Twist and Shout representó para Springsteen no solo su primer encuentro significativo con el instrumento, sino también un antes y un después en su vida como artista. Al enfrentarse a sus primeros acordes, el músico estadounidense descubrió la energía que le definiría a lo largo de años, y el grupo británico fue determinante en su formación y en la dirección que tomó su camino profesional.

Influencias musicales de Bruce Springsteen

Durante su juventud, Bruce Springsteen no solo se inspiró en Los Beatles. También admiraba a Chuck Berry, Little Richard y Bob Dylan, figuras clave que expandieron su horizonte en el rock y el soul.

El propio Springsteen comentó a la revista musical británica Far Out Magazine que aprendió parte de sus trucos observando las manos de Keith Richards interpretar canciones de The Rolling Stones.

Aunque Dylan revolucionó la escena musical, fue la fuerza de Los Beatles lo que definió a toda una generación, incluido Springsteen. Tanto el público de Estados Unidos como el de Reino Unido experimentó transformaciones influidas por el impacto de estos artistas, quienes lograron que nuevas generaciones de músicos aspiraran a un estándar artístico diferente.

La huella de John Lennon y Los Beatles en el Boss

La interpretación de Twist and Shout por Los Beatles en el Ed Sullivan Show, con la voz inconfundible de John Lennon, dejó una huella indeleble en Springsteen. Aunque esta canción ya era conocida por la versión de The Isley Brothers en 1963, la adaptación británica y el particular estilo vocal de Lennon le ofrecieron al joven estadounidense una nueva perspectiva sobre el rock.

Cuando Lennon fue asesinado en 1980, Springsteen rememoró la influencia de la canción en sus inicios y destacó ante Far Out Magazine que la primera grabación que interpretó en la guitarra fue justamente Twist and Shout de Los Beatles.

En sus palabras, “interpretar este tema por vez primera constituyó una experiencia fundacional y una lección artística” para él y para muchos otros artistas que reconocieron el mismo punto de partida. Springsteen enfatizó que sin Lennon, la vida de numerosas figuras del espectáculo —incluyéndose— habría transitado un camino muy distinto.

Aunque Lennon llegó a expresar dudas sobre su interpretación de la canción, esa grabación abrió la puerta a músicos como Springsteen y contribuyó de modo decisivo al desarrollo de su voz distintiva. No existió un vínculo personal estrecho entre ambos artistas, pero el respeto y legado profesional permanecen como un sello incontestable en la historia del rock.

El legado de una canción en la carrera musical de Springsteen

Las enseñanzas absorbidas por Bruce Springsteen en esos primeros años siguen reflejándose en el conjunto de su obra. Cada vez que regresa a los acordes de Twist and Shout, revive la experiencia original que orientó el sentido de su vida artística y profesional.

En momentos de dificultad, Springsteen resalta que la música ofrece un refugio y una razón para seguir adelante. La huella de Los Beatles, en particular la figura de Lennon, permanece viva tanto en su propio trabajo como en el de toda una generación de músicos, tal como lo recopila la crónica de la revista musical británica Far Out Magazine.

La conexión que Springsteen mantiene con Twist and Shout trasciende el simple homenaje. En sus conciertos, incluir este clásico representa un acto de gratitud hacia los artistas que lo influenciaron y una manera de compartir con su público la emoción que sintió en sus primeros años, reafirmando ese vínculo generacional.

Para Ritchie Blackmore, pocas figuras lograron sacudir la guitarra eléctrica como lo hizo Eddie Van Halen. En una reciente sesión de preguntas con seguidores, el histórico músico de Rainbow y Deep Purple ofreció una mirada íntima sobre su colega, repasando aspectos poco conocidos de su personalidad y su forma de tocar.

Desde esa experiencia directa, Blackmore puso en valor un legado que sigue vigente: la capacidad de Van Halen para romper esquemas, redefinir la técnica y dejar una huella profunda en el rock y la cultura musical contemporánea.

Aportes técnicos que transformaron el instrumento

Blackmore explicó que el aporte más revolucionario de Van Halen fue la introducción del hammer-on como técnica central para la ejecución de solos veloces y fluidos. Este recurso, que consiste en pulsar cuerdas con los dedos de la mano izquierda para producir notas ligadas sin necesidad de atacar con la púa, permitió desarrollar pasajes melódicos de gran complejidad y velocidad.

Según Blackmore, el impacto de Eddie Van Halen fue tan grande que cambió las reglas del instrumento. “Básicamente reinventó la guitarra con su técnica del hammer-on. A mí nunca me gustó, pero era increíble cómo conseguía todo eso”, admitió.

El británico Ritchie Blackmore fue más allá y destacó el efecto dominó que generó la irrupción de Eddie Van Halen: obligó a toda una generación de guitarristas a replantear su forma de tocar. Técnicas como el tapping, asociadas a su estilo, no solo ampliaron los recursos del instrumento, sino que abrieron nuevas posibilidades sonoras para el rock y el metal.

El impacto fue inmediato. Blackmore recordó el desconcierto en la escena musical ante ese nivel de virtuosismo y creatividad: “¿Quién demonios es este?”, se preguntaban muchos, entre la sorpresa y la admiración por un talento que parecía romper todos los límites conocidos.

Sensibilidad personal y desafíos fuera del escenario

Más allá de su virtuosismo, Blackmore puso el foco en un rasgo menos visible de Van Halen: su perfil bajo fuera del escenario. Según relató, pese a la fama y el talento, el músico evitaba el protagonismo y prefería retirarse en silencio tras los shows.

Esa actitud se reflejaba incluso en frases que lo sorprendían: “No quieres hablar conmigo, porque no soy nadie”, recordó Blackmore. Para él, esas palabras revelaban una modestia genuina y poco habitual en artistas de su nivel..

Blackmore también abordó las dificultades personales que enfrentó Van Halen, en particular su tendencia a la introspección y su vulnerabilidad ante las presiones de la industria. Explicó que el entorno profesional podía resultar abrumador para alguien con su nivel de sensibilidad, lo que a veces lo llevó a recurrir al alcohol para gestionar la ansiedad social y la exposición constante.

Influencia familiar y desarrollo multifacético

El entorno familiar de Eddie Van Halen desempeñó un papel clave en su formación artística. Blackmore recordó que provenía de una familia de músicos, lo que facilitó su desarrollo temprano no solo como guitarrista sino también como teclista.

Esta base permitió a Van Halen construir una identidad musical versátil, capaz de integrar elementos de distintos géneros y técnicas en su propio estilo. La influencia familiar fue determinante para que alcanzara un nivel de excelencia que trascendió el ámbito del rock.

El enfoque polifacético de Van Halen se reflejó en su capacidad para colaborar con músicos de diversos estilos, así como en la creación de arreglos complejos que incorporaban teclado y guitarra de manera integrada. Blackmore señaló que esta amplitud de recursos fue parte esencial de su legado y contribuyó a su reconocimiento internacional.

Reacciones en la comunidad y comparación con otros virtuosos

La irrupción de Van Halen no solo deslumbró al público: también sacudió a los músicos más consagrados. Blackmore recordó el impacto que generó su técnica, al punto de revolucionar los estándares de ejecución de la guitarra eléctrica y obligar a todos a repensar sus propios límites.

En ese contexto, también mencionó a Randy Rhoads, histórico colaborador de Ozzy Osbourne, para descartar cualquier rivalidad. Lejos de la competencia, Blackmore destacó que ambos compartían una actitud humilde y profesional, reforzando la idea de que el talento no estaba reñido con el respeto dentro de la escena.

Para Blackmore, la verdadera grandeza reside en la capacidad de innovar sin perder la sencillez y el respeto por los colegas. La comparación con otros virtuosos como Rhoads permite comprender el lugar que ocupa Van Halen en la historia del rock: un músico cuya influencia se basa tanto en su genio técnico como en su integridad personal.

Un legado vigente en la historia del rock

Eddie Van Halen transformó de manera irreversible los límites de la guitarra eléctrica, aportando técnicas y recursos que hoy son estándar en la música contemporánea. Su capacidad para fusionar destreza, creatividad y humildad sigue inspirando a músicos de todo el mundo.

El testimonio de Ritchie Blackmore permite comprender en profundidad la magnitud de ese legado, que se mantiene vivo tanto en la memoria de sus colegas como en el repertorio de generaciones futuras.

Nacho Vegas es uno de los autores clave del rock indie español, de los años 90 para acá. Nacido en Gijón, Asturias, es una referencia de calidad poética en España y América Latina por una obra que combina lo íntimo y lo social, siempre con un marcado compromiso político. Con más de dos décadas de trayectoria, formó parte de bandas como Eliminator Jr. y Manta Ray antes de iniciar una sólida obra solista, a partir de la cual se lo vincula con figuras del tipo Nick Drave o . Ahora llega a Buenos Aires para presentar Vidas semipreciosas, su más reciente disco, este viernes 1 de mayo en el Teatro Vorterix.

La música de Nacho Vegas se nutre de folk, pop y rock. Se le ha llegado a describir como el Wild Oldham asturiano o el "Bob Dylan de Gijón“, e incluso lo han comparado con Nick Drake. Y su nuevo álbum es un compendio de canciones que exploran los afectos, la política y la vinculación con la tierra natal, e incluye interludios con testimonios de figuras ligadas a la izquierda y al antifascismo, un tema candente en su país y el mundo.

En conversación con Infobae Cultura, dialogó sobre algunas cuestiones centrales que marcan su obra, la conexión literaria de sus canciones y por supuesto, el violento pasado y agitado presente de su país.

—¿Qué relación encontras entre las influencias de tu adolescencia (has mencionado a The Housemartins y a Violeta Parra), y tu formación musical y sentimental?

—Las cosas que te dejan una huella tan indeleble como son las que te vienen en la juventud, esas primeras cosas que te impactan tanto. Esas bandas de las que... A mí me pasó con los Housemartins, a los trece años creo que era cuando tuvieron su éxito “Caravan of Love” y era un grupo que me llegó de alguna manera. Me emocionaba de una manera diferente y fue un poco mi puerta de entrada también gracias a una serie de radios piratas, radios libres en aquel momento, que emitían desde aquí, desde Gijón, mi ciudad, y que programaban música independiente británica. Los Housemartins tuvieron éxito y por eso fue fácil llegar hasta ellos, pero a partir de ahí empecé a encontrar otras bandas que me emocionaban profundamente. Fue ese momento iniciático en el que descubres no solo el pop con esas influencias de pop vocal tan precioso, sino el sentido del humor en sus letras, el marxismo de sus letras... Había una educación política, musical, emocional, que me llegó.

A Violeta Parra llegué un poco más tarde. Recuerdo cuando se escuchaba la música en los viajes en coche, con las casetes: cada uno grababa sus recopilaciones y las escuchábamos atentamente en esos viajes larguísimos que hacíamos. La primera vez que la escuché fue en un coche y me sorprendió mucho esa prosodia tan particular, esa manera, ese ritmo, ese fraseo que tenía ella. Profundicé más en su obra un poco más tarde y llegué incluso a conocer a Isabel Parra, a Tito Parra en Chile, que fue para mí un momento maravilloso. Fueron dos momentos diferentes: la primera influencia de los Housemartins cuando era muy jovencito y después vas abriendo tu mirada y librándote de prejuicios, encontrando música que te emocione. Hay muchísima música y muy poco tiempo en esta vida.

—¿Cómo escuchas música hoy en día y qué lugar ocupan los distintos formatos en tu vida?

—Hay veces que nos levantamos con un ánimo particular, que nos pide escuchar ciertas cosas. Puse el ejemplo del jazz y la música clásica como alguien que pretendía estar de vuelta de todo lo que es la música popular, pero el jazz también fue una música absolutamente popular y despreciada por la gente más académica. Ahora está mucho más permeada en la música popular. Hoy depende de cómo me despierte. Escucho música a través de las plataformas, pero también sigo comprando vinilos. Conservo todos mis CDs porque crecí escuchando muchos, fue esa época en la que dejaron de fabricar muchos vinilos y el CD se impuso como formato hegemónico: una estafa de la industria, un formato tan barato vendiéndolo tan caro... Pero la música grabada digitalmente suena mejor suena en CD. Le tengo cierto cariño. Escuchar los vinilos, cuando puedes pasarte una tarde poniéndolos, leyendo las letras, es algo especial.

Hace poco me pasó con Phil Ochs, uno de mis autores favoritos. Sientes la necesidad de recuperarlo, de escuchar su música atentamente y descubres cosas que se te habían pasado por alto. Es bueno permitirse ese momento de pausa hoy, en el que todo va muy rápido y parece que hay que escuchar la música como si nada, con los algoritmos empujando a que todo esté en los primeros treinta segundos. Pero creo que podemos marcar nuestro ritmo, que lo importante es que la música siga siendo una parte central de nuestras vidas. Nos quieren vender que hubo una revolución en los hábitos de escucha, pero cuando la música es algo central en tu vida, sigues parándote a escuchar de forma activa, a ser alguien que se apropia de las canciones y las incorpora a su universo.

—¿Te sentís identificado con el término autoficción aplicado a tu obra y a tus canciones? ¿Creés que define lo que hacés?

—A mí personalmente me gusta el término aplicado a la música y a la canción. Cuando publicaba mis primeros discos, una pregunta muy recurrente era: “¿Tus canciones son autobiográficas?” Porque algunas se nutrían de experiencias personales y no tenía problema en mencionar cuestiones concretas con nombres propios. Yo siempre trataba de responder: la canción trascienda el mero hecho autobiográfico. No es como si le estuviera contando mi vida a un amigo en la barra de un bar. Tiene que ser algo que, aun partiendo de una realidad muy personal e íntima, se transforme en una verdad emocional. Tiene que haber una línea que separe esa realidad de esa verdad y, en esa línea, puedes recurrir a la ficción para llegar a contar esa verdad.

Ahora se puso de moda, creo que fue a partir del boom de la autoficción en la literatura. Mucha gente a la que se asocia al género lo rechaza, pero a mí me gusta. Si ese término hubiera estado hace veinticinco años en boca de todos, me hubiera gustado para definir mis canciones: son autoficción, no autobiográficas. Me gusta aplicado a las canciones. Entiendo ese debate en la literatura y muchas obras de autoficción me gustan. No es excluyente, parece que tienes que estar o con la novela decimonónica de personajes o con la autoficción, pero al final simplemente hay que dejar que las cosas nos toquen y estar abiertos a ello.

—¿La literatura ocupa un lugar central en tu vida? ¿Tenés tiempo para leer en esta época tan veloz y qué estás leyendo ahora?

—La literatura es algo muy importante en mi vida y es una influencia presente en mi obra. Tampoco me ha gustado cargar excesivamente las tintas en la influencia literaria, porque existe, pero a veces una frase escuchada en situaciones cotidianas puede ser el germen de una canción, igual que un verso de un poema. Tenemos que permitirnos ese tiempo que requiere la literatura, que no da lugar a una escucha pasiva como la música; hay que tomar un papel activo y pararse a leer. En este último disco está muy presente la obra de Mary Oliver, una poeta a la que conocí hace relativamente poco y que me ha fascinado. Su poética está presente en algunas canciones.

Justo ahora mismo estoy intentando acabar un prólogo para una edición que va a publicar Espasa de una edición ampliada de El rayo que no cesa, una de las obras principales de Miguel Hernández, un autor al que admiro mucho por su poesía amorosa, pero también por el compromiso de lo que escribió durante la Guerra Civil en España, militando en el Partido Comunista y en el bando republicano. Leerlo hoy te hace dar cuenta de la vigencia que tiene. Cosas escritas hace noventa años siguen siendo demasiado vigentes, por desgracia.

—Este año se cumplen noventa años de la Guerra Civil. ¿Creés que ese aniversario redondo removió algo en España y particularmente en tu tierra, Asturias?

—Es algo que sigue estando en la memoria, independientemente de que el aniversario sea redondo. Sigue habiendo un relato oficial que, por suerte, está encontrando una respuesta, ya desde hace unos años. Primero se intentó hablar de la Guerra Civil como una guerra fratricida en la que se cometieron atrocidades por ambos bandos. No, fue una guerra no contra nuestros propios compatriotas, fue una guerra contra el fascismo, que dio un golpe de Estado ilegal contra una república legítima.

Como dices, Asturias estuvo ya en los años previos: el ensayo para la represión antes de la Guerra Civil fue la represión a la revolución minera del 34, donde ya estaban ensayando el golpe posterior. Yo soy hijo de la “Transición”; nací en el 74, y en el 78 llegaron esos pactos, que fue una transición a la democracia y un pacto con el franquismo, en el que siguieron teniendo mucho poder los poderes fácticos relacionados con esa dictadura. A pesar de las leyes de memoria histórica, no se ha hecho justicia. Siguen habiendo muchos cadáveres en las cunetas, muchos muertos, y muy poco interés por parte de los sectores más reaccionarios, que tienen mucho poder, en no remover aquello que mostraría las vergüenzas de un país. Se revelarían verdades necesarias de contar. Queda camino por recorrer, sobre todo para que las nuevas generaciones no caigan en la trampa de ese relato mentiroso.

[Fotos: Eneko Caos; Jordi Santos]

Ya desde la previa se entonó el célebre “Megadeth, Megadeth, aguante Megadeth”, aquel cántico que el público argentino inmortalizó en ese primer recital del grupo en Obras Sanitarias, en 1994. Y que marcó a fuego su romance con Argentina.

La peregrinación sorteó un laberinto de vallas en Tecnópolis, para finalmente llegar al punto de encuentro determinado, que se transformó en un crisol de edades y generaciones. Desde metaleros de la vieja escuela hasta familias completas, nadie quiso perderse la última función del “Colorado” en esta parte del mundo.

Pasadas las 20, Against fue la banda telonera encargada de encender la escena. La agrupación, formada por los guitarristas y cantantes Sebastián Radrizzani e Ivan Monastirsky, el baterista Martín Blanco y el bajista Federico Gerván, combinó riffs poderosos con partes de dúos de guitarras muy bien sincronizados, que no fueron ajenos al movimiento de la cabeza de los espectadores. El repertorio consistió en seis canciones: Anestesiado, La sangre de los nuestros, El guara, El encierro, El Libertador y Contra.

La responsabilidad no fue desconocida para el cuarteto, que hace exactamente dos años ya había sido invitado por Mustaine para participar de su anteúltima presentación, en el marco del “Crush Rush The World Tour”. Además de tener en su haber el haber trabajado con bandas exponentes como Mastodon, Gojira, Paul Di’Anno, Dream Theather, Scorpions y Judas Priest, entre otros.

Si bien la espera se hizo más amena, todavía faltaba el plato fuerte.

El último tango

A las 21.30 fue el momento indicado para que Dave Mustaine saliera a escena de camisa blanca y con una Flying V amarilla en brazos, para interpretar “Tipping Point”, del último disco, junto al guitarrista finlandés Teemu Mäntysaari, el bajista James LoMenzo y el baterista Dirk Verbeuren.

A lo largo del setlist, “El Colorado” interpretó grandes clásicos como “Hangar 18″, “Sweating Bullets”, la personalísima e íntima “In My Darkest Hour”, “Tornado of Souls” y “Peace Sells”.

A mitad del show, y como si se tratara de una canción de amor directamente dirigida al público, la banda tocó “Symphony of Destruction”, su canción más comercialmente exitosa. Desde siempre, la gente cantó por enésima vez su célebre “Megadeth, Megadeth, aguante Megadeth”. El mismo que Mustaine había dejado en claro que es su adaptación favorita.

Luego, y con el tema finalizado, el vocalista caminó de una punta a la otra del escenario, para agradecer y abrazar simbólicamente a su audiencia. Y decir “muchas gracias” en un rudimentario, pero sincero español, a aquellos que estuvieron presentes hace 26 años en Obras Sanitarias.

Otro punto álgido de la noche fue el recuerdo de Mustaine en su etapa como integrante y compositor de Metallica, a través de las canciones “Mechanix” -la canción “espejo” de “The Four Horsemen”- y “Ride The Lightning”. Posiblemente, y en esta etapa de su vida, una forma de sellar la paz con su exbanda, liderada por su excompañero James Hetfield.

Para el final, el artista norteamericano eligió “Holy Wars... The Punishment Due”, y para la que utilizó una Flying V pintada con la bandera argentina. Una nueva declaración hacia estas pampas, que siempre lo acompañaron.

Brazos y cabeza en dirección al cielo y un sinfín de agradecimientos marcaron el cierre de la etapa de David Mustaine en suelo argentino. En el campo, la euforia y la felicidad del principio tomaron un matiz de nostalgia y tristeza. Pero también de reconocimiento.

Pasadas las 23, terminó el último tango de uno de los mayores exponentes del heavy y el trash metal. Que hizo de Argentina uno de sus lugares en el mundo. Y que, aún con el pasar de los años, resonará el “aguante” argento. Ese que lo encandiló y que después el mundo imitó. Pero lo que se dice amor verdadero, hay uno solo.

Desde algún lugar de las rutas argentinas, Andrés Calamaro responde amablemente por mail a un pedido de entrevista: la excusa es el inicio de la gira nacional Como cantor, que ahora mismo recorre la amplia geografía nacional (ver debajo el detalle), y que desembocará en donde Dios atiende con cuatro shows programados para fines de mayo y principios de junio.

Un par de días después de aceptar, envió las respuestas que Infobae Cultura reproduce a continuación. Elegante en su prosa y claro en sus reflexiones, Calamaro se muestra tal cual ha sido siempre: atento, reflexivo, certero y con la dosis exacta de ironía y/o filo cuando cabe.

—¿Cómo estás? ¿Cómo va tu vida? ¿Sufrís esta época tan loca o no la ves tan loca como parece? ¿Estamos todos locos en Argentina?

—Empezamos la gira en Santa Fe y seguimos en el anfiteatro Cocomarola en Corrientes; ensayamos muy bien hasta diez canciones que no tocábamos el año pasado, un equipo unido y comprometido con la causa, buscamos las buenas sensaciones en el escenario con seriedad bien entendida. La gira es una vida social peculiar que nos gusta, damos lo mejor y el público nos devuelve alegría y entrega, vivimos en hoteles, somos músicos y casi todos giramos juntos hace tiempo ya. En estos años me asumo como interprete, la música en vivo es el “tiempo real”, interpreto con concepto torero: el embroque (encuentro) entre el silencio y la música sonora, el misterio de encontrarse con algo distinto cada recital, la improvisación y el concepto en la circunstancia. Tenemos la ventaja de ser los mismos toda la gira, mientras que los toreros desconocen el toro que sale de los corrales; luego el concepto de cada lidiador, la forma en que sienten lo que hacen o la gestión del talento, la puesta en escena del triunfo, o torear para uno, la búsqueda de lo imposible, la importancia de la naturalidad, la exhibición de valor, los especialistas y los de arte. Luego lo que aprendemos del Jazz y el Blues, de los sonidos rioplatenses, hispanos y saber estar sueltos con este repertorio. Visto así solo tiene sentido aspirar a un siguiente recital mejor y no hacer la plancha.

(…) Tengo que hacer memoria para recordar una época que no haya sido irregular o compleja, verdad que los trastornos actuales desmerecen la “locura” lírica de los distintos y outsiders. En nuestro país sufrimos una inercia casi eterna que afecta el tejido económico, social y cultural, entendiendo por cultura lo que hacemos, lo que no hacemos, si estamos dispuestos a trabajar o estudiar, a mejorar como individuos, que hacemos con el tiempo libre, si estamos aptos para alguna clase de sacrificio, si nos rendimos, si vivimos enchufados y criticando, si leemos, si le damos importancia al cine, si sabemos escuchar música o cuantas mentiras nos creemos. Tampoco la cultura elitista del cine, el teatro y la música culta exclusivamente.

Los influyentes de este siglo son cocineros y futbolistas o peor, los esclavos de los contenidos basureros en redes (la red es el apocalipsis de la vida marina), se entiende que le bajemos el precio a la locura lírica, quizás exhibiendo nano neurosis o renunciando el destino de las personas que pudimos ser.

El mundo siempre está equivocado, ahora estamos rodeados de gentes que presumen de virtudes morales e ideológicas, un delirio que habíamos superado ampliamente, que no permitimos ni a las religiones cristianas, que rechazamos en la escuela, la familia y a las autoridades.

Esta fiebre es mundial o casi, occidental seguramente; nuestro país acusa muchos años de deterioro económico y eso impacta en la cultura social, nos hace más resentidos, chovinistas orgullosos de los alfajores; tampoco deseo aplicarme en un ensayo sociológico pero soy un argentino interesado en la realidad y la conversación en términos políticos y culturales. Pero tampoco tenemos acceso a viajes interplanetarios. Renunciamos al decoro, al refinamiento, a la conversación socrática y a los buenos modales. Lo mejor que tenemos es la autocrítica, un resignado optimismo, conservar la salud y valorar alegrías.

(…) Ahora estamos replicando una gira similar a la que hicimos a fin del año pasado, empezamos en provincias interiores y lo disfrutamos mucho, llegamos musculosos a Buenos Aires y visitamos países hermanos. De momento no tenemos planes concretos en México o España pero estamos para seguir tocando, con deseo, arte y confianza. Pronto armamos la segunda mitad del año. Somos siete, bronces de partitura, músicos cantando, guitarristas virtuosos y espontáneos, el pianista bueno y el cantante que oscila entre una Telecaster hecha en Argentina y teclados similares a los que usé siempre. Todo el tiempo estamos conversando con los camaradas del sonido, los instrumentos, las pantallas y el escenario. Y esperamos con deseo hasta las pruebas de sonido.

—¿Cómo te afecta el hecho de tener más funciones en Buenos Aires que en años anteriores, con un público de jóvenes que tal vez han descubierto recién tu música? ¿Te genera una sensación de “renovación”?

—Que el público sea joven es normal porque normal es empezar a ver recitales de adolescente y hacerse buen aficionado y oyente (espero existan buenos aficionados que confirmen mi teoría de normalidad amateur). Escuchar música que nunca vimos en vivo, que fue grabada cuando éramos niños o antes de nacer, nos propone una dimensión … “legendaria”. Creo que sentimos eso con Los Beatles o Pescado Rabioso y otros con The Smiths o Los Abuelos, o Kraut alemán o Freddie King.

Un perfil nacional argentino del que podemos presumir: Otras cosas nos importan además de las telecomunicaciones, filmarse diciendo boludeces y ser hinchas de futbol: llenamos recitales, no dejamos de ser rockeros y estamos en ciudades donde el rock importa, es nuestro aporte a las tradiciones. También somos sensibles a la dulzura del folklore regional y al paisaje. (…)

—¿Cómo vivís el hecho de que se recuerden constantemente los aniversarios de tus discos más emblemáticos? ¿Te sentís atrapado en la nostalgia? ¿Qué ves cuando te ves? (como escribió Ricardo Mollo)

—Los aniversarios de discos, las efemérides y las historias superfluas (anécdotas o mentiras de opereta digital) no me agradan y sobran, consiste en desprecio por omisión o tonterías. No es fácil revertir las mentiras en internet pero el tiempo podría poner las cosas en su lugar. Soy el Dracula argentino.

Las canciones no se explican ni cuentan nada, importa el proceso y nada mas, después ser músicos y demostrarlo en vivo. Basta de necrológicas y aniversarios, son frivolidades, algunas imperdonables. (…)

No practico la nostalgia, no me llegó el momento o no me interesa, secuestra el presente. No suelo añorar otros tiempos que ya fueron, recordar épocas anteriores es algo que de momento no hago. Distinto es cantar canciones atemporales porque la música en vivo es cambiante, improvisamos y nunca suena dos veces igual, es un oficio donde nos perfeccionamos mas que haciendo canciones y grabaciones.

—¿Qué opinás sobre la idea de que vos, Fito Páez y Gustavo Cerati son “sobrinos” artísticos de Charly García y Luis Alberto Spinetta? ¿Qué influencia tuvieron ellos en tu vida artística y qué queda de esa relación hoy? ¿Y quién sería el “sexto hombre” en esa generación, el Indio Solari?

—Seré respetuoso y amable con todos mis colegas músicos y cantantes, los respeto a todos y celebro a los que admiro realmente. Somos “generacionales” con los de mi generación, nos conocemos hace muchos años y crecimos al mismo tiempo, creo que nunca perdí la capacidad de admirar, además existe la amabilidad y los buenos modales (se le llama “respeto” como si fuera una palabra mágica).

Fui publico dedicado de los artistas musicales de época, un explorador que conoce bastante de lo que escuchaba de adolescente. De muy joven soy “aspirante a músico” y terminamos compañeros y camaradas con casi todos. Soy admirador de mis contemporáneos. Celebré el éxito de todos los que se consagraron y el carácter de los subterráneos que no conquistaron continentes. Admiro a mis contemporáneos con humildad, envidio algunos repertorios celestiales y comparto los buenos momentos de todos.

(…) Mi adolescencia transcurre entre 1974 y 1981, muchos gobiernos militares, policía, crisis, malaria y represión. Para mi generación, Huergo no es Puerto Madero, es Toxicomanía. Casi nunca dejamos de ir a recitales y los domingos a Parque Rivadavia. Los héroes de Malvinas son mas jóvenes que yo. Todos los fundadores nos inspiraron, inspirados tan jóvenes. Y mis mentores, Beto Satragni, Raíces y Los Abuelos, mis profesores de piano, los músicos buenos que me aconsejaron con paciencia, y mi querencia por la batería, los instrumentos enchufados y los discos. Cumplí 17 grabando en Fonema con Raíces, Amilcar, Jorge da Silva y Mario Breuer, con Mario soñamos despiertos con lo que luego hicimos hasta ahora.

—Dylan tiene 84 años y sigue de gira. Lo mismo Neil Young o Paul MacCartney. Van a volver los Rolling Stones, parece. Este año vi a Gilberto Gil con 83, pleno ¿Vos te ves a esa edad haciendo lo mismo? ¿La cultura rock tiene algo patológico o psicológico con la edad? (¿Y por eso te lo pregunto?) ¿Importa?

—Asistimos absortos y admirados a la tercera edad de las leyendas del rock, como antes a los veteranos del blues, el folklore, el tango y el jazz. Nunca supimos que se podían celebrar giras con mas de ochenta años y tampoco lo sabemos ahora. Tocamos madera. La edad es inevitable y algunos estamos condenados a mejorar porque no fuimos genios ni prodigios ni sibaritas del buen gusto, aprendimos a la vista de todos.

Hasta ahora sigo perfeccionándome y mejorando, me asumo como interprete en vivo en un tiempo donde grabar discos no tiene el sentido practico (o filosófico) que tuvo alguna vez, otrora rodeados de disquerías, anhelando hacer un disco y saberlo en las bateas. Antes valorábamos grabar un disco como un milagro u odisea, ahora dicen que se publican cincuenta mil canciones por día en las plataformas y percibimos que la atención es dispersa y es complicado adivinar quien escucha una grabación a la que dedicamos meses o años.

Los músicos de esta generación no sabíamos que el éxito era posible, no esperábamos mucho mas que ensayar y quizás grabar un disco como quien espera ganarse la lotería, no creímos posible sonar con una canción en la radio ni en la televisión, ni generar derechos de autor ni regalías; lo hicimos gratis, sin esperar caridad ni pedir limosnas, recibir ayudas públicas era impensable y delirante para los que fuimos adolescentes -aspirantes- en los años setenta.

Siempre gracias a las personas que nos vienen a ver, a los que les importa la música, los que ven el lado bueno de las cosas. A los que me quieren.

*La gira Como Cantor de Andrés Calamaro continúa el 2 de mayo en el Estadio Ruca Che de Neuquén; el 8 de mayo en el Predio Ferial Catamarca; el 10 de mayo en Loisc Plataforma de La Rioja; el 15 de mayo en el Polideportivo de Mar del Plata y el 17 de mayo en el Dow Center de Bahía Blanca. Finalmente, ofrecerá funciones en el Movistar Arena de Buenos Aires los días 26 y 27 de mayo, 3 y el 8 de junio.

[Fotos: prensa Dale Play]

Diciembre pasado, dos días antes del cumpleaños número 82 de Keith Richards, se informó que los Rolling Stones cancelarían una gira de estadios en 2026 que aún no habían confirmado oficialmente. Según una fuente, Richards padecía artritis, lo que afectaba demasiado su capacidad para tocar y le impedía comprometerse con el agotador ritmo de cuatro o cinco meses de gira.

Un lector sensato podría preguntarse cuál es la recompensa de la fama y la vejez si no es el derecho a no hacer absolutamente nada más que disfrutar de los nietos, las innumerables casas junto al mar y la consolidación de la propia leyenda.

En cambio, medio siglo después de que un Mick Jagger de 31 años dijera: “Prefiero estar muerto antes que cantar ‘Satisfaction’ a los 45”, la banda planea lanzar su vigésimo quinto álbum de estudio este año (ya lanzaron un sencillo solo en vinilo). La gira anterior, con 20 fechas en Norteamérica para promocionar su último álbum, Hackney Diamonds, terminó en el verano de 2024.

¿Qué queda por decir de una banda que ha hecho de no acumular musgo su sello desde 1962? La improbable y casi mítica resistencia del grupo ante adicciones, deserciones, arrestos e incluso muertes se ha convertido en un chiste recurrente: Damas y caballeros, los indestructibles Rolling Stones, ¿siguen emocionando?

Por eso, resulta significativo que Bob Spitz subtitule su nueva crónica de la banda como “La biografía”. Más allá de las memorias apócrifas de Jagger —escritas y luego abandonadas en los primeros años ochenta, según la leyenda editorial— los picos y valles de los Stones han sido documentados de manera íntima, aunque no exhaustiva, por periodistas, historiadores de la música, miembros de la banda (tanto de larga data como temporales), amantes, musas, músicos de apoyo y allegados durante más de seis décadas.

Como biógrafo, Spitz tiene credenciales comprobadas. Sus temas previos conforman una especie de Monte Rushmore cultural —Los Beatles, Bob Dylan, Ronald Reagan, Julia Child— documentados en volúmenes de autoridad y tamaño considerable. (También tiene experiencia directa en el mundo del rock, ya que gestionó aspectos de las carreras de Elton John y Bruce Springsteen.)

Su enfoque aquí es afectuoso, extenso y detallista, un largo y bullicioso recorrido cuyos desenlaces —¿Esa melodía inolvidable logrará su versión definitiva en el estudio? ¿Será esta sobredosis la que ponga fin a todo?— rara vez generan dudas, aunque surgen muchas pequeñas revelaciones y correcciones a lo largo del camino.

Un prólogo inicia en 1961, en la estación de tren suburbana de Londres donde Jagger y Richards, conocidos de la primaria, se reencontraron en la adolescencia por su amor casi obsesivo por Chuck Berry y Muddy Waters. (“Como dos alcohólicos, se entusiasman, embelesados, con un anhelo compartido: no solo la música, sino el blues.”)

El paso de los días escolares a los dormitorios insalubres y los pubs desaliñados donde se unieron al impetuoso y voluble Brian Jones es corto. Jones, un prodigio rubio, resultó ser un promotor astuto y un multiinstrumentista inquieto, ayudando a consolidar la química que transformó a una banda desordenada de versiones de R&B en creadores de éxitos y casi de inmediato en los jóvenes señores de la Cool Britannia.

Spitz narra de manera minuciosa y poética esa evolución creativa, junto con un recuento de cambios de integrantes, enredos amorosos y dependencias químicas que se volvieron tan distintivos de la banda como el paso lujurioso de Jagger o los acordes despreocupados de cinco cuerdas de Richards.

Los arrestos por drogas aparecen como pétalos de flores (de amapola, quizás) en la narración, junto con peleas internas, infidelidades descaradas entre esposas y novias, y múltiples batallas judiciales por cargos de posesión, demandas de paternidad y gestiones dudosas. Autoridades, políticos moralistas y otros guardianes de la moralidad los perseguían con frecuencia.

El escándalo social que el grupo supuestamente representaba puede parecer ahora exagerado y hasta cómico: ¡Aléjate, Satán, de esos pantalones de terciopelo! Pero el desastre definitorio de Altamont, el desafortunado concierto de 1969 en California donde los Hells Angels, actuando como “seguridad”, atacaron a los asistentes y mataron a un joven negro, no ha perdido gravedad con el paso del tiempo.

Tampoco la muerte solitaria y sórdida de Brian Jones a los 27 años en una piscina (Spitz menciona, sin insistir demasiado, la posibilidad de que fuera asesinato y no accidente). Su salida no sería la última de la banda, aunque sí la más resonante.

Otros episodios del libro son simplemente surrealistas: la aparición de Bob Dylan en un traje de mohair azul en la puerta del hotel de Jones durante un apagón en 1965, con guitarras y “hierba excelente”; la mención de Robert F. Kennedy Jr., futuro secretario de Salud y Servicios Humanos, como uno de los amigos de drogas que “reavivó el apetito de Keith por la cocaína y la heroína” a fines de los setenta; un joven Harvey Weinstein, entonces promotor regional, repartiendo pelucas afro a la banda y al equipo durante un caótico cierre de gira en Buffalo.

La relación de Jagger y Richards constituye el eje central y la fuente constante de tensión en el libro. Keith, el pirata punk-rock consumido con una extensa colección de armas y una aparente inclinación autodestructiva, se distanció de Mick, cuya afición por los ritmos disco y la alta sociedad consideraba deshonrosa y poco auténtica.

El resto de la banda aparece en retratos breves y anécdotas. Charlie Watts, el elegante baterista, se apartó discretamente del desenfreno durante una noche en la Mansión Playboy (prefería los trajes de Savile Row y los caballos árabes), mientras que el bajista Bill Wyman protagonizó un romance con tintes nabokovianos a los 48 años con una escolar de 13, lo que desató un escándalo mediático. (Finalmente se casó con ella.)

Mick Taylor, talentoso aunque desafortunado sucesor de Brian Jones, nunca terminó de encajar, mientras que Ronnie Wood, “un personaje irreverente y simpático”, parecía tener la mezcla justa de talento y carisma para mantener a Richards a raya, incluso en sus momentos más erráticos. Todos ellos lucharon contra la adicción en algún momento.

“El libro ‘The Rolling Stones’ reconoce, aunque a veces suaviza, los aspectos más misóginos de la banda (el álbum Some Girls de 1978 fue un punto bajo) y la compleja relación entre raza, cultura y creatividad. Tras dedicar unas 600 páginas a los años sesenta y ochenta, el autor salta varias décadas en el último capítulo, como si de pronto recordara que dejó el auto mal estacionado.

El rock, como la política estadounidense, se ha convertido en una especie de gerontocracia; un género antes vital, ahora anquilosado entre actos veteranos y nostalgia boomer, reservado para quienes pueden pagar su costoso acceso. Pero el epílogo emocional del libro, situado en una parada de la gira de 2024 en Los ángeles, resulta celebratorio y melancólico a la vez, como un velorio irlandés sin cuerpo presente. Durante dos horas sobre el escenario, los Stones siguen en movimiento; el público está de pie y extasiado. A eso se le podría llamar satisfacción.

Fuente: The New York Times

El miércoles por la noche una noticia volvió a poner en vilo al mundo de la música: se supo que Charly García fue sometido a una nefrectomía parcial, una intervención programada, y que permanece en observación en el Instituto Argentino del Diagnóstico y Tratamiento. Este jueves, la institución médica dio a conocer el comunicado oficial sobre la evolución de la salud del músico.

“Se informa que Charly García fue sometido el pasado 21 de abril a una cirugía programada de riñón en el Instituto Argentino de Diagnóstico y Tratamiento (IADT)”, comienza el comunicado respecto a la intervención quirúrgica del artista. “La operación se realizó según lo previsto y Charly se encuentra bien, evolucionando favorablemente y recuperándose en una habitación común, sin presentar complicaciones hasta el momento”, detalla el mismo documento.

“Para llevar tranquilidad, es importante aclarar que en ningún momento requirió diálisis ni ninguna intervención adicional fuera de las habituales para este tipo de procedimiento. Agradecemos de corazón el cariño, la preocupación y el respeto de siempre”, cierra el comunicado respecto a la salud de García.

Cabe destacar que la noticia de la intervención generó preocupación y una catarata de consultas sobre la salud del músico de 74 años. Según dio a conocer Ángel de Brito en su ciclo el miércoles, la recuperación de Charly estuvo acompañado de los cuidados habituales para preservar la función renal. Karina Iavícoli, panelista de LAM (América), aportó más detalles y explicó que la cirugía fue planificada, en el marco de un tratamiento que el propio García venía siguiendo desde hacía tiempo, lo que permitió anticipar el ingreso al quirófano y reducir riesgos.

La operación fue calificada como exitosa por el entorno del artista, que se encargó de remarcar que no hubo complicaciones ni pasos adicionales fuera de lo esperado. “Salió todo bien”, precisó su mánager en un mensaje enviado al programa, llevando calma a los seguidores y al ambiente musical. En este momento, Charly continúa internado, y su recuperación transcurre fuera de terapia intensiva, con el acompañamiento de los profesionales y el afecto de sus seres queridos.

La nefrectomía parcial es una técnica quirúrgica elegida en casos donde se busca preservar la mayor cantidad posible de tejido renal. El procedimiento consiste en extirpar únicamente la porción dañada del riñón, permitiendo mantener la función del órgano restante o de la parte conservada. Según los especialistas, cuando la cirugía es programada y se realiza en un paciente que responde bien, las posibilidades de una recuperación plena se incrementan de manera significativa.

Este nuevo episodio en la salud de Charly García llevó a que el foco volviera a posarse sobre el músico, quien en el último mes se mostró activo y presente en distintos eventos públicos. A fines de marzo, Charly fue visto en el estadio de River Plate durante uno de los conciertos de la banda británica AC/DC. La escena fue documentada por Fabián Zorrito Quintiero, quien compartió un video en redes sociales donde se lo vio a García emocionado y disfrutando desde la platea. “Con el jefe, disfrutando esta masterclass de AC/DC”, escribió Quintiero, y en otro posteo agregó: “Y con el más grande como fan viendo y sintiendo a la escuela de rock”.

Mientras Charly García continúa evolucionando favorablemente, la expectativa por su regreso a la vida pública y a los escenarios sigue intacta. El comunicado finaliza con un mensaje que sintetiza el sentimiento de sus seguidores: “Agradecemos de corazón el cariño, la preocupación y el respeto de siempre”. Una vez más, el genio del rock nacional enfrenta la adversidad con su inconfundible resiliencia y el amor incondicional de quienes lo consideran un verdadero ícono.

Hubo una frase, dicha casi al pasar en un estudio de televisión, que sonó como una grieta en un vínculo que parecía indestructible. Y dolió. Porque cuando Fabiana Cantilo reveló que decidió desinvitar a Fito Páez de su show en el Auditorio de Belgrano, no habló solamente de una ausencia sobre un escenario: puso en suspenso una de las relaciones más entrañables, caóticas y míticas de la historia del rock argentino.

“Le dije que no viniera”, contó en Los Profesionales, el programa de Flor de la V, al explicar que tomó esa decisión después de que el rosarino le pidiera que dejara de hablar públicamente de su vida privada, en medio de versiones que lo vinculaban sentimentalmente con Sofía Gala.

Y entonces, inevitablemente, el presente chocó de frente con el pasado.

Porque hablar de Fito y Fabi nunca fue hablar solo de dos músicos. Fue hablar de una época. De una generación. De canciones que todavía arden. De una historia escrita entre excesos, ternura, rescates mutuos y melodías eternas.

Corría 1984 cuando se enamoraron. El país despertaba de la dictadura y en la cultura se cocinaba una revolución estética y emocional. En torno a Charly García orbitaban criaturas incendiarias. Entre ellas, un muchacho rosarino de mirada melancólica que todavía no era mito, y una mujer indómita, luminosa, feroz, que parecía bailar incluso cuando estaba quieta.

Fue en las sesiones de Piano Bar, ese disco fundacional de Charly, donde empezó todo. Años después, Fabiana miraría hacia atrás con una honestidad brutal.

“Vos sos Fito, ¿no? El rosarino de Baglietto”, consultó ella al cruzarlo. Y él no pudo dejar de pensarla. “Era el monumento a la juventud. Solo pude mirarla de refilón en los siguientes minutos. Se produjo un hermoso silencio al encontrarnos. Nos dimos un beso de circunstancia. Era de una belleza sobrenatural. Me intimidaba”, explicaría él.

Y el rosarino no dejaría de recordar detalles: “Su rostro anguloso entre galés y criollo. Sus ojos castaños que se encendían pícaros. Su boca de labios carnosos y ese lunar tan de ella sobre su mejilla derecha. El cabello rubio carré sobre los hombres. El cuello perfecto devenía en un torso con dos pechos suaves que se alzaban sobre una remera de The Police. Su minifalda dejaba ver su refinada silueta de mujer joven y poderosa”.

“Fito era un tipo tranquilo que tocaba folclore. Nosotros éramos unos pibes que queríamos llamar la atención del ídolo. Y Fito se cuidó, yo no. Yo fui muy reventada. Por eso él ahora tiene plata y yo no tengo un mango”, diría ella, con esa mezcla tan suya de ironía, crudeza y poesía callejera.

Pero detrás del humor había otra verdad: “Era un tipo maravilloso y yo me sentía muy cuidada con él… aunque éramos dos piscianos y el mundo explotaba”. Eso eran. Dos piscianos y el mundo explotando. Su amor fue romántico y feroz. Dulce y devastador.

“Nos enamoramos como un espadachín del castillo que rescata a la dama. Un delirio total”, recordó ella.

Y Fito, siempre más literario, había contado cómo la conquistó con una escena digna de realismo mágico: “Fabi me preguntó si creía en los ovnis. ¿Qué le iba a decir a la chica más hermosa del mundo? Después nos envolvió el amor. El amor antes del amor. Y volamos desde Urano a Saturno… te amé, te amo y te amaré, luz de todos los astros”. No era una metáfora. Era exactamente así.

Entre ellos hubo canciones, peleas, reconciliaciones, toxicidad, ternura, celos, adicciones y un modo de amarse que muchas veces parecía rozar la autodestrucción.

Pero de ese incendio nacieron algunas de las páginas más bellas del cancionero argentino: “Tres agujas”, “Fue amor”, “Brillante sobre el mic”, “Te aliviará”, “Creo”. Himnos atravesados por una mujer de ojos inmensos que se volvió musa sin proponérselo.

Cuando le preguntaron si Fabiana había sido su gran inspiración, Fito respondió: “No, es una de ellas, muy importante. Se va a enojar cuando escuche esto. Fue la primera. Aunque antes estuvo Silvia Corea, uno de mis primeros romances y muy inspiradora cuando empecé a hacer canciones: le escribí un tema que se llama“Mi primer retrato”, que grabó Lalo de los Santos”.

Y después enumeró temas como quien enumera cicatrices: “Fabi me regaló tantas canciones que ni me las acuerdo”.

Se separaron en 1990. Las peleas, los celos y el desgaste fueron haciendo lo suyo. “Nos peleábamos, nos amigábamos… él me dijo que le hice componer temas divinos”, recordó ella. Y también se confesó: “Yo me conectaba con los celos y la posesión. Era un plomazo”.

Pero lo extraordinario ocurrió después. Porque cuando el amor romántico se rompió, apareció otra cosa. Algo quizá más raro, más profundo: la amistad.

Y ahí fue donde se volvieron eternos. Es que Fabiana no solo fue la mujer detrás de muchas canciones de Fito, también fue quien lo sostuvo cuando la tragedia lo pulverizó.

En 1986 asesinaron a su abuela y a su tía y él cayó en una depresión devastadora, y Fabi fue quien lo levantó: “Me sacó de la cama, me agarró de los pelos, me metió en un auto y me llevó a ensayar con Spinetta. Si eso es salvarle la vida a alguien, ella lo hizo”. No lo dijo metafóricamente. Sí, le salvó la vida.

Y quizá por eso, pese a rupturas, silencios o desencuentros, siguieron apareciendo siempre el uno para el otro. En cumpleaños, homenajes, discos, escenarios.

Como cuando Fito la homenajeó públicamente en Buenos Aires y le dedicó palabras que todavía resuenan: “Nadie puede aburrirse al lado de esta deidad argentina… su risa retumba en todos los espacios del mundo”. Fabiana lloró, y muchos lo hicieron con ella. Porque había algo conmovedor en ver a dos sobrevivientes del rock seguir mirándose con esa gratitud.

Lo mismo volvió a pasar cuando ella subió al escenario del Movistar Arena —y luego Vélez— para celebrar los 30 años de El amor después del amor. Frente a miles, Fito la presentó casi como una declaración: “Fabi, te debo tantas… pero tantas canciones”. Y ella, estoica, hermosa, intacta en su aura salvaje, cantó “Creo”: “Creo que aún tal vez piensas en mí…”. Como si el tiempo no hubiera pasado, como si todo siguiera ahí.

Por eso la confesión sobre el show en Belgrano sorprendió tanto, porque si hay una historia que parecía haber demostrado que el amor puede mutar sin romperse era la de ellos.

Fito y Fabi habían logrado lo improbable: transformar una pasión feroz en una amistad inquebrantable, o al menos eso parecía. Tal vez por eso duele imaginar un desacuerdo. Porque en el fondo nadie quiere pensar que esa leyenda tenga fisuras.

Porque Fito y Fabiana no son solo dos ex, son parte de una mitología sentimental argentina. La prueba de que algunas personas, aunque se separen, quedan para siempre orbitándose. Como aquellos dos piscianos y amantes que una vez creyeron en ovnis y volaron de Urano a Saturno. Como el amor antes del amor.

Ricardo Mollo, líder y voz de Divididos, no ocultó su asombro ni su emoción. En pleno show, el chico se subió al escenario con un peinado en cresta y pidió el micrófono para interpretar “La Rubia Tarada”, el emblemático tema de Sumo. El público estalló en aplausos y la actitud desinhibida del joven cantante se llevó todas las miradas.

La presencia inesperada del niño desató una reacción genuina en el músico, que se mostró conmovido por la energía que irradiaba el pequeño fan. Mollo expresó con palabras sencillas y directas la intensidad del momento: “Que aparezca un ser con una energía tremenda y nos genere una alegría y un estado increíble. Esto las pantallas no lo pueden provocar y, mucho menos, la inteligencia artificial…”. La frase, surgida casi como un suspiro, dejó en claro la dimensión humana de lo que acababa de suceder. La escena condensó en pocos segundos la esencia de la música en vivo: la conexión pura entre artista y público, sin artificios ni planificación.

Las redes sociales jugaron un papel central en la difusión de lo ocurrido. El video del niño sobre el escenario no tardó en hacerse viral. Cientos de comentarios celebraron tanto la actitud del chico como la apertura de Mollo y los músicos para invitarlo a participar. “Vamos que hay futuro en el rock carajo”, escribió un usuario. Otro se animó a bromear con la soltura del pequeño: “Ese pibe ya tiene más calle que yo con 40 años”. Entre los mensajes predominó el tono festivo y afectuoso, con frases como “Un capo Mollo, un retipazo y el guachín un genio” y “El pibe entendió todo”.

La comunidad rockera encontró en ese fragmento de show un motivo de celebración y esperanza. La escena del chico sobre el escenario, sin miedo ni titubeos, generó un efecto contagioso de alegría que desbordó el recinto y se propagó por plataformas digitales.

El vínculo entre el niño y Divididos no nació esa noche en Tandil. Según relató el propio protagonista en diálogo con Radio Nitro, su relación con la banda viene de lejos. “No me acuerdo cuándo fue la primera vez que vi a Divididos, hace mucho, con mi mamá”, contó con naturalidad. Cuando le preguntaron qué tema esperaba escuchar en el recital, no dudó: “Me gustan muchas, pero espero que hoy toquen ‘Sobran las piñas’”. Ese lazo previo con la música de la banda explica en parte la soltura con la que se desenvolvió sobre el escenario y el entusiasmo con que vivió la experiencia.

Según el relato de los presentes, nada estuvo planeado. El chico, vestido con una remera de Sumo, se encontraba entre el público y fue invitado a subir. “El muy caradura le pidió el micro a Mollo y salió esta genialidad, lo que explotó el público no tiene sentido”, escribió un usuario en Twitter que presenció la escena. Otro comentario, con tono humorístico, sumó: “Volvió Luca Prodan en forma de pibito, solo que esta vez se aseguró de tener una abundante cabellera”. Mensajes como “Que niño del bien! Seguro, disfrutando y compartiendo rock!” y “Revivió la músicaaa” reflejaron el clima que se vivió en Tandil esa noche.

Las imágenes y videos del momento recorrieron las redes y generaron un furor inmediato. El gesto de Mollo, la audacia del niño y la respuesta del público construyeron una escena difícil de repetir, donde la música se convirtió en puente entre generaciones. Divididos, con su historia y su presente, volvió a demostrar que en el rock siempre hay lugar para la sorpresa y la emoción genuina.

En el tejado del autocine Dog House Drive In, un perro salchicha de neón lleva décadas moviendo la cola y devorando salchichas.

El clásico letrero animado, reconocible al instante para los fanáticos de la serie de televisión Breaking Bad, es un elemento fijo en Central Avenue en Albuquerque, parte de la antigua Ruta 66.

Este año se conmemora el centenario de la Ruta 66, que recorría aproximadamente 2.400 millas desde Chicago hasta Los Ángeles (y, posteriormente, Santa Mónica), y que contribuyó a definir los viajes por carretera estadounidenses a lo largo de su trayecto.

Para conmemorar su aniversario, numerosos museos a lo largo de la Ruta 66 han creado exposiciones que exploran el papel de este emblemático corredor automovilístico en la historia y la cultura estadounidenses. Mientras que algunos celebran los letreros peculiares, los coches con aletas traseras y las atracciones singulares por las que la carretera es famosa, otros reconocen algunas de las realidades más sombrías de la autopista. Junto con los museos dedicados a la Ruta 66 y los eventos del centenario, estas exposiciones desvelan, y a veces complejizan, el legado de la autopista.

Aunque la Ruta 66 ya no es una carretera oficial de los Estados Unidos —acabando por desaparecer con la construcción de las autopistas interestatales—, la carretera ha ganado popularidad y se ha convertido en un atractivo turístico tanto nacional como internacional.

Un evento anunciado como la celebración inaugural nacional tendrá lugar en Springfield, Missouri, del 29 de abril al 3 de mayo, pero a lo largo de la Ruta 66, ciudades y pueblos se han estado preparando para el centenario de este año.

En Albuquerque, la ciudad otorgó subvenciones para restaurar más de una docena de letreros de neón en su tramo de 29 kilómetros de carretera. Entre ellos se encontraba un segundo letrero en el Dog House, un lugar donde los camareros todavía llevan perritos calientes extragrandes a los clientes en sus coches, y otros que anuncian moteles de época.

Otro proyecto llamado Route 66 Remixed: An Art-Fueled Road Trip ha introducido nuevos murales, esculturas y otras obras de arte público en el paisaje urbano.

Según Shelle Sánchez, directora del Departamento de Artes y Cultura de Albuquerque, que lideró el proyecto, los artistas locales participantes tenían edades comprendidas entre los 20 y los 70 años, e incluían a nativos americanos e inmigrantes recién llegados.

Sánchez afirmó en una entrevista reciente que, a través de la selección de artistas, “mostramos cuántas historias se reflejan en la Ruta 66“.

La carretera originalmente seguía un trazado sinuoso a través de Nuevo México, pero en 1937 se modificó su trazado para cruzar el estado en línea recta, pasando por Albuquerque, su ciudad más grande. El área metropolitana cuenta ahora con más de 900.000 habitantes.

“La Ruta 66 atraviesa toda nuestra ciudad, de este a oeste, y a partir de ahí crecimos”, dijo Sánchez. Hoy, señaló, pasa por zonas peatonales con restaurantes de lujo y lugares donde viven personas sin hogar.

“Es como una especie de microcosmos heterogéneo de lo que pueden ser las grandes ciudades, lo que son y las dificultades a las que se enfrentan”, dijo.

En junio, el Museo de Albuquerque inaugurará La otra Ruta 66: 100 años de gente, identidad y lugar en Albuquerque (hasta el 3 de enero), una exposición que examinará la carretera y su historia principalmente desde una perspectiva local.

Alicia Romero, curadora principal del museo y curadora de historia, dijo que una de las preguntas que se propuso responder con la exposición fue: “¿Quién es el dueño de la Ruta 66?“.

Sí, es un lugar para turistas que viajan por carretera, dijo, pero también pertenece a la gente para la que es la Avenida Central, aquellos que la usan para ir al trabajo todos los días o que la utilizan cuando deciden manifestarse en protesta.

“Es historia”, dijo, “pero es nuestro presente”.

El atractivo de la carretera

La autopista US 66, como se la conocía oficialmente, nunca fue una “superautopista”. En gran parte, se construyó a partir de una red de caminos y senderos existentes, algunos apenas transitables, y no se pavimentó por completo hasta 1938.

Los primeros promotores la apodaron la “Calle Principal de América”. En su novela de 1939, Las uvas de la ira, John Steinbeck la llamó, en una frase que se hizo famosa, “la carretera madre, la carretera de la huida”, al describir a los desesperados migrantes del Dust Bowl que se dirigían por la Ruta 66 hacia la tierra prometida de California.

Durante la Segunda Guerra Mundial, la carretera sirvió de vía para tropas y equipos militares que se dirigían hacia el oeste, y en los años de la posguerra atrajo a un público viajero que gozaba de una nueva prosperidad.

La Ruta 66 inspiró una pegadiza canción de Bobby Troup, (Get Your Kicks on) Route 66, y apareció en programas de televisión y películas.

Con sus autocines, moteles y trampas para turistas, la Ruta 66 logró que los estadounidenses se lanzaran a la carretera, para luego bombardearlos con trucos de marketing para que se detuvieran, como tipis gigantes de hormigón o dinosaurios de fibra de vidrio.

Las serpientes fueron un tema recurrente. Una exposición que se exhibe actualmente en el Museo de Arte de Nuevo México en Santa Fe, titulada Atracciones de carretera (hasta el 4 de octubre), incluye una fotografía en blanco y negro de Steve Fitch que muestra a un hombre alto y delgado sosteniendo una serpiente frente a un gran letrero del Regal Reptile Ranch & Menagerie, en la carretera 66 en Sayre, Oklahoma.

Si bien no todas las más de 20 fotografías de la exposición son específicamente de la Ruta 66, evocan esa sensación: “la extraordinaria experiencia de conducir, estar en la carretera y encontrarse con estas rarezas”, dijo Katherine Ware, ex curadora de fotografía del museo, quien organizó la exposición.

En su libro de 2025, La Ruta 66: Los primeros 100 años, Jim Ross y Shellee Graham describieron la propia carretera como “un museo lineal que se extiende a lo largo de ocho estados”.

Rumbo al oeste

La ruta hacia el oeste comenzaba en el centro de Chicago, descendía a través de Illinois y Missouri y atravesaba una esquina de Kansas antes de cruzar Oklahoma, el Panhandle de Texas, Nuevo México, Arizona y el sur de California.

Pero los detalles geográficos de la ruta han cambiado. De hecho, en febrero, Chicago anunció que el punto de partida oficial, que había estado frente al Instituto de Arte de Chicago, ahora estaría en Navy Pier.

