Sólo en sus 7 presentaciones porteñas hasta ahora hubo 80.471 personas que, sumadas a las 35.641 que fueron a las del interior del país, dan una dimensión cuantitativa al récord de esta propuesta que llevan adelante Lebón y Aznar sin Charly García ni Oscar Moro. Pero también hay que sumar la repercusión intergeneracional: entre los concurrentes no sólo hay fans de entre 40 y 60 años sino también muchos adolescentes y jóvenes sub-30 que se emocionan con las canciones de Serú como si las hubieran conocido cuando se lanzaron, entre los años 70 y 90.

La tanda de recitales que viene promete seguir rompiendo marcas entre los espectáculos musicales de nuestro país: el 12 de noviembre se presentarán en Mendoza; el 14 y 15, en San Juan; el 22, en el Movistar Arena de Buenos Aires; el 5 de diciembre, en el Hipódromo de La Plata; dos días después, en Rosario, y, como broche final del año, el 17 de diciembre en el Antel Arena de Montevideo, Uruguay. Incluso ya hay fechas programadas para 2027: el 23 de enero en Mar del Plata y el 6 de abril, de nuevo en Córdoba, pero seguramente habrá más.

Lo más impactante de estos conciertos es que, en realidad, no se parece a un tributo a Serú, aunque es el mejor homenaje posible a un emblema del rock nacional, y, sobre todo, resulta obvio que Charly no está sobre el escenario, pero, a la vez, da la sensación de que está presente y no como un recuerdo o un holograma.

Hay varios factores que ayudan a ese efecto presencial de Charly, unificados por el componente emocional. El más evidente es el virtuosismo de Lebón y de Aznar, pero en estos recitales se suman otros grandes aciertos: algunos temas con nuevos arreglos, como la extensión instrumental de la balada folk “San Francisco y el lobo”; el compacto acompañamiento de la banda reclutada por Aznar, que integran Federico Arreysegor en teclados y voces; Fernando Cosenza en guitarra; Fermín Ferraris en teclados y Matías Sabagh en batería, y la conmovedora presencia de Juanito Moro, el hijo del fallecido Oscar, tocando la batería en dos clásicos como “Cuánto tiempo más llevará” y “No llores por mí, Argentina”.

Rebautizados como “Los Beatles argentinos” y el “supergrupo” o el “Dream Team” del rock nacional, los cuatro fantásticos que integraron Serú recorrieron un largo camino que, por lo visto, aún no finalizará pese a que sus últimos conciertos con la formación original tuvieron lugar en 1992, hace 34 años. ¿Qué tienen esas melodías y esas letras que las convierte en inoxidables? ¿Cómo se explica la vigencia de esas 47 canciones originales incluidas en sus cinco álbumes de estudio?

Mariano del Mazo, periodista especializado en música y autor del libro Entre lujurias y represión. Serú Girán: la banda que lo cambió todo, dijo a Infobae Cultura que el grupo de García, Lebón, Aznar y Moro “representó para el rock argentino una instancia muy alta en la que confluyeron calidad y masividad”, e incluso “fue tal vez la primera banda de rock masiva en tiempos de dictadura”.

“Ya en 1980 Serú Girán llenaba el estadio de Obras con mucha frecuencia y lentamente los conciertos se fueron convirtiendo en una caja de resonancia del malestar de la gente frente a la dictadura -destacó-, y hubo un comienzo de desafiar los límites de la censura y del autoritarismo”.

Para Del Mazo, fue también “una manifestación muy cabal de lo que era Charly García en grupo”. “Si bien venía de una gran banda como La Máquina de Hacer Pájaros, en Serú Girán confluyeron cuatro temperamentos increíbles”.

¿Por qué hay tanto público que va a ver esta versión 2026 de Serú Girán? Según Del Mazo, el fenómeno responde a que “el mainstream llena y hay una especie de dinámica en la cual a las presentaciones de este tipo les va bien”. “Esto no quiere decir que le vaya bien al espectáculo argentino -agregó-, pero sí hay una dinámica que hace que, por ejemplo, las canchas de fútbol de los equipos grandes estén siempre llenas o, en este caso, que Serú Girán llene cuantas veces quiera el Movistar Arena”.

“También tiene mucho que ver con que la manera de difundir y de comercializar el arte, la música y el entretenimiento es que nadie se quiere perder nada -sostuvo-. Aquellos que no tuvieron la posibilidad de ver a Serú Girán en vivo tienen este premio consuelo. Algo parecido ocurre con Soda Stereo y Cerati como un holograma o con la kermesse ricotera o Los Fundamentalistas, que es la posibilidad de acercarse a los Redonditos o al Indio Solari sin los Redonditos y sin el Indio Solari. Eso es parte de un fenómeno”.

Oscar Conde, doctor en Letras, poeta, ensayista, docente universitario y autor del libro Charly Garcia 1983, sostuvo a Infobae Cultura que el fenómeno actual de Serú Girán es el mismo que provoca la banda tributo de Charly, donde “la gente va ver al Zorrito Von Quintiero o a (Fernando) Samalea porque tocaron 30 años” con García. “Charly está en todos los que tocaron con él y la gente, a su vez, va en busca del espíritu del mejor Charly”, puntualizó.

Sobre la repercusión entre los más jóvenes, Conde relató una experiencia que vivió como profesor en la Universidad Pedagógica Nacional (UNIPE) de una materia que se llama Literaturas Populares y este año se centra en el rock: “Una chica de 22 años dio una clase sobre León Gieco emocionadísima porque cuando era chica sus padres ponían los cassettes de León Gieco; lo escuchó toda su vida -contó-. También pasa con Serú Girán: los más jóvenes los escucharon de chicos y les encanta. Como nosotros escuchamos eso toda la vida, ellos también”.

“Serú fue la banda perfecta del rock argentino. Eso es lo que hace que, aunque no esté Charly, siga siendo Serú Girán -interpretó-. La gente entiende que lo es porque en el grupo las voces de David y de Pedro no eran secundarias. Cada uno tenía su lugar y cantaba. Lebón y Aznar rescatan todo lo mejor de Serú Girán, el espíritu de la época, lo que significó como un cambio rotundo en las bandas de rock argentinas, creando además un molde irreproducible porque nunca hubo algo así después de ellos. Musicalmente es lo más sofisticado que hizo Charly: en Serú todos son hallazgos y hay un vuelo poético extraordinario. Estaba en estado de gracia”.

En la mirada de Juan Cibeira, periodista musical, uno de los responsables de la mítica revista Pelo y autor del libro La Biblia Del Rock, Serú fue “una banda emblemática del rock argentino que dejó una huella muy profunda en la música y que influyó a muchos artistas que vinieron después”. “También representó el final de la encarnación grupal de Charly García -aseguró a Infofae Cultura-. Luego de tener bandas como Sui Generis, La Máquina de Hacer Pájaros y finalmente Serú Girán, decidió asumir su rol que ya tenía de líder, pero en forma completa para hacer esa trilogía de discos increíbles que integran Yendo de la cama living, Clics modernos y Piano bar”.

¿Cuál es el secreto de la vigencia de Serú? Para Cibeira, el grupo “acompañó la tendencia a la moda”, pero “Charly siempre tuvo la famosa antena: Sui Generis tenía mucho de lo que a él le gustaba, que era, por ejemplo, Crosby, Stills, Nash & Young, con canciones de folk rock, pero con profundidad, con letras que apuntaban a una mayoría de edad, y esa mayoría de edad a él le llega con Serú Girán; por eso tiene un público muy fiel, muy seguidor”.

“Serú fue una banda arrolladora que no dejó de crecer de un disco a otro, pero esas canciones nunca volvieron a salir”, remarcó. Y añadió: “Quizás ése sea el mayor mérito de esta nueva versión: David y Pedro salen a tocar como si fuera el mismo Serú Girán de siempre y lo hacen respetuosamente, con el criterio de saber que el público quiere escuchar eso. Es un espectáculo que vale la pena ir a ver. Con buenas pantallas, buen sonido y buenos músicos. No se nota ningún deseo de cambiar la historia sino de disfrutar de un repertorio extraordinario”.

“La gente valora mucho que, sin demagogia, David y Pedro demuestren que Serú es una marca que no está gastada -enfatizó Cibeira-. Ellos no dijeron: ‘Vuelve Serú Girán’. Y uno sale con la certeza de que vio a los sobrevivientes de Serú hacer un gran homenaje a su música”.

La capital mexicana se prepara para recibir el Día de Muertos 2026 con una agenda que combina conciertos, cultura y tradiciones en sus 16 alcaldías. La cartelera musical reúne a figuras como Emmanuel, Coque Muñiz, La Sonora Dinamita de Lucho Argaín y Los Askis, además de agrupaciones de ska, cumbia y música regional que tomarán explanadas, plazas y bosques entre el 29 de octubre y el 2 de noviembre.

Junto a los escenarios, la ciudad despliega desfiles, ofrendas monumentales y experiencias de terror que completan más de cinco mil actividades gratuitas. El recorrido por cada demarcación muestra una oferta propia: desde la cumbia de Tláhuac y el ska de Azcapotzalco hasta las representaciones del Mictlán en Tlalpan y la Catrina de siete metros en Milpa Alta.

Música

Grandes eventos de la capital

• Mega Procesión de las Catrinas: 25 de octubre, concierto del Instituto Mexicano del Sonido, del Ángel de la Independencia al Zócalo

Miguel Hidalgo

• Festival Ruido Joven: 31 de octubre, desde las 10:00 horas, PARCUR (tercera sección del Bosque de Chapultepec), con Renee, Jota Moore, Silver Rose y Exael Salcedo
• Espectáculo de drones y linternas flotantes Water Lantern: Lago Mayor de Chapultepec

Cuauhtémoc

• Foro Lindbergh: Mega Ofrenda (27 de octubre, 19:00 horas) y Réquiem de Mozart (31 de octubre, 19:00 horas)
• Camellón Álvaro Obregón, Bloque 1 “Calaveras”: Sinfónica de Alientos y Estudiantina de la UACM (29 de octubre), Saint Luna Jazz Band (30 de octubre), Omar Cruz “La Voz Bravía” y Coro Gay CDMX (31 de octubre), Uriel Barajas y ensamble de Sergio Camacho (1 de noviembre), karaoke de cierre (2 de noviembre)
• Camellón Álvaro Obregón, Bloque 2 “Pan de Muerto”: Estudiantina de la UACM, 29 de octubre

Álvaro Obregón

• Teatro de la Juventud (30 y 31 de octubre, 12:00 horas): Orquesta Sinfónica de Álvaro Obregón, ballets “Herencia Mestiza” y “Alma Joven”, danzón, “Xquenda” y dueto “Sirenas del Bosque”
• Centro Cultural San Ángel: danzón “Amistad y Armonía”, 31 de octubre, 11:00 horas

Azcapotzalco

• Salón Victoria: domingo 1 de noviembre, 19:00 horas, explanada de la alcaldía
• Festival Tlalmanalli Azcatl: Los Cadetes de Linares, Los Cojolites, La Sonora Dinamita, Adolescente Orquesta y grupos de ska, en Jardín Hidalgo, la explanada y San Juan Tlihuaca

Iztacalco

• Panteón San José: Son Corazón Latino (22:00 horas) y Grupo La Chomba (23:00 horas), 1 de noviembre
• Explanada de la alcaldía: Ade Valencia, 1 de noviembre, 18:30 horas

Coyoacán

• Banda Sinfónica de Coyoacán, inauguración de la Ofrenda Monumental: 27 de octubre, Palacio de Cortés
• Orquesta Sinfónica de Coyoacán, “Réquiem de Mozart”: 29 de octubre, Parroquia de San Juan Bautista
• Domingos de Orquesta Sinfónica: 11 de octubre, Deportivo Francisco J. Mujica
• Sindicato de Trabajadores de la Música: 17 de octubre, Kiosco del Centro Histórico
• Plaza del Danzón con Orquesta Súper Campeones: 24 de octubre, Alameda del Sur
• Snowapple Collective: 8 de noviembre, Palacio de Cortés

Tláhuac (FIDDEM)

• 30 de octubre: Banda Sinaloense La Espectacular (19:00 horas) y Cadetes de Linares (21:00 horas), explanada de la alcaldía
• 31 de octubre: La Sonora Dinamita de Lucho Argaín (20:00 a 22:00 horas) y El Poder del Norte (22:00 a 00:00 horas), Bosque de Tláhuac
• 1 de noviembre: Emmanuel (21:00 a 00:00 horas), explanada de la alcaldía; Mariachi 2000, Bosque de Tláhuac
• 2 de noviembre: Los Folkloristas, Plaza Juárez de San Andrés Mixquic

Iztapalapa

• Jardín Cuitláhuac: Remik González, Sirhena y DJ Alí Masare, 31 de octubre, 20:30 horas

Tlalpan

• Mara Escalante presenta “Corazón de Barro”: 31 de octubre, 20:00 horas, Plaza del Bolero

Venustiano Carranza (“Hábitat de Almas”)

• Los Askis: 30 de octubre
• Vandi2 Mambo: 31 de octubre
• Zalatiel MX: 1 de noviembre
• Leo Romero: 2 de noviembre (todos en la explanada de la alcaldía, de 10:00 a 22:00 horas)

Xochimilco

• Panteón Xilotepec: Academia Sta. Latin’s Silmar (12:00 horas), Gpo. Sentimiento Latino (13:00 horas) y Gpo. Versátil Osos Negros (16:00 horas), 1 de noviembre

Cuajimalpa de Morelos

• Acopilli y Pilares: 1 de noviembre, 13:00 horas, Foro Pedro Infante

Milpa Alta

• Concierto de Coque Muñiz: 2 de noviembre, 20:00 horas, Plaza Cívica de San Antonio Tecómitl
• Banda Viento Negro: 31 de octubre, Villa Milpa Alta y San Antonio Tecómitl

Benito Juárez

• Concierto Candlelight: Día de Muertos (con costo): 1 de noviembre, 18:00 horas, El Cantoral

Gustavo A. Madero

• “Thriller, Tributo a Michael Jackson” (edición Día de Muertos), con el imitador Estefan Jackson: 30 de octubre, 18:00 horas, Teatro Tepeyac Carmen Montejo

Eventos culturales

Miguel Hidalgo

• Sendero del Cempasúchil: del 30 de octubre al 1 de noviembre, de 14:00 a 22:00 horas, Avenida de los Compositores, segunda sección del Bosque de Chapultepec, con carnaval y oferta gastronómica
• Festival “La Puerta entre Dos Mundos”: del 30 de octubre al 1 de noviembre, segunda sección de Chapultepec, con altares, instalaciones, música, danza y espectáculos de drones (19:45 y 21:45 horas)
• Feria de las Calacas, sede Chapultepec: 31 de octubre, Pabellón de Cultura Comunitaria
• Exposición de 208 alebrijes monumentales: entre la Diana Cazadora y el Auditorio Nacional, hasta el 8 de noviembre

Cuauhtémoc

• Obra “Pedro Páramo” (Universidad de Londres) y danza folclórica: 31 de octubre y 1 de noviembre, Bloque 1 del camellón Álvaro Obregón
• Presentación del libro “Destinos del Alma, un Viaje Transformador”, de Óscar Valdés: 30 de octubre, Bloque 2

Álvaro Obregón

• La Trouppe con “Trupus Calacus” (costo de 400 a 800 pesos): 31 de octubre y 1 de noviembre
• Performance de Emiliano Meneses y cine de terror mexicano (“Calacán”, 1987, y “Cronos”, 1992)
• Desfile de catrinas en San Ángel: 1 de noviembre, 18:30 horas

Coyoacán

• Talleres de literatura, cianotipia y lectura, Casa de Cultura Jesús Reyes Heroles (9, 18 y 25 de octubre)
• Reto Docs CDMX, Desafío Creativo Documental: 28 de octubre, Centro Cultural Centenario
• Conferencia sobre el acordeón: 28 de octubre
• Recorrido Sendero de Cempasúchil “Historias y Leyendas”: 30 de octubre

Tláhuac

• China como país invitado, con seis escenarios en toda la demarcación
• Grupo de la comunidad china de México y Enek Tango: 31 de octubre, explanada de la alcaldía

Iztapalapa

• Proyección de la película “Macario” en pantalla gigante, con presentación de danza: 2 de noviembre, explanada de la alcaldía

Tlalpan

• Representación artística de los nueve niveles del Mictlán, con tzompantli
• Lucha libre, cine, danza y teatro en Plaza de la Constitución, Casa Frissac, Museo de Historia de Tlalpan y Auditorio Javier Barros Sierra

Xochimilco

• Concurso de Disfraces de Mascotas: 29 de octubre, 17:00 horas
• La Calavereada, evento familiar con disfraces: 31 de octubre, 18:00 horas
• Panteón Xilotepec (1 de noviembre): cortometraje (14:00 horas), presentación de la escritora Paula Aldama (15:00 horas), obra de teatro “El Arca de Noé” (17:00 horas), ballet “Santa Cecilia” (18:00 horas)

Cuajimalpa de Morelos

• Obra de teatro “Coco”: 31 de octubre, 1 y 2 de noviembre, Foro Pedro Infante
• Concurso de disfraces de mascotas “Patitas del Más Allá” y Paseo de Catrinas y Catrines: 31 de octubre

Milpa Alta

• Muerteada de los Poblados: 31 de octubre
• Concursos de ofrendas en panteones locales y comparsa “Calaveras y Diablitos”: 1 de noviembre, San Antonio Tecómitl

Tradicionales

Grandes eventos de la capital

• Ofrenda Monumental del Zócalo: del 29 de octubre al 2 de noviembre, dedicada a la Catrina de José Guadalupe Posada
• Megaofrenda de la UNAM: del 31 de octubre al 2 de noviembre, explanada del Museo Universum

Miguel Hidalgo

• Instalación lumínica “Camino a la Luz” / “El Camino”: del 23 de octubre al 8 de noviembre, del Ángel de la Independencia a la Puerta de los Leones
• Festival Flores de Cempasúchil: del 18 de octubre al 1 de noviembre, entre el Ángel de la Independencia y la Glorieta del Ahuehuete, con 140 floricultores de Tláhuac, Milpa Alta y Xochimilco

Cuauhtémoc

• Exhibición de trajineras alusivas al Día de Muertos: Plaza Luis Cabrera
• Desfiles de mascotas y lucha libre: Parroquia Josefina del Espíritu Santo

Álvaro Obregón

• Concurso de Pan de Muerto: 30 de octubre, Casa Jaime Sabines

Azcapotzalco

• Más de 100 ofrendas sobre avenida Azcapotzalco
• Altar dedicado a José José en el Parque de la China, Clavería
• Ofrenda comunitaria en el Jardín Hidalgo

Iztacalco

• Misa y recorrido de charros a caballo: 1 de noviembre, Panteón San José
• Recorrido de Día de Muertos con salida del Centro Cultural “LATA”: 1 de noviembre
• Montaje de ofrenda y tapete decorativo: 27 de octubre, explanada de la alcaldía

Coyoacán

• Ofrenda monumental “Coyoacanense, más vivos que nunca”: inaugurada el 27 de octubre
• Desfile de catrinas: 28 de octubre
• Vela Catrina, Calenda Oaxaqueña: 31 de octubre, atrio de la Parroquia de San Juan Bautista

Tláhuac

• Alumbradas en los panteones de San Pedro Tláhuac y San Andrés Mixquic

Iztapalapa

• Ceremonia prehispánica: 31 de octubre, 19:00 horas, Museo Fuego Nuevo
• Desfile hacia el Jardín Cuitláhuac tras la ceremonia prehispánica

Tlalpan

• Programación extendida a los 11 pueblos originarios

Venustiano Carranza

• Feria del Pan de Muerto: del 30 de octubre al 2 de noviembre

Xochimilco

• Inauguración de la Pulquería: 29 de octubre, 12:00 horas
• Pulquería con elencos artísticos, gastronomía, venta de pulque y exposición de tapetes: del 30 de octubre al 2 de noviembre, de 10:00 a 22:00 horas
• “Recorrido por las Avenidas del Panteón”: 1 de noviembre, 19:30 horas
• Recorridos nocturnos en trajinera por las chinampas (con costo)

Cuajimalpa de Morelos

• Ofrenda viva “Encuentro de Dos Mundos, Pasando por el Puente de Cempasúchil”: del 26 de octubre al 15 de noviembre

Milpa Alta

• Catrina Tlacualera de siete metros, homenaje a las mujeres del campo: Plaza Cívica de Malacachtepec Momoxco
• Maratón de elaboración de chilacayote: 31 de octubre

Benito Juárez

• Servicio especial de tranvía hacia el Panteón Xoco, intervenido con megaofrenda: 30 y 31 de octubre

Otros

Miguel Hidalgo

• Rodada ciclista nocturna “Muévete en Bici”: 24 de octubre, de 19:00 a 23:00 horas, con meta de 250 mil asistentes
• Punto de partida del Gran Desfile de Día de Muertos: Glorieta de la Diana Cazadora

Cuauhtémoc

• Festival del Día de Muertos con más de 55 actividades gratuitas, del 27 de octubre al 2 de noviembre

Álvaro Obregón

• Parque del Terror: 31 de octubre al 2 de noviembre, de 16:00 a 22:00 horas, Parque de la Juventud

Azcapotzalco

• Tercera edición del Festival Tlalmanalli Azcatl, con más de 200 actividades, del 30 de octubre al 2 de noviembre
• Desfile comunitario

Iztacalco

• Casa del Terror: del 28 de octubre al 1 de noviembre, explanada de la alcaldía

Coyoacán

• Festival Cacao en el Museo Anahuacalli: del 29 de octubre al 2 de noviembre

Tláhuac

• Festival Internacional del Día de Muertos (FIDDEM), del 30 de octubre al 2 de noviembre

Iztapalapa

• Concurso de ofrendas comunitarias dirigido a pueblos y barrios
• Programación en 39 sedes comunitarias, del 25 de octubre al 2 de noviembre

Tlalpan

• Celebración de Vida y Muerte Tlalpan 2026: del 30 de octubre al 2 de noviembre

Venustiano Carranza

• Experiencia de terror “Hospital Zombie” y espacio temático “Templo de Quetzalcóatl”: del 30 de octubre al 2 de noviembre

Xochimilco

• Explanada del Módulo de Velación y Cremación como sede del Panteón Xilotepec, 1 de noviembre

Cuajimalpa de Morelos

• Feria del Pan de Muerto “Aroma y Sabor 2026”: del 30 de octubre al 2 de noviembre

Milpa Alta

• Inauguración de la Ofrenda Monumental: 31 de octubre, 19:00 horas

Gustavo A. Madero

• Casa del Terror gratuita en el parque El Sapo: del 26 de octubre al 2 de noviembre, con más de 100 actores caracterizados

Experiencias de terror citywide (Con costo)

• Festival del Terror de Six Flags México: del 3 de septiembre al 16 de noviembre
• Freak Show, Plaza Manacar: hasta el 31 de octubre
• The Last Drum, Encuentro Oceanía: hasta el 1 de noviembre
• Tour del Terror nocturno: desde el Ángel de la Independencia, hasta el 2 de noviembre

Hombres G regresará a Lima para ofrecer dos conciertos consecutivos este jueves 29 y viernes 30 de octubre en el Estadio Nacional. La banda española agotó las entradas para ambas fechas, correspondientes a la gira “Los mejores años de nuestra vida”, con el auspicio de Radio Oxígeno.

El grupo celebrará más de cuatro décadas de trayectoria con un repertorio que reúne algunas de las canciones más reconocidas del rock en español. La productora Masterlive Perú, a cargo de la organización del evento, confirmó el sold out de las dos presentaciones y difundió los horarios, recomendaciones de ingreso y la lista de objetos prohibidos para los asistentes.

Las puertas del estadio abrirán a las cinco de la tarde

Las puertas del Estadio Nacional abrirán a las 5:00 p. m. en ambas fechas, mientras que el inicio del concierto está previsto para las 9:00 p. m., según los horarios difundidos por Masterlive Perú. La productora advirtió que estos horarios podrían sufrir variaciones por motivos de fuerza mayor.

Las dos funciones, programadas para el 29 y 30 de octubre, tienen las entradas agotadas en su totalidad. Masterlive Perú recomendó a los asistentes no dar por hecho la disponibilidad de nuevos boletos y revisar únicamente los canales oficiales de la productora ante cualquier actualización relacionada con el aforo.

El repertorio incluye clásicos de distintas etapas de la banda

Aunque Hombres G no confirmó que interpretará exactamente las mismas canciones en sus dos presentaciones en Lima, el repertorio de su reciente concierto del 24 de octubre en Colombia sirve como referencia para anticipar el posible setlist en el Estadio Nacional. La lista reúne temas de distintas etapas de la banda, desde sus primeros discos hasta las canciones que definieron su identidad musical.

Entre los títulos que formaron parte de ese repertorio figuran ‘Voy a pasármelo bien’, ‘El ataque de las chicas cocodrilo’, ‘Una mujer de bandera’, ‘Chico, tienes que cuidarte’, ‘Te necesito’, ‘Dos imanes’ y ‘Marta tiene un marcapasos’. El cierre de la presentación en Colombia incluyó, a modo de encore, los temas ‘Los mejores años de nuestra vida’, ‘Temblando’, ‘Venezia’ y ‘Devuélveme a mi chica’, estos dos últimos pertenecientes al álbum debut de la agrupación.

Recomendaciones de seguridad y objetos prohibidos en el ingreso

Masterlive Perú difundió una serie de recomendaciones para los asistentes a las dos fechas. Entre ellas, la organización sugirió priorizar el transporte en taxi, evitar el ingreso con objetos de valor innecesarios y colaborar con la revisión de mochilas durante el acceso al recinto. También pidió a los asistentes llevar su documento de identidad y advirtió sobre los riesgos de comprar entradas a revendedores, debido a la posibilidad de adquirir boletos falsos sin posibilidad de reclamo posterior.

La productora detalló además la lista de objetos prohibidos dentro del Estadio Nacional. Entre ellos se encuentran las cámaras con lente removible, filmadoras, drones, mochilas grandes, alimentos y bebidas, envases de cualquier tipo, sombrillas, correas con accesorios metálicos, punteros láser, iPads, artefactos pirotécnicos, bastones para selfies, sillas plegables y objetos punzocortantes, entre otros artículos considerados de riesgo para los asistentes. La organización informó que el recinto contará con servicio de seguridad privada y atención médica durante ambas jornadas.

Una banda con más de cuatro décadas de trayectoria en el rock en español

Hombres G se formó en Madrid en 1982 y se consolidó como una de las agrupaciones más reconocidas del rock pop en español. El grupo está integrado por David Summers, vocalista y bajista; Rafa Gutiérrez y Daniel Mezquita, guitarristas; y Javier Molina, baterista.

La banda alcanzó popularidad durante la década de 1980 con canciones que se extendieron por España y Latinoamérica. Su álbum debut, publicado en 1985 bajo el nombre “Hombres G”, incluyó los temas “Devuélveme a mi chica” y “Venezia”. Un año después, el grupo lanzó “La cagaste... Burt Lancaster”, disco que incorporó canciones como “Marta tiene un marcapasos” y “El ataque de las chicas cocodrilo”.

A lo largo de su trayectoria, Hombres G también estuvo vinculada a producciones audiovisuales como “Sufre mamón” (1987) y “Suéltate el pelo” (1988), ambas con participación directa de los integrantes de la banda. Esa combinación entre música y cine contribuyó a consolidar la presencia del grupo en distintas generaciones de seguidores en Latinoamérica.

Las dos presentaciones de esta semana marcarán un nuevo capítulo en la relación que la banda mantiene con el público peruano, con un repertorio que combina los temas de sus primeros discos con los sencillos que definieron su carrera durante más de 40 años de trayectoria.

El proyecto nunca se concretó, y las latas de película permanecieron selladas en sus archivos durante casi medio siglo. Ahora, ese metraje inédito será la base de Stage, un espectáculo inmersivo que, se anuncia, llegará a arenas de todo el mundo en 2027, once años después de la muerte de su creador. El cineasta Brett Morgen —director del torrencial documental Moonage Daydream— lideró la restauración del material y diseñó junto al patrimonio de Bowie una experiencia que aspira a algo más ambicioso que la nostalgia: recrear las condiciones de un concierto en vivo mediante pantallas LED transparentes, sonido envolvente 7.1 e iluminación integrada.

Bowie, un adelantado a su tiempo

El origen de Stage se inscribe en uno de los períodos más fértiles y menos complacientes de la carrera de David Bowie. La gira Isolar II, desplegada entre marzo y diciembre de 1978, fue el vehículo para presentar en vivo Low y Heroes los dos primeros álbumes de la llamada “trilogía de Berlín”: discos que habían desconcertado a buena parte de su público y de la crítica, pero que con el tiempo se consolidaron como pilares del arte sonoro de la segunda mitad del siglo XX.

En lugar de prolongar indefinidamente la rotación por escenarios —algo que ya entonces le resultaba agotador y repetitivo—, Bowie encargó al actor y director David Hemmings, protagonista de Blow-Up y responsable de Just a Gigolo, que registrara dos de los tres shows con entradas agotadas en Earls Court. La idea era radical para su época: producir un filme de concierto que pudiera exhibirse en recintos no convencionales, sustituyendo la presencia física del artista por su imagen amplificada. Después de esa gira, Bowie no volvería a los escenarios hasta 1983.

Pero el plan se frustró. Bowie -que no vivía precisamente un período de estabilidad emocional y abstinencia química- se volcó en la grabación de Lodger, se mudó a Suiza y expresó disconformidad con el montaje de Hemmings. “Se estaba moviendo hacia otras cosas a la velocidad de la luz”, explicó Morgen a The Guardian. “Creo que en ese momento la idea de mirar hacia atrás le resultaba desagradable”. Recién en 2000, el músico admitió que su percepción había cambiado: “Simplemente no me gustó cómo había sido filmado. Ahora, por supuesto, se ve bastante bien y sospecho que verá la luz en algún momento del futuro”. Antes de morir, en enero de 2016, llegó a plantear la posibilidad de publicarlo.

En 2017, cuando obtuvo acceso completo al archivo de Bowie para trabajar en su documental —que ganaría el premio al mejor filme musical en los Grammy 2024—, Morgen se topó con el material. “Mis ojos se dirigieron de inmediato a una pila de relucientes latas de 35 mm con la palabra Stage escrita en ellas”, recordó. Al principio supuso que contendrían registros vinculados al disco en vivo homónimo, grabado en su mayoría en Filadelfia, pero pronto comprendió que se trataba de algo distinto: las filmaciones completas de los legendarios shows de Earls Court, las que Bowie había descartado casi dos décadas antes.

“Tuve acceso a cada actuación filmada de David Bowie que existe, pero cuando vi esta supe sin dudarlo que era la mejor actuación filmada de su carrera”, afirmó el cineasta. Fragmentos de la interpretación de “Heroes” fueron incluidos en Moonage Daydream y se convirtieron en uno de los pasajes más celebrados del documental. A partir de 2018, Morgen y el patrimonio del artista comenzaron a discutir la posibilidad de llevar el material completo a arenas; la idea cobró impulso definitivo en 2024.

El proceso de restauración tomó casi una década. El equipo trabajó sobre el metraje original en 35 mm con corrección de color, reiluminación y pintura manual de fotogramas. “Pasamos más de 1.000 horas en posproducción, lo que creo que es algún tipo de récord”, admitió Morgen, “pero realmente queríamos que se viera y se sintiera como algo que experimentarías hoy”. El resultado no busca el efecto vintage ni la pátina de lo antiguo: aspira a que la imagen funcione como presente.

Parte de lo que convierte a las grabaciones de Earls Court en un documento excepcional es la formación que acompañaba a Bowie en ese tramo de la gira. El crítico Nick Kent, desde las páginas de NME, la definió como “su mejor banda por lejos”. El grupo incluía a los guitarristas Carlos Alomar —director musical durante años— y Adrian Belew, que poco después se uniría a King Crimson; el bajista George Murray; el baterista Dennis Davis; el tecladista Roger Powell; el pianista Sean Mayes y el violinista Simon House. Brian Eno, previsto como integrante de la banda de gira, debió retirarse por problemas de salud.

Los conciertos se estructuraban en dos mitades con identidades bien diferenciadas. La primera funcionaba como inmersión en el universo sonoro de la trilogía berlinesa: texturas electrónicas, atmósferas gélidas, canciones que privilegiaban el clima por sobre la melodía convencional. La segunda era un giro deliberado hacia el pasado, con presencia abundante de The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars y los éxitos de los primeros años 70. “Tener un violín eléctrico, un piano y un tecladista de sintetizadores en un show de rock en 1978 era algo extraordinario”, destacó Morgen.

Kent escribió en su reseña del show: “Bowie estaba constantemente en el escenario, un modelo de agilidad y gracia física (...) Me impresionó, me entretuvo y en ocasiones me dejó casi hechizado”. Para el sitio especializado David Bowie World, esos conciertos “se encuentran entre los más importantes de la carrera británica de Bowie en los últimos años 70”, un período en el que el artista “se había alejado de los elaborados personajes escénicos de años anteriores y ponía un énfasis creciente en la musicalidad, los arreglos, el sonido y la atmósfera”.

La ilusión de que Bowie está en el escenario

En su encarnación de 2027, Stage no será una proyección cinematográfica convencional. Las imágenes se desplegarán en múltiples pantallas LED transparentes de última generación —displays de 70 por 40 metros fabricados por Unilumin/Roe— diseñadas para “crear la ilusión de que Bowie y su banda están físicamente presentes en el escenario”, según el comunicado oficial. La producción utiliza tomas largas e ininterrumpidas del músico para generar una sensación de intimidad que emule el transcurso de un concierto en tiempo real.

El diseño de iluminación estará a cargo de Patrick Woodroffe, responsable de los shows de los Rolling Stones, Elton John y ABBA, además de la ceremonia de los Juegos Olímpicos de Londres 2012. El audio inmersivo fue mezclado por Paul Massey, ganador del Oscar por Bohemian Rhapsody y con créditos en No Time To Die y en el propio Moonage Daydream. El sistema de sonido emplea algoritmos DSP avanzados y un diseño de altavoces en array volado para llevar audio 7.1 surround a cada butaca del recinto. El sonido original de los conciertos había sido captado por Tony Visconti, productor histórico de Bowie.

“No es una película que se muestra en arenas”, insistió Morgen. “Hay múltiples pantallas, un paquete de iluminación completamente integrado, una mezcla de sonido 7.1. La actuación es de 1978, pero la presentación es de 2027”.

Stage tendrá su estreno mundial el 14 de febrero de 2027 en el Uber Arena de Berlín, en el marco de la 77.ª edición del Festival Internacional de Cine de Berlín (Berlinale). La elección de la ciudad no es casual: Bowie vivió allí entre 1976 y 1978 y donde gestó, junto a Eno y Visconti, los álbumes que definen la etapa artística capturada en las filmaciones. Las entradas saldrán a la venta el 28 de octubre de 2026.

Tras la premiere, el espectáculo iniciará una gira por arenas europeas con fechas previstas para mayo y presentaciones en el Reino Unido entre junio y julio, que incluirán un regreso al propio Earls Court, el mismo escenario donde las cámaras de Hemmings registraron los conciertos originales hace casi medio siglo. También se anticiparon escalas en Asia, Medio Oriente, África y América Latina, regiones donde, en algunos casos, Bowie nunca se presentó en vivo. El espectáculo fue diseñado para recintos con capacidades a partir de 5.000 personas, y las ciudades y fechas adicionales serán anunciadas en las próximas semanas. “Once años después de su partida, tiene perfecto sentido que Bowie vuelva a ser un pionero”, concluyó Morgen.

[Fotos: David Bowie Estate and Wonderworld]

La iguana, el padrino del punk, una leyenda viva. A James Newell Osterberg Jr., que hoy tiene 79 años, lo conocemos por su seudónimo artístico: Iggy Pop. Su nombre genera muchas sensaciones, pero ponerlas en palabras es otra cosa. Por eso, Gourmet Musical Ediciones acaba de publicar Por qué escuchamos a Iggy Pop, de Vera Land. En sus 96 páginas hay una radiografía cultural de la figura que hizo del exceso y la energía una marca personal.

El volumen forma parte de la colección Por qué escuchamos, dedicada a músicos cuya obra sigue despertando preguntas mucho después de haber atravesado su tiempo. Land recorre la voz, el cuerpo sobre el escenario y la persistencia de Pop, desde los días salvajes de The Stooges hasta su camino solista.

Escritora, periodista y editora, Vera Land construyó buena parte de su trayectoria en la crónica cultural y la contracultura rock. Fue parte de Cerdos & Peces y La Maga, participó de la fundación del periódico chileno The Clinic y publicó, entre otros libros, Mis notas. Cerdos & Peces y otras revistas contraculturales, que reúne artículos escritos entre 1987 y 2003.

Iggy Pop es el músico estadounidense que puso al frente de The Stooges una intensidad que anticipó al punk. Más tarde, su carrera solista dejó discos como The Idiot y Lust for Life, los dos de 1977, además de canciones que siguen circulando fuera de cualquier nostalgia, como I Wanna Be Your Dog, The Passenger y Lust for Life.

A continuación, un fragmento de Por qué escuchamos a Iggy Pop.

Los incorrectos

David, Iggy y Lou. El trío explosivo, los rebeldes, los incorrectos, los transgresores, los provocadores, cada uno con un aura única e irrepetible, cada uno con su obra determinada por una unicidad que no les impide ir de un polo a otro para construir la identidad artística. David Bowie conoció a Iggy Pop y a Lou Reed la misma noche, en una fiesta de la RCA en el Max Kansas City en Nueva York. Primero le presentan a Lou. “Enseguida empezó a contar una historia, algo típico de Lou, sobre alguien que se picaba heroína en la frente –dice David Bowie en el libro Bowie por Bowie, editado por Sean Egan–. Aparece ese tipo menudo, desalineado y gracioso, con los dientes rotos, y Lou me dice: ‘no hablés con él, es un yonqui’; era Iggy, no podés evitar amarlo, es tan vulnerable”.

Simon Reynolds en su libro Como un golpe de rayo cuenta con detalles el evento en el que el Duque Blanco expande su versatilidad estética y propone otros juegos para hablar de sus arañas de Marte: “El domingo 16 de julio de 1972 David Bowie ofreció una conferencia de prensa a la hora del té, en un lujoso hotel de cinco estrellas, el Dorchester, ubicado sobre la avenida Park Lane. Pensando ante todo en función de los periodistas que habían viajado desde los Estados Unidos para verlo tocar con su nueva banda, The Spiders from Mars, el evento le dio además la oportunidad de exhibir a sus nuevos protegidos: Iggy Pop y Lou Reed. Los dos venían de hacer, cada uno por su lado, su debut en Inglaterra la noche anterior, exactamente en el mismo lugar: el King’s Cross Cinema. Reed se paseaba por la suite del segundo piso luciendo esmalte carmesí en las uñas y lentes de sol y en determinado momento besó a Bowie en plena boca. Sentado en un rincón, Iggy también ostentaba su nueva imagen glitter: cabello platinado, ojos delineados y una remera de T. Rex. Más tarde, Reed, Iggy y Bowie habrían de posar para la única fotografía de los tres juntos que se conoce, en la que el inglés deslumbra enfundado en una túnica de mangas acampanadas confeccionada en un género rugoso y reflectante”.

El periodista musical inglés Charles Shaar Murray fue uno de los invitados a la conferencia de prensa en la que Bowie se respaldó en sus nuevos amigos norteamericanos para no estar solo en la confrontación con una sociedad que había experimentado muchas aperturas, pero que todavía mantenía prejuicios ante las temáticas de las ambigüedades sexuales. El beso que Reed le da en la boca a Bowie es natural, probablemente espontáneo. Pero en el contexto resulta una provocación. El evento es el inicio formal de mutuas influencias y colaboraciones que se plasman en los siguientes discos de Iggy, Lou y David.

En la nota para New Musical Express titulada “David en el Dorchester”, Murray aporta detalles: “Lou Reed y su banda están allí, también los Spiders y, acurrucado en una esquina, con una camiseta de Bolan, con sombra en los ojos y pelo plateado, está Iggy Pop”. La expresión glam rock todavía no se utilizaba, y en la nota mencionada Murray le pregunta: “En la actualidad, las palabras más populares para el periodismo de rock parecieran ser funk, camp y punk. ¿Hasta qué punto creés que llevaste estas palabras al uso esencial?”. Bowie contesta que se trata de la dificultad que tiene la prensa para expresarse, por eso dan vueltas en torno a tres palabras. Una típica respuesta del Bowie de la época, arrogante y a la defensiva. Pero más adelante dice algo muy encantador sobre Iggy: “Solo quedarán las pocas bandas extrañas que tengan la destreza de dominar su teatralidad. Iggy tiene el teatro al natural. Es muy interesante porque no se condice con ningún estándar o norma o estructura del teatro. Es algo suyo. Es el teatro de Detroit que lleva en sí. Está sacado de la calle”. Y sobre su propia búsqueda estética explica: “Quiero ser el vehículo para mis canciones. Quisiera colorear el material con tanta expresividad visual como fuera necesaria para la canción”.

Si pensamos en Lou Reed inyectándose heroína o fraguando inyectarse heroína en medio de una canción, con los ojos pintados, hay una teatralidad que es a la vez poner sobre el escenario un acto que está fuera del escenario –en los camarines, en los rincones, oculto en la vida real–, y convertirlo en un hecho artístico, perturbador, dramático. La teatralidad de Bowie es deslumbrante, pomposa, la de Reed es de choque, trae escenas de los márgenes del tejido social y les da centralidad, con la dureza del hombre que fue sometido a sesiones de electroshock que no lograron quitarle su sensualidad ambigua, y la de Pop, al principio con sus lanzadas al público, sus caídas, golpes, heridas, sangre, es la del peleador callejero que se entrega al riesgo y no piensa en el dolor que va a sentir al día siguiente al despertar. Pero luego pasa a un escalón siguiente y convierte toda esa energía en danza ritual y simbólica. Los guantes de trabajo pintados de plateado conectan con ese ambiente industrial de su infancia y son uno de los pocos elementos de vestuario en sus presentaciones.

En los tres hay una intención de desacralizar el escenario para llevarlo a un nuevo ritual. En los tres hay un mensaje visual contra el patriarcado, en el prisma de Bowie con sus fases femeninas, su exaltación de la masculinidad débil, sensible, Reed jugando a borrar las definiciones o límites de género y Pop invirtiendo los estereotipos heterosexuales y cambiando los roles predeterminados. La teatralidad de la que habla Bowie tiene un contenido contracultural, una forma de correr los límites conceptuales de forma estética, epidérmica. Tres camaleones inversos, que se transforman para diferenciarse del entorno.

El rock ha demostrado que su vigencia depende, en buena medida, de su capacidad para transformarse y absorber nuevas influencias. Esa evolución es el punto de partida de la revista Rolling Stone, que este 27 de octubre publicó su selección de las 200 mejores canciones de rock del siglo XXI hasta la fecha, un recorrido por distintas generaciones, escenas musicales y estilos que amplían las fronteras del género.

En el Top 10 conviven figuras consagradas y artistas que representan distintas etapas del rock contemporáneo. La lista también refleja la diversidad geográfica y estilística del rock actual. En su recorrido aparecen representantes del punk, el metal, el indie, el pop-rock y las propuestas experimentales, junto con artistas que cruzan los límites tradicionales del género, como Jay-Z, Beyoncé y Taylor Swift.

La presencia latina también destaca en el ranking, con cuatro canciones en español que representan distintas facetas del rock de la región. Juanes aparece en el puesto 192 con “Es por ti”, mientras que Natalia Lafourcade ocupa el 98 con “En el 2000”, tema de su álbum debut que retrata con frescura las inquietudes de la juventud. Maná alcanza el puesto 80 con “Mariposa traicionera”, una canción que combina el rock con matices de la música regional mexicana para narrar una historia de desamor, y Café Tacvba se ubica en el 63 con “Eres”, una de sus baladas más famosas.

Aquí los primeros 10 lugares de la lista:

10. Wilco — “Impossible Germany”

Wilco publicó “Impossible Germany” en 2007, dentro de Sky Blue Sky, su sexto álbum de estudio. Este trabajo afianzó la presencia de Nels Cline en la formación: el guitarrista había ingresado durante la gira anterior y su intervención terminó por modificar las posibilidades sonoras del grupo de Chicago.

Jeff Tweedy canta frases crípticas antes de que Cline ocupe el centro con un extenso solo, una sección que se volvió habitual en los conciertos de la banda. La canción apareció en un álbum de tono más directo y orgánico que el experimental A Ghost Is Born.

Rolling Stone afirma que incorporar a Cline fue “la mejor decisión que Jeff Tweedy tomó” y señala que el tema quedó como punto alto de los shows. El propio músico dijo que nadie en el grupo anticipó “que tendría este tipo de permanencia”.

9. Arctic Monkeys — “I Bet You Look Good on the Dancefloor”

“I Bet You Look Good on the Dancefloor” se lanzó en octubre de 2005 como adelanto de Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not (publicado en enero de 2006). Fue el primer sencillo de Arctic Monkeys en liderar las listas británicas.

La difusión a través de MySpace y Napster alimentó el interés alrededor de la banda de Sheffield. Alex Turner escribió sobre deseo, alcohol, DJs y pistas de baile, con una precisión observacional que separó al grupo de la promoción digital que lo rodeaba.

El comentario de Rolling Stone pone el foco en lo físico de la grabación: “el rasguido de los acordes iniciales de guitarra” y el riff tocado con urgencia. Turner, añade el medio, logra unir la abstracción del deseo con “un realismo sucio”.

8. Jay-Z — “99 Problems”

Jay-Z incluyó “99 Problems” en The Black Album, publicado en noviembre de 2003, y la lanzó como sencillo en 2004. Rick Rubin produjo la canción al unir referencias de Ice-T con cortes de Billy Squier, Mountain y Wilson Pickett.

El rapero organiza sus tres versos alrededor de distintos conflictos: sus tensiones con la prensa musical, un tenso arresto policial marcado por el racismo y los roces con una pareja. Rubin le propuso una producción de guitarra y batería áspera, alejada de los arreglos dominantes del rap comercial de entonces.

Para Rolling Stone, Rubin llevó el espíritu del rock pesado a su regreso al hip-hop. Jay-Z resumió el aporte del productor con una frase: “Me empujó a llevar la pista a otro nivel”.

7. The Strokes — “Last Nite”

“Last Nite” fue uno de los sencillos de Is This It, debut de The Strokes, editado en 2001. La canción ayudó a convertir al quinteto neoyorquino en uno de los nombres centrales del resurgimiento del garage rock de comienzos de siglo.

Julian Casablancas canta con una voz rasposa sobre guitarras entrecortadas y una base rítmica que parece correr hacia adelante. Albert Hammond Jr. aporta un solo de guitarra que completa la economía melódica de una canción construida para durar menos de cuatro minutos.

La similitud entre el riff y “American Girl” hizo que Tom Petty dijera a Rolling Stone en 2006 que le causaba “risa a carcajadas”. El medio considera que la pieza ayudó a inclinar la balanza del rock de entonces hacia el post-punk, lejos del agotamiento del post-grunge.

6. Phoebe Bridgers — “I Know the End”

“I Know the End” cierra Punisher, el segundo álbum de Phoebe Bridgers, lanzado en junio de 2020. La canción empieza como una crónica de carretera por California y termina en una descarga colectiva de guitarras, metales y gritos.

Bridgers dijo que había hecho una lista de deseos para el final del disco: quería gritar, escribir una canción de metal y hablar de los viajes hacia el norte de California. La grabación reunió, entre otros colaboradores, a Nick Zinner, Lucy Dacus y Julien Baker.

Rolling Stone describe el tema como una suite de tres partes. La revista señala que la tensión aumenta hasta un grito tan intenso que Bridgers comienza a toser, antes de definir el desenlace como “pura furia de rock & roll”.

5. Radiohead — “The National Anthem”

Radiohead incluyó “The National Anthem” en Kid A, publicado el 2 de octubre de 2000. El álbum llegó después de OK Computer y sustituyó parte de las expectativas de rock de guitarras por sintetizadores, tratamientos electrónicos y estructuras menos convencionales.

La base del tema nació de una línea de bajo que Thom Yorke había tocado durante su adolescencia. La banda la rodeó de teclados, percusión y una sección de vientos conducida hacia una improvisación caótica con influencia del jazzista Charles Mingus.

Yorke contó que, durante las sesiones, la indicación para los vientos era: “Solo soplen”. Rolling Stone recuerda que Radiohead quería “alejarse de sí mismo” y presenta el resultado como una pieza de art-punk tensa y alienada.

4. Olivia Rodrigo — “Good 4 U”

Olivia Rodrigo lanzó “Good 4 U” el 14 de mayo de 2021, una semana antes de publicar su álbum debut, Sour. Hasta ese momento, su discografía se limitaba a “Drivers License” y “Deja Vu”, dos sencillos de tempo más pausado.

Con bajo distorsionado, guitarras y una letra dirigida a una expareja, Rodrigo giró hacia el pop-punk que escuchaba durante su adolescencia. La canción llegó al número uno del Billboard Hot 100 y abrió otra veta para una artista que había irrumpido con una balada.

La cantante explicó a NME que no quería hacer un disco entero parecido a “Drivers License”: “No sería divertido para mí, y probablemente tampoco para los oyentes”. Rolling Stone lee “Good 4 U” como la prueba de que Rodrigo no era una artista one-hit wonder.

3. The Killers — “Mr. Brightside”

“Mr. Brightside” fue el sencillo debut de The Killers, publicado en 2003 e incluido después en Hot Fuss, lanzado en 2004. Brandon Flowers escribió la canción a partir de una experiencia de celos, mientras la banda de Las Vegas trabajaba con la tensión rítmica del post-punk.

La canción mantiene la misma progresión de acordes durante toda su extensión. Su velocidad, la guitarra de Dave Keuning y el canto urgente de Flowers convirtieron una escena íntima en un tema repetido durante más de dos décadas en festivales, estadios y fiestas.

Rolling Stone describe la voz de Flowers, influida por Iggy Pop, como la representación de una emoción que desborda. Su dictamen sobre el sencillo es directo: “‘Mr. Brightside’ suena como un relámpago”.

2. The White Stripes — “Seven Nation Army”

The White Stripes publicaron “Seven Nation Army” en febrero de 2003 como adelanto de Elephant, su cuarto álbum, editado ese abril. Jack White ideó el riff durante una prueba de sonido y luego lo tocó en guitarra con un pedal que baja la afinación para que parezca un bajo.

El título procede de la forma en que White pronunciaba “Salvation Army” cuando era niño. La letra, por su parte, aludía al escrutinio que recibían él y Meg White, socios musicales y expareja, mientras la popularidad de la banda se expandía fuera del circuito garage.

Según Rolling Stone, la canción devolvió “simplicidad cruda y misterio” al rock. El medio también subraya su vida posterior en las tribunas: el riff pasó del disco a las bandas escolares y a los cantos de estadios de todo el mundo.

1. Yeah Yeah Yeahs — “Maps”

“Maps” se lanzó en 2003 como sencillo de Fever to Tell, el álbum debut de Yeah Yeah Yeahs. La canción rompió con el estilo más ruidoso y acelerado del trío neoyorquino: aquí, Karen O canta con una fragilidad conmovedora sobre la guitarra atmosférica de Nick Zinner.

La letra siempre se ha asociado a Angus Andrew, cantante de Liars y pareja de Karen O en aquel momento. De hecho, se suele decir que el título es un acrónimo de “My Angus Please Stay” (Mi Angus, por favor quédate), aunque la banda nunca ha validado oficialmente esa teoría.

Según la revista Rolling Stone, el tema perdura gracias a “la humanidad desnuda” que transmite Karen O. Su videoclip, famoso por las lágrimas reales de la vocalista, amplificó una súplica que años más tarde serviría de inspiración a estrellas como Kelly Clarkson y Beyoncé.

La lista completa de las 200 canciones de rock seleccionadas por Rolling Stone

• 200. Yellowcard — “Ocean Avenue”
• 199. Noah Kahan — “American Cars”
• 198. Speedy Ortiz — “Raising the Skate”
• 197. Mogwai — “2 Rights Make 1 Wrong”
• 196. Incubus — “Circles”
• 195. The Mountain Goats — “This Year”
• 194. Old 97’s — “Rollerskate Skinny”
• 193. Momma — “Speeding 72”
• 192. Juanes — “Es por Ti”

• 191. Wolf Parade — “I’ll Believe in Anything”
• 190. Alex G — “Harvey”
• 189. Baroness — “Isak”
• 188. The Raconteurs — “Steady, As She Goes”
• 187. Slipknot — “People = Shit”
• 186. Tame Impala — “Elephant”
• 185. Velvet Revolver — “Slither”
• 184. Mudcrutch — “Crystal River”
• 183. Bombino — “Amidinine”
• 182. Avril Lavigne — “My Happy Ending”

• 181. Yungblud — “Hello Heaven, Hello”
• 180. Downtown Boys — “Monstro”
• 179. Moses Sumney — “Virile”
• 178. Sleigh Bells — “Crown on the Ground”
• 177. Alejandro Escovedo — “Castanets”
• 176. King Gizzard and the Lizard Wizard — “Rattlesnake”
• 175. Red Clay Strays — “Wondering Why”
• 174. Future Islands — “Seasons (Waiting on You)”
• 173. Blondshell — “Salad”
• 172. The Monkees — “Me & Magdalena”
• 171. Mdou Moctar — “Afrique Victime”
• 170. Sum 41 — “Fat Lip”
• 169. The Rolling Stones — “Whole Wide World”

• 168. Electric Six — “Danger! High Voltage”
• 167. Jason Isbell and the 400 Unit — “Cumberland Gap”
• 166. At the Drive-In — “Arcarsenal”
• 165. Louis XIV — “Finding Out True Love Is Blind”
• 164. Deerhunter — “Desire Lines”
• 163. Sturgill Simpson — “Call to Arms”
• 162. Ought — “Beautiful Blue Sky”
• 161. Metallica — “Spit Out the Bone”
• 160. Water From Your Eyes — “Barley”
• 159. The Shins — “New Slang”
• 158. Gossip — “Standing in the Way of Control”
• 157. Hop Along — “The Knock”
• 156. Prince — “Guitar”

• 155. Sky Ferreira — “You’re Not the One”
• 154. Boris — “Rainbow”
• 153. Foo Fighters — “Best of You”
• 152. Jet — “Are You Gonna Be My Girl”
• 151. Kurt Vile — “Pretty Pimpin”
• 150. Bleachers — “Jesus Is Dead”
• 149. Meshuggah — “Bleed”
• 148. Yo La Tengo — “Cherry Chapstick”
• 147. The Libertines — “Time for Heroes”
• 146. Lou Reed — “Big Sky”
• 145. Songs: Ohia — “Farewell Transmission”
• 144. Wolfmother — “Joker and the Thief”
• 143. Snail Mail — “Heat Wave”
• 142. Low Cut Connie — “Revolution Rock n Roll”
• 141. Soccer Mommy — “Circle the Drain”
• 140. Arch Enemy — “We Will Rise”
• 139. Neil Young and Crazy Horse — “Ramada Inn”
• 138. The Strokes — “Reptilia”
• 137. Big Thief — “Not”
• 136. The Stratford 4 — “Telephone”
• 135. The Killers — “Read My Mind”
• 134. Rush — “Headlong Flight”
• 133. Kings of Leon — “The Bucket”
• 132. Japandroids — “The House That Heaven Built”
• 131. Muse — “Uprising”
• 130. Harry Styles — “Kiwi”

• 129. Sonic Youth — “Incinerate”
• 128. Gary Clark Jr. — “Numb”
• 127. Audioslave — “Like a Stone”
• 126. Spoon — “The Way We Get By”
• 125. Gojira — “Flying Whales”
• 124. John Mayer — “Slow Dancing in a Burning Room”
• 123. Taking Back Sunday — “You’re So Last Summer”
• 122. Paul McCartney — “Fine Line”
• 121. My Chemical Romance — “I’m Not Okay (I Promise)”
• 120. Benjamin Booker — “Violent Shiver”
• 119. Cameron Winter — “Love Takes Miles”
• 118. Silversun Pickups — “Lazy Eye”
• 117. Nine Inch Nails — “The Hand That Feeds”
• 116. Willow — “Transparent Soul”
• 115. The Gaslight Anthem — “The ’59 Sound”
• 114. Pearl Jam — “Got Some”
• 113. Elliott Smith — “L.A.”
• 112. Brandi Carlile — “The Story”
• 111. The Darkness — “I Believe in a Thing Called Love”
• 110. Bob Dylan — “Key West (Philosopher Pirate)”
• 109. Black Sabbath — “God Is Dead?”
• 108. The Vines — “Get Free”
• 107. boygenius — “Bite the Hand”
• 106. Bartees Strange — “Boomer”
• 105. Death Cab for Cutie — “Transatlanticism”
• 104. The White Stripes — “Ball and Biscuit”
• 103. Linkin Park — “In the End”

• 102. The National — “Bloodbuzz Ohio”
• 101. The Roots feat. Cody Chesnutt — “The Seed 2.0”
• 100. The 1975 — “I Always Wanna Die (Sometimes)”
• 99. Drive-By Truckers — “Marry Me”
• 98. Natalia Lafourcade — “En el 2000”
• 97. Japanese Breakfast — “Be Sweet”
• 96. Doves — “Black and White Town”
• 95. R.E.M. — “Imitation of Life”
• 94. Opeth — “Deliverance”
• 93. Fiona Apple — “Horns of a Bull”
• 92. Green Day — “Holiday”
• 91. Tool — “The Grudge”
• 90. Against Me! — “Transgender Dysphoria Blues”
• 89. Stephen Malkmus and the Jicks — “Real Emotional Trash”
• 88. Arctic Monkeys — “R U Mine?”
• 87. Nick Cave and the Bad Seeds — “Jubilee Street”
• 86. The Black Keys — “Lonely Boy”
• 85. Evanescence — “Bring Me to Life”
• 84. Wet Leg — “Chaise Longue”
• 83. Radiohead — “There There”
• 82. Lady Gaga — “Yoü and I”

• 81. Interpol — “PDA”
• 80. Maná — “Mariposa Traicionera”
• 79. The War on Drugs — “Red Eyes”
• 78. Jesu — “Star”
• 77. Mannequin Pussy — “Drunk II”
• 76. Kaiser Chiefs — “I Predict a Riot”
• 75. Haim — “The Wire”
• 74. Turnstile — “Mystery”
• 73. Tyler Childers — “Eatin’ Big Time”
• 72. Wheatus — “Teenage Dirtbag”
• 71. Kelly Clarkson — “Since U Been Gone”
• 70. St. Vincent — “Marrow”
• 69. The Hold Steady — “Killer Parties”
• 68. Wednesday — “Chosen to Deserve”
• 67. Converge — “Concubine”
• 66. The Walkmen — “The Rat”
• 65. Fountains of Wayne — “Mexican Wine”
• 64. Car Seat Headrest — “Drunk Drivers/Killer Whales”
• 63. Café Tacvba — “Eres”

• 62. Bloc Party — “Banquet”
• 61. Fontaines D.C. — “Starburster”
• 60. Mastodon — “Blood and Thunder”
• 59. D’Angelo and the Vanguard — “The Charade”
• 58. Blink-182 — “The Rock Show”
• 57. Parquet Courts — “Stoned and Starving”
• 56. Panic! at the Disco — “I Write Sins Not Tragedies”
• 55. Waxahatchee — “Never Been Wrong”
• 54. PJ Harvey — “This Is Love”
• 53. Alvvays — “Party Police”
• 52. My Morning Jacket — “Wordless Chorus”
• 51. Muse — “Supermassive Black Hole”
• 50. Red Hot Chili Peppers — “By the Way”
• 49. Weezer — “Hash Pipe”
• 48. The New Pornographers — “Letter From an Occupant”
• 47. Deftones — “Change (In the House of Flies)”
• 46. Beyoncé feat. Jack White — “Don’t Hurt Yourself”

• 45. Alabama Shakes — “Hold On”
• 44. The Rapture — “House of Jealous Lovers”
• 43. Courtney Barnett — “Pedestrian at Best”
• 42. Vampire Weekend — “A-Punk”
• 41. OutKast — “B.O.B. (Bombs Over Baghdad)”
• 40. Slayer — “Disciple”
• 39. Phoenix — “1901”
• 38. Bob Dylan — “Honest With Me”
• 37. Arcade Fire — “Rebellion (Lies)”
• 36. Queens of the Stone Age — “No One Knows”
• 35. MGMT — “Time to Pretend”
• 34. System of a Down — “Chop Suey!”
• 33. Taylor Swift — “All Too Well (10 Minute Version)”

• 32. Sleater-Kinney — “Entertain”
• 31. MJ Lenderman — “Hangover Game”
• 30. Broken Social Scene — “Ibi Dreams of Pavement (A Better Day)”
• 29. Modest Mouse — “Float On”
• 28. Lana Del Rey — “Venice Bitch”
• 27. Bruce Springsteen — “The Rising”
• 26. The Hives — “Hate to Say I Told You So”
• 25. Jimmy Eat World — “The Middle”
• 24. Coldplay — “Yellow”
• 23. David Bowie — “Blackstar”
• 22. U2 — “Beautiful Day”
• 21. Geese — “Getting Killed”
• 20. Fall Out Boy — “Sugar, We’re Goin Down”
• 19. Mitski — “Your Best American Girl”
• 18. TV on the Radio — “Wolf Like Me”
• 17. LCD Soundsystem — “All My Friends”
• 16. My Chemical Romance — “Welcome to the Black Parade”

• 15. Franz Ferdinand — “Take Me Out”
• 14. Rilo Kiley — “Portions for Foxes”
• 13. Lucy Dacus — “Night Shift”
• 12. Paramore — “That’s What You Get”
• 11. Foo Fighters — “Times Like These”
• 10. Wilco — “Impossible Germany”
• 9. Arctic Monkeys — “I Bet You Look Good on the Dancefloor”
• 8. Jay-Z — “99 Problems”
• 7. The Strokes — “Last Nite”
• 6. Phoebe Bridgers — “I Know the End”
• 5. Radiohead — “The National Anthem”
• 4. Olivia Rodrigo — “Good 4 U”
• 3. The Killers — “Mr. Brightside”
• 2. The White Stripes — “Seven Nation Army”
• 1. Yeah Yeah Yeahs — “Maps”

La década de 1960 ha quedado grabada en la memoria colectiva como el territorio de la utopía, la liberación y los horizontes infinitos. Sin embargo, mientras las multitudes marchaban en las calles bajo promesas de un mañana sin ataduras, la voz más punzante de esa generación se encargaba de arrojar un balde de agua fría sobre el optimismo contracultural. Con una madurez impropia para sus escasos veintitrés años, Bob Dylan sentenció: “Nadie es libre; hasta los pájaros están encadenados al cielo”.

Esta devastadora línea poética se encuentra agazapada en las entrañas de Ballad in Plain D, una de las canciones más descarnadas e íntimas de su cuarto álbum de estudio, Another Side of Bob Dylan, editado en agosto de 1964, año en que el universo del folk consideraba a Bob Dylan como un mesías. Sus discos anteriores, impulsados por himnos como Blowin’ in the Wind o The Times They Are A-Changin’, lo habían transformado a su pesar en la voz de la conciencia social de Estados Unidos.

La prensa, los militantes por los derechos civiles y los estudiantes universitarios le exigían que fuera su profeta político. La respuesta del músico fue un portazo violento y genial llamado Another Side of Bob Dylan. Como bien lo indicaba su título, el álbum mostraba “el otro lado” del artista: uno mucho más interior, poético, contradictorio y ajeno a las canciones de protesta convencionales. El disco sustituyó las consignas colectivas por los laberintos del amor, la noche, el desengaño y el absurdo.

En ese contexto de asfixia pública, donde el propio músico se sentía atrapado por las demandas de su público, la imagen de los pájaros encadenados al firmamento cobra una dimensión casi autobiográfica. El análisis de este aforismo revela una de las facetas más nihilistas y lúcidas del pensamiento dylaniano. Al elegir al pájaro —el símbolo universal y arquetípico de la libertad y el vuelo sin fronteras— y asegurar que está “encadenado”, el cantautor dinamita cualquier noción de emancipación total.

El cielo, que a simple vista representa el espacio de la infinitud y la ausencia de límites, se revela aquí como una cárcel invisible. El pájaro puede volar, sí, pero no puede escapar de la atmósfera que lo sostiene; está condenado a su propia naturaleza y al entorno que le permite ser lo que es. Trasladada a la condición humana, la metáfora es implacable: la libertad absoluta es una ficción. El ser humano siempre estará sujeto a condicionamientos biológicos, históricos, lingüísticos o emocionales.

Incluso cuando creemos habernos despojado de todas las cadenas materiales de la sociedad, descubrimos que las reglas del juego de la existencia nos siguen gobernando desde arriba. Para el músico, la libertad no es la ausencia de límites, sino la consciencia de cuáles son nuestras prisiones. Esta idea resume de manera perfecta la errática y fascinante trayectoria de su autor. Si algo ha definido la vida de Bob Dylan, ha sido su necesidad patológica de huir de las etiquetas convencionales y preseteadas.

Cuando el mundo lo nombró rey del folk acústico, él se colgó una guitarra eléctrica en el festival de Newport y editó el salvaje Highway 61 Revisited. Cuando la crítica lo coronó como el cerebro del rock psicodélico, se retiró a los campos a grabar música de raíces campestres en John Wesley Harding. Más tarde, sorprendió a todos con su conversión al cristianismo evangélico en Slow Train Coming o refugiándose en los estándares de jazz de Frank Sinatra en Shadows in the Night, publicado en el año 2015.

Toda su obra es un intento desesperado por no quedarse atrapado en el “cielo” que otros diseñaron para él. Sus canciones, desde las baladas crepusculares de Blood on the Tracks hasta las densas reflexiones tardías de Rough and Rowdy Ways, operan bajo la misma premisa —también sus libros, que forman parte de su obra, no por nada le dieron el Premio Nobel de Literatura—: el arte es el único espacio donde el hombre puede, al menos por un instante, tensar las cadenas y simular que vuela por su propia cuenta.

¿Quién es Bob Dylan?

Bob Dylan (Duluth, Minnesota, 1941), nacido como Robert Allen Zimmerman, es una de las figuras más colosales, influyentes y esquivas de la historia de la música y la literatura contemporáneas. Surgido de la escena folk del Greenwich Village neoyorquino a principios de los años sesenta, revolucionó la canción popular al incorporar la densidad poética de la Generación Beat, el surrealismo y el simbolismo francés al tejido del rock and roll. Como prácticamente nadie, lleva más de seis décadas de trayectoria artística.

Fue galardonado con los premios Grammy, el Premio Oscar, el Premio Príncipe de Asturias de las Letras y el Premio Nobel de Literatura en 2016. Su discografía incluye obras cumbres que moldearon la cultura de occidente, tales como The Freewheelin’ Bob Dylan, Bringing It All Back Home, Blonde on Blonde y Time Out of Mind, además de sus aclamadas memorias en prosa tituladas Crónicas, Volumen 1. A sus más de ochenta años, mantenie viva su leyenda a través de la Never Ending Tour (La gira interminable).

Patti Smith llegó a Asturias, la pequeña comunidad autónoma del norte de España bautizada “paraíso natural” -y famosa por la sidra, la fabada y el parque nacional Picos de Europa- para recibir un premio y dejó, en apenas unos días, un puñado de sentencias que guardan estrecha relación con el loco presente del mundo. La compositora, cantante y poeta estadounidense, Premio Princesa de Asturias de las Artes 2026 habló con estudiantes en una escuela secundaria, brindó una conferencia de prensa y realizó un recital para celebrar medio siglo de su primer concierto en España. En cada una de esas estaciones, desplegó una conversación larga y honesta sobre el arte, la fe, la acción cívica y la obligación de mirar hacia dentro en un mundo que empuja hacia afuera. Lo que sigue es el hilo de lo que dijo esta semana durante su estancia en Asturias.

Patti Smith arrancó su rueda de prensa en el Hotel de la Reconquista de Oviedo con un “hello everybody” y la cerró agradeciendo “el honor” de pisar tierra asturiana. En su primer encuentro con la prensa, la “madrina del punk” dedicó sus palabras más duras a la situación política de Estados Unidos. “Es difícil hablar de mi país porque tenemos un liderazgo deplorable. No tengo nada bueno que decir de nuestra presidencia”, lamentó. Se definió como alguien ajeno a republicanos o demócratas, “una persona global”, pero admitió que ante la actual administración se siente “avergonzada”.

Ante ese panorama, reclamó la implicación de “artistas, activistas, la gente que quiere hacer el bien, no solo en Estados Unidos, en todo el mundo”. Y fue más allá: “Ahora mismo votar es más importante para hacer cambios en nuestros países que enfocarnos en respuestas artísticas. Es raro que lo diga una artista, pero necesitamos números”. Puso como ejemplo a Gandhi, cuyo éxito, sostuvo, no se debió solo a que fuera un gran líder espiritual, sino a que le siguieron “millones de personas, no miles; miles no son suficientes”. Con las elecciones a la vista en Estados Unidos, pidió centrarse en “la obligación cívica”: “Madres, estudiantes, poetas, científicos, panaderos… Todo el mundo tiene que hacer su parte. Es lo que más necesitamos ahora mismo en mi país: acción civil”.

“La gente tiene el poder, aunque a veces sienta que no es así”

Preguntada por si “la gente tiene el poder”, en alusión a su célebre “People Have the Power”, la artista reconoció que muchos ciudadanos se sienten “abrumados por un gobierno terrible y corrupto y piensan que no lo tienen”. “Pero sigo creyendo que tenemos el poder”, insistió. “Mi país está muy dividido, y es triste, porque, al final, todos queremos lo mismo: que nuestros niños crezcan sanos, respirar aire limpio, ser libres para hacer nuestro trabajo. Es trágico que estemos unos contra otros cuando, al final, queremos las mismas cosas sencillas de la vida”. Dijo entender a quienes dudan y no pasan a la acción —“nunca había sentido tanta corrupción en mi gobierno, y eso te paraliza”—, pero recordó que “tenemos el voto” y que hay que ejercerlo “por el futuro de los niños”. Y se proclamó optimista: “Estoy feliz de estar viva. Mientras siga respirando, hay esperanza”.

Su vínculo con España arrancó de la infancia, confesó. “Picasso, uno de mis artistas favoritos con diferencia, me hizo querer ser artista cuando tenía 12 años”, recordó. Cada vez que pasa por Madrid visita el Guernica “como a un viejo amigo”. Lo admiraba de joven en Nueva York y lo extrañó cuando el cuadro volvió a España. “Es el trabajo más importante que se ha hecho nunca para contar la guerra, y es importante que todo el mundo pueda verlo”. “España ha producido mucha belleza y mucha tragedia, y sus artistas lo han absorbido magníficamente”, reflexionó, antes de elogiar a los jóvenes españoles, a los que ve “entusiastas y curiosos”.

Lorca y Rimbaud fueron, con 14 o 15 años, los poetas que la introdujeron “en el mundo político y místico y en la belleza del lenguaje, incluso en la traducción”. “Estos artistas me ayudaron a articular cosas cuando no tenía un lenguaje para hacerlo”, explicó. Citó también a Roberto Bolaño, chileno de nacimiento pero con una larga vida en España, al que considera uno de los escritores más importantes del siglo XXI: “Lo leo una y otra vez. Me está enseñando a escribir”. De él toma la idea del arte como “una práctica diaria”: “Escribo todos los días, y cuando no lo hago escucho esa voz dentro que me dice que hoy no he escrito”.

“Elegí creer en Dios a mi manera”

La autora de Horses desgranó su evolución religiosa con una franqueza poco habitual. Su madre le enseñó a rezar y la crio como testigo de Jehová, con “una fabulosa educación bíblica”. A los 12 años, al decidir que sería artista, se apartó de la religión por unas restricciones “no tanto morales como filosóficas” que chocaban con su libertad, y llegó a sentirse “enfadada con la religión organizada por tener que tomar esta decisión”. Con el tiempo comprendió que podía “creer en Dios a mi manera, y rezar”. La convalecencia tras un grave accidente en 1978, la lectura detenida del Nuevo Testamento y la película de Pasolini El evangelio según San Mateo, vista varias veces, le hicieron ver a Jesús como “un verdadero revolucionario, con una revolución basada en el amor”.

“No tengo una religión estructurada, pero la respeto”, afirmó. Su hermana pequeña es muy devota y ambas conversan y leen juntas “desde el respeto”: “Elegí mi idea, pero eso no la hace mejor ni peor”. “En estos tiempos es necesario creer en algo, aunque sea en nosotros mismos, para hacer mejores cosas”, defendió.

Lejos del teléfono

El lunes de esta semana, había visitado la escuela secundaria IES Bernaldo de Quirós de Mieres (a unos 20 km de Oviedo) donde más de 400 estudiantes de la comunidad autónoma asturiana la esperaban con los trabajos del programa Toma la palabra: 2.600 alumnos de 67 centros habían replicado el formato de su Libro de los días, con una foto o ilustración y un breve comentario. La artista recorrió la exposición con calma, se detuvo ante cada obra y se emocionó: “Es precioso, ¿quién ha hecho la traducción al inglés? Está muy bien. Las cartelas de los museos suelen ser aburridas pero estas, no. Mira ese mar, me gustaría estar ahí”.

