Consultado sobre el efecto del alcohol en su carrera, el actor de 68 años explicó que dejó de beber hace casi tres décadas y que esa decisión fue decisiva para sostener su trayectoria. “El alcohol no ayudaba. Uno cree durante un tiempo que lo hace, pero se interpone y termina por alcanzarte”, afirmó.

El intérprete, que reconoció haber construido en sus primeros años una imagen de actor rebelde, señaló que entonces existía una tendencia a idealizar los excesos de figuras de la actuación, la literatura y la música. Mencionó como referentes de esa época a Peter O’Toole, Richard Harris y Richard Burton.

“Estoy muy agradecido de haber tenido la lucidez para decir basta”, sostuvo. Añadió que, sin aquella decisión, no estaría en condiciones de desarrollar la etapa actual de su carrera, marcada por su protagónico como Jackson Lamb en Slow Horses.

Oldman descartó una competencia con Daniel Day-Lewis

La entrevista también abordó los inicios de Oldman en el cine británico. El actor recordó que, a comienzos de la década de 1980, coincidía en audiciones con Daniel Day-Lewis, Colin Firth y Tim Roth, integrantes de una generación a la que entonces llamaban el “Brit Pack”.

Ante la pregunta sobre si existía competencia entre ellos, Oldman rechazó esa idea. “No es una competencia. Tienes que concentrarte en lo que haces y no en lo que otro está haciendo o logrando”, comentó.

El protagonista de Drácula de Bram Stoker definió a Day-Lewis como “un actor extraordinario” y aseguró que no percibe su carrera como una disputa con él. “Admiro lo que hace, pero no siento que esté compitiendo con él”, señaló.

También destacó el trabajo de Joel Edgerton en Train Dreams. Oldman calificó la interpretación de su colega como “impresionante” y planteó que la admiración hacia el trabajo ajeno forma parte del oficio. “Me gusta ver algo y pensar: ‘No sé cómo lo hizo’”, expresó.

El recuerdo de Alan Rickman durante los rodajes de Harry Potter

Oldman interpretó a Sirius Black en la saga de Harry Potter, donde compartió escenas con Daniel Radcliffe, Emma Watson y Rupert Grint. Al evocar esa etapa, eligió como una de sus secuencias favoritas el diálogo con Radcliffe sobre las personas amadas que permanecen presentes en la memoria.

También relató una anécdota sobre Scabbers, la rata que aparecía en las películas. Según contó, el animal debía retirarse del set cada 15 minutos porque se estresaba, lo que obligaba al equipo a interrumpir las tomas.

La memoria más afectuosa de ese rodaje estuvo dedicada a Alan Rickman, quien encarnó a Severus Snape. Relató que el actor llevaba con frecuencia a niños de escuelas, hospitales o familias amigas para que recorrieran los estudios y conocieran al elenco.

“Alan entendía cuánto significaba ese universo para los chicos y quería compartirlo con ellos”, afirmó. Para Oldman, Rickman asumía un rol de acompañamiento dentro del equipo y mantenía un compromiso particular con quienes visitaban el set.

Oldman habló de Heath Ledger y su trabajo como el Joker

El actor también recordó su participación como el comisionado James Gordon en la trilogía de Batman dirigida por Christopher Nolan. Al hablar de Heath Ledger, quien interpretó al Joker en The Dark Knight, afirmó que presenciar su trabajo en el rodaje fue una experiencia singular.

“Era extraordinario. Era un privilegio verlo en el set. Estaba completamente metido en el personaje”, destacó sobre Ledger, quien murió en enero de 2008, antes del estreno de la película.

Recordó que Horowitz fue quien le comunicó la noticia de su muerte y vinculó ese impacto con el que le produjo, años más tarde, el fallecimiento de Philip Seymour Hoffman.

“Los dos eran talentos excepcionales y los perdimos con muy poca diferencia de tiempo”, expresó sobre Ledger y Hoffman.

La aclaración sobre Jack Lowden y el próximo James Bond

En el tramo final de la entrevista, Oldman se refirió a las versiones sobre la elección del próximo intérprete de James Bond. El nombre de Jack Lowden, su compañero en Slow Horses, figura entre los candidatos mencionados en la prensa británica e internacional.

Oldman negó que tuviera información sobre una decisión tomada. Explicó que, en una charla anterior con una periodista canadiense, había dicho que escuchó rumores sobre una posible elección que todavía no fue anunciada y que deseaba que Lowden consiguiera el papel.

“No sé quién será el próximo James Bond. Ojalá sea mi amigo Jack, pero no tengo una línea directa con la gente de Bond”, afirmó.

El actor señaló que aprendió a no adelantar información sobre grandes franquicias después de revelar, antes del anuncio oficial, que habría una tercera película de Batman. “Me reprendieron por eso. Aprendí la lección: no voy a abrir la boca”, sostuvo.

Oldman también descartó encarnar a un antagonista en la saga 007. Horowitz le propuso la posibilidad de interpretarlo como un último gran villano, pero el actor respondió de inmediato: “No. Un villano de Bond, no”.

Blizzard Entertainment confirmó que desarrolla una serie animada de Diablo junto con Netflix. El anuncio fue realizado por la presidenta del estudio, Johanna Faries, durante la ceremonia inaugural de la BlizzCon 2026, celebrada en Anaheim, aunque todavía no se informó una fecha de estreno.

Qué se sabe de la serie de Diablo

La adaptación llevará el RPG de acción de Blizzard al formato televisivo mediante animación. Un RPG de acción combina el desarrollo de personajes y equipo con combates en tiempo real, dos elementos centrales de los videojuegos de Diablo.

El proyecto llevaba tiempo circulando como rumor, pero su presentación en la BlizzCon fue la primera confirmación oficial. Netflix y Blizzard todavía no revelaron la trama, la cantidad de episodios, el estudio de animación, el reparto de voces ni los responsables creativos.

Tampoco se indicó si la producción adaptará acontecimientos conocidos de los juegos o narrará una historia nueva dentro de su escenario de fantasía oscura. La condición de serie animada es, por ahora, el único detalle concreto sobre su formato.

Blizzard explicó que busca contar más historias fuera de los videojuegos mediante asociaciones con equipos creativos y nuevas pantallas. Faries adelantó que habrá información cuando el desarrollo avance: “Diablo, se lo prometo, es solo el comienzo. Les prometo que tan pronto como podamos compartiremos más detalles con ustedes”.

Para Netflix, Diablo se suma a Dungeons & Dragons: Ravenloft, otra producción vinculada con la fantasía que se encuentra en marcha. La plataforma no comunicó cómo se distribuirán ambos proyectos dentro de su calendario de estrenos.

Overwatch y Warcraft están en negociación

El anuncio de Diablo fue acompañado por una actualización sobre otras franquicias de Blizzard. Según Faries, existen negociaciones para desarrollar proyectos relacionados con Overwatch, Warcraft y “otras propiedades intelectuales” del estudio.

Estas conversaciones apuntan a producciones transmedia, término utilizado para describir historias desarrolladas a través de distintos formatos, como videojuegos, televisión o cine. Ese planteamiento permite trabajar con personajes y escenarios conocidos fuera del medio en el que fueron creados.

La situación de Overwatch y Warcraft, sin embargo, es distinta a la de Diablo. Blizzard no confirmó que sus series hayan recibido luz verde ni anunció estudios, plataformas, formatos o fechas. Tampoco precisó si Netflix participa en todas las conversaciones. Por el momento, se trata de negociaciones y no de producciones oficialmente iniciadas.

La diferencia es importante para los seguidores de ambas franquicias: Diablo ya cuenta con una adaptación animada en desarrollo, mientras que los demás proyectos pueden cambiar o no concretarse durante las conversaciones. Blizzard prometió divulgar nuevos detalles cuando estén disponibles.

El anuncio coincide con Diablo V

La presentación de la serie llegó durante la misma BlizzCon en la que Blizzard confirmó Diablo V, la quinta entrega principal de la saga. El videojuego tiene previsto su lanzamiento para la primavera de 2029, aunque todavía no se informaron plataformas ni un día específico.

Blizzard no vinculó los argumentos de la serie y Diablo V, ni indicó que sus respectivos estrenos vayan a coordinarse. La producción de Netflix carece de calendario público, por lo que no puede asumirse que llegará antes o junto con el nuevo juego.

La fecha de primavera de 2029 para Diablo V es, hasta ahora, el único lanzamiento concreto asociado con los anuncios recientes de la franquicia.

Los Premios Emmy 2026 ya comenzaron a revelar a sus primeros ganadores antes de su ceremonia principal. Los Creative Arts Emmy Awards se realizaron durante dos jornadas, el 5 y 6 de septiembre, en el Peacock Theater de Los Ángeles, donde se entregaron 102 estatuillas en distintas categorías técnicas y artísticas. Los resultados de ambas noches ueron reunidos en un especial emitido el pasado sábado 12 de septiembre por FXX.

Entre las producciones que tuvieron una actuación destacada en esta primera etapa figura Widow’s Bay, que consiguió ocho premios, incluidos reconocimientos para Betty Gilpin como actriz invitada, además de galardones en categorías como casting, diseño de producción, cinematografía, edición de sonido y composición musical. DTF St. Louis también tuvo una jornada importante, con victorias en las categorías de actuación de reparto, además de dirección y guion para su creador, Steven Conrad.

Otro de los títulos destacados fue Spider-Noir, producción de Prime Video que obtuvo premios por coordinación de especialistas, diseño de títulos, efectos visuales, cinematografía y edición de sonido. South Park, por su parte, consiguió su quinto Emmy como mejor programa animado, el primero que recibe en esta categoría desde 2013.

Los Creative Arts también dejaron varios triunfos individuales. Shailene Woodley consiguió su primer Emmy por su participación como actriz invitada en Paradise, mientras que Linda Cardellini ganó por primera vez en los Emmy gracias a su papel en DTF St. Louis.

Mariska Hargitay, quien tendrá a su cargo la conducción de la gala principal, obtuvo dos premios por My Mom Jayne, en las categorías de documental y dirección de un programa documental o de no ficción.

También fueron premiados The Apple Music Super Bowl LX Halftime Show Starring Bad Bunny, The Traitors y The Late Show With Stephen Colbert.

La atención ahora se concentra en la 78.ª edición de los Primetime Emmy Awards, que se realizará el lunes 14 de septiembre en el Peacock Theater de Los Ángeles. La ceremonia será transmitida por NBC y Peacock a las 8 p. m. ET (5 p. m. PT) y tendrá como presentadora a Mariska Hargitay, figura central de Law & Order: SVU.

Ya se ha confirmado la lista de presentadores, con Zendaya, Keke Palmer, Macaulay Culkin, Odessa A’zion y Alan Cumming entre las estrellas convocadas. Asimismo, Noah Kahan interpretará “Bridge Over Troubled Water” durante el segmento In Memoriam.

Primeros ganadores

• Mejor película para televisión: Remarkably Bright Creatures
• Mejor actriz invitada en una serie de comedia: Betty Gilpin por Widow’s Bay
• Mejor actor invitado en una serie de comedia: Rob Reiner por The Bear
• Mejor guion para una miniserie, antología o película: Steven Conrad — DTF St. Louis
• Mejor dirección para una miniserie, antología o película: Steven Conrad — DTF St. Louis
• Mejor actriz de reparto en una miniserie, antología o película: Linda Cardellini - DTF St. Louis
• Mejor composición musical para una miniserie, antología, película o especial: Sean Callery — The Beast in Me
• Mejor composición musical para una serie: David Fleming — Widow’s Bay
• Mejor tema musical original: Dave Porter — Pluribus
• Mejor música y letra originales: Andrew Bird y Gavin Brivik — The Pitt
• Mejor supervisión musical: Toko Nagata — Widow’s Bay
• Mejor cinematografía para una serie de media hora: Christian Sprenger — Widow’s Bay
• Mejor cinematografía para una miniserie, antología o película: James Whitaker — DTF St. Louis
• Mejor cinematografía para una serie de una hora: Darran Tiernan — Spider-Noir
• Mejor actor de reparto en una miniserie, antología o película: David Harbour - DTF St. Louis
• Mejores efectos visuales en una temporada o película: Stranger Things

• Mejores efectos visuales en un episodio: Spider-Noir
• Mejor diseño de títulos: Spider-Noir
• Mejor mezcla de sonido para una miniserie, antología o película: Beef
• Mejor mezcla de sonido para una serie de comedia, drama o animación de media hora: Widow’s Bay
• Mejor mezcla de sonido para una serie de comedia o drama de una hora: Pluribus
• Mejor edición de sonido para una serie de comedia o drama de una hora: Spider-Noir
• Mejor edición de sonido para una serie de comedia, drama o animación de media hora: Widow’s Bay
• Mejor edición de sonido para una miniserie, antología, película o especial: Beef
• Mejor interpretación de voz de un personaje: Julie Andrews - Bridgerton
• Mejor programa animado: South Park

• Mejor edición de imagen para una comedia multicámara: Leanne
• Mejor edición de imagen para una comedia de cámara única: Hacks
• Mejor edición de imagen para una miniserie, antología o película: DTF St. Louis
• Mejor edición de imagen para una serie dramática: Pluribus
• Mejor coordinación de especialistas para una comedia: Spider-Noir
• Mejor actuación de especialistas: A Knight of the Seven Kingdoms
• Mejor coordinación de especialistas para una serie dramática: The Boys
• Mejor coreografía para una producción con guion: Palm Royale
• Mejor actor invitado en una serie dramática: Ernest Harden Jr. - The Pitt
• Mejor maquillaje de época o fantasía/ciencia ficción: Palm Royale
• Mejor maquillaje contemporáneo: Margo’s Got Money Troubles
• Mejor maquillaje con prótesis: The Pitt
• Mejor diseño de producción para una serie narrativa de época o fantasía: Fallout
• Mejor diseño de producción para una producción narrativa de media hora: Widow’s Bay
• Mejor diseño de producción para una producción narrativa contemporánea de una hora o más: Pluribus
• Mejor vestuario contemporáneo para una miniserie, antología o película: Beef
• Mejor vestuario contemporáneo para una serie: Margo’s Got Money Troubles
• Mejor vestuario de época: Palm Royale
• Mejor vestuario de fantasía/ciencia ficción: Fallout
• Mejor actriz invitada en una serie dramática: Shailene Woodley
• Mejor peluquería de época o fantasía/ciencia ficción: Bridgerton
• Mejor peluquería contemporánea: Margo’s Got Money Troubles
• Mejor casting para una serie dramática: The Pitt
• Mejor casting para una serie de comedia: Widow’s Bay
• Mejor casting para una miniserie, antología o película: Love Story: John F. Kennedy Jr. & Carolyn Bessette

• Mejor especial de variedades en vivo: The Apple Music Super Bowl LX Halftime Show Starring Bad Bunny
• Mejor especial de variedades pregrabado: The Muppet Show
• Mejor dirección para un especial de variedades: The Apple Music Super Bowl LX Halftime Show Starring Bad Bunny
• Mejor dirección para una serie de variedades: The Late Show With Stephen Colbert
• Mejor dirección técnica y trabajo de cámara para un especial: The Apple Music Super Bowl LX Halftime Show Starring Bad Bunny
• Mejor dirección técnica y trabajo de cámara para una serie: The Late Show With Stephen Colbert
• Mejor diseño o dirección de iluminación para una serie: The Late Show With Stephen Colbert
• Mejor diseño o dirección de iluminación para un especial: The Apple Music Super Bowl LX Halftime Show Starring Bad Bunny
• Mejor programa de telerrealidad estructurado: Antiques Roadshow
• Mejor programa de telerrealidad no estructurado: Love on the Spectrum
• Mejor presentador de un programa de telerrealidad o competencia: Alan Cumming - The Traitors
• Mejor narrador: Octavia Spencer - Lost Women Of Alaska • The Missing
• Mejor dirección para un programa de telerrealidad: The Traitors
• Mejor dirección para un programa documental o de no ficción: Mariska Hargitay - My Mom Jayne: A Film By Mariska Hargitay
• Mejor serie o especial de no ficción presentado por un conductor: Tucci in Italy
• Mejor serie documental o de no ficción: Mr. Scorsese

• Mejor especial documental o de no ficción: My Mom Jayne: A Film by Mariska Hargitay
• Mejor guion para un programa de no ficción: The Daily Show Presents: Jordan Klepper Fingers the Pulse: Give the Man a Prize
• Mejor guion para una serie de variedades: The Late Show With Stephen Colbert
• Mejor guion para un especial de variedades: The Muppet Show
• Mejor maquillaje para un programa de variedades, no ficción o telerrealidad: Saturday Night Live
• Mejor peluquería para un programa de variedades, no ficción o telerrealidad: RuPaul’s Drag Race
• Mejor comercial: I’m Not Remarkable — Apple
• Mejor serie de comedia, drama o variedades de formato corto: Colbert Before Air
• Mejor serie de no ficción o telerrealidad de formato corto: Inside the Pitt
• Mejor cinematografía para un programa de telerrealidad: The Traitors
• Mejor cinematografía para un programa de no ficción: Ocean With David Attenborough
• Mejor casting para un programa de telerrealidad: Love on the Spectrum
• Mejor programa de medios emergentes: Uncanny Alley: A New Day
• Mejor coreografía para variedades o telerrealidad: The Apple Music Super Bowl LX Halftime Show Starring Bad Bunny
• Mejor dirección musical: The Apple Music Super Bowl LX Halftime Show Starring Bad Bunny
• Mejor composición musical para un programa documental, de no ficción o telerrealidad: John Candy: I Like Me
• Mejor diseño de producción para un especial de variedades: The Muppet Show
• Mejor diseño de producción para una serie de variedades o telerrealidad: The Traitors
• Mejor programa de concursos: Jeopardy!
• Mejor presentador de un programa de concursos: Jimmy Kimmel

Nominados a los Premios Emmy 2026

Mejor serie de comedia

• Abbott Elementary
• The Bear
• Hacks
• Margo’s Got Money Troubles
• Nobody Wants This
• Only Murders in the Building
• Shrinking
• Widow’s Bay

Mejor actor principal en una serie de comedia

• Yahya Abdul-Mateen II — Wonder Man
• Steve Carell — Rooster
• Matthew Rhys — Widow’s Bay
• Jason Segel — Shrinking
• Martin Short — Only Murders in the Building

Mejor actriz principal en una serie de comedia

• Quinta Brunson — Abbott Elementary
• Ayo Edebiri — The Bear
• Elle Fanning — Margo’s Got Money Troubles
• Lisa Kudrow — The Comeback
• Jean Smart — Hacks

Mejor actor de reparto en una serie de comedia

• Colman Domingo — The Four Seasons
• Paul W. Downs — Hacks
• Harrison Ford — Shrinking
• Nick Offerman — Margo’s Got Money Troubles
• Stephen Root — Widow’s Bay
• Michael Urie — Shrinking
• Tyler James Williams — Abbott Elementary

Mejor actriz de reparto en una serie de comedia

• Dale Dickey — Widow’s Bay
• Hannah Einbinder — Hacks
• Janelle James — Abbott Elementary
• Kate O’Flynn — Widow’s Bay
• Michelle Pfeiffer — Margo’s Got Money Troubles
• Megan Stalter — Hacks
• Jessica Williams — Shrinking

Mejor serie dramática

• The Diplomat
• The Gilded Age
• A Knight of the Seven Kingdoms
• Paradise
• The Pitt
• Pluribus
• Slow Horses
• Your Friends and Neighbors

Mejor actor principal en una serie dramática

• Sterling K. Brown — Paradise
• Gary Oldman — Slow Horses
• Mark Ruffalo — Task
• Rufus Sewell — The Diplomat
• Noah Wyle — The Pitt

Mejor actriz principal en una serie dramática

• Carrie Coon — The Gilded Age
• Chase Infiniti — The Testaments
• Keri Russell — The Diplomat
• Rhea Seehorn — Pluribus
• Zendaya — Euphoria

Mejor actor de reparto en una serie dramática

• Patrick Ball — The Pitt
• Billy Crudup — The Morning Show
• Shawn Hatosy — The Pitt
• Gerran Howell — The Pitt
• Jack Lowden — Slow Horses
• Tom Pelphrey — Task
• Carlos-Manuel Vesga — Pluribus

Mejor actriz de reparto en una serie dramática

• Taylor Dearden — The Pitt
• Fiona Dourif — The Pitt
• Allison Janney — The Diplomat
• Katherine LaNasa — The Pitt
• Sepideh Moafi — The Pitt
• Julianne Nicholson — Paradise
• Karolina Wydra — Pluribus

Mejor serie limitada o antológica

• All Her Fault
• The Beast in Me
• Beef
• DTF St. Louis
• Love Story: John F. Kennedy Jr. and Carolyn Bessette

Mejor actor principal en una serie limitada, antológica o película para televisión

• Riz Ahmed — Bait
• Jason Bateman — Black Rabbit
• Charlie Hunnam — Monster: The Ed Gein Story
• Oscar Isaac — Beef
• Matthew Rhys — The Beast in Me

Mejor actriz principal en una serie limitada, antológica o película para televisión

• Claire Danes — The Beast in Me
• Sally Field — Remarkably Bright Creatures
• Carey Mulligan — Beef
• Sarah Pidgeon — Love Story: John F. Kennedy Jr. and Carolyn Bessette
• Sarah Snook — All Her Fault

Mejor serie de variedades

• The Daily Show
• Jimmy Kimmel Live!
• Last Week Tonight with John Oliver
• The Late Show with Stephen Colbert
• Saturday Night Live

El club gastronómico encabeza el Top 10 de series de Netflix en Argentina pocos días después de su estreno y se afirma como una de las novedades de septiembre en la plataforma. La miniserie neerlandesa, compuesta por siete episodios, coloca a Karen frente a un grupo de amigos adinerados cuya vida de cenas privadas, villas y privilegios queda alterada por un incendio fatal.

La producción llegó a Netflix el jueves 10 de septiembre y ganó lugar entre las preferencias locales con una combinación de drama, misterio y suspenso psicológico. El ranking de la plataforma se actualiza con frecuencia, pero la ficción logró ubicarse en la cima de las series más reproducidas en el país, según registros difundidos durante el fin de semana.

Karen llega a Bergen y entra en un grupo marcado por el lujo

La historia comienza cuando Karen se muda con su familia a Bergen, una localidad de los Países Bajos, con la expectativa de empezar una etapa distinta. Allí conoce a un selecto grupo de parejas que la incorpora rápidamente a sus encuentros gastronómicos y a un estilo de vida signado por propiedades exclusivas, comidas extensas y vínculos estrechos.

Desde afuera, los integrantes del llamado club gastronómico parecen sostener una amistad sólida. Comparten espacios privados y una rutina sin sobresaltos, aunque Karen percibe tensiones que no terminan de explicarse. Su condición de recién llegada le permite observar un mundo que parece cerrado para el resto de los habitantes de la ciudad.

La tranquilidad se rompe cuando una de las villas del grupo se incendia. En el hecho muere Evert, uno de los amigos, mientras que su esposa y sus hijos logran escapar. La muerte de Evert abre una cadena de sospechas sobre los secretos que sostiene cada pareja y obliga a Karen a revisar todo lo que creía saber sobre sus nuevos vínculos.

El incendio convierte a los amigos en posibles sospechosos

La investigación alrededor del siniestro atraviesa el relato y modifica la relación entre los personajes. Karen empieza a advertir contradicciones, silencios y versiones que no coinciden. La cercanía que el grupo había exhibido en las cenas comienza a desarmarse a medida que surgen interrogantes sobre aquella noche.

Netflix presenta la serie como la historia de cuatro parejas aparentemente perfectas que deben cuestionar lo que saben unas de otras tras la muerte de uno de sus miembros. La plataforma confirma que la temporada tiene siete episodios, un formato que permite seguir la trama completa en poco tiempo.

La protagonista decide investigar por cuenta propia, aun cuando esa búsqueda puede afectar a su familia y exponerla frente a personas con recursos e influencia. El conflicto no se limita a conocer el origen del incendio: también pone en discusión las lealtades, los intereses y las apariencias dentro del círculo social.

La miniserie adapta una novela de Saskia Noort

El club gastronómico está basada en la novela homónima de la escritora neerlandesa Saskia Noort. La adaptación fue creada por Dorien Goertzen y cuenta con la dirección de Dana Nechushtan y Margien Rogaar. El elenco incluye a Loes Haverkort, Teun Luijkx, Rifka Lodeizen, Remko Vrijdag, Charlie Chan Dagelet, Matthijs van de Sande Bakhuyzen, Noortje Herlaar, Edwin Jonker, Anneke Blok y Jurriaan Bruinier.

La elección de Bergen como escenario refuerza el contraste central de la ficción. Las casas amplias y los encuentros exclusivos conviven con una trama que avanza entre desconfianzas y revelaciones. Cada capítulo suma elementos sobre las relaciones de los personajes y sobre el lugar que Karen ocupa dentro de esa comunidad. El éxito inicial en Argentina coloca a la serie entre las propuestas europeas que encuentran público fuera de sus países de origen.

Es que Hanks decidió no revelar quiénes eran los veteranos que aparecían al inicio de cada episodio de Hermanos de sangre hasta el capítulo final. La miniserie ocultó sus identidades y solo las mostró en pantalla en el desenlace.

La idea surgió de forma casi fortuita. El documentalista Mark Cowen filmaba material entre bastidores cuando entrevistó a varios de esos veteranos, incluido el capitán Richard Winters.

Hanks observó las imágenes y, según relató el guionista y productor ejecutivo Erik Jendresen en una entrevista concedida a la Academia de Televisión en 2023, la ocurrencia llegó de inmediato: mostrar a los hombres durante toda la serie sin identificarlos, y dejar esa revelación para el episodio final.

La apuesta por la veracidad no comenzó con esa decisión narrativa; atravesó cada etapa de la producción desde sus cimientos. Jendresen fue la figura central de ese proceso: además de guionista, coordinó la investigación documental, entrevistó a los soldados supervivientes, recopiló cartas y documentos, y tomó como base el libro de Stephen E. Ambrose publicado en 1992.

El resultado de ese trabajo fue un dossier de 235 páginas elaborado junto al propio Winters y con la participación de Hanks, que sirvió de columna vertebral para los guiones.

Cómo funcionó la revelación final

El objetivo era preciso: reconstruir con exactitud lo que había ocurrido, no fabricar una historia que pareciera verdadera. Esa premisa explica por qué la serie se permitió mostrar situaciones que, en cualquier otra ficción bélica, habrían parecido inverosímiles. En Hermanos de sangre, lo extraordinario ya estaba en los hechos.

En sus declaraciones recogidas por Espinof, Jendresen describió el momento en que Hanks planteó la idea durante el rodaje: “Cuando entrevistan al verdadero Winters al final de la serie, me habla a mí. Soy el que no aparece en pantalla, porque estaba allí con Mark cuando lo entrevistó. Y él estaba consiguiendo unas imágenes de estos chicos. De repente, Tom se dio cuenta: ‘Chicos, así es como vamos a hacerlo. Y no los vamos a identificar hasta el último episodio’”.

El guionista destacó que la verdadera importancia del recurso se encontraba en la manera en que cumplía una función dramática dentro de la obra. “Se trató de un detalle pensado para aportar contexto al drama, pero no tenía una implicancia directa sobre la trama central de la historia. La trama, en realidad, es el progreso y el desarrollo de la guerra”, expresó.

Explicó que ese detalle permitía ubicar a los hombres y a sus sentimientos en un determinado contexto. Agregó que esa contextualización se hizo de manera elegante y sin recurrir a artificios, según resumió Jendresen.

El mecanismo funcionaba en dos tiempos. Durante los primeros episodios, el público conocía a los soldados a través de la dramatización, sin información sobre su identidad real. Solo en el capítulo final, cuando los nombres aparecían junto a los rostros de los veteranos, el vínculo entre la ficción y la historia quedaba explícito.

La disposición invertida de los hechos intensificaba el efecto producido porque el espectador, a lo largo de varias horas, había permanecido junto a esos hombres mediante el relato, sin imaginar siquiera que todavía seguían con vida y que, además, habían aceptado relatar en detalle aquello que les había sucedido.

Gary Oldman tiene una razón concreta para pensar que la nueva serie de Harry Potter puede ofrecer una experiencia más satisfactoria que las películas originales. Así lo explicó en una entrevista con Entertainment Weekly durante el Festival Internacional de Cine de Toronto.

El actor, quien interpretó a Sirius Black en cuatro entregas de la franquicia, considera que el formato televisivo permitirá recuperar buena parte de los detalles de los libros que tuvieron que quedar fuera de las adaptaciones cinematográficas.

“Tuvimos que cortar mucho y aun así solo pudimos dejar las películas en unas tres horas”, afirmó. En esas reducciones, se “sacrificó muchos detalles de los personajes”.

“Creo que la serie de televisión va a hacerlo prácticamente palabra por palabra, lo que, como espectador, creo que sería más satisfactorio”, argumentó.

Su comentario coincide con una de las principales diferencias que HBO busca establecer con su nueva adaptación: dedicar una temporada a cada uno de los libros para desarrollar con mayor amplitud sus historias.

La mirada crítica a su Sirius Black

Oldman debutó en la saga del joven mago con Harry Potter y el prisionero de Azkaban (2004) y regresó para Harry Potter y el cáliz de fuego (2005), Harry Potter y la Orden del Fénix (2007) y Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: Parte 2 (2011).

El personaje tuvo una presencia más limitada en algunas de las películas posteriores, algo que el propio actor ya había señalado. En una entrevista de 2024, Oldman lamentó lo breve de su participación: “Amo a Sirius. No estuvo lo suficiente en esto. Apareció y luego atravesó el velo”.

El actor británico además ha sido particularmente crítico con su trabajo en la saga. En 2023 describió su interpretación de Sirius Black como “mediocre”, una valoración que después aclaró para evitar que sus palabras fueran interpretadas como un desprecio hacia la franquicia o sus seguidores.

“Como cualquier artista o actor o pintor, siempre eres muy crítico con tu propio trabajo”, dijo en 2024. También añadió que, si llegara a observar una actuación suya y pensara “Dios mío, soy fantástico en esto”, consideraría que sería “un día triste”.

A pesar de ello, Oldman aseguró a Entertainment Weekly que está “orgulloso” y “agradecido” por haber formado parte de Harry Potter, una franquicia que calificó como un fenómeno que probablemente no vuelva a repetirse.

¿Cuándo se estrena la serie de Harry Potter?

La nueva adaptación de HBO llegará el 25 de diciembre de 2026. La primera temporada tendrá ocho episodios y estará protagonizada por Dominic McLaughlin como Harry Potter, Arabella Stanton como Hermione Granger y Alastair Stout como Ron Weasley.

El reparto también incluye a John Lithgow como Dumbledore, Janet McTeer como Minerva McGonagall, Paapa Essiedu como Severus Snape y Nick Frost como Hagrid.

La primera temporada adaptará Harry Potter y la piedra filosofal. Una segunda temporada, basada en Harry Potter y la cámara secreta, ya se encuentra en preproducción.

Pierce Brosnan dio su versión sobre los reportes de supuestas tensiones entre Tom Hardy y el equipo de MobLand y restó importancia a las versiones que describieron un ambiente complicado durante la producción de la segunda temporada. Durante el estreno de la nueva entrega en Londres, el actor aseguró que la situación fue mucho menos grave de lo que trascendió públicamente.

“Oh, Dios mío, realmente fue una tormenta en un vaso de agua”, declaró Brosnan, de 73 años, a la Press Association. El intérprete, que interpreta a Conrad Harrigan en la serie de Paramount+, también dejó claro que su relación con Hardy es buena.

“Amo a ese tipo. Quiero mucho a Tom Hardy. Soy un gran admirador del trabajo de ese hombre. De verdad”, afirmó el actor, quien comparte protagonismo con Hardy y Helen Mirren en el drama criminal creado por Ronan Bennett.

Brosnan también rechazó la idea de que los supuestos problemas hubieran afectado la dinámica del elenco. “Somos muy sólidos como compañía, como familia. Todos llegan al trabajo y todos están ahí en el momento. Todo avanza muy rápido, así que no es como si saliéramos a socializar o fuéramos al pub o algo así”, explicó. “Todos se van a casa con sus familias y, antes de que te des cuenta, ya has hecho 10 episodios”.

¿Qué se decía sobre Tom Hardy?

Los comentarios de Brosnan llegan después de varias versiones sobre supuestos desacuerdos de Hardy con integrantes de la producción de MobLand. Los reportes señalaban problemas con el showrunner Jez Butterworth y con otros responsables de la serie, además de cuestionamientos por su presunta actitud durante el rodaje.

Algunas publicaciones afirmaron que Hardy llegaba tarde a las grabaciones, permanecía durante largos periodos en su tráiler y discrepaba con las historias y los guiones. También se reportó que habría realizado cambios en los diálogos y planteado objeciones a determinadas decisiones creativas.

Estas versiones incluso generaron dudas sobre su continuidad en la serie. Sin embargo, los reportes posteriores indicaron que Hardy y Butterworth mantuvieron una reunión en Londres para resolver sus diferencias para el futuro del proyecto.

La situación quedó despejada con la confirmación de una tercera temporada de MobLand, en la que Hardy volverá a interpretar a Harry Da Souza, el hábil “solucionador” de problemas de la familia Harrigan. Paramount+ confirmó la renovación a comienzos de septiembre, junto con el regreso de Brosnan y Mirren.

Tom Hardy también elogió a sus compañeros

En medio de los rumores, Hardy ofreció una lectura muy distinta sobre su relación con los protagonistas de la serie. Durante el estreno londinense de la segunda temporada, describió como un “privilegio” trabajar junto a Brosnan y Mirren.

“En muchos aspectos, por supuesto, los admiro. Al crecer, estos son actores que vinieron antes que yo”, declaró Hardy, de 48 años, según la Press Association. “Poder trabajar con ellos es un privilegio, pero también poder disfrutarlos, ver cómo despliegan sus alas con su rango ahora, cómo interpretan personajes que se alejan de su estilo en algunos aspectos, y disfrutar realmente de eso es algo hermoso de ver como ser humano”, sostuvo.

Helen Mirren también había defendido públicamente a Hardy durante los meses en que circularon las versiones sobre su comportamiento en el set. La actriz, de 81 años, afirmó que las relaciones entre los integrantes del elenco eran buenas y expresó su deseo de compartir más escenas con Hardy en la tercera temporada, ya que en esta segunda entrega no coincidieron tanto.

“Las relaciones son increíbles. Obviamente, Pierce y yo tenemos una química extraordinaria en pantalla y fuera de ella. Nos tenemos mucho cariño. Nos respetamos enormemente”, dijo Mirren.

La segunda temporada de MobLand se estrenará globalmente en Paramount+ el 18 de septiembre. La nueva entrega tendrá diez episodios, con lanzamientos semanales hasta el 20 de noviembre.

Según el Buró Federal de Investigaciones de Estados Unidos, los ataques de aquel día dejaron una catastrófica cifra: 2.977 muertos.

De acuerdo con Business Insider, varios estudios y cadenas ajustaron materiales que estaban en postproducción o a punto de estrenarse para evitar asociaciones inmediatas con la tragedia. También el Museo y Memorial del 11-S ha destacado, en sus materiales históricos, cómo el atentado alteró la representación de Nueva York en cine y televisión.

Las series y películas que modificaron sus escenas tras los atentados del 11-S

Un cuarto de siglo después, la revisión de estas obras revela nuevamente los cambios inmediatos que el atentado provocó en la agenda informativa, la percepción del público y las resoluciones de estudios, canales y distribuidores.

Modificaron avances, créditos, diálogos e incluso finales completos. Uno de los ejemplos más recordados en el cine lo constituyó Spider-Man, dirigida por Sam Raimi y protagonizada por Tobey Maguire.

Spider-Man

La película estrenada en 2002 mantuvo su historia principal, pero el cambio en la campaña de promoción se convirtió en uno de los ejemplos más conocidos de la reacción de los estudios tras el 11-S.

En su tráiler promocional aparecía un helicóptero enredado en una telaraña ubicada entre las torres, pero esa pieza fue eliminada después de los atentados. También se retiraron afiches y materiales promocionales con la silueta del complejo.

Sony retiró el teaser original y reformuló parte de la imagen pública de la cinta antes de su lanzamiento.

Zoolander

La comedia protagonizada por Ben Stiller y Owen Wilson, estrenada apenas 17 días después de los atentados, eliminó digitalmente las torres de algunas tomas del horizonte de Manhattan.

El cambio fue realizado en postproducción y se convirtió en una señal de la rapidez con la que los estudios intentaron adaptar títulos que ya estaban listos para llegar a salas.

Lilo y Stitch

En el caso de la producción animada de Disney, el ajuste fue mayor. El tramo final fue reelaborado para sustituir un avión comercial por una nave espacial y para reemplazar un entorno urbano por un paisaje menos asociado a una catástrofe en gran escala.

El cambio buscó evitar imágenes que, poco después del ataque, podían resultar demasiado cercanas a lo ocurrido en Nueva York.

Hombres de negro II

La secuela con Will Smith y Tommy Lee Jones también fue modificada. Versiones periodísticas y reconstrucciones posteriores sostienen que el clímax original incluía al complejo del World Trade Center, pero fue rehecho para ubicar la confrontación final en torno de la Estatua de la Libertad.

Luego de los atentados, la película debió repensar varias tomas y darle un cierre distinto al que se había pensado inicialmente.

Friends

La televisión reaccionó con la misma lógica. Series ambientadas en Nueva York o con referencias directas a la vida urbana de la ciudad revisaron secuencias ya grabadas para eliminar planos del WTC o suprimir bromas que, tras los ataques, habían quedado fuera de contexto.

Un ejemplo fue una escena en la que Chandler, interpretado por Matthew Perry, hacía bromas sobre bombas en un aeropuerto.

Esta fue descartada y reemplazada por otra secuencia. La modificación afectó un episodio ya producido de la octava temporada.

Sex and the City

La serie retiró de su introducción un plano en el que aparecían las torres. En versiones posteriores, ese encuadre fue reemplazado por otros íconos de Manhattan, una decisión en línea con la revisión visual que varias producciones hicieron de sus cabeceras y fondos urbanos.

La ley y el orden

Dentro de la franquicia, hubo ajustes en sus secuencias de apertura y homenajes a las víctimas y a los equipos de emergencia.

En Law & Order: Special Victims Unit eliminó un plano del World Trade Center de sus créditos al comienzo de la nueva temporada. Además, añadieron una dedicatoria vinculada al atentado y a la respuesta de policías y bomberos.

Los Soprano

En los créditos iniciales de las primeras temporadas se veía a las torres en el espejo retrovisor del auto de Tony Soprano, personaje interpretado por James Gandolfini.

Esa imagen fue retirada a partir de la cuarta temporada y quedó como una de las más citadas entre las series de prestigio que reformularon su identidad visual después de los atentados.

Los Simpson

El episodio “Homero contra la ciudad de Nueva York”, emitido originalmente en 1997, quedó atravesado por una sensibilidad distinta después del 11-S por su uso reiterado de las Torres Gemelas como escenario y referencia visual.

Aunque no fue reeditado de inmediato como otros títulos de cine y televisión, durante un tiempo dejó de circular con normalidad en la programación de Estados Unidos y pasó a ser observado bajo otra luz por la cercanía de sus imágenes con el lugar del atentado.

Con los años, fue incluido nuevamente en las programaciones y, posteriormente, en las plataformas de streaming.

La ficción de Prime Video constará de ocho episodios y sitúa a Summer H. Howell como Carrie White, una adolescente aislada por su madre que, tras la muerte de su padre, afronta en un instituto público un episodio de acoso viral mientras despiertan sus capacidades ‘telequinéticas’.

El escritor, autor de la novela publicada en 1974, ha valorado la nueva adaptación en Threads: “La versión de Carrie de Mike Flanagan es brillante. Lo que tiene que decir sobre las redes sociales es impactante y verdadero”.

Su hijo Joe Hill también ha reaccionado al tráiler en la misma plataforma. “Estaba viendo este avance de Carrie en Instagram, pensando en lo bien que se ve, y de repente me encontré conteniendo las lágrimas. Nunca me había pasado viendo un adelanto. Puede que me esté ablandando un poco al llegar a los cincuenta, no lo sé. Tiene una pinta estupenda: Mike Flanagan sabe hacerlas”.

Una versión moderna basada en las redes sociales

La trama gira en torno a Carrie White, que ha vivido recluida con Margaret, su madre protectora y abiertamente religiosa, interpretada por Samantha Sloyan. La muerte repentina de su padre la lleva al instituto público, donde debe afrontar la presión y la crueldad cotidiana de las redes sociales, además de la aparición de sus poderes.

Howell fue elegida para el papel tras más de 1.000 audiciones. La actriz ha explicado que su personaje llega al instituto “muy abierta y emocionada por el mundo”, con el deseo de hacer amistades y conocer gente después de haber tratado únicamente con sus padres.

Durante un panel de la Comic-Con, Flanagan ha defendido que la serie no pretende recorrer el camino de la película de Brian De Palma. El director ha recordado que la novela se escribió hace medio siglo y que la adaptación cinematográfica de 1976 fue “espectacular”, pero ha añadido: “El mundo ha cambiado bastante”.

El cineasta ha reunido a estudiantes de secundaria en la sala de guionistas para que relataran experiencias personales que han ayudado a construir el enfoque de la miniserie. “Compartieron situaciones aisladas impactantes o un trato constante y ‘microagresiones’, cosas que no necesariamente se presentan como acoso dirigido”, ha señalado Flanagan.

La serie abordará “la crueldad del mundo actual y cómo internet la ha fomentado, recompensado, celebrado y amplificado”. Para el director, ese entorno es “horrible” para los adultos y aún más difícil para los adolescentes.

Alison Thornton, que encarna a Chris Hargensen, ha subrayado que el equipo necesitaba confiar desde el inicio porque la producción es oscura y el rodaje debía ser “un espacio seguro”. Flanagan ha advertido también de que la ficción reservará cambios respecto al material conocido: “Mucha gente cree saber qué es la serie. Lo que más me entusiasma es saber la gran sorpresa que va a ser nuestra Carrie”.

Cuatro adaptaciones antes de la primera serie

La novela debut de King ya había llegado al cine en 1976 con Brian De Palma en la dirección, un guion de Lawrence D. Cohen y Sissy Spacek como Carrie. La historia tuvo una secuela directa, The Rage: Carrie 2, dirigida por Katt Shea y estrenada en 1999, con Emily Bergl como Rachel Lang, la hermanastra menor de Carrie.

NBC emitió en 2002 una película para televisión dirigida por David Carson y escrita por Bryan Fuller, con Angela Bettis en el papel principal. Kimberly Peirce dirigió en 2013 otra versión cinematográfica protagonizada por Chloë Grace Moretz como Carrie y Julianne Moore como Margaret.

La nueva producción incorpora a Siena Agudong como Sue Snell, Thornton como Chris Hargensen, Joel Oulette como Tommy Ross, Josie Totah como Tina, Arthur Conti como Billy, Thalia Dudek como Emaline, Amber Midthunder como Miss Desjardin y Matthew Lillard como el director Grayle. El reparto incluye además a Heather Graham, Kate Siegel, Michael Trucco, Katee Sackhoff, Rahul Kohli, Crystal Balint y Danielle Klaudt, y el rodaje concluyó el pasado octubre.

La ficción recorre el trayecto de Miguel Rafael Martos Sánchez desde una infancia marcada por la España de posguerra hasta su consolidación como figura internacional de la canción. El relato se detiene en los triunfos profesionales, pero también incorpora el entorno íntimo del artista, sus conflictos personales y los episodios que acompañaron su exposición pública.

Javier Morgade interpreta a Raphael en su juventud, mientras que Carlos Santos encarna al cantante durante su madurez. La división del personaje entre ambos actores permite cubrir distintas etapas de una vida que incluye el inicio artístico en Madrid, la repercusión de sus primeras canciones y la expansión de su popularidad fuera de España.

El reparto también reúne a Francesco Carril, Natalia Varela, Pepa Aniorte y Manolo Caro. La serie fue producida por DLO Producciones, en asociación con Caracol Televisión, y cuenta con dirección de Tito López Amado, Javier Pulido y Beatriz Sanchís. Ignacio del Moral, Paloma Rando y Adrià P. Xancó firman los guiones.

De Madrid a Las Vegas, Moscú, París y Acapulco

La trama transcurre a lo largo de cinco décadas y sitúa a Raphael en ciudades que resultaron centrales para su proyección. Madrid, Las Vegas, Moscú, París y Acapulco forman parte de los escenarios elegidos para mostrar una trayectoria que convirtió sus actuaciones en una referencia dentro de la música en español.

El avance de Netflix plantea que la narración no se limitará a reconstruir una lista de canciones o conciertos. Aquel se propone mostrar la distancia entre el intérprete de grandes auditorios y el hombre que sostuvo una carrera condicionada por la fama desde muy joven.

El título de la serie remite de forma directa a “Yo soy aquel”, una de las composiciones más asociadas con Raphael. La canción fue la elegida para representar a España en el Festival de Eurovisión de 1966, celebrado en Luxemburgo. Un año después regresó al certamen con “Hablemos del amor”, en Viena.

Quién es Raphael y cómo construyó su carrera

Raphael, nacido en Linares, Jaén, el 5 de mayo de 1943, es el nombre artístico de Miguel Rafael Martos Sánchez. Se trasladó a Madrid durante su infancia y comenzó a cantar desde pequeño. A los 16 años inició su camino profesional y adoptó la grafía con “ph” que terminaría por definir su identidad artística.

Su despegue llegó en la década de 1960. En 1962 obtuvo tres premios en el Festival Internacional de la Canción de Benidorm y, pocos años después, la participación en Eurovisión amplió su reconocimiento. Su estilo interpretativo, su repertorio y una puesta en escena muy personal lo llevaron a desarrollar una presencia sostenida en la radio, la televisión, el cine y los teatros.

A lo largo de su carrera actuó en recintos como el Madison Square Garden de Nueva York, el Olympia de París y el Teatro Real de Madrid. También protagonizó películas y programas televisivos, además de publicar discos en español y en otros idiomas.

La trayectoria del artista incluye canciones como “Mi gran noche”, “Como yo te amo”, “Qué sabe nadie”, “En carne viva” y “Estar enamorado”. Su sitio oficial señala que recibió un disco de uranio por superar los 50 millones de copias vendidas y que acumuló 326 discos de oro y 49 de platino.

Con ocho capítulos, Aquel buscará ordenar ese recorrido desde los primeros años de Raphael hasta su madurez artística. El estreno del 9 de octubre en Netflix permitirá conocer el enfoque con que la ficción aborda los momentos privados de una figura cuya voz y repertorio mantienen presencia en varias generaciones.

Una Carrie marcada por el aislamiento y las redes

Esta versión presenta a Carrie como una adolescente que pasó gran parte de su vida aislada en casa junto a su madre, Margaret White, interpretada por Samantha Sloyan. Después de la muerte repentina de su padre, la joven debe ingresar a una escuela pública y relacionarse con otros estudiantes por primera vez.

El cambio de entorno coincide con un escándalo de acoso escolar que se vuelve viral y afecta a toda la comunidad de Chamberlain, el pueblo ficticio donde transcurre la historia. La presión constante de las redes y las agresiones cotidianas acompañan el surgimiento de las habilidades telequinéticas de Carrie, es decir, su capacidad para mover objetos mediante la mente.

El adelanto muestra la relación entre Carrie y Margaret, además de algunos de los momentos más reconocibles del libro. Entre ellos aparecen la coronación de la protagonista durante el baile de graduación, su grito dentro del gimnasio y un incendio posterior. Un avance anterior, presentado en julio durante la Comic-Con de San Diego, ya había anticipado parte de esa secuencia.

Howell consiguió el papel después de un proceso de audiciones en el que participaron más de mil aspirantes. La actriz explicó que su personaje llega a la escuela con deseos de conocer personas y hacer amigos, porque hasta ese momento su contacto con el exterior había estado limitado a sus padres. Su experiencia previa en el terror incluye participaciones en Curse of Chucky, Cult of Chucky y Channel Zero.

Mike Flanagan toma distancia de Brian De Palma

Flanagan explicó que su intención no fue repetir la película de Brian De Palma, estrenada en 1976 y protagonizada por Sissy Spacek y Piper Laurie. Ambas actrices recibieron nominaciones al Oscar por sus interpretaciones. Para el realizador, aquella adaptación es “intocable” y tratar de seguir sus pasos no tenía sentido.

“Carrie fue escrita hace medio siglo. Carrie fue adaptada de manera espectacular por Brian De Palma. Es intocable. No hay razón alguna para intentar seguir esos pasos. El mundo, sin embargo, ha cambiado bastante”, señaló Flanagan durante el panel de la Comic-Con.

La novela original fue publicada en 1974, permaneció 14 semanas en la lista de libros más vendidos de The New York Times y fue traducida a más de 35 idiomas. La historia tuvo otras versiones después de la película de De Palma: Carrie 2: La ira en 1999, una producción televisiva en 2002 y el remake cinematográfico de 2013 dirigido por Kimberly Peirce, con Chloë Grace Moretz y Julianne Moore.

La nueva producción es la primera adaptación concebida como una serie de varios episodios. Para trasladar el conflicto a la actualidad, Flanagan invitó a estudiantes de preparatoria a participar en la sala de guionistas. Los jóvenes describieron situaciones de hostigamiento y microagresiones que pueden sostenerse en el tiempo sin presentarse como ataques directos. Esos testimonios ayudaron a construir el componente escolar y digital de la trama.

El director también definió la escena del baile como “la escena más compleja” que filmó hasta ahora. Aunque el tráiler recupera imágenes conocidas por quienes leyeron el libro o vieron adaptaciones anteriores, Flanagan adelantó que la serie buscará sorprender con su interpretación de Carrie y con una exploración más extensa de lo ocurrido en Chamberlain.

El reparto y los responsables de los episodios

El elenco principal incluye a Siena Agudong como Sue Snell, Alison Thornton como Chris Hargensen y Joel Oulette como Tommy Ross. También participan Josie Totah como Tina, Arthur Conti como Billy, Thalia Dudek como Emaline, Amber Midthunder como la señorita Desjardin y Matthew Lillard como el director Grayle.

Thornton explicó que el tono oscuro del programa obligó al reparto a construir una relación de confianza desde el comienzo del rodaje. Según la actriz, era necesario que el set funcionara como un espacio seguro para poder trabajar con el material más sensible de la historia.

El reparto suma a varios colaboradores habituales de Flanagan y otras incorporaciones: Michael Trucco, Crystal Balint, Kate Siegel, Rahul Kohli, Tim Bagley, Heather Graham, Katee Sackhoff y Danielle Klaudt. King participa como productor ejecutivo junto con Flanagan y Trevor Macy, mientras que Amazon MGM Studios está a cargo de la producción.

Flanagan, responsable de Misa de medianoche y La maldición de Hill House, dirigió los episodios 1, 2, 7 y 8. Siegel estuvo detrás del tercero, Axelle Carolyn dirigió el cuarto, Kyra Sedgwick el quinto y Hiromi Kamata el sexto.

