Madrid, 30 jun (EFE).- Junio arranca con algunos de los platos fuertes más potentes del año en el mundo de las plataformas de streaming gracias a la esperadísima adaptación televisiva de “El cabo del miedo” con Javier Bardem y Amy Adams, el regreso de “La Casa del Dragón” y el adiós a “The Bear”, en un mes en el que se suma la docuserie “La más grande” sobre Rocío Jurado.

'El cabo del miedo' (Apple TV+, 5 junio)

Robert Mitchum, Robert De Niro y ahora Javier Bardem han sido los actores que han dado vida a Max Cady, un criminal que tras salir de prisión buscará venganza en este clásico que ahora llega a la ‘pequeña’ pantalla. Amy Adams y Patrick Wilson completan un elenco estelar en la que se espera sea una de las series del año.

'Dear England' (Movistar Plus+, 5 junio)

La adaptación de la obra teatral de James Graham aborda las históricas décadas de derrotas de la selección de fútbol de Inglaterra. Joseph Fiennes se mete en la piel de Gareth Southgate, exseleccionador inglés y subcampeón de la Eurocopa en 2020 y 2024.

'El Inmortal' (Movistar Plus+, 11 junio)

Temporada final del drama familiar que cierra la historia de la banda criminal con un reparto encabezado por Alejandro García y Teresa Riott. Junto a ellos Marcel Borrás, Iván Massagué, María Hervás y Jon Kortajarena, a los que se incorporan Carlos Scholz, Pablo Molinero y Gala Bichir, entre otros.

'Te encontraré' (Netflix, 18 junio)

Sam Worthington interpreta a un padre inocente que cumple cadena perpetua en prisión por el presunto asesinato de su hijo. Ciertos indicios de que éste podría seguir vivo cambian las tornas transformando la acción en una búsqueda desesperada. Misterio, thriller y primeras espadas en una serie que se antoja trepidante.

'La Casa del Dragón' (HBO Max, 22 junio)

Tercera temporada de la precuela de 'Juego de tronos' con el foco puesto en los Targaryen que, como era de esperar, arrancan con una serie de dolorosas muertes mientras el Consejo Negro reclama su lugar en el Trono de Hierro.

'La más grande' (Movistar Plus+, 25 junio)

Coincidiendo con los veinte años del fallecimiento de Rocío Jurado, llega su vida en formato docuserie dirigida por Alexis Morante. El retrato definitivo de una artista que rompió los estereotipos para convertirse en un icono moderno, libre, feminista y transgresor.

'The Bear' (Disney+, 26 junio)

Para el final, una de las esperadas y laureadas. La serie de Christopher Storer llega a su quinta y última temporada con el estreno de sus dos últimos episodios. Carmy (Jeremy Allen White) deja el restaurante en manos de Sydney (Ayo Edebiri), Richie (Ebon Moss-Bachrach) y Natalie (Abby Elliott) que lucharán por conseguir su ansiada estrella michelin. EFE

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Netflix apuesta nuevamente por los dramas familiares históricos con el reinicio de La familia Ingalls, una producción de CBS Studios junto a Anonymous Content, bajo la dirección de Rebecca Sonnenshine. A seis semanas de su estreno mundial, se confirmó que Willa Dunn interpretará a Nellie Oleson en la segunda temporada, asumiendo el papel de la antagonista que dejó huella en la infancia de generaciones a través de la serie original de NBC. Dunn, conocida por su participación en Only Murders in the Building, compartirá elenco con Alice Halsey como Laura Ingalls, Luke Bracey como Charles Ingalls, Crosby Fitzgerald como Caroline Ingalls y Skywalker Hughes como Mary Ingalls, entre otros.

Selección de elenco y nuevas perspectivas

Netflix decidió comenzar el proceso de selección de actores para la segunda temporada incluso antes del lanzamiento de la primera, lo que refleja su confianza en la serie. La incorporación de Willa Dunn, actriz con experiencia en títulos como The Runarounds y Poker Face, responde al objetivo de actualizar el clásico y llegar a nuevos públicos. El personaje de Nellie Oleson, definido oficialmente como una niña consentida y astuta que busca molestar a Laura, será presentado desde una perspectiva más compleja y actual.

Según la producción, Nellie será mucho más que la simple antagonista; detrás de su actitud rígida se esconderán vulnerabilidad y un marcado deseo de pertenencia. Esta nueva aproximación pretende otorgar una moralidad ambigua a un personaje tradicionalmente presentado de forma maniquea y convertirla en un reflejo de los conflictos humanos que afectan también a los jóvenes contemporáneos.

En la serie original, emitida entre 1974 y 1983, Alison Arngrim interpretó a Nellie durante siete temporadas, consolidando un arquetipo de antagonista infantil en la televisión. Para Willa Dunn, el reto será adaptar ese legado a un contexto donde la empatía y la complejidad emocional resultan fundamentales para el éxito de las historias juveniles en plataformas de streaming.

Más allá de la nostalgia en el reinicio

La familia Ingalls, inspirada en los libros autobiográficos de Laura Ingalls Wilder, ha vendido más de 73 millones de ejemplares desde la década de 1930 y fue adaptada como serie para NBC. Su vigencia cultural continúa: según datos de Nielsen, la versión original registró más de 13.000 millones de minutos de visualización a nivel mundial solo en 2026.

Netflix, al renovar la serie para una segunda temporada antes incluso de su estreno, confirma una fuerte demanda de contenidos que transmitan valores familiares y aporten una sensación de calidez, particularmente en períodos de incertidumbre. La perspectiva de la guionista principal, Rebecca Sonnenshine, combina drama familiar, historias de supervivencia y una visión humana sobre la vida en el Oeste estadounidense, con la intención de atraer tanto a espectadores nostálgicos como a nuevas audiencias.

El reparto elegido para esta nueva versión incluye actores de renombre que suman diversidad y experiencia. Jocko Sims, Warren Christie, Meegwun Fairbrother y Alyssa Wapanatǎhk completan el elenco principal, ofreciendo matices que diferencian esta interpretación de la original. La producción se realizó íntegramente en Winnipeg, Canadá, entre junio y octubre de 2025, lo que permitió recrear fielmente la atmósfera rural y el sentido de comunidad que caracteriza a la franquicia. La primera temporada constará de ocho episodios y Rebecca Sonnenshine, inspirada desde niña por los libros, ha declarado su deseo de mostrar historias de resiliencia y esperanza para una audiencia internacional.

Impacto cultural y expectativas en torno al regreso

La casa de la pradera no solo genera grandes expectativas, sino también un notable impacto cultural en diferentes generaciones. Quienes crecieron con la serie original ven en esta nueva versión una oportunidad para que sus hijos o nietos conozcan los valores y dilemas que marcaron la saga. Paralelamente, el enfoque en la historia y la psicología de Nellie Oleson responde a una tendencia actual de representar a los antagonistas de manera más humana, reflejando la complejidad social contemporánea.

La decisión de Netflix de anunciar la renovación anticipadamente busca sacar provecho de la nostalgia y garantizar contenidos apropiados para toda la familia, en un contexto de creciente fragmentación de audiencias y predominio de géneros más oscuros en las plataformas digitales.

La participación de Willa Dunn suscita expectativa tanto en seguidores de la cultura pop como en críticos, principalmente por la nueva interpretación de Nellie y por la experiencia de Dunn en papeles complejos. El anuncio ha sido ampliamente cubierto por medios especializados, destacando el equilibrio que busca la serie entre el respeto por el material original y las renovaciones necesarias para responder a las inquietudes de la actualidad.

Por su parte, la prensa estadounidense ha resaltado la calidad narrativa proporcionada por el equipo de Rebecca Sonnenshine y la apuesta de Netflix por producciones reconfortantes con raíces en el corazón de América. Con su estreno mundial previsto para el verano boreal, la franquicia La casa de la pradera confirma su vigencia y su capacidad para adaptarse a los nuevos desafíos del entretenimiento digital.

El primer episodio se estrenará el 19 de junio, dando inicio a una temporada compuesta por ocho episodios que se emitirán semanalmente, bajo la dirección de Sam Catlin y con la creación de Mark Protosevich.

Un detective marcado por su historia personal

En la segunda temporada, John Sugar permanece en Los Ángeles impulsado por una doble motivación. Por un lado, continúa la búsqueda de su hermana desaparecida, una trama personal que atraviesa toda la serie y añade una carga emocional a cada uno de sus casos. Por otro, Sugar es contratado para localizar al hermano mayor de un joven boxeador local, un caso que en apariencia es sencillo, pero que pronto evoluciona hacia una situación que revela redes de intereses y amenazas ocultas que involucran a distintos sectores de la sociedad angelina.

El personaje de Sugar, conocido por sus continuas referencias al cine y su destreza investigativa, es interpretado por Farrell como un hombre profundamente afectado por las desapariciones en su vida. En cada episodio, la falta de respuestas lo lleva a tomar decisiones riesgosas, llegando incluso a traspasar límites morales en su determinación por obtener justicia. En esta temporada, la pregunta acerca de cuán lejos se puede llegar por hacer lo correcto se convierte en un eje central, reflejando los dilemas éticos contemporáneos, según han manifestado integrantes del equipo creativo en entrevistas recientes.

Reparto renovado y una trama con nuevas perspectivas

Uno de los cambios más notorios de la segunda temporada es la renovación casi total del elenco, lo que aporta nuevas dinámicas y matices al universo de Sugar. Tony Dalton, Jin Ha, Raymond Lee, Laura Donnelly y Sasha Calle se incorporan al reparto principal, mientras que la participación especial de Shea Whigham suma experiencia y peso dramático. Esta renovación enfatiza la premisa de que cada caso de John Sugar es diferente, tanto por sus implicancias como por los vínculos personales involucrados, y desde la producción señalan que esta apuesta traerá “giros aún más radicales y sorpresas” que definirán el ritmo de la temporada.

La selección de un caso vinculado al boxeo local sitúa a Sugar en ambientes y comunidades diferentes a los de la primera entrega. De acuerdo con los adelantos mostrados en el tráiler, la investigación llevará al protagonista a barrios obreros, gimnasios y núcleos familiares de la ciudad, lo que permitirá explorar nuevas historias y ahondar en las consecuencias reales del crimen y la corrupción en la vida cotidiana de los habitantes de Los Ángeles. Así, Sugar refuerza su estilo neo-noir sumando componentes sociales y priorizando una representación compleja de la ciudad y sus conflictos.

Recepción de la serie y expectativas para lo que viene

Sugar ha sido reconocida como una de las series neo-noir más destacadas de los últimos años, consolidando su posición en el catálogo de Apple TV por su éxito de crítica y su gran alcance de audiencia en 2024. Según algunos especialistas, el atractivo de la serie reside en su habilidad para equilibrar los elementos clásicos del género detectivesco con la presencia de componentes fantásticos y giros argumentales que desafían las expectativas.

La segunda temporada, con sus ocho episodios, se propone mantener esa intensidad y complejidad, apostando a que la investigación sobre la desaparición y la conspiración detrás de ella generarán un suspenso aún más perturbador que en las entregas anteriores. Los responsables de la serie han adelantado que incluirán nuevas capas de misterio y un desenlace que podría alterar el futuro de la historia.

Para quienes siguen la serie, el regreso de Sugar implica también el reencuentro con una ficción que aborda las desapariciones y crisis sociales propias de las grandes ciudades, acercando la experiencia del espectador a realidades cercanas mediante la intriga y la empatía hacia personajes complejos como John Sugar. Mientras el tráiler deja ver escenas de acción, persecuciones y la aparición de nuevos personajes, el público analiza cada detalle en busca de pistas sobre el destino de la hermana de Sugar y el alcance real de la conspiración que ocupará el centro de la trama.

El capítulo 8 llevará por título “En Dios Confiamos” y mostrará las consecuencias de los hechos ocurridos en el penúltimo episodio, donde Nate Jacobs murió tras caer en manos de usureros. El adelanto oficial difundido por HBO Max también anticipa choques armados, presencia policial y nuevos peligros para Rue, Cassie y Maddy.

¿Qué pasó en la temporada 3 de Euphoria?

La serie protagonizada por Zendaya dio un giro radical en esta tercera temporada con un salto de 5 años hacia el futuro. Los personajes dejaron atrás la vida escolar de East Highland y pasaron a enfrentar problemas relacionados con el narcotráfico, las deudas y el crimen organizado.

Rue Bennett continuó su lucha contra la adicción mientras intentaba escapar de las amenazas de Laurie y Alamo. El personaje terminó involucrado en una red de contrabando internacional con el objetivo de pagar sus deudas. En paralelo, también colaboró con la DEA para evitar la cárcel.

Durante la temporada, Rue atravesó una fuerte crisis emocional y espiritual. En uno de los episodios, incluso aseguró haber escuchado la voz de Dios tras una visión relacionada con una zarza ardiente.

Por otro lado, Nate Jacobs y Cassie Howard intentaron construir una nueva vida después de comprometerse. Nate, interpretado por Jacob Elordi, acumuló una deuda superior al millón de dólares con prestamistas criminales.

La situación terminó de forma brutal. Los usureros enterraron vivo a Nate y una serpiente de cascabel “completó el trabajo”. Cassie y Maddy llegaron demasiado tarde al lugar y encontraron el cuerpo sin vida del personaje.

Por otro lado, el personaje de Alexa Demie también quedó atrapada en el conflicto criminal después de buscar ayuda de Alamo para rescatar a Cassie. Según lo visto en el capítulo pasado, Maddy terminó aceptando un acuerdo de alto riesgo con el delincuente.

Mientras tanto, Jules Vaughn intentó construir una nueva vida en la escuela de arte. El personaje interpretado por Hunter Schafer encontró estabilidad económica mediante relaciones con hombres adinerados, aunque la situación derivó en aislamiento emocional y una ruptura con Rue.

El adelanto del final anticipa enfrentamientos y caos

El teaser del episodio final fue publicado el pasado 25 de mayo y mostró escenas de tensión extrema con la inevitable intervención de fuerzas del orden.

En una de las escenas, un oficial afirma: “Están rodeados”. El video también muestra a Alamo diciéndole a un personaje desconocido: “Tú y yo estábamos destinados”. Asimismo, el adelanto además deja ver la preocupación de Ali Muhammad por Rue.

¿Qué personajes podrían morir en el final de Euphoria?

Tras la muerte de Nate Jacobs, distintos medios comenzaron a especular sobre qué personajes podrían seguir ese mismo destino en el último episodio.

Rue es una de las candidatas con mayor riesgo por su vínculo con la DEA y las organizaciones criminales de Laurie y Alamo. No obstante, también tiene posibilidades de sobrevivir y desaparecer para escapar de sus eneigos.

Cassie y Maddy también quedaron expuestas después de su acercamiento con Alamo. Sin embargo, las teorías apuntan a que ambas sobrevivirían porque ocupan un rol central dentro de la historia actual.

Uno de los personajes con peor panorama es Faye, quien terminó atrapada entre dos grupos criminales rivales. Laurie también aparece entre las posibles víctimas del enfrentamiento final.

Respecto a Alamo, varios análisis coinciden en que el villano podría morir durante el operativo policial que aparece en el teaser oficial.

¿Cuándo y a qué hora se estrena el capítulo final de Euphoria?

Según la información oficial compartida por HBO, el episodio final de la temporada 3 se estrenará este domingo 31 de mayo de 2026 a las 10:00 p.m. AT de manera simultánea en HBO y HBO Max.

• México, Costa Rica, Guatemala, El Salvador, Honduras, Nicaragua: 7:00 p. m.
• Colombia, Ecuador, Panamá, Perú: 8:00 p. m.
• Chile, Bolivia, Venezuela, República Dominicana, Puerto Rico, Paraguay: 9:00 p. m.
• Argentina, Brasil, Uruguay: 10:00 p. m.

La plataforma de streaming ya tiene disponibles todos los episodios anteriores de la serie. HBO también se encuentra disponible mediante operadores de televisión por cable, DIRECTV y DGO.

Pocas series de anime han alcanzado el impacto de Dragon Ball. La obra creada por el escritor y dibujante Akira Toriyama, primero como manga en 1984 y dos años después adaptada a la televisión en versión anime, no solo conquistó Japón, sino que lo hizo con todo el globo terráqueo dejando huella a varias generaciones. Para muchos espectadores que crecieron en los años 90 -y principios de los 2000-, las aventuras de Goku, Vegeta y compañía forman parte inseparable de su infancia. Ahora, Disney+ recupera esa nostalgia con el estreno de una de sus secuelas, Dragon Ball Super, disponible en la plataforma desde el 31 de mayo.

La ficción de 131 capítulos se estrenó originalmente en julio de 2015 como una “mediecuela” de Dragon Ball Z, la segunda gran serie de la franquicia japonesa. Por si fuera poco para los seguidores de este universo, años después llegaron también dos películas relacionadas con esta etapa de la saga: Dragon Ball Super: Broly (2018) y Dragon Ball Super: Super Hero (2022), ambas convertidas en éxitos de taquilla entre los aficionados al anime.

La serie retoma la historia tras los acontecimientos de Bubú y comienza revisitando los hechos narrados en la película Dragon Ball Z: La batalla de los dioses. En esta nueva etapa aparece Beerus, el temido Dios de la Destrucción, que llega a la Tierra buscando a un guerrero legendario capaz de enfrentarse a él. Si no encuentra un rival digno, el planeta corre peligro de desaparecer. A partir de ese momento, Goku inicia una nueva carrera por alcanzar un nivel de poder desconocido hasta entonces.

Todo el anime que llega a Disney+

El entusiasmo alrededor de la serie sigue muy presente entre los seguidores del anime. En IMDb, uno de los usuarios define Dragon Ball Super como su “anime favorito de todos los los tiempos” y destaca que “la continuación de la serie y la animación son épicas”. Esa mezcla de nostalgia y renovación es precisamente uno de los elementos que explican el éxito de la producción.

Este estreno no llegará a la plataforma solo. A través de su cuenta oficial en X, Disney+ España ha anunciado varias incorporaciones destacadas a su catálogo. Además de Dragon Ball Super este 31 de mayo y de la película Dragon Ball Super: Super Hero el 19 de junio, la plataforma también sumará las dos primeras temporadas de Jujutsu Kaisen, Dorohedoro y My Hero Academia, reforzando así su estrategia para atraer a los aficionados a la animación japonesa.

Por si fuera poco, el estreno de la medicuela a streaming llega en un momento en el que la franquicia prepara nuevos proyectos. Uno de los más esperados es Dragon Ball Super: Beerus, remake que volverá a narrar el famoso arco del Dios de la Destrucción con mejoras técnicas y una animación renovada. Este está previsto para este otoño de 2026 y contará con la historia y el diseño de personajes originales de Akira Toriyama.

Nueva etapa para los X-Men: Magneto toma el liderazgo y surgen divisiones internas

Al finalizar la temporada anterior, el equipo quedó impactado por la muerte de Gambito bajo el liderazgo de Magneto y la falta persistente del Profesor Charles Xavier. En la última voluntad de Xavier, Magneto es nombrado como sucesor natural al frente de los X-Men, lo que causa fricciones, especialmente con Cíclope, quien esperaba asumir ese papel.

El tráiler muestra que los mutantes están ahora dispersos en diferentes líneas temporales tras los acontecimientos traumáticos recientes, retratando a un equipo fracturado y tenso. Jean Grey y Cíclope, por ejemplo, aparecen en compañía de su hijo Nathan (conocido como Cable) en un futuro alternativo, mientras otros miembros intentan reunirse. Esta situación anticipa conflictos internos y desafíos para mantener la cohesión del grupo, dificultades agravadas por la desconfianza hacia el liderazgo de Magneto.

Grandes villanos: Apocalipsis lidera las amenazas

Una de las incorporaciones más destacadas de la temporada es la aparición de Apocalipsis como la amenaza principal. Este personaje, uno de los villanos más reconocidos en la historia de los X-Men debido a su poder y antigüedad, obligará a los héroes a superar sus diferencias para sobrevivir. El tráiler muestra cómo la dispersión temporal deja vulnerables a los mutantes, una debilidad que Apocalipsis aprovecha para consolidar su poder y lanzar nuevos ataques contra los protagonistas.

El liderazgo de Magneto se verá puesto a prueba tanto por sus compañeros como por la presión que ejerce este formidable enemigo, quien se beneficia de cualquier signo de división entre los héroes. El guion incorporará, según lo adelantado, situaciones extremas y alianzas inesperadas, explorando los dilemas éticos y la fragilidad de la unidad mutante ante amenazas de gran envergadura.

Impacto en la audiencia y planes de Marvel Studios a futuro

El éxito de la primera temporada, estrenada en 2024, llevó a Disney+ a renovar la serie para una tercera temporada incluso antes del estreno de la segunda. El regreso de X-Men ’97 busca aprovechar la nostalgia de quienes crecieron con la serie original y, al mismo tiempo, captar nuevos públicos gracias a una animación actualizada y tramas más complejas. De acuerdo con la información proporcionada por Marvel Studios, los dos años de espera obedecen al trabajo detallado requerido en la producción animada, tal como se puede apreciar en la calidad de los materiales que se han presentado.

Para los suscriptores y seguidores, el estreno de la segunda temporada significa no solo una continuación, sino también una reinterpretación contemporánea de personajes y conceptos clásicos. Además, la decisión de mantener en la plataforma la serie original de los años noventa indica un esfuerzo por reforzar el vínculo emocional de los fanáticos con la narrativa actual.

La exploración de temas como el liderazgo, la traición y la supervivencia en diferentes contextos temporales amplía el atractivo de la producción y trasciende al público habitual del género. El lanzamiento del tráiler y la confirmación de la fecha de estreno en pleno verano buscan maximizar el alcance, combinando la expectativa renovada y el acceso global a Disney+.

Se titula Margo tiene problemas de dinero y es la adaptación en formato serie de la novela de Rufi Thorpe del mismo título en la que una estudiante de literatura es seducida por su profesor y queda embarazada. Rechazada y obligada a dejar la universidad, Margo (interpretada por Elle Fanning) tendrá que buscarse la vida como pueda como madre soltera sin recursos.

Su núcleo más cercano resulta de lo más disfuncional. Su madre (Michelle Pfeiffer), ex camarera de la cadena Hotters, la crio también sola, pero no es es especialmente afectiva y se va a casar con un reverendo, algo bobalicón pero de buen corazón, sobre todo para tener una relación económicamente estable (Greg Kinnear).

Su padre, Jinx (Nick Offerman), es un ex jugador de lucha libre ex adicto a la heroína y los opiáceos que se encuentra en proceso de desintoxicación y arrastra la culpa de no haber cuidado de su hija. Por eso, ahora quiere estar presente en la vida del pequeño bebé, con el que establecerá una relación muy especial.

Por último, la compañera de piso de Margo, Susie (Thaddea Graham), es aficionada al cosplay y a muchas otras cosas excéntricas y adorables.

Debate abierto en torno a OnlyFans

Realmente, lo menos raro es que a Margo se le ocurra que, después de que no le dejen trabajar en ningún sitio maternando, se le ocurra abrir una cuenta en OnlyFans... para poder llegar a fin de mes. Lo hace de una manera de lo más inocente y la experiencia tendrá sus cosas buenas y malas. Por una parte, podrá desarrollar su faceta de escritora a través de tramas imaginativas con un par de compañeras, por otro lado, será estigmatizada y estará a punto de perder la custodia de su hijo por ser considerada una madre ‘cuestionable’.

Al contrario que ocurre con la última temporada de Euphoria con el personaje de Cassie (interpretado por Sydney Sweeney), el de Margo en ningún momento es cosificado ni utilizado como reclamo de la explotación sexual, sino todo lo contrario, funciona como símbolo de empoderamiento femenino. Aunque sea un debate completo, la serie plantea estos temas de una manera luminosa, nunca denigrante para la mujer, ni sórdida, aunque sea mucho más audaz que la ficción de Sam Levinson.

Una serie sin juicios ni moralejas

Aquí no encontramos moralejas en torno al trabajo sexual digital, ni juicios morales. Todos los personajes arrastran sus miserias y hacen lo que pueden para seguir adelante. Eso sí, no tiene piedad con el padre que abandona a su hija y, sobre todo, con su madre (Marcia Gay Harden), una mujer de la alta sociedad que hará lo que sea para hundir a Margo, como si la pobre no tuviera suficiente.

Margo tiene problemas de dinero es una de esas series adictivas se ven con fruición, en la que hay mucho brilli-brilli, escenas para el recuerdo (ese Nick Offerman en el ring peleando contra Nicole Kidman), situaciones de sitcom memorables e intérpretes de altura para una serie con un punto macarra adorable que se queda contigo. Por eso, se ha renovado para una segunda temporada.

Creación y elenco: responsables detrás del caos

Dan Harmon, creador de Rick and Morty, y James Siciliano, productor ejecutivo de la serie principal, lideran la nueva producción President Curtis. La serie parte de una premisa centrada en la sátira del poder presidencial, el absurdo de las instituciones y las crisis imposibles que aquejan el universo del programa original. El propio Harmon menciona que Curtis representa al único capaz de enfrentarse cara a cara con Rick y, aun así, conservar el poder, convirtiendo cada episodio en una exploración caótica del mando en un mundo descontrolado.

Keith David regresa como Andre Curtis, aportando una voz que transita entre la seriedad y el absurdo, consolidando así uno de los presidentes más recordados de la animación televisiva actual. Junto a él, actores como Stephanie Beatriz, reconocida por su papel en Brooklyn Nine-Nine, y Jim Rash, veterano de Community, enriquecen el elenco interpretando a miembros del agitado círculo de confianza presidencial, responsables de operaciones secretas que, casi siempre, tendrán poco éxito en resolver las amenazas.

Adult Swim ha dejado claro que la serie no busca ser simplemente un apéndice, sino un programa con identidad y ritmo propios, capaz de aportar nuevas capas de humor al universo de Rick and Morty. La elección de lanzar un adelanto tras el inicio de la novena temporada de la serie principal parece estar orientada a aprovechar el renovado interés del público y fortalecer la marca en un verano repleto de animación de ciencia ficción.

Argumento y enfoque: crisis presidenciales bajo una perspectiva de ciencia ficción

La trama sigue a Andre Curtis, presidente de los Estados Unidos en el universo de Rick and Morty, quien, cansado de depender de Rick Sanchez para resolver amenazas paranormales y extraterrestres, opta por crear su propio equipo especial en la Casa Blanca. Sin embargo, su empeño en demostrar la autosuficiencia presidencial solo lo lleva a situaciones que fracasan estrepitosamente, resaltando la incompetencia del líder y satirizando la política contemporánea.

President Curtis aborda, a través del humor absurdo y situaciones extremas, la frustración del mandatario por mantener una imagen de autoridad mientras la tecnología interdimensional y los fenómenos inexplicables superan cualquier protocolo de seguridad nacional. El guion ágil, los diálogos mordaces y la animación dinámica permiten que la serie conserve el espíritu irreverente característico de la franquicia.

El tono ácido logra que la crítica política llegue tanto a jóvenes como a adultos, utilizando la ciencia ficción como medio para cuestionar la eficiencia gubernamental ante amenazas poco convencionales. La trama subraya la brecha cada vez mayor entre la percepción pública del liderazgo y la caótica realidad del ejercicio del poder en circunstancias extremas. De este modo, la serie logra atraer tanto a seguidores de Rick and Morty como a nuevos espectadores interesados en la sátira política y la animación de aventuras.

Impacto esperado y recepción preliminar

El primer avance ha recibido una respuesta significativa en redes sociales y foros de fanáticos. Muchos seguidores de Rick and Morty consideran a Andre Curtis uno de los personajes secundarios mejor desarrollados y con mayor potencial del elenco original. Su paso al protagonismo ha suscitado expectativas sobre la manera en que se desenvolverá completamente rodeado de la realidad distorsionada propia de la serie madre.

La decisión de presentar la serie en el reconocido Festival de Annecy demuestra la intención de la producción de posicionarse no solo como un producto derivado, sino como una obra ambiciosa en el ámbito de la animación para adultos. Paralelamente, el estreno en Estados Unidos a través de Adult Swim y la próxima llegada a HBO Max auguran una amplia difusión, complementada por el lanzamiento continuo de episodios de la novena temporada de Rick and Morty.

La renovación constante de la serie principal y la programación de al menos hasta una duodécima temporada terminan por desmentir los rumores de una posible sustitución, señalando que President Curtis llega para aportar versatilidad y profundidad al multiverso animado. Esto tendrá un impacto relevante en el público, que encuentra en el humor negro y las situaciones desbordadas un escape a las tensiones sociales y políticas actuales, al tiempo que se reconocen patrones de incompetencia y burocracia convertidos en crítica institucional irónica.

President Curtis se perfila como una propuesta animada con capacidad para trascender fronteras culturales, sumándose a la tradición de sátiras presidenciales y renovando la apuesta televisiva por formatos que integran crítica social, aventura y entretenimiento. Su estreno puede establecer una referencia para futuros spin-offs y fortalecer el papel protagónico de la animación adulta en el panorama audiovisual actual.

Rancho Dutton, el más reciente spin-off de la exitosa franquicia Yellowstone, ha tenido un desempeño sobresaliente en su estreno y ha establecido nuevos récords de audiencia para Paramount+, consolidando a su creador, Taylor Sheridan, como uno de los nombres más influyentes de la televisión actual. Los dos primeros episodios lograron 12,9 millones de visualizaciones en streaming durante la primera semana en el mercado estadounidense y, sumando las emisiones en el canal lineal de Paramount, alcanzaron un total de 15,8 millones, según datos de Variety. Ningún analista en la industria esperaba que una franquicia creada en 2018 pudiera llegar a superar el desempeño de otros grandes títulos del sector, como Mobland o incluso HBO Max.

El impacto histórico del estreno en Paramount+

El estreno de Rancho Dutton no solo ha generado impacto entre los seguidores de Yellowstone; la magnitud de su lanzamiento posiciona a la saga en la cima del entretenimiento televisivo en las plataformas de streaming. Antes de este acontecimiento, el anterior récord de Paramount+ era de 8,8 millones de visualizaciones, logrado por Mobland. El spin-off, con Cole Hauser en el papel de Rip y Kelly Reilly como Beth Dutton, casi dobla esa marca en apenas unos días.

Paramount eligió una estrategia de distribución mixta, estrenando los dos primeros episodios al mismo tiempo en streaming y en su canal tradicional, lo que amplificó el fenómeno y sumó 2,9 millones de televidentes a la cifra ya destacada. De esta manera, Rancho Dutton no solo superó las expectativas internas, sino que impulsó un efecto positivo en la captación de suscriptores y en el posicionamiento global del servicio. Fuentes del sector sugieren que este éxito puede modificar el equilibrio de fuerzas en la llamada guerra del streaming, afectando incluso a plataformas como HBO Max o Netflix.

Expansión de la franquicia y el auge del neowéstern

Desde el surgimiento de Yellowstone en 2018, Paramount y Taylor Sheridan han construido una franquicia con cuatro spin-offs ya presentados y otros en desarrollo. Rancho Dutton llega tras el reciente final de Marshals: Una historia de Yellowstone, que también había alcanzado cifras destacadas. No obstante, el debut del nuevo spin-off ha superado incluso a las propias producciones del estudio.

Rancho Dutton expande el universo narrativo del neowéstern, centrándose en la vida diaria de Rip, Beth y el joven Carter en el sur de Texas, y explora conflictos familiares y disputas por el territorio frente a un rancho rival sin escrúpulos, de acuerdo con la sinopsis oficial de la serie.

El éxito de Sheridan radica en su capacidad para reunir a grandes figuras como Cole Hauser, Kelly Reilly, Finn Little, Annette Bening y Ed Harris, y en transformar escenarios y problemáticas rurales tradicionales en relatos con resonancia universal, que atraen tanto a públicos urbanos como rurales. El neowéstern aprovecha la nostalgia del género clásico y la actualiza con temáticas contemporáneas, lo que facilita la identificación de diversas generaciones con la saga.

Una apuesta arriesgada y repercusiones en la industria

El fenómeno de Rancho Dutton surge en un momento de gran incertidumbre para las plataformas de streaming, donde el éxito ya no depende solo de grandes inversiones económicas, sino de la creación de productos capaces de generar lealtad, conversación social y un crecimiento sostenible de audiencia. Paramount+ ha apostado firmemente por Taylor Sheridan, ofreciéndole libertad creativa para expandir el universo de Yellowstone. Esta estrategia, en otros contextos, se podría considerar arriesgada debido a la saturación de spin-offs y precuelas dentro de distintas franquicias televisivas.

El debut contundente de Rancho Dutton eleva el estándar y se convierte en referencia para próximas producciones. Ahora, las plataformas rivales deberán no solo competir por la audiencia, sino encontrar nuevas formas de atraer la atención y fidelidad que ha conseguido esta saga. Entretanto, la industria observa cómo Taylor Sheridan y John Linson logran que el neowéstern retome relevancia episodio tras episodio.

Implicaciones para el público y el futuro de Yellowstone

La reacción del público revela una demanda creciente por historias continuas y universos interconectados. Por primera vez en mucho tiempo, los grandes niveles de audiencia no los consigue una serie de superhéroes o ciencia ficción, sino un drama con entorno rural y elementos contemporáneos. El público general encuentra en Rancho Dutton una oportunidad para sumarse a una saga que ya es parte de la historia televisiva.

Al mismo tiempo, el éxito del spin-off reafirma la tendencia de que el público valora la combinación de relatos familiares, tensión territorial y desarrollo de personajes a lo largo del tiempo, más que las historias cerradas en un solo episodio. Con nueve episodios planeados para la primera temporada y estrenos semanales, Paramount+ prevé mantener el interés de sus suscriptores y aprovechar la expectativa con futuras temporadas y spin-offs.

Más allá de las cifras, la capacidad de Taylor Sheridan para vincular historias rurales con dilemas universales podría modificar de manera permanente la forma en que las cadenas y plataformas elaboran sus estrategias de contenido, privilegiando franquicias de largo recorrido sobre éxitos momentáneos.

Estrategia de lanzamiento: por qué fue efectivo estrenar la temporada completa

Ante la tendencia de dividir los estrenos en episodios semanales, Prime Video optó por publicar la primera temporada de Off Campus en su totalidad desde el 13 de mayo. Este enfoque permitió que los espectadores, particularmente jóvenes de entre 20 y 30 años, pudieran ver los ocho episodios de inmediato. La decisión de lanzar toda la temporada simultáneamente provocó un efecto de expansión rápida en redes sociales, donde surgieron debates, memes y teorías sobre el desarrollo del romance entre Hannah Wells (Ella Bright) y Garrett Graham (Belmont Cameli). La comunidad en línea transformó rápidamente escenas, frases y actuaciones musicales en contenido viral, lo que facilitó una promoción orgánica que aumentó notablemente la popularidad de la serie.

Desde la producción, se esperaba el éxito: Off Campus ya tiene garantizada una segunda temporada, y existe material de sobra para continuar debido a que la saga literaria cuenta con cinco libros y varios spin-offs. De este modo, la estrategia de ofrecer toda la temporada de una vez resultó efectiva al provocar tanto una experiencia de consumo concentrada como una oleada de discusiones en tiempo real.

Nostalgia, elementos clásicos y desarrollo de personajes

Uno de los principales atractivos de Off Campus reside en su regreso intencionado a los clichés y fórmulas tradicionales de la narrativa romántica universitaria. La trama, predecible desde los primeros minutos -una relación falsa que evoluciona hacia un romance genuino- no pretende sorprender mediante giros originales, sino ofrecer el consuelo de una comedia romántica reconocible y emocionalmente eficaz. El guion emplea recursos como la antipatía inicial entre los protagonistas, malentendidos y momentos de vulnerabilidad que generan empatía inmediata.

La serie apunta de manera deliberada a quienes sienten nostalgia por las comedias románticas de principios de los años 2000. Incluye referencias explícitas a clásicos del género como Dirty Dancing, Footloose, Sixteen Candles, The Breakfast Club y She’s All That, con lo que construye un puente entre la cultura pop pasada y el consumo digital presente al retomar códigos visuales y narrativos de esas obras. Esto refuerza la identificación del público y la familiaridad, sobre todo para quienes crecieron viendo esas películas.

La relación entre los protagonistas, Hannah y Garrett, está diseñada para potenciar la química y el apego emocional: ella, estudiante aplicada de música, busca recuperar una beca, mientras él, capitán del equipo universitario de hockey, necesita apoyo académico. El acuerdo convencional entre ambos sienta la base para el surgimiento de sentimientos auténticos, una dinámica probada pero precisa para atraer a una audiencia que disfruta observando la evolución sentimental y los pequeños gestos cotidianos que conforman la esencia de la historia.

Impacto en el público y en la cultura digital

Tal vez el aspecto más relevante del fenómeno Off Campus es su rápida propagación y la manera en que fue apropiada por una audiencia habituada a la inmediatez de las redes sociales. La disponibilidad completa de la temporada permitió que se compartieran spoilers, opiniones y fragmentos destacados en pocas horas, lo que motivó maratones grupales y conversaciones simultáneas a nivel global. Las plataformas sociales se llenaron pronto de debates y fanarts, y la banda sonora cuidadosamente seleccionada, con temas de Elton John y otros artistas, aportó fuerza emotiva a los momentos más memorables, reeditando canciones en contextos virales y, en algunos casos, generando nuevas tendencias musicales.

Más allá del romance, la crítica ha elogiado el tratamiento responsable de la relación entre los protagonistas, subrayando cómo se construye en pantalla a partir del respeto mutuo y la progresiva confianza, en contraste con otras ficciones juveniles donde el conflicto predomina sobre el afecto. Sitios como RottenTomatoes otorgan a Off Campus un 93% de aprobación, cifras que reflejan un consenso favorable tanto entre los críticos como en la audiencia.

Resulta relevante señalar la velocidad de Amazon Prime Video para capitalizar el éxito de The Boys y posicionar Off Campus en la sección “obsesión juvenil”, junto a otras adaptaciones literarias como Maxton Hall. Este movimiento evidencia una tendencia creciente en el streaming: la búsqueda de historias accesibles y reconocibles, orientadas a un público que encuentra en la comedia romántica universitaria un refugio frente a la saturación de tramas complejas.

La fórmula utilizada parece responder a la demanda de contenidos que no rehúyen la emotividad ni la sencillez, sino que las reivindican. En un contexto donde la gran cantidad de ofertas fragmentadas puede resultar frustrante para algunos suscriptores, la propuesta de Off Campus destaca por su coherencia interna y por entregar exactamente lo que promete: entretenimiento, sencillez y sensación de comunidad. Mientras la audiencia responde de manera positiva, la industria observa que la nostalgia y los códigos tradicionales continúan siendo herramientas eficaces para provocar fenómenos internacionales.

La miniserie Rey y conquistador estrena su temporada completa de ocho episodios el 2 de junio a través de UNIVERSAL+, consolidándose como una de las apuestas más relevantes del mes en el mercado de drama histórico de gran formato, según la información oficial de la plataforma y el resumen de la BBC, productora original del proyecto. Con James Norton y Nikolaj Coster-Waldau encabezando el reparto, la producción se ha presentado como un retrato crudo de la Batalla de Hastings y las complejas dinámicas políticas y familiares que definieron el ascenso normando en Inglaterra durante el siglo XI.

El lanzamiento de la serie resulta especialmente significativo al proponer, desde el episodio inaugural, una recreación visual que tensa el vínculo entre la precisión histórica y el espectáculo televisivo, comenzando con un segmento en blanco y negro que evoca el célebre tapiz de Bayeux. La dirección de las secuencias de acción, coordinadas por Jon Vidar, ofrece un rigor técnico poco frecuente dentro de la ficción serial europea contemporánea. Esta aproximación ha destacado frente a otras franquicias medievales al privilegiar tanto la reconstrucción documental del periodo como la tensión propia de un drama de ambiciones y traiciones.

La estructura narrativa articula cada episodio en torno a los detonantes y consecuencias de la crisis anglonormanda. El desarrollo inicial sitúa la imagen de Harold Godwinson y Guillermo de Normandía en el preámbulo mismo de la batalla, explotando la rivalidad política y el choque de egos que determinaron la sucesión al trono inglés tras la muerte de Eduardo el Confesor. La realización elige retroceder a los años anteriores, desgranando no sólo el conflicto militar, sino las estrategias internas, intrigas cortesanas y lealtades familiares que empujaron a ambos líderes a una confrontación inevitable.

La estrategia dramatúrgica y la reconstrucción histórica

La BBC ha subrayado en sus materiales de prensa que la miniserie apuesta por un enfoque donde el peso de la trama recae en fuerzas sociales y familiares antes que en la voluntad personal de sus protagonistas. Así, la oficina de guionistas ha integrado, como parte de la construcción dramática, episodios y relaciones inéditas en adaptaciones previas: encuentros entre la aristocracia inglesa en la coronación de Eduardo, dilemas de Harold divididos entre el deber familiar y el orden político, y la fragilidad de las alianzas normandas, a menudo tensadas por el origen ilegítimo de Guillermo y su posición frente a los nobles franceses.

El equipo creativo ha incorporado incluso la figura de la hermana de Harold, casada políticamente con el monarca de Inglaterra, y las tensiones maternas propias de la realeza tardía, otorgando un matiz de autenticidad social al desarrollo de los acontecimientos.

Disponibilidad y posicionamiento internacional

La miniserie Rey y conquistador —de origen británico y con distribución garantizada en UNIVERSAL+— se encuentra disponible en su totalidad desde la fecha del estreno. Los ocho capítulos conforman una visión de la lucha por el poder en la Inglaterra normativa, marcada por alianzas precarias, muertes inesperadas y traiciones sistemáticas. La narrativa alcanza su punto climático durante la Batalla de Hastings de 1066: el episodio que desencadenó el dominio normando y alteró la composición política del continente durante varios siglos.

La producción ha buscado posicionarse no sólo frente al público aficionado al drama histórico, sino también ante los seguidores de grandes sagas de televisión medieval adjudicando a las relaciones familiares, la diplomacia y el azar el mismo grado de relevancia que a la estrategia militar. Este despliegue formal, junto a la elección de un elenco vinculado a franquicias de éxito internacional como Game of Thrones, define el perfil competitivo de la propuesta en la oferta actual de series europeas de gran presupuesto.

La disponibilidad de la serie y su enfoque en la precisión dramática y visual constituyen los elementos que UNIVERSAL+, la BBC, y plataformas de streaming han posicionado como argumentos centrales para captar tanto a público generalista como a espectadores especializados en narrativas de rigor histórico.

Así, el creador Ryan Condal, ha confirmado que el inicio de esta tercera temporada, comenzará con la Batalla del Gaznate, una secuencia que, en sus palabras, tardó cuatro años en diseñarse y en prepararse.

El ‘showrunner’ describió este arranque como “la mayor locura que se ha hecho en televisión”, según sus declaraciones a Entertainment Weekly. Condal explicó que durante el proceso dudó de su viabilidad logística, incluso con el presupuesto de la serie, pero que siguió adelante porque le parecía crucial para el desarrollo de la trama.

La guerra que todos los fans estaban esperando

La actriz Emma D’Arcy, que interpreta a Rhaenyra Targaryen, sostuvo que la temporada “arranca a 100 kilómetros por hora”. “Por fin estamos viendo una guerra que se ha estado construyendo durante dos temporadas”, dijo.

Condal comparó el peso narrativo del episodio con un clásico del cine de fantasía: “Intentar contar esta historia sin hacer el Gaznate sería como intentar filmar El Señor de los Anillos sin hacer la Batalla del Abismo de Helm”, afirmó.

La batalla seguirá a la flota de la Triarquía, al mando del almirante Sharako Lohar (Abigail Thorn), en un intento por liberar el estrecho del control de los Velaryon, según había anticipado Variety. En ese choque naval, Jace (Harry Collett), hijo de Rhaenyra, volará con su dragón mientras la fuerza marítima de esa casa enfrenta el avance enemigo.

Ambientada cerca de 200 años antes de los hechos de Juego de Tronos y basada en el libro Fuego y sangre de George R.R. Martin, la tercera temporada retomará la trama con Aemond Targaryen (Ewan Mitchell) sentado en el Trono de Hierro y con Rhaenyra sumando nuevos dragones a su ejército.

Condal también volvió a plantear que su intención es que la temporada cuatro funcione como cierre de la serie, aunque aclaró que no habla por todos los involucrados ni por HBO, según. “Sí, ese es muy claramente mi plan”, declaró.

Más dragones, más personajes

Ryan Condal también adelantó que “habrá más dragones que nunca” y que la historia incorporará nuevos jinetes para Rhaenyra. En la presentación del tráiler oficial, la actriz Olivia Cooke, que encarna a Alicent Hightower explicó que se personaje se colocará en una posición central entre la política y la supervivencia.

La nueva temporada sumará personajes con James Norton (Black Mirror) como Ormund Hightower, Tommy Flanagan (Gladiator) como Lord Roderick Dustin, Dan Fogler (The Walking Dead) como Ser Torrhen Manderly y Annie Shapero (Insaciable) como Lady Alysanne Blackwood.

Esta tercera temporada contará con 8 episodios que se emitirán de forma semanal, siguiendo el formato que siempre ha caracterizado a la franquicia, de forma que el último capítulo se podrá ver el 9 de agosto de 2026.

Estrenada el 21 de mayo de 2026, la miniserie rápidamente se convirtió en uno de los títulos más comentados de la plataforma. Con apenas ocho episodios de aproximadamente 45 minutos, la ficción mezcla misterio, ciencia ficción, humor y drama emocional en una historia ambientada en una tranquila comunidad de retiro ubicada en el desierto de Nuevo México.

Aunque muchos espectadores comenzaron a describirla como “el Stranger Things con abuelitos”, la serie desarrolla una identidad propia al abordar temas poco frecuentes dentro del género fantástico.

Una comunidad de retiro con un oscuro secreto

La historia sigue a Sam Cooper, un hombre viudo interpretado por Alfred Molina, quien llega a la comunidad de retiro The Boroughs poco después de la muerte de su esposa Lilly. Lo que parecía ser un lugar apacible para pasar los últimos años de vida pronto se convierte en escenario de sucesos inexplicables y aterradores.

Según la sinopsis difundida por Netflix, todo cambia cuando un grupo de residentes descubre que una fuerza sobrenatural acecha a los ancianos del lugar. Las criaturas tienen un objetivo perturbador: absorber la fuerza vital y el tiempo de sus víctimas.

La serie abre con la desaparición de Grace, una residente interpretada por Dee Wallace (recordada por E.T. the Extra-Terrestrial), quien es atacada por una criatura extraña. Ese incidente lleva a Sam a investigar qué ocurre realmente dentro de la comunidad.

A medida que avanza la historia, el protagonista reúne a un grupo de improbables aliados: un exmédico obsesionado con entender científicamente los fenómenos extraños, una experiodista dispuesta a destapar conspiraciones, un profesor espiritual amante del yoga y la marihuana, y una maestra de arte intrigada por misteriosas desapariciones.

El sello de los Duffer… pero con un enfoque distinto

Aunque la participación de los hermanos Duffer inevitablemente provocó comparaciones con Stranger Things, varios portales especializados remarcan que The Boroughs toma un camino diferente.

Mientras la exitosa serie ambientada en Hawkins se enfocaba en la adolescencia y el paso a la adultez, The Boroughs pone en el centro temas como la vejez, la pérdida, el duelo, la memoria y el miedo al olvido. La amenaza sobrenatural funciona también como una metáfora del envejecimiento y del tiempo que se escapa.

Por su parte, una reseña de Mashable elogió especialmente la sensibilidad con la que la producción aborda la demencia y el deterioro físico de algunos personajes. La crítica señaló que los momentos más inquietantes no siempre involucran criaturas sobrenaturales, sino la vulnerabilidad emocional de los adultos mayores y el temor a perder sus recuerdos o autonomía.

Los creadores Jeffrey Addiss y Will Matthews explicaron a Netflix que desde el inicio buscaron combinar “miedo, misterio, emoción y dramatismo”, y señalaron que trabajar con los hermanos Duffer les permitió potenciar esa mezcla de terror y sensibilidad emocional.

El reparto de The Boroughs

Otro de los elementos que más llamó la atención es el reparto de veteranos actores de Hollywood. Además de Alfred Molina, la serie cuenta con Geena Davis, Bill Pullman, Alfre Woodard, Clarke Peters y Denis O’Hare. También participa Jane Kaczmarek, famosa por su rol de Lois en Malcolm in the Middle.

La química entre los personajes ha sido uno de los aspectos más celebrados tanto por la crítica como por el público. Mashable destacó que ver a personajes de la tercera edad viviendo aventuras tradicionalmente reservadas para adolescentes aporta frescura y emoción a la serie.

La producción también apuesta por una fuerte nostalgia ochentera en su banda sonora. Canciones de artistas como Bruce Springsteen, Santana, Johnny Cash, Heart y Earth, Wind & Fire aparecen en los episodios de la miniserie.

Los ocho capítulos de The Boroughs ya están disponibles en Netflix.

El fenómeno del sport romance (género que mezcla las historias de amor con las competiciones deportivas) ha vivido un nuevo hito en 2026 con el estreno de Off Campus, la serie de Prime Video sobre la relación entre Hannah Wells, una aplicada estudiante de música, y Garrett Graham, un jugador estrella de hockey de la universidad.

La adaptación de la novela de Elle Kennedy Prohibido enamorarse (The Deal), primera de la saga Kiss Me, se ha convertido en la más vista de la plataforma, demostrando hasta qué punto este tipo de historias sobre romances juveniles, donde en Prime Video también destaca otro título como El verano en que me enamoré, son garantía de éxito en el mundo del streaming.

Sin embargo, a la espera de que lleguen nuevas temporadas, muchos fans de la serie se han preguntado qué podrían ver a continuación tras verse los ocho capítulos de Off Campus, razón por la que desde Infobae no podemos dejar de recomendar otra historia de amor que, al igual que la serie de Prime Video, tiene mucho que ver con el mundo del hockey. Se trata de Más que rivales, una producción estrenada en 2025 y que actualmente se encuentra disponible en Movistar Plus.