Springfield, Missouri, se enorgullece de ser la cuna de la Ruta 66 porque un telegrama enviado desde allí el 30 de abril de 1926 resolvió una prolongada disputa burocrática sobre la designación de la carretera, estableciendo que llevaría el número 66.

El aniversario oficial de la autopista es el 11 de noviembre, fecha en que la Asociación Estadounidense de Funcionarios Estatales de Carreteras adoptó formalmente el sistema de autopistas numeradas de los Estados Unidos en su totalidad.

El próximo evento inaugural en Springfield incluirá un concierto de apertura y un desfile de vehículos clásicos. Los visitantes pueden acercarse al Museo de Historia local en la plaza, que cuenta con una galería dedicada a la Ruta 66. De junio a septiembre, el museo también presentará una exposición independiente, La Serie Ruta 66: 1926-2026, que examina cómo esta ruta influyó en diversos aspectos de la cultura local, incluyendo los automóviles, la música, la moda y la economía.

También está en marcha un proyecto local para contar una faceta más sombría de la historia de la Ruta 66, con una exposición titulada provisionalmente The mOTHER Road: The Stories of African Americans along Historic Route 66, cuya inauguración está prevista para junio en la iglesia Benton Avenue AME de Springfield.

Lyle Q. Foster, profesor asociado de sociología en la Universidad Estatal de Missouri y líder de la iniciativa, explicó que, debido a la segregación racial, los afroamericanos dependían del Libro Verde, una guía de viaje que enumeraba lugares seguros donde podían comer, dormir o repostar gasolina. En algunos pueblos donde se aplicaba el toque de queda para personas de color, añadió, las personas de color ni siquiera debían mostrarse después del anochecer.

“Sin duda, fue un camino muy difícil de recorrer”, dijo el Dr. Foster. “No siempre era fácil disfrutar de la Ruta 66 para las personas que no eran blancas”. La concejala Monica Horton de Springfield, quien representa la parte históricamente negra de la ciudad y está ayudando a organizar la exposición, dijo que era importante que la comunidad honrara el legado y la resiliencia de los negocios del Libro Verde y “se viera reflejada en estas historias”.

Eventos múltiples

El acto inaugural es uno de los muchos eventos aprobados por la Comisión del Centenario de la Ruta 66, establecida por ley en 2020 para identificar actividades apropiadas para honrar a “la Carretera Madre de los Estados Unidos”.

Los comisionados, que son designados por el presidente sin recibir remuneración, se han centrado en celebraciones a gran escala, pero “prácticamente todas las pequeñas comunidades a lo largo de la ruta tendrán algún tipo de evento”, dijo Rod Reid, presidente de la comisión.

Luego están los pequeños museos dedicados a la historia de la Ruta 66, o a los coches que la recorrieron.

En McLean, Texas, el Museo de la Cuerda del Diablo se centra principalmente en el alambre de púas, pero su sala dedicada a la Ruta 66 es la que suele atraer a los visitantes desde la autopista, según Michael Oldham, presidente del museo. Existe una conexión entre ambos temas, explicó: sin el uso de alambre de púas a lo largo de la Ruta 66, “lo único que se podía hacer era esquivar el ganado”.

En Illinois, el Museo Histórico del Área de Joliet recibe anualmente a unas 50.000 personas en su Centro de Visitantes de la Ruta 66, de las cuales aproximadamente una cuarta parte proceden de fuera de los Estados Unidos, según Greg Peerbolte, director ejecutivo del museo.

Según comentó, muchos de los visitantes internacionales expresaron el mismo sentimiento sobre la autopista: “Esta es la verdadera América”.

Peerbolte añadió que los estadounidenses suelen sentirse atraídos por la nostalgia de sus propias experiencias en la carretera.

El Museo Estatal de Illinois creó un proyecto de historia oral sobre la Ruta 66, entrevistando a 100 personas que conocieron la carretera en su época dorada o que han trabajado para preservarla desde entonces. El fin de semana del Día de los Caídos, el museo planea inaugurar una exposición complementaria de objetos físicos titulada Millas y recuerdos: Historias de la Ruta 66.

Incluso hoy en día, quienes viajan por esta ruta tienen una experiencia diferente a la que tendrían si se limitaran a las autopistas interestatales y a las cadenas de hoteles y restaurantes, dijo Bill Thomas, presidente de la Route 66 Road Ahead Partnership, que trabaja para promover y revitalizar la ruta.

“El sistema de autopistas interestatales no puede evocar recuerdos como lo hace la Ruta 66”, afirmó.

Mito y nostalgia

David Davis, curador jefe del Museo Nacional del Vaquero y del Patrimonio del Oeste en Oklahoma City, dijo que el atractivo de la Ruta 66 radicaba en parte en la nostalgia por la década de 1950, pero también en el misticismo del Oeste americano, que describió como “tan interconectado con la propia identidad estadounidense”.

“Es solo una parte de ese rompecabezas cultural estadounidense”, dijo en una entrevista. La exposición del museo Ruta 66: De senderos a paradas de camiones (hasta el 3 de mayo) incluye un gran letrero de neón con un vaquero a caballo, que anuncia el ahora desaparecido Western Trail Motel, así como un Chrysler Windsor azul de 1948.

La Ruta 66 forma parte del patrimonio del museo, afirmó Davis. Explicó que, en la década de 1950, cuando varias ciudades competían por albergar el museo, Oklahoma City se impuso en parte gracias a su ubicación propuesta en Persimmon Hill, con vistas a la famosa carretera.

En el Museo del Norte de Arizona en Flagstaff, la exposición Wagon Road to Mother Road (hasta el 31 de enero) desafía parte de la nostalgia asociada con la Ruta 66 al examinar algunos de los objetos que fueron desechados en el camino.

David E. Purcell, arqueólogo e historiador supervisor del museo, fue el curador de la exposición, basándose en parte en un estudio arqueológico que realizó en colaboración con el Parque Nacional del Bosque Petrificado. A lo largo de un tramo de seis millas de la antigua carretera, el equipo designó áreas de muestreo y documentó más de 11.000 artefactos, que según las estimaciones de Purcell, probablemente representaban solo entre el 10 y el 15 por ciento de lo que había allí.

Según indicó, aproximadamente un tercio de las latas y botellas encontradas habían contenido bebidas alcohólicas. También hallaron parte de una coctelera, abridores de latas de cerveza y evidencia de accidentes automovilísticos.

Flagstaff se beneficia hoy del turismo de la Ruta 66, pero la gente olvida que la antigua carretera era estrecha, estresante y peligrosa, dijo Purcell.

“Para cuando desapareció, ya no había nostalgia por ello”, dijo. “No fue hasta que, literalmente, empezaron a quitar los letreros que surgió algo de esa nostalgia”.

Fuente: The New York Times

La inquietud sobre la verdadera naturaleza del vínculo entre Páez y Gala surgió tras la reciente exposición mediática de ambos, que despertó especulaciones tanto en redes sociales como en los medios. Sin embargo, las declaraciones de Cantilo, quien mantiene desde hace años una amistad sólida con el compositor luego de haber sido pareja, buscaron despejar dudas.

La artista compartió que suele conversar con Fito sobre el tema y que la respuesta del músico es siempre la misma: “Me dice que son amigos”. Cuestionó, además, la insistencia de los panelistas que sostenían el rumor de romance y los desafió: “¿Los vieron besarse en la boca?”.

En medio de la charla, Cantilo ironizó sobre su cercanía con Fito y la forma en que ambos se apoyan mutuamente. “Mañana hablo con Moria (Casán) y le digo que somos comadres porque yo soy como la madre de Fito”, dijo entre risas.

La cantante no esquivó el tema de la supuesta cercanía física entre Fito Páez y Sofía Gala. “Obvio que le pregunté si se besaron y me dijo que sí, pero que son amigos y no llegaron al próximo nivel”, aseguró Cantilo en el ciclo televisivo, reafirmando que la relación no pasa del plano fraternal.

La versión de Sofía Gala y Fito Páez sobre su vínculo

Sofía Gala y Fito Páez, por su parte, han sostenido públicamente que solo los une una amistad. La actriz y el músico comparten un vínculo que, según quienes los conocen, se gestó hace años y se ha fortalecido por afinidades personales y profesionales. En ese sentido, Moria Casán, madre de Sofía Gala, también intervino y describió el lazo como “especial, de años, que va más allá del amor”.

En los últimos días, los rumores sobre un posible noviazgo crecieron luego de que ambos fueran vistos juntos en diferentes eventos. La exposición en redes sociales alimentó las versiones, pero ninguno de los dos protagonistas confirmó una relación sentimental.

A pesar de las preguntas insistentes de los medios y la opinión pública, tanto Páez como Gala eligieron mantener la privacidad y responder con evasivas. El círculo íntimo del músico, representado en este caso por Fabiana Cantilo, refuerza esa postura al negar la existencia de una pareja.

El interés por la vida personal de Fito Páez no es nuevo. Su historia sentimental, marcada por relaciones con figuras reconocidas de la cultura argentina, suele captar la atención del público. La reciente aparición de Sofía Gala a su lado reavivó el debate sobre si hay algo más que una amistad entre ellos.

Los seguidores del músico y la actriz, así como los medios, han interpretado fotos y gestos como pruebas de un romance. Sin embargo, la información aportada por quienes están realmente en contacto con Páez apunta en otra dirección: la de una amistad sólida y sin matices románticos.

El lazo entre Fabiana Cantilo y Fito Páez

Fabiana Cantilo y Fito Páez mantienen una relación de décadas, forjada en escenarios y momentos personales difíciles que, después de separarse como pareja, continuó con el correr de los años. La cantante relató que ambos se apoyaron mutuamente en distintas etapas de sus vidas, lo que les permitió cultivar una confianza inquebrantable.

“Nos unimos para salvarnos mutuamente”, sintetizó Cantilo, explicando por qué confía plenamente en la palabra de Páez sobre Sofía Gala. Para ella, la relación entre el músico y la actriz es solo una muestra más del círculo de afectos que rodea a su amigo.

Phil Collins, Iron Maiden, Billy Idol, Queen Latifah, Oasis, Sade y Joy Division/New Order serán incorporados al Salón de la Fama del Rock & Roll, junto con los nominados por primera vez Wu-Tang Clan y el fallecido Luther Vandross.

La lista se dio a conocer durante la emisión del lunes por la noche de American Idol. Los artistas deben haber publicado su primera grabación comercial al menos 25 años antes para ser elegibles para la incorporación. Los nominados fueron votados por más de 1.200 artistas, historiadores y profesionales de la industria musical.

Collins, un rockero de estilo suave que ya está en el salón como integrante de Genesis, ha tenido éxitos como solista como In the Air Tonight y One More Night, y ha ganado ocho premios Grammy, incluido el de álbum del año en 1985 por No Jacket Required. Collins entró la primera vez que apareció en la boleta.

La vocalista de soul-jazz Sade, también nominada en 2024, tuvo éxitos de rock suave como Smooth Operator y The Sweetest Taboo. Wu-Tang Clan ha sido aclamado como innovador del rap desde su álbum debut de 1993 que cambió las reglas del juego, Enter the Wu-Tang.

Iron Maiden, nominada dos veces antes, ayudó a impulsar la nueva ola del heavy metal británico con álbumes icónicos como The Number of the Beast. Vandross, que vendió más de 25 millones de álbumes y tuvo éxitos como Here and Now y Any Love, murió en 2005 e inspiró Luther, de Kendrick Lamar y SZA.

Este año, el salón abrirá sus brazos a los sonidos de Manchester, Inglaterra, al incorporar a los pioneros del post-punk Joy Division y New Order —que compartían a la mayoría de los mismos integrantes—, así como a Oasis, el grupo de britpop que se reunió recientemente y está integrado por Noel Gallagher y Liam Gallagher. Idol, también inglés, ha aportado un desdén punk al pop con canciones como White Wedding y Rebel Yell.

La ceremonia de incorporación se llevará a cabo el 14 de noviembre en el Peacock Theatre de Los Ángeles. Una presentación televisiva se emitirá en diciembre por ABC y Disney+. El próximo año, la ceremonia regresará a la sede del salón en Cleveland.

Entre los nominados este año que no lograron entrar en la clase de 2026 figuran Mariah Carey, Lauryn Hill, INXS, Melissa Etheridge, Jeff Buckley, Pink, New Edition y Shakira.

Además de la categoría de intérpretes, quienes ingresan al salón pueden hacerlo bajo tres categorías de comités especiales: influencia temprana, excelencia musical y el Premio Ahmet Ertegun para No Intérpretes.

El premio de influencia temprana de este año honrará a Queen Latifah, la cantante cubana Celia Cruz, el músico nigeriano Fela Kuti, la rapera MC Lyte y el country rockero Gram Parsons. La excelencia musical reconocerá a la compositora Linda Creed y a los productores Arif Mardin, Jimmy Miller y Rick Rubin.

Más de 50 años después de su muerte, Ed Sullivan, el legendario presentador de su programa de televisión homónimo que era una cita obligada, ingresará al salón con el Premio Ahmet Ertegun para No Intérpretes. Es un reconocimiento a lo importante que se volvió su escenario de los domingos por la noche como plataforma de lanzamiento para casi todos los íconos musicales de las décadas de 1950 y 1960, ya cómo su programa ayudó a derribar barreras raciales en el entretenimiento de Estados Unidos.

El año pasado, Cyndi Lauper, Outkast, Bad Company, Chubby Checker, Soundgarden, Joe Cocker, Salt-N-Pepa, The White Stripes, Carol Kaye, Nicky Hopkins, Lenny Waronker, Thom Bell y Warren Zevon fueron incorporados.

Fuente: AP

El Mini Rock Fest 2026 llegará a la Ciudad de México el 18 de abril con una promesa inédita: poner a la niñez en el centro de la experiencia musical. El evento, pensado para niños y niñas de 4 a 12 años, ofrecerá una jornada de más de siete horas en Quarry Studios, al sur de la capital, donde las reglas tradicionales de los festivales de adultos quedan de lado para dar paso a la autenticidad y la libertad.

La propuesta, organizada por Silvia Tapia y Jessica Luna, busca romper con la lógica adultocentrista que suele dominar los espacios públicos.

Cartel completo del Mini Rock Fest 2026

El line-up del Mini Rock Fest incluye agrupaciones mexicanas como Yucatán A Go-Go, Los Patita de Perro, Crazysaurios y Los Botes Cantan. Desde Chile participará Jack Distortion y desde Argentina llegará Manu Choque. También se suman DJ Purple, Pequeños Diablillos y La Broma Infinita, ampliando la variedad de propuestas musicales para el público.

En entrevista, Silvia Tapia afirma: “Nos dimos cuenta de que hay 300 festivales en México de todo tipo, pero ninguno estaba pensado para la niñez. Descubrimos que infancia viene del latín y significa los sin voz. Desde ahí surge la necesidad de crear un festival donde niñas y niños sean escuchados”. Tapia destaca que el cartel fue seleccionado para ofrecer variedad de géneros y para derribar la idea de que la música infantil debe ser simplista.

Jessica Luna agrega: “Queríamos un evento que funcionara como un vínculo entre los adultos y la niñez. Buscamos bandas que hicieran vibrar el corazón de los papás y de los niños. Esta alineación hará que el Mini Rock Fest sea una experiencia única”.

Un festival donde la niñez es el centro y la seguridad es prioridad

El enfoque del festival parte del principio del niñocentrismo. En palabras de Silvia: “Primero somos mamás y vivimos dándonos cuenta de cómo muchas veces se invisibiliza a la niñez. Llegas a un restaurante y no hay nada para ellos. El mundo está muy centrado en el adulto. Queremos que niñas y niños tengan los mismos derechos para disfrutar cualquier espacio”.

El espacio elegido es plano y sin escaleras para facilitar la movilidad, incluso para quienes usan muletas o silla de ruedas. Los niveles de sonido estarán controlados para proteger la salud auditiva de los asistentes más jóvenes y habrá un equipo de seguridad dedicado. “Todo está pensado para que el festival sea un espacio completamente seguro y en donde se sientan libres y felices. Nadie les va a decir: ‘Estate quieto’”.

Durante el festival, los asistentes podrán participar en talleres de arte, zonas para personalizar prendas y pintacaritas, además de cuentacuentos y espectáculos de magia. Las organizadoras subrayan que el festival también contará con áreas de descanso para quienes prefieren una experiencia menos ruidosa.

La respuesta de las familias ha sido entusiasta. Las organizadoras señalaron, “En general la respuesta es sí quiero ir, incluso quienes no tienen hijos buscan la manera de asistir. Nos emociona ver que estamos conectando con la gente”.

Boletos y precios

Los boletos están disponibles a traves de la boletera Passline, en su página oficial .El precio de la entrada general es de 870 pesos y la entrada doble cuesta mil 500 pesos.

Los cuatro astronautas regresaron con éxito a la Tierra, después de haber recorrido 1.126.922.215 kilómetros y amerizar frente a la costa de San Diego, Estados Unidos, tras un viaje de 10 días que puso a prueba una nave, una tripulación multinacional y una estrategia que busca llevar a la humanidad más lejos que nunca.

El cierre de esta odisea en la primera misión tripulada hacia la órbita lunar en más de cinco décadas, validando tecnología y reviviendo el espíritu de exploración espacial, fue celebrado por la NASA hoy con un video que resume la misión, al ritmo de la canción Seven Nation Army de The White Stripes.

El viaje no solo implicó un retorno seguro de los astronautas, sino también la validación de los sistemas vitales que sostendrán futuras misiones.

El equipo de NASA ponderó el éxito de la maniobra, que requirió precisión absoluta para atravesar la atmósfera terrestre a casi 40.000 km/h (39.692 mph) y soportar temperaturas de 2.760 ℃ (5.000 ℉). La agencia estadounidense, detalló que “todo en esta fase dependía de que la física, la ingeniería y el tiempo estuvieran exactamente donde tenían que estar”.

El amerizaje a las 20:07 EDT del 10 de abril, seguido de la recuperación en el Pacífico, significó mucho más que el toque de una cápsula en el agua: fue la culminación de una secuencia en la que helicópteros, equipos médicos y personal militar participaron en la extracción y traslado de la tripulación hacia el USS John P. Murtha.

El protagonismo de los astronautas Reid Wiseman, Victor Glover, Christina Koch y Jeremy Hansen devolvió a la humanidad a la órbita lunar tras más de medio siglo (53 años). El despegue ocurrió el 1 de abril desde el Centro Espacial Kennedy con el cohete Space Launch System; fue la primera vez que la cápsula Orion, junto a su cohete, transportó personas.

El comandante Wiseman, tomó una fotografía increíble del lado nocturno de la Tierra, que describió como “un tesoro total”, mientras Glover expresó: “Confía en nosotros. Te ves increíble. Te ves hermosa. No importa de dónde seas, todos somos una sola humanidad”.

El primer día de vuelo fue dedicado a orbitar la Tierra y verificar los sistemas de Orion. Glover probó los controles manuales, esenciales para futuras expediciones. Wiseman explicó que el 90% de los sistemas de soporte vital nunca había sido probado antes en el espacio, lo que obligó a comprobar la seguridad y funcionalidad del ambiente interior antes de avanzar hacia la Luna.

El trayecto hacia el satélite natural se extendió durante cuatro días. Durante ese lapso, la tripulación contempló la superficie lunar y celebró la Pascua en el espacio. Un momento singular fue la obtención de las alas de astronauta por parte de Hansen, quien participó en su primer viaje espacial.

La nave alcanzó la cara oculta de la Luna el 6 de abril, perdiendo comunicación durante 40 minutos, un tramo en el que Orion estableció un nuevo récord al superar los 406.692 kilómetros de la Tierra, superando la marca del Apolo 13.

La experiencia de observar la cara oculta del satélite natural fue relatada por Wiseman: “Fue realmente genial despertar esta mañana, mirar por la ventana y ver la Luna llena reflejada en la parte delantera del vehículo”. El comandante valoró el trabajo del equipo y la claridad del objetivo: “No hay duda de hacia dónde nos dirigimos y agradezco enormemente todo el trabajo realizado allí”.

La misión dejó también momentos cargados de emoción. Hansen, Koch y Glover propusieron nombrar un cráter lunar como “Carroll”, en homenaje a la esposa fallecida de Wiseman. El gesto, preparado durante la cuarentena previa al vuelo, emocionó al comandante y selló un vínculo personal y colectivo en la superficie lunar. Koch compartió que la experiencia la llenó de gratitud y reflexión sobre los vínculos humanos y la distancia respecto a los seres queridos.

Entre los hitos alcanzados, Artemis II brindó imágenes de la cara oculta de la Luna, capturas de un eclipse solar visible solo desde el espacio y la transmisión de videollamadas a más de 400.000 kilómetros (248.548 millas) de la Tierra. La NASA subrayó que el valor de estas imágenes reside tanto en su capacidad inspiradora como en su utilidad científica, según destacó Kelsey Young, líder científica del programa Artemis.

La tripulación selló su experiencia con un abrazo dentro de la cápsula, conscientes de los 1.126.922.215 kilómetros recorridos en el espacio y el impacto de las nuevas perspectivas adquiridas tras el sobrevuelo lunar.

El regreso representó el tramo más delicado del viaje. Para garantizar la seguridad, la cápsula debió exponerse a condiciones extremas tras separarse del módulo de servicio, soportando el rozamiento intenso a 40.000 km/h y el plasma generado en la atmósfera que elevó la temperatura de la coraza externa a 2700 ºC.

Un corte de comunicaciones de seis minutos, previsto por la agencia, marcó el momento más tenso antes del despliegue de los paracaídas y el amerizaje frente a San Diego.

La secuencia de recuperación, coordinada por NASA y personal militar estadounidense, estableció un protocolo riguroso: extracción de la tripulación, traslado en helicóptero y las primeras evaluaciones médicas tras diez días fuera del planeta.

El éxito de esta operación validó no solo la ingeniería de la cápsula, sino también la capacidad de respuesta ante escenarios extremos.

A lo largo de la misión, Orión y su tripulación establecieron un nuevo récord de distancia para seres humanos, superando los 400.000 kilómetros respecto a la Tierra. Este logro renovó el espíritu de exploración y colaboración internacional.

La NASA, de la mano de sus socios, trazó una hoja de ruta que apunta a sostener futuras operaciones en el entorno lunar y preparar el próximo gran salto: un aterrizaje sobre la superficie selenita.

La experiencia dejó marcas tangibles e intangibles. Desde la transmisión de imágenes inéditas hasta los gestos personales y las palabras intercambiadas a millones de kilómetros de la Tierra, Artemis II consolidó un puente entre la tradición del programa Apolo y las ambiciones de la exploración contemporánea.

Las operaciones posteriores al amerizaje abrieron una nueva fase. NASA enfrenta ahora un calendario exigente para las siguientes etapas del programa Artemis, con una misión ya en preparación que buscará avanzar en la arquitectura de vuelos, maniobras y ensayos previos a un futuro aterrizaje.

Los equipos técnicos y científicos analizan los datos recolectados para ajustar procedimientos, mejorar la seguridad y fortalecer la colaboración internacional que sustenta el proyecto.

El impacto de Artemis II trasciende la tecnología y las cifras. La misión reintrodujo el desafío de la exploración lunar en la agenda pública y científica, estableció nuevos estándares de cooperación y validó la capacidad de regresar al entorno lunar y traer de vuelta a los astronautas sin contratiempos.

El verdadero legado de este vuelo se mide en la posibilidad de continuar expandiendo los horizontes de la humanidad y en las imágenes y vivencias que ya forman parte de la memoria colectiva.

El cohete SLS, la cápsula Orion y su tripulación demostraron que es posible regresar a la órbita lunar con éxito, una hazaña que no se repetía desde el cierre del programa Apolo en 1972.

A medida que las imágenes del amerizaje y la recuperación en el Pacífico van quedando atrás, el desafío se traslada al futuro inmediato: sostener el impulso, perfeccionar la tecnología y preparar el terreno para que el próximo paso sea aún más ambicioso.

El recinto que acogió los únicos conciertos de los Beatles en Japón ha publicado unas fotos olvidadas hace tiempo de la legendaria banda británica, seis décadas después de aquellos conciertos. En pleno apogeo de la Beatlemanía en 1966, cuando el cuarteto de Liverpool era el grupo pop más famoso del mundo, Los Beatles ofrecieron cinco conciertos de verano en Tokio ante una multitud de fans enloquecidos.

Según se informa, las multitudes se agolpaban en su hotel, donde se alojaban en la suite más lujosa. Luego, en 2009, más de 100 fotos tomadas durante los conciertos “fueron descubiertas en una estantería” dentro de una oficina del recinto de conciertos Nippon Budokan, según declaró el operador del recinto.

Pero, los 19 rollos de negativos —que, según se informa, estaban envueltos en papel y etiquetados de tal manera que sugerían que pertenecían al periódico japonés Yomiuri Shimbun— permanecieron “almacenados tal cual” hasta hace poco, según ha declarado el operador. Sin embargo, al acercarse el 60.º aniversario de la gira por Japón, el operador del recinto pidió a un experto en Los Beatles que examinara los negativos, y “su evaluación reveló que las fotos parecen no haber sido publicadas nunca” en periódicos u otros medios de comunicación.

Entre las fotos publicadas por la sala de conciertos hay una en la que aparece John Lennon sonriendo junto a una muñeca japonesa que se asemeja a una figurita que aparece en la portada del álbum de 1967 Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Las estrellas mundiales estuvieron bajo estrictas medidas de seguridad durante su visita, pero es posible que la muñeca podría haber sido comprada durante una salida de compras apresurada, según informó el diario Yomiuri Shimbun.

El periódico está investigando quién tomó las fotos y por qué los negativos se habían conservado en el Nippon Budokan a pesar de estar envueltos en papel con la etiqueta “Sala de archivos del Yomiuri Shimbun”, según informó.

Las fotos capturan “el ambiente de aquella única gira por Japón —que ahora se recuerda como un acontecimiento histórico— así como diversos momentos de su estancia en el país", según el comunicado del Nippon Budokan.

Fuente: AFP.

Fotos: AFP y archivo.

Un reportaje realizado por el periodista especializado en música Ed Power para The Telegraph analizó cómo esa experiencia personal de Mercury se plasmó en Seven Seas of Rhye, tema incluido en Queen II.

Aunque el cantante evitaba explicar minuciosamente el origen de su obra, Power reunió interpretaciones que vinculan los episodios de su niñez, incluida la abrupta partida de su familia de Zanzíbar, con el desarrollo de su imaginación creativa.

La canción no solo marcó un punto de consolidación para Queen en la escena musical británica. También reveló a Mercury en su faceta de narrador, capaz de transformar vivencias personales en paisajes fantásticos. Tras la salida obligada de su tierra natal, ese entorno perdido quedó inscrito como un símbolo en sus letras, según la reconstrucción realizada por Power.

La construcción del universo Rhye

El concepto de Rhye, presente en varios temas del álbum, aparece como un territorio ficticio cargado de simbolismo. Según reconstrucciones citadas por The Telegraph, existe un consenso entre seguidores que sitúa el origen de este universo en un juego imaginativo que Mercury habría compartido con su hermana Kashmira durante la infancia.

Nacido en la isla de Zanzíbar, ubicada en la costa de África Oriental, el artista vivió un golpe decisivo cuando su familia tuvo que abandonar el lugar después de una revolución. Ese episodio rompió abruptamente con su entorno original. Años más tarde, dejó de ser solo un espacio geográfico para convertirse en un símbolo de lo perdido en la obra del músico.

El locutor y aficionado musical Phil Swern describió ese vínculo emocional al afirmar: “Siempre podía recurrir a ella cuando la realidad se volvía demasiado abrumadora”. La isla funcionó como refugio mental, proyectándose en las composiciones del artista.

Temas y recursos del álbum

De acuerdo con Power, en Seven Seas of Rhye, Mercury creó una narrativa en la que un reino mágico sufre las consecuencias de la guerra. La letra presenta imágenes de confrontación y destrucción que remiten a una experiencia emocional más profunda.

El cantante no ofrecía detalles específicos sobre la inspiración tras la canción. En declaraciones citadas por The Telegraph, explicó: “Mis letras y canciones son principalmente fantasías, las invento”. Añadió: “No son realistas; son más bien etéreas, como de cuento de hadas”. Esta aclaración reforzó la ambigüedad en torno a su proceso creativo.

El paralelismo con la obra de J. R. R. Tolkien es frecuente al analizar Queen II. Al igual que el autor de El Señor de los Anillos, Mercury recurrió a la ficción como vía para procesar experiencias difíciles. En ambos casos, la construcción de universos imaginarios permitió canalizar conflictos personales a través del relato fantástico.

La segunda cara de Queen II, conocida como “Black Side”, albergó la mayor concentración de estas composiciones. Allí, una secuencia de canciones interconectadas expandió la mitología de Rhye. En Ogre Battle, The Fairy Feller’s Master-Stroke y Nevermore se suceden criaturas singulares y paisajes en decadencia.

El punto culminante llegó con The March of the Black Queen, extensa pieza anticipatoria de estructuras narrativas que el grupo perfeccionaría más adelante. En otras declaraciones citadas por el medio británico, Mercury confesó sobre su creación que “me llevó muchísimo tiempo terminar esa canción. Quería dedicarle todo mi esfuerzo, darme un regalo o algo así”.

Mientras tanto, el trabajo musical de Brian May y Roger Taylor contribuyó a afianzar una identidad sonora distinta. Taylor rememoró en una entrevista con la revista especializada Classic Rock: “Empezábamos a ampliar los límites del estudio en cuanto a la sobregrabación y a lo que podíamos hacer vocalmente, algo con lo que antes solo estábamos experimentando”.

Influencia e impacto en la música

El universo de Rhye no se limitó a Queen II. Mercury ya había aludido a esa narrativa en trabajos anteriores y la cerró en el disco Sheer Heart Attack, donde el tema Lily of the Valley marcó el cierre de ese ciclo creativo. En ese momento, la banda consolidó un lenguaje propio que incluyó recursos literarios y un abordaje musical poco convencional.

Según Power, la influencia de la fantasía no fue exclusiva de Queen en los años setenta. Grupos como Led Zeppelin, Black Sabbath y Rush también incorporaron elementos similares en sus composiciones. En el caso de Mercury, esa inclinación se vio marcada de manera personal por su historia de vida y el desarraigo.

La reedición reciente de Queen II, con nuevas mezclas supervisadas por May y Taylor, devolvió al primer plano este capítulo inicial del grupo, iluminando el trasfondo íntimo detrás de una de sus canciones más recordadas.

“Él me hizo un tema que se llama ‘Vera’, que es muy hermoso y como yo de chiquita era muy fanática de la música clásica y bailaba eso”, comenzó explicando Vera en medio del programa. “Él hizo todo un arreglo de cuerdas y todo, y me muestra el tema y yo le digo: ‘Uy me parece muy cursi’, porque además decía mi nombre, ¿entendés?“, continuó.

“Decía: ‘Vera, toda la luz que hay en tu alma...’. Y yo: uy, Dios. Este chabón está en una conmigo, mal”, contó la artista, entre risas y con total honestidad, sobre el impacto que tuvo en ella escuchar su nombre en una canción en plena infancia.

El conductor Matías Martin le preguntó qué edad tenía cuando escuchó esa balada dedicada especialmente a ella. “No sé, tenía nueve. Obvio que a los 11 años ya capté a mi viejo y fue para siempre fue un amor total. Para mí es el número uno”, admitió, reconociendo que el tiempo y la madurez le permitieron conectar de otra manera con el universo artístico y personal de Luis Alberto.

No es la primera vez que un hijo del Flaco decide compartir su mirada y desmitificar la figura de uno de los artistas más grandes del país. En febrero pasado, Dante Spinetta también se sentó frente a un micrófono, Y en esa oportunidad, en presencia de Andy Kusnetzoff en Perros de la Calle (Urbana Play), habló sin rodeos sobre la vida cotidiana junto a su padre. Lejos de los brillos y el glamour que muchos imaginan, Dante fue claro sobre aquellos días: “No, ni en pedo. Ojalá... Ojalá. Creo que era lo que se merecía (de tener más dinero), pero no, eran momentos muy difíciles”, relató al recordar su infancia y la inestabilidad económica que atravesó la familia.

La charla fue aún más cruda cuando Andy le preguntó si los cambios de colegio se debían a cuestiones de dinero. Dante respondió contundente: “Exactamente. Y nos mudamos... No había plata. Entonces, de golpe, un año había plata e iba a un privado y después no había, entonces iba a uno del estado y nos mudábamos de barrio”. Kusnetzoff, sorprendido, le señaló que desde afuera parecía que Luis Alberto Spinetta, por su éxito artístico, debía gozar de una situación económica cómoda. Dante aclaró: “Artísticamente era Spinetta, ya, pero había años que no...”. Y sumó: “Lo más loco era que nunca paraba de laburar. No era que era un colgado, ¿entendés? Que no, hago música y no. No dejaba de tocar, pero no había guita, no alcanzaba”.

La memoria de Luis Alberto Spinetta se renueva en cada anécdota y en cada confesión de sus hijos, que no dudan en mostrar lo que hay detrás del mito: la cotidianeidad, las inseguridades, las risas, los problemas y los pequeños grandes gestos familiares. A través de sus palabras, el Flaco sigue iluminando el presente de la música argentina y de quienes crecieron a su lado, humanizando —sin perder la magia— la figura de uno de los íconos más queridos de la cultura nacional.

Un borrador de los ’I’m Not There’ de Bob Dylan, escrito en 1967 y considerado una pieza extremadamente rara por coleccionistas, ha sido hallado dentro de un libro de Allen Ginsberg y saldrá a subasta en abril, con una estimación de entre 26 mil y 52 mil dólares, según informó The Guardian. La página mecanografiada, que permaneció oculta en la biblioteca privada de Sally Grossman, esposa del primer representante de Dylan y amiga cercana del músico, representa uno de los pocos testimonios directos del proceso creativo de una de las canciones más valoradas del catálogo del artista.

La importante valoración económica se calibra en un entorno donde precedentes cercanos han alcanzado cifras sensiblemente superiores: en 2025, dos borradores mecanografiados de ‘Mr Tambourine Man’ fueron adquiridos por 508.000 dólares en una subasta especializada celebrada en Nashville. Aquella venta, conformada en torno al archivo personal del periodista musical Al Aronowitz, puso en circulación 60 lotes directamente vinculados a la carrera de Dylan y su círculo inmediato.

El hallazgo del texto de Dylan

El borrador de ‘I’m Not There’ apareció dentro de una edición original de Ankor Wat firmada por Allen Ginsberg, libro que la propia Sally Grossman recibió como obsequio del poeta en 1969. Tras su fallecimiento en 2021, la biblioteca completa de Grossman fue transferida a un librero especializado, operación que desencadenó el descubrimiento fortuito del manuscrito. Fuentes de la casa de subastas Omega Auctions describieron la escena: la página cayó del libro mientras el vendedor revisaba el lote. Expertos consultados por la casa de subastas consideran que se trata de una pieza “extremadamente rara” del repertorio manuscrito de Dylan.

La circulación de estos materiales responde a factores de procedencia, autenticidad y relato biográfico. Sally Grossman registró un vínculo directo con Bob Dylan no solo por ser esposa de Albert Grossman, sino por su propia aparición en la portada del álbum Bringing It All Back Home (1965), consolidando la línea de legitimidad del manuscrito en venta.

Cuánto vale un manuscrito de Bob Dylan

La venta de los borradores de ‘Mr Tambourine Man’ en Nashville fijó el precedente monetario para futuras operaciones con materiales de Bob Dylan. En esa operación, el componente de procedencia —la colección de Al Aronowitz, figura clave al haber presentado a Dylan y Los Beatles en 1964— aportó un valor adicional a los lotes.

En el remate de abril, junto a los versos de ‘I’m Not There’, el catálogo incluirá otros activos de alto interés para el coleccionismo musical: el manuscrito original de Michael Jackson correspondiente a ‘Black or White’ y un archivo integral sobre la producción de OK Computer de Radiohead. De este modo, la subasta pone en competencia directa relicarios de distintas eras y géneros, reforzando el atractivo de las piezas manuscritas en la economía actual del memorabilia internacional.

Bruce Springsteen tiene un talento poco común para captar los puntos álgidos de la cultura y cristalizarlos en canciones. El orgulloso hijo de Nueva Jersey lo hizo en 2001 con “American Skin (41 Shots)”, sobre el asesinato de Amadou Diallo, un hombre negro desarmado, a manos de la policía. Lo hizo en 2002 con The Rising, un álbum sobre la recuperación y la resiliencia tras el ataque al World Trade Center, y de nuevo en 2006, cuando su interpretación de canciones como “We Shall Overcome” y “My City of Ruins” en Nueva Orleans tras el huracán Katrina hizo llorar al público del Jazz & Heritage Festival.

Y en 2026, ha captado el espíritu de la época con “Streets of Minneapolis”, una oda al estilo Dylan escrita y publicada tan solo unos días después de que agentes del ICE dispararan mortalmente a Renee Nicole Good y Alex Pretti en las Ciudades Gemelas. Springsteen y la E Street Band tocaron el nuevo tema el martes, en la primera noche de su gira Land of Hope and Dreams en Minneapolis, como parte de una contundente apertura de seis canciones que incluyó Darkness on the Edge of Town, tema principal de su álbum de 1978 sobre la opresión y la depresión.

“Este pasado invierno, las tropas federales trajeron muerte y terror a las calles de Minneapolis”, dijo Springsteen, de 76 años, al abarrotado Target Center. “Bueno, eligieron la ciudad equivocada. El poder, la solidaridad del pueblo de Minneapolis, de Minnesota, fue una inspiración para todo el país. Su fortaleza y su compromiso nos dijeron que esto sigue siendo América. Y esto no puede permitirse.” La multitud de casi 18.000 personas levantó sus teléfonos encendidos, creando un mar de estrellas mientras gritaban la letra “¡ICE fuera ya!” una, dos, tres y luego cuatro veces, cada vez con más fuerza. Abuchearon los nombres de Noem y Miller y vitorearon a Good y Pretti. Cerca, un hombre sollozaba.

Springsteen salió con fuerza, diciendo al público: “Esta noche les pedimos a todos que se unan a nosotros para elegir la esperanza sobre el miedo, la democracia sobre el autoritarismo, el estado de derecho sobre la ilegalidad, la ética sobre la corrupción desenfrenada, la resistencia sobre la complacencia, la unidad sobre la división y la paz sobre la guerra.” La última palabra, gritó, fue la primera canción de la noche, el himno de protesta de 1970 “War” de Edwin Starr. La versión fue seguida de inmediato por otra canción antibélica, “Born in the USA”. El éxito de 1984 ofreció un mensaje doblemente oportuno: actualmente está siendo utilizado por la Unión Estadounidense de Libertades Civiles (ACLU) en su campaña de apoyo al caso de ciudadanía por nacimiento, que comienza a ser tratado en la Corte Suprema.

Desde que Springsteen abrió su gira europea el pasado mayo invocando “el poder justo del arte, de la música, del rock ‘n’ roll en tiempos peligrosos”, el ganador de 20 premios Grammy ha vivido un año trascendental. Un set de discos inéditos, una biografía cinematográfica, un himno de protesta, un congreso académico dedicado a su obra, y ahora esta gira. Dijo en el Target Center que los conciertos no estaban planeados, sino que fueron inspirados por la resistencia en Minnesota. La última fecha es el 27 de mayo en Washington.

El grupo de 17 miembros contó con la participación, en varias canciones, del guitarrista de Rage Against the Machine, Tom Morello, quien ha girado antes con Springsteen. (Patti Scialfa no se presentó; la música, esposa de Springsteen, anunció que tiene cáncer en 2024.) Morello, un representante de la Generación X, es el contrapunto más dinámico al heroísmo clásico de Springsteen desde que los E Streeters perdieron al saxofonista Clarence Clemons por complicaciones de un derrame cerebral en 2011. En The Ghost of Tom Joad, una balada de protesta de 1995 basada en la novela sobre los migrantes del Dust Bowl de John Steinbeck, Las uvas de la ira, Morello tocó un solo punk-metal-hip-hop en una guitarra pintada con el mensaje “Arma a los sin techo”. Mientras giraba por el escenario, arrancando nota tras nota incendiaria, el público se puso de pie.

A continuación, los E Streeters atacaron el riff inicial de “Badlands”, otra canción de Darkness..., pero esta sobre la evasión y la redención. Como tantas de las canciones interpretadas por Springsteen, la letra cobró nuevo sentido en 2026: “El pobre quiere ser rico, el rico quiere ser rey / Y un rey no queda satisfecho, hasta que lo gobierna todo”, cantó Springsteen apenas tres días después de haber actuado en el mitin No Kings en el Capitolio Estatal de Minnesota.

Durante casi tres horas, The Boss no abandonó el escenario. Tras apagar las luces brevemente, regresó al frente al son de unas notas que probablemente todos reconocieron. “Para el maestro”, dijo, y la banda interpretó “Purple Rain”. No hay reyes, pero sí, Prince.

Pronunció un discurso final, hablando sobre la libertad para discrepar. “Ahora regreso a pensar en las últimas palabras de Renee Good antes de morir”, dijo. “Al hombre contra el que protestaba, al hombre que acabaría con su vida, le dijo: ‘Está bien, amigo, no estoy enojada contigo.’ No estoy enojado. Dios la bendiga.” Springsteen cerró con una canción de otra leyenda de Minnesota: “Chimes of Freedom” de Bob Dylan.

Fuente: The New York Times

[Fotos: Galen Fletcher/The New York Times; REUTERS/Tim Evans]

La ruptura con el productor y el giro inesperado

El disco surgió de una combinación de cambios imprevistos, libertad creativa y una dinámica interna radicalmente distinta. La banda enfrentaba una crisis creativa y tensiones legales derivadas del comportamiento de Morrison, mientras la crítica cuestionaba sus trabajos previos.

En ese contexto de incertidumbre, la continuidad del grupo y la viabilidad del proyecto se percibían amenazadas en Los Ángeles, ciudad que funcionaba como epicentro tanto de sus conflictos como de su reinvención.

El proceso de grabación se complicó con la intervención del productor musical Paul A. Rothchild. Disconforme con las primeras composiciones, Rothchild calificó el material como “cocktail music”, marcando así su desaprobación. Su salida abrupta reflejó un desgaste que venía gestándose y abrió la puerta a una transformación profunda en la manera de trabajar de la banda.

Un nuevo liderazgo en el estudio

Tras la partida de Rothchild, el ingeniero de sonido Bruce Botnick asumió un rol central en la coproducción.

Según ultimate-guitar, esta nueva configuración eliminó la rigidez de métodos previos y permitió a The Doors explorar un enfoque más abierto, donde la improvisación y la creatividad adquirieron un protagonismo inédito en su discografía.

En ese momento, el grupo decidió grabar el álbum en su propio estudio en Los Ángeles, alejándose del ambiente formal y la presión de los grandes estudios.

Este entorno más íntimo les otorgó control absoluto sobre el proceso creativo, conscientes de que podría ser la última vez que trabajarían junto a Morrison.

Libertad creativa y colaboración inusual

La libertad ganada tras la salida de Rothchild posibilitó la incorporación de músicos de sesión que aportaron matices de blues y ampliaron el espectro sonoro del grupo. El clima en el estudio era intenso: la banda trabajaba con urgencia, sabiendo que el tiempo juntos podía ser limitado, pero aprovechando al máximo la apertura creativa.

Según ultimate-guitar, la combinación de espontaneidad y presión dio lugar a canciones emblemáticas como “Riders on the Storm” y “Love Her Madly”.

La inclusión de músicos externos, entre ellos el bajista Jerry Scheff y el guitarrista Marc Benno, fue clave para enriquecer el sonido del álbum y explorar nuevas rutas estilísticas que antes estaban restringidas por la estructura tradicional del grupo.

Impacto, legado y proyección cultural

El proceso de grabación fue sorprendentemente eficiente: en solo unas semanas, The Doors lograron completar el álbum. Este sería el último trabajo de estudio con Jim Morrison, quien falleció poco después del lanzamiento, lo que le dio un carácter definitivo a la producción y la consolidó como parte esencial del legado de la banda.

El álbum L.A. Woman vendió 2 millones de copias y se consolidó como un referente en la historia del rock.

La autenticidad surgida del conflicto inicial, sumada al esfuerzo de la banda por reinventar su método creativo, impulsó la valoración crítica del disco. A más de cinco décadas de su publicación, críticos y admiradores lo consideran uno de los logros más influyentes del rock estadounidense.

El disco que redefinió a The Doors

La prensa especializada, como la revista Rolling Stone, ha destacado que el álbum representa el punto de madurez musical de The Doors. Este consenso se apoya en la capacidad del grupo para transformar la adversidad en innovación, superando el caos interno y las limitaciones impuestas por la industria musical.

El nacimiento de L.A. Woman bajo circunstancias adversas, demostró la resiliencia y la creatividad de The Doors.

El grupo logró convertir la incertidumbre y el conflicto en un proceso de reinvención sonora, dejando una huella que trasciende generaciones y consolidando el álbum como un hito en la música contemporánea.

Patricia Ripoll, tía materna de Shakira, usó sus redes sociales para aplaudir a un grupo de fans que están realizando actividades en la Ciudad de México para recolectar votos para que la cantante colombiana ingrese al Salón de la Fama del Rock and Roll.

En post de Instagram, Patricia Ripoll compartió videos e imágenes de los fans de Shakira disfrazados de lobos y rescribió: “Son increíbles. Hoy es un día decisivo para aumentar las votaciones y hacer subir a Shakira. ¡No bajemos el ritmo, cada voto cuenta!“.

La nominación de Shakira al Salón de la Fama del Rock & Roll 2026 no solo es un reconocimiento internacional, sino también un hito para la música de Colombia por la trascendencia de sus aportes al panorama global, en un listado que incluye a Phil Collins, Iron Maiden, Billy Idol, Mariah Carey y Oasis, entre otros artistas de proyección mundial.

La edición de 2026 del Salón de la Fama presenta una lista notoria por la diversidad de estilos y nacionalidades. Nombres como Lauryn Hill, Mariah Carey y Oasis complementan una selección que, en palabras del presidente de la fundación, John Sykes, constituye un reflejo de los “rostros cambiantes y los sonidos en constante evolución del Rock & Roll y su impacto continuo en la cultura juvenil”. Este enfoque amplía la definición del género, integrando expresiones musicales que han influido en generaciones enteras más allá de las fronteras anglosajonas.

En abril de 2026 se darán a conocer los resultados. La institución comunicó que el anuncio coincidirá con la entrega de los premios especiales a la Influencia Musical, la Excelencia Musical y el Ahmet Ertegun Non-Performer Award. La ceremonia oficial de ingreso al Salón de la Fama está programada para el segundo semestre del año, momento en que los elegidos recibirán el máximo reconocimiento por su trayectoria.

El criterio para optar a la nominación exige que los artistas hayan lanzado su primer sencillo o álbum al menos 25 años antes de la nominación, lo que en esta edición implica haber publicado obras en 2001 o antes. En el caso de Shakira, la fundación toma como referencia Pies descalzos (1995) y ¿Dónde están los ladrones? (1998), considerados por la entidad como exponentes destacados del rock en español y ejemplo de la proyección latinoamericana dentro de un género históricamente dominado por el inglés.

El Salón de la Fama, creado en 1983 y abierto al público desde 1995 en un edificio diseñado por el arquitecto I. M. Pei, alberga la colección central dedicada a la conservación de instrumentos musicales, manuscritos, vestuario y material audiovisual de personalidades influyentes del género. Desde su fundación, la institución ha sido referente internacional en la preservación y difusión del legado cultural del rock.

Veinteañeros o treinteañeros que van con sus padres a un recital de rock, y viceversa. El fenómeno musical que atraviesa y une varias generaciones lo provoca Genetics, que amplía y perfecciona el concepto de las bandas tributo: recrea milimétrica y virtuosamente el repertorio de Genesis, el grupo británico que se convirtió en un emblema del rock progresivo de todos los tiempos.

Ahora, en su concierto de este domingo, a las 21, en el Movistar Arena, Genetics se presentará nuevamente junto con Steve Hackett, el guitarrista que moldeó el sonido de Genesis entre 1971 y 1977, como cierre de una gira latinoamericana en la que le dan nueva vida a clásicos como Supper’s Ready, Firth of Fifth, Carpet Crawlers, Blood on the Rooftops y The Cinema Show, entre otros.

En diálogo con Infobae Cultura, el baterista de Genetics, Daniel Rawsi, contó cómo conocieron a Hackett y cómo él llegó a considerarlos como “su banda para Sudamérica”.

“De chicos, con Ignacio (Rodríguez Genta) fantaseábamos con tocar esta música, apagábamos la luz y hacíamos que tocábamos en mi cuarto. Después, hace unos 35 años, nació Rael, que fue el primer grupo tributo a Génesis en aquella época. No había nada, no había información, no había video, no había nada de Génesis, todo era de oreja” contó Rawsi, de 65 años, que es médico oftalmólogo, al recordar a su amigo y primer cantante de Genetics, cuya muerte en un accidente, en 2015, abrió el contacto con Hackett.

“Steve se entera de la muerte de Nacho a través de Armando Gallo, un periodista italiano que hizo un libro sobre Genesis, y justo coincidió con que él venía con su banda a la Argentina -relató Dawsi-. Me mandó un mail con las condolencias del caso y, de cara dura, le propuse: Mirá, Steve, yo sé que venís a Buenos Aires, ¿no querés venir a comer un asadito a casa? Y me dijo que sí“.

— ¿Qué pasó ese día?

— Vino con su esposa, comimos algo con todos los Genetics y después cuando tocó con su banda le dedicó el show a Ignacio. Por eso cuando se fue a Inglaterra le comenté que íbamos a hacerle un concierto homenaje a Nacho en el Teatro Coliseo y que queríamos invitarlo para que tocara un tema. “Voy y toco lo que quieran. ¿Qué querés que toque?”, respondió enseguida.

— Así se consolidó la relación entre ustedes.

—Hicimos dos shows en el Coliseo y así empezó la relación hasta que nos hicimos muy amigos. Ya compartimos tres giras juntos y ahora esta gira por México, Perú, Brasil, Chile y la Argentina. Steve nos considera su banda para Sudamérica.

Pasó mucho tiempo desde que Rawsi conoció la música de Genesis. Tenía 16 años, estaba en el colegio secundario y cuando fue a la casa de un amigo escuchó Watcher Of The Skies, del disco Genesis Live. “Cuando puso la introducción del tema dije: ¿Y esto qué es? Qué cosa más rara. A partir de ahí empecé a escuchar a Genesis y no paré hasta hoy. Me encanta toda la música, pero Genesis en especial es muy fuerte, nos llega al cuore".

— ¿Qué siente un viejo admirador de Genesis cuando comparte el escenario con su guitarrista más célebre?

— Es muy raro. La primera vez que tocamos con él hicimos dos ensayos y no entendíamos nada. Era Hackett y estaba tocando el solo de Firth of Fifth, por ejemplo, pero siempre muy serio, muy educado. Fueron pasando los años y, aunque para mí es un ídolo absoluto, es una relación de igual a igual. En un ensayo se da vuelta y le dice a Claudio (Lafalce): “Che, ¿qué acorde es este? Me olvidé”. O pregunta: ¿Están conformes con esto? Lo repetimos”.

— ¿Qué van a escuchar los que vayan al concierto del Movistar Arena?

— Primero, tres temas de los discos de Steve y después una lista de clásicos de Genesis, Supper’s Ready, Watcher Of The Skies, Firth of Fifth, Blood on the Rooftops, Dance on a Volcano... Es un show de casi dos horas y media.

— ¿Qué representa para vos tocar en el lugar de un baterista como Phil Collins?

— Es una responsabilidad enorme. Phil Collins es un músico superdotado. Es tremendamente difícil lo que él hace. Todos días le descubro algo nuevo. Así que es un desafío muy grande. Llegar a tocar como él es como tocar el cielo con las manos. Se hace lo que se puede (se ríe).

— ¿En todos estos años tuvieron contacto con otros de los músicos de Genesis, además de Hackett?

— Sí, estuvimos en contacto con Peter Gabriel desde la época de Amnesty, sabe de nosotros. En algún momentop también lo invitamos a tocar a Mike Rutherford, pero estaba con una agenda cargada con su grupo Mike and the Mechanics. Así que no pudo ser. Tony Banks prefirió no hacer nada de Génesis. Está haciendo sus propias obras. Y por supuesto que a Phil Collins no se lo puede llamar porque su estado de salud es terrible, pobrecito.

— ¿Por qué en este momento de la música todavía tiene vigencia un grupo como Genesis?

— No sé, el promedio de edad de nuestro público es de 50 años para arriba, pero hay mucha gente joven que está escuchando esto. Lo vemos en los shows. Siempre digo que si venís a ver a Genetics no venís a ver a una banda tributo sino que venís a escuchar música clásica. Es una interpretación de la música que tanto amamos y que ama tanta gente. Lo lindo es que mucha gente viene con sus hijos, aunque hoy existen músicos impresionantes. Y pese a que existe algo terrorífico como la Inteligencia Artificial, que suple la creatividad y reemplaza a gente virtuosa que estudió miles de horas para tocar como tocan y ahora hay una aplicación que hace lo mismo apretando un botón.

— Conociste y tocaste con otro ídolo como Luis Alberto Spinetta. Contame cómo fue esa relación.

— Luis era como un hermano para mí. Habíamos forjado una linda amistad. Tuve la oportunidad de acompañarlo en las Bandas Eternas y en algunos otros lugares. Al margen de la música, lo veo a Luis como un ídolo, un poeta, algo extraterrestre. Aparte, yo era un poco el médico de él. Cuando viajaba se sentía apoyado por mí: en algunos momentos que estaba afónico, se quedaba sin voz, y hacíamos el tratamiento correspondiente. Compartimos una época muy hermosa y fue muy triste cuando nos dejó.

— ¿Seguís ejerciendo como oftalmólogo?

— Sí, claro. Es difícil, pero bueno... Durante el día es el consultorio y después de las 7 de la tarde son los ensayos. Soy como el Doctor Jekyll y Mister Hyde.

Tres décadas después, la huella de Kim Gordon se percibe hoy en figuras como Courtney Barnett, Jenny Lewis y St. Vincent, quienes reconocen su influencia en la escena indie actual. En este punto, también, es bueno recordar que su presencia pionera en el rock alternativo de los 90 no solo desafió la hegemonía masculina, también impulsó el surgimiento del movimiento Riot Grrrl, que abrió camino a mujeres dispuestas a explorar los límites más radicales de la música sin someterse a la mirada masculina. A lo largo de casi cuarenta años, Kim Gordon ha sido una referencia ineludible.

Volviendo a Play Me, la novedad de Kim Gordon. Su alianza con el productor Justin Raisen ha transformado el enfoque sonoro y obrado un pequeño milagro: de la distorsión nihilista de los años de la Nación Alternativa a las bases de rap y elementos electrónicos que potencian la cadencia y el espacio en cada canciones. Ella misma ha reconocido que su voluntad de colaborar con Raisen surgió “por accidente”, pero terminó traduciéndose en mayor libertad creativa. El énfasis en los beats industriales y una disposición a dejar en segundo plano la guitarra han delineado un territorio sonoro donde el spoken word vulnerable y crítico cobra centralidad.

En Play Me, incorpora nociones propias del universo rap, donde el remix y la reconceptualización de materiales preexistentes son parte de la dinámica habitual. La lírica del último track retoma palabras como “Injusticia”, “Oportunidad” y “Vivienda para el futuro”; términos que ella seleccionó en referencia a la política del presidente Donald Trump, quien asoció estos conceptos con las iniciativas de diversidad, equidad e inclusión que su administración denunció. La reescritura convierte al ejercicio en un tipo de contundente declaración conceptual.

También, a diferencia de discos previos, Play Me es más breve y enfocado, tal vez en diálogo directo con la atención reducida que predomina el consumo cultural actual. Según ella, la evolución desde The Collective se concreta en “un disco más enfocado e inmediato”, con canciones diseñadas para impacto rápido y lírica confrontativa, sin concesiones a una narrativa lineal.

Kim Gordon contra las playlist

Play Me responde a la pregunta del momento: cómo una figura consagrada de la música alternativa puede intervenir activamente en la discusión sobre el valor del arte en la economía digital. Con sus actuales herramientas, Kim Gordon ha construído una crítica explícita al consumo pasivo que fomenta el actual ecosistema de streaming, utilizando títulos ficticios de playlists de Spotify y géneros por estado de ánimo como parte de la letra central: “Chica popular rica / Modo villana / Jazz y de fondo / Relajándome tras el trabajo”. Para ella, la música “siempre representó una cuota de libertad” y que esa libertad parece “cubierta por una manta” en el presente.

El título del disco y de la canción principal juega con esa doble tensión: es tanto una constatación de la pasividad del oyente en la era de los algoritmos como un desafío contra el estado de cosas. “También podría leerse como desafiante. Como si dijera: te reto a que me escuches”, puntualizó. El registro refuerza esos planteamientos con piezas como “Subcon”, donde la letra apunta al ascenso de la clase multimillonaria tecnológica y su obsesión reciente por la colonización espacial. Gordon ha convertido su preocupación por la realidad sociopolítica en motor central de sus canciones, asumiendo “más el rol de socióloga que de artista”, una vocación que atribuye a la influencia de su padre, académico de la Universidad de California.

De Sonic Youth al presente

Durante las más de dos décadas que pasó junto a su entonces marido Thurston Moore y el guitarrista Lee Ranaldo en Sonic Youth, el bajo de Kim Gordon funcionó como marca registrada del grupo. En su etapa solista, esa identidad se mantuvo, aunque mutó en dirección a bases electrónicas y estética industrial que, según la artista, le permiten “trabajar con el foco puesto en los ritmos”, clave de su asociación exitosa con el productor Raisen.

La decisión de ceder espacio a experimentaciones electrónicas y adoptar frontales referencias al mundo hip-hop, el uso de recursos propios del IDM y el punk, así como el ajuste de la duración de las canciones, revelan una estrategia deliberada de adaptación a la fragmentación de la escucha contemporánea. “Me inspiran más los beats que las melodías”, resumió, ratificando el cambio.

En 29 minutos, el disco intercala crítica directa, abstracción lírica y un retrato de la cultura digital, subrayando la condición de esta mujer de 72 años (forever young a juzgar por su imagen) no solo como cronista de su tiempo, sino también como una voz radical en la discusión sobre el valor del arte frente al avance del capitalismo tecnológico y los paradigmas de la música contemporánea. Amén.

La banda mexicana de rock La Castañeda comunicó la cancelación de su concierto gratuito en el Zócalo de la Ciudad de México, programado para el 2 de mayo. La suspensión fue anunciada en las redes sociales de la agrupación, donde también se difundió el mensaje oficial dirigido a sus seguidores.

En su comunicado, La Castañeda señaló: “Lamentamos informar que, debido a circunstancias imprevistas, ajenas a La Castañeda, nos vemos obligados a cancelar el concierto programado para el Sábado 2 de Mayo en la Plaza del Zócalo capitalino”. La presentación formaba parte de las actividades por el 26 aniversario del Instituto de Educación Media Superior de la Ciudad de México (IEMS).

