La actriz y comediante reveló públicamente que, cuando tenía 16 años y trabajaba como monitora en un campamento de verano, le bajó los pantalones a un niño de seis años, dejando expuesto su cuerpo frente a un autobús escolar.

El relato, recogido originalmente en un video de Vanity Fair, desató una ola de críticas en redes sociales y llevó a la publicación a editar el material.

El incidente salió a la luz en un video titulado “SNL Cast Test How Well They Know Each Other”, publicado el 31 de marzo en el canal de YouTube de Vanity Fair, en el que Fineman y sus compañeros de reparto —Mikey Day, Sarah Sherman, Ashley Padilla, Jane Wickline y James Austin Johnson— participaban en una dinámica de preguntas sobre sus propias vidas.

En un segmento del programa, pidió a sus colegas que adivinaran de qué empleo había sido despedida y posteriormente recontratada.

Tras varias conjeturas —entre ellas que había sido despedida de un restaurante o por comentarios racialmente insensibles—, Chloe Fineman, de 37 años, reveló la verdad: “Fui despedida como monitora de campamento”.

La actriz explicó el contexto del incidente: “Le bajé los pantalones a un niño. Él me levantaba la camisa todo el tiempo. Eran otros tiempos. Me decía: ‘¿Me puedes dar un abrazo?’ Y cuando iba a abrazarlo, me levantaba la camisa, como un idiota. Y entonces pensé: ‘Me voy a vengar’”.

Fineman continuó con el relato: “Estábamos en una caminata y le dije: ‘Oye, Ollie, mira por allá, hay un halcón’. Él miró y entonces le bajé los pantalones de un tirón, y me despidieron”.

Esa fue la versión que quedó publicada. Sin embargo, la versión original incluía detalles adicionales que Vanity Fair eliminó posteriormente: Fineman precisaba que el niño tenía seis años y que, al bajarle los pantalones, “su cosita estaba a la vista”.

Además, agregaba: “No llevaba ropa interior, y en ese momento pasó un autobús escolar enorme”.

La versión original también mostraba las reacciones de los compañeros de Fineman, quienes aparecían visiblemente consternados. Ashley Padilla respondió al relato diciéndole: “Cariño, creo que estás en una lista en algún lugar”.

Esas reacciones y esos detalles fueron eliminados del video que permanece publicado en YouTube, aunque usuarios de TikTok difundieron rápidamente comparaciones del antes y el después del material editado.

La decisión de Vanity Fair de modificar el video sin emitir explicación pública abrió un cuestionamiento paralelo sobre la gestión de la polémica. No quedó claro si la edición respondió a las críticas en redes sociales o a una solicitud del equipo de representación de la actriz.

En la sección de comentarios del video en YouTube, numerosos usuarios expresaron su malestar. “Chloe hablando con su voz cómica mientras describe la exposición de los genitales de un niño fue bastante perturbador”, escribió un usuario, según recogió Page Six.

Otro comentó: “No entiendo por qué, en el clima actual, Chloe pensó que sería una historia graciosa de contar, ni por qué VF la emitiría". Un tercero cuestionó directamente: “¿O sea que Chloe Fineman acaba de admitir públicamente haber expuesto los genitales de un niño de seis años y lo vamos a dejar pasar?“.

Hasta el momento de la publicación de las informaciones, Chloe Fineman no había emitido ninguna declaración pública sobre la controversia.

David Spade, una de las voces distintivas de la comedia en Estados Unidos, compartió una visión íntima sobre su vida en el escenario y fuera de él durante una charla en el Club Random Podcast, disponible en YouTube: “Todos son mucho más vulnerables de lo que pensamos”, afirmó. Al tiempo que, estableciendo un tono familiar en la conversación, admitió: “Ahora hago mis giras por ciudades y la gente ya te conoce, es distinto vender entradas a tu propio público”.

Al describir su rutina profesional, el actor de Son como niños precisó: “Hago dos o tres shows cada fin de semana. Recientemente estuve en Salt Lake, Dallas, San Antonio…”. Señaló que ya no realiza largas series de presentaciones sin pausa: “No hago esas maratones de ciudad tras ciudad sin volver a casa. Ya no tengo veinte años”.

Para el comediante, conectar con espectadores que lo siguen representa una diferencia clara: “Cuando vendes entradas para tus propios seguidores, ya llegas con buena parte del trabajo hecho. Es gente que quiere estar ahí para verte, eso lo hace mucho más agradable”, detalló en el Club Random Podcast.

Cambios generacionales en la comedia y la industria

Sobre el cambio generacional, Spade fue incisivo: “La generación de ahora tiene otra ética de trabajo, lo noto en los hoteles, con el equipo, todo cambió mucho en estos años”.

Relató dificultades en tareas simples: “El simple hecho de pedir algo básico, por ejemplo, ‘pon un ventilador en la habitación’, a veces se vuelve una misión imposible. Son hoteles de cinco estrellas, pero las generaciones jóvenes tienen su propio modo de hacer todo”.

También se refirió al relevo entre comediantes y mencionó a Steve Martin y Martin Short: “Los veo recorriendo el país y aún así es agotador; cuando eres joven soportas más, pero con la edad el cansancio se nota”.

Afirmó que la energía y la actitud profesional son distintas en las generaciones más jóvenes: “No es mejor ni peor, pero, sin duda, es diferente a cuando nosotros empezamos”.

La etapa en Saturday Night Live (SNL) ocupa un lugar especial en su relato. “Entré cuando vieron mi monólogo en Young Comedians Special. Compartía casa con otros comediantes que luego también pasaron por el elenco”, recordó.

En ese sentido, también comparó el pasado con el presente: “Recuerdo que ni hacer comerciales podíamos antes, pero ahora ves a integrantes nuevos del elenco promocionar productos en sus redes sociales todo el tiempo, patrocinio tras patrocinio. Antes eso era impensable y hoy parece la norma”, explicó al describir la transformación del medio.

Exposición, corrección política y vulnerabilidad

Respecto a la industria y la exposición pública creciente, Spade afirmó: “Hoy los comediantes pueden sacar ventaja de todo: shows, redes sociales, publicidad pagada. La exposición es constante y va más allá del escenario o la televisión”.

Señaló que antes era posible mantener cierta privacidad: “Antes, uno podía ser un poco más discreto; ahora todo el mundo sabe dónde estás, cuánto ganas y qué piensas”.

La “corrección política” y la llamada “cancelación suave” también formaron parte de su reflexión. Spade comentó: “Me nominaron al Globo de Oro, algo que llevaba tiempo sin pasarme; sentí que estamos saliendo de la era de la cancelación suave”.

Incluso, detalló que su humor estuvo marginado durante un tiempo: “Fui considerado conservador, lo cual es ridículo, y eso me hizo experimentar esa cancelación sutil. Pero el hecho de volver a estar nominado me da la impresión de que lo peor ya pasó. Gane o no, ya es un honor que no hayan podido ignorar el trabajo”.

Para él, el valor de la sátira y la risa trasciende cualquier afiliación política. “Si la gente se ríe es porque es divertido, no importa qué lado político lo diga. Los chistes funcionan porque son buenos, no por quién los cuenta”, sostuvo.

En el tramo más personal de la entrevista, Spade habló sobre relaciones, exposición mediática y envejecimiento. “No soy un tipo malo. La amabilidad cuenta mucho, y creo que eso vale tanto en el escenario como en la vida privada”, aseguró.

Sobre la vulnerabilidad, fue directo: “Todos son mucho más vulnerables de lo que pensamos, y eso hay que multiplicarlo por diez. Ser humano es complicado, por eso hay que ser amable siempre”.

Así, las confesiones de David Spade en el Club Random Podcast permiten a los seguidores conocer el pulso de una carrera en transformación, marcada por la nostalgia, los nuevos desafíos y la convicción de que la empatía sigue siendo fundamental dentro y fuera del escenario.

El proceso de reconciliación, narrado por Spade en su pódcast Fly on the Wall junto a Dana Carvey, culminó con un reencuentro durante la celebración de los 50 años del popular programa televisivo.

Spade relató cómo pasó de admirar profundamente a Murphy a convertirse en blanco de su rechazo tras la emisión de la broma. “Fue extraño pasar de ser un superfan a que me odiara de la noche a la mañana, e intentar que me perdonara durante los últimos 25 años”, afirmó Spade.

El humorista explicó que la relación vivió varios altibajos, especialmente en los primeros años posteriores al incidente.

El origen del conflicto: una broma memorable en SNL

La disputa comenzó el 9 de diciembre de 1995, durante la sección Weekend Update de SNL. En ese momento, Spade era nuevo en el programa y tenía la tarea de satirizar a celebridades. Al referirse a Murphy y su película Vampire in Brooklyn, que tuvo una baja recaudación en taquilla, Spade comentó: “Miren, niños, es una estrella fugaz. ¡Pidan un deseo! Cuando haces una tortilla de un minuto en Hollywood, rompes algunos huevos”.

El comentario provocó el enfado inmediato de Murphy, quien llamó a Spade poco después. “En realidad, fue él quien se descargó. Yo no respondí demasiado porque sentía cierta culpa, y tenía razón en algunos puntos. No me gustó admitirlo porque él era un héroe para mí”, explicó Spade. Este episodio marcó el inicio de un prolongado distanciamiento entre ambos.

Durante años, Murphy se negó a regresar a SNL. En el documental de Netflix Being Eddie, señaló que la broma fue aprobada por todos los filtros del programa antes de salir al aire, lo que aumentó su malestar.

“El chiste pasó por todos los filtros que debe pasar, y luego él estaba al aire diciendo: ‘Atrapen una estrella fugaz’. Así que no fue como ‘que se joda David Spade’. Fue más bien: ‘Que se joda SNL. ¿Eso es lo que piensan de mí? Qué sucios’. Por eso no volví durante años”, señaló Murphy, según Variety.

Reencuentro en SNL y cierre de una etapa

El regreso de Murphy a SNL no se produjo hasta 2019, cuando fue invitado como presentador. Su participación le valió un Emmy al Mejor Actor Invitado en una Serie de Comedia.

Spade contó en su pódcast que el reencuentro definitivo ocurrió durante el especial SNL50. “Lo vi una o dos veces. Luego nos encontramos en el cincuenta aniversario, conversamos un poco y todo está bien. Después le preguntaron a él y dijo: ‘Sí, todo está bien’. Así que sí, todo está bien”, concluyó Spade.

Después de 25 años de distanciamiento, una llamada tensa y un reencuentro en el escenario de SNL resumen una de las rivalidades más comentadas dentro del humor estadounidense. La reconciliación entre Spade y Murphy simboliza la capacidad de dejar atrás viejas diferencias, incluso entre figuras icónicas de la comedia.

El episodio evidencia el peso de las palabras en la industria del entretenimiento y cómo una broma puede tener efectos inesperados y duraderos.

Hoy, ambos humoristas dejaron atrás el conflicto, cerrando un capítulo que marcó tanto sus carreras como la historia de SNL.

Como subraya Rolling Stone, la paz entre Spade y Murphy es un recordatorio de que, detrás del humor, existen historias de admiración y reconciliación que atraviesan décadas.

La reconocida actriz, cantante y exintegrante de Saturday Night Live (SNL), Ana Gasteyer compartió recientemente una conversación íntima en el pódcast Good Hang junto a la comediante Amy Poehler.

En un episodio especial por las fechas festivas, recordó sus momentos más emblemáticos en SNL, habló sobre el valor de la comedia, el perfeccionismo y compartió anécdotas personales que revelaron tanto su recorrido profesional como aspectos poco conocidos de su vida.

“Saturday Night Live” y el poder del humor

“Me considero la duquesa de la Navidad, eso empezó porque una persona me llamó así y lo adopté. Mis momentos de legado en SNL son el sketch de Sweaty Balls y el especial navideño de Martha Stewart. Los transmiten cada año en fechas navideñas”, mencionó. Su vínculo con la comedia navideña se consolidó también al coescribir junto a Rachel Dratch “A Clusterfunk Christmas”, una parodia de películas de Hallmark.

Para la artista estadounidense, el recuerdo más impactante de SNL fue ver a Dan Aykroyd interpretando al presidente Jimmy Carter y presenciar cómo el propio mandatario reía de sí mismo mientras lo parodiaban en televisión. Sobre ese momento, comentó: “Eso me marcó mucho. Entendí el poder de la parodia y la importancia de saber reírse de uno mismo”.

La comedia y el ridículo en la carrera escénica

“La comedia de sketches es embarazosa”, afirmó Gasteyer diferenciando este género del stand-up. Además, remarcó: “El stand-up es cool: puedes salir con chaqueta de cuero y hacer tu número. En los sketches acabas cargando pelucas, moños y accesorios absurdos”. Incluso relató haber sido detenida por exceso de velocidad y descubrir una peluca olvidada en la guantera de su coche.

La vergüenza, según ella, es parte inherente del proceso creativo. “Todavía tengo un área de pelucas en mi casa”, comentó entre risas.

Recordó con su colega Poehler cómo los comediantes de sketches disfrutan incluso de los fracasos. A propósito de esto, compartió: “La mayor diversión es cuando un sketch se estrella por completo. Recuerdo uno sobre DJs matutinos que fue un desastre en el escenario, pero el equipo de guionistas no dejaba de reír en la sala. Es un tipo de terapia comunitaria para quienes hacemos sketches”.

Camino personal: de la música clásica al teatro y televisión

Durante el pódcast Good Hang, revisó su infancia inmersa en la música clásica debido a la influencia de sus padres y sus inicios como violinista. Ante esto, confesó: “El violín es un instrumento profundamente melancólico. El mío lo heredé de una tía y llegó a mi familia durante la Gran Depresión, cuando mi abuelo lo recibió como pago por un trabajo. Todavía lo toco y lo llevé a un campamento de violín el verano pasado”.

Su transición hacia la actuación y luego a la comedia se dio en la adolescencia, marcada por experiencias únicas, como su amistad con Amy Carter, hija del expresidente. “Tocamos el violín en Camp David para Anwar Sadat, Menájem Beguín y Jimmy Carter”, recordó. Sumado a que, fuera del escenario, no se percibe como una persona extrovertida.

Tras estudiar voz en Northwestern, encontró su lugar en el grupo de improvisación The Groundlings en Los Ángeles, donde coincidió con figuras como Will Ferrell (quien la recomendó para SNL), Cheri Oteri y Maya Rudolph. “Ver a Jennifer Coolidge, Kathy Griffin y Lisa Kudrow usando pelucas y gafas en el escenario me hizo sentir que ese era mi mundo”, explicó.

Perfeccionismo, aprendizaje y anécdotas personales

Gasteyer habló con franqueza sobre el impacto del perfeccionismo en su carrera, especialmente durante su etapa como Elphaba en “Wicked”. Al asumir ese rol tras Idina Menzel, se sentía sometida a una constante autocrítica. “Era implacable conmigo misma. Después de cada función solo pensaba en los errores”, admitió.

Años después, al escuchar grabaciones de sus presentaciones, descubrió que las diferencias entre actuaciones eran mínimas. “Te das cuenta de que la diferencia entre hacerlo bien y hacerlo perfecto solo la percibes tú. Nadie más lo nota”, compartió, remarcando que intentó inculcarle esa perspectiva a sus hijos.

El episodio abundó en historias curiosas sobre familia y amistades. Gasteyer recordó haber presenciado la actuación de “Annie” por el elenco original en la Casa Blanca junto a Amy Carter, así como haber tocado el violín para líderes internacionales. “Vimos Star Wars con la familia Sadat en la Casa Blanca”, relató.

Reflexiones y referentes del humor

Cuando la presentadora Poehler le preguntó qué la hace reír, la actriz lo tuvo claro: “Mel Brooks es mi referente. Me divierten las cosas grandes y absurdas, como ‘Young Frankenstein’ y ‘The Producers’”. Además, elogió contenidos actuales alejados de la pretensión, celebrando la diversión sin complejos y mencionando a creadores emergentes en redes sociales.

Durante el pódcast, ambas comediantes intercambiaron recomendaciones y nostalgias sobre películas, sketches y discos que forman parte del recuerdo colectivo, como éxitos del entretenimiento.

La charla para Good Hang finalizó con Ana Gasteyer subrayando que la autoexigencia puede nublar la percepción propia. Reconocer el valor de lo logrado y celebrar los avances, incluso si parecen mínimos, puede ser la clave para encontrar libertad y satisfacción en la carrera artística.

Chevy Chase (82), una de las figuras célebres de Saturday Night Live y emblema de la comedia hollywoodense de los años 80, estuvo al borde de la muerte durante la pandemia debido a una insuficiencia cardíaca.

La historia completa de ese crítico momento será contada en el documental I’m Chevy Chase and You’re Not, que se estrena el 1 de enero en CNN. Ese metraje expone por primera vez los detalles del grave episodio de salud que mantuvo al actor hospitalizado durante cinco semanas en 2021 y lo dejó en coma inducido por alrededor de ocho días.

La situación fue tan complicada que incluso los médicos le advirtieron a la familia que había escasas posibilidades de volver a verlo con vida. “Básicamente resucitó”, sentenció una de sus hijas.

El documental recoge el testimonio de Jayni Chase, esposa del actor, quien relató los momentos previos a la internación. “Algo no estaba bien y él no podía explicarme qué le pasaba. Así que fuimos a la sala de emergencias. Su corazón se detuvo”, cuenta en la película.

Según explicó, el problema estaba ligado a una enfermedad crónica que Chase arrastraba desde hace algún tiempo.

“Durante esos años en los que estuvo bebiendo, desarrolló cardiomiopatía; cuando los músculos del corazón se debilitan y no pueden bombear tanta sangre en cada latido”, explicó Jayni Chase. Esta afección puede derivar en insuficiencia cardíaca y otras complicaciones graves, como finalmente ocurrió.

En el hospital, los doctores no encontraron más opción que inducirlo en coma por unos ocho días. “Eso es muy duro para el cuerpo”, comentó el músico Peter Aaron, quien es amigo cercano del actor.

“El médico nos advirtió: ‘Puede que no lo recuperemos. No sabemos cuán presente estará. Prepárense para lo peor’”, añadió Caley Chase.

Cuando Chase despertó del coma, el panorama seguía siendo incierto. Según relató su hija, durante los primeros momentos apenas podía comunicarse.

“Se despertó y lo único que podía hacer era usar la voz”, contó, imitando los sonidos desorientados que emitía su padre.

Sin embargo, más tarde un gesto le dejó saber que Chevy Chase seguía siendo él mismo, con su irreverente sentido del humor. Cuando una enfermera entró a acomodar equipos médicos y dijo que iba a “poner esto aquí”, Chase respondió con una broma clásica: “Eso es lo que ella dijo”.

Chevy Chase tiene problemas con su memoria

Aunque logró sobrevivir, el episodio dejó consecuencias. Aaron señaló que al actor le llevó tiempo “reorientarse” tras el coma y que enfrentó una “discapacidad cognitiva”. Para ejercitar su mente, jugaba cartas y ajedrez con el objetivo de “volver a activar su cabeza”.

El propio Chase compartió en el documental que los doctores ya le habían advertido sobre las secuelas.

“Según los médicos, mi memoria iba a quedar destrozada por esto. Y eso es lo que pasó”, afirmó. “La falla cardíaca es lo que es. Ahora estoy bien. Pero afecta la memoria, así que tienen que recordarme cosas”.

Estas lagunas explican, en parte, por qué en el documental Chase asegura no recordar muchos de los conflictos que marcaron su carrera, incluidos enfrentamientos en los sets de Saturday Night Live y de la serie Community.

Para Aaron, no hay dudas: “Siento que sus vacíos de memoria vienen de ese incidente”.

Chase se sintió excluido en los 50 años de Saturday Night Live

Más allá de su salud, el documental también aborda una incomodidad reciente: su exclusión del especial por el 50.º aniversario de Saturday Night Live.

Chase fue uno de los miembros originales del programa en la temporada 1975–1976 y la primera “estrella revelación” del ciclo, con su segmento de Weekend Update. Asimismo, ganó dos premios Emmy como actor y guionista.

Por eso, le afectó que no lo invitaran a participar en algún sketch del programa especial.

“Fue bastante doloroso, en realidad. Probablemente sea la primera vez que lo digo”, confesó en el documental. “Esperaba estar en el escenario con todos los otros actores. Cuando Garrett Morris y Laraine Newman subieron, me pregunté por qué yo no. Nadie me lo pidió. ¿Por qué me dejaron de lado?”.

Chase reveló que incluso escribió a Lorne Michaels, creador del programa, aunque luego intentó restarle importancia.

“Se lo mencioné una vez en un mensaje de texto a Lorne y después lo retiré. Dije: ‘Está bien, retiro lo dicho, fue una tontería’. Pero no es tan tonto. Alguien cometió un error. No sé quién, pero alguien se equivocó. Deberían haberme tenido en ese escenario. Dolió”.

Alec Baldwin, actor y productor estadounidense, reveló en el pódcast “Dopey: On the Dark Comedy of Drug Addiction” que tuvo pensamientos suicidas tras la reapertura de cargos en su contra por la muerte accidental de Halyna Hutchins, directora de fotografía, en el set de la película “Rust”. Baldwin describió el profundo impacto emocional y familiar que vivió durante ese periodo, marcado por la presión mediática y judicial derivada del caso ocurrido en Nuevo México en 2021.

“Las personas por las que más me preocupaba, por las que sentía el dolor más profundo, eran mi esposa y mis hijos”, confesó Baldwin en la entrevista. “Porque mis hijos me veían sentado en una esquina, sin poder moverme”. El actor relató que su estado mental lo llevó a dormir la siesta todos los días durante un año, como una forma de sobrellevar la angustia.

“No quiero insistir en esto, solo quiero decir que fue muy doloroso para mi esposa y mi familia, mis hermanas y hermanos, mis colegas... Y puedo decir que me rompió cada nervio del cuerpo, espiritualmente, financieramente... en el trabajo, mi carrera, mi esposa, mis hijos, mis amigos, mi salud. Lo que esto ha hecho a mi salud... Si te contara las condiciones de salud que he tenido desde el 21 de octubre de 2021... me ha quitado 10 años de vida. Al menos 10 años de vida”, detalló el actor.

Baldwin reconoció que logró superar los momentos más oscuros gracias al apoyo de su esposa, Hilaria, y de su familia, aunque antes debió enfrentar pensamientos autodestructivos. “Cuando llegas a ese punto en el que piensas: ‘No quiero despertar otro día, me voy a ir’ — lo juro por Dios, hablar de esto realmente me resulta desagradable porque hablar de suicidarse y realmente hacerlo son dos cosas profundamente distintas. Creo que mucha gente, muchísima gente, piensa en suicidarse y acabar con su vida, y muy pocos lo hacen. Recuerdo que me quedaba en la cama y pensaba: ‘Dios, no puedo despertar otro día y que todo siga igual. Es lo mismo cada día. Y no puedo hacerlo’”, relató Baldwin en el pódcast.

El actor también criticó el proceso judicial y la actuación de los fiscales de Nuevo México, señalando que, en su opinión, la producción de “Rust” cumplió con las regulaciones establecidas por los gremios de Hollywood.

“Los fiscales de Nuevo México llegaron y dijeron: ‘No, no, esas reglas no aplican aquí, tenemos nuestras propias reglas y eso es lo que cuenta aquí. Así que te vamos a juzgar por esas reglas...’. Nadie vino a decirme nada diferente en la primera semana en que manejábamos armas. Nadie me dijo nada distinto. Fue después del hecho. Todas las reglas cambiaron después, y eso me asustó mucho. Pensé que iban a improvisar sobre la marcha”, afirmó Baldwin. Añadió que los fiscales “querían ver sus nombres en los periódicos. Eso es lo que querían. Y gracias a Dios por este juez que intervino y les dijo que lo que estaban haciendo era reprobable”.

A pesar de la adversidad, Baldwin manifestó que encontró la fuerza para seguir adelante, apoyándose en la esperanza y la fe para dar un paso más cada día.

“Esta es una historia que nunca, nunca he contado”, dijo Winslet al iniciar su relato en el espacio televisivo conducido por Graham Norton. La actriz explicó que fue la anfitriona del episodio emitido el 30 de octubre de 2004, una edición especialmente tensa para el programa debido a un incidente ocurrido apenas una semana antes que había sacudido a la producción y a la audiencia del show de NBC.

Winslet detalló que la experiencia en “SNL” fue intensa desde el inicio, no solo por la exigencia del formato en vivo, sino también por el contexto en el que se desarrolló el episodio. En ese ambiente, según relató, ocurrió la extraña petición de Eminem, que provocó risas y sorpresa entre el público del programa británico.

Un pedido inesperado detrás de cámaras

Durante la conversación con Norton, Winslet relató sin rodeos el momento más insólito del encuentro. “Eminem me pidió que le afeitara el trasero”, afirmó la actriz, generando carcajadas inmediatas en el estudio. La solicitud, según explicó, ocurrió en un contexto informal durante los preparativos del programa, aunque no precisó mayores detalles sobre el lugar exacto del intercambio.

El conductor reaccionó con humor y preguntó si se trataba de una afeitadora de mano. Winslet respondió entre risas que efectivamente se refería a eso, aunque dejó claro que rechazó la propuesta. “Me dijo: ‘¿Me afeitarás el trasero?’, y yo le dije: ‘Lo siento, no me dedico al cuidado personal’”, recordó la actriz, enfatizando lo absurdo de la situación.

Winslet añadió que su respuesta fue tajante y que nunca consideró aceptar la solicitud. La anécdota fue contada como un recuerdo llamativo de una etapa temprana de su carrera en Estados Unidos, cuando aún no era una presencia habitual en programas de comedia en vivo como “SNL”.

Un episodio marcado por el escándalo de Ashlee Simpson

La edición de “Saturday Night Live” que presentó Winslet estuvo marcada por un contexto complicado. El episodio se emitió una semana después del famoso error de sincronización de labios de Ashlee Simpson, ocurrido en el mismo programa. En ese incidente, la cantante fue captada haciendo playback en vivo, lo que generó una fuerte reacción mediática y cuestionamientos al show.

Winslet señaló que el ambiente en el estudio era especialmente tenso debido a ese antecedente reciente. Aun así, el programa incluyó segmentos musicales y coreográficos exigentes. La actriz recordó que incluso fue mostrada cantando y bailando claqué, un desafío adicional considerando la presión que enfrentaba la producción tras el fiasco previo.

La actriz explicó que solo tuvo 24 horas para prepararse antes de asumir la conducción del programa, ya que en ese momento se encontraba promocionando la película “Finding Neverland”, estrenada en 2004 y protagonizada por Johnny Depp. Esa falta de tiempo, sumada al contexto del escándalo, convirtió su paso por “SNL” en una experiencia particularmente intensa.

Winslet reveló que no ha vuelto a presentar “Saturday Night Live” en los 20 años transcurridos desde aquel episodio. Según dijo en “The Graham Norton Show”, nunca había compartido públicamente esta anécdota hasta ahora. “Nunca había contado esa historia en público, jamás en mi vida. ¡Aquí la tienen!”, afirmó ante el público.

Steve Buscemi repasó su trayectoria de manera espontánea y honesta en un episodio especial del pódcast Fly on the Wall, conducido por David Spade y Dana Carvey. Durante la charla, rememoró anécdotas de rodajes, su paso por Saturday Night Live (SNL) y su particular vínculo con colegas como Adam Sandler.

Con una voz que alternó entre el humor y la reflexión, reafirmó: “Nada en mi carrera fue planeado… y por eso salió mejor de lo esperado”. Su relato dejó en claro cómo la falta de estrategia y la espontaneidad se convirtieron en los motores de su camino profesional.

El azar, una brújula inesperada

“Siempre me preguntan si tenía un plan, pero la verdad es que nunca lo tuve. Las cosas fueron llegando y, de alguna manera, eso hizo que todo resultara más interesante”, confesó Buscemi al inicio del episodio. Su autocrítica e ironía marcaron la conversación, donde recordó varias de sus colaboraciones más entrañables.

Respecto a Adam Sandler, subrayó la dinámica especial de filmar juntos: “Adam es el verdadero motor creativo en sus películas, siempre atento a cada detalle”, afirmó Buscemi. Compartió, entre risas, las jornadas extenuantes en Son como niños, donde el cansancio y la improvisación se entrelazaron con la camaradería del elenco.

“En una de esas escenas nocturnas, todos estábamos agotados, pero Adam seguía supervisando cada toma. Cuando por fin terminamos, sentí que habíamos logrado algo especial”, relató.

La anécdota del yeso corporal bajo la lluvia ilustra los límites de la amistad en el set: “Pensé que, siendo amigos, alguien se quedaría a acompañarme, pero en cuanto cortaron, todos desaparecieron. Me dejaron solo, empapado, esperando a que el perro viniera a olfatearme. Ahí entendí que en el set, la amistad tiene sus límites”, bromeó.

SNL: nervios y desafíos en la comedia televisiva

Su paso por SNL fue, en palabras de Buscemi, “caótico y desafiante”. Reveló lo difícil que fue ajustar su primer monólogo y la presión de trabajar con Lorne Michaels: “El primer monólogo que me propusieron no era para mí, así que sugerí cambiarlo. Lorne Michaels fue receptivo, pero yo estaba tan nervioso que apenas podía pensar”, admitió.

Destacó, además, la exigencia de participar en el proceso creativo: “En SNL, sentía que debía pedir permiso para todo, aunque el equipo siempre preguntaba si tenía alguna idea o talento especial. Yo solo respondía: ‘Lo que quieran, ustedes son los expertos’”.

El impacto de tener amigos en la audiencia también resultó significativo: “En el ensayo general, vi a un amigo del colegio en primera fila y me desconcentré por completo. Me dije: ‘No mires a nadie a los ojos en la función en vivo’”.

El rigor de los hermanos Coen y el reconocimiento tardío

Profundizó en su experiencia con Joel y Ethan Coen, destacando su estilo de dirección preciso: “Su escritura es tan específica que quieren que digas exactamente lo que está en el guion. Hay muy poco margen para improvisar”.

Recordó el reto de hablar con máxima rapidez en Miller’s Crossing: “Querían que mi personaje hablara más rápido que nunca. Era el tipo más rápido hablando que he interpretado jamás. En una de las tomas, mi esposa apareció entre los extras y me desconcentré tanto que tuve que volver a empezar”.

Sobre Fargo y El gran Lebowski, Buscemi reconoció: “Con ‘El gran Lebowski’ pasó algo curioso. Al principio, la crítica no supo qué hacer con ella, pero años después, los fans empezaron a acercarse y a citarme frases de la película en la calle”.

Ansiedad, dirección y los desafíos personales

El actor abordó la naturaleza de la inseguridad en su oficio. “La ansiedad siempre está presente. Cuando dirigí mi primera película, Trees Lounge, el personaje era una versión exagerada de mí mismo, pero la ansiedad de dirigir me impedía disfrutarlo del todo”, confesó.

Buscemi añadió: “Creo que todos los actores, incluso los más grandes, sienten inseguridad. Ahora se habla mucho de ansiedad, pero yo la he sentido desde siempre, solo que antes no tenía nombre”.

Entre el cine y el deber: el bombero que volvió tras el 11-S

Buscemi compartió detalles poco conocidos sobre su vida fuera de la pantalla, como su trabajo en los años 80 como bombero y su regreso voluntario tras los atentados del 11-S.

“Fui bombero en los 80 y, después del 11-S, sentí el deber de volver a ayudar. Me sentí honrado de que me permitieran regresar con mi antigua compañía, Engine 55. Muchos querían estar ahí, pero yo tuve la oportunidad por mi experiencia previa”, relató.

Se permitió una broma sobre su equipo anticuado: “Llegué pensando que pasaría desapercibido, pero todo el mundo notó que mi equipo era de otra época. Parecía un viajero en el tiempo”.

Perseverancia, escuela y la sorpresa ante la industria

Buscemi evocó sus primeras audiciones y la importancia de la tenacidad. “Recuerdo cuando audicioné para un papel y pedí leer para el protagonista. Me dijeron: ‘Vamos a buscar un nombre para ese papel’. Yo respondí: ‘Pero yo tengo un nombre’. Ahí entendí cómo funciona la industria”, comentó entre risas.

Rememoró, además, su época como luchador escolar: “Competía en la categoría de 105 libras hasta el último año. Era flaco, pero fuerte. Tenía una llave secreta, la ‘reverse cradle’, que me funcionaba hasta que los rivales la descubrían”.

En la conclusión de la charla, Buscemi reiteró una idea sencilla y poderosa: la falta de planificación y la capacidad de asombro le permitieron disfrutar cada etapa, encontrando riqueza allí donde nunca la habría esperado.

En un nuevo episodio del pódcast Good Hang junto a Amy Poehler, Ariana Grande compartió aspectos poco conocidos de su vida y trayectoria. Durante la conversación, la cantante abordó su búsqueda de autenticidad profesional, relató experiencias familiares y explicó el intenso trabajo detrás de su participación en Wicked 2.

El tono relajado y cómplice de la entrevista permitió revelar nuevas facetas de la artista, quien atraviesa una etapa de transición y reflexión sobre su camino profesional.

Grande explicó que, después de años centrada en el pop, logró una conexión más profunda con su arte al explorar nuevos proyectos. “Me siento más conectada conmigo misma y con mi arte desde que empecé a hacer cosas diferentes”, afirmó, al destacar la importancia de seguir impulsos genuinos, incluso cuando estos implican cambios significativos.

Reconocida por su recorrido en el pop, subrayó, sin embargo, su amor permanente por el teatro musical y la comedia, y la importancia de equilibrar esas pasiones con desafíos inéditos. Anticipó además que los próximos años serán muy distintos a los anteriores: “Creo que lo mejor para mi alma y para mi arte es perseguir aquello que se siente correcto en el momento, aunque sea espontáneo”.