El proyecto fue anunciado en octubre de 2024, recibió luz verde de Amazon en abril de 2025 y terminó su producción en octubre de ese mismo año. Prime Video estrenará la temporada completa el 7 de octubre de 2026.

“Pará que me pongo los auriculares”, dice Mercedes Reincke y corre su larga cabellera detrás de las orejas. Está en un edificio, una torre antigua, sobre la Avenida Libertador de Vicente López. Un gran ventanal le muestra, nítido, el Río de La Plata: el sol del mediodía dibuja destellos sobre el agua. “Soy una quilmeña a la que el amor la fue trayendo por distintos barrios: Palermo, Pilar y ahora Vicente López”, cuenta al altavoz del teléfono envuelta en lo que define como “la energía pedante del barrio”.

Es productora —Moria, Barreda, ya hablaremos de eso—, pero acaba de publicar Mil viajes en heladera. La historia comienza con una mudanza: la protagonista, “recién separada, siente la energía vital de un nuevo fin y otro comienzo”. Pero entre poleas y sogas, la heladera, que está subiendo por el frente del edificio, de pronto cae y estalla en el asfalto. Hay un reemplazo, un electrodoméstico nuevo, que resulta mágico: la lleva de viaje por el pasado, por sus romances, “como si recordar fuera el futuro”.

Esta es su tercera novela. Después de De tripas corazón y La nueva de Matilde: muerte y resurrección de una mujer de 55 años, llegó este libro que, asegura, “es otra cosa: un trabajo que tiene tiempo, porque no me apuré, mucha cabeza y buenas ediciones”. “La contraseña es soledad”, dice en la primera página, algo que luego se repite en la novela. “Estoy casada con una mujer que se llama Soledad”, aclara. “Pero además está ligado al proceso de trabajar con Moria: el amor de mi vida soy yo”.

—No es ciencia ficción en un sentido estricto. Podría decirse que usás ese elemento sobrenatural para trabajar una historia más bien cotidiana.

—Totalmente. A esta novela la vengo escribiendo hace bastante. Me quería escapar de la autoficción, que es un recurso que me encanta, pero quería destilar toda la imaginación, ordeñarla al máximo. Y me empezó a aparecer esta idea de la muerte de la madre y de una mudanza. Y ahí me apareció, creo que Moria pronunció la palabra electrodoméstico y me gustó. Y siempre me gustó mucho un libro de Banana Yoshimoto, que se llama Kitchen, que ella se va a vivir a la cocina de su casa. Entonces pensé en esta mujer que se separa una vez más después de tantas relaciones fallidas y en una mudanza su heladera se cae desde lo alto, una heladera que está vinculada con su madre, una heladera que enfría, que detiene, que congela. Esa explosión contra el asfalto libera o desactiva lo que tenía trabando su memoria, sus recuerdos. Y empieza a viajar en su pasado, vuelve a escenas que no recordaba, amores, situaciones bastante particulares. Descubre este mecanismo y un poco se hace adicta a recordarse, a ver quién era. Y acá empieza este recorrido de una mujer que tiene muchos amores, que quiere conocer a Almodóvar, que se relaciona con hombres y mujeres: la depresiva, la infiel, el David, el virgen.

—¿Te interesa la idea de autosuperación? Una lectura de esta novela es esa: un viaje de autosuperación o de autoconocimiento.

—Cuando publiqué La nueva vida de Matilde, ese libro que primeero publiqué por capítulos en la revista de Susana, alguien la puso en el sector de autoayuda. En ese momento me ofendió. Pero ahora no: me parece espectacular. Creo que es una novela diferente, que tiene una chispa y un salto acorde a lo que le pasa a nuestras cabezas.

—Hay una escena donde ella sale de bañarse, hace un corazón en el espejo empañado y después lo borra. Y se pregunta si no es adicta al amor. Es una buena pregunta para esta época: qué relación tenemos con el amor. ¿Son tiempos románticos? ¿Son tiempos más racionales o exageradamente emocionales?

—Yo estoy enamorada. Tengo una pareja hace mucho tiempo. Creo que es un momento en el que hay que lograr que el amor vuelva a ser lo que fue, porque se escondió detrás de aplicaciones. El otro día escuchaba a Camila Sosa Villada que decía: qué lástima que las relaciones abiertas rompieron algo espectacular, la infidelidad, que era un arte. Yo soy re monogámica, eh. Hay que hacerle respiración boca a boca al amor. No es que el amor esté muerto, no. Hay que volverlo a seducir, para que vuelva con todo. Necesitamos un poquito más de naturaleza, menos teléfono y darle una chance. Se escondió un poquito, pero va a volver. Quizás como el año bisiesto, ¿viste? Hay que esperarlo y recibirlo. Vamos a estar bien.

El origen de Mercedes Reincke es Quilmes pero en su biografía aparece el nombre de Cuba. “Mi padre trabajaba en Mercedes Benz y lo mandaron a Cuba. Y fuimos. Yo fui con dos y volví casi con seis; mi hermana nació allá. Vivimos en El Vedado y pasaron cosas maravillosas. Íbamos al mar todos los días, teníamos amigos”. Ahora se le viene a la memoria una escena: está arriba de una calesita y en los parlantes pasan un discurso de José Martí. “Son recuerdos totalmente despolitizados y espectaculares”.

Cuando piensa en la escritura, recuerda “las dedicatorias de los libros que regalaba mi abuela: tenían poesía, golpe bajo, juego de palabras”. Entonces, el periodismo: escribió en las revistas Gestión, La mujer de mi vida y Animus, y dirigió Cinemanía. Luego la televisión: lideró durante una década el desarrollo de contenidos en Telefé/Viacom. Y finalmente, el mundo audiovisual: fundó la productora About, junto a Armando Bo, Natacha Cervi y Ezequiel Olemberg, donde trabajó en grandes producciones.

Podemos nombrar Cromañón, sobre la tragedia de aquel recital de Callejeros en 2004, o Las malas, basada en la novela de Camila Sosa Villada, pero hay dos estrenos: Moria, la serie sobre la vida de Moria Casán, y Barreda, la película sobre el odontólogo que mató a su familia. “Moria y Barreda se parecen: el lugar de la mujer, darles visibilidad a estas víctimas... Ahora estoy con ese vacío melancólico que es haber terminado algo que a todos los que participamos nos hizo muy felices”, asegura.

—Trabajaste en periodismo, en televisión, ahora en cine, y seguís escribiendo novelas. ¿A qué te suena la palabra entretenimiento?

—Siempre me sorprendió una declaración de la productora, que no recuerdo el nombre, que escribió Cincuenta sombras de Grey. No te creas que es un libro que te lo esté recomendando. Es una mujer que venía de la producción de televisión. Lo que yo tengo muy adentro, y lo tengo en mi trabajo todo el tiempo, es que pienso mucho en quién está del otro lado. Se publique o no se publique, porque también publicar, estrenar, producir no deja de ser un regalo, porque se tienen que dar muchas cosas para que eso pase. Que Planeta diga sí, que se copen, que me hayan hecho semejante tapa, que me hayan puesto a semejante editor como Andrés Gallina o a Josefina Licitra, lo agradezco. Conozco la mente fragmentada del espectador, esta tendencia de ir al teléfono todo el tiempo. Entiendo todo esto, pero me interesa que todo pase dentro de un paraguas o dentro de una historia de una mujer que se acaba de separar y que está básicamente lidiando con su existencia. Me interesa contar eso: la transformación de esa protagonista que se da en este momento de la humanidad.

—¿Cómo llevás esta doble vía: por un lado, un trabajo más colectivo y público que es el lenguaje audiovisual, y por otro, uno más singular e íntimo, la literatura?

—Sí, lo audiovisual es muy colectivo, es espectacularmente colectivo. Obviamente hay alguien que tiene una chispa, que lleva y después los proyectos suelen tener un líder, un equipo gigante, guionistas, escritores, después toda la gente en rodaje que se ocupa de cosas tan importantes. Pero esto es una intimidad: escribir en el teléfono cuando estás en un ascensor, es colgarte en una cena y robarle algo que alguien te está diciendo en una anécdota. Es como un lugar seguro para mí. Es la galaxia en donde vivo con mis leyes. Escribir, reescribir, dudar, ofuscarte, preocuparte: un sufrimiento hermoso.

—Cuando cae la uña gigante en el patio de Moria me acordé de la heladera. Lo fantástico que aparece para darle un marco conceptual. Es un elemento en común, ¿no?

—Es que con el equipo de guionistas de la serie pensamos igual. Somos como de la misma nave. Nos están interpelando las mismas cosas, porque yo a esta novela la tengo hace mucho en el corazón. Moria dice que ella estudia cábala para modificar su pasado. Mi personaje no modifica el pasado, pero recuerda de una manera distinta, que es poniendo el cuerpo otra vez.

La ficción sigue a Lisa y Stephen, una pareja de treinta y tantos interpretada por Paapa Essiedu y Siobhán Cullen, que atraviesa varios abortos espontáneos mientras intenta sostener su relación. En paralelo, la serie desarrolla la historia de Dave y Amanda, cuyo vínculo acaba afectando a la antigua amistad entre Stephen y Dave.

Golaszewski, ganador de dos premios BAFTA por Mum y Him & Her, ha construido la serie con asesores médicos y organizaciones especializadas para abordar una experiencia que, según explica el creador, no puede presentarse como un relato único ni definitivo. Su propósito, sostiene, ha sido contar con honestidad la vivencia concreta de una pareja y dar espacio a una realidad que sigue siendo “un tema tabú e innombrable, tratado como una enfermedad y no como un duelo”.

Una serie entre el duelo y la esperanza

La serie se centra en cómo el duelo se instala en la vida cotidiana. Lisa y Stephen intentan seguir adelante tras cada pérdida, pero la búsqueda de un nuevo embarazo, las visitas al hospital y la espera de cada prueba convierten la esperanza y el miedo en una rutina.

Junto a ellos aparecen Dave, el mejor amigo de Stephen, y Amanda, su nueva pareja. Ese contraste permite a la ficción explorar qué ocurre cuando las personas no consiguen pedir lo que necesitan porque se sienten vulnerables, avergonzadas o temen la respuesta.

La serie no se limita a la pérdida gestacional y amplía el foco hacia la paternidad, la amistad adulta, el envejecimiento, las expectativas sociales, la represión emocional masculina y la comunicación. Así, aunque el tema central es duro, el relato no se vuelve uniformemente sombrío y deja espacio para momentos de humor, alivio y observación precisa del comportamiento humano.

Ante todo, se trata de una obra sobre la comunicación, sobre lo que sucede cuando las personas no hablan o no pueden hablar de lo que necesitan. Por eso, serie avanza con poca trama aparente y revelaciones dosificadas, hasta hacer que hallazgos menores alteren el equilibrio emocional de los personajes.

Respaldada por la crítica con cinco estrellas

La recepción crítica ha sido claramente favorable, con especial atención al trabajo de sus protagonistas. The Guardian la ha definido como “un triunfo televisivo inquietante, divertido, conmovedor y emocionalmente devastador”, mientras The Observer ha destacado hasta qué punto demuestra “lo poderosa que puede ser una serie de televisión”. The Times la ha descrito como “casi demasiado dolorosa, demasiado intensa, demasiado real”.

En Radio Times, James Hibbs sostiene que Essiedu firma una interpretación que puede situarse entre las mejores de su carrera y que Cullen iguala escena a escena esa intensidad. El medio también valora el trabajo de Jack Bannon como Dave y de Charlotte Riley como Amanda, un personaje presentado como divisivo pero comprensible por la interpretación de la actriz.

En definitiva, un drama poderoso y reconocible de principio a fin y una serie que logra combinar tensión, compasión y humor a la hora de retratar las relaciones en medio de una situación traumática.

La producción llegará primero a TNT con un episodio por semana y, desde el 19 de septiembre, podrá verse completa en Flow. Dirigida por Paula Hernández y Jazmín Stuart, la serie se apoya en un thriller psicológico para abordar un tema sensible: la vulneración de derechos humanos en ámbitos de fe y aislamiento.

La historia parte de una joven que entra a un convento y queda sometida durante 15 años

La trama se centra en Clara, interpretada por Carolina Kopelioff, una joven de 18 años que abraza la vocación religiosa y decide ingresar a un convento de clausura. Lo que aparece como una salida espiritual y personal frente a un contexto familiar conflictivo se transforma en una experiencia extrema. Dentro de ese mundo cerrado, la madre superiora Cecilia, a cargo de Lorena Vega, impone un régimen de castigos, maltratos y control.

La serie reconstruye el derrotero de Clara a lo largo de tres líneas temporales: su ingreso al convento, los años de abuso padecidos dentro de la institución y el proceso posterior a la fuga. Ese esquema narrativo permite seguir tanto el deterioro físico y psicológico de la protagonista como el inicio de una recuperación atravesada por su entorno familiar y por la necesidad de denunciar.

El convento aparece como un espacio de encierro en pleno siglo XXI

Uno de los ejes centrales de Cautiva es el contraste entre la vida contemporánea y la persistencia de prácticas que remiten a otro tiempo. La serie sitúa esa tensión en un convento de clausura presentado como un universo hermético, con reglas propias y una lógica de obediencia extrema.

Según adelantó el equipo artístico, la intención fue construir ese mundo con sobriedad y sin caer en una representación exagerada. La historia busca explorar la intimidad de una institución poco visible para el público, a partir de una ficción inspirada en hechos reales pero desarrollada desde una mirada dramática y narrativa.

Un elenco amplio acompaña a Kopelioff y Vega

Además de sus dos protagonistas, el elenco reúne a Rita Cortese, Julieta Zylberberg, Valeria Lois, Tomás Wicz, Rochi Hernández, Lautaro Bettoni y Evitta Luna. También participan de manera especial Justina Bustos y Luis Ziembrowski.

Zylberberg interpreta a una periodista que recibe una denuncia anónima sobre lo que ocurre dentro del convento y decide investigar. Ese personaje funciona como uno de los nexos entre el encierro de Clara y el mundo exterior, al tiempo que empuja la dimensión judicial y pública del caso.

Los guiones fueron escritos por Paula Hernández, Leonel D’Agostino y Pablo Lago, con producción ejecutiva de Victoria Aizenstat y Mauro Guevara, y producción general de Aleph Cine.

La serie retoma un caso real que conmocionó al país

El punto de partida de Cautiva remite a una denuncia conocida en la Argentina en 2016, cuando salió a la luz el caso de una religiosa que acusó a las autoridades de un convento de Nogoyá, en Entre Ríos, por encierros, humillaciones y distintos castigos físicos y psicológicos.

Con ese antecedente, la ficción se propone trabajar sobre la opresión religiosa, los mecanismos de sometimiento y las dificultades para romper el silencio en estructuras cerradas. El equipo aclaró que no se trata de una reconstrucción literal, sino de una obra de ficción inspirada en ese universo y elaborada a partir de personajes y situaciones dramáticas propias.

TNT y Flow refuerzan su apuesta por la ficción local

Con este estreno, TNT y Flow suman un nuevo título a su estrategia de producción argentina original. Cautiva se incorpora a una oferta que en los últimos años incluyó otras ficciones locales y busca ampliar el alcance de historias con identidad propia, sostenidas por elencos reconocidos y realizadores del medio local.

El estreno será el 18 de septiembre en TNT y la temporada completa quedará disponible desde el 19 de septiembre en Flow. A lo largo de seis episodios, la serie seguirá el camino de una mujer que intenta reconstruirse después del encierro y llevar su historia a la Justicia.

La guerra entre el Silo 18 y el Silo 1

La nueva temporada retomará la historia tras el intento de los habitantes del Silo 18 por evitar la salvaguarda, el mecanismo preparado para eliminar amenazas contra el sistema. Aunque todavía no existe una sinopsis oficial completa, el final anterior dejó planteada una guerra contra el Silo 1, desde donde operan quienes administran y protegen la estructura creada por los Fundadores.

Juliette, Camille y Sims deciden pasar a la ofensiva y revelarles a sus vecinos la verdad que descubrieron. El primer adelanto muestra parte de ese movimiento, que amenaza el control de la información ejercido durante generaciones. La reacción del Silo 1 será central, ya que sus responsables han demostrado que están dispuestos a eliminar comunidades enteras cuando consideran que existe un riesgo para el sistema.

Los episodios también continuarán explorando el pasado y las circunstancias que llevaron al fin del mundo. Entre las preguntas pendientes aparecen el destino de Helen, la transformación de Daniel en Troy y el funcionamiento cotidiano del Silo 1.

Troy tendrá que reconstruir su identidad y averiguar quién fue Helen. La pista surgió cuando Victor le transmitió esa información antes de suicidarse. Esta línea temporal permitirá conectar las decisiones tomadas durante la creación de los refugios con la rebelión encabezada por Juliette en el presente.

El reparto y un rodaje completado

Rebecca Ferguson seguirá al frente del elenco. Junto a ella regresarán Common, Harriet Walker, Avi Nash, Rick Gomez, Chinaza Uche, Shane McRae, Alexandria Riley, Ashley Zukerman, Jessica Henwick, Reed Birney, Laura Innes, Jessica Brown Findlay, Morven Christie y Colin Hanks, entre otros integrantes de las temporadas anteriores.

La participación de Tim Robbins no está prevista después de los acontecimientos recientes, aunque la estructura narrativa todavía permitiría una aparición mediante escenas del pasado. El regreso de Matt Craven como Victor resulta más probable porque la cuarta temporada seguirá investigando el origen de los silos y las primeras decisiones de sus responsables.

El rodaje ya terminó. Apple Studios filmó las temporadas tercera y cuarta de manera consecutiva, una decisión que redujo la espera entre ambas entregas y permitió completar la fotografía principal antes del estreno del tramo anterior. La producción de los capítulos finales se extendió desde agosto de 2025 hasta marzo de 2026. El trabajo restante corresponde a la edición y los efectos visuales.

Graham Yost, creador y guionista de la serie, continúa al frente del proyecto. El equipo de productores incluye a Michael Dinner, Nina Jack, Joanna Thapa, Rebecca Ferguson, Morten Tyldum, Hugh Howey, Amber Templemore, Fred Golan y Rémi Aubuchon.

Qué está en juego en la temporada final

Silo transcurre en un futuro aparentemente postapocalíptico. Cerca de 10.000 personas viven dentro de una estructura subterránea de 144 niveles porque el exterior es presentado como un territorio tóxico e inhabitable. Sus habitantes siguen reglas estrictas que, según las autoridades, existen para asegurar la supervivencia de la comunidad.

La sociedad del refugio está dividida entre departamentos técnicos, cuerpos de seguridad y autoridades políticas. La distribución vertical también crea diferencias económicas y culturales entre los niveles. Juliette comienza la historia como una ingeniera encargada de los generadores ubicados en las zonas inferiores, pero varias muertes sospechosas la llevan a cuestionar la versión oficial sobre el exterior y el origen de la estructura.

Las investigaciones de Juliette revelan que parte de la historia fue ocultada durante décadas y que cualquier desafío al sistema recibe una respuesta severa. La temporada final deberá conectar esas revelaciones con la creación de los refugios, la identidad de Troy y la ofensiva del Silo 18.

Apple TV programó el primero de los diez episodios finales para el 9 de julio de 2027.

Netflix inició en Praga el rodaje de su serie basada en The Secret of Secrets, la novela de Dan Brown, y publicó la primera imagen de Morgan Spector como Robert Langdon. La fotografía también presenta a Rebecca Hall en el papel de Katherine Solomon, personaje central del nuevo misterio. La producción todavía no tiene fecha de estreno ni título definitivo confirmado.

Un nuevo rostro para Robert Langdon

Spector toma un personaje asociado durante dos décadas con Tom Hanks, quien interpretó al profesor de simbología de Harvard en las películas El código Da Vinci, Ángeles y demonios e Inferno. Las tres fueron dirigidas por Ron Howard, aunque llegaron al cine en un orden diferente al de la publicación de las novelas: El código Da Vinci se estrenó en 2006 antes que Ángeles y demonios, pese a que ese libro había aparecido primero.

La próxima adaptación trasladará los acertijos y conspiraciones de Langdon al formato de serie. Esa estructura ofrece más tiempo para desarrollar las investigaciones, las conexiones históricas y las pistas que suelen organizar las historias de Brown, en lugar de concentrarlas dentro de la duración de una película.

Este tampoco será el primer cambio de actor del personaje. Ashley Zukerman interpretó una versión más joven del profesor en The Lost Symbol, producción de Peacock basada en la novela conocida en español como El símbolo perdido. La serie quedó inconclusa después de una temporada.

Netflix vuelve a comenzar con otra etapa de la vida del protagonista y sin adaptar nuevamente El código Da Vinci como presentación. Spector deberá encarnar a una versión reconocible de Langdon sin reproducir la interpretación de Hanks, mientras la plataforma intenta separar su serie de las películas previas.

Un misterio sobre la conciencia humana

La historia llevará a Langdon a la República Checa, donde deberá rescatar a una científica desaparecida y recuperar un manuscrito con descubrimientos capaces de alterar la comprensión de la mente humana. La investigación también lo enfrentará con un grupo dispuesto a impedir que esos hallazgos sean publicados y con fuerzas antiguas vinculadas al secreto.

Katherine Solomon, interpretada por Hall, es la científica que ocupa el centro de la trama y la pareja de Langdon. Su aparición junto al protagonista en la primera fotografía señala la relación sobre la que avanzará buena parte de la adaptación.

La descripción difundida por Netflix combina ciencia futurista, tradición mística, suspenso e intriga internacional. El componente científico cambia el eje habitual de las aventuras del personaje, frecuentemente construidas alrededor de secretos religiosos, sociedades ocultas, obras de arte y episodios históricos. Esta vez, el conflicto examinará el punto de encuentro entre las explicaciones espirituales y una investigación sobre la conciencia.

The Secret of Secrets es la novela más reciente protagonizada por Langdon. Tras esta adaptación, Origen quedaría como el único libro principal del personaje sin una versión audiovisual. Esa historia comienza en el Museo Guggenheim de Bilbao, pero Netflix no anunció planes para producirla ni confirmó posibles continuaciones.

El reparto y los responsables de la serie

Spector y Hall encabezarán un reparto regular que incluye a Cherry Jones como Heide Nagel, Corey Stoll como Everett Finch, Rob Delaney como Jonas Faukman y Abbey Lee como Sasha Vesna. La producción confirmó más incorporaciones coincidiendo con el comienzo de la filmación.

Mamadou Athie tendrá una participación recurrente como Michael Harris y Ben Levi Ross interpretará a Alex Conan. También se sumaron Anamaria Marinca como la doctora Gessner, Richard Sammel como Karl Muller y Elena Saurel como Susan Housemore. Sammel llega al proyecto después de participar en Andor.

Brown y Carlton Cuse son cocreadores y productores ejecutivos de la adaptación. Cuse también trabajará como guionista y showrunner, el responsable creativo que coordina el desarrollo general de una serie. Su trayectoria televisiva incluye Lost, Bates Motel y Jack Ryan, tres producciones con elementos de misterio, suspenso y narraciones continuadas entre episodios.

Emma Forman, Zoe Robyn y Genre Arts completan el equipo de producción anunciado. La participación directa de Brown diferencia esta versión de las anteriores y lo coloca dentro del grupo que decidirá cómo trasladar la novela a la pantalla.

Netflix encargó la serie directamente en mayo de 2025, sin pasar por la producción previa de un episodio piloto. Con las cámaras ya activas en Praga, el proyecto deberá completar el rodaje y su posterior etapa de posproducción antes de llegar al catálogo. La plataforma todavía no comunicó cuántos episodios tendrá ni cuándo se estrenará.

Ver series en Instagram o TikTok se está convirtiendo en una tendencia cada vez más fuerte. Este formato, conocido como microseries verticales, logra conectar a los usuarios en capítulos de menos de tres minutos, giros constantes en la historia, diálogos rápidos, uso de inteligencia artificial y generando más de 10 mil millones de dólares al año.

El formato nació en China bajo el nombre de duanju y ya se exportó al mundo, con América Latina como una de las regiones de mayor crecimiento. La velocidad de producción y el uso creciente de inteligencia artificial son dos de los rasgos que definen esta industria en expansión, que ya tiene sus propias aplicaciones de streaming.

Qué es una microserie vertical y cómo se construye

Una microserie vertical adapta la ficción a la manera en que la mayoría usa el teléfono: en posición vertical. Eso obliga a repensar planos, iluminación y guiones para un espacio más estrecho.

El ritmo también cambia. Cada episodio concentra la acción en una o dos escenas y suele cerrar con una revelación o una amenaza que empuja al siguiente capítulo, según explicó la guionista Laia Foguet en referencia al rodaje de Baddie, la serie vertical de Atresmedia.

Estas historias se consumen en aplicaciones como ReelShort, DramaBox o PineDrama, que combinan capítulos gratuitos con sistemas de micropagos o suscripción. El modelo monetiza menos una obra completa que la continuidad misma del consumo. Aunque también son virales en redes sociales, como Instagram y TikTok.

Cómo se convirtió este formato en una industria millonaria en el mundo

En 2025, la industria china de microseries alcanzó un valor cercano a los 13.900 millones de dólares, según un informe de la Administración de Radio y Televisión de Pekín. La capital concentró 58.570 millones, alrededor del 59% del mercado nacional.

Un formato que tiene estudios especializados en grabaciones de cien episodios que pueden realizarse en menos de dos semanas, con escenografías reutilizadas una y otra vez.

Según la consultora Omdia, los microdramas generaron alrededor de 11.000 millones de dólares en todo el mundo en 2025, y la firma proyecta que esa cifra llegue a 14.000 millones en 2026.

Fuera de Asia, Media Partners calcula que el mercado pasará de 2.700 millones de dólares en 2025 a 3.600 millones en 2026, con una proyección de 9.500 millones para 2031.

América Latina ya concentra el 23% de las descargas mundiales de estas aplicaciones, segunda solo detrás del Sudeste Asiático. La empresa Adjust registró un salto del 913% interanual en el primer trimestre de 2026, tras el 4.300% ya alcanzado en 2024. Brasil se consolidó como principal mercado de consumo, mientras Argentina se posicionó como hub de producción para plataformas como ReelShort.

Cómo se usa la IA para la creación de las microseries

La búsqueda de eficiencia convirtió a los microdramas en terreno fértil para la inteligencia artificial. Durante el primer semestre del año, algunos estudios registraron caídas cercanas al 60% en el uso de sets, mientras determinadas producciones recortaron sus presupuestos alrededor de un 70%.

Herramientas como Seedance, desarrollada por ByteDance, la empresa detrás de TikTok, mejoraron la consistencia de los personajes generados y la naturalidad de las voces.

El perfeccionamiento de las herramientas de video generativo desplazó parte de la producción hacia equipos mucho más pequeños, con menos días de rodaje. Cada vez más escenas se crean sin cámaras, actores ni locaciones, a partir de un simple prompt.

El avance ya afecta a actores y técnicos, que reciben menos llamados a medida que las productoras encuentran en la inteligencia artificial un reemplazo cada vez más convincente para sostener el ritmo acelerado que exige este formato.

El actor que interpretó a Han Solo, Indiana Jones y otros personajes emblemáticos del cine construyó una trayectoria de 62 años y cerca de USD 6.000 millones en la taquilla estadounidense.

Hasta el momento, Ford y Sylvester Stallone son los únicos actores de la historia que consiguieron estrenar una película en el primer puesto de la taquilla durante seis décadas consecutivas.

En una entrevista con Backstage Magazine, repasó distintos momentos de su extensa carrera, desde sus primeros pasos sobre un escenario universitario hasta su consolidación como una de las figuras más reconocibles de Hollywood. Además, habló sobre la serie Shrinking, su forma de construir personajes y la relación con otros intérpretes.

Una definición práctica del trabajo actoral

Ford resumió su vínculo con la profesión con una frase que contradice cualquier interpretación excesivamente intelectual del oficio. “No pienso mucho en la actuación”, afirmó durante la conversación con Backstage.

Para el intérprete, actuar consiste principalmente en responder a las circunstancias de cada escena y trabajar en función de la historia. “Actuar es aprovechar una situación y tratar de concentrarse en la tarea en cuestión, que es contar la historia a través del personaje”, explicó.

Esa concepción también aparece en su descripción del trabajo cotidiano en un rodaje. Ford definió la actuación como una actividad esencialmente práctica: “Actuar es resolver problemas. Eso es lo que hacemos en el set. Nos ponemos de pie y resolvemos los problemas”.

También destacó la presión que implica trabajar con un tiempo limitado. Según explicó, la energía, la paciencia y las oportunidades disponibles durante una jornada de filmación tienen un límite. Esa condición es precisamente uno de los aspectos que más disfruta de su profesión.

El desafío de interpretar a Paul Rhoades en Shrinking

Esta manera de entender el trabajo se refleja en uno de sus papeles recientes. En Shrinking, Ford interpreta a Paul Rhoades, un terapeuta que atraviesa las primeras etapas del Parkinson. Para preparar el personaje, consultó con neurólogos y especialistas con el objetivo de comprender las manifestaciones de la enfermedad.

El actor señaló que cada paciente atraviesa el Parkinson de una manera diferente y explicó que la serie presenta períodos puntuales de la vida de Paul, sin mostrar todo el desarrollo de la enfermedad.

Esa característica también plantea un desafío interpretativo. “No quiero hacer algo sentimental, estúpido o erróneo”, afirmó sobre la responsabilidad que implica el papel.

Durante el rodaje de la cuarta temporada, Ford compartió una escena con Michael J. Fox, quien también convive con Parkinson. Sobre su compañero de elenco, expresó que “es muy perspicaz. Está muy presente en todo momento. Tiene un talento enorme”.

Del deseo de esconderse a construir personajes desde sí mismo

Uno de los momentos más significativos de la conversación surgió cuando recordó sus primeras experiencias teatrales. En 1964 interpretó al señor Antrobus en The Skin of Our Teeth, una obra presentada en el Red Barn Theatre del Ripon College. Aquella experiencia marcó su relación con la actuación.

El personaje llevaba un bigote postizo, talco en la cabeza y una almohada debajo de la camisa. Para Ford, ese aspecto físico representó una posibilidad de ocultarse detrás de un personaje y encontrar un espacio de pertenencia entre personas con intereses similares.

Con el tiempo, esa relación cambió. “Al principio, fue genial poder esconderme tras un personaje. Pero más adelante, a medida que aprendía más sobre él, me di cuenta de que no necesitaba esconderme”, señaló.

Según explicó, comenzó a entender que podía utilizar aquello que llevaba consigo para construir una interpretación. “Solo necesitaba aportar lo que llevaba en el corazón y en la mente, porque eso era lo que tenía para ofrecer”, agregó.

La actuación como una construcción

La experiencia previa de Ford como carpintero también aparece en su manera de explicar el trabajo actoral. Antes de convertirse en una estrella de Hollywood, esa profesión le permitió contar con una fuente de ingresos que redujo la presión de aceptar cualquier papel.

Esa etapa terminó influyendo en su visión sobre la construcción de un personaje. Ford explicó: “Cada personaje es una receta, diseñada específicamente para centrarse en un argumento”.

El actor comparó el proceso con levantar una estructura: primero debe existir una base sólida y después se incorporan los distintos elementos. La metáfora conecta su experiencia como carpintero con una forma de trabajo basada en construir progresivamente una interpretación.

De Star Wars al Hollywood actual

El actor llegó a Star Wars después de haber trabajado con George Lucas en American Graffiti. Mientras se desempeñaba como carpintero, Lucas le pidió que leyera líneas durante las audiciones.

El papel de Han Solo terminó modificando su trayectoria profesional y lo convirtió en uno de los protagonistas más reconocibles del cine estadounidense.

Atribuyó parte de esa oportunidad al contexto de la industria en aquella época. Al referirse al cine de los años 70, lo definió como “la época dorada” y sostuvo que existía una conexión particular entre la sociedad y el espíritu de aquel momento.

Sin embargo, consideró que el escenario actual ofrece oportunidades propias. Destacó especialmente el crecimiento del streaming y su capacidad para desarrollar personajes durante períodos prolongados.

En ese contexto, realizó una valoración llamativa sobre los intérpretes contemporáneos: “Creo que probablemente hay mucho más talento entre los actores actuales que durante mi época”, declaró.

La conversación también abordó la inteligencia artificial y su utilización en el cine. Ford recordó que su imagen fue rejuvenecida mediante tecnología para una parte de Indiana Jones y el dial del destino, a partir de registros de su rostro correspondientes a distintas etapas de su vida.

Sobre el futuro de su legado, mantuvo la misma postura directa que atravesó buena parte de la entrevista: “Lo que pase después de mi muerte no es asunto mío”.

El anuncio se realizó durante el evento Prime Video Presents Latin America, donde la plataforma mostró las primeras imágenes de su nueva serie Original chilena. La ficción adapta uno de los títulos más conocidos de Piñeiro y se inscribe en la estrategia de Prime Video de llevar a la pantalla obras de la literatura latinoamericana.

La historia vuelve sobre un crimen ocurrido en 1986

La trama de Catedrales se mueve entre dos tiempos. En 1986, Ana, la hija menor de la familia Sardá, aparece asesinada, desmembrada y quemada en un terreno baldío. El caso queda cerrado sin responsables y la familia sigue adelante marcada por una ausencia que nadie logra procesar de la misma manera.

Treinta años después, en 2018, Lía regresa a Santiago de Chile para acompañar a su padre en sus últimos días. El pedido del hombre reabre una herida que nunca terminó de cerrar: saber qué ocurrió realmente con Ana. Desde ese punto, la serie reconstruye una red de silencios, culpas y omisiones que compromete a todo el entorno familiar.

El relato pone en primer plano la fe, el encierro y los vínculos rotos

La adaptación retoma el núcleo de la novela de Claudia Piñeiro y lo organiza como un thriller dramático atravesado por el extremismo religioso, un amor prohibido y una trama de mentiras. La investigación sobre el asesinato funciona como motor narrativo, pero el conflicto central se apoya en la descomposición interna de una familia que eligió callar.

Ese cruce entre crimen, religión y memoria personal aparece como uno de los ejes de la serie. La historia no solo sigue la búsqueda de una verdad judicial que nunca apareció, sino también el impacto que ese vacío dejó en los vínculos entre padres, hijas y hermanos.

Alfredo Castro, Paulina García e Ignacia Baeza encabezan el elenco

El reparto está liderado por Alfredo Castro, que interpreta a Adolfo, y Paulina García, en el papel de Dolores. También participan Octavia Bernasconi como Ana, Ignacia Baeza y Vivianne Dietz como Lía en distintas etapas de su vida, además de Amparo Noguera y Paula Luschinger como Carmen.

El elenco se completa con Clemente Rodríguez como Mateo, Marcelo Alonso y Giordano Rossi como Julián, Pablo Cerda y Camilo Rojas como Elmer, Muriel Santa Ana y Carolina Koppellioff como Marcela, Rodrigo Walker y Paulo Brunetti como Andrés, Eduardo Miglionico como el Padre Manuel y Geraldine Neary como Ángela.

La dirección reúne a Fabiana Tiscornia y Pepa San Martín

La serie fue dirigida por Fabiana Tiscornia y Pepa San Martín, mientras que la adaptación estuvo a cargo de Silvina Frejdkes y Alejandro Quesada. La producción corresponde a Underground, división de Telemundo Studios.

Además de dirigir, Tiscornia se desempeña como productora ejecutiva junto a Pablo Cullel, Sebastián Ortega y Santiago López. Con esa estructura, la serie busca combinar el pulso del thriller con una dimensión íntima centrada en el derrumbe de la familia Sardá.

Prime Video refuerza su apuesta por adaptar literatura latinoamericana

El lanzamiento de Catedrales se suma a una línea de trabajo que la plataforma ya venía desarrollando con otros proyectos basados en obras de la región. En este caso, la elección de la novela de Piñeiro vuelve a poner en circulación una autora de fuerte presencia en el mercado editorial iberoamericano.

La serie estrenará el 16 de septiembre con sus seis episodios disponibles y quedará accesible para la audiencia global de la plataforma. Con ese lanzamiento, Prime Video amplía su catálogo de producciones latinoamericanas y suma una historia construida sobre un asesinato que atravesó tres décadas de silencio.

La nueva tanda se estrenó el 3 de septiembre y, en cuatro días ya encabezaba la plataforma en todos los citados mercados. La serie ha superado en ese periodo a títulos recientes del servicio como La muerte de la esposa del pastor, la tercera temporada de Beauty in Black y la mexicana Mal de amores.

El regreso llega después del rendimiento de la primera temporada, que acumula 105,8 millones de visualizaciones. Además, la ficción mantiene una nota media de ocho sobre 10 en IMDb.

Una segunda temporada que expande el universo

La historia retoma la trama un año después del desenlace anterior. Eddie Horniman (Theo James) y Susie Glass (Kaya Scodelario) ya han consolidado su posición dentro del imperio de Bobby Glass (Ray Winstone) y ahora buscan extender el negocio de la marihuana al mercado internacional, con Italia como nuevo frente de expansión.

El nuevo conflicto se centra en una partida de caza en la que entran en juego un mafioso italiano, un jeque de sangre real y un lord necesitado de dinero, todo ello con un título nobiliario en disputa. Ese punto de partida abre una nueva fase para Eddie, que deja atrás su resistencia inicial al crimen y se mueve ya con naturalidad dentro del negocio.

Theo James explicó a Netflix que Eddie creía comprender el poder por ser duque y poseer una finca, pero descubre que esos privilegios son apenas “los vestigios de un poder que ya existió” y que el verdadero poder “reside en la sangre”, una lógica a la que termina por volverse adicto.

La serie nació como derivación de The Gentlemen: Los señores de la mafia, la película que Guy Ritchie estrenó en 2019. En esta segunda temporada, el creador regresa también como guionista, director de varios episodios y responsable creativo del proyecto, con Theo James y Kaya Scodelario de nuevo al frente del reparto.

Junto a ellos vuelven Daniel Ings, Joely Richardson y Vinnie Jones. Entre las incorporaciones figuran Hugh Bonneville, Benjamin Clementine, Benedetta Porcaroli, Amra Mallassi y Tyler Conti, junto a Giancarlo Esposito entre los nombres principales asociados a la ficción.

La expansión del negocio trae nuevas tensiones dentro y fuera de la organización. Las decisiones de Bobby empiezan a poner en riesgo lo construido, lo que obliga a Eddie y Susie a asumir el mando para evitar que el imperio se resquebraje, en una dinámica marcada por la ambición, las traiciones y sus consecuencias directas sobre la supervivencia del grupo.

Los secretos de una serie de éxito

La rapidez del estreno y la respuesta de la audiencia han tenido una consecuencia inmediata: Netflix ya ha confirmado una tercera temporada. Ritchie ha admitido que “la ambición de The Gentlemen ha ido creciendo, el mundo se ha expandido y las consecuencias tienen cada vez más peso. Una tercera temporada parecía inevitable y estoy deseando llevar sus límites aún más lejos”.

Ese adelanto llega antes de que la segunda entrega haya agotado su recorrido en la plataforma. El guionista principal y productor ejecutivo Matthew Read avanzó que estos capítulos iban a centrarse en Eddie y en la ampliación del alcance de su imperio criminal, hasta convertir su talento para el crimen en una pasión con capacidad de arrasarlo todo a su paso.

La acogida crítica también acompaña al arranque comercial. La temporada alcanza un 83% en Rotten Tomatoes, frente a un 81% de valoración del público. La revista Variety resume su impresión con una frase breve: “Todavía es más salvajemente entretenida”.

Lindsay Clancy vuelve a ocupar la atención pública en Estados Unidos después de que el juicio por la muerte de sus tres hijos termina sin veredicto. Mientras la fiscalía de Massachusetts define si impulsa un nuevo proceso, el caso revive el debate sobre la psicosis posparto y lleva a buscar el documental que reconstruye los hechos.

La acusada enfrenta tres cargos de asesinato en primer grado por las muertes de Cora, de 5 años; Dawson, de 3; y Callan, de 8 meses, ocurridas en enero de 2023 en su casa de Duxbury, Massachusetts. El primer juicio incluyó más de 80 testigos y más de 300 pruebas.

“La culpa es de los malditos medicamentos y de la pésima atención médica que recibió”, sostiene Kevin Reddington, abogado de Lindsay Clancy, durante sus alegatos finales.

El documental A Mother’s Mental State: Inside the Clancy Case aborda las circunstancias del expediente, el estado mental de la exenfermera y el proceso judicial que divide a la fiscalía y a la defensa. La producción vuelve a ser buscada desde México tras la nulidad del juicio.

¿Qué pasó con el juicio de Lindsay Clancy?

El juez William Sullivan declara la nulidad después de siete días de deliberaciones. El jurado no logra un acuerdo unánime sobre la responsabilidad penal de Clancy, quien se declara no culpable de los cargos presentados por la fiscalía del condado de Plymouth.

“Me reuniré con nuestro equipo y abordaremos este caso con mayor detalle en el momento oportuno, en el marco de un procedimiento judicial oficial”, dijo Timothy Cruz, fiscal del condado de Plymouth, tras la decisión.

La defensa no cuestiona que Clancy haya cometido los actos que derivaron en la muerte de sus hijos. Su postura sostiene que la mujer atravesaba un episodio de psicosis posparto y que no podía comprender el alcance de sus decisiones ni distinguir entre el bien y el mal.

La fiscalía mantiene una versión distinta. Reconoce que Clancy padecía depresión y agotamiento, aunque argumenta que sus acciones fueron deliberadas. Durante el juicio, los fiscales señalaron que habría enviado a su esposo, Patrick Clancy, a comprar comida y pasar por una farmacia para quedarse sola en casa.

“Creo que es totalmente posible que avancen con un nuevo juicio por un par de razones”, dijo Jessica Levinson, profesora de la Facultad de Derecho de Loyola y analista legal de CBS News. “A veces se observa una gran variación entre los jurados de un juicio y otro”.

La anulación no equivale a una absolución. El expediente regresa a la fase previa al juicio oral y la fiscalía puede solicitar una nueva fecha, negociar un acuerdo con la defensa, reducir los cargos o retirar la acusación. Por ahora, Clancy permanece detenida sin derecho a fianza en el Hospital Estatal de Tewksbury.

El juez Sullivan contempla que un eventual segundo juicio se realice más adelante durante el otoño. También convoca a una audiencia de seguimiento para este 29 de septiembre, fecha en la que las partes podrían conocer los siguientes pasos del Ministerio Público.

El documental de Lindsay Clancy revisa el debate sobre la psicosis posparto

A Mother’s Mental State: Inside the Clancy Case, estrenada este 2026 y producida por Fox Nation pone el foco en los antecedentes médicos de Lindsay Clancy, las versiones que se enfrentan en el tribunal y el debate sobre la salud mental después del parto.

¿Se puede ver desde México?

El documental A Mother’s Mental State: Inside the Clancy Case está disponible en Prime Video dentro de su catálogo de producciones de crimen real, no obstante, sólo puede reproducirse actualmente desde EEUU. Se desconoce si posteriormente la plataforma liberará el contenido para este país.

Apple TV también ofrece episodios y contenidos vinculados con la cobertura del juicio de Lindsay Clancy, pero tampoco se encuentran disponibles para México.

Para quienes buscan contenido en español, ViX cuenta con Lindsay Clancy: ¿Psicosis o crimen?, una breve producción que revisa el juicio y las preguntas surgidas alrededor de la psicosis posparto. El caso seguirá abierto mientras la fiscalía de Massachusetts decide si lleva a Clancy ante un nuevo jurado.

La serie de Harry Potter ya completó el casting de tres de los personajes que tendrán un rol crucial en su segunda temporada. Este viernes 4 de septiembre, HBO anunció que Lenny Rush interpretará a Dobby, Bonnie Hill dará vida a Ginny Weasley y Billy Barratt será Tom Riddle, uno de los personajes vinculados con el origen de Lord Voldemort. Los tres actores se incorporarán en la entrega basada en el libro Harry Potter y la cámara secreta.

Esta temporada se encuentra en preproducción en Leavesden Studios, en las afueras de Londres. La primera temporada completó su rodaje algún tiempo atrás.

Dobby, el elfo doméstico que pertenece a la familia Malfoy y que intenta proteger a Harry Potter de distintos peligros, será interpretado por Lenny Rush. En la adaptación cinematográfica previa, esta criatura mágica cobró vida con CGI y la voz de Toby Jones.

Rush, ganador de un BAFTA y conocido por la serie Am I Being Unreasonable de BBC One, celebró la noticia a través de Instagram. El joven actor de 17 años recordó su afición por la saga y expresó: “Estoy encantado de unirme al mundo mágico de la serie Harry Potter de HBO, como Dobby. ¡Incluso mi yo más pequeño (un gran fan de Harry Potter, como pueden ver) no se lo creería!”.

Por otro lado, Bonnie Hill asumirá el papel de Ginny Weasley, la hermana menor de Ron. La actriz reemplazará a Gracie Cochrane, quien había sido elegida para interpretar al personaje en la primera temporada, pero dejó el papel antes de la producción de la segunda entrega debido a “circunstancias imprevistas”, según informó su familia.

Hill ha participado en producciones como Girl Troop versus Aliens y The Six Triple Eight. En La Cámara Secreta, su personaje llegará a Hogwarts para iniciar su primer año, mientras Harry, Ron y Hermione cursarán su segundo año. La actriz se sumará a la familia Weasley que forman Alastair Stout como Ron, Tristan Harland como Fred, Gabriel Harland como George, Ruari Spooner como Percy y Katherine Parkinson como Molly Weasley. HBO todavía no ha anunciado al actor que interpretará a Arthur Weasley.

El tercer fichaje es Billy Barratt, quien interpretará a Tom Riddle, un antiguo estudiante de Hogwarts que se encuentra con Harry a través de un misterioso diario encantado. El personaje es una versión joven de quien llegará a convertirse en Lord Voldemort.

Barratt cuenta con créditos en Kraven the Hunter y Bring Her Back. Su participación será clave para la temporada 2 de Harry Potter, donde el joven mago descubre poco a poco la identidad y el pasado de Riddle.

Los nuevos actores se unirán a Kit Harington, quien interpretará al profesor Gilderoy Lockhart. El actor asumió el papel después de la salida de Nicholas Hoult. También continuarán Dominic McLaughlin como Harry Potter, Arabella Stanton como Hermione Granger y Alastair Stout como Ron Weasley.

El reparto incluye además a John Lithgow como Albus Dumbledore, Janet McTeer como Minerva McGonagall, Paapa Essiedu como Severus Snape, Nick Frost como Rubeus Hagrid, Rory Wilmot como Neville Longbottom y Lox Pratt como Draco Malfoy, entre otros intérpretes.

La primera temporada, titulada Harry Potter y la piedra filosofal, adaptael primer libro de la saga. Se estrenará en HBO el 25 de diciembre de 2026.

Un melodrama de época con Florence Pugh

El avance introduce una historia marcada por el poder, los conflictos familiares, la inmigración y las decisiones morales. Netflix traslada estos elementos a una producción de época que abarca varias décadas de la historia estadounidense y sigue las consecuencias de los vínculos entre dos familias.

Pugh ocupa el papel central sin Kazan delante de cámara. El reparto incluye a Christopher Abbott, Mike Faist, Hoon Lee, Joseph Zada, Joe Anders, Tracy Letts, Ciarán Hinds y Martha Plimpton. El tráiler presenta escenarios, vestuario y recreaciones históricas destinados a sostener la escala del relato.

Stuart, cocreador de la miniserie, trabajó anteriormente en Vikingos: Valhalla. Kazan, mientras tanto, escribió todos los episodios. Esa participación le permite desarrollar una versión más extensa que la película clásica vinculada con su propia familia.

El formato de miniserie resulta clave para esta adaptación. A diferencia de una serie pensada para continuar durante varias temporadas, una miniserie cuenta una historia cerrada en un número limitado de capítulos. Netflix todavía no detalló cuántos episodios tendrá esta producción, pero confirmó que estarán disponibles desde el mismo día.

La historia de los Trask y los Hamilton

Al este del Edén adapta la novela homónima publicada en 1952 por John Steinbeck, ganador del Premio Nobel de Literatura. El libro es una de sus obras más reconocidas junto con La perla y Las uvas de la ira.

La trama transcurre en el Valle de Salinas, en California, durante un periodo que va desde la Guerra de Secesión hasta la Primera Guerra Mundial. En ese marco, las vidas de las familias Trask y Hamilton quedan entrelazadas por relaciones atravesadas por la culpa, el rechazo, la búsqueda de afecto y las disputas de poder.

Steinbeck construyó la novela como una reinterpretación del mito bíblico de Caín y Abel. La rivalidad entre hermanos y la tensión entre el bien y el mal ocupan un lugar central, pero el relato se extiende a varias generaciones y examina cómo las decisiones de padres e hijos afectan a quienes los rodean.

La nueva versión busca trasladar la novela completa. Esa decisión amplía el margen para representar los distintos periodos históricos, los cambios dentro de las familias y los personajes que quedaron fuera o tuvieron una presencia limitada en adaptaciones anteriores.

Zoe Kazan retoma la obra que filmó su abuelo

La miniserie tiene una conexión familiar directa con una de las versiones más conocidas del libro. Zoe Kazan es nieta del director Elia Kazan, responsable de la adaptación cinematográfica estrenada en 1955 y protagonizada por James Dean.

La película de Elia Kazan se concentró en el último cuarto de la novela, por lo que dejó fuera buena parte de la historia generacional escrita por Steinbeck. La versión de Netflix tendrá una extensión mayor y podrá abordar acontecimientos previos a la parte del libro llevada al cine.

No será el primer intento televisivo de adaptar el relato completo. En 1981 se estrenó una miniserie de tres episodios que siguió una estructura más cercana a la totalidad de la novela. La producción de Zoe Kazan vuelve a trabajar con ese objetivo, ahora con Pugh como figura principal y una distribución global mediante streaming.

La relación entre ambas adaptaciones hará inevitables las comparaciones, aunque las diferencias de formato son claras: la película de 1955 seleccionó el tramo final del libro, mientras que la miniserie dispone de varios episodios para recorrer la historia de los Trask y los Hamilton. Netflix lanzará la temporada completa el 1 de octubre de 2026.

Prime Video Japan anunció que The Apothecary Diaries, también conocida como Kusuriya no Hitorigoto, tendrá una serie live-action, es decir, una adaptación realizada con actores y escenarios reales. La producción de Toho y Amazon MGM Studios se estrenará mundialmente en 2028 y tendrá a Mana Ashida en el papel de Maomao.

Mana Ashida y el equipo creativo

Ashida es conocida fuera de Japón por haber interpretado a la versión joven de Mako Mori en Pacific Rim. Su carrera también incluye trabajos en cine, televisión y doblaje, una experiencia que ahora llevará al papel central de la adaptación.

Maomao es una joven con amplios conocimientos sobre medicina y venenos. Aunque intenta mantenerse lejos de los conflictos de la corte imperial, su capacidad para identificar enfermedades y sustancias peligrosas termina colocándola en el centro de varios casos.

La dirección estará en manos de Yuki Saito, mientras que Erika Yoshida se encargará de los guiones. Yoshida trabajó previamente como guionista del anime BOCCHI THE ROCK!, una de las referencias incluidas por Prime Video Japan al presentar al equipo creativo.

