia de la versión cinematográfica.

Un fantasma ignorado en las películas

Peeves, el poltergeist de Hogwarts, es fundamental en las novelas en tanto agente de caos entre los estudiantes y el personal del castillo mágico. A pesar de su relevancia literaria, especialmente en títulos como La Orden del Fénix, las películas optaron por excluirlo debido a razones de tiempo y edición. Incluso, en la primera película de Harry Potter, el personaje fue interpretado originalmente por Rik Mayall, pero todas sus escenas fueron eliminadas en la edición final y nunca estuvieron disponibles para el público.

Esta ausencia fue perceptible para los fanáticos, quienes durante años solicitaron su incorporación en futuras adaptaciones. El hecho de que cada temporada de la serie de HBO Max se oriente a adaptar un libro completa la posibilidad de dar mayor protagonismo a personajes secundarios como Peeves, lo que no fue posible en el formato cinematográfico.

La interpretación de Peter Serafinowicz como Peeves

La elección de Peter Serafinowicz para encarnar a Peeves busca resaltar el humor oscuro y la naturaleza impredecible del poltergeist. Serafinowicz posee una amplia trayectoria en comedia, habiendo trabajado en series como The Tick y participado en producciones animadas y de doblaje como Sing.

Su colaboración en franquicias de renombre como Star Wars y Marvel le ha otorgado reconocimiento internacional y experiencia en proyectos técnicamente exigentes. Según informes relacionados con la producción, todavía no está claro si Peeves será creado mediante efectos digitales, maquillaje, o una combinación de ambos, pero la selección de Serafinowicz apunta a dar vida a un personaje inquieto y complejo.

Fidelidad al material original y expectativas de los seguidores

La inclusión de Peeves en la serie de HBO exhibe la intención de la nueva producción de mantenerse fiel a los libros de J.K. Rowling. Las primeras imágenes del rodaje han confirmado la presencia de elementos y tramas ausentes en las películas, lo que responde a críticas previas de los lectores. El elenco principal cuenta con Dominic McLaughlin como Harry Potter, Alastair Stout como Ron Weasley y Arabella Stanton como Hermione Granger.

En el equipo creativo se encuentran la guionista Francesca Gardiner y el director Mark Mylod, junto al respaldo de J.K. Rowling y productores vinculados a la saga cinematográfica. La primera temporada, que comenzará con La piedra filosofal, se estrenará en diciembre de 2026, y se espera que, con el objetivo de adaptar cada libro a lo largo de una década, la serie incorpore personajes, conflictos y detalles que no fueron incluidos durante la etapa fílmica.

Repercusiones para el público y el legado de la saga

La incorporación de Peeves no solo responde a una demanda de los seguidores más acérrimos, sino que ofrece a nuevas generaciones la oportunidad de conocer la irreverencia que distingue a las novelas. Este poltergeist, conocido por crear problemas tanto a profesores como a estudiantes, funcionará como catalizador cómico y también podrá aportar tensión narrativa, actuando como un elemento transversal capaz de aliviar o complicar los momentos decisivos de la historia.

Esta determinación demuestra además el compromiso de HBO por distinguirse de la versión cinematográfica mediante una reconstrucción detallada y profunda del universo de Hogwarts. La expectativa es alta y la espera, relativamente breve: la segunda temporada ya está en producción y gran parte de la atención se centra en satisfacer el deseo de ver por fin a Peeves recorriendo los pasillos de Hogwarts en pantalla.

Fallout, la popular serie inspirada en el reconocido videojuego de Bethesda, ha iniciado en Los Ángeles el rodaje de su esperada tercera temporada e incorpora a tres figuras destacadas: Emily Mortimer, Manny Jacinto y Thomasin McKenzie. Con estos nuevos actores y los regresos confirmados de Ella Purnell, Walton Goggins, Aaron Moten y Aaron Paul, Prime Video refuerza el potencial de su principal adaptación, que superó los 100 millones de espectadores en su primera temporada, según datos de octubre de 2024.

Nuevas incorporaciones en el universo posapocalíptico

Prime Video mantiene su apuesta por la serie con la llegada de Mortimer, Jacinto y McKenzie, quienes tienen una sólida trayectoria en cine y televisión internacional. Emily Mortimer ha destacado en The Newsroom y Love and Amazing; Manny Jacinto consolidó su carrera tras su paso por The Good Place y como antagonista en la reciente Star Wars: The Acolyte; por su parte, Thomasin McKenzie ha recibido elogios por sus trabajos en Jojo Rabbit y Last Night in Soho. Sus papeles en Fallout se mantienen en secreto, sin detalles públicos sobre los personajes que interpretarán, aunque esta estrategia busca renovar el interés y ampliar el universo de personajes para la audiencia global.

La serie, que narra el viaje de Lucy (interpretada por Ella Purnell), se ha convertido en una pieza fundamental para Prime Video. En temporadas anteriores, Fallout no solo recibió cifras récord de visualización sino también 17 nominaciones a los premios Emmy, incluidas las categorías de Mejor Serie Dramática y Mejor Actor Protagonista por Walton Goggins. El equipo de producción, consciente de las expectativas, busca repetir la fórmula del éxito, a pesar de las críticas sobre la complejidad narrativa en la segunda temporada.

Producción y perspectivas de lanzamiento

La tercera temporada, ya confirmada por Prime Video, tiene previsto iniciar su producción este mes con la intención de estrenarse en 2027. El anuncio se da en un contexto marcado por la incertidumbre en el universo del videojuego Fallout, mientras Bethesda, el estudio responsable, centra sus esfuerzos en el desarrollo de The Elder Scrolls 6 y enfrenta posibles despidos y cierre de estudios bajo la gestión de Microsoft, su empresa matriz. Esto genera dudas sobre la continuidad del videojuego Fallout, mientras la adaptación televisiva emerge como el principal medio para mantener la franquicia vigente en la cultura popular.

Mientras Prime Video refuerza su catálogo en un periodo en el que el fin de otras series, como The Boys, aumenta la presión por crear nuevos éxitos, la apuesta por Fallout responde a una estrategia calculada. Producciones como Spider-Noir han demostrado la capacidad de la plataforma para atraer nuevas audiencias y explotar franquicias reconocidas. Por este motivo, el fortalecimiento del reparto en Fallout busca asegurar el interés de una audiencia diversa, compuesta tanto por fanáticos de los videojuegos como por seguidores que descubren la historia a través de la televisión.

Impacto cultural y expectativas del público

El universo plasmado en la serie combina elementos del survivalismo, la sátira política y el drama humano. Lucy, la protagonista, representa una perspectiva inocente, proveniente de un refugio subterráneo, frente a una sociedad devastada por la radiación, el control tecnológico y las mutaciones genéticas, un escenario que resuena con la actual cultura internacional de series y videojuegos. Los personajes secundarios, como The Ghoul interpretado por Walton Goggins, exploran traumas del pasado y dilemas morales frecuentes en los mejores dramas contemporáneos.

La incorporación de nuevos actores puede aportar dinamismo a la trama y ampliar las posibilidades narrativas. Tras haber recibido críticas por el desarrollo argumental en la segunda temporada, la producción de Fallout afronta el reto de equilibrar acción, drama y fidelidad al material original para satisfacer tanto a la crítica como a la audiencia. Los datos de audiencia y las nominaciones indican una relación fuerte con el público, aunque se mantienen dudas sobre si la tercera entrega logrará sostener ese alto estándar o si será afectada por factores ajenos al equipo creativo, como los problemas en el desarrollo de los videojuegos y la situación de Bethesda y Microsoft.

Dimensión social y futuro de la franquicia

En paralelo al éxito de la serie, el videojuego Fallout 76, que tuvo una recepción inicial desfavorable, y la prolongada espera por un Fallout 5 reflejan tensiones en la industria del entretenimiento digital. Con Microsoft, propietaria de Bethesda, anunciando recortes significativos y la posibilidad de cierre de estudios, la atención se traslada hacia las adaptaciones televisivas como una forma de proteger la relevancia de franquicias como Fallout. Las acciones estratégicas de Prime Video, al invertir en un elenco destacado y producir en Estados Unidos, buscan capitalizar la incertidumbre para convertir a la serie en el eje central de la franquicia en los próximos años.

Este contexto genera inquietud entre los seguidores del universo post apocalíptico, quienes reconocen que, por ahora, el futuro de las historias de Fallout, más allá del servicio en línea y las reediciones de los clásicos, depende fundamentalmente de la televisión. Así, el inicio del rodaje de la tercera temporada adquiere un significado que va más allá de la incorporación de nuevos actores: para muchos, será la única manera de continuar explorando un Yermo en evolución mientras la industria del videojuego se redefine.

I Will Find You (Te Encontraré), serie de ocho episodios basada en su novela homónima de 2023, cuenta la historia de David Burroughs (Sam Worthington), un padre condenado a cadena perpetua por el asesinato de su hijo, un crimen que no cometió. Cuando recibe una prueba de que el niño podría seguir vivo, David decide escapar de prisión para descubrir la verdad.

Infobae conversó con Coben y con el showrunner Robert Hull (Quantum Leap, Alcatraz), responsable de adaptar la novela para televisión, sobre el proceso creativo detrás de la producción y los temas centrales que atraviesan la trama.

La esperanza como motor de la historia

En la mayoría de sus best-sellers, el novelista estadounidense explora a la esperanza como eje emocional. En Te encontraré, este tema lleva al protagonista a dos polos opuestos.

“Siempre digo que la esperanza puede ser como ponerle alas al corazón para que pueda volar, o puede aplastarlo como si fuera una cáscara de huevo. Y aquí los extremos son tan altos o tan bajos como pueden ser”, explicó el autor a Infobae.

“Pasas de un hombre que está condenado a cadena perpetua por haber asesinado a su propio hijo, que ha perdido a todo el mundo y todo lo que tenía en su vida, a alguien que ahora tiene la oportunidad de arreglarlo todo. Nunca había habido tanto en juego”, afirmó Coben.

Del papel a la pantalla: qué cambió en ‘Te encontraré’

El autor detrás de Engaños y El inocente tiene vigente un contrato con Netflix para la adaptación de sus mejores thrillers desde 2018. La producción de Te encontraré en formato de miniserie tiene algo peculiar: Coben le propuso la idea a Robbie Hull y a Netflix antes de que el libro saliese a la venta.

Hull, quien además se declara admirador de las novelas de Coben, asumió el reto de trasladar la historia a la pantalla.

La colaboración con el escritor resultó emocionante e inevitablemente intimidante “por el hecho de que los libros de Harlan han tenido un éxito enorme, tanto como novelas como en sus adaptaciones”, reconoció el showrunner a Infobae.

“Pero, fuera de eso, es increíble tener esa mente a una llamada de distancia. Cuando estamos en la sala de guionistas intentando encontrar nuevas ideas o nuevas líneas argumentales dentro de la historia, poder llamarlo y decirle: ‘Esto es lo que estamos pensando’, o ‘¿Puedes ayudarnos a resolver esto?’, es fantástico. Es una colaboración muy divertida cuando tienes a un escritor así al otro lado de la línea".

Coben también precisa que la decisión de modificar algún punto del libro “recae, sobre todo, en Robby” y su equipo. “Él toma la novela y luego, de alguna manera, me plantea: ‘Esto es lo que creemos que va a funcionar mejor desde el punto de vista visual’”, señaló.

Uno de los cambios más significativos respecto del libro fue la reconfiguración de la relación entre los dos protagonistas. Mientras que en la novela Rachel Mills (Britt Lower) y David desarrollaban historias mayormente separadas, la serie los convierte en un dúo equilibrado.

“No solo por una cuestión práctica de la narración, de que los personajes tengan con quién hablar, sino también porque, cuando incorporas a una actriz como Britt Lower, quieres que haya un verdadero equilibrio, un 50/50″, explicó el showrunner.

“Y, por suerte, contábamos con un actor como Sam, que estaba totalmente dispuesto a no ser el protagonista tradicional, a no ser el héroe. Él quería ser un hombre común y corriente. Harlan ya lo ha dicho antes: el personaje de Rachel salva más a David de lo que David salva a Rachel. Y creo que esa es una dinámica fantástica".

¿Está inspirada en hechos reales?

Harlan Coben dejó en claro que Te encontraré no hace referencia a algún caso puntual de la vida real. "Todo surgió de mi imaginación. No conozco ningún caso de true crime que se parezca a esta historia", dijo en la entrevista.

No obstante, existe cierta influencia del clásico The Fugitive. “Pero yo quería dar un paso más allá”, precisó. “La premisa de esa historia era demostrar la inocencia del protagonista. En cambio, a David ni siquiera le importa, porque ha caído tan bajo que ya no le preocupa si es inocente o culpable. Lo que realmente importa son sus fracasos del pasado, el hecho de no haber podido proteger a su hijo, y si todavía puede encontrar una segunda oportunidad para remediar eso”.

El desafío de captar la atención en la era del scroll

Las plataformas de streaming compiten hoy contra un rival silencioso: el teléfono celular en la mano del espectador. Consultados sobre este fenómeno en los hábitos de los espectadores, ambos creativos rechazaron algún ajuste estratégico en su forma de narrar, más allá de reforzar el interés en la historia.