En la carpa principal, el poeta y profesor Daniel García Granda condujo el encuentro con las preguntas del alumnado, después de una versión de “Dancing Barefoot” a cargo de profesores y alumnos. A Smith le gustó la versión, “mucho mejor que como lo hacemos nosotros”, y aplaudió el recitado final que añadieron a las últimas estrofas. Más tarde, ofreció una breve guía para jóvenes de este tiempo. Les dijo que “todos tenemos la capacidad de mirar al interior” y que “en un mundo tan rápido, no hay que perder el sentido de individualidad”. “No se dejen llevar demasiado por las redes sociales, hagan tu propia idea de las cosas, sigue tu intuición, alejense de sus teléfonos y tomense su tiempo para sus momentos, sea mirar a tu hermana pequeña correr o contemplar la Luna. Eso es lo que nos conforma como seres humanos”.

Smith habló bastante sobre fotografía y menos sobre música, pero sus palabras fueron reveladoras. Creció en los años 60 y 70, cuando, dijo, “todo el mundo cantaba, en las esquinas, a capella”. Ella no se consideraba cantante. Quería ser escritora, una poeta, y solo cuando empezó a recitar en el escenario y descubrió la energía que el rock ‘n’ roll daba a sus textos, se abrió al mundo de la música: “Nunca planeé tener una banda de rock ‘n’ roll. Fue la poesía la que me arrastró a eso. Hicimos la gira de Horses y descubrí que con la música podía conectar a las personas en todo el mundo, así que me siento muy afortunada por este feliz accidente”.

Les habló de la importancia de ser como la niña del Laberinto del Fauno y abrir sus propias puertas cuando se encontrara con barreras. Si tuviera que dejar un mensaje para las generaciones de dentro de un siglo, dijo, sería: “Amen la naturaleza, cuidense los unos a los otros y escuchen a Jimi Hendrix”.

Ya se había despedido preocupada, dijo, de haber aburrido al público, porque veía semblantes demasiado serios en la carpa. Les insistió en que tenían que salir de allí “sintiéndose bien”. Pero entonces reapareció en el escenario con el músico Tony Shanahan al piano y dejó una emotiva interpretación de “Peaceable Kingdom”, la canción que ambos compusieron para el disco Trampin’ (2004), dedicada a la activista Rachel Corrie, asesinada en Gaza por el ejército israelí. Esa reaparición, la fuerza de sus palabras, su presencia escénica, valió casi tanto como toda la hora y media anterior. “No se olviden de que, frente a los gobiernos y las instituciones que quieren acabar con nosotros, la gente tiene el poder”, les dijo antes de marcharse.

La Usina del Arte dedicará tres jornadas a la obra de Charly García con conciertos y una propuesta para público familiar, en el marco de la celebración por los 75 años del músico argentino. Las actividades se realizarán del viernes 23 al domingo 25 de octubre, con entrada gratuita y reserva previa.

El ciclo, llamado Semana Charly, reunirá a intérpretes de distintas generaciones alrededor de canciones que forman parte del repertorio del artista. La programación combinará relecturas de sus composiciones, homenajes y un espectáculo que vincula el rock con la ficción.

La primera función será el viernes 23 de octubre a las 20 en la Usina del Arte. La cantante Marina Wil presentará Las canciones más lindas de Charly García, acompañada por un cuarteto de cuerdas.

Ian Schifres estará a cargo del piano, los arreglos y la dirección musical. El concierto contará además con la participación de Pablo Granados como invitado.

El sábado 24 de octubre, también a las 20, Mery Granados y Joaco Burgos ofrecerán Mery Granados y Joaco Burgos le cantan a Charly. El encuentro estará centrado en obras de García y se sumará a las actividades previstas por su aniversario.

La programación concluirá el domingo 25, a las 18, con Charly en el país de las maravillas, una obra dirigida al público familiar y presentada por Vanessa Alanís.

El espectáculo propone un recorrido por canciones de Charly García en diálogo con el universo de Alicia en el país de las maravillas. La puesta combina música, personajes y elementos de fantasía.

Los tres conciertos serán sin costo y requerirán reserva previa a través del sitio web de la Usina del Arte.

El disco, previsto para el 13 de noviembre, llegará poco tiempo después de que U2 cumpliera 50 años desde su formación en Dublín, en un período en el que la continuidad de su alineación original quedó en duda.

El grupo irlandés buscó que el proyecto no funcionara como una revisión de su pasado. “Cada vez que una banda como U2 entra al estudio, de algún modo tiene que separarse y volver a unirse”, comentó Bono a Rolling Stone. El cantante añadió que “existen discos en los que sabes que tienes que empezar otra vez”.

Larry Mullen Jr. volvió a tocar tras una cirugía cervical

La situación de Mullen condicionó el presente del grupo. El baterista no participó en los 40 conciertos que U2 ofreció en Sphere, en Las Vegas, donde Bram van den Berg ocupó su lugar. El músico atravesaba una lesión cervical que se agravó durante la gira de 2019 de The Joshua Tree.

“Sentí una cierta humillación cuando te lesionas y no puedes superarlo”, afirmó el músico de 64 años. El baterista aclaró que esa sensación no se dirigía a sus compañeros: “La banda hacía lo que tenía que hacer. No tuve la sensación de haber quedado atrás”.

Los médicos le recomendaron que se retirara, según relató el propio Mullen. La cirugía implicaba riesgos importantes, entre ellos la posibilidad de una parálisis. “Mi deseo de volver a tocar anuló eso”, señaló al explicar por qué siguió adelante con la intervención.

Después de la operación, realizada en Dublín, tardó entre tres y cuatro meses en volver a sentarse detrás de la batería. “Me di cuenta de que tocaba de otra manera. Todo era distinto. Mi cuerpo no funcionaba como antes”, recordó.

Cuando regresó al estudio junto a sus compañeros, la respuesta de la banda despejó parte de las dudas. “Puse primera y empecé a conducir”, resumió sobre aquella primera sesión.

The Edge sostuvo que la presencia del baterista resultó decisiva para que el álbum avanzara. “No creo que hubiéramos hecho un disco si Larry no hubiera podido tocar”, afirmó. Además, describió el efecto de su regreso: “Una vez que Larry entró a la sala, todo cobró sentido”.

El grupo dejó atrás las capas de producción de sus últimos álbumes

La grabación de Carnaval De Luz también implicó una revisión de la dinámica que dominó los trabajos anteriores del grupo, Songs of Innocence y Songs of Experience. Mullen cuestionó el método de alternar productores y compositores, una práctica que, según él, dificultaba el lugar de cada integrante en el estudio.

“Fue muy difícil cuando había tantos productores involucrados ¿Qué es la banda? ¿Qué hace la banda? ¿Cómo funciona? No sabía qué se suponía que debía hacer”, reflexionó el baterista.

Adam Clayton coincidió con ese diagnóstico. El bajista señaló que durante aquella etapa “el sonido de la banda se volvió muy turbio”, debido a la acumulación de arreglos y capas de teclados.

Para el nuevo álbum, el objetivo fue otro: “Era claramente un disco basado en querer que la banda sonara como si estuviera tocando junta en una sala”.

The Edge destacó la incidencia de Clayton y Mullen en el resultado final. “Cuando Adam y Larry tocan, todo sube un 50% en profundidad, intensidad y personalidad”, declaró. Mullen, por su parte, reconoció que su posición frente a los cambios también se modificó después de la operación: “Estoy trabajando en el ‘no’ positivo”.

Bono dejó de perseguir el gran éxito radial

El nuevo material incluye temas extensos y estructuras menos atadas al formato de radio. El grupo trabajó con Brian Eno y el productor Garret “Jacknife” Lee, además de recuperar influencias de David Bowie, Fela Kuti, Donna Summer, Yes y el rock progresivo.

El cantante de 66 años admitió que durante años buscó volver a colocar canciones de U2 entre los grandes éxitos de la radio. “Nada me emociona más que escuchar nuestras canciones en la radio”, afirmó. Aun así, reconoció que la expectativa cambió: “Ahora la canción es su propia recompensa”.

Entre las piezas que reflejan ese giro figura “Coexist (I Will Bless the Lord at All Times?)”, que se acerca a los siete minutos. La versión original duraba 17 minutos. Lee sugirió reducirla para evitar que quedara como una obra de escucha aislada.

The Edge defendió la apertura hacia composiciones menos convencionales y señaló que Bono incluso escribió una introducción para una de las canciones influida por Yes.

El guitarrista también descartó que el tiempo redujera la ambición creativa del grupo: “Nuestro próximo álbum podría ser el mejor que hayamos hecho”.

La banda ya ensaya para una gira de estadios

A los 66 años, Clayton subrayó que piensa en los límites físicos y en el valor de conservar la salud. “Cuando termine este ciclo probablemente tendré 70 años”, planteó. El bajista evitó afirmar que U2 seguirá tocando en estadios durante la década siguiente.

Mullen expresó una posición más concreta sobre la formación original. “Hay un valor real en U2 en su forma original. Vale la pena luchar por ella. También vale la pena ceder por ella”, afirmó.

La banda ya confirmó la gira mundial Carnaval De Luz Presents: The Greatest Show On Earth, que comenzará en Latinoamérica en 2027. El itinerario incluirá un show en Ciudad de México el 26 de febrero, dos presentaciones en São Paulo, el 10 y el 12 de marzo, y dos fechas en Buenos Aires, el 23 y el 25 de marzo, en el Estadio River Plate.

Mullen regresará a los escenarios después de su operación cervical y anticipó que deberá evaluar su resistencia en cada concierto: “Aunque no pueda tocar dos horas y media, si puedo tocar una hora, será suficiente”.

Def Leppard se presenta este lunes 19 de octubre en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México, dentro de su gira Live 2026 por América Latina, con Extreme como banda invitada. Los boletos siguen disponibles a través de Ticketmaster y en taquillas del recinto, con precios entre 1,349 y 4,449 pesos.

La fecha capitalina llega después del arranque de la gira el sábado 17 de octubre en el Autódromo de Querétaro, la primera de tres presentaciones confirmadas en territorio mexicano. La preventa Banamex abrió el 4 de junio y la venta general inició el 5 de junio.

Los precios por tipo de boleto son de 1,349, 1,969, 2,713, 3,209 y 4,449 pesos, de acuerdo con el mismo medio. La plataforma Koobit reporta boletos disponibles desde 2,568 pesos al 9 de octubre, con el evento a menos de un mes de distancia en ese momento.

El posible setlist incluye Pour Some Sugar on Me y Photograph

Con base en las fechas previas de la gira Live 2026, el repertorio que Def Leppard tocaría en la capital mexicana abre con “Rejoice” y “Animal”, continúa con éxitos como “Let’s Get Rocked”, “Rocket” y “Armageddon It”.

La lista incluye dos covers: “Personal Jesus”, de Depeche Mode, y “Rock On”, de David Essex. El cierre contempla los temas más reconocidos de la banda: “Love Bites”, “Rock of Ages”, “Photograph”, “Hysteria” y “Pour Some Sugar on Me”.

De acuerdo con Setlist.fm, el promedio de duración de los shows de esta gira es de 1 hora con 43 minutos, con un tiempo promedio de 3 horas con 57 minutos entre la apertura de puertas y el inicio del concierto.

Def Leppard en CDMX 2026: horario del concierto

El concierto está programado para iniciar a las 20:00 horas para la fecha del 19 de octubre en el Palacio de los Deportes. El recinto se ubica en avenida Río Churubusco y calle Añil, colonia Granjas México, alcaldía Iztacalco.

Las taquillas del inmueble operan de 10:00 a 18:00 horas en las puertas 1 y 7, ubicadas entre las calles Añil y Atletas, según el sitio oficial del recinto.

Cómo llegar al Palacio de los Deportes

La estación de metro más cercana es Velódromo, de la Línea 9, entre 6 y 8 minutos caminando mediante un puente peatonal sobre el Viaducto Río de la Piedad que desemboca en calle Añil. La estación Ciudad Deportiva, de la misma línea, funciona como alternativa.

Para quienes usan Metrobús, la estación de referencia es Goma, de la Línea 2. El recinto cuenta con estacionamiento propio, aunque con cupo limitado y costo variable, con acceso vehicular por la Puerta 7, sobre avenida Río Churubusco, y las puertas 2 y 3, sobre calle Añil.

La congestión en calle Añil puede saturar los accesos hasta 90 minutos antes del inicio de eventos masivos, de acuerdo con datos de tráfico de Google Maps, lo que hace recomendable el transporte público.

Mochilas, cámaras profesionales y alimentos están prohibidos en el recinto

El reglamento del Palacio de los Deportes permite el ingreso de bolsas transparentes de plástico, vinil o PVC que no excedan 30 por 15 por 30 centímetros, así como bolsas de mano pequeñas y cangureras de hasta 11 por 16 centímetros.

También autoriza tapones para oídos, binoculares sin láser sujetos a revisión, medicamentos con receta médica y toallas sanitarias o tampones en pieza individual cerrada, según el sitio oficial del recinto.

Entre los objetos prohibidos figuran mochilas, bolsas de uso diario, tote bags grandes y bolsas de malla, sin importar su tamaño. Tampoco se permite el ingreso con alimentos ni bebidas.

La lista de restricciones incluye cámaras profesionales con lentes intercambiables o extensibles, trípodes, palos para selfie y equipo de grabación de audio o video. Laptops, tabletas y lectores electrónicos grandes quedan excluidos del acceso.

El recinto prohíbe además paraguas, cigarros, vapeadores, encendedores, sustancias ilegales, armas y objetos punzocortantes. Se suman a la lista los punteros láser, las luces químicas, los guantes LED, los peluches y los carteles que superen 11 por 43 centímetros, al igual que las pancartas con postes.

El municipio de Atlacomulco, en el Estado de México, será sede de una nueva edición del Festival Cultural Ámbaro, un evento que reúne conciertos, exposiciones artísticas, danza folclórica y actividades corales de acceso gratuito. La programación está a cargo del Ayuntamiento de Atlacomulco, con el respaldo del Gobierno de México, el Gobierno del Estado de México y la Secretaría de Cultura estatal, de acuerdo con el registro del Sistema de Información Cultural (SIC).

El festival contempla una cartelera musical encabezada por DLD y Liran’ Roll, además de agrupaciones de rock, folclore y música electrónica. También incluye exposiciones pictóricas y fotográficas, presentaciones dancísticas y corales, y una conmemoración especial por los 75 años del Teatro del Pueblo.

Origen e importancia del Festival Ámbaro

El Festival Ámbaro es considerado la actividad cultural más relevante de la zona norte del Estado de México. Según datos del SIC, el evento funciona como un espacio de expresión y difusión tanto para artistas reconocidos como para talentos locales y regionales.

La programación del festival abarca disciplinas como pintura, fotografía, escultura, danza, literatura, música, teatro, arte circense y cine. Esta diversidad de expresiones artísticas se mantiene como una de las características distintivas del evento desde sus primeras ediciones.

El festival surgió en 1997 bajo el nombre de “Carnaval Los Geranios” y en 2004 adoptó su denominación actual, de acuerdo con registros de Wikipedia y Mexpedia. La palabra “Ámbaro” proviene del idioma mazahua y significa “piedra colorada”, en referencia al tezontle rojo que se extrae en el municipio y que abunda en la región.

Originalmente, el festival se realizaba cada año durante el mes de abril. Con el tiempo, su calendario se trasladó al mes de octubre, formato que mantiene en la edición 2026.

De acuerdo con el SIC, el festival ha generado intercambios culturales con más de diez entidades del país y con 17 naciones, a través de sus embajadas. El evento también ha contado con la presencia del Festival Internacional Cervantino (FIC), mediante su programa de giras en ediciones pasadas del Ámbaro.

Las instituciones culturales y educativas de la región participan de forma activa con propuestas artísticas propias, mientras que el ayuntamiento invita también a otros municipios y estados a sumarse a la programación anual.

En la edición de 2024, la inauguración del festival estuvo encabezada por la entonces presidenta municipal de Atlacomulco, Marisol Arias Flores, de acuerdo con registros del portal Punto de Expresión. Aquella edición incluyó presentaciones artísticas que, según el mismo medio, llenaron el escenario principal del municipio.

Fechas y sede del Festival Ámbaro 2026

El Festival Cultural Ámbaro se desarrollará durante varios días consecutivos en Atlacomulco. De acuerdo con el cartel oficial difundido por los organizadores y el registro del SIC, estas son las fechas y condiciones generales del evento:

• Inicio: 14 de octubre
• Finalización: 17 de octubre
• Sede: Atlacomulco, Estado de México
• Acceso: gratuito
• Institución organizadora: Ayuntamiento de Atlacomulco

El SIC también registra el periodo del festival del 13 al 17 de octubre dentro de su ficha oficial, aunque el cartel difundido para el público marca el inicio de actividades el día 14.

Conciertos y artistas musicales

La oferta musical del festival abarca distintos géneros, desde rock hasta música electrónica y propuestas folclóricas. La cartelera incluye agrupaciones nacionales e internacionales, entre ellas una propuesta proveniente de Francia. Estos son los actos confirmados:

• DLD
• Cafeína Rock
• Liran’ Roll
• Los Nook’
• Exxxceso
• Fussible
• Elevarte
• Vire (Francia) en Atlacomulco
• Metamorfosis
• Ensamble Clásico Cronos
• Soprano Andrea Rivera
• Dumarka Qoob
• Cucucita
• Sueños de Oriente
• Mariachi Luna de Plata
• B.A.C.M.
• Babydolls
• Grupo de Alegorías
• Fernando Posadas
• Ras Black
• Vientos del Tiempo
• Vessel’s
• Rock Sinfónico de la Escuela de Bellas Artes de Atlacomulco
• Pianista Juan Ramón Sandoval

Danza, coros y rondallas

La programación dancística y coral ocupa un lugar central en esta edición del festival, con la participación de agrupaciones locales vinculadas a instituciones educativas y culturales del municipio. Entre los grupos y presentaciones confirmadas se encuentran:

• Ballet Folclórico de Atlacomulco
• Colectivo Dancístico Folclórico “De norte a sur, ¿bailamos?”
• Corazón Mestizo
• Coro Armonía de Todos
• Nuestra Casa es un País
• Rondalla Voces Jubilosas “Los Caballeros Románticos”
• Rondalla de la Universidad Politécnica de Atlacomulco
• Manos que Hablan, Ojos que Escuchan

Exposiciones artísticas y fotográficas

El festival incluye además un circuito de muestras visuales que combina fotografía, pintura y propuestas artísticas comunitarias, distribuidas en distintos espacios del municipio:

• “Una amistad reencontrada”, exposición fotográfica de Vire (Francia)
• “Folclor vivo”, exposición fotográfica de Paulino Navarrete
• “Xita Corpus”, exposición pictórica de Tomás García Erasmo
• “El folclor”, exposición pictórica de Fernando Posadas
• “Realidades pictóricas del ser”, exposición de Melissa Vilchis
• “Arte con sabiduría”, exposición artística presentada en la Casa de Día Atlacomulco
• Exposición artística “Ignacio Sierra” en el Centro de Artes Mexiquense (CAM)

Otras actividades y conmemoraciones

Además de la agenda musical, dancística y expositiva, el Festival Ámbaro 2026 contempla actividades institucionales y una conmemoración especial que vincula al festival con la historia cultural del municipio:

• 75 Aniversario del Teatro del Pueblo
• Presentación de la Escuela Normal de Atlacomulco
• Participación del Instituto Cultural “Guillermo Colín Sánchez”
• Actividades en la Casa de Día Atlacomulco
• Participación de “El Temascal Viajero”

El Teatro del Pueblo, cuyo aniversario se conmemora en esta edición, forma parte de los espacios tradicionalmente vinculados a la vida cultural de Atlacomulco, aunque el material disponible no detalla actividades específicas adicionales para esta efeméride dentro del programa del festival.

El concierto gratuito que anunció Reactor 105.7 para celebrar su aniversario número 22 ya tiene fecha confirmada y reunirá sobre un mismo escenario a El Haragán y Cía, una de las bandas más representativas del rock urbano mexicano, junto con agrupaciones como Out of Control Army y Resorte.

El festival, bautizado como Núcleo 01, forma parte de la estrategia de la emisora para llevar la música a un espacio público de la Ciudad de México. La propuesta contempla entrada libre para todos los asistentes, sin costo de boletaje ni registro previo mencionado hasta el momento.

Un cartel pensado para el rock urbano

El cartel de Núcleo 01 no se limita a la banda estelar. Además de El Haragán y Cía, la jornada contará con las presentaciones de Out of Control Army y Resorte, dos agrupaciones con trayectoria dentro de la escena del rock y el punk en México.

A ellas se suman Johnny Nasty Boots, Calaverx y Fakir y Los Psíquicos, lo que completa una oferta de seis actos en total para esta edición del aniversario de la emisora.

La combinación de bandas apunta a un público que sigue de cerca la programación musical de Reactor 105.7, estación que organiza el evento como parte de las actividades por su 22° aniversario.

Según informó la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, el concierto tendrá entrada libre, dato que coincide con lo difundido por la propia emisora al anunciar la actividad.

Fecha, lugar y horario del concierto

El concierto de Núcleo 01 se realizará el viernes 6 de noviembre de 2026. La cita es en el Monumento a la Revolución, ubicado en la Plaza de la República, colonia Tabacalera, alcaldía Cuauhtémoc, en la Ciudad de México.

Hasta el momento, no se ha dado a conocer el horario de inicio del evento. Tanto el medio adn40 como Chilango coinciden en que esta información aún no fue confirmada oficialmente por los organizadores.

Ante esa falta de precisión, se recomienda a quienes deseen asistir llegar con anticipación para conseguir un buen lugar, dado que se trata de un evento gratuito y de acceso libre en un espacio público abierto.

Se sugiere además estar atento a los canales oficiales de Reactor 105.7 y de la Secretaría de Cultura capitalina, de donde podría desprenderse la confirmación del horario en los días previos al concierto.

El marco del aniversario de Reactor 105.7

El concierto se enmarca en la conmemoración del 22° aniversario de Reactor 105.7. Para esta celebración, la estación decidió sacar la música a la calle y tomar uno de los espacios públicos de mayor reconocimiento en la capital mexicana.

La propia emisora difundió la convocatoria señalando que, para este aniversario, la música sale a la calle para tomar uno de los espacios emblemáticos de la ciudad, en referencia al Monumento a la Revolución como escenario del festival.

Con Núcleo 01, Reactor 105.7 replica un formato que vincula su programación musical con actividades gratuitas y abiertas al público general, en esta ocasión centradas en el rock urbano y el punk a través de las bandas confirmadas.

El evento se perfila como la actividad central de los festejos por el aniversario de la emisora, al reunir en un solo cartel a seis agrupaciones y convocar a una concurrencia que no requiere pago de entrada para presenciar el festival completo.

El Haragán y Cía éxitos que ya son clásicos

El Haragán y Cía, la agrupación que encabeza el cartel de Núcleo 01, es una de las bandas más longevas del rock mexicano independiente. Fue fundada en 1989 por Luis Álvarez, conocido como “El Haragán”, junto al bajista Jaime Rodríguez.

Su álbum debut, Valedores Juveniles (1990), se convirtió en lo que la crítica definió como una “piedra de toque del rock urbano” en México. Desde entonces, la banda construyó una carrera sin respaldo de disqueras internacionales, con 11 producciones de estudio, tres discos en vivo y dos recopilaciones.

Entre sus canciones más populares se encuentran “Mi Muñequita Sintética”, “Él No Lo Mató”, “En El Corazón No Hay Nada” y “No Estoy Muerto”, temas que se difundieron entre su público de boca en boca antes de masificarse. Su repertorio combina rock and roll, blues, funk, reggae y heavy metal, con letras centradas en temáticas citadinas y de crítica social.

En 2024, El Haragán celebró más de 36 años de trayectoria con un concierto en la Arena Ciudad de México, donde interpretó un repertorio de más de 30 temas junto a invitados como Alex Lora y Rubén Albarrán. La banda ha compartido escenario en festivales como el Vive Latino y ha llegado a recintos internacionales como el Madison Square Garden.

Out of Control Army, una “armada” del ska mexicano

Out of Control Army nació en marzo de 2015 por iniciativa de Deals Olán (también llamado José Olán), saxofonista con 12 años de trayectoria en bandas como Maskatesta y Tijuana No!. El origen del proyecto fue circunstancial: surgió para abrir un concierto de la banda neoyorquina The Toasters.

La agrupación reúne a músicos de distintas bandas emblemáticas del ska mexicano, entre ellos integrantes de Los de Abajo, Sr. Bikini, Los Victorios y La Tremenda Korte. Su lema, “El ska no está en extinción”, resume su propuesta artística.

Con cinco álbumes en su catálogo y giras por Europa, Estados Unidos y Japón, Out of Control Army se consolidó como una de las bandas independientes más activas del género en Latinoamérica. Entre sus canciones más escuchadas figuran “Mi corazón encantado” y “Al Fondo del Mar”, que en conjunto superan los 11 millones de reproducciones.

En 2025, la banda celebró una década de trayectoria con un disco grabado en vivo en el Teatro Metropolitan, que incluyó 33 canciones.

Resorte, tres décadas de nu metal con mensaje social

Resorte es una banda de nu metal y rap metal fundada en 1995 en Ciudad Satélite, Estado de México, por Tavo Limongi, Juan Chávez y Carlos Sánchez. Su sencillo “América” la llevó a transmitirse en MTV y a obtener reconocimiento nacional.

Su álbum debut, República de Ciegos (1997), fue producido por Vernon Reid, de la banda Living Colour. El segundo disco, XL (1999), ingresó al Top 10 de MTV Latinoamérica. Temas como “Puro Rock”, “Caliente” y “Alcohol” le permitieron a la banda compartir escenario con grupos como Green Day, Korn y Red Hot Chili Peppers.

En 2020 falleció su fundador, Tavo Limongi, a los 52 años. La banda continuó su carrera y en 2024 lanzó República Zombie, su primer álbum completo en casi 20 años. Resorte celebró en 2025 sus tres décadas de historia con una gira especial por Monterrey, Guadalajara y Ciudad de México.

Las propuestas emergentes del cartel

El cartel de Núcleo 01 también incluye a tres proyectos con trayectorias más recientes. Johnny Nasty Boots, originario de la Ciudad de México y radicado en Los Ángeles desde 2022, mezcla el rock psicodélico de los años 60 y 70 con un sonido moderno. Su sencillo “Deadline” fue nombrado “Canción del Año” por Reactor 105.7 en 2018.

Calaverx es un proyecto de dark wave y post-punk formado en 2021, liderado por Manuel Synth, con influencias de bandas como Depeche Mode y The Cure. El grupo decidió cantar en español para diferenciarse en los mercados europeo y estadounidense, donde ha realizado giras recientes por Bélgica, España, Francia y Países Bajos.

Fakir y Los Psíquicos, proyecto de Rafael Zepeda y Erick Espartacus, lanzó en junio de 2026 el álbum El Amor Te Hiere Como El Rayo, un trabajo de nueve canciones que la agrupación definió como “disco novela”, un formato pensado para contar una historia completa de principio a fin.

Cómo llegar al Monumento a la Revolución

Para quienes planean asistir en transporte público, existen dos opciones principales de acceso. La primera es la Línea 2 del Metro, con la estación Revolución como punto de referencia más cercano al recinto.

La segunda alternativa es la Línea 1 del Metrobús, que cuenta con la estación Plaza de la República, ubicada también en las inmediaciones del Monumento a la Revolución.

Ambas opciones permiten un acceso directo a la Plaza de la República, el espacio donde se desarrollará la totalidad del festival por el aniversario de la emisora.

El 24 de septiembre de 1991 alguien podía entrar en una tienda de discos y encontrarse con dos álbumes muy diferentes. Uno comenzaba con cuatro acordes destinados a convertirse en uno de los riffs más reconocibles del rock. El otro mezclaba funk, punk, sexo, vulnerabilidad y una energía física desbordante. Aquel día se publicaron Nevermind, de Nirvana, y Blood Sugar Sex Magik, de Red Hot Chili Peppers. También llegaron The Low End Theory, de A Tribe Called Quest, y Trompe le Monde, de Pixies: una coincidencia excepcional en la música popular.

Treinta y cinco años después, aquellos discos permiten observar cómo la música ayuda a construir identidades, expresar el malestar de una época y conservar una parte de quienes fuimos.

¿Puede un disco representar a una generación?

Hablar de “generación X” no significa asumir que millones de personas compartan una personalidad determinada. Una reciente revisión advierte de que muchas supuestas diferencias psicológicas entre generaciones tienen poco respaldo empírico y pueden confundirse con efectos de la edad o del momento histórico. Estas etiquetas funcionan mejor como categorías culturales que como diagnósticos colectivos.

Pero las generaciones sí pueden compartir experiencias y productos culturales. Y ahí la música ocupa un lugar privilegiado. Quienes atravesaron la adolescencia o primera juventud a comienzos de los noventa vivieron transformaciones económicas y culturales aceleradas. En ese contexto, Nirvana se convirtió en uno de los símbolos de una juventud asociada al desencanto, la ironía y la desconfianza hacia las grandes promesas.

Nirvana y el derecho a no parecer un ganador

Nevermind no parecía diseñado para representar el éxito. Precisamente por eso terminó alcanzándolo.

La investigación sobre la historia cultural del grunge ha señalado cómo su estética descuidada y su reivindicación de la autenticidad marcaban distancia respecto a la cultura dominante. The Oxford Handbook of Punk Rock analiza esa relación entre grunge, alienación, autenticidad y generación X. Frente al rock espectacular de los ochenta, Kurt Cobain, líder de Nirvana, ofrecía otra figura: incómoda, contradictoria y poco interesada en representar al triunfador.

La canción “Smells Like Teen Spirit” convirtió ese malestar en un fenómeno mundial y, en enero de 1992, Nevermind alcanzó el número 1 del Billboard 200. Ahí apareció una paradoja decisiva: el rechazo del mainstream se convirtió en mainstream.

Red Hot Chili Peppers: el cuerpo también podía estar triste

El mismo día llegó un álbum que aparentemente proponía lo contrario.

Si Cobain parecía replegarse sobre sí mismo, Red Hot Chili Peppers explotaban hacia fuera. Blood Sugar Sex Magik estaba lleno de funk, sexualidad, movimiento y exhibición corporal. El tema “Give It Away” parecía celebrar justamente aquello que Nirvana evitaba: el espectáculo.

Pero basta llegar a “Under the Bridge” para que esa lectura se derrumbe. Anthony Kiedis, líder de la banda, escribió sobre aislamiento, adicción y la sensación de no pertenecer a ningún sitio. La historia del álbum relaciona la canción con sus experiencias de consumo de drogas y con determinados lugares de Los Ángeles.

Así, dos discos aparentemente opuestos terminaron hablando de preocupaciones no tan diferentes: soledad, identidad, relaciones, adicciones y necesidad de pertenencia.

La música también dice quiénes somos

Desde la psicología del desarrollo sabemos que la construcción de una identidad coherente constituye una de las grandes tareas de la adolescencia. Experiencias, relaciones y contextos sociales ayudan a responder a una pregunta aparentemente sencilla: ¿quién soy? La música participa de esa construcción.

No elegimos únicamente canciones. Elegimos también estéticas, grupos de referencia y formas de presentarnos ante los demás. Decir que alguien escuchaba Nirvana, Pearl Jam, Metallica, Public Enemy o Madonna podía comunicar algo sobre cómo quería ser percibido.

Las investigaciones muestran que los gustos musicales se relacionan con los grupos de iguales y que compartir preferencias puede favorecer la percepción de valores comunes y los vínculos interpersonales.

Por eso un disco puede terminar convertido en algo parecido a una cápsula cultural. Al volver a escucharlo no regresan solo las canciones, sino también una forma de consumir música que hoy casi ha desaparecido: comprar un CD o un casete, grabar cintas para los amigos, esperar un videoclip en el canal televisivo MTV, descubrir grupos en revistas musicales o reconocer afinidades por una camiseta.

Los discos no acompañaban únicamente una etapa vital; también ayudaban a construir códigos compartidos, tribus y maneras de estar en el mundo.

Por qué seguimos volviendo a la música de nuestra adolescencia

Aquí aparece uno de los fenómenos más interesantes de la psicología de la memoria: el reminiscence bump o pico de reminiscencia.

Cuando se pide a adultos que recuperen recuerdos autobiográficos, existe una representación especialmente elevada de experiencias procedentes de la adolescencia y la primera edad adulta.

Con la música ocurre algo parecido. Diversos estudios han encontrado que las canciones asociadas a esa etapa poseen una capacidad especialmente intensa para activar recuerdos personales. Una estudio sobre el pico de reminiscencia musical sitúa también en la adolescencia una ventana especialmente relevante para que determinadas canciones adquieran significado autobiográfico.

Esto ayuda a entender por qué unas pocas notas pueden producir, décadas después, una reacción tan intensa. La música puede evocar recuerdos vívidos y provocar nostalgia cuando una canción resulta familiar y posee significado personal.

No estamos escuchando únicamente un disco antiguo. Estamos recuperando contexto.

Cuando la rebeldía terminó en el centro comercial

El éxito de Nirvana y Red Hot Chili Peppers contribuyó a borrar la frontera entre cultura alternativa y cultura de masas.

El grunge pasó rápidamente de escenas locales y circuitos alternativos a MTV, las grandes discográficas y los centros comerciales. La industria descubrió que también podía vender autenticidad y rebeldía.

La generación X no fue psicológicamente homogénea ni tuvo una única banda sonora. Pero Nevermind y Blood Sugar Sex Magik capturaron dos maneras distintas de enfrentarse a inseguridades propias de la juventud: esconderse o exhibirse, mirar hacia dentro o saltar sobre un escenario.

Treinta y cinco años después seguimos escuchándolos. Quizá porque fueron grandes discos. Pero también porque volver a ellos significa reencontrarse durante unos minutos con habitaciones, amigos, primeras relaciones, cintas grabadas y versiones anteriores de uno mismo.

Hay discos que pertenecen a la historia de la música. Y otros que, además, terminan formando parte de nuestra propia historia.

*Director y profesor del Máster de Psicología General Sanitaria, Universidad Europea.

Este artículo fue publicado originalmente en The Conversation.

Esa búsqueda, marcada por dudas, críticas y conflictos personales, derivó en la formación de Wings, el grupo que encabezó junto a Linda McCartney.

Durante una proyección de Man on the Run en el Teatro Ted Mann del Museo de la Academia, en Los Ángeles, el artista de 84 años repasó esa etapa en una conversación con el comediante Judd Apatow y el director Morgan Neville.

Según informó Variety, el músico definió aquellos años como un período de reconstrucción luego de perder el único trabajo que había conocido durante más de una década.

“Los Beatles se separan, ese ha sido tu único trabajo, y de repente ya no lo tienes. Es como si te despidieran”, afirmó McCartney. Según explicó, esa necesidad de encontrar un nuevo rumbo después de la separación fue precisamente lo que dio origen a Wings.

El temor a una carrera en solitario

McCartney describió que la posibilidad de trabajar sin una banda le generaba inquietud. Tras publicar sus primeros discos posteriores a The Beatles, optó por reunir un grupo con Linda y otros músicos, aunque el desafío implicaba encontrar una identidad distinta de la que había construido junto a John Lennon, George Harrison y Ringo Starr.

“Creo que estar solo me daba mucho miedo, porque siempre había tenido la unión del grupo”, señaló el músico británico. También descartó la posibilidad de iniciar esa nueva etapa repitiendo la fórmula que había utilizado con The Beatles.

Explicó que podría haber compuesto canciones similares y reunido a otros músicos para recrear el estilo de la banda, pero consideró que eso habría convertido a su nuevo proyecto en una especie de grupo tributo.

Durante los primeros años, se resistió a interpretar el repertorio de su anterior grupo. Los promotores le sugerían tocar “Yesterday”, pero él respondía: “No, no lo haré”. Esa negativa formó parte de su esfuerzo por sostener el proyecto con material propio, aun cuando el nombre de The Beatles seguía presente en cada decisión artística.

La situación cambió después del éxito de Band on the Run. Para la gira mundial de Wings entre 1975 y 1976, el artista ya incorporó algunas canciones de The Beatles a sus conciertos.

La inspiración de Johnny Cash y el lugar de Linda McCartney

El origen de Wings tuvo un impulso concreto. McCartney relató que la idea apareció mientras veía por televisión a Johnny Cash, quien se había rodeado de Carl Perkins y otros músicos de country. “Pensé: ‘Johnny acaba de formar una banda. Qué buena idea’”, recordó.

Entonces le propuso a Linda McCartney formar parte del proyecto. “Me giré hacia Linda y le dije: ‘¿Formamos una banda? ¿Quieres estar en ella?’. Y ella simplemente dijo: ‘Sí’”, contó. La decisión recibió cuestionamientos desde el comienzo, dado que Linda no contaba con formación musical previa.

McCartney defendió esa elección al recordar los inicios de The Beatles. “Nosotros tampoco en los Beatles. No sabíamos nada. Pero aprendimos un par de acordes y aprendimos juntos”, subrayó.

El músico también situó esos años en una etapa de aislamiento en Escocia, donde vivía con su nueva familia. Contó que comenzó a beber con frecuencia tras la separación de The Beatles, aunque el nacimiento de sus hijos y el acompañamiento de Linda influyeron en su cambio de rumbo. “Tuve hijos, y eso me hizo cambiar de rumbo”, afirmó.

Las críticas a Ram y la tensión con John Lennon

La conversación también abordó las críticas que recibió Ram, el álbum publicado por Paul y Linda antes de la formación de Wings. Con los años, el disco ganó reconocimiento entre seguidores y críticos, aunque su recepción inicial afectó al ex Beatle.

“Escuché a los críticos y pensé: ‘Mmm, tal vez tengan razón’. Y durante años pensé que no era un muy buen álbum”, recordó durante la conversación.

El músico contó que un comentario de su sobrino modificó su mirada sobre ese trabajo. “Un día se me acercó y me dijo: ‘¿Sabes cuál es mi álbum favorito tuyo? Ram’. Yo dije: ‘¿Qué?’. Y de repente lo escuché y me volvió a gustar”.

Apatow también preguntó por la tensión con John Lennon, que cuestionó públicamente a McCartney y luego llevó esas diferencias a la canción “How Do You Sleep”. El ex integrante de Wings evitó atribuir una razón definitiva a esa disputa, aunque sostuvo que Lennon quizá esperaba otra clase de música de su antiguo compañero.

“Quería a John y lo quiero hasta el día de hoy y siempre lo querré. Siempre pensé que él era genial, pero podía ser un completo idiota en algunas cosas”, aseguró McCartney.

El liderazgo que terminó por asumir en Wings

Reconoció que su aspiración de construir una banda con relaciones más igualitarias chocó con el peso de su experiencia y sus propias expectativas. Entre risas, admitió que el hecho de haber sido un Beatle hacía difícil evitar una posición de liderazgo frente a músicos que no habían tenido esa experiencia.

McCartney explicó que intentó no adoptar de entrada ese rol, pero con el tiempo comprendió que Wings necesitaba que él tomara decisiones sobre la composición, la producción y la dirección musical. Según recordó, terminó asumiendo que era quien tenía que marcar el rumbo y señalar qué decisiones podían funcionar mejor para el grupo.

La proyección de Man on the Run reunió a 275 asistentes y se centró en el período de Wings entre 1970 y 1980. McCartney también elogió la decisión de Morgan Neville de contar la historia del documental sin recurrir a entrevistas actuales frente a cámara y destacó el resultado de la película.

En una cobertura de Infobae México presenciamos el concierto que Iron Maiden ofreció en el Estadio GNP Seguros la noche del viernes 2 de octubre, dentro del Run For Your Lives World Tour, la gira con la que la banda británica conmemora cinco décadas de carrera. El show, con Anthrax como telonero, reunió a cerca de 65 mil personas en un recinto con boletos agotados y un repertorio de 17 canciones centrado en los primeros nueve discos de estudio del grupo.

En una noche de rememoranza, la agrupación recorrió sus grandes clásicos como Run to the Hills, 2 mins to Midnight, Fear of the Dark y Rime of the Ancient Mariner.

La jornada fue un recorrido cronológico por la era de Paul Di’Anno, la consolidación de Bruce Dickinson como vocalista y la etapa de exploración mitológica de mediados de los años 80, acompañado de pirotecnia, llamaradas y la presencia constante de Eddie, la mascota de la banda.

Multitudes de distintas generaciones rodearon el recinto

La música se hacía escuchar desde las calles contiguas al estadio GNP, multitudes de personas se dieron cita, desde jóvenes hasta adultos mayores, familias completas incluyendo niños abarrotaban los alrededores e interiores del recinto, el estadio estaba en lleno total.

Desde los teloneros, que pasadas las 7 de la noche amenizaron el concierto, hasta la entrada de la legendaria banda Iron Maiden los asistentes permanecieron extasiados, una banda con larga trayectoria en México que, en sus propias palabras, es uno de sus sitios favoritos para tocar.

Los primeros acordes hicieron vibrar el estadio con gritos, brincos y aplausos desenfrenados; la jornada arrancó con una euforia que mezcló nostalgia de temas legendarios y nuevas generaciones acercándose al género musical. El cielo se hizo presente y comenzó una lluvia que lejos de desalentar a la multitud le dio una brisa refrescante que les revitalizó.

El concierto fue puntual, cómo buenos músicos británicos, arrancó cerca de las 9:00 sin dilación y terminó pasando las 11, el espectáculo fue todo un deleite, más allá de la música, la teatralidad y la temática de terror armonizaron a la perfección con el mes de octubre y el futuro Halloween.

2 mins to midnight, Run to the Hills, Hallowed fueron los temas que más hicieron corear a las multitudes así como Fear of the Dark, acompañado de aces high y wasted years al cierre de la velada.

Pirotecnia y la primera aparición de Eddie abrieron la noche

El show arrancó con “Murders in the Rue Morgue”, acompañada de efectos de pirotecnia. El tema, lanzado el 2 de febrero de 1981 dentro del álbum Killers, está inspirado en el relato homónimo de Edgar Allan Poe y consolidó la armonización de guitarras gemelas tras la incorporación de Adrian Smith a la banda.

Le siguió “Wrathchild”, del mismo disco, construida sobre uno de los fraseos de bajo más reconocibles de Steve Harris.

Después llegó “Killers”, tema homónimo que marcó el cierre de un ciclo: fue el último trabajo discográfico con Paul Di’Anno antes de su expulsión por problemas personales y de adicciones. Durante esta canción se produjo la primera salida de Eddie al escenario, recibida con una ovación del público.

El bloque continuó con “Phantom of the Opera”, del álbum debut de 1980 y considerada la primera obra de tinte progresivo de la banda, y con “The Number of the Beast”, acompañada de llamaradas. Este último tema, publicado el 22 de marzo de 1982, catapultó a Iron Maiden al número uno en el Reino Unido y al éxito en Estados Unidos, pese a los intentos de censura religiosa que enfrentó en su momento.

Fuego, lluvia y teatralidad marcaron el tramo medio

Tras “Infinite Dreams”, pieza de 1988 sobre el existencialismo y el más allá, el repertorio avanzó hacia “Powerslave”, con nueva pirotecnia. Inspirada en la mitología egipcia, esta canción de 1984 dio nombre a la mítica gira World Slavery Tour, una de las más extensas de la historia del rock. Después llegaron “2 Minutes to Midnight”, crítica directa a las políticas de la Guerra Fría basada en el Reloj del Apocalipsis, y “Rime of the Ancient Mariner”, acompañada también de pirotecnia. Fue durante este tema, una epopeya de casi 14 minutos fundamentada en el poema de Samuel Taylor Coleridge, cuando una lluvia ligera comenzó a caer sobre el estadio sin frenar el coro multitudinario del público.

El repertorio continuó con “Run to the Hills”, con llamaradas, tema que narra la conquista del territorio americano y se convirtió en el principal éxito radial de la banda a nivel global. Le siguió “Seventh Son of a Seventh Son”, tema central del primer disco conceptual de Iron Maiden, enfocado en leyendas sobre la clarividencia.

El punto más alto de teatralidad llegó con “The Trooper”, acompañada de una nueva salida de Eddie al escenario. Durante este tema, Dickinson salió con un sombrero de charro y ondeó una bandera mexicana, en un gesto que desató la euforia del público.

El himno de la banda cerró el cuerpo principal del show

El cuerpo principal del concierto llegó a su punto culminante con “Hallowed Be Thy Name”, acompañada de pirotecnia, llamaradas y el uso de una plataforma elevadora. Considerada una de las mejores composiciones en la historia del género, la canción describe las últimas horas de un condenado a la horca y, pese a la lluvia, logró que el público coreara cada verso.

El cierre del bloque llegó con “Iron Maiden”, el himno oficial de la agrupación. Es el único tema interpretado en absolutamente todos los espectáculos de la historia de la banda, el momento en que tradicionalmente emerge Eddie en el escenario, acompañado en esta ocasión de pirotecnia y llamaradas.

Tras el tema, la producción apagó las luces del recinto. En ese silencio, la voz grabada de Winston Churchill resonó en los altavoces como preámbulo del regreso de la banda al escenario para el bloque de bises.

Los bises cerraron la celebración de medio siglo

El primer tema del encore fue “Aces High”, homenaje a los aviadores de la Royal Air Force británica caídos durante la Segunda Guerra Mundial, interpretado habitualmente bajo la réplica a escala de un caza Spitfire. Le siguió “Fear of the Dark”, único tema del setlist perteneciente a la década de los 90 y transformado con los años en una experiencia comunitaria de los estadios.

El cierre de la noche quedó a cargo de “Wasted Years”, compuesta íntegramente por Adrian Smith e interpretada como el broche emotivo del repertorio. Durante este tema, casi toda la banda lució sombreros de charro sobre el escenario, en una nueva referencia a México.

Antes de retirarse, Dickinson prometió regresar a la Ciudad de México en dos años o menos, promesa recibida con una ovación de pie por parte del público que, pese a la lluvia, acompañó cada una de las 17 canciones del repertorio hasta el final de la noche.

Setlist completo del concierto en el Estadio GNP Seguros

1. Murders in the Rue Morgue

2. Wrathchild

3. Killers

4. Phantom of the Opera

5. The Number of the Beast

6. Infinite Dreams

7. Powerslave

8. 2 Minutes to Midnight

9. Rime of the Ancient Mariner

10. Run to the Hills

11. Seventh Son of a Seventh Son

12. The Trooper

13. Hallowed Be Thy Name

14. Iron Maiden Bises:

15. Aces High

16. Fear of the Dark

17. Wasted Years

Nadie ha lucido jamás más genial frente a un fondo de playa en Zoom que Ringo Starr. Lo tiene todo: las gafas de sol con montura dorada y doble puente. La camisa vaquera de manga larga desabotonada sobre una camiseta negra. La barba negra perfilada, el pendiente de oro y la perilla bajo el labio. El único mechón de pelo que le cae sobre la frente, casi como un recuerdo del Superman de Christopher Reeve. Y quizá nadie haya sonado jamás más genial hablando de brócoli —sí, brócoli— que él, la columna vertebral rítmica de la banda más exitosa jamás formada. «Todavía solo como brócoli», dice con ironía, en su acento del norte de Inglaterra, sobre la verdura que una vez calculó que constituía el 99 % de su ser físico. «Si viene con la comida, sea cual sea la comida... Anoche comí un risotto con champiñones, y de acompañamiento había brócoli». Hace una pausa para lograr un efecto cómico: «Que me comí».

Y esta es mi presentación formal, en una entrevista por video a principios de septiembre, con sir Richard Starkey, el baterista favorito de mi padre. A los 86 años, la vida sigue siendo buena para Ringo, cuya carrera no es más que una inimaginable sucesión de «uno de los» tras otro «uno de los».

Uno de los bateristas más influyentes y celebrados en la historia del rock. Uno de los músicos más analizados, escrutados e imitados de los últimos 60 años. Y, por supuesto, uno de Los Beatles.

Ha impulsado «Peace and Love» («Paz y amor»), un mantra personal impregnado de la esperanza de menos violencia y de nostalgia por una época más optimista, durante un periodo de profunda división en Estados Unidos. «Yo solo puedo hacer esto», dice, levantando dos dedos para hacer el signo de la paz. «No puedo obligarte a hacerlo, ni a nadie más. “Paz” es una gran palabra para mí. Me encanta». También ha superado las burlas, la pérdida y la adicción, y ha salido del otro lado tan afable y accesible como cuando alcanzó por primera vez el estatus de ser conocido solo por su nombre de pila. «Están todos los bateristas de los que hayas oído hablar, y luego está Ringo. Ni siquiera necesitas un apellido», dice Max Weinberg, baterista durante muchos años de Bruce Springsteen y la E Street Band, quien entabló amistad con Starr, su héroe de infancia, hace más de 45 años. «Solo hay un Ringo». Steve Lukather, miembro fundador de Toto que toca la guitarra con Starr desde 2012, añade: «Es nuestro George Burns en muchos sentidos. El tipo va a vivir hasta los 200 años y seguirá siendo tan divertido y tan lúcido como siempre».

Los días de Starr siguen estando ocupados por la escritura y grabación de música nueva. Cuando se enciende ante un público, corre juguetonamente al escenario como un hombre de 30 años, levantando mucho las rodillas con cada zancada y bailando para deleite de la multitud. En el proceso, sigue ampliando el alcance y la repercusión de un catálogo musical que ya ha tocado a un número insondable de personas en la Tierra. «Sigo adelante porque sigo adelante», dice, atribuyéndolo a su dieta vegetariana y a un estricto régimen de ejercicio, además de haber descubierto cómo «levantar una o dos pesas» para poder seguir saltando por el escenario. «Nunca voy a ser Arnold Schwarzenegger, pero sigo moviéndome y caminando siempre que puedo».

En un momento en que más de sus contemporáneos empiezan a mostrar su edad en el escenario o abandonan este mundo por completo, no hay señal alguna de que él vaya a desacelerar. A diferencia de la letra de «Photograph», no se siente viejo —gracias a la dieta y el ejercicio— ni luce canoso —gracias a la tintura para el cabello—. En cambio, vuelve a la carretera para liderar Ringo Starr and His All-Starr Band, el supergrupo que formó hace casi cuatro décadas y con quien ha tocado casi cuatro veces más tiempo del que tocó con Los Beatles.

Así que, incluso después de más de medio siglo como el baterista más famoso del mundo, ¿qué lo sigue impulsando? No se trata del dinero para el millonario ni de la Beatlemanía que perdura. «Simplemente le gusta la comodidad de mirar alrededor del escenario, saber quién es cada persona y sentirse cómodo», dice Lukather. «Simplemente hace esto por diversión».

Mientras las palmeras virtuales se mecen al fondo, Starr reconoce que lo que necesita ahora es lo mismo que entonces: una pequeña ayuda de sus amigos. «Necesito una banda. No puedo simplemente salir con una batería y tocar “Yesterday” o “Photograph”», dice entre risas. «Es lo que soñaba hacer a los 13 años, y sigo haciéndolo. Y todavía me encanta hacerlo». No hay mucho que Starr le diría a su yo de 13 años sobre lo que debería haber hecho de forma diferente en la vida. Después de todo, es la misma persona a la que una vez preguntaron si la fama y la fortuna habían cambiado su vida, y respondió: «No, simplemente me han dado fama y fortuna».

Sin embargo, durante casi 70 años, ha perseguido el sonido que abandonó de adolescente. Su padrastro, Harry Graves, le regaló una Navidad su primera batería, que compró de segunda mano. El problema para el adolescente, dice ahora Starr, era que «eran unos tambores sucios y desordenados, y yo quería AJAX», la marca británica de baterías de Boosey & Hawkes, conocida por sus herrajes únicos. Finalmente consiguió su deseo, que, en su opinión, fue un gran error. «Esa es la peor decisión que he tomado en mi vida, musicalmente, porque he intentado recuperar esa batería durante el resto de mi vida», recuerda acerca de lo que pudo haber sido. «En aquellos días teníamos mucha más profundidad, y eso es lo que siempre buscaba en mis tambores. Por eso les ponía toallas encima, para hacerlos más graves». Añade: «Pero uno toma algunas decisiones tontas cuando tiene 17 años».

Sería una de las últimas veces que tomó una decisión tonta relacionada con la música. Cinco años después, dejó otra banda de Liverpool, Rory Storm and the Hurricanes, para unirse a otra banda llamada Los Beatles, sustituyendo a Pete Best en la batería. Meses después, estaba en la batería del single debut de la banda, «Love Me Do». Unos años más tarde llegó la primera actuación en The Ed Sullivan Show, que, en medio del caos de las chicas y mujeres gritando dentro del Studio 50 en Midtown Manhattan, mostró a la cámara acercándose a Starr en su elevada tarima de batería. En los aproximadamente 16 segundos en los que el entonces joven de 23 años aparece solo en pantalla ante una audiencia televisiva de más de 73 millones de personas, el baterista zurdo con corte de pelo moptop —la cabeza perpetuamente inclinada hacia la izquierda— se presentó al mundo con aquella batería Ludwig para diestros. Estaba aquel swing excepcional. Estaban los nítidos golpes de caja necesarios para escuchar «I Want to Hold Your Hand» por encima del estruendo. Y estaba la sonrisa suave y discreta grabada en su rostro durante lo que había sido la actuación más importante de su vida hasta ese momento.

«Su personalidad estaba tan ligada al ritmo que él era el gran groove que mantenía unidos a Los Beatles», dice Weinberg, quien le atribuye haberlo aconsejado sobre cómo encontrarse a sí mismo como artista cuando Springsteen disolvió la E Street Band durante una década. «Su forma de tocar la batería era tan nítida, tan precisa y tan presente que Ringo se convirtió en el líder de hacia dónde iba y finalmente llegó el estilo de batería del rock. Fue el Big Bang».

Cuando la conversación deriva hacia su enfoque de la batería décadas después, Starr defiende una simplicidad sofisticada que es tan filosófica como técnica. «Toco con la canción y con el cantante. No me pongo a hacer redobles. Para eso estoy aquí: para mantener el tempo y rellenar donde creo que [hace falta], pero no cuando el cantante está siendo emocional», dice. «Eso simplemente me salió de la nada. Es lo que hago».

Ese día, en su pantalla de Zoom con una playa dominicana de fondo, Starr está de ánimo reflexivo. Vuelve a mencionar a Graves —«el mejor padrastro del mundo»— y el amor de su padrastro por los roqueros directos de los años cincuenta, como Jerry Lee Lewis y Buddy Holly. Starr nunca pudo hacer eso, pero le reconfortaba saber desde joven que sería diferente en la batería. «Con el rock directo es bat-bat, pero yo no puedo hacer eso. Lo mío es más bien det-det-det-det. Tiene como un pequeño swing. Así es como toco, y es una forma normal de tocar para mí», dice. «Creo que eso supone una pequeña diferencia para la gente en mi forma de tocar».

De todas sus noches de gira con la All-Starr Band, Lukather ha decidido cuál es su parte favorita del espectáculo: mirar al público para ver si la energía elástica de Starr en el escenario, después de cantar y moverse al ritmo de la batería, ha dejado a algunas mujeres decepcionadas con sus maridos y sus limitaciones físicas. «Después de dos horas en el escenario, al final está haciendo saltos de tijera. Y ves a estas mujeres mayores mirando a sus maridos como diciendo: “¿Cuál es tu excusa, amigo?”», dice con una sonrisa.

Cuando surge la pregunta de cuánto tiempo más puede Starr seguir publicando música nueva y haciendo giras por todo el mundo, Lukather sonríe con suficiencia. «¿Y hacer qué?», responde, señalando que la esposa de Starr, Barbara Bach, reconoce que el baterista es más feliz cuando tiene algo que esperar: la siguiente canción, el siguiente álbum, el siguiente espectáculo. «Hace sus ejercicios de calentamiento vocal. Practica la batería. Hace sudokus avanzados y... corre en una cinta durante 45 minutos todos los días», añade.

El pasado y el presente siempre chocan para Starr. Se ha exigido a sí mismo al publicar dos álbumes de country bien recibidos en los últimos dos años, pero también sabe que algunas de las mayores ovaciones cada vez que sube al escenario con la All-Starr Band están reservadas para «Yellow Submarine» y «Octopus’s Garden», dos éxitos de los Beatles en los que él es la voz principal. Esto no le molesta, porque entiende lo importante que es preservar los vínculos que las personas tienen con él y con la música que abarca varias generaciones. «Una gran parte de mi espectáculo consiste en que miro a la gente del público y charlo con ella, y a veces estoy tan ocupado con lo que hago con la persona del público que se me olvida entrar en la canción», admite. «El público sabe que lo amo, y yo sé que ellos me aman».

Ha grabado y publicado más de 260 canciones en casi dos docenas de álbumes de estudio desde 1970, pero ninguna de ellas había sido un dueto con Paul McCartney, su compañero sobreviviente de banda. Pero unos dos años después de que tuviera una improvisada sesión de zapada en la batería en 2024 con el productor Andrew Watt, McCartney escuchó la grabación y creyó que tenía que convertirse en una canción. Starr comenzó a grabar los estribillos de «Home to Us» porque, bueno, eso era lo que siempre había hecho en el pasado. Esta vez no. Cuando el single se publicó el pasado mayo en el álbum de McCartney The Boys of Dungeon Lane, marcó la primera vez que los dos Beatles vivos interpretaron todas las voces de una canción como dúo. «[McCartney] dijo: “Oh, hombre, estás sonando genial. ¿Por qué no la cantas toda? La haremos como un dueto”. Y yo dije: “Sí, de acuerdo, ¡eso sí que será un cambio!”», dice Starr, soltando una carcajada. «Con Paul y conmigo, nunca había sido así antes. Siempre ha sido que él viene y toca el bajo para mí, como ha hecho varias veces en los últimos 50 años.

«Seguimos hablando, seguimos diciéndonos: “Te quiero, hombre”, y somos amigos cuando estamos en el mismo país».

Antes de que Starr tenga que volver a grabar un par de canciones ese día y a comer más brócoli, mi última pregunta debe ser sobre la primera vez que lo vi tocar. Fue el 7 de julio de 2010, y mis padres me llevaron a verlo celebrar su 70.º cumpleaños en el Radio City Music Hall. Cuando las luces de la sala no se encendieron de inmediato al final del espectáculo, Starr quería regresar a su camerino, pero su esposa le pidió que se quedara fuera del escenario un minuto. McCartney, vestido con traje completo y corbata estrecha, corrió al escenario para interpretar «Birthday», y Starr encontró sus baquetas y volvió a la batería justo a tiempo, sin querer perderse la diversión.

Incluso detrás de sus gafas de sol, sus ojos se iluminan al mencionar una historia que se ha contado repetidamente en mi familia durante los últimos 16 años. Ese momento le importó a Starr. Siempre le importó. «Fue algo hermoso, pero fue una locura porque la banda no me lo dijo, nadie del equipo me lo dijo», recuerda sobre la sorpresa. «Y entonces, simplemente dejé que todo eso se fuera».

Cuando terminó el bis, McCartney abrazó al cumpleañero. Con una sonrisa que se extendía por todo el Radio City Music Hall, Ringo Starr saludó a la multitud con signos de paz y les dijo que los amaba, como haría durante muchos años más. Luego se dijo en voz baja unas palabras a sí mismo, pues finalmente había terminado por esa noche.

«Gracias, Señor. Fue genial».

Fuente: The Washington Post

Rock al Parque inaugurará su edición de los 30 años con la instalación de una escultura de bronce elaborada con balas recicladas y concebida como homenaje a las mujeres de la escena rock bogotana. La obra, llamada Rockera, fue creada y donada por el artista Rafael Melo —conocido como Maquiamelo— y será emplazada el 7 de octubre en el Parque Metropolitano Simón Bolívar, tres días antes del inicio del festival.

La pieza mide 3,87 metros de altura y pesa cerca de 1.200 kilogramos. Fue elaborada con la técnica de bronce a la cera perdida y utilizó 350 kilos de bronce “vainilla” fundidos a partir de balas recicladas. Su pedestal incluirá una placa conmemorativa dedicada a las bandas invitadas, locales y distritales que han pasado por el festival, además de un código QR con información sobre la obra.

Melo presentó Rockera como un reconocimiento a las mujeres vinculadas al rock y a la identidad construida por generaciones de jóvenes alrededor del festival. Según el artista, la obra visibiliza a quienes abrieron espacios en un género históricamente dominado por hombres. Los audífonos incorporados en la figura remiten a la música como vínculo entre generaciones, mientras que los taches reinterpretan la aureola y la corona de puntas desde la estética rockera. Una estrella en el ojo izquierdo completa los elementos simbólicos de la pieza.

La instalación da inicio a una semana de actos antes de los conciertos

La escultura marcará el comienzo formal de los actos de celebración, que se extenderán durante varios días previos a la programación musical en el parque. Rock al Parque cumple 30 años con una agenda que va más allá de los conciertos del Parque Simón Bolívar e incluye dos exposiciones y el Foro Internacional de Periodismo de Rock.

La Biblioteca Virgilio Barco inaugurará el 8 de octubre la muestra Rock al Parque 30 años, dedicada a las transformaciones que situaron al festival dentro de la vida cultural de Bogotá. El montaje estará a cargo de Relámpago, equipo y estudio especializado en diseño de espacios expositivos, a partir de una investigación de Umberto Pérez y Luis Daniel Vega. La exhibición reunirá memorias del festival, desde los primeros años de las bandas bogotanas hasta la consolidación de una comunidad alrededor del encuentro, y permanecerá abierta hasta enero de 2027.

La segunda muestra, Rock & Rolo: Procesos, estética visual y archivos del rock local en Bogotá, recorrerá la historia del género en la ciudad desde los años sesenta hasta la actualidad. Su investigación reúne documentos del extinto Instituto Distrital de Cultura y Turismo, archivos personales, colecciones privadas, acervos comunitarios, materiales audiovisuales y testimonios orales.

El Foro Internacional de Periodismo de Rock se realizará el 8 y 9 de octubre, entre las 10 h y las 17 h, en la misma biblioteca. La actividad reunirá invitados de Bogotá, Medellín, Cali, Argentina, España, México y Venezuela para abordar los cambios en las narrativas sobre el rock y los desafíos del periodismo independiente y establecido.

Más de 80 artistas en cuatro escenarios durante tres días

La edición del 10 al 12 de octubre reunirá más de 80 agrupaciones y artistas de América Latina, Europa, Estados Unidos y Japón, distribuidos por primera vez en cuatro escenarios en el Parque Simón Bolívar. A los tradicionales escenarios Plaza de Eventos, Bio by Vans y ECO se suma el nuevo Escenario BBC, una alianza público-privada que amplía la oferta musical del festival e incorporó 21 agrupaciones adicionales al cartel.

Entre los nombres anunciados figuran Mon Laferte, Apocalyptica, Ministry, Stratovarius, Los Bunkers, Ratones Paranoicos, Rata Blanca, Editors, Tokyo Ska Paradise Orchestra, Triptykon, Serú Girán —representado por David Lebón y Pedro Aznar— y Claudio Narea, integrante histórico de Los Prisioneros. El cartel incluye propuestas de rock, metal, punk, ska, indie, hardcore, reggae, funk y otras vertientes. La participación femenina equivale al 32% de los artistas confirmados, con 21 agrupaciones.

Entre las novedades anunciadas figuran Darkest Hour, Iseo & Dodosound, Niña Lobo, Decessus y Editors; seis de las bandas invitadas no habían tocado antes en Colombia. La cuota distrital está integrada por 26 agrupaciones bogotanas seleccionadas mediante convocatoria abierta.

Un festival nacido en 1995 de la necesidad de visibilizar el rock bogotano

Rock al Parque nació el 26 de mayo de 1995 a partir de una iniciativa de Mario Duarte, vocalista de La Derecha; el empresario y publicista Julio Correal; y Bertha Quintero, entonces subdirectora de Fomento del Instituto Distrital de Cultura y Turismo (IDCT). La propuesta buscaba crear un espacio gratuito y al aire libre para los músicos jóvenes de una ciudad que en ese momento carecía de escenarios consolidados para la música alternativa.

La primera edición se desarrolló en cuatro sedes —el estadio Olaya Herrera, La Media Torta, el Parque Simón Bolívar y la Plaza de Toros La Santamaría—, reunió a 43 bandas nacionales, entre ellas Aterciopelados y 1280 Almas, y a dos agrupaciones internacionales: Fobia, de México, y Seguridad Social, de España. Cerca de 80.000 personas asistieron durante los cuatro días. La Plaza de Toros, único escenario que cobraba entrada, fue excluida desde 1996 para mantener la gratuidad total del festival.

A lo largo de tres décadas, el evento pasó de cuatro sedes dispersas por la ciudad a concentrarse en un único punto del Parque Simón Bolívar —un cambio consolidado en 2004— y de una programación centrada en rock, metal y punk a incluir ska, reggae, blues y otros géneros. En 2023, el festival recibió 390.000 asistentes, su cifra récord, lo que lo consolida como el festival gratuito de rock más grande de América Latina.

El modelo de Rock al Parque derivó en una política pública distrital de festivales al aire libre sostenida durante tres décadas, de la que surgieron posteriormente Salsa al Parque, Jazz al Parque, Ópera al Parque y Colombia al Parque, hoy coordinados por el Instituto Distrital de las Artes (Idartes).

En una entrevista con The Telegraph el artista habló sobre su adicción al alcohol, el consumo de crack a comienzos de los años 80, su vínculo con la religión cristiana y la diferencia que establece entre Vincent Furnier, su identidad personal, y Alice Cooper, el personaje que llevó al escenario durante más de cinco décadas.

Alice Cooper atribuyó su estado físico a la sobriedad y el ejercicio

El cantante se encuentra de gira por Europa junto a Hollywood Vampires, la banda que comparte con el actor Johnny Depp y Joe Perry, guitarrista de Aerosmith. Cooper afirmó que la dinámica de las giras cambió frente a la cultura de excesos que predominaba en la década de 1970.

“Si estás en una banda de gira, nadie se droga ni bebe, porque ahora es un gran negocio y no puedes permitirte tener a alguien que haga eso”, explicó a The Telegraph. El artista señaló que durante los años 70 el consumo formaba parte de la vida cotidiana de muchos músicos.

Cooper aseguró que lleva 43 años sin consumir alcohol. También destacó que no fuma, juega al golf con frecuencia y considera que sus conciertos constituyen un esfuerzo físico. “El show en sí es un ejercicio aeróbico”, afirmó.

El músico recordó que practicó atletismo en la escuela y sostuvo que una evaluación sobre hábitos de vida situó su edad física en 41 años. “No bebo, no fumo, hago ejercicio constante y estoy felizmente casado”, enumeró. También vinculó el estrés con problemas de salud y afirmó que redujo las tensiones de su vida cotidiana.

El alcoholismo comenzó con una cerveza a los 20 años

Nacido como Vincent Furnier en Detroit en 1948, Cooper fundó junto a otros músicos la agrupación Alice Cooper, cuyo primer álbum salió en 1969. Tras la disolución del grupo original en 1973, adoptó legalmente ese nombre y continuó su carrera como solista.

Su propuesta combinó rock, referencias al cine de terror, maquillaje oscuro, serpientes, sangre falsa y ejecuciones simuladas. Esa construcción escénica alimentó polémicas públicas y acusaciones de promover violencia o satanismo.

Cooper sostuvo que sus espectáculos tenían una lógica moral: el personaje cometía crímenes ficticios y recibía un castigo sobre el escenario.

“Alice podía matar a la enfermera y terminar ahorcado, electrocutado o guillotinado. Pero nunca iba a ser crucificado, porque eso habría sido blasfemo”, explicó al medio británico.

El alcohol se convirtió en su principal problema fuera del escenario. Según relató, empezó a beber a los 20 años, luego de aceptar una cerveza en una fiesta. Al día siguiente compró un paquete de seis latas y, desde entonces, sostuvo que rara vez permanecía sin una copa en la mano.

El músico describió ese período como una búsqueda constante de un “estado de euforia” que intentaba mantener a lo largo del día. La situación empeoró hasta que comenzó a vomitar sangre. “Ahí sabes que no tienes el control”, afirmó.

En 1977 ingresó por primera vez a rehabilitación. Un psiquiatra le señaló que no bebía durante los conciertos ni en el estudio, una observación que llevó a Cooper a separar sus problemas personales de su personaje artístico. “Alice no era el problema. El problema eras tú”, recordó que le dijo el profesional.

El crack llevó al músico a una segunda rehabilitación

Tras casi dos años de sobriedad, el cantante volvió a beber y luego incrementó su consumo de cocaína. Cooper contó que recibió información falsa sobre el crack, una sustancia que entonces comenzaba a circular en Los Ángeles. “Me dijeron: ‘Si lo fumas, no es adictivo’”, relató.

“El crack es, con diferencia, la droga más adictiva que existe y casi me mata”, aseguró el músico. En un extracto de sus memorias, Devil on My Shoulder, describió que en 1982 pasó tres días sin dormir, aislado en su casa, con crack y un arma. Después arrojó la droga al inodoro y llamó a su esposa, Sheryl Cooper, para decirle que había terminado con esa etapa.

La pareja se casó en 1976 y atravesó una separación durante ese período. Sheryl le planteó una condición para continuar el matrimonio: asistir a consejería matrimonial cristiana. Cooper ingresó en 1983 a rehabilitación por segunda vez, una decisión que definió como definitiva.

“Puedo seguir interpretando a Alice, pero si miro cuáles son las cosas más importantes de mi vida, Alice Cooper queda alrededor del cuarto lugar”, subrayó. Según explicó, sus prioridades son Dios, su matrimonio y sus hijos.

El viento que Saúl Hernández convirtió en aullido colectivo hace casi cuatro décadas volverá a soplar sobre la Ciudad de México. La Alcaldía Gustavo A. Madero confirmó un concierto tributo gratuito a Caifanes, la banda que llevó al rock en español el misticismo, el folclore mexicano y los dioses ocultos de un imaginario que hasta entonces pocos se habían atrevido a musicalizar.

El homenaje estará a cargo de El 5ilencio Tributo, agrupación que recreará el repertorio de una de las bandas fundadoras del rock mexicano moderno. La convocatoria promete un recorrido por los himnos que marcaron a distintas generaciones: desde la oscuridad gótica del debut homónimo hasta la fusión de rock, mariachi y cumbia que definió a la banda en su etapa de mayor proyección internacional.

No será un concierto más. Será la oportunidad de reencontrarse, aunque sea a través de una versión tributo, con canciones que se volvieron parte de la memoria colectiva de varias generaciones de mexicanos: “Mátenme Porque Me Muero”, “La Célula Que Explota”, “Nubes” y, por supuesto, “Los Dioses Ocultos”, ese tema que abrió la puerta al folclore y al misticismo dentro del catálogo de la banda original.

Quién es la banda tributo El 5ilencio

El 5ilencio Tributo es la agrupación encargada de interpretar el repertorio de Caifanes durante el concierto en Gustavo A. Madero. El nombre elegido por la banda remite directamente a El Silencio, el tercer álbum de estudio de Caifanes, editado en 1992 y considerado uno de los trabajos más influyentes del rock latinoamericano.

Ese disco fue producido por Adrian Belew, guitarrista de King Crimson y colaborador de artistas como David Bowie y Talking Heads. La producción de Belew llevó a Caifanes a la proyección internacional con canciones como “Nubes”, “No Dejes Que...” y “Miércoles de Ceniza”, temas que integran hoy el repertorio que suelen abordar las bandas tributo dedicadas al grupo.

El material difundido por la Alcaldía no incluye información adicional sobre la formación, los integrantes ni la trayectoria previa de El 5ilencio Tributo. Tampoco se detalla si la agrupación ha realizado presentaciones anteriores en la Ciudad de México o en otras sedes.

El origen de Caifanes y su primera etapa

Caifanes se formó en enero de 1987 en Ciudad de México, tras la disolución de Las Insólitas Imágenes de Aurora, grupo del que provenían el cantante y guitarrista Saúl Hernández y el baterista Alfonso André. El nombre de la banda se inspiró en la película mexicana de 1967 Los caifanes.

El álbum debut homónimo, publicado en 1988, mostró una fuerte influencia del rock gótico y del post-punk británico, con ecos evidentes de The Cure tanto en el sonido como en la estética visual del grupo. Ese primer disco incluyó “Mátenme Porque Me Muero”, un tema que, según se recuerda en distintos registros sobre la banda, funcionó como un aullido que estableció alianza con una generación que se sentía identificada con la oscuridad de sus letras.

La banda enfrentó resistencia comercial en sus inicios. De acuerdo con testimonios recopilados sobre esa etapa, la disquera CBS llegó a rechazar el proyecto argumentando que la compañía vendía música y no ataúdes, en referencia a la estética oscura del grupo. Pese a ello, Caifanes ganó terreno tocando en discotecas, plazas de toros y palenques.

El Diablito y la fusión con el folclore mexicano

Con la incorporación del guitarrista Alejandro Marcovich, la banda editó en 1990 su segundo álbum, Caifanes. Volumen II, conocido popularmente como El Diablito. Ese trabajo marcó un giro hacia el folclore y el misticismo mexicano, con canciones como “Los Dioses Ocultos” y “La Célula Que Explota”, esta última considerada la primera fusión clara entre música mexicana y rock dentro del catálogo de la banda.