Una historia sobre el miedo a ser visto y la valentía en el amor

A diferencia de Off Campus, Más que rivales, que adapta el bestseller homónimo de Rachel Reid, sitúa su trama en el mundo del hockey profesional. En este entorno, nos encontramos con dos protagonistas, Shane Hollander e Ilya Rozanov, que encarnan una rivalidad deportiva bajo la que se esconde un romance secreto mantenido a lo largo de casi una década. De este modo, bajo la presión de la élite deportiva, estos dos jóvenes enfrentan el miedo al rechazo y la cultura conservadora del deporte masculino.

La serie destaca por su retrato realista del deporte y por abordar la salud mental, la masculinidad y la identidad, elementos que han generado una intensa identificación entre los espectadores. Dirigida por el canadiense Jacob Tierney, también brilla por la química que hay entre los dos actores protagonistas, Hudson Williams y Connor Storrie, quienes dan vida a los dos personajes que hicieron de la novela de Reid un auténtico fenómeno en redes sociales, donde la comunidad lectora LGBTQ+ la destacó por su enfoque emocionalmente complejo y verosímil sobre la vida de deportistas queer.

Sin embargo, Más que rivales se distingue por no centrarse únicamente en el sufrimiento de sus protagonistas. Tanto la novela como la serie muestran también la alegría, la intimidad y el deseo, ofreciendo una visión más luminosa que muchas otras historias del sport romance. De momento, solo hay una temporada, pero fenómeno no parece tener freno. Rachel Reid ya ha anunciado una nueva entrega titulada Unrivaled, que continuará la historia de Shane e Ilya tras los hechos narrados en las seis novelas anteriores.

La rivalidad se extiende a los fans

A pesar de sus similitudes, ambas series tienen sus diferencias, sobre todo en el tono de la historia que cuentan. Una es más atormentada que la otra y, sobre todo, la orientación sexual de sus personajes es otro punto que las distingue. Sin embargo, esto no ha evitado que muchos fans de una y otra saga se hayan enfrentado en redes sociales defendiendo cuál es mejor.

“No entiendo por qué tanto hate hacia las dos adaptaciones cuando hasta los mismos actores de las adaptaciones tienen una foto juntos”, dice al respecto la creadora de contenido Alilibri, famosa por su contenido sobre estas y otras producciones, en un vídeo reciente. “Yo soy fan de las dos, así que no entiendo por qué tanto drama”.

Mirando hacia adelante, el futuro de ambos universos parece asegurar. Tanto Off Campus como Más que rivales ya han confirmado su segunda temporada. Si bien la primera desarrollará una historia diferente a la de la primera entrega, Más que rivales seguirá explorando la relación entre los dos protagonistas en una etapa de mayor madurez. “Quiero que sea algo icónico, algo especial. Pero para cuando te seques las lágrimas de felicidad al final del sexto (y último episodio), apuesto a que te estarás preguntando dónde ha estado toda tu vida”, afirmó Tierney tras el anuncio.

El dato diferencial que instala a El Halcón como referencia de industria reside en la estructura de producción: Ferrell figura no solo como el protagonista, sino también como co-creador y productor ejecutivo. Su trabajo está respaldado por las productoras Gloria Sanchez Productions (con Jessica Elbaum y Alix Taylor) y T-Street (con Rian Johnson, Ram Bergman y Nena Rodrigue), lo que refuerza una tendencia en Netflix de apuntalar proyectos dirigidos creativamente por intérpretes estrella. El reparto suma además a Molly Shannon, Jimmy Tatro, Fortune Feimster, Luke Wilson, Chris Parnell, Katelyn Tarver y David Hornsby, consolidando el posicionamiento premium del contenido.

Ferrell encarna a Hawkins en evidente alusión a deportistas reales que enfrentan el ocaso profesional, intercalando escenas de autopercepción irónica (“Ese soy yo. Yo soy él. Ese es de quien estás hablando, por si se lo preguntas”), materiales donde su personaje reacciona ante menciones incómodas a fracasos pasados, y una referencia visual al icónico gesto de LeBron James, subrayando el cruce extra-deportivo del relato.

La sinopsis oficial detalló que Lonnie Hawkins, quien fue número uno en 2004, intenta sostenerse en competencia mientras su entorno familiar —exesposa e hijo, este último convertido en nueva estrella del golf— considera que su era ha quedado atrás. El guion expone la tensión entre el legado profesional, el recambio generacional y la obsesión por conseguir ese último gran triunfo. Netflix enfatizó que la temporada inaugural orbitará el desafío del personaje por alcanzar el ansiado título que le falta para completar el Grand Slam, instalando la narrativa del “último regreso”.

La operación de producción y el modelo de talento en Netflix

La confirmación de Will Ferrell como productor ejecutivo y co-creador diferencia a El Halcón dentro del catálogo reciente de comedias deportivas de Netflix, que en los últimos años había priorizado adaptaciones o desarrollos originales sin presencia protagónica-autor de figuras de este nivel. Esta fórmula replica la tendencia instaurada por el gigante de streaming en casos recientes en Estados Unidos, donde intérpretes asumen control creativo sobre la propiedad intelectual, asegurando afinidad con el tono y fidelidad a sus marcas personales.

Junto con Ferrell, la inclusión de productoras como Gloria Sanchez y T-Street —la firma de Rian Johnson— proyecta un esquema de colaboración transversal entre estudios internos y talentos externos. El crédito compartido entre Elbaum, Taylor, Johnson, Bergman y Rodrigue ilustra el equilibrio de fuerzas creativo-empresariales requerido para acoplar la marca Ferrell a un formato episódico dirigido al consumo digital multinacional. El reparto coral, con nombres asociados tanto al cine como al circuito televisivo estadounidense, inscribe la serie en la estrategia de contenido que busca captar diferentes segmentos de audiencia.

El Halcón instala el núcleo de su narrativa en el conflicto generacional entre Lonnie Hawkins y su hijo, Lance, que aparece como la nueva promesa del golf. El personaje creado e interpretado por Ferrell enfrenta el desgaste físico y la presión mediática, elementos habituales en relatos de resurgimiento deportivo, articulados esta vez en una clave de comedia dramática con matices autocríticos y nostálgicos.

La estrategia de adelantos fragmentados por parte de Netflix —con variaciones humorísticas y referencias a errores del pasado del protagonista— responde al patrón de marketing de series sport-com difundido desde 2023, destinada a viralizarse en redes sociales antes del lanzamiento. Ferrell, tradicionalmente identificado con personajes estrafalarios y comedia física, asume aquí el reto de una vulnerabilidad calculada, en sintonía con el movimiento creciente entre figuras del cine estadounidense hacia roles serializados que fusionan humor autorreferencial y drama de transición.

A diferencia de otras series basadas en superhéroes, Spider-Noir sitúa la acción en el Nueva York de los años treinta, en plena Gran Depresión. Este giro traslada al conocido héroe arácnido a un ambiente sombrío, plagado de callejones, despachos oscuros y la atmósfera propia de las novelas de detectives. La serie adapta así el espíritu de los relatos policiales y del cine expresionista, integrando elementos visuales y narrativos característicos del género noir. El resultado es una propuesta que, según los primeros visionados, logra captar la esencia de la época y ofrecer al espectador una experiencia diferente dentro del universo de Marvel.

La trama gira en torno a Ben Reilly, interpretado por Nicolas Cage, quien encarna a un detective privado marcado por el cinismo y la mala suerte. Reilly asume el rol de The Spider, un justiciero con superpoderes que enfrenta el crimen en una ciudad hostil y corrupta. Esta versión del personaje se aleja del tradicional Peter Parker y propone un antihéroe adulto, con matices complejos y una historia personal influida por la derrota y la resiliencia. El enfoque, según los creadores, responde a la necesidad de explorar nuevas dimensiones del mito arácnido, adaptándolo a las convenciones del género negro y a un público que busca narrativas más maduras.

La elección de Nicolas Cage como protagonista ha sido uno de los puntos más comentados. El actor, conocido por su versatilidad y por su reciente acercamiento al cine de terror, aporta a Ben Reilly una presencia enérgica y una interpretación marcada por el desgaste emocional. Cage ya había dado voz a una versión animada del personaje en Spider-Man: Un nuevo universo, lo que refuerza el vínculo entre el actor y el universo arácnido. En Spider-Noir, Cage encarna tanto al detective como a su alter ego justiciero, en una construcción que recuerda a los clásicos antihéroes interpretados por figuras icónicas del cine negro.

El reparto se completa con Lamorne Morris, quien da vida al reportero Robbie Robertson, y Brendan Gleeson, en un rol que aporta peso dramático a la trama. El equipo creativo está liderado por Oren Uziel y Steve Lightfoot, showrunners responsables de guiar la adaptación y de definir la estética visual de la serie. Ambos han insistido en que Spider-Noir no es una continuación directa de las películas animadas, sino una relectura del arquetipo del héroe en un contexto distinto, más próximo a las novelas de Raymond Chandler y al universo cinematográfico de títulos como El halcón maltés. Uno de los aspectos más destacados de la serie es la opción de verla en color o en blanco y negro, una decisión que, según la producción, otorga al espectador la posibilidad de elegir la experiencia estética que prefiera. Esta dualidad de formatos no compromete la integridad visual de la obra y refuerza la ambientación noir, sumando una capa de autenticidad que ya se había ensayado en otras producciones recientes de la industria.

El montaje de Spider-Noir busca mantener la tensión narrativa y evitar que el espectador pierda el interés. El ritmo ágil, sumado a la cuidada ambientación, contribuye a que la serie se perciba como una propuesta sólida dentro del catálogo de Prime Video. Aunque al momento del estreno no se registran suficientes reacciones para afirmar que la producción ha alcanzado una aclamación universal, las primeras críticas internacionales son favorables. Se destaca especialmente la calidad visual y la atmósfera conseguida, comparando a Spider-Noir con la serie animada de Batman por su aproximación al género y su respeto por los códigos del cine negro. La llegada de Spider-Noir representa un paso más en la expansión de Marvel en el terreno de las series, apostando por fórmulas narrativas que exploran nuevos territorios estéticos y temáticos. El lanzamiento promete atraer tanto a los fanáticos del cómic como a los seguidores del cine clásico, consolidando a Spider-Noir como una de las apuestas más singulares del año.

Más allá de la popularidad de Pennywise entre los niños, la trayectoria de Andy y Barbara Muschietti, su hermana y socia creativa, destaca por cifras de repercusión sin precedentes en el género. Tras el éxito de It (2017), que logró más de 700 millones de dólares en taquilla mundial, y su continuación It: Capítulo Dos (2019), con 470 millones de dólares adicionales, ambos se han consolidado como referentes en la adaptación audiovisual del universo de King. Ahora, con la serie para HBO Max, el tándem argentino explora nuevas dimensiones del terror y la mitología creada por el escritor estadounidense.

Con una infancia marcada por sesiones de cine nocturno en Argentina, los hermanos Muschietti han reconocido que ese temprano contacto con el género de terror fue determinante para su vocación artística. En It: Bienvenidos a Derry, que transcurre en 1962, 27 años antes de los acontecimientos relatados en su primera película, profundizan en la historia de los abuelos de Mike Hanlon, miembro emblemático del Club de los Perdedores. La serie recupera diversos episodios del pasado violento de Derry, ciudad ficticia cuya atmósfera opresiva se convierte en protagonista ambiental y psíquico del relato.

Una serie que expande el universo de King

La propuesta de los Muschietti para HBO Max apuesta por expandir el universo original más allá del clásico literario de 1986. El propio Stephen King ha acompañado de cerca la elaboración del proyecto, leyendo cada guion antes de que entre en producción y mostrando, según Barbara Muschietti, una “entusiasmo infantil” ante nuevas versiones y líneas argumentales que a veces reconfiguran hechos fundamentales del libro. Este respaldo del autor ha sido posible tras el impacto industrial de las dos películas previas, que transformaron a los Muschietti de promesas del cine de género a figuras consagradas en Hollywood, tal como ha descrito el medio estadounidense.

La primera temporada de la serie, dirigida en parte por Andy, se aleja del concepto de precuela para presentarse como una extrapolación del universo de King. La narración gira en torno a la familia Hanlon y a las raíces del terror en Derry, haciendo de la “negación colectiva” y el miedo generalizado verdaderos motores dramáticos. Andy Muschietti ha explicado a IndieWire que la serie trata de “explorar esos enigmas y construir historias a partir de ellos”, mientras que Barbara subraya la libertad creativa facilitada por King.

La ambición de mantener niveles cinematográficos de calidad ha supuesto retos logísticos considerables, incluida una “pausa de casi nueve meses” debido a la huelga del sector en 2023. Sin embargo, tanto Andy como Barbara insisten en que nunca han pretendido reducir sus aspiraciones y que el “sueño sigue siendo igual de grande”. Para Barbara Muschietti, después de nueve largometrajes, It: Bienvenidos Derry es el proyecto más complejo de su carrera.

La reflexión política sobre el miedo y la represión

En el apartado temático, la serie traslada la preocupación por el “uso político del miedo” al presente. Según Andy Muschietti en declaraciones a IndieWire, “vivimos en una época en la que la instigación al miedo se practica mucho. La gente debe saber que es una construcción; no todo lo que proviene de ‘arriba’ es verdad. Se orquesta para dividirnos y hacernos temer al otro con fines de lucro”. En su visión, mientras la primera temporada explora la “instrumentalización del miedo”, futuras entregas abordarán la “instrumentalización de la fe” y la del amor, siempre desde una perspectiva cercana y contundente.

El enfoque narrativo de la serie, según Andy Muschietti, asume que la “niebla”, una alusión al mecanismo de negación y represión vinculado a Derry, recorre toda la ficción y sirve de metáfora para explicar por qué, impulsados por el miedo, muchos ciudadanos eligen ignorar o no investigar sucesos perturbadores. Barbara Muschietti que “vivimos en un mundo donde la instrumentalización del miedo es algo contra lo que hay que luchar a diario; si no luchamos contra ello, sucumbiremos como Derry”.

La conversación mantenida con IndieWire también ha revelado un tono entusiasta y comprometido en ambos creadores, que ven el terror como un género capaz de generar pensamiento crítico y creatividad en los espectadores, especialmente los jóvenes. Andy Muschietti ha animado a la audiencia juvenil a “escribir protestas contra el fascismo como La larga marcha”, recordando que King escribió su primera novela siendo adolescente. Barbara, por su parte, desea que “los jóvenes puedan leer a Stephen King y vivir experiencias similares a las suyas” y subraya la importancia de “apartarse de las pantallas para leer y escribir”.

Creada por David E. Kelley (el mismo detrás de Big Little Lies y The Undoing), la historia sigue a una madre soltera de 20 años que queda embarazada en la facultad y que tiene que abandonar los estudios para mantener al pequeño. Y ahí es donde empieza el conflicto: Margo necesita una niñera para poder salir de la casa y a su vez necesita dinero para pagarle pero, ¡claro!, no consigue trabajo. Y en esa espiral sin salida se encuentra nuestra protagonista.

Aunque la mayoría de nosotros sabe que va a terminar abriéndose una cuenta de OnlyFans (la sinopsis, el trailer y hasta el poster lo revelan) lo importante es ver cómo llega hasta ahí.

En estos primeros episodios conocemos a su imperfecta pero presente madre (interpretada por la siempre increíble Michelle Pfeiffer), a su padrastro religioso (Greg Kinnear) y a un padre ausente (Nick Offerman), un ex luchador que regresa a su vida para mejorar -y complicar- las cosas al mismo tiempo.

Es que esta es una serie de personajes vulnerables y honestos, que se equivocan bastante pero realmente lo intentan. Y es imposible no encariñarse con ellos y no encontrar en Margo a una mujer que tiene problemas de dinero y que su elección termina siendo una apuesta al confort y a un lugar seguro.

Lo mismo ocurre con las apariciones secundarias. Desde la llegada de la abogada (nada más y nada menos que Nicole Kidman) hasta la compañera de cuarto de Margo y sus amigas de OnlyFans, todos son personajes tridimensionales. No solo nos importa saber qué ocurrirá con la joven y su bebé, sino que de igual manera nos interesa saber qué va a pasar con todos los demás. Y esto es resultado de un muy buen guión.

Las temáticas que se tocan de capítulo en capítulo se centran en cómo lidiar con una maternidad deseada pero repentina, los obstáculos de la lactancia, la tenencia y los problemas financieros. Pero también hay episodios que trabajan la búsqueda de la vocación, la identidad y los vínculos familiares.

Es un drama de supervivencia y una comedia ligera pero también una historia de autosuperación muy humana. En total cuenta con ocho episodios y ya se anunció que la serie será renovada para una segunda temporada. Por el momento, la nueva apuesta de Apple TV está dentro de lo mejor que se puede encontrar en la pantalla chica hoy en día.

La segunda temporada de Barrabrava dirigida por Jesús Braceras ya está disponible en Prime Video desde el 22 de mayo, sumando nuevas internas en los conflictos planteados en la primera entrega.

En la nueva temporada, Barrabrava desplaza el eje narrativo hacia la disputa entre los hermanos El Polaco (Matías Mayer) y César (Gastón Pauls), enfocado en el proceso de liderazgo, traición y enfrentamiento fraternal que redefine las lógicas de poder dentro de la barra brava del ficticio Club Atlético Libertad del Puerto. De acuerdo a la sinopsis oficial, la escalada de El Polaco a la jefatura desencadena un conflicto interno de consecuencias inéditas para la serie, reforzado por la incorporación de nuevos antagonistas y el cierre de tramas familiares abiertas tras la caída del “Tío” (Gustavo Garzón) y la traición de Luna (Roberto Vallejos).

El ciclo anterior ha registrado 7,7 de puntaje en IMDb, cifra recomendada por la industria para series de exportación y utilizada por Prime Video como argumento en acuerdos de distribución y renovación acelerada. La estructura ejecutiva mantiene a Ariel Tobi, Hernán Musaluppi y Santiago López al frente de la producción, junto con Lilia Scenna como productora y Gabriel Nicoli en la codirección y coescritura. Este equipo desarrolló productos recientes de referencia regional como Muchachos, la película de la gente y Monzón, marcando una tendencia de continuidad creativa y posicionamiento estratégico frente a otras ofertas de contenido local.

El reparto amplía el espectro dramático con las incorporaciones de Gustavo Garzón, Liz Solari, Pablo Alarcón, Mónica Gonzaga, Cande Molfese, Miguel Ángel Rodríguez, Neo Pistea, Frijo, Ángelo Mutti Spinetta, Violeta Narvay, Mica Riera y Ciro Martinez. Esta expansión del elenco responde a una estrategia de acento coral que busca potenciar las dimensiones policiales y familiares de la trama, consolidando el producto en la línea de dramas argentinos de alta visibilidad.

La narrativa de poder, familia y violencia en el fútbol argentino

Los showrunners han planteado un abordaje intensificado de la violencia, el poder y las dinámicas familiares como nódulos dramáticos de la serie, distanciándose de las convenciones del género deportivo tradicional en la región. Esta segunda entrega expone a los hermanos protagonistas a una “guerra total” derivada de la recomposición del club y la aparición de nuevos enemigos. El dispositivo narrativo enfatiza la soledad de Polaco junto a su hija Ximi (Violeta Narvay), el peso materno de Gladys (Mónica Gonzaga) y la imposición de la violencia como único código de supervivencia, reforzando el posicionamiento distintivo frente a otras ficciones de temática futbolística.

La decisión de profundizar en el registro policial y la fractura de vínculos familiares ha estabilizado el rendimiento industrial del producto. El guion, articulado por Cecilia Guerty, Mariano Hueter y Julio Boccalatte, explora la reconstrucción identitaria y el enfrentamiento generacional bajo el liderazgo de Jesús Braceras y Gabriel Nicoli en dirección y coescritura.

Prime Video ha resuelto instalar a Barrabrava como título ancla en su portafolio de dramas argentinos, apostando a registros no idealizados y personajes construidos en la intersección entre lo policial y la cultura barrial.

La dupla protagónica conformada por Gastón Pauls y Matías Mayer sostiene la dinámica entre “dureza física” y “vulnerabilidad emocional”, constituyéndose en el principal activo dramático del relato. La extensión del reparto y la profundización temática refuerzan la apuesta narrativa, marcando el cierre de ciclo con un relato de “recomposición y resistencia”.

Al primer trimestre de 2026, Barrabrava figura en la hoja de ruta de Prime Video como caso testigo del modelo de producción argentina de alto presupuesto y replicación global inmediata.

Y es que la producción se basa en una historia real: la pérdida del emblemático local debida a un proceso de especulación inmobiliaria que forzó su clausura en 2020, contexto que ha guiado el tono y el fondo del relato.

El restaurante Can Lluís, con más de 90 años de historia, ha representado durante décadas un punto de encuentro en el Raval para vecinos y figuras públicas de la talla de Peret, Manuel Vázquez Montalbán, Tony Curtis, Leo Messi o Sara Montiel. Su cierre, originado por la imposibilidad de la familia Rodríguez de hacer frente a un nuevo alquiler impuesto por un fondo de inversión, simboliza el proceso de transformación que vive el barrio.

“Toda la historia de mi familia pasa por ese restaurante. Mi bisabuelo lo fundó, en el 46 lo mataron con una bomba, allí nació mi padre y el fondo inversor nos lo quitó todo”, cuenta Pol Rodríguez a Infobae. “Después de negociar durante cuatro años, decidí comenzar a escribir algo sobre la dificultad habitacional en Barcelona. En ese momento, nos desahuciaron aprovechando la pandemia y ahí fue cuando me di cuenta de que quería incorporar mi propia historia. Decidí seguir investigando y entender cuáles eran las dinámicas de la problemática”.

Cuenta el creador que se entrevistó con gente de fondos de inversión en Francia, España e Inglaterra y también con colectivos del barrio para saber qué necesitaban las personas que estaban viviendo en la calle, qué estaban buscando, cuáles eran sus dinámicas. “Me di cuenta de que era todo demasiado complejo para un largometraje y lo planteé como una serie en la que me pregunto hasta dónde hubiera llegado yo si no hubiera respetado las leyes. Y un poco Ravalear plantea esto. Mi venganza a este fondo de inversión".

Un thriller social a ritmo de tecno

Aunque Ravalear tome como punto de partida la experiencia de los Rodríguez, su enfoque trasciende la mera crónica autobiográfica. Solo el primer capítulo aborda de cerca la historia familiar, ya que el desarrollo posterior es puramente ficticio. A través de una estética ‘hiperrealista’ y referencias directas al cine de Paul Greengrass y a ficciones de David Simon como The Wire, la serie navega por los conflictos de un barrio marcado por la gentrificación, la crisis de vivienda, la inmigración y el choque entre turistas y residentes.

“Quería transmitir la energía del Raval, donde no te puedes parar, donde hay algo que te empuja. Y quería introducir ese dinamismo dentro de la serie, que fuera muy dinámica, asfixiante y con mucho tecno”, continúa Pol Rodríguez.

Y es que la densidad poblacional del Raval alcanza los 45.000 vecinos en un área de solo 110 kilómetros cuadrados. Este dato evidencia el grado de consolidación urbana y la diversidad del barrio, donde más del 60% de los residentes han nacido fuera de España, configurando una comunidad especialmente plural.

Durante la gestación de Ravalear, el director Pol Rodríguez se dio cuenta de cómo el propio Raval iba adquiriendo cada vez más peso en la narración, dado su carácter local y simultáneamente universal. Por eso decidió que fuera una especie de plató al aire libre, conservando enclaves y escenarios autóctonos, que incluyen la reconstrucción del emblemático Can Mosques dentro de la serie. Tanto el rodaje como la implicación vecinal se han realizado siguiendo un planteamiento sin cortes de calles o molestias, intentando no solo retratar, sino también tener impacto positivo.

La serie se cuenta a través de un formato de thriller absolutamente frenético. Es una ficción social y política, pero a ritmo de acción. “Películas sobre los problemas de la vivienda se han hecho muchas, y muy buenas, y a mí me interesaban las prácticas mafiosas, que están fuera de la ley, introducirme en las zonas grises que llevaran a los personajes a una espiral que los condujera a la deriva, que no tuvieran por qué tomar buenas decisiones. Así que el thriller me pareció una buena opción, un thriller realista que tuviese un punto de vista casi documental, en el que el barrio se colara en cada plano, en el que se cocinara de verdad”, cuenta Pol.

Ravalear está encabezado por un reparto de auténtico lujo de actores catalanes, entre los que encontramos a Francesc Orella y Lluïsa Castell (como los patriarcas del restaurante), sus dos hijos, Quim Àvila y Enric Auquer, y la mujer de este último, María Rodríguez Soto. Además, Sergi López como el villano de la función junto a Alba Guilera, que trabaja para el fondo de inversión.

Rodríguez Soto interpreta a una abogada que, desde dentro, intenta luchar contra los fondos buitres, mientras que el personaje de Enric Auquer pasa a la acción, introduciendo okupas en el edificio para convertirlo en un activo tóxico.

“Ellos en el fondo no son activistas hasta que no les toca de cerca, que es algo que le ocurre a la mayor parte de la sociedad”, cuenta María Rodríguez Soto. “Él es nervio puro, y ella es mucho más mental e intenta conocer al enemigo desde dentro para llegar a la raíz del problema. En cualquier caso, el cabreo genera una energía muy ‘heavy’, por eso es tan importante colectivizar la lucha, porque aprendes a canalizar la rabia para que sea productiva y conseguir lo que realmente necesitas”.

La vivienda: un problema que nos afecta a todos

A pesar de que la serie se ubica en una zona muy concreta y aborda una situación real, lo cierto es que trata una problemática que se hace extensible al resto del territorio español y que en estos momentos es uno de los temas más candentes de la agenda política: la vivienda. Enric Auquer se muestra contundente al respecto: “Hoy en día a la gente le importa más tener un piso que tener un buen trabajo. Parece que si tienes un piso, las leyes te permiten hacer con él lo que quieras. Si tienes dos pisos, vives el resto de tu vida robándole el sueldo a los trabajadores. Y punto”.

Y finaliza: “La gente que tiene pisos y vive de rentas de alquilar sus pisos, vive del trabajo de sus vecinos directamente, de gente que trabaja muchas horas al día para ganar un dinero que solo le sirve para pagarle el alquiler a una persona que por X o por B tiene unos pisos. Y hoy en día los pisos se compran sin hipoteca. Significa que la gente que tiene pisos cada día es más rica, cada día puede tener más pisos; y la gente que no tiene pisos, su sueño húmedo es invertir en vivienda y tener un piso, porque parece que sea la salvación de todo. Pero es una mentira, porque los pisos cada vez están más caros, es decir, que se irá el 100% de su sueldo en pagar un piso, por lo que habrá una desigualdad gigante y el juego continuará y esta gente, exponencialmente, en 15 años tendrá 20 viviendas, y la otra, pues cero”.

El lanzamiento contempla una estrategia de emisión escalonada: los primeros ocho capítulos estarán disponibles desde el lunes 25 de mayo, hasta el inicio de la Copa Mundial de Fútbol, mientras que el segundo bloque debutará tras el cierre del torneo. Esta estructura de distribución representa una apuesta singular por anclar la serie en el calendario de eventos globales, buscando maximizar alcance y permanencia durante la temporada alta de audiencia televisiva.

La producción se distingue por haber accedido a colecciones inéditas de audios históricos recuperados, celuloide original y testimonios exclusivos, integrando el aporte de historiadores internacionales como Antony Beevor, Saul David, Simon Sebag Montefiore y el ganador del Pulitzer Jon Meacham. La colaboración con The National WWII Museum y la participación ejecutiva de Gary Goetzman junto al propio Hanks, en asociación con Nutopia y A+E Factual Studios Group, refuerza la envergadura de un proyecto que busca establecer un estándar técnico y narrativo en el formato documental de gran escala.

El diferencial de archivo y narrativa: el núcleo industrial detrás de la serie

Uno de los datos centrales que eleva a “Segunda Guerra Mundial con Tom Hanks” por encima de la oferta documental convencional reside en el uso de material nunca visto públicamente. La serie prescinde totalmente de recreaciones ficticias y reconstruye los momentos críticos del conflicto exclusivamente con imágenes restauradas y registros sonoros originales. Esta elección editorial, denunciada por Hanks en sus declaraciones a HISTORY, responde a una tendencia creciente en la industria por privilegiar el acceso a archivos primarios, una veta históricamente restringida por derechos y complejidad técnica.

Ese enfoque permite a la serie revivir sucesos emblemáticos como la invasión de Polonia, el Día D, Stalingrado, la caída de Berlín, Hiroshima y Nagasaki, al tiempo que introduce perspectivas menos exploradas como la guerra submarina, el rol de la propaganda, la resistencia clandestina, la inteligencia y el impacto de la industrialización bélica sobre la conducción militar. La narrativa alterna entre el plano geopolítico —con figuras como Winston Churchill, Franklin D. Roosevelt, Joseph Stalin y Adolf Hitler— y el espacio experiencial de soldados y civiles, priorizando el relato humano como eje vertebrador.

Estrategia de emisión y estructura de episodios: una apuesta por el evento global

HISTORY ha diseñado el despliegue de la serie en dos fases, alineando la primera tanda de ocho episodios. Así, cada fase explora los puntos de giro mayores del conflicto: los primeros episodios —El comienzo, Blitz, Barbarroja, Pearl Harbor, La oscuridad cae, La guerra en el mar, Guadalcanal, Operación Antorcha— retratan la expansión inicial y la consolidación del Eje, la deriva hacia la guerra total y la emergencia aliada en África y Asia.

El bloque final abarca la guerra secreta a través del espionaje y la inteligencia, el protagonismo de la criptografía y los códigos, la resistencia bajo ocupación y el desenlace en los campos bélicos de Europa y el Pacífico con el desarrollo de la bomba atómica. El abordaje incluye el Holocausto, la resistencia civil y el trauma psicológico latente en la vida cotidiana de millones, conectando la dimensión militar, política y social del conflicto hasta el cierre definitivo en septiembre de 1945.

Producción, colaboradores y propósito: el valor agregado de Tom Hanks

La serie inscribe el nombre de Tom Hanks no solo como narrador y presentador, sino también como productor ejecutivo, en continuidad con una trayectoria vinculada al retrato audiovisual de la Segunda Guerra Mundial a través de títulos como Saving Private Ryan (1998), Band of Brothers (2001), The Pacific (2010), Greyhound (2020) y Masters of the Air (2024). El propio Hanks ha enfatizado para HISTORY que el diferencial radica en cómo las nuevas integraciones de material “permiten mostrar lo que pasó” y no solo narrarlo, reconstruyendo el impacto y el ejemplo de quienes atravesaron el mayor conflicto armado del siglo XX.

La presencia de expertos internacionales como Tessa Dunlop, James Bulgin, Dan Snow, Guy Walters y figuras de peso militar e historiográfico como Geoffrey Wawro, Rebecca Grant, Doug Douds y Wesley Clark consolida la apuesta documental como referencia informativa y visual para audiencias globales durante 2024.

Si eres de los que ya ha podido ver los ocho episodios de los que se compone esta segunda temporada, titulada en homenaje al cuadro que pretende robar Berlín y su banda, sabrá perfectamente uno de los grandes giros. Además de robar La dama del armiño de Leonardo Da Vinci, Berlín planea también despojar a su benefactor, el empresario y supuesto filántropo Álvaro Hermoso de Medina (José Luis García-Pérez). Comienza así a urdir un plan secreto del propio plan, con la confidencia de su banda y de Candela (Inma Cuesta), la mujer de la que a su vez se está enamorando.

El robo del cuadro no reviste gran dificultad, pero el de la cámara con todos los tesoros del empresario sevillano sí, capa de fuego incluida. Bruce (Joel Sánchez) y Roi (Julio Peña) son los dos elegidos para adentrarse en la cámara y exponer su vida, sin saber que alguien ya lo ha hecho antes que ellos. Cameron (Begoña Vargas), quien parecía haber dejado la banda, está en realidad infiltrada en una de las embarcaciones con las que Álvaro Hermoso de Medina tiene su mayor fuente de ingresos: el contrabando de diamantes. Cameron es la única “pérdida” del grupo, y su muerte es lo único que falla en todo el plan.

Y comieron perdices

Una vez logran escapar de Sevilla con La dama del armiño y el resto de cuadros de su hasta entonces benefactor, Berlín y su banda se reúnen para celebrar su éxito y a la vez llorar la pérdida de Cameron, en especial un afectado Roi. El joven ladrón se había pasado toda la temporada de mal humor y cuestionando la relación abierta de Bruce y Keila, sin saber que Cameron en realidad sí le quería, y en parte es quien convence a Keila de no abrir la relación con una tercera persona. Una pareja se salva, la otra no. Pero hablando de relaciones, hay más uniones que celebrar.

La primera y más importante, la de Berlín y Candela, a la que por fin pide matrimonio y junto a la que se desposa en la última escena de la serie, en una boda a la que no falta nadie, ni siquiera su expareja Camille (Samantha Siqueiros). Keila y Bruce afianzan su relación, Genoveva (Marta Nieto) deja atrás su vida en Sevilla para fugarse con Damián (Tristñan Ulloa) y Roi es el único que queda soltero, aunque se da a entender que podría encontrar el amor muy pronto. La única incógnita por resolver es precisamente la que va más allá de su final, y es si las aventuras de Berlín continuarán.

“Cuando uno vive asociado durante todo el tiempo que yo he vivido a un viaje como este, pues hay tantas opiniones como personas. Yo nunca, nunca durante los últimos nueve años, había sentido que me tenía que ir. Sí dudé de si podía sostener el personaje porque hubo cambios y yo planteaba mis dudas, pero nunca tuve esa sensación. Y al acabar la temporada hice ‘clac’ y fue inapelable”, comentaba Pedro Alonso en una entrevista reciente a VerTele con motivo del final de la serie, dejando la puerta casi cerrada a la posibilidad de volver al personaje, al menos por el momento. Como él mismo dice, “no hay manera de anticipar lo que te va a pasar en la vida”.

Este movimiento representa la primera expansión formal del universo narrativo de El encargado, serie que ha sostenido el mejor rendimiento de una producción argentina en streaming a lo largo de cuatro temporadas finalizadas y una quinta ya confirmada, como informó Disney+. El rodaje conjunto y la sinergia productiva entre ambas ficciones constituyen un punto de inflexión en la apuesta por contenido local y continuidad de franquicias originales bajo el sello de la plataforma. La revelación del video avance, liberado simultáneamente a la comunicación oficial, ha proporcionado material promocional exclusivo sobre el tono y alcance de la nueva serie.

El operativo de preproducción y los ejes de expansión

Con el inicio de rodaje en marzo y la decisión de lanzar Zambrano en Disney+ en 2027, la producción amplía el ecosistema surgido de la obra creada por Mariano Cohn y Gastón Duprat, quienes retoman el rol de showrunners y guionistas principales. El equipo creativo suma a Guillermo Francella como productor ejecutivo y Martín Hodara en la dirección, marcando continuidad autoral para garantizar coherencia estilística y temáticas.

En cuanto a estructura, Zambrano se aleja del formato microcósmico de la administración de edificios que definió El encargado para adentrarse en el entramado judicial argentino, abordando zonas de poder y ambivalencias morales desde un enfoque de comedia negra. La sinopsis oficial describe a Zambrano como “exitoso en lo profesional y fracasado en lo familiar”, permitiendo una exploración de su costado controvertido. Goity declaró en Núcleo que la serie expondrá al personaje en un registro “más oscuro y polémico”, elemento diferencial respecto a la ficción original.

El foco está puesto en el abogado Matías Zambrano, explora el poder judicial desde una perspectiva cómica y crítica, lo que consolida la franquicia y expande la narrativa en simultáneo a la cuarta temporada del título matriz.

Estrategia de franquicia y diferenciación temática

La expansión de El encargado a través de este derivado coincide con indicadores de alto rendimiento para Disney+ dentro del segmento latinoamericano, que ha encontrado objetivación en tres temporadas exitosas y la inyección de recursos para una cuarta. La apuesta por la continuidad narrativa facilita la fidelización de audiencias y la capitalización de personajes secundarios, ahora promovidos a protagonistas. La narrativa de Zambrano gira sobre el personaje encarnado por Goity desde el 26 de octubre de 2022, fecha de su primera aparición como antagonista directo del Eliseo interpretado por Francella.

La producción busca diferenciarse no solo en escenarios y conflicto, sino también en la explicitación de “un tono más crítico” respecto al poder y las cuestiones éticas del sistema judicial argentino. La sinopsis subrayó el carácter ambivalente de Zambrano, mientras que el video avance mostró al protagonista resolviendo un trueque absurdo y judicial por teléfono, enfatizando el costado cínico y transgresor del personaje.

Goity afirmó a Núcleo que existe una expectativa sobre los límites a los que Zambrano será llevado en su nueva instancia de desarrollo dramático: “La dirección es más oscura, más tribunales. Han dejado a los encargados; ahora todo girará en torno a jueces y a la estructura judicial”.

Integración en el universo y relevancia de personajes

En el origen de este derivado, la dinámica antagónica entre Zambrano y Eliseo se consolidó a partir de la segunda mitad de la primera temporada, cuando el abogado — en calidad de presidente del consorcio — se convirtió en el principal oponente del portero más conocido de las ficciones argentinas. El contrapunto narrativo entre ambos consolidó al personaje del penalista, lo que habilitó su salto a serie propia.

Goity caracterizó al letrado como un individuo frontal que no recurre a la hipocresía, un rasgo que diferencia su construcción dentro del registro coral de la serie matriz. “Zambrano dice que va a echar a alguien y lo hace sin rodeos”, señaló en la misma entrevista.

Por su lado El Encargado ya confirmó su quinta temporada aun sin fecha de estreno.

La actriz Anna Castillo vivió una de las experiencias más incómodas de su vida durante una primera cita en Madrid, un episodio que ha compartido recientemente entre risas en el pódcast La Ruina junto a Macarena García. Castillo, reconocida por su naturalidad y sentido del humor, acudió al programa para promocionar Se tiene que morir mucha gente, la nueva serie de Victoria Martín.

La catalana relató cómo una situación aparentemente cotidiana se transformó en una anécdota digna de contar. La historia, lejos de tratarse de una cita romántica tradicional, terminó siendo un cúmulo de momentos surrealistas que dejaron a la actriz deseando salir corriendo del lugar. El podcast de los cómicos Ignasi Taltavull y Tomàs Fuentes reúne cada semana a famosos como Clara Lago, Carla Simón, Andreu Buenafuente o Sergio Dalma.

El dúo catalán se encarga siempre de hacer que sus invitados cuenten las mejores anécdotas, las más “tierra, trágame”. Castillo relata que su cita comenzó de forma inocente: conoció a un chico “muy guapo” a través de Facebook y aceptó ir a su piso después de dar un paseo por la ciudad. Sin embargo, al llegar al apartamento, el ambiente cambió completamente. Lo primero que le sorprendió fue encontrar un terrario lleno de reptiles, mientras el chico le confesaba su afición por la herpetología. “Pensé: ‘Claramente, quiere follar’. Venga, vale, subimos”, comentó Castillo sobre el momento en que decidió acompañarlo, pero lo que parecía una cita normal empezó a torcerse de forma inesperada.

Ya en el salón, el chico le propuso ver algo en la televisión. Anna, aún intrigada, accedió sin imaginar lo que vendría después. “¿Y qué puso él?... Un documental de dinosaurios, al tiempo que se liaba un porro gigante y le daba caladas a ella, cosa que nunca le ha gustado demasiado. “Una hora de documental... Se lió un porro, me dio ciertas caladas y fue la hora más soporífera de mi vida’”, recordó la actriz sobre aquella velada que se transformó en una sucesión de situaciones incómodas y crecientemente absurdas.

El momento más incómodo: un mensaje por error

La incomodidad de Anna Castillo alcanzó su punto máximo cuando empezaron los efectos de eso que le ofrecía, la hizo sentirse completamente fuera de lugar. “El porro me subió. Estaba fumada, recuerdo la boca seca, pensando: ‘¿Qué hago aquí? ¿Cómo salgo de aquí? ¿Qué va a pasar ahora? Me va a meter en el terrario…’”, confesó entre risas, mostrando lo angustiante que puede resultar una cita cuando las expectativas se rompen de forma inesperada. Aprovechando que el chico fue al baño, Anna intentó pedir ayuda a una amiga y escribió un mensaje desesperado: “Me quiero ir. Es un pedazo de friki”.

El giro más embarazoso llegó cuando, accidentalmente, envió ese mensaje al propio chico en lugar de a su amiga. “No había la opción de borrar, no se podía eliminar para todos...”, lamentó Castillo, consciente de que ya no tenía escapatoria. El desconcierto fue total, pero la situación, lejos de mejorar, se tornó todavía más surrealista. “No sé cómo salí de eso, si me dio la risa o qué, pero el tío me besó igualmente. Pero por supuesto que me fui”, relató la actriz.

Su nuevo personaje y su historia de amor con Álvaro Mel

La experiencia de Anna Castillo deja claras algunas lecciones sobre las primeras citas y las nuevas generaciones. Al igual que su personaje Bárbara en la serie de Victoria Martín, que comete errores dignos de ser contados en La Ruina. En la otra cara de la moneda está su personaje de Un cuento perfecto, una miniserie donde hacía de una gran exitosa mujer que se enamoraba de la antítesis, el personaje de Álvaro Mel.

El actor es en la actualidad su novio y se han convertido en una de las parejas más queridas del panorama del cine español. Las citas que tenían, tanto en la ficción como las que comparten en sus redes sociales, están muy lejos de aquella fatídica experiencia de la actriz. La anécdota demuestra que hasta las situaciones más incómodas pueden convertirse en historias para compartir y reírse después, especialmente cuando se cuentan con la naturalidad y el humor que caracterizan a la actriz catalana.

La situación llegó a tal punto que el productor Jez Butterworth habría amenazado con abandonar la producción si no se resolvía el conflicto. Según la misma fuente, Paramount optó por respaldar a Butterworth y al equipo creativo, y tomó la decisión de no renovar a Hardy para la próxima temporada. El contrato del actor contemplaba una opción mutua para una tercera entrega, lo que le permitía tanto a él como a la productora decidir su continuidad en el proyecto. No obstante, la determinación final habría sido motivada por la intención de preservar la estabilidad del equipo y el rumbo argumental que la serie buscaba consolidar.

El reparto de MobLand se completa con figuras de alto perfil como Helen Mirren y Pierce Brosnan, quienes han ganado peso en la trama a medida que la serie evolucionó. Paramount había descrito a MobLand como su mayor estreno global, logrando 2,2 millones de espectadores en su día de debut. La serie, creada por Guy Ritchie, Jez Butterworth, Ronan Bennett y David Glasser, se convirtió en uno de los grandes éxitos de la plataforma fuera del universo de Taylor Sheridan. El personaje de Hardy, Harry Da Souza, fue desde el inicio uno de los principales atractivos de la serie. Sin embargo, en la segunda temporada el foco narrativo empezó a desplazarse hacia las intrigas familiares y el desarrollo de un elenco más amplio. Según Puck, este cambio de enfoque fue uno de los puntos de fricción con Hardy, quien manifestó su desacuerdo tanto en privado como en el set.

La reacción de Paramount ante estas tensiones fue decisiva. Un informante citado por Puck asegura que la productora priorizó la continuidad del equipo creativo por encima de la permanencia de Hardy. El reporte señala que “la situación se volvió tan insostenible que Butterworth llegó a amenazar con su renuncia”, lo que llevó a la compañía a descartar a Hardy como medida para evitar la pérdida de su showrunner y principal guionista. Por el momento, ni Hardy ni Paramount han emitido declaraciones públicas acerca de la salida. Las fuentes consultadas por Puck explican que el actor tenía la posibilidad contractual de abandonar la serie si así lo deseaba, pero finalmente fue la plataforma la que tomó la iniciativa de prescindir de él. Este episodio coincide con la renovación de MobLand para una tercera temporada, aunque la compañía todavía no ha comunicado oficialmente el futuro del reparto.

La incertidumbre sobre el reemplazo de Hardy o el rumbo que tomará la serie sin su protagonista principal se mantiene. Mientras tanto, la producción parece encaminada a fortalecer la dinámica de conjunto, apoyándose en el liderazgo de Mirren y Brosnan como ejes de la familia Harrigan. La salida de Tom Hardy marca un punto de inflexión en la trayectoria de MobLand. El futuro de la serie dependerá de la capacidad de los guionistas y productores para mantener el interés del público sin uno de sus rostros más reconocibles, en una historia que gira en torno al conflicto entre clanes criminales en Londres.

El dato surge del informe trimestral presentado por Lionsgate, en el que la empresa abordó la situación de su división televisiva y comunicó la programación de sus lanzamientos para el resto del año. Esta comunicación oficial representa la primera confirmación pública de la ventana de estreno para la segunda temporada de The Studio. El dato fue recibido con interés entre los aficionados a las series de humor y sátira sobre la industria del entretenimiento, con la participación de estrellas reales como Martin Scorsese u Olivia Wilde. La segunda temporada de The Studio estará disponible exclusivamente en Apple TV+ en algún momento de 2026. Aunque hasta el momento no se revelaron detalles concretos sobre el calendario, el informe de Lionsgate remarcó que el estreno tendrá lugar en la segunda mitad del año, en línea con la reciente estrategia de la compañía para sus títulos más destacados.

El anuncio oficial se produjo en el marco de la presentación de resultados de Lionsgate, que atraviesa una etapa de menor rentabilidad en su sector televisivo. Durante el último trimestre, los ingresos de la división responsable de The Studio disminuyeron de $543,3 millones a $254,6 millones respecto al mismo periodo del año anterior. Las causas de esta caída, según el propio informe, estarían vinculadas al calendario de estrenos, ya que se lanzaron menos series en el periodo analizado. A pesar de este contexto de menores ingresos y un descenso en la rentabilidad —$40,6 millones el año pasado frente a $30,5 millones en el actual—, Lionsgate aseguró que mantiene su compromiso con la producción de nuevas temporadas y proyectos originales. La empresa destacó a The Studio como uno de los pilares de su estrategia para recuperar terreno en el sector del entretenimiento en streaming.

Así es ‘The Studio’

The Studio es una comedia satírica que narra las peripecias de un ejecutivo de Hollywood enfrentado a las tensiones y cambios de la industria cinematográfica. El reparto principal incluye a Seth Rogen en el papel de Matt Remick, acompañado por la fallecida Catherine O’Hara (Patty Leigh), Ike Barinholtz (Sal Saperstein), Chase Sui Wonders (Quinn Hackett) y Kathryn Hahn (Maya Mason). Además, la serie cuenta con participaciones recurrentes de figuras como Bryan Cranston (Griffin Mill) y Dave Franco, quien se interpreta a sí mismo. La primera temporada fue bien recibida por el público y la crítica, consolidando su lugar entre las producciones más populares de Apple TV+. El programa destacó por su mirada ácida y humorística sobre los desafíos que enfrentan los ejecutivos en una industria en constante transformación.

La confirmación de la nueva temporada de The Studio llega en un momento de ajustes para Lionsgate, que enfrenta una baja en sus ingresos por la menor cantidad de estrenos recientes. A pesar de este escenario, la compañía expresó su confianza en que el regreso de títulos como The Studio y el estreno de nuevas temporadas de otras series reconocidas, como The Rookie: North y la última entrega de Yellowjackets, contribuirán a revertir la tendencia negativa en sus balances.

Por el momento, no se han dado a conocer avances o detalles adicionales sobre la trama de la segunda temporada ni sobre incorporaciones al elenco. Los responsables de la serie y el estudio anticipan que habrá novedades a medida que se acerque la fecha de estreno. El retorno de The Studio a Apple TV+ en 2026 representa una apuesta clave tanto para la plataforma de streaming como para Lionsgate, que busca reafirmar su presencia en el competitivo escenario de las series originales. Los seguidores de la comedia deberán aguardar la confirmación de la fecha exacta, pero ya cuentan con la certeza de que el regreso está asegurado para el próximo año.

La serie ha debutado en el catálogo de Netflix tras el cierre del acuerdo de los Duffer con la plataforma, y propone un enfoque inusual: un grupo de septuagenarios enfrentando amenazas que unen lo sobrenatural y los dilemas de la vejez.

La ficción sitúa su acción en una lujosa urbanización aislada en el desierto de Nuevo México, donde residen 100 personas y cuyas instalaciones incluyen campos de golf, centro comunitario y una residencia especializada llamada The Manor. El protagonista, Sam Cooper (Alfred Molina), viudo reciente y antiguo ingeniero, se traslada a este complejo por obligación contractual, acompañado del recuerdo de su esposa fallecida y una marcada melancolía.

El anterior inquilino de su casa, Edward (Ed Begley Jr.), ha sido ingresado en The Manor después de experimentar nuevos episodios de confusión vinculados a extraños sucesos: una criatura nocturna con demasiadas patas, rastros de sangre azul y el robo recurrente de objetos con cuarzo.

Un reparto coral de grandes veteranos

La serie comienza con Sam llegando a regañadientes a la urbanización, junto a su familia, e instalándose en la vivienda anteriormente ocupada por Grace (Dee Wallace), quien también es una de las primeras en alertar sobre los enigmas del lugar. Pronto, Sam entabla relación con otros residentes: Jack (Bill Pullman), vecino optimista y anfitrión de barbacoas; Renee, exmánager musical interpretada por Geena Davis; Wally (Denis O’Hare), antiguo médico con cáncer de próstata terminal; el matrimonio formado por Art (Clarke Peters) y Judy (Alfre Woodard); junto a una comunidad que se percibe unida. La narrativa mezcla drama, humor y reflexión sobre el dolor, el paso del tiempo y la capacidad de adaptarse en la vejez.

Llama la atención la figura del CEO del complejo, Blaine Shaw (Seth Numrich), quien junto a su esposa Annaenlise (Alice Kremelberg), administra la comunidad con una hospitalidad impecable que rápidamente se torna inquietante.