“Si la gente está mirando el teléfono mientras ve la serie, es porque la historia no es lo suficientemente buena. Así de simple”, afirmó Hull a Infobae.

Coben respaldó esa visión y la conectó con su trayectoria como novelista. El autor es famoso por “descolocar” al lector con incesantes giros en la trama.

“Yo intento captar tu atención desde el principio. Intento mantenerte despierto toda la noche. Antes, cuando escribía una novela, mi objetivo era que siguieras leyendo hasta el amanecer, por muy cansado que estuvieras. Todo eso [los cambios] lo tomo como un desafío: tengo que hacer mi trabajo todavía mejor”, resaltó.

Te Encontraré (I Will Find You) está disponible en Netflix

“Dime qué series ves y te diré quién eres”. Esta adaptación del popular refrán es la que, en Infobae, solemos aplicar para la sección de cultura. Y es que pocas cosas hablan más de nosotros que aquellas películas, series y libros que más nos gustan. Precisamente por eso, suele ser muy habitual preguntarnos por qué tipo de contenidos ven aquellas personas a las que admiramos, ya sean estrellas de cine, de la televisión o del deporte.

Por este mismo motivo, no es de extrañar que, en varias entrevistas, le hayan preguntado a Lamine Yamal por sus producciones favoritas. El intérprete reveló hace dos años a GQ Spain que, durante los viajes con el equipo (ya fuera el Barcelona o la selección española), siempre se lleva un iPad. “Sobre todo por la noche, para ver mis series”, especificaba entonces. En esa misma conversación, por ejemplo, reveló estar viéndose dos series: Breaking Bad y Mi reno de peluche.

Eso sí, a la hora de nombrar sus series favoritas, Yamal destacó por encima del resto dos producciones (muy) españolas: Aquí no hay quien viva y La que se avecina, dos series de comedia interconectadas entre sí que cuentan la vida de una comunidad de vecinos. “Son dos series que puedo poner en la tele todo el día y no parar de verlas”, confesaba. “Siempre al subir al avión me pongo los cacos y me pongo una serie hasta que me entre el sueño, y por la noche o cuando tengo tiempo en la habitación también”.

La tercera serie favorita de Lamine Yamal

Al año siguiente, le preguntarían otra vez a Lamine Yamal por su serie favorita en una entrevista de preguntas rápidas en Mundo Deportivo. Para aquella ocasión, el futbolista de la selección española daría un nombre distinto al de Aquí no hay quien viva y La que se avecina, series derrotadas, precisamente, por una de las que confesaba estar viendo durante la entrevista con GQ Spain: Breaking Bad.

Esta elección podría resultar sorprendente, ya que Breaking Bad comenzó cuando Lamine Yamal, que actualmente tiene 18 años, solo tenía uno cuando comenzó a emitirse la serie. Sin embargo, el auge de las plataformas de streaming y el prestigio de esta producción, que actualmente es considerada como una de las mejores de todos los tiempos, han hecho que el futbolista pudiera verla tiempo después. Eso sí, habría que preguntarle que le gusta más, si ver series o jugar al Fortnite, otro de sus grandes entretenimientos, tal y como ha dicho más de una vez.

Para quienes no hayan visto Breaking Bad, esta serie, actualmente disponible en Netflix, cuenta la historia de Walter White (Bryan Cranston), un profesor de química de instituto que, tras ser diagnosticado con un cáncer de pulmón y ver los problemas económicos que podrían afectar a su familia, decide empezar a elaborar drogas en un laboratorio casero junto a un exalumno (Aaron Paul). Una decisión que le llevará a adentrarse cada vez más en el narcotráfico y convertirse en una persona completamente distinta a la que en su día creyó ser.

Suspenso implacable de principio a fin

La estructura narrativa de “Te encontraré” se apoya en una sucesión de secretos, giros y revelaciones que no dan respiro. Cada episodio cierra con un cliffhanger que invita a continuar la historia sin pausa, en línea con las mejores tradiciones del thriller contemporáneo. El guion despliega una trama donde nada es lo que parece y los personajes principales oscilan entre la inocencia y la sospecha permanente. El protagonista, David Burroughs, recorre un camino lleno de obstáculos en busca de la verdad sobre su hijo, enfrentando tanto a las autoridades como a su entorno más cercano. La serie propone un suspenso directo, sin artificios, que apela al espectador a través de una narrativa ágil y efectiva.

El sello Harlan Coben

El universo narrativo de Coben se caracteriza por la presencia de misterios familiares, personajes ambiguos y secretos del pasado que estallan de forma abrupta en el presente. “Te encontraré” retoma esa fórmula, pero la lleva un paso más allá con una estructura que prioriza el avance constante del enigma y una ejecución precisa en la construcción de los giros argumentales. La miniserie es la decimotercera colaboración entre el autor estadounidense y Netflix, consolidando una alianza que ha sabido captar a millones de seguidores en todo el mundo. La historia, basada en una novela publicada en 2023, fue escrita pensando directamente en su adaptación, y su éxito confirma la vigencia del modelo de suspense doméstico que distingue a Coben.

Un elenco internacional y sólido

La producción cuenta con la interpretación protagónica de Sam Worthington, acompañado por Britt Lower y Milo Ventimiglia. Worthington se pone en la piel de un hombre devastado, pero decidido a descubrir la verdad, una interpretación que sostiene la tensión dramática a lo largo de toda la serie. Lower aporta solvencia en el rol de una periodista caída en desgracia, mientras Ventimiglia completa un reparto que refuerza la credibilidad y la potencia emocional del relato. La química entre los actores permite que los momentos de mayor intensidad se sostengan sin caer en el melodrama, y dota de realismo a una historia marcada por la obsesión y la persecución.

Ritmo ágil y formato ideal para ver en maratón

Los ocho episodios de la serie duran entre 30 y 45 minutos, lo que facilita el visionado continuo y refuerza la tendencia al maratón entre los suscriptores de la plataforma. Cada capítulo está construido con un montaje que prioriza la intriga y elimina el relleno, permitiendo que la atención se mantenga alta de principio a fin. La fotografía, de tonos fríos y sobrios, acompaña la atmósfera de suspense y contribuye a una identidad visual reconocible en el universo de Coben y Netflix.

Una historia de redención y búsqueda de la verdad

Detrás del suspenso, la serie explora la fuerza del amor parental, la obsesión por descubrir la verdad y los límites de la confianza dentro del núcleo familiar. David Burroughs encarna la desesperación de un padre dispuesto a arriesgarlo todo para reencontrarse con su hijo, en una búsqueda que desafía todo lo que sabe sobre su vida y su entorno. La miniserie propone una reflexión sobre la redención, la culpa y el peso de las decisiones pasadas, elementos que agregan una capa emocional al thriller y lo distinguen dentro del género.

Te encontraré está disponible en Netflix y consolida la alianza entre la plataforma y Harlan Coben con una propuesta eficaz para quienes buscan suspense, drama psicológico y relatos cargados de misterio.

La primera temporada de La casa del dragón sentó las bases de una historia fundamentada entre las luchas de poder dentro de un clan lastrado por la locura y la posesión de dragones, así como por la relación entre dos mujeres, Rhaenyra (Emma D’Arcy) y Alicient (Olivia Cooke), primero de amistad, y más tarde de rivalidad a través de sus hijos por hacerse con el trono de hierro.

La segunda temporada constituyó una especie de transición que a muchos decepcionó, pero el inicio de la tercera temporada vuelve a contar con los elementos esenciales de la saga que la han convertido en un clásico de la cultura popular: grandes batallas épicas, momentos de intimidad reveladores y muertes inesperadas. Un cóctel que vuelve a funcionar a la perfección en este arranque con un capítulo espectacular.

La batalla que todos los fans esperaban

Se esperaba mucho de la batalla del Gaznate, y no ha defraudado. El choque enfrenta a la flota leal a Rhaenyra Targaryen, dirigida por Corlys Velaryon (Steve Toussaint), con la Triarquía, aliada para romper el bloqueo naval sobre Desembarco del Rey.

La batalla naval del Gaznate sirve para disipar las dudas que dejó la segunda temporada, criticada por parte del público por carecer de grandes clímax tras un encargo reducido de diez a ocho episodios. El enfrentamiento, dirigido por Loni Peristere y supervisado por el ‘showrunner’ Ryan Condal, es grandioso, pero también apenas deja espacio para una satisfacción real: las victorias dentro de la guerra civil Targaryen son pírricas. Así, el primer episodio liquida de inmediato la acumulación de expectativas de hace dos años.

Había que empezar a lo grande, con todo lo que se esperaba, pero lo mejor está por llegar, ya que los cuatro capítulos que HBO Max ha facilitado a la prensa, podrían considerarse como los mejores de toda la serie, por su tono más íntimo, más irónico y menos dependiente de la escala gigantesca de los combates. En definitiva, lo que, en esencia era Juego de Tronos.

Eso no quiere decir que la acción no aumente, al contrario, pero hay una profundidad moral dentro de las conversaciones, así como grandes frases en torno a la victoria y el fracaso, la vida y la muerte.

Regresa la relación entre Rhaenyra y Alicent

Así, la relación entre Rhaenyra y Alicent volverá a convertirse en eje en los posteriores episodios, y su desarrollo será de lo más estimulante, consiguiendo trasladar a su vínculo décadas de agravios, afecto residual, resentimiento y duelo sin quedar atrapadas en la complejidad genealógica del relato.

Además, esta temporada intenta abrir el foco hacia las consecuencias sociales del conflicto a través de una mirada a las crisis presupuestarias, al deterioro institucional y a una Poniente gobernada por oligarquías en lucha.

Las guerras de clase latentes, una escena de “comerse a los ricos” en el episodio tres y la idea, defendida por Condal, de que los dragones funcionan como equivalente de armas nucleares dentro de un equilibrio de destrucción mutua asegurada, estarán presentes para dotar de consistencia a la trama.

Se ha confirmado que la cuarta temporada será la última. En cualquier caso, este inicio de la tercera tanda de episodios demuestra que la serie todavía tiene muchos cartuchos en la recámara a la hora de seguir disparando buenos y mejores tiros para situar a esta fantasía épica como una digna heredera de su predecesora.

La celebración del Día Internacional del Orgullo LGBTTTIQ+, que se conmemora cada 28 de junio, tendrá una presencia destacada en la pantalla de Canal 22, que anunció una oferta especial integrada por series, documentales, películas y producciones musicales dedicadas a visibilizar las distintas expresiones de la diversidad sexual y de género.

Del 22 al 29 de junio, la audiencia podrá acceder a una selección de contenidos que exploran temas relacionados con la identidad, la memoria, el arte, la cultura y los derechos de las comunidades LGBT+, con propuestas nacionales e internacionales que buscan fomentar la reflexión y el reconocimiento de la pluralidad.

DiverCiudad abre la programación especial del Orgullo LGBT+

Uno de los estrenos principales será DiverCiudad, serie conducida por Johnny Carmona que aborda la historia, la cultura y las expresiones contemporáneas de diversas identidades y comunidades.

El lunes 22 de junio, a las 18:00 horas, se transmitirá el episodio La creatividad y el cine como bandera de lucha LGBT+, centrado en creadoras y creadores que han encontrado en el cine, la fotografía y las artes visuales herramientas para construir memoria, compartir experiencias y generar nuevas formas de representación desde la Ciudad de México.

La serie continuará con distintos capítulos temáticos:

• 23 de junio: La moda y la danza, dedicado a estas disciplinas como formas de identidad y resistencia.
• 24 de junio: Foto Cuir Muxe del Istmo, una mirada a las expresiones culturales e identitarias de la comunidad muxe.
• 26 de junio: Ilustración LGBT, sobre la representación queer a través del arte.
• 29 de junio: Museo de Arte TransFemenino, enfocado en la iniciativa independiente del mismo nombre.

Series documentales muestran historias y experiencias de la diversidad

La programación también incluirá Labels, serie enfocada en las relaciones y experiencias de personas que viven la diversidad sexual y de género, la cual será transmitida de lunes a viernes a la medianoche.

A esta propuesta se suma De leones y mariposas, producción documental que reúne testimonios de integrantes de la comunidad LGBT+ en diversos municipios de Antioquia. Los episodios podrán verse los días 24, 26 y 29 de junio a las 18:30 horas.

Además, el 26 de junio a las 10:30 horas se presentará La raíz doble. Sol de movimiento: Muxes, Istmo de Tehuantepec, producción que profundiza en la cultura, historia y papel social de las personas muxes en Oaxaca.

Cine de autor y cortometrajes

Como parte de la programación dedicada al Orgullo LGBT+, los sábados a las 23:30 horas se transmitirá Zona D, espacio permanente de Canal 22 dedicado a la comunidad LGBTTTIQ+, que en esta ocasión presentará una selección especial de cortometrajes del festival Shorts México.

En colaboración con el Instituto Mexicano de Cinematografía (Imcine), la televisora también ofrecerá dos películas emblemáticas del cine iberoamericano.

El sábado 27 de junio, a las 22:00 horas, se proyectará Fresa y chocolate, mientras que el domingo 28, en el mismo horario, llegará a la pantalla El lugar sin límites, considerada una de las obras más relevantes sobre diversidad sexual dentro del cine mexicano.