Marcovich definió en su momento la identidad musical del grupo con una frase que resume el espíritu de esa etapa: “Caifanes no es un grupo de rock and roll y quizá tampoco lo sea de rock. Somos un grupo musical que nunca ha definido su estilo”.

El propio Saúl Hernández había sido igual de directo respecto a las intenciones del proyecto desde sus inicios: “Lo único que pretendemos es tocar y desarrollar nuestra música”. Esa declaración terminó siendo una definición precisa de un camino que, con el paso de los discos, fue incorporando trompetas de mariachi, percusiones latinas y referencias directas a la cosmovisión prehispánica.

El Silencio y la consagración internacional

Ese proceso de exploración sonora encontró su punto más alto en El Silencio, editado en 1992 bajo la producción de Adrian Belew. El disco reunió a Saúl Hernández en voz y guitarra, Diego Herrera en teclados y saxofón, Sabo Romo en el bajo, Alfonso André en la batería y Alejandro Marcovich en la segunda guitarra.

El álbum es señalado por la crítica como uno de los trabajos más influyentes del rock mexicano y, para muchos especialistas, el disco de rock más trascendente jamás grabado en México. De ese material se desprenden temas que integran el repertorio clásico del grupo, entre ellos “Nubes”, “Piedra”, “Hasta Morir” y “Nos Vamos Juntos”.

La banda cerró su etapa original con El Nervio del Volcán, publicado en 1994, y se separó al año siguiente. Hernández y André continuaron su trabajo musical con el proyecto Jaguares, hasta que Caifanes se reunió en 2011 y retomó su actividad en vivo.

Fecha, horario y sede del concierto

El tributo se realizará el 1 de octubre a las 15.00 horas en el Ágora Elena Poniatowska, ubicada en el patio central de la Alcaldía Gustavo A. Madero.

La dirección exacta es 5 de Febrero esquina Vicente Villada, en la colonia Villa Gustavo A. Madero, Ciudad de México. La entrada será gratuita para todo el público, según se informó a través de los canales oficiales de la demarcación.

La convocatoria se difundió a través de las redes sociales de la Alcaldía GAM.

Un repertorio que sigue vigente

Canciones como “Viento”, “Afuera”, “La Negra Tomasa” y “Nubes” forman parte del repertorio que consolidó a Caifanes como una de las bandas más determinantes del rock hecho en español. La banda es reconocida por haber incorporado la poesía, el misticismo y una identidad sonora propia en una época dominada por propuestas inspiradas exclusivamente en el rock anglosajón.

Ese legado explica la persistencia de tributos y homenajes dedicados al grupo a lo largo de los años, entre los que se cuenta el proyecto Antes de que nos olviden: Tributo a Caifanes, editado en el año 2000 con versiones de otros artistas sobre canciones del catálogo original.

El concierto que ofrecerá El 5ilencio Tributo en la Alcaldía Gustavo A. Madero se inscribe en esa tradición de homenajes, con la particularidad de tratarse de un evento gratuito y abierto al público en un espacio público de la demarcación.

1991 fue un año memorable en lo musical. En las disquerías todavía reinaban los cassettes, aunque el CD empezaba a aparecer como el objeto moderno que prometía cambiar para siempre la manera de escuchar música: sonido limpio, fiel, potente en los auriculares, sin cintas que se tragara el equipo ni el misterio sobre cuándo empezaba y terminaba un tema. Quienes tenían walkman ya pensaban pasarse al discman, la novedad. En esos tiempos la música no estaba al alcance de un clic, los discos se escuchaban enteros, una y otra vez. La radio seguía siendo una puerta de entrada a todo tipo de música y MTV ocupaba un lugar central, con un carrousel de videoclips de las bandas que sonaban todo el día.

Las grandes bandas de rock de los 80 todavía dominaban la escena, pero algo estaba a punto de cambiar. Durante menos de dos meses, entre agosto y octubre de 1991, se sucedieron los lanzamientos de siete discos extraordinarios que terminarían marcando un antes y un después en la música de finales del siglo XX. Sus protagonistas todavía no podían saberlo: estaban grabando y presentando sus canciones sin imaginar que, casi al mismo tiempo, estaban formando parte de un cambio de época.

Septiembre de 1991 es considerado uno de los meses más ricos en lanzamientos trascendentales en la historia reciente del rock. Con apenas unos días de diferencia llegaron discos que, cada uno a su manera, terminarían definiendo el sonido de la música de los años 90. Algunas revistas especializadas de música se preguntaron, incluso con humor, si había algo en el aire, en el agua, para explicar semejante coincidencia.

La cronología de siete discos, seis bandas y apenas 57 días que terminarían cambiando el paisaje del rock:

12 de agosto: “Metallica” (The Black Album)”, Metallica. 27 de agosto: “Ten”, álbum debut de Pearl Jam. 17 de septiembre: “Use Your Illusion I y II”, Guns N’ Roses. 24 de septiembre: “Nevermind”, Nirvana y “Blood Sugar Sex Magik”, Red Hot Chili Peppers. 8 de octubre: “Badmotorfinger”, Soundgarden.

El 12 de agosto de 1991, Metallica lanzó su quinto álbum de estudio, conocido como Black Album por el diseño prácticamente negro de su portada. La banda había convocado al productor Bob Rock y tomó una decisión que tendría consecuencias enormes: suavizar algunos rasgos más extremos de su sonido sin abandonar el peso de sus guitarras. El resultado fue un disco capaz de llevar el metal mucho más allá del público habitual. Las canciones comenzaron a sonar en las radios y Metallica se convirtió en un fenómeno comercial a una escala totalmente imprevista para la banda. Para octubre ya tenía una certificación de triple platino. El álbum vendió en su primer año cinco millones de copias. Como declaró orgulloso el productor “Todo el mundo tenía ese álbum”.

Su guitarrista Kirk Hammett contó que había estado escuchando música que llegaba del noroeste del Pacífico de Estados Unidos, incluido el primer álbum de Soundgarden, y que ese movimiento había cambiado la estética y el estilo de muchas bandas.

La banda que nació por la muerte de un vocalista

Dos semanas después, Pearl Jam lanzó su álbum debut. Pero la historia de la banda había comenzado mucho antes y estaba atravesada por una tragedia. Jeff Ament y Stone Gossard, bajista y guitarrista de Mother Love Bone, una de las bandas que comenzaban a darle forma a la escena de Seattle, perdieron a su vocalista, Andrew Wood, en marzo de 1990. Tenía 24 años y murió por una sobredosis de heroína que le provocó un colapso cerebral. Tres días después fue desconectado del soporte vital. Su muerte dejó inconclusa la historia de una banda que estaba a punto de publicar su primer álbum de larga duración, Apple.

Chris Cornell, el líder de Soundgarden y compañero de departamento de Wood, se acercó a los músicos de Mother Love Bone y les propuso grabar un homenaje. Así nació Temple of the Dog, nombre tomado de una canción de Wood. Cornell compuso “Say hello to heaven” y reunió para el proyecto a Ament y Gossard, además del baterista Matt Cameron y el guitarrista Mike McCready. Eddie Vedder, que todavía era un desconocido fuera de Seattle, fue invitado a participar como vocalista en algunas canciones.

El proyecto terminó siendo más que un homenaje. Tras el lanzamiento de Temple of the Dog, Cornell volvió a Soundgarden, mientras que Gossard, Ament, McCready y Vedder comenzaron a trabajar en un nuevo proyecto. Con Vedder como cantante, adoptaron el nobre Pearl Jam y grabaron “Ten”, un álbum que al principio no parecía destinado a convertirse en el fenómeno que finalmente fue.

Ten se grabó con una inversión modesta. La banda quería evitar los gastos que había afrontado en su proyecto anterior. “Creo que gastamos unos 25.000 dólares en Ten y cerca de tres veces más para mezclarlo”, contó el bajista Jeff Ament a Classic Rock. “Aun así, era solo un tercio del dinero que gastamos en el disco de Mother Love Bone. No esperábamos que fuera gran cosa, pero supongo que lo fue”.

“Even Flow” fue uno de los mayores problemas durante las sesiones. En 2009, el guitarrista Mike McCready recordó en The Daily Record que la banda llegó a grabar la canción entre 50 y 70 veces: “Juro por Dios que fue una pesadilla. Tocamos esa cosa una y otra vez hasta que terminamos odiándonos”.

Ten no explotó de inmediato. Su crecimiento fue lento, pero terminó teniendo un alcance enorme: llevó el sonido de Seattle al mundo y convirtió a Eddie Vedder en una de las nuevas estrellas del rock. “Alive”, “Even Flow” y “Jeremy” se convirtieron en canciones emblemáticas del álbum, que con el tiempo superó las 13 millones de copias vendidas en Estados Unidos.

El alcance comercial de Ten potenció la escena rockera de Seattle y la cultura grunge, pero también favoreció la aparición de bandas que reprodujeron el volumen denso de Pearl Jam y el rugido barítono de Vedder.

Y mientras Pearl Jam empezaba a construir, casi sin saberlo, el sonido de una nueva década, una de las bandas más grandes del rock de los 80 estaba a punto de hacer su movimiento más ambicioso.

Los 192 conciertos de Use Your Illusion Tour

El 17 de septiembre, apenas tres semanas después de la salida de “Ten”, Guns N’ Roses lanzó Use Your Illusion I & II, dos álbumes que reúnen 30 canciones y más de dos horas y media de hard rock. El rock de los 80 todavía estaba lejos de desaparecer: Guns N’ Roses demostraba que las grandes bandas de la década anterior seguían teniendo un gran poder de convocatoria. Su gira mundial, el Use Your Illusion Tour, se extendió entre 1991 y 1993 con 192 conciertos en 27 países, entre ellos, la Argentina.

Los dos álbumes debutaron en los primeros puestos de Billboard 200, con Use Your Illusion II en el número uno y Use Your Illusion I en el segundo lugar. En poco tiempo, ambos se convirtieron en un enorme éxito comercial y, con los años, superaron juntos los 39 millones de copias vendidas.

Planetas alineados

Una semana después ocurrió la coincidencia más extraordinaria de toda aquella sucesión. El 24 de septiembre llegaron a las disquerías dos álbumes de dos bandas muy diferentes que surgieron en un mismo momento y revolucionaron la música de ese tiempo. Nirvana, con “Nevermind” y los Red Hot Chili Peppers, con ”Blood Sugar Sex Magik".

Red Hot Chili Peppers venía desarrollando su particular mezcla de funk y rock, pero Blood Sugar Sex Magik, producido por Rick Rubin, llevó al grupo a una nueva dimensión. Nirvana, en cambio, llegaba con “Nevermind” desde una posición más incierta. La banda liderada por Kurt Cobain había firmado con DGC, una subdivisión de Geffen, y todavía no estaba establecida, por lo que no había grandes expectativas de venta. El sello calculaba que el álbum vendería unas 25 mil copias. “Nevermind” debutó en el puesto 144 de Billboard 200. Las tiendas del noroeste de Estados Unidos agotaron sus álbumes enseguida y estuvieron días sin existencias.

El propio presidente de la compañía discográfica, Ed Rosenblatt, reconocería su desconcierto: “No hicimos nada. Fue uno de esos discos que simplemente lanzamos y dejamos que siguieran su curso”, explicó a The New York Times. No estaban preparados para lo que se venía. La discográfica tuvo que aumentar los envíos para calmar una demanda que crecía día tras día. El punto de inflexión fue “Smells Like Teen Spirit”. El videoclip comenzó a emitirse en MTV durante la noche, pero la reacción favorable del público hizo que la cadena lo emitiera también de día. La canción empezó a sonar una y otra vez en radios y televisores y, de pronto, Nirvana dejó de ser una banda alternativa para convertirse en uno de los nombres centrales de la escena.

Muchas de las canciones de este legendario álbum se caracterizan por tener estrofas silenciosas que pasan a estribillos potentes y estruendosos, una característica que terminó definiendo buena parte del sonido del rock de la década.

A fines de 1991 Nirvana se encontraba haciendo giras por Europa colmando estadios. A principios de 1992, su exitoso tema desplazó del primer puesto a Michael Jackson, el rey del pop que ocupaba el número 1 con “Dangerous”. En ese entonces, ya vendían 500 mil álbumes por semana. “Come as You Are” fue finalmente lanzado como segundo sencillo en marzo de 1992 y logró el puesto 32 del Billboard Hot 100. “Nevermind” llevó 700 semanas en el Billboard 200 hasta diciembre del 2024 y tiene más de 35 millones de ventas certificadas en Estados Unidos según Billboard. En 2012 la revista Rolling Stone le adjudicó el puesto número 1 en el ranking de los 100 mejores discos de los 90. El canal de música VH1 lo ubicó en el puesto número 2 de los mejores álbumes de la historia, después de “Revolver”, de Los Beatles.

La tercera banda de Seattle

Como si septiembre no hubiera sido suficiente, el 8 de octubre llegó otro de los discos fundamentales de aquella escena: “Badmotorfinger”, el tercer álbum de Soundgarden. Su lanzamiento estaba previsto para el 24 de septiembre, pero fue postergado por problemas de producción, según informó A&M Records.

Mientras “Ten”, “Blood Sugar Sex Magik” y “Nevermind” alacanzaban rápidamente el disco de platino, Soundgarden, que hasta hacía poco antes había sido una de las bandas más importantes de la escena de Seattle, quedó en desventaja frente al fenómeno que acababa de estallar. Badmotorfinger obtuvo esa certificación recién en enero de 1993.

En el verano de 1992 ya podía palparse la transformación, con un movimiento que lograba expresar el desencanto de los jóvenes de los 90. La estética del heavy metal y sus estrellas glamorosas de los ochentas ya no los representaba. El movimiento grunge tenía un look urbano: remeras oscuras, camisas a cuadros, bermudas, borcegos, zapatillas de lona. Los hombres llevaban el pelo largo. La moda pronto se inspiró en este movimiento y el estilo salió a la calle.

Bruce Pavitt, cofundador de Sub Pop, sello discográfico independiente de Seattle, una de las primeras en contratar a Nirvana, sostuvo que la escena iba más allá de expresar la angustia, también tenía humor, desahogo y una energía liberadora.

El grunge no era solamente un sonido: empezaba a convertirse en una forma de mirar y de habitar los años 90.

Treinta y cinco años después, aquella escena también es recordada por sus trágicas pérdidas. La de Kurt Cobain, el 5 de abril de 1994, en su casa de Seattle. Tenía apenas 27 años y estaba en la cima de su carrera. El informe forense determinó que la causa de muerte fue una herida de bala autoinfligida en la cabeza. Chris Cornell, otra de las figuras fundamentales del movimiento, también se quitó la vida. Tenía 52 años. Lo encontraron ahorcado el 18 de mayo de 2017 en la habitación de un hotel de Detroit, horas después de un concierto de Soundgarden en el Fox Theatre.

Actualización: el centro cultural ha dado aviso que el evento fue cancelado. No se ha emitido una fecha de reprogramación.

Los amantes del rock en la Ciudad de México tienen una cita pendiente. La Alcaldía Gustavo A. Madero, en conjunto con el Centro Cultural Futurama, prepara un concierto de rock con entrada completamente libre.

El cartel reúne a cuatro agrupaciones sobre un mismo escenario: Ensamble Rock & Gospel, Walter Eddie Band, Gallos y Los Pachecos. Si sos de los que no se pierden una tocada en vivo, este es un plan para anotar en la agenda y compartir con amigos.

A continuación, todos los detalles del evento: desde la sede y el horario hasta la forma más sencilla de llegar en transporte público.

Cuándo y dónde será el concierto de rock

El concierto de rock gratuito organizado por la Alcaldía Gustavo A. Madero se realizará el 26 de septiembre a las 16:00 horas en el Centro Cultural Futurama, ubicado en Lindavista, Ciudad de México. La entrada es libre, sin costo de acceso ni necesidad de boleto previo.

La cita es en el Centro Cultural Futurama, situado en Otavalo #7, esquina con avenida Instituto Politécnico Nacional, colonia Lindavista, dentro de la alcaldía Gustavo A. Madero.

Para llegar en transporte público, el recinto es accesible a través de la Línea 6 del Metro, bajando en la estación Lindavista. También se puede tomar la Línea 6 del Metrobús hasta la estación Instituto Politécnico Nacional.

Ambas opciones dejan al visitante a pocos minutos a pie del centro cultural, una alternativa práctica para quienes prefieren evitar el tránsito de la zona norte de la capital.

Las bandas confirmadas en el cartel

El evento reúne a cuatro agrupaciones, aunque no todas cuentan con el mismo nivel de exposición pública. Walter Eddie Band es el proyecto liderado por Walter Eddie, guitarrista de origen chileno radicado en México desde 2001, con una trayectoria consolidada en la escena rockabilly nacional.

La banda inició su camino musical en Chile con el grupo Los Rockers (1998-2000), antes de establecerse en territorio mexicano como colaborador de distintos proyectos dentro del género. Su presencia más reciente fue en el foro Rockotitlán, el pasado 12 de septiembre, junto a Los Frenéticos Rockabilly.

Ensamble Rock & Gospel es otra de las agrupaciones con actividad documentada en la escena capitalina. Como su nombre lo indica, fusiona el rock con elementos del gospel, y ofreció un “concierto íntimo” en el Museo del Pulque y las Pulquerías (MUPyP), en mayo de este año.

De Gallos se registró una presentación reciente en el Tianguis Cultural del Chopo, el mercado alternativo emblemático del rock en la capital, donde interpretaron Fire, de Jimi Hendrix, el pasado 9 de mayo. Ese antecedente ubica a la agrupación dentro del circuito de covers de rock clásico que suele recorrer foros independientes de la ciudad. Sobre

Los Pachecos, la información disponible resultó difícil de verificar de forma independiente. Según datos no confirmados por fuentes propias, la banda sería originaria del Estado de México, con vínculos en la zona de Xonacatlán, y se ubicaría dentro del rock urbano y el blues con influencia del sentimiento popular mexicano.

Entre sus temas se mencionan “Niños Rotos” y “Mi Carnal”, además de un trabajo titulado Se Llegó Septiembre. De acuerdo con la misma información, el grupo contaría con presencia en plataformas digitales como Spotify y habría participado en transmisiones de medios especializados en rock como Titanio TV.

Dentro del gremio del rock urbano y blues mexicano existe además una agrupación clásica del sello Discos y Cintas Denver llamada Pacheco Blues, con la que Los Pachecos suelen confundirse por la similitud del nombre, aunque mantendrían una propuesta y trayectoria propias dentro de la escena contemporánea.

El Centro Cultural Futurama, escenario habitual del rock en Lindavista

El Centro Cultural Futurama forma parte de la oferta cultural gratuita que impulsa la alcaldía Gustavo A. Madero. El recinto cuenta con aulas de usos múltiples, sala polivalente, ludoteca, laboratorio de cómputo, librería y cafetería, y en su interior se desarrollan talleres, exposiciones, presentaciones de libros y festivales de música, entre otras actividades.

En los últimos meses, el espacio se consolidó como sede recurrente de conciertos de rock sin costo. Por ese escenario pasaron ya eventos como el 30 Gran Festival The Beatles en México, el Led Zeppelin Fest y un homenaje en versión rock a Juan Gabriel y José José a cargo de la banda Morfeo.

Ese historial reciente convierte al Futurama en un punto de referencia para quienes buscan música en vivo gratuita dentro de la alcaldía Gustavo A. Madero, con una cartelera que combina cine, música, literatura y exposiciones a lo largo del mes.

Después del rock, teatro y más actividades gratuitas

La jornada del 26 de septiembre no termina con el concierto. El mismo día, a las 17:00 horas, el Centro Cultural Futurama presentará una función del musical La pequeña tienda de los horrores, basado en la conocida película de terror de los años 80. La puesta en escena está a cargo de Arte Aladyen Compañía de Teatro y la entrada también es completamente gratuita.

Se trata de la tercera y última función del mes: el musical ya se presentó los días 12 y 19 de septiembre, siempre en el mismo horario y con acceso libre, como parte de la programación cultural que impulsa la alcaldía a través del recinto.

Esto significa que quienes asistan al concierto de rock por la tarde podrán quedarse en la misma sede para disfrutar, una hora después, de la propuesta teatral, sin necesidad de trasladarse ni pagar boleto adicional.

El Centro Cultural Futurama, un espacio activo todo el año

El Centro Cultural Futurama abre de lunes a sábado, de 10:00 a 20:00 horas, y forma parte de la oferta cultural gratuita que impulsa la alcaldía Gustavo A. Madero. El recinto cuenta con aulas de usos múltiples, sala polivalente, ludoteca, laboratorio de cómputo, librería y cafetería.

En su interior se desarrollan de manera constante talleres, conferencias, exposiciones de artes plásticas, presentaciones de libros, danza, música y festivales temáticos dirigidos a públicos de todas las edades.

En lo que va del año, el espacio ha albergado eventos como el 30 Gran Festival The Beatles en México, el Led Zeppelin Fest, un homenaje en versión rock a Juan Gabriel y José José a cargo de la banda Morfeo, la Expo Multiverso Maravilla dedicada a superhéroes y cultura pop, y la 7ª Expo Caballero Oscuro de Batman, que incluyó bazar temático, ciclo de cine, exposición del Batimóvil y torneo de videojuegos.

Ese calendario variado consolidó al Futurama como un punto de encuentro cultural en la zona norte de la capital, con actividades que combinan música en vivo, cine, cómics y artes escénicas bajo la misma modalidad de acceso gratuito.

A comienzos de 1969, George Martin no esperaba volver a producir a The Beatles. La experiencia del álbum Blanco lo había dejado afuera. Pero una llamada de Paul McCartney cambió el panorama. “Vamos a hacer otro disco. ¿Quieres producirlo?”, le dijo. La respuesta fue condicional: “Solo si me dejan hacerlo como antes”. McCartney aceptó. “¿John incluido?”, insistió Martin. “Sí, de verdad”, cerró el bajista, según recoge el sitio especializado Tone Deaf.

Venían de meses turbulentos por las sesiones Get Back, donde la banda había estado a punto de implosionar ante las cámaras. Ringo Starr, George Harrison, McCartney y Martin describieron las sesiones de Abbey Road con palabras como “positivas” y “musicales”. Harrison lo sintetizó: “Volvimos a tocar como músicos”.

Las primeras sesiones tuvieron lugar el 22 de febrero de 1969 en los Trident Studios de Londres, con Billy Preston en el órgano Hammond. El trabajo quedó interrumpido por compromisos de Starr con el rodaje de The Magic Christian. El corazón del disco se forjó recién a partir del 1 de julio, cuando Martin tomó el mando del Estudio Dos de los EMI Studios en la calle Abbey Road.

Ese mismo día, John Lennon sufrió un accidente automovilístico en Golspie, Escocia. Llegó al estudio días después y ordenó instalar una cama para que Yoko Ono, con reposo médico, pudiera observar las sesiones desde allí.

La disputa por el medley del lado B

Ningún aspecto del disco concentró tantas fricciones como la decisión de construir el lado B como un medley de 16 minutos. McCartney y Martin lo concibieron como una suite de canciones inconclusas y fragmentos ensamblados, a la que internamente llamaron “The Long One”. Lennon quería pistas individuales y directas.

“John siempre fue un teddy boy. Era un rocanrolero y quería pistas separadas. Así que llegamos a un acuerdo”, declaró Martin en The Complete Beatles Recording Sessions, el libro del historiador musical británico Mark Lewisohn. El compromiso funcionó solo a medias: años después, Lennon calificó la cara B como “basura… retazos de canciones unidas”.

La génesis de “Because” condensa esa tensión: Lennon escuchó a Ono tocar la Sonata al claro de luna de Beethoven y le pidió que interpretara los acordes al revés. Alrededor de esa inversión escribió la canción.

Durante la sesión del 30 de julio, McCartney descartó esa pequeña canción del medley: “No me gusta. Tírala”, según relató el técnico de sonido John Kurlander en The Complete Beatles Recording Session de Lewisohn. El técnico, sin embargo, tenía instrucciones de no desechar ninguna grabación. Recortó la cinta y la pegó al final de la secuencia con 20 segundos de cinta guía delante. Al día siguiente, en Apple Records, la masterización la incluyó al final del disco.

Cuando McCartney recibió esa versión, la sorpresa le pareció bien. La mezcla improvisada de aquella noche es la que quedó en el vinilo, razón por la que la canción comienza con un acorde que pertenece al final de “Mean Mr. Mustard”.

Seis fotografías y una tapa sin nombre

El 8 de agosto de 1969, el fotógrafo Iain Macmillan subió a una escalera de mano en el centro de la calle mientras un policía detenía el tránsito. Tomó seis fotografías. La elegida, la número cinco, fue la única en que las piernas de los cuatro formaban una “V” perfecta e invertida.

El álbum no siempre se llamó Abbey Road. Su título de trabajo fue Everest, en referencia a la marca de cigarrillos que fumaba el ingeniero Geoff Emerick. El plan llegó a contemplar un viaje a Nepal para fotografiar la montaña.

Los Beatles rechazaron la idea; McCartney propuso entonces fotografiar el cruce peatonal frente al estudio. El diseñador John Kosh tomó la decisión más audaz: eliminar el nombre de la banda y el título del disco de la tapa. EMI protestó. Kosh respondió que The Beatles eran la banda más famosa del mundo.

La última sesión y el fin de la banda

El 19 de agosto, Harrison aplicó una sobreimpresión de sintetizador Moog a “Here Comes The Sun”. Esa fue la última grabación. La secuencia final del disco se ordenó al día siguiente: el 20 de agosto de 1969 fue la última vez que los cuatro Beatles coincidieron en un estudio al mismo tiempo.

Abbey Road salió en el Reino Unido el 26 de septiembre y en Estados Unidos el 1 de octubre, bajo el sello Apple Records. Llegó al número uno en ambos países y permaneció once semanas en esa posición en la lista estadounidense.

Lennon comunicó su decisión de abandonar la banda el 20 de septiembre, en una reunión en las oficinas de Apple Corps en Londres, aunque la noticia no se hizo pública hasta la renuncia formal de McCartney, al año siguiente, con la publicación de Let It Be.

La formación inicial también contó con Dik Evans, hermano mayor de The Edge, quien participó de las primeras reuniones y ensayos junto al resto de los músicos. En aquella etapa, el grupo comenzó a utilizar el nombre Feedback, antes de que Dik dejara la formación para integrarse a otra banda.

Según informó Forbes, el aniversario estará acompañado por actividades conmemorativas, nuevos proyectos musicales y un reconocimiento de MusiCares previsto para febrero de 2027.

Medio siglo de historia y más de 170 millones de discos vendidos

La historia de U2 comenzó el 25 de septiembre de 1976, cuando Larry Mullen Jr. publicó un aviso en Mount Temple para encontrar músicos. La convocatoria reunió a los integrantes que darían forma a una de las bandas más reconocidas de la música internacional.

Durante los primeros ensayos, los músicos interpretaban canciones de The Beatles y The Rolling Stones. Con el tiempo, sus integrantes adoptaron los nombres por los que serían reconocidos mundialmente: Paul Hewson pasó a llamarse Bono, Dave Evans adoptó el nombre The Edge y Larry Mullen incorporó el “Jr.”.

Después de la salida de Dik Evans, la formación continuó su evolución y dejó atrás el nombre Feedback. Más adelante adoptó U2, una denominación que también funciona como un juego de palabras con la expresión inglesa “you too”, equivalente a “vos también” en español.

El primer gran avance llegó en 1978, cuando ganaron un concurso y llamaron la atención de Paul McGuinness, quien posteriormente se convirtió en su mánager.

Al año siguiente, el grupo publicó U2 Three, su primer sencillo, que tuvo una edición limitada para Irlanda y llegó al primer puesto de las listas del país. Desde aquel comienzo, U2 desarrolló una carrera que incluyó más de 170 millones de discos vendidos y 22 premios Grammy.

De acuerdo con Forbes, la celebración de los 50 años coincide con novedades musicales. La banda prepara un nuevo álbum para mediados de noviembre, presentado como una continuación de los EP Days Of Ash y Easter Lily, publicados durante 2026.

Uno de los temas asociados con ese proyecto es “Silencio”, una canción de estilo punk rock de la que U2 ya difundió algunos fragmentos.

Parte del material audiovisual relacionado con la canción fue registrado durante el rodaje en México del videoclip de “Streets Of Dreams”, otra pieza que formaría parte del próximo disco. El nuevo trabajo también tendría una presencia importante del idioma español.

Una posible gira en 2027 y festejos en Dublín

El aniversario también volvió a poner el foco sobre una eventual nueva gira de U2. Por el momento, no existen fechas oficiales anunciadas, aunque podría comenzar a finales de febrero de 2027 en México.

Esa posibilidad se suma a las actividades organizadas alrededor de la celebración de los 50 años. En Dublín están previstas fiestas tributo y exposiciones relacionadas con la trayectoria del grupo. También está previsto el lanzamiento de una moneda de 2 euros dedicada a U2.

La banda abrió además en YouTube una emisora llamada U2 TV: 50, que reúne videos correspondientes a diferentes momentos de su historia.

El homenaje de MusiCares en febrero de 2027

La celebración del aniversario tendrá otro capítulo el 5 de febrero de 2027, cuando U2 reciba el reconocimiento de MusiCares como Personas del Año. La ceremonia se realizará en el Peacock Theater de Los Ángeles, dos noches antes de los premios Grammy 2027.

“Nos honra celebrar y reconocer a U2 como las Personas del Año de MusiCares de este año”, declaró Harvey Mason Jr., CEO de la Recording Academy y de MusiCares, según citó Forbes. El ejecutivo destacó tanto el impacto musical del grupo como su participación en iniciativas humanitarias.

Los cuatro integrantes también expresaron su satisfacción por la distinción y remarcaron el papel de las personas que trabajaron con ellos durante estas cinco décadas, desde productores e ingenieros hasta técnicos vinculados con el montaje de sus espectáculos y su público.

El reconocimiento tendrá además una característica inédita: será la primera vez en los 35 años de historia de la distinción que MusiCares reconoce conjuntamente a una banda y a sus integrantes. Bono recibió el premio Persona del Año en 2003, mientras que Adam Clayton obtuvo el MusiCares Stevie Ray Vaughan Award en 2017.

Cincuenta años de compromiso humanitario

La trayectoria de U2 también estuvo acompañada por distintas iniciativas sociales. Sus integrantes participaron en campañas contra el apartheid en Sudáfrica antes de firmar su primer contrato discográfico y en 2005 recibieron el premio Embajador de Conciencia de Amnistía Internacional.

Bono cofundó ONE y (RED), organizaciones vinculadas con la lucha contra el sida y la pobreza extrema. The Edge creó Music Rising, iniciativa destinada a reponer instrumentos y equipos para músicos, escuelas y programas musicales afectados por desastres.

Adam Clayton respaldó proyectos relacionados con las adicciones y la salud mental, entre ellos Walk in My Shoes, mientras que Larry Mullen Jr. participó como productor del documental “Left Behind”, centrado en la dislexia y otras diferencias en el aprendizaje.

Jennings, que ya había trabajado con la banda en los videos de “Help the Aged” (1997) y “A Little Soul” (1998), estructura el relato en torno a dos conciertos filmados en el O2 Arena de Londres los días 13 y 14 de junio de 2025, interrumpidos elegantemente por material de archivo. El montaje, a cargo de Barney Pilling (editor de El Gran Hotel Budapest, de Wes Anderson), rompe la lógica habitual de la película de concierto: en lugar de ofrecer el show como un bloque continuo, lo fragmenta en interludios que funcionan casi como cortes comerciales, un recurso que aleja al filme de cualquier registro promocional convencional y lo acerca más a un collage audiovisual que a un documental musical más.

A diferencia de las películas musicales que usan el show final como clímax resolutivo, el recital opera aquí como marco activo desde el cual se examina la trayectoria completa del grupo. ¿Qué harías... explica de manera cronológica cómo Pulp llegó a colmar estadios en 2025; en cambio, contrapone la realidad triunfal del presente con la vulnerabilidad y la incomodidad social de sus orígenes. Esa estructura fragmentada resuena con la propia historia de la banda, marcada por salidas en falso y décadas de irrelevancia previas a su explosión comercial en los noventa, los años del britpop y la Cool Britannia del primer ministro laborista Tony Blair.

El relato recae casi por completo en la perspectiva subjetiva de Jarvis Cocker, inspirado narrador con ese tono pausado y un acentro inglés inevitablemente norteño. La película prescinde de entrevistas con otros miembros de la banda: el vocalista no aparece frente a cámara en formato de “cabeza parlante”, sino que su narración en off lee extractos de sus diarios adolescentes y pasajes de su libro de memorias Good Pop, Bad Pop (2022).

Esta subjetividad extrema conlleva omisiones deliberadas, como la protesta de Cocker contra Michael Jackson en los premios BRIT de 1996 o el estatus del grupo en Glastonbury 1995. En cambio, el relato prioriza la intimidad: el documental detiene el concierto para ofrecer un segmento acústico en homenaje al bajista Steve Mackey, fallecido en 2023, que reconfigura la película hacia una meditación sobre el duelo.

El pop como acto de reciclaje

El discurso de Jarvis Cocker a lo largo del filme funciona como una tesis sobre la marginalidad y la identidad de clase. “Este filme será como ir a un mercado de pulgas. Rebuscar entre pilas de basura para encontrar el oro que necesitamos para contar una historia”, afirma el cantante, en una declaración que funciona como el manifiesto metodológico de la película. La analogía conecta con la estética histórica de la banda, desde la ropa de segunda mano que los caracteriza hasta los sintetizadores económicos que definieron su sonido.

El cantante, letrista, compositor y cara visible de la banda (él es Pulp, qué duda cabe) también atribuye a la música un carácter casi fenomenológico: “Las canciones contienen bolsillos de energía de tu vida pasada que se liberan de nuevo cuando las interpretas. Son verdaderos viajes en el tiempo, mucho mejores que Doctor Who”. Con esa idea, despoja a la gira de reunión del cinismo financiero que suele acompañar los regresos de bandas veteranas a los grandes estadios (¿alguien dijo “Oasis”?). En paralelo, el documental exhibe un cuaderno escolar que Cocker escribió a los 15 años, con un “plan maestro” que detallaba el vestuario y la trayectoria de la banda mucho antes de que sus integrantes supieran tocar instrumentos, lo que sitúa la teatralidad del grupo como una ambición calculada desde la adolescencia y no como un producto del mercado pop de los noventa. “Para mí, el pop no tenía nada que ver con la realidad. Era una mejora de la realidad”, sostiene Cocker en otro pasaje, en referencia a su necesidad de escapar del declive industrial de la gris Sheffield a través de la televisión.

El registro del recital exhibe una puesta en escena que amplía significativamente la formación clásica de Jarvis Cocker, Candida Doyle, Nick Banks y Mark Webber. Se suman el bajista Andrew McKinney, músicos de percusión y sintetizadores, y una sección de cuerdas de diez integrantes llamada Elysian Collective. El escenario, con plataformas estratificadas y un fondo panorámico de motivos galácticos, transforma cada canción en una pieza escenográfica distinta: “Spike Island” arranca con siluetas proyectadas contra una “luna azul” antes de que el cantante emerja del subsuelo; la oscura “This Is Hardcore” recrea un ambiente gótico con Cocker recostado en un sillón bajo un candelabro; y “F.E.E.L.I.N.G.C.A.L.L.E.D.L.O.V.E.” convierte los arreglos originales de Barry White en un paisaje industrial disonante.

La dirección de Jennings encuentra su momento más audaz en el super hit “Common People”, cuando cede el control de la cámara al propio Cocker. El cantante empuña un dispositivo portátil y filma directamente al público desde el borde del escenario; ese metraje crudo e inestable se proyecta en tiempo real sobre la pantalla del estadio. El gesto rompe deliberadamente la cuarta pared y convierte un recurso técnico modesto en la resolución visual de la canción: el público, antes objeto de la letra, pasa a ser sujeto de la imagen. Es en esa clase de decisiones, más que en la escala del espectáculo, donde el filme se despega del rockumentary tradicional y se acerca a un ejercicio de estilo.

Una infancia forjada por la televisión

Más allá del concierto, el tratamiento del material de archivo constituye el rasgo más singular de la película. El director intercala las interpretaciones en vivo con anuncios televisivos de los años setenta y ochenta, apariciones de la banda en programas infantiles como Live & Kicking y TFI Friday, y fragmentos de series de ciencia ficción como Star Trek y Doctor Who. Esa selección sostiene una idea central: a diferencia de bandas del Britpop como Blur, Suede u Oasis, que basaron su identidad en el linaje del rock británico de los sesenta, Pulp construyó su mitología a partir del consumismo televisivo de masas como vía de escape de la depresión económica de Sheffield.

El archivo también incorpora material inédito, entre ellas fotografías polaroid de un joven Cocker (“me gastaban todo el tiempo diciendo ”ahí viene Elvis Costello”, confiesa él mismo) ensayando con las primeras formaciones del grupo y grabaciones caseras de su madre y su abuela, que documentan una crianza en un hogar matriarcal. Para acompañar la interpretación acústica de “Something Changed”, la película superpone un montaje retrospectivo de Cocker junto a Steve Mackey a lo largo de las décadas, en lo que constituye el centro emocional del filme. El resultado es una estructura que abandona la linealidad esperable del biopic musical y se organiza, en cambio, como una memoria asociativa: el pasado no se explica, aparece. Si se quiere aplicar el mismo razonamiento para el objeto central de esta obra audiovisual, se puede decir: Pulp no se explica, aparece.

[Fotos: prensa Mubi]

Con ese marco, Roberto Musso, compositor y voz del cuarteto, visitó Infobae a la Tarde, el segmento del streaming Infobae en Vivo, donde dialogó con los conductores Manu Jove, Rosendo Grobo, Marcos Shaw y Paula Guardia Bourdin sobre el origen de Raro, la decisión de dejar su carrera de ingeniero en sistemas y el presente de la banda.

Musso desmitificó parte de la historia que rodea al álbum. Contó que Raro se grabó sin contrato con ninguna discográfica y que el interés del presidente de EMI España llegó de manera casi fortuita: el disco le llegó a través de Campodónico durante uno de sus viajes. “Le llegó el disco por un rebote universal, que no sé cómo fue”, recordó Musso entre risas. El ejecutivo, que creyó que se trataba de una banda de jóvenes de 18 años, quedó sorprendido al descubrir que los integrantes ya rondaban los 40. “Cuando vio que ya éramos gente grande, decía: ‘¿En qué lío me metí?’”, contó el músico.

El cambio sonoro y lírico que representó Raro fue deliberado. Antes del disco, el Cuarteto de Nos era una banda consolidada en Uruguay pero sin proyección internacional. Musso explicó que buscaron una nueva perspectiva narrativa para las canciones y una producción diferente: Campodónico, que venía de trabajar con Jorge Drexler y con Bajofondo Tango Club, fue el hombre elegido para ese cambio. Las canciones que terminaron definiendo al álbum —«Yendo a la casa de Damián», «Ya no sé qué hacer conmigo» e «Invierno del 92»— no eran, en principio, las que Musso consideraba centrales. “Yo dije: ‘No le des mucha bola a unas canciones que son medio raras, que duran como cinco minutos’”, recordó. Fue Campodónico quien insistió: “Las que están buenas son las raras”. Ahí nació el nombre del disco.

Dejar la ingeniería a los 40 fue “una decisión personal, grupal y familiar”

El éxito de Raro puso al grupo ante una encrucijada. Musso era ingeniero en sistemas; Santi, arquitecto. La banda funcionaba de lunes a viernes en sus profesiones y se convertía en grupo de rock los fines de semana. Cuando empezaron a llegar llamados de festivales en México, Estados Unidos y Colombia, la decisión ya no podía postergarse.

“Fue muy difícil. Atravesaba a gente grande, una decisión personal, grupal y familiar”, dijo Musso. Su esposa, según relató, lo resumió con crudeza: “Les iba a contar a mis amigas que mi esposo, de casi cuarenta años, va a dejar el trabajo de ingeniero, donde gana muy bien, para irse a tocar rock con los amigos del liceo”. Hace 20 años, el cuarteto apostó igual. Hoy llenan el Palacio de los Deportes de Ciudad de México —18.000 personas— y el Movistar Arena de Bogotá.

Uno de los datos que más llamó la atención en la charla fue la composición etaria de su audiencia. Musso aseguró que entre el 75% y el 80% de los asistentes a sus shows son adolescentes de 15 y 16 años, algo que considera inusual para una banda de rock con más de tres décadas de trayectoria. “Para una banda de rock y trayectoria larga, no es nada común”, reconoció.

El músico atribuyó ese fenómeno a una construcción gradual que no tuvo su pico en el momento de lanzamiento de Raro, sino que fue creciendo disco a disco. “Cada año y cada disco subsiguiente a Raro fue acumulando. Hoy tocamos en lugares 50 veces más grandes que cuando tocábamos Raro”, señaló. También describió un efecto particular en países como México, Colombia, Chile y Paraguay: son los hijos adolescentes —que descubrieron al cuarteto por su producción reciente— quienes llevan a sus padres a los conciertos, invirtiendo el esquema habitual.

Musso también habló de «No Llora», canción que escribió sobre su hija, a quien llama Fede, hoy de 15 años. Contó que se había impuesto no escribir una canción sobre la paternidad, pero que la letra “le salió sola”. “El secreto de la canción es ese cóctel de mucha crudeza mezclada con ternura, que la hace muy real”, explicó. En los shows, cuando llega ese momento, debe contenerse: “Tengo que cuidarme porque me quiebro”.

La anécdota que generó risas en el estudio fue la reacción de Federica cuando era chica y le preguntaba a su padre por qué se iba de gira. “Me dice una ratita: ‘Cantar es un trabajo. Papá, te vas con tus amigos, te vas de viaje y cuando volvés solo contás cosas lindas. Eso no es trabajar’”, recordó Musso.

La gira por los 20 años de Raro pasa por Buenos Aires en mayo de 2027

Como parte de la celebración del aniversario, El Cuarteto de Nos anunció cinco fechas únicas bajo el nombre “Así Soy Yo”. El cierre de la gira será en el Movistar Arena de Buenos Aires, en mayo de 2027.

Musso adelantó que estos shows tendrán una impronta diferente a los de la gira actual de presentación de su último disco Puertas: incluirán varias canciones de Raro que no están en el setlist habitual y estarán ligados estéticamente a la Raro Live Session, ambientada en el apartamento del personaje que da nombre al álbum. “Tenemos la comunidad de fans más creativa, más inteligente y más exigente, lamentablemente”, cerró entre risas.

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León Larregui, vocalista de la banda mexicana Zoé, encendió la conversación en redes sociales tras publicar en su cuenta de X un elogio a la canción “Mi Bello Ángel”, de Natanael Cano. El comentario generó una ola de reacciones divididas entre sorpresa, burla y respaldo, en momentos en que ambos artistas atraviesan etapas activas de sus carreras.

El mensaje original de Larregui fue escueto: compartió el enlace de Spotify del tema junto a la frase “Master piece!”. Ante la pregunta de una usuaria que cuestionó si en verdad le gustaba la canción, el cantante respondió con un segundo mensaje: “Esta rola sí!! Classic”.

Reacciones divididas en redes sociales

La publicación de Larregui generó cientos de respuestas en cuestión de horas. Usuarios como Guillermo (@br901101) defendieron la postura del vocalista y señalaron que “puro pend*jo se deja llevar por géneros y artistas cuando se trata de música en lugar de apreciar la canción como tal, una obra individual”.

La sorpresa se explica porque ambos artistas representan géneros musicales históricamente distanciados: el rock alternativo de Zoé y los corridos tumbados de Cano, un estilo que en México ha estado en el centro de polémicas por señalamientos de apología del delito en distintos municipios.

Otros comentarios apuntaron al tono irónico o nostálgico. El usuario identificado como @oommaaar escribió: “clásico de ese etílico y triste 2023, a veces lo extraño”. Mientras tanto, cuentas como Natanael Cano News respondieron con un simple emoji de nutria, sin mayor comentario adicional.

La trayectoria reciente de León Larregui y Zoé

Zoé, fundada oficialmente en 1997 e integrada también por Sergio Acosta en guitarra, Jesús Báez en teclados y Ángel Mosqueda en bajo, atraviesa un momento de revisión de su historia. La banda estrenó el documental Memorex + Rexsexex y Más, un filme de tres horas que recorre las 27 canciones que la agrupación interpretó durante los conciertos que dio en el Estadio GNP Seguros de la Ciudad de México para conmemorar las dos décadas del álbum Memo Rex Commander y el Corazón Atómico de la Vía Láctea.

Esas presentaciones, realizadas en 2025, reunieron a más de 380 mil personas a lo largo de seis fechas. Larregui describió su experiencia al ver el material terminado: “Cuando vi el primer corte, fue toda una experiencia. Fue como: ‘¿yo soy ese carnal que está cantando y esa es mi banda?’”.

El vocalista también adelantó que la banda retomará el estudio de grabación en los próximos meses. “En noviembre empezamos a trabajar en nuevas canciones con la esperanza de que haya material para hacer un disco. Ese es nuestro siguiente reto”, señaló.

Este no es el primer documental de la banda: en 2016 ya habían estrenado Zoé: Panoramas, también bajo la dirección del mismo realizador. Según Larregui, el nuevo filme incluye una sección dedicada a sus seguidores que terminó por “tocarle el corazón”.

El presente de Natanael Cano y su gira por estadios

Natanael Cano, de 25 años y originario de Hermosillo, Sonora, es considerado uno de los fundadores del movimiento de corridos tumbados y uno de los nombres más identificables de la música mexicana contemporánea actual. El cantante inició el 18 de septiembre su “Natanael Cano Vol. 1 Tour” con dos funciones agotadas en el Estadio GNP Seguros, donde reunió a más de 60 mil asistentes en cada una de las presentaciones.

Durante los shows, Cano recorrió temas de su más reciente álbum, Natanael Cano Vol. 1, entre ellos “Aprevenido”, “La Cherokee”, “Mar Azul”, “Por Amarte Así” y “Frente a Frente”. El repertorio combinó corridos, material romántico y versiones, mientras que artistas emergentes de la disquera CT (Corridos Tumbados), fundada por el propio Cano, se presentaron como teloneros: Nueva H, Bajo Perfil y Delilah. También contó con invitados especiales como Gabito Ballesteros, Herencia de Patrones, Los Hijos de García, Víctor Mendivil y Netón Vega.

La gira continuará por doce ciudades mexicanas más, entre ellas Guadalajara, Monterrey y Saltillo, donde se presentará el 27 de noviembre en el estadio Francisco I. Madero, con boletos que oscilan entre 660 y 4.790 pesos. El recorrido concluirá en Acapulco el 5 de diciembre.

No obstante, la gira enfrenta obstáculos en algunas plazas. En Morelia, el municipio evalúa si autoriza o no el concierto programado para noviembre en el estadio Francisco Villa, luego de señalamientos por presunta apología del delito en presentaciones anteriores del cantante. El secretario del ayuntamiento, Yankel Alfredo Benítez Silva, explicó que se revisarán los antecedentes del artista antes de definir el permiso, y estimó que la resolución podría conocerse hacia fin de mes. Cano ya fue multado con anterioridad por el municipio de Chihuahua por el mismo motivo, con sanciones de entre 500 mil y 1,2 millones de pesos.

Qué dice “Mi Bello Ángel”, la canción que elogió Larregui

“Mi Bello Ángel” forma parte del álbum Nata Montana, publicado por Cano el 30 de junio de 2023. La canción fue compuesta por la cantautora mexicana América Sierra y producida por Abelardo Rivera, Andrés Farías y Jimmy Humilde. El tema es, en realidad, una versión de una canción original de la agrupación Los Primos MX, lanzada diez años antes, en 2013, dentro del estilo duranguense.

La letra desarrolla una historia de amor con metáforas religiosas: el narrador se describe como “un simple pobre diablo que corrió con suerte” al encontrar a su pareja, a quien llama “mi bello ángel que cayó del cielo”. El coro repite la idea de dependencia emocional con versos como “solo tú eres la persona, la que me ilusiona, la que me emociona” y “por ti pierdo el rumbo”.

El tema también incorpora la idea de transformación personal: “viniste a reconformarme, a rehabilitarme… siento que después de ti yo soy otra persona”. La canción ingresó rápidamente a los más reproducidos de YouTube en México tras su publicación el 7 de julio de 2023, alcanzó el puesto 79 global de Spotify y permaneció ocho semanas en el top 200 de la plataforma.

Pedidos de colaboración y debate sobre prejuicios musicales

Más allá de la polémica inicial, una parte de los usuarios aprovechó la conversación para pedirle a Larregui una eventual colaboración musical. El usuario Enterogerminahmed Yo (@Ahm3dus29) escribió: “León, una rolita con Latin Mafia, por favor”. Otro usuario, identificado como LEEROY (@Ingward_Leeroy), planteó una posibilidad distinta: “Si sacas colaboración con Nata, tal vez México tenga una nueva oportunidad para brillar”.

También hubo recomendaciones musicales cruzadas. La usuaria Essme (@miss_montana25) sugirió a Larregui escuchar otro tema de Cano: “Mar Azul”, que según su comentario tiene “mejor recepción” que “Mi Bello Ángel”.

El intercambio reflejó, en el fondo, una discusión más amplia sobre los prejuicios asociados a los géneros musicales. Mientras algunos usuarios expresaron incredulidad ante el gusto de Larregui por un tema de corridos tumbados, otros defendieron que la calidad de una canción debe evaluarse de forma individual, sin importar el género o el artista que la interprete.

Keith Richards, guitarrista de The Rolling Stones, relató durante el programa Desert Island Discs de la BBC el reencuentro casual con Mick Jagger que terminó por definir el rumbo del grupo.

El testimonio de Richards reconstruye con detalle un episodio que combina azar y pasión musical compartida. Lejos de una anécdota menor, marcó el inicio de una sociedad artística que produciría algunos de los himnos más reconocidos del rock, entre ellos (I Can’t Get No) Satisfaction.

Un reencuentro casual en la estación de Dartford

Richards y Jagger habían compartido la escuela primaria, pero el contacto se había perdido con los años. Según contó el guitarrista, ambos tomaban rumbos académicos distintos: él viajaba hacia la Sidcup Art School, mientras que Jagger asistía a la London School of Economics. El cruce se produjo en un vagón de tren, cuando Richards bajaba en Sidcup.

“De repente entra él. Ahí está Mick, a quien no había visto en años”, relató el músico de 82 años sobre el momento en que reconoció a su antiguo compañero.

Lo que llamó su atención no fue solo el reencuentro, sino lo que Jagger llevaba bajo el brazo: discos originales de Muddy Waters y Chuck Berry, ediciones estadounidenses imposibles de conseguir en el mercado británico de la época. “Son prensajes estadounidenses. No se podían conseguir esos discos en Inglaterra en esa época”, explicó el músico.

Ese detalle resultó determinante: la afinidad por el blues estadounidense funcionó como punto de partida de la relación entre ambos y, con el tiempo, del sonido característico que definiría a la banda británica.

El blues de Chicago como punto de partida

Richards recordó que la sorpresa por encontrar a alguien con el mismo gusto musical fue inmediata. Le preguntó a Jagger si tenía más discos como esos, a lo que su excompañero respondió que los encargaba directamente a Chicago. “Este tipo es organizado”, comentó Richards entre risas al rememorar la escena.

Ese intercambio inicial de discos se transformó, con el paso de los meses, en una colaboración creativa que dio origen a The Rolling Stones. Consultado sobre si la sociedad compositiva con Jagger fue sencilla desde el principio, Richards fue claro: “No siempre, pero en los primeros tiempos, muy fácil”.

Comparó el proceso de trabajo conjunto con una línea de producción, en la que la demanda constante de nuevo material por parte de la discográfica se convirtió en rutina apenas la banda alcanzó popularidad.

El riff de “Satisfaction”, grabado mientras dormía

Uno de los pasajes más destacados de la entrevista es el que describe el origen de Satisfaction, publicada en 1965 y convertida en éxito número uno a nivel mundial.

Richards confirmó una versión que circuló durante años como leyenda: el riff que abre la canción nació mientras dormía, gracias a una grabadora de casete que tenía junto a la cama.

“En ese momento estaba soltero, y dormía con la guitarra en la cama”, explicó el guitarrista sobre las circunstancias en las que compuso, de manera semiconsciente, la base musical del tema.

La certeza de que algo había ocurrido durante la noche llegó al revisar la cinta: pese a haber colocado un casete nuevo, la parte correspondiente aparecía grabada, lo cual indicaba que el mecanismo se había activado mientras dormía.

Al reproducir la grabación, Richards encontró una versión débil y apenas audible del riff, junto con el primer y el segundo verso de la canción. “Y después, 45 minutos de mí roncando”, relató entre risas, en referencia al resto de la cinta, ocupada por el sonido de su propio ronquido.

“Fue, por un milagro, sí, registrado en esa pequeña máquina”, concluyó sobre la grabación que permitió conservar la primera versión del riff de Satisfaction.

Esa urgencia contrasta con las circunstancias que rodearon su gestación. A mediados de este año, se vio forzado a cancelar una gira europea por agotamiento físico y mental, un quiebre que desvió su energía de los escenarios de vuelta al estudio. El resultado es un disco que abandona la furia política de su predecesor, Talkin to the Trees (2025) -con sus referencias directas a Donald Trump y Elon Musk-, para instalarse en un territorio mucho más íntimo: la memoria, el amor conyugal y la certeza de la muerte.

Second Song es, en ese sentido, la segunda entrega de estudio junto a The Chrome Hearts, la banda que lo acompaña desde finales de 2024 y que, de varias maneras, parece haber revitalizado su energía para tocar. De alguna forma, el título del disco remite a una idea que atraviesa toda la obra de este viejo pero vital rocker: la de un artista que, en lugar de repetirse, vuelve a empezar.

La producción estuvo a cargo de Lou Adler -productor de larga data, responsable entre otros de Carole King, The Mamas and The Papas, Johnny Rivers entre otros-, en conjunto con The Volume Dealers, el seudónimo bajo el que operan el propio Young y su ingeniero Niko Bolas. Las sesiones se realizaron en los estudios Shangri-La, en Malibú, el mismo tramo de costa donde el músico compuso On the Beach en 1974, un dato que no es anecdótico: el disco dialoga de manera directa con esa etapa de introspección acústica. El tema es que han pasado más de 50 años...

Neil Young describió el proceso de grabación bajo el curioso concepto “Moon to Moon”: las canciones se compusieron de madrugada, las grabaciones comenzaron con la luna llena de marzo de 2026 y las mezclas se cerraron con la siguiente luna llena, en abril. Esa brevedad no fue casualidad, sino método. Adler definió su rol como el de un observador que buscaba “las grietas” en la música para intervenir solo cuando era necesario, una filosofía que encajó con la costumbre de Young de limitar la mayoría de las tomas a un máximo de tres por canción. La decisión más reveladora, sin embargo, fue técnica: el álbum se grabó en simultáneo en cinta analógica y en formato digital de alta resolución. No fue una cuestión de nostalgia sonora sino una toma de posición ética. En un ensayo publicado en el Neil Young Archives, sostuvo que el máster analógico es “profundo como la vida”, mientras calificó al archivo digital como “una copia falsificada de la más alta calidad”.

Siete canciones que dialogan entre dos edades del mismo hombre

Second Song reúne siete canciones y supera los 46 minutos. Cinco son composiciones nuevas y dos provienen de la adolescencia del músico, un recurso que funciona como columna conceptual de todo el disco: la sugerencia de que ciertas emociones —el anhelo, el amor, el asombro— no se transforman con la edad, solo cambian de vocabulario.

El álbum abre con “The Foggy Edge of Time”, un balance autobiográfico sobre las dislocaciones de su propia vida. Sobre un estribillo de piano en acordes menores, Young reflexiona sobre su salida del Rancho Broken Arrow y el final de su matrimonio con Pegi Young, en una postura lírica estoica que remite a clásicos como “Don’t Be Denied” (1973) o “Thrasher” (1979), canciones donde el artista defendió siempre el costo personal de seguir su instinto creativo. La inclusión de un solo de guitarra reproducido en reversa funciona como guiño a la experimentación psicodélica de los años sesenta, como si el disco anunciara desde su primer tema que va a mirar hacia atrás para entender el presente.

“Day After Day”, subtitulada “Melting on the Roof” en las ediciones físicas, es la primera declaración devocional hacia Daryl Hannah, la actriz esposa de Young desde 2018. Sus siete minutos de progresiones familiares y armonías vocales suaves remiten a la sencillez de “Helpless”, aunque aquí el amor no aparece como pasión ni como conflicto, sino como refugio. Esa misma devoción se profundiza en “Earth Girl”, la pista que más tomas exigió en el estudio —siete, frente a las tres habituales— por su estructura vocal doble, con dos melodías superpuestas que avanzan a velocidades distintas. Allí Young canta directamente: “Eres la luz de mi vida, como un río que fluye directamente a través de mi corazón”, una proclamación sin ambigüedad que confirma a Hannah como centro de gravedad de estos años.

El corazón del disco es la pista homónima, de más de once minutos, construida sobre instrumentación acústica simple y coros casi susurrados. Su letra funciona como el test de Rorschach: cuando Young canta “necesito hablar con alguien, alguien tan viejo como yo, que todavía recuerde algo de eso”, y describe “una manera de caminar lentamente a través de las hojas humeantes del tiempo”, la imagen puede leerse como comentario ambiental —los incendios forestales que han transformado los paisajes que el músico conoció de joven— o como metáfora pura del paso destructivo del tiempo sobre la memoria colectiva. El videoclip (ver al comienzo de esta nota), construido con grabaciones caseras filmadas en 1989 por el fallecido bajista Rick Rosas en el Rancho Broken Arrow, refuerza esa ambigüedad temporal: fantasmas visuales del pasado conviven con una meditación sonora del presente.

El giro más inesperado llega con “Casting Me Away From You”, un shuffle de country-rock optimista escrito y grabado originalmente en 1965, cuando Young tenía 19 años y lideraba The Squires en Canadá. Un dato musicológico ilumina su inclusión: la melodía vocal de esta canción adolescente fue reutilizada años después para construir “The Emperor of Wyoming”, el instrumental que abrió su debut solista en 1968. Su rescate no es relleno de archivo, sino evidencia de que sus instintos melódicos ya estaban completamente formados antes de llegar a Los Ángeles.

Si “Earth Girl” es la luz del álbum, “Soon I Might Be Going” es su oscuridad absoluta. Sus más de nueve minutos, pariente lejano de “Ambulance Blues” (1974), son la única aparición del sonido distorsionado de su guitarra Les Paul modificada, Old Black, con destellos de feedback dentro de un ciclo rítmico a la deriva. Líricamente es la pista más desnuda del disco: Young combina la contemplación de la muerte inminente —“te extraño como al mañana”— con una referencia directa a Trump (“el presidente estaba en la televisión y dice que todo es de oro, pero está derribando la vieja Casa Blanca”) y con el dolor privado del distanciamiento de su hija, Amber Jean. Es el único momento donde la introspección devocional del resto del álbum se quiebra para dejar entrar la desesperanza política y familiar.

El cierre, “I’ll Love You Forever”, proviene también del archivo: fue compuesta en 1964 para una novia de secundaria, Pam Smith, y grabada originalmente con The Squires en una versión que integró el Archives Vol. 1 de 2009. Al recontextualizarla seis décadas después, lo que fue un juramento adolescente se transforma en la voz de un hombre de 80 años en una declaración final de devoción matrimonial. La sencillez de la melodía actúa como bálsamo tras la intensidad de “Soon I Might Be Going” y cierra el disco con la misma lógica que lo abrió: la de un hombre que revisa su vida entera para confirmar que el amor y el anhelo permanecieron intactos, aunque todo lo demás haya cambiado.

El cantante Robert Plant calificó como “un show de mierda” la actuación de Led Zeppelin en Knebworth el 4 de agosto de 1979, en declaraciones recogidas por la revista especializada Far Out Magazine, al recordar un regreso a Gran Bretaña fuertemente condicionado por la presión y los nervios acumulados dentro de la banda.

Aquel espectáculo representaba el retorno tras cuatro años de ausencia en las presentaciones en vivo dentro de suelo británico. La reaparición pública ocurría luego de un período doloroso para los integrantes del grupo, atravesado por acontecimientos dramáticos que habían paralizado por completo sus actividades profesionales y puesto en duda la continuidad del proyecto.

Tragedias personales, consumos y el embate del punk

El punto más crítico de aquel paréntesis se produjo en julio de 1977, cuando la muerte del hijo de Plant, Karac, con tan solo cinco años, obligó a la cancelación inmediata de la gira por los Estados Unidos. Devastado por la pérdida familiar, el músico se recluyó lejos de la industria musical durante varios meses, alimentando los rumores sobre un retiro definitivo.

De manera simultánea, la dinámica interna de la banda sufría el deterioro causado por los problemas de adicción del guitarrista Jimmy Page, cuya salud se encontraba resentida por el consumo severo de sustancias. Esta combinación de luto personal y crisis física redujo al mínimo la capacidad del cuarteto para ensayar con regularidad y preparar un regreso a la altura de sus años de gloria.

A este panorama sombrío se sumó una transformación radical en el mapa de la música popular. La impetuosa irrupción de la ola punk, liderada por conjuntos jóvenes e irreverentes, cuestionaba abiertamente la vigencia de las grandes bandas de estadio, tachándolas de aburridas y desconectadas de las inquietudes de la juventud de la época.

La mirada implacable frente a las grabaciones en DVD

En ese contexto hostil, el grupo aceptó encabezar el festival de Knebworth en dos fechas programadas para los días 4 y 11 de agosto de 1979. La magnitud del evento congregó a 200.000 espectadores en total, en una muestra de devoción popular que desbordó los campos de Hertfordshire y convirtió el predio en un hito de la cultura juvenil.

Sin embargo, la experiencia de haber actuado ante una multitud tan abrumadora no dejó conforme al cantante. Décadas después, en declaraciones difundidas por la publicación británica especializada Far Out Magazine, el vocalista cuestionó el desempeño colectivo e interpretó que la falta de fluidez había arruinado pasajes enteros del repertorio preparado para la velada.

De acuerdo con el testimonio reproducido en Far Out Magazine, la tensión alteró su percepción durante el desarrollo del recital. El artista reveló que sentía tanto miedo a cometer errores que comenzó a imaginar que el ritmo de los temas fallaba, juzgando con dureza injustificada el trabajo que ejecutaban sus compañeros sobre las tablas.

La precisión de Bonham y la despedida de una era

En particular, el líder creyó percibir desacoples en el tiempo de la batería, pensando que el ritmo se aceleraba por momentos. Tiempo más tarde, al repasar el material audiovisual con mayor serenidad, admitió su error inicial y destacó que la batería de John Bonham se mantuvo firme, precisa y coordinada a lo largo de toda la velada.

Durante el espectáculo, el repertorio recorrió creaciones emblemáticas que definieron la identidad sonora de la década de 1970. El listado incluyó piezas de enorme complejidad como Kashmir, Stairway to Heaven y Whole Lotta Love, entregadas ante un público entusiasta que celebró cada interpretación como una fiesta inolvidable.

A pesar de las inseguridades del cantante, la respuesta de la multitud resultó abrumadoramente favorable. Consciente del magnetismo del reencuentro, el propio músico dirigió unas palabras de agradecimiento a la marea humana reunida frente al escenario, afirmando con emoción que la noche se sentía como una cita a ciegas inolvidable.

Siete días después de la apertura, la agrupación subió nuevamente al escenario para completar la segunda fecha fijada por la organización. Aquella velada del 11 de agosto de 1979 constituyó, sin que nadie pudiera intuirlo en ese instante, el último concierto británico brindado por la formación original del cuarteto.

Apenas un año más tarde, en septiembre de 1980, la repentina muerte de John Bonham a los 32 años terminó de quebrantar el destino del grupo. Fieles al pacto de hermandad que los unía, los tres supervivientes decidieron disolver la banda, cerrando de forma definitiva la historia de uno de los capítulos más importantes en la evolución del rock mundial.

El rock urbano mexicano se prepara para calentar el Grito de Independencia en el oriente de la capital. La Alcaldía Gustavo A. Madero confirmó que Liran’ Roll encabezará la fiesta patria “Viva México en Cuautepec”, un concierto gratuito que promete guitarras, blues y coros masivos justo antes de las Fiestas Patrias.

La banda, con más de tres décadas de trayectoria y un puñado de himnos que se cantan de generación en generación cómo María, Pequeña y Frágil y Barco azul, llega a Gustavo A. Madero como parte de la agenda cultural que la demarcación organiza para celebrar el aniversario de la Independencia de México.

Su participación en el aniversario del Metro de la Ciudad de México

Liran’ Roll también estuvo presente en los festejos por el 57 aniversario del Metro de la Ciudad de México. La banda se presentó el miércoles 2 de septiembre de 2026 en la Glorieta de Insurgentes, junto a la estación Insurgentes de la Línea 1, según reportó Somos El Medio.

El grupo subió al escenario alrededor de las 17:00 horas y fue programado como el cierre musical de la primera jornada de conciertos, que arrancó desde la mañana con otras agrupaciones de géneros distintos como Juan Manuel Torreblanca, Rafael Meza “Pehuenche”, Barbie Williams, Kumbia Live, la Internacional Orquesta La Típica y Jamaica Sonora.

Fecha, horario y cómo llegar al Deportivo Campos Revolución

El concierto se realizará el 15 de septiembre a las 18:00 horas, según el cartel oficial difundido por la alcaldía.

La sede es el Deportivo Campos Revolución, ubicado en la zona Escolar Oriente, dentro de la demarcación Gustavo A. Madero. Se trata de un espacio deportivo que la alcaldía habilita habitualmente para actividades culturales y musicales masivas dirigidas a los vecinos de la zona.

Para llegar al recinto, la referencia geográfica que ofrece el cartel oficial es la zona Escolar Oriente, dentro del territorio de Gustavo A. Madero, en el oriente de la Ciudad de México. La alcaldía difunde información adicional sobre accesos y transporte a través de su portal www.gamadero.cdmx.gob.mx y de sus redes sociales, identificadas como @TuAlcaldiaGAM.

El evento se enmarca dentro del programa “Viva México en Cuautepec”, organizado directamente por la Alcaldía Gustavo A. Madero.

Quién es Liran’ Roll, la banda que llega a Cuautepec

Liran’ Roll es una agrupación mexicana de blues y rock nacional surgida en la Ciudad de México en 1991, originaria de la colonia Gabriel Hernández. El grupo nació cuando Antonio Lira, conocido como Toño Lira, se unió a la banda Power Blues, integrada entonces por Antonio Velázquez en la guitarra, José Luis Rosas en la batería y Édgar Cruz en el bajo y la voz.

Esa agrupación, ganadora del concurso “Rock en la selva de asfalto”, cambió posteriormente de nombre a Liran’ Roll. El nombre combina dos referencias: “Lira” alude tanto a la palabra guitarra como al primer apellido de Toño Lira, mientras que “Roll” proviene directamente del término rock and roll.

La banda debutó en 1991 con el álbum Quiero Cambiar, bajo el sello Discos y Cintas Denver, en pleno auge del rythm and blues en México. Sus letras, cercanas a la vida callejera y a los barrios populares, encontraron eco en una escena post Avándaro más abierta y menos censurada que la de décadas anteriores.

De “Quiero Cambiar” a “María”: el ascenso de un referente del rock urbano

En diciembre de 1991, apenas meses después de su debut, el grupo editó el álbum María, cuyo sencillo homónimo se convirtió en una de las canciones más identificadas del rock latinoamericano. El tema le dio a la banda un sello propio: bastaba escucharla para reconocer a Liran’ Roll en cualquier lugar.

El éxito de “María” llevó a la agrupación a participar en programas de difusión cultural como Canal 11 del Instituto Politécnico Nacional, Canal 22, Canal 34 y el noticiario de Ricardo Rocha en Canal 2 de Televisa.

En 1992 se integró Hugo Mendoza en el bajo, con quien la banda grabó discos como El Último Viaje, Lira N’ Roll en Vivo, Recuerdos, Cambios y Chamán. Un año después, en 1993, el grupo emprendió su primera gira por Estados Unidos, con dos meses de recorrido entre Los Ángeles y Chicago.

La formación con los integrantes originales tuvo su última presentación el 28 de diciembre de 1998. En 1997 salieron los dos guitarristas fundadores y entraron Saúl Moreno y Ulises Lares, con quienes en 2000 la banda grabó el disco acústico Momentos. A principios de 2009, Liran’ Roll anunció su separación de Discos y Cintas Denver, aunque continuó activa en escenarios y grabaciones.

Actualmente la alineación está encabezada por Toño Lira en voz y guitarra, junto a José Luis Rosas “Boogie” en batería, Saúl Moreno “El Pollos” y Ulises Lares “El Cone” en guitarras, y Alberto Almeida “Fotis” en el bajo, además de una sección de metales integrada por Hansel “Galoncho” en trompeta, Enrique Castruita “Gallito” y Eduardo Rojas en saxofón alto, Alberto Rosas en saxofón tenor y Abraham Urrutia en trombón.

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El repertorio que suele corear el público

A lo largo de más de una decena de discos de estudio y varias grabaciones en vivo, Liran’ Roll construyó un repertorio que combina blues, rock urbano y hard rock. Entre los temas que la banda incluye habitualmente en sus presentaciones en vivo se encuentran “María”, “Quiero Cambiar”, “Barco Azul”, “Cuarto Para las Dos”, “La Guitarra”, “Libérame”, “A Más de Cien” y “Renunciaré”.

El catálogo del grupo abarca discos como Quiero Cambiar (1991), María (1992), El Último Viaje (1992), Recuerdos, Cambios, Chamán, D.F. (2003) y Va Por Ti (2008), entre otros. Su lanzamiento en vivo más reciente, Fiesta Latina, se publicó en marzo de 2021.

Agenda 2026 y el show por más de 30 años en el Palacio de los Deportes

El paso de Liran’ Roll por Cuautepec se suma a una agenda de presentaciones que la banda ha sostenido a lo largo de 2026. El grupo se presentó en junio en el Centro Cívico de Ecatepec de Morelos y en marzo tocó en el Estadio GNP Seguros (antes Foro Sol) en Nezahualcóyotl.

El 4 de julio la banda celebró 35 años de trayectoria en el Auditorio Alfredo del Mazo, también en Ciudad Nezahualcóyotl, con un show cargado de clásicos. En agosto, Liran’ Roll cruzó la frontera para presentarse en Arlington, Texas, en El Toro Sinaloense.

El evento de mayor envergadura en el calendario de la agrupación está programado para el 30 de enero de 2027, cuando Liran’ Roll se presentará en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México para celebrar más de tres décadas de rock urbano ininterrumpido. La preventa Citibanamex para ese concierto comenzó el 31 de agosto de 2026 y la venta general arrancó el 1 de septiembre a través de Ticketmaster.

El espectáculo ocurrió en pleno trayecto como parte de una intervención musical en el transporte masivo que conecta la Ciudad de México con el Estado de México.

La actuación sirvió como un calentamiento previo al concierto que la banda tiene programado en la zona mexiquense para el próximo 7 de noviembre.

El vocalista Paco Familiar encabezó la presentación acústica en medio de los usuarios que viajaban en la unidad al momento de la intervención.

Los pasajeros sacaron sus celulares para registrar el desempeño de la banda mientras se acomodaron alrededor de los músicos en el pasillo central del vagón.

La alineación ejecutó temas de su catálogo musical entre los que destacaron “Sea”, “Se va”, “Toda mi fe”, “Ventura”, “El Accidente” y “Dixie”.

DLD realizó su primer concierto en un vagón en movimiento

Durante la ejecución de las canciones, el cantante expresó el entusiasmo de la banda por trasladar su trabajo a un vehículo en marcha.

“De verdad es la primera vez que lo hacemos. Nos encanta hacerlo, nos está encantando, nos está divirtiendo muchísimo”, sostuvo Paco Familiar.

El músico aprovechó la cercanía con el público para ofrecer un mensaje sobre las interacciones cotidianas en el transporte de la zona metropolitana.

El intérprete hizo un llamado a los asistentes para recuperar la convivencia pacífica y el respeto en la rutina diaria.

“Hay que hacerlo de nuevo de moda, estas cosas”, afirmó el vocalista al pedir que la empatía se convirtiera en una práctica constante entre la ciudadanía.

En el marco de esta presentación, el cantante mencionó el interés del grupo por colaborar con la intérprete Margarita la Diosa de la Cumbia en el proyecto Cumbia en tu idioma, enfocado en reinterpretar clásicos del rock nacional.

El proyecto Concierto en Movimiento transformó el transporte público

La actividad respondió al programa Concierto en Movimiento, una iniciativa desarrollada por la empresa de comunicación TeleUrban en coordinación con la administración del Tren Suburbano.

La propuesta buscó convertir de manera temporal los espacios de traslado en plataformas artísticas para la población que utiliza este servicio ferroviario.

El formato del proyecto exigió que las agrupaciones adaptaran sus instrumentos y equipos de sonido a las dimensiones del vagón.

Los músicos presentaron su repertorio mientras el tren mantuvo su velocidad regular y realizó sus paradas programadas en las estaciones de la ruta.

Las autoridades del transporte confirmaron con anterioridad la participación del conjunto dentro de la cartelera de actividades programadas para los usuarios.

El Tren Suburbano recibió presentaciones de rock y pop en español

La presentación de DLD se integró a una lista de intervenciones artísticas desarrolladas en los vagones de esta red de transporte durante los últimos años.

