Christina Downer, hermana del guionista de Saturday Night Live Jimmy Fowlie, desapareció a fines de 2025 y su caso derivó en una investigación por homicidio. Casi un año después, la Policía de Los Ángeles arrestó a dos personas sospechosas de haberla asesinado.

La policía sostiene que Delorean Bijon Brandon, de 41 años y pareja de Downer, y Kaylee Nicole Markowski, de 34 años, se deshicieron del cuerpo para ocultar su participación en su muerte. Las circunstancias del crimen aún no fueron esclarecidas públicamente y las autoridades no confirmaron el hallazgo de los restos de la mujer.

Las detenciones se produjeron el jueves 29 de octubre. Ambos permanecen bajo custodia con una fianza de USD 2 millones cada uno.

De acuerdo con CBS News Los Angeles, los investigadores prevén presentar el expediente ante la Fiscalía del Condado de Los Ángeles para que evalúe la presentación formal de cargos.

El hallazgo del teléfono en Santa Mónica llevó el caso a la división de homicidios

Downer, de 38 años, fue denunciada como desaparecida el 18 de diciembre de 2025, luego de que su exesposo solicitara una verificación de bienestar al no tener noticias de ella desde hacía un período prolongado, precisó NBC News.

Según declaraciones de su hermano recogidas por Los Angeles Times, la última vez que tuvo contacto con ella fue a fines de noviembre. Downer permaneció activa en redes sociales hasta el 15 de diciembre, mientras que la última conversación telefónica registrada ocurrió el 5 de octubre.

Al inicio de la investigación, Brandon aseguró que la mujer se había mudado meses antes de la vivienda que compartían y que había dejado sus pertenencias, incluidos su auto y su perro.

Ese relato comenzó a generar sospechas cuando el teléfono celular de la mujer fue hallado en la costa de Santa Mónica, lo que llevó a la División de Robos y Homicidios a hacerse cargo de la investigación, informó CBS News Los Angeles.

A principios de octubre, agentes del LAPD y personal del Departamento de Bomberos de Los Ángeles registraron una propiedad de alquiler temporario en Joshua Tree vinculada con la desaparición. El operativo contó con unidades caninas y el apoyo de la Oficina del Sheriff del Condado de San Bernardino.

Las autoridades no detallaron qué encontraron durante el procedimiento ni señalaron que la inspección estuviera destinada a localizar restos humanos.

La familia de Downer cree que usaron su teléfono para encubrir su desaparición

En una publicación del 29 de abril, recogida por NBC News, Jimmy Fowlie confirmó que el caso ya no era una desaparición, sino una investigación por homicidio. A su vez, expresó que las oraciones de la familia para encontrarla con vida se habían transformado en pedidos de verdad y de responsabilidades.

Aunque hay poca información pública sobre lo que le sucedió a Christina, en esa misma publicación su hermano afirmó que tienen “motivos para creer” que quienes tenían su teléfono lo habrían utilizado para ocultar la desaparición de Downer, pedir dinero y construir la versión de que se había fugado voluntariamente.

La policía pidió a quienes tengan información sobre el caso que se comuniquen con la sección West Bureau del LAPD, al 213-382-9470. Además, se pueden realizar denuncias anónimas a través de Crime Stoppers, al 1-800-222-8477.

Taylor Swift y Dakota Johnson apostaron por dos estéticas opuestas durante una emisión de Saturday Night Live, donde la actriz debutó como anfitriona y la cantante sorprendió al público con una aparición en el monólogo de apertura.

Luego de coincidir en el videoclip de “Patient Zero” con looks deliberadamente coordinados, ambas eligieron caminos distintos para el estudio televisivo. La diferencia estuvo en las siluetas, los materiales y la paleta de colores.

Dakota Johnson se inclinó por el impacto del látex rojo con un minivestido ajustado de Versace, de largo por encima de la rodilla. Taylor Swift, en cambio, llevó una propuesta de inspiración preppy: un minivestido a cuadros de Simkhai, botas altas de cuero y accesorios metálicos.

El contraste puso frente a frente dos de las fórmulas que marcan tendencia: el glamour audaz del rojo y las texturas brillantes, frente a la estética colegial renovada con piezas de cuero y detalles de metal.

Dakota Johnson llevó el rojo y el látex al centro del escenario

Johnson eligió una prenda de látex escarlata que concentró la atención por su textura brillante y su silueta ceñida.

El vestido de Versace remitió a una estética de alfombra roja vinculada con los años 2010, aunque se integró al contexto de un programa de televisión mediante accesorios puntuales y una propuesta sin capas adicionales.

La actriz sumó mules negros Intriigo 90 de Giuseppe Zanotti. El calzado, abierto en el talón y de taco alto, mantuvo el protagonismo del vestido y prolongó el contraste entre el rojo del látex y el negro. La combinación evitó recargar un estilismo construido a partir de una única pieza principal.

Las joyas completaron el conjunto con una selección de diamantes y rubíes de Roberto Coin. Entre las piezas se incluyeron un collar Wide Cobra y un anillo Cento Circle of Life. El uso de piedras rojas permitió extender la paleta del vestido sin alterar el registro de noche que proponía el diseño.

Durante otros segmentos de la emisión, Johnson utilizó un segundo minivestido, esta vez strapless y negro, de Saint Laurent.

Para las imágenes promocionales previas al programa, se inclinó por una combinación de top de seda y minifalda en tono eucalipto de la diseñadora Yana Matkivski. Los tres atuendos mostraron una misma preferencia por las prendas cortas, aunque con materiales y climas diferentes.

La elección de Johnson se apoyó en el impacto visual del color, el brillo y una silueta de líneas simples. Ese recurso se vincula con varias de sus apariciones públicas, en las que alterna prendas relajadas con vestidos de noche que incorporan transparencias, bordados, lentejuelas o referencias a la estética disco.

Taylor Swift eligió cuadros, botas altas y accesorios de aire otoñal

La propuesta de Taylor Swift se construyó desde otra dirección. La cantante llevó el modelo Wells de Simkhai, un minivestido a cuadros con escote off-the-shoulder.

El estampado introdujo una referencia más vinculada a los conjuntos de temporada y estableció un contraste inmediato con la superficie uniforme y brillante del látex que usó Johnson.

Swift ajustó el vestido con un cinturón de cadena Cassandre de Saint Laurent. El accesorio definió la cintura y añadió un punto dorado a una prenda dominada por los tonos del tartán. En los pies, eligió botas Pillar de cuero hasta la rodilla de Burberry, un elemento que reforzó la lectura otoñal del conjunto.

La cantante completó el look con aros de Dana Rebecca Designs, una pulsera Cartier Unlimited y joyas de inspiración vintage.

Los cuadros, las botas y el cinturón de cadena organizaron una silueta más estructurada y de mayor cobertura, a pesar de que el vestido también tenía un largo mini.

El vestuario se ubicó dentro de referencias que Swift repitió en distintas apariciones: abrigos definidos, botas altas, minivestidos con textura o estampado y accesorios clásicos.

En este caso, la elección del calzado elevó la presencia del conjunto y permitió que el vestido mantuviera una lectura menos formal que un diseño de gala.

El programa dejó atrás el vestuario coordinado de “Patient Zero”

La diferencia entre ambos looks fue más visible por el antecedente inmediato de “Patient Zero”. Johnson comparte el videoclip con Swift y Colin Farrell, y en varias escenas ella y la cantante aparecen con atuendos pensados como reflejos.

Entre esas elecciones figuran abrigos de cuero de Toteme y prendas básicas combinadas a partir de una paleta similar.

Johnson también acompañó a Swift en la ceremonia de los MTV Video Music Awards, donde le entregó el reconocimiento Artist Director Honors antes del estreno del video.

En Saturday Night Live, el planteo fue distinto: cada una conservó un código de moda propio sin buscar una imagen gemela.

Las dos artistas comparten afinidad por algunas casas de moda, entre ellas Saint Laurent y Versace. Sin embargo, sus selecciones para el programa expusieron dos recorridos separados.

Johnson priorizó un vestido de impacto sostenido por el color y la textura; Swift armó su propuesta mediante el estampado, el calzado y los accesorios.

La aparición también marcó el regreso de Swift al ciclo desde octubre de 2023, cuando había presentado a Ice Spice como invitada musical. Tras el cierre del programa, la cantante volvió al escenario con una torta para celebrar el cumpleaños número 37 de Johnson.

La escena reunió otra vez a las dos artistas, esta vez con una diferencia de estilo que quedó tan visible como su complicidad frente a las cámaras.

La irrupción de Swift ocurrió mientras Johnson bromeaba sobre sus rupturas sentimentales con músicos.

La actriz introdujo a la artista ante el público del estudio como “mi terapista literal”, pero Swift desmintió el título de inmediato.

“No soy tu terapista. Simplemente apareces una vez por semana en mi casa con una botella vacía de vino y me preguntas si quiero”, dijo la estrella pop en el escenario del 30 Rockefeller Plaza de Nueva York.

Y continuó en su declaración: “Te tiras en mi sofá, cuentas de más, y cada tanto yo digo ‘vaya, qué locura’. Después digo que se me hace tarde y que debería irme a dormir, y entonces tú dices...”.

“¡Pijamada, sí!”, respondió Johnson. “Y después te doy un Pedialyte y mi seguridad te lleva a casa”, cerró Swift.

El cameo no tomó del todo por sorpresa a los seguidores de la cantante.

En la ceremonia de los Emmy, Swift había participado en un sketch parodia de La ley y el orden: Special Victims Unit en el que, detrás de ella, se veía un emblema de gran tamaño del Saturday Night Live clavado en un tablero de corcho.

La última vez que la artista había aparecido en pantalla en el programa fue en octubre de 2023, cuando se subió al escenario para presentar a la invitada musical Ice Spice.

Dakota Johnson y sus rupturas amorosas

Dakota Johnson había calentado el monólogo antes de la aparición de su amiga con una serie de referencias a su historial amoroso.

La intérprete, que conduce el programa por segunda vez, aludió a “dos rupturas muy públicas y muy lamentables con dos músicos muy buenos”: Chris Martin, vocalista de Coldplay, y el cantautor Role Model, con quien terminó en 2026 tras menos de un año de relación.

En ese sentido, trazó un paralelismo entre esas experiencias y Verity, su nueva película.

“El film es un thriller erótico psicosexual, y saben qué... lo mismo es salir con músicos. Algunos no usan zapatos, algunos son pésimos en la cama, pero todos están en mis mensajes directos. No es mi culpa, eso sí. Algunas personas se van de los conciertos con mercancía, yo me voy con una relación de dos años y medio”, afirmó durante el monólogo.

Con Taylor Swift ya en escena, Dakota Johnson retomó el hilo y afirmó que salir con músicos constituye “un servicio público”.

“Estoy ahorrándoles mucho dinero en Zoloft, así que de nada, Estados Unidos. Y también Inglaterra. Y partes de Irlanda. Y Cleveland”, dijo la actriz.

La mención a Cleveland —ciudad natal del marido de Swift, el jugador de fútbol americano Travis Kelce— fue la que más aplausos cosechó durante la velada.

Cabe recordar que la cantante lanzó recientemente un tema titulado “Cleveland” en referencia a su actual esposo.

Swift respondió con un agudo “¡supuestamente!”. La referencia también aludía a rumores de un romance incipiente entre Johnson y Machine Gun Kelly, oriundo de esa ciudad.

La aparición de ambas artistas en el SNL no fue la única colaboración reciente entre las dos.

La ganadora del Grammy estrenó el domingo anterior el videoclip de “Patient Zero” durante los MTV Video Music Awards (VMA). El video, que la cantante también dirigió, presenta a Johnson y al actor Colin Farrell como una pareja adinerada cuyo matrimonio se resquebraja.

Taylor Swift aparece como una figura espectral que intenta alertar a Dakota Johnson sobre las verdaderas intenciones de su pareja.

Al cierre del episodio, Swift volvió al escenario para sorprender a Johnson con una torta de cumpleaños. La actriz cumplió 37 años durante el programa.

La suerte en el éxito fue una de las ideas que Will Ferrell expuso en el pódcast de Michelle Obama, donde dijo que el talento no basta para construir una carrera y que una parte del camino depende del azar, una convicción que, según relató, heredó de su padre y que le quitó presión ante las dudas, las audiciones inciertas y los rechazos.

En el pódcast de Michelle Obama, Ferrell dijo que en el entretenimiento cuentan el talento, la perseverancia y la suerte. También afirmó que el rechazo forma parte del oficio, recordó la incertidumbre antes de entrar a Saturday Night Live y contó que proyectos como Elf y Anchorman estuvieron rodeados de temor y resistencia antes de salir adelante.

Cómo decidió dedicarse a la comedia

Ferrell recordó que decidió apostar por la comedia mientras tomaba clases en The Groundlings en Los Ángeles, después de crecer con la idea de buscar una vida más estable que la de su padre, músico. “Pensé: ‘Bueno, no lo voy a lograr de todos modos. Mejor divertirme’”, dijo al explicar cómo ese consejo familiar le permitió soltarse.

Al recordar esa charla con su padre, Ferrell contó a Michelle Obama: “Inténtalo, pero no te desanimes si avanzas en el camino y piensas: ‘Esto es demasiado difícil’. No fracasaste. Lo intentaste’”. Luego añadió que esa forma de ver las cosas le quitó la presión de triunfar.

Los primeros trabajos antes de Saturday Night Live

El actor situó su primer avance en una semana en Los Ángeles, cuando encadenó varios papeles pequeños en comedias de situación. “La primera especie de golpe de suerte fue... conseguí tres papeles distintos en comedias de situación en una semana”, contó.

Ferrell detalló que consiguió apariciones en Living Single, Grace Under Fire y The George Wendt Show, todas de una sola línea, antes de llegar a Saturday Night Live. Afirmó que eso le permitió obtener la tarjeta del Sindicato de Actores de Cine y que, aunque le dejó muy poco dinero, le dio la validación que necesitaba.

También explicó a Michelle Obama que en The Groundlings encontró una dinámica que después valoró en televisión y en el cine. “Me encantaba el formato del sketch. Me encantaba el equipo”, dijo, antes de recordar que en su primer año en el programa les decía a los guionistas que no le importaba tener una sola línea si podía intentar hacerla graciosa.

Describió la prueba para Saturday Night Live como algo difuso, con instrucciones mínimas y sin señales claras sobre cómo funcionaba el material. “Sé gracioso. Eso era todo”, resumió sobre lo que le pidieron para una audición de entre 5 y 8 minutos.

El actor recordó el momento de espera fuera del estudio, frente a las fotos de antiguos integrantes e invitados, y confesó el impulso de escapar. “Podías salir corriendo ahora mismo”, pensó, según relató en la entrevista con Michelle Obama.

Ya sobre el escenario, dijo que presentó personajes como el padre que grita “bájate del cobertizo” y una lectura dramática hecha por Harry Caray. El problema, explicó, fue la ausencia total de reacción: “Está oscuro. Nadie se ríe. Lorne Michaels está al fondo de la sala”, contó sobre aquella prueba.

Las dudas después de Saturday Night Live

Ferrell contó que cuando dejó Saturday Night Live no tenía una pila de guiones esperándolo y que Elf todavía necesitaba mucho trabajo. Ya con el traje de Buddy puesto, en un remolque pequeño en Nueva York, llegó a pensar que la película podía frenar el impulso que traía del programa.

“Esto puede ser un jonrón o un fracaso total”, recordó sobre su sensación al inicio de Elf. También dijo que imaginaba la reacción del público con una mezcla de desconcierto y distancia: “¿Qué le pasó al tipo de SNL? Era bastante gracioso”.

Más adelante, al hablar de sus personajes favoritos, volvió sobre los rechazos que enfrentó Anchorman. “Tuvimos muchísimos rechazos”, dijo, antes de recordar la respuesta que recibían una y otra vez: “La gente decía: ‘No entiendo por qué esto sería gracioso’”.

Ferrell afirmó ante Michelle Obama que esa resistencia hizo que la película se sintiera como una apuesta hecha con libertad total una vez que logró concretarse. Presentó ese tramo de su carrera como una prueba de que incluso después de entrar en la industria seguía sin haber certezas.

“Soy intensamente disléxico, lo que es una de las razones por las que nunca he conducido SNL”, afirmó Tom Holland. El actor británico explicó en un pódcast con la comediante Amy Poehler que su dislexia condicionó decisiones profesionales y lo llevó a rechazar invitaciones para presentar Saturday Night Live, un programa en vivo que exige lectura rápida y cambios de último minuto.

Holland detalló que su cerebro procesa de manera distinta el lenguaje escrito y que, aunque puede leer sin problemas en contextos cotidianos, la lectura en voz alta bajo presión le activa un bloqueo mental. Esa reacción, contó, le provoca ansiedad cuando la exposición es pública y el margen de error se reduce a segundos.

Por qué evitó conducir Saturday Night Live

El actor explicó que rechazó conducir Saturday Night Live porque la dislexia le dificulta manejar las tarjetas con textos del programa, especialmente cuando se reescriben minutos antes de salir al aire. Para Holland, esa dinámica incrementa el riesgo de trabarse frente a millones de espectadores y perder el hilo del segmento en directo.

“Me aterra el concepto de intentar leer algo y que lo cambien”, relató en la conversación con Poehler. Señaló que el formato en vivo, sumado a la costumbre del ciclo de ajustar guiones hasta el final, convierte una tarea puntual —leer— en el mayor foco de tensión de la experiencia.

El bloqueo al leer en voz alta y el factor “en vivo”

Holland precisó que su dificultad no es la lectura en sí, sino lo que ocurre cuando debe verbalizar un texto ante otros. “Cuando tengo que leer en voz alta, se convierte en una especie de bloqueo mental. Y puedo quedarme completamente paralizado”, reconoció, al describir el momento en que el control se le escapa.

Según su relato, ese bloqueo se vuelve más probable cuando el entorno agrega presión: cámaras, audiencia, tiempos marcados y modificaciones de guion de último momento. En ese escenario, su temor no es abstracto: se concentra en la posibilidad de quedarse en blanco, perder el ritmo del sketch y no poder recuperar la continuidad.

Cómo se prepara para trabajar con guion

El actor explicó que la dislexia también incide en su rutina de trabajo fuera de la televisión en vivo. Para él, uno de los instantes más incómodos de cualquier producción es la jornada en la que el elenco se reúne para leer el guion en voz alta, una práctica habitual antes del rodaje.

Para reducir el margen de error, Holland describió una estrategia concreta: “Intento resaltar todo y aprenderme mis líneas de antemano. Así, más que leerlas, solo las repaso por encima”. Ese método, afirmó, le permite llegar a la lectura con un dominio previo del texto y minimizar la posibilidad de bloquearse ante sus compañeros.

La dislexia como variable de decisiones profesionales

En el pódcast, Holland no presentó su condición como un límite absoluto, sino como una variable que lo obliga a planificar con más anticipación y a elegir con cautela los formatos que acepta. En su caso, el problema no aparece tanto en el rodaje —donde hay repetición, ensayos y tomas múltiples— como en los espacios donde la lectura debe ser inmediata y no hay margen de corrección.

En ese sentido, su explicación sobre Saturday Night Live se centró en el mecanismo del programa: una producción acelerada, con textos que pueden modificarse hasta instantes antes del aire y que demandan lectura fluida bajo presión. Por eso, dijo, la invitación resulta atractiva, pero la tarea específica de leer tarjetas en directo se convirtió en el obstáculo principal.

Otros formatos televisivos y un recuerdo de 2017

Aun con esas dificultades, Holland recordó que se desenvolvió con soltura en otros formatos de televisión. Mencionó su participación de 2017 en Lip Sync Battle, donde su interpretación de “Umbrella” se volvió viral y, según su propio balance, terminó siendo uno de los momentos más celebrados por el público.

“Recibo más elogios por ese baile que por cualquier otro trabajo que haya hecho”, sostuvo. Con ese ejemplo, marcó una diferencia entre actuaciones que dependen del cuerpo, la música y la puesta en escena, y aquellas que exigen lectura inmediata de texto, que es donde su dislexia pesa más.

Próximos estrenos y proyectos

El actor señaló que regresará a la pantalla grande en julio, cuando estrenará Spider-Man: Brand New Day y participará en The Odyssey, dirigida por Christopher Nolan. En esos proyectos compartirá reparto con su pareja, la actriz Zendaya, según se indicó en el tramo final del relato.

Aunque reconoció el atractivo de una invitación a Saturday Night Live, Holland explicó que su relación con las tarjetas de lectura sigue siendo un desafío específico. Aun así, expresó que valora el carácter divertido y creativo del programa y que prefiere enfrentar ese tipo de experiencia cuando pueda hacerlo en sus propios términos.

La rutina de Colin Jost está cargada de hábitos personales singulares: escribe hasta tarde luego de cenas de espaguetis boloñesa a medianoche y asume la crianza de su hijo Cosmo junto a Scarlett Johansson, en un entorno donde el humor es la constante.

El día a día de la pareja combina jornadas intensas, hábitos alimenticios particulares y una dinámica familiar relajada, según reveló en Smartless, el pódcast de celebridades.

En una entrevista reciente en este ciclo, el guionista y presentador de Saturday Night Live ofreció detalles poco conocidos sobre su vida personal y profesional.

“Me quedo despierto varias horas después de comer un plato de boloñesa a la medianoche para evitar el reflujo”, relató Jost durante la charla. Y admitió su debilidad por las golosinas con una frase tajante: “No tengo ninguna disciplina para comer y beber”.

También rememoró los martes por la noche en la sala de guionistas, repleta de dulces, donde a veces terminaba con palpitaciones en el despacho de Lorne Michaels, convencido de que iba a tener un infarto por la mezcla de azúcar y sueño.

Vida familiar y convivencia con Scarlett Johansson

La convivencia entre Colin Jost y Scarlett Johansson está regida por la complicidad y el humor. Cuando junto a Pete Davidson compró el ferry de Staten Island, escribió de inmediato a Johansson: “Ahora somos dueños de un ferry”. Y ella respondió: “¿Somos?”.

En ese sentido, el comediante admitió que la extravagante compra del ferry por 280.000 dólares fue la adquisición “más absurda” de su vida y señaló que la simple palabra de su pareja lo dejó, valga la redundancia, sin palabras.

Con la llegada de Cosmo, sus prioridades diarias cambiaron. “A veces es difícil conciliar el ritmo de ‘Saturday Night Live’ con la familia. La crianza de Cosmo supuso un ajuste, pero intentamos que el humor siempre sea nuestra vía de escape”, confió en Smartless.

El caos y las historias detrás de cámaras en Saturday Night Live

Jost desmontó la idea de glamour televisivo al describir el caos de los martes de escritura en Saturday Night Live: “Cada martes la sala de escritores era una fiesta de azúcar para aguantar la jornada: Swedish Fish, caramelos, lo que sea”, detalló en el pódcast.

Esta dinámica, sumada a la falta de sueño, llegó a generarle síntomas de pánico: “Hubo una noche que pensé que tenía un infarto y llamé al médico desde la oficina de Lorne. Todo era producto del estrés y el exceso de azúcar”.

En Saturday Night Live, la interacción incluye bromas pesadas entre colegas. Michael Che llegó a pedir al público que no se riera de los chistes de Jost en el segmento Weekend Update: “Yo pensaba que mi carrera terminaba ahí mismo”.

Más tarde, Che confesó la broma, alentado por Lorne Michaels. Según Jost, necesitaron varios episodios para superar el impacto.

En sus primeros años en Weekend Update, Jost sentía que su permanencia era frágil: “Durante dos temporadas estaba convencido de que iban a despedir a Michael Che y a mí al terminar cada ciclo. Al comienzo, la presión era enorme”.

El humor como forma de vida y nuevos rumbos profesionales

La comedia fue la brújula de Colin Jost. “Siempre preferí estar rodeado de personas graciosas y crear mi propio mundo cómico”, sostuvo en Smartless.

Aunque inició estudios de economía en Harvard, cambió a literatura rusa y escogió el humor como profesión: “No sabía que vivir de la comedia era posible; el Lampoon fue el primer sitio donde vi esa opción”.

En tanto, Jost comparó la incertidumbre de Saturday Night Live con la vida financiera: “Pude haberme jubilado en finanzas, pero creo que no habría soportado la ausencia de comicidad”.

Entre sus nuevos proyectos destaca: “Grabé la película The Breadwinner, que se estrena el 29 de mayo. Es un papel divertido: interpreto al único otro padre que se queda en casa”.

Según explicó, trabajar en cine implica una dinámica completamente distinta a la de la televisión en vivo. Mientras que en una película existe margen para repetir escenas y corregir errores, los programas en directo exigen precisión inmediata y una presión constante frente a millones de espectadores. “Es otro ritmo”, resumió el actor al comparar ambos formatos.

Para Jost, el humor sigue siendo esencial para equilibrar los desafíos profesionales y la vida personal, tanto en la familia como entre colegas; tan imprescindible como esos espaguetis a la medianoche, que se volvieron parte de su propia leyenda.

Al cierre de la entrevista, Jost evocó la compra del ferry y explicó que, si bien fue una “decisión poco común”, el ferry les permitió contar con un espacio diferente para encuentros familiares y reuniones, facilitando momentos de desconexión fuera de la rutina habitual.

En una entrevista concedida a la revista de cultura pop Esquire, David Spade revisó con franqueza su trayectoria, repasando sus años en Saturday Night Live (SNL), la evolución de su estilo humorístico y los momentos de tensión vividos con colegas como Eddie Murphy y Chris Rock. La conversación giró en torno a la comedia, la familia y la autocrítica que distingue al actor.

