El rock urbano mexicano se prepara para calentar el Grito de Independencia en el oriente de la capital. La Alcaldía Gustavo A. Madero confirmó que Liran’ Roll encabezará la fiesta patria “Viva México en Cuautepec”, un concierto gratuito que promete guitarras, blues y coros masivos justo antes de las Fiestas Patrias.

La banda, con más de tres décadas de trayectoria y un puñado de himnos que se cantan de generación en generación cómo María, Pequeña y Frágil y Barco azul, llega a Gustavo A. Madero como parte de la agenda cultural que la demarcación organiza para celebrar el aniversario de la Independencia de México.

Su participación en el aniversario del Metro de la Ciudad de México

Liran’ Roll también estuvo presente en los festejos por el 57 aniversario del Metro de la Ciudad de México. La banda se presentó el miércoles 2 de septiembre de 2026 en la Glorieta de Insurgentes, junto a la estación Insurgentes de la Línea 1, según reportó Somos El Medio.

El grupo subió al escenario alrededor de las 17:00 horas y fue programado como el cierre musical de la primera jornada de conciertos, que arrancó desde la mañana con otras agrupaciones de géneros distintos como Juan Manuel Torreblanca, Rafael Meza “Pehuenche”, Barbie Williams, Kumbia Live, la Internacional Orquesta La Típica y Jamaica Sonora.

Fecha, horario y cómo llegar al Deportivo Campos Revolución

El concierto se realizará el 15 de septiembre a las 18:00 horas, según el cartel oficial difundido por la alcaldía.

La sede es el Deportivo Campos Revolución, ubicado en la zona Escolar Oriente, dentro de la demarcación Gustavo A. Madero. Se trata de un espacio deportivo que la alcaldía habilita habitualmente para actividades culturales y musicales masivas dirigidas a los vecinos de la zona.

Para llegar al recinto, la referencia geográfica que ofrece el cartel oficial es la zona Escolar Oriente, dentro del territorio de Gustavo A. Madero, en el oriente de la Ciudad de México. La alcaldía difunde información adicional sobre accesos y transporte a través de su portal www.gamadero.cdmx.gob.mx y de sus redes sociales, identificadas como @TuAlcaldiaGAM.

El evento se enmarca dentro del programa “Viva México en Cuautepec”, organizado directamente por la Alcaldía Gustavo A. Madero.

Quién es Liran’ Roll, la banda que llega a Cuautepec

Liran’ Roll es una agrupación mexicana de blues y rock nacional surgida en la Ciudad de México en 1991, originaria de la colonia Gabriel Hernández. El grupo nació cuando Antonio Lira, conocido como Toño Lira, se unió a la banda Power Blues, integrada entonces por Antonio Velázquez en la guitarra, José Luis Rosas en la batería y Édgar Cruz en el bajo y la voz.

Esa agrupación, ganadora del concurso “Rock en la selva de asfalto”, cambió posteriormente de nombre a Liran’ Roll. El nombre combina dos referencias: “Lira” alude tanto a la palabra guitarra como al primer apellido de Toño Lira, mientras que “Roll” proviene directamente del término rock and roll.

La banda debutó en 1991 con el álbum Quiero Cambiar, bajo el sello Discos y Cintas Denver, en pleno auge del rythm and blues en México. Sus letras, cercanas a la vida callejera y a los barrios populares, encontraron eco en una escena post Avándaro más abierta y menos censurada que la de décadas anteriores.

De “Quiero Cambiar” a “María”: el ascenso de un referente del rock urbano

En diciembre de 1991, apenas meses después de su debut, el grupo editó el álbum María, cuyo sencillo homónimo se convirtió en una de las canciones más identificadas del rock latinoamericano. El tema le dio a la banda un sello propio: bastaba escucharla para reconocer a Liran’ Roll en cualquier lugar.

El éxito de “María” llevó a la agrupación a participar en programas de difusión cultural como Canal 11 del Instituto Politécnico Nacional, Canal 22, Canal 34 y el noticiario de Ricardo Rocha en Canal 2 de Televisa.

En 1992 se integró Hugo Mendoza en el bajo, con quien la banda grabó discos como El Último Viaje, Lira N’ Roll en Vivo, Recuerdos, Cambios y Chamán. Un año después, en 1993, el grupo emprendió su primera gira por Estados Unidos, con dos meses de recorrido entre Los Ángeles y Chicago.

La formación con los integrantes originales tuvo su última presentación el 28 de diciembre de 1998. En 1997 salieron los dos guitarristas fundadores y entraron Saúl Moreno y Ulises Lares, con quienes en 2000 la banda grabó el disco acústico Momentos. A principios de 2009, Liran’ Roll anunció su separación de Discos y Cintas Denver, aunque continuó activa en escenarios y grabaciones.

Actualmente la alineación está encabezada por Toño Lira en voz y guitarra, junto a José Luis Rosas “Boogie” en batería, Saúl Moreno “El Pollos” y Ulises Lares “El Cone” en guitarras, y Alberto Almeida “Fotis” en el bajo, además de una sección de metales integrada por Hansel “Galoncho” en trompeta, Enrique Castruita “Gallito” y Eduardo Rojas en saxofón alto, Alberto Rosas en saxofón tenor y Abraham Urrutia en trombón.

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El repertorio que suele corear el público

A lo largo de más de una decena de discos de estudio y varias grabaciones en vivo, Liran’ Roll construyó un repertorio que combina blues, rock urbano y hard rock. Entre los temas que la banda incluye habitualmente en sus presentaciones en vivo se encuentran “María”, “Quiero Cambiar”, “Barco Azul”, “Cuarto Para las Dos”, “La Guitarra”, “Libérame”, “A Más de Cien” y “Renunciaré”.

El catálogo del grupo abarca discos como Quiero Cambiar (1991), María (1992), El Último Viaje (1992), Recuerdos, Cambios, Chamán, D.F. (2003) y Va Por Ti (2008), entre otros. Su lanzamiento en vivo más reciente, Fiesta Latina, se publicó en marzo de 2021.

Agenda 2026 y el show por más de 30 años en el Palacio de los Deportes

El paso de Liran’ Roll por Cuautepec se suma a una agenda de presentaciones que la banda ha sostenido a lo largo de 2026. El grupo se presentó en junio en el Centro Cívico de Ecatepec de Morelos y en marzo tocó en el Estadio GNP Seguros (antes Foro Sol) en Nezahualcóyotl.

El 4 de julio la banda celebró 35 años de trayectoria en el Auditorio Alfredo del Mazo, también en Ciudad Nezahualcóyotl, con un show cargado de clásicos. En agosto, Liran’ Roll cruzó la frontera para presentarse en Arlington, Texas, en El Toro Sinaloense.

El evento de mayor envergadura en el calendario de la agrupación está programado para el 30 de enero de 2027, cuando Liran’ Roll se presentará en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México para celebrar más de tres décadas de rock urbano ininterrumpido. La preventa Citibanamex para ese concierto comenzó el 31 de agosto de 2026 y la venta general arrancó el 1 de septiembre a través de Ticketmaster.

El espectáculo ocurrió en pleno trayecto como parte de una intervención musical en el transporte masivo que conecta la Ciudad de México con el Estado de México.

La actuación sirvió como un calentamiento previo al concierto que la banda tiene programado en la zona mexiquense para el próximo 7 de noviembre.

El vocalista Paco Familiar encabezó la presentación acústica en medio de los usuarios que viajaban en la unidad al momento de la intervención.

Los pasajeros sacaron sus celulares para registrar el desempeño de la banda mientras se acomodaron alrededor de los músicos en el pasillo central del vagón.

La alineación ejecutó temas de su catálogo musical entre los que destacaron “Sea”, “Se va”, “Toda mi fe”, “Ventura”, “El Accidente” y “Dixie”.

DLD realizó su primer concierto en un vagón en movimiento

Durante la ejecución de las canciones, el cantante expresó el entusiasmo de la banda por trasladar su trabajo a un vehículo en marcha.

“De verdad es la primera vez que lo hacemos. Nos encanta hacerlo, nos está encantando, nos está divirtiendo muchísimo”, sostuvo Paco Familiar.

El músico aprovechó la cercanía con el público para ofrecer un mensaje sobre las interacciones cotidianas en el transporte de la zona metropolitana.

El intérprete hizo un llamado a los asistentes para recuperar la convivencia pacífica y el respeto en la rutina diaria.

“Hay que hacerlo de nuevo de moda, estas cosas”, afirmó el vocalista al pedir que la empatía se convirtiera en una práctica constante entre la ciudadanía.

En el marco de esta presentación, el cantante mencionó el interés del grupo por colaborar con la intérprete Margarita la Diosa de la Cumbia en el proyecto Cumbia en tu idioma, enfocado en reinterpretar clásicos del rock nacional.

El proyecto Concierto en Movimiento transformó el transporte público

La actividad respondió al programa Concierto en Movimiento, una iniciativa desarrollada por la empresa de comunicación TeleUrban en coordinación con la administración del Tren Suburbano.

La propuesta buscó convertir de manera temporal los espacios de traslado en plataformas artísticas para la población que utiliza este servicio ferroviario.

El formato del proyecto exigió que las agrupaciones adaptaran sus instrumentos y equipos de sonido a las dimensiones del vagón.

Los músicos presentaron su repertorio mientras el tren mantuvo su velocidad regular y realizó sus paradas programadas en las estaciones de la ruta.

Las autoridades del transporte confirmaron con anterioridad la participación del conjunto dentro de la cartelera de actividades programadas para los usuarios.

El Tren Suburbano recibió presentaciones de rock y pop en español

La presentación de DLD se integró a una lista de intervenciones artísticas desarrolladas en los vagones de esta red de transporte durante los últimos años.

En octubre de 2023, la banda de ska Panteón Rococó realizó un show con una duración de 26 minutos entre las terminales de Buenavista y Cuautitlán.

Durante ese recorrido, Panteón Rococó interpretó una canción por cada estación del sistema ante pasajeros que acompañaron temas como “La dosis perfecta” y “Vendedora de caricias”.

En otra de las ediciones del programa, el cantante Álex Lora participó con un set acústico junto a los integrantes de la agrupación El Tri.

Por su parte, el músico Aleks Syntek ingresó un piano al interior del convoy para interpretar sus temas más conocidos frente a las personas que realizaron su trayecto habitual.

Otras agrupaciones que formaron parte de estas sesiones sobre rieles fueron La Gusana Ciega, Juan Solo y la banda paraguaya Kchiporros.

La red del Tren Suburbano conecta la alcaldía Cuauhtémoc en la capital con diversos municipios del Estado de México, como Tlalnepantla, Tultitlán y Cuautitlán.

La presentación en el convoy se sumó a la trayectoria de la alineación mexiquense, que en años anteriores llenó recintos de alta capacidad en la capital mexicana como el Palacio de los Deportes.

Por cierto, nada de esto formaba parte de los planes de Springsteen para esta temporada. Venía de tres años de giras intensas y se había tomado, por fin, un respiro. Ese descanso se interrumpió el 7 de enero, cuando Renée Good murió baleada por un agente de la Agencia de Inmigración y Control de Aduanas (ICE, por sus siglas en inglés) durante una protesta en Minneapolis. Diecisiete días después, Alex Pretti falleció en un enfrentamiento con oficiales de la Oficina de Aduanas y Protección Fronteriza (CBP, sigla en inglés).

Springsteen no se quedó callado. Escribió “Streets of Minneapolis”, una canción que nombra a ambas víctimas y que le costó publicar sin dudar del tono. “Fue una canción que escribí solo para ese momento. No sabía qué futuro podía tener. La escribí únicamente para esa circunstancia específica”, contó a Rolling Stone. El propio músico admitió que temió haberse subido demasiado alto a la tribuna, hasta que el guitarrista Tom Morello le dio un consejo que terminó de convencerlo: “La sutileza es maravillosa, pero a veces hay que patearlos en los dientes”. Esa frase, contó en la entrevista, le hizo entender que ese era exactamente el momento para hacerlo.

Lo que siguió fue Land of Hope and Dreams, una gira de 20 shows que arrancó el 31 de marzo en Minneapolis y cerró el 30 de mayo en Filadelfia. También explicó cómo pensó el propósito general detrás de la gira, más allá de la urgencia inicial: “No tengo objetivos estrictos. Básicamente estoy ahí afuera para interpretar esa música y transmitir su mensaje. Minneapolis ocurrió, así que escribí ‘Streets of Minneapolis’, y eso encendió todo el proyecto. Entonces pensé, ‘deberíamos salir a tocar esta canción’. Y después estructuré un show que tomó material que había escrito durante los últimos 50 años y, por la forma en que armé el setlist, todo se contemporizó. Esa era la idea. Era el estado de la nación para 2026″, relató a Rolling Stone.

Ese gesto, el de releer su propio catálogo para ponerlo al servicio de una audiencia que atraviesa un momento de incertidumbre, es quizás el que mejor resume la relación que Springsteen sostiene con sus seguidores desde los años setenta. No se trata de un artista que repite un repertorio fijo por comodidad, sino de alguien que vuelve una y otra vez sobre sus propias canciones para que sigan diciendo algo. “Eso es lo que debería haberle pasado a casi todas las canciones que tocamos durante el show. Simplemente se realinearon, se redefinieron, se recontextualizaron para el momento”, señaló sobre el proceso de armar el setlist.

Consultado sobre cómo decidió abordar el estallido de la guerra con Irán, ocurrida en el tramo entre el anuncio y el inicio de la gira, fue honesto sobre su dilema inicial: “Primero me pregunté cómo iba a abordar eso, porque sentía que necesitaba ser abordado. Y me quedé pensando... generalmente el país va a la guerra y la gente cae y se para del lado del equipo local. Pero estaba tratando de pensar, ‘bueno, ¿cuál es una forma de abordar esto que se sienta equilibrada?’ Recordé que hicimos una versión de ‘War’ en 1985″, contó el músico a la revista.

El verdadero sentido de la canción “Born in the U.S.A.”

Ese ejercicio de resignificación tuvo su punto más alto en “Born in the U.S.A.”, un tema que Springsteen interpretó con frecuencia en Europa durante los últimos años, pero que casi nunca tocaba en Estados Unidos. El propio músico reconoció que, en su país, nunca logró cantarla con la confianza necesaria. “Siempre se sintió más natural en Europa. Tenemos un público enorme allá, muy interesado en las ideas de Estados Unidos, muy comprometido con la banda”, dijo a Rolling Stone.

En esta gira, sin embargo, decidió ubicarla al frente del show, precedida por una versión de “War”, de Edwin Starr. “El momento reclamaba ‘Born in the U.S.A.’, la recontextualizó para que pudiéramos ser entendidos con claridad. Nuestro propósito era reclamar la bandera de nuestro país”, afirmó. Esa misma secuencia, “War” seguida de “Born in the U.S.A.” y “Death to My Hometown”, es la que abre los primeros 40 minutos de película que puede verse en YouTube.

Springsteen contó que, cuando vio el primer corte de siete canciones editado por el director Thom Zimny, tomó una decisión casi inmediata: no esperar a que estuviera lista la película completa. “No podía esperar tres o cuatro meses más para tener el resto del concierto editado y terminado. Toda la gira itinerante trataba de inmediatez, de estar en este momento, de ofrecer algo que sentía que mi público, mi audiencia, podía necesitar ahora”, explicó.

Por eso decidió serializarla en cuatro entregas de unos 40 minutos cada una, hasta completar el show entero. “Cualquiera puede darse esos 40 minutos para entender qué estábamos tratando de hacer. Dice todo lo que queríamos decir”, sostuvo. Es una lógica poco habitual en la industria del entretenimiento, donde los estrenos suelen postergarse hasta tener el producto terminado, pero que Springsteen justificó en la urgencia del mensaje antes que en la perfección del formato.

Lo que viene después de Filadelfia

La película fue filmada por Chris Hilson y Thom Zimny, quienes registraron los shows de Boston y Filadelfia con la intención de intercalar ambas funciones, aunque finalmente se utilizó solo el material filmado en Filadelfia. Springsteen adelantó, además, que tiene dos álbumes de material inédito en distintas etapas de producción: uno ya terminado y otro, aún en proceso, que según dijo “por la naturaleza del material” debería publicarse primero. Sobre si se trata de un disco solista o de un nuevo trabajo junto a la E Street Band, prefirió no revelar detalles: “Es una sorpresa”.

Consultado sobre el costo personal de una gira con un mensaje político tan explícito, que lo llevó a distanciarse de parte de su público. Su respuesta fue directa: “Soy viejo ahora y hago lo que quiero hacer, que en realidad siempre hice durante toda mi vida. Siempre hice los discos que quise hacer y después salí a buscar el público para ellos. Fue lo mismo con este show. Era la historia que quería contar”.

La comunidad de fans de Enjambre prepara una nueva convivencia temática para celebrar el fenómeno que la banda desató tras su debut en el Estadio GNP Seguros. La cita, organizada por los propios seguidores, incluirá un intercambio de obsequios conocido como “freebie exchange” y contempla el uso de atuendos alusivos a las abejas, el sello distintivo del fandom.

La propuesta surgió después de una votación entre los seguidores, quienes decidieron la fecha y el horario del encuentro. La organización se coordina a través de redes sociales, donde ya se anticipó la creación de un grupo de WhatsApp para los asistentes.

Fecha, lugar y horario de la convivencia

La reunión de Enjambre Escuchas, como se autodenominan los fans de la banda, se realizará el sábado 3 de octubre en el Monumento a la Revolución, en Ciudad de México. El horario establecido es de 3:00 pm a 6:00 pm.

La convivencia de Enjambre consiste en un encuentro de fans organizado de manera independiente, sin vínculo oficial con la banda, que reúne actividades de intercambio de obsequios y el uso de disfraces de abeja como elemento identitario del fandom. La fecha se eligió después de la quincena para dar tiempo a los asistentes de preparar más regalos para el intercambio.

Según explicó la organizadora en su publicación, el horario también buscó equilibrio entre quienes trabajan los sábados y quienes prefieren un turno más temprano. El cartel de la convocatoria fue elaborado con inteligencia artificial, aunque se dejó abierta la posibilidad de sustituirlo por un diseño alternativo si algún seguidor presenta una propuesta.

Dos décadas de trayectoria musical

Enjambre es una banda de rock e indie rock originaria de Fresnillo, Zacatecas, que inició actividades en 2005. A lo largo de dos décadas ha grabado nueve álbumes de estudio, entre ellos Consuelo en domingo, Daltónico, Los huéspedes del orbe y su trabajo más reciente, Daños Luz, lanzado de manera independiente en marzo de 2026.

El disco Daños Luz incluye once temas, entre ellos “Desfases”, “Angustias”, “Vida en el Espectro” y “Vínculo”, canciones que se perfilan como nuevos clásicos entre los seguidores.

Con el lanzamiento del álbum llegó el Daños Luz Tour, la gira que recorre más de 15 ciudades de México entre agosto y noviembre de 2026, además de presentaciones en Estados Unidos y España. Antes de su paso por el Estadio GNP Seguros, la banda ya había agotado localidades en dos fechas del Palacio de los Deportes.

Un debut histórico en el Estadio GNP Seguros

Enjambre se presentó por primera vez en solitario en el Estadio GNP Seguros de Ciudad de México los días 29 y 30 de agosto de 2026, con ambas fechas totalmente vendidas. Se informó que la primera noche reunió a 120 mil personas que corearon “Enjambre, Enjambre” antes de que la banda abriera el show con “Desfases”, a las 9:20 pm.

La segunda fecha convocó a 65 mil asistentes, quienes acompañaron a la agrupación durante todo el repertorio. La gira contó con la participación de Arroba Nat como artista invitada para abrir los conciertos.

Durante las dos noches, la banda interpretó canciones de su álbum más reciente como “Angustias”, “Vida en el Espectro”, “Juguete” y “Vínculo”, con la que cerró el show. También revivió éxitos de su trayectoria como “Nueve”, “Por esta razón”, “Manía Cardiaca”, “Cámara de Faltas” y “Somos Ajenos”.

“La Ciudad de México también es nuestra casa”, expresó la banda durante el concierto. Las presentaciones formaron parte de una segunda vuelta de la gira Daños Luz Tour, luego de que la banda agotara localidades en el Palacio de los Deportes el año anterior.

El fenómeno de los “Enjambre Escuchas”

El atuendo de abeja se convirtió en el sello distintivo de los seguidores de la banda, un juego con el apellido de la familia que integra la agrupación. Desde los alrededores del Estadio GNP Seguros, miles de fans llegaron con antenitas, medias rayadas y trajes completos de abeja.

Las antenas con luces de color naranja y amarillo iluminaron todo el recinto durante ambas noches. Testimonios recogidos entre los asistentes explicaron el vínculo entre el disfraz y la identidad del fandom.

Dánae, una asistente que acudió desde Teotihuacán, relató que “nos gustan mucho los mensajes que da Enjambre sobre el amor y el desamor. Yo me siento parte de una colmena y bendito Dios que Enjambre se llama así y tiene ideas para outfits”.

Otro asistente añadió: “Venir disfrazados es parte de la identidad, como una comunidad, siento que es algo que hace falta en muchos aspectos de la sociedad. Yo vengo aquí y veo a todos de abejas o con antenas y me siento parte de algo”.

La tradición de intercambiar freebies, como stickers, dulces, muñecos con fotografías de los integrantes y hasta patitos pintados como abejas, también se replicó durante los conciertos en el Estadio GNP Seguros. Esa misma dinámica es la que ahora los fans buscan reproducir en la convivencia del 3 de octubre en el Monumento a la Revolución.

Festival Revueltas y las próximas fechas

Tras su paso por el Estadio GNP Seguros, Enjambre confirmó su participación en el Festival Revueltas 2026, en Durango, donde se presentará el jueves 15 de octubre en la Plaza IV Centenario, a las 8:00 pm. El festival, denominado “Arte y cultura en cada latido”, reunirá más de 100 actividades gratuitas entre el 10 y el 18 de octubre.

El cartel del Festival Revueltas también incluye a Kalimba el 10 de octubre, Nicho Hinojosa el 12 de octubre y el proyecto “Despechadas”, con Rocío Banquells, Prisma, Denisse de Kalafe, Manoella Torres y Lila Deneken, el 17 de octubre.

La gira Daños Luz Tour continuará además con fechas en el Auditorio Banamex de Monterrey, los días 16 y 17 de octubre, y en el Auditorio Telmex de Guadalajara, el 20 de noviembre y el 19 de diciembre.

La vertiginosa y conflictiva carrera de la popular banda Oasis llegó a un violento final en 2009 en París, cuando el guitarrista Noel Gallagher y su hermano, el vocalista Liam Gallagher, terminaron en una pelea a puñetazos detrás de escena bastidores antes de salir a tocar. El show fue cancelado, el grupo se separó y los hermanos no se hablaron durante más de una década.

Ya existen películas sobre Oasis, pero la más reciente, Oasis: Don’t Look Back in Anger, aporta algo nuevo, al narrar la triunfal reunión de la banda y su gira mundial en 2025. Dirigido por Will Lovelace y Dylan Southern, este enérgico y optimista documental crea ocasionalmente efectos vertiginosos con su mezcla de imágenes nuevas y de archivo. Según cuenta, una vez tomada la decisión de reunirse, los viejos resentimientos entre los hermanos desaparecieron. “Tenemos la oportunidad de cambiar la historia”, dice Noel.

La primera semana de ensayos se presenta tensa, ya que Liam solo participa dos días. Pero una vez que la banda arranca, reina la armonía, no solo entre Liam y Noel, sino también con su público multigeneracional. Noel Gallagher es un experto no solo en potentes temas de ritmo medio, sino también en baladas épicas, y un Liam Gallagher con mucha personalidad se desenvuelve de maravilla en ambos estilos.

Mientras recorren el mundo, los cineastas nos muestran breves momentos con los superfans y el impacto que la banda ha tenido en ellos. Es difícil no emocionarse al ver a Liam cantar “Live Forever” ante un estadio lleno de gente. Esta película es a la vez un himno para el rock y un drama conmovedor.

Fuente: The New York Times

El regreso de Mägo de Oz a México en 2026 llega respaldado por 38 años de trayectoria y un nuevo disco que da nombre a la gira. La banda española, fundada en Madrid en 1988, promociona con este tour su álbum más reciente, Malicia: La noche de las brujas, publicado en 2025.

El itinerario mexicano, organizado por la promotora Zignia Live, contempla 13 fechas entre septiembre y diciembre de 2026, con paradas en arenas y auditorios de gran capacidad en todo el país.

Una banda con más de tres décadas de historia

Mägo de Oz nació el 7 de julio de 1988 en Madrid, cuando el baterista y compositor Txus di Fellatio decidió compaginar su carrera como futbolista del Real Madrid con la música. El proyecto se llamó primero Transilvannia666, en honor a Iron Maiden, antes de adoptar su nombre definitivo.

La formación grabó su primera maqueta, “¿Y qué más da?”, en 1989. Tras varios cambios de alineación, la llegada del violinista Carlos Prieto, conocido como “Mohamed”, en 1992, se convirtió en un sello distintivo del grupo. Prieto y Di Fellatio son hoy los únicos miembros originales que continúan en la banda.

El salto a la fama llegó en 1998 con el álbum La leyenda de La Mancha, inspirado en la obra de Cervantes, que incluyó el tema “Molinos de viento” y derivó en una gira de 115 conciertos. Dos años después, Finisterra consolidó el estilo característico de la banda: la fusión de guitarras eléctricas con violín, flauta travesera y arreglos celtas.

En 2003 arrancó la trilogía conceptual Gaia, completada en 2005 y 2010, que según datos difundidos por la banda contribuyó a que Mägo de Oz superara el millón de copias vendidas en España, reconocimiento que le valió el disco de diamante en 2008. Se calcula que el grupo vendió más de tres millones de discos entre España y Latinoamérica hasta 2013.

La discografía del grupo suma más de una decena de álbumes de estudio, entre ellos Belfast (2004), Hechizos, Pócimas y Brujería (2012), Ira Dei (2019) y Bandera Negra (2021), hasta llegar a Malicia: La noche de las brujas, lanzado en 2025 y que da nombre a la gira actual.

El álbum que impulsa la gira 2026

Malicia: La noche de las brujas es el trabajo discográfico más reciente de la banda y funciona como eje narrativo de la gira que ahora recorre México. El tour arrancó en España en marzo de 2026, con presentaciones en Madrid, Cádiz y Barcelona, antes de trasladarse al continente americano.

¿De qué trata la gira “La Noche de las Brujas 2026”?

Se trata del tour de presentación del álbum homónimo de Mägo de Oz, que combina temas nuevos con clásicos de su repertorio histórico. La banda española recorrerá 13 ciudades mexicanas entre septiembre y diciembre, con producción visual y escenográfica renovada, según difundió la promotora Zignia Live.

La formación actual del grupo está integrada por Di Fellatio en batería, Prieto en violín, Rafa Blas en la voz desde 2023 y Víctor de Andrés en guitarra desde 2020, entre otros músicos que se sumaron en los últimos años.

Repertorio y setlist reciente

De acuerdo con registros del sitio especializado setlist.fm, los conciertos recientes de la gira “La Noche de las Brujas” en España incluyeron una veintena de canciones. El repertorio combina temas del nuevo álbum con clásicos históricos del grupo.

Entre los temas nuevos que la banda interpretó en shows de 2026 figuran “Malicia”, “Ríos de lágrimas”, “Astaroth” y “Mi cuerpo y yo nos dejamos de hablar...”. A estos se suman clásicos como “Abracadabra”, “La danza del fuego” y “La costa del silencio”.

El cierre de los shows recientes mantuvo un bloque fijo de clásicos: “El vals de las almas rotas”, “Molinos de viento” y “Fiesta pagana”, según los mismos registros de setlist.fm. El set también incluyó un solo de guitarra a cargo de Jorge Salán.

Fechas, sedes y horarios en México

El listado difundido en el material promocional de la gira detalla 13 presentaciones:

16 de septiembre: Zacatecas, Feria Nacional de Zacatecas

7 de noviembre: Guadalajara, Arena Guadalajara

12 de noviembre: Torreón, Polyforum Torreón

13 de noviembre: Monterrey, Arena Monterrey

15 de noviembre: Ciudad de México, Arena CDMX

18 de noviembre: Oaxaca, Centro de Convenciones / Foro del Aire

20 de noviembre: Puebla, Auditorio Metropolitano

25 de noviembre: Hermosillo, Parque La Ruina

27 de noviembre: Mexicali, CEART

28 de noviembre: Tijuana, El Trompo

2 de diciembre: León, Polyforum

4 de diciembre: Querétaro, Auditorio Josefa Ortiz de Domínguez

5 de diciembre: Toluca, Salón Rojo

Según información publicada por medios locales que cubrieron las fechas de Hermosillo, Mexicali y Tijuana, los horarios de estas presentaciones contemplan apertura de puertas a las 19:00 h y el inicio del show a las 21:00 h. El mismo esquema de horario rigió para la fecha de Ciudad de México.

Boletos y precios de venta

La venta de boletos para las fechas de Guadalajara, Monterrey y Ciudad de México comenzó el 14 de noviembre de 2025 a las 10:00 h, a través de Superboletos.com y en taquillas de las arenas, según el anuncio original de la promotora Zignia Live.

Para el concierto en Hermosillo, los boletos quedaron disponibles en tres categorías: Oro a 1,380 pesos, Preferente a 920 pesos y General a 518 pesos, de acuerdo con información difundida por superboletos.com y retomada por medios locales. El mismo esquema de precios se replicó para las fechas de Mexicali y Tijuana.

En el caso de Arena CDMX, la variedad de zonas amplió el rango de precios. Según el desglose publicado por el sitio sdpnoticias.com, las localidades van desde 565 pesos en zona Rosa hasta 2.008 pesos en las secciones Pepsi, Amarillo, Boing, Elektra, Toyota y Mercado Libre. La zona Cancha VIP se ubicó en 1,883 pesos.

Las entradas para todas las fechas mexicanas se comercializan a través de la plataforma Superboletos, según coinciden las fuentes consultadas.

La banda ya se presentó en México antes de esta gira

Antes del arranque oficial de “La Noche de las Brujas 2026”, Mägo de Oz ya había pisado suelo mexicano con un adelanto del nuevo repertorio. El 11 de abril de 2026, la banda se presentó en Mazatlán como parte de la Semana Internacional de la Moto, según registros del sitio especializado setlist.fm.

En esa fecha, celebrada en el Centro de Convenciones de la ciudad, el grupo interpretó temas del álbum Malicia: La noche de las brujas como “Malicia”, “Abracadabra”, “Ríos de lágrimas” y “Astaroth”. El repertorio incluyó también clásicos como “La danza del fuego”, “Hasta que el cuerpo aguante” y “La costa del silencio”.

El cierre de aquel show mantuvo el mismo bloque final que la banda ha repetido en distintas fechas de la gira: “El vals de las almas rotas”, “Molinos de viento” y “Fiesta pagana”, de acuerdo con el registro.

A 41 años de la muerte de Rockdrigo González, el rock rupestre mexicano vuelve a las calles del Centro Histórico. El jueves 17 de septiembre de 2026, a las 19 horas, el Centro Cultural José Martí albergará el concierto “Asfalto Chido: Tributo al Profeta del Nopal”, con entrada libre, en el marco de su 50 aniversario.

El homenaje reunirá a las bandas Los Gatos Místicos y El Clan-Destino, quienes interpretarán el repertorio del llamado “profeta del nopal”, cronista urbano que marcó al rock nacional independiente antes de morir en el terremoto de 1985.

¿Quién estará en el homenaje?

Las bandas convocadas son Los Gatos Místicos y El Clan-Destino, encargadas de dar vida a las canciones que Rockdrigo compuso durante su breve pero influyente carrera en la escena del rock urbano mexicano.

Un evento oficial organizado por la red de faros de la Secretaría de Cultura de la CDMX.

El concierto gratuito en el Centro Cultural José Martí

El evento se presentará en el recinto ubicado en Doctor Mora 1, colonia Centro, alcaldía Cuauhtémoc, a escasos pasos de la Alameda Central y de la estación Hidalgo del Metro.

La cita es a las 19 horas del jueves 17 de septiembre de 2026, con acceso libre para todo público, según se detalla en la difusión oficial del recinto.

Quién fue Rockdrigo González

Rodrigo Eduardo González Guzmán, conocido como Rockdrigo, nació en Tampico, Tamaulipas, el 25 de diciembre de 1950. Se convirtió en una de las figuras centrales del llamado movimiento rupestre, corriente que en la década de los setenta reunió a cantautores mexicanos alejados tanto de la nueva trova latinoamericana como del rock de los hoyos fonquis.

Con guitarra acústica, armónica y voz, González retrató la vida cotidiana de la Ciudad de México en canciones como “Estación del Metro Balderas”, “Distante instante” y “No tengo tiempo de cambiar mi vida”, piezas que consolidaron su apodo de “profeta del nopal”.

El primer colectivo rupestre, según registros históricos, estuvo integrado por el propio Rockdrigo junto a Rafael Catana, Roberto González, Eblén Macari, Roberto Ponce, el grupo Cuál del compositor Fausto Arellín y Nina Galindo.

Rockdrigo murió el 19 de septiembre de 1985, a los 34 años, tras el derrumbe de su vivienda en la calle Bruselas número 8, colonia Juárez, provocado por el terremoto que sacudió la capital ese año. En el mismo suceso falleció su pareja, la docente francesa Françoise Bardinet.

Tras su muerte, otros músicos se sumaron a las presentaciones rupestres, entre ellos Arturo Meza, Gerardo Enciso con su banda El Poder Ejecutivo, Cecilia Toussaint al frente de Arpía, y Carlos Arellano junto a Armando Rosas en el proyecto Escape.

El recinto que cumple 50 años

El Centro Cultural José Martí abrió sus puertas el 27 de mayo de 1976, con el objetivo de hermanar a los pueblos latinoamericanos a través del arte, el pensamiento y la vida comunitaria. Su nombre rinde homenaje al poeta, ensayista y patriota cubano José Martí.

El inmueble, ubicado en Doctor Mora 1 esquina con Avenida Hidalgo, cuenta con una arquitectura de espacios abiertos que incluye biblioteca especializada, galería de arte contemporáneo, teatro polivalente y el llamado “Callejón del Arte”. Al fondo del salón principal se conserva el mural “Canto a Martí”.

A lo largo de casi cinco décadas, el recinto se integró a la Red de FAROS y Centros Culturales de la Secretaría de Cultura capitalina, convirtiéndose en un espacio de producción donde se imparten talleres de fotografía, lenguas indígenas, teatro y artes visuales, además de programación permanente de cine, danza y música.

Este 2026, el centro celebra su medio siglo de existencia con una serie de actividades conmemorativas. En mayo pasado se inauguró la exposición fotográfica “50 años creando cultura”, integrada por 28 imágenes que recorren distintos momentos del recinto desde finales de los años setenta hasta la actualidad.

Como parte de esas mismas celebraciones, el 29 de mayo se realizó una jornada musical gratuita con agrupaciones como Ensamble Todos Somos Ruido, Rockafilia, Golden Times y Espectros de tu Jefa, entre otras propuestas emergentes.

El recinto también forma parte de la programación gratuita de Shorts México durante septiembre, con funciones de cortometrajes mexicanos, internacionales y temáticas específicas programadas los días 18, 23 y 25 del mes.

El horario habitual del Centro Cultural José Martí es de lunes a sábado, de 9:00 a 21:00 horas, y domingos de 10:00 a 16:00 horas.

Los homenajes de pago que completan la agenda

Además del concierto gratuito del 17 de septiembre, la agenda capitalina incluye otro tributo a Rockdrigo González con boletaje, programado para el viernes 18 de septiembre en el foro La Maraka, en la colonia Narvarte Poniente.

Ese evento, encabezado por la banda Heavy Nopal, reunirá en el escenario a integrantes del histórico Colectivo Rupestre: Nina Galindo, Rafael Catana, Fausto Arrellín y Pedro Sandoval, además de José de Jesús Alvarado. Como invitado especial se presentará Toño Lira, fundador de la banda Liran’ Roll.

El acceso al recinto está programado para las 20:00 horas, con inicio del espectáculo a las 21:30 horas. Los boletos tienen un costo de $420 pesos mexicanos en modalidad general y $730 pesos mexicanos para el área VIP con asientos, según el sistema de venta del recinto. El evento está restringido a mayores de edad.

Durante la velada se hará un recorrido por los tres primeros discos de Heavy Nopal, inspirados en la obra del músico tamaulipeco, además de un repaso por los temas más representativos de su catálogo.

Ambos eventos, el gratuito en el Centro Cultural José Martí y el de pago en La Maraka, se suman a la tradición de conmemorar cada septiembre la memoria de Rockdrigo González, coincidiendo con el aniversario del sismo de 1985 que le arrebató la vida.

La banda estadounidense Dead Kennedys se presentará de forma gratuita en la Ciudad de México el próximo 11 de septiembre, dentro de las instalaciones de House of Vans, en la alcaldía Benito Juárez. El acceso requerirá registro previo y el cupo será limitado.

El grupo, fundado en San Francisco a finales de los años setenta, es uno de los referentes del punk rock y el hardcore estadounidense. Su música ya tiene historia en México: en los años 80 y 90, sus grabaciones circulaban en cintas piratas en el mercado del Chopo, y en 2004 la agrupación, ya sin su vocalista original, se presentó en el Centro de Espectáculos El Rayo.

Fecha, horario y cómo conseguir entrada

¿Cómo se puede asistir al concierto de Dead Kennedys en CDMX? La entrada es gratuita, pero exige registro previo a través de la aplicación Fever. El acceso es exclusivo para mayores de 18 años y el ingreso al recinto será por orden de llegada hasta agotar el cupo disponible, de acuerdo con el portal Dónde Ir.

Las puertas de House of Vans abrirán a las 19:30 horas del viernes 11 de septiembre. El enlace de registro se publicará un día antes, el 10 de septiembre a las 18:00 horas, a través de las historias de Instagram de la cuenta oficial del recinto.

Contar con el registro no garantiza automáticamente el ingreso. El sitio Aleteo recomienda seguir la cuenta de Instagram de House of Vans CDMX y activar notificaciones para no perder el horario exacto de apertura del enlace, además de crear una cuenta previa en Fever para agilizar el proceso.

Como medida adicional, se sugiere contar con una conexión estable a internet al momento de intentar el registro, dado que la demanda suele superar la capacidad del recinto en este tipo de eventos. Es obligatorio presentar una identificación oficial con fotografía al ingresar, ya que el boleto solo es válido a nombre de la persona registrada.

Quién es Dead Kennedys: origen y discos clave

Dead Kennedys nació en junio de 1978 en San Francisco, California, cuando el guitarrista East Bay Ray (Raymond Pepperell) publicó un anuncio buscando integrantes para formar una banda de punk. Al llamado respondió Eric Boucher, quien adoptaría el nombre artístico de Jello Biafra tras haber presenciado un concierto de Ramones en Denver. La formación original se completó con Klaus Flouride en el bajo y Carlos Cadona, conocido como “6025”, en la batería. El grupo debutó el 19 de julio de 1978 en el restaurante filipino Mabuhay Gardens, en San Francisco. Debido a su nombre, en ocasiones tuvo que presentarse bajo alias como Sharks o Pink Twinkies para evitar controversias.

En 1980 publicó su álbum debut, Fresh Fruit for Rotting Vegetables, editado de forma independiente bajo el sello Alternative Tentacles, fundado por el propio Biafra. El disco incluyó temas como Holiday in Cambodia y Kill the Poor, piezas que con el tiempo se volvieron parte central de su repertorio en vivo.

Las letras de la banda solían satirizar a figuras políticas conservadoras y a la autoridad en general, combinando sarcasmo y humor negro. A finales de los años 80, el grupo enfrentó un juicio por obscenidad en Estados Unidos debido al libreto de su álbum Frankenchrist (1985), que incluía una pintura de H. R. Giger considerada explícita.

La ruptura, el litigio legal y el regreso sin Jello Biafra

Dead Kennedys se disolvió en enero de 1986, principalmente por enfrentamientos entre Biafra y el resto de la banda, en particular con East Bay Ray y Klaus Flouride. El último concierto de esa formación se realizó el 21 de febrero de ese año, aunque el grupo aún alcanzó a grabar el álbum Bedtime for Democracy, publicado en noviembre de 1986.

Tras la separación, Biafra continuó su carrera como solista y artista de spoken word, además de mantener activo el sello Alternative Tentacles. Los demás integrantes emprendieron proyectos individuales hasta que, en 2001, tras un proceso judicial contra Biafra por derechos y regalías de las grabaciones, decidieron retomar la actividad de la banda bajo el nombre Dead Kennedys, con un nuevo vocalista.

Biafra se desligó por completo de esta reformación, a la que llegó a calificar como “la banda de karaoke más codiciosa del mundo”. Desde entonces, la agrupación ha tenido distintos cantantes: primero Brandon Cruz, entre 2001 y 2003, y después Jeff Penalty, hasta 2008.

La formación actual mantiene a East Bay Ray en guitarra, Klaus Flouride en bajo y D. H. Peligro en batería, todos miembros originales del grupo. Esta alineación ya se había presentado en Latinoamérica en años anteriores.

El repertorio habitual y la gira actual

El concierto en CDMX forma parte de la gira Give Me Dystopia or Give Me Death, que en septiembre de 2026 incluye fechas en San Diego, Los Ángeles y Santa Ana, además de la presentación en México. Según registros de setlist.fm, el tour continuará en octubre con shows en Seattle, Portland, San Francisco y Riverside.

De acuerdo con listas de conciertos recientes de la banda, su repertorio habitual incluye temas como Forward to Death, Winnebago Warrior, Police Truck, Let’s Lynch the Landlord, Kill the Poor, Too Drunk to Fuck, Moon Over Marin, Nazi Punks Fuck Off, California Über Alles y Holiday in Cambodia, esta última la canción más interpretada en vivo por el grupo según la misma plataforma.

En algunas fechas recientes, la banda ha incluido en su encore una versión de Viva Las Vegas, de Elvis Presley, además de Chemical Warfare y Bleed for Me. El setlist puede variar ligeramente entre cada presentación de la gira.

House of Vans CDMX: historia del recinto y cartelera

House of Vans ocupa una casona del siglo XIX conocida como Casa Serralde, ubicada en el barrio de Mixcoac. El inmueble, declarado de valor artístico, fue inaugurado como sede fija de la marca el 16 de febrero de 2023, luego de que durante más de una década el proyecto operara como un foro itinerante en distintos puntos de la Ciudad de México, según detalla el portal Heraldo de México.

Desde su llegada a la calle Rubens en 2021, el recinto se ha consolidado como un espacio cultural gratuito para conciertos, exposiciones y actividades de patinaje. La programación semanal incluye presentaciones musicales, talleres y activaciones de marca abiertas al público.

En los próximos meses, House of Vans tiene agendadas presentaciones de artistas como Meltt el 10 de septiembre, Chinese Football el 23 de octubre, Saramalacara el 30 de octubre y Young Cister el 13 de noviembre, de acuerdo con la cartelera publicada en Fever. También figuran fechas de Zell, Perfecto Miserable y ABHIR para el cierre del año. El recinto ha albergado previamente presentaciones gratuitas de bandas internacionales bajo el mismo esquema de registro, entre ellas AFI.

Cómo llegar

House of Vans CDMX se ubica en Rubens número 6, colonia San Juan, alcaldía Benito Juárez, código postal 03730, entre las avenidas Revolución y Patriotismo.

La forma más sencilla de llegar es en Metro, a través de la estación Mixcoac, que confluye con las líneas 7 y 12 del Sistema de Transporte Colectivo. Desde ahí, el trayecto a pie hasta el recinto toma entre cinco y siete minutos.

DLD es de las primeras bandas de rock que se manifiestan públicamente por el fallecimiento de Jonathan Meléndez, tecladista de Camilo Séptimo que fue asesinado junto a su familia durante la noche del martes 1 de septiembre en su departamento en Atizapán de Zaragoza, Estado de México.

La banda mexicana de rock alternativo lanzó un mensaje en sus redes sociales sobre la tragedia que sacudió al mundo de la música mexicana, y se unieron a la pena que embarga a los familiares, amigos y el resto de la banda por el fallecimiento de Honas, como se le conocía al tecladista.

Aunque no hay postura oficial de Camilo Séptimo y ninguno de los integrantes se ha manifestado al respecto, cuentas como la del Vive Latino y de fans del rock mexicano también dejaron mensajes en redes sociales.

DLD lamenta la muerte de Jonathan Meléndez

DLD lamenta la muerte de Jonathan Meléndez y su familia, en el único pronunciamiento confirmado de una banda mexicana tras el asesinato del tecladista de Camilo Séptimo, ocurrido el martes 1 de septiembre en Atizapán de Zaragoza, Estado de México. El grupo de rock alternativo escribió en Facebook: “No tenemos palabras, solo indignación y tristeza por este doloroso suceso que deja una huella en nuestra sociedad y en nuestros corazones, que tú y tu familia tengan mucha luz en su camino querido amigo”.

Junto a Meléndez murieron su esposa Ana Paula, de 35 años y con cuatro meses de embarazo; su hija de 3 años, y una trabajadora doméstica de 21 años. La Fiscalía General de Justicia del Estado de México detiene a Diego Sebastián “N”, socio del músico en negocios de renta de propiedades por Airbnb, como presunto autor material del multihomicidio.

Siddhartha y Porter evitan pronunciarse públicamente

Colaboradores y músicos cercanos a la banda, entre ellos integrantes de Siddhartha y Porter, evitan hacer declaraciones públicas hasta el cierre de esta nota. La ausencia de pronunciamientos contrasta con la reacción inmediata de DLD, que se dirigió tanto a la familia de Meléndez como a sus “hermanos” de Camilo Séptimo.

La banda tenía programadas fechas de su gira MAPAS

Camilo Séptimo tenía programadas dos fechas en septiembre: el 19 en Ciudad Juárez, en el Auditorio Benito Juárez, y el 26 en Naucalpan, en el Parque Naucalli. La agrupación también tenía previstas presentaciones el 3 de octubre en Nezahualcóyotl y el 10 de octubre en Pachuca.

Hasta el cierre de esta nota, ni la banda ni sus integrantes se pronuncian sobre si estos conciertos siguen en pie o serán pospuestos. Se pide a los interesados estar atentos a las redes sociales oficiales del grupo por si hay algún anuncio al respecto.

La publicación de Camilo Séptimo sobre el fallecimiento de Jonathan Meléndez

La banda sacó un comunicado donde lamentaron el fallecimiento del tecladista Honas, así como de su esposa Ana Paula y su hija Sofía: “Vivirán por siempre en nuestros corazones. Descansen en Paz”, sin dar más detalles sobre lo ocurrido o lo que pasará con los proyectos de Camilo Séptimo.

Una guitarra potente y áspera, con claros tintes de rock, marcó el inicio de “Halcones y payasos”, la primera canción de “Florece en el caos”, el nuevo disco de No Te Va Gustar (NTVG). Eran las 8:42 de la noche en el Pepsi Center de la Ciudad de México.

Siguieron “No te imaginás” y “A las 9”. En sólo tres canciones, el repertorio nuevo ya se mezclaba con el sonido que la banda uruguaya ha construido y consolidado durante más de tres décadas. Después de este bloque, Emiliano Brancciari, cantante y líder de NTVG, tomó el micrófono y saludó al público.

“Estamos muy felices de cerrar la gira en esta ciudad en la que nos sentimos tan queridos. Estamos presentando un nuevo disco, tocaremos algunas de esas canciones, pero también muchas otras. Este será un show bastante largo”, dijo el vocalista.

La advertencia fue respondida con emoción, gritos y aplausos. Y aún faltaban 29 canciones.

Siguieron “La noche de ayer”, “Verte reír” y “Ángel con campera”. El repertorio comenzó a desplazarse entre distintas etapas de la banda; las canciones de “Florece en el caos” aparecían intercaladas con temas de discos anteriores.

Un recorrido musical de 32 años

No Te Va Gustar lleva 32 años haciendo ese recorrido. La banda se formó en Montevideo en 1994, cuando un grupo de amigos adolescentes decidió presentarse en un festival escolar. Lo que comenzó como una forma de entretenimiento terminó como un fenómeno musical que se extendió por buena parte de Latinoamérica y después por Europa y Estados Unidos. México apareció en ese trayecto en 2009.

Desde aquella primera visita, la banda ha regresado en distintas ocasiones. Este año volvió para presentar “Florece en el caos”, su duodécimo álbum de estudio; recorrió Guadalajara, Querétaro, Puebla, Monterrey y León antes de llegar a la Ciudad de México. La capital fue el cierre de su gira mexicana y el concierto número 35 de los cerca de 70 que tiene programados para 2026.

“Comodín” cambió el curso del repertorio. Al terminar la canción, Brancciari habló de un músico emblemático de su país que muerió tres días antes.

“Queremos dedicarle esta canción y este show a nuestro querido y maestro, Rubén Rada”, dijo. Y la siguiente fue “Una vida más”.

“Porque a mí me queda una vida más y la suerte de poner el pecho a lo que reste por venir. Ya sé, nadie se salva de la muerte. Pero mientras tanto vas a saber que no me fui”, declara el estribillo.

Rada, fallecido el 26 de agosto, fue una figura central de la música uruguaya y uno de los nombres asociados con el candombe. Esa tradición, junto con el rock, el reggae, el ska, el folk y la murga, forma parte de las influencias que han alimentado el sonido de No Te Va Gustar.

La banda continuó con “Tu defecto es el mío”. Al terminar, Brancciari volvió a dirigirse al público.

“Muchísimas gracias, México, estamos muy felices de volver a vernos. Gracias de verdad”.

Después llegaron “Si el mar me ve” y “El camino”. Hasta ese momento, el concierto había mantenido un ritmo potente y enérgico, con una sucesión de canciones que dejaban poco espacio entre una y otra.

Entonces Brancciari anunció un cambio:

“Vamos a bajar un poquito los decibeles con una canción del álbum ‘Por lo menos hoy’ que sabemos que les gusta mucho”.

“Memorias del olvido”, una canción de tono nostálgico, abrió un tramo más acústico. “Cartas por jugar” y “De nada sirve” continuaron por el mismo camino. Durante esas tres canciones, la banda redujo la intensidad y dejó que las guitarras acústicas y las voces ocuparan el primer plano.

El descanso fue breve. “Ese maldito momento”, “Clara”, “Los villanos”, “Prendido fuego”, “Al vacío”, “El error” y “Venganza” devolvieron progresivamente el peso de todos los instrumentos al escenario.

Entre canciones de distintas épocas aparecía el nuevo álbum

“Florece en el caos” fue lanzado en plataformas digitales el 8 de enero. Es el duodécimo disco de estudio de NTVG y reúne diez canciones grabadas en agosto y septiembre de 2025 en el estudio Elefante Blanco, en Montevideo. Nico Cotton estuvo a cargo de la producción y Carlos Imperatori fue el ingeniero de grabación.

La banda buscó en este trabajo un sonido más áspero, filoso y firme, aunque mantuvo el componente melódico y emocional que ha caracterizado su repertorio. Las letras abordan temas que, según explicó el grupo al presentar el álbum, atraviesan la vida cotidiana y el clima social de estos tiempos.

Después de “Chau”, Brancciari volvió a preguntar al público si estaba cansado.

“¿Se cansaron? Falta un montón todavía”, dijo. La respuesta fue “En mil pedazos”, otra canción del nuevo disco.

Poco después llegó “Paranoia”. Durante el cierre de la canción, Brancciari se quedó solo frente al público. Sin instrumentos, cantó unos segundos de “Esa noche”, de Café Tacvba:

“No me hubieras dejado esa noche, porque esa misma noche encontré un amor”. El guiño a la banda mexicana provocó una reacción inmediata en el público, coreando con fuerza esta canción. Eran las 10:30 de la noche.