La noticia sorprendió a quienes esperaban el evento en el centro de la capital. El grupo explicó que, pese a los intentos por mantener el espectáculo, no se logró garantizar las condiciones necesarias para su realización. “A pesar de nuestros esfuerzos por asegurar un evento de alta calidad con las condiciones que merecen, no nos fue garantizado lo necesario para su realización”, expresó la banda en su mensaje.

El concierto en el Zócalo era uno de los puntos destacados dentro de la agenda musical y cultural de mayo en la Ciudad de México. La expectativa creció entre los seguidores del grupo, muchos de los cuales habían planeado asistir desde diferentes partes del país. En las propias redes sociales de La Castañeda, los comentarios reflejaron el desánimo de los fans: “Pensaba lanzarme para CDMX, gracias por avisar, saludos desde Quintana Roo”, escribió uno de ellos. Otro seguidor comentó: “Nada como priorizar la seguridad de ustedes y de los asistentes”.

La agrupación agradeció la comprensión y el respaldo de su público, al tiempo que dejó abierta la posibilidad de organizar una nueva presentación. “Nos comprometemos a trabajar para ofrecerles una experiencia musical y artística excepcional en el futuro próximo. Agradecemos su lealtad y esperamos poder ofrecerles una nueva experiencia inolvidable muy pronto”, concluyó La Castañeda en su comunicado.

La cancelación del concierto en el Zócalo capitalino se suma a una serie de ajustes en la agenda de espectáculos masivos de la ciudad. Hasta el momento, no se ha anunciado a alguna banda que podría tocar en el espacio mencionado.

La Castañeda es una banda mexicana de rock formada en 1989. Su propuesta artística combina música, teatro y performance, lo que la distingue dentro de la escena nacional. Integrada por Salvador Moreno, Edmundo Ortega y Omar de León, la agrupación se ha caracterizado por letras introspectivas y una estética oscura. Temas como “Cautivo de la calle” y “La fiebre de Norma” han consolidado su lugar entre los grupos más influyentes del rock mexicano alternativo.

El álbum debut de los Rolling Stones como hoja de ruta

El lanzamiento en 1964 del primer disco de The Rolling Stones marcó el rumbo de AC/DC durante su formación inicial.

Angus Young y Malcolm Young, fundadores de la banda, recurrieron al repertorio y la dinámica escénica de los Stones para definir sus primeros ensayos, empleando esas canciones como base para aprender a tocar juntos y construir el carácter grupal que luego los distinguiría en el hard rock internacional.

En esos inicios, AC/DC adoptó la tradición del rock de versionar y emular a sus referentes, un proceso habitual en la gestación de bandas del género.

Los miembros compartían influencias y ensayaban la coordinación musical, interpretando canciones de otros artistas en línea con ejemplos notables como The Beatles, quienes también comenzaron su carrera versionando a músicos que admiraban.

Esta práctica cimentó la base técnica y artística de AC/DC, permitiendo que cada integrante aportara su impronta personal al repertorio clásico.

De la imitación al desarrollo de una identidad propia

Brian Johnson, quien se sumaría más tarde como vocalista del grupo, reconoció que el primer álbum de los Rolling Stones fue mucho más que un disco británico de rock: se convirtió, según sus palabras, en “la biblia” de AC/DC.

El vocalista detalló que ese LP funcionó como guía esencial para aprender, ensayar y lanzarse al escenario, destacando: “Aprendimos todo”. La declaración subraya la magnitud de la influencia que tuvo esa obra en el recorrido inicial del grupo.

La admiración profunda se tradujo en un ejercicio de réplica minuciosa. Johnson relató que intentaron copiar cada aspecto del disco, desde los arreglos musicales hasta la actitud sobre el escenario, originando una conexión intensa con la banda británica que resultó vital para el desarrollo artístico de los músicos australianos. El vocalista compartió una anécdota sobre cómo ahorró dinero para comprarse unas maracas, intentando reflejar en escena la postura y la energía de Mick Jagger.

La evolución del sonido de AC/DC bajo la influencia de los Stones

Este nivel de imitación evidenciaba el impacto de los Stones en sus seguidores australianos, pero también puso de manifiesto el proceso formativo que implica adoptar influencias y transformarlas en una voz propia.

Angus Young y Malcolm Young hallaron en los Stones una fuente de inspiración fundamental, incorporando riffs con el ADN blusero revitalizado por los británicos en los años sesenta. Ese enfoque terminó definiendo el carácter de las primeras composiciones de AC/DC.

A lo largo de los años 70, la huella de los Rolling Stones fue perceptible en el desarrollo artístico de AC/DC: la composición de sus temas y la energía de sus conciertos conservaron elementos del esquema tomado de aquel álbum debut.

La revista británica NME documentó que la fidelidad a ese modelo permitió a AC/DC evolucionar sin perder su esencia, destacándose como una de las bandas más reconocidas en la historia del hard rock.

El legado de la influencia y el reconocimiento internacional

El proceso de aprendizaje y experimentación llevó al grupo a consolidar una identidad propia, aunque sin romper el vínculo con sus ídolos originales. La pasión por sus modelos musicales se tradujo en una búsqueda constante de perfeccionamiento y autenticidad, posicionando a AC/DC como referente del género.

Según Indie Hoy, la banda australiana supo transformar la admiración en una propuesta única, logrando que su herencia musical conviviera con la innovación y la creatividad en cada etapa de su carrera.

El impacto del álbum debut de The Rolling Stones en el desarrollo de AC/DC es un ejemplo de cómo las grandes influencias pueden modelar el destino de una banda. La práctica de versionar, emular y reinventar gestos definió la trayectoria inicial del grupo australiano, que luego conquistaría escenarios de todo el mundo.

Con el paso de las décadas, AC/DC se consolidó como una de las agrupaciones esenciales del hard rock internacional, manteniendo vivo el legado de sus referentes y proyectando su música hacia nuevas generaciones. La conexión forjada con los Stones en sus primeros años sigue siendo reconocida por músicos y críticos, reforzando el papel central de la tradición en la historia del rock.

La banda estadounidense ZZ Top anunció su regreso a México en noviembre de 2026 con tres conciertos confirmados como parte de su The Elevation Tour. El grupo, considerado uno de los exponentes históricos del rock, visitará Guadalajara, Ciudad de México y Monterrey casi un cuarto de siglo después de su última visita a los escenarios mexicanos.

La información se dio a conocer el martes 24 de marzo, sorprendiendo a los seguidores de la agrupación. Las fechas programadas incluyen:

• 9 de noviembre en el Auditorio Telmex de Guadalajara
• 11 de noviembre en el Auditorio Nacional de Ciudad de México
• 13 de noviembre en el Auditorio Banamex de Monterrey.

El regreso de ZZ Top responde a una demanda constante del público nacional, que aguardaba una nueva oportunidad de verlos en vivo tras el espectáculo ofrecido en 2003.

El trío que fusionó el blues y el rock

Fundada en 1969, ZZ Top integró desde sus orígenes a Joseph Michael “Dusty” Hill, bajista y vocalista secundario, junto a Billy Gibbons y Frank Beard. El trío se distinguió por su sonido característico, que partió del blues y el rock sureño, para luego evolucionar hacia un estilo de rock que les permitió ganar notoriedad internacional en los años setenta y ochenta.

La noticia del regreso de ZZ Top adquiere un matiz especial para los admiradores mexicanos debido a los acontecimientos recientes en la historia de la banda. En 2021, Dusty Hill, integrante fundador, falleció a los 72 años en su residencia de Houston, Texas. Su deceso generó dudas sobre la continuidad del grupo, aunque la formación decidió mantener su legado musical y continuar con nuevas giras.

El anuncio de The Elevation Tour representa la primera visita oficial de ZZ Top a México tras la muerte de Hill, lo que agrega un valor simbólico a la serie de conciertos. Los organizadores han destacado que la gira incluirá los temas más emblemáticos del repertorio del grupo, con arreglos que rinden homenaje tanto a la trayectoria de la banda como a la memoria de su bajista original.

Los conciertos programados en Guadalajara, Ciudad de México y Monterrey se perfilan como uno de los eventos más anticipados para el público aficionado al rock clásico.

Boletos y precios para ver a ZZ Top en CDMX

La preventa de boletos iniciará el 26 de marzo a las 10:00 horas, dirigida inicialmente a tarjetahabientes de la institución bancaria participante. Un día después, el 27 de marzo, comenzará la venta general en el mismo horario.

Dieciséis años después de aquellas noches imborrables de 2009, la banda australiana reanudó un vínculo que nunca se rompió del todo: el de una comunión visceral con un público que la adoptó como propia.

Desde mucho antes de que se apagaran las luces, la expectativa ya se sentía en el aire. Las inmediaciones del estadio eran una peregrinación de remeras negras, banderas y cruces generacionales unidos por un mismo ritual. Adentro, cada rincón latía al ritmo de la ansiedad. En la previa, los acordes de Black Sabbath resonaron como una invocación, un guiño reverente a Ozzy Osbourne, mientras miles de “cuernitos” rojos se encendían en las tribunas, recreando esa postal indeleble que el tiempo no logró borrar.

Y entonces, pasados un par de minutos de las 21, ocurrió lo inevitable. Sin anuncios grandilocuentes ni artificios, el escenario cobró vida y la descarga fue inmediata. Angus Young, inmutable en su uniforme escolar, irrumpió al frente con “If you want blood” (You’ve got it) y desató la primera explosión de una noche que no daría respiro. A su lado, la voz áspera e inconfundible de Brian Johnson volvió a encender una llama que jamás se apagó del todo. Cuando sonaron los primeros acordes de “Back in black”, el estadio se convirtió en un solo grito, en una masa vibrante que cantó como si el tiempo no hubiera pasado.

La formación actual sostiene con firmeza el legado: junto a Angus y Johnson, Stevie Young —heredero directo del espíritu del inolvidable Malcolm Young—, Matt Laug y Chris Chaney construyen un andamiaje sólido que mantiene intacta la potencia del grupo. No hubo fisuras: cada riff, cada golpe de batería, cada alarido reafirmó que la banda sigue siendo una fuerza indomable sobre el escenario.

El show avanzó como una ceremonia de clásicos. “Thunderstruck” convirtió al estadio en una tormenta eléctrica, con relámpagos que parecían caer sobre la multitud mientras miles de gargantas acompañaban cada nota. Más tarde, la imponente campana de “Hells bells” descendió lentamente, arrancando una ovación que erizó la piel. No hubo sorpresas en la lista, pero tampoco hicieron falta: la banda eligió el camino de la memoria compartida, ese territorio donde cada canción es un himno.

Promediando la noche, “Highway to hell” selló el pacto definitivo. No fue solo una canción, fue un ritual colectivo. Cada estrofa fue coreada con una intensidad que transformó el Monumental en una sola voz. En ese instante, quedó claro que la relación entre AC/DC y el público argentino trasciende el tiempo, las modas y las ausencias.

Desde el campo hasta las últimas plateas, la entrega fue total. Familias, grupos de amigos, fanáticos históricos y nuevos adeptos convivieron en una misma celebración, unidos por una pasión que se transmite de generación en generación. Brian, con su carisma intacto, sostuvo un diálogo constante con la multitud, alimentando una conexión que se reflejó tanto en el estadio como en las redes, donde la noche se multiplicó en imágenes y recuerdos.

En lo visual, el “Power Up Tour” apostó por la esencia: una puesta clásica, sin excesos, donde cada recurso estuvo al servicio de la música. La electricidad de Thunderstruck, la mística de Hells bells, la sobriedad de un escenario que no necesitó artificios para impactar. Porque el verdadero espectáculo estuvo donde siempre: en el sonido crudo, en la energía irreductible, en la verdad de una banda que hizo del rock una identidad.

Así, el regreso de AC/DC al Monumental no fue solo un concierto. Fue un reencuentro esperado, una celebración cargada de memoria y presente, un capítulo más en una historia de amor que parece no tener final. Y mientras las luces se apagaban y el eco de los últimos acordes se desvanecía en la noche porteña, una certeza flotaba en el aire: el rugido sigue vivo, y el público argentino ya cuenta los días para volver a escucharlo, con funciones previstas para los días 27 y 31 de marzo.

Para cuando ese grupo, Gorillaz, apareció unos años después, muchas de las ideas de sus creadores ya se habían hecho realidad. Jamie Hewlett creó un cuarteto de avatares animados —el vocalista 2-D, la guitarrista Noodle, el bajista Murdoc Niccals y el baterista Russel Hobbs— con actitudes punzantes y un sentido de la moda que mezclaba la ciencia ficción y el estilo skater. Damon Albarn ideó un sonido que atravesaba el siglo, fusionando trip-hop, hip-hop y rock indie lo-fi.

Pero en el camino, el concepto de que Gorillaz interactuara con “el más allá” fue abandonado. “En ese momento no conocíamos a ningún músico muerto”, dijo Hewlett una reciente tarde en Los Ángeles, tumbado al lado de Albarn en un sofá de un hotel en West Hollywood. “Ahora llevamos 25 años trabajando con —y perdiendo— a tanta gente.”

Algunos de esos artistas que ya no están aparecen en The Mountain, el noveno álbum de estudio de Gorillaz, para el que Albarn escarbó en años de grabaciones, buscando material inédito de antiguos colaboradores. El repertorio póstumo incluye al rapero Proof, que fue asesinado en un tiroteo en 2006, y que regresa aquí con una inquietante historia sobre la violencia armada (N. de la R: comparte crédito con Trueno en la canción “The Manifesto”)). También hay cameos de Mark E. Smith, de The Fall; David Jolicoeur, de De La Soul; y el actor Dennis Hopper, que aparece en la pista de apertura, recitando el título de The Mountain como un mantra.

Albarn logró obtener la aprobación de todos los artistas —“Nuestras intenciones eran honorables”, dijo— con la excepción de Lou Reed. Sin embargo, el líder de Velvet Underground aparece en espíritu: en una de las canciones, una voz tratada electrónicamente recita frases de una conversación que Reed tuvo una vez con él.

En total, más de dos docenas de intérpretes, vivos y muertos, aparecen en The Mountain, que se inspiró en los viajes de Albarn y Hewlett a la India y estuvo marcado por las muertes de sus padres. Es un álbum impregnado de la conciencia y la aceptación de la pérdida, como se evidencia en canciones como “The Hardest Thing”: “Y cuando sube el telón y empieza la fiesta”, canta Albarn, “¿Te ríes / te derrumbas por dentro / preguntándote cómo llegaste al más allá?”.

“La muerte no era un tema al que eligiésemos ir —simplemente estaba ahí”, dijo Albarn. “Es inevitable una vez que llegas a los 50 años. Cuanto más vives, más crece ese temor.”

Los dos amigos se conocieron a principios de los años noventa, cuando Albarn era más conocido como el cantante principal de la descarada banda británica Blur, y Hewlett ilustraba el cómic de culto Tank Girl. Gorillaz surgió de su frustración con los productos pop excesivamente prefabricados de finales de los noventa, y ninguno de los dos esperaba que se convirtiera en un proyecto a largo plazo. “Se suponía que era una idea genial”, señaló Albarn. “No una carrera.”

En 2001, el sencillo debut del grupo —la relajada y circular “Clint Eastwood”— se convirtió en un éxito mundial, impulsado por el colorido video musical de Hewlett, un cameo del rapero Del the Funky Homosapien y un estribillo seguro: “El futuro / está llegando”. Lanzada en una época en la que MTV y la radio debatían entre el pop adolescente y pegajoso, el rap-rock y el reggae, “Clint Eastwood” fue un inusual éxito plural, convirtiendo el debut de Gorillaz en uno de los primeros CD imprescindibles del nuevo milenio.

En los siguientes discos de Gorillaz —incluidos Demon Days (2005), Plastic Beach (2010) y Humanz (2017)— Albarn amplió su campo hacia el electro-soul, la psicodelia y el hip-hop, a veces viajando por todo el mundo para las sesiones de grabación. Hewlett dirigió los visuales de las cada vez más complejas presentaciones en vivo de la banda, incluido el proyecto paralelo Monkey: Journey to the West de 2007.

En cada proyecto, Gorillaz convocaba a una serie de colaboradores lejanos, convirtiendo su antiguo proyecto paralelo en un colectivo global de pop con una puerta giratoria. En una reciente instalación-exposición de Gorillaz en Los Ángeles, un gran collage al estilo Sgt. Pepper presentaba fotos de muchos de los colaboradores invitados del grupo, incluyendo a Grace Jones, Stevie Nicks y el baterista pionero del afrobeat Tony Allen.

“Gorillaz me hizo darme cuenta de que, si tienes la capacidad de conectar con personas e ideas nuevas, eso es un don”, dijo Joe Talbot, de los británicos post-punk Idles, que aparece en The Mountain. “Si puedes aprender sobre otras culturas, otros sonidos, otras formas de escribir música y otras maneras de atravesar el duelo, deberías hacerlo.”

Para The Mountain, Gorillaz reclutó a varios nombres cruciales del mundo de la música india, incluyendo a la cantante Asha Puthli y la intérprete de sitar Anoushka Shankar. Tanto Albarn como Hewlett han visitado el país en dos ocasiones, incluyendo un viaje tras perder a sus padres con menos de dos semanas de diferencia. Mientras iban de ciudad en ciudad, se reunían con artistas y músicos, e intentaban profundizar en su comprensión del duelo. “La muerte no es gótica en la India”, comentó Albarn. “Y algo que aprendí es la necesidad de vaciar la mente al practicar cualquier cosa. Una mente llena de cosas no tiene espacio para guardar nada más.”

El padre de Albarn, Keith, era un respetado artista y arquitecto —además de un amante de la música india durante mucho tiempo— y el cantante esparció parte de sus cenizas en el río Ganges. (“No había ninguna petición por su parte”, comentó el cantante. “Simplemente pensé que le gustaría.”)

La historia de Hewlett con su padre era más complicada. “No tenía una buena relación con él”, contó. “Siempre me decía que no lograría nada. Pero siento que, con este disco, quise hacerle un tributo, aunque probablemente no lo mereciera.” Se rió, antes de añadir: “Me hizo sentirme mejor conmigo mismo.”

El trabajo en The Mountain continuó después de que el dúo regresara a Europa. Hewlett pasó un año y medio en un video animado que rendía homenaje a las películas de Walt Disney de los años sesenta, incluyendo El libro de la selva (1967). Albarn entró en su estudio de Londres, donde comenzó a improvisar junto a músicos.

Para Anoushka Shankar, -hija de Ravi Shankar y medio hermana de Norah Jones- al principio había cierta inquietud ante la idea de que artistas británicos blancos incorporaran tantos aspectos de la cultura india. “Una de las cosas que me dio confianza fue la manera en que Gorillaz ha hecho cosas similares en el pasado”, dijo en una entrevista por video. “Profundizan en sus colaboraciones culturales. No es como si hicieran un disco diciendo: ‘Dejennos contaros la historia de la India’. Comparten música sobre su experiencia en nuestro país y lo que significó para ellos.”

Finalmente interpretó en media docena de canciones de The Mountain, incluyendo “The Sweet Prince”, junto al flautista indio Ajay Prasanna y el célebre guitarrista de rock alternativo Johnny Marr. “El sitar puede ser complicado de encajar en el sonido pop, porque su registro está muy cerca de la voz humana y llama mucho la atención”, dijo Shankar. “Le dije a Damon que podía usarse texturalmente de diferentes formas. Así que terminamos usando una técnica muy dulce y agradable de rasgueo en la canción, que recuerda mucho a una nana.”

The Mountain es el primer disco de Gorillaz en su propio sello, Kong Records. Es un paso que implica no pocos riesgos: “Todo lo que hemos hecho para este disco, lo cubrimos nosotros”, señaló Hewlett. Pero en las décadas transcurridas desde que los dos redactaron aquel manifiesto inicial para Gorillaz, el streaming ha permitido a los oyentes acceder a música de todo el mundo, lo que lo convierte en el momento ideal para una banda, y un álbum, poco interesados en quedarse en un solo lugar.

“Llevo mucho tiempo apoyando el multiculturalismo, así que me alegra ver que hay más de ello”, aseguró Albarn. “Y necesitamos que los artistas jóvenes se involucren con algo más que la fama, la imagen y los ‘me gusta’. Personas tocando instrumentos juntos, físicamente, en cualquier forma—¿podemos no olvidar eso?”.

Fuente: The New York Times.

[Fotos: OK McCausland para The New York Times]

Con la cuenta regresiva en marcha, la banda ultima detalles para presentarse en La Trastienda, en Buenos Aires, para su debut en el país el lunes 23 de marzo. El show se da en el marco de su gira Latinoamericana, la cual incluyó su paso por Sao Pablo y su presentación en Lollapalooza Chile. En ese marco, mientras aprovechan los días para grabar nuevas canciones en un estudio de Pichilemu en la Región de O’Higgins del país vecino, los músicos dialogaron con Teleshow.

El grupo se formó en 2022 tras sesiones de improvisación entre Johannes y Martin en Olympia, Washington. Posteriormente, los integrantes ampliaron el proyecto con grabaciones que abarcaron estudios en Estados Unidos, Chile, Brasil, Islandia y España. Este enfoque internacional quedó plasmado tanto en el proceso creativo como en el carácter sonoro del colectivo.

La propuesta de Drink the sea destaca por la combinación de instrumentos eléctricos y acústicos propios del rock con elementos musicales como el oud árabe, el sitar indio, los gamelanes indonesios y una amplia variedad de percusiones, entre ellas el surdo brasileño, el tambor de marco, el vibráfono, la marimba y la kalimba. Esta instrumentación diversificada aporta una identidad única a sus composiciones.

- ¿Cómo viven su estadía en Chile?

Barrett Martin: - Tocamos en Lollapalooza, la semana pasada, el viernes. Y ahora estamos en Pichilemu, un hermoso pueblo de surf, y estamos grabando. Porque siempre estamos de gira, así que estamos aquí grabando esta semana.

- ¿Cómo fue la experiencia de tocar en Lollapalooza?

Alain Johannes: - Es fantástico. Es precioso. Creo que el público y todo fue increíble.

Duke Gardwood: - Sabes, fue genial. Fue como un sueño febril. Pasó muy rápido, hizo mucho calor, pero fue realmente fantástico. Además, la cúpula, que es como un espacio interior... Lo cual es perfecto para nosotros porque entonces teníamos, ya sabes, los vídeos que Zach Bettin hizo para las canciones que se proyectaban detrás de nosotros, y estaba a reventar. Fue genial.

- ¿Será su primera visita o no?

Barrett Martin: - Es la primera vez que toco en Buenos Aires, y creo que también es la primera vez de Duke. Pero Al y Peter tocaron allí.

- ¿Dónde tocaron aquí? ¿Se acuerdan?

Alain: - Toqué con Chris Cornell en el Teatro Gran Rex. Sí. Fui telonero de Queens of the Stone Age y del Pepsi Festival 2010. Eh, toqué solo con mi trío. Olvidé el nombre del lugar. Y también fui con PJ Harvey en 2018. He estado allí como cinco veces. Y Peter, ¿cuántas veces has ido?

Peter: - Una vez. Quizás dos veces.

Alain: - El público es increíble en Sudamérica. El argentino también es extraordinario. Y luego es una ciudad hermosa, y es un lugar increíble para comer. Así que espero tener muchas ganas de pasar un buen rato, ya sabes...

- ¿Conocen la gastronomía local? ¿Qué les gustaría comer?

Peter: - Asado.

Alain Johannes: - Asado. Ya sabes, eso y el vino. Pero es una ciudad hermosa, muy europea, y tengo familia allí. Mi hermana nació en Buenos Aires, y tengo un hermano que vive en Buenos Aires, así que estoy deseando ir. La Trastienda es un lugar precioso.

- ¿Cuándo llegan acá?

Peter: El sábado.

- ¿Van a tener tiempo para pasear por la ciudad?

Alain: Sí

- ¿Qué quieren hacer?

Alain: - Un poco de bebida, un poco de comida. Caminaremos, disfrutando del paisaje. Hace muy buen tiempo ahora mismo, ¿verdad? Sí. Así que va a ser agradable, pasar el rato, tal vez, tal vez explorar un poco más ya que tenemos un día completo antes, así que está bien.

- ¿Cómo se preparan para este show?

Barrett: - Hemos estado de gira desde noviembre pasado y tocamos todas las canciones de los dos primeros álbumes con estos hermosos videos. Y también tocamos un par de canciones de nuestras antiguas bandas anteriores, como las canciones que parecen encajar mejor con este conjunto en particular. Así que es un espectáculo bastante largo. Son unas dos horas y media. Es música y videos, muy interactivo. Y hemos dado docenas de conciertos, así que... Estamos bastante compenetrados, diría yo.

- ¿Hacer música con amigos es más divertido o más difícil?

Peter: - Es lo mejor.

Barrett: - Yo también creo que es lo mejor.

Alain: - Cuando son tus amigos, sabes que te vas a llevar bien con ellos. Así que significa que cuando haces música, tienes que llevarte bien con ellos. Es genial. Y sabes, te conviertes en una familia. Y también significa que cuando estás de gira, te lo pasas bien entre conciertos, pasando el rato, hablando, haciendo cosas, además de tocar, armarlo todo. Es genial.

- ¿Son amigos hace mucho tiempo?

Duque Garwood: - Bueno, Peter y Barrett, hace ya mucho tiempo.

Barrett Martin: - Peter y yo hemos tocado juntos durante unos 35 años y hemos trabajado en más de 40 álbumes. Alan y yo nos conocemos desde hace una década, y Alan y Duke han trabajado juntos durante mucho tiempo. Todos tenemos relaciones que se remontan a mucho tiempo atrás.

- ¿Cómo decidieron trabajar juntos y crear Drink the Sea?

Alain: - Empezó de forma bastante orgánica, solo Barrett y yo improvisando en un estudio, y luego Peter y Barrett, y luego Duke y Barrett, como en la carretera, como viajando Islandia, yendo a São Paulo y simplemente seguimos escribiendo y tocando cosas y sesiones de grabación en tantos lugares diferentes. Entonces nos dimos cuenta de que teníamos unas hermosas..., ¿cuántas canciones? ¿22 canciones, 24 canciones? Y ahora estamos trabajando profundamente en un par de grabaciones más.

- ¿Por qué deciden grabar en diferentes lugares? ¿Es por su gira, su trabajo, cuando tienen tiempo?

Duke: —Bueno, nos inspira, pero también es práctico. Ya sabes, cuando estamos de gira, para poder hacer esto, estamos todos juntos en un mismo lugar. De lo contrario, estaríamos en diferentes partes del mundo todo el tiempo. Así que, cuando estamos todos juntos de gira, es el momento perfecto para hacer esto y, además, para inspirarnos.

- Son muy reconocidos en la escena del rock, ¿sienten presión por alcanzar el mismo éxito?

Barrett: - No se siente como presión. Se siente como un deseo de hacer algo excelente y de tomar todas las experiencias que tenemos individual y colectivamente, y manifestarlas en una declaración de la que estemos orgullosos. Así que no es presión, es un impulso natural.

- ¿Cómo decidieron el nombre de la banda?

Alain: Es una letra de una de las canciones de Duke, y nos pareció un nombre precioso para una banda. Él lo repite en una letra y, de repente, se nos encendió la bombilla.

Barrett Martin: - Es de la canción The Strangest Season, y estábamos editando su voz y dijo esa frase dos veces y yo dije: “Hombre, creo que ese es el nombre de la banda”.

- Hablando de música sudamericana, ¿escucharon alguna banda? ¿Qué sonidos, artistas, les interesa escuchar o conocer?

Alain: Crecí escuchando mucho a Astor Piazzolla y mucho a Ginastera, el compositor, y también a Martha Argerich, su música, pero también a Soda Stereo, y Gustavo Cerati. Tocaban más o menos al mismo tiempo a finales de los 70. (risas) Es increíble. Y luego, en cuanto a Brasil, Secos e Molhados, cuando era niño, y luego obviamente, Barrett, es como un experto y le encantan muchos grupos sudamericanos y los incorpora. Así que es hermoso... Es una parte enorme de nuestra esencia realmente en términos de ritmo, y mucha de la instrumentación es más atrevida.

- ¿Escucharon artistas argentinos?

Alain: Richard Colman va a abrir el show en La Trastienda. Obviamente nos vamos a encontrar. Tocamos en el mismo sitio (risas). Es un tipo encantador. Lo recuerdo de principios de los 2000, finales de los 90.

El guitarrista rítmico de AC/DC Stevie Young fue internado en Buenos Aires, a pocos días del regreso del grupo australiano al estadio de River Plate.

“Al llegar a Buenos Aires, Stevie Young no se sentía bien. Por precaución, fue ingresado en un hospital local donde se le están realizando una serie completa de estudios. Stevie se encuentra bien y de buen ánimo, esperando con entusiasmo subirse al escenario el lunes”, señalaron en un comunicado al que accedió Infobae.

Según pudo saber Infobae, Young estaría hospitalizado en el sanatorio Mater Dei de la capital del país.

Young, de 69 años, fue ingresado al centro médico a pocos días del primer recital de AC/DC como parte de la gira “Power Up Tour”, programado para el próximo lunes.

“Por precaución, se le están realizando todas las pruebas necesarias”, agregó un portavoz a la agencia Reuters.

Stevie Young, que ocupa desde 2014 el puesto de guitarrista rítmico tras la salida de Malcolm Young por razones médicas, es considerado un pilar fundamental para el actual sonido de la banda.

El grupo de rock aterrizó este miércoles por la tarde al aeropuerto internacional de Ezeiza, en Buenos Aires, tras presentarse en Chile, donde ofrecieron un recital ante miles de fanáticos como parte de su “Power Up Tour”.

La historia de Stevie Young en AC/DC

Stevie Young nació el 11 de diciembre de 1956 en Glasgow, Escocia. Es hijo de Steven Young y sobrino de Angus Young y Malcolm Young, fundadores de AC/DC.

Su trayectoria comenzó a fines de los años setenta, con pequeñas bandas como The Stabbers, Prowler y Tantrum, originadas en la ciudad escocesa de Hawick. En 1980, fundó Starfighters, agrupación que fue seleccionada como telonera durante la gira de presentación de Back In Black en el Reino Unido. El grupo grabó dos discos bajo el sello Jive Records pero se disolvió en 1983.

En 1988, Stevie Young reemplazó temporalmente a Malcolm Young durante la gira Blow Up Your Video en Norteamérica, mientras su tío se apartaba para recibir tratamiento médico. Muchos seguidores no notaron la diferencia en el escenario debido al parecido físico y musical entre ambos guitarristas.

Después de ese ciclo, Young impulsó proyectos como Little Big Horn y participó en bandas como Uprising, Hellsarockin y Blue Murda. La oportunidad de convertirse en miembro estable llegó en 2014, cuando la salud de Malcolm se deterioró y Stevie asumió el puesto de manera definitiva. Desde entonces, estuvo presente tanto en grabaciones como en giras internacionales junto a AC/DC.

El esperado regreso de AC/DC a River Plate

La vuelta de la banda australiana a la Argentina es parte de su “Power Up Tour”, con una primera fecha el 23 de marzo en el Estadio River Plate. Tras 16 años de ausencia en el país, AC/DC prepara un regreso muy esperado en un recinto emblemático. El viernes 27 y el martes 31 de este mes serán sus otras presentaciones, con localidades agotadas.

La formación actual reúne a Brian Johnson como vocalista, Angus Young en la guitarra líder, Stevie Young en la guitarra rítmica, Matt Laug en la batería y Chris Chaney en el bajo.

Juntos mantienen la esencia del sonido clásico e inconfundible del grupo, con un repertorio preparado para un reencuentro multitudinario.

El nombre del tour proviene de “Power Up”, el 17º disco de estudio de AC/DC, lanzado en 2020 como homenaje a Malcolm Young. El álbum, concebido a partir de riffs inéditos de Malcolm y Angus, invita a los fanáticos a escuchar nuevo material junto a los clásicos de siempre, en lo que se anuncia como una velada de tributo y celebración.

La relación entre AC/DC y el público argentino es reconocida por su intensidad. La última visita al país fue en diciembre de 2009, cuando la banda llenó el estadio Monumental durante tres noches consecutivas, registro que quedó plasmado en el DVD y disco “Live at River Plate”, publicado en 2012. Esos conciertos figuran entre los grandes hitos del rock internacional en Argentina.

Su convicción de que la creatividad y el instinto debían prevalecer sobre las normas académicas influyó profundamente en el sonido del rock y sirvió de inspiración a músicos de todo el mundo.

El laboratorio sonoro de Eddie Van Halen

Van Halen priorizó la experimentación autodidacta por sobre los modelos formales, creando métodos propios y estableciendo un nuevo estándar que aún hoy guía a guitarristas de diversas generaciones.

De acuerdo con Ultimate Guitar, el músico reconocía que rara vez recurría a conceptos teóricos al componer o ejecutar, lo que generó cierta desconfianza en sectores tradicionalistas del ámbito musical.

Durante su carrera, Eddie Van Halen introdujo innovaciones determinantes en la ejecución de la guitarra eléctrica. En su estudio personal, realizó experimentos con amplificadores y modificó instrumentos para generar efectos inéditos, entre ellos el reconocido “tapping”.

Esta técnica, que consiste en golpear con los dedos de ambas manos sobre el diapasón, se convirtió en un sello distintivo de su estilo y fue adoptada por guitarristas de todo el mundo.

Innovaciones técnicas y ruptura de límites

El enfoque autodidacta de Van Halen le permitió identificar posibilidades creativas donde otros observaban barreras técnicas. Según Ultimate Guitar, prefería confiar en el oído antes que en la notación musical, lo que lo llevó a descubrir nuevas combinaciones de acordes y escalas. Esta preferencia por la experimentación directa sobre la teoría consolidó una impronta personal que marcó a generaciones de músicos.

El afán de Van Halen por modificar aparatos electrónicos amplió notablemente la paleta sonora del rock. Entre sus aportes destacados se encuentra la manipulación de pastillas y circuitos en guitarras y amplificadores, lo que le permitió obtener timbres y distorsiones que no existían previamente en el mercado. Estas intervenciones técnicas, muchas veces realizadas por él mismo en su taller, constituyeron un legado que aún inspira a intérpretes y fabricantes de instrumentos.

La postura frente a la técnica académica

Miles de guitarristas han adoptado elementos de su estilo y sus innovaciones, consolidando a Van Halen como una figura de referencia. La presentación de su guitarra “Frankenstrat”, ensamblada con piezas de distintos modelos para lograr un sonido único, es considerada por la prensa musical como uno de los hitos más influyentes de la historia del rock. La revista estadounidense Guitar World ha señalado que la “Frankenstrat” es objeto de análisis y emulación hasta la actualidad.

A lo largo de numerosas entrevistas recogidas por Ultimate Guitar, Van Halen manifestó su desapego hacia la rigidez de la técnica tradicional. Sostenía que el sonido debía prevalecer sobre las reglas académicas y que la intuición era el motor principal de la creatividad artística. Esta postura contrastaba con la perspectiva de músicos de formación clásica, quienes priorizan el aprendizaje sistemático y la lectura de partituras.

Un legado que trasciende la técnica

Van Halen explicó en reiteradas ocasiones que prefería seguir lo que consideraba musicalmente atractivo, sin atenerse estrictamente a métodos establecidos. “Para mí, lo importante es lo que suena bien. Si hay una regla que dice que algo está mal, pero a mí me gusta, la rompo”, declaró en una entrevista difundida por Ultimate Guitar.

La actitud de Eddie Van Halen abrió el debate sobre la pertinencia del aprendizaje autodidacta en la música. Al demostrar que es posible crear un estilo propio sin someterse a la ortodoxia, expandió las posibilidades expresivas del instrumento y motivó a nuevas generaciones a experimentar con libertad.

Su influencia se extiende más allá de la técnica, abarcando la filosofía de la interpretación musical. La comunidad internacional de guitarristas continúa citando sus innovaciones como referencia obligada para quienes desean transformar el lenguaje del rock.

Una guitarra utilizada por David Gilmour en seis álbumes clásicos de Pink Floyd se vendió en una subasta por la cifra récord de 14,55 millones de dólares el jueves por la noche en Nueva York, según anunció Christie’s. Esta legendaria Fender Stratocaster, apodada The Black Strat, se ha convertido en la guitarra más cara jamás vendida. Superó con creces el récord anterior de seis millones de dólares alcanzado en 2020 por una guitarra que perteneció a Kurt Cobain, de Nirvana.

Gilmour utilizó la “Stratocaster Negra” en todos los álbumes de la legendaria banda británica de rock progresivo entre 1970 y 1983, incluyendo los icónicos discos Dark Side of the Moon, Wish You Were Here, Animals y The Wall. Durante casi cinco décadas, la Stratocaster negra de Gilmour sirvió como su principal herramienta tanto en grabaciones como en presentaciones en vivo. La guitarra debutó en el disco Atom Heart Mother (1970) y, desde entonces, participó en cada álbum de la banda hasta 1983, así como en toda la discografía solista de Gilmour.

La guitarra fue adquirida en mayo de 1970 en la tienda Manny’s de Nueva York, tras el robo de una Stratocaster anterior de Gilmour durante una gira estadounidense. El instrumento fue bautizado como The Black Strat y pronto se convirtió en la pieza central de su sonido. Fue fundamental en la grabación de los álbumes más reconocidos de Pink Floyd. En The Dark Side Of The Moon, Gilmour empleó la guitarra para solos memorables como los de “Time” y “Money”. El instrumento también fue el eje sonoro de Wish You Were Here, donde nació el arpegio de “Shine On You Crazy Diamond”, y fue adaptado con una pastilla DiMarzio para las sesiones de Animals. Durante la producción de The Wall, la guitarra recibió un mástil Charvel de arce y una pastilla Seymour Duncan en el puente, que se mantiene hasta hoy. El solo de “Comfortably Numb”, considerado uno de los más célebres de la historia del rock, fue grabado con este instrumento en Francia en 1979.

La Black Strat continuó siendo utilizada por Gilmour en el disco The Final Cut y en sus primeros trabajos como solista, incluyendo la grabación de About Face (1984), para la cual se le añadió un brazo de trémolo acortado que permitió mayor control y contribuyó al desarrollo de su estilo. A mediados de los años ochenta, la guitarra fue retirada tras la aparición de la serie de reediciones vintage de Fender, y cedida en préstamo al Hard Rock Café, donde permaneció en exhibición más de una década. Cuando fue recuperada en 1997, sufrió un proceso de restauración. Permaneció casi sin uso hasta 2005, cuando David Gilmour la rescató para la histórica reunión de Pink Floyd en el concierto Live 8 de Londres. Y volvió a ser la principal de Gilmour en sus siguientes discos solistas y en el último álbum de Pink Floyd, The Endless River.

La subasta del jueves por la noche incluyó una colección de instrumentos de rock pertenecientes al empresario Jim Irsay, antiguo propietario del equipo de fútbol americano Indianapolis Colts, fallecido en 2025. Entre ellos, la guitarra hecha a medida para Jerry Garcia, cofundador de otro pilar del movimiento psicodélico, Grateful Dead, que se vendió por 11,56 millones de dólares. Una Fender Mustang azul utilizada por Kurt Cobain en el videoclip de su éxito mundial “Smells Like Teen Spirit” se vendió por 6,9 millones de dólares.

Con información de: AFP

[Fotos: Christies]

Repleto de canciones inéditas de los artistas de élite del britpop, incluidos Oasis, Blur y Radiohead, así como de un supergrupo que incluía a Paul McCartney y Paul Weller, no sorprende que Rich Clarke, director musical de War Child UK, diga que la organización benéfica ha estado buscando recrearse desde entonces.

Por diversas razones, una secuela estelar de Help nunca se materializó, hasta ahora. Help(2) llega a tiendas y plataformas de streaming, con canciones inéditas de Arctic Monkeys, Olivia Rodrigo, Wet Leg y otros, para recaudar fondos y concienciar sobre el sufrimiento infantil en numerosas zonas de guerra, como Ucrania, Gaza y Sudán. Entre los momentos destacados del álbum aparece “Opening Night”, el primer tema inédito de Arctic Monkeys desde 2022; también “Flags”, una colaboración entre Damon Albarn, Grien Chatten y Kae Tempest, y “Begging For Change”, el nuevo single de Pulp.

La colección de 23 canciones incluye además versiones y aportes de varios artistas: Olivia Rodrigo interpreta “The Book of Love” de The Magnetic Fields, mientras Fontaines D.C. revisita “Black Boys on Mopeds” de Sinéad O’Connor. El tracklist también suma nuevas grabaciones de Depeche Mode, Big Thief, Wet Leg, Beth Gibbons, Arooj Aftab, Beck, Arlo Parks, The Last Dinner Party, Sampha, Young Fathers y King Krule, entre otros.

Uno de las apariciones más destacadas la firma Oasis con “Acquiesce (Live from Wembley Stadium, 28 September ’25)”, grabada durante la última noche de su serie de conciertos en el estadio londinense. La canción aparece como single de 7 pulgadas en la edición en vinilo y como pista oculta en la versión doble en CD, convirtiéndose además en el primer lanzamiento físico asociado al regreso de la banda. El proyecto también suma un componente audiovisual. El director Jonathan Glazer produjo una película complementaria basada en el concepto By Children, For Children: durante las sesiones en estudio, decenas de cámaras fueron entregadas a niños para que filmaran libremente a los artistas mientras trabajaban en las grabaciones.

“Creo que ahora los músicos sienten que no quieren hacer algo, sino que necesitan hacerlo”, dijo Clarke. “Ese es un poderoso incentivo. Y a veces, las cosas suceden cuando deben suceder”.

La inspiración de Jarvis Cocker

La conexión de Jarvis Cocker con War Child UK se remonta a 1996, cuando su banda Pulp donó el dinero ganado por obtener el prestigioso Premio Mercury a la organización benéfica. Entonces, cuando James Ford (que produjo el primer álbum nuevo de Pulp en 24 años, More, el año pasado) se acercó a Cocker para proponerle contribuir con una canción a una compilación de War Child UK, él aprovechó la oportunidad.

“Cuando ocurrió el último, aproximadamente el 10% de los niños del mundo vivían en zonas pobres, y ahora es más bien el 20%”, declaró Cocker. “Y es curioso, ya sabes, la infancia te prepara para el resto de tu vida, o no”.

La contribución de Pulp terminó siendo Begging for Change, una canción que Cocker dijo haber comenzado hace 14 años, pero que le costó terminar. “De alguna manera, al centrarse en ayudar a algunas personas y cambiar su situación, logré terminarla”, dijo. “Y estoy muy satisfecho con el resultado”.

Parte de ese éxito en esta enérgica canción provino del inusual proceso de grabación en Abbey Road Studios, en Londres, dijo Cocker. “Nunca he permitido que me filmen cantando en el estudio porque ese es el momento en el que trato de volverme inconsciente”, dijo, y agregó que pronto se enteró de que la sesión sería filmada por numerosos niños que trabajaban en un documental del proceso con el director Jonathan Glazer.

“Me pareció una buena idea”, dijo Cocker. “Si vas a hacer algo para una organización benéfica que se supone ayuda a niños en zonas de guerra, entonces tiene sentido capturarlo desde la perspectiva de un niño”.

Cocker incluso hizo que algunos niños formaran un coro que aparece en la canción. La participación de los niños en el proceso sirvió como un buen recordatorio de lo que Pulp y War Child UK intentaban lograr.

“La caridad no debería existir si los gobiernos hicieran lo que se supone que deben hacer, si cuidaran de las personas y del mundo”, dijo Cocker. “Pero sí es necesario que exista. Es necesario que exista aún más ahora”.

Para nuevas generaciones

Las compilaciones benéficas son parte de una larga tradición en la música independiente y una forma natural para que los artistas se involucren con organizaciones benéficas y temas que desean apoyar, dijo John Nolan, guitarrista y cantante de las bandas de rock Taking Back Sunday y Straylight Run.

“Es algo en lo que podemos involucrarnos mucho más”, dijo Nolan, quien lanzó la compilación Música para Todos, Vol. 2 en noviembre para recaudar fondos para la Unión Americana de Libertades Civiles (ACLU). “Creo que esa es también la razón por la que muchas bandas underground también se dedican a las compilaciones por causas, porque es algo con lo que puedes hacer algo por tu cuenta”.

La banda británica Black Country, New Road dijo que es importante que los artistas presten su creatividad a causas y organizaciones benéficas en las que creen. Contribuir con su canción Strangers a la compilación de War Child UK es simplemente una continuación de su trabajo, que incluye recaudaciones de fondos para niños palestinos.

“Con lo que estaba sucediendo en el mundo hace un par de años, creo que se volvió importante para nosotros tomar más conciencia y comenzar a cuestionar las cosas y cómo queríamos movernos como artistas”, dijo la violinista Georgia Ellery, de Black Country, New Road.

Graham Hastings, de la banda escocesa Young Fathers, dijo que había sido una decisión obvia involucrarse en la compilación Help(2). “Ver niños en estos campos de refugiados me parece una señal de que la humanidad está fallando”, dijo. “Para nosotros, lo importante es que la gente tenga una conciencia general de lo que está sucediendo y por qué está sucediendo, y que se involucre activamente en la comunidad”.

Fuente: AP

La banda regiomontana The Warning continúa ampliando su presencia internacional al integrarse al soundtrack oficial de WWE 2K26 con el tema “Qué Más Quieres”. La inclusión del grupo en esta popular franquicia de lucha libre representa un paso significativo dentro de la industria del entretenimiento digital y reafirma el alcance global de su propuesta musical.

No es la primera vez que el trío incursiona en el ámbito de los videojuegos. Anteriormente, su música también formó parte de la banda sonora de Madden NFL, una de las sagas deportivas más reconocidas a nivel mundial. Con ello, las hermanas Villarreal consolidan su presencia en plataformas que conectan con audiencias diversas y de distintas generaciones.

La participación en estos títulos fortalece el posicionamiento internacional de la agrupación y confirma el impacto de su sonido más allá de los escenarios tradicionales. Su aparición en WWE 2K26 refuerza el orgullo que genera ver talento mexicano en vitrinas globales del entretenimiento.

Una trayectoria sólida en grandes escenarios

El trío conformado por Daniela, Paulina y Alejandra Villarreal se ha consolidado como una de las agrupaciones más relevantes del rock actual. Su propuesta ha logrado conectar con públicos nacionales e internacionales, situándolas entre las principales exponentes del rock hecho por mujeres en México.

A lo largo de su trayectoria se han presentado en importantes escenarios y festivales dentro y fuera del país, ampliando su historia artística y su presencia en circuitos internacionales. Su crecimiento ha sido constante, respaldado por una base de seguidores que continúa expandiéndose.

Tan solo en 2025 ofrecieron tres presentaciones en el Auditorio Nacional, uno de los recintos más emblemáticos de la capital mexicana. Las tres fechas registraron localidades agotadas, reflejo del momento que atraviesa la agrupación dentro de la escena musical.

“Kerosene”, el próximo lanzamiento

En medio de este impulso internacional, The Warning anunció el próximo estreno de un nuevo sencillo titulado “Kerosene”. El lanzamiento está programado para el viernes 6 de marzo y estará disponible en todas las plataformas digitales.

El anuncio ha generado expectativa entre sus seguidores, quienes han acompañado cada etapa de su evolución artística. La agrupación mantiene así un ritmo constante de producción musical, combinando presentaciones de gran formato con nuevos materiales discográficos.

La información sobre su participación en WWE 2K26 y el próximo estreno de “Kerosene” fue dada a conocer por la propia banda a través de sus canales oficiales. Con estos movimientos, el trío regiomontano reafirma su lugar como una de las propuestas más sólidas del rock mexicano contemporáneo.

El contexto tras la muerte de Taylor Hawkins

Grohl reconoció la dificultad de avanzar luego de la pérdida de Hawkins. “Seguir adelante después de Taylor fue realmente complicado, no solo para nosotros, sino para cualquier baterista que llegara a ocupar su lugar”, afirmó en la entrevista.

En ese marco, contextualizó la situación dentro de la propia historia del grupo y de su experiencia previa en otras bandas. “Nirvana tuvo cinco bateristas, yo fui el quinto, y Foo Fighters ha tenido cuatro. Pero Taylor estuvo con nosotros 25 de los 30 años que llevamos como banda”, resaltó.

Con esa comparación, subrayó la dimensión del vacío que significó la partida de Hawkins, cuya permanencia marcó gran parte de la identidad y el recorrido del grupo.

La elección e integración de Josh Freese

Al hablar sobre la incorporación de Freese, destacó su experiencia. “Es un profesional consumado. Tiene una trayectoria legendaria tocando con artistas de todos los tamaños, desde Michael Bublé hasta Offspring… Ha grabado miles de discos en estudio”, detalló el líder de Foo Fighters.

La banda salió de gira con Freese durante cerca de año y medio. “Nos lo pasamos genial”, relató Grohl. Ese ambiente permitió a la banda estadounidense continuar trabajando pese a la reciente pérdida, integrando una nueva dinámica de grupo.

El proceso de decisión

El punto de inflexión se produjo después de que la banda hiciera una pausa en la gira. Ese paréntesis abrió un período de reflexión interna que se extendió durante más de medio año, en el que evaluaron el rumbo artístico y los próximos pasos del grupo.

“Durante esos seis o siete meses, como banda, hablamos sobre qué hacer a continuación, un nuevo rumbo, y pensamos: ‘Bueno, llamemos a Josh para avisarle que vamos a cambiar de baterista’”, expuso Grohl en diálogo con Lowe.

En esa misma línea, el líder dejó en claro que no se trató de una determinación impulsiva ni tomada bajo presión. “No sucedió de la noche a la mañana”, subrayó, al remarcar que la resolución fue el resultado de conversaciones prolongadas y consensuadas entre todos los integrantes.

Comunicación de la decisión a Freese

Una vez consensuado el cambio, el siguiente paso fue informar directamente al baterista. La decisión se transmitió en una llamada en la que participaron todos los integrantes, en un gesto que, según explicó Grohl, buscó reflejar que se trataba de una determinación colectiva. “Lo llamamos y se lo comunicamos como banda; todos llamamos, no solo yo”, comentó.

Durante esa conversación, también le expresaron su agradecimiento por el tiempo compartido. “Básicamente, llamamos a Josh y le dijimos: ‘Oye, esto estuvo genial. Fue muy buena tu participación, muchas gracias, pero vamos a buscar otro baterista’”, contó.

Después de ese intercambio, según informó Rolling Stone, el grupo eligió no emitir comunicados ni ofrecer declaraciones públicas, y mantuvo la transición en un perfil bajo.

Reacciones y salida de Freese

Grohl no detalló motivos concretos para la separación, pero compartió la reflexión que Freese hizo en recientes entrevistas: “No sentía que nuestra música le conectara realmente, y eso es muy importante”.

El propio baterista, sin embargo, dejó entrever que la decisión lo tomó por sorpresa. “Tengo un par de teorías sobre por qué me despidieron, pero no puedo profundizar en ellas ahora mismo”, afirmó en una entrevista para Modern Drumer.

Asimismo, remarcó que había disfrutado su etapa en la banda: “Aprecio mucho los dos años que pasé con ellos, me gustaba tocar con ellos y fueron buenos conmigo... hasta que dejaron de serlo. Un día no eran más que risas y simplemente se acabó”.

Freese también destacó su admiración por Grohl: “Me encantaba tener a Dave Grohl como líder de la banda. Lo respeto muchísimo como baterista, ante todo”.

Futuro de Foo Fighters y nuevos cambios

Con la partida de Freese, la banda incorporó a Ilan Rubin, quien también ha tocado en Nine Inch Nails, como nuevo baterista. Foo Fighters prepara el lanzamiento de su duodécimo álbum, Your Favorite Toy, previsto para el 24 de abril.

El grupo interpretó la canción principal en The Graham Norton Show, actuación que se realizó sin el guitarrista Pat Smear, quien se recupera de una fractura en el pie causada por un accidente de jardinería.

Neil Sedaka, el exitoso cantautor cuya voz juvenil de soprano y brillantes melodías lo convirtieron en un artista destacado en los primeros años del rock ‘n’ roll y lo llevaron a una segunda racha de éxito en la década de 1970, murió el viernes a los 86 años.

“Nuestra familia está devastada por el repentino fallecimiento de nuestro amado esposo, padre y abuelo, Neil Sedaka”, declararon sus allegados en un comunicado vía redes sociales.

“Una verdadera leyenda del rock and roll, una inspiración para millones, pero sobre todo, al menos para quienes tuvimos la suerte de conocerlo, un ser humano increíble a quien extrañaremos profundamente”, agregó la familia en el posteo en Instagram.

No hubo otros detalles disponibles de inmediato sobre la muerte del artista con éxitos que incluyen “Breaking Up Is Hard to Do” y “Laughter in the Rain”.

Miembro clave de la fábrica de composiciones de Brill Building, Sedaka colaboró ​​con el letrista y vecino de la infancia Howard Greenfield en canciones que reflejaban la inocencia adolescente de la era post-Elvis, pre-Beatles de finales de los años 1950 y principios de los 1960, incluyendo “Happy Birthday Sweet Sixteen”, “Calendar Girl” y “Oh! Carol”, un lamento por su novia de la secundaria, Carole King .

Tras una larga sequía, resurgió con éxitos como “Laughter in the Rain” y “Bad Blood”. La versión de “Love Will Keep Us Together” de Captain & Tennille lideró las listas de éxitos en 1975.

Creció en Brooklyn y le encantaba actuar

De baja estatura y cabello oscuro, con una gran sonrisa y una voz aguda, era un hijo de un taxista judío nacido en Brooklyn y formado en Juilliard. Comenzó a actuar cuando era adolescente y continuó haciéndolo durante décadas.

Sedaka siguió dando docenas de conciertos al año bien entrados los 80 años. Mantuvo el entusiasmo y el amplio registro vocal de su juventud y nunca se cansó de los estándares que había cantado cientos de veces.

“Pavarotti me dijo que, después de los 70, mis cuerdas vocales ya no son lo que eran. Tengo mucha suerte de que mi voz se haya conservado”, declaró a The Associated Press en 2012. “Es bonito ser una leyenda, pero es mejor ser una leyenda activa”.

Las canciones de Sedaka vendieron millones de copias en todo el mundo y han sido versionadas por diversos artistas, desde Elvis Presley y Frank Sinatra hasta The 5th Dimension y Nickelback. Sedaka impulsó la carrera de Connie Francis con “Stupid Cupid” y “Where the Boys Are”, esta última para la banda sonora de la película homónima. The Captain & Tennille recibió un Grammy al mejor álbum, en gran parte gracias a “Love Will Keep Us Together”, e incluyó un guiño a Sedaka al final de la canción, cuando Toni Tennille exclamó “¡Sedaka ha vuelto!”.

El cantante creció en el barrio de Brighton Beach, en Brooklyn, mimado por sus abuelos, tías y madre en un apartamento de dos habitaciones que compartía con 11 familiares. Allí tiene una calle que lleva su nombre: Neil Sedaka Way.

Pero su música compensó su impopularidad de niño, recordó una vez. Su talento fue reconocido por una maestra de segundo grado que instó a su madre, Eleanor, ama de casa, a comprarle un piano. Ella empezó a trabajar en una tienda departamental para pagar un piano vertical de segunda mano y dirigió su carrera durante años, al igual que su esposa, Leba.

A Sedaka le encantaba componer canciones y nunca lo dejó, pero ansiaba actuar.

“Una vez artista, artista para siempre. Es esa descarga de adrenalina. Es como una euforia natural cuando estás frente al público, y si recibes esa ovación de pie, es contagioso”, declaró.

A los 16 años, Sedaka fue elegido por Arthur Rubenstein en un concurso como el mejor estudiante de piano de secundaria de la ciudad y actuó en una emisora ​​de radio clásica como premio. Fue el mismo año en que descubrió el rock and roll, cuando interpretó una canción, “Mr. Moon”, que había escrito con Greenfield, su compañero de clase en la escuela secundaria Abraham Lincoln.

“La canté en el auditorio para un espectáculo mediático y recuerdo que hubo un pequeño alboroto. Los niños saltaban y gritaban”, dijo Sedaka. “Después de eso, pude entrar a la tienda de dulces con los chicos rudos de las chaquetas de cuero”.

Después de la secundaria y luego de Julliard, Sedaka y Greenfield firmaron con Aldon Music de Don Kirshner, donde lograron su primer éxito con Francis, “Stupid Cupid”.

Sedaka produce éxitos en masa, hasta que aparecen Los Beatles

En 1958, a los 19 años, Sedaka firmó con RCA Victor Records y su primer sencillo, “The Diary”, tuvo un éxito moderado. Empezó a hacer giras y a promocionar sus canciones con apariciones regulares en televisión en los programas de Dick Clark “American Bandstand” y “Shindig!”.

En el edificio Brill, Sedaka y Greenfield estuvieron acompañados por otros escritores y letristas emergentes, entre ellos Neil Diamond, Paul Simon y King.

“Neil Sedaka tenía muchísimo talento y me inspiró a seguir mi sueño de ser compositora”, dijo King en su página de Facebook el viernes. “Con cariño, gratitud y condolencias a su familia”.

Micky Dolenz de los Monkees también le rindió homenaje, diciendo en Instagram que era “uno de esos raros compositores que podía hacerlo todo”.

De 1959 a 1962, Sedaka tuvo 10 discos en el Top 10, incluyendo “Calendar Girl”, “Oh! Carol”, “Happy Birthday Sweet Sixteen” y “Next Door to an Angel”. Pero a mediados de los 60, el sonido del Brill Building, influenciado por los grupos doo-wop de las calles de Nueva York, fue desplazado de las listas por la Invasión Británica liderada por Los Beatles y la música psicodélica y de protesta que le siguió. El artista soportaría 13 años “en el desierto”, como lo describió a la AP.

El improbable regreso de Sedaka, con la ayuda de Elton John

Sin embargo, fue uno de los afortunados, pues disfrutó de un renacimiento que comenzó a mediados de los 70 gracias al patrocinio de Elton John, a quien conoció en una fiesta después de que Sedaka se mudara con su esposa y sus dos hijos a Inglaterra para aprovechar su popularidad. John lo fichó por su incipiente sello estadounidense Rocket Records, lo que le dio la oportunidad de cosechar más éxitos con el álbum “Sedaka’s Back”.

En Rocket, el cantautor y su nuevo compañero de composición, Philip Cody, encabezaron las listas de éxitos con “Bad Blood” y la alegre “Laughter in the Rain”. También logró una hazaña poco común con “Breaking Up Is Hard to Do”. Su versión original, de ritmo rápido, fue número 1 en 1962. La regrabó como balada lenta en 1975 y también fue número 1.

Grabó cinco álbumes entre 1972 y 1976. Entre ellos se incluyen los éxitos “Standing on the Inside”, “That’s Where the Music Takes Me” y “Our Last Song Together”, sobre su ruptura con Greenfield, con quien comenzó a escribir canciones cuando Sedaka tenía solo 13 años y Greenfield 16.

Fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores, pero el Salón de la Fama del Rock & Roll lo eludió a pesar de una campaña de petición de sus fans.

Sedaka se casó con Leba en 1962. Tuvieron dos hijos. Su hija, Dara, grabó un dueto con su padre en 1980, “Should’ve Never Let You Go”. Fue un éxito, pero ella nunca se unió a él en la industria musical. Su hijo, Marc, es guionista de cine y televisión.