El actor de 61 años expuso una visión crítica y personal sobre su carrera y la importancia de la paternidad, influida por su infancia en Arizona y la ausencia temprana de su padre, así como el impacto de las relaciones profesionales, especialmente el conflicto con Eddie Murphy tras una sátira en SNL.

Aunque cosechó éxitos notables, afirmó que aún lidia con retos emocionales, el duelo por la pérdida de amigos y familiares, y la presión de mantenerse vigente en la industria del entretenimiento.

Durante la charla, recordó sus inicios en clubes de comedia, donde descubrió fortuitamente la clave de su humor: “El encargado me dijo que lo más gracioso era lo que decía entre los chistes, y ahí entendí que ese estilo más natural era lo mío”.

Consultado sobre el legado de su trabajo, observó: “La gente todavía menciona Joe Dirt, Tommy Boy y la película animada Emperor’s New Groove. Pero con el tiempo, el foco cambia y ahora hablan más del podcast y de películas recientes”.

Chris Rock compartió el desafío de la inestabilidad en el mundo del espectáculo: “Chris Rock me dijo que una película exitosa te da seis meses en el negocio, después todos te preguntan qué harás luego. Si logras mantenerte, aunque sea apenas, ya es un logro divertido”.

Recuerdos y aprendizaje en SNL

Durante su etapa en SNL, Spade se integró a una generación de comediantes de referencia. Relató cómo compartía oficina con Chris Farley, Adam Sandler y Chris Rock. “Teníamos un grupo donde todos competían y aprendían a la vez. Farley, con su trastorno obsesivo-compulsivo, era impredecible y hacía cosas extrañas, y yo solo pensaba que estaba bromeando”, recordó.

Ese ambiente lo llevó a comprender que el programa era más grande que sus integrantes: “En SNL ves que eres prescindible; el show es la estrella y sigue sin ti. Todos quieren que el programa sufra cuando te vas, pero la realidad es que no ocurre”.

Rodearse de mentes tan agudas fue determinante: “Era como estar alrededor de supercomputadoras humorísticas; siempre había alguien con un chiste mejor y debías esforzarte más”.

Al hablar de Farley, reconoció el impacto de su pérdida: “Me cuesta hablar de eso. Tuvimos muchas risas, pero después no queda otra que seguir adelante. Echo de menos convivir con él, ya fuera en el rodaje, en los viajes o simplemente como amigos”.

Paternidad y legado familiar

Spade habló sobre su infancia en Arizona, marcada por circunstancias poco convencionales, en declaraciones a Esquire: “Mi madre nos dejaba en el desierto con un rifle, una pistola, una escopeta, el almuerzo y una cantimplora. Puede sonar loco, pero así pasábamos el día hasta que regresaba después de ocho horas”.

Su padre abandonó la familia cuando él tenía seis años, y destacó el rol de su madre: “Ella fue la persona más divertida que he conocido. Siempre mantuvo una actitud positiva, pese a las dificultades”.

Subrayó que intenta no reproducir el desapego paterno: “Busco ser un padre más presente y comprensivo, aprendiendo del ejemplo de mi madre. No quiero ser irascible como lo era mi padre. Mis amigos dicen que no se pierden nunca los partidos de sus hijos. “En mi caso, incluso si mi padre hubiera ido a ver tres partidos al año, la situación ya habría sido diferente. No se puede estar ausente nunca”.

La comedia, Eddie Murphy y los límites del humor

Un motivo central de la entrevista fue el distanciamiento con Eddie Murphy tras una broma realizada en una sección humorística de SNL: “Cuando señalé a Eddie Murphy durante un bloque humorístico y dije ‘Miren, una estrella fugaz, pidan un deseo’, se creó una tensión que se prolongó durante años”, confesó Spade.

Además reconoció durante la entrevista con Esquire que “Mi relación con Eddie Murphy no va a ser nunca buena. Al principio, ni me conocía y ya no le caía bien”.

Intentó una reconciliación, pero la situación no mejoró de inmediato: “Me vi obligado a llamarle y fue peor de lo esperado. Finalmente, durante el especial SNL 50.º, nos dimos la mano y quedó cordialidad, pero sé que no seremos grandes amigos”, detalló a Esquire.

Sobre los cambios en la comedia, señaló que no quiere que el humor se convierta en una cuestión de bandos políticos y que extraña cuando los chistes eran solo chistes, sin lecturas adicionales. Añadió que intenta escribir lo que le resulta más divertido, ya sea en clubes pequeños o en grandes escenarios.

Nueva etapa y desafíos recientes

Con la salida de SNL, Spade vivió una etapa de competencia interna, incluso con amigos como Rob Schneider: “Éramos amigos, pero también rivales; peleábamos por aparecer en el programa. Esa tensión se fue calmando y hoy tenemos una buena amistad”.

En la actualidad, mantiene su actividad profesional con proyectos como el especial Dandelion y su participación en diversos formatos. “Me gusta que, cuando el público viene a mis shows, reciba exactamente el humor que espera de mí. Mi estilo se ha hecho más raro y más libre”.

Espera el estreno de la película Outcome (Apple TV), junto a Jonah Hill y Keanu Reeves, y celebra el reto de producir proyectos independientes como Busboys.

En el plano personal, Spade ha enfrentado pérdidas significativas, incluida la muerte de su primer padrastro, de Chris Farley y de una asistente. “Después de una tragedia, solo queda seguir adelante; la vida continúa, aunque lleve tiempo. Mantener la cordura es un reto diario”, declaró a Esquire.

La actriz y comediante reveló públicamente que, cuando tenía 16 años y trabajaba como monitora en un campamento de verano, le bajó los pantalones a un niño de seis años, dejando expuesto su cuerpo frente a un autobús escolar.

El relato, recogido originalmente en un video de Vanity Fair, desató una ola de críticas en redes sociales y llevó a la publicación a editar el material.

El incidente salió a la luz en un video titulado “SNL Cast Test How Well They Know Each Other”, publicado el 31 de marzo en el canal de YouTube de Vanity Fair, en el que Fineman y sus compañeros de reparto —Mikey Day, Sarah Sherman, Ashley Padilla, Jane Wickline y James Austin Johnson— participaban en una dinámica de preguntas sobre sus propias vidas.

En un segmento del programa, pidió a sus colegas que adivinaran de qué empleo había sido despedida y posteriormente recontratada.

Tras varias conjeturas —entre ellas que había sido despedida de un restaurante o por comentarios racialmente insensibles—, Chloe Fineman, de 37 años, reveló la verdad: “Fui despedida como monitora de campamento”.

La actriz explicó el contexto del incidente: “Le bajé los pantalones a un niño. Él me levantaba la camisa todo el tiempo. Eran otros tiempos. Me decía: ‘¿Me puedes dar un abrazo?’ Y cuando iba a abrazarlo, me levantaba la camisa, como un idiota. Y entonces pensé: ‘Me voy a vengar’”.

Fineman continuó con el relato: “Estábamos en una caminata y le dije: ‘Oye, Ollie, mira por allá, hay un halcón’. Él miró y entonces le bajé los pantalones de un tirón, y me despidieron”.

Esa fue la versión que quedó publicada. Sin embargo, la versión original incluía detalles adicionales que Vanity Fair eliminó posteriormente: Fineman precisaba que el niño tenía seis años y que, al bajarle los pantalones, “su cosita estaba a la vista”.

Además, agregaba: “No llevaba ropa interior, y en ese momento pasó un autobús escolar enorme”.

La versión original también mostraba las reacciones de los compañeros de Fineman, quienes aparecían visiblemente consternados. Ashley Padilla respondió al relato diciéndole: “Cariño, creo que estás en una lista en algún lugar”.

Esas reacciones y esos detalles fueron eliminados del video que permanece publicado en YouTube, aunque usuarios de TikTok difundieron rápidamente comparaciones del antes y el después del material editado.

La decisión de Vanity Fair de modificar el video sin emitir explicación pública abrió un cuestionamiento paralelo sobre la gestión de la polémica. No quedó claro si la edición respondió a las críticas en redes sociales o a una solicitud del equipo de representación de la actriz.

En la sección de comentarios del video en YouTube, numerosos usuarios expresaron su malestar. “Chloe hablando con su voz cómica mientras describe la exposición de los genitales de un niño fue bastante perturbador”, escribió un usuario, según recogió Page Six.

Otro comentó: “No entiendo por qué, en el clima actual, Chloe pensó que sería una historia graciosa de contar, ni por qué VF la emitiría". Un tercero cuestionó directamente: “¿O sea que Chloe Fineman acaba de admitir públicamente haber expuesto los genitales de un niño de seis años y lo vamos a dejar pasar?“.

Hasta el momento de la publicación de las informaciones, Chloe Fineman no había emitido ninguna declaración pública sobre la controversia.

David Spade, una de las voces distintivas de la comedia en Estados Unidos, compartió una visión íntima sobre su vida en el escenario y fuera de él durante una charla en el Club Random Podcast, disponible en YouTube: “Todos son mucho más vulnerables de lo que pensamos”, afirmó. Al tiempo que, estableciendo un tono familiar en la conversación, admitió: “Ahora hago mis giras por ciudades y la gente ya te conoce, es distinto vender entradas a tu propio público”.

Al describir su rutina profesional, el actor de Son como niños precisó: “Hago dos o tres shows cada fin de semana. Recientemente estuve en Salt Lake, Dallas, San Antonio…”. Señaló que ya no realiza largas series de presentaciones sin pausa: “No hago esas maratones de ciudad tras ciudad sin volver a casa. Ya no tengo veinte años”.

Para el comediante, conectar con espectadores que lo siguen representa una diferencia clara: “Cuando vendes entradas para tus propios seguidores, ya llegas con buena parte del trabajo hecho. Es gente que quiere estar ahí para verte, eso lo hace mucho más agradable”, detalló en el Club Random Podcast.

Cambios generacionales en la comedia y la industria

Sobre el cambio generacional, Spade fue incisivo: “La generación de ahora tiene otra ética de trabajo, lo noto en los hoteles, con el equipo, todo cambió mucho en estos años”.

Relató dificultades en tareas simples: “El simple hecho de pedir algo básico, por ejemplo, ‘pon un ventilador en la habitación’, a veces se vuelve una misión imposible. Son hoteles de cinco estrellas, pero las generaciones jóvenes tienen su propio modo de hacer todo”.

También se refirió al relevo entre comediantes y mencionó a Steve Martin y Martin Short: “Los veo recorriendo el país y aún así es agotador; cuando eres joven soportas más, pero con la edad el cansancio se nota”.

Afirmó que la energía y la actitud profesional son distintas en las generaciones más jóvenes: “No es mejor ni peor, pero, sin duda, es diferente a cuando nosotros empezamos”.

La etapa en Saturday Night Live (SNL) ocupa un lugar especial en su relato. “Entré cuando vieron mi monólogo en Young Comedians Special. Compartía casa con otros comediantes que luego también pasaron por el elenco”, recordó.

En ese sentido, también comparó el pasado con el presente: “Recuerdo que ni hacer comerciales podíamos antes, pero ahora ves a integrantes nuevos del elenco promocionar productos en sus redes sociales todo el tiempo, patrocinio tras patrocinio. Antes eso era impensable y hoy parece la norma”, explicó al describir la transformación del medio.

Exposición, corrección política y vulnerabilidad

Respecto a la industria y la exposición pública creciente, Spade afirmó: “Hoy los comediantes pueden sacar ventaja de todo: shows, redes sociales, publicidad pagada. La exposición es constante y va más allá del escenario o la televisión”.

Señaló que antes era posible mantener cierta privacidad: “Antes, uno podía ser un poco más discreto; ahora todo el mundo sabe dónde estás, cuánto ganas y qué piensas”.

La “corrección política” y la llamada “cancelación suave” también formaron parte de su reflexión. Spade comentó: “Me nominaron al Globo de Oro, algo que llevaba tiempo sin pasarme; sentí que estamos saliendo de la era de la cancelación suave”.

Incluso, detalló que su humor estuvo marginado durante un tiempo: “Fui considerado conservador, lo cual es ridículo, y eso me hizo experimentar esa cancelación sutil. Pero el hecho de volver a estar nominado me da la impresión de que lo peor ya pasó. Gane o no, ya es un honor que no hayan podido ignorar el trabajo”.

Para él, el valor de la sátira y la risa trasciende cualquier afiliación política. “Si la gente se ríe es porque es divertido, no importa qué lado político lo diga. Los chistes funcionan porque son buenos, no por quién los cuenta”, sostuvo.

En el tramo más personal de la entrevista, Spade habló sobre relaciones, exposición mediática y envejecimiento. “No soy un tipo malo. La amabilidad cuenta mucho, y creo que eso vale tanto en el escenario como en la vida privada”, aseguró.

Sobre la vulnerabilidad, fue directo: “Todos son mucho más vulnerables de lo que pensamos, y eso hay que multiplicarlo por diez. Ser humano es complicado, por eso hay que ser amable siempre”.

Así, las confesiones de David Spade en el Club Random Podcast permiten a los seguidores conocer el pulso de una carrera en transformación, marcada por la nostalgia, los nuevos desafíos y la convicción de que la empatía sigue siendo fundamental dentro y fuera del escenario.

El proceso de reconciliación, narrado por Spade en su pódcast Fly on the Wall junto a Dana Carvey, culminó con un reencuentro durante la celebración de los 50 años del popular programa televisivo.

Spade relató cómo pasó de admirar profundamente a Murphy a convertirse en blanco de su rechazo tras la emisión de la broma. “Fue extraño pasar de ser un superfan a que me odiara de la noche a la mañana, e intentar que me perdonara durante los últimos 25 años”, afirmó Spade.

El humorista explicó que la relación vivió varios altibajos, especialmente en los primeros años posteriores al incidente.

El origen del conflicto: una broma memorable en SNL

La disputa comenzó el 9 de diciembre de 1995, durante la sección Weekend Update de SNL. En ese momento, Spade era nuevo en el programa y tenía la tarea de satirizar a celebridades. Al referirse a Murphy y su película Vampire in Brooklyn, que tuvo una baja recaudación en taquilla, Spade comentó: “Miren, niños, es una estrella fugaz. ¡Pidan un deseo! Cuando haces una tortilla de un minuto en Hollywood, rompes algunos huevos”.

El comentario provocó el enfado inmediato de Murphy, quien llamó a Spade poco después. “En realidad, fue él quien se descargó. Yo no respondí demasiado porque sentía cierta culpa, y tenía razón en algunos puntos. No me gustó admitirlo porque él era un héroe para mí”, explicó Spade. Este episodio marcó el inicio de un prolongado distanciamiento entre ambos.

Durante años, Murphy se negó a regresar a SNL. En el documental de Netflix Being Eddie, señaló que la broma fue aprobada por todos los filtros del programa antes de salir al aire, lo que aumentó su malestar.

“El chiste pasó por todos los filtros que debe pasar, y luego él estaba al aire diciendo: ‘Atrapen una estrella fugaz’. Así que no fue como ‘que se joda David Spade’. Fue más bien: ‘Que se joda SNL. ¿Eso es lo que piensan de mí? Qué sucios’. Por eso no volví durante años”, señaló Murphy, según Variety.

Reencuentro en SNL y cierre de una etapa

El regreso de Murphy a SNL no se produjo hasta 2019, cuando fue invitado como presentador. Su participación le valió un Emmy al Mejor Actor Invitado en una Serie de Comedia.

Spade contó en su pódcast que el reencuentro definitivo ocurrió durante el especial SNL50. “Lo vi una o dos veces. Luego nos encontramos en el cincuenta aniversario, conversamos un poco y todo está bien. Después le preguntaron a él y dijo: ‘Sí, todo está bien’. Así que sí, todo está bien”, concluyó Spade.

Después de 25 años de distanciamiento, una llamada tensa y un reencuentro en el escenario de SNL resumen una de las rivalidades más comentadas dentro del humor estadounidense. La reconciliación entre Spade y Murphy simboliza la capacidad de dejar atrás viejas diferencias, incluso entre figuras icónicas de la comedia.

El episodio evidencia el peso de las palabras en la industria del entretenimiento y cómo una broma puede tener efectos inesperados y duraderos.

Hoy, ambos humoristas dejaron atrás el conflicto, cerrando un capítulo que marcó tanto sus carreras como la historia de SNL.

Como subraya Rolling Stone, la paz entre Spade y Murphy es un recordatorio de que, detrás del humor, existen historias de admiración y reconciliación que atraviesan décadas.

La reconocida actriz, cantante y exintegrante de Saturday Night Live (SNL), Ana Gasteyer compartió recientemente una conversación íntima en el pódcast Good Hang junto a la comediante Amy Poehler.

En un episodio especial por las fechas festivas, recordó sus momentos más emblemáticos en SNL, habló sobre el valor de la comedia, el perfeccionismo y compartió anécdotas personales que revelaron tanto su recorrido profesional como aspectos poco conocidos de su vida.

“Saturday Night Live” y el poder del humor

“Me considero la duquesa de la Navidad, eso empezó porque una persona me llamó así y lo adopté. Mis momentos de legado en SNL son el sketch de Sweaty Balls y el especial navideño de Martha Stewart. Los transmiten cada año en fechas navideñas”, mencionó. Su vínculo con la comedia navideña se consolidó también al coescribir junto a Rachel Dratch “A Clusterfunk Christmas”, una parodia de películas de Hallmark.

Para la artista estadounidense, el recuerdo más impactante de SNL fue ver a Dan Aykroyd interpretando al presidente Jimmy Carter y presenciar cómo el propio mandatario reía de sí mismo mientras lo parodiaban en televisión. Sobre ese momento, comentó: “Eso me marcó mucho. Entendí el poder de la parodia y la importancia de saber reírse de uno mismo”.

La comedia y el ridículo en la carrera escénica

“La comedia de sketches es embarazosa”, afirmó Gasteyer diferenciando este género del stand-up. Además, remarcó: “El stand-up es cool: puedes salir con chaqueta de cuero y hacer tu número. En los sketches acabas cargando pelucas, moños y accesorios absurdos”. Incluso relató haber sido detenida por exceso de velocidad y descubrir una peluca olvidada en la guantera de su coche.

La vergüenza, según ella, es parte inherente del proceso creativo. “Todavía tengo un área de pelucas en mi casa”, comentó entre risas.

Recordó con su colega Poehler cómo los comediantes de sketches disfrutan incluso de los fracasos. A propósito de esto, compartió: “La mayor diversión es cuando un sketch se estrella por completo. Recuerdo uno sobre DJs matutinos que fue un desastre en el escenario, pero el equipo de guionistas no dejaba de reír en la sala. Es un tipo de terapia comunitaria para quienes hacemos sketches”.

Camino personal: de la música clásica al teatro y televisión

Durante el pódcast Good Hang, revisó su infancia inmersa en la música clásica debido a la influencia de sus padres y sus inicios como violinista. Ante esto, confesó: “El violín es un instrumento profundamente melancólico. El mío lo heredé de una tía y llegó a mi familia durante la Gran Depresión, cuando mi abuelo lo recibió como pago por un trabajo. Todavía lo toco y lo llevé a un campamento de violín el verano pasado”.

Su transición hacia la actuación y luego a la comedia se dio en la adolescencia, marcada por experiencias únicas, como su amistad con Amy Carter, hija del expresidente. “Tocamos el violín en Camp David para Anwar Sadat, Menájem Beguín y Jimmy Carter”, recordó. Sumado a que, fuera del escenario, no se percibe como una persona extrovertida.

Tras estudiar voz en Northwestern, encontró su lugar en el grupo de improvisación The Groundlings en Los Ángeles, donde coincidió con figuras como Will Ferrell (quien la recomendó para SNL), Cheri Oteri y Maya Rudolph. “Ver a Jennifer Coolidge, Kathy Griffin y Lisa Kudrow usando pelucas y gafas en el escenario me hizo sentir que ese era mi mundo”, explicó.

Perfeccionismo, aprendizaje y anécdotas personales

Gasteyer habló con franqueza sobre el impacto del perfeccionismo en su carrera, especialmente durante su etapa como Elphaba en “Wicked”. Al asumir ese rol tras Idina Menzel, se sentía sometida a una constante autocrítica. “Era implacable conmigo misma. Después de cada función solo pensaba en los errores”, admitió.

Años después, al escuchar grabaciones de sus presentaciones, descubrió que las diferencias entre actuaciones eran mínimas. “Te das cuenta de que la diferencia entre hacerlo bien y hacerlo perfecto solo la percibes tú. Nadie más lo nota”, compartió, remarcando que intentó inculcarle esa perspectiva a sus hijos.

El episodio abundó en historias curiosas sobre familia y amistades. Gasteyer recordó haber presenciado la actuación de “Annie” por el elenco original en la Casa Blanca junto a Amy Carter, así como haber tocado el violín para líderes internacionales. “Vimos Star Wars con la familia Sadat en la Casa Blanca”, relató.

Reflexiones y referentes del humor

Cuando la presentadora Poehler le preguntó qué la hace reír, la actriz lo tuvo claro: “Mel Brooks es mi referente. Me divierten las cosas grandes y absurdas, como ‘Young Frankenstein’ y ‘The Producers’”. Además, elogió contenidos actuales alejados de la pretensión, celebrando la diversión sin complejos y mencionando a creadores emergentes en redes sociales.

Durante el pódcast, ambas comediantes intercambiaron recomendaciones y nostalgias sobre películas, sketches y discos que forman parte del recuerdo colectivo, como éxitos del entretenimiento.

La charla para Good Hang finalizó con Ana Gasteyer subrayando que la autoexigencia puede nublar la percepción propia. Reconocer el valor de lo logrado y celebrar los avances, incluso si parecen mínimos, puede ser la clave para encontrar libertad y satisfacción en la carrera artística.

Chevy Chase (82), una de las figuras célebres de Saturday Night Live y emblema de la comedia hollywoodense de los años 80, estuvo al borde de la muerte durante la pandemia debido a una insuficiencia cardíaca.

La historia completa de ese crítico momento será contada en el documental I’m Chevy Chase and You’re Not, que se estrena el 1 de enero en CNN. Ese metraje expone por primera vez los detalles del grave episodio de salud que mantuvo al actor hospitalizado durante cinco semanas en 2021 y lo dejó en coma inducido por alrededor de ocho días.

La situación fue tan complicada que incluso los médicos le advirtieron a la familia que había escasas posibilidades de volver a verlo con vida. “Básicamente resucitó”, sentenció una de sus hijas.

El documental recoge el testimonio de Jayni Chase, esposa del actor, quien relató los momentos previos a la internación. “Algo no estaba bien y él no podía explicarme qué le pasaba. Así que fuimos a la sala de emergencias. Su corazón se detuvo”, cuenta en la película.

Según explicó, el problema estaba ligado a una enfermedad crónica que Chase arrastraba desde hace algún tiempo.

“Durante esos años en los que estuvo bebiendo, desarrolló cardiomiopatía; cuando los músculos del corazón se debilitan y no pueden bombear tanta sangre en cada latido”, explicó Jayni Chase. Esta afección puede derivar en insuficiencia cardíaca y otras complicaciones graves, como finalmente ocurrió.

En el hospital, los doctores no encontraron más opción que inducirlo en coma por unos ocho días. “Eso es muy duro para el cuerpo”, comentó el músico Peter Aaron, quien es amigo cercano del actor.

“El médico nos advirtió: ‘Puede que no lo recuperemos. No sabemos cuán presente estará. Prepárense para lo peor’”, añadió Caley Chase.

Cuando Chase despertó del coma, el panorama seguía siendo incierto. Según relató su hija, durante los primeros momentos apenas podía comunicarse.

“Se despertó y lo único que podía hacer era usar la voz”, contó, imitando los sonidos desorientados que emitía su padre.

Sin embargo, más tarde un gesto le dejó saber que Chevy Chase seguía siendo él mismo, con su irreverente sentido del humor. Cuando una enfermera entró a acomodar equipos médicos y dijo que iba a “poner esto aquí”, Chase respondió con una broma clásica: “Eso es lo que ella dijo”.

Chevy Chase tiene problemas con su memoria

Aunque logró sobrevivir, el episodio dejó consecuencias. Aaron señaló que al actor le llevó tiempo “reorientarse” tras el coma y que enfrentó una “discapacidad cognitiva”. Para ejercitar su mente, jugaba cartas y ajedrez con el objetivo de “volver a activar su cabeza”.

El propio Chase compartió en el documental que los doctores ya le habían advertido sobre las secuelas.

“Según los médicos, mi memoria iba a quedar destrozada por esto. Y eso es lo que pasó”, afirmó. “La falla cardíaca es lo que es. Ahora estoy bien. Pero afecta la memoria, así que tienen que recordarme cosas”.

Estas lagunas explican, en parte, por qué en el documental Chase asegura no recordar muchos de los conflictos que marcaron su carrera, incluidos enfrentamientos en los sets de Saturday Night Live y de la serie Community.

Para Aaron, no hay dudas: “Siento que sus vacíos de memoria vienen de ese incidente”.

Chase se sintió excluido en los 50 años de Saturday Night Live

Más allá de su salud, el documental también aborda una incomodidad reciente: su exclusión del especial por el 50.º aniversario de Saturday Night Live.

Chase fue uno de los miembros originales del programa en la temporada 1975–1976 y la primera “estrella revelación” del ciclo, con su segmento de Weekend Update. Asimismo, ganó dos premios Emmy como actor y guionista.

Por eso, le afectó que no lo invitaran a participar en algún sketch del programa especial.