En octubre de 2023, la banda de ska Panteón Rococó realizó un show con una duración de 26 minutos entre las terminales de Buenavista y Cuautitlán.

Durante ese recorrido, Panteón Rococó interpretó una canción por cada estación del sistema ante pasajeros que acompañaron temas como “La dosis perfecta” y “Vendedora de caricias”.

En otra de las ediciones del programa, el cantante Álex Lora participó con un set acústico junto a los integrantes de la agrupación El Tri.

Por su parte, el músico Aleks Syntek ingresó un piano al interior del convoy para interpretar sus temas más conocidos frente a las personas que realizaron su trayecto habitual.

Otras agrupaciones que formaron parte de estas sesiones sobre rieles fueron La Gusana Ciega, Juan Solo y la banda paraguaya Kchiporros.

La red del Tren Suburbano conecta la alcaldía Cuauhtémoc en la capital con diversos municipios del Estado de México, como Tlalnepantla, Tultitlán y Cuautitlán.

La presentación en el convoy se sumó a la trayectoria de la alineación mexiquense, que en años anteriores llenó recintos de alta capacidad en la capital mexicana como el Palacio de los Deportes.

Por cierto, nada de esto formaba parte de los planes de Springsteen para esta temporada. Venía de tres años de giras intensas y se había tomado, por fin, un respiro. Ese descanso se interrumpió el 7 de enero, cuando Renée Good murió baleada por un agente de la Agencia de Inmigración y Control de Aduanas (ICE, por sus siglas en inglés) durante una protesta en Minneapolis. Diecisiete días después, Alex Pretti falleció en un enfrentamiento con oficiales de la Oficina de Aduanas y Protección Fronteriza (CBP, sigla en inglés).

Springsteen no se quedó callado. Escribió “Streets of Minneapolis”, una canción que nombra a ambas víctimas y que le costó publicar sin dudar del tono. “Fue una canción que escribí solo para ese momento. No sabía qué futuro podía tener. La escribí únicamente para esa circunstancia específica”, contó a Rolling Stone. El propio músico admitió que temió haberse subido demasiado alto a la tribuna, hasta que el guitarrista Tom Morello le dio un consejo que terminó de convencerlo: “La sutileza es maravillosa, pero a veces hay que patearlos en los dientes”. Esa frase, contó en la entrevista, le hizo entender que ese era exactamente el momento para hacerlo.

Lo que siguió fue Land of Hope and Dreams, una gira de 20 shows que arrancó el 31 de marzo en Minneapolis y cerró el 30 de mayo en Filadelfia. También explicó cómo pensó el propósito general detrás de la gira, más allá de la urgencia inicial: “No tengo objetivos estrictos. Básicamente estoy ahí afuera para interpretar esa música y transmitir su mensaje. Minneapolis ocurrió, así que escribí ‘Streets of Minneapolis’, y eso encendió todo el proyecto. Entonces pensé, ‘deberíamos salir a tocar esta canción’. Y después estructuré un show que tomó material que había escrito durante los últimos 50 años y, por la forma en que armé el setlist, todo se contemporizó. Esa era la idea. Era el estado de la nación para 2026″, relató a Rolling Stone.

Ese gesto, el de releer su propio catálogo para ponerlo al servicio de una audiencia que atraviesa un momento de incertidumbre, es quizás el que mejor resume la relación que Springsteen sostiene con sus seguidores desde los años setenta. No se trata de un artista que repite un repertorio fijo por comodidad, sino de alguien que vuelve una y otra vez sobre sus propias canciones para que sigan diciendo algo. “Eso es lo que debería haberle pasado a casi todas las canciones que tocamos durante el show. Simplemente se realinearon, se redefinieron, se recontextualizaron para el momento”, señaló sobre el proceso de armar el setlist.

Consultado sobre cómo decidió abordar el estallido de la guerra con Irán, ocurrida en el tramo entre el anuncio y el inicio de la gira, fue honesto sobre su dilema inicial: “Primero me pregunté cómo iba a abordar eso, porque sentía que necesitaba ser abordado. Y me quedé pensando... generalmente el país va a la guerra y la gente cae y se para del lado del equipo local. Pero estaba tratando de pensar, ‘bueno, ¿cuál es una forma de abordar esto que se sienta equilibrada?’ Recordé que hicimos una versión de ‘War’ en 1985″, contó el músico a la revista.

El verdadero sentido de la canción “Born in the U.S.A.”

Ese ejercicio de resignificación tuvo su punto más alto en “Born in the U.S.A.”, un tema que Springsteen interpretó con frecuencia en Europa durante los últimos años, pero que casi nunca tocaba en Estados Unidos. El propio músico reconoció que, en su país, nunca logró cantarla con la confianza necesaria. “Siempre se sintió más natural en Europa. Tenemos un público enorme allá, muy interesado en las ideas de Estados Unidos, muy comprometido con la banda”, dijo a Rolling Stone.

En esta gira, sin embargo, decidió ubicarla al frente del show, precedida por una versión de “War”, de Edwin Starr. “El momento reclamaba ‘Born in the U.S.A.’, la recontextualizó para que pudiéramos ser entendidos con claridad. Nuestro propósito era reclamar la bandera de nuestro país”, afirmó. Esa misma secuencia, “War” seguida de “Born in the U.S.A.” y “Death to My Hometown”, es la que abre los primeros 40 minutos de película que puede verse en YouTube.

Springsteen contó que, cuando vio el primer corte de siete canciones editado por el director Thom Zimny, tomó una decisión casi inmediata: no esperar a que estuviera lista la película completa. “No podía esperar tres o cuatro meses más para tener el resto del concierto editado y terminado. Toda la gira itinerante trataba de inmediatez, de estar en este momento, de ofrecer algo que sentía que mi público, mi audiencia, podía necesitar ahora”, explicó.

Por eso decidió serializarla en cuatro entregas de unos 40 minutos cada una, hasta completar el show entero. “Cualquiera puede darse esos 40 minutos para entender qué estábamos tratando de hacer. Dice todo lo que queríamos decir”, sostuvo. Es una lógica poco habitual en la industria del entretenimiento, donde los estrenos suelen postergarse hasta tener el producto terminado, pero que Springsteen justificó en la urgencia del mensaje antes que en la perfección del formato.

Lo que viene después de Filadelfia

La película fue filmada por Chris Hilson y Thom Zimny, quienes registraron los shows de Boston y Filadelfia con la intención de intercalar ambas funciones, aunque finalmente se utilizó solo el material filmado en Filadelfia. Springsteen adelantó, además, que tiene dos álbumes de material inédito en distintas etapas de producción: uno ya terminado y otro, aún en proceso, que según dijo “por la naturaleza del material” debería publicarse primero. Sobre si se trata de un disco solista o de un nuevo trabajo junto a la E Street Band, prefirió no revelar detalles: “Es una sorpresa”.

Consultado sobre el costo personal de una gira con un mensaje político tan explícito, que lo llevó a distanciarse de parte de su público. Su respuesta fue directa: “Soy viejo ahora y hago lo que quiero hacer, que en realidad siempre hice durante toda mi vida. Siempre hice los discos que quise hacer y después salí a buscar el público para ellos. Fue lo mismo con este show. Era la historia que quería contar”.

La comunidad de fans de Enjambre prepara una nueva convivencia temática para celebrar el fenómeno que la banda desató tras su debut en el Estadio GNP Seguros. La cita, organizada por los propios seguidores, incluirá un intercambio de obsequios conocido como “freebie exchange” y contempla el uso de atuendos alusivos a las abejas, el sello distintivo del fandom.

La propuesta surgió después de una votación entre los seguidores, quienes decidieron la fecha y el horario del encuentro. La organización se coordina a través de redes sociales, donde ya se anticipó la creación de un grupo de WhatsApp para los asistentes.

Fecha, lugar y horario de la convivencia

La reunión de Enjambre Escuchas, como se autodenominan los fans de la banda, se realizará el sábado 3 de octubre en el Monumento a la Revolución, en Ciudad de México. El horario establecido es de 3:00 pm a 6:00 pm.

La convivencia de Enjambre consiste en un encuentro de fans organizado de manera independiente, sin vínculo oficial con la banda, que reúne actividades de intercambio de obsequios y el uso de disfraces de abeja como elemento identitario del fandom. La fecha se eligió después de la quincena para dar tiempo a los asistentes de preparar más regalos para el intercambio.

Según explicó la organizadora en su publicación, el horario también buscó equilibrio entre quienes trabajan los sábados y quienes prefieren un turno más temprano. El cartel de la convocatoria fue elaborado con inteligencia artificial, aunque se dejó abierta la posibilidad de sustituirlo por un diseño alternativo si algún seguidor presenta una propuesta.

Dos décadas de trayectoria musical

Enjambre es una banda de rock e indie rock originaria de Fresnillo, Zacatecas, que inició actividades en 2005. A lo largo de dos décadas ha grabado nueve álbumes de estudio, entre ellos Consuelo en domingo, Daltónico, Los huéspedes del orbe y su trabajo más reciente, Daños Luz, lanzado de manera independiente en marzo de 2026.

El disco Daños Luz incluye once temas, entre ellos “Desfases”, “Angustias”, “Vida en el Espectro” y “Vínculo”, canciones que se perfilan como nuevos clásicos entre los seguidores.

Con el lanzamiento del álbum llegó el Daños Luz Tour, la gira que recorre más de 15 ciudades de México entre agosto y noviembre de 2026, además de presentaciones en Estados Unidos y España. Antes de su paso por el Estadio GNP Seguros, la banda ya había agotado localidades en dos fechas del Palacio de los Deportes.

Un debut histórico en el Estadio GNP Seguros

Enjambre se presentó por primera vez en solitario en el Estadio GNP Seguros de Ciudad de México los días 29 y 30 de agosto de 2026, con ambas fechas totalmente vendidas. Se informó que la primera noche reunió a 120 mil personas que corearon “Enjambre, Enjambre” antes de que la banda abriera el show con “Desfases”, a las 9:20 pm.

La segunda fecha convocó a 65 mil asistentes, quienes acompañaron a la agrupación durante todo el repertorio. La gira contó con la participación de Arroba Nat como artista invitada para abrir los conciertos.

Durante las dos noches, la banda interpretó canciones de su álbum más reciente como “Angustias”, “Vida en el Espectro”, “Juguete” y “Vínculo”, con la que cerró el show. También revivió éxitos de su trayectoria como “Nueve”, “Por esta razón”, “Manía Cardiaca”, “Cámara de Faltas” y “Somos Ajenos”.

“La Ciudad de México también es nuestra casa”, expresó la banda durante el concierto. Las presentaciones formaron parte de una segunda vuelta de la gira Daños Luz Tour, luego de que la banda agotara localidades en el Palacio de los Deportes el año anterior.

El fenómeno de los “Enjambre Escuchas”

El atuendo de abeja se convirtió en el sello distintivo de los seguidores de la banda, un juego con el apellido de la familia que integra la agrupación. Desde los alrededores del Estadio GNP Seguros, miles de fans llegaron con antenitas, medias rayadas y trajes completos de abeja.

Las antenas con luces de color naranja y amarillo iluminaron todo el recinto durante ambas noches. Testimonios recogidos entre los asistentes explicaron el vínculo entre el disfraz y la identidad del fandom.

Dánae, una asistente que acudió desde Teotihuacán, relató que “nos gustan mucho los mensajes que da Enjambre sobre el amor y el desamor. Yo me siento parte de una colmena y bendito Dios que Enjambre se llama así y tiene ideas para outfits”.

Otro asistente añadió: “Venir disfrazados es parte de la identidad, como una comunidad, siento que es algo que hace falta en muchos aspectos de la sociedad. Yo vengo aquí y veo a todos de abejas o con antenas y me siento parte de algo”.

La tradición de intercambiar freebies, como stickers, dulces, muñecos con fotografías de los integrantes y hasta patitos pintados como abejas, también se replicó durante los conciertos en el Estadio GNP Seguros. Esa misma dinámica es la que ahora los fans buscan reproducir en la convivencia del 3 de octubre en el Monumento a la Revolución.

Festival Revueltas y las próximas fechas

Tras su paso por el Estadio GNP Seguros, Enjambre confirmó su participación en el Festival Revueltas 2026, en Durango, donde se presentará el jueves 15 de octubre en la Plaza IV Centenario, a las 8:00 pm. El festival, denominado “Arte y cultura en cada latido”, reunirá más de 100 actividades gratuitas entre el 10 y el 18 de octubre.

El cartel del Festival Revueltas también incluye a Kalimba el 10 de octubre, Nicho Hinojosa el 12 de octubre y el proyecto “Despechadas”, con Rocío Banquells, Prisma, Denisse de Kalafe, Manoella Torres y Lila Deneken, el 17 de octubre.

La gira Daños Luz Tour continuará además con fechas en el Auditorio Banamex de Monterrey, los días 16 y 17 de octubre, y en el Auditorio Telmex de Guadalajara, el 20 de noviembre y el 19 de diciembre.

La vertiginosa y conflictiva carrera de la popular banda Oasis llegó a un violento final en 2009 en París, cuando el guitarrista Noel Gallagher y su hermano, el vocalista Liam Gallagher, terminaron en una pelea a puñetazos detrás de escena bastidores antes de salir a tocar. El show fue cancelado, el grupo se separó y los hermanos no se hablaron durante más de una década.

Ya existen películas sobre Oasis, pero la más reciente, Oasis: Don’t Look Back in Anger, aporta algo nuevo, al narrar la triunfal reunión de la banda y su gira mundial en 2025. Dirigido por Will Lovelace y Dylan Southern, este enérgico y optimista documental crea ocasionalmente efectos vertiginosos con su mezcla de imágenes nuevas y de archivo. Según cuenta, una vez tomada la decisión de reunirse, los viejos resentimientos entre los hermanos desaparecieron. “Tenemos la oportunidad de cambiar la historia”, dice Noel.

La primera semana de ensayos se presenta tensa, ya que Liam solo participa dos días. Pero una vez que la banda arranca, reina la armonía, no solo entre Liam y Noel, sino también con su público multigeneracional. Noel Gallagher es un experto no solo en potentes temas de ritmo medio, sino también en baladas épicas, y un Liam Gallagher con mucha personalidad se desenvuelve de maravilla en ambos estilos.

Mientras recorren el mundo, los cineastas nos muestran breves momentos con los superfans y el impacto que la banda ha tenido en ellos. Es difícil no emocionarse al ver a Liam cantar “Live Forever” ante un estadio lleno de gente. Esta película es a la vez un himno para el rock y un drama conmovedor.

Fuente: The New York Times

El regreso de Mägo de Oz a México en 2026 llega respaldado por 38 años de trayectoria y un nuevo disco que da nombre a la gira. La banda española, fundada en Madrid en 1988, promociona con este tour su álbum más reciente, Malicia: La noche de las brujas, publicado en 2025.

El itinerario mexicano, organizado por la promotora Zignia Live, contempla 13 fechas entre septiembre y diciembre de 2026, con paradas en arenas y auditorios de gran capacidad en todo el país.

Una banda con más de tres décadas de historia

Mägo de Oz nació el 7 de julio de 1988 en Madrid, cuando el baterista y compositor Txus di Fellatio decidió compaginar su carrera como futbolista del Real Madrid con la música. El proyecto se llamó primero Transilvannia666, en honor a Iron Maiden, antes de adoptar su nombre definitivo.

La formación grabó su primera maqueta, “¿Y qué más da?”, en 1989. Tras varios cambios de alineación, la llegada del violinista Carlos Prieto, conocido como “Mohamed”, en 1992, se convirtió en un sello distintivo del grupo. Prieto y Di Fellatio son hoy los únicos miembros originales que continúan en la banda.

El salto a la fama llegó en 1998 con el álbum La leyenda de La Mancha, inspirado en la obra de Cervantes, que incluyó el tema “Molinos de viento” y derivó en una gira de 115 conciertos. Dos años después, Finisterra consolidó el estilo característico de la banda: la fusión de guitarras eléctricas con violín, flauta travesera y arreglos celtas.

En 2003 arrancó la trilogía conceptual Gaia, completada en 2005 y 2010, que según datos difundidos por la banda contribuyó a que Mägo de Oz superara el millón de copias vendidas en España, reconocimiento que le valió el disco de diamante en 2008. Se calcula que el grupo vendió más de tres millones de discos entre España y Latinoamérica hasta 2013.

La discografía del grupo suma más de una decena de álbumes de estudio, entre ellos Belfast (2004), Hechizos, Pócimas y Brujería (2012), Ira Dei (2019) y Bandera Negra (2021), hasta llegar a Malicia: La noche de las brujas, lanzado en 2025 y que da nombre a la gira actual.

El álbum que impulsa la gira 2026

Malicia: La noche de las brujas es el trabajo discográfico más reciente de la banda y funciona como eje narrativo de la gira que ahora recorre México. El tour arrancó en España en marzo de 2026, con presentaciones en Madrid, Cádiz y Barcelona, antes de trasladarse al continente americano.

¿De qué trata la gira “La Noche de las Brujas 2026”?

Se trata del tour de presentación del álbum homónimo de Mägo de Oz, que combina temas nuevos con clásicos de su repertorio histórico. La banda española recorrerá 13 ciudades mexicanas entre septiembre y diciembre, con producción visual y escenográfica renovada, según difundió la promotora Zignia Live.

La formación actual del grupo está integrada por Di Fellatio en batería, Prieto en violín, Rafa Blas en la voz desde 2023 y Víctor de Andrés en guitarra desde 2020, entre otros músicos que se sumaron en los últimos años.

Repertorio y setlist reciente

De acuerdo con registros del sitio especializado setlist.fm, los conciertos recientes de la gira “La Noche de las Brujas” en España incluyeron una veintena de canciones. El repertorio combina temas del nuevo álbum con clásicos históricos del grupo.

Entre los temas nuevos que la banda interpretó en shows de 2026 figuran “Malicia”, “Ríos de lágrimas”, “Astaroth” y “Mi cuerpo y yo nos dejamos de hablar...”. A estos se suman clásicos como “Abracadabra”, “La danza del fuego” y “La costa del silencio”.

El cierre de los shows recientes mantuvo un bloque fijo de clásicos: “El vals de las almas rotas”, “Molinos de viento” y “Fiesta pagana”, según los mismos registros de setlist.fm. El set también incluyó un solo de guitarra a cargo de Jorge Salán.

Fechas, sedes y horarios en México

El listado difundido en el material promocional de la gira detalla 13 presentaciones:

16 de septiembre: Zacatecas, Feria Nacional de Zacatecas

7 de noviembre: Guadalajara, Arena Guadalajara

12 de noviembre: Torreón, Polyforum Torreón

13 de noviembre: Monterrey, Arena Monterrey

15 de noviembre: Ciudad de México, Arena CDMX

18 de noviembre: Oaxaca, Centro de Convenciones / Foro del Aire

20 de noviembre: Puebla, Auditorio Metropolitano

25 de noviembre: Hermosillo, Parque La Ruina

27 de noviembre: Mexicali, CEART

28 de noviembre: Tijuana, El Trompo

2 de diciembre: León, Polyforum

4 de diciembre: Querétaro, Auditorio Josefa Ortiz de Domínguez

5 de diciembre: Toluca, Salón Rojo

Según información publicada por medios locales que cubrieron las fechas de Hermosillo, Mexicali y Tijuana, los horarios de estas presentaciones contemplan apertura de puertas a las 19:00 h y el inicio del show a las 21:00 h. El mismo esquema de horario rigió para la fecha de Ciudad de México.

Boletos y precios de venta

La venta de boletos para las fechas de Guadalajara, Monterrey y Ciudad de México comenzó el 14 de noviembre de 2025 a las 10:00 h, a través de Superboletos.com y en taquillas de las arenas, según el anuncio original de la promotora Zignia Live.

Para el concierto en Hermosillo, los boletos quedaron disponibles en tres categorías: Oro a 1,380 pesos, Preferente a 920 pesos y General a 518 pesos, de acuerdo con información difundida por superboletos.com y retomada por medios locales. El mismo esquema de precios se replicó para las fechas de Mexicali y Tijuana.

En el caso de Arena CDMX, la variedad de zonas amplió el rango de precios. Según el desglose publicado por el sitio sdpnoticias.com, las localidades van desde 565 pesos en zona Rosa hasta 2.008 pesos en las secciones Pepsi, Amarillo, Boing, Elektra, Toyota y Mercado Libre. La zona Cancha VIP se ubicó en 1,883 pesos.

Las entradas para todas las fechas mexicanas se comercializan a través de la plataforma Superboletos, según coinciden las fuentes consultadas.

La banda ya se presentó en México antes de esta gira

Antes del arranque oficial de “La Noche de las Brujas 2026”, Mägo de Oz ya había pisado suelo mexicano con un adelanto del nuevo repertorio. El 11 de abril de 2026, la banda se presentó en Mazatlán como parte de la Semana Internacional de la Moto, según registros del sitio especializado setlist.fm.

En esa fecha, celebrada en el Centro de Convenciones de la ciudad, el grupo interpretó temas del álbum Malicia: La noche de las brujas como “Malicia”, “Abracadabra”, “Ríos de lágrimas” y “Astaroth”. El repertorio incluyó también clásicos como “La danza del fuego”, “Hasta que el cuerpo aguante” y “La costa del silencio”.

El cierre de aquel show mantuvo el mismo bloque final que la banda ha repetido en distintas fechas de la gira: “El vals de las almas rotas”, “Molinos de viento” y “Fiesta pagana”, de acuerdo con el registro.

A 41 años de la muerte de Rockdrigo González, el rock rupestre mexicano vuelve a las calles del Centro Histórico. El jueves 17 de septiembre de 2026, a las 19 horas, el Centro Cultural José Martí albergará el concierto “Asfalto Chido: Tributo al Profeta del Nopal”, con entrada libre, en el marco de su 50 aniversario.

El homenaje reunirá a las bandas Los Gatos Místicos y El Clan-Destino, quienes interpretarán el repertorio del llamado “profeta del nopal”, cronista urbano que marcó al rock nacional independiente antes de morir en el terremoto de 1985.

¿Quién estará en el homenaje?

Las bandas convocadas son Los Gatos Místicos y El Clan-Destino, encargadas de dar vida a las canciones que Rockdrigo compuso durante su breve pero influyente carrera en la escena del rock urbano mexicano.

Un evento oficial organizado por la red de faros de la Secretaría de Cultura de la CDMX.

El concierto gratuito en el Centro Cultural José Martí

El evento se presentará en el recinto ubicado en Doctor Mora 1, colonia Centro, alcaldía Cuauhtémoc, a escasos pasos de la Alameda Central y de la estación Hidalgo del Metro.

La cita es a las 19 horas del jueves 17 de septiembre de 2026, con acceso libre para todo público, según se detalla en la difusión oficial del recinto.

Quién fue Rockdrigo González

Rodrigo Eduardo González Guzmán, conocido como Rockdrigo, nació en Tampico, Tamaulipas, el 25 de diciembre de 1950. Se convirtió en una de las figuras centrales del llamado movimiento rupestre, corriente que en la década de los setenta reunió a cantautores mexicanos alejados tanto de la nueva trova latinoamericana como del rock de los hoyos fonquis.

Con guitarra acústica, armónica y voz, González retrató la vida cotidiana de la Ciudad de México en canciones como “Estación del Metro Balderas”, “Distante instante” y “No tengo tiempo de cambiar mi vida”, piezas que consolidaron su apodo de “profeta del nopal”.

El primer colectivo rupestre, según registros históricos, estuvo integrado por el propio Rockdrigo junto a Rafael Catana, Roberto González, Eblén Macari, Roberto Ponce, el grupo Cuál del compositor Fausto Arellín y Nina Galindo.

Rockdrigo murió el 19 de septiembre de 1985, a los 34 años, tras el derrumbe de su vivienda en la calle Bruselas número 8, colonia Juárez, provocado por el terremoto que sacudió la capital ese año. En el mismo suceso falleció su pareja, la docente francesa Françoise Bardinet.

Tras su muerte, otros músicos se sumaron a las presentaciones rupestres, entre ellos Arturo Meza, Gerardo Enciso con su banda El Poder Ejecutivo, Cecilia Toussaint al frente de Arpía, y Carlos Arellano junto a Armando Rosas en el proyecto Escape.

El recinto que cumple 50 años

El Centro Cultural José Martí abrió sus puertas el 27 de mayo de 1976, con el objetivo de hermanar a los pueblos latinoamericanos a través del arte, el pensamiento y la vida comunitaria. Su nombre rinde homenaje al poeta, ensayista y patriota cubano José Martí.

El inmueble, ubicado en Doctor Mora 1 esquina con Avenida Hidalgo, cuenta con una arquitectura de espacios abiertos que incluye biblioteca especializada, galería de arte contemporáneo, teatro polivalente y el llamado “Callejón del Arte”. Al fondo del salón principal se conserva el mural “Canto a Martí”.

A lo largo de casi cinco décadas, el recinto se integró a la Red de FAROS y Centros Culturales de la Secretaría de Cultura capitalina, convirtiéndose en un espacio de producción donde se imparten talleres de fotografía, lenguas indígenas, teatro y artes visuales, además de programación permanente de cine, danza y música.

Este 2026, el centro celebra su medio siglo de existencia con una serie de actividades conmemorativas. En mayo pasado se inauguró la exposición fotográfica “50 años creando cultura”, integrada por 28 imágenes que recorren distintos momentos del recinto desde finales de los años setenta hasta la actualidad.

Como parte de esas mismas celebraciones, el 29 de mayo se realizó una jornada musical gratuita con agrupaciones como Ensamble Todos Somos Ruido, Rockafilia, Golden Times y Espectros de tu Jefa, entre otras propuestas emergentes.

El recinto también forma parte de la programación gratuita de Shorts México durante septiembre, con funciones de cortometrajes mexicanos, internacionales y temáticas específicas programadas los días 18, 23 y 25 del mes.

El horario habitual del Centro Cultural José Martí es de lunes a sábado, de 9:00 a 21:00 horas, y domingos de 10:00 a 16:00 horas.

Los homenajes de pago que completan la agenda

Además del concierto gratuito del 17 de septiembre, la agenda capitalina incluye otro tributo a Rockdrigo González con boletaje, programado para el viernes 18 de septiembre en el foro La Maraka, en la colonia Narvarte Poniente.

Ese evento, encabezado por la banda Heavy Nopal, reunirá en el escenario a integrantes del histórico Colectivo Rupestre: Nina Galindo, Rafael Catana, Fausto Arrellín y Pedro Sandoval, además de José de Jesús Alvarado. Como invitado especial se presentará Toño Lira, fundador de la banda Liran’ Roll.

El acceso al recinto está programado para las 20:00 horas, con inicio del espectáculo a las 21:30 horas. Los boletos tienen un costo de $420 pesos mexicanos en modalidad general y $730 pesos mexicanos para el área VIP con asientos, según el sistema de venta del recinto. El evento está restringido a mayores de edad.

Durante la velada se hará un recorrido por los tres primeros discos de Heavy Nopal, inspirados en la obra del músico tamaulipeco, además de un repaso por los temas más representativos de su catálogo.

Ambos eventos, el gratuito en el Centro Cultural José Martí y el de pago en La Maraka, se suman a la tradición de conmemorar cada septiembre la memoria de Rockdrigo González, coincidiendo con el aniversario del sismo de 1985 que le arrebató la vida.

La banda estadounidense Dead Kennedys se presentará de forma gratuita en la Ciudad de México el próximo 11 de septiembre, dentro de las instalaciones de House of Vans, en la alcaldía Benito Juárez. El acceso requerirá registro previo y el cupo será limitado.

El grupo, fundado en San Francisco a finales de los años setenta, es uno de los referentes del punk rock y el hardcore estadounidense. Su música ya tiene historia en México: en los años 80 y 90, sus grabaciones circulaban en cintas piratas en el mercado del Chopo, y en 2004 la agrupación, ya sin su vocalista original, se presentó en el Centro de Espectáculos El Rayo.

Fecha, horario y cómo conseguir entrada

¿Cómo se puede asistir al concierto de Dead Kennedys en CDMX? La entrada es gratuita, pero exige registro previo a través de la aplicación Fever. El acceso es exclusivo para mayores de 18 años y el ingreso al recinto será por orden de llegada hasta agotar el cupo disponible, de acuerdo con el portal Dónde Ir.

Las puertas de House of Vans abrirán a las 19:30 horas del viernes 11 de septiembre. El enlace de registro se publicará un día antes, el 10 de septiembre a las 18:00 horas, a través de las historias de Instagram de la cuenta oficial del recinto.

Contar con el registro no garantiza automáticamente el ingreso. El sitio Aleteo recomienda seguir la cuenta de Instagram de House of Vans CDMX y activar notificaciones para no perder el horario exacto de apertura del enlace, además de crear una cuenta previa en Fever para agilizar el proceso.

Como medida adicional, se sugiere contar con una conexión estable a internet al momento de intentar el registro, dado que la demanda suele superar la capacidad del recinto en este tipo de eventos. Es obligatorio presentar una identificación oficial con fotografía al ingresar, ya que el boleto solo es válido a nombre de la persona registrada.

Quién es Dead Kennedys: origen y discos clave

Dead Kennedys nació en junio de 1978 en San Francisco, California, cuando el guitarrista East Bay Ray (Raymond Pepperell) publicó un anuncio buscando integrantes para formar una banda de punk. Al llamado respondió Eric Boucher, quien adoptaría el nombre artístico de Jello Biafra tras haber presenciado un concierto de Ramones en Denver. La formación original se completó con Klaus Flouride en el bajo y Carlos Cadona, conocido como “6025”, en la batería. El grupo debutó el 19 de julio de 1978 en el restaurante filipino Mabuhay Gardens, en San Francisco. Debido a su nombre, en ocasiones tuvo que presentarse bajo alias como Sharks o Pink Twinkies para evitar controversias.

En 1980 publicó su álbum debut, Fresh Fruit for Rotting Vegetables, editado de forma independiente bajo el sello Alternative Tentacles, fundado por el propio Biafra. El disco incluyó temas como Holiday in Cambodia y Kill the Poor, piezas que con el tiempo se volvieron parte central de su repertorio en vivo.

Las letras de la banda solían satirizar a figuras políticas conservadoras y a la autoridad en general, combinando sarcasmo y humor negro. A finales de los años 80, el grupo enfrentó un juicio por obscenidad en Estados Unidos debido al libreto de su álbum Frankenchrist (1985), que incluía una pintura de H. R. Giger considerada explícita.

La ruptura, el litigio legal y el regreso sin Jello Biafra

Dead Kennedys se disolvió en enero de 1986, principalmente por enfrentamientos entre Biafra y el resto de la banda, en particular con East Bay Ray y Klaus Flouride. El último concierto de esa formación se realizó el 21 de febrero de ese año, aunque el grupo aún alcanzó a grabar el álbum Bedtime for Democracy, publicado en noviembre de 1986.

Tras la separación, Biafra continuó su carrera como solista y artista de spoken word, además de mantener activo el sello Alternative Tentacles. Los demás integrantes emprendieron proyectos individuales hasta que, en 2001, tras un proceso judicial contra Biafra por derechos y regalías de las grabaciones, decidieron retomar la actividad de la banda bajo el nombre Dead Kennedys, con un nuevo vocalista.

Biafra se desligó por completo de esta reformación, a la que llegó a calificar como “la banda de karaoke más codiciosa del mundo”. Desde entonces, la agrupación ha tenido distintos cantantes: primero Brandon Cruz, entre 2001 y 2003, y después Jeff Penalty, hasta 2008.

La formación actual mantiene a East Bay Ray en guitarra, Klaus Flouride en bajo y D. H. Peligro en batería, todos miembros originales del grupo. Esta alineación ya se había presentado en Latinoamérica en años anteriores.

El repertorio habitual y la gira actual

El concierto en CDMX forma parte de la gira Give Me Dystopia or Give Me Death, que en septiembre de 2026 incluye fechas en San Diego, Los Ángeles y Santa Ana, además de la presentación en México. Según registros de setlist.fm, el tour continuará en octubre con shows en Seattle, Portland, San Francisco y Riverside.

De acuerdo con listas de conciertos recientes de la banda, su repertorio habitual incluye temas como Forward to Death, Winnebago Warrior, Police Truck, Let’s Lynch the Landlord, Kill the Poor, Too Drunk to Fuck, Moon Over Marin, Nazi Punks Fuck Off, California Über Alles y Holiday in Cambodia, esta última la canción más interpretada en vivo por el grupo según la misma plataforma.

En algunas fechas recientes, la banda ha incluido en su encore una versión de Viva Las Vegas, de Elvis Presley, además de Chemical Warfare y Bleed for Me. El setlist puede variar ligeramente entre cada presentación de la gira.

House of Vans CDMX: historia del recinto y cartelera

House of Vans ocupa una casona del siglo XIX conocida como Casa Serralde, ubicada en el barrio de Mixcoac. El inmueble, declarado de valor artístico, fue inaugurado como sede fija de la marca el 16 de febrero de 2023, luego de que durante más de una década el proyecto operara como un foro itinerante en distintos puntos de la Ciudad de México, según detalla el portal Heraldo de México.

Desde su llegada a la calle Rubens en 2021, el recinto se ha consolidado como un espacio cultural gratuito para conciertos, exposiciones y actividades de patinaje. La programación semanal incluye presentaciones musicales, talleres y activaciones de marca abiertas al público.

En los próximos meses, House of Vans tiene agendadas presentaciones de artistas como Meltt el 10 de septiembre, Chinese Football el 23 de octubre, Saramalacara el 30 de octubre y Young Cister el 13 de noviembre, de acuerdo con la cartelera publicada en Fever. También figuran fechas de Zell, Perfecto Miserable y ABHIR para el cierre del año. El recinto ha albergado previamente presentaciones gratuitas de bandas internacionales bajo el mismo esquema de registro, entre ellas AFI.

Cómo llegar

House of Vans CDMX se ubica en Rubens número 6, colonia San Juan, alcaldía Benito Juárez, código postal 03730, entre las avenidas Revolución y Patriotismo.

La forma más sencilla de llegar es en Metro, a través de la estación Mixcoac, que confluye con las líneas 7 y 12 del Sistema de Transporte Colectivo. Desde ahí, el trayecto a pie hasta el recinto toma entre cinco y siete minutos.

DLD es de las primeras bandas de rock que se manifiestan públicamente por el fallecimiento de Jonathan Meléndez, tecladista de Camilo Séptimo que fue asesinado junto a su familia durante la noche del martes 1 de septiembre en su departamento en Atizapán de Zaragoza, Estado de México.

La banda mexicana de rock alternativo lanzó un mensaje en sus redes sociales sobre la tragedia que sacudió al mundo de la música mexicana, y se unieron a la pena que embarga a los familiares, amigos y el resto de la banda por el fallecimiento de Honas, como se le conocía al tecladista.

Aunque no hay postura oficial de Camilo Séptimo y ninguno de los integrantes se ha manifestado al respecto, cuentas como la del Vive Latino y de fans del rock mexicano también dejaron mensajes en redes sociales.

DLD lamenta la muerte de Jonathan Meléndez

DLD lamenta la muerte de Jonathan Meléndez y su familia, en el único pronunciamiento confirmado de una banda mexicana tras el asesinato del tecladista de Camilo Séptimo, ocurrido el martes 1 de septiembre en Atizapán de Zaragoza, Estado de México. El grupo de rock alternativo escribió en Facebook: “No tenemos palabras, solo indignación y tristeza por este doloroso suceso que deja una huella en nuestra sociedad y en nuestros corazones, que tú y tu familia tengan mucha luz en su camino querido amigo”.

Junto a Meléndez murieron su esposa Ana Paula, de 35 años y con cuatro meses de embarazo; su hija de 3 años, y una trabajadora doméstica de 21 años. La Fiscalía General de Justicia del Estado de México detiene a Diego Sebastián “N”, socio del músico en negocios de renta de propiedades por Airbnb, como presunto autor material del multihomicidio.

Siddhartha y Porter evitan pronunciarse públicamente

Colaboradores y músicos cercanos a la banda, entre ellos integrantes de Siddhartha y Porter, evitan hacer declaraciones públicas hasta el cierre de esta nota. La ausencia de pronunciamientos contrasta con la reacción inmediata de DLD, que se dirigió tanto a la familia de Meléndez como a sus “hermanos” de Camilo Séptimo.

La banda tenía programadas fechas de su gira MAPAS

Camilo Séptimo tenía programadas dos fechas en septiembre: el 19 en Ciudad Juárez, en el Auditorio Benito Juárez, y el 26 en Naucalpan, en el Parque Naucalli. La agrupación también tenía previstas presentaciones el 3 de octubre en Nezahualcóyotl y el 10 de octubre en Pachuca.

Hasta el cierre de esta nota, ni la banda ni sus integrantes se pronuncian sobre si estos conciertos siguen en pie o serán pospuestos. Se pide a los interesados estar atentos a las redes sociales oficiales del grupo por si hay algún anuncio al respecto.

La publicación de Camilo Séptimo sobre el fallecimiento de Jonathan Meléndez

La banda sacó un comunicado donde lamentaron el fallecimiento del tecladista Honas, así como de su esposa Ana Paula y su hija Sofía: “Vivirán por siempre en nuestros corazones. Descansen en Paz”, sin dar más detalles sobre lo ocurrido o lo que pasará con los proyectos de Camilo Séptimo.

Una guitarra potente y áspera, con claros tintes de rock, marcó el inicio de “Halcones y payasos”, la primera canción de “Florece en el caos”, el nuevo disco de No Te Va Gustar (NTVG). Eran las 8:42 de la noche en el Pepsi Center de la Ciudad de México.

Siguieron “No te imaginás” y “A las 9”. En sólo tres canciones, el repertorio nuevo ya se mezclaba con el sonido que la banda uruguaya ha construido y consolidado durante más de tres décadas. Después de este bloque, Emiliano Brancciari, cantante y líder de NTVG, tomó el micrófono y saludó al público.

“Estamos muy felices de cerrar la gira en esta ciudad en la que nos sentimos tan queridos. Estamos presentando un nuevo disco, tocaremos algunas de esas canciones, pero también muchas otras. Este será un show bastante largo”, dijo el vocalista.

La advertencia fue respondida con emoción, gritos y aplausos. Y aún faltaban 29 canciones.

Siguieron “La noche de ayer”, “Verte reír” y “Ángel con campera”. El repertorio comenzó a desplazarse entre distintas etapas de la banda; las canciones de “Florece en el caos” aparecían intercaladas con temas de discos anteriores.

Un recorrido musical de 32 años

No Te Va Gustar lleva 32 años haciendo ese recorrido. La banda se formó en Montevideo en 1994, cuando un grupo de amigos adolescentes decidió presentarse en un festival escolar. Lo que comenzó como una forma de entretenimiento terminó como un fenómeno musical que se extendió por buena parte de Latinoamérica y después por Europa y Estados Unidos. México apareció en ese trayecto en 2009.

Desde aquella primera visita, la banda ha regresado en distintas ocasiones. Este año volvió para presentar “Florece en el caos”, su duodécimo álbum de estudio; recorrió Guadalajara, Querétaro, Puebla, Monterrey y León antes de llegar a la Ciudad de México. La capital fue el cierre de su gira mexicana y el concierto número 35 de los cerca de 70 que tiene programados para 2026.

“Comodín” cambió el curso del repertorio. Al terminar la canción, Brancciari habló de un músico emblemático de su país que muerió tres días antes.

“Queremos dedicarle esta canción y este show a nuestro querido y maestro, Rubén Rada”, dijo. Y la siguiente fue “Una vida más”.

“Porque a mí me queda una vida más y la suerte de poner el pecho a lo que reste por venir. Ya sé, nadie se salva de la muerte. Pero mientras tanto vas a saber que no me fui”, declara el estribillo.

Rada, fallecido el 26 de agosto, fue una figura central de la música uruguaya y uno de los nombres asociados con el candombe. Esa tradición, junto con el rock, el reggae, el ska, el folk y la murga, forma parte de las influencias que han alimentado el sonido de No Te Va Gustar.

La banda continuó con “Tu defecto es el mío”. Al terminar, Brancciari volvió a dirigirse al público.

“Muchísimas gracias, México, estamos muy felices de volver a vernos. Gracias de verdad”.

Después llegaron “Si el mar me ve” y “El camino”. Hasta ese momento, el concierto había mantenido un ritmo potente y enérgico, con una sucesión de canciones que dejaban poco espacio entre una y otra.

Entonces Brancciari anunció un cambio:

“Vamos a bajar un poquito los decibeles con una canción del álbum ‘Por lo menos hoy’ que sabemos que les gusta mucho”.

“Memorias del olvido”, una canción de tono nostálgico, abrió un tramo más acústico. “Cartas por jugar” y “De nada sirve” continuaron por el mismo camino. Durante esas tres canciones, la banda redujo la intensidad y dejó que las guitarras acústicas y las voces ocuparan el primer plano.

El descanso fue breve. “Ese maldito momento”, “Clara”, “Los villanos”, “Prendido fuego”, “Al vacío”, “El error” y “Venganza” devolvieron progresivamente el peso de todos los instrumentos al escenario.

Entre canciones de distintas épocas aparecía el nuevo álbum

“Florece en el caos” fue lanzado en plataformas digitales el 8 de enero. Es el duodécimo disco de estudio de NTVG y reúne diez canciones grabadas en agosto y septiembre de 2025 en el estudio Elefante Blanco, en Montevideo. Nico Cotton estuvo a cargo de la producción y Carlos Imperatori fue el ingeniero de grabación.

La banda buscó en este trabajo un sonido más áspero, filoso y firme, aunque mantuvo el componente melódico y emocional que ha caracterizado su repertorio. Las letras abordan temas que, según explicó el grupo al presentar el álbum, atraviesan la vida cotidiana y el clima social de estos tiempos.

Después de “Chau”, Brancciari volvió a preguntar al público si estaba cansado.

“¿Se cansaron? Falta un montón todavía”, dijo. La respuesta fue “En mil pedazos”, otra canción del nuevo disco.

Poco después llegó “Paranoia”. Durante el cierre de la canción, Brancciari se quedó solo frente al público. Sin instrumentos, cantó unos segundos de “Esa noche”, de Café Tacvba:

“No me hubieras dejado esa noche, porque esa misma noche encontré un amor”. El guiño a la banda mexicana provocó una reacción inmediata en el público, coreando con fuerza esta canción. Eran las 10:30 de la noche.

Todavía faltaban ocho canciones.

“Tan lejos”, “En llamas”, “Cero a la izquierda”, “Ya no hay dolor” y “Con el viento” llevaron el concierto hacia el último tramo. “Fuera de control” concentró buena parte del movimiento de la pista. En el centro se abrió un círculo y varios asistentes iniciaron el “pogo”: hubo saltos, empujones y movimiento alrededor mientras se desarrollaba el tema.

Al terminar, Brancciari tomó nuevamente el micrófono para dirigirse a la audiencia.

“Muchas gracias por tanto cariño, Ciudad de México, hemos sido muy felices esta noche, gracias por acompañarnos y por regalarnos tanto amor, nos vamos con el pecho inflado a nuestra casa”.

La banda aún guardaba dos canciones.

Siguió “No somos nosotros”, también de “Florece en el caos”. Después, Brancciari marcó con su guitarra el inicio de “No era cierto”, una canción que la banda suele reservar para sus despedidas.

La pista volvió a organizarse alrededor de un círculo. La gente brincó, se empujó y se abrazó mientras avanzaba la canción. Cuando llegó la frase “Pensé que estaba solo y no era cierto, si tengo con quién quedarme a festejar”, varios asistentes, en un ritual colectivo se abrazaron mientras saltaban y disfrutaban el final del concierto.

Eran las 11 de la noche, la música llegó a su fin. Los músicos se acercaron al frente del escenario, agradecieron, se abrazaron e hicieron una reverencia. Fue la despedida después de un repertorio de 32 canciones. La cifra coincidió con los años de carrera que NTVG cumplió el pasado 25 de junio.

La banda llegó a México después de tocar en Chile y Argentina y, tras este cierre, tendrá un breve descanso antes de regresar en septiembre a varias ciudades argentinas. En octubre continuará su recorrido por Europa, con conciertos en Italia, Francia, Inglaterra, Irlanda, Dinamarca, Alemania y España.

El 12 de diciembre volverá a Montevideo para cerrar el año en casa.

En México, el cierre reunió canciones nuevas, temas de distintas etapas de su carrera, el recuerdo de Rubén Rada y un guiño a Café Tacvba. También cerró un capítulo de una historia que comenzó en 2009 y que, 17 años después, volvió a colocar a No Te Va Gustar frente a un público mexicano que va en aumento y que acompaña fielmente su recorrido.

‘Setlist’ Ciudad de México, 29 de agosto, 2026:

1. Halcones y payasos

2. No te imaginás

3. A las 9

4. La noche de ayer

5. Verte reír

6. Ángel con campera

7. Comodín

8. Una vida más

9. Tu defecto es el mío

10. Si el mar me ve

11. El camino

12. Memorias del olvido

13. Cartas por jugar

14. De nada sirve

15. Ese maldito momento

16. Clara

17. Los villanos

18. Prendido fuego

19. Al vacío

20. El error

21. Venganza

22. Chau

23. En mil pedazos

24. Paranoia

25. Tan lejos

26. En llamas

27. Cero a la izquierda

28. Ya no hay dolor

29. Con el viento

30. Fuera de control

31. No somos nosotros

32. No era cierto

Kenny Avilés fue una de las pocas personas que Gustavo Cerati dejaba entrar a su camerino antes de salir al escenario. La cantante mexicana, con casi 45 años de carrera al frente de Kenny y los Eléctricos, lo recuerda como un amigo cercano, discreto y de trato sencillo, en contraste con la figura imponente que proyectaba bajo los reflectores.

“Era muy lindo. Sencillo, delgado, alto, sus chinos. Muy lindo”, dijo Avilés en una conversación con el conductor Javier Paniagua grabada en 2024.

Kenny abrió tres conciertos a Soda Stereo en México

La relación entre ambos comenzó cuando Soda Stereo llegó a México por primera vez y Cerati aún no conocía a mucha gente en el país. Fue entonces cuando Avilés se convirtió en su guía informal. Le organizaba salidas, lo llevaba a Cuernavaca, donde tenía amigos con un hotel de estilo árabe llamado Marhaba Club, con alberca, restaurante y discoteca.

“A mí me encantaba, él le gustaba mucho pasear. ¿Y a dónde vamos a ir a pasear ahora?”, recordó la cantante. La amistad creció en paralelo a una relación profesional: Avilés abrió tres conciertos de Soda Stereo en México a lo largo de los años.

La noche en el camerino antes del último show de Soda

Uno de los recuerdos que más destaca Avilés es la última presentación de Soda Stereo en México. Cerati la invitó a estar con él antes de salir al escenario, en un momento en que casi nadie accedía al camerino previo al show.

“Casi nadie entraba antes del show al camerino. Siempre era después. Pero como yo llegué con él, la gente decía: ‘¿Cómo le hizo Kenny? ¿Cómo está en el camerino antes del show?’ Güey, soy Larry”, contó entre risas.

Fue también al concierto sinfónico de Cerati como solista, al que llegó acompañada de Markovich. Esa noche, en el camerino, Cerati le preguntó por su banda y Kenny le mencionó a su nuevo guitarrista argentino, el Negro García López.

“‘¿Y ahora con quién tocas, Kenny?’ Le dije: ‘Ay, pues ahora mi guitarrista, el nuevo es argentino y es el Negro García López’. ‘Oh, nuestro Hendrix de Argentina’, porque tocaba increíble el Negro”, recordó.

“El rey del rock en el mundo hispano, no hay quien le quite ese lugar”

Para Avilés, Cerati ocupa un sitio que ningún otro músico de habla hispana ha logrado disputar. En la misma conversación con Paniagua, fue directa al momento de jerarquizar: en México, el rey del rock es Alex Lora; en el mundo hispano, es Gustavo Cerati.

“El rey del rock en el mundo hispano es Gustavo Cerati. No hay alguien que le quite ese lugar. Definitivamente”, afirmó.

Kenny Avilés recuerda también el tramo final de la vida de Gustavo Cerati con la misma franqueza con que habla de todo. El músico argentino sufrió un accidente cerebrovascular en 2010 durante un concierto en Caracas, Venezuela, y murió cuatro años después en Buenos Aires sin haber recuperado la conciencia.

“Siempre fumando un cigarro. Y terminó, pues, con una enfermedad fea”, dijo Avilés, quien recordó que la familia del músico estuvo dividida respecto a la decisión de desconectarlo.

Molotov, Fobia, División Minúscula y Steve Aoki llegan a Pachuca para la séptima edición del Pachuca Rock Fest, uno de los festivales de rock más consolidados del centro de México. La cita reúne en un solo día a tres décadas de rock nacional con uno de los nombres más grandes de la electrónica mundial.

La edición de este año llega con un cartel renovado, una sede más amplia y una apuesta que combina nostalgia, indie y beats de talla internacional. Desde los himnos de barrio de Molotov hasta los sets desbordantes de energía de Steve Aoki, el festival promete una jornada donde conviven generaciones y géneros que rara vez comparten el mismo escenario.

Los headliners: quiénes son y qué esperar de cada uno

Steve Aoki encabeza el cartel como el acto de mayor proyección internacional. El DJ y productor estadounidense es conocido por shows de alta energía que combinan EDM, colaboraciones de múltiples géneros y una puesta en escena que convierte cada presentación en un evento en sí mismo. Su llegada a Pachuca marca la primera vez en siete años que el festival incorpora un nombre de ese peso en la escena electrónica global.

Molotov llega con casi tres décadas encima y sin señales de frenar. La agrupación, creadora de “Gimme tha Power” y “Frijolero”, es una de las bandas más directas e irreverentes del rock en español: su fusión de rock, rap y sátira política convierte cada concierto en una descarga colectiva que difícilmente deja indiferente a quien está en el pit.

Fobia, liderada por Leonardo de Lozanne y Paco Huidobro, representa otro capítulo del rock alternativo mexicano de los años 90. Con un catálogo que incluye “Microbito”, “El Diablo” y “Vivo”, la banda construyó un sonido pop-rock de texturas propias que sigue vigente entre quienes crecieron con esas canciones y entre quienes las descubren ahora.

División Minúscula, originaria de Matamoros, cierra el bloque de headliners con una propuesta que mezcla punk-rock e indie melódico. Javier Blake y compañía llevan años siendo referentes de una escena que valora tanto la intensidad como la letra: “Sognare” y “Las Luces de Esta Ciudad” son apenas dos de los himnos que el público en el ITLA podrá corear de principio a fin.

Cartel completo: rock nacional, pop-indie y electrónica en un mismo escenario

Debajo de los headliners, el festival suma seis actos que completan una jornada sin pausas. Allison, referente del pop-punk de los 2000, regresa con clásicos como “Frágil” y “Memorama”. Bándalos Chinos, agrupación argentina de pop-indie latinoamericano, aporta un sonido sofisticado y bailable con base en sintetizadores.

Cardellino, productor y cantautor uruguayo con influencias de R&B y soul, comparte cartel con Electrify y Louis Goodman, dos propuestas electrónicas que funcionarán como puentes entre los bloques de rock. Los Flakos cierran la lista con su indie surf y garage rock nacional.

Nueva sede: ITLA Campus Central

El Pachuca Rock Fest 2026 se realizará el domingo 15 de noviembre en el ITLA Campus Central, ubicado en la Carretera Ciudad Sahagún–Pachuca Km. 7, CP 42185, Hidalgo.

La mudanza a este recinto representa un cambio respecto a ediciones anteriores. Según la organización, la nueva sede ofrece mayor amplitud y mejores servicios para los asistentes.

Boletos: dos modalidades y precios de Fase 1 sin cargos adicionales

Los accesos ya están a la venta a través de Boletia, plataforma oficial del evento. La Fase 1 contempla dos tipos de entrada, ambas sin cargos por servicio:

El boleto General tiene un precio de $1,395 pesos e incluye acceso a la zona general, baños generales y área de comida.

El acceso Preferente cuesta $2,500 pesos y agrega ubicación frente al escenario, accesos y baños exclusivos, zonas de descanso, áreas de recarga y espacios con sombra.

Los precios de la Fase 2 serán anunciados por la organización en una fecha posterior. Los menores de 5 años no requieren boleto para ingresar.

Lo que viene: un festival que mezcla épocas y sonidos

El Pachuca Rock Fest 2026 se presenta como la edición más ambiciosa en términos de diversidad sonora. Por primera vez, el cartel cruza de forma directa el rock alternativo mexicano de los 90 y 2000 con un referente global de la música electrónica, todo en una misma jornada y bajo el mismo cielo hidalguense.

No se trata solo de nostalgia. Junto a los nombres que formaron generaciones, el festival incorpora propuestas del pop-indie latinoamericano, el punk-rock contemporáneo y la electrónica emergente, construyendo una programación que apunta tanto al asistente veterano como al que llega por primera vez.

La organización, respaldada por LGP Entertainment, Leth’G Entretenimiento y Namaco Producciones, apostó este año por una sede de mayor capacidad para responder a la demanda que han generado las ediciones previas del festival.

Siete ediciones de rock en Hidalgo

El Pachuca Rock Fest nació con la misión de fomentar la música en vivo en la región, comenzando con talento local y bandas de la escena nacional como Los Daniels, Sputnik e Inspector.

En ediciones recientes, el festival recibió a Café Tacvba, Stone Temple Pilots, Enjambre, Maldita Vecindad y Plastilina Mosh, entre otros. La edición de 2025 contó con Siddhartha, Inspector, The Warning, Plastilina Mosh, Porter y Camilo Séptimo, según registros citados por La Jornada Hidalgo.

Más información en el sitio oficial del festival: pachucarockfest.com.mx

Los MTV Video Music Awards (VMAs) eliminarán la categoría “Best Rock” de su edición 2026, lo que pone fin a una presencia ininterrumpida del rock en la ceremonia que se extiende por casi cuatro décadas, desde 1989.

La decisión quedó confirmada con la publicación de la lista oficial de nominados, que no incluye el galardón entre sus categorías.

Representantes de Paramount, empresa matriz de MTV, reconocieron una consulta periodística sobre la supresión, pero no ofrecieron ninguna explicación al respecto.

La historia de los premios al rock en los VMAs arrancó con la categoría “Best Heavy Metal Video”, introducida apenas cinco años después del lanzamiento de la ceremonia en 1984.

Con el paso del tiempo, el galardón pasó a llamarse “Best Metal/Hard Rock Video” y luego “Best Hard Rock Video”, hasta consolidarse como “Best Rock Video” en 1997 y simplificarse a “Best Rock” en años más recientes.

Entre sus ganadores históricos figuran Guns N’ Roses, Aerosmith, Metallica, Korn, Limp Bizkit, Pearl Jam y Linkin Park.

El último ganador de esa categoría fue Coldplay, que en 2025 se impuso con el tema “All My Love” frente a Evanescence, Green Day, Lenny Kravitz, Linkin Park y Twenty One Pilots.

Desde aproximadamente 2010, la propia categoría de rock ya venía inclinándose hacia el alt-rock y el pop-rock, con presencias frecuentes de Coldplay e Imagine Dragons, mientras el hard rock moderno quedaba prácticamente fuera de la competencia.

La categoría que más se aproxima al rock en la edición de 2026 es “Best Alternative”, aunque los nominados se alejan del sonido más duro asociado al género.

La lista incluye a Geese (“Taxes”), mgk y Fred Durst (“FIX UR FACE”), Noah Kahan (“The Great Divide”), Olivia Rodrigo (“the cure”), SOMBR (“Homewrecker”), Tame Impala (“Dracula”) y Twenty One Pilots (“Drag Path”).

La eliminación del rock se produce un año después de que los VMAs rindieran homenaje al fallecido Ozzy Osbourne con un tributo que contó con la participación de Yungblud, el guitarrista de Aerosmith Joe Perry, el vocalista Steven Tyler, Nuno Bettencourt de Extreme y el tecladista Adam Wakeman.

La ausencia de “Best Rock” no es la única novedad en el recorte de categorías. Tampoco figuran entre los nominados “Best Afrobeats”, “Best Pop Artist”, “Push Performance of the Year”, “Best Album”, “Video for Good”, “Best Long-Form Video”, “Best Group” y “Song of Summer”, sin que MTV haya aclarado si se trata de eliminaciones definitivas o de anuncios aún pendientes.

El resto del panorama de nominaciones está liderado por Madonna, con 11 candidaturas —su cifra más alta en una sola edición de los VMAs—, seguida de Taylor Swift con nueve, Ariana Grande y Sabrina Carpenter con siete cada una, y Bruno Mars, PinkPantheress y Zara Larsson con cinco.

LISA, de BLACKPINK, suma cuatro, mientras que Shakira, Tate McRae, GENER8ION y Yung Lean cuentan con tres nominaciones cada uno.

En cuanto a la reina del pop, acumula 19 victorias competitivas en los VMAs y ha recibido nominaciones en todas las décadas de su carrera.

En 1986 se convirtió en la primera solista femenina en recibir el Video Vanguard Award. Si ganara las 11 categorías en las que compite, igualaría a Beyoncé y Taylor Swift como las artistas con más VMAs de la historia, con 30 cada una.

Swift, por su parte, ya posee el récord de 30 Moon Persons y podría convertirse en la artista más premiada en la historia de los VMAs si consigue al menos una victoria este año.

Las tres primeras, ganadoras previas del Video of the Year, vuelven a competir por ese galardón, junto a GENER8ION y Bruno Mars.

La categoría de Video del año reúne los videos “hate that i made you love me” de Ariana Grande, “I Just Might” de Bruno Mars, “STORM” de GENER8ION con Yung Lean, “Confessions II – The Film” de Madonna, “Tears” de Sabrina Carpenter y “The Fate of Ophelia” de Taylor Swift.

Entre los datos llamativos de esta edición, 26 artistas reciben su primera nominación a los VMAs, entre ellos GENER8ION, Yung Lean, CORTIS, Stella Lefty, Don Toliver, Kali Uchis, Noah Kahan, Olivia Dean, Tucker Wetmore y Sienna Spiro.

La categoría Mejor video de dance regresa después de siete años, con nominados como Madonna, Harry Styles, Lady Gaga y Doechii, Tate McRae, PinkPantheress y Zara Larsson, Bebe Rexha y Faithless, y Slayyyter.

La votación del público abrió el 18 de agosto en 13 categorías y permanecerá abierta hasta el 25 de septiembre a las 6 p.m. ET. La categoría Mejor artista nuevo continuará recibiendo votos durante la propia ceremonia.

La gala se celebrará el domingo 27 de septiembre en el Peacock Theater de Los Ángeles, la primera vez que regresa a esa ciudad desde 2017.

La transmisión en vivo comenzará a las 7:30 p.m. ET / 4:30 p.m. PT por MTV y CBS, con emisión simultánea en Paramount+ para Estados Unidos.

El Peluka Fest llega con el cartel de ska y punk más completo del año: Inspector, El Gran Silencio y más de 20 bandas amenizarán la jornada. El evento originalmente planeado para presentarse en Ecatepec, llevará a Tlaxcala lo mejor del ska con un costo simbólico de acceso y varias de las agrupaciones más importantes del país.

En esta edición el Peluka Fest regresa con su edición “La Gran Final” el próximo 30 de agosto en el Parque Andén de Apizaco, Tlaxcala, con un cartel de más de 20 bandas del ska, punk y rock alternativo mexicano. El festival, organizado por Alfonso Olivares Villegas —conocido en la escena como “Tío Pelucas”—, cambia de sede por primera vez y elige un recinto tlaxcalteca que en marzo de 2026 ya albergó el Festival Tlaskalita con récord de asistencia.

La entrada no tiene precio fijo: el acceso se obtiene con la compra de una cerveza o una bebida doble sin alcohol, un modelo que Olivares ya había aplicado en eventos anteriores, como el concierto navideño de diciembre de 2024 en Ecatepec, donde el ingreso equivalía a $150 pesos.

Inspector confirmó su participación en el evento a través de sus redes oficiales donde promocionaron el cartel.

Inspector, El Gran Silencio y Los Estrambóticos encabezan el cartel

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Inspector, El Gran Silencio y Los Estrambóticos lideran el lineup de esta edición. Los tres actos tienen una historia particular con el universo de festivales de Olivares: fueron las cabezas de cartel de la primera edición del Skatex, el 28 de noviembre de 2015 en la Feria del Caballo de Texcoco.

Inspector es una banda de ska y rock formada en 1995 en San Nicolás de los Garza, Nuevo León. Su disco Alma en Fuego —lanzado en 2001 y relanzado por Universal Music en 2002— alcanzó el platino e instaló canciones como “Amargo Adiós” y “Amnesia” en el cancionero popular mexicano. Con 30 años de trayectoria y nueve álbumes de estudio, la banda regiomontana se mantiene activa: su más reciente producción, Canciones de Amor, y un Remedio pa’l Corazón, es de 2024.

El Gran Silencio nació en 1992 en la colonia Unidad Modelo de Monterrey, fundado por los hermanos Tony y Cano Hernández con instrumentos tan rudimentarios como un bote, una guitarra y una armónica. Su propuesta —que mezcla rock, cumbia, hip-hop, ska, reggae y norteño en una misma canción— los convirtió en parte central de la Avanzada Regia, el movimiento que puso a Monterrey en el mapa del rock mexicano a finales de los 90 junto a Plastilina Mosh, Control Machete y Jumbo. Su álbum Chúntaros Radio Poder (2001) y el sencillo “Chúntaro Style” se convirtieron en referentes de una generación.

Los Estrambóticos, originarios de la Ciudad de México, llevan más de tres décadas en la escena. Fundados en 1992 en Santa Fe, su trayectoria arrancó con el Blue Demo, una grabación independiente que vendió 15 mil copias en el Tianguis Cultural del Chopo y les valió el reconocimiento como grupo revelación en 1993. Han tocado en el Zócalo capitalino, el Palacio de los Deportes y el Foro Sol, y compartido escenario con Caifanes, Café Tacuba y Los Fabulosos Cadillacs.

Un cartel que recorre tres décadas del ska mexicano

El resto del lineup reúne a buena parte de la historia viva del género en el país. Tijuana No!, formada a finales de los 80 en Tijuana, Baja California, fue una de las primeras bandas mexicanas en fusionar punk, ska y reggae con crítica social directa; su canción “Pobre de ti” (1992) se convirtió en uno de los clásicos del rock alternativo de habla hispana. La banda continuó presentándose tras la muerte de su vocalista Luis Güereña en 2004 y su disolución oficial en 2002, con reuniones esporádicas que se han extendido hasta la actualidad.

Antidoping, fundada también en 1992 en Coyoacán por los hermanos Pedro y Manuel Apodaca, representa la vertiente reggae del cartel. Con más de 30 años de trayectoria independiente y más de 31 millones de reproducciones en Spotify, la banda ha sido reconocida como uno de los pilares del movimiento Razteca en México, que desde 1993 unificó a los grupos de reggae del país.

Completan el cartel Liran Roll, Los Calzones, La Royal Club, Out of Control Army, Sekta Core, Nana Pancha, Maskatesta, Negros Vivos, Los de Abajo, Tex Tex, Percance, Los Korucos, Sonora Skandalera, Los Rude Boys, Skaterrestres, La República y Los Rambookis.

El Peluka Fest, heredero del Skatex

El Peluka Fest surgió dentro del ecosistema del Skatex, el festival de ska más longevo del Estado de México, que Olivares fundó en 2015 y cerró en diciembre de 2024 tras nueve ediciones. El propio promotor explicó que los costos de organización ya no le permitían sostener boletos accesibles: “Yo no voy a dar el boleto en 800 pesos, porque ya entraría a ser como los demás festivales”, declaró en el podcast Adultos Raros en 2023.

El Pelukas Fest tuvo al menos una edición previa en julio de 2024, también en el Recinto de la Feria de Texcoco. El subtítulo “La Gran Final” que acompaña a la convocatoria de agosto abre la posibilidad de que se trate de la última edición del festival, en un patrón que Olivares ya había usado antes de cerrar el Skatex.

El Rockstar Fest Vol. 3 llegará a León, Guanajuato, el próximo sábado 31 de octubre de 2026 con una cartelera que reúne a figuras del rock latinoamericano como El Tri, El Gran Silencio y Los Auténticos Decadentes en la Velaria de la Feria.

La tercera edición del festival, organizado bajo el concepto “El escenario de la resistencia de México”, también contará con Camilo Séptimo, Los Pericos, Out of Control Army y Los Espanta Suegras ft. Insulini. Además, el cartel incluye un artista aún sin revelar, señalado con un signo de interrogación en la comunicación oficial del evento.

Alex Lora confirma su regreso a Guanajuato

La participación de El Tri fue confirmada el 1 de julio por Alex Lora a través de un video difundido por los organizadores, en el que el músico interpretó los primeros versos de “Caminos de Guanajuato”, de José Alfredo Jiménez. “Por eso vamos a estar en el Rockstar Fest de León, Guanajuato, el 31 de octubre”, declaró Lora en el clip.

El Rockstar Fest Vol. 3 se celebrará el sábado 31 de octubre de 2026 en la Velaria de la Feria de León, Guanajuato, con puertas abiertas a un recinto que reúne a figuras del rock mexicano y latinoamericano en su tercera edición consecutiva. El evento no permite reingreso y exige la presentación del boleto físico o electrónico para el acceso.

Cartelera confirmada del Rockstar Fest Vol. 3

El festival reúne en un solo escenario a ocho actos consolidados del rock latinoamericano:

• El Gran Silencio
• El Tri
• Camilo Séptimo
• Los Auténticos Decadentes
• Los Pericos
• Out of Control Army
• Los Espanta Suegras ft. Insulini
• Artista por confirmar (¿?)

A estos se suman las 21 bandas emergentes seleccionadas de nueve estados del país, que abrirán la jornada como parte del programa oficial.

Bandas emergentes de nueve estados

El festival también abrirá su escenario a 21 bandas emergentes seleccionadas de nueve estados del país, que compartirán cartel con los actos principales como parte del programa de la jornada.

La convocatoria para estas agrupaciones forma parte del enfoque del festival por impulsar proyectos locales y regionales dentro de un contexto de rock nacional.

Precios de boletos y puntos de venta

Los accesos al Rockstar Fest Vol. 3 se dividen en cinco categorías:

• Sala Rockstar: $15,200 MXN + cargos
• Mesa Rockstar: $7,600 MXN + cargos
• VIP Ilhuitl: $1,900 MXN + cargos
• General Ilhuitl: $1,500 MXN + cargos
• Itacatl: $700 MXN + cargos (incluye playera o gorra, pin, cerveza conmemorativa y morral; no incluye boleto de acceso al recinto)

Los boletos se adquieren en sucursales de Rockstar Burger o en línea a través de la plataforma Rockstar Ticket.

Zona Mictlán y actividades complementarias

Paralelo a los conciertos, el festival habilitará la Zona Mictlán, un espacio con danzas, show infantil, exhibición de lucha libre, box, MMA, artesanos y activaciones de Marca GTO.

El evento cuenta con el respaldo del Gobierno de Guanajuato, el municipio de León, el Instituto Cultural de León y la Feria de León. Entre los patrocinadores figuran Coca-Cola, Cerveza Indio, SoniGas y H-E-B.

Cómo llegar a la Velaria de la Feria

El recinto se ubica sobre el Paseo del Niño, en la Zona Recreativa y Cultural de León, entre los bulevares Francisco Villa, Mariano Escobedo y Adolfo López Mateos.

En transporte público, las rutas troncales L-01, L-04, E-04, L-07 y L-08 tienen parada en el paradero Poliforum, a cinco minutos caminando del acceso. La línea L-06 hace parada sobre el bulevar Francisco Villa. El pasaje tiene un costo de $14 MXN.

Para quienes lleguen en auto, el estacionamiento más cercano es el Paseo de los Niños, ubicado frente al Centro de Ciencias Explora, sobre el bulevar Francisco Villa y Paseo del Niño, con una tarifa de $26 MXN por hasta tres horas. Otras opciones disponibles en la zona incluyen los estacionamientos Poliforum, Stadium y Real de Minas, todos sobre el bulevar Adolfo López Mateos, a entre 12 y 20 minutos a pie del recinto.

El municipio de León ofrece la aplicación gratuita OptiBús León, disponible para Android e iOS, para consultar rutas y tiempos de espera en tiempo real.

Llamó a Brian Epstein, el manager de los Beatles, y lo convenció de traer a la banda al Carnegie Hall de Nueva York: se presentarían allí el 12 de febrero de 1964. El 9 de febrero, antes del Carnegie Hall, los Beatles debutaron en el programa de Ed Sullivan ante sesenta millones de espectadores que siguieron su presentación televisiva. Ese fue el estallido definitivo y bicontinental de la Beatlemanía.

En los dieciocho meses que siguieron a ese primer desembarco en los Estados Unidos, los Beatles coleccionaron tres álbumes número uno, media docena de singles que encabezaron las listas y dos películas -A hard day’s night y Help!- que fueron enormes éxitos de taquilla. En 1965, la reina Isabel los condecoró con la Orden del Imperio Británico y tenían al público de Estados Unidos, sobre todo a las adolescentes- en la palma de su mano.

Un año después del sold out en el Carnegie Hall y de la presentación arrolladora en El Show de Ed Sullivan, Bernstein volvió a llamar a Epstein. Esta vez la propuesta era diferente. Y muchísimo más ambiciosa.

El hombre que prometió pagar por los asientos vacíos

Bernstein quería llevar a los Beatles a un estadio. No a un teatro, no a un auditorio, no a un espacio de mediana capacidad. Quería hacerlos tocar en un estadio de béisbol de los que en esa época solo llenaban los deportes. Quería que la música popular llevara a cabo su show en vivo más multitudinario hasta ese momento, y sabía que los Beatles eran los indicados para intentarlo.

Epstein dudó y tenía sus razones. En 1964, el propietario de los Kansas City Athletics, Charlie Finley, había pagado 150.000 dólares para que los Beatles tocaran ahí en un día libre de su gira —el triple de lo que cobraban habitualmente—, y el show había atraído apenas a 20.000 personas, aproximadamente la mitad de la capacidad del estadio. En el Gator Bowl de Jacksonville, en la misma gira, habían tenido problemas similares. La mayor multitud que Elvis Presley había convocado en un estadio era de 26.000 personas en el Cotton Bowl. Nada de eso auguraba que llenar el Shea Stadium fuera posible.

Bernstein pensó distinto. Para convencer a Epstein, primero negoció con el vicepresidente de los Mets, James K. Thomson, el uso del Shea Stadium en agosto de 1965. Incluso le advirtió, casi como una extorsión, que si no llegaban a un acuerdo exploraría la posibilidad del Yankee Stadium, el histórico rival de los Mets ya que eran los dos grandes equipos de béisbol de Nueva York.

Una vez que aseguró la fecha y los términos económicos —25.000 dólares más seguro, seguridad y la construcción del escenario a cargo de Bernstein— fue a hablar con Epstein. Y le ofreció lo que necesitaba para cerrar el trato: pagarle diez dólares por cada asiento que quedara vacío. Epstein aceptó. Los asientos no quedaron vacíos.

El Shea Stadium, ubicado en Queens e inaugurado el 17 de abril de 1964 como el nuevo hogar de los New York Mets, tenía capacidad para 55.600 personas. Las entradas costaban entre 4,50 y 5,65 dólares —las entradas de los Mets ese año costaban entre 1,30 y 3,50— y se agotaron antes del verano, principalmente gracias al boca a boca. Los pedidos llegaban por correo desde todo el mundo. La recaudación total fue de 304.000 dólares, de los cuales los Beatles se llevaron 150.000.

El alcalde de Nueva York, Robert F. Wagner Jr., y varios funcionarios de la ciudad le confesaron a Bernstein que sus hijos adolescentes estaban desesperados por conseguir un lugar. El permiso municipal era prácticamente inevitable desde el primer momento.

Afuera del estadio, la noche del concierto, dos jóvenes de una organización que se hacía llamar ALBATROSS —Amigos de los Amantes del Béisbol Contra la Ruina del Shea Stadium— protestaban con carteles. “Los Beatles tocando en el Shea Stadium es como un show de burlesque en una iglesia”, le dijo uno de ellos a un periodista. “¿Cómo voy a poder disfrutar un partido de los Mets después de esto?”.

Los preparativos para el gran show

El 14 de agosto, un día antes del show, los Beatles volvieron al programa de Ed Sullivan para presentar las canciones de Help!. Ringo Starr se presentó a sí mismo antes de cantar Act Naturally. Paul McCartney estrenó Yesterday con un cuarteto de cuerdas, ante un público que respondió con pocos gritos y varios pedidos de silencio, algo inédito en cualquier concierto de la banda. Querían, efectivamente, escuchar la canción. Y John Lennon, al cerrar el show, se olvidó la letra de Help!.

Sólo un par de días antes del show, también se había lanzado en Estados Unidos la edición americana del álbum Help!. El grupo estaba posicionado en lo más alto del ranking Billboard 200 con su álbum anterior, editado en ese país bajo el nombre Beatles VI.

La producción del 15 de agosto fue una improvisación de escala gigantesca. La empresa Vox había diseñado especialmente para esa gira un nuevo modelo de amplificador que llevaba la potencia sonora de 30 a 100 watts. Esos amplificadores se conectaron al sistema de megafonía del estadio, el mismo que en los días de béisbol anunciaba los nombres de los bateadores.