(AP)

El director Morgan Neville suele realizar películas sobre personas interesantes (Anthony Bourdain, Pharrell Williams, Fred Rogers) con un nivel de reflexión algo mayor al del documental promedio sobre celebridades, y su más reciente obra adopta un enfoque levemente poco convencional. La narración proviene de entrevistas nuevas y de archivo con McCartney, así como con varios miembros de Wings, familiares, amigos y, por supuesto, su esposa Linda McCartney, quien es clave en la historia. Sin embargo, nunca vemos a ninguno de los entrevistados; solo aportan su voz en off. En su lugar, videos de archivo, que incluyen algunas imágenes raras y nunca antes vistas, cuentan la historia de manera visual.

Esa historia es una especie de relato de madurez, en el que McCartney —que tenía solo 15 años cuando conoció a John Lennon— intenta encontrar su lugar sin la banda y termina creando otra nueva en su lugar. Por el camino, conocemos su relación con Linda y sus hijos, su proceso creativo, sus disputas y reconciliación con Lennon, y ciertas peripecias vinculadas a la marihuana. Hay mucho contenido incluido aquí, aunque también hay mucho que queda fuera; esta película muestra el punto de vista de McCartney sobre cada historia.

¿Es interesante? Bueno, eso depende de quién seas. Un documental como el de Peter Jackson, The Beatles: Get Back (en Disney+), era una película para pasar el rato, que permitía a los espectadores ver a McCartney jugueteando con su guitarra —y luego, como por arte de magia, surgía el álbum Let It Be. Era emocionante de ver sin importar quién fueras y, siguiendo el principio de “mostrar, no contar”, era una película de “mostrar”. Man on the Run es una película de contar: cada voz te está relatando una historia, y las imágenes están ahí para reforzar lo que se dice. Uno podría imaginarla casi como un documental de audio.

Así que, en realidad, esta es una película para los fanáticos acérrimos de Paul McCartney (o de Wings) que quieren ver todas las imágenes de archivo raras, o, por el contrario, para los curiosos principiantes que desean una introducción dinámica a uno de los compositores más talentosos de todos los tiempos. Para quienes se encuentran en un punto intermedio, resulta menos satisfactoria. Pero no te preocupes: no tengo dudas de que ya viene otro documental relacionado con Los Beatles en camino.

Fuente: The New York Times

[Foto: Linda McCartney/Prime Video]

En términos emocionales este disco de Peter Frampton, cantante y compositor británico integrante de dos bandas de rock relativamente relevantes en los 60 -mucho más Humble Pie que The Herd- que aquí dio el gran paso de su vida como solista, representa un hito de los años 70: es la banda de sonido de una generación (es mi recuerdo de la infancia, por influencia de hermano mayor rockero). Y hasta incluso inspiró una obra de teatro, Luis Alberto llega vivo, escrita por Fabián Casas y dirigida por Alejandro Lingenti (dos amigos). De una u otra manera, el doble en vivo de Peter Frampton está ahí, guardado en la memoria. Y para la superestructura de la industria del entretenimiento de esa época, representó un punto de inflexión inflexión en la producción y el consumo de álbumes en vivo, al presentarse como “el más espectacularmente exitoso en el momento de su lanzamiento”.

El número 232 de la revista Rolling Stone, en febrero de 1977, lo puso en tapa como “la estrella de rock del año”, con una nota de Cameron Crowe -el cineasta que luego contaría su historia de cronista rockero en la hermosa película Casi famosos- que dice en uno de sus párrafos:

“Frampton, de 26 años, comenzó su carrera a los 16 con The Herd, una banda de pop británica muy popular de finales de los sesenta. El grupo se disolvió, sin dinero, en 1969. Frampton y Steve Marriott, de Small Faces, formaron entonces Humble Pie. Frampton duró hasta el tercer álbum estadounidense de la banda, Rockin’ the Fillmore. Probó suerte como guitarrista de sesión (en Son of Schmillson de Harry Nilsson y All Things Must Pass de George Harrison) y luego como solista. Frampton siempre se consolaba con la idea de que, si fracasaba en solitario, siempre podría volver a tocar como músico de sesión. Consideró esa posibilidad muy real hasta el lanzamiento en enero de 1976 de Frampton Comes Alive!.

En un mes, el LP estaba en el Top Ten. En marzo llegó al número uno durante una semana. Los siguientes tres meses, Frampton Comes Alive! permaneció en el Top Five, dejando espacio para Greatest Hits de The Eagles , Presence de Led Zeppelin, Black and Blue de Los Rolling Stones y Wings at the Speed ​​of Sound de Wings, hasta junio, cuando se apoderó del número uno nuevamente y se negó a moverse durante todo el verano y principios del otoño. Se convirtió en la principal atracción del altamente competitivo verano del Bicentenario. Songs in the Key of Life de Stevie Wonder finalmente destronó a Frampton Comes Alive! a fines de noviembre, después de un récord de 17 semanas en la cima. El álbum ha vendido 7 millones de copias en Estados Unidos y otros 3 millones en todo el mundo; en el mismo período, Frampton vendió casi 2 millones de entradas para conciertos".

Wow. El impacto de Frampton Comes Alive! redefinió el estándar de los discos en vivo en los años 70, a caballo de un repertorio que trascendió géneros y potenciado por un tipo innovación técnica inusual para la época. El propio Frampton desarrolló el álbum entre junio y noviembre de 1975, recurriendo a tecnología personalizada y técnicas de grabación avanzadas para la época. Empleó grabadoras de dieciséis y veinticuatro canales para lograr mayor textura sonora y utilizó cintas que giraban a más velocidad de lo común, permitiendo registrar más información por segundo. Complementó el proceso con reducción de ruido Dolby para aislar la música del ruido ambiental durante las canciones en cuatro recintos distintos. Y sobre todo, incluyó el uso del “talk box”, lo que generó efectos vocales electrónicos en dos de las canciones más populares del álbum.

Por decisión de Jerry Moss, cofundador de A&M Records, el proyecto pasó de un simple LP a convertirse en un álbum doble, bajo el supuesto de que “los compradores de discos querrían más”. Con excepción de pequeñas correcciones en estudio sobre tres canciones, el grueso del material se grabó en directo, sumando la participación de Bob Mayo en guitarra rítmica y teclados, Stanley Sheldon en bajo y John Siomos en batería. Tres canciones se lanzaron como singles y todas alcanzaron el top 15 de la lista Billboard Hot 100. La hazaña comercial se consolidó rápidamente: a los tres meses del estreno, el disco ya lideraba la lista Billboard 200 y logró permanecer diez semanas no consecutivas en el primer puesto.

Pop-rock, baladas y efectos

En lo musical, “Something’s Happening” estableció el tono profético del álbum y marcó el arranque con energía: “¿Quién dijo que este es mi año? ¿Fuiste tú? No puede fallar / Veo un nuevo camino, estarás en mi escenario, cantarás mi canción” canta. La versatilidad de estilos se manifestó en piezas como “Doobie Wah”, en la que se apoya en un sonido y actitud de rock duro al que integró, con sagacidad, el dinamismo vocal y melódico de los Doobie Brothers. La balada “Show Me the Way”, uno de los temás más populares y perennes de su repertorio, incorporó el talk box y líneas de bajo destacadas en una letra de súplica afectiva: “Quiero que me muestres el camino / Te quiero todos los días”. La conmovedora “Baby, I Love Your Way”, con bases de piano Fender Rhodes, remarcó el registro emocional y la preferencia del público.

Las cifras y el legado de Frampton Comes Alive! modificaron los estándares de producción para los discos en vivo: elevó el listón de estas grabaciones con una nitidez sonora que encajaban, como piezas de un rompecabezas completado, con las reacciones eufóricas del público. Eso era lo que transmitían los equipos de sonido de la época, en tiempos de televisión en blanco y negro y programas de radio del tipo Flecha Juventud -conducido por Juan Alberto Badía- como única línea de comunicación con la música del mundo. Un disco de vinilo dando vueltas una y otra vez, hacían toda la magia que se necesitaba en ese tiempo.

La actriz Sydney Sweeney, conocida por su papel en la serie ‘Euphoria’, declaró en una reciente entrevista con Vogue que Nine Inch Nails fue la banda más influyente de su niñez.

Su confesión, generó sorpresa entre seguidores del rock y la cultura pop, reavivando el interés por el impacto de los clásicos en las nuevas generaciones.

Un referente contemporáneo que mira al pasado

En los últimos años, Sweeney se consolidó como una de las actrices más influyentes de su generación. Su proyección internacional y su participación en producciones exitosas la posicionaron como un referente para millones de seguidores, atentos tanto a sus proyectos profesionales como a detalles de su vida personal. Esta atención constante, contribuye a amplificar cualquier declaración sobre sus gustos e influencias.

Durante la entrevista con Vogue, Sweeney fue consultada por la música que marcó su infancia. Sin dudarlo, respondió: “He sido una gran fanática de Nine Inch Nails”.

Las palabras de la actriz generaron un notable eco entre los admiradores de la banda, que celebraron el reconocimiento de una figura joven a un grupo emblemático. El testimonio de Sweeney también evidenció cómo los artistas actuales encuentran inspiración en propuestas que precedieron su época.

Nine Inch Nails y el peso de la nostalgia musical

El contexto generacional añade un matiz relevante a la confesión de Sweeney. Nacida en 1997, la actriz creció mientras Nine Inch Nails consolidaba su legado gracias a discos como ‘The Downward Spiral’ y ‘The Fragile’.

Aunque la popularidad de la banda tuvo su auge en la década de los 90, su influencia sigue vigente para quienes buscan identidad musical en referentes del pasado. Este fenómeno revela que la nostalgia y la renovación caminan juntas en la formación de gustos de las nuevas generaciones.

La conexión de Sweeney con el rock no se limita a lo personal. Su participación como protagonista en el videoclip “Angry” de The Rolling Stones refuerza la tendencia de la industria musical a unir figuras juveniles con leyendas del género.

Esta colaboración demuestra que la vigencia de los íconos clásicos no solo se mantiene, sino que se revitaliza al integrarse con nuevos rostros de la cultura pop.

Cultura pop y la proyección de Sydney Sweeney

El interés por la figura de Sweeney crece a medida que se acerca el estreno de la nueva temporada de ‘Euphoria’, previsto para abril.

Esta próxima entrega consolida la imagen de la actriz como referente dentro de la industria audiovisual y la cultura popular, una posición que ella potencia al compartir aspectos de sus gustos y pasiones.

La influencia de Sweeney trasciende la pantalla. Su testimonio sobre Nine Inch Nails ilustra cómo las nuevas generaciones mantienen vivas las referencias del pasado, sumando capas de significado a la experiencia contemporánea. La actriz demuestra que la búsqueda de identidad artística no solo implica innovar, sino también reconocer y valorar los legados previos.

La fusión de generaciones en la industria musical

La colaboración entre Sydney Sweeney y bandas legendarias como The Rolling Stones enfatiza la estrategia de la industria por rejuvenecer su imagen sin perder la esencia. Al invitar a figuras jóvenes a participar en proyectos con artistas consagrados, se genera un puente entre públicos diversos que reactiva el interés por la música clásica.

Este fenómeno no solo es beneficioso para las bandas veteranas, que encuentran nuevas audiencias, sino que también ofrece a actores y músicos emergentes la oportunidad de asociarse con una historia musical consolidada. La participación de Sweeney en estos proyectos refuerza su papel como embajadora de la cultura pop contemporánea y dinamiza el diálogo entre generaciones.

La vigencia de Nine Inch Nails y la pasión de Sydney Sweeney por el rock confirman que los clásicos continúan inspirando a quienes lideran el presente, creando una cadena de influencias que renueva el panorama musical y cultural. Las nuevas generaciones, lejos de alejarse del pasado, lo integran en su propia construcción artística, asegurando así la permanencia de los íconos y la riqueza de la memoria colectiva.

En su lugar, emprendió un recorrido de varios años de rescate y restauración que ha dado como resultado el nuevo documental EPiC: Elvis Presley in Concert, que se estrena en salas IMAX de todo el mundo. Ese recorrido comenzó, por improbable que parezca, en una mina de sal subterránea en Kansas. “La gente piensa que es una figura retórica”, dice Baz Luhrmann en una videollamada desde su oficina en Australia. “No lo es.” Este tipo de instalaciones es donde estudios como Warner Bros., que ahora posee el material, guardan sus archivos —por un precio. “Te cuesta 100.000 dólares solo enviar a alguien a buscar”, explicó, así que pagó la cuenta de su propio bolsillo y logró que investigadores accedieran a la bóveda. “No encontraron solo uno o dos rollos”, dice. “Encontraron 69 cajas de material.” Gran parte de ello era película de 35 milímetros, rodada durante varias actuaciones en Las Vegas para That’s the Way It Is; el resto era material en 16 milímetros, filmado entre bastidores para ambas películas y en el escenario para Elvis on Tour.

“Pero todo está mal etiquetado”, comenta el director australiano. “Parte ha sido robada, el polvo la corroe, es un desastre.” Y había otro problema, indica Jonathan Redmond, editor y productor ejecutivo de EPiC y colaborador habitual de Luhrmann. “Era solo 59 horas de imagen. No había sonido, porque la película y el sonido se graban por separado y se archivan por separado”, dice desde Los Ángeles. “Así que veíamos todo ese material, algunas cosas realmente asombrosas, pero no sabíamos qué cantaba.” Incluso en ese estado preliminar y desconcertante, los cineastas quedaron cautivados por lo que veían. “Tenemos que hacer algo especial con esto”, le dijo Redmond a Luhrmann. “No podemos simplemente devolverlo a las minas de sal.” Luhrmann estuvo de acuerdo: “Tenemos que hacer algo especial, como una pieza complementaria.”

Pero primero tenían que hacer la película a la que acompañaría. Mientras Luhrmann y Redmond rodaban y montaban Elvis, Warner Bros. supervisó el escaneo del material bruto en 4K, y un ayudante de edición, Jim Greco, se encargó de sincronizarlo con todas las grabaciones de sonido disponibles. Mientras tanto, Angie Marchese, vicepresidenta de archivos y exposiciones del museo Graceland de Presley, proporcionó a los cineastas varios rollos de películas caseras en 8 milímetros y Super-8, muchas de ellas también inéditas.

“Pero luego lo que realmente sucedió, el gran avance, fue que encontramos esta entrevista”, cuenta Luhrmann. A primera hora de la mañana, tras una noche de canto gospel, Presley había accedido a una entrevista solo de audio con los cineastas de Elvis on Tour, en la que se mostró atípicamente sincero y abierto sobre su vida y carrera hasta ese momento. “Después de haber leído todos los libros y haber investigado tanto sobre Elvis, conocíamos su historia; así que no es que necesariamente nos contara algo que no supiéramos”, señala Redmond. “Pero escucharlo en su propia voz fue mucho más poderoso, de alguna forma. Y eso realmente fue la clave del proyecto.”

En concreto, ayudó a Luhrmann a responder la pregunta que se hacía desde que empezaron a contemplar la película: “¿Qué hacemos?” No querían simplemente hacer otra película de conciertos, ni restaurar una de las primeras películas con nuevo material (lo que ya se había hecho, para That’s the Way It Is, en 2001). Tampoco querían realizar otro documental biográfico, como This Is Elvis (1981). “Son buenos documentales”, opina Luhrmann. “Pero siempre es gente hablando de Elvis —no él.” Por eso, Luhrmann y Redmond idearon una mezcla de película de concierto, documental biográfico y algo un poco más... surrealista. “Vamos a hacer como un paisaje onírico”, dice Luhrmann, “donde Elvis te llega en sueños y canta y cuenta su historia como nunca antes. Esa era la idea.”

La naturaleza abarcadora de su enfoque implicó buscar aún más material, entrevistas y grabaciones de conciertos —con calidad suficiente para el estreno en IMAX hacia el que estaban trabajando. “Básicamente, queríamos respaldo fílmico para todo el material de archivo”, explica Redmond. “Así que incluso las cosas de los años cincuenta, pudimos recurrir a los diferentes proveedores y conseguir el material original para escanearlo.” Ese compromiso con los elementos originales de imagen y sonido, en ocasiones, implicó ir más allá de las fuentes tradicionales. “Conectamos algunos audios que existen por ahí, pirateados”, revela Luhrmann riendo. “Tuvimos que citar a gente en estacionamientos y comprarlos, ¡benditos sean! El tráfico de material ilegal de Elvis —hay capos colombianos, y después están los que comercian piratería, y, amigo, creo que preferiría trabajar con los capos colombianos.” Al director le preocupaban menos algunos momentos de instrumentación faltante, y por eso los hizo volver a grabar y reorquestar, una elección estética que coincidía con el concepto general.

“Esto es lo opuesto a Get Back”, define, refiriéndose a la docuserie de archivo sobre Los Beatles realizada por Peter Jackson, “en este sentido: lo que hace que Get Back sea tan buena es que observa como una mosca en la pared. Yo quería decir: ‘No, esto es un concierto imaginado, donde todas estas cosas ocurren a la vez’.” Pero los cineastas se entusiasmaron al trabajar con Jackson y su productora WingNut Films para la restauración de imagen, como ya habían hecho para proyectos como Get Back y el documental sobre la Primera Guerra Mundial They Shall Not Grow Old (2018).

“Es el estándar de oro en restauración fílmica”, afirma Redmond. “Así que bastante pronto decidimos que, por bueno que fuera nuestro material, debíamos pulirlo al máximo.” Se puede estar seguro de que eso fue todo lo que hicieron. “Quiero subrayar que no hay ni un solo fotograma de inteligencia artificial en esto”, afirma Luhrmann tajantemente. “Y no hay efectos visuales. Me gusta decir que el único efecto visual aquí es el efecto visual que Elvis produce en su público.”

Con su exploración dual de varios años sobre Elvis Presley finalmente terminada (y algunas breves imágenes del material recuperado incluidas, aunque acabaron reconstruyendo ese salón en Las Vegas), Luhrmann y Redmond esperan haber aportado algo importante a la copiosa conversación cultural en torno al Rey. Para ellos, siempre se redujo a una pregunta: ¿Quién fue realmente Elvis Presley? “Teníamos una frase: en las grietas se ve la luz”, comenta Redmond, “que aplica especialmente a un personaje como Elvis, que estaba tan acostumbrado a las cámaras y a estar frente a ellas.” “Él dice en esta película que es muy difícil estar a la altura de una imagen”, apunta Luhrmann. “Él dijo, ‘un ser humano es una cosa y una imagen es otra’.” Así que, para el director, entender a Elvis Presley implicaba enfrentarse y empatizar tanto con el ser humano como con la imagen. “Espero que las dos películas muestren la máscara”, concluye, “porque a todos nos gusta ver a Elvis siendo el Elvis icónico, pero también quitarle la máscara. Eso es lo que me propuse hacer.”

Fuente: The New York Times

[Fotos: Neon Pictures; REUTERS/Aude Guerrucci]

AC/DC es mucho más que una simple banda de rock, sus históricas canciones e integrantes forman parte de una institución cultural que trasciende años desde su fundación en 1973, en Sídney, Australia. Fundada por dos hermanos escoceces, Malcolm y Angus Young, el grupo se formó en torno a una identidad rebelde y agresiva en guitarras, batería y canto.

Sin embargo, la historia estuvo marcada por la resiliencia ante la tragedia y los constantes cambios en la alineación. El primer paso en la fama sucedió con Bon Scott, el carismático cantante que le puso la voz a uno de los éxitos del grupo: Highway to Hell. También formaron parte Cliff Williams, Phil Rudd, Axl Rose, entre otros músicos importantes.

Actualmente, la banda realiza la gira 2024-2026 con una mezcla de históricos y nuevos músicos: Angus Young, uno de los fundadores, continúa en la guitarra; Brian Johnson, quien es la voz desde 1980; Stevie Young, sobrino de los hermanos y reemplazo de Malcolm desde 2014; Chris Chaney, quien se encarga del bajo sustituyendo al retirado Cliff Williams; y Matt Laug, baterista que tomó el lugar de Phil Rudd.

Sin embargo, el primer gran golpe del grupo fue la trágica muerte de Bon Scott. El escocés criado en Australia fue uno de los transformadores de AC/DC y su repentina despedida, a tan solo 33 años, llevó a millones de fanáticos al desconcierto y lo consagró como uno de los íconos más recordados en el rock and roll, según All That’s Interesting.

Bon Scott, de Escocia a Australia

Ronald Belford Scott nació el 9 de julio de 1946 en Kirriemuir, una pequeña ciudad en el norte del Reino Unido. Cuando apenas era un bebé sufrió la muerte de su hermano mayor, Sandy, mientras su papá batallaba en la Segunda Guerra Mundial. Con apenas seis años, su familia emigró a Melbourne, Australia. Su nombre nació tras una imposición despectiva, ya que sus compañeros del colegio lo llamaban Bonnie Scotland por su origen escocés.

Con una personalidad conflictiva, el cambio de país no fue nada fácil. Sus problemas en la adolescencia derivaron en el abandono de la escuela a los 15 años y el arresto por actividades delictivas. Robo de nafta, el uso de nombres falsos y la evasión de custodia fueron algunos de los casos en los que estuvo envuelto. En paralelo, el joven escocés ingresó al mundo de la música y fundó su primera banda en 1966, The Spektors.

Sus primeros proyectos musicales estuvieron marcados por el consumo de alcohol y drogas. Incluso, en 1969 la policía australiana desarticuló Valentines, uno de sus grupos, en una redada antidrogas vinculada al rock.

Finalmente, en 1974, tras superar un grave accidente en moto, Bon Scott se cruzó con los hermanos Young de casualidad. Buscando un nuevo rumbo en su carrera musical, la reciente fundación de AC/DC y la necesidad de un cantante fueron el puntapié de un grupo histórico. Instantáneamente, su pasado turbulento junto con su actitud desafiante lo convirtieron en el sello distintivo de la banda.

Con Scott al frente, el grupo se consolidó como una banda de rock cruda y ruidosa. Las letras irónicas y el carisma de Scott potenciaron la química interna del grupo, dotando a sus presentaciones de una energía provocadora y espontánea. Su influencia se reflejó en la transformación de la banda de un proyecto emergente a un fenómeno internacional.

El lanzamiento de Highway to Hell fue el punto de inflexión: el disco se posicionó entre los 100 mejores en Estados Unidos y otorgó a la banda un reconocimiento inmediato. Por primera vez, los miembros experimentaron la fama mundial y el éxito económico, aunque esto también trajo tensiones internas.

La trágica muerte de Bon Scott

El 18 de febrero de 1980, Bon Scott pasó la noche en el club Music Machine, en Londres, acompañado de amigos, entre ellos Alistair Kinnear. El cantante, como lo hacía habitualmente, consumió grandes cantidades de alcohol y al finalizar la fiesta, sus acompañantes lo ayudaron a recostarse en el asiento trasero del auto, pensando que solo necesitaba dormir para recuperarse del estado de ebriedad, según All That’s Interesting.

Kinnear relató que, tras dejarlo en el vehículo y al no lograr despertarlo, optó por avisar a Silver Smith, exnovia de Scott, quien le aseguró que el cantante solía desmayarse y que lo mejor era dejarlo descansar. Uno de sus más grandes amigos recordó haber reclinado el asiento para mayor comodidad. En la mañana del día siguiente, al regresar, encontró a Bon Scott inmóvil y sin respirar, cubierto de lo que parecía vómito.

Kinnear lo trasladó de inmediato al Hospital King’s College, donde fue declarado muerto al llegar. El cantante tenía solo 33 años. Según la autopsia realizada por el forense Sir Montague Levine, la causa oficial fue una intoxicación alcohólica aguda. El informe señala que Scott dormía en una posición incómoda, cerca del bastón de cambio, y que varios factores, como la posición del cuerpo, el desprendimiento de una placa dental, el consumo excesivo de alcohol, la hipotermia y un hígado debilitado, contribuyeron a su muerte.

En el club aquella noche también estuvo presente Colin Burgess, exbaterista de AC/DC, quien sostuvo hasta el último momento que Scott no parecía borracho cuando se despidieron. Para el resto de los integrantes de la banda, la noticia fue devastadora, según recordó Angus Young, quien comparó la pérdida con la de un familiar cercano.

El último concierto con la banda había tenido lugar unas semanas antes, el 27 de enero de 1980, en el Teatro Gaumont de Southampton, marcando el final de una era para la banda y para el rock internacional.

Una vida esquivando la muerte

La vida del escocés estuvo marcada por el peligro, la desobediencia y los constantes problemas, muchos ligados al consumo de alcohol y drogas. Previo a su muerte, uno de los antecedentes fue un accidente en moto tras manejar en estado de ebriedad. En aquella oportunidad, el cantante ignoró los consejos de sus amigos y sufrió fracturas múltiples, lesiones en el cuello y la garganta, y lo dejó en estado semicomatoso durante tres días. Pasó varias semanas en el hospital, con huesos enyesados y la mandíbula inmovilizada.

Durante la década de 1970, mantuvo una rutina de consumo elevado de alcohol, marihuana y anfetaminas. Los episodios de desaparición se volvieron frecuentes: en una ocasión, su mamá le compró un pasaje de avión para regresar a Australia, pero al llegar el momento de volver a Londres, nadie supo de su paradero durante una semana. Cuando finalmente apareció en el aeropuerto, Scott no recordaba qué había hecho ni dónde había estado durante esos días.

El regreso de U2 con el sorpresivo EP Days of Ash -al estilo actual de ciertas estrellas pop, se publicó sin anuncio previo- marca un giro político para la longeva banda irlandesa: son seis nuevas canciones -las primeras que publican desde 2017- que emergen como una especia de respuesta inmediata a la escalada de tensiones globales. El mini álbum, producido junto al productor musical británico Jacknife Lee, llega en un momento en que, según el propio Bono, “estas canciones no podían esperar; estaban impacientes por salir al mundo. Son canciones de rebeldía y consternación...”.

Es un regreso en cierto modo inesperado para una banda que, a falta de novedades y mutaciones estéticas -algo que la distinguió durante varias décadas-, vive cómodamente de su leyenda, instalada definitivamente como “clásico” de eso que se insiste en llamar rock. Por cierto, esta nueva colección de canciones refresca su imagen: en la avalancha de voces que se elevan instantáneamente frente a cualquier noticia-novedad que emerge de la música pop global, es “el mejor disco de U2 en el siglo XXI” (con perdón de la hipérbole).

El lanzamiento reafirma el espíritu activo de la banda, que en la última década ha mantenido una intensa agenda intensa, que incluyó dos giras mundiales, dos películas, una residencia de 40 fechas en la rimbombante Sphere de Las Vegas Sphere, casi tres horas de nuevas versiones reducidas de su repertorio clásico en el disco Songs of Surrender, y la autobiografía de Bono, que derivó en una gira en solitario, una temporada en Broadway y otro filme. En medio de ese torbellino, se produjo la baja del baterista Larry Müllen Jr., afectado por una serie de problemas físicos y motrices que lo obligaron a no tocar en la residencia de Las Vegas.

Pese a la intensa actividad, el intervalo entre álbumes originales, el más prolongado en su trayectoria, planteaba la cuestión que los acompaña desde hace casi dos décadas: ¿cuál es su lugar en el panorama musical actual?

Este mini disco parece ser la respuesta. Alguna vez Luis Alberto Spinetta dijo que León Gieco era “el noticiero del rock argentino”. Lo dijo con admiración (antes que algún cínico de los que proliferan piensa que fue una ironía). Bueno, bien puede plantearse que U2 es el noticiero global del rock. No es un mal lugar para estar y dar testimonio.

Junto con el disco, reapareció el fanzine (ahora digital) Propaganda, donde el cantante y vocero de U2 profundizó en la génesis del EP: “Las canciones de celebración vendrán después, estamos trabajando en ellas ahora... Porque, a pesar de toda la atrocidad que vemos normalizada a diario en nuestras pequeñas pantallas, no hay nada normal en estos tiempos locos y enloquecedores, y tenemos que plantarles cara antes de poder volver a tener fe en el futuro. Y los unos en los otros”.

Cómo se hizo ‘Days of Ash’

Days of Ash incluye cinco canciones inéditas y un poema musicalizado: “American Obituary”, “The Tears of Things”, “Song of the Future”, “Wildpeace”, “One Life at a Time” y “Yours Eternally”, esta última con la participación de Ed Sheeran y el cantante ucraniano Taras Topolia.

La mayoría de los temas se centran en historias de personas cuyas vidas se vieron truncadas brutalmente por varios de los más trágicos acontecimientos de público conocimiento mundial. “American Obituary” abre el EP rindiendo homenaje a Renée Good, madre de tres hijos asesinada el 7 de enero en Minneapolis mientras protestaba contra la actividad de ICE, la agencia de inmigración estadounidense. Bono relata: “Renée Good, nacida para morir libre / Madre estadounidense de tres hijos / séptimo día de enero / una bala por cada hijo”. En el diálogo con Propaganda, el cantante explicó que la rítmica de la letra remite a Bob Dylan y que, aquí, la madre se dirige a sus hijos: “Los quiero más de lo que el odio quiere a la guerra”.

“The Tears of Things”, una balada al estilo U2, toma su título del libro del sacerdote franciscano Richard Rohr publicado en 2025 (The Tears of Things: Prophetic Wisdom for an Age of Outrage, Las lágrimas de las cosas: sabiduría profética para una era de indignación), donde se exploran el dolor y la injusticia a través de una conversación ficticia entre Miguel Ángel y su estatua de David. En el mismo diálogo con Propaganda, Bono confirmó la influencia de Rohr, a quién definió como “un místico, un profundo pensador”: “[Su libro] sugiere que los más grandes profetas judíos hallaron la manera de superar su furia y su ira ante las injusticias de su tiempo, hasta que acabaron llorando.””.

“Song of the Future” está dedicada a Sarina Esmailzadeh, adolescente iraní de 16 años asesinada tras participar en las protestas del movimiento Mujer, Vida, Libertad en 2022. “Nos enfrentamos otra vez a una clase sacerdotal cuya interpretación subjetiva de los textos sagrados sirve de garrote contra quienes discrepan”, afirmó el cantante. “Rehacemos a Dios a nuestra imagen, y normalmente nos acercamos más a un Dios de fuego y azufre que al de ‘amor y misericordia’, por citar a Brian Wilson”.

“Wildpeace” es un poema del poeta y escritor israelí Yehuda Amichai recitado por la periodista e influencer nigeriana Adeola Fayehun, cuya voz “me atraviesa por completo y sugiere otros conflictos en el continente africano, más allá del lirismo de su voz... Sudán, por ejemplo, Dios mío”.

“One Life at a Time está inspirada en el documental ganador del Oscar 2025 No Other Land, escrito por Awdah Hathaleen, el activista y docente palestino asesinado en Cisjordania. “Yours Eternally”, con la colaboración de Taras Topolia, músico y soldado ucraniano, y de Ed Sheeran, critica directamente la invasión rusa a Ucrania. Sin embargo, la génesis de la canción y del ilustre invitado, tuvo una particularidad. Bono** recuerda: “Le hablamos de la canción, que tenía formato de carta, y le propusimos que él interpretara la voz que respondía. Se mostró entusiasta de inmediato, aunque puso una condición: ‘Me gusta mucho la canción, Ucrania me fascina, pero no quiero verme envuelto en controversias políticas en este momento... No me vas a meter en líos políticos, ¿verdad?’ A lo que respondí: ‘Por supuesto que no, Ed’“. Pícaro, agrega: ”puede que estuviera disimulando en ese instante.”

Una reconstrucción posible

La urgencia que transmite el EP, posiblemente resultado de su rápida elaboración, contrasta de forma clara con los años recientes de la banda, marcados por dudas, regrabaciones y proyectos descartados. Al evitar caer en la sobreelaboración, U2 parece haber recuperado precisión y un propósito discursivo (eso mismo que llegó a empalagar). En “The Tears of Things” hay una crítica contundente al fascismo y al fundamentalismo religioso, dicha con una intensidad que se había diluido en trabajos anteriores. “Cuando la gente anda hablando con Dios, siempre termina en lágrimas”, canta Bono.

En los siguientes tracks, la música adopta una atmósfera menos agresiva, con mayor presencia de guitarras acústicas, un papel menos dominante de The Edge y una ambientación más difusa. Las letras retoman el consuelo y el optimismo característicos, con imágenes bíblicas y frases inconfundiblemente propias de Bono: “el futuro, como todos saben, es donde vamos a pasar el resto de nuestra vida”.

Aunque resulta tentador considerar este EP como el inicio de una nueva etapa, se percibe que marca el regreso de la convicción casi religiosa, la claridad de propósito y la fe en el poder transformador de la música que impulsaron su etapa más influyente de la banda, de la que a decir verdad ya pasaron más de 30 años. Pero aquí están. No es poco.

[Fotos: u2.com]

De acuerdo con la cobertura de EFE, el Cosquín Rock surgió en 2001 como una propuesta disruptiva dentro del paisaje cultural de la ciudad homónima, históricamente identificada con el folklore. El productor musical José Palazzo impulsó el festival como una alternativa a los eventos tradicionales que se celebran desde hace décadas en el Anfiteatro Próspero Molina, emblemático escenario del folklore nacional. En aquel primer año, las expectativas sobre la convocatoria fueron limitadas: la venta de boletos anticipaba apenas 3.000 asistentes, aunque finalmente el público superó los 12.000. "Fue sufrir con la venta de entradas (...) No había redes sociales, no había presupuesto de publicidad nacional. Nunca nos imaginamos que vendría gente de todos los puntos del país", recordó Palazzo en diálogo con EFE.

El festival llegó a la Plaza Próspero Molina, espacio donde se presentaron artistas como Atahualpa Yupanqui y Mercedes Sosa, pero la inclusión del rock representó un quiebre con la herencia criolla. El propio Palazzo señaló a EFE que entonces resultaba impensable organizar un evento de estas características en ese lugar. La primera edición incluyó una interpretación significativa: Divididos, formada tras la disolución de Sumo, tocó ‘El Arriero’, llevando el clásico de Yupanqui a una versión rockera, gesto que muchos tomaron como un desafío a la tradición.

Con el paso de los años Cosquín Rock dejó de percibirse como una “herejía” para consolidarse como encuentro masivo. Desde su debut, han pasado por sus escenarios figuras centrales de la música argentina como Charly García, Fito Páez y el recordado Luis Alberto Spinetta. Fito Páez, de hecho, forma parte de la grilla en esta edición. EFE detalló que el crecimiento del festival motivó su traslado a la Comuna de San Roque en 2005 y luego, en 2011, a su actual sede en Santa María de Punilla.

La apertura artística del evento cobró notoriedad en 2011, año en que Calle 13, agrupación puertorriqueña de música urbana, se presentó en medio de polémica por incorporar géneros ajenos al rock. "Generó controversia y un ‘hateo’ impresionante", contó Palazzo a EFE, aunque la respuesta del público terminó validando la decisión. A partir de entonces, la programación se diversificó incluyendo música electrónica, pop, trap y rap, con presencia de artistas como Chemical Brothers, Peces Raros (electrónica), Lali (pop), YSY A y Dillom (trap), además de Trueno (rap).

El medio EFE señaló que actualmente el Cosquín Rock atrae a distintas generaciones, incluyendo jóvenes cuyos padres y abuelos participaron en ediciones anteriores. Esta evolución transformó al encuentro en un evento familiar en el que conviven públicos de diferentes edades. Este año, además de los mencionados, el cartel confirma grupos como La Vela Puerca, Franz Ferdinand, Bersuit Vergarabat, Marilina Bertoldi, Hermanos Gutiérrez, Airbag y Viejas Locas, entre otros.

Cosquín Rock, según detalló EFE, ha superado las fronteras argentinas y ya celebró ediciones en México, Chile, Uruguay, Paraguay, Perú, Colombia, Estados Unidos y España, y se prepara para su debut en Brasil. Este proceso de expansión refleja el alcance regional e internacional del festival. El propio Palazzo aseguró al medio que el evento representa "un granito de arena de la evolución de la música argentina".

El desarrollo del encuentro también se evidencia en la infraestructura y servicios que acompañan a los asistentes. El medio EFE detalló que el predio ofrece innovaciones enfocadas en el bienestar del público, incluyendo puestos de hidratación, hamacas y sillas voladoras, que buscan responder a las nuevas demandas de los festivales de gran escala. Además, la organización destina esfuerzos a la seguridad y a la experiencia general, con propuestas pensadas tanto para quienes siguen los principales shows como para quienes desean recorrer diferentes espacios culturales dentro del evento.

El Cosquín Rock continúa renovándose y posicionándose como una plataforma de referencia tanto para el descubrimiento de nuevas propuestas musicales como para la consagración de figuras históricas. La ampliación de los géneros incluidos ha facilitado la integración de nuevas audiencias y ha impulsado la asistencia de familias completas, fenómeno que Palazzo interpreta como parte de la consolidación del festival. El medio EFE remarcó que la simultaneidad de siete escenarios fomenta la convivencia de distintos estilos y públicos, manteniendo la esencia plural y evolutiva que distingue al evento desde sus inicios.

“¿Primitivos? Nunca me gustó esa banda. El cantante era un perro. No pegaban una nota”, dice Chary de Loquero en un short de YouTube. “Otra banda de mierda que queda en el olvido”. Mira a cámara y chasquea la lengua. Encapuchado y con anteojos de sol, Dudú de Sin Ley dice que “eran alucinantes” pero que “terminaron como empezaron: todos hasta las bolas”. Joan Manuel Pardo de Camionero los conoció por un kiosquero que le habló de una “data súper secreta”. ¿Primitivos? ¿Existe? ¿Existió?

Ahora Damián Snitifker está en Berazategui pero podría estar en cualquier rincón de la provincia de Buenos Aires. Trabaja en el rubo gastronómico, en la parte comercial, y viaja mucho. Puede pasar hasta seis horas en la ruta, solo, manejando, siguiendo la línea puntuada, con la llanura a cada lado, escuchando música, mucha música, a veces algún podcast, “evitando el tiempo muerto”. Madariaga, Azul, Coronel Pringles, General Alvear, Cañuelas, Punta Indio, Magdalena, Maipú y puede seguir nombrando lugares.

“Me gusta conocer su idiosincrasia, ciertas costumbres, los barcitos. Cuando tengo que hacer noche en algún lugar, a veces paro en esos bares de pueblo donde solo tenés Quilmes, Brahma y aperitivo. No pidas Heineken o cerveza artesanal. Y es buenísimo”, comenta entre risas. El resto del tiempo, es músico, bajista, a veces cantante, y escritor. Su última novela, editada por Crack-Up con ilustraciones de Max Vadalá, se titula Primitivos y es la historia de una banda punk que decide volver al ruedo.

Entre 2014 y 2017 Snitifker tuvo un centro cultural en Quilmes y un día invitó a tocar a Los Pillos, una banda punk de los ochenta, en una versión reducida. Conoció a esos músicos, también a otros, fue estableciendo vínculos, amistades, revisitando esa época, y de pronto se vio envuelto en un mundo que merecía ser narrado al detalle. Pero no quería una biografía estricta ni un texto periodístico o de no ficción. Ya había publicado tres libros de cuentos y una novela, Ciudad dormitorio. Profundizó.

“Es una época que me fascina. Lugares como el Parakultural, Café Einstein, La Esquina del Sol. Es imposible que no te atraiga el inicio de lo que hoy llamamos el under, lo alternativo, el punk, ese tipo de rock. Hay tantas bandas... Mimilocos, por ejemplo, que tiene discos muy oscuros. Hay un tema que se me viene a la cabeza ahora: ‘Entre sí’ se llama. Vos lo escuchás y te lleva a un lugar. Son canciones que pintan una época con sus sonidos, pero que no suenan en la radio. Y así hay miles”, agrega.

Primitivos sigue los pasos de Lucas Virasoro, familiero, ferretero, 53 años, al que invitan a una radio para hablar de esa banda localista que ya creía que ya nadie recordaba. Pero empiecen a llegar mensajes de los oyentes, más sorprendidos que melancólicos. Algo remueve el pasado. ¿Y si volvemos? Sin caer en la nostalgia por el pasado perdido ni en la caricaturización cruel del rockero, la novela recorre un sendero insospechado. “Gente real”, resume ahora, del otro lado del teléfono.

La novela dejó su piel de libro, engordó, se volvió otra cosa. En las redes, Genniol, Sergio Rotman, Ariel Minimal, Néstor Frenkel, Adrián Yanzón de Los Pillos, Tom Quintans de Bestia Bebé y Diego Demarco de Los Decadentes hablan de la banda. La pregunta por la veracidad aparece enseguida. ¿Existió Primitivos o cada uno se inventa una historia? ¿Es la continuación de una ficción que empezó en la cabeza de Snitifker y ahora encuentra otras voces, ramificaciones, una gran novela oral y colectiva?

Damián Snitifker vive en Berazategui, donde nació y creció. “Acá tenés el centro, más parecido a Capital Federal, y la zona más alejada, donde vive yo, más parecida a la vida de los pueblos de provincia: mate en la vereda, el tipo lavando el auto, los chicos en bicicleta, el vecino con los parlantes, las chicharras, las pelopinchos, a veces adentro, a veces afuera, los pibes en la esquina, y el tiempo que corre más parecido a la provincia. No es una panacea de la seguridad, pero se parece a mi infancia”, cuenta.

Sin hermano que funcione de guía, Snitifker le preguntaba a sus tíos que música escuchaban. Empezó con Riff, Manal, Rata Blanca, José Larralde. Su padre le aportó Charly García; su madre, Silvio Rodríguez y Pablo Milanés. Los dos primeros casettes que se compró fueron un grandes éxitos de Creedence y uno de La Renga. “Ahí empecé a agarrar toda la movida del sur de recitales en bares, en sociedades de fomento, en clubes, en festivales”. Cada tanto viajaba a Capital a ver alguna banda.

“Existe un poco la vuelta del perro también, que es propia de todas las ciudades del interior de la provincia: agarrar el auto el domingo y dar una vueltita por ahí a veinte por hora. Nos falta ir a tomar mate a la ruta. No tenemos ruta en Berazategui”, y se ríe. Tiene cuarenta años. Es Licenciado en Comunicación por la Universidad de Quilmes, profesional gastronómico y estudiante de Historia. Toca el bajo en El Orden de las Cosas. Pronto, adelanta, se van a meter al estudio para hacer unos EPs.

Tiene un oído atento. “Hay géneros que te pueden gustar menos pero lo que no podés hacer es respetarlos menos por eso”, dice. “Veo a muchos rockeros haciendo con muchos músicos nuevos lo mismo que hacían los tangueros en los sesenta y setenta cuando salió el rock: ningunearlos”, sostiene. De las nuevas caras nombra a Trueno, Dillon, Wos, Milo J, Camionero, Reybruja. “Hubo un momento en que el rock se volvió muy frío”, dice y deja un silencio. Intenta elegir con cuidado las palabras.

“Yo no veía chicos con remeras de Él mató a un policía motorizado. Tampoco toda esa organización de colectivos para ir a ver bandas como hubo en otro momento. Me refiero a gente militando la música. Creo que algo volvió de todo eso. Lo veo con Camionero, por ejemplo. Sus fans están muy organizados, lo van a ver a todos lados donde tocan, incluso hay grupo de sus seguidores, que se llama Rueda de Auxilio, que en los recitales juntan alimentos para llevar a distintos comederos”, agrega.

Sobre el final de la charla aparece la más novedosa coyuntura: el show de medio tiempo del Súper Bowl de Bad Bunny. “Lo que me pasa es un poco ambiguo. Por un lado me cae simpático que el show yanqui por excelencia esté teñido con costumbres más comunes para nosotros: el idioma, los vendedores ambulantes, los festejos, un casamiento con niños durmiendo sobre las sillas, como suele pasar en cualquier cumpleaños o fiesta. Eso me es más atractivo que Kid Rock cantando con un pañuelo yanqui en la cabeza".

“También me pasa que si está ahí, que es como la cuna del mercado, donde millones de estadounidenses están viéndolo, donde las marcas pagan millones de dólares por un segundo para promocionarse, si está ahí quiere decir que no representa ningún tipo de peligro. Funciona como una válvula de escape, como cierta visibilización en este contexto tan complicado para los latinos viviendo en Estados Unidos, siendo cazados y deportados por el ICE”, sostiene el músico y escritor.

“Es una integración ficticia que no se replica en la práctica y en lo cotidiano. Si está ahí significa que no representa ningún peligro. Es un ejemplo más de la contracultura siendo asimilada por la cultura hegemónica, como pasó con el movimiento hippie, las luchas de los setenta, los punks, incluso la cara del Che Guevara como estampa en ropa de marcas reconocidas. Es una banalización de la lucha porque, al fin de cuentas, no es más que un tipo contándole a un tal Tití que tiene muchas novias, ¿no?“, concluye.

“Si mañana me fuera de aquí, ¿seguirías recordándome?”. Esta pregunta, tan simple como cargada de profundidad, es uno de los comienzos más icónicos de la historia del rock. Sus autores, conocidos internacionalmente, no son Led Zeppelin ni Fleetwood Mac, y ni siquiera aparecen en las grandes listas de mejores bandas musicales del último siglo. Sin embargo, esto no ha impedido que ahora uno de sus temas más emblemáticos, precisamente el que empieza con esa frase, acabe de ser elegido como “la mejor canción de rock estadounidense de todos los tiempos”.

Estamos hablando de Free Bird, uno de los grandes himnos que la banda Lynyrd Skynyrd ha compuesto en los más de 60 años que lleva llenando escenarios de todo el mundo. Formada en 1964 por Ronnie Van Zant, Fary Rossington, Allen Collins, Bob Burns y Larry Junstrom, este grupo bautizado con el nombre del antiguo profesor de gimnasia de varios es conocido por temas como Gimme three Steps, Simple Man o, sobre todo, Sweet Home Alabama.

Sin embargo, la revista especializada Ultimate Classic Rock ha decidido que sea Free Bird la canción elegida no solo como la mejor de toda la discografía de la banda, sino como la mejor composición estadounidense de toda la historia de este género musical. “No sorprenden su popularidad y longevidad”, destacan en el citado medio, “escrita como una oda a la libertad y luego adaptada como panegírico para Duane Allman (uno de los guitarristas más grandes de todos los tiempos), Free Bird ha alcanzado proporciones míticas desde su debut”.

Desafiar las tendencias con un solo de guitarra único

Un elemento llamativo de la canción de Lynyrd Skynyrd es su duración. Si en su formato original el tema se prolongaba durante más de nueve minutos, la banda decidió que fuera este el que cerrara sus conciertos durante muchos años con una versión en directo que alcanzaba el cuarto de hora, tal y como atestiguan discos como Play Me A Little (Live New York ‘88).

De este modo, con su lanzamiento en 1973, Free Bird desafió las reglas del mercado discográfico con su duración. En una época donde predominaban los sencillos breves, la apuesta de Lynyrd Skynyrd fue arriesgada. Sin embargo, el tiempo dio la razón a la banda, ya que el tema no solo alcanzó el puesto 19 en el Billboard Hot 100 en 1975, sino que se transformó en el clímax emocional de sus presentaciones en vivo con un solo de guitarra ya icónico para los fans del grupo.

Del homenaje a Allman al accidente de avión que lo cambió todo

En cada concierto, la canción se convertía en un ritual de comunión entre la banda y su público, reivindicando el mensaje de libertad: el título y la letra evocan ese deseo de movimiento y espíritu independiente que tantos asocian con la identidad estadounidense. Eso sí, finalmente se descubriría que la canción en realidad nunca pretendió ser un homenaje a Duane Allman, ya que se terminó por descubrir que el tema ya estaba escrita desde antes, algo que no ha impedido que Lynyrd Skynyrd siguiera dedicándosela en sus shows.

Años después del lanzamiento de Free Bird, la tragedia golpearía con gran fuerza a la banda tras un accidente aéreo que terminaría con la vida de Ronnie Van Zant, cantante de la banda. Años más tarde, sería el hermano de este, Johnny, quien asumiera el papel de vocalista, lo que provocó que la canción añadiera nuevas capas de significado a su letra: el público comenzó a identificar en la voz del menor de los Van Zant una forma de mantener vivo el espíritu de Ronnie, transformando cada interpretación en un acto de memoria colectiva.

Bajando la mirada al pasado, se observa que, hacia mediados del siglo XX, la creatividad musical parecía haber explorado casi todas las combinaciones imaginables en la guitarra. Sin embargo, surgieron casos en los que riffs memorables presentaron semejanzas notables con piezas previas. El público y los especialistas señalaron situaciones en las que la línea entre homenaje e imitación resultó difusa.

La discusión se intensifica cuando músicos reconocidos admiten haber tomado ideas de otros artistas. La apropiación de fragmentos musicales no siempre resulta intencional, pero el análisis de la historia del rock revela ejemplos concretos que alimentan el debate sobre los límites de la inspiración.

El caso de Deep Purple y Beethoven

Deep Purple se consagró en 1973 con “Smoke On The Water”, cuyo riff de guitarra se convirtió en un ícono del género. Según declaraciones de Ritchie Blackmore, recogidas por American Song Writer, el célebre riff surgió al invertir la secuencia de notas de la “Sinfonía n.º 5” de Beethoven. El guitarrista de la banda, con formación clásica, admitió que la influencia fue directa y consciente.

El único cambio notable respecto a la obra original radica en la variación del tempo. Además, algunos críticos han notado similitudes entre “Smoke On The Water” y “Maria Moita”, tema compuesto por Carlos Lyra en 1964. Estas coincidencias refuerzan la percepción de que la creación musical suele reciclar elementos previos, aunque la transformación de los mismos puede dar origen a piezas innovadoras.

El caso de Deep Purple ilustra cómo el legado clásico puede integrarse en el rock, generando resultados que trascienden generaciones. La transparencia de Blackmore en sus confesiones añade un matiz de honestidad a la discusión sobre los límites de la originalidad.

Los Beatles y el debate sobre “Revolution”

The Beatles figuran entre los compositores más influyentes del siglo XX. Sin embargo, tanto John Lennon como Paul McCartney reconocieron en varias ocasiones haber tomado ideas de otros músicos. De acuerdo con análisis de expertos y declaraciones públicas, la canción “Revolution” muestra similitudes con “Johnny B. Goode” de Chuck Berry.

Según detalló American Song Writer, el parecido más notorio surge al comparar la estructura rítmica y melódica de ambos riffs. No obstante, algunos musicólogos han señalado que “Revolution” guarda aún mayor semejanza con “Do Unto Others”, tema del guitarrista de blues Pee Wee Crayton. La discusión se centra en la línea de guitarra, que reproduce patrones ya explorados en la música afroamericana de décadas anteriores.

Estas observaciones no disminuyen el aporte de The Beatles a la cultura popular. Por el contrario, evidencian cómo la innovación puede partir de la reinterpretación creativa de materiales existentes, un proceso común en la evolución de la música popular.

The Doors y la sombra de The Kinks

En 1968, The Doors lanzaron “Hello, I Love You” en su álbum Waiting For The Sun. La canción generó controversia por alejarse del sonido habitual del grupo y por las sospechas de plagio. Según versiones recogidas por American Song Writer, Elektra Records presionó a la banda para incluir el tema, a pesar de las reservas de algunos integrantes.

Muchos oyentes detectaron una similitud evidente entre el riff del tema de The Doors y “All Day And All Of The Night”, éxito de The Kinks en 1964. De acuerdo con declaraciones de Ray Davies, líder de The Kinks, su editor consideró iniciar acciones legales, aunque finalmente optaron por resolver el asunto fuera de los tribunales.

Davies afirmó: “Mi editor quería demandar. Yo no quise hacerlo. Creo que llegaron a un acuerdo, pero no sé los detalles”. El episodio refleja cómo las disputas por derechos de autor pueden solucionarse de forma privada, aunque las comparaciones entre las obras persisten en la memoria del público.

Inspiración, homenaje o copia: el dilema en la música

El análisis de estos tres casos revela que la frontera entre inspiración y copia resulta difícil de definir. Las influencias cruzadas, la memoria musical colectiva y la reinterpretación de motivos clásicos forman parte del proceso creativo en el rock y otros géneros populares.

Las acusaciones de plagio suelen surgir cuando un nuevo éxito recuerda a una composición anterior, especialmente si ambas alcanzan gran notoriedad. Sin embargo, la historia demuestra que la música suele avanzar a partir de la reelaboración de ideas, y que los límites de la originalidad absoluta son cada vez más difusos.

En conclusión, los riffs de guitarra más famosos del rock no surgieron en un vacío. Lejos de restarles mérito, el reconocimiento de sus orígenes contribuye a entender la riqueza y complejidad del fenómeno musical contemporáneo.

Debido a la popularidad que tiene el turismo enfocado en las historias del narcotráfico en Medellín, el líder social Carlos Bravo, que es conocido en la ciudad como “Caliche”, decidió crear un recorrido en el que habla de su género de música favorito:s el punk, incluyendo unos ejercicios de memoria sobre las páginas más oscuras de la historia de la capital antioqueña.

En diálogo con El Espectador, “Caliche” habló sobre su labor social en Medellín, incluyendo el legado del punk en contraste con la época más violenta de la ciudad.

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Durante la conversación, “Caliche” reconoció que, por la fama que tenía la ciudad en los 80, no todas las historias secretas son sobre violencia, puesto que varios artistas vivieron historias que siguen siendo recordadas como mitos urbanos.

La banda que pidió un regalo de Pablo Escobar

Carlos Bravo mencionó que una de las historias que cuenta en su recorrido es sobre la ocasión en la que la banda Argus visitó la capital antioqueña para una presentación.

“En 1983 se realizó un concierto en el que vino una banda de Estados Unidos, que se llamaba Argus, tocó con Pirus y con Complot, dos bandas de acá de Medellín; era la primera vez que venía una banda de Estados Unidos y claro, tuvo mucha acogida de los jóvenes rockeros del momento”, recordó Bravo.

El líder social afirmó que en la actualidad se sigue mencionando que los americanos volvieron a su país con sus maletas llenas de cocaína, pero en realidad su cercanía con Pablo Escobar se registró de otra forma.

“Dentro de la memoria colectiva de esa época, fue un concierto muy recordado. Los mitos que hay son porque en la boleta aparecía el logo del partido político de Pablo Escobar, Medellín sin tugurios. La gente decía que cuando la banda se fue a Estados Unidos, que los instrumentos iban llenos de cocaína”.

“Eran solo mito”, indicó “Caliche” al asegurar que en realidad los músicos recibieron un regalo por parte del líder del cartel de Medellín para que “disfrutaran” de la ciudad después del concierto.

“Hace poco se hizo un conversatorio en el que participó el organizador de ese evento. Él dijo la verdad y cuál había sido la incidencia de Pablo Escobar en la boleta. Era porque ellos necesitaban la publicidad y le pidieron a Pablo; él dijo que sí, pero a cambio de eso tenían que poner el logo de Medellín sin tugurios”.

Para concluir, “Caliche” mencionó la versión que conoce sobre lo que se registró aquella noche en Medellín, en la que los norteamericanos arrojaron a la basura el narcótico que habían recibido por parte del capo antioqueño.

“Los músicos querían probar un poco del material que se estaba produciendo en la ciudad, hablaron con el organizador, él habló con Pablo y les mandó un regalito, un kilo de cocaína. Hicieron una fiesta para ellos en El Poblado. Llegó una persona de negro, pensaron que era policía y salieron a correr, botando todo lo que estaba en la mesa”.

Esta no es la única historia en la que se menciona a Pablo Escobar con artistas internacionales, puesto que tras la muerte del capo se han revelado anécdotas o mitos urbanos sobre presuntas contrataciones de músicos de talla internacional.

De hecho, algunos cantantes han decidido confesar que en su momento fueron contratados por el criminal más buscado de Colombia, que en la mayoría de ocasiones hacía la gestión a través de terceros sin que los extranjeros supieran ante quién iban a tocar.

No hay duda de que la década de los 70 es una de las más brillantes de la historia de la música popular, al menos en lo que a rock se refiere. En esos años, temas como Bohemian Rhapsody, de Queen, Another Brick in the Wall, de Pink Floyd, Gimme Shelter, de los Rolling Stones o Highway to Hell, de AC/DC, copaban las listas de los grandes éxitos de una industria en plena eclosión.

Por eso, no es de extrañar que sean los himnos lanzados en esos años los que ahora las revistas musicales ubiquen como los mejores temas de rock de la historia. Así lo han hecho, por ejemplo, en Shortlist, medio especializado que acaba de actualizar su lista con las mejores canciones de todos los tiempos, donde un tema de Led Zeppelin ha alcanzado la cima: Stairway to Heaven. La publicación ha justificado su elección por la “fuerza de la letra” y el crescendo de la guitarra a lo largo de un tema de casi ocho minutos, aspectos que, según Shortlist, han mantenido vivo el interés en la canción a lo largo de las décadas.

Así se creó ‘Stairway to Heaven’

La génesis de este himno, mantenido como un referente cultural a pesar del paso de las décadas, ha sido algo comentado en varias ocasiones por los miembros de Led Zeppelin. Jimmy Page, guitarrista de la banda, confesaría en 2014 que la intención fue “intentar armar algo que comenzara con una guitarra muy frágil y expuesta”; un inicio ya emblemático al que, además, añadieron unas flautas para darle un toque “ligeramente medieval”.

“Buscaba una composición que se desplegara en más capas y estados de ánimo”, continuaba explicando Jimmy Page. Su intención era que la canción “acelerara a cada nivel, tanto emocional como musical”, hasta llegar a un éxtasis final donde el rock se vierte en toda su potencia. “Creo que la calidad perdurable de esta música durante todos estos años es que todos tocan con mucha honestidad y convicción”.

Acusados de plagio

A pesar de esta fama, lo cierto es que el verdadero origen de Stairway to Heaven también ha sido objeto de polémica. En 2016, Robert Plant, vocalista de Led Zeppelin, negó ante un tribunal haber plagiado el inicio del tema tras las acusaciones de Michael Skidmore, albacea de la herencia del guitarrista y compositor de la banda Spirit, Randy California, fallecido en 1997. Según Skidmore y sus representantes, Stairway to Heaven copiaba parte del comienzo de la canción Taurus, compuesta por California, un músico con quien tanto Page como Plant compartieron escenario a finales de los 60.

Plant declaró ante la corte federal de Los Ángeles que compuso mucho antes, mientras se encontraba en el campo inglés, junto a su compañero de Led Zeppelin. “Realmente estaba intentando llevar ese remoto y rural Reino Unido… esas antiguas, casi inexploradas referencias celtas, a la pieza”, incluyó en su explicación al juez. En concreto, el cantante mencionó un “primer pareado” que se les ocurrió entonces: “Hay una dama que está segura de que todo lo que brilla es oro y está comprando una escalera al cielo. Cuando llega, sabe que si todas las tiendas están cerradas, con una palabra puede conseguir lo que vino a buscar”.

El veredicto del tribunal tras varios fallos y apelaciones

Durante el proceso judicial, Page volvió a declarar y detalló la creación del tema ante el jurado, escuchando grabaciones de hace 46 años hechas en Headley Grange, el retiro británico donde la banda componía por aquel entonces. El abogado de Page hizo escuchar a la sala la versión final, de casi ocho minutos, antes de anunciar que la defensa no presentaría más testigos.