Luisa Almaguer cerrará la semana con un especial musical

La programación concluirá el domingo 28 de junio a las 16:00 horas con Resonante: Luisa Almaguer, episodio grabado en el Museo Panteón de San Fernando.

En esta entrega, la voz de la cantante y compositora Luisa Almaguer dialoga con la memoria histórica y el simbolismo del recinto, en una propuesta que combina música, identidad y patrimonio cultural.

La audiencia podrá seguir toda la programación especial por la señal 22.1 de Canal 22 y mediante la transmisión en línea.

Si alguna vez ha existido un villano aterrador en la pantalla, ese debe ser Max Cady. Es el sádico y desequilibrado exconvicto de Cabo de miedo, empeñado en vengarse del abogado que lo envió a prisión. Robert Mitchum lo interpretó en 1962 y Robert De Niro lo encarnó en un escalofriante remake de 1991. Ahora es el turno de Javier Bardem de calzarse los amenazantes zapatos del asesino a sangre fría en una versión para Apple TV, cuyos cuatro primeros capítulos ya fueron estrenados (próximo estreno, el viernes 26).

“Es un gran clásico del thriller, pero cada versión hasta ahora es diferente de una forma que refleja su época”, dice el showrunner Nick Antosca. “Quería hacer una nueva versión que honrara a los clásicos que amo, pero que también fuera una pesadilla para hoy”. La serie de 10 episodios está protagonizada por Amy Adams y Patrick Wilson como abogados acomodados en Savannah, Georgia, cuya familia se ve trastornada por la búsqueda de venganza de Bardem.

Exonerado tras pasar 17 años en prisión por el asesinato de su esposa embarazada, Cady se infiltra en la vida de la pareja y en las de su hija e hijo. “Ustedes merecen una buena vida. Yo tenía una buena vida”, les dice de forma amenazante. Cada miembro de la familia guarda un secreto muy explotable.

Javier Bardem, el nuevo villano de ‘Cape Fear’

El American Film Institute sitúa a Max Cady entre los 50 mejores villanos de todos los tiempos, por encima del Conde Drácula, Freddy Krueger y Travis Bickle de Taxi Driver, otra pesadilla de De Niro. “Este es un hombre que lo ha perdido todo y, hasta ahora, no tiene nada más que perder”, dice el actor español Javier Bardem. “Tiene todo el tiempo del mundo para disfrutar de la venganza. Parece no importarle ningún tipo de aprobación externa. Así que está desatado”.

Esta nueva versión contó con la bendición de Martin Scorsese, quien dirigió Cape Fear en 1991 y es productor ejecutivo de la serie de Apple TV junto a Steven Spielberg. “Fue muy generoso y alentador, y decía cosas como: ‘Intenta esto. Intenta aquello. No tengas miedo de volverte loco’”, comenta Nick Antosca sobre el aporte de Scorsese.

Antosca mira hacia adelante y hacia atrás, situando su Cape Fear en 2026 —con TikTok, podcast de crímenes reales, microdosificación— pero apoyándose en la música temática, instantáneamente reconocible, de la película de 1962 compuesta por Bernard Herrmann y la versión de 1991 por Elmer Bernstein. Incluso hay uno o dos cameos de un miembro del elenco de 1991. “A veces pensamos en la serie como una especie de remix de pesadilla”, dice Antosca. “Cuando hago una adaptación, quiero que se sienta como si hubieras visto el original y luego te hubieras ido a dormir, y ahí tuvieras una pesadilla sobre ello. Así que hay cosas nuevas e inesperadas que se suman. Se conserva la energía visceral del original, pero tal vez las cosas están en distinto orden o contexto y se ven bajo una nueva luz. Así que nos divertimos con eso”.

Por tanto, los fanáticos verán de nuevo escenas clave de la película de 1991 —como la seducción psicológica de la hija, o Max Cady haciendo flexiones en el gimnasio de la prisión mostrando sus tatuajes, o comportándose mal en una sala de cine—, pero hechas de forma diferente. “También queríamos captar, aunque no copiar exactamente, parte de la energía febril que Scorsese aportó en lo cinematográfico. Así que hay muchos movimientos de cámara y trabajo de cámara dinámico, y realmente nos permitimos volvernos un poco locos cuando la acción se intensifica”.

‘Cape Fear’ en 2026

Es una franquicia que se niega a morir, por así decirlo, con dos películas y una serie de televisión, sin mencionar que fue parodiada en Los Simpson —el episodio “Cape Feare” es un clásico— y en Padre de familia.

Unas diez horas de trama le dieron a Antosca la oportunidad de aumentar poco a poco la tensión sobre la familia, a diferencia de las películas, que son como trenes desbocados de terror de dos horas. “Quise contener un poco el aspecto más brutal y explorar la paranoia creciente y el sentido de devastación de una familia siendo destruida poco a poco”, dice el productor. “Eso, para mí, es lo más aterrador”.

Patrick Wilson, que interpreta a un padre que lucha por mantener la conexión con sus hijos adolescentes rebeldes y su esposa que se está desmoronando, mientras también combate sus propios demonios, dice que el mayor tiempo de duración significa una experiencia más profunda. “Tu familia en crisis —eso es realmente, creo, algo completamente universal. Y ese es el beneficio de tener 10 episodios para contarlo, sumar otros personajes y líneas argumentales, y ver la propia historia de los hijos”, señala.

Situarla en 2026 también le dio a los creadores muchas formas para que Max Cady infiltrara a sus presas de maneras que no podía décadas atrás: teléfonos inteligentes clonados, drones, inteligencia artificial y vigilancia de alta tecnología. “Max utiliza la vigilancia de manera mucho más técnica y mucho más invasiva”, dice Amy Adams. “Pero esa sensación de ser observado, creo que es un terror muy atemporal”.

Fuente: AP

La segunda temporada de la épica precuela Game of Thrones, titulada House of the Dragon terminó con grandes batallas gestándose por tierra, mar y cielo entre las facciones en guerra de la Casa Targaryen, la familia real de los Siete Reinos de Westeros. Ha comenzado la Danza de los Dragones.

Pero con un reparto de personajes tan extenso, y sus numerosas intrigas, traiciones y alianzas furtivas, puede ser difícil seguirles la pista —y más aún recordarlos después de casi dos años desde que se emitió el último episodio. Antes del estreno de la tercera temporada este domingo, aquí tienes un recordatorio sobre las líneas de batalla y los pactos secretos que se han establecido para el conflicto que se avecina.

Equipo Negro: La mujer que sería reina

Rhaenyra Targaryen (Emma D’Arcy) fue proclamada heredera de todo el reino por su padre, Viserys (Paddy Considine). Luchando bajo los tradicionales estandartes negros de la Casa Targaryen, cuenta con el apoyo de su esposo y tío, Daemon (Matt Smith), quien brevemente consideró reclamar el trono él mismo antes de renovar su lealtad a su esposa.

Su principal apoyo es Lord Corlys Velaryon (Steve Toussaint), un famoso explorador y comandante naval conocido como la Serpiente del Mar. Aunque ya perdió a su esposa montadora de dragones, Rhaenys (Eve Best), por la causa de Rhaenyra, su flota, co-capitaneada por su hijo ilegítimo Alyn de Hull (Abubakar Salim), controla el mar.

Rhaenyra, por su parte, domina los cielos, con más de media docena de dragones a su disposición. Las fuerzas de la familia incluyen a Rhaenyra y su dragón, Syrax; su hijo Jacaerys (Harry Collett) y Vermax; Daemon y Caraxes; y la hija de Daemon, Baela (Bethany Antonia) y Moondancer. Su número se ve aumentado por tres descendientes ilegítimos de las antiguas casas valyrias, cada uno emparejado recientemente con su propio dragón: Ulf el Blanco (Tom Bennett) y Silverwing; Hugh Martillo (Kieran Bew) y el enorme Vermithor; y el hermano de Alyn, Addam (Clinton Liberty), y Seasmoke.

Equipo Verde: El usurpador usurpado

Tradición. Ambición. Misoginia. Una profecía confusa sobre la llamada Canción de Hielo y Fuego en los labios de un rey moribundo. Una combinación de factores puso a Aegon II Targaryen (Tom Glynn-Carney) en el Trono de Hierro.

Pero nada fue tan crucial como las maquinaciones de su ambicioso abuelo, Otto Hightower (Rhys Ifans), y su equivocada madre, Alicent (Olivia Cooke). Otto solo procuraba el bienestar de su propia casa. Pero Alicent creía sinceramente que Aegon estaba destinado a liderar los Siete Reinos, gracias a una afirmación críptica en el lecho de muerte de su esposo. Desde entonces, ha comprendido que lo entendió mal. (Viserys se refería a su ancestro Aegon el Conquistador).

Aegon llegó al trono, pero su reinado ha sido una serie de desastres. Uno de los primeros fue el asesinato accidental del hijo de Rhaenyra, Lucerys (Elliot Grihault), y su dragón, Arrax, a manos del hermano de Aegon, el tuerto Aemond (Ewan Mitchell), y su enorme dragón, Vhagar. En represalia por la muerte de Luke, Daemon contrató asesinos para eliminar a Aemond. Al no encontrarlo, optaron por matar al hijo muy joven y heredero de Aegon, Jaehaerys (Jude Rock).

Durante la batalla en la que murió Rhaenys, Aegon fue emboscado por el ambicioso Aemond, quien tiene sus propias aspiraciones al trono. Este ataque sorpresa dejó a Aegon terriblemente quemado y mutilado, y a su dragón, Sunfyre, dado por muerto. Con Aegon fuera de combate, Aemond pasó a ser más importante que nunca. Su dragón colosal es más poderoso que cualquier otro en la armada de Rhaenyra.

Sin embargo, la hermana de Aemond, la gentil y psíquica reina Helaena (Phia Saban), se niega a montar a su dragón, Dreamfyre. Su hermano menor, Daeron (quien aún no ha aparecido en pantalla), está lejos, al igual que el dragón de Daeron, Tessarion. Como ningún otro dragón está disponible para defender Desembarco del Rey, Aemond y Vhagar corren el riesgo de ser superados en número.

Aun así, el Equipo Verde cuenta con fuerzas convencionales a su favor. La familia de Alicent, la Casa Hightower, está concentrando un enorme ejército bajo los estandartes verdes que dan su color distintivo al bando de su hijo. (Daeron y Tessarion cabalgan con ellos). La Mano del Rey, Ser Criston Cole (Fabian Frankel), marcha hacia el norte junto al hermano de Alicent, Ser Gwayne Hightower (Freddie Fox), para enfrentar a Daemon en Harrenhal, el castillo embrujado adonde este viajó para tomar control de la estratégica región de las Tierras de los Ríos. Su aliado, Lord Jason Lannister (Jefferson Hall), planea unirse al asalto.

El hermano gemelo de Jason, Tyland (también Jefferson Hall), es el Maestro de Barcos de los Verdes y ha hecho un trato con la Tríarquía, una alianza de ciudades-estado del otro lado del Mar Angosto. Bajo el mando de su almirante, Sharako Lohar (Abigail Thorn), la flota extranjera atacará a su viejo enemigo, la Serpiente del Mar, en nombre de los Verdes.

El pacto secreto

Alicent ya no cuenta con aliados en el Consejo Verde. Su padre, Otto, ha desaparecido, siendo visto por última vez languideciendo en un calabozo desconocido. Su antiguo amante, Ser Criston, ha sido enviado a luchar contra un jinete de dragón, llevándose consigo a su querido hermano Gwayne. Sus hijos Aemond y Aegon desestiman sus consejos, incluso cuando uno no está ocupado incapacitando al otro. Alicent sabe que su familia —y Desembarco del Rey— no podrían sobrevivir a un ataque de los dragones de Rhaenyra, pero nadie escucha.

Así que la reina viuda viaja en secreto a Rocadragón con una propuesta para Rhaenyra, su amiga de toda la vida: Si Rhaenyra puede garantizar la seguridad de Alicent y Helaena, Alicent enviará lejos a Aemond y Vhagar para que luchen contra Daemon, ordenará a sus fuerzas deponer las armas y permitirá que la Reina Negra tome Desembarco del Rey pacíficamente. Alicent sabe que Rhaenyra se verá obligada a ejecutar a Aegon por traición para asegurar su derecho al Trono de Hierro. En última instancia, “un hijo por un hijo” es un trato que ambas mujeres demuestran estar dispuestas a aceptar.

Los peligros potenciales

Alicent no es la única del bando Verde que ve lo que se avecina. Lord Larys Strong (Matthew Needham), su maestre de espías, percibe que la ciudad caerá, junto con la espada del verdugo. Tras animar al rey a acelerar su recuperación, Larys saca a Aegon de la ciudad (destino: Essos) antes de que su hermano Aemond o su media hermana, Rhaenyra, puedan cortarle la cabeza. El derecho de la Reina Negra al Trono de Hierro nunca será seguro mientras Aegon siga desaparecido.

El acuerdo de Alicent y Rhaenyra solo cubre Desembarco del Rey. No tiene en cuenta la flota de la Tríarquía que se dirige a toda vela hacia la marina Velaryon, ni la carnicería que se avecina en las Tierras de los Ríos, donde Daemon espera a los ejércitos Verdes con su propio ejército —y dragón—. Además, no hay forma de saber cómo reaccionará cada bando ante la noticia del acuerdo entre Rhaenyra y Alicent, dada la enemistad entre ambas y la posibilidad de engaños.