El reto de encarnar a Glinda en Wicked 2

En relación a Wicked 2, Grande detalló el exigente proceso de preparación vocal y actoral que implicó dar vida a Glinda. “Entrené mi voz durante meses para poder interpretar a Glinda, porque su voz es muy diferente a la mía”, relató.

Trabajó a diario con su coach vocal y su entrenadora de actuación, recuperó la técnica operática y el falsete requeridos para el personaje y organizó sus registros interpretativos con tarjetas adhesivas de colores.

El rodaje simultáneo de ambas partes de la película sumó complejidad, ya que debía mantener distinciones claras entre las etapas vocales y emocionales del personaje. Grande enfatizó la importancia de la honestidad emocional en la interpretación, especialmente en escenas musicales donde la vulnerabilidad se refleja en la voz.

Comedia y lazos familiares en la vida de Ariana Grande

La comedia y el vínculo con Saturday Night Live (SNL) fueron temas centrales en la charla. Desde la infancia, la comedia —influida por figuras como Jim Carrey y Adam Sandler— fortaleció el acercamiento familiar. “Mi película favorita era Best in Show. Desde muy joven, la comedia me hizo sentir cerca de mi familia”, recordó.

En SNL vivió experiencias memorables, como la creación de sketches inspirados en situaciones familiares y colaboraciones con amigos como Bowen Yang. Grande explicó que la disposición a exponerse y a mostrarse vulnerable resulta esencial tanto para el humor como para la música. Entre las anécdotas, mencionó un sketch no emitido que su padre disfruta cada día y la satisfacción de sostener propuestas propias en el show.

La familia de Arianna Grande, de raíces italianas, ha sido un pilar incondicional. La cantante evocó cenas ruidosas, partidas de cartas los domingos y relatos sobre su madre, su hermano Frankie y sus abuelos.

Entre los recuerdos más entrañables mencionó la reacción de su abuela cuando Frankie salió del armario: una respuesta inmediata de total comprensión y cariño. “Eso es lo que deseas para cada niño, que tenga ese tipo de amor instantáneo y aceptación”, reflexionó. También recordó la actitud despreocupada de su abuelo, siempre enfocado en el bienestar familiar.

Admiración por colegas y alianzas en el set

En cuanto a referentes y colaboraciones, Grande expresó admiración por Mariah Carey y Lady Gaga. “Cada vez que cruzo caminos con Mariah, tengo que pellizcarme. Es un sueño”, confesó, y valoró el sentido del humor y la creatividad de Carey.

También resaltó la sororidad en la industria, especialmente en su vínculo con Cynthia, compañera de reparto en Wicked. Ambas establecieron un pacto de apoyo durante el rodaje y se comprometieron a mantener una comunicación abierta: “Quería que supiera que no hay nada que no podamos hablar, que no tiene que enfrentar nada sola”, indicó Grande. La entrevista permitió conocer detalles personales: la artista disfruta de los baños largos como ritual de autocuidado y productividad, y prefiere productos de baño efervescentes

Habló sobre su estatura —1,57 metros—, reconoció que a veces quisiera alcanzar objetos más altos, pero disfruta su tamaño. Entre sus disfraces favoritos eligió los inspirados en Best in Show y en un episodio de The Twilight Zone. En la cocina, se declaró amante de la pasta marinara de receta familiar.

Al finalizar, Grande reiteró el valor de la aceptación y el amor incondicional en la familia y la sociedad, deseando que todos los niños puedan experimentar esos vínculos de apoyo y reconocimiento desde el primer momento de sus vidas.

Eddie Murphy fue uno de los reyes indiscutibles del Hollywood de los años ochenta. Tras su paso por Saturday Night Live, que se convirtió en su plataforma, comenzó una carrera cinematográfica que lo llevaría de éxito en éxito, gracias a películas como Entre pillos anda el juego (1983), Superdetective en Hollywood (1984) o El príncipe de Zamunda (1988).

Su carisma cómico era una auténtico imán para la taquilla... hasta que comenzaron los problemas. Sus declaraciones comenzaron a ser homófobas, machistas, e incluso fue detenido en varias ocasiones por escándelos sexuales.

El actor se apartó de la interpretación y llegó a decir que “estaba harto de hacer películas de mierda", aunque en los últimos años ha protagonizado algunos filmes como Yo soy Dolemite, que le valió una nominación a los Globos de Oro.

Un documental controvertido

Ahora se estrena en Netflix el documental Soy Eddie, en el que el director Angus Wall se adentra en la intimidad de Murphy, para compartir reflexiones sobre su carrera, su familia y los desafíos personales que ha afrontado a lo largo de más de cuatro décadas en la industria del entretenimiento.

El documental arranca con imágenes de la mansión de Murphy en Los Ángeles, un escenario que sirve de telón de fondo para repasar su evolución desde sus inicios en Nueva Jersey hasta convertirse en una de las grandes estrellas de la comedia estadounidense.

En declaraciones recogidas por The Guardian, Murphy insiste en que, pese a la ostentación de su residencia, su rutina diaria no difiere demasiado de la de cualquier otra persona: acude al trabajo, pasa tiempo con su familia y termina el día viendo la televisión, en concreto el programa Vergüenza ajena, al que considera “el mejor show de la televisión”.

La producción de Netflix no solo se apoya en el testimonio directo de Murphy, sino que también recurre a figuras de la comedia como Dave Chappelle, Chris Rock, Jerry Seinfeld, Kevin Hart y Pete Davidson, quienes analizan la influencia del actor en la cultura popular.

La familia y la vida personal de Murphy ocupan un lugar central en Soy Eddie. El actor, que rara vez concede entrevistas y es conocido por su discreción, ha abierto las puertas de su hogar para mostrar su día a día junto a su esposa Paige Butcher y sus diez hijos, a los que ahora parece consagrar su vida (o al menos eso dice).

Luces y sombras de Eddie Murphy

El documental también aborda episodios traumáticos de su infancia, como el asesinato de su padre cuando era niño y la posterior figura de su padrastro, Vernon Lynch Sr., a quien atribuye un papel fundamental en su desarrollo personal.

Murphy ha compartido detalles sobre su carácter reservado y su rechazo a los excesos asociados a la fama. En el documental, recuerda cómo, durante su juventud, evitó el consumo de drogas y alcohol, a pesar de haber estado rodeado de figuras como John Belushi, Robin Williams y Rick James. “Nunca sentí curiosidad. Nunca probé la cocaína ni toqué la cocaína. No bebo, no fumo cigarrillos. No fumé un porro hasta que tuve 30 años”, explicó el actor. Jamie Foxx, también presente en el documental, ha descrito a Murphy como una persona “muy introvertida”, que prefiere mantenerse en un segundo plano en los eventos sociales.

El recorrido por la carrera de Murphy no elude los momentos difíciles. El fracaso comercial de Un vampiro suelto en Brooklyn y la posterior burla en Saturday Night Live, cuando David Spade se refirió a él como “una estrella fugaz”, supusieron un golpe para el actor. “Fue como si tu alma mater se burlara de ti, de tu carrera, no de lo gracioso que eres”, ha recordado Murphy en el documental. Esta experiencia le llevó a distanciarse del programa durante años, hasta que en 2019 decidió regresar como presentador, un gesto que ha calificado de necesario para reconciliarse con sus orígenes: “SNL es parte de mi historia. Necesitaba ‘reconectar’ con ese programa porque de ahí vengo”.

El documental también repasa la versatilidad de Murphy como actor, destacando su nominación al Oscar por Dreamgirls en 2007.

En el ámbito personal, Murphy ha hablado abiertamente sobre su experiencia con el trastorno obsesivo-compulsivo, relatando rituales de su infancia como comprobar repetidamente el gas de la cocina o tararear sonidos extraños. El actor ha explicado que identificó estos comportamientos tras ver un programa de televisión sobre el tema y que, con el tiempo, ha logrado reducirlos, aunque reconoce que persisten en menor medida.

Un documental con escasas controversias

El documental dedica un espacio relevante a la relación de Murphy con sus referentes en la comedia. De joven, idolatraba a Richard Pryor y aspiraba a seguir sus pasos, aunque la industria llegó a enfrentarles como rivales, especialmente después de que Pryor manifestara su incomodidad ante el ascenso de Murphy.

Bill Cosby, por su parte, criticó el uso de lenguaje soez en los monólogos de Murphy, lo que llevó al actor a responder con una imitación en Raw (El show de Eddie Murphy). En ese sentido, al final de Soy Eddie, Murphy protagoniza una escena humorística con muñecos de ventrílocuo que representan a Pryor y Cosby, un guiño a sus influencias y a la complejidad de sus relaciones.

Sin embargo, este trabajo parece destinado a limpiar la figura de Eddie Murphy y servir como oda laudatoria a su trabajo, algo que suele ser habitual en este tipo de documentales auspiciados por la propia figura y en el que hay un escaso espíritu crítico.

Quizás, por esa razón, se omiten algunos episodios controvertidos de su vida pública, como el arresto en 1997 de una prostituta trans que viajaba en su coche, su breve matrimonio mediático con Tracey Edmonds o la disputa inicial por la paternidad de la hija que tuvo con la Spice Girl Mel B.

Así, la mayor parte de los medios han visto Soy Eddie como un retrato reverencial que, si bien ofrece acceso privilegiado a la vida de Murphy y testimonios de sus colegas, adolece de cierta falta de profundidad y omite aspectos polémicos de su biografía.

Por el momento, su próximo proyecto será poner de nuevo la voz al personaje del asno en la quinta entrega de Shrek, prevista para el 2027.

Carpenter interpretó su tema “Nobody’s Son” como parte de una doble función en el espacio televisivo, donde además había interpretado “Manchild” como parte de su nuevo álbum Man’s Best Friend. Mientras que la actuación tuvo buena acogida en términos generales, fue un pequeño —pero significativo— detalle lo que motivó la intervención de Sawayama: el uso de zapatos sobre esteras de tatami durante una escena ambientada en un dojo japonés.

El detalle puntual que encendió el debate

Durante la actuación, la escenografía recreaba un ambiente de artes marciales japonés: fondo tipo dojo, bailarines con gis y una coreografía inspirada en el kárate.

Sabrina Carpenter apareció ataviada con un minivestido blanco de lentejuelas y un cinturón negro brillante mientras interpretaba el tema en cuestión.

Sawayama utilizó su cuenta de Instagram para enviar “mucho amor” a Carpenter, pero subrayó a los equipos creativos de “colegas artistas” que si se hacía referencia a una cultura “con claridad”, era necesario hacerlo “con la investigación, el respeto y el cuidado que merece”.

La frase que generó gran repercusión fue: “Zapatos sobre el tatami es cárcel”, en alusión directa al hecho de que algunos bailarines usaron zapatillas sobre las esteras tradicionales japonesas, lo que en la cultura nipona se considera una falta de respeto.

Contexto cultural y significado del tatami

Por si no se está familiarizado con la etiqueta japonesa: las esteras de tatami están hechas tradicionalmente de paja tejida —o de plantas como la igusa— y se usan en hogares, templos y dojos.

En ese contexto, usar zapatos de calle sobre tatamis se considera inaceptable, ya que se daña el tejido, se viola la higiene y se falta al carácter simbólico de esas superficies.

Aunque algunas voces han señalado que en un entorno televisivo puede existir una lógica de seguridad escénica o diseño de producción que explique la decisión, la crítica de Sawayama apunta a que el error ocurre porque no se consultó ni se respetó la tradición, lo cual abre una discusión más amplia sobre la representación cultural.

Otros focos de la actuación de Sabrina Carpenter en SNL

Más allá del detalle del tatami, la actuación de Sabrina Carpenter también llamó la atención por otra razón: en la interpretación de “Nobody’s Son” se repitieron dos veces la letra explícita “He sure f---ed me up”, la cual aparentemente no fue censurada en algunas zonas horarias del programa.

Esto provocó sorpresa entre ciertos espectadores, especialmente en la costa oeste de EE.UU., donde se advirtió que la palabra fue escuchada sin silenciador en directo.

En su totalidad, la noche marcó un paso importante para Carpenter: fue su primera vez como presentadora del show además de invitada musical, y se le reconoció versatilidad interpretativa, aunque también ciertos apresuramientos en sketches y monólogo.

La voz de Rina Sawayama y su historial de críticas

Rina Sawayama no solo se pronunció sobre este incidente, sino que ya había hecho crítica pública en el pasado en temas de discriminación cultural. En 2023, protagonizó un enfrentamiento mediático con Matty Healy, vocalista de The 1975, por comentarios racistas.

Hasta ahora, ni Sabrina Carpenter ni el equipo de producción de SNL han emitido un comunicado oficial en respuesta a la crítica de Sawayama. En redes sociales, la reacción ha sido mixta: algunos espectadores apoyan la observación de Sawayama y consideran que este tipo de errores reflejan un descuido cultural; otros argumentan que en un show televisivo las normas del tatami podrían no aplicarse de forma literal y que quizá se eligió una estética simplificada por razones de producción.

El debate se abre también hacia un aspecto importante: la inclusión de creativos de origen cultural al que se hace referencia en la producción, lo que podría evitar errores de este tipo. Artículos especializados señalan que el problema no solo es el elemento visual, sino también la falta de representación o asesoría culturales en los equipos de creación.

Florinda Meza, María Antonieta de las Nieves, Carlos Villagrán y la cuenta oficial de Chespirito en Instagram reaccionaron al sketch que Bad Bunny hizo de El Chavo del 8 en Saturday Night Live.

A continuación te contamos qué dijeron los actores que interpretaron a Doña Florinda, La Chilindrina y Quico, respectivamente, en el famoso programa de Roberto Gómez Bolaños.

“La interpretación de Bad Bunny fue magistral”: Florinda Meza

La actriz, viuda de Roberto Gómez Bolaños ‘Chespirito’, aplaudió el sketch, pero hizo énfasis en la interpretación de Bad Bunny como ‘Quico’.

"Me encanta que le hagan homenaje al legado de Roberto. Me gustaron todos, pero la interpretación de Bad Bunny fue magistral. Hay mucho cariño ahí y se nota. Esa es la magia del programa, que fue doblado en muchos idiomas, hasta en japonés y mandarín", escribió en su cuenta de Instagram.

Florinda Meza agradeció al cantante puertorriqueño por mostrar la magia de El Chavo del 8 a nivel internacional y mantener la ilusión del romance entre Doña Florinda y el Profesor Jirafales.

Yo le agradezco este homenaje a Saturday Night Live, pero sobre todo, a Benito Antonio Martínez Ocasio “Bad Bunny”. Y por último, les quiero decir que estamos en una época maravillosa (...) Otra cosa que me encantó de este sketch fue ver de nuevo al Profesor Jirafales y estar a punto de presenciar ese ansiado beso... ¡Ay! Sólo fue un sueño, porque Bad Bunny lo detuvo a tiempo. Seguimos con esa ilusión por siempre", añadió.

“Increíble trabajo”: María Antonieta de las Nieves

La actriz, quien interpretó a La Chilindrina en El Chavo del Ocho, aplaudió la interpretación de todos los actores que participaron en el sketch y agradeció a Sarah Sherman por darle vida a su icónico personaje en esta versión.

“Muchas gracias a SNL por darle vida a El Chavo. Gracias @sarahsquirm por el increíble trabajo y @badbunnypr por hacerlo inolvidable”, escribió en Instagram.

“Qué bonita vecindad”: Chespirito

La cuenta oficial de Chespirito en Instagram también reaccionó al homenaje de Bad Bunny, pero lo hizo al estilo de El Chavo del Ocho.

“¡Que bonita vecindad! Está padrísima", se lee.

Carlos Villagrán no publicó nada al respecto en sus redes sociales; no obstante, circula una supuesta captura de pantalla de un presunto comentario que habría hecho el actor mexicano sobre la interpretación de Bad Bunny como Quico.

“@badbunnypr me tocará cantar el sapito a tu estilo”, se lee en el supuesto mensaje.

Kristen Wiig sorprendió al mostrar su costado más íntimo en el pódcast Good Hang with Amy Poehler, disponible en YouTube. En una charla con humor y complicidad, la actriz y comediante, reconocida por su trabajo en Saturday Night Live (SNL) y Bridesmaids, compartió anécdotas y reflexiones que revelaron su faceta más auténtica.

Entre risas, Wiig dejó una frase inesperada: “¡Haría que Metallica sonara más bajito!”, expresión que resume su visión personal sobre la música y la vida diaria.

Los orígenes de una comediante

El episodio reunió a dos referentes de la comedia estadounidense en un ambiente relajado. Amy Poehler, anfitriona, repasó la trayectoria de Wiig y la admiración que despierta.

La charla inició con Bill Hader, ex SNL, quien recordó los primeros días de Wiig en el programa y su capacidad para sorprender con personajes originales. Hader resaltó su destreza para equilibrar las necesidades del show con sus ideas propias. “Tenía una confianza en sus propuestas que siempre admiré”, afirmó.

Wiig recordó su adolescencia en Lancaster, Pensilvania, y Rochester, Nueva York, marcada por travesuras como respuesta al divorcio de sus padres. “Me metía en problemas, tuve detenciones y hasta la policía fue a mi casa por bromas telefónicas”, contó entre carcajadas.

Su acercamiento a la actuación fue accidental: tras estudiar arte en la Universidad de Arizona y experimentar ansiedad en una clase de actuación, se trasladó a Los Ángeles tras visitar a un psíquico que le recomendó mudarse. “No tenía grandes planes de ser actriz, pero sentía que debía intentarlo”, explicó.

El salto a SNL y la autenticidad como motor creativo

La llegada a la comedia profesional se produjo con The Groundlings, la legendaria compañía de improvisación de Los Ángeles. Wiig detalló que asistir a un show del grupo le reveló un mundo donde la creatividad era ley.

“Nunca había visto improvisación en vivo y pensé: esto es lo que quiero hacer”, contó. Tras varios trabajos e incertidumbre, se animó a audicionar para SNL. “Hice dos audiciones y no supe si había quedado hasta que la temporada ya había empezado”, recordó.

Durante la entrevista, Poehler y Wiig repasaron personajes emblemáticos de la actriz en SNL, como Target Lady, Penelope y “Surprise Lady”. Su proceso creativo siempre se basó en la autenticidad y el deseo de hacer reír, más que en la aprobación externa.

“No veo mi actitud como confianza, simplemente hago lo que me parece divertido y auténtico”, afirmó. También compartió el consejo de Will Forte: “Nunca escribas pensando en lo que otros van a encontrar gracioso, hazlo si a ti te hace gracia”.

Relación con la crítica y bienestar personal

La conversación abordó la autoexigencia y la relación de Wiig con la crítica. Aseguró que intenta no buscar opiniones ajenas ni leer reseñas. “Puedo recordar palabra por palabra las cosas negativas que han dicho de mí”, admitió.

Para cuidar su bienestar, evita los comentarios sobre sus trabajos y se centra en la experiencia de crear. “Cuando termino algo, lo dejo ir y me alejo”, explicó, resaltando la importancia de mantener una vida privada y no dejarse consumir por la exposición pública.

La música, la rutina y el placer de lo cotidiano

Uno de los momentos destacados se centró en la función de la música en el proceso creativo de Wiig. “La música es lo que necesito para crear cualquier cosa”, aseguró. Poehler le propuso unirse a una banda, y Wiig respondió bromeando: “Podría unirme a Metallica, pero haría que sonaran más bajito”. Esta frase se transformó en uno de los momentos más celebrados del pódcast y refleja su humor único.

Wiig compartió detalles de su rutina diaria. Reveló que disfruta de la tranquilidad, prefiere cenar temprano y acostarse pronto. “Me gusta cenar a las seis de la tarde y estar en la cama a las ocho y media”, dijo. Además, para relajarse opta por la televisión de realidad, especialmente los programas de Bravo como The Real Housewives of Salt Lake City.

“No puedo ver comedia, prefiero la televisión de realidad para desconectar”, señaló, ya que ese formato le permite soltar el análisis profesional y simplemente disfrutar del espectáculo.

Amistades, inspiración y legado en la comedia

La charla incluyó anécdotas sobre colaboraciones y amistades con figuras como Bill Hader, Will Forte y Carol Burnett. Wiig relató la emoción que sintió al conocer a Burnett y cómo influyó en su carrera.

En el cierre del episodio de YouTube, Poehler destacó el impacto de Wiig en la comedia y la galería de personajes entrañables que ha creado a lo largo de los años. Invitó a los oyentes a buscar clips de Wiig para disfrutar de humor genuino.

Así, celebraron el legado de una artista que, con autenticidad y simpatía, ha conquistado tanto a colegas como al público, dejando una huella inconfundible en la comedia contemporánea.

La reciente emisión de Saturday Night Live generó un intenso debate entre los seguidores de El Chavo del 8 tras la presentación de un sketch que, aunque pretendía rendir homenaje a la icónica serie mexicana, introdujo un diálogo que contradice la esencia del personaje creado por Roberto Gómez Bolaños.

La controversia surgió cuando el personaje de El Chavo, interpretado por Marcello Hernández, pronunció la frase: “Mi mamá siempre dice: nunca golpees a tus enemigos”, una afirmación que los fanáticos consideraron incompatible con la historia original, donde el niño es huérfano y su madre nunca aparece en la trama.

El sketch, titulado en inglés “The Kid from Number 8”, recreó una de las escenas clásicas de la vecindad, en la que Don Ramón, encarnado por Andrew Dismukes, intenta reparar una silla mientras es interrumpido por Quico, lo que desencadena la habitual confusión y termina con Don Ramón recibiendo un golpe de Doña Florinda.

La producción mantuvo la estética y el humor característicos de la serie original, con Bad Bunny en el papel de Quico, Marcello Hernández como El Chavo, Chloe Fineman como Doña Florinda, Sarah Sherman como La Chilindrina y la participación especial de Jon Hamm como el Profesor Jirafales.

La fidelidad en la interpretación de Quico por parte de Bad Bunny fue ampliamente reconocida por los espectadores, quienes destacaron el parecido en la voz y los gestos con el personaje original de Carlos Villagrán.

Sin embargo, la elección de Hernández para el rol de El Chavo y el guion que le asignaron provocaron críticas, ya que, según el libro “El diario del Chavo” escrito por Gómez Bolaños, el personaje es huérfano desde su llegada a la vecindad: “Un día mi mamá ya no fue a recogerme de la guardería... y los demás tampoco”.

Esta contradicción fue señalada por los seguidores en redes sociales, quienes lamentaron que el homenaje traicionara el espíritu de la creación original.

A pesar de la polémica, muchos usuarios valoraron que Saturday Night Live dedicara un segmento a El Chavo del 8, interpretándolo como un reconocimiento a la influencia de la cultura latina en Estados Unidos.

El homenaje coincidió con la presencia de Bad Bunny como anfitrión del programa, quien inauguró la temporada 51 y aprovechó la ocasión para abordar el impacto de su carrera y la representación latina en el país.

Durante su monólogo, Bad Bunny —cuyo nombre real es Benito Antonio Martínez Ocasio— hizo referencia directa a la controversia generada tras el anuncio de la National Football League (NFL) que lo posiciona como el primer artista latino en protagonizar el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl en 2026.

El cantante puertorriqueño ironizó sobre las críticas recibidas por parte de sectores conservadores y medios estadounidenses, afirmando: “Si no entiendes [español], tienes cuatro meses para aprender”, en alusión a quienes cuestionaron su participación en el evento deportivo.

El artista también respondió a los comentarios de figuras políticas como Kristi Noem, secretaria de Seguridad Nacional, quien advirtió sobre la presencia de agentes del Servicio de Control de Inmigración y Aduanas de los Estados Unidos (ICE) en el estadio Levi’s de Santa Clara, California, durante el Super Bowl.

“Tengo la responsabilidad de asegurarme de que todos quienes asistan al Super Bowl tengan la oportunidad de disfrutarlo y de retirarse sin riesgos”, declaró Noem, según recogió Fox News.

En su intervención, Bad Bunny expresó su agradecimiento a la comunidad latina, subrayando: “Más que un logro propio, es el logro de todos, demostrando que nadie podrá borrar o quitar la huella y la contribución de los latinos a este país”.

El cantante alternó entre el español y el inglés para dirigirse tanto a sus seguidores como a quienes lo critican, reiterando: “Si no entiendes lo que acabo de decir, tienes cuatro meses para aprender”.

El monólogo incluyó referencias a su reciente residencia en el Coliseo de Puerto Rico, donde ofreció 31 conciertos consecutivos con localidades agotadas. El propio artista bromeó sobre el desgaste físico que implicó la serie de presentaciones: “Esta vez solo conduzco porque necesito descansar”, justificó. Además, compartió anécdotas sobre la asistencia de celebridades como Jon Hamm, quien, según relató, disfrutó intensamente del espectáculo en San Juan.

La emisión de Saturday Night Live no solo rindió tributo a la comedia mexicana producida por Televisa en la década de 1970, sino que también evidenció la vigencia de sus personajes entre las audiencias hispanas de América Latina y Estados Unidos.

Bad Bunny volvió a generar conversación global tras aparecer en el estreno de la temporada 51 de Saturday Night Live (SNL). El cantante puertorriqueño, recientemente anunciado como la estrella del show de medio tiempo del Super Bowl LX, se convirtió en tendencia al imitar nada menos que a “Quico”, uno de los personajes más icónicos de El Chavo del 8.

Un inesperado y extraño sketch

La participación del artista, quien fungió como anfitrión del programa, se desarrolló en un sketch que recreó la dinámica de la famosa vecindad creada por Roberto Gómez Bolaños ‘Chespirito’. Aunque la comedia fue presentada en inglés, los gestos, diálogos y situaciones recordaron a millones de televidentes la esencia de la serie que marcó a varias generaciones en América Latina.

En la parodia, “El Chavo” fue interpretado por el comediante Marcello Hernández, de origen cubano y dominicano. Sarah Sherman dio vida a “La Chilindrina”, mientras que Bad Bunny encarnó a “Quico”, replicando sus característicos cachetes inflados y tono de voz peculiar. El sketch incluyó también la participación de Jon Hamm como el “Profesor Jirafales”.

Con risas grabadas, pastelazos y frases reconocibles, la recreación mostró un choque cultural curioso: un clásico de la televisión mexicana adaptado al estilo estadounidense del late night más famoso del mundo.

La elección de Bad Bunny para encarnar a “Quico” resultó tan inesperada que rápidamente se viralizó en redes sociales, dividiendo opiniones entre quienes lo celebraron como un guiño a la cultura latina y quienes lo consideraron extraño o incluso fuera de lugar.

Super Bowl y polémica

La imitación llega en un momento clave para el puertorriqueño, ya que su confirmación como encargado del show de medio tiempo del próximo Super Bowl ha desatado un debate público. Críticos señalan que el trap latino no representa a la base tradicional de aficionados de la NFL, mientras que otros celebran la inclusión como un signo de diversidad y alcance global.

La liga, que busca conquistar nuevas audiencias, apostó por el artista más escuchado en el mundo, lo que ha generado expectativas y resistencias a partes iguales. Así, cada aparición del intérprete de "Tití Me Preguntó" se analiza bajo la lupa, reforzando su papel como figura disruptiva en la cultura pop internacional.

‘Chespirito’, entre la nostalgia y la polémica

La elección de El Chavo del 8 como sketch en SNL también ocurre en un momento donde el legado de Roberto Gómez Bolaños se encuentra en el ojo del huracán. La reciente serie Chespirito: Sin querer queriendo, estrenada en HBO Max, ha sido criticada por Florinda Meza, quien la calificó de “vulgar” y “llena de mentiras”.

Esta producción reavivó viejos debates sobre la vida personal del comediante y las tensiones con actores como Carlos Villagrán, precisamente el original “Quico”.

Que Bad Bunny dé vida a ese mismo personaje en uno de los escenarios más influyentes de la televisión estadounidense refuerza el impacto que aún tiene la creación de Chespirito más allá de México.

Más allá de las opiniones encontradas, lo cierto es que la interpretación de Bad Bunny como “Quico” confirma su habilidad para sorprender y mantenerse en el centro de la conversación cultural. Lo mismo provoca aplausos que críticas, pero difícilmente deja a alguien indiferente.

En medio de la expectativa por su actuación en el Super Bowl, este sketch en SNL fue una jugada estratégica que, entre humor y nostalgia, volvió a ponerlo en boca de todos.

“Al final de la séptima temporada, sentí que ya no podía seguir”, confesó el actor Andy Samberg, sobre uno de los momentos más intensos y transformadores de su carrera, durante una reciente entrevista en el podcast Conan O’Brien Needs A Friend.

El recorrido del comediante estadounidense se caracterizó por la capacidad de anticiparse a las tendencias digitales, soportar la presión de la producción semanal y colaborar con figuras clave del humor internacional. En la charla con su colega Conan O’Brien, ofreció una visión precisa sobre la evolución del humor y su función como protagonista del cambio.

Una nueva era para la comedia digital

“Fue una ola de prensa, pero no sobre nosotros, sino sobre la llegada del video en streaming”, recordó Samberg al hablar del fenómeno viral posterior a la emisión de “Lazy Sunday”, uno de los cortos digitales producidos junto a The Lonely Island en Saturday Night Live (SNL).

Reconocido por su habilidad para conectar con nuevas audiencias, el artista relató cómo el grupo que conformó junto a Jorma Taccone y Akiva Schaffer se mudó desde Berkeley (California) a Los Ángeles a comienzos de los años 2000, decidido a buscar oportunidades en la emergente comedia digital. Sobre esto, explicó: “La tecnología y el momento hicieron posible que nuestro trabajo llegara a una audiencia global”.

En ese entonces, internet todavía no ofrecía facilidades de distribución. Sin embargo, la creatividad de The Lonely Island encontró su canal en SNL. Los cortos “Lazy Sunday”, “I’m on a Boat” y “Dick in a Box” no solo se viralizaron, sino que marcaron el inicio de una nueva era para el humor audiovisual.

Según el propio Samberg, se enteró de la existencia de YouTube al día siguiente de la emisión de uno de estos sketches. El video circulaba por la red a una velocidad insólita y O’Brien recordó que fue la primera vez que escuchó la expresión ‘se volvió viral’ aplicada a una escena de comedia.

Presión, desgaste y creatividad

La exposición masiva y la relevancia no estuvieron exentas de consecuencias. Producir cortos digitales para SNL cada semana supuso una exigencia poco habitual en la televisión de la época. “Los primeros años fueron de puro entusiasmo y creatividad”, recordó el entrevistado.

Aunque también admitió que el ritmo acelerado y el desgaste físico y creativo se intensificaron al pasar las temporadas, sobre todo cuando sus compañeros empezaron a enfocarse en otros proyectos. Con respecto a ello, reflexionó: “Cuando sientes que no puedes más, es cuando descubres si esto te apasiona verdaderamente”.

A pesar de la presión, el comediante valora su experiencia como formativa. La oportunidad de colaborar con figuras como Justin Timberlake fue otro de los regalos que SNL le brindó, permitiéndole sumar talento musical a los sketches más recordados del grupo. “Es una bendición cuando se cruzan personas con la misma curiosidad y sentido del humor”, afirmó.

Brooklyn Nine-Nine y el arte de la agilidad televisiva

El legado de Samberg tomó nuevo impulso con Brooklyn Nine-Nine, serie en la que trasladó la versatilidad y el control creativo de sus cortos a un formato más tradicional. “Lo que más me enorgullece de Brooklyn es que vuela, realmente avanza sin pausa”, aseguró.

En sus palabras, la edición y la libertad para descartar chistes que no funcionaban ayudaron a moldear la identidad dinámica del programa. Tanto Conan O’Brien como Andy Samberg coincidieron en que la velocidad y precisión en la comedia televisiva son herencia directa de referentes históricos como Monty Python o Mel Brooks.

Durante las primeras temporadas, el equipo producía más de 20 episodios por ciclo, una práctica que permitía que las ideas cobraran vida rápidamente y mantuvieran la frescura del humor. “La dinámica rápida es fundamental en mi estilo”, enfatizó el actor.

Salto a la animación y el cine internacional

En la actualidad, el humorista experimenta nuevos formatos con la serie animada Digman, emitida por Comedy Central. Allí interpreta a un arqueólogo estrella en un universo que parodia los clichés del género de aventuras. El proyecto, escrito junto a Neil Campbell, juega con los tópicos del arqueólogo-celebridad, al tiempo que permite explorar la animación desde una mirada humorística.

Al mismo tiempo, Samberg incursiona en el cine internacional con “The Roses”, película dirigida por Jay Roach y escrita por Tony McNamara, donde actúa junto a Benedict Cumberbatch, Olivia Colman, Kate McKinnon y Allison Janney. Aunque reconoció que compartir pantalla con actores de ese calibre puede impresionar, destacó que su paso por SNL le enseñó a verlos como colegas y a disfrutar la creación colectiva.

Referentes y visión a futuro

Durante la entrevista, Samberg también reconoció a Adam Sandler y Jim Carrey como figuras clave en su decisión de dedicarse a la comedia. “Cuando encuentras a otros que comparten esa visión y la canalizan en humor, se siente como un regalo”, expresó.

Por su parte, O’Brien remarcó la capacidad de Samberg para mantener el entusiasmo y la originalidad, incluso bajo presión, y ambos coincidieron en que la diversión y la honestidad son elementos esenciales para el éxito humorístico.