Por su parte, varios expertos convocados por la defensa argumentaron que la progresión de acordes del inicio de la pieza era tan “común” que no podía ser protegida por derechos de autor, pese a que el propio California había defendido en vida (sin llegar a demandar a Led Zeppelin) que sí merecía ser incluido como autor de la canción. Page, al testificar, aseguró que su progresión se parecía más “a Chim Chim Cher-ee, del musical Mary Poppins de 1964, que a cualquier otra cosa”.

La demanda puso en juego millones de dólares en derechos de autor. Sin embargo, tras varios fallos y apelaciones, Led Zeppelin obtendría una victoria definitiva en 2020, cuando un tribunal federal concluyó que no hubo plagio. Desde entonces, el asunto está cerrado, al menos a nivel legal, si bien sigue vigente como uno de los debates más famosos de la historia del rock. No es para menos, dado que Stairway to Heaven es una de las canciones más importantes del último siglo y, para muchos, la mejor de todas.

La colaboración entre The Warning y Carín León en “Love to Be Loved” encendió las redes sociales y las plataformas digitales desde su anuncio. La mezcla de una banda de rock originaria de Monterrey con una de las voces más reconocidas del regional mexicano generó conversación inmediata y colocó el lanzamiento en el centro del entretenimiento musical.

Este encuentro creativo ocurre en un momento sólido para ambas partes. The Warning atraviesa una etapa de consolidación que las ha llevado a posicionarse como una de las bandas femeninas más visibles del rock mexicano, mientras que Carín León mantiene una presencia constante en escenarios nacionales e internacionales.

Lejos de sentirse forzada, la unión se presenta como una apuesta que refleja el buen momento artístico de ambos proyectos. La expectativa no solo vino del contraste de estilos, sino del respeto que cada uno ha construido dentro de su propio género.

“Love to Be Loved”, una propuesta que mira al futuro

“Love to Be Loved” conserva la esencia de The Warning mientras integra la voz y el estilo de Carín León de forma orgánica. El resultado es una canción que no diluye identidades, sino que las hace convivir.

El estreno llega acompañado de expectativas altas, no solo por los nombres involucrados, sino por lo que representa unir dos mundos musicales tradicionalmente separados.

Esta colaboración se perfila como una de las más inesperadas y comentadas, confirmando que la música mexicana vive un momento de apertura creativa que sigue sorprendiendo dentro y fuera del país.

The Warning y el peso de su crecimiento artístico

Alejandra, Paulina y Daniela Villarreal han llevado a The Warning a un nivel que trasciende etiquetas. Su propuesta ha ganado fuerza gracias a una identidad clara, energía en el escenario y una conexión cercana con su audiencia.

La banda ha logrado atraer a públicos de distintas edades, no solo por su sonido, sino por la naturalidad con la que se relacionan con sus seguidores. Esa cercanía se ha convertido en parte esencial de su proyección.

Este crecimiento constante explica por qué la colaboración fue recibida como un paso natural y no como un experimento aislado. Su esencia se mantiene incluso al dialogar con otros géneros.

Carín León y su momento dentro de la música popular

Carín León vive una etapa marcada por conciertos con localidades agotadas y una presencia fuerte en la conversación musical. Su tema “Ahí estabas tú” forma parte del horario estelar televisivo como canción principal de la telenovela Doménica Montero.

A esto se suma su reconocimiento en Premio Lo Nuestro 2026, donde cuenta con diez nominaciones, destacando como el mexicano más nominado y uno de los artistas con mayor presencia en la edición.

Su capacidad de adaptarse a distintos estilos ha sido clave para conectar con audiencias diversas, mostrando una versatilidad que amplía el alcance de cada proyecto en el que participa.

Paulina Villarreal, baterista de The Warning, celebra su cumpleaños hoy 5 de febrero, en un momento clave de su carrera. Originaria de Monterrey e integrante de la banda, junto a sus hermanas Daniela y Alejandra, Pau se ha convertido en una figura central del rock contemporáneo por su potencia, precisión y presencia escénica.

Detrás de la batería, Paulina imprime una energía que distingue cada presentación del grupo. Su estilo intenso y su control rítmico la han posicionado como uno de los rostros más reconocibles de la percusión rockera actual, tanto dentro como fuera de México.

Este nuevo aniversario llega mientras The Warning atraviesa una etapa de consolidación internacional. El crecimiento del proyecto ha sido constante y Paulina se mantiene como uno de los motores creativos que impulsan el sonido y la identidad del trío regiomontano.

Reconocimiento internacional en un año decisivo

En 2025, Paulina Villarreal fue elegida como Mejor Baterista de Rock en la encuesta anual de lectores de la revista Modern Drummer. El reconocimiento, otorgado por votación del público especializado, marcó un hito para la percusión mexicana en la escena global.

La distinción no solo destacó su talento individual, sino que colocó a The Warning y al rock nacional en una conversación internacional donde la representación latinoamericana ha sido limitada. El logro reforzó la visibilidad del trabajo que la banda ha construido durante años.

Este reconocimiento se suma a una trayectoria que refleja constancia y evolución. La elección de Paulina confirma que su propuesta conecta con audiencias especializadas y con una comunidad musical atenta a las nuevas voces del género.

Una trayectoria que no deja de crecer

Antes de este logro, Paulina ya había sido reconocida en 2023 con el premio Rock Drummer of the Year en los Drumeo Awards. Estos galardones evidencian una carrera ascendente que se consolida a una edad poco común para este nivel de impacto.

Además de su papel en la batería, Paulina participa como vocalista en algunas canciones, aportando matices que enriquecen la propuesta sonora de la banda. The Warning se ha posicionado como uno de los proyectos más sólidos del rock actual.

Con presentaciones en festivales nacionales e internacionales y participaciones como banda telonera de agrupaciones como Muse, el grupo continúa ampliando su alcance. En su cumpleaños, Paulina Villarreal no solo celebra un año más de vida, sino un momento decisivo dentro del rock contemporáneo.

En los últimos días, The Warning se convirtió en tendencia luego de que circulara la versión de una posible colaboración con Hayley Williams y Demi Lovato. La banda integrada por las hermanas Villarreal generó expectativa tras una publicación que fue interpretada como una pista sobre su próximo álbum.

La imagen, compartida por Paulina Villarreal, desató una avalancha de comentarios en redes sociales. Los seguidores comenzaron a especular sobre alianzas internacionales que colocarían al trío regiomontano en una nueva etapa creativa.

El entusiasmo creció rápidamente, impulsado por la posibilidad de ver a las mexicanas compartir música con figuras clave del rock y el pop global, aunque pronto llegó la aclaración oficial.

La imagen que desató la teoría

La fotografía publicada mostró una lista de nombres que los fans relacionaron con colaboraciones futuras. Entre ellos destacaban Hayley Williams y Demi Lovato.

El contenido se viralizó en cuestión de horas, alimentando teorías sobre el sonido del nuevo disco y el alcance internacional del proyecto. Para muchos, se trataba de un adelanto cuidadosamente planeado.

Sin embargo, la interpretación fue más allá de la intención original, lo que llevó a la banda a explicar el verdadero contexto de la publicación.

La aclaración de las hermanas Villarreal

En una entrevista para Rolling Stone, las integrantes de The Warning aclararon que la imagen fue publicada por error. Explicaron que no se trataba de colaboraciones reales, sino de una lista de artistas con los que les gustaría trabajar en algún momento.

Las hermanas reconocieron la confusión y ofrecieron una disculpa a sus seguidores, señalando que se trató de un accidente. Incluso bromearon al respecto al decir que “las manifestaciones funcionan”.

En la misma charla confirmaron que su nuevo álbum ya está completamente grabado, aunque todavía no existe una fecha definida para su lanzamiento.

La colaboración que sí es una realidad

Mientras las especulaciones se disipaban, The Warning sí confirmó un proyecto concreto. La banda unió fuerzas con Carín León en una canción titulada “Love to be loved”.

El tema representa una fusión entre el rock y el regional mexicano, un cruce poco habitual que reúne a dos de los exponentes más sólidos de sus respectivos géneros.

La canción estará disponible el próximo 6 de febrero en plataformas digitales, marcando un momento clave para la música mexicana contemporánea y dejando claro que, aunque algunos rumores fueron desmentidos, nuevas apuestas ya están en camino.

Si hay un lugar en el que puede ocurrir cualquier cosa, es en un concierto de rock. Las mayores estrellas de este género musical han vivido a lo largo de sus carreras momentos de todo tipo, desde el escupitajo de Roger Waters (Pink Floyd) a un fan que trataba de subir al escenario hasta a Jim Morrison siendo arrestado en pleno concierto en el New Haven Arena.

Sin embargo, pocos artistas pueden ‘presumir’ de una vivencia como la que atesora una de las mayores estrellas de la historia del hard rock. Estamos hablando de la cantante alemana Doro Pesch, que en pleno escenario, mucho antes de alcanzar el reconocimiento con grupos como Warlock o Snakebite, vio cómo uno de los asistentes la apuntaba con una pistola mientras actuaba.

“Una vez tocamos en un club punk en Alemania y un tipo me estuvo apuntando con una pistola todo el rato”, recuerda Doro en una reciente entrevista para Louder Sound. “Estaba tumbado en el escenario, apuntándome, ¡y eso me hizo sentir un poco incómoda!”, dice mientras se ríe. Sin embargo, aquello era solo el principio. En medio del espectáculo, aquel hombre que sostenía la pistola perdió el conocimiento. “Los fans tomaron la pistola y me la dieron en el escenario, entre canción y canción, y dijeron: ‘Doro, está cargada...’”, relata la artista. “¡Estaba feliz de seguir viva! Pensé: ‘Bueno, así es un concierto...’”.

La verdadera lucha

Quizá esta anécdota represente mejor que ninguna otra el indomable carácter de Doro Pesch, también conocida como la Reina del Metal. No es baladí ser considerada como una de las primeras mujeres en liderar una banda de metal con éxito internacional, y junto a ella han trabajado ídolos del género como Motörhead, Udo Dirkschneider y Lemmy Kilmister. Ahora que recuerda aquellos inicios en conciertos como en el que la apuntaron con una pistola, reconoce que este tipo de eventos la “hicieron fuerte”. “Pero yo siempre fui valiente, quizás por aquella experiencia en el hospital: cuando estás a punto de morir, ya nada da tanto miedo”.

Con estas palabras, Doro hace referencia a una etapa anterior a su etapa en Warlock. De niña, Doro superó una tuberculosis que la mantuvo hospitalizada durante varios meses. Apenas recuperada, decidió que no pensaba perder más tiempo: se unió a su primera banda, Snakebite, y poco después lideró el grupo que la catapultaría a la fama con el álbum Burning The Witches en 1984. “Ser metalera, luchar por tu música, mantenerla, grabar discos y salir de gira, esa era la verdadera lucha”.

“Lo que siempre he querido hacer en mi vida”

A día de hoy, Doro es conocida sobre todo por su constante interacción con los fans y por el cariño que prodiga a todos sus seguidores. Este gesto, además de hablar de su dedicación, entraña también un mensaje de agradecimiento por la lealtad a un género que no lo tuvo siempre fácil: “Los metaleros no eran respetados en los 80, al menos por la gente común”, explica ella misma en la entrevista con el citado medio.

Por eso, el vínculo con sus seguidores sigue siendo su motor. “Los fans son mi amor más grande, verdadero y profundo”, sentencia. “Quiero a la gente. Quiero hacerlos felices y fuertes; empoderarlos. De eso se trata el heavy metal. Eso es lo que siempre he querido hacer en mi vida. Siempre soy más feliz cuando hago eso”.

Carín León y The Warning confirmaron una colaboración que promete romper esquemas dentro de la música hecha en México. El tema lleva por título “Love to be loved” y representa un cruce entre el rock y el regional mexicano, dos universos sonoros con públicos fieles y estilos bien definidos.

El anuncio fue realizado a través de las redes sociales oficiales de ambos artistas, lo que provocó una reacción inmediata entre sus seguidores. La noticia no tardó en viralizarse, impulsada por la curiosidad que despierta esta combinación poco habitual dentro de la industria musical.

La canción estará disponible el próximo 6 de febrero en plataformas digitales, fecha que ya marca la agenda de fans atentos a escuchar el resultado de esta colaboración inédita.

Un encuentro musical fuera de lo convencional

“Love to be loved” marca la primera vez que Carín León y The Warning unen sus talentos en una misma producción. El contraste entre la potencia del rock y la identidad del regional mexicano ha sido uno de los principales puntos de conversación en redes sociales.

Los comentarios reflejan entusiasmo, pero también expectativa. Miles de usuarios celebran la idea de esta fusión, mientras esperan descubrir cómo dialogan ambos estilos dentro de una sola canción.

El anuncio amplificó el impacto mediático y reforzó la atención sobre este lanzamiento que apunta a convertirse en uno de los más comentados del mes.

The Warning y un momento clave en su carrera

The Warning, conformado por las hermanas Daniela, Paulina y Alejandra Villarreal, atraviesa una etapa de fuerte proyección internacional. La banda se ha consolidado como una de las propuestas de rock mexicano con mayor presencia fuera del país.

Además del sencillo junto a Carín León, el grupo continúa enfocado en la creación de nueva música. Actualmente trabajan en un álbum que ya genera expectativa entre su base de seguidores.

Este nuevo proyecto discográfico llega en un momento decisivo para la agrupación, que se ha posicionado como un referente dentro de la escena del rock liderada por mujeres.

Carín León y la apertura a nuevas fusiones

Carín León ha destacado por su disposición a explorar sonidos más allá del regional mexicano. Esta colaboración refuerza su interés por experimentar y conectar con otras escenas musicales.

La unión con The Warning no solo amplía su panorama artístico, sino que también abre la conversación sobre la versatilidad de la música mexicana contemporánea.

Con “Love to be loved”, ambos proyectos apuestan por una propuesta que desafía etiquetas y confirma que la colaboración puede ser un puente entre géneros y audiencias distintas.

Aterciopelados, emblema indiscutido del rock colombiano contemporáneo, anunció su regreso a la Argentina para celebrar los 30 años de La Pipa de la Paz. La banda presentará el domingo 26 de abril, en el Teatro Vorterix de Buenos Aires, un espectáculo donde repasará las canciones más icónicas de ese álbum histórico, testimonio de su vigencia y su profundo llamado social, y que marcó un antes y un después en el panorama musical latinoamericano.

La gira conmemorativa, titulada Tour La Pipa de la Paz – 30 Años, comenzará a finales de marzo de 2026. Este ciclo propone una experiencia cargada de historia y energía para reunir distintos públicos, con interpretaciones renovadas de temas como “Baracunatana”, “Cosita Seria”, “La Culpable”, “Te Juro que No”, “No necesito”, “Quemarropa” y “La Pipa de la Paz”, junto a un recorrido por los mayores éxitos de Aterciopelados.

El proyecto liderado por Andrea Echeverri y Héctor Buitrago se encuentra en un momento de consolidación internacional, con fuerte presencia en festivales y escenarios de Sudamérica, Norteamérica y Europa. La gira no solo funciona como tributo a una obra clave, sino que consagra su legado como una de las propuestas más influyentes y coherentes de la música iberoamericana.

Desde 1998, año en que la banda se convirtió en la primera agrupación colombiana nominada a un Grammy anglo en la categoría Mejor Álbum Latino Alternativo, “La Pipa de la Paz” definió una estética caracterizada por la fusión de rock, ritmos folclóricos y una visión comprometida con la realidad social. Según la información oficial de la banda, Aterciopelados alcanzó diez álbumes de estudio, cuatro premios Latin Grammy—el último en 2024—y dos nominaciones a los Grammy principales (1998 y 2026).

El repertorio 2026 revive clásicos con arreglos y puestas pensadas para grandes festivales y nuevos públicos. Canciones como “No necesito”, “Te juro que no”, “Quemarropa”, “La Culpable” y la explosiva “Cosita seria” exhiben un despliegue de bajos incisivos y guitarras que, como sostiene la agrupación en su anuncio, abrazan la realidad con magia aterciopelada. El espectáculo suma boleros, teclados y detalles especialmente adaptados a escenarios internacionales.

En 2024, el grupo profundizó su proyección global con “El Dorado Tour”, un recorrido de 63 conciertos en América, Europa y Oceanía, reafirmando su papel como referencia del rock latino de los años 90. Ese año lanzaron también “Agradecida”, una colaboración con Gustavo Santaolalla que destacó por su fusión de vals y rock alternativo y el uso del ronroco andino. Este sencillo anticipó el lanzamiento en abril de 2025 de Genes rebeldes, su décimo trabajo de estudio.

La producción original de La Pipa de la Paz estuvo a cargo de Phil Manzanera y se consagró como un manifiesto de renovación para el género. El esperado reencuentro del público argentino con Aterciopelados promete una puesta en escena desafiante y renovada, bajo la premisa que, en palabras de la banda, ofrece “una experiencia potente y altamente vendible”. Las entradas se encuentran disponibles a través del sistema AllAccess.

The Warning volvió a captar la atención de sus seguidores tras anunciar el próximo lanzamiento de una nueva canción a través de su cuenta oficial de Instagram. El mensaje fue breve, pero contundente: “New song dropping soon… can you guess who we’re collabing with?”, acompañado de una pregunta directa que despertó de inmediato la curiosidad de su comunidad.

La publicación no solo confirmó que hay música nueva en camino, sino que introdujo un elemento clave: una colaboración aún no revelada. Ese detalle fue suficiente para que los fans comenzaran a especular sobre el posible artista invitado, elevando la conversación en redes sociales y reforzando la expectativa en torno al estreno.

El anuncio también fue replicado por la cuenta en cuentas de X, donde el entusiasmo se multiplicó. Comentarios, teorías y mensajes de apoyo han inundado las publicaciones, dejando claro que cada movimiento de la banda genera atención inmediata dentro y fuera de México.

Un misterio que alimenta la conversación entre fans

Hasta el momento, The Warning no ha confirmado ningún nombre relacionado con la colaboración. Sin embargo, el silencio ha jugado a su favor, ya que ha mantenido viva la conversación entre sus seguidores, quienes analizan cada pista compartida recientemente por la banda.

A través de algunos videos y contenidos publicados en redes sociales, los fans han comenzado a construir teorías propias. Estas pistas, aunque sutiles, han sido suficientes para detonar debates y suposiciones que se expanden rápidamente en plataformas digitales.

La banda, integrada por Daniela, Alejandra y Paulina Villarreal, se ha caracterizado por mantener una relación cercana con su audiencia, por lo que este tipo de dinámicas refuerzan ese vínculo y convierten cada lanzamiento en un evento compartido.

Las especulaciones apuntan a una colaboración inesperada

Entre las teorías que más fuerza han tomado en redes sociales destaca la posibilidad de una colaboración con Carín León, uno de los nombres más representativos de la música regional mexicana en la actualidad. Esta idea surge únicamente de la interpretación de pistas por parte de los fans y no ha sido confirmada por la banda.

La posible unión ha generado aún más expectativa, ya que representaría un cruce poco común entre el rock alternativo que caracteriza a The Warning y el regional mexicano que define la propuesta de Carín León. Para muchos seguidores, esta combinación sería una apuesta fresca y arriesgada.

Por ahora, es importante subrayar que todo se mantiene en el terreno de la especulación. No existe información oficial que confirme esta colaboración, pero la conversación ya está instalada entre los seguidores de ambos artistas.

Nueva música y un álbum en preparación

Mientras el misterio continúa, The Warning sigue enfocada en el desarrollo de nueva música. Además del sencillo que van a estrenar, la banda se encuentra preparando un nuevo álbum, un proyecto que ya genera grandes expectativas entre sus seguidores.

Este nuevo material llega en un momento clave para las hermanas Villarreal, quienes se han consolidado como una de las bandas de rock más relevantes de México y con mayor proyección internacional, especialmente dentro de la escena liderada por mujeres.

Por ahora, solo queda esperar un anuncio oficial por parte de The Warning. Ya sea con una colaboración confirmada o no, la banda ha logrado su objetivo: mantener a su audiencia atenta, emocionada y lista para escuchar lo que viene.

La batalla legal entre Mick Mars y Mötley Crüe llegó a su fin tras meses de enfrentamientos públicos, con un fallo que marcó el cierre definitivo de una relación artística de más de cuatro décadas. El arbitraje, resuelto en junio de 2024, no solo puso punto final a las demandas del exguitarrista, sino que también despejó las dudas sobre la legitimidad de los conciertos de la banda.

Un arbitraje con consecuencias económicas

El árbitro designado, Patrick Walsh, rechazó todas las demandas de Mars y le ordenó indemnizar a la banda. Según informó blabbermouth, la resolución obliga al músico a devolver más de USD 750.000 en anticipos por giras no recuperados, reforzando la posición legal y la reputación del grupo. El abogado del conjunto, Sasha Frid, comunicó el fallo, dejando claro que la decisión cierra meses de acusaciones cruzadas y tensiones internas.

El conflicto estalló en octubre de 2022 cuando Mars anunció su retiro de las giras debido a problemas de salud. Aunque expresó su intención de continuar como miembro, su ausencia en el escenario fue cubierta por John 5, quien asumió la guitarra en los conciertos posteriores.

La demanda y el trasfondo contractual

Seis meses después, Mars interpuso una demanda ante el Tribunal Superior del condado de Los Ángeles. Alegó que los otros integrantes habían intentado apartarlo como directivo y socio de la empresa mediante una reunión de accionistas. Exigía mantener el 25% de los ingresos por giras de manera indefinida, pese a no formar parte de los shows en vivo.

El árbitro desestimó este reclamo al comprobar que, en 2008, Mars había solicitado introducir una cláusula que limitaba el reparto de ingresos de giras a quienes participaran en los conciertos. Este antecedente resultó clave para justificar la exclusión del guitarrista como directivo y del reparto societario. De este modo, la banda consolidó su decisión de mantener a Mars fuera del núcleo ejecutivo.

Acusaciones de playback y la intervención de un experto

El proceso judicial se volvió más polémico por las afirmaciones públicas de Mars sobre el supuesto uso de pistas pregrabadas en los espectáculos. Declaró ante varios medios y bajo juramento que Nikki Sixx y Tommy Lee empleaban grabaciones y no tocaban sus instrumentos durante las giras. La controversia llegó a tal punto que fue necesario recurrir a un peritaje independiente.

El experto en tecnología musical, contratado por el propio Mars, concluyó que la banda interpretaba sus temas en directo. Ante la contundencia del informe, Mars rectificó formalmente sus declaraciones. Este episodio disipó cualquier sospecha sobre la autenticidad de los shows y restableció la confianza en la calidad artística del grupo.

Reacciones de la banda y cierre del vínculo

El abogado Sasha Frid destacó que el fallo “desmantela la narrativa pública” impulsada por Mars y reivindica completamente a Mötley Crüe desde una perspectiva legal y financiera. Asimismo, Nikki Sixx calificó las acusaciones de playback como “una traición” y explicó: “Todo lo que reforzamos en el espectáculo, lo tocamos en directo. Si hay coros de fondo, es para lograr un sonido más cercano al disco, pero seguimos cantando”, declaró Sixx a blabbermouth.

Por su parte, el mánager Allen Kovac defendió el trato que recibió Mars y responsabilizó a sus representantes de promover una campaña de desprestigio. Según Kovac, “Mick no es la víctima. Las víctimas son Mötley Crüe y la marca. Mick ha sido guiado por otros para decir y hacer cosas que afectan negativamente a la banda”. Kovac recalcó que el grupo evitó confrontar a los seguidores con Mars y atribuyó al círculo cercano del guitarrista la manipulación de la situación, aprovechando su enfermedad crónica.

Un legado de cuatro décadas y final de una era

A pesar de la ruptura, la historia compartida entre Mars y Mötley Crüe abarca más de 40 años. Durante ese tiempo, el guitarrista participó en la creación de álbumes emblemáticos y canciones que contribuyeron a definir la identidad del grupo. La sentencia marca el cierre de una etapa y fija la separación definitiva tras un extenso recorrido conjunto.

El desenlace del conflicto legal ratifica la vigencia de los acuerdos internos y fortalece la posición de Mötley Crüe. El grupo preserva así su integridad y legado como una de las bandas más exitosas de la historia del rock, según destaca blabbermouth. La resolución brinda un nuevo capítulo para la formación y establece con claridad los términos de su futuro, sin margen para la ambigüedad ni las disputas internas.

El documental The Best Summer, estrenado esta semana en el Festival de Cine de Sundace, expone un retrato íntimo y sin filtros de las figuras clave del rock alternativo de los años 90, con capturas que emergieron de cámaras Sony Hi8 durante la gira australiana Summersault que unió a íconos de la época como Beastie Boys, Foo Fighters, Sonic Youth, Beck, Rancid y Bikini Kill.

Al respeto, la directora Tamra Davis ofreció a Variety una perspectiva inusual sobre la creación del filme: “No conservé las cintas originales de ninguna manera”. Davis narró que, tras realizar los primeros montajes, recurrió a un especialista en sonido y descubrió que perfeccionar demasiado el audio eliminaba la atmósfera viva de las grabaciones: “Tuve que añadir de vuelta parte del sonido porque me encanta cuando estamos en una habitación conversando y se oye una fiesta al lado. Quería que la gente sintiera que, si no se divertía aquí, cruzando la puerta había una fiesta. Así fue la gira”.

Kathleen Hanna, vocalista de Bikini Kill y pieza fundamental en las entrevistas, recordó cómo el entorno era radicalmente diferente al presente: “Había una conciencia de sí mismo que no teníamos entonces, porque no estábamos siempre ante una cámara. Ver a Tamra con una cámara era una novedad. No era como ahora, que cualquiera tiene una. Era: ‘Es una herramienta genial, podemos jugar, vamos a hacer algo con esto’”. Hanna añadió énfasis al carácter participativo y espontáneo del proyecto: “Al principio, había otro equipo documental en la gira, pero no encajaron con los músicos. Yo pensaba: ‘Podríamos hacerlo mejor’. Entonces simplemente empezamos a entrar en los camarines y a hacer preguntas. Me recordó lo importante que es ser insistente —no para ser grosera o acaparar espacio-.

Kim Gordon, cofundadora de Sonic Youth, profundizó en el impacto emocional del material rescatado para el documental. “Mirando la película, siento muchísima emoción por aquella época. Pero la verdad, solo lo recuerdo como un buen momento”, afirmó. Explicó también la crudeza del registro visual: “Fue genial ver a todos viéndose bien —y sin alta definición— hace 30 años”.

El acceso sin restricciones al backstage distingue el enfoque de Tamra Davis, quien reveló que optó por una producción absolutamente casera: “Solo éramos estas chicas mandonas, ‘Ey, tenemos preguntas para ustedes’, y entrábamos" contó. Esto ayudó a sobrellevar las largas pausas entre conciertos, algo que matizó: “Si no hacíamos eso, acabábamos inventando un juego raro en la piscina”.

La economía y el contexto social también surgen como líneas divisorias entre generaciones de músicos. Kim Gordon subrayó: “Bandas jóvenes ahora, o músicos jóvenes —nadie quiere subirse a una furgoneta y girar sin parar. Y eso es lo que solíamos hacer. Esa es una gran diferencia”. Kathleen Hanna identificó motivos estructurales en la crisis de acceso para los artistas actuales: “Siento que muchas bandas no pueden permitirse hacer giras. El alquiler es demasiado alto. Es otro mundo económicamente y también cómo la gente se ve a sí misma en cuanto a ‘marca propia’. No teníamos ese término ni había redes sociales. No sentía que tuviera que sostener una marca propia”.

La dimensión personal también se cuela en el relato. Hanna mencionó que es “emocional ver la película porque capta el inicio del romance” entre ella y Adam Horovitz de Beastie Boys. “Es como ver imágenes de mí enamorándome de él”, confesó. Tamra Davis reconoció haber sido celestina: “Fuimos las casamenteras. Pensamos: ‘juntemos a estos dos porque los queremos a ambos y sabíamos que Adam estaba pasando por un mal momento... y ella es la mejor para él, aunque parezca improbable’”.

Para Gordon, viajar con una hija bebé era un hecho cotidiano, no una dificultad: “Fue divertido ver esos fragmentos de Coco cuando era bebé”, refirió sobre su hija, ya treintañera. Recordó además: “Fue su primera gira a los siete meses. No podía dejarla. Solo temí al llegar a Yakarta porque había desagües abiertos y Coco tiraba mucho el chupete al suelo. Me obsesioné por mantenerlo limpio”.

La cercanía de los integrantes de Beastie Boys, retratada en pleno apogeo, demostró el peso sentimental de la propuesta. Ver a Adam Yauch en plenitud resultó desgarrador para Davis: “La primera vez que vi todo el montaje no podía dejar de llorar al final, era como revivir ese tiempo tan bonito y cuán valioso era todo”, admitió.

El modelo de producción de The Best Summer siguió la independencia absoluta: Tamra Davis autoprodujo el filme junto a la editora Jessica Hernández, la productora Shelby Meade y su abogada de años, Linda Lichter. La directora revivió la presión para conseguir los permisos musicales a tiempo para Sundance: “Tuve cuatro o cinco días para enviar la película y obtener las aprobaciones. Todos fueron increíbles. Todos la vieron de inmediato y la aprobaron”.

Al vender el filme, Davis insistió en un lanzamiento primero en salas, buscando replicar la experiencia colectiva de un concierto: “Quiero vendérselo a una compañía que apoye la música. Quiero un plan. No quiero venderlo solo por dinero. Esto es mi vida y creo que encontraré a alguien con pasión por este mundo y esa música, que lo quiera sacar adelante”.

Sobre la relevancia de su carrera, Davis reflexionó desde el rol de directora: “Una mujer puede hacer toda una película —rodada íntegramente por una sola mujer—. Me entusiasma que a los 60 tenga una película en Sundance. Las mujeres nos obsesionamos con la edad. Quiero que se sepa que la carrera no se acaba a los 60. Puedes seguir estrenando en Sundance. Seguimos siendo cineastas. Los hombres siguen filmando a esta edad. Y las mujeres deben poder estar y representar”.

[Fotos: prensa Sundance Festival]

El próximo 25 de julio, la banda mexicana El TRI, encabezada por Alex Lora, ofrecerá un concierto conmemorativo en el Palacio de los Deportes para celebrar 57 años de trayectoria. Este evento forma parte de la gira “Adicto al Rocanrol” y marca el regreso del grupo al emblemático recinto de la Ciudad de México, conocido popularmente como el “Domo de Cobre”.

La presentación de El TRI en el Palacio de los Deportes sigue a una serie de actuaciones que han consolidado su legado en la escena del rock nacional. El pasado 15 de febrero de 2025, la agrupación reunió a más de 60 mil personas en el Estadio GNP Seguros en una velada que se extendió por cuatro horas y media, donde interpretaron una selección de sus temas más reconocidos. Ese concierto representó el cierre de la gira “Y Todo Por El Rocanrol” y confirmó la vigencia de la banda como referente del género en México.

En fechas recientes, el grupo liderado por Alex Lora también se presentó en el Auditorio Nacional, donde ofreció conciertos sinfónicos junto a la orquesta “Esperanza Azteca”, bajo la dirección del maestro Julio Saldaña.

La gira “Adicto al Rocanrol” tiene como objetivo acercar la música de El TRI a nuevas generaciones, manteniendo el contacto con sus seguidores que los han seguido por varias décadas y por diversas generaciones.

Desde sus inicios, El TRI ha mantenido una presencia constante en la música mexicana. La agrupación ha vendido más de 30 millones de discos a nivel mundial y suma cinco nominaciones al Premio Grammy en la categoría de Mejor Álbum de Rock en Español, con discos como “Cuando Tú No Estás”, “Fin De Siglo”, “No Podemos Volar”, “35 Años” y “Lo Que Falta Todavía, Alex Lora: Del Three a El Tri”.

Fundado por Alex Lora en 1985 tras la evolución de su banda original, Three Souls In My Mind, el grupo participó en el Festival de Avándaro de 1971, evento clave en la historia del rock mexicano. Desde entonces, El TRI se consolidó como un fenómeno sociocultural, llevando el rock nacional a escenarios internacionales.

Boletos y precios para El TRI en el Palacio de los Deportes

La preventa de boletos para El TRI estará disponible el 30 de enero a través de Banamex, mientras que la venta general comenzará al día siguiente en las taquillas del Palacio de los Deportes y a través de la plataforma de la boletera Ticketmaster.

El primer gran impacto de Spinetta, al frente de Almendra -la banda que había formado con sus compañeros del colegio San Román del Bajo Belgrano a fines de los años 60- sucedió con esta canción de amor, dedicada a Cristina Bustamante, entonces novia del cantante y guitarrista. El tema formó parte del primer álbum de Almendra, se presentó en vivo el 22 de junio de 1969 en un recital en el Teatro Coliseo y claramente tenía un destino de hit, aunque en ese momento el rock argentino era absolutamente marginal para los grandes medios de la época (radio y televisión). Sin embargo, al musicalizar una publicidad televisiva de una marca textil, los inspirados versos de “Muchacha...” (”Sueña un sueño despacito entre mis manos hasta que por la ventana suba el sol”) y su bella melodía llegaron a la masividad. E instalaron a Spinetta en el imaginario popular como un naciente protagonista de la música popular argentina, de ahí y para siempre.

La bengala perdida

Una de las temáticas centrales de los años 80, derivadas del regreso de la democracia en 1983, fue la violencia en el fútbol. Y en ese contexto, lo ocurrido durante un partido entre Boca y Racing en la Bombonera, en abril de ese año, se convirtió en un símbolo del descontrol de seguridad que se vivía en los estadios de fútbol: una bengala disparada desde la tribuna que ocupaba la barra brava del equipo local cruzó todo el campo de juego e impactó en el cuello de un hincha de Racing, Roberto Basile, quien murió en el acto. Conmovido por el episodio, Spinetta “cruzó” sus lecturas del momento -sobre todo del filósofo, historiador, sociólogo y psicólogo francés Michel Foucault- con sus propios pensamientos, y compuso esta canción incluida en el disco Téster de violencia, que se editó en 1988 y fue considerado, por el propio Spinetta, como un disco conceptual con el eje puesto justamente en la violencia. “Por un color, sólo por un color / no somos tan malos, todo va a estallar”, resuena entre los versos de una canción testimonial como pocas en la cosecha de Spinetta. Testimonial y por supuesto, poética.

Rezo por vos

Un himno del rock argentino que surgió de las cenizas de un disco doble a dúo que pensaron grabar Luis Alberto Spinetta y Charly García entre 1984 y 1985. Así comenzó el proyecto al menos, que luego se diluyó entre descontroles de vida (de García especialmente), lucha de egos y facturas personales pasadas entre ambos y a lo largo del tiempo. Lo cierto que esta canción sobrevivió a aquella tormenta creativa y quedó como testimonio de una soñada unión de potencias que, de hecho, ambos publicaron en respectivos discos solistas: Spinetta en Privé (1986) y García en Parte de la religión (1987). Una décáda después, el mismo Charly García la grabó en su disco Hello! MTV Unplugged y -como quedó inmortalizado en la grabación- la dedicó a Spinetta. El círculo de esta canción que simboliza el gran encuentro de estos grandes, se cerró en 2009 cuando ambos tocaron en el estadio de Vélez Sarsfield respectivamente e invitaron al otro a cantarla. El 23 de octubre de ese año, Charly brindó aquel famoso “Concierto subacuático” y Spinetta subió al escenario; un mes y medio después, durante el show “Spinetta y la bandas eternas”, García fue el invitado.

Barro tal vez

Lo más impresionante de esta zamba publicada originalmente en el disco Kamikaze (1982) es que Spinetta la compuso cuando tenía ¡15 años! Varias décadas después, a fines de los años 90, en ocasión de un prolijo show MTV Unplugged luego publicado como Estrelicia (1997), volvió a grabarla con un delicado nuevo arreglo, solo con su guitarra acústica. El peso específico de la canción -que también grabó Mercedes Sosa a dúo con Spinetta, en la más famosa de todas sus varias versiones, para el disco Cantora de 2009- es el impacto existencial de la letra escrita por un adolescente en el cuarto de su casa del barrio de Belgrano, a mediados de los años 60. Allí expresa el sentido de componer y cantar sus canciones, hasta el punto de fusionarse con la música y volverse canción: “barro tal vez”. Una hermosa imagen que remite a aquella frase histórica de Atahualpa Yupanqui: “Abrigo un anhelo, para mí profundo y soñado. El de sumarme un día a la legión de los Anónimos, sin nombre, sin imagen, sin historia personal. Sólo un canto de amor y de paz que el viento lleva hacia un mundo de hermanos.”

Despiértate nena

Editada como lado B del simple “Post-crucifixión”, en 1973, y luego agregada como bonus track en la edición en CD del disco Desatormentándonos de Pescado Rabioso, esta canción de neto corte rockero en uno de sus períodos de sonido más rockero y sucio con distorsión de guitarras y base machacante bajo-batería -notablemente influido por el sonido de Led Zeppelin, muy en boga en esa época- describe con variados giros poéticos e imágenes surrealistas, una relación sexual. “Creo que aquí aparece todo aquello que estaba proscripto en ‘Muchacha…’, donde en ningún momento hay un rayo que la traspasa. Aquí sí, es como que la nena debe asumir un mundo, debe subirse a un rayo, debe tomar en cuenta su relación erótica con la naturaleza, y el rayo también se despierta para subirse a ella. Quizás todo esto gire en torno a la maternidad”. Y agregó: “‘Así verás lo bueno y dulce que es amar’ entra en el rango de la procreación, independientemente de que sea yo el que le va a hacer el amor, porque subirse al rayo no es subirse a mí. Es asumir para sí misma lo femenino del mundo”.

Ahora, tres años después de la muerte de Verlaine a los 73 años, el contenido de esas cajas —montones de hojas con letras, cuadernos, fotografías, experimentos literarios y carretes de audio repletos de pistas inéditas— ha sido adquirido por la Biblioteca Pública de Nueva York para las Artes Escénicas, donde se sumará a los archivos de otros gigantes neoyorquinos como Arturo Toscanini, John Cage y Lou Reed, y estará abierto al público para investigación académica o consulta de fanáticos curiosos.

La música y los objetos que Tom Verlaine dejó arrojan algo de luz sobre una de las figuras más importantes pero menos comprendidas del rock neoyorquino. Su manera sinuosa y exploratoria de tocar la guitarra en Television ayudó a poner en el mapa a un nuevo bar del centro llamado CBGB, y su sonido en canciones clásicas como “Marquee Moon” resonó en generaciones de bandas, desde Sonic Youth hasta The Strokes. Pero Verlaine era casi reservado en su rechazo al protagonismo, evitaba entrevistas, desconfiaba de la industria y publicó solo una pequeña cantidad de música en la segunda mitad de su carrera.

Los archivos que la biblioteca adquirió a Jutta Koether, su pareja de muchos años y albacea del legado, revelan que su creatividad nunca cesó. A veces trabajaba durante años en grabaciones, obsesionándose con ajustar el sonido de su guitarra cambiando válvulas del amplificador, solo para pasar a otros proyectos. Los 145 cuadernos de la colección contienen borradores de letras, sueños, ideas para guiones cinematográficos y bocetos de canciones que van desde principios de la década de 1970 hasta poco antes de su muerte, junto con notas personales en las que se reprocha por no practicar más su instrumento.

Sin embargo, esto es solo una fracción de las montañas de materiales que acumuló, la mayoría de los cuales ordenó destruir. No quería que nada que considerara inacabado o material de práctica circulara entre el público, dijo Koether, pintora y escritora. “Tom no compartía esto con la gente”, dijo ella en una entrevista en el antiguo apartamento de Verlaine, un espacio vacío y sin luces de techo donde el músico vivió desde 1981. “Siempre fue un poco paranoico. No quería revelar su proceso de trabajo al público”.

Tras la muerte de Verlaine, un comunicado de un representante señaló solo que había padecido “una breve enfermedad”. Pero hacía años que venía decayendo.

Koether dijo que notó los primeros signos de fragilidad hacia 2019. Aunque ella y Verlaine vivían en departamentos separados en el mismo edificio en Chelsea, Koether trabajaba en Alemania a comienzos de la pandemia de Covid-19, cuando él se quejó de una enfermedad no especificada. Cuando volvió a verlo en el verano de 2021, él estaba “como un esqueleto”, contó Koether, y se volvió demasiado débil para tocar. Evitaba a los médicos. “Tenía un dolor terrible y estaba en total negación”, recordó.

Con el empeoramiento de su estado, Verlaine fue hospitalizado en enero de 2023 durante unos cinco días; solo entonces Patrick Derivaz, compositor e ingeniero de sonido que había sido un estrecho colaborador desde principios de la década de 1990, supo que Verlaine lo había designado como su representante médico. Al llegar a un hospicio, Verlaine dio a Koether y Derivaz instrucciones sobre cómo manejar los detalles de su legado, incluyendo su deseo de que ella encontrara “una pequeña botella de vidrio verde” para guardar sus cenizas tras la cremación.

Nueve días después, falleció.

La noticia se divulgó a través de un excompañero de banda quien dijo que Verlaine había muerto de cáncer. Koether, citando su fuerte deseo de privacidad, se negó a comentar la causa.

Nacido como Thomas Miller, Verlaine creció en Nueva Jersey y Delaware, tocando piano y saxofón antes de que los Rolling Stones lo inspiraran a aprender guitarra. Un amigo del internado, Richard Meyers, compartía su fascinación por la música y la poesía. Se fugaron más de una vez, se mudaron a Nueva York y adoptaron nuevos nombres: Miller tomó el suyo del poeta francés del siglo XIX Paul Verlaine, y Meyers pasó a ser Richard Hell.

A principios de los años 70, ambos trabajaban en una librería del East Village y escribían poesía antes de formar la banda the Neon Boys, que evolucionó hasta convertirse en Television. Según cuenta la leyenda, Verlaine y algunos de sus compañeros caminaban por el Bowery hacia 1974 cuando vieron un nuevo bar —CBGB— que pensaron que podría servir de sede para presentaciones habituales. Una serie de conciertos en ese lugar durante la primavera consolidó tanto a la banda como al local. Una de las asistentes fue Patti Smith, quien escribió una reseña describiendo el modo de tocar la guitarra de Verlaine como “mil pájaros azules gritando”.

Tras el segundo álbum de Television, Adventure (1978), que decepcionó a algunos críticos, Verlaine publicó una serie de discos solistas que culminaron en Warm and Cool (1992), una colección semi-experimental de piezas instrumentales para guitarra. Nunca fue un habitual de la escena —evitaba las drogas y a quienes las consumían, dijo Koether, lo que excluía a muchísima gente del rock neoyorquino— desarrollando así una reputación de distante e incomunicativo. Dos álbumes publicados en 2006, Around y Songs and Other Things, habían estado en preparación durante años.

En una entrevista con The New York Times cuando se publicaron esos discos, Verlaine dijo que estaba “luchando por no tener una carrera profesional”. Nunca volvió a publicar otro álbum. Después de su muerte, Koether y Derivaz comenzaron a recoger y clasificar lo que el músico había dejado. Tenía cinco depósitos en Manhattan y Brooklyn repletos de libros, cintas, cuadernos, discos y guitarras, junto con 7.000 válvulas de vacío para los 72 amplificadores que había acumulado. “Guardaba todo”, dijo Derivaz. “Tenía dos o tres grandes bolsas llenas de medias sueltas para emparejar”.

El legado celebró dos ventas públicas para deshacerse de algunos de los 70 mil libros que tenía, muchos de los cuales consiguió hurgando los puestos de libros baratos al aire libre de la librería Strand. Verlaine solía grabarse mientras ensayaba o improvisaba solo, pero cumpliendo su deseo de conservar únicamente grabaciones razonablemente completas, destruyeron “miles” de casetes, contó Derivaz.

Aun así, el material que sobrevivió proporciona un retrato vívido de un artista en actividad. Y aunque ocupa solo unos 12 metros lineales, una colección compacta en comparación con los 34 metros de Lou Reed y los 56 metros de Wayne Shorter, otra reciente adquisición de la biblioteca, es sorprendentemente exhaustiva en cuanto a la cobertura de la carrera del guitarrista y cantante. Incluye cintas de estudio y ensayos de Television y de su trabajo solista, entre ellas docenas de cintas y unos 240 casetes que sobrevivieron a la depuración.

“Es sorprendentemente completa”, dijo Michael Chaiken, quien hace una década trabajó en el Archivo de Bob Dylan y fue contratado para ayudar a organizar la colección. “Tenemos grabaciones de casi todos los meses de existencia de Television.

Las hojas con letras, mecanografiadas y editadas con varias capas de tinta, muestran cómo se desarrollaron canciones clave de Television. “Marquee Moon”, la canción principal del álbum debut de la banda de 1977, comenzó como una pieza poética más larga y suelta titulada “Clacking Wush”, y los borradores muestran cómo ciertas coplas sobrevivieron hasta la versión final. Un casete de 1974 con él tocando una versión demo de “Marquee Moon” en guitarra acústica revela cómo se consolidaban las letras y tomaba forma el característico riff entrecortado de la pieza. Otra hoja muestra cómo una línea suelta acerca de la Venus de Milo se expandió hasta convertirse en “Venus”, otra pista del debut de Television.

El contenido literario del archivo se remonta a un poema navideño escolar de 1959 —firmado “Tom Miller, Aula 11”—, cuando tenía unos 10 años. Retoma en Nueva York a comienzos de los años 70, cuando emprendía experimentos literarios como “Theresa Stern”, un seudónimo poético que usaban con Richard Hell. Listas de canciones, volantes de CBGB y logotipos dibujados a mano documentan los inicios de Television.

Más de la mitad del archivo está compuesto por grabaciones, que abarcan aquella banda y una sorprendente cantidad de material solista. Incluye las cintas multipistas maestras de la sesión de demostración de Television en 1974 con Brian Eno, uno de los grandes “qué hubiera pasado si…” del rock —Verlaine rechazó el resultado (aunque las cintas circularon ampliamente como piratas). También hay ensayos de Neon Boys y docenas de pistas inéditas en las que Verlaine trabajó a lo largo de su carrera, brindando varias facetas de su amplitud artística.

Un instrumental, “Sunrise”, de alrededor de 1997, tiene un sonido casi de new age, mezclando una expansiva guitarra con un sintetizador etéreo. “Red Car”, de cerca de 1998, es una improvisación de narración hablada con acompañamiento de guitarra, de la que existen unas 25 tomas. “Cry Like a Fool”, de la misma época, es una toma con banda de tono rockero que, según Derivaz, había olvidado hasta revisar los numerosos carretes del archivo.

“En algunos toqué yo y ni lo recuerdo”, dijo. “Y ahora es como, ‘¡Vaya, suena fantástico!’”.

También hay dos paquetes de correo sin abrir, que Verlaine se había enviado a sí mismo a principios de los años 70, cada uno con una cinta adentro, probablemente ejemplos de lo que se llama “copyright del hombre pobre” —la creencia, común entre músicos de la época, de que un envío sellado y con matasellos podría establecer la autoría legal. (Un objeto similar se encontró en el archivo de Lou Reed).

Algunos objetos destacados encontrados no serán transferidos a la biblioteca, como grabaciones del cuarto álbum inconcluso de Television de alrededor de 2007 —Verlaine no quedó satisfecho y finalmente perdió el interés en el proyecto. Una campera de cuero a cuadros que usaba frecuentemente en los años 70 también permanecerá fuera del archivo público.

Kevin Parks, curador de la división de música y sonido grabado de la Biblioteca para las Artes Escénicas, afirmó que los materiales de Verlaine ayudarán a enriquecer los fondos de rock neoyorquino de la institución, tras la colección de Lou Reed. “Probablemente igual habríamos estado interesados en Tom Verlaine por la calidad de la música”, afirmó Parks. “Pero el hecho de que sea una parte tan importante de la vida musical de la ciudad, y que haya vivido la mayor parte de su vida artística en ese mismo apartamento, suma un argumento aún más persuasivo”.

Un aval clave vino de Patti Smith, quien fue su pareja creativa y romántica temprana y siguió siendo una estrecha amiga. Escribió a la biblioteca una carta —elaborada con esmerada caligrafía— diciendo que “sería imposible hablar de Tom Verlaine sin dar prominencia a su profunda relación con los libros”. Añadió: “No puedo imaginar un lugar más apropiado para los valiosos papeles de Tom que la Biblioteca Pública de Nueva York”.

Koether, quien lo conoció al entrevistarlo en 1984 y estuvo casada con él un tiempo, dijo que su intención es hacer accesible la música al público a través de la biblioteca, pero respetando su deseo de mantener su vida privada a salvo. Odiaba la maquinaria de la celebridad en la industria musical y los medios, lo que paradójicamente solo alimentó la mitología a su alrededor, incrementando la curiosidad sobre el verdadero Tom Verlaine.

“La respuesta”, dijo Koether, “está en sus canciones”.

Fuente: The New York Times

Madrid, 16 ene (EFE).- Ginés Paredes, conocido artísticamente como Walls y consolidado como una de las voces más destacadas de la ‘nueva ola’ musical de la Generación Z en España, saca hoy al mercado su tercer disco, ‘El día que me olvides’, con el que evoluciona su sonido de pop urbano para “abrazar un rock vulnerable y sincero”.

En una entrevista con EFE, Walls luce un look rockero y destila simpatía, autenticidad y madurez, a pesar de contar con tan solo 25 años. Es directo y ambicioso con su nuevo trabajo: “Voy a intentar que pasen 4 años y la gente lo siga sintiendo fresco y reciente. Es mi proyecto más personal. Nace en un momento en el que necesito reconciliarme conmigo, como persona y como artista, porque me equivoco, como todo ser humano”.

El compositor murciano, con un brillante pasado en competiciones de rap improvisado y galardonado en 2025 con el mejor video del año en los ‘Los40 Music Awards’, llega ahora con un trabajo de 12 canciones en las que reflexiona sobre las despedidas, las relaciones de pareja o la vulnerabilidad con una melodía que flirtea con el pop y el rock de los 90.

“A nivel sonoro es el que más musicalidad pop tiene pero es el disco más rock que he hecho nunca. Abrazo el rock de una manera vulnerable y sincera. Un rock and roll no es ese que le cuenta a la gente lo mucho que mola y bebe, sino que es alguien que lo cuenta de manera que haga identificarse con él”, detalla.

Una evolución que ya se dejó entrever con el lanzamiento de sus dos primeros discos, ‘Los niños del parque’ (2022) y ‘Luna 18’ (2024), y que ahora cierra con un proyecto más emocional, en una transición definitiva hacia una nueva etapa creativa y sonora.

“El nuevo disco es un viaje en el que durante los primeros temas hay muchísimo caos e intento crear una pared con lo que realmente siento. Pero luego conforme pasa el disco acepto mis miedos, incluso me castigo y luego termino con el hecho de tener que despedirme. Y hay un mundo dentro de las despedidas”.

Una de sus canciones, ‘Vulnerable’, es un tema en colaboración con Dani Fernández que entró directamente en la lista de las canciones más escuchadas de Spotify en España y nace de un encuentro en un tren con un músico con un pasado de éxito.

“Cuando el hombre se bajó del tren lo hizo con una persona que le iba acompañando. Quise dedicarle esa canción a todas esas personas que se quedarán con nosotros cuando hayamos pasado de moda”, afirma.

Las letras apuntan ahora a un cantante que parece haber superado a ese Walls de sus dos primeros discos, más descarado y nocturno, para ahondar en un nuevo disco que habla desde una mayor reflexión y sentimiento.

“Yo me noto mucho más maduro, sobre todo con esta edad que tengo en la que cada año que pasa es como una tormenta de emociones y de aprendizaje. Estoy haciendo un álbum de cosas que quizás no me corresponden para la edad que tengo. Pero era lo que sentía que quería hablar. Hemos intentado abrirnos más. Le tenía miedo a cualquier cosa que no fuese ser un canalla”.

Una industria que va conociendo poco a poco, que tiene asumida y en la que, considera, hay que mantener la calma para no verse afectado: “Yo no creo mi música pensando en vender (...) Vivo todo el rato en una calma tensa. Tengo el trabajo más privilegiado del mundo y mi obligación es darlo todo”.

Además, reconoce la importancia de cuidar la salud mental, sobre todo sobre el escenario cuando el ruido desaparece: “Sales a tocar y eres el puto amo y luego volverte a tu casa supone un choque de emociones, pero lo intento llevar de la mejor manera posible”.

Un nuevo disco que presentará en un concierto en el Movistar Arena de Madrid el próximo 21 de febrero. Uno de los recintos más importantes, al que llega con ganas y confianza: “Estoy mentalizándome de que con todos sus fallos, con todos sus problemas y con todo lo que haya, va a salir perfecto”, concluye. EFE

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El músico vinculó directamente el contenido del álbum con sus preocupaciones sobre el devenir tecnológico y social. “He estado pensando en el futuro y en cómo podríamos responder a él. Nos deslizamos hacia un período de transición como ningún otro, probablemente provocado en tres olas: la inteligencia artificial, la computación cuántica y la interfaz cerebro-ordenador”, advirtió. Para él, el papel del arte frente a estos desafíos resulta clave: “Los artistas tienen el papel de mirar dentro de la niebla y, cuando vislumbran algo, sostener un espejo”.

Gabriel también especificó la estructura conceptual de o/i: “Estos son mis fragmentos irregulares: i/o (N. de la R: título del disco publicado en 2023), el interior tiene una nueva salida, y o/i, el exterior tiene una nueva entrada”, afirmó en el mismo mensaje. Añadió además: “No somos, y nunca hemos sido, los seres totalmente autodeterminados e independientes que han dominado el mundo. Somos otra cosa, parte de la naturaleza, parte de todo, y sentir esa conexión, mover el cuerpo y dar y recibir algo de amor puede ayudarnos a encontrar nuestro lugar y sacarnos una gran sonrisa”.

Parte de este material, según Gabriel, formará parte del “proyecto cerebral” que viene explorando desde hace años: “Algunas de estas canciones formarán parte del proyecto cerebral que he estado investigando durante varios años, y otras simplemente me hacen sentir feliz”, aseguró. Cada tema del nuevo álbum saldrá acompañado de una propuesta visual y dos mezclas alternas —“lado oscuro” y “lado brillante”— según un comunicado de prensa. Así, “Been Undone” vio la luz como una versión Dark-Side Mix realizada por el productor estadounidense Tchad Blake y apareció junto a la obra Ciclotrama 156 (Palindrome) de la artista brasileña Janaina Mello Landini.

Sobre la elección del primer arte, Gabriel explicó: “La primera obra es una pieza especial de Janaina Mello Landini. La manera en que toma la cuerda y la desenrolla recuerda a los fractales o troncos de árbol, y se parece al cerebro en cierto modo, así que veo muchos puntos de entrada”. También expresó su entusiasmo por esta colaboración: “Me alegra que Janaina esté dispuesta a participar y a ser parte del proceso. Usamos una de sus imágenes ya existentes este mes para inaugurar todo el ciclo, pero me emociona que ahora vaya a crear una pieza especialmente para la canción. Eso siempre introduce un poco más de emoción de mi parte, por ver qué se le ocurre. Les invito a que revisen su obra”.

Quién es Janaina Mello Landini

Nacida en Minas Gerais y radicada en São Paulo, Janaina Mello Landini (São Gotardo, MG, 1974) reúne su conocimiento de arquitectura, física y matemáticas, junto con su percepción del tiempo, para crear obras que se desplazan a través de múltiples escalas. Su investigación ha dado como resultado las series Ciclotramas, realizadas con cuerdas que se deshacen en hilos mínimos, y Labirintos Rizomáticos, obras de satén que construyen perspectivas multifocales, deshaciendo construcciones espaciales tradicionales.

En los últimos años, ha expuesto su trabajo en Brasil, Francia, los Países Bajos, Estados Unidos y los Emiratos Árabes Unidos. Sus principales exposiciones institucionales han tenido lugar en el Palais de Tokyo en París (2016); en el Château de Chaumont-sur-Loire, Francia (2019); en la 13ª Bienal del Mercosur (2022); así como sus exposiciones individuales en Zipper Galeria de San Pablo en 2015, 2016, 2019, 2022 y 2024.

Original estrategia de marketing

Esta técnica de estrenar canciones mensualmente ya había sido utilizada por Peter Gabriel en 2023 para presentar i/o, generando una ventana de foco exclusiva para cada obra y brindando fechas concretas en el calendario de un creador notoriamente ajeno a los plazos. A pesar de la calidad de i/o, su impacto en la cultura pop resultó acotado al círculo de seguidores leales del artista. Buena parte del público menor de 40 años solo asocia el nombre Gabriel a “In Your Eyes” o “Sledgehammer”, si acaso lo reconocen, fenómeno explicado tanto por la escasa periodicidad de álbumes desde 1986 —tres en casi 40 años— como por su visible falta de interés en alimentar o administrar su legado artístico.

Las comparaciones con colegas ilustran el contraste. Mientras Bruce Springsteen persiste en grabar y girar con cada nuevo lanzamiento y promueve activamente su catálogo a través de autobiografías, reediciones y documentales, Gabriel ha evitado el escrutinio sobre su historia musical o la creación de proyectos retrospectives notorios. Bob Dylan ha permitido la proliferación de documentales y archivos, dejando su obra accesible para el redescubrimiento continuo.

Por cierto, Peter Gabriel comparte un trayecto similar con David Byrne tanto por su pasado al frente de bandas de art-rock en los setenta (Genesis, un poco antes que Talking Heads) como por su incursión en la música internacional, el uso de recursos teatrales y visuales, y su decisión de retirarse parcialmente en los años noventa. Sin embargo, Byrne mantuvo visibilidad al reivindicar el repertorio de Talking Heads en giras, colaborar con artistas emergentes y avalar documentales, como la remasterización de Stop Making Sense, reforzando su vínculo con la cultura popular.

Gabriel, en cambio, se distanció tanto de Genesis que no interpretó una canción completa de la banda en vivo desde 1983 y rara vez reconoció abiertamente esa etapa, con la excepción de su colaboración en la mezcla del disco clásico The Lamb Lies Down on Broadway (originalmente publicado en 1974). Tampoco publicó memorias ni promovió documentales, ni compilaciones que refuercen la memoria colectiva sobre su obra. Sus giras esporádicas suelen limitarse a selecciones de sus grandes discos So y Us, obviando los primeros trabajos solistas (aquellos que llevan como título su nombre y apellido y el orden en que se iban publicando), lo que impactó incluso en la demanda de entradas: su gira en 2023 por Estados Unidos registró ventas bajas en algunos recintos, donde las secciones superiores permanecieron cerradas.

Aún así, se trata de uno de los grandes artistas de la cultura rock del último medio siglo y como tal, cada uno de sus nuevos pasos requieren de atención. Humilde consejo.

Como muchos que crecieron devorando videos musicales en MTV, FlexasaurusRex — el seudónimo online de un autodenominado “creador conceptual”— se estremeció cuando leyó los informes a finales del año pasado que decían que la cadena podría dejar de transmitir. “Tuve esa sensación nostálgica de que algo se iba y no merecía morir”, dijo.