El anuncio todavía no revela al resto del reparto. Tampoco informa cuándo comenzará el rodaje, cuántos episodios tendrá la serie o en qué locaciones se recreará el palacio imperial.

Los misterios del palacio imperial

La historia comienza después de que Maomao, criada por un farmacéutico, es vendida como sirvienta y llevada al palacio imperial. Su intención inicial es cumplir con sus tareas sin llamar la atención, pero esa estrategia cambia cuando varios herederos de la familia gobernante enferman bajo circunstancias desconocidas.

Maomao decide investigar por cuenta propia. Sus conocimientos sobre medicamentos, síntomas y venenos le permiten buscar la causa del problema y una posible solución, aunque intervenir también implica revelar habilidades que quería mantener ocultas.

La investigación llama la atención de Jinshi, un funcionario del palacio que reconoce las capacidades de Maomao y comienza a encargarle nuevos casos. Esa relación sostiene buena parte de la historia: cada misterio expone las tensiones internas de la corte, mientras la protagonista utiliza métodos vinculados con la farmacología y la observación.

El paso a la acción real deberá trasladar espacios centrales del relato, como las residencias del palacio, las zonas de servicio y los ambientes donde Maomao prepara o analiza sustancias. Toho y Amazon MGM Studios todavía no presentaron imágenes de producción ni detalles sobre el diseño visual.

De las novelas ligeras al live-action

La nueva serie estará basada en las novelas ligeras originales de Natsu Hyuuga, ilustradas por Touko Shino. Las novelas ligeras son publicaciones japonesas narrativas que suelen combinar texto con ilustraciones y se editan en varios volúmenes.

La obra es publicada en Japón por Shufunotomo bajo el sello Hero Bunko. Esa versión literaria servirá como base para los guiones de Yoshida, aunque el anuncio no especifica qué volúmenes o arcos narrativos serán adaptados durante la primera entrega.

Prime Video Japan confirmó una ventana mundial de estreno para 2028, pero todavía no comunicó el día exacto de lanzamiento ni el calendario de distribución de los episodios.

El máximo referente del boxeo en México y uno de los deportistas más destacados en la historia, Julio César Chávez, estrenará su nueva serie “Chávez vs Chávez”, donde se revelará la parte más intima de su vida.

En el documental producido por N+Docs, se podrá conocer lo más cercano a la vida del Gran Campeón Mexicano, desde sus peleas más destacadas y la preparación que lo llevaron a lo más alto de la fama, hasta los problemas familiares y con las adicciones que lo hicieron caer hasta abajo.

Chávez vs Chávez: el rival más complicado

A lo largo de su trayectoria, Julio César Chávez tuvo una larga lista de contrincantes complicados y destacados, como Mario “Azabache” Martínez con quien disputó su primer campeonato del mundo, Meldrick Taylor al que venció de manera agónica en los últimos segundos del combate o esa inolvidable función ante el estadounidense Greg Haugen en 1993 en el Estadio Azteca ante más de 130 mil personas.

Sin embargo, ninguno de estos nombres fue el rival más complicado en la carrera de Julio César Chávez, sino el mismo Chávez. En entrevista con Infobae México, Julio aseguró que el rival más difícil de enfrentar durante toda su trayectoria fue él mismo.

El excampeón del mundo señaló que existieron sus dos versiones, el Chávez bueno, el que de niño tuvo muchas carencias, que quería ser campeón del mundo y sacar a su familia adelante, y el Chávez malo, el que se refugió en las adicciones haciendo daño a su alrededor y que tocó fondo.

“Porque el Chávez que soñaba con ser campeón del mundo, que soñaba con tener lo que todo niño sueña cuando viene uno de la promesa. Entonces tienes un sueño ¿no?, tienes una visión, tienes una meta de llegar a ser campeón del mundo. Y lo logré, ese era el Chávez bueno, el Chávez que era sano, que era limpio, que no tiene ninguna adicción. Pero te enfrentas al otro Chávez, de repente te tropiezas y te refugias en el alcohol y las drogas, entonces ese es el otro Chávez que no eres tu, es una enfermedad que te atrapa y te va consumiendo poco a poco y llegas a un fondo sin salida y no te das cuenta de todo el daño que hacer a tu alrededor", comentó en la entrevista.

Julio César Chávez: una carrera de gloria y sufrimiento

La carrera de Julio César estuvo llena de gloria, pero también de sufrimiento, impulsado por toda su familia pero sobre todo por su mamá, pudo llegar a lo más alto en cuanto a nivel deportivo se refiere disputando 37 peleas de campeonato mundial, récord que ningún peleador ha podido alcanzar. Además de realizar 27 defensas con éxito, dejó un récord casi perfecto que se ve muy complicado de superar. 107 victorias (87 por la vía del nocaut), 6 derrotas y 2 empates.

Dentro de estas estadísticas cabe señalar que llegó a una racha invicta durante sus primeras 90 peleas, 89 victorias y un empate. Su primer derrota llegó tras más de 10 años de carrea cuando cayó ante Frankie Randall en 1994.

Dentro de esta gloria, también estuvo el sufrimiento. Después de tenerlo todo y ganarle a casi todos, el problema con las adicciones llevó a Chávez a caer en lo más bajo, aunque como lo hizo en el cuadrilátero, pudo levantarse y salir adelante.

El creador, productor y showrunner israelí Ran Telem, ganador del Emmy por Homeland y referente del desarrollo de series y películas, compartió junto al realizador argentino Daniel Burman -actual Head of Original Content de Disney+ en América Latina-, una charla sobre los engranajes del relato audiovisual, la construcción psicológica de personajes y el lugar de la inteligencia artificial en la creación contemporánea. El encuentro, organizado en el marco de una jornada sobre narrativa televisiva, fue un ejercicio poco frecuente: el de un creador hablando sin filtros sobre su método, sus miedos y la razón más profunda por la que cuenta historias.

Ran Telem está en Buenos Aires para asesorar a la compañía en proyectos de los cuales no dieron a conocer muchos detalles, pero que se intuye importantes para futuras producciones: “Estuve trabajando en varias ideas. Algunas sucederán en este lugar llamado Latinoamérica. Esta semana estuve trabajando como un outsider con Disney, escuchando y tratando de darles un punto de vista diferente sobre lo que están haciendo”, adelantó. Lo avala una prestigiosa y exitosa trayectoria: fue responsable de series como Prisoners of War —el original israelí que dio origen a Homeland, una serie de impacto mundial protagonizada por Claire Danes—, The A Word, The Head, Crush y The Paradise.

Antes de entrar en tecnicismos, Telem eligió ir al origen. Contó que un colega, creador de Criminal Minds y CSI, le preguntó si al conocerlo de niño hubiera podido identificar en él la pasión por el storytelling. La respuesta lo llevó a su historia familiar. “Mi padre nació en Ucrania y cuando tenía once años ocurrió la Segunda Guerra Mundial y los nazis tomaron su aldea. Mi padre es sobreviviente del Holocausto, el único sobreviviente de su familia. Y nunca nos contó la historia de su supervivencia hasta que tuvo setenta años”, relató. “Tiene mucho sentido que una persona cuyo padre no contó la historia quiera, más que nada en la vida, contar historias. El ADN del relato es, para mí, parte de mi personalidad. No es siquiera un trabajo. Es una obligación que tengo con el mundo.”

Si el personaje está bien construido, te cuenta el argumento

El corazón de la charla fue la tesis que Telem ha desarrollado en los últimos años: que el personaje, y no la trama, es el motor de cualquier serie que valga la pena. “Si tomás el tiempo y la paciencia necesarios para sumergirte de verdad en los personajes con los que estás trabajando, pasa algo extraordinario: ellos te cuentan la historia. El argumento sale solo de sus vidas”, afirmó.

Este convencimiento nació, en parte, en el diván. El productor israelí reveló que, trabajando con su terapeuta, le propuso algo inusual: llevar a una sesión a un personaje de ficción con el que estaba trabajando. “Le dije: ‘Quiero invitarte a alguien que no conocés. Es un personaje en el que estoy trabajando, y quiero ver cómo lo analizás, porque lo que hacés con él es para mí una escuela de construcción de personajes’.” De esas sesiones —una para él, otra para el personaje— surgió un método que hoy aplica en todos sus proyectos.

“Empecé a entender cuál es la diferencia entre lo que un personaje quiere y lo que necesita, que es lo más importante con lo que arrancás a construirlo”, explicó. Cuando termina ese proceso, dijo, siente que conoce a sus personajes como los conocería un terapeuta: “Cuando entran a la sala y me dicen ‘me pasó esto’, yo les digo: sentate, hablemos. ¿Por qué te pasó?”

De ‘Homeland’ a América Latina

Uno de los momentos más ricos de la charla fue el repaso de cómo Prisoners of War, la serie israelí sobre prisioneros de guerra y el tabú de su regreso, se convirtió en Homeland para el público estadounidense y una teleaudiencia global. Telem fue claro: no se trató de una adaptación, sino de una reconstrucción desde cero. “Los escritores de Homeland pusieron el auto en el elevador, lo desarmaron por completo y construyeron desde cero un auto completamente diferente usando los mismos elementos”, describió. El conflicto central de la versión israelí —el trauma del regreso— dio paso a una pregunta nueva para la audiencia norteamericana: ¿puede un estadounidense ser captado y convertirse en un creyente musulmán dispuesto a asesinar al presidente? “Eso nunca ocurrió en la versión israelí”, recordó.

Para ilustrar por qué una historia no puede trasplantarse sin más, recurrió a otra imagen: “Si metés de contrabando una planta en un avión y la ponés en otro suelo, el fruto que crece tiene un sabor diferente. No es el mismo fruto. Y acá pasa lo mismo.” Esa conciencia guía su trabajo actual, en el que se instala en distintos países para co-crear con talentos locales. “El concepto de ser viuda en Israel lo conozco muy bien. Pero lo que significa en México no lo sé. Necesito aprenderlo, y eso es esencial para construir el personaje”, explicó. En ese proceso, dijo, investiga a los psicoanalistas más relevantes de cada país: “Para un extranjero, son quienes mejor te introducen a lo que ese país es.”

La inteligencia artificial como compañera de trabajo

Sobre la inteligencia artificial, fue rotundo en un sentido y matizado en otro. No la ve como una amenaza ni como un reemplazo del escritor, sino como una herramienta potente en manos de quien ya tiene algo que decir. “Si llegás a la tecnología vacío, vas a crear cajas vacías. Si llegás con conocimiento y pasión, vas a hacer cosas extraordinarias”, afirmó. Según su opinión, sus usos concretos son: investigación veloz sobre temas desconocidos, rastreo de implicancias cuando un cambio en un episodio afecta a toda la continuidad de una serie, y compañía en las horas tempranas de escritura en las que nadie más está disponible. “La IA siempre está dispuesta a trabajar, nunca se queja, siempre me dice lo maravilloso que soy. Es como: ‘tendríamos que habernos casado’”, bromeó.

Pero fue enfático en el límite: “No creo que la IA sea tu escritora. No creo que para eso esté diseñada. Nosotros escribimos para sorprender con el próximo movimiento. La IA está diseñada para predecir cuál es el próximo movimiento.” La comparación que cerró ese segmento fue culinaria, y arrancó carcajadas en la sala: distinguió entre la mejor milanesa de Buenos Aires, hecha con tiempo, tradición y las manos de quien conoce el oficio, y la milanesa del supermercado. Las dos alimentan. Pero solo una deja huella.

[Fotos: prensa Disney]

La ficción adapta en cuatro episodios el thriller que el prolífico escritor y miembro de la Real Academia Española publicó en 2023 de la mano de Alfaguara como homenaje al actor Basil Rathbone, que entre 1939 y 1946 dio vida a Sherlock Holmes en 14 películas.

Interpretado en la serie por José Coronado, la historia se traslada a la primavera de 1959, cuando 13 personas quedan aisladas por un temporal en un islote próximo a Mallorca. Allí, en el pequeño hotel en el que se alojan, una turista inglesa llamada Elisa Mander aparece muerta. Lo que en un primer momento parece un suicidio pronto comienza a apuntar hacia un asesinato y, ante la imposibilidad de entrar o salir de la isla, todos los huéspedes y empleados se convierten en sospechosos. Rathbone será el encargado de resolver el asesinato.

Por esto mismo no es de extrañar que la serie haya recibido comparaciones con Puñales por la espalda, la película dirigida por Rian Johnson estrenada en 2019. Un whodunit que seguía a una familia reunida en la mansión del patriarca, cuya inesperada muerte convertía a todos sus allegados en sospechosos. El detective Benoit Blanc, interpretado por Daniel Craig, era el encargado de desentrañar un crimen en el que nada era exactamente lo que parecía.

Una reacción muy positiva

Aunque todavía habrá que esperar hasta el próximo 25 de septiembre para verla, Pérez-Reverte ya ha podido echar un primer vistazo al resultado. Y su primera impresión ha sido positiva. Así lo ha reconocido el propio escritor después de que un lector le preguntara directamente a través de X qué le había parecido la adaptación.

“¿El problema final de Netflix sí o no? Me pareció una novela extraordinaria, pero leyéndola le otorgué una oscuridad a la trama que no veo en la serie. El tono Puñales por la espalda no sé si le sienta bien”, le ha plateado un usuario este viernes Por el momento, Pérez-Reverte solo ha visto su primera entrega: “He visto el primer episodio y me ha gustado mucho. Ya me dirá usted cuando la vea. Un abrazo”, le ha respondido.

El pasado 21 de agosto, otro lector y usuario de X le preguntó por la elección de los actores. Junto a Coronado, el reparto está encabezado por María Valverde, Martiño Rivas y Maribel Verdú, a los que se suman Gonzalo de Castro, Cristina Kovani, José Condessa y Pepón Nieto. “Leí su novela El problema final y disfruté de su lectura. ¿Qué le parece el elenco de actores que han seleccionado para su adaptación televisiva?“, escribió este usuario. ”En principio, bien. El final, se lo diré cuando vea la serie", añadió el escritor de Las aventuras del capitán Alatriste.

La adaptación está dirigida por Félix Viscarret, responsable de títulos como Una vida no tan simple y No mires a los ojos, mientras que Alberto Macías, Carlos Molinero y Marisol Farré firman los guiones. Detrás del proyecto se encuentra Mod Producciones, compañía fundada por Fernando Bovaira y responsable de películas como Ágora, Biutiful o Mientras dure la guerra, además de series como Crematorio y La Fortuna.

Darío Barassi cambió su imagen para construir a Gutiérrez

Uno de los datos más comentados del rodaje fue la transformación física de Barassi para interpretar al subcomisario Roberto Gutiérrez. Según contó Braceras, el actor decidió raparse para parecer calvo y se involucró de manera directa en la construcción del personaje. El director sostuvo que se trató de una búsqueda personal orientada a alejarse de registros anteriores y a probar una composición distinta dentro de su carrera.

El resultado es un policía informal, poco metódico y con una relación muy particular con su territorio. El conocimiento del conurbano bonaerense aparece como la principal herramienta de Gutiérrez frente a un caso que lo excede por escala, repercusión y complejidad.

La serie mezcla policial clásico, parodia y códigos del western

Braceras explicó que la ficción dialoga con títulos policiales y de acción de las décadas de 1980 y 1990. Entre las referencias mencionó Arma mortal, La pistola desnuda y Martillo Hammer, además de algunos homenajes puntuales a El último boy scout. Esa base se cruza con una lectura local del género y con una puesta que incorpora elementos del western. . “Creamos un Western ‘conurbanizado’ en el que los elementos propios de la música del género se mezclan con sonidos típicos del conurbano, como el afilador o el megáfono”, explica Braceras.

La banda sonora combina climas del cine del Oeste con sonidos reconocibles del conurbano, como el afilador o el megáfono. El compositor Sergei Grosny trabajó sobre esa mezcla para reforzar una identidad visual y sonora que, según el director, busca acercarse al lenguaje del cine de acción estadounidense sin perder marcas argentinas.

El elenco se entrenó con armas y consultó a especialistas

Para las escenas de acción, parte del elenco realizó un entrenamiento específico en manipulación de armas de fuego. Barassi, Yayo, Juli Savioli y otros actores practicaron antes del rodaje con un coach, con el objetivo de incorporar gestos y movimientos vinculados al trabajo policial.

A ese trabajo se sumó el acompañamiento de asesores conocedores del ámbito de las fuerzas de seguridad. La intención de la producción fue dotar de cierta verosimilitud a procedimientos, modos de hablar y dinámicas internas, aun dentro de una historia atravesada por el disparate y la exageración.

El conurbano fue tratado como un protagonista de la historia

La serie fue filmada en espacios de Ciudad Evita, el barrio Carlos Gardel, la Facultad de Agronomía de la Universidad de La Plata, una fábrica de pintura abandonada y una ex fábrica de helados en Barracas. El objetivo fue construir un mapa reconocible para una trama que se mueve entre desarmaderos, bingos, cabarets, cortes de ruta, geriátricos y tomas de rehenes.

Braceras señaló además que el calor fue un recurso visual central. Los personajes aparecen transpirados, bronceados y rodeados de ventiladores lentos, en una decisión que empuja una estética cargada y densa, alineada con el tono de la historia.

Ventura, Yoli y la dupla central quedaron entre los favoritos del director

Entre los aspectos que más destacó del resultado final, el director mencionó las escenas entre Gutiérrez y Torcoletti, la dupla central de la ficción. También subrayó el trabajo de Juli Zavioli como la sargento Ventura, a quien definió como un personaje alejado de su perfil en redes sociales.

La relación entre Gutiérrez y Yoli funciona además como uno de los motores emocionales de la serie, interpretada por Olivia Torrez. En ese equilibrio entre investigación criminal, sátira y vínculos personales, la producción encuentra una de sus claves. Realizada por Pampa Films, Gutiérrez is mai neim ya tiene disponibles todos sus episodios en Hulu en Disney+.

Los seis capítulos de la nueva entrega están disponibles desde el lanzamiento y la trama sitúa al protagonista en una posición más expuesta dentro de los South Georgia Catfish, un equipo que ahora aspira a alcanzar el College Football Playoff mientras cada avance deportivo aumenta el riesgo de que su identidad falsa quede al descubierto.

La serie parte de una premisa concreta: Russ Holliday, antiguo jugador universitario de fútbol americano cuya carrera se hundió, adopta la identidad falsa de Chad Powers para conseguir una nueva oportunidad como ‘quarterback’. En la primera temporada debía demostrar que todavía podía rendir al máximo nivel; en la segunda, la cuestión central ya no es si puede triunfar, sino si podrá sostener la mentira.

El doble juego de identidades de Chad Powers

Ese cambio se apoya en la nueva posición del personaje dentro del equipo. Chad ha dejado de ser un desconocido en los South Georgia Catfish y su ascenso multiplica la presión sobre Russ, tanto en el vestuario como fuera del campo, porque mantener una identidad inventada empieza a poner en riesgo relaciones personales que se han vuelto importantes para él.

La plataforma ha lanzado la temporada completa de una vez, una tanda de capítulos en la que el comportamiento del protagonista despierta cada vez más sospechas. El coach Hudson y Gerry comienzan a preguntarse quién se esconde realmente detrás de Chad Powers.

Ahí está la paradoja que articula la nueva entrega. Russ necesita que Chad funcione para recuperar su carrera, pero cuanto mejor le va a su alter ego, más difícil resulta abandonar la farsa sin que todo salte por los aires.

El principal reclamo de la producción sigue siendo Powell, que interpreta a Russ Holliday y a Chad Powers y además figura como ‘cocreador’ junto a Michael Waldron, conocido por su trabajo en Loki. El actor afronta ahora un personaje escindido en dos planos: por un lado, un hombre consciente de que engaña a quienes le rodean; por otro, una personalidad fabricada que debe sostener durante 24 horas al día.

Junto a él regresan Perry Mattfeld, Frankie A. Rodriguez, Quentin Plair, Wynn Everett y Steve Zahn. Mattfeld da vida a Ricky Hudson, una de las figuras con más peso en la evolución de la historia y alguien que sabe más de lo que debería sobre la verdadera identidad del ‘quarterback’.

La relación entre Ricky y Russ gana relevancia a medida que los secretos empiezan a aflorar. Quienes conocen la verdad pueden actuar como aliados o convertirse en una amenaza directa para la continuidad del engaño, un elemento que amplía la tensión más allá del terreno de juego.

Un personaje que nació de un experimento viral

El personaje no nació en la ficción televisiva, sino en una broma de Eli Manning, ‘exquarterback’ de la NFL y ganador de dos Super Bowls, que se disfrazó y asumió una identidad inventada para participar en entrenamientos de fútbol americano universitario. Aquel experimento se hizo viral y acabó sirviendo de punto de partida para la serie desarrollada por Powell y Waldron.

La primera temporada llegó a Disney+ en 2025 y convirtió esa idea en una comedia deportiva basada en la sustitución de identidad. En esta continuación, el equipo afronta retos mayores y el margen de error del protagonista se reduce, porque cualquier fallo de Chad puede comprometer tanto el futuro deportivo de Russ como las aspiraciones colectivas de los South Georgia Catfish.

El resultado mantiene la combinación de comedia, deporte y enredos que definía la serie, pero añade una presión mayor alrededor del secreto del protagonista. La pregunta que ordena los nuevos episodios ya no tiene que ver con su talento como jugador, sino con la viabilidad misma de seguir viviendo como Chad Powers.

La serie se inserta dentro de la nueva ola de producciones deportivas que puso de moda Ted Lasso, como Una nueva jugada (Running Point), protagonizada por Kate Hudson o El Halcón, con Will Ferrell. La crítica ha sido contundente con Chad Powers: es original, gamberra y de lo más entrañable.

La nueva serie se presenta como una producción de fantasía que combinará aventura, horror gótico y romance trágico. Su eje será la creación de Strahd von Zarovich, quien pasa de ser un antihéroe marcado por la tragedia a convertirse en uno de los villanos más conocidos del juego. La trama abordará la relación del personaje con el poder, el amor y la obsesión, además de su transformación en un ser no muerto. La historia también se situará en Ravenloft y sus Dominios del Terror, escenarios atravesados por la magia oscura y la intriga sobrenatural.

El proyecto fue creado por John August, pero el director Alfonso Cuarón participará como productor ejecutivo. El equipo de producción también incluye a Gabriel Marano, en representación de Hasbro; Richard Schwartz, y Gaby Rodríguez, por Esperanto Filmoj. Netflix decidió avanzar con Ravenloft tras dejar sin desarrollo su serie basada en Forgotten Realms. El cambio coloca a la ambientación gótica como la nueva apuesta televisiva de la plataforma para llevar el universo de Dungeons & Dragons a la acción real.

Una ambientación creada para el juego de rol

Ravenloft fue creado en 1983 por Tracy y Laura Hickman. Desde su lanzamiento, se convirtió en una de las ambientaciones más jugadas dentro de Dungeons & Dragons y amplió su presencia más allá de las partidas de rol de mesa. El mundo creado por los Hickman inspiró novelas, módulos de juego, videojuegos y libros de reglas complementarios. La figura de Strahd von Zarovich quedó instalada como uno de sus personajes centrales, junto con los territorios que conforman los Dominios del Terror.

Wizards of the Coast publicó recientemente Ravenloft: The Horrors Within, una reinterpretación ampliada y actualizada de la historia original. La ambientación también apareció en la primera temporada de Dungeon Masters, el programa de partidas de rol producido por Wizards. Dungeon Masters se estrenó en abril y mostró el universo de Ravenloft dentro de una producción televisiva vinculada con la marca. La nueva serie de Netflix llevará ese escenario a una ficción de acción real centrada en una historia de origen.

El universo de la franquicia llegó al cine con Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones, protagonizada por Chris Pine, Michelle Rodriguez, Justice Smith, Regé-Jean Page y Sophia Lillis. La película recibió buenas críticas y formó una base de seguidores tras su estreno. La producción, no obstante, no alcanzó la recaudación que Paramount necesitaba. Paramount-Skydance decidió no avanzar con una secuela por razones financieras, aunque los directores John Francis Daley y Jonathan Goldstein informaron que ya terminaron un guion para una posible continuación.

Según Goldstein, Hasbro respalda la búsqueda de un estudio que financie y distribuya esa segunda película. Daley señaló que el equipo conserva interés en retomar a los personajes de la primera entrega, aunque reconoció las dificultades económicas que enfrenta el proyecto. Los realizadores no informaron planes de reparto para la secuela. Mientras la continuidad cinematográfica busca un nuevo socio financiero, Netflix prepara Ravenloft como una historia separada dentro del universo de Dragones y mazmorras.

Dave Bautista retoma el entrenamiento con pesas para prepararse para interpretar a Kratos en la serie de God of War de Prime Video. El actor mostró su estado físico en un video de Instagram y dijo que todavía necesita dos meses para alcanzar la condición que busca antes de asumir el papel. Bautista afirmó que atraviesa la tercera semana desde que volvió a trabajar con pesas. “Me quedan dos meses más para llegar a donde tengo que estar. ¡Es como montar en bici! ¡Vamos allá!”, expresó en la publicación.

El actor compartió imágenes de sus brazos y abdominales, en una etapa de recuperación de masa muscular tras sus trabajos más recientes. La publicación sugiere que el entrenamiento forma parte de su preparación para el personaje de Kratos. “Ya voy por la tercera semana de entrenamiento con pesas otra vez”, señaló Bautista. En el video, el intérprete no precisó cuál es su rutina ni detalló el objetivo físico que debe cumplir para la producción.

El papel exige una apariencia cercana a la del protagonista de los videojuegos de God of War, conocido por su complexión física, la ceniza que cubre su piel y los tatuajes rojos que recorren parte de su cuerpo. Bautista no aparece aún caracterizado como Kratos. Las imágenes difundidas muestran su evolución en el gimnasio, sin maquillaje, vestuario ni elementos visuales asociados al Fantasma de Esparta. El actor había perdido parte de su masa muscular después de interpretar a Drax en Guardianes de la Galaxia. Ahora, según mostró en Instagram, volvió a entrenar con pesas con la meta de recuperar volumen y definición.

Bautista reemplazará a Ryan Hurst como protagonista

La elección de Bautista se produjo después de que Ryan Hurst dejara el papel principal de la adaptación debido a una lesión. Hurst iba a encarnar a Kratos en la serie que prepara Prime Video. El cambio puso a Bautista al frente de un proyecto para el que su nombre había circulado durante años entre los seguidores de la saga. Los fanáticos lo habían incluido en repetidas propuestas para una versión de acción real del personaje. La producción todavía no difundió detalles sobre la fecha de inicio de rodaje ni sobre el calendario para el lanzamiento de la serie. Tampoco hay información oficial sobre las escenas que podrían necesitar una nueva filmación tras la salida de Hurst. Bautista había manifestado anteriormente su interés por asumir otros papeles basados en videojuegos, entre ellos Marcus Fénix, protagonista de Gears of War. Antes de ese posible proyecto, su próximo desafío ligado a una franquicia de videojuegos será Kratos.

Prime Video no ha publicado aun una imagen oficial de Bautista con el aspecto completo de Kratos. La plataforma podría revelar primero una fotografía promocional, como ocurrió antes con Hurst, aunque ese plan no fue confirmado. También se mencionaron rumores sobre un posible cambio en el papel de Atreus, hijo de Kratos en la historia de God of War. Amazon no comunicó decisiones sobre ese personaje ni confirmó modificaciones en el reparto. La falta de anuncios oficiales deja abiertas las dudas sobre el enfoque de la adaptación y sobre el avance de la producción. Por ahora, la señal más visible del proyecto es el entrenamiento de Bautista y su previsión de necesitar dos meses más para llegar a la condición física que pretende.

El regreso a Hogwarts

El avance comienza con la llegada de los estudiantes a la escuela de magia y el proceso de selección que lleva al trío protagonista a la casa Gryffindor. Dominic McLaughlin interpreta a Harry Potter, Alastair Stout ocupa el papel de Ron Weasley y Arabella Stanton encarna a Hermione Granger.

Las imágenes permiten ver espacios centrales de la primera novela. Entre ellos aparecen el Gran Comedor, los terrenos de Hogwarts y el aula de Herbología, donde los alumnos aprenden a extraer mandrágoras. Estas plantas mágicas emiten un grito peligroso cuando son retiradas de la tierra, por lo que la clase utiliza protección auditiva.

El teaser también incluye una lección de Pociones y una breve aparición de Severus Snape, interpretado por Paapa Essiedu. El actor sucede a Alan Rickman, responsable del personaje en las ocho películas estrenadas entre 2001 y 2011. El material promocional se concentra en su aspecto severo y en su presencia frente a los estudiantes, sin revelar cuánto abarcará su participación durante los primeros episodios.

Otro fragmento presenta un partido de Quidditch, el deporte aéreo practicado con escobas, pelotas y aros elevados. También aparece la capa de invisibilidad y se hace una referencia directa a la Piedra Filosofal, el objeto alrededor del cual gira el conflicto principal de la primera entrega.

El nuevo reparto y el equipo creativo

La serie fue creada por Francesca Gardiner, guionista con créditos en Succession y El hombre en el castillo. La producción vuelve a contar la historia desde el inicio con un elenco diferente al de las películas y con más tiempo para trasladar personajes, escenas y tramas de los libros.

Además del trío juvenil y de Essiedu, el reparto incluye a John Lithgow, Nick Frost, Janet McTeer y Luke Thallon. El teaser ofrece vistazos de personajes como Albus Dumbledore, Rubeus Hagrid y Minerva McGonagall, aunque el foco permanece en la llegada de Harry a la escuela y en sus primeras experiencias junto con Ron y Hermione.

El proyecto tiene el desafío de volver sobre una historia que ya recibió una adaptación cinematográfica completa y cuyos intérpretes quedaron estrechamente asociados con sus personajes. La diferencia principal estará en la duración. Los ocho capítulos de la temporada ofrecerán más espacio que una película para incorporar situaciones del libro que quedaron reducidas o fuera de la versión estrenada en cines.

El nuevo teaser es más extenso que los materiales promocionales difundidos anteriormente. En pocos minutos reúne la selección de las casas, las primeras clases, varios profesores y elementos reconocibles de la aventura inicial. HBO Max todavía no detalló la duración de cada episodio ni publicó un calendario semanal de lanzamiento.

Siete libros y un plan de siete temporadas

El plan comunicado para la adaptación contempla una temporada dedicada a cada uno de los siete libros de Rowling. La primera cubrirá los acontecimientos de Harry Potter y la piedra filosofal, mientras que la siguiente avanzará con Harry Potter y la cámara secreta.

El reparto de la segunda temporada ya habría comenzado a tomar forma. Kit Harington, conocido por su trabajo en Game of Thrones, fue vinculado con el papel de Gilderoy Lockhart, el profesor de Defensa contra las Artes Oscuras que aparece en el segundo libro. Esa incorporación anticipa el trabajo necesario para sostener una producción diseñada para extenderse durante varios años, aunque HBO Max todavía deberá completar el lanzamiento de la entrega inicial.

El modelo de una temporada por novela permitirá que cada curso escolar tenga su propio bloque de episodios. También obliga a mantener un calendario prolongado con protagonistas infantiles, cuyos personajes avanzan un año académico en cada libro. La primera prueba será la adaptación de ocho capítulos que presentará la escuela, sus reglas y el misterio de la Piedra Filosofal.

El estreno quedó programado para el 25 de diciembre de 2026 en HBO Max. Antes de esa fecha, la primera película de Harry Potter regresará a los cines por su 25 aniversario, ofreciendo otra versión de la llegada del joven mago a Hogwarts.

Pepe Aguilar prepara dos bioseries como parte de los proyectos de contenido que desarrolla.

El cantante adelantó que buscaba ampliar su trabajo fuera de la música con producciones audiovisuales, una serie de viajes y propuestas ligadas a la actuación, oficio que conoció desde su familia.

En entrevista para Sale el Sol, el intérprete explicó que la inteligencia artificial formaba parte de una estrategia más amplia. Aguilar la definió como una herramienta dentro de un conjunto de planes que incluía contenidos para plataformas y formatos de entretenimiento.

El artista no precisó los personajes, las historias ni las fechas de estreno de las dos bioseries. Tampoco detalló si participaría frente a cámara, como productor o desde otra área creativa.

Su declaración dejó abierta la posibilidad de que esos proyectos se relacionaran con su familia o con figuras de la música mexicana.

Aguilar también mencionó que preparaba una serie de viajes. Esa producción buscaba explorar una faceta que, según dijo, llevaba en la sangre por la trayectoria de sus padres, los actores y cantantes Antonio Aguilar y Flor Silvestre.

Pepe Aguilar habló de dos bioseries en Sale el Sol

“Ahí andamos haciendo ahora con la inteligencia artificial muchas cosas y no nada más con inteligencia artificial, sino eso es una herramienta”, dijo Pepe Aguilar durante la charla con el programa matutino.

El cantante añadió que su equipo trabajaba en distintas líneas de contenido.

“Andamos haciendo muchas cosas de contenido. Vamos a hacer un par de bioseries, estamos haciendo una serie de viajes y también meternos por ese lado que lo traía en la sangre. Mis dos papás fueron actores”, señaló.

El cantante ya había planteado proyectos de IA para música y memoria

Antes de hablar de las bioseries, Aguilar había expuesto otros desarrollos vinculados con inteligencia artificial.

El cantante explicó a El País que buscaba crear tecnología propia para no depender de grandes plataformas.

“Lo que quiero es tener soberanía y ofrecer soberanía”, dijo Aguilar a El País. El músico consideró que el avance de las herramientas generativas abría posibilidades para creadores, aunque también reducía márgenes de decisión para quienes producían obras originales.

El proyecto incluía un chatbot capaz de conversar con usuarios de forma personalizada, una herramienta para composición musical y una inteligencia artificial vinculada con la memoria de personas fallecidas.

Esta última propuesta buscaría recrear recuerdos, frases y rasgos de alguien que murió para permitir la interacción de sus familiares.

Aguilar explicó que su sistema musical se alimentaba con referencias de su propio conocimiento y gusto. El objetivo consistía en obtener versos y compases que respondieran a su identidad creativa, sin copiar el trabajo de otros compositores o intérpretes.

El cantante afirmó que esos desarrollos se trabajaban entre Seattle, Austin y Ciudad de México.

La serie, producida para ITV, llega a la plataforma con David Morrissey en el papel de Michael Polly y Eve Myles como la inspectora Annie Cassidy. La ficción está inspirada libremente en el libro To Hunt a Killer, de Julie Mackay y Robert Murphy, que además asesoraron su desarrollo.

La historia de Gone comienza cuando Michael Polly vuelve a casa una tarde y descubre que su mujer, Sarah, ha desaparecido. A partir de esa denuncia, Annie Cassidy, una detective descrita como pragmática e inflexible, queda desconcertada por el aparente estoicismo del director desde las primeras horas del caso.

La crítica británica ha recibido la serie con entusiasmo. The Guardian la definió como “el drama más absorbente que veremos este año”, mientras The Sunday Times calificó de “hipnótica” la interpretación de Morrissey y subrayó que captura “la dualidad de este hombre brutalmente reprimido”.

Una desaparición y un sospechoso

La desaparición de Sarah actúa como punto de partida de un misterio que cambia a medida que aparecen nuevas pistas y pruebas desconcertantes. La investigación deja pronto de centrarse solo en una persona desaparecida y empieza a destapar las tensiones ocultas tras la imagen de perfección de la familia Polly.

En el centro del relato está Michael Polly, un hombre acostumbrado a controlar cada aspecto de su vida. Su serenidad ante la desaparición de su esposa se convierte en uno de los primeros elementos que despiertan las sospechas de Annie Cassidy.

La detective asume además un papel poco habitual al convertirse en oficial de enlace con la familia, lo que la mantiene cerca de Michael y de su hija Alana. Esa proximidad le permite observar desde dentro las contradicciones entre la imagen pública de los Polly y la realidad que empieza a aflorar conforme avanza el caso.

Eve Myles ha explicado sobre su personaje que “cuando huele algo, sabe que no puede simplemente enterrarlo y esconder la cabeza bajo tierra. Si alguien va a resolverlo, será ella”. David Morrissey ha resumido su aproximación a Michael como la de un hombre “que no tiene realmente capacidad para abrirse y comunicarse”, una contención que convierte cada gesto en motivo de sospecha.

La ambigua relación entre los personajes

Uno de los rasgos más singulares de Gone es la relación que se establece entre Annie y Michael durante la investigación. Lo que comienza como una obligación profesional derivada de su papel de enlace con la familia acaba derivando en una relación de confianza tan inesperada como ambigua con el principal sospechoso.

La propia Myles ha descrito ese vínculo con una imagen precisa: “Se convierte en una especie de confesionario o sala de terapia, pero a lo largo de la serie olvidas quién es el terapeuta y quién el paciente”. En ese mismo eje, George Kay define la relación como “una partida de ajedrez” en la que ambos personajes miden cada movimiento e intentan descubrir qué oculta el otro.

Ese planteamiento aleja a la producción del thriller policial convencional y desplaza el foco hacia la psicología de los personajes. La actriz insiste en que la serie no responde al esquema del ‘procedural’ clásico: “No hay luces azules, grandes secuencias de acción ni acontecimientos. Trata sobre las personas y los personajes y sobre lo que hay debajo de ellos”.

Disney+ archivó el desarrollo de la serie live-action de Gargoyles, el clásico animado emitido originalmente entre 1994 y 1997. Greg Weisman, guionista, productor ejecutivo y figura ligada durante décadas a la franquicia, confirmó que Atomic Monster tenía la licencia para preparar el proyecto, pero que esa versión está muerta y ya no existen planes activos para llevarla a la plataforma.

Un proyecto que nunca llegó a despegar

La adaptación había sido planteada como una serie de acción real destinada a Disney+, con Atomic Monster a cargo de su desarrollo. Sin embargo, el proyecto no avanzó hasta una fase que permitiera convertirlo en una producción concreta, según explicó Weisman durante una entrevista.

“Bueno, sé que en cuanto a la versión de acción real, Atomic Monster tenía la licencia para desarrollar una serie de acción real de Gargoyles para Disney+, y eso está muerto”, señaló el productor. También aclaró que no conoce el estado de posibles iniciativas animadas y remarcó que actualmente no hay planes para otra adaptación con actores.

La declaración cierra, al menos bajo estas condiciones, uno de los intentos más recientes por recuperar para televisión la historia de las criaturas de piedra que protegen Nueva York durante la noche. Las fuentes no detallan hasta qué instancia llegó el trabajo de Atomic Monster ni informan sobre elenco, directores, guionistas adicionales o una posible fecha de rodaje.

Tampoco se comunicó si el proyecto podría trasladarse a otro estudio o servicio. La información disponible indica que el acuerdo de desarrollo quedó sin efecto y que Disney+ ya no mantiene activa esta versión.

Otra producción descartada por Disney+

La baja del live-action ocurre después de otros cambios dentro de la programación en desarrollo de Disney+. Entre los proyectos mencionados recientemente aparece el reinicio de Power Rangers, que estaba vinculado con los responsables de Percy Jackson and the Olympians. También fue descartada una segunda temporada de Wonder Man, producción de Marvel Studios.

En el caso de Gargoyles, la diferencia es que la serie no había presentado reparto, imágenes promocionales ni una ventana de estreno. Su cancelación afecta a una adaptación todavía en desarrollo, antes de que pudiera entrar formalmente en producción o recibir una presentación pública completa.

El dato resulta importante para quienes esperaban un regreso televisivo de la propiedad: la confirmación no describe una pausa temporal ni una demora por calendario. Weisman usó directamente la palabra “muerto” para definir el estado del proyecto de Atomic Monster y descartó que exista actualmente otra versión live-action en marcha.

El futuro de Gargoyles queda en los cómics

La serie animada original presentó a un grupo de gárgolas que despierta en la Nueva York contemporánea después de permanecer petrificado durante siglos. Su emisión se extendió entre 1994 y 1997, y con el tiempo mantuvo una audiencia de culto que impulsó distintos intentos de regreso.

El cierre de la adaptación con actores no implica que la franquicia quede completamente detenida. Weisman continuará trabajando con los personajes en formato de cómic y aseguró que no tiene dificultades para encontrar nuevas ideas para sus historias.

La situación de una eventual producción animada es menos clara. Weisman dijo que desconoce qué ocurre en ese frente, mientras que las fuentes señalan que esa posibilidad no fue descartada formalmente. Aun así, no existe un anuncio, equipo creativo, plataforma de lanzamiento ni calendario asociado con un regreso animado.

Por el momento, los cómics serán el único formato confirmado con nuevas historias de Gargoyles, mientras la adaptación live-action de Atomic Monster para Disney+ queda definitivamente fuera de desarrollo.

22 de diciembre de 2025, Villamanín, León. Es la clásica mañana del día de la Lotería de Navidad en la que España entera está pendiente de si son los afortunados de llevarse 400.000 euros por décimo comprado. La suerte y la alegría campa a sus anchas en este pueblo que tiene poco más de 860 habitantes: el número ganador, el 79.432, resultó premiado en los 80 décimos comprados, en total, 32 millones de euros.

Lo que debió ser uno de los momentos más felices de la historia del pueblo, se convirtió en una pesadilla. Apenas unas horas después de conocerse el premio, la Comisión de Fiestas del pueblo descubrió que había vendido 50 papeletas que no se correspondían con los décimos comprados. 50 papeletas que en total valían cuatro millones de euros, pero cuyos décimos no existían.

La trifulca entre los vecinos, que tardó meses en resolverse —el premio no pudo cobrarse hasta el pasado mes de marzo, después de que los afectados aceptaran una quita del 10%—, tendrá ahora una segunda vida en la pantalla. Movistar Plus reconstruirá todo lo ocurrido en El gordo de Villamanín, una nueva serie documental que contará desde dentro cómo este golpe de suerte acabó dividiendo a un pueblo y poniendo a prueba la convivencia entre sus vecinos. “¿Y si ganar la lotería fuera la peor noticia?“, rotula la plataforma.

La serie, que estará formada por tres episodios de 45 minutos, a cargo de la directora Paula Palacios, cineasta detrás de documentales como Mi hermano Alí y Cartas mojadas. La producción, todavía no tiene fecha de estreno.

Palacios llegó a este pueblo ubicado a 47 kilómetros de la capital leonesa días después de que comenzase la polémica con la intención de conocer a los miembros de la Comisión de Fiestas que habían vendido las papeletas. “No imaginé hasta qué punto iba a poder vivir los acontecimientos desde dentro y sobre todo, lo emocionante que iba a ser todo”, explica. “Los primeros días encontré un pueblo vacío, lleno de nieve y triste por haber perdido la convivencia. Nadie tenía ganas de hablar”.

A partir del testimonio de sus protagonistas, El gordo de Villamanín recorrerá el conflicto desde sus primeros días y las distintas posiciones que surgieron entre los afectados hasta la búsqueda de una solución que permitiera finalmente repartir el dinero. Pero la intención de la serie es también traspasar la anécdota de las 50 papeletas para abordar qué ocurre cuando cuatro millones de euros se interponen en las relaciones de una comunidad pequeña, con la convivencia, la empatía y la influencia del dinero como telón de fondo.

La serie terminará con el concierto de Carolina Durante en la localidad

Y si la historia comenzó con un número de lotería, terminará con música. Antes de que el Gordo convirtiera Villamanín en noticia nacional, los jóvenes de la Comisión de Fiestas tenían un sueño pendiente: si algún día les tocaba la lotería, llevarían a Carolina Durante a tocar al pueblo. Este 1 de septiembre, más de ocho meses después de aquel 22 de diciembre que lo cambió todo, la banda cumplirá la promesa con un concierto en Villamanín que servirá, además, como desenlace de la serie.

“Sabemos que era un secreto a voces, pero ya podemos gritarlo tan alto como vamos a cantar el martes que viene en Villamanín. Carolina Durante escribirá el último capítulo de esta aventura que, aunque no se eligió, se jugó hasta el final”, anunció hace unos días la Comisión de Fiestas del pueblo. Será a partir de las 21 horas cuando tenga lugar el concierto en el campo de fútbol municipal.

“Que Carolina Durante toque en Villamanín no es solo un concierto; es el final perfecto para esta historia”, resume Sandra Hermida, productora de Colosé Producciones. Un cierre muy distinto al que parecía esperar al pueblo cuando la alegría por aquellos 32 millones de euros se transformó en uno de los conflictos más populares que ha dejado la Lotería de Navidad.

Netflix activó la cuenta regresiva para el regreso de Los caballeros, la serie de Guy Ritchie, con el lanzamiento del tráiler y la confirmación de que la temporada 2 se estrenará completa el 3 de septiembre de 2026 y tendrá una tercera entrega. La nueva tanda retoma la historia de Eddie y Susie en un punto distinto al del inicio: ya no administran un negocio heredado por necesidad, sino que buscan ampliar una estructura criminal que ahora define sus decisiones.

Según el material difundido por Netflix, la segunda temporada mostrará a Eddie decidido a expandir su imperio “con o sin la bendición de Bobby”, mientras Susie detecta una oportunidad para diversificar la operación. Ese planteo instala el conflicto central de los nuevos episodios: el crecimiento del negocio exige alianzas más riesgosas y empuja a los protagonistas a romper acuerdos que hasta ahora sostenían cierta estabilidad.

De acuerdo con la información promocional y con los reportes publicados tras la salida del avance, la ficción volverá a centrarse en Theo James como Eddie y Kaya Scodelario como Susie. El tráiler adelanta un escenario de negociaciones tensas, disputas internas y episodios de violencia que acompañan la expansión del entramado ilegal. Todos los capítulos llegarán el mismo día, el 3 de septiembre de 2026, aunque la plataforma todavía no informó la cantidad exacta de episodios.

La base dramática de esta entrega pasa por la transformación de Eddie. En la primera temporada, el personaje ingresó al circuito delictivo a partir de una obligación ligada a las propiedades familiares. En la nueva etapa, ese vínculo deja de ser una carga circunstancial y pasa a convertirse en una ambición propia. Ese cambio altera el equilibrio de poder dentro de la organización y redefine su relación con el resto de los socios.

El adelanto muestra a Eddie completamente integrado a las operaciones ilegales que descubrió al comienzo de la serie. La expansión del negocio abre la puerta a pactos con figuras nuevas, descritas como peligrosas e impredecibles. Esa necesidad de sumar aliados, lejos de ofrecer una garantía, introduce un foco de tensión dentro de una estructura que ya operaba bajo presión.

El vínculo con Bobby Glass aparece como uno de los ejes principales de la temporada. Bobby se mantiene en la cima de la organización, pero el crecimiento de Eddie pone a prueba los límites de esa alianza. La disputa ya no pasa solo por la conveniencia del negocio, sino por el reparto del poder dentro del grupo. La consigna del avance, “con o sin la bendición de Bobby”, resume ese choque interno y deja planteada una puja que puede repercutir en toda la red criminal.

Ese conflicto también impacta sobre Susie, socia central en el plan de expansión. La segunda temporada la ubica en una posición activa dentro de la estrategia para diversificar la operación, aunque cada paso hacia adelante aumenta el riesgo de traiciones y fracturas internas. El nuevo esquema obliga a dejar atrás vínculos consolidados para abrir espacio a socios sin garantías, una decisión que puede debilitar la organización en vez de fortalecerla.

En esa línea, el tráiler conserva varios de los elementos asociados al estilo de Ritchie: crimen, relaciones familiares tensas y humor negro. A la vez, el material promocional pone más peso en las consecuencias de escalar dentro del negocio. El avance anticipa asesinatos, sangre y una escalada de violencia que acompaña el intento de Eddie y Susie por convertir una operación estable en una maquinaria de mayor alcance.

La confirmación de una tercera temporada llegó junto con la presentación del tráiler. Netflix no comunicó todavía fecha de rodaje, ventana de estreno ni detalles de la historia para esa futura entrega. Tampoco precisó qué integrantes del elenco volverán para continuar la trama. La renovación, de todos modos, garantiza que los episodios de septiembre no marcarán el final de la serie.

El desarrollo de esa tercera parte dependerá de cómo concluya la disputa entre Eddie y Bobby Glass y de las consecuencias que dejen las nuevas alianzas. La plataforma ya aseguró la continuidad de la producción, pero mantuvo en reserva la dirección que tomará la historia una vez resuelto el conflicto principal de la segunda temporada.

El regreso de Los caballeros quedará ubicado al comienzo de un mes con fuerte presencia de proyectos criminales vinculados a Guy Ritchie.

Una serie mítica de los años 90, reconocida por su atmósfera oscura y su narrativa poco convencional para el universo infantil, acaba de ver frustrado su esperado regreso. Disney ha decidido cancelar el desarrollo de su remake en acción real, una noticia que impacta a quienes crecieron con las aventuras nocturnas y los dilemas morales de un grupo de héroes petrificados por el día.

La serie en cuestión es Gárgolas, una producción animada que se emitió entre 1994 y 1997, y que desde entonces ha mantenido un fuerte culto de seguidores. La noticia de la cancelación fue confirmada a Variety por una fuente cercana al proyecto, tras la difusión de rumores originados por una entrevista con Greg Weisman, co-creador de la animación original. “Eso está muerto”, declaró Weisman al ser consultado sobre el estado actual de la serie para la plataforma Disney+. Añadió que no hay planes para una versión en acción real y que desconoce cualquier movimiento en cuanto a una nueva animación. Weisman no formaba parte activa del reboot, pero su comentario fue clave para esclarecer el destino del proyecto.

La adaptación en acción real de Gárgolas había sido anunciada en 2023 con gran expectación. El encargo estaba en manos del guionista Gary Dauberman, conocido por su trabajo en It, y de James Wan, productor de Atomic Monster. Ambos figuraban como productores ejecutivos. Disney Branded Television se encargaba de la producción, lo que reforzaba la idea de que la plataforma apostaba fuerte por el regreso de la franquicia. El argumento propuesto para la nueva versión retomaba el eje central de la Gárgolas original: Goliath, el último de una raza de guerreros mitológicos, debía adaptarse a la vida en el Nueva York contemporáneo tras liberarse de una maldición de siglos. La sinopsis oficial describía a Goliath como un personaje marcado por el misterio de su pasado, acompañado de la detective de policía Elisa Maza, en una lucha constante por proteger la ciudad de nuevas amenazas.

Un proyecto que nunca llegó a desarrollarse del todo

El proyecto, sin embargo, nunca superó la fase de desarrollo temprano. La cancelación de la serie pone fin a meses de especulaciones entre los aficionados y la prensa especializada, quienes veían en el regreso de Gárgolas una oportunidad para presentar a nuevas generaciones una historia que marcó a muchos espectadores por su tono adulto y su profundidad temática. La confirmación del cierre definitivo llegó después de que los rumores se multiplicaran en foros y redes sociales, sobre todo tras la entrevista de Weisman.

La serie original, producida por Walt Disney Television Animation, se alejaba del tono habitual de la compañía. Gárgolas presentaba un grupo de seres fantásticos que, durante el día, permanecían convertidos en piedra bajo el hechizo de una traición ocurrida en la Escocia del siglo X. Solo podían despertar mil años después, en pleno Manhattan, gracias a la intervención de un industrial llamado David Xanatos. Una vez libres, los protagonistas se comprometían a proteger la ciudad, enfrentando tanto amenazas sobrenaturales como dilemas éticos y sociales. El elenco de voces que dio vida a los personajes en la animación original incluía a Keith David, Salli Richardson, Jonathan Frakes, Marina Sirtis, Ed Asner, Thom Adcox-Hernandez, Jeff Bennett y Bill Fagerbakke. La serie se emitió durante tres temporadas, siendo la última conocida como “Gargoyles: The Goliath Chronicles”.