Al cierre del episodio, Andy Samberg mostró una visión optimista tanto de su momento actual como del estado de la comedia. “Cada nuevo proyecto representa la oportunidad de seguir disfrutando de un sueño hecho realidad”, sentenció, dejando en claro su propósito en el entretenimiento.

“Al principio me costaba disfrutar ser el protagonista. Pero entendí que el público quiere ver a alguien seguro de sí mismo, no a alguien que duda si merece estar ahí”, confesó Seth Meyers en su charla con Dax Shepard para el podcast Armchair Expert. Con su frase reflejó el tono honesto de la entrevista, en la que el presentador estadounidense abrió las puertas de su vida privada y profesional.

Consolidado como sinónimo de la comedia nocturna en Estados Unidos, su camino no estuvo libre de barreras. En el reciente intercambio para el programa, recordó sus primeros pasos con el humor en Northwestern, donde fue rechazado varias veces por el grupo de improvisación universitaria. “Audicioné tres años para el grupo de improvisación y no quedé. Eso me impulsó a buscar otras oportunidades en Chicago”, relató Meyers.

Esa búsqueda constante lo llevó a Saturday Night Live (SNL), donde enfrentó un entorno ferozmente competitivo y la presión interna de demostrar que merecía pertenecer al elenco. Con respecto a esto, confesó: “En SNL, el nivel de exigencia es altísimo. Al principio, sentía que debía probar que merecía estar ahí”.

La adaptación en SNL le permitió descubrir el valor del respaldo de sus compañeros. “Cuando lo piensas bien, todos estaban empujando para que me fuera bien. Era el viento a favor, no en contra”, señaló, mostrando su lado más reflexivo.

Asimismo, el verdadero desafío surgió al hacerse cargo de Late Night, donde el foco se concentró completamente en su figura. Aprender a disfrutar este protagonismo y proyectar confianza fue clave para consolidar su estilo como conductor.

Peso de la fama con el “síndrome del impostor”

A pesar del reconocimiento obtenido, Seth Meyers confesó que el síndrome del impostor (sensación persistente de no merecer el éxito) sigue presente. “Hago estos especiales de stand-up para probar algo que nadie me pidió que probara: que también puedo hacer stand-up, porque siento que la gente no me ve así”, afirmó.

Una de sus anécdotas con Shimon Peres, expresidente israelí y Nobel de la Paz, reflejó su particular visión de la fama. El presentador contó que investigó a Peres antes de una reunión, solo para darse cuenta de que el mandatario también había consultado su propia página de Wikipedia.

Situaciones como estas, según Meyers, ponen en perspectiva los alcances reales del reconocimiento y muestran la dimensión humana detrás de las celebridades. En su especial “Dad, Man, Walking”, prefiere reírse de sus defectos y mostrar la “paternidad imperfecta” que vive lejos del foco de las cámaras.

Amistad y cooperación en la industria

Según la perspectiva del también actor estadounidense, la industria del entretenimiento dejó atrás la competencia feroz entre los late night para dar paso a la cooperación y la camaradería. Durante la huelga de guionistas, creó junto a Jimmy Kimmel, Jimmy Fallon, Stephen Colbert y John Oliver el pódcast Strike Force Five, que consolidó la hermandad entre presentadores.

“Antes, las guerras de late night eran noticia. Ahora, hay más respeto y camaradería. Sabemos lo difícil que es este trabajo”, reconoció. Considera que mantener estos espacios de encuentro es esencial para afrontar la intensidad del oficio y cultivar amistades auténticas.

Familia y convivencia intergeneracional

En la conversación, Meyers no dudó en mostrarse vulnerable sobre su vida familiar y la influencia de su padre: “La relación con mi padre fue clave. Él siempre fue muy afectuoso, pero también exigente. Me empujaba a ser la mejor versión de mí mismo”. Dicha exigencia contribuyó a enseñarle el valor del esfuerzo y el uso del talento, aunque a veces fuera motivo de tensión.

Su entorno familiar es particular y fuente permanente de relatos. Describió a su suegro Tom como “un aventurero incansable, constructor autodidacta y narrador de historias”, y destacó el papel de su cuñado Tolya, adoptado de Rusia, como el tío atlético y carismático que genera admiración.

“Vivir al lado de mis suegros fue predestinado. Desde que conocí a Alexi, ambos sabíamos lo que aportaba cada familia”, comentó. Para sus hijos, esta diversidad generacional fue sinónimo de aprendizaje y compañía constante.

Por otra parte, la crianza bajo el ojo público impone ciertos límites, sobre todo a la hora de compartir historias familiares en sus monólogos o especiales de comedia. “Cuando hago stand-up, me doy libertad para hablar de todo, pero cuando se trata de grabar un especial, pienso mucho en el impacto que puede tener en mis hijos”, confesó.

Humor cotidiano y desafíos de la paternidad

La vida diaria de Seth Meyers nutre buena parte de su humor, tanto en sus programas como en la intimidad. Relató con humor las diferencias en la educación de sus hijos cuando su padre, de temperamento fuerte, los visita. “Intento no gritar en casa, pero cuando mi padre está, los niños experimentan otra forma de autoridad. Creo que es bueno que vean diferentes estilos”, compartió.

Mientras que la convivencia con la familia política ofrece relatos de viajes interminables con historias de Tom y travesuras de Tolya, “el tío que todos quieren tener”. A su vez, reconoció la dificultad de controlar el lenguaje grosero y cómo la verdadera preocupación es lo que los niños repiten en la escuela, más que en casa.

Futuro de la televisión nocturna

Seth Meyers observó que la fatiga política es un fenómeno real tanto para la audiencia como para creadores, especialmente tras la elección presidencial de 2016. “Después de la elección, sentí un verdadero agotamiento. No podíamos hacer el mismo tipo de programa, así que decidimos buscar la alegría en el trabajo y proyectarla”, señaló.

Ahora, se muestra pragmático sobre el destino de la televisión nocturna. “Ya no temo no ser lo suficientemente bueno, ahora me preocupa que el ecosistema deje de sostener este formato. Pero al menos sé que construí una trayectoria de la que me siento orgulloso”, concluyó en la entrevista.

Pete Davidson, famoso por su participación en la comedia y la televisión estadounidense, y Elsie Hewitt, modelo y actriz británica, atraviesan una etapa de transformación personal tras confirmarse que esperan su primer hijo.

La noticia del embarazo, que fue validada por una fuente cercana a la pareja a People, generó repercusiones en medios y redes sociales, alimentando la curiosidad del público por los detalles de esta nueva etapa en sus vidas.

Si bien el portal TMZ fue el primero en publicar la novedad, la confirmación llegó a través del entorno íntimo del comediante y la modelo. De todas maneras, los representantes oficiales de Davidson y Hewitt han optado por no realizar comentarios públicos, lo que ha acentuado el interés y la discreción en torno al tema.

De un romance discreto a la convivencia

El vínculo entre Davidson y Hewitt se hizo visible en marzo, cuando fueron fotografiados juntos en Palm Beach, Florida. Aquellas imágenes jugando y paseando por la playa marcaron el principio de la historia de la pareja ante la opinión pública.

Sin buscar la exposición, ambos mantuvieron su rutina diaria alejada de la prensa, evitando hacer declaraciones abiertas sobre su relación. De todas maneras, la intimidad y confianza entre ellos quedó demostrada cuando, poco después, tomaron la decisión de mudarse juntos a Nueva York, apostando por una convivencia que reforzó el crecimiento del noviazgo.

En su nueva etapa en Nueva York, la pareja alterna el tiempo entre la casa de Davidson en el norte del estado y una vivienda alquilada en Brooklyn. Esta dinámica les permite combinar lo mejor de la vida urbana con la tranquilidad de ambientes más privados, alejándose así de los focos de la prensa.

Aunque conservan la reserva en su vida cotidiana, Hewitt ha compartido ocasionalmente postales familiares en redes sociales. Fotografías recientes en bote y durante el 4 de julio han permitido ver a la pareja relajada y auténtica, reforzando la imagen de complicidad y cercanía entre ambos.

En sus trayectorias personales, Davidson y Hewitt han tenido parejas reconocidas dentro del mundo del espectáculo. Davidson mantuvo una relación con la actriz Madelyn Cline antes de iniciar su romance actual, mientras que Hewitt había sido vinculada sentimentalmente con Jason Sudeikis, según publicaron medios como Page Six.

A pesar de las experiencias pasadas bajo la atención mediática, esta vez eligieron proteger la intimidad de la relación y mostrar solo ciertos aspectos elegidos de su nueva vida en común.

El deseo de paternidad de Davidson

El anuncio del embarazo coincide con el deseo de ser padre que Davidson expresó en 2022 durante una entrevista con Kevin Hart para el programa Hart to Heart. En aquella ocasión, el comediante declaró: “Lo que más me gusta de mi vida, y que aún no he conseguido, es tener un hijo”, según recordó People.

Davidson aseguró que este era su sueño por cumplir y confesó estar preparándose tanto personal como emocionalmente para ese momento. El hecho de que la noticia vea la luz ahora otorga un nuevo significado a las palabras del actor y confirma que se encuentra al inicio de una etapa largamente esperada.

Actualmente, la pareja disfruta de la convivencia y se prepara para el nacimiento de su hijo, priorizando la estabilidad y la privacidad en un entorno que combina la vida metropolitana y los espacios íntimos en Nueva York. A fin de cuentas, este embarazo representa mucho más que una noticia sentimental; es el punto de partida de una experiencia transformadora para Davidson y Hewitt.

Abby Elliott, conocida por su papel en la serie El Oso, ha experimentado un cambio notable en la forma en que el público la percibe.

Según The Wall Street Journal, la actriz ha notado que el personal de los restaurantes la reconoce con frecuencia, especialmente tras el éxito de la serie. “Cuando salimos a comer hace poco, cinco camareros me guiñaron el ojo y asintieron. Sus expresiones lo decían todo: ‘Sabes perfectamente por lo que estamos pasando’”, compartió Elliott. Su interpretación ha generado una conexión especial con quienes trabajan en el sector gastronómico.

Una herencia cómica marcada por tres generaciones

La carrera de Abby Elliott se inserta en una tradición familiar ligada a la comedia. Su padre, Chris Elliott, alcanzó notoriedad con la serie Get a Life en 1991. Abby recuerda con nitidez visitar el set de grabación a los cuatro años. “Me cautivaron las luces del escenario y la risa de todos con su actuación”, declaró al Wall Street Journal. Lo que más le sorprendía era ver cómo otros disfrutaban de las actividades divertidas que su padre realizaba en casa.

Su abuelo, Bob Elliott, fue parte del dúo cómico Bob y Ray, pionero de la improvisación desde los años cuarenta. Durante los veranos que pasaba en su casa de Harpswell, Maine, Abby notaba cómo su ingenio era tan sutil que era difícil saber cuándo hablaba en serio. “Era genial”, recordó.

Por su parte, Paula Niedert Elliott, madre de Abby, trabajó en la producción de Late Night With David Letterman entre 1982 y 1988. Allí conoció a Chris Elliott. Pese a este entorno, los padres de Abby no fomentaron que sus hijas siguieran una carrera artística. “Nos desaconsejaron. Eran ilusiones”, explicó.

Formación en improvisación y llegada a “Saturday Night Live”

Instalada en Los Ángeles, Abby se incorporó a los grupos de improvisación Groundlings y Upright Citizens Brigade, dos semilleros de talentos en la comedia estadounidense. En 2008, a los 21 años, fue seleccionada para el elenco de Saturday Night Live (SNL). Permaneció cinco temporadas en el programa.

Sobre su salida, declaró que primero solicitó marcharse, pero luego quiso regresar. La decisión final fue de Lorne Michaels, productor del programa, quien no aceptó su reincorporación. “Básicamente, me despidieron antes de que me volvieran a contratar. Él vio que triunfaría en otro sitio”, relató.

El papel que cambió su carrera: “The Bear”

El siguiente gran paso en su carrera llegó con The Bear, serie de Hulu que ha sido ampliamente elogiada. Elliott consiguió el papel tras audiciones por videollamada durante la pandemia de COVID-19. “Tras dos Zooms más, conseguí el papel. El teatro era nuevo para mí y emocionante”, dijo al Wall Street Journal.

La serie ha tenido un impacto tangible en su vida diaria. El reconocimiento por parte del personal de restaurantes refleja cómo la ficción ha conectado con una audiencia que vive realidades similares a las que muestra la trama.

Vida en familia y proyectos personales

En la actualidad, Abby Elliott reside en el Valle de San Fernando, California, junto a su esposo, el guionista Bill Kennedy, y sus dos hijos. Se mudaron a su casa actual en 2021. “¿Tu lugar favorito en casa? En el patio, con una copa de vino, viendo jugar a los niños”, contó.

En 2018, Abby participó en Clara’s Ghost, película escrita y dirigida por su hermana Bridey Elliott, donde actuaron sus padres y el actor Haley Joel Osment. Abby elogió el talento dramático de su madre, quien sorprendió con su actuación.

La película también permitió a Chris Elliott revivir su estilo cómico. “Cabin Boy es su favorita. Es papá siendo gracioso y divirtiéndose con su papá”, comentó.

La comedia ha sido un eje central en la vida de la familia Elliott. Un consejo que Abby recibió de su padre resume esta influencia: “Si algo no es divertido, no tienes que hacerlo”. Esta máxima ha guiado su trayectoria en una industria en constante evolución. Desde sus primeras experiencias frente a una cámara hasta su consolidación en The Bear, Abby Elliott ha sabido construir una carrera personal, sin dejar de honrar el legado familiar.

“He hecho muchas cosas que amé, algunas populares y otras no”, confesó el actor y comediante canadiense Martin Short, en una entrevista para el podcast Conan O’Brien Needs A Friend. A sus 75 años es considerado un referente del entretenimiento norteamericano, destacado por su versatilidad escénica y su trayectoria en programas emblemáticos como SCTV y Saturday Night Live.

Recientemente protagonizó un encuentro memorable junto al humorista Conan O’Brien en los estudios de la emisora SiriusXM, para grabar el episodio del programa. Esta conversación ofreció una mirada íntima al proceso creativo detrás de la comedia televisiva, así como al fenómeno de Only Murders in the Building, la serie que renovó el reconocimiento público hacia el artista.

Una amistad forjada en admiración y humor

Desde el inicio, O’Brien manifestó el respeto que siente por Short. “Pensé que nada podía ser tan gracioso. Fue un momento Oppenheimer para mí, un nuevo nivel de comedia”, confesó al recordar sus primeras impresiones al verlo en televisión durante su adolescencia.

Esta admiración mutua dio paso a una conversación cargada de bromas y recuerdos compartidos. Además, la complicidad entre ambos se hizo evidente al rememorar sus experiencias en Saturday Night Live (SNL), donde Short integró el exclusivo “Five Timers Club” y O’Brien comenzó como guionista.

“Siempre pensé que la mejor comedia surge cuando haces reír a tus amigos y a ti mismo, y luego el público se suma”, reflexionó el presentador del programa. Con el tiempo, su vínculo profesional evolucionó hacia una amistad cercana, que ambos valoran como parte fundamental de sus trayectorias.

Trayectoria y método: el arte de la preparación en la comedia

La carrera de Short abarca décadas en la televisión, el cine y el teatro, quien repasó momentos clave desde sus inicios en la serie SCTV (Second City Television) junto a figuras como Eugene Levy, Dave Thomas y Andrea Martin, hasta sus reconocidas colaboraciones con Steve Martin. En cada etapa, destacó la relevancia del trabajo colectivo y la confianza entre colegas.

Durante sus años en SCTV, escribían y grababan sin audiencia durante semanas, guiándose por el instinto y el respaldo mutuo. Sobre esta metodología de trabajo, afirmó: “Preparé tanto que, pase lo que pase, puedo irme a casa sabiendo que hice todo lo posible”.

“Only Murders in the Building”: éxito, ambiente y expectativas

El fenómeno de Only Murders in the Building, serie que protagoniza junto a Steve Martin y Selena Gomez, ocupó un lugar central en la conversación. El experimentado intérprete describió el ambiente en el set como uno de los más colaborativos y gratos de su carrera.

“La serie tiene la reputación de ser el set más divertido de la industria, y muchos de los grandes nombres que hemos atraído como invitados lo han hecho por esa razón”, explicó. La producción, que acaba de finalizar la grabación de su quinta temporada, contó con la participación de figuras como Meryl Streep, Renée Zellweger y Dianne Wiest.

Short relató que, en una ocasión, se encontró rodeado de varios ganadores del premio Oscar en la sala de espera y que incluso llegó a contar los galardones presentes.

Consultado sobre posibles futuros invitados, mencionó su interés en colaborar con Ryan Reynolds, aunque reconoció que su lista de talentos admirados es extensa. Para el entrevistado, más allá de los nombres, el verdadero valor del proyecto radica en trabajar en un entorno creativo y estimulante.

Reflexiones sobre el trabajo, la fama y la experiencia

La conversación también abordó temas más personales como el éxito profesional y la relación con la fama. Allí compartió su perspectiva sobre la longevidad en el medio, indicando que participó en proyectos que amó realizar; independientemente de la popularidad alcanzada, el aprendizaje fue siempre lo más importante. “He hecho muchas cosas que amé, algunas populares y otras no, pero el valor está en la experiencia”, afirmó.

O’Brien recordó sus comienzos como conductor sin ninguna experiencia frente a cámara. Debido a esto, mencionó: “Cuando llega tu momento, puede que no estés listo, pero tienes que tomarlo y descubrir cómo hacerlo en el camino”.

Ambos coincidieron en que la pasión y la constancia son fundamentales para mantenerse en una industria exigente. Short señaló que incluso tras décadas de carrera todavía experimenta nervios antes de trabajar con figuras como Meryl Streep, lo que interpreta como una muestra de respeto y compromiso con su oficio.

El impacto en el público: historias de admiración y gratitud

Durante la grabación en vivo, el público participó con preguntas y testimonios. Una asistente relató cómo, siendo adolescente, asistió a una grabación de Late Night, y cómo ese recuerdo la acompañó desde entonces, valorando el impacto de Short en aquella experiencia.

La influencia de ambos actores trascendió generaciones y por ello agradecieron el respaldo constante del público, enfatizando sobre la importancia de mantenerse conectado con la audiencia. Consultado sobre cómo afrontar los desafíos profesionales, O’Brien aconsejó seguir la intuición personal: “Si puedes poner un techo sobre tu cabeza y comprar un sándwich, sigue adelante si eso es lo que amas”.

La sesión concluyó con una reflexión de Martin Short sobre la vocación artística y la importancia de disfrutar el proceso. “Lo único que puedes controlar es la experiencia de hacerlo, y si no es divertida, entonces es mejor dejarlo”, afirmó.

Más allá de un diálogo sobre comedia, el encuentro fue una celebración del oficio, la originalidad y la dedicación. Una conversación marcada por la honestidad, que buscó dejarle a la audiencia una mirada inspiradora sobre la resiliencia en la industria del entretenimiento.

La pareja de Taylor Swift, el jugador de fútbol americano Travis Kelce, lleva años adentrándose en el mundo de la actuación. Pese a tratarse de una de las estrellas deportivas más famosas de Estados Unidos y de figurar como uno de los jugadores clave de los Kansas City Chiefs, con quienes ha ganado tres veces la Super Bowl en los últimos seis años, lo cierto es que cada vez es más habitual verle frente a las cámaras.

Es así, de hecho, como el famoso futbolista ha reconocido que, a pesar de lo exigente que puede llegar a ser el mundo del deporte, su momento más complicado ha sido en un plató de televisión. Concretamente, ha confesado Kelse, la situación más desafiante que ha encontrado en esta nueva aventura ha sido en el programa Saturday Night Live, donde en 2023 tuvo que realizar, antes de la grabación, lo que se conoce como una lectura de mesa: un ensayo con el resto de actores y directores del guion en voz alta.

Una situación complicada “para alguien que no sabe leer muy bien”

Según explica el propio jugador de fútbol americano en una entrevista del pódcast Bussin’ with the Boys, “las salas de guionistas siempre han sido divertidas porque simplemente recibes ideas y propuestas”, pero el desafío real llegó al tener que enfrentar esa lectura grupal. “La lectura en mesa, para alguien que no sabe leer muy bien, puede ser una situación un poco complicada”, confiesa en la conversación el atleta, dejando ver que, pese a la presión que afronta en su actual profesión, leer en voz alta se le hizo cuesta arriba.

“Sentí que solo intentaba superar la lectura en lugar de actuarla”, sigue explicando Kelce en el pódcast. “Solo estaba concentrado en: ‘¡No te saltes una línea!’“. Los nervios, así, fueron a más después de darse cuenta de que su función allí no era simplemente recitar lo que aparecía en el papel, sino ofrecer una actuación consistente. Algo que hizo que la lectura de mesa acabara siendo ”la parte más difícil" de su experiencia en Saturday Night Live.

De hecho, Kelce ha asegurado que quizá por eso prefiere otros registros del famoso show, como la improvisación o la comedia, donde se ha sentido mucho más a gusto. En esa línea, explica en la entrevista que “las cosas tontas, las cosas divertidas, la comedia, simplemente me hace sentir mucho más cómodo”. Frente al rigor de tener que ceñirse a un guion, soltarse y tratar de hacer reír, con su soltura natural, es algo que se le da mucho mejor.

Aún así, la exigencia del trabajo en el que se ha introducido lo ha llevado a buscar un equilibrio entre el disfrute y el profesionalismo. “Aún sentía que tenía que ser profesional aquí. Quiero aprovechar esto, pero quiero divertirme haciéndolo, pero no quiero parecer un fracasado. Quiero que respeten mi enfoque y que me lo tome en serio. Pero ha sido una montaña rusa de diversión”.

Los próximos proyectos del deportista en el mundo de la actuación

Durante su debut como anfitrión invitado en el célebre programa nocturno de NBC, Kelce no dudó en reírse de sí mismo. Durante el monólogo, se permitió aludir a su pasado en realities, aportando una dosis de autocrítica al espectáculo. Además, su hermano, Jason Kelce, realizó una aparición especial en uno de los sketches, consolidando el tono familiar e irreverente que buscó el episodio. La relación de Kelce con el programa no terminó allí.

Ese mismo año la estrella de la NFL realizó un cameo sorpresa al participar en una parodia de la liga, en la que se satirizaba la amplia cobertura mediática sobre Taylor Swift y su presencia en los partidos de los Chiefs. El sketch, una referencia a la expectación generada por la figura de la artista y su vínculo con el equipo, sumó otro momento de humor a la relación de Kelce con el programa.

SIn embargo, esto ha sido solo el principio. Tras el Saturday Night Live, el jugador de los Kansas City Chiefs ha realizado un cameo junto a Adam Sandler en Terminagolf 2 -la cual se estrenará a finales de este mes de julio en Netflix- y ha asumido un papel principal en la serie Grotesquerie de FX.

La transición de Kelce de los estadios a los estudios televisivos y de cine evidencia tanto las oportunidades como los desafíos que afrontan los deportistas al adentrarse en el ámbito artístico. Mientras tanto, el impacto del deportista en la cultura popular estadounidense sigue en aumento, gracias a su relación con Taylor Swift y también a su versatilidad y su capacidad de conectar con diferentes audiencias, desde los fanáticos del fútbol americano hasta los televidentes habituales del entretenimiento nocturno.

La industria del entretenimiento global tiene grandes exponentes en cuanto a comedia, entre ellos destacan David Spade y Conan O’Brien. Ambos artistas compartieron recuerdos y anécdotas en una conversación emitida por el podcast Conan O’Brien Needs A Friend, donde abordaron desde sus inicios en la industria hasta sus vivencias junto a figuras icónicas como Chris Farley y Norm Macdonald.

O’Brien, quien fue guionista en Saturday Night Live (SNL) durante los años 90, recordó cómo presenció la audición de Spade para el programa, un momento inusual en el que Lorne Michaels, creador y productor de SNL, pidió que se observara a los nuevos talentos.

“Recuerdo que al final hiciste tu imitación de Michael J. Fox y fue un éxito total. Lorne dijo: ‘Me gusta el chico de Michael J. Fox’”, relató el presentador del podcast.

Por su parte, Spade admitió que la llegada a SNL fue abrumadora, y que el entorno competitivo lo llevó a desarrollar una actitud sarcástica como mecanismo de defensa. “Era como estar en un lugar donde todos eran mejores que yo, y solo trataba de sobrevivir”, aseguró.

Inicios en SNL y el ambiente competitivo

El comediante explicó que sus primeros años en el show de SNL fueron complejos, debido a la dificultad de destacar en un elenco que incluía a talentos emergentes como Adam Sandler, Chris Farley, Chris Rock y Rob Schneider.

A propósito de la comparación con colegas, expresó: “Sandler despegó muy rápido, tenía muchos personajes y todo sucedía a gran velocidad. Yo solo era un comediante que podía escribir cosas graciosas, pero me tomó tiempo encontrar mi lugar”.

Spade también detalló que cada año debía esperar confirmación sobre su permanencia en el programa, lo que generaba incertidumbre y ansiedad. “Durante 6 años, cada temporada era una incógnita. No sabía si podría quedarme con mi apartamento en Nueva York”, recordó.

Desde el exterior se pensaba que los miembros de SNL eran celebridades consolidadas, pero la realidad era mucho más inestable. Sobre esto, O’Brien remarcó: “La gente ve a alguien en SNL y piensa que ya lo logró, pero por dentro uno siente que todo puede terminar en cualquier momento”.

Amistad y legado con Chris Farley

Uno de los momentos más emotivos de la charla se centró en Chris Farley, compañero cercano de Spade y figura clave en la historia del programa. O’Brien recordó la primera vez que lo vio, describiéndolo como “un cachorro lleno de energía”. La química entre Farley y Spade, según este último, surgió de forma natural y fue reconocida tanto por el equipo creativo como por el público.

“Creo que fue Lorne (Michaels) o los guionistas quienes vieron que teníamos algo especial juntos. Yo me burlaba de Chris, él se reía y así nació la dinámica”, relató el entrevistado. Ambos protagonizaron películas como Tommy Boy y Black Sheep, convertidas en referentes de la comedia estadounidense.

La muerte de Farley dejó una marca profunda en su entorno. Spade recordó que Farley no quería ser recordado como “el gordo gracioso”, sino como “el gracioso gordo”, una diferencia que reflejaba su deseo de que se valorara su talento más allá del aspecto físico. O’Brien destacó su entrega física en el escenario y lo comparó con John Belushi por su energía y capacidad atlética.

Valor de la camaradería y el humor en el espectáculo

Durante el episodio, ambos reflexionaron sobre la importancia de la amistad y el apoyo mutuo en la industria del entretenimiento. O’Brien comentó que los funerales y homenajes a comediantes se transforman en espacios donde sus colegas intentan destacar con su humor. “Es un fenómeno extraño: cuando un comediante muere, sus amigos, que también son comediantes, sienten la presión de ser los más divertidos en el homenaje”, indicó.

Spade coincidió en que esos eventos, aunque tristes, también permiten recordar la alegría que sus compañeros aportaron. Sobre esto, mencionó: “A veces, cuando la tristeza es demasiada, simplemente salgo a despejarme”.

Durante la conversación también se mencionaron otros momentos destacados y colegas como Norm Macdonald, Dana Carvey, John Lovitz y Nikki Glaser, así como anécdotas sobre la vida cotidiana y referencias a la cultura pop estadounidense.

Actualidad y reconocimiento profesional

El capítulo concluyó con una mención a Dandy Line, el especial de David Spade disponible en Prime Video. O’Brien elogió el espectáculo, destacando su capacidad para improvisar y encontrar humor en situaciones espontáneas. Debido a esto, expresó: “Eres un comediante muy divertido, pero lo que más me gusta es cuando improvisas sobre algo que ocurre en el momento. Eres uno de mis favoritos en eso”.

Spade agradeció el comentario y compartió que, en sus presentaciones en vivo, los momentos improvisados suelen generar una mejor respuesta. “Siempre funciona mejor lo que surge en el momento, la gente lo aprecia más”, señaló.

La charla compartida por el podcast Conan O’Brien Needs A Friend, ofreció así un retrato personal de dos figuras clave en la comedia estadounidense, subrayando la relevancia de la memoria, el humor y los lazos que persisten más allá del escenario.

Las películas buddy cop (o buddy cop films en inglés) son un subgénero del cine de acción, comedia y crimen que gira en torno a una pareja de policías (o figuras similares de la ley) con personalidades opuestas que, a pesar de sus diferencias, deben trabajar juntas para resolver un caso o enfrentar una amenaza

Según Far Out, este primer papel en la pantalla grande fue el punto de partida de una trayectoria que lo convertiría en uno de los actores más influyentes y taquilleros de su generación.

De los escenarios de stand-up a la televisión nacional

Antes de conquistar Hollywood, Murphy ya era un nombre conocido en el circuito de la comedia estadounidense. Su talento para el stand-up lo llevó a formar parte de Saturday Night Live (SNL), el emblemático programa de sketches de la televisión estadounidense. De acuerdo con Far Out, Murphy revitalizó SNL durante uno de sus periodos más difíciles, y él mismo describió su audición para el programa como “la única que tuvo”.

Esta etapa en la televisión fue clave para consolidar su popularidad y abrirle las puertas al cine, aunque el salto de SNL a la gran pantalla no siempre resulta exitoso para todos los comediantes.

El salto al cine: la intervención de Hildy Gottlieb y Walter Hill

El inicio de la carrera cinematográfica de Murphy estuvo marcado por una combinación de talento y oportunidad. Walter Hill, conocido por dirigir The Warriors (1979) y por su participación en la saga “Alien”, fue el primer director que apostó por Murphy para el cine.

Hill mantenía una relación con la agente de talentos Hildy Gottlieb, quien representaba a Murphy en ese momento. Gottlieb recomendó a su cliente para el nuevo proyecto de Hill, una película de policías titulada 48 Horas. La recomendación fue decisiva: Hill aceptó y así comenzó la carrera de Murphy en el séptimo arte.

“48 Horas”: argumento y el papel de Reggie Hammond

Estrenada en 1982 y ambientada en San Francisco, 48 Horas narra la historia del policía Jack Cates, interpretado por Nick Nolte, quien persigue al criminal Albert Ganz, encarnado por James Remar, tras el asesinato de dos agentes en un tiroteo en un hotel. En este contexto aparece Reggie Hammond, el personaje de Murphy, un ex socio de Ganz que cumple condena en prisión.

Cates recurre a Hammond para que lo ayude a localizar a su antiguo compañero, lo que da pie a una serie de situaciones inesperadas y divertidas entre los dos protagonistas. Far Out subraya que, aunque la trama pueda parecer convencional, 48 Horas fue en realidad una de las primeras películas buddy cop jamás realizadas, sentando las bases para títulos posteriores como “Bad Boys”, Una pareja explosiva (1998) y Arma mortal (1987).

Éxito de taquilla, recepción crítica e influencia en el género

El estreno de 48 Horas fue recibido con entusiasmo tanto por el público como por la crítica. La película obtuvo una destacada recaudación en taquilla y fue elogiada por su guion y la química entre Murphy y Nolte.

El éxito de la cinta demostró que la fórmula de la pareja dispareja de policías funcionaba, lo que impulsó la creación de numerosas películas similares en las décadas siguientes.

Secuela y consolidación de la carrera de Murphy

El impacto de 48 Horas fue tal que, ocho años después, Murphy y Nolte volvieron a reunirse en 48 Horas: la segunda vuelta, estrenada en 1990. Aunque la secuela no logró convencer a la crítica, su desempeño comercial fue notable.

Far Out señala que, para entonces, Murphy ya había consolidado su nombre en la industria, lo que contribuyó al éxito financiero de la película. Este segundo filme reafirmó la popularidad de Murphy y su capacidad para atraer al público a las salas de cine.

Éxitos posteriores y cifras de recaudación

Tras su debut, Murphy protagonizó una serie de éxitos que lo posicionaron como uno de los actores más rentables de Hollywood. Recibió una nominación al Óscar y ganó el Globo de Oro al Mejor Actor de Reparto por su papel en Soñadoras (2006). De acuerdo con Fox Business, citado por Far Out, la película más taquillera de Murphy es Shrek 2 (2004), que recaudó más de 441 millones de dólares en Estados Unidos.

El sitio The Numbers eleva la cifra a cerca de mil millones de dólares a nivel mundial. Con la próxima llegada de Shrek 5, la expectativa por nuevos récords de recaudación para la voz de Burro sigue creciendo.

A diferencia de la mayoría de los actores, que suelen iniciar sus carreras en producciones de bajo perfil, Murphy debutó en un clásico del género y su ascenso en la industria cinematográfica no se detuvo. Su trayectoria, iniciada con 48 Horas, continúa vigente y en constante evolución, con nuevos proyectos que mantienen el interés del público y la crítica.

Jimmy Fallon, el conductor de The Tonight Show y exestrella de Saturday Night Live (SNL) forjó una trayectoria dedicada a hacer reír a millones, aunque detrás de su imagen pública se esconde una historia marcada por la presión, vulnerabilidad y los efectos de la fama sobre su salud mental.

“Jamás imaginé que la industria del entretenimiento sería tan brutal. El odio fue algo para lo que no estaba preparado”, confesó Fallon al inicio de la conversación con Steven Bartlett en el podcast The Diary of a CEO. Esta declaración abrió la puerta a un testimonio íntimo sobre los desafíos de vivir bajo el escrutinio constante y la exigencia de agradar a todos.

Fama, crítica y vulnerabilidad

El ascenso de Jimmy Fallon a la popularidad no solo le trajo reconocimiento y nuevas oportunidades, sino también una ola inesperada de críticas. “Pensé que todos serían amables, pero no todos están de tu lado. Hay personas cuyo trabajo es derribarte, publicar mala prensa. Es real”, relató.