También hay otros actores independientes en juego. Lord Larys, también conocido como el Pie Tullido, parece no ser leal a nadie más que a sí mismo. Los motivos de Alys Rivers Negra (Gayle Rankin), la bruja telépata que ha (en cierto modo) hecho amistad con Daemon en Harrenhal, también son inciertos. La otra hija de Daemon, Rhaena (Phoebe Campbell), sale secretamente en busca de vincularse con el dragón salvaje Sheepstealer, lo que podría inclinar la balanza del poder. A excepción del hijo de la Serpiente del Mar, Addam, los nuevos jinetes de dragón son relativamente desconocidos.

Fuente: The New York Times

La muerte de James Burrows, uno de los directores de televisión más influyentes de las últimas décadas, provocó una inmediata reacción entre las estrellas de Friends. Apenas se confirmó su fallecimiento a los 85 años, Matt LeBlanc, David Schwimmer y Lisa Kudrow recurrieron a sus redes sociales para despedirse del hombre que ayudó a dar forma a una de las comedias más exitosas de la historia.

La familia del realizador confirmó a la revista People que Burrows falleció pacíficamente el viernes 19 de junio, rodeado de sus seres queridos. No se dieron a conocer detalles sobre la causa de su muerte.

Burrows desarrolló la mayor parte de su carrera detrás de cámaras y su influencia fue determinante en el éxito de numerosas series. Dirigió más de 1.000 episodios de televisión, ganó 11 premios Emmy y acumuló 48 nominaciones. Su nombre quedó ligado a clásicos como Cheers, Taxi, Frasier, Will & Grace, The Mary Tyler Moore Show, Mike & Molly y, por supuesto, Friends.

Matt LeBlanc, quien encarnó a Joey Tribbiani, expresó su tristeza por la partida del director. El actor compartió dos fotografías con Burrows, una de ellas tomada durante el especial televisivo Must See TV: An All-Star Tribute to James Burrows, realizado en 2016.

“Jimmy, las palabras no pueden describir el impacto y la influencia que tuviste sobre nosotros y sobre todos los que tuvieron la suerte de conocerte”, escribió. “Señor, usted es un verdadero ícono en muchos sentidos. Mis mejores deseos para su próximo acto. Te vamos a extrañar. Que Dios te bendiga”.

David Schwimmer también publicó una fotografía junto al realizador que lideró varios episodios de Friends. El intérprete de Ross Geller aseguró que Burrows conseguía sacar la mejor versión de cada actor con el que trabajaba.

“Jimmy Burrows sacaba lo mejor de cada actor con el que trabajaba y elevaba cada programa que dirigía, haciéndolo más divertido y más conmovedor de lo que cualquiera esperaba”, expresó. “Su calidez, humildad y generosidad nos hacían sentir seguros, como una familia, y estoy seguro de que no fuimos el único elenco que se sintió así. Cuidaba de nosotros dentro y fuera de cámara”.

El actor describió a Burrows como una auténtica figura paterna durante los años en que trabajaron juntos. “Era cariñoso, sabio, alentador, desafiante, instructivo, paciente, inspirador y juguetón; y, en mis mejores días, me gusta pensar que incluso estaba orgulloso de mí”, dijo en redes sociales. “Miles de guionistas, actores, productores, miembros del equipo y ejecutivos de cadenas fueron afortunados por haber compartido un estudio con él, verlo trabajar y aprender de su talento incomparable”.

Por su parte, Lisa Kudrow (Phoebe Buffay durante las diez temporadas de Friends) también recordó al director. Ambos además habían trabajado juntos en The Comeback.

“Gracias, Jimmy. Quiero decir… por todo”, escribió con pesar.

El director que creyó en ‘Friends’ desde el primer día

La relación entre James Burrows y Friends comenzó incluso antes de que la serie se convirtiera en un fenómeno mundial. En sus memorias Directed by James Burrows, publicadas en 2022, el director recordó que, pese a tener una agenda completamente ocupada, sintió un “buen presentimiento” y la convicicón de que debía hacerse cargo del piloto

“Me enamoré inmediatamente de esos seis chicos en las páginas del guion. El 95 % del guion original del piloto llegó a emitirse”, recordó.

Burrows incluso anticipó el fenómeno cultural que estaba por comenzar y advirtió al elenco sobre cómo cambiarían sus vidas una vez que la serie llegara a la televisión.

“Les dije a los chicos: ‘Esta es su última oportunidad de disfrutar del anonimato. Una vez que la serie se estrene, no podrán ir a ningún sitio sin ser perseguidos’. Ninguno me creyó”.

El tiempo terminó dándole la razón. Friends se volvió una de las comedias más populares de todos los tiempos y transformó a Jennifer Aniston, Courteney Cox, Lisa Kudrow, Matt LeBlanc, Matthew Perry y David Schwimmer en estrellas internacionales.

A lo largo de la serie, Burrows dirigió 15 episodios, entre ellos “The One with the Blackout”, trabajo que le valió una nueva nominación a los premios Emmy.

Principales desafíos a raíz de la muerte de JJ

La quinta temporada de Outer Banks comienza con un giro trágico que afecta directamente al grupo de protagonistas: la muerte de JJ en Marruecos. Este suceso, que puso fin a la temporada previa, deja a los Pogues -compuestos por John B, Sarah, Kiara, Pope y Cleo- en una situación de gran vulnerabilidad. Mientras intentan sobrellevar la pérdida, la serie los sitúa en circunstancias extremas: no tienen un refugio seguro ni una red de apoyo confiable.

Al mismo tiempo, el conflicto se intensifica con la aparición de Dalia y los corsarios y la desaparición de Chandler Groff, un personaje relevante en la nueva entrega que pasa a ser buscado por la justicia. Todo esto impregna el ambiente con un tono considerablemente más sombrío y peligroso en comparación con temporadas anteriores, aumentando el riesgo para cada uno de los supervivientes.

La búsqueda final del tesoro y el surgimiento de nuevas amenazas

Aunque la serie siempre ha girado en torno a la aventura, la temporada final lleva esta premisa aún más lejos, presentando una última misión: la búsqueda final del tesoro. Este reto no solo implica la posibilidad de obtener riquezas, sino que también pone en peligro la unidad del grupo e incluso sus vidas. Según adelanta Netflix, los protagonistas deberán enfrentarse a dilemas éticos y posibles traiciones internas mientras intentan adelantarse a quienes los persiguen.

El tráiler muestra un ambiente de tensión constante, donde cada decisión puede tener consecuencias graves y en el que las alianzas, tanto internas como externas, resultan más frágiles que nunca. La urgencia de saldar cuentas del pasado coincide con la llegada de nuevos rivales, haciendo recaer sobre cada personaje la responsabilidad de su propio destino.

Impacto entre los espectadores y el fenómeno Outer Banks

Desde su estreno, Outer Banks se consolidó como un fenómeno a nivel global. La serie revitalizó el género de aventuras juveniles y mantuvo la atención de una generación durante casi una década. La decisión de concluir en la quinta temporada obedece al plan inicial de los creadores, quienes han reconocido que narrar una historia completa en cinco ciclos parecía un reto difícil, pero sienten que han conseguido darle un cierre satisfactorio. Para millones de seguidores, el final genera expectativas y cierta nostalgia.

Muchas personas que crecieron junto a los Pogues esperan respuestas sobre el destino de los personajes y el desenlace de los interrogantes planteados. El elenco principal, formado por Chase Stokes, Madelyn Cline, Madison Bailey, Jonathan Daviss y Carlacia Grant, acompaña este último tramo, enfrentándose al desafío de despedirse de una producción que definió una época. La combinación de riesgo, intensidad y despedida prevé que el final, anunciado y muy anticipado, será uno de los estrenos más relevantes de Netflix en 2026.

Con el rodaje recién finalizado y la expectativa en aumento, Norman Reedus ha anunciado su despedida definitiva de Daryl Dixon, el personaje al que ha interpretado durante 16 años en el universo de The Walking Dead. Este otoño, AMC estrenará la cuarta y última temporada de The Walking Dead: Daryl Dixon, un spin-off que llevó la franquicia zombi a nuevas ubicaciones y tonos. El propio Reedus compartió en redes sociales imágenes inéditas del rodaje y anticipó que el desenlace será “muy diferente” a todo lo anterior.

Desde su primera aparición en el episodio tres de la primera temporada de The Walking Dead, Norman Reedus se consolidó como uno de los personajes más queridos y constantes de la franquicia. Tras once temporadas en la serie original y cuatro en el spin-off dedicado a su personaje, el actor concluye una etapa marcada por la transformación de Daryl Dixon, quien pasó de ser un solitario resistente a un líder empático y complejo. El recorrido de Daryl llevó a la audiencia de los paisajes devastados de Norteamérica a escenarios europeos como Francia y España, donde se filmaron algunos de los episodios finales. Esta expansión internacional no solo aportó una estética renovada, sino también nuevos retos narrativos para el personaje, quien debió enfrentarse a variantes desconocidas del virus zombi y luchar por sobrevivir lejos de su hogar.

La continuidad y la dedicación de Reedus resultan especialmente notorias en una franquicia conocida por la inestabilidad en su elenco principal, ya que pocos actores han permanecido tanto tiempo y con tanta implicación en el mismo papel. Además, Reedus otorgó a Daryl una profundidad que trascendió el género postapocalíptico, convirtiendo al personaje en uno de los elementos clave en el componente humano y dramático de The Walking Dead.

La temporada final de The Walking Dead: Daryl Dixon se rodó, entre otros lugares, en Mongolia y en diversas localizaciones de España, lo que aporta un toque distintivo a los últimos episodios y ha despertado el interés de los seguidores hispanohablantes de la saga. A través de su cuenta de Instagram, Reedus compartió el impacto personal que le causó este proceso, confesando lo difícil que le resultó escoger fotografías para despedirse de la experiencia y del equipo de la serie. “El equipo es el mejor con el que he trabajado. La sensación de logro cuando terminó fue simplemente increíble. Mucho trabajo y mucho corazón puesto en esto; creo que se va a sentir”, escribió el actor, anticipando así una temporada especialmente intensa.

El trabajo internacional implicó no solo desafíos logísticos, sino también creativos, al situar a Daryl y Carol, otra figura histórica de la saga, enfrentando la amenaza zombi en un contexto geográfico y cultural distinto. El público español podrá identificar localizaciones conocidas y observar nuevas dinámicas narrativas, lo que se suma a los atractivos de esta etapa final. La grabación en diferentes países da cuenta del alcance global de la franquicia y su intención de aportar elementos novedosos en sus últimos capítulos.

Aunque la despedida parece definitiva, existen ambigüedades acerca del futuro del personaje y del actor. Por el momento, no hay ningún proyecto confirmado dentro del universo de The Walking Dead que incluya a Norman Reedus, aunque declaraciones recientes indican que la posibilidad de volver permanece abierta para futuras historias dentro del mundo zombi de Robert Kirkman. “No puedo esperar a que la veáis. Esta vez se siente muy diferente”, recalcó Reedus, insinuando que este final podría no ser absolutamente definitivo.

La importancia de esta despedida va más allá del simbolismo para los espectadores. El cierre de una etapa para Daryl Dixon también tiene repercusiones en el propio universo narrativo de la franquicia, que ha mantenido su continuidad gracias a la presencia de un elenco cada vez más reducido de personajes y actores fieles. Reedus se suma así al grupo de quienes lograron trascender el fenómeno televisivo y establecer una conexión duradera con el público. Sin embargo, para los seguidores, el futuro cercano estará marcado por la expectativa: después del final de The Walking Dead: Daryl Dixon, AMC dirigirá su atención al estreno de la tercera temporada de The Walking Dead: Dead City, en la que regresan figuras como Negan y Maggie.

La decisión de concluir The Walking Dead: Daryl Dixon representa, por tanto, una doble transición para los seguidores: significa la despedida de un personaje principal y pone a prueba la capacidad de la franquicia para alcanzar nuevos logros sin la presencia de algunos de sus pilares. No obstante, las palabras de Reedus y la expectación en torno a la última temporada evidencian que la saga conserva la habilidad de conmover, reinventarse y, quizá en el futuro, sorprender de nuevo a quienes la han acompañado a lo largo de más de una década.

Si hablamos de novela negra, el escritor estadounidense Michael Connelly (Filadelfia, 1956) es uno de los grandes referentes del género. El autor arrancó 1992 la serie protagonizada por Harry Bosch, un detective del Departamento de Policía de Los Ángeles, cuya saga continúa con más de una veintena de novelas publicadas y millones de libros vendidos.

De hecho, sus libros han sido llevados a la pantalla en varias ocasiones, aunque ninguna adaptación ha alcanzado el reconocimiento de Bosch, la serie de Prime Video protagonizada por Titus Welliver. Estrenada en 2015 y finalizada en 2021, la ficción trasladó al universo televisivo las investigaciones del célebre detective y acabó convirtiéndose en una de las producciones policíacas mejor valoradas de la historia.

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Y los números lo demuestran. Seis de sus siete temporadas cuentan con un 100% de aprobación en Rotten Tomatoes, mientras que la primera obtuvo un nada despreciable 84%. En conjunto, la serie presume de una media del 97%. Casi nada.