Los residentes se ven afectados por robos misteriosos y la aparición de monstruos poco convencionales. El peso de los incidentes extraños cobra relevancia a partir de las advertencias de Edward, que inicialmente son desestimadas como meros síntomas de senilidad, subrayando la manera en que la ficción aborda la marginación de los adultos mayores.

El relato dedica especial atención al retrato de los personajes y sus heridas emocionales: Sam, atrapado en el duelo y la ira, poco a poco recupera interés al involucrarse en los misterios del complejo. Al respecto, la serie cita literalmente en su episodio piloto la pregunta central planteada por su creador Jeffrey Addiss: “¿Qué harás con el tiempo que te queda?”, que vertebra la propuesta desde el inicio.

Entre el humor y el terror

El tono de The Boroughs: Jubilación rebelde, oscila entre el humor y la tensión del terror, buscando el equilibrio propio de las producciones de Steven Spielberg, al que suman el sello personal de los Duffer y de los ‘showrunners’ Jeffrey Addiss y Will Matthews.

Entre los recursos destacados sobresale la construcción pausada del suspense y una atención especial a la banda sonora, con temas de Bruce Springsteen, Bill Withers, Etta James y Earth, Wind & Fire, elementos que enfatizan el efecto temporal buscado por el equipo creativo.

The Boroughs: Jubilación rebelde integra convenciones del terror sobrenatural y la ciencia ficción (monstruos, desapariciones, fenómenos paranormales) con una mirada sobre la vulnerabilidad, la amistad y la resistencia al final del ciclo vital. La serie logra subvertir el género al ubicar en el centro a personajes tradicionalmente apartados de la narrativa televisiva y social.

La producción explora temas como el miedo a la muerte y la soledad, así como la oportunidad de redención en los últimos tiempos, una premisa sostenida por los guiones de Addiss y Matthews y por una realización que combina homenaje y riesgo creativo. Una serie con espíritu ochentero para espectadores con alma joven.

El capítulo final, titulado sencillamente Cien años de soledad y dirigido en solitario por la cineasta Laura Mora, funcionará como una pieza independiente que amplificará el desenlace de la saga Buendía. Francisco Ramos, vicepresidente de contenido de Latinoamérica en la plataforma, explicó que el equipo definió durante la preproducción que la complejidad narrativa de la novela “requería de una propuesta que no era la de un episodio, sino de un Gran Final que adecuadamente representara el desenlace de la obra cumbre del Nobel colombiano”. Este episodio especial tendrá “prácticamente un largometraje”, precisó Ramos, y fue concebido para dotar de escala cinematográfica a la conclusión de la serie.

La nueva tanda de episodios distribuirá la dirección entre Laura Mora y Carlos Moreno. Mora asumirá cinco capítulos, incluidos el primero y el especial de cierre, mientras que Moreno liderará tres episodios. Entre el equipo creativo figuran los productores ejecutivos Juliana Flórez Luna, Andrés Calderón, Carolina Caicedo, José Rivera, Rodrigo García y Gonzalo García Barcha, con versiones de guion a cargo de José Rivera, Natalia Santa, Camila Brugés y María Camila Arias. La fotografía estará en manos de James Brown y Camilo Monsalve, la dirección de arte bajo Bárbara Enríquez y Eugenio Caballero, y el diseño de vestuario a cargo de Catherine Rodríguez.

La definición del formato: de serie episódica a cierre cinematográfico

La decisión de ampliar el desenlace en una entrega especial responde a un enfoque estratégico en la adaptación de grandes novelas al formato audiovisual. Francisco Ramos señaló que “la forma correcta de contar la novela en su extensión y ambición requería de una propuesta que no era la de un episodio, sino de un Gran Final”, estableciendo un modelo que supera los límites convencionales de una serie de televisión. La directora Laura Mora subraya que cada episodio de la segunda parte “es como una película”, y que el objetivo fue llevar “la serie a otro nivel desde lo estético, lo narrativo, el sonido y la música para construir un final mucho más cinematográfico”.

La primera parte de la adaptación se anunció con ocho episodios. La segunda parte suma siete capítulos y culmina con el especial, alcanzando una totalidad de dieciséis episodios y un largometraje. Esta arquitectura de entrega —quince episodios regulares y un capítulo final extendido— establece un referente en producciones de streaming basadas en literatura latinoamericana, articulando la narrativa de los cincuenta años que restan en la historia de Macondo y su estirpe.

Producción, rodaje y detalles técnicos de la segunda parte

Cien años de soledad fue filmada íntegramente en Colombia y en español, con locaciones en los departamentos de Magdalena, Boyacá, Cundinamarca y Tolima. El proyecto contó con el respaldo de la familia García Márquez y de la casa productora Dynamo. Destacan en los puestos técnicos Miguel Schverdfinger, Luís Carballar y Sebastián Hernández (edición), Ana del Río (diseño de maquillaje y peinados), José Luis Orozco (supervisión de efectos visuales), así como Yolanda Serrano y Eva Leira en dirección de casting. La música original está a cargo de Camilo Sanabria y Juancho Valencia.

El proceso involucró a cientos de artistas y técnicos para concebir un Macondo que acompañara visualmente tanto el auge como la decadencia del pueblo, tema central en la segunda parte de la serie. La sinopsis oficial anticipa que, tras la firma del armisticio, los Buendía enfrentarán nuevas rivalidades, la irrupción del progreso y la influencia de la compañía bananera, motores narrativos que impulsarán la ruina de Macondo hasta el cumplimiento de la maldición pronunciada por Úrsula Iguarán.

Estrategia de lanzamiento y calendario de la segunda parte

El lanzamiento del 5 de agosto se organizará en torno a siete capítulos dirigidos alternativamente por Mora y Moreno: “El armisticio”, “La Reina de Madagascar”, “Fernanda del Carpio”, “Había llegado el inocente tren”, “Fue un once de octubre”, “Eran más de tres mil” y “Llovió cuatro años, once meses y dos días”. El 26 de agosto, la serie concluirá con el episodio titulado como la obra de Gabriel García Márquez y firmado por Laura Mora como cierre autoral.

El modelo de capítulo final extendido introduce un esquema que puede redefinir la presentación de adaptaciones literarias en plataformas. La apuesta por una narrativa “igual de grande, épica y cinematográfica”, en palabras de Mora, posiciona a Cien años de soledad como caso testigo para futuros proyectos de alto calibre en Latinoamérica.

El Festival de CANNESERIES, un prestigioso evento en el que concurren algunas de las mejores series, miniseries y docuseries del año de todo el mundo, ha seleccionado para su novena edición dos series españolas en su Sección Oficial, donde competirán con otras seis producciones por diferentes premios, entre ellos el de Mejor Serie, que ya se quedó en España tras la victoria de Vida perfecta (serie escrita y dirigida por Leticia Dolera) en 2019).

En esta ocasión, las series españolas que concurrirán en el festival serán Se tiene que morir mucha gente, una comedia escrita y dirigida por Victoria Martín en la que adapta su propia novela homónima, y Yo siempre a veces, un drama sobre la maternidad en solitario creado por Marta Bassols y Marta Loza. Ambas producciones han contado con el apoyo de Movistar Plus+, plataforma española que ha celebrado como un “hito” la doble nominación.

‘Se tiene que morir mucha gente’

La adaptación del libro de Victoria Martín, todo un éxito de ventas tras su publicación en 2025, cuenta la historia de tres amigas que llevan más de dos décadas siendo amigas. Sin embargo, lo cierto es que cada una de ellas cuenta con una fuerte crisis personal: Bárbara vive frustrada por su trabajo y está enganchada a las benzodiacepinas; Maca, con la que comparte piso, no logra triunfar como actriz y trabaja como camarera; Elena, por su parte, está embarazada después de casarse con un señor de 60 años.

Este panorama será el que explote y desencadene la acción de Se tiene que morir mucha gente, una comedia que cuenta con varias estrellas en su reparto. Anna Castillo, Macarena García y Laura Weissmahr cuentan con los papeles principales en un elenco donde también destacan nombres como el de Sofía Otero, Alba Galocha u Óscar de la Fuente.

“Es un proyecto que nació hace mucho tiempo, más tarde se convirtió en un libro y ahora, tras años de desarrollo y trabajo, será una serie“, comenta la propia Victoria Martín. Con un estreno programado para mayo de 2026, la serie cuenta con la dirección de la propia escritora, Sandra Romero (directora de series como Los años nuevos y nominada al Goya por Por donde pasa el silencio) y Nacho Pardo, su compañero en Living Producciones.

‘Yo siempre a veces’

La ficción creada por Marta Bassols y Marta Loza cuenta la historia de una madre soltera por accidente que tiene dificultades para salir adelante en Barcelona. "Yo siempre a veces es un retrato generacional honesto y realista sobre las dificultades para madurar en la treintena, atravesado por la precariedad y las expectativas. Una comedia dramática sin tapujos, una serie que desmitifica la familia y la pareja perfectas como respuesta a las expectativas de una generación“, dicen desde Movistar Plus+.

Para el reparto, se cuenta con Ana Boga (debutante en televisión) en el papel de Laura, la protagonista de la serie, y con David Menéndez (al que hemos podido ver con papeles secundarios en series como Mira lo que has hecho o Hache o en las películas de As bestas y Creatura) en la piel de Rubén, el padre del niño. Producida en colaboración con Suma Content por Javier Calvo y Javier Ambrossi (Los Javis), podrá verse en movistar Plus+ a partir del próximo 23 de abril.

Este resultado sitúa a Los Testamentos: De las hijas de Gilead en un umbral destacado para contenidos secuela: la serie obtuvo el sello Certified Fresh en Rotten Tomatoes con un 88% y consolidó un engagement sostenido, superando la dinámica habitual de las adaptaciones literarias. La compañía ha ratificado el final de temporada para el miércoles 27 de mayo, fechando así la transición formal hacia un nuevo ciclo de producción en coproducción con MGM Television y 20th Television.

La narrativa, basada en la novela homónima de Margaret Atwood (Premio Booker, 2019), se posiciona como evolución directa tras la conclusión de The Handmaid’s Tale en 2025. El proyecto retoma el destino de uno de los ejes abiertos en el cierre original —la hija de June Osborne, ahora identificada como Agnes— y introduce una estructura de coming-of-age, según ha definido el showrunner Bruce Miller al señalar que se inspira en “lo que significa ser joven y estar lleno de energía cuando el país intenta convertirte en algo terrible”, en una conversación oficial difundida por Disney+.

La consolidación de un spin-off que supera expectativas iniciales

A nivel de industria, la expansión del universo creado por Atwood se ve respaldada por un equipo ejecutivo que integra a Warren Littlefield, Elisabeth Moss, Steve Stark y Mike Barker (quien dirigió el piloto, los dos episodios subsiguientes y el cierre de temporada). El elenco conjuga la continuidad de Ann Dowd (como la tía Lydia) y la participación especial de Elisabeth Moss, junto a nuevas incorporaciones como Lucy Halliday (Daisy), Mabel Li y Amy Seimetz.

Disney+ ha promovido la continuación como una apuesta por la narrativa de resistencia adolescente en el entorno distópico de Gilead. Según la sinopsis oficial, la serie sitúa su acción años después de los eventos finales de la producción original, con Agnes enfrentando el adoctrinamiento en una escuela de élite y Daisy, llegada de Canadá, catalizando un proceso de cuestionamiento interno y búsqueda de aliados para resistir un destino impuesto de servidumbre y matrimonio forzado.

Posicionamiento estratégico y diferenciación visual en un mercado saturado

El productor Warren Littlefield anticipó que la serie introduce una propuesta estética “más pastoral, más bella, con una arquitectura y una paleta de colores diferentes”, subrayando la intención de distanciar visualmente el spin-off sin modificar la tensión nuclear de la franquicia. Esta maniobra busca un equilibrio entre nuevas audiencias y la base consolidada de The Handmaid’s Tale, apuntalando la relevancia del proyecto en la estrategia global de contenido original para Disney+ y Hulu.

La reacción crítica ha acompañado la tracción de audiencia: la certificación “Fresh” en Rotten Tomatoes y el volumen acumulado de horas visionadas establecen un punto de referencia para producciones derivadas de propiedades literarias con bagaje previo. Además, la serie ha captado atención por el crecimiento sostenido de consumo semana a semana, un desempeño atípico para la segunda camada de franquicias televisivas en streaming.

Bajo la dirección de Bruce Miller como showrunner, la adaptación mantiene la exploración de los traumas, alianzas y contradicciones sociales heredadas de Gilead, pero amplifica el foco en nuevas protagonistas y matices de poder, desplazando la perspectiva tradicional de June Osborne hacia una mirada dual donde Agnes y Daisy encarnan la transgresión juvenil.

El anuncio de renovación antes de emitirse el final de la primera temporada marca una estrategia de retención para el segmento joven-adulto en Disney+, alineada con la evolución del canon The Handmaid’s Tale y el desarrollo de historias de resistencia y emancipación femenina. El acuerdo de producción involucra a MGM Television y 20th Television, asegurando continuidad ejecutiva y técnica en la siguiente fase.

Su capacidad para renovarse y para abarcar diferentes formatos la ha caracterizado desde sus inicios. Ha hecho de todo y en nada se ha encasillado. En 2023 publicó su primera novela, que en realidad partía del tratamiento de guion que fue rechazado.

“Me gustaría decir que ha sido un proceso fácil, pero no, ha sido un infierno. Todo muy largo. En 2017 intentamos vender la serie, después se convirtió en libro y luego, ha vuelto a ser una serie. No suele ser lo habitual, ha sido raro”, cuenta Victoria Martín a Infobae.

Tres personajes rotos en busca de sí mismos

Y aquí está, por fin, Se tiene que morir mucha gente, que se estrena en Movistar Plus+, una miniserie en forma de sitcom de seis episodios de unos 25 minutos de duración que cuenta la historia de tres amigas que coincidieron juntas en el colegio: Bárbara (Anna Castillo), Elena (Macarena García) y Macarena (Laura Weissmahr).

Todas han traspasado la treintena y cada una arrastra algún tipo de inseguridad a sus espaldas que les impide ser felices. “Creo que son personajes rotos, solos, tristes y, de algún modo, también desagradables, sobre todo Bárbara, pero que realmente quieren encontrar su hueco y quieren que les quieran, como todo el mundo al final. Están ahí en búsqueda de una identidad, porque no les gusta cómo son e intentan cambiar de vida, un poco a la desesperada, sin mirar de frente a sus problemas”, continúa Victoria Martín.

En ese sentido, Bárbara (Castillo) trabaja en un equipo de guion, pero es consciente de que no es el sitio donde querría estar, rodeada de hombres y con un jefe tirano. Su solución, refugiarse en los ansiolíticos. Ademas, tendrá una voz interior, la de la niña mujer (que se materializa en a través de Sofía Otero), que le dirá constantemente lo ‘mierda’ que es.

En el caso de Elena (García), se ha construido una vida en base a las apariencias. Se ha casado con un señor rico que le triplica la edad y está embarazada de nueve meses. Será entonces cuando inicie un camino de huída de todo ese mundo de estatus y privilegios para intentar conectarse consigo misma. “Tiene un dolor muy profundo que no atiende, un vacío y muchas heridas que están tapadas, así que dará los primeros pasos para volver a ser ella misma”, cuenta Macarena García.

En cuando a Macarena (Weissmahr), es una actriz frustrada que trabaja de camarera. “Solo hace obras raras a las que acuden hombres mayores a masturbarse (ríe) y se refugia en el amor, pero siempre toma malas decisiones, buscándose novias que no le quieren y que no le hacen bien. Entonces, un Cristo”, cuenta Laura Weissmahr con su habitual desparpajo.

El humor como tabla de salvación

La serie nunca juzgará a sus protagonistas. Bastante tienen con lo que tienen. Tampoco se trata de personajes ‘aspiracionales’. Tienen sus miserias y las exponen de una forma bastante cruda para tratarse de una comedia.

“No es la capa bonita que nos enseñan en las redes, son personajes de mierda, que toman decisiones de mierda, con los que todos nos identificamos de alguna manera, porque en la vida todos tomamos decisiones de mierda”, cuenta Nacho Pardo, que dirige algunos capítulos y que ha acompañado a la creadora desde sus inicios.

Pero el humor, por supuesto, resulta fundamental. “Para mí, el punto número uno era que ellas te hicieran reír, aunque no se estuvieran riendo de la situación. Yo creo que todos nos equivocamos, que tenemos nuestros grises, y que de esas cosas podemos extraer muchas capas de comedia”, cuenta Martín.

Se tiene que morir mucha gente cuenta con un formato muy concreto de comedia. Podríamos definirla como una ‘screwball comedy’ millennial por la rapidez de sus diálogos, las conversaciones frenéticas y las situaciones disparatadas.

“Yo creo que es la manera que tiene Victoria de expresarse, de estar en el mundo, de contar cosas importantes. Lo más particular de la serie es el tono tan concreto de comedia que tiene, muy cruda, muy ácida, sarcástica y también muy inteligente”, cuenta Macarena García.

Incorrecta, punki y llena de frases míticas

En ese sentido, la serie resulta de lo más deslenguada, políticamente incorrecta y punki. “Me encanta la definición punk para esta serie. O sea, es la primera vez que lo dicen, pero yo siempre lo he pensado mucho”, dice Weissmahr. “Creo que ha sido bastante liberador hacer algo así, da mucho placer”.

Además, hay un montón de frases míticas que podrían pasar de forma instantánea a la jerga popular como “Amor, no estoy puto bien”, “No me apetece mucho fluir”, “Ser tú misma siempre es más económico”.

“Ostras, a mí me gusta gusta cuando Bárbara se compara con feministas históricas, como Sylvia Plath y Elena le contesta, ¿quién es esa, gordi?“, dice Victoria Martín. ”Yo no tengo putos sueños" nos gusta mucho también. A Anna Castillo le gusta cuando su personaje dice, “Yo soy una loca silenciosa pero tú eres una loca insoportable”.

Aunque Victoria Martín ha afirmado que no se trata de una serie generacional, reconoce que sí que aborda muchas cuestiones que tienen que ver con la treintena. “Creo que habla de personajes que no les gusta cómo son, y eso puede pasar a cualquier edad, pero sí es verdad que tenemos una generación que está muy sola, que es muy individualista y estamos en un momento en el que nos necesitamos todos más los unos a los otros más que nunca, necesitamos lo colectivo“, culmina Victoria Martín.

El movimiento interno surge en un momento especialmente sensible para el negocio de los cómics. Según informó The Hollywood Reporter, Marvel perdió recientemente el liderazgo de cuota de mercado frente a DC Comics, impulsada por el desempeño comercial de su línea Absolute Universe y por el protagonismo que obtuvo en los premios Eisner.

En ese contexto, la empresa busca redefinir su estrategia editorial y reforzar el vínculo entre los cómics, las franquicias y las producciones audiovisuales.

Brad Winderbaum amplía su influencia dentro de Marvel

Marvel anunció que Winderbaum asumirá el cargo de director de Marvel Television, Animation, Comics & Franchise. El ejecutivo ya encabezaba las áreas de televisión y animación de Marvel Studios, aunque ahora también supervisará la dirección creativa del catálogo editorial y las iniciativas globales de franquicia y marca.

La compañía confirmó que David Abdo, procedente de Disney Music Group, se incorporará como gerente general de Comics & Franchise y responderá directamente a Winderbaum. Dentro de esa nueva estructura, CB Cebulski continuará como editor jefe de Marvel Comics.

En el comunicado oficial difundido por Marvel, Kevin Feige, presidente y director creativo de Marvel Studios, destacó el perfil de los nuevos responsables del área.

Subrayó que la combinación entre la experiencia creativa de Winderbaum y la trayectoria de Abdo en operaciones e innovación digital será clave para impulsar la próxima etapa de Marvel Comics y fortalecer el futuro de la compañía durante las próximas décadas.

“Brad aporta una probada capacidad para liderar equipos creativos y crear narrativas episódicas continuas que conectan con nuestros fans en todo el mundo, mientras que David ofrece una sólida trayectoria de excelencia operativa y crecimiento estratégico”, señaló Feige.

El recorrido de Winderbaum en Marvel Studios

Winderbaum mantiene una relación de larga data con Marvel Studios. Su incorporación se produjo durante la producción de Iron Man, la película de 2008 que inició el Universo Cinematográfico de Marvel. Con el paso de los años ocupó distintos puestos dentro del estudio hasta convertirse en una de las figuras centrales del desarrollo televisivo de la compañía.

Como productor ejecutivo participó en todas las series para Disney+, incluyendo Hawkeye, la segunda temporada de Loki, Agatha: All Along, Daredevil: Born Again, X-Men ’97 y Your Friendly Neighborhood Spider-Man. También trabajó en películas como Thor: Ragnarok y Black Widow.

La designación de Winderbaum refuerza el peso que Marvel Studios ganó sobre el área editorial en los últimos años. De acuerdo con el informe compartido por The Hollywood Reporter, Feige sumó en 2023 la división de publicaciones a sus funciones dentro de la compañía, un movimiento que ya sugería futuros cambios en la estructura de la compañía.

La salida de Dan Buckley después de casi tres décadas

La reorganización también marca el comienzo de la despedida de Buckley, uno de los ejecutivos más influyentes en la historia de la editorial de superhéroes. Buckley trabajó cerca de 30 años dentro de la empresa y ocupó cargos como editor de Marvel Comics, presidente de Marvel Entertainment y director de Comics & Franchise.

En el comunicado difundido por la empresa estadounidense, Feige destacó que durante la gestión de Buckley la influencia de Marvel en la cultura popular se amplió mediante eventos editoriales como Civil War, Secret Wars, X-Men: Age of Krakoa y el próximo lanzamiento del sello Marvel Midnight, además de la expansión de la compañía hacia videojuegos, televisión y animación.

Por su parte, Abdo llega desde Disney Music Group con experiencia en operaciones y transformación digital. Feige lo describió como un ejecutivo “estratégico y orientado a resultados”, con más de 20 años vinculados al desarrollo de negocios de medios. Durante su etapa en la división musical de Disney, estuvo a cargo de la gestión global del área y lideró distintos procesos de expansión comercial.

La Generación Z ha situado el streaming en el centro de su rutina laboral. Esta práctica, facilitada por el auge del teletrabajo y la flexibilidad de los modelos híbridos, redefine la manera en que los jóvenes interpretan la productividad y la relación entre ocio y trabajo.

Según encuestas de plataformas de streaming como Tubi o medios especializados como Fortune, el 84% de los trabajadores de este grupo admite ver series o películas durante su jornada de trabajo como una estrategia para gestionar la concentración.

El auge de este fenómeno ha generado debate entre empleadores, expertos en recursos humanos y la propia Generación Z. Para muchos, se trata de una señal de los nuevos tiempos y de un cambio en la cultura organizacional, mientras que otros lo consideran una distracción que puede poner en riesgo los niveles de atención y rendimiento.

Sin embargo, el streaming no ha desaparecido: ha cambiado de significado, y para una parte significativa de los jóvenes, se ha convertido en una forma de “ruido blanco” que ayuda a mantener la concentración.

El streaming sustituye a la pausa para el café

El paso de la pausa para el café o el cigarrillo a la pausa para ver un capítulo de una serie es una de las características más notorias del entorno laboral de la Generación Z. La normalización de la multitarea y la convivencia con estímulos digitales han hecho que el consumo de contenido bajo demanda se perciba como parte de la jornada y no solo como un entretenimiento ajeno al trabajo.

El trabajo remoto ha contribuido a que los límites entre el deber y el ocio se diluyan. Mientras generaciones anteriores se distraían con tareas domésticas, la Generación Z recurre a las plataformas de streaming como vía para sobrellevar la presión, la monotonía o la necesidad de estimulación constante.

Aunque el 53% de los encuestados reconoce haber pospuesto tareas para terminar un episodio, expertos como Simran Bhatia, de Reality Defender, insisten en que ver series en segundo plano no necesariamente reduce la productividad. La clave, sostiene, está en que muchos jóvenes usan el streaming como fondo sonoro, similar al uso tradicional de la radio o la música en oficinas.

Para algunos líderes de empresas, el reto está en adaptar los entornos laborales, presenciales o remotos, para reflejar cómo funciona la Generación Z de manera óptima. En vez de prohibir estas prácticas, se propone diseñar ambientes y políticas que prioricen los resultados y la salud mental sobre la vigilancia intensiva de la actividad.

El streaming no solo cumple una función de acompañamiento. Según un estudio de Tubi de 2026, el 65% de los jóvenes de la Generación Z afirma sentirse parte de una comunidad gracias a las series y películas que consume, un dato que ha crecido un 15% respecto al año anterior. El 77% prefiere elegir su propio contenido antes que sintonizar una programación fija, lo que refuerza la idea de identificación y pertenencia que genera el consumo bajo demanda.

Task masking: simular estar ocupado como estrategia de adaptación

Junto al streaming, la Generación Z ha adoptado el “task masking”, una técnica que consiste en aparentar estar más ocupado de lo que realmente se está. El 36% de los trabajadores encuestados reconoce haber utilizado alguna vez esta práctica, impulsada en parte por la cultura de la hiperproductividad y la presión por destacar en entornos competitivos.

Curiosamente, el 70% de quienes practican task masking aseguran que su productividad real no disminuye; de hecho, muchos terminan sus tareas antes de lo previsto y recurren a simular actividad para evitar que se les asigne más trabajo. Este fenómeno plantea la necesidad de repensar el tradicional modelo de jornada laboral, ya que la eficiencia tecnológica y la autonomía han hecho que el tiempo invertido ya no sea el único indicador válido de productividad.

La Generación Z está desafiando los parámetros clásicos del trabajo con propuestas que priorizan la autonomía, la flexibilidad y el bienestar emocional. El teletrabajo se perfila como un aliado en este proceso, ofreciendo a los jóvenes la posibilidad de adaptar sus horarios y dinámicas a sus necesidades reales.

Se ríe Laura Mora, que accede a esta entrevista por videollamada pero con la cámara apagada, porque justo está en el estudio y todo lo que rodea a Cien años... ES SECRETO. Se ríe porque dice que le costó muchísimo entender ese libro, que por supuesto lo tuvo que leer en la escuela pero no había caso, que lo volvió a leer después, que tuvo que ser grande, tuvo que haber vivido, tuvo que saber de historia y de política y del dolor y de los sueños grandes y de la injusticia, tuvo que crecer para llegar a fondo con la novela. Y ahí sí.

-Me imagino que para los colombianos García Márquez está en todas partes, desde que entran a la escuela por lo menos. ¿Qué te pasó con el vínculo con Cien años de soledad?

-En Colombia, la diferencia de acceso a la educación según las clases sociales es tan tremenda que no me atrevería a decir que es tan transversal como dices. Pero yo crecí en una familia donde la literatura y la lectura han sido muy importantes. Entonces, García Márquez estaba ahí, Borges estaba ahí.

-Pero...

-Pero a mí me costó muchísimo Cien años de soledad. Yo había leído sus novelas previas, como La hojarasca, que me parece que es increíble. Y tengo un amor profundo por Del amor y otros demonios. Pero Cien años... me costaba y me costaba. La leí primera vez estando en el colegio, no sé, tendría por unos dieciséis años. Y no le entré. Y, muchas veces, cuando se hablaba de la novela con tanto afecto, con tanto amor, también con tanta grandilocuencia, yo me sentía un poco bruta.

-Sin embargo, no era un problema con García Márquez.

-Hay un gesto estético en García Márquez que a mí me gusta mucho y es esa obsesión que él tiene con el poder, con los hombres y la decadencia en el poder. Como en El coronel no tiene quien le escriba. Pero Cien años... la traté de leer varias veces, un poco más grande y me costaba, la abandonaba. Entonces cuando cuando fui llamada para estar acá, tenía mucho susto y lo primero que dije fue: “Necesito leer la novela y ver si yo estoy en la capacidad de interpretar la obra”. Y, para mi sorpresa, lo que realmente siento que me faltaba para enfrentarme a Cien años de soledad” era formación. Era formación estética, espiritual, política, para poder entender la magnitud de la obra, que es la Biblia. Lo que hace García Márquez en la novela realmente es ir desde el Génesis hasta el Apocalipsis.

-Hablaste de una dimensión política, que no siempre se toma en cuenta.

-La obra de García Márquez es profundamente política, no por nada tuvo que exiliarse, ¿no? No solo por su postura, sino porque su postura atraviesa su obra. Pero yo siento que el realismo mágico, en la obra de, de García Márquez, es sobre todo un realismo poético, en una lectura un poco exótica de ese Caribe y de ese mundo que él expresa tan maravillosamente con la creación de Macondo.

-Es decir que el realismo mágico no sería mágico.

-La realidad es durísima y también es profundamente trágica. Entonces, yo siento que con Cien años de soledad la gente siempre habla de las mariposas amarillas, del momento en que Remedios se va a al cielo. Pero eso está más allá del peso político y poético que tiene el libro. Y por eso yo ponía el ejemplo de Mauricio Babilonia. Todo el mundo recuerda las mariposas amarillas, pero a la gente le cuesta mucho acordarse de quién era realmente ese personaje que traía las mariposas amarillas y que tiene mucho que ver también con la masacre de las bananeras. Es un mulato que trabajaba de aprendiz de mecánico en las bananeras. ¿Y qué representan las bananeras? Pues un proceso colonizador que también fue muy violento. Una idea del progreso que es aterradora también.

-Mauricio siempre aparece rodeado por las mariposas amarillas ¿Cómo entendés lo que pasa con ese personaje?

-Es un chico de clase humilde que termina mezclándose con Meme, que es la hija de los Buendía, la estirpe que tiene el poder en el pueblo. Y también es la hija de Fernanda del Carpio, que representa, en esta segunda parte del libro, lo católico, el centralismo del país, que ha sido tan duro con las regiones. Fernanda decide atentar contra la vida de este chico que ha osado meterse con esta chica. Eso es superpolítico. Hay un tema de clases, hay un tema de raza. Es decir, todos los flagelos de la sociedad colombiana están puestos en ese chico, pero de lo que nos acordamos es de las mariposas amarillas y no de ese cuerpo trabajador que las trae. Ese me parece el ejemplo perfecto de cómo muchas veces se habla de la novela con el romanticismo de estas imágenes poderosísimas que tienen que ver como con lo mágico, pero se le quita el peso político.

-¿Será que incomoda?

-Estoy segura de que sí. Muchísimo. En Colombia no es un secreto que a la derecha le incomoda muchísimo el libro y se han dicho cosas muy desafortunadas del libro y del autor precisamente por eso.

-¿Por ejemplo?

-Se ha dicho muchas veces que la masacre de las bananeras es un invento de García Márquez, cuando hoy se sabe que fue real y que es un evento que se ha querido borrar. Entonces, se ha dicho: “Eso es otro invento de ese realismo mágico de García Márquez”.

-¿Hay algo del presente de Colombia que se pueda leer en Cien años de soledad?

-Eso es, quizás, lo que a mí me parece más sorprendente de García Márquez. Lo vigente. Los grandes autores, los grandes artistas, son unos grandes profetas de su tiempo, del mundo, de la condición humana. Colombia es un bucle, no ha sabido salir de la violencia, de la historia repetida de la venganza, de la construcción de un enemigo interno. Y cuando yo leo Cien años de soledad, puedo perfectamente amplificarlo a lo que está pasando hoy mismo. Otra vez, con otros nombres. Liberales, conservadores... García Márquez dice, en el libro que la única diferencia entre liberales y conservadores en Colombia es que unos van a misa de seis y los otros a misa de ocho. Eso aplica perfectamente al día de hoy. Y también la relación entre la Iglesia y el Estado con la Iglesia inmiscuyéndose en lugares de la sociedad y de lo político que no debería. Pero hay otras cosas.

-¿Como qué?

-Esto quizás tiene que ver con leerlo ya mucho más grande y mucho más curtida. Se trata de la incapacidad de amar de los seres humanos. Siento que al final la novela tiene que ver con eso. No son solo los Buendía y no es solo Macondo, es un vacío humano, es una carencia de lo humano, que al final nunca podemos ser lo suficientemente amorosos como para salvarnos sino que tenemos una tendencia muy destructiva, muy violenta. Y que al final la naturaleza se va a vengar de nosotros como en Macondo y nos sobrevivirán las hormigas.

-Tuviste que adaptar este texto para una plataforma internacional. ¿Algo de esta lectura se pudo poner en esa adaptación?

-Yo entré a la serie en la primera temporada, dirigí algunos capítulos pero es en esos capítulos cuando la política llega a Macondo y eso era perfecto para alguien como yo, que asume el cine como su terreno político y que ha estudiado por gusto también mucho la historia política de Colombia. Era ahí donde yo podía como aportar ideas, interpretaciones, símbolos. Luego, en la segunda temporada, debo decir que hemos sido muy libres, muy alentados por Paco Ramos (N.de la R: vicepresidente regional de Netflix) a no temer frente a la exploración del libro, frente a los riesgos del libro y frente a lo político del libro. Creo que esta segunda parte no estará exenta de polémicas, pero nos ha permitido explorar esa primera mitad del siglo XX tan convulsa en Colombia y en el mundo, traer ese mundo a Macondo y explorar esas ideas políticas que yo creo que están tan presentes en el libro. Darles la espalda sería traicionar a Cien años de soledad.

-Cuando terminemos la segunda temporada, ¿tendremos una idea diferente de la novela que antes de ver la serie?

-Quizás. Espero que, que las imágenes, los sonidos y los símbolos, que traemos puedan aportar a otra lectura. Pero hay que ver que entre la primera y la segunda temporada hay muchas diferencias. Es el mismo Macondo y hay muchos personajes que se mantienen, pero esta temporada trae unas exigencias que obedecen más a asumir la serie no solo como entretenimiento.

-Sino..

-Yo creo que, que tenemos que hacer que la gente piense, que tenemos que considerar al espectador como un ser activo y que va a participar pensando y sintiendo con respecto a las imágenes que traemos. Es una temporada más exigente visual e intelectualmente, y eso está inspirado por un libro cuya segunda mitad es un terremoto de eventos, de poesía y de complejidad... y queríamos estar un poquito a ese nivel. Entonces, sí, va a haber una diferencia en ese sentido y espero que la gente la abrace y que vuelva a leer el libro. Eso es lo que yo más quisiera. Lo que más quisiera es que la gente vuelva a leer el libro.

[Fotos: Netflix; Fundación El Libro]

El anuncio se desdobló en el lanzamiento del tráiler oficial y la difusión de las primeras imágenes, acciones coordinadas para posicionar la ficción como uno de los pilares de la temporada. El regreso de Fassbender y Gere al frente del elenco marca una continuidad de alto valor para Paramount+, considerando que ambos nombres estaban históricamente asociados al cine antes de virar hacia proyectos seriados, un giro que la industria ha intensificado desde 2024.

La decisión de renovar la serie tras el cierre de la primera entrega señala la confianza del estudio en el formato, una vez que la primera temporada de La Agencia debutó hacia finales de 2024 y fue distribuida en varios mercados+. Con la renovación, Paramount Television Studios y 101 Studios mantienen el acuerdo de coproducción, sumando a un equipo ejecutivo compuesto por Jez Butterworth y John-Henry Butterworth en las tareas de guion y producción, David C. Glasser por 101 Studios, y George Clooney y Grant Heslov desde Smokehouse Pictures, junto a Fassbender como productor ejecutivo.

La serie constituye la reinterpretación para público internacional del drama francés Le Bureau des Légendes (The Bureau), con desarrollo original a cargo de Eric Rochant. La adaptación ha permitido a Paramount+ explorar una narrativa de espionaje con trama transversal entre Europa, Medio Oriente y África, capitalizando la creciente demanda global por contenidos de inteligencia y operaciones encubiertas.

El regreso de Fassbender y Gere consolida la apuesta internacional de la serie

El regreso de Richard Gere, Jeffrey Wright, Jodie Turner-Smith y Katherine Waterston asegura la continuidad de un reparto que, en la primera entrega, posicionó a La Agencia como una de las producciones más reforzadas de la plataforma. La incorporación de Harriet Sansom Harris, John Magaro, Saura Lightfoot-Leon, India Fowler y Andrew Brooke, junto a la participación especial de Dominic West y Hugh Bonneville, amplía el rango interpretativo y técnico del proyecto, siguiendo el modelo de producción internacional con cuadros múltiples de coproductores.

El argumento para la segunda temporada se mantuvo en reserva, aunque la sinopsis anticipó, después del desenlace de la primera entrega, una intensificación del conflicto. Se confirmó que la estación londinense de la CIA será escenario de una interna marcada por la desconfianza y la infiltración, lo que incrementa el peso dramático sobre el personaje de Martian (Fassbender), sumido entre lealtades divididas y la obsesión por salvar a su compañera Samia (Turner-Smith).

De acuerdo con el comunicado corporativo emitido el 19 de mayo: “La Agencia destaca dentro del actual catálogo de Paramount+ por reunir un reparto principal de dos nominados al Oscar en roles protagónicos y ejecutivos, producida en colaboración entre estudios estadounidenses y europeos, con estreno exclusivo global el 21 de junio de 2026”.

Evolución de la franquicia y tendencias en las plataformas

La trayectoria de La Agencia desde su estreno en 2024 hasta la fecha de estreno de la segunda temporada refleja un ciclo de inversión y renovación que excede el lanzamiento episódico. La serie se ha posicionado, según informes y reacciones de la prensa, como una de las ficciones más complejas de la plataforma, conforme crece la integración de talentos del cine en la televisión de alto presupuesto.

En la narrativa de esta segunda temporada, según consta en el material difundido por Paramount+, el personaje de Martian enfrentará la presión creciente de la traición, la paranoia y las amenazas cruzadas entre múltiples frentes, un desplazamiento de foco hacia conflictos internos que subraya el ADN de la saga original francesa.

La ampliación del elenco recurrente y la estructura de alianzas detrás de cámara consolidan a La Agencia como uno de los experimentos más ambiciosos en adaptación y coproducción entre continentes, marcos contractuales y modelos creativos, con su segunda temporada lista para estrenar el 21 de junio en el segmento flagship del catálogo de Paramount+.

Francesca Scorsese, hija del reconocido cineasta Martin Scorsese, se incorpora al reparto de la segunda temporada de Mr. & Mrs. Smith, generando sorpresa entre seguidores y la industria. La noticia fue confirmada por Variety, que detalló que la actriz compartirá pantalla con Mark Eydelshteyn y Talia Ryder, cuyos fichajes ya se habían anunciado previamente. La participación de Scorsese en Mr. & Mrs. Smith marca un nuevo hito en su carrera actoral. En los últimos años, ha destacado en producciones como la serie de HBO y Sky Atlantic We Are Who We Are y en películas como Compañeras de cuarto y Christmas Eve in Miller’s Point. Su apellido genera expectativas por el peso de la herencia artística, pero su trayectoria propia ya es reconocida en el ámbito audiovisual.

El personaje que interpretará Francesca Scorsese en esta nueva temporada aún no ha sido revelado. La producción mantiene en secreto los detalles argumentales, lo que ha incrementado la curiosidad sobre la dirección que tomará la historia y el rol que desempeñará la actriz dentro del universo de la serie. Además, se especula que Donald Glover y Maya Erskine, protagonistas de la primera entrega, participarán en la segunda temporada en algún formato, aunque tampoco se han dado precisiones sobre la magnitud de su retorno. La segunda temporada de Mr. & Mrs. Smith se está rodando en la ciudad de Los Ángeles. La decisión de trasladar la filmación a California se consolidó tras recibir un incentivo fiscal de 22,4 millones de dólares por parte de la California Film Commission. Este beneficio fue determinante para reubicar la producción, que originalmente tenía previsto comenzar en otoño de 2025, pero debió posponerse de manera indefinida antes de reactivarse.

El desarrollo de la nueva entrega está bajo la supervisión de Anna Ouyang Moench, quien asume como showrunner y productora ejecutiva. Moench toma el relevo de Francesca Sloane, showrunner de la primera temporada, y de Donald Glover, creador de la serie. La estructura creativa se refuerza con la presencia de nombres como Yariv Milchan, Michael Schaefer, Stephen Glover, Anthony Katagas, Fam Udeorji y la propia Maya Erskine, quien además de continuar como actriz, se suma al equipo de productores ejecutivos para esta etapa. En la segunda temporada también se confirma que Donald Glover dirigirá varios episodios, aportando su visión creativa tanto delante como detrás de cámaras. La producción está a cargo de Amazon MGM Studios y New Regency, que apuestan a consolidar el éxito obtenido durante la primera entrega.

Así es la aclamada serie

Mr. & Mrs. Smith se inspira en la película homónima estrenada en 2005, protagonizada por Brad Pitt y Angelina Jolie, pero presenta variaciones clave en su trama. En la versión televisiva, los personajes principales son dos desconocidos emparejados como agentes secretos, en lugar de un matrimonio, lo que da pie a nuevas situaciones y dinámicas dentro del relato. La serie obtuvo un fuerte reconocimiento tras su estreno, acumulando 16 nominaciones a los premios Emmy y logrando alzarse con dos estatuillas. Este respaldo de la crítica y la industria ha elevado las expectativas sobre el desarrollo de la segunda temporada y sobre el impacto que tendrá la llegada de Francesca Scorsese al elenco.

El equipo de producción mantiene el hermetismo sobre la trama y el desarrollo de los personajes, lo que ha alimentado las especulaciones entre los seguidores de Mr. & Mrs. Smith. La expectativa por conocer el papel de Francesca Scorsese y la dinámica con el resto del elenco es uno de los principales focos de atención en la previa al estreno de la nueva entrega. La confirmación de su participación, sumada a los incentivos para la producción y la continuidad de figuras como Donald Glover y Maya Erskine, posiciona a la segunda temporada de Mr. & Mrs. Smith como uno de los estrenos más esperados en el panorama televisivo internacional.

Con solo ocho episodios, esta historia logra una entretenida mezcla de aventura, misterio y emotividad, sazonada con hilarantes escenas de comedia física que arrancan inevitables carcajadas. Si buscas algo para relajarte después de un día duro, esta es tu opción ideal.

Días antes del estreno de The Wonderfools, Infobae pudo charlar por videollamada con el director Yoo In-sik y la actriz Park Eun-bin, quien encarna a la ‘catastrófica’ joven Eun Chae-ni. Esta es la segunda colaboración de ambos tras el fenómeno global de Woo, una abogada extraordinaria, serie que llegó incluso a ser nominada a los International Emmy Awards 2023.

Superhéroes por accidente

El relato está ambientado en 1999, en plena paranoia por el supuesto fin del mundo del año 2000. En ese contexto, un grupo de habitantes de la pequeña ciudad de Haeseong descubre que ha adquirido habilidades sobrehumanas tras un extraño percance relacionado con residuos químicos. Lejos de transformarse en héroes sofisticados, sus poderes inicialmente parecen más una maldición que una ventaja.

Por un lado está Eun Chae-ni, una joven inicialmente pesimista y rebelde debido a la enfermedad congénita que padece, quien aparece teletransportándose sin control en los tráilers de la miniserie. Su amigo, Kang Ro-bin (Im Sung-jae), también recibe el poder de la superfuerza, aunque solo se le activa cuando alguien hiere sus sentimientos. La pandilla se completa con el vecino Son Gyeong-hun (Choi Dae-hoon), a quien toda la aldea conoce por sus quejas. El hombre ahora queda adherido a cualquier superficie cada vez que miente.

Mientras tanto, Lee Un-jeong (Cha Eun-woo) parece ser el único que realmente comprende el origen de estos poderes. El reservado funcionario público oculta una historia traumática enlazada a experimentos realizados décadas atrás en un orfanato.

A pesar de que el grupo es mayormente torpe e inexperto, termina siendo la única esperanza para salvar a su aldea de la destrucción inminente.

“Lo más difícil era aguantar la risa”

Aunque la serie recién llega ahora al público, el desarrollo completo tomó seis años. Yoo In-sik reveló que revisó sus archivos y encontró que recibió la primera versión del guion en 2020. Desde aquel texto inicial hasta el resultado final, hubo muchos cambios de fondo y forma que le dieron a The Wonderfools suficientes atributos para diferenciarla como un proyecto original.

“El rodaje también tomó bastante tiempo”, explicó el director. “Pero, aparte de ese largo periodo de preparación, en el set —como estábamos filmando de manera agradable con los actores según lo planeado—, salvo por las dificultades técnicas, no fue tan difícil como habíamos temido inicialmente”.

“Lo más difícil para mí fue, en realidad, contener la risa para que no quedara registrada en el audio”, confesó.

Desde el primer episodio, el tono de The Wonderfools se establece como una comedia física muy expresiva. Park Eun-bin domina con absoluta soltura los gags que el guion le pone en el camino, por más disparatados que parezcan.

“El director Yoo nos dejó divertirnos en el rodaje, así que fue muy entretenido filmar”, destacó la actriz sobre el ambiente en el set.

Park, quien inició su carrera actoral a los 7 años, reconoció que al principio existía cierta cautela sobre cómo funcionaría el humor en pantalla. “Dado que el guion ya era divertido de por sí, durante el proceso de trasladar el texto a la actuación nos preocupaba un poco que, si acabábamos riéndonos entre nosotros primero, el humor pudiera resultar menos eficaz al llegar al público”, explicó. “Pero esa preocupación resultó ser infundada y lo disfrutamos mucho”.

Durante la filmación, la actriz de 33 años tuvo que lidiar con arneses y escenas de combate que, claramente, eran agotadoras. “Partes físicamente exigentes”, mencionó, “pero incluso esas se convirtieron en buenos recuerdos”.

Asimismo, la inmovilidad absoluta también resulta un reto extremo cuando estás conteniendo la risa. “Fue un poco difícil hacer la escena de morir con los ojos abiertos”, relató entre risas sobre la secuencia que recibe a los espectadores en la primera media hora de la serie. “Sí. Así que, dadas también las condiciones en el set, creo que también fue un poco difícil quedarse allí actuando como muerta, sin ninguna reacción en las pupilas. Pero estuvo bien”.

Además de la comedia y el drama emotivo de sus héroes imperfectos, The Wonderfools emana una vibra retro que recuerda al cine de aventuras de los años 80 y 90. El ojo entrenado podría identificar algunas escenas clásicas.

“Me influenciaron grandes películas de esos géneros, y también disfruté mucho incorporando esas referencias de una manera bastante divertida”, detalló Yoo In-sik sobre sus decisiones visuales. “Por ejemplo, las gafas que usa Un-jeong pueden considerarse inspiradas en Clark Kent, de Superman. Y el tono general del drama proviene de películas de aventuras que disfruté mucho cuando era joven, como Los Goonies, Ghostbusters e incluso Indiana Jones. Quise rendir homenaje a ese tipo de vibra de aventura emocionante. Ojalá se haya transmitido bien”.

Todos los episodios de The Wonderfools ya están disponibles en Netflix desde el 15 de mayo.

Stranger Things surgió tras enfrentar cerca de 11 rechazos por parte de diferentes cadenas y productoras y requirió años de perseverancia antes de consolidarse. Los hermanos Duffer insistieron en dirigir el proyecto y apostaron por un guion que, según confesaron a Josh Horowitz, conductor del podcast, era el favorito de su carrera.

El difícil camino al éxito de Stranger Things

Durante un evento en Los Ángeles, los creadores recordaron que la serie fue rechazada “quizá 10 u 11 veces”, lo que hizo más real la posibilidad de que jamás viera la luz. “El mayor golpe fue el rechazo de FX, ahí sentimos que estábamos perdidos”, explicó Matt Duffer.

Una de las productoras les pidió ver su película anterior para decidir si les permitían dirigir. Tras verla, la respuesta fue negativa: “Ustedes no pueden dirigir”, rememoró Ross Duffer. A24, otra de las interesadas, descartó el proyecto sin interés alguno.

Pese a las negativas, preservaron la convicción en su historia, aun cuando la industria no compartía su entusiasmo. “La serie, protagonizada por niños pero dirigida a adultos, desconcertó a quienes no entendieron el concepto, ni la mezcla entre Stephen King y Spielberg”, según comentaron en Happy Sad Confused.

El casting decisivo: cómo Winona Ryder y David Harbour cambiaron la historia

El cambio fundamental ocurrió con la firma de Winona Ryder. El proceso incluyó una reunión de dos horas en un hotel de Los Ángeles, donde la actriz expresó dudas sobre firmar por varios años, dado que era su primer trabajo televisivo de tal magnitud.

“Creo que si le hubiéramos dicho desde el principio que esto iba a durar diez años, no sé qué hubiera respondido”, subrayó Matt Duffer. Finalmente, Ryder accedió a un contrato por cinco temporadas.

La selección de David Harbour, quien interpretó a Hopper, también fue singular. Billy Crudup era la opción inicial, pero rechazó el papel debido a que no hacía televisión en ese momento. Fue el director de casting quien sugirió a Harbour, cuyo video convenció al equipo tras una sola toma. “Hizo solo una grabación, con ese sombrero, y supimos que era Hopper”, compartieron los Duffer en el podcast.

El reparto terminó siendo clave: “El elenco fue el elemento que hizo que todo encajara y que brindó fuerza e impacto duradero a la historia”, subrayaron los creadores.

Los secretos del desenlace: teorías, emociones y el destino de Eleven

El desenlace de Stranger Things fue cuidadosamente elaborado, buscando un cierre fiel a los personajes y abierto a interpretación. Señalaron que los últimos 40 minutos de la serie supusieron una despedida real tanto para ellos como para los actores. “No estaban actuando, realmente sentían ese adiós”, relató Matt Duffer.

Según explicaron, algunas escenas, como la despedida entre Hopper y Eleven, condensan años de evolución narrativa. El debate sobre el destino de Eleven sigue abierto entre el elenco y los fans. “El final está abierto a interpretación, y las teorías de fans forman parte del legado”, destacaron los Duffer.