Aunque reconoció que la fama tiene aspectos “divertidos y geniales”, admitió que la exposición pública también lo expuso a una dureza emocional para la cual no estaba preparado.

Desde su infancia, Fallon desarrolló una necesidad profunda de agradar a los demás. “Siempre he querido agradar a la gente desde que era niño”, afirmó. Esta inclinación, cultivada en su entorno familiar y educativo, se volvió una desventaja cuando la fama lo colocó en el centro de la opinión pública y la crítica.

Infancia religiosa y el rol de los padres

Criado en el seno de una familia católica estricta en Nueva York, Fallon explicó cómo sus padres influyeron en su formación. “Mis padres eran muy católicos, muy estrictos. No se permitían malas palabras ni temas sexuales”, recordó. Su padre, Jim Fallon, trabajaba en IBM y representaba la figura disciplinaria, mientras que su madre, Gloria, fue su mayor apoyo emocional.

Según Fallon, su padre llegaba a rayar los discos de comedia para eliminar contenido inapropiado. En contraste, su madre fue su principal fan y confidente. “Mi mamá era mi fan número uno. Yo era el hijo de oro en su cabeza”, expresó.

Esa relación moldeó su autoestima y reforzó su impulso por perseguir sus sueños, hasta el punto de que incluso después de alcanzar la fama, seguía llamándola casi a diario para compartir sus logros.

Obsesión con SNL y salud mental

Desde la adolescencia, Fallon desarrolló una obsesión por SNL, al que consideraba el mayor logro posible en la comedia televisiva. “Si pedía un deseo en mi cumpleaños, siempre era estar en Saturday Night Live“, confesó. Para cumplir ese objetivo, sacrificó relaciones personales y estabilidad económica, dedicándose de lleno a perfeccionar su rutina cómica.

Durante su etapa en Los Ángeles, vivía en condiciones precarias y con ingresos mínimos. “Era muy deprimente. Me preguntaba qué había hecho con mi vida”, reconoció Fallon. Relató que dormía sobre el suelo, construía muebles con cajas de cartón y enfrentaba rechazos constantes en audiciones.

En medio de esa crisis, escribió una carta a su mejor amigo admitiendo que estaba “perdiendo la cabeza”. “Si no lograba entrar a SNL antes de los 25 años, iba a matarme”, reveló. De acuerdo con The Diary of a CEO, Fallon reconoció que esa afirmación fue literal y está documentada en su diario personal. Aunque logró su objetivo a los 23 años, la experiencia dejó secuelas emocionales significativas y lo impulsó a considerar ayuda profesional.

La pérdida de Gloria y el valor de la familia

Durante los momentos más duros, su madre Gloria se mantuvo como su mayor sostén emocional y su “mejor audiencia”. Su fallecimiento en 2017 representó un golpe devastador. “Fue lo más duro que tuve que atravesar. La extraño mucho”, confesó Fallon en el podcast The Diary of a CEO.

Pese al dolor, la memoria de su madre sigue guiando muchas de sus decisiones. “Sigo haciendo esto por mi mamá. Pienso en ella cuando hago cosas, en cómo se sentiría orgullosa o se reiría”, dijo. Esta pérdida también lo llevó a valorar más el tiempo con sus hijas y a repensar el rumbo de su vida personal y profesional.

Paternidad, longevidad y propósito

Al llegar a los 50 años, Jimmy Fallon comenzó a preocuparse más por su salud y su longevidad, motivado por su rol como padre. “Quiero estar vivo y ser estable para mis hijos”, afirmó. Entre sus nuevos hábitos, mencionó caminar todos los días, moderar el consumo de alcohol y realizar chequeos médicos periódicos.

La experiencia de la paternidad transformó su visión del mundo. “Ahora aprecio más a otros niños y entiendo lo que es ser padre”, señaló. A sus hijas les enseña a ser generosas, a cuidar de los demás y a buscar la felicidad en actos de bondad. “Ser amables, dar cuando puedan y hacer sonreír a la gente” es el consejo que intenta transmitir.

Proyectos actuales y futuro en televisión

Pese a los desafíos emocionales, Fallon se mantiene motivado por su pasión por entretener. Además de su trabajo en The Tonight Show, diversificó su carrera con libros infantiles, álbumes de comedia, una línea de helados con fines benéficos y una atracción en Universal Studios. Próximamente, lanzará un programa de marketing titulado On Brand with Jimmy Fallon.

Sobre su futuro en la televisión, descartó cualquier intención de retirarse pronto. “Mientras haya audiencia, seguiré. La televisión es tan poderosa como siempre”, aseguró en la entrevista.

Un legado de honestidad y conexión emocional

La historia de Jimmy Fallon, tal como la documenta The Diary of a CEO, retrata a un hombre que atravesó la adversidad con honestidad y vulnerabilidad. A pesar del escrutinio, la presión y el dolor, encontró sentido en su autenticidad y en la conexión que establece con su público. “No puedes hacer que todos te quieran. Solo tienes que hacer lo tuyo y estar feliz contigo mismo”, reflexionó.

Impulsado por la memoria de su madre y el amor por sus hijas, Fallon sigue adelante, convencido de que vale la pena luchar por la felicidad propia y la de quienes lo rodean.

"George era un hombre de familia entregado, un amigo muy querido y un confidente para aquellos afortunados que lo conocieron. Será extrañado por siempre. La familia ha pedido privacidad en estos momentos", indicó la publicista.

El comunicado no indica la causa de su muerte, y explica que Wendt "falleció en paz mientras dormía en su casa" en la madrugada de este martes.

Wendt (Chicago, 1948) participó en los 275 episodios del 'sitcom' televisivo ambientado en un bar de Boston, donde interpretaba al amante de la cerveza Norm, un personaje que le mereció seis nominaciones consecutivas a los premios Emmy.

El actor comenzó su carrera como humorista en el histórico escenario de The Second City en Chicago en la década de 1970 antes de saltar a la televisión con papeles menores y, eventualmente, hacerse un nombre como protagonista en 'Cheers'.

Al terminar esa serie, su sentido del humor le permitió convertirse en uno de los comediantes estrella del histórico programa 'Saturday Night Live', si bien también tuvo un 'show' a su nombre que duró solo una temporada.

También apareció en series, como 'Seinfeld y 'The Simpsons'; en películas, como 'Fletch' y 'Grand-Daddy Day Care', y en obras teatrales, como 'Hairspray' y 'Elf', este último con el papel de Santa Claus, un personaje con el que repitió en otras producciones.

A nivel personal, Wendt se casó con Bernadette Birkett, a la que conoció durante su época de humorista en Chicago y con la que tuvo tres hijos. El actor tenía ocho hermanos y uno de sus sobrinos es el también intérprete Jason Sudeikis ('Ted Lasso'). EFE

“Todo sucede muy lento, más lento de lo que quieres, pero más rápido de lo que piensas”, aseguró Nate Bargatze, el comediante estadounidense que pasó veinte años recorriendo clubes sin atención mediática, y que actualmente es considerado el humorista más exitoso de su país.

“Dos giras más y me bajo del escenario”, advirtió con certeza en una entrevista para Esquire. Su retiro ya está marcado en el calendario: cinco años más, un último chiste y una despedida con su característico: “Gracias, buenas noches”.

A los 46 años, Bargatze no solo está en la cima del stand-up; está construyendo un plan desmesurado para lo que viene después. Películas, televisión, productos y un parque temático llamado Nateland. El tipo de cosas que alguien con la ambición de Walt Disney imaginaría. Sobre esto, admitió: “Es difícil decirlo en voz alta. Van a pensar: ‘¿Y tú quién eres para hacer esto?’”.

Del rechazo al estrellato: dos décadas sobre los escenarios

Durante años, Hollywood no supo qué hacer con él. Con participaciones fallidas en concursos y pilotos que no llegaron a ver la luz, su estilo no encajaba. “Me dijeron que era demasiado mundano. Tuve que buscar qué significaba esa palabra y no era algo bueno”, recordó.

“Intenté estar en su sistema. Pero seguían diciéndome que no, así que tuve que crear el mío”, profundizó el comediante. Su decisión clave llegó en 2014, cuando él y su esposa dejaron Los Ángeles para volver a Nashville. A propósito de esto, agregó: “No quería que pensaran que me rendí“.

Desde aquel regreso a la tierra firme de su familia, pudo construir un imperio desde las sombras. “O haces carrera a los 20 o a los 40. Nadie lo logra en el medio”, explicó con seguridad. Actualmente, con estadios repletos y su nombre en la marquesina, el tiempo le dio la razón.

Un comediante correcto en el sistema

En un escenario donde otros eligen provocar, Bargatze hace reír sin groserías, sin sexo y sin política. “Nunca pensé en un chiste sexual. No me nace”, admitió. Su comedia es familiar, sencilla y profundamente cotidiana.

El estilo humorístico del comediante radica en la conexión y no en la búsqueda de confrontación. “Si quiero darte mi opinión sobre a quién voté, ¿para quién es eso? Es para mí, porque quiero que pienses que soy inteligente. Pero no ayuda a la audiencia”, compartió.

Marc Maron, quien lo descubrió en un festival en 2012, lo definió con precisión: “Trasciende los bandos. No sabes cómo vota, pero ves que está atento a lo que pasa. Su comedia es única”.

Importancia de la fe y la familia en su vida

La raíz de su mundo está en Old Hickory (Tennessee). Su padre Stephen, es un mago con una rutina absurda y encantadora, pero hoy abre los shows de su hijo. La familia entera, integrada por sus padres, hermana, esposa e hija, gira con él. Además reconoció: “Mi infancia fue tonta y divertida, porque mi papá ya había pasado por todo lo miserable”.

Bargatze es cristiano practicante, criado en un hogar de padres nacidos de nuevo. De acuerdo con esto, planteó: “Trato de ir a la iglesia todo lo que puedo cuando estoy en casa. Te hace sentir con los pies en la tierra”. Su comedia no se burla de su fe, sino que explora sus contradicciones con una mirada personal: “Jesús se divirtió más que yo en los años 80 y 90”.

Sobre su hija, Harper, de doce años, afirmó: “Dejé de hacer chistes sobre ella. Está en una edad en la que otros chicos podrían usar eso para molestarla”. Y sobre su esposa, Laura, con quien lleva 19 años casado, explicó: “Si quiero hacer un chiste sobre algo que hizo, tengo que dejar claro que fue por una razón tonta mía”.

Bargatze en cifras: estadios llenos y récords rotos

En 2023, vendió más entradas que humoristas como Seinfeld, Chappelle y Maniscalco combinados: más de un millón de boletos, por un total de 80 millones de dólares. Su segundo monólogo en Saturday Night Live, en octubre, fue el más visto de la temporada.

“Sabía que tenía que destruir ese monólogo. Era una bienvenida, un saludo”, explicó. Y sobre esa idea, lo consiguió: el sketch “Washington’s Dream” fue considerado por muchos como el mejor en quince años. Jimmy Fallon, que lo impulsó para conducir SNL, lo dijo claro: “Es el tipo indicado. Lo va a lograr”.

Nateland: un imperio familiar luego del retiro

El humorista no está pensando solo en sí mismo. Su visión es construir una empresa de entretenimiento a gran escala: Nateland Productions. Ya cuenta con una docena de empleados y un CEO con un doctorado. El objetivo es producir películas, series, podcasts, merchandising y un parque temático.

De acuerdo con su visión, compartió: “Lo más difícil es mantenerse en este camino, porque no es llamativo. Hay que sentarse y seguir. Estoy frustrado con un sistema que prefiere los titulares virales a lo que hago yo”.

El parque se construiría en el antiguo terreno de Opryland (parque temático clausurado), donde el “standupero” tuvo su primer trabajo. “Te voy a ser honesto, creo que estamos más cerca de lo que la gente piensa”, adelantó. Antes de eso, lanzará The Breadwinner, su primera película, basada en su vida. “Es como ´Mr. Mom´, una de esas que la gente quiere volver a ver”.

Después de su retiro del escenario, vendrán los guiones, las producciones y, eventualmente, el paso atrás para ceder espacio a nuevos talentos. “Estoy cansado de que otros tengan el poder de decirme que no. Quiero que esté en mis manos”, sentenció el reconocido comediante.

Aimee Lou Wood, reconocida por su papel como Chelsea en la tercera temporada de la serie de HBO The White Lotus, criticó públicamente el programa de comedia estadounidense Saturday Night Live (SNL) por una reciente parodia que incluía una caricaturización de su personaje.

La imitación, emitida el pasado fin de semana durante un sketch titulado The White POTUS, generó una ola de comentarios en redes sociales después de que la actriz británica calificara la imitación como “mezquina y sin gracia”.

La crítica de Wood apareció a través de una serie de publicaciones en su cuenta de Instagram, en las que expresó su incomodidad con la forma en que fue retratada en el programa.

“Me pareció que lo de SNL fue mezquino y sin gracia”, escribió, junto a una captura del segmento que parodiaba a The White Lotus situando a miembros de la familia Trump y sus aliados políticos en un entorno similar al de la reciente entrega ambientada en Tailandia.

En el sketch, Sarah Sherman interpretó a una versión exagerada de Chelsea, con dientes postizos de gran tamaño y una expresión exageradamente inocente.

El personaje fue emparejado con una representación de Robert F. Kennedy Jr., interpretada por Jon Hamm, quien lucía una vestimenta inspirada en Rick (Walton Goggins), la pareja del personaje de Aimee Lou Wood en la serie.

Durante la escena, el diálogo entre ambos hacía referencias al flúor en el agua y a sus efectos en la dentadura, de forma que acentuaba el enfoque físico de la parodia.

“Sí, claro que hay que burlarse —de eso se trata el programa—, pero, ¿no hay una forma más inteligente, más matizada y menos barata de hacerlo?”, escribió la actriz al lamentar el tono de la imitación.

En otra de sus publicaciones, añadió sobre el programa: “Qué pena, porque hace un par de semanas lo estaba disfrutando mucho”.

Aimee Lou Wood, quien también ha hablado públicamente sobre su inseguridad respecto a su apariencia, destacó que fue la única parodiada sin conexión política.

“Correcto”, respondió a un mensaje de un seguidor que afirmaba: “Todos los demás en esa parodia eran figuras políticas que estaban siendo parodiadas. El único personaje que no era político era Chelsea, y claramente se estaban burlando solo de tu apariencia”.

Entre los múltiples mensajes de apoyo que recibió, uno hacía referencia directa al acento utilizado por Sherman en el sketch, descrito como un mal intento de imitación del acento mancuniano, natural de Mánchester.

La artista de 31 años coincidió con esa crítica y se refirió a la pronunciación de su imitadora en SNL: “Al menos hagan bien el acento, en serio. Respeto la precisión, aunque sea algo cruel”.

Wood también reflexionó sobre la reacción del público tras su pronunciamiento. “Por lo menos todo el mundo está de acuerdo conmigo en esto, así que me alegro de haberlo dicho en lugar de guardármelo”, indicó.

Y en una de las historias siguientes, añadió: “Para concluir el desahogo de hoy: @hbo — amable, solidario y nunca me ha fallado, así que déjenlos tranquilos. @nbcsnl — mezquinos”.

Aimee Lou Wood recibió las disculpas de “SNL”

Horas después de sus publicaciones, Aimee Lou Wood compartió una actualización afirmando haber recibido disculpas de parte de Saturday Night Live.

“He recibido disculpas de SNL”, escribió, sin especificar si se trataba de un comunicado oficial del programa o mensajes individuales de miembros del elenco o producción.

Pese a no revelar detalles adicionales sobre el contenido de las disculpas, la actriz cerró la secuencia de historias con un filtro humorístico, manteniendo el tono personal de su crítica.

El martes 2 de abril, autoridades del Departamento de Policía de Nueva York (NYPD) fueron alertadas por una universidad en línea de Connecticut tras recibir un mensaje alarmante en su sistema de mensajería institucional. En ese texto, un hombre advertía que su próxima aparición pública sería tras detonar una bomba frente a la audiencia del programa Saturday Night Live.

“La próxima vez que me escuches, estaré en CNN por explotar una bomba ante la audiencia de Saturday Night Live”, se leía en la amenaza, según consta en la denuncia penal.

La universidad derivó inmediatamente el mensaje a las autoridades, lo que activó el protocolo de investigación. Un investigador de seguridad de NBC Universal, junto con el personal de 30 Rockefeller Plaza —sede del programa de sketches— también reportó la amenaza al precinto Midtown North. Luego de recabar las pruebas pertinentes, la policía identificó al remitente del mensaje como Michael Joseph Branham, de 48 años, y procedió a su arresto en la ciudad de Nueva York el miércoles.

Aunque el mensaje fue tratado con seriedad, dos funcionarios del área de seguridad consultados por NBC News indicaron que la amenaza no fue considerada creíble en términos de capacidad operativa. No obstante, el contenido explícito y el lugar específico al que hacía referencia activaron mecanismos de intervención inmediata por tratarse de un espacio con alta visibilidad pública y vínculos con figuras del espectáculo y la política.

Vínculo con Scarlett Johansson y antecedentes de acoso

Michael Joseph Branham, el hombre arrestado por la amenaza al estudio de Saturday Night Live, es la persona a la que Scarlett Johansson denunció por acoso en 2023. De acuerdo con los documentos judiciales citados por NBC News y el New York Post, la actriz había solicitado una orden de restricción contra el acusado en California, argumentando un patrón persistente de hostigamiento.

En la presentación judicial, la actriz describió un comportamiento repetido que incluyó la aparición de Branham en su domicilio en noviembre de 2023, así como una serie de publicaciones en redes sociales donde afirmaba ser el padre de uno de sus hijos y aseguraba estar comprometido con ella.

Una de sus publicaciones en X decía: “No te preocupes por nada #SCARLETTINGRIDJOHANSSON. Todavía no te he engañado, no importa lo que digan las personas con interfaces cerebrales en las ondas aéreas. Te amo, mi amor. Te sigo esperando en Hollywood”.

La artista también fue mencionada directamente en el contenido amenazante enviado por Branham, quien tiene tatuada la palabra “Scarlett” dentro de un corazón en el torso, según indica la información policial. A pesar de la gravedad de las afirmaciones y el comportamiento reportado, el pedido de orden de restricción fue desestimado en abril de 2024. Según el medio especializado The Blast, la solicitud fue rechazada por un error de procedimiento: el abogado de Johansson no logró notificar formalmente al acusado con los documentos judiciales.

Durante la audiencia por la amenaza a SNL, la jueza Janet McDonnell dispuso una orden de alejamiento para proteger a Johansson, pese a que su abogada no vinculó directamente a la actriz con el incidente puntual. La defensora pública de Branham sostuvo: “Scarlett Johansson no es víctima ni testigo de este crimen. No lo vio, no lo escuchó, no lo denunció”.

Circunstancias del arresto y acusaciones judiciales

Michael Joseph Branham fue detenido el miércoles en Manhattan tras la denuncia de la amenaza dirigida al programa cómico. Posteriormente, el acusado fue presentado ante la justicia penal de Manhattan el jueves por la noche.

Durante la audiencia, la fiscalía formalizó cargos graves contra él: se le imputaron delitos por “falsa denuncia de un incidente” y “amenaza de daño masivo”. Ambos son considerados delitos graves en el estado de Nueva York. En línea con la seriedad de las imputaciones, la jueza McDonnell calificó el hecho como un “delito violento que habilita la prisión preventiva” y desestimó la solicitud de fianza reducida presentada por la defensa.

La jueza fijó una fianza de 100.000 dólares en efectivo o 300.000 dólares en bono asegurado. Además, se supo que Branham tiene cuatro órdenes de arresto pendientes en el estado de Kentucky, lo cual refuerza la evaluación judicial del riesgo de fuga y del perfil legal del acusado.

Según la fiscalía, la amenaza no se trató de un acto al azar, sino de una conducta impulsada por una “obsesión personal” con la actriz Scarlett Johansson, quien está casada con Colin Jost, escritor y copresentador del segmento Weekend Update en Saturday Night Live. Esta conexión fue uno de los elementos considerados para el encuadre de los hechos dentro de un contexto de conducta persistente.

Defensa legal y alegaciones de suplantación

Durante la audiencia judicial celebrada en Manhattan, la defensora pública Jamie Niskanen-Singer, representante de Branham, intentó restar peso a los cargos planteados al alegar que su cliente habría sido víctima de un engaño digital. Según la argumentación de la defensa, el hombre fue estafado en el pasado por individuos que se hacían pasar por Scarlett Johansson en línea, lo cual podría haber influido en el origen del mensaje amenazante.

La abogada afirmó que el contenido del mensaje podría no haber sido redactado por el propio acusado, sino por terceras personas que, con acceso a su información personal, lo habrían incriminado. “Él ha entregado información. Es posible que lo hayan hackeado, su señoría”, sostuvo en su exposición ante la jueza McDonnell. También recalcó que la única evidencia que vincula a su defendido con la amenaza es un mensaje de texto.

Otro punto señalado por la defensa fue que Branham no posee antecedentes de uso de armas, lo que, según su criterio, debería haber sido considerado al fijar la fianza. No obstante, la jueza descartó ese argumento y sostuvo que la gravedad del mensaje justifica una medida cautelar firme.

En paralelo, la defensa también cuestionó la emisión de órdenes de protección para Scarlett Johansson y Colin Jost, dado que ninguno de los dos fue destinatario directo de la amenaza ni denunció los hechos. La jueza, sin embargo, confirmó ambas órdenes al considerar la existencia de un patrón de conducta persistente vinculado a una figura pública específica.

En una entrevista con InStyle, la actriz admitió que aunque sabía que se haría un chiste sobre ella, no esperaba que fuera tan explícito.

“Sabía que venía un chiste sobre vaginas, pero pensé: ‘¿Qué tan malo podría ser?’”, recordó Johansson.

Sin embargo, al ver la imagen proyectada en pantalla, su reacción fue inmediata.

“Cuando apareció la foto del sándwich de Costco, pensé: ‘¡No! ¡No, Michael!’”, dijo en referencia a Michael Che, el coanfitrión del segmento y escritor del chiste.

El comentario en cuestión, escrito por Che y leído por Jost, comparó el sándwich de roast beef de Costco con la intimidad de su esposa.

“Costco ha retirado el sándwich de roast beef de su menú. Pero no me preocupa. He estado comiendo roast beef todas las noches desde que mi esposa tuvo al niño”, dijo Colin Jost mientras Scarlett Johansson observaba desde los bastidores.

En la entrevista, la actriz calificó el chiste como “vulgar” y “realmente asqueroso”.

“No puedo creer que hayan llegado tan lejos”, comentó. “Fue muy grosero. Como un chiste de la vieja escuela, realmente repugnante”.

Además del contenido del chiste, la estrella de 40 años explicó que la situación se sintió aún más intensa por la presencia de cámaras listas para captar su reacción en tiempo real.

“Me estaban esperando para reaccionar. Me sentí como si estuviera enloqueciendo”, afirmó. “Todo se sintió como una revelación al estilo de To Catch a Predator. De repente, había un montón de personas sosteniendo luces y un tipo con una cámara de video”.

En enero, Jost habló sobre el incidente en The Tonight Show con Jimmy Fallon y aseguró que la reacción de su esposa fue completamente genuina.

“Ella estaba realmente en shock”, dijo. “Me metí en problemas con mucha gente”.

El comediante también explicó que no tuvo mucha información previa sobre el chiste.

“Me dijeron: ‘¿Estarías bien si Michael hiciera un pequeño chiste sobre vaginas en algún momento?’”, recordó. “Ella respondió: ‘Claro, lo que sea, estoy abierta a eso’. Pero yo no sabía hacia dónde iba todo”.

Durante la misma entrevista, Scarlett Johansson también habló sobre el destino de su personaje en el Universo Cinematográfico de Marvel (UCM).

Tras interpretar a Natasha Romanoff, la Viuda Negra, en varias películas, la actriz descartó cualquier posibilidad de regresar.

“Natasha está muerta. Está muerta. Está muerta. ¿De acuerdo?”, afirmó. “Los fans simplemente no quieren creerlo”.

Añadió que su personaje tuvo un cierre definitivo en Avengers: Endgame y que revivirla alteraría el equilibrio del universo.

“Miren, creo que el balance de todo el universo depende de ella. Tenemos que dejarlo ir. Salvó el mundo. Dejémosla tener su momento heroico”.

¿Por qué Scarlett Johansson no se toma fotos con fans?

Además, la artista estadounidense reveló que tiene una estricta política de no tomarse fotos con los fans cuando está en público, lo que ha generado algunas reacciones negativas.

“Realmente ofende a muchas personas”, admitió. “Pero me apego a una regla de no tomar fotos fuera de eventos de trabajo para proteger mi privacidad”.

Aclaró que esto no significa que no aprecie el apoyo del público. “No es que no esté agradecida de que la gente sea fan o esté feliz de verme”, explicó.

Y añadió: “Pero siempre les digo: ‘No estoy trabajando’. Y eso significa que no quiero ser identificada en ese momento y lugar con alguien más. Estoy en mi propio espacio”.

Johansson destacó que su postura está relacionada con su deseo de mantener su vida privada separada de su imagen pública.

“Me gusta estar en mis propios pensamientos, sin que tengan que ver con lo que otras personas piensan de mí. No me gusta ser consciente de mí misma todo el tiempo”.

También se refirió a la importancia de preservar la privacidad de sus dos hijos. “La idea de ser reconocida y celebrada puede sonar divertida, pero no puedes volver atrás”, explicó. “Hay una gran pérdida en eso”.

En un episodio poco conocido de la historia del rock y la televisión, Lorne Michaels, creador y productor de Saturday Night Live (SNL), desempeñó un papel crucial para evitar que Keith Richards, guitarrista de los Rolling Stones, enfrentara una sentencia de cadena perpetua en Canadá.

Según detalló Entertainment Weekly en un extracto de la biografía Lorne: The Man Who Invented Saturday Night Live, escrita por Susan Morrison, Michaels intervino como testigo en un caso judicial que podría haber cambiado el curso de la vida del músico británico.

Este hecho ocurrió poco después de que los Rolling Stones fueran anfitriones e invitados musicales en el estreno de la cuarta temporada de SNL en octubre de 1978.

El incidente que llevó a Richards a los tribunales se remonta a 1977, cuando fue detenido por la Policía Montada de Canadá en el Harbour Castle Hilton de Toronto.

En su poder se encontraron 22 gramos de heroína, una cantidad que, según las leyes canadienses, podía interpretarse como posesión con intención de tráfico, un delito con una posible sentencia de cadena perpetua.

La situación era crítica para el guitarrista, quien enfrentaba no solo el peso de la ley, sino también el escrutinio público debido a la fama de los Rolling Stones y su asociación con el consumo de drogas.

El rol de Lorne Michaels en la defensa de Richards

De acuerdo con la biografía de Morrison, Michaels, quien es originario de Canadá, fue contactado por Mick Jagger, líder de los Rolling Stones, para que ayudara a Richards en su defensa.

El productor aceptó el pedido y asumió un papel activo en la preparación del músico para su comparecencia ante el tribunal.

Según el relato, Michaels se aseguró de que Richards luciera presentable, ayudándolo a conseguir un traje de tres piezas que contrastaba con su habitual estilo desenfadado, aunque el guitarrista optó por una corbata llamativa que reflejaba su personalidad.

El juicio no estuvo exento de tensiones. Según Morrison, el fiscal argumentó que la música de los Rolling Stones fomentaba el consumo de drogas, mientras que el abogado defensor describió a Richards como un “artista con problemas”.

En un giro que subraya la complejidad del caso, la biografía señala que Richards no estaba completamente sobrio durante el proceso judicial. En un momento previo a su testimonio, el guitarrista consumió cocaína en una habitación trasera del juzgado, un detalle que preocupó a Michaels, quien temía verse obligado a mentir bajo juramento.

El testimonio de Michaels y el desenlace del caso

Cuando Michaels subió al estrado como testigo, las preguntas se centraron en el papel creativo de Richards dentro de los Rolling Stones.

El productor describió al guitarrista como “el catalizador de la banda” y destacó la importancia de los Stones como “la banda de rock and roll número uno del mundo”.

Este testimonio no solo buscaba resaltar el talento artístico de Richards, sino también subrayar su relevancia cultural, un argumento que podría haber influido en la decisión del tribunal.

Finalmente, el tribunal dictó una sentencia que evitó la prisión para Richards. En lugar de una condena severa, el guitarrista recibió una pena en suspenso y la orden de realizar un concierto benéfico para personas ciegas.

Según Morrison, Michaels reflexionó más tarde que los canadienses no habrían querido encarcelar a un verdadero artista, una perspectiva que parece haber prevalecido en el caso.

La conexión entre los Rolling Stones y Saturday Night Live

El vínculo entre los Rolling Stones y SNL se fortaleció durante el estreno de la cuarta temporada del programa en 1978, cuando la banda asumió el doble rol de anfitriones e invitados musicales.

Durante su participación, interpretaron tres canciones de su álbum Some Girls: “Beast of Burden”, “Shattered” y “Respectable”.

Según la biografía de Morrison, Michaels eligió a los Stones para este episodio inaugural en lugar de otras opciones, como el legendario boxeador Muhammad Ali, debido a su estatus como íconos del rock.

Décadas después, Richards regresó al escenario de SNL para participar en el especial del 50 aniversario del programa, celebrado el 16 de febrero de 2015.

El personaje, que apareció por primera vez en 2016 en el sketch Black Jeopardy!, fue presentado nuevamente en una versión renovada del segmento, lo que desató una ola de críticas en redes sociales, especialmente entre republicanos y seguidores del expresidente.

El programa, emitido por NBC, contó con la participación de varias figuras destacadas del mundo del entretenimiento, como Eddie Murphy, Kristen Wiig, Adam Sandler, Chris Rock, Bill Murray, David Spade y Jon Lovitz.

Sin embargo, el momento más comentado fue el regreso de Hanks como Doug en el popular segmento de parodia del concurso Jeopardy!, en el que los concursantes deben responder preguntas desde la perspectiva de la comunidad afroamericana.

En la versión original de 2016, Doug sorprendió a la audiencia al contestar correctamente varias preguntas, lo que llevó a la reflexión sobre las similitudes entre votantes de Trump y la cultura afroamericana.

En la nueva versión del sketch, el personaje de Hanks rechazó inicialmente un apretón de manos del presentador, Darnell Hayes, interpretado por Kenan Thompson, aunque finalmente accedió a saludarlo.

“No me gusta eso, whoa, whoa, whoa”, dice Doug en un momento del sketch antes de estrechar la mano de Hayes.

Doug también hizo un comentario sarcástico que generó aún más críticas: “Tal vez inicie un programa para que vengas y lo llamemos ‘White Jeopardy’”.

Las reacciones en redes sociales fueron inmediatas, con seguidores de Donald Trump acusando al programa de perpetuar estereotipos racistas sobre los votantes del expresidente.

Las críticas contra Tom Hanks en EE. UU.

El sketch provocó una respuesta negativa por parte de figuras y simpatizantes republicanos, quienes calificaron la parodia como una burla ofensiva y un reflejo de la supuesta parcialidad de SNL contra los votantes conservadores.

El exasesor de Robert F. Kennedy Jr., Link Lauren, escribió en sus redes sociales: “Este programa se pregunta por qué sus índices de audiencia están en el suelo. Trump ganó el voto popular. Este estereotipo gastado de que MAGA es racista es repugnante. SNL es un programa sin gracia para las élites liberales”.

“Donald Trump acaba de ganar una elección aplastante y nunca ha sido más popular entre los estadounidenses. No han aprendido nada”, opinó el comentarista conservador Benny Johnson.

El influencer de derecha Mario Nawfal criticó la representación del personaje de Tom Hanks y la comparó con los cambios en el panorama político desde 2016.

“Hollywood sigue sin entenderlo: retratar a los seguidores de Trump como caricaturas racistas mientras este obtiene un apoyo récord entre las minorías. SNL está intentando hacer chistes de 2016 en 2025”, escribió en sus redes sociales.

Otros cibernautas también señalaron que el sketch recibió una recepción fría en el estudio. “Nadie en la audiencia se ríe cuando Tom Hanks aparece en SNL como un seguidor racista de Trump que se niega a dar la mano a un hombre negro”, destacó un usuario.

El especial de aniversario de Saturday Night Live también incluyó otras referencias políticas, como un sketch en el que Steve Martin hizo una broma sobre el cambio de nombre del Golfo de México a “Golfo de América” por orden de Trump.

Asimismo, se incluyó un segmento de Weekend Update en el que el presentador Colin Jost sugirió que la edición 50 del programa podría ser la última si el expresidente llegara nuevamente a la Casa Blanca.

Donald Trump, quien ha sido un crítico frecuente del programa, ya había expresado su descontento con la sátira de SNL en el pasado.

En 2017, calificó el programa como “terrible, no gracioso y un completo ataque político”.

Dos años más tarde y aún en el poder, incluso amenazó con una investigación federal después de sentirse ofendido por la imitación que hizo Alec Baldwin de él.

La pareja asistió el domingo 16 de febrero al evento especial SNL50: The Anniversary Special en Nueva York, caminando por la alfombra roja en medio del conflicto judicial que los enfrenta al actor y director de Romper el círculo.

Pero, lejos de lo esperado, el protagonista de Deadpool realizó una broma sobre el tenso conflicto que involucra a su esposa.

“Tengo una pregunta”, dijo Reynolds entre el público presente, a lo que la comediante Amy Poehler respondió: “Oh, hola. Ryan Reynolds. Hola, hola, hola, Ryan Reynolds. ¿Cómo va todo?“.