“Fue bastante doloroso, en realidad. Probablemente sea la primera vez que lo digo”, confesó en el documental. “Esperaba estar en el escenario con todos los otros actores. Cuando Garrett Morris y Laraine Newman subieron, me pregunté por qué yo no. Nadie me lo pidió. ¿Por qué me dejaron de lado?”.

Chase reveló que incluso escribió a Lorne Michaels, creador del programa, aunque luego intentó restarle importancia.

“Se lo mencioné una vez en un mensaje de texto a Lorne y después lo retiré. Dije: ‘Está bien, retiro lo dicho, fue una tontería’. Pero no es tan tonto. Alguien cometió un error. No sé quién, pero alguien se equivocó. Deberían haberme tenido en ese escenario. Dolió”.

Alec Baldwin, actor y productor estadounidense, reveló en el pódcast “Dopey: On the Dark Comedy of Drug Addiction” que tuvo pensamientos suicidas tras la reapertura de cargos en su contra por la muerte accidental de Halyna Hutchins, directora de fotografía, en el set de la película “Rust”. Baldwin describió el profundo impacto emocional y familiar que vivió durante ese periodo, marcado por la presión mediática y judicial derivada del caso ocurrido en Nuevo México en 2021.

“Las personas por las que más me preocupaba, por las que sentía el dolor más profundo, eran mi esposa y mis hijos”, confesó Baldwin en la entrevista. “Porque mis hijos me veían sentado en una esquina, sin poder moverme”. El actor relató que su estado mental lo llevó a dormir la siesta todos los días durante un año, como una forma de sobrellevar la angustia.

“No quiero insistir en esto, solo quiero decir que fue muy doloroso para mi esposa y mi familia, mis hermanas y hermanos, mis colegas... Y puedo decir que me rompió cada nervio del cuerpo, espiritualmente, financieramente... en el trabajo, mi carrera, mi esposa, mis hijos, mis amigos, mi salud. Lo que esto ha hecho a mi salud... Si te contara las condiciones de salud que he tenido desde el 21 de octubre de 2021... me ha quitado 10 años de vida. Al menos 10 años de vida”, detalló el actor.

Baldwin reconoció que logró superar los momentos más oscuros gracias al apoyo de su esposa, Hilaria, y de su familia, aunque antes debió enfrentar pensamientos autodestructivos. “Cuando llegas a ese punto en el que piensas: ‘No quiero despertar otro día, me voy a ir’ — lo juro por Dios, hablar de esto realmente me resulta desagradable porque hablar de suicidarse y realmente hacerlo son dos cosas profundamente distintas. Creo que mucha gente, muchísima gente, piensa en suicidarse y acabar con su vida, y muy pocos lo hacen. Recuerdo que me quedaba en la cama y pensaba: ‘Dios, no puedo despertar otro día y que todo siga igual. Es lo mismo cada día. Y no puedo hacerlo’”, relató Baldwin en el pódcast.

El actor también criticó el proceso judicial y la actuación de los fiscales de Nuevo México, señalando que, en su opinión, la producción de “Rust” cumplió con las regulaciones establecidas por los gremios de Hollywood.

“Los fiscales de Nuevo México llegaron y dijeron: ‘No, no, esas reglas no aplican aquí, tenemos nuestras propias reglas y eso es lo que cuenta aquí. Así que te vamos a juzgar por esas reglas...’. Nadie vino a decirme nada diferente en la primera semana en que manejábamos armas. Nadie me dijo nada distinto. Fue después del hecho. Todas las reglas cambiaron después, y eso me asustó mucho. Pensé que iban a improvisar sobre la marcha”, afirmó Baldwin. Añadió que los fiscales “querían ver sus nombres en los periódicos. Eso es lo que querían. Y gracias a Dios por este juez que intervino y les dijo que lo que estaban haciendo era reprobable”.

A pesar de la adversidad, Baldwin manifestó que encontró la fuerza para seguir adelante, apoyándose en la esperanza y la fe para dar un paso más cada día.

“Esta es una historia que nunca, nunca he contado”, dijo Winslet al iniciar su relato en el espacio televisivo conducido por Graham Norton. La actriz explicó que fue la anfitriona del episodio emitido el 30 de octubre de 2004, una edición especialmente tensa para el programa debido a un incidente ocurrido apenas una semana antes que había sacudido a la producción y a la audiencia del show de NBC.

Winslet detalló que la experiencia en “SNL” fue intensa desde el inicio, no solo por la exigencia del formato en vivo, sino también por el contexto en el que se desarrolló el episodio. En ese ambiente, según relató, ocurrió la extraña petición de Eminem, que provocó risas y sorpresa entre el público del programa británico.

Un pedido inesperado detrás de cámaras

Durante la conversación con Norton, Winslet relató sin rodeos el momento más insólito del encuentro. “Eminem me pidió que le afeitara el trasero”, afirmó la actriz, generando carcajadas inmediatas en el estudio. La solicitud, según explicó, ocurrió en un contexto informal durante los preparativos del programa, aunque no precisó mayores detalles sobre el lugar exacto del intercambio.

El conductor reaccionó con humor y preguntó si se trataba de una afeitadora de mano. Winslet respondió entre risas que efectivamente se refería a eso, aunque dejó claro que rechazó la propuesta. “Me dijo: ‘¿Me afeitarás el trasero?’, y yo le dije: ‘Lo siento, no me dedico al cuidado personal’”, recordó la actriz, enfatizando lo absurdo de la situación.

Winslet añadió que su respuesta fue tajante y que nunca consideró aceptar la solicitud. La anécdota fue contada como un recuerdo llamativo de una etapa temprana de su carrera en Estados Unidos, cuando aún no era una presencia habitual en programas de comedia en vivo como “SNL”.

Un episodio marcado por el escándalo de Ashlee Simpson

La edición de “Saturday Night Live” que presentó Winslet estuvo marcada por un contexto complicado. El episodio se emitió una semana después del famoso error de sincronización de labios de Ashlee Simpson, ocurrido en el mismo programa. En ese incidente, la cantante fue captada haciendo playback en vivo, lo que generó una fuerte reacción mediática y cuestionamientos al show.

Winslet señaló que el ambiente en el estudio era especialmente tenso debido a ese antecedente reciente. Aun así, el programa incluyó segmentos musicales y coreográficos exigentes. La actriz recordó que incluso fue mostrada cantando y bailando claqué, un desafío adicional considerando la presión que enfrentaba la producción tras el fiasco previo.

La actriz explicó que solo tuvo 24 horas para prepararse antes de asumir la conducción del programa, ya que en ese momento se encontraba promocionando la película “Finding Neverland”, estrenada en 2004 y protagonizada por Johnny Depp. Esa falta de tiempo, sumada al contexto del escándalo, convirtió su paso por “SNL” en una experiencia particularmente intensa.

Winslet reveló que no ha vuelto a presentar “Saturday Night Live” en los 20 años transcurridos desde aquel episodio. Según dijo en “The Graham Norton Show”, nunca había compartido públicamente esta anécdota hasta ahora. “Nunca había contado esa historia en público, jamás en mi vida. ¡Aquí la tienen!”, afirmó ante el público.

Steve Buscemi repasó su trayectoria de manera espontánea y honesta en un episodio especial del pódcast Fly on the Wall, conducido por David Spade y Dana Carvey. Durante la charla, rememoró anécdotas de rodajes, su paso por Saturday Night Live (SNL) y su particular vínculo con colegas como Adam Sandler.

Con una voz que alternó entre el humor y la reflexión, reafirmó: “Nada en mi carrera fue planeado… y por eso salió mejor de lo esperado”. Su relato dejó en claro cómo la falta de estrategia y la espontaneidad se convirtieron en los motores de su camino profesional.

El azar, una brújula inesperada

“Siempre me preguntan si tenía un plan, pero la verdad es que nunca lo tuve. Las cosas fueron llegando y, de alguna manera, eso hizo que todo resultara más interesante”, confesó Buscemi al inicio del episodio. Su autocrítica e ironía marcaron la conversación, donde recordó varias de sus colaboraciones más entrañables.

Respecto a Adam Sandler, subrayó la dinámica especial de filmar juntos: “Adam es el verdadero motor creativo en sus películas, siempre atento a cada detalle”, afirmó Buscemi. Compartió, entre risas, las jornadas extenuantes en Son como niños, donde el cansancio y la improvisación se entrelazaron con la camaradería del elenco.

“En una de esas escenas nocturnas, todos estábamos agotados, pero Adam seguía supervisando cada toma. Cuando por fin terminamos, sentí que habíamos logrado algo especial”, relató.

La anécdota del yeso corporal bajo la lluvia ilustra los límites de la amistad en el set: “Pensé que, siendo amigos, alguien se quedaría a acompañarme, pero en cuanto cortaron, todos desaparecieron. Me dejaron solo, empapado, esperando a que el perro viniera a olfatearme. Ahí entendí que en el set, la amistad tiene sus límites”, bromeó.

SNL: nervios y desafíos en la comedia televisiva

Su paso por SNL fue, en palabras de Buscemi, “caótico y desafiante”. Reveló lo difícil que fue ajustar su primer monólogo y la presión de trabajar con Lorne Michaels: “El primer monólogo que me propusieron no era para mí, así que sugerí cambiarlo. Lorne Michaels fue receptivo, pero yo estaba tan nervioso que apenas podía pensar”, admitió.

Destacó, además, la exigencia de participar en el proceso creativo: “En SNL, sentía que debía pedir permiso para todo, aunque el equipo siempre preguntaba si tenía alguna idea o talento especial. Yo solo respondía: ‘Lo que quieran, ustedes son los expertos’”.

El impacto de tener amigos en la audiencia también resultó significativo: “En el ensayo general, vi a un amigo del colegio en primera fila y me desconcentré por completo. Me dije: ‘No mires a nadie a los ojos en la función en vivo’”.

El rigor de los hermanos Coen y el reconocimiento tardío

Profundizó en su experiencia con Joel y Ethan Coen, destacando su estilo de dirección preciso: “Su escritura es tan específica que quieren que digas exactamente lo que está en el guion. Hay muy poco margen para improvisar”.

Recordó el reto de hablar con máxima rapidez en Miller’s Crossing: “Querían que mi personaje hablara más rápido que nunca. Era el tipo más rápido hablando que he interpretado jamás. En una de las tomas, mi esposa apareció entre los extras y me desconcentré tanto que tuve que volver a empezar”.

Sobre Fargo y El gran Lebowski, Buscemi reconoció: “Con ‘El gran Lebowski’ pasó algo curioso. Al principio, la crítica no supo qué hacer con ella, pero años después, los fans empezaron a acercarse y a citarme frases de la película en la calle”.

Ansiedad, dirección y los desafíos personales

El actor abordó la naturaleza de la inseguridad en su oficio. “La ansiedad siempre está presente. Cuando dirigí mi primera película, Trees Lounge, el personaje era una versión exagerada de mí mismo, pero la ansiedad de dirigir me impedía disfrutarlo del todo”, confesó.

Buscemi añadió: “Creo que todos los actores, incluso los más grandes, sienten inseguridad. Ahora se habla mucho de ansiedad, pero yo la he sentido desde siempre, solo que antes no tenía nombre”.

Entre el cine y el deber: el bombero que volvió tras el 11-S

Buscemi compartió detalles poco conocidos sobre su vida fuera de la pantalla, como su trabajo en los años 80 como bombero y su regreso voluntario tras los atentados del 11-S.

“Fui bombero en los 80 y, después del 11-S, sentí el deber de volver a ayudar. Me sentí honrado de que me permitieran regresar con mi antigua compañía, Engine 55. Muchos querían estar ahí, pero yo tuve la oportunidad por mi experiencia previa”, relató.

Se permitió una broma sobre su equipo anticuado: “Llegué pensando que pasaría desapercibido, pero todo el mundo notó que mi equipo era de otra época. Parecía un viajero en el tiempo”.

Perseverancia, escuela y la sorpresa ante la industria

Buscemi evocó sus primeras audiciones y la importancia de la tenacidad. “Recuerdo cuando audicioné para un papel y pedí leer para el protagonista. Me dijeron: ‘Vamos a buscar un nombre para ese papel’. Yo respondí: ‘Pero yo tengo un nombre’. Ahí entendí cómo funciona la industria”, comentó entre risas.

Rememoró, además, su época como luchador escolar: “Competía en la categoría de 105 libras hasta el último año. Era flaco, pero fuerte. Tenía una llave secreta, la ‘reverse cradle’, que me funcionaba hasta que los rivales la descubrían”.

En la conclusión de la charla, Buscemi reiteró una idea sencilla y poderosa: la falta de planificación y la capacidad de asombro le permitieron disfrutar cada etapa, encontrando riqueza allí donde nunca la habría esperado.

En un nuevo episodio del pódcast Good Hang junto a Amy Poehler, Ariana Grande compartió aspectos poco conocidos de su vida y trayectoria. Durante la conversación, la cantante abordó su búsqueda de autenticidad profesional, relató experiencias familiares y explicó el intenso trabajo detrás de su participación en Wicked 2.

El tono relajado y cómplice de la entrevista permitió revelar nuevas facetas de la artista, quien atraviesa una etapa de transición y reflexión sobre su camino profesional.

Grande explicó que, después de años centrada en el pop, logró una conexión más profunda con su arte al explorar nuevos proyectos. “Me siento más conectada conmigo misma y con mi arte desde que empecé a hacer cosas diferentes”, afirmó, al destacar la importancia de seguir impulsos genuinos, incluso cuando estos implican cambios significativos.

Reconocida por su recorrido en el pop, subrayó, sin embargo, su amor permanente por el teatro musical y la comedia, y la importancia de equilibrar esas pasiones con desafíos inéditos. Anticipó además que los próximos años serán muy distintos a los anteriores: “Creo que lo mejor para mi alma y para mi arte es perseguir aquello que se siente correcto en el momento, aunque sea espontáneo”.

El reto de encarnar a Glinda en Wicked 2

En relación a Wicked 2, Grande detalló el exigente proceso de preparación vocal y actoral que implicó dar vida a Glinda. “Entrené mi voz durante meses para poder interpretar a Glinda, porque su voz es muy diferente a la mía”, relató.

Trabajó a diario con su coach vocal y su entrenadora de actuación, recuperó la técnica operática y el falsete requeridos para el personaje y organizó sus registros interpretativos con tarjetas adhesivas de colores.

El rodaje simultáneo de ambas partes de la película sumó complejidad, ya que debía mantener distinciones claras entre las etapas vocales y emocionales del personaje. Grande enfatizó la importancia de la honestidad emocional en la interpretación, especialmente en escenas musicales donde la vulnerabilidad se refleja en la voz.

Comedia y lazos familiares en la vida de Ariana Grande

La comedia y el vínculo con Saturday Night Live (SNL) fueron temas centrales en la charla. Desde la infancia, la comedia —influida por figuras como Jim Carrey y Adam Sandler— fortaleció el acercamiento familiar. “Mi película favorita era Best in Show. Desde muy joven, la comedia me hizo sentir cerca de mi familia”, recordó.

En SNL vivió experiencias memorables, como la creación de sketches inspirados en situaciones familiares y colaboraciones con amigos como Bowen Yang. Grande explicó que la disposición a exponerse y a mostrarse vulnerable resulta esencial tanto para el humor como para la música. Entre las anécdotas, mencionó un sketch no emitido que su padre disfruta cada día y la satisfacción de sostener propuestas propias en el show.

La familia de Arianna Grande, de raíces italianas, ha sido un pilar incondicional. La cantante evocó cenas ruidosas, partidas de cartas los domingos y relatos sobre su madre, su hermano Frankie y sus abuelos.

Entre los recuerdos más entrañables mencionó la reacción de su abuela cuando Frankie salió del armario: una respuesta inmediata de total comprensión y cariño. “Eso es lo que deseas para cada niño, que tenga ese tipo de amor instantáneo y aceptación”, reflexionó. También recordó la actitud despreocupada de su abuelo, siempre enfocado en el bienestar familiar.

Admiración por colegas y alianzas en el set

En cuanto a referentes y colaboraciones, Grande expresó admiración por Mariah Carey y Lady Gaga. “Cada vez que cruzo caminos con Mariah, tengo que pellizcarme. Es un sueño”, confesó, y valoró el sentido del humor y la creatividad de Carey.

También resaltó la sororidad en la industria, especialmente en su vínculo con Cynthia, compañera de reparto en Wicked. Ambas establecieron un pacto de apoyo durante el rodaje y se comprometieron a mantener una comunicación abierta: “Quería que supiera que no hay nada que no podamos hablar, que no tiene que enfrentar nada sola”, indicó Grande. La entrevista permitió conocer detalles personales: la artista disfruta de los baños largos como ritual de autocuidado y productividad, y prefiere productos de baño efervescentes

Habló sobre su estatura —1,57 metros—, reconoció que a veces quisiera alcanzar objetos más altos, pero disfruta su tamaño. Entre sus disfraces favoritos eligió los inspirados en Best in Show y en un episodio de The Twilight Zone. En la cocina, se declaró amante de la pasta marinara de receta familiar.

Al finalizar, Grande reiteró el valor de la aceptación y el amor incondicional en la familia y la sociedad, deseando que todos los niños puedan experimentar esos vínculos de apoyo y reconocimiento desde el primer momento de sus vidas.

Eddie Murphy fue uno de los reyes indiscutibles del Hollywood de los años ochenta. Tras su paso por Saturday Night Live, que se convirtió en su plataforma, comenzó una carrera cinematográfica que lo llevaría de éxito en éxito, gracias a películas como Entre pillos anda el juego (1983), Superdetective en Hollywood (1984) o El príncipe de Zamunda (1988).

Su carisma cómico era una auténtico imán para la taquilla... hasta que comenzaron los problemas. Sus declaraciones comenzaron a ser homófobas, machistas, e incluso fue detenido en varias ocasiones por escándelos sexuales.

El actor se apartó de la interpretación y llegó a decir que “estaba harto de hacer películas de mierda", aunque en los últimos años ha protagonizado algunos filmes como Yo soy Dolemite, que le valió una nominación a los Globos de Oro.

Un documental controvertido

Ahora se estrena en Netflix el documental Soy Eddie, en el que el director Angus Wall se adentra en la intimidad de Murphy, para compartir reflexiones sobre su carrera, su familia y los desafíos personales que ha afrontado a lo largo de más de cuatro décadas en la industria del entretenimiento.

El documental arranca con imágenes de la mansión de Murphy en Los Ángeles, un escenario que sirve de telón de fondo para repasar su evolución desde sus inicios en Nueva Jersey hasta convertirse en una de las grandes estrellas de la comedia estadounidense.

En declaraciones recogidas por The Guardian, Murphy insiste en que, pese a la ostentación de su residencia, su rutina diaria no difiere demasiado de la de cualquier otra persona: acude al trabajo, pasa tiempo con su familia y termina el día viendo la televisión, en concreto el programa Vergüenza ajena, al que considera “el mejor show de la televisión”.

La producción de Netflix no solo se apoya en el testimonio directo de Murphy, sino que también recurre a figuras de la comedia como Dave Chappelle, Chris Rock, Jerry Seinfeld, Kevin Hart y Pete Davidson, quienes analizan la influencia del actor en la cultura popular.

La familia y la vida personal de Murphy ocupan un lugar central en Soy Eddie. El actor, que rara vez concede entrevistas y es conocido por su discreción, ha abierto las puertas de su hogar para mostrar su día a día junto a su esposa Paige Butcher y sus diez hijos, a los que ahora parece consagrar su vida (o al menos eso dice).

Luces y sombras de Eddie Murphy

El documental también aborda episodios traumáticos de su infancia, como el asesinato de su padre cuando era niño y la posterior figura de su padrastro, Vernon Lynch Sr., a quien atribuye un papel fundamental en su desarrollo personal.

Murphy ha compartido detalles sobre su carácter reservado y su rechazo a los excesos asociados a la fama. En el documental, recuerda cómo, durante su juventud, evitó el consumo de drogas y alcohol, a pesar de haber estado rodeado de figuras como John Belushi, Robin Williams y Rick James. “Nunca sentí curiosidad. Nunca probé la cocaína ni toqué la cocaína. No bebo, no fumo cigarrillos. No fumé un porro hasta que tuve 30 años”, explicó el actor. Jamie Foxx, también presente en el documental, ha descrito a Murphy como una persona “muy introvertida”, que prefiere mantenerse en un segundo plano en los eventos sociales.

El recorrido por la carrera de Murphy no elude los momentos difíciles. El fracaso comercial de Un vampiro suelto en Brooklyn y la posterior burla en Saturday Night Live, cuando David Spade se refirió a él como “una estrella fugaz”, supusieron un golpe para el actor. “Fue como si tu alma mater se burlara de ti, de tu carrera, no de lo gracioso que eres”, ha recordado Murphy en el documental. Esta experiencia le llevó a distanciarse del programa durante años, hasta que en 2019 decidió regresar como presentador, un gesto que ha calificado de necesario para reconciliarse con sus orígenes: “SNL es parte de mi historia. Necesitaba ‘reconectar’ con ese programa porque de ahí vengo”.

El documental también repasa la versatilidad de Murphy como actor, destacando su nominación al Oscar por Dreamgirls en 2007.

En el ámbito personal, Murphy ha hablado abiertamente sobre su experiencia con el trastorno obsesivo-compulsivo, relatando rituales de su infancia como comprobar repetidamente el gas de la cocina o tararear sonidos extraños. El actor ha explicado que identificó estos comportamientos tras ver un programa de televisión sobre el tema y que, con el tiempo, ha logrado reducirlos, aunque reconoce que persisten en menor medida.

Un documental con escasas controversias

El documental dedica un espacio relevante a la relación de Murphy con sus referentes en la comedia. De joven, idolatraba a Richard Pryor y aspiraba a seguir sus pasos, aunque la industria llegó a enfrentarles como rivales, especialmente después de que Pryor manifestara su incomodidad ante el ascenso de Murphy.

Bill Cosby, por su parte, criticó el uso de lenguaje soez en los monólogos de Murphy, lo que llevó al actor a responder con una imitación en Raw (El show de Eddie Murphy). En ese sentido, al final de Soy Eddie, Murphy protagoniza una escena humorística con muñecos de ventrílocuo que representan a Pryor y Cosby, un guiño a sus influencias y a la complejidad de sus relaciones.

Sin embargo, este trabajo parece destinado a limpiar la figura de Eddie Murphy y servir como oda laudatoria a su trabajo, algo que suele ser habitual en este tipo de documentales auspiciados por la propia figura y en el que hay un escaso espíritu crítico.

Quizás, por esa razón, se omiten algunos episodios controvertidos de su vida pública, como el arresto en 1997 de una prostituta trans que viajaba en su coche, su breve matrimonio mediático con Tracey Edmonds o la disputa inicial por la paternidad de la hija que tuvo con la Spice Girl Mel B.

Así, la mayor parte de los medios han visto Soy Eddie como un retrato reverencial que, si bien ofrece acceso privilegiado a la vida de Murphy y testimonios de sus colegas, adolece de cierta falta de profundidad y omite aspectos polémicos de su biografía.

Por el momento, su próximo proyecto será poner de nuevo la voz al personaje del asno en la quinta entrega de Shrek, prevista para el 2027.

Carpenter interpretó su tema “Nobody’s Son” como parte de una doble función en el espacio televisivo, donde además había interpretado “Manchild” como parte de su nuevo álbum Man’s Best Friend. Mientras que la actuación tuvo buena acogida en términos generales, fue un pequeño —pero significativo— detalle lo que motivó la intervención de Sawayama: el uso de zapatos sobre esteras de tatami durante una escena ambientada en un dojo japonés.

El detalle puntual que encendió el debate

Durante la actuación, la escenografía recreaba un ambiente de artes marciales japonés: fondo tipo dojo, bailarines con gis y una coreografía inspirada en el kárate.

Sabrina Carpenter apareció ataviada con un minivestido blanco de lentejuelas y un cinturón negro brillante mientras interpretaba el tema en cuestión.

Sawayama utilizó su cuenta de Instagram para enviar “mucho amor” a Carpenter, pero subrayó a los equipos creativos de “colegas artistas” que si se hacía referencia a una cultura “con claridad”, era necesario hacerlo “con la investigación, el respeto y el cuidado que merece”.

La frase que generó gran repercusión fue: “Zapatos sobre el tatami es cárcel”, en alusión directa al hecho de que algunos bailarines usaron zapatillas sobre las esteras tradicionales japonesas, lo que en la cultura nipona se considera una falta de respeto.

Contexto cultural y significado del tatami

Por si no se está familiarizado con la etiqueta japonesa: las esteras de tatami están hechas tradicionalmente de paja tejida —o de plantas como la igusa— y se usan en hogares, templos y dojos.

En ese contexto, usar zapatos de calle sobre tatamis se considera inaceptable, ya que se daña el tejido, se viola la higiene y se falta al carácter simbólico de esas superficies.

Aunque algunas voces han señalado que en un entorno televisivo puede existir una lógica de seguridad escénica o diseño de producción que explique la decisión, la crítica de Sawayama apunta a que el error ocurre porque no se consultó ni se respetó la tradición, lo cual abre una discusión más amplia sobre la representación cultural.

Otros focos de la actuación de Sabrina Carpenter en SNL

Más allá del detalle del tatami, la actuación de Sabrina Carpenter también llamó la atención por otra razón: en la interpretación de “Nobody’s Son” se repitieron dos veces la letra explícita “He sure f---ed me up”, la cual aparentemente no fue censurada en algunas zonas horarias del programa.