Desde su cancelación en los años 90, Gárgolas ha acumulado una base de seguidores fieles y nostálgicos. A lo largo de los años, se han sucedido rumores y propuestas para revivir la franquicia, pero ninguna llegó a concretarse. La reciente iniciativa de Disney+ era vista por muchos como la oportunidad más tangible hasta la fecha. El cese definitivo del proyecto deja claro que, al menos por ahora, Gárgolas permanecerá como un referente de la animación de los años 90 y como uno de los títulos más recordados por quienes vivieron su impacto original. La decisión de Disney corta de raíz las esperanzas de ver una reinterpretación en acción real que, durante meses, mantuvo en vilo a una comunidad de fanáticos que sigue considerando la serie como una de las propuestas más singulares del catálogo de la compañía.

Comienza el tumultuoso mes de septiembre, reservado tradicionalmente para que las diversas plataformas saquen músculo con algunos de sus proyectos más esperados, que nos llevan por todos los géneros, desde la acción al terror pasando por los proyectos ‘autorales’.

Ha sido un verano repleto de grandes títulos. En Netflix se ha estrenado la temporada final de Cien años de soledad, demostrando que con talento e inteligencia se podía adaptar la gran obra de Gabriel García Márquez; en Disney+ ha destacado el magnífico thriller Furious, creado por Elizabeth Merithewer, la particular caza de una agente del FBI de una asesina en serie que busca venganza hacia los hombres que la explotaron sexualmente cuando era menor; HBO Max ha emitido la miniserie De puntillas, una excepcional comedia negra que reflexiona sobre el choque ideológico que caracteriza nuestro presente.

En septiembre llega también la segunda temporada de Chad Powers (Disney+), la comedia ambientada en el fútbol americano protagonizada por Glen Powell, la sexta de la ‘multipremiada’ Slow Horses (Apple TV), con Gary Oldman y Jack Lowden o la ‘precuela’ de Outlander, titulada Outlander: Sangre de mi sangre (Movistar Plus+) y, por último, en SkyShowtime, Tierra de mafiosos (MobLand), con Tom Hardy y sus constantes polémicas dentro de esta ficción en torno a los bajos fondos y el crimen organizado en Inglaterra.

He aquí 10 de las series que destacamos, por diferentes particularidades, dentro de la amplia oferta que nos ofrecen las plataformas de ‘streaming’ para las próximas semanas de septiembre.

‘The Gentlemen: La serie’ (Netflix)

En 2019, Guy Ritchie dirigió The Gentlemen: Los señores de la mafia, una comedia criminal con un reparto de lujo encabezado por Matthew McConaughey, Charlie Hunnam, Hugh Grant y Colin Farrell.

Más tarde se embarcó como creador en este ‘spin-off’ en formato serie de ocho episodios en la que sacó a relucir toda la parafernalia que ha caracterizado su estilo desde Snatch. Cerdos y diamantes.

Ahora se estrena la segunda temporada de este thriller de mafiosos con ritmo trepidante protagonizado por Theo James, Kaya Scodelario, Giancarlo Esposito y Joely Richardson.

En Netflix a partir del 3 de septiembre.

‘Monstruo: La historia de Lizzie Borden’ (Netflix)

Ryan Murphy continúa con su particular racha imparable de estrenos. Después de la adaptación de The Shards, la novela de Bret Easton Ellis, continúa con su antología Monstruos, que repasa algunos de los asesinos en serie más célebres de la historia.

En este caso le toca el turno a Lizzie Borden, que ha pasado a formar parte de la cultura popular como la asesina de hacha y, para ello, se retrotrae al s. XIX, para contar la historia de una joven que supuestamente mató a su padre y su nueva esposa y cuya actitud dentro de la comunidad era irreprochable por ser una devota protestante.

Al frente del reparto, la joven Ella Beatty (hija de Warren Beatty y Annette Bening), Vicky Krieps, Charlie Hunnan y Rebecca Hall, con la aparición especial de Sarah Paulson.

En Netflix a partir del 17 de septiembre.

‘American Horror Story 13′ (Disney+)

En efecto, de nuevo Ryan Murphy, esta vez con otra de sus antologías más longevas, American Horror Story, que comenzó su andadura allá por 2011 con La casa del crimen.

Por el momento poco se sabe de esta decimotercera entrega, solo que el elenco es de auténtico lujo: Jessica Lange, Sarah Paulson, Kathy Bates, Angela Bassett, Emma Roberts y Evan Peters, que repetirán sus roles en anteriores entregas. Una forma de rendirles homenaje dentro del universo creado por el ‘showrunner’ a modo de ‘crossover’.

La temporada consta de 13 episodios y se cerrará el 30 de octubre, antes de Halloween.

En Disney+ a partir del 25 de septiembre con capítulos semanales.

‘El problema final’ (Netflix)

Una de las apuestas españolas de la ‘rentrée’ es la adaptación de la novela de Arturo Pérez-Reverte del mismo título, que constituye un homenaje al género de detectives creado por Arthur Conan Doyle en torno a la figura de Sherlock Holmes.

La miniserie, muy en la línea del ‘whodunit’, se centra en 13 personas que quedan aisladas en un islote cercano a Mallorca durante la primavera de 1959 cuando aparezca muerta una turista. Un actor que en su día encarnó a Sherlock Holmes, se convertirá en el investigador involuntario del caso.

En el reparto, José Coronado, Maribel Verdú, María Valverde, Martiño Rivas, Pepón Nieto o Gonzalo De Castro.

Se estrena en Netflix el 25 de septiembre.

‘Mis muertos tristes’ (Netflix)

Desde Netflix Latinoamérica nos llega esta producción de lujo dirigida por el prestigioso Pablo Larraín que adapta varios relatos de Mariana Enríquez que se encuentran en su libro Un lugar para gente sombría en el que lo cotidiano se da la mano con lo sobrenatural.

La propuesta se podrá ver dentro de la Sección Oficial del Festival de San Sebastián en formato película, con los cuatro episodios seguidos, configurando una sola unidad, y optará a la Concha de Oro. Encabeza el reparto dos nombres de altura como Dolores Fonzi y Mercedes Morán, que interpreta a una médica que puede escuchar (y ver) a las personas que han fallecido.

En Netflix a partir del 24 de septiembre.

‘City of Blood’ (Disney+)

Desde Alemania nos llega la adaptación de la novela gráfica Berlinoir, un thriller de terror que presenta la capital alemana como una ciudad-estado al límite, con una sociedad partida entre una minoría que vive bajo una cúpula climatizada y el resto que intenta sobrevivir en un entorno marcado por calor, corrupción y delincuencia.

En ese escenario, las hermanas Bea y Phoebe se reencuentran tras años separadas y descubren un secreto: los vampiros buscan hacerse con el poder político y la sangre opera como nueva moneda en la ciudad.

La historia sitúa el choque entre ambas la víspera de unas elecciones decisivas, cuando sale a la luz que los vampiros controlan el crimen organizado y pretenden dominar las instituciones. La trama plantea una disputa de fuerzas rivales en un mundo destrozado por el cambio climático, con la violencia como parte de la vida cotidiana.

Bea, enferma crónica, creció protegida junto a su madre adoptiva, mientras Phoebe luchó por sobrevivir en las calles berlinesas. El reencuentro las empuja a enfrentar una pregunta central: quién representa una amenaza mayor, los humanos o los vampiros.

‘Pequeños profetas’ (Apple TV)

Apple TV incorporar a su catálogo esta serie británica cuya primera temporada, compuesta por seis episodios. La ficción ha sido creada, escrita y dirigida por Mackenzie Crook, quien también forma parte del elenco junto a Pearce Quigley, Lauren Patel, Sir Michael Palin, Sophie Willan, Jon Pointing y Paul Kaye.

La trama sigue a Michael Sleep (Pearce Quigley), un hombre excéntrico que, tras la desaparición su querida compañera Clea, sufre una rutina marcada por su empleo en una tienda de bricolaje y las visitas a su padre. La historia toma un giro cuando Michael, intentando responder si volverá a encontrarse con Clea, comienza a experimentar con una receta mágica en busca de crear homúnculos, acompañado por su compañera de trabajo, Kacey.

El relato se desarrolla en un barrio donde lo cotidiano y lo mágico se cruzan, con personajes secundarios que se involucran en los misterios del protagonista. Una ‘sitcom’ que ha sido calificada como “una maravilla”.

‘Brothers’ (Apple TV)

Desde hace años, se rumorea que podría haber un posible parentesco entre Woody Harrelson y Matthew McConaughey. Pues bien, ahora los dos intérpretes aprovechan esta mitología urbana en esta serie en la que se reencuentran después de True Detective.

La trama presenta a Harrelson instalándose en la casa de McConaughey tras un incidente en la boda de su hija. Desde esa convivencia, ambos empiezan a cuestionar si comparten más que su amistad, impulsados por coincidencias familiares.

La ficción alterna ese eje con una subtrama en la que McConaughey evalúa la posibilidad de postularse como gobernador de Texas, reflejando rumores reales sobre su vida. El enfoque de la serie combina comedia y cuestiones de identidad, aprovechando la química entre ambos actores, pero trasladada a un tono humorístico y autorreferencial.

Brothers explora la frontera entre la realidad y la ficción, planteando hasta qué punto los mitos de Hollywood pueden integrarse a una narración que se nutre de anécdotas reales y especulaciones mediáticas.

Disponible en Apple TV a partir del 23 de septiembre.

‘Gone’ (Filmin)

George Kay, responsable de series como Hijack o Lupin regresa con esta serie de intriga protagonizada por David Morrissey y Eve Myles. La ficción arranca con la desaparición de Sarah, esposa de Michael Polly, director de un colegio privado, un caso que desencadena una investigación marcada por el aparente estoicismo del protagonista.

El director de escuela Michael Polly vuelve a su casa una tarde y descubre que su esposa ha desaparecido. Tras denunciar el hecho, el caso queda en manos de la inspectora Annie Cassidy, una detective pragmática e inflexible a la que desconcierta desde el inicio la calma del director.

A medida que aparecen pruebas desconcertantes, Annie asume el rol de enlace con la familia y la noticia se difunde pese a los esfuerzos de Michael por contenerla, mientras él mantiene sus obligaciones profesionales. La serie está inspirada libremente en el libro To Hunt a Killer, de Julie Mackay y Robert Murphy, quienes asesoraron el desarrollo de la producción. En Filmin a partir del 1 de septiembre.

‘La mujer miniatura’ (Movistar Plus+)

Hemos visto muchas adaptaciones de El hombre menguante, pero ahora le toca el turno a un enfoque diferente, ya que está basada en el relato de Manuel Gonzales del mismo nombre.

La serie, de diez episodios, plantea el quiebre de una pareja cuando una escritora ganadora del Pulitzer, queda reducida a unos centímetros tras un accidente tecnológico.

El argumento sigue a Lindy y Les Littlejohn, un científico convencido de que logrará un hallazgo capaz de “cambiar el mundo”, después de que los años conviertan su admiración mutua en una guerra silenciosa de reproches y frustraciones. La miniaturización vuelve literal la crisis del matrimonio y los obliga a enfrentar desigualdad de poder, heridas acumuladas y la búsqueda de identidad.

En el reparto, Elizabeth Banks interpreta a Lindy, mientras Matthew Macfadyen, ganador del Emmy por Succession, encarna a Les, cuya obsesión por el éxito profesional desencadena el conflicto central. A partir del 9 de septiembre en Movistar Plus+

Bass Reeves ante una frontera mecánica

La historia transcurre en una versión sin ley del Salvaje Oeste, atravesada por tecnología mecánica y elementos de ciencia ficción. El steampunk es una corriente estética que imagina máquinas avanzadas construidas con engranajes, metal y sistemas inspirados en la tecnología industrial del siglo XIX.

En ese escenario, Bass Reeves debe enfrentarse a forajidos violentos, monstruos mecánicos y amenazas sobrenaturales. La sinopsis difundida por Netflix también presenta al protagonista como un padre obligado a asumir los papeles de juez, jurado y verdugo para proteger a su familia.

Cada decisión tiene un costo concreto. Los actos de justicia con los que Reeves intenta mantener a salvo a sus seres queridos podrían terminar alejándolo de ellos o causarles daño. Esa tensión familiar acompaña las escenas de persecución, combate y violencia mostradas en el material promocional.

El tráiler mencionado en una de las fuentes permite ver parte de ese territorio hostil y varias secuencias de acción. La animación combina enfrentamientos cuerpo a cuerpo, armas y grandes construcciones mecánicas, elementos con los que Studio Mir desarrolla el cruce entre western, fantasía y ciencia ficción.

Brian Tyree Henry encabeza el reparto

Brian Tyree Henry presta su voz a Bass Reeves y participa como productor ejecutivo. El actor es conocido dentro de la animación por interpretar a Jefferson Davis en las películas de Spider-Man protagonizadas por Miles Morales.

El reparto incluye a Janelle Monáe como Glory, Tati Gabrielle como Dana y Cree Summer como Ahni. También participan Chaske Spencer en el papel de Lighthorse, Currie Graham como Rivenbark y Starletta DuPois como Etta.

El equipo de producción ejecutiva se completa con LeSean Thomas, Jennifer Wiley-Moxley y Chad Handley. La música quedará en manos de Roman GianArthur y Nate Wonder, integrantes de Wondaland. Netflix todavía no informó cuántos episodios tendrá la primera tanda ni cuál será su duración.

Bass X Machina está orientada a una audiencia adulta. La violencia de la frontera, el peligro que rodea a la familia del protagonista y la descripción de Reeves como una figura dispuesta a ejecutar sus propias sentencias marcan el tono de la propuesta.

Studio Mir y las dos fechas de estreno

Studio Mir, estudio de animación radicado en Corea del Sur, está detrás de la producción visual. Entre sus trabajos recientes aparecen la adaptación animada de Devil May Cry para Netflix, Mis aventuras con Superman y X-Men ’97.

La serie forma parte del catálogo de anime que Netflix prepara para lo que queda de 2026. Esa programación también contempla el regreso de Cyberpunk: Edgerunners durante octubre, según la información incluida en las fuentes.

El calendario de Bass X Machina, sin embargo, presenta una contradicción. Uno de los reportes señala que los episodios se estrenarán el 6 de octubre de 2026. Otra fuente, publicada junto con la noticia del tráiler, ubica el lanzamiento para el 3 de noviembre en Netflix.

Esa diferencia puede responder a un cambio de programación posterior al anuncio inicial, pero las fuentes suministradas no incluyen una explicación oficial que permita confirmarlo. Tampoco se detalló si el estreno será simultáneo en todas las regiones. Por ahora, Netflix mantiene a Bass X Machina dentro de su oferta de 2026, con el 6 de octubre y el 3 de noviembre como las dos fechas informadas.

Hay series para las que parece no pasar el tiempo. Y si no, que se lo digan a The Leftovers, que, casi una década después de la emisión de su último episodio, en junio de 2017, ha vuelto a la lista de lo más visto en la plataforma. La producción creada por Tom Perrotta y Damon Lindelof ha aprovechado el tirón de Linternas, nuevo título firmado por este último, y se ha colado en los primeros puestos, junto a títulos como La casa del dragón o La amiga estupenda.

Con apenas 28 episodios en total, The Leftovers cuenta cómo, el 14 de octubre de 2011, 140 millones de personas (el 2% de la población mundial) desaparecieron en cuestión de segundos, sin aviso, sin explicación y sin rastro. El fenómeno, bautizado como la Partida Súbita, no dejó detrás ninguna teoría tranquilizadora: ni explosiones, ni invasiones, ni ciencia. Solo ausencia. La serie arranca tres años después de ese evento y se centra en quienes permanecieron, no en lo que ocurrió.

Situada en Mapleton, una pequeña localidad de Nueva York, sigue a Kevin Garvey (Justin Theroux), jefe de policía que intenta sostener una apariencia de normalidad mientras su familia se deshace: su esposa Laurie (Amy Brenneman) abandona su vida anterior para integrarse en el Remanente Culpable, una secta cuyos miembros han convertido el duelo en una existencia basada en la intimidación y el silencio. Al mismo tiempo, su hijo Tommy (Chris Zylka) también parece seguir a un predicador y su hija Jill (Margaret Qualley) es la única que permanece a su lado, aunque con una relación cada vez más tensa.

Las razones por las que no te puedes perder ‘The Leftovers’

Damon Lindelof, cocreador de otras series de culto como Perdidos o Watchmen, desarrolló la serie junto a Tom Perrotta, autor de la novela homónima que le sirvió de base. Fue una reseña de Stephen King en The New York Times, publicada en 2011, la que llevó a Lindelof a leer el libro. El entusiasmo fue inmediato y el acuerdo con Perrotta, que se incorporó al proyecto como guionista y productor ejecutivo, derivó en una adaptación que pronto dejó de limitarse al material literario para construir su propia identidad.

Es cierto que, cuando se estrenó en 2014, The Leftovers no tuvo un impacto masivo. Con todo, con el paso de los años ha ido ganando cada vez más peso entre los suscriptores de HBO Max, hasta convertirse en la serie de culto que es hoy. Los motivos de este ascenso son varios, empezando por la decisión de renunciar a investigar la causa de la desaparición. Lindelof, que ya había vivido en Perdidos las consecuencias de construir una narrativa alrededor de enigmas irresolubles, cambió las reglas: aquí el misterio existe, pero la serie nunca hace ningún esfuerzo por responderlo de manera convencional. Lo que le interesa es la herida, no la causa.

Esa apuesta generó fricciones con parte de la audiencia durante la primera temporada, más contenida y pegada al drama íntimo. El tono sombrío y la negativa a ofrecer catarsis convencional alejaron a quienes buscaban respuestas. Pero la percepción cambió radicalmente en las dos temporadas siguientes. La serie podía pasar del drama más devastador a situaciones completamente absurdas sin perder su identidad. Guiños a los espectadores, experimentos narrativos pocas veces vistos en este tipo de producciones y un reparto completado con Carrie Coon, Liv Tyler, Christopher Eccleston, Ann Dowd y Scott Glenn ponen el resto.

La calidad de experiencia al reproducir series, películas o eventos en vivo a través de Netflix depende de la velocidad y estabilidad de la conexión a internet. La plataforma streaming detalla que para acceder a contenidos con la mejor definición posible, es clave contar con una conexión de al menos 15 Mb/s.

El sistema ajusta automáticamente la calidad de la reproducción si la velocidad es inferior, priorizando la estabilidad de la transmisión por sobre la definición visual.

Cuál es la velocidad sugerida para cada tipo de calidad en Netflix

La plataforma streaming diferencia entre tres niveles de calidad de imagen, cada uno asociado a un umbral de velocidad de conexión. Para transmisiones en alta definición (HD), solo se necesita 3 Mb/s. La alta definición completa (Full HD) requiere 5 Mb/s.

Finalmente, la reproducción en ultra alta definición (UHD, 4K), que permite visualizar detalles más nítidos y colores más vibrantes en pantallas de gran tamaño, exige un mínimo de 15 Mb/s. Estas cifras corresponden a la velocidad real disponible en el dispositivo y no a la contratada con el proveedor de internet.

Además, Netflix sugiere comprobar periódicamente la velocidad efectiva, sobre todo si en el hogar se utilizan varios dispositivos conectados a la red simultáneamente.

La presencia de múltiples conexiones activas puede reducir el ancho de banda disponible para la reproducción de contenido, lo que puede ocasionar caídas en la calidad del video o fallas durante la transmisión.

Cómo verificar la velocidad de internet antes de ver una película en 4K

Netflix sugiere a sus usuarios que verifiquen la velocidad de su conexión antes de intentar reproducir contenidos en 4K. Para hacerlo desde un teléfono, tableta o computadora, se debe ingresar al sitio Fast.com, un servicio que mide la velocidad de descarga de manera automática y sin instalar aplicaciones adicionales.

En el caso de televisores inteligentes o dispositivos conectados a la TV, la verificación puede realizarse directamente desde la aplicación de Netflix. Solo hay que acceder al menú de ayuda de la app y seleccionar la opción “Comprobar red”.

Si el sistema arroja un mensaje de error o indica que la prueba no puede completarse, lo más probable es que el dispositivo no tenga acceso a internet en ese momento.

Qué hacer si la velocidad de internet no alcanza el mínimo sugerido

En situaciones donde la velocidad de la conexión no llega a los 15 Mb/s requeridos para la reproducción en 4K, se sugieren una serie de pasos prácticos para mejorar el rendimiento.

El primero consiste en reiniciar el router, una medida sencilla que permite resolver problemas de conectividad y restablecer la estabilidad de la señal WiFi. Esta acción no altera la configuración ni las funciones programadas del módem, y no existe un límite de frecuencia para hacerlo.

Otra pauta es cambiar la contraseña del WiFi de manera periódica. Esta práctica dificulta el acceso no autorizado a la red, lo que puede afectar la velocidad disponible si hay dispositivos ajenos conectados.

Asimismo, es fundamental limitar el número de dispositivos conectados al router, porque cada uno consume parte del ancho de banda total.

Cuáles acciones permiten optimizar la conexión y garantizar una experiencia en 4K

Para quienes buscan la máxima velocidad y estabilidad, utilizar un cable Ethernet en lugar de WiFi es la opción más eficiente. Las conexiones por cable no sufren interferencias y suelen mantener una velocidad más alta y constante que las redes inalámbricas.

Aunque la instalación de un cable puede resultar menos cómoda o requerir adaptaciones en el hogar, la mejora en la calidad de la transmisión suele ser inmediata.

El uso del cable Ethernet es muy útil para actividades como juegos en línea, pero su utilidad se extiende a la reproducción de video en alta definición, incluyendo el streaming de contenidos en 4K.

En cualquiera de los casos, mantener una red doméstica segura y optimizada es clave para aprovechar todas las ventajas que ofrece la plataforma streaming.

Moria reapareció en el teatro después de sus vacaciones y habló del impacto que tuvo el estreno de su serie biográfica, que según remarcó se ubicó entre lo más visto en Argentina, Uruguay y otros países de Latinoamérica. En medio de la repercusión por la producción, también evitó referirse al conflicto judicial que impulsa la familia de Luis Vadalá por cómo fue retratado en pantalla.

Ante el ciclo de Primicias Ya (América TV), la diva explicó por qué decidió viajar en medio del lanzamiento. “Y bueno, me fui de vacaciones porque me lo merezco. Con el cumpleaños, siempre de cumpleaños trato de volar, cruzar océanos y pasarla bien. Y estoy feliz”, expresó al retomar la actividad.

En ese tramo de la charla, Casán también celebró el alcance de la serie y detalló el rendimiento que tuvo en la plataforma. “Imaginate, primera en Argentina, Uruguay, qué sé yo, cantidad de países. Me excede un poco tanta globalización, pero feliz”, afirmó.

Cuando el cronista le mencionó el enojo de la familia de Vadalá por la imagen que se muestra del ex de la vedette, la artista optó por no profundizar. “No voy a hablar de eso. Chicos, estoy tres e: exonerada, envaselinada y elevada”, respondió.

Lejos de dar precisiones sobre la controversia, insistió con esa idea y vinculó su postura al marco de producción de la serie. “Te imaginás que si hago una serie de este corte con la plataforma más importante del mundo y una productora como About, tengo exoneración. Busquen lo que significa. Libre de todo, mis amigos”, señaló.

Sobre el final del intercambio, el notero le comentó que Sofía Gala Castiglione, su hija y protagonista de la serie, había dicho que lo que se mostró de su expareja había sido “muy light”. Moria cerró sin agregar detalles: “Lo que diga Sofía está bueno”.

Sofía habló en Puro Show (El Trece) y expresó su satisfacción por el recibimiento del público. “Estoy muy contenta, muy agradecida por el amor, principalmente, que está recibiendo la serie”, dijo. Luego explicó que las devoluciones positivas tienen mucho más peso que cualquier señalamiento adverso. “Lo bueno es cuando la gente te da cariño te llega más, ¿viste? Porque la gente se te acerca, te habla. Lo malo no me llega porque no estoy pendiente de eso”, sostuvo al ser consultada por las críticas en redes.

La actriz también se refirió al enojo de la familia de Luis Vadalá y la posible demanda que entablaría por la manera en que fue retratado el vínculo con Moria Casán en la serie. Lejos de esquivar el tema, Sofía marcó que, según su mirada, la ficción incluso suavizó varios aspectos. “Sí, pienso que la serie dejó muchas cosas afuera de ese personaje, que siento que fueron muy amables con él en la serie, que deberían estar contentos”, afirmó. Cuando desde el ciclo le plantearon que la historia podría haber sido todavía más dura, respondió sin rodeos: “Total”.

Sobre cómo se tomó esa decisión narrativa, Sofía planteó que la relación entre Moria y Vadalá ocupaba solo una parte dentro de una historia mucho más amplia. “Siento que si se empezaba a contar todo lo que pasó, hay que hacer una serie aparte”, manifestó.

La plataforma Prime Video ha dado luz verde a una nueva adaptación televisiva de Stephen King. Se trata del relato de terror Crouch End, que se convertirá en una miniserie limitada de seis episodios ambientada en Londres, según ha informado la revista Variety. La producción será la primera adaptación de King que se realice en el Reino Unido.

La trama parte de la denuncia de la estrella de cine Doris Freeman, quien llega a una comisaría de Londres y asegura que fenómenos extraños explican la desaparición de su marido. El inspector Ted Vetter quedará a cargo del caso y deberá determinar si ella dice la verdad, si puede ser una asesina o si hay algo más detrás.

De acuerdo con el medio, la serie tendrá guion de Paul Tomalin (creador de la serie Cadáveres) y dirección de Tom Shankland, conocido por estar al frente de capítulos de títulos como The Letfovers o La casa Guinness y por películas de terror como Waz o The Children. La producción estará a cargo de Mammoth Screen y Fifth Season, con Tomalin, Shankland, Damien Timmer, Rebecca Keane y Ben Irving como productores ejecutivos.

Un homenaje al universo del horror cósmico

“Stephen King es uno de los narradores que definen nuestra época, y estamos encantados de dar vida a su relato ‘lovecraftiano’ en Londres con Crouch End”, ha dicho Nicole Clemens, vicepresidenta de originales internacionales de Prime Video y Amazon MGM Studios, citada por la publicación. Tomalin agregó: “Después de leer Crouch End hace algunos años, la prosa vívida de Stephen King ha perseguido mis pesadillas desde entonces”.

El cuento, publicado por primera vez en 1980, fue presentado originalmente en Nuevos cuentos de los Mitos de Cthulhu (editado en nuestro país por Valdemar) y más tarde reapareció en la colección Pesadillas y alucinaciones de las historias de King. El relato es considerado un homenaje a H.P. Lovecraft y contiene referencias al autor, aunque también puede considerarse como un thriller policiaco con elementos de terror sobrenatural característicos de ambos autores.

Variety también indicó que el reparto ya está en proceso, con “mucho interés”. Shankland afirmó: “Soy un superfan de Stephen King desde siempre. La oportunidad de trabajar con este gran equipo y dar vida a su misterio londinense es más que emocionante”.

La maquinaria de Stephen King no para

La maquinaria de adaptación de las novelas y relatos de Stephen King sigue en plena forma. Hace poco se confirmaba la renovación de la segunda parte de It: Bienvenidos a Derry, después de su gran aceptación en HBO Max. Pero son muchos más los proyectos que se encuentran a punto de estrenarse o en proceso de preparación.

Entre los más esperados se encuentra la nueva serie sobre Carrie, de un experto en su universo como es Mike Flanagan (ya ha adaptado El juego de Gerald, Doctor Sueño y La vida de Chuck), también para Amazon Prime Video. Una relectura del clásico en clave contemporánea que contará con ocho episodios y que se estrenará el próximo 7 de octubre.

Sacrificios de Sangre se convirtió en la serie más popular de Netflix en México gracias a una historia breve, de solo cinco episodios, que combina asesinatos seriales, secretos dentro de la policía y una complicada relación entre padre e hijo.

La miniserie sueca presenta un caso criminal que parece dirigido contra agentes de seguridad, pero que poco a poco revela una red de responsabilidades, encubrimientos y venganzas. La producción mantiene el misterio hasta sus últimos minutos y deja claro quién estaba detrás de los asesinatos y qué ocurrió realmente con el policía cuya muerte desencadenó toda la violencia.

¿De qué trata Sacrificios de Sangre?

La historia sigue a Thomas Berg, un inspector que debe investigar una serie de asesinatos contra integrantes de la policía durante un verano en Estocolmo.

Todo comienza con una llamada de emergencia sobre un supuesto allanamiento en una casa de verano. Dos policías acuden al lugar, pero no encuentran nada extraño. Al día siguiente, ambos aparecen muertos.

El crimen abre una investigación que pronto revela un patrón: cada viernes, a la misma hora, un nuevo agente es asesinado. Thomas entiende que debe encontrar al responsable antes de que ocurra el siguiente ataque.

Para resolver el caso, recurre a Alfred Berg, su padre y un expolicía retirado. La colaboración obliga a ambos a enfrentar una relación familiar marcada por la distancia mientras siguen las pistas de un asesino que parece conocer el funcionamiento interno de la corporación.

La sospecha inicial apunta a una agresión externa contra la policía. Sin embargo, la investigación descubre que el origen de los crímenes está mucho más cerca de lo que imaginaban.

Final explicado de Sacrificios de Sangre

El desenlace revela que los asesinatos están relacionados con la muerte del agente Hugo Brankovic. Una de las víctimas había encontrado una conexión entre los policías asesinados y el caso de Brankovic, cuya muerte estuvo marcada por errores cometidos por otros integrantes de la corporación.

La institución no tomó las medidas necesarias para esclarecer lo ocurrido, lo que alimentó el deseo de venganza de Peter Johansson, amigo y compañero de Hugo.

Johansson perdió a su amigo y también la vida que conocía dentro de la policía. Convencido de que varios mandos eran responsables de encubrir la verdad, decidió castigar a quienes consideraba culpables mediante una cadena de asesinatos.

Entre las personas señaladas se encontraba Alfred Berg, padre de Thomas y antiguo integrante de los altos rangos de la corporación.

Sin embargo, el final introduce un giro decisivo: la muerte de Hugo Brankovic no fue consecuencia directa de una conspiración de todos los policías perseguidos por Johansson. La responsabilidad recaía en Lucas Lind, quien ocultó lo ocurrido para evitar una investigación interna y las consecuencias que podían derivarse de sus actos.

Johansson nunca descubre por completo esa verdad. Convencido de que Alfred formaba parte de los responsables, lo secuestra para atraer a otros policías y continuar con su plan.

Thomas llega antes que el resto. Padre e hijo quedan nuevamente unidos, aunque ahora bajo una amenaza directa. Tras un enfrentamiento físico, Thomas logra reducir a Johansson y salvar a Alfred.

El responsable de los asesinatos es detenido y puesto a disposición de la justicia. El caso se cierra con la captura de Johansson, mientras la investigación revela que la cadena de violencia nació de una tragedia mal esclarecida y de un encubrimiento que permitió que la búsqueda de justicia se transformara en venganza.

Esta cuarta entrega de la saga se titula La historia de Lizzie Borden, se estrenará en Netflix el 17 de septiembre y contará con 8 episodios. Se centrarán en el caso de Lizzie Borden, juzgada por el asesinato con hacha de su padre y su madrastra en 1892 y finalmente absuelta pese a las sospechas que recayeron sobre ella.

La nueva temporada parte de un caso real que sigue sin resolución oficial. Lizzie Borden nació en 1860 en el seno de una familia acomodada de Fall River, en Massachusetts, y su nombre quedó fijado en la cultura popular estadounidense tras un proceso judicial que se convirtió en uno de los más divulgados de su época.

El caso real de Lizzie Borden

En agosto de 1892, su padre Andrew y su madrastra Abby aparecieron muertos en su casa después de ser atacados con un hacha. La sospecha se dirigió hacia Lizzie después de que ofreciera respuestas contradictorias a la policía, aunque el juicio terminó con su absolución.

Esta entrega supondría un giro dentro de una franquicia marcada por la controversia. En sus cuatro años de recorrido, la serie Monster ha despertado críticas por su tratamiento de figuras reales vinculadas a crímenes célebres como Jeffrey Dahmer, los hermanos Menéndez o Ed Gein, con reproches de explotación de materiales especialmente delicados.

La nueva temporada retrocede más de un siglo respecto a las tres anteriores. Ese desplazamiento temporal lleva la historia a un caso en el que todos los implicados han muerto hace décadas y a un crimen que generó desde el principio múltiples teorías sin que ninguna llegara a cerrar el asesinato de forma oficial.

El relato sobre su entorno familiar añade que, tres años después de la muerte de su madre, Andrew Borden se casó con Abby. Ni Lizzie ni su hermana Emma aceptaron esa relación, al considerar que la nueva esposa estaba con su padre por interés económico y social.

La mañana del 4 de agosto de 1892, Andrew y Abby fueron hallados asesinados en su vivienda. Fue la propia Lizzie quien alertó del crimen, aunque terminó detenida y juzgada al convertirse en la principal sospechosa por varios indicios, entre ellos la quema de un vestido que, según ella, estaba manchado de pintura.

El tráiler sugiere una interpretación concreta del caso. La serie adoptaría la teoría de que Andrew era un padre abusivo, de que Lizzie mantenía una relación sexual con la criada Bridget Russell y de que ambas participaron en el ataque.

Quién es quién en la serie de Ryan Murphy

La pieza promocional, acompañada por la canción Berghain de Rosalía, también anticipa que la ficción abordará el peso que tuvieron las ideas de la época sobre la supuesta inocencia femenina en la absolución de Lizzie. Además, deja entrever la incorporación de otras historias de asesinas a lo largo del tiempo.

La protagonista será Ella Beatty, hija de Warren Beatty y Annette Bening, en el papel de Lizzie. Vicky Krieps interpretará a Bridget Sullivan y también a la presunta asesina en serie húngara Elizabeth Báthory, mientras Charlie Hunnam y Rebecca Hall encarnarán a Andrew y Abby.

El reparto incluye además a Billie Lourd como Emma Borden, Joey Pollari como el tío John Morse y Jessica Barden como la actriz Nance O’Neil, amiga de Lizzie en sus últimos años. Sarah Paulson interpretará, según se ha informado, a Aileen Wuornos, la asesina en serie de la década de 1980 conocida sobre todo por la película Monster, estrenada en 2003.

Charlie Hunnam regresa a la antología tras su paso por Monstruos: La historia de Ed Gein, en esta ocasión para dar vida al padre de Lizzie. La temporada está creada y escrita por Ian Brennan, con producción ejecutiva compartida por Brennan y Murphy junto a Max Winkler, Eric Kovtun, Scott Robertson, Louise Shore, Nissa Diederich, Todd Kubrak, Carl Franklin y Tanase Popa, y con dirección de Winkler y Sarah Adina Smith.

La primera parte, estrenada en 2024 y compuesta por ocho episodios, se centraba en la creación de Macondo por parte de José Arcadio Buendía y Úrsula Iguarán, los patriarcas de una familia que recorrerá todo un siglo en el que, sus integrantes y descendientes representarán buena parte de los males en torno a la decadencia del ser humano, al mismo tiempo que el paisaje se irá adaptando de forma metafórica a los cambios estructurales, tanto a nivel social y político, como a nivel poético, a través del realismo mágico que practicó el escritor colombiano.

Siempre se dijo que, dadas las características de la obra, Cien años de soledad era una novela ‘inadaptable’, pero esa primera tanda de episodios demostró que podía ponerse en imágenes todo ese rico imaginario sin perder fuerza simbólica por el camino.

Una segunda parte todavía más arriesgada

Ahora, esta segunda parte propone un “más difícil todavía”, ya que la trama no se centra en unos pocos personajes, sino que abre su abanico a todo un crisol de nuevos conflictos que deberían dificultar todavía más la narración. Sin embargo, aquí se produce la sorpresa. Estos capítulos están impregnados de una enorme fuerza expresiva, de una contundencia y una rotundidad que nos llevan por un viaje repleto de hazañas a un ritmo vertiginoso y repleto de imágenes dispuestas a formar parte de la memoria colectiva.

Laura Mora, que ya formó parte de la anterior temporada, ha sido ahora la creadora y ‘showrunner’ de esta segunda parte y se ha encargado de tomar las decisiones más importantes en lo que se refiere a la adaptación. Su contribución ha sido esencial para dotar a la producción de consistencia, pero también de corazón a la propuesta.

“Había retos muy importantes a la hora de abordar esta segunda parte”, cuenta Laura Mora a Infobae España desde Colombia. “Pero era muy importante tener una actitud reflexiva frente a la primera parte, ser humildes frente a lo que se había hecho y no dejarnos obnubilar por el éxito que había tenido. Esta continuación del libro es muy compleja, muy dura y está anclada más en el realismo que en la utopía. Así que lo más importante era tener muy claro lo que íbamos a contar, meter muchas horas de pensamiento en reescribir los guiones, en repensar la novela, en reestructurar y añadir capas de lectura y de profundidad a las imágenes. Ese fue el mayor reto en términos intelectuales”, cuenta la creadora.

A nivel de producción, por supuesto, los desafíos fueron incontables. Macondo crece, se abre al mundo, llega el tren, más gente, aparece la compañía bananera, los americanos. “Además de filmar en Tolima, nos expandimos al Caribe, en la localización real donde existió la United Fruit Company”, añade Mora. “Y después teníamos que conseguir que la audiencia sintiera un tránsito natural entre ambas temporadas, donde había dos personajes, el de Úrsula y el coronel Aureliano Buendía, que enganchaban mucho. Y ahora había que pasar a las siguientes generaciones”.

Cuando se enfrentó a la tarea de ser la cabeza creativa de todo el equipo, sintió una enorme responsabilidad, pero también lo vivió como un privilegio. Trabajó en el guion con escritoras como Natalia Santa, María Camila Arias y Camila Brúges. “La literatura y el audiovisual son dos lenguajes completamente diferentes y había que estar un poco a la altura de la novela sin pretender más que eso. La novela siempre va a ser más inmensa, inabarcable, por encima de todo lo que podamos hacer. Así que el reto era estar a la altura de la complejidad de la novela, sí”.

Cada episodio, una película

Tal y como nos cuenta Laura Mora, la cronología de cada episodio se encuentra muy acotada: en el primero se aborda la megalomanía del coronel Aureliano Buendía y su delirio de poder; en el segundo, la llegada de los gemelos y Petra Cotes; en el tercero, la introducción de Fernanda del Carpio, que es la gran antagonista de esta temporada; en el cuarto, la llegada del ferrocarril y con ella, la de los americanos; y en el cinco y seis, la revolución del amor de Meme y Babilonio, los sindicatos para dar paso al gran diluvio, que es una forma simbólica de la memoria.

En cuanto al capítulo final, está pensado como una película de una hora y media y constituye una auténtica cima a la hora de cerrar la serie.

Y es que, en realidad, cada episodio se encuentra contado de una manera diferente, de forma que cada uno adquiere una dimensión autónoma dentro de la obra conjunta que lo singulariza. “Queríamos ser un poco más cinematográficos en la manera de filmar, de narrar. Para mí la imagen cinematográfica no es solo espectacular en términos de tamaño, sino que debe estar llena de sentido, tener muchas capas de lectura y trabajar lo visible y lo invisible, lo que está en cuadro y lo que está fuera de él. Así que, en efecto, queríamos que cada capítulo tuviera una entidad, aunque estuvieran muy amarrados entre sí, pero que fueran como una película en sí misma”.

En ese sentido, esta temporada empieza en 1905 y termina en 1951 y, como nos cuenta Laura Mora, esos cincuenta años ya del siglo XX son muy apasionantes en términos culturales y políticos. Pero, también musicales. En ese sentido, Macondo se abrirá a otros ritmos, se conectará con el Caribe antillano, los extranjeros traerán otras sonoridades. Por eso, la banda sonora también resulta fundamental en esta temporada.

El movimiento circular de la historia, todo se repite

Por supuesto, también encontramos como piedra angular la política y los movimientos sociales que vertebran buena parte de las historias. De la violencia de la guerra civil al terror de la compañía bananera y la explotación de sus trabajadores.

“El progreso siempre es una promesa de bienestar, pero detrás de esa promesa hay unos sacrificios que se pagan muy grandes como sociedad y que en Latinoamérica nunca terminan de llegar y nunca terminamos de dar un paso a la modernidad”, reflexiona Laura Mora. “Las luchas del coronel pertenecían a otro tiempo, pero también es el único que advierte del peligro de las promesas del progreso. En su delirio es bastante lúcido; empieza a prever lo que se viene con la llegada del colonialismo. Eso reafirma esta idea de la ‘circularidad’ de la novela, de la repetición. Esa repetición que no son solo nombres (los Aurelianos, los José Arcadios), sino situaciones que se repiten en momentos diferentes de la historia”.

Y, como la historia se repite, no es difícil establecer conexiones con el panorama actual. Con el cambio climático, con el fanatismo religioso, con el auge de los extremismos políticos, con los conflictos bélicos.

“Yo creo que eso es lo que hacen las grandes obras y los grandes autores. Son grandes lectores de su tiempo presente y grandes profetas de la humanidad”, cuenta Laura Mora. “Y eso es lo que hace que Cien años de soledad sea un libro al que siempre quieras volver. Es muy misterioso y, como toda gran obra, se revela diferente en cada lectura porque su autor ha entendido la complejidad del ser humano y sabe, como Odiseo, la tendencia a la repetición del ser humano. El ser humano olvida muy fácilmente sus errores, sus catástrofes sociales, individuales. Vivimos en un gran bucle de violencia que ya no sabemos dónde empieza y dónde termina. Y el mundo está en un momento muy difícil de comprender porque ya sabemos que esto ya pasó. Entonces, siento que esta idea de Macondo como espejo llega en un momento muy importante que reafirma a García Márquez como uno de los grandes lectores de la condición humana”.

Woody Harrelson y Matthew McConaughey se reencuentran en la pantalla con la llegada de Brothers, la nueva serie de Apple TV que explora una premisa tan inusual como irresistible: ¿y si los célebres protagonistas de True Detective fueran, en realidad, hermanos? La comedia, producida por Paramount Television Studios, parte de una base de rumores y coincidencias reales que han acompañado a ambos actores durante años, y los convierte en el centro de una ficción que mezcla realidad y fantasía.

La trama de Brothers presenta a Harrelson y McConaughey interpretando versiones ficticias de sí mismos que, tras un inesperado giro en la vida familiar, comienzan a sospechar que podrían compartir algo más que una amistad de décadas. Todo se desencadena cuando el personaje de Harrelson, tras el bochornoso desenlace de la boda de su hija, se instala en casa de McConaughey. Allí, una serie de revelaciones lleva a ambos a enfrentarse a la posibilidad de tener el mismo padre, detonando situaciones cómicas y un nuevo tipo de vínculo entre los protagonistas.

El argumento no es casualidad. Desde hace tiempo circulan rumores sobre la posibilidad de que los actores estén relacionados fuera de la ficción. Woody Harrelson lo reconoció abiertamente en declaraciones a Esquire, donde explicó: “No lo sé porque no hemos hecho la prueba, pero puedo decir que hay coincidencias casi insólitas. La madre de Matthew tuvo una relación con mi padre justo en la época en que él fue concebido. Eso parece una gran coincidencia”. Esta anécdota, que ha alimentado especulaciones entre los seguidores de ambos intérpretes, sirve de combustible para una comedia que juega con los límites de la verdad y el mito hollywoodense.

Así será ‘Brothers’

A través de ocho episodios, Brothers alterna el humor absurdo con el retrato de una amistad real, mientras sus protagonistas afrontan los dilemas de la familia y la identidad. En paralelo a la investigación sobre su posible parentesco, la serie incorpora un segundo conflicto: McConaughey se enfrenta al vértigo de una potencial campaña para gobernador de Texas, un guiño a los rumores que han rodeado al actor en la prensa estadounidense. Así, la ficción no solo explora la dinámica entre ambos, sino que también parodia los desafíos públicos y privados de las celebridades.

El elenco de Brothers incluye a Natalie Martinez, Brittany Ishibashi, Nolan Almeida, Ella Grace Helton, Noah Carganilla, Highdee Kuan, Oona Yaffe y Holland Taylor, quienes aportan variedad y matices a la narrativa. La producción ejecutiva recae en Lee Eisenberg, también showrunner, junto a McConaughey, Harrelson, Natalie Sandy, David West Read, Trish Hofmann, Bill Bost, Jason Winer, David Finkel, Brett Baer y Jeremy Plager. La dirección de varios episodios, incluido el piloto, está a cargo de Trent O’Donnell. La estrategia de lanzamiento de Brothers contempla el estreno de dos episodios iniciales el 23 de septiembre, seguido de un episodio nuevo cada miércoles hasta el 4 de noviembre. Este formato busca mantener la expectación y estimular la conversación semanal entre los seguidores, en línea con otras producciones originales de Apple TV.

La serie se apoya en el carisma y la química probada de Harrelson y McConaughey, quienes ya cautivaron al público con su trabajo conjunto en True Detective. Ahora, bajo el registro de la comedia, exploran nuevas facetas de su relación en pantalla, jugando con su propia imagen pública y con los rumores que los rodean desde hace años. El resultado es una ficción autorreferencial que invita al espectador a preguntarse cuánto hay de verdad detrás del mito. Mientras la industria observa el regreso de los actores a un proyecto común, Brothers se consolida como uno de los estrenos más esperados de la temporada. La promesa de ver a Harrelson y McConaughey reencontrándose en un contexto completamente diferente al drama policial, y la posibilidad de que la realidad supere a la ficción, convierten a la serie en una propuesta singular dentro del catálogo de Apple

Netflix estaría planeando sumaer otros servicios de streaming dentro de su misma aplicación, como ya lo hace Prime Video, según cuenta New York Time.

Durante años, la compañía ha defendido una postura independiente, pero recientes movimientos y conversaciones con otros actores del sector indican que esa etapa podría estar llegando a su fin.

Cuáles son las apps de streaming que tendría Netflix

El interés de Netflix por agregar servicios externos a su plataforma se centra actualmente en dos nombres: Peacock y Fox One. Un reporte de The New York Times reveló que ejecutivos de Netflix se han reunido con representantes de NBCUniversal y Fox para analizar la viabilidad de integrar estos servicios en la aplicación de Netflix.

Aunque todavía no existe un acuerdo firmado ni detalles concretos sobre la modalidad de integración, las conversaciones representan un avance significativo respecto a la política tradicional de la compañía.

Peacock, propiedad de NBCUniversal, ofrece un catálogo que abarca series, eventos deportivos en directo y contenido original. Si bien opera como una plataforma independiente solo en Estados Unidos, parte de su contenido ya se distribuye en España y América Latina a través de SkyShowtime y Universal+.

En cuanto a Fox One, este servicio permite el acceso a programación de las cadenas de Fox y a eventos deportivos, y ya está presente en México mediante Prime Video, Claro Video y Roku. Esta disponibilidad previa facilita la posibilidad de que Fox One también debute en la aplicación de Netflix si las negociaciones prosperan.

Por qué Netflix considera sumar plataformas rivales

El cambio de rumbo de Netflix responde, en parte, a las tendencias del mercado y a la evolución de los hábitos de consumo. Según la consultora Antenna, los usuarios prefieren gestionar todas sus suscripciones desde una sola plataforma.

“Lo que importa cuando enciendes el televisor es qué app vas a abrir durante las próximas tres horas”, explicó Jonathan Carson, director ejecutivo de la firma. Esta preferencia impulsa a los servicios de streaming a buscar alianzas que faciliten la vida de los abonados y aumenten el tiempo de permanencia dentro de sus entornos digitales.

Hasta hace poco, Netflix había rechazado la idea de compartir su espacio con otras marcas. Hace apenas dos años, la empresa aseguró a sus accionistas que era “un destino de referencia para el entretenimiento” y no necesitaba asociarse.

Sin embargo, la competencia cada vez más intensa y la consolidación de modelos como el de Prime Video —que ya permite contratar servicios como HBO Max o Apple TV desde su app— están empujando a Netflix a reconsiderar su posición.

Cómo sería la integración de otras apps en Netflix

Aún no está claro si Netflix optará por vender suscripciones adicionales dentro de su interfaz, como ocurre en Prime Video y Roku, o si buscará una integración más profunda del contenido de terceros en su propio catálogo.

En el primer caso, la plataforma funcionaría como un agregador donde los usuarios pueden contratar y gestionar diferentes servicios desde un solo lugar. En el segundo, el contenido de Peacock y Fox One podría presentarse junto al de Netflix, sin barreras visibles, como ya hace YouTube Premium tras su acuerdo para añadir todo el catálogo de Peacock a partir de 2027.

Por ahora, las eventuales alianzas con Peacock y Fox One parecen estar limitadas a Estados Unidos, dado que Peacock solo opera como servicio independiente en ese país y Fox One ya tiene presencia en otros servicios dentro de México. Si los acuerdos prosperan, Netflix podría expandir este modelo a otros mercados, pero lo haría probablemente mediante estrategias de contenido localizadas, tal como sucedió en Francia.

La competencia no se detiene allí. YouTube, por ejemplo, también está avanzando en la integración de servicios de terceros, vendiendo suscripciones a plataformas como HBO Max, Fox One y Paramount+ a través de su negocio Primetime Channels.

Dan Stevens, el actor inglés famoso por su papel en Downton Abbey y la serie Legion, será el protagonista de la nueva serie de televisión de RoboCop para Prime Video, confirmó Deadline este martes. Stevens dará vida al oficial de policía Alex Murphy y a su alter ego cibernético en una producción de ocho episodios que llega casi cuatro décadas después del filme original de 1987.

La noticia cierra uno de los castings más esperados del año para la plataforma de Amazon. La serie, producida por Amazon MGM Studios en colaboración con Blumhouse Atomic Monster, fue anunciada oficialmente en julio de 2026 y retoma la premisa del largometraje original: un poderoso consorcio tecnológico convence a la ciudad de incorporar a su fuerza policial a un robot con la conciencia de un querido oficial caído en el cumplimiento del deber.

Peter Ocko, conocido por su trabajo en Lodge 49 y Pushing Daisies, se desempeñará como guionista, productor ejecutivo y showrunner de la serie.

James Wan, Michael Clear y Rob Hackett producen ejecutivamente a través de Blumhouse Atomic Monster, mientras que Danielle Bozzone supervisará el proyecto en nombre de la compañía. Wan, cineasta detrás de El conjuro, se mostró entusiasta con el proyecto en declaraciones previas para The Hollywood Reporter: “Siempre fui un fanático acérrimo de RoboCop, así que poder ayudar a llevar este mundo a la televisión es un sueño.”

“Lo que Paul Verhoeven creó en 1987 estaba décadas adelantado a su tiempo, y sus preguntas sobre tecnología, identidad y a quién sirven realmente las corporaciones se han vuelto aún más urgentes”, señaló el director.