El escenario era una tarima, sin pantallas de video, sin monitores de piso, sin técnicos que se ocuparan de lo que pasaba sobre esa tarima. Se dispusieron aproximadamente dos docenas de columnas de parlantes, algo que George Harrison recordaría años después como si ese despliegue técnico lo volviera a sorprender tal como esa noche neoyorquina. Es que era la primera vez que uno de esos estadios se usaba para un concierto de rock y eran días en los que los Beatles todavía tocaban en lugares como el Astoria Cinema de Londres, donde entraban nada más que 3.000 espectadores.

El plan original de Epstein era aterrizar directamente en el campo de juego del Shea en helicóptero. Las autoridades municipales de Nueva York lo vetaron por cuestiones de seguridad. Se ideó entonces un plan alternativo: limusina desde el hotel hasta un helipuerto del East Side de Manhattan, helicóptero hasta la terraza del edificio de la Feria Mundial en Queens, y desde ahí una camioneta blindada del banco Wells Fargo —custodiada por sesenta policías— que los llevó hasta el estadio.

Antes de subir al escenario, el banco les regaló las insignias en forma de estrella que usan sus guardias de seguridad. Los Beatles las usaron prendidas en las chaquetas beige de estilo militar que se convirtieron en una imagen icónica de esa noche inolvidable para todos los que estuvieron allí.

Para la seguridad interna del show, Bernstein movilizó 2.000 efectivos: policías, acomodadores y hasta cuarenta cinturones negros de karate. El promotor describiría los preparativos para ese show como el trazado de un minucioso plan de guerra. Se instalaron tres líneas de barricadas entre la multitud y el campo. Igual, varias fans lograron cruzarlas y correr por el campo para intentar alcanzar a alguno de sus cuatro ídolos.

El montaje del show incluyó también la producción de un documental: Bob Precht, productor de El show de Ed Sullivan y yerno del exitoso conductor de TV, había acordado con Bernstein que registrarían el concierto para un especial televisivo. El director Andrew Laszlo desplegó doce cámaras de 35 mm y una portátil de 16 mm para captar todos los ángulos.

Fans impacientes y un VIP de lujo

Mientras las bandas teloneras actuaban ante un público que no había ido a verlas y que se impacientaba —King Curtis, Cannibal & the Headhunters, Brenda Holloway y Sounds Incorporated, The Young Rascals—, los Beatles esperaban en el vestuario de árbitros del estadio. Ahí, sobre una tarjeta de puntuación de béisbol que alguien había descartado días antes, anotaron el setlist de doce canciones que iban a tocar esa noche.

Mal Evans, encargado de cada detalle técnico toda vez que los Beatles salían al escenario, registró en su diario que los cuatro artistas estaban inusualmente silenciosos ese día. También anotó lo mucho que ese show significaba para la banda.

Cuando salieron al campo para ir al escenario, pasaron por el túnel por el que habitualmente caminaban los deportistas. Ahí estaban Mick Jagger y Keith Richards. Y Ed Sullivan. Y Allen Klein, futuro mánager de negocios de los Beatles, que esa noche estaba ahí acompañando a los Stones. En el sector VIP de las tribunas estaban Bob Dylan, Nedra Talley de las Ronettes, y Marvin Gaye. Y también, sin que nadie lo supiera todavía, Linda Eastman y Barbara Bach, que años después se casarían con McCartney y Ringo Starr.

El instante que cambió la historia

Sullivan volvió a ser quien los presentó. “Honrados por su país, condecorados por su Reina, amados aquí en Estados Unidos, ¡aquí están los Beatles!”.

John, Paul, George y Ringo salieron al trote hacia el escenario. Alcanza con ver algunas imágenes de esa noche para ver sus expresiones sorprendidas, risueñas, eufóricas ante esa multitud que gritaba por y para ellos. Cincuenta y cinco mil seiscientas personas, el ochenta por ciento de ellas chicas adolescentes, muchas de ellas llorando e incluso desmayadas, con banderas de tela colgando de los palcos que declaraban su amor a los Beatles.

Mal Evans escribió que nunca antes había escuchado un estruendo tan ensordecedor como el que produjo el público cuando los Beatles hicieron su entrada esa noche. El estadio enloqueció por completo y no paró de gritar durante toda la presentación. Algunas chicas hicieron fila para usar el pañuelo de tela de una señora grande: querían secarse las lágrimas y soplarse la nariz. Otras invadieron le campo hasta que algún policía las frenó.

La cantante Brenda Holloway, que los vio desde la parte trasera del escenario después de su propia actuación, describió el ruido como un tsunami verbal. Jagger lo definió como aterrador y Richards, como ensordecedor.

El New York Times, al día siguiente, lo describió así: “Los pulmones inmaduros de esa multitud produjeron un sonido tan imponente, tan masivo, tan agudo y sostenido que cruzó rápidamente la línea del entusiasmo hacia la histeria y pronto alcanzó el sentido griego clásico de la palabra pandemonium: la región de todos los demonios”. Años después, Paul lo evocó de otra manera: el ruido del público sonaba como un millón de gaviotas.

Los Beatles tocaron las doce canciones que habían anotado en su setlist: “Twist and shout”, “She’s a woman”, “I feel fine”, “Dizzy Miss Lizzy”, “Ticket to ride”, “Everybody’s trying to be my baby”, “Can’t buy me love”, “Baby’s in black”, “Act naturally”, “A hard day’s night”, “Help!” y “I’m Down”. Sin canciones lentas. Sin momentos de calma. Un set compacto de pura energía sin pausa, a la altura del desborde de sus fanáticos y, sobre todo, fanáticas.

El griterío era tal que la banda no podía escucharse entre sí. Ringo lo recordó en el documental Eight days a week de 2016: no podía escuchar nada, así que miraba los pies de Lennon y de McCartney golpeando el suelo o la cabeza asintiendo para saber en qué parte de la canción estaban. El propio Lennon confesó después no haber estado seguro en qué tonalidad estaba tocando durante dos de las canciones.

El vocero de prensa de los Beatles, Tony Barrow, escribió en sus memorias que la banda exageraba cada expresión facial y cada gesto corporal para intentar llegar al público que estaba en el otro extremo de ese campo enorme. También se comunicaban así entre ellos.

En “Baby’s in black”, Lennon no recordó en qué álbum americano se había publicado la canción. “No lo recuerdo bien”, admitió, visiblemente nervioso. “Yo no lo tengo”. En varios momentos entre canción y canción, sus palabras se convirtieron en una especie de balbuceo: sabía que nadie en el estadio podía entender lo que decía de todas formas.

Durante “I’m down”, la última canción del set, Lennon no tenía guitarra y tomó el órgano Vox Continental. Empezó a tocarlo con los codos porque no se le ocurrió qué otra cosa hacer. “Me sentía desnudo sin guitarra, así que hice todo lo que podía: saltaba por todos lados y solo toqué dos compases”, explicó años después.

Harrison, a su lado, se moría de risa, mientras que Paul, siempre el más prolijo, sonreía y llevaba la canción adelante. Ringo diría más tarde que “Lennon enloqueció en ese momento porque se soltó del todo”.

Cuando terminaron, bajaron del escenario de nuevo al trote. Los esperaban ahí mismo para que subieran a una camioneta blanca con el logo de los Mets. El vehículo los llevó a través del campo de juego, esquivando fans que habían saltado al césped. Los fans permanecieron en el estadio durante más de una hora después de que los Beatles ya se habían ido.

Lo que vino después

Harrison, inmediatamente después del show, sostuvo: “Fue aterrador al principio cuando vimos la multitud, pero no creo haber sentido nunca tanta euforia en mi vida”. Lennon, también esa noche, definió: “Fue maravilloso. Era la multitud más grande ante la que habíamos tocado. Y fue fantástico”.

Paul, décadas después contó: “Después de tocar ante 56.000 personas en el Shea Stadium te preguntás a vos mismo qué más podés hacer”. Y años después de aquella noche revolucionaria, Lennon le confesó a Bernstein, el promotor del show: “En el Shea Stadium, vi la cima de la montaña”.

El audio capturado esa noche era técnicamente desastroso. El griterío permanente y los amplificadores insuficientes habían producido un registro inservible. George Martin le pidió al grupo que regrabaran en secreto las canciones que habían sonado peor.

El 5 de enero de 1966, los Beatles reservaron los estudios CTS de Kensington Gardens Square en Londres. Regrabaron “Help!”, “I feel fine” y “Ticket to ride”. McCartney grabó nuevas pistas de bajo para cuatro canciones. Lennon volvió a grabar el piano de “I’m down” y se le sumó un órgano. Para “Act naturally”, se usó la versión de estudio del álbum con los gritos del Shea superpuestos. El audio de “Twist and shout” fue tomado directamente de una grabación posterior de esa misma gira en el Hollywood Bowl.

El documental se llamó The Beatles at Shea Stadium y su lanzamiento fue complicado. Se estrenó el 1º de marzo de 1966 en la BBC del Reino Unido. Alemania Occidental lo emitió en agosto de ese año. En Estados Unidos, la cadena que debía emitirlo había perdido el interés y lo postergó hasta el 10 de enero de 1967. Para ese entonces, los Beatles estaban en el estudio Abbey Road trabajando en “Penny Lane”.

El mismo año en que se emitió el documental en Estados Unidos, los Beatles se presentaron en Candlestick Park y dejaron de tocar en vivo para siempre. La complejidad cada vez mayor de sus composiciones era incompatible con las posibilidades técnicas para tocar en vivo en esos años.

Un cambio para siempre

El Shea Stadium fue demolido en 2009 para hacer lugar al Citi Field, el nuevo estadio de los Mets. En su última noche como recinto de música en vivo, el 18 de julio de 2008, Billy Joel fue el anfitrión de The Last Play at Shea. McCartney llegó sobre la hora, con una escolta policial.

Pete Flynn —el mismo jardinero irlandés que había sacado a Paul corriendo del campo cuatro décadas antes— lo llevó en un carrito de golf hasta el escenario. McCartney tocó “I saw her standing there” y “Let it be” con Joel. “Let it be” fue la última canción interpretada en el estadio. Paul no la había escrito todavía cuando los Beatles tocaron en el Shea por primera vez.

En 1983, cuando The Police tocó ahí, Sting agradeció a los Beatles desde el escenario por haberles prestado su estadio. Años después recordó esa noche diciendo que no se puede llegar a un lugar mejor que ese. Que es el Everest.

Después de aquella primera noche de música en el Shea, los estadios se convirtieron en el horizonte al que aspiraban los artistas en gira. Vender todas las entradas en un estadio, convocando a decenas de miles de personas para un único show redefinió para siempre lo que significaba ser una superestrella. Como tantas otras cosas, fueron los Beatles los que inventaron ese hito.

Aurelio Voltaire llega a la Ciudad de México el fin de semana del 15 de agosto de 2026 con un concierto y la presentación de su primera película de terror, The Demonatrix, en dos foros distintos de la capital.

El músico cubano-estadounidense, conocido en la escena gótica internacional como Voltaire, se presenta este sábado en el Foro Cultural Hilvana a las 21:00 horas. El acceso general tiene un costo de 350 pesos y el evento es para mayores de 18 años. Para información adicional, el público puede consultar las redes sociales y la página de Facebook del foro.

The Demonatrix es el primer largometraje que Voltaire dirige. El proyecto tardó aproximadamente una década en materializarse, desde la escritura del guion hasta el corte final. Voltaire ha relatado que desde los 10 años soñó con hacer películas de monstruos, pero que su trayectoria tomó otros caminos: animación stop-motion y comerciales para MTV, Sci-Fi Channel y Nickelodeon, hasta que la música se convirtió en su actividad principal.

La película, coescrita con Jeff Ferrell, se estrenó el 22 de octubre de 2025 y tuvo su premiere en el New York City Horror Film Festival el 5 de diciembre de ese año. Tiene 93 minutos de duración y fue producida por Black Sunday Productions.

La trama sigue a Lita, una dominatrix interpretada por Hannah Fierman, quien organiza una sesión de espiritismo falsa junto a su asistente Rhett (Jeff Ferrell) y al especialista en atracciones de terror Dino (Larry Fessenden). Sin quererlo, el trío invoca a un íncubo demoníaco interpretado por Nivek Ogre, conocido por su participación en Repo! The Genetic Opera.

Para enfrentar al demonio, aparecen el padre Alejandro Veto —interpretado por el propio Voltaire— y su mentor demonólogo, el padre MacGowan, a cargo de Doug Bradley, el actor que dio vida a Pinhead en la saga Hellraiser. Los efectos de maquillaje especiales estuvieron a cargo de Norman Cabrera, quien tiene en su haber trabajos en Hellboy y The Cabin in the Woods.

Proyecciones en el Circo Volador y la Cineteca Nacional

Además del concierto del sábado, The Demonatrix se proyecta en la CDMX en el marco de Macabro, el Festival Internacional de Cine de Horror de la Ciudad de México. La primera función es este viernes 14 de agosto en el Circo Volador; la segunda, el domingo 16 de agosto en la Cineteca Nacional.

Músico, animador, profesor y ahora cineasta

Voltaire nació el 25 de enero de 1967 en La Habana, Cuba, y creció en Newark, Nueva Jersey. A sus 59 años acumula más de 12 álbumes de estudio en el género dark cabaret, una mezcla de cabaret, rock gótico y humor macabro. Entre sus discos se encuentran The Devil’s Bris (1998), Boo Hoo (2002), Ooky Spooky (2007) y Heart Shaped Wound (2017).

También compuso canciones para la serie animada de Cartoon Network The Grim Adventures of Billy & Mandy, incluyendo los temas “Brains!” y “Land of the Dead”. Fuera de la música, es escritor, artista de cómics y profesor de artes visuales en la School of Visual Arts de Nueva York.

Sus shows en vivo se distinguen por ser experiencias narrativas e interactivas, más cercanas a un espectáculo de cabaret que a un concierto convencional. El del Foro Hilvana este sábado no será la excepción.

El futuro discográfico de Guns N’ Roses volvió a instalarse como tema de conversación tras recientes declaraciones de Slash, quien confirmó que la banda trabaja en nuevo material, aunque el proyecto todavía no tiene plazos definidos.

El guitarrista, en una entrevista concedida a Rolling Stone Australia, detalló que existen “muchas cosas escribiéndose”, aunque por el momento prioriza otros compromisos personales.

Material en desarrollo y expectativa entre los fans

Slash anticipó que Guns N’ Roses cuenta con ideas y composiciones en marcha que podrían desembocar en un futuro álbum. Si bien no confirmó que la banda esté en pleno proceso de grabación ni proporcionó fechas tentativas, su declaración renovó la expectativa entre los seguidores del grupo.

La frase que utilizó para describir la situación fue escueta pero sugerente: “Hay muchas cosas escribiéndose”, una señal de que el proceso creativo está activo, aunque por ahora no cristaliza en un calendario concreto.

La atención sobre el posible regreso discográfico del grupo creció rápidamente, dado que Guns N’ Roses no publica material nuevo desde hace varios años. La falta de precisiones en torno a una entrada al estudio o al inicio formal de una grabación alimenta la incertidumbre, pero al mismo tiempo mantiene viva la expectativa entre quienes aguardan novedades del conjunto liderado por Axl Rose.

Proyectos paralelos antes de retomar con Guns N’ Roses

Antes de enfocarse de lleno en el trabajo con Guns N’ Roses, Slash tiene previsto cumplir con otros compromisos. El guitarrista finalizó recientemente un nuevo disco junto a Myles Kennedy and the Conspirators, su otro proyecto musical. Sobre ese lanzamiento, Slash explicó que el álbum verá la luz después de la gira de Guns N’ Roses, y que luego planea salir de gira junto a Kennedy y su banda.

El músico precisó que el disco estará disponible en febrero de 2027, lo que marca un calendario definido para ese proyecto paralelo. Mientras tanto, el guitarrista también planea presentar en vivo Orgy of the Damned, su disco de versiones de blues lanzado en 2024. Estos compromisos mantienen ocupado a Slash y postergan, al menos por ahora, el regreso completo al estudio con Guns N’ Roses.

Un regreso esperado tras largos años

La demora en la publicación de un nuevo álbum de Guns N’ Roses se refleja en la extensa pausa desde su último trabajo de estudio. El grupo lanzó su último disco, Chinese Democracy, en 2008. En el caso particular de Slash, su última participación en un álbum de la banda fue aún más lejana: The Spaghetti Incident? salió en 1993, y desde entonces no hubo otro material discográfico del grupo con él en la formación.

Desde 2019, Slash ha mencionado en diferentes oportunidades la posibilidad de grabar nueva música junto a Guns N’ Roses. El guitarrista reiteró en varias ocasiones que la banda cuenta con suficiente material escrito como para un disco, pero el avance hacia una grabación formal todavía no se concreta.

Sin fechas ni compromisos firmes para un nuevo álbum

A pesar de las señales sobre el desarrollo de nuevo material, Slash opta por evitar anuncios apresurados. En la entrevista con Rolling Stone Australia, el guitarrista aseguró: “Va a llegar. Sé que va a llegar porque todo el mundo está pensando en ello. Simplemente sucederá cuando tenga que suceder”. Esta declaración refuerza la idea de un proyecto abierto, sin fechas cerradas ni compromisos inmediatos.

La expectativa por un nuevo disco de Guns N’ Roses sigue en pie, aunque de momento el grupo mantiene el enfoque en otras prioridades. Los seguidores de la banda deberán esperar a que los compromisos individuales de sus integrantes permitan retomar el trabajo conjunto en el estudio y, finalmente, concretar el ansiado regreso discográfico.

Enjambre, NSQK y Caloncho encabezan el cartel oficial del Festival Cuernavaca Sunrise 2026, que regresa el 21 de noviembre al Campo Unión Patriotas en Cuernavaca, Morelos, con ocho actos en escena y boletos disponibles en Arema.mx.

El festival reveló su lineup completo a través de un flyer oficial difundido por la promotora Tour Manager en redes sociales, con la banda zacatecana Enjambre al frente del cartel como acto de mayor jerarquía. Le siguen en la marquesina NSQK y Caloncho, consolidando una propuesta que apunta al rock alternativo y al indie como ejes del evento.

La cartelera completa

El cartel del Cuernavaca Sunrise 2026 queda conformado por ocho actos:

Enjambre

NSQK

Caloncho

María Daniela y Su Sonido Lasser

Daaz

La Texana

Te Vi en un Planetario

Alanis Yuki

La programación combina nombres consolidados del rock y el indie mexicano con propuestas de escena emergente, en una fórmula que el festival ha mantenido en ediciones anteriores.

Enjambre confirmó su participación en Facebook

La banda zacatecana fue la primera en hacer pública su presencia en el festival a través de su página oficial de Facebook, donde publicó un flyer individual con su nombre, la fecha del evento y los datos del venue.

La publicación anticipó el anuncio del cartel completo difundido por Tour Manager, y situó a Enjambre como el acto de mayor jerarquía en el lineup del Cuernavaca Sunrise 2026.

Tour Manager, la promotora detrás del anuncio

El cartel fue difundido por Tour Manager, empresa mexicana de entretenimiento que opera bajo el usuario @tourmanagermex en redes sociales y se describe como una compañía de entretenimiento de vanguardia.

La promotora tiene un historial directo con el Cuernavaca Sunrise y con varios de los artistas del lineup 2026: ha organizado fechas de Enjambre, Caloncho, La Texana, Daaz y Te Vi en un Planetario en distintas ciudades del país, y gestiona la venta de boletos a través de Arema.mx.

Entre los actos que Tour Manager ha promovido en México figuran también Porter, Siddhartha, María Daniela y Su Sonido Lasser, Hello Seahorse!, Caifanes y Paulo Londra, con presencia en plazas como Querétaro, Puebla, Ciudad de México, Guadalajara y Monterrey.

Un festival con historial en Morelos

El Cuernavaca Sunrise se ha establecido como uno de los festivales de referencia para el rock y la música alternativa en el estado de Morelos. Su edición 2025 reunió a Caifanes, Porter y DLD como cabezas de cartel; la de 2024 presentó a Enjambre junto a Siddhartha.

En 2026, Enjambre regresa al festival pero escala a la posición principal del cartel, en medio de su Daños Luz Tour, gira con la que la banda ha confirmado presentaciones en más de 15 ciudades del país entre agosto y noviembre, incluyendo dos noches en el Estadio GNP Seguros en la Ciudad de México.

Boletos y sede

El evento se realizará en el Campo Unión Patriotas, en Cuernavaca, Morelos, recinto que ha sido la sede fija del festival en sus ediciones recientes. Los boletos están disponibles a través de Arema.mx.

El flyer oficial no detalla precios por categoría ni horarios de los actos para esta edición.

En 2026, la banda mantiene una presencia destacada en la cultura popular, y su vocalista, Anthony Kiedis, desarrolla proyectos variados mientras sigue al frente del grupo.

Según un reportaje de GQ Magazine, Kiedis combina su rol como líder de la banda con actividades empresariales y conserva relaciones de amistad que superan los veinte años, algo poco común en la industria musical.

El grupo, formado en los años ochenta en Fairfax High School, en Los Ángeles, ha sobrevivido a tragedias personales, cambios en la industria y la constante presión del éxito comercial.

La permanencia de la banda angelina y la intensidad creativa de sus miembros resultan una excepción, en una época donde las separaciones y reencuentros por interés suelen marcar la pauta entre bandas históricas. Según GQ Magazine, el propio Kiedis considera que la clave reside en la química y la pasión compartida por la música.

Vínculos forjados en la adolescencia

La historia de los Red Hot Chili Peppers comenzó cuando Kiedis y sus compañeros, entre ellos Flea, se conocieron en la secundaria. Desde entonces, la amistad y la colaboración definieron el rumbo del grupo, que vendió más de 120 millones de álbumes en todo el mundo.

El fallecimiento del guitarrista fundador, Hillel Slovak, a finales de los ochenta, y el proceso de recuperación personal de Kiedis marcaron etapas difíciles, pero el núcleo del grupo mantuvo su cohesión y siguió creando.

La banda, que debutó con su primer álbum en 1984, se transformó en una referencia del rock alternativo y construyó una identidad ligada a la ciudad de Los Ángeles.

Los conciertos emblemáticos, como el show de apertura de los Juegos Olímpicos de 2028 junto a Billie Eilish y su participación en eventos benéficos, refuerzan su lazo con la comunidad local. Canciones como “Can’t Stop” forman parte de la banda sonora habitual de los partidos de los Lakers, otro símbolo de la ciudad.

Dinámica interna y creatividad sostenida

Para Kiedis, el proceso creativo de la banda se mantiene vigente por la dedicación colectiva y la inquietud permanente de sus integrantes. “Me siento sumamente afortunado de tener a John Frusciante. Él está obsesionado con buscar nuevos sonidos y texturas. Vive para eso, no podría dejar de hacerlo”, afirmó.

El baterista Chad Smith y Flea, bajista y cofundador, completan el núcleo creativo que, según el cantante, sigue motivado por la curiosidad y el deseo de superación. “La motivación de ellos me empuja a seguir escribiendo canciones”.

La rutina del grupo implica reuniones periódicas y sesiones de composición que, para Kiedis, constituyen una necesidad vital. “Odiaría mi vida si no pudiera escribir canciones, poner palabras y bailar. No sería una vida digna para mí sin eso”, reconoció el vocalista.

Esa convicción también alimenta su confianza en el futuro de la banda. “Lo que más me enorgullece es que nuestra música sigue viva, y que por alguna razón no nos aburrimos. Sé en mi corazón que en dos meses nos reuniremos y empezaremos a tocar música, y vamos a estar igual de creativos que en los años ochenta”, aseguró.

Proyectos personales y rutinas fuera del escenario

Mientras la banda mantiene su actividad, Kiedis inició nuevas empresas junto a amigos cercanos. Según relató a GQ Magazine, el cantante mantiene una rutina semanal de encuentros con Shane Powers, otro conocido del ambiente hollywoodense, donde el café es el punto de partida para conversaciones que abarcan temas personales y profesionales.

Powers explicó que ese espacio favorece una intimidad diferente a la de otras reuniones: “Para mí, él es como un hermano mayor; cada vez que estamos juntos aprendo algo”, declaró a la revista.

Estas reuniones dieron lugar a iniciativas empresariales, como el lanzamiento de una marca de café enlatado, concebida durante cinco años y asociada a la relación entre Kiedis y Powers. El proyecto, según la publicación, se distingue por su enfoque en la calidad y la ausencia de estrategias de mercadotecnia típicas de celebridades.

Entre las variedades que ofrece, destaca un cold brew con 236 miligramos de cafeína por lata de 236 mililitros (8 onzas), uno de los productos con mayor concentración del mercado.

Una banda unida frente a los desafíos

La cohesión interna de los Red Hot Chili Peppers se diferencia de la trayectoria de otras bandas formadas en los años ochenta y noventa, donde los conflictos personales y las separaciones han sido comunes.

Según Kiedis, un aspecto relevante es que todos los miembros permanecen activos, tanto personal como creativamente. “Nuestra música sigue vigente y, por motivos diversos, hemos mantenido el compromiso con lo que hacemos”, señaló a GQ Magazine.

La permanencia y la continua capacidad de adaptación de los Red Hot Chili Peppers han consolidado su posición en la escena musical internacional. La dedicación de sus integrantes y la solidez de sus relaciones contribuyeron a mantener la vigencia de la banda, que sigue asociada a la cultura californiana y al rock alternativo.

El álbum llegó en un momento de quiebre para la banda. John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr habían completado su última gira por el Reino Unido en diciembre de 1965 y, tras varios meses de descanso, entraron el 6 de abril de 1966 en el Estudio 3 de EMI, en Londres —en el complejo que el mundo conocería después como Abbey Road—, con una certeza que cambiaría el curso de su carrera: las nuevas canciones no serían tocadas en vivo. Esa decisión, que se formalizaría tras el tumultuoso verano de ese año, liberó por completo su imaginación sonora.

Otro sonoro episodio público contribuyó al retiro y la introspección. Una frase de John Lennon en una entrevista al London Evening Standard —“somos más populares que Jesús ahora”— fue recontextualizada en Estados Unidos y provocó quemas de discos y boicots en zonas de fuerte arraigo religioso. Lennon describía el declive de la iglesia entre los jóvenes, no una comparación de valor espiritual, pero la controversia agudizó la incomodidad del grupo con las giras masivas y su sensación de vulnerabilidad como celebridades globales.

El proceso de grabación de Revolver supuso un salto radical respecto a cualquier trabajo anterior del grupo. Rubber Soul (1965), considerado el primer disco “adulto” de la banda, había demandado unas 80 horas de estudio, Revolver llevó más de 220. La primera canción trabajada en las sesiones fue “Tomorrow Never Knows”, entonces conocida como “The Void”, lo que revela que desde el primer día la banda estaba dispuesta a operar en el territorio más experimental de su obra. Sesenta años después, esa canción en particular sigue siendo de vanguardia.

El productor George Martin y el ingeniero de sonido Geoff Emerick —que asumía ese rol por primera vez en un disco de la banda— fueron piezas decisivas en la conversión del estudio en un instrumento de creación. Emerick introdujo técnicas que contravenían las normas de la discográfica: colocó micrófonos muy cerca de la batería y el bajo para obtener sonidos más profundos, aplicó compresión y ecualización de forma agresiva, y experimentó con el altavoz Leslie —diseñado originalmente para órganos Hammond— para procesar la voz de Lennon. El resultado fue ese timbre envolvente y casi etéreo que se escucha en “Tomorrow Never Knows”, donde el propio cantante había pedido sonar “como la voz de un monje en la cima de una montaña”. Además, grabaron bucles de cinta en sus casas con sonidos diversos —guitarras, risas, fragmentos instrumentales— y los reprodujeron simultáneamente en el mezclador, subiendo y bajando volúmenes para que entraran en momentos concretos de la canción. Las risas aceleradas de McCartney se convirtieron en lo que muchos oyentes perciben como el chillido de gaviotas.

A esas técnicas se sumaron el automatic double tracking (ADT) —que duplicaba voces de forma automática sin necesidad de varias tomas—, el varispeed o alteración de la velocidad de las cintas, y la inversión de fragmentos grabados para reproducirlos al revés. En “I’m Only Sleeping”, el solo de guitarra al revés se grabó con la cinta en sentido inverso, de modo que al escuchar el resultado final las notas parecen aspiradas. En “Tomorrow Never Knows”,

1966: Londres en ebullición

Revolver no puede separarse del año en que nació. El Swinging London de mediados de los sesenta era una capital cultural en estado de ebullición: la moda, el cine, las artes visuales y la música pop se entrelazaban en una efervescencia que irradiaba hacia el resto del mundo. La juventud británica de posguerra marcaba distancias contra el conservadurismo de sus padres, y la música encabezada por Los Beatles funcionaba como nuevo lenguaje de identidad generacional.

En ese clima, el consumo de drogas —marihuana y LSD, sobre todo— se asociaba a la búsqueda de nuevas experiencias y a la expansión de la percepción. Lennon y Harrison habían empezado a experimentar con LSD, y ese consumo dejó huellas directas en canciones como “She Said She Said”, donde se alude a una experiencia cercana a la muerte durante una sesión con el actor Peter Fonda -la historiografía beatle abunda en esa historia- y en “Tomorrow Never Knows”, cuya letra se inspira en ideas difundidas por Timothy Leary a partir del Libro tibetano de los muertos. Harrison, por su parte, profundizaba en la música clásica india y en el sitar como vía de expresión que desbordaba la escala occidental.

Los Beatles se convirtieron definitivamente en una banda de estudio. Los arreglos de Revolver —cuerdas, metales, instrumentos indios, bucles de cinta— eran, en muchos casos, imposibles de reproducir en un escenario con los medios técnicos de la época. Dentro del grupo, la madurez artística se afianzaba con tensiones. McCartney se consolidaba como arquitecto de melodías y arreglos: “Eleanor Rigby”, “Here, There and Everywhere”, “For No One” y “Good Day Sunshine” muestran una sensibilidad cercana al pop barroco. Lennon profundizaba en una escritura más introspectiva y experimental, marcada por el LSD y lo abstracto. Harrison conquistaba por primera vez un espacio amplio con tres composiciones propias. Y Ringo aportaba bases rítmicas que, en “Tomorrow Never Knows”, se convierten en el eje hipnótico de toda la pieza.

La edición británica del álbum contiene 14 canciones. La versión publicada en Estados Unidos por Capitol Records incluyó solo 11, porque tres temas de Lennon —“I’m Only Sleeping”, “And Your Bird Can Sing” y “Dr. Robert”— ya habían aparecido en el compilado Yesterday and Today. Esa modificación alteró el equilibrio autoral del disco y fue duramente criticada. Desde la edición en CD de 1987, la versión de 14 canciones se convirtió en el patrón internacional y es la que hoy se celebra.

‘Revolver’ canción por canción

1-“Taxman” abre el álbum con una irónica denuncia del sistema tributario británico (que en determinados tramos, incluidos los mismos músicos, podía absorber la mayor parte de sus ingresos). Harrison escribe con sarcasmo sobre la figura del recaudador, con un bajo contundente y una guitarra de carácter casi funk. McCartney diseñó el solo y el bajo que dan al tema su fuerza particular.

2-“Eleanor Rigby” supone un giro radical: construida únicamente sobre una sección de cuerdas arreglada por George Martin, sin guitarras eléctricas ni batería, describe la vida de una mujer solitaria que recoge arroz en una iglesia tras una boda y la del padre McKenzie, que predica ante bancos vacíos. La pregunta “All the lonely people, where do they all come from?” (¿De dónde vienen todos los solitarios?) convierte la canción en existencial.

3-“I’m Only Sleeping” presenta a un narrador que reivindica su derecho a permanecer en un estado de semiinconsciencia, en contraste con las exigencias de actividad constante. El solo de guitarra al revés genera una textura ondulante y extraña, como si las notas se desplazaran hacia el pasado.

4-“Love You To” es una de las piezas donde la influencia de la música clásica india resulta más explícita. George Harrison la construyó como una raga, con músicos indios en la tabla y el sitar, y con estructuras rítmicas y melódicas ajenas al pop occidental. La letra combina amor físico y espiritual con referencias a la fugacidad de la vida.

5-“Here, There and Everywhere” explora la idea del amor presente. Las progresiones de acordes no convencionales, las armonías vocales trabajadas con ADT y el acompañamiento suave de guitarras y bajo crean un ambiente de intimidad. La influencia de Brian Wilson y The Beach Boys se ha señalado como referencia en la búsqueda de McCartney de una balada que combinara sofisticación técnica con accesibilidad emocional.

6-“Yellow Submarine”, cantada por Ringo, construye una comunidad imaginaria y lúdica en torno a una imagen que combina cierto infantilismo que se cruza con una mirada psicodélica. La producción incorpora ruidos de agua, burbujeos, voces distorsionadas y cadenas para recrear la atmósfera submarina, con técnicas propias de la música concreta.

7-“She Said She Said” cierra la cara A con un clima de intensidad psicodélica. La frase “I know what it’s like to be dead” (Sé lo que es estar muerto) remite a aquella experiencia lisérgica con Peter Fonda. Los cambios de compás y las secciones que rompen con la regularidad del pop crean una sensación de inestabilidad que acompaña el contenido lírico. Bellísima.

8-“Good Day Sunshine” inaugura la cara B con un tono optimista y luminoso (un anticipo profético de “Here Comes The Suna”, por cierto). El piano lleva el peso armónico y rítmico, los coros se doblan y armonizan para una canción que muestra el lado más “pop clásico” de Paul McCartney.

9-“And Your Bird Can Sing” presenta líneas de guitarra entrelazadas de Harrison y McCartney que se han convertido en uno de los riffs más reconocibles del repertorio de la banda. El ritmo rápido y las voces superpuestas con energía ofrecen un momento de rock guitarrero distintivo.

9-“For No One” aborda el fin de una relación con una sobriedad que la diferencia de la mayoría de las canciones de ruptura de la época. La instrumentación incluye un clavicordio y un corno francés que introduce una línea melódica lírica en el interludio. La combinación crea una pequeña pieza de cámara donde voces, letras e instrumentos forman un todo de alta cohesión.

10-“Doctor Robert” introduce la figura de un médico que suministra estimulantes a sus pacientes, con una ambigüedad moral sobre la relación entre medicina y hedonismo. El ritmo es relativamente ligero, con guitarras y órganos que acompañan la narración.

11-“I Want To Tell You” aborda la frustración de sentir cosas que no se pueden comunicar. Las tensiones armónicas y las disonancias en la progresión de acordes refuerzan la sensación de incomodidad.

12-“Got To Get You Into My Life” se distingue por su marcado carácter soul y por ser la primera incorporación explícita de una sección de metales plena, con trompetas y trombones que llevan la melodía principal. La base rítmica se apoya en un patrón cercano al R&B.

13-“Tomorrow Never Knows” cierra el álbum con una pieza que muchos consideran el punto de inflexión de toda la carrera de la banda. Una cumbre psicodélica que hasta los Chemical Brothers, en los 90, tomaron como inspiración para una de sus grandes canciones de la ola electrónica de la década. La estructura basada en un solo acorde, el patrón de batería hipnótico de Ringo, los bucles de cinta y la voz procesada de Lennon crean un paisaje sonoro que se aparta de la canción pop tradicional y se acerca a la experiencia “inmersiva”.

Cuautitlán festeja a lo grande con una cartelera de fin de semana que traerá grandes artistas invitados. El municipio celebrará del 12 al 16 de agosto el festival “Festejando Cuautitlán 2026”, con entrada libre y una cartelera de cinco noches que reúne rock alternativo, música norteña y sonidos populares para conmemorar el 202 Aniversario de Fundación del municipio.

El evento se realizará en la parte trasera del Estadio Municipal “Los Pinos” y cuenta con el respaldo del Gobierno Municipal y el DIF Cuautitlán. La fecha de cierre, el domingo 16, coincide con el día en que históricamente se conmemora la fundación del municipio.

Entre los eventos más esperados están: Rayito Colombiano, DLD, Cardenales de Nuevo León y los Askis y Alemán con una combinación de ritmos para todas las edades y generaciones.

Cartelera noche a noche

Miércoles 12 de agosto

Rayito Colombiano Los Askis Grupo G

Jueves 13 de agosto

Sonido Los Jr’s Sonoramico Sonido La Clave

Viernes 14 de agosto

Alemán Adán Cruz Muelas de Gallo Sábado

15 de agosto

Los Viejones de Linares Los Cardenales de Nuevo León

Domingo 16 de agosto

DLD

Los actos de mayor trayectoria

DLD es una banda originaria del Estado de México formada en noviembre de 1998.

En 2013 recibió dos nominaciones al Grammy Latino por su álbum Primario —en las categorías Mejor Álbum Pop/Rock y Mejor Canción de Rock— y obtuvo certificación de Disco de Oro en México. A lo largo de su carrera publicó ocho álbumes de estudio y se ha presentado en el Auditorio Nacional y el Palacio de los Deportes.

Los Cardenales de Nuevo León nacieron en 1982 en el área metropolitana de Monterrey. En más de cuatro décadas acumularon más de 34 producciones discográficas, un Grammy Latino y reconocimientos Billboard. Su álbum La Chuyita (1988) les valió su primer Disco de Oro; en 1992 se presentaron ante 60,000 personas en el Primer Festival Norteño en Phoenix, Arizona, donde recibieron el Saguaro de Oro.

Rayito Colombiano es una agrupación fundada en 1996 en la delegación Iztapalapa, Ciudad de México, por el vocalista Raymundo Espinoza, quien antes participó como voz en las primeras grabaciones de Los Ángeles Azules. El grupo combina la sensibilidad tropical mexicana con ritmos de la cumbia colombiana. Su tema “Muchachita Consentida” acumula más de 178 millones de reproducciones en Spotify y supera las 130 millones de vistas en video.

En 2024 recibió un disco de platino en Estados Unidos por alcanzar 45 millones de streams con ese sencillo, y ese mismo año celebró su trayectoria con un concierto en el Teatro Metropólitan de la Ciudad de México.

Los Askis son considerados los creadores de la cumbia andina mexicana. Fundados en 1994 en la Ciudad de México, fusionaron la cumbia con instrumentos de origen prehispánico y andino como la quena y la zampoña. Su álbum Cuando Llega el Amor (1997), lanzado con la disquera Disa, marcó su consolidación comercial. Entre sus temas más reconocidos figuran “Amor Regresa”, “Vienes y Te Vas” y “Desde Lejos”. En 2024 se presentaron en el Auditorio Nacional y lanzaron un álbum en vivo desde ese recinto.

Cómo llegar al Estadio Municipal “Los Pinos”

El estadio se ubica sobre la avenida de los Ahuehuetes, en la zona centro de Cuautitlán de Romero Rubio, Estado de México. El festival se realizará en la parte trasera del recinto.

La opción más directa en transporte público es el Tren Suburbano Felipe Ángeles —antes Tren Suburbano—, cuya estación terminal es Cuautitlán. Desde ahí, el estadio se encuentra a unos 30 minutos caminando. El primer servicio sale a las 5:08 horas y el último a las 0:58 horas.

Cientos de personas en duelo, incluidos músicos y artistas irlandeses, llenaron el martes una catedral de Dublín para el funeral del cantautor ganador del Oscar Glen Hansard, quien murió en un accidente de motocicleta la semana pasada a los 56 años. Los actores Steve Coogan y Chris O’Dowd y músicos como Bono, Hozier, Declan O’Rourke e Imelda May se encontraban entre la congregación, junto a amigos, familiares y admiradores que habían hecho fila durante horas fuera de la Catedral de San Patricio.

Una gran multitud observó en pantallas gigantes afuera mientras los portadores del féretro llevaban un ataúd de mimbre cubierto de flores al interior de la catedral. William Morton, el deán de la catedral, dijo: “Los dones extraordinarios y el talento sobresaliente de Glen, que tocaron tantos corazones, lo llevaron de las calles de Dublín a audiencias de todo el mundo.”

El funeral estuvo entrelazado con música, incluyendo una actuación de Eddie Vedder, cantante de Pearl Jam, quien interpretó “The Song of Good Hope” de Glen Hansard junto a Markéta Irglová, la socia musical del compositor irlandés durante años. Bono, de U2, dijo: “Todos los que lo conocieron, simplemente recordaron el día en que lo conocieron.” Luego levantó su teléfono para reproducir un mensaje que había recibido de la cantante y poeta Patti Smith interpretando “una canción de cuna para la familia y los amigos de Glen”, antes de recitar la letra de “Beautiful Day”, un tema de U2.

Hansard falleció en un accidente en las afueras de Dublín el miércoles 29 de julio, horas después de haber participado en una sesión de música tradicional en un pub. Su viuda, la poeta finlandesa Maire Saaritsa, quien agradeció a los policías que acudieron en su ayuda, leyó un poema que le había escrito al comienzo de su relación. También dijo que el hijo de tres años de la pareja era demasiado pequeño para asistir o comprender el funeral, pero “el espíritu luminoso que heredó de su padre está con nosotros.”

Glen Hansard fue el líder durante mucho tiempo de la banda de rock irlandesa The Frames y actuó como miembro de una banda de soul de Dublín en la exitosa película de 1991 The Commitments-Camino a la fama Ganó un Oscar en 2008 por la canción “Falling Slowly” de la película Una vez, que coprotagonizó junto a Irglová. Una adaptación teatral ganó ocho premios Tony en 2012. También fue la mitad del dúo de rock The Swell Season con Irglová y lanzó álbumes en solitario, incluido Didn’t He Ramble que fue nominado al Grammy como Mejor Álbum Folk en 2016.

Durante muchos años, dirigió una actuación callejera en Nochebuena afuera del Teatro Gaiety de Dublín, donde el público se reunía para ver a músicos irlandeses famosos actuar en beneficio de una organización solidaria para personas sin hogar. Sus compañeros músicos le han rendido homenaje. Bruce Springsteen, entre otros, dijo en Instagram que estaba “desolado” por la pérdida de “un gran músico, un buen amigo y un hombre generoso y afable.”

Fuente: AP

[Fotos: Damien Eagers/PA via AP]

Ahora buscan escribir su propia historia en la música con un proyecto conjunto que se distancia del glam rock que convirtió a sus padres en referentes del género.

Bajo el nombre de Stanley Simmons, el dúo presentará su álbum debut, Dancing While the World Is Ending, un trabajo compuesto por 12 canciones originales que apuesta por una identidad propia, con influencias del folk pop, armonías vocales y una marcada presencia de guitarras acústicas.

En entrevistas con Forbes, People y otros medios, ambos artistas explicaron cómo nació el proyecto, qué desafíos enfrentan por su apellido y por qué descartan cualquier intento de replicar la estética de KISS.

Un proyecto que nació de forma espontánea

Según contó Stanley, de 32 años, la colaboración nunca estuvo planificada como una banda estable. En declaraciones reunidas por People y originalmente concedidas a Blabbermouth, explicó: “Nunca se pensó como un proyecto. Solo queríamos cantar juntos una vez. Luego lo escuchamos y pensamos: ‘Espera, esto suena realmente especial’”.

La misma idea compartió Simmons, quien destacó la química vocal que desarrollaron desde el comienzo: “Hay un tipo de conexión que no se puede fingir. Cuando cantamos juntos, se siente como una tercera voz, algo nuevo”.

La amistad entre ambos se remonta a la infancia. Sus familias convivieron durante años en las giras de KISS, una experiencia que fortaleció un vínculo que hoy también se trasladó al plano artístico.

Un disco con identidad propia

El primer álbum de Stanley Simmons llegará en vinilo y CD el 28 de agosto, mientras que su lanzamiento en plataformas de streaming está previsto para comienzos de octubre, según informó Forbes.

El trabajo reúne 12 composiciones originales, entre ellas los sencillos Body Down, Dancing While the World Is Ending y Temporary Love, esta última definida por Stanley como la primera canción que ambos escribieron juntos.

De acuerdo con People, la propuesta musical se aleja deliberadamente del sonido característico de KISS. En lugar del glam rock, el dúo eligió un repertorio con raíces folk pop, apoyado en guitarras acústicas, armonías vocales y una estética retro.

Para la producción del álbum convocaron a Rob Cavallo, reconocido por su trabajo con artistas como Green Day, Dave Matthews Band y Eric Clapton.

El peso de un apellido famoso

En la entrevista con Forbes, Stanley y Simmons también hablaron sobre las ventajas y dificultades que implica llevar dos apellidos asociados a una de las bandas más exitosas del rock.

“En el mundo de la música, las conexiones familiares pueden ser beneficiosas en ambos sentidos. Pueden abrirte puertas. Pero algunos en la industria no te toman en serio. Es un arma de doble filo”, reconoció y afirmó Stanley.

Simmons, de 37 años, coincidió con esa mirada y remarcó la necesidad de respaldar cualquier oportunidad con resultados concretos. “Aunque logres entrar, tienes que demostrar de lo que eres capaz”, sostuvo el músico.

Las primeras presentaciones y una gira por Estados Unidos

Antes del lanzamiento oficial del álbum, Stanley Simmons realizó una serie de presentaciones en clubes, donde comenzó a interpretar parte del nuevo repertorio. Simmons explicó que cada recital sirvió para ajustar detalles del espectáculo.

“Los cuatro conciertos salieron bien y la respuesta del público fue fantástica. Pero, como cualquier artista demasiado autocrítico, después de cada uno revisamos el material y encontramos esos pequeños detalles, como las armonías y la afinación, que podíamos mejorar”, declaró a Forbes.

El entusiasmo también quedó reflejado en la respuesta de quienes reservaron el disco antes de su lanzamiento. Stanley señaló que las preventas superaron las expectativas. “Decidir dónde invertir el dinero hoy en día es complicado. Así que ver que la gente quiere comprar nuestro vinilo por adelantado es enormemente gratificante”, relató.

La gira promocional recorrerá 29 ciudades de Estados Unidos. Comenzará el 14 de septiembre en Dallas y finalizará el 3 de noviembre en el histórico club Troubadour, de West Hollywood. Sobre ese momento, Stanley expresó: “Será un momento emocionante para nosotros al final del año. Llevamos mucho tiempo esperándolo”.

Sin maquillaje ni imitaciones de KISS

Además de buscar un sonido diferente, ambos músicos dejaron claro que tampoco pretenden reproducir la imagen que convirtió a KISS en un fenómeno mundial.

En declaraciones citadas por People, Simmons descartó la posibilidad de utilizar el tradicional maquillaje de la banda. “Eso es cosa de mi padre. Yo estoy ocupado con lo mío. Soy fan de la música. Soy fan del espectáculo. He tenido una vida única y maravillosa gracias a ello”, afirmó.

Con esa postura, Stanley Simmons apuesta a construir un camino propio, apoyado en composiciones originales, una propuesta sonora diferente y un proyecto que comenzó como una simple reunión entre dos amigos de toda la vida.

El diálogo con el editor jefe del medio británico, Geordie Greig, permitió recorrer la vida y el presente de Rhodes, desde sus inicios en Birmingham hasta su consolidación como una figura del movimiento New Romantic.

La conversación incluyó momentos de intimidad, reflexiones sobre la creatividad, anécdotas con leyendas como David Bowie y Andy Warhol, y detalles sobre la vida del tecladista.

El consejo de Jagger y el futuro del grupo

De acuerdo con The Independent, Rhodes relató que en medio de una etapa de incertidumbre para la banda, el cantante de los Rolling Stones le transmitió un mensaje: “Mick me miró y me dijo: ‘Saben que realmente tienen que seguir juntos. Ese es su futuro’”.

Según el músico de 64 años, ese consejo evitó la ruptura de Duran Duran, según Rhodes, en los años ochenta. “Tenía razón, porque todo podría haberse desmoronado en aquel momento”, reconoció en la entrevista.

Las figuras de Mick Jagger, David Bowie y Andy Warhol marcaron diferentes etapas en la historia de Duran Duran. Contó que el impacto de Bowie fue determinante para su vocación artística. “Cuando vi a David Bowie, ya no quería ser astronauta ni mago, dos de mis primeros sueños. Quería ser músico”, recordó.

La estética y el estilo personal como sello

El tecladista se diferenció desde el inicio por su estética andrógina y su apuesta por el maquillaje, el cabello rubio y un vestuario que definieron su imagen pública. Según detalló a The Independent, ese estilo surgió mucho antes de que se popularizara el movimiento New Romantic.

El músico también aseguró que nunca abandona el delineador de ojos y que dedica diez minutos diarios a esa rutina: “Me gusta la rutina. Me miro al espejo y pienso: ‘Se ve un poco cansado’. ¡Con un poco de delineador se disimula todo!”.

Además, Rhodes confesó que no usa vaqueros porque los asocia con la pereza y prefiere prendas que reflejen su amor por la estética y la atención al detalle, influenciado por figuras como Bryan Ferry y el propio Bowie.

Supervivencia lejos de las drogas

En un contexto donde la industria del rock estuvo marcada por los excesos, Rhodes optó por alejarse de las drogas y atribuyó esa decisión a su personalidad creativa e hiperactiva. “Las drogas nunca me han atraído mucho. Mi mente va demasiado rápido. Nunca puedo relajarme, así que lo último que quería era un montón de drogas. Probé algunas y no me sentaron bien", comentó.

También destacó que “soy un poco obsesivo con el control, así que la idea de tomar algo sin saber qué va a pasar me resulta totalmente desagradable”. El músico describió que fue testigo de los efectos de las drogas en el ambiente artístico, pero logró mantenerse al margen.

El papel de Simon Le Bon y el camino hacia el éxito

Duran Duran logró consolidarse rápidamente en el mercado internacional, en parte por el impacto de su vocalista Simon Le Bon. Rhodes recordó el momento en que escuchó a Le Bon por primera vez: “Habíamos tenido varios vocalistas. Pero cuando entró y cantó una nota, pensé: ‘Eso es. Él es el indicado’”.

Para Rhodes, la voz y la presencia de Le Bon aportaron un carácter distintivo que definió el sonido de la banda. El tecladista comparó el estilo de Le Bon con figuras como Mick Jagger, David Bowie y Freddie Mercury, subrayando que “Simon tenía eso” que hacía falta para destacar en la industria musical global.

The Independent detalló que esta dinámica interna, con Le Bon como la figura pública y Rhodes como el arquitecto sonoro, formó parte de la “alquimia especial” que permitió a Duran Duran sostener su popularidad durante cinco décadas.

Vida personal y excentricidades

Entre las particularidades de Rhodes destaca su afición por coleccionar etiquetas de queso, una pasión heredada de su padre. El músico británico publicó un libro de arte abstracto y mantiene producción artística en paralelo a la música, según detalló The Independent.

Actualmente, Duran Duran sigue en actividad y Rhodes es el custodio del vestuario histórico de la banda, con la intención de que algún día forme parte de una exposición en el Victoria and Albert Museum de Londres. El recorrido de la banda y de su tecladista principal continúa en actividad, según la entrevista difundida por The Independent.

Tras agotar dos funciones consecutivas en Montevideo ante más de 2.000 personas, Milongas Extremas llega al Roxy Live de Buenos Aires el viernes 22 de agosto con Siempre, siempre, siempre, un espectáculo construido sobre la obra de Roberto “Robe” Iniesta, fundador de Extremoduro, fallecido el 10 de diciembre de 2025 a los 63 años tras complicaciones derivadas de un tromboembolismo pulmonar.

El show, que se presenta por primera vez en Argentina, no es un recital tributo en el sentido convencional. La banda uruguaya tomó el repertorio de Robe —poeta del rock en lengua española cuya obra El País definió como la de “el último gran filósofo, humanista y literato contemporáneo de habla hispana”— y lo reconfiguró con cuatro guitarras criollas, un bajo y cinco voces, en un lenguaje donde la tradición del Río de la Plata y la potencia del rock se articulan sin concesiones.

El vínculo entre Milongas Extremas y Robe Iniesta excedió la influencia artística. Cuando la banda le acercó un disco con versiones de Extremoduro, el músico español respondió con una frase que cambió el rumbo del grupo: “Estos temas ya los conozco, quiero los de ustedes.” En 2014, Extremoduro los convocó para abrir su concierto en Montevideo con una única condición: que interpretaran exclusivamente canciones propias. Esa noche funcionó como punto de inflexión en la construcción de una identidad autoral que hoy se plasma en tres discos de estudio —Milongas Extremas (2012), Temprano (2018) y El mismo cielo (2020)— y un álbum en vivo grabado en el Teatro Solís de Montevideo.

El propio Robe Iniesta había señalado públicamente el trabajo del grupo con precisión: “A mí los únicos que me gustan son unos que se llaman Milongas Extremas, que son de Uruguay. Porque le dan una cosa a las canciones, las hacen de otra manera, con otros instrumentos. Es una cosa nueva, distinta, fresquita.” Esa distinción —el modo en que las guitarras criollas y la cadencia de la milonga transforman canciones escritas para el rock duro— es el núcleo del espectáculo que llega a Buenos Aires.

Milongas Extremas nació en 2009 en Montevideo, cuando un grupo de amigos comenzó a interpretar canciones de Extremoduro con guitarras acústicas. Lo que empezó como un gesto espontáneo se consolidó con el tiempo en una de las propuestas más singulares de la música uruguaya, con influencias que van de Alfredo Zitarrosa y Amalia de la Vega hasta el rock de Extremoduro. La banda integrada por Santiago Martínez, Matías Rodríguez, Francisco Stareczek, Paio y Camilo Piquela también compartió escenarios con La Vela Puerca, Agarrate Catalina y No Te Va a Gustar.

La muerte de Robe Iniesta en diciembre de 2025 precipitó la creación de Siempre, siempre, siempre. “En lo personal es un artista que me perforó. Hay un antes y un después de conocerlo y habitarlo. Y con todo lo que pasó, algo teníamos que hacer”, declaró Paio Piquela, integrante del grupo. El espectáculo recupera esa crudeza en el sonido de las guitarras, en las progresiones rítmicas del bajo y en el fraseo de las voces sobre versos que, según la banda, pueden representar a alguien de Montevideo, Bilbao o Buenos Aires con igual intensidad.

[Fotos: prensa Milongas Extremas]

La noticia fue confirmada por el gobernador de Jalisco, Pablo Lemus, a través de sus redes sociales. Hasta el momento no se han dado a conocer las causas del deceso.

Javis falleció dejando una obra que marcó a varias generaciones de aficionados al rock en español. Fue compositor, guitarrista y el motor creativo detrás de una de las bandas más influyentes del género en México: su música pasó de los escenarios de los 70 a convertirse en parte del repertorio popular del país, con canciones que siguen sonando décadas después de su grabación.

Fundador de una banda que cambió el rock en español

Nacido en San Luis Potosí, Martín del Campo Muriel fundó La Revolución de Emiliano Zapata en 1969 en Guadalajara, Jalisco. La agrupación —conocida popularmente como “La Revo”— alcanzó notoriedad internacional durante la década de los 70 con el tema Nasty Sex.

Ante el difícil panorama que enfrentó el rock en esos años, la banda ajustó su propuesta y se acercó a la balada romántica. De esa etapa surgieron Cómo te extraño y Mi forma de sentir, composición de Martín del Campo que fue interpretada por Pedro Fernández y que se volvió parte del sentir popular en varias generaciones, según destacó la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM).

Las despedidas desde la música y el gobierno

Pablo Lemus fue el primero en confirmar públicamente el fallecimiento. En su mensaje en redes sociales, el mandatario jalisciense escribió: “Hoy despedimos con tristeza a Javier Martín del Campo ‘Javis’, un músico que dejó una huella profunda en la historia del rock mexicano y en el corazón de muchas generaciones”.

La banda El Tri, liderada por Alex Lora, publicó una fotografía de Javis en Instagram ante sus más de 283 mil seguidores y le dedicó un mensaje: “Que encuentres paz en este último viaje y que la música te acompañe hasta el infinito. Tu legado seguirá sonando en cada guitarra, en cada canción y en cada corazón que vibró contigo”.

La propia La Revolución de Emiliano Zapata y la SACM también se sumaron al duelo en redes sociales, donde fans y músicos expresaron sus condolencias a la familia del guitarrista.

De Guadalajara al mundo: el origen de La Revo

La Revolución de Emiliano Zapata nació a finales de los años 60 en la colonia Jardines del Bosque de Guadalajara, cuando un grupo de amigos decidió formar una banda. El nombre fue en sí mismo una declaración: en un ambiente donde la mayoría de los grupos usaban nombres en inglés, apostar por el español y por una figura de la Revolución Mexicana resultó una apuesta sin precedente.

La alineación original incluyó a Óscar Rojas en la voz, Carlos Valle y Martín del Campo en las guitarras, Francisco Martínez Ornelas en el bajo y Antonio Cruz Carbajal en la batería. Javis fue desde el principio el director, compositor y eje creativo del proyecto.

El despegue llegó en 1970, cuando la estación Radio Internacional de Guadalajara organizó un concurso para grupos locales con composiciones propias. La Revo ganó con Nasty Sex y obtuvo un contrato con Polydor Records.

Un éxito que cruzó fronteras

El primer sencillo se convirtió en el número uno en México. Al poco tiempo, Nasty Sex y su lado B, Shit City (Ciudad Perdida), posicionaron a La Revolución de Emiliano Zapata como el único grupo hasta entonces en colocar dos canciones simultáneamente en el primer y segundo lugar de las listas de popularidad del país.

La banda vendió más de 100 mil copias en Europa, según consignó Milenio, lo que la convirtió en una de las primeras agrupaciones de rock mexicano en alcanzar ese mercado. Años después, el director Alfonso Cuarón recuperó Nasty Sex y Shit City para las bandas sonoras de Y tú mamá también (2001) y Roma (2018).

Martín del Campo también incursionó en el cine junto a la actriz Angélica María en la película La verdadera vocación de Magdalena, según registra Crónica.

La transición a la balada y el regreso al rock

Ante el difícil clima que enfrentó el rock mexicano en los años 70, la banda reformuló su sonido y se acercó a la balada romántica con una nueva formación. De esa etapa surgieron Cómo te extraño y Mi forma de sentir —composición de Martín del Campo—, temas que se colocaron en los primeros lugares en México, Estados Unidos y América Latina.

Mi forma de sentir trascendió a su autor: fue grabada por Pedro Fernández, Richard Clayderman y el dueto brasileño Bruno e Marrone, entre otros artistas, según la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM).

Hacia 2009, Javis decidió reunirse con el tecladista Servando Ayala para reformar La Revo como proyecto de rock, lanzando bajo el sello independiente Discos Imposibles un álbum con versiones nuevas de sus clásicos. La banda siguió activa hasta sus últimos años, con Martín del Campo como único integrante presente desde la fundación.

Hablemos de Rubber Soul, entonces. Pocos discos en la historia del pop permiten fechar con tanta precisión el momento en que una banda deja de responder a las expectativas del mercado para empezar a interrogarse a sí misma. Este disco, grabado en apenas cuatro semanas de octubre y noviembre de 1965, es uno de esos registros. Los Beatles llegaron al estudio con canciones que ya no encajaban del todo en el molde pop que los había hecho famosos: letras más ambiguas, arreglos que incorporaban el sitar y el armonio, estructuras que privilegiaban la atmósfera por encima del bait melódico inmediato. El resultado fue un álbum que no sonaba como una ruptura deliberada sino como una consecuencia natural, lo que lo hizo más perdurable que cualquier manifiesto.

Más que un estilo, Rubber Soul inauguró una actitud: la idea de que un álbum de pop podía funcionar como un objeto coherente, con una lógica interna propia, y no como una colección de singles. Esa concepción del álbum como forma artística autónoma —que luego llevarían a su expresión más elaborada en Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band dos años después— tiene su punto de origen aquí, en una serie de canciones que van de la ironía afectuosa de “Drive My Car” a la melancolía filosófica de “In My Life”, pasando por la tensión narrativa de “Norwegian Wood”. Para muchos estudiosos de la música pop del siglo XX, Rubber Soul es el disco en que el grupo de Liverpool formuló por primera vez la pregunta que definiría la segunda mitad de su carrera: ¿hasta dónde puede llegar esto?

Lo que Rubber Soul alteró no fue solo una práctica de estudio ni una tendencia de mercado: fue el estatuto cultural de la música pop. Hasta 1965, el género -asociado a los gustos “juveniles” de la época- era considerado, en los círculos intelectuales y académicos, un producto de consumo sin vocación de permanencia, un artefacto desechable por definición. Parte de ese cambio tiene un nombre propio: Bob Dylan. Su giro eléctrico de ese mismo año y su escritura confesional y críptica —que Los Beatles habían absorbido desde aquel mitificado encuentro de 1964 en un hotel de Nueva York, marihuana mediante para qué negarlo— les abrió la posibilidad de usar la canción popular como vehículo de introspección. El propio McCartney lo reconoció años después: la música de Dylan “rompió una especie de barrera mental” para ellos.

Pero Los Beatles no imitaron ese modelo; lo metabolizaron. El disco —junto con la reacción en cadena que desencadenó, desde Pet Sounds de Brian Wilson hasta Aftermath de los Rolling Stones— forzó una reclasificación del pop como forma cultural. La música pop empezó a ser leída con las herramientas críticas reservadas hasta entonces a la literatura o al cine: se hablaba de intención autoral, de unidad temática, de densidad simbólica. Ese desplazamiento significó que millones de oyentes jóvenes podían encontrar en un disco de vinilo algo que sus padres buscaban en la novela o en la sala de conciertos: un relato del mundo que los rodeaba e interpelaba.

Cómo es la edición deluxe de ‘Rubber Soul’

La grabación encontrada de Lennon, “Little Girl”, es una grabación doméstica parcialmente completa realizada en 1965. Y a diferencia de “Now and Then” —la canción presentada en 2023 como el “último tema” del grupo, completada por Paul McCartney y Ringo Starr con fragmentos de George Harrison recuperados del proyecto Anthology— esta grabación se publica tal como Lennon la dejó, sin intervención de los miembros supervivientes del grupo.

La edición Super Deluxe incluye 20 tomas inéditas de sesión y tres demos caseros, además de una nueva mezcla estéreo del álbum original, la mezcla mono original y la versión estadounidense del sello Capitol —que en su momento circuló con una lista de canciones distinta a la edición británica—, más mezclas en formato Dolby Atmos. Las nuevas mezclas fueron elaboradas con tecnología desarrollada en la productora del director neozelandés Peter Jackson, cuya vinculación con el universo beatle se remonta al magnífico documental Get Back. El trabajo de producción estuvo a cargo del productor Giles Martin -el hijo del venerable George Martin- y el ingeniero de sonido Sam Okell, el mismo equipo responsable de las ediciones especiales anteriores de la banda.

De acuerdo con lo publicado por la revista online Pitchfork, el set incluye también “Day Tripper” y “We Can Work It Out”, el single doble lanzado en paralelo al álbum en diciembre de 1965 pero que no formó parte de la edición original británica de Rubber Soul. Entre las grabaciones de sesión que se publican por primera vez figuran tres versiones distintas de “Norwegian Wood”, dos tomas de “Nowhere Man”, tres de “I’m Looking Through You” y una cinta del trabajo de composición de “Day Tripper”. También se incluye un demo de “We Can Work It Out” con la voz de McCartney y un extracto de “In My Life” con un solo de órgano que no llegó a la versión final del disco.

Más delicias (caras) para el fan coleccionista. La edición en caja de 5 LP y 4 CD viene acompañada de un libro de tapa dura de 88 páginas que incluye una introducción escrita por Paul McCartney y un prefacio compilado a partir de reflexiones de Lennon sobre Rubber Soul a lo largo de su vida. La revista inglesa MOJO detalló que también habrá versiones en formato Deluxe (2 LP / 2 CD) y Standard (1 LP / 1 CD), así como una edición en Blu-ray con audio en alta resolución a 96 kHz/24 bits y cuatro videos. Las ediciones exclusivas del sitio oficial de Los Beatles incluirán un póster y un set de tarjetas de arte, además de un picture disc en formato zoetrope (gira en forma circular con imágenes secuenciales, un típico efecto “psicodélico”).

[Video y fotos: Apple Corp]

El guitarrista de los Rolling Stones, Ronnie Wood, aterriza en Argentina el próximo 6 de noviembre y, más allá de la expectativa musical que despierta su llegada, su estilo reafirma su lugar como referencia indiscutible dentro del universo de la moda rock internacional.

La noticia vuelve a enfocar la atención en una identidad visual que supo transformarse a lo largo de las décadas, sin perder nunca la esencia que lo consagró como ícono entre músicos, diseñadores y amantes de la cultura pop.

Rock británico y sofisticación: el ADN de su imagen

Ronnie Wood construyó una estética donde la elegancia británica se fusiona con la irreverencia clásica del rock. En cada aparición pública, tanto sobre el escenario como en eventos sociales, deja huella con prendas sofisticadas y detalles inesperados, una combinación que confirma su influencia en la escena global.

En sus presentaciones en vivo, la elección de chaquetas con brillos, apliques metálicos o estampados llamativos es una constante. Estas piezas, confeccionadas habitualmente en terciopelo, satén o materiales que reflejan la luz, cumplen una doble función: destacan bajo los focos y proyectan una silueta dinámica que favorece la presencia escénica.

Bajo estas chaquetas, Wood suele lucir camisetas gráficas en colores intensos como el verde, el azul o el amarillo, muchas veces decoradas con imágenes vinculadas a la cultura pop o al propio universo de los Rolling Stones.

Los pantalones, por lo general negros o en tonos oscuros, se ajustan al cuerpo y mantienen la coherencia con el resto del conjunto. El resultado es una figura estilizada, pensada para moverse con libertad y captar la atención tanto del público como de las cámaras.

Uno de los elementos más singulares de su imagen es la correa de guitarra personalizada, recurrentemente decorada con motivos o patrones geométricos.

Esta correa trasciende la función utilitaria y se integra al vestuario como un accesorio esencial, reforzando la iconografía de los Rolling Stones y aportando un toque lúdico y visualmente potente.

En entornos formales, el guitarrista opta por trajes de corte ajustado, alternando entre tonos clásicos como el negro o el gris y combinaciones menos convencionales, como americanas de terciopelo rojo o pantalones satinados.

Las camisas, casi siempre en tonos claros y desabotonadas en el cuello, aportan un aire relajado que equilibra la sofisticación del conjunto. Los detalles de confección, como las solapas anchas, los botones metálicos o las costuras visibles, añaden textura y profundidad al look.

Accesorios como pañuelos de seda o bufandas delgadas completan el atuendo y refuerzan la tradición visual del rock británico.

El peinado, voluminoso y despeinado, es otro de los elementos característicos que definen su estilo. Este aspecto, junto con una postura relajada y expresiones faciales cercanas, construye una imagen de confianza y espontaneidad.

Lejos de responder a una tendencia pasajera, su manera de peinarse y moverse sobre el escenario remite directamente a la historia del rock, evocando a referentes de décadas pasadas y actualizando ese legado para nuevas generaciones.

La influencia de Wood en la moda no se limita al ámbito musical. Su capacidad para combinar prendas clásicas con detalles extravagantes ha sido observada por diseñadores y seguidores del género, quienes reconocen en su vestuario una fuente de inspiración constante.

El rescate de prendas vintage, la mezcla de texturas y la apuesta por accesorios audaces fueron replicados en colecciones de moda y en el street style de distintas ciudades, consolidándolo como referente de tendencias.

En alfombras rojas y eventos de prensa, el guitarrista de los Rolling Stones suele sorprender con trajes de estampados florales o rayas, camisas de patrones abstractos y gafas de sol de armazón grueso.

Esta elección refuerza una imagen atemporal y rebelde, capaz de adaptarse a diferentes contextos sin perder autenticidad. La coherencia de su propuesta estética reside en la capacidad de alternar entre lo clásico y lo excéntrico, manteniendo siempre una línea personal reconocible.

Su regreso a Argentina representa la oportunidad de reencontrarse con una figura cuya influencia trasciende la música y se extiende al terreno de la moda.

Su estilo, lejos de encasillarse en una sola época, ha sabido dialogar con distintas tendencias y generaciones, demostrando que la elegancia y la irreverencia pueden convivir en un mismo atuendo.

La suma de estos elementos construye una imagen coherente y vigente, donde cada aparición pública renueva el vínculo entre el rock y la moda, reafirmando a Ronnie Wood como uno de los grandes referentes internacionales de estilo.

Mick Jagger cumple 83 años y sigue proyectando una influencia inigualable tanto en la música como en la moda internacional. Como líder de los Rolling Stones, su figura se mantiene indiscutida en el universo del rock, pero también se ha consolidado como un ícono de estilo que trasciende generaciones.

A lo largo de su carrera, la leyenda británica no solo ha marcado el rumbo de la cultura con su música, sino que ha transformado la moda rockera en un lenguaje propio. Su presencia en el escenario y fuera de él desafía convenciones, combinando audacia, sofisticación y una capacidad única para anticipar tendencias.

Cada aparición pública reafirma su vigencia, demostrando que su estilo evoluciona sin perder autenticidad ni impacto. Desde trajes de colores intensos hasta combinaciones inesperadas de texturas y accesorios, Jagger redefine la elegancia masculina y continúa inspirando a diseñadores y seguidores en todo el mundo.

Su vestuario, lejos de responder a la nostalgia, se reinventa con cada etapa, convirtiéndolo en referente permanente de innovación y rebeldía estética.

Sastrería reinterpretada en clave rockera

La sastrería ocupa un lugar central en su guardarropa, pero lejos de limitarse a los cánones tradicionales, el cantante británico apuesta por reinterpretaciones audaces que lo distinguen en cualquier evento.

Prendas como sacos estructurados, blazers de corte impecable y trajes de textura satinada dominan su repertorio visual, siempre intervenidos con elementos contemporáneos.

Ejemplos notables incluyen el blazer azul de motivos cuadriculados combinado con una camisa celeste, o la chaqueta de rayas anaranjadas y blancas de doble abotonadura, que actualizan el concepto de elegancia masculina.

Estos conjuntos muestran cómo Jagger privilegia la sastrería tradicional, pero la transforma con colores poco habituales y detalles que escapan a la rigidez del protocolo, reforzando su carácter innovador dentro del círculo del rock.

En actos formales, suele elegir trajes oscuros con acabados brillantes, camisas claras y pañuelos o corbatas de estampados gráficos.

El uso de tejidos satinados y detalles metalizados introduce un matiz escénico incluso en los contextos más sobrios, mientras que los cortes precisos aseguran una silueta estilizada y moderna.

Uso del color y los estampados: una paleta audaz

Uno de los sellos distintivos del estilo de Jagger es su manejo del color y los estampados. A diferencia de otros referentes del rock, que optan por la sobriedad cromática, él apuesta por tonos vibrantes y patrones llamativos.

Camisas estampadas, chaquetas florales y prendas de colores intensos forman parte de su repertorio tanto en escenarios como en alfombras rojas.

Este enfoque se observa en la elección de camisas de puntos, estrellas o motivos gráficos, así como en la combinación de prendas de diferentes texturas y matices.

El resultado es un estilo que desafía las normas y dota a cada look de una energía propia, convirtiéndolo en fuente de inspiración para diseñadores y admiradores.

Accesorios y detalles maximalistas

Los accesorios desempeñan un papel fundamental en la construcción de su estilismo. El uso de bufandas de tejidos ligeros, broches dorados, gafas oscuras y anillos de gran tamaño añade un componente ornamental clave a sus conjuntos.

En uno de sus recientes looks, la bufanda con estampado geométrico en blanco y burdeos se convirtió en protagonista, aportando una dimensión sofisticada y bohemia. El broche en la solapa y los anillos reforzaron el carácter personal de su imagen.

Las gafas oscuras y el calzado negro deportivo son elementos recurrentes, que suman modernidad y comodidad sin sacrificar la elegancia.

Estos detalles maximalistas, lejos de saturar el conjunto, logran equilibrar la sofisticación de las prendas clásicas con un aire irreverente y actual.

La vigencia de Jagger en el mundo de la moda radica en su habilidad para conectar elementos clásicos con tendencias contemporáneas.

En las galas y eventos nocturnos, es habitual verlo con trajes de corte tradicional a los que suma accesorios o detalles inesperados, como camisas abiertas, tejidos brillantes o aplicaciones doradas.

Durante las presentaciones en vivo, elige chaquetas bomber con aplicaciones metálicas o camisas satinadas, que dialogan con la estética actual del maximalismo y la mezcla de texturas.

Esta combinación de tradición y vanguardia no solo refuerza su imagen de pionero, sino que lo mantiene vigente como referente para nuevas generaciones.

El equilibrio entre lo atemporal y lo moderno es, en sí mismo, una de las tendencias más notorias en la moda masculina contemporánea, y Jagger es uno de sus exponentes más visibles.

Athleisure y comodidad urbana

En algunas de sus apariciones también incorporó elementos propios del athleisure y la comodidad urbana, sin renunciar a la elegancia rockera que lo caracteriza. U

Un ejemplo fue cuando se lo vio con una camisa satinada en tono ciruela, acompañada de una bufanda delgada, gafas oscuras y gorra azul marino.

Esta combinación reflejó la influencia de las tendencias actuales que privilegian la mezcla de prendas funcionales con detalles sofisticados, y la preferencia por materiales que aportan movimiento y presencia bajo la luz.

El brillo de la tela y la caída fluida del tejido resaltaron su afinidad por los materiales versátiles, mientras que la incorporación de accesorios urbanos como la gorra añadió un matiz casual y moderno a su repertorio.