Todavía faltaban ocho canciones.

“Tan lejos”, “En llamas”, “Cero a la izquierda”, “Ya no hay dolor” y “Con el viento” llevaron el concierto hacia el último tramo. “Fuera de control” concentró buena parte del movimiento de la pista. En el centro se abrió un círculo y varios asistentes iniciaron el “pogo”: hubo saltos, empujones y movimiento alrededor mientras se desarrollaba el tema.

Al terminar, Brancciari tomó nuevamente el micrófono para dirigirse a la audiencia.

“Muchas gracias por tanto cariño, Ciudad de México, hemos sido muy felices esta noche, gracias por acompañarnos y por regalarnos tanto amor, nos vamos con el pecho inflado a nuestra casa”.

La banda aún guardaba dos canciones.

Siguió “No somos nosotros”, también de “Florece en el caos”. Después, Brancciari marcó con su guitarra el inicio de “No era cierto”, una canción que la banda suele reservar para sus despedidas.

La pista volvió a organizarse alrededor de un círculo. La gente brincó, se empujó y se abrazó mientras avanzaba la canción. Cuando llegó la frase “Pensé que estaba solo y no era cierto, si tengo con quién quedarme a festejar”, varios asistentes, en un ritual colectivo se abrazaron mientras saltaban y disfrutaban el final del concierto.

Eran las 11 de la noche, la música llegó a su fin. Los músicos se acercaron al frente del escenario, agradecieron, se abrazaron e hicieron una reverencia. Fue la despedida después de un repertorio de 32 canciones. La cifra coincidió con los años de carrera que NTVG cumplió el pasado 25 de junio.

La banda llegó a México después de tocar en Chile y Argentina y, tras este cierre, tendrá un breve descanso antes de regresar en septiembre a varias ciudades argentinas. En octubre continuará su recorrido por Europa, con conciertos en Italia, Francia, Inglaterra, Irlanda, Dinamarca, Alemania y España.

El 12 de diciembre volverá a Montevideo para cerrar el año en casa.

En México, el cierre reunió canciones nuevas, temas de distintas etapas de su carrera, el recuerdo de Rubén Rada y un guiño a Café Tacvba. También cerró un capítulo de una historia que comenzó en 2009 y que, 17 años después, volvió a colocar a No Te Va Gustar frente a un público mexicano que va en aumento y que acompaña fielmente su recorrido.

‘Setlist’ Ciudad de México, 29 de agosto, 2026:

1. Halcones y payasos

2. No te imaginás

3. A las 9

4. La noche de ayer

5. Verte reír

6. Ángel con campera

7. Comodín

8. Una vida más

9. Tu defecto es el mío

10. Si el mar me ve

11. El camino

12. Memorias del olvido

13. Cartas por jugar

14. De nada sirve

15. Ese maldito momento

16. Clara

17. Los villanos

18. Prendido fuego

19. Al vacío

20. El error

21. Venganza

22. Chau

23. En mil pedazos

24. Paranoia

25. Tan lejos

26. En llamas

27. Cero a la izquierda

28. Ya no hay dolor

29. Con el viento

30. Fuera de control

31. No somos nosotros

32. No era cierto

Kenny Avilés fue una de las pocas personas que Gustavo Cerati dejaba entrar a su camerino antes de salir al escenario. La cantante mexicana, con casi 45 años de carrera al frente de Kenny y los Eléctricos, lo recuerda como un amigo cercano, discreto y de trato sencillo, en contraste con la figura imponente que proyectaba bajo los reflectores.

“Era muy lindo. Sencillo, delgado, alto, sus chinos. Muy lindo”, dijo Avilés en una conversación con el conductor Javier Paniagua grabada en 2024.

Kenny abrió tres conciertos a Soda Stereo en México

La relación entre ambos comenzó cuando Soda Stereo llegó a México por primera vez y Cerati aún no conocía a mucha gente en el país. Fue entonces cuando Avilés se convirtió en su guía informal. Le organizaba salidas, lo llevaba a Cuernavaca, donde tenía amigos con un hotel de estilo árabe llamado Marhaba Club, con alberca, restaurante y discoteca.

“A mí me encantaba, él le gustaba mucho pasear. ¿Y a dónde vamos a ir a pasear ahora?”, recordó la cantante. La amistad creció en paralelo a una relación profesional: Avilés abrió tres conciertos de Soda Stereo en México a lo largo de los años.

La noche en el camerino antes del último show de Soda

Uno de los recuerdos que más destaca Avilés es la última presentación de Soda Stereo en México. Cerati la invitó a estar con él antes de salir al escenario, en un momento en que casi nadie accedía al camerino previo al show.

“Casi nadie entraba antes del show al camerino. Siempre era después. Pero como yo llegué con él, la gente decía: ‘¿Cómo le hizo Kenny? ¿Cómo está en el camerino antes del show?’ Güey, soy Larry”, contó entre risas.

Fue también al concierto sinfónico de Cerati como solista, al que llegó acompañada de Markovich. Esa noche, en el camerino, Cerati le preguntó por su banda y Kenny le mencionó a su nuevo guitarrista argentino, el Negro García López.

“‘¿Y ahora con quién tocas, Kenny?’ Le dije: ‘Ay, pues ahora mi guitarrista, el nuevo es argentino y es el Negro García López’. ‘Oh, nuestro Hendrix de Argentina’, porque tocaba increíble el Negro”, recordó.

“El rey del rock en el mundo hispano, no hay quien le quite ese lugar”

Para Avilés, Cerati ocupa un sitio que ningún otro músico de habla hispana ha logrado disputar. En la misma conversación con Paniagua, fue directa al momento de jerarquizar: en México, el rey del rock es Alex Lora; en el mundo hispano, es Gustavo Cerati.

“El rey del rock en el mundo hispano es Gustavo Cerati. No hay alguien que le quite ese lugar. Definitivamente”, afirmó.

Kenny Avilés recuerda también el tramo final de la vida de Gustavo Cerati con la misma franqueza con que habla de todo. El músico argentino sufrió un accidente cerebrovascular en 2010 durante un concierto en Caracas, Venezuela, y murió cuatro años después en Buenos Aires sin haber recuperado la conciencia.

“Siempre fumando un cigarro. Y terminó, pues, con una enfermedad fea”, dijo Avilés, quien recordó que la familia del músico estuvo dividida respecto a la decisión de desconectarlo.

Molotov, Fobia, División Minúscula y Steve Aoki llegan a Pachuca para la séptima edición del Pachuca Rock Fest, uno de los festivales de rock más consolidados del centro de México. La cita reúne en un solo día a tres décadas de rock nacional con uno de los nombres más grandes de la electrónica mundial.

La edición de este año llega con un cartel renovado, una sede más amplia y una apuesta que combina nostalgia, indie y beats de talla internacional. Desde los himnos de barrio de Molotov hasta los sets desbordantes de energía de Steve Aoki, el festival promete una jornada donde conviven generaciones y géneros que rara vez comparten el mismo escenario.

Los headliners: quiénes son y qué esperar de cada uno

Steve Aoki encabeza el cartel como el acto de mayor proyección internacional. El DJ y productor estadounidense es conocido por shows de alta energía que combinan EDM, colaboraciones de múltiples géneros y una puesta en escena que convierte cada presentación en un evento en sí mismo. Su llegada a Pachuca marca la primera vez en siete años que el festival incorpora un nombre de ese peso en la escena electrónica global.

Molotov llega con casi tres décadas encima y sin señales de frenar. La agrupación, creadora de “Gimme tha Power” y “Frijolero”, es una de las bandas más directas e irreverentes del rock en español: su fusión de rock, rap y sátira política convierte cada concierto en una descarga colectiva que difícilmente deja indiferente a quien está en el pit.

Fobia, liderada por Leonardo de Lozanne y Paco Huidobro, representa otro capítulo del rock alternativo mexicano de los años 90. Con un catálogo que incluye “Microbito”, “El Diablo” y “Vivo”, la banda construyó un sonido pop-rock de texturas propias que sigue vigente entre quienes crecieron con esas canciones y entre quienes las descubren ahora.

División Minúscula, originaria de Matamoros, cierra el bloque de headliners con una propuesta que mezcla punk-rock e indie melódico. Javier Blake y compañía llevan años siendo referentes de una escena que valora tanto la intensidad como la letra: “Sognare” y “Las Luces de Esta Ciudad” son apenas dos de los himnos que el público en el ITLA podrá corear de principio a fin.

Cartel completo: rock nacional, pop-indie y electrónica en un mismo escenario

Debajo de los headliners, el festival suma seis actos que completan una jornada sin pausas. Allison, referente del pop-punk de los 2000, regresa con clásicos como “Frágil” y “Memorama”. Bándalos Chinos, agrupación argentina de pop-indie latinoamericano, aporta un sonido sofisticado y bailable con base en sintetizadores.

Cardellino, productor y cantautor uruguayo con influencias de R&B y soul, comparte cartel con Electrify y Louis Goodman, dos propuestas electrónicas que funcionarán como puentes entre los bloques de rock. Los Flakos cierran la lista con su indie surf y garage rock nacional.

Nueva sede: ITLA Campus Central

El Pachuca Rock Fest 2026 se realizará el domingo 15 de noviembre en el ITLA Campus Central, ubicado en la Carretera Ciudad Sahagún–Pachuca Km. 7, CP 42185, Hidalgo.

La mudanza a este recinto representa un cambio respecto a ediciones anteriores. Según la organización, la nueva sede ofrece mayor amplitud y mejores servicios para los asistentes.

Boletos: dos modalidades y precios de Fase 1 sin cargos adicionales

Los accesos ya están a la venta a través de Boletia, plataforma oficial del evento. La Fase 1 contempla dos tipos de entrada, ambas sin cargos por servicio:

El boleto General tiene un precio de $1,395 pesos e incluye acceso a la zona general, baños generales y área de comida.

El acceso Preferente cuesta $2,500 pesos y agrega ubicación frente al escenario, accesos y baños exclusivos, zonas de descanso, áreas de recarga y espacios con sombra.

Los precios de la Fase 2 serán anunciados por la organización en una fecha posterior. Los menores de 5 años no requieren boleto para ingresar.

Lo que viene: un festival que mezcla épocas y sonidos

El Pachuca Rock Fest 2026 se presenta como la edición más ambiciosa en términos de diversidad sonora. Por primera vez, el cartel cruza de forma directa el rock alternativo mexicano de los 90 y 2000 con un referente global de la música electrónica, todo en una misma jornada y bajo el mismo cielo hidalguense.

No se trata solo de nostalgia. Junto a los nombres que formaron generaciones, el festival incorpora propuestas del pop-indie latinoamericano, el punk-rock contemporáneo y la electrónica emergente, construyendo una programación que apunta tanto al asistente veterano como al que llega por primera vez.

La organización, respaldada por LGP Entertainment, Leth’G Entretenimiento y Namaco Producciones, apostó este año por una sede de mayor capacidad para responder a la demanda que han generado las ediciones previas del festival.

Siete ediciones de rock en Hidalgo

El Pachuca Rock Fest nació con la misión de fomentar la música en vivo en la región, comenzando con talento local y bandas de la escena nacional como Los Daniels, Sputnik e Inspector.

En ediciones recientes, el festival recibió a Café Tacvba, Stone Temple Pilots, Enjambre, Maldita Vecindad y Plastilina Mosh, entre otros. La edición de 2025 contó con Siddhartha, Inspector, The Warning, Plastilina Mosh, Porter y Camilo Séptimo, según registros citados por La Jornada Hidalgo.

Más información en el sitio oficial del festival: pachucarockfest.com.mx

Los MTV Video Music Awards (VMAs) eliminarán la categoría “Best Rock” de su edición 2026, lo que pone fin a una presencia ininterrumpida del rock en la ceremonia que se extiende por casi cuatro décadas, desde 1989.

La decisión quedó confirmada con la publicación de la lista oficial de nominados, que no incluye el galardón entre sus categorías.

Representantes de Paramount, empresa matriz de MTV, reconocieron una consulta periodística sobre la supresión, pero no ofrecieron ninguna explicación al respecto.

La historia de los premios al rock en los VMAs arrancó con la categoría “Best Heavy Metal Video”, introducida apenas cinco años después del lanzamiento de la ceremonia en 1984.

Con el paso del tiempo, el galardón pasó a llamarse “Best Metal/Hard Rock Video” y luego “Best Hard Rock Video”, hasta consolidarse como “Best Rock Video” en 1997 y simplificarse a “Best Rock” en años más recientes.

Entre sus ganadores históricos figuran Guns N’ Roses, Aerosmith, Metallica, Korn, Limp Bizkit, Pearl Jam y Linkin Park.

El último ganador de esa categoría fue Coldplay, que en 2025 se impuso con el tema “All My Love” frente a Evanescence, Green Day, Lenny Kravitz, Linkin Park y Twenty One Pilots.

Desde aproximadamente 2010, la propia categoría de rock ya venía inclinándose hacia el alt-rock y el pop-rock, con presencias frecuentes de Coldplay e Imagine Dragons, mientras el hard rock moderno quedaba prácticamente fuera de la competencia.

La categoría que más se aproxima al rock en la edición de 2026 es “Best Alternative”, aunque los nominados se alejan del sonido más duro asociado al género.

La lista incluye a Geese (“Taxes”), mgk y Fred Durst (“FIX UR FACE”), Noah Kahan (“The Great Divide”), Olivia Rodrigo (“the cure”), SOMBR (“Homewrecker”), Tame Impala (“Dracula”) y Twenty One Pilots (“Drag Path”).

La eliminación del rock se produce un año después de que los VMAs rindieran homenaje al fallecido Ozzy Osbourne con un tributo que contó con la participación de Yungblud, el guitarrista de Aerosmith Joe Perry, el vocalista Steven Tyler, Nuno Bettencourt de Extreme y el tecladista Adam Wakeman.

La ausencia de “Best Rock” no es la única novedad en el recorte de categorías. Tampoco figuran entre los nominados “Best Afrobeats”, “Best Pop Artist”, “Push Performance of the Year”, “Best Album”, “Video for Good”, “Best Long-Form Video”, “Best Group” y “Song of Summer”, sin que MTV haya aclarado si se trata de eliminaciones definitivas o de anuncios aún pendientes.

El resto del panorama de nominaciones está liderado por Madonna, con 11 candidaturas —su cifra más alta en una sola edición de los VMAs—, seguida de Taylor Swift con nueve, Ariana Grande y Sabrina Carpenter con siete cada una, y Bruno Mars, PinkPantheress y Zara Larsson con cinco.

LISA, de BLACKPINK, suma cuatro, mientras que Shakira, Tate McRae, GENER8ION y Yung Lean cuentan con tres nominaciones cada uno.

En cuanto a la reina del pop, acumula 19 victorias competitivas en los VMAs y ha recibido nominaciones en todas las décadas de su carrera.

En 1986 se convirtió en la primera solista femenina en recibir el Video Vanguard Award. Si ganara las 11 categorías en las que compite, igualaría a Beyoncé y Taylor Swift como las artistas con más VMAs de la historia, con 30 cada una.

Swift, por su parte, ya posee el récord de 30 Moon Persons y podría convertirse en la artista más premiada en la historia de los VMAs si consigue al menos una victoria este año.

Las tres primeras, ganadoras previas del Video of the Year, vuelven a competir por ese galardón, junto a GENER8ION y Bruno Mars.

La categoría de Video del año reúne los videos “hate that i made you love me” de Ariana Grande, “I Just Might” de Bruno Mars, “STORM” de GENER8ION con Yung Lean, “Confessions II – The Film” de Madonna, “Tears” de Sabrina Carpenter y “The Fate of Ophelia” de Taylor Swift.

Entre los datos llamativos de esta edición, 26 artistas reciben su primera nominación a los VMAs, entre ellos GENER8ION, Yung Lean, CORTIS, Stella Lefty, Don Toliver, Kali Uchis, Noah Kahan, Olivia Dean, Tucker Wetmore y Sienna Spiro.

La categoría Mejor video de dance regresa después de siete años, con nominados como Madonna, Harry Styles, Lady Gaga y Doechii, Tate McRae, PinkPantheress y Zara Larsson, Bebe Rexha y Faithless, y Slayyyter.

La votación del público abrió el 18 de agosto en 13 categorías y permanecerá abierta hasta el 25 de septiembre a las 6 p.m. ET. La categoría Mejor artista nuevo continuará recibiendo votos durante la propia ceremonia.

La gala se celebrará el domingo 27 de septiembre en el Peacock Theater de Los Ángeles, la primera vez que regresa a esa ciudad desde 2017.

La transmisión en vivo comenzará a las 7:30 p.m. ET / 4:30 p.m. PT por MTV y CBS, con emisión simultánea en Paramount+ para Estados Unidos.

El Peluka Fest llega con el cartel de ska y punk más completo del año: Inspector, El Gran Silencio y más de 20 bandas amenizarán la jornada. El evento originalmente planeado para presentarse en Ecatepec, llevará a Tlaxcala lo mejor del ska con un costo simbólico de acceso y varias de las agrupaciones más importantes del país.

En esta edición el Peluka Fest regresa con su edición “La Gran Final” el próximo 30 de agosto en el Parque Andén de Apizaco, Tlaxcala, con un cartel de más de 20 bandas del ska, punk y rock alternativo mexicano. El festival, organizado por Alfonso Olivares Villegas —conocido en la escena como “Tío Pelucas”—, cambia de sede por primera vez y elige un recinto tlaxcalteca que en marzo de 2026 ya albergó el Festival Tlaskalita con récord de asistencia.

La entrada no tiene precio fijo: el acceso se obtiene con la compra de una cerveza o una bebida doble sin alcohol, un modelo que Olivares ya había aplicado en eventos anteriores, como el concierto navideño de diciembre de 2024 en Ecatepec, donde el ingreso equivalía a $150 pesos.

Inspector confirmó su participación en el evento a través de sus redes oficiales donde promocionaron el cartel.

Inspector, El Gran Silencio y Los Estrambóticos encabezan el cartel

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Inspector, El Gran Silencio y Los Estrambóticos lideran el lineup de esta edición. Los tres actos tienen una historia particular con el universo de festivales de Olivares: fueron las cabezas de cartel de la primera edición del Skatex, el 28 de noviembre de 2015 en la Feria del Caballo de Texcoco.

Inspector es una banda de ska y rock formada en 1995 en San Nicolás de los Garza, Nuevo León. Su disco Alma en Fuego —lanzado en 2001 y relanzado por Universal Music en 2002— alcanzó el platino e instaló canciones como “Amargo Adiós” y “Amnesia” en el cancionero popular mexicano. Con 30 años de trayectoria y nueve álbumes de estudio, la banda regiomontana se mantiene activa: su más reciente producción, Canciones de Amor, y un Remedio pa’l Corazón, es de 2024.

El Gran Silencio nació en 1992 en la colonia Unidad Modelo de Monterrey, fundado por los hermanos Tony y Cano Hernández con instrumentos tan rudimentarios como un bote, una guitarra y una armónica. Su propuesta —que mezcla rock, cumbia, hip-hop, ska, reggae y norteño en una misma canción— los convirtió en parte central de la Avanzada Regia, el movimiento que puso a Monterrey en el mapa del rock mexicano a finales de los 90 junto a Plastilina Mosh, Control Machete y Jumbo. Su álbum Chúntaros Radio Poder (2001) y el sencillo “Chúntaro Style” se convirtieron en referentes de una generación.

Los Estrambóticos, originarios de la Ciudad de México, llevan más de tres décadas en la escena. Fundados en 1992 en Santa Fe, su trayectoria arrancó con el Blue Demo, una grabación independiente que vendió 15 mil copias en el Tianguis Cultural del Chopo y les valió el reconocimiento como grupo revelación en 1993. Han tocado en el Zócalo capitalino, el Palacio de los Deportes y el Foro Sol, y compartido escenario con Caifanes, Café Tacuba y Los Fabulosos Cadillacs.

Un cartel que recorre tres décadas del ska mexicano

El resto del lineup reúne a buena parte de la historia viva del género en el país. Tijuana No!, formada a finales de los 80 en Tijuana, Baja California, fue una de las primeras bandas mexicanas en fusionar punk, ska y reggae con crítica social directa; su canción “Pobre de ti” (1992) se convirtió en uno de los clásicos del rock alternativo de habla hispana. La banda continuó presentándose tras la muerte de su vocalista Luis Güereña en 2004 y su disolución oficial en 2002, con reuniones esporádicas que se han extendido hasta la actualidad.

Antidoping, fundada también en 1992 en Coyoacán por los hermanos Pedro y Manuel Apodaca, representa la vertiente reggae del cartel. Con más de 30 años de trayectoria independiente y más de 31 millones de reproducciones en Spotify, la banda ha sido reconocida como uno de los pilares del movimiento Razteca en México, que desde 1993 unificó a los grupos de reggae del país.

Completan el cartel Liran Roll, Los Calzones, La Royal Club, Out of Control Army, Sekta Core, Nana Pancha, Maskatesta, Negros Vivos, Los de Abajo, Tex Tex, Percance, Los Korucos, Sonora Skandalera, Los Rude Boys, Skaterrestres, La República y Los Rambookis.

El Peluka Fest, heredero del Skatex

El Peluka Fest surgió dentro del ecosistema del Skatex, el festival de ska más longevo del Estado de México, que Olivares fundó en 2015 y cerró en diciembre de 2024 tras nueve ediciones. El propio promotor explicó que los costos de organización ya no le permitían sostener boletos accesibles: “Yo no voy a dar el boleto en 800 pesos, porque ya entraría a ser como los demás festivales”, declaró en el podcast Adultos Raros en 2023.

El Pelukas Fest tuvo al menos una edición previa en julio de 2024, también en el Recinto de la Feria de Texcoco. El subtítulo “La Gran Final” que acompaña a la convocatoria de agosto abre la posibilidad de que se trate de la última edición del festival, en un patrón que Olivares ya había usado antes de cerrar el Skatex.

El Rockstar Fest Vol. 3 llegará a León, Guanajuato, el próximo sábado 31 de octubre de 2026 con una cartelera que reúne a figuras del rock latinoamericano como El Tri, El Gran Silencio y Los Auténticos Decadentes en la Velaria de la Feria.

La tercera edición del festival, organizado bajo el concepto “El escenario de la resistencia de México”, también contará con Camilo Séptimo, Los Pericos, Out of Control Army y Los Espanta Suegras ft. Insulini. Además, el cartel incluye un artista aún sin revelar, señalado con un signo de interrogación en la comunicación oficial del evento.

Alex Lora confirma su regreso a Guanajuato

La participación de El Tri fue confirmada el 1 de julio por Alex Lora a través de un video difundido por los organizadores, en el que el músico interpretó los primeros versos de “Caminos de Guanajuato”, de José Alfredo Jiménez. “Por eso vamos a estar en el Rockstar Fest de León, Guanajuato, el 31 de octubre”, declaró Lora en el clip.

El Rockstar Fest Vol. 3 se celebrará el sábado 31 de octubre de 2026 en la Velaria de la Feria de León, Guanajuato, con puertas abiertas a un recinto que reúne a figuras del rock mexicano y latinoamericano en su tercera edición consecutiva. El evento no permite reingreso y exige la presentación del boleto físico o electrónico para el acceso.

Cartelera confirmada del Rockstar Fest Vol. 3

El festival reúne en un solo escenario a ocho actos consolidados del rock latinoamericano:

• El Gran Silencio
• El Tri
• Camilo Séptimo
• Los Auténticos Decadentes
• Los Pericos
• Out of Control Army
• Los Espanta Suegras ft. Insulini
• Artista por confirmar (¿?)

A estos se suman las 21 bandas emergentes seleccionadas de nueve estados del país, que abrirán la jornada como parte del programa oficial.

Bandas emergentes de nueve estados

El festival también abrirá su escenario a 21 bandas emergentes seleccionadas de nueve estados del país, que compartirán cartel con los actos principales como parte del programa de la jornada.

La convocatoria para estas agrupaciones forma parte del enfoque del festival por impulsar proyectos locales y regionales dentro de un contexto de rock nacional.

Precios de boletos y puntos de venta

Los accesos al Rockstar Fest Vol. 3 se dividen en cinco categorías:

• Sala Rockstar: $15,200 MXN + cargos
• Mesa Rockstar: $7,600 MXN + cargos
• VIP Ilhuitl: $1,900 MXN + cargos
• General Ilhuitl: $1,500 MXN + cargos
• Itacatl: $700 MXN + cargos (incluye playera o gorra, pin, cerveza conmemorativa y morral; no incluye boleto de acceso al recinto)

Los boletos se adquieren en sucursales de Rockstar Burger o en línea a través de la plataforma Rockstar Ticket.

Zona Mictlán y actividades complementarias

Paralelo a los conciertos, el festival habilitará la Zona Mictlán, un espacio con danzas, show infantil, exhibición de lucha libre, box, MMA, artesanos y activaciones de Marca GTO.

El evento cuenta con el respaldo del Gobierno de Guanajuato, el municipio de León, el Instituto Cultural de León y la Feria de León. Entre los patrocinadores figuran Coca-Cola, Cerveza Indio, SoniGas y H-E-B.

Cómo llegar a la Velaria de la Feria

El recinto se ubica sobre el Paseo del Niño, en la Zona Recreativa y Cultural de León, entre los bulevares Francisco Villa, Mariano Escobedo y Adolfo López Mateos.

En transporte público, las rutas troncales L-01, L-04, E-04, L-07 y L-08 tienen parada en el paradero Poliforum, a cinco minutos caminando del acceso. La línea L-06 hace parada sobre el bulevar Francisco Villa. El pasaje tiene un costo de $14 MXN.

Para quienes lleguen en auto, el estacionamiento más cercano es el Paseo de los Niños, ubicado frente al Centro de Ciencias Explora, sobre el bulevar Francisco Villa y Paseo del Niño, con una tarifa de $26 MXN por hasta tres horas. Otras opciones disponibles en la zona incluyen los estacionamientos Poliforum, Stadium y Real de Minas, todos sobre el bulevar Adolfo López Mateos, a entre 12 y 20 minutos a pie del recinto.

El municipio de León ofrece la aplicación gratuita OptiBús León, disponible para Android e iOS, para consultar rutas y tiempos de espera en tiempo real.

Llamó a Brian Epstein, el manager de los Beatles, y lo convenció de traer a la banda al Carnegie Hall de Nueva York: se presentarían allí el 12 de febrero de 1964. El 9 de febrero, antes del Carnegie Hall, los Beatles debutaron en el programa de Ed Sullivan ante sesenta millones de espectadores que siguieron su presentación televisiva. Ese fue el estallido definitivo y bicontinental de la Beatlemanía.

En los dieciocho meses que siguieron a ese primer desembarco en los Estados Unidos, los Beatles coleccionaron tres álbumes número uno, media docena de singles que encabezaron las listas y dos películas -A hard day’s night y Help!- que fueron enormes éxitos de taquilla. En 1965, la reina Isabel los condecoró con la Orden del Imperio Británico y tenían al público de Estados Unidos, sobre todo a las adolescentes- en la palma de su mano.

Un año después del sold out en el Carnegie Hall y de la presentación arrolladora en El Show de Ed Sullivan, Bernstein volvió a llamar a Epstein. Esta vez la propuesta era diferente. Y muchísimo más ambiciosa.

El hombre que prometió pagar por los asientos vacíos

Bernstein quería llevar a los Beatles a un estadio. No a un teatro, no a un auditorio, no a un espacio de mediana capacidad. Quería hacerlos tocar en un estadio de béisbol de los que en esa época solo llenaban los deportes. Quería que la música popular llevara a cabo su show en vivo más multitudinario hasta ese momento, y sabía que los Beatles eran los indicados para intentarlo.

Epstein dudó y tenía sus razones. En 1964, el propietario de los Kansas City Athletics, Charlie Finley, había pagado 150.000 dólares para que los Beatles tocaran ahí en un día libre de su gira —el triple de lo que cobraban habitualmente—, y el show había atraído apenas a 20.000 personas, aproximadamente la mitad de la capacidad del estadio. En el Gator Bowl de Jacksonville, en la misma gira, habían tenido problemas similares. La mayor multitud que Elvis Presley había convocado en un estadio era de 26.000 personas en el Cotton Bowl. Nada de eso auguraba que llenar el Shea Stadium fuera posible.

Bernstein pensó distinto. Para convencer a Epstein, primero negoció con el vicepresidente de los Mets, James K. Thomson, el uso del Shea Stadium en agosto de 1965. Incluso le advirtió, casi como una extorsión, que si no llegaban a un acuerdo exploraría la posibilidad del Yankee Stadium, el histórico rival de los Mets ya que eran los dos grandes equipos de béisbol de Nueva York.

Una vez que aseguró la fecha y los términos económicos —25.000 dólares más seguro, seguridad y la construcción del escenario a cargo de Bernstein— fue a hablar con Epstein. Y le ofreció lo que necesitaba para cerrar el trato: pagarle diez dólares por cada asiento que quedara vacío. Epstein aceptó. Los asientos no quedaron vacíos.

El Shea Stadium, ubicado en Queens e inaugurado el 17 de abril de 1964 como el nuevo hogar de los New York Mets, tenía capacidad para 55.600 personas. Las entradas costaban entre 4,50 y 5,65 dólares —las entradas de los Mets ese año costaban entre 1,30 y 3,50— y se agotaron antes del verano, principalmente gracias al boca a boca. Los pedidos llegaban por correo desde todo el mundo. La recaudación total fue de 304.000 dólares, de los cuales los Beatles se llevaron 150.000.

El alcalde de Nueva York, Robert F. Wagner Jr., y varios funcionarios de la ciudad le confesaron a Bernstein que sus hijos adolescentes estaban desesperados por conseguir un lugar. El permiso municipal era prácticamente inevitable desde el primer momento.

Afuera del estadio, la noche del concierto, dos jóvenes de una organización que se hacía llamar ALBATROSS —Amigos de los Amantes del Béisbol Contra la Ruina del Shea Stadium— protestaban con carteles. “Los Beatles tocando en el Shea Stadium es como un show de burlesque en una iglesia”, le dijo uno de ellos a un periodista. “¿Cómo voy a poder disfrutar un partido de los Mets después de esto?”.

Los preparativos para el gran show

El 14 de agosto, un día antes del show, los Beatles volvieron al programa de Ed Sullivan para presentar las canciones de Help!. Ringo Starr se presentó a sí mismo antes de cantar Act Naturally. Paul McCartney estrenó Yesterday con un cuarteto de cuerdas, ante un público que respondió con pocos gritos y varios pedidos de silencio, algo inédito en cualquier concierto de la banda. Querían, efectivamente, escuchar la canción. Y John Lennon, al cerrar el show, se olvidó la letra de Help!.

Sólo un par de días antes del show, también se había lanzado en Estados Unidos la edición americana del álbum Help!. El grupo estaba posicionado en lo más alto del ranking Billboard 200 con su álbum anterior, editado en ese país bajo el nombre Beatles VI.

La producción del 15 de agosto fue una improvisación de escala gigantesca. La empresa Vox había diseñado especialmente para esa gira un nuevo modelo de amplificador que llevaba la potencia sonora de 30 a 100 watts. Esos amplificadores se conectaron al sistema de megafonía del estadio, el mismo que en los días de béisbol anunciaba los nombres de los bateadores.

El escenario era una tarima, sin pantallas de video, sin monitores de piso, sin técnicos que se ocuparan de lo que pasaba sobre esa tarima. Se dispusieron aproximadamente dos docenas de columnas de parlantes, algo que George Harrison recordaría años después como si ese despliegue técnico lo volviera a sorprender tal como esa noche neoyorquina. Es que era la primera vez que uno de esos estadios se usaba para un concierto de rock y eran días en los que los Beatles todavía tocaban en lugares como el Astoria Cinema de Londres, donde entraban nada más que 3.000 espectadores.

El plan original de Epstein era aterrizar directamente en el campo de juego del Shea en helicóptero. Las autoridades municipales de Nueva York lo vetaron por cuestiones de seguridad. Se ideó entonces un plan alternativo: limusina desde el hotel hasta un helipuerto del East Side de Manhattan, helicóptero hasta la terraza del edificio de la Feria Mundial en Queens, y desde ahí una camioneta blindada del banco Wells Fargo —custodiada por sesenta policías— que los llevó hasta el estadio.

Antes de subir al escenario, el banco les regaló las insignias en forma de estrella que usan sus guardias de seguridad. Los Beatles las usaron prendidas en las chaquetas beige de estilo militar que se convirtieron en una imagen icónica de esa noche inolvidable para todos los que estuvieron allí.

Para la seguridad interna del show, Bernstein movilizó 2.000 efectivos: policías, acomodadores y hasta cuarenta cinturones negros de karate. El promotor describiría los preparativos para ese show como el trazado de un minucioso plan de guerra. Se instalaron tres líneas de barricadas entre la multitud y el campo. Igual, varias fans lograron cruzarlas y correr por el campo para intentar alcanzar a alguno de sus cuatro ídolos.

El montaje del show incluyó también la producción de un documental: Bob Precht, productor de El show de Ed Sullivan y yerno del exitoso conductor de TV, había acordado con Bernstein que registrarían el concierto para un especial televisivo. El director Andrew Laszlo desplegó doce cámaras de 35 mm y una portátil de 16 mm para captar todos los ángulos.

Fans impacientes y un VIP de lujo

Mientras las bandas teloneras actuaban ante un público que no había ido a verlas y que se impacientaba —King Curtis, Cannibal & the Headhunters, Brenda Holloway y Sounds Incorporated, The Young Rascals—, los Beatles esperaban en el vestuario de árbitros del estadio. Ahí, sobre una tarjeta de puntuación de béisbol que alguien había descartado días antes, anotaron el setlist de doce canciones que iban a tocar esa noche.

Mal Evans, encargado de cada detalle técnico toda vez que los Beatles salían al escenario, registró en su diario que los cuatro artistas estaban inusualmente silenciosos ese día. También anotó lo mucho que ese show significaba para la banda.

Cuando salieron al campo para ir al escenario, pasaron por el túnel por el que habitualmente caminaban los deportistas. Ahí estaban Mick Jagger y Keith Richards. Y Ed Sullivan. Y Allen Klein, futuro mánager de negocios de los Beatles, que esa noche estaba ahí acompañando a los Stones. En el sector VIP de las tribunas estaban Bob Dylan, Nedra Talley de las Ronettes, y Marvin Gaye. Y también, sin que nadie lo supiera todavía, Linda Eastman y Barbara Bach, que años después se casarían con McCartney y Ringo Starr.

El instante que cambió la historia

Sullivan volvió a ser quien los presentó. “Honrados por su país, condecorados por su Reina, amados aquí en Estados Unidos, ¡aquí están los Beatles!”.

John, Paul, George y Ringo salieron al trote hacia el escenario. Alcanza con ver algunas imágenes de esa noche para ver sus expresiones sorprendidas, risueñas, eufóricas ante esa multitud que gritaba por y para ellos. Cincuenta y cinco mil seiscientas personas, el ochenta por ciento de ellas chicas adolescentes, muchas de ellas llorando e incluso desmayadas, con banderas de tela colgando de los palcos que declaraban su amor a los Beatles.

Mal Evans escribió que nunca antes había escuchado un estruendo tan ensordecedor como el que produjo el público cuando los Beatles hicieron su entrada esa noche. El estadio enloqueció por completo y no paró de gritar durante toda la presentación. Algunas chicas hicieron fila para usar el pañuelo de tela de una señora grande: querían secarse las lágrimas y soplarse la nariz. Otras invadieron le campo hasta que algún policía las frenó.

La cantante Brenda Holloway, que los vio desde la parte trasera del escenario después de su propia actuación, describió el ruido como un tsunami verbal. Jagger lo definió como aterrador y Richards, como ensordecedor.

El New York Times, al día siguiente, lo describió así: “Los pulmones inmaduros de esa multitud produjeron un sonido tan imponente, tan masivo, tan agudo y sostenido que cruzó rápidamente la línea del entusiasmo hacia la histeria y pronto alcanzó el sentido griego clásico de la palabra pandemonium: la región de todos los demonios”. Años después, Paul lo evocó de otra manera: el ruido del público sonaba como un millón de gaviotas.

Los Beatles tocaron las doce canciones que habían anotado en su setlist: “Twist and shout”, “She’s a woman”, “I feel fine”, “Dizzy Miss Lizzy”, “Ticket to ride”, “Everybody’s trying to be my baby”, “Can’t buy me love”, “Baby’s in black”, “Act naturally”, “A hard day’s night”, “Help!” y “I’m Down”. Sin canciones lentas. Sin momentos de calma. Un set compacto de pura energía sin pausa, a la altura del desborde de sus fanáticos y, sobre todo, fanáticas.

El griterío era tal que la banda no podía escucharse entre sí. Ringo lo recordó en el documental Eight days a week de 2016: no podía escuchar nada, así que miraba los pies de Lennon y de McCartney golpeando el suelo o la cabeza asintiendo para saber en qué parte de la canción estaban. El propio Lennon confesó después no haber estado seguro en qué tonalidad estaba tocando durante dos de las canciones.

El vocero de prensa de los Beatles, Tony Barrow, escribió en sus memorias que la banda exageraba cada expresión facial y cada gesto corporal para intentar llegar al público que estaba en el otro extremo de ese campo enorme. También se comunicaban así entre ellos.

En “Baby’s in black”, Lennon no recordó en qué álbum americano se había publicado la canción. “No lo recuerdo bien”, admitió, visiblemente nervioso. “Yo no lo tengo”. En varios momentos entre canción y canción, sus palabras se convirtieron en una especie de balbuceo: sabía que nadie en el estadio podía entender lo que decía de todas formas.

Durante “I’m down”, la última canción del set, Lennon no tenía guitarra y tomó el órgano Vox Continental. Empezó a tocarlo con los codos porque no se le ocurrió qué otra cosa hacer. “Me sentía desnudo sin guitarra, así que hice todo lo que podía: saltaba por todos lados y solo toqué dos compases”, explicó años después.

Harrison, a su lado, se moría de risa, mientras que Paul, siempre el más prolijo, sonreía y llevaba la canción adelante. Ringo diría más tarde que “Lennon enloqueció en ese momento porque se soltó del todo”.

Cuando terminaron, bajaron del escenario de nuevo al trote. Los esperaban ahí mismo para que subieran a una camioneta blanca con el logo de los Mets. El vehículo los llevó a través del campo de juego, esquivando fans que habían saltado al césped. Los fans permanecieron en el estadio durante más de una hora después de que los Beatles ya se habían ido.

Lo que vino después

Harrison, inmediatamente después del show, sostuvo: “Fue aterrador al principio cuando vimos la multitud, pero no creo haber sentido nunca tanta euforia en mi vida”. Lennon, también esa noche, definió: “Fue maravilloso. Era la multitud más grande ante la que habíamos tocado. Y fue fantástico”.

Paul, décadas después contó: “Después de tocar ante 56.000 personas en el Shea Stadium te preguntás a vos mismo qué más podés hacer”. Y años después de aquella noche revolucionaria, Lennon le confesó a Bernstein, el promotor del show: “En el Shea Stadium, vi la cima de la montaña”.

El audio capturado esa noche era técnicamente desastroso. El griterío permanente y los amplificadores insuficientes habían producido un registro inservible. George Martin le pidió al grupo que regrabaran en secreto las canciones que habían sonado peor.

El 5 de enero de 1966, los Beatles reservaron los estudios CTS de Kensington Gardens Square en Londres. Regrabaron “Help!”, “I feel fine” y “Ticket to ride”. McCartney grabó nuevas pistas de bajo para cuatro canciones. Lennon volvió a grabar el piano de “I’m down” y se le sumó un órgano. Para “Act naturally”, se usó la versión de estudio del álbum con los gritos del Shea superpuestos. El audio de “Twist and shout” fue tomado directamente de una grabación posterior de esa misma gira en el Hollywood Bowl.

El documental se llamó The Beatles at Shea Stadium y su lanzamiento fue complicado. Se estrenó el 1º de marzo de 1966 en la BBC del Reino Unido. Alemania Occidental lo emitió en agosto de ese año. En Estados Unidos, la cadena que debía emitirlo había perdido el interés y lo postergó hasta el 10 de enero de 1967. Para ese entonces, los Beatles estaban en el estudio Abbey Road trabajando en “Penny Lane”.

El mismo año en que se emitió el documental en Estados Unidos, los Beatles se presentaron en Candlestick Park y dejaron de tocar en vivo para siempre. La complejidad cada vez mayor de sus composiciones era incompatible con las posibilidades técnicas para tocar en vivo en esos años.

Un cambio para siempre

El Shea Stadium fue demolido en 2009 para hacer lugar al Citi Field, el nuevo estadio de los Mets. En su última noche como recinto de música en vivo, el 18 de julio de 2008, Billy Joel fue el anfitrión de The Last Play at Shea. McCartney llegó sobre la hora, con una escolta policial.

Pete Flynn —el mismo jardinero irlandés que había sacado a Paul corriendo del campo cuatro décadas antes— lo llevó en un carrito de golf hasta el escenario. McCartney tocó “I saw her standing there” y “Let it be” con Joel. “Let it be” fue la última canción interpretada en el estadio. Paul no la había escrito todavía cuando los Beatles tocaron en el Shea por primera vez.

En 1983, cuando The Police tocó ahí, Sting agradeció a los Beatles desde el escenario por haberles prestado su estadio. Años después recordó esa noche diciendo que no se puede llegar a un lugar mejor que ese. Que es el Everest.

Después de aquella primera noche de música en el Shea, los estadios se convirtieron en el horizonte al que aspiraban los artistas en gira. Vender todas las entradas en un estadio, convocando a decenas de miles de personas para un único show redefinió para siempre lo que significaba ser una superestrella. Como tantas otras cosas, fueron los Beatles los que inventaron ese hito.

Aurelio Voltaire llega a la Ciudad de México el fin de semana del 15 de agosto de 2026 con un concierto y la presentación de su primera película de terror, The Demonatrix, en dos foros distintos de la capital.

El músico cubano-estadounidense, conocido en la escena gótica internacional como Voltaire, se presenta este sábado en el Foro Cultural Hilvana a las 21:00 horas. El acceso general tiene un costo de 350 pesos y el evento es para mayores de 18 años. Para información adicional, el público puede consultar las redes sociales y la página de Facebook del foro.

The Demonatrix es el primer largometraje que Voltaire dirige. El proyecto tardó aproximadamente una década en materializarse, desde la escritura del guion hasta el corte final. Voltaire ha relatado que desde los 10 años soñó con hacer películas de monstruos, pero que su trayectoria tomó otros caminos: animación stop-motion y comerciales para MTV, Sci-Fi Channel y Nickelodeon, hasta que la música se convirtió en su actividad principal.

La película, coescrita con Jeff Ferrell, se estrenó el 22 de octubre de 2025 y tuvo su premiere en el New York City Horror Film Festival el 5 de diciembre de ese año. Tiene 93 minutos de duración y fue producida por Black Sunday Productions.

La trama sigue a Lita, una dominatrix interpretada por Hannah Fierman, quien organiza una sesión de espiritismo falsa junto a su asistente Rhett (Jeff Ferrell) y al especialista en atracciones de terror Dino (Larry Fessenden). Sin quererlo, el trío invoca a un íncubo demoníaco interpretado por Nivek Ogre, conocido por su participación en Repo! The Genetic Opera.

Para enfrentar al demonio, aparecen el padre Alejandro Veto —interpretado por el propio Voltaire— y su mentor demonólogo, el padre MacGowan, a cargo de Doug Bradley, el actor que dio vida a Pinhead en la saga Hellraiser. Los efectos de maquillaje especiales estuvieron a cargo de Norman Cabrera, quien tiene en su haber trabajos en Hellboy y The Cabin in the Woods.

Proyecciones en el Circo Volador y la Cineteca Nacional

Además del concierto del sábado, The Demonatrix se proyecta en la CDMX en el marco de Macabro, el Festival Internacional de Cine de Horror de la Ciudad de México. La primera función es este viernes 14 de agosto en el Circo Volador; la segunda, el domingo 16 de agosto en la Cineteca Nacional.

Músico, animador, profesor y ahora cineasta

Voltaire nació el 25 de enero de 1967 en La Habana, Cuba, y creció en Newark, Nueva Jersey. A sus 59 años acumula más de 12 álbumes de estudio en el género dark cabaret, una mezcla de cabaret, rock gótico y humor macabro. Entre sus discos se encuentran The Devil’s Bris (1998), Boo Hoo (2002), Ooky Spooky (2007) y Heart Shaped Wound (2017).

También compuso canciones para la serie animada de Cartoon Network The Grim Adventures of Billy & Mandy, incluyendo los temas “Brains!” y “Land of the Dead”. Fuera de la música, es escritor, artista de cómics y profesor de artes visuales en la School of Visual Arts de Nueva York.

Sus shows en vivo se distinguen por ser experiencias narrativas e interactivas, más cercanas a un espectáculo de cabaret que a un concierto convencional. El del Foro Hilvana este sábado no será la excepción.

El futuro discográfico de Guns N’ Roses volvió a instalarse como tema de conversación tras recientes declaraciones de Slash, quien confirmó que la banda trabaja en nuevo material, aunque el proyecto todavía no tiene plazos definidos.

El guitarrista, en una entrevista concedida a Rolling Stone Australia, detalló que existen “muchas cosas escribiéndose”, aunque por el momento prioriza otros compromisos personales.

Material en desarrollo y expectativa entre los fans

Slash anticipó que Guns N’ Roses cuenta con ideas y composiciones en marcha que podrían desembocar en un futuro álbum. Si bien no confirmó que la banda esté en pleno proceso de grabación ni proporcionó fechas tentativas, su declaración renovó la expectativa entre los seguidores del grupo.

La frase que utilizó para describir la situación fue escueta pero sugerente: “Hay muchas cosas escribiéndose”, una señal de que el proceso creativo está activo, aunque por ahora no cristaliza en un calendario concreto.

La atención sobre el posible regreso discográfico del grupo creció rápidamente, dado que Guns N’ Roses no publica material nuevo desde hace varios años. La falta de precisiones en torno a una entrada al estudio o al inicio formal de una grabación alimenta la incertidumbre, pero al mismo tiempo mantiene viva la expectativa entre quienes aguardan novedades del conjunto liderado por Axl Rose.

Proyectos paralelos antes de retomar con Guns N’ Roses

Antes de enfocarse de lleno en el trabajo con Guns N’ Roses, Slash tiene previsto cumplir con otros compromisos. El guitarrista finalizó recientemente un nuevo disco junto a Myles Kennedy and the Conspirators, su otro proyecto musical. Sobre ese lanzamiento, Slash explicó que el álbum verá la luz después de la gira de Guns N’ Roses, y que luego planea salir de gira junto a Kennedy y su banda.

El músico precisó que el disco estará disponible en febrero de 2027, lo que marca un calendario definido para ese proyecto paralelo. Mientras tanto, el guitarrista también planea presentar en vivo Orgy of the Damned, su disco de versiones de blues lanzado en 2024. Estos compromisos mantienen ocupado a Slash y postergan, al menos por ahora, el regreso completo al estudio con Guns N’ Roses.

Un regreso esperado tras largos años

La demora en la publicación de un nuevo álbum de Guns N’ Roses se refleja en la extensa pausa desde su último trabajo de estudio. El grupo lanzó su último disco, Chinese Democracy, en 2008. En el caso particular de Slash, su última participación en un álbum de la banda fue aún más lejana: The Spaghetti Incident? salió en 1993, y desde entonces no hubo otro material discográfico del grupo con él en la formación.

Desde 2019, Slash ha mencionado en diferentes oportunidades la posibilidad de grabar nueva música junto a Guns N’ Roses. El guitarrista reiteró en varias ocasiones que la banda cuenta con suficiente material escrito como para un disco, pero el avance hacia una grabación formal todavía no se concreta.

Sin fechas ni compromisos firmes para un nuevo álbum

A pesar de las señales sobre el desarrollo de nuevo material, Slash opta por evitar anuncios apresurados. En la entrevista con Rolling Stone Australia, el guitarrista aseguró: “Va a llegar. Sé que va a llegar porque todo el mundo está pensando en ello. Simplemente sucederá cuando tenga que suceder”. Esta declaración refuerza la idea de un proyecto abierto, sin fechas cerradas ni compromisos inmediatos.

La expectativa por un nuevo disco de Guns N’ Roses sigue en pie, aunque de momento el grupo mantiene el enfoque en otras prioridades. Los seguidores de la banda deberán esperar a que los compromisos individuales de sus integrantes permitan retomar el trabajo conjunto en el estudio y, finalmente, concretar el ansiado regreso discográfico.

Enjambre, NSQK y Caloncho encabezan el cartel oficial del Festival Cuernavaca Sunrise 2026, que regresa el 21 de noviembre al Campo Unión Patriotas en Cuernavaca, Morelos, con ocho actos en escena y boletos disponibles en Arema.mx.

El festival reveló su lineup completo a través de un flyer oficial difundido por la promotora Tour Manager en redes sociales, con la banda zacatecana Enjambre al frente del cartel como acto de mayor jerarquía. Le siguen en la marquesina NSQK y Caloncho, consolidando una propuesta que apunta al rock alternativo y al indie como ejes del evento.

La cartelera completa

El cartel del Cuernavaca Sunrise 2026 queda conformado por ocho actos:

Enjambre

NSQK

Caloncho

María Daniela y Su Sonido Lasser

Daaz

La Texana

Te Vi en un Planetario

Alanis Yuki

La programación combina nombres consolidados del rock y el indie mexicano con propuestas de escena emergente, en una fórmula que el festival ha mantenido en ediciones anteriores.

Enjambre confirmó su participación en Facebook

La banda zacatecana fue la primera en hacer pública su presencia en el festival a través de su página oficial de Facebook, donde publicó un flyer individual con su nombre, la fecha del evento y los datos del venue.

La publicación anticipó el anuncio del cartel completo difundido por Tour Manager, y situó a Enjambre como el acto de mayor jerarquía en el lineup del Cuernavaca Sunrise 2026.

Tour Manager, la promotora detrás del anuncio

El cartel fue difundido por Tour Manager, empresa mexicana de entretenimiento que opera bajo el usuario @tourmanagermex en redes sociales y se describe como una compañía de entretenimiento de vanguardia.

La promotora tiene un historial directo con el Cuernavaca Sunrise y con varios de los artistas del lineup 2026: ha organizado fechas de Enjambre, Caloncho, La Texana, Daaz y Te Vi en un Planetario en distintas ciudades del país, y gestiona la venta de boletos a través de Arema.mx.

Entre los actos que Tour Manager ha promovido en México figuran también Porter, Siddhartha, María Daniela y Su Sonido Lasser, Hello Seahorse!, Caifanes y Paulo Londra, con presencia en plazas como Querétaro, Puebla, Ciudad de México, Guadalajara y Monterrey.

Un festival con historial en Morelos

El Cuernavaca Sunrise se ha establecido como uno de los festivales de referencia para el rock y la música alternativa en el estado de Morelos. Su edición 2025 reunió a Caifanes, Porter y DLD como cabezas de cartel; la de 2024 presentó a Enjambre junto a Siddhartha.

En 2026, Enjambre regresa al festival pero escala a la posición principal del cartel, en medio de su Daños Luz Tour, gira con la que la banda ha confirmado presentaciones en más de 15 ciudades del país entre agosto y noviembre, incluyendo dos noches en el Estadio GNP Seguros en la Ciudad de México.

Boletos y sede

El evento se realizará en el Campo Unión Patriotas, en Cuernavaca, Morelos, recinto que ha sido la sede fija del festival en sus ediciones recientes. Los boletos están disponibles a través de Arema.mx.

El flyer oficial no detalla precios por categoría ni horarios de los actos para esta edición.

En 2026, la banda mantiene una presencia destacada en la cultura popular, y su vocalista, Anthony Kiedis, desarrolla proyectos variados mientras sigue al frente del grupo.