Ed Neumeier y Michael Miner, cocreadores y coguionistas del filme original, también figuran como productores ejecutivos de la nueva entrega.

El proyecto lleva años en desarrollo desde que Amazon adquirió MGM en 2022, con el objetivo de capitalizar el extenso catálogo de propiedad intelectual del estudio para proyectos de cine y televisión. La serie de RoboCop todavía no tiene fecha confirmada de estreno.

¿Quién es Dan Stevens?

Daniel Jonathan Stevens nació el 10 de octubre de 1982 en Londres. Su salto a la fama internacional se produjo con Downton Abbey (2010–2012), la aclamada serie de ITV donde interpretó a Matthew Crawley. Desde ese papel, construyó una carrera diversa entre Londres y Hollywood: prestó voz y cuerpo a La Bestia en la adaptación de acción real de Beauty and the Beast (2017) y protagonizó Legion (2017–2019), el thriller psicológico de FX creado por Noah Hawley, donde su interpretación de David Haller le valió amplio reconocimiento de la crítica.

En cine, su filmografía incluye títulos como The Guest (2014), Marshall (2017), Eurovision Song Contest: The Story of Fire Saga (2020), Godzilla x Kong: The New Empire (2024) y Cuckoo (2024). En televisión, tiene pendientes el estreno de la tercera temporada de The Terror en AMC y un papel regular en la segunda temporada de Dexter: Resurrection.

El legado de un personaje que nació en 1987

La franquicia de RoboCop arrancó con el largometraje dirigido por Paul Verhoeven, en el que Peter Weller encarnó al oficial Murphy en una Detroit sumida en el crimen. El filme fue elogiado por su sátira sobre el poder corporativo y la naturaleza de la identidad humana. Weller repitió el papel en la secuela de 1990, mientras Robert Burke asumió el rol para RoboCop 3 (1993).

En 2014, Joel Kinnaman protagonizó un reboot cinematográfico. La franquicia también dio lugar a series animadas, producciones en acción real y videojuegos.

Un negocio que exige nuevos aliados

El adelanto muestra a Eddie, interpretado por Theo James, plenamente involucrado en los negocios ilegales que descubrió durante la primera temporada. Lo que comenzó como una obligación vinculada a las propiedades de su familia ahora se transformó en una obsesión capaz de amenazar todo lo que lo rodea.

Eddie pretende hacer crecer la organización junto a Susie, encarnada por Kaya Scodelario. Para alcanzar ese objetivo, ambos deberán romper acuerdos con socios de larga data y negociar con figuras nuevas, peligrosas e impredecibles. El cambio aumenta el riesgo de traiciones y enfrentamientos dentro de una estructura criminal que ya operaba bajo una fuerte presión.

El tráiler anticipa que esa expansión estará acompañada por asesinatos, sangre y violencia. La serie mantendrá así el cruce entre drama criminal, disputas familiares y humor oscuro asociado a las producciones de Ritchie, aunque los nuevos capítulos pondrán mayor énfasis en el costo de escalar dentro del negocio.

Eddie desafía el poder de Bobby Glass

Uno de los ejes de la temporada será la relación entre Eddie y Bobby Glass, quien ocupa la cima de la organización. El crecimiento del protagonista pondrá a prueba su alianza y abrirá una disputa por los límites del poder entre ambos.

La tensión nace de la transformación de Eddie. Su capacidad para administrar operaciones ilegales deja de ser una herramienta para resolver una crisis y pasa a dirigir sus decisiones. Esa obsesión puede enfrentarlo con Bobby, pero también afectar su vínculo con Susie y con los colaboradores que hicieron posible el funcionamiento del negocio hasta ahora.

El avance plantea así una contradicción central: Eddie y Susie necesitan ampliar sus contactos para crecer, pero cada nuevo acuerdo los obliga a abandonar relaciones que les daban cierta estabilidad. Los socios que llegan para ocupar ese espacio tampoco ofrecen garantías, por lo que la expansión podría debilitar la organización en lugar de fortalecerla.

Netflix todavía no informó cuántos episodios tendrá esta segunda temporada. Sí confirmó que el lanzamiento seguirá el modelo de estreno completo: todos los capítulos quedarán disponibles el mismo día, sin una distribución semanal.

La temporada 3 ya está confirmada

La publicación del tráiler llegó acompañada por la renovación formal de Los Caballeros para una tercera temporada. El anuncio asegura la continuidad de la serie más allá de los episodios de septiembre, aunque Netflix todavía no comunicó una fecha de rodaje, una ventana de estreno ni detalles sobre su historia.

Tampoco se anunció qué integrantes del elenco regresarán para esa tercera parte. El desarrollo dependerá de cómo termine la disputa entre Eddie y Bobby Glass, además de las consecuencias que dejen las nuevas alianzas presentadas en el tráiler.

El estreno ubicará a Los Caballeros al comienzo de un mes con dos producciones criminales de Ritchie en agenda. MobLand, otro drama de gánsteres del realizador, tendrá actividad hacia finales de septiembre. A diferencia de ese lanzamiento, Los Caballeros permitirá ver toda su segunda temporada desde el 3 de septiembre de 2026.

La posibilidad de una serie o película sobre la vida de Emma Coronel volvió a la conversación pública tras una transmisión en la plataforma Kick, donde la esposa de Joaquín Guzmán Loera planteó que el relato de su historia podría tomar forma bajo su propio punto de vista.

Coronel, quien ha sido mencionada en múltiples ocasiones en reportajes y libros sobre el narcotráfico en México, sostuvo que muchas versiones difieren de su experiencia real y consideró que sería necesario mostrar su versión directa.

Durante la charla, Emma Coronel expuso su postura frente a los relatos que circulan en medios y redes sociales sobre su vida.

“Se basan nada más en cosas que ven en Internet… noticias que muy pocas veces son reales”, dijo durante la transmisión. La ex reina de belleza subrayó que la mayoría de las versiones públicas sobre ella parten de especulaciones y rumores, lo que la llevó a plantear: “Hay que sacar la película real o algo real”.

La conversación se dio en el contexto de su reciente reaparición pública después de permanecer fuera de los reflectores tras cumplir una sentencia en Estados Unidos. En julio de este año, Coronel cumplió 37 años y retomó su actividad en redes sociales, donde ahora busca ser influencer.

Coronel señala que la mayoría de los relatos sobre su vida son invenciones

Ante los comentarios de su interlocutor, Lonche de Huevito, quien le sugirió sacar provecho de la atención mediática, Emma Coronel respondió:

“Voy a decir: esta sí es la real”. En la transmisión, la esposa de El Chapo manifestó su interés por participar en una producción que relate su historia desde su perspectiva: “Me gustaría hacerlo de lo que yo viví, de mi punto de vista. Obviamente va a haber personas que estuvieron en mi vida, pero a como fue, a como yo lo viví”.

Coronel recalcó que no desea protagonizar la producción como actriz ni aceptar condiciones que la alejen de la realidad:

“No, pienso que no sabes por qué, porque yo no he estudiado para eso. Yo sí le tengo respeto… hay muchas actrices y actores que pasan toda una vida estudiando”.

La intención, según expuso, sería involucrarse en las decisiones creativas para evitar que la adaptación repita errores de otras representaciones:

“Sí me gustaría estar involucrada en las decisiones que se tomen, para que no sea una más donde cada quien hace lo que quiere, sino de que lo más apegado a la realidad”.

Coronel plantea una producción fiel a su versión de los hechos

Durante la transmisión, Emma Coronel insistió en que su interés está en que la producción muestre hechos reales:

“Obviamente va a haber personas que estuvieron en mi vida, pero a como, a como fue, a como yo lo viví”. Sostuvo que el proyecto podría tomar la forma de una película o una serie, dependiendo del desarrollo: “¿La sacamos la película o qué? ¿O la serie o algo?”, preguntó al público conectado a la transmisión.

Aunque rechazó actuar, Coronel reiteró que le gustaría supervisar el contenido para que “la historia que se va a contar sea la real”. El diálogo, que se tornó por momentos en tono de broma entre los participantes, concluyó con la invitación a una hipotética premier: “Ustedes van ya a estar invitados a la premier”, dijo Coronel.

Coronel ha sido retratada en libros como el de Anabel Hernández

El nombre de Emma Coronel figura de forma recurrente en publicaciones periodísticas y libros que abordan el fenómeno del narcotráfico en México.

Uno de los textos más citados es el de Anabel Hernández, quien en su obra sobre las mujeres vinculadas al crimen organizado dedica varias páginas a Coronel y otras figuras. Los libros de la periodista han descrito supuestos episodios de lujo, violencia y relaciones personales.

Kit Harington interpretará a Gilderoy Lockhart en la segunda temporada de la serie de Harry Potter producida por HBO. El actor de Game of Thrones reemplazará a Nicholas Hoult, quien dejó el proyecto por conflictos de agenda, y aparecerá en la entrega basada en el segundo libro de la saga.

Un reemplazo con experiencia previa

El cambio se conoció menos de dos semanas después de que trascendiera la elección de Hoult para el papel. Su salida no responde a una diferencia creativa informada, sino a problemas para compatibilizar las fechas de producción con sus otros compromisos profesionales.

Harington llega con una experiencia directa en el personaje. A finales de 2025 prestó su voz a Lockhart en los audiolibros de Harry Potter producidos por Audible, por lo que la serie será su segunda interpretación del mago y la primera frente a las cámaras.

El actor se describió como un gran fan de la saga y señaló que Lockhart está entre sus personajes favoritos. Durante una entrevista concedida a Variety en diciembre, habló sobre su participación en los audiolibros y explicó por qué aceptó aquel trabajo.

“Fue un sí rotundo, porque me encanta el personaje. En cuanto a cameos en una serie, no hay muchos personajes más entretenidos y divertidos de interpretar que Gilderoy Lockhart. Fue una decisión obvia”, dijo Harington.

Sus declaraciones fueron realizadas antes de conocerse el reemplazo en la producción de HBO. La experiencia sonora, sin embargo, le permitió trabajar previamente la personalidad y la voz de un personaje marcado por su fama, su seguridad pública y la distancia entre las aventuras que relata y sus capacidades reales.

El papel de Lockhart en la segunda temporada

Gilderoy Lockhart aparece por primera vez en Harry Potter y la cámara de los secretos, el segundo libro de J.K. Rowling y el texto que servirá como base para la próxima temporada. Dentro de la historia, llega a Hogwarts para ocupar el puesto de profesor de Defensa Contra las Artes Oscuras.

El mago se presenta como una celebridad que ha publicado relatos sobre numerosas hazañas y enfrentamientos con criaturas peligrosas. También disfruta del reconocimiento público y utiliza su imagen como parte central de su carrera. El desarrollo de la trama revela que carece de las habilidades necesarias para ejercer el cargo y que su reputación tiene un origen distinto del que anuncia en sus libros.

En la adaptación cinematográfica de 2002, Lockhart fue interpretado por Kenneth Branagh. Harington será el nuevo rostro del personaje en una versión televisiva que planea desarrollar cada libro durante varias temporadas, con más tiempo disponible para trasladar acontecimientos y personajes secundarios del material original.

El paso de Harington desde los audiolibros hacia la pantalla también diferencia este reemplazo de una elección completamente nueva. El actor ya conoce el tono cómico y presumido de Lockhart, aunque la producción televisiva requerirá una interpretación física y visual que no formaba parte del trabajo realizado para Audible.

Fechas, reparto y responsables de la serie

La producción de la segunda temporada comenzará en primavera, según la información difundida sobre el proyecto. HBO ya tiene guiones en desarrollo y busca evitar una espera demasiado extensa entre entregas debido al crecimiento de los actores infantiles, aunque el calendario no será anual.

“Nuestro objetivo es no tener un gran intervalo, especialmente porque los niños están creciendo. No será anual; el programa es demasiado grande y demasiado masivo. Pero… ya están escribiendo la segunda temporada”, explicó Casey Bloys, CEO de HBO, en una entrevista reciente.

La primera temporada tiene su estreno fijado para el 25 de diciembre de 2025 en HBO y HBO Max. Esa entrega adaptará Harry Potter y la piedra filosofal y presentará al nuevo trío protagonista: Dominic McLaughlin será Harry Potter, Arabella Stanton interpretará a Hermione Granger y Alastair Stout encarnará a Ron Weasley.

El reparto adulto incluye a John Lithgow como Albus Dumbledore, Janet McTeer como Minerva McGonagall, Paapa Essiedu como Severus Snape y Nick Frost como Rubeus Hagrid. La elección de Harington amplía esa lista para una segunda temporada que todavía debe completar otros personajes vinculados con la Cámara de los Secretos.

HBO también presentó el primer tráiler oficial de la serie un miércoles 25 de marzo, un día después de publicar una imagen de McLaughlin con la túnica de Quidditch de Gryffindor. El avance muestra momentos del primer libro, entre ellos la llegada de la carta de Hogwarts y el encuentro de Harry con Ron en el Expreso de Hogwarts, junto con apariciones de Dumbledore, Snape, Draco Malfoy, Ollivander y el Sombrero Seleccionador.

Francesca Gardiner trabaja como showrunner y desarrolladora; el término identifica a la principal responsable creativa y ejecutiva de una serie. En la segunda temporada compartirá esa función con Jon Brown, guionista de la primera entrega que asumirá el puesto de co-showrunner.

Una nueva temporada de Black Mirror ya está en marcha, consolidando el lugar de la serie como uno de los primeros y más duraderos éxitos de Netflix. La plataforma confirmó que el rodaje de la octava entrega comenzó durante el verano, aunque aún no existe una fecha oficial para su estreno. El anuncio reafirma la continuidad de la antología distópica, que ha marcado tendencia en la televisión global desde su debut. El regreso de Black Mirror está impulsado, una vez más, por su creador Charlie Brooker, quien lidera la escritura y la producción ejecutiva de la temporada ocho. Brooker cuenta con el respaldo de Bisha K. Ali en el guion, mientras que Jessica Rhoades, Annabel Jones y Louise Sutton se suman como productoras ejecutivas. Mark Kinsella participa como coproductor ejecutivo y la distribución internacional corre a cargo de Banijay Rights.

El rodaje de la nueva temporada de Black Mirror comenzó este verano, según confirmó Netflix. Por el momento, la plataforma no ha anunciado la fecha de lanzamiento de los próximos episodios. El proceso creativo está encabezado por Charlie Brooker, quien se ha referido recientemente al retorno de la serie y su identidad: “Black Mirror volverá, y espero que sea más Black Mirror que nunca”, declaró. Brooker también comentó que “afortunadamente la serie tiene futuro”, y que ya se encuentra trabajando activamente en los nuevos episodios. El equipo de producción mantiene prácticamente la misma estructura de temporadas anteriores, con nombres clave en la escritura y la producción ejecutiva. La continuidad del formato antológico —donde cada episodio presenta una historia independiente, generalmente centrada en las implicaciones sociales y personales de la tecnología— sigue siendo una de las marcas de la serie.

Black Mirror se ha consolidado como uno de los títulos más representativos y longevos de Netflix desde que la plataforma adquirió los derechos de emisión y producción. La serie, creada en 2011 en el Reino Unido, se incorporó al catálogo global de Netflix en 2016, lo que impulsó su alcance internacional y la transformó en un fenómeno cultural. Desde entonces, la antología ha explorado temas relacionados con la tecnología, la vigilancia, la privacidad y la distorsión de la realidad, generando debates sobre el presente y el futuro digital. Su estilo oscuro y provocador la ha diferenciado dentro del catálogo de la plataforma y ha sido citada como influencia en otras producciones audiovisuales.

Una serie atípica en el panorama actual

La longevidad de Black Mirror es inusual en el actual ecosistema de series de streaming, donde la mayoría de los programas tienen ciclos de vida breves. La confirmación de una octava temporada subraya su vigencia y su capacidad para adaptarse a los cambios sociales y tecnológicos. La séptima temporada, lanzada en abril de 2025, recibió una acogida favorable tanto del público como de la crítica. Obtuvo nominaciones en los Globos de Oro en la categoría de mejor serie limitada y mejor antología o película para televisión. Además, los actores Rashida Jones y Paul Giamatti fueron reconocidos por sus interpretaciones en los episodios Common People y Eulogy, respectivamente.

Los críticos destacaron el episodio Into Infinity, una secuela de USS Callister, por su capacidad para superar el planteamiento de la historia original y profundizar en los dilemas éticos y tecnológicos. La recepción de la temporada siete marcó un retorno a los temas tecnológicos y distópicos que caracterizaron los primeros años de la serie, tras una sexta temporada de recepción desigual. Charlie Brooker ha comparado el proceso de creación de una nueva temporada de Black Mirror con la elaboración de un álbum musical. Según Brooker, cada episodio se concibe como una pista con tono y estilo propios, y parte de la motivación es explorar ideas y géneros que aún no han sido abordados: “A menudo pienso: ‘¿Qué no hemos hecho aún, y qué tono busco?’”.

El creador ha descartado la posibilidad de episodios radicalmente diferentes, como una “hoedown” (baile campestre estadounidense), pero reconoce que la serie se mantiene en constante búsqueda de nuevas perspectivas. Brooker considera que la clave del éxito de Black Mirror reside en su capacidad para anticipar o reflejar aspectos de la realidad tecnológica, y confía en que la octava temporada mantendrá esa dinámica. El rodaje en curso y la continuidad de su equipo creativo refuerzan la expectativa de que Black Mirror seguirá siendo un referente dentro de la oferta de Netflix y en el debate sobre tecnología, sociedad y futuro.

Netflix anunció durante el One Piece Day cuatro incorporaciones para la tercera temporada de One Piece, su adaptación de acción real del manga y anime: Emilio Sakraya será Koza, Omid Abtahi interpretará a Toto, Jamie Ward encarnará a Pell y Nabeel Khan dará vida a Chaka. La temporada, titulada One Piece: La batalla de Arabasta, ya fue filmada en Ciudad del Cabo, Sudáfrica, y se estrenará en 2027.

Cuatro aliados para Arabasta

Los fichajes presentados durante la celebración están vinculados con el reino de Arabasta, próximo destino de los piratas Sombrero de Paja. A diferencia de otras incorporaciones asociadas con la organización criminal Baroque Works, estos cuatro personajes pertenecen al bando de los habitantes y defensores del territorio.

Sakraya, conocido por Those About to Die, asumirá el papel de Koza, uno de los líderes de la rebelión. Abtahi, quien participó en The Mandalorian, será Toto. Ambos personajes están relacionados con el conflicto interno que amenaza al reino y con la historia de su princesa, Nefertari Vivi.

Ward, visto en The Gentlemen y La materia oscura, interpretará a Pell. Khan, con créditos en Chander Pahar, Mandela: Long Walk to Freedom y Strike Back, será Chaka. Pell y Chaka son guardianes del rey Nefertari Cobra y de Vivi, por lo que tendrán un lugar directo en la defensa de la familia real durante la crisis.

La selección de estos personajes anticipa que los episodios cubrirán los distintos frentes del arco: la rebelión encabezada desde el interior de Arabasta, la resistencia del palacio y la misión de Vivi para impedir que la conspiración contra el gobierno termine de enfrentar a su pueblo.

Baroque Works y los Sombrero de Paja

La tercera temporada también ampliará el grupo de agentes de Baroque Works, la organización responsable de las maniobras que rodean al conflicto. Cole Escola interpretará a Mr. 2 Bon Clay, Daisy Head será Miss Doublefinger y Awdo Awdo asumirá el papel de Mr. 1. A ellos se suma Xolo Maridueña como Portgas D. Ace.

Entre los personajes ya presentados que regresarán están Joe Manganiello como Mr. 0 y Lera Abova como Miss All Sunday. Manganiello, Abova, Mikaela Hoover, quien interpreta a Tony Tony Chopper, y Sendhil Ramamurthy, actor encargado de Cobra, fueron ascendidos a integrantes regulares del reparto.

El grupo principal volverá a estar encabezado por Iñaki Godoy como Monkey D. Luffy. También regresarán Mackenyu como Zoro, Emily Rudd como Nami, Jacob Romero como Usopp y Taz Skylar como Sanji. Charithra Chandran retomará el papel de Vivi, pieza central de la llegada a Arabasta y del enfrentamiento con Baroque Works.

La historia continuará después del paso por Drum, territorio de clima helado donde los protagonistas conocen a Chopper. El cambio llevará a la tripulación del Going Merry hacia una isla de temperaturas elevadas, atravesada por una rebelión y una conspiración contra la familia de Vivi.

Rodaje terminado y estreno en 2027

La filmación de la tercera temporada concluyó tras realizarse en Ciudad del Cabo. Los episodios se encuentran ahora en posproducción, etapa en la que se completan el montaje, los efectos visuales, el sonido y otros elementos posteriores al rodaje.

Netflix acompañará el cambio de escenario con un subtítulo propio para la temporada. Los capítulos anteriores fueron agrupados bajo One Piece: Rumbo a la Grand Line, mientras que la siguiente entrega llevará el nombre de One Piece: La batalla de Arabasta. La denominación adelanta que el conflicto del reino será el eje de los episodios.

El anuncio del reparto se produjo dentro de una jornada que también dejó novedades para la vertiente animada de la franquicia, incluidas dos películas de anime en desarrollo y un proyecto relacionado con el Incidente de God Valley. En Netflix, además, está previsto el remake animado The One Piece, cuyo inicio fue situado en febrero.

One Piece: La batalla de Arabasta llegará a Netflix en algún momento de 2027. La plataforma todavía no comunicó el mes ni el día exactos del estreno.

Apple TV estrenará la segunda temporada de Sticks el miércoles 4 de noviembre, con Owen Wilson nuevamente como protagonista y productor. La plataforma abrirá la entrega con dos episodios y publicará los restantes cada semana hasta el 30 de diciembre. Rhea Seehorn se incorporará al reparto como una entrenadora que acompañará el intento de regreso de Pryce Cahill.

Un estreno después del verano deportivo

Apple TV presentó el primer adelanto y difundió imágenes de los nuevos episodios, en las que aparecen varios integrantes del reparto principal. La fecha elegida deja a la serie fuera de la programación de verano, un periodo en el que la plataforma tenía previstos varios proyectos vinculados con el deporte.

Producciones como The Dink y Ted Lasso ocuparon buena parte de ese calendario. Sticks quedó reservada para noviembre, con una emisión que se extenderá durante casi dos meses. El modelo semanal permitirá que la temporada permanezca activa hasta los últimos días del año, en lugar de publicar todos sus capítulos al mismo tiempo.

La serie regresará con dos episodios durante su jornada de estreno. A partir de entonces, Apple TV lanzará una entrega cada miércoles hasta completar el calendario el 30 de diciembre. La plataforma todavía no comunicó cuántos capítulos tendrá esta segunda temporada ni reveló la duración de cada uno.

Pryce y Santi entran al circuito profesional

Wilson volverá a interpretar a Pryce Cahill, un ex golfista profesional cuya carrera terminó de forma prematura hace 20 años. Después de perder su matrimonio y su empleo en una tienda de artículos deportivos, el personaje encontró una nueva oportunidad al entrenar a Santi, un prodigio del golf de 17 años.

La segunda temporada llevará a Santi al circuito profesional. El joven deberá transformar su talento en resultados mientras enfrenta un nivel mayor de presión y exposición. Ese salto cambiará su relación con Pryce, quien hasta ahora había concentrado sus esfuerzos en guiar la carrera del adolescente.

Pryce también tendrá su propio desafío. Motivado por su antiguo rival Clark Ross, interpretado por Timothy Olyphant, intentará volver a competir y convertirse en el jugador de mayor edad en ganar un major. En golf, un major es uno de los torneos más prestigiosos del calendario profesional y reúne a los principales jugadores del circuito.

El regreso obligará a Pryce a enfrentarse con las razones que interrumpieron su carrera y con las expectativas que arrastra desde entonces. Durante ese recorrido estará acompañado por Amanda, la nueva entrenadora interpretada por Seehorn, y por Mitts, su caddie, encarnado por Marc Maron. El caddie es el asistente que transporta los palos y asesora al jugador sobre distancias, estrategia y elección de golpes durante una ronda.

La trama mantendrá el foco en las segundas oportunidades y en la familia elegida, pero trasladará a sus protagonistas hacia una competencia más exigente. Mientras Santi comenzará su trayectoria profesional, Pryce tratará de recuperar una carrera que parecía terminada desde hacía dos décadas.

Rhea Seehorn y las nuevas incorporaciones

Seehorn, nominada al Emmy y ganadora del Globo de Oro por su trabajo en Pluribus, será la incorporación central de esta temporada. El elenco principal también contará con Peter Dager, Mariana Treviño, Lilli Kay y Judy Greer, además de los regresos de Maron y Olyphant.

Los nuevos episodios sumarán a John Higgins, Billy Zane, Rex Linn, Sasha Alexander y Missi Pyle. La serie incluirá apariciones especiales de figuras relacionadas con el golf, entre ellas Jim Nantz, Trevor Immelman, Matt Scharff, integrante de Good Good, y Dan Rapaport.

La producción está a cargo de Apple Studios. El creador Jason Keller continuará como showrunner, el responsable de coordinar la dirección creativa y el trabajo diario de una serie, además de desempeñarse como productor ejecutivo.

Wilson también participa en la producción ejecutiva junto con Ben Silverman, de Propagate Content; Guymon Casady, de Entertainment 360; Christopher Moynihan, Rodney Ferrell, Howard T. Owens, Drew Buckley, Lee Eisenberg y Bill Callahan. Los dos primeros episodios estarán disponibles el 4 de noviembre y el calendario semanal concluirá el 30 de diciembre.

Una serie o una película puede convertir en pocos meses un municipio desconocido para buena parte del público en un destino turístico. El llamado turismo de pantalla, impulsado por el éxito de las producciones audiovisuales en las plataformas de streaming, está provocando incrementos de entre el 20% y el 50% en la ocupación hotelera durante el primer año en las localidades que aparecen como escenarios de ficciones de éxito.

El impacto no se limita a los hoteles. Según el experto en economía digital y profesor de la Universidad Internacional de Valencia (VIU), Alejandro San Nicolás, el fenómeno puede generar entre un 5% y un 15% de actividad económica adicional en las economías locales, recoge Europa Press.

El efecto es especialmente relevante en municipios pequeños, donde el tejido productivo es más limitado y la llegada de visitantes puede modificar rápidamente el equilibrio económico.

San Nicolás advierte, sin embargo, de que este éxito repentino también entraña riesgos. Compara el fenómeno con un “parque temático invisible” que aparece de repente, sin que exista una taquilla ni un sistema de control del aforo. La popularidad de una producción puede transformar en poco tiempo los flujos turísticos de una localidad que hasta entonces permanecía fuera de las grandes rutas.

De Osuna a la Galicia interior: cuando una serie cambia el mapa turístico

Uno de los ejemplos más conocidos es Osuna, en Sevilla, que experimentó un notable aumento de visitantes después de que la serie Juego de Tronos utilizara algunos de sus espacios como escenario. El fenómeno mostró la capacidad de una producción internacional para colocar un municipio en el mapa turístico mundial y atraer a viajeros interesados en conocer los lugares que habían visto en pantalla.

Otro caso significativo se encuentra en la Galicia interior, donde el estreno de As Bestas contribuyó a despertar el interés por territorios rurales alejados de los principales circuitos turísticos. Algo similar ocurrió en Madrid con La Casa de Papel. El cine y las series funcionan como una herramienta de promoción que puede llegar a públicos a los que una campaña turística convencional difícilmente alcanzaría.

El poder de las plataformas reside en su capacidad para trasladar una ficción a millones de espectadores de forma simultánea. Una producción de éxito puede convertir una plaza, una calle, un paisaje o un pequeño pueblo en un lugar reconocible para una audiencia internacional. Pero esa misma velocidad puede convertirse en un problema cuando el destino no está preparado para recibir una avalancha de visitantes.

El riesgo de una burbuja turística

El profesor de la VIU alerta de que los municipios pueden caer en una “burbuja económica de alto riesgo” si basan su estrategia de crecimiento exclusivamente en el éxito de una película o una serie. La audiencia, recuerda, puede desplazarse rápidamente hacia la siguiente producción y provocar que el interés turístico decaiga con la misma velocidad con la que apareció.

La clave está en aprovechar el escaparate audiovisual para construir una oferta que sobreviva a la ficción. Si el municipio no desarrolla una propuesta basada también en su patrimonio, su paisaje, su gastronomía o sus recursos naturales, el aumento de visitantes puede ser únicamente temporal. El escenario deja entonces de ser un destino cuando desaparece de las pantallas.

El problema puede resultar especialmente delicado en cascos históricos y entornos rurales vulnerables, donde un incremento brusco de la afluencia puede generar presión sobre los servicios públicos, el medio ambiente y la vivienda. El objetivo, según la propuesta de la VIU, debe ser evitar que estos territorios “mueran de éxito” por no haber previsto las consecuencias de su repentina popularidad.

Medir el impacto antes de que llegue la avalancha

Para anticiparse a estos efectos, San Nicolás propone que los municipios realicen una auditoría de sostenibilidad del destino antes del estreno de las producciones. Esa evaluación debería tener en cuenta aspectos como la huella de carbono asociada a la llegada de visitantes y la presión que el nuevo flujo turístico puede ejercer sobre el mercado de la vivienda.

La idea es que el rodaje no se valore únicamente por el impacto económico inmediato que puede generar, sino también por sus consecuencias a medio y largo plazo. Una localidad puede beneficiarse de una mayor ocupación hotelera y de un aumento del consumo, pero esos beneficios pierden parte de su valor si el incremento de visitantes deteriora los recursos que hacen atractivo el lugar.

Alejandro San Nicolás plantea además aplicar a las productoras audiovisuales el principio de “quien impacta paga por delante”. La propuesta consiste en exigir un fee o una fianza previa destinada a garantizar la conservación del entorno, de forma similar a las garantías de restauración que se exigen en otros sectores con impacto sobre el territorio, como la minería.

Netflix incorporó hace una semana Sacrificio de sangre a su catálogo como una apuesta de cinco episodios dentro del thriller policial nórdico: una miniserie sueca diseñada para consumo rápido y relato cerrado, con una investigación criminal atravesada por un conflicto familiar, según la información publicada por la plataforma en la ficha del título. La ficción logró escalar a los primeros puesto del ranking de la plataforma.

La producción se presenta como un relato de intriga con calificación 16+ y origen en Suecia, con un punto de partida que instala de inmediato el eje de la temporada: el asesinato de dos policías y la necesidad operativa de sumar a un expolicía retirado al frente de la pesquisa.

En la ficha oficial, Netflix definió el motor dramático de la historia en una sola línea: “Tras el brutal asesinato de dos policías, a un detective no le queda más opción que aceptar trabajar con su distante padre, un expolicía, para atrapar al asesino”.

El caso queda en manos de Thomas Berg, un detective que recurrió a su padre Alfred Berg, un investigador retirado. La alianza forzada entre ambos organiza el arco central de la serie: resolver una cadena de crímenes que pareció apuntar directamente contra miembros de la fuerza.

Un policial sueco con crimen serial y objetivo: la policía

La trama comienza en Estocolmo durante el verano, cuando la oscuridad “nunca llega a caer del todo”. Una llamada al servicio de emergencias alerta sobre un supuesto allanamiento y envia a dos agentes a una casa de verano en el archipiélago.

La intervención parece rutinaria hasta que, al llegar, los policías no encuentran a nadie “al menos, a simple vista”. Al día siguiente aparecen sus cadáveres. Ese hecho abre una serie de asesinatos que eleva la pregunta que ordena el caso: quién atacó a la policía y cuál fue el motivo.

Desde ese punto, la investigación avanza como un patrón de violencia creciente. La serie plantea que el doble homicidio no fue un hecho aislado y que el objetivo de los crímenes pareció concentrarse en la institución policial.

El dato industrial: formato de miniserie cerrada en cinco capítulos

La información de catálogo subraya un diferencial clave para el consumo en Netflix: Sacrificio de sangre tiene cinco episodios, un metraje breve frente a ficciones de varias temporadas o series que superan ampliamente esa cantidad de capítulos.

En términos narrativos, ese formato concentra el recorrido completo del caso en pocos episodios: la investigación, la identificación del patrón y la resolución, con el vínculo padre-hijo como segunda línea estructural.

En ese diseño, la tensión queda planteada entre velocidad y desarrollo: el policial promete una investigación completa en un tramo corto, con un cierre dentro del mismo paquete de episodios.

Reparto y crédito creativo: elenco coral y creador acreditado

Netflix acredita como creador a George Kay y cuenta con Jakob Oftebro, Peter Andersson y Electra Hallman, como sus protagonistas centrales.

El resto del elenco también incluye a Alexander Abdallah, Henrik Norlén, Lisette Pagler, Magnus Krepper, Irina Björklund, Anders Mossling y Anna-Maria Käll.

El estreno de Linternas en HBO Max ha supuesto un nuevo éxito para las historias de superhéroes en formato de serie. Un subgénero que en las últimas décadas hemos visto con todo tipo de producciones: desde éxitos televisivos masivos como Smallville (2001) hasta el famoso Arrowverso, consolidándose especialmente después de que Marvel viera la oportunidad de expandir su Universo Cinematográfico (MCU) con varias producciones de este tipo.

Sin embargo, existe una clara diferencia entre las series creadas como un mero producto de entretenimiento y las series que buscan tener una identidad propia. Esa fue la lección que Damon Lindelof, uno de los guionistas de Linternas, le dio a Marvel cuando estrenó Watchmen, una de las mejores historias de superhéroes en este formato. Y es que, mientras la compañía de Los Vengadores trataba de rellenar su catálogo con productos que sirvieran de puente para sus películas, el showrunner (conocido también por ser uno de los creadores de Perdidos) demostró todo el potencial que el lenguaje televisivo tenía que ofrecer al género.

Retomando el mundo creado en el famoso cómic de Alan Moore y Dave Gibbons y aceptando los acontecimientos que se cuentan en este, Watchmen avanza varias décadas para mostrarnos cómo el mundo ha evolucionado política, tecnológica y culturalmente. Los superhéroes siguen siendo perseguidos como criminales, pero en este caso seguimos a una detective y exagente de policía que investiga el asesinato del jefe de policía de Tulsa, Judd Crawford. Durante sus pesquisas, descubre secretos oscuros sobre su propia familia y las profundas conexiones entre las autoridades locales y diferentes complots para atrapar al Doctor Manhattan, el personaje más poderoso del universo.

Cada episodio es una obra de arte

A partir de esta premisa, Lindelof compone lo que a día de hoy se considera una obra maestra de la televisión contemporánea. A diferencia de muchas franquicias modernas pensadas para estirarse indefinidamente, Lindelof concibió la serie como una miniserie de 9 episodios con un principio, un desarrollo y un final definidos, pero en la que, además, cada episodio tiene una identidad técnica y narrativa propia. Así, podemos encontrarnos con capítulos grabados en blanco y negro que exploran la memoria, o con otros donde se deconstruye la percepción del tiempo para mostrarnos la experiencia de un determinado personaje.

Además, mientras que el cómic original usó la paranoia nuclear de la Guerra Fría como trasfondo, Damon Lindelof identificó que la gran herida no cicatrizada de Estados Unidos hoy es el racismo sistémico. La serie abre con un hecho histórico real pero ignorado por la cultura pop durante décadas: la Masacre Racial de Tulsa de 1921, donde se calcula que murieron unas 300 personas (aunque el recuento oficial fue de 36). Al conectar la iconografía del cómic con esta tragedia, la trama adquiere un peso político e histórico brutal.

Visualmente, la fotografía y el vestuario combinan el tono oscuro del cine noir con el folclore de las máscaras de superhéroes. Por otra parte, cabe destacar el reparto encabezado por una majestuosa Regina King, a la que acompañan otros actores destacados como Jeremy Irons, Jean Smart o Yahya Abdul-Mateen II. Todos ellos contribuyen a aportar una densidad dramática muy superior a lo que viene siendo habitual en las series de superhéroes, lo que provoca que el resultado final sea todavía más impactante.

Taylor Sheridan enfrenta una demanda por presunta infracción de derechos de autor relacionada con Yellowstone. Quien lo acusa es la guionista y periodista de entretenimiento Lauren J. Salkin, pues asegura que el creador de la exitosa serie tomó elementos de un proyecto que ella había presentado años antes. La demanda presentada el 21 de agosto en un tribunal federal de California también alcanza a Paramount y NBCUniversal.

Según los documentos revelados por TMZ, Salkin sostiene que entre 2016 y 2017 entregó a la compañía de producción de Sheridan un piloto titulado Sovereign Nation, acompañado de materiales adicionales. Entre ellos habría incluido información sobre los personajes y otros elementos narrativos de la propuesta.

La escritora afirma que su material sí llegó a manos del equipo de Sheridan porque recibió una respuesta de Elevate Entertainment que decía: “Taylor agradece mucho su interés. Desafortunadamente, no está disponible para proyectos de televisión”.

Unos meses despues, Yellowstone recibió luz verde y fue presentada como un proyecto de Paramount en 2018. A partir de esa coincidencia temporal, la demandante sostiene que existen similitudes entre Sovereign Nation y la producción de Sheridan en todo un paquete de elementos: personajes, las líneas argumentales y el tono general. Para sostener su argumento, Salkin ha adjuntado un desglose de los personajes de su proyecto en la demanda.

La guionista solicita una medida cautelar que impida la continuación de lo que considera una infracción de sus derechos, así como una compensación económica. Aunque la demanda no especifica una cantidad, Salkin reclama daños que incluirían las ganancias obtenidas por Yellowstone.

Hasta el momento de los reportes, ni Sheridan ni representantes de Paramount y NBCUniversal habían respondido públicamente a las acusaciones.

El origen que Sheridan había atribuido a “Yellowstone”

La versión de Sheridan sobre el origen de Yellowstone se remonta a Lonesome Dove, novela de Larry McMurtry que también fue adaptada a una miniserie. El creador ha contado que descubrió ambas obras cuando estaba en la universidad y que esa experiencia le hizo querer contar una historia similar sobre el Oeste estadounidense. En una entrevista de julio, recordó: “Dije: ‘Quiero hacer eso’. No sé qué es, pero eso es lo que quiero hacer”.

Antes de llegar a la televisión, Sheridan desarrolló Yellowstone como un proyecto cinematográfico y lo presentó como The Godfather in Montana, una descripción que resumía su intención de trasladar el drama familiar y las disputas de poder de El padrino al mundo de un enorme rancho. El proyecto terminó transformándose en una serie para Paramount, que recibió luz verde en 2017 y se estrenó en 2018.

Desde entonces, la ficción se ha extendido con varios spin-offs. El universo ya cuenta con las precuelas 1883 y 1923, además de Marshals, protagonizada por Luke Grimes como Kayce Dutton, y Dutton Ranch, centrada en Beth Dutton y Rip Wheeler. A ellas se sumará 1944, una nueva precuela situada décadas después de los acontecimientos de 1923.

Esta semana, Sheridan confirmó que 6666, otro proyecto derivado anunciado años atrás, finalmente no se realizará. La decisión está relacionada con su vínculo personal con el verdadero Four Sixes Ranch de Texas, del que se convirtió en copropietario.

“Nunca ficcionalizaría ese rancho”, afirmó en el podcast Rodeo Time. Según explicó, ahora considera que inventar conflictos para una serie supondría trivializar la vida de las personas que trabajan allí.

La primera Slow Horses se publicó en el Reino Unido en 2010 y no fue un éxito inmediato. Herron (Newcastle upon Tyne, 1963) está considerado ahora un digno heredero de John Le Carré, pero a diferencia de este, no tiene nada que ver con el mundo del espionaje. Su trabajo durante años fue como subeditor de una revista especializada en legislación laboral, y aprovechaba las tardes para escribir. Al principio, ni siquiera pensaba en espías. Quería escribir -según ha contado él mismo- sobre personas que habían fracasado.

Slough House (La Casa de la Ciénaga), en el fondo, es eso, una oficina de espías fracasados, un lugar con mucha burocracia absurda y un grupo de gente que no quiere estar ahí, que no son demasiado buenos en lo suyo y ni siquiera se caen bien; pero se ven obligados a trabajar juntos y, contra todo pronóstico, acaban triunfando sobre los más sofisticados agentes de la central del MI5.

A Herron le costó encontrar un editor para Dead Lions (2013), la segunda entrega, pero en 2015 ambas novelas fueron publicadas de nuevo; un año después empezó a despegar, y al poco tiempo el Daily Telegraph elevó su debut a “una de las 20 mejores novelas de espías de todos los tiempos”.

Su combinación de alta tensión, miserias cotidianas y sátira política fue recibida como un soplo de aire fresco dentro del género. Con London Rules (2018), la quinta novela, el autor capturó el enfado y la frustración de muchos británicos tras el referéndum del Brexit. La crítica ha destacado su mirada irónica, incisiva y profundamente humana, capaz de revelar los engranajes ocultos del poder y las fisuras de quienes lo sirven. Intriga, humor corrosivo, crítica política y un retrato emocionalmente complejo de sus personajes.

Gary Oldman, de Smiley a Jackson Lamb

El primer libro llevaba doce años publicado cuando se estrenó la serie de Apple TV+ y aquí de nuevo, el reconocimiento ha sido lento. No fue hasta la tercera temporada, cuando recibió nueve nominaciones en los Emmy, de los que ganó uno, el de mejor guion de serie dramática para Will Smith (guionista de The Thick of It y Veep).

El camaleónico Gary Oldman, quien dio vida al Smiley de Le Carré en la adaptación cinematográfica de El topo (2011), ha sido nominado a los Emmy, los Globos de Oro y los BAFTA por su interpretación del cínico, desaliñado y bruto pero inesperadamente brillante Jackson Lamb, una deconstrucción del espía clásico. Lamb es un veterano agente del MI5 caído en desgracia y relegado a dirigir Slough House, la oficina administrativa donde se destierra a los llamados “caballos lentos”, agentes considerados no aptos para el servicio por diversas causas.

El reparto coral cuenta también con Kristin Scott Thomas, Jack Lowden o Jonathan Pryce, entre otros. La sexta temporada, compuesta por seis episodios, adapta las novelas sexta y séptima, En el país de los espías y Slough House, y encuentra a los ‘caballos lentos’ en plena huida, mientras Diana Taverner (Scott Thomas), la subdirectora general del MI5, los enreda a todos en un peligroso juego de represalias y venganza.

Además de las nueve novelas principales, Herron ha escrito varias novelas cortas y relatos ambientados en el universo de Slough House. En España, Salamandra ha publicado las seis primeras entregas y en octubre próximo lanzará la séptima. También ha publicado la novela de espías, independiente de esta saga, Las horas secretas.

En todo el mundo Herron ha vendido cuatro millones de ejemplares de sus libros, traducidos a veinte idiomas y en febrero pasado visitó Barcelona para recoger el Premio Pepe Carvalho del festival Bcnegra por “su aportación a la renovación de la novela negra, el thriller y la novela de espías contemporánea”.

Fuente: EFE

[Fotos: Apple TV]

Un cierre entre el rescate y los secretos

La sinopsis oficial sitúa parte del conflicto antes del rescate. Las jóvenes sobrevivientes intentarán enterrar sus pecados mientras se acerca el momento de abandonar el bosque, una situación que amenaza con sacar a la luz decisiones y hechos que la serie mantuvo ocultos durante sus tres primeras temporadas.

La línea temporal adulta también tendrá un nuevo problema. Un antiguo amor regresará a la ciudad con sus propios planes y convertirá la vuelta a casa en un episodio doloroso para las protagonistas. La descripción no identifica a ese personaje ni explica cómo se relacionará con los secretos del pasado, por lo que su papel será una de las incógnitas de los capítulos finales.

La temporada volverá a alternar entre las adolescentes que sobrevivieron al accidente y sus versiones adultas. Ese recurso permite mostrar qué sucedió en el bosque y, al mismo tiempo, cómo los mismos acontecimientos siguieron afectando sus vidas muchos años después. El cierre deberá conectar ambas etapas y responder las preguntas que quedaron abiertas al final de la tercera entrega.

Paramount+ ya publicó un primer avance de los nuevos episodios. También se esperan más tráileres durante las semanas previas al estreno, aunque todavía no se informó cuántos capítulos tendrá la temporada ni cómo será su calendario de lanzamiento.

El reparto que regresará para la despedida

La cuarta temporada reunirá a buena parte del elenco de las dos líneas temporales. Melanie Lynskey, Christina Ricci y Tawny Cypress volverán como integrantes del reparto adulto, mientras que Sophie Nélisse, Jasmin Savoy Brown, Sophie Thatcher, Samantha Hanratty, Courtney Eaton y Liv Hewson retomarán sus papeles vinculados con la etapa adolescente.

La lista difundida también incluye a Warren Kole, Kevin Alves, Sarah Desjardins, Nia Sondaya y Jenna Burgess. A ellos se suma Hilary Swank, cuya participación forma parte del elenco anunciado para el desenlace. Los detalles sobre su personaje y el peso que tendrá en la historia no fueron revelados.

La convivencia de ambos repartos seguirá siendo una pieza central de la narración. Yellowjackets utiliza intérpretes diferentes para representar a varios personajes en el pasado y en el presente, en lugar de depender principalmente de maquillaje o efectos digitales para el salto temporal. Esta estructura permite contrastar lo que las protagonistas recuerdan con aquello que la serie muestra que realmente ocurrió.

Producción, audiencia y plataformas

Ashley Lyle y Bart Nickerson continuarán como showrunners y productores ejecutivos. El showrunner es la persona responsable de coordinar las decisiones creativas y la producción diaria de una serie. Los dos creadores firmaron además un acuerdo general con Paramount Television Studios a principios de este año para desarrollar otros proyectos.

El equipo de producción ejecutiva incluye a Drew Comins, de Creative Engine, junto con Jonathan Lisco, Jeff W. Byrd, Sarah L. Thompson, Ameni Rozsa y Julia Bicknell. Lionsgate Television produce la serie y Paramount Global Content Distribution se encarga de su distribución.

El anuncio llega después de que la tercera temporada se convirtiera, según Paramount, en la más vista de Yellowjackets hasta ahora. Su episodio final también registró la mayor audiencia para un capítulo de la serie. La producción suma 10 nominaciones a los Premios Emmy, incluidas candidaturas consecutivas a mejor serie dramática y a mejor actriz dramática para Melanie Lynskey.

El estreno del 20 de noviembre corresponde al plan premium de Paramount+.

Dave Bautista fue confirmado como el nuevo Kratos de la serie live action de God of War producida para Prime Video. El actor reemplazará a Ryan Hurst, quien abandonó el papel después de sufrir una lesión en el bíceps durante el rodaje iniciado en Vancouver en febrero de 2026. La producción tendrá que repetir las escenas que Hurst ya había grabado y todavía no cuenta con una fecha oficial de estreno.

El cambio de protagonista y los retrasos

Hurst había sido anunciado como Kratos en enero de 2026, pero sufrió un desgarro de bíceps que requirió una cirugía. La lesión interrumpió su participación y llevó a Amazon y Sony a buscar un sustituto para el personaje central. Bautista fue confirmado después de que trascendieran sus conversaciones con los responsables de la adaptación.

Las fuentes difieren sobre cuándo volverán a funcionar las cámaras. Una indica que el rodaje podría retomarse en las próximas semanas, mientras que otra sitúa la reanudación en 2027. El calendario de producción, por lo tanto, sigue sin una confirmación pública precisa. Una posible llegada en 2028 fue mencionada como estimación debido al trabajo de filmación y posproducción pendiente, pero Prime Video no comunicó esa fecha.

El servicio encargó dos temporadas, que serán rodadas de manera consecutiva. Esta modalidad permite filmar los episodios de ambas entregas dentro de un mismo periodo de producción, aunque el reemplazo obliga a rehacer el material protagonizado por Hurst. El trabajo de efectos visuales previsto para una adaptación fantástica de esta escala también podría extender el periodo posterior al rodaje.

La serie arrastra cambios desde antes de comenzar a filmarse. Prime Video aprobó el proyecto en diciembre de 2022. En octubre de 2024, el showrunner original, Rafe Judkins, dejó la producción junto con otros integrantes del equipo creativo después de que Sony Pictures Television y Amazon MGM Studios decidieran modificar la dirección de la adaptación.

Ronald D. Moore, conocido por su trabajo en Battlestar Galactica y Outlander, se incorporó luego como showrunner, guionista y productor ejecutivo mediante Tall Ship Productions. Frederick E.O. Toye dirigirá los dos primeros episodios. La producción reúne a Sony Pictures Television, Amazon MGM Studios, PlayStation Productions y Tall Ship Productions.

La historia de Kratos y Atreus

La adaptación tomará como base los dos videojuegos más recientes de la franquicia, centrados en la etapa nórdica de Kratos. La historia seguirá al guerrero después de la muerte de su esposa Faye, cuando emprende un viaje con su hijo Atreus, de diez años, para esparcir sus cenizas.

El trayecto presenta una relación marcada por el aprendizaje mutuo. Kratos intenta preparar a Atreus para vivir como un dios, mientras el niño busca que su padre recupere parte de la humanidad que perdió tras años de violencia. El protagonista es un espartano convertido en dios después de pactar con Ares, el dios griego de la guerra, a cambio de una victoria militar. Ese acuerdo le costó su alma y dio inicio a una vida atravesada por la culpa y la búsqueda de redención.

Callum Vinson continuará vinculado al proyecto como Atreus pese al cambio de protagonista. El reparto anunciado incluye a Max Parker como Heimdall, Ólafur Darri Ólafsson como Thor, Mandy Patinkin como Odin y Alastair Duncan como Mimir.

Los hermanos herreros Brok y Sindri serán interpretados por Danny Woodburn y Jeff Gulka, respectivamente. Ed Skrein asumirá el papel de Baldur. Hasta ahora no se informó que la interrupción del rodaje haya provocado otros cambios dentro del elenco.

Dave Bautista suma otra adaptación de videojuegos

Bautista llega al papel con experiencia en personajes físicamente exigentes. Antes de desarrollar su carrera como actor fue luchador profesional en WWE, y luego interpretó a Drax el Destructor en Guardianes de la Galaxia. Su filmografía también incluye Dune y Blade Runner 2049, producciones de gran escala y con un fuerte componente de efectos visuales.

God of War será su segunda adaptación importante de una franquicia de videojuegos anunciada. Bautista también protagonizará la película de Gears of War preparada para Netflix, aunque esa producción tampoco tiene una fecha de estreno comunicada.

La prioridad inmediata será reorganizar el rodaje de God of War alrededor del nuevo protagonista y volver a filmar las escenas realizadas con Hurst. Prime Video mantiene el encargo de dos temporadas consecutivas, con Bautista como Kratos y Vinson como Atreus.

Este jueves el diario The Telegraph daba uno de los mayores bombazos sobre la (ex)monarquía británica de los últimos años: el príncipe Harry y su mujer, Meghan Markle, regresarán a Reino Unido seis años después de renunciar a sus funciones como miembros activos de la monarquía y trasladar su residencia a Montecito, California, en Estados Unidos.