Así, Mick Jagger reafirma su lugar como referente indiscutido al integrar elementos de la moda actual sin ceder la personalidad que lo distingue. Su capacidad para adoptar tendencias y adaptarlas a su propio estilo confirma que la innovación y la autenticidad pueden coexistir, consolidando su figura como un ícono que sigue marcando el pulso de la cultura y la moda a cualquier edad.

El episodio se estructuró en torno a 11 canciones que sirvieron de hilo conductor para un recorrido por la historia del rock. Desde los primeros acordes de los Beatles hasta “New York Groove” de Ace Frehley, la charla abarcó el pop del Brill Building, el soul de Motown, el glam británico y los circuitos de clubes de Nueva York en los que KISS dio sus primeros pasos.

“Podés tener bombas de humo, podés tener láseres y todo lo demás, pero tenés que empezar con la canción“, sostuvo Stanley ante Coyne. “Cualquiera puede escribir una canción. Pero eso no te hace compositor. Es un oficio en el que uno trabaja”, agregó.

El guitarrista rememoró que, a los 15 años, ya recorría la 1650 de Broadway con su guitarra al hombro, mostrando sus temas a quien quisiera escucharlo, con el Brill Building y sus cubículos de compositores como modelo a seguir.

Simmons completó ese retrato generacional al recordar cómo vivió la llegada de los Beatles a los Estados Unidos. “Los escuché y pensé que iban a reventar el parlante”, describió sobre la primera vez que oyó I Want to Hold Your Hand en una radio de transistores.

La aparición de la banda en el programa de Ed Sullivan, un domingo a las 20h, terminó de confirmarle lo que ya intuía: el rock and roll tenía por delante un cambio de proporciones que él mismo quería protagonizar.

Sobre la escena de Nueva York a principios de los años 70, ambos trazaron una diferencia entre las bandas que conquistaron el interior del país y las que permanecieron como fenómenos locales. “Lo que hacían muchas de esas bandas no tenía ninguna relevancia ni conexión con el interior de América”, explicó Stanley.

“Si no estabas en una gran ciudad, era casi como un chiste interno que había que conocer de antemano”. Bajo esa lógica, la apuesta de KISS por un sonido más universal, tributario de Slade, los Rolling Stones y The Who, resultó determinante.

El caso de New York Dolls

Los New York Dolls aparecieron en la conversación como el ejemplo más claro de ese contraste. “Eran muy, muy una banda de Nueva York, y cuando llegabas a Ohio o a Indiana, se perdía. Se perdía por completo", señaló Stanley, quien no obstante reconoció la presencia escénica de los Dolls: "No eran la mejor banda del mundo, pero eran estrellas“.

Simmons recordó que KISS compartió algunas fechas con ellos antes de distanciarse, y que el guitarrista Sylvain Sylvain llegó a decirle, ante una propuesta de giras conjuntas: “Nos matarían”.

El tema del directo frente al estudio recorrió buena parte del episodio. Simmons admitió que los tres primeros álbumes de KISS, grabados en apenas 18 meses, no lograron capturar la energía que la banda desplegaba sobre las tablas.

Fue Kiss Alive, el álbum en vivo publicado en 1975, el que rompió esa brecha: “500.000, un millón, dos millones de copias. Nos llevó a las alturas en las que pasamos los siguientes 50 años”.

El oficio de escribir canciones

La conversación derivó también hacia referentes concretos del oficio de componer. Simmons mencionó a Carole King, a quien situó escribiendo Will You Still Love Me Tomorrow a los 19 años, con un bebé en la cuna junto al piano en el Brill Building.

Stanley evocó la competencia feroz entre los compositores del edificio, donde Barry Mann y Cynthia Weil escribían en una sala mientras King y Gerry Goffin respondían desde otra: “Tenés a los Beatles, y ahí Carole King y Gerry Goffin tienen que salir con la secuela”.

La mirada sobre el punk de Nueva York

Sobre el legado del punk neoyorquino, los dos músicos mostraron mayor escepticismo. Stanley afirmó que la música de The Velvet Underground “era más poesía que música” y añadió sin rodeos: "La música era una porquería“.

En cuanto a los Ramones, Simmons señaló que, pese al reconocimiento crítico de que gozan, la banda nunca llenó grandes estadios y registró apenas un álbum de oro en toda su carrera. "Las masas no lo entendieron“, observó.

El episodio cerró con New York Groove, la canción de Russ Ballard que Ace Frehley convirtió en un éxito de KISS. Simmons contó que fue el ingeniero Eddie Kramer quien convenció a Frehley de grabarla, pese a las dudas iniciales del guitarrista. “Era un gran vehículo para un intérprete o un cantante, y esa canción es Ace”, afirmó.

Al final de la entrevista, Stanley y Simmons anticiparon su ingreso al Salón de la Fama de los Compositores, previsto para el día siguiente. “Para estar abrazado por tus contemporáneos y por tus pares y por la gente que está allá arriba, es algo que te hace humilde”, señaló Stanley.

Alex Lora renovará votos matrimoniales con Chela Lora en el concierto de El Tri en el Palacio de los Deportes este sábado 25 de julio de 2026, en el marco de la gira Adicto al Rocanrol. El evento conmemora 46 años de matrimonio, 55 de noviazgo y 58 de trayectoria del grupo en el rock mexicano. La pareja adelantó la celebración porque en octubre, fecha de su aniversario oficial, estará de gira en Barcelona.

Alex Lora compuso una canción nueva para la renovación de votos

Para la ocasión, el músico creó el tema que cantó en la conferencia de prensa, “Nuestro amor mantiene vivo nuestro rocanrol”, escrita específicamente para el concierto del sábado. “Es que yo sepa nunca nadie de ningún estilo musical ha renovado votos en tocada. Entonces pues vamos a festejar 46 años de casados, 55 años de novios y 58 años de rock and roll de México para el mundo”, declaró el músico durante la rueda de prensa previa al evento. El cantante agregó: “Inventé la rola que dice ‘nuestro amor mantiene vivo nuestro rock and roll’”.

La ceremonia dentro de un concierto masivo no tiene precedente documentado en la historia del rock en México, según señaló el propio músico.

Chela Lora y Alex Lora: 55 años desde Avándaro

La historia de la pareja arranca en el Festival de Avándaro de 1971, el evento que marcó el inicio del rock masivo en México y en el que participó la banda original de Lora, Three Souls In My Mind. Desde ese primer encuentro, la relación creció en paralelo a la carrera musical: noviazgo, matrimonio y cinco décadas de trabajo conjunto dentro y fuera de los escenarios.

Chela Lora ha sido una figura constante en la historia de El Tri, tanto en la vida personal del líder como en la gestión del grupo. Para ambos, el concierto del 25 de julio representa la confluencia de dos celebraciones: la personal y la artística.

El concierto en el Palacio de los Deportes, dentro de la gira Adicto al Rocanrol

La presentación en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México forma parte de la gira Adicto al Rocanrol, con la que El Tri festeja más de cinco décadas de carrera ininterrumpida. El recinto, conocido como el “Domo de Cobre”, recibe a la banda después de que el 15 de febrero de 2025 el grupo convocara a más de 60 mil personas en el Estadio GNP Seguros durante cuatro horas y media de concierto, en el cierre de su gira anterior, Y Todo Por El Rocanrol.

Previo a esta fecha, El Tri también ofreció dos conciertos sinfónicos en el Auditorio Nacional junto a la orquesta Esperanza Azteca, bajo la dirección del maestro Julio Saldaña.

El Tri fue fundado por Alex Lora en 1985 tras la transición de Three Souls In My Mind. Con más de 30 millones de discos vendidos en todo el mundo, el grupo se consolidó como uno de los proyectos musicales de mayor alcance del rock en español.

La banda ha sido pionera en abordar temas sociales, políticos y urbanos en México a través de sus letras, convirtiéndose en la voz de varias generaciones. A lo largo de su carrera, El Tri ha grabado 55 álbumes y ha realizado giras internacionales, tocando en países como Estados Unidos, Perú, Chile y en varias ciudades de Europa.

Han recibido reconocimientos como el Grammy a la Excelencia Musical y han llevado su música a escenarios emblemáticos, como el Palacio de los Deportes en la Ciudad de México, donde celebran sus aniversarios con conciertos masivos. En Perú, la banda fue homenajeada por sus presentaciones históricas, como la de la Playa del Silencio ante 200 mil personas.

Cada nueva producción genera expectativa global y la reciente entrevista concedida a Apple Music por Mick Jagger, Keith Richards y Ronnie Wood, junto al productor Andrew Watt, ofrece una radiografía precisa de la dinámica creativa, el legado de la banda y los desafíos de mantenerse vigente tras seis décadas de historia.

Según lo reportado por Apple Music, los artistas abordaron desde el proceso de grabación de sus últimos discos hasta la manera en que la convivencia y las nuevas tecnologías impactan en la evolución del grupo.

El diálogo entre los miembros de la banda y el periodista Zane Lowe permitió entender los mecanismos internos que permitieron a The Rolling Stones no solo sobrevivir a las modas, sino también reinventar su propio sonido.

La conversación recorrió temas como la importancia del ambiente en el estudio, la memoria de Charlie Watts y el aporte de músicos invitados, así como la manera en que la amistad y el espacio personal se convirtieron en una fórmula para la permanencia del grupo.

Crear sin mirar atrás

Durante la entrevista, Jagger se refirió al proceso de creación de los últimos trabajos del grupo y puso como ejemplo “Foreign Tongues”, el álbum lanzado el 10 de julio de 2026. Según explicó, la grabación estuvo marcada por una dinámica de trabajo rápida y colaborativa, con el objetivo de evitar que las dudas interrumpieran el desarrollo de las canciones.

“En el último álbum, en vez de pasar noches enteras componiendo, aplicamos una especie de ‘bulldozer approach’. Así, nadie tiene demasiado tiempo para deconstruir una canción o frenarla con dudas. La consigna era hacer, probar y después decidir si servía o no”, relató el cantante.

Esta metodología, según el propio cantante de 82 años, fomenta la espontaneidad y permite que cada integrante deje su sello personal en las canciones.

El ambiente o la sala de grabación también ocupa un lugar central en la filosofía de la banda. Richards señaló que cada estudio ofrece su propia resistencia o bienvenida, y que el resultado depende del “carácter” del lugar.

“Hay salas donde hay que pelear, y otras que parecen recibirte. Al final, todas terminan siendo grandes salas después de que las domás”, afirmó el guitarrista de 82 años. El productor Andrew Watt, por su parte, fue destacado como una pieza clave para canalizar la energía del grupo y recordarles detalles de su propio legado creativo.

El legado de Charlie Watts y el recambio en la batería

El recuerdo de Charlie Watts está presente en la nueva etapa de la banda. Wood detalló cómo, en las sesiones previas en París, lograron registrar hasta nueve canciones en un solo día junto a Watts, dejando material inédito que preserva su estilo.

“Charlie simplemente decía ‘dame la siguiente canción’ y seguía tocando. Mucho de lo que grabamos nos sirvió para este disco”, relató el bajista de 79 años en la conversación para Apple Music.

La incorporación de Steve Jordan fue recomendada por el propio Watts, según compartió Richards: “Si alguna vez iba a trabajar con otro baterista, debía ser Steve. Él es un gran admirador de la forma de tocar de Charlie, creció escuchándolo, así que hay una apreciación mutua en el estudio”.

Las grabaciones de Watts aún forman parte de la identidad de la banda, y su estilo, que fusionaba el swing del jazz con la discreción en el rock, sigue influyendo en la manera de abordar los nuevos temas.

Química interna y evolución musical

La colaboración entre Ronnie Wood y Keith Richards se describe como una conversación permanente entre guitarristas que saben cuándo avanzar y cuándo retirarse en la ejecución.

“Keith es predecible para mí porque cuando empieza un riff va a sostenerlo, y yo puedo decorar sobre esa base”, explicó Wood. Richards lo resumió con una metáfora: “Él es el pastel y yo el glaseado”.

El proceso de consolidar una canción dentro de la banda inicia con demos y arreglos precisos de groove y estructura. Jagger subrayó que el ritmo y la interacción entre batería, bajo, guitarras y voces son esenciales para que el resultado “funcione”.

La experimentación, sin perder el sello propio, también se manifiesta en la apertura a nuevas tecnologías. El videoclip de “In the Stars” utiliza inteligencia artificial, un recurso que sorprendió incluso a los propios integrantes. Richards reconoció que “no sé lo suficiente de IA para hablar, pero es una aventura en sí misma”.

En los últimos años, la banda sumó colaboraciones con figuras como Paul McCartney y Robert Smith. Jagger comentó sobre la participación de McCartney en “Covered In You” que “no lo reconocería por su estilo actual. Tampoco sabía que podía tocar en plan punk tan simple como queríamos. Tiene una gran capacidad para cambiar de registro”.

La convivencia y el secreto de la permanencia

El tema de la longevidad del grupo fue central. Richards atribuyó la continuidad de The Rolling Stones a “una vida saludable y acostarse temprano”, una declaración que ya se viralizó en redes sociales.

Wood sumó otra clave: mantener una distancia saludable entre los miembros fuera del estudio. “No saturamos el tiempo juntos. Cada uno vive su vida y cuando nos reunimos, es como si no hubiera pasado el tiempo. Volvemos a ser chicos traviesos en el estudio”, indicó Wood.

La amistad entre Jagger y Richards es señalada como un pilar de la banda. El guitarrista lo describió como “un matrimonio en cierto modo”, donde el gusto compartido por la música es la base de todo.

Jagger reconoció que parte del éxito radica en no haber convivido de forma continua: “Vivir separados los últimos años ayudó a mantener renovados nuestros encuentros”.

The Rolling Stones sigue definiendo su presente entre el homenaje a su historia y la búsqueda de nuevos sonidos. La banda no descarta futuros discos y mantiene la expectativa de volver a la carretera, como anticipó Richards: “El año que viene está totalmente abierto, así que es cuestión de esperar el llamado”.

Bob Geldof y su novia, Paula Yates, estaban haciendo lo mismo que hacían todas las noches: mirar la BBC. Un informe de cuatro minutos sobre la grave situación humanitaria en Etiopía captó la atención de él. Las imágenes daban cuenta de la hambruna de ese país en un continente al que el mundo trataba como si fuera otro planeta, distante y desconocido. Esos cuatro minutos iban a cambiar la historia de la música.

Geldof, irlandés, cantante, compositor y, por ese entonces, líder de The Boomtown Rats, llamó a su amigo Midge Ure, el frontman de Ultravox. Acababa de tener una idea que, a la luz de cómo terminó ese impulso, resultaría demasiado modesta: escribir una canción, convocar a artistas importantes para grabarla, y donar las regalías a Etiopía.

La idea era novedosa y también era riesgosa. El rock no tenía aceitado ningún mecanismo enfocado en la solidaridad. Más bien era un género que, en algunos casos, denunciaba y miraba con cinismo al sistema, aunque nunca tanto como el punk. Pero no actuaba colectivamente sobre eso que denunciaba. No sólo porque no había construido sus herramientas para hacerlo, sino también porque el mundo del rock no debía verse como un mundo empático, frágil, conmovido. Y porque cada estrella cuidaba lo suyo: la guerra de egos era una constante.

Dos canciones y un plan

Pero aunque el rock era todo eso, Geldof insistió y el plan se puso en marcha. Sting, Phil Collins, Bono, Boy George y George Michael fueron algunos de los que le pusieron la voz al single “Do they know it’s Christmas?”, que alcanzó el primer lugar en los rankings en los días previos a la Navidad de 1984.

Meses después, el modelo fue replicado en Estados Unidos: Michael Jackson y Lionel Richie escribieron nada menos que la histórica “We are the world”, y junto al emblemático productor Quincy Jones convocaron a Bob Dylan, Bruce Springsteen, Stevie Wonder, Cindy Lauper, Paul Simon, Billy Joel y otras grandes estrellas para grabarla en una sola sesión tras la entrega de los Grammy de 1985.

Esa noche, Quincy Jones, un trompetista virtuoso y el histórico productor que acompañó a Michael Jackson a convertirse en el rey del pop, le presentó a su plantel de súper estrellas al inspirador del proyecto: Bob Geldof. Geldof no dudó y dio un discurso estremecedor sobre el hambre en África. Habló del hambre, dio cifras insoportables y llamó a todos esos artistas a accionar en contra de esa masacre. Lo aplaudieron y parecían convencidos de hacerlo.

Unas horas después, el líder de The Boomtown Rats, volvió a hacerse del micrófono sin que nadie se lo diera y gritó. Empezó a quejarse del lujoso catering que estaban consumiendo. Alguien lo interrumpió para aclararle que el catering era una donación. Geldof no volvió a usar el micrófono esa noche. Y se quedó pensando. Ambos singles, el grabado en Inglaterra y el que se había editado en Estados Unidos, habían recaudado decenas de millones de dólares. Estaba seguro de que podía hacerse más.

El hombre que insistió hasta que le dijeron que sí

En marzo de 1985, cada vez más enfocado en lograr un cambio más grande para ese país que lo había desvelado en el informe de la BBC, Geldof se reunió con Harvey Goldsmith, el promotor de rock más importante del Reino Unido.

Le propuso algo que Goldsmith consideró directamente imposible: un recital simultáneo en dos continentes, con los mayores artistas del mundo de la música sobre el escenario. Goldsmith intentó disuadirlo: juntar a tanta gente era inviable, la coordinación entre Europa y Estados Unidos sería dificultosísima, y los egos de los artistas más grandes terminarían de imposibilitar el plan.

Geldof asintió con la cabeza y cuando Goldsmith terminó de hablar le dijo: “Creo que el 13 de julio es una buena fecha. Ya averigüé y Wembley está disponible”. El histórico Live Aid ya era una idea imparable.

Esa misma tarde, una discográfica le cedió una oficina y Geldof se puso a trabajar. Lo primero fue contactar a Bill Graham, el mítico promotor musical norteamericano, que sería el hombre clave al otro lado del Atlántico. Después vino el obstáculo más difícil: convencer a los artistas y lidiar con sus aires de grandes estrellas.

El éxito de los singles benéficos había ablandado a algunas de las grandes figuras. Pero, aunque hoy parezca increíble, en ese entonces nadie quería excederse en sus demostraciones de empatía y fragilidad. El rock, el verosímil con su público y el negocio que llevaba implícito, consistía en ser “chicos malos”.

Geldof utilizó un recurso muy simple y muy eficaz. A cada nombre importante que contactaba le aseguraba que otras grandes estrellas ya habían aceptado, y remataba siempre con la misma pregunta: “¿Vos te vas a quedar afuera?”. A Sting le dijo que Elton John y Billy Joel ya se habían sumado. Cuando habló con Elton, le informó que los primeros en aceptar habían sido Sting y Billy Joel.

El mismo método funcionó con las cadenas televisivas. NBC y CBS rechazaron la propuesta. ABC era la última opción. Al iniciar esa reunión, Geldof explicó que no podía comprometerse porque había prometido a NBC comunicarle cualquier oferta superior. ABC aceptó.

Reducir costos, agrandar la marquesina

El problema dejó de ser conseguir artistas y pasó a ser rechazar propuestas de grupos con enorme convocatoria sin destruir relaciones: ya no había lugar para tantos. El presupuesto original bajó de 20 millones de dólares a 4 gracias a donaciones, ahorros y presiones para abaratar los costos. Cuando llegó una factura de 15 mil dólares por placas conmemorativas de agradecimiento, Geldof amenazó con despedir a todo el equipo de producción norteamericano. En apenas un rato, esa misma factura bajó a 5 mil.

La recaudación se estructuró en cuatro rubros: las casi 200 mil entradas de ambos estadios —que se agotaron en horas—, los derechos televisivos vendidos a 150 países, el merchandising y las maratones televisivas que se organizaron para poder recibir donaciones por esa vía.

Geldof exigió que en cada país importante de Europa, Asia y América hubiera centros de recaudación simultáneos al show. Cuando algunos países se resistieron, amenazó con retirarles los derechos de transmisión. Hubo 22 maratones televisivas alrededor del mundo.

Wembley y Philadelphia

El estadio de Wembley, en Londres, era el escenario más grande que el Reino Unido podía ofrecer y estaba preparado para 72 mil personas. El estadio JFK de Philadelphia, elegido para la pata estadounidense del enorme evento solidario, tenía capacidad para 99 mil. El 13 de julio de 1985 los dos estaban repletos.

A las doce del mediodía en Londres —las siete de la mañana en Philadelphia— una voz anunció: “Son las 12 en punto en Londres, las 7 de la mañana en Estados Unidos, y en todo el mundo, es hora del Live Aid”. Llegaron nada menos que los príncipes de Gales, Carlos y Diana. La banda Coldstream Guards tocó el saludo real. Y a continuación salió a escena Status Quo, que abrió el show con “Rockin’ All Over The World” ante 72 mil personas que llevaban horas en las tribunas, esperando por los primeros acordes.

Lo que siguió fue una sucesión de presentaciones que, en total, duraron dieciséis horas imparables y que batieron todos los records. Ni la final del Mundial de 82 ni los Juegos Olímpicos de Los Ángeles 84 habían llegado a los 1.500 millones de espectadores televisivos de todo el mundo que tuvo ese día el Live Aid. Algunos artistas encontraron sobre esos escenarios su consagración definitiva. Y algunos otros hicieron algo entre una presentación mediocre y un papelón.

Un desconocido ante el micrófono

La apertura del show en el estadio JFK fue una de las perlas de la jornada. El primer artista en subir al escenario norteamericano fue un chico de 18 años con rulos, una armónica colgada al cuello y una guitarra. Se presentó como Bernard Watson. Su nombre real era David Weinstein y sus antecedentes artísticos eran prácticamente nulos.

Cuando escuchó en la radio que se realizaría el concierto en Philadelphia, consideró, sin motivos artísticos pero sí con mucha determinación, que él era el indicado para abrirlo. Se instaló en el estacionamiento del estadio JFK y durmió ahí durante varios días esperando cruzarse con el productor Bill Graham para convencerlo.

Antes de llegar al promotor, lo encontraron algunos periodistas que publicaron su historia como una curiosidad en un recuadro de la sección de espectáculos del diario local. A media mañana, Graham mandó a un emisario con un cassette para conocer su música. Diez minutos después, el propio Graham bajó al estacionamiento con una bandeja de comida y le dijo: “Comé que tenés que estar bien para el sábado. Parece que vas a abrir el show… ¿o pretendés ser el que lo cierre?”.

Bernard Watson abrió el Live Aid en Estados Unidos y, después de su presentación, le cedió el escenario al actor Jack Nicholson, que leyó un discurso sobre el escenario del hambre en África y especialmente en Etiopía. “Nunca estuve tan nervioso en mi vida, por suerte traje anotado todo lo que quería decir”, dijo el actor de El resplandor tras dirigir sus palabras a casi 100.000 personas. Lo que siguió fue la presentación de Joan Baez, que le dijo al público: “Disfruten, este es su Woodstock”.

Luces y sombras

En Wembley, Geldof tocó con sus Boomtown Rats y en el momento en que la letra decía “and the lesson today is how to die” (“y la lección de hoy es cómo morir”), levantó el puño izquierdo e hizo una pausa. El estadio estalló. Midge Ure tocó con Ultravox. Sade fue el primer gran deslumbramiento en el estadio.

Elvis Costello subió solo con una guitarra eléctrica y tocó un himno a la unión de los seres humanos: “All you need is love”, de los Beatles. Sting y Phil Collins hicieron un set conjunto que incluyó una versión acústica de “Every breath you take”.

Phil Collins tuvo el día más agitado de todos. Fue el único artista en tocar en los dos escenarios. Después de su actuación en Wembley, una moto lo llevó al aeropuerto, cruzó el Atlántico sobre un Concorde —usó esas tres horas de vuelo para repasar las canciones de Led Zeppelin— y subió al escenario en Philadephia.

U2 todavía no era una de las bandas más importantes del planeta. El Live Aid les valió esa consagración.. Tocaron “Sunday bloody sunday” y el público enloqueció. En la segunda canción de su show, “Bad”, Bono empezó a hacerles señas a los encargados de seguridad: les marcaba una zona del público.

Como no lo entendieron, bajó del escenario y se acercó a una chica de 15 años que estaba siendo asfixiada por la presión de la multitud. La abrazó, bailó unos segundos con ella y volvió al escenario para terminar una versión de más de diez minutos de la canción del disco “The unforgettable fire”.

No tuvieron tiempo para la tercera canción pero no importó: la presentación de U2 había sido extraordinaria en todos los sentidos posibles, y la chica del público contaría en 2005 que Bono le había salvado la vida.

Led Zeppelin fue quizás el momento más esperado del show en Estados Unidos. Se presentaron como Page, Plant y Jones —sin John Bonham, muerto en 1980, no podían llamarse formalmente Led Zeppelin— con Tony Thompson de Chic en la batería y Phil Collins como segunda batería, en una combinación que casi no habían ensayado.

La presentación fue desastrosa. Page, el eximio guitarrista de la banda, estaba en pésimo estado. Plant desafinaba. John Paul Jones intentaba mantener la estructura de las canciones con su bajo, pero era un trabajo imposible. Los propios Page y Plant se opusieron a que su actuación fuera incluida en el DVD del evento que se editó años después: había sido un papelón.

Madonna también tuvo una mala noche en Philadelphia. Antes de salir al escenario, alguien le dijo que en los pasillos se rumoreaba que lo más poderoso de sus shows era que se sacaba la ropa y no mucho más. Salió a escena enojada y desconcentrada: dio un espectáculo correcto pero sin toda la potencia y el histrionismo de los que es es capaz.

Bob Dylan fue el encargado de cerrar el show en Estados Unidos. Keith Richards y Ron Wood fueron sus acompañantes. La falta de ensayo y un Dylan disperso hicieron que la presentación fuera bastante olvidable. Durante “Blowin’ in the wind”, Dylan rompió las cuerdas de su guitarra. Ron Wood, en un gesto de amistad, le dio la suya y se quedó sin instrumento hasta que le trajeron uno de repuesto.

Del otro lado del océano, Paul McCartney cerró la presentación en Wembley con “Let it be” al piano. El micrófono falló durante los primeros dos minutos. El público reclamaba a gritos. McCartney tuvo que repetir versos y estrofas mientras los técnicos intentaban arreglar el sonido.

Sus acompañantes —David Bowie, Pete Townshend, el mismísimo Geldof— se equivocaron repetidamente en la letra. Fue un final incluso más caótico que el de Dylan, su guitarra rota y su desgano. McCartney tuvo que volver a grabar su voz para la edición en DVD del show.

Queen, veinte minutos para la historia

Todos los artistas tenían veinte minutos para estar sobre el escenario. Pero nadie los aprovechó como Queen. Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon salieron al escenario de Wembley y tocaron algunas estrofas de “Bohemian Rhapsody”. Siguieron “Radio Ga Ga”, “Hammer to fall”, “Crazy little thing called love”, “We will rock you” y “We are the champions”. Fue una avalancha de hits, una presentación arrolladora en la que Freddie Mercury se adueñó del público, de sus voces, de sus estados de ánimo.

No era el mejor momento de Queen en términos de popularidad. La prensa norteamericana no los trataba bien y la banda venía de años complicados, sobre todo en cuanto al vínculo entre ellos.

Pero en Wembley nada de eso importó. Aprovecharon su oportunidad y dieron el show de sus vidas. En una encuesta hecha a nivel global varios años después, la actuación de Queen en el Live Aid fue elegida el mejor concierto de rock de todos los tiempos, con el 79% de los votos.

100 millones de dólares y denuncias

Mientras Queen tocaba, el festival ya había recaudado más de un millón de libras esterlinas. La recaudación total del Live Aid superó los 100 millones de dólares. Fue transmitido en directo en más de 72 países. El dinero fue administrado por la fundación Band Aid Trust, creada por Geldof y destinada a la lucha contra el hambre en África.

Años después surgieron denuncias de que parte de los fondos enviados a Etiopía habían sido utilizados por el gobierno de ese país para comprar armas y financiar traslados forzosos de población en el marco de un programa de “reasentamiento” que dejó miles de muertos.

La BBC realizó una investigación al respecto. Geldof salió a desmentirlo con dureza y la BBC terminó publicando una disculpa antes de cada informativo luego de que se demostrara que las acusaciones contra Band Aid eran falsas.

Veinte años después del Live Aid, Geldof organizó el Live 8, otro mega concierto con fines benéficos. En el camino fue nombrado Caballero de la Corona y nominado varias veces al Premio Nobel de la Paz. Cada tanto se queja amargamente de que su labor filantrópica opacó su carrera como músico. Dijo, textualmente: “De no ser por el Live Aid yo hoy sería como Sting”

Después de aquel histórico 13 de julio de 1985, esa fecha se convirtió en el Día Mundial del Rock. Es que, aunque ese género musical parecía no querer saber nada con mostrarse solidarios, frágiles y empáticos, finalmente se brindaron a un objetivo común que iba más allá de todos los egos. Mostraron el corazón en vez de los dientes.

Alex Lora celebra 56 años de carrera y, al mismo tiempo, renueva votos con Chela tras 46 años de matrimonio con espectacular concierto en CDMX. El Tri se presenta el 25 de julio en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México con su Tour Adicto al Rocanrol, el concierto con el que

Los boletos en Ticketmaster van de $620 a $2,604 pesos, aún con disponibilidad.

Tijuana abre el mes: El Tri toca esta noche

Antes de llegar a la capital, la banda tiene una parada esta noche en Tijuana. El show arranca a las 21:00 horas en el Audiorama El Trompo (Libramiento los Insurgentes, Río 3ra. Etapa), con entradas desde $272 pesos en General de Pie hasta $1,150 pesos en VIP Butaca, más cargos por servicio.

Los boletos se consiguen directamente con el recinto. Más información en el Facebook de El Trompo o al teléfono (664) 634-3476.

CDMX, 25 de julio: fecha, horario y cómo llegar al Palacio de los Deportes

El Tri llega al Palacio de los Deportes (Añil 667, colonia Granjas México, alcaldía Iztacalco) el 25 de julio a las 21:00 horas. El recinto se ubica a una cuadra de la estación Velódromo de la Línea 9 del Metro.

El show está pensado como un repaso de grandes éxitos, con un repertorio orientado al público que sigue a la banda desde hace décadas.

Boletos: precios y disponibilidad en Ticketmaster

Los boletos para la fecha en la Ciudad de México se venden en Ticketmaster. El precio más accesible parte de $620 pesos, mientras que la opción más cara llega a $2,604 pesos.

La disponibilidad es escasa. En plataformas de reventa, el precio de entrada ya supera los USD 360 por boleto y al menos un sitio reporta agotamiento total, aunque con posibilidad de liberación de lugares adicionales.

León, el siguiente destino: Rockstar Fest el 31 de octubre

El 1 de julio, Alex Lora confirmó la participación de El Tri en el Rockstar Fest Vol. 3 en León, Guanajuato. El festival se realizará el 31 de octubre en la Velaria de la Feria, con boletos desde $700 hasta $14,800 pesos según la zona.

Las entradas se adquieren en sucursales de Rockstar Burger o en línea a través de Rockstar Ticket.

La bioserie que Alex Lora y Chela ya tienen en mente

En paralelo a la gira, la pareja adelantó en Venga la Alegría su intención de producir una bioserie sobre la historia de El Tri. El proyecto tomaría como punto de partida el Festival Rock y Ruedas de Avándaro de 1971, donde Lora y Chela se conocieron.

“En el 71 que nos conocimos, que fue en el Festival de Avándaro y que donde la verdad nació toda esta historia de amor y de trabajo y de rocanrol y todo, la verdad sí es una historia que se tiene que contar”, dijo Chela a ese programa.

Para interpretarlo en su etapa actual, Alex Lora mencionó al actor César Bono como opción. “Siempre me han dicho que si soy el maestro César Bono, por la voz y por la horma. Entonces, el maestro Bono, pues podría ser el Alex Lora ya de esta época”, señaló el músico.

Una boda en el escenario: la renovación de votos número 13

El 25 de julio no solo será una noche de rock. Alex Lora y Chela Lora renovarán sus votos matrimoniales en pleno escenario del Palacio de los Deportes, ante miles de fanáticos, en lo que será su decimotercera ceremonia desde que se casaron en 1980.

La celebración será oficiada por el monseñor Darío Monroy, sacerdote que ha acompañado a la pareja en varias de sus renovaciones anteriores. Lora explicó que la idea surgió al recordar a Sly Stone, quien se casó en el Madison Square Garden en 1974 durante un concierto. “Que alguien renueve votos o se case en la tocada, yo creo que será la primera vez” en la historia del rock mexicano, dijo el músico a Venga la Alegría.

“A pesar de los chismes, las envidias, la satanización, la prohibición, todo lo que hemos tenido que sobrevivir para seguir adelante, aquí seguimos tan frescos como hace 55 años”, añadió Lora.

El setlist y el cierre europeo de la gira

El repertorio del 25 de julio reunirá clásicos de distintas etapas de la banda: Triste Canción, Las Piedras Rodantes, Niño Sin Amor, Pobre Soñador, Metro Balderas y Cuando tú no estás forman parte del setlist previsto, según información del sitio Stadibox y del portal El Club del Rock.

La gira Adicto al Rocanrol arrancó el 12 de octubre de 2025 en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México con la Orquesta Filarmónica Esperanza Azteca, y cerrará el 12 de octubre de 2026 en Barcelona, como parte de una travesía europea de 11 ciudades que coincidirá con el aniversario de la primera presentación de Lora, ocurrida ese mismo día de 1968.

Para entender el peso de esa pregunta, conviene recordar de dónde vienen. Los Rolling Stones se formaron en Londres en 1962 -hace 64 años- con una vocación declaradamente blues: eran cinco jóvenes de los suburbios del sur inglés que querían sonar como Muddy Waters y Chuck Berry, y que encontraron en esa aspiración una identidad tan sólida que todavía los sostiene. Entre 1968 y 1972 produjeron una de las rachas más celebradas de la historia del rock: Beggars Banquet, Let It Bleed, Sticky Fingers y Exile on Main St., cuatro álbumes consecutivos que la crítica especializada considera el pico creativo de la banda y, para muchos, de todo el género. Exile..., grabado en parte en una villa alquilada en el sur de Francia durante el exilio fiscal de los por entonces revoltosos rockers, ocupa el puesto número 7 en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone, y fue el primero en llegar simultáneamente al número 1 en el Reino Unido y los Estados Unidos.

Lo que vino después, sin ofender, fue más irregular. Luego de Some Girls (1978) —que absorbió el punk y la disco de Nueva York con una agilidad que sorprendió a propios y extraños— la banda entró en una zona de turbulencias que incluyó disputas personales, la salida del bajista Bill Wyman en los años 90, y una sucesión de álbumes que la crítica describió con términos que iban de “correctos” a “prescindibles”. Dirty Work (1986) y Voodoo Lounge (1994) son los ejemplos más citados de esa etapa de rendimiento decreciente. La banda siguió siendo el espectáculo en vivo más taquillero del planeta, pero sus discos dejaron de ser eventos culturales para convertirse en productos de catálogo.

Esa trayectoria hace que la última etapa de los Stones sea difícil de encuadrar con los parámetros habituales de la crítica. Hackney Diamonds, lanzado en 2023 tras 18 años sin canciones originales, fue recibido con una mezcla de alivio y genuina sorpresa: sonaba a una banda que había vuelto a encontrar placer en el proceso de grabar. Ganó el Grammy al mejor álbum de rock en 2025 y debutó en el número 3 en los Estados Unidos. Foreign Tongues llega tres años después, producido nuevamente por Andrew Watt, y la pregunta ya no es si los Stones pueden hacer un buen disco a esta edad, sino qué tipo de disco pueden —y quieren— hacer.

La respuesta es, en términos generales, la misma que dio su antecesor: un disco que suena a los Stones siendo los Stones, con el blues como eje gravitacional y la sensación de que la música se toca en una habitación real. El productor Andrew Watt, que además de producir obtuvo créditos de composición junto a Jagger y Richards (nada menos), vuelve a funcionar como custodio del sonido de la banda: Richards mezclado a la izquierda, Wood a la derecha, las guitarras en el centro, sin Dust Brothers ni experimentos electrónicos que distraigan. El álbum fue grabado en menos de un mes, un dato que habla tanto de la eficiencia del trío como de la acumulación de material que quedó fuera de Hackney Diamonds.

El disco abre con “Rough and Twisted”, una bocanada de blues que referencia a Muddy Waters desde el primer verso y establece el tono de lo que vendrá. La canción tiene la misma arquitectura de siempre: guitarras que se entrecruzan con calculada aspereza, el ritmo como columna vertebral, y Jagger al frente con una voz que, a los 82 años, se puede calificar tan proyectada y precisa como cuatro décadas atrás. Esa voz es, en sí misma, uno de los datos más distinguibles de procesar del álbum.

Pero hay otros ángulos de análisis. La dimensión política es donde Foreign Tongues se juega su apuesta más arriesgada. Desde “Street Fighting Man” (1968), que capturó el espíritu insurreccional de mayo del 68 en París, hasta “Gimme Shelter” (1969), cuya atmósfera de amenaza latente se convirtió en el soundtrack involuntario del asesinato en Altamont, los Rolling Stones han documentado el malestar de su época con una precisión que sus contemporáneos rara vez igualaron. “Undercover of the Night” (1983) y “Sweet Neo Con” (2005) completaron esa línea. Foreign Tongues la continúa, esta vez con los Estados Unidos de 2026 como blanco principal.

En “Ringing Hollow”, una balada country con influencia de Gram Parsons que varios críticos señalan como el momento más logrado del disco, Jagger recorre el paisaje cultural estadounidense con la mirada de alguien que lo amó antes de conocerlo —a través de sus películas y sus cigarrillos— y que ahora lo ve deteriorarse. “Lady Liberty don’t look so good when there’s a tear in her gown” (Lady Liberty no se ve tan bien cuando hay un desgarro en su vestido) canta. En “Covered in You”, donde Paul McCartney toca el bajo -como un sesionista, bromeó el beatle-, se despierta “harto de todos estos autócratas” que se reproducen “como una plaga de ratas sucias con sus misiles en desfile”. Y en “Mr. Charm”, un himno al seductor con pulso punk, aparece la referencia más explícita del álbum: “mad mogul Mr. Musk”, una referencia directa a Elon Musk que no necesita de nombres completos para hacer blanco.

La ironía de un multimillonario que critica a otros multimillonarios no pasa inadvertida, aunque a esta altura resulta bien sabido que el señor Jagger nunca reconoce en una canción su propia posición de privilegio. Esa omisión no invalida las canciones, pero les pone un asterisco que vale la pena registrar. Los Rolling Stones han construido con envidiable precisión y durante seis décadas, una imagen de outsiders que convive, sin demasiada tensión aparente, con su condición de empresa multinacional y multimillonaria. Foreign Tongues no hace nada por resolver esa contradicción, ni falta que hace.

Lo que sí resulta genuino, y donde el álbum gana su argumento más sólido, es en el tono elegíaco que recorre varias de sus canciones. La muerte del baterista Charlie Watts en agosto de 2021 reconfiguró silenciosamente la banda. Watts era, según la descripción más repetida entre músicos y críticos, el ancla rítmica que mantenía la estructura mientras Jagger y Richards se permitían cualquier exceso. Su ausencia física no se traduce en un hueco sonoro —Steve Jordan toca en la mayoría de los temas con solvencia y personalidad— pero sí en una presencia espectral que el disco administra con inteligencia. En “Hit Me in the Head”, un rock de ruta grabado en 2021, la batería de Watts aparece desde el archivo, meses antes de su muerte, como el gesto más explícito del álbum sobre su propio tema de fondo: la conciencia de que esta formación tiene fecha de vencimiento.

Esa conciencia impregna también “Some of Us”, la canción que Keith Richards canta en voz principal y que, según el propio productor Watt, fue “rescatada del archivo” de material sin publicar que data de los años 80. La voz de Keef ya no disimula el esfuerzo, y eso es exactamente lo que la hace funcionar: “Some of us are on our knees, begging, baby” (Algunos de nosotros estamos de rodillas, suplicando, cariño) canta, y la frase tiene el peso de alguien que habla de rodillas propias. Wood, por su parte, entrega el solo de cierre de “Back in Your Life” con una intensidad que Jagger celebra en la grabación con un “¡Vamos, Ronnie!” que quedó en la mezcla final. Son los momentos en que el disco baja la guardia y deja ver algo más que oficio.

La variedad estilística del álbum es real, aunque no siempre convincente. “Jealous Lover” es un número de disco slinky en la tradición de “Miss You” o “Emotional Rescue” (con video protagonizado por la actriz semiargentina Anya Taylor-Joy); “Never Wanna Lose You” suma -créase o no- a Robert Smith de The Cure en sintetizadores para una fiesta crypto-disco donde Jagger ladra y gruñe con inusual diversión; “Divine Intervention” tiene un solo de guitarra de Wood sobre el que Jagger describe “billonarios corriendo hacia sus búnkeres en el cielo”. La lista de invitados es extensa —McCartney, Smith, Winwood, el organista de los Heartbreakers Benmont Tench, el baterista de los Red Hot Chili Peppers Chad Smith y Bruno Mars en un cowbell prácticamente inaudible— y genera más preguntas que respuestas. Es dable de pensar que todos esos nombres aportan más a la narrativa de prensa que al sonido del disco.

El álbum incluye también una versión de “You Know I’m No Good” de Amy Winehouse, donde Jagger saca la armónica y canta en un registro más agudo que el de la compositora original, y un homenaje a Chuck Berry con “Beautiful Delilah”, que cierra el círculo de influencias de una banda que nunca fingió haber inventado el rock, solo haberlo llevado más lejos que casi todos. Esa fidelidad al origen —el blues de Chicago, el rhythm and blues del sur de los Estados Unidos, el Chuck Berry de St. Louis— es lo que da coherencia a un catálogo de 64 años y 25 álbumes.

Por supuesto que Foreign Tongues no iguala la racha de Beggars Banquet a Exile on Main St., ni alcanza la altura de Some Girls. Tampoco lo pretende, y esa honestidad estructural es parte de lo que lo hace funcionar. Junto a Hackney Diamonds, representa el material más consistente de los Stones en al menos tres décadas, y el hecho de que exista —grabado en menos de un mes por tres adultos mayores— es en sí mismo un dato que el rock, como género, no tenía precedentes para procesar. Mientras tanto, millones de personas en el mundo, clickean “play” y la magia vuelve a ocurrir.

Caifanes anuncia cuatro conciertos en México entre julio y diciembre de 2026, todos a las 9:00 p.m., como parte de la “Gira de la gratitud” con la que la banda celebra casi cuatro décadas de trayectoria.

La primera parada es el 11 de julio en el Estadio GNP Seguros de la Ciudad de México, donde el grupo liderado por Saúl Hernández interpretará temas que han marcado generaciones, entre ellos Mátenme porque me muero y Cuéntame tu vida.

Los boletos están disponibles en Ticketmaster y taquillas del recinto.

Zapopan y Monterrey, en la ruta de la gira

La banda llegará al Auditorio Telmex de Zapopan, Jalisco, con dos fechas consecutivas: 16 y 17 de octubre. La primera función ya registra poca disponibilidad; la segunda está agotada, según Ticketmaster a la fecha 1 de julio del 2026.

El cierre de la gira en México está programado para el 12 de diciembre en el Auditorio Banamex de Monterrey, Nuevo León. Los boletos para esa fecha se consiguen a través de la misma plataforma y en las taquillas del recinto.

Una gira concebida como agradecimiento

La “Gira de la gratitud” apunta al aniversario que la agrupación cumplirá en enero de 2027. En entrevista con La Jornada, Hernández explicó el espíritu de la iniciativa: “Sería un gracias por estar con nosotros, por compartir lo que tenemos, lo que somos”.

El músico de 62 años señaló que la clave para mantenerse vigentes ha sido conservar la ilusión de los primeros años, cuando tocaban en foros como Rockotitlán y el Bar 9. También hizo un llamado a impulsar más espacios para bandas emergentes en la Ciudad de México.

La alineación actual de Caifanes

La banda llega a esta etapa con una formación integrada por Hernández, Diego Herrera, Alfonso André, Rodrigo Baills y Marco Rentería. El propio Hernández adelantó que el grupo mantiene el interés por crear música inédita y continuar explorando nuevos sonidos.

Qué canciones tocarán: el setlist probable

Con base en las presentaciones más recientes de la banda en esta misma gira, el repertorio ronda las 20 a 24 canciones y combina sus mayores éxitos con versiones de otros artistas.

Los temas que no han faltado en ninguna fecha son Cuéntame tu vida, Mátenme porque me muero, Viento, No dejes que..., Afuera, La célula que explota, Los dioses ocultos y Miedo.

El show también incluye canciones como Nubes, Para que no digas que no pienso en ti, Aquí no es así y Y caíste, además de versiones de Pachuco —de Maldita Vecindad y Los Hijos del Quinto Patio— y Te lo pido por favor, de Juan Gabriel.

Los momentos que el público espera

Uno de los instantes más celebrados en fechas recientes ha sido el solo de saxofón de Diego Herrera, que en algunos conciertos ha incluido el Himno Nacional Mexicano como puente hacia el encore.

La banda también ha interpretado Viaje astral, originalmente de Jaguares —proyecto alterno de Hernández—, y La negra Tomasa, el clásico de Guillermo Rodríguez Fiffe que Caifanes convirtió en uno de sus sellos de identidad en vivo.

El encore ha funcionado como el espacio para las sorpresas: en fechas previas de la gira, la banda cerró con La célula que explota tras una secuencia de versiones y solos instrumentales.

Casi 40 años de rock mexicano

Caifanes nació en 1987 en la Ciudad de México en un momento en que el rock enfrentaba censura y rechazo por parte de la industria musical del país. Desde sus primeras presentaciones en foros como Rockotitlán y el Bar 9, la banda construyó una identidad sonora propia que mezcló el rock alternativo con influencias del folclor latinoamericano.

Su primer álbum homónimo, que incluye Mátenme porque me muero y Cuéntame tu vida, los posicionó como referentes de una generación. Discos posteriores como El silencio y El nervio del volcán consolidaron canciones que hoy son himnos: Afuera, La célula que explota y Viento.

La agrupación atravesó una separación que se extendió por años, hasta que su reunión relanzó una segunda etapa de vigencia sostenida. Hoy, con Hernández, Herrera, André, Baills y Rentería en la alineación, Caifanes se mantiene como una de las bandas de rock en español con mayor convocatoria en el continente.

La publicación de Blonde on Blonde, en junio de 1966, cerró una trilogía de discos de rock que transformó para siempre la escritura de canciones populares y convirtió al álbum como territorio de exploración artística de largo aliento. Sesenta años después de su aparición, el séptimo disco de estudio de Bob Dylan sigue siendo objeto de estudio, debate y escucha atenta: una obra que nació del fracaso creativo en unos estudios de Nueva York, encontró su química en Nashville -la Ciudad de la Música, capital country- y terminó por redefinir los límites de lo que una canción de rock podía decir y cómo podía sonar.

El camino hacia ese disco no fue lineal. Entre octubre de 1965 y enero de 1966, Dylan y The Hawks —la banda canadiense que poco después se haría conocida como The Band— se encerraron en los estudios de Columbia Records en la Séptima Avenida de Manhattan para grabar el sucesor del mercurial Highway 61 Revisited. Las sesiones se multiplicaron, los músicos alternaban tomas con largas esperas, y el resultado fue casi nulo: de aquellas decenas de horas de trabajo, solo una canción llegó al álbum definitivo. “One of Us Must Know (Sooner or Later)” requirió veinticuatro tomas antes de que Dylan aprobara una versión. “Yo estaba realmente deprimido”, le confió más tarde al biógrafo Robert Shelton.

La salida del atolladero llegó de la mano del productor Bob Johnston. Durante las difíciles sesiones de Highway 61 Revisited, Johnston había presentado a Dylan al multiinstrumentista Charlie McCoy, músico de Nashville que había tocado con todo el mundo, desde Elvis Presley hasta Perry Como. Tras esa primera colaboración, Johnston sugirió trasladar las grabaciones a Tennessee. El mánager Albert Grossman, se opuso: su artista era la encarnación del hipsterismo neoyorquino, y Nashville era la capital del country, un universo percibido como conservador y ajeno a los experimentos del rock. Dylan ignoró la resistencia y aceptó.

Bob Dylan viajó a Nashville en febrero de 1966 acompañado por el tecladista Al Kooper y por el guitarrista Robbie Robertson, el único miembro de The Hawks que participó en las sesiones del álbum. En los estudios de Columbia en Music Row los esperaba un grupo de músicos de sesión de primer nivel: eran instrumentistas habituados al circuito profesional del country y del rhythm and blues sureño, pero apenas conocían al tal Dylan y poco sabían de su música. Eso no importó.

“[Dylan] era el quintaesencial hipster neoyorquino. ¿Qué hacía en Nashville? No tenía ningún sentido. Pero tomas esos dos elementos, los viertes en un tubo de ensayo y simplemente explotan”, recordó Kooper en declaraciones recogidas para un estudio crítico sobre el álbum. El periodista musical Daryl Sanders, autor del libro That Thin Wild Mercury Sound: Dylan, Nashville, and the Making of Blonde on Blonde, (Ese sonido salvaje y agudo como el mercurio: Dylan, Nashville y la creación de Blonde on Blondear) argumenta que la reacción química fue posible porque los músicos de Nashville y Dylan compartían las mismas raíces: el blues, el rock and roll de Chuck Berry y Little Richard, las frecuencias de la emisora de R&B WLAC que atravesaban el sur de Estados Unidos en los años cincuenta. Eran de mundos distintos, pero escuchaban la misma música.

El grueso del álbum se grabó en dos bloques de sesiones: del 14 al 17 de febrero y del 8 al 10 de marzo de 1966, según reconstruyen el especialista Michael Krogsgaard y otros investigadores de los que abundan sobre el archivo discográfico del premio Nobel de Literatura. Entre ambos bloques, Dylan continuó su gira con The Hawks por ciudades como Ottawa, Montreal y Filadelfia, lo que implicaba alternar de manera vertiginosa la intensidad del directo con el trabajo de estudio. El historiador Sean Wilentz señala que la última sesión, en la noche del 9 al 10 de marzo, produjo seis canciones en trece horas de trabajo. Las grabaciones se realizaron en cinta de cuatro pistas, una configuración que favorecía la estética de conjunto y la captura de interpretaciones colectivas vivas, con menos espacio para sobregrabraciones.

El sonido que solo Dylan escuchaba

En una entrevista con Rolling Stone en 1969, Dylan ofreció la descripción más citada de lo que buscaba en ese disco: “Lo más cerca que he estado del sonido que oigo en mi mente fue en determinadas cancions de Blonde on Blonde. Es fino, ese salvaje sonido mercurial. Es metálico y dorado”. El periodista Ron Rosenbaum subrayó que ese comentario no se refería a una técnica de producción, sino a la fuente misma de la creatividad musical de Dylan: un ideal sonoro previo a la composición que venía gestándose desde discos anteriores y que en Nashville encontró, por primera vez, una realización satisfactoria.

Dylan amplió esa descripción en términos casi sinestésicos: el “wild mercury sound” era para él el sonido de la calle a la hora del amanecer, la luz del sol cayendo sobre ciertos edificios, campanas, trenes lejanos, discusiones en apartamentos, el tintinear de cubiertos. Una atmósfera urbana y un estado mental, al mismo tiempo. La materialización concreta de ese ideal dependía del tejido instrumental que los músicos de Nashville construyeron en torno a sus canciones. El crítico Michael Gray, uno de los principales estudiosos de la obra dylaniana, recuerda que cuando escuchó Blonde on Blonde por primera vez en Nueva York en 1966, le sorprendió que el álbum estuviera “saturado de blues”.

La poética de la calle de Bob Dylan

Las letras de Blonde on Blonde operan en una tensión constante entre el lenguaje de resonancias visionarias y el registro coloquial, cotidiano, a veces casi conversacional. Imágenes de fuerte carga simbólica, que remiten al modernismo literario o al surrealismo, conviven con giros lingüísticos sencillos, modismos y escenas de la vida diaria. Este muchacho judío lo tenia claro.

Mike Marqusee, biógrafo de Dylan, señala que el artista consiguió combinar material heredado del blues con técnicas literarias, elevando “los idiomas heredados a una estratosfera modernista”. Michael Gray va más lejos: para él, Blonde on Blonde desafía la noción de una gran división entre alta cultura y cultura popular. Canciones como “Visions of Johanna” incorporan líneas que, en el oído de un oyente formado en esa división, producen la sensación de que se está cruzando una frontera invisible entre el terreno de Beethoven o Goethe y el de los cómics y la cultura juvenil. Esa superposición de referencias fue anticipada por los poetas beat, que mezclaban alusiones literarias con escenas de carreteras y bares. En este álbum, Dylan las radicalizó.

El mismo, elusivo protagonista, subrayó que Blonde on Blonde no contiene “finger-pointing songs”, es decir, canciones de denuncia directa. Su interés se había desplazado hacia las relaciones personales, el deseo, la frustración amorosa y la alienación. Robert Shelton describió el álbum como una colección que “comienza con una broma y termina con un himno”, y en la que el ingenio alterna con un tema dominante de “encierro por las circunstancias, el amor, la sociedad y la esperanza no realizada”. Ese sentido de estar atrapado/estancado —stuck, en inglés— se vuelve literalmente explícito en el título “Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again”, que juega con la redundancia geográfica y emocional para pintar un cuadro de desplazamiento sin salida.

El enigma de “Visions of Johanna”

Entre todas las canciones del álbum, “Visions of Johanna” -una de las más bellas canciones que Dylan jamás haya compuesto- ocupa el lugar más debatido por la crítica. Se cree que la compuso en el otoño de 1965, durante una estancia en el Chelsea Hotel de Nueva York junto a su esposa Sara, que estaba embarazada en aquel momento. La canción despliega estrofas largas y densas, con imágenes encadenadas de forma asociativa y una voz narrativa que oscila entre la descripción, la confidencia y la digresión.

Las lecturas sobre su significado son múltiples. El consenso más extendido ve en Johanna un ideal inaccesible, mientras que Louise encarna el placer y la compañía física, lo que sitúa al narrador en una triangulación entre la mujer presente, el ideal ausente y su propia incapacidad para conciliar ambos planos. El crítico Andy Gill destaca que el enigma de la canción reside en que su letra “siempre se balancea en el borde de la lucidez sin llegar nunca a descifrarse claramente”, y que esa cualidad explica en gran medida su popularidad entre los seguidores más devotos. La música refuerza esa sensación: un tempo reposado, una instrumentación sobria y un fraseo vocal contenido que remiten a la vigilia insomne y al pensamiento errante.

Una portada borrosa y un título sin descifrar

La portada de Blonde on Blonde constituye en sí misma un hito en la historia del diseño de álbumes. La fotografía principal, ligeramente desenfocada, muestra un primer plano de Dylan con bufanda a cuadros sobre fondo urbano. La tomó el fotógrafo neoyorquino Jerry Schatzberg el 28 de enero de 1966, en una sesión en la que Dylan posó con camisa amarilla, chaleco de cuero y pantalones a rayas, y jugó con objetos como un encendedor Zippo, una cruz o un libro sobre pintores flamencos. La imagen elegida para la portada fue tomada al aire libre en un día frío, con el rostro de Dylan ligeramente borroso. Schatzberg pensó que la compañía discográfica jamás aceptaría una portada “borrosa”, pero Dylan impuso su preferencia.

El director de arte John Berg se enfrentó al desafío de diseñar un envase para un doble LP en una época en que ese formato era prácticamente inédito. Su solución fue una portada desplegable —gatefold— donde la fotografía ocupa toda la cara exterior, girada 90 grados. Lo más llamativo: ni el nombre de Dylan ni el título del álbum aparecen en la imagen frontal, solo en letras pequeñas en el lomo. Berg recuerda que fue “la primera vez” que se hacía algo así para un LP.

El título del álbum ha generado tantas especulaciones como las propias canciones. La asociación más obvia remite a “dos rubias”, lo que llevó a sugerir una alusión a un dúo lésbico, o bien a la pareja formada por Brian Jones, guitarrista de Rolling Stones, y su novia Anita Pallenberg, ambos rubios y figuras del swingin’ London de mediados de los sesenta. Otra versión, recogida por el portal Untold Dylan, atribuye la invención del título al escritor flamenco Remo Cremer, quien afirma que, ante la pregunta de Dylan “¿qué rima con blonde?”, él respondió: “¿por qué no Blonde on Blonde?”. El tecladista Kooper, por su parte, situó el origen del nombre en una ocurrencia durante una sesión de mezcla. Ninguna versión puede verificarse del todo, lo que refuerza el carácter enigmático y sugerente del disco. Y de su autor.

Nashville cambió para siempre

El impacto de Blonde on Blonde sobre Nashville como ciudad musical fue inmediato y duradero. En 1966, la ciudad era conocida sobre todo como capital del country, percibida desde los círculos del rock como conservadora y ajena a la experimentación artística. Tras la publicación del álbum, se convirtió en destino para cantautores que interpretaban su propio material: Leonard Cohen, Neil Young, Guy Clark, Townes Van Zandt, The Byrds o Joan Baez, entre muchos otros, llegaron a sus estudios en los años siguientes.

Dylan insistió en que los nombres de los músicos de sesión aparecieran en la cubierta interior del doble LP, un gesto poco habitual en la época que dio visibilidad a instrumentistas que solían permanecer en el anonimato. Esa exposición contribuyó a que la industria del rock considerara Nashville como un lugar válido para proyectos ajenos al country tradicional. La música que Dylan grabó allí entre 1966 y 1970 —que incluye John Wesley Harding y Nashville Skyline— es considerada por la propia Country Music Hall of Fame entre sus trabajos “más influyentes”. El country-rock que explorarían bandas como The Byrds o la propia The Band tiene en Blonde on Blonde uno de sus precedentes más directos. El libro de Sanders, publicado por Chicago Review Press en 2018, argumenta que el álbum es además un documento fundacional de lo que hoy se denomina Americana: esa etiqueta que engloba músicas donde confluyen folk, country, blues y rock.

El primer gran doble álbum del rock

Blonde on Blonde fue uno de los primeros dobles álbumes en la historia del rock. Con 72 minutos y 37 segundos de música repartidos en cuatro caras, el disco exigía a Columbia Records una apuesta económica considerable en un artista de rock relativamente joven. El director de arte Berg recordaba que Dylan llegó con tanto material grabado que simplemente “no cabía” en un solo LP. En paralelo, The Mothers of Invention enfrentaban un dilema similar con Freak Out!, lo que muestra que, casi simultáneamente, diferentes actores de la escena rock empujaban los límites del formato.

La secuencia del álbum construye un arco deliberado: arranca con el tono carnavalesco de “Rainy Day Women #12 & 35” y culmina con “Sad Eyed Lady of the Lowlands”, que ocupa una cara entera del LP y ha sido leída como un himno final. El crítico Tim Riley describió el conjunto como “una abstracción desmesurada de revisionismo del blues excéntrico” que confirma a Dylan como “la mayor presencia del rock estadounidense desde Elvis Presley“. Robert Shelton, por su parte, vio en él “una extraordinaria unión de expresionismo rockero funky y bluesero con visiones a lo Rimbaud de discontinuidad, caos, vacío, pérdida, estar atascado".

De Elvis Presley a Rimbaud, un buen resumen de Bob Dylan.

[Fotos: Sony Music]

Neil Young lanzó esta semana, sin previo aviso y de forma gratuita, un largometraje de concierto de una hora de duración disponible en el canal Neil Young Archives de YouTube. El film, titulado Corduroy Plants (Plantas de pana) fue dirigido por su esposa, la actriz y directora Daryl Hannah, y documenta el tour Love Earth 2025 que la leyenda rocker canadiense realizó junto a su banda, The Chrome Hearts. No hubo comunicado de prensa, ni campaña en redes sociales, ni entrevistas: hubo que descubrirlo por cuenta propia. El texto informativo que acompaña el video, reza “A medida que el tiempo explota, deja escombros. Échale un vistazo. La nueva película ‘Corduroy Plants’. Disfruta” y está firmado por el mismísimo. Al momento de cierre de esta nota, supera las 42 mil visualizaciones.

El lanzamiento llega pocas semanas después de la publicación del álbum en vivo As Time Explodes, editado el 29 de mayo, que recorre las actuaciones de la gira de verano de 2025 por Estados Unidos y Europa —con paradas en el Festival de Glastonbury, el Hyde Park de Londres y el Festival de Jazz de Montreux, en Suiza. Corduroy Plants funciona como potente complemento visual de ese registro: presenta 11 canciones de las 13 que contiene el álbum, con la ausencia de “After the Gold Rush” y “Looking Forward”. La lista incluye clásicos como “Ohio”, “Harvest Moon”, “Like a Hurricane” y “Cortez the Killer”, con “This Note’s for You” sobre los créditos finales.

Daryl Hannah, que también dirigió el documental Coastal en 2025, no se limitó al registro convencional de un concierto. A lo largo del film intercala las actuaciones con imágenes de archivo periodístico y fragmentos históricos que dialogan directamente con las letras de cada canción. Durante “Be the Rain” —del álbum conceptual Greendale (2003)— aparecen imágenes de la destrucción del Ala Este de la Casa Blanca, junto con breves planos de Jeff Bezos y Elon Musk (en su célebre acting con la motosierra y el presidente argentino Javier Milei en discreto segundo plano). “Vampire Blues”, escrita originalmente en 1974 como crítica a la industria petrolera, se acompaña de imágenes de derrames de petróleo. En “Like a Hurricane” se ven trabajadores migrantes en los campos, y “Cortez the Killer” —la épica de diez minutos del álbum Zuma (1975)— incorpora imágenes de la Segunda Guerra Mundial, el Holocausto y conflictos más recientes.

El tratamiento visual refuerza los temas que han atravesado la obra de Neil Young durante más de cinco décadas: la denuncia ambiental, la crítica al poder corporativo, la memoria histórica y la justicia social. Esa coherencia entre música e imagen es la marca de los proyectos que la pareja ha desarrollado junta en los últimos años, siempre por fuera de los circuitos comerciales tradicionales.

La decisión de no promocionar el estreno responde a una postura que este viejo cascarrabias del rock mantiene desde hace tiempo: se alejó de la mayoría de las plataformas de redes sociales por sus vínculos con la administración Trump, concede muy pocas entrevistas y gestiona su legado de forma casi autónoma a través del Neil Young Archives (NYA), el archivo digital que lanzó en 2019 y donde almacena décadas de grabaciones, films y textos. El NYA se ha convertido en el canal exclusivo a través del cual Young se comunica con su audiencia, sin intermediarios ni algoritmos.

The Chrome Hearts —la banda que lo acompaña en esta etapa— está integrada por Spooner Oldham (órgano y piano), Micah Nelson (guitarra y voz), Corey McCormick (bajo y voz) y Anthony LoGerfo (batería y voz). El grupo debutó discográficamente en 2025 con el álbum de estudio Talkin’ to the Trees, producido por Lou Adler junto a Young y Niko Bolas bajo el sello The Volume Dealers. As Time Explodes es el primer registro en vivo de esa formación.

El flujo creativo de NY no muestra señales de desaceleración: en su canal exclusivo, el hombre informó sobre el avance del cuarto volumen de su monumental caja de archivos. Los tres primeros tomos abarcaron los períodos 1963-72, 1972-76 y 1976-87; el próximo llegará hasta el final de la gira de Greendale en 2004. “Los Volume Dealers han estado ocupados”, escribió . “El Volumen 4 de los Archives está en marcha, en la fase de finalización de todas las canciones que hemos descubierto en los últimos dos o tres años.”

Además, se sabe, ya tiene listo Second Song, un nuevo álbum de estudio grabado junto a The Chrome Hearts en los estudios Shangri-La de Malibu, California, propiedad del productor Rick Rubin. El material es en su mayoría inédito, aunque incluye dos o tres canciones que Young compuso alrededor de 1963 y 1964 y que nunca fueron publicadas. En el plano de las actuaciones en vivo, Young canceló la gira europea que tenía prevista para este verano sin dar mayores explicaciones. Reapareció el 22 de mayo pasado con un set sorpresa de cuatro canciones en el concierto por el 90° cumpleaños del activista ambiental David Suzuki en Vancouver, Canadá. Su próxima aparición confirmada será en Farm Aid, el festival benéfico que cofundó en 1985 junto a Willie Nelson y John Mellencamp, que este año se realizará el 26 de septiembre en Virginia Beach, Virginia.

No hay duda, Clive Davis, quien falleció a los 94 años el lunes, tenía buen oído para los éxitos. Década tras década, emparejó cantantes con material pegadizo y melódico —a menudo baladas— que él imaginaba como posibles estándares pop con poder de permanencia: sucesores de los clásicos de Tin Pan Alley. Cuando trabajaba con cantautores, se esforzaba por guiarlos hacia producciones y arreglos dirigidos a lo que percibía como el público principal del pop. Sus resultados construyeron carreras impresionantes y cuentas bancarias —llenando listas de reproducción para bodas y noches de karaoke.

Pero con una artista importante, Davis tuvo un instinto diferente, perceptivo y, en última instancia, brillante: hacerse a un lado y dejar las cosas como estaban. Esa fue Patti Smith, quien firmó con el sello Arista de Davis en 1975 poco después de que ella y su banda iniciaran una serie incendiaria de presentaciones en CBGB. Ella no presentaba melodías pop de tres minutos, perfectamente estructuradas —ni remotamente. Sus actuaciones expandían las formas de las canciones en improvisaciones musicales y verbales desenfrenadas. “Tan indisciplinada como era, me ponía la piel de gallina,” escribió Davis en sus memorias, El Soundtrack de mi vida.

Claramente vio en Patti Smith el mismo tipo de emoción cruda y carisma ardiente que había visto cuando firmó a Janis Joplin con Columbia Records —aunque en sus memorias señala que la convenció de aceptar el lanzamiento de una versión editada de “Piece of My Heart” para lograr un espacio en el Top 40.

Con Patti Smith, menos de una década después, las cosas fueron diferentes. Según ambos relatos, él se mantuvo completamente al margen. Cuando ella fue incorporada al Salón de la Fama del Rock & Roll en 2007, le agradeció: “Tuve mucho coraje, no mucho talento, pero él tuvo fe en mí y me dejó salir de la puerta, apenas una potrilla, y se quedó conmigo.”

Patti Smith, no Clive Davis, eligió a John Cale, de Velvet Underground, para producir su visionario y revolucionario álbum debut, Horses. Davis escribió que tenía dudas en ese momento sobre la foto de la portada del álbum, tomada por Robert Mapplethorpe, pero no la vetó. Ahora es una imagen indeleble del punk. No hay duda de que él se alegró de que, dos álbumes después, con Easter, Smith lograra un éxito de rock contundente y directo con “Because the Night”, coescrita con Bruce Springsteen. Él no fue quien promovió esa colaboración; surgió a través del productor de Smith, Jimmy Iovine. Y una vez más dejó de lado sus reservas acerca de la portada de un álbum. La foto de Lynn Goldsmith en Easter tiene como centro la axila peluda de Smith.

Clive Davis dio rienda suelta a algunos otros músicos. Una fue Annie Lennox, quien firmó con Arista mientras estaba en Eurythmics y permaneció para tener una carrera solista multiplatino. Según su propio relato, Davis no intervino, aunque le hubiera gustado hacerlo. “Con los años, debo admitir que me hubiese encantado presentarle material,” escribió. “Estoy seguro de que, con material más contemporáneo y acorde al momento, Annie podría dominar la música pop durante años.”

Muchos músicos se benefician de un empujón hacia la claridad y el agrado del público. La música popular prueba constantemente que el arte y el comercio pueden ser aliados, no necesariamente enemigos. Y en honor a Davis, nunca llevó a Patti Smith hacia “material contemporáneo y acorde al momento”. En cambio, el mundo recibió canciones como “Dancing Barefoot”, “People Have the Power” y “Gone Again”. Para algunos artistas, “indisciplinada” significa inspirada.

Fuente: The New York Times

Artistas musicales lamentaron la muerte de Clive Davis, una de las figuras más poderosas de la industria que lanzó o relanzó las carreras de artistas que van desde Whitney Houston hasta Carlos Santana.

Santana calificó a Davis como “un visionario”. Barry Manilow dijo que para Davis la música no era solo un negocio, “era familia”. Michael Bublé expresó que el ejecutivo musical “creía en las personas y en sus sueños”. Patti Smith agradeció a Davis por medio siglo de “amor y apoyo”. Davis murió el lunes en su apartamento en Manhattan. Un comunicado de la familia dice que “descubrió, guió y apoyó a los más grandes artistas de la historia de la música moderna, dejando una huella indeleble en la cultura que perdurará por generaciones”. Tenía 94 años.

A continuación, algunas reacciones ante la muerte de Davis y su legado:

Barry Manilow

“Mi corazón está triste por la pérdida de mi amigo Clive Davis. Durante cincuenta años trabajamos juntos, creamos juntos, discutimos juntos y celebramos juntos. Sí, algunos dirían que era un negocio. Pero para Clive, nunca lo fue. Era familia. Y tuve el honor de ser parte de la suya.” — en X.

Alicia Keys

“Para Clive Davis, el visionario que transformó los sueños en realidad, dejando una huella indeleble en la música y las vidas en todo el mundo.” — en Instagram.

Carlos Santana

“Clive Davis fue un visionario. Podía escuchar lo intangible antes que nadie pudiera verlo. Creyó en Santana desde el principio y, años después, volvió a creer en nosotros. Ese tipo de fe es una bendición hermosa y siempre estaré agradecido.

Clive entendía que la música es más que entretenimiento. La música es una fuerza sanadora. Une a las personas más allá del miedo, más allá de la separación, más allá de las fronteras. Dedicó su vida a apoyar a los artistas y ayudarlos a compartir su don con el mundo.

Clive reconocía la luz en las personas. Animaba a los artistas a confiar en su propia voz y a avanzar hacia su destino. Gracias a su visión, innumerables músicos pudieron llegar a los corazones de todo el planeta." — en un comunicado.

Patti Smith

“Esto es un agradecimiento a Clive Davis por transformar la música y, en una nota muy personal, por creer en mí, guiar mis esfuerzos y por medio siglo de tu amor y apoyo.” — en Instagram.

Rod Stewart

“Le debo tanto a Clive. La fuerza detrás de J Records, fue el único que creyó que un cantante de rock podía interpretar los estándares con convicción. Otras discográficas rechazaron la idea, y así nació The Great American Songbook, vendiendo cerca de 40 millones de copias.” — en Instagram.

Bruce Springsteen

“A los 22 años, cambió mi vida cuando me firmó con Columbia Records. Me trató con el mismo respeto y amabilidad siendo un don nadie de 22 años que luego de todo mi éxito. Un gran hombre.” — en Instagram.

Dionne Warwick

“No puedo pensar en otro hombre de la industria discográfica que pareciera tener esa habilidad mágica de reconocer un éxito al escuchar una canción. Estoy segura de que toda la industria musical lamentará su partida. Era único en su clase.” — en un comunicado.

Michael Bublé

“Con el corazón roto al enterarme del fallecimiento de Clive Davis. Clive no era solo una leyenda de la música, era un defensor de los artistas y alguien que creía en las personas y en sus sueños. Por siempre agradecido por su guía, su generosidad y las oportunidades que nos dio a tantos.” — en Instagram.

Paul Stanley

“El mundo de la música y todos los que han amado la música durante 6 décadas han perdido al visionario y defensor de tantos artistas en tantos géneros. Un genio único en su clase.” — en X.

Stephen Bishop

“Clive hizo mucho por los artistas y por la industria musical en su conjunto. Realmente fue único en su clase y vivió una vida increíblemente plena y extraordinaria. Si lo conocías, sabías que realmente se preocupaba por los artistas. Podía ser duro, pero siempre era justo.” — en X.

Fuente: AP

Bon Jovi explicó que antes vivía absorto en el trabajo, sin tiempo para los pequeños placeres. Tras su recuperación, aprendió a disfrutar el presente y valoró más cada instante, una actitud que, según él, le permite afrontar los desafíos con mayor serenidad y gratitud.

La recuperación de su voz

Afirmó que durante su carrera siempre cuidó su salud vocal, pero la afección avanzó hasta que “un médico me explicó que una de las cuerdas estaba atrofiándose. Debimos recurrir a un implante de Gore-Tex para intentar recuperar el tono y el rango”. Según reveló en People, el procedimiento fue complejo y le hizo pensar en la ciencia ficción.

El artista de 64 años comparó su recuperación con la de un deportista tras una lesión grave: “El médico me dijo: ‘No prometo nada, pero si te esfuerzas, habrá avances con el tiempo’. Mantuve la fe y, aunque fue lento, cada paso traía una mejoría”. Subrayó la importancia de la paciencia y el apoyo espiritual: “Dios fue mi copiloto durante la recuperación. Todo tardó más de lo previsto, pero debía estar bien hecho”.

Después de la cirugía, midió sus progresos con ensayos junto a la banda. “Empecé ensayando un día al mes, luego varios días seguidos, hasta tres horas por jornada”, relató. Ese esfuerzo, sumado al respaldo de sus compañeros, lo llevó a concluir: “Todos coincidimos en que debíamos regresar a tocar en vivo”.