Esos rumores resultaron prematuros: aunque la cadena canceló un montón de sus canales musicales globales, el canal principal, junto con derivados musicales como MTV Classic, aún permanecen en Estados Unidos. Pero Flex (como se hace llamar) ya había decidido un plan para mantener encendidas las luces de la vieja MTV. El 3 de enero lanzó uno de los proyectos más fanáticos de Internet: MTV Rewind, un archivo no oficial en formato de sitio web y aplicación que busca recrear la experiencia de tomar un control remoto, cambiar de canal y ver y escuchar música, no los realities que ahora la dominan.

Organizados por época o género, cada uno de la docena de canales de MTV Rewind emite un flujo incesante de clips que te transportan a los días del hair metal y el heartland rock (los años 80) o el grunge y el goth (los años 90). Canales bautizados con nombres de los programas emblemáticos de la cadena, como Headbangers Ball, Yo! MTV Raps o Club MTV, recuperan videos musicales de metal, hip-hop y dance. ¿Te gusta e ver algunos videos de Catherine Wheel o Mercury Rev? Te espera una recreación de 120 Minutes, el foro alternativo de la cadena. Para aportar un sabor de época adicional, Flex intercaló anuncios de productos.

Después de que Flex publicara un enlace en Reddit, el sitio recibió más de 500.000 visitas en las primeras horas, según dijo en una entrevista en video. Las redes sociales se convirtieron en un hervidero de elogios, y Les Garland, uno de los fundadores de MTV, le envió una nota de felicitación. Hasta esta semana, según Flex, la página ha acumulado 1,2 millones de visitas. “No me di cuenta de cuánto resonaría esto con la gente y ese sentido de pérdida”, dijo. “Ni siquiera creo que las personas supieran que lo estaban extrañando.” (Paramount, propietaria de MTV, no respondió a una solicitud de comentarios).

“La calidad de los videos es buena, y tiene una de esas cosas que era grandiosa en la radio y en la MTV de antes: el elemento sorpresa”, dijo el V.J. original de MTV, Mark Goodman, quien volvió a disfrutar de “Weapon of Choice” de Fatboy Slim mientras navegaba por el sitio. (A Goodman le decepcionó la ausencia de las entradas vintage de V.J.s como él —“la radio y los canales de videos musicales son mejores con un curador”—, pero Flex dijo que está dispuesto a incluir ese tipo de material en el futuro).

En cuanto al misterioso Flex, es, en sus palabras, un ex “vendedor de gemas y minerales” de Eugene, Oregón, llamado Louis. (Rehusó dar su apellido: “Prefiero mantener esto separado de mi trabajo”). Ahora tiene 43 años; nació un año después del arribo de MTV. “Crecí en un pueblo maderero, así que pasaba muchas noches largas con la MTV de fondo”, dijo. “Era como una manta de seguridad.”

Cuando llegó el Covid, Flex dijo que se introdujo en el ámbito de las artes digitales y los medios, y ahora se describe como “creador conceptual con habilidades de codificación”. Desde hace dos meses, vive en Albania, “buscando trabajos a medida que surgen y haciendo diseño web”. Por ahora, el sitio es gratuito y no tiene publicidad, pero Flex pide donaciones de 5 a 50 dólares para pagar el servidor y “mantener mi adicción al café albanés”.

Una vez decidido a arrancar con su proyecto obsesivo, Flex se sumergió en la Internet Music Video Database, un sitio que ordena créditos, fechas de lanzamiento y otros datos de 95.000 videoclips musicales que datan desde los años 60. “Me di cuenta de que existía un enorme archivo de videos antiguos, y muchos de ellos están comenzando a desaparecer por completo”, dijo. El primer día, MTV Rewind presumía de unos 3.000 clips extraídos de YouTube. Desde entonces, esa cifra ha aumentado a unos 40.000, con cada canal albergando entre 400 y 6.000 videos.

En el camino, Flex ha descubierto videos de Serge Gainsbourg (“es el Tom Waits francés”) y actualmente está volviendo a ver el MTV Unplugged de R.E.M. de 1991 en el canal dedicado a presentaciones acústicas de rock. Al agregar material a un canal inspirado en Total Request Live, también observó cómo el rock comenzó a perder presencia en este siglo. “Muchos videos de Justin Timberlake y Jewel”, comentó. “Se ve esa transición abrupta — ya no había rock.”

Flex admite el componente de nostalgia generacional de su creación, pero también cree que es una alternativa necesaria frente a las listas de reproducción actuales generadas por algoritmos. “Podrías ponerlo y seguiría corriendo durante seis meses sin ver la misma canción dos veces”, dijo. “No hay ningún misterio detrás de Spotify en la manera en que mercantiliza la música. Solo buscan maneras de canalizar los intereses de las personas.”

Otro atractivo de MTV Rewind podría estar en su pureza: una vuelta a una época con redes sociales menos saturadas. “Los videoclips ahora son contenidos de formato largo”, dijo Doug Klinger, cofundador de la Internet Music Video Database. “Está claro que la gente anhela poder ver cosas sin recibir porquería generada por inteligencia artificial. Es nostalgia de hace 30 años —pero también de hace 10.”

Ahora Flex está pensando en un canal dedicado a la música latina tras notar que personas de América Latina visitaban su sitio. Añadir más clips no será problema: ahora que ha dominado la parte técnica, puede subir decenas de miles de videos en un cuarto de hora. “Mucha gente me ha dicho: ‘Puedo mostrarle a mis hijos qué era esto y por qué significaba algo’”, afirmó. “El trabajo no está terminado.”

Fuente: The New York Times

A finales de la década de 1970, Bob Weir, guitarrista y miembro fundador de Grateful Dead, cuya muerte a los 78 años fue anunciada el fin de semana pasado, apareció por primera vez con pantalones cortos cortados a alturas celestiales. Dejaron una impresión imborrable. Ya entrado en la mediana edad, seguía dando explicaciones por este vestuario de escenario tan abreviado. “Siempre he tenido cierta aversión al calor. Y para mí, la clave en el escenario es ‘vencer el calor’”, dijo en una entrevista de 2014 con Vanity Fair. “Bajo las luces, siempre es julio. Y después de un tiempo, simplemente me cansé, estaba muy cansado de eso. Así que, pantalones cortos.”

Para ser precisos, los pantalones cortos de Bob Weir eran realmente cortos. Estaban cortados lo suficientemente arriba como para que los fanáticos, incluso a bastante distancia del escenario, pudieran ver la parte superior de sus muslos. No era tímido en enseñar piel.

Los legendarios pantalones cortados de Bob Weir se convirtieron en parte del folclore de los Dead. Los pantalones cortos cortados para los Deadheads eran los “Bobby Shorts”. Y, para ciertos admiradores (incluso aquellos que no sabrían distinguir “Morning Dew” de Mountain Dew), Bob Weir se ganó un lugar junto a Sean Connery y Magnum P.I. como un hombre admirablemente dispuesto a lucir sus piernas.

Tan conocidos eran los pantalones cortos que, en 2008, cuando él y el percusionista de Grateful Dead, Mickey Hart, ofrecieron una conferencia de prensa para anunciar que el archivo de la banda sería donado a la Universidad de California en Santa Cruz, el guitarrista respondió si eso incluía sus pantalones cortados. “Esos pantalones cortos en particular podrían incluirse en el archivo”, dijo según un artículo en SF Weekly, aunque advirtió que para entonces los pantalones ya se habían vuelto prácticamente inutilizables por los años de uso.

Si Jerry Garcia era el osito padre de los Dead, con camisetas convencionales y una barba desgreñada de Papá Noel, Bob Weir era mucho más llamativo en lo estilístico. Ayudaba que siendo un norteño californiano de buena pinta y cabello hasta los hombros, era lo más cercano a un galán que tenía su banda de psicodelia.

Durante la década de 1980, solía vestirse como un diagrama del “Manual Oficial de la Escuela Secundaria”. Llevaba sus pantalones cortos ajustados entre chombas desteñidas por el sol y zapatillas New Balance. Su estilo, tan parecido a lo que J. Crew presentaría años después, encajaba con una banda cuyos fanáticos a menudo empezaban como hippies pero acababan convertidos en yuppies.

(Bob Weir no parecía considerar que vestirse de “escuela secundaria” fuera un insulto. En una entrevista de 2019 con GQ sobre su estilo, cuando una de sus hijas describió las chombas como la manifestación de su “niño de fraternidad”, estuvo de acuerdo).

“Era un poco más directo en el estilo”, dijo Josh Peskowitz, exdirector de moda masculina de Bloomingdale’s y fanático de Grateful Dead de toda la vida. Añadió que siempre había algo más en el estilo de Weir. Sus pantalones cortos, después de todo, parecían como si los hubieran cortado con un cuchillo de de untar. “Así es como subvirtió un look que de otra manera habría sido preppy”, dijo Peskowitz. “Los pantalones cortos eran como decir: ‘esto tampoco es tan serio’”.

Por muy deshilachados que estuvieran los dobladillos, la cómoda audacia de Bob Weir lo convirtió en un inesperado ícono de estilo. Siempre que las tendencias dictaban que los hombres debían llevar pantalones cortos por debajo de la rodilla, era seguro que alguien diría que los hombres debían vestirse como Bobby en su lugar. “Hace falta valor para usar estos pantalones cortos”, proclamó en 2013 el blog de moda masculina Red Clay Soul en una publicación titulada “La entrepierna de Bob Weir”, que aconsejaba que los hombres debían imitar al guitarrista y usar pantalones cortos de “máximo doce centímetros y medio”.

Por su parte, Weir parecía disfrutar el reconocimiento por su atuendo. Cuando Vogue lo describió como un ícono de la moda por usar sandalias Birkenstock, él compartió de nuevo el artículo en su página de Facebook. Cuando Levi’s colaboró con Grateful Dead en 2021, él apareció en un video para promocionar la colección.

Aun así, eran esos pantalones cortados de los que parecía más orgulloso. “No tenía que seguir ninguna tendencia”, dijo a GQ en 2019 al reflexionar sobre eso. “Podía empezar, de algún modo, a crear la mía propia.”

Fuente: The New York Times

Su identidad real, Brian Patrick Carroll, rara vez aparece en los medios, y la historia detrás del personaje permanece envuelta en misterio. Quienes lo vieron sin máscara lo describen como alguien introvertido, pero su verdadera naturaleza sigue siendo un secreto para la mayoría.

Nacido el 13 de mayo de 1969 en Huntington Beach, California, Buckethead encontró en la guitarra eléctrica un lenguaje propio desde muy joven. Según RockFm, su biografía real es casi tan misteriosa como su personaje, y hasta existen relatos ficticios sobre una infancia criada por pollos.

Más allá de las historias, la realidad es que su talento lo llevó a perfeccionar una técnica única, influida por referentes como Paul Gilbert —su maestro durante casi un año— y otros guitarristas virtuosos como Yngwie Malmsteen, Joe Satriani y Steve Vai.

Buckethead nunca buscó la fama tradicional. Su irrupción en la escena principal llegó en el año 2000, cuando Guns N’ Roses lo presentó como su guitarrista principal. El anuncio generó sorpresa y curiosidad: la banda de Axl Rose se renovaba con un músico que nadie conocía fuera del círculo de la música experimental.

Desde el primer show, su imagen extraña y su habilidad técnica captaron la atención de miles de fanáticos. Durante su paso por la banda, participó en la grabación del álbum Chinese Democracy y dejó una marca indeleble en el sonido del grupo. Según Guitar World, la contribución de Buckethead dio a la banda un estilo más moderno y afilado.

Un catálogo imposible de abarcar

Sin embargo, la historia de Buckethead no se limita a su tiempo en Guns N’ Roses. Su carrera solista comenzó mucho antes y se caracteriza por una productividad inusual. De acuerdo con Rolling Stone, el guitarrista publicó numerosos discos, la mayoría bajo la serie Pikes, que explora desde el metal y el rock progresivo hasta el funk, el jazz o la música ambiental. Cada álbum presenta una faceta distinta de su creatividad, y el ritmo de publicación es tan alto que incluso sus seguidores más fieles se ven desbordados.

Además de su obra solista, Buckethead colaboró con una gran variedad de artistas y bandas. Integró Praxis, un colectivo de rock experimental liderado por Bill Laswell, donde grabó junto a figuras como Bootsy Collins, Mike Patton y Serj Tankian.

También trabajó con Les Claypool, bajista de Primus, y el actor Viggo Mortensen, reconocido por su papel en El señor de los anillos. Cada colaboración suma una pieza más al rompecabezas de su carrera.

En la industria del rock, pocos pueden mostrar una lista de colaboraciones tan extensa y variada. Según Guitar World, esta versatilidad convierte a Buckethead en uno de los guitarristas más completos de su generación.

Puede ejecutar solos frenéticos, crear ambientes delicados o experimentar con sonidos poco convencionales sin perder coherencia. En escena, sus interpretaciones se mueven entre la precisión y la improvisación, y cada show resulta impredecible.

El testimonio de quienes lo conocen

Las fuentes que tuvieron contacto directo con Buckethead coinciden en que su personalidad es tan singular como su música. Según relató Serj Tankian, cantante de System Of A Down, en una entrevista reproducida por Ultimate Guitar, el guitarrista suele mantener una comunicación inusual: “A veces me llamaba a las cuatro de la mañana y me dejaba un solo de guitarra de 15 minutos en el buzón de voz. Era excéntrico y muy sensible, pero con un espíritu creativo muy singular”, recordó Tankian.

La colaboración entre ambos nació de la admiración mutua y la necesidad de experimentar. En el álbum Enter the Chicken (2005), Tankian invitó a Buckethead a trabajar con otros músicos de la escena alternativa. La grabación se llevó a cabo en el estudio personal de Tankian, con un enfoque libre y espontáneo.

“Trabajar con Buckethead fue, por decirlo en pocas palabras, toda una experiencia. No es que cuando se quita el bucket de la cabeza y la máscara sea un tipo normal. Definitivamente, no es un tipo normal”, explicó el vocalista.

La anécdota de Tankian sobre la actuación sorpresa en el instituto de Buckethead también ilustra su carácter poco convencional. “Nos instalamos en el gimnasio de la escuela y nos pusimos a improvisar. Yo me inventaba las letras sobre la marcha... Pura corriente de conciencia. Los chavales del colegio se volvieron locos”, contó Tankian. Estas historias refuerzan la idea de que, detrás del disfraz, se esconde un artista impredecible y obsesionado con la música.

Una leyenda que sigue creciendo

En mayo de 2024, Buckethead presentó su álbum más reciente, Veins Of Institution, junto a la cantante Madeline Cyrille Miller. El lanzamiento, celebrado por medios y fanáticos, muestra que su creatividad no se agota. En este trabajo, el guitarrista despliega arpegios suaves, solos veloces y riffs contundentes, y suma poesía a las letras.

A pesar de los problemas de salud que enfrentó en los últimos años, como señala Ultimate Guitar, su actividad sigue siendo intensa y cada nuevo disco suma capítulos a su leyenda.

Buckethead combina misterio, virtuosismo y una producción inabarcable. Más de 300 discos publicados, una imagen que nadie logra descifrar y el paso por una de las bandas más grandes del mundo resumen la trayectoria de este guitarrista único.

Su figura permanece ajena a las reglas de la industria y cautiva a quienes buscan en la música algo más que espectáculo. Cada vez que sube al escenario o publica un nuevo álbum, el enigma vuelve a empezar.

Definir a David Bowie lo limita, pero aquí va un intento. Transformó y se transformó a lo largo de cinco décadas, en 26 discos de estudio que operan como testimonio de cada uno de sus períodos de mutación. “Camaleónico” es un adjetivo que surge inmediatamente, aunque no alcanza.

En los años 60 del siglo XX, alcanzó notoriedad gracias a su capacidad para adoptar personalidades distintas y probar géneros variados. Creció en un suburbio londinense carente de recursos, ambiente donde jamás llegó a sentirse parte. Su inclinación por lo artístico superó cualquier otra vía y lo llevó a formarse en mimo con el bailarín y actor Lindsay Kemp, además de buscar inspiración en artistas como el comediante Anthony Newley y el cantautor Jacques Brel. Estas referencias pretenden reafirmar una imagen de su obra: aunque proyectaba la imagen de un “Gran Artista” fascinado por el potencial creativo del rock, en esencia elegía la variedad de las artes porque le ofrecía mayor libertad que cualquier alternativa explorada. Tal vez eso explique, un poco aunque sea, quién fue David Bowie.

Después, claro, están sus canciones. Esta es una selección arbitraria de 6 temas que, década por década, sirven para entender esos caminos de transformación.

Space Oddity (1969)

Esta canción en los días de julio de 1969 cuando el mundo estaba conmocionado por la llegada del hombre a la Luna, es una historia sobre un astronauta ficticio -el “Major Tom”, tal vez antecedente del “Capitán Beto” de Luis Alberto Spinetta-. Melancólica y sugerente, su sonido se aleja del music hall del fallido álbum debut hacia un tipo de folk psicodélico que recién alumbraba en el Reino Unido. Como tal, fue una de las composiciones musicalmente más complejas que jamás haya escrito. Y no solo fue el tema que catapultó su carrera, sino que también ha sido, tal vez, su canción más influyente de todos los tiempos.

Bowie contó en una entrevista en 2003 que se inspiró al ver la película 2001: Odisea del espacio de Stanley Kubrick, admitiendo que estaba muy drogado cuando fue a verla varias veces, y que fue ahí donde finalmente encontró el flujo para componer la canción. A lo largo de los 5 minutos 18 segundos que dura, narra la experiencia de un astronauta que pierde contacto con la Tierra tras completar su órbita y queda a la deriva en el espacio. Bowie alterna las voces (su voz) hasta asumirse como el mismísmo Mayor Tom. Reinventándose: esa profunda desconexión con el resto del mundo que concluye con la sentencia “Y no hay nada que yo pueda hacer”. Deja que su propio destino tome el curso final de su vida. Como es tan usual de escuchar ahora: icónica.

Life on Mars (1971)

Otra canción de la nutrida colección “espacial” de Bowie, fue publicada como single del álbum Hunky Dory, solo dos años después del aterrizaje del Apolo 11 en la Luna. A pesar de su apariencia de balada, impulsada por un piano ornamentado y un delicado acompañamiento orquestal, encierra un universo de intensa emoción y belleza singular en apenas cuatro minutos de música pop. Inicia con el piano y la voz de Bowie, desarrollando progresiones armónicas cada vez más sofisticadas que intensifican la tensión hasta desembocar en un estribillo de corte cinematográfico.

Aunque la melodía resulta cadenciosa y casi inofensiva, la letra se adentra en la exploración de la mente humana, provocando una reflexión sobre política, corrupción, percepción, realidad, concepción y existencia. Frente a la dificultad de definir qué es exactamente, resulta más sencillo precisar lo que no es: bajo su disfraz de inocente canción de amor, plantea interrogantes sin ofrecer soluciones y evita cualquier tipo de respuesta evidente. Así era Bowie, por cierto.

Let’s dance (1983)

La colaboración con Nile Rodgers -el rey del funk como guitarrista y compositor de Chic- que marcó el ingreso de lleno de Bowie en los años 80, es una de las mejores canciones bailables de todos los tiempos (al final y al cabo, eso es lo que pide: “Bailemos”) con una intro brillante que -podemos intuir, casi asegurar, no hace falta ser un erudito- se tomó prestada de la progresión vocal original de Los Beatles en “Twist and Shout”. Dura 7.37 minutos, una pequeña transgresión para la música pop pero a la vez, coherente con su objetivo de llegar a las discotecas.

Eso mismo, su carácter extenso y enérgico permitió que por segunda vez en su historia, Bowie alcanzara el número uno en las listas estadounidenses. Casi ocho años después de la primera (“Fame”, en 1975), repitió la fórmula de sumergirse en el soul y la música de club, apostando por un sonido funky de largo aliento. En el medio, un electrizante solo de guitarra cortesía de Jimmy Ray Vaughan, nada menos. Con todo eso junto, la canción es una especie de milagro. es una especie de milagro. El ritmo es ligeramente irregular, pero también es colosal. Rodgers toca sus rasgueos de guitarra con eco mientras una línea de bajo gigantesca y divertida murmura debajo de él. La letra es una invitación a bailar, pero el cantor la declama con su tono de solemne barítono (cortesía de la casa). Única e irrepetible.

The Hearts Filthy Lesson (1995)

Viaje directo a los filosos años 90 de Pixies, Nirvana, Nine Inch Nails y también de la película Seven y la serie Twin Peaks. Y ahí estaba él otra vez. Esta canción de alguna forma representa ese tiempo y esa increíble capacidad suya para sintonizar con el clima de época. Publicada como primer single de Outside, un disco con pretensiones de “conceptual”, que cuenta de manera no lineal, la investigación del asesinato de una adolescente en un pueblo ficticio de New Jersey, por parte de un detective llamado Nathan Adler (un alter ego de Bowie). Subyacente, la canción (y el disco) muestras las nuevas ropas del emperador: paisajes sonoros densos e industriales, ritmos marcados y samples encuadrados dentro de ciertos toques de art rock, música industrial, jazz, electrónica y ambient.

La canción, que juguetea con la idea de los asesinatos con fines rituales, tuvo un particular destino: fue utilizada para musicalizar los créditos finales de Seven, la emblemática película de David Fincher estrenada justamente en ese 1995. Y otro detalle de color audiovisual: el video, dirigido por Sam Bayer (autor de “Smells like teen spirit” de Nirvana), muestra a un Bowie frenético, con los ojos delineados, acupuntura y artistas cortando partes del cuerpo y ensamblando una figura de minotauro. Imágenes inquietantes y poderosas que remiten al “arte de la sangre y las vísceras” del austríaco Hermann Nitsch.

New Killer Star (2003)

El tema de apertura, una marcha victoriosa de rock de dientes apretados, es el primer single del álbum Reality, el disco que lo metió de lleno en un siglo XXI que recién amanecía. “Supongo que es una pieza impresionista, y a la vez positiva: por la forma en que lo he escrito, proviene de tener toda esta unidad familiar y de tener una hija de tres años”, declaró en aquel momento, cuando el mundo había cambiado después de los atentados del 11/9 de 2001. De hecho, las primeras líneas de la letra ofrecen una poética figura del horror. “Mira la gran estrella blanca/Sobre Battery Park” evoca instantáneamente a las nubes de polvo y la devastación del sitio donde antes se encontraba el World Trade Center con sus torres gemelas.

Por cierto, vuelve a aparecer la palabra “star” (estrella), tal como ya había sucedido en “The Prettiest Star”, “Starman”, “Lady Stardust”, “Star”, “Ziggy Stardust” y “Shining Star (Makin’ My Love)”. Y el ‘New Killer’ del título es un juego de palabras con la pronunciación estadounidense de ‘nuclear’, que se escuchaba con frecuencia en aquella época por parte del entonces presidente de Estados Unidos, George W. Bush. El videoclip, dirigido por Brumby Boylston, de manera inusual no cuenta con la presencia de Bowie, sino que incluye una serie de imágenes de estilo años 50 presentadas de manera lenticular. Entre ellas la un astronauta dormido (¿El Major Tom?) cuyo despertar de último minuto evita una colisión con la Tierra.

Blackstar (2016)

El canto de cisne, oscuro y profundamente reflexivo. La canción que da nombre al último disco publicado en vida -el 8 de enero de 2016, cuando cumplía 69 años, dos días antes de su muerte- dura casi 10 minutos (curiosidad estadística: es la segunda canción más larga de su historia, después de “Station to Station”) y es una especie de autoepitafio: solo él sabía que se trataba de eso. Radical en su concepción art-rock y jazz de vanguardia, con un ritmo quebrado de drum’n’bass, suena a despedida en la voz grave de su protagonista.

Fue concebida desde el principio como dos secciones (“una suite en dos partes más que dos canciones diferentes”, según recordó el tecladista Jason Lindner) que serían unidas en el estudio con “una parte central libre”, de acuerdo con los correos electrónicos de Bowie a la banda. El guitarrista Ben Monder recordó las instrucciones de Bowie: “‘Vamos a hacer una sección y se va a disolver y transformar en la siguiente sección’, que es más como una canción pop, ‘luego va a volver a transformarse en la parte original pero con un ritmo más fuerte’”.

Todo suena inquietantemente premonitorio y así se mantiene, diez años después. Su voz pasa de un grito distorsionado digitalmente al inconfundible falsete elevado. “Algo sucedió el día que él murió / El espíritu se elevó un metro y luego se hizo a un lado / Alguien más ocupó su lugar y, valientemente, gritó / ‘Soy una estrella negra, soy la estrella de una estrella, soy una estrella negra.’” Pasadas 48 horas de que el mundo oía estas palabras, David Bowie murió y esta canción, se convirtió en su discurso de despedida.

La casa de la infancia de David Bowie en el suburbio de Bromley, al sureste de Londres, avanza hacia su transformación en una atracción cultural tras ser adquirida por la organización benéfica Heritage of London Trust. La vivienda, construida en el siglo XIX para trabajadores ferroviarios, se restaurará con estética de los años 60 y abrirá al público en 2027, según anunció la organización. El proyecto, que recibió un apoyo de 500 mil libras esterlinas (unos 670 mil dólares) de la ONG de abogados británicos Jones Day Foundation, se completará con una campaña de recaudación que comenzará este mes.

Nicola Stacey, directora de Heritage of London Trust, subrayó la dimensión local del artista y la relevancia patrimonial del nivel de preservación: “David Bowie fue un londinense orgulloso. Aunque su carrera lo llevó por todo el mundo, siempre recordó de dónde venía y la comunidad que lo apoyó mientras crecía. Es maravilloso tener esta oportunidad de contar su historia e inspirar a una nueva generación de jóvenes y es realmente importante para el patrimonio de Londres preservar este lugar”, afirmó.

El inmueble, situado en el número 4 de la calle Plaistow Grove, representa el escenario donde Bowie vivió entre los ocho y los 20 años, un período en el que gestó composiciones icónicas como “Space Oddity”. Heritage of London Trust informó que un archivo inédito permitirá recrear el diseño interior exacto de esa época, lo que convertirá la visita en una experiencia de inmersión total.

Geoffrey Marsh, cocurador de la muestra David Bowie Is del Victoria and Albert Museum, resaltó el potencial testimonial de la casa: “Aquí Bowie pasó de ser un estudiante suburbano común a iniciar una carrera de extraordinaria fama internacional”, y agregó: “Como él dijo, ‘Pasaba tanto tiempo en mi habitación, que realmente era todo mi mundo. Tenía libros allí, mi música, mi tocadiscos’”.

El recorrido para el público incluirá la pequeña habitación original del musico, de 2,7 por 3 metros, definida por la organización como el lugar “donde una chispa se convirtió en llama”. El lanzamiento del proyecto coincidió con el aniversario del nacimiento de Bowie, el 8 de enero, y con los diez años de su fallecimiento, ocurrido el 10 de enero de 2016, a los 69 años, dos días después de publicar Blackstar, su último álbum, que fue considerado uno de los más destacados por su integración de influencias de jazz y hip-hop y letras alusivas a su enfermedad terminal.

El impacto de Bowie en la música, el diseño y la cultura británica mantiene vigencia una década después de su muerte. El año pasado, el archivo con 90 mil objetos se abrió al público en el David Bowie Centre del museo V&A en el este de Londres.

George Underwood, amigo de la infancia de Bowie, aportó la perspectiva personal en un comunicado sobre el valor fundacional de esa casa. “Pasamos tanto tiempo juntos allí, escuchando y tocando música”, relató. Y además destacó el alcance de la obra de Bowie entre el público: “He escuchado a mucha gente decir que la música de David los salvó o les cambió la vida. Es asombroso que pudiera lograr eso, y aún más asombroso, que todo comenzara aquí, desde unos comienzos tan humildes, en esta casa. Éramos soñadores, y mira en lo que se convirtió”

Con información de: AP

[Fotos: Heritage of London Trust; David Bowie Estate]

Según relató en la entrevista, la polémica y la controversia pública funcionan como combustible para su creatividad y, en parte, motivaron la producción de su disco Idols, concebido como homenaje a esos íconos.

La relación con Osbourne resultó clave en el desarrollo reciente de su carrera. Yungblud recordó la presión que sintió durante su actuación en el último concierto del legendario músico, cuando se enfrentó a un público de 25.000 personas, de las cuales la mayoría no lo conocía y una parte importante lo rechazaba abiertamente. “Sabía lo que estaba en juego en mi actuación de ‘Changes’ en el concierto final de Ozzy. Era mi propio momento David contra Goliat”, afirmó.

El artista aseguró que estaba preparado porque había trabajado sus inseguridades en su propio álbum y, al subir al escenario, aprendió a dejar de lado el ego y las dudas para rendir homenaje a su héroe.

El final de la vida de Osbourne coincidió con una etapa especialmente intensa para Yungblud, marcada por un contacto frecuente entre ambos. “Fue la mayor ola emocional que he tenido que afrontar”, explicó sobre esas semanas.

Yungblud sostuvo que prácticamente le dedicó un álbum a Osbourne y a otros referentes, y reconoció el impacto de la pérdida en su proceso creativo: “Sentí que todo esto se había cruzado en mi proceso creativo. Es una locura”.

Aerosmith y el salto hacia una nueva etapa creativa

Tal y como aseguró en Rolling Stone, la influencia de Aerosmith fue igual de determinante en esta fase. Tras el lanzamiento de “Hello Heaven”, Yungblud recibió mensajes de figuras como Brian May y Joe Perry.

El guitarrista de Aerosmith lo invitó a Florida para conversar sobre una posible colaboración, especialmente tras la lesión vocal de Steven Tyler. “Les dije: ‘Déjenme participar como compositor, productor, lo que sea’. Entonces respondieron: ‘Nos gusta cómo este álbum respeta el pasado y a la vez suena nuevo. ¿Podrías ayudarnos a lograr parte de eso?’”, relató.

La colaboración avanzó de forma espontánea y veloz. “Es como una primera cita: o hay química inmediata o todo sale mal. En menos de dos horas salió ‘My Only Angel’”, recordó Yungblud sobre la dinámica creativa que dio inicio a un EP conjunto. Considera que el verdadero desafío reside en encontrar un equilibrio entre respeto y un sonido fresco.

Búsqueda de autenticidad y conexiones en el presente

La admiración por figuras como Bowie sigue siendo el motor de la autenticidad en la obra de Yungblud. “Lo que más aprecio de lo que decía Bowie es que miraba su último álbum y hacía exactamente lo contrario. Si tienes tres minutos, cinco acordes y la pura verdad, ¿qué vas a hacer?”, planteó.

Adelantó que su próximo trabajo junto al productor Andrew Watt buscará una estética más minimalista y cruda, distinta al maximalismo de “Idols”: “Quiero que suene como si tocáramos en vivo, con esa atmósfera de los MTV Unplugged de los 90. He estado escuchando mucho a Jeff Buckley, Chris Cornell y Scott Weiland para absorber ese espíritu”.

En la actualidad, Rolling Stone destaca que Yungblud también suma colaboraciones con leyendas como Eddie Vedder y presta atención a bandas emergentes. “Eddie es una inspiración, sobre todo por su voz. Creo que podríamos escribir juntos en el futuro”, sostuvo.

Destacó además su interés por grupos como Geese y reivindicó que el espíritu del rock atraviesa propuestas tan diversas como las de Elton John, Michael Hutchence o INXS: “Algunos dicen que suenan como los primeros Strokes, Nick Cave o Tom Waits, pero para mí eso es rock. Elton John era rock, Michael Hutchence era rock, INXS era rock”.

A lo largo del diálogo, el músico remarcó su preferencia por la independencia creativa, evitando formar parte de una banda para mantener el control absoluto sobre su obra.

“Nunca quise estar en una banda. Así puedo decidir, y creo que el arte no debe ceder. Cuando he escuchado demasiadas opiniones, mi música se ha resentido. Por eso muchos grupos terminan con grandes disputas: esa parte donde das tu alma termina eliminada por otro”.

El vínculo con Osbourne y la despedida de uno de sus mayores referentes representan un punto de inflexión para Yungblud, quien encara una nueva etapa creativa marcada por la experiencia, el homenaje y la renovación constante.

En la década anterior, U2 alcanzó reconocimiento mundial mediante álbumes como The Joshua Tree y Rattle and Hum. La banda realizó giras internacionales y obtuvo premios importantes. Sin embargo, de acuerdo con la crónica publicada por American Songwriter, las críticas a Rattle and Hum dejaron al grupo en una situación delicada, con dudas sobre su identidad musical. El ánimo dentro de la banda reflejaba incertidumbre, a pesar del éxito comercial.

Según varios testimonios citados por el medio, U2 eligió Berlín y los legendarios Hansa Studios para iniciar una nueva etapa. Los integrantes pretendían capturar el espíritu del cambio europeo, inspirados por la caída del Muro de Berlín. Pero el ambiente en el estudio era tenso. Bono y The Edge exploraban sonidos nuevos de la escena europea, mientras que Adam Clayton y Larry Mullen Jr. tenían posturas diferentes respecto a la dirección musical.

Un hallazgo accidental y un nuevo comienzo

En el transcurso de una sesión de grabación, el grupo encontró una progresión de acordes diferente mientras trabajaba en otra canción. Ese descubrimiento cambió el clima en el estudio. Impulsados por la inspiración, finalizaron la estructura básica de “One”—acordes, melodía y las primeras letras—en solo quince minutos. Daniel Lanois, coproductor del álbum, colaboró para grabar la primera versión demo del tema.

Brian Eno, otro de los productores participantes, sugirió varios cambios al llegar semanas después. El proceso requirió meses de revisiones antes de obtener la versión finalizada en septiembre de 1991. De acuerdo con American Songwriter, la canción sirvió como punto de inflexión y permitió a la banda reencontrar cohesión artística.

La melodía de “One” alterna un verso melancólico con un estribillo luminoso. Según el análisis de la publicación mencionada, Bono aportó letras que reflejaban emociones contradictorias: resentimiento, dependencia mutua, unidad y desacuerdo. Estas sensaciones estaban presentes tanto entre los miembros del grupo como en la ciudad de Berlín en aquel momento.

Bono declaró a la prensa que el mensaje central de la canción no radica en una unidad idealizada, sino en la necesidad de convivir a pesar de las diferencias. El cantante afirmó: “Es una canción sobre unirse, pero no en un sentido utópico. Expresa que debemos aprender a convivir para sobrevivir, ya que no existe otra opción”.

En el libro autobiográfico del grupo, Bono amplió esa idea. Expresó su frustración porque algunas personas interpretan la frase “we get to carry each other” como una imposición. Explicó que la línea refleja la única salida posible: “La manera de seguir adelante depende de que nos ayudemos mutuamente”.

“One” no solo narra las diferencias que separan a las personas, sino el deber de cooperar para superar desafíos comunes. Estas interpretaciones generaron debate y múltiples lecturas a lo largo de los años. Diversos críticos apuntan que la complejidad emocional de la canción ha favorecido su permanencia en el repertorio de la banda y su vigencia cultural.

La versión definitiva de “One”, incluida en Achtung Baby, es considerada por especialistas como uno de los puntos altos de la discografía de U2. El tema se destaca por una interpretación vocal intensa de Bono, especialmente en el segmento final, cuando alcanza notas agudas características de su estilo.

En 2006, Mary J. Blige realizó una versión que aportó matices distintos. Sin embargo, para la crítica, la grabación original mantiene un lugar privilegiado en la música contemporánea. De acuerdo con American Songwriter, U2 defendió “One” como una declaración sobre la resiliencia colectiva y la importancia de elegir la unidad frente a la adversidad.

La influencia de “One” trasciende su época. La canción permanece como símbolo de reconciliación y entendimiento, atributos reconocidos tanto por la industria musical como por su base de seguidores. U2 consolidó su lugar en la historia del rock con este tema, que nació de la crisis y se proyectó como un himno universal sobre la convivencia.

En distintos momentos, Axl Rose, Gary Numan y Keith Richards protagonizaron episodios de tensión con Bowie. Estos conflictos resaltan las complejidades de las relaciones en la industria musical y muestran otra faceta de la trayectoria del icónico cantante.

En uno de los incidentes más recordados, Axl Rose, líder de Guns N’ Roses, confrontó directamente a Bowie durante una actuación de la banda. Según detalló el especial Guns N’ Roses de la serie Bookazines, editada por Rolling Stone, Bowie apareció en el concierto en un estado de ebriedad e interactuó con la pareja de Rose, situación que enfureció al cantante.

El hecho escaló hasta una persecución, en la que Rose gritó amenazas contra Bowie en pleno lugar del evento. El incidente no pasó a mayores, pero quedó registrado como una de las anécdotas más intensas entre artistas del rock.

De acuerdo con American Songwriter, este episodio surgió en un contexto de alta exposición mediática para ambos músicos. Los detalles trascienden por el impacto que generó en el ambiente del espectáculo y por la personalidad explosiva de Rose, contrastada con la habitual reserva de Bowie. El altercado se resolvió sin violencia y no tuvo consecuencias profesionales entre los involucrados.

Rivalidades en la música: las diferencias entre artistas

Gary Numan, reconocido exponente del new wave, vivió una situación diferente pero igualmente significativa con David Bowie. Numan manifestó abiertamente su admiración por el británico y cómo su influencia marcó el inicio de su carrera. Sin embargo, la relación se fracturó tras un incidente durante la grabación de The Kenny Everett Christmas Show en 1980.

Según el propio Numan, Bowie lo excluyó de una presentación conjunta porque consideraba que imitaba su estilo. Este hecho afectó emocionalmente al músico británico, quien declaró: “Me molestó en su momento porque era un gran admirador y él había sido una parte importante de mi vida durante muchos años”.

Numan reconoció tiempo después que pueden existir períodos de inseguridad o incertidumbre entre los artistas, lo que explicaría la actitud de Bowie en aquel entonces.

Este conflicto ilustra el peso que los referentes pueden tener en las trayectorias de músicos más jóvenes. Además, expone las susceptibilidades propias del ambiente creativo y la competencia en la escena musical, donde las comparaciones y sospechas de copia pueden generar distanciamiento incluso entre admiradores y figuras consagradas.

Opiniones críticas y declaraciones públicas

El tercer enfrentamiento involucró a Keith Richards, guitarrista de The Rolling Stones, quien se manifestó de manera contundente respecto a la obra de David Bowie. En 2008, Richards hizo declaraciones en las que minimizó el impacto musical del “Starman” después del lanzamiento de “Changes”.

De acuerdo con declaraciones recogidas por American Songwriter, Richards afirmó: “No puedo pensar en nada más que [Bowie] haya hecho que me erice la piel. Es pura pose. Todo es solo posar. No tiene nada que ver con la música. Él lo sabe también”. Estas palabras reflejan una postura crítica y poco habitual entre artistas de reconocimiento internacional.

La perspectiva de Richards representa un ejemplo de cómo pueden convivir el respeto profesional y la crítica severa dentro de la industria.

Las diferencias de opinión y valoración artística también forman parte de la dinámica entre músicos influyentes, y sus declaraciones suelen generar repercusiones entre fanáticos y especialistas del sector.

Estas disputas, si bien no afectaron directamente la obra de David Bowie ni su legado, añaden matices a la historia de uno de los referentes más importantes del siglo XX.

Veintiún años. Una cifra que parece enorme y, al mismo tiempo, insuficiente para curar. La tragedia de Cromañón no solo se llevó casi 200 vidas y dejó a miles con secuelas físicas y emocionales. Transformó para siempre la manera en que una generación entera entiende la noche, los recitales, el derecho a la diversión y el reclamo de justicia.

Después del juicio y el cumplimiento de las condenas, Patricio Pato Fontanet—voz inconfundible de Callejeros—volvió a la música en 2010 con CJS (Casi Justicia Social). El proyecto mutó, y en 2014 adoptó el nombre de Don Osvaldo, un homenaje a Osvaldo Pugliese. Desde entonces, la banda recorrió escenarios de todo el país, llevó su música a Europa y, en 2025, vivió sus presentaciones más significativas en el estadio de All Boys.

Este nuevo aniversario no pasó inadvertido. Don Osvaldo eligió las redes sociales para difundir un comunicado que subraya, con palabras filosas, la importancia de la memoria y la verdad histórica. “Toda vez que se descanse en el ejercicio de la memoria, volverá el olvido con la indigna misión de ocultar y dañar la verdad histórica”, comienza el texto.

La banda insiste, casi como un mantra: “Cuanto más lejos nos queda esta fecha, más fuerte debemos recordarla para que las nuevas generaciones tengan el derecho soberano a saber qué pasó y por qué. En eso estamos y en eso seguimos. Por los invisibles, y por los que vendrán”. No es casualidad que cierren con una consigna que los acompaña desde hace años: “La música no mata”.

En cada palabra, el comunicado reafirma el reclamo de memoria y justicia. Don Osvaldo recuerda a quienes no vivieron aquel diciembre, a los jóvenes que apenas escucharon el eco de la tragedia. “En eso estamos y en eso seguimos”, repite la banda, y en ese “seguimos” late el pulso de quienes no bajan los brazos.

Pero el aniversario no fue solo palabras. En paralelo a los actos conmemorativos, el Estadio Malvinas Argentinas de La Paternal se llenó de música y encuentro. En el festival “No nos cuenten Cromañón”, bandas como Ojos Loco, La Chancha Muda, Peligrosos Inocentes, Wayra Iglesias, Cabra da Peste tejieron junto a Don Osvaldo un homenaje colectivo a las víctimas. La organización decidió trasladar el evento al aire libre, buscando mejores condiciones para el público tras años de realizarlo en el Obelisco y después de la enorme convocatoria de la última edición.

Quienes asistieron no solo escucharon música. “No nos cuenten Cromañón” es un espacio de memoria activa, donde la música se convierte en herramienta colectiva y el recuerdo permanece. A más de dos décadas de la tragedia, el reclamo no se apaga: memoria, verdad y justicia.

Las reacciones no tardaron en aparecer. Las redes sociales se poblaron de comentarios de todo tipo. Algunos agradecieron y felicitaron la presencia de Don Osvaldo en el homenaje. Otros, en cambio, lanzaron críticas duras: “Es como que Mark Chapman esté en el homenaje de Lennon, coherencia”, escribieron algunos. Otros acusaron: “Homenajean a las propias víctimas que ellos mismos causaron gracias a que incentivaban el uso de pirotecnia en lugares cerrados”. Y hubo quienes señalaron la incomodidad de ciertas familias: “Si las familias de las víctimas (algunas), no los quieren ni ver… es desubicado ir a tocar al homenaje. Oportunismo mal”.

El aniversario de Cromañón vuelve, cada diciembre, a abrir la herida. La memoria, lejos de apagarse, se convierte en una consigna viva, en un reclamo que atraviesa generaciones.

El negocio global de la música volvió a exhibir cifras extraordinarias durante 2025, impulsado por giras masivas, acuerdos por catálogos, récords de streaming y contratos audiovisuales de alto impacto.

Según el ranking anual de Forbes, los 10 músicos con mayores ingresos del año concentraron una porción significativa de los USD 1.900 millones que acumularon, en conjunto, los 25 artistas mejores pagados del mundo.

El listado refleja una industria cada vez más orientada a los shows en vivo, las residencias estratégicas y la valorización de los derechos musicales. Pop, hip hop, rock y música latina conviven en un top 10 dominado por figuras con alcance global, calendarios de conciertos extensos y catálogos con fuerte rendimiento comercial.

10. Bad Bunny — USD 66 millones

El cierre del top 10 lo ocupa Bad Bunny, quien alcanzó USD 66 millones en 2025. El artista puertorriqueño fue nuevamente el Artista Global Top de Spotify, con 19,8 mil millones de reproducciones, un volumen que, según Forbes, generó cerca de USD 30 millones.

El mayor impulso económico provino de su residencia en Puerto Rico, titulada “No Me Quiero Ir de Aquí”, una serie de más de 30 conciertos que aportó alrededor de USD 40 millones. A eso se sumó el anuncio de su participación como artista del medio tiempo del Super Bowl LX.

9. Zach Bryan — USD 70 millones

El noveno puesto correspondió a Zach Bryan, el artista country con mayores ingresos de 2025, con USD 70 millones. En mayo firmó un acuerdo con Warner Records para vender los derechos de publicación de su catálogo y renovar su contrato, una operación valuada en USD 350 millones, de la cual Forbes estimó que recibió USD 48 millones netos.

El resto de sus ingresos provino de ventas musicales y de las fechas de 2025 de su gira Quittin’ Time, que acumuló USD 159,6 millones en recaudación desde octubre de 2024, según Pollstar.

8. Chris Brown — USD 74 millones

Chris Brown obtuvo USD 74 millones, apoyado en la gira The Breezy Bowl XX Stadium, que recaudó USD 285 millones en cuatro meses. Forbes calculó alrededor de USD 60 millones en ganancias por los shows y otros USD 13 millones en regalías, tras vender aproximadamente 5,25 millones de unidades equivalentes a álbumes durante el año.

7. Drake — USD 78 millones

Con USD 78 millones, Drake se ubicó en el séptimo lugar. Durante el año realizó más de 40 conciertos entre dos giras y lanzó el álbum colaborativo $ome $exy $ongs 4 U junto a PartyNextDoor.

Forbes estimó unos USD 30 millones por sus presentaciones en vivo y cerca de USD 50 millones por ingresos de streaming, impulsados por su catálogo de ocho álbumes, el segundo más rentable del ranking.

6. Shakira — USD 105 millones

Con USD 105 millones, la artista colombiana protagonizó uno de los mayores éxitos de la música latina en vivo. Su gira “Las Mujeres Ya No Lloran” alcanzó USD 327,4 millones en recaudación y se posicionó como la gira latina más taquillera de una artista femenina, según estimaciones de Billboard y Forbes.

5. Coldplay — USD 105 millones

También con USD 105 millones, Coldplay sostuvo su presencia global gracias a la gira “Music of the Spheres”, con cerca de 50 conciertos en Asia, Europa, América y Medio Oriente.

La gira recaudó alrededor de USD 375 millones durante 2025 y continúa su camino hacia cifras históricas, con más entradas vendidas que cualquier otra gira registrada, de acuerdo con Billboard.

4. Kendrick Lamar — USD 109 millones

El cuarto puesto quedó para Kendrick Lamar, con USD 109 millones. El año comenzó con su participación en el show de medio tiempo del Super Bowl LIX, que reunió a 133,5 millones de espectadores. El impulso continuó con el Grand National Tour junto a SZA, una gira que recaudó USD 358,7 millones y se convirtió en la más taquillera de la historia entre artistas co-encabezados.

3. Beyoncé — USD 148 millones

El tercer lugar correspondió a Beyoncé, con USD 148 millones. La Cowboy Carter Tour generó USD 407,6 millones en 32 shows y marcó un récord como la gira country más taquillera de la historia.

El desempeño económico del año permitió que la artista se convirtiera en multimillonaria, según Forbes, integrando un grupo reducido dentro de la industria musical.

2. Taylor Swift — USD 202 millones

Con USD 202 millones, Taylor Swift ocupó el segundo puesto. Su álbum “The Life of a Showgirl” fue el más vendido de 2025 y rompió récords históricos de ventas en la primera semana.

A eso se sumó un acuerdo con Disney+ por el concierto final del Eras Tour y una docuserie, con ingresos estimados en USD 80 millones. Además, la artista recompró las grabaciones maestras de sus primeros seis álbumes por un monto cercano a USD 360 millones.

1. The Weeknd — USD 298 millones

La cima del ranking está encabezada por The Weeknd, con USD 298 millones. El lanzamiento de su sexto álbum, Hurry Up Tomorrow, debutó en el número uno del Billboard 200 con 490.500 unidades equivalentes.

La gira “After Hours Til Dawn” superó los USD 1.000 millones en ingresos brutos, convirtiéndose en una de las pocas en alcanzar esa cifra.

El factor decisivo fue la venta de una participación de su catálogo a Lyric Capital, una operación valuada en torno a USD 1.000 millones. Forbes estimó que el artista recibió USD 200 millones netos tras comisiones.

En una entrevista de abril citada por Forbes, el cantante canadiense explicó: “Sentí que no tenía nada más que decir. He dicho todo lo que podía decir como esta persona y ahora es el momento de dar el siguiente paso”.

La clasificación de Forbes se basó en ganancias antes de impuestos entre diciembre de 2024 y diciembre de 2025, descontando costos y comisiones, y considerando exclusivamente ingresos vinculados a la actividad musical, con datos de Pollstar, Luminate y especialistas de la industria.

El listado de Forbes de los músicos mejores pagos de 2025 se completó con los siguientes artistas:

1. Post Malone — USD 62 millones
2. Ed Sheeran — USD 60 millones
3. Tyler, The Creator — USD 53 millones
4. Metallica — USD 53 millones
5. Lady Gaga — USD 52 millones
6. Billie Eilish — USD 52 millones
7. Imagine Dragons — USD 48 millones
8. Dua Lipa — USD 44 millones
9. Linkin Park — USD 36 millones
10. SZA — USD 34 millones
11. Morgan Wallen — USD 33 millones
12. Bruno Mars — USD 31 millones
13. Sabrina Carpenter — USD 29 millones
14. Andrea Bocelli — USD 25 millones
15. Iron Maiden — USD 25 millones

La vuelta a los escenarios de Fito & Fitipaldis ha estado marcada por un ambiente de comunión entre el público y la banda, que en medio de su actuación en Madrid promovió la interacción entre asistentes actuales y los seguidores que asistirán a futuras fechas en el Movistar Arena. Según informó Europa Press, durante la mitad del concierto, el propio Fito Cabrales pidió a los presentes grabar un saludo conjunto para quienes asistirán al siguiente espectáculo, después de proyectar un mensaje similar enviado por los fans de Gijón. Esta interacción formó parte de un concierto que agotó localidades y que reflejó el regreso del grupo a la capital española tras más de dos años y medio de ausencia de los escenarios.

El medio Europa Press detalló que el evento, celebrado en el marco de la gira 'Aullidos Tour', marcó el primer espectáculo de los cuatro programados por la banda en Madrid. El repertorio elegido para la noche giró principalmente en torno a su reciente álbum, 'El Monte de los Aullidos', el cual se publicó en octubre y logró alcanzar la cima de la lista Top 100 Álbumes en España desde su lanzamiento. Además de presentar nuevo material, Fito & Fitipaldis incluyó en la lista de canciones varios temas que ya forman parte de la memoria colectiva de sus seguidores, como 'Soldadito marinero', 'La casa por el tejado' y 'Por la boca vive el pez'. Estos clásicos generaron momentos de participación masiva, especialmente cuando cientos de asistentes encendieron las linternas de sus teléfonos durante la interpretación de 'Soldadito marinero'.

Europa Press consignó que la conexión de la banda con Madrid se evidenció desde el inicio del concierto, cuando Fito Cabrales, líder del grupo, agradeció al público con la frase: “Muchas gracias, sois una puta bendición”. Este regreso forma parte de una celebración del rock que, en palabras de Cabrales, también es una celebración de “todo lo que nos une”, trasladando la energía de su reciente trabajo discográfico al directo.

El recorrido de Fito & Fitipaldis por 28 ciudades españolas, programado hasta mayo de 2026 bajo el nombre de 'Aullidos Tour', prolonga el impacto que el grupo mantiene en la actual industria musical española. Según publicó Europa Press, la alta demanda de entradas ha sido una constante, y la mayoría de fechas han registrado 'sold out', confirmando la vigencia del grupo tras su pausa.

La reanudación de la actividad musical del grupo comenzó el 21 de noviembre en Santander, en el Palacio de Deportes, donde Fito & Fitipaldis ofreció su primer concierto tras más de dos años y medio alejados de los escenarios. Desde ese momento, la banda ha afinado su presentación en directo para llegar a Madrid con una maquinaria bien ajustada, según indicó Europa Press.

La producción del disco 'El Monte de los Aullidos', editado por Warner Music, supuso para la banda cuatro años de espera, periodo durante el cual Fito Cabrales buscó tener “algo que contar” antes de regresar a la grabación y las giras. En entrevista con Europa Press, Cabrales sostuvo que para él la música tiene una dimensión curativa y espiritual, y que esa percepción contribuye al enfoque del grupo en su actual gira. Durante la entrevista, Cabrales expresó: “Entiendo la música como curación, como algo espiritual. Lo digo, ¿sabes por qué? Pues porque nadie lo dice. Solo por eso, no es que lo quiera reivindicar, pero como nunca lo oigo, pues lo digo. Hombre, claro que hago música porque quiero hacer un disco y viva el rock, quiero salir de gira y tocar la guitarra y comprarme otro ampli. Claro, eso existe. Y jugar a que somos AC/DC. Pero en el trasfondo de todo es que hay algo espiritual”.

La gira 'Aullidos Tour', cuya primera fecha se anunció en abril, ha reforzado el papel de la banda dentro del panorama del rock español, destacando la expectativa que genera su regreso y la respuesta multitudinaria del público que asiste a cada presentación, según ha reportado Europa Press. Además, el repertorio diseñado alterna canciones del más reciente álbum con composiciones que han marcado diferentes etapas de la banda, dotando al espectáculo de una estructura que entrelaza la nostalgia por viejos éxitos con la presentación de nuevas propuestas.

La realización del concierto en el Movistar Arena de Madrid demostró el atractivo que el grupo sigue suscitando tras una prolongada ausencia, consolidando su capacidad para llenar recintos y mantener la entrega del público. Según detalló Europa Press, el regreso de Fito & Fitipaldis a los escenarios no solo ha respondido a una demanda latente, sino que ha revitalizado el interés de sus seguidores por asistir a sus presentaciones en diferentes puntos del país.

Los próximos conciertos del grupo en Madrid se inscriben en el tramo final de la gira, que recorrerá numerosas ciudades españolas hasta mayo de 2026. El fenómeno de la venta total de entradas acompaña a buena parte de las fechas que, de acuerdo a los datos difundidos por Europa Press, refuerzan la vigencia del proyecto musical liderado por Cabrales. Tras más de 30 años de carrera, el grupo continúa suscitando reacciones entusiastas entre su audiencia, con espectáculos que combinan el lanzamiento de nuevos trabajos y la celebración de un repertorio ampliamente conocido por el público.

El funeral de Gary “Mani” Mounfield, el bajista que dejó una huella indeleble en la historia del rock británico con Stone Roses y Primal Scream, convocó a figuras destacadas de la música y el deporte en la Catedral de Manchester. Liam Gallagher, Paul Weller, Ian Brown, Bobby Gillespie y David Beckham entre otros, se unieron para rendir homenaje no solo a la trayectoria del músico, sino a la influencia duradera que ejerció en la cultura de la ciudad y más allá. La emotividad del momento recayó en las palabras de Ian Brown, vocalista de The Stone Roses, quien calificó a Mounfield como “un verdadero camarada musical” y “siempre un alma bella y espíritu luminoso”, aludiendo al torrente de afecto y reconocimiento que siguió a su fallecimiento.

Desde las primeras horas del lunes, centenares de personas se congregaron dentro y fuera del templo para despedir al músico, fallecido en su residencia de Stockport el 20 de noviembre, a los 63 años. A la ceremonia acudieron personalidades como Peter Hook, Tim Burgess, Bez y Gary Neville, mientras que en el exterior los seguidores coparon las calles, confirmando el peso simbólico de Mounfield para la identidad de la ciudad. El ataúd, decorado como la portada del primer álbum de The Stone Roses, fue sacado del recinto por Brown, Gallagher, Gillespie, el guitarrista Andrew Innes y los miembros fundadores de la banda John Squire y Alan “Reni” Wren.

La relación entre Mounfield y Manchester se celebró de manera especial durante el servicio. Con aplausos de los presentes, Brown remarcó que “Mani amaba Manchester más que nadie, y pocos han hecho tanto por esta ciudad”, sugiriendo incluso erigir en su honor “una estatua de cincuenta pies (15 metros) de oro macizo”. El cantante recalcó también el carácter vitalista del bajista: “Vivió su vida riendo. Y la risa fue su máxima búsqueda: siempre en busca de la próxima carcajada, una máquina de risas inagotable”.

Ahondando en la dimensión humana de su amistad, Brown manifestó que “Mani estuvo en mi esquina en cualquier situación, durante cuarenta y cinco años, ininterrumpidamente y sin condiciones. Siempre una bella alma y espíritu”. Describió la pasión constante de su amigo por su familia, amigos, la pesca, el fútbol —y específicamente el Manchester United—, la música, las Lambrettas, el baile, la ropa, la ciudad y los placeres mundanos, asegurando que Mounfield “vivió una vida plena, recorriendo el mundo alzando a las personas con su destreza al bajo”. Explicó que el dolor de la despedida es universal entre quienes lo conocieron: “Él no querría vernos desconsolados. Pero todos lo estamos”.

El acto incluyó también un tributo de Bobby Gillespie, quien reconoció el legado de Mounfield en Primal Scream desde su llegada en 1996. El cantante lo evocó con estas palabras: “Era un pequeño y genial cabrón con un corazón de rock and roll… Merodeaba el escenario con la astucia de una pantera, con la gracia de un bailarín. Qué afortunados fuimos de tenerlo en nuestra banda y en nuestras vidas”. Sumó un recuerdo para la esposa de Mounfield, Imelda, fallecida dos años antes, a quien consideró su “roca” y destacó como parte de una “pareja increíble”.

En los últimos meses, Mounfield había anunciado una gira de charlas en el Reino Unido prevista de septiembre de 2026 a junio de 2027. En ella, planeaba repasar momentos clave de su carrera, como el emblemático concierto de The Stone Roses en Spike Island en 1990 y la gira de regreso del grupo en 2012.

[Fotos: REUTERS/Temilade Adelaja]

El Estadio Mario Alberto Kempes de Córdoba se llenó de expectativa la noche del sábado cuando Pity Álvarez volvió a encender los reflectores con su regreso a los escenarios. Más de 35 mil personas viajaron de todo el país para ver en vivo el retorno de un músico cuya figura nunca dejó de alimentar leyendas, admiración y polémica en el rock argentino. El inicio resultó tan sorpresivo como el desenlace: el exlíder de Viejas Locas e Intoxicados subió puntualmente al escenario y mantuvo una precisión poco habitual en sus presentaciones, ejecutando un show de dos horas y media en el que todo parecía pensado hasta en el mínimo detalle. El pacto entre público y artista era claro: allí solo tendría lugar la música.

Este regreso llegaba después de siete años de perfil bajo. El nombre de Cristian Pity Álvarez quedó marcado por la tragedia en 2018, tras el homicidio de Cristian Díaz, y las imágenes de caídas irrecuperables por las adicciones. El músico pasó temporadas en prisión y clínicas, atravesó tratamientos psiquiátricos y batallas con sus adicciones. Su proceso judicial sigue abierto, aunque la causa principal permanece suspendida por motivos de salud mental.

Lejos de alimentar los viejos fantasmas de la imprevisibilidad, la noche se desarrolló con una normalidad cuidada. El estadio se colmó de familias y grupos de amigos que traían puestas camisetas que remiten a dos décadas de rock callejero. Muchos se apuraron a encontrar el mejor lugar, mientras una cuenta regresiva en pantallas anunciaba la hora exacta del show. Pity apareció vestido con botas y pantalón a rayas, acompañado por una puesta en escena dominada por luces y vientos, bajo la conducción de una banda de músicos experimentados. Roció a sus colaboradores con purpurina, una forma de agradecer “para que brillaran literalmente”, según contó uno de los integrantes del equipo, con glitter plateado en el rostro y la ropa.