Según adelantó el citado medio, uno de los principales motivos de la mudanza estaría relacionado con sus hijos. Archie, de siete años, y Lilibet, de cinco, comenzarán en breve en un colegio británico. Sin embargo, este regreso podría tener también una explicación profesional. Tras el fin de su alianza con Spotify y la renegociación de sus contenidos con Netflix, la duquesa de Sussex podría buscar un nuevo horizonte económico en su vocación: la interpretación.

Según ha publicado este viernes Deadline, la que fuera protagonista de la serie Suits entre 2011 y 2018 se encuentra en conversaciones para incorporarse a una hipotética tercera temporada de The Gentlemen, la serie creada por Guy Ritchie para Netflix y protagonizada por Theo James y Kaya Scodelario. De cerrarse este acuerdo, supondría uno de sus regresos más importantes a la ficción casi una década después de abandonar la carrera que la hizo conocida internacionalmente.

Pero por ahora, las negociaciones se encuentran en una fase muy preliminar. La propia publicación advierte de que las conversaciones son todavía “hipotéticas”, entre otras razones porque Netflix ni siquiera ha renovado oficialmente la ficción por una tercera temporada. La segunda entrega se estrenará el próximo 3 de septiembre y, además, todavía no existe un personaje concreto pensado para Markle. Tanto Netflix como los representantes de la duquesa han declinado hacer declaraciones.

La posibilidad, no obstante, encaja con el momento que atraviesa la pareja, precisamente porque The Gentlemen también se rueda en Reino Unido. A ello se suma la relación profesional que ambos mantienen con Netflix, plataforma con la que cuentan con un acuerdo de primera opción para desarrollar nuevos proyectos de cine y televisión.

De ‘Suits’ a la familia real

Pese a que como actriz Markle debutó en el 2002 en un episodio de la serie Hospital General y encadenó apariciones episódicas en ficciones como Sin rastro, The Apostles, CSI: NY, The League o Castle, alcanzó la popularidad gracias a Rachel Zane, personaje al que interpretó durante siete temporadas en Suits. Sin embargo, abandonó la serie en 2018, coincidiendo con su boda con el príncipe Harry y su incorporación a la familia real británica.

Desde entonces su carrera como actriz ha desaparecido, aunque sí ha hecho apariciones como ella misma en la docuserie Harry y Meghan: Un romance real. El año pasado se anunció que participaría con un cameo en la película de Amazon MGM Studios Close Personal Friends. También ha aparecido recientemente como invitada en MasterChef Australia, además de desarrollar proyectos alejados de la interpretación como el pódcast Archetypes, o el programa With Love, Meghan.

De confirmarse su eventual incorporación a The Gentlemen supondría una vuelta de tuerca a su carrera profesional. La serie continúa el universo criminal de la película homónima dirigida por Guy Ritchie en 2019 y sigue a Eddie, interpretado por Theo James, y Susie, a quien da vida Kaya Scodelario, mientras tratan de hacerse un hueco en un imperio vinculado al narcotráfico.

El regreso del clásico de Sega

La producción toma como punto de partida el primer Golden Axe, un juego de fantasía medieval que llegó a los arcades en 1989 y luego se convirtió en uno de los títulos reconocibles de Mega Drive. Su propuesta combinaba combates laterales, héroes con habilidades diferentes, criaturas fantásticas y una misión contra el tirano Death Adder.

Golden Axe fue una de las primeras franquicias mencionadas cuando Sega anunció sus planes para recuperar varias de sus propiedades clásicas. Desde entonces, la editora presentó proyectos pertenecientes a distintas series. Shinobi: Art of Vengeance ya salió a la venta, mientras que Crazy Taxi: World Tour aparece como uno de los próximos lanzamientos dentro de la línea de videojuegos.

La adaptación animada avanza por un camino diferente. El primer adelanto muestra una mezcla de acción, aventuras y humor, con personajes y elementos reconocibles para quienes jugaron las entregas originales. La intención declarada es conservar referencias al material de 1989, aunque con una dinámica más desenfadada entre sus protagonistas.

El formato de estreno también quedó definido: Paramount+ publicará los diez capítulos de una sola vez. Los espectadores podrán completar toda la temporada desde el 16 de septiembre, en lugar de esperar un episodio semanal.

Ax Battler, Tyris Flare y Gilius vuelven a luchar

La historia reunirá nuevamente a los guerreros Ax Battler, Tyris Flare y Gilius Thunderhead. El trío deberá salvar a Yuria y enfrentarse otra vez a Death Adder, el gigante malvado que regresa pese a sus derrotas anteriores.

La principal incorporación será Hampton Squib, un aventurero novato cuyo deseo de convertirse en héroe supera ampliamente sus capacidades. Su falta de experiencia complicará la misión y servirá como uno de los motores cómicos de la serie. La sinopsis indica que los cuatro personajes tendrán que colaborar a pesar de sus defectos para intentar detener definitivamente a Death Adder.

Ese planteamiento mantiene el conflicto central del videojuego, pero añade a un integrante creado para la adaptación. Mientras Ax Battler, Tyris Flare y Gilius Thunderhead llegan como combatientes veteranos, Hampton Squib ocupa el lugar del aprendiz mal preparado que deberá sobrevivir junto a ellos.

El tráiler también confirma que la comedia tendrá un peso constante. La serie conservará las batallas, las armas y la estética fantástica asociadas con Golden Axe, pero las combinará con discusiones y errores del grupo. La producción fue presentada como una comedia de acción y aventuras, en vez de una adaptación solemne del arcade.

El equipo creativo y las plataformas disponibles

Joe Chandler encabeza la producción como showrunner y participó en la escritura del guion. El creativo cuenta con experiencia en comedias animadas como Padre de familia y Un agente de familia. También interviene Mike McMahan, creador de Star Trek: Lower Decks, otra serie que mezcla una franquicia conocida con un tratamiento humorístico.

El reparto de voces incluye a Matthew Rhys y Liam McIntyre, aunque los materiales difundidos todavía no especifican qué personajes interpretará cada uno. Sega también participa en la supervisión mediante sus principales ejecutivos: Haruki Satomi, presidente ejecutivo y director de Sega Sammy, y Shuji Utsumi, presidente y director de operaciones de Sega, figuran como productores ejecutivos.

Por ahora, la única fecha confirmada es el 16 de septiembre en Paramount+ para Estados Unidos, con los diez episodios disponibles desde el estreno.

De la venganza al espionaje internacional

La nueva temporada está inspirada en True Believer, la segunda novela de Jack Carr dentro de la saga literaria protagonizada por Reece. La adaptación deja atrás el eje central de la primera entrega, enfocado en una sucesión de objetivos personales, para seguir un viaje de redención violenta y la búsqueda de un nuevo propósito.

El avance muestra ese cambio desde sus primeras imágenes. Reece aparece inicialmente como un vagabundo, con barba larga y un aspecto descuidado, antes de recuperar su perfil de agente militar entrenado. Su transformación marca el regreso a operaciones que requieren precisión, desplazamientos internacionales y enfrentamientos directos.

La historia será planteada como un thriller de espionaje alrededor del mundo. En este tipo de relato, la información secreta, las operaciones encubiertas y las lealtades cambiantes impulsan el conflicto tanto como las secuencias de acción. El recorrido incluirá el océano Índico, el norte y el sur de África, Oriente Medio y Europa.

En el centro del argumento aparece una conspiración que se extiende desde Moscú hasta Langley, sede de la CIA en Virginia, Estados Unidos. La amenaza tendrá una dimensión personal para Reece porque estará relacionada con la historia de su familia. Ese vínculo amplía las consecuencias de la misión: el protagonista deberá investigar una red internacional mientras intenta entender qué lugar ocupa su pasado dentro de ella.

Nuevos aliados y amenazas para James Reece

La segunda temporada incorporará varias caras al reparto principal. Tom Hopper, Dar Salim, Luke Hemsworth, Gabriel Luna, Costa Ronin, Olga Kurylenko, Yul Vazquez, Martin Sensmeier, Arnold Vosloo, Jeremy Bobb y Shiraz Tzarfati formarán parte de los nuevos episodios.

También regresará Constance Wu, quien integró la primera temporada. Las fuentes difundidas junto con el avance todavía no detallan qué personajes interpretarán todas las incorporaciones ni qué relación tendrán con la misión de Reece. La cantidad de nombres, sin embargo, acompaña el salto hacia una trama repartida entre distintas regiones y centros de poder.

Pratt continuará al frente de la serie después del desenlace de la primera temporada. Reece es un oficial de los Navy SEALs, la fuerza de operaciones especiales de la Marina estadounidense, entrenada para misiones militares de alto riesgo. La primera entrega lo presentó siguiendo una lista de responsables ligados a la tragedia que atravesó; los próximos capítulos comenzarán cuando esa tarea ya terminó.

Esa transición es uno de los puntos centrales de la sinopsis oficial. Reece deberá encontrar una razón para seguir adelante después de cumplir su objetivo, aunque ese proceso volverá a llevarlo hacia la violencia. El avance resume el contraste mediante el cambio físico del personaje y su posterior regreso al terreno operativo.

Producción, equipo creativo y fecha de estreno

David DiGilio, creador de la adaptación televisiva, continuará vinculado a la producción basada en los libros de Carr. La segunda temporada es una producción de Amazon MGM Studios, MRC y Civic Center Media para Prime Video.

El grupo de productores ejecutivos incluye a Pratt, DiGilio y Carr, junto con Antoine Fuqua y Kat Samick. También participan Max Adams, ex Ranger del Ejército y guionista, y Jared Shaw, ex integrante de los Navy SEALs que trabaja como guionista, actor y asesor técnico. Sus antecedentes militares forman parte del soporte especializado detrás de las operaciones y procedimientos mostrados en pantalla.

La adaptación mantendrá la continuidad de las novelas al tomar como base el segundo libro después de la historia inicial. A la vez, el cambio hacia el espionaje internacional permitirá que la serie traslade su acción por varios continentes y conecte el conflicto personal de Reece con agencias, ciudades y operaciones fuera de Estados Unidos.

Los ocho episodios de la segunda temporada estarán disponibles exclusivamente en Prime Video desde el 21 de octubre. El estreno abarcará más de 240 países y territorios.

Una antología con nuevos protagonistas

La segunda temporada dejará atrás a David Martinez y Lucy, protagonistas de la serie estrenada en 2022. En su lugar aparecerán Roman Carax, Talia Yang, Weak Kingsley y D, cuatro personajes vinculados con los bajos fondos de Night City y sus conflictos internos.

Roman tendrá un peso central en la narración. El personaje se dedicará a documentar en video lo que ocurre en las zonas más peligrosas de la metrópolis, una actividad que lo acercará a criminales, mercenarios y otros habitantes que sobreviven fuera de la legalidad. Los materiales difundidos hasta ahora no detallan qué busca con esas grabaciones ni cómo se relacionará con el resto del grupo.

La sinopsis presenta el encuentro entre un edgerunner acabado y un netrunner asesino. Dentro de la ficción de Cyberpunk, un netrunner es un hacker especializado en infiltrarse en redes y sistemas digitales. La descripción es breve y evita adelantar el conflicto principal, pero anticipa una relación marcada por el riesgo y la violencia habitual de Night City.

Este cambio convierte a la serie en una antología: cada temporada puede desarrollar una trama cerrada con personajes diferentes, mientras conserva la ciudad como escenario común. Para los espectadores, esto significa que no será necesario recordar todos los acontecimientos de la primera entrega para seguir los nuevos episodios. También reduce las posibilidades de que regresen sus figuras principales, ya que la historia fue presentada expresamente como independiente.

El equipo creativo y lo que muestra el tráiler

Studio Trigger volverá a encargarse de la animación después de producir la primera temporada. Bartosz Sztybor participará otra vez en la construcción narrativa, mientras que Kai Ikarashi asumirá la dirección de los diez capítulos.

El nuevo tráiler muestra persecuciones, enfrentamientos armados, implantes tecnológicos y secuencias de violencia explícita. La puesta en escena mantiene los colores intensos, los movimientos rápidos y la estética futurista asociada con Night City, aunque el foco cambia hacia protagonistas que recorren otros sectores de la ciudad y se relacionan con ambientes criminales.

El avance también sugiere que las grabaciones de Roman formarán parte del lenguaje visual de la temporada. Su trabajo con la cámara ofrece una perspectiva interna sobre los bajos fondos y permite que ciertos hechos sean registrados por uno de los propios personajes. Netflix todavía no difundió una descripción detallada de cada episodio ni explicó cuál será el conflicto que conectará a Roman, Talia, Weak Kingsley y D.

La cifra total de capítulos será la misma que tuvo la primera temporada. La estructura de diez episodios permitirá desarrollar y cerrar esta nueva historia sin prolongar directamente los arcos de David y Lucy.

El vínculo con el videojuego y la primera temporada

La producción original se estrenó en 2022 y llevó a la animación el escenario de Cyberpunk 2077, el videojuego de rol y acción en mundo abierto desarrollado por CD Projekt RED. Un RPG, o juego de rol, permite personalizar al protagonista, mejorar sus habilidades y tomar decisiones mientras avanza la historia.

La recepción de la primera temporada impulsó de nuevo el interés por el videojuego y acercó Night City a espectadores que no conocían el título de CD Projekt RED. Ese antecedente deja una exigencia clara para la continuación: regresar al mismo escenario sin depender de los personajes que encabezaron la historia original.

Cyberpunk: Edgerunners 2 responderá a esa situación mediante un reparto distinto y un relato cerrado. El punto de conexión seguirá siendo Night City, una megalópolis donde mercenarios, bandas y especialistas tecnológicos compiten por dinero, reputación y supervivencia.

Netflix distribuirá la temporada en exclusiva. Sus diez episodios estarán disponibles a partir del 20 de octubre de 2026.

Charlie Hunnam reunirá al elenco original de Sons of Anarchy en Legends, una miniserie desarrollada por FX que comenzará durante una convención de fans celebrada más de una década después del final de la serie de motociclistas. Hunnam creó el proyecto, escribe sus guiones, lo protagonizará y ejercerá como productor, aunque todavía no se anunció una fecha de estreno ni cómo será su distribución fuera del canal.

Un regreso fuera de la continuidad original

Legends no será una secuela convencional ni una nueva serie derivada. Su historia presentará a los integrantes del reparto interpretando versiones ficticias de sí mismos, reunidos en una convención dedicada a Sons of Anarchy. Es una propuesta de metaficción: una obra que incorpora dentro de su relato a sus actores, su historia televisiva y la relación con sus seguidores.

La reunión se complicará cuando aparezca una amenaza real descrita en la sinopsis como más peligrosa que cualquiera de las situaciones enfrentadas por los personajes en la serie. Esa premisa permitirá recuperar la dinámica del antiguo reparto sin alterar directamente el desenlace de la producción original.

El recurso también resuelve un problema narrativo concreto. Varios personajes centrales murieron durante las siete temporadas de Sons of Anarchy. Jax Teller, interpretado por Hunnam, falleció en el final al conducir su motocicleta contra un camión. Tara fue asesinada por Gemma durante la sexta temporada, mientras que Clay murió a manos de Jax. Una continuación directa tendría dificultades para reunirlos sin recurrir a recuerdos, episodios anteriores o cambios en la continuidad.

Legends evita esa limitación al separar a los actores de sus antiguos papeles. Hunnam aparecerá como una versión de Charlie Hunnam y no como Jax, aunque la historia aprovechará la relación que el público mantiene con el elenco y los personajes que interpretaron.

El reparto que volverá para Legends

Junto con Hunnam estarán Ron Perlman, quien interpretó a Clay; Katey Sagal, recordada como Gemma; Maggie Siff, actriz de Tara; Mark Boone Junior, conocido por su papel de Bobby Elvis; Tommy Flanagan, quien encarnó a Chibs; Kim Coates, intérprete de Tig; y Theo Rossi, quien dio vida a Juice.

FX anticipó que habrá más incorporaciones, pero todavía no reveló los siguientes nombres. Entre los actores mencionados hasta ahora tampoco figura Ryan Hurst, intérprete de Opie, otro de los personajes que murió durante la historia original.

El regreso ocurre después de que la franquicia continuara mediante Mayans MC, una serie derivada centrada en otro club de motociclistas. Esa producción mantuvo vínculos con la ficción principal, mientras que Legends tomará otro camino: los acontecimientos serán ficticios, pero sus protagonistas conservarán sus nombres reales y cargarán con la experiencia pública de haber formado parte de Sons of Anarchy.

La serie original terminó hace más de una década y dejó gran parte de su elenco principal fuera de cualquier secuela situada después del desenlace. La estructura elegida por Hunnam permite recuperar a figuras de distintas etapas sin explicar resurrecciones ni modificar las muertes mostradas en pantalla.

La participación de Kurt Sutter

Kurt Sutter, creador de Sons of Anarchy, no está vinculado formalmente con Legends. Hunnam, sin embargo, habló con él antes de presentar el proyecto a FX y recibió su aprobación. Sutter también pudo leer parte del material debido a su relación con Sagal, su esposa y una de las actrices confirmadas.

Después de revisar el guion, Sutter publicó un mensaje favorable al trabajo de Hunnam y afirmó que estaba bien elaborado. Su respaldo tiene peso por su papel en la serie original, aunque no implica que vaya a intervenir como guionista, productor o responsable creativo de la miniserie.

Hunnam trabajará estrechamente con Jonathan Groff, según la información disponible sobre el desarrollo. Los detalles sobre esa colaboración, la cantidad de episodios y el inicio del rodaje todavía no fueron comunicados.

El proyecto también llega en un período de fuerte actividad televisiva para Hunnam. El actor protagonizó y produjo Monster: The Ed Gein Story, trabajo por el que recibió nominaciones a distintos premios, y tiene previsto regresar con otro papel en la siguiente temporada de Monstruo, centrada en Lizzie Borden. Por ahora, FX mantiene sin anunciar la fecha de estreno de Legends y los nombres restantes de su reparto.

El nombre de José Mourinho está en boca de todos durante estos días. Desde que se anunciase como nuevo entrenador del Real Madrid, el técnico portugués ha acaparado todas las miradas en su esperado regreso al coliseo blanco, del cual estuvo al frente entre 2010 y 2013. Mucho tiempo ha pasado desde entonces y mucho ha cambiado el club blanco, pero Mourinho parece seguir siendo el mismo de siempre, aunque asegura haber cogido más experiencia y madurado en algunos aspectos.

“El Mourinho de hoy es que el está en condiciones de aconsejar al Mourinho de 2013. El Mou de 2013 es un poco como eres tú el que aconseja a tu padre o tu padre a ti. Tienes que estar siempre muy tranquilo. Para mi es mucho fácil ahora estar muy tranquilo”, revelaba este viernes durante su primera rueda de prensa oficial como técnico del equipo del Bernabéu, después de que su presentación y la del resto de jugadores fuesen a puerta cerrada y sin medios que no fuesen del propio club. Sin embargo, antes de su puesta de largo ante el Espanyol, el entrenador luso tuvo tiempo para una entrevista algo más distendida en la que pudo dar algunas claves de su vida actual, entre ellas la serie que más le tiene enganchado.

Ha sido en El Chiringuito, el programa liderado por Josep Pedrerol que desde este mismo verano ha dado el salto a Mediaset después de años formando parte de Atresmedia bajo el nombre de El Chiringuito de Jugones. Como parte también de su estreno por todo lo alto, el programa pudo contar con la primera entrevista en exclusiva al nuevo mánager del Real Madrid, con lo que todo ello suponía. Y de ahí surgió una gran conversación entre Pedrerol y Mourinho que derivó en un test algo más personal, moderado por el periodista Diego Plaza y en el que el luso desveló no solo que es más de series que de películas, sino también cuál es la que más le está gustando en este momento.

Una nueva temporada

“Soy más de series. Te vas a reír, no digo que sea mi favorita pero sí la que estoy viendo... Ted Lasso. Es un fenómeno”, revelaba Mourinho en este test rápido, en el que también confesaba que su lugar predilecto era Setúbal, por encima de ciudades de las que guarda un gran cariño como Londres, Madrid o Lisboa, la última en la que estuvo como entrenador del Benfica. Mourinho menciona precisamente una serie sobre fútbol, que va sobre un entrenador de primer nivel y que tiene una relación muy cercana con sus jugadores, aunque aclara que no por ello establece un vínculo entre su persona y el personaje interpretado por Jason Sudeikis. “No me siento identificado, pero es un fenómeno”.

Ted Lasso arrancó en el año 2020 en Apple TV+, fruto de una idea personal del propio Sudeikis después de hacer un divertido anuncio en el que interpretaba a un entrenador de fútbol americano intentando aprender sobre el noble deporte del balompié. De ahí surgió la idea de una serie sobre este particular personaje, tan dulce como las pastas que regala a todos, que viajaba hasta Londres para entrenar al Richmond AFC, un club ficticio de la Premier League al que lleva a lo más alto. Después de tres temporadas de grandes triunfos dentro y fuera del campo -más de ocho Premios Emmy a mejor serie y actor-, la serie se tomó un respiro hasta este mismo año, cuando ha estrenado la cuarta temporada, ahora con Lasso entrenando a la sección femenina del Richmond. Parece claro que, con sus estilos particulares, los caminos de Mourinho y Lasso han quedado entrelazados y está ante ellos una nueva y prometedora temporada.

La plataforma difundió el material promocional y ubicó la nueva entrega otra vez en Bogotá, la ciudad donde nació la ficción original. Ese regreso al escenario central de la historia funciona como un puente con la telenovela emitida entre 1999 y 2001, una producción de RCN Estudios que se convirtió en un fenómeno internacional y que figura en Guinness World Records como la telenovela más adaptada de la historia.

El avance anticipa una temporada atravesada por la nostalgia, el reencuentro con personajes clásicos y una nueva etapa personal para Beatriz Aurora Pinzón. Entre los puntos que más expectativa generan aparece la vuelta de Sofía, que permite la reunión completa de El Cuartel de las Feas por primera vez desde la ficción original. A eso se suma el regreso de Michel Doinel, conocido como El Francés, y la incorporación en pantalla de Román, una figura vinculada a la historia previa que abre nuevas tensiones sentimentales en torno a Betty.

Parte del elenco destacó el carácter excepcional de este retorno, a 25 años del debut de la novela. Patrick Delmas, que retoma el papel de Michel Doinel, definió esa posibilidad con una frase tajante: “Es un milagro para un actor volver a estar en una serie que funcione tanto después de tantos años”, declaró en testimonios recogidos por EFE. La vuelta también reúne a Ana María Orozco, Jorge Enrique Abello, Natalia Ramírez y Carlos “Pity” Camacho, entre otros nombres históricos de la franquicia.

Orozco señaló, según EFE, que reencontrarse con Betty no implicó una repetición automática del personaje, sino un nuevo desafío interpretativo. La actriz explicó que el proceso tuvo complejidades y que esta versión del personaje se ubica en un momento distinto de su vida. En la nueva temporada, Betty atraviesa una etapa de mayor autonomía, con decisiones personales que también impactan en su vínculo con Armando Mendoza y en el futuro de Ecomoda.

Abello también se refirió a ese conflicto y planteó que la independencia de Betty representa una distancia que Armando no deseaba. Esa tensión aparece como uno de los ejes dramáticos de la temporada, junto con el peso del pasado y la reaparición de antiguas relaciones. En paralelo, Carlos “Pity” Camacho vuelve como Pascual, el “Papero”, un personaje que suma otra línea dentro del entramado afectivo y familiar de la historia.

La producción está a cargo de RCN Estudios y cuenta con dirección de Juan Carlos Mazo. El equipo de producción incluye a Juan Pablo Posada, Yalile Giordanelli y Alexander Marín, mientras que el guion quedó en manos de César Augusto Betancur “Pucheros”, Luis Carlos Ávila y Carolina Cuervo. El reparto de esta temporada también incluye a Julián Arango, Lorna Cepeda, Mario Duarte, Juanita Molina, Diego Cadavid, Julio César Herrera, Luces Velásquez, Estefanía Gómez, Marcela Posada, María Eugenia Arboleda, Paula Peña, Jorge Herrera, Alberto León Jaramillo, Zharick León, Brian Moreno y Geraldine Zivic.

Uno de los retos de esta nueva etapa consistió en trasladar una historia nacida en el formato tradicional de telenovela a la lógica actual de las plataformas. La temporada se estrenará con todos sus episodios disponibles el mismo día, una diferencia marcada frente a la emisión fragmentada con la que la ficción original se convirtió en un éxito global. Con el tráiler ya publicado y el arte principal en circulación, la serie entra en la cuenta regresiva hacia su regreso a Prime Video el 28 de agosto.

Sería así el mayor estreno hasta la fecha de una serie de DC Studios en HBO Max y uno de los cinco mejores arranques de la plataforma.

La serie, basada en los cómics de Linterna Verde, sigue a John Stewart y Hal Jordan, dos policías intergalácticos arrastrados a una investigación de asesinato en el corazón de Estados Unidos. HBO encargó una temporada de ocho episodios en junio de 2024, y el proyecto pasó de estar concebido como original de Max a emitirse en HBO dentro de una nueva estrategia de diferenciación de contenidos.

Los créditos creativos reúnen a Chris Mundy, Damon Lindelof (creador de series de culto como Lost o The Letfovers) y Tom King como ‘cocreadores’ y guionistas. James Hawes dirige los dos primeros episodios, y entre los productores ejecutivos figuran también James Gunn, Peter Safran y Ron Schmidt.

La comparación comercial más cercana que ofrece deja ver el tamaño del estreno. El Pingüino alcanzó 10,4 millones de espectadores en 11 días cuando se lanzó en 2024, mientras que It: Bienvenidos to Derry llegó a 5,7 millones en sus tres primeros días el año pasado.

Las claves de ‘Lanterns’

En pantalla, la propuesta se aleja de la imaginería cósmica más reconocible del personaje. Rushville, en Nebraska, se convierte en el centro de una trama donde Hal Jordan y John Stewart investigan un tiroteo con componente extraterrestre, pero lo hacen en un paisaje de moteles, cafeterías y carreteras secundarias, más cerca de un drama criminal que de una aventura espacial tradicional.

Esa es también una de las claves de la recepción crítica. Así, Variety sostiene que la serie es un compuesto reconocible de anteriores producciones de HBO: el humor seco y la fantasía asentada en lo real remiten a Watchmen, mientras que la relación entre los dos protagonistas y su investigación a dos tiempos recuerda a True Detective. El diario subraya además el peso de la trayectoria de Mundy en títulos como Ozark.

The Hollywood Reporter llega a una conclusión parecida, aunque con otro punto de comparación. Su crítica define la serie como una historia que, pese a sus raíces en DC Comics y a algunos momentos de espectacularidad ‘superheroica’, se parece sobre todo a un relato de Jack Reacher con Aaron Pierre como forastero negro, corpulento y desconfiado que entra en un pueblo pequeño, desafía a las autoridades locales y desentraña una conspiración de alcance intermedio.

Esa lectura se apoya en el propio planteamiento de la ficción. La historia arranca en 1996 con una entrevista televisiva que presenta a Hal Jordan como el primer humano en empuñar el anillo de Green Lantern. Veinte años después, John Stewart trabaja como aprendiz de un Hal más mayor, áspero y poco dispuesto a retirarse, en una relación marcada por el hecho de que la continuidad de uno depende de la salida del otro.

Sin embargo, lo mejor de Lanterns se encuentra en la relación entre Chandler y Pierre: mientras en uno se subraya su desgaste, en el otro se marca su disciplina, mientras que entre ambos actores se consolida una dinámica áspera que se convierte en el motor más sólido de la serie.

El peso de ser un superhéroe negro

El retrato de John Stewart ocupa además un lugar central. Hay un episodio centrado en su infancia, marcada por unos padres interpretados por Jasmine Cephas Jones y J. Alphonse Nicholson que querían convertir a su hijo en el candidato perfecto para los Guardianes, convirtiéndose en una reflexión sobre la carga específica de ser un superhéroe negro y sobre lo que significa mantener una disciplina extrema mientras se queda relegado frente a un hombre blanco menos cualificado.

Pero ese componente racial también se puede analizar desde otro ángulo: John es muy consciente de lo que implica ser un hombre negro dentro de las fuerzas del orden y de hasta qué punto debe desconfiar de los hombres blancos ricos que se presentan como aliados.

Incluso, uno de los personajes, Zoe, interpretado por Poorna Jagannathan, dice: “Los hombres blancos tienen el privilegio de ser excéntricos. Los hombres blancos con dinero pueden hacer lo que les da la puta gana”.

Los riesgos de hacer una adaptación

En una entrevista con The Hollywood Reporter, Damon Lindelof habló sobre lo que implica cambiar el material original: “El material de partida se supone que debe cambiar y evolucionar”. El cocreador ha añadido que, como consumidor y como creador, casi existe “la responsabilidad de asumir riesgos”.

Tom King ha resumido ese criterio en otro término: calidad. En la misma conversación, el guionista ha sostenido que una adaptación debe hacer dos cosas a la vez, sostenerse por sí misma y dialogar con la obra anterior, y ha puesto como ejemplo Clueless (Fuera de onda) como versión de Emma de Jane Austen. Mientras tanto, Lanterns seguirá emitiendo un episodio nuevo cada domingo hasta completar sus ocho capítulos.

Durante casi dos décadas, una versión se ha repetido entre los seguidores de Zoey 101: la serie de Nickelodeon habría llegado a su final después de que Jamie Lynn Spears quedara embarazada a los 16 años. Ahora, la actriz decidió aclarar lo que describe como un malentendido.

Spears abordó el tema durante su aparición del 18 de agosto en el podcast Momarchy, donde identificó esta historia como uno de los principales rumores que todavía existen alrededor de su paso por la producción.

“Si hablamos de una tergiversación concreta, sería que todo el mundo piensa que Zoey terminó porque quedé embarazada. Y eso no es verdad”, afirmó la actriz.

La confusión tiene su origen en la cercanía entre la emisión de los últimos episodios de Zoey 101 y el momento en que Jamie entró en la dulce espera.

La serie, protagonizada por la actriz como Zoey Brooks, se estrenó en Nickelodeon en enero de 2005 y terminó su emisión en mayo de 2008, después de cuatro temporadas.

Lo que argumenta Spears es que el rodaje de la última temporada había terminado antes de que ella quedara embarazada de Maddie, su hija mayor, fruto de su relación con Casey Aldridge. La producción concluyó en agosto de 2007, pero el embarazo se hizo público en diciembre de ese año.

“Así es como funciona el entretenimiento. Mucha gente que no trabaja en este negocio no lo entiende. Piensan: rodamos y sale al aire”, explicó. “La realidad es que la grabas y sale quizá al año siguiente o algo así. Así que creo que ahí es donde la gente se confunde.

“Pero nosotros habíamos terminado definitivamente, y nunca iba a haber otra temporada”, destacó Jamie Lynn. “Mi hermosa Maddie no es la razón por la que terminó la serie”.

El rumor no se ha quedado únicamente en las conversaciones de los antiguos espectadores. Spears contó que Maddie, quien actualmente tiene 18 años, todavía recibe comentarios en TikTok de seguidores que la responsabilizan por el final de Zoey 101.

“Sus comentarios principales siempre son: ‘¡Tú eres la razón por la que Zoey terminó!’”, relató la actriz. “Nos reímos de ello. Hay que reírse de estas cosas, porque algunas de las cosas que le dicen son bastante graciosas. Pero simplemente no es verdad”, señaló Spears.

El regreso con ‘Zoey 102′

Años después del final de la serie, Spears volvió a ponerse en la piel de Zoey Brooks para Zoey 102, una película que se estrenó en 2023 para retomar la historia original. El proyecto reunió nuevamente a parte del elenco de la producción de Nickelodeon y permitió que Spears compartiera esa experiencia con sus propias hijas.

Maddie e Ivey, la hija menor de Spears con su esposo Jamie Watson, hicieron cameos en la película. En una entrevista con Entertainment Tonight, la actriz describió ese momento como una experiencia especial y dijo que ver ambos mundos juntos fue “un momento de mucho orgullo para mí como mamá”.

Hulu incorporó a Sam Trammell, Sean Bridgers, Chris Coy, Kerry Bishé, Robin Weigert y Jean Louisa Kelly al reparto recurrente del reboot de Prison Break. La nueva versión contará una historia con protagonistas diferentes a los de la serie original y tendrá personajes dentro y fuera de una peligrosa prisión de Estados Unidos. El servicio todavía no comunicó cuándo se estrenará.

Los seis personajes que llegan a Prison Break

Trammell, conocido por su participación en True Blood, interpretará a Jarrod Boggs, un hombre poderoso con raíces profundas en Virginia Occidental. Los detalles disponibles no revelan sus intenciones, pero su influencia lo vinculará con los conflictos externos a la cárcel y con las redes de poder que rodean a los protagonistas.

Bridgers será Hollis, un padre de familia que intenta reconstruir su vida. Kelly asumirá el papel de Margaret, la nueva matriarca de una familia influyente con conexiones políticas. Estos personajes permitirán que la trama salga del centro penitenciario y explore una conspiración relacionada con sectores privilegiados de la sociedad estadounidense.

Dentro de la prisión estarán algunos de los perfiles más peligrosos del nuevo reparto. Bishé dará vida a Mary Smith, una reclusa misteriosa y amenazante, mientras que Coy interpretará a Mule, un preso descrito como impredecible. Ambos podrían convertirse en obstáculos directos para quienes intenten sobrevivir o escapar del penal.

Weigert será la capellana Bannon, responsable de prestar apoyo a los internos que lo necesiten. Su función la ubica en un lugar distinto al de Mary Smith y Mule: será una figura cercana al bienestar de los presos dentro de un entorno marcado por la violencia y la desconfianza.

Una historia separada de Michael Scofield y Lincoln Burrows

El reboot no continuará directamente la historia de Michael Scofield y Lincoln Burrows, los personajes centrales de la producción original. En cambio, seguirá a una ex soldado que comienza a trabajar como funcionaria de prisiones en uno de los centros penitenciarios más peligrosos del país. Su objetivo será demostrar hasta dónde está dispuesta a llegar por una persona a la que quiere.

La palabra reboot se refiere aquí a una nueva versión que conserva la premisa y el tono de la franquicia, pero cambia la historia y sus protagonistas. Las fugas, la supervivencia entre rejas y las conspiraciones seguirán presentes, aunque el conflicto partirá de una funcionaria con experiencia militar en lugar de los hermanos de la serie anterior.

Los seis fichajes recurrentes se suman a un elenco anunciado previamente. Esa lista incluye a Emily Browning, Drake Rodger, Lukas Gage, Clayton Cardenas, J.R. Bourne, Georgie Flores, Kelli Berglund y Myles Bullock. Hulu no detalló en esta información qué personajes interpretará cada integrante de ese primer grupo.

La combinación del reparto permite anticipar dos líneas conectadas. Una estará enfocada en los presos, el personal y las relaciones dentro de la cárcel; la otra abarcará familias políticas, figuras influyentes y personas que intentan rehacer su vida fuera del penal. Esa estructura mantiene la tensión entre una posible fuga y los intereses externos capaces de intervenir en ella.

El equipo creativo detrás del reboot

El proyecto está liderado por Elgin James, responsable de trabajos como Mayans M.C. y The Outlaws. James ejercerá como showrunner (la persona que dirige el desarrollo creativo cotidiano de una serie), productor ejecutivo y director del episodio piloto.

La producción también conservará vínculos con la serie original. Dawn Olmstead, productora ejecutiva de la primera etapa de Prison Break, regresará para participar en el reboot. El equipo de productores ejecutivos incluye además a Paul Scheuring, Marty Adelstein y Neal Moritz.

20th Television figura como el estudio responsable de la nueva serie. La presencia de parte del equipo creativo anterior convivirá con una historia independiente, un elenco distinto y una protagonista que llegará a la prisión como empleada en vez de ingresar inicialmente como reclusa.

Hulu aún no anunció la fecha de estreno ni confirmó cuándo comenzará la emisión de esta nueva etapa de Prison Break.

Una fuga que involucra a todo Slough House

La serie sigue a un grupo disfuncional de agentes de inteligencia británicos destinados a Slough House, una oficina reservada para integrantes del MI5 cuyas carreras quedaron dañadas por errores graves. El MI5 es el servicio responsable de la seguridad y la inteligencia dentro del Reino Unido, mientras que las operaciones exteriores corresponden a otra agencia.

Oldman interpreta a Jackson Lamb, el brillante, malhumorado y descuidado jefe de este equipo de espías relegados. Lamb suele tratar a sus subordinados con dureza, aunque también los dirige cuando los casos aparentemente menores terminan conectados con amenazas y operaciones encubiertas de mayor alcance.

En la temporada final, los agentes de Slough House estarán huyendo mientras Diana Taverner, interpretada por Kristin Scott Thomas, los arrastra a un juego de represalias y venganza. La vida de Taverner estará en peligro, lo que obliga al grupo a involucrarse en una crisis que alcanza a los niveles superiores del servicio de inteligencia.

El avance centra buena parte de la tensión en esa persecución y recupera el tono que distingue a la serie: una trama de espionaje atravesada por humor negro, personajes difíciles y agentes que deben resolver problemas mientras cargan con los errores que los enviaron a esa oficina. La situación vuelve a enfrentar el estilo caótico de Lamb con las maniobras políticas de Taverner.

Dos novelas de Mick Herron para el desenlace

La sexta temporada adaptará En el país de los espías y La casa de La Ciénaga, dos novelas de la serie literaria escrita por Mick Herron. La producción ha utilizado esos libros como base para seguir los casos de Jackson Lamb y sus subordinados, manteniendo la mezcla de operaciones secretas, conflictos internos y comedia oscura.

La despedida llega después de una recepción sostenida durante las temporadas anteriores. En Rotten Tomatoes, dos entregas alcanzaron una puntuación perfecta del 100% entre la crítica. Oldman también recibió nominaciones a los Globos de Oro, los Emmy, los BAFTA y los Actor Awards por su interpretación de Lamb.

El papel marca una faceta diferente dentro de la trayectoria del actor ganador del Oscar. Jackson Lamb puede detectar conspiraciones y anticipar movimientos de sus rivales, pero trabaja desde una oficina deteriorada y dirige a personas consideradas prescindibles por sus superiores. Esa contradicción es central para la serie y vuelve a ocupar el primer plano en la nueva misión.

La adaptación de dos libros en seis capítulos indica que la temporada deberá distribuir dos tramas literarias dentro de una emisión breve. Cada episodio llegará semanalmente, por lo que Apple TV mantendrá el misterio abierto durante más de un mes en lugar de publicar la temporada completa el día del estreno.

Regresos y nuevas incorporaciones al reparto

Junto con Oldman y Scott Thomas regresan Jack Lowden, Saskia Reeves, Christopher Chung, Aimee-Ffion Edwards, Rosalind Eleazar, Joanna Scanlan, Samuel West, Ruth Bradley, Tom Brooke, Jonathan Pryce y Hugo Weaving. El elenco reúne a los integrantes habituales de Slough House con personajes vinculados a las estructuras de poder y las amenazas que rodean al equipo.

Una de las novedades será la incorporación de Lenny Rush, ganador del BAFTA. Las fuentes no detallan todavía cuál será su personaje ni qué lugar ocupará dentro del conflicto de represalias presentado por el tráiler.

También regresará Olivia Cooke, conocida por La Casa del Dragón, como Sidonie Sid Baker. Su reaparición es uno de los elementos destacados de la temporada, ya que recupera a un personaje ligado a las primeras historias de la serie y lo integra en la trama final.

La temporada 6 comenzará con un único episodio el 16 de septiembre. Los cinco restantes se publicarán los miércoles siguientes en Apple TV, y el sexto capítulo, presentado como el cierre de Caballos Lentos, quedará disponible el 21 de octubre de 2026.

Josh Radnor, actor principal de la exitosa serie Cómo conocí a vuestra madre, ha reconocido públicamente que no mantiene relación alguna con sus excompañeros de reparto tras el final de la producción. Durante una reciente entrevista en el pódcast “Half the Picture”, el intérprete fue consultado sobre el estado actual de su vínculo con el elenco y respondió con claridad: “No. Ni siquiera un poco”. La declaración de Radnor sobre el distanciamiento no estuvo acompañada de polémica ni resentimiento. El actor explicó que, tras compartir la filmación de 208 episodios a lo largo de nueve temporadas, es natural que los caminos se separen. “No lo digo de forma dramática. Es solo que…”, puntualizó, dejando claro que la falta de contacto no obedece a conflictos personales sino a la evolución natural de sus vidas tras el cierre de la serie.

A lo largo de la conversación, Radnor detalló que el contacto con sus antiguos compañeros de Cómo conocí a vuestra madre es esporádico y superficial. Mencionó que, con Jason Segel, sus interacciones se limitan a mensajes de texto ocasionales y admitió: “Hace mucho que no lo veo”. En cuanto a Cobie Smulders, destacó que sus encuentros han sido principalmente virtuales, a través de videollamadas para el pódcast que conduce. Sobre Alyson Hannigan, Radnor recordó que la última vez que la vio fue en su propia boda, celebrada en 2024. Fuera de esos episodios puntuales, no se ha producido ningún tipo de reunión, ni encuentros informales ni actividades conjuntas. El actor fue enfático al señalar que, a pesar del cariño y la historia compartida, la cotidianidad ha hecho que cada uno tome su propio rumbo.

Durante la entrevista, Radnor profundizó en la naturaleza de los vínculos que se forjan en un entorno laboral tan intenso como el de una serie televisiva de larga duración. Comparó la experiencia a la de una etapa universitaria donde la convivencia diaria es intensa, pero finalmente temporal. “Es como la universidad, cuando tienes un periodo muy intenso junto a otras personas y crees que vas a seguir viéndolas todos los días, pero luego cada uno sigue su vida”, expresó.

Proyectos actuales y espacio para el reencuentro

El actor también matizó que, aunque existe un afecto profundo por quienes compartieron el set durante casi una década, ese cariño no se traduce en una relación activa. “Tengo amor por todos ellos. Es probablemente un amor duradero, pero no es un amor activo”, afirmó. Para Radnor, el lazo que une a los miembros del reparto se parece más al de una familia que al de una amistad elegida, ya que ninguno eligió a los demás: todos fueron seleccionados para trabajar juntos y, con el paso del tiempo, las dinámicas familiares propias de un grupo forzado a convivir emergen.

Aunque la relación personal se ha enfriado, Radnor mantiene cierta conexión profesional con el universo de Cómo conocí a vuestra madre. Actualmente es anfitrión de un pódcast de repaso de la serie junto al cocreador Craig Thomas. En este espacio, algunos antiguos compañeros han sido invitados, como Neil Patrick Harris, quien participó en un episodio a comienzos de 2026. Durante la grabación con Harris, ambos abordaron algunas tensiones que surgieron durante el rodaje original. Radnor describió esa conversación como “interesante y sanadora”, aunque no implicó una reanudación de la amistad fuera del contexto profesional. El pódcast ha servido como lugar de reencuentro puntual, pero no ha propiciado una reactivación de los vínculos personales entre los miembros del reparto.

El testimonio de Radnor resalta cómo, tras el cierre de una etapa profesional tan intensa como la de Cómo conocí a vuestra madre, la vida de cada actor siguió caminos separados. La serie, que se emitió durante nueve temporadas y alcanzó gran popularidad internacional, fue para sus protagonistas una experiencia comparable a la de una familia temporal. Sin embargo, una vez finalizada la producción, la dinámica diaria y el contacto habitual se disiparon. Radnor resumió su visión afirmando que el trabajo actoral puede ser “como un romance: tienes un amor intenso mientras dura el proyecto, pero luego sigues adelante”. Así, para los seguidores de Cómo conocí a vuestra madre que esperaban una amistad duradera fuera de la pantalla, el propio protagonista aclara que la realidad es distinta y que, aunque persiste el cariño, la relación ya no existe en la vida cotidiana.

Se trata del nuevo proyecto de Russell T. Davies, uno de los grandes creadores del audiovisual contemporáneo y responsable de series como Years and Years, It’s a Sin o Queer as Folk, y se estrenó en HBO Max (no es un original de la plataforma) un poco como el mismo título de la serie, ‘de puntillas’, aunque sin embargo se trata de la mejor ficción, la más interesante y la que ahonda más en la naturaleza oscura de nuestro tiempo, en lo que llevamos de año.

La serie, que consta de tan solo cinco episodios, arranca con una imagen extrema: un personaje aparece ahorcado en plena calle y la trama retrocede 10 días para explicar cómo se ha llegado hasta ahí, en un drama que sitúa en el centro el miedo, la homofobia y la vida queer en el Reino Unido actual.

Vecino gay contra vecino ultraconservador

La serie gira en torno a dos núcleos. Por un lado está Leo (encarnado por un enorme Alan Cumming), dueño del bar Spit & Polish en Canal Street, en Mánchester, y un histórico de la lucha por los derechos de la comunidad gay. Por otro, Clive, un electricista con ideas conservadoras al que da vida David Morrissey, casado con Marie y padre de dos hijos: George, de 16 años, y Saul, de 25, que colabora con él cuando hay trabajo suficiente. Dos vecinos, dos formas de ver el mundo. Pero la serie no se quedará en algo tan simplista.

El primer cruce entre ambos se producirá 10 días antes del desenlace inicial. Leo se queda fuera de casa sin pantalones mientras persigue a un hombre con el que había pasado la noche y que le había robado el ordenador portátil. Clive, su vecino, accede a regañadientes a dejarle entrar para que llame a Stephanie, amiga suya y depositaria de las llaves.

A partir de ahí, la serie despliega una cadena de conflictos que están estrechamente unidos con la polarización ideológica que estamos viviendo en estos momentos. Por una parte, el rechazo a los refugiados y la homofobia incrustada en los sectores más retrógrados y, por otra, la identidad trans o los derechos LGTBI. Desde el primer episodio, se acumulan asuntos de máxima actualidad que se encuentran incrustados en el subconsciente colectivo y que se incluyen en los diálogos de forma tan precisa como reveladora.

Entre esos elementos figuran Stephanie, trabajadora de cuidados, con un discurso sobre un refugiado que se hace pasar por menor y al que el sistema de acogida prioriza; Zee, empleada trans del bar de Leo, amenazada por sus compañeros de piso polacos; y un artista drag que evita salir a actuar cuando aparece un alumno del colegio en el que da clase.

Una serie sobre el odio hacia la diferencia

También aparece Melba, amigo de Leo, que pronuncia uno de los parlamentos más duros sobre el retroceso de los derechos gays y la extensión del odio a través de las redes sociales. En ese mismo bloque, la serie introduce acusaciones vertidas en reseñas de internet contra Leo y conecta ese ambiente con una mayor legitimación de los ataques homófobos.

En Clive se concentra otra de las líneas principales. Se presenta como un hombre que pide trabajo a Leo mientras lo desprecia, sin saber que su hijo Saul mantiene una cuenta de OnlyFans dirigida a mujeres, pero abierta a cualquier suscriptor que pague, ni que George es gay y teme contárselo a sus padres por las represalias que puede acarrearle.

Sin embargo, a pesar del modélico guion, nada de todo eso funcionaría sin las dos majestuosas interpretaciones de David Morrissey y Allan Cumming, que firman sendos trabajos de un nivel extraordinario en enfrentamientos cada vez más tensos. Mientras Peter Hoar (a cargo de la dirección) colaborador habitual de Davies en Nolly, It’s A Sin y Doctor Who, dirige la escalada dramática hacia un clímax difícil de soportar.

Y es que el temor que transmite la serie no pertenece al terreno de la ficción exacerbada, sino a una experiencia reconocible para muchas personas queer en la sociedad contemporánea. Ese malestar se condensa en una frase de Melba: “Antes entraba en una habitación y decía: ‘¡Tachán!’. Ahora voy de puntillas, por si acaso”. Esa línea resume la idea de una obra que denuncia de forma frontal violencias y conversaciones públicas que siguen sin ocupar suficiente espacio.

Según una investigación de mercado de Gracenote a nivel global, una persona se gasta hasta 14 minutos en decidir qué ver en una plataforma streaming. Esa demora, que en países como Francia puede llegar a 26 minutos, revela un fenómeno de fatiga y frustración que impacta tanto al usuario como a las propias compañías de este negocio.

A medida que las plataformas multiplican su oferta y lanzan contenidos, la decisión se dificulta para los suscriptores. Los catálogos interminables, la segmentación de estrenos y la proliferación de series con lanzamientos semanales han provocado que muchos espectadores no recuerden ni siquiera qué estaban viendo.

Entonces, la experiencia de elegir una película o serie en las plataformas de streaming se ha convertido en un proceso cada vez más complejo para millones de usuarios en todo el mundo.

A esto se suma el efecto de los algoritmos, cuyas recomendaciones suelen resultar impredecibles y refuerzan el temor a perderse algo relevante, una sensación conocida como FOMO (Fear Of Missing Out).

La paradoja de la elección, también llamada “parálisis de análisis”, se manifiesta cuando el exceso de alternativas termina bloqueando la elección, generando ansiedad y agotamiento. Este fenómeno afecta no solo a quienes tienen varias suscripciones, sino también a quienes intentan optimizar su tiempo de ocio y se enfrentan a la frustración de no encontrar rápidamente un contenido satisfactorio.

El caso argentino: múltiples suscripciones y navegación sin rumbo

En Argentina, donde el “entretenimiento” es la categoría digital más consumida (con 18 veces más interacción que cualquier otra), el problema se amplifica. Los datos de Kantar Ibope Media indican que un 21% de los argentinos tiene una suscripción, un 12% cuenta con dos, un 8% accede a tres y un 6% dispone de hasta cuatro servicios, dentro de un mercado estimado en 21 millones de personas.

La forma de buscar también se diversifica: un 30% de los argentinos ya utiliza asistentes de inteligencia artificial, como ChatGPT, para recomendar series y películas, lo que representa un salto de 8 puntos en un año.

Asimismo, el consumo de contenido en Smart TV crece de manera sostenida, con un aumento del 45% en el tiempo dedicado a YouTube en televisores conectados durante los últimos dos años. Esta multiplicidad de plataformas y herramientas de búsqueda genera nuevas vías para perderse en el catálogo, elevando el tiempo invertido y la frustración.

El costo oculto de la indecisión: datos, algoritmos y publicidad

El tiempo que los usuarios dedican a buscar contenido no es un problema menor para las plataformas. Por un lado, el 19% de las personas abandona la búsqueda antes de elegir algo para ver, porcentaje que sube al 29% entre jóvenes de 18 a 24 años. Además, casi la mitad de los suscriptores estaría dispuesta a cancelar su abono si la elección se vuelve demasiado difícil.

No obstante, las empresas del sector han encontrado oportunidades en esta indecisión. Herramientas como la reproducción aleatoria y los avances automáticos buscan prolongar el tiempo de navegación.

Mientras tanto, cada segundo de incertidumbre permite a las plataformas recolectar información detallada sobre los hábitos de consumo, desde el tiempo de detención en una miniatura (dwell time) hasta los géneros o actores que los usuarios ignoran. Estos datos alimentan los algoritmos que predicen tendencias y definen qué contenidos producir o destacar en el futuro.

Las plataformas también aprovechan el llamado Curation Bias, ubicando estratégicamente sus propios contenidos o aquellos con menores costos de derechos en las posiciones centrales de la interfaz. Así, orientan la decisión de los usuarios hacia producciones que les resultan más redituables.