Esto provocó sorpresa entre ciertos espectadores, especialmente en la costa oeste de EE.UU., donde se advirtió que la palabra fue escuchada sin silenciador en directo.

En su totalidad, la noche marcó un paso importante para Carpenter: fue su primera vez como presentadora del show además de invitada musical, y se le reconoció versatilidad interpretativa, aunque también ciertos apresuramientos en sketches y monólogo.

La voz de Rina Sawayama y su historial de críticas

Rina Sawayama no solo se pronunció sobre este incidente, sino que ya había hecho crítica pública en el pasado en temas de discriminación cultural. En 2023, protagonizó un enfrentamiento mediático con Matty Healy, vocalista de The 1975, por comentarios racistas.

Hasta ahora, ni Sabrina Carpenter ni el equipo de producción de SNL han emitido un comunicado oficial en respuesta a la crítica de Sawayama. En redes sociales, la reacción ha sido mixta: algunos espectadores apoyan la observación de Sawayama y consideran que este tipo de errores reflejan un descuido cultural; otros argumentan que en un show televisivo las normas del tatami podrían no aplicarse de forma literal y que quizá se eligió una estética simplificada por razones de producción.

El debate se abre también hacia un aspecto importante: la inclusión de creativos de origen cultural al que se hace referencia en la producción, lo que podría evitar errores de este tipo. Artículos especializados señalan que el problema no solo es el elemento visual, sino también la falta de representación o asesoría culturales en los equipos de creación.

Florinda Meza, María Antonieta de las Nieves, Carlos Villagrán y la cuenta oficial de Chespirito en Instagram reaccionaron al sketch que Bad Bunny hizo de El Chavo del 8 en Saturday Night Live.

A continuación te contamos qué dijeron los actores que interpretaron a Doña Florinda, La Chilindrina y Quico, respectivamente, en el famoso programa de Roberto Gómez Bolaños.

“La interpretación de Bad Bunny fue magistral”: Florinda Meza

La actriz, viuda de Roberto Gómez Bolaños ‘Chespirito’, aplaudió el sketch, pero hizo énfasis en la interpretación de Bad Bunny como ‘Quico’.

"Me encanta que le hagan homenaje al legado de Roberto. Me gustaron todos, pero la interpretación de Bad Bunny fue magistral. Hay mucho cariño ahí y se nota. Esa es la magia del programa, que fue doblado en muchos idiomas, hasta en japonés y mandarín", escribió en su cuenta de Instagram.

Florinda Meza agradeció al cantante puertorriqueño por mostrar la magia de El Chavo del 8 a nivel internacional y mantener la ilusión del romance entre Doña Florinda y el Profesor Jirafales.

Yo le agradezco este homenaje a Saturday Night Live, pero sobre todo, a Benito Antonio Martínez Ocasio “Bad Bunny”. Y por último, les quiero decir que estamos en una época maravillosa (...) Otra cosa que me encantó de este sketch fue ver de nuevo al Profesor Jirafales y estar a punto de presenciar ese ansiado beso... ¡Ay! Sólo fue un sueño, porque Bad Bunny lo detuvo a tiempo. Seguimos con esa ilusión por siempre", añadió.

“Increíble trabajo”: María Antonieta de las Nieves

La actriz, quien interpretó a La Chilindrina en El Chavo del Ocho, aplaudió la interpretación de todos los actores que participaron en el sketch y agradeció a Sarah Sherman por darle vida a su icónico personaje en esta versión.

“Muchas gracias a SNL por darle vida a El Chavo. Gracias @sarahsquirm por el increíble trabajo y @badbunnypr por hacerlo inolvidable”, escribió en Instagram.

“Qué bonita vecindad”: Chespirito

La cuenta oficial de Chespirito en Instagram también reaccionó al homenaje de Bad Bunny, pero lo hizo al estilo de El Chavo del Ocho.

“¡Que bonita vecindad! Está padrísima", se lee.

Carlos Villagrán no publicó nada al respecto en sus redes sociales; no obstante, circula una supuesta captura de pantalla de un presunto comentario que habría hecho el actor mexicano sobre la interpretación de Bad Bunny como Quico.

“@badbunnypr me tocará cantar el sapito a tu estilo”, se lee en el supuesto mensaje.

Kristen Wiig sorprendió al mostrar su costado más íntimo en el pódcast Good Hang with Amy Poehler, disponible en YouTube. En una charla con humor y complicidad, la actriz y comediante, reconocida por su trabajo en Saturday Night Live (SNL) y Bridesmaids, compartió anécdotas y reflexiones que revelaron su faceta más auténtica.

Entre risas, Wiig dejó una frase inesperada: “¡Haría que Metallica sonara más bajito!”, expresión que resume su visión personal sobre la música y la vida diaria.

Los orígenes de una comediante

El episodio reunió a dos referentes de la comedia estadounidense en un ambiente relajado. Amy Poehler, anfitriona, repasó la trayectoria de Wiig y la admiración que despierta.

La charla inició con Bill Hader, ex SNL, quien recordó los primeros días de Wiig en el programa y su capacidad para sorprender con personajes originales. Hader resaltó su destreza para equilibrar las necesidades del show con sus ideas propias. “Tenía una confianza en sus propuestas que siempre admiré”, afirmó.

Wiig recordó su adolescencia en Lancaster, Pensilvania, y Rochester, Nueva York, marcada por travesuras como respuesta al divorcio de sus padres. “Me metía en problemas, tuve detenciones y hasta la policía fue a mi casa por bromas telefónicas”, contó entre carcajadas.

Su acercamiento a la actuación fue accidental: tras estudiar arte en la Universidad de Arizona y experimentar ansiedad en una clase de actuación, se trasladó a Los Ángeles tras visitar a un psíquico que le recomendó mudarse. “No tenía grandes planes de ser actriz, pero sentía que debía intentarlo”, explicó.

El salto a SNL y la autenticidad como motor creativo

La llegada a la comedia profesional se produjo con The Groundlings, la legendaria compañía de improvisación de Los Ángeles. Wiig detalló que asistir a un show del grupo le reveló un mundo donde la creatividad era ley.

“Nunca había visto improvisación en vivo y pensé: esto es lo que quiero hacer”, contó. Tras varios trabajos e incertidumbre, se animó a audicionar para SNL. “Hice dos audiciones y no supe si había quedado hasta que la temporada ya había empezado”, recordó.

Durante la entrevista, Poehler y Wiig repasaron personajes emblemáticos de la actriz en SNL, como Target Lady, Penelope y “Surprise Lady”. Su proceso creativo siempre se basó en la autenticidad y el deseo de hacer reír, más que en la aprobación externa.

“No veo mi actitud como confianza, simplemente hago lo que me parece divertido y auténtico”, afirmó. También compartió el consejo de Will Forte: “Nunca escribas pensando en lo que otros van a encontrar gracioso, hazlo si a ti te hace gracia”.

Relación con la crítica y bienestar personal

La conversación abordó la autoexigencia y la relación de Wiig con la crítica. Aseguró que intenta no buscar opiniones ajenas ni leer reseñas. “Puedo recordar palabra por palabra las cosas negativas que han dicho de mí”, admitió.

Para cuidar su bienestar, evita los comentarios sobre sus trabajos y se centra en la experiencia de crear. “Cuando termino algo, lo dejo ir y me alejo”, explicó, resaltando la importancia de mantener una vida privada y no dejarse consumir por la exposición pública.

La música, la rutina y el placer de lo cotidiano

Uno de los momentos destacados se centró en la función de la música en el proceso creativo de Wiig. “La música es lo que necesito para crear cualquier cosa”, aseguró. Poehler le propuso unirse a una banda, y Wiig respondió bromeando: “Podría unirme a Metallica, pero haría que sonaran más bajito”. Esta frase se transformó en uno de los momentos más celebrados del pódcast y refleja su humor único.

Wiig compartió detalles de su rutina diaria. Reveló que disfruta de la tranquilidad, prefiere cenar temprano y acostarse pronto. “Me gusta cenar a las seis de la tarde y estar en la cama a las ocho y media”, dijo. Además, para relajarse opta por la televisión de realidad, especialmente los programas de Bravo como The Real Housewives of Salt Lake City.

“No puedo ver comedia, prefiero la televisión de realidad para desconectar”, señaló, ya que ese formato le permite soltar el análisis profesional y simplemente disfrutar del espectáculo.

Amistades, inspiración y legado en la comedia

La charla incluyó anécdotas sobre colaboraciones y amistades con figuras como Bill Hader, Will Forte y Carol Burnett. Wiig relató la emoción que sintió al conocer a Burnett y cómo influyó en su carrera.

En el cierre del episodio de YouTube, Poehler destacó el impacto de Wiig en la comedia y la galería de personajes entrañables que ha creado a lo largo de los años. Invitó a los oyentes a buscar clips de Wiig para disfrutar de humor genuino.

Así, celebraron el legado de una artista que, con autenticidad y simpatía, ha conquistado tanto a colegas como al público, dejando una huella inconfundible en la comedia contemporánea.

La reciente emisión de Saturday Night Live generó un intenso debate entre los seguidores de El Chavo del 8 tras la presentación de un sketch que, aunque pretendía rendir homenaje a la icónica serie mexicana, introdujo un diálogo que contradice la esencia del personaje creado por Roberto Gómez Bolaños.

La controversia surgió cuando el personaje de El Chavo, interpretado por Marcello Hernández, pronunció la frase: “Mi mamá siempre dice: nunca golpees a tus enemigos”, una afirmación que los fanáticos consideraron incompatible con la historia original, donde el niño es huérfano y su madre nunca aparece en la trama.

El sketch, titulado en inglés “The Kid from Number 8”, recreó una de las escenas clásicas de la vecindad, en la que Don Ramón, encarnado por Andrew Dismukes, intenta reparar una silla mientras es interrumpido por Quico, lo que desencadena la habitual confusión y termina con Don Ramón recibiendo un golpe de Doña Florinda.

La producción mantuvo la estética y el humor característicos de la serie original, con Bad Bunny en el papel de Quico, Marcello Hernández como El Chavo, Chloe Fineman como Doña Florinda, Sarah Sherman como La Chilindrina y la participación especial de Jon Hamm como el Profesor Jirafales.

La fidelidad en la interpretación de Quico por parte de Bad Bunny fue ampliamente reconocida por los espectadores, quienes destacaron el parecido en la voz y los gestos con el personaje original de Carlos Villagrán.

Sin embargo, la elección de Hernández para el rol de El Chavo y el guion que le asignaron provocaron críticas, ya que, según el libro “El diario del Chavo” escrito por Gómez Bolaños, el personaje es huérfano desde su llegada a la vecindad: “Un día mi mamá ya no fue a recogerme de la guardería... y los demás tampoco”.

Esta contradicción fue señalada por los seguidores en redes sociales, quienes lamentaron que el homenaje traicionara el espíritu de la creación original.

A pesar de la polémica, muchos usuarios valoraron que Saturday Night Live dedicara un segmento a El Chavo del 8, interpretándolo como un reconocimiento a la influencia de la cultura latina en Estados Unidos.

El homenaje coincidió con la presencia de Bad Bunny como anfitrión del programa, quien inauguró la temporada 51 y aprovechó la ocasión para abordar el impacto de su carrera y la representación latina en el país.

Durante su monólogo, Bad Bunny —cuyo nombre real es Benito Antonio Martínez Ocasio— hizo referencia directa a la controversia generada tras el anuncio de la National Football League (NFL) que lo posiciona como el primer artista latino en protagonizar el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl en 2026.

El cantante puertorriqueño ironizó sobre las críticas recibidas por parte de sectores conservadores y medios estadounidenses, afirmando: “Si no entiendes [español], tienes cuatro meses para aprender”, en alusión a quienes cuestionaron su participación en el evento deportivo.

El artista también respondió a los comentarios de figuras políticas como Kristi Noem, secretaria de Seguridad Nacional, quien advirtió sobre la presencia de agentes del Servicio de Control de Inmigración y Aduanas de los Estados Unidos (ICE) en el estadio Levi’s de Santa Clara, California, durante el Super Bowl.

“Tengo la responsabilidad de asegurarme de que todos quienes asistan al Super Bowl tengan la oportunidad de disfrutarlo y de retirarse sin riesgos”, declaró Noem, según recogió Fox News.

En su intervención, Bad Bunny expresó su agradecimiento a la comunidad latina, subrayando: “Más que un logro propio, es el logro de todos, demostrando que nadie podrá borrar o quitar la huella y la contribución de los latinos a este país”.

El cantante alternó entre el español y el inglés para dirigirse tanto a sus seguidores como a quienes lo critican, reiterando: “Si no entiendes lo que acabo de decir, tienes cuatro meses para aprender”.

El monólogo incluyó referencias a su reciente residencia en el Coliseo de Puerto Rico, donde ofreció 31 conciertos consecutivos con localidades agotadas. El propio artista bromeó sobre el desgaste físico que implicó la serie de presentaciones: “Esta vez solo conduzco porque necesito descansar”, justificó. Además, compartió anécdotas sobre la asistencia de celebridades como Jon Hamm, quien, según relató, disfrutó intensamente del espectáculo en San Juan.

La emisión de Saturday Night Live no solo rindió tributo a la comedia mexicana producida por Televisa en la década de 1970, sino que también evidenció la vigencia de sus personajes entre las audiencias hispanas de América Latina y Estados Unidos.

Bad Bunny volvió a generar conversación global tras aparecer en el estreno de la temporada 51 de Saturday Night Live (SNL). El cantante puertorriqueño, recientemente anunciado como la estrella del show de medio tiempo del Super Bowl LX, se convirtió en tendencia al imitar nada menos que a “Quico”, uno de los personajes más icónicos de El Chavo del 8.

Un inesperado y extraño sketch

La participación del artista, quien fungió como anfitrión del programa, se desarrolló en un sketch que recreó la dinámica de la famosa vecindad creada por Roberto Gómez Bolaños ‘Chespirito’. Aunque la comedia fue presentada en inglés, los gestos, diálogos y situaciones recordaron a millones de televidentes la esencia de la serie que marcó a varias generaciones en América Latina.

En la parodia, “El Chavo” fue interpretado por el comediante Marcello Hernández, de origen cubano y dominicano. Sarah Sherman dio vida a “La Chilindrina”, mientras que Bad Bunny encarnó a “Quico”, replicando sus característicos cachetes inflados y tono de voz peculiar. El sketch incluyó también la participación de Jon Hamm como el “Profesor Jirafales”.

Con risas grabadas, pastelazos y frases reconocibles, la recreación mostró un choque cultural curioso: un clásico de la televisión mexicana adaptado al estilo estadounidense del late night más famoso del mundo.

La elección de Bad Bunny para encarnar a “Quico” resultó tan inesperada que rápidamente se viralizó en redes sociales, dividiendo opiniones entre quienes lo celebraron como un guiño a la cultura latina y quienes lo consideraron extraño o incluso fuera de lugar.

Super Bowl y polémica

La imitación llega en un momento clave para el puertorriqueño, ya que su confirmación como encargado del show de medio tiempo del próximo Super Bowl ha desatado un debate público. Críticos señalan que el trap latino no representa a la base tradicional de aficionados de la NFL, mientras que otros celebran la inclusión como un signo de diversidad y alcance global.

La liga, que busca conquistar nuevas audiencias, apostó por el artista más escuchado en el mundo, lo que ha generado expectativas y resistencias a partes iguales. Así, cada aparición del intérprete de "Tití Me Preguntó" se analiza bajo la lupa, reforzando su papel como figura disruptiva en la cultura pop internacional.

‘Chespirito’, entre la nostalgia y la polémica

La elección de El Chavo del 8 como sketch en SNL también ocurre en un momento donde el legado de Roberto Gómez Bolaños se encuentra en el ojo del huracán. La reciente serie Chespirito: Sin querer queriendo, estrenada en HBO Max, ha sido criticada por Florinda Meza, quien la calificó de “vulgar” y “llena de mentiras”.

Esta producción reavivó viejos debates sobre la vida personal del comediante y las tensiones con actores como Carlos Villagrán, precisamente el original “Quico”.

Que Bad Bunny dé vida a ese mismo personaje en uno de los escenarios más influyentes de la televisión estadounidense refuerza el impacto que aún tiene la creación de Chespirito más allá de México.

Más allá de las opiniones encontradas, lo cierto es que la interpretación de Bad Bunny como “Quico” confirma su habilidad para sorprender y mantenerse en el centro de la conversación cultural. Lo mismo provoca aplausos que críticas, pero difícilmente deja a alguien indiferente.

En medio de la expectativa por su actuación en el Super Bowl, este sketch en SNL fue una jugada estratégica que, entre humor y nostalgia, volvió a ponerlo en boca de todos.

“Al final de la séptima temporada, sentí que ya no podía seguir”, confesó el actor Andy Samberg, sobre uno de los momentos más intensos y transformadores de su carrera, durante una reciente entrevista en el podcast Conan O’Brien Needs A Friend.

El recorrido del comediante estadounidense se caracterizó por la capacidad de anticiparse a las tendencias digitales, soportar la presión de la producción semanal y colaborar con figuras clave del humor internacional. En la charla con su colega Conan O’Brien, ofreció una visión precisa sobre la evolución del humor y su función como protagonista del cambio.

Una nueva era para la comedia digital

“Fue una ola de prensa, pero no sobre nosotros, sino sobre la llegada del video en streaming”, recordó Samberg al hablar del fenómeno viral posterior a la emisión de “Lazy Sunday”, uno de los cortos digitales producidos junto a The Lonely Island en Saturday Night Live (SNL).

Reconocido por su habilidad para conectar con nuevas audiencias, el artista relató cómo el grupo que conformó junto a Jorma Taccone y Akiva Schaffer se mudó desde Berkeley (California) a Los Ángeles a comienzos de los años 2000, decidido a buscar oportunidades en la emergente comedia digital. Sobre esto, explicó: “La tecnología y el momento hicieron posible que nuestro trabajo llegara a una audiencia global”.

En ese entonces, internet todavía no ofrecía facilidades de distribución. Sin embargo, la creatividad de The Lonely Island encontró su canal en SNL. Los cortos “Lazy Sunday”, “I’m on a Boat” y “Dick in a Box” no solo se viralizaron, sino que marcaron el inicio de una nueva era para el humor audiovisual.

Según el propio Samberg, se enteró de la existencia de YouTube al día siguiente de la emisión de uno de estos sketches. El video circulaba por la red a una velocidad insólita y O’Brien recordó que fue la primera vez que escuchó la expresión ‘se volvió viral’ aplicada a una escena de comedia.

Presión, desgaste y creatividad

La exposición masiva y la relevancia no estuvieron exentas de consecuencias. Producir cortos digitales para SNL cada semana supuso una exigencia poco habitual en la televisión de la época. “Los primeros años fueron de puro entusiasmo y creatividad”, recordó el entrevistado.

Aunque también admitió que el ritmo acelerado y el desgaste físico y creativo se intensificaron al pasar las temporadas, sobre todo cuando sus compañeros empezaron a enfocarse en otros proyectos. Con respecto a ello, reflexionó: “Cuando sientes que no puedes más, es cuando descubres si esto te apasiona verdaderamente”.

A pesar de la presión, el comediante valora su experiencia como formativa. La oportunidad de colaborar con figuras como Justin Timberlake fue otro de los regalos que SNL le brindó, permitiéndole sumar talento musical a los sketches más recordados del grupo. “Es una bendición cuando se cruzan personas con la misma curiosidad y sentido del humor”, afirmó.

Brooklyn Nine-Nine y el arte de la agilidad televisiva

El legado de Samberg tomó nuevo impulso con Brooklyn Nine-Nine, serie en la que trasladó la versatilidad y el control creativo de sus cortos a un formato más tradicional. “Lo que más me enorgullece de Brooklyn es que vuela, realmente avanza sin pausa”, aseguró.

En sus palabras, la edición y la libertad para descartar chistes que no funcionaban ayudaron a moldear la identidad dinámica del programa. Tanto Conan O’Brien como Andy Samberg coincidieron en que la velocidad y precisión en la comedia televisiva son herencia directa de referentes históricos como Monty Python o Mel Brooks.

Durante las primeras temporadas, el equipo producía más de 20 episodios por ciclo, una práctica que permitía que las ideas cobraran vida rápidamente y mantuvieran la frescura del humor. “La dinámica rápida es fundamental en mi estilo”, enfatizó el actor.

Salto a la animación y el cine internacional

En la actualidad, el humorista experimenta nuevos formatos con la serie animada Digman, emitida por Comedy Central. Allí interpreta a un arqueólogo estrella en un universo que parodia los clichés del género de aventuras. El proyecto, escrito junto a Neil Campbell, juega con los tópicos del arqueólogo-celebridad, al tiempo que permite explorar la animación desde una mirada humorística.

Al mismo tiempo, Samberg incursiona en el cine internacional con “The Roses”, película dirigida por Jay Roach y escrita por Tony McNamara, donde actúa junto a Benedict Cumberbatch, Olivia Colman, Kate McKinnon y Allison Janney. Aunque reconoció que compartir pantalla con actores de ese calibre puede impresionar, destacó que su paso por SNL le enseñó a verlos como colegas y a disfrutar la creación colectiva.

Referentes y visión a futuro

Durante la entrevista, Samberg también reconoció a Adam Sandler y Jim Carrey como figuras clave en su decisión de dedicarse a la comedia. “Cuando encuentras a otros que comparten esa visión y la canalizan en humor, se siente como un regalo”, expresó.

Por su parte, O’Brien remarcó la capacidad de Samberg para mantener el entusiasmo y la originalidad, incluso bajo presión, y ambos coincidieron en que la diversión y la honestidad son elementos esenciales para el éxito humorístico.

Al cierre del episodio, Andy Samberg mostró una visión optimista tanto de su momento actual como del estado de la comedia. “Cada nuevo proyecto representa la oportunidad de seguir disfrutando de un sueño hecho realidad”, sentenció, dejando en claro su propósito en el entretenimiento.

“Al principio me costaba disfrutar ser el protagonista. Pero entendí que el público quiere ver a alguien seguro de sí mismo, no a alguien que duda si merece estar ahí”, confesó Seth Meyers en su charla con Dax Shepard para el podcast Armchair Expert. Con su frase reflejó el tono honesto de la entrevista, en la que el presentador estadounidense abrió las puertas de su vida privada y profesional.

Consolidado como sinónimo de la comedia nocturna en Estados Unidos, su camino no estuvo libre de barreras. En el reciente intercambio para el programa, recordó sus primeros pasos con el humor en Northwestern, donde fue rechazado varias veces por el grupo de improvisación universitaria. “Audicioné tres años para el grupo de improvisación y no quedé. Eso me impulsó a buscar otras oportunidades en Chicago”, relató Meyers.

Esa búsqueda constante lo llevó a Saturday Night Live (SNL), donde enfrentó un entorno ferozmente competitivo y la presión interna de demostrar que merecía pertenecer al elenco. Con respecto a esto, confesó: “En SNL, el nivel de exigencia es altísimo. Al principio, sentía que debía probar que merecía estar ahí”.

La adaptación en SNL le permitió descubrir el valor del respaldo de sus compañeros. “Cuando lo piensas bien, todos estaban empujando para que me fuera bien. Era el viento a favor, no en contra”, señaló, mostrando su lado más reflexivo.

Asimismo, el verdadero desafío surgió al hacerse cargo de Late Night, donde el foco se concentró completamente en su figura. Aprender a disfrutar este protagonismo y proyectar confianza fue clave para consolidar su estilo como conductor.

Peso de la fama con el “síndrome del impostor”

A pesar del reconocimiento obtenido, Seth Meyers confesó que el síndrome del impostor (sensación persistente de no merecer el éxito) sigue presente. “Hago estos especiales de stand-up para probar algo que nadie me pidió que probara: que también puedo hacer stand-up, porque siento que la gente no me ve así”, afirmó.

Una de sus anécdotas con Shimon Peres, expresidente israelí y Nobel de la Paz, reflejó su particular visión de la fama. El presentador contó que investigó a Peres antes de una reunión, solo para darse cuenta de que el mandatario también había consultado su propia página de Wikipedia.

Situaciones como estas, según Meyers, ponen en perspectiva los alcances reales del reconocimiento y muestran la dimensión humana detrás de las celebridades. En su especial “Dad, Man, Walking”, prefiere reírse de sus defectos y mostrar la “paternidad imperfecta” que vive lejos del foco de las cámaras.

Amistad y cooperación en la industria

Según la perspectiva del también actor estadounidense, la industria del entretenimiento dejó atrás la competencia feroz entre los late night para dar paso a la cooperación y la camaradería. Durante la huelga de guionistas, creó junto a Jimmy Kimmel, Jimmy Fallon, Stephen Colbert y John Oliver el pódcast Strike Force Five, que consolidó la hermandad entre presentadores.

“Antes, las guerras de late night eran noticia. Ahora, hay más respeto y camaradería. Sabemos lo difícil que es este trabajo”, reconoció. Considera que mantener estos espacios de encuentro es esencial para afrontar la intensidad del oficio y cultivar amistades auténticas.

Familia y convivencia intergeneracional

En la conversación, Meyers no dudó en mostrarse vulnerable sobre su vida familiar y la influencia de su padre: “La relación con mi padre fue clave. Él siempre fue muy afectuoso, pero también exigente. Me empujaba a ser la mejor versión de mí mismo”. Dicha exigencia contribuyó a enseñarle el valor del esfuerzo y el uso del talento, aunque a veces fuera motivo de tensión.