El regreso a los escenarios

Prepararse para volver al público implicó también una transformación personal. “De no haber estado enfermo, quizá nunca habría vivido un cambio tan profundo. Esto me forzó a reinventarme”, confesó en la entrevista. El cantante destacó la lealtad del grupo: “Ellos nunca dudaron, nunca buscaron otro rumbo ni se plantearon la retirada. Los sacrificios que hicieron por mí nos han unido aún más”.

Bon Jovi anticipó el reencuentro con el público: “Pronto se cumplirán cuatro años desde mi último gran concierto, pero estoy completamente recuperado. Me siento genial. Contamos con más de 50 canciones listas para el espectáculo. Solo queda esperar el momento de volver al escenario”, explicó durante la charla.

Acerca de su motivación, destacó: “Conozco artistas que viven para el aplauso, pero siempre antepuse la composición y la grabación. El mayor placer es ver cómo esas canciones encuentran un lugar en la vida de la gente, incluso después de décadas”.

Para el futuro, recalcó el cambio de perspectiva: “Ya no habrá giras de 240 conciertos, eso no tiene sentido. Pero salir con una banda experimentada puede ser un renacimiento. Siento que este regreso puede ser lo mejor que hemos hecho”.

La vida familiar

El cantante habló con emoción sobre los cambios familiares. “Mis hijos ya han crecido. Nadie te advierte sobre estas etapas de la vida”, evocó. “Romeo se gradúa de la universidad el mes próximo. Los otros ya están en el mundo adulto. El tiempo pasa en un abrir y cerrar de ojos”, afirmó ante el canal.

Las reuniones familiares se centran ahora en los nietos: “Jake y Millie estuvieron hoy con el bebé; Jesse llegó hace dos semanas también con la pequeña. Y yo, como abuelo, no puedo estar más feliz. Llevo una pulsera que dice Papa John. Como la pizzería”, bromeó. “Ver a los nietos y a mis hijos junto a sus parejas es pura magia. Solo deseo lo mejor para ellos, rezo por su salud y espero que su futuro sea brillante”, expresó el músico.

El proyecto solidario familiar

Dorothea Hurley, esposa de Bon Jovi desde hace 37 años, fue reconocida recientemente por la James Beard Foundation por su aportación al proyecto solidario Soul Kitchen. El cantante celebró el logro: “Dorothea fue premiada como Trailblazer del año por su trabajo con Soul Kitchen. Viajaremos con todos los empleados a Chicago para acompañarla en este momento”.

Bon Jovi resaltó el valor del proyecto: “Siempre fue importante ayudar, pero hacerlo a través de la comida nos mostró que no se necesita un científico para encontrar soluciones. Ahora contamos con 4 restaurantes y pronto abriremos un quinto restaurante. El gran sueño de Dorothea es que algún día el proyecto deje de ser necesario, aunque la demanda sigue creciendo”.

El impacto social se amplió más allá de la alimentación. “Logramos limpiar los antecedentes penales de 45 personas solo esta semana gracias al proyecto. También financiamos refugios para emergencias e incluso construimos hasta 1.000 viviendas sociales”, subrayó.

Su nueva mirada

Tras superar las dificultades, compartió: “Ahora lo que más valoro es estar presente, sentir el sol, jugar al tenis, mirar las nubes. Antes vivía absorto en el trabajo y el futuro. Ahora aprecio cada instante”. El músico explicó que este cambio llegó después de su recuperación, cuando debió detenerse y reevaluar sus prioridades.

Contó que solía tener la “cabeza agachada”, concentrado solo en los compromisos profesionales, sin tiempo para disfrutar los pequeños placeres. Ahora, aseguró que disfruta el presente junto a su familia y que esta actitud le permite encarar nuevos desafíos con mayor serenidad y gratitud.

Tenía 13 años y estaba en primer año de un colegio secundario -el Manuel Belgrano, que, por ese entonces, se nombraba Nacional y por el que pasaron Jorge Luis Borges y Marcelo Tinelli- en el que fui de la segunda generación de mujeres. No fue fácil.

La rectora nos decía que le habíamos arruinado el colegio. La manzana de Eva se representaba en las chicas, tratadas como insectos que habíamos llegado a infectar una cofradía masculina. Ser feminista fue una reacción defensiva imprescindible para sobrevivir.

La señora nunca nos dio la bienvenida, sino los sermones más oscurantistas que recuerdo como magia oscura. Me sentó en su escritorio con banderines de la ESMA (la de las desapariciones y torturas, no la de la ex ESMA para condenar las desapariciones y torturas) y me dijo que era una depravada.

¿La razón? Nunca la hay. ¿La excusa? Ir a dar el examen de las diez vueltas al patio para aprobar educación física (mi talón de Aquiles por una anemia genética) en short era un pecado capital y que me iban a entrar enfermedades por abajo y maldiciones por arriba.

Las chicas teníamos que usar guardapolvo, una prenda que tuvo una finalidad igualitaria y que mostró la hilacha de la desigualdad, porque las invasoras de la educación como privilegio masculino teníamos que taparnos.

Los varones, en cambio, desde la llegada de la democracia, se sacaron la corbata. Pero nosotras no nos podíamos sacar nada. Hicimos huelga para pedir vestirnos de la misma manera que nuestros compañeros. Nos suspendieron. Nos sacaron, una vez más, el derecho a la clase común y al cuerpo propio.

Cada vez que me preguntan cuándo empecé a ser feminista me pienso en el patio del colegio y con la nota en el cuaderno de comunicaciones que mostraba la sanción por pedir ser iguales, vestir iguales, dejar que la desigualdad nos enseñe a tener culpa o miedo por ser y mostrarnos.

No es una historia que leímos en los libros. Es la realidad de nuestra enseñanza, de la educación sexual de la culpa por llegar a lugares que nos estaban vedados y de tener el cuerpo en desarrollo que debía ser ocultado y castigado y, si no queríamos, el castigo era peor.

En esa represión explícita sonaban Los Redondos en el recreo. Cuando salíamos nos sentábamos en una plazoleta de la calle Ecuador y Mansilla y nosotras, que nos bautizamos Las Potras, como si entendiéramos que ser yeguas era un castigo y que la manera de relinchar era renombrarnos, nos sentábamos a ver pasar la vida.

Si extraño algo de la adolescencia es que el dolor estaba, pero que el remedio era estar juntas, entre amigas y que el futuro era una incógnita que todavía prometía. Por ese mirador pasaba (no siempre, con el tiempo los mitos crecen) pero sí ha pasado Luca Prodan. Se ponía a conversar e incitaba a varones y mujeres a juntarse.

“¿Qué hacen que están los nenes con los nenes y las nenas con las nenas?”, preguntaba para juntar las ranchadas, mientras en vez de pasar sin ver, paseaba mirando. Su rock es argentino (a pesar de venir de Europa huyendo de la heroína) porque las calles no eran un piso, sino una posibilidad. Él las habitó desde el diálogo con los que hizo suyos.

El día que murió fue un duelo que no podíamos soportar con Yamila Bavio, que creció y se hizo música. La muerte del Indio nos llevo a ese duelo precoz y a este velorio multitudinario que nos vuelve a dejar desamparados cuando el futuro ya llegó. Hace rato. Y ya deja más desolaciones cerradas que preguntas abiertas.

“Te sigo desde Cemento”, es una frase que ya es leyenda. La canta el himno a Tim Payne, en una joda que le arrojó al jugador de Nueva Zelanda más seguidores en Instagram (5,7 millones) que toda la población de su país (5,3 millones). “Yo lo banco, yo lo aliento, lo sigo desde Cemento, con Tim Payne desde la cuna hasta el cajón”, demuestra la canción, compuesta y difundida por la cuenta @che_soyjuan, que implica conocer a alguien desde antes que fuera famoso.

Yo lo sigo al Indio desde Cemento, más que eso, desde que me escapé para ir a Cemento. Los Redondos tocaban en ese templo en donde entraban nuestros gritos y nuestro rock, los cuerpos que se juntaban para elevarse, la furia concentrada en una masa que nos hacía sentir menos solas, comprendidas en una voz forzada y elegante, invitadas a un show que parecía susurrarnos y, a la vez, arengarnos a ser multitud.

En Cemento, en la época que se convirtió en leyenda, éramos pocas las chicas que nos atrevíamos a ver a la enigmática figura de Patricio Rey y Los Redondos todavía eran Los Redonditos de Ricota. La música parecía hacernos olvidar de los retos de la rectora y de las razzias de la policía.

Ni ir al colegio que había sido de varones, ni ponerse un short para correr, ni ir a ver a un recital eran lugares con permiso. Todo era un sitio al que abrir la puerta que nos cerraban, ser reprendida por entrar y escaparse para poder disfrutar. Así fue y así lo hice. Fui a Cemento.

Dije que me iba a dormir a lo de mi amiga Eugenia Guerty (la actriz de la que soy presidenta del club de fans) y me fui a ver a Los Redondos al lugar en el que el rock era rock. El show se suspendió y no tocaron. Pero mi papá sí tocó el timbre y Marta, la mamá de Eugenia, le dijo que nos habíamos ido a lo de una tía. Ponele.

La reprimenda fue más que una suspensión y tuve años de castigo. La rebeldía tenía lado A y lado B, como los cassettes con sus canciones que coleccionábamos. No vi a Los Redondos esa vez. Pero sí otras, en Cemento, en Obras, en recitales donde caminábamos horas y bailábamos con una valentía que no sabía que teníamos.

Gritábamos que a Walter Bulacio lo mató la policía, contra el gatillo fácil, las torturas en comisarías y la violencia institucional y coreábamos las canciones que ahora escucho en loop como himnos que sonaban en todas las fiestas, en todas las noches, en todas las casas, en todas las huidas de las casas.

El silencio de esa noche fue, como el de estas noches de despedida, una forma de mostrar fidelidad a una música que es misa. El Indio fue esa invitación a brillar, mi amor. Siento que su despedida es también el final definitivo de la adolescencia. Y a la vez el honor de contarle que las pibas que lo seguimos desde Cemento nos escapamos para verlo y lo vamos a seguir a todas partes.

Nos escapamos de las reglas que no nos dejaban salir, de las escuelas que no nos dejaban entrar y también del rock que solo nos quería abajo del escenario, como coristas de un show en el que no podíamos participar. Si lo lloramos hoy es porque lo cantamos ayer. Y porque entre la adolescencia y la madurez también dejamos el lugar de musas en la misa y nos convertimos en protagonistas de nuestras historias.

Las jóvenes que lo lloran saben que no son -o no solo pueden ser- solo público, solo fans, solo dedicatorias de canciones. Por eso, las que dimos vuelta el escenario y tomamos el micrófono para hablar por nuestra cuenta sabemos que hicimos del infierno encantador nuestra propia obra.

Crecer fue rebelarse, también, al machismo del rock. Por eso, nos despedimos tan bien y tan dolidas, porque crecimos gracias a él y crecer también fue crear. Por eso, el cielo está encantador. Esta noche. Y todas las noches en las que nos sigamos escapando para cantar en libertad.

Esa mirada se concentra en “Ringing Hollow”, una balada de corte country que Jagger define como una canción “sobre América como idea”. El tema, grabado junto al resto del álbum con el productor Andrew Watt —quien ya estuvo al frente del disco anterior, Hackney Diamonds—, incluye una imagen que resume el tono del disco: “Lady Liberty don’t look so good when there’s a tear in her gown” (La Dama de la Libertad no se ve tan bien cuando hay un desgarro en su vestido).

La entrevista, firmada por el periodista Will Hodgkinson y publicada en el nuevo número de la revista musical británica, abarca desde los inicios de la banda hasta la génesis de Foreign Tongues, y sitúa a Estados Unidos —su música, su geografía, su promesa y su contradicción— como el hilo conductor de toda la trayectoria de los Stones. Mick Jagger, quien residió 19 años en Nueva York, señaló que su relación con el país fue siempre más compleja que la de un admirador distante: “He visto mucho de América que ningún estadounidense ha visto, porque la gente de las costas nunca va a los pueblos arruinados del centro y del sur”. Keith Richards, por su parte, leyó “Ringing Hollow” desde una clave más nostálgica: “La tomo como una canción sobre América cuando crecíamos en los años 50. El romance de todo aquello: tomar un cóctel, fumar cigarrillos, poner la rockola. Teníamos 14, 15 años y moríamos por escuchar más música negra de América”. “‘Ringing Hollow’ es nuestra forma de decir: te amamos”, afirmó el guitarrista.

La raíz blues del nuevo disco

Foreign Tongues abre con “Rough And Twisted”, el primer single lanzado en abril, y cierra con una versión de “Beautiful Delilah”, una canción de Chuck Berry de 1958. El arco no es casual: los Rolling Stones iniciaron su carrera discográfica en 1963 con una versión de “Come On”, también de Berry, y el nuevo álbum repite ese gesto de reconocimiento a los orígenes. Richards lo explicó con precisión: “Incluso ahora, si me quedo sin ideas, vuelvo al blues, porque la forma musical es limitada y eso lo hace más intrigante. ¿Me estás diciendo que puedes sacar más de esto?”

El disco contiene 14 canciones que recorren el rock de raíz, la balada country, el soul y la pista de baile, con colaboraciones de Paul McCartney, Robert Smith de The Cure y Steve Winwood, entre otros. Andrew Watt figura también como coautor en varios temas, un crédito infrecuente para alguien externo a la dupla Jagger-Richards.

El inicio de la sociedad Jagger-Richards

La entrevista recupera además la historia del origen de esa dupla compositora. Según la leyenda, su primer mánager, Andrew Loog Oldham, los encerró en una cocina y se negó a dejarlos salir hasta que tuvieran una canción propia. El resultado fue “As Tears Go By”, que en 1964 se convirtió en un éxito para Marianne Faithfull, entonces novia de Jagger.

“Nunca esperé ser compositor”, admitió Richards. “Solo ocurrió por la pura fuerza del negocio, por decirlo sin rodeos.” Y añadió: “Pensaba que escribir canciones estaba en otro plano, otro nivel. Luego descubrí que si trabajas en ello, escuchas melodías, atrapas una frase, y quizás escribir canciones es simplemente ser muy rápido. Encuentras un ritmo o algo en la calle, como el bocinazo de un coche. Así que gracias, Andrew Oldham, por eso, aunque lo hacía por sí mismo… porque todos necesitábamos el dinero."

Esa primera canción abrió paso a una serie de composiciones que documentaron la Gran Bretaña de los años 60 en plena transformación: de “Mother’s Little Helper” a “Let’s Spend The Night Together”, los Stones construyeron un archivo sonoro de una sociedad que salía de la posguerra y se internaba en terrenos desconocidos.

Mick Jagger cumplirá 83 años poco después del lanzamiento del álbum. Keith Richards tiene la misma edad. Ron Wood llega al disco con 79 años. La banda grabó Foreign Tongues en los Metropolis Studios de Londres, y la portada —un collage que fusiona los rostros de Jagger, Richards y Wood— fue obra del artista Nathaniel Mary Quinn. Este nuevo álbum llega tres años después de Hackney Diamonds (2023), que fue el primer disco de material original de la banda en casi dos décadas.

[Fotos: REUTERS/Shannon Stapleton]

La iniciativa incorpora además el acceso abierto a una de las actuaciones televisivas más recordadas de la segunda mitad del siglo XX. El anuncio incorpora el reconocimiento oficial de una celebración que circuló durante años entre comunidades de seguidores.

Según informó The Rolling Stone, la decisión proviene del propio grupo junto a Apple Corps Ltd y sitúa la fecha en un punto central dentro de la agenda cultural contemporánea, con referencias directas a una transmisión que conectó a cientos de millones de espectadores en 1967.

Un origen ligado a la primera emisión global vía satélite

La elección del 25 de junio remite a 1967, cuando John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr ingresaron al estudio uno de Abbey Road Studios para una interpretación en vivo de “All You Need Is Love”. La presentación formó parte del programa Our World, considerado el primer enlace televisivo internacional vía satélite.

La emisión reunió una audiencia estimada en 400 millones de personas. La canción quedó asociada a un mensaje de unión que atravesó la difusión televisiva en tiempo real y consolidó una de las performances más difundidas del grupo de Liverpool. La escena, transmitida desde Londres, marcó un punto de expansión para la música popular en la televisión global.

De iniciativa de seguidores a reconocimiento institucional

La conmemoración comenzó en 2009 a partir de una propuesta de la fotógrafa Faith Cohen, quien impulsó una jornada dedicada a la banda. Desde entonces, la fecha circuló de forma descentralizada con eventos en distintas ciudades.

Conciertos tributo en Tokio, reuniones en Liverpool, muestras en Nueva York y actividades musicales en Buenos Aires formaron parte de una agenda distribuida en distintos continentes.

El crecimiento de la propuesta mantuvo un perfil impulsado por comunidades de fanáticos hasta el reconocimiento formal de Apple Corps Ltd. La empresa destacó el valor contemporáneo del mensaje asociado a la canción en una carta enviada a la impulsora de la iniciativa.

El anuncio y el acceso abierto a material histórico

El comunicado incluye la publicación de una versión restaurada y a color de la interpretación de “All You Need Is Love”. El material quedará disponible de manera gratuita en línea, con estreno en plataformas digitales. La medida incorpora por primera vez el acceso abierto a la grabación completa en ese formato, vinculada a la fecha conmemorativa.

En la carta enviada a Cohen, el director ejecutivo de la compañía Apple Corps Ltd, Tom Greene, señaló: “Más que nunca, el mensaje de Los Beatles y de ‘All You Need Is Love’ habla de algo vital para la comunidad, la conexión y el poder de reunir a las personas”.

Además, destacó que “eso es lo que hace tan especial al Día Global de Los Beatles, no pide nada más que detenerse, escuchar y compartir un poco de alegría”. La declaración fue difundida en el marco del anuncio oficial.

Nuevos proyectos vinculados al legado del grupo

El interés por la obra de The Beatles se mantiene activo a través de distintos desarrollos audiovisuales y editoriales. Entre ellos figura la tetralogía cinematográfica dirigida por Sam Mendes, prevista para abril de 2028, con relatos individuales centrados en cada integrante del grupo.

El elenco incluye a Paul Mescal como Paul McCartney, Harris Dickinson como John Lennon, Joseph Quinn como George Harrison y Barry Keoghan como Ringo Starr.

Otro proyecto relevante se vincula al edificio de 3 Savile Row, espacio asociado al concierto en la azotea de 1969. El inmueble abre sus puertas como experiencia para visitantes con acceso a archivos y exhibiciones relacionadas con la historia de la banda.

En paralelo, McCartney continúa con nuevas publicaciones discográficas. El lanzamiento reciente de “The Boys of Dungeon Lane” incorpora colaboraciones con Ringo y suma material inédito a su etapa solista. La actividad musical del exintegrante mantiene presencia en la escena actual, con distribución en plataformas digitales y circuitos de consumo contemporáneo.

El Día Mundial de los Beatles integra actividades presenciales y digitales en distintas ciudades, con propuestas de participación global y difusión de contenidos históricos vinculados a la actuación de 1967.

Cecilia Fanti se enteró de la muerte del Indio Solari en la librería. Acababa de abrir. Como muchos argentinos, una vez que pasó el shock noticioso, puso música, puso Los Redondos. En la Librería Céspedes, barrio porteño de Colegiales, empezaron a sonar canciones de Oktubre, La Mosca y la Sopa, ¡Bang! ¡Bang!... Estás liquidado, pero también en otros negocios, otros barrios, otras ciudades. Emergía “la sensación de que la ciudad entera se inundó de la música de Los Redondos”, asegura Fanti.

Sobre el Indio y Los Redondos hay bastante escrito. Pero el libro más pedido fue Recuerdos que mienten un poco, publicado en 2019 por Sudamericana. Son conversaciones con el escritor Marcelo Figueras. El remanente de diez libros que había en Céspedes se vendió ese mismo viernes. “Y tenemos algunos pedidos. Estamos esperando la reimpresión”, dice la librera y escritora. La editorial anunció una nueva tanda de ejemplares para abastecer a las librerías de todo el país. Los pedidos sobran.

“Recuerdos... es un libro objeto", dice Ecequiel Leder Kremer, librero de Hernández. Son casi 900 páginas, cuesta $61.300. “Justo repusieron días antes de la muerte del Indio. Así que teníamos. Y sí, se está vendiendo mucho más rápido de lo habitual. La economía está muy difícil, pero está así en todos lados. Los últimos treinta días acá fueron difíciles. Y este libro pareciera que viene a reactivar un poco. Sobre todo porque no es barato”. “El Indio, desde Avellaneda, nos está ayudando”, y sonríe.

“Ese viernes fue uno de esos días muy especiales que guardás en la memoria. Te vas a acordar con quién estabas, dónde, a través de quién te enteraste”, asegura Fanti. Carlos Alberto Solari, el ser humano detrás del mito de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, tuvo un ACV en su casa de Parque Leloir. Ese día, cuenta, las compras fueron en su mayoría online. “Muchos de nuestros clientes usan la información que tenemos en la web como catálogo. Esta vez no. Eso responde al impulso”, completa.

Los clientes entraban a la librería y comentaban la noticia. Algunos preguntaban qué libros alusivos había, pero todos se centraban en Recuerdos... “¿Algo de recuperar su voz o leerlo?”, reflexiona Cecilia Fanti. “Se lo quiero regalar a mi amigo ricotero”, decían los clientes sin que le pregunten. En los parlantitos de bluetooth, la voz del Indio. “Como si fuera un homenaje o un consuelo ese libro”, comenta Fanti. En todas las librerías consultadas por Infobae Cultura hubo muchas más consultas de lo habitual.

El fenómeno editorial repercutió de varias formas. Los libreros de Tinta Limón cuentan que mucha gente pregunta por el libro que tienen en su catálogo: Redondos. A quién le importa. Biografía política de Patricio Rey, del colectivo Perros Sapiens. “En gran medida por una entrevista a uno de los autores en Gelatina”, dicen. También subieron las ventas, aseguran desde Planeta, de Fuimos reyes: la historia completa de los Redonditos de Ricota, de Mariano del Mazo y Pablo Perantuono. Por eso reforzaron el stock.

Aquel viernes no fue un viernes más. La muerte del Indio se volvió conversación y abrió un portal arborescente de miles de conversaciones: una canción, un disco, un recital, un recuerdo, la posibilidad de volver a narrarlo todo. De pronto, sus anteojos redondeados, su figura enigmática, su música popular, todo esa estética implacable se posó como un filtro maldito en la vida argentina, un rock and roll del país. “Se escuchaba en todos lados: autos, balcones, negocios, escuelas”, recuerda Fanti.

“Todo tenía esa estela sonora y maravillosa que iluminó el día del viernes en que se volvió a mover el libro del Indio en el día de su muerte”, concluye la librera.

La historia de cómo los Rolling Stones buscaron durante meses a su baterista definitivo terminó transformando no solo el destino de la banda, sino también el de uno de los músicos de jazz más reconocidos del Reino Unido, Charlie Watts.

Según informó la revista británica Mojo Magazine, la llegada de Watts al grupo no fue inmediata ni sencilla, y la relación inicial entre los integrantes y el futuro baterista evidenció tanto la precariedad de la industria musical británica de los años sesenta, como la determinación de la banda por consolidar su sonido.

La insistente búsqueda de un baterista que marcara la diferencia

A comienzos de la década de 1960, los Rolling Stones no figuraban en los grandes escenarios internacionales ni en los rankings de ventas. Sus integrantes, Mick Jagger, Keith Richards y Brian Jones, recorrían bares y clubes de Londres, recibiendo pagos modestos que apenas cubrían gastos básicos.

Según relató Richards, los músicos reconocieron desde el principio la importancia de sumar a un baterista capaz de sostener y enriquecer la propuesta rítmica de la banda.

El elegido fue Charlie Watts, un joven baterista de jazz que ya tenía cierto reconocimiento en el circuito local. Richards recordó: “A él le pagaban. A nosotros no. Mick, Brian y yo llevábamos meses deseando que Charlie se uniera a nosotros. Charlie dijo: ‘Me encantaría tocar con ustedes, pero necesito un par de conciertos fijos’”. Esta declaración, recogida por Mojo Magazine, ilustra la distancia económica que separaba a Watts de los Stones en aquellos años iniciales. La banda insistió en varias oportunidades, sin lograr convencerlo de inmediato.

La decisión de Charlie Watts y el salto de los Stones

La situación cambió recién hacia fines del invierno de 1963, cuando Watts aceptó finalmente la invitación. Según el testimonio de Richards, nunca hubo una conversación directa sobre las razones del cambio de opinión del baterista.

El guitarrista sugirió que Watts percibió algo especial en la música del grupo y sintió curiosidad por experimentar junto a ellos. “Supongo que fue algo que escuchó en la música que tocábamos. Además, tenía ese espíritu aventurero. ‘Simplemente seré un músico de jazz más en un mercado tan grande. O puedo juntarme con estos tipos locos y ver qué pasa’”, relató el Richards.

La integración de Watts no solo completó la formación de los Rolling Stones, sino que también modificó la dinámica interna del grupo. El baterista aportó una base rítmica estable y versátil, permitiendo a Jagger, Richards y Jones explorar con mayor libertad compositiva y escénica. El portal destacó que la llegada de Watts fue el punto de inflexión para que la banda pudiera aspirar a un mayor reconocimiento.

El aporte de Charlie Watts al sonido de los Rolling Stones

El paso definitivo se dio el 2 de febrero de 1963, cuando Charlie Watts se convirtió en el baterista permanente de los Rolling Stones tras una actuación en el Ealing Jazz Club de Londres.

De acuerdo con las memorias de Keith Richards, tituladas Life, la sensibilidad y el estilo de Watts resultaron decisivos para el desarrollo artístico del grupo. Eescribió: “Si no hubiera sido por Charlie, jamás habría podido expandirme y desarrollarme”.

Watts, según reveló el guitarrista, poseía una capacidad para la expresión y la sutileza poco frecuente en el rock de la época. “Su forma de tocar es tremendamente expresiva y sutil. Toca con humor. Charlie solía trabajar en bodas y bar mitzvahs, así que también conoce el sentimentalismo”, detalló Richards en sus memorias.

El recorrido inicial de Watts, que incluía actuaciones en clubes y eventos sociales, le permitió dominar distintos géneros y adaptarse a las exigencias de la banda. Mojo Magazine subrayó que este bagaje fue determinante para que los Stones pudieran construir un repertorio variado y atractivo para públicos de diferentes edades y procedencias.

La decisión de Watts de sumarse al proyecto transformó la historia de los Rolling Stones. Desde entonces, la banda consolidó su identidad y, con el tiempo, logró posicionarse como una de las agrupaciones más influyentes del rock and roll. El ingreso de Watts representó el cierre de una etapa de incertidumbre para el grupo y el inicio del camino hacia la consagración internacional.

En Tupelo, Mississippi, ciudad natal de Elvis Presley, se registró una escena poco común durante un festival local: un grupo de jóvenes y adolescentes subió al escenario para rendir tributo al legendario músico estadounidense. Casi 50 años después de su muerte, el concurso juvenil del Festival de Elvis reunió a participantes de entre siete y 17 años que, con llamativos monos y el cabello fijado con laca negra, buscaron mantener viva la figura del “rey del rock and roll” ante nuevas generaciones.

Según reportó la agencia Associated Press (AP), el certamen reflejó la pasión y el esfuerzo de una nueva generación que dedica tiempo y energía a perfeccionar no solo la voz, sino también los gestos y el estilo característico del artista.

Algunos de estos participantes lucieron trajes diseñados por la empresa B&K Enterprises Costume Co., autorizada para recrear atuendos originales de Elvis y proveer vestuario a producciones cinematográficas y televisivas sobre su figura. La búsqueda de autenticidad es central en estos jóvenes, quienes se definen como “artistas que rinden homenaje” y rechazan el término “imitadores”.

Uno de los concursantes destacados fue Tucker Gladden, de 17 años, originario de Madison, Mississippi. “No intentamos imitarlo. Queremos recrear la experiencia lo mejor posible para las personas que tal vez no tuvieron la oportunidad de ver a Elvis en su vida”, afirmó en declaraciones recogidas por AP.

Vocaciones forjadas entre canciones y admiración familiar

La motivación de estos jóvenes por adentrarse en el universo del histórico cantante es diversa. Varios de ellos mencionaron la influencia de la película biográfica estrenada en 2022 como punto de partida en su admiración por el músico. Otros descubrieron su interés tras conocer un vínculo genealógico con la familia Presley, mientras algunos encontraron inspiración en la fe y la generosidad que caracterizaron al artista.

El testimonio de Ayden Maloy, de 16 años y oriundo de Logansport, Indiana, revela el valor personal que puede tener la música de Elvis. Según relató a la AP, empezó a actuar como tributo hace tres años después de atravesar una etapa difícil. “Me eché a llorar porque me sanó. Creo que Elvis es el sanador”, narró Maloy.

El evento también incluyó la participación de Charles Session, de 15 años, de Morrilton, Arkansas, quien expresó el significado especial de actuar en el lugar donde nació Presley. “Es una sensación surrealista rendir homenaje a Elvis en su ciudad natal. Espero que nos esté mirando desde arriba y sonriendo a todos estos jóvenes artistas”, dijo el adolescente a AP.

Los tributos no se limitan al escenario: algunos concursantes practican diariamente en sus hogares y presentan sus números en residencias de ancianos y centros de vida asistida, acercando así el repertorio de Presley a públicos que aún recuerdan la época dorada del rock and roll.

Un legado que se transforma y se transmite

La competencia concluyó con la consagración de RJ Hursey, de 14 años y procedente de Bloomington, Illinois, como ganador del certamen. Heredó la pasión de su abuelo, dedica parte de cada día a perfeccionar sus interpretaciones. Cuando su salud le impide cantar, investiga sobre la vida y obra del músico. Su objetivo a largo plazo es protagonizar una nueva versión cinematográfica sobre Elvis Presley.

“La experiencia es conmovedora. Te hace sentir bien porque sabemos que murió pensando que sería olvidado, y nos alegra mucho que todavía esté entre nosotros”, expresó Hursey a la agencia de noticias.

Durante su estancia en Tupelo, los artistas tributo visitaron el complejo que resguarda la casa natal de Elvis y la iglesia donde inició su contacto con la música gospel sureña. La jornada se transformó en una oportunidad para fortalecer el vínculo entre generaciones y reafirmar la vigencia del legado musical de Presley. Para los jóvenes artistas, subir al escenario en la ciudad que vio nacer al “rey” representa un acto de celebración y memoria que trasciende el tiempo.

La gira final de Los Beatles en 1966 marcó el cierre de una era en la música popular, rodeada de controversias, agotamiento y una presión mediática sin precedentes. El cuarteto de Liverpool, integrado por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr, enfrentó durante ese año una serie de desafíos que transformaron para siempre su relación con los escenarios y con la fama internacional.

Tres años después de su primer número uno, Los Beatles llegaron a una encrucijada. Tras meses de trabajo en el estudio, donde grabaron el innovador álbum Revolver, la banda emprendió una gira mundial que terminó por definir su destino. El cansancio acumulado, los incidentes con fanáticos y la sucesión de polémicas en cada ciudad visitada convirtieron el tour de 1966 en un episodio tenso y decisivo.

De acuerdo con un artículo publicado en el periódico británico The Guardian, la presión mediática, el asedio de admiradores y la aparición de enemigos públicos llevó a la banda a tomar una decisión irreversible: dejar definitivamente los conciertos en vivo.

De la experimentación de estudio al desencanto en los escenarios

En 1966, la distancia entre la creatividad de Los Beatles en el estudio y sus presentaciones en vivo se hizo cada vez más evidente. Ninguna de las canciones de Revolver se interpretó durante la gira, ya que la complejidad de los arreglos y el uso de técnicas novedosas resultaban imposibles de reproducir sobre el escenario.

Please Please Me, el primer álbum del grupo, había nacido de interpretaciones pulidas en Hamburgo y Liverpool, pero para entonces el estudio se había convertido en su principal espacio creativo.

El formato de los conciertos seguía anclado en el pasado. Cada espectáculo era parte de un show itinerante con varios artistas y Los Beatles aparecían al final para un set de 30 minutos. El ruido de las multitudes, la falta de tecnología adecuada y la histeria colectiva hacían que la música quedara en segundo plano.

El artículo señala que mientras artistas como Bob Dylan y los Rolling Stones reinventaban el concepto de concierto, Los Beatles sentían que el escenario ya no les ofrecía el mismo estímulo.

Un año marcado por crisis y controversias

La gira de aquel año atravesó Europa, Asia y América, y en cada destino surgieron nuevas dificultades. En Japón, manifestantes cuestionaron la presencia de la banda, acusándolos de atentar contra los valores nacionales. En Filipinas, un desencuentro con la primera dama Imelda Marcos generó un incidente diplomático, que terminó con el grupo empujado e insultado en el aeropuerto por una multitud enfurecida.

En Estados Unidos, la polémica alcanzó su punto máximo tras unas declaraciones de Lennon sobre la popularidad de Los Beatles y de Jesús. Impulsaron campañas de boicot y quema de discos, y surgieron amenazas de muerte contra los integrantes. En un concierto en el Cow Palace de California, una estampida dejó 30 heridos, la mayoría adolescentes.

El diario británico destaca que, a lo largo de la gira, Los Beatles debieron responder preguntas absurdas en ruedas de prensa y soportar el lanzamiento de objetos al escenario, desde caramelos hasta botellas. La presión y el desgaste emocional fueron en aumento. “Hemos sido Los Beatles lo mejor que hemos sido jamás: esos cuatro muchachos alegres. Pero ya no somos esas personas. Somos viejos”, reconoció Lennon.

El último concierto y el fin de las giras

El 29 de agosto de 1966, Los Beatles ofrecieron su último concierto oficial en Candlestick Park, San Francisco. El grupo ya había informado a su mánager Brian Epstein que esa sería su despedida de los escenarios. McCartney pidió a un asistente que grabara el espectáculo como recuerdo.

Durante la actuación, Los Beatles se mostraron decididos y serenos, a pesar del ambiente de tensión. Cerraron con “Long Tall Sally”, un clásico de Little Richard, y tras la ovación final, abandonaron el estadio en un camión blindado.

Según The Guardian, la gira de 1966 representó el episodio más estresante y angustioso de su carrera, pero también el punto de inflexión que definió su futuro.

El legado de una decisión histórica

Tras el final de la gira, la banda de Liverpool se refugió en el estudio. En noviembre de 1966, comenzaron a trabajar en “Strawberry Fields Forever”, dando inicio a una etapa marcada por la experimentación y la libertad creativa.

El grupo dejó de ser un fenómeno de masas en los escenarios para convertirse en pioneros de la música de estudio, sentando las bases de la producción moderna.

La decisión de abandonar las giras supuso el cierre de un ciclo y el comienzo de una nueva era para Los Beatles y para la música popular. Su experiencia dejó en evidencia el alto costo de la fama y la presión mediática a escala global.

Ismael Salcedo, exvocalista y fundador de Los Daniels, se presentará este domingo con su nueva banda, ID, en un concierto gratuito en el Ágora Tlatelolco de la Ciudad de México, como parte del programa Cuicatl: La Ciudad que Suena.

La cita es el domingo 7 de junio a las 14:30 horas en el Ágora Tlatelolco, alcaldía Cuauhtémoc. El acceso es libre y sin costo, dentro de una propuesta de género rock.

El evento forma parte de Cuicatl: La Ciudad que Suena, iniciativa del Gobierno de la Ciudad de México a través de la Secretaría de Cultura, que lleva música en vivo a espacios públicos de las 16 alcaldías todos los domingos.

ID, la nueva banda de Ismael Salcedo

ID es la agrupación que Ismael Salcedo conformó tras su salida de Los Daniels, integrada por cinco músicos de diversas influencias. En abril de 2026 presentaron su primer sencillo, “Somos lo que sigue”, con el que la banda anunció nuevos lanzamientos en puerta.

Antes de formar ID, Ismael ya había dado señales de su camino fuera de la banda: en julio de 2024 lanzó el ISMA EP, un material de cinco canciones que él mismo produjo, arregló y grabó junto a un ensamble de músicos en los Estudios Neblina de Coatepec, Veracruz.

La fractura con Los Daniels

Ismael Salcedo anunció su salida definitiva de Los Daniels en octubre de 2025, después de 18 años como vocalista y miembro fundador. A través de su cuenta de Instagram (@ismarock), acusó a sus excompañeros —el bajista Poncho y el baterista Rasheed— de hablar mal de él ante el medio, amigos y seguidores:

“Llevan años tirándome mierda con el medio, amigos, músicos y hasta con fans diciendo que yo no los dejé hacer nunca nada y que las decisiones las tomaba solo, cuando me dediqué a trabajar y a buscar fechas, a escribir canciones que hasta compartí en regalías con todos”.

El detonante final, según relató en la misma publicación, fue que Poncho buscó asumir el rol de vocalista:

“Ya quería cantar más Poncho, solo se dedicaron a fastidiarme hasta que lo lograron para así tomar el control de la banda. Al enterarme tomé la decisión de ya no seguir más con Los Daniels”. Cerró con una frase que se viralizó entre sus seguidores: “Así que para mí Los Daniels han muerto”.

Los Daniels respondieron con un comunicado oficial en sus canales: “La banda no ha tomado una decisión en conjunto sobre su continuidad. Les pedimos no dar por válidas las versiones que no provengan de nuestros canales”.

18 años al frente del rock alternativo mexicano

Fundados en mayo de 2007 en la Ciudad de México, Los Daniels acumularon ocho álbumes de estudio, entre ellos Moodanza (2009), Amanecer (2013) y Universo Paraíso (2018). Su propuesta de letras introspectivas con guitarras melódicas los llevó a festivales como el Vive Latino y el Tecate Pa’l Norte, además de giras por Asia y Sudamérica.

La banda también registró colaboraciones con Natalia Lafourcade, Ely Guerra y Lila Downs. Su último disco, Híbrido, se presentó en el Teatro Metropólitan en febrero de 2025. Tras la ruptura, Ismael fue eliminado y bloqueado de las plataformas digitales del grupo por sus excompañeros.

Cuicatl: La Ciudad que Suena, programación del 7 de junio

El mismo domingo, el programa ocupa al menos 9 sedes simultáneas en distintas alcaldías, con géneros que van del rock al circo, el teatro musical y el hip hop. Todos los eventos son gratuitos.

Jardín Santiago Tlatelolco (Cuauhtémoc) 13:00 h — Blanco Nejo (rock) 14:30 h — ID (rock)

Palacio Postal (Cuauhtémoc) 12:00 h — Dromedarios Mágicos (música) 13:30 h — Piratas: La Búsqueda del Tesoro (teatro musical)

Plaza del Bolero (Tlalpan) 14:00 h — Taller de Danza Pilares (folclor) 15:30 h — Más Salvajes (música)

Plaza San Jacinto (Álvaro Obregón) 12:00 h — Más Salvajes (música) 13:30 h — Amanda Tovalín (música)

Parque Las Américas (Benito Juárez) 12:30 h — Piratas: La Búsqueda del Tesoro (teatro musical) 14:00 h — Mimo Ramón Solano (mímica) 15:30 h — Show Catarsis Circo (clown circo familiar)

UTOPÍA Meyehualco (Iztapalapa) 15:00 h — Julio Abreu (música) 16:00 h — Amandititita (música)

UTOPÍA Mixiuhca (Iztacalco) 13:00 h — Funky Narración (cuentacuentos hip hop) 14:30 h — Ricardo Salinas (música)

Parque del Mestizaje (Gustavo A. Madero) 13:00 h — In Xóchitl (música)

Foro Cultural Magdalena Contreras (Magdalena Contreras) 13:00 h — Familia Rosso (circo) 14:30 h — Aprendiendo con Mitología (musical)

Parque República Democrática de Alemania (Azcapotzalco) 13:00 h — Rosalba Montero “Para Regalarte: El Concierto” (música) 14:30 h — Dulce y Agraz (música)

Las causas de muerte del Indio Solari, fallecido este viernes a sus 77 años, serán investigadas por la Justicia. Según informaron fuentes judiciales a Infobae, el ídolo del rock nacional fue hallado a las 8 de la mañana por su cuidadora, quien llegó a la vivienda para comenzar la jornada y lo vio tirado en la zona del patio, a pocos metros de su pileta.

Ante la situación, la mujer llamó al equipo privado de emergencias médicas del músico que se trasladó al lugar para darle asistencia. A las 8:30, sin embargo, las autoridades fueron alertadas del fallecimiento del Indio. En consecuencia, se abrió una causa por averiguación de causales de muerte, a cargo del fiscal Lucio Rivero.

El titular de la UFI Descentralizada N°2 de Ituzaingó llegó poco después a la vivienda de la calle Calixto Oyuela al 4000 para realizar tareas en la escena. Al mismo tiempo, convocó a personal de la Policía Científica y adelantó se le realizará una autopsia por protocolo. Será en la morgue de Ituzaingó.

Según la reconstrucción realizada hasta ahora sobre las últimas horas del Indio, el cantante habría cenado con su familia el jueves a la noche y luego se habría metido a la pileta. Allí se descompensó.

Mientras las autoridades judiciales trabajan en el lugar, personal de la Policía Bonaerense desplegó un gran operativo en la zona y cortó el tránsito en las cuadras aledañas. Poco después de que se conociera la noticia de la muerte, muchos fans ya habían comenzado a acercarse a la casa para despedirlo.

La última aparición pública del Indio fue en enero pasado, través de un mensaje cuando recibió el Honoris Causa de la Universidad de Buenos Aires.

El artista había construido alrededor de su figura un magnetismo singular. Su influencia se extendió mucho más allá de la música, convirtiéndose en un referente de la contracultura y en uno de los personajes más enigmáticos del arte argentino de las últimas décadas. Para muchos, su voz y el uso de metáforas en sus letras lo convirtieron en una figura central dentro de la música popular argentina.

En 1975, en la ciudad de La Plata, Indio Solari y Skay Beilinson fundaron Los Redondos. Desde sus primeros pasos, la banda estableció una estética propia, tanto en lo musical como en su modo de relacionarse con el público. La independencia artística y la distancia respecto de los grandes medios marcaron a fuego el recorrido de la banda, que editó nueve álbumes de estudio hasta su disolución en 2001. Discos como Oktubre, Un baión para el ojo idiota y ¡Bang! ¡Bang!... Estás liquidado y Luzbelito forman parte del repertorio esencial del rock argentino.

La separación de Los Redondos supuso un hiato en la carrera de Solari. No fue hasta 2004 que presentó el primer álbum de su nueva etapa, bajo el nombre de LFDAA: El tesoro de los inocentes (Bingo Fuel). Siguieron Porco Rex en 2007, El perfume de la tempestad en 2010 y Pajaritos, bravos muchachitos en 2013. El último trabajo de estudio, El ruiseñor, el amor y la muerte, vio la luz en 2018. Durante esta etapa, Solari mantuvo una relación intensa con su público, que lo acompañó fielmente en cada presentación.

Tras su muerte, las redes se convirtieron en un obituario inmediato y urgente en honor a su figura.

“Ya no escucho música, estoy dentro de la música”, afirmó al recordar su primera experiencia con este sistema. Según explicó, la posibilidad de distribuir los sonidos en múltiples direcciones ofrece una experiencia mucho más inmersiva que el estéreo tradicional.

El músico agregó que esta evolución tecnológica también influyó en su proceso creativo y en la forma en que observa la industria musical actual. Además, destacó que cada vez más vehículos incorporan este tipo de audio, ampliando su alcance entre los oyentes.

En paralelo, destacó que la banda se prepara para regresar a los escenarios con la gira The Return Of The Carnival Of Sins, que recorrerá Estados Unidos y Canadá entre julio y septiembre. Con esta serie de conciertos, celebrarán su 45.º aniversario y los 20 años de su reconocido álbum en vivo Carnival of Sins.

Confesiones y excesos en Mötley Crüe

Al abordar los momentos más difíciles de Mötley Crüe, el baterista admitió: “Nadie puede sostener ese ritmo de excesos; supimos que debíamos parar y buscar ayuda, y así surgió el mejor disco”.

Recordó el punto crítico alcanzado con Nikki Sixx antes de grabar Dr. Feelgood: “Nos quedamos sin drogas y llegamos a inyectarnos whisky. Fue tan absurdo que al final entendimos lo mal que estábamos”.

Describió cómo la decisión colectiva de ingresar a rehabilitación llevó a la banda a una etapa de sobriedad que marcó el álbum más relevante de su carrera. Sobre el final de ese periodo, relató: “Recuperamos la sobriedad, pero la noche que terminó la gira en Hawái volvimos a beber. Nos dijimos que lo merecíamos, aunque luego supimos que era solo una excusa”.

Actualmente, Lee valoró el ejemplo de Sixx, quien mantiene la sobriedad desde hace más de 20 años y es admirado por su constancia. El músico remarcó la importancia de enfrentar, juntos como banda, su periodo más oscuro para poder reinventarse y continuar.

El cambio en la industria musical y el fin de la curaduría

Consultado sobre el impacto del consumo digital, Lee fue crítico: “Hoy hay tanta música nueva que ni los músicos podemos mantener el ritmo, se perdió el misterio y la expectativa de descubrir algo especial”. En la entrevista con Zach Sang Show podcast, lamentó la desaparición de espacios de curaduría musical como MTV y la radio especializada.

“Extraño la época en que ibas a comprar un disco, leías los créditos y descubrías quién tocaba en cada tema”, expresó. Según Lee, los lanzamientos actuales se pierden rápidamente en una avalancha de novedades: “Suben cien mil canciones por día. ¿Quién puede escuchar eso? Es imposible”.

Rememoró la era donde la programación musical estaba a cargo de expertos y el público recurría a listas y recomendaciones humanas. Sostiene que la fragmentación y la automatización de las plataformas actuales diluyen el valor de los eventos musicales y dificultan el descubrimiento real.

El arte del misterio: lecciones de Bowie y Prince en la era digital

David Bowie y Prince surgieron como figuras centrales para Lee: “Admiraba a Bowie y Prince porque sabían guardar el misterio; eso es lo que falta hoy: nadie es más grande que su propio mito”, sentenció. Destacó que la privacidad artística ayudaba a construir figuras casi legendarias, algo cada vez más difícil con la hiperexposición actual.

También resaltó que el misterio y la discreción permitían a la audiencia involucrarse más con la música: “No tenías idea de qué pensaba Prince sobre cosas personales, solo importaba la música. Eso lo hacía grande”. Subrayó que sus referentes mantenían la capacidad de sorprender y de reinventarse en cada etapa, creando una identidad inalcanzable para los estándares contemporáneos.

Legado de Mötley Crüe y la ausencia en el Salón de la Fama del Rock

En el tramo final del Zach Sang Show podcast, abordó el legado de Mötley Crüe y criticó la exclusión de la banda del Salón de la Fama del Rock. “Es absurdo que Mötley Crüe no esté en el Salón de la Fama, mientras otros menos influyentes sí han entrado”, opinó.

Se preguntó si la banda había llegado a ofender a alguien de la organización o si los criterios de evaluación son simplemente inexplicables: “Es sinónimo: Mötley Crüe significa rock and roll en el Sunset Strip, no entiendo qué están esperando”.

Enfatizó que los grandes éxitos de la agrupación resisten el paso del tiempo y que solo al ver todo el catálogo reunido se comprende el impacto cultural logrado. A pesar de la postergación, reconoció que la situación se convirtió casi en una broma interna para los integrantes.

These Thoughts May Disappear, la primera muestra pública de arte visual de Jack White, se exhibe en la Newport Street Gallery de Londres con el respaldo de Damien Hirst y colaboraciones de Ai Weiwei, pero la recepción crítica no tardó en llegar: The Guardian la calificó de vacía, pretenciosa y sin ideas visuales propias. El crítico de arte del diario inglés destruyó la exposición del guitarrista y cantante: “Como un niño de 12 años que visita el Tate Modern por primera vez”

La reseña, firmada por Jonathan Jones, no dejó resquicio para la benevolencia. “Como artista visual, White es un completo no-iniciado”, escribió en una nota que recorre sala por sala los trabajos del ex integrante de The White Stripes y concluye que la fama musical no se traduce en talento plástico. La exposición, con entrada libre y gratuita, reúne más de 100 obras entre esculturas de objetos encontrados, instalaciones, piezas de mobiliario y trabajos interactivos. White, quien se formó como tapicero antes de convertirse en músico, describió su práctica visual como Hardware Store Art (Arte de ferretería): una mezcla de carpintería, tapicería, ensamblaje y reapropiación de materiales industriales. La muestra permanecerá abierta hasta el 13 de septiembre de 2026.

Jonathan Jones reservó sus críticas más ácidas para las piezas que White presenta como homenaje a la tradición musical de la América profunda —el blues, el country, la herencia de artistas como Son House y Robert Johnson—. La figura del Ukulele Joe”, una estatuilla de principios del siglo XX que White reprodujo en serie con patrones de colores, le pareció al crítico “superficial y estéril”, incapaz de transmitir la profundidad que el músico le atribuye. “Estas apropiaciones coloridas y estampadas son chanzas decorativas sin más”, escribió.

La instalación central de la muestra, The Red Tree —un árbol pintado de rosa sobre un jardín artificial con tumbonas—, tampoco escapó al escrutinio. Para el crítico, la pieza repite ideas que Anselm Kiefer y Giuseppe Penone ya exploraron con mucha mayor sustancia. “¿Quién pensó en poner un árbol en una galería de arte? Kiefer y Penone, para empezar. Y ellos no lo pintarían de un color tan tonto”, consignó.

El texto apunta con especial dureza a lo que describió como una concepción confusa y pretenciosa del arte contemporáneo: readymades, instalaciones y referencias al movimiento neerlandés De Stijl —White tituló uno de sus álbumes con ese nombre y convirtió una cuadrícula al estilo Mondrian en un mueble— que, a su juicio, reflejan “el nivel intelectual de un niño de 12 años que acaba de visitar el Tate Modern por primera vez".

Las colaboraciones con figuras del mundo del arte tampoco redimieron la muestra a ojos del crítico. Ai Weiwei intervino uno de los amplificadores Fender diseñados por White en 2024 con la palabra “fuck” escrita en botones de distintos tamaños y colores. Jones la calificó de “gesto cínico y despectivo”, aunque reconoció en ella “un espíritu nihilista y peligrosamente creativo” que, a su entender, brilla por su ausencia en el resto de la exposición. Damien Hirst, por su parte, personalizó otro amplificador con una cabeza de vaca en descomposición y colaboró con White en piezas que incluyen una pelota de ping-pong en levitación permanente y una pintura giratoria —recursos que la nota calificó de “tópicos manidos” del propio Hirst.

El catálogo de la muestra, un libro de lujo con tapa dura, incluye una entrevista a Jack White realizada por el curador Hans Ulrich Obrist, lo que da la medida del respaldo institucional que recibió el proyecto. Allí el músico contó que la relación con Hirst comenzó cuando ambos se conocieron durante la apertura de la tienda Third Man Records en Londres, y que fue el artista británico quien lo animó a llevar su obra al espacio público tras ver fotografías de sus trabajos.

Para Jones, precisamente ahí reside la paradoja más llamativa de la exposición: que Hirst, quien en sus años de formación puso una cabeza de vaca en descomposición real dentro de una vitrina llena de moscas y lo llamó arte —“eso sí era rock and roll”, escribió el crítico—, haya puesto su galería al servicio de una muestra que, a su juicio, carece de pasión y propósito. “Sigue convenciendo a músicos de que son artistas”, escribió, en referencia también a Ed Sheeran, a quien Hirst habría persuadido de que era “el nuevo Pollock”.

[Fotos: Newport Street Gallery; Reuters/Jack Taylor]

El pasado sábado 30 de mayo de 2026, Metallica marcó un antes y un después en la historia de los conciertos en Berlín, Alemania. La agrupación, integrada por James Hetfield, Lars Ulrich, Kirk Hammett y Robert Trujillo, se presentó en el Olympiastadion y reunió a 94.000 asistentes, cifra que estableció un récord absoluto para el recinto. El récord previo correspondía a U2, que en 2009 congregó a 90.000 personas, según la información confirmada por l revista digital estadounidense Loudwire y reflejada en las redes oficiales de Metallica.

En sus cuentas de Instagram, Metallica agradeció el apoyo de los fans y celebró la marca alcanzada en la capital alemana. Según medios especializados, reportaron que el récord de U2 permaneció imbatible durante 17 años, hasta que la gira M72 lo superó en esta presentación.

Por su parte, la revista especializada en la industria musical Billboard y otros medios internacionales también informaron sobre la magnitud del evento, destacando la relevancia del logro para la historia de los espectáculos en vivo en Alemania. El registro del Olympiastadion se suma a una serie de hitos recientes obtenidos por la banda.

La gira M72 y una seguidilla de marcas históricas

En el marco de la gira M72, Metallica impuso nuevos parámetros de convocatoria en diferentes escenarios europeos. De acuerdo con Loudwire, en mayo la banda reunió a 90.000 personas en el Estadio Olímpico de Atenas, lo que fijó otra marca relevante para el grupo en Grecia.

En 2023, la agrupación había registrado un récord previo en el SoFi Stadium de Los Ángeles, donde reunió a 78.000 fanáticos en dos presentaciones consecutivas, también durante la gira M72. Estas cifras resaltan la vigencia de Metallica en la escena internacional.

Mensajes de agradecimiento y expectativa

Tras el éxito de Berlín, la exitosa banda de rock difundió una carta a sus seguidores en la que manifestó su sorpresa y agradecimiento por el respaldo recibido. “Estamos completamente asombrados y no podemos creer que vayamos a tener 24 noches increíbles sobre el escenario, todo gracias a ustedes y a una semana de récord”, expresó el grupo según sus publicaciones en redes sociales.

La banda también informó que, por el momento, no sumará nuevas fechas a la gira. “Por ahora, no añadiremos más conciertos, pero esperamos poder ofrecer más en el futuro”, señalaron en su mensaje a los fans, anticipando los shows en Las Vegas y el cierre de la temporada en Estados Unidos.

Próximos destinos y cierre del tour

El calendario internacional de Metallica mantiene su intensidad durante las próximas semanas. A lo largo de junio, la banda ofrecerá conciertos en ciudades clave de Italia, Hungría, Irlanda, Escocia y Gales, donde se espera un aforo masivo en cada presentación. Estas fechas forman parte del tramo europeo de la gira M72.

La etapa europea concluirá el 5 de julio en Londres, con un espectáculo programado en el Estadio de Wembley. Según la agenda oficial de la banda, este cierre en la capital británica podría repetir el impacto de convocatoria registrado en Berlín, consolidando a Metallica como uno de los grupos con mayor poder de convocatoria en la actualidad.

Tras su paso por Europa, la banda se trasladará a Estados Unidos para encabezar una serie de presentaciones especiales en el Sphere de Las Vegas. El espectáculo, titulado “Life Burns Faster”, contempla 12 funciones entre octubre y noviembre de 2026. La elección del Sphere, un recinto de última generación con tecnología de proyección envolvente y capacidad para más de 18.000 espectadores, refuerza la apuesta de la banda por ofrecer una experiencia innovadora y de alto impacto visual.

Para finalizar el año, tiene previstas dos fechas en el estado de Connecticut, antes de iniciar en 2027 una nueva tanda de conciertos en el Sphere de Las Vegas. La banda confirmó 12 shows adicionales entre enero y marzo del próximo año, lo que anticipa una agenda cargada y una demanda sostenida por parte del público estadounidense.

La seguidilla de récords alcanzada por Metallica destaca su capacidad de convocatoria tras más de cuatro décadas de trayectoria. Los logros recientes reafirman la posición del grupo como uno de los referentes indiscutidos del rock y el heavy metal a nivel mundial.

En una conversación para Apple Music, el músico británico repasó el origen de varias canciones, evocó momentos compartidos con John Lennon y explicó cómo la memoria y las experiencias de su juventud influyeron en el proyecto.

También reflexionó sobre su forma de trabajar y la necesidad de mantener vivo el entusiasmo creativo. “Odio cuando hacer música empieza a sentirse como un trabajo”, afirmó, al referirse a la filosofía que sigue guiando su carrera.

Uno de los momentos más destacados del disco es “Home to Us”, tema que marca el primer dueto vocal en estudio entre McCartney y Ringo Starr. Según contó el ex Beatle, la colaboración surgió de manera espontánea y estuvo acompañada por una confusión amistosa sobre quién debía interpretar una de las partes de la canción.

El álbum también recuperó “Lost Horizon”, una composición que permaneció olvidada durante años hasta que un técnico de Abbey Road encontró por casualidad un casete con la grabación completa. Ese descubrimiento permitió rescatar una pieza que McCartney creía perdida.

El artista señaló que gran parte del trabajo creativo estuvo impulsado por fotografías y recuerdos familiares. Entre esas vivencias del pasado aparecieron también escenas de su infancia en Liverpool. McCartney recordó las excursiones a Dungeon Lane y las visitas al entonces Liverpool Speke Airport para observar los aviones.

“Solíamos ir al aeropuerto sólo para ver los aviones. En esos días era Liverpool Speke Airport”, comentó, subrayando el carácter autobiográfico que atraviesa buena parte de las canciones del álbum.

Home to Us: el dueto entre McCartney y Ringo Starr

La colaboración entre McCartney y Starr en “Home to Us” partió de una anécdota sencilla y cercana. El tema evoca la infancia de ambos: Paul en Speke y Ringo en The Dingle, barrios humildes y llenos de vida familiar.

Según relató McCartney, hubo una confusión durante la grabación de la canción. Él había dejado registrada una voz provisional para que Starr interpretara la parte principal, pero el baterista entendió que debía limitarse a los coros. “Le llamé: ‘¿No querías cantar toda la canción?’. Él me dijo: ‘No pensé que quisieras que la cantara toda’”, recordó entre risas en diálogo con Zane Lowe.

Resuelto el malentendido, ambos compartieron la interpretación de la letra: “De repente, después de todo este tiempo, tenemos una canción juntos. Ahora tenemos el primer dueto de Paul y Ringo”, celebró el artista británico.

Lennon y el legado: memoria, respeto y el aeropuerto de Liverpool

Uno de los momentos más emotivos en la charla con Apple Music fue el recuerdo de Lennon y la huella que dejó en su música. McCartney recordaba la pregunta que le hizo una vez Lennon: “‘¿Cómo van a recordarme cuando muera?’ Le respondí: ‘Tranquilo, ya has hecho suficiente para ser recordado con mucho respeto y amor’”.

Acerca del aeropuerto de Liverpool que lleva el nombre de Lennon, afirmó: “Creo que le hubiera encantado, porque solíamos ir allí solo a ver aviones. Era un gran placer”. También recordó la resiliencia de Ringo, forjada en su niñez, y la sensibilidad de Lennon, marcada por experiencias difíciles en la infancia.

La historia de Lost Horizon: la canción perdida y hallada

El nuevo álbum de McCartney incluye la recuperación de una pieza olvidada. “Eddie Klein, un técnico de Abbey Road, simplemente la vio y la escuchó. Me dijo: ‘¿Recuerdas Lost Horizon?’ Le dije: ‘¿Qué? No’”, narró McCartney en el podcast de Apple Music.

Esta canción, completa en letra y melodía, había quedado almacenada en un casete y había sido dejada de lado durante años. “Eddie pensó que era buena y, si él lo decía, yo le creía. Me puso muy contento”, añadió sobre el hallazgo de “Lost Horizon”, que ahora conecta sus primeras etapas creativas con el presente.

Cómo McCartney maneja la fama y la privacidad

A los 83 años, McCartney reflexionó sobre el peso de la celebridad. Con el paso del tiempo, aprendió a establecer límites claros: “Ahora, cuando alguien quiere una foto, digo: ‘Lo siento, no me hago fotos. Prefiero conversar’”, explicó.

La anécdota del mono de Saint-Tropez se transformó en una metáfora de identidad: “Le cuento a la gente, en Saint-Tropez hay un hombre con un mono y puedes hacerte una foto con el animal. El momento en que permito que me fotografíen así, siento que me convierto en ese mono”, comentó, defendiendo la necesidad de que lo reconozcan como persona antes que como celebridad.

Influencias actuales: África, Fela Kuti y la curiosidad musical

Sobre influencias recientes, confesó su renovada admiración por la música africana. “Últimamente me he sumergido en mucha música africana, de Senegal y estilos parecidos. Es fascinante: ahí es donde surgió el blues”, explicó.

Narró su experiencia presenciando a Fela Kuti en el African Shrine, episodio que calificó como inolvidable: “El grupo comenzó a tocar un riff que todavía puedo recordar, y simplemente rompí en llanto”.

Esta apertura a nuevos sonidos refuerza su postura de “siempre estar escuchando música” y de buscar inspiración permanente en la diversidad artística.

Durante su presentación, la cantante detuvo el show para pedir al auditorio un minuto de silencio. El pedido tenía un destinatario claro: honrar la memoria de Agostina, cuyo femicidio en Córdoba generó una conmoción nacional. El silencio en la sala fue absoluto, y la emoción colectiva se hizo palpable en el ambiente.

El homenaje cobró mayor profundidad cuando Cantilo, con la voz quebrada por la tragedia, interpretó "Canción Sin miedo". La elección de este tema no fue casual: su letra y su contexto la convirtieron en un símbolo de la lucha contra la violencia de género. La interpretación de la artista, cargada de sensibilidad, reforzó el mensaje de repudio ante hechos como el ocurrido con Agostina.

La secuencia del homenaje fue clara y rotunda: primero el minuto de silencio, solicitado por Cantilo con respeto y empatía, luego la música como canal para expresar el dolor y la indignación colectivos. El público acompañó todo el momento en un clima de profundo respeto, alineándose con el pedido de justicia y el reclamo de que estos crímenes no se repitan y se haga justicia.

El caso de Agostina Vega había sacudido a la opinión pública pocos días antes. La niña, de 14 años, fue encontrada sin vida en Córdoba tras una semana de búsqueda intensa. La noticia generó un fuerte impacto en el ámbito nacional y se convirtió en tema central de debate sobre la situación de violencia de género en la Argentina.

La presencia del tema en la agenda social se evidenció en la reacción espontánea del público sanjuanino al gesto de la artista. El minuto de silencio y la posterior interpretación de la canción conectaron a la audiencia con la urgencia de reflexionar sobre estos crímenes y su dimensión colectiva.

Durante el homenaje, Fabi Cantilo fue más allá de la música: “Ni una más, ni una menos”, expresó desde el escenario, planteando con claridad su postura frente a la violencia contra las mujeres. La frase resonó en el teatro y fue recibida con aplausos, en una suerte de comunión entre artista y espectadores.

Este tipo de intervenciones en espectáculos públicos refuerzan el rol de los artistas como voceros de demandas sociales. En este caso, la figura de Fabiana y su decisión de utilizar el espacio escénico para visibilizar el femicidio de Agostina Vega dotaron al show de un sentido colectivo. La reacción del público fue inmediata y masiva: el respeto absoluto y la emoción compartida marcaron el momento.

El homenaje realizado por la cantante no solo fue un momento destacado del show, sino que también puso de manifiesto la disposición del público para acompañar y sostener el reclamo social. El público sanjuanino asumió el homenaje como propio, participando activamente y acompañando con aplausos la frase de Cantilo: “Ni una más, ni una menos”. La reacción fue inmediata y sincera, lo que refleja el impacto que el caso de Agostina y la violencia de género generan en la sociedad.

Este momento se consolidó como uno de los instantes más impactantes de la noche, demostrando que el arte y la música pueden ser vehículos poderosos para el duelo, la denuncia y la construcción de memoria colectiva.

En el universo del rock argentino, los recuerdos no solo se atesoran: se convierten en parte del mito. Hay objetos, frases y gestos que atraviesan el tiempo y resumen décadas de música, noches interminables y encuentros irrepetibles. En las últimas horas, Juanse volvió a sumergirse en ese archivo único y personal y sorprendió a sus seguidores al compartir dos tesoros: un mensaje manuscrito y un dibujo realizados por Charly García, ambos surgidos de uno de los momentos más intensos de su carrera y su vida. La publicación fue mucho más que una simple anécdota: fue la puerta de entrada a una amistad marcada por pactos, excesos y una sensibilidad artística inigualable.

“Encontré entre muchos recuerdos que, buscando fotos de Robertito, apareció como desde un envío, lo que escribió Charly el día del pacto de sangre. También encontré un dibujo que hizo sin levantar un ápice el fibrón de la hoja, como con toda continuidad de una, algo notable que en común tienen Luis Alberto (Spinetta) y él, su destreza en el dibujo y el diseño. A veces hay que tirar las cosas, a veces, no”, compartió Juanse en su cuenta de Instagram, junto a las imágenes del mensaje y el dibujo, donde se podía ver con atención la dedicatoria de “para Juanse, mi hermano de sangre... ¡Siempre adelante!“. La ilustración mostró a tres ratones, uno de ellos agarrando un trozo de queso al que Charly llamó “pedazo”, y otro mirando hacia un público imaginario.

No es la primera vez que Juanse destaca el vínculo que lo une a García. A lo largo de los años, el líder de Los Ratones Paranoicos ha contado en distintas entrevistas cómo la amistad y la complicidad con Charly dejaron una huella imborrable en su vida. Una de las anécdotas más recordadas la relató en plena cuarentena, durante un Instagram Live con Andrés Ciro: el episodio en el que Charly, después de pasar semanas sin dormir, decidió comprarse toda la vidriera de un local de electrodomésticos.

En aquel vivo, el músico describió con lujo de detalles uno de los episodios más surrealistas que le tocó vivir junto al ícono del rock nacional. “Hacía tres semanas que estábamos juntos. Estuvimos tres semanas sin dormir. Los últimos cuatro días de esas tres semanas estábamos él y yo mirándonos de frente en el living de su casa, sin hablarnos. En un momento yo hice un gran esfuerzo, me moví, me paré y le dije: ‘Me voy a casa, me baño, me cambio y vuelvo’...”, recordó Juanse.

Con su conocido talento para la imitación, Juanse recreó la voz de Charly. “Bueno dale, pero no tardes...”. Luego, relató cómo se fue del departamento de García en Coronel Díaz y Santa Fe hasta su casa en Belgrano. “Parecía una estatua del Museo de Bellas Artes que quería tomarse un taxi. Entré parado al taxi. Llegué a casa, me tomé un lexotanil. Me bañé como pude y me recuperé. Me tomé medio Bourbon, me cambié y estaba perfecto. Me sequé el pelo y me volví. Te puedo asegurar que no habían pasado más de dos horas, como mucho tres”, contó, mientras Ciro estallaba de risa.

El regreso estuvo lejos de ser tranquilo. Al acercarse al edificio de Charly, Juanse encontró el tránsito cortado y a varias personas con mamelucos grises cruzando la calle. “Dije: ¿qué pasó? ¡Se tiró por el balcón!”, pensó, temiendo lo peor. Al preguntar a uno de ellos, obtuvo una respuesta inesperada: “Estamos yendo a lo de Charly”.

Al llegar al departamento, la escena era digna de una película: el living estaba repleto de cajas con cámaras, radios, televisores y auriculares. Charly le explicó todo con su habitual desparpajo: “Me crucé y le dije ‘quiero toda la vidriera’. El tipo no me quería creer. Y fui y me la compré, man. ¿Qué? Me compré la vidriera, man”.

Guardar o soltar los recuerdos es una decisión personal. Para Juanse, hay objetos y gestos que no se tiran: se conservan como testimonio de una época y de una amistad que marcó al rock argentino. El pacto de sangre, el arte improvisado y las historias que desafían el paso del tiempo siguen vivos, cada vez que alguien decide volver a mirar una foto, leer una carta o mostrar un dibujo.

El tema “Twist And Shout” no surgió como una composición original del grupo de Liverpool. Antes de su versión, la canción había sido grabada por The Top Notes en 1961 y, al año siguiente, por The Isley Brothers. De acuerdo con el artículo, la interpretación de estos últimos inspiró a The Beatles a imprimirle su propio estilo, apostando por una versión más intensa y enérgica.

La sesión en EMI y la voz de Lennon

Los integrantes de The Beatles ya presentaban signos de agotamiento físico debido a la extenuante jornada en los estudios de EMI. Según relató el ingeniero de sonido Norman Smith en declaraciones recogidas por Ultimate Classic Rock, “la voz de John estaba casi completamente perdida”.

En ese sentido, el grupo decidió que Lennon asumiera la voz principal, pese a las dificultades, y grabaron dos tomas: se optó por la primera.

Smith detalló que Lennon recurrió a pastillas para la garganta y gárgaras de leche antes de encarar la grabación. “John se tomó un par de pastillas, hizo gárgaras con leche y nos fuimos”, señaló el ingeniero. Además, la sesión transcurrió en un ambiente de tensión, ya que los músicos sabían que solo contaban con una oportunidad para lograr el resultado esperado.

Con el lanzamiento del álbum Please Please Me, “Twist And Shout” se convirtió en uno de los puntos más destacados del repertorio de The Beatles. De acuerdo con Ultimate Classic Rock, la canción alcanzó el número uno en las listas del Reino Unido y Estados Unidos en 1964.

The Beatles encabezaron 16 semanas consecutivas las listas con este tema musical, ocupando el primer puesto durante una semana, entre otros éxitos como “I Want To Hold Your Hand” y “She Loves You”.

La repercusión en la carrera del grupo

El tema consolidó la presencia internacional de la banda y amplió su éxito en el mercado estadounidense, donde “Twist And Shout” formó parte de Introducing... The Beatles, el primer disco editado en ese país.

Según medios especializados la interpretación de Lennon quedó registrada como una de las actuaciones más intensas de su carrera. En aquella oportunidad cantó sin camisa debido al malestar, ya que su garganta no resistía más tiempo en el estudio.

En años posteriores, la canción se mantuvo su vigencia dentro del repertorio de The Beatles. En 1986, la canción volvió a entrar en el top 25 de las listas estadounidenses tras su inclusión en la película Ferris Bueller’s Day Off. Este regreso confirmó el alcance intergeneracional de la versión grabada en 1963.

Lenny Kravitz atraviesa una etapa de intensa actividad profesional. En una entrevista con Esquire, el músico habló sobre los principios que guían su vida y su carrera, mientras se prepara para una gira por Europa y trabaja en un nuevo álbum, del que ha compartido adelantos en redes sociales, aunque todavía no reveló su título ni una fecha de lanzamiento.

Durante la entrevista, destacó la importancia de mantener la calma, la disciplina y la autenticidad tanto en su proceso creativo como en su rutina diaria. Explicó que procura conservar la mente despejada y el equilibrio personal ante los desafíos profesionales, una filosofía que combina el rigor artístico, el cuidado de la salud y las enseñanzas familiares que marcaron su trayectoria.

Al detallar su preparación antes de salir al escenario afirmó que “mi ritmo cardíaco es bajo y mi mente está despejada”. El artista considera que la música es solo el punto de partida de una conexión más profunda: “La música es el catalizador, pero conectar y unir a todos, sentir la humanidad y la unidad, eso es lo importante para mí“.

Kravitz señaló que alcanzar ese equilibrio emocional fue un proceso gradual. Recordó que en su juventud se veía más afectado por los ambientes cargados de tensión, pero que con los años aprendió a establecer límites y a no permitir que las energías negativas influyeran en su bienestar.

También destacó una enseñanza de su abuelo sobre la importancia de fortalecer los aspectos menos visibles de la vida, comparándolos con los cimientos de una casa, cuya solidez determina la estabilidad de toda la estructura.

La disciplina y el trabajo invisible en la vida de Lenny Kravitz

“La disciplina, en la música y también al cuidar mi cuerpo, es esencial”, subrayó el músico a Esquire. Aseguró que aplica la misma disciplina a todas las áreas de su vida. Explicó que mantiene un enfoque constante y comprometido tanto en sus proyectos creativos, como la música, la arquitectura o la fotografía, como en el cuidado de su salud y bienestar.

Insistió en que el auténtico fundamento de cualquier logro reside en el esfuerzo que pasa inadvertido. Para Kravitz, ese trabajo oculto sostiene sus resultados tanto en el escenario como fuera de él.

El estilo como expresión personal

Al abordar la relación entre estilo y música, el intérprete se refirió a quienes fueron sus referentes: “Las personas que admiraba de joven tenían un gran estilo y una gran música, ya fueran los Jackson Five, Jimi Hendrix, Miles Davis o Led Zeppelin”, relató. Considera que la elegancia acompañó siempre a la música que lo marcó.

Respecto de su imagen personal, sostuvo que se trata de una expresión natural de su identidad. Explicó que su estilo surge de manera intuitiva y refleja una combinación de elegancia, influencias del rock and roll y elementos vinculados al soul.

Bienestar personal y fuentes de inspiración globales

El bienestar y la diversidad de entornos son parte esencial de su día a día. “Mi madre era bahameña, y el océano es mi lugar favorito; es donde encuentro la inspiración y creo mi música”, reveló.

Por otro lado, París le ofrece estímulos urbanos relacionados con la moda, la arquitectura y la gastronomía: “Me da lo que necesito cuando estoy allí: moda, experiencias culinarias, la distribución y el diseño”.

En Brasil encuentra un espacio para desconectarse por completo. En su granja, ubicada en una zona montañosa, dedica tiempo a actividades rurales como montar a caballo, cuidar ganado y cultivar frutas y verduras.

Cuando busca inspiración fuera de los lugares donde reside habitualmente, destacó a la ciudad de Ciudad de México como su destino preferido, debido a su oferta artística, arquitectónica y gastronómica. Incluso señaló que actualmente es su ciudad favorita, junto con París, donde vive gran parte del año.