El siguiente comentario del actor fue una indirecta a Baldoni. “Genial. ¿Por qué? ¿Qué has escuchado?”, expresó y recibió la mirada seria de Lively, sentada a su lado, y las risas de la audiencia.

Blake Lively presentó en diciembre de 2024 una demanda contra Justin Baldoni, a quien acusó de acoso sexual y de llevar a cabo una campaña de desprestigio en su contra.

Su equipo legal afirmó en un comunicado que las denuncias de la actriz están “respaldadas por hechos concretos”.

“Una táctica clásica para desviar la atención de acusaciones de esta naturaleza es ‘culpar a la víctima’, sugiriendo que invitó la conducta, la provocó, la malinterpretó o incluso mintió”, expresó su equipo en un comunicado.

Y añadió: “Otra táctica común es invertir los roles y hacer creer que el agresor es en realidad la víctima. Estos conceptos normalizan y trivializan acusaciones de conducta indebida”.

El 6 de enero, Baldoni respondió a través de su abogado, Bryan Freedman, asegurando que presentaría pruebas para demostrar un supuesto “patrón de amenazas y acoso” por parte de Lively con el objetivo de “apoderarse” de la película.

“Tenemos todas las pruebas y más”, afirmó Freedman en declaraciones a People.

El conflicto escaló el 16 de enero, cuando el actor y cineasta presentó una demanda de 400 millones de dólares contra Blake Lively, Ryan Reynolds y su publicista Leslie Sloane, acusándolos de extorsión y difamación.

En la querella, el director de Romper el círculo alegó que Sloane y su agencia Vision PR conspiraron con Lively y Reynolds para dañar su reputación y su carrera en Hollywood.

El juicio entre Lively y Baldoni, registrado como “Lively v. Wayfarer Studios et al.”, está programado para comenzar el 9 de marzo de 2026.

Sin embargo, el tribunal advirtió que podría adelantarse si ambas partes continúan haciendo declaraciones a la prensa.

La entrevista de Justin Baldoni antes del conflicto legal

Meses antes de que la disputa con Blake Lively saliera a la luz, Justin Baldoni habló sobre su estado emocional en una entrevista para el Gent’s Talk Podcast, grabada en noviembre de 2024 y publicada el 10 de febrero de 2025.

En la conversación, el artista de 41 años reveló que atravesaba un período de agotamiento y estrés.

“Esta mañana envié un mensaje a mi mejor amigo Jamey y a la presidenta de mi compañía, Tera, y les dije que no me sentía bien”, confesó Baldoni. “Les dije que estaba exhausto, que no me había dado tiempo para recuperarme o para sanar”.

Baldoni relató que las complicaciones surgidas durante la producción del file, sumadas a los retrasos por la huelga de actores en Hollywood y las críticas sobre el casting, lo habían afectado profundamente.

“Tuve un año intenso. Mucho éxito material y mucho estrés emocional. Fue muy difícil para mí y mi familia”, sostuvo.

Si bien en la entrevista no mencionó a Lively ni hizo referencia directa a las tensiones entre ambos, habló de las dificultades de manejar la fama:

“A veces es fácil [...] caer de nuevo en nuestra programación y ser arrastrados por la corriente del ego, del éxito y de las oportunidades”.

Poco después de dicha entrevista, el conflicto entre Justin Baldoni y Blake Lively se hizo público. El 21 de diciembre de 2024, la actriz demandó al director y a su compañía, Wayfarer Studios, acusándolo de acoso sexual y difamación.

En su denuncia incluyó también al CEO del estudio, James Heath, y a la publicista de Baldoni, Jennifer Abel.

El 31 de diciembre, el actor presentó una demanda por 250 millones de dólares contra The New York Times, alegando que el periódico lo difamó en un artículo sobre supuestas estrategias de descrédito en la industria del entretenimiento.

Saturday Night Live, el icónico programa de comedia de la cadena NBC, celebra este domingo su 50 aniversario con un especial de tres horas titulado SNL50: The Anniversary Celebration.

La transmisión reúne a numerosas figuras del espectáculo, incluidos exmiembros del elenco, anfitriones recurrentes y músicos reconocidos.

Desde su estreno el 11 de octubre de 1975, SNL se ha consolidado como un referente de la cultura popular estadounidense.

El programa debutó bajo el nombre de Saturday Night y contó en su primer episodio con el comediante George Carlin como anfitrión, además de actuaciones musicales de Billy Preston y Janis Ian.

Entre sus primeros miembros del elenco figuraban John Belushi, Chevy Chase y Gilda Radner, y rápidamente se convirtió en un espacio de humor irreverente que satirizaba la política y la sociedad estadounidense.

El creador del programa, Lorne Michaels, junto a Dick Ebersol, estableció una estructura que se ha mantenido hasta la actualidad: un monólogo de apertura a cargo del presentador invitado, sketches cómicos que reflejan el panorama político y social, y presentaciones musicales en vivo.

La frase “¡En directo desde Nueva York, es Saturday Night Live!" se ha convertido en un sello distintivo del programa y una de las más icónicas de la televisión estadounidense.

A lo largo de cinco décadas, Saturday Night Live ha servido como plataforma para humoristas que más tarde se consolidaron como grandes figuras de la industria, entre ellos Bill Murray, Eddie Murphy, Tina Fey, Kristen Wiig y Will Ferrell.

Además, ha sido un espacio donde la música en vivo ha tenido un papel fundamental, con artistas como Paul McCartney, Nirvana, Madonna y Beyoncé en su lista de presentaciones históricas.

El evento y las figuras destacadas del especial

El especial de este domingo contará con la participación de ex integrantes del elenco como Adam Sandler, Amy Poehler, Will Ferrell, Tracy Morgan, Andy Samberg, Chris Rock, Fred Armisen, Jason Sudeikis, Jimmy Fallon, Kate McKinnon, Maya Rudolph y Pete Davidson.

También estarán presentes celebridades como Adam Driver, Kim Kardashian, Pedro Pascal, Scarlett Johansson, Robert De Niro y Woody Harrelson.

Algunos miembros del primer elenco de Saturday Night Live, conocidos como los “Not Ready for Prime Time Players”, también formarán parte del evento.

Entre ellos se encuentran Chevy Chase, Laraine Newman, Garrett Morris y Jane Curtin. Sin embargo, la presencia de Dan Aykroyd, el único integrante vivo que aún no ha confirmado su asistencia, sigue siendo una incógnita.

El segmento musical del especial incluirá la participación de figuras como Paul Simon, Miley Cyrus, Bad Bunny y Sabrina Carpenter, aunque no se ha confirmado si todos realizarán presentaciones en vivo.

Asimismo, se espera la aparición de Steve Martin, una de las personalidades más influyentes en la historia del programa, así como de otras figuras recurrentes en la conducción de episodios, como Tom Hanks, Martin Short y Peyton Manning.

El evento será precedido por una alfombra roja, presentada por Leslie Jones y Willie Geist, que se transmitirá una hora antes del inicio del especial en NBC y la plataforma de streaming Peacock.

La celebración previa al aniversario de “SNL”

La conmemoración de los 50 años de Saturday Night Live ha incluido varias actividades en los días previos a la emisión del especial.

Uno de los eventos más destacados fue el SNL50: The Homecoming Concert, celebrado el viernes en el Radio City Music Hall, con un cartel que incluyó actuaciones de Cher, Miley Cyrus, Arcade Fire, David Byrne, Post Malone y Nirvana.

Como parte del homenaje, NBC también retransmitió el sábado el primer episodio del programa, permitiendo a los espectadores revivir el debut de Saturday Night Live en 1975.

La cadena también lanzó el documental Ladies and Gentlemen ... 50 Years of SNL Music, dirigido por Questlove, que explora la historia musical del programa y está disponible en la plataforma Peacock.

Está el sketch de apertura en frío, con los miembros del elenco John Belushi y Michael O’Donoghue. Al final, Chevy Chase pasa con cuidado junto a los cuerpos inertes de los dos actores, interpretando a muertos, para pronunciar por primera vez la frase: “¡En vivo desde Nueva York, es sábado por la noche!”

La NBC volvió a emitir ese episodio el sábado 14 de febrero, como parte de un festín de programación por el 50º aniversario que incluye un especial de tres horas este domingo 15 -en donde se reunirán docenas de antiguos miembros del reparto y amigos-, y un concierto de bienvenida desde el Radio City Music Hall que se retransmitió en directo el viernes por la noche en la plataforma de streaming Peacock.

El elenco original seguramente habría ridiculizado tal despliegue de exceso del mundo del espectáculo, muy al estilo de los personajes en la representación ficticia detrás del escenario del estreno que se retrata en la película Saturday Night, quienes no ocultaban su repulsión hacia la leyenda de Hollywood Milton Berle.

El elenco original seguramente habría ridiculizado tal despliegue de exceso del mundo del espectáculo, muy al estilo de los personajes en la representación ficticia detrás del escenario del estreno que se retrata en la película Saturday Night, quienes no ocultaban su repulsión hacia la leyenda de Hollywood Milton Berle.

¿No estaban listos para el horario estelar? Difícilmente.

En ese entonces, eran conocidos como los “Jugadores No Preparados para el Horario Estelar”. El éxito hace mucho tiempo que se burló de ese nombre. Entre los espectadores menores de 50 años, el programa nocturno es más popular que cualquier otra cosa que NBC transmita en el llamado horario estelar, y eso ni siquiera refleja la manera en que muchas personas lo experimentan hoy en día, a través de los recortes online.

Saturday Night Live es el motor de la comedia, formando generaciones de estrellas desde John Belushi hasta Bill Murray, pasando por Eddie Murphy, Adam Sandler, Will Ferrell, Amy Poehler, Kristen Wiig, Kate McKinnon y Bowen Yang. También lanzó franquicias de películas demasiado numerosas para mencionar, y la alineación de comedia nocturna de NBC con Jimmy Fallon y Seth Meyers tiene sus raíces en “SNL”. Sigue siendo el primer lugar al que la gente recurre cuando quieren comprender los asuntos actuales de manera cómica.

En su centro, entonces y ahora, está la figura indescifrable de Lorne Michaels, el productor ejecutivo que tenía 30 años durante esa primera temporada y que cumplió 80 en 2024 —en una noche de programa, naturalmente. Michaels dejó “SNL” durante cinco años y, a su regreso en 1985, dio con la fórmula que garantizó su relevancia continua.

Reconoció, como escribe la autora Susan Morrison en la biografía Lorne: The Man Who Invented Saturday Night Live (Lorne: el hombre que inventó Saturday Night Live) que se publicará esta semana, que “casi toda persona que haya visto SNL cree que sus años más graciosos fueron aquellos cuando estaban en la escuela secundaria”.

Eso significa avanzar constantemente, siempre añadiendo sangre nueva, incluso siendo despiadado al respecto. Significa confiar en jóvenes escritores para mantener las referencias culturales relevantes e inventar otras nuevas. Significa elegir a actos musicales que ni Michaels ni su buen amigo, el cantante Paul Simon, probablemente han escuchado, pero que su equipo le asegura están en la vanguardia.

No es perfecto. Nunca lo ha sido.

“La historia del programa se lee como un electrocardiograma”, dice James Andrew Miller, coautor junto a Tom Shales del libro de 2002, Live From New York: The Complete, Uncensored History of Saturday Night Live. “Hay años fantásticos, años de aprendizaje, años que te provocan mareo en el coche, años que te hacen preguntarte si debería seguir existiendo”.

Sustituyan la palabra “años” por “programas” en esa cita, y aún tiene sentido. Así, crearon momentos virales antes de que “viral” significara algo

Saturday Night Live suele ser —más bien, es— tremendamente desigual. Pero produjo momentos virales antes de que existiera internet. Las noticias para sordos de Garrett Morris, el malhumorado Gumby de Eddie Murphy, “Lazy Sunday”, el sketch del cencerro, la imitación de Tina Fey de Sarah Palin: los recuerdos por sí solos causan risas. Los fracasos, las ideas que nunca despegaron o los presentadores que no pudieron estar a la altura desaparecen. O tal vez son el precio del genio.

Puede ser fácil perder de vista lo difícil que es en realidad esto, dice Bill Carter, veterano cronista de la comedia televisiva y autor de The Late Shift: Letterman, Leno, and the Network Battle for the Night. Un programa de 90 minutos se escribe desde cero cada semana, se construyen sets en un edificio de oficinas en Nueva York, se acomoda a presentadores con diversos grados de talento.

Listos o no, el programa debe salir al aire el sábado a las 23:30. El reloj es implacable.

“Es un esfuerzo creativo diferente, cada programa”, afirma Carter. “Por eso es bueno y malo, pero también por eso es emocionante... ‘En vivo’, esa es la característica esencial del programa. Cuando lo ves sabes que realmente está sucediendo en Nueva York en ese momento”.

Solo es posible cierto grado de perfección. Alguien puede equivocarse en una línea o contagiarse de risas. Sinéad O’Connor puede romper una foto del papa, o el playback de Ashlee Simpson puede fallar.

Saturday Night Live ha enfatizado más su historia en años recientes. Los exalumnos hacen apariciones frecuentes, y detectar cameos no anunciados se ha convertido en un deporte. El Club de los Cinco Veces Presentadores, aunque sea una broma, roza el límite de la presunción.

Puede parecer una franquicia sin conclusión previsible, y está diseñada incluso para eso. Lorne Michaels tendrá más que decir al respecto que nadie. El jefe detrás del escenario es también el personaje en pantalla con más tiempo al aire; su aparición como compañero serio del entonces alcalde de Nueva York Rudy Giuliani en el primer programa después de los ataques del 11 de septiembre es uno de los momentos más conmovedores de “SNL”.

“¿Podemos ser graciosos?”, preguntó Michaels.

Giuliani respondió: “¿Por qué empezar ahora?”.

¿Cuánto tiempo más permanecerá Lorne Michaels en el programa?

Los observadores dicen que se ha retirado un poco, confiando más en el equipo capaz que ha construido. No hay indicios de que su visión para detectar talento haya disminuido. Aquellos que lo han visto dicen que su habilidad más formidable —tomar una serie de decisiones instantáneas entre el ensayo general del programa y la actuación, acortando o alargando sketches, moviéndolos y cambiándolos para producir la transmisión que los espectadores ven— está floreciendo.

Los años previos al 50º aniversario han estado llenos de especulaciones de que será entonces cuando se retire, rumores que él mismo ha alimentado en el pasado. Pero no lo ha discutido, ni siquiera ha dado entrevistas sobre las festividades. El tema es el foco de “After Lorne”, un nuevo artículo de la revista New York, donde el autor Reeves Wiedeman lo describe como un hombre enigmático, a veces una fuerza intimidante, para aquellos que lo rodean en el programa.

Quienquiera que lo reemplace —se han mencionado nombres como Fey, Meyers y Colin Jost— probablemente enfrentará una presión aplastante. En un momento en que la televisión en abierto está en declive, NBC seguramente se vería tentado a recortar costos en torno al programa de una manera que no han hecho con Michaels a cargo, dijo Miller.

Si el 50º aniversario fuera a desencadenar su salida, Carter dijo que probablemente ya se sabría.

“Es su vida”, define. “¿Por qué alejarse de tu vida si no tienes que hacerlo? Esto fue algo especial y único que él creó, y si disfrutas haciéndolo, lo cual creo que aún hace y puede hacerlo, no veo ninguna razón para que se vaya”.

Algún día, ese momento llegará. Mientras tanto, disfruten del programa.

Fuente: AP

[Fotos: AP/Marty Lederhandler, archivo ; Hopper Stone/Sony Pictures Entertainment/The Washington Post; Richard E. Aaron/Redferns ; Archivo AP ; REUTERS/Mónica Almeida/Archivo]

El avance nos presenta a Robinson en el papel de Craig Waterman, un hombre reservado, establecido en los suburbios junto a su familia. Craig compra toda su ropa en las mismas tiendas, trabaja para una empresa que ayuda a hacer las marcas más adictivas y disfruta de las películas de Marvel.

Su solitaria vida cambia cuando entabla una inesperada amistad con Brian, su nuevo vecino. Interpretado por Paul Rudd, Brian es su completo opuesto: un meteorólogo local que toca en una banda punk y explora las alcantarillas de la ciudad por diversión. Craig queda fascinado por su estilo de vida y rápidamente lo idealiza como el compañero más genial que podría tener. Sin embargo, lo que empieza como un inocente vínculo masculino pronto se convierte en un verdadero caos.

Friendship explorará las complejidades de las relaciones entre hombres de mediana edad a través de situaciones divertidas y otras un tanto incómodas. Además de Rudd y Robinson, la ópera prima de Andrew DeYoung, quien también estuvo al frente del guion, cuenta con las actuaciones de Kate Mara (Cuatro Fantásticos) y Jack Dylan Grazer (¡Shazam!).

La película, que se convirtió en una de las mayores sorpresas del pasado Festival de Toronto, tiene previsto su estreno en cines de Estados Unidos en mayo próximo. Antes de eso, podremos ver a Paul Rudd y Jenna Ortega en Death of a Unicorn, otra peculiar propuesta de A24 que llegará a los cines el 28 de marzo.

En el programa, el actor interpretó tres canciones de Bob Dylan, a quien encarna en su más reciente película, A Complete Unknown.

Según explicó durante su monólogo inicial, las canciones seleccionadas –”Outlaw Blues”, “Three Angels” y “Tomorrow Is a Long Time”– son sus favoritas.

En su primera intervención musical, el actor de 29 años optó por un medley que combinó “Outlaw Blues”, del álbum Bringing It All Back Home (1965), y “Three Angels”, un tema del disco New Morning (1970).

Vestido con gafas de sol y una chaqueta de invierno con capucha, el actor rindió homenaje al estilo de Dylan sin imitar su peculiar tono vocal.

“Puede que no conozcan las canciones de Bob Dylan que estoy interpretando, pero son mis favoritas”, señaló durante su monólogo.

Además, bromeó diciendo que no estaba seguro si su participación musical era “un acto de bondad” por parte del programa o “una broma elaborada”.

Para esta presentación, Timothée Chalamet contó con la colaboración no anunciada del cantautor británico James Blake, quien lo acompañó en los teclados.

La elección de estas canciones menos conocidas de Bob Dylan sorprendió tanto al público general como a los fanáticos más acérrimos del artista.

En su segunda actuación de la noche, Chalamet regresó con una guitarra acústica para interpretar “Tomorrow Is a Long Time”, una balada que Dylan escribió en 1962, aunque su primera versión oficial no fue publicada hasta 1971 en el álbum Bob Dylan’s Greatest Hits Vol. II.

Este tema se destaca por su riqueza histórica, pues ha sido versionado anteriormente por artistas como Elvis Presley y Judy Collins antes de que Dylan lanzara su propia interpretación.

Chalamet, quien recientemente obtuvo una nominación al Oscar por su papel en A Complete Unknown, mostró una faceta más relajada y lúdica durante sus intervenciones en SNL.

En su monólogo, también bromeó acerca de ser el primer actor en aparecer como anfitrión e invitado musical de SNL, para luego corregirse y recordar que Gary Busey lo hizo en 1979.

“A Complete Unknown”, la esperada biopic sobre Bob Dylan

La película A Complete Unknown, dirigida por James Mangold, narra un periodo crucial en la vida de Bob Dylan.

Ambientada en la ciudad de Nueva York a principios de los años 60, la producción abarca cuatro años en los que el cantante pasó de ser un desconocido joven de 19 años de Minnesota a convertirse en una figura icónica de la música y la contracultura.

En este biopic, Timothée Chalamet interpreta varias canciones clásicas del repertorio de Dylan, incluyendo “Mr. Tambourine Man”, “Blowin’ in the Wind”, “The Times They Are A-Changin’” y “A Hard Rain’s A-Gonna Fall”.

Para prepararse para el papel, el actor trabajó con un equipo de especialistas que incluyó un entrenador vocal, un instructor de guitarra, un coach de dialecto y un asesor de movimientos.

“No puedes recrearlo en el estudio. Si cantaba sobre una guitarra pregrabada, de repente podía escuchar la falta de movimiento de un brazo en mi voz”, explicó Chalamet en una entrevista con Rolling Stone.

En declaraciones a People, la estrella describió el proceso como una experiencia “mágica” y “profundamente personal”.

También destacó que sumergirse en la atmósfera de los años 60 fue un aspecto especial del rodaje: “Puedo decir que simplemente estar en ese periodo de tiempo fue increíble”.

A Complete Unknown recibió ocho nominaciones al Oscar, incluyendo mejor actor para Chalamet. El film pretende capturar no solo el ascenso de Bob Dylan como músico, sino también su impacto en el panorama cultural de la época.

Lorne Michaels, el creador y productor ejecutivo del emblemático programa estadounidense Saturday Night Live (SNL), se ha erigido como una figura esencial para la televisión y la comedia desde el debut del show en 1975.

Según un extenso perfil publicado por The New Yorker, el canadiense ha mantenido una autoridad indiscutida en un programa que combina sátira política, sketches humorísticos y presentaciones en vivo, todo bajo una estructura semanal implacable.

Uno de los grandes méritos de Lorne Michaels ha sido lograr que las estrellas luzcan bien, gestionar egos y talentos, y mantener el espectáculo al aire, nada menos.

Desde el backstage de SNL, Michaels se destaca tanto por su control meticuloso del programa como por su capacidad para adaptarse al cambio cultural.

Según describen numerosos colaboradores del ciclo, su estilo de liderazgo es tanto una mezcla de mentoría como de desapego calculado. Chris Rock, exguionista y miembro del elenco, señala: “Aprendí todo lo que sé de ese programa. Si tus sketches no funcionan, el mensaje de Lorne siempre ha sido claro: ‘Hacé que se rían más’”. Esta insistencia en la calidad y en las decisiones rápidas ha garantizado la relevancia del show por cinco décadas.

Saturday Night Live, detrás de cámaras

Las múltiples etapas de producción semanal de SNL reflejan la maquinaria obsesiva que Michaels ha construido. Cada lunes, los guionistas, actores y presentadores invitados comienzan una intensa semana con la reunión creativa en la oficina Art déco del productor.

Tina Fey, exguionista y actriz, comparó este encuentro con un “ritual de iglesia”, señalando que rara vez estas ideas iniciales llegan a formar parte del programa final. Sin embargo, Fey también subrayó: “Estos rituales sirven para introducir al anfitrión al equipo y brindarle confianza”.

A medida que avanza la semana, las largas jornadas y noches son una constante. Los martes y miércoles son cruciales para la escritura y selección de sketches, mientras que los jueves se dedican a la construcción de escenarios y vestuarios, antes de los ensayos del viernes.

Según Seth Meyers, exintegrante del elenco y guionista, el liderazgo de Michaels es particularmente fuerte durante los ensayos generales: “Mi versión favorita de Lorne es, el Lorne espectador. Hasta cuando se mantiene en silencio durante horas, cuando ríe, es totalmente genuino”.

Su método de trabajo: “brillantez”

El perfil resalta cómo Michaels utiliza su vasta experiencia para equilibrar su filosofía de producción con elementos emocionales.

“Trato de encontrar suficientes colores para hacer un arcoíris”, declaró el productor al seleccionar los sketches definitivos, una tarea crucial que define el tono y ritmo de cada episodio.

Según The New Yorker, Michaels demuestra su genialidad al saber cuándo tomar decisiones en el último minuto, incluso si estas no siempre son perfectas.

La preparación del programa culmina el sábado, con un ensayo general en vivo a las 20:00 horas. Solo sesenta minutos después, una emisión completamente revisada llega a los espectadores, destacando el dinamismo y la velocidad del proceso.

Michaels rara vez compromete la calidad; busca una mezcla precisa de comedia conceptual, atractivo tradicional y sátira astuta”.

Aunque muchos ven a Michaels como el arquitecto detrás de un sistema impecable, también ha sido objeto de admiración y críticas dentro de su equipo.

Miembros pasados del elenco, como Bill Hader, han imitado sus peculiaridades como parte de un entretenimiento interno. Hader recordó: “Cuando te estabas hundiendo en el programa, él no te ofrecía un chaleco salvavidas. Sólo observaba desde lejos”.

Por otro lado, Michaels atribuye gran parte del éxito del programa a su habilidad para adaptarse culturalmente. Para él, los espectadores de SNL a menudo consideran que “los mejores años del show coinciden con su adolescencia”, un fenómeno que asocia al impacto emocional duradero de ciertas épocas.

A pesar de dichos cambios generacionales, Michaels ha mantenido la estructura básica del programa, comparándolo con una “barra de Snickers”: el público espera cierta dosis de familiaridad y diversión en cada emisión.

Un legado incomparable en la comedia

Además de sus contribuciones al mundo de la televisión, Michaels ha ejercido como mentor de algunos de los más grandes comediantes de las últimas décadas, desde Chevy Chase y Gilda Radner hasta figuras más recientes como Kate McKinnon y John Mulaney. Este último lo comparó con gigantes culturales como Alfred Hitchcock por “su impresionante longevidad y control creativo”.

A pesar de los desafíos inherentes a estar al mando de un programa tan altamente competitivo, Michaels sigue siendo la figura central. Desde los guionistas que luchan por tiempo en pantalla hasta los actores que buscan su aprobación, todos reconocen su influencia indiscutible.

Jon Hamm -más conocido como Don Mad Men Draper- actor y anfitrión invitado del programa varias veces, señaló: “Con Michaels, siempre se trata de encontrar el equilibrio perfecto entre espontaneidad y precisión”.

Por cinco décadas y más de 900 episodios, Michaels ha demostrado que la comedia es un arte intensamente trabajado. Su capacidad para evolucionar con la cultura y mantener una estructura rigurosa es un testimonio de su genio en el mundo del entretenimiento. Como él mismo detalla, “la magia de SNL es que, a pesar de todo, el espectáculo siempre continúa”.

Nueva York, 18 nov (EFE).- La cantante británica Charli XCX, conocida especialmente por su último álbum ‘brat’, dio este lunes un concierto sorpresa en Times Square, en Nueva York, al que acudieron miles de personas.

La artista, de 32 años, anunció a las 18:00 hora Nueva York (00:00 GMT) que daría un concierto en el escenario TSX Stage (donde ya han actuado otros artistas como Shakira o Snoop Dogg) como parte de una colaboración con la marca de ropa H&M.

Miles de personas se aglutinaron esta tarde en Times Square para ver a la cantante, cuyo álbum ‘Brat’ ha sido todo un hito este año (de hecho, la palabra ‘brat’ fue elegida la palabra del año por el diccionario de inglés Collins).

Charlotte Emma Aitchison, su nombre real, dio comienzo al concierto con ‘365’, mientras las grandes pantallas de Times Square proyectaban la frase ‘Party Girl’ con luces parpadeantes y daban a este icónico rincón de Nueva York el aspecto de una discoteca.

La artista interpretó durante quince minutos los grandes éxitos de ‘brat’: ‘360’, el primer single de su disco, ‘Von dutch’ y ‘Guess’, su remix con la cantante Billie Eillish.

Cuando tocó el turno de ‘Apple’ las pantallas enfocaron a las modelos Richie Shazam y Alex Consani y a la actriz Julia Fox, varias de las protagonistas del videoclip de ‘360’, que se encontraban entre el público y recrearon el baile de la canción que se hizo viral en TikTok.

Charli XCX, que se encontraba en Nueva York con motivo de su participación en el programa de ayer de ‘Saturday Night Live’, está nominada este año a siete premios Grammy, entre ellos a Mejor Álbum del año. EFE

El programa cambió las reglas del juego, convirtiéndose rápidamente en un espacio donde la comedia era entretenimiento, también un vehículo para reflexionar sobre la realidad política y social del país, tal como lo define en un recorrido por su historia WSJ Magazine.

Con un elenco inicial que incluyó a nombres como Dan Aykroyd, John Belushi y Gilda Radner, SNL capturó el pulso de la época, convirtiéndose en una plataforma para nuevos talentos cómicos y figuras que marcarían una huella indeleble en la cultura popular.

A pesar de su éxito inicial, la década de 1980 fue un periodo de altibajos para SNL. La salida de Lorne Michaels y la inestabilidad del elenco hicieron que el programa perdiera parte de su brillo. Durante este tiempo, nombres como Billy Crystal y Martin Short entraron al programa, pero no lograron replicar el impacto de las primeras temporadas. La fórmula de SNL parecía agotada, y algunos críticos llegaron a dudar de su relevancia. Sin embargo, en 1985, Michaels regresó a la dirección, lo que permitió una renovación crucial. A medida que el ciclo incorporaba nuevas voces y perspectivas, figuras como Phil Hartman y Dana Carvey ayudaron a revitalizar el espectáculo con personajes memorables y una sátira política aún más afilada, adaptada a los nuevos tiempos.

A lo largo de sus 50 años de historia, SNL demostró una capacidad única para adaptarse a los cambios en la sociedad, la política y la cultura pop. El programa logró mantenerse relevante a través de diversas generaciones, y aunque pasó por altibajos, siempre supo reinventarse sin perder su esencia.

Desde la imitación de figuras políticas hasta las críticas a los escándalos mediáticos, SNL sigue siendo un faro de la sátira y un espacio de experimentación cómica. En un panorama televisivo que cambió radicalmente, Saturday Night Live permanece como uno de los pilares de la cultura de entretenimiento estadounidense, reflejando los cambios de la sociedad, y también los de la misma televisión.

El legado de SNL en la televisión y la comedia

Con el paso de las décadas, el programa cambió de forma, y también de tono, adaptándose a los vaivenes políticos y sociales de cada momento. La inclusión de nuevas voces, como Eddie Murphy en los 80, permitió que SNL mantuviera su frescura y humor irreverente, mientras que figuras como Tina Fey y Amy Poehler lo renovaron en la década de los 2000 con una visión feminista que también tocó aspectos de la política y la cultura de la época. De este modo, el programa siempre se mantuvo vigente, atravesando distintos periodos políticos y sociales, y mostrando una flexibilidad sorprendente que le permitió no solo sobrevivir, sino prosperar.

SNL y su contribución a la cultura política

Uno de los mayores logros de Saturday Night Live fue su capacidad para influir en la percepción pública de la política estadounidense. Desde sus primeros años, el programa se dedicó a parodiar a los políticos, situándolos como protagonistas de su comedia, de una forma que rara vez se veía en la televisión en esa época. La sátira política en SNL se convirtió en una forma de “comentario social” que reflejaba las tensiones y preocupaciones del momento.

Comediantes como Dan Aykroyd y Jane Curtin fueron pioneros en dar vida a personajes políticos de una manera que combinaba humor y crítica. Chevy Chase, por ejemplo, interpretaba a Gerald Ford de una forma torpe y descoordinada, lo que provocaba risas, ayudando a construir una imagen pública de los políticos que trascendía la mera política institucional.

Las imitaciones y parodias de personajes políticos se convirtieron en una tradición de SNL que trasciende generaciones. A lo largo de los años, el programa fue perfeccionando su habilidad para capturar la esencia de las figuras políticas más influyentes. Las interpretaciones de Will Ferrell como George W. Bush o de Tina Fey como Sarah Palin fueron tan icónicas que llegaron a marcar la política de su tiempo, más allá de lo que sucedía en las urnas.

Las representaciones satíricas de los políticos los despojaron de su solemnidad, haciendo accesibles temas complejos de la política estadounidense a una audiencia masiva. La habilidad de SNL para reflejar la complejidad y la controversia del panorama político con humor y agudeza crítica, como en la famosa parodia de Hillary Clinton interpretada por Amy Poehler y Tina Fey durante la campaña presidencial de 2008, consolidó al programa como un actor clave en la formación de la opinión pública.

SNL en la cultura pop

Si bien al principio, el programa se centraba principalmente en la sátira política, con el paso del tiempo figuras de la cultura pop, como Justin Timberlake y Kanye West, comenzaron a formar parte del elenco de invitados, llevando la comedia política a un terreno más personal y visceral. Estas participaciones no solo mostraban a las celebridades como meros cómicos, sino que, al ser parte de parodias de la política, ayudaban a construir una nueva narrativa del poder, mostrando cómo figuras públicas fuera de la política podían influir en la percepción del público sobre el liderazgo.

La inclusión de comediantes como Alec Baldwin, quien se hizo famoso por su interpretación de Trump, demostró cómo la política podía ser convertida en un espectáculo televisivo, alimentando la crítica y el debate. Las elecciones de 2016, por ejemplo, vieron cómo SNL parodiaba a los candidatos, ayudando a dar forma a la percepción del electorado sobre los mismos. Esto mostró el poder que la comedia tiene para reflejar las tensiones sociales, revelando cómo un programa de televisión puede convertirse en un actor más en el juego político.

Una disputa entre el empresario Elon Musk y la comediante de Saturday Night Live (SNL), Chloe Fineman, resurgió en redes sociales, donde ambos han comentado los tensos momentos que vivieron durante la aparición de Musk en el programa en 2021.

En su red social X, Musk recordó que al inicio de los ensayos no encontraba ningún sketch gracioso, y que incluso llegó a preocuparse de que su aparición en el programa fuese un fracaso. Según Musk, fue apenas dos días antes del show en vivo cuando consideró que los guiones mejoraron lo suficiente.

“Francamente, fue solo el jueves antes del sábado que CUALQUIERA de los sketches generó risas. Estaba preocupado. Pensé: ¡maldita sea, mi aparición en SNL va a ser tan jodidamente poco divertida que hará que un adicto al crack se vuelva sobrio! Pero al final funcionó”, escribió el empresario en X.