Siete temporadas con una media cerca del 10

La historia sigue a Harry Bosch, un veterano detective de homicidios del Departamento de Policía de Los Ángeles donde cada temporada está articulada en torno a un único caso principal, aunando varios de los libros de Connelly. La sinopsis oficial dice así: Harry Bosch tiene la mente puesta en los asesinatos. Bosch, un antiguo oficial de las Fuerzas Especiales que ha participado en misiones en Oriente Medio, es ahora un tenaz detective de homicidios, amante del jazz, de la División de Hollywood del Departamento de Policía de Los Ángeles (LAPD). Bosch se enfrenta a innumerables retos mientras investiga muertes sospechosas y sigue las pistas de la corrupción —incluido el lado oscuro del departamento de policía— en su incansable búsqueda de la verdad.

La crítica especializada no tardó en rendirse ante la propuesta. Una de las valoraciones más destacadas fue la del periodista Cory Barker, de TV.com, que definió la ficción como una rareza dentro de la televisión actual. “Pocas series son tan sólidas y adictivas”, escribió en una reseña publicada en 2018.

Esa consistencia fue clave para que la serie se mantuviera durante siete temporadas, convirtiéndose en una de las producciones originales más exitosas de Amazon. Además, su buena acogida permitió la creación de Bosch: Legacy, en 2022, tras terminar la ficción una secuela que continúa explorando la vida del personaje tras abandonar el cuerpo de policía, que ahora actúa como investigador privado.

Tras esta, el año pasado llegó a la misma plataforma Ballard, donde el protagonista le cede la ficción a la prometedora detective de la policía de Los Ángeles Renée Ballard (Maggie Q), encargada de una unidad de casos sin resolver.

Como suele ser habitual en el autor, la ficción abraza sin disimulo el giro imposible, la conspiración extensa y el suspense de consumo rápido, pero logra sostenerlos con un reparto de primer nivel y una maquinaria narrativa muy afinada.

La serie se ha estrenado el 18 de junio de 2026 y adapta la novela homónima que Coben publicó en 2023. Esta producción es la duodécima serie nacida del acuerdo entre Coben y Netflix tras el éxito de Safe, aunque podríamos elevar la cuenta a la decimotercera adaptación del autor dentro del pacto de 14 libros firmado con la plataforma. Hasta el momento habían predominado las versiones británicas o europeas y faltaba una traslación ambientada en Estados Unidos.

De qué va ‘Te encontraré’

Te encontraré arranca en una prisión de Briggs, en Maine, donde David Burroughs cumple el quinto año de una cadena perpetua por el asesinato de su hijo de tres años, un caso sellado por ADN y por un testigo presencial. David Burroughs, interpretado por Sam Worthington, sostiene su inocencia mientras cumple condena por la muerte de Matthew. El detonante llega con Rachel Mills, su excuñada y periodista caída en desgracia, cuando le enseña una fotografía en la que aparece al fondo un niño que se parece a Matthew con cinco años más y que incluso comparte la marca de nacimiento que tenía el pequeño en la mejilla.

A partir de esa imagen, David rompe su pasividad y la serie entra en el territorio habitual de Coben: fuga, persecución y una verdad enterrada bajo capas sucesivas de engaño. El protagonista escapará de prisión cuando su vida empieza a correr peligro por la actuación de un funcionario de prisiones fuera de control, Ted Wesson, decidido a silenciarle.

La huida convierte a David y Rachel en perseguidos por el FBI, mientras ellos mismos investigan qué ocurrió realmente con Matthew. La serie dedica tanto tiempo a los fugitivos como a sus perseguidores, en especial a Max Williams, veterano del Grupo de Trabajo de Fugitivos del FBI, y a la agente Sarah Greer.

Ese doble foco es una de las claves de la serie. Frente a una premisa que roza lo inverosímil, la historia distribuye el suspense entre la carrera de los protagonistas y el dispositivo policial que trata de capturarlos.

Un gran reparto para un thriller adictivo

El otro gran apoyo de la ficción es su elenco. Además de Worthington y Britt Lower, aparecen Milo Ventimiglia como el exnovio acomodado de Rachel, Erin Richards como Cheryl, la exmujer de David, Chi McBride y Logan Browning como los agentes del FBI, Madeleine Stowe como una heredera adinerada con secretos, Peter Outerbridge como un alcaide vinculado personalmente al protagonista y Eric Johnson como el recluso que le hace la vida imposible en prisión.

Detrás del proyecto está Robert Hull, creador y adaptador televisivo de la novela, con créditos previos en Gossip Girl, Veronica Mars y Alcatraz. La dirección principal corre a cargo de Brad Anderson, que rodó en nuestro país El maquinista, con Christian Bale.

Como suele ser habitual en las adaptaciones de Coben, se trata de un artefacto tan desquiciado como adictivo en el que la lógica salta por los aires a través de una maraña de personajes y situaciones que cumplen una función hasta que, al final de la serie, todo se ensambla como en una especie de rompecabezas inesperado.

En definitiva, un thriller absorbente sobre el amor parental, la pérdida, la obsesión, con desapariciones, acusaciones erróneas, policías incompetentes o corruptos, villanos sombríos y toda una cadena de pistas falsas en un guion que empuja a seguir viendo el siguiente episodio gracias a los giros locos.

Esta es la última de las adaptaciones de Coben para Netflix, pero recordemos que en nuestro país se hizo una de las mejores, El inocente, dirigida por Oriol Paulo y protagonizada por Mario Casas junto a Jose Coronado y Aura Garrido.

El anuncio inesperado de la cancelación de The Boroughs: Jubilación rebelde sorprendió tanto al equipo creativo como a los seguidores de la nueva serie de ciencia ficción respaldada por los Hermanos Duffer. Aunque se contemplaban varias temporadas, la historia de este grupo de jubilados que enfrentaba una amenaza extraterrestre en Nuevo México quedará inconclusa en pantalla debido a los decepcionantes datos de audiencia y al alto costo de producción.

Netflix no ha dado detalles públicos sobre los motivos, pero fuentes cercanas señalan que la decisión responde a la baja rentabilidad en relación con la inversión y a la fuerte competencia entre sus propias producciones originales.

Antecedentes, expectativas y recepción de la serie

La serie The Boroughs: Jubilación rebelde desembarcó en Netflix en mayo de 2026 como una de las principales apuestas de la plataforma para el año. Creada por Jeffrey Addiss y Will Matthews, y producida por los Hermanos Duffer, conocidos por el éxito de Stranger Things, la ficción proponía un enfoque novedoso al trasladar la lucha contra lo sobrenatural a una comunidad de adultos mayores. El elenco, liderado por Alfred Molina y Alfre Woodard junto a Denis O’Hare, Clarke Peters, Carlos Miranda, Jena Malone, Seth Numrich, Alice Kremelberg y Geena Davis, ofrecía una versión más madura y nostálgica del universo de los Duffer, combinando toques de humor y drama.

El proyecto generó mucha expectación tanto entre el público como en la industria. La producción demostró confianza al abrir una sala de guionistas incluso antes de conocer el destino de la primera temporada. El propio Molina manifestó su deseo de que la historia se convirtiera en una saga duradera. Sin embargo, el entusiasmo inicial pronto se vio limitado por la realidad del mercado: la serie, a pesar de una intensa promoción y un lanzamiento destacado en medios, no logró igualar el fenómeno viral de su predecesora Stranger Things.

Factores económicos y de audiencia que influyeron en la cancelación

The Boroughs: Jubilación rebelde se distinguió desde su concepción por una gran inversión en efectos visuales, esenciales para plasmar la amenaza paranormal que enfrentaban los personajes principales. El género de ciencia ficción suele requerir considerable tecnología, equipos de postproducción especializados y una agenda de rodaje compleja, factores que incrementaron el presupuesto global.

En los primeros 24 días tras su estreno, la serie alcanzó 20,8 millones de visualizaciones, una cifra relevante para la mayoría de las producciones, pero insuficiente respecto a las expectativas de Netflix para un producto relacionado con el universo de Stranger Things. Según fuentes internas, el umbral de renovación incluye no solo la visibilidad inicial, sino también el crecimiento semanal, los índices de finalización de temporada y el potencial de desarrollo internacional. En este contexto, el costo elevado de cada episodio desfavorecía la viabilidad de la serie, ya que incluso un buen desempeño de audiencia difícilmente equilibraba la ecuación financiera.

La política reciente de la plataforma se ha vuelto más estricta ante inversiones arriesgadas, favoreciendo títulos que aseguren continuidad con presupuestos contenidos. El caso de The Boroughs demuestra cuán difícil es hoy sostener proyectos de gran escala que no cumplen con parámetros estrictos de rentabilidad y conexión con la audiencia.

Comparación con otras series: la estrategia de renovación de Netflix

Mientras The Boroughs enfrentaba la incertidumbre sobre su continuidad, Netflix anunciaba la renovación de otros títulos menos costosos y con buenos niveles de conexión con el público, como la adaptación animada Tales From ’85, derivada de Stranger Things, así como nuevas temporadas para Little House on the Prairie, The Hunting Wives y Leanne. Estas decisiones evidencian una tendencia clara en la estrategia de la plataforma: se priorizan proyectos con posibilidades de largo recorrido y control presupuestario, incluso si su alcance mediático o su potencial inicial es menor en comparación con propuestas como la recién cancelada serie de Addiss y Matthews.

Esta situación impacta directamente en las expectativas de los profesionales de la industria y de la audiencia, que ven frustradas sus esperanzas de continuidad y cierre de historias en producciones de gran formato. El caso de The Boroughs, que reunía un elenco destacado y ofrecía una propuesta distinta al estándar juvenil de la ciencia ficción, pone de manifiesto los riesgos que asumen creadores y plataformas frente a una audiencia global cada vez más exigente y con más opciones de consumo. Por el momento, la historia de la comunidad de jubilados luchando contra extraterrestres quedará como una curiosidad inconclusa en el catálogo de Netflix.

Esta decisión supone un punto de inflexión tecnológico y narrativo para Scooby-Doo. A lo largo de cincuenta años, la propiedad intelectual ha acumulado tres películas para cine, más de una docena de series animadas y casi cuarenta películas animadas para el mercado doméstico, manteniendo inalterable la recreación digital o animada del protagonista cuadrúpedo en todas sus encarnaciones anteriores. Con esta variante, Netflix y Warner Bros. Television apuestan por reforzar el realismo visual, mientras sostienen los elementos sobrenaturales y aventureros que definieron la marca desde su creación.

La iniciativa reúne un equipo creativo liderado por Josh Appelbaum y Scott Rosenberg como showrunners, guionistas y productores ejecutivos, acompañados por André Nemec, Jeff Pinkner y Adrienne Erickson bajo el sello Midnight Radio. A ellos se suman Greg Berlanti, Sarah Schechter y Leigh London Redman a través del acuerdo general de Berlanti Productions con Warner Bros. Television, junto al director Toby Haynes, encargado del episodio inaugural de la serie.

El casting y la relectura generacional de Mystery Inc.

Netflix confirmó el elenco principal con Mckenna Grace en el papel de Daphne Blake, Tanner Hagen como Shaggy Rogers, Abby Ryder Fortson como Velma Dinkley, Maxwell Jenkins como Fred Jones y Paul Walter Hauser en un rol aún no especificado por el estudio. La narrativa se ubica en el último verano de los protagonistas en un campamento, donde el grupo se ve involucrado en un crimen de tintes sobrenaturales cuyos detalles giran en torno a un cachorro de gran danés que pudo haber presenciado el hecho.

El planteo tematiza la dinámica de “amistad y secretos” como núcleo, abordando el origen de Mystery Inc. y la génesis de una alianza que marcó a varias generaciones de espectadores. La adaptación, según la sinopsis oficial proporcionada por Netflix, introduce a “una pragmática científica de pueblo”, Vilma, y “el apuesto chico nuevo, Fred”, en una estrategia de aggiornamiento de personajes para públicos actuales.

Una apuesta por el realismo animal: la ruptura del CGI en la franquicia

El mayor diferencial industrial de Scooby-Doo: El origen radica en su abordaje visual: Netflix renunció al uso tradicional de CGI y animación digital para representar al personaje titular. En su lugar, la producción filmada en Atlanta contará con un cachorro 100% real para encarnar por primera vez en acción real al gran danés. Esta innovación, confirmada tanto en avances audiovisuales como en el material promocional distribuido por la plataforma, marca una evolución significativa dentro del ecosistema de contenido live-action orientado a audiencias familiares.

Esta decisión se implementa en el contexto de una expansión global de la franquicia, que en simultáneo prepara Yokoso Scooby-Doo!, la primera incursión oficial en el universo anime bajo la producción de Warner Bros. Animation y destinado para su estreno en Tubi en Estados Unidos y Cartoon Network en mercados internacionales. Este proyecto paralelo contará con la intervención de OLM Studios y dirección de Itsuro Kawasaki, apostando a diversificar la presencia del personaje en formatos y geografías emergentes.