El recorrido por la interfaz de las plataformas se ha transformado en un espacio publicitario. Los servicios de streaming reproducen trailers promocionales de manera automática y, en los planes más económicos, incorporan anuncios comerciales que aparecen durante la navegación. Cuanto más tiempo permanece el usuario explorando el catálogo, más oportunidades tienen las empresas de mostrar publicidad antes de que se concrete la elección.

Otro factor en juego es la percepción de valor. Las compañías buscan que los suscriptores perciban la magnitud del catálogo como justificación del costo mensual. Si un usuario encuentra rápidamente algo para ver, la sensación de abundancia disminuye, lo que podría aumentar el riesgo de cancelación del servicio.

Aunque la complejidad en la elección podría parecer perjudicial para las plataformas, los datos muestran que la mayoría de los usuarios no cancela sus abonos ni regresa a la televisión tradicional. En cambio, gana terreno la rotación entre servicios, una práctica conocida como “cancel and return”, que consiste en activar plataformas ante el estreno de algún título relevante y cancelarlas después.

Taylor Sheridan puso fin a uno de los proyectos derivados más esperados de Yellowstone. El creador de la exitosa serie confirmó que el spin-off 6666, anunciado hace varios años y centrado en el histórico Four Sixes Ranch de Texas, no llegará a producirse. La decisión responde a una razón personal: Sheridan se convirtió en copropietario del verdadero rancho y siente un compromiso especial por proteger la realidad de quienes trabajan ahí.

“No va a haber uno. Nunca ficcionalizaría ese rancho. La gente pensaba que iba a ser algo, pero nunca haría eso”, afirmó Sheridan durante su entrevista para el podcast Rodeo Time.

La idea de esta serie derivada data de 2021 y ganó fuerza durante la cuarta temporada de Yellowstone, cuando Jimmy Hurdstro (Jefferson White), fue enviado por los Dutton a Texas para aprender a trabajar como un verdadero cowboy. El personaje pasó parte de la trama en el Four Sixes Ranch, conocido dentro de la serie como 6666, y esa historia llevó a los espectadores a pensar que Sheridan preparaba una nueva producción derivada.

La propuesta del spin-off contemplaba seguir a Jimmy en su nueva etapa en Texas. White incluso habló con entusiasmo del proyecto en 2021, cuando describió la posibilidad de mostrar “el mundo real, crudo y nada glamuroso de la ganadería”. Sin embargo, con el paso de los años, 6666 quedó en el limbo y las noticias sobre su futuro fueron cada vez menos frecuentes.

Ahora, Sheridan asegura que las escenas de Jimmy en el rancho ya cuentan, por sí mismas, una historia completa. “Tengo en mi computadora todas las escenas de Jimmy en el 6666, las he sacado y unido, y forman su propia pequeña película perfecta. Lo ves llegar allí como un inadaptado y marcharse como un hombre y un cowboy respetado”, relató.

El rancho cambió la perspectiva de Sheridan

El famoso productor de televisión dio marcha atrás con el spin-off de 6666 luego de que adquiriera la histórica propiedad junto con un grupo de inversionistas. El rancho de Texas, que ostenta una larga tradición vinculada a la ganadería y la cultura del Oeste, pasó a tener para el creador de Yellowstone un significado que iba mucho más allá de la ficción.

“Si iba a intentar hacer algún tipo de programa sobre el 6666, ahora estaría inventando mentiras, tendría que inventar un drama”, explicó. “No podemos simplemente ver a un chico aprender a lanzar una cuerda en cada episodio. Así que ahora estaría trivializando y ficcionalizando algo donde personas reales trabajan y crían a sus familias”, añadió.

“Nunca podría hacerles eso. Nunca podría hacérselo a los cowboys que se han dedicado a esto y a todos los que trabajan en ese rancho”, afirmó. “Soy muy protector con los Sixes y es una gran responsabilidad ser la persona que tiene que proteger ese rancho, así que tengo que ser muy, muy cuidadoso con él”.

La decisión coincide con la incertidumbre que Jefferson White había expresado meses atrás sobre el proyecto. Consultado por Daily Mail, el actor respondió que no sabía si regresaría para 6666. “Todavía cruzo los dedos, pero también estaría agradecido si pudiera hacer más y estoy agradecido por lo que pude hacer. No quiero ser egoísta. Sacamos mucho provecho de esa serie”, dijo, según Us Weekly.

Hasta el momento, el universo de Yellowstone se ha expandido con 5 series derivadas. La franquicia ya dio origen a las precuelas 1883 y 1923, mientras que Marshals, protagonizada por Luke Grimes como Kayce Dutton, continúa la historia desde otro punto de vista.

A ellas se suman Dutton Ranch, centrada en Beth Dutton y Rip Wheeler, y 1944, la próxima precuela situada décadas después de los acontecimientos de 1923. The Madison, por su parte, surgió inicialmente como un proyecto vinculado a Yellowstone, aunque posteriormente se desvinculó de ese universo.

El entrenamiento pendiente de Ahsoka

Uno de los ejes de los nuevos episodios será la relación entre Ahsoka y Anakin. Según la información presentada junto con el avance, el fantasma de la Fuerza de su antiguo maestro la acompañará en el presente y la impulsará a completar el entrenamiento que quedó inconcluso.

Un fantasma de la Fuerza es la manifestación espiritual de un Jedi después de su muerte, capaz de comunicarse con personas vivas. Este recurso permitirá que Hayden Christensen vuelva a compartir escenas con Dawson y que la serie retome el vínculo entre ambos personajes desde dos momentos diferentes.

La temporada incluirá recuerdos inéditos de las lecciones tradicionales entre maestro y padawan durante el período previo a la caída de la República. Esas secuencias ampliarán una etapa que las producciones de Star Wars ya abordaron desde distintas perspectivas: Ahsoka fue aprendiz de Anakin antes de abandonar la Orden Jedi, una decisión que dejó su formación formal sin terminar.

En el presente de la historia, Anakin buscará que su antigua aprendiz complete ese recorrido y se convierta finalmente en Caballero Jedi. El conflicto plantea una tensión concreta para el personaje: aceptar la orientación de su maestro después de conocer su caída y su transformación en Darth Vader.

Thrawn avanza contra la Nueva República

Mientras Ahsoka busca regresar a la galaxia principal, Thrawn continuará con su plan de restauración imperial. El personaje interpretado por Lars Mikkelsen intentará catalogar a la Nueva República como una facción rebelde, invirtiendo así el orden político establecido después de la derrota del Imperio.

El tráiler anticipa amenazas nuevas y antiguas, además de reencuentros con aliados de la protagonista. La información difundida no detalla cómo Ahsoka conseguirá volver ni qué obstáculos encontrará durante ese trayecto, pero vincula su misión directamente con los movimientos del almirante.

La primera temporada dejó a varios personajes separados de la galaxia principal y estableció el regreso de Thrawn como una amenaza para el gobierno surgido tras la caída imperial. Los nuevos capítulos retomarán ese punto, con el antagonista intentando recuperar influencia y modificar la percepción pública de la Nueva República.

El reparto anunciado incluye también a Rory McCann, Eman Esfandi y Steve Blum. Esfandi regresará como Ezra Bridger, mientras que las fuentes no ofrecen detalles sobre el alcance de los demás personajes ni sobre la cantidad de episodios de esta segunda entrega.

Dos fechas informadas para el estreno

Disney+ confirmó que la serie llegará en enero de 2027, aunque existe una diferencia entre las fechas publicadas. Una de las fuentes ubica el estreno el miércoles 20 de enero; la otra señala el miércoles 27. Ninguna de las dos explica el motivo de la discrepancia, por lo que el día definitivo requiere una actualización directa en el calendario de la plataforma.

El estreno quedará situado pocos meses antes del lanzamiento cinematográfico de Star Wars: Starfighter, previsto para mayo de 2027. Si se mantiene el calendario informado, Ahsoka podría ser el último gran proyecto televisivo de Star Wars antes de la llegada de esa película a los cines.

Disney+ todavía no informó la cantidad de capítulos ni si toda la temporada estará disponible desde el primer día o seguirá un modelo de publicación semanal. Por ahora, la ventana confirmada es el 20 de enero de 2027.

La huida junto a Thomas Shepard

La sinopsis presenta a Visión reiniciado y escondido después de escapar de quienes intentaban convertirlo en un arma. Sin un propósito claro, el personaje consulta a las distintas personalidades de inteligencia artificial integradas en su programación mientras trata de comprender su identidad y procesar lo ocurrido en Westview.

Su vida oculta termina cuando aparece una recompensa por su cabeza. La persecución lo obliga a huir junto a Thomas Shepard, un joven misterioso que podría ser la reencarnación de su hijo. Ese vínculo retoma un rumor que circuló durante años alrededor del proyecto y lo transforma en el eje de la serie.

El avance todavía mantiene en secreto la verdadera identidad de Thomas y las circunstancias de su encuentro con Visión. La descripción oficial indica que el protagonista deberá evitar su captura, resistir una influencia interna y resolver el enigma de su acompañante para sobrevivir. La posibilidad de que el joven sea realmente su hijo queda planteada como una pregunta, no como una respuesta definitiva.

El tráiler también incluye detalles visuales asociados con La Visión, la serie de cómics escrita por Tom King y dibujada por Gabriel Hernández Walta. Esa obra exploraba los intentos del personaje por construir una vida propia y entender las emociones humanas, temas que vuelven a aparecer en el material presentado para Disney+.

Ultrón y las voces dentro de Visión

Entre las personalidades alojadas en la programación de Visión se encuentra Ultrón, interpretado otra vez por James Spader. El antagonista es considerado su padre debido a su participación en la creación del personaje y ahora convivirá con él dentro de su mente. La relación será uno de los principales conflictos: Visión necesitará recurrir a esas voces para encontrar respuestas, pero tendrá que impedir que Ultrón controle sus decisiones.

La serie incorporará otras inteligencias artificiales conocidas de Marvel: F.R.I.D.A.Y., E.D.I.T.H. y J.A.R.V.I.S.. Una IA, sigla de inteligencia artificial, es un programa diseñado para procesar información y responder de manera autónoma; dentro de esta historia, cada sistema tendrá una personalidad diferenciada y podrá intervenir en los pensamientos del protagonista.

Esa disputa mental acompañará una amenaza física. Mientras intenta entender los programas que forman parte de él, Visión será perseguido por quienes quieren capturarlo y deberá proteger a Thomas. El tráiler alterna así la búsqueda personal del personaje con una huida en la que todavía se desconoce quién ofreció la recompensa.

El reparto incluye a James D’Arcy, Diane Morgan y Ruaridh Mollica, además de Bettany y Spader. También regresará Faran Tahir como Raza, el personaje que interpretó en Iron Man. Su aparición se producirá 18 años después de aquella película, aunque las fuentes todavía no detallan cómo se relacionará con Visión, Thomas o sus perseguidores.

El cierre de la trilogía televisiva

VisionQuest continuará las consecuencias de WandaVision y Agatha en todas partes, dos producciones conectadas por Westview, la magia de Wanda Maximoff y las identidades de sus hijos. La historia también llega después de Doctor Strange en el multiverso de la locura, película que retomó parte del conflicto de Wanda tras los acontecimientos de la primera serie.

Marvel Studios presenta el nuevo proyecto como la entrega definitiva de esa trilogía. La estructura le permitirá centrarse en preguntas que quedaron abiertas desde WandaVision: qué ocurrió con Visión después de recuperar sus recuerdos, cuál es su identidad tras ser reiniciado y qué pasó con los hijos creados durante la anomalía de Westview.

El estreno se producirá antes de Avengers: Doomsday, otro de los proyectos destacados durante las novedades de D23. En paralelo, circuló un reporte sin confirmación oficial que señala que Marvel Studios reduciría la cantidad de series de acción real para dar más espacio a la animación, después de la recepción de X-Men 97 y Tu amigo y vecino Spider-Man.

Por ahora, Marvel Studios confirmó el tráiler, el reparto principal y el 14 de octubre como fecha de llegada de VisionQuest a Disney+.

Netflix ha dado a conocer las primeras imágenes oficiales y la fecha de estreno de su próxima serie Al este del Edén, una ambiciosa adaptación de la novela de John Steinbeck. El proyecto, que cuenta con Florence Pugh como protagonista, llegará a la plataforma el 1 de octubre, según informaron los productores y responsables creativos. Las imágenes difundidas muestran a los personajes en escenarios que evocan la atmósfera rural y familiar de la obra original. El avance visual enfatiza la profundidad emocional y el tono íntimo que marcarán la narrativa. La serie busca transportar a los espectadores al Valle de Salinas, California, escenario esencial para el desarrollo de la historia.

Netflix confirmó que Al este del Edén estará disponible a partir del 1 de octubre. Las imágenes iniciales revelan fragmentos de escenas clave: una mujer con expresión seria es abrazada por un hombre en un entorno tenue; en otra, los personajes se encuentran en un campo rural rodeados de vegetación, con edificios y árboles al fondo, sugiriendo el carácter agrícola de la ambientación. En una de las fotografías, un hombre barbudo abraza a dos niños, mostrando un momento de intensidad emocional en el hogar. Cada imagen revela el cuidado por la recreación histórica y el trabajo actoral, elementos que la producción ha subrayado como pilares del proyecto. La llegada de la serie se posiciona como uno de los estrenos más esperados del año en la plataforma, combinando un elenco de renombre con la adaptación de un clásico literario estadounidense.

La actriz Florence Pugh interpreta a Cathy Ames, la antiheroína central de la historia. Según Zoe Kazan, guionista y productora ejecutiva, la elección de Pugh fue definitiva desde el inicio: “No tenía otra persona en mente. Ella es la persona exacta para interpretar a Cathy”, afirmó Kazan durante la presentación. Kazan también destacó la capacidad de Pugh para conectar con la cámara y el misterio de su proceso actoral: “Su conciencia frente a la cámara no tiene igual. Creo que es una genio. Pude verla trabajar durante cinco meses, y todavía no sé cómo logra lo que hace. Solo veo cuánto le importa y cuánto esfuerzo pone, pero su preparación no es evidente para quienes la observamos”. Este enfoque en el trabajo de Pugh refuerza la apuesta de la producción por crear un retrato complejo y humano de Cathy Ames, un personaje cuyas motivaciones han sido objeto de debate desde la publicación de la novela.

Un trabajo muy personal para Kazan

Zoe Kazan ha abordado la adaptación de Al este del Edén desde una perspectiva personal y familiar. Su abuelo, Elia Kazan, dirigió la reconocida versión cinematográfica de 1955, pero la nueva serie busca ampliar el universo narrativo y no limitarse a un solo fragmento del libro. La guionista señaló que se propuso mantener el carácter épico e íntimo del texto original: “Quería que fuera tan personal para mí como lo fue para Steinbeck, a pesar de que él escribía sobre su propia familia”. Kazan explicó que la serie explora el desarrollo de todos los personajes, no solo de Cathy, y que cada elemento narrativo tiene su raíz en la novela. Su objetivo fue “desplegar” la complejidad de los protagonistas, evitando que se conviertan en meros arquetipos.

Al este del Edén narra la historia de las familias Trask y Hamilton, cuyos destinos se entrelazan a lo largo de varias generaciones en California. El reparto incluye a Mike Faist, Christopher Abbott -flamante fichaje de los X-Men- y Ciarán Hinds, quienes interpretan a miembros de ambas familias. La serie aborda preguntas sobre lo que las generaciones transmiten a las siguientes y cómo las personas enfrentan sus propios “lados oscuros”. Zoe Kazan resumió esos interrogantes al reflexionar: “¿Qué se hereda? ¿Qué cargas llevamos? ¿Cómo nos reconciliamos con nuestras propias sombras?” La adaptación de Al este del Edén promete ofrecer una mirada profunda y contemporánea a temas universales, apoyada en una producción de alto nivel y en el talento de su elenco principal. Con su estreno programado para el 1 de octubre, la serie se perfila como uno de los lanzamientos más destacados del año en Netflix.

La maldición del titán lleva la historia hacia un conflicto mayor

La temporada comenzará cuando Grover descubre a dos jóvenes semidioses en una academia militar. La misión para encontrarlos se complica después de un enfrentamiento que termina con la desaparición de Annabeth Chase y el secuestro de la diosa Artemisa.

Ante las dos ausencias, Percy Jackson deberá colaborar con las Cazadoras de Artemisa, un grupo directamente ligado a la deidad. La expedición también incluirá a Grover y Thalia Grace, quienes recorrerán Estados Unidos para intentar resolver la crisis antes del solsticio de invierno.

La búsqueda enfrentará al grupo con Atlas y con las fuerzas vinculadas al ejército de Cronos. El plazo tiene una razón concreta: durante el solsticio se reunirá el Consejo de los Dioses, encargado de tomar decisiones que afectarán el futuro del Olimpo. La historia también avanzará sobre la Gran Profecía, uno de los ejes centrales del conflicto planteado en los libros.

El cambio de tono responde al material elegido. La tercera novela introduce amenazas más directas, separa temporalmente a varios de los protagonistas y amplía el peso de los titanes dentro de la trama. Tras adaptar dos libros en sus temporadas anteriores, la serie seguirá el orden de publicación de la obra de Riordan.

El tráiler anticipa nuevos escenarios y ocho episodios

Las primeras imágenes presentan personajes y locaciones que todavía no habían aparecido en la adaptación. Disney+ difundió el avance después de revelar la fecha durante un panel dedicado a la serie en la San Diego Comic-Con. El material más amplio fue reservado para la D23, el evento en el que Disney muestra novedades de sus principales producciones.

La tercera temporada conservará la estructura de ocho episodios utilizada por la serie. La renovación anticipada permitió que la filmación comenzara en agosto de 2025, más de un año antes del estreno previsto. Esa decisión buscó reducir el intervalo entre entregas y avanzar con una historia que requiere más personajes y escenarios que las anteriores.

El tráiler también muestra el tono más oscuro asociado con La maldición del titán. La amenaza deja de concentrarse únicamente en las misiones de Percy y alcanza a Artemisa, al Consejo de los Dioses y a los grupos que participan en la guerra contra Cronos. Esa escala será clave para conectar la temporada con los acontecimientos posteriores de la saga literaria.

Walker Scobell encabeza un reparto con nuevas incorporaciones

Walker Scobell volverá como Percy, acompañado por Leah Sava Jeffries en el papel de Annabeth y Aryan Simhadri como Grover. Los tres actores seguirán al frente del elenco después de protagonizar las dos primeras adaptaciones de los libros.

Tamara Smart asumirá un papel central como Thalia Grace. El personaje tendrá participación directa en la expedición para localizar a Annabeth y rescatar a Artemisa, después de haber ganado importancia dentro de la historia de los semidioses.

Entre las principales incorporaciones aparecen Levi Chrisopulos y Olive Abercrombie, quienes interpretarán a Nico di Angelo y Bianca di Angelo, respectivamente. Los hermanos son hijos de Hades y tendrán consecuencias importantes para los siguientes capítulos de la historia, tanto por su origen como por su relación con la profecía.

El reparto también incluye a Charlie Bushnell, Dior Goodjohn y Daniel Diemer. Con el rodaje iniciado desde agosto de 2025 y la fecha ya anunciada, los ocho episodios de Percy Jackson y los dioses del Olimpo llegarán a Disney+ el 20 de noviembre de 2026.

Un cruce entre temporadas

El póster oficial y el primer adelanto presentan una entrega construida alrededor de los vínculos entre las doce temporadas anteriores. En lugar de partir de una historia completamente separada, la nueva trama recuperará personajes, antagonistas e imágenes reconocibles de varias etapas de la antología creada por Ryan Murphy y Brad Falchuk.

Entre los regresos confirmados se encuentran Constance Langdon, Cordelia Goode, Madison Montgomery, Marie Laveau, Rubber Man, Twisty The Clown y Kai Anderson. La combinación conecta casas embrujadas, aquelarres, circos y otros escenarios que la serie exploró desde su estreno en 2011.

Murphy explicó que la temporada fue diseñada como una carta de amor a los seguidores de las entregas más populares. El productor identificó a Murder House, Asylum, Coven, Freak Show y Cult como algunas de las favoritas del público. También adelantó que ciertos integrantes del reparto interpretarán a dos personajes procedentes de temporadas diferentes dentro de una misma escena.

Ese recurso convierte la entrega en un crossover interno. Es decir, personajes que originalmente pertenecían a relatos independientes compartirán una misma historia. El avance todavía no explica qué acontecimiento los reunirá ni cuál será la relación entre sus respectivas líneas temporales.

El reparto que vuelve

Además de Lange, Paulson y Peters, el elenco principal incluye a Angela Bassett, Kathy Bates, Emma Roberts, Billie Lourd, Gabourey Sidibe, Leslie Grossman y Joey Pollari. Bassett volverá a estar vinculada con Marie Laveau, mientras que Roberts retomará a Madison Montgomery.

La lista difundida para la temporada también incorpora a Avantika, Jamie Brewer, Elle Chapman, Berto Colon, Alex Consani, Frances Conroy, Mat Fraser, Seth Gabel, Orlando Jones, Paul Anthony Kelly, John Carroll Lynch, Tig Notaro, Madelaine Petsch, Fedor Steer, Mena Suvari, Zach Villa y John Waters.

El tamaño del reparto responde a la estructura planteada para la temporada: reunir intérpretes asociados con distintas épocas de la serie y permitir que algunos recuperen más de un papel. El adelanto se concentra en esas apariciones y evita revelar detalles concretos de la historia, por lo que todavía no se informó quién funcionará como protagonista central o antagonista principal.

El regreso de Lange es uno de los elementos centrales de la promoción. La actriz participó en las primeras cuatro temporadas y reapareció posteriormente en la franquicia. Paulson y Peters también interpretaron numerosos personajes desde los primeros años de la producción, una dinámica propia del formato de antología, donde el reparto puede regresar cada temporada con papeles diferentes.

Calendario, producción y cifras

La temporada tendrá 13 episodios de aproximadamente 30 minutos. Disney+ estrenará tres capítulos el 24 de septiembre y anunció que las siguientes entregas llegarán los viernes, con un cierre previsto para el 30 de octubre.

Los datos comunicados dejan una duda sobre la distribución completa. Si después del estreno inicial llegara un solo episodio cada viernes, el período hasta el 30 de octubre no alcanzaría para publicar los diez capítulos restantes. Los materiales promocionales no detallan si algunos viernes habrá estrenos múltiples o si parte del calendario será diferente.

Todas las temporadas anteriores ya pueden verse en Disney+, lo que permite revisar las historias de los personajes confirmados antes del nuevo cruce. Según las cifras difundidas con el anuncio, American Horror Story acumula más de 100 nominaciones a los premios Emmy y superó las 700 millones de horas reproducidas alrededor del mundo.

Murphy y Falchuk trabajan como productores ejecutivos junto con Ned Martel, Charlie Carver, Eric Kovtun, Nissa Diederich, Scott Robertson, Tanase Popa, Crystle Roberson Dorsey, Jennifer Salt y Tim Minear. La producción está a cargo de 20th Television. El último de los 13 episodios tiene previsto llegar a Disney+ el 30 de octubre.

Esta producción, que mezcla comedia y sátira sobre la fama, representa el más reciente hito en una carrera marcada por la versatilidad y la reinvención.

En medio de la expectativa por la inminente secuela de “Romy & Michele’s High School Reunion” y el impacto emocional que provocó la muerte de su colega Matthew Perry, la actriz de 63 años reflexionó sobre el legado de “Friends” y la evolución de su trayectoria artística.

Un regreso a “Friends” tras la ausencia de Matthew Perry

La muerte de Matthew Perry dejó una marca profunda en el elenco y los seguidores de la serie. Kudrow relató a The Hollywood Reporter que, por primera vez desde el final de la serie, decidió volver a ver “Friends” en las noches, encontrando en los episodios una fuente de risa y consuelo.

“Fue genial verla. Se convirtió en mi momento de risas antes de irme a dormir. Veo comedias antes de acostarme; solo quiero reírme antes de dormir”, declaró la actriz, quien destacó que muchas escenas le parecieron inéditas porque no solía ver las partes donde su personaje no aparecía.

El reencuentro con la serie también derivó en una conversación reciente con David Schwimmer. Según relató Kudrow, habló con su compañero sobre lo divertida que le había resultado la producción al volver a verla y aprovechó para disculparse por haber dicho en el programa de Jimmy Fallon que Ross era un novio terrible.

La actriz también señaló que él tampoco había revisitado la serie y destacó que ambos coincidieron en valorar nuevamente el trabajo del elenco, según informó The Hollywood Reporter.

El impacto de los estereotipos y el camino hacia la comedia

Antes de consolidar su figura en la televisión, Kudrow enfrentó los desafíos que imponía la industria a las actrices. Según relató en la entrevista, la apariencia física era un factor determinante para los productores de comedias, quienes buscaban un perfil muy específico.

“No me parecía a las mujeres que elegían como actrices habituales en las comedias. Seguían buscando un cierto aspecto: muy guapa y atractiva, y todo eso; y no muy graciosa, ¿verdad?, salvo Shelley Long”, explicó.

Según relató, incluso le señalaron que su aspecto podía dificultar que consiguiera determinados papeles: “Me dijeron: ‘Es muy difícil porque no eres guapísima’”. La actriz agregó que “no me parece ridículo. Lo entiendo. Además, no se trata solo del aspecto físico; también de la forma de actuar. No soy ‘adorable’. Y, la verdad, no quería ser adorable”.

Durante las audiciones para Friends, Kudrow contó que inicialmente se interesó por el papel de Rachel, interpretado finalmente por Jennifer Aniston.

La actriz explicó que creyó que podía aportar humor al personaje por su condición de “princesa judía estadounidense”, pero sus agentes le aclararon que los productores tenían dificultades para encontrar a Phoebe y no estaban dispuestos a modificar ese papel.

“Esa fue la forma sutil de decir: ‘Sí, tú no eres el interés romántico’”, relató la actriz a The Hollywood Reporter sobre aquel proceso.

El auge de “The Comeback” y su significado profesional

El trabajo de Kudrow en “The Comeback” recibió elogios de publicaciones como The New Yorker y The New York Times, que la calificaron como una de las grandes actuaciones de la televisión moderna.

La serie tuvo tres temporadas, emitidas en 2005, 2014 y 2026, y aborda la vida de una exestrella de sitcom que busca recuperar la popularidad.

Destacó que la idea de la última temporada surgió de Michael Patrick King: “A Michael se le ocurrió esta idea. Era genial: por fin es la protagonista, le ofrecen el papel principal en una serie multicámara, solo que es la primera escrita por IA”.

Kudrow destacó que The Comeback representa uno de los momentos más importantes de su carrera, especialmente porque también se involucró por primera vez en la escritura de la serie.

“Es un momento culminante. No había escrito nada antes y que mis colegas reconocieran que mi trabajo era digno de una nominación fue muy emocionante y me hizo llorar”, expresó.

Próximos proyectos y recuerdos del pasado

La carrera de Kudrow incluye pasos por producciones como “Mad About You”, “Analyze This” y películas independientes como “Clockwatchers”.

En relación con la próxima secuela de “Romy & Michele’s High School Reunion”, manifestó confianza en la dirección de Tim Federle y expresó entusiasmo por el reencuentro con el público junto a Mira Sorvino.

Formada en la escuela de improvisación Groundlings, Kudrow recordó cómo experiencias como su salida del piloto de “Frasier” y la aceptación de papeles secundarios le abrieron las puertas a “Friends” y a nuevos desafíos en la industria.

A pocos días del estreno de Mourinho en Netflix, Amazon Prime contraataca con A Beautiful Obsession (Una hermosa obsesión) sobre los años de Pep Guardiola al frente del Manchester City. Cuatro episodios, dirigidos por Kevin Macdonald (Óscar por One Day in September), que muestran al técnico catalán como nunca antes se le había visto: roto por su divorcio, obsesionado con los abrazos de sus jugadores y al borde del abismo tras una debacle en Champions.

La serie recorre la etapa gloriosa de Pep en el Etihad (10 años y 20 títulos), pero con poco protagonismo para los logros. Se detiene más en lo emocional, en el desgaste de una década por convertir al entonces segundo club de Manchester en el primero y firme aspirante a todo. En el hombre detrás del entrenador.

Pero todo empieza en 2024. “En aquel momento, la verdad es que no estaba seguro de poder convencerte”, reconoce el presidente Khaldoon Al Mubarak en el documental. Y es que Guardiola era consciente de que el City necesitaba un cambio. Se planteó su salida, pero en noviembre decidió renovar y acompañar al club en su proceso de reconstrucción.

El choque con Kyle Walker que terminó en lágrimas

Uno de los momentos de la serie se produce exactamente un mes después de aquella firma. En diciembre de 2024, Guardiola, tras perder 2-0 ante el Liverpool en Anfield, analizó una pérdida de balón en la que intervienen Rúben Dias y Kyle Walker. Es entonces cuando el lateral, y en ese momento capitán, se siente señalado. “No paras de decir mi nombre en todas las reuniones y en todas las malditas cosas”, protestó el inglés.

“Quizás porque eres capitán”, le dijo Pep. Sin embargo, la conversación sube de tono hasta que el lateral suelta la frase que explotó todo: “No querías que lo fuera”. Guardila se echó a llorar. Lo que empezó como un análisis técnico acabó con el míster rompiéndose ante el vestuario. “Es mi derrota. Si soy un problema, debes decírmelo. No me quedaré aquí por el dinero. Nada cambiará el amor que siento por ti. Ni un segundo”, replicó entre lágrimas.

No obstante, la relación entre entrenador y capitán se explica por lo que sucedió después: Kyle Walker solo jugaría tres partidos más con el City antes de salir cedido al Milan en enero de 2025, cesión que terminaría en fichaje.

Los abrazos, la técnica secreta para recuperar al equipo

En septiembre de 2025, con el equipo encadenando derrotas ante Tottenham y Brighton, Guardiola cambió la estrategia para recuperar la senda de la victoria: sentir cómo se celebran los goles. “Estamos en este jodido negocio para eso. ¿Sentís la presión? Joder, de eso se trata. Es bueno sentirla; si no, estaríamos todos en las Maldivas", les recriminó tras un gol de Haaland que consideró celebrado sin suficiente entusiasmo.

Antes del derbi ante el Manchester United, su exigencia fue aún más concreta: quería que sus jugadores se abrazaran durante cinco segundos, con fuerza. El City ganó 3-0. “La victoria de hoy nace de los abrazos de antes”, aseguró. “Los abrazos no fueron fuertes. Yo lo intenté, pero vosotros no me devolvisteis el abrazo con la misma intensidad. Los quiero más fuertes, que duren más tiempo”.

“Me siento un puto estúpido”: la noche de Leverkusen

Sin duda, el momento más duro llega un año después de la renovación, en noviembre de 2025. El City perdió 0-2 ante el Bayer Leverkusen en Champions después de que Guardiola hiciera diez cambios con la intención de mantener a toda la plantilla implicada. El plan no funciona, y la reacción en el vestuario es durísima. “Me siento decepcionado conmigo mismo por las cosas increíblemente estúpidas que intento hacer para que os sintáis seguros, protegidos y con confianza. Me siento un puto estúpido”, les reprochó.

Y la bronca continuó. “No me devolvéis nada, chicos. ¿Sabéis qué va a pasar? Tendréis otro entrenador. Como vea una sola puta cara de tristeza al final de la temporada, os mato”. “Cuando jugáis así, me siento solo”, añadió, antes de abrirse en canal con sus jugadores: “Yo vivo mi vida, mi divorcio... y mi familia está lejos por todos vosotros... ¿Y qué recibo a cambio? La puta actuación que habéis hecho".

El divorcio de Guardiola

Es en esa misma charla postpartido cuando el catalán decide contar a sus jugadores algo que hasta entonces se había mantenido en secreto: su separación de Cristina Serra, su esposa durante 30 años y madre de sus tres hijos. “Muchacho, quiero confesarles algo. Estoy divorciado de la mujer más hermosa del planeta. Es mi esposa... mi exesposa. La amo increíblemente. Pero perdimos la pasión. Por muchas razones, perdimos la pasión. La amo profundamente. Ella me quiere, sí, pero perdimos la pasión”, comenzó explicando. “En la vida, hagas lo que hagas, hazlo con pasión. No quiero buenos jugadores, quiero jugadores con pasión”, sentenció.

Ni siquiera Haaland se libra

La exigencia de Guardiola tampoco perdonó a su máxima estrella. En el descanso de la final de la FA Cup ante el Crystal Palace, en Wembley, el técnico encaró a Erling Haaland por su rendimiento. “¿Estás cansado?“, le preguntó. El noruego respondió que no. “¿Por qué no luchas por el balón como lo has hecho con Saliba y todos los jugadores en la maldita final?”, le reprochó Guardiola. “Seis jugadores de los que me avergüenzo de haber dejado fuera. ¿Dónde está tu calidad?”.

El documental se cierra acercándose al final de la etapa de Guardiola en Manchester. Dos días antes del último partido de la temporada, el técnico preparó un vídeo con imágenes de toda su década en el club y reunió a sus jugadores para comunicarles la decisión antes de que la conociera la afición. “El domingo será mi último partido como entrenador de este club. La razón es sencilla: para ir a Selhurst Park, a Anfield, a jugar contra equipos de League One en la FA Cup, o enfrentarse al Madrid, y para lidiar con los jugadores maravillosos que tenemos, hace falta algo que yo tenía: energía. Pero, en el fondo, sé que ya no las tengo”, les dijo. Y una última vez, volvió a pedir a sus jugadores la táctica que les devolvió a la victoria: “Necesito vuestros abrazos y besos. No lo olvidéis”.

El actor Steve Way se ha convertido en una de las figuras más representativas de la serie Furious, disponible en Disney+ y, a través de su papel ha conseguido alzar la voz contra las barreras que siguen cerrando el paso a los intérpretes con discapacidad en Hollywood. Y es que, a sus 35 años, el actor asegura que trabaja sin agente ni mánager en una industria que, a su juicio, excluye a perfiles como el suyo.

Según Variety, Way sostiene que su falta de representación no responde a un vacío de trayectoria, sino a su discapacidad. El actor, diagnosticado de distrofia muscular a los cuatro años, dice que no tiene equipo pese a haber encadenado una participación recurrente en Ramy y un papel secundario destacado en la nueva serie de Hulu.

El intérprete ha resumido esa frustración con una frase tan cruda como explícita: quiere “una agencia que me prostituya”. Su objetivo, ha dicho al medio, es que esa representación le ayude a ganar dinero y a “cambiar el mundo”, en una entrevista marcada por su tono sin filtros y por sus críticas a las grandes estructuras de poder de la industria.

Way explica que ya tuvo agente, pero aquella etapa no le reportó trabajo. Después firmó con otro representante, que más tarde se marchó a otra agencia sin llevarle consigo.

Hollywood falla a los actores con discapacidad

La oportunidad que ha cambiado su situación reciente llegó con Elizabeth Meriwether, creadora de New Girl y The Dropout. Ambos se conocieron en 2025 en un panel del sindicato de guionistas sobre los cuidados en pantalla y, según ha contado la publicación, dos meses después recibió un correo del equipo de la guionista: había escrito un papel expresamente para él.

En Furious, Way interpreta a Alden, el interés amoroso de una asesina en serie encarnada por Lola Petticrew. Para el resto de personajes, Catherine es una sociópata; para él, es una asistente sanitaria domiciliaria amable que quizá oculta secretos.

El arco del personaje combina deterioro físico, humor y dependencia. Tras saber por los médicos que su estado de salud ha empeorado de forma grave, Alden decide aprovechar el tiempo que le queda, le pide matrimonio a Catherine con el anillo de compromiso de su madre fallecida y acaba colaborando en sus crímenes.

Way ha elogiado que Meriwether escribiera un personaje con discapacidad cuya identidad no queda reducida a la mortalidad o a la enfermedad. Cuando leyó su primera frase en el guion, “¡Pequeña zorra!”, supo, según sus palabras, que la creadora haría justicia al personaje porque también le había dado sentido del humor.

Ese planteamiento conecta con la idea central que el actor defiende sobre el amor y los cuidados. En la serie, Alden rechaza la visión de un policía que interpreta su relación como una forma de manipulación, y Way sostiene que esa lógica parte de una comprensión errónea del afecto y de la dependencia mutua.

Para el actor, “todo es transaccional”, y asumirlo puede ser emancipador para una persona con discapacidad. Su argumento es que el cuidado funciona en dos direcciones y que la sociedad ha asentado una falsedad cuando presenta a las personas con discapacidad como una carga.

La representación y los límites físicos en rodaje

Way extiende esa lectura a la vida cotidiana de cualquiera. Ha explicado que coger el metro, pedir comida a domicilio o recibir cualquier servicio implica una forma de cuidado, y que reconocerlo permite entender mejor la intimidad específica de las relaciones atravesadas por la dependencia.

En ese contexto, recupera una frase de su amigo Danny Kurtzman, también actor y productor con distrofia muscular: “El amor discapacitado es el mejor amor”. La razón, según la desarrolla, está en el grado de proximidad, negociación y establecimiento de límites que exige.

El rodaje de Furious respondió, a su juicio, a ese mismo principio de cuidado organizado. El medio recoge que la producción contó con una coordinadora de accesibilidad en el set, encargada de comprobar que estaba bien y de defender sus necesidades cuando él estaba concentrado en la escena.

Way asegura que nunca se sintió inseguro ni desatendido durante el trabajo en la serie. Ese respaldo le permitió centrarse en construir rutinas concretas del personaje, desde cómo se sientan dos personas una frente a otra hasta cómo se resolverían acciones tan delicadas como bañarle o compartir una cama.

Aun así, hubo secuencias físicamente exigentes. Permanecer tumbado durante periodos prolongados le resultó incómodo, aunque sostiene que asumió ese malestar porque lo único que importaba en ese momento era el trabajo artístico y porque esa convicción, dice, es algo que nadie puede quitarle.

Antes de este proyecto, Way no tenía claro que sus tres temporadas en Ramy bastaran para convencer a la industria de que su talento no era una excepción. Su conclusión tras Furious es más tajante: una primera oportunidad puede considerarse casualidad, pero una segunda confirma que “soy bastante bueno en esto”.

La siguiente pelea está en sacar adelante proyectos propios. Ha trabajado dos veces con estudios para desarrollar una serie creada y protagonizada por él sobre el funcionamiento interno de un centro para personas con discapacidad, con un reparto íntegramente discapacitado, escasez de cuidadores y una administración incapaz de gestionar el edificio, pero tanto Apple TV como NBCUniversal rechazaron el proyecto.

También quiere llevar su monólogo al siguiente nivel. Aspira a encabezar su propia gira, aunque reconoce que encontrar salas accesibles es difícil; ya tiene escrito y grabado un espectáculo completo, pero todavía no ha encontrado una plataforma dispuesta a convertirlo en un especial.

Way dice que se ha insensibilizado ante las negativas porque nunca han dejado de llegar. Ni siquiera cuando le hablan de posibles reuniones para su serie espera que el interés se traduzca en un acuerdo, y con Furious no creyó del todo que volvería a la televisión hasta su primer día de rodaje.

La perspectiva vital también pesa en esa cautela. Ha recordado a Variety que de joven le dijeron que no viviría mucho tiempo, que estuvo a punto de morir a los 14 años y que no se suponía que fuera a pasar de los 18; después, a los 25, los médicos le dijeron que estaba bien y se encontró ante una pregunta inesperada sobre qué hacer con esa vida que no esperaba tener.

Desde entonces, sigue contando chistes. Ahora, por primera vez, también tiene una publicista, una ayuda que define como “maravillosa” porque le permite responder correos en lugar de enviar cada día mensajes para perseguir las pocas oportunidades disponibles para actores con discapacidad. “Es agotador”, admite. El café expreso ayuda. El vodka también. Pero dice que no puede vivir de eso para siempre.

Ya es oficial. HBO ha renovado It: Bienvenidos a Derry por una segunda temporada, una decisión que confirma la continuidad de la ‘precuela’ televisiva del universo de Stephen King desplazando la historia hasta 1935, en plena Gran Depresión, para explorar un nuevo episodio de violencia ligado a Pennywise.

La nueva entrega transcurrirá en 1935 y se centrará en la masacre de la banda Bradley, un grupo de atracadores de bancos que se detiene en Derry para comprar munición y acaba frente a un “horror inimaginable”. En esta ocasión, Brad Caleb Kane asumirá además en solitario las funciones de ‘showrunner’.

La serie se estrenó en HBO Max el 26 de octubre de 2025 y está basada en la novela It de Stephen King. El proyecto se encargó de ampliar el universo planteado por las películas dirigidas por Andy Muschietti en 2017 y 2019, y funciona como ‘precuela’ de ambas.

La primera temporada estuvo ambientada sobre todo en 1962 en la localidad ficticia de Derry, en Maine, y reconstruyó experiencias previas de sus habitantes con el payaso maligno capaz de cambiar de forma.

Qué contará la segunda temporada

El nuevo bloque narrativo retrocede todavía más en el tiempo. Según la sinopsis la segunda temporada abordará la matanza de la banda Bradley, un pasaje que ya figuraba entre los interludios de la novela original de King.

La revista Variety había avanzado que ya se había abierto una sala de guionistas para la nueva tanda de episodios, aunque la renovación aún no se había anunciado formalmente. El medio citó entonces a Andy Muschietti, que explicó que la serie incorporaría el clima social de la Depresión: “Habrá mucho de esa lucha propia de la era de la depresión en nuestros personajes. Todo el mundo intenta salir adelante y sobrevivir a las circunstancias. Van a hacer locuras”.

El director añadió que la serie no eludirá el trasfondo histórico del periodo: “Y, por supuesto, también las cosas sociales, culturales y horribles que estaban ocurriendo en esa época. No vamos a saltárnoslas. Son el verdadero centro y el corazón de nuestra historia”.

Ese cambio temporal también modificará la apariencia de la serie. En declaraciones recogidas por la misma publicación, Muschietti describió una ciudad más devastada: “En este caso, en la superficie, Derry es casi un cementerio. Es el cadáver de algo, porque la gente está agotada, es pobre, está cansada, sin trabajo y sin hogar”.

El cineasta detalló además que los niños de esta etapa vivirán en un contexto mucho más duro que el de la primera temporada: “No tienen una vida suburbana y confortable. Están en una situación muy distinta. Algunos son huérfanos o fugitivos, así que el entorno es bastante sombrío”.

Cambios en el equipo y planes a largo plazo

Uno de los cambios relevantes estará detrás de las cámaras. Brad Caleb Kane, que en la primera temporada compartió la supervisión creativa con Jason Fuchs, ejercerá ahora como único ‘showrunner’.

La serie fue desarrollada para televisión por Andy Muschietti, Barbara Muschietti y el propio Fuchs, todos ellos vinculados a las películas recientes de It. Andy Muschietti dirigió varios episodios de la primera temporada y sigue como productor ejecutivo a través de Double Dream junto a Kane, Roy Lee, Dan Lin, Jamie Travis y Dhana Gilbert. La producción corre a cargo de HBO y Warner Bros. Television.

Por ahora no se ha anunciado el reparto de la segunda temporada. La primera contó con Jovan Adepo, Taylour Paige, Chris Chalk, James Remar, Stephen Rider, Madeleine Stowe y Rudy Mancuso, además del regreso de Bill Skarsgård como Pennywise.

The Hollywood Reporter añade que la renovación ha llegado casi un año después del estreno de la serie y atribuye parte de esa demora al tiempo necesario para reiniciar la historia desde cero en el plano creativo. El mismo medio señala que la primera temporada obtuvo alrededor de un 80 % tanto entre la crítica como entre el público en Rotten Tomatoes y que también funcionó bien en audiencia.

Desde HBO Max Original Programming, Sarah Aubrey ha celebrado el regreso a Derry y ha afirmado, citada por el medio estadounidense, que el equipo “abrirá nuevos caminos en la segunda temporada, profundizando en el terror, el misterio y la inolvidable mitología de Pennywise que tanto apasiona a los fans”.

El proyecto, además, encaja en un diseño más amplio. Variety recordó que Muschietti ya había hablado antes de un plan de tres temporadas para Welcome to Derry, con una tercera situada en otro de los interludios de la novela, ambientado en 1908. Por el momento, no hay fecha de estreno para la segunda temporada.

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Episodios 7, 8 y 9: Lo rápido no deja huellas

No hay dudas de que los mutantes son hoy la pieza más importante que tiene Marvel en su haber. Después de un cansancio generalizado por sus producciones, y años de batallas legales para poder empezar a usar los derechos que recuperaron gracias a la adquisición de Fox, es en estos personajes que Marvel puede encontrar una cartera de historias e interacciones que le den frescura a su universo de cara a la renovación que pueden tener otros grandes títulos como los Vengadores, Capitán América o Iron Man. Es en ese contexto que X-Men ‘97 tiene un rol central dentro del ecosistema de la casa de las ideas.

La nueva temporada de X-Men ‘97 ha llegado a su fin, uniendo cabos con las incógnitas que habían quedado desde la primera y cerrando algunas puertas recientes. Sin embargo, el gran fallo de esta temporada es querer abordar mucho sin darle demasiada importancia a cada tema en particular, haciendo que todo se sienta un poco vago narrativamente.

En estos últimos tres episodios, que podrían ser una continuación directa de la primera temporada, vemos cómo el plan de Apocalipsis de usar a Gambito para sus planes llega a concretarse y qué consecuencias tiene esto no sólo para el personaje, sino para el imaginario que tenemos de Apocalipsis como villano y de lo que esto significa para cada uno de los X-Men.

A su vez, finalmente todos los X-Men se reúnen para poder entregarnos unos episodios finales en grupo, ya que toda la temporada se habían encontrado separados en distintas facciones. Ahora el grupo es mucho más grande que cuando empezó la primera temporada, y la academia X-Men está restaurada, así que podemos esperar que en las próximas temporadas cada vez incluyan a más de estos queridos personajes.

El principal problema de estos episodios, que se arrastra de la temporada en general, es que no hay un hilo claro que englobe todo lo que sucede. Los primeros tres episodios se centran en apocalipsis, para dar paso a una serie de episodios individuales, cuyas consecuencias tienen poco que ver con lo que hemos visto. El tratamiento de Wolverine es paupérrimo, la secuencia de Polaris está super desarrollada para no tener mucho más. Y al final, tenemos tres episodios que son más una secuela de la primera temporada que del desarrollo de la actual.

Por supuesto, siempre se puede sembrar semillas para cosechar después y la tercera temporada puede aprovechar mucho de lo que se ha hecho acá. Pero a fines narrativos, esta temporada deja un gusto a poco respecto a lo que podría haber sido. Todos los planteamientos son buenos: el dilema de Wolverine, la construcción de la familia por Cyclops y Jean, el duelo del Profesor X, la nostalgia de Rogue. Sin embargo, ninguno de estos temas tienen un tiempo en pantalla o una resolución que justifique su planteamiento.

Sí es cierto que específicamente el último episodio de esta temporada pega fuerte y nos da acción y emoción en partes iguales, siendo posiblemente el punto más alto de la temporada. Sin embargo, creo que la consistencia en general fue mucho mejor en el regreso que en esta profundización. Las bases que sienta esta segunda temporada son mucho más firmes para que la tercera tenga una libertad mucho más amplia, al contrario de este arco vs Apocalipsis que significa, literalmente, una secuela.

Me quedo con la primera temporada de X-Men ‘97 porque se siente como una idea fresca alrededor de una historia que ya había ocurrido hace 30 años. Fue un “all in” directo a la nostalgia de uno de los mejores grupos de superhéroes que hemos tenido audiovisualmente, y la libertad creativa total con la que se manejó fue lo que hizo que pegara tanto otra vez.

Sin embargo, esta temporada pareciera que no quisieron darle tiempo de desarrollo a ninguno de esos temas. No hay grandes arcos de personajes individuales y los que intenta haber, como la relación entre Cable y sus padres o las consecuencias de lo que le pasa a Gambito para Rogue, terminan siendo tratados en minutos y sin mucho detalle. Comparado con la temporada anterior, que cada capítulo significa una aventura en solitario dentro de un recorrido más grande, se siente todo muy simple. Esperemos que la tercera temporada se asemeje más a la primera.

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Episodios 7 y 8: Pisando el acelerador

La tercera temporada de House of the Dragon ha llegado a su final con este arco de dos episodios donde gran parte de las narrativas que se han abierto, se desarrollaron. Parece algo evidente tratándose de un final de temporada, pero con lo extenso que se hizo el camino y el caso de la segunda temporada sobre la mesa, todo podía suceder.

House of the Dragon sufre del problema opuesto que perjudicó a Game of Thrones. Mientras en esa serie lo que más afectó fue la falta de tiempo para unir la trama de cada personaje en particular, en esta serie el tiempo sobra. No solo por un desarrollo mucho más lento (y efectivo, a mi gusto) sino porque se dan el lujo de repetir el destino de sus personajes una y otra vez. Hasta ahora, le hubiese venido mejor a esta serie condensar sus últimas dos temporadas en una.

Estos dos últimos episodios, que podrían considerarse un arco final de la temporada, vemos el desenlace de gran parte de las tramas que introdujeron en esta temporada. Los Hightower comandados por Ormund se enfrentan a los Targaryen mientras Aegon y Aemond se terminan de armar para formar un tercer lugar en el podio de esta guerra por la corona.

Lo que no deja de hacer ruido de todo esto es que mucho de lo que sucede no tiene un desarrollo pertinente, y a su vez, muchos episodios cayeron en las mismas situaciones. Cuesta entender cómo las “revelaciones” de estos dos episodios suceden con el repetitivo y descubierto entramado que nos llevó hasta este lugar en el principio.

Incluso termina siendo llamativa esta temporada a nivel personajes. Una Rhaenyra (Emma D’Arcy) cuya actuación sorprendió en los primeros episodios termina desdibujada y sosa de cara a un final que debería posicionarla en un lugar de villana que no llega a tener. Actuaciones como las de Mysaria (Sonoya Misuno) y Ormund (James Norton) fueron explotadas en esta temporada para darle un cierre repentino, tal como le pasó a Criston Cole (Fabien Frankel) aunque éste contó con más temporadas de desarrollo.

Sí algo para rescatar y que me gustó mucho de esta temporada, acentuado en estas dos entregas finales, fue el tema del poder y cómo corrompe y daña a las personas. Rhaenyra pasó de héroe, a víctima y por último a villana en un puñado de episodios, convirtiendo al personaje en un sinfín de sensaciones y opiniones de cómo actúa y por qué.

Los planos y maneras de mostrar cómo el trono o la corona empezaban a carcomer al personaje por dentro son de lo mejor que nos ha dado esta temporada, y realmente espero que en la cuarta puedan encontrar una forma de encauzar el barco y acercarse a la calidad de la primera temporada, que fue lo más auténtico que tuvo House of the Dragon hasta este momento.

House of the Dragon es una serie que requiere un compromiso más allá del “capitulo a capitulo”, se nota mucho cuando uno ve las temporadas completas sin la necesidad de esperar una semana de un momento a otro, pero las reglas del juego (que HBO mismo pone) son estas y no se puede evitar sentir la sensación de que con un poco más hubiera sido una gran temporada.