Su entorno familiar es particular y fuente permanente de relatos. Describió a su suegro Tom como “un aventurero incansable, constructor autodidacta y narrador de historias”, y destacó el papel de su cuñado Tolya, adoptado de Rusia, como el tío atlético y carismático que genera admiración.

“Vivir al lado de mis suegros fue predestinado. Desde que conocí a Alexi, ambos sabíamos lo que aportaba cada familia”, comentó. Para sus hijos, esta diversidad generacional fue sinónimo de aprendizaje y compañía constante.

Por otra parte, la crianza bajo el ojo público impone ciertos límites, sobre todo a la hora de compartir historias familiares en sus monólogos o especiales de comedia. “Cuando hago stand-up, me doy libertad para hablar de todo, pero cuando se trata de grabar un especial, pienso mucho en el impacto que puede tener en mis hijos”, confesó.

Humor cotidiano y desafíos de la paternidad

La vida diaria de Seth Meyers nutre buena parte de su humor, tanto en sus programas como en la intimidad. Relató con humor las diferencias en la educación de sus hijos cuando su padre, de temperamento fuerte, los visita. “Intento no gritar en casa, pero cuando mi padre está, los niños experimentan otra forma de autoridad. Creo que es bueno que vean diferentes estilos”, compartió.

Mientras que la convivencia con la familia política ofrece relatos de viajes interminables con historias de Tom y travesuras de Tolya, “el tío que todos quieren tener”. A su vez, reconoció la dificultad de controlar el lenguaje grosero y cómo la verdadera preocupación es lo que los niños repiten en la escuela, más que en casa.

Futuro de la televisión nocturna

Seth Meyers observó que la fatiga política es un fenómeno real tanto para la audiencia como para creadores, especialmente tras la elección presidencial de 2016. “Después de la elección, sentí un verdadero agotamiento. No podíamos hacer el mismo tipo de programa, así que decidimos buscar la alegría en el trabajo y proyectarla”, señaló.

Ahora, se muestra pragmático sobre el destino de la televisión nocturna. “Ya no temo no ser lo suficientemente bueno, ahora me preocupa que el ecosistema deje de sostener este formato. Pero al menos sé que construí una trayectoria de la que me siento orgulloso”, concluyó en la entrevista.

Pete Davidson, famoso por su participación en la comedia y la televisión estadounidense, y Elsie Hewitt, modelo y actriz británica, atraviesan una etapa de transformación personal tras confirmarse que esperan su primer hijo.

La noticia del embarazo, que fue validada por una fuente cercana a la pareja a People, generó repercusiones en medios y redes sociales, alimentando la curiosidad del público por los detalles de esta nueva etapa en sus vidas.

Si bien el portal TMZ fue el primero en publicar la novedad, la confirmación llegó a través del entorno íntimo del comediante y la modelo. De todas maneras, los representantes oficiales de Davidson y Hewitt han optado por no realizar comentarios públicos, lo que ha acentuado el interés y la discreción en torno al tema.

De un romance discreto a la convivencia

El vínculo entre Davidson y Hewitt se hizo visible en marzo, cuando fueron fotografiados juntos en Palm Beach, Florida. Aquellas imágenes jugando y paseando por la playa marcaron el principio de la historia de la pareja ante la opinión pública.

Sin buscar la exposición, ambos mantuvieron su rutina diaria alejada de la prensa, evitando hacer declaraciones abiertas sobre su relación. De todas maneras, la intimidad y confianza entre ellos quedó demostrada cuando, poco después, tomaron la decisión de mudarse juntos a Nueva York, apostando por una convivencia que reforzó el crecimiento del noviazgo.

En su nueva etapa en Nueva York, la pareja alterna el tiempo entre la casa de Davidson en el norte del estado y una vivienda alquilada en Brooklyn. Esta dinámica les permite combinar lo mejor de la vida urbana con la tranquilidad de ambientes más privados, alejándose así de los focos de la prensa.

Aunque conservan la reserva en su vida cotidiana, Hewitt ha compartido ocasionalmente postales familiares en redes sociales. Fotografías recientes en bote y durante el 4 de julio han permitido ver a la pareja relajada y auténtica, reforzando la imagen de complicidad y cercanía entre ambos.

En sus trayectorias personales, Davidson y Hewitt han tenido parejas reconocidas dentro del mundo del espectáculo. Davidson mantuvo una relación con la actriz Madelyn Cline antes de iniciar su romance actual, mientras que Hewitt había sido vinculada sentimentalmente con Jason Sudeikis, según publicaron medios como Page Six.

A pesar de las experiencias pasadas bajo la atención mediática, esta vez eligieron proteger la intimidad de la relación y mostrar solo ciertos aspectos elegidos de su nueva vida en común.

El deseo de paternidad de Davidson

El anuncio del embarazo coincide con el deseo de ser padre que Davidson expresó en 2022 durante una entrevista con Kevin Hart para el programa Hart to Heart. En aquella ocasión, el comediante declaró: “Lo que más me gusta de mi vida, y que aún no he conseguido, es tener un hijo”, según recordó People.

Davidson aseguró que este era su sueño por cumplir y confesó estar preparándose tanto personal como emocionalmente para ese momento. El hecho de que la noticia vea la luz ahora otorga un nuevo significado a las palabras del actor y confirma que se encuentra al inicio de una etapa largamente esperada.

Actualmente, la pareja disfruta de la convivencia y se prepara para el nacimiento de su hijo, priorizando la estabilidad y la privacidad en un entorno que combina la vida metropolitana y los espacios íntimos en Nueva York. A fin de cuentas, este embarazo representa mucho más que una noticia sentimental; es el punto de partida de una experiencia transformadora para Davidson y Hewitt.

Abby Elliott, conocida por su papel en la serie El Oso, ha experimentado un cambio notable en la forma en que el público la percibe.

Según The Wall Street Journal, la actriz ha notado que el personal de los restaurantes la reconoce con frecuencia, especialmente tras el éxito de la serie. “Cuando salimos a comer hace poco, cinco camareros me guiñaron el ojo y asintieron. Sus expresiones lo decían todo: ‘Sabes perfectamente por lo que estamos pasando’”, compartió Elliott. Su interpretación ha generado una conexión especial con quienes trabajan en el sector gastronómico.

Una herencia cómica marcada por tres generaciones

La carrera de Abby Elliott se inserta en una tradición familiar ligada a la comedia. Su padre, Chris Elliott, alcanzó notoriedad con la serie Get a Life en 1991. Abby recuerda con nitidez visitar el set de grabación a los cuatro años. “Me cautivaron las luces del escenario y la risa de todos con su actuación”, declaró al Wall Street Journal. Lo que más le sorprendía era ver cómo otros disfrutaban de las actividades divertidas que su padre realizaba en casa.

Su abuelo, Bob Elliott, fue parte del dúo cómico Bob y Ray, pionero de la improvisación desde los años cuarenta. Durante los veranos que pasaba en su casa de Harpswell, Maine, Abby notaba cómo su ingenio era tan sutil que era difícil saber cuándo hablaba en serio. “Era genial”, recordó.

Por su parte, Paula Niedert Elliott, madre de Abby, trabajó en la producción de Late Night With David Letterman entre 1982 y 1988. Allí conoció a Chris Elliott. Pese a este entorno, los padres de Abby no fomentaron que sus hijas siguieran una carrera artística. “Nos desaconsejaron. Eran ilusiones”, explicó.

Formación en improvisación y llegada a “Saturday Night Live”

Instalada en Los Ángeles, Abby se incorporó a los grupos de improvisación Groundlings y Upright Citizens Brigade, dos semilleros de talentos en la comedia estadounidense. En 2008, a los 21 años, fue seleccionada para el elenco de Saturday Night Live (SNL). Permaneció cinco temporadas en el programa.

Sobre su salida, declaró que primero solicitó marcharse, pero luego quiso regresar. La decisión final fue de Lorne Michaels, productor del programa, quien no aceptó su reincorporación. “Básicamente, me despidieron antes de que me volvieran a contratar. Él vio que triunfaría en otro sitio”, relató.

El papel que cambió su carrera: “The Bear”

El siguiente gran paso en su carrera llegó con The Bear, serie de Hulu que ha sido ampliamente elogiada. Elliott consiguió el papel tras audiciones por videollamada durante la pandemia de COVID-19. “Tras dos Zooms más, conseguí el papel. El teatro era nuevo para mí y emocionante”, dijo al Wall Street Journal.

La serie ha tenido un impacto tangible en su vida diaria. El reconocimiento por parte del personal de restaurantes refleja cómo la ficción ha conectado con una audiencia que vive realidades similares a las que muestra la trama.

Vida en familia y proyectos personales

En la actualidad, Abby Elliott reside en el Valle de San Fernando, California, junto a su esposo, el guionista Bill Kennedy, y sus dos hijos. Se mudaron a su casa actual en 2021. “¿Tu lugar favorito en casa? En el patio, con una copa de vino, viendo jugar a los niños”, contó.

En 2018, Abby participó en Clara’s Ghost, película escrita y dirigida por su hermana Bridey Elliott, donde actuaron sus padres y el actor Haley Joel Osment. Abby elogió el talento dramático de su madre, quien sorprendió con su actuación.

La película también permitió a Chris Elliott revivir su estilo cómico. “Cabin Boy es su favorita. Es papá siendo gracioso y divirtiéndose con su papá”, comentó.

La comedia ha sido un eje central en la vida de la familia Elliott. Un consejo que Abby recibió de su padre resume esta influencia: “Si algo no es divertido, no tienes que hacerlo”. Esta máxima ha guiado su trayectoria en una industria en constante evolución. Desde sus primeras experiencias frente a una cámara hasta su consolidación en The Bear, Abby Elliott ha sabido construir una carrera personal, sin dejar de honrar el legado familiar.

“He hecho muchas cosas que amé, algunas populares y otras no”, confesó el actor y comediante canadiense Martin Short, en una entrevista para el podcast Conan O’Brien Needs A Friend. A sus 75 años es considerado un referente del entretenimiento norteamericano, destacado por su versatilidad escénica y su trayectoria en programas emblemáticos como SCTV y Saturday Night Live.

Recientemente protagonizó un encuentro memorable junto al humorista Conan O’Brien en los estudios de la emisora SiriusXM, para grabar el episodio del programa. Esta conversación ofreció una mirada íntima al proceso creativo detrás de la comedia televisiva, así como al fenómeno de Only Murders in the Building, la serie que renovó el reconocimiento público hacia el artista.

Una amistad forjada en admiración y humor

Desde el inicio, O’Brien manifestó el respeto que siente por Short. “Pensé que nada podía ser tan gracioso. Fue un momento Oppenheimer para mí, un nuevo nivel de comedia”, confesó al recordar sus primeras impresiones al verlo en televisión durante su adolescencia.

Esta admiración mutua dio paso a una conversación cargada de bromas y recuerdos compartidos. Además, la complicidad entre ambos se hizo evidente al rememorar sus experiencias en Saturday Night Live (SNL), donde Short integró el exclusivo “Five Timers Club” y O’Brien comenzó como guionista.

“Siempre pensé que la mejor comedia surge cuando haces reír a tus amigos y a ti mismo, y luego el público se suma”, reflexionó el presentador del programa. Con el tiempo, su vínculo profesional evolucionó hacia una amistad cercana, que ambos valoran como parte fundamental de sus trayectorias.

Trayectoria y método: el arte de la preparación en la comedia

La carrera de Short abarca décadas en la televisión, el cine y el teatro, quien repasó momentos clave desde sus inicios en la serie SCTV (Second City Television) junto a figuras como Eugene Levy, Dave Thomas y Andrea Martin, hasta sus reconocidas colaboraciones con Steve Martin. En cada etapa, destacó la relevancia del trabajo colectivo y la confianza entre colegas.

Durante sus años en SCTV, escribían y grababan sin audiencia durante semanas, guiándose por el instinto y el respaldo mutuo. Sobre esta metodología de trabajo, afirmó: “Preparé tanto que, pase lo que pase, puedo irme a casa sabiendo que hice todo lo posible”.

“Only Murders in the Building”: éxito, ambiente y expectativas

El fenómeno de Only Murders in the Building, serie que protagoniza junto a Steve Martin y Selena Gomez, ocupó un lugar central en la conversación. El experimentado intérprete describió el ambiente en el set como uno de los más colaborativos y gratos de su carrera.

“La serie tiene la reputación de ser el set más divertido de la industria, y muchos de los grandes nombres que hemos atraído como invitados lo han hecho por esa razón”, explicó. La producción, que acaba de finalizar la grabación de su quinta temporada, contó con la participación de figuras como Meryl Streep, Renée Zellweger y Dianne Wiest.

Short relató que, en una ocasión, se encontró rodeado de varios ganadores del premio Oscar en la sala de espera y que incluso llegó a contar los galardones presentes.

Consultado sobre posibles futuros invitados, mencionó su interés en colaborar con Ryan Reynolds, aunque reconoció que su lista de talentos admirados es extensa. Para el entrevistado, más allá de los nombres, el verdadero valor del proyecto radica en trabajar en un entorno creativo y estimulante.

Reflexiones sobre el trabajo, la fama y la experiencia

La conversación también abordó temas más personales como el éxito profesional y la relación con la fama. Allí compartió su perspectiva sobre la longevidad en el medio, indicando que participó en proyectos que amó realizar; independientemente de la popularidad alcanzada, el aprendizaje fue siempre lo más importante. “He hecho muchas cosas que amé, algunas populares y otras no, pero el valor está en la experiencia”, afirmó.

O’Brien recordó sus comienzos como conductor sin ninguna experiencia frente a cámara. Debido a esto, mencionó: “Cuando llega tu momento, puede que no estés listo, pero tienes que tomarlo y descubrir cómo hacerlo en el camino”.

Ambos coincidieron en que la pasión y la constancia son fundamentales para mantenerse en una industria exigente. Short señaló que incluso tras décadas de carrera todavía experimenta nervios antes de trabajar con figuras como Meryl Streep, lo que interpreta como una muestra de respeto y compromiso con su oficio.

El impacto en el público: historias de admiración y gratitud

Durante la grabación en vivo, el público participó con preguntas y testimonios. Una asistente relató cómo, siendo adolescente, asistió a una grabación de Late Night, y cómo ese recuerdo la acompañó desde entonces, valorando el impacto de Short en aquella experiencia.

La influencia de ambos actores trascendió generaciones y por ello agradecieron el respaldo constante del público, enfatizando sobre la importancia de mantenerse conectado con la audiencia. Consultado sobre cómo afrontar los desafíos profesionales, O’Brien aconsejó seguir la intuición personal: “Si puedes poner un techo sobre tu cabeza y comprar un sándwich, sigue adelante si eso es lo que amas”.

La sesión concluyó con una reflexión de Martin Short sobre la vocación artística y la importancia de disfrutar el proceso. “Lo único que puedes controlar es la experiencia de hacerlo, y si no es divertida, entonces es mejor dejarlo”, afirmó.

Más allá de un diálogo sobre comedia, el encuentro fue una celebración del oficio, la originalidad y la dedicación. Una conversación marcada por la honestidad, que buscó dejarle a la audiencia una mirada inspiradora sobre la resiliencia en la industria del entretenimiento.

La pareja de Taylor Swift, el jugador de fútbol americano Travis Kelce, lleva años adentrándose en el mundo de la actuación. Pese a tratarse de una de las estrellas deportivas más famosas de Estados Unidos y de figurar como uno de los jugadores clave de los Kansas City Chiefs, con quienes ha ganado tres veces la Super Bowl en los últimos seis años, lo cierto es que cada vez es más habitual verle frente a las cámaras.

Es así, de hecho, como el famoso futbolista ha reconocido que, a pesar de lo exigente que puede llegar a ser el mundo del deporte, su momento más complicado ha sido en un plató de televisión. Concretamente, ha confesado Kelse, la situación más desafiante que ha encontrado en esta nueva aventura ha sido en el programa Saturday Night Live, donde en 2023 tuvo que realizar, antes de la grabación, lo que se conoce como una lectura de mesa: un ensayo con el resto de actores y directores del guion en voz alta.

Una situación complicada “para alguien que no sabe leer muy bien”

Según explica el propio jugador de fútbol americano en una entrevista del pódcast Bussin’ with the Boys, “las salas de guionistas siempre han sido divertidas porque simplemente recibes ideas y propuestas”, pero el desafío real llegó al tener que enfrentar esa lectura grupal. “La lectura en mesa, para alguien que no sabe leer muy bien, puede ser una situación un poco complicada”, confiesa en la conversación el atleta, dejando ver que, pese a la presión que afronta en su actual profesión, leer en voz alta se le hizo cuesta arriba.

“Sentí que solo intentaba superar la lectura en lugar de actuarla”, sigue explicando Kelce en el pódcast. “Solo estaba concentrado en: ‘¡No te saltes una línea!’“. Los nervios, así, fueron a más después de darse cuenta de que su función allí no era simplemente recitar lo que aparecía en el papel, sino ofrecer una actuación consistente. Algo que hizo que la lectura de mesa acabara siendo ”la parte más difícil" de su experiencia en Saturday Night Live.

De hecho, Kelce ha asegurado que quizá por eso prefiere otros registros del famoso show, como la improvisación o la comedia, donde se ha sentido mucho más a gusto. En esa línea, explica en la entrevista que “las cosas tontas, las cosas divertidas, la comedia, simplemente me hace sentir mucho más cómodo”. Frente al rigor de tener que ceñirse a un guion, soltarse y tratar de hacer reír, con su soltura natural, es algo que se le da mucho mejor.

Aún así, la exigencia del trabajo en el que se ha introducido lo ha llevado a buscar un equilibrio entre el disfrute y el profesionalismo. “Aún sentía que tenía que ser profesional aquí. Quiero aprovechar esto, pero quiero divertirme haciéndolo, pero no quiero parecer un fracasado. Quiero que respeten mi enfoque y que me lo tome en serio. Pero ha sido una montaña rusa de diversión”.

Los próximos proyectos del deportista en el mundo de la actuación

Durante su debut como anfitrión invitado en el célebre programa nocturno de NBC, Kelce no dudó en reírse de sí mismo. Durante el monólogo, se permitió aludir a su pasado en realities, aportando una dosis de autocrítica al espectáculo. Además, su hermano, Jason Kelce, realizó una aparición especial en uno de los sketches, consolidando el tono familiar e irreverente que buscó el episodio. La relación de Kelce con el programa no terminó allí.

Ese mismo año la estrella de la NFL realizó un cameo sorpresa al participar en una parodia de la liga, en la que se satirizaba la amplia cobertura mediática sobre Taylor Swift y su presencia en los partidos de los Chiefs. El sketch, una referencia a la expectación generada por la figura de la artista y su vínculo con el equipo, sumó otro momento de humor a la relación de Kelce con el programa.

SIn embargo, esto ha sido solo el principio. Tras el Saturday Night Live, el jugador de los Kansas City Chiefs ha realizado un cameo junto a Adam Sandler en Terminagolf 2 -la cual se estrenará a finales de este mes de julio en Netflix- y ha asumido un papel principal en la serie Grotesquerie de FX.

La transición de Kelce de los estadios a los estudios televisivos y de cine evidencia tanto las oportunidades como los desafíos que afrontan los deportistas al adentrarse en el ámbito artístico. Mientras tanto, el impacto del deportista en la cultura popular estadounidense sigue en aumento, gracias a su relación con Taylor Swift y también a su versatilidad y su capacidad de conectar con diferentes audiencias, desde los fanáticos del fútbol americano hasta los televidentes habituales del entretenimiento nocturno.

La industria del entretenimiento global tiene grandes exponentes en cuanto a comedia, entre ellos destacan David Spade y Conan O’Brien. Ambos artistas compartieron recuerdos y anécdotas en una conversación emitida por el podcast Conan O’Brien Needs A Friend, donde abordaron desde sus inicios en la industria hasta sus vivencias junto a figuras icónicas como Chris Farley y Norm Macdonald.

O’Brien, quien fue guionista en Saturday Night Live (SNL) durante los años 90, recordó cómo presenció la audición de Spade para el programa, un momento inusual en el que Lorne Michaels, creador y productor de SNL, pidió que se observara a los nuevos talentos.

“Recuerdo que al final hiciste tu imitación de Michael J. Fox y fue un éxito total. Lorne dijo: ‘Me gusta el chico de Michael J. Fox’”, relató el presentador del podcast.

Por su parte, Spade admitió que la llegada a SNL fue abrumadora, y que el entorno competitivo lo llevó a desarrollar una actitud sarcástica como mecanismo de defensa. “Era como estar en un lugar donde todos eran mejores que yo, y solo trataba de sobrevivir”, aseguró.

Inicios en SNL y el ambiente competitivo

El comediante explicó que sus primeros años en el show de SNL fueron complejos, debido a la dificultad de destacar en un elenco que incluía a talentos emergentes como Adam Sandler, Chris Farley, Chris Rock y Rob Schneider.

A propósito de la comparación con colegas, expresó: “Sandler despegó muy rápido, tenía muchos personajes y todo sucedía a gran velocidad. Yo solo era un comediante que podía escribir cosas graciosas, pero me tomó tiempo encontrar mi lugar”.

Spade también detalló que cada año debía esperar confirmación sobre su permanencia en el programa, lo que generaba incertidumbre y ansiedad. “Durante 6 años, cada temporada era una incógnita. No sabía si podría quedarme con mi apartamento en Nueva York”, recordó.

Desde el exterior se pensaba que los miembros de SNL eran celebridades consolidadas, pero la realidad era mucho más inestable. Sobre esto, O’Brien remarcó: “La gente ve a alguien en SNL y piensa que ya lo logró, pero por dentro uno siente que todo puede terminar en cualquier momento”.

Amistad y legado con Chris Farley

Uno de los momentos más emotivos de la charla se centró en Chris Farley, compañero cercano de Spade y figura clave en la historia del programa. O’Brien recordó la primera vez que lo vio, describiéndolo como “un cachorro lleno de energía”. La química entre Farley y Spade, según este último, surgió de forma natural y fue reconocida tanto por el equipo creativo como por el público.

“Creo que fue Lorne (Michaels) o los guionistas quienes vieron que teníamos algo especial juntos. Yo me burlaba de Chris, él se reía y así nació la dinámica”, relató el entrevistado. Ambos protagonizaron películas como Tommy Boy y Black Sheep, convertidas en referentes de la comedia estadounidense.

La muerte de Farley dejó una marca profunda en su entorno. Spade recordó que Farley no quería ser recordado como “el gordo gracioso”, sino como “el gracioso gordo”, una diferencia que reflejaba su deseo de que se valorara su talento más allá del aspecto físico. O’Brien destacó su entrega física en el escenario y lo comparó con John Belushi por su energía y capacidad atlética.

Valor de la camaradería y el humor en el espectáculo

Durante el episodio, ambos reflexionaron sobre la importancia de la amistad y el apoyo mutuo en la industria del entretenimiento. O’Brien comentó que los funerales y homenajes a comediantes se transforman en espacios donde sus colegas intentan destacar con su humor. “Es un fenómeno extraño: cuando un comediante muere, sus amigos, que también son comediantes, sienten la presión de ser los más divertidos en el homenaje”, indicó.

Spade coincidió en que esos eventos, aunque tristes, también permiten recordar la alegría que sus compañeros aportaron. Sobre esto, mencionó: “A veces, cuando la tristeza es demasiada, simplemente salgo a despejarme”.

Durante la conversación también se mencionaron otros momentos destacados y colegas como Norm Macdonald, Dana Carvey, John Lovitz y Nikki Glaser, así como anécdotas sobre la vida cotidiana y referencias a la cultura pop estadounidense.

Actualidad y reconocimiento profesional

El capítulo concluyó con una mención a Dandy Line, el especial de David Spade disponible en Prime Video. O’Brien elogió el espectáculo, destacando su capacidad para improvisar y encontrar humor en situaciones espontáneas. Debido a esto, expresó: “Eres un comediante muy divertido, pero lo que más me gusta es cuando improvisas sobre algo que ocurre en el momento. Eres uno de mis favoritos en eso”.

Spade agradeció el comentario y compartió que, en sus presentaciones en vivo, los momentos improvisados suelen generar una mejor respuesta. “Siempre funciona mejor lo que surge en el momento, la gente lo aprecia más”, señaló.

La charla compartida por el podcast Conan O’Brien Needs A Friend, ofreció así un retrato personal de dos figuras clave en la comedia estadounidense, subrayando la relevancia de la memoria, el humor y los lazos que persisten más allá del escenario.

Las películas buddy cop (o buddy cop films en inglés) son un subgénero del cine de acción, comedia y crimen que gira en torno a una pareja de policías (o figuras similares de la ley) con personalidades opuestas que, a pesar de sus diferencias, deben trabajar juntas para resolver un caso o enfrentar una amenaza

Según Far Out, este primer papel en la pantalla grande fue el punto de partida de una trayectoria que lo convertiría en uno de los actores más influyentes y taquilleros de su generación.

De los escenarios de stand-up a la televisión nacional

Antes de conquistar Hollywood, Murphy ya era un nombre conocido en el circuito de la comedia estadounidense. Su talento para el stand-up lo llevó a formar parte de Saturday Night Live (SNL), el emblemático programa de sketches de la televisión estadounidense. De acuerdo con Far Out, Murphy revitalizó SNL durante uno de sus periodos más difíciles, y él mismo describió su audición para el programa como “la única que tuvo”.

Esta etapa en la televisión fue clave para consolidar su popularidad y abrirle las puertas al cine, aunque el salto de SNL a la gran pantalla no siempre resulta exitoso para todos los comediantes.