Según un reportaje de GQ Magazine, Kiedis combina su rol como líder de la banda con actividades empresariales y conserva relaciones de amistad que superan los veinte años, algo poco común en la industria musical.

El grupo, formado en los años ochenta en Fairfax High School, en Los Ángeles, ha sobrevivido a tragedias personales, cambios en la industria y la constante presión del éxito comercial.

La permanencia de la banda angelina y la intensidad creativa de sus miembros resultan una excepción, en una época donde las separaciones y reencuentros por interés suelen marcar la pauta entre bandas históricas. Según GQ Magazine, el propio Kiedis considera que la clave reside en la química y la pasión compartida por la música.

Vínculos forjados en la adolescencia

La historia de los Red Hot Chili Peppers comenzó cuando Kiedis y sus compañeros, entre ellos Flea, se conocieron en la secundaria. Desde entonces, la amistad y la colaboración definieron el rumbo del grupo, que vendió más de 120 millones de álbumes en todo el mundo.

El fallecimiento del guitarrista fundador, Hillel Slovak, a finales de los ochenta, y el proceso de recuperación personal de Kiedis marcaron etapas difíciles, pero el núcleo del grupo mantuvo su cohesión y siguió creando.

La banda, que debutó con su primer álbum en 1984, se transformó en una referencia del rock alternativo y construyó una identidad ligada a la ciudad de Los Ángeles.

Los conciertos emblemáticos, como el show de apertura de los Juegos Olímpicos de 2028 junto a Billie Eilish y su participación en eventos benéficos, refuerzan su lazo con la comunidad local. Canciones como “Can’t Stop” forman parte de la banda sonora habitual de los partidos de los Lakers, otro símbolo de la ciudad.

Dinámica interna y creatividad sostenida

Para Kiedis, el proceso creativo de la banda se mantiene vigente por la dedicación colectiva y la inquietud permanente de sus integrantes. “Me siento sumamente afortunado de tener a John Frusciante. Él está obsesionado con buscar nuevos sonidos y texturas. Vive para eso, no podría dejar de hacerlo”, afirmó.

El baterista Chad Smith y Flea, bajista y cofundador, completan el núcleo creativo que, según el cantante, sigue motivado por la curiosidad y el deseo de superación. “La motivación de ellos me empuja a seguir escribiendo canciones”.

La rutina del grupo implica reuniones periódicas y sesiones de composición que, para Kiedis, constituyen una necesidad vital. “Odiaría mi vida si no pudiera escribir canciones, poner palabras y bailar. No sería una vida digna para mí sin eso”, reconoció el vocalista.

Esa convicción también alimenta su confianza en el futuro de la banda. “Lo que más me enorgullece es que nuestra música sigue viva, y que por alguna razón no nos aburrimos. Sé en mi corazón que en dos meses nos reuniremos y empezaremos a tocar música, y vamos a estar igual de creativos que en los años ochenta”, aseguró.

Proyectos personales y rutinas fuera del escenario

Mientras la banda mantiene su actividad, Kiedis inició nuevas empresas junto a amigos cercanos. Según relató a GQ Magazine, el cantante mantiene una rutina semanal de encuentros con Shane Powers, otro conocido del ambiente hollywoodense, donde el café es el punto de partida para conversaciones que abarcan temas personales y profesionales.

Powers explicó que ese espacio favorece una intimidad diferente a la de otras reuniones: “Para mí, él es como un hermano mayor; cada vez que estamos juntos aprendo algo”, declaró a la revista.

Estas reuniones dieron lugar a iniciativas empresariales, como el lanzamiento de una marca de café enlatado, concebida durante cinco años y asociada a la relación entre Kiedis y Powers. El proyecto, según la publicación, se distingue por su enfoque en la calidad y la ausencia de estrategias de mercadotecnia típicas de celebridades.

Entre las variedades que ofrece, destaca un cold brew con 236 miligramos de cafeína por lata de 236 mililitros (8 onzas), uno de los productos con mayor concentración del mercado.

Una banda unida frente a los desafíos

La cohesión interna de los Red Hot Chili Peppers se diferencia de la trayectoria de otras bandas formadas en los años ochenta y noventa, donde los conflictos personales y las separaciones han sido comunes.

Según Kiedis, un aspecto relevante es que todos los miembros permanecen activos, tanto personal como creativamente. “Nuestra música sigue vigente y, por motivos diversos, hemos mantenido el compromiso con lo que hacemos”, señaló a GQ Magazine.

La permanencia y la continua capacidad de adaptación de los Red Hot Chili Peppers han consolidado su posición en la escena musical internacional. La dedicación de sus integrantes y la solidez de sus relaciones contribuyeron a mantener la vigencia de la banda, que sigue asociada a la cultura californiana y al rock alternativo.

El álbum llegó en un momento de quiebre para la banda. John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr habían completado su última gira por el Reino Unido en diciembre de 1965 y, tras varios meses de descanso, entraron el 6 de abril de 1966 en el Estudio 3 de EMI, en Londres —en el complejo que el mundo conocería después como Abbey Road—, con una certeza que cambiaría el curso de su carrera: las nuevas canciones no serían tocadas en vivo. Esa decisión, que se formalizaría tras el tumultuoso verano de ese año, liberó por completo su imaginación sonora.

Otro sonoro episodio público contribuyó al retiro y la introspección. Una frase de John Lennon en una entrevista al London Evening Standard —“somos más populares que Jesús ahora”— fue recontextualizada en Estados Unidos y provocó quemas de discos y boicots en zonas de fuerte arraigo religioso. Lennon describía el declive de la iglesia entre los jóvenes, no una comparación de valor espiritual, pero la controversia agudizó la incomodidad del grupo con las giras masivas y su sensación de vulnerabilidad como celebridades globales.

El proceso de grabación de Revolver supuso un salto radical respecto a cualquier trabajo anterior del grupo. Rubber Soul (1965), considerado el primer disco “adulto” de la banda, había demandado unas 80 horas de estudio, Revolver llevó más de 220. La primera canción trabajada en las sesiones fue “Tomorrow Never Knows”, entonces conocida como “The Void”, lo que revela que desde el primer día la banda estaba dispuesta a operar en el territorio más experimental de su obra. Sesenta años después, esa canción en particular sigue siendo de vanguardia.

El productor George Martin y el ingeniero de sonido Geoff Emerick —que asumía ese rol por primera vez en un disco de la banda— fueron piezas decisivas en la conversión del estudio en un instrumento de creación. Emerick introdujo técnicas que contravenían las normas de la discográfica: colocó micrófonos muy cerca de la batería y el bajo para obtener sonidos más profundos, aplicó compresión y ecualización de forma agresiva, y experimentó con el altavoz Leslie —diseñado originalmente para órganos Hammond— para procesar la voz de Lennon. El resultado fue ese timbre envolvente y casi etéreo que se escucha en “Tomorrow Never Knows”, donde el propio cantante había pedido sonar “como la voz de un monje en la cima de una montaña”. Además, grabaron bucles de cinta en sus casas con sonidos diversos —guitarras, risas, fragmentos instrumentales— y los reprodujeron simultáneamente en el mezclador, subiendo y bajando volúmenes para que entraran en momentos concretos de la canción. Las risas aceleradas de McCartney se convirtieron en lo que muchos oyentes perciben como el chillido de gaviotas.

A esas técnicas se sumaron el automatic double tracking (ADT) —que duplicaba voces de forma automática sin necesidad de varias tomas—, el varispeed o alteración de la velocidad de las cintas, y la inversión de fragmentos grabados para reproducirlos al revés. En “I’m Only Sleeping”, el solo de guitarra al revés se grabó con la cinta en sentido inverso, de modo que al escuchar el resultado final las notas parecen aspiradas. En “Tomorrow Never Knows”,

1966: Londres en ebullición

Revolver no puede separarse del año en que nació. El Swinging London de mediados de los sesenta era una capital cultural en estado de ebullición: la moda, el cine, las artes visuales y la música pop se entrelazaban en una efervescencia que irradiaba hacia el resto del mundo. La juventud británica de posguerra marcaba distancias contra el conservadurismo de sus padres, y la música encabezada por Los Beatles funcionaba como nuevo lenguaje de identidad generacional.

En ese clima, el consumo de drogas —marihuana y LSD, sobre todo— se asociaba a la búsqueda de nuevas experiencias y a la expansión de la percepción. Lennon y Harrison habían empezado a experimentar con LSD, y ese consumo dejó huellas directas en canciones como “She Said She Said”, donde se alude a una experiencia cercana a la muerte durante una sesión con el actor Peter Fonda -la historiografía beatle abunda en esa historia- y en “Tomorrow Never Knows”, cuya letra se inspira en ideas difundidas por Timothy Leary a partir del Libro tibetano de los muertos. Harrison, por su parte, profundizaba en la música clásica india y en el sitar como vía de expresión que desbordaba la escala occidental.

Los Beatles se convirtieron definitivamente en una banda de estudio. Los arreglos de Revolver —cuerdas, metales, instrumentos indios, bucles de cinta— eran, en muchos casos, imposibles de reproducir en un escenario con los medios técnicos de la época. Dentro del grupo, la madurez artística se afianzaba con tensiones. McCartney se consolidaba como arquitecto de melodías y arreglos: “Eleanor Rigby”, “Here, There and Everywhere”, “For No One” y “Good Day Sunshine” muestran una sensibilidad cercana al pop barroco. Lennon profundizaba en una escritura más introspectiva y experimental, marcada por el LSD y lo abstracto. Harrison conquistaba por primera vez un espacio amplio con tres composiciones propias. Y Ringo aportaba bases rítmicas que, en “Tomorrow Never Knows”, se convierten en el eje hipnótico de toda la pieza.

La edición británica del álbum contiene 14 canciones. La versión publicada en Estados Unidos por Capitol Records incluyó solo 11, porque tres temas de Lennon —“I’m Only Sleeping”, “And Your Bird Can Sing” y “Dr. Robert”— ya habían aparecido en el compilado Yesterday and Today. Esa modificación alteró el equilibrio autoral del disco y fue duramente criticada. Desde la edición en CD de 1987, la versión de 14 canciones se convirtió en el patrón internacional y es la que hoy se celebra.

‘Revolver’ canción por canción

1-“Taxman” abre el álbum con una irónica denuncia del sistema tributario británico (que en determinados tramos, incluidos los mismos músicos, podía absorber la mayor parte de sus ingresos). Harrison escribe con sarcasmo sobre la figura del recaudador, con un bajo contundente y una guitarra de carácter casi funk. McCartney diseñó el solo y el bajo que dan al tema su fuerza particular.

2-“Eleanor Rigby” supone un giro radical: construida únicamente sobre una sección de cuerdas arreglada por George Martin, sin guitarras eléctricas ni batería, describe la vida de una mujer solitaria que recoge arroz en una iglesia tras una boda y la del padre McKenzie, que predica ante bancos vacíos. La pregunta “All the lonely people, where do they all come from?” (¿De dónde vienen todos los solitarios?) convierte la canción en existencial.

3-“I’m Only Sleeping” presenta a un narrador que reivindica su derecho a permanecer en un estado de semiinconsciencia, en contraste con las exigencias de actividad constante. El solo de guitarra al revés genera una textura ondulante y extraña, como si las notas se desplazaran hacia el pasado.

4-“Love You To” es una de las piezas donde la influencia de la música clásica india resulta más explícita. George Harrison la construyó como una raga, con músicos indios en la tabla y el sitar, y con estructuras rítmicas y melódicas ajenas al pop occidental. La letra combina amor físico y espiritual con referencias a la fugacidad de la vida.

5-“Here, There and Everywhere” explora la idea del amor presente. Las progresiones de acordes no convencionales, las armonías vocales trabajadas con ADT y el acompañamiento suave de guitarras y bajo crean un ambiente de intimidad. La influencia de Brian Wilson y The Beach Boys se ha señalado como referencia en la búsqueda de McCartney de una balada que combinara sofisticación técnica con accesibilidad emocional.

6-“Yellow Submarine”, cantada por Ringo, construye una comunidad imaginaria y lúdica en torno a una imagen que combina cierto infantilismo que se cruza con una mirada psicodélica. La producción incorpora ruidos de agua, burbujeos, voces distorsionadas y cadenas para recrear la atmósfera submarina, con técnicas propias de la música concreta.

7-“She Said She Said” cierra la cara A con un clima de intensidad psicodélica. La frase “I know what it’s like to be dead” (Sé lo que es estar muerto) remite a aquella experiencia lisérgica con Peter Fonda. Los cambios de compás y las secciones que rompen con la regularidad del pop crean una sensación de inestabilidad que acompaña el contenido lírico. Bellísima.

8-“Good Day Sunshine” inaugura la cara B con un tono optimista y luminoso (un anticipo profético de “Here Comes The Suna”, por cierto). El piano lleva el peso armónico y rítmico, los coros se doblan y armonizan para una canción que muestra el lado más “pop clásico” de Paul McCartney.

9-“And Your Bird Can Sing” presenta líneas de guitarra entrelazadas de Harrison y McCartney que se han convertido en uno de los riffs más reconocibles del repertorio de la banda. El ritmo rápido y las voces superpuestas con energía ofrecen un momento de rock guitarrero distintivo.

9-“For No One” aborda el fin de una relación con una sobriedad que la diferencia de la mayoría de las canciones de ruptura de la época. La instrumentación incluye un clavicordio y un corno francés que introduce una línea melódica lírica en el interludio. La combinación crea una pequeña pieza de cámara donde voces, letras e instrumentos forman un todo de alta cohesión.

10-“Doctor Robert” introduce la figura de un médico que suministra estimulantes a sus pacientes, con una ambigüedad moral sobre la relación entre medicina y hedonismo. El ritmo es relativamente ligero, con guitarras y órganos que acompañan la narración.

11-“I Want To Tell You” aborda la frustración de sentir cosas que no se pueden comunicar. Las tensiones armónicas y las disonancias en la progresión de acordes refuerzan la sensación de incomodidad.

12-“Got To Get You Into My Life” se distingue por su marcado carácter soul y por ser la primera incorporación explícita de una sección de metales plena, con trompetas y trombones que llevan la melodía principal. La base rítmica se apoya en un patrón cercano al R&B.

13-“Tomorrow Never Knows” cierra el álbum con una pieza que muchos consideran el punto de inflexión de toda la carrera de la banda. Una cumbre psicodélica que hasta los Chemical Brothers, en los 90, tomaron como inspiración para una de sus grandes canciones de la ola electrónica de la década. La estructura basada en un solo acorde, el patrón de batería hipnótico de Ringo, los bucles de cinta y la voz procesada de Lennon crean un paisaje sonoro que se aparta de la canción pop tradicional y se acerca a la experiencia “inmersiva”.

Cuautitlán festeja a lo grande con una cartelera de fin de semana que traerá grandes artistas invitados. El municipio celebrará del 12 al 16 de agosto el festival “Festejando Cuautitlán 2026”, con entrada libre y una cartelera de cinco noches que reúne rock alternativo, música norteña y sonidos populares para conmemorar el 202 Aniversario de Fundación del municipio.

El evento se realizará en la parte trasera del Estadio Municipal “Los Pinos” y cuenta con el respaldo del Gobierno Municipal y el DIF Cuautitlán. La fecha de cierre, el domingo 16, coincide con el día en que históricamente se conmemora la fundación del municipio.

Entre los eventos más esperados están: Rayito Colombiano, DLD, Cardenales de Nuevo León y los Askis y Alemán con una combinación de ritmos para todas las edades y generaciones.

Cartelera noche a noche

Miércoles 12 de agosto

Rayito Colombiano Los Askis Grupo G

Jueves 13 de agosto

Sonido Los Jr’s Sonoramico Sonido La Clave

Viernes 14 de agosto

Alemán Adán Cruz Muelas de Gallo Sábado

15 de agosto

Los Viejones de Linares Los Cardenales de Nuevo León

Domingo 16 de agosto

DLD

Los actos de mayor trayectoria

DLD es una banda originaria del Estado de México formada en noviembre de 1998.

En 2013 recibió dos nominaciones al Grammy Latino por su álbum Primario —en las categorías Mejor Álbum Pop/Rock y Mejor Canción de Rock— y obtuvo certificación de Disco de Oro en México. A lo largo de su carrera publicó ocho álbumes de estudio y se ha presentado en el Auditorio Nacional y el Palacio de los Deportes.

Los Cardenales de Nuevo León nacieron en 1982 en el área metropolitana de Monterrey. En más de cuatro décadas acumularon más de 34 producciones discográficas, un Grammy Latino y reconocimientos Billboard. Su álbum La Chuyita (1988) les valió su primer Disco de Oro; en 1992 se presentaron ante 60,000 personas en el Primer Festival Norteño en Phoenix, Arizona, donde recibieron el Saguaro de Oro.

Rayito Colombiano es una agrupación fundada en 1996 en la delegación Iztapalapa, Ciudad de México, por el vocalista Raymundo Espinoza, quien antes participó como voz en las primeras grabaciones de Los Ángeles Azules. El grupo combina la sensibilidad tropical mexicana con ritmos de la cumbia colombiana. Su tema “Muchachita Consentida” acumula más de 178 millones de reproducciones en Spotify y supera las 130 millones de vistas en video.

En 2024 recibió un disco de platino en Estados Unidos por alcanzar 45 millones de streams con ese sencillo, y ese mismo año celebró su trayectoria con un concierto en el Teatro Metropólitan de la Ciudad de México.

Los Askis son considerados los creadores de la cumbia andina mexicana. Fundados en 1994 en la Ciudad de México, fusionaron la cumbia con instrumentos de origen prehispánico y andino como la quena y la zampoña. Su álbum Cuando Llega el Amor (1997), lanzado con la disquera Disa, marcó su consolidación comercial. Entre sus temas más reconocidos figuran “Amor Regresa”, “Vienes y Te Vas” y “Desde Lejos”. En 2024 se presentaron en el Auditorio Nacional y lanzaron un álbum en vivo desde ese recinto.

Cómo llegar al Estadio Municipal “Los Pinos”

El estadio se ubica sobre la avenida de los Ahuehuetes, en la zona centro de Cuautitlán de Romero Rubio, Estado de México. El festival se realizará en la parte trasera del recinto.

La opción más directa en transporte público es el Tren Suburbano Felipe Ángeles —antes Tren Suburbano—, cuya estación terminal es Cuautitlán. Desde ahí, el estadio se encuentra a unos 30 minutos caminando. El primer servicio sale a las 5:08 horas y el último a las 0:58 horas.

Cientos de personas en duelo, incluidos músicos y artistas irlandeses, llenaron el martes una catedral de Dublín para el funeral del cantautor ganador del Oscar Glen Hansard, quien murió en un accidente de motocicleta la semana pasada a los 56 años. Los actores Steve Coogan y Chris O’Dowd y músicos como Bono, Hozier, Declan O’Rourke e Imelda May se encontraban entre la congregación, junto a amigos, familiares y admiradores que habían hecho fila durante horas fuera de la Catedral de San Patricio.

Una gran multitud observó en pantallas gigantes afuera mientras los portadores del féretro llevaban un ataúd de mimbre cubierto de flores al interior de la catedral. William Morton, el deán de la catedral, dijo: “Los dones extraordinarios y el talento sobresaliente de Glen, que tocaron tantos corazones, lo llevaron de las calles de Dublín a audiencias de todo el mundo.”

El funeral estuvo entrelazado con música, incluyendo una actuación de Eddie Vedder, cantante de Pearl Jam, quien interpretó “The Song of Good Hope” de Glen Hansard junto a Markéta Irglová, la socia musical del compositor irlandés durante años. Bono, de U2, dijo: “Todos los que lo conocieron, simplemente recordaron el día en que lo conocieron.” Luego levantó su teléfono para reproducir un mensaje que había recibido de la cantante y poeta Patti Smith interpretando “una canción de cuna para la familia y los amigos de Glen”, antes de recitar la letra de “Beautiful Day”, un tema de U2.

Hansard falleció en un accidente en las afueras de Dublín el miércoles 29 de julio, horas después de haber participado en una sesión de música tradicional en un pub. Su viuda, la poeta finlandesa Maire Saaritsa, quien agradeció a los policías que acudieron en su ayuda, leyó un poema que le había escrito al comienzo de su relación. También dijo que el hijo de tres años de la pareja era demasiado pequeño para asistir o comprender el funeral, pero “el espíritu luminoso que heredó de su padre está con nosotros.”

Glen Hansard fue el líder durante mucho tiempo de la banda de rock irlandesa The Frames y actuó como miembro de una banda de soul de Dublín en la exitosa película de 1991 The Commitments-Camino a la fama Ganó un Oscar en 2008 por la canción “Falling Slowly” de la película Una vez, que coprotagonizó junto a Irglová. Una adaptación teatral ganó ocho premios Tony en 2012. También fue la mitad del dúo de rock The Swell Season con Irglová y lanzó álbumes en solitario, incluido Didn’t He Ramble que fue nominado al Grammy como Mejor Álbum Folk en 2016.

Durante muchos años, dirigió una actuación callejera en Nochebuena afuera del Teatro Gaiety de Dublín, donde el público se reunía para ver a músicos irlandeses famosos actuar en beneficio de una organización solidaria para personas sin hogar. Sus compañeros músicos le han rendido homenaje. Bruce Springsteen, entre otros, dijo en Instagram que estaba “desolado” por la pérdida de “un gran músico, un buen amigo y un hombre generoso y afable.”

Fuente: AP

[Fotos: Damien Eagers/PA via AP]

Ahora buscan escribir su propia historia en la música con un proyecto conjunto que se distancia del glam rock que convirtió a sus padres en referentes del género.

Bajo el nombre de Stanley Simmons, el dúo presentará su álbum debut, Dancing While the World Is Ending, un trabajo compuesto por 12 canciones originales que apuesta por una identidad propia, con influencias del folk pop, armonías vocales y una marcada presencia de guitarras acústicas.

En entrevistas con Forbes, People y otros medios, ambos artistas explicaron cómo nació el proyecto, qué desafíos enfrentan por su apellido y por qué descartan cualquier intento de replicar la estética de KISS.

Un proyecto que nació de forma espontánea

Según contó Stanley, de 32 años, la colaboración nunca estuvo planificada como una banda estable. En declaraciones reunidas por People y originalmente concedidas a Blabbermouth, explicó: “Nunca se pensó como un proyecto. Solo queríamos cantar juntos una vez. Luego lo escuchamos y pensamos: ‘Espera, esto suena realmente especial’”.

La misma idea compartió Simmons, quien destacó la química vocal que desarrollaron desde el comienzo: “Hay un tipo de conexión que no se puede fingir. Cuando cantamos juntos, se siente como una tercera voz, algo nuevo”.

La amistad entre ambos se remonta a la infancia. Sus familias convivieron durante años en las giras de KISS, una experiencia que fortaleció un vínculo que hoy también se trasladó al plano artístico.

Un disco con identidad propia

El primer álbum de Stanley Simmons llegará en vinilo y CD el 28 de agosto, mientras que su lanzamiento en plataformas de streaming está previsto para comienzos de octubre, según informó Forbes.

El trabajo reúne 12 composiciones originales, entre ellas los sencillos Body Down, Dancing While the World Is Ending y Temporary Love, esta última definida por Stanley como la primera canción que ambos escribieron juntos.

De acuerdo con People, la propuesta musical se aleja deliberadamente del sonido característico de KISS. En lugar del glam rock, el dúo eligió un repertorio con raíces folk pop, apoyado en guitarras acústicas, armonías vocales y una estética retro.

Para la producción del álbum convocaron a Rob Cavallo, reconocido por su trabajo con artistas como Green Day, Dave Matthews Band y Eric Clapton.

El peso de un apellido famoso

En la entrevista con Forbes, Stanley y Simmons también hablaron sobre las ventajas y dificultades que implica llevar dos apellidos asociados a una de las bandas más exitosas del rock.

“En el mundo de la música, las conexiones familiares pueden ser beneficiosas en ambos sentidos. Pueden abrirte puertas. Pero algunos en la industria no te toman en serio. Es un arma de doble filo”, reconoció y afirmó Stanley.

Simmons, de 37 años, coincidió con esa mirada y remarcó la necesidad de respaldar cualquier oportunidad con resultados concretos. “Aunque logres entrar, tienes que demostrar de lo que eres capaz”, sostuvo el músico.

Las primeras presentaciones y una gira por Estados Unidos

Antes del lanzamiento oficial del álbum, Stanley Simmons realizó una serie de presentaciones en clubes, donde comenzó a interpretar parte del nuevo repertorio. Simmons explicó que cada recital sirvió para ajustar detalles del espectáculo.

“Los cuatro conciertos salieron bien y la respuesta del público fue fantástica. Pero, como cualquier artista demasiado autocrítico, después de cada uno revisamos el material y encontramos esos pequeños detalles, como las armonías y la afinación, que podíamos mejorar”, declaró a Forbes.

El entusiasmo también quedó reflejado en la respuesta de quienes reservaron el disco antes de su lanzamiento. Stanley señaló que las preventas superaron las expectativas. “Decidir dónde invertir el dinero hoy en día es complicado. Así que ver que la gente quiere comprar nuestro vinilo por adelantado es enormemente gratificante”, relató.

La gira promocional recorrerá 29 ciudades de Estados Unidos. Comenzará el 14 de septiembre en Dallas y finalizará el 3 de noviembre en el histórico club Troubadour, de West Hollywood. Sobre ese momento, Stanley expresó: “Será un momento emocionante para nosotros al final del año. Llevamos mucho tiempo esperándolo”.

Sin maquillaje ni imitaciones de KISS

Además de buscar un sonido diferente, ambos músicos dejaron claro que tampoco pretenden reproducir la imagen que convirtió a KISS en un fenómeno mundial.

En declaraciones citadas por People, Simmons descartó la posibilidad de utilizar el tradicional maquillaje de la banda. “Eso es cosa de mi padre. Yo estoy ocupado con lo mío. Soy fan de la música. Soy fan del espectáculo. He tenido una vida única y maravillosa gracias a ello”, afirmó.

Con esa postura, Stanley Simmons apuesta a construir un camino propio, apoyado en composiciones originales, una propuesta sonora diferente y un proyecto que comenzó como una simple reunión entre dos amigos de toda la vida.

El diálogo con el editor jefe del medio británico, Geordie Greig, permitió recorrer la vida y el presente de Rhodes, desde sus inicios en Birmingham hasta su consolidación como una figura del movimiento New Romantic.

La conversación incluyó momentos de intimidad, reflexiones sobre la creatividad, anécdotas con leyendas como David Bowie y Andy Warhol, y detalles sobre la vida del tecladista.

El consejo de Jagger y el futuro del grupo

De acuerdo con The Independent, Rhodes relató que en medio de una etapa de incertidumbre para la banda, el cantante de los Rolling Stones le transmitió un mensaje: “Mick me miró y me dijo: ‘Saben que realmente tienen que seguir juntos. Ese es su futuro’”.

Según el músico de 64 años, ese consejo evitó la ruptura de Duran Duran, según Rhodes, en los años ochenta. “Tenía razón, porque todo podría haberse desmoronado en aquel momento”, reconoció en la entrevista.

Las figuras de Mick Jagger, David Bowie y Andy Warhol marcaron diferentes etapas en la historia de Duran Duran. Contó que el impacto de Bowie fue determinante para su vocación artística. “Cuando vi a David Bowie, ya no quería ser astronauta ni mago, dos de mis primeros sueños. Quería ser músico”, recordó.

La estética y el estilo personal como sello

El tecladista se diferenció desde el inicio por su estética andrógina y su apuesta por el maquillaje, el cabello rubio y un vestuario que definieron su imagen pública. Según detalló a The Independent, ese estilo surgió mucho antes de que se popularizara el movimiento New Romantic.

El músico también aseguró que nunca abandona el delineador de ojos y que dedica diez minutos diarios a esa rutina: “Me gusta la rutina. Me miro al espejo y pienso: ‘Se ve un poco cansado’. ¡Con un poco de delineador se disimula todo!”.

Además, Rhodes confesó que no usa vaqueros porque los asocia con la pereza y prefiere prendas que reflejen su amor por la estética y la atención al detalle, influenciado por figuras como Bryan Ferry y el propio Bowie.

Supervivencia lejos de las drogas

En un contexto donde la industria del rock estuvo marcada por los excesos, Rhodes optó por alejarse de las drogas y atribuyó esa decisión a su personalidad creativa e hiperactiva. “Las drogas nunca me han atraído mucho. Mi mente va demasiado rápido. Nunca puedo relajarme, así que lo último que quería era un montón de drogas. Probé algunas y no me sentaron bien", comentó.

También destacó que “soy un poco obsesivo con el control, así que la idea de tomar algo sin saber qué va a pasar me resulta totalmente desagradable”. El músico describió que fue testigo de los efectos de las drogas en el ambiente artístico, pero logró mantenerse al margen.

El papel de Simon Le Bon y el camino hacia el éxito

Duran Duran logró consolidarse rápidamente en el mercado internacional, en parte por el impacto de su vocalista Simon Le Bon. Rhodes recordó el momento en que escuchó a Le Bon por primera vez: “Habíamos tenido varios vocalistas. Pero cuando entró y cantó una nota, pensé: ‘Eso es. Él es el indicado’”.

Para Rhodes, la voz y la presencia de Le Bon aportaron un carácter distintivo que definió el sonido de la banda. El tecladista comparó el estilo de Le Bon con figuras como Mick Jagger, David Bowie y Freddie Mercury, subrayando que “Simon tenía eso” que hacía falta para destacar en la industria musical global.

The Independent detalló que esta dinámica interna, con Le Bon como la figura pública y Rhodes como el arquitecto sonoro, formó parte de la “alquimia especial” que permitió a Duran Duran sostener su popularidad durante cinco décadas.

Vida personal y excentricidades

Entre las particularidades de Rhodes destaca su afición por coleccionar etiquetas de queso, una pasión heredada de su padre. El músico británico publicó un libro de arte abstracto y mantiene producción artística en paralelo a la música, según detalló The Independent.

Actualmente, Duran Duran sigue en actividad y Rhodes es el custodio del vestuario histórico de la banda, con la intención de que algún día forme parte de una exposición en el Victoria and Albert Museum de Londres. El recorrido de la banda y de su tecladista principal continúa en actividad, según la entrevista difundida por The Independent.

Tras agotar dos funciones consecutivas en Montevideo ante más de 2.000 personas, Milongas Extremas llega al Roxy Live de Buenos Aires el viernes 22 de agosto con Siempre, siempre, siempre, un espectáculo construido sobre la obra de Roberto “Robe” Iniesta, fundador de Extremoduro, fallecido el 10 de diciembre de 2025 a los 63 años tras complicaciones derivadas de un tromboembolismo pulmonar.

El show, que se presenta por primera vez en Argentina, no es un recital tributo en el sentido convencional. La banda uruguaya tomó el repertorio de Robe —poeta del rock en lengua española cuya obra El País definió como la de “el último gran filósofo, humanista y literato contemporáneo de habla hispana”— y lo reconfiguró con cuatro guitarras criollas, un bajo y cinco voces, en un lenguaje donde la tradición del Río de la Plata y la potencia del rock se articulan sin concesiones.

El vínculo entre Milongas Extremas y Robe Iniesta excedió la influencia artística. Cuando la banda le acercó un disco con versiones de Extremoduro, el músico español respondió con una frase que cambió el rumbo del grupo: “Estos temas ya los conozco, quiero los de ustedes.” En 2014, Extremoduro los convocó para abrir su concierto en Montevideo con una única condición: que interpretaran exclusivamente canciones propias. Esa noche funcionó como punto de inflexión en la construcción de una identidad autoral que hoy se plasma en tres discos de estudio —Milongas Extremas (2012), Temprano (2018) y El mismo cielo (2020)— y un álbum en vivo grabado en el Teatro Solís de Montevideo.

El propio Robe Iniesta había señalado públicamente el trabajo del grupo con precisión: “A mí los únicos que me gustan son unos que se llaman Milongas Extremas, que son de Uruguay. Porque le dan una cosa a las canciones, las hacen de otra manera, con otros instrumentos. Es una cosa nueva, distinta, fresquita.” Esa distinción —el modo en que las guitarras criollas y la cadencia de la milonga transforman canciones escritas para el rock duro— es el núcleo del espectáculo que llega a Buenos Aires.

Milongas Extremas nació en 2009 en Montevideo, cuando un grupo de amigos comenzó a interpretar canciones de Extremoduro con guitarras acústicas. Lo que empezó como un gesto espontáneo se consolidó con el tiempo en una de las propuestas más singulares de la música uruguaya, con influencias que van de Alfredo Zitarrosa y Amalia de la Vega hasta el rock de Extremoduro. La banda integrada por Santiago Martínez, Matías Rodríguez, Francisco Stareczek, Paio y Camilo Piquela también compartió escenarios con La Vela Puerca, Agarrate Catalina y No Te Va a Gustar.

La muerte de Robe Iniesta en diciembre de 2025 precipitó la creación de Siempre, siempre, siempre. “En lo personal es un artista que me perforó. Hay un antes y un después de conocerlo y habitarlo. Y con todo lo que pasó, algo teníamos que hacer”, declaró Paio Piquela, integrante del grupo. El espectáculo recupera esa crudeza en el sonido de las guitarras, en las progresiones rítmicas del bajo y en el fraseo de las voces sobre versos que, según la banda, pueden representar a alguien de Montevideo, Bilbao o Buenos Aires con igual intensidad.

[Fotos: prensa Milongas Extremas]

La noticia fue confirmada por el gobernador de Jalisco, Pablo Lemus, a través de sus redes sociales. Hasta el momento no se han dado a conocer las causas del deceso.

Javis falleció dejando una obra que marcó a varias generaciones de aficionados al rock en español. Fue compositor, guitarrista y el motor creativo detrás de una de las bandas más influyentes del género en México: su música pasó de los escenarios de los 70 a convertirse en parte del repertorio popular del país, con canciones que siguen sonando décadas después de su grabación.

Fundador de una banda que cambió el rock en español

Nacido en San Luis Potosí, Martín del Campo Muriel fundó La Revolución de Emiliano Zapata en 1969 en Guadalajara, Jalisco. La agrupación —conocida popularmente como “La Revo”— alcanzó notoriedad internacional durante la década de los 70 con el tema Nasty Sex.

Ante el difícil panorama que enfrentó el rock en esos años, la banda ajustó su propuesta y se acercó a la balada romántica. De esa etapa surgieron Cómo te extraño y Mi forma de sentir, composición de Martín del Campo que fue interpretada por Pedro Fernández y que se volvió parte del sentir popular en varias generaciones, según destacó la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM).

Las despedidas desde la música y el gobierno

Pablo Lemus fue el primero en confirmar públicamente el fallecimiento. En su mensaje en redes sociales, el mandatario jalisciense escribió: “Hoy despedimos con tristeza a Javier Martín del Campo ‘Javis’, un músico que dejó una huella profunda en la historia del rock mexicano y en el corazón de muchas generaciones”.

La banda El Tri, liderada por Alex Lora, publicó una fotografía de Javis en Instagram ante sus más de 283 mil seguidores y le dedicó un mensaje: “Que encuentres paz en este último viaje y que la música te acompañe hasta el infinito. Tu legado seguirá sonando en cada guitarra, en cada canción y en cada corazón que vibró contigo”.

La propia La Revolución de Emiliano Zapata y la SACM también se sumaron al duelo en redes sociales, donde fans y músicos expresaron sus condolencias a la familia del guitarrista.

De Guadalajara al mundo: el origen de La Revo

La Revolución de Emiliano Zapata nació a finales de los años 60 en la colonia Jardines del Bosque de Guadalajara, cuando un grupo de amigos decidió formar una banda. El nombre fue en sí mismo una declaración: en un ambiente donde la mayoría de los grupos usaban nombres en inglés, apostar por el español y por una figura de la Revolución Mexicana resultó una apuesta sin precedente.

La alineación original incluyó a Óscar Rojas en la voz, Carlos Valle y Martín del Campo en las guitarras, Francisco Martínez Ornelas en el bajo y Antonio Cruz Carbajal en la batería. Javis fue desde el principio el director, compositor y eje creativo del proyecto.

El despegue llegó en 1970, cuando la estación Radio Internacional de Guadalajara organizó un concurso para grupos locales con composiciones propias. La Revo ganó con Nasty Sex y obtuvo un contrato con Polydor Records.

Un éxito que cruzó fronteras

El primer sencillo se convirtió en el número uno en México. Al poco tiempo, Nasty Sex y su lado B, Shit City (Ciudad Perdida), posicionaron a La Revolución de Emiliano Zapata como el único grupo hasta entonces en colocar dos canciones simultáneamente en el primer y segundo lugar de las listas de popularidad del país.

La banda vendió más de 100 mil copias en Europa, según consignó Milenio, lo que la convirtió en una de las primeras agrupaciones de rock mexicano en alcanzar ese mercado. Años después, el director Alfonso Cuarón recuperó Nasty Sex y Shit City para las bandas sonoras de Y tú mamá también (2001) y Roma (2018).

Martín del Campo también incursionó en el cine junto a la actriz Angélica María en la película La verdadera vocación de Magdalena, según registra Crónica.

La transición a la balada y el regreso al rock

Ante el difícil clima que enfrentó el rock mexicano en los años 70, la banda reformuló su sonido y se acercó a la balada romántica con una nueva formación. De esa etapa surgieron Cómo te extraño y Mi forma de sentir —composición de Martín del Campo—, temas que se colocaron en los primeros lugares en México, Estados Unidos y América Latina.

Mi forma de sentir trascendió a su autor: fue grabada por Pedro Fernández, Richard Clayderman y el dueto brasileño Bruno e Marrone, entre otros artistas, según la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM).

Hacia 2009, Javis decidió reunirse con el tecladista Servando Ayala para reformar La Revo como proyecto de rock, lanzando bajo el sello independiente Discos Imposibles un álbum con versiones nuevas de sus clásicos. La banda siguió activa hasta sus últimos años, con Martín del Campo como único integrante presente desde la fundación.

Hablemos de Rubber Soul, entonces. Pocos discos en la historia del pop permiten fechar con tanta precisión el momento en que una banda deja de responder a las expectativas del mercado para empezar a interrogarse a sí misma. Este disco, grabado en apenas cuatro semanas de octubre y noviembre de 1965, es uno de esos registros. Los Beatles llegaron al estudio con canciones que ya no encajaban del todo en el molde pop que los había hecho famosos: letras más ambiguas, arreglos que incorporaban el sitar y el armonio, estructuras que privilegiaban la atmósfera por encima del bait melódico inmediato. El resultado fue un álbum que no sonaba como una ruptura deliberada sino como una consecuencia natural, lo que lo hizo más perdurable que cualquier manifiesto.

Más que un estilo, Rubber Soul inauguró una actitud: la idea de que un álbum de pop podía funcionar como un objeto coherente, con una lógica interna propia, y no como una colección de singles. Esa concepción del álbum como forma artística autónoma —que luego llevarían a su expresión más elaborada en Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band dos años después— tiene su punto de origen aquí, en una serie de canciones que van de la ironía afectuosa de “Drive My Car” a la melancolía filosófica de “In My Life”, pasando por la tensión narrativa de “Norwegian Wood”. Para muchos estudiosos de la música pop del siglo XX, Rubber Soul es el disco en que el grupo de Liverpool formuló por primera vez la pregunta que definiría la segunda mitad de su carrera: ¿hasta dónde puede llegar esto?

Lo que Rubber Soul alteró no fue solo una práctica de estudio ni una tendencia de mercado: fue el estatuto cultural de la música pop. Hasta 1965, el género -asociado a los gustos “juveniles” de la época- era considerado, en los círculos intelectuales y académicos, un producto de consumo sin vocación de permanencia, un artefacto desechable por definición. Parte de ese cambio tiene un nombre propio: Bob Dylan. Su giro eléctrico de ese mismo año y su escritura confesional y críptica —que Los Beatles habían absorbido desde aquel mitificado encuentro de 1964 en un hotel de Nueva York, marihuana mediante para qué negarlo— les abrió la posibilidad de usar la canción popular como vehículo de introspección. El propio McCartney lo reconoció años después: la música de Dylan “rompió una especie de barrera mental” para ellos.

Pero Los Beatles no imitaron ese modelo; lo metabolizaron. El disco —junto con la reacción en cadena que desencadenó, desde Pet Sounds de Brian Wilson hasta Aftermath de los Rolling Stones— forzó una reclasificación del pop como forma cultural. La música pop empezó a ser leída con las herramientas críticas reservadas hasta entonces a la literatura o al cine: se hablaba de intención autoral, de unidad temática, de densidad simbólica. Ese desplazamiento significó que millones de oyentes jóvenes podían encontrar en un disco de vinilo algo que sus padres buscaban en la novela o en la sala de conciertos: un relato del mundo que los rodeaba e interpelaba.

Cómo es la edición deluxe de ‘Rubber Soul’

La grabación encontrada de Lennon, “Little Girl”, es una grabación doméstica parcialmente completa realizada en 1965. Y a diferencia de “Now and Then” —la canción presentada en 2023 como el “último tema” del grupo, completada por Paul McCartney y Ringo Starr con fragmentos de George Harrison recuperados del proyecto Anthology— esta grabación se publica tal como Lennon la dejó, sin intervención de los miembros supervivientes del grupo.

La edición Super Deluxe incluye 20 tomas inéditas de sesión y tres demos caseros, además de una nueva mezcla estéreo del álbum original, la mezcla mono original y la versión estadounidense del sello Capitol —que en su momento circuló con una lista de canciones distinta a la edición británica—, más mezclas en formato Dolby Atmos. Las nuevas mezclas fueron elaboradas con tecnología desarrollada en la productora del director neozelandés Peter Jackson, cuya vinculación con el universo beatle se remonta al magnífico documental Get Back. El trabajo de producción estuvo a cargo del productor Giles Martin -el hijo del venerable George Martin- y el ingeniero de sonido Sam Okell, el mismo equipo responsable de las ediciones especiales anteriores de la banda.

De acuerdo con lo publicado por la revista online Pitchfork, el set incluye también “Day Tripper” y “We Can Work It Out”, el single doble lanzado en paralelo al álbum en diciembre de 1965 pero que no formó parte de la edición original británica de Rubber Soul. Entre las grabaciones de sesión que se publican por primera vez figuran tres versiones distintas de “Norwegian Wood”, dos tomas de “Nowhere Man”, tres de “I’m Looking Through You” y una cinta del trabajo de composición de “Day Tripper”. También se incluye un demo de “We Can Work It Out” con la voz de McCartney y un extracto de “In My Life” con un solo de órgano que no llegó a la versión final del disco.

Más delicias (caras) para el fan coleccionista. La edición en caja de 5 LP y 4 CD viene acompañada de un libro de tapa dura de 88 páginas que incluye una introducción escrita por Paul McCartney y un prefacio compilado a partir de reflexiones de Lennon sobre Rubber Soul a lo largo de su vida. La revista inglesa MOJO detalló que también habrá versiones en formato Deluxe (2 LP / 2 CD) y Standard (1 LP / 1 CD), así como una edición en Blu-ray con audio en alta resolución a 96 kHz/24 bits y cuatro videos. Las ediciones exclusivas del sitio oficial de Los Beatles incluirán un póster y un set de tarjetas de arte, además de un picture disc en formato zoetrope (gira en forma circular con imágenes secuenciales, un típico efecto “psicodélico”).

[Video y fotos: Apple Corp]

El guitarrista de los Rolling Stones, Ronnie Wood, aterriza en Argentina el próximo 6 de noviembre y, más allá de la expectativa musical que despierta su llegada, su estilo reafirma su lugar como referencia indiscutible dentro del universo de la moda rock internacional.

La noticia vuelve a enfocar la atención en una identidad visual que supo transformarse a lo largo de las décadas, sin perder nunca la esencia que lo consagró como ícono entre músicos, diseñadores y amantes de la cultura pop.

Rock británico y sofisticación: el ADN de su imagen

Ronnie Wood construyó una estética donde la elegancia británica se fusiona con la irreverencia clásica del rock. En cada aparición pública, tanto sobre el escenario como en eventos sociales, deja huella con prendas sofisticadas y detalles inesperados, una combinación que confirma su influencia en la escena global.

En sus presentaciones en vivo, la elección de chaquetas con brillos, apliques metálicos o estampados llamativos es una constante. Estas piezas, confeccionadas habitualmente en terciopelo, satén o materiales que reflejan la luz, cumplen una doble función: destacan bajo los focos y proyectan una silueta dinámica que favorece la presencia escénica.

Bajo estas chaquetas, Wood suele lucir camisetas gráficas en colores intensos como el verde, el azul o el amarillo, muchas veces decoradas con imágenes vinculadas a la cultura pop o al propio universo de los Rolling Stones.

Los pantalones, por lo general negros o en tonos oscuros, se ajustan al cuerpo y mantienen la coherencia con el resto del conjunto. El resultado es una figura estilizada, pensada para moverse con libertad y captar la atención tanto del público como de las cámaras.

Uno de los elementos más singulares de su imagen es la correa de guitarra personalizada, recurrentemente decorada con motivos o patrones geométricos.

Esta correa trasciende la función utilitaria y se integra al vestuario como un accesorio esencial, reforzando la iconografía de los Rolling Stones y aportando un toque lúdico y visualmente potente.

En entornos formales, el guitarrista opta por trajes de corte ajustado, alternando entre tonos clásicos como el negro o el gris y combinaciones menos convencionales, como americanas de terciopelo rojo o pantalones satinados.

Las camisas, casi siempre en tonos claros y desabotonadas en el cuello, aportan un aire relajado que equilibra la sofisticación del conjunto. Los detalles de confección, como las solapas anchas, los botones metálicos o las costuras visibles, añaden textura y profundidad al look.

Accesorios como pañuelos de seda o bufandas delgadas completan el atuendo y refuerzan la tradición visual del rock británico.

El peinado, voluminoso y despeinado, es otro de los elementos característicos que definen su estilo. Este aspecto, junto con una postura relajada y expresiones faciales cercanas, construye una imagen de confianza y espontaneidad.

Lejos de responder a una tendencia pasajera, su manera de peinarse y moverse sobre el escenario remite directamente a la historia del rock, evocando a referentes de décadas pasadas y actualizando ese legado para nuevas generaciones.

La influencia de Wood en la moda no se limita al ámbito musical. Su capacidad para combinar prendas clásicas con detalles extravagantes ha sido observada por diseñadores y seguidores del género, quienes reconocen en su vestuario una fuente de inspiración constante.

El rescate de prendas vintage, la mezcla de texturas y la apuesta por accesorios audaces fueron replicados en colecciones de moda y en el street style de distintas ciudades, consolidándolo como referente de tendencias.

En alfombras rojas y eventos de prensa, el guitarrista de los Rolling Stones suele sorprender con trajes de estampados florales o rayas, camisas de patrones abstractos y gafas de sol de armazón grueso.

Esta elección refuerza una imagen atemporal y rebelde, capaz de adaptarse a diferentes contextos sin perder autenticidad. La coherencia de su propuesta estética reside en la capacidad de alternar entre lo clásico y lo excéntrico, manteniendo siempre una línea personal reconocible.

Su regreso a Argentina representa la oportunidad de reencontrarse con una figura cuya influencia trasciende la música y se extiende al terreno de la moda.

Su estilo, lejos de encasillarse en una sola época, ha sabido dialogar con distintas tendencias y generaciones, demostrando que la elegancia y la irreverencia pueden convivir en un mismo atuendo.

La suma de estos elementos construye una imagen coherente y vigente, donde cada aparición pública renueva el vínculo entre el rock y la moda, reafirmando a Ronnie Wood como uno de los grandes referentes internacionales de estilo.

Mick Jagger cumple 83 años y sigue proyectando una influencia inigualable tanto en la música como en la moda internacional. Como líder de los Rolling Stones, su figura se mantiene indiscutida en el universo del rock, pero también se ha consolidado como un ícono de estilo que trasciende generaciones.

A lo largo de su carrera, la leyenda británica no solo ha marcado el rumbo de la cultura con su música, sino que ha transformado la moda rockera en un lenguaje propio. Su presencia en el escenario y fuera de él desafía convenciones, combinando audacia, sofisticación y una capacidad única para anticipar tendencias.

Cada aparición pública reafirma su vigencia, demostrando que su estilo evoluciona sin perder autenticidad ni impacto. Desde trajes de colores intensos hasta combinaciones inesperadas de texturas y accesorios, Jagger redefine la elegancia masculina y continúa inspirando a diseñadores y seguidores en todo el mundo.

Su vestuario, lejos de responder a la nostalgia, se reinventa con cada etapa, convirtiéndolo en referente permanente de innovación y rebeldía estética.

Sastrería reinterpretada en clave rockera

La sastrería ocupa un lugar central en su guardarropa, pero lejos de limitarse a los cánones tradicionales, el cantante británico apuesta por reinterpretaciones audaces que lo distinguen en cualquier evento.

Prendas como sacos estructurados, blazers de corte impecable y trajes de textura satinada dominan su repertorio visual, siempre intervenidos con elementos contemporáneos.

Ejemplos notables incluyen el blazer azul de motivos cuadriculados combinado con una camisa celeste, o la chaqueta de rayas anaranjadas y blancas de doble abotonadura, que actualizan el concepto de elegancia masculina.

Estos conjuntos muestran cómo Jagger privilegia la sastrería tradicional, pero la transforma con colores poco habituales y detalles que escapan a la rigidez del protocolo, reforzando su carácter innovador dentro del círculo del rock.

En actos formales, suele elegir trajes oscuros con acabados brillantes, camisas claras y pañuelos o corbatas de estampados gráficos.

El uso de tejidos satinados y detalles metalizados introduce un matiz escénico incluso en los contextos más sobrios, mientras que los cortes precisos aseguran una silueta estilizada y moderna.

Uso del color y los estampados: una paleta audaz

Uno de los sellos distintivos del estilo de Jagger es su manejo del color y los estampados. A diferencia de otros referentes del rock, que optan por la sobriedad cromática, él apuesta por tonos vibrantes y patrones llamativos.

Camisas estampadas, chaquetas florales y prendas de colores intensos forman parte de su repertorio tanto en escenarios como en alfombras rojas.

Este enfoque se observa en la elección de camisas de puntos, estrellas o motivos gráficos, así como en la combinación de prendas de diferentes texturas y matices.

El resultado es un estilo que desafía las normas y dota a cada look de una energía propia, convirtiéndolo en fuente de inspiración para diseñadores y admiradores.

Accesorios y detalles maximalistas

Los accesorios desempeñan un papel fundamental en la construcción de su estilismo. El uso de bufandas de tejidos ligeros, broches dorados, gafas oscuras y anillos de gran tamaño añade un componente ornamental clave a sus conjuntos.

En uno de sus recientes looks, la bufanda con estampado geométrico en blanco y burdeos se convirtió en protagonista, aportando una dimensión sofisticada y bohemia. El broche en la solapa y los anillos reforzaron el carácter personal de su imagen.

Las gafas oscuras y el calzado negro deportivo son elementos recurrentes, que suman modernidad y comodidad sin sacrificar la elegancia.

Estos detalles maximalistas, lejos de saturar el conjunto, logran equilibrar la sofisticación de las prendas clásicas con un aire irreverente y actual.

La vigencia de Jagger en el mundo de la moda radica en su habilidad para conectar elementos clásicos con tendencias contemporáneas.

En las galas y eventos nocturnos, es habitual verlo con trajes de corte tradicional a los que suma accesorios o detalles inesperados, como camisas abiertas, tejidos brillantes o aplicaciones doradas.

Durante las presentaciones en vivo, elige chaquetas bomber con aplicaciones metálicas o camisas satinadas, que dialogan con la estética actual del maximalismo y la mezcla de texturas.

Esta combinación de tradición y vanguardia no solo refuerza su imagen de pionero, sino que lo mantiene vigente como referente para nuevas generaciones.