Actores como Sadie Sink (Max), Caleb McLaughlin (Lucas) y Gaten Matarazzo (Dustin) creen que Eleven no sobrevivió, aunque nunca consultaron a los creadores.

La construcción de la tensión en los episodios finales también incluyó decisiones diseñadas específicamente para impactar a la audiencia. Una de ellas fue la escena en la que Steve Harrington (Joe Keery) estuvo a punto de caer de una torre en la quinta temporada.

Ross Duffer reveló que la secuencia no formaba parte del plan original, sino que surgió como una manera deliberada de jugar con las expectativas del fandom, que llevaba años convencido de que el personaje moriría. “Fue una oportunidad de oro que no podíamos desaprovechar”, admitió.

La secuencia final incluyó detalles como la elección de “Purple Rain” de Prince, tras numerosos debates y desafíos para obtener los derechos musicales. Para los hermanos Duffer, ese tipo de elementos contribuyó a una atmósfera única para el cierre de la serie.

El futuro de la franquicia: nuevos proyectos, spin-off y cine

La historia de Stranger Things no concluyó con la temporada final. Actualmente, los Duffer desarrollan la franquicia en nuevos formatos, incluidas una serie animada, un spin-off y un proyecto cinematográfico original.

“No queremos apresurar el spin-off ni los próximos proyectos; solo seguiremos adelante si el resultado es excelente”, afirmó Ross Duffer. El proyecto está en una fase temprana, y los creadores buscan una propuesta que les convenza, asegurando que debe ser “innovador y distinto, sin repetir lo anterior”.

En cuanto a la película, detallaron que trabajan en una idea original. “Fue gratificante regresar al formato cinematográfico después de tanto tiempo. Es un desafío aprender a condensar una historia que antes extendíamos durante horas”, expresaron.

Los Duffer mantienen una conexión profunda con la serie y el universo de Hawkins, pero consideran improbable un regreso directo a esa trama. El cierre de Stranger Things supuso para ellos y para los seguidores una despedida simbólica, aunque el impacto de la historia continúa acompañándolos.

La primera opción para interpretar a Hopper fue Billy Crudup, quien en aquel momento no tenía una presencia constante en proyectos televisivos, tal y como señalaron los Duffer, sino que estaba más centrado en su carrera en el cine.

Esta información se conoció después de que Harbour, en una entrevista para el pódcast Happy Sad Confused, se refiriera al proceso de casting: “Estoy bastante seguro de que fui la segunda opción, y no sé a quién sustituí. ¿Quizá la tercera opción? ¿Cómo acabé siendo elegido como jefe Hopper y quién tuvo que rechazar el papel para que yo pudiera interpretarlo?”.

Las consecuencias del rechazo para ambos actores

Actualmente, Billy Crudup se encuentra vinculado de manera estable a la plataforma de streaming Apple TV a través de la serie The Morning Show, en la que ha conseguido dos premios Emmy, máximos galardones de la televisión estadounidense, y también participó en Gypsy en Netflix un año después del estreno de Stranger Things.

El salto a Harbour ocurrió tras la intervención de un director de casting, que sugirió su nombre para el papel. El actor realizó una sola audición, sin la presencia de los creadores durante la grabación. Una vez visualizaron la cinta, la decisión fue automática: “Vino, leyó e hizo una sola toma. Ni siquiera estuvimos presentes, solo vimos la grabación y fue tan evidente, al instante: Este es Hopper”. Lo eligieron de inmediato, según la reconstrucción de Ross Duffer.

Un éxito que dinamitó cualquier expectativa

El éxito de Stranger Things fue inmediato tras su debut en Netflix en 2016. Hasta la fecha, la serie acumula doce premios Emmy y volverá a competir en la edición de este año. Entre sus derivados, destaca la producción animada Stranger Things: Relatos del ‘85, renovada ya por una segunda temporada, así como una ‘precuela’ para Broadway con una versión grabada prevista para su adaptación a largometraje.

Los propios hermanos Duffer han insistido en que la elección de Harbour se produjo tras la negativa de Crudup. Matt Duffer subrayó: “Todo ocurre por un motivo”. Este viraje en el reparto resultó decisivo para la trayectoria de la serie, cuyo universo narrativo ha seguido ampliándose en distintas plataformas y formatos.

La carrera de Harbour vivió una transformación a partir de su incorporación como Hopper, mientras Crudup ya tenía una trayectoria de lo más consolidada después de haber trabajado con directores como Barry Levinson, Woody Allen, Stephen Frears, Cameron Crowe, Tim Burton, J.J. Abrams, Zack Snyder, Michael Mann o Ridley Scott.

La miniserie se inserta dentro de las ‘relecturas’ contemporáneas de los grandes clásicos pero, en este caso, está hecha con tal respeto que merece la pena adentrarse en el universo que propone, obra del creador de Adolescencia, Jack Thorne para la BBC, demostrando que, los conflictos de la juventud y su lado más oscuro, le interesan especialmente.

La novela de Golding se publicó en 1954 y generó una fuerte controversia, aunque pronto fue considerada un clásico de culto instantáneo del que han partido multitud de ficciones contemporáneas.

La novela de William Golding y la película de Peter Brook

Un grupo de muchachos sufren un accidente aéreo en el que perecen todos los adultos y despiertan en una isla paradisíaca que poco a poco se irá convirtiendo en un infierno. Entre ellos se perfilarán unos personajes que corresponden a un tipo concreto de personalidad. Ralph se convertirá en el líder y se caracterizará por la razón dentro del desconcierto. Jack será el tirano con ansias de poder, ególatra y violento. Piggy, el más débil y objeto de burlas será el más sensato y el que aporte las decisiones prácticas y Simon, representará la bondad.

Desde el principio El señor de las moscas se perfiló como una fábula política y social en la que cabían muchas teorías, entre ellas la del origen del nazismo, el choque entre la democracia y las ideas autoritarias y la deshumanización de la especie en condiciones salvajes.

En 1963, el dramaturgo Peter Brook filmó una poderosa primera versión cinematográfica inundada de un brutal realismo en blanco y negro con una técnica muy cercana al ‘cinema verité’. Sus imágenes han quedado incrustadas en la memoria cinéfila por su crudeza descarnada, que entroncaba a la perfección con el espíritu de la novela y con el cine experimental que se estaba haciendo en esos momentos.

Qué aporta la nueva adaptación de Jack Thorne

Más tarde, en los años noventa, se haría una adaptación mucho más descafeinada que obtuvo críticas nefastas. Y, ahora, aparece por primera vez la historia contada en formato miniserie desde una perspectiva de lo más interesante: cada uno de los capítulos está contado desde el punto de vista de uno de los personajes principales al mismo tiempo que va transcurriendo la acción tal y como la conocemos.

Esta singularidad narrativa le otorga una profundidad psicológica a los protagonistas, cuyas entidades estaban esbozadas en la película original, de forma que aquí se intenta ahondar en el por qué de sus acciones (ojo, esto puede gustar más o menos).

En cualquier caso, es algo que nos permite introducirnos en el interior de Ralph, Jack, Piggy y Simon, prodigiosamente interpretados respectivamente por Winston Sawyers, Lox Pratt (atención a esta estrella en ciernes que encarnará a Draco Malfoy en la nueva Harry Potter), David McKenna e Ike Talbout. Y es que sin unos grandes intérpretes juveniles, esta nueva versión (al igual que ocurrió con el talento de Owen Cooper en Adolescencia), no hubiera sido lo mismo.

Si hablamos de puesta en escena y dirección, El señor de las moscas resulta una auténtica viguería. Está repleta de planos subjetivos, contrapicados, cenitales, frontales, generales, dependiendo de las circunstancias para generar un estímulo diferente. Cada escena, en ese sentido, está pensada al milímetro para generar inquietud, miedo, violencia, también compañerismo, empatía, conmiseración, rabia y brutalidad.

Todo un cóctel de sensaciones que se mezcla con el espíritu atávico, con la exuberante naturaleza repleta de matices y de colores (en ocasiones el verde de las hojas se convierte en rojo de manera simbólica) para representar la eterna lucha entre la civilización y la barbarie en la piel de unos niños que definitivamente perderán la inocencia dentro de ese espacio sin reglas, en el que prima la supervivencia y la ley del más fuerte.

Probablemente a la serie de Thorne le falte el terror absoluto que latía en el original, y también en la película primigenia. Es demasiado plástica y utiliza la música como elemento demasiado dependiente a la hora de crear atmósferas. En ocasiones puede ser efectista, pero es efectiva y ambiciosa a la hora de adaptar un clásico como El señor de las moscas a los nuevos tiempos, más acomodaticios, pero no por ello menos exigentes.

Spider-Noir es la nueva apuesta de superhéroes con estética noir desarrollada para Prime Video por Oren Uziel, basada en el personaje de Marvel Spider-Man Noir. Ambientada en el Nueva York de los años 30, la serie sigue a un investigador privado envejecido que también carga con su pasado como vigilante. El proyecto cuenta con producción de Sony Pictures Television junto a Amazon MGM Studios, mientras que Uziel y Steve Lightfoot se desempeñan como showrunners.

La ficción tendrá a Nicolas Cage en el papel principal de Ben Reilly, marcando su primer protagónico en televisión. El elenco también incluye a Lamorne Morris, Li Jun Li, Karen Rodriguez, Abraham Popoola, Jack Huston y Brendan Gleeson. La serie comenzó su desarrollo en 2023, recibió inicialmente el título Noir y más tarde fue rebautizada como Spider-Noir. El rodaje se realizó en Los Angeles entre agosto de 2024 y marzo de 2025, y su estreno global está previsto para el 27 de mayo, con versiones disponibles tanto en blanco y negro como en color.

Te invitamos a ver nuestra entrevista con Karen Rodriguez y Lamorne Morris en video, o a leer una transcripción.

—Bueno, en primer lugar, felicidades, chicos, por esta increíble serie.

Karen Rodriguez: —Gracias

—Es genial. Y siempre quiero empezar estas entrevistas preguntando cómo se siente ser parte de este mundo increíble que es tan querido por tantos fans.

Karen Rodriguez: —Es decir, es como un maldito sueño. Se siente realmente épico. Sí.

Lamorne Morris: —Oh, sí. Quiero decir, hay cosas que haces en tu carrera que, ya sabes, la gente simplemente dice: “Oh, qué bien”. Pero esto fue incluso antes de que pisaras el set. La gente está emocionada con esto. Están emocionados antes de que tú... Ya sabes, estés o no estés, la gente está emocionada por eso.

Así que es bueno formar parte de ello. Ya sabes, podría unirme a la ola. Ya sea que esté en el programa o no, a la gente le va a encantar. Así que estoy feliz de ir y... “¿Qué pasa, amigos?”

—Y no solo saludas, sino que tienes un personaje increíble. Has hecho muchas cosas en tu carrera. Has estado en series dramáticas, en series cómicas. Y este personaje tiene un poco de ambas cosas.

Lamorne Morris: —Sí.

—¿Cómo fue el proceso de acercarte a este personaje que vive en este entorno noir, donde necesitas ser gracioso cuando la escena lo requiere, pero también ser capaz de crear esa tensión con otros personajes en otros momentos?

Lamorne Morris: —Sí. Sabes, honestamente, a primera vista, se trata simplemente de interpretarlo de manera realista. Sabes, creo que los guionistas hicieron un gran trabajo al pintarnos el panorama. Y así hay momentos en los que estás en una escena y estás trabajando frente a ciertos personajes, si el tono es serio y el ambiente es serio y entiendes lo que está en juego en la escena, entonces lo mantienes ahí.

Pero hay momentos en los que mi demonio interior de la comedia quiere asomar la cabeza y decir alguna tontería, decir algo realmente estúpido. Y de vez en cuando, lo hacía. Y nunca sabes si va a ayudar o si va a ayudar a la escena o no, o si va a hacer avanzar la trama. Pero en algunas de esas ocasiones se lo dejo a el director.

Le doy opciones y luego lo interpreto de ambas maneras. Lo interpreto de la forma más sincera posible. Y a veces exageraré un poco solo para romper la tensión. Pero, de cualquier manera, tengo que abordarlo exactamente de la misma manera. Simplemente actúalo con naturalidad, hazlo creíble. Y si de ahí surge el humor, entonces el humor surgirá de ahí.

—Y es tan gracioso que digas “actúalo sinceramente”, porque en un mundo tan criminal, tan ambiguo y tan gris como este, decir la verdad no te lleva muy lejos. Siempre te lleva a dormir con los peces. ¿Cuál crees que es el impulso de tu personaje en buscar la verdad, en tratar de entender la historia y en tratar de entender lo que está pasando en la ciudad de Nueva York?

Lamorne Morris: —Bueno, es algo más grande que él. Es por la gente. ¿Entiendes lo que quiero decir? Él está al servicio de la gente. Él, por derecho propio, cree que es un superhéroe. No puede lanzar telarañas ni volar, pero puede decir la verdad. Y puede colarse en las habitaciones y conseguir la primicia. Podría hacerse pasar por otra persona e intentar conseguir información que tal vez no debería tener, solo para poder informar a la gente de lo que realmente está pasando en la ciudad donde pagan impuestos, en la ciudad donde viven, en la ciudad que les pertenece, donde deberían tener voz y voto.

Y eso depende de él, al menos ha asumido esa responsabilidad, para garantizar eso en un mundo en el que tantos otros periodistas podrían ser potencialmente corruptos en aquel entonces. Nunca se sabe. Pero él no lo es, y él no da el brazo a torcer. Y creo que no dar el brazo a torcer es un verdadero superpoder.

—Lo es. Tanto en la ficción como en el mundo real, es cierto.

Lamorne Morris: —Por supuesto. Por supuesto.

—Tu personaje tiene esta dinámica extraña, una relación particular con su jefe, porque realmente se preocupa por él. Quiere ayudarlo. Pero al mismo tiempo, es un trabajo.

Karen Rodriguez: —Sí.

—Al mismo tiempo, es un trabajo. ¿Cómo definirías esa relación que tienes?

Karen Rodriguez: —Quiero decir, creo que le encanta su trabajo. Es una vocación. Definitivamente quiere ser detective. Le gusta la gente. Le gusta hablar con la gente. Y le gusta ayudar a la gente. Pero creo que, en lo que respecta a Ben, realmente es que, sí, él es su jefe. Pero, en última instancia, creo que es su mentor. Es su mejor amigo. Es la persona que le permite ser plenamente ella misma y le dice: “No tienes por qué limitarte a ser secretaria. De hecho, ¿qué opinas?“.

Y que “sal ahí fuera y descúbrelo por ti misma”. Y “te voy a dejar ser tú misma al cien por cien”. No voy a limitarte solo porque seas una mujer o porque seas joven o lo que sea, o porque estemos en la década de 1930. Y creo que, por eso, para Janet, Ben es el indicado. Y también lo es Robbie. La tratan... Quiero decir, no es que ella aceptara ningún otro tipo de trato, pero lo que digo es que es especial encontrar a esas personas que no solo te permiten ser tú mismo, sino que te elevan.

Y para mí y para Janet, siento que pase lo que pase, tenemos que luchar por esas personas. Así que...

—Janet es super inteligente, sabe cómo hablar con la gente. En este mundo en el que todos en esta serie, todos ocultan cosas ¿Qué crees que ve tu personaje que los demás no ven?

Karen Rodriguez: —Bueno, creo que ella dice la verdad. Creo que es increíblemente cautivadora porque creo que tiene ese tipo de presencia que la gente reconoce. Realmente no se le puede mentir a Janet. Ella te va a ver. Así que creo que ese es su superpoder. Ella, literalmente, te va a delatar y lo hace a lo largo de toda la temporada. Y creo que es un gran arma para el trío de amigos.

Lamorne Morris: —Creo que mi personaje ve potencial en las personas cuando ellas no lo ven en sí mismas. Especialmente con Ben, por ejemplo, sé que hay más ahí. Sé que hay algo más ahí. Y no solo lo sé, sino que lo necesitamos.

Karen Rodriguez: —Si!

Lamorne Morris: —Y lo mismo ocurre con algunos, sin spoilers, pero hay algunos otros personajes más adelante en la trama a los que estoy persuadiendo para que sean su yo más auténtico y hagan las cosas que podrían considerarse necesarias para la época en la que viven. Así que sí creo que él ve eso en las personas. Incluso hay un momento entre nosotros en el que hago un comentario, le digo: “Serás un excelente reportero de investigación”. Él lo ve.

Y siento que eso también es necesario porque muchas veces no puedes, no hay un espejo en todos los lugares a los que vayas. Desde afuera, la gente se da cuenta.

Karen Rodriguez: —A veces tienes que mostrar tus propias posibilidades.

Lamorne Morris: —Si.

—Eso es genial. Para ustedes, ¿es más como una serie de detectives noir o es más una serie de superhéroes? Porque es muy difícil de decir, ya que es ambas cosas.

Lamorne Morris: —Sí. Para mí, es más una serie de detectives noir. Es una serie de detectives. Y creo que el elemento de superhéroes es divertido. Pero creo que las cosas se logran usando el ingenio, usando la fuerza de los personajes, el trabajo en equipo, todas cosas para las que no se necesitan superpoderes. Ahora, es realmente genial.

—Sí, claro. ¿Quién no querría eso, verdad?

Lamorne Morris: —Seamos honestos, por eso vamos. Por eso venimos a la fiesta. Pero creo que la gente se llevará una grata sorpresa cuando lleguen a la fiesta, y haya mucho más sucediendo de lo que uno cree que va a ver. La historia tiene corazón.

—Y mi última pregunta, ¿han podido ver un poco de la serie?

Karen Rodriguez: —Sí!

—Para ustedes, ¿es mejor verlo en color o en blanco y negro?

Lamorne Morris: —Creo que las dos cosas. Creo que si empiezas en blanco y negro y luego lo ves en color, creo que estarás igual de satisfecho.

Karen Rodriguez: —Sí.

Lamorne Morris: —Porque es un proceso divertido hacer ambas cosas. Es como en los viejos tiempos, siempre se empieza en blanco y negro. Era todo lo que teníamos. Y luego, cuando se introdujo el color, fuiste y volviste a ver algunas de esas películas antiguas. Así que creo que deberías hacer lo mismo con esta

Karen Rodriguez: —Pienso lo mismo. Sí.

—Muy bien. Se acabó mi tiempo. Muchas gracias. Fue un placer estar aquí.

Karen Rodriguez: —¡Muchas gracias!

—Lo disfruté mucho. Creo que ustedes son geniales. Y creo que les va a ir muy bien. Lo disfruté muchísimo, de verdad.

Lamorne Morris: —¡Qué bonito!

Spider-Noir es la nueva apuesta de superhéroes con estética noir desarrollada para Prime Video por Oren Uziel, basada en el personaje de Marvel Spider-Man Noir. Ambientada en el Nueva York de los años 30, la serie sigue a un investigador privado envejecido que también carga con su pasado como vigilante. El proyecto cuenta con producción de Sony Pictures Television junto a Amazon MGM Studios, mientras que Uziel y Steve Lightfoot se desempeñan como showrunners.

La ficción tendrá a Nicolas Cage en el papel principal de Ben Reilly, marcando su primer protagónico en televisión. El elenco también incluye a Lamorne Morris, Li Jun Li, Karen Rodriguez, Abraham Popoola, Jack Huston y Brendan Gleeson. La serie comenzó su desarrollo en 2023, recibió inicialmente el título Noir y más tarde fue rebautizada como Spider-Noir. El rodaje se realizó en Los Angeles entre agosto de 2024 y marzo de 2025, y su estreno global está previsto para el 27 de mayo, con versiones disponibles tanto en blanco y negro como en color.

Te invitamos a ver nuestra entrevista con Jack Huston, Li Jun Li y Oten Uziel en video, o a leer una transcripción.

—Hola, chicos. En primer lugar, felicidades por esta serie. Es realmente increíble. Y creo que a la gente le va a encantar. Y cuando está terminada, siempre es una buena idea decir: “¿por qué no hacer esto?”. Pero cuando no está hecho y es solo una idea, ¿cuál fue la razón principal que convenció a cada uno de ustedes de hacer Spider-Noir?

Oren Uziel: —Para mí, es... recibí una llamada de Phil y Chris, los productores, y ya había trabajado con ellos en el pasado. E iban a hacer una serie de Spider-Man Noir. Está ambientada en Nueva York. Es en los años treinta. En ese momento iba a ser en blanco y negro. Y pensé: “Oh, genial”. Ya sabes, luego hablé con él un rato, pero pensé que iba a ser animada. Es decir, realmente no, no quiero realmente hacer animación en este momento. Y luego, durante la conversación, me di cuenta de que se trata de live action. Y dije: “Ah, está bien”. Y luego dije: “Dame un segundo. Déjame pensarlo”. Y volví y dije: “Escucha, yo no creo que sea la persona adecuada para contar otra versión de Spider-Man que sea un chico de secundaria. ¿Podemos hacerlo un poco mayor?” Y me dijeron: “Por supuesto. Simplemente sigue lo que tú... esa historia que quieres contar”. Y desde ese momento, me comprometí por completo. Y, de hecho, a partir de ahí todo fue a toda velocidad. Porque era una historia que sabía que podía y quería contar.

—¿Cuál fue la razón principal por la que dijeron: “Este es un proyecto que nos gustaría hacer”?

Li Jun Li: —Solo quería... Hice una entrevista para un proyecto anterior y me dijeron: “Muy bien, para terminar, ¿qué te gustaría hacer a continuación?” Y dije: “Quiero interpretar a una femme fatale”. Eso era lo siguiente que quería hacer. Y entonces esto, ya sabes, me cayó del cielo y tenía que hacerlo sin falta. ¿Cuántas veces, como actores, tenemos la oportunidad de interpretar papeles increíbles en un mundo noir? Así que sí, no lo dudé ni un segundo.

Jack Huston: —Sí. Tan pronto como recibimos los guiones, fue como: simplemente nunca te envían material como este, nunca, no con frecuencia, nunca. Así que es una oportunidad para, en cierto modo, hacer realidad tus fantasías como actor, además de ser parte de algo que me emocionaría igual si no formara parte de ello, simplemente por verlo. Creo que es un gran logro cuando uno piensa: “Me encanta esto de todos modos”. Así que espero que todos los demás sientan lo mismo.

—Genial. Dijiste: “¿Por qué no?”. Y que querías interpretar, como, ¿quién no querría interpretar a una femme fatale? Y la femme fatale es como uno de esos personajes icónicos de este mundo del cine negro. ¿Cuál fue el enfoque para lograr que el público, digamos, no confíe en ti cuando incluso estás diciendo la verdad, que es ese arquetipo de la femme fatale?

Li Jun Li: —Bueno, como actriz, siempre quieres interpretar personajes extremadamente matizados y complejos, especialmente siendo ella tan hipócrita como lo es. Pero, ya sabes, hemos estado hablando de esto todo el día sobre lo que hace que esto sea diferente es que todos los villanos no son realmente villanos y todos son profundamente humanos. Y Cat no es la excepción. No creo que... Creo que Cat fue la oportunidad para que yo interpretara, por primera vez en mi experiencia, a una femme fatale que no es una mujer que provoca la muerte de los hombres que la rodean, al menos intencionalmente. Y, ya sabes, creo que cada uno de los personajes de esta historia tiene tanto corazón y tanto amor por los demás que eso es lo que la hace tan diferente y mucho más interesante de ver, porque los mejores villanos son aquellos con los que realmente empatizas. Y creo que todos en esta serie han hecho un trabajo magnífico, gracias a la escritura de Oren, es que cada persona tiene un motivo muy puro, aunque eso difumine los límites de su brújula moral.

—Da la sensación de que la versión en blanco y negro es la experiencia noir pura. Se ve tan bien. Se siente increíble. ¿El color siempre fue parte del plan o cuándo surgió, como, “OK, tal vez también podríamos hacer la versión de colores”?

Oren Uziel: —Se incorporó más tarde. Al principio no formaba parte del plan, pero creo que Amazon nos dio la oportunidad de hacerlo y nosotros estábamos en la fase de preparación, así que tuvimos la oportunidad de prepararnos de verdad para ello. Y nos pareció una oportunidad para ofrecer, ya sabes… Estamos haciendo la versión en blanco y negro y la otra, es como una versión... Los fans del género de superhéroes que han visto cosas en ese tipo de colores vivos y llamativos de repente tendrán la oportunidad de ver una historia de superhéroes ambientada en el mundo del cine noir, blanco y negro, el cine de los años 40 y 50, con esas sombras profundas y ese contraste marcado. Es una forma de ver un noir con una paleta de colores brillantes vibrantes, saturados, que nunca antes habíamos hecho antes. Así que simplemente lo preparamos una vez. Es decir, la filmamos una vez, pero fueron dos versiones diferentes al mismo tiempo para las que estábamos muy preparados.

—Y para ti, quiero decir, claro que son las dos cosas, pero en tu corazón, ¿es más una historia de detectives noir o es más bien una historia sobre el camino del héroe?

Oren Uziel: —Una historia de detectives noir. Creo que eso queda bastante claro por la historia que estamos contando, pero está impregnada de elementos de superhéroes y de Spider-Man por todas partes. Hablamos mucho durante todo el proceso sobre cosas como: ¿qué pasaría si pudieras hacer una película de Bogart en la que Bogart simplemente resultara ser Spider-Man? Así que eso fue más o menos la estrategia.

—Me encanta eso. Esta es una gran oportunidad, creo, también para ofrecer a los fans y a los que no son fans de Spider-Man una nueva visión de lo que podría ser el mundo de Spider-Man. ¿Qué opinas, o mejor dicho, qué esperas que la gente piense de Spider-Noir?

Oren Uziel: —Un poco de lo que acabas de decir. Creo que si eres fan de Spider-Man, te va a te va a encantar porque es una serie de Spider-Man y es fiel a eso y lo honra, y me encanta Spider-Man. Pero si no eres fanático del cine negro, creo que podrás ver lo vivo que puede ser, lo relevante que sigue siendo, lo contemporáneas que son las películas de cine negro. Quiero decir, es una historia, es un género que es tan actual ahora como lo era en los años 30 y los 40.

Jack Huston: —Y ni siquiera hace falta ser fan de Spider-Man. Lo mejor de todo es que vive por sí mismo en una especie de mundo propio. Así que es para todos. De verdad que sí. Puedes venir a ver esto sin saber nada sobre Spider-Man y tomar la historia tal como es y no tener que saber nada sobre el universo en general. Es simplemente una gran historia.

—Lo es. Se me acabó el tiempo, chicos. Muchas gracias.

La producción —descrita por Netflix como cruda y honesta— promete acceso sin precedentes a la historia íntima y profesional del emblemático número 10: el relato abarca desde sus primeras jornadas en Envigado Fútbol Club hasta el desenlace de su ciclo con clubes europeos y la selección nacional. El documental se distribuye en tres episodios y detalla tanto sus picos más altos, como el título de máximo goleador en Brasil 2014, como los vaivenes y transiciones recientes en su carrera de clubes.

Con Simón Brand en la dirección, la docuserie cuenta con la producción ejecutiva de Laura Carreño, la coordinación de Julio Gaviria y Laura Franco, y el respaldo musical de Diamante Eléctrico. Netflix integra el estreno dentro de su ofensiva por el género documental deportivo latinoamericano, replicando la fórmula aplicada en el lanzamiento reciente del documental sobre Ronaldinho.

El núcleo del documental reside en la revisión de los dos grandes momentos que han definido el estatus de James Rodríguez en el fútbol internacional. Primero, la consagración en el Mundial de Brasil 2014, cuando marcó seis goles —incluida la volea galardonada con el Premio Puskas— y se adjudicó la Bota de Oro como máximo artillero, resultado que le abrió la puerta en el Real Madrid. Segundo, su desempeño en la Copa América 2024, torneo en el que se consolidó como máximo asistidor, superando registros históricos del argentino Lionel Messi, y lideró a Colombia hasta disputar la tercera final continental de su historia.

Invitados y estructura narrativa

La serie suma declaraciones de figuras del fútbol mundial y allegados personales. Han participado en las entrevistas nombres como Luis Díaz, Radamel Falcao García, David Ospina, Sergio Ramos, Marcelo, Carlo Ancelotti, Julio César Falcioni, José Néstor Pekerman y Néstor Lorenzo. La aparición de Salomé Rodríguez, hija del protagonista, refuerza la dimensión familiar del relato, con testimonios directos sobre la presión y sacrificios fuera del césped.

La narrativa incluye imágenes inéditas y recuerdos familiares que reconstruyen la transición de Rodríguez desde sus comienzos en Envigado hacia su consolidación en el fútbol europeo y los clubes por los que fichó tras su salida definitiva del Real Madrid en 2020. En el periodo posterior, ha vestido las camisetas del Everton (Inglaterra), Al-Rayyan (Catar), Olympiacos (Grecia), São Paulo (Brasil), Rayo Vallecano (España), Club León (México) y recientemente, del Minnesota United FC en la MLS.

La dimensión mediática y actual del protagonista

James Rodríguez brinda en cámara un testimonio sobre los retos profesionales, la presión mediática y el desgaste de los últimos años a escala de clubes. El documental aborda el debate sobre su protagonismo menguante tras el paso por el Real Madrid y la falta de regularidad desde 2020, además de la ansiedad por rendir al máximo en su posible último Mundial y los comentarios desde la dirigencia técnica de su club actual.

En el marco del inminente estreno de la docuserie, el director deportivo del Minnesota United, Khaled El-Ahmad, elogió la actitud y el desempeño de Rodríguez, aunque medios especializados como Win Sports subrayaron la contradicción entre la valoración positiva y la escasez de minutos en campo en la reciente temporada. El periodista Carlos Antonio Vélez cuestionó: “Si es tan fantástico, tan bueno, si entrena tan bien, ¿por qué no lo ponen a jugar? ¿Y por qué están negociando su salida para la próxima semana cuando el campeonato allá sigue?”, abriendo el debate sobre la proyección futura del volante tras la Copa del Mundo de 2026.

El documental como producto de referencia para la industria

James marca el retorno de Simón Brand al formato documental deportivo, con un enfoque de acceso integral a la biografía de un referente latinoamericano contemporáneo, en una apuesta de Netflix por robustecer su portafolio de historias deportivas originales de escala regional e internacional. A partir del 21 de mayo de 2026, la serie se integra oficialmente al catálogo mundial de la plataforma, consolidándose como la primera gran miniserie documental de fútbol colombiana programada estratégicamente en la antesala de la mayor cita del calendario deportivo global.

La confirmación de la segunda temporada de Las Cuatro Estaciones ha consolidado a Tina Fey como uno de los puntales creativos de las comedias originales de Netflix, al lograr que la plataforma aprobara la nueva entrega tan solo dos semanas después del estreno inicial en streaming.

Este movimiento posicionó a la serie no solo como adaptación puntual de la cinta homónima de Alan Alda de 1981, sino como un proyecto estratégico con continuidad. Fey, acompañada por Lang Fisher y Tracey Wigfield, aseguró la permanencia del formato episódico centrado en viajes estacionales, una estructura que diferencia a Las Cuatro Estaciones en el catálogo global de la plataforma y responde a una tarea explícita del equipo, citado por Deadline: “Queremos mantener el formato de solo verlos cuando están juntos, solo en cuatro ocasiones”. La decisión de Netflix va en línea con el renovado interés del servicio por productos que combinan comedia adulta y exploración de vínculos a largo plazo.

En el contexto de desarrollo y producción, la serie experimentó una transición eficiente entre las dos temporadas. Netflix comunicó que la filmación de los nuevos episodios comenzó a finales de septiembre de 2025, apenas cuatro meses tras la luz verde oficial. El set se trasladó de los ambientes de la costa de Nueva Jersey y el norte del estado de Nueva York a ubicaciones en Italia, sugeridas tanto en la sinopsis oficial como en las primeras imágenes promocionales publicadas por la compañía.

La continuidad narrativa y los retos artísticos tras el cierre de la primera temporada

(ATENCIÓN SPOILERS DELA PRIMERA TEMPORADA). El desenlace de la primera temporada, con la muerte de Nick —personaje interpretado por Steve Carell—, tensionó la promesa narrativa de la serie hacia temas de pérdida y reconstrucción. Fey, quien definió públicamente la salida de Carell como “uno de los mayores errores de mi carrera” en diálogo con Deadline, se vio forzada a reconfigurar el grupo protagónico. El acuerdo inicial no contemplaba continuidad para Carell salvo posibles flashbacks, descartados de momento por la showrunner.

El reparto principal, conformado por Fey (Kate), Will Forte (Jack), Colman Domingo (Danny), Marco Calvani (Claude), Kerri Kenney-Silver (Anne) y Erika Henningsen (Ginny), regresa en bloque, signo de estabilidad contractual y creativa. La incorporación de Steven Pasquale, como el nuevo personaje Mark Brett amplía el universo dramático de la serie, aunque Netflix ha retenido detalles de su participación más allá de las vacaciones de verano.

El equipo de guion sigue encabezado por Fey, Fisher y Wigfield, con el regreso de figuras de la primera temporada como Josh Siegal, Dylan Morgan, Vali Chandrasekaran, Matt Whitaker, John Riggi y Lisa Muse Bryant. El núcleo creativo ha priorizado, según confirmaron a Variety, relatos que sobreviven a la plantilla original: “Estamos intentando entender, sin el molde de la película original, qué puede pasar que todavía se sienta en la misma escala y realista, pero al mismo tiempo entretenido”, explicó Fey.

Reformulación temática: viaje, crisis y madurez para la segunda temporada

La sinopsis oficial de Netflix anticipa que el nuevo ciclo se activará tras “un año difícil” para el grupo. Traspasada la frontera del duelo, los personajes afrontan la llegada de un nuevo bebé y se exponen a “los impresionantes paisajes de Italia”, modificando el eje estético y relacional. El embarazo de Ginny emerge como línea argumental principal, reforzando la narrativa de vínculos forjados por la pérdida de Nick.

Declaraciones para Variety de los productores detallaron que la tensión de pareja será transversal a la segunda temporada. Especialmente, el arco de Kate y Jack —pareja interpretada por Fey y Forte— no derivará en una crisis ni separación, ya que la terapia emprendida en la temporada uno marcó para el equipo de guionistas el inicio de una etapa de recuperación, según explicó Fey.

El formato episódico —cuatro escenarios, un encuentro por estación— se mantiene pese a las críticas recibidas sobre la verosimilitud de las escapadas: “No siempre es The White Lotus”, argumentó Fey para justificar la decisión estructural ante Deadline. Los viajes se despliegan como excurso íntimo y no como espectáculo de lujo, una directriz que Netflix validó a la hora de encargar la segunda temporada.

Estrategia de promoción y expectativas de audiencia

En plena campaña para los Premios Emmy, la serie lanzó el tráiler oficial de la segunda temporada a principios de mayo, semanas previas al regreso a la pantalla. El avance revela un tono intermedio entre el duelo y la comedia coral, con situaciones que exploran desde altercados con la policía hasta conflictos domésticos y dinámicas afectivas bajo presión.

El anuncio del estreno para el 28 de mayo de 2026 —junto con la confirmación de ocho episodios para la nueva entrega— sitúa a Las Cuatro Estaciones como uno de los lanzamientos principales del ciclo de comedia de Netflix en temporada alta. El comunicado oficial, respaldado por las imágenes distribuidas por la plataforma, confirma la consolidación de la serie como producto de autoría múltiple donde Fey lidera tanto el desarrollo narrativo como la estrategia comercial.

A nivel de industria, la rapidez entre la renovación, inicio de rodaje y activación de estrategia promocional establece a Las Cuatro Estaciones como caso de estudio de eficiencia en gestión de propiedad intelectual dentro del escenario actual de plataformas de streaming norteamericanas.

Odenkirk ha explicado que el episodio cardíaco se produjo en pleno plató de grabación, en un contexto afectado por las restricciones de la pandemia. Detectó enseguida el colapso: “Caí al suelo y mis compañeros Rhea Seehorn y Patrick Fabian me sujetaron y gritaban, pero el resto del equipo que lo vio pensó que se estaban riendo. Por eso tardaron en reaccionar, porque todos estábamos muy alejados unos de otros”.

Como elemento distintivo de la vivencia, tras perder la consciencia, no recuerda ninguno de los clichés asociados a experiencias cercanas a la muerte, ni “esa maravillosa película de tu vida”, ni la aparición de ninguna figura que ofreciera volver. Según indicó, “la primera memoria que tengo es marcharme del hospital una semana después de ingresar”.

Cómo fue el infarto sufrido en el rodaje

En julio de 2021, el portal especializado Deadline ya había avanzado que Odenkirk se había desplomado en el plató de grabación de Better Call Saul (’precuela’ de la mítica Breaking Bad) en Nuevo México y que fue hospitalizado de inmediato. El equipo de representantes del intérprete confirmó al día siguiente que se encontraba “estable” tras un “incidente cardíaco”, que después se identificó como un infarto causado por un atasco arterial corregido sin intervención quirúrgica. El actor retomó el rodaje poco más de un mes después, en septiembre de ese año.

La secuencia crítica, según los testimonios recogidos por el periódico británico The Times U.K., estuvo marcada por la reacción de los compañeros más próximos y por la acción del sanitario presente en el plató de grabación, quien, según describe Odenkirk, “no sabía qué hacer”, ya que nunca antes había realizado una reanimación cardiopulmonar. El intérprete fue informado de lo sucedido cuando ya había pasado una semana, pues permaneció inconsciente durante ese periodo. También remarcó que solo regresó al plató de grabación después de superar el procedimiento médico y recibir el alta.

Odenkirk ya había hablado con anterioridad sobre el incidente. En 2022, explicó a The New York Times Magazine que, tras ser informado en 2018 de la existencia de placas en su corazón, optó por una actitud de observación prudente siguiendo el consejo de un médico. Detalló entonces que la situación se mantuvo bajo control hasta que “uno de esos trozos de placa se rompió”, lo que desembocó en el infarto. A la mañana siguiente fue sometido a la implantación de un stent y posteriormente ha modificado su dieta y recibe tratamiento farmacológico.

Su recuperación tras el episodio cardíaco

El intérprete de Saturday Night Live ha destacado en el periódico británico The Times U.K. la emoción y agradecimiento que le produjo haber superado el episodio: “Aquello fue un regalo, experimentar unas semanas en las que sentía eso respecto a mi presencia en el mundo”, ha afirmado. “Sentí una alegría y una implicación enormes”. De acuerdo con lo narrado en la entrevista, Odenkirk ha experimentado un periodo posterior de mayor compromiso vital tras una recuperación que comenzó con su salida del hospital una semana después del incidente.

El actor ha protagonizado recientemente Nadie 2 y el 12 de junio se estrenará en nuestro país Normal, la nueva película de Ben Wheatley, director de culto de cintas como Turistas o High-Rise y de la que Bob Odenkirk ejerce también como guionista. En el reparto encontramos a Lena Headey (Juego de Tronos), Henry Winkler (Scream) o Jessica McLeod (Death Note).

Las listas de seguimiento de Google TV ofrecen una solución sencilla y eficaz para quienes buscan organizar los títulos que desean ver en el futuro sin depender de una sola plataforma de streaming. Aunque esta función permanece algo oculta para muchos usuarios, su utilidad la convierte en una herramienta esencial para quienes consumen contenidos audiovisuales de forma habitual.

Google TV, que viene integrado en la mayoría de televisores inteligentes, permite centralizar la gestión de películas y series en una sola lista, independientemente de si están disponibles en Netflix, Disney+, Prime Video u otros servicios. El usuario solo necesita una cuenta de Google activa para empezar a utilizar la función de lista de seguimiento.

Qué es la lista de seguimiento de Google TV y para qué sirve

La lista de seguimiento de Google TV es una función asociada a la cuenta de Google del usuario. Sirve para guardar y organizar películas y series que se desea ver más adelante, sin importar en qué plataforma de streaming se encuentren disponibles.

Esta herramienta responde a una necesidad habitual: recordar sugerencias que llegan por mensajes, redes sociales o recomendaciones personales y que suelen olvidarse con facilidad. Al agregar un título a la lista de seguimiento, el contenido queda almacenado y puede consultarse en cualquier momento, tanto desde la televisión como desde otros dispositivos conectados a la misma cuenta de Google.

La principal ventaja de esta lista es que centraliza la organización de títulos por ver. Así, el usuario evita perder tiempo saltando entre diferentes aplicaciones o navegando por menús internos que solo muestran lo guardado en una plataforma concreta.

El uso de la lista de seguimiento permite también personalizar las recomendaciones que aparecen en Google TV. Al añadir títulos, el sistema utiliza esta información para sugerir nuevos contenidos que pueden resultar de interés, ajustando la experiencia de descubrimiento a los gustos individuales.

Cómo añadir contenido a la lista de seguimiento desde Google TV

El proceso para guardar títulos en la lista de seguimiento es rápido y directo. Desde la pantalla principal de Google TV, el usuario puede buscar una película o serie utilizando el buscador o el botón de micrófono del mando. Tras localizar el contenido, basta con entrar en la ficha y pulsar la opción identificada como ‘Mi lista’ o ‘Añadir a lista de seguimiento’, dependiendo del idioma y modelo del televisor.

No es necesario abrir la aplicación de streaming correspondiente ni navegar por diferentes plataformas. El título queda guardado en la cuenta de Google y se puede recuperar en cualquier momento desde la sección correspondiente del menú principal, normalmente ubicada en la biblioteca o dentro del perfil del usuario.

El funcionamiento puede variar ligeramente en función del televisor, pero el objetivo es siempre el mismo: permitir que el usuario almacene y consulte los títulos guardados sin tener que empezar la búsqueda desde cero cada vez.

Sincronización entre dispositivos y uso desde el móvil o navegador

Una de las características más prácticas de la lista de seguimiento de Google TV es su sincronización automática entre dispositivos. El usuario puede añadir películas y series desde la aplicación de Google TV en el teléfono móvil, lo que resulta especialmente útil cuando se descubren nuevos títulos fuera de casa o navegando por internet.

Solo es necesario buscar el título en la app de Google TV, acceder a la ficha y pulsar el botón ‘Mi lista’. Si la cuenta de Google utilizada en el móvil es la misma que la del televisor, el contenido estará disponible instantáneamente en ambos dispositivos.

Es posible agregar títulos incluso desde el buscador de Google en cualquier navegador, escribiendo el nombre de la película o serie y seleccionando la opción ‘Quiero ver’. Cualquier cambio realizado en la lista, ya sea desde la tele, el móvil o el navegador, se reflejará en todos los dispositivos asociados a la cuenta.

El actor estadounidense considera que su reconocimiento tardío es resultado de un proceso de crecimiento personal y profesional basado en la perseverancia, la constancia y la autoaceptación. Destacó la importancia de impulsar cambios dentro de la industria antes de que esta los adopte y atribuye su éxito a la paciencia y la iniciativa propia.

Reconocimiento actual en Hollywood

La omnipresencia de Domingo durante los últimos años fue destacada tanto por la crítica como por el público. Según The Hollywood Reporter, con 56 años aseguró papeles principales en grandes producciones, como la película Michael, centrada en la vida de Michael Jackson, y en la nueva temporada de Euphoria.

Domingo describió este periodo como una cosecha después de años de esfuerzo: “Durante mucho tiempo estamos en la fase de sembrar semillas. Siento que estoy en un período de cosecha increíble”, declaró en una entrevista con The Hollywood Reporter.

Su proyección abarca roles diversos: desde participaciones en Saturday Night Live hasta la dirección de episodios de The Four Seasons, lo que resalta su perfil multidisciplinar.

Su presencia en carteles de grandes estudios y plataformas es constante. En Euphoria, interpreta a Ali, patrocinador de Alcohólicos Anónimos, papel que le ha valido reconocimiento y cariño del público.

Volver a empezar: sus orígenes y la paciencia como clave

Domingo nació y creció en el oeste de Filadelfia como un joven reservado, aficionado al violín y habituado a la biblioteca local. Fue el primero de su familia en ingresar a la Universidad de Temple, donde comenzó a estudiar periodismo, aunque una clase de actuación cambió su rumbo profesional.

Con USD 75 prestados, se mudó a San Francisco determinado a reinventarse. Allí trabajó como camarero, ayudante de panadero y fotógrafo, mientras combinaba estos oficios con incursiones teatrales y apariciones breves en cine y televisión.

El actor subrayó que dedicarse al arte exige paciencia y aceptación del propio ritmo: “Simplemente me he dedicado al arte. Así es la vida de un artista”, comentó sobre su carrera. Tina Fey, compañera en The Four Seasons, considera que su autenticidad y honestidad le permiten mantenerse enfocado y conectar con el público.

También reconoció que durante años creyó que el protagonismo no sería parte de su recorrido profesional: “Empecé a aceptar que tal vez el protagonismo no era para mí. Simplemente no forma parte de mi historia”.

Pese al reconocimiento tardío, aseguró que no cambiaría el camino recorrido: “Quizás lo digo ahora por cómo se han dado las cosas, pero siento que no cambiaría nada. De verdad que no”.

Proyectos recientes y futuro detrás de la cámara

En los últimos años, el salto de Domingo a la producción y dirección renovó su influencia en la industria. Fundó Edith Productions, en honor a su madre, y gestiona la compañía junto a su esposo, Raúl Domingo. Según explicó, la filosofía de su empresa es mantener una estructura eficiente y respetuosa.

La firma mantiene activas alrededor de 12 producciones en desarrollo, entre las que destaca un musical cinematográfico sobre Nat King Cole, donde Domingo será coautor, director y también interpretará al artista.

El actor defiende la inclusión y el respeto en los equipos creativos. “No todos los revolucionarios llevan boina, alzan el puño y están en primera línea. Algunos aparecen en televisión, vestidos de traje y corbata”, manifestó a The Hollywood Reporter, enfatizando su interés en liderar cambios a través de la representación y la acción cotidiana.

Euforia, Michael y los desafíos como protagonista

Domingo afrontó retos importantes en la superproducción Michael, que requirió jornadas extenuantes, regrabaciones frecuentes y una transformación física para interpretar a Joe Jackson, el complejo padre de Michael Jackson.

Sobre la experiencia de filmación, admitió: “No fue un rodaje fácil, no lo voy a negar”. El rodaje se centró en plasmar la relación padre-hijo y evitó abordar controversias del cantante.

El esfuerzo fue recompensado: la película debutó con USD 217 millones a nivel mundial en su primer fin de semana y acumula una recaudación global de USD 577 millones.

En paralelo, la tercera temporada de Euphoria marcó otro hito en su carrera, consolidando su impacto entre público y equipo creativo. Aunque HBO aún no confirmó oficialmente el cierre de la serie, dejó clara su satisfacción con el trabajo realizado: “Si es el final, sé que lo di todo”.

Influencias, legado y conexiones personales

Domingo resaltó el valor del apoyo mutuo y el legado generacional que recibió en el camino. Recuerda con gratitud a Chadwick Boseman, quien lo respaldó en momentos clave y a quien atribuye inspiración continua: “Siento de verdad que Boseman nos ha estado guiando desde el más allá a personas como Michael B. Jordan y a mí”.

El actor valoró también los lazos con colegas como Jamie Foxx y Denzel Washington, que le brindaron experiencia y consejo. Para Domingo, esta red de solidaridad es esencial dentro de la comunidad artística afroamericana.

Berlín y la dama del armiño es la continuación directa de la primera temporada de Berlín, que llegó a Netflix dispuesta a recoger el éxito sembrado por La casa de papel y se encontró con un público de lo más entregado. Pero con la renovación por una segunda temporada cabía preguntarse si realmente Berlín y su banda podrían emprender su propio camino lejos del recuerdo de El Profesor, Tokio, Rio y compañía. Y bien, la respuesta que sí, aunque no del todo. Hasta Sevilla está dividida en dos por el fútbol, así que una serie no iba a ser menos.

Berlín y la dama del armiño arranca con Berlín (Pedro Alonso) y Damián (Trstán Ulloa) aun disfrutando del éxito de su anterior golpe, pero con la sensación de que un nuevo gran robo espera a la vuelta de la esquina. Este se presenta en forma de cuadro: La dama del armiño de Leonardo Da Vinci, que está a punto de ser llevado a Sevilla para una gran exposición y se convierte en el objeto de deseo de Álvaro Hermoso de Medina (José Luis García-Pérez), un importante empresario y filántropo local que le encarga a Berlín el robo para incorporar la pintura renacentista a su exclusiva colección. Una colección que despierta el interés de nuestro querido ladrón, lo cual lo lleva a inventar un plan maestro: el robo del robo. Mientras preparan el robo del cuadro, también urden un complot para hacerse con la colección al completo de su propio benefactor. Pero nada será tan sencillo como parece, especialmente por las fricciones que surgen dentro de la banda.

El amor nos separará como banda

Porque como los fans ya se podrán imaginar, la gran dificultad para Berlín no está en preparar el robo, ni mucho menos. La verdadera dificultad está en hacerlo con una banda fragmentada poco a poco. Todos vuelven, sí, pero no de la misma manera, ya que la felicidad de los recién casados Keila (Michelle Jenner) y Bruce (Joel Sánchez) comienza a disiparse con la primera amenaza de infidelidad, mientras que la pareja formada por Cameron (Begoña Vargas) y Roi (Julio Peña) está directamente rota. La serie se aprovecha de los primeros para sacar el tema de las relaciones abiertas, mientras que desaprovecha el talento de la otra y tira, literalmente por la borda, la química que habían fabricado en la primera temporada.

Del otro lado, Berlín y la dama del armiño compensa esto con un reparto invitado cargado de grandes estrellas, desde el propio José Luis García-Pérez al más puro estilo villano de James Bond a una ambigua Marta Nieto cual femme fatale o Luis Callejo como temible secuaz de estos. No obstante, la que brilla con luz propia es Inma Cuesta en el papel de Candela, interés amoroso de Berlín en esta temporada y la única capaz de sostenerle la mirada y el pulso a un Pedro Alonso que siempre que está inunda la pantalla con su presencia y sus quizá algo recargados soliloquios. La presencia de la valenciana de nacimiento y andaluza de formación ayuda a traer un poco a la tierra ese aire grandilocuente que siempre rodea al personaje y hacerlo algo más humano en esta aventura, si es que eso es posible.