Todo en el espectáculo buscó crear una conexión directa con el público. Abrió con “Intoxicado”, uno de sus grandes éxitos, seguido por una batería de clásicos como “Me gustas mucho”, “Volver a casa”, “Mirta”, “Una vela”, “Está saliendo el sol”, “Fuego” y “Lo artesanal”. Hubo espacio para la emoción más pura en “Homero”, el tema dedicado a su padre trabajador, y para el desahogo colectivo en “Nunca quise”, que hizo estallar un mar de lágrimas entre los presentes. En silencio, pero agradecido, Pity dirigió constantes gestos de gratitud a sus músicos y a la estructura que le permitió volver a tocar en un estadio.

El público mostró una lealtad difícil de exagerar. Asistieron adolescentes y jóvenes de hasta 25 años, muchos de los cuales solo tenían registros del artista a través de grabaciones o relatos familiares. Tres generaciones se unieron para cantar los himnos de la noche. Entre banderas y remeras rescatadas de años atrás, se dibujaba en el campo un mosaico de fanáticos de toda la vida y nuevos seguidores emocionados por esa suerte de liturgia rockera.

La puesta en escena resultó provocadora en varios pasajes. Pity subió al escenario con una correa atada a una mujer que le sirvió un trago y le encendió un cigarrillo antes de dejarlo solo con su guitarra, en una imagen que bordeó la ironía y la auto-parodia. También proyectó en pantallas una introducción de Mirtha Legrand junto a Yiya Murano, y en todo momento saltó de la actuación excéntrica a los gestos más espontáneos, como cambiarse de ropa varias veces o bromear con el público.

La noche dejó espacio también para la reflexión sobre el pasado. Pity interpretó “Te empezás a chorrear” y, antes de dar inicio, interpeló a la multitud con una ironía: “Vamos con un tema que hice cuando era chiquito y era tan insolvente. Me tengo que hacer cargo de las cosas que hice, ¿no?”. En otros tramos del recital, soltó frases que resonaron en el estadio: “¿Quién me va a juzgar? ¿Dios? ¿A mí, que soy Dios? Solo el universo me puede juzgar”.

El regreso de Álvarez implicó algo más que la reaparición de una figura polémica. En el ambiente flotó la pregunta sobre los límites de la reinserción social y el papel de la música como refugio y punto de encuentro colectivo. Aunque la causa por homicidio sigue sin sentencia y otro proceso judicial se mantiene en suspenso, la multitud eligió asistir, corear y aplaudir. Para muchos, el espectáculo encarnó la esperanza de que aun puede haber un nuevo capítulo para el indomable que, por una noche, se refugió en el rock, tocó ante miles y agradeció poder volver a hacerlo.

Allí abordó su infancia marcada por el jazz, su visión sobre la creatividad, la autenticidad y el compromiso social a través de la educación. El encuentro tuvo lugar en el Silverlake Conservatory of Music de Los Ángeles, una institución fundada por el propio músico.

“Para mí, todo es música y estoy agradecido por todo ello”, afirmó al inicio de la charla con el Rick Beato podcast, recordando cómo el arte se convirtió en refugio y motor vital desde su niñez.

Después de la separación de sus padres, su madre inició una relación con un músico de jazz de la escena neoyorquina en los años 70, lo que le permitió presenciar en su propio hogar intensas sesiones de bebop.

“El primer contacto real que tuve con la música fue ver a músicos tocando en mi sala, interpretando temas de Charlie Parker, Fats Navarro, Dizzy Gillespie y Thelonious Monk. Era una experiencia tan intensa y hermosa que me hacía rodar por el suelo de la emoción”, recordó.

Aprendizajes y raíces en el jazz

El bajista de 63 años explicó que nunca sintió la necesidad de categorizar la música por géneros ni culturas, sino que la percibe como una expresión universal. “La gente suele encerrarse en la música que escuchaba en su adolescencia, pero para mí, la música es un vehículo para mantener vivo el espíritu de la esperanza y la aventura”, sostuvo.

Sobre su formación, contó cómo la influencia de su padrastro y la admiración por los grandes del jazz lo llevaron a elegir la trompeta como primer instrumento. “Crecí en un hogar caótico y violento, pero cuando tocaba la trompeta sentía tranquilidad y una buena sensación conmigo mismo”, confesó.

Aunque su juventud estuvo marcada por la rebeldía y la falta de disciplina, la música le otorgó notoriedad en la escuela y acceso a becas para clases privadas.

La amistad con Anthony Kiedis, cantante y vocalista de los Red Hot Chili Peppers, y Hillel Slovak, con quienes formó un trío durante la adolescencia, fue el punto de partida del proyecto que más tarde daría origen a la banda estadounidense. “Hillel me propuso aprender a tocar el bajo y, dos semanas después, ya estaba en el escenario del Sunset Strip”, recordó.

Red Hot Chili Peppers: comienzo, lucha y transformación

Según Flea, la historia de los Red Hot Chili Peppers estuvo marcada desde el inicio por la falta de recursos y la necesidad de improvisar. “No teníamos dinero ni guía, pero siempre buscábamos cómo hacer las cosas. Esa experiencia de sobrevivir en la calle nos dio una especie de coraje y nos enseñó a transformar el dolor en arte”, relató.

La banda ensayaba en espacios prestados y conseguía conciertos a base de insistencia y creatividad. “Desde el primer show, la gente enloqueció. Sentimos que algo mágico nos atravesaba”, describió sobre los inicios del grupo.

Respecto al proceso creativo, destacó la importancia de la improvisación y el trabajo colectivo. “Muchas canciones nacieron de ensayos improvisados en las que simplemente dejamos que el momento exista. A veces, después de una hora y media, de repente algo encaja y todos lo sentimos”, explicó.

Reconoció la influencia del guitarrista John Frusciante en la estructura de las canciones y la evolución del sonido de la banda. “Antes, casi todo partía de una línea de bajo, pero John aportó acordes y melodías que nos permitieron canalizar nuestra esencia en estructuras más sólidas”, señaló.

Según el bajista, la vulnerabilidad y la autenticidad son elementos centrales en la vida de una banda. “Presentar una idea ante el grupo siempre es un acto vulnerable. Puedes protegerte con arrogancia o inseguridad, pero el objetivo es llegar a un punto en el que solo presentas lo que tienes”, reflexionó.

Añadió que la música es un camino para aprender a amarse a uno mismo y que el aprendizaje nunca termina: “Siempre trato de ser un estudiante, de conocerme mejor y de crecer”.

Educación musical y compromiso social

El jazz mantiene un lugar fundamental en la vida de Flea, tanto como influencia musical como disciplina personal. “Practico la trompeta todos los días. Me siento humilde ante los músicos de jazz y, a veces inseguro, pero aprendí que todos estamos escalando la montaña de la música”, compartió en el Rick Beato podcast.

Detalló rutinas de práctica y su admiración por figuras como Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Miles Davis, Clifford Brown y Lee Morgan. “El jazz me enseñó a buscar la belleza incluso en medio del caos”, afirmó.

El compromiso social de Flea se materializa en el Silverlake Conservatory of Music, una escuela sin fines de lucro que fundó para ofrecer educación musical a la comunidad. “La idea surgió al ver que las escuelas públicas ya no tenían instrumentos ni orquestas. Quise crear un espacio donde los niños pudieran aprender música y encontrar algo a lo que aferrarse”, explicó.

El conservatorio atiende a unos 800 estudiantes por semana y ofrece clases individuales y grupales, sin enfocarse en ningún género específico ni en la fama. “No se trata de ser una estrella de rock, sino de enseñar técnica, fundamentos y cómo tocar con otros”, subrayó.

En el cierre de la conversación con el conductor, Rick Beato, Flea afirmó que su labor educativa le otorgó un sentido renovado a su vida. Cada vez que cruza las puertas del conservatorio, experimenta una plenitud que trasciende cualquier logro profesional, convencido de que la música y la enseñanza son fuentes inagotables de significado y esperanza.

El ministro de Cultura, Ernest Urtasun, recordó que el líder de Extremoduro, Robe Iniesta, será homenajeado póstumamente con la Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes. Urtasun hizo este anuncio como respuesta al comentario de Santiago Abascal, líder de Vox, quien en un mitin realizado en Plasencia afirmó que el pabellón donde se rindió homenaje al músico debía ser “desinfectado”. Según divulgó el medio fuente, las declaraciones de Abascal provocaron una reacción inmediata de Urtasun, quien utilizó su perfil de Instagram para criticar públicamente al dirigente político.

De acuerdo con la información publicada, el fallecimiento de Robe Iniesta, figura destacada del rock español, se produjo el miércoles 10 de diciembre, motivo por el cual numerosas personas se congregaron en el pabellón de Plasencia para rendirle un último tributo. En este contexto, la frase de Abascal difundida por el medio generó rechazo en distintos sectores, especialmente en el ámbito cultural y político.

El propio Urtasun calificó de “impresentable” al líder de Vox por sus palabras, añadiendo que “el impresentable de Abascal se ha ido a Plasencia a hacer un mitin y ha dicho que había que desinfectar el pabellón donde se le hizo un gran homenaje a Robe Iniesta”, según manifestó el ministro en el vídeo publicado en redes sociales, citado por el medio original. Urtasun también señaló que fueron muchos los españoles que lloraron la muerte de Iniesta y remarcó la relevancia cultural del artista en la música de la península Ibérica.

La noticia publicada destacó que Urtasun hizo hincapié en que el homenaje a Iniesta reunió a un amplio número de seguidores y ciudadanos que lamentaban la pérdida de un símbolo de la cultura española. Según palabras recogidas por el medio, el ministro enfatizó: “Fuimos muchos los que lloramos su muerte y le llevamos en el corazón”. Además, Urtasun precisó que la Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes, que será entregada a Robe Iniesta de manera póstuma, representa un reconocimiento oficial a la trayectoria y aportación del músico al panorama artístico nacional.

Dentro de su crítica, Urtasun aludió a la actitud del partido de extrema derecha. “¿Saben qué es lo que hay que desinfectar? El sectarismo de la extrema derecha española y su odio a nuestra cultura”, afirmó según reportó la fuente de noticias, planteando así un contrapunto al discurso de Abascal y abriendo un nuevo frente de polémica en el debate sobre la convivencia política y cultural en España.

El medio que difundió estos hechos remarcó la magnitud del homenaje celebrado en Plasencia para despedir a Robe Iniesta y el impacto emocional generado entre los asistentes. La noticia sobre la controversia vinculada a las declaraciones de Abascal circuló por diferentes ámbitos, alimentando las discusiones sobre los límites del discurso político y la defensa de los referentes culturales. Numerosos ciudadanos compartieron mensajes de apoyo tanto a la figura del artista como a la respuesta institucional dada por el Ministerio de Cultura, haciendo patente la sensibilidad que rodea la memoria y el legado de figuras reconocidas en la música y el arte.

Según detalló la fuente original, el acto público al que se refirió Abascal se celebró en el mismo espacio donde se velaron los restos de Iniesta. El episodio, reseñado ampliamente en redes y medios, reavivó el debate sobre el papel que juegan los homenajes culturales y el respeto debido a los artistas tras su fallecimiento. El reconocimiento institucional a Iniesta se suma a las muestras de cariño expresadas desde distintos sectores de la sociedad.

El contenido publicado pone de relieve las tensiones existentes entre representantes del gobierno actual y la oposición, en un contexto social donde las cuestiones culturales adquieren relevancia simbólica. La entrega de la Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes a Robe Iniesta aparece en este marco no solo como un reconocimiento póstumo, sino como un acto que el gobierno presenta frente a los cuestionamientos y las críticas provenientes de la esfera política.

El desarrollo de este episodio, difundido por la fuente original, está marcado por la inmediata repercusión mediática de las palabras del ministro Urtasun y su confrontación directa con Santiago Abascal. Las reacciones provocadas señalan la persistencia de un profundo debate sobre el valor de la cultura y el respeto hacia sus protagonistas, especialmente en momentos de gran sensibilización popular, como el adiós a una figura emblemática del rock español.

No me gustan los experimentos “sinfónicos” alrededor de la música pop -y vaya que se han perpetrado unos cuantos, de Rata Blanca y Gustavo Cerati a Ciro y Trueno, por citar ejemplos locales- pero algo me hacía pensar que esta vez, con Stewart Copeland desarreglando las perfectas canciones de The Police podía funcionar. De otra manera en medio de la aceleración de fin de año, no hubiera emprendido un largo camino hacia el centro de Buenos Aires un miércoles por la noche en pleno diciembre. En fin, estas son cuestiones que al eventual lector poco le importan, así que vayamos al punto.

Funcionó. Fue un espectáculo magnífico, pleno de musicalidad, intensidad y emoción. Claro, todo debido a “las perfectas canciones de...” The Police es una de las grandes bandas de rock del siglo XX, cuyo legado e influencia se mantienen vivos hasta hoy. Combinó la versatilidad de tres notables instrumentistas capaces de generar un potente sonido new wave de trío bajo-guitarra-batería -en principio, luego sumaron colores y texturas a su sonido primitivo-, al servicio de pequeños himnos generacionales que motivaron, sobre todo en la primera mitad de la década de los años 80, un tipo de furor que los acercó a la beatlemanía (chequear videos de sus shows en vivos alrededor de 1983, 84, 85).

Sting, Andy Summers y el hombre de la noche de anoche, Stewart Copeland, no eran principiantes cuando se subieron al tren de la “nueva ola” (aquella de la que se burló Charly García en tiempos de Seru Giran) y como tales, captaron que el viento soplaba en una dirección. Con un carismático cantante e inspirado compositor al frente, y dos soberbios músicos, The Police la rompió y dejaron una brillante colección de perlas pop-rock-reggae nunca antes ni después concebidas. Una banda de rock en estado puro, capaz de conectar con las masas en un tiempo particular, a caballo de una serie de canciones infalibles. Todos sabemos una de The Police.

Por cierto, he aquí el motivo de este texto: el show que Stewart Copeland -un tercio de aquella maquinaria perfecta- brindó en la noche del miércoles ante una platea de gente mayormente adulta (testigos y protagonistas de aquellos dorados años 80) en el Teatro Gran Rex fue sencillamente espectacular. Es decir, fue un espectáculo en toda la regla. El título del show, Police Deranged alude -con ironía, marca registrada del personaje- a una versión “salvajemente irracional” de la cosecha creativa de la famosa banda.

El formato del espectáculo, con una trío al frente (otra vez, batería, bajo y guitarra; con Copeland y las argentinas Lula Bertoldi y Brenda Martin, integrantes de la banda local Eruca Sativa, a quienes eventualmente también se sumó el baterista Gabriel Pedernera), tres sólidas cantantes afroamericanas, un pianista, dos percusionistas y, he aquí la novedad, un portentoso ensamble sinfónico dirigido por Nico Sorin. De esa combinación de texturas y sonidos, emergieron las nuevas versiones de clásicos inoxidables.

A saber: “Spirits in the Material World”, “Roxanne”, “Everything she does is magic”, “Message in a bottle”, “Can’t stand losing you”, “King of Pain” y por supuesto “Every breath you take”. Más, algunas perlas reggae marca Police -otro de sus grandes aportes, haber traducido el reggae según la impronta de muchachos blancos anglosajones, después de The Clash sí pero con un colmillo pop que marcó diferencia- del tipo “One world (not three)” y la bellísima “Walking on the Moon”. Demasiado todo junto. La combinación del pulso rock-reggae de las canciones y su instrumentación básica, amplificadas por una masa uniforme, armoniosa, de instrumentos de viento, percusión y madera ejecutados con justeza y buen gusto, hicieron el resto.

Todo esto sin contar el carisma de Stewart Copeland, quién ofreció una performance que combinó intervalos de stand up con la masterclass de su instrumento. Y una sensación única que solo ocurre en un espectáculo en directo. Estaba ahí. El tipo del póster en el cuarto que compartíamos con mi hermano en nuestra casa de Olavarría, estaba ahí.

Hay algo misterioso e inasible cada vez que una de estas leyendas de la historia del rock vienen a Buenos Aires y se presentan en vivo. Si tenés la fortuna de estar ahí, y pasó con los Stones, Ringo, Paul, Dylan, Lou Reed, Ozzy y sigue la lista, los ves de cuerpo presente: el póster cobra forma humana. Por suerte, gracias a mi profesión, me pasó unas cuantas veces. Más de las que incluso hubiera soñado como adolescente tímido que asomó al rock leyendo Expreso Imaginario y escuchando 9 PM y Submarino Amarillo entre ruidos de descarga de AM.

Vuelvo al principio. Algo me fue diciendo, en los días previos, que este experimento sinfónico sobre canciones que llevo para siempre conmigo en el corazón, podía funcionar. La intuición, ajena al cansancio del fin de año, no me falló y pasé una de las mejores noches del año. Gracias Stewart.

[Fotos: Laura Tenenbaum)

Alex Lora, líder de la legendaria banda El Tri, abordó los rumores sobre un posible cambio de rumbo en su carrera tras presentar una canción dedicada a niños.

En un reciente encuentro con la prensa, el músico aclaró qué viene para él.

¿Qué dijo Alex Lora sobre hacer música infantil?

Durante la breve charla con los medios, Alex Lora explicó que la inspiración para componer una canción llamada Música es amor provino de su deseo por motivar a las nuevas generaciones a acercarse a la música desde temprana edad.

Según relató el músico, la canción busca incentivar a los niños para que “jueguen a la música y no quieran jugar a la violencia”.

Además, Lora compartió la visión que inspiró su composición:

“Hay que motivar a los niños a que jueguen a la música para que no quieran jugar a la violencia. Un niño que tenga en sus manos un instrumento musical ya nunca va a querer jugar con un arma mortal”.

Respecto a la posibilidad de abandonar el rock para centrarse en la música infantil, Lora no dio indicios de querer alejarse del género que lo ha consolidado gran parte de su carrera.

Mencionó que su trayectoria incluye éxitos como Chavo de Honda, Oye cantinero y Perro negro, canciones que siguen vigentes muchos años después de su creación.

La postura de Alex Lora sobre los corridos tumbados y la censura

Al ser consultado sobre su opinión respecto a la censura de géneros como los corridos tumbados, Alex Lora sostuvo que todas las expresiones musicales son válidas mientras conecten con el sentir de la gente.

“La gente, el público, es el que al tiempo va a decir qué es lo que vale y qué es lo que es desechable”, declaró el cantante, según recogió la prensa reunida en el evento.

Lora recalcó que no está a favor de prohibir o censurar tipos de música, incluidos los narcocorridos, pese a la discusión pública que han generado. En la misma entrevista, amplió su postura: +

“Nosotros no somos nada para juzgar a nadie”.

El pensamiento de Alex Lora sobre el reguetón y la diversidad musical

A lo largo de las últimas décadas, el reguetón ha sido uno de los géneros más cuestionados por críticos y músicos que consideran que sus letras carecen de contenido cultural.

Otros sectores lo defienden como una expresión cuya popularidad refleja la actualidad juvenil.

En antiguas declaraciones, Alex Lora recordó que, durante sus inicios en el rock, no se reconocía la variedad musical fuera de ese círculo.

Su visión cambió a partir del lanzamiento del disco Sinfónico, cuando incorporó orquesta a su estilo tradicional e incorporó géneros como bolero, tango y música popular mexicana.

El músico sostuvo que “toda la música es bonita” y manifestó apertura a diferentes estilos, incluido el reguetón, considerándolo parte de la evolución cultural, pero manteniendo siempre la esencia del rock and roll en sus trabajos.

Alejandra Villarreal nació el 13 de diciembre de 2004 y este año celebró 21 años de vida en uno de los momentos más sólidos de su carrera musical. Integrante de The Warning, banda formada junto a sus hermanas Paulina y Daniela, ha sido parte fundamental del crecimiento de uno de los proyectos de rock más relevantes surgidos en México en la última década.

Originarias de Monterrey, Nuevo León, las hermanas Villarreal construyeron una propuesta que combina energía, técnica y una identidad musical clara. Desde sus inicios, The Warning ha demostrado que el rock hecho en México puede competir en escenarios internacionales sin perder autenticidad ni fuerza creativa.

En este contexto, el cumpleaños de Alejandra no solo marca una fecha personal, sino también un punto simbólico dentro de la historia de la banda.

Su presencia en el escenario y su papel musical reflejan la evolución de un proyecto que continúa ampliando su alcance y consolidando su impacto.

Alejandra Villarreal y el pulso rítmico de The Warning

Como bajista de The Warning, Alejandra Villarreal ha desarrollado un estilo que sostiene y potencia el sonido del grupo. Su dominio aporta solidez a cada interpretación y refuerza la conexión entre la banda y el público, convirtiendo cada presentación en una experiencia intensa y dinámica.

Más allá de la técnica, su carisma escénico se ha vuelto un rasgo distintivo. La energía que transmite en vivo contribuye a la identidad del grupo y complementa el trabajo de sus hermanas, logrando un equilibrio que se percibe tanto en conciertos como en grabaciones.

Este aporte constante ha sido clave para que The Warning construya una base sólida de seguidores. Millones de oyentes en plataformas digitales y fans en las redes sociales respaldan una propuesta que se distingue por su entrega musical.

Un proyecto mexicano con alcance internacional

The Warning se ha posicionado como una de las bandas de rock más destacadas formadas por artistas mexicanas. Su alma rockera y su voz potente les han permitido ocupar un lugar relevante dentro del género, captando la atención desde sus primeras apariciones públicas.

Aunque gran parte de su repertorio está en inglés, el grupo mantiene un vínculo claro con sus raíces. La inclusión de canciones en español y su identidad como banda mexicana refuerzan un discurso que trasciende fronteras sin perder origen.

Con un estilo propio y una vibra única, las hermanas Villarreal han llevado su música a escenarios internacionales, proyectando una imagen actual del rock hecho en México y ampliando su visibilidad dentro de un entorno global.

Trayectoria, escenarios y consolidación de The Warning

Formada en 2013, la banda inició su camino reinterpretando canciones que les permitieron desarrollar su sonido y presencia. Con el paso del tiempo, ese aprendizaje se transformó en una propuesta original que hoy define su sello artístico.

Su carrera las ha llevado a pisar recintos emblemáticos, entre ellos el Auditorio Nacional de la Ciudad de México, uno de los escenarios más importantes del país. Presentaciones con sold outs les marcaron un momento clave ante su público nacional.

En 2025, ese mismo recinto fue testigo de una etapa decisiva para la banda, con conciertos que reforzaron su estatus dentro del rock moderno. Alejandra Villarreal, junto a sus hermanas, continúa escribiendo una historia que pone en alto el nombre de México en la música global.

El grupo mexicano de rock, DLD, realizará un doble concierto en la Ciudad de México hacia finales de este 2025.

Durante una conferencia de prensa llevada a cabo este lunes 8 de diciembre, la banda compartió información sobre estas dos presentaciones que tendrán lugar en la capital del país.

Mencionaron que interpretarán sus canciones más conocidas, aquellas que cuentan con la preferencia de sus seguidores.

Subrayaron que se tratará de conciertos dedicados a la música y a la memoria para su público, los cuales los han acompañado a lo largo de toda su trayectoria musical.

También anunciaron las fechas de este par de conciertos, junto con el recinto donde se llevarán a cabo en la Ciudad de México durante este mes de diciembre de 2025.

Esta es la doble fecha de conciertos en la CDMX donde se presentará DLD antes de finalizar el 2025

El doble show de DLD será en el salón de espectáculos ‘La Maraka’, programado para el viernes 12 y sábado 13 de diciembre de 2025.

La banda busca cerrar el año con estos conciertos dobles antes de concluir 2025.

Explicaron que debido al recibimiento y asistencia total obtenidos en la primera fecha, decidieron ofrecer dos funciones en este espacio de la Ciudad de México.

DLD ya tiene confirmadas otras presentaciones para 2026, entre ellas una participación en el festival Tecate Pal Norte, que ocurrirá en Monterrey, Nuevo León.

Este evento se realizará el viernes 27 de marzo del año próximo.

Hasta el momento no se han dado a conocer más fechas, ciudades o recintos donde se presentará la agrupación de rock alternativo.

Breve historia de la banda de rock DLD

DLD es una banda de rock alternativo originaria de México, formada a finales de la década de 1990 en el Estado de México.

Sus miembros fundadores son Francisco Familiar (voz), Erik Neville (guitarra) y Edgar Hansen (bajo), quienes iniciaron su trayectoria bajo el nombre de Dildo, pero cambiaron a DLD para evitar controversias.

El grupo se consolidó en la escena musical mexicana por su estilo que fusiona rock alternativo con elementos electrónicos y líricas introspectivas.

A lo largo de su carrera han lanzado álbumes como DLD (2003), “Por Encima” (2004), “Primario” (2012) y “Futura” (2015), obteniendo reconocimiento tanto por la crítica como por el público.

Temas como “Por Siempre”, “Todo Cuenta” y “Arsénico” han figurado en listas de popularidad y su agenda de presentaciones incluye festivales masivos y giras nacionales e internacionales.

DLD ha sido nominado a diversos premios y su propuesta musical ha evolucionado sin perder su identidad, manteniéndose vigente en la industria del rock latinoamericano.

Su solidez como banda reside en su capacidad para renovar sonidos, letras y producción, estableciéndose como uno de los proyectos más destacados del panorama musical en México.

Por ejemplo, sobre el idioma español: “mi español es una vergüenza porque crecí educado en Inglaterra, donde te enseñan francés. Y eso no me sirve de nada. Vivo en California y el idioma que debería hablar aquí es español, por supuesto. Creo que al menos la mitad de la gente en California habla español”.

—Con el jardinero, me da miedo decir “hola” (ríe).

—¿Por qué?

—Porque me miran como, “Oh, mierda. ¿Me descubrieron?”. Y siempre responden, “Hello”. Si les hablo en español, eso les hace sentir como, “Oh, mierda. Vienen por mí del ICE (N. de la R.: siglas Immigration and Customs Enforcement, la temida fuera policial que Donald Trump estableció para sus redadas de inmigrantes ilegales).

También habló sobre la nacionalidad argentina de su cuñada, casada con su hermano Miles Copeland, histórico manager de The Police y de Sting también.

—Por ese vínculo familiar ¿Has visitado Argentina unas cuantas veces, verdad?

—Absolutamente. He estado allí no solo para dar conciertos sino también para jugar al polo.

—¿Y qué te gusta de Argentina más allá del polo y los caballos?

— El bife. Y el estilo argentino de comer, donde en los restaurantes simplemente pasan con las espadas (risas) y cortan la carne. Eso me gusta mucho. No soy vegetariano ¿se nota?

—Se nota.

—Mi tiempo en Argentina además, fue muy diferente de Brasil o México, que también conozco bastante. Argentina es como Inglaterra, porque todos hablan inglés además de hablar español.

—¿Ah sí?

—Los modales, el té a las cinco, el estilo de vida y todo es muy, muy inglés... Excepto que todos hablan en español.

—Bueno, en Argentina como en Inglaterra gusta mucho el fútbol ¿Lo sabes, no?

—Sí. Bueno, creo que los argentinos son un poco mejores en fútbol que los británicos.

—Los argentinos estamos convencidos de eso.

—Los argentinos son mejores en fútbol que cualquiera en el mundo, excepto mi pequeño pueblo de Melpignano en Italia.

—¿Si?

—Que debería gobernar el mundo. El Melpignano Futbol Club es, por supuesto, el mejor equipo de fútbol del mundo. No han ganado suficientes partidos para probarlo, pero lo sé. Además soy ciudadano honorario de Melpignano.

Vaguedades al margen, Stewart Copeland está por llegar a Buenos Aires para presentar el espectáculo The Police Deranged for Orchestra (La Policía Desquiciada para Orquesta, sería una traducción aproximada y por cierto, revela el alto contenido irónico de la expresión misma), que ya tiene como antecedente un álbum publicado en 2023 con las canciones más conocidas de la banda desde una nueva perspectiva: los mayores éxitos de The Police, incluyendo “Roxanne”, “Don’t Stand Too Close To Me” y “Message in a Bottle”, arreglados para orquesta sinfónica. Será el miércoles 17 de diciembre en el Teatro Gran Rex.

—¿Por qué sigues tocando canciones de The Police 40 años después?

—Porque, número uno, son grandes canciones. Pero más importante, tienen un poder emocional que ninguna canción nueva puede tener. Ahora, no tengo miedo de mirar a mi pasado porque confío en mi futuro. Estoy escribiendo una nueva ópera ahora mismo. Estoy escribiendo un nuevo libro ahora mismo. Mi último álbum, Wild Concerto, fue todo nuevo. Así que tengo tanta confianza en el movimiento hacia adelante que no tengo miedo de mirar atrás. Y la recompensa de mirar atrás son esas canciones que la gente conoce, y que viven en sus vidas: tienen una carga emocional muy poderosa. Y eso es lo que buscamos... Cuando tocamos conciertos, solo queremos incendiar el lugar. Y hacemos lo que sea necesario. Entonces sabemos que las canciones que incendiarán el lugar son las que la gente conoce. Por eso estoy haciendo estas canciones de The Police. Por supuesto, las arruiné todas, así que no son solo una réplica. Son una versión completamente nueva y desquiciada, con una gran orquesta. Con la orquesta es, por un lado, más sofisticado porque los músicos de orquesta son sofisticados. Pero por otro lado, estoy yo golpeando cosas, así es más Neandertal y más salvaje: “monstruos indomables en la jungla” (risas).

—¿Y cómo se te ocurrió la idea de fusionar las canciones de The Police una orquesta?

—Bueno, como compositor de cine durante 20 años tuve una involuntaria educación en orquesta. Cómo usarla, cómo poner la música en la partitura, los matices de cómo sacar el vocabulario de la orquesta. Así que he estado haciendo eso durante años, y tocando conciertos de mi música de cine y música de videojuegos y demás. Ocasionalmente tocaba una canción instrumental poco conocida de The Police, ya sabes, generalmente canciones que yo escribí. Y un día Satanás vino a mí, y me dijo, “¡Toca los hits!”

—¿En serio?

—Y yo dije, “No. Apártate de mí, Satanás. No escucharé la voz de la oscuridad.” Y luego un día dije “Mierda, ¿por qué no?” Así que tan pronto como abrí esa puerta, pensé que tal vez la gente vendría tras de mí con antorchas y tridentes por cometer este sacrilegio con las canciones de The Police. Pero resulta que a la gente realmente le gusta, que los conciertos van muy bien y no hay antorchas encendidas para mí. A la gente le encanta.

—Mi siguiente pregunta obvia sobre Argentina es sobre el show de The Police en Buenos Aires en 1980, porque siempre se habla de un incidente que tuvieron con la verdadera “policía”. ¿Lo recuerdas?

—Sí, claro. Bueno, ellos fueron un poco demasiado agresivos controlando al público. Y Andy Summers puso el pie solo para llamar la atención. Pero según dijeron ellos: “¡Él me pateó!”. Así que fue muy serio allí pero no tuvo consecuencias terribles. Por lo menos, no nos llevaron a todos a la cárcel ni nada. Pero más importante que eso fue que el público se divirtió mucho.

—Sí.

—Y nosotros también.

—Mi hermano estuvo y siempre recuerda ese show.

—Yo también recuerdo que los tres rubios salimos al campo y montamos caballos, principalmente para poder tomar fotos. Estábamos en Argentina y todos llevábamos trajes de gaucho y todo, luciendo muy apuestos (risas). La parte divertida de eso es que, ya sabes, Andy no montaba caballos, así que lo tomó como comedia y estaba sentado al revés... Yo sí monto caballos. Sting no monta. Pero era tan carismático que parecía, no sé, Clint Eastwood a caballo (aunque estaba aterrorizado). Eso requiere gran poder de estrella.

—Antes de venir aquella vez ¿sabías sobre la dictadura militar?

— Sí. Por supuesto.

—Y luego vino la Guerra de Malvinas.

—Yo vivía en Inglaterra durante la Guerra de las Malvinas. Y que para el mundo del polo en Inglaterra fue un gran desastre, porque todos nuestros jugadores favoritos de polo eran de Argentina. Así que, durante algunos años, no hubo argentinos jugando al polo en Inglaterra, lo cual fue una gran pérdida. Eso fue lo principal que pude sentir, la decepción de no poder confraternizar y jugar al polo con argentinos, que son, por supuesto, los mejores del mundo. Podemos discutir sobre fútbol, pero no hay debate sobre el polo.

—¿Podrías decirme tus cinco canciones favoritas de The Police y por qué?

—Eh... “Bring On The Night”.

—Esa canción fue grabada por Gustavo Cerati para un disco de canciones de The Police en español.

—Oh sí, Gustavo Cerati. Fue un gran músico argentino ¿Cómo se dice el título en español?

—“Tráeme La Noche”, así la tradujeron.

—Creo que es mi canción favorita que Sting haya escrito. No es un gran éxito ni nada.

—Pero te gusta.

—Simplemente tiene un impacto emocional. Tiene magia... Bueno ¿qué otras canciones? Supongo que “Message In A Bottle” tiene que ser una favorita. ¿Cuántas van? Déjame ver... “Don’t Stand So Close To Me” es una canción bastante buena. De hecho, una de mis favoritas ahora es “Murder By Numbers”.

—¿Por qué?

—Porque cuando la tocamos en estos conciertos es la canción más desconocida. Es una de las pocas que tocamos que no es un éxito. Ni siquiera estuvo en un álbum. Era un lado B, pero al tocarla incendia el lugar aunque no tenga el impacto emocional de una canción que todos conocen. Aún así, funciona muy bien.

—Una de mis favoritas es “Walking On The Moon”.

—Oh, claro.

—Música reggae tocada por chicos blancos.

—Tocada incorrectamente por chicos blancos.

—Pero con el alma de chicos negros ¿Estás de acuerdo?

—Bueno, tocábamos reggae... Nuestra música era cercana al reggae. Creo que “Walking on the Moon” es lo más cerca que estuvimos de tocar reggae estrictamente como lo tocan los jamaiquinos. Mayormente, “Roxanne” y otras canciones que eran cercanas al reggae no las tocábamos como los jamaiquinos. En realidad, mi apego al reggae es anterior porque la música árabe en Beirut, donde crecí, tiene algunas similitudes rítmicas. El énfasis en el tercer tiempo del compás, los “up-chicks”, la eliminación del uno... Estas son características musicales que estaban en mi ADN por crecer en Medio Oriente. Aunque no escuchaba atentamente, simplemente, estaba en mi ADN de manera subconsciente. Así que cuando el reggae se puso de moda en Londres, en la escena punk, fue mucho más fácil para mí que para los otros chicos. Aunque tengo que decir que debemos dar crédito a The Clash, que fue la primera banda de chicos blancos flacos en intentar el reggae. Y su primera versión de una canción clásica de reggae se llamaba “Police and Thieves”.

—¡Claro!

—Lo cual es irónico porque lo siguiente que pasó fue que The Police (la policía) llegó y les robó esa idea.

—Mencionaste Beirut y recuerdo la historia de tu padre (N. de la R: su padre además de músico, fue fundador de la CIA, experto en Medio Oriente). ¿Qué respondían vos y tu hermano cuando les preguntaban de qué trabajaba tu papá?

—Era un guerrero de la Guerra Fría. Y un patriota. Yo no sabía nada de eso hasta que estaba en la universidad y él escribió su primer libro, que fue un éxito de ventas. Y en la solapa de la portada del libro dice: “Miles Copeland, CIA” (ríe) Lo cual fue una novedad para mí. Siempre sospechamos que mi padre estaba involucrado de alguna manera en travesuras políticas. De hecho, mi hermano Miles, un día llegó a casa de la escuela y le preguntó a mi padre: “Papá, ¿eres un espía?” A lo que mi padre respondió: “¿Quién quiere saberlo?”

—Oh.

—Fue como una frase de James Bond (risas). Pero mi padre también se veía a sí mismo principalmente como músico de jazz. Así que me crió para ser músico de jazz, por eso no toco jazz. Mi madre escuchaba a Debussy, Ravel y Stravinsky, y eso me impactó emocionalmente más que el jazz.

—¿Crees que el jazz es la mejor música que el hombre puede tocar hoy y por el resto de los tiempos?

—Mi padre solía decir eso. Decía que si los marcianos vinieran a la Tierra y analizaran la cultura de la humanidad, concluirían que el jazz es la forma más alta de música. No estoy de acuerdo. Amo y respeto a mi padre en todos los sentidos. Pero el jazz no es la forma más alta de música en absoluto. El blues y el reggae son mejores. El blues, diría yo, es la forma más alta de música, porque es la más simple, la más cruda. No hay nada más que emoción. La técnica no significa nada. La sofisticación no significa nada. Es solo emoción. Solo puedes tocar blues si has vivido una vida. De lo contrario, no puedes hacerlo. No puedes fingirlo. El jazz... Solo tienes que practicar 14 horas al día y puedes tocar jazz. De hecho, algunas personas dicen que el jazz es el último refugio de los que no tienen talento (ríe). No necesitas talento. Todo lo que necesitas es trabajo. Bueno, la otra razón por la que digo estos comentarios escandalosos es porque me gusta molestar a la gente. Y la manera de hacer una cena mucho más emocionante es decir algo como: “El problema con los músicos de jazz es que todos apestan”.

La edición 2025 del Knotfest México está lista para hacer historia el próximo 6 de diciembre en el Estadio Fray Nano, y uno de sus actos más esperados —o más temidos, dependiendo a quién se le pregunte— es sin duda el regreso de Marilyn Manson.

El polémico artista gótico vuelve a México tras causar polémica en San Luis Potosí el pasado octubre, y se perfila para armar una noche intensa, provocadora y llena de himnos para la comunidad metalera.

Una de las grandes preguntas entre el público es: ¿qué canciones tocará Manson en su regreso a los escenarios mexicanos?

Un show cargado de controversia y crítica

Marilyn Manson, nacido como Brian Hugh Warner, es conocido tanto por su voz visceral y letras provocadoras como por su poderosa presencia escénica.

Desde los años noventa, ha sido sinónimo de controversia: su estilo desafiante, su estética gótica, sus comentarios sobre religión, poder y sexualidad, y ese enfoque de protesta que transforma sus conciertos en verdaderos ritos para el lado oscuro de la sociedad.

No es extraño que cada una de sus presentaciones en México cause agitación: la más reciente, en octubre de este año, fue durante la FENAPO 2025 en San Luis Potosí, donde grupos religiosos organizaron colectas de firmas para intentar vetar el evento. ¿El resultado? Lleno total y aún más expectativa para su retorno al Knotfest.

Knotfest: un escenario más íntimo para el caos

Este año, el Knotfest se mudó a la nueva sede del Estadio Fray Nano, tras una reconfiguración logística que promete una experiencia más cercana y directa.

Marilyn Manson será la cabeza del escenario Red, mostrando ante la audiencia mexicana su One Assassination Under God Tour, que ya ha dado de qué hablar en Europa y Estados Unidos.

Los asistentes podrán disfrutar la jornada desde las 14:30, con un lineup contundente. Además de Manson, destacan Falling In Reverse, Slaughter To Prevail, Wage War, Fit For An Autopsy, Shinedown y Hanabie.

Marilyn Manson se presentará en el Escenario RED a las 21:30 horas de la noche.

¿Qué cantará Marilyn Manson en el Knotfest 2025?

De acuerdo a lo mostrado en sus últimos conciertos europeos este año, el setlist que podría interpretar en el Knotfest —si bien podría variar— tendría una dosis poderosa de sus clásicos y nuevas joyas. Entre gritos, riffs punzantes y una puesta en escena retadora, los fans pueden esperar escuchar:

• “Nod if you Understand”
• “Disposable Teens”
• “Angel with the Scabbed Wings”
• “Tourniquet”
• “Meet me in Purgatory”
• “This is the New Shit”
• “Death is not a Costume”
• “Raise the Red Flag”
• “mOBSCENE”
• “Great Big White World”
• “The Dope Show”
• “As Sick as the Secrets Within”
• “Sweet Dreams”
• “The Beautiful People”
• “One Assassination Under God”
• “Coma White”

Con cada presentación, Marilyn Manson reafirma su papel como ícono subversivo. La expectativa en México se dispara aún más este año, no sólo por el morbo y la controversia, sino por el entusiasmo genuino de quienes reconocen en su música una bandera del pensamiento crítico y la rebeldía.

El Knotfest promete noche eléctrica, llena de moshpits y miradas listas para capturar lo inesperado, lo atrevido, lo Marilyn.

¿Cómo escribir una novela en torno al rock sin drogas, sexo ni rock and roll? Blixa Bargeled, un ex Bad Seeds, antes de dar el portazo al grupo de Nick Cave en el que tocó por décadas, le dijo al líder: “No me metí en el rock and roll para tocar rock and roll”. No es que me lo propuse, pero no fue mi propósito indagar en esa tríada, sino más bien juntar los restos que había por el piso de un hombre que está por arribar a los sesenta años y nota que la vida se le escapó. Es un tris. Tanto el pensarlo como el sentirse acabado. O preguntarse: “Ah, ¿era esto?”.

Pero a Gervasio Meschengieser, así se llama el protagonista, ese cachetazo más que desdibujarlo lo pone en guardia. Antiguo agente de prensa de rock –trabajó hasta los cincuenta años en una agencia internacional, donde se codeó con grandes estrellas–, sin hijos que alimentar, sin libros firmados a su nombre, sin árboles que ver crecer, devenido en profesor de filosofía de la música en una universidad privada, lo encontramos atravesando un campo minado y con las defensas bajas.

Qué hago con la noche arranca con una trifulca de pareja, casi un acabose, un vendaval de violencia verbal, una sinfonía apagada de inercia y sentimientos esquivos. Él, nació el mismo día en que se publicó el sencillo "La Balsa" de Los Gatos, el 3 de julio de 1967. Sabrina Rollheizer, su novia –segunda vez que conviven– tiene quince años menos, es una abogada corporativa, y creció en un pueblo del sur de la provincia de Buenos Aires, con un hermano gemelo que padece una enfermedad poco frecuente. Si algo los une es que se consideran bichos raros.

¿Cuál sería el sitio de los que no encajan, el de esos que contemplan las esquirlas de su memoria como un rompecabezas al que le restan piezas? Qué hago con la noche no es solo el relato de la pelea entre ambos, sino también la batalla de Gervasio –“un tipo peculiar, mezcla de Ignatius J. Reilly y Joey Ramone”, según Damián Huergo, quien escribió la contratapa de la novela– con sus fantasmas, con sus rencores, con las pocas certezas que tiene, con su indolencia. No por nada, en vez de capítulos, la novela está estructurada en rounds.

“¿Has visto tú algo más poderoso que mi gran esperanza? ¿Conoces tú algo más grande que mi silencio”, escribió Atahualpa Yupanqui. Entre esos dos andariveles se mueve Gervasio: entre la confianza en el mañana –pese a todo– e invocar al silencio como llamarada que todo lo apacigua y revierte. La esperanza que portan, por ejemplo, los gatos que no dudan en que al despertar habrá comida en su plato. El silencio, por otro lado, como salvoconducto para quienes aman la música. En cierto sentido, él ha llegado a una edad donde nuestros logros no tienen la menor importancia pero a su vez es el más importante.

Gervasio Meschengieser ha extraído el sentido de su vida de la música y la literatura, así como otros lo obtienen de la fe y la religión; aunque esto no lo salvaba. Traigo un tramo de la novela al respecto: “Sabrina tiene razón. Él es un burgués reprimido. Es un tipo que cree que porque abrazó la causa del rock, las estupideces del rock, se cree a salvo. Salvado e intocable. Pero el rock, como toda religión, tiene las manos llenas de sangre. De muertes y muertos. De mentiras e infamias. De conspiraciones y emboscadas. De retrocesos y más retrocesos. De acomodos y acomodados”.

Si bien Qué hago con la noche puede ser leída desde la perspectiva de la cultura rock y su extinción, se acerca más a una reflexión alrededor de la soledad, el arraigo y el olvido. Según Rodrigo Manigot, cantante de Ella es tan Cargosa y con una serie de libros de autoficción en su haber, Qué hago con la noche “indaga en los dreams no over, los dreams que se fueron deformando en la atmósfera. Me da la sensación de que un dron siguiera la trayectoria de uno de esos globos navideños, pero no cuando pasan de noche frente a nuestros ojos y nos deslumbran, sino después, cuando se pierden, cuando ya no le importan a nadie, cuando empiezan a desarmarse y a caer”.

En ese punto, recuerdo una descripción de un personaje del narrador chileno Alberto Fuguet –quien se encargó de la presentación de Qué hago con la noche una noche de julio pasado en la librería porteña Fetiche– en un relato como "Nosotros“, incluido en la antología Juntos y solos (Ediciones UDP, 2010): “La gente tiende a querer vidas parecidas a las del resto. Yo ya he vivido, y quizás he vivido más que el resto. La idea es estar sin estar del todo, de desaparecer sin tener que tomar decisiones drásticas, de irme del país sin salir de la ciudad.”

Ese “estar sin estar del todo” sobrevuela a lo largo de las doscientas cuarenta páginas del texto. Como si Gervasio, al convivir con la decisión de desaparecer de la escena –un gesto que le genera tanto paz como angustia; él queda afuera de una gran industria donde al fin de cuentas es un engranaje más y no una figura imprescindible–, no estuviese haciendo otra cosa que dando comienzo al final de su historia. Por eso el peso como el desequilibrio que implica dejar un legado y cierta reconciliación con esa perspectiva.

Diego Luque, un experto en marketing y nuevas tecnologías, posee una hipótesis que comparto: “Tal vez la moda del futuro no sea brillar más, sino decidir cuándo desaparecer. Porque parecería que en una cultura obsesionada con captar todo, lo verdaderamente disruptivo es escapar”. El gran tema, la punta del iceberg en esta Qué hago con la noche, es cómo convivir con ese correrse del centro de la escena y reconciliarse con el hecho de ser un hombre más, una persona simple y común. Alguien sencillo y transparente, “como el pueblo, como las buenas gentes”, como escribió Osvaldo Lamborghini.

La baterista mexicana Paulina Villarreal, integrante de The Warning, ha alcanzado un logró histórico dentro de la música mexicana al ser elegida como “Mejor Baterista de Rock de 2025” en la encuesta anual de lectores de la revista Modern Drummer. Con esta distinción, Paulina no solo reafirma su talento y trabajo constante, sino que marca un hito importante para la percusión mexicana. Su carrera sigue brillando con luz propia, poniendo en alto el nombre de su país en la escena global del rock.

Desde Monterrey, con su voz, fuerza y constancia, Paulina ha logrado superar a renombrados bateristas de bandas mundialmente conocidas, lo que destaca aún más su nivel. Este reconocimiento llega tras una trayectoria ascendente, pues ya había sido premiada en 2023 como “Rock Drummer of the Year” en los Drumeo Awards.

A sus 23 años, Paulina representa una generación de jóvenes músicos que desafían estándares y demuestran que sus raíces mexicanas no limitan su impacto global.

El ascenso de Paulina Villarreal en la batería

Paulina Villarreal comenzó su carrera tocando junto a sus hermanas Alejandra y Daniela en The Warning, desde entonces han recorrido un camino firme, basado en talento, creatividad y autenticidad. Su éxito en las plataformas digitales les permitió llegar a un público internacional, y poco a poco fueron construyendo una reputación sólida en la escena rockera.

Con The Warning, Paulina ha demostrado versatilidad: no solo domina la batería, sino que también aporta voz y coros, una combinación que aumenta su valor artístico. Esa capacidad multifacética y multiinstrumentista le da un perfil único en el rock moderno.

Sus reconocimientos anteriores y su reciente distinción la consolidan con una progresión impecable a sus 23 años. Hoy se posiciona como una de las bateristas más respetadas del mundo, demostrando que el talento mexicano no sólo compite, sino que lidera escenarios globales.

Reconocimiento para las mujeres

Este tipo de reconocimientos envía un mensaje poderoso sobre la inclusión y el valor del talento femenino en un género históricamente dominado por hombres. Su éxito inspira a nuevas generaciones de mujeres a tomar el lugar que les corresponde en la música y en el rock.

Además, potencia la visibilidad internacional de bandas mexicanas como The Warning, reforzando la idea de que la escena musical de Latinoamérica tiene voz, presencia y relevancia internacional.

Este premio también abre la puerta para reflexionar sobre oportunidades igualitarias en la industria musical, demostrando que el mérito artístico es lo que verdaderamente define a un músico, sin importar su género ni origen.

Compartió en una entrevista con Rolling Stone UK cómo la ciudad continúa sorprendiéndolo: “En 40 años de venir a Londres, cosas tan simples como descubrir nuevos restaurantes y bares. Me encanta”, afirmó. Esta metrópoli le sigue ofreciendo momentos inesperados y placenteros que mantienen su fascinación intacta.

Wembley, recuerdos y reconciliaciones

El estadio de Wembley representa una historia intensa para Bon Jovi. Relató que fue la última banda en tocar en el antiguo recinto en los años 90.

Intentaron inaugurar el nuevo estadio, pero problemas logísticos obligaron a trasladar el concierto a Milton Keynes, situación que lo alejó durante años: “No toqué allí durante varios años porque estaba molesto con ellos”, afirmó. “Eso no fue justo, así que no toqué allí durante varios años”.

El regreso en 2019 marcó una reconciliación, profundizada este año cuando visitó el estadio en soledad: “Fui el otro día solo, cuando no había nada en el campo, y pude apreciar su tamaño y pensar: ‘He tenido mucha alegría en este edificio y muchos recuerdos geniales aquí’. Quiero volver solo por eso, para estar en paz con ello”, señaló.

El cantante también enfrentó serias dificultades vocales tras la gira de 2022. Las lesiones en las cuerdas vocales amenazaron su futuro artístico. “Al final de nuestra gira en 2022, pensé que podría recuperar las cuerdas vocales, sin saber realmente qué les pasaba. Al final del 15° y último show, miré a mi esposa y le dije: ‘Eso estuvo bastante bien’. Ella solo respondió: ‘No, no lo estuvo’”.

Con una estricta disciplina y apoyo médico, el cantante mantuvo la esperanza: realizó cambios en su estilo de vida y siguió todas las indicaciones profesionales.

“Mi cirujano me dijo: ‘No te prometo nada más que podrás cantar mejor de lo que lo haces ahora. No sé el plazo ni los resultados’. ¿Qué tenía que perder?”, relató. Su mayor deseo era recuperar la alegría de cantar, más allá del éxito en las giras.

Amistad, colaboraciones y momentos memorables

En esta etapa, Bon Jovi destaca la importancia de las amistades. Su relación con Bruce Springsteen se consolidó durante viajes en carretera alejados de la atención pública: “Es una oportunidad para que dos viejos amigos se reúnan sin teléfonos, sin radio, sin distracciones... pero cuando se acaban los temas de conversación, simplemente das la vuelta, y eso es lo que se ha convertido”.

Desmitificó estos encuentros asegurando que solo se trataba de compartir con un amigo: “Todo el mundo tiene tanta curiosidad, como si fuera el Illuminati reuniéndose en la Batcueva para discutir el orden mundial. Pero en realidad, es solo una oportunidad para conducir con un viejo amigo y hablar”.

El vínculo con Robbie Williams cobró fuerza recientemente. Bon Jovi eligió a Williams para interpretar “We Made It Look Easy”, convencido de que podía identificarse con la canción: “Era el tipo adecuado para cantar ‘We Made It Look Easy’. Nuestras carreras no son similares, pero ha habido muchos altibajos en la carrera de Robbie, y él puede identificarse con esa letra”.

Relató también cómo la amistad se profundizó tras la mudanza de Williams a Florida, transformándose en un apoyo clave: “Antes de que saliera su película, pasábamos las noches juntos y se convirtió en ese hombro en el que apoyarme cuando lo necesitaba”.

Entre sus anécdotas más curiosas, narró una vivencia en el Gran Cañón: “Estaba en el fondo, echando gasolina a mi moto, y el tipo estaba sirviendo mientras sonaba nuestra música. Yo llevaba casco y dije: ‘¡Ese soy yo!’. Él ni se inmutó. Tuve que quitarme el casco y decir: ‘¡No, de verdad, ese soy yo!’”.

Pese a los desafíos y el paso de los años, Bon Jovi dejó claro que la música y la conexión con el público se mantienen como su motor vital, impulsando el deseo de seguir sobre los escenarios.

Desde temprano, la entrada al mítico teatro se fue poblando de fanáticos de todas las edades. Algunos aguardaban con ansiedad el reencuentro, otros aprovechaban para intercambiar anécdotas, recuerdos de recitales y exhibir camisetas con logos y frases emblemáticas que acompañaron al grupo en distintas etapas. Esta diversidad en el público retrata el lugar trascendental que Massacre ocupa, no solo en la escena under, sino también en el mainstream de la música argentina.

El inicio del recital estuvo marcado por un gesto simbólico: Walas, líder y voz de la banda, subió al escenario enfundado en la remera de “Terrores Nocturnos”, la banda soporte de la noche, comandada por Marcos Aramburu. El concierto arrancó con “Sofía, la Súper Vedette”, una de las piezas fundamentales del universo Massacre, generando la primera ovación de la jornada. A partir de allí, el set repasó los distintos sonidos y épocas que definen a la agrupación, desde éxitos imborrables como “La Octava Maravilla” y “Tanto Amor”, hasta el material más reciente del disco “Nueve”.

El álbum, producido por Gustavo Santaolalla y galardonado en la última edición de los Premios Gardel 2025 con las distinciones a Mejor Álbum de Grupo de Rock y Mejor Producción, tuvo su merecido lugar en el repertorio. Las canciones nuevas evidenciaron que la banda conserva frescura, potencia y una conexión vigente con su público, que celebró tanto los clásicos como el material contemporáneo. Cada interpretación era acompañada por una intensidad compartida, donde se mezclaban la nostalgia y el entusiasmo de ver a Massacre reinventándose sobre el escenario.

Un momento de distensión llegó casi al final, cuando Walas sorprendió al público con una aparición inesperada: se presentó ataviado de chef, con delantal, cacerola, cuchara y guante, en una clara referencia a su reciente participación en Masterchef Celebrity. El público celebró la ocurrencia y el vocalista se permitió bromear desde el escenario. “Seguramente vuelva… ¡y ganaré!”, desatando risas y aplausos.

Más allá del cierre de un ciclo y la celebración de un año cargado de actividad, lo que se sintió en Flores fue mucho más que un simple recital. Massacre reafirmó un vínculo de pertenencia único, ese lazo invisible pero sólido entre banda y audiencia que ha sostenido su historia, en la adversidad y en la gloria. El show funcionó como síntesis de un 2025 pleno en movimiento, desafíos superados y sueños renovados, en vísperas de lo que promete ser un 2026 igualmente vibrante y lleno de propuestas.

Massacre no es solo una banda de rock, sino la referencia indiscutida de un género y de una actitud. Surgidos en los años 80 como el primer grupo de skate-punk de Sudamérica, liderados desde entonces por Walas, los músicos supieron evolucionar y romper moldes. A comienzos de los 2000, Massacre se convirtió en la primera agrupación argentina de su estilo en dar el salto al mainstream, abriendo barreras para otros artistas como Babasónicos y constituyéndose en faro para nuevas generaciones de rock alternativo, entre ellas El Mató a un Policía Motorizado.

Su trayectoria está marcada por hitos de gran alcance: ser la banda invitada por figuras internacionales como Foo Fighters, Iggy Pop, Pearl Jam, Ramones, Kiss, Green Day, Guns N’ Roses, Red Hot Chili Peppers y Chris Cornell en sus presentaciones en Argentina, además de la ovacionada participación en la gira mundial “Gracias Totales – Soda Stereo”, donde ofrecieron una versión celebrada de “Juegos de Seducción”.

El espíritu de Massacre también se nutre de una fuerte impronta femenina, como Walas reconoció en una entrevista con Teleshow en 2023, cuando reflexionó sobre la importancia de las mujeres en la vida y el arte de la banda. “Massacre es un matriarcado. Somos cinco músicos, pero la más importante es mi mujer Tori, nuestra manager. Y, además, nuestras musas siempre han sido mujeres. El primer single que me compré era de Dolly Parton, después me inspiraron artistas como Kate Bush, Blondie, Patti Smith, Marianne Faithfull... Siempre hemos creado figuras femeninas propias como ‘La Reina de Marte’ o ‘Sofía, la súper vedette’. El componente femenino es muy importante en nuestra música”, explicó el cantante.

Así, Massacre cerró el año en el Teatro Flores, reafirmando que la vigencia en el rock argentino no se mide solo en éxitos ni en cantidad de público, sino en la capacidad de reinventarse, de influir en distintas generaciones y de seguir celebrando la comunión con una audiencia tan leal como diversa.

Fotos: Gentileza de prensa.

La Ciudad de México se prepara para una noche de nostalgia, energía y rock puro con el regreso de Billy Idol, quien se presentará este domingo 30 de noviembre en el Estadio Alfredo Harp Helú.

Casi cinco décadas después de iniciar su carrera, el músico británico mantiene el estatus de ícono y sigue sorprendiendo a las nuevas generaciones, como lo ha demostrado con un nuevo álbum, un documental sobre su vida y giras internacionales que agotan localidades.

Un Billy Idol más vigente que nunca

La gira It’s A Nice Day To… Tour Again! llega a la capital mexicana como parte del renovado impulso de Idol. En abril de 2025, el británico lanzó Dream Into It, álbum que entró en el Top 10 en ventas de países como Estados Unidos, Reino Unido y Alemania, e incluye una colaboración destacada con Avril Lavigne en el sencillo “77”.

La popularidad del disco confirmó la vigencia de Billy Idol no sólo como figura nostálgica, sino como creador activo. Y asimismo, impulsó su actual gira de conciertos que cerrá nada menos que en la capital mexicana.

Por otro lado, el documental Billy Idol Should Be Dead, dirigido por Jonas Åkerlund, mostró al público imágenes inéditas y testimonios sobre la transformación del artista, quien pasó de la escena punk londinense a convertirse en uno de los frontmen más reconocidos y carismáticos del rock. El filme, estrenado en Tribeca y disponible en MUBI, recoge también las adversidades superadas por Idol y su perseverancia para mantenerse relevante.

¿Qué podemos esperar del concierto?

Este domingo, el Estadio Alfredo Harp Helú será testigo de un show diseñado para la memoria colectiva del rock de los 80 y 90, pero también para las nuevas generaciones.

Billy Idol no sólo revivirá hits, sino que presentará su evolución sonora. La cita promete una producción de gran formato, sonido robusto, visuales inmersivos y un despliegue escénico a la altura de los mejores conciertos internacionales.

La noche tendrá doble sabor, ya que abrirá la banda mexicana Desierto Drive, una oportunidad para mezclar lo mejor del rock anglo con una representación del talento mexicano actual.

Para los fanáticos, el espectáculo es punto de reunión intergeneracional: parejas, grupos de amigos y hasta familias que crecieron escuchando a Idol, listos para compartir la experiencia en vivo.