El equilibrio entre lo atemporal y lo moderno es, en sí mismo, una de las tendencias más notorias en la moda masculina contemporánea, y Jagger es uno de sus exponentes más visibles.

Athleisure y comodidad urbana

En algunas de sus apariciones también incorporó elementos propios del athleisure y la comodidad urbana, sin renunciar a la elegancia rockera que lo caracteriza. U

Un ejemplo fue cuando se lo vio con una camisa satinada en tono ciruela, acompañada de una bufanda delgada, gafas oscuras y gorra azul marino.

Esta combinación reflejó la influencia de las tendencias actuales que privilegian la mezcla de prendas funcionales con detalles sofisticados, y la preferencia por materiales que aportan movimiento y presencia bajo la luz.

El brillo de la tela y la caída fluida del tejido resaltaron su afinidad por los materiales versátiles, mientras que la incorporación de accesorios urbanos como la gorra añadió un matiz casual y moderno a su repertorio.

Así, Mick Jagger reafirma su lugar como referente indiscutido al integrar elementos de la moda actual sin ceder la personalidad que lo distingue. Su capacidad para adoptar tendencias y adaptarlas a su propio estilo confirma que la innovación y la autenticidad pueden coexistir, consolidando su figura como un ícono que sigue marcando el pulso de la cultura y la moda a cualquier edad.

El episodio se estructuró en torno a 11 canciones que sirvieron de hilo conductor para un recorrido por la historia del rock. Desde los primeros acordes de los Beatles hasta “New York Groove” de Ace Frehley, la charla abarcó el pop del Brill Building, el soul de Motown, el glam británico y los circuitos de clubes de Nueva York en los que KISS dio sus primeros pasos.

“Podés tener bombas de humo, podés tener láseres y todo lo demás, pero tenés que empezar con la canción“, sostuvo Stanley ante Coyne. “Cualquiera puede escribir una canción. Pero eso no te hace compositor. Es un oficio en el que uno trabaja”, agregó.

El guitarrista rememoró que, a los 15 años, ya recorría la 1650 de Broadway con su guitarra al hombro, mostrando sus temas a quien quisiera escucharlo, con el Brill Building y sus cubículos de compositores como modelo a seguir.

Simmons completó ese retrato generacional al recordar cómo vivió la llegada de los Beatles a los Estados Unidos. “Los escuché y pensé que iban a reventar el parlante”, describió sobre la primera vez que oyó I Want to Hold Your Hand en una radio de transistores.

La aparición de la banda en el programa de Ed Sullivan, un domingo a las 20h, terminó de confirmarle lo que ya intuía: el rock and roll tenía por delante un cambio de proporciones que él mismo quería protagonizar.

Sobre la escena de Nueva York a principios de los años 70, ambos trazaron una diferencia entre las bandas que conquistaron el interior del país y las que permanecieron como fenómenos locales. “Lo que hacían muchas de esas bandas no tenía ninguna relevancia ni conexión con el interior de América”, explicó Stanley.

“Si no estabas en una gran ciudad, era casi como un chiste interno que había que conocer de antemano”. Bajo esa lógica, la apuesta de KISS por un sonido más universal, tributario de Slade, los Rolling Stones y The Who, resultó determinante.

El caso de New York Dolls

Los New York Dolls aparecieron en la conversación como el ejemplo más claro de ese contraste. “Eran muy, muy una banda de Nueva York, y cuando llegabas a Ohio o a Indiana, se perdía. Se perdía por completo", señaló Stanley, quien no obstante reconoció la presencia escénica de los Dolls: "No eran la mejor banda del mundo, pero eran estrellas“.

Simmons recordó que KISS compartió algunas fechas con ellos antes de distanciarse, y que el guitarrista Sylvain Sylvain llegó a decirle, ante una propuesta de giras conjuntas: “Nos matarían”.

El tema del directo frente al estudio recorrió buena parte del episodio. Simmons admitió que los tres primeros álbumes de KISS, grabados en apenas 18 meses, no lograron capturar la energía que la banda desplegaba sobre las tablas.

Fue Kiss Alive, el álbum en vivo publicado en 1975, el que rompió esa brecha: “500.000, un millón, dos millones de copias. Nos llevó a las alturas en las que pasamos los siguientes 50 años”.

El oficio de escribir canciones

La conversación derivó también hacia referentes concretos del oficio de componer. Simmons mencionó a Carole King, a quien situó escribiendo Will You Still Love Me Tomorrow a los 19 años, con un bebé en la cuna junto al piano en el Brill Building.

Stanley evocó la competencia feroz entre los compositores del edificio, donde Barry Mann y Cynthia Weil escribían en una sala mientras King y Gerry Goffin respondían desde otra: “Tenés a los Beatles, y ahí Carole King y Gerry Goffin tienen que salir con la secuela”.

La mirada sobre el punk de Nueva York

Sobre el legado del punk neoyorquino, los dos músicos mostraron mayor escepticismo. Stanley afirmó que la música de The Velvet Underground “era más poesía que música” y añadió sin rodeos: "La música era una porquería“.

En cuanto a los Ramones, Simmons señaló que, pese al reconocimiento crítico de que gozan, la banda nunca llenó grandes estadios y registró apenas un álbum de oro en toda su carrera. "Las masas no lo entendieron“, observó.

El episodio cerró con New York Groove, la canción de Russ Ballard que Ace Frehley convirtió en un éxito de KISS. Simmons contó que fue el ingeniero Eddie Kramer quien convenció a Frehley de grabarla, pese a las dudas iniciales del guitarrista. “Era un gran vehículo para un intérprete o un cantante, y esa canción es Ace”, afirmó.

Al final de la entrevista, Stanley y Simmons anticiparon su ingreso al Salón de la Fama de los Compositores, previsto para el día siguiente. “Para estar abrazado por tus contemporáneos y por tus pares y por la gente que está allá arriba, es algo que te hace humilde”, señaló Stanley.

Alex Lora renovará votos matrimoniales con Chela Lora en el concierto de El Tri en el Palacio de los Deportes este sábado 25 de julio de 2026, en el marco de la gira Adicto al Rocanrol. El evento conmemora 46 años de matrimonio, 55 de noviazgo y 58 de trayectoria del grupo en el rock mexicano. La pareja adelantó la celebración porque en octubre, fecha de su aniversario oficial, estará de gira en Barcelona.

Alex Lora compuso una canción nueva para la renovación de votos

Para la ocasión, el músico creó el tema que cantó en la conferencia de prensa, “Nuestro amor mantiene vivo nuestro rocanrol”, escrita específicamente para el concierto del sábado. “Es que yo sepa nunca nadie de ningún estilo musical ha renovado votos en tocada. Entonces pues vamos a festejar 46 años de casados, 55 años de novios y 58 años de rock and roll de México para el mundo”, declaró el músico durante la rueda de prensa previa al evento. El cantante agregó: “Inventé la rola que dice ‘nuestro amor mantiene vivo nuestro rock and roll’”.

La ceremonia dentro de un concierto masivo no tiene precedente documentado en la historia del rock en México, según señaló el propio músico.

Chela Lora y Alex Lora: 55 años desde Avándaro

La historia de la pareja arranca en el Festival de Avándaro de 1971, el evento que marcó el inicio del rock masivo en México y en el que participó la banda original de Lora, Three Souls In My Mind. Desde ese primer encuentro, la relación creció en paralelo a la carrera musical: noviazgo, matrimonio y cinco décadas de trabajo conjunto dentro y fuera de los escenarios.

Chela Lora ha sido una figura constante en la historia de El Tri, tanto en la vida personal del líder como en la gestión del grupo. Para ambos, el concierto del 25 de julio representa la confluencia de dos celebraciones: la personal y la artística.

El concierto en el Palacio de los Deportes, dentro de la gira Adicto al Rocanrol

La presentación en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México forma parte de la gira Adicto al Rocanrol, con la que El Tri festeja más de cinco décadas de carrera ininterrumpida. El recinto, conocido como el “Domo de Cobre”, recibe a la banda después de que el 15 de febrero de 2025 el grupo convocara a más de 60 mil personas en el Estadio GNP Seguros durante cuatro horas y media de concierto, en el cierre de su gira anterior, Y Todo Por El Rocanrol.

Previo a esta fecha, El Tri también ofreció dos conciertos sinfónicos en el Auditorio Nacional junto a la orquesta Esperanza Azteca, bajo la dirección del maestro Julio Saldaña.

El Tri fue fundado por Alex Lora en 1985 tras la transición de Three Souls In My Mind. Con más de 30 millones de discos vendidos en todo el mundo, el grupo se consolidó como uno de los proyectos musicales de mayor alcance del rock en español.

La banda ha sido pionera en abordar temas sociales, políticos y urbanos en México a través de sus letras, convirtiéndose en la voz de varias generaciones. A lo largo de su carrera, El Tri ha grabado 55 álbumes y ha realizado giras internacionales, tocando en países como Estados Unidos, Perú, Chile y en varias ciudades de Europa.

Han recibido reconocimientos como el Grammy a la Excelencia Musical y han llevado su música a escenarios emblemáticos, como el Palacio de los Deportes en la Ciudad de México, donde celebran sus aniversarios con conciertos masivos. En Perú, la banda fue homenajeada por sus presentaciones históricas, como la de la Playa del Silencio ante 200 mil personas.

Cada nueva producción genera expectativa global y la reciente entrevista concedida a Apple Music por Mick Jagger, Keith Richards y Ronnie Wood, junto al productor Andrew Watt, ofrece una radiografía precisa de la dinámica creativa, el legado de la banda y los desafíos de mantenerse vigente tras seis décadas de historia.

Según lo reportado por Apple Music, los artistas abordaron desde el proceso de grabación de sus últimos discos hasta la manera en que la convivencia y las nuevas tecnologías impactan en la evolución del grupo.

El diálogo entre los miembros de la banda y el periodista Zane Lowe permitió entender los mecanismos internos que permitieron a The Rolling Stones no solo sobrevivir a las modas, sino también reinventar su propio sonido.

La conversación recorrió temas como la importancia del ambiente en el estudio, la memoria de Charlie Watts y el aporte de músicos invitados, así como la manera en que la amistad y el espacio personal se convirtieron en una fórmula para la permanencia del grupo.

Crear sin mirar atrás

Durante la entrevista, Jagger se refirió al proceso de creación de los últimos trabajos del grupo y puso como ejemplo “Foreign Tongues”, el álbum lanzado el 10 de julio de 2026. Según explicó, la grabación estuvo marcada por una dinámica de trabajo rápida y colaborativa, con el objetivo de evitar que las dudas interrumpieran el desarrollo de las canciones.

“En el último álbum, en vez de pasar noches enteras componiendo, aplicamos una especie de ‘bulldozer approach’. Así, nadie tiene demasiado tiempo para deconstruir una canción o frenarla con dudas. La consigna era hacer, probar y después decidir si servía o no”, relató el cantante.

Esta metodología, según el propio cantante de 82 años, fomenta la espontaneidad y permite que cada integrante deje su sello personal en las canciones.

El ambiente o la sala de grabación también ocupa un lugar central en la filosofía de la banda. Richards señaló que cada estudio ofrece su propia resistencia o bienvenida, y que el resultado depende del “carácter” del lugar.

“Hay salas donde hay que pelear, y otras que parecen recibirte. Al final, todas terminan siendo grandes salas después de que las domás”, afirmó el guitarrista de 82 años. El productor Andrew Watt, por su parte, fue destacado como una pieza clave para canalizar la energía del grupo y recordarles detalles de su propio legado creativo.

El legado de Charlie Watts y el recambio en la batería

El recuerdo de Charlie Watts está presente en la nueva etapa de la banda. Wood detalló cómo, en las sesiones previas en París, lograron registrar hasta nueve canciones en un solo día junto a Watts, dejando material inédito que preserva su estilo.

“Charlie simplemente decía ‘dame la siguiente canción’ y seguía tocando. Mucho de lo que grabamos nos sirvió para este disco”, relató el bajista de 79 años en la conversación para Apple Music.

La incorporación de Steve Jordan fue recomendada por el propio Watts, según compartió Richards: “Si alguna vez iba a trabajar con otro baterista, debía ser Steve. Él es un gran admirador de la forma de tocar de Charlie, creció escuchándolo, así que hay una apreciación mutua en el estudio”.

Las grabaciones de Watts aún forman parte de la identidad de la banda, y su estilo, que fusionaba el swing del jazz con la discreción en el rock, sigue influyendo en la manera de abordar los nuevos temas.

Química interna y evolución musical

La colaboración entre Ronnie Wood y Keith Richards se describe como una conversación permanente entre guitarristas que saben cuándo avanzar y cuándo retirarse en la ejecución.

“Keith es predecible para mí porque cuando empieza un riff va a sostenerlo, y yo puedo decorar sobre esa base”, explicó Wood. Richards lo resumió con una metáfora: “Él es el pastel y yo el glaseado”.

El proceso de consolidar una canción dentro de la banda inicia con demos y arreglos precisos de groove y estructura. Jagger subrayó que el ritmo y la interacción entre batería, bajo, guitarras y voces son esenciales para que el resultado “funcione”.

La experimentación, sin perder el sello propio, también se manifiesta en la apertura a nuevas tecnologías. El videoclip de “In the Stars” utiliza inteligencia artificial, un recurso que sorprendió incluso a los propios integrantes. Richards reconoció que “no sé lo suficiente de IA para hablar, pero es una aventura en sí misma”.

En los últimos años, la banda sumó colaboraciones con figuras como Paul McCartney y Robert Smith. Jagger comentó sobre la participación de McCartney en “Covered In You” que “no lo reconocería por su estilo actual. Tampoco sabía que podía tocar en plan punk tan simple como queríamos. Tiene una gran capacidad para cambiar de registro”.

La convivencia y el secreto de la permanencia

El tema de la longevidad del grupo fue central. Richards atribuyó la continuidad de The Rolling Stones a “una vida saludable y acostarse temprano”, una declaración que ya se viralizó en redes sociales.

Wood sumó otra clave: mantener una distancia saludable entre los miembros fuera del estudio. “No saturamos el tiempo juntos. Cada uno vive su vida y cuando nos reunimos, es como si no hubiera pasado el tiempo. Volvemos a ser chicos traviesos en el estudio”, indicó Wood.

La amistad entre Jagger y Richards es señalada como un pilar de la banda. El guitarrista lo describió como “un matrimonio en cierto modo”, donde el gusto compartido por la música es la base de todo.

Jagger reconoció que parte del éxito radica en no haber convivido de forma continua: “Vivir separados los últimos años ayudó a mantener renovados nuestros encuentros”.

The Rolling Stones sigue definiendo su presente entre el homenaje a su historia y la búsqueda de nuevos sonidos. La banda no descarta futuros discos y mantiene la expectativa de volver a la carretera, como anticipó Richards: “El año que viene está totalmente abierto, así que es cuestión de esperar el llamado”.

Bob Geldof y su novia, Paula Yates, estaban haciendo lo mismo que hacían todas las noches: mirar la BBC. Un informe de cuatro minutos sobre la grave situación humanitaria en Etiopía captó la atención de él. Las imágenes daban cuenta de la hambruna de ese país en un continente al que el mundo trataba como si fuera otro planeta, distante y desconocido. Esos cuatro minutos iban a cambiar la historia de la música.

Geldof, irlandés, cantante, compositor y, por ese entonces, líder de The Boomtown Rats, llamó a su amigo Midge Ure, el frontman de Ultravox. Acababa de tener una idea que, a la luz de cómo terminó ese impulso, resultaría demasiado modesta: escribir una canción, convocar a artistas importantes para grabarla, y donar las regalías a Etiopía.

La idea era novedosa y también era riesgosa. El rock no tenía aceitado ningún mecanismo enfocado en la solidaridad. Más bien era un género que, en algunos casos, denunciaba y miraba con cinismo al sistema, aunque nunca tanto como el punk. Pero no actuaba colectivamente sobre eso que denunciaba. No sólo porque no había construido sus herramientas para hacerlo, sino también porque el mundo del rock no debía verse como un mundo empático, frágil, conmovido. Y porque cada estrella cuidaba lo suyo: la guerra de egos era una constante.

Dos canciones y un plan

Pero aunque el rock era todo eso, Geldof insistió y el plan se puso en marcha. Sting, Phil Collins, Bono, Boy George y George Michael fueron algunos de los que le pusieron la voz al single “Do they know it’s Christmas?”, que alcanzó el primer lugar en los rankings en los días previos a la Navidad de 1984.

Meses después, el modelo fue replicado en Estados Unidos: Michael Jackson y Lionel Richie escribieron nada menos que la histórica “We are the world”, y junto al emblemático productor Quincy Jones convocaron a Bob Dylan, Bruce Springsteen, Stevie Wonder, Cindy Lauper, Paul Simon, Billy Joel y otras grandes estrellas para grabarla en una sola sesión tras la entrega de los Grammy de 1985.

Esa noche, Quincy Jones, un trompetista virtuoso y el histórico productor que acompañó a Michael Jackson a convertirse en el rey del pop, le presentó a su plantel de súper estrellas al inspirador del proyecto: Bob Geldof. Geldof no dudó y dio un discurso estremecedor sobre el hambre en África. Habló del hambre, dio cifras insoportables y llamó a todos esos artistas a accionar en contra de esa masacre. Lo aplaudieron y parecían convencidos de hacerlo.

Unas horas después, el líder de The Boomtown Rats, volvió a hacerse del micrófono sin que nadie se lo diera y gritó. Empezó a quejarse del lujoso catering que estaban consumiendo. Alguien lo interrumpió para aclararle que el catering era una donación. Geldof no volvió a usar el micrófono esa noche. Y se quedó pensando. Ambos singles, el grabado en Inglaterra y el que se había editado en Estados Unidos, habían recaudado decenas de millones de dólares. Estaba seguro de que podía hacerse más.

El hombre que insistió hasta que le dijeron que sí

En marzo de 1985, cada vez más enfocado en lograr un cambio más grande para ese país que lo había desvelado en el informe de la BBC, Geldof se reunió con Harvey Goldsmith, el promotor de rock más importante del Reino Unido.

Le propuso algo que Goldsmith consideró directamente imposible: un recital simultáneo en dos continentes, con los mayores artistas del mundo de la música sobre el escenario. Goldsmith intentó disuadirlo: juntar a tanta gente era inviable, la coordinación entre Europa y Estados Unidos sería dificultosísima, y los egos de los artistas más grandes terminarían de imposibilitar el plan.

Geldof asintió con la cabeza y cuando Goldsmith terminó de hablar le dijo: “Creo que el 13 de julio es una buena fecha. Ya averigüé y Wembley está disponible”. El histórico Live Aid ya era una idea imparable.

Esa misma tarde, una discográfica le cedió una oficina y Geldof se puso a trabajar. Lo primero fue contactar a Bill Graham, el mítico promotor musical norteamericano, que sería el hombre clave al otro lado del Atlántico. Después vino el obstáculo más difícil: convencer a los artistas y lidiar con sus aires de grandes estrellas.

El éxito de los singles benéficos había ablandado a algunas de las grandes figuras. Pero, aunque hoy parezca increíble, en ese entonces nadie quería excederse en sus demostraciones de empatía y fragilidad. El rock, el verosímil con su público y el negocio que llevaba implícito, consistía en ser “chicos malos”.

Geldof utilizó un recurso muy simple y muy eficaz. A cada nombre importante que contactaba le aseguraba que otras grandes estrellas ya habían aceptado, y remataba siempre con la misma pregunta: “¿Vos te vas a quedar afuera?”. A Sting le dijo que Elton John y Billy Joel ya se habían sumado. Cuando habló con Elton, le informó que los primeros en aceptar habían sido Sting y Billy Joel.

El mismo método funcionó con las cadenas televisivas. NBC y CBS rechazaron la propuesta. ABC era la última opción. Al iniciar esa reunión, Geldof explicó que no podía comprometerse porque había prometido a NBC comunicarle cualquier oferta superior. ABC aceptó.

Reducir costos, agrandar la marquesina

El problema dejó de ser conseguir artistas y pasó a ser rechazar propuestas de grupos con enorme convocatoria sin destruir relaciones: ya no había lugar para tantos. El presupuesto original bajó de 20 millones de dólares a 4 gracias a donaciones, ahorros y presiones para abaratar los costos. Cuando llegó una factura de 15 mil dólares por placas conmemorativas de agradecimiento, Geldof amenazó con despedir a todo el equipo de producción norteamericano. En apenas un rato, esa misma factura bajó a 5 mil.

La recaudación se estructuró en cuatro rubros: las casi 200 mil entradas de ambos estadios —que se agotaron en horas—, los derechos televisivos vendidos a 150 países, el merchandising y las maratones televisivas que se organizaron para poder recibir donaciones por esa vía.

Geldof exigió que en cada país importante de Europa, Asia y América hubiera centros de recaudación simultáneos al show. Cuando algunos países se resistieron, amenazó con retirarles los derechos de transmisión. Hubo 22 maratones televisivas alrededor del mundo.

Wembley y Philadelphia

El estadio de Wembley, en Londres, era el escenario más grande que el Reino Unido podía ofrecer y estaba preparado para 72 mil personas. El estadio JFK de Philadelphia, elegido para la pata estadounidense del enorme evento solidario, tenía capacidad para 99 mil. El 13 de julio de 1985 los dos estaban repletos.

A las doce del mediodía en Londres —las siete de la mañana en Philadelphia— una voz anunció: “Son las 12 en punto en Londres, las 7 de la mañana en Estados Unidos, y en todo el mundo, es hora del Live Aid”. Llegaron nada menos que los príncipes de Gales, Carlos y Diana. La banda Coldstream Guards tocó el saludo real. Y a continuación salió a escena Status Quo, que abrió el show con “Rockin’ All Over The World” ante 72 mil personas que llevaban horas en las tribunas, esperando por los primeros acordes.

Lo que siguió fue una sucesión de presentaciones que, en total, duraron dieciséis horas imparables y que batieron todos los records. Ni la final del Mundial de 82 ni los Juegos Olímpicos de Los Ángeles 84 habían llegado a los 1.500 millones de espectadores televisivos de todo el mundo que tuvo ese día el Live Aid. Algunos artistas encontraron sobre esos escenarios su consagración definitiva. Y algunos otros hicieron algo entre una presentación mediocre y un papelón.

Un desconocido ante el micrófono

La apertura del show en el estadio JFK fue una de las perlas de la jornada. El primer artista en subir al escenario norteamericano fue un chico de 18 años con rulos, una armónica colgada al cuello y una guitarra. Se presentó como Bernard Watson. Su nombre real era David Weinstein y sus antecedentes artísticos eran prácticamente nulos.

Cuando escuchó en la radio que se realizaría el concierto en Philadelphia, consideró, sin motivos artísticos pero sí con mucha determinación, que él era el indicado para abrirlo. Se instaló en el estacionamiento del estadio JFK y durmió ahí durante varios días esperando cruzarse con el productor Bill Graham para convencerlo.

Antes de llegar al promotor, lo encontraron algunos periodistas que publicaron su historia como una curiosidad en un recuadro de la sección de espectáculos del diario local. A media mañana, Graham mandó a un emisario con un cassette para conocer su música. Diez minutos después, el propio Graham bajó al estacionamiento con una bandeja de comida y le dijo: “Comé que tenés que estar bien para el sábado. Parece que vas a abrir el show… ¿o pretendés ser el que lo cierre?”.

Bernard Watson abrió el Live Aid en Estados Unidos y, después de su presentación, le cedió el escenario al actor Jack Nicholson, que leyó un discurso sobre el escenario del hambre en África y especialmente en Etiopía. “Nunca estuve tan nervioso en mi vida, por suerte traje anotado todo lo que quería decir”, dijo el actor de El resplandor tras dirigir sus palabras a casi 100.000 personas. Lo que siguió fue la presentación de Joan Baez, que le dijo al público: “Disfruten, este es su Woodstock”.

Luces y sombras

En Wembley, Geldof tocó con sus Boomtown Rats y en el momento en que la letra decía “and the lesson today is how to die” (“y la lección de hoy es cómo morir”), levantó el puño izquierdo e hizo una pausa. El estadio estalló. Midge Ure tocó con Ultravox. Sade fue el primer gran deslumbramiento en el estadio.

Elvis Costello subió solo con una guitarra eléctrica y tocó un himno a la unión de los seres humanos: “All you need is love”, de los Beatles. Sting y Phil Collins hicieron un set conjunto que incluyó una versión acústica de “Every breath you take”.

Phil Collins tuvo el día más agitado de todos. Fue el único artista en tocar en los dos escenarios. Después de su actuación en Wembley, una moto lo llevó al aeropuerto, cruzó el Atlántico sobre un Concorde —usó esas tres horas de vuelo para repasar las canciones de Led Zeppelin— y subió al escenario en Philadephia.

U2 todavía no era una de las bandas más importantes del planeta. El Live Aid les valió esa consagración.. Tocaron “Sunday bloody sunday” y el público enloqueció. En la segunda canción de su show, “Bad”, Bono empezó a hacerles señas a los encargados de seguridad: les marcaba una zona del público.

Como no lo entendieron, bajó del escenario y se acercó a una chica de 15 años que estaba siendo asfixiada por la presión de la multitud. La abrazó, bailó unos segundos con ella y volvió al escenario para terminar una versión de más de diez minutos de la canción del disco “The unforgettable fire”.

No tuvieron tiempo para la tercera canción pero no importó: la presentación de U2 había sido extraordinaria en todos los sentidos posibles, y la chica del público contaría en 2005 que Bono le había salvado la vida.

Led Zeppelin fue quizás el momento más esperado del show en Estados Unidos. Se presentaron como Page, Plant y Jones —sin John Bonham, muerto en 1980, no podían llamarse formalmente Led Zeppelin— con Tony Thompson de Chic en la batería y Phil Collins como segunda batería, en una combinación que casi no habían ensayado.

La presentación fue desastrosa. Page, el eximio guitarrista de la banda, estaba en pésimo estado. Plant desafinaba. John Paul Jones intentaba mantener la estructura de las canciones con su bajo, pero era un trabajo imposible. Los propios Page y Plant se opusieron a que su actuación fuera incluida en el DVD del evento que se editó años después: había sido un papelón.

Madonna también tuvo una mala noche en Philadelphia. Antes de salir al escenario, alguien le dijo que en los pasillos se rumoreaba que lo más poderoso de sus shows era que se sacaba la ropa y no mucho más. Salió a escena enojada y desconcentrada: dio un espectáculo correcto pero sin toda la potencia y el histrionismo de los que es es capaz.

Bob Dylan fue el encargado de cerrar el show en Estados Unidos. Keith Richards y Ron Wood fueron sus acompañantes. La falta de ensayo y un Dylan disperso hicieron que la presentación fuera bastante olvidable. Durante “Blowin’ in the wind”, Dylan rompió las cuerdas de su guitarra. Ron Wood, en un gesto de amistad, le dio la suya y se quedó sin instrumento hasta que le trajeron uno de repuesto.

Del otro lado del océano, Paul McCartney cerró la presentación en Wembley con “Let it be” al piano. El micrófono falló durante los primeros dos minutos. El público reclamaba a gritos. McCartney tuvo que repetir versos y estrofas mientras los técnicos intentaban arreglar el sonido.

Sus acompañantes —David Bowie, Pete Townshend, el mismísimo Geldof— se equivocaron repetidamente en la letra. Fue un final incluso más caótico que el de Dylan, su guitarra rota y su desgano. McCartney tuvo que volver a grabar su voz para la edición en DVD del show.

Queen, veinte minutos para la historia

Todos los artistas tenían veinte minutos para estar sobre el escenario. Pero nadie los aprovechó como Queen. Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon salieron al escenario de Wembley y tocaron algunas estrofas de “Bohemian Rhapsody”. Siguieron “Radio Ga Ga”, “Hammer to fall”, “Crazy little thing called love”, “We will rock you” y “We are the champions”. Fue una avalancha de hits, una presentación arrolladora en la que Freddie Mercury se adueñó del público, de sus voces, de sus estados de ánimo.

No era el mejor momento de Queen en términos de popularidad. La prensa norteamericana no los trataba bien y la banda venía de años complicados, sobre todo en cuanto al vínculo entre ellos.

Pero en Wembley nada de eso importó. Aprovecharon su oportunidad y dieron el show de sus vidas. En una encuesta hecha a nivel global varios años después, la actuación de Queen en el Live Aid fue elegida el mejor concierto de rock de todos los tiempos, con el 79% de los votos.

100 millones de dólares y denuncias

Mientras Queen tocaba, el festival ya había recaudado más de un millón de libras esterlinas. La recaudación total del Live Aid superó los 100 millones de dólares. Fue transmitido en directo en más de 72 países. El dinero fue administrado por la fundación Band Aid Trust, creada por Geldof y destinada a la lucha contra el hambre en África.

Años después surgieron denuncias de que parte de los fondos enviados a Etiopía habían sido utilizados por el gobierno de ese país para comprar armas y financiar traslados forzosos de población en el marco de un programa de “reasentamiento” que dejó miles de muertos.

La BBC realizó una investigación al respecto. Geldof salió a desmentirlo con dureza y la BBC terminó publicando una disculpa antes de cada informativo luego de que se demostrara que las acusaciones contra Band Aid eran falsas.

Veinte años después del Live Aid, Geldof organizó el Live 8, otro mega concierto con fines benéficos. En el camino fue nombrado Caballero de la Corona y nominado varias veces al Premio Nobel de la Paz. Cada tanto se queja amargamente de que su labor filantrópica opacó su carrera como músico. Dijo, textualmente: “De no ser por el Live Aid yo hoy sería como Sting”

Después de aquel histórico 13 de julio de 1985, esa fecha se convirtió en el Día Mundial del Rock. Es que, aunque ese género musical parecía no querer saber nada con mostrarse solidarios, frágiles y empáticos, finalmente se brindaron a un objetivo común que iba más allá de todos los egos. Mostraron el corazón en vez de los dientes.

Alex Lora celebra 56 años de carrera y, al mismo tiempo, renueva votos con Chela tras 46 años de matrimonio con espectacular concierto en CDMX. El Tri se presenta el 25 de julio en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México con su Tour Adicto al Rocanrol, el concierto con el que

Los boletos en Ticketmaster van de $620 a $2,604 pesos, aún con disponibilidad.

Tijuana abre el mes: El Tri toca esta noche

Antes de llegar a la capital, la banda tiene una parada esta noche en Tijuana. El show arranca a las 21:00 horas en el Audiorama El Trompo (Libramiento los Insurgentes, Río 3ra. Etapa), con entradas desde $272 pesos en General de Pie hasta $1,150 pesos en VIP Butaca, más cargos por servicio.

Los boletos se consiguen directamente con el recinto. Más información en el Facebook de El Trompo o al teléfono (664) 634-3476.

CDMX, 25 de julio: fecha, horario y cómo llegar al Palacio de los Deportes

El Tri llega al Palacio de los Deportes (Añil 667, colonia Granjas México, alcaldía Iztacalco) el 25 de julio a las 21:00 horas. El recinto se ubica a una cuadra de la estación Velódromo de la Línea 9 del Metro.

El show está pensado como un repaso de grandes éxitos, con un repertorio orientado al público que sigue a la banda desde hace décadas.

Boletos: precios y disponibilidad en Ticketmaster

Los boletos para la fecha en la Ciudad de México se venden en Ticketmaster. El precio más accesible parte de $620 pesos, mientras que la opción más cara llega a $2,604 pesos.

La disponibilidad es escasa. En plataformas de reventa, el precio de entrada ya supera los USD 360 por boleto y al menos un sitio reporta agotamiento total, aunque con posibilidad de liberación de lugares adicionales.

León, el siguiente destino: Rockstar Fest el 31 de octubre

El 1 de julio, Alex Lora confirmó la participación de El Tri en el Rockstar Fest Vol. 3 en León, Guanajuato. El festival se realizará el 31 de octubre en la Velaria de la Feria, con boletos desde $700 hasta $14,800 pesos según la zona.

Las entradas se adquieren en sucursales de Rockstar Burger o en línea a través de Rockstar Ticket.

La bioserie que Alex Lora y Chela ya tienen en mente

En paralelo a la gira, la pareja adelantó en Venga la Alegría su intención de producir una bioserie sobre la historia de El Tri. El proyecto tomaría como punto de partida el Festival Rock y Ruedas de Avándaro de 1971, donde Lora y Chela se conocieron.

“En el 71 que nos conocimos, que fue en el Festival de Avándaro y que donde la verdad nació toda esta historia de amor y de trabajo y de rocanrol y todo, la verdad sí es una historia que se tiene que contar”, dijo Chela a ese programa.

Para interpretarlo en su etapa actual, Alex Lora mencionó al actor César Bono como opción. “Siempre me han dicho que si soy el maestro César Bono, por la voz y por la horma. Entonces, el maestro Bono, pues podría ser el Alex Lora ya de esta época”, señaló el músico.

Una boda en el escenario: la renovación de votos número 13

El 25 de julio no solo será una noche de rock. Alex Lora y Chela Lora renovarán sus votos matrimoniales en pleno escenario del Palacio de los Deportes, ante miles de fanáticos, en lo que será su decimotercera ceremonia desde que se casaron en 1980.

La celebración será oficiada por el monseñor Darío Monroy, sacerdote que ha acompañado a la pareja en varias de sus renovaciones anteriores. Lora explicó que la idea surgió al recordar a Sly Stone, quien se casó en el Madison Square Garden en 1974 durante un concierto. “Que alguien renueve votos o se case en la tocada, yo creo que será la primera vez” en la historia del rock mexicano, dijo el músico a Venga la Alegría.

“A pesar de los chismes, las envidias, la satanización, la prohibición, todo lo que hemos tenido que sobrevivir para seguir adelante, aquí seguimos tan frescos como hace 55 años”, añadió Lora.

El setlist y el cierre europeo de la gira

El repertorio del 25 de julio reunirá clásicos de distintas etapas de la banda: Triste Canción, Las Piedras Rodantes, Niño Sin Amor, Pobre Soñador, Metro Balderas y Cuando tú no estás forman parte del setlist previsto, según información del sitio Stadibox y del portal El Club del Rock.

La gira Adicto al Rocanrol arrancó el 12 de octubre de 2025 en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México con la Orquesta Filarmónica Esperanza Azteca, y cerrará el 12 de octubre de 2026 en Barcelona, como parte de una travesía europea de 11 ciudades que coincidirá con el aniversario de la primera presentación de Lora, ocurrida ese mismo día de 1968.

Para entender el peso de esa pregunta, conviene recordar de dónde vienen. Los Rolling Stones se formaron en Londres en 1962 -hace 64 años- con una vocación declaradamente blues: eran cinco jóvenes de los suburbios del sur inglés que querían sonar como Muddy Waters y Chuck Berry, y que encontraron en esa aspiración una identidad tan sólida que todavía los sostiene. Entre 1968 y 1972 produjeron una de las rachas más celebradas de la historia del rock: Beggars Banquet, Let It Bleed, Sticky Fingers y Exile on Main St., cuatro álbumes consecutivos que la crítica especializada considera el pico creativo de la banda y, para muchos, de todo el género. Exile..., grabado en parte en una villa alquilada en el sur de Francia durante el exilio fiscal de los por entonces revoltosos rockers, ocupa el puesto número 7 en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone, y fue el primero en llegar simultáneamente al número 1 en el Reino Unido y los Estados Unidos.

Lo que vino después, sin ofender, fue más irregular. Luego de Some Girls (1978) —que absorbió el punk y la disco de Nueva York con una agilidad que sorprendió a propios y extraños— la banda entró en una zona de turbulencias que incluyó disputas personales, la salida del bajista Bill Wyman en los años 90, y una sucesión de álbumes que la crítica describió con términos que iban de “correctos” a “prescindibles”. Dirty Work (1986) y Voodoo Lounge (1994) son los ejemplos más citados de esa etapa de rendimiento decreciente. La banda siguió siendo el espectáculo en vivo más taquillero del planeta, pero sus discos dejaron de ser eventos culturales para convertirse en productos de catálogo.

Esa trayectoria hace que la última etapa de los Stones sea difícil de encuadrar con los parámetros habituales de la crítica. Hackney Diamonds, lanzado en 2023 tras 18 años sin canciones originales, fue recibido con una mezcla de alivio y genuina sorpresa: sonaba a una banda que había vuelto a encontrar placer en el proceso de grabar. Ganó el Grammy al mejor álbum de rock en 2025 y debutó en el número 3 en los Estados Unidos. Foreign Tongues llega tres años después, producido nuevamente por Andrew Watt, y la pregunta ya no es si los Stones pueden hacer un buen disco a esta edad, sino qué tipo de disco pueden —y quieren— hacer.

La respuesta es, en términos generales, la misma que dio su antecesor: un disco que suena a los Stones siendo los Stones, con el blues como eje gravitacional y la sensación de que la música se toca en una habitación real. El productor Andrew Watt, que además de producir obtuvo créditos de composición junto a Jagger y Richards (nada menos), vuelve a funcionar como custodio del sonido de la banda: Richards mezclado a la izquierda, Wood a la derecha, las guitarras en el centro, sin Dust Brothers ni experimentos electrónicos que distraigan. El álbum fue grabado en menos de un mes, un dato que habla tanto de la eficiencia del trío como de la acumulación de material que quedó fuera de Hackney Diamonds.

El disco abre con “Rough and Twisted”, una bocanada de blues que referencia a Muddy Waters desde el primer verso y establece el tono de lo que vendrá. La canción tiene la misma arquitectura de siempre: guitarras que se entrecruzan con calculada aspereza, el ritmo como columna vertebral, y Jagger al frente con una voz que, a los 82 años, se puede calificar tan proyectada y precisa como cuatro décadas atrás. Esa voz es, en sí misma, uno de los datos más distinguibles de procesar del álbum.

Pero hay otros ángulos de análisis. La dimensión política es donde Foreign Tongues se juega su apuesta más arriesgada. Desde “Street Fighting Man” (1968), que capturó el espíritu insurreccional de mayo del 68 en París, hasta “Gimme Shelter” (1969), cuya atmósfera de amenaza latente se convirtió en el soundtrack involuntario del asesinato en Altamont, los Rolling Stones han documentado el malestar de su época con una precisión que sus contemporáneos rara vez igualaron. “Undercover of the Night” (1983) y “Sweet Neo Con” (2005) completaron esa línea. Foreign Tongues la continúa, esta vez con los Estados Unidos de 2026 como blanco principal.

En “Ringing Hollow”, una balada country con influencia de Gram Parsons que varios críticos señalan como el momento más logrado del disco, Jagger recorre el paisaje cultural estadounidense con la mirada de alguien que lo amó antes de conocerlo —a través de sus películas y sus cigarrillos— y que ahora lo ve deteriorarse. “Lady Liberty don’t look so good when there’s a tear in her gown” (Lady Liberty no se ve tan bien cuando hay un desgarro en su vestido) canta. En “Covered in You”, donde Paul McCartney toca el bajo -como un sesionista, bromeó el beatle-, se despierta “harto de todos estos autócratas” que se reproducen “como una plaga de ratas sucias con sus misiles en desfile”. Y en “Mr. Charm”, un himno al seductor con pulso punk, aparece la referencia más explícita del álbum: “mad mogul Mr. Musk”, una referencia directa a Elon Musk que no necesita de nombres completos para hacer blanco.

La ironía de un multimillonario que critica a otros multimillonarios no pasa inadvertida, aunque a esta altura resulta bien sabido que el señor Jagger nunca reconoce en una canción su propia posición de privilegio. Esa omisión no invalida las canciones, pero les pone un asterisco que vale la pena registrar. Los Rolling Stones han construido con envidiable precisión y durante seis décadas, una imagen de outsiders que convive, sin demasiada tensión aparente, con su condición de empresa multinacional y multimillonaria. Foreign Tongues no hace nada por resolver esa contradicción, ni falta que hace.

Lo que sí resulta genuino, y donde el álbum gana su argumento más sólido, es en el tono elegíaco que recorre varias de sus canciones. La muerte del baterista Charlie Watts en agosto de 2021 reconfiguró silenciosamente la banda. Watts era, según la descripción más repetida entre músicos y críticos, el ancla rítmica que mantenía la estructura mientras Jagger y Richards se permitían cualquier exceso. Su ausencia física no se traduce en un hueco sonoro —Steve Jordan toca en la mayoría de los temas con solvencia y personalidad— pero sí en una presencia espectral que el disco administra con inteligencia. En “Hit Me in the Head”, un rock de ruta grabado en 2021, la batería de Watts aparece desde el archivo, meses antes de su muerte, como el gesto más explícito del álbum sobre su propio tema de fondo: la conciencia de que esta formación tiene fecha de vencimiento.

Esa conciencia impregna también “Some of Us”, la canción que Keith Richards canta en voz principal y que, según el propio productor Watt, fue “rescatada del archivo” de material sin publicar que data de los años 80. La voz de Keef ya no disimula el esfuerzo, y eso es exactamente lo que la hace funcionar: “Some of us are on our knees, begging, baby” (Algunos de nosotros estamos de rodillas, suplicando, cariño) canta, y la frase tiene el peso de alguien que habla de rodillas propias. Wood, por su parte, entrega el solo de cierre de “Back in Your Life” con una intensidad que Jagger celebra en la grabación con un “¡Vamos, Ronnie!” que quedó en la mezcla final. Son los momentos en que el disco baja la guardia y deja ver algo más que oficio.

La variedad estilística del álbum es real, aunque no siempre convincente. “Jealous Lover” es un número de disco slinky en la tradición de “Miss You” o “Emotional Rescue” (con video protagonizado por la actriz semiargentina Anya Taylor-Joy); “Never Wanna Lose You” suma -créase o no- a Robert Smith de The Cure en sintetizadores para una fiesta crypto-disco donde Jagger ladra y gruñe con inusual diversión; “Divine Intervention” tiene un solo de guitarra de Wood sobre el que Jagger describe “billonarios corriendo hacia sus búnkeres en el cielo”. La lista de invitados es extensa —McCartney, Smith, Winwood, el organista de los Heartbreakers Benmont Tench, el baterista de los Red Hot Chili Peppers Chad Smith y Bruno Mars en un cowbell prácticamente inaudible— y genera más preguntas que respuestas. Es dable de pensar que todos esos nombres aportan más a la narrativa de prensa que al sonido del disco.

El álbum incluye también una versión de “You Know I’m No Good” de Amy Winehouse, donde Jagger saca la armónica y canta en un registro más agudo que el de la compositora original, y un homenaje a Chuck Berry con “Beautiful Delilah”, que cierra el círculo de influencias de una banda que nunca fingió haber inventado el rock, solo haberlo llevado más lejos que casi todos. Esa fidelidad al origen —el blues de Chicago, el rhythm and blues del sur de los Estados Unidos, el Chuck Berry de St. Louis— es lo que da coherencia a un catálogo de 64 años y 25 álbumes.

Por supuesto que Foreign Tongues no iguala la racha de Beggars Banquet a Exile on Main St., ni alcanza la altura de Some Girls. Tampoco lo pretende, y esa honestidad estructural es parte de lo que lo hace funcionar. Junto a Hackney Diamonds, representa el material más consistente de los Stones en al menos tres décadas, y el hecho de que exista —grabado en menos de un mes por tres adultos mayores— es en sí mismo un dato que el rock, como género, no tenía precedentes para procesar. Mientras tanto, millones de personas en el mundo, clickean “play” y la magia vuelve a ocurrir.

Caifanes anuncia cuatro conciertos en México entre julio y diciembre de 2026, todos a las 9:00 p.m., como parte de la “Gira de la gratitud” con la que la banda celebra casi cuatro décadas de trayectoria.

La primera parada es el 11 de julio en el Estadio GNP Seguros de la Ciudad de México, donde el grupo liderado por Saúl Hernández interpretará temas que han marcado generaciones, entre ellos Mátenme porque me muero y Cuéntame tu vida.

Los boletos están disponibles en Ticketmaster y taquillas del recinto.

Zapopan y Monterrey, en la ruta de la gira

La banda llegará al Auditorio Telmex de Zapopan, Jalisco, con dos fechas consecutivas: 16 y 17 de octubre. La primera función ya registra poca disponibilidad; la segunda está agotada, según Ticketmaster a la fecha 1 de julio del 2026.

El cierre de la gira en México está programado para el 12 de diciembre en el Auditorio Banamex de Monterrey, Nuevo León. Los boletos para esa fecha se consiguen a través de la misma plataforma y en las taquillas del recinto.

Una gira concebida como agradecimiento

La “Gira de la gratitud” apunta al aniversario que la agrupación cumplirá en enero de 2027. En entrevista con La Jornada, Hernández explicó el espíritu de la iniciativa: “Sería un gracias por estar con nosotros, por compartir lo que tenemos, lo que somos”.

El músico de 62 años señaló que la clave para mantenerse vigentes ha sido conservar la ilusión de los primeros años, cuando tocaban en foros como Rockotitlán y el Bar 9. También hizo un llamado a impulsar más espacios para bandas emergentes en la Ciudad de México.

La alineación actual de Caifanes

La banda llega a esta etapa con una formación integrada por Hernández, Diego Herrera, Alfonso André, Rodrigo Baills y Marco Rentería. El propio Hernández adelantó que el grupo mantiene el interés por crear música inédita y continuar explorando nuevos sonidos.

Qué canciones tocarán: el setlist probable

Con base en las presentaciones más recientes de la banda en esta misma gira, el repertorio ronda las 20 a 24 canciones y combina sus mayores éxitos con versiones de otros artistas.

Los temas que no han faltado en ninguna fecha son Cuéntame tu vida, Mátenme porque me muero, Viento, No dejes que..., Afuera, La célula que explota, Los dioses ocultos y Miedo.

El show también incluye canciones como Nubes, Para que no digas que no pienso en ti, Aquí no es así y Y caíste, además de versiones de Pachuco —de Maldita Vecindad y Los Hijos del Quinto Patio— y Te lo pido por favor, de Juan Gabriel.

Los momentos que el público espera

Uno de los instantes más celebrados en fechas recientes ha sido el solo de saxofón de Diego Herrera, que en algunos conciertos ha incluido el Himno Nacional Mexicano como puente hacia el encore.

La banda también ha interpretado Viaje astral, originalmente de Jaguares —proyecto alterno de Hernández—, y La negra Tomasa, el clásico de Guillermo Rodríguez Fiffe que Caifanes convirtió en uno de sus sellos de identidad en vivo.

El encore ha funcionado como el espacio para las sorpresas: en fechas previas de la gira, la banda cerró con La célula que explota tras una secuencia de versiones y solos instrumentales.

Casi 40 años de rock mexicano

Caifanes nació en 1987 en la Ciudad de México en un momento en que el rock enfrentaba censura y rechazo por parte de la industria musical del país. Desde sus primeras presentaciones en foros como Rockotitlán y el Bar 9, la banda construyó una identidad sonora propia que mezcló el rock alternativo con influencias del folclor latinoamericano.

Su primer álbum homónimo, que incluye Mátenme porque me muero y Cuéntame tu vida, los posicionó como referentes de una generación. Discos posteriores como El silencio y El nervio del volcán consolidaron canciones que hoy son himnos: Afuera, La célula que explota y Viento.

La agrupación atravesó una separación que se extendió por años, hasta que su reunión relanzó una segunda etapa de vigencia sostenida. Hoy, con Hernández, Herrera, André, Baills y Rentería en la alineación, Caifanes se mantiene como una de las bandas de rock en español con mayor convocatoria en el continente.

La publicación de Blonde on Blonde, en junio de 1966, cerró una trilogía de discos de rock que transformó para siempre la escritura de canciones populares y convirtió al álbum como territorio de exploración artística de largo aliento. Sesenta años después de su aparición, el séptimo disco de estudio de Bob Dylan sigue siendo objeto de estudio, debate y escucha atenta: una obra que nació del fracaso creativo en unos estudios de Nueva York, encontró su química en Nashville -la Ciudad de la Música, capital country- y terminó por redefinir los límites de lo que una canción de rock podía decir y cómo podía sonar.

El camino hacia ese disco no fue lineal. Entre octubre de 1965 y enero de 1966, Dylan y The Hawks —la banda canadiense que poco después se haría conocida como The Band— se encerraron en los estudios de Columbia Records en la Séptima Avenida de Manhattan para grabar el sucesor del mercurial Highway 61 Revisited. Las sesiones se multiplicaron, los músicos alternaban tomas con largas esperas, y el resultado fue casi nulo: de aquellas decenas de horas de trabajo, solo una canción llegó al álbum definitivo. “One of Us Must Know (Sooner or Later)” requirió veinticuatro tomas antes de que Dylan aprobara una versión. “Yo estaba realmente deprimido”, le confió más tarde al biógrafo Robert Shelton.

La salida del atolladero llegó de la mano del productor Bob Johnston. Durante las difíciles sesiones de Highway 61 Revisited, Johnston había presentado a Dylan al multiinstrumentista Charlie McCoy, músico de Nashville que había tocado con todo el mundo, desde Elvis Presley hasta Perry Como. Tras esa primera colaboración, Johnston sugirió trasladar las grabaciones a Tennessee. El mánager Albert Grossman, se opuso: su artista era la encarnación del hipsterismo neoyorquino, y Nashville era la capital del country, un universo percibido como conservador y ajeno a los experimentos del rock. Dylan ignoró la resistencia y aceptó.

Bob Dylan viajó a Nashville en febrero de 1966 acompañado por el tecladista Al Kooper y por el guitarrista Robbie Robertson, el único miembro de The Hawks que participó en las sesiones del álbum. En los estudios de Columbia en Music Row los esperaba un grupo de músicos de sesión de primer nivel: eran instrumentistas habituados al circuito profesional del country y del rhythm and blues sureño, pero apenas conocían al tal Dylan y poco sabían de su música. Eso no importó.

“[Dylan] era el quintaesencial hipster neoyorquino. ¿Qué hacía en Nashville? No tenía ningún sentido. Pero tomas esos dos elementos, los viertes en un tubo de ensayo y simplemente explotan”, recordó Kooper en declaraciones recogidas para un estudio crítico sobre el álbum. El periodista musical Daryl Sanders, autor del libro That Thin Wild Mercury Sound: Dylan, Nashville, and the Making of Blonde on Blonde, (Ese sonido salvaje y agudo como el mercurio: Dylan, Nashville y la creación de Blonde on Blondear) argumenta que la reacción química fue posible porque los músicos de Nashville y Dylan compartían las mismas raíces: el blues, el rock and roll de Chuck Berry y Little Richard, las frecuencias de la emisora de R&B WLAC que atravesaban el sur de Estados Unidos en los años cincuenta. Eran de mundos distintos, pero escuchaban la misma música.

El grueso del álbum se grabó en dos bloques de sesiones: del 14 al 17 de febrero y del 8 al 10 de marzo de 1966, según reconstruyen el especialista Michael Krogsgaard y otros investigadores de los que abundan sobre el archivo discográfico del premio Nobel de Literatura. Entre ambos bloques, Dylan continuó su gira con The Hawks por ciudades como Ottawa, Montreal y Filadelfia, lo que implicaba alternar de manera vertiginosa la intensidad del directo con el trabajo de estudio. El historiador Sean Wilentz señala que la última sesión, en la noche del 9 al 10 de marzo, produjo seis canciones en trece horas de trabajo. Las grabaciones se realizaron en cinta de cuatro pistas, una configuración que favorecía la estética de conjunto y la captura de interpretaciones colectivas vivas, con menos espacio para sobregrabraciones.

El sonido que solo Dylan escuchaba

En una entrevista con Rolling Stone en 1969, Dylan ofreció la descripción más citada de lo que buscaba en ese disco: “Lo más cerca que he estado del sonido que oigo en mi mente fue en determinadas cancions de Blonde on Blonde. Es fino, ese salvaje sonido mercurial. Es metálico y dorado”. El periodista Ron Rosenbaum subrayó que ese comentario no se refería a una técnica de producción, sino a la fuente misma de la creatividad musical de Dylan: un ideal sonoro previo a la composición que venía gestándose desde discos anteriores y que en Nashville encontró, por primera vez, una realización satisfactoria.