Berlín: ¿un adiós o solo un hasta pronto?

Con tanto lío amoroso es normal que la serie pierda algo de fuelle en sus episodios centrales, después de un interesante inicio -la parte más thriller con esa infiltración en el cortijo del malo- y antes de un final al puro estilo Ocean’s, pero no merece la pena seguir insistiendo en algo que ya sucedía en La casa de papel como es el culebrón de personajes. El juego de flashbacks ayuda a ir encajando piezas aunque lastre el ritmo de una serie que tampoco parece tener demasiada prisa en contarlo todo, quizá por esa parsimonia tan característica de la ciudad que retrata con tanto mimo.

Es una carta de amor a Sevilla pero también al propio Berlín, en el que bien podría ser su broche final después de un largo camino que arrancó sin muchas esperanzas en La casa de papel y que lo ha terminado convirtiendo en uno de los símbolos de Netflix España y casi de toda la marca en el mundo. Sea este o no su final, tal y como todo apunta, el camino del personaje ha dejado más de un robo para el recuerdo, y sin duda una hilera de corazones rotos.

El título en cuestión es Rooster, una serie que, según cifras proporcionadas por Warner Bros. Discovery, ya ha dejado atrás a grandes nombres del catálogo de HBO como Enlightened, Girls, Veep, Silicon Valley e Insecure en términos de audiencia promedio durante los primeros noventa días. Solo Hung y Sexo en Nueva York habían logrado números superiores en la historia reciente del canal, lo que resalta el alcance de este nuevo estreno. Cabe destacar que Rooster se estrenó el 8 de marzo y finalizó su primera temporada el 10 de mayo, por lo que aún dispone de dos semanas adicionales para incrementar su promedio de espectadores en la ventana de medición oficial.

La cifra de 6,5 millones de espectadores en promedio posiciona a Rooster en un selecto grupo de comedias que han logrado captar la atención masiva del público en HBO. Hasta la fecha, solo dos títulos —Hung (2009) y Sexo en Nueva York (1998)— han registrado promedios de audiencia superiores en sus primeras temporadas. Ninguna de las comedias estrenadas en los últimos quince años había conseguido superar esta marca, lo que convierte a la serie en un hito para la plataforma. Este logro adquiere mayor relevancia si se considera el contexto actual de la industria televisiva, donde la competencia entre plataformas es intensa y los hábitos de consumo han cambiado notablemente. El hecho de que una comedia consiga cifras tan elevadas en su debut evidencia el interés renovado del público por las historias originales y el sello distintivo de HBO en la producción de contenido de calidad.

Sinopsis y protagonistas

Rooster se desarrolla en el entorno de un campus universitario y tiene como protagonista a Steve Carell, quien interpreta a un autor con una relación compleja con su hija, encarnada por Charly Clive. La trama explora los vínculos familiares y las tensiones generacionales a través de situaciones cargadas de humor y matices emocionales, elementos que han sido clave para conectar con una audiencia amplia y diversa. El reparto se completa con figuras reconocidas y nuevos talentos, aportando dinamismo y frescura al relato. La interpretación de Carell ha sido especialmente valorada por la crítica, tanto por su versatilidad cómica como por su capacidad para abordar registros más dramáticos cuando la historia lo requiere.

La serie cuenta con la producción ejecutiva de Bill Lawrence y Matt Tarses, quienes también se desempeñan como showrunners. El equipo de producción incluye a Jeff Ingold y Liza Katzer por parte de Doozer, junto a Tarses, Jonathan Krisel, Barbie Adler, Annie Mebane, David Stassen, Anthony King y el propio Carell. Warner Bros. Television es el estudio responsable, respaldando el proyecto a través de acuerdos globales con Doozer y Tarses. La combinación de un elenco sólido, una trama atractiva y la experiencia del equipo creativo ha sido determinante para el éxito de Rooster. La serie ha sabido capitalizar el prestigio de la marca HBO y responder a las expectativas de un público que busca propuestas frescas, inteligentes y con potencial de continuidad.

El desempeño de Rooster en términos de audiencia ha superado las previsiones iniciales y ha generado expectativas sobre su futuro en pantalla. Con dos semanas restantes para cerrar el ciclo de medición de su temporada debut, la serie podría incrementar aún más su récord y consolidarse como un referente de la comedia contemporánea en televisión. La recepción positiva por parte del público y la crítica anticipa posibles renovaciones y un lugar destacado dentro del catálogo de HBO, reafirmando la capacidad de la cadena para producir series que marcan tendencia y capturan la atención de millones.

La recta final de The Boys ya comenzó a provocar revuelo entre los seguidores de la producción de superhéroes más polémica de los últimos años. A pocos días del estreno del episodio definitivo, la cadena Cinépolis confirmó que el desenlace podrá verse en salas de cine con tecnología 4DX, noticia que rápidamente encendió las redes sociales.

El anuncio tomó por sorpresa a miles de fanáticos mexicanos, especialmente porque inicialmente las funciones especiales solamente estaban contempladas para algunos complejos en Estados Unidos. Sin embargo, la empresa mexicana decidió sumarse al evento y llevar el esperado capítulo a la pantalla grande.

“¡Ya no pude aguantar más este secreto! Oficial, veremos juntos #TheBoys en #4DX amigos”; fue el mensaje que publicó en todas sus redes sociales, la cadena de cine, Cinepolis.

La noticia generó entusiasmo entre los seguidores de la serie producida por Amazon Prime Video, quienes esperan un cierre lleno de violencia, traiciones y enfrentamientos entre Homelander y Billy Butcher.

El último episodio de la quinta y última temporada se estrenará el miércoles 20 de mayo a las 02:00 horas, tiempo del centro de México, a través de la plataforma de streaming. A pesar de la expectativa, uno de los aspectos que más molestó a los fans fue la duración del capítulo final, ya que apenas alcanzará una hora con cinco minutos.

En redes sociales, muchos seguidores expresaron su descontento debido a que esperaban un episodio más extenso que permitiera desarrollar mejor las historias pendientes y mostrar más muertes importantes antes del desenlace definitivo.

Hasta ahora, las pérdidas más impactantes de la temporada fueron las de A-Train y Frenchie. La muerte del velocista ocurrió durante el rescate de Mother’s Milk y Hughie Campbell, cuando intentó escapar de Homelander y terminó perdiendo el control antes de ser asesinado por el líder de Los Siete.

Por otro lado, Frenchie decidió sacrificarse para proteger a Kimiko Miyashiro y Sister Sage en un intento por detener a Homelander dentro de una cámara especial. Sin embargo, el plan fracasó y el personaje murió frente a Kimiko en una de las escenas más emotivas de la temporada.

Con el estreno cada vez más cerca, el final de The Boys apunta a convertirse en uno de los eventos televisivos más comentados del año entre los amantes de las series y los superhéroes.

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The Boys está transitando su temporada final entre arcos que apelan a los momentos de gloria que tuvo la serie y también algunos agujeros de guión que eran difícil de escapar después de una cuarta temporada que no resultó como esperaban. En ese contexto, este trinomio de episodios representa un avance fuerte respecto a lo que será la conclusión de la serie, que espera sus dos episodios finales.

En estos tres episodios que hoy nos reúnen, nuestros protagonistas vuelven al esquema más clásico de pensar una estrategia para resolver el problema de Homelander y los superhéroes tomando el poder de la ciudad. Nos devuelve a los mejores momentos de la serie donde todos tenían un objetivo común, y las rispideces empiezan a desaparecer. Mientras tanto, Homelander busca la forma de conseguir la vida eterna, lo cual derrumbaría toda posibilidad de derrocar su puesto de poder.

El gran problema que tienen estos tres episodios es que no tienen estructura alguna. Los tres son sumamente diferentes, abarcando decenas de tramas, unificando el camino de varios personajes sin desarrollo, enfrentando a otros sin contexto, dándoles conclusiones que nunca se vieron venir. Todo lo que faltó desarrollar en la temporada anterior pasa una factura muy grande ahora y se siente como que gran parte de las situaciones son completamente al azar.

Otro punto muy lastimado por este desaprovechamiento del tiempo es el personaje de Black Noir y su relación con The Deep. Conflictos que aparecen de la nada, resoluciones repentinas y un personaje que nunca termina de justificar por qué aparece de nuevo después de su desaparición son los conceptos que marcan al Black Noir de esta temporada. Con The Deep, lo de siempre: sufre lo mismo que le está pasando a Homelander en esta temporada.

Los chistes tienen un límite. No se puede hacer el mismo chiste cien veces porque a la mitad dejará de tener sentido. Con Homelander específicamente pasó eso al principio de la temporada, pero terminaron de encauzar el barco encontrando una nueva veta con la crítica religiosa. Sin embargo, The Deep es más de lo mismo. Hace ya tres temporadas que el personaje da vueltas en círculo sin tener el más mínimo sentido de pertenencia ni motivación clara, y quedan pocos episodios para darle ese peso.

Otro de los puntos que más termina afectando a estos episodios, como venía diciendo, es la reiteración de chistes y momentos incómodos. Critican tanto a TikTok y las nuevas tecnologías, que terminan convirtiéndose en una piedra más de ese sistema. Se entiende que están apostando por lo que más les funcionó, pero por momentos es abrumador y hace perder el hilo conductor de lo que realmente sucede en la serie. Es difícil ver algo que prioriza un chiste a la coherencia narrativa.

Para dejar un rastro de esperanza, llegando al capítulo seis gran parte de las cosas se empiezan a acomodar y todo tiende a caminar hacia un final. Me parece muy interesante cómo lograron generar un final tan diferente al de los cómics y tan abiertamente dispuesto al cambio, que nada de lo que ocurra sea predecible. Estamos a solo dos episodios de que The Boys cierre las puertas y podemos teorizar cientos de cosas pero nadie sabe cual será el final de la serie.

La última temporada de The Boys es un sube y baja de calidad constante. Es un intento de volver a lo que hizo esta serie grande pero con los fantasmas de una producción que sufrió muchísimo la huelga de guionistas que se dio unos años atrás. La cancelación de Gen V y su paupérrima segunda temporada también lo demuestra.

Quedan dos episodios para el final de The Boys y la expectativa es total, más por lo que fue que por lo que es actualmente, pero también porque han sabido forjar una narrativa que es difícil de predecir. En dos semanas veremos si esos dos episodios le darán un cierre digno a una temporada que tuvo más altos que bajos, o si se verá afectada por todo el último tramo que tuvo la serie.

La retratada suele identificarse como Cecilia Gallerani, amante de Ludovico Sforza, duque de Milán y mecenas de Leonardo. Ese vínculo explica tanto el refinamiento del retrato como su carga simbólica. No se trata solo de inmortalizar un rostro, sino de construir una imagen de estatus, inteligencia y presencia. Leonardo abandona la frontalidad rígida de muchos retratos de su época y opta por una figura en tres cuartos que parece girar hacia alguien fuera del cuadro. El gesto da vida a la escena y convierte al retrato en una especie de instante suspendido.

Uno de los elementos más llamativos de la obra es, por supuesto, el armiño. Su presencia ha sido interpretada de varias maneras: como símbolo de pureza, como alusión a la nobleza o como guiño al propio Ludovico Sforza, asociado con ese animal por emblemas y juegos heráldicos. El resultado es una imagen que funciona en varios niveles a la vez: como retrato íntimo, como representación cortesana y como mensaje político. Leonardo convierte así un detalle aparentemente decorativo en una clave de lectura del conjunto. La fuerza del cuadro también está en su ejecución técnica. Realizado al óleo sobre tabla de nogal, permite a Leonardo desplegar su maestría en los matices de la luz, en la suavidad del modelado y en la delicadeza de las transiciones entre piel, tela y pelaje. El rostro de Cecilia, la torsión del cuerpo y la atención al movimiento hacen que la pintura no se perciba como una pose inmóvil, sino como una figura viva. Ese dinamismo es una de las razones por las que la obra sigue pareciendo tan moderna.

En la vida real ya pasó por España

La historia material del cuadro también contribuye a su aura legendaria. Tras siglos de vicisitudes, acabó formando parte de las colecciones de la familia Czartoryski y hoy se conserva en el Museo Czartoryski de Cracovia. Pero antes de eso tuvo incluso una aparición excepcional en España: en 2011 fue expuesto en el Palacio Real de Madrid con motivo de la muestra Polonia. Tesoros y colecciones artísticas. Aquel préstamo fue un acontecimiento cultural notable, porque permitió al público español contemplar de cerca una de las piezas más valiosas y frágiles de Leonardo, normalmente inaccesible fuera de su sede habitual. Ese episodio confirma hasta qué punto la obra tiene una condición casi mítica: no solo es famosa, también es extraordinariamente rara de ver en vivo.

La relevancia actual de La dama del armiño no se explica solo por su calidad artística, sino por su capacidad de seguir generando relatos. La serie de Netflix la utiliza como motor narrativo porque encaja a la perfección con una historia de atracos: es una obra universalmente reconocible, de altísimo valor simbólico y material, y con una biografía histórica lo bastante rica como para alimentar la ficción. En ese sentido, la pintura demuestra que los grandes iconos del arte no dejan de producir nuevos significados cuando cambian el contexto y el público. Además, su comparación con otros retratos de Leonardo es inevitable. Como ocurre con la Mona Lisa, aquí también aparece esa mezcla de serenidad y misterio que tanto ha fascinado a generaciones enteras. Pero La dama del armiño tiene algo propio: una energía contenida, una dirección de la mirada y del cuerpo que sugieren que la escena continúa fuera del marco. Esa sensación de vida interrumpida es una de las grandes aportaciones de Leonardo al retrato occidental.

Cinco siglos después de su creación, el cuadro sigue siendo una obra maestra no solo por lo que muestra, sino por todo lo que ha llegado a significar. Es un retrato, un símbolo cortesano, una pieza de museo, un icono mediático y ahora también un elemento de ficción contemporánea. Que haya estado expuesto en Madrid en 2011 y que hoy reaparezca en una serie de Netflix demuestra su vigencia extraordinaria: pocas obras del arte europeo pueden presumir de unir con tanta naturalidad el Renacimiento, la historia cultural y el imaginario popular actual. Es de sobra entendible que Berlín y su banda se quieran hacer con él.

Para el actor de 49 años, mantenerse íntegro en Hollywood implica aceptar el fracaso y evitar el camino fácil. Esa filosofía lo impulsa a buscar desafíos constantes tanto en su carrera como en su vida personal, mientras prioriza la autenticidad, el compromiso con su familia y la fidelidad a sus propios valores por encima de la fama.

La presión de Hollywood y la autoexigencia

Sentado en su camerino del Teatro August Wilson en Manhattan, Bernthal explicó a Esquire cómo su profesión implica un equilibrio entre la exposición pública y la vida privada.

“Salir al escenario cada noche, donde el fracaso, la humillación, la gloria, la belleza y la devastación son totalmente posibles, es como caminar sobre la cuerda floja. Pero también lo es ser padre, ser esposo, y tomar la decisión diaria de intentar ser el tipo de hombre en quien la gente puede confiar”, reflexionó el actor.

Transformar la vulnerabilidad en un motor creativo fue clave para él. Reconoció que su empeño lo deja agotado, pero afirmó que “soy un luchador, tengo hambre, siempre busco más”. Esta búsqueda constante implica renunciar a la satisfacción duradera de cada logro y mirar siempre hacia el siguiente reto.

Mencionó que su estándar de exigencia es tan alto en lo personal como en lo profesional. Por ello, nada es más importante que rodearse de creadores que compartan esa devoción por su trabajo: “Quiero trabajar con personas que consideren su obra sagrada, igual que yo”.

Jon Bernthal y su visión más oscura de The Punisher

Uno de los temas centrales de la entrevista fue la relación con The Punisher, personaje al que considera mucho más que un simple antihéroe de acción. El actor reveló que al principio dudó en ingresar al Universo Marvel, aunque terminó aceptando porque Frank Castle era “un superhéroe tan inusual” que parecía hecho a su medida.

En el episodio especial “One Last Kill”, estrenado recientemente en Disney+ y escrito por Bernthal junto a Reinaldo Marcus Green, Castle atraviesa uno de sus momentos más extremos: contempla el suicidio mientras enfrenta el vacío emocional dejado por años de violencia y pérdida.

Bernthal explicó que quiso explorar una condición que observó en veteranos de fuerzas especiales, marcada por la ruptura de todos los pilares de sus creencias, desde la religión y el Cuerpo de Marines hasta la propia familia.

“Básicamente, todo lo que era importante para ti, empiezas a verlo como una corrupción. Te ves a ti mismo como el responsable de los problemas del mundo que te rodea, y en el 99% de los casos, esto termina en suicidio”, describió el actor.

También aclaró que no está dispuesto a suavizar al personaje ni a alejarlo de la esencia violenta y oscura que lo define, pese a que en distintas etapas le propusieron versiones mucho más alejadas del espíritu original de The Punisher.

Además, adelantó que Frank Castle volverá a aparecer en Spider-Man: Brand New Day junto a Tom Holland. Aun así, insistió en que solo continuará interpretándolo si puede mantener la complejidad psicológica y la crudeza que considera fundamentales para el personaje.

“Estamos en un punto donde creo que este es el nivel de complejidad psicológica y violencia cruda que los fans realmente quieren para este personaje”, sostuvo. Además aseguró a Esquire que “estoy dispuesto a seguir haciendo más, pero creo que tengo que ser yo quien lo haga”.

Aprender del fracaso y la crítica

Aunque Bernthal transmite fortaleza pública, confesó que la crítica todavía lo afecta. El día de estreno de “Tarde de perros”, la reseña de The New York Times fue especialmente dura con su interpretación. “Me quedé destrozado”, admitió a Esquire.

Esa experiencia lo llevó a hablar abiertamente con sus hijos sobre su vulnerabilidad. Según relató, sincerarse con ellos fortaleció el apoyo familiar y también su propia resiliencia. “Tengo casi 50 años. Me daba pánico hacer esto. Pero lo hice igual. Necesito golpes”, expresó.

A partir de entonces, en lugar de dejarse abatir por las valoraciones externas, Bernthal decidió dedicar la siguiente función a su familia y separar su valía personal del juicio público.

Nuevos proyectos y colaboraciones

Actualmente, interpreta a Menelao en La Odisea, bajo la dirección de Christopher Nolan, a quien admira por su ética de trabajo. “Nolan es un tipo que literalmente nació para esto. Su apetito y su hambre de trabajo y de progreso son casi sobrehumanos”, describió el actor.

La colaboración con Christopher Storer y Ebon Moss-Bachrach en The Bear, entre otras, evidencia la confianza que Bernthal deposita en sus colegas, especialmente cuando se trata de perseguir autenticidad en pantalla. “Solo quiero formar parte de las historias de personas a las que seguiría hasta el fin del mundo”, señaló.

La apuesta de la compañía por esta adaptación consolida su estrategia de transformar literatura de alta relevancia en contenido premium. El rodaje ocupó locaciones naturales en Auckland, Dunedin y Oamaru, manteniendo la ambientación californiana mediante escenarios de Oceanía adaptados. Con esta producción, la plataforma busca replicar el éxito de títulos literarios previos como Ripley, El problema de los tres cuerpos y Cien años de soledad. El lanzamiento de un primer tráiler ha marcado el inicio de la campaña de posicionamiento de la serie.

En esta versión, Pugh interpreta a Cathy Ames, el personaje femenino más complejo del libro, desplazando la atención respecto a la visión tradicional centrada en Cal Trask, icónica en la película de Kazan y James Dean. La británica de 30 años asume también el control desde la producción ejecutiva, reforzando así su presencia en el segmento de drama psicológico y familiar tras protagonizar películas como Midsommar y Oppenheimer.

Un enfoque de producción con reparto y dirección de alto perfil

El elenco incluye a Christopher Abbott (Adam Trask), Mike Faist (Charles Trask), Joseph Zada (Cal Trask), Joe Anders (Aron Trask), Hoon Lee (Lee), Tracy Letts (Cyrus Trask), Martha Plimpton (Faye) y Ciarán Hinds (Samuel Hamilton). La dirección del proyecto se repartió entre Garth Davis, responsable de los primeros cuatro episodios, y Laure de Clermont-Tonnerre, a cargo de los tres restantes.

El showrunner recae en Zoe Kazan, con Jeb Stuart como coproductor ejecutivo, lo que refuerza la tradición de involucrar a guionistas con experiencia en relatos de largo aliento y contenido histórico.

La sinopsis oficial sitúa la acción en el Valle de Salinas, California, y presenta a las familias Trask y Hamilton en una narrativa que reinterpreta el mito bíblico de Caín y Abel. Según los resúmenes internos de Netflix: “La obra examina la transmisión generacional de traumas y la batalla entre libre albedrío y determinismo, abordando temas como la identidad, la culpa y el papel destructivo de la ausencia de afecto”.

Referentes, expectativas y antecedentes fílmicos

La serie intenta diferenciarse claramente de la película de 1955 al expandir el arco argumental de Cathy Ames y abordar la totalidad de la novela publicada en 1952. El filme original, dirigido por Elia Kazan y protagonizado por James Dean, fue nominado a cuatro premios Oscar (incluida la primera nominación póstuma para un actor) y consolidó la imagen de Dean en Hollywood. Steinbeck aprobó personalmente la elección de Dean para el personaje de Cal. Además, la película otorgó a Jo Van Fleet el premio de Mejor actriz de reparto.

Netflix continúa capitalizando este modelo de negocio, sumando a su catálogo grandes nombres propios y ejecutando rodajes internacionales para dar respuesta a la demanda global. El regreso de grandes relatos literarios al formato de serie apunta al creciente consumo diferenciado de contenidos largos y con potencial de premios.

Al este del Edén está diseñada para posicionarse como uno de los proyectos clave en la estrategia de adaptación literaria de la plataforma. El tráiler anticipó reacciones destacadas por la interpretación de Pugh, con proyecciones de que su trabajo podría figurar en la próxima temporada de premios televisivos.

Creada por Neil Forsyth (responsable de The Gold) y basada en hechos reales, la serie sigue a un grupo de agentes de aduanas sin experiencia previa y sin recursos suficientes que, presionados políticamente, se infiltran en redes de tráfico de heroína en Londres y Liverpool, enfrentándose al riesgo de perder sus identidades, o incluso la vida.

La ficción adapta la historia recogida en el libro de no ficción The Betrayer: How An Undercover Unit Infiltrated The Global Drug Trade, de Guy Stanton y Peter Walsh. La acción se sitúa en el contexto de la crisis económica bajo el gobierno de Margaret Thatcher, cuando la falta de recursos impedía la implantación de una guerra contra las drogas al estilo de Estados Unidos y empujaba a buscar soluciones alternativas y de bajo presupuesto.

Basada en la lucha contra la droga en los años 80

A finales de la década de 1980, con el incremento del tráfico de heroína, las autoridades británicas decidieron intervenir. Neil Forsyth, junto a los directores Brady Hood y Julian Holmes, arma una narrativa basada en los operativos reales de la época, en la que la ausencia tanto de experiencia como de recursos adecuados en los agentes fue suplida con ingenio y riesgo personal.

La serie se inicia con dos muertes por sobredosis en extremos opuestos del espectro social británico, motivo que justifica la intervención política urgente. El proceso de selección del equipo infiltrado se resume en apenas quince minutos de metraje, reflejando el enfoque pragmático. Don Clark (Steve Coogan) asume el reclutamiento de cuatro agentes: Guy (Tom Burke), Kate (Hayley Squires), Bailey (Aml Ameen) y Erin (Jasmine Blackborow), cada uno caracterizado por su insatisfacción personal y la búsqueda de una vida más emocionante o significativa.

La misión plantea dos frentes principales: Guy se infiltra en el barrio turco de Londres con el objetivo de rastrear la ruta de la heroína desde Pakistán, mientras Kate y Bailey operan en Liverpool, exponiendo el colapso de la industria portuaria y el consecuente aumento del narcotráfico.

Desde el primer capítulo, la alternancia entre el humor y la tensión articula una serie donde los miembros del equipo, completamente ajenos a las prácticas policiales convencionales, improvisan identidades y emplean sus habilidades administrativas o sociales para sobrevivir y avanzar.

Seis capítulos que combinan humor y thriller

Al estructurarse en seis capítulos, Forsyth retrata el impacto de la infiltración en las vidas privadas de los agentes. Las escenas de reclutamiento y entrenamiento se abordan con un tono de comicidad que, gradualmente, da paso a episodios de thriller clásico, especialmente tras los sucesos violentos que endurecen la trama. El propio Clark emerge como un personaje marcado por el desgaste psicológico inherente al trabajo clandestino.

El concepto de “leyenda”, entendido como la identidad falsa de un agente encubierto, constituye el núcleo temático de la serie. Clark instruye a su grupo: “Tu leyenda debe nacer de ti mismo, o no funcionará. Y cuando las leyendas no funcionan, la gente muere”. Estas palabras resumen el conflicto de fondo que atraviesan los personajes, especialmente Guy, cuya inmersión en el universo del narcotráfico turco lo lleva a una pérdida deliberada de referentes personales y familiares. Su camino en la red narco narra, capítulo a capítulo, hasta qué punto el riesgo extremo y la necesidad de asumir múltiples identidades diluyen la frontera entre la realidad y la ficción vital.

Los seis episodios de Leyendas, cuya duración oscila entre 48 y 74 minutos, destacan por el ritmo ágil y el uso de referencias musicales y estéticas de la Gran Bretaña de la década de 1980, recreando ambientes, vestuarios y acentos que refuerzan el realismo de la producción.

La serie no se basa únicamente en giros argumentales: otorga espacio a las motivaciones y contradicciones tanto de agentes como de traficantes, mostrando de forma cruda el deterioro social asociado al tráfico y consumo de heroína, en especial en Liverpool.

La alternancia entre situaciones de peligro mortal (varios episodios plantean la posibilidad de que alguno de los protagonistas no sobreviva al operativo) y escenas de camaradería enfatiza la fragilidad mental y social de quienes se prestaron voluntarios, motivados más por el vértigo del cambio que por un compromiso policial genuino.

El realismo de Leyendas emerge en la exposición de los métodos rudimentarios con los que operaba el sistema aduanero británico, muy distantes de la tecnología policial actual.

La recepción crítica ha destacado la capacidad de Neil Forsyth para equilibrar tensión y humor, y se ha definido como una de las producciones policíacas recientes más notables de Netflix, gracias a su concisión estructural y la fidelidad histórica lograda en la reconstrucción del periodo.

El reconocimiento de Steven Spielberg como uno de los grandes arquitectos de la ciencia ficción se basa en éxitos como Jurassic Park, E.T. el extraterrestre, Encuentros en la tercera fase o A. I. Inteligencia artificial, a la espera también de su próximo estreno, El día de la revelación, que llegará a los cines este verano. Sin embargo, en el panorama de las series, el famoso director también ha explorado mucho este terreno, aunque haya sido desde el rol de productor.

Es en esta faceta donde encontramos al cineasta detrás de Falling Skies, uno de sus proyectos más ambiciosos en este género que se estrenó originalmente en 2011, pero que quince años después sigue ganando nuevos adeptos en Netflix, plataforma en la que está actualmente disponible.

A través de esta producción de cinco temporadas, Spielberg consolidó su influencia en el género al crear junto a Robert Rodat una historia en la que la humanidad ya ha perdido la batalla inicial contra una especie extraterrestre que ya ha conquistado buena parte del mundo. En este sentido, la serie podría recordarnos a La guerra de los mundos, la película del director que realizó junto a Tom Cruise unos años antes.

Los ‘héroes anónimos’ de Steven Spielberg

El personaje central de Falling Skies es Tom Mason (interpretado por Noah Wyle, al que hemos visto triunfar estos años con The Pitt), un profesor de historia convertido en líder de la resistencia. La premisa sedujo a Spielberg desde el inicio, fascinado por ideas como la posible supervivencia de los humanos en este tipo de supuestos. Para él, el hecho de que un académico asuma el liderazgo de los supervivientes “sería una forma muy convincente para que el público se viera reflejado en la situación”.

Así, a diferencia de otros relatos de invasión, Falling Skies evita el espectáculo puro y se centra en el drama humano. Spielberg explicó en varias entrevistas que lo que realmente le interesaba no era solo la invasión alienígena, sino “cómo los supervivientes se organizan para proteger a sus familias y recuperar lo perdido”. Ese énfasis en la protección familiar y la resiliencia colectiva es, en palabras del cineasta, el verdadero motor de la serie.

Esta estrategia narrativa, en la que un individuo normal que, a pesar de todos sus defectos o sus temores, acaba convirtiéndose en un héroe de acción, es otra de las grandes marcas del cine de Steven Spielberg. El cineasta nos ha mostrado a este tipo de personajes en muchos de sus grandes clásicos, como el jefe Brody en Tiburón, James Donovan en El puente de los espías o el profesor con vocación de explorador de Indiana Jones.

El regreso de una serie infravalorada

El aterrizaje de Falling Skies en Netflix ha propiciado que una nueva generación descubra una de las series de ciencia ficción más adictivas de la década pasada. El formato, con cinco temporadas de diez episodios y capítulos de unos 40 minutos, favorece las maratones y engancha por la constante evolución de la trama y la dinámica de los personajes.

A pesar de que en su estreno tuvo éxito, Falling Skies no fue especialmente reconocida, aunque sí que hubo algunos medios que supieron adivinar el tirón que tendría en un futuro. Por ejemplo, en la revista Slant, donde literalmente dijeron que era probable que la historia no estuviera “preparada para ser apreciada como arte”, pero que igualmente era “imposible no amarla como entretenimiento”.

Por su parte, desde The Hollywood Reporter irían mucho más allá y, contradiciendo a todos los que se habían centrado en las imperfecciones de la serie, señalarían: “Soberbia y entretenida serie de ciencia ficción de Steven Spielberg que puede acabar siendo más potente de lo que se esperaba”. Desde este medio destacó el carácter adictivo de la producción frente a todos sus enigmas. “Da la sensación de que eventualmente obtendremos esas respuestas. Y, sin embargo, quieres devorar el siguiente episodio inmediatamente”.

El universo de The Big Bang Theory está listo para dar un giro inesperado. HBO Max lanzó el primer tráiler oficial de Stuart no logra salvar el universo, la nueva serie derivada de la popular franquicia, y el adelanto confirmó que la producción abandonará el formato clásico de sitcom para apostar por una historia cargada de ciencia ficción, multiversos y escenarios apocalípticos.

Detalles sobre la trama

La nueva producción tendrá como protagonista a Stuart Bloom, personaje interpretado nuevamente por Kevin Sussman, quien accidentalmente provoca un colapso dimensional tras manipular un dispositivo creado por Sheldon Cooper y Leonard Hofstadter.

A partir de ese momento, distintas realidades alternas comienzan a mezclarse y el caos invade el universo.

El teaser sorprendió a los seguidores de la franquicia por su tono visual mucho más cinematográfico. El avance muestra portales, ciudades destruidas, criaturas extrañas, versiones alternas de personajes conocidos e incluso escenarios con estética futurista y postapocalíptica, algo nunca antes visto dentro del universo de The Big Bang Theory.

Además de Stuart, el tráiler confirmó el regreso de Denise, Bert Kibbler y Barry Kripke, quienes se unirán a la misión para intentar restaurar la realidad.

La serie combinará elementos de sitcom, aventura y comedia multiversal, una apuesta que el propio creador de la franquicia, Chuck Lorre, describió previamente como uno de los proyectos más arriesgados de su carrera.

El productor explicó en entrevistas pasadas que buscaba salir completamente de su zona de confort y explorar una narrativa mucho más ambiciosa dentro de una franquicia que inició en 2007 y que terminó convirtiéndose en una de las sitcoms más exitosas de la televisión.

¿Cuándo se estrena Stuart no logra salvar el universo en México?

HBO Max confirmó que Stuart no logra salvar el universo llegará a México y al resto de Latinoamérica el próximo 23 de julio de 2026. La primera temporada contará con 10 episodios y tendrá estrenos semanales dentro de la plataforma.

La serie se convertirá en la cuarta producción oficial derivada del universo de The Big Bang Theory, después de la serie original, Young Sheldon y Georgie & Mandy’s First Marriage.

El estreno del primer tráiler ya provocó una fuerte conversación entre fanáticos en redes sociales, especialmente por el radical cambio de estilo narrativo y visual respecto a las producciones anteriores de la franquicia.

La serie, catalogada como una producción original de HBO Max, tendrá diez episodios y estrenará el jueves 23 de julio a las 9 p.m. ET, con nuevos capítulos disponibles cada jueves.

La premisa de la serie coloca al entrañable dueño de la tienda de cómics Stuart Bloom en el centro de una crisis cósmica de proporciones inimaginables. Según la sinopsis oficial, Stuart rompe accidentalmente un dispositivo construido por Sheldon y Leonard, lo que desencadena un apocalipsis multiversal. A partir de ese momento, queda a cargo de restaurar la realidad, una misión para la que, como sugiere el propio título, no parece estar del todo preparado.

Para enfrentar el caos, Stuart contará con la ayuda de su novia Denise, su amigo el geólogo Bert y el físico cuántico Barry Kripke, a quien la sinopsis describe como un personaje “especialmente molesto”. En el camino, el grupo se encontrará con versiones alternativas de personajes que los fanáticos de The Big Bang Theory ya conocen, provenientes de universos paralelos.

El teaser ofrece un anticipo de la estética y el tono de la producción. Se distinguen gusanos de espacio-tiempo, múltiples versiones de Stuart y la presencia de insectos gigantes. El humor típico de la franquicia sigue ahí, pero la propuesta ahora es mucho más cercana a la ciencia ficción.

El reparto: caras conocidas en roles protagónicos

Uno de los atractivos más destacados de Stuart Fails to Save the Universe es que recupera a actores que tuvieron papeles secundarios en The Big Bang Theory y los eleva ahora a protagonistas. Kevin Sussman retoma su papel como Stuart Bloom, mientras que Lauren Lapkus interpreta a Denise, Brian Posehn da vida a Bert y John Ross Bowie regresa como Barry Kripke.

Kevin Sussman adelantó en la convención CCXP México que la serie permitirá conocer con mayor profundidad la relación entre Stuart y Denise: “Cuando The Big Bang Theory terminó, nuestra relación estaba apenas floreciendo. Ahora podrán ver hacia dónde va".

Brian Posehn también ofreció una clave sobre el espíritu de la serie durante ese mismo evento: “Lo divertido es verlo fracasar cada semana”.

Detrás de cámaras, el proyecto está liderado por Chuck Lorre, Zak Penn y Bill Prady, tres nombres que no son ajenos a la franquicia. Lorre y Prady son co-creadores de The Big Bang Theory, mientras que Penn aporta experiencia en narrativas de ciencia ficción. La producción corre a cargo de Chuck Lorre Productions en asociación con Warner Bros. Television.

Con este lanzamiento, Stuart Fails to Save the Universe se convierte en la cuarta serie del universo de The Big Bang Theory. La serie original se emitió durante doce temporadas en CBS entre 2007 y 2019. Le siguió Young Sheldon, precuela que cerró su propia séptima temporada en mayo de 2024. Más recientemente, en octubre de ese mismo año debutó Georgie & Mandy’s First Marriage, protagonizada por Montana Jordan y Emily Osment, spin-off directo de Young Sheldon que continúa en CBS.

El nuevo spin-off se distingue de sus predecesores por su tono: mientras Young Sheldon y Georgie & Mandy apostaron por la nostalgia y el drama familiar, Stuart se adentra en territorio de ciencia ficción con un humor más absurdo y una mitología multiversal.

Episodios anteriores

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Episodios 7 y 8: Finalmente nace otra vez

Después de prácticamente dos meses al aire, Daredevil: Born Again finalizó su segunda temporada con un nivel mucho más consistente que la entrega anterior pero también con una apuesta mucho más segura, sin dar pie a nuevas interpretaciones ni aprovechar las puntas que la misma serie originó en estas dos temporadas al aire.

El regreso de Daredevil a las pistas, ahora bajo el manto de Marvel/Disney, fue agridulce en su momento porque significó una reinvención del personaje con casi el mismo cast pero intentando generar un estilo propio después de la gran serie que fueron esas tres temporadas que produjo Netflix en la década pasada. Sin embargo, esta segunda temporada termina haciendo el trabajo sucio de unificar todo ese periodo de gracia y lo que Daredevil: Born Again quiere ser para el personaje.

En estos últimos dos episodios de Daredevil: Born Again, el conflicto entre Fisk y Daredevil termina teniendo un peso mucho mayor, presentándose en dos bandos en los que todo Nueva York debe decidir de qué lado estar. Es una representación clara y concisa del bien contra el mal y una evolución muy fuerte del concepto que vimos en episodios anteriores.

En este sentido, hay una vuelta de tuerca muy interesante ya que como he dicho en las notas anteriores, la mitad de esta temporada sufrió de mucho reciclaje de tramas que ya se habían profundizado en la serie de Netflix. Este “no remake” termina con una resolución diferente, a una escala mucho mayor y eso le da un cierto toque que termina beneficiando a esta superproducción.

El último episodio de la temporada particularmente termina siendo quizás el mejor desde que se emite Daredevil: Born Again en Disney+ y nos da todo lo que hace a Daredevil grande. Conflictos humanos, conflictos internos, escenas de acción con coreografías muy buenas y la profundización de muchos personajes secundarios que hasta el momento eran solo minutos sueltos en episodios pasados.

En ese sentido, Daredevil: Born Again es un cheque en blanco a futuro. Todo lo bueno que hizo la serie termina convirtiéndose en promesas para la tercera temporada, que ya está filmando, y el reciclaje de lo que fue la serie de Netflix ya llegó un tope en el cual no se puede seguir más. La siguiente temporada tiene la obligación de entregarnos algo auténtico, nuevo para el personaje y también para el espectador, y la eficacia con lo que lo logren hará más grande la participación del personaje en esta segunda temporada.

La introducción de Kirsten Rytten al cast como Jessica Jones, que no había gravitado en la mitad de temporada, termina siendo bastante superior en estos últimos episodios y nos recuerda a los mejores momentos del personaje en su serie original de Netflix. También hay que destacar nuevamente la actuación de Charlie Cox (Daredevil) y Vincent D’Onofrio (Kingpin) que con cinco temporadas bajo el brazo sigue entregándonos momentos memorables interpretando a estos personajes.

Hay dos personajes que también tuvieron una fuerte participación en esta temporada. Por el lado positivo, el Bullseye de Wilson Bethel se ha convertido en la mejor encarnación del personaje y da muchas ganas de conocer más de hacia dónde puede ir. Por otro lado, decepciona un poco la participación de Matthew Lilliard que ni siquiera llega a ser enigmática, sino que nos dan tan poca información que ni podemos ponernos curioso por el personaje. Por último, los personajes de Heather Glenn (Margarita Levieva) y White Tiger (Camila Rodriguez) dan giros interesantes en el último episodio que pueden ser fuertes puntas para desarrollar en la siguiente temporada.

Esta nueva temporada de Daredevil realmente hizo honor a su nombre y le dio la posibilidad al personaje de nacer otra vez. Creo que todavía queda definir si eso es bueno o malo, y dependerá en gran parte de los planes que el estudio tenga para el personaje tanto en la tercera temporada como en la participación de otros proyectos que seguramente llegarán más tarde que temprano.

Por el momento, en lo posiblemente objetivo que puede ser, creo que esta temporada es superior a la anterior pero logra esto apelando a un montón de recursos que ya hemos visto y ya hemos apreciado. El error de Daredevil: Born Again sería, realmente, no ofrecer un renacimiento del personaje y volver a entregar una nueva temporada con los mismos conceptos que ya hemos visto una y otra vez. Daredevil no es un personaje corto en ideas como para tener que siempre apelar a lo mismo.

El caso de Stranger Things se presenta como ejemplo del impacto directo que una producción audiovisual puede ejercer sobre industrias locales y nacionales. Los empleos generados abarcan desde actores y técnicos hasta personal de apoyo y servicios auxiliares, lo que, según Netflix, revierte en una cadena de beneficios para comunidades y sectores vinculados a la producción. Stranger Things se ha consolidado como un fenómeno no solo cultural, sino también económico, por el volumen de recursos movilizados en cada temporada y la cantidad de profesionales involucrados.

La compañía expone que, a lo largo de sus cinco temporadas, Stranger Things ha dado trabajo a miles de personas, incluyendo más de 8.000 empleos directos. Además, la última entrega requirió más de 200 especialistas en escenas de acción, lo que refleja la magnitud de la producción y la diversidad de perfiles contratados. Netflix indica que la serie colaboró con 3.800 empresas proveedoras en áreas como vestuario, catering, transporte y servicios técnicos, generando un efecto multiplicador en la economía estadounidense.

El informe de la plataforma sostiene que los efectos de una serie de este calibre van más allá del entretenimiento, al impulsar sectores enteros relacionados con la producción audiovisual. El gasto asociado a rodajes, logística y postproducción contribuye a la creación de empleos tanto temporales como estables, y fortalece la red de industrias auxiliares en distintas regiones de Estados Unidos. La cifra de 1.400 millones de dólares atribuida a la serie incluye salarios, pagos a proveedores y la contratación de servicios locales, según la información divulgada por Netflix. Estos datos forman parte de la campaña para visibilizar el aporte de la plataforma al desarrollo económico y social a través del audiovisual.

Además de Stranger Things, Netflix ha destacado el efecto de otras producciones en diferentes regiones. La serie The Lincoln Lawyer aportó 425 millones de dólares a la economía californiana y empleó a más de 4.300 personas, con rodaje en más de 50 localizaciones de Los Ángeles. El largometraje Beverly Hills Cop: Axel F, estrenado en 2024, generó 140 millones de dólares en California y dio trabajo a más de 2.000 miembros del elenco y equipo técnico, además de contratar a más de 900 proveedores. Por su parte, la serie Ransom Canyon en Nuevo México facilitó la creación de más de 700 puestos de trabajo locales.

A nivel global, Netflix asegura que en los últimos diez años ha invertido 135 mil millones de dólares en películas y series, lo que, según la compañía, se tradujo en un aporte de 325 mil millones de dólares a la economía mundial. En ese periodo, las producciones de la plataforma han generado 425.000 empleos directos y más de 700.000 adicionales en roles temporales o de apoyo. El catálogo incluye títulos producidos en más de 4.500 ciudades y pueblos de 50 países, y la empresa ha colaborado con más de 2.000 productoras y licenciado contenidos de 3.000 compañías, incluidas emisoras públicas.

El efecto Netflix

Netflix destaca que ha organizado más de 1.000 programas y eventos de formación en los últimos cinco años, llegando a 90.000 personas en más de 75 países. Este esfuerzo busca fortalecer el sector audiovisual y fomentar el desarrollo de talento local en diversas regiones. La plataforma subraya también el aumento del consumo de contenidos en idiomas distintos al inglés: actualmente, más de un tercio del visionado en Netflix corresponde a títulos en otros idiomas, frente a menos del 10% hace una década. Las producciones originales y licenciadas se distribuyen con doblaje en 36 idiomas y subtítulos en 33.

Algunos ejemplos de impacto cultural incluyen el caso de KPop Demon Hunters, que impulsó el estudio del idioma coreano y el turismo a Corea del Sur, así como la serie Emily in Paris, mencionada por el 38% de turistas como motivación para visitar la capital francesa tras ver la producción en la plataforma. Toda esta información se publica en un nuevo sitio interactivo, thenetflixeffect.com, donde la empresa busca mostrar el alcance económico, social y cultural de sus producciones. El co-CEO, Ted Sarandos, afirma que el objetivo es documentar cómo los contenidos de Netflix generan efectos en industrias, comunidades y la vida cotidiana a escala internacional.

Según el directivo, la compañía continuará invirtiendo en contenidos y en infraestructuras de producción en distintos países, además de impulsar programas de formación para profesionales del sector. Netflix prevé que en 2026 el gasto en contenido alcance los 20.000 millones de dólares, lo que representa un crecimiento del 10% interanual. La empresa sostiene que, mientras otras firmas del sector ajustan sus inversiones, su estrategia es reforzar la apuesta por el audiovisual global, con el fin de ampliar el impacto económico, profesional y cultural que atribuye a sus operaciones en todo el mundo.

Esta semana no es una semana cualquiera. Aterriza en Netflix Berlín y la dama del armiño, segunda temporada del celebrado spin-off de La casa de papel, ambientada antes de los eventos de esta y centrada en el ya icónico personaje de Berlín, al que diera vida Pedro Alonso. El propio Alonso vuelve en esta continuación así como el resto del equipo, desde Tristán Ulloa a Begoña Vargas o Michelle Jenner.

En esta ocasión, la serie se centra en el gran robo del cuadro La dama del armiño de Leonardo Da Vinci, el cual está a punto de ser trasladado a Sevilla para una exposición. Hasta allí se desplaza Berlín y su equipo, que buscará no solo robar la pintura, sino también al propio empresario que financia el robo. Por el camino se cruzará con una mujer apasionante como Candela (Inma Cuesta), quien hará que cambie por completo su visión de las cosas.

Berlín - Pedro Alonso

El carismático Berlín vuelve a las andadas, y por ende Pedro Alonso encarnando a uno de los personajes más ilustres de Netflix en los últimos años. En esta ocasión, Berlín se encuentra ante uno de sus robos más complejos, pues idea en secreto un robo a su propio benefactor. Sin embargo, todo cambia cuando se cruza con una mujer sevillana, Candela, que hará que se empiece a replantear la vida desde un ángulo que jamás hubiera imaginado.

Damián - Tristán Ulloa

Berlín es la cabeza visible, pero en muchas ocasiones la verdadera mente maestra es la de Damián. Mano derecha del ladrón de guante blanco, Tristán también se ve sorprendido por el amor en esta temporada, cuando se cruza en su camino la apasionada Genoveva, esposa del hombre que les financia el robo y con la que Tristán empieza a vivir un affaire de lo más extraño.

Keila - Michelle Jenner

El cerebro detrás de cada plan, Keila vive una gran crisis interna que el resto del grupo desconoce. Se acaba de casar con el amor de su vida, Bruce, pero a la vez empieza a darse cuenta de la vida a la que ha renunciado por esa unión. Alguien más ha aparecido en su vida que le hace cuestionarse todo, y a pesar de tener que ponerse con el robo, tendrá que abrirle su corazón a Bruce, y a ella misma para poder resolver la encrucijada en la que se encuentra.

Cameron - Begoña Vargas

De la misma manera que Keila, Cameron viene de una frustrada relación con Roi, quien fuera su compañero más fiel en la anterior temporada y de la que ahora se ha distanciado sobremanera. Con todo ello en mente, Berlín le asignará una tarea secreta y de lo más compleja pero que será imprescindible para llevar el robo a buen puerto.

Roi - Julio Peña

El joven Julio Peña, que diera vida al ilustre Miguel de Cervantes en El cautivo, regresa como Roi, el miembro más racional y frío de toda la banda, aunque por primera vez sus sentimientos están interfiriendo en su trabajo. Su fricción con Camero le lleva a comportarse de forma arisca y de hecho cuestionar la relación entre Bruce y Keila, mientras que Berlín le demanda que se centre en el robo que tienen entre manos y para el cual tendrá un papel indispensable.

Bruce - Joel Sánchez

Bruce vive sus días más felices. Acaba de casarse con el amor de su vida y dejado atrás sus días de borrachera y desenfreno. Su único compromiso es ahrora con Keila y con la banda de Berlín, y Sevilla se antoja una luna de miel de ensueño para ambas cosas. No obstante, pronto descubrirá que nada en la vida es fácil, y menos en los matrimonios recién desposados.

Álvaro Hermoso de Medina - José Luis García-Pérez

Gran villano de esta nueva función, Álvaro es uno de los grandes empresarios y filántropos en toda Sevilla, pero esconde un gran secreto: una colección de tesoros. El último que quiere añadir es La dama de armiño, el cuadro de Leonardo Da Vinci que está a punto de llegar a la capital andaluza. Es por ello que requerirá de los servicios de Berlín y su banda para perpetrar el robo de su vida, sin sospechar que Berlín trama algo mucho más grande que el cuadro.

Genoveva - Marta Nieto

Esposa de Álvaro, Genoveva es una mujer ambigua, toda una femme fatale de libro. Al principio parece flirtear con Berlín, luego se muestra fiel a su marido y en última instancia coqueteará de manera sorprendente con Tristán, quien tampoco sabe si lo que sucede es del todo real. Le da vida la actriz Marta Nieto, protagonista de Madre de Rodrigo Sorogoyen y una de las grandes intérpretes del cine español actual.

Candela - Inma Cuesta

Además de Nieto, la otra gran incorporación de esta temporada es la de Inma Cuesta, quien da vida a Candela, la mujer que revoluciona por completo la vida de Berlín. Sevillana de raza y sin pelos en la lengua, Candela se cruzará de manera accidenta en el camino del ladrón y se terminará convirtiendo en un pilar y en una distracción a partes iguales.

El universo cinematográfico de Fast & Furious se expande oficialmente por primera vez al formato de serie live-action, gracias a una colaboración inédita entre Peacock, la plataforma de streaming de NBCUniversal, y Vin Diesel, actor principal y productor de la franquicia.

El anuncio fue realizado este lunes por el actor durante la presentación anual de NBCUniversal en Nueva York, junto al presentador Jimmy Fallon, y representa un cambio clave en la estrategia de crecimiento e internacionalización de la saga, la cual se encuentra en la espera de su última entrega canónica. Aunque se había especulado sobre diversos proyectos en desarrollo, fuentes internas confirman que por ahora se trata de una sola serie, mientras que otros proyectos aún se encuentran en etapas preliminares. Este estreno es especialmente relevante para Fast & Furious, coincidiendo con el 25 aniversario de la primera película y con una nueva entrega, Fast Forever, programada ¡para 2028!