El peso del legado y la continuidad bajo nuevos acuerdos de producción

El anuncio ubicó a Greg Berlanti como nexo industrial entre los creadores originales de Scooby-Doo y los desarrollos actuales bajo el régimen de acuerdos generales con estudios mayores. Berlanti rememoró su experiencia en los estudios Hanna-Barbera y valoró que el guion y la construcción de la serie retoman el “espíritu” fundacional de la franquicia, según declaró en un comunicado difundido durante la presentación oficial del proyecto.

Para el ecosistema Netflix, Scooby-Doo: El origen se integra a un portafolio de producciones estratégicas rodadas en Atlanta —incluyendo éxitos recientes como Stranger Things—, en una maniobra que busca reforzar su oferta de contenido global y multigeneracional. Además, el posicionamiento de la propiedad intelectual bajo la alianza Berlanti-Warner Bros. implica la continuidad de un modelo de acuerdos generales que ha redefinido la producción de series de alto perfil para la plataforma.

Los primeros adelantos visuales del proyecto provocaron reacciones de figuras asociadas a la propiedad cinematográfica previa. Matthew Lillard, encargado del rol de Shaggy en las adaptaciones de cine, expresó a Entertainment Weekly: “Estoy realmente feliz por ellos. La serie necesita volver. Es la primera introducción a las historias de fantasmas para muchos niños. Espero que mantengan lo que ha funcionado y le den su propio giro, aunque soy bastante purista con esa franquicia. El núcleo es la amistad”.

El estreno mundial de Scooby-Doo: El origen está previsto exclusivamente en Netflix para 2027. La plataforma sostiene su estrategia de construcción de expectativa a través de avances y confirmaciones escalonadas, apoyada en el diferencial de su primer Scooby-Doo en live action con perro real que, según las proyecciones internas, buscará abrir un nuevo capítulo de la franquicia para audiencias históricas y contemporáneas.

Netflix ha formalizado el estreno de la temporada 3 de “Mi otra yo” para el próximo 24 de junio de 2026, marcando el cierre definitivo de la exitosa serie turca en su catálogo internacional. Esta última temporada, que contendrá 8 episodios de aproximadamente 53 minutos cada uno, representa no solo la continuidad de una trama que ha dominado la audiencia en la plataforma desde 2022, sino también la consolidación del drama otomano como producto clave para el streaming global.

La producción ha integrado en su retorno la misma tríada de protagonistas: Tuba Büyüküstün, Seda Bakan y Boncuk Yılmaz. La narrativa se centrará en las nuevas fases personales que atraviesan sus personajes, Ada, Sevgi y Leyla, confrontando traumas, dilemas familiares y relaciones sentimentales en el paisaje costero de Ayvalık. De acuerdo con información difundida por la propia plataforma, la temporada introduce a dos figuras relevantes: Şükrü Özyıldız, que se suma como Özgür, y İlayda Akdoğan, quien toma el rol de Deniz, la hermana de una de las protagonistas.

El equipo creativo ha reiterado fórmula y nombres propios: Burcu Alptekin y Erdem Tepegöz repiten en la dirección y Nuran Evren Şit como responsable del guion. El reparto se completa con Berk Cankat, Rüya Coriç, Fırat Tanış, Serkan Altunorak, Rıza Kocaoğlu y Murat Boz, construyendo un elenco plural que ha favorecido la identificación multicultural de la audiencia de Netflix.

La confirmación del final y la estrategia de expansión turca en Netflix

Al haber fijado la fecha de estreno y definido la temporada tres como entrega final, la compañía de streaming ejecuta una estrategia deliberada de cierre narrativo para “Mi otra yo”. El posicionamiento de la serie —lanzada originalmente en 2022 bajo el título “Zeytin Ağacı”— ha funcionado como catalizador del fenómeno turco, compitiendo en engagement con títulos como “El secreto de Feriha”, “El sastre” o “Club Estambul”.

La sinopsis oficial emitida por Netflix detalla: “Mientras siguen explorando sus traumas ancestrales, Ada, Sevgi y Leyla se enfrentan a decisiones que cambiarán sus vidas en medio de nuevos comienzos en la costa de Ayvalık”. El uso recurrente de las constelaciones familiares como herramienta dramática y de sanación constituye uno de los pilares diferenciales de la ficción en su género.

Desde su lanzamiento, la serie ha destacado por abordar temas como la sanación emocional, el peso del pasado y el poder de la sororidad, elementos determinantes para su recepción internacional. El guion profundiza en las terapias alternativas y dentro de la estructura episódica ha fijado su marca tanto en la fotografía de localizaciones costeras como en la continuidad emocional de las protagonistas.

Un rendimiento que posiciona a Turquía en las preferencias globales de streaming

“Mi otra yo” figura entre las ficciones turcas de mayor visibilidad fuera de su mercado de origen, lo que refuerza la apuesta de Netflix por el contenido otomano en un contexto de diversificación y expansión de catálogo. El cierre de la serie en junio de 2026 responde tanto a una lógica de refresco de inventario como a la intención de ofrecer arcos narrativos completos, una demanda creciente en los hábitos de consumo de plataformas digitales.

El estreno coincide con una aceleración de estrenos turcos en la plataforma: la serie “Gracias, ¿el siguiente?” de Bertan Basaran se encuentra disponible desde el 8 de mayo, mientras que “Cementerio” (Mezarlık) prepara su tercera temporada para el 28 de agosto. Al delimitar narrativamente la historia de Ada, Sevgi y Leyla, la entrega final de “Mi otra yo” robustece la oferta internacional de dramas sociales y emocionales que distinguen el line up de la plataforma a mitad de 2026.

Netflix ha cancelado la serie de ciencia ficción The Boroughs: Jubilación rebelde, producida por los hermanos Duffer, tras una única temporada. El proyecto, que debutó en mayo de 2026 poco después del cierre de Stranger Things, reunió a un elenco encabezado por Alfred Molina y Alfre Woodard para explorar la historia de un grupo de residentes en una comunidad de jubilados que deben unirse para enfrentar una amenaza sobrenatural.

La serie, creada por Jeffrey Addiss y Will Matthews y producida por los hermanos Duffer, creadores de Stranger Things, fue presentada como una especie de Stranger Things con protagonistas mayores. Junto a Molina y Woodard, el reparto incluyó a Denis O’Hare, Clarke Peters, Carlos Miranda, Jena Malone, Seth Numrich, Alice Kremelberg y Geena Davis. La premisa giraba en torno a la idea de que el único recurso que estos personajes no podían permitirse perder era el tiempo. The Boroughs: Jubilación rebelde fue uno de los lanzamientos más esperados de la plataforma, producto directo de la popularidad de Stranger Things y del interés por nuevas historias de ciencia ficción con un enfoque diferente. La serie ofreció, desde su primer episodio, una combinación de nostalgia, humor y suspenso, con una estética y un tono que evocaban el legado de los Hermanos Duffer, pero trasladado a una comunidad de adultos mayores.

Los creadores, Addiss y Matthews, diseñaron la serie pensando en un arco argumental de tres temporadas. Incluso antes de la decisión de Netflix, ya se había abierto una sala de guionistas para una potencial segunda entrega. Este procedimiento es habitual en proyectos de alto perfil que buscan posicionarse rápidamente para una renovación, según se informó desde la producción. El propio Molina expresó su entusiasmo por la continuidad del proyecto en una entrevista de mayo: “Me encantaría seguir con esto. Me gustaría que fuera algo duradero. ¿Quién sabe? La televisión puede ser inestable, pero también brinda grandes oportunidades. Tenemos un reparto maravilloso, una gran premisa y los decorados ya están listos. Me encantaría hacer más”.

Audiencia y factores detrás de la cancelación

Durante sus primeras dos semanas y media en la plataforma, The Boroughs: Jubilación rebelde fue vista por casi 19 millones de cuentas, según datos internos de Netflix. El volumen de visualizaciones ubicó a la serie entre los estrenos más fuertes de la temporada para la compañía. Sin embargo, el elevado costo de producción, en especial por los efectos especiales necesarios para recrear la amenaza paranormal, fue un elemento decisivo en la evaluación de la continuidad. Según fuentes de la industria, los presupuestos de series de ciencia ficción de gran escala suelen ser determinantes a la hora de decidir su renovación o cancelación, aun cuando las cifras de audiencia sean significativas.

La noticia de la cancelación sorprendió tanto al equipo creativo como al elenco, que había manifestado públicamente su interés en continuar con la historia. La apertura anticipada de la sala de guionistas para una segunda temporada es un indicio de que la producción tenía expectativas de continuidad y confianza en el desarrollo de la trama. El caso de The Boroughs: Jubilación rebelde contrasta con otras decisiones recientes de Netflix en materia de renovaciones. La plataforma confirmó en las últimas semanas la continuidad de Tales From ’85, el spin-off animado de Stranger Things, que tendrá una segunda temporada. También recibieron luz verde para nuevas entregas series como Little House on the Prairie, The Hunting Wives y Leanne, todas ellas parte de la estrategia de diversificación de contenido original de la compañía.

Estas decisiones reflejan la política de Netflix de priorizar proyectos con potencial de largo recorrido y presupuestos más ajustados, sin importar necesariamente el volumen inicial de audiencia. El caso de The Boroughs: Jubilación rebelde ilustra cómo incluso los títulos con un seguimiento considerable pueden ser cancelados si los costos superan las expectativas de rentabilidad a futuro. Netflix no ha emitido un comunicado oficial detallando los motivos de la cancelación, pero la información disponible apunta a la combinación de presupuesto elevado y estrategia de programación como las razones principales. De esta forma, la historia de los residentes de la comunidad de jubilados queda, por ahora, sin resolución en pantalla.

La nueva temporada de Prime Video ya está en marcha y son muchas las novedades que la plataforma de streaming piensa ofrecer tras el verano. Del regreso de series como La que se avecina, Padre no hay más que uno o Reina Roja a el anuncio de nuevas ediciones de programas como Operación Triunfo. Entre todas estas novedades ha destacado, también el anuncio de la segunda temporada de Su Majestad, la serie de comedia conocida por su sátira sobre la familia real española, con algunas incorporaciones que muy probablemente den mucho de qué hablar.

Creada por Borja Cobeaga y Diego San José, Su majestad se ambienta en una España hipotétitca donde Pilar (Anna Castillo), una joven princesa, se ve obligada a aceptar la corona después de que su padre (Pablo Derqui) se vea salpicado por un fraude fiscal y decida abdicar. Con todo, la joven hasta ese momento había mostrado una imagen irresponsable e inútil, algo que deberá cambiar si quiere sobrevivir al frente de la Casa Real. Para esta segunda temporada, la cosa promete ir a más, con la princesa haciendo el servicio militar o enamorándose de un catalán independentista.

También ha llamado mucho la atención el papel que tendrán las nuevas incorporaciones al reparto. La cantante y actriz Leonor Watling entrará en la ficción para ponerse en la piel de Amanda Montesinos, una vieja amiga del rey emérito que también resulta haber sido su amante. Una presencia que bien seguro inestabilizará todavía más la subida al trono de Pilar y que, curiosamente, no es el único papel cercano a la realeza de una actriz que, en La vida breve (2025), encarna a Isabel de Farnesio, segunda esposa del rey Felipe V.

El resto del reparto de la segunda temporada de ‘Su majestad’

Junto a Watling, aparecerá también Valentina de Moreneses, una prima bastante extravagante y especialmente fiestera de la familia. Marcel Borràs dará vida al joven independentista, Julián López al camello predilecto de la aristocracia y Claudia Roset a otra joven militar. El casting original de la serie permanecerá sin grandes alteraciones para la segunda temporada, ambientada en la España de 2026 y con un total de seis episodios (uno menos que en la anterior). Junto a Anna Castillo, Ernesto Alterio seguirá interpretando a Guillermo, jefe de la Casa Real y uno de los principales consejeros de la princesa. Pablo Derqui, Ramón Barea, Pablo Vázquez y Joan Carreras también continuarán formando parte del elenco.

Eso sí, todavía falta por conocer la fecha oficial del estreno, un dato para el que habrá que esperar un poco más. Su Majestad espera seguir siendo, junto a Reina Roja, la serie original española más vista en Prime Video en España, aunque tampoco se cierra las puertas a caricaturizar a la familia real más allá de nuestras fronteras. Tal y como ha informado la plataforma, nuestro país ofrece la mayor exportación de producciones de habla no inglesa , con títulos como Culpables, que han superado los 100 millones de espectadores, o películas como Apocalipsis Z: El principio del fin y Zeta, que también se sitúan entre los títulos más vistos del servicio a nivel internacional.

Las (des)venturas de Bárbara, Maca y Elena continuarán. Movistar Plus ha anunciado este miércoles que Se tiene que morir mucha gente, la ficción creada por Victoria Martín -y basado en el libro del mismo nombre- estrenada este pasado mes de mayo ha sido renovada por una segunda temporada. El estreno de esta nueva entrega llegará en exclusiva a la plataforma en 2027.

Con esto, la ficción en forma de sitcom de seis episodios de unos 25 minutos cada una dejará de ser una miniserie. Por ahora está por ver como sigue la relación de estas tres amigas que se conocieron en el colegio: Bárbara (Anna Castillo) -y su pepito grillo particular, Sofía Otero-, Elena (Macarena García) y Macarena (Laura Weissmahr).