Dylan amplió esa descripción en términos casi sinestésicos: el “wild mercury sound” era para él el sonido de la calle a la hora del amanecer, la luz del sol cayendo sobre ciertos edificios, campanas, trenes lejanos, discusiones en apartamentos, el tintinear de cubiertos. Una atmósfera urbana y un estado mental, al mismo tiempo. La materialización concreta de ese ideal dependía del tejido instrumental que los músicos de Nashville construyeron en torno a sus canciones. El crítico Michael Gray, uno de los principales estudiosos de la obra dylaniana, recuerda que cuando escuchó Blonde on Blonde por primera vez en Nueva York en 1966, le sorprendió que el álbum estuviera “saturado de blues”.

La poética de la calle de Bob Dylan

Las letras de Blonde on Blonde operan en una tensión constante entre el lenguaje de resonancias visionarias y el registro coloquial, cotidiano, a veces casi conversacional. Imágenes de fuerte carga simbólica, que remiten al modernismo literario o al surrealismo, conviven con giros lingüísticos sencillos, modismos y escenas de la vida diaria. Este muchacho judío lo tenia claro.

Mike Marqusee, biógrafo de Dylan, señala que el artista consiguió combinar material heredado del blues con técnicas literarias, elevando “los idiomas heredados a una estratosfera modernista”. Michael Gray va más lejos: para él, Blonde on Blonde desafía la noción de una gran división entre alta cultura y cultura popular. Canciones como “Visions of Johanna” incorporan líneas que, en el oído de un oyente formado en esa división, producen la sensación de que se está cruzando una frontera invisible entre el terreno de Beethoven o Goethe y el de los cómics y la cultura juvenil. Esa superposición de referencias fue anticipada por los poetas beat, que mezclaban alusiones literarias con escenas de carreteras y bares. En este álbum, Dylan las radicalizó.

El mismo, elusivo protagonista, subrayó que Blonde on Blonde no contiene “finger-pointing songs”, es decir, canciones de denuncia directa. Su interés se había desplazado hacia las relaciones personales, el deseo, la frustración amorosa y la alienación. Robert Shelton describió el álbum como una colección que “comienza con una broma y termina con un himno”, y en la que el ingenio alterna con un tema dominante de “encierro por las circunstancias, el amor, la sociedad y la esperanza no realizada”. Ese sentido de estar atrapado/estancado —stuck, en inglés— se vuelve literalmente explícito en el título “Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again”, que juega con la redundancia geográfica y emocional para pintar un cuadro de desplazamiento sin salida.

El enigma de “Visions of Johanna”

Entre todas las canciones del álbum, “Visions of Johanna” -una de las más bellas canciones que Dylan jamás haya compuesto- ocupa el lugar más debatido por la crítica. Se cree que la compuso en el otoño de 1965, durante una estancia en el Chelsea Hotel de Nueva York junto a su esposa Sara, que estaba embarazada en aquel momento. La canción despliega estrofas largas y densas, con imágenes encadenadas de forma asociativa y una voz narrativa que oscila entre la descripción, la confidencia y la digresión.

Las lecturas sobre su significado son múltiples. El consenso más extendido ve en Johanna un ideal inaccesible, mientras que Louise encarna el placer y la compañía física, lo que sitúa al narrador en una triangulación entre la mujer presente, el ideal ausente y su propia incapacidad para conciliar ambos planos. El crítico Andy Gill destaca que el enigma de la canción reside en que su letra “siempre se balancea en el borde de la lucidez sin llegar nunca a descifrarse claramente”, y que esa cualidad explica en gran medida su popularidad entre los seguidores más devotos. La música refuerza esa sensación: un tempo reposado, una instrumentación sobria y un fraseo vocal contenido que remiten a la vigilia insomne y al pensamiento errante.

Una portada borrosa y un título sin descifrar

La portada de Blonde on Blonde constituye en sí misma un hito en la historia del diseño de álbumes. La fotografía principal, ligeramente desenfocada, muestra un primer plano de Dylan con bufanda a cuadros sobre fondo urbano. La tomó el fotógrafo neoyorquino Jerry Schatzberg el 28 de enero de 1966, en una sesión en la que Dylan posó con camisa amarilla, chaleco de cuero y pantalones a rayas, y jugó con objetos como un encendedor Zippo, una cruz o un libro sobre pintores flamencos. La imagen elegida para la portada fue tomada al aire libre en un día frío, con el rostro de Dylan ligeramente borroso. Schatzberg pensó que la compañía discográfica jamás aceptaría una portada “borrosa”, pero Dylan impuso su preferencia.

El director de arte John Berg se enfrentó al desafío de diseñar un envase para un doble LP en una época en que ese formato era prácticamente inédito. Su solución fue una portada desplegable —gatefold— donde la fotografía ocupa toda la cara exterior, girada 90 grados. Lo más llamativo: ni el nombre de Dylan ni el título del álbum aparecen en la imagen frontal, solo en letras pequeñas en el lomo. Berg recuerda que fue “la primera vez” que se hacía algo así para un LP.

El título del álbum ha generado tantas especulaciones como las propias canciones. La asociación más obvia remite a “dos rubias”, lo que llevó a sugerir una alusión a un dúo lésbico, o bien a la pareja formada por Brian Jones, guitarrista de Rolling Stones, y su novia Anita Pallenberg, ambos rubios y figuras del swingin’ London de mediados de los sesenta. Otra versión, recogida por el portal Untold Dylan, atribuye la invención del título al escritor flamenco Remo Cremer, quien afirma que, ante la pregunta de Dylan “¿qué rima con blonde?”, él respondió: “¿por qué no Blonde on Blonde?”. El tecladista Kooper, por su parte, situó el origen del nombre en una ocurrencia durante una sesión de mezcla. Ninguna versión puede verificarse del todo, lo que refuerza el carácter enigmático y sugerente del disco. Y de su autor.

Nashville cambió para siempre

El impacto de Blonde on Blonde sobre Nashville como ciudad musical fue inmediato y duradero. En 1966, la ciudad era conocida sobre todo como capital del country, percibida desde los círculos del rock como conservadora y ajena a la experimentación artística. Tras la publicación del álbum, se convirtió en destino para cantautores que interpretaban su propio material: Leonard Cohen, Neil Young, Guy Clark, Townes Van Zandt, The Byrds o Joan Baez, entre muchos otros, llegaron a sus estudios en los años siguientes.

Dylan insistió en que los nombres de los músicos de sesión aparecieran en la cubierta interior del doble LP, un gesto poco habitual en la época que dio visibilidad a instrumentistas que solían permanecer en el anonimato. Esa exposición contribuyó a que la industria del rock considerara Nashville como un lugar válido para proyectos ajenos al country tradicional. La música que Dylan grabó allí entre 1966 y 1970 —que incluye John Wesley Harding y Nashville Skyline— es considerada por la propia Country Music Hall of Fame entre sus trabajos “más influyentes”. El country-rock que explorarían bandas como The Byrds o la propia The Band tiene en Blonde on Blonde uno de sus precedentes más directos. El libro de Sanders, publicado por Chicago Review Press en 2018, argumenta que el álbum es además un documento fundacional de lo que hoy se denomina Americana: esa etiqueta que engloba músicas donde confluyen folk, country, blues y rock.

El primer gran doble álbum del rock

Blonde on Blonde fue uno de los primeros dobles álbumes en la historia del rock. Con 72 minutos y 37 segundos de música repartidos en cuatro caras, el disco exigía a Columbia Records una apuesta económica considerable en un artista de rock relativamente joven. El director de arte Berg recordaba que Dylan llegó con tanto material grabado que simplemente “no cabía” en un solo LP. En paralelo, The Mothers of Invention enfrentaban un dilema similar con Freak Out!, lo que muestra que, casi simultáneamente, diferentes actores de la escena rock empujaban los límites del formato.

La secuencia del álbum construye un arco deliberado: arranca con el tono carnavalesco de “Rainy Day Women #12 & 35” y culmina con “Sad Eyed Lady of the Lowlands”, que ocupa una cara entera del LP y ha sido leída como un himno final. El crítico Tim Riley describió el conjunto como “una abstracción desmesurada de revisionismo del blues excéntrico” que confirma a Dylan como “la mayor presencia del rock estadounidense desde Elvis Presley“. Robert Shelton, por su parte, vio en él “una extraordinaria unión de expresionismo rockero funky y bluesero con visiones a lo Rimbaud de discontinuidad, caos, vacío, pérdida, estar atascado".

De Elvis Presley a Rimbaud, un buen resumen de Bob Dylan.

[Fotos: Sony Music]

Neil Young lanzó esta semana, sin previo aviso y de forma gratuita, un largometraje de concierto de una hora de duración disponible en el canal Neil Young Archives de YouTube. El film, titulado Corduroy Plants (Plantas de pana) fue dirigido por su esposa, la actriz y directora Daryl Hannah, y documenta el tour Love Earth 2025 que la leyenda rocker canadiense realizó junto a su banda, The Chrome Hearts. No hubo comunicado de prensa, ni campaña en redes sociales, ni entrevistas: hubo que descubrirlo por cuenta propia. El texto informativo que acompaña el video, reza “A medida que el tiempo explota, deja escombros. Échale un vistazo. La nueva película ‘Corduroy Plants’. Disfruta” y está firmado por el mismísimo. Al momento de cierre de esta nota, supera las 42 mil visualizaciones.

El lanzamiento llega pocas semanas después de la publicación del álbum en vivo As Time Explodes, editado el 29 de mayo, que recorre las actuaciones de la gira de verano de 2025 por Estados Unidos y Europa —con paradas en el Festival de Glastonbury, el Hyde Park de Londres y el Festival de Jazz de Montreux, en Suiza. Corduroy Plants funciona como potente complemento visual de ese registro: presenta 11 canciones de las 13 que contiene el álbum, con la ausencia de “After the Gold Rush” y “Looking Forward”. La lista incluye clásicos como “Ohio”, “Harvest Moon”, “Like a Hurricane” y “Cortez the Killer”, con “This Note’s for You” sobre los créditos finales.

Daryl Hannah, que también dirigió el documental Coastal en 2025, no se limitó al registro convencional de un concierto. A lo largo del film intercala las actuaciones con imágenes de archivo periodístico y fragmentos históricos que dialogan directamente con las letras de cada canción. Durante “Be the Rain” —del álbum conceptual Greendale (2003)— aparecen imágenes de la destrucción del Ala Este de la Casa Blanca, junto con breves planos de Jeff Bezos y Elon Musk (en su célebre acting con la motosierra y el presidente argentino Javier Milei en discreto segundo plano). “Vampire Blues”, escrita originalmente en 1974 como crítica a la industria petrolera, se acompaña de imágenes de derrames de petróleo. En “Like a Hurricane” se ven trabajadores migrantes en los campos, y “Cortez the Killer” —la épica de diez minutos del álbum Zuma (1975)— incorpora imágenes de la Segunda Guerra Mundial, el Holocausto y conflictos más recientes.

El tratamiento visual refuerza los temas que han atravesado la obra de Neil Young durante más de cinco décadas: la denuncia ambiental, la crítica al poder corporativo, la memoria histórica y la justicia social. Esa coherencia entre música e imagen es la marca de los proyectos que la pareja ha desarrollado junta en los últimos años, siempre por fuera de los circuitos comerciales tradicionales.

La decisión de no promocionar el estreno responde a una postura que este viejo cascarrabias del rock mantiene desde hace tiempo: se alejó de la mayoría de las plataformas de redes sociales por sus vínculos con la administración Trump, concede muy pocas entrevistas y gestiona su legado de forma casi autónoma a través del Neil Young Archives (NYA), el archivo digital que lanzó en 2019 y donde almacena décadas de grabaciones, films y textos. El NYA se ha convertido en el canal exclusivo a través del cual Young se comunica con su audiencia, sin intermediarios ni algoritmos.

The Chrome Hearts —la banda que lo acompaña en esta etapa— está integrada por Spooner Oldham (órgano y piano), Micah Nelson (guitarra y voz), Corey McCormick (bajo y voz) y Anthony LoGerfo (batería y voz). El grupo debutó discográficamente en 2025 con el álbum de estudio Talkin’ to the Trees, producido por Lou Adler junto a Young y Niko Bolas bajo el sello The Volume Dealers. As Time Explodes es el primer registro en vivo de esa formación.

El flujo creativo de NY no muestra señales de desaceleración: en su canal exclusivo, el hombre informó sobre el avance del cuarto volumen de su monumental caja de archivos. Los tres primeros tomos abarcaron los períodos 1963-72, 1972-76 y 1976-87; el próximo llegará hasta el final de la gira de Greendale en 2004. “Los Volume Dealers han estado ocupados”, escribió . “El Volumen 4 de los Archives está en marcha, en la fase de finalización de todas las canciones que hemos descubierto en los últimos dos o tres años.”

Además, se sabe, ya tiene listo Second Song, un nuevo álbum de estudio grabado junto a The Chrome Hearts en los estudios Shangri-La de Malibu, California, propiedad del productor Rick Rubin. El material es en su mayoría inédito, aunque incluye dos o tres canciones que Young compuso alrededor de 1963 y 1964 y que nunca fueron publicadas. En el plano de las actuaciones en vivo, Young canceló la gira europea que tenía prevista para este verano sin dar mayores explicaciones. Reapareció el 22 de mayo pasado con un set sorpresa de cuatro canciones en el concierto por el 90° cumpleaños del activista ambiental David Suzuki en Vancouver, Canadá. Su próxima aparición confirmada será en Farm Aid, el festival benéfico que cofundó en 1985 junto a Willie Nelson y John Mellencamp, que este año se realizará el 26 de septiembre en Virginia Beach, Virginia.

No hay duda, Clive Davis, quien falleció a los 94 años el lunes, tenía buen oído para los éxitos. Década tras década, emparejó cantantes con material pegadizo y melódico —a menudo baladas— que él imaginaba como posibles estándares pop con poder de permanencia: sucesores de los clásicos de Tin Pan Alley. Cuando trabajaba con cantautores, se esforzaba por guiarlos hacia producciones y arreglos dirigidos a lo que percibía como el público principal del pop. Sus resultados construyeron carreras impresionantes y cuentas bancarias —llenando listas de reproducción para bodas y noches de karaoke.

Pero con una artista importante, Davis tuvo un instinto diferente, perceptivo y, en última instancia, brillante: hacerse a un lado y dejar las cosas como estaban. Esa fue Patti Smith, quien firmó con el sello Arista de Davis en 1975 poco después de que ella y su banda iniciaran una serie incendiaria de presentaciones en CBGB. Ella no presentaba melodías pop de tres minutos, perfectamente estructuradas —ni remotamente. Sus actuaciones expandían las formas de las canciones en improvisaciones musicales y verbales desenfrenadas. “Tan indisciplinada como era, me ponía la piel de gallina,” escribió Davis en sus memorias, El Soundtrack de mi vida.

Claramente vio en Patti Smith el mismo tipo de emoción cruda y carisma ardiente que había visto cuando firmó a Janis Joplin con Columbia Records —aunque en sus memorias señala que la convenció de aceptar el lanzamiento de una versión editada de “Piece of My Heart” para lograr un espacio en el Top 40.

Con Patti Smith, menos de una década después, las cosas fueron diferentes. Según ambos relatos, él se mantuvo completamente al margen. Cuando ella fue incorporada al Salón de la Fama del Rock & Roll en 2007, le agradeció: “Tuve mucho coraje, no mucho talento, pero él tuvo fe en mí y me dejó salir de la puerta, apenas una potrilla, y se quedó conmigo.”

Patti Smith, no Clive Davis, eligió a John Cale, de Velvet Underground, para producir su visionario y revolucionario álbum debut, Horses. Davis escribió que tenía dudas en ese momento sobre la foto de la portada del álbum, tomada por Robert Mapplethorpe, pero no la vetó. Ahora es una imagen indeleble del punk. No hay duda de que él se alegró de que, dos álbumes después, con Easter, Smith lograra un éxito de rock contundente y directo con “Because the Night”, coescrita con Bruce Springsteen. Él no fue quien promovió esa colaboración; surgió a través del productor de Smith, Jimmy Iovine. Y una vez más dejó de lado sus reservas acerca de la portada de un álbum. La foto de Lynn Goldsmith en Easter tiene como centro la axila peluda de Smith.

Clive Davis dio rienda suelta a algunos otros músicos. Una fue Annie Lennox, quien firmó con Arista mientras estaba en Eurythmics y permaneció para tener una carrera solista multiplatino. Según su propio relato, Davis no intervino, aunque le hubiera gustado hacerlo. “Con los años, debo admitir que me hubiese encantado presentarle material,” escribió. “Estoy seguro de que, con material más contemporáneo y acorde al momento, Annie podría dominar la música pop durante años.”

Muchos músicos se benefician de un empujón hacia la claridad y el agrado del público. La música popular prueba constantemente que el arte y el comercio pueden ser aliados, no necesariamente enemigos. Y en honor a Davis, nunca llevó a Patti Smith hacia “material contemporáneo y acorde al momento”. En cambio, el mundo recibió canciones como “Dancing Barefoot”, “People Have the Power” y “Gone Again”. Para algunos artistas, “indisciplinada” significa inspirada.

Fuente: The New York Times

Artistas musicales lamentaron la muerte de Clive Davis, una de las figuras más poderosas de la industria que lanzó o relanzó las carreras de artistas que van desde Whitney Houston hasta Carlos Santana.

Santana calificó a Davis como “un visionario”. Barry Manilow dijo que para Davis la música no era solo un negocio, “era familia”. Michael Bublé expresó que el ejecutivo musical “creía en las personas y en sus sueños”. Patti Smith agradeció a Davis por medio siglo de “amor y apoyo”. Davis murió el lunes en su apartamento en Manhattan. Un comunicado de la familia dice que “descubrió, guió y apoyó a los más grandes artistas de la historia de la música moderna, dejando una huella indeleble en la cultura que perdurará por generaciones”. Tenía 94 años.

A continuación, algunas reacciones ante la muerte de Davis y su legado:

Barry Manilow

“Mi corazón está triste por la pérdida de mi amigo Clive Davis. Durante cincuenta años trabajamos juntos, creamos juntos, discutimos juntos y celebramos juntos. Sí, algunos dirían que era un negocio. Pero para Clive, nunca lo fue. Era familia. Y tuve el honor de ser parte de la suya.” — en X.

Alicia Keys

“Para Clive Davis, el visionario que transformó los sueños en realidad, dejando una huella indeleble en la música y las vidas en todo el mundo.” — en Instagram.

Carlos Santana

“Clive Davis fue un visionario. Podía escuchar lo intangible antes que nadie pudiera verlo. Creyó en Santana desde el principio y, años después, volvió a creer en nosotros. Ese tipo de fe es una bendición hermosa y siempre estaré agradecido.

Clive entendía que la música es más que entretenimiento. La música es una fuerza sanadora. Une a las personas más allá del miedo, más allá de la separación, más allá de las fronteras. Dedicó su vida a apoyar a los artistas y ayudarlos a compartir su don con el mundo.

Clive reconocía la luz en las personas. Animaba a los artistas a confiar en su propia voz y a avanzar hacia su destino. Gracias a su visión, innumerables músicos pudieron llegar a los corazones de todo el planeta." — en un comunicado.

Patti Smith

“Esto es un agradecimiento a Clive Davis por transformar la música y, en una nota muy personal, por creer en mí, guiar mis esfuerzos y por medio siglo de tu amor y apoyo.” — en Instagram.

Rod Stewart

“Le debo tanto a Clive. La fuerza detrás de J Records, fue el único que creyó que un cantante de rock podía interpretar los estándares con convicción. Otras discográficas rechazaron la idea, y así nació The Great American Songbook, vendiendo cerca de 40 millones de copias.” — en Instagram.

Bruce Springsteen

“A los 22 años, cambió mi vida cuando me firmó con Columbia Records. Me trató con el mismo respeto y amabilidad siendo un don nadie de 22 años que luego de todo mi éxito. Un gran hombre.” — en Instagram.

Dionne Warwick

“No puedo pensar en otro hombre de la industria discográfica que pareciera tener esa habilidad mágica de reconocer un éxito al escuchar una canción. Estoy segura de que toda la industria musical lamentará su partida. Era único en su clase.” — en un comunicado.

Michael Bublé

“Con el corazón roto al enterarme del fallecimiento de Clive Davis. Clive no era solo una leyenda de la música, era un defensor de los artistas y alguien que creía en las personas y en sus sueños. Por siempre agradecido por su guía, su generosidad y las oportunidades que nos dio a tantos.” — en Instagram.

Paul Stanley

“El mundo de la música y todos los que han amado la música durante 6 décadas han perdido al visionario y defensor de tantos artistas en tantos géneros. Un genio único en su clase.” — en X.

Stephen Bishop

“Clive hizo mucho por los artistas y por la industria musical en su conjunto. Realmente fue único en su clase y vivió una vida increíblemente plena y extraordinaria. Si lo conocías, sabías que realmente se preocupaba por los artistas. Podía ser duro, pero siempre era justo.” — en X.

Fuente: AP

Bon Jovi explicó que antes vivía absorto en el trabajo, sin tiempo para los pequeños placeres. Tras su recuperación, aprendió a disfrutar el presente y valoró más cada instante, una actitud que, según él, le permite afrontar los desafíos con mayor serenidad y gratitud.

La recuperación de su voz

Afirmó que durante su carrera siempre cuidó su salud vocal, pero la afección avanzó hasta que “un médico me explicó que una de las cuerdas estaba atrofiándose. Debimos recurrir a un implante de Gore-Tex para intentar recuperar el tono y el rango”. Según reveló en People, el procedimiento fue complejo y le hizo pensar en la ciencia ficción.

El artista de 64 años comparó su recuperación con la de un deportista tras una lesión grave: “El médico me dijo: ‘No prometo nada, pero si te esfuerzas, habrá avances con el tiempo’. Mantuve la fe y, aunque fue lento, cada paso traía una mejoría”. Subrayó la importancia de la paciencia y el apoyo espiritual: “Dios fue mi copiloto durante la recuperación. Todo tardó más de lo previsto, pero debía estar bien hecho”.

Después de la cirugía, midió sus progresos con ensayos junto a la banda. “Empecé ensayando un día al mes, luego varios días seguidos, hasta tres horas por jornada”, relató. Ese esfuerzo, sumado al respaldo de sus compañeros, lo llevó a concluir: “Todos coincidimos en que debíamos regresar a tocar en vivo”.

El regreso a los escenarios

Prepararse para volver al público implicó también una transformación personal. “De no haber estado enfermo, quizá nunca habría vivido un cambio tan profundo. Esto me forzó a reinventarme”, confesó en la entrevista. El cantante destacó la lealtad del grupo: “Ellos nunca dudaron, nunca buscaron otro rumbo ni se plantearon la retirada. Los sacrificios que hicieron por mí nos han unido aún más”.

Bon Jovi anticipó el reencuentro con el público: “Pronto se cumplirán cuatro años desde mi último gran concierto, pero estoy completamente recuperado. Me siento genial. Contamos con más de 50 canciones listas para el espectáculo. Solo queda esperar el momento de volver al escenario”, explicó durante la charla.

Acerca de su motivación, destacó: “Conozco artistas que viven para el aplauso, pero siempre antepuse la composición y la grabación. El mayor placer es ver cómo esas canciones encuentran un lugar en la vida de la gente, incluso después de décadas”.

Para el futuro, recalcó el cambio de perspectiva: “Ya no habrá giras de 240 conciertos, eso no tiene sentido. Pero salir con una banda experimentada puede ser un renacimiento. Siento que este regreso puede ser lo mejor que hemos hecho”.

La vida familiar

El cantante habló con emoción sobre los cambios familiares. “Mis hijos ya han crecido. Nadie te advierte sobre estas etapas de la vida”, evocó. “Romeo se gradúa de la universidad el mes próximo. Los otros ya están en el mundo adulto. El tiempo pasa en un abrir y cerrar de ojos”, afirmó ante el canal.

Las reuniones familiares se centran ahora en los nietos: “Jake y Millie estuvieron hoy con el bebé; Jesse llegó hace dos semanas también con la pequeña. Y yo, como abuelo, no puedo estar más feliz. Llevo una pulsera que dice Papa John. Como la pizzería”, bromeó. “Ver a los nietos y a mis hijos junto a sus parejas es pura magia. Solo deseo lo mejor para ellos, rezo por su salud y espero que su futuro sea brillante”, expresó el músico.

El proyecto solidario familiar

Dorothea Hurley, esposa de Bon Jovi desde hace 37 años, fue reconocida recientemente por la James Beard Foundation por su aportación al proyecto solidario Soul Kitchen. El cantante celebró el logro: “Dorothea fue premiada como Trailblazer del año por su trabajo con Soul Kitchen. Viajaremos con todos los empleados a Chicago para acompañarla en este momento”.

Bon Jovi resaltó el valor del proyecto: “Siempre fue importante ayudar, pero hacerlo a través de la comida nos mostró que no se necesita un científico para encontrar soluciones. Ahora contamos con 4 restaurantes y pronto abriremos un quinto restaurante. El gran sueño de Dorothea es que algún día el proyecto deje de ser necesario, aunque la demanda sigue creciendo”.

El impacto social se amplió más allá de la alimentación. “Logramos limpiar los antecedentes penales de 45 personas solo esta semana gracias al proyecto. También financiamos refugios para emergencias e incluso construimos hasta 1.000 viviendas sociales”, subrayó.

Su nueva mirada

Tras superar las dificultades, compartió: “Ahora lo que más valoro es estar presente, sentir el sol, jugar al tenis, mirar las nubes. Antes vivía absorto en el trabajo y el futuro. Ahora aprecio cada instante”. El músico explicó que este cambio llegó después de su recuperación, cuando debió detenerse y reevaluar sus prioridades.

Contó que solía tener la “cabeza agachada”, concentrado solo en los compromisos profesionales, sin tiempo para disfrutar los pequeños placeres. Ahora, aseguró que disfruta el presente junto a su familia y que esta actitud le permite encarar nuevos desafíos con mayor serenidad y gratitud.

Tenía 13 años y estaba en primer año de un colegio secundario -el Manuel Belgrano, que, por ese entonces, se nombraba Nacional y por el que pasaron Jorge Luis Borges y Marcelo Tinelli- en el que fui de la segunda generación de mujeres. No fue fácil.

La rectora nos decía que le habíamos arruinado el colegio. La manzana de Eva se representaba en las chicas, tratadas como insectos que habíamos llegado a infectar una cofradía masculina. Ser feminista fue una reacción defensiva imprescindible para sobrevivir.

La señora nunca nos dio la bienvenida, sino los sermones más oscurantistas que recuerdo como magia oscura. Me sentó en su escritorio con banderines de la ESMA (la de las desapariciones y torturas, no la de la ex ESMA para condenar las desapariciones y torturas) y me dijo que era una depravada.

¿La razón? Nunca la hay. ¿La excusa? Ir a dar el examen de las diez vueltas al patio para aprobar educación física (mi talón de Aquiles por una anemia genética) en short era un pecado capital y que me iban a entrar enfermedades por abajo y maldiciones por arriba.

Las chicas teníamos que usar guardapolvo, una prenda que tuvo una finalidad igualitaria y que mostró la hilacha de la desigualdad, porque las invasoras de la educación como privilegio masculino teníamos que taparnos.

Los varones, en cambio, desde la llegada de la democracia, se sacaron la corbata. Pero nosotras no nos podíamos sacar nada. Hicimos huelga para pedir vestirnos de la misma manera que nuestros compañeros. Nos suspendieron. Nos sacaron, una vez más, el derecho a la clase común y al cuerpo propio.

Cada vez que me preguntan cuándo empecé a ser feminista me pienso en el patio del colegio y con la nota en el cuaderno de comunicaciones que mostraba la sanción por pedir ser iguales, vestir iguales, dejar que la desigualdad nos enseñe a tener culpa o miedo por ser y mostrarnos.

No es una historia que leímos en los libros. Es la realidad de nuestra enseñanza, de la educación sexual de la culpa por llegar a lugares que nos estaban vedados y de tener el cuerpo en desarrollo que debía ser ocultado y castigado y, si no queríamos, el castigo era peor.

En esa represión explícita sonaban Los Redondos en el recreo. Cuando salíamos nos sentábamos en una plazoleta de la calle Ecuador y Mansilla y nosotras, que nos bautizamos Las Potras, como si entendiéramos que ser yeguas era un castigo y que la manera de relinchar era renombrarnos, nos sentábamos a ver pasar la vida.

Si extraño algo de la adolescencia es que el dolor estaba, pero que el remedio era estar juntas, entre amigas y que el futuro era una incógnita que todavía prometía. Por ese mirador pasaba (no siempre, con el tiempo los mitos crecen) pero sí ha pasado Luca Prodan. Se ponía a conversar e incitaba a varones y mujeres a juntarse.

“¿Qué hacen que están los nenes con los nenes y las nenas con las nenas?”, preguntaba para juntar las ranchadas, mientras en vez de pasar sin ver, paseaba mirando. Su rock es argentino (a pesar de venir de Europa huyendo de la heroína) porque las calles no eran un piso, sino una posibilidad. Él las habitó desde el diálogo con los que hizo suyos.

El día que murió fue un duelo que no podíamos soportar con Yamila Bavio, que creció y se hizo música. La muerte del Indio nos llevo a ese duelo precoz y a este velorio multitudinario que nos vuelve a dejar desamparados cuando el futuro ya llegó. Hace rato. Y ya deja más desolaciones cerradas que preguntas abiertas.

“Te sigo desde Cemento”, es una frase que ya es leyenda. La canta el himno a Tim Payne, en una joda que le arrojó al jugador de Nueva Zelanda más seguidores en Instagram (5,7 millones) que toda la población de su país (5,3 millones). “Yo lo banco, yo lo aliento, lo sigo desde Cemento, con Tim Payne desde la cuna hasta el cajón”, demuestra la canción, compuesta y difundida por la cuenta @che_soyjuan, que implica conocer a alguien desde antes que fuera famoso.

Yo lo sigo al Indio desde Cemento, más que eso, desde que me escapé para ir a Cemento. Los Redondos tocaban en ese templo en donde entraban nuestros gritos y nuestro rock, los cuerpos que se juntaban para elevarse, la furia concentrada en una masa que nos hacía sentir menos solas, comprendidas en una voz forzada y elegante, invitadas a un show que parecía susurrarnos y, a la vez, arengarnos a ser multitud.

En Cemento, en la época que se convirtió en leyenda, éramos pocas las chicas que nos atrevíamos a ver a la enigmática figura de Patricio Rey y Los Redondos todavía eran Los Redonditos de Ricota. La música parecía hacernos olvidar de los retos de la rectora y de las razzias de la policía.

Ni ir al colegio que había sido de varones, ni ponerse un short para correr, ni ir a ver a un recital eran lugares con permiso. Todo era un sitio al que abrir la puerta que nos cerraban, ser reprendida por entrar y escaparse para poder disfrutar. Así fue y así lo hice. Fui a Cemento.

Dije que me iba a dormir a lo de mi amiga Eugenia Guerty (la actriz de la que soy presidenta del club de fans) y me fui a ver a Los Redondos al lugar en el que el rock era rock. El show se suspendió y no tocaron. Pero mi papá sí tocó el timbre y Marta, la mamá de Eugenia, le dijo que nos habíamos ido a lo de una tía. Ponele.

La reprimenda fue más que una suspensión y tuve años de castigo. La rebeldía tenía lado A y lado B, como los cassettes con sus canciones que coleccionábamos. No vi a Los Redondos esa vez. Pero sí otras, en Cemento, en Obras, en recitales donde caminábamos horas y bailábamos con una valentía que no sabía que teníamos.

Gritábamos que a Walter Bulacio lo mató la policía, contra el gatillo fácil, las torturas en comisarías y la violencia institucional y coreábamos las canciones que ahora escucho en loop como himnos que sonaban en todas las fiestas, en todas las noches, en todas las casas, en todas las huidas de las casas.

El silencio de esa noche fue, como el de estas noches de despedida, una forma de mostrar fidelidad a una música que es misa. El Indio fue esa invitación a brillar, mi amor. Siento que su despedida es también el final definitivo de la adolescencia. Y a la vez el honor de contarle que las pibas que lo seguimos desde Cemento nos escapamos para verlo y lo vamos a seguir a todas partes.

Nos escapamos de las reglas que no nos dejaban salir, de las escuelas que no nos dejaban entrar y también del rock que solo nos quería abajo del escenario, como coristas de un show en el que no podíamos participar. Si lo lloramos hoy es porque lo cantamos ayer. Y porque entre la adolescencia y la madurez también dejamos el lugar de musas en la misa y nos convertimos en protagonistas de nuestras historias.

Las jóvenes que lo lloran saben que no son -o no solo pueden ser- solo público, solo fans, solo dedicatorias de canciones. Por eso, las que dimos vuelta el escenario y tomamos el micrófono para hablar por nuestra cuenta sabemos que hicimos del infierno encantador nuestra propia obra.

Crecer fue rebelarse, también, al machismo del rock. Por eso, nos despedimos tan bien y tan dolidas, porque crecimos gracias a él y crecer también fue crear. Por eso, el cielo está encantador. Esta noche. Y todas las noches en las que nos sigamos escapando para cantar en libertad.

Esa mirada se concentra en “Ringing Hollow”, una balada de corte country que Jagger define como una canción “sobre América como idea”. El tema, grabado junto al resto del álbum con el productor Andrew Watt —quien ya estuvo al frente del disco anterior, Hackney Diamonds—, incluye una imagen que resume el tono del disco: “Lady Liberty don’t look so good when there’s a tear in her gown” (La Dama de la Libertad no se ve tan bien cuando hay un desgarro en su vestido).

La entrevista, firmada por el periodista Will Hodgkinson y publicada en el nuevo número de la revista musical británica, abarca desde los inicios de la banda hasta la génesis de Foreign Tongues, y sitúa a Estados Unidos —su música, su geografía, su promesa y su contradicción— como el hilo conductor de toda la trayectoria de los Stones. Mick Jagger, quien residió 19 años en Nueva York, señaló que su relación con el país fue siempre más compleja que la de un admirador distante: “He visto mucho de América que ningún estadounidense ha visto, porque la gente de las costas nunca va a los pueblos arruinados del centro y del sur”. Keith Richards, por su parte, leyó “Ringing Hollow” desde una clave más nostálgica: “La tomo como una canción sobre América cuando crecíamos en los años 50. El romance de todo aquello: tomar un cóctel, fumar cigarrillos, poner la rockola. Teníamos 14, 15 años y moríamos por escuchar más música negra de América”. “‘Ringing Hollow’ es nuestra forma de decir: te amamos”, afirmó el guitarrista.

La raíz blues del nuevo disco

Foreign Tongues abre con “Rough And Twisted”, el primer single lanzado en abril, y cierra con una versión de “Beautiful Delilah”, una canción de Chuck Berry de 1958. El arco no es casual: los Rolling Stones iniciaron su carrera discográfica en 1963 con una versión de “Come On”, también de Berry, y el nuevo álbum repite ese gesto de reconocimiento a los orígenes. Richards lo explicó con precisión: “Incluso ahora, si me quedo sin ideas, vuelvo al blues, porque la forma musical es limitada y eso lo hace más intrigante. ¿Me estás diciendo que puedes sacar más de esto?”

El disco contiene 14 canciones que recorren el rock de raíz, la balada country, el soul y la pista de baile, con colaboraciones de Paul McCartney, Robert Smith de The Cure y Steve Winwood, entre otros. Andrew Watt figura también como coautor en varios temas, un crédito infrecuente para alguien externo a la dupla Jagger-Richards.

El inicio de la sociedad Jagger-Richards

La entrevista recupera además la historia del origen de esa dupla compositora. Según la leyenda, su primer mánager, Andrew Loog Oldham, los encerró en una cocina y se negó a dejarlos salir hasta que tuvieran una canción propia. El resultado fue “As Tears Go By”, que en 1964 se convirtió en un éxito para Marianne Faithfull, entonces novia de Jagger.

“Nunca esperé ser compositor”, admitió Richards. “Solo ocurrió por la pura fuerza del negocio, por decirlo sin rodeos.” Y añadió: “Pensaba que escribir canciones estaba en otro plano, otro nivel. Luego descubrí que si trabajas en ello, escuchas melodías, atrapas una frase, y quizás escribir canciones es simplemente ser muy rápido. Encuentras un ritmo o algo en la calle, como el bocinazo de un coche. Así que gracias, Andrew Oldham, por eso, aunque lo hacía por sí mismo… porque todos necesitábamos el dinero."

Esa primera canción abrió paso a una serie de composiciones que documentaron la Gran Bretaña de los años 60 en plena transformación: de “Mother’s Little Helper” a “Let’s Spend The Night Together”, los Stones construyeron un archivo sonoro de una sociedad que salía de la posguerra y se internaba en terrenos desconocidos.

Mick Jagger cumplirá 83 años poco después del lanzamiento del álbum. Keith Richards tiene la misma edad. Ron Wood llega al disco con 79 años. La banda grabó Foreign Tongues en los Metropolis Studios de Londres, y la portada —un collage que fusiona los rostros de Jagger, Richards y Wood— fue obra del artista Nathaniel Mary Quinn. Este nuevo álbum llega tres años después de Hackney Diamonds (2023), que fue el primer disco de material original de la banda en casi dos décadas.

[Fotos: REUTERS/Shannon Stapleton]

La iniciativa incorpora además el acceso abierto a una de las actuaciones televisivas más recordadas de la segunda mitad del siglo XX. El anuncio incorpora el reconocimiento oficial de una celebración que circuló durante años entre comunidades de seguidores.

Según informó The Rolling Stone, la decisión proviene del propio grupo junto a Apple Corps Ltd y sitúa la fecha en un punto central dentro de la agenda cultural contemporánea, con referencias directas a una transmisión que conectó a cientos de millones de espectadores en 1967.

Un origen ligado a la primera emisión global vía satélite

La elección del 25 de junio remite a 1967, cuando John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr ingresaron al estudio uno de Abbey Road Studios para una interpretación en vivo de “All You Need Is Love”. La presentación formó parte del programa Our World, considerado el primer enlace televisivo internacional vía satélite.

La emisión reunió una audiencia estimada en 400 millones de personas. La canción quedó asociada a un mensaje de unión que atravesó la difusión televisiva en tiempo real y consolidó una de las performances más difundidas del grupo de Liverpool. La escena, transmitida desde Londres, marcó un punto de expansión para la música popular en la televisión global.

De iniciativa de seguidores a reconocimiento institucional

La conmemoración comenzó en 2009 a partir de una propuesta de la fotógrafa Faith Cohen, quien impulsó una jornada dedicada a la banda. Desde entonces, la fecha circuló de forma descentralizada con eventos en distintas ciudades.

Conciertos tributo en Tokio, reuniones en Liverpool, muestras en Nueva York y actividades musicales en Buenos Aires formaron parte de una agenda distribuida en distintos continentes.

El crecimiento de la propuesta mantuvo un perfil impulsado por comunidades de fanáticos hasta el reconocimiento formal de Apple Corps Ltd. La empresa destacó el valor contemporáneo del mensaje asociado a la canción en una carta enviada a la impulsora de la iniciativa.

El anuncio y el acceso abierto a material histórico

El comunicado incluye la publicación de una versión restaurada y a color de la interpretación de “All You Need Is Love”. El material quedará disponible de manera gratuita en línea, con estreno en plataformas digitales. La medida incorpora por primera vez el acceso abierto a la grabación completa en ese formato, vinculada a la fecha conmemorativa.

En la carta enviada a Cohen, el director ejecutivo de la compañía Apple Corps Ltd, Tom Greene, señaló: “Más que nunca, el mensaje de Los Beatles y de ‘All You Need Is Love’ habla de algo vital para la comunidad, la conexión y el poder de reunir a las personas”.

Además, destacó que “eso es lo que hace tan especial al Día Global de Los Beatles, no pide nada más que detenerse, escuchar y compartir un poco de alegría”. La declaración fue difundida en el marco del anuncio oficial.

Nuevos proyectos vinculados al legado del grupo

El interés por la obra de The Beatles se mantiene activo a través de distintos desarrollos audiovisuales y editoriales. Entre ellos figura la tetralogía cinematográfica dirigida por Sam Mendes, prevista para abril de 2028, con relatos individuales centrados en cada integrante del grupo.

El elenco incluye a Paul Mescal como Paul McCartney, Harris Dickinson como John Lennon, Joseph Quinn como George Harrison y Barry Keoghan como Ringo Starr.

Otro proyecto relevante se vincula al edificio de 3 Savile Row, espacio asociado al concierto en la azotea de 1969. El inmueble abre sus puertas como experiencia para visitantes con acceso a archivos y exhibiciones relacionadas con la historia de la banda.

En paralelo, McCartney continúa con nuevas publicaciones discográficas. El lanzamiento reciente de “The Boys of Dungeon Lane” incorpora colaboraciones con Ringo y suma material inédito a su etapa solista. La actividad musical del exintegrante mantiene presencia en la escena actual, con distribución en plataformas digitales y circuitos de consumo contemporáneo.

El Día Mundial de los Beatles integra actividades presenciales y digitales en distintas ciudades, con propuestas de participación global y difusión de contenidos históricos vinculados a la actuación de 1967.

Cecilia Fanti se enteró de la muerte del Indio Solari en la librería. Acababa de abrir. Como muchos argentinos, una vez que pasó el shock noticioso, puso música, puso Los Redondos. En la Librería Céspedes, barrio porteño de Colegiales, empezaron a sonar canciones de Oktubre, La Mosca y la Sopa, ¡Bang! ¡Bang!... Estás liquidado, pero también en otros negocios, otros barrios, otras ciudades. Emergía “la sensación de que la ciudad entera se inundó de la música de Los Redondos”, asegura Fanti.

Sobre el Indio y Los Redondos hay bastante escrito. Pero el libro más pedido fue Recuerdos que mienten un poco, publicado en 2019 por Sudamericana. Son conversaciones con el escritor Marcelo Figueras. El remanente de diez libros que había en Céspedes se vendió ese mismo viernes. “Y tenemos algunos pedidos. Estamos esperando la reimpresión”, dice la librera y escritora. La editorial anunció una nueva tanda de ejemplares para abastecer a las librerías de todo el país. Los pedidos sobran.

“Recuerdos... es un libro objeto", dice Ecequiel Leder Kremer, librero de Hernández. Son casi 900 páginas, cuesta $61.300. “Justo repusieron días antes de la muerte del Indio. Así que teníamos. Y sí, se está vendiendo mucho más rápido de lo habitual. La economía está muy difícil, pero está así en todos lados. Los últimos treinta días acá fueron difíciles. Y este libro pareciera que viene a reactivar un poco. Sobre todo porque no es barato”. “El Indio, desde Avellaneda, nos está ayudando”, y sonríe.

“Ese viernes fue uno de esos días muy especiales que guardás en la memoria. Te vas a acordar con quién estabas, dónde, a través de quién te enteraste”, asegura Fanti. Carlos Alberto Solari, el ser humano detrás del mito de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, tuvo un ACV en su casa de Parque Leloir. Ese día, cuenta, las compras fueron en su mayoría online. “Muchos de nuestros clientes usan la información que tenemos en la web como catálogo. Esta vez no. Eso responde al impulso”, completa.

Los clientes entraban a la librería y comentaban la noticia. Algunos preguntaban qué libros alusivos había, pero todos se centraban en Recuerdos... “¿Algo de recuperar su voz o leerlo?”, reflexiona Cecilia Fanti. “Se lo quiero regalar a mi amigo ricotero”, decían los clientes sin que le pregunten. En los parlantitos de bluetooth, la voz del Indio. “Como si fuera un homenaje o un consuelo ese libro”, comenta Fanti. En todas las librerías consultadas por Infobae Cultura hubo muchas más consultas de lo habitual.

El fenómeno editorial repercutió de varias formas. Los libreros de Tinta Limón cuentan que mucha gente pregunta por el libro que tienen en su catálogo: Redondos. A quién le importa. Biografía política de Patricio Rey, del colectivo Perros Sapiens. “En gran medida por una entrevista a uno de los autores en Gelatina”, dicen. También subieron las ventas, aseguran desde Planeta, de Fuimos reyes: la historia completa de los Redonditos de Ricota, de Mariano del Mazo y Pablo Perantuono. Por eso reforzaron el stock.

Aquel viernes no fue un viernes más. La muerte del Indio se volvió conversación y abrió un portal arborescente de miles de conversaciones: una canción, un disco, un recital, un recuerdo, la posibilidad de volver a narrarlo todo. De pronto, sus anteojos redondeados, su figura enigmática, su música popular, todo esa estética implacable se posó como un filtro maldito en la vida argentina, un rock and roll del país. “Se escuchaba en todos lados: autos, balcones, negocios, escuelas”, recuerda Fanti.

“Todo tenía esa estela sonora y maravillosa que iluminó el día del viernes en que se volvió a mover el libro del Indio en el día de su muerte”, concluye la librera.

La historia de cómo los Rolling Stones buscaron durante meses a su baterista definitivo terminó transformando no solo el destino de la banda, sino también el de uno de los músicos de jazz más reconocidos del Reino Unido, Charlie Watts.

Según informó la revista británica Mojo Magazine, la llegada de Watts al grupo no fue inmediata ni sencilla, y la relación inicial entre los integrantes y el futuro baterista evidenció tanto la precariedad de la industria musical británica de los años sesenta, como la determinación de la banda por consolidar su sonido.

La insistente búsqueda de un baterista que marcara la diferencia

A comienzos de la década de 1960, los Rolling Stones no figuraban en los grandes escenarios internacionales ni en los rankings de ventas. Sus integrantes, Mick Jagger, Keith Richards y Brian Jones, recorrían bares y clubes de Londres, recibiendo pagos modestos que apenas cubrían gastos básicos.

Según relató Richards, los músicos reconocieron desde el principio la importancia de sumar a un baterista capaz de sostener y enriquecer la propuesta rítmica de la banda.

El elegido fue Charlie Watts, un joven baterista de jazz que ya tenía cierto reconocimiento en el circuito local. Richards recordó: “A él le pagaban. A nosotros no. Mick, Brian y yo llevábamos meses deseando que Charlie se uniera a nosotros. Charlie dijo: ‘Me encantaría tocar con ustedes, pero necesito un par de conciertos fijos’”. Esta declaración, recogida por Mojo Magazine, ilustra la distancia económica que separaba a Watts de los Stones en aquellos años iniciales. La banda insistió en varias oportunidades, sin lograr convencerlo de inmediato.

La decisión de Charlie Watts y el salto de los Stones

La situación cambió recién hacia fines del invierno de 1963, cuando Watts aceptó finalmente la invitación. Según el testimonio de Richards, nunca hubo una conversación directa sobre las razones del cambio de opinión del baterista.

El guitarrista sugirió que Watts percibió algo especial en la música del grupo y sintió curiosidad por experimentar junto a ellos. “Supongo que fue algo que escuchó en la música que tocábamos. Además, tenía ese espíritu aventurero. ‘Simplemente seré un músico de jazz más en un mercado tan grande. O puedo juntarme con estos tipos locos y ver qué pasa’”, relató el Richards.

La integración de Watts no solo completó la formación de los Rolling Stones, sino que también modificó la dinámica interna del grupo. El baterista aportó una base rítmica estable y versátil, permitiendo a Jagger, Richards y Jones explorar con mayor libertad compositiva y escénica. El portal destacó que la llegada de Watts fue el punto de inflexión para que la banda pudiera aspirar a un mayor reconocimiento.

El aporte de Charlie Watts al sonido de los Rolling Stones

El paso definitivo se dio el 2 de febrero de 1963, cuando Charlie Watts se convirtió en el baterista permanente de los Rolling Stones tras una actuación en el Ealing Jazz Club de Londres.

De acuerdo con las memorias de Keith Richards, tituladas Life, la sensibilidad y el estilo de Watts resultaron decisivos para el desarrollo artístico del grupo. Eescribió: “Si no hubiera sido por Charlie, jamás habría podido expandirme y desarrollarme”.

Watts, según reveló el guitarrista, poseía una capacidad para la expresión y la sutileza poco frecuente en el rock de la época. “Su forma de tocar es tremendamente expresiva y sutil. Toca con humor. Charlie solía trabajar en bodas y bar mitzvahs, así que también conoce el sentimentalismo”, detalló Richards en sus memorias.

El recorrido inicial de Watts, que incluía actuaciones en clubes y eventos sociales, le permitió dominar distintos géneros y adaptarse a las exigencias de la banda. Mojo Magazine subrayó que este bagaje fue determinante para que los Stones pudieran construir un repertorio variado y atractivo para públicos de diferentes edades y procedencias.

La decisión de Watts de sumarse al proyecto transformó la historia de los Rolling Stones. Desde entonces, la banda consolidó su identidad y, con el tiempo, logró posicionarse como una de las agrupaciones más influyentes del rock and roll. El ingreso de Watts representó el cierre de una etapa de incertidumbre para el grupo y el inicio del camino hacia la consagración internacional.

En Tupelo, Mississippi, ciudad natal de Elvis Presley, se registró una escena poco común durante un festival local: un grupo de jóvenes y adolescentes subió al escenario para rendir tributo al legendario músico estadounidense. Casi 50 años después de su muerte, el concurso juvenil del Festival de Elvis reunió a participantes de entre siete y 17 años que, con llamativos monos y el cabello fijado con laca negra, buscaron mantener viva la figura del “rey del rock and roll” ante nuevas generaciones.

Según reportó la agencia Associated Press (AP), el certamen reflejó la pasión y el esfuerzo de una nueva generación que dedica tiempo y energía a perfeccionar no solo la voz, sino también los gestos y el estilo característico del artista.

Algunos de estos participantes lucieron trajes diseñados por la empresa B&K Enterprises Costume Co., autorizada para recrear atuendos originales de Elvis y proveer vestuario a producciones cinematográficas y televisivas sobre su figura. La búsqueda de autenticidad es central en estos jóvenes, quienes se definen como “artistas que rinden homenaje” y rechazan el término “imitadores”.

Uno de los concursantes destacados fue Tucker Gladden, de 17 años, originario de Madison, Mississippi. “No intentamos imitarlo. Queremos recrear la experiencia lo mejor posible para las personas que tal vez no tuvieron la oportunidad de ver a Elvis en su vida”, afirmó en declaraciones recogidas por AP.

Vocaciones forjadas entre canciones y admiración familiar

La motivación de estos jóvenes por adentrarse en el universo del histórico cantante es diversa. Varios de ellos mencionaron la influencia de la película biográfica estrenada en 2022 como punto de partida en su admiración por el músico. Otros descubrieron su interés tras conocer un vínculo genealógico con la familia Presley, mientras algunos encontraron inspiración en la fe y la generosidad que caracterizaron al artista.

El testimonio de Ayden Maloy, de 16 años y oriundo de Logansport, Indiana, revela el valor personal que puede tener la música de Elvis. Según relató a la AP, empezó a actuar como tributo hace tres años después de atravesar una etapa difícil. “Me eché a llorar porque me sanó. Creo que Elvis es el sanador”, narró Maloy.

El evento también incluyó la participación de Charles Session, de 15 años, de Morrilton, Arkansas, quien expresó el significado especial de actuar en el lugar donde nació Presley. “Es una sensación surrealista rendir homenaje a Elvis en su ciudad natal. Espero que nos esté mirando desde arriba y sonriendo a todos estos jóvenes artistas”, dijo el adolescente a AP.

Los tributos no se limitan al escenario: algunos concursantes practican diariamente en sus hogares y presentan sus números en residencias de ancianos y centros de vida asistida, acercando así el repertorio de Presley a públicos que aún recuerdan la época dorada del rock and roll.