El salto al cine: la intervención de Hildy Gottlieb y Walter Hill

El inicio de la carrera cinematográfica de Murphy estuvo marcado por una combinación de talento y oportunidad. Walter Hill, conocido por dirigir The Warriors (1979) y por su participación en la saga “Alien”, fue el primer director que apostó por Murphy para el cine.

Hill mantenía una relación con la agente de talentos Hildy Gottlieb, quien representaba a Murphy en ese momento. Gottlieb recomendó a su cliente para el nuevo proyecto de Hill, una película de policías titulada 48 Horas. La recomendación fue decisiva: Hill aceptó y así comenzó la carrera de Murphy en el séptimo arte.

“48 Horas”: argumento y el papel de Reggie Hammond

Estrenada en 1982 y ambientada en San Francisco, 48 Horas narra la historia del policía Jack Cates, interpretado por Nick Nolte, quien persigue al criminal Albert Ganz, encarnado por James Remar, tras el asesinato de dos agentes en un tiroteo en un hotel. En este contexto aparece Reggie Hammond, el personaje de Murphy, un ex socio de Ganz que cumple condena en prisión.

Cates recurre a Hammond para que lo ayude a localizar a su antiguo compañero, lo que da pie a una serie de situaciones inesperadas y divertidas entre los dos protagonistas. Far Out subraya que, aunque la trama pueda parecer convencional, 48 Horas fue en realidad una de las primeras películas buddy cop jamás realizadas, sentando las bases para títulos posteriores como “Bad Boys”, Una pareja explosiva (1998) y Arma mortal (1987).

Éxito de taquilla, recepción crítica e influencia en el género

El estreno de 48 Horas fue recibido con entusiasmo tanto por el público como por la crítica. La película obtuvo una destacada recaudación en taquilla y fue elogiada por su guion y la química entre Murphy y Nolte.

El éxito de la cinta demostró que la fórmula de la pareja dispareja de policías funcionaba, lo que impulsó la creación de numerosas películas similares en las décadas siguientes.

Secuela y consolidación de la carrera de Murphy

El impacto de 48 Horas fue tal que, ocho años después, Murphy y Nolte volvieron a reunirse en 48 Horas: la segunda vuelta, estrenada en 1990. Aunque la secuela no logró convencer a la crítica, su desempeño comercial fue notable.

Far Out señala que, para entonces, Murphy ya había consolidado su nombre en la industria, lo que contribuyó al éxito financiero de la película. Este segundo filme reafirmó la popularidad de Murphy y su capacidad para atraer al público a las salas de cine.

Éxitos posteriores y cifras de recaudación

Tras su debut, Murphy protagonizó una serie de éxitos que lo posicionaron como uno de los actores más rentables de Hollywood. Recibió una nominación al Óscar y ganó el Globo de Oro al Mejor Actor de Reparto por su papel en Soñadoras (2006). De acuerdo con Fox Business, citado por Far Out, la película más taquillera de Murphy es Shrek 2 (2004), que recaudó más de 441 millones de dólares en Estados Unidos.

El sitio The Numbers eleva la cifra a cerca de mil millones de dólares a nivel mundial. Con la próxima llegada de Shrek 5, la expectativa por nuevos récords de recaudación para la voz de Burro sigue creciendo.

A diferencia de la mayoría de los actores, que suelen iniciar sus carreras en producciones de bajo perfil, Murphy debutó en un clásico del género y su ascenso en la industria cinematográfica no se detuvo. Su trayectoria, iniciada con 48 Horas, continúa vigente y en constante evolución, con nuevos proyectos que mantienen el interés del público y la crítica.

Jimmy Fallon, el conductor de The Tonight Show y exestrella de Saturday Night Live (SNL) forjó una trayectoria dedicada a hacer reír a millones, aunque detrás de su imagen pública se esconde una historia marcada por la presión, vulnerabilidad y los efectos de la fama sobre su salud mental.

“Jamás imaginé que la industria del entretenimiento sería tan brutal. El odio fue algo para lo que no estaba preparado”, confesó Fallon al inicio de la conversación con Steven Bartlett en el podcast The Diary of a CEO. Esta declaración abrió la puerta a un testimonio íntimo sobre los desafíos de vivir bajo el escrutinio constante y la exigencia de agradar a todos.

Fama, crítica y vulnerabilidad

El ascenso de Jimmy Fallon a la popularidad no solo le trajo reconocimiento y nuevas oportunidades, sino también una ola inesperada de críticas. “Pensé que todos serían amables, pero no todos están de tu lado. Hay personas cuyo trabajo es derribarte, publicar mala prensa. Es real”, relató.

Aunque reconoció que la fama tiene aspectos “divertidos y geniales”, admitió que la exposición pública también lo expuso a una dureza emocional para la cual no estaba preparado.

Desde su infancia, Fallon desarrolló una necesidad profunda de agradar a los demás. “Siempre he querido agradar a la gente desde que era niño”, afirmó. Esta inclinación, cultivada en su entorno familiar y educativo, se volvió una desventaja cuando la fama lo colocó en el centro de la opinión pública y la crítica.

Infancia religiosa y el rol de los padres

Criado en el seno de una familia católica estricta en Nueva York, Fallon explicó cómo sus padres influyeron en su formación. “Mis padres eran muy católicos, muy estrictos. No se permitían malas palabras ni temas sexuales”, recordó. Su padre, Jim Fallon, trabajaba en IBM y representaba la figura disciplinaria, mientras que su madre, Gloria, fue su mayor apoyo emocional.

Según Fallon, su padre llegaba a rayar los discos de comedia para eliminar contenido inapropiado. En contraste, su madre fue su principal fan y confidente. “Mi mamá era mi fan número uno. Yo era el hijo de oro en su cabeza”, expresó.

Esa relación moldeó su autoestima y reforzó su impulso por perseguir sus sueños, hasta el punto de que incluso después de alcanzar la fama, seguía llamándola casi a diario para compartir sus logros.

Obsesión con SNL y salud mental

Desde la adolescencia, Fallon desarrolló una obsesión por SNL, al que consideraba el mayor logro posible en la comedia televisiva. “Si pedía un deseo en mi cumpleaños, siempre era estar en Saturday Night Live“, confesó. Para cumplir ese objetivo, sacrificó relaciones personales y estabilidad económica, dedicándose de lleno a perfeccionar su rutina cómica.

Durante su etapa en Los Ángeles, vivía en condiciones precarias y con ingresos mínimos. “Era muy deprimente. Me preguntaba qué había hecho con mi vida”, reconoció Fallon. Relató que dormía sobre el suelo, construía muebles con cajas de cartón y enfrentaba rechazos constantes en audiciones.

En medio de esa crisis, escribió una carta a su mejor amigo admitiendo que estaba “perdiendo la cabeza”. “Si no lograba entrar a SNL antes de los 25 años, iba a matarme”, reveló. De acuerdo con The Diary of a CEO, Fallon reconoció que esa afirmación fue literal y está documentada en su diario personal. Aunque logró su objetivo a los 23 años, la experiencia dejó secuelas emocionales significativas y lo impulsó a considerar ayuda profesional.

La pérdida de Gloria y el valor de la familia

Durante los momentos más duros, su madre Gloria se mantuvo como su mayor sostén emocional y su “mejor audiencia”. Su fallecimiento en 2017 representó un golpe devastador. “Fue lo más duro que tuve que atravesar. La extraño mucho”, confesó Fallon en el podcast The Diary of a CEO.

Pese al dolor, la memoria de su madre sigue guiando muchas de sus decisiones. “Sigo haciendo esto por mi mamá. Pienso en ella cuando hago cosas, en cómo se sentiría orgullosa o se reiría”, dijo. Esta pérdida también lo llevó a valorar más el tiempo con sus hijas y a repensar el rumbo de su vida personal y profesional.

Paternidad, longevidad y propósito

Al llegar a los 50 años, Jimmy Fallon comenzó a preocuparse más por su salud y su longevidad, motivado por su rol como padre. “Quiero estar vivo y ser estable para mis hijos”, afirmó. Entre sus nuevos hábitos, mencionó caminar todos los días, moderar el consumo de alcohol y realizar chequeos médicos periódicos.

La experiencia de la paternidad transformó su visión del mundo. “Ahora aprecio más a otros niños y entiendo lo que es ser padre”, señaló. A sus hijas les enseña a ser generosas, a cuidar de los demás y a buscar la felicidad en actos de bondad. “Ser amables, dar cuando puedan y hacer sonreír a la gente” es el consejo que intenta transmitir.

Proyectos actuales y futuro en televisión

Pese a los desafíos emocionales, Fallon se mantiene motivado por su pasión por entretener. Además de su trabajo en The Tonight Show, diversificó su carrera con libros infantiles, álbumes de comedia, una línea de helados con fines benéficos y una atracción en Universal Studios. Próximamente, lanzará un programa de marketing titulado On Brand with Jimmy Fallon.

Sobre su futuro en la televisión, descartó cualquier intención de retirarse pronto. “Mientras haya audiencia, seguiré. La televisión es tan poderosa como siempre”, aseguró en la entrevista.

Un legado de honestidad y conexión emocional

La historia de Jimmy Fallon, tal como la documenta The Diary of a CEO, retrata a un hombre que atravesó la adversidad con honestidad y vulnerabilidad. A pesar del escrutinio, la presión y el dolor, encontró sentido en su autenticidad y en la conexión que establece con su público. “No puedes hacer que todos te quieran. Solo tienes que hacer lo tuyo y estar feliz contigo mismo”, reflexionó.

Impulsado por la memoria de su madre y el amor por sus hijas, Fallon sigue adelante, convencido de que vale la pena luchar por la felicidad propia y la de quienes lo rodean.

"George era un hombre de familia entregado, un amigo muy querido y un confidente para aquellos afortunados que lo conocieron. Será extrañado por siempre. La familia ha pedido privacidad en estos momentos", indicó la publicista.

El comunicado no indica la causa de su muerte, y explica que Wendt "falleció en paz mientras dormía en su casa" en la madrugada de este martes.

Wendt (Chicago, 1948) participó en los 275 episodios del 'sitcom' televisivo ambientado en un bar de Boston, donde interpretaba al amante de la cerveza Norm, un personaje que le mereció seis nominaciones consecutivas a los premios Emmy.

El actor comenzó su carrera como humorista en el histórico escenario de The Second City en Chicago en la década de 1970 antes de saltar a la televisión con papeles menores y, eventualmente, hacerse un nombre como protagonista en 'Cheers'.

Al terminar esa serie, su sentido del humor le permitió convertirse en uno de los comediantes estrella del histórico programa 'Saturday Night Live', si bien también tuvo un 'show' a su nombre que duró solo una temporada.

También apareció en series, como 'Seinfeld y 'The Simpsons'; en películas, como 'Fletch' y 'Grand-Daddy Day Care', y en obras teatrales, como 'Hairspray' y 'Elf', este último con el papel de Santa Claus, un personaje con el que repitió en otras producciones.

A nivel personal, Wendt se casó con Bernadette Birkett, a la que conoció durante su época de humorista en Chicago y con la que tuvo tres hijos. El actor tenía ocho hermanos y uno de sus sobrinos es el también intérprete Jason Sudeikis ('Ted Lasso'). EFE

“Todo sucede muy lento, más lento de lo que quieres, pero más rápido de lo que piensas”, aseguró Nate Bargatze, el comediante estadounidense que pasó veinte años recorriendo clubes sin atención mediática, y que actualmente es considerado el humorista más exitoso de su país.

“Dos giras más y me bajo del escenario”, advirtió con certeza en una entrevista para Esquire. Su retiro ya está marcado en el calendario: cinco años más, un último chiste y una despedida con su característico: “Gracias, buenas noches”.

A los 46 años, Bargatze no solo está en la cima del stand-up; está construyendo un plan desmesurado para lo que viene después. Películas, televisión, productos y un parque temático llamado Nateland. El tipo de cosas que alguien con la ambición de Walt Disney imaginaría. Sobre esto, admitió: “Es difícil decirlo en voz alta. Van a pensar: ‘¿Y tú quién eres para hacer esto?’”.

Del rechazo al estrellato: dos décadas sobre los escenarios

Durante años, Hollywood no supo qué hacer con él. Con participaciones fallidas en concursos y pilotos que no llegaron a ver la luz, su estilo no encajaba. “Me dijeron que era demasiado mundano. Tuve que buscar qué significaba esa palabra y no era algo bueno”, recordó.

“Intenté estar en su sistema. Pero seguían diciéndome que no, así que tuve que crear el mío”, profundizó el comediante. Su decisión clave llegó en 2014, cuando él y su esposa dejaron Los Ángeles para volver a Nashville. A propósito de esto, agregó: “No quería que pensaran que me rendí“.

Desde aquel regreso a la tierra firme de su familia, pudo construir un imperio desde las sombras. “O haces carrera a los 20 o a los 40. Nadie lo logra en el medio”, explicó con seguridad. Actualmente, con estadios repletos y su nombre en la marquesina, el tiempo le dio la razón.

Un comediante correcto en el sistema

En un escenario donde otros eligen provocar, Bargatze hace reír sin groserías, sin sexo y sin política. “Nunca pensé en un chiste sexual. No me nace”, admitió. Su comedia es familiar, sencilla y profundamente cotidiana.

El estilo humorístico del comediante radica en la conexión y no en la búsqueda de confrontación. “Si quiero darte mi opinión sobre a quién voté, ¿para quién es eso? Es para mí, porque quiero que pienses que soy inteligente. Pero no ayuda a la audiencia”, compartió.

Marc Maron, quien lo descubrió en un festival en 2012, lo definió con precisión: “Trasciende los bandos. No sabes cómo vota, pero ves que está atento a lo que pasa. Su comedia es única”.

Importancia de la fe y la familia en su vida

La raíz de su mundo está en Old Hickory (Tennessee). Su padre Stephen, es un mago con una rutina absurda y encantadora, pero hoy abre los shows de su hijo. La familia entera, integrada por sus padres, hermana, esposa e hija, gira con él. Además reconoció: “Mi infancia fue tonta y divertida, porque mi papá ya había pasado por todo lo miserable”.

Bargatze es cristiano practicante, criado en un hogar de padres nacidos de nuevo. De acuerdo con esto, planteó: “Trato de ir a la iglesia todo lo que puedo cuando estoy en casa. Te hace sentir con los pies en la tierra”. Su comedia no se burla de su fe, sino que explora sus contradicciones con una mirada personal: “Jesús se divirtió más que yo en los años 80 y 90”.

Sobre su hija, Harper, de doce años, afirmó: “Dejé de hacer chistes sobre ella. Está en una edad en la que otros chicos podrían usar eso para molestarla”. Y sobre su esposa, Laura, con quien lleva 19 años casado, explicó: “Si quiero hacer un chiste sobre algo que hizo, tengo que dejar claro que fue por una razón tonta mía”.

Bargatze en cifras: estadios llenos y récords rotos

En 2023, vendió más entradas que humoristas como Seinfeld, Chappelle y Maniscalco combinados: más de un millón de boletos, por un total de 80 millones de dólares. Su segundo monólogo en Saturday Night Live, en octubre, fue el más visto de la temporada.

“Sabía que tenía que destruir ese monólogo. Era una bienvenida, un saludo”, explicó. Y sobre esa idea, lo consiguió: el sketch “Washington’s Dream” fue considerado por muchos como el mejor en quince años. Jimmy Fallon, que lo impulsó para conducir SNL, lo dijo claro: “Es el tipo indicado. Lo va a lograr”.

Nateland: un imperio familiar luego del retiro

El humorista no está pensando solo en sí mismo. Su visión es construir una empresa de entretenimiento a gran escala: Nateland Productions. Ya cuenta con una docena de empleados y un CEO con un doctorado. El objetivo es producir películas, series, podcasts, merchandising y un parque temático.

De acuerdo con su visión, compartió: “Lo más difícil es mantenerse en este camino, porque no es llamativo. Hay que sentarse y seguir. Estoy frustrado con un sistema que prefiere los titulares virales a lo que hago yo”.

El parque se construiría en el antiguo terreno de Opryland (parque temático clausurado), donde el “standupero” tuvo su primer trabajo. “Te voy a ser honesto, creo que estamos más cerca de lo que la gente piensa”, adelantó. Antes de eso, lanzará The Breadwinner, su primera película, basada en su vida. “Es como ´Mr. Mom´, una de esas que la gente quiere volver a ver”.

Después de su retiro del escenario, vendrán los guiones, las producciones y, eventualmente, el paso atrás para ceder espacio a nuevos talentos. “Estoy cansado de que otros tengan el poder de decirme que no. Quiero que esté en mis manos”, sentenció el reconocido comediante.

Aimee Lou Wood, reconocida por su papel como Chelsea en la tercera temporada de la serie de HBO The White Lotus, criticó públicamente el programa de comedia estadounidense Saturday Night Live (SNL) por una reciente parodia que incluía una caricaturización de su personaje.

La imitación, emitida el pasado fin de semana durante un sketch titulado The White POTUS, generó una ola de comentarios en redes sociales después de que la actriz británica calificara la imitación como “mezquina y sin gracia”.

La crítica de Wood apareció a través de una serie de publicaciones en su cuenta de Instagram, en las que expresó su incomodidad con la forma en que fue retratada en el programa.

“Me pareció que lo de SNL fue mezquino y sin gracia”, escribió, junto a una captura del segmento que parodiaba a The White Lotus situando a miembros de la familia Trump y sus aliados políticos en un entorno similar al de la reciente entrega ambientada en Tailandia.

En el sketch, Sarah Sherman interpretó a una versión exagerada de Chelsea, con dientes postizos de gran tamaño y una expresión exageradamente inocente.

El personaje fue emparejado con una representación de Robert F. Kennedy Jr., interpretada por Jon Hamm, quien lucía una vestimenta inspirada en Rick (Walton Goggins), la pareja del personaje de Aimee Lou Wood en la serie.

Durante la escena, el diálogo entre ambos hacía referencias al flúor en el agua y a sus efectos en la dentadura, de forma que acentuaba el enfoque físico de la parodia.

“Sí, claro que hay que burlarse —de eso se trata el programa—, pero, ¿no hay una forma más inteligente, más matizada y menos barata de hacerlo?”, escribió la actriz al lamentar el tono de la imitación.

En otra de sus publicaciones, añadió sobre el programa: “Qué pena, porque hace un par de semanas lo estaba disfrutando mucho”.

Aimee Lou Wood, quien también ha hablado públicamente sobre su inseguridad respecto a su apariencia, destacó que fue la única parodiada sin conexión política.

“Correcto”, respondió a un mensaje de un seguidor que afirmaba: “Todos los demás en esa parodia eran figuras políticas que estaban siendo parodiadas. El único personaje que no era político era Chelsea, y claramente se estaban burlando solo de tu apariencia”.

Entre los múltiples mensajes de apoyo que recibió, uno hacía referencia directa al acento utilizado por Sherman en el sketch, descrito como un mal intento de imitación del acento mancuniano, natural de Mánchester.

La artista de 31 años coincidió con esa crítica y se refirió a la pronunciación de su imitadora en SNL: “Al menos hagan bien el acento, en serio. Respeto la precisión, aunque sea algo cruel”.

Wood también reflexionó sobre la reacción del público tras su pronunciamiento. “Por lo menos todo el mundo está de acuerdo conmigo en esto, así que me alegro de haberlo dicho en lugar de guardármelo”, indicó.

Y en una de las historias siguientes, añadió: “Para concluir el desahogo de hoy: @hbo — amable, solidario y nunca me ha fallado, así que déjenlos tranquilos. @nbcsnl — mezquinos”.

Aimee Lou Wood recibió las disculpas de “SNL”

Horas después de sus publicaciones, Aimee Lou Wood compartió una actualización afirmando haber recibido disculpas de parte de Saturday Night Live.

“He recibido disculpas de SNL”, escribió, sin especificar si se trataba de un comunicado oficial del programa o mensajes individuales de miembros del elenco o producción.

Pese a no revelar detalles adicionales sobre el contenido de las disculpas, la actriz cerró la secuencia de historias con un filtro humorístico, manteniendo el tono personal de su crítica.

El martes 2 de abril, autoridades del Departamento de Policía de Nueva York (NYPD) fueron alertadas por una universidad en línea de Connecticut tras recibir un mensaje alarmante en su sistema de mensajería institucional. En ese texto, un hombre advertía que su próxima aparición pública sería tras detonar una bomba frente a la audiencia del programa Saturday Night Live.

“La próxima vez que me escuches, estaré en CNN por explotar una bomba ante la audiencia de Saturday Night Live”, se leía en la amenaza, según consta en la denuncia penal.

La universidad derivó inmediatamente el mensaje a las autoridades, lo que activó el protocolo de investigación. Un investigador de seguridad de NBC Universal, junto con el personal de 30 Rockefeller Plaza —sede del programa de sketches— también reportó la amenaza al precinto Midtown North. Luego de recabar las pruebas pertinentes, la policía identificó al remitente del mensaje como Michael Joseph Branham, de 48 años, y procedió a su arresto en la ciudad de Nueva York el miércoles.

Aunque el mensaje fue tratado con seriedad, dos funcionarios del área de seguridad consultados por NBC News indicaron que la amenaza no fue considerada creíble en términos de capacidad operativa. No obstante, el contenido explícito y el lugar específico al que hacía referencia activaron mecanismos de intervención inmediata por tratarse de un espacio con alta visibilidad pública y vínculos con figuras del espectáculo y la política.

Vínculo con Scarlett Johansson y antecedentes de acoso

Michael Joseph Branham, el hombre arrestado por la amenaza al estudio de Saturday Night Live, es la persona a la que Scarlett Johansson denunció por acoso en 2023. De acuerdo con los documentos judiciales citados por NBC News y el New York Post, la actriz había solicitado una orden de restricción contra el acusado en California, argumentando un patrón persistente de hostigamiento.

En la presentación judicial, la actriz describió un comportamiento repetido que incluyó la aparición de Branham en su domicilio en noviembre de 2023, así como una serie de publicaciones en redes sociales donde afirmaba ser el padre de uno de sus hijos y aseguraba estar comprometido con ella.

Una de sus publicaciones en X decía: “No te preocupes por nada #SCARLETTINGRIDJOHANSSON. Todavía no te he engañado, no importa lo que digan las personas con interfaces cerebrales en las ondas aéreas. Te amo, mi amor. Te sigo esperando en Hollywood”.

La artista también fue mencionada directamente en el contenido amenazante enviado por Branham, quien tiene tatuada la palabra “Scarlett” dentro de un corazón en el torso, según indica la información policial. A pesar de la gravedad de las afirmaciones y el comportamiento reportado, el pedido de orden de restricción fue desestimado en abril de 2024. Según el medio especializado The Blast, la solicitud fue rechazada por un error de procedimiento: el abogado de Johansson no logró notificar formalmente al acusado con los documentos judiciales.

Durante la audiencia por la amenaza a SNL, la jueza Janet McDonnell dispuso una orden de alejamiento para proteger a Johansson, pese a que su abogada no vinculó directamente a la actriz con el incidente puntual. La defensora pública de Branham sostuvo: “Scarlett Johansson no es víctima ni testigo de este crimen. No lo vio, no lo escuchó, no lo denunció”.

Circunstancias del arresto y acusaciones judiciales

Michael Joseph Branham fue detenido el miércoles en Manhattan tras la denuncia de la amenaza dirigida al programa cómico. Posteriormente, el acusado fue presentado ante la justicia penal de Manhattan el jueves por la noche.

Durante la audiencia, la fiscalía formalizó cargos graves contra él: se le imputaron delitos por “falsa denuncia de un incidente” y “amenaza de daño masivo”. Ambos son considerados delitos graves en el estado de Nueva York. En línea con la seriedad de las imputaciones, la jueza McDonnell calificó el hecho como un “delito violento que habilita la prisión preventiva” y desestimó la solicitud de fianza reducida presentada por la defensa.

La jueza fijó una fianza de 100.000 dólares en efectivo o 300.000 dólares en bono asegurado. Además, se supo que Branham tiene cuatro órdenes de arresto pendientes en el estado de Kentucky, lo cual refuerza la evaluación judicial del riesgo de fuga y del perfil legal del acusado.

Según la fiscalía, la amenaza no se trató de un acto al azar, sino de una conducta impulsada por una “obsesión personal” con la actriz Scarlett Johansson, quien está casada con Colin Jost, escritor y copresentador del segmento Weekend Update en Saturday Night Live. Esta conexión fue uno de los elementos considerados para el encuadre de los hechos dentro de un contexto de conducta persistente.

Defensa legal y alegaciones de suplantación

Durante la audiencia judicial celebrada en Manhattan, la defensora pública Jamie Niskanen-Singer, representante de Branham, intentó restar peso a los cargos planteados al alegar que su cliente habría sido víctima de un engaño digital. Según la argumentación de la defensa, el hombre fue estafado en el pasado por individuos que se hacían pasar por Scarlett Johansson en línea, lo cual podría haber influido en el origen del mensaje amenazante.

La abogada afirmó que el contenido del mensaje podría no haber sido redactado por el propio acusado, sino por terceras personas que, con acceso a su información personal, lo habrían incriminado. “Él ha entregado información. Es posible que lo hayan hackeado, su señoría”, sostuvo en su exposición ante la jueza McDonnell. También recalcó que la única evidencia que vincula a su defendido con la amenaza es un mensaje de texto.

Otro punto señalado por la defensa fue que Branham no posee antecedentes de uso de armas, lo que, según su criterio, debería haber sido considerado al fijar la fianza. No obstante, la jueza descartó ese argumento y sostuvo que la gravedad del mensaje justifica una medida cautelar firme.