“La serie refleja la apuesta de Movistar Plus por la búsqueda y apoyo al talento y a nuevas voces en su estrategia de consolidar la producción original como uno de los ejes de la compañía. Además, ha cumplido el objetivo de atraer a una audiencia más joven y diversa, abriendo la plataforma a nuevos públicos", ha escrito la compañía en un comunicado, que afirma que la serie ha generado más de 45 millones de reproducciones y más de 3,2 millones de interacciones.

La ficción llegará el año que viene

Así, la ficción sigue a Bárbara, Maca y Elena, tres amigas que se conocieron en el colegio y que, dos décadas después, continúan unidas pese a que sus vidas han tomado caminos muy distintos. Mientras Bárbara (Castillo) lidia con una profunda depresión y una dependencia a las benzodiacepinas, Maca (Weissmahr) intenta abrirse camino como actriz mientras trabaja de camarera y Elena (García) afronta un embarazo tras casarse con un empresario hotelero mucho mayor que ella. La crisis de Bárbara terminará poniendo a prueba una amistad ya llena de tensiones y contradicciones.

Hace casi una década la cómica Victoria Martín empezó con el guion de lo que quería que fuese su primera serie. Sin embargo, tras la negativa de productores y directivos decidió convertirlo en un libro con el mismo nombre, publicado en 2022 por la editorial Plaza y Janés. Tras convertirse en un best seller, Movistar Plus le dio luz verde para una miniserie de seis episodios. “Me gustaría decir que ha sido un proceso fácil, pero no, ha sido un infierno. Todo muy largo. En 2017 intentamos vender la serie, después se convirtió en libro y luego, ha vuelto a ser una serie. No suele ser lo habitual, ha sido raro”, contó Martín a Infobae.

Dirigida por Sandra Romero (Los años nuevos, Por donde pasa el silencio) junto a la propia Martín y Nacho Pardo, que firman dos episodios, el reparto lo completan Alba Galocha, Óscar de la Fuente, Ramón Rados y Yunez Chaib.

El libro no tiene una segunda parte por lo que habrá que ver que novedades y desquiciadas situaciones traerá de nuevo Martín en esta nueva tanda.

La ficción consta de 10 episodios de unos 30 minutos y arranca con el mismo punto de partida de Orgullo y prejuicio, pero desplaza el foco hacia la tercera de las hermanas Bennet, una joven estudiosa y tímida que en la nueva versión intenta construirse una vida propia en Londres, con dos intereses amorosos: el abogado Tom Hayward y William Ryder.

La escritora Jane Austen había dejado a Mary en un papel muy secundario y la describía como una joven sin talento ni gusto, con un “aire pedante y modales afectados”. Al final de la novela de 1813, además, era la única de sus hermanas que se quedaba sin marido, salvo una cuarta.

Cuando ser lista es una virtud

Ella Bruccoleri, que interpreta a Mary, se estrena aquí como protagonista después de trabajos en ¡Llama a la comadrona!, Los Bridgerton, Paddington: aventura en la selva y la trilogía de reinicio de Los extraños. La actriz ha explicado que no sintió una presión especial por liderar una producción vinculada a Austen.

Una de las claves de la adaptación se encuentra en los guiones de Sarah Quintrell, que tratan a la joven como si hubiera podido existir en cualquier otro momento de la historia.

La serie presenta a una Mary cansada de los bailes de sociedad, de no encajar en su familia y de una madre esnob. En lugar de disimular lo que la separa de sus hermanas, el personaje decide afirmar precisamente su rasgo más distintivo: su afán de conocimiento.

Así, de acuerdo a esa relectura del personaje, Mary aparece como una protagonista torpe y encantadora situada por primera vez en el centro del relato. La serie siguirá su salida al mundo y su intento de escapar de la idea, impuesta desde la infancia, de que es inherentemente imposible de amar.

Los primeros dos episodios siguen de cerca la novela de Austen, aunque desde la perspectiva de Mary, y sitúa el verdadero giro en el tercer capítulo, cuando una tragedia altera la vida de los Bennet y empuja a la protagonista fuera de un hogar ya hostil. A partir de ahí, la llevan a Londres sus tíos Gardiner, donde trabaja de forma temporal como institutriz.

La preparación del personaje

La actriz pasó casi al mismo tiempo por las pruebas de esta serie y por las de otra adaptación de Orgullo y prejuicio que preparaba Netflix. En ese proyecto le dijeron que no era una Mary Bennet y llegaron a plantearle el papel de Charlotte Lucas, aunque para entonces ya estaba muy implicada en el equipo de Quintrell.

Para preparar el personaje, Bruccoleri leyó los libros que Mary menciona en la serie. Buscó ejemplares en librerías de segunda mano e intentó abordar incluso la historia de Inglaterra de Catharine Macaulay, de ocho volúmenes, y los Sermones de Fordyce, de lo más antifeministas.

También revisó las dos Mary más conocidas en pantalla: la de Lucy Briers en la miniserie de la BBC de 1995 y la de Talulah Riley en la película que Joe Wright dirigió en 2005. Briers aparece además en la nueva adaptación como la señora Hill, ama de llaves de la finca de los Bennet.

La serie no plantea una transformación cosmética de Mary, sino un desarrollo gradual de su voz propia. Incluso sus gafas “seguirán firmemente puestas”, mientras la ficción la hace crecer sin modificar su núcleo: sigue siendo algo torpe, tímida, muy inteligente y optimista. Una ficción que hará las delicias de los amantes de Los Bridgerton y de las novelas de Jane Austen.

La querida bruja de 13 años que cautivó a generaciones enteras está lista para emprender una nueva aventura. BBC Studios Kids & Family anunció una alianza con la productora británica Wheel in Motion y la japonesa Kadokawa Corporation para desarrollar una serie televisiva live-action basada en la novela Kiki: entregas a domicilio de Eiko Kadono, según informó Variety. El proyecto será la primera adaptación televisiva de acción real en la historia de la franquicia.

La serie, que se encuentra en desarrollo, tendrá 10 episodios de 30 minutos cada uno y adaptará principalmente el primer volumen de la saga de seis libros escrita por Kadono.

La encargada del guion será Irena Brignull, cuya trayectoria incluye la película nominada al Óscar Los Boxtrolls, Skellig de Sky y El Principito de Netflix.

Desde BBC Studios Kids & Family, Grainne McNamara expresó el entusiasmo del equipo: “Estamos encantados de formar parte de una colaboración para dar vida a Kiki: entregas a domicilio para una nueva generación a escala global”.

Por su parte, Alexi Wheeler, de Wheel in Motion, calificó el proyecto como un “sueño hecho realidad” y “un honor absoluto”.

De qué trata la historia

Para quienes no conocen la obra original, la historia sigue a Kiki, una joven bruja de 13 años que atraviesa su período de entrenamiento y vuela en su escoba junto a Jiji, su gato negro. Según la tradición, las brujas de su edad deben abandonar su hogar durante un año para aprender a valerse por sí mismas.

Kiki llega a Koriko, una ciudad portuaria, donde crea un servicio de entregas y establece nuevas amistades. Durante su experiencia lejos de casa, la protagonista descubre el valor de la responsabilidad, la independencia y la amistad.

La novela se publicó originalmente en Japón en 1985 y vendió millones de ejemplares en todo el mundo. Cuatro años después, el reconocido Studio Ghibli llevó la historia al cine con Kiki: entregas a domicilio, película dirigida por Hayao Miyazaki que se estrenó en Japón en 1989.

La cinta se convirtió en la película más taquillera del país ese año y recaudó más de 41 millones de dólares con un presupuesto inferior a los 7 millones, según datos recogidos por CBR. Más adelante, el doblaje en inglés producido por Walt Disney Studios y estrenado en 1997 ayudó a expandir todavía más la popularidad de la franquicia fuera de Japón.

La reacción de la autora

La propia Eiko Kadono, ganadora del Premio Hans Christian Andersen, expresó su entusiasmo por la nueva adaptación. “Kiki está a punto de embarcarse en una nueva aventura en un mundo diferente. Estoy segura de que será una serie fantástica. ¡Tengo muchísimas ganas de verla cobrar vida!”, declaró la escritora.

Desde Kadokawa, Takeo Kodera, director de coproducciones internacionales, señaló: “No podemos imaginar un homenaje más emocionante al histórico 40° aniversario de esta clásica saga literaria que esta colaboración. El equipo creativo del Reino Unido ha captado la esencia de Kiki gracias a su estrecha colaboración con la señora Kadono, y el resultado encantará al público familiar de todo el mundo”.

Aunque esta será la primera vez que la historia de Kiki llegue a la televisión en formato de serie live-action, ya existe un antecedente en acción real. En 2014 se estrenó una película japonesa dirigida por Takashi Shimizu, conocido por su trabajo en el cine de terror. Sin embargo, la recepción no fue tan favorable: el filme tiene una calificación de 5,7 sobre 10 en IMDb y una puntuación del 50% en el Popcornmeter de Rotten Tomatoes.

El desafío para esta nueva producción es considerable, aunque el panorama actual del entretenimiento podría inclinar la balanza a favor del proyecto. Series como One Piece de Netflix y Alice in Borderland son ejemplos recientes de títulos que conquistaron tanto a los seguidores de las obras originales como a nuevos espectadores en todo el mundo.

Por ahora, BBC Studios, Kadokawa y Wheel in Motion no han revelado quién dará vida a Kiki ni una posible fecha de estreno.

George Miller, el reconocido cineasta australiano responsable de Mad Max, ha sorprendido a la industria al proponer un cierre significativo para la saga. Ante la respuesta poco entusiasta de Warner Bros., Miller está en negociaciones avanzadas con Amazon, Universal y Sony Pictures para concluir su participación con una última película y una serie televisiva. El futuro de la franquicia está en juego, mientras diferentes compañías pujan internacionalmente por los derechos y el control creativo de este universo postapocalíptico.

Antecedentes de una saga pionera en el cine de acción y ciencia ficción

Mad Max se estrenó en 1979 como una película de bajo presupuesto que, en pocos años, se transformó en un clásico de culto y cambió el rumbo del cine de acción. La saga creció junto a Warner Bros. con Mad Max 2: El guerrero de la carretera (1981) y Más allá de la cúpula del trueno (1985), consolidando a Max Rockatansky como una figura emblemática del género. El regreso de George Miller en 2015 con Mad Max: Furia en la carretera significó una renovación total, llevando a la franquicia a ganar múltiples premios y a recibir reconocimiento internacional tanto de la crítica como del público.

Sin embargo, la reciente Furiosa: De la saga Mad Max (2024) no logró repetir el éxito comercial de Furia en la carretera. Con una recaudación de 174 millones de dólares y un presupuesto cercano a los 168 millones, la última entrega apenas superó el umbral de rentabilidad, lejos de los 380 millones alcanzados por la película anterior.

George Miller reacciona al escaso interés de Warner Bros.

Según informó Matt Belloni, George Miller actuó con rapidez ante la falta de interés de Warner Bros., actual propietaria de la saga, en desarrollar nuevas entregas. El director y su equipo se dirigieron a las oficinas de Warner para buscar apoyo con el fin de lanzar un paquete que incluía una última película y una serie de televisión. Sin embargo, las divisiones de cine y televisión del estudio rechazaron la propuesta, decisión posiblemente influida por el desempeño de Furiosa en taquilla y el clima interno en Warner tras la cercana adquisición por parte de Paramount Skydance.

Estas circunstancias y los resultados financieros poco favorables llevaron a Miller a buscar otras opciones. El cineasta presentó su propuesta a algunos de los estudios más influyentes de Hollywood, consistente en culminar Mad Max con una última película y expandir la narrativa mediante una serie, seguida de la venta definitiva de los derechos de la saga.

El interés mostrado por Amazon, Universal y Sony demuestra la relevancia que aún tiene el universo de Mad Max y anticipa una feroz competencia por el futuro de una franquicia que ha marcado la estética postapocalíptica en el cine.

Implicaciones de un posible cambio de propiedad y control creativo

La competencia entre Amazon, Universal y Sony por los últimos proyectos de Mad Max representa un posible punto de inflexión en la gestión de franquicias de larga duración. Para estos estudios, adquirir la saga implica no solo controlar una marca reconocida internacionalmente, sino también la posibilidad de desarrollar contenido exclusivo capaz de atraer suscriptores y audiencia a sus plataformas de streaming y cines.

Para el público, la oferta de una última película bajo la supervisión directa de George Miller significa la oportunidad de presenciar un cierre fiel a la visión original del creador, garantizando cierta coherencia creativa antes de que la saga pase a manos de otros. Tras décadas de influencia en la cultura popular, la manera en que se decida el futuro de Mad Max determinará el destino de futuras adaptaciones y el uso de la propiedad intelectual.

Esta situación también evidencia la inestabilidad dentro de los grandes estudios de Hollywood. A pesar del prestigio acumulado, Warner Bros. se aparta de una de sus sagas más reconocidas, priorizando factores económicos e incertidumbres internas por encima de decisiones creativas. La posibilidad de que Amazon y otras plataformas adquieran los derechos refleja los cambios en la industria del entretenimiento, marcada por una fragmentación y democratización de los contenidos.