Un legado que se transforma y se transmite

La competencia concluyó con la consagración de RJ Hursey, de 14 años y procedente de Bloomington, Illinois, como ganador del certamen. Heredó la pasión de su abuelo, dedica parte de cada día a perfeccionar sus interpretaciones. Cuando su salud le impide cantar, investiga sobre la vida y obra del músico. Su objetivo a largo plazo es protagonizar una nueva versión cinematográfica sobre Elvis Presley.

“La experiencia es conmovedora. Te hace sentir bien porque sabemos que murió pensando que sería olvidado, y nos alegra mucho que todavía esté entre nosotros”, expresó Hursey a la agencia de noticias.

Durante su estancia en Tupelo, los artistas tributo visitaron el complejo que resguarda la casa natal de Elvis y la iglesia donde inició su contacto con la música gospel sureña. La jornada se transformó en una oportunidad para fortalecer el vínculo entre generaciones y reafirmar la vigencia del legado musical de Presley. Para los jóvenes artistas, subir al escenario en la ciudad que vio nacer al “rey” representa un acto de celebración y memoria que trasciende el tiempo.

La gira final de Los Beatles en 1966 marcó el cierre de una era en la música popular, rodeada de controversias, agotamiento y una presión mediática sin precedentes. El cuarteto de Liverpool, integrado por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr, enfrentó durante ese año una serie de desafíos que transformaron para siempre su relación con los escenarios y con la fama internacional.

Tres años después de su primer número uno, Los Beatles llegaron a una encrucijada. Tras meses de trabajo en el estudio, donde grabaron el innovador álbum Revolver, la banda emprendió una gira mundial que terminó por definir su destino. El cansancio acumulado, los incidentes con fanáticos y la sucesión de polémicas en cada ciudad visitada convirtieron el tour de 1966 en un episodio tenso y decisivo.

De acuerdo con un artículo publicado en el periódico británico The Guardian, la presión mediática, el asedio de admiradores y la aparición de enemigos públicos llevó a la banda a tomar una decisión irreversible: dejar definitivamente los conciertos en vivo.

De la experimentación de estudio al desencanto en los escenarios

En 1966, la distancia entre la creatividad de Los Beatles en el estudio y sus presentaciones en vivo se hizo cada vez más evidente. Ninguna de las canciones de Revolver se interpretó durante la gira, ya que la complejidad de los arreglos y el uso de técnicas novedosas resultaban imposibles de reproducir sobre el escenario.

Please Please Me, el primer álbum del grupo, había nacido de interpretaciones pulidas en Hamburgo y Liverpool, pero para entonces el estudio se había convertido en su principal espacio creativo.

El formato de los conciertos seguía anclado en el pasado. Cada espectáculo era parte de un show itinerante con varios artistas y Los Beatles aparecían al final para un set de 30 minutos. El ruido de las multitudes, la falta de tecnología adecuada y la histeria colectiva hacían que la música quedara en segundo plano.

El artículo señala que mientras artistas como Bob Dylan y los Rolling Stones reinventaban el concepto de concierto, Los Beatles sentían que el escenario ya no les ofrecía el mismo estímulo.

Un año marcado por crisis y controversias

La gira de aquel año atravesó Europa, Asia y América, y en cada destino surgieron nuevas dificultades. En Japón, manifestantes cuestionaron la presencia de la banda, acusándolos de atentar contra los valores nacionales. En Filipinas, un desencuentro con la primera dama Imelda Marcos generó un incidente diplomático, que terminó con el grupo empujado e insultado en el aeropuerto por una multitud enfurecida.

En Estados Unidos, la polémica alcanzó su punto máximo tras unas declaraciones de Lennon sobre la popularidad de Los Beatles y de Jesús. Impulsaron campañas de boicot y quema de discos, y surgieron amenazas de muerte contra los integrantes. En un concierto en el Cow Palace de California, una estampida dejó 30 heridos, la mayoría adolescentes.

El diario británico destaca que, a lo largo de la gira, Los Beatles debieron responder preguntas absurdas en ruedas de prensa y soportar el lanzamiento de objetos al escenario, desde caramelos hasta botellas. La presión y el desgaste emocional fueron en aumento. “Hemos sido Los Beatles lo mejor que hemos sido jamás: esos cuatro muchachos alegres. Pero ya no somos esas personas. Somos viejos”, reconoció Lennon.

El último concierto y el fin de las giras

El 29 de agosto de 1966, Los Beatles ofrecieron su último concierto oficial en Candlestick Park, San Francisco. El grupo ya había informado a su mánager Brian Epstein que esa sería su despedida de los escenarios. McCartney pidió a un asistente que grabara el espectáculo como recuerdo.

Durante la actuación, Los Beatles se mostraron decididos y serenos, a pesar del ambiente de tensión. Cerraron con “Long Tall Sally”, un clásico de Little Richard, y tras la ovación final, abandonaron el estadio en un camión blindado.

Según The Guardian, la gira de 1966 representó el episodio más estresante y angustioso de su carrera, pero también el punto de inflexión que definió su futuro.

El legado de una decisión histórica

Tras el final de la gira, la banda de Liverpool se refugió en el estudio. En noviembre de 1966, comenzaron a trabajar en “Strawberry Fields Forever”, dando inicio a una etapa marcada por la experimentación y la libertad creativa.

El grupo dejó de ser un fenómeno de masas en los escenarios para convertirse en pioneros de la música de estudio, sentando las bases de la producción moderna.

La decisión de abandonar las giras supuso el cierre de un ciclo y el comienzo de una nueva era para Los Beatles y para la música popular. Su experiencia dejó en evidencia el alto costo de la fama y la presión mediática a escala global.

Ismael Salcedo, exvocalista y fundador de Los Daniels, se presentará este domingo con su nueva banda, ID, en un concierto gratuito en el Ágora Tlatelolco de la Ciudad de México, como parte del programa Cuicatl: La Ciudad que Suena.

La cita es el domingo 7 de junio a las 14:30 horas en el Ágora Tlatelolco, alcaldía Cuauhtémoc. El acceso es libre y sin costo, dentro de una propuesta de género rock.

El evento forma parte de Cuicatl: La Ciudad que Suena, iniciativa del Gobierno de la Ciudad de México a través de la Secretaría de Cultura, que lleva música en vivo a espacios públicos de las 16 alcaldías todos los domingos.

ID, la nueva banda de Ismael Salcedo

ID es la agrupación que Ismael Salcedo conformó tras su salida de Los Daniels, integrada por cinco músicos de diversas influencias. En abril de 2026 presentaron su primer sencillo, “Somos lo que sigue”, con el que la banda anunció nuevos lanzamientos en puerta.

Antes de formar ID, Ismael ya había dado señales de su camino fuera de la banda: en julio de 2024 lanzó el ISMA EP, un material de cinco canciones que él mismo produjo, arregló y grabó junto a un ensamble de músicos en los Estudios Neblina de Coatepec, Veracruz.

La fractura con Los Daniels

Ismael Salcedo anunció su salida definitiva de Los Daniels en octubre de 2025, después de 18 años como vocalista y miembro fundador. A través de su cuenta de Instagram (@ismarock), acusó a sus excompañeros —el bajista Poncho y el baterista Rasheed— de hablar mal de él ante el medio, amigos y seguidores:

“Llevan años tirándome mierda con el medio, amigos, músicos y hasta con fans diciendo que yo no los dejé hacer nunca nada y que las decisiones las tomaba solo, cuando me dediqué a trabajar y a buscar fechas, a escribir canciones que hasta compartí en regalías con todos”.

El detonante final, según relató en la misma publicación, fue que Poncho buscó asumir el rol de vocalista:

“Ya quería cantar más Poncho, solo se dedicaron a fastidiarme hasta que lo lograron para así tomar el control de la banda. Al enterarme tomé la decisión de ya no seguir más con Los Daniels”. Cerró con una frase que se viralizó entre sus seguidores: “Así que para mí Los Daniels han muerto”.

Los Daniels respondieron con un comunicado oficial en sus canales: “La banda no ha tomado una decisión en conjunto sobre su continuidad. Les pedimos no dar por válidas las versiones que no provengan de nuestros canales”.

18 años al frente del rock alternativo mexicano

Fundados en mayo de 2007 en la Ciudad de México, Los Daniels acumularon ocho álbumes de estudio, entre ellos Moodanza (2009), Amanecer (2013) y Universo Paraíso (2018). Su propuesta de letras introspectivas con guitarras melódicas los llevó a festivales como el Vive Latino y el Tecate Pa’l Norte, además de giras por Asia y Sudamérica.

La banda también registró colaboraciones con Natalia Lafourcade, Ely Guerra y Lila Downs. Su último disco, Híbrido, se presentó en el Teatro Metropólitan en febrero de 2025. Tras la ruptura, Ismael fue eliminado y bloqueado de las plataformas digitales del grupo por sus excompañeros.

Cuicatl: La Ciudad que Suena, programación del 7 de junio

El mismo domingo, el programa ocupa al menos 9 sedes simultáneas en distintas alcaldías, con géneros que van del rock al circo, el teatro musical y el hip hop. Todos los eventos son gratuitos.

Jardín Santiago Tlatelolco (Cuauhtémoc) 13:00 h — Blanco Nejo (rock) 14:30 h — ID (rock)

Palacio Postal (Cuauhtémoc) 12:00 h — Dromedarios Mágicos (música) 13:30 h — Piratas: La Búsqueda del Tesoro (teatro musical)

Plaza del Bolero (Tlalpan) 14:00 h — Taller de Danza Pilares (folclor) 15:30 h — Más Salvajes (música)

Plaza San Jacinto (Álvaro Obregón) 12:00 h — Más Salvajes (música) 13:30 h — Amanda Tovalín (música)

Parque Las Américas (Benito Juárez) 12:30 h — Piratas: La Búsqueda del Tesoro (teatro musical) 14:00 h — Mimo Ramón Solano (mímica) 15:30 h — Show Catarsis Circo (clown circo familiar)

UTOPÍA Meyehualco (Iztapalapa) 15:00 h — Julio Abreu (música) 16:00 h — Amandititita (música)

UTOPÍA Mixiuhca (Iztacalco) 13:00 h — Funky Narración (cuentacuentos hip hop) 14:30 h — Ricardo Salinas (música)

Parque del Mestizaje (Gustavo A. Madero) 13:00 h — In Xóchitl (música)

Foro Cultural Magdalena Contreras (Magdalena Contreras) 13:00 h — Familia Rosso (circo) 14:30 h — Aprendiendo con Mitología (musical)

Parque República Democrática de Alemania (Azcapotzalco) 13:00 h — Rosalba Montero “Para Regalarte: El Concierto” (música) 14:30 h — Dulce y Agraz (música)

Las causas de muerte del Indio Solari, fallecido este viernes a sus 77 años, serán investigadas por la Justicia. Según informaron fuentes judiciales a Infobae, el ídolo del rock nacional fue hallado a las 8 de la mañana por su cuidadora, quien llegó a la vivienda para comenzar la jornada y lo vio tirado en la zona del patio, a pocos metros de su pileta.

Ante la situación, la mujer llamó al equipo privado de emergencias médicas del músico que se trasladó al lugar para darle asistencia. A las 8:30, sin embargo, las autoridades fueron alertadas del fallecimiento del Indio. En consecuencia, se abrió una causa por averiguación de causales de muerte, a cargo del fiscal Lucio Rivero.

El titular de la UFI Descentralizada N°2 de Ituzaingó llegó poco después a la vivienda de la calle Calixto Oyuela al 4000 para realizar tareas en la escena. Al mismo tiempo, convocó a personal de la Policía Científica y adelantó se le realizará una autopsia por protocolo. Será en la morgue de Ituzaingó.

Según la reconstrucción realizada hasta ahora sobre las últimas horas del Indio, el cantante habría cenado con su familia el jueves a la noche y luego se habría metido a la pileta. Allí se descompensó.

Mientras las autoridades judiciales trabajan en el lugar, personal de la Policía Bonaerense desplegó un gran operativo en la zona y cortó el tránsito en las cuadras aledañas. Poco después de que se conociera la noticia de la muerte, muchos fans ya habían comenzado a acercarse a la casa para despedirlo.

La última aparición pública del Indio fue en enero pasado, través de un mensaje cuando recibió el Honoris Causa de la Universidad de Buenos Aires.

El artista había construido alrededor de su figura un magnetismo singular. Su influencia se extendió mucho más allá de la música, convirtiéndose en un referente de la contracultura y en uno de los personajes más enigmáticos del arte argentino de las últimas décadas. Para muchos, su voz y el uso de metáforas en sus letras lo convirtieron en una figura central dentro de la música popular argentina.

En 1975, en la ciudad de La Plata, Indio Solari y Skay Beilinson fundaron Los Redondos. Desde sus primeros pasos, la banda estableció una estética propia, tanto en lo musical como en su modo de relacionarse con el público. La independencia artística y la distancia respecto de los grandes medios marcaron a fuego el recorrido de la banda, que editó nueve álbumes de estudio hasta su disolución en 2001. Discos como Oktubre, Un baión para el ojo idiota y ¡Bang! ¡Bang!... Estás liquidado y Luzbelito forman parte del repertorio esencial del rock argentino.

La separación de Los Redondos supuso un hiato en la carrera de Solari. No fue hasta 2004 que presentó el primer álbum de su nueva etapa, bajo el nombre de LFDAA: El tesoro de los inocentes (Bingo Fuel). Siguieron Porco Rex en 2007, El perfume de la tempestad en 2010 y Pajaritos, bravos muchachitos en 2013. El último trabajo de estudio, El ruiseñor, el amor y la muerte, vio la luz en 2018. Durante esta etapa, Solari mantuvo una relación intensa con su público, que lo acompañó fielmente en cada presentación.

Tras su muerte, las redes se convirtieron en un obituario inmediato y urgente en honor a su figura.

“Ya no escucho música, estoy dentro de la música”, afirmó al recordar su primera experiencia con este sistema. Según explicó, la posibilidad de distribuir los sonidos en múltiples direcciones ofrece una experiencia mucho más inmersiva que el estéreo tradicional.

El músico agregó que esta evolución tecnológica también influyó en su proceso creativo y en la forma en que observa la industria musical actual. Además, destacó que cada vez más vehículos incorporan este tipo de audio, ampliando su alcance entre los oyentes.

En paralelo, destacó que la banda se prepara para regresar a los escenarios con la gira The Return Of The Carnival Of Sins, que recorrerá Estados Unidos y Canadá entre julio y septiembre. Con esta serie de conciertos, celebrarán su 45.º aniversario y los 20 años de su reconocido álbum en vivo Carnival of Sins.

Confesiones y excesos en Mötley Crüe

Al abordar los momentos más difíciles de Mötley Crüe, el baterista admitió: “Nadie puede sostener ese ritmo de excesos; supimos que debíamos parar y buscar ayuda, y así surgió el mejor disco”.

Recordó el punto crítico alcanzado con Nikki Sixx antes de grabar Dr. Feelgood: “Nos quedamos sin drogas y llegamos a inyectarnos whisky. Fue tan absurdo que al final entendimos lo mal que estábamos”.

Describió cómo la decisión colectiva de ingresar a rehabilitación llevó a la banda a una etapa de sobriedad que marcó el álbum más relevante de su carrera. Sobre el final de ese periodo, relató: “Recuperamos la sobriedad, pero la noche que terminó la gira en Hawái volvimos a beber. Nos dijimos que lo merecíamos, aunque luego supimos que era solo una excusa”.

Actualmente, Lee valoró el ejemplo de Sixx, quien mantiene la sobriedad desde hace más de 20 años y es admirado por su constancia. El músico remarcó la importancia de enfrentar, juntos como banda, su periodo más oscuro para poder reinventarse y continuar.

El cambio en la industria musical y el fin de la curaduría

Consultado sobre el impacto del consumo digital, Lee fue crítico: “Hoy hay tanta música nueva que ni los músicos podemos mantener el ritmo, se perdió el misterio y la expectativa de descubrir algo especial”. En la entrevista con Zach Sang Show podcast, lamentó la desaparición de espacios de curaduría musical como MTV y la radio especializada.

“Extraño la época en que ibas a comprar un disco, leías los créditos y descubrías quién tocaba en cada tema”, expresó. Según Lee, los lanzamientos actuales se pierden rápidamente en una avalancha de novedades: “Suben cien mil canciones por día. ¿Quién puede escuchar eso? Es imposible”.

Rememoró la era donde la programación musical estaba a cargo de expertos y el público recurría a listas y recomendaciones humanas. Sostiene que la fragmentación y la automatización de las plataformas actuales diluyen el valor de los eventos musicales y dificultan el descubrimiento real.

El arte del misterio: lecciones de Bowie y Prince en la era digital

David Bowie y Prince surgieron como figuras centrales para Lee: “Admiraba a Bowie y Prince porque sabían guardar el misterio; eso es lo que falta hoy: nadie es más grande que su propio mito”, sentenció. Destacó que la privacidad artística ayudaba a construir figuras casi legendarias, algo cada vez más difícil con la hiperexposición actual.

También resaltó que el misterio y la discreción permitían a la audiencia involucrarse más con la música: “No tenías idea de qué pensaba Prince sobre cosas personales, solo importaba la música. Eso lo hacía grande”. Subrayó que sus referentes mantenían la capacidad de sorprender y de reinventarse en cada etapa, creando una identidad inalcanzable para los estándares contemporáneos.

Legado de Mötley Crüe y la ausencia en el Salón de la Fama del Rock

En el tramo final del Zach Sang Show podcast, abordó el legado de Mötley Crüe y criticó la exclusión de la banda del Salón de la Fama del Rock. “Es absurdo que Mötley Crüe no esté en el Salón de la Fama, mientras otros menos influyentes sí han entrado”, opinó.

Se preguntó si la banda había llegado a ofender a alguien de la organización o si los criterios de evaluación son simplemente inexplicables: “Es sinónimo: Mötley Crüe significa rock and roll en el Sunset Strip, no entiendo qué están esperando”.

Enfatizó que los grandes éxitos de la agrupación resisten el paso del tiempo y que solo al ver todo el catálogo reunido se comprende el impacto cultural logrado. A pesar de la postergación, reconoció que la situación se convirtió casi en una broma interna para los integrantes.

These Thoughts May Disappear, la primera muestra pública de arte visual de Jack White, se exhibe en la Newport Street Gallery de Londres con el respaldo de Damien Hirst y colaboraciones de Ai Weiwei, pero la recepción crítica no tardó en llegar: The Guardian la calificó de vacía, pretenciosa y sin ideas visuales propias. El crítico de arte del diario inglés destruyó la exposición del guitarrista y cantante: “Como un niño de 12 años que visita el Tate Modern por primera vez”

La reseña, firmada por Jonathan Jones, no dejó resquicio para la benevolencia. “Como artista visual, White es un completo no-iniciado”, escribió en una nota que recorre sala por sala los trabajos del ex integrante de The White Stripes y concluye que la fama musical no se traduce en talento plástico. La exposición, con entrada libre y gratuita, reúne más de 100 obras entre esculturas de objetos encontrados, instalaciones, piezas de mobiliario y trabajos interactivos. White, quien se formó como tapicero antes de convertirse en músico, describió su práctica visual como Hardware Store Art (Arte de ferretería): una mezcla de carpintería, tapicería, ensamblaje y reapropiación de materiales industriales. La muestra permanecerá abierta hasta el 13 de septiembre de 2026.

Jonathan Jones reservó sus críticas más ácidas para las piezas que White presenta como homenaje a la tradición musical de la América profunda —el blues, el country, la herencia de artistas como Son House y Robert Johnson—. La figura del Ukulele Joe”, una estatuilla de principios del siglo XX que White reprodujo en serie con patrones de colores, le pareció al crítico “superficial y estéril”, incapaz de transmitir la profundidad que el músico le atribuye. “Estas apropiaciones coloridas y estampadas son chanzas decorativas sin más”, escribió.

La instalación central de la muestra, The Red Tree —un árbol pintado de rosa sobre un jardín artificial con tumbonas—, tampoco escapó al escrutinio. Para el crítico, la pieza repite ideas que Anselm Kiefer y Giuseppe Penone ya exploraron con mucha mayor sustancia. “¿Quién pensó en poner un árbol en una galería de arte? Kiefer y Penone, para empezar. Y ellos no lo pintarían de un color tan tonto”, consignó.

El texto apunta con especial dureza a lo que describió como una concepción confusa y pretenciosa del arte contemporáneo: readymades, instalaciones y referencias al movimiento neerlandés De Stijl —White tituló uno de sus álbumes con ese nombre y convirtió una cuadrícula al estilo Mondrian en un mueble— que, a su juicio, reflejan “el nivel intelectual de un niño de 12 años que acaba de visitar el Tate Modern por primera vez".

Las colaboraciones con figuras del mundo del arte tampoco redimieron la muestra a ojos del crítico. Ai Weiwei intervino uno de los amplificadores Fender diseñados por White en 2024 con la palabra “fuck” escrita en botones de distintos tamaños y colores. Jones la calificó de “gesto cínico y despectivo”, aunque reconoció en ella “un espíritu nihilista y peligrosamente creativo” que, a su entender, brilla por su ausencia en el resto de la exposición. Damien Hirst, por su parte, personalizó otro amplificador con una cabeza de vaca en descomposición y colaboró con White en piezas que incluyen una pelota de ping-pong en levitación permanente y una pintura giratoria —recursos que la nota calificó de “tópicos manidos” del propio Hirst.

El catálogo de la muestra, un libro de lujo con tapa dura, incluye una entrevista a Jack White realizada por el curador Hans Ulrich Obrist, lo que da la medida del respaldo institucional que recibió el proyecto. Allí el músico contó que la relación con Hirst comenzó cuando ambos se conocieron durante la apertura de la tienda Third Man Records en Londres, y que fue el artista británico quien lo animó a llevar su obra al espacio público tras ver fotografías de sus trabajos.

Para Jones, precisamente ahí reside la paradoja más llamativa de la exposición: que Hirst, quien en sus años de formación puso una cabeza de vaca en descomposición real dentro de una vitrina llena de moscas y lo llamó arte —“eso sí era rock and roll”, escribió el crítico—, haya puesto su galería al servicio de una muestra que, a su juicio, carece de pasión y propósito. “Sigue convenciendo a músicos de que son artistas”, escribió, en referencia también a Ed Sheeran, a quien Hirst habría persuadido de que era “el nuevo Pollock”.

[Fotos: Newport Street Gallery; Reuters/Jack Taylor]

El pasado sábado 30 de mayo de 2026, Metallica marcó un antes y un después en la historia de los conciertos en Berlín, Alemania. La agrupación, integrada por James Hetfield, Lars Ulrich, Kirk Hammett y Robert Trujillo, se presentó en el Olympiastadion y reunió a 94.000 asistentes, cifra que estableció un récord absoluto para el recinto. El récord previo correspondía a U2, que en 2009 congregó a 90.000 personas, según la información confirmada por l revista digital estadounidense Loudwire y reflejada en las redes oficiales de Metallica.

En sus cuentas de Instagram, Metallica agradeció el apoyo de los fans y celebró la marca alcanzada en la capital alemana. Según medios especializados, reportaron que el récord de U2 permaneció imbatible durante 17 años, hasta que la gira M72 lo superó en esta presentación.

Por su parte, la revista especializada en la industria musical Billboard y otros medios internacionales también informaron sobre la magnitud del evento, destacando la relevancia del logro para la historia de los espectáculos en vivo en Alemania. El registro del Olympiastadion se suma a una serie de hitos recientes obtenidos por la banda.

La gira M72 y una seguidilla de marcas históricas

En el marco de la gira M72, Metallica impuso nuevos parámetros de convocatoria en diferentes escenarios europeos. De acuerdo con Loudwire, en mayo la banda reunió a 90.000 personas en el Estadio Olímpico de Atenas, lo que fijó otra marca relevante para el grupo en Grecia.

En 2023, la agrupación había registrado un récord previo en el SoFi Stadium de Los Ángeles, donde reunió a 78.000 fanáticos en dos presentaciones consecutivas, también durante la gira M72. Estas cifras resaltan la vigencia de Metallica en la escena internacional.

Mensajes de agradecimiento y expectativa

Tras el éxito de Berlín, la exitosa banda de rock difundió una carta a sus seguidores en la que manifestó su sorpresa y agradecimiento por el respaldo recibido. “Estamos completamente asombrados y no podemos creer que vayamos a tener 24 noches increíbles sobre el escenario, todo gracias a ustedes y a una semana de récord”, expresó el grupo según sus publicaciones en redes sociales.

La banda también informó que, por el momento, no sumará nuevas fechas a la gira. “Por ahora, no añadiremos más conciertos, pero esperamos poder ofrecer más en el futuro”, señalaron en su mensaje a los fans, anticipando los shows en Las Vegas y el cierre de la temporada en Estados Unidos.

Próximos destinos y cierre del tour

El calendario internacional de Metallica mantiene su intensidad durante las próximas semanas. A lo largo de junio, la banda ofrecerá conciertos en ciudades clave de Italia, Hungría, Irlanda, Escocia y Gales, donde se espera un aforo masivo en cada presentación. Estas fechas forman parte del tramo europeo de la gira M72.

La etapa europea concluirá el 5 de julio en Londres, con un espectáculo programado en el Estadio de Wembley. Según la agenda oficial de la banda, este cierre en la capital británica podría repetir el impacto de convocatoria registrado en Berlín, consolidando a Metallica como uno de los grupos con mayor poder de convocatoria en la actualidad.

Tras su paso por Europa, la banda se trasladará a Estados Unidos para encabezar una serie de presentaciones especiales en el Sphere de Las Vegas. El espectáculo, titulado “Life Burns Faster”, contempla 12 funciones entre octubre y noviembre de 2026. La elección del Sphere, un recinto de última generación con tecnología de proyección envolvente y capacidad para más de 18.000 espectadores, refuerza la apuesta de la banda por ofrecer una experiencia innovadora y de alto impacto visual.

Para finalizar el año, tiene previstas dos fechas en el estado de Connecticut, antes de iniciar en 2027 una nueva tanda de conciertos en el Sphere de Las Vegas. La banda confirmó 12 shows adicionales entre enero y marzo del próximo año, lo que anticipa una agenda cargada y una demanda sostenida por parte del público estadounidense.

La seguidilla de récords alcanzada por Metallica destaca su capacidad de convocatoria tras más de cuatro décadas de trayectoria. Los logros recientes reafirman la posición del grupo como uno de los referentes indiscutidos del rock y el heavy metal a nivel mundial.

En una conversación para Apple Music, el músico británico repasó el origen de varias canciones, evocó momentos compartidos con John Lennon y explicó cómo la memoria y las experiencias de su juventud influyeron en el proyecto.

También reflexionó sobre su forma de trabajar y la necesidad de mantener vivo el entusiasmo creativo. “Odio cuando hacer música empieza a sentirse como un trabajo”, afirmó, al referirse a la filosofía que sigue guiando su carrera.

Uno de los momentos más destacados del disco es “Home to Us”, tema que marca el primer dueto vocal en estudio entre McCartney y Ringo Starr. Según contó el ex Beatle, la colaboración surgió de manera espontánea y estuvo acompañada por una confusión amistosa sobre quién debía interpretar una de las partes de la canción.

El álbum también recuperó “Lost Horizon”, una composición que permaneció olvidada durante años hasta que un técnico de Abbey Road encontró por casualidad un casete con la grabación completa. Ese descubrimiento permitió rescatar una pieza que McCartney creía perdida.

El artista señaló que gran parte del trabajo creativo estuvo impulsado por fotografías y recuerdos familiares. Entre esas vivencias del pasado aparecieron también escenas de su infancia en Liverpool. McCartney recordó las excursiones a Dungeon Lane y las visitas al entonces Liverpool Speke Airport para observar los aviones.

“Solíamos ir al aeropuerto sólo para ver los aviones. En esos días era Liverpool Speke Airport”, comentó, subrayando el carácter autobiográfico que atraviesa buena parte de las canciones del álbum.

Home to Us: el dueto entre McCartney y Ringo Starr

La colaboración entre McCartney y Starr en “Home to Us” partió de una anécdota sencilla y cercana. El tema evoca la infancia de ambos: Paul en Speke y Ringo en The Dingle, barrios humildes y llenos de vida familiar.

Según relató McCartney, hubo una confusión durante la grabación de la canción. Él había dejado registrada una voz provisional para que Starr interpretara la parte principal, pero el baterista entendió que debía limitarse a los coros. “Le llamé: ‘¿No querías cantar toda la canción?’. Él me dijo: ‘No pensé que quisieras que la cantara toda’”, recordó entre risas en diálogo con Zane Lowe.

Resuelto el malentendido, ambos compartieron la interpretación de la letra: “De repente, después de todo este tiempo, tenemos una canción juntos. Ahora tenemos el primer dueto de Paul y Ringo”, celebró el artista británico.

Lennon y el legado: memoria, respeto y el aeropuerto de Liverpool

Uno de los momentos más emotivos en la charla con Apple Music fue el recuerdo de Lennon y la huella que dejó en su música. McCartney recordaba la pregunta que le hizo una vez Lennon: “‘¿Cómo van a recordarme cuando muera?’ Le respondí: ‘Tranquilo, ya has hecho suficiente para ser recordado con mucho respeto y amor’”.

Acerca del aeropuerto de Liverpool que lleva el nombre de Lennon, afirmó: “Creo que le hubiera encantado, porque solíamos ir allí solo a ver aviones. Era un gran placer”. También recordó la resiliencia de Ringo, forjada en su niñez, y la sensibilidad de Lennon, marcada por experiencias difíciles en la infancia.

La historia de Lost Horizon: la canción perdida y hallada

El nuevo álbum de McCartney incluye la recuperación de una pieza olvidada. “Eddie Klein, un técnico de Abbey Road, simplemente la vio y la escuchó. Me dijo: ‘¿Recuerdas Lost Horizon?’ Le dije: ‘¿Qué? No’”, narró McCartney en el podcast de Apple Music.

Esta canción, completa en letra y melodía, había quedado almacenada en un casete y había sido dejada de lado durante años. “Eddie pensó que era buena y, si él lo decía, yo le creía. Me puso muy contento”, añadió sobre el hallazgo de “Lost Horizon”, que ahora conecta sus primeras etapas creativas con el presente.

Cómo McCartney maneja la fama y la privacidad

A los 83 años, McCartney reflexionó sobre el peso de la celebridad. Con el paso del tiempo, aprendió a establecer límites claros: “Ahora, cuando alguien quiere una foto, digo: ‘Lo siento, no me hago fotos. Prefiero conversar’”, explicó.

La anécdota del mono de Saint-Tropez se transformó en una metáfora de identidad: “Le cuento a la gente, en Saint-Tropez hay un hombre con un mono y puedes hacerte una foto con el animal. El momento en que permito que me fotografíen así, siento que me convierto en ese mono”, comentó, defendiendo la necesidad de que lo reconozcan como persona antes que como celebridad.

Influencias actuales: África, Fela Kuti y la curiosidad musical

Sobre influencias recientes, confesó su renovada admiración por la música africana. “Últimamente me he sumergido en mucha música africana, de Senegal y estilos parecidos. Es fascinante: ahí es donde surgió el blues”, explicó.

Narró su experiencia presenciando a Fela Kuti en el African Shrine, episodio que calificó como inolvidable: “El grupo comenzó a tocar un riff que todavía puedo recordar, y simplemente rompí en llanto”.

Esta apertura a nuevos sonidos refuerza su postura de “siempre estar escuchando música” y de buscar inspiración permanente en la diversidad artística.

Durante su presentación, la cantante detuvo el show para pedir al auditorio un minuto de silencio. El pedido tenía un destinatario claro: honrar la memoria de Agostina, cuyo femicidio en Córdoba generó una conmoción nacional. El silencio en la sala fue absoluto, y la emoción colectiva se hizo palpable en el ambiente.

El homenaje cobró mayor profundidad cuando Cantilo, con la voz quebrada por la tragedia, interpretó "Canción Sin miedo". La elección de este tema no fue casual: su letra y su contexto la convirtieron en un símbolo de la lucha contra la violencia de género. La interpretación de la artista, cargada de sensibilidad, reforzó el mensaje de repudio ante hechos como el ocurrido con Agostina.

La secuencia del homenaje fue clara y rotunda: primero el minuto de silencio, solicitado por Cantilo con respeto y empatía, luego la música como canal para expresar el dolor y la indignación colectivos. El público acompañó todo el momento en un clima de profundo respeto, alineándose con el pedido de justicia y el reclamo de que estos crímenes no se repitan y se haga justicia.

El caso de Agostina Vega había sacudido a la opinión pública pocos días antes. La niña, de 14 años, fue encontrada sin vida en Córdoba tras una semana de búsqueda intensa. La noticia generó un fuerte impacto en el ámbito nacional y se convirtió en tema central de debate sobre la situación de violencia de género en la Argentina.

La presencia del tema en la agenda social se evidenció en la reacción espontánea del público sanjuanino al gesto de la artista. El minuto de silencio y la posterior interpretación de la canción conectaron a la audiencia con la urgencia de reflexionar sobre estos crímenes y su dimensión colectiva.

Durante el homenaje, Fabi Cantilo fue más allá de la música: “Ni una más, ni una menos”, expresó desde el escenario, planteando con claridad su postura frente a la violencia contra las mujeres. La frase resonó en el teatro y fue recibida con aplausos, en una suerte de comunión entre artista y espectadores.

Este tipo de intervenciones en espectáculos públicos refuerzan el rol de los artistas como voceros de demandas sociales. En este caso, la figura de Fabiana y su decisión de utilizar el espacio escénico para visibilizar el femicidio de Agostina Vega dotaron al show de un sentido colectivo. La reacción del público fue inmediata y masiva: el respeto absoluto y la emoción compartida marcaron el momento.

El homenaje realizado por la cantante no solo fue un momento destacado del show, sino que también puso de manifiesto la disposición del público para acompañar y sostener el reclamo social. El público sanjuanino asumió el homenaje como propio, participando activamente y acompañando con aplausos la frase de Cantilo: “Ni una más, ni una menos”. La reacción fue inmediata y sincera, lo que refleja el impacto que el caso de Agostina y la violencia de género generan en la sociedad.

Este momento se consolidó como uno de los instantes más impactantes de la noche, demostrando que el arte y la música pueden ser vehículos poderosos para el duelo, la denuncia y la construcción de memoria colectiva.

En el universo del rock argentino, los recuerdos no solo se atesoran: se convierten en parte del mito. Hay objetos, frases y gestos que atraviesan el tiempo y resumen décadas de música, noches interminables y encuentros irrepetibles. En las últimas horas, Juanse volvió a sumergirse en ese archivo único y personal y sorprendió a sus seguidores al compartir dos tesoros: un mensaje manuscrito y un dibujo realizados por Charly García, ambos surgidos de uno de los momentos más intensos de su carrera y su vida. La publicación fue mucho más que una simple anécdota: fue la puerta de entrada a una amistad marcada por pactos, excesos y una sensibilidad artística inigualable.

“Encontré entre muchos recuerdos que, buscando fotos de Robertito, apareció como desde un envío, lo que escribió Charly el día del pacto de sangre. También encontré un dibujo que hizo sin levantar un ápice el fibrón de la hoja, como con toda continuidad de una, algo notable que en común tienen Luis Alberto (Spinetta) y él, su destreza en el dibujo y el diseño. A veces hay que tirar las cosas, a veces, no”, compartió Juanse en su cuenta de Instagram, junto a las imágenes del mensaje y el dibujo, donde se podía ver con atención la dedicatoria de “para Juanse, mi hermano de sangre... ¡Siempre adelante!“. La ilustración mostró a tres ratones, uno de ellos agarrando un trozo de queso al que Charly llamó “pedazo”, y otro mirando hacia un público imaginario.

No es la primera vez que Juanse destaca el vínculo que lo une a García. A lo largo de los años, el líder de Los Ratones Paranoicos ha contado en distintas entrevistas cómo la amistad y la complicidad con Charly dejaron una huella imborrable en su vida. Una de las anécdotas más recordadas la relató en plena cuarentena, durante un Instagram Live con Andrés Ciro: el episodio en el que Charly, después de pasar semanas sin dormir, decidió comprarse toda la vidriera de un local de electrodomésticos.

En aquel vivo, el músico describió con lujo de detalles uno de los episodios más surrealistas que le tocó vivir junto al ícono del rock nacional. “Hacía tres semanas que estábamos juntos. Estuvimos tres semanas sin dormir. Los últimos cuatro días de esas tres semanas estábamos él y yo mirándonos de frente en el living de su casa, sin hablarnos. En un momento yo hice un gran esfuerzo, me moví, me paré y le dije: ‘Me voy a casa, me baño, me cambio y vuelvo’...”, recordó Juanse.

Con su conocido talento para la imitación, Juanse recreó la voz de Charly. “Bueno dale, pero no tardes...”. Luego, relató cómo se fue del departamento de García en Coronel Díaz y Santa Fe hasta su casa en Belgrano. “Parecía una estatua del Museo de Bellas Artes que quería tomarse un taxi. Entré parado al taxi. Llegué a casa, me tomé un lexotanil. Me bañé como pude y me recuperé. Me tomé medio Bourbon, me cambié y estaba perfecto. Me sequé el pelo y me volví. Te puedo asegurar que no habían pasado más de dos horas, como mucho tres”, contó, mientras Ciro estallaba de risa.

El regreso estuvo lejos de ser tranquilo. Al acercarse al edificio de Charly, Juanse encontró el tránsito cortado y a varias personas con mamelucos grises cruzando la calle. “Dije: ¿qué pasó? ¡Se tiró por el balcón!”, pensó, temiendo lo peor. Al preguntar a uno de ellos, obtuvo una respuesta inesperada: “Estamos yendo a lo de Charly”.

Al llegar al departamento, la escena era digna de una película: el living estaba repleto de cajas con cámaras, radios, televisores y auriculares. Charly le explicó todo con su habitual desparpajo: “Me crucé y le dije ‘quiero toda la vidriera’. El tipo no me quería creer. Y fui y me la compré, man. ¿Qué? Me compré la vidriera, man”.

Guardar o soltar los recuerdos es una decisión personal. Para Juanse, hay objetos y gestos que no se tiran: se conservan como testimonio de una época y de una amistad que marcó al rock argentino. El pacto de sangre, el arte improvisado y las historias que desafían el paso del tiempo siguen vivos, cada vez que alguien decide volver a mirar una foto, leer una carta o mostrar un dibujo.

El tema “Twist And Shout” no surgió como una composición original del grupo de Liverpool. Antes de su versión, la canción había sido grabada por The Top Notes en 1961 y, al año siguiente, por The Isley Brothers. De acuerdo con el artículo, la interpretación de estos últimos inspiró a The Beatles a imprimirle su propio estilo, apostando por una versión más intensa y enérgica.

La sesión en EMI y la voz de Lennon

Los integrantes de The Beatles ya presentaban signos de agotamiento físico debido a la extenuante jornada en los estudios de EMI. Según relató el ingeniero de sonido Norman Smith en declaraciones recogidas por Ultimate Classic Rock, “la voz de John estaba casi completamente perdida”.

En ese sentido, el grupo decidió que Lennon asumiera la voz principal, pese a las dificultades, y grabaron dos tomas: se optó por la primera.

Smith detalló que Lennon recurrió a pastillas para la garganta y gárgaras de leche antes de encarar la grabación. “John se tomó un par de pastillas, hizo gárgaras con leche y nos fuimos”, señaló el ingeniero. Además, la sesión transcurrió en un ambiente de tensión, ya que los músicos sabían que solo contaban con una oportunidad para lograr el resultado esperado.

Con el lanzamiento del álbum Please Please Me, “Twist And Shout” se convirtió en uno de los puntos más destacados del repertorio de The Beatles. De acuerdo con Ultimate Classic Rock, la canción alcanzó el número uno en las listas del Reino Unido y Estados Unidos en 1964.

The Beatles encabezaron 16 semanas consecutivas las listas con este tema musical, ocupando el primer puesto durante una semana, entre otros éxitos como “I Want To Hold Your Hand” y “She Loves You”.

La repercusión en la carrera del grupo

El tema consolidó la presencia internacional de la banda y amplió su éxito en el mercado estadounidense, donde “Twist And Shout” formó parte de Introducing... The Beatles, el primer disco editado en ese país.

Según medios especializados la interpretación de Lennon quedó registrada como una de las actuaciones más intensas de su carrera. En aquella oportunidad cantó sin camisa debido al malestar, ya que su garganta no resistía más tiempo en el estudio.

En años posteriores, la canción se mantuvo su vigencia dentro del repertorio de The Beatles. En 1986, la canción volvió a entrar en el top 25 de las listas estadounidenses tras su inclusión en la película Ferris Bueller’s Day Off. Este regreso confirmó el alcance intergeneracional de la versión grabada en 1963.

Lenny Kravitz atraviesa una etapa de intensa actividad profesional. En una entrevista con Esquire, el músico habló sobre los principios que guían su vida y su carrera, mientras se prepara para una gira por Europa y trabaja en un nuevo álbum, del que ha compartido adelantos en redes sociales, aunque todavía no reveló su título ni una fecha de lanzamiento.

Durante la entrevista, destacó la importancia de mantener la calma, la disciplina y la autenticidad tanto en su proceso creativo como en su rutina diaria. Explicó que procura conservar la mente despejada y el equilibrio personal ante los desafíos profesionales, una filosofía que combina el rigor artístico, el cuidado de la salud y las enseñanzas familiares que marcaron su trayectoria.

Al detallar su preparación antes de salir al escenario afirmó que “mi ritmo cardíaco es bajo y mi mente está despejada”. El artista considera que la música es solo el punto de partida de una conexión más profunda: “La música es el catalizador, pero conectar y unir a todos, sentir la humanidad y la unidad, eso es lo importante para mí“.

Kravitz señaló que alcanzar ese equilibrio emocional fue un proceso gradual. Recordó que en su juventud se veía más afectado por los ambientes cargados de tensión, pero que con los años aprendió a establecer límites y a no permitir que las energías negativas influyeran en su bienestar.

También destacó una enseñanza de su abuelo sobre la importancia de fortalecer los aspectos menos visibles de la vida, comparándolos con los cimientos de una casa, cuya solidez determina la estabilidad de toda la estructura.

La disciplina y el trabajo invisible en la vida de Lenny Kravitz

“La disciplina, en la música y también al cuidar mi cuerpo, es esencial”, subrayó el músico a Esquire. Aseguró que aplica la misma disciplina a todas las áreas de su vida. Explicó que mantiene un enfoque constante y comprometido tanto en sus proyectos creativos, como la música, la arquitectura o la fotografía, como en el cuidado de su salud y bienestar.

Insistió en que el auténtico fundamento de cualquier logro reside en el esfuerzo que pasa inadvertido. Para Kravitz, ese trabajo oculto sostiene sus resultados tanto en el escenario como fuera de él.

El estilo como expresión personal

Al abordar la relación entre estilo y música, el intérprete se refirió a quienes fueron sus referentes: “Las personas que admiraba de joven tenían un gran estilo y una gran música, ya fueran los Jackson Five, Jimi Hendrix, Miles Davis o Led Zeppelin”, relató. Considera que la elegancia acompañó siempre a la música que lo marcó.

Respecto de su imagen personal, sostuvo que se trata de una expresión natural de su identidad. Explicó que su estilo surge de manera intuitiva y refleja una combinación de elegancia, influencias del rock and roll y elementos vinculados al soul.

Bienestar personal y fuentes de inspiración globales

El bienestar y la diversidad de entornos son parte esencial de su día a día. “Mi madre era bahameña, y el océano es mi lugar favorito; es donde encuentro la inspiración y creo mi música”, reveló.

Por otro lado, París le ofrece estímulos urbanos relacionados con la moda, la arquitectura y la gastronomía: “Me da lo que necesito cuando estoy allí: moda, experiencias culinarias, la distribución y el diseño”.

En Brasil encuentra un espacio para desconectarse por completo. En su granja, ubicada en una zona montañosa, dedica tiempo a actividades rurales como montar a caballo, cuidar ganado y cultivar frutas y verduras.

Cuando busca inspiración fuera de los lugares donde reside habitualmente, destacó a la ciudad de Ciudad de México como su destino preferido, debido a su oferta artística, arquitectónica y gastronómica. Incluso señaló que actualmente es su ciudad favorita, junto con París, donde vive gran parte del año.

En plena cuenta atrás para su gira europea y el estreno de su nuevo álbum, Kravitz mantiene la convicción de que cada lugar y experiencia enriquecen y transforman su obra.

El disco se publicó en el Reino Unido el 26 de mayo de 1967 —aunque la distribución completa se consolidó alrededor del 1 de junio— y en Estados Unidos el 2 de junio. En su primera semana se vendieron más de 250 mil copias solo en el mercado británico, cifra que superó el medio millón antes de que terminara junio. A escala global, el álbum acumuló alrededor de 32 millones de copias vendidas, de las cuales unos 11 millones corresponden a EE. UU., donde permaneció 15 semanas consecutivas en el número 1 del ranking Billboard. En el Reino Unido se mantuvo 23 semanas seguidas en lo más alto de la lista, con 148 semanas totales en el chart.

La obra fundamental de Los Beatles

Sgt. Pepper... llegó en un momento de inflexión radical. Tras su último concierto en Candlestick Park, San Francisco, en agosto de 1966, Los Beatles habían decidido convertirse estrictamente en una banda de estudio, agotados por las giras y el clima de histeria que rodeaba cada aparición pública. Ese retiro liberó una energía creativa sin precedentes y transformó Abbey Road —entonces conocido como EMI Studios— en un laboratorio artístico donde la banda junto al productor George Martin y el ingeniero Geoff Emerick exprimieron al límite las posibilidades de las grabadoras de cuatro pistas disponibles.

El resultado fue un disco que amalgamó psicodelia, música hindú, music hall, arreglos sinfónicos y técnicas de estudio inéditas en el rock. Dedicó más de 330 horas de sesiones —más de 25 horas por canción, muy por encima de cualquier trabajo anterior del grupo— entre el 6 de diciembre de 1966 y el 21 de abril de 1967. Ese esfuerzo consolidó el LP como unidad artística central en la industria discográfica y demostró que el formato podía abordarse con la seriedad de una sinfonía. El diálogo con Pet Sounds de The Beach Boys, publicado en 1966, fue explícito: la ambición de Brian Wilson actuó como impulso directo para la apuesta de Los Beatles por un álbum concebido como ciclo coherente.

Musicólogos como James MacFarlane y Allan Moore han señalado que la cohesión del disco no reside en un hilo narrativo estricto —el propio John Lennon lo describió años después como “una colección de canciones sueltas”— sino en patrones armónicos comunes, relaciones de tonalidad entre pistas y motivos textuales recurrentes. Más que el primer álbum conceptual en sentido estricto, Sgt. Pepper... fue uno de los primeros LP de rock en los que portada, letras impresas, secuenciación y contexto de publicación se concibieron como una obra total.

Impacto cultural de ‘Sgt. Pepper’

La publicación del álbum coincidió con la plena explosión de la cultura psicodélica en Reino Unido y Estados Unidos. El barrio de Haight-Ashbury en San Francisco era el epicentro de un movimiento que buscaba en la música no solo entretenimiento, sino revelación estética y espiritual, y el nuevo disco de Los Beatles se integró de inmediato en ese clima. Numerosos cronistas lo presentaron como la banda de sonido definitiva de aquel verano, capaz de condensar “la fantasía, el amor y las drogas de 1967”.

La circunspecta BBC, por ejemplo, respondió con restricciones. Prohibió la difusión de “A Day in the Life” al interpretar la frase “I’d love to turn you on” (“Me encantaría excitarte”) como una apología del consumo de drogas, y colocó bajo sospecha “Lucy in the Sky with Diamonds” —cuyas iniciales coinciden con LSD— y “Fixing a Hole”. Paul McCartney explicó en entrevistas que esa canción hablaba de proteger el espacio interior de la conciencia y que “A Day in the Life” se inspiraba en noticias de periódico, pero las autoridades mantuvieron sus reservas. Esas restricciones amplificaron el halo de obra “peligrosa” y reforzaron su vínculo con el imaginario contracultural de la época.

El éxito de Sgt. Pepper... aceleró la transición del rock desde la lógica del single hacia la del álbum como formato dominante, transformando la economía de la industria discográfica y legitimando presupuestos de producción y tiempos de grabación mucho más amplios. Grupos posteriores como Pink Floyd o Queen, y productores como Brian Eno, señalaron la influencia directa de las técnicas inauguradas en Abbey Road en 1967.

La tapa: un collage manifiesto

La cubierta del álbum, ideada por McCartney y realizada por el artista pop Peter Blake y su entonces esposa Jann Haworth, elevó el arte de tapa al rango de manifiesto pop. Ganó el Grammy a la mejor portada de álbum en 1968 y fue la primera de rock en incluir las letras completas de todas las canciones impresas en el reverso, un gesto que subrayaba la ambición literaria del proyecto.

El proceso de montaje consistió en imprimir en gran formato fotografías de más de cincuenta personalidades, pegarlas sobre cartón y disponerlas como “público” en varias filas, junto a figuras de cera prestadas por el museo Madame Tussauds —entre ellas los propios Beatles en su imagen anterior, de traje y flequillo— y elementos como flores reales, instrumentos musicales y un telón amarillo al fondo. La sesión fotográfica definitiva, a cargo de Michael Cooper, se realizó el 30 de marzo de 1967 y tuvo una duración de unas tres horas. Costó unas 3.000 libras, cuando la mayoría de las tapas de LP costaban alrededor de 50.

La selección de personajes fue fruto de un proceso colaborativo: Peter Blake pidió a cada beatle que elaborara una lista de sus héroes y referentes, y él mismo añadió otros nombres. El resultado fue un mosaico de la cultura del siglo XX que privilegiaba figuras de la literatura, el cine, la música, el esoterismo y la política. En la fila superior se reconocen al gurú hindú Sri Yukteswar Giri, al ocultista Aleister Crowley, a la actriz Mae West, al compositor Karlheinz Stockhausen y al escritor Edgar Allan Poe. En filas intermedias aparecen Lewis Carroll —cuyas imágenes surrealistas fueron cruciales para Lennon en “Lucy in the Sky with Diamonds”—, Aldous Huxley, Dylan Thomas, Marlon Brando, Marilyn Monroe y Karl Marx, entre otros.

La pasión de George Harrison por la espiritualidad india se refleja en la inclusión de varios gurús del Kriya Yoga: Sri Mahavatar Babaji, Paramahansa Yogananda y Sri Lahiri Mahasaya. El antiguo bajista Stuart Sutcliffe, fallecido en 1962, aparece en la fila frontal como recordatorio de los orígenes de la banda. Bob Dylan ocupa un lugar visible, símbolo de la influencia mutua entre ambos artistas.

Las ausencias resultan igual de elocuentes. EMI vetó la inclusión de Jesús, Gandhi y Hitler, propuestos por Lennon, por miedo a la controversia. El actor estadounidense Leo Gorcey fue eliminado porque pidió honorarios. Gandhi fue retirado por temor a ofender a la India. Sobre Elvis Presley, McCartney recordaría que el grupo consideró que era “demasiado importante y demasiado por encima del resto como para siquiera mencionarlo”. La compleja relación -desconfianza mutua, competencia de egos- entre los cuatro ingleses y el rey del rock and roll, terminó por decidir esa notoria ausencia.

Sgt. Pepper canción por canción

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band abre el LP con el sonido de una orquesta afinando y un murmullo de público. La canción homónima es puro rock, adornada con metales y una guitarra fuertemente distorsionada que presenta, desde la perspectiva de un maestro de ceremonias, a la banda ficticia. La grabación directa del bajo de McCartney le otorga un timbre redondo que destaca en la mezcla y establece uno de los rasgos sonoros del álbum: el diálogo entre nostalgias victorianas y modernidad pop.