En paralelo, la defensa también cuestionó la emisión de órdenes de protección para Scarlett Johansson y Colin Jost, dado que ninguno de los dos fue destinatario directo de la amenaza ni denunció los hechos. La jueza, sin embargo, confirmó ambas órdenes al considerar la existencia de un patrón de conducta persistente vinculado a una figura pública específica.

En una entrevista con InStyle, la actriz admitió que aunque sabía que se haría un chiste sobre ella, no esperaba que fuera tan explícito.

“Sabía que venía un chiste sobre vaginas, pero pensé: ‘¿Qué tan malo podría ser?’”, recordó Johansson.

Sin embargo, al ver la imagen proyectada en pantalla, su reacción fue inmediata.

“Cuando apareció la foto del sándwich de Costco, pensé: ‘¡No! ¡No, Michael!’”, dijo en referencia a Michael Che, el coanfitrión del segmento y escritor del chiste.

El comentario en cuestión, escrito por Che y leído por Jost, comparó el sándwich de roast beef de Costco con la intimidad de su esposa.

“Costco ha retirado el sándwich de roast beef de su menú. Pero no me preocupa. He estado comiendo roast beef todas las noches desde que mi esposa tuvo al niño”, dijo Colin Jost mientras Scarlett Johansson observaba desde los bastidores.

En la entrevista, la actriz calificó el chiste como “vulgar” y “realmente asqueroso”.

“No puedo creer que hayan llegado tan lejos”, comentó. “Fue muy grosero. Como un chiste de la vieja escuela, realmente repugnante”.

Además del contenido del chiste, la estrella de 40 años explicó que la situación se sintió aún más intensa por la presencia de cámaras listas para captar su reacción en tiempo real.

“Me estaban esperando para reaccionar. Me sentí como si estuviera enloqueciendo”, afirmó. “Todo se sintió como una revelación al estilo de To Catch a Predator. De repente, había un montón de personas sosteniendo luces y un tipo con una cámara de video”.

En enero, Jost habló sobre el incidente en The Tonight Show con Jimmy Fallon y aseguró que la reacción de su esposa fue completamente genuina.

“Ella estaba realmente en shock”, dijo. “Me metí en problemas con mucha gente”.

El comediante también explicó que no tuvo mucha información previa sobre el chiste.

“Me dijeron: ‘¿Estarías bien si Michael hiciera un pequeño chiste sobre vaginas en algún momento?’”, recordó. “Ella respondió: ‘Claro, lo que sea, estoy abierta a eso’. Pero yo no sabía hacia dónde iba todo”.

Durante la misma entrevista, Scarlett Johansson también habló sobre el destino de su personaje en el Universo Cinematográfico de Marvel (UCM).

Tras interpretar a Natasha Romanoff, la Viuda Negra, en varias películas, la actriz descartó cualquier posibilidad de regresar.

“Natasha está muerta. Está muerta. Está muerta. ¿De acuerdo?”, afirmó. “Los fans simplemente no quieren creerlo”.

Añadió que su personaje tuvo un cierre definitivo en Avengers: Endgame y que revivirla alteraría el equilibrio del universo.

“Miren, creo que el balance de todo el universo depende de ella. Tenemos que dejarlo ir. Salvó el mundo. Dejémosla tener su momento heroico”.

¿Por qué Scarlett Johansson no se toma fotos con fans?

Además, la artista estadounidense reveló que tiene una estricta política de no tomarse fotos con los fans cuando está en público, lo que ha generado algunas reacciones negativas.

“Realmente ofende a muchas personas”, admitió. “Pero me apego a una regla de no tomar fotos fuera de eventos de trabajo para proteger mi privacidad”.

Aclaró que esto no significa que no aprecie el apoyo del público. “No es que no esté agradecida de que la gente sea fan o esté feliz de verme”, explicó.

Y añadió: “Pero siempre les digo: ‘No estoy trabajando’. Y eso significa que no quiero ser identificada en ese momento y lugar con alguien más. Estoy en mi propio espacio”.

Johansson destacó que su postura está relacionada con su deseo de mantener su vida privada separada de su imagen pública.

“Me gusta estar en mis propios pensamientos, sin que tengan que ver con lo que otras personas piensan de mí. No me gusta ser consciente de mí misma todo el tiempo”.

También se refirió a la importancia de preservar la privacidad de sus dos hijos. “La idea de ser reconocida y celebrada puede sonar divertida, pero no puedes volver atrás”, explicó. “Hay una gran pérdida en eso”.

En un episodio poco conocido de la historia del rock y la televisión, Lorne Michaels, creador y productor de Saturday Night Live (SNL), desempeñó un papel crucial para evitar que Keith Richards, guitarrista de los Rolling Stones, enfrentara una sentencia de cadena perpetua en Canadá.

Según detalló Entertainment Weekly en un extracto de la biografía Lorne: The Man Who Invented Saturday Night Live, escrita por Susan Morrison, Michaels intervino como testigo en un caso judicial que podría haber cambiado el curso de la vida del músico británico.

Este hecho ocurrió poco después de que los Rolling Stones fueran anfitriones e invitados musicales en el estreno de la cuarta temporada de SNL en octubre de 1978.

El incidente que llevó a Richards a los tribunales se remonta a 1977, cuando fue detenido por la Policía Montada de Canadá en el Harbour Castle Hilton de Toronto.

En su poder se encontraron 22 gramos de heroína, una cantidad que, según las leyes canadienses, podía interpretarse como posesión con intención de tráfico, un delito con una posible sentencia de cadena perpetua.

La situación era crítica para el guitarrista, quien enfrentaba no solo el peso de la ley, sino también el escrutinio público debido a la fama de los Rolling Stones y su asociación con el consumo de drogas.

El rol de Lorne Michaels en la defensa de Richards

De acuerdo con la biografía de Morrison, Michaels, quien es originario de Canadá, fue contactado por Mick Jagger, líder de los Rolling Stones, para que ayudara a Richards en su defensa.

El productor aceptó el pedido y asumió un papel activo en la preparación del músico para su comparecencia ante el tribunal.

Según el relato, Michaels se aseguró de que Richards luciera presentable, ayudándolo a conseguir un traje de tres piezas que contrastaba con su habitual estilo desenfadado, aunque el guitarrista optó por una corbata llamativa que reflejaba su personalidad.

El juicio no estuvo exento de tensiones. Según Morrison, el fiscal argumentó que la música de los Rolling Stones fomentaba el consumo de drogas, mientras que el abogado defensor describió a Richards como un “artista con problemas”.

En un giro que subraya la complejidad del caso, la biografía señala que Richards no estaba completamente sobrio durante el proceso judicial. En un momento previo a su testimonio, el guitarrista consumió cocaína en una habitación trasera del juzgado, un detalle que preocupó a Michaels, quien temía verse obligado a mentir bajo juramento.

El testimonio de Michaels y el desenlace del caso

Cuando Michaels subió al estrado como testigo, las preguntas se centraron en el papel creativo de Richards dentro de los Rolling Stones.

El productor describió al guitarrista como “el catalizador de la banda” y destacó la importancia de los Stones como “la banda de rock and roll número uno del mundo”.

Este testimonio no solo buscaba resaltar el talento artístico de Richards, sino también subrayar su relevancia cultural, un argumento que podría haber influido en la decisión del tribunal.

Finalmente, el tribunal dictó una sentencia que evitó la prisión para Richards. En lugar de una condena severa, el guitarrista recibió una pena en suspenso y la orden de realizar un concierto benéfico para personas ciegas.

Según Morrison, Michaels reflexionó más tarde que los canadienses no habrían querido encarcelar a un verdadero artista, una perspectiva que parece haber prevalecido en el caso.

La conexión entre los Rolling Stones y Saturday Night Live

El vínculo entre los Rolling Stones y SNL se fortaleció durante el estreno de la cuarta temporada del programa en 1978, cuando la banda asumió el doble rol de anfitriones e invitados musicales.

Durante su participación, interpretaron tres canciones de su álbum Some Girls: “Beast of Burden”, “Shattered” y “Respectable”.

Según la biografía de Morrison, Michaels eligió a los Stones para este episodio inaugural en lugar de otras opciones, como el legendario boxeador Muhammad Ali, debido a su estatus como íconos del rock.

Décadas después, Richards regresó al escenario de SNL para participar en el especial del 50 aniversario del programa, celebrado el 16 de febrero de 2015.

El personaje, que apareció por primera vez en 2016 en el sketch Black Jeopardy!, fue presentado nuevamente en una versión renovada del segmento, lo que desató una ola de críticas en redes sociales, especialmente entre republicanos y seguidores del expresidente.

El programa, emitido por NBC, contó con la participación de varias figuras destacadas del mundo del entretenimiento, como Eddie Murphy, Kristen Wiig, Adam Sandler, Chris Rock, Bill Murray, David Spade y Jon Lovitz.

Sin embargo, el momento más comentado fue el regreso de Hanks como Doug en el popular segmento de parodia del concurso Jeopardy!, en el que los concursantes deben responder preguntas desde la perspectiva de la comunidad afroamericana.

En la versión original de 2016, Doug sorprendió a la audiencia al contestar correctamente varias preguntas, lo que llevó a la reflexión sobre las similitudes entre votantes de Trump y la cultura afroamericana.

En la nueva versión del sketch, el personaje de Hanks rechazó inicialmente un apretón de manos del presentador, Darnell Hayes, interpretado por Kenan Thompson, aunque finalmente accedió a saludarlo.

“No me gusta eso, whoa, whoa, whoa”, dice Doug en un momento del sketch antes de estrechar la mano de Hayes.

Doug también hizo un comentario sarcástico que generó aún más críticas: “Tal vez inicie un programa para que vengas y lo llamemos ‘White Jeopardy’”.

Las reacciones en redes sociales fueron inmediatas, con seguidores de Donald Trump acusando al programa de perpetuar estereotipos racistas sobre los votantes del expresidente.

Las críticas contra Tom Hanks en EE. UU.

El sketch provocó una respuesta negativa por parte de figuras y simpatizantes republicanos, quienes calificaron la parodia como una burla ofensiva y un reflejo de la supuesta parcialidad de SNL contra los votantes conservadores.

El exasesor de Robert F. Kennedy Jr., Link Lauren, escribió en sus redes sociales: “Este programa se pregunta por qué sus índices de audiencia están en el suelo. Trump ganó el voto popular. Este estereotipo gastado de que MAGA es racista es repugnante. SNL es un programa sin gracia para las élites liberales”.

“Donald Trump acaba de ganar una elección aplastante y nunca ha sido más popular entre los estadounidenses. No han aprendido nada”, opinó el comentarista conservador Benny Johnson.

El influencer de derecha Mario Nawfal criticó la representación del personaje de Tom Hanks y la comparó con los cambios en el panorama político desde 2016.

“Hollywood sigue sin entenderlo: retratar a los seguidores de Trump como caricaturas racistas mientras este obtiene un apoyo récord entre las minorías. SNL está intentando hacer chistes de 2016 en 2025”, escribió en sus redes sociales.

Otros cibernautas también señalaron que el sketch recibió una recepción fría en el estudio. “Nadie en la audiencia se ríe cuando Tom Hanks aparece en SNL como un seguidor racista de Trump que se niega a dar la mano a un hombre negro”, destacó un usuario.

El especial de aniversario de Saturday Night Live también incluyó otras referencias políticas, como un sketch en el que Steve Martin hizo una broma sobre el cambio de nombre del Golfo de México a “Golfo de América” por orden de Trump.

Asimismo, se incluyó un segmento de Weekend Update en el que el presentador Colin Jost sugirió que la edición 50 del programa podría ser la última si el expresidente llegara nuevamente a la Casa Blanca.

Donald Trump, quien ha sido un crítico frecuente del programa, ya había expresado su descontento con la sátira de SNL en el pasado.

En 2017, calificó el programa como “terrible, no gracioso y un completo ataque político”.

Dos años más tarde y aún en el poder, incluso amenazó con una investigación federal después de sentirse ofendido por la imitación que hizo Alec Baldwin de él.

La pareja asistió el domingo 16 de febrero al evento especial SNL50: The Anniversary Special en Nueva York, caminando por la alfombra roja en medio del conflicto judicial que los enfrenta al actor y director de Romper el círculo.

Pero, lejos de lo esperado, el protagonista de Deadpool realizó una broma sobre el tenso conflicto que involucra a su esposa.

“Tengo una pregunta”, dijo Reynolds entre el público presente, a lo que la comediante Amy Poehler respondió: “Oh, hola. Ryan Reynolds. Hola, hola, hola, Ryan Reynolds. ¿Cómo va todo?“.

El siguiente comentario del actor fue una indirecta a Baldoni. “Genial. ¿Por qué? ¿Qué has escuchado?”, expresó y recibió la mirada seria de Lively, sentada a su lado, y las risas de la audiencia.

Blake Lively presentó en diciembre de 2024 una demanda contra Justin Baldoni, a quien acusó de acoso sexual y de llevar a cabo una campaña de desprestigio en su contra.

Su equipo legal afirmó en un comunicado que las denuncias de la actriz están “respaldadas por hechos concretos”.

“Una táctica clásica para desviar la atención de acusaciones de esta naturaleza es ‘culpar a la víctima’, sugiriendo que invitó la conducta, la provocó, la malinterpretó o incluso mintió”, expresó su equipo en un comunicado.

Y añadió: “Otra táctica común es invertir los roles y hacer creer que el agresor es en realidad la víctima. Estos conceptos normalizan y trivializan acusaciones de conducta indebida”.

El 6 de enero, Baldoni respondió a través de su abogado, Bryan Freedman, asegurando que presentaría pruebas para demostrar un supuesto “patrón de amenazas y acoso” por parte de Lively con el objetivo de “apoderarse” de la película.

“Tenemos todas las pruebas y más”, afirmó Freedman en declaraciones a People.

El conflicto escaló el 16 de enero, cuando el actor y cineasta presentó una demanda de 400 millones de dólares contra Blake Lively, Ryan Reynolds y su publicista Leslie Sloane, acusándolos de extorsión y difamación.

En la querella, el director de Romper el círculo alegó que Sloane y su agencia Vision PR conspiraron con Lively y Reynolds para dañar su reputación y su carrera en Hollywood.

El juicio entre Lively y Baldoni, registrado como “Lively v. Wayfarer Studios et al.”, está programado para comenzar el 9 de marzo de 2026.

Sin embargo, el tribunal advirtió que podría adelantarse si ambas partes continúan haciendo declaraciones a la prensa.

La entrevista de Justin Baldoni antes del conflicto legal

Meses antes de que la disputa con Blake Lively saliera a la luz, Justin Baldoni habló sobre su estado emocional en una entrevista para el Gent’s Talk Podcast, grabada en noviembre de 2024 y publicada el 10 de febrero de 2025.

En la conversación, el artista de 41 años reveló que atravesaba un período de agotamiento y estrés.

“Esta mañana envié un mensaje a mi mejor amigo Jamey y a la presidenta de mi compañía, Tera, y les dije que no me sentía bien”, confesó Baldoni. “Les dije que estaba exhausto, que no me había dado tiempo para recuperarme o para sanar”.

Baldoni relató que las complicaciones surgidas durante la producción del file, sumadas a los retrasos por la huelga de actores en Hollywood y las críticas sobre el casting, lo habían afectado profundamente.

“Tuve un año intenso. Mucho éxito material y mucho estrés emocional. Fue muy difícil para mí y mi familia”, sostuvo.

Si bien en la entrevista no mencionó a Lively ni hizo referencia directa a las tensiones entre ambos, habló de las dificultades de manejar la fama:

“A veces es fácil [...] caer de nuevo en nuestra programación y ser arrastrados por la corriente del ego, del éxito y de las oportunidades”.

Poco después de dicha entrevista, el conflicto entre Justin Baldoni y Blake Lively se hizo público. El 21 de diciembre de 2024, la actriz demandó al director y a su compañía, Wayfarer Studios, acusándolo de acoso sexual y difamación.

En su denuncia incluyó también al CEO del estudio, James Heath, y a la publicista de Baldoni, Jennifer Abel.

El 31 de diciembre, el actor presentó una demanda por 250 millones de dólares contra The New York Times, alegando que el periódico lo difamó en un artículo sobre supuestas estrategias de descrédito en la industria del entretenimiento.

Saturday Night Live, el icónico programa de comedia de la cadena NBC, celebra este domingo su 50 aniversario con un especial de tres horas titulado SNL50: The Anniversary Celebration.

La transmisión reúne a numerosas figuras del espectáculo, incluidos exmiembros del elenco, anfitriones recurrentes y músicos reconocidos.

Desde su estreno el 11 de octubre de 1975, SNL se ha consolidado como un referente de la cultura popular estadounidense.

El programa debutó bajo el nombre de Saturday Night y contó en su primer episodio con el comediante George Carlin como anfitrión, además de actuaciones musicales de Billy Preston y Janis Ian.

Entre sus primeros miembros del elenco figuraban John Belushi, Chevy Chase y Gilda Radner, y rápidamente se convirtió en un espacio de humor irreverente que satirizaba la política y la sociedad estadounidense.

El creador del programa, Lorne Michaels, junto a Dick Ebersol, estableció una estructura que se ha mantenido hasta la actualidad: un monólogo de apertura a cargo del presentador invitado, sketches cómicos que reflejan el panorama político y social, y presentaciones musicales en vivo.

La frase “¡En directo desde Nueva York, es Saturday Night Live!" se ha convertido en un sello distintivo del programa y una de las más icónicas de la televisión estadounidense.

A lo largo de cinco décadas, Saturday Night Live ha servido como plataforma para humoristas que más tarde se consolidaron como grandes figuras de la industria, entre ellos Bill Murray, Eddie Murphy, Tina Fey, Kristen Wiig y Will Ferrell.

Además, ha sido un espacio donde la música en vivo ha tenido un papel fundamental, con artistas como Paul McCartney, Nirvana, Madonna y Beyoncé en su lista de presentaciones históricas.

El evento y las figuras destacadas del especial

El especial de este domingo contará con la participación de ex integrantes del elenco como Adam Sandler, Amy Poehler, Will Ferrell, Tracy Morgan, Andy Samberg, Chris Rock, Fred Armisen, Jason Sudeikis, Jimmy Fallon, Kate McKinnon, Maya Rudolph y Pete Davidson.

También estarán presentes celebridades como Adam Driver, Kim Kardashian, Pedro Pascal, Scarlett Johansson, Robert De Niro y Woody Harrelson.

Algunos miembros del primer elenco de Saturday Night Live, conocidos como los “Not Ready for Prime Time Players”, también formarán parte del evento.

Entre ellos se encuentran Chevy Chase, Laraine Newman, Garrett Morris y Jane Curtin. Sin embargo, la presencia de Dan Aykroyd, el único integrante vivo que aún no ha confirmado su asistencia, sigue siendo una incógnita.

El segmento musical del especial incluirá la participación de figuras como Paul Simon, Miley Cyrus, Bad Bunny y Sabrina Carpenter, aunque no se ha confirmado si todos realizarán presentaciones en vivo.

Asimismo, se espera la aparición de Steve Martin, una de las personalidades más influyentes en la historia del programa, así como de otras figuras recurrentes en la conducción de episodios, como Tom Hanks, Martin Short y Peyton Manning.

El evento será precedido por una alfombra roja, presentada por Leslie Jones y Willie Geist, que se transmitirá una hora antes del inicio del especial en NBC y la plataforma de streaming Peacock.

La celebración previa al aniversario de “SNL”

La conmemoración de los 50 años de Saturday Night Live ha incluido varias actividades en los días previos a la emisión del especial.

Uno de los eventos más destacados fue el SNL50: The Homecoming Concert, celebrado el viernes en el Radio City Music Hall, con un cartel que incluyó actuaciones de Cher, Miley Cyrus, Arcade Fire, David Byrne, Post Malone y Nirvana.

Como parte del homenaje, NBC también retransmitió el sábado el primer episodio del programa, permitiendo a los espectadores revivir el debut de Saturday Night Live en 1975.

La cadena también lanzó el documental Ladies and Gentlemen ... 50 Years of SNL Music, dirigido por Questlove, que explora la historia musical del programa y está disponible en la plataforma Peacock.

Está el sketch de apertura en frío, con los miembros del elenco John Belushi y Michael O’Donoghue. Al final, Chevy Chase pasa con cuidado junto a los cuerpos inertes de los dos actores, interpretando a muertos, para pronunciar por primera vez la frase: “¡En vivo desde Nueva York, es sábado por la noche!”

La NBC volvió a emitir ese episodio el sábado 14 de febrero, como parte de un festín de programación por el 50º aniversario que incluye un especial de tres horas este domingo 15 -en donde se reunirán docenas de antiguos miembros del reparto y amigos-, y un concierto de bienvenida desde el Radio City Music Hall que se retransmitió en directo el viernes por la noche en la plataforma de streaming Peacock.

El elenco original seguramente habría ridiculizado tal despliegue de exceso del mundo del espectáculo, muy al estilo de los personajes en la representación ficticia detrás del escenario del estreno que se retrata en la película Saturday Night, quienes no ocultaban su repulsión hacia la leyenda de Hollywood Milton Berle.

El elenco original seguramente habría ridiculizado tal despliegue de exceso del mundo del espectáculo, muy al estilo de los personajes en la representación ficticia detrás del escenario del estreno que se retrata en la película Saturday Night, quienes no ocultaban su repulsión hacia la leyenda de Hollywood Milton Berle.

¿No estaban listos para el horario estelar? Difícilmente.

En ese entonces, eran conocidos como los “Jugadores No Preparados para el Horario Estelar”. El éxito hace mucho tiempo que se burló de ese nombre. Entre los espectadores menores de 50 años, el programa nocturno es más popular que cualquier otra cosa que NBC transmita en el llamado horario estelar, y eso ni siquiera refleja la manera en que muchas personas lo experimentan hoy en día, a través de los recortes online.

Saturday Night Live es el motor de la comedia, formando generaciones de estrellas desde John Belushi hasta Bill Murray, pasando por Eddie Murphy, Adam Sandler, Will Ferrell, Amy Poehler, Kristen Wiig, Kate McKinnon y Bowen Yang. También lanzó franquicias de películas demasiado numerosas para mencionar, y la alineación de comedia nocturna de NBC con Jimmy Fallon y Seth Meyers tiene sus raíces en “SNL”. Sigue siendo el primer lugar al que la gente recurre cuando quieren comprender los asuntos actuales de manera cómica.

En su centro, entonces y ahora, está la figura indescifrable de Lorne Michaels, el productor ejecutivo que tenía 30 años durante esa primera temporada y que cumplió 80 en 2024 —en una noche de programa, naturalmente. Michaels dejó “SNL” durante cinco años y, a su regreso en 1985, dio con la fórmula que garantizó su relevancia continua.

Reconoció, como escribe la autora Susan Morrison en la biografía Lorne: The Man Who Invented Saturday Night Live (Lorne: el hombre que inventó Saturday Night Live) que se publicará esta semana, que “casi toda persona que haya visto SNL cree que sus años más graciosos fueron aquellos cuando estaban en la escuela secundaria”.

Eso significa avanzar constantemente, siempre añadiendo sangre nueva, incluso siendo despiadado al respecto. Significa confiar en jóvenes escritores para mantener las referencias culturales relevantes e inventar otras nuevas. Significa elegir a actos musicales que ni Michaels ni su buen amigo, el cantante Paul Simon, probablemente han escuchado, pero que su equipo le asegura están en la vanguardia.

No es perfecto. Nunca lo ha sido.

“La historia del programa se lee como un electrocardiograma”, dice James Andrew Miller, coautor junto a Tom Shales del libro de 2002, Live From New York: The Complete, Uncensored History of Saturday Night Live. “Hay años fantásticos, años de aprendizaje, años que te provocan mareo en el coche, años que te hacen preguntarte si debería seguir existiendo”.

Sustituyan la palabra “años” por “programas” en esa cita, y aún tiene sentido. Así, crearon momentos virales antes de que “viral” significara algo

Saturday Night Live suele ser —más bien, es— tremendamente desigual. Pero produjo momentos virales antes de que existiera internet. Las noticias para sordos de Garrett Morris, el malhumorado Gumby de Eddie Murphy, “Lazy Sunday”, el sketch del cencerro, la imitación de Tina Fey de Sarah Palin: los recuerdos por sí solos causan risas. Los fracasos, las ideas que nunca despegaron o los presentadores que no pudieron estar a la altura desaparecen. O tal vez son el precio del genio.

Puede ser fácil perder de vista lo difícil que es en realidad esto, dice Bill Carter, veterano cronista de la comedia televisiva y autor de The Late Shift: Letterman, Leno, and the Network Battle for the Night. Un programa de 90 minutos se escribe desde cero cada semana, se construyen sets en un edificio de oficinas en Nueva York, se acomoda a presentadores con diversos grados de talento.

Listos o no, el programa debe salir al aire el sábado a las 23:30. El reloj es implacable.

“Es un esfuerzo creativo diferente, cada programa”, afirma Carter. “Por eso es bueno y malo, pero también por eso es emocionante... ‘En vivo’, esa es la característica esencial del programa. Cuando lo ves sabes que realmente está sucediendo en Nueva York en ese momento”.

Solo es posible cierto grado de perfección. Alguien puede equivocarse en una línea o contagiarse de risas. Sinéad O’Connor puede romper una foto del papa, o el playback de Ashlee Simpson puede fallar.