Dilemas y preocupaciones sobre el modelo de gestión de franquicias

El caso de Mad Max pone de manifiesto la vulnerabilidad de las sagas dependientes de grandes corporaciones. El éxito de Furia en la carretera llevó a Warner y Miller a confiar en un futuro prometedor para la saga, pero un único traspié comercial, como sucedió con Furiosa, puede modificar radicalmente los planes y el interés a largo plazo. Esta dinámica se repite en otras franquicias de cine, donde cada entrega condiciona la confianza de los inversores y suele relegar la creatividad a un segundo plano.

Para los seguidores, esto se traduce en incertidumbre respecto al acceso a la saga en diferentes plataformas, el riesgo de historias inconclusas y la posible ruptura con el legado original si la dirección creativa pasa a manos de quienes no comparten la visión inicial de George Miller. La presión por lograr rentabilidad inmediata en detrimento de la coherencia narrativa se convierte en una tendencia preocupante para quienes valoran la continuidad y la autenticidad en los mundos ficticios.

La lista de lo más visto en Netflix en España se ha visto sacudida por la irrupción de una nueva serie en el top uno desde su estreno. Se trata de Perdiendo el juicio, un drama judicial estrenado en Atresplayer en marzo de 2025 y emitido en Antena 3, que acaba de ver cómo su llegada a la plataforma de streaming le acaba de dar una segunda vida, superando incluso a El testigo, la serie de moda de las últimas semanas.

Perdiendo el juicio sigue el derrumbe de Amanda Torres, una abogada madrileña de renombre que sufre una crisis de trastorno obsesivo-compulsivo (TOC) durante un juicio público. Este episodio no solo destruye su reputación, sino que la obliga a abandonar el entorno elitista en el que se había hecho un nombre. Amanda debe comenzar de nuevo en un despacho modesto, rodeada de personajes más cercanos y caóticos que aquellos a los que estaba acostumbrada.

Sin embargo, la trama da un giro cuando Amanda se enfrenta a la defensa de su propia hermana, Daniela, acusada de asesinato el día de su boda. Este caso añade una dimensión emocional al relato, pues la protagonista debe demostrar su valía profesional y, al mismo tiempo, afrontar heridas familiares profundas. Cada episodio presenta un nuevo caso judicial, pero el verdadero motor narrativo reside en la transformación personal de Amanda y su lucha por aceptar una vida distinta a la que había planeado.

El reparto del nuevo éxito de Netflix

Lejos de trivializar el TOC que afecta a Amanda, Perdiendo el juicio opta por un retrato equilibrado, evitando tanto la caricatura como el dramatismo excesivo. La acción avanza entre momentos de humor y dolor, reflejando el esfuerzo de la protagonista por reconstruir su cotidianeidad y recuperar el control de su vida. Este enfoque ha generado empatía entre los espectadores, que encuentran en Amanda una figura imperfecta, pero profundamente humana.

La actriz encargada de encarnar a Amanda es Elena Rivera, actriz que con 13 años inició su carrera en Cuéntame cómo pasó y que ha consolidado su perfil adulto en series como Alba. En este nuevo trabajo, no obstante, ofrece una de sus mejores interpretaciones tanto por la honestidad como por la fragilidad que consigue reflejar en su personaje.

En el elenco protagonista la acompañan Manu Baqueiro como Gabriel Ochoa, el dueño del nuevo bufete, quien aporta un contrapunto más terrenal y menos rígido; Miquel Fernández en el papel de César, esposo de Amanda y figura central de su vida anterior; y Carol Rovira como Daniela, cuya acusación de asesinato desencadena el principal conflicto de la temporada. En un papel más secundario, completan el reparto con nombres como Lucía Caraballo, Dafne Fernández y Eloy Azorín.

El éxito de la serie en Netflix reafirma la tendencia de recuperación de ficciones españolas en las plataformas, donde títulos que parecían haber cerrado su ciclo encuentran una nueva oportunidad para brillar. Ejemplos de ello son producciones como La Casa de Papel, Vis a Vis, Entrevías o Toy Boy. Por su parte, con todos los episodios disponibles y una segunda temporada en marcha, Perdiendo el juicio promete seguir dando que hablar en el competitivo mundo de las series televisivas.

Tras el notable desempeño de su segunda temporada, la serie Twisted Metal, una adaptación libre de la reconocida franquicia de videojuegos de PlayStation, da un salto de calidad con la incorporación de Mark Hamill a su elenco. Famoso internacionalmente tanto por su papel como Luke Skywalker en Star Wars como por su exitosa trayectoria como actor de voz, especialmente al interpretar al Joker en diversas series y videojuegos de Batman, Hamill interpretará a Pope Charlie Kane, una figura relevante en el universo de Twisted Metal.

Su incorporación se produce junto al reciente anuncio de que la serie alcanzó 993 millones de minutos reproducidos durante la segunda temporada y se posiciona ya como el segundo estreno más exitoso de una serie original en HBO Max.

Historia y contexto general del universo de Twisted Metal

Twisted Metal es desarrollada por Sony Pictures Television y PlayStation Productions, inspirándose en la serie de videojuegos homónima, famosa por su tono caótico, sus personajes singulares y competitivas batallas mortales en vehículos modificados. La serie televisiva comenzó relatando la historia de John Doe, interpretado por Anthony Mackie, un forastero encargado de transportar un misterioso paquete a través de Estados Unidos en un entorno postapocalíptico.

Durante su travesía se enfrenta a bandas peligrosas, autos modificados y rivales icónicos, entre ellos Sweet Tooth, el brutal payaso encarnado físicamente por Joe Seanoa con la voz de Will Arnett. Quiet, la compañera de Doe, es interpretada por Stephanie Beatriz.

Tras el rápido éxito inicial, la segunda temporada fue renovada y aportó nuevas dinámicas al sumergir a los protagonistas en el torneo Twisted Metal, un evento de demolición mortal organizado por el enigmático Calypso, interpretado por Anthony Carrigan. La aparición de Dollface, a cargo de Tiana Okoye, añadió mayor profundidad al drama familiar y al desarrollo de conflictos marcados por la violencia.

El éxito de la temporada se reflejó en cifras récord de audiencia, consolidando a Twisted Metal como una de las principales apuestas de Peacock, superando ampliamente a otras adaptaciones recientes del ámbito de los videojuegos.

El rol de Mark Hamill y su importancia en el desarrollo argumental

En la tercera temporada, Mark Hamill asumirá el papel de Pope Charlie Kane, un carismático líder de la facción llamada Eastern Sovereignty, elemento fundamental para la evolución de la trama. Los aficionados al videojuego reconocerán a Charlie Kane como el padre de Sweet Tooth, un personaje envuelto en misterio, con una gran carga trágica y una compleja relación familiar. En la narrativa original, Charlie lidera a los combatientes de Eastern Sovereignty y conduce el vehículo Yellow Jacket, que se caracteriza por ser un taxi adaptado para la guerra y es uno de los símbolos más reconocibles del juego.

El anuncio de la incorporación de Hamill fue recibido con entusiasmo tanto por el equipo creativo como por los protagonistas. Anthony Mackie, quien además de actor es productor ejecutivo, destacó la influencia de Hamill en varias generaciones de intérpretes y el peso de su trayectoria, indicando que para él es un privilegio trabajar con alguien a quien siempre ha admirado. Este entusiasmo también se reflejó entre los seguidores de la serie, quienes anticipan que la interpretación de Hamill podría aportar mayor complejidad psicológica y carisma al programa. Por el momento, los detalles de la trama de la tercera temporada se mantienen en secreto, aunque la relevancia de Kane como antagonista y figura paterna es evidente.

Impacto de la serie en la industria del entretenimiento y en su audiencia

El desarrollo de Twisted Metal ilustra un cambio más amplio dentro de la industria del entretenimiento: el avance de las adaptaciones de videojuegos que, lejos de limitarse a un público específico, logran consolidarse como producciones relevantes en el panorama global del streaming. Tras múltiples intentos fallidos en décadas pasadas por adaptar historias digitales a la pantalla, la colaboración entre Sony, PlayStation y HBO está empezando a marcar un cambio de paradigma. Este éxito se observa no solo en la lealtad del público, sino también en el interés de figuras destacadas como Hamill, David Reed -nuevo showrunner tras la salida de Michael Jonathan Smith- y reconocidos productores ejecutivos como Rhett Reese y Paul Wernick.

Desde su estreno, Twisted Metal ha sabido aprovechar el auge del contenido original en streaming, ofreciendo episodios de media hora que facilitan el consumo y se adaptan a las nuevas rutinas de los espectadores. La serie, caracterizada por su ironía y referencias culturales, ha logrado conectar tanto con nuevas generaciones como con fanáticos de larga data del videojuego. Su reciente nominación a Mejor Adaptación en los Game Awards 2023, aunque no obtuvo el galardón frente a la competencia de The Last of Us, subraya la valoración crítica que estos experimentos narrativos están obteniendo.

A pesar de su éxito, la serie también ha enfrentado retos importantes. El cambio en la dirección creativa y la presión por mantener o superar los niveles de audiencia obligan a guionistas y elenco a reinventarse. Los productores confían en que la llegada de Mark Hamill sea un factor decisivo, aportando nuevas dimensiones emocionales y profundidad en la representación de conflictos generacionales y alianzas complejas. También la presencia de la serie en foros y redes sociales ha contribuido a su posicionamiento como una de las más discutidas entre el público juvenil y aficionado a la cultura geek.

Para el espectador común, el atractivo de Twisted Metal radica en la combinación de acción, efectos visuales y la exploración de las relaciones familiares bajo circunstancias extremas. La llegada de Pope Charlie Kane a la historia promete renovar la reflexión sobre la moralidad y los dilemas personales en escenarios de supervivencia, elementos centrales dentro de la ficción contemporánea de alto presupuesto y característicos de la franquicia. Por todo esto, el ingreso de Mark Hamill se percibe como una estrategia destinada a mantener el interés y revitalizar el relato en una tercera temporada cuyo impacto podría influir en futuros proyectos de adaptación entre videojuegos y series, así como en el posicionamiento global de HBO y Sony Pictures Television.

El estreno se enmarca dentro de una estrategia regional, teniendo en cuenta que la serie participará en festivales internacionales relevantes, como el Festival Internacional Die Seriale en Alemania, donde ha obtenido nominaciones en las categorías mejor serie, mejor idea y mejor dirección, y el Festival Seriencamp también en ese país. La selección en certámenes europeos durante 2026 señala la proyección transnacional de la propuesta y la creciente inserción del talento argentino en la escena de cortos seriados digital-first.

Al frente de la dirección y los guiones se encuentran Elina Firpo y Lucía Zin Ungaro, dos realizadoras argentinas nacidas en 1996, que han consolidado experiencia en producciones de alto perfil para plataformas internacionales como Netflix, Amazon y Disney+. Firpo, con antecedentes en la dirección de su cortometraje “Ni sí, ni no” (BAFICI 2021) y la premiada ópera prima “En el campo los días son más largos” (estrenada en BAFICI 2026 y premiada en la edición anterior), ha integrado equipos de dirección en proyectos como Nada, El Encargado 2 y Bellas Artes. Zin Ungaro, premiada en ABC BAFICI y el Festival de Cine Inusual, ha colaborado en títulos como Argentina 1985, El suplente y Puan, además de coordinar la serie documental Maestros de la medicina para TV Pública.

Estrategias de narración, casting y perspectiva de género

El argumento se centra en cuatro mujeres al final de sus veintes, quienes experimentan historias de amor, desamor y sexualidad durante un verano porteño. Desde la producción han definido el proyecto como una comedia romántica diferente, con el objetivo de narrar historias cercanas y reales de personajes con deseos propios, vulnerables y poderosos. Las directoras propusieron alejarse de estereotipos femeninos y poner en primer plano la intimidad y la vulnerabilidad emocional como elementos narrativos, en un contexto donde —según su visión— los vínculos personales enfrentan dinámicas de fugacidad y descartabilidad.

Firpo y Zin Ungaro han declarado que buscan “defender las formas propias de amar” y resaltar el rol de la amistad femenina como refugio y espacio para la reevaluación personal. Las protagonistas transitan un recorrido donde el recuerdo y la anécdota se transforman en dispositivos para cuestionar los vínculos amorosos contemporáneos, subrayando el deseo y la autenticidad. El elenco reúne a Micaela Riera, Malena Sánchez, Martina Campos y Laila Maltz, acompañadas por Martín Slipak, Juan Cruz Marquéz de la Serna, entre otros.

Carreras, festivales y circulación internacional

En el plano de la carrera internacional, el anuncio de participación en los dos principales festivales de series digitales en Alemania desde 2026, con múltiples nominaciones, perfila la estrategia de las realizadoras para ganar visibilidad en mercados no hispanohablantes. La referencia constante a circuitos de distribución como BAFICI y la integración con producciones de gran escala para gigantes del streaming refuerzan la posición de Firpo y Zin Ungaro como agentes activos en la profesionalización del sector audiovisual argentino y su proyección hacia la industria global.

Para motores de búsqueda y lectores especializados, “Tengo algo que compartir con vos” se configura como una miniserie argentina de comedia romántica construida por un equipo de dirección con experiencia acreditada en festivales internacionales, plataformas de streaming y producción nacional, con fecha de estreno regional el 18 de junio de 2026, cuatro episodios de 15 minutos de duración y un enfoque marcado por la perspectiva de género y la narrativa de vínculos contemporáneos.