“With a Little Help from My Friends” introduce a Billy Shears, encarnado vocalmente por Ringo Starr, en un intercambio entre el solista y un coro de amigos sobre la soledad, el amor y la confianza. El estribillo “I get by with a little help from my friends” (Me las arreglo con una pequeña ayuda de mis amigos) funciona como declaración de camaradería, aunque líneas como “getting high” y “turning on” alimentaron lecturas vinculadas al consumo de drogas. La melodía, construida para acomodar la tesitura de Starr, y los coros de Lennon y McCartney crean el efecto de una conversación íntima.

“Lucy in the Sky with Diamonds”, escrita principalmente por Lennon, destaca por su imaginería onírica —“flores de celofán”, “taxis de papel de periódico”, “ojos de caleidoscopio”— inspirada en un dibujo de su hijo Julian y en pasajes de Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carroll. La coincidencia de las iniciales del título con las siglas LSD generó sospecha desde el principio; la BBC restringió su difusión. McCartney admitió en 2004 que la canción trata de una alucinación.

“Getting Better”, compuesta principalmente por McCartney e inspirada en la frase favorita del batería Jimmie Nicol, celebra la superación personal. Lennon aportó el reverso oscuro: la línea “I used to be cruel to my woman, I beat her” (Solía ser cruel con mi mujer, la golpeaba) introdujo una confesión de violencia doméstica poco usual en el pop de la época, generando una dialéctica entre culpa y redención que refleja bien la dinámica creativa entre ambos.

“Fixing a Hole” usa la metáfora de reparar un techo para hablar de la necesidad de proteger el espacio interior de la conciencia frente a las intromisiones externas. McCartney admitió en 1997 que la compuso en una época en que fumaba mucha marihuana y que era “otra oda al cannabis”, aunque negó las lecturas que la asociaban con la heroína. Musicalmente muestra influencias del music hall y de la música de los años veinte.

“She’s Leaving Home” es una belleza minimal: prescinde por completo de guitarras, bajo y batería para apoyarse en un arreglo de cuerdas y arpa que configura una pequeña pieza de cámara pop. Inspirada en una noticia del diario Daily Mail sobre una adolescente desaparecida, la letra alterna la perspectiva del narrador con las voces de los padres, humanizando a ambas partes del conflicto generacional. La joven real, Melanie Coe, reconoció años después la precisión con que la canción capturaba sus sentimientos.

“Being for the Benefit of Mr. Kite!” nació de un cartel de circo del siglo XIX que John Lennon compró en una tienda de antigüedades. La letra traslada casi literalmente el texto del anuncio, y la producción recurrió a collages de cintas de órgano cortadas, pegadas y mezcladas de forma aleatoria a distintas velocidades para crear un torbellino de sonidos de feria. La pista se convirtió en ejemplo clásico del uso de la cinta magnética no solo como soporte, sino como material de composición.

“Within You Without You”, única composición de George Harrison en el álbum, fue grabada con músicos indios y cuerdas occidentales sin participación de los otros tres Beatles. La letra, inspirada en conversaciones filosóficas durante una cena en casa del artista Klaus Voormann, aborda la ilusión del ego y la unidad de todas las cosas. El crítico británico Ian MacDonald la describió como la desviación más distante del sonido beatle dentro de su discografía; el escritor e historiador estadounidense Kenneth Womack la considera el “alma ética” del LP. Harrison añadió risas superpuestas al final, en un gesto de ambigüedad entre el distanciamiento irónico y la acogida del mensaje espiritual.

“When I’m Sixty-Four” tiene la melodía más antigua del álbum: Paul McCartney la compuso a los catorce años, alrededor de 1956, en la casa familiar de 20 Forthlin Road, y la interpretaba en los primeros días del grupo en The Cavern. En 1967 añadió letras con detalles domésticos y familiares. Con arreglos de clarinetes y piano de salón inspirados en el music hall que escuchaba a través de su padre, la pieza funciona como contraste con la experimentación psicodélica del resto del disco.

“Lovely Rita” nació de un encuentro de McCartney con una agente de tráfico que lo multó frente a los estudios de Abbey Road. La letra describe a la protagonista con erotismo juguetón e inserta la figura de la funcionaria en el universo romántico pop. En la lógica del álbum, amplía el abanico de personajes femeninos y refleja la tendencia de McCartney a elevar escenas mundanas a canción.

“Good Morning Good Morning”, escrita por Lennon, toma su título de un jingle publicitario de cereales para construir una crítica soterrada a la rutina de la vida diaria, con escenas de aburrimiento y conversaciones vacías. La música es agresiva y fragmentada: saxofones estridentes, guitarras incisivas y una coda con sonidos de animales —gallinas, gatos, perros, caballos, leones— cuyo final se funde, por coincidencia sonora deliberadamente explotada, con el ataque de guitarra de la pista siguiente.

“Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)”, sugerida por el asistente Neil Aspinall, retoma el motivo de apertura en una versión más acelerada y cruda, con menos metales y más guitarra y batería. Despide al público de la banda ficticia y deja el terreno preparado para la entrada de “A Day in the Life” sin pausa.

“A Day in the Life”, la obra maestra dentro de una obra maestra, cierra el álbum con una composición conjunta de Lennon y McCartney inspirada en las noticias: la muerte en accidente del aristócrata Tara Browne y un informe municipal que contabilizaba 4.000 baches en las carreteras de Blackburn, Lancashire. Es una canción de compleja e inspirada arquitectura. La sección central, aportada por McCartney, describe un despertar apresurado y la carrera para tomar un autobús, y contrasta con la gravedad contemplativa de las partes de Lennon. Los dos pasajes orquestales in crescendo —en los que Martin instruyó a unos cuarenta músicos para que ascendieran libremente desde la nota más grave de sus instrumentos hasta el registro más agudo— culminan en un acorde final de piano sostenido durante más de cuarenta segundos, grabado por varios pianistas a la vez y reforzado mediante la subida progresiva del volumen en la consola para capturar hasta el último suspiro de resonancia. En la edición británica original, especificó un posterior informe técnico, ese acorde va seguido de un tono de 15 kHz —supuestamente audible solo por los perros— y un surco oculto con un collage de voces balbuceantes que se reproducía en bucle si el tocadiscos no levantaba automáticamente la aguja. Un final grandioso que todavía impacta, casi 60 años después de haber sido creado. Y lo será por siglos.

[Fotos: Apple Corp.]

La exhibición de objetos y documentos inéditos de Jimi Hendrix abrirá el 19 de junio en 23 Brook Street, en Londres, y pondrá en primer plano una faceta poco visible de su vida: la rutina doméstica del único lugar que, según la curadora Claire Davies al medio The Guardian, el músico llegó a considerar verdaderamente su hogar. Entre las piezas que se mostrarán por primera vez figuran recibos de comida, cartas, permisos de trabajo, tickets de tintorería y facturas telefónicas por decenas de miles de libras. El conjunto incluye también documentos corporativos de Anim Records, la empresa que administraba a The Jimi Hendrix Experience y a otros artistas.

Uno de los recibos corresponde a pedidos realizados durante un par de meses al restaurante Mr Love, ubicado en la planta baja del edificio donde Hendrix vivía en el barrio de Mayfair. Hendrix solía pedir filetes y hamburguesas desde su departamento, mientras en el restaurante se reunían celebridades en mesas con forma de corazón atendidas por camareras con pantalones cortos. El músico prefería el menú estadounidense de Mr Love y llegó a decir que el problema de la comida inglesa era que “te sirven puré de papas con casi todo, y no voy a decir nada bueno sobre eso”.

La muestra se realizará en la Handel Hendrix House, el museo instalado en las casas reales de dos músicos que vivieron en Brook Street: George Frideric Handel en el número 25 entre 1723 y 1759, y Hendrix en el número 23 entre 1968 y 1969. El espacio que ocupaba Mr Love es hoy una tienda de moda, de acuerdo con el diario británico. La institución adquirió muchas de las piezas de la exposición con apoyo del National Lottery Heritage Fund. El departamento que Hendrix compartió con su novia Kathy Etchingham fue reconstruido y allí, según el mismo medio, el guitarrista recibió y colaboró con figuras centrales del rock británico de los años 60.

Davies, curadora de la muestra y directora adjunta de la Handel Hendrix House, dijo a The Guardian que los recibos y otros papeles “cuentan una historia muy importante sobre este pequeño momento doméstico en la vida de Hendrix”. Añadió que, por su infancia difícil y por una carrera de cuatro años basada en Londres en la que solía alojarse en hoteles o en casas ajenas, el piso de Brook Street fue “el único lugar al que llamó hogar y el único lugar donde su nombre figuraba en las facturas del alquiler”.

La curadora sostuvo que ese archivo ofrece una imagen de cómo era su vida detrás de la figura de estrella de rock y también de cómo podría haber sido si hubiera vivido más tiempo y se hubiera asentado. Hendrix murió en 1970 a los 27 años tras una aparente sobredosis, recordó el diario británico.

Una parte central del material procede de los archivos de Anim Records y de la labor de Patricia “Trixie” Sullivan, asistente personal del mánager Mike Jeffery. Entre 1966 y 1973, Sullivan reservó estudios de grabación, organizó itinerarios, negoció contratos y acompañó a los músicos en giras por todo el mundo, de acuerdo con el medio. Tras la muerte de Jeffery en 1973, Sullivan recogió materiales que los agentes judiciales habían dejado en su oficina de Londres porque prestaron más atención al mobiliario. Guardó todo en cuatro baúles de plástico debajo de su cama en España y, cuando regresó al Reino Unido porque su salud empeoraba, su nieto Jonathan Garcia Sullivan los almacenó en un cobertizo en Dorset, según el mismo medio.

Ese archivo conserva contratos, calendarios, detalles de vuelos, registros de actuaciones históricas y facturas de equipos musicales vinculados al sonido de Hendrix. También incluye los diarios de Sullivan con anotaciones de la gira alemana de enero de 1969. Sobre el concierto de Münster, Sullivan escribió: “Un solo show: gran público, casi hubo disturbios, rompieron muchas sillas, daños por $250. Me empujaron cuando entré al coche”. El material, dijo Davies al mismo medio, revela que Sullivan era “el epicentro absoluto de todo lo que Hendrix y The Experience estaban haciendo”.

“Ella claramente dirigía todo. No estoy segura de que hubieran podido hacerlo sin ella”, añadió Davies. Jonathan Garcia Sullivan contó al mismo medio que su abuela le decía que Hendrix “era bastante introvertido” y que “dudaba mucho de sí mismo”, además de tocar siempre la guitarra cuando ella visitaba su departamento. Garcia Sullivan afirmó que su abuela se describía como la niñera del músico y que intentaba poner orden en su vida pagando ese tipo de gastos. La exposición abrirá el 19 de junio en 23 Brook Street.

Por prolífico que ha sido—a través de Los Beatles, Wings y álbumes solistas—McCartney no sigue ninguna disciplina o rutina para componer canciones. “Simplemente estaré en algún lugar, con algo de tiempo libre, y mi guitarra estará allí, o estaré cerca de un piano. Y me entrarán ganas”, dijo. “Siempre que he dado con algo, es como, oh, guau. Es una gran sensación. Ya sabes, todo eso de la creatividad es algo grandioso. Siempre digo que es mejor que trabajar.”

Incluso para un ensayo, iba elegantemente vestido. Llevaba una chaqueta azul, una camisa negra con pequeños lunares rosas, pantalones negros, zapatos con suela blanca tipo pantuflas de karate y medias con un diseño psicodélico de burbujas azules bajo una raya amarilla brillante.

Unos días después, McCartney actuaría en S.N.L., tocando canciones viejas y nuevas, incluida “Days We Left Behind” de su nuevo álbum, The Boys of Dungeon Lane. Cinco días después, McCartney fue el invitado sorpresa en el último momento de The Late Show with Stephen Colbert, sobre el escenario del Teatro Ed Sullivan, donde Los Beatles debutaron en Estados Unidos en 1964. Como cierre musical de Colbert, cantó “Hello Goodbye” de Los Beatles.

En persona, McCartney lleva sus seis décadas de fama con una gracia extraordinaria. Es cordial y sin pretensiones, orgulloso pero no arrogante, y aún se asombra y se deleita con su vida como músico. “Hoy en día me pregunto cómo acabé siendo compositor”, reflexionó. “Porque, ya sabes, solo soy un chico que fue al colegio, que fue a hablar con el orientador profesional que me dijo, ya sabes, ‘No tienes títulos y, bueno... No veo un gran futuro para ti.’ “Así que tuve que tomar eso y pensar, ‘Jodete: voy a hacer algo.’ Y eso me hizo esforzarme aún más para tener éxito, porque se suponía que no debía lograrlo. Así que escribir canciones fue una de las mejores cosas de mi juventud.”

La primera canción que escribió fue un tema con aires de rockabilly, “I Lost My Little Girl”. McCartney recordó: “Alguien me dijo después: ‘Esa canción iba sobre vos perdiendo a tu madre.’ La escribí a los 14 o 15 años, y ella había muerto hacía poco.” Aunque Los Beatles no la grabaron, McCartney la presentó más tarde en los años 70 con Wings. “Esto es lo interesante de las canciones”, dijo. “Sin saberlo, estás explorando cosas que tal vez serían difíciles de hablar.”

En The Boys of Dungeon Lane muchas de las nuevas canciones rememoran su infancia en Liverpool y los primeros días de Los Beatles. En “Down South”, recuerda cómo conoció a John Lennon haciendo autoestop hacia el sur para ir a Londres. Ringo Starr lo acompaña cantando y tocando la batería en “Home to Us”, sobre su ciudad natal nada glamorosa. McCartney hizo el álbum con Andrew Watt, un productor ganador del Grammy que ha trabajado con Rolling Stones, Miley Cyrus, Lady Gaga, Iggy Pop y Pearl Jam. “Es increíble ver trabajar a Paul”, dijo Watt en una entrevista telefónica. “Si hablas de tus 10.000 horas, él tiene un millón de horas haciendo discos y grabando. Así que su capacidad para entender micrófonos, cómo arreglar, cómo componer, tocar cada instrumento, es simplemente increíble. Y se divierte muchísimo cuando toca. Baila por la sala, pasa de un instrumento a otro, baila, se ríe. Trabajar con él es una experiencia realmente alegre.”

Chad Smith, el baterista de los Red Hot Chili Peppers, quien fue un sustituto de última hora para la actuación en S.N.L., fue igual de efusivo. “No tengo suficientes adjetivos para decirte lo increíble que fue”, dijo en una entrevista telefónica. “No paraba de decir: ‘Solo haz que sea divertido.’ Sabes, él ya no tiene que tocar si no quiere, no tiene que grabar discos. Es tan inspirador ver esa energía. Verdaderamente lo ama.”

Para McCartney, colaborar con Watt le hizo revivir recuerdos. “Cuando trabajas con un productor más joven, me anima a desempacar todas mis historias”, dijo. “Principalmente sobre Los Beatles, porque eso fue lo primero cuando éramos niños. Y ese tipo de recuerdos, creo que para la mayoría de la gente, son los más valiosos.”

The Boys of Dungeon Lane también exalta la actitud juguetona de McCartney hacia la música, que ha tenido toda su vida. El tema de apertura, “As You Lie There”, estalla de una entrañable reminiscencia al grito al estilo Little Richard. “Never Know” se vuelve psicodélica, con voces de sílabas sin sentido a modo de contrapunto y un majestuoso crescendo final. “Salesman Saint”, una canción sobre sus padres sobreviviendo la Segunda Guerra Mundial en Liverpool “con risa y una canción”, avanza entre cambios de métrica y de repente incorpora metales al estilo big band.

Recientemente, los recuerdos de McCartney han vuelto a materializarse. El Salón de la Fama del Rock & Roll en Cleveland acaba de inaugurar una exposición dedicada a Wings, su exitosa banda en los años 70. Él mismo proporcionó algunos disfraces y objetos—pero no su bajo Höfner en forma de violín. “No puedo darles mi bajo, porque lo estoy usando hoy”, dijo. En Londres, el antiguo edificio de Apple en el número 3 de Savile Row reabrirá como museo. Los fans podrán visitar el estudio reconstruido en el sótano donde Los Beatles grabaron “Let It Be” y la terraza donde la banda ofreció su última breve actuación. “Museo implica polvo”, dijo McCartney. “No creo que vaya a ser así. Creo que será bastante animado.”

Dungeon Lane, mencionada en “Days We Left Behind”, es una calle de Liverpool que lleva a la orilla del río Mersey, donde McCartney disfrutaba observando aves. También era donde merodeaban algunos matones del lugar, y un día le robaron su reloj. “Cuando escribes cosas, escribes algo y se convierte en una metáfora de más de lo que estás poniendo por escrito”, dijo, y citó la letra de la canción. “‘Algunos sentirán dolor, pero otros estaban destinados a más.’ ‘Algunos estaban destinados a más’ somos nosotros, los que conseguimos salir de allí.” Sin embargo, añadió: “Conozco a muchos chicos de Dungeon Lane que no lo lograron. Muchos de mis amigos son los que no tuvieron éxito en sus carreras.”

La canción también menciona el 20 de Forthlin Road en Liverpool, la casa—ahora propiedad del National Trust británico—donde McCartney y Lennon comenzaron su colaboración como compositores. “Casi siempre nos sentábamos juntos con dos guitarras acústicas y solo lanzábamos ideas el uno al otro, reboteando”, dijo. “Viéndolo en retrospectiva, no podría haber deseado un mejor compañero.” Y añadió: “John tenía un carácter mucho más áspero, lo cual me gustaba mucho. Cuando trabajábamos juntos, era muy inspirador, muy útil tener ese filo. Y creo que a él también le venía bien tener algo menos duro, quizás un poco más romántico. Es simplemente mi forma de ser, sabes. Soy ese tipo de persona. Me gustan ciertas cosas que algunos tachan de cursis y dicen ‘Dios mío, eso es muy empalagoso’.”

Pero a veces también se ha sentido incomprendido. “Es curioso cómo te encasillan”, dijo. “Que me llamaran ‘el lindo’ de Los Beatles—fue el peor insulto que podían darme. No me gustaba nada. Es como, ‘No, no, no, soy más que eso.’ Pero también es cierto que si estoy escribiendo una canción, me gusta que tenga ese componente amoroso. Pero, para equilibrar eso, muchas veces encuentro que se cuela algo más realista. Me gusta la mezcla de ambos.” Su don melódico puede ocultar sus momentos oscuros. Cuando le pregunté cuál de sus canciones menos conocidas le gustaba más, citó “Daytime Nightime Suffering” y “Arrow Through Me”, dos temas de Wings de los años 70 que no solo están llenos de giros musicales, sino que también encierran pensamientos atormentados.

McCartney volvió a emplear métodos clásicos de estudio durante la creación del nuevo álbum. Durante una reestructuración de EMI, la discográfica de Los Beatles, sus contables decidieron vender equipos del estudio Abbey Road. McCartney compró muchos de los instrumentos, entre ellos el Mellotron que usó en “Strawberry Fields”, el piano espineta que tocó en “Because” y una grabadora de cinta Studer de cuatro pistas que podría ser la que se usó para grabar “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, aunque él no ha podido comprobar si es exactamente esa máquina.

Sigue usando ese equipo antiguo. Una de las canciones nuevas, “We Two”—una entrañable página sobre el amor, la asociación y el apoyo y respeto mutuo—fue grabada íntegramente en la Studer. La tecnología informática permite hoy en día un número infinito de pistas que pueden modificarse en cualquier momento. Pero cuando grababan Sgt. Pepper, debían mezclar varios instrumentos en una sola pista que ya no podía modificarse, una y otra vez. “Realmente usamos el proceso que usaba con Los Beatles, al cien por ciento”, afirmó Watt—hasta la edición final cortando la cinta con una cuchilla. “We Two” termina con el sonido de una cinta rebobinándose—un sonido del pasado en la era digital. “Lo pusimos ahí porque ya nadie escucha eso”, dijo McCartney. “Antes lo oías, en cada disco que hacías.”

Cuando McCartney comenzó a escribir con Lennon, no tenían manera de grabar las canciones a medida que las desarrollaban. Pero pensaban, “Si no puedes recordarla, ¿Cómo esperas que la gente la recuerde?”, contó. “Eso dejamos que fuera nuestra regla.” Ahora, por supuesto, puede captar ideas musicales con un teléfono móvil. Sacó su iPhone y buscó en Todas las grabaciones, con docenas de páginas de posibilidades. “‘L.A. Melody’, ¿qué era esto?”, dijo, mientras acordes majestuosos de piano sonaban por el pequeño altavoz. Puso otra: un bucle de Mellotron vacilante con acordes de guitarra llenos de reverberación y el inicio de una letra. Era una de las que él llama sus “canciones verdes”—que tal vez algún día formen parte de un disco.

“Cuando hacíamos el álbum, separábamos las canciones en tres categorías”, dijo. “Una eran las canciones rojas, esas eran las que íbamos a usar, y prácticamente son las que entraron en el álbum. Luego las canciones azules, que son las que podrían haber estado en el álbum, pero quedaron descartadas. Luego están las verdes, que son estas, las experimentales. Tengo total libertad, y esas al final me acaban gustando mucho.”

Ya no está preocupado por hacer éxitos. “Cuando intentas ser creativo, está bien si a mucha gente le gusta”, dijo. “Pero no es lo fundamental. No es ni de lejos tan importante para mí como lo es para otras personas. Me gusta la libertad. Y si la libertad lleva a un éxito, genial. Si la libertad me lleva simplemente a disfrutarlo, probablemente aún mejor.” Lo importante para él ahora es simplemente hacer música. “La música es un mundo mágico”, dijo. “Incluso científicamente, solo son un montón de frecuencias. ¿Cómo pueden esas frecuencias afectar a tu corazón? Lo entiendo, si tiene una letra, a veces te dices, oh, sí. Pero si es solo una melodía ¿Cómo puede hacerte llorar? Eso es magia. Me encanta.”

Al finalizar la entrevista, McCartney se quedó de pie en la puerta, observando cómo dos empleados del estudio se apresuraban en direcciones opuestas. Sonrió. “Hello goodbye”, dijo.

Fuente: The New York Times

[Fotos: Capitol vía AP; archivo AP; archivo AP/Richard Drew; Stephane Mahe/Reuters]

La canción como laboratorio

El primer gran aporte de Dylan a la cultura del siglo XX fue la demostración de que la canción popular podía operar como laboratorio de experimentación narrativa sin perder su condición masiva. The Freewheelin’ Bob Dylan (1963) es el disco donde eso se vuelve evidente. Canciones como “Blowin’ in the Wind”, “Masters of War” y “A Hard Rain’s a-Gonna Fall” combinan la estructura repetitiva del folk con recursos poéticos de la literatura escrita: repetición anafórica, imaginería apocalíptica, ironía sutil. El uso de preguntas retóricas en “Blowin’ in the Wind” articula una crítica a la guerra y al racismo sin enunciar consignas explícitas, dejando la respuesta flotando para que el oyente complete el sentido. Así, se convirtió en un himno pacifista de todos los tiempos.

La electrificación de mediados de los 60 amplió esa paleta. Cuando subió al escenario del Newport Folk Festival en julio de 1965 con una Fender Stratocaster y una banda eléctrica, parte del público lo abucheó. La perspectiva histórica invirtió ese juicio. La impresionante trilogía de álbumes Bringing It All Back Home, Highway 61 Revisited y Blonde on Blonde —publicados entre 1965 y 1966— no rebajaron la exigencia lírica al electrificarse; la intensificaron. “Like a Rolling Stone”, otro de sus himnos y legado para la historia de la música popular, despliega en seis minutos la historia de una caída existencial que condensa, mejor que ningún manifiesto, la sensación de desorientación de una generación. Que, por cierto, aplica para la generación contemporánea. Ese gesto —elevar la canción popular sin hacerla inaccesible— es tal vez, su contribución más perdurable.

Lo que siguió no fue una caída, sino una serie de reinvenciones que el mundo recibió con la misma incomprensión inicial. El giro al country introspectivo de Nashville Skyline (1969), la etapa cristiana de Slow Train Coming (1979), la épica íntima y dolorosa de Blood on the Tracks (1975), el blues crepuscular de Time Out of Mind (1997): cada etapa parecía una ruptura y era, en realidad, una exploración del mismo territorio desde un ángulo distinto. Notable.

El poeta que no quería serlo

Hay una frase de su discurso de aceptación del Premio Nobel de Literatura que envió a Estocolmo en diciembre de 2016 (no fue en persona, por supuesto) que resume bien su relación con la literatura: “Ni una sola vez tuve tiempo de preguntarme si mis canciones son literatura”. La frase podría leerse como una muestra de modestia, pero también como una declaración de principios: sus canciones no nacieron para ser analizadas en cátedras universitarias, sino para ser cantadas y escuchadas. Aunque ahora, por el peso mismo de su obra, se las deba estudiar y asimilar.

La dimensión literaria de su obra es, aun así, innegable. Sus influencias —Tolstói, Faulkner, Rimbaud, Jack Kerouac, la Biblia, la poesía de Dylan Thomas— se filtran en sus canciones no como citas decorativas, sino como estructuras narrativas y modos de ver el mundo. “Tangled Up in Blue”, otra obra maestra de su cosecha, presente en Blood on The Tracks (1975) fragmenta el tiempo y cambia la perspectiva narrativa con una libertad que recuerda a la novela moderna. Su prosa refuerza esa imagen: el libro Chronicles, Volume One (2004) -primera parte de una autobiografía que todavía no ha tenido continuación- ofrece unas memorias capaces de mezclar lo elegíaco con lo mordaz y de retratar la escena folk neoyorquina con una precisión que muchos lectores han considerado tan reveladora como sus mejores letras.

El premio Nobel que descolocó al mundo

El 13 de octubre de 2016, la Academia Sueca anunció la concesión del Premio Nobel de Literatura a Bob Dylan “por haber creado nuevas expresiones poéticas dentro de la gran tradición de la canción estadounidense”, convirtiéndolo en el primer músico galardonado en esa categoría en los 115 años de historia del premio. Las reacciones negativas fueron inmediatas. El escritor escocés Irvine Welsh dijo que era “un premio de nostalgia mal concebido, arrancado de las próstatas rancias de hippies seniles”. Desde el campo contrario, Leonard Cohen ofreció quizás la defensa más elocuente: “Esto es como colgarle una medalla al Monte Everest por ser la montaña más alta”.

El propio Dylan tardó días en reaccionar, hasta el punto de que la Academia se vio en la situación inédita de no poder contactar al galardonado. En el discurso enviado a Estocolmo, comparó su situación con la de William Shakespeare: un dramaturgo que probablemente nunca se preguntó si lo que escribía era “literatura”, pero que la historia terminó por clasificar como tal. El discurso generó otra controversia: con malicia, la revista Slate señaló que varios pasajes sobre Moby Dick de Herman Melville se parecían sospechosamente al análisis publicado en el sitio de guías de estudio SparkNotes. La Academia no tomó medidas. Dylan, fiel a su estilo, no respondió.

Bob Dylan en Buenos Aires

Buenos Aires ocupa un lugar singular en la geografía del Never Ending Tour. Bob Dylan visitó la capital argentina en cuatro ocasiones: agosto de 1991, abril de 1998, marzo de 2008 y abril de 2012. La primera llegada se produjo apenas tres años después del inicio de la gira. Tocó tres noches en el Estadio Obras Sanitarias ante poco más de 4.700 personas por función. La visita de abril de 1998 al Estadio River Plate fue de otra naturaleza: llegaba con el extraordinario Time Out of Mind bajo el brazo, el disco que acababa de ganarle el Grammy al Álbum del Año y que más importante que eso, lo había devuelto al centro de la escena por ser un disco considerado “clásico instantáneo” (lo es). La noche del 4 de abril quedó grabada en la memoria de los rockeros argentinos por un momento específico: compartió escenario con los Rolling Stones para una canónica versión de “Like a Rolling Stone”. El registro visual, aunque pobre en calidad para los estándares del presente, por suerte existe y está en YouTube. Es un fresco de época y sucedió aquí, en nuestro patio.

Las cuatro noches de abril de 2012 en el Teatro Gran Rex representaron quizás la visita más celebrada. Tocó ante 3.500 personas por función en la histórica sala de la Avenida Corrientes, con una voz aún más áspera que en visitas anteriores. Los asistentes encontraron en esa aspereza un recurso expresivo antes que una limitación. Desde la segunda fila de la platea (¡a metros de él!), traté de asimilar todo lo que hacía y decía: como una película pasaron por mi cabeza cientos de imágenes, de los discos que mi hermano Víctor coleccionaba (colecciona) como tesoros, el sonido de la guitarra y la armónica de León Gieco que descubrí en mi niñez, la pasión que se fue despertanto en mi querido amigo Javier Andrade (QEPD) a través de los años. Inolvidable.

La gira sin fin de Bob Dylan

Desde el 7 de junio de 1988, cuando se presentó en el Concord Pavilion de California y decidió simplemente no parar, lleva aproximadamente más de 3.700 conciertos. Alcanzó la marca de 3.000 en Innsbruck, Austria, en 2009, y ha tocado más de 100 shows por año de forma habitual. La gira actual, iniciada en noviembre de 2021 con la presentación de Rough and Rowdy Ways, tiene fechas programadas hasta agosto en Nashville, aunque, como advirtió el periodista que le puso nombre al fenómeno, no conviene apostar por esa fecha como fecha final.

Nunca ocultó su incomodidad con la etiqueta Never Ending Tour. “¿Alguien llama a Henry Ford un constructor de autos sin fin? ¿Alguien dijo que Duke Ellington estaba en una gira de escenarios de plaza sin fin?”, le respondió a un periodista en 2009. Sigo los videos de los shows más recientes en YouTube: por supuesto hay fans obse que los graban y los suben(y unos cuantos miles alrededor del mundo, los vemos). A los 85 años, sigue siendo un enigma sobre el escenario: se esconde al costado, bajo un sombrero o una capucha de buzo, y encuentra la manera de mantener vivas canciones que llevan décadas circulando. “Estoy aterrado de estar en el escenario”, admitió en 2012. “Pero es el único lugar donde soy feliz.”

El canto crepuscular de un Nobel

La culminación provisoria de su obra data, hasta el momento Rough and Rowdy Ways (2020, año de la pandemia), su trigésimo noveno álbum de estudio. La canción que lo precedió —“Murder Most Foul”, una pieza de 17 minutos sobre el asesinato del presidente John F. Kennedy— se convirtió en el primer número uno suyo en la lista de ventas de Estados Unidos. La ironía no pasó desapercibida: su canción más larga y menos radiofónica halló el mayor eco en un país confinado.

Ese “late style” —blues, swing, rockabilly y letras que alternan el humor negro con la cita velada— no es un mero epílogo decoroso: es una fase de creación que dialoga con el conjunto de su trayectoria y con la tradición musical que estudió y reversionó durante toda su vida. En diciembre de 2020, la venta de los derechos de su catálogo completo —más de 600 canciones— a Universal Music Publishing Group por una cifra estimada en torno a los 300 millones de dólares cerró, al menos en términos patrimoniales, un ciclo. Su voz sigue sonando, rasposa y un poco más débil, en la carretera, sus canciones siguen siendo objeto de nuevas lecturas, y la pregunta que la Academia Sueca se tomó el trabajo de responder en 2016 sigue generando debate. Esa incomodidad es, quizás, el legado más duradero de un artista que nunca quiso que lo dejaran quieto. Que siga así. Salve, Bob. Feliz cumpleaños.

La misión principal de este trabajo fue relevar cómo fueron introducidos Los Beatles al público argentino desde los inicios mismos de su carrera. El foco se colocó en las referencias de un conjunto de diarios y revistas locales editadas durante el año 1964, período en el que el grupo comenzó a tener una exposición mediática sostenida en el país. Aun cuando ya desde la segunda mitad de 1963 se habían publicado en Argentina algunas de sus canciones, no fue sino hasta los primeros meses del año siguiente que ganaron lugar en la prensa gráfica, dejando atrás la etapa donde imperan —con escasísimas excepciones— las escuetas menciones inaugurales. Como complemento a este corpus de corte periodístico, se atendió también a la presentación que realizó de sí misma la banda por medio de sus trabajos oficiales, en la forma que adquirió su distribución local, que no fue necesariamente una copia exacta de lo ocurrido en el Reino Unido.

El punto de inflexión que implicó esta notoriedad mediática del grupo en la prensa argentina se debió primordialmente a la repercusión que tuvo su debut en la televisión norteamericana, lo que constituyó el trampolín para la conquista planetaria, incluido este rincón del Cono Sur. Si bien la popularidad —ya absoluta— en su tierra natal comenzó a extenderse al resto de Europa entre fines de 1963 y comienzos del año siguiente —a destacar las escalas en Suecia y París, respectivamente— la consagración definitiva en el mercado más deseado solo se materializará con la aparición en The Ed Sullivan Show la noche del 9 de febrero de 1964.

Aunque el ADN europeo seguía pisando fuerte en Argentina, fruto de una voluminosa inmigración todavía reciente y traducida en un consumo cultural que mantenía parte de su mirada en el Viejo Continente, el arrollador star system estadounidense se imponía desde hacía décadas y eran los cantos de sirena del Tío Sam los que inclinaban la balanza de lo noticiable. Muy especialmente si se trataba de uno de sus productos de evangelización más exitosos: el rock ‘n’ roll.

Tras el comienzo de la invasión británica al norte del río Bravo, entonces —ahora sí— los diarios y revistas argentinos comenzaron a prestar algunas de sus páginas para contar quiénes eran estos cuatro jóvenes que estaban, ya desde sus comienzos, revolucionando no solo el mundo de la música, sino el hasta entonces modo de ser de las figuras del espectáculo, para convertirse finalmente en artífices de uno de los cambios culturales más importantes del siglo XX.

Son verdaderos torrentes de información —cada vez menos tinta y más bits— los que sigue generando a la fecha esta banda, cuya separación ya superó las bodas de oro. En una era de vértigo digital, la corporación que maneja hoy sus asuntos ha mantenido el catálogo vigente a través de distintos mojones comerciales que van desde ediciones expandidas y deluxe de sus últimos álbumes, documentales de altísimo valor —y otros menos relevantes—, periódicos updates a las mezclas y masterizaciones originales y, más recientemente, una reunión virtual hecha posible por el demixing que permite la inteligencia artificial (el single “Now and Then”), entre otros proyectos. Difícilmente pase un año sin que suceda algún tipo de lanzamiento orquestado desde Apple Corps, muy por delante de la actividad vista en las décadas más inmediatas a la disolución del cuarteto. Por si fuera poco, los dos miembros aún vivos mantienen una envidiable actividad en cuanto a giras —y en menor medida, grabaciones— se refiere, ya superadas sus ochenta primaveras.

Aunque se observa una tendencia de sentido decreciente y resulta difícil competir con artistas contemporáneos por la atención de las generaciones más jóvenes, Los Beatles siguen dominando las búsquedas en Internet versus otras bandas legendarias como The Rolling Stones, Queen, Pink Floyd o Led Zeppelin. Es además llamativo que Argentina es el segundo país que mayor volumen de pesquisas ha hecho sobre la banda en Google en las dos últimas décadas a nivel mundial, solo por detrás de México. Aunque con una vigencia incuestionable, no es del más inmediato pasado del que vamos a ocuparnos, sino que se intenta aquí echar luz sobre aspectos muy lejanos en el tiempo.

La elección del tramo temporal no es caprichosa. Por un lado, 1964 es el año por excelencia de la Beatlemanía; es el momento de su definitiva consagración a nivel mundial y, en consecuencia, un período de impulso sideral en su carrera. El grupo atravesará, en un lapso de unos siete años y medio de vida dentro del negocio discográfico —se consideran los 2772 días que transcurren entre la edición británica del primer single (“Love Me Do / P.S. I Love You”, 1962) y el último LP del canon oficial (Let It Be, 1970)—, un trayecto hasta entonces inédito e impensable. Difícilmente en 1964 alguien podría haber aventurado el impacto que tendría este conjunto para la vida cultural del siglo pasado y, por ahora, también el vigente. Pero, incluso en una intención más cortoplacista, también se hubiera dificultado prever en aquel punto de la historia los pasos que el grupo dará en lanzamientos cercanos en el tiempo. Es casi imposible encontrar en Los Beatles de “Can’t Buy Me Love” (1964) a los cerebros detrás de “Tomorrow Never Knows” (1966), salvo, claro, con el beneficio de la perspectiva.

Aun cuando cada año de su período de actividad pueda arrojar varias imágenes distintas e interesantes de la banda, se trata de dar cuenta aquí de cuáles fueron las que emergieron en la prensa argentina —y otros materiales de difusión— en aquella etapa seminal. Remontarse a la infancia de la presencia del grupo en la prensa puede ofrecer fuertes voces disidentes y brindar la riqueza singular e inocente de conocer cómo fueron las primeras aproximaciones a un fenómeno que por entonces —segurísimo— no iba a ser más que una moda pasajera. En este sentido, el año 1964 constituye sin duda el mejor momento para tomar una fotografía y poder eludir, si bien parcialmente, algunas de las miradas justificadamente enamoradas acerca del conjunto.

Así, y sin tener pretensiones lexicológicas, esta investigación intenta entender cuáles son las formas de decir “Beatles” sin decir “Beatles” en ese preciso instante de esta historia y en un país determinado; cuáles son las estrategias que han seguido una serie de publicaciones para aproximarse y dar a conocer a una banda hasta entonces ignota, desde una latitud postergada y austral. Se trata, en definitiva, de describir cómo un conjunto social, sin poder anticiparlo, dejó de ser virgen de Los Beatles.

Nuestro corpus se halla conformado —primordial, pero no únicamente— por textos de revistas y diarios argentinos que circularon entre el 1 de enero y el 31 de diciembre de 1964. La elección de las publicaciones diarias busca abarcar un amplio espectro que involucre tanto a la denominada “prensa seria” como a la “prensa sensacionalista”. El recorte incluye principalmente a La Nación, Clarín y Crónica, aunque también se ha trabajado con La Razón, La Prensa y El Mundo. En el caso de las revistas, se seleccionaron diversos exponentes en cuanto al producto que suponen, asegurando aproximaciones diferentes respecto a las temáticas del arte, la música y el entretenimiento. Las publicaciones privilegiadas fueron las más generalistas Primera Plana, Leoplán, Atlántida, la edición en español de Life y, más cercanas al mundo del espectáculo, Antena, Radiolandia, Ritmo Juvenil y TV Guía, entre otras. Dentro de este universo, se privilegiaron especialmente los artículos en los que Los Beatles se erigen como protagonistas claros, independientemente de que pudieran ser mencionados al pasar en piezas que no los tomaban como su eje principal.

Vale la pena aclarar que, hacia 1964, aún no había surgido en Argentina una prensa especializada en el rock ‘n’ roll —era aún primitivo el desarrollo del género en el país—, como sí ya sucedía desde hacía varios años, naturalmente, en mercados como los de Estados Unidos e Inglaterra, con los casos resonantes de Billboard, Cash Box y Downbeat, y de New Musical Express, Disc y Melody Maker, respectivamente. Esto implica que este tipo de música no recibía en las publicaciones locales una atención frecuente y protagónica, encontrando de a poco espacio en revistas que atendían de forma generalista al mundo del espectáculo —con foco en intérpretes locales y en el marco de una mirada que se extendía también hacia el cine, la radio y la TV— y, con aún mayor dificultad, dentro de la prensa diaria, especialmente la considerada “seria”.

No será sino hasta el lanzamiento de JV en 1967 y Pinap en 1968 que comenzó en Argentina el periodismo especializado en rock y “cultura joven”, legado que continuaron más inmediatamente, entre otras, Cronopios (1969), La Bella Gente (1969), Pelo (1970), Mordisco (1974), Expreso Imaginario (1976) y Rock Superstar (1977). La aclaración bien vale para anticipar en qué magnitud y desde qué posicionamientos serán introducidos Los Beatles a los lectores argentinos desde los medios circulantes en 1964.

En ese sentido, cabe destacar que el soporte principal de difusión de las canciones de Los Beatles fue la radio. La TV también apuntalaba la música popular, especialmente la de artistas locales, pero no parece haber jugado un rol pivotal en la masificación directa de la banda de Liverpool. Los programas radiales de corte musical más populares en 1964 eran Escalera a la fama (producido por Rubén Machado en Excelsior), Escala musical (de Carlos Bayón, en la misma emisora y además con versión televisiva), Wincofonías (conducido por Miguel Fernández Volpe en Splendid) y Una ventana al éxito (liderado por Antonio Barros en Antártida). En la pantalla chica triunfaban, en Canal 7, Ritmo y juventud (del mencionado Machado), en el 9, Sábados continuados (con Antonio Carrizo) y, en el 13, Sábados circulares (de Pipo Mancera) y El Club del Clan (con producción de Ricardo Mejía).

Es momento de sumergirnos en el corazón del fenómeno Beatle en Argentina. Los primeros ecos de sus canciones y la anticipación mediática allanaron el camino para una explosión cultural que transformaría el panorama musical y juvenil del país.

Damas y caballeros: ¡Los Beatles!

El rock and roll nació como una promesa de absoluta libertad, pero con el tiempo demostró ser una maquinaria de repetición y desgaste. Pocas mentes comprendieron este proceso con tanta lucidez y sarcasmo como Mick Jagger. A lo largo de las décadas, el cantante de los Rolling Stones vio caer a contemporáneos, sepultados por los excesos de su mitología Sin embargo, lejos de adoptar un tono moralista o redactar un tratado solemne, el músico eligió la ironía para resumir la gran paradoja.

“Empezás tocando rock and roll para poder tener sexo y tomar drogas, y terminás tomando drogas para poder tocar rock and roll y tener sexo”. A diferencia de lo que dictan algunos mitos de internet, la frase no pertenece a un libro de memorias desgarradoras ni a una biografía autorizada de pretensiones literarias. Sucedió la noche del 11 de diciembre de 2012, cuando Mick Jagger subió al escenario del Ed Sullivan Theater de Nueva York para participar del programa Late Show with David Letterman.

El motivo era la celebración del 50 aniversario de la banda. El conductor David Letterman invitó al cantante a presentar su clásica sección humorística del “Top Ten”. El segmento llevó por título “Las 10 cosas que yo, Mick Jagger, he aprendido tras 50 años en el rock and roll”. Entre chistes sobre no aceptar consejos amorosos de Phil Spector y la nula ganancia que le dejaba la canción Moves Like Jagger de Maroon 5, el vocalista coronó la noche revelando el puesto número uno con aquella sentencia.

Aunque se originó en un sketch de comedia, la frase caló hondo en la cultura popular porque describía una verdad incómoda con una precisión matemática. Si bien la cita proviene de la televisión, existe un vínculo ineludible entre el pensamiento de Mick Jagger y el mundo editorial que ayuda a entender el trasfondo de sus palabras. Durante la década de 1980, el músico escribió una esperada autobiografía tras recibir un millonario adelanto financiero. Sin embargo, aquel manuscrito jamás se publicó.

La leyenda urbana afirmaba que el cantante había desistido porque sus recuerdos estaban borrados por los excesos químicos. Décadas más tarde, el editor John Blake tuvo acceso al texto original y desmitificó la historia: el libro era técnicamente impecable, pero carecía del morbo que el mercado editorial le exigía a una estrella de su calibre. Ese manuscrito nunca editado radica demostró que Mick Jagger siempre prefirió resguardar su intimidad antes que vender un estereotipo decadente.

La frase analiza las dos etapas de la vida del artista masivo. Al principio, la música es la llave maestra para acceder a un paraíso hedonista de placeres inmediatos. El rocanrol funciona como la banda sonora del deseo juvenil. El giro trágico y brillante ocurre en la segunda mitad de la premisa. Con el paso del tiempo, el orden de los factores se invierte de manera perversa. Las sustancias ya no son el premio, sino el combustible. Lo que comenzó como rebelión termina como un empleo de alta exigencia física.

Esta idea sintetiza a la perfección la mentalidad que mantuvo a Mick Jagger activo. A diferencia de Keith Richards, cuyo misticismo romántico lo vuelve el alma indomable del grupo, el cantante siempre operó bajo una lógica pragmática. El líder de los Stones entendió que el descontrol absoluto era incompatible con la permanencia en el tiempo. Detrás del performer andrógino de labios gigantes habita un exestudiante de la London School of Economics que transformó a su banda en una corporación multinacional.

Para Mick Jagger, la frase no es una queja de arrepentimiento, sino la constatación de un engranaje biológico y comercial. Es el testimonio de un hombre que decidió bajarse a tiempo de la espiral autodestructiva para convertirse en un atleta de estadios (la forma en que baila, a sus tantos años, lo vuelven un atleta). Con esa ironía tan británica, el músico le recordó al mundo que la rebeldía juvenil tiene fecha de vencimiento, y que en el negocio del rock, el verdadero triunfo no es morir joven, sino sobrevivir al mito.

¿Quién es Mick Jagger?

Nacido el 26 de julio de 1943 en Dartford, Inglaterra, Mick Jagger (bautizado como Michael Philip Jagger) se crio en el seno de una familia de clase media. Su destino cambió para siempre tras un encuentro fortuito en una estación de tren con su amigo de la infancia, Keith Richards, con quien descubrió una pasión compartida por el blues. Aunque llegó a estudiar en la prestigiosa London School of Economics, abandonó las aulas universitarias para fundar la legendaria banda británica en 1962.

Comenzó junto a Richards, Brian Jones, Charlie Watts y Bill Wyman. A lo largo de una carrera de más de seis décadas, se transformó en el arquetipo definitivo de la estrella de rock, célebre por su inconfundible voz, su magnética e hiperactiva presencia escénica y un estilo andrógino que desafió las normas culturales de su tiempo. Como compositor principal de la banda junto a Richards, dio vida a himnos generacionales incluidos en álbumes como Beggars Banquet, Sticky Fingers y Exile on Main St..

Más allá de los estadios, expandió su faceta artística como solista, productor y actor. A pesar de los mitos que rodean la longevidad en una industria plagada de excesos y tragedias personales, se mantiene plenamente activo y con una vitalidad asombrosa. En la actualidad, Jagger sigue desafiando el paso del tiempo sobre los escenarios de todo el mundo, desmintiendo de forma definitiva cualquier rumor sobre su muerte y reescribiendo las reglas de lo que significa envejecer en el universo del rock.

El power trío mexicano Demons My Friends presenta este sábado 23 de mayo de 2026 en el Rebel Rebel / El Club del Rock & Roll de la Ciudad de México la noche de lanzamiento oficial de Survive/Yourself, su segundo LP, editado el 17 de abril de 2026 bajo el sello californiano Ripple Music.

El álbum debutó en el puesto número 16 del Doom Charts, uno de los rankings de referencia para el rock pesado y el doom a nivel global. El disco fue producido por Jeff Henson, quien tiene en su haber trabajos con Clutch y Spirit Adrift, y combina riffs de grunge con estructuras doom y armonías psicodélicas que remiten a bandas como Soundgarden, Monolord y Baroness.

“Survive/Yourself” llega tras giras con Bruce Dickinson, Graveyard y Danko Jones

La banda, integrada por Lu Salinas en bajo y voz, Tarro Martínez en batería y Pablo Antón en guitarra y voz, ha llevado el stoner hecho en México a escenarios como el SXSW, el Levitation, el Ripple Fest Texas y el México Metal Fest. El regreso a casa cierra un ciclo de exposición internacional que los colocó en el mismo cartel que leyendas del rock pesado.

Muto Tapes y Crank completan el cartel

La noche cuenta con dos actos de apoyo de la escena capitalina. Muto Tapes es un dúo de sludge metal de la Ciudad de México cuyo sonido cruza la agresión del death y el thrash old school con riffs lentos y texturas psicodélicas del doom. Han girado por Colombia y Estados Unidos junto a bandas como High on Fire, y su trayectoria los ha llevado de festivales de metal extremo a galerías de arte y fiestas techno.

Crank cierra el trío de bandas con una mezcla de stoner, blues, grunge y psicodelia. Su álbum Live, Laugh, Die! fue grabado en el legendario Testa Estudio. Su sonido crudo y directo representa el rock de garaje llevado a su máxima potencia stoner.

Boletos y precios para ver a Demons My Friends

Las entradas para el lanzamiento en vivo del nuevo LP Survive/Yourself, ya se encuentran disponibles en dos puntos de venta:

• En línea: a través de passline.com.
• En taquilla: venta sin cargo en el Rebel Rebel / El Club del Rock & Roll.

El precio de preventa es de 120 pesos y el día del evento estará en 200 pesos. El show se realiza en el recinto ubicado en Oxford 11, colonia Juárez, alcaldía Cuauhtémoc, a unos metros del Ángel de la Independencia.

El Monumento a la Revolución será escenario de un megaconcierto gratuito de rock. La agrupación Golden Times, originaria de la Ciudad de México, encabezará el evento con un repertorio compuesto por éxitos internacionales y nacionales de las décadas de los ochenta y noventa.

Golden Times es reconocida por su interpretación de canciones populares tanto en inglés como en español, con versiones de artistas como U2, Michael Jackson, Blondie, Queen, Depeche Mode, Bee Gees, Daft Punk y The Police.

Además, la banda retoma piezas de rock latino y mexicano, incluyendo temas de Maná, Fobia, Héroes del Silencio, Café Tacuba, Enanitos Verdes, La Ley, Caifanes, Hombres G y Soda Stereo.

El repertorio se amplía con música de grupos contemporáneos como Zoé, Los Bunkers, Enjambre y Babasónicos.

La agrupación, fundada y activa en la capital mexicana, se ha posicionado por su capacidad de conectar con públicos diversos a través de la reinterpretación de clásicos.

Sus presentaciones suelen atraer tanto a quienes vivieron los años ochenta y noventa como a nuevas generaciones interesadas en el rock y pop de esas décadas.

Las actuaciones de Golden Times se caracterizan por una selección de temas que abarcan distintos géneros y estilos, lo que permite una experiencia dinámica para los asistentes al concierto.

¿A qué hora será el concierto de rock en el Monumento a la Revolución?

La cita será el domingo 17 de mayo de 2026, a partir de las 17:00 horas.

El acceso es libre y la actividad forma parte de la programación especial por el Día Internacional de los Museos que incluye más actividades y presentaciones especiales.

Feria de los Museos 2026 en el Monumento a la Revolución

Ese mismo domingo 17 de mayo de 2026, se llevará a cabo la cuarta edición de la Feria de los Museos del Centro Histórico en el Monumento a la Revolución, con un horario de 11:00 a 17:00 horas y entrada gratuita para todo público.

El evento se realiza en el marco del Día Internacional de los Museos y reúne a más de 50 museos públicos, privados y universitarios del Circuito Alameda-Revolución. El lema de esta edición es “Museos uniendo un mundo dividido”.

La feria tiene como objetivo visibilizar la diversidad patrimonial y la oferta educativa de los recintos participantes.

A lo largo del día, los asistentes podrán disfrutar de más de 50 talleres, actividades interactivas, presentaciones artísticas y espectáculos para públicos de todas las edades.

Entre la programación se encuentran charlas con especialistas, narraciones, monólogos, shows de títeres, cuentacuentos, ensambles musicales y obras de teatro.

La programación también incluye la conferencia “Museos uniendo un mundo dividido”, a cargo de la pedagoga Rosa Lucía Mata Ortiz, y espectáculos dirigidos a familias, como la obra de teatro con títeres “Xochimilco, o de cómo sobrevivieron los ajolotes a la extinción”, el espectáculo Simis con coreografías y música, y la narración “Madre Tierra”.

Para quienes buscan actividades para niños, hay funciones de teatro guiñol, cuentacuentos y talleres educativos.

El evento es de fácil acceso por transporte público, ya que la estación de Metro más cercana es Revolución de la Línea 2. También se puede llegar por Metrobús, con las estaciones Plaza de la República de la línea 1 y Amajac de la línea 7.