La primera parte de la saga debutó en 2001 de la mano de Universal Pictures y rápidamente se consolidó como uno de los fenómenos globales más rentables de las últimas dos décadas, superando los 7.000 millones de dólares en taquilla a lo largo de 11 películas. Durante 25 años, los personajes de la saga, siempre centrados en los valores de familia y lealtad, han expandido su atractivo internacional, demostrando que el éxito no depende únicamente de la acción automovilística, sino también de la representación de una comunidad diversa y unida frente a la adversidad. O al menos esa es la búsqueda que sus creadores dicen tener.

La expansión hacia otros formatos no es del todo reciente. Entre 2019 y 2021, Netflix estrenó seis temporadas de la serie animada Fast & Furious Spy Racers, lo que sirvió como experimento para probar narrativas alternativas y analizar la respuesta del público en el entorno televisivo. No obstante, esta nueva producción para Peacock constituye la primera adaptación con personajes de carne y hueso, un desafío distinto debido a la necesidad de trasladar la esencia del cine a episodios serializados.

La credibilidad y solidez del proyecto están garantizadas por figuras con historial probado tanto en cine como en televisión. Vin Diesel será productor ejecutivo y estará acompañado por Sam Vincent, Neal Moritz y Pavun Shetty, todos con experiencia previa en la franquicia. Mike Daniels, conocido por su trabajo en Sons of Anarchy y Shades of Blue, y Wolfe Coleman, colaborador habitual de Daniels, se encargarán de escribir el episodio piloto y actuarán como showrunners. Universal Television, filial de Universal Studio Group, respalda la producción, asegurando una escala industrial y un alcance internacional al proyecto.

Vin Diesel destacó durante el evento la importancia de proteger la integridad de los personajes y preservar las claves originales de la saga, desde la acción hasta los vínculos afectivos que conectan al público con los protagonistas. Según sus declaraciones, la decisión de apostar por la televisión se tomó solo cuando Donna Langley, ahora responsable de las operaciones tanto de cine como de televisión en NBCUniversal, asumió la supervisión total del proyecto, lo que para Diesel fue una garantía de que la marca no perdería su esencia.

El salto al formato televisivo responde directamente a una demanda constante del público, que desde hace al menos una década, según el actor, pedía explorar en mayor profundidad los arcos de los personajes secundarios y expandir el universo narrativo. Para muchos espectadores, este deseo de profundidad se traduce en la posibilidad de ver historias que hasta ahora no tenían espacio en el cine, y de acceder a un consumo más flexible a través del streaming.

Hasta el momento, los detalles argumentales de la serie se mantienen en secreto. Sin embargo, los productores insisten en que la historia respetará el espíritu de Fast & Furious y buscará conectar los símbolos de la saga con nuevas líneas narrativas. Se especula que podrían regresar personajes clásicos o introducirse nuevas generaciones, pero nada ha sido confirmado oficialmente. No olvidemos que particularmente esta saga, ha pasado de ser un muestrario de autos y carreras, pasando por el género de acción, hasta ser parte, casi, del género superheróico, con personajes llevando a cabo acciones casi imposibles como saltar de un auto, tomar a alguien en el aire, y caer en otro auto como si este fuese una bolsa de aire gigante. Eso, así como ir con un auto hasta el espacio y regresar a salvo.

Y no olvidar todos esos villanos a los que se le dio vuelta su impronta para que terminen siendo amados por el público, como el personaje de Jason Statham, o el de John Cena. Incluso el mismísimo Dwayne Johnson funcionó como “enemigo” de nuestro grupo protagonista.

Eso, sin contar que quienes hoy en día son héroes, en otro momento fueron ladrones y estaban siendo investigados por Brian O’Conner, el personaje que interpretaba el tristemente fallecido Paul Walker.

Para los millones de seguidores en todo el mundo, la noticia genera una mezcla de expectativas y algo de miedo. Algunos temen que el paso a la televisión diluya la impronta original, mientras que otros ven una oportunidad para dotar al universo Fast & Furious de una mayor expasión de universo y desarrollo de personajes. Por ahora, el equipo encabezado por Vin Diesel subraya que el objetivo es proyectar la familia hacia el futuro sin perder el equilibrio que la hizo famosa.

Los fans de Westworld están de enhorabuena. Warner Bros. prepara una nueva película basada en el clásico de Michael Crichton, cinta estrenada en 1973 y que seguía a un grupo de visitantes atrapados en un gigantesco parque temático habitado por robots. Lo que comenzaba como unas vacaciones futuristas terminaba convirtiéndose en una pesadilla cuando estos robots empezaban a fallar y se convertían en una amenaza.

Detrás del proyecto estará David Koepp, uno de los guionistas más importantes del cine comercial de las últimas décadas y responsable de títulos como Jurassic Park, Spider-Man (2002) o Misión: Imposible. Según ha adelantado Deadline, el escritor regresará directamente al material original de Crichton para esta nueva adaptación, dejando a un lado la serie de cuatro temporadas creada por Lisa Joy y Jonathan Nolan para HBO. Estrenada en 2016 y finalizada en 2022, la ficción que protagonizaron Evan Rachel Wood, Ed Harris y Jeffrey Wright, planteaba temas como inteligencia artificial avanzada, la conciencia sobre IA, el libre albedrío y los límites entre humanos y máquinas.

Precisamente por eso hay una serie imprescindible para cualquiera que disfrutara con sus misterios: Fringe (Al límite en España), disponible en Prime Video, HBO Max y Movistar Plus+.

Estrenada en 2008 y creada por J.J. Abrams, quien fue uno de los productores ejecutivos de la serie de 2016 —y uno de los responsables de Perdidos— junto a Alex Kurtzman y Roberto Orci, la ficción se ha convertido en una de las obras de culto más importantes de la ciencia ficción televisiva reciente.

Disponible en Prime Video, HBO Max y Movistar Plus+

La serie sigue a Olivia Dunham, una agente de la División Fringe del FBI especializada en casos inexplicables, a menudo relacionados con un universo paralelo. Para resolverlos cuenta con la ayuda del brillante y excéntrico Walter Bishop y de su hijo Peter.

A lo largo de sus cinco temporadas y 100 episodios —emitidis entre 2008 y 2013—, Fringe fue ampliando poco a poco su universo y pasando de clásicos casos autoconclusivos a una trama mucho más ambiciosa sobre dimensiones alternativas. Anna Torv lideró el reparto como Olivia Dunham, mientras que John Noble dio vida a Walter Bishop. A su lado estaba Joshua Jackson como Peter Bishop, el escéptico hijo del científico.

Las valoraciones actuales reflejan el prestigio que la serie ha ganado con el tiempo. En Rotten Tomatoes, el cómputo general de la serie mantiene un 91% de aprobación por parte de la crítica y un 85% de valoración de la audiencia.

De hecho, The New York Times llegó a definirla como “la mejor serie de su género desde Expediente X”, serie de ficción estrenada en 1993 que seguía los casos inusuales que investigan dos agentes del FBI, clasificados como “expedientes X”. La serie tuvo 11 temporadas y lanzó a la fama a sus protagonistas, David Duchovny y Gillian Anderson.

En su crítica sobre la última temporada, el periódico destacó precisamente cómo Fringe había conseguido mantener una narrativa compleja —con universos paralelos, cambios de líneas temporales y viajeros del tiempo— sin perder nunca el foco en sus personajes principales. El texto también elogiaba la capacidad de la serie para combinar “una narración ambiciosa con energía pulp de serial de sábado por la tarde”, algo que, según el diario, ni Perdidos ni Expediente X habían logrado mantener en sus etapas finales.

A lo largo de su recorrido, Fringe también recibió numerosos reconocimientos, especialmente por las interpretaciones de su reparto. John Noble ganó el Critics’ Choice Television Award a mejor actor secundario por su aclamado papel como Walter Bishop, mientras que la serie fue nominada a varios premios Saturn Awards —especializados en ciencia ficción, fantasía y terror—, donde consiguió varios galardones, incluido el de mejor serie de televisión de difusión nacional.

El ascenso de Leyendas en el catálogo de Netflix ha sorprendido tanto por la rapidez con la que se posicionó entre las favoritas como por la fuerza de su historia. La miniserie británica, inspirada en hechos reales, retrata el operativo secreto de un grupo de funcionarios de aduanas que, en los años 90, adoptaron identidades falsas para infiltrarse en las bandas de narcotráfico más peligrosas de Gran Bretaña.

El argumento central se apoya en las memorias de Guy Stanton, el seudónimo de uno de los agentes reales, cuya experiencia fue llevada a la pantalla por el actor Tom Burke (al que ya habíamos visto en Furiosa: De la saga Mad Max). Stanton relató que “excepto su esposa, que también trabajaba en aduanas, nadie en su familia supo lo que hizo durante nada menos que 10 años”. A lo largo de ese tiempo, él y sus compañeros crearon vidas completamente nuevas: “No solo tuvieron nombres nuevos, también les dieron diferentes coches, apartamentos y crearon sus personajes desde cero”. Sus hábitos y conductas cambiaron, impregnados por la necesidad constante de protegerse.

La serie toma como punto de partida la crisis de heroína que azotó al Reino Unido en esa década, contexto marcado por la muerte de Olivia Channon, hija del ministro Paul Channon, tras una sobredosis en una fiesta universitaria de Oxford. Aunque la serie recrea este hecho con una víctima ficticia, la operación secreta que narra es consecuencia directa de esa tragedia: la sociedad británica tomó conciencia de la profundidad del problema y las autoridades decidieron actuar de forma inédita.

Un thriller que mezcla acción y hechos reales

Muchos de los detalles que se ven en pantalla, desde las semanas de instrucción exprés hasta los personajes secundarios, se inspiran en entrevistas reales realizadas por Forsyth. El operativo del que parte la trama fue tan confidencial que “durante décadas esta operación se mantuvo completamente en secreto”. Nunca se sabrá con exactitud el resultado de aquellas operaciones ni su impacto en la lucha contra el narcotráfico, pero la serie enfatiza que incluso llegaron a tener contacto directo con un miembro de la familia de Pablo Escobar.

La producción, creada por Neil Forsyth y protagonizada por Steve Coogan, Tom Burke y Charlotte Richie, destaca por su ambientación en la Inglaterra de los años 90 y por el ritmo de thriller policiaco. Según señala Collider, la serie ha sido definida como “la serie policíaca más entretenida que Netflix estrene este año”, en una de tantas reseñas que se han mostrado satisfechas con la producción.

Todo esto ha impulsado que la serie, estrenada el pasado 7 de mayo, ya sea una de las más vistas en todo el mundo y la número uno en casi una decena de países. Con solo seis episodios, es perfecta para un maratón también gracias a la construcción de su historia, hecha para ser lo más adictiva posible y, al mismo tiempo, reflejar tanto el dramatismo de la crisis de heroína que vivió Reino Unido como la osadía de un grupo de funcionarios que, sin experiencia previa en infiltración, aceptaron el reto de combatir desde dentro a los grandes cárteles.

Cuatro producciones filmándose al mismo tiempo en el microcentro porteño, equipos técnicos trabajando en paralelo en distintas locaciones de Buenos Aires, nuevas películas de directores argentinos nominados al Oscar y una segunda temporada de El Eternauta en preproducción. Este fue el escenario que la plataforma Netflix eligió para referirse a la Argentina, a propósito de la presentación del informe “El efecto Netflix” con el que la compañía buscó medir el impacto económico, cultural y social de su actividad a nivel global.

El informe fue presentado este martes y puede visualizarse desde hoy en el sitio thenetflixeffect.com, en el que estará disponible toda la información a nivel global de forma bien interactiva. En este contexto, el vicepresidente de contenidos para América Latina, Francisco Ramos, dialogó con Infobae y explicó cuál es la estrategia de Netflix en la Argentina, el impacto económico que generan sus producciones y los proyectos que la plataforma tiene por delante.

El directivo dialogó con varios periodistas de la región y se refirió a los planes en cada uno de los países. En el caso de la Argentina -Infobae fue el único medio presente-, afirmó que el compromiso con el país es total y que la apuesta, como en otros países, “tiene que ser constante y creciente”, ya que los crecimientos abruptos, las llamadas burbujas, no llegan a buen puerto. Ramos ubicó esa definición como parte de una estrategia sostenida en el tiempo y no vinculada a un ciclo puntual de producción.

En relación con la actividad actual en el país, Ramos detalló que Netflix trabaja en simultáneo en varios proyectos. “Estamos filmando 3 o 4 títulos, posiblemente más”, sostuvo al describir el nivel de actividad que la plataforma mantiene en Buenos Aires.

Entre esas producciones, mencionó una nueva película de Damián Szifron y otra dirigida por Santiago Mitre, a quienes definió como los dos últimos directores argentinos nominados al Oscar. También señaló que la compañía desarrolla la serie En el barro, el proyecto “El futuro es nuestro” y la segunda temporada de El Eternauta.

Ramos agregó que recibió imágenes de cuatro producciones filmándose de manera simultánea en el microcentro porteño. “Era muy emocionante ver que eran cuatro producciones conviviendo”, afirmó. Según explicó, esa dinámica refleja el nivel de actividad de la industria audiovisual en la ciudad. En ese sentido, sostuvo que Buenos Aires ocupa un lugar relevante dentro del mapa de producción de la plataforma. “Buenos Aires es una ciudad muy cinematográfica”, dijo.

“Era muy emocionante ver que eran cuatro producciones conviviendo”

La presentación del informe “El efecto Netflix” incluyó una batería de datos globales con los que la compañía buscó dimensionar su impacto en la economía internacional. Según el documento, en la última década Netflix aportó más de USD 325.000 millones a la economía mundial e invirtió más de USD 135.000 millones en series y películas.

La empresa informó además que sus producciones generaron más de 425.000 empleos directos para actores, escritores, directores y técnicos, y que sumaron más de 700.000 extras y trabajadores eventuales en distintas partes del mundo. Netflix señaló también que colaboró con más de 2.000 productoras locales a nivel global, produjo contenido original en más de 4.500 ciudades y pueblos y obtuvo licencias de más de 3.000 compañías, incluidas emisoras públicas.

En ese marco, la compañía sostuvo que “cada producción de Netflix también es una producción local”, una definición con la que buscó reforzar el impacto de su modelo de producción descentralizada.

La experiencia de El Eternauta

En el caso argentino, el principal ejemplo fue nuevamente El Eternauta. Según los datos difundidos, la serie involucró más de 50 locaciones en Argentina y 35 escenarios virtuales, con la participación de 2.900 personas entre elenco y extras.

La producción utilizó más de 500 máscaras para distintos personajes y generó un aporte de más de 41.000 millones de pesos a la economía local, según la compañía.

Ramos utilizó ese caso para describir el impacto que tienen las grandes producciones en la industria audiovisual. “Nuestra producción más grande contó con casi 3.000 personas trabajando en distintas áreas durante todo el tiempo que duró la filmación”, explicó. El ejecutivo remarcó que el impacto no se limita al rodaje, sino que alcanza a toda la cadena de producción. “Generan puestos de alta calificación y altísima remuneración”, afirmó. También destacó que este tipo de proyectos funciona como un espacio de formación profesional para nuevos trabajadores del sector. “Generan entrenamiento para las nuevas generaciones de artistas, técnicos y artesanos”, sostuvo durante la charla.

Ramos afirmó que la Argentina se encuentra todavía en una etapa de expansión dentro del mercado audiovisual regional. “Todavía estamos en expansión”, dijo al describir el crecimiento de las producciones en el país. Sin embargo, aclaró que ese crecimiento requiere estabilidad y continuidad. “Nuestra escala es más paulatina”, explicó al comparar la industria audiovisual con otros sectores productivos.

“Es complejo en este momento para las pequeñas y medianas productoras argentinas que puedan disponer de recursos, inversiones desde su economía”

También advirtió sobre los riesgos de una expansión acelerada. “Cuando esto se fuerza y se crece aceleradamente, puede luego tener impactos de burbujas”, señaló.

En ese sentido, remarcó la necesidad de sostener el desarrollo del talento local como base del crecimiento de la industria. “Los artesanos tienen que desarrollar su oficio para ir creciendo paulatinamente”, afirmó.

Durante la conversación con periodistas, Ramos también se refirió al contexto económico de la Argentina y a las dificultades que enfrentan las productoras locales, ante la consulta de Infobae.

“Es complejo en este momento para las pequeñas y medianas productoras argentinas que puedan disponer de recursos, inversiones desde su economía”, sostuvo. Según explicó, la falta de financiamiento limita la capacidad de crecimiento de muchas empresas del sector. En ese escenario, Netflix planteó que su presencia en el país busca ser constante. “No ir y volver y ser oportunista, porque eso no termina consolidando la industria”, afirmó Ramos.

El ejecutivo también explicó que la compañía trabaja con distintos esquemas de producción. Algunas iniciativas son financiadas íntegramente por Netflix y otras se desarrollan en formato de coproducción. “Hacemos cosas que son 100 por ciento nuestras y otras donde somos compañeros de viaje”, dijo. Como ejemplo mencionó En el barro, desarrollada junto a Underground.

Nuevas producciones en la Argentina

En ese marco, la compañía también viene profundizando su presencia institucional en el país. Netflix celebró semanas atrás la apertura de sus nuevas oficinas en el barrio de Villa Crespo, en la Ciudad de Buenos Aires, desde donde continuará impulsando nuevas producciones hechas en la Argentina.

La empresa comenzó sus operaciones en Latinoamérica en 2011, produce contenido argentino desde 2018 y desde 2021 cuenta con oficinas en el país. Con la nueva sede, la compañía expandió su equipo local y reforzó su compromiso con el desarrollo de historias producidas en la Argentina con proyección internacional.

Desde ese espacio, Netflix anunció además parte de la programación prevista para 2026 y 2027, que incluye las producciones ya estrenadas en lo que va del año como El tiempo de las moscas, En el barro temporada 2, Parque Lezama, El último gigante; Envidiosa temporada 4 y y “Yiya Murano: Muerte a la hora del té”.

A eso se suman nuevas producciones en desarrollo como “Carísima”, “Crimen desorganizado”, “Dibu Martínez: El pibe que ataja el tiempo”, “El futuro es nuestro”, En el barro temporada 3; “Felicidades”, “Fito Páez: El mundo cabe en una canción”, “Gordon”, “Lo dejamos acá”, “Mafalda”, “Mis muertos tristes”, “Moria”, la película de Santiago Mitre, “Perfecta: La voz de Silvina Luna”, “Risa y la cabina del viento”, la serie de Sebastián Borensztein y “Tiempo al tiempo”.

La temporada amplía la cronología del personaje a los años previos al atraco original, manteniendo la estructura de precuela creada por los showrunners Álex Pina y Esther Martínez Lobato. La primera temporada, lanzada en 2023 bajo el título Berlín y las joyas de París, constó de ocho episodios y se ubicó entre las series más vistas de la plataforma en otro idioma que no es el inglés. Este desempeño llevó a Netflix a apostar nuevamente por Pedro Alonso, situando esta producción entre los lanzamientos principales de su catálogo para 2026.

La dirección de Berlín y la dama del armiño estuvo a cargo de Albert Pintó, David Barrocal y José Manuel Cravioto; el guion lo firmaron Barrocal, Lorena G. Maldonado, Itziar Sanjuán, Humberto Ortega y Luis Garrido Julve. El rodaje abarcó Sevilla, Madrid, San Sebastián, Peñíscola y otras ciudades españolas, expandiendo la escala de producción en relación con el primer spin-off.

Un atraco doble en la ficción española y nueva estrategia de casting

La trama de Berlín y la dama del armiño presenta a la banda encargada de un golpe solicitado por el duque de Málaga, interpretado por José Luis García-Pérez. El objetivo inicial es sustraer la pintura La dama del armiño, aunque la operación esconde un segundo nivel: un plan de venganza y engaño contra el propio cliente del robo. Berlín planea una estafa doble en la que arte y traición se combinan como cortina de humo.

El elenco principal incluye a Michelle Jenner (Keila), Tristán Ulloa (Damián), Begoña Vargas (Cameron), Julio Peña Fernández (Roi) y Joel Sánchez (Bruce), además de nuevos nombres destacados en la escena nacional como Inma Cuesta (Candela), quien interpreta a una sevillana inesperada dentro del grupo y se convierte en el nuevo vínculo sentimental de Berlín. Se suman también Marta Nieto –en el papel de la esposa del duque– y la participación especial de Álvaro Morte como “El Profesor”, un guiño que conecta directamente con la serie original.

La selección de reparto introduce nuevas dinámicas en las relaciones internas de la banda. Las parejas ya bosquejadas en la primera temporada, entre Bruce y Keila, y entre Roi y Cameron, atraviesan conflictos que ponen en riesgo la cohesión del grupo y la viabilidad del plan central.

Una producción de alto perfil para mercados internacionales

Netflix define esta temporada como un producto transversal con capacidad para reforzar su presencia en los mercados de Europa y América Latina. La decisión de grabar en escenarios reales de España y de respaldar el guion con un equipo multidisciplinar responde al objetivo de la plataforma de estandarizar el consumo global de series originalmente hispanohablantes.

El estreno está programado estratégicamente para el 15 de mayo de 2026, Día de San Isidro en Madrid, y sitúa a Sevilla como un elemento diferenciador tanto en la comunicación del lanzamiento como en el impacto esperado sobre las audiencias locales y el turismo vinculado a la industria audiovisual.

El universo expandido de Álex Pina: continuidad narrativa y consecuencias para la franquicia

Se mantiene la estructura de miniserie con historias autocontenidas, aunque enlazadas temporalmente antes de La casa de papel, asegurando que la aparición de miembros originales –más allá de los previstos– quede descartada y se preserve la lógica de la precuela sin superponerse con la historia de la Casa de la Moneda.

La implicación directa de Álex Pina y Esther Martínez Lobato como creadores garantiza la coherencia narrativa y el equilibrio entre el thriller de atracos y la dimensión emocional de Berlín en sus años previos. La presencia de la obra de Leonardo da Vinci introduce un atractivo global propio del arte europeo y exige un cuidado especial en el diseño de arte y la construcción visual.

Berlín y la dama del armiño se posiciona así como un punto neurálgico dentro de la franquicia y como uno de los estrenos más relevantes en el calendario internacional de Netflix para 2026.

Fox ha presentado el primer vistazo al esperado regreso de Los vigilantes de la playa (Baywatch), la icónica serie que marcó una era en la televisión mundial. El canal confirmó que la nueva versión llegará en la “segunda mitad de enero de 2027”, descartando un estreno en otoño y apostando por una estrategia de lanzamiento en midseason. El reboot se convierte en una de las grandes prioridades para la cadena, que busca capitalizar la nostalgia y el atractivo de la franquicia, ahora bajo una visión renovada y un reparto que combina actores de renombre con influyentes figuras de las redes sociales.

La historia de Los vigilantes de la playa en esta nueva etapa se centra en Hobie Buchannon, interpretado por Stephen Amell, reconocido por su papel en Arrow. Hobie, ahora capitán de los salvavidas, sigue el legado de su padre, Mitch, mítico personaje del original. La trama da un giro cuando su hija, Charlie Vale (Jessica Belkin), aparece inesperadamente, obligando a Buchannon a enfrentar retos personales y familiares, mientras lidera a un equipo de jóvenes rescatistas en las playas de California. El enfoque generacional y la dinámica padre-hija buscan conectar tanto con nuevas audiencias como con los seguidores históricos de la serie.

El primer avance difundido por la cadena pone el foco en los nuevos integrantes del elenco, todos listos para la acción en sus tradicionales trajes de baño rojos. Aunque Amell no aparece en estas imágenes iniciales, la elección de un actor con experiencia en series de acción refleja la intención de Fox de dotar al reboot de una fuerte presencia dramática y física, elementos que fueron clave en el éxito original de la franquicia. El reparto suma nombres como Noah Beck, Shay Mitchell, Thaddeus LaGrone, Livvy Dunne, Hassie Harrison y Brooks Nader, quienes aportan frescura y visibilidad en redes. Destaca además el regreso de dos figuras del elenco original: Erika Eleniak y David Chokachi. Su participación añade un puente nostálgico entre la serie de los años noventa y la nueva etapa, generando expectativa entre los fanáticos de larga data. La integración de celebridades digitales y actores emergentes responde a la estrategia de Fox de atraer tanto a un público joven como a quienes crecieron siguiendo las aventuras de los salvavidas.

Una saga a rescatar

La franquicia Baywatch fue un fenómeno global entre 1991 y 2001, alcanzando 11 temporadas, transmitiéndose en más de 200 países y llegando a superar los mil millones de espectadores semanales. Pese a un intento fallido de revivir la marca en cine con la película de 2017 protagonizada por Dwayne Johnson y Zac Efron, la serie original sigue siendo referente de la cultura pop televisiva, gracias a su mezcla de acción, drama y paisajes costeros.

La producción ejecutiva del nuevo Baywatch está a cargo de Matt Nix (conocido por Burn Notice), junto a McG, Michael Berk, Greg Bonann, Doug Schwartz, Dante Di Loreto y Mike Horowitz. La alianza entre Fox Entertainment y Fremantle refuerza la ambición del proyecto, que se posiciona como una de las apuestas más fuertes de la cadena para la próxima temporada. Michael Thorn, presidente de Fox, declaró que es “un honor traer de vuelta una de las franquicias más populares de la televisión” y reconoció la presión que implica estar a la altura de su legado.

La decisión de estrenar la serie en enero responde a una tradición de Fox de lanzar producciones relevantes en midseason, aprovechando el impulso de títulos anteriores como 24, Empire y 9-1-1. El objetivo es asegurar un espacio protagónico para Los vigilantes de la playa y evitar la congestión de estrenos que suele darse en otoño. Los responsables del canal confían en que la combinación de nostalgia, acción y presencia de influencers y actores reconocidos garantice una recepción favorable y un impacto mediático considerable. A medida que se acerca la fecha de estreno, la expectativa crece en torno a cómo esta nueva versión de la icónica serie de Pamela Anderson reinterpretará los elementos clásicos de la serie, adaptándolos a las tendencias y audiencias actuales sin perder la esencia que la convirtió en un fenómeno mundial.

La adaptación televisiva de la saga literaria Fourth Wing, conocida como Empíreo, ha recibido luz verde definitiva por parte de Amazon Prime Video. Basada en los ‘bestsellers’ de Rebecca Yarros, la producción arrancará oficialmente de la mano de Amazon MGM Studios y la productora Outlier Society de Michael B. Jordan.

El encargo de la serie se sitúa en el contexto de la consolidación internacional que ha experimentado la saga de fantasía en todo el mundo, cuyo primer volumen, Alas de sangre, se publicó en mayo de 2023 en Estados Unidos, seguido por Alas de hierro, en noviembre del mismo año. El tercer libro, Alas de Ónyx, se convirtió de nuevo en un auténtico acontecimiento.

La rápida popularización de los libros, impulsada por una base de seguidores entusiasta y su difusión en la comunidad de lectores en TikTok conocida como BookTok, ha influido en el paso de la historia a la televisión.

Un fenómeno más allá del ‘roman-fantasy’

La trama transporta al lector, y ahora también al espectador, al universo de la Basgiath War College, un centro militar donde la premisa es clara: “graduarse o morir”. La protagonista, Violet Sorrengail, ve trastocados sus planes de una vida tranquila cuando su madre, general del ejército, la obliga a unirse a cientos de aspirantes que sueñan con convertirse en jinetes de dragones, la élite de Navarre.

El anuncio de la adaptación ha corrido a cargo de Michael B. Jordan, productor ejecutivo, durante la presentación de Amazon a anunciantes en el Beacon Theatre de Nueva York. Jordan ha explicado que tras adquirir los derechos y comenzar el desarrollo del proyecto, era fundamental elegir un equipo capaz de trasladar a la pantalla la esencia de la obra de Yarros.

El equipo creativo contará con la propia Rebecca Yarros, quien ejercerá también funciones de productora ejecutiva. Se suma Lisa Joy, ‘cocreadora’ de Westworld para HBO, que dirigirá el primer episodio y compartirá la producción ejecutiva. Meredith Averill, cocreadora de Locke & Key para Netflix, ha asumido el rol de ‘showrunner’ desde septiembre de 2025, tras la salida de Moira Walley-Beckett, conocida por su trabajo en Anne With an E y Breaking Bad, quien abandonó el proyecto durante el verano de 2024.

El equipo se completa con Elizabeth Raposo (Outlier Society), Jonathan Nolan y Athena Wickham (Kilter Films), Liz Pelletier y Sherryl Clark (Premeditated Productions, empresa hermana de la editorial Entangled Publishing), y Stefano Agosto, vicepresidente ejecutivo de televisión de Outlier Society, como coproductor ejecutivo.

Una de las adaptaciones más esperadas

El fenómeno en torno a la obra de Yarros se ha intensificado en los últimos dos años, un hecho que Peter Friedlander, responsable global de televisión de Amazon MGM Studios, ha valorado en estas declaraciones: “La travesía de Violet en Fourth Wing ha generado una auténtica oleada mundial, conquistando a millones de lectores y creando una comunidad de fans extraordinariamente devota en torno a su universo, sus personajes y su carga emocional». Friedlander ha destacado que la serie constituye una de las adaptaciones más esperadas internacionalmente, y que tanto la autora como los equipos creativos de Kilter, Outlier y Premeditated desempeñarán un papel decisivo en su producción.

Por su parte, Rebecca Yarros ha expresado su entusiasmo por colaborar con el conjunto de profesionales reunido para la serie: “Estoy encantada de trabajar con este equipo tan dedicado y experimentado, y muy agradecida por su entusiasmo por los libros y por el público lector que los respalda”.

La producción televisiva, impulsada tras más de dos años y medio de desarrollo desde la adquisición de derechos en 2023 por parte de Amazon MGM Studios y Outlier Society, busca fortalecer la presencia de Prime Video en el género de la fantasía y responder a la elevada demanda de los seguidores de Yarros.

El estreno de la tercera temporada de El señor de los anillos: Los anillos de poder ya tiene fecha confirmada: Amazon Prime Video ha anunciado que la nueva entrega de la serie estará disponible a partir del 11 de noviembre de 2026, con lo que se descartan las especulaciones sobre un posible lanzamiento en 2027.

Este anuncio fue realizado durante la presentación de Amazon a los anunciantes en Nueva York. La serie, que se estrenó en 2022, es una ‘precuela’ ambientada miles de años antes de los libros y películas originales, y ha superado los 185 millones de visionados a nivel global, manteniéndose como uno de los mayores éxitos de la plataforma en la captación de suscriptores.

La primera temporada (cuyos primeros episodios estuvieron firmados por J.A. Bayona) consiguió el mayor estreno de una serie original de la plataforma en los primeros 91 días y, aunque la segunda no igualó esas cifras, encabezó la lista Streaming Top 10 de Nielsen y se encuentra entre las cinco series de retorno más vistas.

Qué contará la tercera temporada

El anuncio de la nueva temporada ha ido acompañado de la publicación de una imagen inédita de Sauron, interpretado por Charlie Vickers, luciendo una corona durante el evento Upfronts en Nueva York.

La acción de la tercera temporada avanzará “varios años” respecto a los eventos previos. De acuerdo con la sinopsis oficial difundida por Amazon, la trama se desarrolla en el apogeo de la Guerra de los Elfos y Sauron, un momento en el que el Señor Oscuro buscará forjar el Anillo Único para ganar ventaja en el conflicto, someter a todos los pueblos de la Tierra Media y proclamarse único soberano.

El universo de la serie tiene lugar miles de años antes de los hechos narrados en las obras de J.R.R. Tolkien, en un periodo descrito como una época en la que “se forjaron grandes poderes, los reinos alcanzaron su esplendor y también cayeron en la ruina, héroes improbables se vieron puestos a prueba, la esperanza pendía de un hilo y el mayor villano nacido de la pluma de Tolkien amenazaba con sumir el mundo en la oscuridad”.

La serie acompaña a sus protagonistas frente al resurgimiento del mal y aborda escenarios que abarcan desde las profundidades de las Montañas Nubladas, los bosques de la capital élfica Lindon, el reino insular de Númenor y otros lugares diseñados para dejar huella.

Una producción muy cinematográfica

La producción de la tercera temporada está a cargo de J.D. Payne y Patrick McKay como ‘showrunners’ y productores ejecutivos, junto a Lindsey Weber, Justin Doble, Kate Hazell y la directora Charlotte Brändström, con Matthew Penry-Davey en la producción y Ally O’Leary, Tim Keene y Andrew Lee como coproductores. La serie es una producción de Amazon MGM Studios.

El director global de televisión de Amazon MGM Studios, Peter Friedlander, destacó el carácter “ambicioso y cinematográfico” de la serie. Friedlander señaló: “La extraordinaria respuesta de millones de seguidores por todo el mundo ha dejado claro que esta travesía por la Tierra Media sigue resonando y que ese impulso no ha hecho más que crecer de cara a la tercera temporada”.

Friedlander, también afirmó que “desde el primer momento, la serie ha encarnado la escala, la ambición y la narrativa cinematográfica que definen las grandes apuestas internacionales de Prime Video”.

El comunicado de la fecha y la sinopsis oficial refuerzan el posicionamiento de El Señor de los Anillos como un pilar estratégico dentro de la programación de Prime Video, por su capacidad para atraer audiencias masivas.

Reparto destacado y equipo de producción

Además de Sam Worthington en el papel de David Burroughs, participan Britt Lower, Milo Ventimiglia, Logan Browning, Erin Richards, Chi McBride y Jonathan Tucker. Figuras reconocidas como Madeleine Stowe y Clancy Brown también se incorporan en roles secundarios.

La adaptación está dirigida por Robert Hull, quien se desempeña como creador, guionista y showrunner, junto a productores experimentados en thrillers televisivos como Bryan Wynbrandt y Steven Lilien. La dirección está en manos de nombres reconocidos como Brad Anderson y Maggie Kiley.

Contexto de la historia y fuentes de inspiración

La novela original de Harlan Coben se ha consolidado como un referente dentro del género de suspenso contemporáneo por su habilidad para combinar el drama familiar con los desafíos del sistema judicial. La historia pone en cuestión hasta dónde puede llegar un padre por su hijo y la desesperación ante las injusticias.

La trama también trata el error judicial y el peso de las pruebas circunstanciales, asuntos de actualidad en sociedades donde las garantías legales no siempre previenen condenas erróneas.

Aspectos sociales y percepción de la audiencia

El conflicto en Te encontraré no se limita a la acción y el misterio, sino que abarca cuestiones delicadas sobre la confianza en el sistema judicial y el sufrimiento de quienes resultan afectados indirectamente. El caso de David Burroughs encuentra eco en eventos reales, donde una simple imagen o un dato pasado por alto puede poner en duda hechos que se consideraban esclarecidos.

Este tipo de historias resultan especialmente significativas para quienes han vivido procesos legales prolongados o injustos y para padres que temen la pérdida de sus hijos. Netflix apuesta por una narrativa cercana al público, enfrentándolo a dilemas sobre la verdad y el resarcimiento del daño, yendo más allá de la persecución y la acción.

El lanzamiento coincide con la segunda temporada de Berlín, el primer spin-off de la franquicia, cuyo estreno está programado para el 15 de mayo. Desde su debut en 2021, la trama derivada de la serie matriz ha consolidado una estrategia de expansión de contenidos propia de los grandes universos seriales globales. Esta táctica, iniciada en 2023 con el primer spin-off protagonizado por Pedro Alonso, ha mantenido a La casa de papel entre los títulos más vistos de la plataforma internacional.

La narración audiovisual del tráiler ha subrayado la continuidad conceptual del universo. La descripción oficial incluida en la secuencia sostiene: “Desde el primer robo de dinero en efectivo hasta el asalto que puso en riesgo toneladas de oro del Banco de España, el mundo de ‘La casa de papel’ nunca ha dejado de crecer, evolucionar y sorprender”.

Nuevas piezas y cuotas de mercado: el modelo de expansión de “La casa de papel”

El operativo de lanzamiento orquestado por Netflix en Sevilla responde a una doble lógica industrial: por un lado, explora el despliegue de spin-offs alrededor de franquicias con alto rendimiento de audiencia, un formato consolidado en la estrategia reciente de la plataforma. Por otro, integra al mercado español como nodo central en la producción y primera difusión de contenidos clave, preservando el arraigo local de la marca.

Desde su estreno en Antena 3 en 2015 y tras la compra de derechos por parte de Netflix, La casa de papel ha definido un modelo de migración desde señal abierta a plataforma global, consolidando su identidad a través de ciclos de producción y relanzamientos que han generado un efecto de fidelización sostenida. Esto se ve respaldado en posiciones sistemáticas entre los títulos más vistos a escala internacional.

Teorías sobre la nueva historia de la saga

Durante la presentación, Netflix difundió un nuevo tráiler y anunció que La Casa de Papel será el “centro neurálgico” de futuras producciones, sin detallar si la siguiente fase consistirá en una tercera temporada de Berlín, un spin-off focalizado en otro personaje o una sexta parte directa de la serie principal.

Dentro del encuentro, Netflix compartió una batería de datos que refrendan el fenómeno. Tres temporadas de La Casa de Papel se mantienen en los lugares 4, 6 y 7 entre las diez series de mayor audiencia histórica de la plataforma en idiomas distintos al inglés. Los informes de audiencia correspondientes a 2023-2025 revelan que la serie principal acumuló 1.300 millones de horas vistas y 160 millones de visualizaciones, cifras que ninguna otra franquicia de origen español ha alcanzado dentro del streaming global. Además, el spin-off Berlín lideró los rankings mundiales durante su semana de lanzamiento, logrando el Top 10 en 91 países, y fortaleció su rendimiento al sostenerse en el Top internacional por siete semanas, con un acumulado de 348 millones de horas vistas y 53 millones de visualizaciones.

La negociación estratégica detrás de la franquicia

El despliegue realizado en Sevilla responde a una estrategia deliberada para alargar la vida comercial del universo creado por Álex Pina. La relación contractual de largo alcance entre el showrunner y Netflix, que ya derivó en otros proyectos como Billionaires Bunker (cancelado tras una temporada) y el videojuego temático de la serie en la plataforma, refuerza la posición de La Casa de Papel como pivote de contenido expandible. El spin-off internacional Money Heist: Korea – Joint Economic Area también integró la ruta de explotación de la franquicia, sumando una sola temporada en dos partes.

El tráiler más reciente, presentado durante el anuncio, concluyó con la imagen de una barra de oro desenterrada, lo que, según la cobertura de What’s on Netflix, anticipa una posible continuidad narrativa directa. No obstante, la empresa evitó confirmar el formato del siguiente proyecto, limitándose a subrayar que el “mundo del Profesor” aún tiene historias en desarrollo.

En relación con la estructura industrial, la franquicia se sostiene por su capacidad de mantener niveles de visualización masivos incluso varios años después de su lanzamiento original. “El universo de La Casa de Papel continúa en Netflix”, señaló la plataforma durante el acto, posicionando la propiedad intelectual como una fuente ininterrumpida de proyectos, adaptaciones y spin-offs.

Dinámica de producción y perspectivas de expansión

La franquicia ha capitalizado el salto de Antena 3 a Netflix, consolidándose como un fenómeno global que trasciende el idioma y los formatos. La estrategia de eventos multitudinarios, activaciones físicas y lanzamientos simultáneos refuerza la interacción con la base global de usuarios y aumenta el valor de la propiedad más allá de la emisión de nuevos episodios.

El mantenimiento sostenible de la marca, reflejado en cifras como las 91 plazas alcanzadas por Berlín en el Top 10 semanal, responde a un modelo en el que la renovación de ciclos narrativos e incorporación de nuevos títulos dentro del mismo universo es prioritario para el servicio de streaming. El dato de 1.300 millones de horas vistas y la permanencia de entregas clave en los rankings históricos definen a La Casa de Papel como uno de los activos insignes de Netflix fuera de los contenidos en inglés.

Hasta el cierre del evento de Sevilla, no se confirmó el título ni la naturaleza del próximo movimiento de Álex Pina y su equipo. La barra de oro al final del tráiler y las declaraciones de los organizadores delinean la expectativa corporativa: un desarrollo ininterrumpido que asegure la relevancia de la franquicia dentro de la industria global del streaming.

Mientras los seguidores aguardan confirmaciones sobre la fecha oficial, el despliegue de comunicación y los recursos visuales ya posicionan a La casa de papel como una de las propiedades intelectuales de mayor resiliencia y adaptabilidad en la oferta internacional de Netflix para 2026.

La carrera de Meryl Streep es una de las más brillantes con las que una actriz podría soñar. La intérprete ha participado en todo tipo de papeles memorables, demostrando una capacidad de adaptación al alcance de muy pocos que le ha llevado a ganar múltiples premios: tres Oscar, nueve Globos de Oro, dos BAFTA y dos Emmy.

Estos últimos galardones representan una faceta pocas veces valorada en la trayectoria de Meryl Streep. Su rostro no ha aparecido muchas veces en series de televisión, pero las pocas en las que ha ocupado un papel importante en este tipo de producciones, el resultado ha sido excelente. Como ejemplo, estaría la serie de 2003 que, en su momento, fue considerada como una de las mejores ficciones para la pequeña pantalla que se habían hecho nunca: Ángeles en América.

Esta miniserie de seis episodios se sitúa en la Nueva York de los años 80, cuando la crisis del sida y el conservadurismo de la era del presidente Reagan marcaban el pulso de la sociedad. Prior Walter, un hombre gay, enfrenta el diagnóstico de la enfermedad y el abandono de su pareja, mientras un ángel lo convoca a una misión profética. Las historias de otros personajes, como el abogado Roy Cohn o el joven Joe Pitt, se entrelazan en un contexto donde la homosexualidad, la religión y la política se debaten de manera cruda y directa.

La actriz da vida a cuatro personajes

El reparto es uno de los elementos que hacen de Ángeles en América, serie inspirada en una igualmente exitosa obra de teatro, un fenómeno pocas veces visto en la historia de la televisión. Al Pacino, en el papel de Roy Cohn, lidera un grupo en el que también destacan Meryl Streep, Emma Thompson, Patrick Wilson y Jeffrey Wright. Cada uno de ellos aportó con esta serie un trabajo que, posteriormente, sería muy aplaudido por la crítica.

En el caso de la actriz de El diablo viste de Prada, Mamma Mia o Memorias de África, destaca el hecho de que, como otros de los intérpretes que participaron en el proyecto, interpretó varios personajes. En su caso concreto, fueron cuatro: desde una madre mormona a un fantasma de un personaje histórico; desde un ángel a un anciano rabino judío ortodoxo.

Esta variedad de roles potenciaba el tratamiento de temas como la identidad y la transformación, centrales en la serie. A partir de ellos, la historia ofrecía un crudo retrato de su época, a través de dilemas sobre la sexualidad, el peso de la religión y la presión social. Por eso, el impacto de la serie radica tanto en su profundidad como en el elemento “simbólico” de cada uno de sus personajes, ilustres representantes de los Estados Unidos de los 80.

Dónde ver ‘Ángeles en América’

Ángeles en América fue un éxito absoluto. Ganó cinco Globos de Oro y hasta siete premios Emmy. En todos estos galardones, Meryl Streep sería también reconocida por su trabajo. Además, la crítica se deshizo en elogios por el resultado final. “Extravagantemente concebida y gloriosamente realizada, no solo es una de las mejores series de televisión que se han hecho jamás; también es una trascendente obra de arte”, la ensalzaban en una crítica publicada en el medio USA Today.

Ángeles en América se convirtió en una obra histórica al desafiar la lógica de su época y reunir a celebridades de Hollywood en un formato televisivo. El resultado fue una miniserie que aborda sin rodeos la soledad, la enfermedad, la culpa y la búsqueda de sentido en un mundo en crisis. La serie, disponible en HBO Max, sigue siendo recomendada para quienes buscan una experiencia intensa y profunda en apenas una tarde. El desfile de estrellas, la ambición de la puesta en escena y la fuerza de la escritura siguen atrayendo a quienes buscan relatos que desafíen los límites de la televisión tradicional.

“En realidad [la situación] no me había golpeado mientras actuaba, hasta nuestro último día”, declaró Balfe. Según explicó, la última escena en la que interactó con Heughan implicaba una conversación íntima entre dos personajes que llevan juntos casi una vida entera en pantalla.

Las tomas se grabaron en el dormitorio de Jamie y Claire Fraser, y consistía en un diálogo de siete páginas. El paralelismo con la vida real hizo que el momento tuviera un significado más potente para ambos actores.

“Lo que nos decíamos el uno al otro, mientras lo decíamos en personaje, tenía todos estos dobles significados para nuestras vidas y toda la experiencia, diciéndole adiós a Claire y a todo”, relató la actriz a Elle.

“Fue lo más difícil que he tenido que hacer, porque no podía contener el llanto”, admitió Balfe. “Estaba muy conmovida. Me golpeó como un tren: el enorme viaje que ha sido este, y lo tremendo de decir adiós”.

Outlander se estrenó en 2014 en Starz con una premisa que rápidamente conquistó a millones de espectadores: Claire Randall, una enfermera británica que había servido en la Segunda Guerra Mundial, viaja accidentalmente al siglo XVIII en Escocia, donde conoce al apasionado guerrero escocés Jamie Fraser. Lo que comenzó como una historia de supervivencia se convirtió en un romance que atraviesa el tiempo y la historia.

Tras ocho temporadas, la serie se despide con una última entrega que lleva a los personajes de vuelta a Fraser’s Ridge —el hogar que Jamie y Claire construyeron en América— como escenario principal. La pareja llega tras sobrevivir a la guerra de independencia estadounidense, pero pronto descubre que los conflictos los han seguido hasta casa.

La gran pregunta que estructura la temporada es qué están dispuestos a sacrificar para permanecer juntos, mientras secretos familiares largamente guardados amenazan con fracturarlos desde dentro.

La octava entrega también marcó un hito personal para Balfe más allá de la actuación: la estrella debutó como directora con el episodio “Prophecies”, una faceta que reveló nuevas dimensiones de su relación con la serie y con su personaje.

El misterio del final y la expectativa global

El equipo creativo ha guardado celosamente el desenlace. El productor ejecutivo Matthew B. Roberts reveló a Entertainment Weekly que llegaron a filmar múltiples finales alternativos para proteger el secreto y darse flexibilidad en el montaje. “Todos podrían haber sido el final, y por eso la gente los creyó”, afirmó Roberts.

Balfe, por su parte, tiene claro que la serie seguirá viva mucho después de que rueden los créditos finales. “Creo que permanecerá como una constante en nuestras vidas por mucho tiempo”, dijo. “¡Qué regalo haber recibido esto!”

El final de Outlander se estrenará el 15 de mayo en Starz para Estados Unidos. Para los espectadores de América Latina, la despedida de Jamie y Claire llegará el 16 de mayo a través de Disney+.

Netflix, que prepara para este mismo fin de semana un evento multitudinario con Rosalía como una de las maestras de ceremonias, no ha querido desvelar demasiado al respecto de esta continuación, pero nosotros te damos algunas de las claves de esta Berlín y la dama del armiño. Continuación directa de la primera temporada, no hay que olvidar que todos esos sucesos siguen teniendo lugar antes de los de La casa de papel, por lo que no esperemos la aparición de los miembros de la banda que asaltó la Casa de la moneda. Eso sí, volveremos a ver al equipo de la primera temporada, encabezado por Berlín (Pedro Alonso) y Damián (Tristán Ulloa) pero con nuevas sorpresas.

En esta Berlín y la dama del armiño, la historia se centra en el robo del famoso cuadro de Leonardo Da Vinci que da nombre al título. Un cuadro que es trasladado a Sevilla para ser expuesto allí y que se convierte en el objetivo número 1 de un gran empresario andaluz, el cual encarga a Berlín y su equipo su robo. Pero Berlín tiene otros planes, ya que cree que hay un premio mayor en robar al propio ladrón que en hacerse con el cuadro de Da Vinci. Comenzará entonces a urdir un maquiavélico plan a dos bandas: por un lado, el robo del cuadro para hacerle creer al filántropo que van a llevarlo a cabo. Por otro, el gran robo maestro a su benefactor, quien comenzará a sospechar de la posble artimaña.

Inma Cuesta y Marta Nieto, las grandes novedades

El equipo habitual de Berlín vuelve, con gente como Keila (Michelle Jenner), Bruce (Joel Sánchez), Roi (Julio Peña), Cameron (Begoña Vargas) y nuevos personajes, como los interpretados por Inma Cuesta y Marta Nieto, grandes novedades en esta temporada. La primera interpreta a Candela, una mujer apasionada que sorprende por completo a Berlín y con la que comienza un romance. La segunda, a la esposa de Álvaro Hermoso de Medina (José Luis García-Pérez), Genoveva Dante, quien también vivirá su romance particular con otro personaje de la serie. Por el camino, las parejas establecidas en la primera temporada (Bruce y Keila, Roi y Cameron) comienzan a vivir una gran fricción que pondrá en peligro la operación.

No habrá que esperar mucho para ver este esperado regreso de la banda en Berlín y la dama del armiño, pues aterriza en Netflix este próximo viernes 15 de mayo, Día de San Isidro en Madrid pero desde ya una fiesta más en Sevilla, que será inmortalizada en esta segunda temporada. ¿Conectará de alguna manera con La casa de papel? ¿Habrá alguna otra sorpresa? Muy pronto lo descubriremos.

En una de esas historias en donde las ciudades también son protagonistas, M.I.A. comienza en los Cayos de Florida y nos introduce a Etta, una joven que ayuda a sus padres como guía de un crucero en la reserva natural. Desde el principio sabemos que estamos ante una protagonista que no tiene miedo de tirarse al agua con un silbato para ver si los cocodrilos están cerca y a la que no le importa lo que nadie opine sobre ella.

Entre el clima húmedo y los oasis costeros, el espectador descubre rápidamente que el verdadero trabajo de sus padres y sus hermanos está en el mundo del crimen organizado y que como siempre ocurre, en algún momento u otro, va a correr sangre.