Con la nostalgia como aliada, pero la innovación como bandera, Billy Idol sigue consolidando su lugar entre los grandes del rock. Su show en CDMX promete ser imperdible tanto para quienes vibraron con él en los 80 como para quienes lo han descubierto en playlists o videojuegos.

¿Qué canciones cantará Billy Idol en México?

Aunque “Dancing With Myself” es tal vez el himno más universal de Idol, su repertorio encierra otros clásicos que prometen encender la noche. El setlist tentativo para el concierto en CDMX incluye:

• “Still Dancing”
• “Cradle of Love”
• “Flesh for Fantasy”
• “77” (con Avril Lavigne en el álbum)
• “Eyes Without a Face”
• “Steve Stevens Guitar Solo”
• “Gimme Shelter”
• “Mony Mony”
• “Dream Into It”
• “Too Much Fun”
• “Gimme the Weight”
• “Ready Set Go”
• “Blue Highway”
• “Rebel Yell”
• “Dancing With Myself”
• “Hot in the City”
• “People I Love”
• “White Wedding”

El estreno esta semana en Disney+ de The Beatles Anthology es, para muchos fans de los Fab Four, motivo de celebración. La serie Anthology es el único documental autorizado sobre los Beatles, producido originalmente en 1995 con la colaboración de Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr, los miembros supervivientes de la banda. El documental nunca ha estado disponible en streaming ni en ningún otro formato más allá del DVD, y ahora no solo ha sido restaurado, sino también ampliado con un nuevo noveno episodio.

Pero algunos beatlemaníacos de cierta edad (Generación X y mayores) consideran que Anthology es inferior a otro documental de los Beatles, uno que, debido a la existencia de Anthology, es casi imposible de ver legalmente.

Esa película es The Compleat Beatles, estrenada originalmente por MGM/UA Home Video en 1982. Sus orígenes fueron peculiares y casi accidentales: se concibió como un corto de 10 minutos para acompañar un libro de dos volúmenes de 1981 con partituras y recuerdos de los Beatles. La editorial Delilah Communications contrató a Patrick Montgomery para dirigirlo y le pidió entrevistas y material de archivo para la pieza promocional.

“De alguna manera, terminamos con un montaje preliminar de cuatro horas que resumía la historia completa”, dijo Montgomery. “Cuando la dueña de Delilah, Stephanie Bennett, vio lo que había hecho, dijo: ‘Ahora me doy cuenta de que esto es algo mucho más grande. A ver si puedo recaudar el dinero para terminarlo como documental’“.

El financiamiento provino de MGM/UA, interesada en títulos originales para su naciente catálogo de VHS. Desde el principio, no hubo participación de los propios Beatles. “Intenté que todos los Beatles hablaran conmigo, pero no quisieron”, contó Montgomery. “John Lennon acababa de morir un año antes, y todos estaban un poco recelosos”.

Paul McCartney ya trabajaba en lo que luego sería The Beatles Anthology. Apple, la compañía de los Beatles, incluso trató de frenar el lanzamiento de The Compleat Beatles, pero Delilah tenía derechos de las canciones por su proyecto editorial y logró seguir adelante.

Muchos fans (incluyéndome) creen que la objetividad de The Compleat Beatles —al no ser autorizada, pero con acceso total a archivos y grabaciones— es una de sus grandes virtudes ante Anthology. Se trata de un documental hecho por verdaderos admiradores de la banda, que detalla su ascenso y final con claridad y evita chismes personales para centrarse en la música y su impacto cultural.

Libres de la influencia de la banda, Montgomery y su equipo no suavizaron los conflictos y mostraron las tensiones internas, sobre todo en los últimos años. Su productor, George Martin, critica abiertamente la “autoridad” de McCartney, una franqueza escasa en Anthology. “Si hubiéramos entrevistado a alguno de los Beatles, la película habría sido completamente diferente”, afirma Montgomery. “Algunos se sintieron más libres de hablar con nosotros”. La entrevista con Martin es el corazón del documental y revela el modo de trabajo y el espíritu experimental que definió la música de la banda.

The Compleat Beatles también destaca por la narración de Malcolm McDowell, el montaje de Pamela Page —incluyendo un brillante corte entre el canto de “Let It Be” y un joven Lennon— y su ritmo conciso que cuenta todo en menos de dos horas. La película evita la dispersión que afecta a Anthology, cuyo ritmo se estanca en los inicios y solo dedica un episodio al turbulento final de la banda.

El documental fue un éxito en vídeo doméstico, siendo durante un tiempo el programa musical más vendido en VHS —solo superado por The Making of ‘Thriller’ de Michael Jackson. Ante su éxito, MGM/UA llegó a sacar una edición limitada en cines en 1984, y luego Delilah licenció la película a PBS, donde fue clave en campañas de donaciones.

¿Por qué es imposible ver The Compleat Beatles actualmente en cines, Blu-ray o alquiler digital? “Es simple: Paul McCartney compró la película", explicó Montgomery. “La dueña de Delilah, Stephanie Bennett, le vendió el negativo a Paul. Y él simplemente la retiró del mercado".

McCartney “quiere que la ‘Anthology’ sea el centro de atención”, agrega Montgomery. Por eso, los beatlemaníacos deben buscar copias de VHS usadas o grabaciones no oficiales en la web, muchas veces usando equipos obsoletos para reproducirlas.

A Montgomery no le molesta. “No soy el propietario de The Compleat Beatles, pero me alegra verlo aparecer a trocitos en YouTube. En general, no estoy a favor de la piratería. Pero en este caso, sí“.

Fuente: The New York Times

Los Bunkers se presentaron en la Ciudad de México para ofrecer un concierto, el cual registró un lleno total.

El evento fue realizado el pasado miércoles 26 de noviembre en el salón de espectáculos ‘La Maraka’, ubicado en la alcaldía Benito Juárez de la capital del país.

La banda chilena anunció el evento musical desde hace varios meses, donde mencionaron que estaban emocionados, ya que para ellos la Ciudad de México es como su segunda casa.

De acuerdo a la información publicada en sus redes sociales oficiales, el concierto, el cual arrancó a las 21:00 horas, registró un lleno total.

De igual manera, a través de sus redes sociales oficiales, Los Bunkers compartieron diferentes fotografías de la noche del concierto del pasado miércoles 26 de noviembre en el salón de espectáculos ‘La Maraka’.

Esta presentación en la Ciudad de México forma parte de varios conciertos programados en el país por parte de la banda chilena para antes de finalizar el 2025.

En los próximos días, la agrupación se presentará el 29 de noviembre en el Auditorio Normal en Xalapa, Veracruz.

Posteriormente, el 5 de diciembre en el Auditorio Arena en la ciudad de Pachuca y, por último, en la Feria de la Piñata en Acolman, Estado de México.

Breve historia de ‘Los Bunkers’

Los Bunkers es una banda chilena de rock alternativo, originaria de Concepción, formada en 1999. Los integrantes originales son Álvaro López (voz y guitarra), Francisco Durán (guitarra, teclados y voz), Mauricio Durán (guitarra y coros), Gonzalo López (bajo y coros) y Mauricio Basualto (batería).

El grupo alcanzó notoriedad durante los años 2000 y es reconocido por su propuesta musical, que fusiona el rock con influencias del folclore latinoamericano y sonidos clásicos de las décadas de los 60 y 70.

Desde sus inicios, Los Bunkers llamaron la atención de la crítica y el público por sus letras introspectivas y su cuidada producción. Su primer álbum homónimo se publicó en 2001, obteniendo buena recepción.

El reconocimiento masivo llegó con los discos “Canción de lejos” (2002), “La culpa” (2003) y especialmente “Vida de perros” (2005), que incluyó sencillos como “Llueve sobre la ciudad”.

En 2008, publicaron “Barrio Estación”, seguido por “Música libre” (2010), un disco tributo a Silvio Rodríguez, y “La velocidad de la luz” (2013).

Sus propuestas han sido valoradas por la capacidad del grupo para reinterpretar la música popular latinoamericana con una estética contemporánea.

En 2014 la banda anunció una pausa indefinida, tras ofrecer una gira de despedida.

Durante ese tiempo, los miembros se involucraron en proyectos personales y otras bandas. En 2019, Los Bunkers anunciaron su regreso a los escenarios, reactivando su actividad en festivales y conciertos.

Actualmente, siguen siendo una de las agrupaciones más importantes del rock en español y mantienen una base de seguidores en diferentes países de América Latina.

El furor por los corridos tumbados no sólo ha cambiado el panorama de la música mexicana, sino que también ha encendido un enfrentamiento insospechado entre géneros musicales. En esta ocasión, la polémica la protagoniza Parka —Jesús Iván Leal Reyes—, contrabajista y director musical de la banda que acompaña a Peso Pluma.

El músico no dudó en lanzar una crítica directa a quienes, después de haber despreciado el regional mexicano, ahora buscan sumarse a la tendencia. A través de sus redes sociales, expresó su dura opinión y sorprendió a todos sus seguidores.

“Hipocresía musical”

Parka asegura que existe una “hipocresía musical” en la industria. En sus stories de Instagram, compartió una fotografía en donde está recargado sobre un auto último modelo en una ladera con naturaleza de fondo y con señales obscenas en ambas manos.

La imagen de acompaña del polémico mensaje en dónde sentenció la guerra entre géneros de música, un mensaje que se viralizó entre músicos e internautas.

“Ahora los roqueros y los metaleros quieren ser regionales mexicanos. A mí no se me olvida la discriminación al género regional”, comienza Parka.

De acuerdo con el productor musical, actualmente son varios de ellos los que buscan hacerse amigos de los artistas de regional mexicano y corridos tumbados, pero antes para ellos “todos éramos unos indígenas”.

“Ahora sí andan chupando ver*a entre nosotros, a ver qué le toca ya que su estanque se paró. Eso se llama hipocresía musical”, afirmó contundente el músico.

El post desató de inmediato una avalancha de reacciones. Mientras algunos aplaudieron la defensa del género, otros cuestionaron el tono y la intención de la crítica.

Lo cierto es que Parka no es cualquier voz en la industria: desde hace dos años es pieza clave en la evolución sonora y la popularidad de Peso Pluma, una de las figuras centrales del boom de los corridos tumbados en el mercado internacional.

El éxito del regional mexicano en el mundo

La música regional mexicana ha vivido una revolución con el auge del corrido tumbado, esa mezcla innovadora de norteño, banda, trap, sierreño y ritmos urbanos.

Este nuevo sonido, llevado al éxito global por artistas como Natanael Cano, Junior H, Fuerza Regida, Yahritza y su Esencia y, por supuesto, Peso Pluma, ha llegado a lo más alto de los charts y suma millones de oyentes en plataformas digitales.

Sin embargo, la expansión también ha generado tensiones: músicos tradicionales del rock y el metal han manifestado críticas hacia las letras y la supuesta “falta de musicalidad” del género.

Al mismo tiempo, cada vez más bandas y artistas de esos géneros buscan acercarse o colaborar con el movimiento tumbado para renovar audiencias y continuar vigentes.

Parka revela el futuro de Peso Pluma

Parka también fue viral en redes sociales hace unos días, debido a la información que reveló a sus seguidores en redes. Jesús Iván -su nombre real- realizó un live a través de su perfil de Instagram y respondió a las preguntas de muchos de sus seguidores. Uno de ellos le preguntó cómo será el nuevo álbum de Peso Pluma, el cual se especula llegará muy pronto.

Por otro lado, una persona en los comentarios, explicó que los álbums de Peso Pluma, por lo general no tardan tanto tiempo en llegar. Y otros especularon que el artista publicaría un disco por cada “libro bíblico”.

“Yo nomas les voy a decir algo”, comenzó Parka. “Van como 60 canciones a estas alturas, o más. Y seguimos haciendo más, neta. No sé si vaya a ser un álbum, o vayan a ser dos, o vayan a ser tres o cuatro... Pero va a ser machín”.

Su declaración desató todo un debate entre los fans más acérrimos del proyecto musical liderado por Hassan Emilio Kaben Laija.

Los Bunkers ya preparan sus últimos detalles para su concierto en la Ciudad de México este próximo miércoles 26 de noviembre.

En entrevista, Mauricio Durán, integrante de la banda chilena, reveló sentirse entusiasmado por presentarse en la capital del país, la cual consideran como su segunda casa.

El concierto de Los Bunkers se llevará a cabo este próximo miércoles 26 de noviembre en el salón de espectáculos La Maraka, en la Ciudad de México.

Durán destacó la trayectoria musical que ha tenido el grupo, así como sus diferentes presentaciones en México, donde revelaron sentirse muy queridos por los fans en el país.

Mencionaron que el concierto en la Ciudad de México formará parte de sus últimas presentaciones por todo el país, las cuales están programadas en otros estados de la República Mexicana.

Sin dar mayores detalles, dieron a conocer que para este concierto habrá sorpresas e invitados especiales, por lo que hicieron una invitación a asistir.

En cuanto a su convivencia, reveló que no se han enfrentado con adversidades tras su reencuentro para pisar los diferentes escenarios de todo el mundo.

Asimismo, en cuanto al concierto que ofrecerán en la Ciudad de México en La Maraka, indicaron que ya tienen listo el repertorio para el evento musical.

Breve historia de ‘Los Bunkers’

Los Bunkers es una banda chilena de rock alternativo, originaria de Concepción, formada en 1999. Los integrantes originales son Álvaro López (voz y guitarra), Francisco Durán (guitarra, teclados y voz), Mauricio Durán (guitarra y coros), Gonzalo López (bajo y coros) y Mauricio Basualto (batería).

El grupo alcanzó notoriedad durante los años 2000 y es reconocido por su propuesta musical, que fusiona el rock con influencias del folclore latinoamericano y sonidos clásicos de las décadas de los 60 y 70.

Desde sus inicios, Los Bunkers llamaron la atención de la crítica y el público por sus letras introspectivas y su cuidada producción. Su primer álbum homónimo se publicó en 2001, obteniendo buena recepción.

El reconocimiento masivo llegó con los discos “Canción de lejos” (2002), “La culpa” (2003) y especialmente “Vida de perros” (2005), que incluyó sencillos como “Llueve sobre la ciudad”.

En 2008, publicaron “Barrio Estación”, seguido por “Música libre” (2010), un disco tributo a Silvio Rodríguez, y “La velocidad de la luz” (2013).

Sus propuestas han sido valoradas por la capacidad del grupo para reinterpretar la música popular latinoamericana con una estética contemporánea.

En 2014 la banda anunció una pausa indefinida, tras ofrecer una gira de despedida.

Durante ese tiempo, los miembros se involucraron en proyectos personales y otras bandas. En 2019, Los Bunkers anunciaron su regreso a los escenarios, reactivando su actividad en festivales y conciertos.

Actualmente, siguen siendo una de las agrupaciones más importantes del rock en español y mantienen una base de seguidores en diferentes países de América Latina.

La discusión sobre cuál es el riff más incómodo del género alcanzó consenso en foros especializados, después de décadas en las que otras bandas dominaron el debate. Especialistas y seguidores afirman hoy que este solo ocupa el primer lugar por sus características y la respuesta emocional que desencadena.

El fenómeno no es exclusivo de una generación. Desde su aparición, el riff cuestionado se repetía en diversas situaciones: tiendas de instrumentos, estadios y reuniones sociales, entre aficionados y profesionales del rock. La recurrencia de esta melodía convirtió el estribillo en motivo de malestar transversal.

De acuerdo a Indie Hoy, la sobreexposición agrava la impresión negativa y dificulta la apreciación objetiva de un tema originalmente ligado al folclore irlandés de los siglos pasados. La incomodidad provocada no distingue audiencia, espacio ni clase social.

La canción “Whiskey in the Jar” posee un origen tradicional. Su letra describe episodios de los agitados años de Oliver Cromwell y William of Orange. Thin Lizzy llevó la melodía al ámbito contemporáneo en la década del 70. Desde entonces, el riff comenzó a ser percibido como una presencia difícil de ignorar.

Popularidad, masividad y desgaste: el camino de un riff

El cine se apropió del fenómeno y lo integró a su narrativa. En la película “Wayne’s World” (1992), un vendedor recrimina a un cliente por ejecutar “Stairway to Heaven” en una tienda de guitarras. Esa escena refleja el hartazgo general ante riffs sobreejecutados y anticipa el destino de otras piezas en la cultura popular.

Según Indie Hoy, el riff de “Whiskey in the Jar” superó a otros rivales como “Seven Nation Army” de The White Stripes y “Sweet Child o’ Mine” de Guns N’ Roses. Aunque estas canciones alcanzaron una presencia global, la melodía de Thin Lizzy se distingue por la reacción adversa que genera.

Especialistas señalan que el fragmento sobresale por dos motivos: el tono agudo de su ejecución y la reiteración persistente a lo largo de la canción. La combinación de estos factores provoca un efecto similar al zumbido de un mosquito, como lo describen músicos y críticos.

Al aparecer, borra la atmósfera lograda por la composición y concentra la atención en la incomodidad. Varios intérpretes populares, entre ellos The Highwaymen y The Dubliners, contribuyeron a difundir la canción, pero no la convirtieron en una pieza problemática.

Profesionales del sector, citados por Indie Hoy, coinciden en una explicación: ninguna composición está inmune al desgaste, por más calidad que presente. A mayor circulación, mayores posibilidades hay de que una melodía cause rechazo.

La versión de “Whiskey in the Jar” tiene una mezcla de atractivo inicial y saturación posterior que la llevó al puesto más alto en la lista de riffs molestos.

Las leyes no escritas en el mundo de la música

La normativa informal de las casas de música brinda testimonio de este fenómeno. Algunos locales prohíben la interpretación de riffs populares para preservar el clima de trabajo y evitar conflictos con los clientes.

Esta práctica se repite universalmente, independientemente del país o la lengua. Resulta reveladora la existencia de reglas implícitas como “No tocar ‘Stairway to Heaven’”, extensibles a otros fragmentos, en las principales urbes donde la música es parte central de la vida cultural.

De acuerdo con especialistas consultados por Indie Hoy, la saturación musical impacta incluso en los repertorios académicos. Afirman que las instituciones educativas ajustan sus programas para evitar ejercicios repetitivos que desgasten la motivación del alumnado. La música, como todo arte, requiere equilibrio entre novedad y tradición para mantener su vitalidad y relevancia.

La historia de “Whiskey in the Jar” simboliza el camino de muchas piezas que, por virtud de su eficacia melódica y el entusiasmo inicial, se transforman en víctimas de su propio éxito.

El caso ilustra la dificultad de conjugar popularidad y permanencia sin caer en el agotamiento colectivo. La convivencia entre el arte y el público presenta estos desafíos, donde incluso los riffs legendarios pueden cruzar la frontera que separa lo célebre de lo exasperante. La resignificación de las melodías en la cultura rock evidencia un fenómeno tan antiguo como la música misma.

Entonces, debe hablarse de los Stones en presente: el productor Andrew Watt y Marlon, hijo de Keith Richards, confirmaron que la banda está grabando nuevas canciones para un futuro nuevo disco. Confirmación que, obviamente, dispara entusiasmo y fantasías de una nueva gira (¿mundial? Siempre en Argentina surge la esperanza de verlos una vez más). En fin, que hay Rolling Stones para rato.

Pero también, hay Rolling Stones del pasado para seguir descubriendo. Una inagotable cantera de canciones y shows que acumulan a lo largo de más de 60 años, los convierte en una fuente de reediciones. Ahora le toca el turno a Black and Blue (1976), un disco infravalorado en su rica historia, parte de un período confuso y nublado -sobre todo por la adicción a la heroína de Keith Richards, el canónico yonqui stone- que además, marcó la transición hacia la conformación del dúo de guitarras que se mantiene hasta el presente: fue en ese momento que Mick Taylor se bajó del barco y apareció Ron Wood, entonces guitarrista de The Faces -donde conformaba otro dúo emblemático voz-guitarra junto a Rod Stewart-.

Recapitulemos. A mediados de los años 70, Los Beatles se habían separado, Jimi Hendrix había muerto y Led Zeppelin atravesaba un período oscuro luego de publicar el brillante Physical Graffiti. Para los Stones, tampoco era un momento luminoso: luego de la muerte de Brian Jones, el joven prodigio Mick Taylor había asumido su lugar como segunda guitarra pero no contaba con una contundente presencia escénica acorde a la pirotecnia habitual de la banda.

Sin embargo, el período comprendido entre la canción “Jumpin’ Jack Flash” (1968) y el álbum doble Exile on Main St. (1972) sigue siendo el pico creativo e icónico la banda. Los álbumes de estudio Let It Bleed (1969) y Sticky Fingers (1971), además del disco en vivo Get Yer Ya-Ya’s Out! (1970), les dieron el repertorio y la imagen que aún los define: una mezcla incendiaria de sexo, drogas, satanismo y radicalismo político, entregada con su fusión característica de la distancia irónica de Jagger y la intensidad desaliñada de Richards. Sus discos y conciertos de esa época exploraron y proporcionaron la banda sonora de las contradicciones de una contracultura en colapso, en un momento en que casi todos los demás—con la excepción de The Doors, The Velvet Underground y The Mothers of Invention de Frank Zappa—parecían seguir en un estado de euforia psicodélica.

Producidas primero por Glyn Johns y Jimmy Miller y luego por el propio Jagger y Richards (como los “Glimmer Twins”), las grabaciones de este período los muestran incorporando la música country a su lista de influencias y—especialmente en Beggars Banquet—añadiendo cada vez más texturas de guitarra acústica a su ya impresionante dominio de los matices musicales.

A la vez, su incursión impulsada por el blues en el corazón de las tinieblas de la época dio frutos amargos. Cuando un joven afroamericano (Meredith Hunter) fue asesinado por los Hells Angels (contratados como seguridad) en un desastroso concierto gratuito en el Altamont Speedway en Livermore, California, durante la gira estadounidense de 1969, a muchos observadores les pareció que el propio aura de decadencia y peligro de los Stones era, de alguna manera, responsable de la tragedia.

La calidad de su música comenzó a decaer después de Exile on Main St. Jagger y Richards empezaron a escenificar la fascinación del grupo por la yuxtaposición de la alta sociedad y el bajo mundo: el cantante se convirtió en una figura del jet set; el guitarrista, en un consumidor habitual de heroína que finalmente “se desintoxicó”, salvando así tanto su propia vida como el futuro de la banda. En ese contexto, Mick Taylor se fue en 1975 y fue reemplazado por Ron Wood.

Black and Blue (1976) fue el decimotercer álbum de estudio de la banda, en plena transición de guitarristas: durante la búsqueda de un reemplazo para Taylor, por el proceso de selección desfilaron nombres como Steve Marriott de Small Faces, Peter Frampton, Rory Gallagher y hasta Eric Clapton. Sin embargo, las aspiraciones individuales y los proyectos personales de cada uno impidieron su incorporación. Ninguno estuvo dispuesto a relegar su desarrollo personal en favor de unirse a una banda ya establecida, en donde inevitablemente ocuparían un rol secundario.

La candidatura que finalmente prosperó fue la de Ronnie Wood, que, más allá de su habilidad como guitarrista, tenía una personalidad afín al espíritu irreverente de Richards y al entorno de los Stones. Su perfil difería del de figuras imponentes como Clapton o Beck, quienes, por su condición de solistas, habrían alterado el delicado equilibrio jerárquico del grupo.

Durante la grabación de Black and Blue en un estudio de Múnich, Alemania, se convocó a varios guitarristas para explorar posibles incorporaciones. Participaron Harvey Mandel (de los bluseros tradicionalistas Canned Heat), Wayne Perkins (sesionista estrella de Bob Marley, Joe Cocker y Leon Russell) y el propio Wood. Aunque cada uno aportó recursos técnicos distintos, no se definió a un reemplazante inmediato. La resolución llegó una vez finalizadas las grabaciones. La ruptura de los Faces, precipitada cuando Rod Stewart decidió priorizar su camino solista, dejó a Wood libre para ser formalmente incorporado. Su entrada quedó ratificada en las fotografías promocionales del disco.

En ese mismo proyecto, las contribuciones de Billy Preston y Nicky Hopkins al teclado y al órgano enriquecieron la sonoridad del álbum. Black and Blue, publicado en mayo de 1976, se posicionó en el primer lugar de ventas en Estados Unidos y en el segundo en Reino Unido, destacando como un éxito inesperado tratándose de una etapa de transición para la banda. El álbum guarda una anécdota especial: en estas sesiones, los Rolling Stones experimentaron con una versión reggae de “Star Me Up”, un tema que años después, ya renombrado como “Start Me Up”, sería reelaborado con un estilo rock y terminaría convertido en uno de sus grandes clásicos de todos los tiempos, con un riff de guitarra inmortal.

El álbum, desparejo en la calidad de las canciones, muestra un enfoque más experimental, incorporando reggae, funk y soul al sonido característico del grupo. Además, es el segundo trabajo autoproducido por Jagger y Richards bajo el seudónimo The Glimmer Twins. El repertorio destaca por la diversidad estilística y la inclinación a la experimentación. Formado por apenas ocho temas, revela un espíritu de sesión abierta en el estudio, más centrado en la prueba e incorporación de Ron Wood que en forjar un concepto unificado. Sin embargo incluye perlas: “Hot Stuff”, super funk influido por la música disco en boga por aquella época; “Memory Motel”, una composición distinguida por la intervención de Keith Richards al piano y Billy Preston al órgano; y “Fool to Cry”, icónica balada ubicada por fans y expertos arqueológicos como una de las grandes canciones de los Rolling Stones. Medio siglo después, basta con esas tres para apreciar la significación de la obra.

Reconocido mundialmente por su emblemática canción “Jessie’s Girl”, lanzada en 1981, Springfield asegura que su vitalidad no es fruto del azar, sino de rutinas y hábitos claros.

La alimentación ocupa un lugar central en su rutina. Según detalló en la entrevista, su esposa, Barbara Porter, resulta fundamental, ya que ella se encarga de la preparación de las comidas. En su hogar, la heladera siempre dispone de distintas variedades de leche y una selección de vegetales frescos. Porter asume la responsabilidad de diseñar cenas variadas, algo que Springfield valora especialmente. De sus platos favoritos, los tacos se destacan en la lista, a los que define como “increíbles”.

En la entrevista afirmó que la primera comida del día suele incluir huevos revueltos o claras de huevo, en ocasiones preparados por él mismo, aunque suele preferir los que cocina su esposa.

Después del desayuno, Springfield toma un batido de proteínas que atribuye al talento y dedicación culinaria de Porter. Durante el resto del día, prioriza la hidratación mediante té y agua.

En el almuerzo, elige sándwich de pavo, nuevamente gracias a las habilidades de Porter en la cocina. “Yo toco la guitarra, ella cocina la comida. Es una división justa del trabajo. Ella es excelente en eso, y yo soy moderadamente competente con la guitarra, así que nos va bien”, aseguró Springfield en Men’s Health.

Ejercicio y entorno motivacional: la fórmula del bienestar

El ejercicio físico representa otro de los ejes de su vida. Springfield cuenta con un gimnasio en su propia casa, donde entrena junto a personas mayores de 60 años que, como él, muestran un nivel de energía muy elevado.

Su entrenador personal, Larry Willis, de 62 años, lo acompaña desde hace más de dos años y medio, encargándose de guiar y planificar las sesiones con énfasis en el movimiento atlético y la preparación física para sus compromisos sobre el escenario.

Willis explicó a Men’s Health que los entrenamientos se centran especialmente en ejercicios pliométricos y el uso de la máquina de escaleras, una actividad que al músico no le agrada. “Hacemos muchos ejercicios pliométricos, usamos mucho la máquina de escaleras, que él odia”, relató Willis. Los resultados de estos entrenamientos son evidentes en la energía y estado físico de Springfield.

Él mismo reconoce el efecto positivo que la disciplina y el acompañamiento de su entrenador han producido: “Todos estamos en mejor forma que antes de conocerlo”, aseguró el cantante.

Su entorno motivacional también tiene un peso importante. Recientemente, el legendario actor Dick Van Dyke, de 99 años, visitó su gimnasio personal. La actitud y entrega del actor durante la jornada de entrenamiento sirvieron de estímulo tanto para Springfield como para los otros asistentes, quienes se vieron motivados al presenciar de cerca la vitalidad y determinación de Van Dyke.

Men’s Health destaca que la experiencia se transformó en un ejemplo concreto de que el bienestar y la energía pueden sostenerse a cualquier edad, siempre que exista el entorno adecuado y la motivación suficiente.

Lo esencial de la trayectoria de Rick Springfield

Rick Springfield (Richard Lewis Springthorpe), nació en 1949 en Sídney y es cantante, compositor y actor. Según Songkick, inició su carrera musical en bandas locales antes de dar el salto como solista, logrando su primer gran éxito con “Speak to the Sky”.

Sin embargo, fue en 1981 cuando obtuvo reconocimiento internacional con “Jessie’s Girl”, un tema que lo catapultó a la fama y le valió el premio Grammy a Mejor Interpretación Vocal Masculina de Rock. También brilló como actor con el papel del Dr. Noah Drake en la serie “General Hospital”.

A lo largo de su trayectoria publicó numerosos álbumes y canciones que se posicionaron en los primeros lugares de los rankings estadounidenses. Su legado en la música y la televisión continúa vigente, caracterizándose por una disciplina constante y una pasión por el arte y el bienestar personal.

El anuncio de su muerte fue realizado por su esposa, Imelda, quien comunicó que el músico murió tras una batalla contra el cáncer. En su declaración, Imelda expresó: “Con gran tristeza, Imelda, sus familiares y amigos anuncian el fallecimiento de Gary ‘Mani’ Mounfield, quien murió en paz en su hogar, rodeado de amor, después de una valiente lucha contra el cáncer”.

La carrera de Mani comenzó en 1987, cuando se unió a The Stone Roses, banda fundamental en el surgimiento del movimiento Madchester y el sonido britpop. Su estilo distintivo al bajo fue clave en el álbum debut homónimo de la banda, publicado en 1989, considerado uno de los discos más influyentes de la música británica. Tras la disolución de The Stone Roses en 1996, Mani se integró a Primal Scream, donde permaneció durante más de quince años, contribuyendo a la evolución sonora del grupo y participando en álbumes como XTRMNTR y Evil Heat.

El impacto de Mani en la escena musical se refleja en los numerosos mensajes de condolencia y reconocimiento que han surgido tras su muerte. “Mani era el alma de la fiesta, un verdadero caballero y un bajista extraordinario”, afirmó Bobby Gillespie, líder de Primal Scream, en declaraciones a la revista NME. Por su parte, Ian Brown, vocalista de The Stone Roses, compartió en redes sociales: “Gracias por tu amistad y por la música. Descansa en paz, hermano”.

Diversos músicos y figuras del entretenimiento han recordado la generosidad y el sentido del humor de Mani. Tim Burgess, de The Charlatans, escribió en su cuenta de X: “Mani fue una inspiración para todos nosotros. Su energía y su risa eran contagiosas”. Ian McCulloch, cantante y principal compositor de de Echo & The Bunnymen, añadió: “Estoy absolutamente destrozado al escuchar la noticia sobre Mani, a quien siempre he querido y siempre querré, profundamente y para siempre. Como a un hermano. Para ser honesto, estoy en estado de shock. Por favor, díganme que solo estoy teniendo una muy, muy mala pesadilla.”

Liam Gallagher, cantante de Oasis -que está en Santiago de Chile en el cierre de la gira mundial de regreso- escribió que estaba “en total estado de shock” y “absolutamente devastado”, Shaun Ryder, cantante de Happy Mondays, compartió: “QEPD Mani – mis más sentidas condolencias para sus hijos gemelos y toda su familia”, y el guitarrista de Oasis, Paul ‘Bonehead’ Arthurs, simplemente escribió: “QEPD Mani. X”.

La influencia de Mani trascendió los límites de sus bandas. Su presencia en el escenario y su capacidad para fusionar géneros como el rock, el dance y la psicodelia lo convirtieron en un referente para varias generaciones de músicos. The Stone Roses, con Mani en el bajo, marcaron una época con himnos como “I Wanna Be Adored” y “Fools Gold”, mientras que su etapa en Primal Scream consolidó su reputación como uno de los bajistas más versátiles del Reino Unido.

La cantautora estadounidense que celebra el 50º aniversario de su emblemático álbum Horses, compartió recuerdos de su infancia, la llegada a Nueva York y el proceso creativo, revelando aspectos poco conocidos de su vida y filosofía.

Infancia y primeros años: la formación de una artista

Nacida en un entorno sencillo, creció en una familia donde el ingenio y la curiosidad eran virtudes esenciales. Recordó que desde la niñez mantiene un vínculo con la naturaleza, misma que nutrió la empatía que luego marcaría su camino artístico.

La influencia familiar resultó crucial: su padre, obrero, la alentó a cultivar la mente. “Mi padre creía que la mente era un país y había que construirlo, buscar respuestas a preguntas imposibles”, explica.

Desde muy pequeña, sentía la necesidad de ir más allá, formulando preguntas como “¿qué es el alma y de qué color es?”, generando inquietud en su madre, que la inscribió en la escuela dominical. Al poco tiempo, Smith comprendió que “debía buscar las respuestas por sí misma”.

Las visitas al Museo de Arte de Filadelfia y sus primeras lecturas, como “Pinocho” o “Mujercitas”, la impulsaron hacia el arte y comentó: “Ver los cuadros de Picasso fue como un rayo en el corazón. Supe que eso era lo que quería hacer, aunque no sabía exactamente qué significaba”. La literatura le ofreció modelos de libertad y creatividad para construir sus primeras búsquedas.

Nueva York y escena artística de los 60 y 70

Smith llegó a Nueva York en 1967, coincidiendo con una explosión cultural. “Venía de una zona rural de Nueva Jersey, sin cafés ni galerías. Nueva York era libertad. Había energía, diversidad, y era barato vivir allí. Podías ser quien quisieras”, sostuvo.

La camaradería y la creatividad definían esos años, conviviendo con figuras como Robert Mapplethorpe, Janis Joplin, Bob Dylan y Allen Ginsberg. Debido a esto, afirmó: “Todos escuchábamos la misma música, estábamos en contra de la guerra de Vietnam y a favor de los derechos civiles y de las mujeres. Había una conciencia de pertenecer a algo”.

Asimismo, la accesibilidad económica permitía desarrollar el arte, a pesar de las precariedades: “Podías conseguir un apartamento por USD 150, aunque estuviera lleno de cucarachas. Era tu espacio y lo arreglabas como podías”.

El ambiente era exigente y apasionado. “Artistas como Warhol, Hendrix o Pollock estaban presentes, compartíamos restaurantes y referencias. El arte era la joya de nuestra corona”, compartió. Además destacó la influencia del clima cultural impulsado por los Kennedy, que otorgó al arte un peso inédito en la sociedad estadounidense.

Nacimiento del punk e influencia de Smith

Aunque la etiqueta de “madrina del punk” la acompaña, pero Smith la rechaza abiertamente: “Nunca me consideré música. No merezco que me llamen así. Soy poeta y performer. Siempre digo: si quieres llamarme de alguna manera, llámame trabajadora, porque eso es lo que hago, trabajo todos los días y trato de hacer el mejor trabajo posible”.

La poesía y la improvisación marcaron sus inicios musicales. Relató el impacto de su primer concierto con batería: “Había una electricidad en el aire. Al terminar, escuché una voz que preguntaba si había poetas en el camerino. Era Bob Dylan. Fue un privilegio, porque Dylan no solía ir a ver a nadie”. Poco después grabó Horses, que se transformó en un referente del punk y el rock.

Por otra parte, la relación con su audiencia es directa. “Cuando subo al escenario, no juego con la gente, toco para ellos o con ellos. No busco la perfección, pero siempre estoy consciente de su presencia”, explicó.

Hablar del aniversario de Horses es evocar ese vínculo: “El disco tiene significado para mucha gente, y hacemos lo posible por dárselo cada noche, no de forma mecánica, sino como si fuera la primera vez”.

Proceso creativo, filosofía personal y vida fuera del escenario

Ante todo, se define por su disciplina y una búsqueda incansable de sentido. Su método creativo puede parecer ritual, pero lo atribuye sobre todo a la empatía y la apertura. “William Burroughs decía que era chamánico, pero para mí es una forma de empatía, de canalizar la conciencia de otros, de improvisar en el escenario”, reflexionó.

Al alcanzar la fama, optó por un retiro temporal y señaló: “No era mi objetivo en la vida convertirme en una estrella de rock rica y famosa... Solo quería hacer algo importante, algo que valiera la pena”.

La escritura se convirtió en centro de su vida diaria. “Escribo todos los días. Cuando no puedo escribir, siento que me falta algo. No mido mi valor por la cantidad de aplausos ni por las críticas, solo quiero hacer algo que merezca la pena”, compartió.

La intérprete insistió en la disciplina, pero también la apertura a la llegada de la inspiración: “Algunas cosas llegan como un regalo, otras requieren estudio y trabajo. No se puede forzar la inspiración, hay que estar receptivo”.

Legado musical y visión del arte

Desde su filosofía, mantiene una postura esperanzada del arte y la vida: “Creo que el alma es del color del agua”.

Ante los desafíos del presente, insiste en defender la alegría y la creación, por ello subrayó: “Debemos recordar que está bien sentir la alegría de estar vivos y de nuestras propias posibilidades, incluso ante el sufrimiento ajeno”. Fiel a su impulso creativo, Patti Smith concluyó en que nunca ha permitido que nada ni nadie desgaste su fe en el trabajo propio para poder crear.

La banda chilena de rock y pop, Los Bunkers, prepara un concierto para este mes de noviembre en la Ciudad de México.

La agrupación sudamericana señaló que el evento musical se llevará a cabo a finales de este mes de noviembre en un recinto de la capital del país.

Los Bunkers se presentarán en concierto para el miércoles 26 de noviembre en la Ciudad de México, de acuerdo con la información presentada a través de sus redes sociales oficiales.

El lugar donde el conjunto musical se presentará será en el salón de espectáculos ‘La Maraka’ de la capital del país.

Por lo tanto, Los Bunkers se presentarán en la Ciudad de México en el salón de espectáculos La Maraka para este próximo miércoles 26 de noviembre, de acuerdo a lo declarado por la banda a través de sus redes sociales oficiales.

El cartel promocional del evento ya está disponible para el concierto que dará la agrupación chilena en la capital del país.

De igual manera, en sus redes sociales oficiales, han invitado a todos sus fans para acudir a este concierto en la Ciudad de México donde recordarán sus mejores éxitos y canciones que han marcado su historia.

¿Quiénes son Los Bunkers?

Los Bunkers es una banda chilena de rock alternativo, originaria de Concepción, formada en 1999. Los integrantes originales son Álvaro López (voz y guitarra), Francisco Durán (guitarra, teclados y voz), Mauricio Durán (guitarra y coros), Gonzalo López (bajo y coros) y Mauricio Basualto (batería).

El grupo alcanzó notoriedad durante los años 2000 y es reconocido por su propuesta musical, que fusiona el rock con influencias del folclore latinoamericano y sonidos clásicos de las décadas de los 60 y 70.

Desde sus inicios, Los Bunkers llamaron la atención de la crítica y el público por sus letras introspectivas y su cuidada producción. Su primer álbum homónimo se publicó en 2001, obteniendo buena recepción.

El reconocimiento masivo llegó con los discos “Canción de lejos” (2002), “La culpa” (2003) y especialmente “Vida de perros” (2005), que incluyó sencillos como “Llueve sobre la ciudad”.

En 2008, publicaron “Barrio Estación”, seguido por “Música libre” (2010), un disco tributo a Silvio Rodríguez, y “La velocidad de la luz” (2013).

Sus propuestas han sido valoradas por la capacidad del grupo para reinterpretar la música popular latinoamericana con una estética contemporánea.

En 2014 la banda anunció una pausa indefinida, tras ofrecer una gira de despedida.

Durante ese tiempo, los miembros se involucraron en proyectos personales y otras bandas. En 2019, Los Bunkers anunciaron su regreso a los escenarios, reactivando su actividad en festivales y conciertos.

Actualmente, siguen siendo una de las agrupaciones más importantes del rock en español y mantienen una base de seguidores en diferentes países de América Latina.

“Este encuentro fue muy significativo. Al convocarnos, el arte y la música se entrelazaron para recordar al genio creativo de Charly junto a sus amigos, colegas y afectos. Una noche para celebrar entre obras de arte, conversaciones y copas compartidas, que nunca faltan. El Té de Colección de Mariela Ivanier potencia el legado, le da una identidad e impronta argentina, de lo más sofisticado que Argentina tiene para ofrecer. Visibiliza, dispara y abre caminos, no solo a íconos como Charly sino a toda la música argentina. Es una forma de celebrar que la esquina de Charly sigue viva, que el ícono virtuoso trasciende el tiempo y el espacio y que todos somos custodios de su inmortal legado”, dijo Santiago Villalba, ex Cónsul argentino en Nueva York entre 2020 y 2024 y responsable de inaugurar -junto con el ex embajador Jorge Arguello- la esquina de Charly García en Nueva York, Estados Unidos.

El llamado fue de Mariela Ivanier, directora de la agencia Verbo y anfitriona de los emblemáticos Tés de Colección, coorganizado junto a Mariano Cabrera, Santiago Villalba, ex cónsul y Jorge Argüello, ex embajador argentino ante Estados Unidos, Portugal y la ONU. Juntos, rindieron tributo al ídolo eterno y a Clics Modernos, ese disco que sigue sonando como si fuera nuevo. Recodarlo celebró que la “Charly García Corner” sigue viva en el corazón de todos. “¡Un momento para atesorar, hermoso! Hubo música, risas y hasta cantamos algunos temas y todo. Una perfecta noche, al mejor estilo de Charly García con gente muy querida, colegas y amigos del rock y la cultura nacional”, habló emocionada Andy Cherniavsky, reconocida fotógrafa del rock argentino.

La cita tuvo un motivo especial: celebrar el cumpleaños del gran Charly García y rendir tributo a una obra que marcó la historia de la música y de varias generaciones. La ambientación, sutil y precisa, mezcló más de 300 piezas de arte contemporáneo con guiños al universo García.

Y aunque se llame “té”, la propuesta tuvo espíritu de cóctel: copas, conversaciones, melodías y una atmósfera cargada de afecto. Los invitados, entre los que estuvieron Renata Schussheim, Lito Vitale, Hilda Lizarazu, Andy Cherniavsky, Fernando Samalea, Josi García, Zorrito Von Quintiero, Nora Lezano, Fernanda Cohen, Julieta Ortega y Rosario Ortega, se juntaron para compartir un homenaje que combinó rock con un clima emotivo y cálido, gracias a la impronta curatorial que distingue a Ivanier.

Y mientras Buenos Aires se prepara para bautizar con su nombre la esquina de Coronel Díaz y Santa Fe —en espejo con la legendaria “Charly García Corner” de Nueva York, el espíritu del músico atravesó toda la velada. No hizo falta su presencia: estuvo en cada tema que sonó, en cada anécdota, así como en las conversaciones cómplices que recordaron algún recital o un momento de su obra que se volvió parte de sus vidas.

No hubo discursos formales, solo un brindis espontáneo: “Por Charly” -dijo alguien, levantando su copa-, que sigue estando en todas partes”. Fue el momento exacto en que la emoción se volvió colectiva. La música sonó un poco más fuerte, y el Pasaje Rivarola latió al ritmo de Nos siguen pegando abajo.

Así, entre arte, amistad y recuerdos, el Té de Colección volvió a confirmar su espíritu: un espacio donde el pasado y el presente dialogan, donde la cultura vibra y donde Buenos Aires se mira en el espejo. “Lo pasé genial. Encontrarme con gente como Hilda Lizarazu, Nora Lezano, Gaby Epstein, fue un placer. Esa mezcla no sectaria de gente que se logra reunir en estos encuentros tiene un encanto particular. En lo de Mariela hay como una reparación del alma. Eso nada más y eso es todo que es muchísimo,” expresó la artista plástica y diseñadora Renata Schussheim.

¿Qué es la esquina de Charly?

El 6 de noviembre de 2023, en la esquina de Walker Street & Cortlandt Alley, al sur del Soho neoyorkino, se inauguró la “Charly García Córner”, con placa y cartel, en honor al lugar preciso donde en 1983 Charly se sacó la foto de tapa del clásico álbum Clics modernos. El impulsor del proyecto fue Mariano Cabrera, actor y director argentino y el acto, que tuvo toda la formalidad de una ceremonia oficial, fue organizado por el Consulado Argentino en Nueva York.

Cientos de fans, varios músicos históricos, autoridades de la Embajada y Cancillería Argentina en Nueva York, funcionarios de la ciudad de New York, amigos de Charly y su hermana, Josi García Moreno, se juntaron para el importante homenaje. Por su parte Charly optó por no viajar y mirar todo desde su casa por Instagram Live. Para acompañar el tributo, hubo una actuación de un grupo conformado por el baterista Fernando Samalea, el bajista y tecladista Fabián “El Zorrito” Von Quintiero, la cantante Hilda Lizarazu, y los chilenos Kiuge Hayashida en guitarra y Toño Silva en batería, todos ellos integrantes de distintas bandas de Charly.

Además, la celebración incluyó una charla informal, en el Central Park, que dio Samalea y un “walking tour” por los lugares en donde el astro del rock filmó el video del tema "Fanky" (1989), a cargo del Zorrito y del tecladista Alfie Martins.

Simon Reynolds parece ajeno al calor porteño, así como se presenta en una oficina de Recoleta en una tarde soleada que preanuncia el verano. Podría ser un ejecutivo de televisión o tal vez, el CEO de una start up, pero no: es uno de los críticos culturales más lúcidos de este tiempo, un certero cronista de síntomas y tendencias del universo de la música pop, destacado por un enfoque singular que combina experiencias personales en fiestas electrónicas con referencias a pensadores como Jacques Derrida y Roland Barthes.

Reynolds llegó a Buenos Aires para participar del festejo por el 20° aniversario de la creación del sello editorial Caja Negra, que ha sido su vehículo de ingreso al conocimiento del público lector en español. Sus libros -basta con citar Retromanía. La adicción del pop a su propio pasado (2012); Energy Flash. Un viaje a través de la música rave y la cultura del baile (2014) o Futuromanía (2024)- son vivaces en referencias e información contextual, ubicuos en las coordenadas de espacio y tiempo, y certeros en el análisis musical desde perspectivas de género, raza y clase social, lo que permite establecer ingeniosas conexiones entre la música pop (rock, electrónica, hip hop) y sus circunstancias. Un desafío satisfactorio para el lector interesado en sumergirse en algo más que la escucha de un disco, por cierto.

Y como se desprende del título de una de sus obras más relevantes, una definición suya apuntó directo al corazón de ciertos fenómeno cultura que, aquí y ahora, sucede en Buenos Aires en el fin de semana de los conciertos de la gira de reunión de Oasis, por ejemplo. El término “retromanía”, acuñado por Reynolds, funciona como diagnóstico y advertencia sobre el devenir de la cultura contemporánea; define una era marcada por la nostalgia y la compulsión de volver la mirada hacia el pasado. La lógica de este fenómeno puede llegar a explicar, en buena medida, la fatiga cultural omnipresente en el análisis de la música de las últimas décadas.

En diálogo con Infobae Cultura, Reynolds discurrió sobre las nociones de pasado, presente y futuro de la música pop, del rock, el hip hop y la electrónica, los 80 años recién cumplidos de Neil Young, la novedad del ambicioso nuevo disco de Rosalía, el nuevo poder latino global y el rock de guitarras entendido como una música marginal, ajena al mainstream de las multitudes. Aunque Oasis haya vuelto para llenar estadios alrededor del mundo.

—¿Ha pasado el tiempo de la retromanía o la futuromanía, y vivimos un presente continuo, eterno, también en la música?

—En uno de mis libros hablo sobre el “nowism” (ahorismo). Esta obsesión con el “ahora”. En una época había mucha música que pensaba en este término, en Estados Unidos especialmente, donde las canciones tenían esta idea de que era “el último día de tu vida”. Había una canción de Ke$ha llamada “Die Young” y la idea era “vamos de fiesta como si fuéramos a morir esta noche”. Es un tema recurrente: vivamos como si no hubiera un mañana. O sea, en cierto modo, es una cosa de larga data en la música pop. Prince tenía “1999” que era “el mundo se acaba así que vamos a hacer lo que quieras”. Es una especie de idea recurrente en la música pop, como vivir el ahora. Los Beatles tenían todo eso. John Lennon solía decir, “Todo el mensaje de Los Beatles es estar aquí ahora”.

Así que hay una especie de idea utópica en eso. Pero también creo que la forma en que tú lo dices es menos utópica y más aterradora. No hay historia y la gente realmente no tiene mucho sentido del futuro. Todas nuestras ideas de futuro ahora son un desastre, ¿no? El tema climático, los microplásticos y la temperatura del planeta subiendo. Todas son visiones del futuro que son bastante oscuras.

—Bueno, estamos cerca de los 50 años del “No future” punk ¿Ha vuelto esa idea?

—Tal vez es la correcta para este momento. Y creo que la tecnología lo hace muy... Ni siquiera fácil, lo hace obligatorio. ¿Conoces este término “doom scrolling”? (N. de la R.: pasar compulsivamente mucho tiempo desplazándose online por noticias negativas y contenido angustiante). Deslizas el dedo por la pantalla del teléfono y el algoritmo empieza a saber en estás interesado solamente en cosas malas. Y luego muy ocasionalmente tienes “hope scrolling” cuando, por ejemplo, hay una buena como en Estados Unidos que recientemente hubo algunos resultados electorales realmente buenos para el Partido Demócrata. Así que haces “hope scrolling” y aparece una buena noticia.

En este momento, ya sabes, es muy difícil proyectarse hacia adelante. Y creo que a la gente le cuesta imaginar un buen plan para sí mismos hacia adelante. Así que viven de esta manera, de momento a momento. La política contribuye. Antes los gobiernos hacían cosas que eran a largo plazo y tenían buenos resultados, durante décadas. No recuerdo quién fue, pero en Estados Unidos hubo un plan llamado de “electrificación rural”, donde llevaron electricidad al campo. Y eso fue algo que tomó décadas en completarse, pero lo empezaron y resultó. Ahora ni siquiera es que los gobiernos solo miren lo que les va a ayudar a ganar la próxima elección, realmente están mirando lo que les va a dar atención mediática, cobertura de las noticias ese día. Alguien como Donald Trump, por ejemplo, para quien se trata solo de dominar los titulares del día.

—¿Este presente continuo es bueno o malo?

—Bueno, creo que es ambivalente. Escribo un poco sobre eso en el nuevo libro que estoy haciendo, que trata sobre esa era de “slackers” (N. de la R.: alguien que evita el trabajo, el deber o la responsabilidad y a menudo visto como perezoso) y el “shoegaze” (N. de la R.: término que alude a un subgénero del rock de los años noventa, con un sonido de guitarras con distorsión; y que a la vez se sirve de la figura del músico ensimismado en el ruido, mirando hacia abajo, hacia sus zapatillas y la pedalera de efectos).

La música de My Bloody Valentine por ejemplo. Solo te pierdes en eso, no piensas en el pasado, no piensas en el futuro. Hay algo extático en eso, como psicodélico... Vives en el momento que está intensificado y es sensacional. Todos tus sentidos están vivos y te pierdes en el sonido o tal vez también en imágenes con luces brillantes. La escena rave en la que yo estaba, es muy de la misma idea. Hay una canción llamada “3 AM Eternal”: esta idea de que estás fuera del tiempo de alguna manera, en el espacio de la rave. Dejas atrás el mundo real y dejas atrás el tiempo normal porque estás bailando en un momento en que todos los demás están dormidos y soñando. Estás como viviendo un sueño de una manera extraña. Creo que el tipo de experiencia que tenemos ahora, a través de las redes sociales por ejemplo, es una forma más oscura y ansiosa de eso. Vivir en el ahora, donde sientes que no puedes recordar lo que hiciste la semana pasada. Pero tampoco puedes pensar hacia adelante. No sabes qué va a pasar después. Y así es una especie de presente perpetuo negativo en el que vivimos demasiado, creo. A la vez, es ambivalente. Hay una especie de cosa de solo disfrutar cada día, salir y oler las flores. Disfrutar el momento: no te preocupes por tus arrepentimientos del pasado. No te preocupes por el futuro. Eso es algo liberador, pero luego también te sientes incapacitado de tratar de proyectarte hacia adelante positivamente.

—En este contexto “social”, ¿hay lugar para el surgimiento de algo realmente nuevo, original, en la música?

—Creo que sí. La gente siempre es muy creativa y no es que se haya dejado de querer hacer cosas nuevas. Yo escucho cosas que me parecen nuevas, muy originales y también muy individuales. Hay cosas donde dices “Solo esa persona pudo haber pensado algo así”. “Nadie más pensó esa idea”. A veces no es tanto en el sonido sino las letras. Todavía hay gente escribiendo sobre nuevas emociones o nuevas formas de expresarse. Igualmente se siente como que no ha habido nada realmente nuevo desde hace un tiempo. Incluso en géneros establecidos como el hip hop, que a veces pasa por cambios muy grandes: estuve muy metido en ese período del hip hop de 2015 a 2020, cuando muchos raperos empezaron a usar autotune de una manera muy interesante y casi post-verbal, post-lingüístico. Hacían sonidos extraños (risas) Y ya no se trataba tanto de las palabras, era solo este tipo de efectos vocales extraños que se les ocurrían.

Y pensé que eso era muy interesante, una fase muy nueva del hip hop. Luego eso se volvió un poco aburrido y se repitió demasiado. Pero por un tiempo me pareció muy nuevo y me entusiasmaba mucho encender la radio en el auto, en Los Ángeles por ejemplo, porque escuchabas discos realmente extraños que eran bastante vanguardistas aún estando en el mainstream. Muchísima gente los escuchaba en streaming y veía los videos en YouTube. Se sentía como cultura de masas pero era vanguardista. Aunque no creo que hubiera nada políticamente liberador en eso. Era bastante reaccionario en términos de valores, pero solo las técnicas de sonido parecían muy radicales e interesantes, pero también disfrutables. Algo experimental pero que también era agradable de escuchar.

—¿Y el rock?

—Desde mediados de los ’60 en adelante con Los Beatles y gente como Jimi Hendrix, la gente trata de hacer cosas nuevas con la guitarra eléctrica. La pasan por efectos y en el estudio la superponen, le graban encima. Eso continuó en los ’70. Y luego el post-punk fue toda una nueva fase de hacer cosas interesantes con guitarras. Y luego llegas a este período del que escribo en mi nuevo libro, finales de los 80, cuando Sonic Youth hablaba de la reinvención de la guitarra, My Bloody Valentine... Todavía se están inventando cosas nuevas. Sigue siendo música rock. Todavía hay gente haciendo cosas interesantes con la guitarra ahora.

—Sin embargo, ahora el rock no es mainstream. Tal vez ha vuelto a ser...

—¿Marginal? Puede ser. Creo que en cierto modo lo es, sí. Aunque todavía hay algunas bandas realmente grandes que usan guitarras como su instrumento principal. Los Rolling Stones, o Pixies.

—Oasis, que ha vuelto y toca este fin de semana en Buenos Aires en un gran estadio.

—Exacto, sí. No puedes decir que Oasis es underground. Pero en cierto sentido, la música de guitarra es marginal porque la mayoría de la música pop no tiene guitarras, ¿verdad? Todo es electrónico. Todo se hace en el estudio, con tecnología. Es bastante raro escuchar una guitarra eléctrica en un ranking de singles. En todo caso, Oasis representan una forma de música más antigua. Ahora es una música tradicional: un gusto minoritario de una manera extraña (risas).

—En este contexto, cabe preguntarte si la idea de “el rock ha muerto” tiene sentido para vos.

—Creo que cuando la gente dice que el rock está muerto, lo que realmente dicen es que ya no es central. Durante mucho tiempo, décadas, fue la definición de la música juvenil y ahora es más de varias opciones. A mi hijo o a los estudiantes a los que enseño, pueden gustarles algo de música rock pero lo que posiblemente es más central para ellos es el hip hop o la música electrónica. Les puede gustar una banda shoegaze moderna o una banda indie moderna pero si piensas en jóvenes y música, no pensarías en una guitarra eléctrica. Y de hecho, si piensas en guitarra eléctrica, probablemente pienses en gente de nuestra edad o mayor. Voy a un festival llamado Cruel World, donde tienen todas estas bandas góticas y alternativas de los ’80 y la mayoría del público es mayor, o algunos jóvenes van con sus padres. La gente en el escenario es mayor y en el público.

Pero tengo estudiantes que tocan guitarra eléctrica y les encanta, y están tratando de hacer cosas nuevas. Así que creo que el rock no está completamente terminado o muerto. Tampoco está necesariamente agotado. Creo que mucho más central sigue siendo el hip hop, como la voz de la música juvenil Pero incluso el hip hop es bastante viejo. O sea, es muy viejo. Tiene como 40 años.

—Neil Young cumplió 80 años esta semana. Y están Paul McCartney, Mick Jagger, Bob Dylan, todos arriba de los 80. Pronto van a morir, es un hecho. ¿Qué cambiará en el mundo sin ellos?

—Ya ha habido algunas muertes de gente de los ’60. No me sorprende tanto cuando mueren. Como cuando murió David Bowie, Lou Reed o el baterista de los Rolling Stones, Charlie Watts. Así que dices, “Oh, qué triste. Qué gran pérdida...” Es como la banda sonora de mi juventud temprana cuando era casi un niño y escuchaba esos discos. Pero lo que realmente me impacta es cuando muere gente importante de cuando yo era adolescente y estudiante. Como Terry Hall de The Specials. Para mí son los del post-punk. Me pega porque son de mi misma edad. O a veces son más jóvenes que yo.

—Tal vez las dos mayores estrellas pop del mundo hoy en día son de habla hispana: Bad Bunny y Rosalía ¿Te interesa su música por algún motivo?

— Sí, me gustan. Particularmente Rosalía. Es muy interesante el uso del flamenco que hace. No he escuchado el nuevo disco. ¿Es realmente bueno?

—Es ambicioso.

—Bien. ¿Está trabajando con alguien en particular?

—Un ejército de productores, la Orquesta Sinfónica de Londres y canta en 13 idiomas.

—No puede ser... (risas)

—Sí.

—Oh, wow. Es un poco como, no sé, ¿quién? Como Björk o Bowie. Muy hambrientos de nuevos tipos de música. Por otra parte creo que es muy llamativo que haya habido este este desafío a la hegemonía anglófona. Y cuando digo anglófona, digo Estados Unidos, porque no creo que Inglaterra, Australia o Canadá tengan mucho que ver con esa hegemonía. También una gran proporción de la población estadounidense tiene el español como primer idioma así que tiene sentido. Y es extraño que haya tardado tanto. Quiero decir, hubo una gran cosa por los ritmos latinoamericanos, creo, en los años ’40 y ’50: mambo, rumba y todas esas cosas. Así que esto que sucede no es completamente sin precedentes. Pero supongo que el hecho de que se cante en español es lo llamativo. Aunque dices que son 13 idiomas. Wow. Bueno, tendré que escuchar eso cuando regrese a casa.

[Fotos: Jaime Olivos]