Saturday Night Live ha enfatizado más su historia en años recientes. Los exalumnos hacen apariciones frecuentes, y detectar cameos no anunciados se ha convertido en un deporte. El Club de los Cinco Veces Presentadores, aunque sea una broma, roza el límite de la presunción.

Puede parecer una franquicia sin conclusión previsible, y está diseñada incluso para eso. Lorne Michaels tendrá más que decir al respecto que nadie. El jefe detrás del escenario es también el personaje en pantalla con más tiempo al aire; su aparición como compañero serio del entonces alcalde de Nueva York Rudy Giuliani en el primer programa después de los ataques del 11 de septiembre es uno de los momentos más conmovedores de “SNL”.

“¿Podemos ser graciosos?”, preguntó Michaels.

Giuliani respondió: “¿Por qué empezar ahora?”.

¿Cuánto tiempo más permanecerá Lorne Michaels en el programa?

Los observadores dicen que se ha retirado un poco, confiando más en el equipo capaz que ha construido. No hay indicios de que su visión para detectar talento haya disminuido. Aquellos que lo han visto dicen que su habilidad más formidable —tomar una serie de decisiones instantáneas entre el ensayo general del programa y la actuación, acortando o alargando sketches, moviéndolos y cambiándolos para producir la transmisión que los espectadores ven— está floreciendo.

Los años previos al 50º aniversario han estado llenos de especulaciones de que será entonces cuando se retire, rumores que él mismo ha alimentado en el pasado. Pero no lo ha discutido, ni siquiera ha dado entrevistas sobre las festividades. El tema es el foco de “After Lorne”, un nuevo artículo de la revista New York, donde el autor Reeves Wiedeman lo describe como un hombre enigmático, a veces una fuerza intimidante, para aquellos que lo rodean en el programa.

Quienquiera que lo reemplace —se han mencionado nombres como Fey, Meyers y Colin Jost— probablemente enfrentará una presión aplastante. En un momento en que la televisión en abierto está en declive, NBC seguramente se vería tentado a recortar costos en torno al programa de una manera que no han hecho con Michaels a cargo, dijo Miller.

Si el 50º aniversario fuera a desencadenar su salida, Carter dijo que probablemente ya se sabría.

“Es su vida”, define. “¿Por qué alejarse de tu vida si no tienes que hacerlo? Esto fue algo especial y único que él creó, y si disfrutas haciéndolo, lo cual creo que aún hace y puede hacerlo, no veo ninguna razón para que se vaya”.

Algún día, ese momento llegará. Mientras tanto, disfruten del programa.

Fuente: AP

[Fotos: AP/Marty Lederhandler, archivo ; Hopper Stone/Sony Pictures Entertainment/The Washington Post; Richard E. Aaron/Redferns ; Archivo AP ; REUTERS/Mónica Almeida/Archivo]

El avance nos presenta a Robinson en el papel de Craig Waterman, un hombre reservado, establecido en los suburbios junto a su familia. Craig compra toda su ropa en las mismas tiendas, trabaja para una empresa que ayuda a hacer las marcas más adictivas y disfruta de las películas de Marvel.

Su solitaria vida cambia cuando entabla una inesperada amistad con Brian, su nuevo vecino. Interpretado por Paul Rudd, Brian es su completo opuesto: un meteorólogo local que toca en una banda punk y explora las alcantarillas de la ciudad por diversión. Craig queda fascinado por su estilo de vida y rápidamente lo idealiza como el compañero más genial que podría tener. Sin embargo, lo que empieza como un inocente vínculo masculino pronto se convierte en un verdadero caos.

Friendship explorará las complejidades de las relaciones entre hombres de mediana edad a través de situaciones divertidas y otras un tanto incómodas. Además de Rudd y Robinson, la ópera prima de Andrew DeYoung, quien también estuvo al frente del guion, cuenta con las actuaciones de Kate Mara (Cuatro Fantásticos) y Jack Dylan Grazer (¡Shazam!).

La película, que se convirtió en una de las mayores sorpresas del pasado Festival de Toronto, tiene previsto su estreno en cines de Estados Unidos en mayo próximo. Antes de eso, podremos ver a Paul Rudd y Jenna Ortega en Death of a Unicorn, otra peculiar propuesta de A24 que llegará a los cines el 28 de marzo.

En el programa, el actor interpretó tres canciones de Bob Dylan, a quien encarna en su más reciente película, A Complete Unknown.

Según explicó durante su monólogo inicial, las canciones seleccionadas –”Outlaw Blues”, “Three Angels” y “Tomorrow Is a Long Time”– son sus favoritas.

En su primera intervención musical, el actor de 29 años optó por un medley que combinó “Outlaw Blues”, del álbum Bringing It All Back Home (1965), y “Three Angels”, un tema del disco New Morning (1970).

Vestido con gafas de sol y una chaqueta de invierno con capucha, el actor rindió homenaje al estilo de Dylan sin imitar su peculiar tono vocal.

“Puede que no conozcan las canciones de Bob Dylan que estoy interpretando, pero son mis favoritas”, señaló durante su monólogo.

Además, bromeó diciendo que no estaba seguro si su participación musical era “un acto de bondad” por parte del programa o “una broma elaborada”.

Para esta presentación, Timothée Chalamet contó con la colaboración no anunciada del cantautor británico James Blake, quien lo acompañó en los teclados.

La elección de estas canciones menos conocidas de Bob Dylan sorprendió tanto al público general como a los fanáticos más acérrimos del artista.

En su segunda actuación de la noche, Chalamet regresó con una guitarra acústica para interpretar “Tomorrow Is a Long Time”, una balada que Dylan escribió en 1962, aunque su primera versión oficial no fue publicada hasta 1971 en el álbum Bob Dylan’s Greatest Hits Vol. II.

Este tema se destaca por su riqueza histórica, pues ha sido versionado anteriormente por artistas como Elvis Presley y Judy Collins antes de que Dylan lanzara su propia interpretación.

Chalamet, quien recientemente obtuvo una nominación al Oscar por su papel en A Complete Unknown, mostró una faceta más relajada y lúdica durante sus intervenciones en SNL.

En su monólogo, también bromeó acerca de ser el primer actor en aparecer como anfitrión e invitado musical de SNL, para luego corregirse y recordar que Gary Busey lo hizo en 1979.

“A Complete Unknown”, la esperada biopic sobre Bob Dylan

La película A Complete Unknown, dirigida por James Mangold, narra un periodo crucial en la vida de Bob Dylan.

Ambientada en la ciudad de Nueva York a principios de los años 60, la producción abarca cuatro años en los que el cantante pasó de ser un desconocido joven de 19 años de Minnesota a convertirse en una figura icónica de la música y la contracultura.

En este biopic, Timothée Chalamet interpreta varias canciones clásicas del repertorio de Dylan, incluyendo “Mr. Tambourine Man”, “Blowin’ in the Wind”, “The Times They Are A-Changin’” y “A Hard Rain’s A-Gonna Fall”.

Para prepararse para el papel, el actor trabajó con un equipo de especialistas que incluyó un entrenador vocal, un instructor de guitarra, un coach de dialecto y un asesor de movimientos.

“No puedes recrearlo en el estudio. Si cantaba sobre una guitarra pregrabada, de repente podía escuchar la falta de movimiento de un brazo en mi voz”, explicó Chalamet en una entrevista con Rolling Stone.

En declaraciones a People, la estrella describió el proceso como una experiencia “mágica” y “profundamente personal”.

También destacó que sumergirse en la atmósfera de los años 60 fue un aspecto especial del rodaje: “Puedo decir que simplemente estar en ese periodo de tiempo fue increíble”.

A Complete Unknown recibió ocho nominaciones al Oscar, incluyendo mejor actor para Chalamet. El film pretende capturar no solo el ascenso de Bob Dylan como músico, sino también su impacto en el panorama cultural de la época.

Lorne Michaels, el creador y productor ejecutivo del emblemático programa estadounidense Saturday Night Live (SNL), se ha erigido como una figura esencial para la televisión y la comedia desde el debut del show en 1975.

Según un extenso perfil publicado por The New Yorker, el canadiense ha mantenido una autoridad indiscutida en un programa que combina sátira política, sketches humorísticos y presentaciones en vivo, todo bajo una estructura semanal implacable.

Uno de los grandes méritos de Lorne Michaels ha sido lograr que las estrellas luzcan bien, gestionar egos y talentos, y mantener el espectáculo al aire, nada menos.

Desde el backstage de SNL, Michaels se destaca tanto por su control meticuloso del programa como por su capacidad para adaptarse al cambio cultural.

Según describen numerosos colaboradores del ciclo, su estilo de liderazgo es tanto una mezcla de mentoría como de desapego calculado. Chris Rock, exguionista y miembro del elenco, señala: “Aprendí todo lo que sé de ese programa. Si tus sketches no funcionan, el mensaje de Lorne siempre ha sido claro: ‘Hacé que se rían más’”. Esta insistencia en la calidad y en las decisiones rápidas ha garantizado la relevancia del show por cinco décadas.

Saturday Night Live, detrás de cámaras

Las múltiples etapas de producción semanal de SNL reflejan la maquinaria obsesiva que Michaels ha construido. Cada lunes, los guionistas, actores y presentadores invitados comienzan una intensa semana con la reunión creativa en la oficina Art déco del productor.

Tina Fey, exguionista y actriz, comparó este encuentro con un “ritual de iglesia”, señalando que rara vez estas ideas iniciales llegan a formar parte del programa final. Sin embargo, Fey también subrayó: “Estos rituales sirven para introducir al anfitrión al equipo y brindarle confianza”.

A medida que avanza la semana, las largas jornadas y noches son una constante. Los martes y miércoles son cruciales para la escritura y selección de sketches, mientras que los jueves se dedican a la construcción de escenarios y vestuarios, antes de los ensayos del viernes.

Según Seth Meyers, exintegrante del elenco y guionista, el liderazgo de Michaels es particularmente fuerte durante los ensayos generales: “Mi versión favorita de Lorne es, el Lorne espectador. Hasta cuando se mantiene en silencio durante horas, cuando ríe, es totalmente genuino”.

Su método de trabajo: “brillantez”

El perfil resalta cómo Michaels utiliza su vasta experiencia para equilibrar su filosofía de producción con elementos emocionales.

“Trato de encontrar suficientes colores para hacer un arcoíris”, declaró el productor al seleccionar los sketches definitivos, una tarea crucial que define el tono y ritmo de cada episodio.

Según The New Yorker, Michaels demuestra su genialidad al saber cuándo tomar decisiones en el último minuto, incluso si estas no siempre son perfectas.

La preparación del programa culmina el sábado, con un ensayo general en vivo a las 20:00 horas. Solo sesenta minutos después, una emisión completamente revisada llega a los espectadores, destacando el dinamismo y la velocidad del proceso.

Michaels rara vez compromete la calidad; busca una mezcla precisa de comedia conceptual, atractivo tradicional y sátira astuta”.

Aunque muchos ven a Michaels como el arquitecto detrás de un sistema impecable, también ha sido objeto de admiración y críticas dentro de su equipo.

Miembros pasados del elenco, como Bill Hader, han imitado sus peculiaridades como parte de un entretenimiento interno. Hader recordó: “Cuando te estabas hundiendo en el programa, él no te ofrecía un chaleco salvavidas. Sólo observaba desde lejos”.

Por otro lado, Michaels atribuye gran parte del éxito del programa a su habilidad para adaptarse culturalmente. Para él, los espectadores de SNL a menudo consideran que “los mejores años del show coinciden con su adolescencia”, un fenómeno que asocia al impacto emocional duradero de ciertas épocas.

A pesar de dichos cambios generacionales, Michaels ha mantenido la estructura básica del programa, comparándolo con una “barra de Snickers”: el público espera cierta dosis de familiaridad y diversión en cada emisión.

Un legado incomparable en la comedia

Además de sus contribuciones al mundo de la televisión, Michaels ha ejercido como mentor de algunos de los más grandes comediantes de las últimas décadas, desde Chevy Chase y Gilda Radner hasta figuras más recientes como Kate McKinnon y John Mulaney. Este último lo comparó con gigantes culturales como Alfred Hitchcock por “su impresionante longevidad y control creativo”.

A pesar de los desafíos inherentes a estar al mando de un programa tan altamente competitivo, Michaels sigue siendo la figura central. Desde los guionistas que luchan por tiempo en pantalla hasta los actores que buscan su aprobación, todos reconocen su influencia indiscutible.

Jon Hamm -más conocido como Don Mad Men Draper- actor y anfitrión invitado del programa varias veces, señaló: “Con Michaels, siempre se trata de encontrar el equilibrio perfecto entre espontaneidad y precisión”.

Por cinco décadas y más de 900 episodios, Michaels ha demostrado que la comedia es un arte intensamente trabajado. Su capacidad para evolucionar con la cultura y mantener una estructura rigurosa es un testimonio de su genio en el mundo del entretenimiento. Como él mismo detalla, “la magia de SNL es que, a pesar de todo, el espectáculo siempre continúa”.

Nueva York, 18 nov (EFE).- La cantante británica Charli XCX, conocida especialmente por su último álbum ‘brat’, dio este lunes un concierto sorpresa en Times Square, en Nueva York, al que acudieron miles de personas.

La artista, de 32 años, anunció a las 18:00 hora Nueva York (00:00 GMT) que daría un concierto en el escenario TSX Stage (donde ya han actuado otros artistas como Shakira o Snoop Dogg) como parte de una colaboración con la marca de ropa H&M.

Miles de personas se aglutinaron esta tarde en Times Square para ver a la cantante, cuyo álbum ‘Brat’ ha sido todo un hito este año (de hecho, la palabra ‘brat’ fue elegida la palabra del año por el diccionario de inglés Collins).

Charlotte Emma Aitchison, su nombre real, dio comienzo al concierto con ‘365’, mientras las grandes pantallas de Times Square proyectaban la frase ‘Party Girl’ con luces parpadeantes y daban a este icónico rincón de Nueva York el aspecto de una discoteca.

La artista interpretó durante quince minutos los grandes éxitos de ‘brat’: ‘360’, el primer single de su disco, ‘Von dutch’ y ‘Guess’, su remix con la cantante Billie Eillish.

Cuando tocó el turno de ‘Apple’ las pantallas enfocaron a las modelos Richie Shazam y Alex Consani y a la actriz Julia Fox, varias de las protagonistas del videoclip de ‘360’, que se encontraban entre el público y recrearon el baile de la canción que se hizo viral en TikTok.

Charli XCX, que se encontraba en Nueva York con motivo de su participación en el programa de ayer de ‘Saturday Night Live’, está nominada este año a siete premios Grammy, entre ellos a Mejor Álbum del año. EFE

El programa cambió las reglas del juego, convirtiéndose rápidamente en un espacio donde la comedia era entretenimiento, también un vehículo para reflexionar sobre la realidad política y social del país, tal como lo define en un recorrido por su historia WSJ Magazine.

Con un elenco inicial que incluyó a nombres como Dan Aykroyd, John Belushi y Gilda Radner, SNL capturó el pulso de la época, convirtiéndose en una plataforma para nuevos talentos cómicos y figuras que marcarían una huella indeleble en la cultura popular.

A pesar de su éxito inicial, la década de 1980 fue un periodo de altibajos para SNL. La salida de Lorne Michaels y la inestabilidad del elenco hicieron que el programa perdiera parte de su brillo. Durante este tiempo, nombres como Billy Crystal y Martin Short entraron al programa, pero no lograron replicar el impacto de las primeras temporadas. La fórmula de SNL parecía agotada, y algunos críticos llegaron a dudar de su relevancia. Sin embargo, en 1985, Michaels regresó a la dirección, lo que permitió una renovación crucial. A medida que el ciclo incorporaba nuevas voces y perspectivas, figuras como Phil Hartman y Dana Carvey ayudaron a revitalizar el espectáculo con personajes memorables y una sátira política aún más afilada, adaptada a los nuevos tiempos.

A lo largo de sus 50 años de historia, SNL demostró una capacidad única para adaptarse a los cambios en la sociedad, la política y la cultura pop. El programa logró mantenerse relevante a través de diversas generaciones, y aunque pasó por altibajos, siempre supo reinventarse sin perder su esencia.

Desde la imitación de figuras políticas hasta las críticas a los escándalos mediáticos, SNL sigue siendo un faro de la sátira y un espacio de experimentación cómica. En un panorama televisivo que cambió radicalmente, Saturday Night Live permanece como uno de los pilares de la cultura de entretenimiento estadounidense, reflejando los cambios de la sociedad, y también los de la misma televisión.

El legado de SNL en la televisión y la comedia

Con el paso de las décadas, el programa cambió de forma, y también de tono, adaptándose a los vaivenes políticos y sociales de cada momento. La inclusión de nuevas voces, como Eddie Murphy en los 80, permitió que SNL mantuviera su frescura y humor irreverente, mientras que figuras como Tina Fey y Amy Poehler lo renovaron en la década de los 2000 con una visión feminista que también tocó aspectos de la política y la cultura de la época. De este modo, el programa siempre se mantuvo vigente, atravesando distintos periodos políticos y sociales, y mostrando una flexibilidad sorprendente que le permitió no solo sobrevivir, sino prosperar.

SNL y su contribución a la cultura política

Uno de los mayores logros de Saturday Night Live fue su capacidad para influir en la percepción pública de la política estadounidense. Desde sus primeros años, el programa se dedicó a parodiar a los políticos, situándolos como protagonistas de su comedia, de una forma que rara vez se veía en la televisión en esa época. La sátira política en SNL se convirtió en una forma de “comentario social” que reflejaba las tensiones y preocupaciones del momento.

Comediantes como Dan Aykroyd y Jane Curtin fueron pioneros en dar vida a personajes políticos de una manera que combinaba humor y crítica. Chevy Chase, por ejemplo, interpretaba a Gerald Ford de una forma torpe y descoordinada, lo que provocaba risas, ayudando a construir una imagen pública de los políticos que trascendía la mera política institucional.

Las imitaciones y parodias de personajes políticos se convirtieron en una tradición de SNL que trasciende generaciones. A lo largo de los años, el programa fue perfeccionando su habilidad para capturar la esencia de las figuras políticas más influyentes. Las interpretaciones de Will Ferrell como George W. Bush o de Tina Fey como Sarah Palin fueron tan icónicas que llegaron a marcar la política de su tiempo, más allá de lo que sucedía en las urnas.

Las representaciones satíricas de los políticos los despojaron de su solemnidad, haciendo accesibles temas complejos de la política estadounidense a una audiencia masiva. La habilidad de SNL para reflejar la complejidad y la controversia del panorama político con humor y agudeza crítica, como en la famosa parodia de Hillary Clinton interpretada por Amy Poehler y Tina Fey durante la campaña presidencial de 2008, consolidó al programa como un actor clave en la formación de la opinión pública.

SNL en la cultura pop

Si bien al principio, el programa se centraba principalmente en la sátira política, con el paso del tiempo figuras de la cultura pop, como Justin Timberlake y Kanye West, comenzaron a formar parte del elenco de invitados, llevando la comedia política a un terreno más personal y visceral. Estas participaciones no solo mostraban a las celebridades como meros cómicos, sino que, al ser parte de parodias de la política, ayudaban a construir una nueva narrativa del poder, mostrando cómo figuras públicas fuera de la política podían influir en la percepción del público sobre el liderazgo.

La inclusión de comediantes como Alec Baldwin, quien se hizo famoso por su interpretación de Trump, demostró cómo la política podía ser convertida en un espectáculo televisivo, alimentando la crítica y el debate. Las elecciones de 2016, por ejemplo, vieron cómo SNL parodiaba a los candidatos, ayudando a dar forma a la percepción del electorado sobre los mismos. Esto mostró el poder que la comedia tiene para reflejar las tensiones sociales, revelando cómo un programa de televisión puede convertirse en un actor más en el juego político.

Una disputa entre el empresario Elon Musk y la comediante de Saturday Night Live (SNL), Chloe Fineman, resurgió en redes sociales, donde ambos han comentado los tensos momentos que vivieron durante la aparición de Musk en el programa en 2021.

En su red social X, Musk recordó que al inicio de los ensayos no encontraba ningún sketch gracioso, y que incluso llegó a preocuparse de que su aparición en el programa fuese un fracaso. Según Musk, fue apenas dos días antes del show en vivo cuando consideró que los guiones mejoraron lo suficiente.

“Francamente, fue solo el jueves antes del sábado que CUALQUIERA de los sketches generó risas. Estaba preocupado. Pensé: ¡maldita sea, mi aparición en SNL va a ser tan jodidamente poco divertida que hará que un adicto al crack se vuelva sobrio! Pero al final funcionó”, escribió el empresario en X.

De acuerdo con FOX News, su mensaje generó reacciones encontradas y comentarios críticos de los seguidores de SNL, entre ellos Fineman, quien en un video en redes sociales, que posteriormente eliminó, explicó que Musk la hizo llorar durante los ensayos por sus críticas al guión que ella había escrito para el programa.

“Me Hizo Llorar”

Chloe Fineman, conocida por sus imitaciones de celebridades como Nicole Kidman y Britney Spears, compartió que Musk la hizo “estallar en llanto” durante los ensayos de su participación en SNL. Fineman explicó que, tras dedicar una noche completa a escribir un sketch, Musk revisó su trabajo sin mostrar ninguna expresión positiva y le dijo directamente que no le parecía gracioso, lo cual la afectó profundamente.

La comediante agregó que, aunque el sketch fue finalmente incluido y la participación de Musk en el episodio resultó exitosa, el empresario pudo haber tenido “mejores modales” en sus interacciones con el reparto, citó Variety.

“Estaba muy emocionada”, continuó Fineman en su video. “Entré, pregunté si tenías alguna pregunta y me miraste como si me estuvieras despidiendo de Tesla y dijiste: ‘No es gracioso’”.

“Esperaba que dijeras algo como ‘Ja, ja, ja’. ¡No! Entonces comenzaste a hojear mi guion, pasando cada página y diciendo ‘No me reí, no me reí ni una vez. Ni una sola vez’. Corte a la escena, el boceto se publicó y estuvo bien, y de hecho me lo pasé muy bien y pensé que eras muy gracioso en él, pero, ya sabes, tenga un poco de educación, señor”, dijo.

Bowen Yang y el apoyo del reparto de SNL

Las declaraciones de Fineman también coinciden con las de Bowen Yang, otro miembro del elenco de SNL, quien en una entrevista en agosto recordó que un presentador hizo llorar a varios comediantes en 2021 tras rechazar varios sketches en los días previos a la grabación.

Aunque Yang no mencionó el nombre del anfitrión, los comentarios de Fineman y las respuestas de Musk sugieren que el incidente ocurrió en la semana en que el empresario lideró el show.

Frente a esto Fineman dijo: “¿sabes qué?, voy a salir y decir, por fin, que soy el miembro del reparto al que hizo llorar. Y él es el anfitrión que hizo llorar a alguien. Tal vez hay otros, pero vi algunos artículos y cosas y yo estaba como, ‘No voy a decir nada.’ Pero no. Si vas a ir a tu plataforma y ser grosero. Adivina qué. Hiciste que yo, Chloe Fineman, me echara a llorar porque me pasé toda la noche en vela escribiendo este sketch”, dijo.

Más críticas de Musk

El pasado 9 de noviembre, la veterana estrella de SNL, Dana Carvey, imitó a Musk en una parodia. La imitación, que recreó la peculiar forma de hablar del magnate, fue criticada por el empresario, quien respondió en X diciendo que SNL “se está muriendo lentamente” y ha perdido relevancia para el público actual, luego de que un internauta le preguntara qué opinaba de dicha imitación.

Además, Musk retuiteó mensajes de sus seguidores que defendían su postura y cuestionaban la habilidad del programa para captar el interés de la audiencia contemporánea.

Luego de su colaboración en dos entregas de Los cazafantasmas y más recientemente en la película de Saturday Night Live, Finn Wolfhard y el cineasta Jason Reitman unirán fuerzas una vez más. ¿El proyecto en cuestión? una nueva versión de la comedia de terror adolescente El diablo metió la mano (Idle Hands, 1999), producida por Sony Pictures.

La película original dirigida por Rodman Flender giraba en torno a Anton Tobias (interpretado por Devon Sawa), un adolescente perezoso y despreocupado que descubre que su mano derecha fue poseída por una fuerza demoníaca. Sin poder controlarla, Anton se ve envuelto en una serie de asesinatos y situaciones ridículas mientras trata de lidiar con esta posesión, que parece tener vida propia.

Aunque ahora se la considera un “clásico de culto” gracias a su tono camp, humor gráfico y gore, El diablo metió la mano recibió una respuesta inicial mediocre por parte de la crítica y tampoco tuvo éxito en taquilla. En su semana de estreno, la película apenas recaudó 1,8 millones de dólares, y en total logró superar los 4 millones de dólares, lejos de su presupuesto estimado de 25 millones.

Se espera que Jason Reitman, conocido también por sus trabajos en Juno (2007) y Amor sin escalas (2009), produzca el remake. Finn Wolfhard y su compañero Billy Bryk escribirán la nueva historia y están siendo considerados para dirigir y protagonizar el proyecto. La dupla ya debutó como directores con la comedia de terror Hell of a Summer, que fue bien recibida en el Festival de Toronto y se estrenará bajo el sello Neon el próximo año.

Además de su regreso como Mike Wheeler en la última temporada de Stranger Things, que llegará el próximo año, Wolfhard tiene varios proyectos en agenda entre los que también se incluye la película fantástica de A24, The Legend of Ochi.