La premisa comparte el ADN de Ozark, y ambas tienen a Bill Dubuque detrás, pero acá no se apunta tanto a la caída de una familia, sino a la transformación de una heredera del crimen. También tiene un componente algo telenovelesco con la esencia de El Conde De Montecristo, y que si bien funciona, puede no ser del agrado de quienes buscan explosiones, sangre y peleas con cuchillos (de lo que también tiene mucho).

Pero sin lugar a dudas, lo más interesante de la nueva apuesta de Dubuque está en nuestra protagonista, aquella chica indomable que es como una suerte de princesa de Disney dentro del mundo narco, una que quiere más y que necesita que se deposite en ella la confianza y las responsabilidades de una profesión heredada sin tener en claro las consecuencias.

Cada episodio explica y desarrolla las motivaciones de un personaje distinto, pero el corazón de la serie sigue siendo Etta (interpretada a la perfección por la joven Shannon Gisela) como el motor emocional de la serie de Paramount+.

Como toda historia con múltiples subtramas, hay algunas más interesantes que otras y tiene más de un episodio de “relleno”. De todos modos, si hay algo que podemos decir en una industria del entretenimiento en donde se estrenan nuevas series todos los días, es que M.I.A. logra mantener a sus espectadores atrapados desde el piloto con revelaciones y giros inesperados. Y eso ya es un montón.

Con Karen Campbell (Dexter, Outlander) como showrunner, M.I.A. es una apuesta de mafia, pero también una de venganza, una suerte de coming of age y un drama de personajes que pone su fuerte en el desarrollo de sus villanos y en la historia de origen de otros.

Un nuevo escenario para el mismo protagonista

La trama, situada en Sevilla, comienza con un encargo que a simple vista parece sencillo: robar La dama del armiño, una famosa pintura del Renacimiento, siguiendo las órdenes del Duque de Málaga. No obstante, este acto no es un simple atraco ni una mera continuación de los robos que caracterizaron a La casa de papel. En esta ocasión, tanto el entorno como la escala aumentan notablemente, reflejando la evolución del personaje principal, Andrés de Fonollosa, conocido como Berlín, interpretado nuevamente por Pedro Alonso.

La nueva localización aporta una atmósfera diferente. Sevilla, conocida por sus edificios históricos y su riqueza cultural, añade un nivel extra de sofisticación a la narrativa. La rigurosa planificación del robo y las múltiples capas de engaño desafían la astucia de Berlín y la lealtad de su grupo, mientras se suman nuevos integrantes y surgen amenazas inesperadas.

El engaño, arte y fachada

El avance oficial revela que el robo de la pintura no es más que una fachada. Berlín y su socio Damián planifican un golpe aún más ambicioso: aprovechar el supuesto atraco para aproximarse al Duque y la Duquesa de Málaga, quienes creen tener la capacidad de manipular y chantajear a Berlín. La serie da a entender que los verdaderos objetivos del grupo van más allá del beneficio económico, y apuntan a resolver asuntos del pasado y desafiar el poder que el duque intenta ejercer.

Esta estrategia basada en el doble engaño marca el tono de la temporada. Según fuentes cercanas a la producción, la historia profundiza en los temas de poder y manipulación, todo bajo la apariencia de una operación criminal artística. Berlín se presenta prácticamente como un artista de la estafa, capaz de poner en marcha un golpe perfecto que va más allá de los límites de la ficción de atracos tradicional. Diferente a entregas anteriores, donde los roles de víctima y victimario estaban claramente definidos, ahora las motivaciones y alianzas adquieren mayor ambigüedad.

La dimensión de la venganza se vuelve central debido al carácter calculador y vengativo del protagonista. El duque, convencido de que puede extorsionar a Berlín, subestima la sofisticación emocional y estratégica de quien fuera uno de los líderes del asalto a la Casa de la Moneda. El resultado es una lucha de poder repleta de traiciones y cambios de bando, en la que cada acción desencadena consecuencias inesperadas.

Nuevos personajes y regreso de figuras conocidas

Regresan actores emblemáticos como Michelle Jenner, Tristán Ulloa, Begoña Vargas, Julio Peña Fernández y Joel Sánchez, todos ellos miembros leales de la banda de Berlín. A esto se suman incorporaciones como Inma Cuesta, quien interpreta a Candela, un personaje que explora una nueva dimensión emocional en la vida de Berlín y permite ahondar en las relaciones personales en medio del peligro. José Luis García-Pérez y Marta Nieto dan vida al Duque y la Duquesa de Málaga, quienes se posicionan como antagonistas capaces de rivalizar en inteligencia con el protagonista.

La dinámica entre Candela y Berlín introduce una faceta de vulnerabilidad que contrasta con la frialdad calculadora del resto del grupo. Esta perspectiva más personal equilibra los momentos de tensión y añade matices al desarrollo de los personajes. Por otro lado, la pareja ducal representa una amenaza tangible: lejos de ser villanos unidimensionales, aportan un trasfondo de poder político y social que aumenta los riesgos de la trama.

La combinación de viejos aliados y nuevos antagonistas genera una secuencia de alianzas cambiantes. La diversidad de personalidades dentro del elenco contribuye a que la historia avance más allá del golpe tradicional, mostrando las consecuencias personales de la traición y el deseo de justicia al margen de la ley. Estos elementos también favorecen la identificación de la audiencia, al reflejar lealtades y rivalidades presentes en la vida diaria.

Crecimiento del universo y fenómeno cultural

Berlín y la dama del armiño no solo expande la mitología de La casa de papel, sino que refuerza el fenómeno internacional del personaje interpretado por Pedro Alonso. El propio actor ha reconocido en entrevistas recientes el impacto que la serie ha tenido en su carrera y en la percepción del público, que ha pasado de ver a Berlín como un antagonista incómodo a admirar sus contradicciones y carisma.

El atractivo de la serie se basa tanto en los giros de la trama como en la ambigüedad moral de sus protagonistas. Es un fenómeno que me cambió la vida. Solo tengo un profundo agradecimiento por todo lo que me han traído La casa de papel y Berlín, expresó Alonso. El éxito de la producción reside en la combinación de un espectáculo visual, tramas intrincadas y la exploración de los límites éticos de sus personajes.

A nivel social, este tipo de historias conecta con un público que se identifica con la lucha contra el poder y la corrupción como preocupaciones cotidianas. El entorno de lujo, arte y traiciones aporta una atmósfera particular a una historia en la que se invita al espectador a cuestionar de qué lado está la justicia y hasta dónde los fines pueden justificar los medios.

La trama se articula en torno a una banda improvisada de ladrones, desconocidos entre sí, quienes tras robar un banco se enfrentan a la desaparición del botín y al acecho de los verdaderos responsables del golpe. En ese escenario, el thriller suma elementos de humor negro, violencia y tensión psicológica como ejes, mientras cada integrante oculta secretos personales y el frágil pacto entre ellos se debilita.

El reparto de Crimen desorganizado ha sido presentado oficialmente: Celeste Cid interpreta a Fifa, Marco Antonio Caponi a Ronaldo, Matías Mayer a Zizu y Benjamín Amadeo a Kaiser; se incorporan Miguel Ángel Rodríguez como Diegote, Soledad Silveyra en el rol de Alina Beltrán Feijoo y la participación especial de Martín Bossi como Beto Zamudio. Netflix difundió las primeras imágenes oficiales, tomadas por Mariano Landetcheverry, fijando el tono visual y el perfil de los personajes.

La fecha de estreno marca una estrategia prolongada de Netflix para el contenido policial argentino

El anuncio del debut en 2027 posiciona al título como una de las producciones argentinas de mayor horizonte en la plataforma, en contraste con lanzamientos previos de dramas y comedias locales de ciclos más cortos de desarrollo y exhibición. El foco en una ventana extendida refuerza la tendencia del gigante del streaming por consolidar franquicias regionales, adaptando su modelo de producción a exigencias globales y priorizando inversiones de alta visibilidad en thriller y policial.

La serie es un título original de Netflix Argentina, desarrollada por Pampa Films con Cabe Bossi, Pol Bossi y Maxi Lasansky en la producción ejecutiva. El equipo creativo incluye a Martín Méndez y Marcelo Camaño en guion, y a Iván Vescovo como segundo director, conformando un staff que combina experiencia televisiva nacional y alianzas con plataformas internacionales.

En términos narrativos, la estructura de Crimen desorganizado se apoya en códigos del género, como el encierro, la traición dentro del grupo y el suspenso alrededor del “botín fantasma”, elementos que la distinguen del típico menú de historias de crimen. El hecho de que los personajes no mantengan lazos de conocimiento previo y la revelación fragmentada de sus motivaciones fortalece el tono de incertidumbre y desconfianza, sumando competencia interna entre ellos y la amenaza de los verdaderos autores intelectuales.

Netflix afianza contenidos de género y elenco multigeneracional en su catálogo regional

La participación de Soledad Silveyra junto a talentos de generaciones posteriores, como Celeste Cid y Marco Antonio Caponi, responde a la intención del casting de cruzar públicos y capitalizar trayectorias reconocidas en cine y televisión de Argentina. El diseño de personajes prevé roles con perfiles definidos y dinámicas de incertidumbre permanente: “Ninguno de ellos confiará realmente en el otro y todos ocultarán algo”, adelantó la plataforma en la presentación oficial.

Con la producción en marcha, la serie se integra a una estrategia que otorga prioridad a proyectos de género criminal, acción y suspenso en los calendarios y ventanas de estreno de medio plazo, con expectativas de captar audiencias nacionales e internacionales. Netflix confirmó que en los próximos meses ampliará la difusión de materiales sobre la serie, mientras el rodaje, bajo la dirección de Nicanor Loreti, avanza en localizaciones seleccionadas dentro del país.

En Netflix hay un amplio menú de géneros de series. Uno que se mantiene vigente en cuanto a la preferencia del público es el de superación personal, ya que sus producciones suelen abordar o inspirarse en casos reales.

Solicitamos recomendaciones a los asistentes de inteligencia artificial Gemini y ChatGPT. Estas fueron sus 10 coincidencias, todas disponibles en la plataforma de streaming:

1. El Último Baile (The Last Dance)

Más que un documental sobre baloncesto, es una clase maestra sobre la mentalidad de ganar. Explora la disciplina casi inhumana de Michael Jordan y cómo convirtió el fracaso en combustible. Es ideal si buscas entender qué se necesita para ser el mejor en tu campo.

2. Las Cosas por Limpiar (Maid)

Esta miniserie es el retrato más crudo y honesto de la resiliencia. Sigue a una madre joven que escapa de una relación abusiva y trabaja limpiando casas para sobrevivir. Te enseña que la superación no siempre es un gran éxito público, sino la lucha diaria por la dignidad y un futuro mejor.

3. Gambito de Dama (The Queen’s Gambit)

Muestra el camino de una huérfana hacia la cima de un mundo dominado por hombres. Su valor reside en cómo aborda el autocontrol y la lucha contra las adicciones propias, demostrando que el mayor oponente de una persona suele ser ella misma.

4. Anne with an E

A través de los ojos de una niña huérfana con una imaginación desbordante, esta serie trata sobre la inteligencia emocional. Anne transforma su trauma en optimismo, enseñándonos a cambiar nuestra narrativa interna para cambiar nuestra realidad.

5. Start-Up

Este K-drama es perfecto para emprendedores. Se centra en jóvenes que intentan triunfar en el “Silicon Valley” coreano. Explica que el fracaso es un paso necesario y que el éxito requiere una mezcla de talento, ética de trabajo y el equipo adecuado.

6. Vivir 100 años: Los secretos de las Zonas Azules

Si tu idea de superación personal incluye la salud y el propósito, esta docuserie es vital. Analiza las comunidades donde la gente vive más tiempo, enseñándote que la longevidad depende de la conexión social, la alimentación y el sentido de comunidad.

7. Brené Brown: Sé Valiente (The Call to Courage)

Es un especial donde la investigadora Brené Brown explica por qué la vulnerabilidad es, irónicamente, nuestra mayor fortaleza. Te ayudará a entender que para superar miedos, primero hay que tener el valor de mostrarse tal cual uno es.

8. Suits (La ley de los audaces)

Aunque es un drama legal, el núcleo de la serie es la confianza en uno mismo. A través de personajes como Harvey Specter y Mike Ross, aprendes sobre negociación, manejo de crisis y la importancia de proyectar seguridad incluso cuando todo parece perdido.

9. Los 14 Ochomiles: No hay nada imposible

Sigue a Nimsdai Purja en su misión de escalar las 14 montañas más altas del mundo en tiempo récord. Es la definición gráfica de romper límites mentales. Cuando creas que algo es “imposible”, esta serie te hará cambiar de opinión.

10. La Playlist

Cuenta la historia de la creación de Spotify. Es una lección sobre innovación y persistencia. Muestra cómo un grupo de personas desafió a toda una industria musical estancada, recordándote que las grandes ideas requieren una ejecución obsesiva.

Un regreso renovado de la franquicia

La serie Elle significa el retorno de Legalmente Rubia a la televisión, centrando la mirada en los primeros años de vida de la protagonista. Elle Woods, quien fue interpretada en el cine por Reese Witherspoon, es encarnada en esta oportunidad por Lexi Minetree, una actriz que asume por primera vez un papel principal después de participaciones menores en televisión y cine. El avance presentado por Prime Video muestra la mudanza de la familia Woods a otra ciudad y cómo Elle se enfrenta al inicio en un instituto donde todo es nuevo y desafiante. La trama, situada en 1995, aprovecha la cultura pop y los códigos sociales de la época para añadir dificultades específicas a una protagonista que todavía ignora su futuro en Harvard.

Este regreso apuesta por la nostalgia, pero introduce un enfoque actualizado, en el que se busca conectar tanto con seguidores de la franquicia como con una nueva generación de jóvenes espectadores. La saga, referente de la comedia estadounidense de los años 2000, se adapta a los gustos actuales sin perder elementos distintivos como el humor y la promoción de la autonomía femenina. Reese Witherspoon participa como productora ejecutiva, reforzando el lazo entre ambas generaciones del personaje y proponiendo una visión compartida entre públicos de diferentes épocas.

Relaciones familiares y vida escolar

La historia de Elle se centra no solo en los conflictos escolares propios de la adolescencia, sino también en el papel fundamental de la familia durante los procesos de adaptación. Según la sinopsis oficial, la mudanza que impulsa la trama obliga a Elle a integrarse en nuevas reglas sociales y a encontrar su lugar entre compañeros, profesores y normas implícitas del entorno escolar de los noventa. Temas como amistades inestables, los pero aún así significativos primeros romances que entran en conflicto con las expectativas familiares, y las inseguridades de la adolescencia son puntos importantes en los episodios.

La familia se establece como un pilar central: June Diane Raphael y Tom Everett Scott interpretan a la madre y el padre de Elle, contribuyendo a una dinámica que, a lo largo de la temporada, se fortalece a medida que surgen nuevos desafíos. El guion resalta la relación entre madre e hija como fuente de fortaleza frente a las dificultades, creando escenas de unión y complicidad que, a nivel emocional, explican la evolución de Elle hacia la joven segura y perspicaz apreciada por el público.

Además, Elle debe lidiar con cuestiones de autoimagen y moda, temática que tradicionalmente ha caracterizado al personaje y que en la serie da pie tanto a situaciones humorísticas como a cuestionamientos internos sobre pertenencia y autenticidad.

Producción, reparto y expectativas de la serie

La producción de Elle comenzó en abril de 2025, con Jason Moore dirigiendo los dos episodios iniciales. El equipo detrás de la serie incluye a Laura Kittrell como creadora y showrunner junto a Caroline Dries. A la labor de Reese Witherspoon como productora ejecutiva se suman Lauren Neustadter, Marc Platt, Amanda Brown y Jason Moore. La renovación de la serie para una segunda temporada, incluso antes de su estreno, evidencia la confianza de Prime Video en el potencial de la franquicia.

El elenco, además de Lexi Minetree, cuenta con reconocidos actores de la televisión estadounidense, entre ellos Chloe Wepper, David Burtka, Brad Harder, Kayla Maisonet y Lisa Yamada. También participa James Van Der Beek, quien falleció recientemente en uno de sus últimos proyectos. Esta diversidad de edades y trayectorias favorece el objetivo de Prime Video de conectar con diferentes segmentos del público.

Personas cercanas a la producción destacan que Elle va más allá de la comedia tradicional, apostando por el desarrollo de una protagonista compleja, con defectos y virtudes, así como una evolución coherente con los valores de empoderamiento presentes en la saga original.

Relevancia para el público y renovaciones en la franquicia

La llegada de Elle a Prime Video se inscribe en una tendencia creciente de la industria audiovisual: la exploración de historias clásicas mediante precuelas que profundizan en los orígenes de los personajes principales. Esta estrategia permite expandir los universos narrativos y explorar etapas pocas veces tratadas, facilitando una nueva conexión entre la audiencia actual y figuras icónicas del pasado. En el caso de Elle Woods, la serie pretende destacar su faceta adolescente, con preocupaciones más cotidianas pero igualmente importantes para la formación de su identidad.

Uno de los retos principales para la producción ha sido evitar caer en clichés o recurrir a fórmulas ya vistas en entregas anteriores. El equipo creativo ha manifestado que el guion prioriza conflictos verosímiles y da profundidad a los personajes secundarios, evitando centrar toda la narrativa en torno al romance o la moda. Se espera que temas como la presión ejercida por el entorno social, la búsqueda de pertenencia y la autenticidad sean elementos centrales, estableciendo paralelos con problemáticas actuales que afectan a los jóvenes.

El próximo estreno de la serie genera expectativas tanto entre seguidores de Legalmente Rubia como en aquellos interesados en relatos de crecimiento personal y adaptación social. La confirmación de una segunda temporada antes del debut refuerza la posibilidad de que la adolescencia de Elle Woods siente las bases para una expansión sostenida del universo de Legalmente Rubia.

La serie Harry Potter, próxima a estrenarse en HBO, ha sido renovada oficialmente para una segunda temporada incluso antes de que los espectadores puedan ver la primera. El canal confirmó la noticia mientras avanza con los preparativos de producción: la segunda temporada adaptará el libro Harry Potter y la cámara secreta e incorporará una novedad en su equipo creativo, ya que Jon Brown se sumará como co-showrunner junto a Francesca Gardiner, quien actualmente lidera el proyecto.

El rodaje de la segunda temporada está previsto para esta primavera, con la intención de no perder continuidad tras el estreno de la primera, programado para el próximo 25 de diciembre. Esta estrategia refleja la ambición de HBO de rehacer toda la saga de J.K. Rowling en formato televisivo, abarcando una década y siete temporadas.

Plan a largo plazo de HBO para la saga

La decisión de HBO de renovar Harry Potter por una segunda temporada antes del lanzamiento de la primera refleja la seguridad y confianza de la cadena en el éxito de la franquicia. El plan, anunciado oficialmente por la compañía, contempla adaptar cada uno de los siete libros en temporadas independientes, cubriendo así todo el arco narrativo de la reconocida saga literaria. Warner Bros. Television será el estudio principal y la propia J.K. Rowling participará como productora ejecutiva, lo que garantiza que la adaptación conserve los elementos originales que han fascinado a generaciones de lectores y espectadores.

La primera temporada, titulada Harry Potter y la piedra filosofal, se encuentra en sus fases finales de producción y estará lista para estrenarse en Navidad. Esta entrega narrará el descubrimiento del joven Harry, interpretado por Dominic McLaughlin, al ingresar a Hogwarts y enfrentarse a su primer gran enemigo, marcando el inicio del universo mágico en televisión.

Novedades en el equipo creativo para la segunda temporada

Uno de los cambios más relevantes para la segunda temporada es la incorporación de Jon Brown como co-showrunner. Brown, conocido por su trabajo en series como Succession y Veep, ya participó como guionista en la primera entrega y ahora asumirá un rol más destacado colaborando directamente en la dirección y gestión creativa de la serie. Francesca Gardiner, quien continuará como showrunner principal, destacó la llegada de Brown, resaltando tanto su talento creativo como su calidad humana dentro del equipo. Además, señaló que sumar a un co-showrunner es fundamental para mantener el ritmo de producción y asegurar la calidad narrativa.

Por su parte, Brown manifestó entusiasmo por el reto y por trabajar junto a Gardiner y el equipo de HBO. Ambos buscan establecer un ritmo de producción ágil y coordinado: la primera temporada se finalizará antes de Navidad y la segunda comenzará a rodarse esta primavera, un cronograma exigente en una industria donde los retrasos y las dificultades técnicas son frecuentes. La decisión de compartir responsabilidades responde a la complejidad de la saga y a la expectativa de los fans por adaptaciones rigurosas y de alta calidad.

Repercusiones en la audiencia y expectativas

La noticia de la renovación y la ampliación del equipo creativo ha generado gran interés tanto entre los seguidores como en el sector televisivo. Para los millones de lectores y espectadores de Harry Potter, la adaptación a formato de serie representa una relectura minuciosa de los personajes, las tramas y el entorno. Esta vez, la producción contará con más tiempo y recursos para profundizar en aspectos que pudieron pasar inadvertidos en las películas.

La apuesta de HBO es que las series permitan atraer tanto a una nueva audiencia como a aquellos que sienten nostalgia por la saga cinematográfica. No obstante, persisten algunas incertidumbres: todavía no se ha anunciado quién interpretará a Lord Voldemort ni se han divulgado imágenes del elenco completo de la segunda temporada, lo que alimenta las especulaciones y expectativas en redes sociales. Tampoco ha quedado claro si habrá otros cambios, más allá de los equipos creativos, o modificaciones en el tono general de la serie, aunque la colaboración entre Gardiner y Brown sugiere un enfoque flexible y ajustado al desarrollo de la producción.

El objetivo de producir temporadas de forma continúa y sin grandes pausas es mantener la atención del público a lo largo de los años y evitar que el fenómeno pierda relevancia. De esta manera, HBO asume un compromiso importante: mantener la calidad y fidelidad de la adaptación durante una década marcada por el cambio tecnológico y los nuevos hábitos de consumo, compitiendo al mismo tiempo con otras plataformas y formas innovadoras de narrar historias.

La exitosa serie The Bear, creada por Christopher Storer y convertida en un fenómeno mundial desde su debut en 2022, llegará a su fin con la quinta temporada. FX y Disney+ han confirmado que su última entrega estará disponible a partir del 26 de junio, presentando sus ocho episodios de forma simultánea para el público internacional.

Este final representa el cierre de una serie que redefinió la dramedia culinaria, impulsó el reconocimiento de Jeremy Allen White como estrella y consolidó tanto a su elenco como a su narrativa entre las propuestas más destacadas de la televisión reciente.

Impacto de la serie y su influencia en la televisión

El anuncio del final de The Bear coincide con un momento de gran expectativa entre seguidores y críticos. La serie irrumpió en 2022 gracias a su retrato realista y conmovedor del mundo de la restauración, logrando atraer tanto a aficionados del género como a expertos culinarios y audiencias generales. Desde su lanzamiento, su impacto no ha dejado de crecer: la primera temporada obtuvo diez premios Emmy, incluyendo el de mejor comedia, y la segunda sumó once más.

Sin embargo, la tercera temporada, pese a contar con trece nominaciones, no logró obtener galardones. Estos resultados reflejan una evolución singular para una serie que surgió gracias al boca a boca y que terminó convirtiéndose en un referente cultural. La influencia de The Bear se percibe en otras producciones que buscan replicar su combinación de drama humano y tensión profesional.

El elenco, además, ha incrementado su prestigio a lo largo de las temporadas. Jeremy Allen White, figura central durante las primeras cuatro entregas, se ha consolidado como protagonista. Ayo Edebiri (Sydney), Ebon Moss-Bachrach (Richie) y Abby Elliott (Natalie) han sido reconocidos tanto por la industria como por el público. La presencia de invitados destacados como Olivia Colman, Sarah Paulson, Bob Odenkirk y John Mulaney también ha sumado atractivo a la serie.

Nuevos conflictos y desafíos en la temporada final

La última temporada introduce una dinámica completamente diferente para los espectadores: la historia continúa justo después de que Carmy (Jeremy Allen White) decide dejar el sector, poniendo el futuro del restaurante en manos de Sydney, Richie y Natalie. De acuerdo con la sinopsis oficial, el trío deberá afrontar la falta de recursos económicos, la amenaza de una posible venta y una tormenta que pondrá a prueba su perseverancia. La meta es clara: alcanzar, tras años de esfuerzo, la codiciada estrella Michelin.

Este reto resalta tanto la faceta profesional de los personajes como sus lazos personales y la relevancia del trabajo en equipo, manteniéndose fiel a los temas principales de la serie. Así se reafirma uno de los mensajes originales de The Bear: el verdadero valor de un restaurante no está solo en su cocina, sino especialmente en las personas que lo forman.

Lanzamiento y estrategia en Disney+ y Hulu

El estreno simultáneo de todos los episodios de la temporada final responde a una estrategia que ha acompañado a la serie desde sus inicios: facilitar el maratón y fomentar el debate inmediato en redes sociales, consolidando su posición como evento mediático. Hulu y Disney+, encargados de la distribución internacional y para el público hispanohablante, apuestan por replicar el éxito de las temporadas anteriores utilizando el modelo que incentivó la conversación en torno a The Bear.

Junto con el anuncio del final, se presentó el episodio especial Gary, protagonizado por Ebon Moss-Bachrach y Jon Bernthal. Este episodio actúa como un flashback que explora la relación entre Richie y Mikey durante un viaje de trabajo inesperado. El capítulo fue lanzado por sorpresa como preludio de la última temporada, fortaleciendo el vínculo con los personajes antes del desenlace. Esta estrategia ha generado tanto entusiasmo como incertidumbre entre los seguidores, quienes inicialmente temieron un retraso en el estreno de la temporada final. No obstante, la fecha confirmada tranquiliza a la audiencia, evidenciando una planificación cuidadosa por parte de FX y Disney+ para mantener la expectación hasta el cierre de la serie.

El reparto está encabezado por Mads Mikkelsen (al que conocemos por películas como Otra ronda y que estará presente lo nuevo de Martin Scorsese) y Hugh Dancy, acompañados por intérpretes como Gillian Anderson, Laurence Fishburne, Joe Anderson, Caroline Dhavernas y Rutina Wesley.

Estrenada originalmente en Estados Unidos a través de NBC entre 2013 y 2015, Hannibal es una adaptación libre del personaje creado por Thomas Harris, famoso por la novela El silencio de los corderos. La serie fue desarrollada por el guionista estadounidense Bryan Fuller, conocido por anteriores trabajos en títulos como Tan muertos como yo y Criando malvas.

Un thriller psicológico sofisticado y radical

La producción destacó por una cuidada dirección de arte, un guion centrado en el thriller psicológico y elementos de drama y misterio, así como por un notable nivel de violencia explícita. En España, las temporadas se emitieron inicialmente en AXN.

La trama se centraba en la compleja relación entre el agente del FBI Will Graham (Hugh Dancy), dotado de una capacidad especial para empatizar con asesinos en serie, y el psiquiatra Hannibal Lecter (Mads Mikkelsen), quien desde el principio actúa como colaborador en las investigaciones policiales ocultando su verdadera identidad como asesino y caníbal. La química entre los protagonistas y el desarrollo de personajes fueron factores clave para consolidar el estatus de culto de la serie, a pesar de su cancelación tras tres temporadas.

El propio Mads Mikkelsen ha reiterado su interés en retomar el proyecto, ya que piensa que el guion puede dar un salto en el tiempo para seguir el destino de los personajes. El guionista estadounidense Bryan Fuller tampoco ha descartado una eventual cuarta temporada si surgiera la oportunidad.

Uno de los aspectos más destacados de la serie se encuentra en su aproximación visual y argumental. La producción cuenta con escenas que alcanzan un notable grado de sofisticación visual para la televisión generalista, en parte gracias a la franja horaria estelar (prime time) elegida para su emisión en Estados Unidos: el horario de las 22:00 horas permitió mostrar una mayor crudeza en pantalla.

Y es que el creador apostó por una propuesta visual y conceptual que se alejaba de la simple adaptación, proponiendo una relectura radical del universo literario concebido por Thomas Harris. Desde la fase de producción, Fuller advirtió a cineastas como Vincenzo Natali, David Slade o Neil Marshall (que se encargaron de la dirección) que cada episodio debía plantearse como “una película de autor pretenciosa”, un enfoque que establece el tono distintivo de la serie y su distancia respecto a la ficción de corte tradicional. Así, la producción ofreció una estética operística que convierte cada crimen en una pieza de arte visual y cada cena en una naturaleza muerta de aire siniestro.

Una obra de culto de lo más valorada

Como curiosidad, el diseño de producción incorporó la colaboración del reconocido chef español José Andrés como “asesor culinario caníbal”, encargado de instruir al equipo técnico sobre la preparación de platos de carne humana para lograr escenas de cocina asociadas al personaje de Hannibal Lecter con la máxima verosimilitud.

Pese al entusiasmo del público especializado, las audiencias en directo nunca acompañaron a la serie en Estados Unidos, lo que derivó en su cancelación. Esta circunstancia ha reforzado la percepción de que Hannibal pertenece a ese reducido grupo de ficciones “injustamente canceladas”, cuyas tramas y personajes continúan generando debate.

Actualmente, la serie cuenta con una puntuación de 8,5/10 en el portal especializado IMDb y 7,4/10 en la base de datos española Filmaffinity. Estas cifras sitúan a Hannibal al nivel de otras producciones destacadas del género, como True Detective, Mindhunter o Dexter. La nueva disponibilidad en Filmin, tras su paso intermitente por plataformas como Netflix y tiendas digitales de alquiler, representa una gran oportunidad para descubrirla.

El arribo de Off Campus materializa uno de los movimientos estratégicos de mayor alcance para Prime Video en el segmento YA-romance. La producción recurre a Louisa Levy y Gina Fattore como co-showrunners, con la participación ejecutiva de la misma Kennedy y la productora Temple Hill, responsable de franquicias como Twilight y The Fault in Our Stars. La autora no intervino en el guion, pero sí supervisó cortes finales y autorizó la expansión creativa sobre personajes originales. La narrativa se apoya en el tropo enemigos a amantes, anclado en la relación entre Hannah Wells, interpretada por Ella Bright, y Garrett Graham, a cargo de Belmont Cameli.

El dato industrial clave y diferencial es la confirmación anticipada de una segunda temporada, decisión revelada por Friedlander a Variety, que refuerza el modelo de franquicia y proyección a largo plazo de la marca Off Campus. Este enfoque permite articular la estructura antológica: cada temporada prevé adaptar uno de los libros principales, con fichajes abiertos y personajes episódicos preparados para consolidarse o rotar en protagonismo, a semejanza de la secuencia narrativa que define la saga literaria.

Estrategia industrial de Amazon Prime Video: formato, estructura y renovación anticipada

La temporada inaugural constará de ocho episodios y toma como base el libro The Deal (El Pacto), publicado primero en 2015 bajo autopublicación por Kennedy. La trama centraliza el vínculo entre una estudiante de música, condicionada por sus inseguridades, y el capitán del equipo universitario de hockey, recurriendo a motivos de beneficio mutuo y dinámicas del romance contemporáneo juvenil. De este modo, Prime Video refuerza su posición como comprador de derechos de bestsellers literarios, un movimiento ya observado en títulos como The Summer I Turned Pretty.

La propiedad intelectual obtuvo su desarrollo junto a Billings Productions y Temple Hill, asegurando la colaboración de equipos experimentados en sagas juveniles. El elenco central incorpora, junto a Bright y Cameli, a Josh Heuston (Justin), Antonio Cipriano (John Logan), Stephen Kalyn (Dean Di Laurentis), Jalen Thomas Brooks (John Tucker) y Mika Abdalla (Allie), con nombres como Steve Howey y Khobe Clarke en roles secundarios. Deadline informó en noviembre de 2025 la incorporación de 18 actores recurrentes, sin especificar asignación de papeles, explicitando la apuesta por una red abierta que habilita futuros spin-offs.

La campaña promocional inició en marzo de 2026 con la publicación del primer teaser, que integró material adaptado puntualmente desde el texto original y promocionó una edición especial de portada con las imágenes de Bright y Cameli. Prime Video planea que el lanzamiento de Off Campus capitalice la tendencia New Adult y romance universitario, sectores que han dejado de ser nicho para transformarse en motor de consumo y retención juvenil.

Adaptación musical, narrativa y ecosistema editorial

Otro componente diferencial reside en el desarrollo de secuencias musicales inéditas, con la intervención de Amy Allen, compositora ganadora de Grammy, quien creó canciones originales para la serie. Ella Bright figura como intérprete de los temas de su personaje, afianzando la convergencia entre la narrativa audiovisual y el entorno musical, y buscando ampliar su atractivo a nuevos consumidores más allá de los lectores iniciales.

La saga Off Campus, desde el lanzamiento de The Deal en 2015, acumula más de tres millones de ejemplares vendidos y ha impulsado el subgénero hockey romance, principalmente a través de redes como BookTok. Kennedy cimentó el universo de Briar University tomando deliberadamente el entorno deportivo universitario como eje, factor que contribuyó al éxito transversal de la franquicia tanto en el mercado estadounidense como internacional.

El formato de adaptación, con temporadas que prevén cubrir secuencialmente los cinco tomos principales, mantiene aún bajo reserva el arco argumental definitivo y la fecha de inicio de rodaje de la continuación. El modelo antológico adoptado otorga flexibilidad argumental y financiera, clave para la retención en la plataforma y la diversificación de posibles producciones derivadas dentro de la propiedad intelectual.

Disney+ ha confirmado la fecha de estreno de la quinta y última temporada de El Oso de Disney+, la serie ganadora de múltiples premios Emmy, que llegará al catálogo el 25 de junio con sus ocho episodios disponibles en simultáneo. Con este anuncio exclusivo, la plataforma cierra el calendario de lanzamiento del ciclo final de uno de sus títulos de mayor audiencia en el segmento de drama contemporáneo. El dato se suma a la estrategia de difusión que en la última semana incluyó el inesperado lanzamiento de Gary, un episodio especial de una hora presentado como título independiente y disponible para el público de habla hispana desde hoy.

La producción de FX, creada por Christopher Storer y realizada por FX Productions, eligió inaugurar la campaña del tramo final con el estreno en streaming internacional de Gary, un flashback que transcurre fuera de la línea temporal habitual de la serie y que sirve como precuela narrativa. El episodio, coescrito y protagonizado por Ebon Moss-Bachrach y Jon Bernthal en los papeles de Richie y Mikey, respectivamente, ha sido dirigido por Storer y se presentó en las plataformas Hulu y Disney+ como una búsqueda independiente, marcando una diferencia de formato respecto al lanzamiento habitual de episodios.

Formato inédito y apuesta de producción con Gary

El episodio especial Gary se grabó en secreto y fue concebido para funcionar de manera autónoma al margen de la estructura tradicional de la serie. El material invita al espectador a descubrir los antecedentes de los personajes Richie y Mikey antes de los eventos originales de The Bear, sumando elementos de comedia y drama mientras narra un viaje de trabajo a Gary, Indiana. Esta producción profundiza en la psicología de Mikey y expande la caracterización de Richie, facilitando el reencuadre de la narrativa global a partir de sus vínculos y su entorno social.

Moss-Bachrach agradeció a la comunidad de Gary, Indiana, y de Chicago —ciudad clave en el desarrollo temático de la serie— por la colaboración durante el rodaje: “Hacer esto fue un sueño hecho realidad. Gracias a la gente hermosa de Gary, Indiana, y, como siempre, Chicago, Illinois.” La iniciativa del reparto y la incorporación conjunta de Bernthal como coguionista y protagonista se destacaron en redes sociales como ejemplos de expansión transmedia en la producción original de FX.

El cierre de un ciclo y la estrategia detrás de la quinta temporada

Con el anuncio del estreno para el 25 de junio, la quinta temporada de El Oso da inicio a su episodio inaugural en forma de flashforward: la trama comienza la mañana siguiente a la repentina salida de Carmy (Jeremy Allen White) de la industria gastronómica, dejando el futuro del restaurante en manos de Sydney (Ayo Edebiri), Richie y Natalie “Sugar” (Abby Elliott). Según la sinopsis oficial, los nuevos socios afrontan la falta de liquidez, el riesgo inminente de venta y una tormenta prevista mientras intentan conseguir una estrella Michelin en el último servicio.

El elenco principal suma a Lionel Boyce, Liza Colón-Zayas y Matty Matheson, junto con las participaciones de Ricky Staffieri, Oliver Platt, Will Poulter y Jamie Lee Curtis. El apartado ejecutivo incluye a Christopher Storer, Josh Senior, Cooper Wehde, Tyson Bidner, Matty Matheson, Hiro Murai y Rene Gube, con Courtney Storer a cargo de la supervisión culinaria.

Este estreno finaliza la trayectoria serial que FX confirmó en julio de 2025: “The Bear sigue siendo una de las favoritas de los fans en todo el mundo y su respuesta a esta temporada, como lo demuestra su altísima audiencia, ha sido tan espectacular como cualquiera de las temporadas anteriores.” La serie clausura su recorrido desmarcándose de las prácticas tradicionales de emisión al consolidar un cierre narrativo y abrir la posibilidad de futuras producciones derivadas a partir del recibimiento de Gary.

Hay actores y actrices que está destinados a ser recordados por un único papel. No es el caso de Meryl Streep (Nueva Jersey, 1949), que a sus 76 años puede presumir de haber protagonizado cintas tan memorables como Los puentes de Madison, El diablo viste de Prada, Mamma mia o La dama de hierro, entre muchas otras. De hecho, Streep forma parte de ese pequeño porcentaje de actores que ha ganado tres premios Oscar y ha estado nominada 21 veces.

Con una extensísima carrera en cine tras su debut en Broadway en los años 70, la actriz también ha tenido tiempo de destacar en televisión. Una de sus interpretaciones más brillantes llegó con Ángeles en América, una ambiciosa miniserie de HBO estrenada en 2003, dirigida por el legendario Mike Nichols, director de obras de teatro como Descalzos por el parque o películas como El graduado o Quién teme a Virginia Woolf?, y basada en la célebre obra teatral de Tony Kushner, ganadora del Premio Pulitzer.

Considerada por muchos críticos como una de las mejores miniseries de todos los tiempos, esta producción de apenas seis episodios consiguió reunir a un reparto irrepetible encabezado por Al Pacino, la propia Streep y Emma Thompson.

Disponible en HBO, Movistar Plus+ y Prime Video

Ambientada en la Nueva York de los años 80, en plena era Reagan, Ángeles en América retrata los problemas sociales, sexuales y religiosos que afrontaba Estados Unidos, a medida que la crisis del VIH y el SIDA cobraba fuerza. La miniserie comienza con Prior Walter (Justin Kirk), confesándose a su amante Lou (Ben Shenkman) que ha contraído la enfermedad. Tras comunicarle la noticia, este lo abandona. Al mismo tiempo, el espectador conoce a Joe Pitt (Patrick Wilson), un abogado mormón atrapado entre sus creencias religiosas y su orientación sexual, y al poderoso Roy Cohn (Al Pacino), un hombre que oculta su homosexualidad por vergüenza y razones religiosas.

Precisamente es Pacino quien firma una de las actuaciones más impactantes de toda la serie gracias a su interpretación de Roy Cohn, personaje que le valió alzarse con Emmy y un Globo de Oro. Meryl Streep interpretó a tres personajes distintos: Hannah Pitt, Ethel Rosenberg, el Rabino y el Ángel de Australia. Su trabajo también fue premiado con un Globo de Oro.

La serie está basada en Angels in America: A Gay Fantasia on National Themes, obra de teatro escrita por Tony Kushner y estrenada en 1991. Dos años más tarde recibió el Premio Pulitzer al mejor Drama, galardón destinado para una obra de un dramaturgo estadounidense. Ese mismo año también se alzó con el Premio Tony a Mejor obra de Broadway, el más alto galardón del teatro en Estados Unidos.

El prestigio de Ángeles en América no solo se refleja en los premios que acumuló tras su estreno, sino también en la valoración que mantiene a día de hoy entre crítica y público. En Rotten Tomatoes, la miniserie cuenta con un espectacular 91% de aprobación por parte de la crítica especializada, una muy similar a los espectadores: un 90%. Un reconocimiento que confirma el enorme impacto de una obra que, más de dos décadas después, sigue considerándose imprescindible.

Según la premisa oficial, esta ficción aborda la historia de Elle Woods mucho antes de sentirse como un “pez fuera del agua” en Harvard. Se ambienta en 1995, cuando está “sumergida en las turbulentas aguas de sus estudios de bachillerato”.

En el avance se muestra lo idílico de su estilo de vida hasta que su padre le da una noticia que lo cambia todo: la familia deberá mudarse desde Los Ángeles a Seattle. En este contexto, la protagonista encuentra detractores y nuevos desafíos que anticipan lo que vivirá más adelante en la universidad.

“A pesar de todo, Elle utiliza a su familia como su guía y fortalece aún más el vínculo con su madre, demostrando que pueden superar cualquier obstáculo que la vida les ponga enfrente siempre que se tengan la una a la otra. Con cada desafío que enfrenta, Elle se acerca más a la versión de Elle Woods que todos conocemos y amamos hoy”, indica la sinopsis de Prime Video.

Una nueva Elle Woods

Esta vez, la actriz Reese Witherspoon deja el rol de protagonista y pasa a tomar la función de productora. Según contó en una entrevista, Elle surgió de su interés por explorar una etapa previa del personaje. “Vi esa serie de Merlina Addams y pensé: ‘Deberíamos hacer a Elle Woods en la secundaria’, porque quería ver quién era antes de la universidad, antes de la escuela de derecho”.

Al anunciar el proyecto en 2024, declaró: “Los fans podrán conocer cómo Elle Woods navegó su mundo como adolescente con su personalidad distintiva e ingenio, de maneras que solo nuestra querida Elle podría hacerlo. ¿Qué podría ser mejor que eso?”.

La elegida para relevarla fue Lexi Minetree, de 25 años, tras un proceso de casting abierto que reunió miles de audiciones.

“Lexi simplemente destacó. En el momento en que la vimos, lo sentimos. Fue algo muy mágico”, afirmó la productora Lauren Neustadter en declaraciones recogidas por ELLE magazine.

Según la revista, Minetree preparó su audición para Elle Woods con una recreación del video de admisión a Harvard que aparece en la película original. Ese material llamó la atención del equipo creativo. La actriz también estudió en detalle el personaje para construir una versión que respete su esencia.

Asimismo, el elenco incluye a June Diane Raphael como la madre de Elle y a Tom Everett Scott como su padre. La serie amplía la presencia de estos personajes en comparación con la película. También figuran nombres como Gabrielle Policano, Jacob Moskovitz, Chandler Kinney y Zac Looker en papeles recurrentes.

La serie fue creada por Laura Kittrell, quien ejerce como co-showrunner junto a Caroline Dries. En la producción ejecutiva participan Reese Witherspoon, Lauren Neustadter, Marc Platt y Amanda Brown. Jason Moore dirige los primeros episodios.

El rodaje comenzó en abril de 2025. Antes de su estreno, Prime Video también confirmó que producirán una segunda temporada. Esa tanda de episodios comenzaá a filmarse en la primavera de este año.

Elle, la serie precuela de Legalmente Rubia, se estrenará el 1 de julio.

Un nuevo entorno y conflictos sin resolver

Aunque Yellowstone concluyó con Beth y Rip comprando un rancho en Dillon, Montana, Dutton Ranch sitúa la acción en el sur de Texas. Allí intentan construir un nuevo hogar lejos de los conflictos pasados, pero la aparición de un cadáver desencadena una serie de eventos que los lleva a enfrentarse con la familia Jackson.

Según el tráiler, la dinámica de poder y venganza será el eje central de la temporada, en un contexto donde los lazos familiares son fuertes y el perdón es escaso. De acuerdo con el resumen oficial, el costo de la supervivencia “podría ser tu alma”. Esta ambientación en Texas no solo representa un cambio de paisaje, sino que también amplifica los dilemas morales para los protagonistas.

Viejos conocidos y nuevas amenazas

El elenco de Dutton Ranch incluye a personajes ya familiares como Finn Little (Carter) y suma nuevas figuras destacadas como Ed Harris y Annette Bening, quien interpreta a la principal antagonista. También se unen actores como Juan Pablo Raba, Jai Courtney, J.R. Villarreal, Marc Menchaca y Natalie Alyn Lind, quienes aportan nuevas fuerzas al drama, llevando la historia más allá del ámbito de los Dutton.

La tensión aumenta a medida que Beth y Rip deben moverse entre códigos de honor locales y enfrentamientos violentos por el control de la tierra. El hallazgo del cuerpo, que es el núcleo del primer episodio, introduce un misterio que rápidamente complica la vida de los protagonistas y pone de manifiesto la crudeza del entorno texano.

Producción, dirección y desafíos futuros para la franquicia

Dutton Ranch fue creada por Taylor Sheridan y John Linson, los creadores originales de Yellowstone. Chad Feehan, quien se desempeñó como showrunner y productor ejecutivo de la primera temporada, no continuará en la segunda temporada, lo que podría traer cambios creativos en el futuro. Christina Alexandra Voros, además de su papel como productora ejecutiva, ha dirigido el episodio inicial y el final de temporada, lo que señala su relevancia en el desarrollo narrativo y visual de la serie. La producción está a cargo de Paramount Television y 101 Studios. El lanzamiento contempla la emisión de dos episodios el 15 de mayo, seguidos por estrenos semanales hasta completar los nueve capítulos previstos.

El conflicto de Beth y Rip amenaza con desestabilizar la aparente seguridad de la frontera texana, estableciendo un nuevo enfoque para las franquicias de drama rural. Alejada de la épica paisajística de Yellowstone, la región sur de Texas se presenta como un territorio más sombrío, en el que los crímenes afectan no solo a los antiguos Dutton, sino también a una comunidad entera cuya vida está regida por el poder y el miedo. El estreno de Dutton Ranch representa algo más que la continuación de una saga: es la reinvención de una historia de violencia y supervivencia bajo nuevas reglas.

El nuevo reporte de métricas de la plataforma confirmó que la historia protagonizada por Griselda Siciliani encabezó el ranking semanal en Argentina, Chile, Costa Rica, Uruguay y Paraguay, mientras que obtuvo un lugar sostenido en el Top 10 de otros nueve mercados, entre ellos España, Colombia y Venezuela. De acuerdo con la actualización publicada por Netflix, la serie figuró en la lista semanal de países de América y Europa, extendiendo el alcance regional del proyecto producido por Adrián Suar.

La clasificación en el Top 10 global de habla no inglesa respalda el recorrido de Envidiosa como uno de los casos más notorios de expansión para una comedia argentina dentro del ecosistema de streaming internacional. El equipo liderado por Adrián Suar como creador y Diego Andrasnik como productor ejecutivo mostró un alineamiento entre alcance comercial y narrativa local, recibiendo una respuesta inmediata en la audiencia global.

El volumen de visualizaciones brindó a la producción un parámetro de éxito cuantificable en el contexto de lanzamientos recientes de series latinoamericanas, posicionando a Envidiosa sobre otros títulos de la región según la métrica oficial de la plataforma para la semana posterior a su lanzamiento.

El recorrido final y su impacto en la industria del streaming argentino

Netflix acompañó la presentación de la última temporada con la publicación de un video con material inédito del rodaje, centrado en la dinámica entre Griselda Siciliani y el elenco durante el cierre de la serie. El contenido audiovisual permitió acercarse al ambiente que se vivió en la etapa final de producción y mostró tanto el trabajo con el equipo técnico como la interacción cotidiana dentro del set.

La composición del equipo creativo sumó a Daniel Barone y Alejandro Ibáñez en la dirección, un guion a cargo de Carolina Aguirre, y la producción ejecutiva de Suar y Andrasnik. La estructura incluyó a Ivana Polonsky como productora, Guillermo Zappino en fotografía y Juan Blas Caballero en música original.

Según el comunicado oficial, la selección y dirección del elenco reunió nombres reconocidos local y regionalmente, con especial participación de Julieta Cardinali, Benjamín Vicuña y Leticia Siciliani. El diseño técnico, bajo la dirección de Paula Beltrami (arte) y Lorena Díaz (vestuario), reforzó la apuesta estética de la serie en un cierre que buscó diferenciarse tanto en lo visual como en el tono narrativo.

La dinámica de la última temporada y perfil de equipo de producción

La cuarta temporada presentó a Vicky, interpretada por Siciliani, enfrentando una nueva estructura familiar al convivir con el personaje de Matías y su hijo Bruno. La trama abordó temas de maternidad, vínculos no tradicionales y la reconfiguración de los lazos afectivos, con Carolina Aguirre a cargo del desarrollo del guion.

El equipo técnico incluyó a José E. Caldararo en dirección de sonido, Natacha Valerga y Alejandro Parysow en montaje, y una coordinación de producción a cargo de Camila Fanego Harte. En la supervisión musical, el crédito fue para Marcelo Gasió, mientras que en maquillaje y peinado se destacaron Verónica Sabbatini y Federico Robledo.

La estrategia de promoción implementada por Netflix contempló la actualización semanal de visualizaciones y rankings, reflejando el estándar de transparencia para nuevos lanzamientos. La relación entre el renovado enfoque estético de la serie y la repercusión internacional consolida una tendencia de expansión para las comedias argentinas en plataformas.

En el reparto principal, además de Siciliani, participaron Esteban Lamothe, Pilar Gamboa, Violeta Urtizberea, Marina Bellati, Bárbara Lombardo, Lorena Vega, Susana Pampín y Adrián Lakerman. La presencia de figuras invitadas como Julieta Cardinali, Benjamín Vicuña y Leticia Siciliani sumó volumen de audiencia adicional y consolidó la presencia multiestelar del cierre de temporada, que figura como uno de los lanzamientos con mayor repercusión industrial para una producción argentina en la primera mitad de 2026.