De acuerdo con FOX News, su mensaje generó reacciones encontradas y comentarios críticos de los seguidores de SNL, entre ellos Fineman, quien en un video en redes sociales, que posteriormente eliminó, explicó que Musk la hizo llorar durante los ensayos por sus críticas al guión que ella había escrito para el programa.

“Me Hizo Llorar”

Chloe Fineman, conocida por sus imitaciones de celebridades como Nicole Kidman y Britney Spears, compartió que Musk la hizo “estallar en llanto” durante los ensayos de su participación en SNL. Fineman explicó que, tras dedicar una noche completa a escribir un sketch, Musk revisó su trabajo sin mostrar ninguna expresión positiva y le dijo directamente que no le parecía gracioso, lo cual la afectó profundamente.

La comediante agregó que, aunque el sketch fue finalmente incluido y la participación de Musk en el episodio resultó exitosa, el empresario pudo haber tenido “mejores modales” en sus interacciones con el reparto, citó Variety.

“Estaba muy emocionada”, continuó Fineman en su video. “Entré, pregunté si tenías alguna pregunta y me miraste como si me estuvieras despidiendo de Tesla y dijiste: ‘No es gracioso’”.

“Esperaba que dijeras algo como ‘Ja, ja, ja’. ¡No! Entonces comenzaste a hojear mi guion, pasando cada página y diciendo ‘No me reí, no me reí ni una vez. Ni una sola vez’. Corte a la escena, el boceto se publicó y estuvo bien, y de hecho me lo pasé muy bien y pensé que eras muy gracioso en él, pero, ya sabes, tenga un poco de educación, señor”, dijo.

Bowen Yang y el apoyo del reparto de SNL

Las declaraciones de Fineman también coinciden con las de Bowen Yang, otro miembro del elenco de SNL, quien en una entrevista en agosto recordó que un presentador hizo llorar a varios comediantes en 2021 tras rechazar varios sketches en los días previos a la grabación.

Aunque Yang no mencionó el nombre del anfitrión, los comentarios de Fineman y las respuestas de Musk sugieren que el incidente ocurrió en la semana en que el empresario lideró el show.

Frente a esto Fineman dijo: “¿sabes qué?, voy a salir y decir, por fin, que soy el miembro del reparto al que hizo llorar. Y él es el anfitrión que hizo llorar a alguien. Tal vez hay otros, pero vi algunos artículos y cosas y yo estaba como, ‘No voy a decir nada.’ Pero no. Si vas a ir a tu plataforma y ser grosero. Adivina qué. Hiciste que yo, Chloe Fineman, me echara a llorar porque me pasé toda la noche en vela escribiendo este sketch”, dijo.

Más críticas de Musk

El pasado 9 de noviembre, la veterana estrella de SNL, Dana Carvey, imitó a Musk en una parodia. La imitación, que recreó la peculiar forma de hablar del magnate, fue criticada por el empresario, quien respondió en X diciendo que SNL “se está muriendo lentamente” y ha perdido relevancia para el público actual, luego de que un internauta le preguntara qué opinaba de dicha imitación.

Además, Musk retuiteó mensajes de sus seguidores que defendían su postura y cuestionaban la habilidad del programa para captar el interés de la audiencia contemporánea.

Luego de su colaboración en dos entregas de Los cazafantasmas y más recientemente en la película de Saturday Night Live, Finn Wolfhard y el cineasta Jason Reitman unirán fuerzas una vez más. ¿El proyecto en cuestión? una nueva versión de la comedia de terror adolescente El diablo metió la mano (Idle Hands, 1999), producida por Sony Pictures.

La película original dirigida por Rodman Flender giraba en torno a Anton Tobias (interpretado por Devon Sawa), un adolescente perezoso y despreocupado que descubre que su mano derecha fue poseída por una fuerza demoníaca. Sin poder controlarla, Anton se ve envuelto en una serie de asesinatos y situaciones ridículas mientras trata de lidiar con esta posesión, que parece tener vida propia.

Aunque ahora se la considera un “clásico de culto” gracias a su tono camp, humor gráfico y gore, El diablo metió la mano recibió una respuesta inicial mediocre por parte de la crítica y tampoco tuvo éxito en taquilla. En su semana de estreno, la película apenas recaudó 1,8 millones de dólares, y en total logró superar los 4 millones de dólares, lejos de su presupuesto estimado de 25 millones.

Se espera que Jason Reitman, conocido también por sus trabajos en Juno (2007) y Amor sin escalas (2009), produzca el remake. Finn Wolfhard y su compañero Billy Bryk escribirán la nueva historia y están siendo considerados para dirigir y protagonizar el proyecto. La dupla ya debutó como directores con la comedia de terror Hell of a Summer, que fue bien recibida en el Festival de Toronto y se estrenará bajo el sello Neon el próximo año.

Además de su regreso como Mike Wheeler en la última temporada de Stranger Things, que llegará el próximo año, Wolfhard tiene varios proyectos en agenda entre los que también se incluye la película fantástica de A24, The Legend of Ochi.

La cantante Chappell Roan pasó a tener millones de seguidores en tan solo unos meses tras la explosión viral de sus temas “Good Luck, Babe!” y “HOT TO GO!” el pasado mes de abril. El sábado por la noche tuvo su primera presentación para el emblemático programa Saturday Night Live.

Como se recuerda, el longevo formato de sketch y parodia de la NBC suele tener un intermedio para música en vivo. Chappell, cuyo nombre real es Kayleigh Rose Amstutz, dio a conocer un nuevo tema durante la emisión, además de cantar “Pink Pony Club”, que pertenece a su álbum debut The Rise and Fall of a Midwest Princess (2022).

“The Giver”, título de su nueva creación musical, tiene una melodía country y una letra que hace referencia al amor entre mujeres. La estrella de 26 años es conocida por la inclusión de sus experiencias personales en su obra y su compromiso con la comunidad LGBTQ+.

Chappell Roan une el country y el romance lésbico

“Todos los chicos del campo que decís que sabéis cómo tratar bien a una mujer”, se escucha decir a la artista a mitad de la canción. “Sólo una mujer sabe cómo tratar bien a una mujer. Ella hace el trabajo”.

Originaria de Misuri, la intérprete se ha llamado a sí misma la “Princesa del Medio Oeste” por sus raíces en el área central de Estados Unidos, caracterizada por sus amplios campos, plantaciones y valores tradicionales.

Fiel a su sello personal, Chappell Roan llevó una peluca roja y el rostro maquillado, un aspecto que ha sido ampliamente destacado por las revistas musicales al ser un homenaje a las drag queens.

En cuanto a su vestimenta, lució un pequeño conjunto compuesto por un bralette color rosa y unos shorts cortos a juego. También llevaba unas botas de estilo vaquero.

El decorado del escenario hacía alusión a la vida en el campo, con una banda de soporte de looks similares e ilustraciones tiernas de animales proyectadas en pantalla.

Aunque Roan no había participado antes en SNL, un pasado sketch protagonizado por Bowen Yang hizo referencia a sus recientes interacciones en las redes sociales, donde la estrella respondió a las críticas por no apoyar directamente la candidatura de Kamala Harris.

“No me siento presionada para apoyar a alguien”, expresó a través de un video en TikTok. “No pueden tener a personas cisgénero tomando decisiones por personas transgénero, punto”. Finalmente, aclaró que sí votaría por Harris, sin embargo, no se conformaba con lo ofrecido: “Es cuestionable”.

En ese sentido, la actuación de Yang parodió la hipopótamo viral Moo Deng, a forma de comparación con Chappell Roan y su repentina fama.

“¡Déjenla en paz! Dejen que se tome todo el tiempo que necesite para su salud mental. Ambas merecemos paciencia y gracia, así que dejen de acosarla”, dijo el comediante Saturday Night Live y agregó: “No apoyaré a nadie en estas elecciones”.

Pese a la controversia suscitada entre los fans de Chappell Roan a raíz de estos comentarios a modo de burla, la cantante fue vista tomada de la mano de Bowen Yang durante el programa.

Incluso, antes de su actuación en el show, compartió un viejo mensaje de su perfil de Facebook: “Estoy decidida a estar en SNL”, dice el post publicado en 2011.

Por ende, se cree que la oportunidad de cantar en vivo para el famoso programa ha significado un paso importante y un sueño cumplido para la artista en ascenso, quien figura actualmente entre lo más escuchado a nivel global.

No está claro si Chappell Roan alcanzará una nominación a los Grammy 2025, pero en la pasada ceremonia de los MTV VMA’s obtuvo el premio al Mejor nuevo artista y podría haber sentado un precedente positivo para su carrera a futuro.

Lo esencial: Kamala Harris sorprendió al público de Saturday Night Live el sábado por la noche al aparecer junto a Maya Rudolph, famosa por imitar a la vicepresidenta desde 2019. Ambas compartieron un diálogo cómico, resaltando la similitud de sus vestimentas y sus mensajes optimistas hacia los seguidores. La candidata demócrata llegó al estudio de NBC en Nueva York horas antes de la transmisión, tras modificar su agenda de campaña sin aviso. Luego de grabar el segmento, continuó con su itinerario electoral. Esta aparición se une a la tradición de políticos visitando SNL, aunque es poco usual tan cerca de una elección presidencial.

La vicepresidenta Kamala Harris hizo una aparición sorpresa en “Saturday Night Live” en los últimos días antes de las elecciones, interpretándose a sí misma como el doble reflejado de la versión de Maya Rudolph en la apertura del programa.

Las primeras líneas que pronunció la candidata sentada frente a Rudolph, con vestimentas idénticas, fueron ahogadas por los vítores de la audiencia.

“Es agradable verte, Kamala”, le dijo Harris a Rudolph con una amplia sonrisa que mantuvo durante todo el sketch. “Y estoy aquí para recordarte que puedes con esto”.

Al unísono, los dos dijeron que sus partidarios necesitan “mantener a Kamala y seguir adelante”, declararon que comparten la “creencia en la promesa de Estados Unidos” del otro y pronunciaron el mensaje característico: “¡En vivo desde Nueva York, es Saturday Night!”.

Harris hizo un viaje sorpresa a la ciudad de Nueva York con las elecciones acercándose, alejándose brevemente de los estados en disputa donde ha estado haciendo furiosa campaña a favor del icónico programa de comedia de sketches de NBC, donde esperaba generar entusiasmo y atraer a una audiencia nacional.

Harris llegó a Nueva York en el Air Force Two después de una escala de campaña a primera hora de la tarde del sábado en Charlotte, Carolina del Norte. Tenía previsto viajar a Detroit, pero una vez en el aire, sus asistentes le dijeron que haría una parada no programada y el avión aterrizó en el aeropuerto LaGuardia.

Harris llegó al 30 Rockefeller Plaza en Manhattan, donde se graba “SNL”, poco después de las 8 pm, tiempo suficiente para un ensayo rápido antes de que el programa salga al aire en vivo a las 11:30 pm. Es el episodio final de “SNL” antes del día de las elecciones el martes.

La visita no había sido anunciada previamente y un funcionario familiarizado con los planes de Harris sólo la confirmó oficialmente a los periodistas que viajaban con la vicepresidenta momentos antes de que comenzara la transmisión en vivo. El funcionario insistió en el anonimato para poder hablar sobre los planes antes de que se hicieran públicos.

Harris partió inmediatamente después del segmento de apertura. “Fue divertido”, dijo a los periodistas mientras subía al avión para salir de Nueva York.

El presentador John Mulaney y el invitado musical Chappell Roan alejaron el programa de la política. Ninguno abordó la elección.

Mulaney, el comediante stand-up y ex escritor de “SNL”, fue anfitrión por sexta vez y habló sobre sus hijos con su esposa Olivia Munn, el catolicismo y su paso por rehabilitación.

Algunos esperaban que Roan, la cantante de 26 años que se ha convertido en una gran estrella en los últimos meses, hiciera una declaración política en su primera aparición en el programa. Anteriormente había criticado duramente al Partido Demócrata y se negó a respaldar a Harris, aunque Roan ha dicho varias veces que planea votar por ella.

Pero lo hizo con seriedad, o con toda la seriedad que puede llegar a tener una actriz teatral desenfrenada. Cantó su éxito “Pink Pony Club” en un escenario completamente rosa bañado por una luz rosa.

El senador Tim Kaine también hizo una aparición sorpresa en un sketch de un concurso donde el chiste era que nadie lo recordaba a pesar de haber sido el compañero de fórmula de Hillary Clinton en 2016.

“Han pasado menos de ocho años. ¿Cómo me llamo?”, dijo, mientras los concursantes permanecían en silencio y desconcertados.

Rudolph interpretó por primera vez a Harris en el programa en 2019 y ha repetido su papel esta temporada, haciendo una imitación perfecta de la vicepresidenta, incluso llamándose a sí misma “Momala”, una referencia al apodo cariñoso que le dieron sus hijastros.

Su ex compañero de reparto Andy Samberg apareció nuevamente el sábado por la noche como el esposo de Harris, el segundo caballero Doug Emhoff, el comediante Jim Gaffigan interpretó al compañero de fórmula Tim Walz y la ex alumni Dana Carvey interpretó nuevamente al presidente Joe Biden.

La actuación de Rudolph ha recibido elogios de la crítica y de la comedia, incluso de la propia Harris.

“Maya Rudolph… quiero decir, ella es tan buena”, dijo Harris el mes pasado en “The View” de ABC. “¡Lo tenía todo, el traje, las joyas, todo!”.

Jason Miller, asesor principal del expresidente y candidato republicano Donald Trump, expresó su sorpresa por la aparición de Harris en “SNL”, dada su interpretación poco favorecedora en el programa. Cuando se le preguntó si Trump había sido invitado a aparecer, dijo: “No lo sé. Probablemente no”.

No obstante, los políticos tienen una larga historia en “SNL”, incluido Trump, quien presentó el programa en 2015, aunque aparecer tan cerca del día de las elecciones es inusual.

Hillary Clinton se presentaba a las primarias presidenciales demócratas de 2008 cuando apareció junto a Amy Poehler, quien la interpretó en el programa y era conocida por soltar una carcajada exagerada, su marca registrada. La verdadera Clinton se preguntó durante su aparición: “¿De verdad me río así?”.

Harris repitió esa línea en respuesta a la interpretación que hizo Rudolph de su risa en el episodio del sábado.

Clinton regresó en 2016, mientras competía contra Trump en una carrera que finalmente perdió.

El primer presidente en funciones que apareció en “SNL” fue el republicano Gerald Ford, quien lo hizo menos de un año después del debut del programa. Ford apareció en abril de 1976 en un episodio presentado por su secretario de prensa, Ron Nessen, y pronunció la famosa respuesta inicial del programa: “En vivo desde Nueva York, es sábado por la noche”.

El entonces senador de Illinois Barack Obama apareció junto a Poehler imitando a Clinton en 2007, y el republicano Bob Dole estuvo en el programa en noviembre de 1996, apenas 11 días después de perder las elecciones de ese año ante Bill Clinton. Dole consoló a Norm Macdonald, que interpretó al senador de Kansas.

En 2008, Tina Fey hizo una imitación de la candidata a la vicepresidencia, Sarah Palin, y en particular su chiste de que “puedo ver Rusia desde mi casa”. Fue tan buena que Fey finalmente ganó un Emmy y Palin apareció en el programa en octubre de ese año, en las semanas previas a las elecciones.

(Con información de AP)

Un programa semillero de grandes figuras

El programa, creado por Lorne Michaels, ha sido un semillero de talento, con figuras como Eddie Murphy, Tina Fey, Will Ferrell y Kristen Wiig entre sus exalumnos más destacados. A lo largo de sus 50 años, SNL ha mantenido su esencia irreverente, abordando temas delicados con un humor ácido que se ha adaptado a los cambios generacionales. En esta temporada, se espera la participación de nuevos talentos como Ashley Padilla, Emil Wakim y Jane Wickline, quienes aportarán frescura al elenco.

Para los fanáticos en Argentina, la nueva temporada de Saturday Night Live es accesible a través de Universal+, que ofrece transmisiones en vivo y en simultáneo con Nueva York. Además, los episodios subtitulados están disponibles siempre una semana después de su emisión en la aplicación de Universal+, permitiendo a los espectadores disfrutar del show en su idioma.

Uno de los momentos más destacados para el público argentino fue la aparición de Tini Stoessel, quien fue invitada por Chris Martin para interpretar la canción “We Pray” junto a Coldplay en el programa. Esta actuación generó un gran revuelo en las redes sociales, con fanáticos expresando su orgullo y emoción por ver a Tini en un escenario internacional tan prestigioso.

La temporada 50 también promete sorpresas, como el posible traspaso de la batuta de Lorne Michaels a Tina Fey como nueva showrunner, un cambio que podría marcar una nueva era para el programa. Además, se espera el regreso de figuras clásicas como Maya Rudolph, quien retomará su papel de Kamala Harris, ahora candidata a la presidencia de Estados Unidos.

Saturday Night Live ha sido reconocido por su impacto en la cultura pop, con imitaciones políticas y personajes icónicos que han dejado una huella indeleble. El programa ha sido galardonado con 84 premios Emmy, consolidando su estatus como uno de los espectáculos más premiados de la televisión.

La película homenaje

La película, titulada Saturday Night, se estrena este jueves, explora los 90 minutos de caos y adrenalina que precedieron a la emisión inaugural del 11 de octubre de 1975, según informó EFE.

El film cuenta con un elenco coral que incluye a Gabriel LaBelle como Lorne Michaels, el productor ejecutivo del programa, y a Rachel Sennott en el papel de Rosie Shuster. Otros actores destacados son Cory Michael Smith como Chevy Chase, Ella Hunt como Gilda Radner, y Dylan O’Brien como Dan Aykroyd. La película se basa en los recuerdos del elenco original y en entrevistas realizadas por Reitman a todas las personas que estuvieron presentes en el estudio esa noche.

Saturday Night Live se ha consolidado como uno de los programas más longevos de la televisión en Estados Unidos. Su éxito radica en sus atrevidos sketches que abordan temas de actualidad política y social con humor y parodia. La película busca responder a la pregunta “¿Qué es SNL?” mientras muestra cómo los contratiempos y el estrés desdibujaron la idea original del programa.

El rodaje de escenas caóticas y desordenadas fue un desafío para el director Jason Reitman, quien comparó el proceso con una “película de baile”, donde los movimientos de los actores deben estar sincronizados con la cámara. Rachel Sennott comentó que el ritmo y la energía de la película le recuerdan al teatro y al stand-up, destacando la imprevisibilidad y emoción de las actuaciones en vivo.

Reitman, quien tuvo la oportunidad de trabajar como guionista invitado en SNL, expresó que fue una de las mejores experiencias de su vida. Su deseo de capturar la vorágine de emociones que se vive en el programa lo llevó a crear esta película, que une a dos generaciones: aquellos que vivieron el impacto del programa y quienes han oído hablar de su legado.

La película no solo es un viaje al pasado, sino también una reflexión sobre el arte de montar un espectáculo en vivo, un proceso que sigue siendo relevante y emocionante para las nuevas generaciones.

Con su mezcla característica de sátira y comedia, SNL sigue siendo un referente en el mundo del entretenimiento, demostrando que, a pesar de los cambios en la industria, su fórmula sigue siendo efectiva y relevante. La temporada 50 se perfila como una celebración de su legado y una mirada hacia el futuro con nuevos talentos y emocionantes sorpresas.

“Dije quizá... Si Liam no se comporta como bebé”, dijo Johnson en el papel de Noel y referenciando una de las piezas más icónicas de Oasis: “Wonderwall”.

Los actores, con acentos de Manchester sumamente exagerados, comenzaron a discutir como niños mostrándose la lengua y golpeteándose, hasta que el entrevistador, Colin Jost, los detuvo recordándoles que ya tenían 50 años y que debía haber algo en lo que pudieran estar de acuerdo.

“Supongo que hay algunas cosas, sí. Bob Esponja ¡Leyenda! La mejor tortuga ninja, Donatelo ¡Leyenda! Y el mejor de los Rugrats era uno, dos tres: ¡Tommy Pickles!”

Más adelante en el sketch, Jost preguntó por la razón detrás de la pelea que separó a Oasis durante más de 15 años. Liam aseguró que todo comenzó en 1993, cuando Noel le hizo una broma sobre su “pene torcido”.

Colin finalizó su entrevista preguntándoles a los hermanos por más cosas que tuvieran en común, a lo que la dupla interpretada por Johnson y Sherman recordaron a su novio favorito de Sex and the City: Steve, mientras que el menos favorito era Mr. Big.

El sketch, que ya se encuentra en YouTube y cuenta con más de 700 mil reproducciones, ha generado reacciones mixtas, algunas de ellas sumamente negativas y provienen de nada menos que el verdadero Liam Gallagher.

A través de X (antes Twitter), un fanático le preguntó a Liam qué le había parecido la parodia que habían hecho de él y su hermano en Saturday Night Live, a lo que el menor de los Gallagher respondió que le había parecido “insoportable”.

En comentarios, el músico agregó:

“No esperaría otra cosa de ellos ¿Se supone que son comediantes?”

En este espacio en el que Liam estuvo conversando con sus fans, se mencionó su presentación de 1997 en Saturday Night Live, la cual fue presentada por el difunto Matthew Perry. Al ser preguntado por un fan sobre su relación con Perry durante esa visita, Gallagher admitió no recordar su participación en el programa.

La respuesta de Liam en redes sociales no se limitó a SNL; también ha mostrado una actitud provocadora hacia los fans de Oasis, quienes se sintieron frustrados por la experiencia de compra de entradas para la gira de reunión anunciada para 2025.

“Oasis están de vuelta su bienvenida y me enteré de que hay una actitud apestosa. Es bueno saber que algunas cosas nunca cambian”, compartió Liam recientemente.

El cantante principal de Oasis también ha aprovechado para despotricar contra la agrupación Fontaines D.C., misma que ha cobrado gran popularidad en los últimos años y que también estuvo envuelta en polémica después de que sus miembros aseguraran que “les importaba una mierda” que Oasis regresara a los escenarios.

No pasó mucho tiempo para que Liam respondiera estos comentarios, y como era de esperarse, no se quedó nada en el pecho:

«Que se jodan esos pequeños buscapleitos. He visto ROADIES mejor vestidos”.

La gira de reunión de Oasis, que comenzará el 4 de julio de 2025 en el Principality Stadium de Cardiff, Gales. La noticia de la reunión ha sido un verdadero escándalo, dado que durante años los hermanos habían negado la posibilidad de volver a tocar juntos.

“Las armas han callado. Las estrellas se han alineado. La gran espera ha terminado. Vengan a verlo. No será televisado”, fue el mensaje con el que Oasis anunció su regreso y el fin de su larga pelea.

En esta ocasión, Grande bromeó con el público y aseguró que su participación como anfitriona “no se trataría de ella”. Además, reiteró que no cantaría ni haría imitaciones, sólo para tomar el micrófono y hacer todo un espectáculo al estilo Broadway un segundo después.

“No voy a imitar a Britney Spears”, cantó Ariana, para acto seguido modular su voz como la princesa del pop y hacer referencia a su emblemático tema “... Baby One More Time”.

Ariana Grande también imitó a Miley Cyrus mientras decía “No voy a hacer a Miley Cyrus porque eso no va a funcionar”, referenciando su reciente éxito “Work It Out”.

Gwen Stefani fue otra de las cantantes que Ariana Grande imitó en su regreso a SNL, con un verso donde recitaba que “no cantaría porque duele”, como un guiño al éxito de No Doubt, “Don’t Speak”.

Durante su actuación, Grande también interactuó con el miembro del elenco de SNL, Bowen Yang, quien estaba disfrazado de Glinda, su personaje en la próxima adaptación cinematográfica de Wicked que llegará a los cines el próximo 22 de noviembre. Grande le informó a Yang que el sketch de Wicked había sido eliminado, dejando al actor visiblemente decepcionado.

Ariana no mentía cuando dijo que ella no sería el entretenimiento musical de la noche (a excepción de su particular introducción). Fue nada menos que Stevie Nicks la encargada de musicalizar este episodio de Saturday Night Live. De hecho, Grande lo mencionó durante su actuación con la que dio inicio el show.

A un par de días de que el episodio se emitiera, el monólogo de apertura de Ariana Grande ya acumula más de un millón de visualizaciones en YouTube.

El histórico debut de Ariana Grande en “Saturday Night Live”

Ariana Grande tenía 23 años cuando apareció por primera en SNL. En aquel show, la multifacética artista fue parte de un sketch donde interpretaba a un personaje llamado Chloe, una tímida asistente dentro de la empresa Tidal (un servicio de música online creado por Jay-Z). Debido a un problema de electricidad, Tidal está por perder las canciones de varias artistas, por lo que Chloe se encarga de cantar los éxitos de Britney Spears, Shakira, Rihanna, Celine Dion y Whitney Houston.

Para entonces, Ariana ya era bien conocida por tener una voz fuera de serie, pero fue a partir de aquí que varios coaches vocales destacaron la gran habilidad que tenía la cantante para “transformar” su voz a su antojo.

Los talk shows siguieron explotando las cuerdas vocales de Ariana a partir de esa presentación. Jimmy Fallon invitó a la artista a su show poco tiempo después para hacer una dinámica donde Grande debía cantar canciones populares con la voz de celebridades como Christina Aguilera y nuevamente Celine Dion, generando muchas risas y aplausos por parte del público.

En un episodio posterior de The Tonight Show with Jimmy Fallon, la misma Celine compartió lo asombrada que estaba por el talento de Ariana y destacó además lo pequeña que era la artista en persona con tan sólo 1.54 m de altura.

Mikaela Viqueira

Los Ángeles (EE.UU.), 10 oct (EFE).- Hace 49 años un grupo de jóvenes con poca experiencia, limitado presupuesto y por el que nadie apostaba cambió la historia de EE.UU. con 'Saturday Night Live' (SNL). Mucho se sabe de su éxito en la televisión, pero ¿qué pasó en los 90 minutos antes de su estreno?

'Saturday Night' llega este viernes a los cines para destapar lo que sucedió en ese momento, tras las escenas de un 11 de octubre de 1975 a falta de una hora y media para la primera retransmisión en directo de un formato que se acabó convirtiendo de forma inesperada en un hito de la pequeña pantalla.

Ya en su 50 temporada, SNL se consolida como uno de los programas más longevos de televisión de EE.UU., un prestigio que bebe de sus atrevidos sketchs, en los que se tratan temas de actualidad política y social con toques de parodia y humor.

¿Qué es SNL? es, de hecho, la pregunta que se trata de responder a lo largo de la película, mientras los contratiempos van desdibujando la idea original del programa y el tiempo aprieta en su contra.

En un reparto coral protagonizado por Gabriel LaBelle, quien da vida al legendario al productor ejecutivo Lorne Michaels; Rachel Sennott como Rosie Shuster; Cory Michael Smith (Chevy Chase), Ella Hunt (Gilda Radner) y Dylan O'Brien (Dan Aykroyd), la cinta reconstruye los hechos de aquel día a partir de los recuerdos del elenco original.

Para ello, el director del filme, Jason Reitman, se propuso la titánica tarea de entrevistar a todas las personas "que estuvieran vivas y en el edificio esa noche", indica en una entrevista con EFE.

"Reunimos todas sus historias y creamos este gran tablero para hacer un seguimiento de cada pequeña cosa que sucedió, y luego tratamos de comprimirlo hasta que todo cupiera en 90 minutos", agrega.

Fuego en el plató, llamadas de "los de arriba", atrezo que se rompe, actores que se marchan a poco de comenzar la función, ensayos que no salen, gritos, desesperación y la adrenalina propia de la televisión se apoderaron del momento y fue uno de los principales desafíos a plasmar en la gran pantalla.

Crear escenas de desorden y caos en el cine, donde los movimientos deben estar sincronizados con la cámara, "se convierte en una especie de película de baile", explica el director.

"Se trata de coreografiar y de enseñar a los actores los movimientos y dónde deben estar. Y una vez que saben cómo y dónde estar y cómo jugar con la cámara pueden ser salvajes y permitir que el caos se apropie de la actuación", precisa.

Para Sennott, el ritmo y la energía que transmite la película le recuerdan "al teatro, el stand up o algo en vivo que es muy impredecible y emocionante", dice a EFE.

Reitman tuvo la oportunidad de trabajar como guionista invitado para el programa. "Fue una de las mejores semanas de mi vida, pude escribir un sketch, sentarme en la mesa, leerlo y ver cómo se retransmitía en vivo", recuerda con una sonrisa en la boca.

Tan pronto como pisó los estudios, ubicados en el octavo piso del edificio Comcast de Nueva York, y sintió toda una vorágine de emociones, supo que quería encontrar "una manera de hacer una película que capturara eso", añade.

SNL "es el origen de toda la cultura de comedia que tenemos hoy en el mundo occidental", por lo que formar parte de una película que lo refleje ha supuesto "una de las experiencias creativas más satisfactorias", dice a EFE LaBelle.

La cinta une así a dos generaciones divididas entre los que recuerdan el impacto que supuso el programa y quienes han escuchado hablar de lo que significó para aquella época.

Para una generación como la de Sennott, de 29 años, "incluso si no creciste o creciste viendo un elenco diferente (al original) o lo que sea, es genial dar un paso atrás y ver dónde comenzó todo. Y luego, si no sabes nada sobre SNL, está genial porque así se aprende sobre ella", asevera la actriz.

"Es una experiencia divertida si conoces a todos los actores que estuvieron en SNL y te gustan las trivialidades, pero es más importante la idea de que todos sepan cómo es montar algún tipo de espectáculo", sentencia Reitman. EFE

(foto)(vídeo)

Mikaela Viqueira

Los Ángeles (EE.UU.), 10 oct (EFE).- Hace 49 años un grupo de jóvenes con poca experiencia, limitado presupuesto y por el que nadie apostaba cambió la historia de Estados Unidos con 'Saturday Night Live' (SNL). Mucho se sabe de su éxito en la televisión, pero ¿qué pasó en los 90 minutos antes de su estreno?

'Saturday Night' llega este viernes a los cines para destapar lo que sucedió en ese momento, tras las escenas de un 11 de octubre de 1975 a falta de una hora y media para la primera retransmisión en directo de un formato que se acabó convirtiendo de forma inesperada en un hito de la pequeña pantalla.

Ya en su 50 temporada, SNL se consolida como uno de los programas más longevos de televisión de EE.UU., un prestigio que bebe de sus atrevidos sketchs, en los que se tratan temas de actualidad política y social con toques de parodia y humor.

¿Qué es SNL? es, de hecho, la pregunta que se trata de responder a lo largo de la película, mientras los contratiempos van desdibujando la idea original del programa y el tiempo aprieta en su contra.

En un reparto coral protagonizado por Gabriel LaBelle, quien da vida al legendario al productor ejecutivo Lorne Michaels; Rachel Sennott como Rosie Shuster; Cory Michael Smith (Chevy Chase), Ella Hunt (Gilda Radner) y Dylan O'Brien (Dan Aykroyd), la cinta reconstruye los hechos de aquel día a partir de los recuerdos del elenco original.

Para ello, el director del filme, Jason Reitman, se propuso la titánica tarea de entrevistar a todas las personas "que estuvieran vivas y en el edificio esa noche", indica en una entrevista con EFE.

"Reunimos todas sus historias y creamos este gran tablero para hacer un seguimiento de cada pequeña cosa que sucedió, y luego tratamos de comprimirlo hasta que todo cupiera en 90 minutos", agrega.

Fuego en el plató, llamadas de "los de arriba", atrezo que se rompe, actores que se marchan a poco de comenzar la función, ensayos que no salen, gritos, desesperación y la adrenalina propia de la televisión se apoderaron del momento y fue uno de los principales desafíos a plasmar en la gran pantalla.

Crear escenas de desorden y caos en el cine, donde los movimientos deben estar sincronizados con la cámara, "se convierte en una especie de película de baile", explica el director.

"Se trata de coreografiar y de enseñar a los actores los movimientos y dónde deben estar. Y una vez que saben cómo y dónde estar y cómo jugar con la cámara pueden ser salvajes y permitir que el caos se apropie de la actuación", precisa.

Para Sennott, el ritmo y la energía que transmite la película le recuerdan "al teatro, el stand up o algo en vivo que es muy impredecible y emocionante", dice a EFE.

Reitman tuvo la oportunidad de trabajar como guionista invitado para el programa. "Fue una de las mejores semanas de mi vida, pude escribir un sketch, sentarme en la mesa, leerlo y ver cómo se retransmitía en vivo", recuerda con una sonrisa en la boca.

Tan pronto como pisó los estudios, ubicados en el octavo piso del edificio Comcast de Nueva York, y sintió toda una vorágine de emociones, supo que quería encontrar "una manera de hacer una película que capturara eso", añade.

SNL "es el origen de toda la cultura de comedia que tenemos hoy en el mundo occidental", por lo que formar parte de una película que lo refleje ha supuesto "una de las experiencias creativas más satisfactorias", dice a EFE LaBelle.

La cinta une así a dos generaciones divididas entre los que recuerdan el impacto que supuso el programa y quienes han escuchado hablar de lo que significó para aquella época.

Para una generación como la de Sennott, de 29 años, "incluso si no creciste o creciste viendo un elenco diferente (al original) o lo que sea, es genial dar un paso atrás y ver dónde comenzó todo. Y luego, si no sabes nada sobre SNL, está genial porque así se aprende sobre ella", asevera la actriz.

"Es una experiencia divertida si conoces a todos los actores que estuvieron en SNL y te gustan las trivialidades, pero es más importante la idea de que todos sepan cómo es montar algún tipo de espectáculo", sentencia Reitman. EFE

(foto)(vídeo)

A lo largo y ancho del mundo del espectáculo existe un programa de comedia que a través del tiempo consiguió ser reconocido como una leyenda: Saturday Night Live, también conocido como SNL.