En plena cuenta atrás para su gira europea y el estreno de su nuevo álbum, Kravitz mantiene la convicción de que cada lugar y experiencia enriquecen y transforman su obra.

El disco se publicó en el Reino Unido el 26 de mayo de 1967 —aunque la distribución completa se consolidó alrededor del 1 de junio— y en Estados Unidos el 2 de junio. En su primera semana se vendieron más de 250 mil copias solo en el mercado británico, cifra que superó el medio millón antes de que terminara junio. A escala global, el álbum acumuló alrededor de 32 millones de copias vendidas, de las cuales unos 11 millones corresponden a EE. UU., donde permaneció 15 semanas consecutivas en el número 1 del ranking Billboard. En el Reino Unido se mantuvo 23 semanas seguidas en lo más alto de la lista, con 148 semanas totales en el chart.

La obra fundamental de Los Beatles

Sgt. Pepper... llegó en un momento de inflexión radical. Tras su último concierto en Candlestick Park, San Francisco, en agosto de 1966, Los Beatles habían decidido convertirse estrictamente en una banda de estudio, agotados por las giras y el clima de histeria que rodeaba cada aparición pública. Ese retiro liberó una energía creativa sin precedentes y transformó Abbey Road —entonces conocido como EMI Studios— en un laboratorio artístico donde la banda junto al productor George Martin y el ingeniero Geoff Emerick exprimieron al límite las posibilidades de las grabadoras de cuatro pistas disponibles.

El resultado fue un disco que amalgamó psicodelia, música hindú, music hall, arreglos sinfónicos y técnicas de estudio inéditas en el rock. Dedicó más de 330 horas de sesiones —más de 25 horas por canción, muy por encima de cualquier trabajo anterior del grupo— entre el 6 de diciembre de 1966 y el 21 de abril de 1967. Ese esfuerzo consolidó el LP como unidad artística central en la industria discográfica y demostró que el formato podía abordarse con la seriedad de una sinfonía. El diálogo con Pet Sounds de The Beach Boys, publicado en 1966, fue explícito: la ambición de Brian Wilson actuó como impulso directo para la apuesta de Los Beatles por un álbum concebido como ciclo coherente.

Musicólogos como James MacFarlane y Allan Moore han señalado que la cohesión del disco no reside en un hilo narrativo estricto —el propio John Lennon lo describió años después como “una colección de canciones sueltas”— sino en patrones armónicos comunes, relaciones de tonalidad entre pistas y motivos textuales recurrentes. Más que el primer álbum conceptual en sentido estricto, Sgt. Pepper... fue uno de los primeros LP de rock en los que portada, letras impresas, secuenciación y contexto de publicación se concibieron como una obra total.

Impacto cultural de ‘Sgt. Pepper’

La publicación del álbum coincidió con la plena explosión de la cultura psicodélica en Reino Unido y Estados Unidos. El barrio de Haight-Ashbury en San Francisco era el epicentro de un movimiento que buscaba en la música no solo entretenimiento, sino revelación estética y espiritual, y el nuevo disco de Los Beatles se integró de inmediato en ese clima. Numerosos cronistas lo presentaron como la banda de sonido definitiva de aquel verano, capaz de condensar “la fantasía, el amor y las drogas de 1967”.

La circunspecta BBC, por ejemplo, respondió con restricciones. Prohibió la difusión de “A Day in the Life” al interpretar la frase “I’d love to turn you on” (“Me encantaría excitarte”) como una apología del consumo de drogas, y colocó bajo sospecha “Lucy in the Sky with Diamonds” —cuyas iniciales coinciden con LSD— y “Fixing a Hole”. Paul McCartney explicó en entrevistas que esa canción hablaba de proteger el espacio interior de la conciencia y que “A Day in the Life” se inspiraba en noticias de periódico, pero las autoridades mantuvieron sus reservas. Esas restricciones amplificaron el halo de obra “peligrosa” y reforzaron su vínculo con el imaginario contracultural de la época.

El éxito de Sgt. Pepper... aceleró la transición del rock desde la lógica del single hacia la del álbum como formato dominante, transformando la economía de la industria discográfica y legitimando presupuestos de producción y tiempos de grabación mucho más amplios. Grupos posteriores como Pink Floyd o Queen, y productores como Brian Eno, señalaron la influencia directa de las técnicas inauguradas en Abbey Road en 1967.

La tapa: un collage manifiesto

La cubierta del álbum, ideada por McCartney y realizada por el artista pop Peter Blake y su entonces esposa Jann Haworth, elevó el arte de tapa al rango de manifiesto pop. Ganó el Grammy a la mejor portada de álbum en 1968 y fue la primera de rock en incluir las letras completas de todas las canciones impresas en el reverso, un gesto que subrayaba la ambición literaria del proyecto.

El proceso de montaje consistió en imprimir en gran formato fotografías de más de cincuenta personalidades, pegarlas sobre cartón y disponerlas como “público” en varias filas, junto a figuras de cera prestadas por el museo Madame Tussauds —entre ellas los propios Beatles en su imagen anterior, de traje y flequillo— y elementos como flores reales, instrumentos musicales y un telón amarillo al fondo. La sesión fotográfica definitiva, a cargo de Michael Cooper, se realizó el 30 de marzo de 1967 y tuvo una duración de unas tres horas. Costó unas 3.000 libras, cuando la mayoría de las tapas de LP costaban alrededor de 50.

La selección de personajes fue fruto de un proceso colaborativo: Peter Blake pidió a cada beatle que elaborara una lista de sus héroes y referentes, y él mismo añadió otros nombres. El resultado fue un mosaico de la cultura del siglo XX que privilegiaba figuras de la literatura, el cine, la música, el esoterismo y la política. En la fila superior se reconocen al gurú hindú Sri Yukteswar Giri, al ocultista Aleister Crowley, a la actriz Mae West, al compositor Karlheinz Stockhausen y al escritor Edgar Allan Poe. En filas intermedias aparecen Lewis Carroll —cuyas imágenes surrealistas fueron cruciales para Lennon en “Lucy in the Sky with Diamonds”—, Aldous Huxley, Dylan Thomas, Marlon Brando, Marilyn Monroe y Karl Marx, entre otros.

La pasión de George Harrison por la espiritualidad india se refleja en la inclusión de varios gurús del Kriya Yoga: Sri Mahavatar Babaji, Paramahansa Yogananda y Sri Lahiri Mahasaya. El antiguo bajista Stuart Sutcliffe, fallecido en 1962, aparece en la fila frontal como recordatorio de los orígenes de la banda. Bob Dylan ocupa un lugar visible, símbolo de la influencia mutua entre ambos artistas.

Las ausencias resultan igual de elocuentes. EMI vetó la inclusión de Jesús, Gandhi y Hitler, propuestos por Lennon, por miedo a la controversia. El actor estadounidense Leo Gorcey fue eliminado porque pidió honorarios. Gandhi fue retirado por temor a ofender a la India. Sobre Elvis Presley, McCartney recordaría que el grupo consideró que era “demasiado importante y demasiado por encima del resto como para siquiera mencionarlo”. La compleja relación -desconfianza mutua, competencia de egos- entre los cuatro ingleses y el rey del rock and roll, terminó por decidir esa notoria ausencia.

Sgt. Pepper canción por canción

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band abre el LP con el sonido de una orquesta afinando y un murmullo de público. La canción homónima es puro rock, adornada con metales y una guitarra fuertemente distorsionada que presenta, desde la perspectiva de un maestro de ceremonias, a la banda ficticia. La grabación directa del bajo de McCartney le otorga un timbre redondo que destaca en la mezcla y establece uno de los rasgos sonoros del álbum: el diálogo entre nostalgias victorianas y modernidad pop.

“With a Little Help from My Friends” introduce a Billy Shears, encarnado vocalmente por Ringo Starr, en un intercambio entre el solista y un coro de amigos sobre la soledad, el amor y la confianza. El estribillo “I get by with a little help from my friends” (Me las arreglo con una pequeña ayuda de mis amigos) funciona como declaración de camaradería, aunque líneas como “getting high” y “turning on” alimentaron lecturas vinculadas al consumo de drogas. La melodía, construida para acomodar la tesitura de Starr, y los coros de Lennon y McCartney crean el efecto de una conversación íntima.

“Lucy in the Sky with Diamonds”, escrita principalmente por Lennon, destaca por su imaginería onírica —“flores de celofán”, “taxis de papel de periódico”, “ojos de caleidoscopio”— inspirada en un dibujo de su hijo Julian y en pasajes de Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carroll. La coincidencia de las iniciales del título con las siglas LSD generó sospecha desde el principio; la BBC restringió su difusión. McCartney admitió en 2004 que la canción trata de una alucinación.

“Getting Better”, compuesta principalmente por McCartney e inspirada en la frase favorita del batería Jimmie Nicol, celebra la superación personal. Lennon aportó el reverso oscuro: la línea “I used to be cruel to my woman, I beat her” (Solía ser cruel con mi mujer, la golpeaba) introdujo una confesión de violencia doméstica poco usual en el pop de la época, generando una dialéctica entre culpa y redención que refleja bien la dinámica creativa entre ambos.

“Fixing a Hole” usa la metáfora de reparar un techo para hablar de la necesidad de proteger el espacio interior de la conciencia frente a las intromisiones externas. McCartney admitió en 1997 que la compuso en una época en que fumaba mucha marihuana y que era “otra oda al cannabis”, aunque negó las lecturas que la asociaban con la heroína. Musicalmente muestra influencias del music hall y de la música de los años veinte.

“She’s Leaving Home” es una belleza minimal: prescinde por completo de guitarras, bajo y batería para apoyarse en un arreglo de cuerdas y arpa que configura una pequeña pieza de cámara pop. Inspirada en una noticia del diario Daily Mail sobre una adolescente desaparecida, la letra alterna la perspectiva del narrador con las voces de los padres, humanizando a ambas partes del conflicto generacional. La joven real, Melanie Coe, reconoció años después la precisión con que la canción capturaba sus sentimientos.

“Being for the Benefit of Mr. Kite!” nació de un cartel de circo del siglo XIX que John Lennon compró en una tienda de antigüedades. La letra traslada casi literalmente el texto del anuncio, y la producción recurrió a collages de cintas de órgano cortadas, pegadas y mezcladas de forma aleatoria a distintas velocidades para crear un torbellino de sonidos de feria. La pista se convirtió en ejemplo clásico del uso de la cinta magnética no solo como soporte, sino como material de composición.

“Within You Without You”, única composición de George Harrison en el álbum, fue grabada con músicos indios y cuerdas occidentales sin participación de los otros tres Beatles. La letra, inspirada en conversaciones filosóficas durante una cena en casa del artista Klaus Voormann, aborda la ilusión del ego y la unidad de todas las cosas. El crítico británico Ian MacDonald la describió como la desviación más distante del sonido beatle dentro de su discografía; el escritor e historiador estadounidense Kenneth Womack la considera el “alma ética” del LP. Harrison añadió risas superpuestas al final, en un gesto de ambigüedad entre el distanciamiento irónico y la acogida del mensaje espiritual.

“When I’m Sixty-Four” tiene la melodía más antigua del álbum: Paul McCartney la compuso a los catorce años, alrededor de 1956, en la casa familiar de 20 Forthlin Road, y la interpretaba en los primeros días del grupo en The Cavern. En 1967 añadió letras con detalles domésticos y familiares. Con arreglos de clarinetes y piano de salón inspirados en el music hall que escuchaba a través de su padre, la pieza funciona como contraste con la experimentación psicodélica del resto del disco.

“Lovely Rita” nació de un encuentro de McCartney con una agente de tráfico que lo multó frente a los estudios de Abbey Road. La letra describe a la protagonista con erotismo juguetón e inserta la figura de la funcionaria en el universo romántico pop. En la lógica del álbum, amplía el abanico de personajes femeninos y refleja la tendencia de McCartney a elevar escenas mundanas a canción.

“Good Morning Good Morning”, escrita por Lennon, toma su título de un jingle publicitario de cereales para construir una crítica soterrada a la rutina de la vida diaria, con escenas de aburrimiento y conversaciones vacías. La música es agresiva y fragmentada: saxofones estridentes, guitarras incisivas y una coda con sonidos de animales —gallinas, gatos, perros, caballos, leones— cuyo final se funde, por coincidencia sonora deliberadamente explotada, con el ataque de guitarra de la pista siguiente.

“Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)”, sugerida por el asistente Neil Aspinall, retoma el motivo de apertura en una versión más acelerada y cruda, con menos metales y más guitarra y batería. Despide al público de la banda ficticia y deja el terreno preparado para la entrada de “A Day in the Life” sin pausa.

“A Day in the Life”, la obra maestra dentro de una obra maestra, cierra el álbum con una composición conjunta de Lennon y McCartney inspirada en las noticias: la muerte en accidente del aristócrata Tara Browne y un informe municipal que contabilizaba 4.000 baches en las carreteras de Blackburn, Lancashire. Es una canción de compleja e inspirada arquitectura. La sección central, aportada por McCartney, describe un despertar apresurado y la carrera para tomar un autobús, y contrasta con la gravedad contemplativa de las partes de Lennon. Los dos pasajes orquestales in crescendo —en los que Martin instruyó a unos cuarenta músicos para que ascendieran libremente desde la nota más grave de sus instrumentos hasta el registro más agudo— culminan en un acorde final de piano sostenido durante más de cuarenta segundos, grabado por varios pianistas a la vez y reforzado mediante la subida progresiva del volumen en la consola para capturar hasta el último suspiro de resonancia. En la edición británica original, especificó un posterior informe técnico, ese acorde va seguido de un tono de 15 kHz —supuestamente audible solo por los perros— y un surco oculto con un collage de voces balbuceantes que se reproducía en bucle si el tocadiscos no levantaba automáticamente la aguja. Un final grandioso que todavía impacta, casi 60 años después de haber sido creado. Y lo será por siglos.

[Fotos: Apple Corp.]

La exhibición de objetos y documentos inéditos de Jimi Hendrix abrirá el 19 de junio en 23 Brook Street, en Londres, y pondrá en primer plano una faceta poco visible de su vida: la rutina doméstica del único lugar que, según la curadora Claire Davies al medio The Guardian, el músico llegó a considerar verdaderamente su hogar. Entre las piezas que se mostrarán por primera vez figuran recibos de comida, cartas, permisos de trabajo, tickets de tintorería y facturas telefónicas por decenas de miles de libras. El conjunto incluye también documentos corporativos de Anim Records, la empresa que administraba a The Jimi Hendrix Experience y a otros artistas.

Uno de los recibos corresponde a pedidos realizados durante un par de meses al restaurante Mr Love, ubicado en la planta baja del edificio donde Hendrix vivía en el barrio de Mayfair. Hendrix solía pedir filetes y hamburguesas desde su departamento, mientras en el restaurante se reunían celebridades en mesas con forma de corazón atendidas por camareras con pantalones cortos. El músico prefería el menú estadounidense de Mr Love y llegó a decir que el problema de la comida inglesa era que “te sirven puré de papas con casi todo, y no voy a decir nada bueno sobre eso”.

La muestra se realizará en la Handel Hendrix House, el museo instalado en las casas reales de dos músicos que vivieron en Brook Street: George Frideric Handel en el número 25 entre 1723 y 1759, y Hendrix en el número 23 entre 1968 y 1969. El espacio que ocupaba Mr Love es hoy una tienda de moda, de acuerdo con el diario británico. La institución adquirió muchas de las piezas de la exposición con apoyo del National Lottery Heritage Fund. El departamento que Hendrix compartió con su novia Kathy Etchingham fue reconstruido y allí, según el mismo medio, el guitarrista recibió y colaboró con figuras centrales del rock británico de los años 60.

Davies, curadora de la muestra y directora adjunta de la Handel Hendrix House, dijo a The Guardian que los recibos y otros papeles “cuentan una historia muy importante sobre este pequeño momento doméstico en la vida de Hendrix”. Añadió que, por su infancia difícil y por una carrera de cuatro años basada en Londres en la que solía alojarse en hoteles o en casas ajenas, el piso de Brook Street fue “el único lugar al que llamó hogar y el único lugar donde su nombre figuraba en las facturas del alquiler”.

La curadora sostuvo que ese archivo ofrece una imagen de cómo era su vida detrás de la figura de estrella de rock y también de cómo podría haber sido si hubiera vivido más tiempo y se hubiera asentado. Hendrix murió en 1970 a los 27 años tras una aparente sobredosis, recordó el diario británico.

Una parte central del material procede de los archivos de Anim Records y de la labor de Patricia “Trixie” Sullivan, asistente personal del mánager Mike Jeffery. Entre 1966 y 1973, Sullivan reservó estudios de grabación, organizó itinerarios, negoció contratos y acompañó a los músicos en giras por todo el mundo, de acuerdo con el medio. Tras la muerte de Jeffery en 1973, Sullivan recogió materiales que los agentes judiciales habían dejado en su oficina de Londres porque prestaron más atención al mobiliario. Guardó todo en cuatro baúles de plástico debajo de su cama en España y, cuando regresó al Reino Unido porque su salud empeoraba, su nieto Jonathan Garcia Sullivan los almacenó en un cobertizo en Dorset, según el mismo medio.

Ese archivo conserva contratos, calendarios, detalles de vuelos, registros de actuaciones históricas y facturas de equipos musicales vinculados al sonido de Hendrix. También incluye los diarios de Sullivan con anotaciones de la gira alemana de enero de 1969. Sobre el concierto de Münster, Sullivan escribió: “Un solo show: gran público, casi hubo disturbios, rompieron muchas sillas, daños por $250. Me empujaron cuando entré al coche”. El material, dijo Davies al mismo medio, revela que Sullivan era “el epicentro absoluto de todo lo que Hendrix y The Experience estaban haciendo”.

“Ella claramente dirigía todo. No estoy segura de que hubieran podido hacerlo sin ella”, añadió Davies. Jonathan Garcia Sullivan contó al mismo medio que su abuela le decía que Hendrix “era bastante introvertido” y que “dudaba mucho de sí mismo”, además de tocar siempre la guitarra cuando ella visitaba su departamento. Garcia Sullivan afirmó que su abuela se describía como la niñera del músico y que intentaba poner orden en su vida pagando ese tipo de gastos. La exposición abrirá el 19 de junio en 23 Brook Street.

Por prolífico que ha sido—a través de Los Beatles, Wings y álbumes solistas—McCartney no sigue ninguna disciplina o rutina para componer canciones. “Simplemente estaré en algún lugar, con algo de tiempo libre, y mi guitarra estará allí, o estaré cerca de un piano. Y me entrarán ganas”, dijo. “Siempre que he dado con algo, es como, oh, guau. Es una gran sensación. Ya sabes, todo eso de la creatividad es algo grandioso. Siempre digo que es mejor que trabajar.”

Incluso para un ensayo, iba elegantemente vestido. Llevaba una chaqueta azul, una camisa negra con pequeños lunares rosas, pantalones negros, zapatos con suela blanca tipo pantuflas de karate y medias con un diseño psicodélico de burbujas azules bajo una raya amarilla brillante.

Unos días después, McCartney actuaría en S.N.L., tocando canciones viejas y nuevas, incluida “Days We Left Behind” de su nuevo álbum, The Boys of Dungeon Lane. Cinco días después, McCartney fue el invitado sorpresa en el último momento de The Late Show with Stephen Colbert, sobre el escenario del Teatro Ed Sullivan, donde Los Beatles debutaron en Estados Unidos en 1964. Como cierre musical de Colbert, cantó “Hello Goodbye” de Los Beatles.

En persona, McCartney lleva sus seis décadas de fama con una gracia extraordinaria. Es cordial y sin pretensiones, orgulloso pero no arrogante, y aún se asombra y se deleita con su vida como músico. “Hoy en día me pregunto cómo acabé siendo compositor”, reflexionó. “Porque, ya sabes, solo soy un chico que fue al colegio, que fue a hablar con el orientador profesional que me dijo, ya sabes, ‘No tienes títulos y, bueno... No veo un gran futuro para ti.’ “Así que tuve que tomar eso y pensar, ‘Jodete: voy a hacer algo.’ Y eso me hizo esforzarme aún más para tener éxito, porque se suponía que no debía lograrlo. Así que escribir canciones fue una de las mejores cosas de mi juventud.”

La primera canción que escribió fue un tema con aires de rockabilly, “I Lost My Little Girl”. McCartney recordó: “Alguien me dijo después: ‘Esa canción iba sobre vos perdiendo a tu madre.’ La escribí a los 14 o 15 años, y ella había muerto hacía poco.” Aunque Los Beatles no la grabaron, McCartney la presentó más tarde en los años 70 con Wings. “Esto es lo interesante de las canciones”, dijo. “Sin saberlo, estás explorando cosas que tal vez serían difíciles de hablar.”

En The Boys of Dungeon Lane muchas de las nuevas canciones rememoran su infancia en Liverpool y los primeros días de Los Beatles. En “Down South”, recuerda cómo conoció a John Lennon haciendo autoestop hacia el sur para ir a Londres. Ringo Starr lo acompaña cantando y tocando la batería en “Home to Us”, sobre su ciudad natal nada glamorosa. McCartney hizo el álbum con Andrew Watt, un productor ganador del Grammy que ha trabajado con Rolling Stones, Miley Cyrus, Lady Gaga, Iggy Pop y Pearl Jam. “Es increíble ver trabajar a Paul”, dijo Watt en una entrevista telefónica. “Si hablas de tus 10.000 horas, él tiene un millón de horas haciendo discos y grabando. Así que su capacidad para entender micrófonos, cómo arreglar, cómo componer, tocar cada instrumento, es simplemente increíble. Y se divierte muchísimo cuando toca. Baila por la sala, pasa de un instrumento a otro, baila, se ríe. Trabajar con él es una experiencia realmente alegre.”

Chad Smith, el baterista de los Red Hot Chili Peppers, quien fue un sustituto de última hora para la actuación en S.N.L., fue igual de efusivo. “No tengo suficientes adjetivos para decirte lo increíble que fue”, dijo en una entrevista telefónica. “No paraba de decir: ‘Solo haz que sea divertido.’ Sabes, él ya no tiene que tocar si no quiere, no tiene que grabar discos. Es tan inspirador ver esa energía. Verdaderamente lo ama.”

Para McCartney, colaborar con Watt le hizo revivir recuerdos. “Cuando trabajas con un productor más joven, me anima a desempacar todas mis historias”, dijo. “Principalmente sobre Los Beatles, porque eso fue lo primero cuando éramos niños. Y ese tipo de recuerdos, creo que para la mayoría de la gente, son los más valiosos.”

The Boys of Dungeon Lane también exalta la actitud juguetona de McCartney hacia la música, que ha tenido toda su vida. El tema de apertura, “As You Lie There”, estalla de una entrañable reminiscencia al grito al estilo Little Richard. “Never Know” se vuelve psicodélica, con voces de sílabas sin sentido a modo de contrapunto y un majestuoso crescendo final. “Salesman Saint”, una canción sobre sus padres sobreviviendo la Segunda Guerra Mundial en Liverpool “con risa y una canción”, avanza entre cambios de métrica y de repente incorpora metales al estilo big band.

Recientemente, los recuerdos de McCartney han vuelto a materializarse. El Salón de la Fama del Rock & Roll en Cleveland acaba de inaugurar una exposición dedicada a Wings, su exitosa banda en los años 70. Él mismo proporcionó algunos disfraces y objetos—pero no su bajo Höfner en forma de violín. “No puedo darles mi bajo, porque lo estoy usando hoy”, dijo. En Londres, el antiguo edificio de Apple en el número 3 de Savile Row reabrirá como museo. Los fans podrán visitar el estudio reconstruido en el sótano donde Los Beatles grabaron “Let It Be” y la terraza donde la banda ofreció su última breve actuación. “Museo implica polvo”, dijo McCartney. “No creo que vaya a ser así. Creo que será bastante animado.”

Dungeon Lane, mencionada en “Days We Left Behind”, es una calle de Liverpool que lleva a la orilla del río Mersey, donde McCartney disfrutaba observando aves. También era donde merodeaban algunos matones del lugar, y un día le robaron su reloj. “Cuando escribes cosas, escribes algo y se convierte en una metáfora de más de lo que estás poniendo por escrito”, dijo, y citó la letra de la canción. “‘Algunos sentirán dolor, pero otros estaban destinados a más.’ ‘Algunos estaban destinados a más’ somos nosotros, los que conseguimos salir de allí.” Sin embargo, añadió: “Conozco a muchos chicos de Dungeon Lane que no lo lograron. Muchos de mis amigos son los que no tuvieron éxito en sus carreras.”

La canción también menciona el 20 de Forthlin Road en Liverpool, la casa—ahora propiedad del National Trust británico—donde McCartney y Lennon comenzaron su colaboración como compositores. “Casi siempre nos sentábamos juntos con dos guitarras acústicas y solo lanzábamos ideas el uno al otro, reboteando”, dijo. “Viéndolo en retrospectiva, no podría haber deseado un mejor compañero.” Y añadió: “John tenía un carácter mucho más áspero, lo cual me gustaba mucho. Cuando trabajábamos juntos, era muy inspirador, muy útil tener ese filo. Y creo que a él también le venía bien tener algo menos duro, quizás un poco más romántico. Es simplemente mi forma de ser, sabes. Soy ese tipo de persona. Me gustan ciertas cosas que algunos tachan de cursis y dicen ‘Dios mío, eso es muy empalagoso’.”

Pero a veces también se ha sentido incomprendido. “Es curioso cómo te encasillan”, dijo. “Que me llamaran ‘el lindo’ de Los Beatles—fue el peor insulto que podían darme. No me gustaba nada. Es como, ‘No, no, no, soy más que eso.’ Pero también es cierto que si estoy escribiendo una canción, me gusta que tenga ese componente amoroso. Pero, para equilibrar eso, muchas veces encuentro que se cuela algo más realista. Me gusta la mezcla de ambos.” Su don melódico puede ocultar sus momentos oscuros. Cuando le pregunté cuál de sus canciones menos conocidas le gustaba más, citó “Daytime Nightime Suffering” y “Arrow Through Me”, dos temas de Wings de los años 70 que no solo están llenos de giros musicales, sino que también encierran pensamientos atormentados.

McCartney volvió a emplear métodos clásicos de estudio durante la creación del nuevo álbum. Durante una reestructuración de EMI, la discográfica de Los Beatles, sus contables decidieron vender equipos del estudio Abbey Road. McCartney compró muchos de los instrumentos, entre ellos el Mellotron que usó en “Strawberry Fields”, el piano espineta que tocó en “Because” y una grabadora de cinta Studer de cuatro pistas que podría ser la que se usó para grabar “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, aunque él no ha podido comprobar si es exactamente esa máquina.

Sigue usando ese equipo antiguo. Una de las canciones nuevas, “We Two”—una entrañable página sobre el amor, la asociación y el apoyo y respeto mutuo—fue grabada íntegramente en la Studer. La tecnología informática permite hoy en día un número infinito de pistas que pueden modificarse en cualquier momento. Pero cuando grababan Sgt. Pepper, debían mezclar varios instrumentos en una sola pista que ya no podía modificarse, una y otra vez. “Realmente usamos el proceso que usaba con Los Beatles, al cien por ciento”, afirmó Watt—hasta la edición final cortando la cinta con una cuchilla. “We Two” termina con el sonido de una cinta rebobinándose—un sonido del pasado en la era digital. “Lo pusimos ahí porque ya nadie escucha eso”, dijo McCartney. “Antes lo oías, en cada disco que hacías.”

Cuando McCartney comenzó a escribir con Lennon, no tenían manera de grabar las canciones a medida que las desarrollaban. Pero pensaban, “Si no puedes recordarla, ¿Cómo esperas que la gente la recuerde?”, contó. “Eso dejamos que fuera nuestra regla.” Ahora, por supuesto, puede captar ideas musicales con un teléfono móvil. Sacó su iPhone y buscó en Todas las grabaciones, con docenas de páginas de posibilidades. “‘L.A. Melody’, ¿qué era esto?”, dijo, mientras acordes majestuosos de piano sonaban por el pequeño altavoz. Puso otra: un bucle de Mellotron vacilante con acordes de guitarra llenos de reverberación y el inicio de una letra. Era una de las que él llama sus “canciones verdes”—que tal vez algún día formen parte de un disco.

“Cuando hacíamos el álbum, separábamos las canciones en tres categorías”, dijo. “Una eran las canciones rojas, esas eran las que íbamos a usar, y prácticamente son las que entraron en el álbum. Luego las canciones azules, que son las que podrían haber estado en el álbum, pero quedaron descartadas. Luego están las verdes, que son estas, las experimentales. Tengo total libertad, y esas al final me acaban gustando mucho.”

Ya no está preocupado por hacer éxitos. “Cuando intentas ser creativo, está bien si a mucha gente le gusta”, dijo. “Pero no es lo fundamental. No es ni de lejos tan importante para mí como lo es para otras personas. Me gusta la libertad. Y si la libertad lleva a un éxito, genial. Si la libertad me lleva simplemente a disfrutarlo, probablemente aún mejor.” Lo importante para él ahora es simplemente hacer música. “La música es un mundo mágico”, dijo. “Incluso científicamente, solo son un montón de frecuencias. ¿Cómo pueden esas frecuencias afectar a tu corazón? Lo entiendo, si tiene una letra, a veces te dices, oh, sí. Pero si es solo una melodía ¿Cómo puede hacerte llorar? Eso es magia. Me encanta.”

Al finalizar la entrevista, McCartney se quedó de pie en la puerta, observando cómo dos empleados del estudio se apresuraban en direcciones opuestas. Sonrió. “Hello goodbye”, dijo.

Fuente: The New York Times

[Fotos: Capitol vía AP; archivo AP; archivo AP/Richard Drew; Stephane Mahe/Reuters]

La canción como laboratorio

El primer gran aporte de Dylan a la cultura del siglo XX fue la demostración de que la canción popular podía operar como laboratorio de experimentación narrativa sin perder su condición masiva. The Freewheelin’ Bob Dylan (1963) es el disco donde eso se vuelve evidente. Canciones como “Blowin’ in the Wind”, “Masters of War” y “A Hard Rain’s a-Gonna Fall” combinan la estructura repetitiva del folk con recursos poéticos de la literatura escrita: repetición anafórica, imaginería apocalíptica, ironía sutil. El uso de preguntas retóricas en “Blowin’ in the Wind” articula una crítica a la guerra y al racismo sin enunciar consignas explícitas, dejando la respuesta flotando para que el oyente complete el sentido. Así, se convirtió en un himno pacifista de todos los tiempos.

La electrificación de mediados de los 60 amplió esa paleta. Cuando subió al escenario del Newport Folk Festival en julio de 1965 con una Fender Stratocaster y una banda eléctrica, parte del público lo abucheó. La perspectiva histórica invirtió ese juicio. La impresionante trilogía de álbumes Bringing It All Back Home, Highway 61 Revisited y Blonde on Blonde —publicados entre 1965 y 1966— no rebajaron la exigencia lírica al electrificarse; la intensificaron. “Like a Rolling Stone”, otro de sus himnos y legado para la historia de la música popular, despliega en seis minutos la historia de una caída existencial que condensa, mejor que ningún manifiesto, la sensación de desorientación de una generación. Que, por cierto, aplica para la generación contemporánea. Ese gesto —elevar la canción popular sin hacerla inaccesible— es tal vez, su contribución más perdurable.

Lo que siguió no fue una caída, sino una serie de reinvenciones que el mundo recibió con la misma incomprensión inicial. El giro al country introspectivo de Nashville Skyline (1969), la etapa cristiana de Slow Train Coming (1979), la épica íntima y dolorosa de Blood on the Tracks (1975), el blues crepuscular de Time Out of Mind (1997): cada etapa parecía una ruptura y era, en realidad, una exploración del mismo territorio desde un ángulo distinto. Notable.

El poeta que no quería serlo

Hay una frase de su discurso de aceptación del Premio Nobel de Literatura que envió a Estocolmo en diciembre de 2016 (no fue en persona, por supuesto) que resume bien su relación con la literatura: “Ni una sola vez tuve tiempo de preguntarme si mis canciones son literatura”. La frase podría leerse como una muestra de modestia, pero también como una declaración de principios: sus canciones no nacieron para ser analizadas en cátedras universitarias, sino para ser cantadas y escuchadas. Aunque ahora, por el peso mismo de su obra, se las deba estudiar y asimilar.

La dimensión literaria de su obra es, aun así, innegable. Sus influencias —Tolstói, Faulkner, Rimbaud, Jack Kerouac, la Biblia, la poesía de Dylan Thomas— se filtran en sus canciones no como citas decorativas, sino como estructuras narrativas y modos de ver el mundo. “Tangled Up in Blue”, otra obra maestra de su cosecha, presente en Blood on The Tracks (1975) fragmenta el tiempo y cambia la perspectiva narrativa con una libertad que recuerda a la novela moderna. Su prosa refuerza esa imagen: el libro Chronicles, Volume One (2004) -primera parte de una autobiografía que todavía no ha tenido continuación- ofrece unas memorias capaces de mezclar lo elegíaco con lo mordaz y de retratar la escena folk neoyorquina con una precisión que muchos lectores han considerado tan reveladora como sus mejores letras.

El premio Nobel que descolocó al mundo

El 13 de octubre de 2016, la Academia Sueca anunció la concesión del Premio Nobel de Literatura a Bob Dylan “por haber creado nuevas expresiones poéticas dentro de la gran tradición de la canción estadounidense”, convirtiéndolo en el primer músico galardonado en esa categoría en los 115 años de historia del premio. Las reacciones negativas fueron inmediatas. El escritor escocés Irvine Welsh dijo que era “un premio de nostalgia mal concebido, arrancado de las próstatas rancias de hippies seniles”. Desde el campo contrario, Leonard Cohen ofreció quizás la defensa más elocuente: “Esto es como colgarle una medalla al Monte Everest por ser la montaña más alta”.

El propio Dylan tardó días en reaccionar, hasta el punto de que la Academia se vio en la situación inédita de no poder contactar al galardonado. En el discurso enviado a Estocolmo, comparó su situación con la de William Shakespeare: un dramaturgo que probablemente nunca se preguntó si lo que escribía era “literatura”, pero que la historia terminó por clasificar como tal. El discurso generó otra controversia: con malicia, la revista Slate señaló que varios pasajes sobre Moby Dick de Herman Melville se parecían sospechosamente al análisis publicado en el sitio de guías de estudio SparkNotes. La Academia no tomó medidas. Dylan, fiel a su estilo, no respondió.

Bob Dylan en Buenos Aires

Buenos Aires ocupa un lugar singular en la geografía del Never Ending Tour. Bob Dylan visitó la capital argentina en cuatro ocasiones: agosto de 1991, abril de 1998, marzo de 2008 y abril de 2012. La primera llegada se produjo apenas tres años después del inicio de la gira. Tocó tres noches en el Estadio Obras Sanitarias ante poco más de 4.700 personas por función. La visita de abril de 1998 al Estadio River Plate fue de otra naturaleza: llegaba con el extraordinario Time Out of Mind bajo el brazo, el disco que acababa de ganarle el Grammy al Álbum del Año y que más importante que eso, lo había devuelto al centro de la escena por ser un disco considerado “clásico instantáneo” (lo es). La noche del 4 de abril quedó grabada en la memoria de los rockeros argentinos por un momento específico: compartió escenario con los Rolling Stones para una canónica versión de “Like a Rolling Stone”. El registro visual, aunque pobre en calidad para los estándares del presente, por suerte existe y está en YouTube. Es un fresco de época y sucedió aquí, en nuestro patio.

Las cuatro noches de abril de 2012 en el Teatro Gran Rex representaron quizás la visita más celebrada. Tocó ante 3.500 personas por función en la histórica sala de la Avenida Corrientes, con una voz aún más áspera que en visitas anteriores. Los asistentes encontraron en esa aspereza un recurso expresivo antes que una limitación. Desde la segunda fila de la platea (¡a metros de él!), traté de asimilar todo lo que hacía y decía: como una película pasaron por mi cabeza cientos de imágenes, de los discos que mi hermano Víctor coleccionaba (colecciona) como tesoros, el sonido de la guitarra y la armónica de León Gieco que descubrí en mi niñez, la pasión que se fue despertanto en mi querido amigo Javier Andrade (QEPD) a través de los años. Inolvidable.

La gira sin fin de Bob Dylan

Desde el 7 de junio de 1988, cuando se presentó en el Concord Pavilion de California y decidió simplemente no parar, lleva aproximadamente más de 3.700 conciertos. Alcanzó la marca de 3.000 en Innsbruck, Austria, en 2009, y ha tocado más de 100 shows por año de forma habitual. La gira actual, iniciada en noviembre de 2021 con la presentación de Rough and Rowdy Ways, tiene fechas programadas hasta agosto en Nashville, aunque, como advirtió el periodista que le puso nombre al fenómeno, no conviene apostar por esa fecha como fecha final.

Nunca ocultó su incomodidad con la etiqueta Never Ending Tour. “¿Alguien llama a Henry Ford un constructor de autos sin fin? ¿Alguien dijo que Duke Ellington estaba en una gira de escenarios de plaza sin fin?”, le respondió a un periodista en 2009. Sigo los videos de los shows más recientes en YouTube: por supuesto hay fans obse que los graban y los suben(y unos cuantos miles alrededor del mundo, los vemos). A los 85 años, sigue siendo un enigma sobre el escenario: se esconde al costado, bajo un sombrero o una capucha de buzo, y encuentra la manera de mantener vivas canciones que llevan décadas circulando. “Estoy aterrado de estar en el escenario”, admitió en 2012. “Pero es el único lugar donde soy feliz.”

El canto crepuscular de un Nobel

La culminación provisoria de su obra data, hasta el momento Rough and Rowdy Ways (2020, año de la pandemia), su trigésimo noveno álbum de estudio. La canción que lo precedió —“Murder Most Foul”, una pieza de 17 minutos sobre el asesinato del presidente John F. Kennedy— se convirtió en el primer número uno suyo en la lista de ventas de Estados Unidos. La ironía no pasó desapercibida: su canción más larga y menos radiofónica halló el mayor eco en un país confinado.

Ese “late style” —blues, swing, rockabilly y letras que alternan el humor negro con la cita velada— no es un mero epílogo decoroso: es una fase de creación que dialoga con el conjunto de su trayectoria y con la tradición musical que estudió y reversionó durante toda su vida. En diciembre de 2020, la venta de los derechos de su catálogo completo —más de 600 canciones— a Universal Music Publishing Group por una cifra estimada en torno a los 300 millones de dólares cerró, al menos en términos patrimoniales, un ciclo. Su voz sigue sonando, rasposa y un poco más débil, en la carretera, sus canciones siguen siendo objeto de nuevas lecturas, y la pregunta que la Academia Sueca se tomó el trabajo de responder en 2016 sigue generando debate. Esa incomodidad es, quizás, el legado más duradero de un artista que nunca quiso que lo dejaran quieto. Que siga así. Salve, Bob. Feliz cumpleaños.

La misión principal de este trabajo fue relevar cómo fueron introducidos Los Beatles al público argentino desde los inicios mismos de su carrera. El foco se colocó en las referencias de un conjunto de diarios y revistas locales editadas durante el año 1964, período en el que el grupo comenzó a tener una exposición mediática sostenida en el país. Aun cuando ya desde la segunda mitad de 1963 se habían publicado en Argentina algunas de sus canciones, no fue sino hasta los primeros meses del año siguiente que ganaron lugar en la prensa gráfica, dejando atrás la etapa donde imperan —con escasísimas excepciones— las escuetas menciones inaugurales. Como complemento a este corpus de corte periodístico, se atendió también a la presentación que realizó de sí misma la banda por medio de sus trabajos oficiales, en la forma que adquirió su distribución local, que no fue necesariamente una copia exacta de lo ocurrido en el Reino Unido.

El punto de inflexión que implicó esta notoriedad mediática del grupo en la prensa argentina se debió primordialmente a la repercusión que tuvo su debut en la televisión norteamericana, lo que constituyó el trampolín para la conquista planetaria, incluido este rincón del Cono Sur. Si bien la popularidad —ya absoluta— en su tierra natal comenzó a extenderse al resto de Europa entre fines de 1963 y comienzos del año siguiente —a destacar las escalas en Suecia y París, respectivamente— la consagración definitiva en el mercado más deseado solo se materializará con la aparición en The Ed Sullivan Show la noche del 9 de febrero de 1964.

Aunque el ADN europeo seguía pisando fuerte en Argentina, fruto de una voluminosa inmigración todavía reciente y traducida en un consumo cultural que mantenía parte de su mirada en el Viejo Continente, el arrollador star system estadounidense se imponía desde hacía décadas y eran los cantos de sirena del Tío Sam los que inclinaban la balanza de lo noticiable. Muy especialmente si se trataba de uno de sus productos de evangelización más exitosos: el rock ‘n’ roll.

Tras el comienzo de la invasión británica al norte del río Bravo, entonces —ahora sí— los diarios y revistas argentinos comenzaron a prestar algunas de sus páginas para contar quiénes eran estos cuatro jóvenes que estaban, ya desde sus comienzos, revolucionando no solo el mundo de la música, sino el hasta entonces modo de ser de las figuras del espectáculo, para convertirse finalmente en artífices de uno de los cambios culturales más importantes del siglo XX.

Son verdaderos torrentes de información —cada vez menos tinta y más bits— los que sigue generando a la fecha esta banda, cuya separación ya superó las bodas de oro. En una era de vértigo digital, la corporación que maneja hoy sus asuntos ha mantenido el catálogo vigente a través de distintos mojones comerciales que van desde ediciones expandidas y deluxe de sus últimos álbumes, documentales de altísimo valor —y otros menos relevantes—, periódicos updates a las mezclas y masterizaciones originales y, más recientemente, una reunión virtual hecha posible por el demixing que permite la inteligencia artificial (el single “Now and Then”), entre otros proyectos. Difícilmente pase un año sin que suceda algún tipo de lanzamiento orquestado desde Apple Corps, muy por delante de la actividad vista en las décadas más inmediatas a la disolución del cuarteto. Por si fuera poco, los dos miembros aún vivos mantienen una envidiable actividad en cuanto a giras —y en menor medida, grabaciones— se refiere, ya superadas sus ochenta primaveras.

Aunque se observa una tendencia de sentido decreciente y resulta difícil competir con artistas contemporáneos por la atención de las generaciones más jóvenes, Los Beatles siguen dominando las búsquedas en Internet versus otras bandas legendarias como The Rolling Stones, Queen, Pink Floyd o Led Zeppelin. Es además llamativo que Argentina es el segundo país que mayor volumen de pesquisas ha hecho sobre la banda en Google en las dos últimas décadas a nivel mundial, solo por detrás de México. Aunque con una vigencia incuestionable, no es del más inmediato pasado del que vamos a ocuparnos, sino que se intenta aquí echar luz sobre aspectos muy lejanos en el tiempo.

La elección del tramo temporal no es caprichosa. Por un lado, 1964 es el año por excelencia de la Beatlemanía; es el momento de su definitiva consagración a nivel mundial y, en consecuencia, un período de impulso sideral en su carrera. El grupo atravesará, en un lapso de unos siete años y medio de vida dentro del negocio discográfico —se consideran los 2772 días que transcurren entre la edición británica del primer single (“Love Me Do / P.S. I Love You”, 1962) y el último LP del canon oficial (Let It Be, 1970)—, un trayecto hasta entonces inédito e impensable. Difícilmente en 1964 alguien podría haber aventurado el impacto que tendría este conjunto para la vida cultural del siglo pasado y, por ahora, también el vigente. Pero, incluso en una intención más cortoplacista, también se hubiera dificultado prever en aquel punto de la historia los pasos que el grupo dará en lanzamientos cercanos en el tiempo. Es casi imposible encontrar en Los Beatles de “Can’t Buy Me Love” (1964) a los cerebros detrás de “Tomorrow Never Knows” (1966), salvo, claro, con el beneficio de la perspectiva.

Aun cuando cada año de su período de actividad pueda arrojar varias imágenes distintas e interesantes de la banda, se trata de dar cuenta aquí de cuáles fueron las que emergieron en la prensa argentina —y otros materiales de difusión— en aquella etapa seminal. Remontarse a la infancia de la presencia del grupo en la prensa puede ofrecer fuertes voces disidentes y brindar la riqueza singular e inocente de conocer cómo fueron las primeras aproximaciones a un fenómeno que por entonces —segurísimo— no iba a ser más que una moda pasajera. En este sentido, el año 1964 constituye sin duda el mejor momento para tomar una fotografía y poder eludir, si bien parcialmente, algunas de las miradas justificadamente enamoradas acerca del conjunto.

Así, y sin tener pretensiones lexicológicas, esta investigación intenta entender cuáles son las formas de decir “Beatles” sin decir “Beatles” en ese preciso instante de esta historia y en un país determinado; cuáles son las estrategias que han seguido una serie de publicaciones para aproximarse y dar a conocer a una banda hasta entonces ignota, desde una latitud postergada y austral. Se trata, en definitiva, de describir cómo un conjunto social, sin poder anticiparlo, dejó de ser virgen de Los Beatles.

Nuestro corpus se halla conformado —primordial, pero no únicamente— por textos de revistas y diarios argentinos que circularon entre el 1 de enero y el 31 de diciembre de 1964. La elección de las publicaciones diarias busca abarcar un amplio espectro que involucre tanto a la denominada “prensa seria” como a la “prensa sensacionalista”. El recorte incluye principalmente a La Nación, Clarín y Crónica, aunque también se ha trabajado con La Razón, La Prensa y El Mundo. En el caso de las revistas, se seleccionaron diversos exponentes en cuanto al producto que suponen, asegurando aproximaciones diferentes respecto a las temáticas del arte, la música y el entretenimiento. Las publicaciones privilegiadas fueron las más generalistas Primera Plana, Leoplán, Atlántida, la edición en español de Life y, más cercanas al mundo del espectáculo, Antena, Radiolandia, Ritmo Juvenil y TV Guía, entre otras. Dentro de este universo, se privilegiaron especialmente los artículos en los que Los Beatles se erigen como protagonistas claros, independientemente de que pudieran ser mencionados al pasar en piezas que no los tomaban como su eje principal.

Vale la pena aclarar que, hacia 1964, aún no había surgido en Argentina una prensa especializada en el rock ‘n’ roll —era aún primitivo el desarrollo del género en el país—, como sí ya sucedía desde hacía varios años, naturalmente, en mercados como los de Estados Unidos e Inglaterra, con los casos resonantes de Billboard, Cash Box y Downbeat, y de New Musical Express, Disc y Melody Maker, respectivamente. Esto implica que este tipo de música no recibía en las publicaciones locales una atención frecuente y protagónica, encontrando de a poco espacio en revistas que atendían de forma generalista al mundo del espectáculo —con foco en intérpretes locales y en el marco de una mirada que se extendía también hacia el cine, la radio y la TV— y, con aún mayor dificultad, dentro de la prensa diaria, especialmente la considerada “seria”.

No será sino hasta el lanzamiento de JV en 1967 y Pinap en 1968 que comenzó en Argentina el periodismo especializado en rock y “cultura joven”, legado que continuaron más inmediatamente, entre otras, Cronopios (1969), La Bella Gente (1969), Pelo (1970), Mordisco (1974), Expreso Imaginario (1976) y Rock Superstar (1977). La aclaración bien vale para anticipar en qué magnitud y desde qué posicionamientos serán introducidos Los Beatles a los lectores argentinos desde los medios circulantes en 1964.

En ese sentido, cabe destacar que el soporte principal de difusión de las canciones de Los Beatles fue la radio. La TV también apuntalaba la música popular, especialmente la de artistas locales, pero no parece haber jugado un rol pivotal en la masificación directa de la banda de Liverpool. Los programas radiales de corte musical más populares en 1964 eran Escalera a la fama (producido por Rubén Machado en Excelsior), Escala musical (de Carlos Bayón, en la misma emisora y además con versión televisiva), Wincofonías (conducido por Miguel Fernández Volpe en Splendid) y Una ventana al éxito (liderado por Antonio Barros en Antártida). En la pantalla chica triunfaban, en Canal 7, Ritmo y juventud (del mencionado Machado), en el 9, Sábados continuados (con Antonio Carrizo) y, en el 13, Sábados circulares (de Pipo Mancera) y El Club del Clan (con producción de Ricardo Mejía).

Es momento de sumergirnos en el corazón del fenómeno Beatle en Argentina. Los primeros ecos de sus canciones y la anticipación mediática allanaron el camino para una explosión cultural que transformaría el panorama musical y juvenil del país.

Damas y caballeros: ¡Los Beatles!

El rock and roll nació como una promesa de absoluta libertad, pero con el tiempo demostró ser una maquinaria de repetición y desgaste. Pocas mentes comprendieron este proceso con tanta lucidez y sarcasmo como Mick Jagger. A lo largo de las décadas, el cantante de los Rolling Stones vio caer a contemporáneos, sepultados por los excesos de su mitología Sin embargo, lejos de adoptar un tono moralista o redactar un tratado solemne, el músico eligió la ironía para resumir la gran paradoja.

“Empezás tocando rock and roll para poder tener sexo y tomar drogas, y terminás tomando drogas para poder tocar rock and roll y tener sexo”. A diferencia de lo que dictan algunos mitos de internet, la frase no pertenece a un libro de memorias desgarradoras ni a una biografía autorizada de pretensiones literarias. Sucedió la noche del 11 de diciembre de 2012, cuando Mick Jagger subió al escenario del Ed Sullivan Theater de Nueva York para participar del programa Late Show with David Letterman.

El motivo era la celebración del 50 aniversario de la banda. El conductor David Letterman invitó al cantante a presentar su clásica sección humorística del “Top Ten”. El segmento llevó por título “Las 10 cosas que yo, Mick Jagger, he aprendido tras 50 años en el rock and roll”. Entre chistes sobre no aceptar consejos amorosos de Phil Spector y la nula ganancia que le dejaba la canción Moves Like Jagger de Maroon 5, el vocalista coronó la noche revelando el puesto número uno con aquella sentencia.

Aunque se originó en un sketch de comedia, la frase caló hondo en la cultura popular porque describía una verdad incómoda con una precisión matemática. Si bien la cita proviene de la televisión, existe un vínculo ineludible entre el pensamiento de Mick Jagger y el mundo editorial que ayuda a entender el trasfondo de sus palabras. Durante la década de 1980, el músico escribió una esperada autobiografía tras recibir un millonario adelanto financiero. Sin embargo, aquel manuscrito jamás se publicó.

La leyenda urbana afirmaba que el cantante había desistido porque sus recuerdos estaban borrados por los excesos químicos. Décadas más tarde, el editor John Blake tuvo acceso al texto original y desmitificó la historia: el libro era técnicamente impecable, pero carecía del morbo que el mercado editorial le exigía a una estrella de su calibre. Ese manuscrito nunca editado radica demostró que Mick Jagger siempre prefirió resguardar su intimidad antes que vender un estereotipo decadente.

La frase analiza las dos etapas de la vida del artista masivo. Al principio, la música es la llave maestra para acceder a un paraíso hedonista de placeres inmediatos. El rocanrol funciona como la banda sonora del deseo juvenil. El giro trágico y brillante ocurre en la segunda mitad de la premisa. Con el paso del tiempo, el orden de los factores se invierte de manera perversa. Las sustancias ya no son el premio, sino el combustible. Lo que comenzó como rebelión termina como un empleo de alta exigencia física.

Esta idea sintetiza a la perfección la mentalidad que mantuvo a Mick Jagger activo. A diferencia de Keith Richards, cuyo misticismo romántico lo vuelve el alma indomable del grupo, el cantante siempre operó bajo una lógica pragmática. El líder de los Stones entendió que el descontrol absoluto era incompatible con la permanencia en el tiempo. Detrás del performer andrógino de labios gigantes habita un exestudiante de la London School of Economics que transformó a su banda en una corporación multinacional.

Para Mick Jagger, la frase no es una queja de arrepentimiento, sino la constatación de un engranaje biológico y comercial. Es el testimonio de un hombre que decidió bajarse a tiempo de la espiral autodestructiva para convertirse en un atleta de estadios (la forma en que baila, a sus tantos años, lo vuelven un atleta). Con esa ironía tan británica, el músico le recordó al mundo que la rebeldía juvenil tiene fecha de vencimiento, y que en el negocio del rock, el verdadero triunfo no es morir joven, sino sobrevivir al mito.

¿Quién es Mick Jagger?

Nacido el 26 de julio de 1943 en Dartford, Inglaterra, Mick Jagger (bautizado como Michael Philip Jagger) se crio en el seno de una familia de clase media. Su destino cambió para siempre tras un encuentro fortuito en una estación de tren con su amigo de la infancia, Keith Richards, con quien descubrió una pasión compartida por el blues. Aunque llegó a estudiar en la prestigiosa London School of Economics, abandonó las aulas universitarias para fundar la legendaria banda británica en 1962.

Comenzó junto a Richards, Brian Jones, Charlie Watts y Bill Wyman. A lo largo de una carrera de más de seis décadas, se transformó en el arquetipo definitivo de la estrella de rock, célebre por su inconfundible voz, su magnética e hiperactiva presencia escénica y un estilo andrógino que desafió las normas culturales de su tiempo. Como compositor principal de la banda junto a Richards, dio vida a himnos generacionales incluidos en álbumes como Beggars Banquet, Sticky Fingers y Exile on Main St..

Más allá de los estadios, expandió su faceta artística como solista, productor y actor. A pesar de los mitos que rodean la longevidad en una industria plagada de excesos y tragedias personales, se mantiene plenamente activo y con una vitalidad asombrosa. En la actualidad, Jagger sigue desafiando el paso del tiempo sobre los escenarios de todo el mundo, desmintiendo de forma definitiva cualquier rumor sobre su muerte y reescribiendo las reglas de lo que significa envejecer en el universo del rock.

El power trío mexicano Demons My Friends presenta este sábado 23 de mayo de 2026 en el Rebel Rebel / El Club del Rock & Roll de la Ciudad de México la noche de lanzamiento oficial de Survive/Yourself, su segundo LP, editado el 17 de abril de 2026 bajo el sello californiano Ripple Music.

El álbum debutó en el puesto número 16 del Doom Charts, uno de los rankings de referencia para el rock pesado y el doom a nivel global. El disco fue producido por Jeff Henson, quien tiene en su haber trabajos con Clutch y Spirit Adrift, y combina riffs de grunge con estructuras doom y armonías psicodélicas que remiten a bandas como Soundgarden, Monolord y Baroness.

“Survive/Yourself” llega tras giras con Bruce Dickinson, Graveyard y Danko Jones

La banda, integrada por Lu Salinas en bajo y voz, Tarro Martínez en batería y Pablo Antón en guitarra y voz, ha llevado el stoner hecho en México a escenarios como el SXSW, el Levitation, el Ripple Fest Texas y el México Metal Fest. El regreso a casa cierra un ciclo de exposición internacional que los colocó en el mismo cartel que leyendas del rock pesado.

Muto Tapes y Crank completan el cartel

La noche cuenta con dos actos de apoyo de la escena capitalina. Muto Tapes es un dúo de sludge metal de la Ciudad de México cuyo sonido cruza la agresión del death y el thrash old school con riffs lentos y texturas psicodélicas del doom. Han girado por Colombia y Estados Unidos junto a bandas como High on Fire, y su trayectoria los ha llevado de festivales de metal extremo a galerías de arte y fiestas techno.

Crank cierra el trío de bandas con una mezcla de stoner, blues, grunge y psicodelia. Su álbum Live, Laugh, Die! fue grabado en el legendario Testa Estudio. Su sonido crudo y directo representa el rock de garaje llevado a su máxima potencia stoner.

Boletos y precios para ver a Demons My Friends

Las entradas para el lanzamiento en vivo del nuevo LP Survive/Yourself, ya se encuentran disponibles en dos puntos de venta:

• En línea: a través de passline.com.
• En taquilla: venta sin cargo en el Rebel Rebel / El Club del Rock & Roll.

El precio de preventa es de 120 pesos y el día del evento estará en 200 pesos. El show se realiza en el recinto ubicado en Oxford 11, colonia Juárez, alcaldía Cuauhtémoc, a unos metros del Ángel de la Independencia.

El Monumento a la Revolución será escenario de un megaconcierto gratuito de rock. La agrupación Golden Times, originaria de la Ciudad de México, encabezará el evento con un repertorio compuesto por éxitos internacionales y nacionales de las décadas de los ochenta y noventa.

Golden Times es reconocida por su interpretación de canciones populares tanto en inglés como en español, con versiones de artistas como U2, Michael Jackson, Blondie, Queen, Depeche Mode, Bee Gees, Daft Punk y The Police.

Además, la banda retoma piezas de rock latino y mexicano, incluyendo temas de Maná, Fobia, Héroes del Silencio, Café Tacuba, Enanitos Verdes, La Ley, Caifanes, Hombres G y Soda Stereo.

El repertorio se amplía con música de grupos contemporáneos como Zoé, Los Bunkers, Enjambre y Babasónicos.

La agrupación, fundada y activa en la capital mexicana, se ha posicionado por su capacidad de conectar con públicos diversos a través de la reinterpretación de clásicos.

Sus presentaciones suelen atraer tanto a quienes vivieron los años ochenta y noventa como a nuevas generaciones interesadas en el rock y pop de esas décadas.

Las actuaciones de Golden Times se caracterizan por una selección de temas que abarcan distintos géneros y estilos, lo que permite una experiencia dinámica para los asistentes al concierto.

¿A qué hora será el concierto de rock en el Monumento a la Revolución?

La cita será el domingo 17 de mayo de 2026, a partir de las 17:00 horas.

El acceso es libre y la actividad forma parte de la programación especial por el Día Internacional de los Museos que incluye más actividades y presentaciones especiales.

Feria de los Museos 2026 en el Monumento a la Revolución

Ese mismo domingo 17 de mayo de 2026, se llevará a cabo la cuarta edición de la Feria de los Museos del Centro Histórico en el Monumento a la Revolución, con un horario de 11:00 a 17:00 horas y entrada gratuita para todo público.

El evento se realiza en el marco del Día Internacional de los Museos y reúne a más de 50 museos públicos, privados y universitarios del Circuito Alameda-Revolución. El lema de esta edición es “Museos uniendo un mundo dividido”.

La feria tiene como objetivo visibilizar la diversidad patrimonial y la oferta educativa de los recintos participantes.

A lo largo del día, los asistentes podrán disfrutar de más de 50 talleres, actividades interactivas, presentaciones artísticas y espectáculos para públicos de todas las edades.

Entre la programación se encuentran charlas con especialistas, narraciones, monólogos, shows de títeres, cuentacuentos, ensambles musicales y obras de teatro.

La programación también incluye la conferencia “Museos uniendo un mundo dividido”, a cargo de la pedagoga Rosa Lucía Mata Ortiz, y espectáculos dirigidos a familias, como la obra de teatro con títeres “Xochimilco, o de cómo sobrevivieron los ajolotes a la extinción”, el espectáculo Simis con coreografías y música, y la narración “Madre Tierra”.

Para quienes buscan actividades para niños, hay funciones de teatro guiñol, cuentacuentos y talleres educativos.

El evento es de fácil acceso por transporte público, ya que la estación de Metro más cercana es Revolución de la Línea 2. También se puede llegar por Metrobús, con las estaciones Plaza de la República de la línea 1 y Amajac de la línea 7.

Algunos de los museos y espacios culturales que participan en la edición 2026

Museo del Templo Mayor, Museo de Arte Popular, Museo del Estanquillo, Museo Soumaya, Museo Casa Kahlo, Museo de la Mujer, Museo del Tequila y el Mezcal, Museo Nacional de la Revolución, Museo de la Caricatura, Museo Palacio Postal, Museo de Cera de la Ciudad de México, La Casa Jaime Sabines, el Centro Cultural Árbol de la Noche Victoriosa, el Centro Cultural Casa del Tiempo UAM, el Museo del Cacao y Chocolate, El Colegio Nacional, el Foro Valparaíso, el MIDE Museo Interactivo de Economía, el MUMEDI Museo Mexicano de Diseño y Museo Casa de la Cultura Postal.

Ciudad de México en el contexto mundial de museos

La CDMX se posiciona como una de las ciudades con mayor número de museos en el mundo.

De acuerdo con rankings internacionales publicados por Tourlane y Architectural Digest, la capital mexicana ocupa el segundo lugar a nivel global en cantidad de museos, superada únicamente por Londres.

El recuento más reciente señala que la ciudad cuenta con cerca de 170 museos y 43 galerías, lo que la sitúa por encima de urbes como París y Nueva York.

En 2026, la Ciudad de México fue designada como Capital Cultural Mundial debido a su amplia infraestructura artística, la diversidad de su oferta y la accesibilidad de sus recintos culturales.

Esta distinción consolida a la capital como uno de los principales destinos para el turismo cultural y para quienes buscan experiencias artísticas y educativas.

En una extensa entrevista con la revista británica Mojo, la leyenda viva de Los Beatles contó detalles de esa histórica sesión con los Rolling Stones, habló de su nuevo disco, The Boys Of Dungeon Lane -que se editará el viernes 29 de mayo-, opinó sobre una nueva tendencia de shows íntimos “sin teléfonos” y reflexionó sobre el peso de un legado cultural que, a sus 83 años, sigue construyendo con envidiable espíritu. “Es maravilloso poder tener ese efecto en la gente”, confesó.

Paul McCartney y Los Rolling Stones

La noticia no necesita demasiado adorno: Paul McCartney tocó el bajo en “Covered In You”, un tema del próximo disco de los Rolling Stones. Una colaboración entre dos nombres que durante décadas ocuparon bandos opuestos en cierto imaginario del rock. McCartney no le esquivó al dato ni lo sobredimensionó. Lo contó como quien recuerda una buena jornada de trabajo: “Me senté y el sonido que escuchaba, el disco que estábamos haciendo, ¡eran los Stones!”. Para él, la experiencia tuvo algo de revelación instantánea. No hubo que construir nada ni forzar un estilo ajeno. El sonido simplemente estaba ahí, intacto y reconocible. “Después de ese día en el estudio, la gente me preguntó cómo había sido. ‘¡Fue increíble! Fui un músico de sesión con los Stones’”, contó con una sonrisa.

La observación no es menor. McCartney distinguió con claridad entre trabajar para otros y trabajar para sí mismo. Con los Stones, el objetivo era preservar una identidad sonora ya consolidada. “Si trabajás con los Stones, tienen el sonido de los Stones, así que creo que lo que buscás es conseguir ese sonido. Y es natural en ellos: es la manera en que suenan”, explicó.

El legado de Los Beatles

A sus 83 años, Paul McCartney sigue recibiendo una historia que conoce de memoria y que, sin embargo, no lo aburre. Es siempre la misma: alguien (y no cualquiera, ya se verá en este mismo texto) vio a Los Beatles en televisión en aquel histórico show del programa de Ed Sullivan, el 9 de febrero de 1964, y algo cambió en su interior y nunca volvió a ser el mismo. “Bruce Springsteen, a quien conozco como amigo, cuenta una historia muy similar a la que cuentan muchos estadounidenses: ver a Los Beatles en The Ed Sullivan Show y quedar tan impresionado que dijo: ‘Bueno, eso es lo que quiero hacer con mi vida’”, recordó McCartney. El detalle que se repite con una precisión casi cómica es el de los peinados de aquellos cuatro jóvenes ingleses que irrumpieron en la televisión nacional de Estados Unidos un domingo de invierno por la noche. Springsteen bajó a desayunar al día siguiente con el pelo peinado hacia adelante, imitando a Los Beatles. “Tom Petty hizo lo mismo; David Letterman, también”, cuenta McCartney.

Consultado sobre cómo sostiene el entusiasmo después de haber escuchado esa historia miles de veces, McCartney fue directo: “Porque es una gran historia. Si viniera de una sola persona, ya sería impresionante. Pero como viene de muchísima gente, es impresionante muchas veces”. Cada vez que alguien se la cuenta, dice, la recrea desde el principio. “Me los imagino sentados frente a un televisorcito, con los padres que casi siempre nos detestaban y el padre que casi siempre decía: ‘Ah, llevan pelucas’”, dice con una sonrisa

Shows íntimos “sin teléfonos”

Paul McCartney llena estadios, bien lo sabemos en Argentina y América latina. Pero hay algo que los estadios no pueden darle, y él lo sabe. En los últimos tiempos, el músico ha intercalado sus giras masivas con presentaciones en teatros pequeños: el Fonda en Los Ángeles, el Bowery en Nueva York. Recintos donde el público entra sin teléfono. Las bolsas para guardar los dispositivos son obligatorias, y esa diferencia, según McCartney, lo cambia todo. “Cuando hacés algo como el show del Fonda, no hay teléfonos. Es completamente diferente. Es una descarga real. Te lleva de vuelta a tus orígenes”, describió.

La queja sobre los teléfonos no es nueva en el mundo del espectáculo, pero Sir Paul la formula con una imagen precisa: “La mayoría de la gente quiere grabarlo, así que desde el escenario lo que ves estás es una marea de teléfonos”. En los shows íntimos, en cambio, hay caras. Hay reacciones. “El público te está escuchando. Está escuchando la música. Está reaccionando en lugar de grabar”, dijo. Y agregó que la diferencia la sienten todos por igual: él, su banda y los invitados que suelen pasar por esos conciertos. “Es increíble. Es completamente diferente”, repiten, según contó, quienes los presencian.

Para McCartney, la experiencia remite a algo esencial y anterior a toda tecnología: “Siempre podías ver a la gente de cerca y podías interactuar con ellos”. Eso, dijo, “definitivamente eleva la potencia de un show”.

El nuevo disco de Paul McCartney

Cuando Paul McCartney se sentó a trabajar con el productor Andrew Watt en The Boys Of Dungeon Lane, la consigna no era recuperar ningún sonido. Era exactamente lo contrario. “Estamos tratando de no hacer eso”, dijo sobre la posibilidad de recurrir a fórmulas conocidas. La diferencia con su trabajo junto a los Rolling Stones es, para él, conceptual: con los Stones, el objetivo es preservar una identidad. Con su propio material, la búsqueda apunta en otra dirección. “Cuando trabajo en mis cosas, estoy abierto a ideas”, explicó. Como ejemplo, mencionó los tape loops, una técnica que practica desde los años 60 y que, según él, mantiene una cualidad difícil de replicar. “Aunque ahora es una tecnología vieja, suena nueva. Es definitivamente inusual. No es sintética”, describió. McCartney aclaró que los loops no necesariamente aparecen en este disco, sino en otro conjunto de canciones que tiene en proceso. Pero los mencionó como representativos de una actitud que sí atraviesa The Boys Of Dungeon Lane: la de no tomar el camino conocido, la de buscar siempre algo que no se haya hecho antes.

La filosofía detrás del álbum, dijo, se puede resumir en una frase: “Eso ya lo hicimos, hagámoslo diferente”. Y la razón es tan simple como honesta: “El motivo principal es que es tan, tan aburrido” repetirse.

La infancia y la nostalgia como materia prima

Paul McCartney no se propuso hacer un disco nostálgico, pero las canciones llegaron solas y cuando las miró, hablaban de Liverpool, de su infancia, de sus padres. “No tomé una decisión consciente”, admitió. “Simplemente ocurrió que estaba escribiendo eran en gran medida recuerdos de infancia o pensamientos de ese período de mi vida en Liverpool”.

Dos canciones en particular anclan ese territorio. “Days We Left Behind” nació de memorias directas de su niñez. “Salesman Saint”, en cambio, partió de una pregunta que se hizo casi sin querer: ¿Cómo habrá sido criar hijos en tiempos de guerra? “Un día simplemente pensé: la gente hoy, criando hijos, familias jóvenes, amigos jóvenes, es difícil. Es una gran experiencia, pero hay que trabajarla”, contó. De ahí saltó a sus propios padres durante la Segunda Guerra Mundial. “Eso era completamente diferente a todo lo que conocemos en este momento. Estas guerras están ocurriendo, pero en otros países. En el caso de ellos, era en su propio país donde caían las bombas”. Su padre fue bombero durante la guerra; y su madre, enfermera y partera. “Me pareció un hecho asombroso que mis propios padres hubieran atravesado todo eso, y sin embargo hubieran salido adelante. Hubieran sobrevivido”, dijo.

Pero no todo en el disco viene de la memoria. McCartney también escribe personajes que no conoce, situaciones que inventa. “Momma Gets By”, hacia el final del álbum, es una de esas canciones. “Es un vuelo de fantasía. Estoy imaginando a esta mujer enfrentada a este tipo que parece un poco vago. Estoy inventando dos personajes en una obra de teatro”, explicó. Para él, escribir es moverse libremente entre esos registros. “Tomás partes de vos mismo, partes de la vida que conoces”, dijo. Y sobre el pasado como fuente, fue contundente: **“El pasado está lleno de cosas. Es un lugar rico para extraer ideas”**.

Una canción redescubierta por accidente

No todas las canciones de The Boys Of Dungeon Lane nacieron durante las sesiones con Andrew Watt. Una de ellas llevaba dormida más de dos décadas en un casete olvidado. La historia comienza con Eddie Klein, el ingeniero que construyó el estudio de McCartney y que llegó originalmente de Abbey Road. Un día, mientras digitalizaba cintas antiguas en un segundo plano, Klein interrumpió el trabajo con una pregunta: “¿Recordás alguna vez una canción llamada ‘Lost Horizon’?” McCartney no la recordaba. Klein insistió: “No está mal. En realidad es muy buena”. La escucharon.

“Lo que me sorprendió fue, primero, que la había olvidado por completo. Debo haberla grabado en un casete una tarde de vacaciones”, contó McCartney. La fecha aproximada: principios de los 2000. Pero la segunda sorpresa fue mayor porque la canción estaba terminada. “A veces, si me siento de vacaciones a escribir una canción, puedo llegar a conseguir apenas un par de estrofas. Pero esta tenía las estrofas, los estribillos, los puentes. Todo estaba ahí”, recordó.

El proceso de producción respetó la estructura del demo original. Se regrabaron algunos elementos, se mantuvieron otros tal como estaban. Andrew Watt sugirió sumar una guitarra eléctrica. McCartney tomó una Telecaster del 56 y se puso a tocar con una referencia clara en mente: “Estaba imaginando lo que haría Steve Cropper, así que lo estaba canalizando”. El resultado, dijo, tiene la marca de ese hallazgo fortuito. “Todas las canciones tienen estas pequeñas historias de origen, y esa se trata de una reliquia encontrada por el bueno de Eddie Klein. ¡Gracias a Dios por él!”.

La banda encabezada por Bono grabó este 12 de mayo el video musical de “The Streets of Dreams” en la Plaza de Santo Domingo, donde decenas de seguidores participaron como extras tras recibir una invitación exclusiva vía correo electrónico.

El rodaje transformó por varias horas el corazón capitalino. Un camión adaptado como escenario móvil recorrió la plaza mientras Bono interpretaba el nuevo tema junto a sus compañeros. El despliegue incluyó grúas, cámaras de alta definición, reflectores y un operativo para controlar el flujo peatonal.

La grabación se convirtió rápidamente en tendencia y revivió algunos de los momentos más emblemáticos de la relación entre U2 y México.

De Foro Sol al Estadio Azteca: México, escenario clave para U2

La conexión de la banda con el país quedó sellada en 1997 con PopMart: Live from Mexico City, concierto grabado en el entonces Foro Sol y convertido después en lanzamiento oficial. Aquella noche dejó una de las frases más recordadas de Bono frente al público mexicano: “Hola México. Muchos huevos. Grandes. Mucho tráfico. Eso es México”.

Años después, el país volvió a convertirse en pieza fundamental para la agrupación con U2 3D, cinta filmada parcialmente durante los conciertos de la gira Vertigo en el Estadio Azteca en 2006.

Videos filmados en CDMX y referencias mexicanas

La capital mexicana también ha servido como inspiración estética para la banda. En 2017, U2 grabó el videoclip de “Get Out of Your Own Way” en la azotea del edificio Expo Reforma. El material incluyó referencias visuales al Día de Muertos, sarapes y escenas urbanas de la CDMX.

Según el entorno de producción, la intención era enviar un mensaje de fortaleza tras los sismos de septiembre de 2017 y demostrar que México “seguía de pie”.

Ahora, con “The Streets of Dreams”, el grupo volvió a apostar por la esencia chilanga. El video incorpora imágenes cotidianas del Centro Histórico y un autobús escolar intervenido por el artista mexicano Chavis Mármol.

“Cielito Lindo”, activismo y hasta polémicas

En varias visitas, Bono ha incorporado fragmentos de “Cielito Lindo” durante canciones como “Bad” o “Beautiful Day”, gesto que suele desatar la euforia de sus seguidores mexicanos.

Fuera de los escenarios, el cantante también ha hablado sobre temas sociales relacionados con México. En 2019, durante el evento México Siglo XXI, aseguró que era “injusto” responsabilizar únicamente al país por el narcotráfico, al considerar que se trata de un problema global.

No todo ha sido armonía. Uno de los episodios más comentados ocurrió en 1997, tras un altercado entre elementos de seguridad de la banda y familiares del entonces presidente Ernesto Zedillo en el Palacio de los Deportes. Después de aquel episodio, U2 tardó más de una década en regresar al país.

Con el paso de los años, México dejó de ser únicamente una parada de gira para convertirse en un escenario recurrente dentro de la narrativa visual, musical y emocional de la banda irlandesa.