La plataforma FX sorprendió a los seguidores de The Bear con el lanzamiento de un episodio especial titulado “Gary”, presentado desde el miércoles como un título independiente en Hulu. El capítulo, fuera de la secuencia habitual de la serie, se centra en Richie (Ebon Moss-Bachrach) y Mikey (Jon Bernthal) durante un viaje de trabajo a Gary, Indiana. La descripción oficial indica que el episodio explora la relación compleja entre ambos personajes, revelando aspectos sobre el estado mental de Mikey y ofreciendo contexto sobre la personalidad de Richie, tal como aparece en la primera temporada de The Bear. El objetivo es sumar matices y reencuadrar la historia desde el inicio. El guion fue escrito en colaboración por Moss-Bachrach y Bernthal, mientras que la dirección estuvo a cargo de Christopher Storer, creador de la serie. Según informó Moss-Bachrach en Instagram, este especial no está integrado en el catálogo de episodios, sino que debe buscarse bajo el nombre “Gary” en Hulu o Disney+.

En su publicación, Moss-Bachrach escribió: “¡Primos! ¡Primos! ¡Primos! Prepárense para GARY. Estamos muy emocionados de, por fin, compartir esta pequeña aventura con Richie y Mikey. Escrito por mí y por Jon Bernthal. Dirigido por el único Christopher Storer. Hacer esto fue un sueño hecho realidad. Gracias a la gente hermosa de Gary, Indiana, y como siempre, de Chicago, Illinois. Busquen ‘Gary’ en HULU o DISNEY+.”El actor expresó su entusiasmo por compartir esta historia y agradeció tanto a la comunidad de Gary, Indiana, como a la de Chicago, Illinois, por su apoyo durante la producción.

The Bear cuenta entre sus productores ejecutivos a Christopher Storer, Josh Senior, Joanna Calo, Cooper Wehde, Tyson Bidner, Matty Matheson, Hiro Murai y Rene Gube. La serie es producida por FX Productions, con Courtney Storer como coproductora ejecutiva y productora culinaria. El episodio “Gary” fue concebido como una experiencia autónoma, permitiendo a los espectadores acercarse al pasado de los personajes sin necesidad de un orden específico de visualización. El formato de flashback facilita la exploración de la psicología de Mikey y la evolución de Richie, elementos clave en la narrativa de The Bear.

La mejor previa de la quinta temporada

El estreno de “Gary” sucede antes del lanzamiento de la quinta temporada de The Bear, planeado para junio, siguiendo la tradición de temporadas previas, aunque FX no ha confirmado una fecha precisa. La expectativa sobre el final de la serie ha crecido tras las declaraciones de Jamie Lee Curtis, quien sugirió que la quinta temporada será la última, aunque ni FX ni Storer lo han confirmado oficialmente. Este episodio mantiene el interés de los seguidores y amplía el universo narrativo de The Bear en la antesala de la nueva temporada. “Gary” también responde a la demanda del público por conocer en profundidad el trasfondo de personajes secundarios.

La reacción en redes sociales ha sido inmediata, con comentarios positivos sobre la iniciativa de Moss-Bachrach y Bernthal de escribir juntos el episodio. El hecho de que “Gary” esté disponible como búsqueda independiente en Hulu y Disney+ ha generado curiosidad y debate sobre el formato y su potencial repetición en futuros contenidos derivados de The Bear. El mensaje de Moss-Bachrach en Instagram no solo anunció el estreno, sino que también agradeció a las comunidades de Gary y Chicago por su colaboración, enfatizando el vínculo de la serie con los entornos urbanos que inspiran su trama. De este modo, “Gary” se presenta como un complemento que amplía la visión original de The Bear y enriquece la experiencia de los seguidores.

El rodaje de la cuarta temporada de The White Lotus ha transformado la Riviera Francesa y el Festival de Cannes en el epicentro de su narrativa. Con un presupuesto cercano a 120 millones de dólares, la producción se plantea como la apuesta más ambiciosa que ha recreado el certamen internacional de cine y sus alrededores, extendiéndose durante siete meses entre la Costa Azul y París. Tal y como revela Variety, el equipo ha elegido locaciones emblemáticas, como el Château de la Messardière en Saint-Tropez, rebautizado para la serie como White Lotus du Cap, el Hôtel Martinez —escenario de White Lotus Cannes— y el Hôtel Lutetia en París, para rodar interiores que refuercen la atmósfera de lujo y rivalidad que caracteriza la trama.

El despliegue logístico ha sido extraordinario. Mientras algunos miembros del elenco y equipo técnico se alojan en hoteles palaciegos frente al mar, otros operan desde exclusivas residencias en las colinas. El Château de la Messardière se cerró completamente al público, sellando sus 13 hectáreas de jardines y restringiendo el acceso con vigilancia discreta, mientras los vehículos del equipo se mantenían alejados para reducir el impacto visual. El plan de rodaje contempla utilizar los espacios más icónicos de Cannes una vez que finalice el festival real, permitiendo a la producción recrear con fidelidad la atmósfera del evento, desde la alfombra roja hasta los salones del Palais des Festivals. El objetivo es capturar la esencia del festival sin interferir en el tráfico de celebridades ni en la masiva afluencia turística, empleando además estudios y hoteles históricos de París para completar las escenas interiores.

La serie, conocida por su mirada satírica sobre el poder y los privilegios, ha reforzado en esta temporada la sátira de la industria cinematográfica. La trama enfrenta a dos equipos rivales de cineastas estadounidenses que llegan a Cannes con películas en competencia y motivaciones personales, desplegando sus tensiones entre hoteles de lujo y la intensa vida social del festival. Según el productor David Bernad, la decisión de establecer la acción en Cannes surgió tras una experiencia con el personal de un restaurante local: “Tuvimos una vivencia muy específica con un camarero y un maître, y era el estereotipo”, señaló en el festival Canneseries. Esta anécdota cristalizó la idea de que la dinámica entre el servicio francés y los visitantes internacionales podía convertirse en un eje cómico y revelador para la serie.

Uno de los sucesos más comentados durante la preproducción fue el reemplazo de Helena Bonham Carter. White había escrito el papel de una estrella venida a menos que busca su regreso triunfal, y la actriz británica fue la primera elegida para el rol. Sin embargo, tras casi una semana de grabaciones, Bonham Carter abandonó el proyecto por “diferencias creativas” relacionadas con la intensidad que White exigía en la interpretación. El papel fue asignado entonces a Laura Dern, que ya había colaborado con White en la serie Enlightened y la película Year of the Dog. Según fuentes de la industria, este cambio se produjo rápidamente y permitió a la producción mantener su ritmo, integrando a Dern en un personaje que ocupará un lugar similar dentro del reparto coral.

Vincent Cassel será el nuevo manager

El elenco suma otros nombres destacados, como el francés Vincent Cassel, quien interpreta al director del hotel, y actrices locales como Nadia Tereszkiewicz y Laura Smet. Smet incluso abandonó un proyecto televisivo local para unirse a The White Lotus. El elenco internacional se completa con figuras como Sandra Bernhard, Steve Coogan, Kumail Nanjiani y Rosie Perez. La serie continúa explorando el choque entre culturas, ahora acentuado por la atmósfera de Cannes, donde la fama y el estatus marcan cada interacción. “¿Quién tiene la atención del mundo, quién es el acompañante en una relación, quién detenta el poder y cómo eso configura la dinámica?”, planteó Bernad sobre el eje temático de la temporada.

La llegada de The White Lotus a Cannes no ha pasado inadvertida para los residentes, aunque el fenómeno no tiene la misma magnitud en Francia que en Estados Unidos. Antes de la llegada de HBO Max como servicio independiente, la serie se emitió por Prime Video y Canal+, lo que limitó su penetración en el público local. En cafés y bares de Saint-Tropez, las reacciones oscilaron entre el desconocimiento y la indiferencia. No obstante, los castings abiertos para extras, pieza clave para recrear la multitud del festival, han atraído a numerosos habitantes. Un trabajador de un snack bar relató que, tras ver la convocatoria en Facebook, se presentó junto a amigos y logró un papel como guardia de seguridad. Dentro del sector audiovisual, la expectativa es mayor. Actores franceses se presentaron en masa a las audiciones, y la participación de Cassel ha generado interés en la prensa y el gremio. El equipo de producción ha elogiado la franqueza de los técnicos franceses y la calidad del servicio durante las jornadas de rodaje, resaltando detalles como la presencia de copas de vino en las mesas aun cuando no se sirva alcohol.

La ciudad de Cannes, por su parte, desplegó una estrategia para atraer la producción tras perder la oportunidad de la segunda temporada, grabada finalmente en Sicilia. Con el apoyo del director artístico de Canneseries, Albin Lewi, las autoridades locales simplificaron trámites y ofrecieron facilidades logísticas, permitiendo que la serie grabe durante cerca de 50 días y genere más de 17.000 noches de hotel. La alcaldía considera que alojar un rodaje de esta magnitud revitaliza la ciudad y proyecta su imagen internacionalmente. Mientras tanto, la producción de The White Lotus interrumpirá su actividad en la Costa Azul durante el verano turístico para trasladarse a París, antes de regresar en otoño y completar el ambicioso retrato de un festival cuya leyenda inspira tanto a la industria como a los espectadores.

Sus poderes debían ayudar a la gente, una consigna que tenía siempre presente luego de que el tío Marcos le dijera que todos tenemos un don, y que cuando lo compartimos con los demás, no solo iluminamos su vida, sino que también iluminamos la nuestra.

Aquel hombre con bigotes de filibustero no presenció los acontecimientos aciagos ni los infortunios familiares; tampoco vio correr lágrimas por las mejillas de Clara, ya convertida en esposa de Esteban Trueba. Su cadáver llegó a la casa familiar en un carruaje, lo cual desató un escándalo en los patios. Aquel personaje, que para Clara representó la aventura, la imaginación y la conexión con lo inusual en su infancia, fue interpretado por Juan Pablo Raba, con quien Infobae tuvo una entrevista.

“El tío Marcos era simplemente como un faro, una pequeña luz que aparecía para darle a Clara la tranquilidad de poder convivir con sus poderes en calma. Creo que su participación es perfecta para eso”, dijo el actor colombiano, quien señaló además que la presencia de su personaje trasciende la memoria histórica de la serie.

Este hombre aventurero y soñador es una de las representaciones del realismo mágico que puede apreciarse en ‘La Casa de los Espíritus’. Sin embargo, no se pudo plasmar en su verdadera dimensión si se compara con la novela ‘La casa de los espíritus’, de Isabel Allende.

Por ejemplo, en la novela se narra que de uno de sus viajes regresó trayendo piezas de madera, metal y tela. Con ellas construyó un avión semejante a un pájaro prehistórico con el propósito de volar. Contra toda lógica, logró elevarse frente a una multitud maravillada y se perdió entre las nubes.

Si bien se omitieron varios pasajes de realismo mágico en esta primera adaptación en español de la novela de Allende, la llegada de Juan Pablo Raba al set de filmación tuvo sus propios matices de ese género, según el propio actor.

“Mi llegada fue parte del realismo mágico de la misma historia, por cómo se dio todo, cómo me fui y por el poco tiempo que tuvimos para construir al tío Marcos. Cuando aterricé, me puse el vestuario y automáticamente él estaba ahí. Yo estoy muy acostumbrado a trabajar mis papeles durante meses. No sabes la cantidad de cosas que hago para encarnar un personaje, pero para este no tenía ese tiempo. Casi que lo creé en los aviones de camino a Chile”, contó el también productor.

Tras esa declaración, recordó una frase de su padre que cobró sentido cuando ya estaba inmerso en el proyecto: “No te tomes tan en serio”.

“Yo creo que el tío Marcos no se toma tan en serio. Sé que suena extraño decirlo así, porque pareciera que no es profesional, pero lo que hice fue crearlo desde la libertad, desde el juego. Cuando entré a filmar mi escena no había nada muy definido y lo construimos todo en el momento. Jugué y me retroalimenté completamente del trabajo de Francesca Turco (Clara), quien es una actriz fenomenal”, sostuvo.

Esa ligereza habría estado presente también cuando Juan Pablo leía su libreto, una actitud que contrasta con la seriedad que sí se cristalizó cuando narró el audiolibro de ‘Cien años de soledad’, de Gabriel García Márquez.

Durante ese trabajo descubrió pasajes como el de Remedios la bella, quien, mientras ayuda a doblar unas sábanas en el patio, simplemente comienza a levitar y se eleva hacia el cielo en cuerpo y alma, llevándose las sábanas con ella. O el de la muerte de José Arcadio Buendía, el patriarca y fundador del pueblo, tras la cual el cielo hace su propio duelo y llueven diminutas flores amarillas durante toda la noche.

Muchos elementos del realismo mágico sí se trasladaron al audiolibro, situación que no se repitió en la producción de Prime Video. Al respecto, resulta pertinente dar a conocer una declaración de Isabel Allende: “Hay ciertas cosas que son muy difíciles de reproducir en la imagen. Por ejemplo, el realismo mágico, que funciona bien en la literatura, pero no en una imagen”.

Para el actor colombiano, la adaptación no tiene una deuda pendiente con el libro original. “Yo creo que una novela tan amplia siempre va a dejar algunas interrogantes y no podemos contarla desde todos los puntos de vista”, aseveró.

Conforme uno avanza en la serie, es probable que más de uno se plantee preguntas sobre el accionar de los personajes. Por ejemplo, surge la duda de por qué no se tomaron ciertas medidas ante una escena de violencia contra la mujer. “Pensemos en los traumas generacionales que ha traído el patriarcado, el machismo. Creo que si bien parte de algo local, se vuelve universal, porque los dolores y los miedos se parecen mucho”, dijo Juan Pablo a este medio.

“Ojalá que esta producción nos abra los ojos. Nosotros, como región, tenemos muchas historias que contar, pero pareciera que siempre nos dejamos llevar por los regionalismos y pensamos que un colombiano no va a entender a un peruano y un peruano no va a entender a un argentino. ¿Cómo no? Si hablamos el mismo idioma, ¿por qué no nos vamos a entender? Por supuesto que podemos entendernos. Tenemos mucho que contar y nos parecemos mucho”, agregó.

Netflix ha confirmado que la serie El agente nocturno, protagonizada por Gabriel Basso y creada por Shawn Ryan, concluirá con su cuarta temporada, actualmente en proceso de rodaje. El anuncio se produce después de semanas de rumores y especulaciones entre los seguidores y la prensa especializada, y marca el final de una de las producciones más reconocidas del género de acción y espionaje en la plataforma. La última temporada aún no tiene una fecha oficial de estreno, pero se caracterizará por el traslado de la producción de Nueva York a Los Ángeles y la incorporación de nuevos miembros al elenco.

Recepción y legado de la serie dentro del género de acción

Desde su lanzamiento, El agente nocturno se consolidó como uno de los thrillers más exitosos en el catálogo de Netflix, destacando tanto en cifras de audiencia como en la recepción crítica. Basada en la novela del mismo nombre de Matthew Quirk, la trama sigue a Peter Sutherland, un agente del FBI de bajo perfil cuya vida cambia radicalmente cuando recibe una llamada que lo involucra en una gran conspiración en el núcleo del gobierno estadounidense. Cada temporada mantuvo un nivel notable de suspenso y acción, lo que le permitió atraer a una audiencia fiel, aunque se observó una disminución en el número de espectadores en las entregas más recientes. Pese a esta reducción, el interés persistente en la serie y la valoración positiva de algunos ejecutivos sobre aspectos creativos de la tercera temporada llevaron a la decisión de realizar una última serie de capítulos.

Desde la productora, Shawn Ryan afirmó que el desenlace de la serie fue planeado para asegurar un cierre satisfactorio, evitando las cancelaciones imprevistas que han afectado a otras producciones de Netflix. Ryan expresó: “He estado obsesionado con ofrecer finalmente una conclusión adecuada y emocionante a la serie y al viaje de Peter Sutherland. Estoy muy agradecido con Netflix y Sony Pictures Television por asociarse conmigo…”. Los seguidores, atentos a los desarrollos de la historia, esperan que la cuarta temporada resuelva los cabos sueltos tras la travesía de Peter Sutherland, que lo llevó desde un teléfono olvidado en el sótano de la Casa Blanca hasta los niveles más altos del poder político.

Cambios en la producción: traslado de Nueva York a Los Ángeles

Una de las modificaciones logísticas más relevantes de la última temporada es el traslado del rodaje desde Nueva York, donde se filmaron las temporadas dos y tres, hacia Los Ángeles. Este cambio, con repercusiones tanto en la organización de la producción como en la economía local, responde en parte a la concesión de un incentivo fiscal de 36,6 millones de dólares por parte del estado de California a Sony Pictures Television. Así, gran parte del equipo técnico y artístico se ha desplazado hacia la costa oeste de Estados Unidos, movimiento que fue considerado como una noticia positiva después de que Los Ángeles perdiera protagonismo frente a otras regiones en la producción audiovisual.

El cambio de ubicación de la producción también ha generado expectativas sobre posibles transformaciones en los escenarios y la ambientación de la narrativa final de la serie, lo cual podría aportar un elemento adicional para los seguidores de El agente nocturno. La decisión de Netflix y Sony Pictures Television de aprovechar los incentivos fiscales refleja una práctica cada vez más común entre los grandes estudios para optimizar los gastos en series de presupuesto elevado, circunstancia que puede repercutir en la calidad visual, el elenco y la producción en general.

Incorporación de nuevos actores en la última temporada

El elenco de la cuarta temporada incluirá nuevamente a Gabriel Basso en el papel central de Peter Sutherland, e incorporará a actores como Titus Welliver, Trevante Rhodes, Li Jun Li y Elizabeth Lali. Estas nuevas incorporaciones, que se sumarán para el desenlace de la historia, sugieren la aparición de personajes que podrían desempeñar funciones relevantes en la resolución de la trama y en el destino de los protagonistas principales.

Hasta el momento, Netflix no ha difundido detalles específicos acerca del argumento de la temporada final ni ha dado a conocer información sobre los roles que desempeñarán las nuevas incorporaciones. Sin embargo, entre los seguidores ya existen especulaciones sobre los posibles desenlaces y la manera en que Shawn Ryan concluirá la historia. El habitual hermetismo de estas producciones aumenta la expectativa en torno a cómo se resolverán los hilos argumentales pendientes y si el final estará a la altura de las primeras temporadas.

Consecuencias para la industria y la audiencia

La decisión de Netflix de terminar El agente nocturno en su cuarta temporada surge en un entorno en el que la plataforma ha sido criticada por cancelar abruptamente series de éxito, dejando historias incompletas y generando decepción entre los usuarios. En este caso, la intención del creador de ofrecer un final planificado y satisfactorio representa una respuesta a dichas críticas y un gesto de respeto hacia la audiencia fiel de la serie.

Por otro lado, California espera que el traslado de la producción beneficie temporalmente a su economía y refuerce a la región como centro de la producción televisiva de alto nivel. Para los seguidores, el anuncio del final representa la oportunidad de acompañar a Peter Sutherland en su última aventura; quienes más se beneficiarán serán aquellos que valoran los desenlaces satisfactorios y cohesionados, algo que se percibe cada vez menos frecuente en la era de las plataformas de streaming.

A lo largo de su carrera, Denzel Washington nos ha regalado varios papeles memorables, aunque en los últimos tiempos haya pasado a un cine de acción pura con sagas como The Equalizer. Esta faceta del actor la descubrimos en una de las películas más valoradas de su carrera, El fuego de la venganza, de Tony Scott. Con este título estrenado en 2004, el actor dio vida al guardaespaldas John Creasy, en una adaptación de la novela de A. J. Quinnell que se convertiría ipso facto en uno de los grandes referentes de los thrillers de acción contemporáneos.

No era la primera vez que alguien adaptaba el libro de Quinnell. Scott Glenn y Joe Pesci ya protagonizaron una versión a finales de los 80, pero la idea resultó en un fracaso. Con Denzel Washington cambió la ambientación (se pasó de Italia a México), se cambiaron personajes (Creasy pasa a ser un hombre mucho más oscuro y perdido) y, sobre todo, cambió el tono: El fuego de la venganza pasó a ser una historia mucho más violenta, que ahora, más de dos décadas después, ha vuelto como uno de las novedades más exitosas de Netflix de la temporada.

Y es que la historia de Creasy ha vuelto a tomar impulso con la serie también llamada El fuego de la venganza, que, pese a solo llevar una semana disponible en el catálogo de la plataforma, ya es la más vista en 58 países. El protagonista ya no es Denzel Washington, sino Yahya Abdul-Mateen II, a quien ya le vimos madera para el cine de acción cuando encarnó a Morfeo en Matrix Resurrections.

La serie de El fuego de la venganza narra de nuevo la historia de John Creasy, un antiguo miembro de las fuerzas especiales que sufre un severo trastorno de estrés postraumático tras una misión fallida. La trama se desencadena cuando unos terroristas siembran el caos en Río de Janeiro, obligando a Creasy a lanzarse en una carrera contrarreloj para proteger a Poe (Billie Boullet), la única superviviente del atentado que acaba con la vida de su excompañero Paul Rayburn (Bobby Cannavale).

El relato de la serie no se limita solo al primer libro de Quinnell, sino que incorpora elementos de la secuela, lo que amplía el universo del personaje y le da mayor recorrido argumental al que habíamos visto en las películas anteriores. En siete episodios de una hora, la producción dirigida por Steven Caple Jr. (encargado de los dos primeros capítulos) ofrece una visión actualizada del clásico de acción, con una puesta en escena que ha sido aplaudida por su fotografía y por el retrato crudo de una ciudad marcada por la corrupción y la violencia cotidiana.

La serie retrata con estética renovada a un John Creasy que, marcado por su pasado y el peso de sus cicatrices, se enfrenta al desafío de sobrevivir en un entorno hostil y de proteger a quienes se cruzan en su camino, mientras el espectador asiste a una persecución implacable por los bajos fondos de Brasil. Queda en el aire la posibilidad de una segunda temporada, aunque, visto el éxito que ha tenido la producción tras su lanzamiento, es más que probable que los guionistas se pongan a trabajar en ello más pronto que tarde.

En 2026, pagar por ver series y películas en casa ya no es una sola suscripción, sino una pequeña suma de cuotas mensuales. Netflix sigue marcando el precio alto del mercado, Amazon Prime Video conserva la posición de servicio económico y Movistar+ continúa apostando por un modelo más amplio, que mezcla televisión, cine, series y paquetes con otras plataformas. Es por ello que repasamos los precios y planes de algunas de las plataformas más importantes de nuestro país para este 2026.

Netflix ha vuelto a subir su peso en la factura del entretenimiento. En España, sus tarifas más recientes sitúan el plan con anuncios en 8,99 euros al mes, el plan Estándar en 14,99 euros y el Premium en 21,99 euros, una cifra que refuerza su imagen de plataforma más cara entre las grandes del streaming. La subida confirma una tendencia que ya venía notándose desde 2025: el servicio de referencia en catálogo también es el que más exige al bolsillo.

Amazon Prime Video sigue jugando en otra liga. Su gran baza continúa siendo el precio contenido, con una tarifa que se mantiene muy por debajo de los planes premium de la competencia y que, en muchas comparativas, aparece como la opción más barata entre las plataformas de gran consumo, con 4,99 € al mes o 49,90 € al año. Eso le permite seguir siendo la suscripción de entrada para muchos hogares, sobre todo para quienes priorizan el coste frente al catálogo más amplio o las funciones avanzadas.

Movistar+ y los cambios en otras plataformas

Movistar+ mantiene su propio terreno dentro del mercado español. La oferta básica parte de 11,99 euros al mes, pero el precio real se eleva cuando se añaden paquetes de ficción, cine o deportes, y especialmente cuando se combinan servicios con Netflix. En esas combinaciones, las tarifas publicadas en 2026 van desde 26 euros al mes en las opciones más sencillas hasta 39 euros en los planes con Netflix Premium. La subida de enero ha consolidado a Movistar+ como una propuesta más cercana al paquete televisivo completo que al streaming puro. La plataforma también ha movido ficha en 2026 con una nueva suscripción más barata, lanzando el Plan Libre: Cine y Series, una modalidad por 4,99 euros al mes que elimina el deporte del paquete y se centra en cine, series, programas de entretenimiento y documentales. La oferta llega como una alternativa más ligera frente al plan general de 9,99 euros al mes, que sigue disponible para quien quiera una propuesta más completa.

A ese mapa se suman otras plataformas que completan la factura mensual. Disney+ se mueve en 2026 entre 6,99 y 15,99 euros al mes, según el plan elegido, mientras HBO Max aparece entre 6,99 y 13,99 euros. SkyShowtime también ha ajustado sus tarifas este año y sigue figurando entre las alternativas más baratas, con planes que parten de 5,99 euros al mes. Apple TV+ se sitúa en torno a los 9,99 euros mensuales, una franja intermedia que la deja por encima de las ofertas más básicas, pero por debajo de los planes más caros de Netflix.

La conclusión es clara: el streaming de 2026 ya no se mide por una plataforma, sino por el conjunto de suscripciones que cada hogar decide mantener. Netflix fija el techo, Amazon Prime Video contiene el suelo y Movistar+ transforma la televisión de pago en un paquete híbrido que compite por valor añadido más que por precio puro. En un mercado cada vez más fragmentado, la pregunta ya no es qué servicio elegir, sino cuántos se pueden sostener al mismo tiempo sin que la factura se dispare.

Ahora Prime Video también ha apostado por la adaptación de otro clásico del realismo mágico, la primera novela de Isabel Allende que la catapultó a la fama y en la que contaba la historia de una familia a través de varias generaciones hasta desembocar en un Golpe de Estado que no dejaba de ser un trasunto del que perpetró Pinochet y terminó con la vida de su tío, Salvador Allende.

La novela quedó incrustada en el imaginario colectivo casi de forma inmediata gracias a la originalidad de la propuesta: la sucesión de mujeres con nombres que evocaban la pureza (Nívea, Clara, Blanca, Alba) que tienen que soportar la violencia de los hombres, los poderes sobrenaturales de la protagonista, las imágenes poéticas que entroncan con el realismo más salvaje...

La dificultad de adaptar ‘La casa de los espíritus’

En 1993 se hizo una adaptación a cargo de Billie August con un reparto de auténtico lujo, con Meryl Streep, Jeremy Irons, Glenn Close, Winona Ryder y Antonio Banderas. No fue bien recibida por la crítica, quizás porque era demasiado complicado contar en una película la intrincada red familiar que proponía Isabel Allende en la novela.

Ahora se ha optado por el formato serie, más apropiado para dar forma a cada uno de los hilos argumentales y otorgar el espacio necesario a los personajes e ir trazando sus respectivas biografías. En la dirección encontramos a Francisca Alegría y Fernanda Urrejola y, por el momento, en Prime Video se han emitido los tres primeros capítulos, que se centran en Clara del Valle (que encarnará en su juventud Nicole Wallace y más tarde Dolores Fonzi), la niña clarividente que se casará con Esteban Trueba, un hombre despótico acostumbrado a ejercer el poder patriarcal en su entorno de la manera más violenta.

Como ocurría con Cien años de soledad, no era fácil trasladar el relato a imágenes. La serie de Netflix consiguió una adaptación exquisita, aunque tratándose de novelas tan totémicas, siempre habrá quienes rechacen la propuesta.

Una propuesta correcta, pero carente de riesgo

En el caso de La casa de los espíritus se ha optado por el academicismo más aplicado. No se puede decir que haya sorpresas, que la serie tenga una identidad propia, sino que siempre está supeditada al texto y al respeto absoluto.

He aquí el problema. La serie es correcta, pero carece de personalidad propia. No es que sea una crítica, tratándose de un material tan complicado, solo que hay demasiada prudencia para una obra que resulta en su lectura tan torrencial como desatada.

Los tres primeros episodios nos introducen en el universo de la familia del Valle: de la madre Nívea (Aline Küppenheim), el padre (Eduard Fernández), la hermosa Rosa con sus cabellos verdes (Chiara Parravicini) y la pequeña Clara, capaz de mover objetos con la mente y dotada con el don de la premonición.

La historia la contará Alba, la nieta de Clara, que acaba de sobrevivir a las torturas del nuevo régimen dictatorial y buscará cobijo en su antigua casa, entre fantasmas que le dirán que tiene que contar la historia de la familia para encontrar su propia identidad.

El poder patriarcal del género masculino

Entre premoniciones, malos augurios y presencias fantasmagóricas, la figura de Esteban Trueba (Alfonso Herrera) emergerá para simbolizar la violencia masculina. En su propiedad Las tres Marías, ejercerá la violación sistemática de las mujeres que trabajan para él, engendrando una prole que comenzará con Pancha García (Noelia Coñuenao) y su primogénito ilegitimo, que se llamará Esteban.

Todo está plasmado de una manera exquisita, tanto lo bello como lo escabroso, los pasajes más poéticos como los más incómodos. Pero falta una chispa de riesgo que singularice la propuesta, que la eleve a una categoría superior.

A la espera de los próximos capítulos, por el momento nos quedamos con ganas de seguir descubriendo cómo se desarrollará la trama, aunque la primera parte de la novela de Allende, siempre ha sido la más icónica.

Muy a favor de cómo se enfatiza con mayor intensidad la tiranía y el impacto devastador de Esteban sobre la familia, especialmente por las consecuencias a largo plazo de sus crímenes sexuales y la perpetuación de desigualdades de clase que, al fin y al cabo, son uno de los ejes que atraviesan la novela.

La serie Leyendas se ha posicionado como la nueva apuesta de Netflix para el drama criminal británico, ambientada en la infiltración real de agentes de aduanas en bandas de narcotráfico en el Reino Unido durante la década de 1990. La producción se fundamenta en la historia inédita de cómo el Her Majesty’s Customs & Excise implementó la creación de identidades ficticias —denominadas “legends”—, seleccionando a funcionarios públicos sin experiencia previa en espionaje para integrarlos en operaciones encubiertas de alto riesgo. El showrunner Neil Forsyth, conocido por The Gold, lidera este proyecto de seis episodios con Tom Burke, Steve Coogan y Charlotte Ritchie al frente del elenco.

La serie surge tras un proceso de investigación directa con los protagonistas reales de la operación. Forsyth documentó que el equipo de desarrollo realizó entrevistas con agentes encubiertos, accedió a transcripciones judiciales y archivos periodísticos y consolidó relatos para adecuar la narrativa a la estructura de la ficción televisiva. El trabajo de Adam Fenn, investigador del proyecto, permitió construir una versión dramatizada fiel a los hechos, aunque adaptada a seis capítulos. Las fuentes consultadas destacan el alto costo personal y la ambivalencia emocional que enfrentaron los involucrados al asumir esta reinvención profesional bajo peligro constante.

De acuerdo con Forsyth, la presión para responder a la crisis provenía del despacho de la primera ministra Margaret Thatcher. El Ejecutivo encargó directamente a Aduanas la misión de frenar la entrada de heroína al país, originando así una convocatoria interna para seleccionar candidatos dispuestos a cruzar “la frontera gris” de la ley mediante la creación de identidades alternativas respaldadas por documentación oficial, vehículos y objetos incautados. El proceso dio prioridad a empleados en sus treintas con trayectorias laborales rutinarias y aspiraciones no satisfechas, quienes, según el guionista, “veían en la misión una vía de reinvención personal al precio de una exposición extrema al riesgo”.

Asimismo, la construcción de los personajes ficticios responde a una consolidación de múltiples experiencias reales. Forsyth detalló que figuras como Kate (Hayley Squires) representan los perfiles de leyendas de origen obrero, motivadas por el impacto social del narcotráfico en su entorno; Bailey, creado a partir de varias entrevistas, evidencia el proceso de adaptación y crecimiento en el rol encubierto; y Erin reúne las características de quienes apoyaron las operaciones con labores de investigación y gestión documental estatal. La dinámica entre estos personajes responde a la verosimilitud operativa y a la necesidad de explorar la dimensión psicológica y legal del trabajo encubierto.

El dispositivo narrativo y el enfoque de producción

El equipo liderado por Neil Forsyth y sus responsables de departamento optó por priorizar la autenticidad visual del drama recurriendo a localizaciones reales. El rodaje implicó una inusual movilidad de la producción, lo que, según el showrunner, supuso un reto logístico comparable con una “carpa ambulante”. La decisión de grabar en espacios prácticos buscó mantener la calidad cinematográfica y la tensión documental, permitiendo mostrar visualmente el carácter imprevisible de la operación secreta.

El proceso de escritura integró elementos de la cultura británica de los 90, como la inclusión de camisetas de fútbol históricas, insertadas estratégicamente como guiños personales del creador. Forsyth puntualizó que la serie evita la estructura tradicional de “héroes y villanos”, brindando una representación matizada de los personajes criminales, algunos de los cuales —como Mylonas— colaboran con aduanas sin dejar de pertenecer al mundo criminal.

El proyecto tiene en Steve Coogan al reclutador Don, un personaje resultado de la fusión de dos figuras reales a las que el guionista entrevistó extensamente. La gestión de un equipo sometido a presión psicológica compone una parte central de la trama. La evolución de la serie también muestra los efectos del trabajo encubierto en las relaciones familiares, reflejado en la pareja formada por Guy (Tom Burke) y Sophie (Charlotte Ritchie).

Estrategia de lanzamiento y posicionamiento industrial

Legends estará disponible en Netflix a partir del jueves 7 de mayo, con todos sus episodios accesibles desde esa fecha. El anuncio posiciona a la serie como la apuesta principal del gigante del streaming en el género de true crime dramático británico para la primera mitad de 2026, reforzando la tendencia de adaptar investigaciones históricas recientes en formatos de alta producción.

El reparto incluye a Hayley Squires, Aml Ameen, Douglas Hodge y Jasmine Blackborow, formando un equipo multidisciplinar con experiencia en proyectos de drama y crimen de alto perfil. El desarrollo de Leyendas pretende no solo reconstruir la operación clandestina dirigida por aduanas, sino también integrarse en el catálogo de series que reformulan el fenómeno del crimen organizado para un público global.

La narrativa documental de la serie, sustentada en fuentes inéditas, aporta un diferencial en la exploración audiovisual de la lucha antidrogas durante una de las crisis más graves del Reino Unido en el siglo XX.

El nombre de Luis Zahera es actualmente inseparable del cine y la televisión española, con una presencia constante en numerosos proyectos. En los últimos meses, ha destacado por su papel en Zeta, donde interpreta a un agente del CNI, y por su participación en la segunda temporada de Clanes, recientemente estrenada en Netflix. “Tengo que aprender a decir que no, pero me da ansiedad pensar que, cuando pare, no me voy a adaptar a volver a trabajar”, reconocía el actor no hace mucho en una entrevista en El Hormiguero.

Lo cierto es que Zahera ya se ha sumergido de lleno en nuevos proyectos. Además de seguir con el espectáculo de humor de Chungo, un monólogo con el que ha pasado ya por varios teatros en España, el intérprete ya está trabajando en la continuación de otro de sus éxitos más recientes: la segunda temporada de Animal, la comedia ambientada en un pueblo de Galicia que se convirtió en un éxito internacional.

El éxito de esta serie en la que Zahera interpreta a un veterinario que pasa de trabajar en el campo a intentar adaptarse a los rimos urbanos en una tienda de mascotas dirigida por su sobrina Uxía, hizo que Netflix anunciara su renovación menos de tres semanas después de su estreno. Por aquel entonces, la producción acumulaba casi 15 millones de visualizaciones.

Salirse del registro habitual

Entre los atractivos de la serie, se encontraba la posibilidad de ver al actor en un cambio total de registro. Acostumbrados a verlo en personajes oscuros como los de Celda 211 o As bestas, o en la piel de carismáticos secundarios como los de El reino o Que Dios nos perdone, su papel protagonista en Animal es mucho más distendido y simpático.

“En España se encasilla mucho a los actores. A veces da la sensación de que si te manejas bien en un registro, no se fían de ti para otro. Por eso me alegra tanto que confiaran en mí para Animal. Es un personaje muy distinto, un ‘bueno’ lleno de contradicciones. Me recuerda al doctor House. Yo estoy encantado”, confesaba él mismo en una entrevista con La Vanguardia.

Las nuevas temporadas de Animal: rodaje simultáneo y fichaje de Álvaro Mel

Tal y como ya se ha adelantado, la segunda temporada girará en torno al lanzamiento de un servicio de entierros para mascotas, un negocio que traerá prosperidad económica pero también revelará un secreto que podría alterar la estabilidad alcanzada por Antón y su entorno. Durante varias semanas, se realizaron castings para contar con figurantes que reforzaran la ambientación local de la serie.

Pero Zahera no se encuentra solo rodando una temporada más de Animal. Netflix ha confirmado el rodaje simultáneo de la segunda y tercera temporada de la serie. De momento no hay una fecha oficial para su estreno, pero recientemente se han anunciado incorporaciones destacadas, como la de Álvaro Mel (a quien hemos visto hace poco estrenar Cochinas en Prime Video). Este intérprete se unirá al dúo protagonista dando vida a Mike, el gerente de la clínica Kawanda Urban en Santiago de Compostela.

Episodios anteriores

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• REVIEW | Invincible - Temporada 4 - Episodios 4 y 5: El infierno está encantador

Episodios 6, 7 y 8: La hora de las decisiones

Invincible entrega los últimos tres capítulos de esta temporada con una performance aún mejor que la anterior y elevando una calidad que ya de por sí era muy alta. Es increíble que el plan de Robert Kirkman y sus asociados, de poder sacar una temporada anual, esté siendo realizado con estos estándares y es algo muy poco común en la industria, algo para valorar en este tiempo donde las series tardan varios años para realizar su siguiente temporada.

Todavía vamos por poco más de la mitad del arco narrativo que tienen los cómics, así que podemos estimar que Invincible planea tener un arco de aproximadamente ocho temporadas. Es cierto que por momentos, y en esta temporada es bastante notorio, se decide acotar el presupuesto de animación en pos de capítulos que no requieren tanto pulido como otros, pero es un precio justo a pagar en pos de la periodicidad y la constancia de esta serie que en cuatro temporadas, siempre ha cumplido.

Este arco final de Invincible podría tranquilamente considerarse una película larga, un enfrentamiento final entre nuestros protagonistas y los Viltrumitas, con conflictos morales, escenas de acción grandilocuentes y la batalla más ambiciosa que esta serie nos dio hasta el momento. No me tiembla el pulso al decir que hay algunos efectos de combate animados que están entre lo más top que vi en este tipo de producciones; lo que está relacionado con lo que decía antes: se nota mucho que en pos de brindar estos momentos y la constancia anual, Invincible se permite tener episodios “más tranquilos” en cuanto a pulido de animación.

A su vez, este final no sólo plasma el fin de una era para las primeras cuatro temporadas de Invincible sino también deja un punto y aparte para toda la trama que se construyó en esa temporada. Nuevamente y quizás de una forma más profunda que antes, esta serie da borrón y cuenta nueva y nos deja un montón de interrogantes sobre qué es lo que sucederá en las siguientes temporadas, más teniendo en cuenta que aún falta la mitad de la narrativa general en ser adaptada.

El elenco, como siempre, cumple y acompaña a la buena calidad que presenta este serie. Mención especial para Lee Pace como Thragg, este emperador viltrumita que con una sola temporada se ha ganado el lugar como uno de los villanos más temibles de la franquicia y un personaje memorable. Seguramente veamos más de él al pasar las temporadas, y dejó una huella similar a lo que Conquest (Jeffrey Dean Morgan) logró en la temporada anterior.

A mi modo de ver, el gran acierto de esta temporada de Invincible está en el último episodio. En una época donde hay un reciclaje constante de grandes ideas y conflictos que se presentan a los personajes, la problemática que se le plantea a Mark y que debe resolver en el momento me parece espectacular. No tiene respuesta, no hay opción correcta ni hay forma de escapar. Es simplemente tomar la mejor decisión posible en el momento y pone al espectador en un lugar interesante de reflexión sobre qué haría en su lugar.

En ese aspecto, me parece bastante más similar al conflicto moral que plantea Attack on Titan como obra que al que puede ofrecer, por ejemplo, The Last of Us. El uso de la responsabilidad como concepto y la necesidad de tomar una decisión que, aunque no es buena, aún así se presenta como la mejor en base a las opciones que tenemos. Es una resolución muy bien construída en una temporada que, aparte, fue muy dinámica en su ritmo.

Creo que el cierre de esta temporada es el que más contento me dejó hasta el momento. Lo tuvo todo, y como plus, fue completamente inesperado. El último capítulo te deja un sabor amargo en la boca y las ganas de querer ver mucho más de este universo, mientras que por la espalda muchísimas situaciones se están cocinando y dan para desarrollar en lo que vendrá.

En un momento en el que muchas series de superhéroes, longevas también y apuntadas para un público más adulto, están intentando cautivar al público que perdieron, Invincible camina lento y fuerte. Con calidad, con constancia y sobre todo con una excelente historia que contar. Estaremos allí el año que viene para ver cómo sigue todo esto.

La ficción tiene una deuda histórica con las mujeres. Especialmente con la representación de su deseo y con la posibilidad de vivir su sexualidad fuera de la culpa, el castigo o la hipersexualización desde una mirada masculina, pues se ha dicho durante décadas que “el placer ha sido cosa de guarras”. Cochinas, la nueva ficción de Prime Video que ha llegado a la plataforma este viernes 24 de abril —tras su paso por el Festival de Málaga fuera de concurso— viene a darle la vuelta a la tortilla para hablar de liberación sexual femenina, de consentimiento, de educación sexual, con el porno, una industria extremadamente machista, como telón de fondo.

Protagonizada por Malena Alterio, Álvaro Mel y Celia Morán —que debuta en televisión por primera vez tras curtirse en el teatro—, esta comedia de ocho capítulos se sitúa en Valladolid, año 1998. Nines (Alterio) es una ama de casa rígida, católica, apostólica y romana que lo que mejor sabe hacer son croquetas. Pero cuando su marido Mariano (Chani Martín) entra en coma y queda a cargo de su videoclub al borde de la quiebra, tiene que hacer frente a un negocio que es un agujero negro económico.

Para ello debe renovarlo o morir, y es precisamente en el porno donde encuentra un filón. Porque, recordemos, “España está llena de guarros y de pajilleros”. Para conseguirlo cuenta con dos de los no-empleados del Dorothy: la deslenguada y revolucionaria Chon (Morán), un alma avanzada para la época, y Agu (Mel), un cinéfilo (y cacho de pan) que irá descubriéndose a sí mismo. El reparto coral lo completan Albert Baró, Celia de Molina, Esperanza de la Encarnación, David Castillo o Raquel Pérez, entre otros.

Entre lo clandestino y lo escandaloso, este establecimiento de barrio se convierte en el primer videoclub porno de Valladolid. Y eso sí, sin blanquear la pornografía. Cochinas es una serie kamikaze y llena de capas, pero que en ningún momento cae en tópicos, sino que se encarga de destruirlos con mimo, precaución y mucha inteligencia.

Pese a lo vulgar y el exceso de algunas escenas —depende de la sensibilidad del espectador, motivo por el que a inicio de cada episodio se lanza un aviso—, a medida que suceden los capítulos, la serie dinamita muchos de los conceptos hombrecentristas que todavía resuenan a día de hoy. Eso sí, el espectador no encontrará un tono sórdido y oscuro, sino todo lo contrario, es pura luz.

Irene Behoyo (Todos los lados de la cama) y Carlos del Hoyo (Señoras del (H)AMPA, Mariliendre) son los creadores y guionistas de esta ficción que arranca tratando la relación de las mujeres con el porno como consumidoras. “¿Dónde están los guarros? ¡Si España está llena de guarros!“, se lamenta una desesperada Nines, que todavía no sabe que su público objetivo es otro.

De hecho, la serie surgió a raíz de leer una noticia que decía que durante el COVID se había incrementado en un 60% el consumo de pornografía en España frente al resto del mundo, que había sido un 11%. El dato que les llamó la atención fue que entre las mujeres se había duplicado. “La idea original era hacer una radiografía sexual de toda una nación. El despertar sexual que vivió España a lo largo de un siglo entero, desde los albores del porno en los años 20 hasta hoy en día con OnlyFans. Cuando acotamos, decidimos trasladarnos a la década de los 90, que además fue la época dorada del porno”, apunta el guionista.

Y en esto se apoyaron para construir la serie. “Para intentar contar una historia sobre liberación sexual, nos quisimos remontar a una época en la que existía muchísimo analfabetismo”, explica Del Hoyo, que apunta que, para su generación, la educación sexual estaba en el consultorio de la revista Súper Pop, programas como En tu casa o en la mía y el porno. Ahí encontraron un caldo de cultivo perfecto para contar “una historia de mujeres que empiezan a compartir sus intimidades, que empiezan a explorarse y a descubrirse sexualmente, y sobre todo, que empiezan a desestigmatizar el placer, que siempre ha sido considerado de guarras". “Que los hombres vean porno, que se toquen, muy bien. Eso es lo natural. Pero las mujeres no”, ironiza su compañera.

Por todo esto, es importante ver la serie hasta el final. A medida que se desarrollan las cuatro horas de la ficción, se van desgranando multitud de aspectos, que van desde la menopausia hasta el consentimiento. Por este motivo, un guion tan complejo solo puede cobrar vida bajo la dirección de tres mujeres: Andrea Jaurrieta (Nina), Laura M. Campos (Valeria, Servir y proteger) y la actriz Núria Gago (Pubertat, Amar es para siempre), que debuta en realización.

La ficción y el sexo, una asignatura pendiente

“La serie no es un blanqueamiento de la pornografía, es una puerta de entrada a todo un universo”, apunta Jaurrieta, nominada al Goya por Mejor dirección novel con Ana de día en 2019, año en que terminó ganando Arantxa Echevarría por Carmen y Lola. En esto también insisten sus creadores. “Nos parecía una manera diferente y original de empezar esta revolución, pero no nos íbamos a poner de perfil si hablábamos de la industria del porno mainstream de los 90, que además es muy, muy machista. Al final, eso es una excusa”.

No han sido casos aislados las críticas a muchas ficciones que tratan el sexo y los desnudos como mero regalo para poner cachondo al espectador (masculino, claro). Uno de los casos más sonados fue La vida de Adèle (2013), duramente criticada por sus largas escenas sexuales con un rodaje polémico por los métodos autoritarios del director. En los últimos años lo hemos visto con Euphoria o The Idol, ambas series creadas por Sam Levinson, que el público y la prensa han tachado de “machista y misógina”, entre otras cosas por abusar ‘de todo’ en exceso. “Hemos trabajado mucho las tres juntas para que [los actores] se sientan cómodos y para no tener una mirada sexualizadora en las tramas principales”, apunta Jaurrieta, que co-dirige los seis primeros episodios.

Precisamente, en la serie, una de las cuestiones en las que más se incide es que lo que se ve en el porno no es real. De hecho, cada capítulo arranca con un sketch explícito con actores porno reales, como Daniela Blume o Sylvan. “Tenía que haber mucha diferencia entre las parodias pornográficas que se hacen al principio de cada capítulo y lo que es después la realidad del sexo”, añade Jaurrieta.

Tanto las realizadoras como los guionistas y creadores coinciden en que “es necesaria una educación sexual para que no se aprenda el sexo a través del porno”. Según los últimos datos proporcionados por la Asociación Punto Omega, la edad media de inicio en el consumo de pornografía en España se sitúa entre los 10 y los 11 años, comenzando en muchos casos por accidente y sin una conversación previa sobre el tema. “El porno sigue perpetuando comportamientos, sobre todo vejatorios para la mujer, pero no solo para la mujer”, añade Bohoyo.

“Ojalá Cochinas sirva para que las madres que lo vean se planteen también el hablar con sus hijos y con sus hijas de sexualidad”, finalizan las directoras.

'El señor de las moscas' (Movistar Plus+, 7 mayo)

Miniserie de cuatro episodios basada en la novela homónima de William Golding que narra la historia de la compleja convivencia de un grupo de niños que sobrevive a un accidente de avión en una isla aparentemente idílica. Un experimento social dirigido por Jack Thorne (conocido por la premiada ‘Adolescencia’).

‘The Lady’ (Movistar Plus+, 14 mayo)

Mia McKenna-Bruce toma el papel de Jane Andrews, una joven de origen humilde que logra trabajo como ayudante de vestuario de Sarah Ferguson, duquesa de York. Interpretada por Natalie Dormer ('Juego de Tronos') en una miniserie de cuatro episodios de los creadores de ‘The Crown’.

'Spider-Noir' (Amazon Prime Video, 27 mayo)

El universo ‘noir’ de Marvel trajo consigo historias de los más extraño. Entre ellas, 'Spider-Noir', una serie de acción basada en el comic que narra la historia del detective privado Ben Reilly, una versión alternativa del mitico superhéroe Peter Parker interpretado por Nicolas Cage. Una serie que trae como novedad la posibilidad de que los espectadores decidan como verla, en blanco y negro (o en 'noir', su formato original) o en color.

'Se tiene que morir mucha gente' (Movistar Plus+, 21 mayo)

Creada y dirigida con la ayuda de Victoria Martín (autora de la novela homónima), la serie cuenta con un reparto estelar encabezado por Anna Castillo y Macarena García, en su regreso tras la inolvidable pareja que formaron en la premiada 'La Llamada' (2017). Una comedia de seis episodios que explora la crisis de los 30 a través de tres amigas de la infancia

'Satisfacción garantizada' (Apple TV, 20 mayo)

La ganadora del Emmy Tatiana Maslany se mete en el papel de una madre recién divorciada que cree haber sido testigo de un asesinato, lo que se lleva a entrar en una red de conspiración, chantajes y asesinos a sueldo mientras pelea la custodia de sus hijos.

'Ciudad de las estrellas' (Apple TV, 29 mayo)

Spin-off de 'Para toda la humanidad', en este caso llega como un estreno que ahora mueve el foco al otro lado del Telón de Acero en un thriller paranoico para contar cómo la Unión Soviética logró poner al primer hombre en la Luna. Protagonizada por Rhys Ifans, Anna Maxwell Martin , Agnes O’Casey o Alice Englert. EFE

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