En estos dos últimos episodios en particular se ha sumado un componente de adrenalina y velocidad que, por supuesto, hace mucho más dinámica la serie. Sin embargo, no se puede montar una temporada con cuatro episodios prácticamente iguales en trama y tema y será algo que deberán resolver de cara a la cuarta, y última, temporada.

Ver una serie no solo ocupa el tiempo libre. También puede influir en el bienestar emocional, reducir la ansiedad y reforzar vínculos afectivos, según una combinación de observaciones publicadas por GQ y estudios académicos difundidos por PubMed sobre nostalgia y relaciones parasociales.

El planteo aparece en un momento de alto consumo de plataformas y maratones audiovisuales, con catálogos que ya no funcionan solo como entretenimiento. De acuerdo con GQ, ciertas ficciones ofrecen alivio inmediato a través del humor, la familiaridad o la identificación con personajes. A la vez, investigaciones científicas revisadas en PubMed aportan un marco para explicar por qué ese efecto puede ir más allá de una distracción pasajera.

Cuando volver a una serie conocida trae calma

Uno de los fenómenos más frecuentes entre espectadores consiste en regresar a títulos ya vistos. Ese hábito, lejos de responder solo a la costumbre, puede tener una base emocional concreta. GQ señaló que revisar una serie conocida activa recuerdos asociados a etapas previas de la vida y aporta una sensación de previsibilidad que ayuda a bajar la tensión.

Ese punto coincide con una revisión publicada en PubMed sobre el valor de la nostalgia en el bienestar. El trabajo sostuvo que ese estado emocional se relaciona con mayor satisfacción con la vida y una percepción más alta de felicidad, además de actuar como amortiguador frente a amenazas psicológicas.

El estudio también indicó que la nostalgia puede fortalecer formas de bienestar vinculadas con la vitalidad, la percepción de control sobre el entorno y la calidad de las relaciones personales.

La revisión académica añadió que este recurso emocional empezó a estudiarse como una herramienta útil tras el impacto de la pandemia de COVID-19. Según ese análisis difundido por PubMed, los recuerdos positivos del pasado ayudaron a muchas personas a enfrentar efectos psicológicos adversos y hoy también forman parte de líneas de trabajo orientadas a diseñar intervenciones de bienestar.

Personajes de ficción y compañía emocional

Otra de las claves para entender el vínculo entre series y estado de ánimo aparece en la relación que los espectadores desarrollan con figuras de la pantalla. En psicología, ese lazo recibe el nombre de relación parasocial: un vínculo unilateral con alguien que no conoce personalmente al espectador, pero que puede ocupar un lugar emocional significativo.

Un estudio recogido por PubMed analizó ese fenómeno en una muestra total de 3.085 participantes y concluyó que muchas personas perciben esas relaciones como eficaces para cubrir necesidades afectivas. La investigación encontró que los vínculos parasociales con creadores de contenido o figuras mediáticas resultaban más útiles para la regulación emocional que los vínculos con conocidos ocasionales, aunque quedaban por debajo de las relaciones cercanas y recíprocas.

Ese dato ayuda a explicar por qué ciertos personajes o presentadores funcionan como una presencia estable para parte del público. GQ remarcó que la conexión con protagonistas y con comunidades de fans puede reforzar la sensación de pertenencia. En ese marco, la ficción deja de ser solo un producto cultural y pasa a convertirse en un punto de apoyo emocional para quienes encuentran allí consuelo, identificación o compañía.

Historias que dejan una marca

GQ sugiere que ciertas narrativas pueden modificar la forma en que una persona interpreta sus relaciones y su entorno. En ese sentido, el aporte no reside únicamente en el descanso mental de un episodio de comedia, sino en la posibilidad de incorporar modelos de conducta o formas de mirar a otros con mayor empatía.

Ese efecto no se limita a una sola producción ni a un solo género. Historias que invitan a comprender experiencias ajenas también pueden ampliar la mirada del público y favorecer actitudes más abiertas frente a temas sociales o afectivos. Ese proceso depende tanto del contenido de la obra como de la disposición del espectador a dejarse interpelar por lo que ve.

Romance, deporte y aprendizaje social en la pantalla

GQ también se detuvo en ficciones románticas que suelen quedar relegadas dentro de la conversación cultural, pese a su capacidad para instalar discusiones relevantes. La observación coincide con una idea central de los estudios sobre recepción cultural: la experiencia audiovisual puede funcionar como un espacio de ensayo emocional y social.

El espectador observa conflictos, respuestas y consecuencias dentro de una historia y, a partir de allí, reorganiza parte de sus propias percepciones. Según GQ, incluso relatos considerados livianos pueden abrir preguntas sobre discriminación, cuidado, consentimiento o convivencia.

Ese posible aprendizaje no convierte a las series en herramientas terapéuticas en sentido estricto. Los estudios citados por PubMed marcaron que todavía hace falta más investigación experimental y longitudinal para medir con precisión el alcance de estos efectos.

Aun así, el cruce entre evidencia académica y observación cultural refuerza una hipótesis que gana espacio: la relación con la ficción puede tener un efecto real sobre la manera en que las personas procesan emociones, recuerdos y vínculos.

Durante muchos meses, quienes esperaban con ansias información sobre la nueva serie de HBO, Linternas (Lanterns), solo contaban con una imagen de la producción. Muchos se obsesionaron con el anillo verde que asomaba del dedo medio del actor Kyle Chandler. ¿Qué pistas podría revelar?

«Alguien hizo un vídeo de 20 minutos en YouTube haciendo zoom en este anillo», recordó Jeffrey Johnson, el encargado de utilería de la serie, el año pasado en un estudio de Warner Bros. en Burbank, California. Deslizó el anillo dentro de la linterna meticulosamente elaborada para la serie. «El nivel de detalle», añadió, «es fascinante».

Johnson sabía que el anillo sería un gran éxito. Y quienes participan en este ambicioso drama de Linterna Verde también esperan que así sea. Se trata del próximo gran proyecto de DC Studios, tras el éxito de la película de Superman de James Gunn, que recibió elogios generalizados el verano pasado, y el fracaso de Supergirl de Craig Gillespie este verano. Ahora, la presión recae sobre los creadores de «Linternas Verdes » , que se estrena el domingo, para que logren revertir la situación.

“Pienso en el HBO del domingo por la noche”, dijo el showrunner Chris Mundy (Ozark, True Detective: Night Country), quien creó Linternas junto con Damon Lindelof (Lost, The Leftovers) y el guionista de cómics Tom King. “Incluso escuchar todo eso cuando se enciende el letrero de HBO es un reto un tanto aterrador porque tiene que estar a la altura de ese pequeño crujido”.

Lo que el departamento de arte intentó hacer con el anillo —envolver un objeto que “puede desatar todo este poder” dentro de un paquete relativamente “común”, como lo describió el diseñador de producción John Paino— resume bastante bien lo que los creadores quieren lograr con la serie. Esa visión se hizo más clara durante dos días en el set en junio de 2025, cuando hablé con una docena de personas involucradas en la producción, y en conversaciones posteriores con miembros del elenco y el equipo.

Como lo expresaron los guionistas: Claro, es una serie sobre superhéroes intergalácticos. Pero querían que Linternas estuviera firmemente arraigada en la Tierra, más “táctil” y al estilo de True Detective, dijo Mundy, que la típica adaptación de cómics, más “suda y sucia” que “brillante y con pantalla verde”.

Es un enfoque que HBO ha utilizado con gran éxito en adaptaciones de DC Comics, como la reciente y cruda serie dramática con tintes de cine negro El Pingüino, que ganó nueve premios Emmy el año pasado, muchos de ellos en categorías de artes creativas como peluquería, prótesis y vestuario. La adaptación de " Watchmen " de Lindelof para HBO en 2019 también se basaba en el universo de DC Comics, pero se desarrollaba en un mundo que se sentía demasiado real. Esta también cosechó varios premios Emmy, ganando once en total.

“Nuestro objetivo principal al emprender este proyecto era tomar este canon que tiene todo tipo de cosas espectaculares, y mantener lo espectacular”, dijo Mundy más tarde en una videollamada, “pero también asegurarnos de que fuera algo con lo que el público pudiera identificarse”.

Los históricos estudios Warner Bros. fueron el centro de operaciones de Linternas. La tarde que los visité, más de 80 personas trabajaban arduamente en la producción. Entre tomas, los miembros del equipo se apresuraban a pasar cables por las puertas, ajustar las luces en la cocina y mover las cámaras sobre enormes plataformas rodantes. El agradable aroma del jazmín recién plantado impregnaba el aire.

A pesar de sus elementos de superhéroes, “Linternas Verdes” es, en esencia, una serie de policías compañeros: los compañeros (o, en este caso, compañeros de trabajo con una relación de amistad y rivalidad) resultan ser policías espaciales, conocidos como Linternas Verdes (hay varios), con poderes sobrenaturales derivados del anillo. (Sí, también hay una Linterna Verde real, que en realidad es una sofisticada estación de carga para el anillo).

Ambientada principalmente en dos líneas temporales —una en 2016 y la otra en 2026—, la serie sigue a un Linterna Verde veterano, Hal Jordan (interpretado por Kyle Chandler), y a un nuevo recluta, John Stewart (Aaron Pierre), uno de los primeros superhéroes negros de DC cuando fue presentado a principios de los años 70.

Cada línea temporal gira en torno a un misterio central, aunque Mundy argumentó que la relación entre Hal y John es lo que impulsa la serie.

Hal es descarado, arrogante e impulsivo. «Lo sabe todo y nunca se equivoca», dijo Chandler durante una entrevista en una de las oficinas de producción de Burbank. «Y no tiene ningún problema en decirles a los demás que él nunca se equivoca y que ellos siempre se equivocan. Así que es un personaje divertido, porque tiene la oportunidad de evolucionar».

John es, en cierto modo, lo opuesto a Hal: cumplidor, ambicioso y sereno. Exfrancotirador de la Infantería de Marina y arquitecto, John encarna dos cualidades aparentemente opuestas que coexisten en un mismo individuo, según Pierre.

Al comienzo de la serie, Hal y John investigan un asesinato en Rushville, Nebraska. Se supone que deben trabajar juntos, pero en realidad se estorban mutuamente.

King, el guionista de cómics y cocreador de la serie, reconoció que Chandler y Pierre encarnaron a la perfección la esencia de Hal y John en los cómics. (En un tráiler de vestuario, un panel de inspiración para Hal incluía una foto de Anthony Bourdain. Otro para John incluía a Mahershala Ali en True Detective). Sin embargo, los guionistas también buscaron llevar a estos personajes al límite, afirmó King.

Muchos detalles parecían estar orientados a mantener a Lanterns, una serie donde los personajes luchan contra alienígenas y pueden volar, lo más terrenal posible. El traje de Hal, por ejemplo, estaba en un rincón del camerino con un aspecto más curtido en batalla que de alta tecnología. “El estilo futurista de ciencia ficción era algo que definitivamente queríamos atenuar “, dijo Cynthia Ann Summers, la diseñadora de vestuario.

Según Johnson, el encargado de la utilería, hicieron falta 20 intentos antes de que todos se pusieran de acuerdo en el diseño de la linterna. Se ilumina en cuatro direcciones, pero también tiene un aspecto desgastado y envejecido.

“Ha existido durante generaciones”, dijo Johnson. “Ha viajado mucho”.

Esa sensación de hogar impregnaba también la escenografía. En el escenario 19, los diseñadores habían construido la casa de la familia Stewart, cuyo techo del patio estaba salpicado de polvo y mugre. Una gran caja de galletas con forma de pez reposaba sobre el refrigerador. En la pared colgaban fotos familiares y en las ventanas, cortinas florales que habían visto tiempos mejores.

La casa estaba ordenada —la señora Stewart, la madre de John, es muy pulcra, según comentó la directora de producción Amy Wells—, pero no demasiado. La señora Stewart tiene tres hijos.

—¿Tendría ella un sofá blanco? —preguntó Wells refiriéndose a la señora Stewart—. ¡Por supuesto que no!

“Lo más difícil de mi trabajo”, añadió Wells, “es lograr que sea real”.

Unos días después de visitar Burbank, conduje 64 kilómetros al noroeste hasta un pueblo llano y sin personalidad jurídica llamado Piru, donde se estaban filmando escenas ambientadas en Rushville. Cuando se eligió Piru como escenario para representar Nebraska, todos sabían que las imponentes montañas que lo rodeaban tendrían que eliminarse en la postproducción. Por lo demás, el lugar parecía perfecto.

Rushville —en la vida real, una ciudad de menos de 1000 habitantes— es el territorio del sheriff Kerry (Kelly Macdonald) en Linternas. Como Macdonald comentó durante una visita a una oficina de producción en los estudios de Warner Bros., esto significa que solo tres policías patrullan la pequeña ciudad, y “en ocasiones chocan entre sí”.

La sheriff Kerry “simplemente quiere que se vayan”, dijo refiriéndose a Hal y John. “Y cuanto más desea que se vayan, más se da cuenta Hal Jordan de que hay algo por lo que quedarse”.

Durante algunos meses, la calle principal de Piru se convirtió en el centro de Rushville. (El padre de King es de Rushville, y Mundy, el creador de la serie, es de Nebraska). Si hubieras golpeado la fachada de ladrillo de la oficina del sheriff Kerry en el condado de Sheridan, habrías descubierto que estaba hueca. Pero si hubieras golpeado la pared de Rush Valley Coffee, a pocos pasos de distancia, te habrías lastimado la mano. Se trata de un negocio real llamado Corazón de Piru que se utilizaba como departamento de vestuario.

El día de mi visita, el elenco y el equipo de producción estaban filmando una escena dentro de un restaurante que habían construido y que sirve de escenario para varias reuniones importantes durante la serie. El local, situado a la orilla de la carretera, se anunciaba con letras mayúsculas naranjas que formaban la palabra “CAFÉ”. Mientras los miembros del equipo preparaban las luces en el interior, los estilistas culinarios en la parte de atrás daban los últimos retoques a unos panqueques de arándanos a medio comer.

Aunque forma parte del universo DC, “Linternas Verdes” es una historia independiente, explicó Mundy. Además, fue concebida como una serie de varias temporadas; al fin y al cabo, los Linternas Verdes pueden verse involucrados en todo tipo de trabajos en todo tipo de lugares.

“Estamos intentando que John Stewart se consolide dentro de nuestra propia serie, pero una vez que lo consiga, podrá desenvolverse en el resto del universo de DC”, dijo Mundy.

A medida que se desarrolla el misterio de 2026, otro Linterna Verde, Guy Gardner, hará un cameo, ofreciendo un pequeño vínculo con la película de Superman. Pero, como añadió Mundy, «no recibimos instrucciones para que encajara con ninguna otra serie o película».

Eso les dio a los creadores mucha libertad en comparación con otras franquicias, donde los guionistas pueden verse limitados por una mitología exasperantemente compleja. Pero esa libertad conlleva presión, como lo demuestra la enorme atención que los fans prestaron a esa primera imagen del anillo.

King insinuó un giro argumental importante y una ruptura con el canon, ambos potencialmente controvertidos. Lindelof reconoció tener “un verdadero temor a estropearlo ” , enfatizando que “lo que más me importa” es que los fans puedan “sentir cuánto nos importan Hal y John”.

Pero, como también señaló Lindelof, Linternas es una serie con dos protagonistas obsesionados con la idea de que se puede erradicar el miedo. Nadie querrá ver una versión “cobarde” de la serie, dijo; esta historia —al menos su versión— tiene que incluir el riesgo.

“Si no lo hace”, añadió Lindelof, “se va a ir al traste”.

Fuente: The New York Times

Christopher Judge cuestionó a Amazon durante un panel de Fan Expo por no incorporar a los guionistas de los videojuegos en la adaptación con actores reales de God of War. El actor, responsable de interpretar a Kratos en los títulos recientes, aclaró después que su reclamo busca defender el trabajo de los desarrolladores y autores originales, mientras la serie de Prime Video apunta a estrenarse en 2027.

El reclamo de Christopher Judge

Judge interpretó a Kratos en el juego de 2018 y en su secuela de 2022, God of War: Ragnarök. Durante su intervención, sostuvo que las adaptaciones suelen dejar fuera a las personas que conocen mejor las franquicias, incluso cuando intentan reproducir de cerca las historias, escenas y diálogos de los títulos originales.

Según su relato, Amazon no contrató a ninguno de los guionistas de los juegos cuando aprobó y anunció la serie. Judge remarcó que esos profesionales llevan cerca de veinte años trabajando con la saga y cuestionó que sean reemplazados por equipos sin esa experiencia previa. “¿En qué están pensando?”, preguntó durante el panel.

La declaración generó una discusión en redes sociales sobre si el actor estaba reclamando una oportunidad para volver a interpretar a Kratos. Judge respondió en X/Twitter y explicó que su mensaje estaba dirigido principalmente a quienes escriben y desarrollan videojuegos.

“Me refería más bien a nuestros guionistas y desarrolladores. De verdad quiero que reciban el cariño y el respeto que se merecen. Eso es lo que deseo para todos los guionistas y desarrolladores de los juegos que nos encantan”, escribió. También aclaró que no buscaba atacar a los autores de cine y televisión y recordó que trabajó con guionistas a los que considera entre los mejores durante Stargate.

La comparación con The Last of Us

Judge utilizó la adaptación de The Last of Us como ejemplo para explicar su postura. El actor se preguntó si el reparto elegido por HBO era necesariamente mejor que el de los videojuegos, especialmente en episodios que reproducían secuencias de manera muy cercana al material original.

Su argumento se apoyó en un video de las sesiones de captura de movimientos del juego. Esta técnica registra los movimientos y gestos de los intérpretes para trasladarlos a personajes digitales. Judge describió el trabajo que vio como “una auténtica barbaridad” y cuestionó por qué una producción prescindiría de esos actores y guionistas cuando busca una adaptación casi plano por plano.

“No tengo ni idea de por qué no tomas directamente a ese reparto, a esos guionistas, sobre todo cuando vas a hacer episodios que son prácticamente una reproducción plano por plano del videojuego”, señaló. Su crítica, según aclaró después, se dirige al criterio de las adaptaciones y al reconocimiento profesional de los equipos originales, no a la capacidad de quienes trabajan en televisión o cine.

Los cambios en la serie de Amazon

La producción de God of War ya atravesó varios contratiempos. Su primera imagen mostraba a Kratos y Atreus cazando en un bosque y recibió numerosas críticas en redes sociales. Más tarde, una lesión de Ryan Hurst, elegido para interpretar al protagonista, llevó a Sony y Amazon a buscar un reemplazo y, según los reportes citados, a regrabar las escenas que ya había filmado.

Judge reconoció que probablemente es demasiado mayor para encarnar ahora a Kratos en una serie con actores reales. También expresó su deseo de que Amazon encuentre a una persona tan dedicada y “genial” como Hurst, un comentario que separa su reclamo sobre los equipos creativos de cualquier crítica personal contra el actor apartado.

Las fuentes disponibles no identifican al nuevo intérprete de Kratos ni precisan cuándo se retomarán las grabaciones. Amazon y Sony continúan trabajando en la adaptación, cuya previsión de estreno se mantiene para 2027 en Prime Video.

Una guerra fuera y dentro de la familia

La nueva temporada retomará la historia después de una primera entrega presentada como exitosa por Paramount+. Los Harrigan intentarán proyectar una imagen de unidad, aunque su estructura criminal se encuentra fracturada y varios rivales avanzan sobre su territorio.

El conflicto tendrá dos frentes. Desde el exterior, otras organizaciones buscarán aprovechar la debilidad de la familia para disputar sus negocios y su poder. Dentro del grupo, algunos de sus miembros consideran necesario cambiar el liderazgo y están dispuestos a colaborar con la competencia para desplazar a los jefes de mayor edad.

El patriarca y la matriarca, interpretados por Pierce Brosnan y Helen Mirren, quedarán en el centro de esa rebelión. El tráiler anticipa que el peligro no procederá únicamente de enemigos identificables: las decisiones tomadas por integrantes clave del clan también amenazarán la continuidad del liderazgo.

La violencia atravesará todos los niveles de la historia. Según la sinopsis difundida, las lealtades comenzarán a romperse, cualquier sensación de seguridad será temporal y la pelea por el control dejará cada vez menos margen para negociar. El principal interrogante será cuánto tiempo podrán sostener los Harrigan una fachada de unidad cuando algunos familiares ya están trabajando contra sus propios jefes.

Harry Da Souza intenta contener el conflicto

Harry Da Souza volverá a ocupar una posición decisiva. El personaje de Hardy funciona como mediador: una figura encargada de resolver disputas, negociar con aliados y enemigos, y recurrir a la fuerza cuando los acuerdos dejan de ser una opción. Su tarea será evitar que las tensiones internas terminen de destruir a la familia.

El avance lo muestra tratando de mantener el negocio en funcionamiento y proteger a sus integrantes mientras las alianzas cambian. Su problema es que cualquier decisión puede favorecer a una facción y convertir a otra en enemiga. La cercanía de Harry con los líderes tampoco garantiza su seguridad cuando parte del clan intenta quitarles el control.

La crisis tendrá consecuencias sobre su vida personal. La información adelantada sobre la temporada señala que el esfuerzo por mantener a todos con vida exigirá un precio para Harry, aunque el tráiler no revela hasta dónde llegarán esas repercusiones. Esa presión agrega otro conflicto al enfrentamiento criminal: el mediador deberá decidir cuánto está dispuesto a perder para impedir el derrumbe de los Harrigan.

La temporada también profundizará la tensión entre el deber de Harry y sus propios límites. Mientras los líderes buscan conservar su posición y los rivales avanzan, él será quien deba moverse entre los distintos bandos sin perder la confianza de quienes todavía dependen de sus servicios.

El reparto y la fecha de estreno

Junto con Hardy, Brosnan y Mirren, la segunda temporada contará con el regreso de Paddy Considine, Joanne Froggatt, Lara Pulver, Anson Boon, Mandeep Dhillon, Jasmine Jobson, Teddie Allen, Emmett J. Scanlan, Johnny Flynn, Ophelia Lovibond, Janet McTeer y Toby Jones.

El tráiler completo llega después de un primer teaser difundido aproximadamente un mes antes. Aquel adelanto ya mostraba a los Harrigan entrando en guerra, pero el nuevo material precisa el alcance de la amenaza: el control será disputado por organizaciones rivales y por integrantes de la propia familia.

La serie apunta a los seguidores de los dramas criminales británicos asociados al estilo de Guy Ritchie, centrados en familias mafiosas, disputas territoriales, negociadores y alianzas inestables. En el calendario del género tendrá una competencia cercana: The Gentlemen regresará a Netflix con su segunda temporada el 3 de septiembre, unas dos semanas antes que Tierra De Mafia.

La plataforma presentó en las últimas horas el póster oficial, el primer adelanto y varios detalles de una entrega que promete convertirse en uno de los eventos televisivos de la temporada. Esta vez, la apuesta de Ryan Murphy y Brad Falchuk parece clara: reunir a varias de las figuras más queridas —y también más temidas— del universo de American Horror Story en una historia común.

La temporada 13 tendrá 13 episodios de media hora y su cierre ya tiene fecha marcada en el calendario: el capítulo final se estrenará el 30 de octubre, en la antesala de Halloween. Después del lanzamiento inicial de tres episodios, los nuevos capítulos llegarán cada viernes a la plataforma.

Entre las grandes novedades aparece el regreso de personajes que dejaron huella en distintas etapas de la antología. Ya se confirmó la vuelta de Constance Langdon, Cordelia Goode, Madison Montgomery, Marie Laveau, Rubber Man, Twisty The Clown y Kai Anderson, en una combinación que alimenta la idea de una temporada construida como un gran crossover interno para los seguidores de la saga.

El elenco también juega un papel central en la expectativa. La nueva entrega estará protagonizada por Sarah Paulson, Evan Peters, Angela Bassett, Kathy Bates, Emma Roberts, Billie Lourd, Gabourey Sidibe, Leslie Grossman, Joey Pollari y Jessica Lange, cuyo regreso ya aparece como uno de los grandes atractivos para los fans históricos de la serie. A ellos se suman Avantika, Jamie Brewer, Elle Chapman, Berto Colon, Alex Consani, Frances Conroy, Mat Fraser, Seth Gabel, Orlando Jones, Paul Anthony Kelly, John Carroll Lynch, Tig Notaro, Madelaine Petsch, Fedor Steer, Mena Suvari, Zach Villa y John Waters, entre otros.

El primer adelanto dejó en claro cuál será el tono de esta nueva etapa. Lejos de presentar una historia completamente nueva y aislada, el teaser recorre figuras emblemáticas de temporadas anteriores y sugiere una especie de reunión de “grandes éxitos” del universo AHS. Esa lectura no parece casual: la nueva entrega apunta de forma directa al vínculo emocional que la serie construyó con su audiencia desde 2011.

A lo largo de sus doce temporadas anteriores, American Horror Story se consolidó como una de las franquicias más reconocibles del terror televisivo. La serie acumula más de 100 nominaciones a los premios Emmy y superó las 700 millones de horas de reproducción en todo el mundo, según los datos difundidos por la compañía. En ese recorrido, la antología pasó por casas embrujadas, aquelarres, hoteles, circos de fenómenos y escenarios apocalípticos, siempre con el sello estético y narrativo de Murphy y Falchuk.

La temporada 13 buscará ahora jugar con su propio legado. El número elegido para esta nueva entrega no solo funciona como guiño al imaginario del terror, también sirve como marco para una historia que pondrá en primer plano a viejos villanos, personajes clásicos y cruces largamente esperados por el público.

Además de Murphy y Falchuk, la serie cuenta con Ned Martel y Charlie Carver como productores ejecutivos, junto a Eric Kovtun, Nissa Diederich, Scott Robertson, Tanase Popa, Crystle Roberson Dorsey, Jennifer Salt y Tim Minear. La producción está a cargo de 20th Television.

Mientras tanto, todas las temporadas anteriores de American Horror Story ya están disponibles en Disney+, en la previa de un estreno que buscará convertir septiembre en una nueva cita obligada para los amantes del género.

Una investigación conectada con el pasado

La historia sigue a Frances Neagley, investigadora privada radicada en Chicago y antigua integrante de la Unidad 110 de Investigaciones Especiales del Ejército. El personaje fue discípulo y compañero de Jack Reacher, interpretado por Alan Ritchson, durante su etapa militar.

El caso central comienza cuando Neagley se entera de que una persona cercana de su pasado murió en un accidente sospechoso. Las sinopsis difundidas presentan una diferencia: una describe a la víctima como un querido amigo y otra como una querida amiga. Ambas coinciden en que esa muerte lleva a la investigadora a buscar justicia y descubrir las circunstancias reales del hecho.

Para avanzar, Neagley recurrirá a las habilidades adquiridas en la Unidad 110 y a las enseñanzas de Reacher. La investigación la conducirá hacia un complot peligroso y una amenaza con recursos suficientes para intentar detenerla. La premisa mantiene así el vínculo con la serie original, pero traslada el centro de la acción a una protagonista con sus propios métodos, relaciones y antecedentes.

Ritchson tendrá una colaboración especial en la primera temporada. Las fuentes no detallan cuántos episodios incluirán al actor ni el alcance de la participación de Jack Reacher dentro del conflicto principal.

El reparto y los responsables de Neagley

Junto a Maria Sten aparecerá Greyston Holt como el detective Hudson Riley. El reparto también incluye a Adeline Rudolph como Renee Birdwhistle, Jasper Jones como Keno, Matthew Del Negro como Pierce Woodrow y Damon Herriman como Lawrence Cole.

La serie fue creada por Nicholas Wootton, guionista y productor con créditos en Golden Boy y The Endgame. El proyecto cuenta con el respaldo de Nick Santora, vinculado con Prison Break y responsable de la adaptación televisiva de Reacher.

Neagley está basada en el personaje creado por Lee Child para sus novelas. La producción corre a cargo de Paramount Television Studios y Amazon MGM Studios. Wootton, Santora y Child figuran como productores ejecutivos junto con Don Granger, Sam Hill, Adam Higgs y Lisa Kussner.

La elección de Neagley como protagonista de la primera serie derivada parte de su relación previa con Reacher y de su presencia dentro de la adaptación. Aunque comparte entrenamiento y experiencia militar con él, su trabajo actual como investigadora privada permite desarrollar casos fuera del recorrido habitual del protagonista interpretado por Ritchson.

Un estreno completo ligado a Reacher

Prime Video publicará los ocho capítulos de la primera temporada el 16 de septiembre. El lanzamiento completo permitirá ver la investigación sin una emisión semanal, según el calendario informado para la serie.

La fecha conecta directamente ambas producciones. Ese mismo día llegará a la plataforma el último episodio de la cuarta temporada de Reacher, por lo que el cierre de una entrega de la serie principal coincidirá con la presentación completa de su primer spin-off.

El tráiler oficial funciona como la primera presentación amplia del conflicto encabezado por Neagley, después de sus apariciones junto a Reacher. El adelanto confirma el enfoque policial y de acción de la serie, además del objetivo personal que impulsa a la protagonista: determinar quién estuvo detrás del accidente y obtener justicia.

Prime Video todavía no informó si Neagley tendrá una segunda temporada. Por ahora, la primera entrega estará compuesta por ocho episodios y llegará completa el 16 de septiembre, junto con el final de la cuarta temporada de Reacher.

El regreso de Leanne a Netflix

Leanne debutó en julio de 2025 y actualmente cuenta con 16 episodios disponibles en Netflix. La respuesta del público llevó al servicio de streaming a aprobar una segunda temporada, cuyo lanzamiento quedó programado para poco más de un año después del estreno original.

La producción también recibió comentarios favorables de la crítica. Algunos medios llegaron a describirla como una de las comedias más divertidas de la actualidad, aunque esas valoraciones no representan un consenso general. Su presencia entre los títulos más vistos en varias regiones fue el dato decisivo para garantizar su continuidad.

La serie representa el regreso de Lorre a una sitcom tradicional. El término sitcom es una abreviatura de comedia de situación: episodios centrados en un grupo estable de personajes, escenarios recurrentes y conflictos cotidianos resueltos mediante diálogos y gags.

Este formato está ligado a buena parte de la carrera del productor, conocido por títulos como The Big Bang Theory y Dos hombres y medio. En Leanne recupera una puesta en escena sencilla, interpretaciones cercanas al teatro y risas del público como acompañamiento de los remates cómicos, elementos habituales en las comedias televisivas de los años noventa.

Una protagonista obligada a comenzar de nuevo

La historia sigue a Leanne Murphy, una mujer sureña cuya vida cambia cuando su esposo la abandona por otra mujer después de 33 años de matrimonio. Con su rutina familiar quebrada, la protagonista intenta reconstruir su vida desde cero.

Leanne recibe el apoyo de una familia cariñosa, pero directa y sin filtros. Esa dinámica sirve como motor de los conflictos y del humor: los personajes que la acompañan están dispuestos a ayudarla, aunque sus consejos y comentarios suelen llegar con una sinceridad incómoda.

Morgan encabeza el reparto y comparte protagonismo con Kristen Johnston. La elección conecta la ficción con la identidad cómica de Morgan, quien también participa en la creación de la serie junto con Lorre y McMartin.

El punto de partida combina una separación traumática con problemas familiares cotidianos. En lugar de abandonar la estructura clásica de la sitcom, la producción utiliza esa fórmula para seguir el proceso de adaptación de una mujer adulta que debe reorganizar sus vínculos, sus planes y su vida personal.

El desafío de la segunda temporada

La nueva entrega llegará después de una primera temporada impulsada por el factor sorpresa y por el reconocimiento previo de Lorre. La incógnita será si los próximos episodios logran mantener a la audiencia que descubrió la serie durante su debut, ahora que la premisa y el tono ya son conocidos.

El regreso también coincide con una etapa de actividad para el creador. Mientras Leanne mantiene el estilo tradicional de sus comedias, Lorre presentó en HBO Max una propuesta diferente vinculada con The Big Bang Theory: Stuart no consigue salvar el universo.

Netflix todavía no detalló la cantidad de capítulos de la segunda temporada ni adelantó sus nuevas líneas argumentales. Por ahora, la información confirmada es que Leanne Morgan volverá a encabezar la comedia y que todos los nuevos episodios llegarán al catálogo de Netflix el 27 de agosto de 2026.

El crimen que convirtió a Lizzie Borden en una figura popular

La nueva temporada reconstruye el caso ocurrido en 1892 y dirige la atención hacia el juicio, las relaciones dentro de la familia Borden y las condiciones sociales que rodearon la absolución. Lizzie fue declarada inocente por falta de pruebas concluyentes, pese a las sospechas que pesaban sobre ella. Los homicidios permanecieron legalmente sin resolver.

Según Brennan, la serie examinará cómo los prejuicios de la época influyeron en la percepción de la acusada. La idea de que una mujer de clase alta no podía ejercer semejante violencia física habría condicionado la forma en que parte de la sociedad y el sistema judicial evaluaron el caso. La temporada será la primera de Monster centrada en una mujer, después de las entregas dedicadas a Jeffrey Dahmer, Lyle y Erik Menendez y Ed Gein.

El adelanto, de aproximadamente un minuto, recrea una casa marcada por la tensión y muestra a Lizzie encontrando un hacha. Una voz recita la conocida rima infantil que atribuyó a Borden 40 golpes contra su madrastra y 41 contra su padre. Esos versos ayudaron a convertir el crimen en parte de la cultura popular estadounidense, aunque su contenido no constituye un relato preciso de los hechos probados durante el juicio.

La sinopsis oficial presenta a Lizzie como la hija reprimida de una familia adinerada de Nueva Inglaterra. Ella y una criada rebelde quedan atrapadas en una casa atravesada por la humillación y la crueldad, mientras imaginan vías de escape relacionadas con el sexo, el poder y la venganza. Esa descripción anticipa que la serie combinará la reconstrucción criminal con una interpretación dramatizada de la psicología de sus personajes.

Beatty explicó que el proyecto le permitió investigar la mente de una persona compleja y revisar un crimen estadounidense que adquirió proporciones casi míticas. La actriz también señaló que la temporada trabajará sobre la ira y la represión femeninas, dos ejes que siguen presentes en las discusiones actuales alrededor de Borden.

Ella Beatty encabeza un reparto con Rebecca Hall y Charlie Hunnam

Beatty ya había trabajado con Murphy en cuatro episodios de Feud: Capote vs. the Swans. La actriz, hija de Annette Bening y Warren Beatty, tendrá ahora su primer papel principal dentro de Monster.

Charlie Hunnam interpreta a Andrew Borden, el padre de Lizzie, mientras que Rebecca Hall encarna a Abby Borden, su madrastra. Billie Lourd será Emma Borden, la hermana mayor de la protagonista, y Vicky Krieps asumirá el papel de Bridget Sullivan, la criada que vivía en la residencia familiar.

El elenco se completa con Jessica Barden como Nance O’Neil, actriz y amiga de Lizzie; Oliver Spenceman como Stephen; y Joey Pollari en un personaje que todavía no fue revelado. La presencia más inesperada será la de Sarah Paulson como Aileen Wuornos, asesina serial activa durante el siglo XX.

Wuornos nació décadas después del caso Borden, por lo que su inclusión indica que la narración podría desplazarse entre distintas épocas. La temporada anterior, Monstruo: La historia de Ed Gein, ya utilizó una estructura con varias líneas temporales. Netflix todavía no explicó de qué manera se conectará Aileen Wuornos con la historia principal ni cuánto espacio ocupará dentro de los ocho capítulos.

Fecha de estreno, responsables y antecedentes en los Emmy

Brennan escribió la temporada y comparte las tareas de producción con Murphy. Max Winkler y Sarah Adina Smith están a cargo de la dirección. Entre los productores ejecutivos también figuran Eric Kovtun, Scott Robertson, Louise Shore, Nissa Diederich, Todd Kubrak, Carl Franklin y Tanase Popa.

Las tres temporadas anteriores tuvieron una presencia sostenida en los premios Emmy. Dahmer – Monster: The Jeffrey Dahmer Story recibió 13 nominaciones y obtuvo el premio para la actriz de reparto Niecy Nash-Betts. Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story consiguió 11 candidaturas y ganó en edición de imagen, mientras que la entrega sobre Ed Gein sumó siete nominaciones cuyos resultados siguen pendientes.

Lizzie Borden ya generó reconocimientos para otras actrices. Christina Ricci fue nominada en los premios del Sindicato de Actores por The Lizzie Borden Chronicles, estrenada en 2015. Elizabeth Montgomery recibió una candidatura al Emmy por la película televisiva The Legend of Lizzie Borden, emitida en 1975.

Monster mantendrá con esta entrega su habitual ventana de lanzamiento entre septiembre y octubre. La temporada de Dahmer debutó el 21 de septiembre, la de los hermanos Menendez el 19 de septiembre y la de Ed Gein el 3 de octubre. Los ocho episodios de Monster: The Lizzie Borden Story estarán disponibles en Netflix desde el 17 de septiembre.

El trayectoria de Kurt Russell es el que cualquier actor de Hollywood querría tener cuando da sus primeros pasos. La cosa (El enigma de otro mundo), Stargate, puerta a las estrellas, Death Proof, Los odiosos ocho... Son muchos los grandes éxitos en los que este intérprete ha participado, consolidando la fama que ya había adquirido de niño cuando se convirtió en una estrella juvenil de las películas de Disney. Al igual que su padre, combinó la actuación con el deporte profesional (ambos fueron jugadores de béisbol en las Ligas Menores), aunque quizá nunca imaginó que su hijo, Wyatt Russell, seguiría un camino muy parecido.

La carrera de Wyatt Russell empezó también con breves cameos cuando era niño. Apareció de forma no acreditada en la comedia Overboard (1987), con solo un año, y más tarde tuvo breves participaciones en las películas de su padre, como Escape from L.A. (1996) y Soldier (1998). Por aquel entonces, ya conocía de cerca el mundo del cine: cuando apenas tenía siete años, acompañó a su progenitor al rodaje de la producción en la que trabajaba entonces, Tombstone: La leyenda de Wyatt Earp.

“Volvíamos a casa de ese set increíble y mágico y me tiraba en el sofá y mi padre pensaba que estaría dormido, pero estaba viendo, hasta las tres de la mañana, cómo fumaba cigarrillos y escribía las cosas que tenía que hacer el día siguiente”, ha contado recientemente el hijo de la estrella de Hollywood en una entrevista con Sirius XM. “Existía un equilibrio entre: ‘Esto es muy divertido, esto es genial’. Y, por otro lado: ‘Esto también es difícil y no duermes’”.

La serie en la que interpretan al mismo personaje

A pesar de esa fascinación y de esos papeles, lo cierto es que Wyatt Russell también intentó dedicarse al deporte. Dedicó toda su juventud al hockey sobre hielo de alto nivel, desempeñándose como guardameta en ligas juveniles de EE. UU. y Canadá, y posteriormente en equipos profesionales de Alemania y Países Bajos. Sin embargo, en 2010 (a los 24 años) sufrió una serie de lesiones graves en la cadera que lo obligaron a retirarse de forma definitiva del deporte.

Poco antes, un amigo director (John Stalberg Jr.) le había llamado porque necesitaba un sustituto de último momento para un pequeño papel en la película independiente High School. Russell aceptó ayudarlo, y la película se presentó en el Festival de Cine de Sundance, donde captó la atención de un agente que lo animó a actuar profesionalmente. A partir de ahí, fue consiguiendo papeles pequeños en títulos como Cowboys & Aliens, Si fuera fácil o Infiltrados en la universidad. Su madre, la también actriz Goldie Hawn, y su padre le aconsejaron: “Sé puntual, no seas un capullo y recuerda tus frases”.

El proyecto más especial en el que ha trabajado hasta la fecha es su última serie: Monarch: El legado de los monstruos, serie que este año ha estrenado su segunda temporada. En ella, él y Kurt Russell dan vida al mismo personaje en diferentes épocas. Una dinámica que les ha obligado a coordinar enfoques y a descubrirse mutuamente, no como familia, sino como compañeros de trabajo. “Fue fascinante porque es mi hijo, lo conozco de toda la vida y él me conoce de toda la vida y yo soy actor... Ahora, de repente, estaba viendo cómo se construía ese personaje, del que yo sería la otra mitad muchos años después”, concluía el padre.

Nicholas Hoult interpretará a Gilderoy Lockhart en la segunda temporada de Harry Potter, la adaptación televisiva que prepara HBO para HBO Max. La incorporación fue confirmada por Entertainment Weekly antes del estreno de la primera entrega, previsto para Navidad de este año. Los nuevos episodios adaptarán Harry Potter y la cámara secreta, comenzarán a rodarse durante los próximos meses y apuntan a estrenarse hacia fines de 2027.

Quién es Gilderoy Lockhart

Creado por J.K. Rowling, Lockhart aparece en el segundo libro como un mago famoso por sus relatos sobre encuentros con criaturas oscuras y supuestas hazañas extraordinarias. Su exposición pública, sus libros y su cuidada imagen le permiten construir una reputación que contrasta con sus verdaderas capacidades.

Albus Dumbledore lo contrata como nuevo profesor de Defensa Contra las Artes Oscuras en Hogwarts durante el segundo curso de Harry. Su paso por la escuela resulta central para la trama: las aventuras que presenta como propias fueron realizadas por otros magos, a quienes les borró los recuerdos para apropiarse de sus historias.

El personaje también es conocido por su vanidad y su búsqueda permanente de reconocimiento. Dentro de la saga ganó cinco veces el premio a la sonrisa más encantadora de la revista Corazón de Bruja, un detalle que ayuda a sostener su imagen de celebridad. Su especialidad son los hechizos desmemorizantes, encantamientos utilizados para alterar o eliminar recuerdos.

En el cine, Lockhart fue interpretado por Kenneth Branagh en la película Harry Potter y la cámara secreta, estrenada como la segunda adaptación de la saga. Hoult será ahora el encargado de construir una nueva versión del profesor para el formato televisivo.

Una segunda temporada aprobada antes del estreno

HBO aprobó la continuación en mayo, cuando el público todavía no había visto la primera temporada. Esa entrega inicial adaptará Harry Potter y la piedra filosofal y presentará a Dominic McLaughlin como Harry, Alastair Stout como Ron Weasley y Arabella Stanton como Hermione Granger.

El reparto adulto incluye a Nick Frost como Hagrid, John Lithgow como Dumbledore, Paapa Essiedu como Severus Snape y Janet McTeer como Minerva McGonagall. Hoult compartirá elenco con ellos cuando la historia avance hacia el segundo año de Harry en la escuela de magia.

La producción mantendrá a Francesca Gardiner como showrunner, la persona responsable de coordinar las decisiones creativas y narrativas de una serie. Jon Brown, guionista de la primera temporada, se incorporará como co-showrunner para la segunda tanda de episodios.

El calendario anticipado marca una diferencia frente al lanzamiento habitual de una serie: la adaptación ya tiene continuidad asegurada antes de su debut. Según los reportes publicados, el rodaje de la segunda temporada comenzará en primavera y su emisión está prevista para fines de 2027. La primera llegará en Navidad de este año tanto por HBO como por HBO Max.

El rumor de Voldemort y los próximos proyectos de Hoult

La confirmación despeja las versiones que vinculaban a Hoult con Lord Voldemort. La especulación había crecido en redes sociales y foros después de una filtración sin verificar, atribuida a una fuente con antecedentes irregulares sobre proyectos relacionados con Harry Potter.

El reparto del principal antagonista todavía no fue anunciado. Entre los nombres mencionados en rumores aparecen Tilda Swinton, Cillian Murphy y Paul Bettany, aunque esas posibilidades no cuentan con confirmación oficial. El papel asignado a Hoult descarta, al menos en su caso, la hipótesis más difundida durante los días previos al anuncio.

El actor llega a la producción después de interpretar a Lex Luthor en Superman, dirigida por James Gunn y producida por Warner Bros.. También está previsto que retome ese personaje en Man of Tomorrow. Su carrera televisiva incluye Skins y The Great, serie por la que obtuvo nominaciones a los premios Emmy y Globo de Oro.

Entre sus trabajos recientes figuran The Order, The Menu, Juror #2 y Nosferatu. Antes de su llegada a la segunda temporada de Harry Potter, Hoult tiene programado el estreno de Cómo robar un banco, una producción de Amazon MGM Studios prevista para noviembre.

Para celebrar la llegada de los nuevos capítulos, Demetrio Bonilla, quién interpreta Erick, contó a Infobae México todos los detalles de su personaje y su experiencia formando parte del fenómeno televisivo.

Demetrio Bonilla: “No teníamos claro el nivel con el que iba a conectar con la gente”

El actor describe el estreno de la primera temporada como una sorpresa que nadie en el equipo anticipó:

“Fue una sorpresa, una muy grata sorpresa. Cuando yo la grababa le tenía fe, sobre todo porque me divertía mucho, y trabajar con ese nivel de directores y de elenco era maravilloso, pero nunca llegué a pensar que iba a tener ese recibimiento. Creo que nadie, ni los actores, ni los creativos, ni Amazon, tenía claro el nivel en el que iba a conectar con la gente. Fue maravilloso. De repente tener el miedo de que se quedara enlatada la serie, no saber cómo le iba a ir, y de repente ver esos comentarios, como lo que tú dices, gente que conectó de esa manera, mensajes... Ver que tuvo un recibimiento muy querido y que se volvió parte de las series de México. Creo que fue algo muy lindo”.

Sobre su personaje, Demetrio Bonilla cuenta que la conexión fue inmediata y que el tono de la segunda temporada le gusta más, especialmente por el nivel de humor:

“Erick es un personaje con el que me divertí mucho y conecté de manera muy inmediata. Estoy de acuerdo contigo, creo que esta segunda temporada tiene un tono que me gusta más, creo que se suelta más en el humor y se entrega un poquito más a muchas cosas que me divierten mucho. Trabajar con Erick fue muy divertido. Agradezco mucho que Kishi me haya dejado improvisar tanto, porque es un director con el que me sentía en confianza de proponer, de meter chistes, y él me decía: ‘Esto sí, esto no’. Fue maravilloso”.

La convivencia en el set es otro de los factores que el actor destaca. Lo que comenzó como trabajo con desconocidos se convirtió en una relación de amistad:

“Sí, nos llevamos increíble. Era un regalo ir a trabajar con amigos. La primera temporada fue trabajar con gente muy chida y gente que me cae muy bien, pero no nos acabamos de conocer en la primera. Ya en la segunda, básicamente todo el elenco es gente muy importante en mi vida, gente que veo muy seguido, independientemente de estar grabando. A Macarena, Virgilio, a Regina, Nico, a Asbel, a todos los veo muy seguido. Es un regalo de la vida poder trabajar en algo tan hermoso con gente tan hermosa. Es muy divertido, es mucho desmadre, pero profesional. A veces se desesperaban un poquito del cotorreo, pero es divertidísimo. La química creo que se ve y es parte del éxito de la serie, que se nota que nos llevamos bien, que nos queremos, que trabajamos bien juntos”.

La serie catapultó la carrera de Demetrio Bonilla y también lo cambió emocionalmente

Nadie nos va a extrañar fue uno de los primeros proyectos de Demetrio. El impacto que tuvo en su vida va más allá de lo profesional:

“Creo que evidentemente cambió mi vida como actor, de manera profesional. Fue uno de los primeros proyectos que hice, lo que empezó verdaderamente mi carrera, como que la catapultó un poquito. Y como espectador también. Siempre es difícil ver cosas en las que sales, no las puedes disfrutar al cien por ciento porque de repente ves tu jeta ahí y dices: ‘Lo hubiera hecho así’ o ‘ah, no sé qué’. Ya estás viéndote a ti y encontrándote los filos. Pero esta serie sí la disfruté mucho. Generalmente no disfruto de ver lo que hago, por eso que te digo, pero esta, Nadie nos va a extrañar, pues sí, independientemente de que participé en ella, me parece una serie muy divertida de ver, muy linda y que me emocionó muchísimo”.

Con apenas días de haberse estrenado la segunda temporada, Demetrio Bonilla dice que las primeras reacciones del público van bien.

“He visto poquitas cosas. Llevamos poco de haber nacido esta segunda temporada, pero hasta ahorita no he visto cosas malas. Creo que la gente la está recibiendo muy chido. Yo la disfruté mucho, entonces espero que la gente también la disfrute. Creo que nos va a ir muy bien”.

El guion de la segunda temporada de “Nadie nos va a extrañar”

A nivel de escritura, la segunda temporada parte de un punto de partida más complejo que la primera. Demetrio lo explica:

“Sí. La primera temporada a nivel guion es otra cosa, evidentemente por lo que pasa al final con Memo. Entonces, claro que es un reto muy grande para todos los departamentos. Esta segunda temporada fue un reto muy grande que creo que se sorteó de la mejor manera posible. Cuando me llegaron los guiones me pareció que sí era importante seguir contando esta historia, ver el duelo de Memo, el duelo de acabar la prepa, el duelo de toda la situación política de México en ese momento. Y esto que dices, que siento que nos soltamos más. También creo que Amazon nos dio un poquito más de permiso de soltarnos. El tono me parece que creció muchísimo más. En términos tonales, esta segunda temporada me parece que ha crecido mucho. Toda esta escena de la persecución, que es como de película de detectives, a mí me fascina. Es algo que hace mucho Kishi: de repente mete escenas de homenajes a un género o a películas más concisas. A mí me fascina eso, me divierte mucho. Creo que se hace poco en las series de México, permitirse salirse de la caja, dejar de contar la misma historia de la misma manera y de repente decir: ‘¿Y si meto acá esta escena como de detectives o de repente meto un musical?’. A mí eso me encanta, me parece maravilloso, me parece divertidísimo el cinismo, eso me gusta”.

Nadie nos va a extrañar: Una serie de los 90 que la generación Z hizo suya

Uno de los datos que más llaman la atención del fenómeno es que Nadie nos va a extrañar, ambientada en los años 90, conectó con audiencias que no vivieron esa década. Sobre esto, Demetrio opina:

“Creo que eso es otro de los factores que hizo que esta serie tuviera tanto éxito: es una serie muy amplia en respecto a edades. Que empiece a conectar con generaciones muy nuevas, con millennials, con todas esas generaciones de por medio que ya no me acuerdo cómo les ponen. Los noventas conecta con la gente que vivió esa adolescencia en los noventas, pero al final es una serie que, aunque la gente que la vea hoy no entienda cómo se marca un teléfono de esa época o los casetes, es una serie humana, con problemas humanos que no son ajenos a la época en la que pasa. Por supuesto que, por ejemplo, que Alex sea gay es muy distinto en los noventas a ahorita. Creo que moralmente la sociedad ha avanzado muchísimo, pero al final son problemas que siguen afectándonos, que siguen siendo contemporáneos, y es una serie muy actual. Entonces, creo que puedes conectar desde muchos lugares”.

¿Qué sigue para Demetrio Bonilla?

“Pues seguir trabajando. No tengo muy claro, más bien no tengo requisitos muy exigentes. A mí me gusta actuar en cosas chidas, eso sí. Pero en el género que me pongan, yo feliz de actuar, de jugar, de trabajar. Espero que en el futuro siga trabajando, siga teniendo la oportunidad de estar en series o películas que a la gente le gusten, que tengan un bonito encuentro con el público. Espero seguir teniendo la oportunidad de contar historias”.