Creado por Lorne Michaels en 1975, este show no solamente es conocido por ser increíblemente divertido, sino también por haber representado los primeros pasos en las carreras de un sinfín de actores y actrices populares, como Bill Murray, Eddie Murphy, Robert Downey, Jr., Will Ferrell, e incluso presentadores o guionistas como Jimmy Fallon y Conan O’Brien.

Para celebrar el estreno de esta nueva temporada de aniversario en Universal+, pudimos conversar con Mikey Day, quien se desempeña como escritor de SNL desde el 2013 y comenzó a actuar en el show unos años después. Day nos contó cómo siente este aniversario del programa, cómo fueron sus primeros pasos y qué recomienda a quienes busquen adentrarse en el mundo de la comedia.

Te invitamos a ver nuestra entrevista en video, o a leer una transcripción.

—Bueno, si te parece bien, voy a comenzar con preguntas sobre tí, sobre SNL y los 50 años de SNL. Los años siguen pasando, las realidades siguen cambiando, pero SNL después de 50 temporadas sigue siendo SNL. Ahora que has estado en SNL desde hace un largo tiempo, ¿por qué crees que es así?

Mikey Day: —Wow, quiero decir, sé que Lorne ha hablado de que son una especie de “delincuentes de igualdad de oportunidades” en términos de comentar sobre la cultura como un todo. Así que, creo que obviamente a medida que la cultura cambia, el programa se adapta con ella. El show no está casado con un momento específico en el tiempo, sólo se adapta conforme la cultura. Así que creo que eso es una especie de… Una de las razones de su poder de permanencia. Simplemente fluye con los tiempos. Si eso tiene sentido.

—Tiene todo el sentido. Por eso se sigue sintiendo tan fresco y tan...

Mikey Day: —Sí, nuevo.

—Gracioso y novedoso.

Mikey Day: —Especialmente las cosas políticas y los acontecimientos actuales así como la cultura pop y el entretenimiento. Es como un comentario constante sobre la sociedad, que está cambiando. Creo que el hecho de que el programa evolucione y se adapte tan rápidamente es parte de la razón por la que han pasado 50 años, que es una locura. Empezó antes de que yo naciera. Así que formar parte de ello es muy surrealista. Es una locura.

—Hoy en día, creo que todavía se siente surrealista para tí, pero al mismo tiempo estás acostumbrado a estar delante de una cámara profesional, trabajar con directores y estar en un plató de cine. Pero, ¿recuerdas tus comienzos, tus primeros pasos en SNL y cómo fueron? Y ¿hay algo que haya permanecido igual dentro tuyo?

Mikey Day: —Correcto, correcto. Empecé como escritor… Y… Recuerdo la primera vez que entré en el 8H, el estudio. Y ese fue… Ese fue definitivamente un momento salvaje que aún recuerdo vívidamente. Sólo estar allí, habiéndolo visto en televisión. Obviamente, el decorado cambia de vez en cuando. Lo reharán. Pero sólo con ver el gran reloj central y, ya sabes, el escenario base donde sale el anfitrión… Recuerdo que fue un momento de, “Oh… Estoy aquí. Esto es real.” Todavía se siente muy surrealista y… Definitivamente hay momentos de “Pellízcame” que tienes de vez en cuando. Cuando la banda empieza a tocar la canción de introducción. Normalmente es cuando la banda empieza a tocar la… La canción de introducción de SNL y oyes los títulos y cambian los decorados. Eso es como que siempre me recuerda, “Oh, claro… Esto es SNL.” Lleva tanto tiempo y estoy aquí. Así que definitivamente hay momentos así.

—Es una locura porque, por supuesto, todavía tienes estos momentos, pero desde… No sé si lo recuerdas, seguramente sí, pero, ese video de “David Blaine’s Treat Magic”.

Mikey Day: —¡Ah, sí!

—¿Te acuerdas de eso?

Mikey Day: —¡Sí, sí! Muy… Hace mucho tiempo. ¡Mucho tiempo! Sí. Me siento muy viejo. Hablaré con niños… Hablo con adultos ahora que dicen, “Oh, yo solía ver eso todo el tiempo cuando estaba en segundo grado.” Y te quedas como, “Oh, no. Soy viejo porque… Ya eres un hombre adulto.” Así que es bastante salvaje. Pero, sí, aquellos tiempos eran muy divertidos en los comienzos de YouTube. Así era YouTube en sus inicios.

—Eso fue realmente al principio de YouTube. Solía ver ese video todo el tiempo. Y, por supuesto, sigues siendo tú. Pero al mismo tiempo, creo que muchas cosas deben haber cambiado mucho, ¿verdad? Tu forma de actuar ha cambiado mucho, tu forma de abordar ciertas cosas.

Mikey Day: —Sí. ¿En términos de comedia y sensibilidad cómica?

—Sí, ¿crees que SNL fue, como, en cierta forma, gran maestro para que evolucionaras en todos estos pequeños aspectos de ser un actor?

Mikey Day: —Correcto, correcto. Quiero decir, es definitivamente el mejor… Quiero decir, es como el mejor trabajo para tener porque haces tantas cosas de una semana a la otra. Habrán pre-cintas que son como “de género”, como una versión de una película de espías… Así que te adaptas constantemente a los géneros y obviamente interpretando a muchos personajes diferentes. A veces habrá un “cold open” escrito el viernes… E interpretarás a algún senador del que nunca has oído hablar. Así que tienes que estudiar rápido para aproximarte a una imitación. No soy el mejor imitador ni mucho menos, pero, ya sabes, intentas algo así como captar la esencia de alguien lo mejor posible. Así que hay tantas habilidades que… Implica tener dentro de tí, así que… Definitivamente no hay nada igual. Pero siento que… Si puedes trabajar aquí, puedes… Puedes hacer muchos otros trabajos.

—¿Como ser senador?

Mikey Day: —Ah, sí. Puedo ser senador, espía… Luigi de Mario Brothers, cualquier cosa. Lo que es parte de la diversión, ¿sabes? Porque tienes el control de tu propio destino aquí. Así que si quieres escribir algo e interpretar a quien quieras… Puedes escribirlo y tratar de llegar a la televisión. Es realmente fantástico. Y va tan rápido, que es genial para alguien con… ADD creativo como yo. Simplemente se mueve. Trabajas y luego llegas a SNL y luego sigues adelante. Pasas a lo siguiente.

—Hay muchas cosas como poder… Bueno, empezaste como escritor, así que sabes lo que es, lanzar ideas, ser rechazado, llevar algunas ideas al aire. Siempre se puede imitar a otras personas. ¿Cuál dirías que es hoy tu aspecto favorito de “Saturday Night Live”? De trabajar ahí.

Mikey Day: —Oh… Eso es difícil. Quiero decir, obviamente, los sábados son lo mejor y si tienes material o un boceto que vaya bien y conecte con una audiencia… Eso es siempre muy gratificante y divertido. Pero como la temporada pasada con Ryan Gosling, tuvimos un sketch de “Beavis y Butthead”. Y luego a la semana siguiente… O un par de semanas después, es como, “¿quieres ir a la premiere de ‘Profesión Peligro’ como Beavis y Butthead?” Y pensaba, como, “Únicamente… en SNL, sólo en este trabajo podría haber resultado en ir a ese estreno vestido como Butthead.” Luciendo tan loco con esa cabeza prostética y la boca… Sí, definitivamente fue uno de esos momentos.

Pero quiero decir, realmente en términos de… Hay tantos aspectos de trabajar en SNL que amo… Trabajar con toda esa gente que son tan divertidas cada semana, es una alegría. Te olvidas... Es un privilegio estar en ese ambiente porque todo el mundo te hace reír, ¿sabes? Así que estás constantemente riéndote, toda la semana. Así que esa es definitivamente una de mis partes favoritas.

—Sólo tengo tiempo para una pregunta más. Mikey, te hemos visto a lo largo de los años. Eres tan gracioso, siempre has sido muy gracioso, pero creo que ahora tú simplemente… Has crecido tanto en la comedia y en la actuación. Y es una alegría verte en SNL.

Mikey Day: —Gracias, muchas gracias.

—Sólo estoy siendo honesto. Entonces, ¿qué consejo le darías a alguien que intenta entrar en el mundo de la comedia? Porque has pasado por mucho y estás en un momento tan bueno que si pudieras decir algo a alguien que está tratando de dar sus primeros pasos o similar.

Mikey Day: —Correcto. Quiero decir, era tan diferente cuando yo estaba empezando… Sólo en términos de tecnología e Internet, como hay tantas avenidas para difundir contenidos. Antes estaba apareciendo YouTube… Antes, supongo que 2006, pero lo había estado haciendo desde hace algún tiempo ya… Y yo había empezado con los Groundlings, en Los Ángeles, es un grupo de sketch e improvisación. Una tropa. Pero sólo diría: empieza a escribir tu propio material, y empieza a producirlo, ya sea en un espacio en vivo o simplemente subirlo a internet. Pero simplemente hacer repeticiones y continuar… Y generar material. Porque, ya sabes, Al final se verá si es en un espacio vivo o, ya sabes, haciéndolo en YouTube o TikTok.

Hay tantas plataformas ahora. Pero simplemente salir ahí fuera y hacerlo. Sé que suena simple, pero es cierto. Porque Groundlings, es como si estuvieras simplemente haciendo un espectáculo cada semana y representándolo. Sé que suena facilista. “Sí, sólo tienes que producir tus propias cosas”... Pero, ya sabes, hay muchas avenidas allá afuera, incluso si sólo estás filmando algo en tu teléfono, ya sabes.

—Lo más difícil es empezar, ¿verdad?

Mikey Day: —Las personas con más exposición y éxito ahora, lo hacen online. “¿Cuánto dinero están haciendo? Oh...”

—Dios mío, podríamos ser ricos.

Mikey Day: —”Esa niña de 12 años maquillándose en su teléfono... ¿¡Cuánto dinero?!” Así que, sí, espero que sea un consejo decente.

—Es super decente. Lo más difícil siempre es empezar.

Mikey Day: —”Súper decente.” Eso suena como el nombre de una productora. Ese va a ser el nombre de mi productora. “Súper decente. El súper decente.” Muchas gracias por hablar conmigo. Lo siento por mi español. Es muy “más o menos”.

—Súper decente.

Mikey Day: —Súper decente, sí. ¿Se dice “super” como en inglés?

—Sí, “Súper”. “Súper” es “Súper”.

Mikey Day: —¿“Súper” en español y en inglés? Bien. Muchas gracias.

—Muchas gracias. Ha sido una alegría. Estoy muy contento de haber podido hablar contigo. Muchas gracias y felicitaciones por hacer un gran trabajo y ser consistentemente gracioso en SNL, que creo que debe ser una de las cosas más difíciles del mundo.

Mikey Day: —Muchas gracias. Muy amable de tu parte. Ha sido un placer conocerte, gracias por la charla.

El otro día, sintonizé Saturday Night Live con motivo del estreno de la 50ª temporada del programa. No sé qué esperaba. ¿Un desfile de Not Ready for Prime Time Players de las décadas pasadas? ¿El regreso del Landshark? ¿Lorne Michaels prendiéndose fuego?

Lo que obtuve fue lo de siempre: una brillante y divertida “apertura en frío” sobre las últimas pomposidades políticas -con, sí, varias caras bienvenidas de elencos pasados de SNL- seguida de una hora y 15 minutos de parodias de concursos lamentablemente insulsas y sketches machacando su único chiste hasta el cansancio. Pero la vi, y tal vez tú también lo hiciste, por 50 años de inercia cultural y/o la esperanza -vana, insensata- de que SNL pudiera volver a ser el programa de comedia que fue. O al menos el programa que creemos recordar. Atrevido, irreverente, tonto, extraño, con escritores e intérpretes cuyo sentido del absurdo era peligroso y liberador en lugar de simplemente presuntuoso.

Bueno, cualquier institución que dure tanto como SNL no puede mantenerse para siempre, incluso con tantas épocas clásicas y oleadas de talento cómico. Así que es agradable que la película Saturday Night de Jason Reitman llegue esta semana para recordarnos cómo era el programa en los 90 minutos antes de su primera emisión el 11 de octubre de 1975: en resumen, un desastre inminente que casi nadie esperaba que durara más de uno o dos episodios.

El único verdadero creyente es el productor de SNL, Michaels, interpretado en la película con un aire de seguridad frenética por Gabriel LaBelle, el joven No Steven Spielberg de The Fabelmans. Es Michaels quien vendió a su manejador de la cadena, Dick Ebersol (Cooper Hoffman, hijo de Philip Seymour y la estrella de Licorice Pizza), la idea de un programa de comedia nocturno para “la generación que creció viendo televisión”, y es Ebersol, un ejecutivo de NBC autoconscientemente “moderno”, quien lo vendió a los ejecutivos por encima de él.

No es que esos ejecutivos realmente esperaran que los jóvenes tuvieran éxito. El horario de las 23:30 horas se había abierto porque Johnny Carson no quería que se emitieran repeticiones del Tonight Show los fines de semana, y NBC esperaba atraerlo de vuelta; al menos, eso es como Saturday Night lo cuenta en una de las ocupadas tramas narrativas de la película, algunas de ellas tal vez incluso ciertas. El programa de comedia-hippie-esquema de Michaels y Ebersol era considerado, como mucho, una maniobra de dilación y, en el peor de los casos, una apuesta insensata, una hora y media en vivo en un momento en que todo en la televisión estaba seguro y grabado en latas. Eso, por supuesto, era la cuerda floja que hacía que el programa fuera emocionante y lo convirtiera en una cita televisiva para todos lo suficientemente jóvenes como para quedarse despiertos a verlo.

El guion de Reitman y Gil Kenan -colaboraron en las dos secuelas más recientes de Ghostbusters- está estructurado como un tenso cronómetro, siguiendo los eventos en, detrás y alrededor del Studio 8H en el Rockefeller Center mientras el programa se acerca al aire. ¿Cuánto no está listo aún? Todo. John Belushi no ha firmado su contrato, el set no ha sido construido y hay tres veces más sketches de los que hay espacio para. Hay una llama tras bambalinas, y nadie parece saber por qué. Y Don Pardo (Brian Welch) aún no ha descubierto cómo pronunciar “Dan Aykroyd”.

Saturday Night es tan entretenida como puede ser una película que no tiene un punto genuino más allá de la nostalgia. Si estuviste presente para la primera iteración del programa a finales de la década de 1970, estás familiarizado con las personas que se retratan y no estabas demasiado drogado, te divertirás. Tiene sentido que un elenco de desconocidos interprete a lo que se convirtió en un elenco de muy conocidos, y algunas de las elecciones son inspiradas: Cory Michael Smith como un arrogante yutz de Chevy Chase; la dulce y chillona Gilda Radner de Ella Hunt; Lamorne Morris obteniendo más tiempo en pantalla en la película del que su personaje, Garrett Morris (sin relación), jamás tuvo en el programa.

Curiosamente, a Nicholas Braun -Cousin Greg en Succession- se le ha asignado dos papeles, como Andy Kaufman (haciendo su rutina de sincronización de labios de Mighty Mouse) y como Jim Henson, terriblemente serio y terriblemente disgustado porque el equipo está haciendo cosas obscenas a sus Muppets. La única elección errónea es Matt Wood como John Belushi, no por fallas del propio Wood, sino simplemente porque al actor le falta el aire de inocencia querubínica que equilibraba la rabia improvisaciónal de Belushi. (Traducción: Parece demasiado enojado).

Los actores que interpretan a los guionistas del programa salen mejor parados, si solo porque estamos menos familiarizados con sus personajes, siendo la excepción el ferozmente acerbo Michael O’Donoghue de Tommy Dewey y el neurótico Billy Crystal de Nicholas Podany. Si hay una estrella secreta en Saturday Night, es Rosie Shuster, ex esposa de Lorne Michaels y creadora de las Killer Bees. En manos de la hábil actriz cómica Rachel Sennott (Shiva Baby), Shuster es la serenamente divertida Madre Coraje del programa, segura de que incluso si todo el asunto se prende fuego, estaban en lo cierto todo el tiempo, y que la televisión estadounidense en 1975 era un anacronismo envejecido que necesitaba urgentemente un desfibrilador.

Ese viejo guardián está presente en el fondo de esta película, listo para desconectar el enchufe y recurrir a una repetición de Carson al primer signo de problemas: Catherine Curtin como una censora oficial de NBC; Willem Dafoe como el ejecutivo de NBC David Tebet; y, más espectacularmente, J.K. Simmons como Milton Berle, quien llega al Studio 8H para echar un vistazo a los jóvenes y asegurarse de que el Chevy Chase de Smith sepa quién tiene las “mayores piedras” en la televisión.

El genio del jazz Jon Batiste (como el invitado musical Billy Preston) y el joven y talentoso farsante Andrew Barth Feldman (como un pasante de NBC que comete el error de involucrarse con la reserva de drogas tras bastidores) son incentivos adicionales para una película que no tiene suspense funcional más allá de “¿Saldrá al aire el programa?” Dado que sabemos que sí salió al aire -y sigue y sigue y sigue- la única razón para disfrutar de Saturday Night es consagrar el sentido de inevitabilidad de la generación boomer. Y está bien, eso es entretenimiento para una generación adicta por siempre a la narrativa de su propia juventud. ¿Y qué importa si, medio siglo después, Saturday Night Live se ha convertido en la institución que necesita un desfibrilador? En palabras de la inolvidable Emily Litella: “No importa”.

Fuente: The Washington Post

No era una sorpresa la aparición estelar que tuvo la banda británica en el mítico late night show, pero sí lo fue la aparición de la intérprete de “Buenos Aires” en el escenario durante la canción de cierre. “Una vez más, Coldplay”, pronunció el comediante Nate Bargatze y, acto seguido, la silueta de la Triple T se vislumbró junto a la de Chris Martin.

Fiel a su estilo profesional, Tini brindó una presentación impecable. Sin embargo, no pudo contener las lágrimas de emoción al finalizar la interpretación y Chris atinó a darle un abrazo para contenerla. “No puedo parar de llorar de la emoción, no tengo palabras”, publicaría más tarde, a modo de reacción, en su cuenta personal de X.

Cabe destacar que esta no es la primera vez que la argentina colabora con los creadores de hits como Viva la vida, Paradise, o My Universe, ya que la primera vez que se los vio juntos en un escenario fue en el show que el grupo musical ofreció el 1 de noviembre de 2022 durante la gira maratónica de diez shows que realizaron en el Estadio Monumental, en Buenos Aires. En esa oportunidad, la colaboración no estaba en planes, por lo que solo cantaron juntos Let Somebody Go -originalmente interpretada por Selena Gómez- y Carne y hueso, que pertenece al repertorio de la artista.

Dos años más tarde de ese encuentro, Tini anunció que su primera colaboración con Coldplay pasaría a estar disponible en todas las plataformas musicales a partir del 23 de agosto pasado. “Qué emoción tan grande, mi banda preferida de la vida, la que marcó tantos momentos. Conocer a Chris más allá del artista que es, como persona. Qué bendición tan linda”, expresó la cantante en sus redes sociales al revelar que el mismo día que anunció el lanzamiento de su último álbum Un mechón de pelo ya se encontraba en el estudio trabajando con la banda.

Por su parte, Chris Martin reveló en el documental Coldpay X Tini, que fue estrenado en Flow, que colaborar con la ex estrella Disney fue su idea y que llegó a él como una bajada del universo, debido a que todo se fue gestando en varios sueños. “El año pasado estaba en Taiwán, durmiendo y tuve un sueño sobre una canción llamada ‘We Pray’. Me desperté y de alguna manera recibí la canción”, contó.

“Dos noches después, tuve otro sueño. Yo estaba parado afuera del teatro en Argentina, creo, y había un pequeño parlante afuera, en la pared. Era una pared marrón lisa con un pequeño parlante. Y Tini estaba dando un show adentro y yo estaba afuera. Ella estaba cantando esta melodía que era: (tararea) ‘La, la, la...’. Me desperté y dije: ‘Ese es el final de ‘We Pray’”. Así que le conté sobre el sueño y ella dijo que sí”, amplió el compositor.

En el documental, Tini explica que el británico quería que ella escuchara la canción antes para ver si le gustaba, pero la argentina ya sabía que iba a participar de todos modos. “Le dije: ‘Obvio que la voy a escuchar, pero contá conmigo para lo que sea y yo voy a estar ahí, siempre’”, reveló la cantante de hits como “22″ y “Fresa”. De hecho, la respuesta que le dio la actriz no fue otra que: “Chris, canta conmigo, obvio”.

Después de que la versión final de We Pray saliera a la luz, los artistas se fusionaron en más de una ocasión para interpretarla. Y es que la primera presentación pseudo-oficial ocurrió en las calles de Dublín, Irlanda, en la previa a que la banda diera sus conciertos que eran parte de su gira mundial. Un día más tarde, volverían a repetir la hazaña sobre el escenario montado en el Croke Park Dublin.

En plena ola de remakes, reboots y adaptaciones, otro clásico de la infancia de la generación que hoy está en sus treinta será resucitado para la gran pantalla. De acuerdo con un nuevo informe, Paramount ha puesto en marcha una cuarta película de Rugrats (en algunos países de Latinoamérica conocida como Aventuras en Pañales), el éxito de Nickelodeon que tenía a un plantel de imaginativos bebés como protagonistas.

Aunque todavía se desconocen detalles de su trama, a diferencia de los largometrajes animados previos, esta nueva versión tendrá un formato híbrido que combinará actores y acción real, con animación en CGI. Al frente del proyecto se encuentra Jason Moore, director de Pitch Perfect (2012) y Una boda explosiva (2022), la película protagonizada por Jennifer Lopez para Prime Video. El libreto será escrito por Mikey Day y Streeter Seidell, ambos conocidos por su trabajo en Saturday Night Live.

Rugrats se estrenó en 1991 como parte de uno de los primeros Nicktoons de Nickelodeon. Liderada por Tommy Pickles y un equipo de pequeños amigos, esta serie animada retrataba, a partir las perspectivas de los bebés titulares, situaciones ordinarias que se transformaban en grandes aventuras, a menudo humorísticas, llenas de fantasía y exploración.

El show se convirtió en un gran éxito para la señal y llegó a emitir más de 150 episodios a lo largo de nueve temporadas antes de terminar en 2004. A lo largo de su carrera, la serie también tuvo tres películas animadas, como también una secuela televisiva que retraba a los personajes ya crecidos. En 2021, Paramount+ también estrenó un reinicio de la serie producido por el equipo creativo original, formado por Arlene Klasky, Gábor Csupó y Paul Germain.

Descrita como un thriller psicológico atmosférico impulsado por los personajes, Before presenta a Crystal en el rol de Eli, un psiquiatra infantil que, tras perder recientemente a su mujer, se encuentra con un niño problemático que parece tener una inquietante conexión con su pasado. Mientras Eli intenta ayudarlo, su misterioso vínculo se profundiza. El tráiler revelado por la compañía adelanta que la serie de 10 episodios tendrá varios elementos sobrenaturales y de terror psicológico, lo que la convierte en una apuesta a tono para esta spooky season.

Before cuenta con la producción ejecutiva de Crystal, junto con el ganador del Oscar Eric Roth (Los asesinos de la luna) y la creadora Sarah Thorp (Acechada). El reparto se completa con Tony Judith Light (Transparent), Jacobi Jupe (Peter Pan y Wendy), Rosie Perez (Aves de presa) y Tony Maria Dizzia (Orange Is the New Black).

Famoso por su versatilidad y su humor agudo, Crystal comenzó su carrera en la televisión en los años 70, destacándose por su papel en la serie Soap. También ganó fama mundial como presentador del Saturday Night Live y por dar vida a Mike Wasowski en la franquicia de Monsters Inc. Además, es famoso por haber sido anfitrión de los Premios Oscar en varias ocasiones, consolidando su legado en el mundo del entretenimiento.

Before, lo nuevo del intérprete, se estrenará el viernes 25 de octubre con dos primeros episodios, mientras que los ocho restantes tendrán un lanzamiento semanal cada viernes hasta el 20 de diciembre.

¡En vivo desde Nueva York! Han pasado 50 temporadas para SNL. El emblemático programa de comedia Saturday Night Live se estrenó el 11 de octubre de 1975, con un humor oscuro y caídas cómicas, George Carlin como anfitrión y no uno sino dos invitados musicales: Billy Preston y Janis Ian. Los sábados por la noche, en esos primeros años, los jóvenes se reunían alrededor de los televisores para ver la producción de Lorne Michaels que servía la contracultura al mercado masivo a través de los “Actores No Listos para el Horario Estelar”.

“Lo que es atractivo e inusual sobre el programa es que es un intento, finalmente, de ofrecer entretenimiento en la televisión con una voz humana reconocible, no de celebridad, y en una voz que también intenta lidiar con el pantano de la cultura del espectáculo inducida por los medios, que cada vez más invade la vida estadounidense”, escribió Michael J. Arlen de The New Yorker en una reseña de 1975.

Avance rápido al presente, este sábado 28 de septiembre se emite el primer episodio de la temporada del medio siglo de SNL, como preludio a un especial de tres horas en vivo, el 16 de febrero de 2025, en un ¡oh sorpresa!, domingo. Jean Smart será la anfitriona para abrir la temporada, con Jelly Roll como invitado musical.

A lo largo de las décadas, algunas temporadas fueron mejores que otras, con estrellas emergentes como Eddie Murphy, Adam Sandler, Tina Fey, Will Ferrell, Mike Myers y más, siguiendo a los siete originales. Entonces, ¿qué fue del primer elenco, la clase de primer año de SNL? Aquí, un resumen.

John Belushi

“Animal House” de National Lampoon, “Continental Divide”, “Neighbours” y todo lo relacionado con los inolvidables Blues Brothers. Belushi dejó SNL en 1979 para perseguir proyectos de música y cine. Y lo hizo, con críticas malas y buenas. Después de años de consumo de drogas, murió el 5 de marzo de 1982, a los 33 años, tras una sobredosis en el mítico hotel Chateau Marmont en Los Ángeles. La muerte de Belushi sorprendió y entristeció a sus amigos y fanáticos y simbolizó el fin de la dura vida de los años 70.

Además de sus actuaciones traviesas y a menudo frenéticas en SNL, Belushi apareció en otros filmes, incluyendo el drama Old Boyfriends y la comedia histórica 1941, de Steven Spielberg, que recibió malas críticas. Antes de eso, Belushi dio vida a Jake Blues, uniéndose a Dan Aykroyd como su hermano Elwood. El debut televisivo de Los Blues Brothers fue en SNL, en 1978.

Vestidos con lentes de sol y trajes oscuros, alcanzaron fama por sí solos con la película homónima de 1980, dirigida por John Landis. Después de la muerte de Belushi, se lanzó Blues Brothers 2000 en 1998, con la mayoría del elenco original de la primera película.

Después de la muerte de Belushi, muchos de sus seres queridos, incluida su viuda Judith Belushi Pisano, se enojaron por el tono narrativo negativo de Wired, el libro de Bob Woodward sobre el genio cómico. Belushi Pisano y Tanner Colby respondieron con su propio libro, Belushi: A Biography. Su novia de la escuela secundaria, murió en julio de cáncer. John Belushi compartió un Emmy de escritura con sus compañeros de elenco y escritores de SNL, en 1977.

Gilda Radner

La nasal Roseanne Roseannadanna. La extraña adolescente Lisa Loopner. La quejumbrosa Emily Litella de Weekend Update con su “olvídalo”. Radner aportó una dulzura entrañable a la temporada inaugural de SNL. Se quedó cinco años.

En 1979, la ganadora del Emmy y el Grammy se presentó en Broadway con un espectáculo unipersonal, Gilda Live. Incluía algunos de sus personajes más queridos de SNL, incluyendo Baba Wawa, una parodia de Barbara Walters. El espectáculo fue filmado y lanzado como película.

Radner apareció en varias otras películas, incluyendo First Family y La chica de rojo, esta última un éxito de 1984 escrita y dirigida por su coprotagonista y futuro esposo, Gene Wilder. Entre otros proyectos: protagonizó el drama de Broadway de 1980 Lunch Hour.

Radner murió el 20 de mayo de 1989, a los 42 años, después de una larga batalla contra un cáncer de ovario. Su libro detallando esa lucha se publicó a principios de ese año. Un documental sobre su vida, Love Gilda, se publicó en 2018.

Chevy Chase

Chase fue el primero en pronunciar las palabras: “¡En vivo desde Nueva York, es sábado por la noche!”. Y tiene una larga lista de créditos post-SNL, incluidos muchos éxitos comerciales y una cuota de fracasos. También fue el primer miembro del elenco en dejar el programa.

Inicialmente contratado como escritor, era conocido por Weekend Update, su torpe presidente Gerald Ford, sus caídas en general y las disputas con otros miembros del elenco. Chase fue reemplazado a mitad de la segunda temporada por Bill Murray. Años después (2013), dejó “Community” durante la cuarta temporada en medio de quejas sobre insultos raciales dirigidos a su compañero de elenco Donald Glover. Entre SNL y ese momento, trabajó mucho, al menos por un tiempo. Hubo dos películas de Fletch. Hubo Caddyshack y una secuela mal recibida. Hubo The Three Amigos!. Hubo cinco películas de Vacaciones, aunque su aparición en la última, en 2015, fue un cameo.

El primer éxito de Chase fue Foul Play con Goldie Hawn en 1978. Lo intentó en un programa nocturno de entrevistas, The Chevy Chase Show, por Fox en 1993. Fue cancelado después de seis semanas. Entre sus premios: un Emmy de escritura por SNL en 1976, un Emmy de actuación en el mismo año y un Emmy de escritura compartido por The Paul Simon Special , en 1977.

Chase publicó una biografía en 2007, I’m Chevy Chase ... and You’re Not, nombrada así por su famosa frase como presentador de Weekend Update. En su libro, detalló abuso físico infantil a manos de su madre y padrastro, ambos ya fallecidos.

Ahora con 80 años, Chase se ha dedicado en los últimos años a realizar proyecciones con sesiones de preguntas y respuestas del público para National Lampoon’s Christmas Vacation, la película más perdurable de esa franquicia. También imita el sonido de pollos y publica encuentros con fanáticos y reuniones familiares en TikTok, donde tiene 1,2 millones de seguidores.

Laraine Newman

Dejó SNL en 1980 después de interpretar a Connie Conehead, la azafata Valley Girl Sherry y la tontita co-anfitriona de TV pública Christie Christina. También fue reportera recurrente en Weekend Update. Ha hablado abiertamente sobre sus luchas con la depresión y la adicción a las drogas durante ese tiempo. Se recuperó en 1987.

Antes de dejar el show, apareció en la película de 1978 American Hot Wax. Trabajos constantes en cine, TV y voz siguieron desde la década de 1980 hasta los 2000. Fue la antagonista en la comedia de 1991 Problem Child 2 y apareció en Coneheads (1993) como la tía Laarta de Connie. Newman, de 72 años, apareció en episodios de Friends, 3rd Rock from the Sun y 7th Heaven, y en la versión “humana” de Los Picapiedras.

Prestó su voz a varias películas animadas de éxito, incluyendo Wall-E, Up y Toy Story 3. Y ha trabajado como escritora y editora de revistas. En 2021, publicó May You Live in Interesting Times, unas memorias en audiolibro. Dato curioso: después de graduarse de la secundaria, Newman estudió mímica en París con Marcel Marceau. En 2017, con el resto del elenco original de SNL, fue incluida en el Salón de la Fama de la Academia de Televisión.

Dan Aykroyd

Cuando no estaba sangrando como Julia Child o declarando, “¡Jane, eres una zorra ignorante!” en Weekend Update, Aykroyd pavoneaba con Steve Martin como uno de dos chicos salvajes y locos, y lideraba a la familia Conehead como patriarca Beldar. Y aportó mucho más a SNL antes de dejarlo en 1979, incluyendo como la mitad de The Blues Brothers e imitaciones del presentador de programas de entrevistas Tom Snyder, Rod Serling y los presidentes Richard Nixon y Jimmy Carter.

Con Belushi, su amigo cercano, y respaldado por músicos legítimos, los hermanos blues llenos de soul se convirtieron en una banda. Tocaron conciertos y lanzaron un álbum de múltiples millones de ventas, Briefcase Full of Blues.

Su trabajo post-SNL”¿ lo ha llevado aún más alto. Él y Belushi tuvieron un éxito con la película The Blues Brothers. Le siguieron éxito tras éxito: Neighbours en 1981, Trading Places en 1983 y Los Cazafantasmas de 1984, que lanzó una franquicia (Aykroyd y Harold Ramis escribieron las dos primeras). También apareció en 1941. Aykroyd, de 72 años, escribió y narró un reciente documental en audio, Blues Brothers: The Arc of Gratitude. En 1985, coescribió y protagonizó con Chevy Chase Spies Like Us, dirigida por John Landis. Luego obtuvo una nominación al Oscar como actor de reparto por Conduciendo a Miss Daisy (1989).

Los años 90 no fueron tan amables para él. Hubo muchos fracasos, incluyendo su debut como director en 1991 con Nothing but Trouble protagonizada por Demi Moore, Chevy Chase, John Candy. Un punto brillante fue la aclamada Tiro al blanco, en la que interpretó a un asesino rival del protagonista John Cusack. Con el cofundador de Hard Rock Cafe, Isaac Tigrett, Aykroyd cofundó House of Blues, una cadena de salas de música en vivo y restaurantes que se convirtió en una división de Live Nation en 2006.

Jane Curtin

Curtin dejó SNL en 1980, después de cinco temporadas. Fue una maestra de la cara seria, a menudo interpretando a la mujer hierática frente a artistas exagerados como Belushi y Radner. Una habitual en Weekend Update, también era conocida por los sketches de Coneheads como la matriarca Prymaat y como Enid Loopner junto a sus compañeros nerds Radner y Murray.

Curtin, de 76 años, ha hablado sobre cómo le molestaba el estilo de vida impulsado por las drogas de algunos de sus compañeros de elenco. Ganó dos Emmys por su comedia de situación de los años 80 Kate & Allie. Más tarde protagonizó como la Dra. Mary Albright en la exitosa serie 3rd Rock from the Sun (1996-2001).

Su trabajo post-SNL se mantuvo principalmente en la televisión, incluyendo algunos fracasos como la comedia de situación de 1990 Working it Out. Fue cancelada después de 13 episodios. Con Fred Savage, apareció en la comedia de situación Crumbs en 2006. Fue cancelada cuatro meses después.

Hubo algunos trabajos en Broadway: la Srta. Proserpine Garnett en Candida, Love Letters y la reactivación de 2002 de Our Town que marcó el regreso de Paul Newman a Broadway después de 38 años.

Garrett Morris

Inicialmente contratado como escritor, fue el mayor en el primer elenco de SNL a los 37 años. Llegó al programa después de 17 años como cantante y arreglista con Harry Belafonte, como actor en obras y musicales, como dramaturgo y como activista de derechos civiles.

Morris fue criado en Nueva Orleans por su abuela y su abuelo ministro bautista, pasando su infancia cantando en el coro de la iglesia. Más tarde se convirtió en budista después de mudarse a Nueva York, donde fue indigente por un tiempo mucho antes de SNL. Morris, de 87 años, se formó en la escuela Juilliard. Belafonte le dio su primer trabajo profesional. Morris presentó con Harry Belafonte el programa Singers durante 10 años, comenzando cuando tenía solo 22 años.

Permaneció en SNL hasta 1980. Era conocido por su personaje School Boy, el jugador de béisbol dominicano cuya frase “El béisbol ha sido muy bueno para mí”, tuvo eco en la cultura pop. También interpretó al presentador que gritaba en los segmentos de News for the Hard of Hearing e hizo imitaciones de Idi Amin, James Brown, Sammy Davis Jr., Bob Marley y Muhammad Ali. Una vez cantó una aria de Mozart como el invitado musical. También cantó una composición de Schubert en el programa. En 1994, fue herido de gravedad en un intento de asalto en Los Ángeles.

En los años 80, Morris apareció en una serie de películas de terror. Más tarde, fue un habitual en la serie 2 Broke Girls y se presentó en comedias de televisión como The Jamie Foxx Show y The Wayans Brothers. También apareció en Married with Children, Family Guy y The Jeffersons. Apareció en This is Us en 2018. También tiene una larga lista de créditos cinematográficos.

[Fuente y fotos: AP; REUTERS/Mario Anzuoni; The Grosby Group]

Las aventuras de Dog Man (o simplemente Dog Man) es una película animada basada en la exitosa novela de Dav Pilkey, un fenómeno literario que ha cautivado a millones de lectores. La serie Dog Man cuenta actualmente con 12 libros, ha vendido más de 60 millones de copias y ha sido traducida a 47 idiomas. Esta adaptación promete llevarnos a una divertida aventura protagonizada por un personaje mitad perro y mitad hombre, que además trabaja como policía en una ciudad llena de peligros.

Además de un vibrante y colorido tráiler, se reveló la sinopsis oficial: “Dog Man comienza cuando un perro y un oficial de policía resultan heridos juntos en el trabajo. Luego, una cirugía que les salva la vida cambia el curso de la historia cuando nace Dog Man. Mitad perro, mitad hombre, Dog Man tiene la misión de proteger y servir, siempre y cuando no se distraiga con las ardillas, mientras persigue incansablemente a su archienemigo: el supervillano felino Petey el Gato. Sin embargo, la rivalidad entre Dog Man y Petey se ve alterada por la llegada de Lil Petey, un adorable clon gatuno de Petey, que cambia las reglas del juego para ambos”.

Con respecto al elenco de voces detrás de este proyecto, contaremos con las actuaciones de Pete Davidson (Saturday Night Live, The King of Staten Island), Lil Rel Howery (Reunion, ¡Huye!, Amigos de las vacaciones), Isla Fisher (Loca por las compras), Poppy Liu (Hacks, Space Cadet), Stephen Root (Barry, Los reyes de la colina), Billy Boyd (El señor de los anillos: La comunidad del anillo, El hijo de Chucky) y Ricky Gervais (The Office, After Life).

Bajo la dirección de Peter Hastings (Las épicas aventuras del Capitán Calzoncillos, Kung Fu Panda: la leyenda de Po), Las aventuras de Dog Man llegará a la gran pantalla el próximo 20 de febrero de 2025.

David Wayne Spade nació el 22 de julio de 1964 en Birmingham, Michigan. Su padre, Wayne, trabajaba como representante de ventas, mientras que su madre, Judith, era escritora y editora de revistas. David era el menor de tres hijos; sus hermanos, Bryan y Andy, más tarde se involucraron en emprendimientos, incluyendo una marca de moda fundada por uno de ellos y su esposa. Cuando David tenía cuatro años, la familia se mudó a Scottsdale, Arizona, donde poco después sus padres se divorciaron. Spade reveló que su padre era negligente y engañaba a su madre. Tras el divorcio, Wayne apenas veía a los niños y no les proporcionaba apoyo alguno. Judith tuvo que criar sola a sus hijos, enfrentando dificultades económicas debido a su trabajo constante y ausencias en casa.

Durante la infancia de David, él y sus hermanos pasaban mucho tiempo solos. Judith a veces los llevaba al desierto local con almuerzos para que jugaran a ser bandidos. Allí disparaban a cactus y pájaros con armas de fuego reales. En caso de emergencia, tenían un botiquín y una moneda para usar una cabina telefónica cercana para llamar a su madre. Además, tenían una afición peligrosa de cazar serpientes de cascabel con raquetas de tenis y las tenían como mascotas. Esta infancia poco convencional influyó en la vida y perspectiva de David Spade, quien más tarde se convirtió en una celebridad conocida en la comedia.

A pesar de sus modestos recursos económicos, el futuro actor asistió a la prestigiosa escuela secundaria Saguaro High School en Scottsdale, donde fue uno de los mejores estudiantes. David participó en diversas actividades: fue campeón del concurso de ortografía y miembro del club de ajedrez de la escuela. Incluso llegó a la final estatal de ajedrez. Y una vez, Spade leyó 47 libros para un concurso. Después de graduarse de la escuela secundaria, David se matriculó en Scottsdale Community College y, gracias a sus altos logros académicos, obtuvo una beca para la Universidad Estatal de Arizona. Aún así el actor dijo: “En la escuela primaria era inteligente, pero no tenía amigos. En la secundaria, dejé de ser inteligente y comencé a tener amigos”.

Nacido para hacer reír

Durante sus años universitarios, David Spade se unió a la fraternidad Sigma Alpha Epsilon y en 1986 obtuvo su licenciatura en negocios. A pesar de ello, nunca persiguió una carrera en ese campo. Desde joven mostró un gran sentido del humor y habilidades actorales, participando en espectáculos juveniles y siendo reconocido por sus actuaciones de stand up en el Farce Side Comedy Hour. Su pasión por el escenario lo llevó a decidir dedicarse por completo a la actuación.

“Cuando comencé, volaba por todo el país para hacer una presencia por cien dólares”, contó el actor que en la década de 1980. Trabajó en Greasy Tony ‘s Pizza en Tempe, Arizona, aunque tuvo que complementar sus ingresos con trabajos a tiempo parcial como asistente de camarero, asistente de estacionamiento y vendedor en una tienda de skates. En 1987, hizo su debut cinematográfico con un papel secundario en Police Academy 4: Citizens on Patrol, por el cual ganó 6 mil dólares.

En 1988, David Spade apareció en un episodio de The Facts of Life y al año siguiente en Baywatch. En 1989, ganó reconocimiento por su participación en el 13º Especial Anual de Jóvenes Comediantes de HBO, presentado por Dennis Miller, quien lo ayudó a escribir guiones para NBC y a unirse a Saturday Night Live en 1990. Inicialmente enfrentó dificultades y estuvo cerca de ser despedido, pero ganó popularidad con su famoso sketch “Hollywood Minute”, donde interpretaba a un crítico sarcástico. Aunque apreciado por el público, su humor sarcástico no siempre fue bien recibido. Eddie Murphy se ofendió cuando Spade lo llamó “estrella fugaz” en un sketch, y no hablaron durante 20 años.

David Spade trabajó en Saturday Night Live durante seis años, siendo nominado tres veces al premio Emmy por escritura destacada. Sus papeles más memorables incluyeron el de una recepcionista molesta que repetía “Está bien, y ustedes son…” y el de una azafata con un despectivo “Adiós”. Durante su tiempo en el programa, Spade desarrolló una amistad cercana con Chris Farley, a quien consideraba su amigo más cercano y con quien protagonizó la exitosa comedia Tommy Boy (1995), dirigida por la idea del productor Lorne Michaels. La película fue muy popular y exitosa, y Spade y Farley ganaron el premio MTV Movie Award al mejor dúo en pantalla por sus roles.

La muerte de su gran amigo entre otras tragedias

David también tuvo una intensa vida amorosa. En 1993, se rumoreaba que tuvo una aventura con la actriz y modelo Jennifer Rubin, así como con la estrella de Mujeres desesperadas, Teri Hatcher. Unos años más tarde, Spade también salió con las actrices Erin Smith, Kelly McCarthy y Bobby Phillips. En 1996, David protagonizó la comedia Black Sheep, donde una vez más su compañero en pantalla fue Chris Farley. La película, al igual que su colaboración anterior, fue recibida calurosamente por el público.

Se rumorea que durante el rodaje de la película, los actores tuvieron una disputa por una mujer. Al final resultó que ambos intentaban entablar una relación romántica con la actriz Lori Bagley, quien también protagonizó con ellos la película Tommy Boy, pero ninguno logró establecer relaciones serias y los amigos se reconciliaron poco después. Un año después, Spade sufrió una tragedia. Su amigo Chris Farley murió por una sobredosis de drogas a los 33 años. Al funeral de Farley asistieron más de quinientas personas, incluidas muchas celebridades. Sin embargo, David no estaba allí. En los medios circularon rumores de que no asistió al funeral de su mejor amigo debido a viejos agravios, pero luego confesó que “no podría haber entrado en una habitación donde Chris estaba en una caja”. Spade sintió que asistir al funeral lo hundiría en una depresión. “Me tomó meses decir: ‘Está bien, puedo hablar de esto’. Sólo que fue demasiado. En mi mente, surge el recuerdo todos los días. Y creo que así será para siempre”, expresó.

En general, David enfrentó numerosos acontecimientos trágicos en su vida personal. Cuando tenía 15 años, su padrastro, un veterano de guerra con el que vivió su madre durante algún tiempo, se suicidó. La misma suerte corrió la cuñada del actor, Kate, años después. La reconocida diseñadora de las carteras Kate Spade, curiosamente una marca con imagen alegre y jovial, luchó contra la depresión durante muchos años, pero nunca pudo superarla. Este evento fue extremadamente traumático para toda la familia Spade.

Fama e infidelidad

En 1997, David protagonizó la comedia criminal 8 cabezas en una bolsa de lona. Durante el rodaje, conoció a la actriz Kristy Swanson en el set y los jóvenes actores se enamoraron. Sin embargo, la pareja se separó nueve meses después. Ese mismo año, Spade apareció en la serie de televisión Just Shoot Me!, interpretando a Dennis Finch, un asistente sarcástico y descuidado del dueño de una revista de moda. El programa ganó una inmensa popularidad entre los espectadores, duró siete temporadas y se convirtió en uno de los programas de los martes por la noche de mayor audiencia en su cuarta temporada. Por su papel en la serie, David fue nominado una vez al premio Emmy y dos veces al Globo de Oro. Durante las primeras cuatro temporadas, recibió 150 mil dólares por episodio, y para las siguientes, el salario aumentó a 300 mil dólares por episodio. En total, el actor ganó alrededor de 30 millones de dólares por su trabajo en la serie.

En 1998, David participó en la actuación de voz de la película animada The Rugrats Movie y también protagonizó la comedia romántica Senseless, interpretando a Scott Thorpe, el hijo de un influyente corredor de bolsa. Ese mismo año, Spade comenzó a salir con la actriz Lara Flynn Boyle. La pareja asistió a una fiesta, donde Jack Nicholson coqueteó abiertamente con Lara, quién era fanática de su trabajo. Nicholson incluso logró invitarla a una cita en presencia de su novio, lo que provocó una pelea entre Lara y David. Boyle estaba molesta con David por no defender su honor pero, al mismo tiempo, empezó a salir en secreto con Nicholson. Los amantes mantuvieron su relación en secreto hasta que se vieron involucrados juntos en un accidente automovilístico, captado por las cámaras. Al enterarse de la infidelidad Spade rompió con Lara que enseguida comenzó a salir con Nicholson.

Un listado interminable de novias

“He estado con una chica hermosa de vez en cuando”, confesó el actor. En el año 2000, Spade comenzó a salir con la actriz británica Stacey Hayes, que era 12 años menor que él. Sin embargo, su relación duró menos de un año. En el mismo período, el actor enfrentó un incidente desagradable. Su asistente, David Malloy irrumpió en la casa de Spade y lo atacó con una pistola paralizante. David logró defenderse escondiéndose en el baño. Malloy se declaró culpable y aceptó someterse a tratamiento por su adicción a las drogas. Como resultado del proceso legal, recibió una libertad condicional de 5 años, una orden de restricción que le impedía tener contacto con Spade y 480 horas de servicio comunitario.

Luego Spade comenzó a salir con la actriz Krista Allen, con quien coprotagonizó la serie de televisión Just Shoot Me!. Su relación duró menos de un año y, después de la ruptura, la lista de aventuras de David se amplió para incluir a la modelo Caprice Bourret y la actriz Julie Bowen. Durante su relación con Julie, David mostró su lado romántico. Al no poder asistir a su cumpleaños, le pidió al cantante Stevie Nicks que la llamara y le deseara un feliz cumpleaños cantando una canción. Pero estas relaciones no llevaron a nada serio, y pronto terminaron.

En 2004 David inició un romance con la actriz Brittany Daniel, quien estaba muy enamorada de él. Sin embargo, no llevó esta relación al siguiente nivel y la pareja pronto se separó, manteniéndose en buenos términos. Brittany se refirió a Spade como una de sus amigas más cercanas. Después de separarse de Daniel, David tuvo relaciones breves con la presentadora de televisión Jillian Barberie y la actriz Sarah Foster. En 2006, Spade fue visto con la actriz Heather Locklear, quien en ese momento se estaba divorciando del guitarrista Richie Sambora. David apoyó a Heather en todos los sentidos y su relación amistosa se convirtió en un romance. Sin embargo, la pareja se separó bastante pronto, considerando que el momento no era el adecuado para su romance. Después de eso, hubo rumores de que David estaba saliendo con Carmen Electra. Al año siguiente Spade salió con la actriz Nicky Whelan y, supuestamente, con Pamela Anderson. “No salí con muchas chicas en la escuela secundaria o la universidad”, aclaró el actor a modo de justificar su fama de mujeriego.

Padre por “accidente”

Después de separarse de Anderson, tuvo un romance con otra modelo de Playboy, Jillian Grace, 22 años menor que él. La relación de Spade con Grace no podría considerarse seria. La pareja tuvo solo unas pocas citas antes de separarse. Sin embargo, las consecuencias de sus citas resultaron ser más productivas de lo esperado. Después de la ruptura, se enteraron de que Jillian estaba embarazada. Al saber la noticia David declaró que se haría responsable del niño si resultaba ser suyo. La modelo admitió que durante su corto romance habían discutido la posibilidad de un embarazo y el actor quería que ella tuviera su heredero.

En 2008, Grace dio a luz a una niña llamada Harper y el actor confirmó que era su hija. Ahora vive con su madre y Spade participa activamente en la crianza y el apoyo financiero de su hija. Después de su nacimiento, Spade reevaluó su relación con su propio padre y dejó por completo de comunicarse con él, al darse cuenta de lo irresponsable que había sido. Sin embargo, Spade ha tenido una cálida relación con su madre desde la infancia. Él le está agradecido por creer siempre en él y se esfuerza por garantizar que ella tenga todo lo que necesita y sea feliz.

Y siguen los romances

Aunque David participó en la crianza de su hija, no tenía intención de casarse con Jillian, por lo que su vida amorosa siguió siendo turbulenta. El mismo año tuvo un romance con la actriz Nicollette Sheridan, pero la pareja se separó en menos de un año. Mientras tanto, Spade logró aparecer en las series de televisión Curb Your Enthusiasm y Funny or Die Presents, así como en la comedia Grown Ups, donde sus compañeros de reparto fueron Adam Sandler y Rob Schneider. También protagonizó las comedias Hollywood & Wine y Jack and Jill, donde tuvo que interpretar un personaje femenino. La película recibió críticas negativas por parte de la crítica y estableció un récord en los premios Golden Raspberry, ganando estatuillas en todas las categorías existentes, incluida la de peor actriz de reparto, que fue para Spade. Ese mismo año, el actor comenzó a salir con la actriz Jasmine Waltz, a quien conoció en el set de la serie Rules of Engagement. Sin embargo, su romance duró bastante poco.

En 2012, se rumoreaba que David tenía una relación con la influencer Kaitlynn Carter, que era 24 años menor que él, pero ninguna de las celebridades lo confirmó. En 2013, el actor apareció en la secuela Grown Ups 2, donde también trabajó como guionista y productor. La película recibió nueve nominaciones a los premios Razzie y resultó ser un éxito comercial; como muestra de agradecimiento, el productor Adam Sandler regaló coches Maserati a los actores principales, entre ellos David.

Luego vinieron los romances con la actriz Charlotte McKinney, que es casi 30 años menor que él, y otro con la actriz Naya Rivera, que llamó la atención por su trágico final: unos años después de su ruptura, Naya, de 33 años, mientras estaba de vacaciones con su hijo de 4 años se ahogó en el Lago Piru, en California, intentando salvar al chiquito.

Generoso y buen administrador de sus millones

A día de hoy, el patrimonio neto de la celebridad se estima en 70 millones de dólares, que obtuvo no sólo de películas y actuaciones en vivo, sino también de contratos publicitarios. En el pasado, se le pudo ver en anuncios de tarjetas de crédito Capital One, Direct TV, Coors Light, 7UP y la tienda en online Sierra.

David presta considerable atención a la caridad. Entre sus donaciones más notables se encuentran 100 mil dólares al Departamento de Policía de Phoenix, 25 mil dólares a la familia de un oficial fallecido en Arizona, 200 mil dólares a las víctimas del tornado en Oklahoma y 100 mil dólares a la Alianza Nacional de Enfermedades Mentales. Las donaciones a esta última organización estuvieron relacionadas con la trágica muerte de su cuñada.

David Spade posee varias propiedades inmobiliarias destacadas. En 2001, compró una mansión en Trousdale Estates, Beverly Hills, por 4 millones de dólares. La casa de 6,400 pies cuadrados cuenta con cuatro dormitorios, siete baños, múltiples salas de estar lujosas, cocina moderna, bar, comedor, terraza, estudio, piscina, jardín y pista de tenis. Vendida en 2022 por 19,5 millones de dólares, antes perteneció a Eddie Murphy, con quien Spade tuvo conflictos. En 2005, adquirió una villa en Malibú por 9,3 millones, vendida en 2013 por 10,2 millones. En 2020, compró una casa en Beverly Grove por 2,3 millones y en 2021, una mansión en Hollywood Hills por 13,85 millones. Esta última, de tres pisos y 11,300 pies cuadrados, incluye seis dormitorios, 9 baños y medio, amplias áreas comunes, cine en casa, piscina, spa con sauna y césped, siendo su residencia actual.

Además, el comediante es conocido por su pasión por los autos. Le gusta no sólo coleccionar sino también restaurar modelos antiguos. Su colección incluye un Chevrolet Chevelle Malibu Sport de 1968, un Dodge Hemi Daytona de 1969, un Buick Grand National de 1987 y un Land Cruiser de 1995. Tiene varios tatuajes hechos por su amigo Sean Penn. Uno de ellos, dedicado al personaje de dibujos animados Calvin, apareció en 1995 en Saturday Night Live. El segundo, dedicado a su difunto amigo Chris Farley, se realizó hace unos años. Según David, a menudo piensa en Farley, quien aparece constantemente en sus sueños. Luego de tantas tragedias cercanas, seguramente hoy en su cumpleaños número 60 al soplar las velitas valore más que muchos su paso por la vida.

El comediante Andy Samberg detalló los motivos de su salida de Saturday Night Live (SNL) en una reveladora entrevista con Kevin Hart para la serie Hart to Heart, de Peacock. Según explicó, tomó la decisión en 2012 debido a problemas graves con su salud mental.

Samberg, también conocido por ser miembro del grupo musical The Lonely Island, compartió que, aunque disfrutaba realizando sketches con sus compañeros y colaboradores, detrás de escena enfrentaba una presión insostenible. “Me estaba afectando mucho”, declaró.

Y describió: “Escribíamos el material para el show en vivo el martes por la noche, toda la noche. La lectura de guion era el miércoles, y luego nos dijeron que debíamos hacer un corto digital, así que debíamos escribir todo el jueves por la noche. Nos dormíamos, y cuando nos levantábamos filmábamos todo el viernes y editábamos hasta el sábado. Así que básicamente eran como cuatro días a la semana en los que no dormí durante siete años. Me desmoroné físicamente”.

Durante la entrevista, Samberg compartió que desde los 8 años su mayor sueño era formar parte de SNL, pero el primer momento difícil llegó cuando sus colegas de The Lonely Island, Akiva Schaffer y Jorma Taccone, quienes comenzaron con él en 2005, dejaron el programa al finalizar sus contratos como guionistas tras cinco años.

El trío había alcanzado un notable éxito y revitalizado el espacio televisivo con sketches musicales muy apreciados por los fans, como “Lazy Sunday”, “I’m on a Boat” y el aclamado “Dick in a Box”. Sin embargo, cuando Schaffer y Taccone cambiaron de rumbo y se enfocaron en la dirección de películas. Samberg sintió la presión de seguir trabajando sin sus amigos de toda la vida: “Básicamente me dejaron a cargo de hacer los cortos, y nunca pretendí que pudiera hacerlo sin ellos”.

A pesar de estos obstáculos, destacó que durante su última temporada en SNL produjeron un buen material, pero recalcó la importancia de sus colaboradores en el proceso creativo: “En los últimos dos años hicimos cosas de las que estoy muy orgulloso, pero hay algo en las canciones que solo puedo hacer con Akiva y Jorm. Es así, somos una banda en ese sentido”.

La decisión de dejar SNL no fue fácil para el comediante, quien reconoció el atractivo único del trabajo en un programa en vivo: “Lo más loco de trabajar allí es que una vez que empiezas, si estás en la ducha y tienes la idea de que algo puede estar en la televisión en tres días, esa es la sensación más embriagadora”.

Sin embargo, la necesidad de priorizar su bienestar fue determinante. “Me dijeron directamente: ‘Preferimos que te quedes’, y yo les respondí: ‘Ah, eso lo hace más difícil’”, y concluyó: “Pero pensé que para recuperar la sensación de salud física y mental tenía que hacerlo. Así que lo hice y fue una decisión muy difícil. Ya no podía soportarlo más, pero no quería irme”.

La carrera Andy Samberg

Andy Samberg, es un comediante, actor, escritor, productor y músico estadounidense de 45 años. Dio sus primeros pasos en la comedia junto a sus amigos Akiva Schaffer, Jorma Taccone y Conner O’Brien formando el grupo The Lonely Island. Sus videos cómicos en internet y sus colaboraciones con Justin Timberlake les catapultaron a la fama, sentando las bases para una trayectoria meteórica.

En 2005, Samberg se unió al elenco de “Saturday Night Live” (SNL), el icónico programa de televisión que ha sido cuna de grandes estrellas. Durante siete temporadas, brilló con sus sketches memorables, ganando incluso un premio Emmy por su original canción “Motherlover”.

Tras su paso por el show, se embarcó en una exitosa carrera en el cine y la televisión. Hasta el momento, ha formado parte de películas como Ese es mi hijo, Palm Springs y Brooklyn Nine-Nine, este último papel le valió un Globo de Oro a Mejor Actor en una Serie de Comedia o Musical en 2014.

El año 2018 fue uno de los más polémicos en la industria del entretenimiento, pues Ariana Grande protagonizó un escandaloso triángulo amoroso que no terminó del todo bien. Ella estuvo conectada con Mac Miller desde su debut musical como solista y después de virales momentos juntos todo terminó, iniciando un compromiso con Pete Davidson. El 7 de septiembre el rapero perdió la vida por sobredosis accidental, según su autopsia.

La relación de la cantante con el comediante también finalizó en dicho año, haciendo de la historia una gran ironía pues a pesar de que la también actriz lanzó un disco que le permitió obtener su primer premio Grammy, su vida personal atravesó un mediático momento del cual logró salir hasta la publicación del sencillo y disco Thank U, Next.

Sin embargo, la historia de cómo la comedia le ganó al rap y conquistó un corazón pop inició varios años atrás, siendo el 2013 la primera interacción de lo que actualmente es considerado por los fans y algunos reconocidos medios como uno de los triángulos amorosos más tormentosos y polémicos hollywoodenses del siglo XXI.

“The Way”: la canción que unió a Grande y Miller

Aunque sus contemporáneas Miley Cyrus, Selena Gomez y Demi Lovato debutaron en Disney, Ariana comenzó su carrera artística en las series de Nickelodeon, con las que ganó reconocimiento como actriz, y eventualmente participó en las bandas sonoras que la posicionaron como cantante.

Fue descubierta musicalmente por YouTube, historia similar a la de Justin Bieber y con quien por cierto comparte manager. Ahí hacía covers de canciones de Adele, Whitney Houston y Mariah Carey. Un ejecutivo de Republic Records encontró los videos que subió la estrella a la plataforma y decidió reunirse con ella para ofrecerle un contrato. El primer álbum de estudio de Ariana Grande, Yours Truly, tomó tres años de producción, y fue lanzado finalmente en agosto de 2013.

El primer sencillo y debut oficial de la también nombrada como la Nueva Princesa del Pop fue la canción The Way, una melodía pop que incluyó un verso rap a cargo de Mac Miller, razón por la que esta hazaña es considerada como el inicio del gran amor por las estrellas.

“Lo conocí cuando tenía 19 años. Nos hemos amado, adorado y respetado desde el principio, incluso antes de que nos conociéramos, porque éramos fanáticos del talento del otro. Sin embargo, no estábamos listos en absoluto para estar juntos. Es sólo el momento. Ambos necesitábamos experimentar algunas cosas, pero el amor ha estado ahí todo el tiempo”, expresó Grande a Cosmopolitan en la primavera de 2017.

“My Favourite Part”: la confirmación del romance

La comunicación y admiración entre ambos artistas no se detuvo del todo después de la colaboración que los colocó entre los primeros lugares de las listas de popularidad musical más importantes de Estados Unidos. Tan sólo tres años después, en el 2016 Grande se unió a Miller nuevamente para dicha canción y el video oficial donde la temática de una posible relación amorosa era abordada por segunda ocasión.

Aunque The Way es una canción romántica, los fans de ambas estrellas le han externado un peculiar cariño y a My Favourite Part, pues algunos medios americanos reportaron que la lírica él la escribió un poco antes de empezar a salir con Grande, siendo completada con la confirmación de la relación, aunque la versión nunca fue confirmada e incluso su relación se hizo pública en redes sociales hasta meses después.

Tirados en el piso, ella con el look de la era Side To Side y él con su clásico basic style, Ariana Grande confirmó lo que todo mundo ya especulaba: su relación con Mac Miller. Publicando en su cuenta de Instagram una fotografía a blanco y negro y con la descripción “Baby”, la estrella pop inició una gran euforia entre los fanáticos que pudieron verlos por primera vez como pareja en los MTV Video Music Awards.

El atentado suicida en Manchester que marcó la vida de Ariana Grande

Aunque el condenable hecho marcó la carrera musical y vida personal de la estrella pop, en ese momento Mac Miller fue uno de los pilares fundamentales para que ella pudiera salir adelante.

Han pasado cinco años desde que se produjera el atentado terrorista en el concierto que Ariana Grande estaba ofreciendo en el O2 Arena de Manchester, y que se saldó con la muerte de 22 personas y con más de 800 heridos. Las imágenes de la estrella llegando a Boca Ratón Florida, Estados Unidos, 24 horas después del lamentable momento le dieron la vuelta al mundo, pues su aspecto reflejaba el malestar emocional que vivía, aunque fue Mac Miller quien la recibió en el aeropuerto.

‘One Love Manchester’: el apoyo incondicional de Miller a Grande tras el atentado

La cantante sacó fuerzas para, tres semanas después, siendo el 4 de junio de 2017, hacer un concierto benéfico para ayudar a todas las víctimas de aquel fatídico episodio. Bajo el lema One Love Manchester, Grande se rodeó de artistas como Robin Williams, Miley Cyrus, Liam Horan, Katy Perry o Coldplay, para demostrar que no hay miedo que pueda con el amor, siendo Mac Miller el apoyo profesional y emocional más notable que tuvo durante el difícil momento.

Cómo marcó el 2018 la vida de Grande, Miller y Davidson para siempre

Lo que parecía una de las historias de amor más tiernas en la industria musical se convirtió en un par de meses en un drama total donde incluso un tercero se vio involucrado. En mayo del 2018, Ariana confirmó en su cuenta privada que había terminado con Mac Miller:

“Este es uno de mis mejores amigos en todo el mundo y de mis personas favoritas del planeta. Lo respeto y lo adoro sin cesar y estoy agradecida de tenerlo en mi vida en cualquier forma, en todo momento, independientemente de cómo cambia nuestra relación o de lo que el universo depare para cada uno de nosotros”, escribió ella sobre él en una historia de Instagram.

Pete Davidson: la celebridad acusada por los fans de ser “el tercero en discordia”

El primer contacto entre los artistas fue en 2016 cuando Ariana asistió como invitada a Saturday Night Live y Pete participó junto a ella en el monólogo de iniciación. Aunque justo en dicho año fue cuando se formalizó la relación con Miller, se desconoce si entre ambos hubo algún tipo de “química”, pues tuvieron que pasar dos años para que los artistas se dieran una oportunidad en el amor.

El 30 de mayo de 2018 el comediante estadounidense dio a conocer que había conquistado el corazón de la estrella pop a través de su cuenta de Instagram e incluso impactaron al mundo al anunciar que se iban a casar: “Me siento como si hubiera ganado un concurso. Me encanta, Jimmy”, le dijo el comediante a Fallon sobre Ariana en el popular espacio de entretenimiento americano.

El sensible fallecimiento de Mac Miller por sobredosis

“Te adoré desde el día en que te conocí cuando tenía 19 años y siempre lo haré. No puedo creer que ya no estés aquí. Realmente no puedo entenderlo. Hablamos de esto tantas veces. Estoy tan enojada, estoy tan triste que no sé qué hacer. Fuiste mi amigo más querido durante tanto tiempo, por encima de cualquier otra cosa. Siento mucho no poder arreglar o quitar tu dolor. Realmente quería hacerlo. El alma más amable y dulce con demonios que nunca se mereció. Espero que estés bien ahora. Descansa”, escribió Grande en Instagram tras la noticia.

El rapero falleció a causa de una sobredosis de sustancias ilegales en la que mezcló cocaína, fentanilo y también alcohol. La oficina del forense del condado de Los Ángeles publicó los resultados toxicológicos y, según el informe, Miller murió por “toxicidad de drogas mixtas”. Se calificó su muerte como una sobredosis accidental.

“Thank U, Next”: el adiós de Ariana Grande a Mac Miller y Pete Davidson

Tras la viral noticia del sensible fallecimiento del rapero, la relación entre la estrella pop y el comediante no floreció e incluso se canceló el compromiso de matrimonio. El 14 de octubre de 2018 se dio a conocer a través de TMZ su separación. Pocos días después Pete confirmó la información con un chiste irónico sobre la relación.

“Oye Maggie (Roggers), soy Pete”, dijo Davidson en la promo de SNL. “¿Te quieres casar?”, continuó. Después de que la cantante declinó su oferta, él respondió, “0 de 3″, al referirse a las veces que Ariana se había comprometido pero no había llegado al altar al terminar con sus parejas.

Con un exitoso come back, Ariana Grande lanzó el sencillo Thank U, Next en el 2019, acto que marcó el fin al tormentoso año personal que había vivido y que le permitió un año después entablar una relación con el que ahora es su esposo: Dalton Gomez.

“Pensé que acabaría con Sean, pero no hacíamos buena pareja. Escribí algunas canciones sobre Ricky, ahora las oigo y me río, casi incluso nos casamos. Y en cuanto a Pete, estoy tan agradecida… ojalá pudiera darle las gracias a Malcom, porque él era un ángel”.

Seguir leyendo:

Britney Spears al desnudo: por qué la Princesa del Pop muestra contenido íntimo en sus redes

El día que Miley Cyrus sepultó a Hannah Montana y sorprendió al mundo para convertirse en la reina del twerk

De fregar pisos a ser la primera competencia seria de Nicki Minaj: Iggy Azalea, la historia de una rapera única