Algunos de los museos y espacios culturales que participan en la edición 2026

Museo del Templo Mayor, Museo de Arte Popular, Museo del Estanquillo, Museo Soumaya, Museo Casa Kahlo, Museo de la Mujer, Museo del Tequila y el Mezcal, Museo Nacional de la Revolución, Museo de la Caricatura, Museo Palacio Postal, Museo de Cera de la Ciudad de México, La Casa Jaime Sabines, el Centro Cultural Árbol de la Noche Victoriosa, el Centro Cultural Casa del Tiempo UAM, el Museo del Cacao y Chocolate, El Colegio Nacional, el Foro Valparaíso, el MIDE Museo Interactivo de Economía, el MUMEDI Museo Mexicano de Diseño y Museo Casa de la Cultura Postal.

Ciudad de México en el contexto mundial de museos

La CDMX se posiciona como una de las ciudades con mayor número de museos en el mundo.

De acuerdo con rankings internacionales publicados por Tourlane y Architectural Digest, la capital mexicana ocupa el segundo lugar a nivel global en cantidad de museos, superada únicamente por Londres.

El recuento más reciente señala que la ciudad cuenta con cerca de 170 museos y 43 galerías, lo que la sitúa por encima de urbes como París y Nueva York.

En 2026, la Ciudad de México fue designada como Capital Cultural Mundial debido a su amplia infraestructura artística, la diversidad de su oferta y la accesibilidad de sus recintos culturales.

Esta distinción consolida a la capital como uno de los principales destinos para el turismo cultural y para quienes buscan experiencias artísticas y educativas.

En una extensa entrevista con la revista británica Mojo, la leyenda viva de Los Beatles contó detalles de esa histórica sesión con los Rolling Stones, habló de su nuevo disco, The Boys Of Dungeon Lane -que se editará el viernes 29 de mayo-, opinó sobre una nueva tendencia de shows íntimos “sin teléfonos” y reflexionó sobre el peso de un legado cultural que, a sus 83 años, sigue construyendo con envidiable espíritu. “Es maravilloso poder tener ese efecto en la gente”, confesó.

Paul McCartney y Los Rolling Stones

La noticia no necesita demasiado adorno: Paul McCartney tocó el bajo en “Covered In You”, un tema del próximo disco de los Rolling Stones. Una colaboración entre dos nombres que durante décadas ocuparon bandos opuestos en cierto imaginario del rock. McCartney no le esquivó al dato ni lo sobredimensionó. Lo contó como quien recuerda una buena jornada de trabajo: “Me senté y el sonido que escuchaba, el disco que estábamos haciendo, ¡eran los Stones!”. Para él, la experiencia tuvo algo de revelación instantánea. No hubo que construir nada ni forzar un estilo ajeno. El sonido simplemente estaba ahí, intacto y reconocible. “Después de ese día en el estudio, la gente me preguntó cómo había sido. ‘¡Fue increíble! Fui un músico de sesión con los Stones’”, contó con una sonrisa.

La observación no es menor. McCartney distinguió con claridad entre trabajar para otros y trabajar para sí mismo. Con los Stones, el objetivo era preservar una identidad sonora ya consolidada. “Si trabajás con los Stones, tienen el sonido de los Stones, así que creo que lo que buscás es conseguir ese sonido. Y es natural en ellos: es la manera en que suenan”, explicó.

El legado de Los Beatles

A sus 83 años, Paul McCartney sigue recibiendo una historia que conoce de memoria y que, sin embargo, no lo aburre. Es siempre la misma: alguien (y no cualquiera, ya se verá en este mismo texto) vio a Los Beatles en televisión en aquel histórico show del programa de Ed Sullivan, el 9 de febrero de 1964, y algo cambió en su interior y nunca volvió a ser el mismo. “Bruce Springsteen, a quien conozco como amigo, cuenta una historia muy similar a la que cuentan muchos estadounidenses: ver a Los Beatles en The Ed Sullivan Show y quedar tan impresionado que dijo: ‘Bueno, eso es lo que quiero hacer con mi vida’”, recordó McCartney. El detalle que se repite con una precisión casi cómica es el de los peinados de aquellos cuatro jóvenes ingleses que irrumpieron en la televisión nacional de Estados Unidos un domingo de invierno por la noche. Springsteen bajó a desayunar al día siguiente con el pelo peinado hacia adelante, imitando a Los Beatles. “Tom Petty hizo lo mismo; David Letterman, también”, cuenta McCartney.

Consultado sobre cómo sostiene el entusiasmo después de haber escuchado esa historia miles de veces, McCartney fue directo: “Porque es una gran historia. Si viniera de una sola persona, ya sería impresionante. Pero como viene de muchísima gente, es impresionante muchas veces”. Cada vez que alguien se la cuenta, dice, la recrea desde el principio. “Me los imagino sentados frente a un televisorcito, con los padres que casi siempre nos detestaban y el padre que casi siempre decía: ‘Ah, llevan pelucas’”, dice con una sonrisa

Shows íntimos “sin teléfonos”

Paul McCartney llena estadios, bien lo sabemos en Argentina y América latina. Pero hay algo que los estadios no pueden darle, y él lo sabe. En los últimos tiempos, el músico ha intercalado sus giras masivas con presentaciones en teatros pequeños: el Fonda en Los Ángeles, el Bowery en Nueva York. Recintos donde el público entra sin teléfono. Las bolsas para guardar los dispositivos son obligatorias, y esa diferencia, según McCartney, lo cambia todo. “Cuando hacés algo como el show del Fonda, no hay teléfonos. Es completamente diferente. Es una descarga real. Te lleva de vuelta a tus orígenes”, describió.

La queja sobre los teléfonos no es nueva en el mundo del espectáculo, pero Sir Paul la formula con una imagen precisa: “La mayoría de la gente quiere grabarlo, así que desde el escenario lo que ves estás es una marea de teléfonos”. En los shows íntimos, en cambio, hay caras. Hay reacciones. “El público te está escuchando. Está escuchando la música. Está reaccionando en lugar de grabar”, dijo. Y agregó que la diferencia la sienten todos por igual: él, su banda y los invitados que suelen pasar por esos conciertos. “Es increíble. Es completamente diferente”, repiten, según contó, quienes los presencian.

Para McCartney, la experiencia remite a algo esencial y anterior a toda tecnología: “Siempre podías ver a la gente de cerca y podías interactuar con ellos”. Eso, dijo, “definitivamente eleva la potencia de un show”.

El nuevo disco de Paul McCartney

Cuando Paul McCartney se sentó a trabajar con el productor Andrew Watt en The Boys Of Dungeon Lane, la consigna no era recuperar ningún sonido. Era exactamente lo contrario. “Estamos tratando de no hacer eso”, dijo sobre la posibilidad de recurrir a fórmulas conocidas. La diferencia con su trabajo junto a los Rolling Stones es, para él, conceptual: con los Stones, el objetivo es preservar una identidad. Con su propio material, la búsqueda apunta en otra dirección. “Cuando trabajo en mis cosas, estoy abierto a ideas”, explicó. Como ejemplo, mencionó los tape loops, una técnica que practica desde los años 60 y que, según él, mantiene una cualidad difícil de replicar. “Aunque ahora es una tecnología vieja, suena nueva. Es definitivamente inusual. No es sintética”, describió. McCartney aclaró que los loops no necesariamente aparecen en este disco, sino en otro conjunto de canciones que tiene en proceso. Pero los mencionó como representativos de una actitud que sí atraviesa The Boys Of Dungeon Lane: la de no tomar el camino conocido, la de buscar siempre algo que no se haya hecho antes.

La filosofía detrás del álbum, dijo, se puede resumir en una frase: “Eso ya lo hicimos, hagámoslo diferente”. Y la razón es tan simple como honesta: “El motivo principal es que es tan, tan aburrido” repetirse.

La infancia y la nostalgia como materia prima

Paul McCartney no se propuso hacer un disco nostálgico, pero las canciones llegaron solas y cuando las miró, hablaban de Liverpool, de su infancia, de sus padres. “No tomé una decisión consciente”, admitió. “Simplemente ocurrió que estaba escribiendo eran en gran medida recuerdos de infancia o pensamientos de ese período de mi vida en Liverpool”.

Dos canciones en particular anclan ese territorio. “Days We Left Behind” nació de memorias directas de su niñez. “Salesman Saint”, en cambio, partió de una pregunta que se hizo casi sin querer: ¿Cómo habrá sido criar hijos en tiempos de guerra? “Un día simplemente pensé: la gente hoy, criando hijos, familias jóvenes, amigos jóvenes, es difícil. Es una gran experiencia, pero hay que trabajarla”, contó. De ahí saltó a sus propios padres durante la Segunda Guerra Mundial. “Eso era completamente diferente a todo lo que conocemos en este momento. Estas guerras están ocurriendo, pero en otros países. En el caso de ellos, era en su propio país donde caían las bombas”. Su padre fue bombero durante la guerra; y su madre, enfermera y partera. “Me pareció un hecho asombroso que mis propios padres hubieran atravesado todo eso, y sin embargo hubieran salido adelante. Hubieran sobrevivido”, dijo.

Pero no todo en el disco viene de la memoria. McCartney también escribe personajes que no conoce, situaciones que inventa. “Momma Gets By”, hacia el final del álbum, es una de esas canciones. “Es un vuelo de fantasía. Estoy imaginando a esta mujer enfrentada a este tipo que parece un poco vago. Estoy inventando dos personajes en una obra de teatro”, explicó. Para él, escribir es moverse libremente entre esos registros. “Tomás partes de vos mismo, partes de la vida que conoces”, dijo. Y sobre el pasado como fuente, fue contundente: **“El pasado está lleno de cosas. Es un lugar rico para extraer ideas”**.

Una canción redescubierta por accidente

No todas las canciones de The Boys Of Dungeon Lane nacieron durante las sesiones con Andrew Watt. Una de ellas llevaba dormida más de dos décadas en un casete olvidado. La historia comienza con Eddie Klein, el ingeniero que construyó el estudio de McCartney y que llegó originalmente de Abbey Road. Un día, mientras digitalizaba cintas antiguas en un segundo plano, Klein interrumpió el trabajo con una pregunta: “¿Recordás alguna vez una canción llamada ‘Lost Horizon’?” McCartney no la recordaba. Klein insistió: “No está mal. En realidad es muy buena”. La escucharon.

“Lo que me sorprendió fue, primero, que la había olvidado por completo. Debo haberla grabado en un casete una tarde de vacaciones”, contó McCartney. La fecha aproximada: principios de los 2000. Pero la segunda sorpresa fue mayor porque la canción estaba terminada. “A veces, si me siento de vacaciones a escribir una canción, puedo llegar a conseguir apenas un par de estrofas. Pero esta tenía las estrofas, los estribillos, los puentes. Todo estaba ahí”, recordó.

El proceso de producción respetó la estructura del demo original. Se regrabaron algunos elementos, se mantuvieron otros tal como estaban. Andrew Watt sugirió sumar una guitarra eléctrica. McCartney tomó una Telecaster del 56 y se puso a tocar con una referencia clara en mente: “Estaba imaginando lo que haría Steve Cropper, así que lo estaba canalizando”. El resultado, dijo, tiene la marca de ese hallazgo fortuito. “Todas las canciones tienen estas pequeñas historias de origen, y esa se trata de una reliquia encontrada por el bueno de Eddie Klein. ¡Gracias a Dios por él!”.

La banda encabezada por Bono grabó este 12 de mayo el video musical de “The Streets of Dreams” en la Plaza de Santo Domingo, donde decenas de seguidores participaron como extras tras recibir una invitación exclusiva vía correo electrónico.

El rodaje transformó por varias horas el corazón capitalino. Un camión adaptado como escenario móvil recorrió la plaza mientras Bono interpretaba el nuevo tema junto a sus compañeros. El despliegue incluyó grúas, cámaras de alta definición, reflectores y un operativo para controlar el flujo peatonal.

La grabación se convirtió rápidamente en tendencia y revivió algunos de los momentos más emblemáticos de la relación entre U2 y México.

De Foro Sol al Estadio Azteca: México, escenario clave para U2

La conexión de la banda con el país quedó sellada en 1997 con PopMart: Live from Mexico City, concierto grabado en el entonces Foro Sol y convertido después en lanzamiento oficial. Aquella noche dejó una de las frases más recordadas de Bono frente al público mexicano: “Hola México. Muchos huevos. Grandes. Mucho tráfico. Eso es México”.

Años después, el país volvió a convertirse en pieza fundamental para la agrupación con U2 3D, cinta filmada parcialmente durante los conciertos de la gira Vertigo en el Estadio Azteca en 2006.

Videos filmados en CDMX y referencias mexicanas

La capital mexicana también ha servido como inspiración estética para la banda. En 2017, U2 grabó el videoclip de “Get Out of Your Own Way” en la azotea del edificio Expo Reforma. El material incluyó referencias visuales al Día de Muertos, sarapes y escenas urbanas de la CDMX.

Según el entorno de producción, la intención era enviar un mensaje de fortaleza tras los sismos de septiembre de 2017 y demostrar que México “seguía de pie”.

Ahora, con “The Streets of Dreams”, el grupo volvió a apostar por la esencia chilanga. El video incorpora imágenes cotidianas del Centro Histórico y un autobús escolar intervenido por el artista mexicano Chavis Mármol.

“Cielito Lindo”, activismo y hasta polémicas

En varias visitas, Bono ha incorporado fragmentos de “Cielito Lindo” durante canciones como “Bad” o “Beautiful Day”, gesto que suele desatar la euforia de sus seguidores mexicanos.

Fuera de los escenarios, el cantante también ha hablado sobre temas sociales relacionados con México. En 2019, durante el evento México Siglo XXI, aseguró que era “injusto” responsabilizar únicamente al país por el narcotráfico, al considerar que se trata de un problema global.

No todo ha sido armonía. Uno de los episodios más comentados ocurrió en 1997, tras un altercado entre elementos de seguridad de la banda y familiares del entonces presidente Ernesto Zedillo en el Palacio de los Deportes. Después de aquel episodio, U2 tardó más de una década en regresar al país.

Con el paso de los años, México dejó de ser únicamente una parada de gira para convertirse en un escenario recurrente dentro de la narrativa visual, musical y emocional de la banda irlandesa.

En una entrevista recuperada por el portal musical Indie Hoy, el guitarrista británico aseguró que ningún otro momento en el escenario se compara con tocar el riff de Jumpin’ Jack Flash, una secuencia que, décadas después de su creación, sigue provocándole una reacción visceral única.

La descarga emocional detrás de Jumpin’ Jack Flash

Richards describió que la interpretación de este riff le genera una explosión de energía física y emocional, particularmente en el estómago, lo que considera el punto culminante de su repertorio. Para él, ese patrón de notas representa “uno de los mejores sentimientos del mundo”.

El músico enfatizó que, al ejecutarlo, la intensidad es tan abrumadora que se convierte en un instante de euforia difícil de igualar sobre el escenario.

Según el guitarrista, la potencia de Jumpin’ Jack Flash radica en su capacidad para atraparlo completamente y elevar su experiencia musical a un estado casi trascendental.

“Simplemente saltas sobre ese riff y te lleva. Se apodera de ti. Una explosión sería la mejor manera de describirlo. Es al que acudiría inmediatamente si quisiera acercarme al estado de nirvana”, explicó Richards durante la entrevista.

El origen de un riff emblemático

La historia de Jumpin’ Jack Flash se remonta a una noche lluviosa en la casa de Keith Richards en el sur de Inglaterra.

El guitarrista estaba acompañado por Mick Jagger cuando vieron pasar a Jack Dyer, el jardinero de la familia, por la ventana. Esta escena cotidiana inspiró el título del tema, ya que Richards comentó a Jagger: “Ese es Jack. Ese es Jumpin’ Jack”.

A partir de ese momento, el proceso creativo avanzó espontáneamente. Richards utilizó una guitarra afinada en sol abierto, lo que facilitó la creación del arpegio característico. Jagger, recién despertado, aportó la palabra “Flash” para completar el título y juntos dieron vida a una de las canciones más reconocidas del grupo.

La colaboración creativa y el uso de la técnica

El desarrollo del riff fue fruto de la colaboración directa entre Richards y Jagger, quienes encontraron en la frase “Jumpin’ Jack Flash” una aliteración pegadiza y un punto de partida inspirador.

La afinación en sol abierto permitió que el patrón de acordes resultara especialmente distintivo, dotando al tema de una energía singular dentro del catálogo de los Rolling Stones.

Este detalle técnico diferenció a Jumpin’ Jack Flash de otros éxitos de la banda, consolidando su lugar como una pieza central tanto en los conciertos como en la historia del rock. Richards ha destacado que la espontaneidad y la colaboración fueron factores decisivos para la creación de esta canción.

El rol de Jumpin’ Jack Flash en la trayectoria de Richards

El repertorio de Richards abarca riffs emblemáticos como Start Me Up, (I Can’t Get No) Satisfaction, Sympathy for the Devil y Miss You. Sin embargo, según reconoce en su libro de memorias Life, el riff de Jumpin’ Jack Flash es el que más euforia le genera.

“Flash es básicamente Satisfaction al revés. Casi todos estos riffs están estrechamente relacionados”, explicó, mostrando cómo su evolución como compositor ha estado marcada por la experimentación y la búsqueda constante de nuevas estructuras sonoras.

Para Richards, la secuencia de Jumpin’ Jack Flash sintetiza años de exploración musical y define su identidad artística dentro del rock internacional.

Un vínculo personal y un legado permanente

A pesar de haber creado algunos de los riffs más influyentes del género, Richards sostiene que, si solo pudiera interpretar uno durante toda su vida, elegiría sin dudar el de Jumpin’ Jack Flash.

Esta conexión personal se ha fortalecido con el tiempo, convirtiendo la pieza en un emblema de su carrera y en un referente para generaciones de músicos y fanáticos.

La pasión que Keith Richards proyecta al hablar de Jumpin’ Jack Flash revela el peso simbólico y emocional que tiene este riff en el repertorio de los Rolling Stones. La canción, nacida de una anécdota cotidiana y pulida a través de la colaboración creativa, ha trascendido su época y se mantiene como un ícono indiscutido del rock.

AFI regresa a México el próximo 26 de septiembre para ofrecer un concierto en el Pabellón Oeste del Palacio de los Deportes, ciudad que la banda visitó apenas en febrero de 2025 con un show íntimo en el House of Vans, donde prometió volver. Esta vez el escenario será mayor y el repertorio incluirá material de Silver Bleeds the Black Sun…, su más reciente álbum.

Este nuevo disco, editado por Run For Cover Records, es el que da marco a esta gira. El vocalista Davey Havok describió el proyecto como “una manifestación sonora de la lucha por reconciliar la existencia en la distopía impía y extraña que es la vida moderna”. Los sencillos que anticiparon el álbum fueron “Behind the Clock”, “Holy Visions” y “Ash Speck in a Green Eye”.

El objetivo del disco fue construir una atmósfera onírica y etérea. La banda rescató influencias que siempre estuvieron en el núcleo de su sonido pero que nunca habían ocupado el primer plano. El resultado es un trabajo que se mueve entre lo familiar y lo fresco, con sonidos clásicos reinterpretados desde una perspectiva contemporánea.

Más de 30 años de reinvención constante

Silver Bleeds the Black Sun… es oscuro y grandioso al mismo tiempo. La banda reconoció haberse sorprendido a sí misma con el resultado, algo que no había ocurrido con la misma intensidad en entregas anteriores. Cabe recordar que la banda se formó a principios de los años 90 en California con un sonido de hardcore. Con el paso de las décadas transitó hacia el punk melódico oscuro, luego al estrellato masivo del rock alternativo y después a territorios camaleónicos que incluyeron el synth-pop. Cada uno de esos giros fue deliberado: AFI nunca se encasilló en un solo género.

Su discografía abarca once álbumes de estudio, desde Answer That and Stay Fashionable (1995) hasta Silver Bleeds the Black Sun…, pasando por títulos como Sing the Sorrow, Decemberunderground y The Blood Album. México siempre ocupó un lugar especial en esa historia: el público local, conocido por su entrega en los shows en vivo, ha acompañado a la banda en cada etapa de su evolución y convirtió fechas anteriores en encuentros de alta intensidad emocional. El regreso al Pabellón Oeste es, para esa comunidad de seguidores, la confirmación de que el vínculo sigue intacto.

Boletos y precios para AFI en CDMX

Las entradas ya se encuentran disponibles a través de la boletera Ticketmaster o también los podrás adquirir directamente en las taquillas del inmueble.

• General: mil 314 pesos
• VIP: 2 mil 331 pesos

El músico también reflexionó sobre cómo el recuerdo de figuras decisivas como Kurt Cobain, junto con el apoyo emocional de su entorno y la conexión con el público, moldearon una etapa en la que la música funciona tanto como refugio personal como espacio de encuentro colectivo.

Foo Fighters y la urgencia de crear canciones nuevas

Grohl enfatizó que la motivación por seguir componiendo está tan presente como en los primeros días. “Nos reunimos a ensayar todos los días. Estar con los muchachos, trabajando en canciones nuevas, todavía me produce una sensación increíble”, afirmó en la entrevista.

El proceso actual, describió, responde a “una urgencia” que nace de la energía interna y la necesidad de expresión, sin depender de expectativas externas. “Menos en la cabeza, más en el corazón. Esos son los momentos en que todo cobra sentido”, expresó Grohl para explicar ese enfoque visceral que imprime en la composición.

La banda considera que cada tema nuevo aporta una fuerza distinta: “Agregar 10 canciones nuevas a un setlist de 26 hace que cada show sea gigante, pero todos queremos que esas canciones vean la luz”, detalló el músico, quien atribuye a los ensayos diarios la capacidad de mantener viva la creatividad y el entusiasmo.

Pat Smear, guitarrista, volvió tras una lesión y retomó los ensayos con una emoción renovada. Esta energía se traslada al escenario y se percibe como “contagiosa”, fortaleciendo el impulso colectivo del grupo.

El detrás de escena de los conciertos y la conexión con los fans

Para Foo Fighters, definir el repertorio de cada concierto implica un equilibrio entre lo emocional y lo creativo. Grohl explicó que prioriza aquellas canciones capaces de generar una conexión inmediata con el público: “Una de mis cosas favoritas de tocar en vivo es la conexión con el público. Para mí es lo más importante”.

Por eso, la banda busca combinar material nuevo con clásicos como Best of You y Everlong, temas que Grohl considera fundamentales para sostener la energía colectiva del show.

El músico aseguró que esos momentos funcionan como “el pegamento” de cada presentación y remarcó que no le interesa sacrificar ese vínculo con la audiencia solo para incorporar rarezas al setlist.

En la estructura de sus conciertos, compara el setlist con una lasaña: primero, los infaltables; luego, las novedades; y en el medio, joyas menos conocidas. “La base la forman los temas imprescindibles, después mostramos lo nuevo, y en el centro rescatamos algunas joyas”, relató en el pódcast.

La música como refugio ante la pérdida y el duelo

Más allá de los escenarios, reflexionó sobre el papel que tuvo la música en los momentos más difíciles de su vida. Las muertes de personas cercanas como Taylor Hawkins, su madre y, especialmente, Kurt Cobain marcaron profundamente su historia personal. Frente a esas pérdidas, el líder de Foo Fighters recordó haber pensado: “La música es lo que me va a salvar después de tantas pérdidas”.

Al recordar a su madre, relató cómo la música lograba reconectarla incluso en momentos críticos de salud, subrayando el poder reparador de las canciones. Reconoció que muchas noches sin poder dormir las pasa tocando por el simple placer de redescubrir esa sensación de asombro íntimo.

“Sueño con Taylor todo el tiempo, igual que con mi madre. Su energía sigue aquí. Creo que nunca nos abandonan del todo”, afirmó Grohl, resaltando la importancia de los sueños y la música para canalizar recuerdos y emociones en el proceso de duelo.

La familia, en especial sus hijas Violet y Harper, ocupa un lugar central en la vida de Grohl y también influye de manera directa en su forma de crear música. El líder de Foo Fighters aseguró: “La familia y los vínculos son inseparables de mi proceso creativo”.

Kurt Cobain, terapia y familia: motores del proceso creativo de Dave Grohl

El recuerdo de Cobain y la importancia de los vínculos personales marcaron profundamente a Grohl. “Cobain fue, sin duda, uno de los más grandes compositores de todos los tiempos. Su huella es imborrable”, expresó Grohl en Apple Music podcast.

Grohl abordó el papel que tuvo la terapia en su vida, desde la infancia hasta el duelo tras la pérdida de Cobain, Hawkins y otros amigos. “Es importante tener a alguien con la empatía y el conocimiento suficientes para recibir lo que entregas, sin importar cuán complicado sea”, sostuvo el músico.

El líder de Foo Fighters sostuvo: “El entorno, el hogar y quienes te rodean le dan sentido a todo lo que creas”, una idea que refleja cómo combina las experiencias personales y el paso del tiempo en su música.

Foo Fighters y el sentido de pertenencia: presente, pasado y futuro

Grohl resumió el espíritu actual de Foo Fighters como un equilibrio entre la memoria y la capacidad de reinventarse. Al referirse a Your Favorite Toy, el duodécimo álbum de estudio de la banda lanzado en abril de 2026, afirmó: “Este álbum nace desde el corazón y el instinto. Tener la oportunidad de seguir haciendo música con mis amigos lo es todo”.

La convivencia diaria, el estudio propio y la historia compartida forjaron un entorno donde la creatividad y el sentido de “hogar” se potencian. “Mientras tengamos esta química, podamos subir al escenario y luego al autobús juntos, la música será siempre nuestro lugar en el mundo”, concluyó.

McCartney detalló que el álbum, su decimoctavo disco solista, se gestó hace cinco años a partir de una reunión con el productor Andrew Watt, cuando improvisó una secuencia de acordes que daría origen al tema inicial, “As You Lie There”. Inspirado en su infancia en Liverpool y en un enamoramiento nunca confesado, McCartney narró cómo comenzó a componer la canción desde una perspectiva cercana, tocando la mayoría de los instrumentos él mismo, replicando el enfoque de su debut como solista en 1970.

El Estudio Dos, emblemático por ser el espacio donde los Beatles registraron temas como “She Loves You”, “Help!” y “Come Together”, funcionó como escenario para que el músico profundizara sobre la carga autobiográfica del álbum. Varias canciones remiten a episodios personales, como “Days We Left Behind”, una balada acústica que da título al disco y que evoca Dungeon Lane -la zona de Liverpool que recorría cuando era niño y adolescente- y una promesa que hizo a John Lennon en la infancia. El repertorio también abarca referencias a sus padres, la posguerra británica y vivencias compartidas con George Harrison y Ringo Starr.

Cómo es el nuevo disco de Paul McCartney

Paul McCartney describió “As You Lie There” como un ejercicio de evocación: se desarrolla desde el recurso de la palabra hablada hacia una estructura melódica cambiante, reflejando tensión emocional y recuerdos de juventud. El músico precisó que la canción se originó con una idea accidental derivada durante una conversación casual con Watt, y expandió el arreglo mientras exploraba la memoria de su adolescencia en Liverpool.

“La escribí recordando una chica llamada Jasmine que veía desde la ventana y a la que nunca me animé a hablar”, reconoció. Como un lujo extra, los asistentes a la escucha pudieron observar a McCartney interpretando la música y tarareando fragmentos durante la presentación, en una dinámica que remitió al proceso de grabación colectivo que definió a Los Beatles en el pasado.

El álbum suma varias capas autobiográficas: “Salesman Saint” remite al contexto familiar durante la Segunda Guerra Mundial, donde su padre fue bombero y la madre enfermera, ambos afrontando las dificultades propias del conflicto sin dejar de cumplir con su trabajo. “Me crié en ese entorno, mis padres lidiaban con la guerra, pero seguían adelante porque no tenían otra opción”, explicó McCartney durante el evento.

“Ripples in a Pond” destaca por estar dedicada a su esposa Nancy Shevell, en tanto que “Mountaintop” ficcionaliza la mirada de una joven en el festival Glastonbury, que McCartney encabezó en 2022. El disco también documenta su primer dueto con Ringo Starr en “Home to Us” y recupera las dinámicas íntimas del encierro en “Life Can Be Hard”, compuesta durante el confinamiento por la pandemia del Covid-19.

The Boys of Dungeon Lane aparece tras una fase de relectura histórica de la trayectoria de Paul McCartney, marcada por proyectos como el documental The Beatles: Get Back, el lanzamiento del single “Now and Then” - construido sobre un demo grabado por John Lennon- y el reciente documental Man on the Run, sobre sus inicios como solista y formación de su banda Wings a mediados de los años 70. La nueva producción utiliza el repertorio como medio de exploración sobre la identidad y la pertenencia, alternando registros de rock asociados a Wings, armonías propias de Los Beatles y experimentación rítmica personal.

El título del álbum responde a una localización concreta de Liverpool y a una promesa hecha a Lennon, según relató McCartney: “La promesa que hice nunca se romperá”. Interrogado por el significado de un “código secreto” presente en la letra de la canción principal, optó por no revelarlo, atribuyéndolo al instinto lúdico de la composición. El músico definió la canción como “una de las favoritas”, en referencia a los miembros de la formación clásica de Los Fab Four de Liverpool.

Otras canciones amplían el panorama introspectivo: “Down South”, considerada de las más nostálgicas, le permitió a McCartney relatar anécdotas con Harrison y Lennon sobre sus primeros traslados haciendo autostop, en los que convivieron antes de aprender y grabar composiciones emblemáticas de la banda.

La sesión privada en Abbey Road constituyó un punto de contacto directo entre Paul McCartney y el público, al ofrecer un recorrido narrado y musical sobre The Boys of Dungeon Lane, con acceso anticipado a las canciones y al proceso creativo detrás del disco. Durante los 90 minutos, el músico articuló referencias personales y anécdotas sobre la banda más famosa del siglo XX. “Esto fue un cúmulo de recuerdos de Liverpool para mí”, dijo, “pero también de cualquier día que hemos dejado atrás. Todos tienen sus recuerdos y yo también: la escuela, la infancia, viejos amigos, primero amores...”

Rebel Cats lleva el horrorbilly al Teatro Metropólitan el próximo 26 de septiembre con el estreno en vivo de Palomitas y Películas de Horror, su quinta producción discográfica, en una noche que también celebrará 65 años de trayectoria de Vincent Van Rock.

Desde 2023, Rebel Cats ha mezclado su base de rockabilly con horrorpunk, garage punk, pop punk y goth rock. La influencia del cine, las series y la literatura de terror dio forma a ese sonido propio que la banda bautizó como “horrobilly”, y que alcanza su expresión más acabada en Palomitas y Películas de Horror.

El material es el quinto álbum de estudio del grupo, fundado en 2005 por Vince y Vincent Van Rock. La presentación en el Metropólitan no solo sirve para mostrar ese nuevo trabajo en vivo, sino también para que el público escuche en directo “Cursi”, la versión que la banda grabó para el álbum tributo a División Minúscula.

Seis décadas de rocanrol: el homenaje a Vincent Van Rock

La noche del 26 de septiembre tendrá un segundo eje: el tributo a Vincent Van Rock por sus 65 años de trayectoria ininterrumpida en el rocanrol. El Teatro Metropólitan, uno de los recintos más reconocidos de la Ciudad de México, será el escenario de ese reconocimiento.

La velada también contempla invitados sorpresa, aunque los nombres no han sido revelados.

Boletos y precios para Rebel Cats en CDMX

Los boletos estarán en preventa Banamex este 8 de mayo a las 11:00 a.m. A partir del día siguiente estarán disponibles en las taquillas del Teatro Metropólitan y a través de ticketmaster.com.mx.

Más de 20 años de Rebel Cats

Rebel Cats es una banda mexicana formada en 2005 por Vince Monster y su padre Vincent Van Rock. Se destacan como referentes del rockabilly en Latinoamérica, fusionando este género clásico con estilos como horrorpunk, garage rock y punk. Su propuesta combina música y estética, convirtiendo cada presentación en un espectáculo teatral.

A lo largo de dos décadas, han editado varios discos, como “Eso es rockabilly” y “Rebel Cats y sus amigos”, colaborando con artistas de distintos géneros. Han impulsado la difusión del rockabilly en México y participado en importantes festivales. Su impacto ha trascendido la música, promoviendo una subcultura y estilo de vida ligados a los años cincuenta, consolidando así su legado en la escena nacional.

En la actualidad la banda tiene una base de 131 mil seguidores que consumen su música principalmente en YouTube y Spotify, con presencia en México, Estados Unidos, Colombia, Chile, Argentina y España. Su Fan Conversion Rate del 91% indica que casi la totalidad de quienes los descubren por primera vez se suman a su comunidad de fans.

Luego de que la banda de Liverpool se separara, McCartney reconstruyó su carrera desde cero y encontró refugio en su entorno familiar. La decisión de crear Wings fue clave para alejarse del pasado, apoyado por el soporte emocional y creativo de Linda McCartney.

Este proceso, explorado en el documental Man on the Run, permitió a McCartney experimentar con nuevas canciones, conectar con nuevas audiencias y consolidar una vida familiar lejos del centro de atención.

“No fue fácil. The Beatles fue una banda tan grande que te preguntas: ¿cómo sigues después de algo así?”, aseguró y recordó el músico de 83 años.

Explicó que la presión solo dejaba dos opciones: abandonar o continuar en la música, y para él no era una verdadera elección. “No quería crear un súpergrupo con amigos famosos. Volví al inicio, recordando cómo empezamos The Beatles: desde cero”, detalló.

El proceso de reinvención incluyó rechazar la idea de formar grupos monumentales y optar, en cambio, por volver a los orígenes, según describió el propio McCartney. La presión de la crítica y la incertidumbre marcaron esos primeros años tras la separación.

La búsqueda de identidad: superar la etiqueta de Beatle

El reto era escapar del estigma de “Beatle”. Destacó durante la entrevista que su principal objetivo fue encontrar una nueva identidad musical. “Si intentábamos formar un grupo nuevo, había que lograr que la gente no nos relacionara solo con los Beatles… Fue entonces cuando nacieron canciones como Band on the Run y Jet, que no suenan en absoluto a los Beatles”, describió.

Admitió que esta libertad era una ventaja y una dificultad: “No me detenía a pensar las cosas, simplemente seguía mi instinto, aunque después me preguntara por qué había tomado determinadas decisiones”. Sin embargo, insistió en que mantenerse fiel a sí mismo y dejar espacio a lo imprevisible fue esencial en su camino de renovación.

Wings: un nuevo proyecto y la validación ante el público

La formación de Wings permitió al artista británico enfrentarse a públicos y escenarios nuevos, lejos del impacto inicial de The Beatles. “Wings vive a la sombra de The Beatles... pero ahora hay muchas personas que crecieron con esas canciones”, explicó.

El músico evocó los conciertos en lugares emblemáticos y la colaboración con miembros como Denny Laine. “Él entendió lo que intentábamos construir”, recordó. La voz y el entusiasmo de Linda McCartney también fueron fundamentales: “Linda no tenía formación formal, pero su voz y el amor por el canto le daban a las armonías una autenticidad que no se podía imitar”.

Aunque la etapa de Wings no siempre fue destacada en los titulares, McCartney insistió en su impacto duradero. “Hoy ves a gente haciendo el signo de Wings en los conciertos; hay niños y mayores juntos disfrutando de aquellas canciones”, expresó.

Man on the Run: escape y reinvención constante

El documental Man on the Run funciona como metáfora de una vida en busca de nuevos horizontes. “No huía de la ley, sino de mí mismo, de mi situación”, señaló McCartney.

La grabación en lugares como Nashville, Nueva Orleans y Lagos aportó una atmósfera única a su música, aunque el principal valor radicaba en la libertad de moverse y descubrir nuevos paisajes. “El ambiente y la actitud de seguir adelante era lo más valioso”, comentó el ex Beatle.

Fiestas intensas, incidentes inesperados y encuentros fortuitos, incluido el recordado episodio en Japón, ofrecieron libertad creativa para McCartney y su grupo. “Lo importante estaba en vivir sin preocuparse por la historia o las expectativas”, apuntó.

Linda McCartney, motor íntimo y creativo

La presencia de Linda redefinió a Paul tanto en lo personal como en lo creativo. El músico la describió como una influencia liberadora: “Linda tuvo una crianza acomodada, pero no le gustaba ese destino. Su mentalidad abierta por el rock and roll me ayudó a no ser tan rígido”.

McCartney recordó que ambos habían optado por centrarse en la vida familiar y mantenerse alejados del entorno mediático, y señaló que todo giraba en torno a la familia. Linda fue siempre la primera oyente de sus temas y reconoció que “si a Linda le gustaba, probablemente funcionaba”.

Durante las giras, la familia viajaba unida: “No se trataba de arrastrar a los hijos por el mundo; era fundamental estar cerca, aunque eso implicara dormir en sitios poco convencionales”.

La vida cotidiana en la campiña escocesa, construir muebles y cultivar alimentos aportaron una sensación renovadora. “Linda me enseñó que está bien permitirse nuevas cosas; fue un motor emocional y creativo”, relató el músico.

Lennon y la reconciliación: de la rivalidad a la paz

La relación con John Lennon atravesó etapas de hostilidad tras la separación hasta alcanzar una reconciliación genuina. Paul rememoró los momentos de conflicto: “Al principio, John me lanzaba misiles a través de sus canciones”.

Sin embargo, con el tiempo, volvieron a conversar sobre temas cotidianos y familiares: “Charlábamos sobre los hijos, sobre hacer pan; fue reconfortante recuperar esa normalidad”.

“Cuando John murió, lo único que me consoló fue saber que habíamos hecho las paces. No sé cómo habría sido si hubiéramos seguido distanciados”, reconoció McCartney en la entrevista de Morgan Neville.

Con los años, la cotidianidad, la familia y la reconciliación cerraron heridas antes insuperables. Para McCartney, ofrecer a sus hijos recuerdos felices fue su mayor satisfacción.

A través de desafíos, reinvención y compañía, mostró que transformar la adversidad y disfrutar el proceso puede convertirse en su mayor acto de libertad y creación compartida.

El nuevo disco

El anuncio del nuevo disco, con los tres músicos y su aura de leyendas de “yo lo visto, oído y tomado todo”, sentados frente al comediante y presentador de los Oscar Conan 0’Brien, incluyó algunas precisiones informativas. Por ejemplo, que la producción del nuevo disco demandó apenas un mes de grabación bajo la dirección del músico y productor Andrew Watt. El dato también es relevante: el plazo reducido de trabajo, inusual en el segmento de totems rockeros como en este caso, resultó una estrategia deliberada que, según Jagger, dotó al álbum de “urgencia” y concentración creativa en cada canción.

Se trata del álbum número 25 de estudio del grupo, el sucesor de Hackney Diamonds (2023), que ya había supuesto un hito por ser el primer trabajo tras la muerte del baterista y maestro zen-jazzero Charlie Watts en 2021. Por cierto, en una de las nuevas canciones suena la batería del venerable Charlie -se recuerda que en cada show en Argentina, desde 1995 hasta 2016, la mayor y más sostenida ovación iba para él-: “Hit Me in the Head“, según Jagger ”una canción punk realmente rápida”, lleva el sello rítmico del baterista muerto en 2021. El resto de los temas cuenta con la participación de Steve Jordan -un ahijado musical de Keith Richards-, a quien Watts recomendó personalmente. Según el viejo Keef: “Charlie le pasó el testigo”.

Pero eso no es todo en materia de novedades. Foreign Tongues incluye colaboraciones puntuales de Paul McCartney, Steve Winwood , Chad Smith -el baterista de los Red Hot Chili Peppers que parece el hermano gemelo del actor Will Ferrel- y ¡Robert Smith! Sí, el guitarrista, compositor y cantante de The Cure. Quien te ha visto y quien te ve. Así lo relató Mick Jagger: en plena sesión de grabación en Londres, se encontró con un hombre de espaldas, vestido con una túnica larga. Al girarse, la prenda lucía marcas de lápiz labial. “Le dije: ‘Nunca te he visto antes, pero eres Robert Smith de The Cure’. Él respondió: ‘¡Sí!’ Y le propuse: ‘Ya que estás aquí, será mejor que hagamos algo’. Así que hace coros”, relató el cantante.

Rolling Stones en la era del algoritmo

En la fase previa al anuncio de este nuevo disco, la banda optó por una táctica de promoción encubierta. Lanzaron el sencillo “Rough and Twisted” en vinilo limitado bajo el alias The Cockroaches, un nombre utilizado históricamente en sus conciertos secretos de los años 70 y 80 del siglo pasado. Esta estrategia incluyó carteles anónimos en Londres y el despliegue de un sitio web que alimentó la especulación sobre la identidad detrás de “Las cucarachas”, impulsando lo que ahora se da en llamar engagement digital (compromiso digital) antes de la revelación oficial del álbum principal.

El bloque de grabación limitado a cuatro semanas determinó el tono del álbum, tal como expresó Jagger en Nueva York: “Solo tener cuatro semanas nos dio urgencia. Nos divertimos en el estudio, pero demanda concentración, hay que darle valor a cada canción.” Keith Richards definió el proceso creativo como una dinámica de improvisación y solución rápida, con el productor influenciando la dirección de las sesiones y actuando como “árbitro” cuando era necesario destrabar la composición.

El artista de los Stones

La portada de Foreign Tongues es una pintura de Nathaniel Mary Quinn, artista radicado en Nueva York, y se describe como una amalgama visual de los tres integrantes actuales, sin uso de generación digital. Por supuesto, las búsquedas sobre este artista afroamericano de 49 años se dispararon luego de conocerse su nombre detrás del arte de tapa (un rubro en el que los Stones algunas vez emplearon a un tal Andy Warhol, entre otros).

El equilibrio entre lo bello y lo grotesco, lo siniestro y lo benevolente, define la obra de Nathaniel Mary Quinn, quien proclama el intento de “plasmar la complejidad de la emoción humana” en lo individual y lo universal. Su proceso creativo se nutre de recuerdos, vivencias, traumas y la historia de su familia en el complejo habitacional (eufemismo en inglés para llamar a un edificio sobrepoblado por gente pobre) Robert Taylor de Chicago. Las piezas de Quinn, en general, consisten en retratos híbridos y fragmentados sobre papel y lino, realizados con carbón, gouache, pastel, barras de pintura y óleo. Sus imágenes remiten a referencias históricas del arte como del cubismo y el surrealismo: es inevitable viendo la ilustración del disco, pensar en Francis Bacon. Algo de eso habrá pensado Jagger, coleccionista y diletante vocacional del arte contemporáneo desde su irrupción a la fama.

Más allá de la cuestión técnica del disco, el detalle de invitados e incluso la incógnita de una posible nueva gira de recitales -un tema que en Argentina, se sabe, despierta extremo interés- la narrativa promovida la banda recorre dos líneas: la reivindicación de la vigencia creativa (sentirse vivos, still life) y la gestión del legado (“la banda de rock and roll más grande del mundo”, “sus majestades satánicas”, “los mellizos tóxicos” y otros títulos por el estilo). Ellos mismos remarcan que tras seis décadas de carrera, sostener la renovación es una decisión fundamental. “No queremos conformarnos con lo que ya hicimos. Siempre hay algo más”, planteó Richards en su particular tono mezcla de capitán Hook y gitano de pub.

Es cierto, con los Rolling Stones, siempre hay algo más.

El jurado del Premio Princesa de Asturias de las Artes ha concedido su galardón en este 2026 a la cantante y escritora estadounidense Patti Smith, destacando su “impetuosa creatividad” y su “gran potencia expresiva”. A sus 79 años, y tras más de cinco décadas de trayectoria, Smith no ha cesado su actividad en los escenarios ni ha dejado de cultivar su faceta como escritora, manteniendo además en todo momento su compromiso con distintas causas sociales y políticas.

Tras la publicación de su primer álbum, Horses, en 1975, Patti Smith fue apodada “la madrina del punk”, apelativo que nunca ha terminado de entusiasmar a la artista. Hoy en día, conocemos a Smith no solo por su faceta como cantante, sino también como poeta, artista visual, activista y, más recientemente, como escritora de memorias.

En 2010, Patti Smith publicó Éramos unos niños (Just Kids), obra que recibió el Premio Nacional del Libro en la categoría de no ficción. A este relato, clasificado como libro de memorias, le siguieron M Train (2015), El año del mono (2019), El libro de los días (2022) y Pan de ángeles (2025). Aunque los inicios de su trayectoria como poeta se remontan a 1972, no cabe duda de que Patti Smith se ha abierto camino también en el mundo de la literatura en prosa.

Si entramos hoy en una librería, no nos resultará muy difícil encontrar alguno de estos tres libros en la sección de memorias o autobiografías, o simplemente bajo la etiqueta de “no ficción”. No obstante, ¿hasta qué punto es acertada esta clasificación? ¿Son Éramos unos niños, M Train, El año del mono, El libro de los días y Pan de ángeles memorias de una celebridad al uso?

El fenómeno ‘female rock memoir’

La publicación de Éramos unos niños guarda mucha relación con el aumento significativo de obras que han sido recientemente catalogadas como parte del fenómeno female rock memoir (“autobiografías de mujeres del rock”).

Sin embargo, a pesar de ser considerado el exponente de este subgénero que cada vez cuenta con más ejemplos, Éramos unos niños no se ajusta exactamente a lo que encontramos en las historias de otras escritoras del rock. Contra todo pronóstico, el primer libro autobiográfico de Patti Smith no narra la historia de cómo esta se convirtió en una de las voces femeninas pioneras del punk, sino que se centra en su relación con el fotógrafo vanguardista Robert Mapplethorpe.

El libro, de hecho, es el resultado de una promesa que Smith le hizo a Mapplethorpe poco antes de que él falleciera: la de escribir su historia, una historia de amor, amistad y hermandad. De esta forma, todo aquello que les concierne como personajes individuales pero que no es relevante en la historia de su relación queda fuera del texto. Éramos unos niños no es la autobiografía de Patti Smith ni la biografía de Robert Mapplethorpe; es ambas y ninguna a la vez.

‘M Train’, un viaje por la conciencia

Lejos de seguir los pasos de Éramos unos niños, M Train toma su propio camino. Este libro contiene una prosa más introspectiva y experimental que, por momentos, roza el fluir de la conciencia.

En él, Smith reflexiona acerca de la pérdida (en especial la de su difunto marido Fred Sonic Smith), el autoconocimiento y el paso del tiempo. La realidad se confunde con los sueños y el presente se entremezcla con el pasado, dando lugar a una narrativa no lineal que se aleja bastante de la estructura convencional de los relatos autobiográficos.

Todo esto hace que M Train se lea como una suerte de diario, no tanto en su forma más cotidiana (ese “querido diario” que fechamos y tratamos de escribir con la mayor regularidad posible) sino en un sentido más literario, más cercano a lo que conocemos como “ensayo personal”. No prima en esta historia lo que sucede, sino de qué manera lo que sucede afecta a la escritora. En definitiva, el M Train simboliza la conexión entre los distintos pensamientos de Smith, como si estos fueran estaciones independientes conectadas únicamente por la línea M.

La autoficción en ‘El año del mono’

Si bien en M Train ya vemos un cierto distanciamiento del género de las memorias en su forma más tradicional, es en El año del mono donde se hace evidente la desvinculación de las memorias de otras celebridades.

Este libro es la prueba definitiva de que Smith se siente lo suficientemente cómoda con el género autobiográfico como para transgredirlo y jugar con los límites de lo real y lo ficticio.

Aunque sigue siendo un texto esencialmente autobiográfico, al igual que los dos anteriores, el elemento diferenciador radica en la capacidad de Smith para incorporar elementos surrealistas que confunden constantemente al lector. Objetos que hablan, personajes que aparecen y desaparecen como por arte de magia y situaciones kafkianas conviven en esta historia que es más autoficción que autobiografía.

En la delgada línea que separa los sueños de la realidad, la autora esconde un sinfín de reflexiones que difícilmente se descubren a primera vista, pero que se convierten sin duda en una agradable recompensa para aquellos que deciden sumergirse en una segunda lectura.

‘El libro de los días’ y la narración visual

Desde Éramos unos niños hasta El año del mono, la fotografía ha ido adquiriendo una presencia cada vez mayor en la obra de Smith. La autora no solo ha demostrado su interés en este medio, sino que además se ha servido de él para explorar las posibilidades de hibridez entre texto e imagen. Tanto es así que, en 2022, publicó El libro de los días, un diario fotográfico en el que la imagen se convierte en el eje principal de la narración, mientras que el texto aparece únicamente en forma de pies de foto.

Inspirado en su cuenta de Instagram –como la propia Smith señala en la introducción–, el libro adopta la forma de un diario visual que acompaña a la autora durante los 366 días de un año bisiesto. De enero a diciembre, cada día se presenta a través de una fotografía acompañada de una leyenda que puede ir desde una sola palabra hasta un breve texto.

A primera vista, esta suerte de fotolibro parece alejarse de las anteriores publicaciones de Smith. Sin embargo, basta con recorrer sus primeras páginas para reconocer una estética que remite claramente a su obra previa. Aunque esta vez la imagen ocupa más espacio que las palabras, a lo largo de la narración (tanto visual como textual) la autora establece conexiones temáticas con sus libros anteriores: viajes, pérdida, nostalgia y devoción atraviesan las páginas de El libro de los días del mismo modo que lo hacían en Éramos unos niños, M Train y El año del Mono.

‘Pan de ángeles’: ¿la autobiografía definitiva?

Hacia finales de 2025, Patti Smith publicó Pan de ángeles. Ya desde la portada advertimos un cambio respecto a sus publicaciones anteriores: el título va seguido del subtítulo “memorias”. Ciertamente, desde la publicación de Éramos unos niños, esta es la obra que más se acerca al género autobiográfico convencional.

Por primera vez, no se centra en un periodo concreto de su vida, sino que traza un recorrido desde su infancia hasta el presente –eso sí, los recuerdos, las reflexiones y los saltos temporales se imponen, una vez más, a la linealidad–. En Pan de ángeles predominan la estructura fragmentaria y un tono introspectivo que remiten constantemente a la Smith que ya conocemos. Las coincidencias, de hecho, no se limitan al estilo: hay episodios que ya se habían mencionado en otras de sus obras.

Sin embargo, la autora ofrece aquí una nueva mirada, junto con detalles que hasta ahora no había compartido. Pan de ángeles supone, en definitiva, la consagración de una voz literaria madura, creativa e incansable.

Ya en los años setenta revolucionó el mundo de la literatura, desdibujando los límites entre la poesía y la música. Cuatro décadas después, vuelve a hacerlo creando, en esta ocasión, textos híbridos con una prosa que no termina de ajustarse a ninguna clasificación.

Con una decena de álbumes de estudio y más de veinte libros publicados (entre poesía, prosa, memorias y ensayos), podría parecer que a Patti Smith le queda poco por hacer. Sin embargo, el Premio Princesa de Asturias de las Artes 2026 no es sino un impulso más para la artista, que en una entrevista ha afirmado: “Puedo prometerle a la princesa Leonor que trabajaré más duro que nunca para honrar este reconocimiento porque significa mucho para mí”.

Todo apunta a que la trayectoria creativa de Patti Smith sigue lejos de agotarse, algo que el público ya celebra.

* Doctora en Estudios Literarios y Lingüísticos en sus Contextos Socioculturales, Universidad de Las Palmas de Gran Canaria

Este artículo fue publicado originalmente en The Conversation.

[Fotos: Vianney Le Caer/ Invision/ AP, archivo; Lumen e Infobae]

Twist and Shout representó para Springsteen no solo su primer encuentro significativo con el instrumento, sino también un antes y un después en su vida como artista. Al enfrentarse a sus primeros acordes, el músico estadounidense descubrió la energía que le definiría a lo largo de años, y el grupo británico fue determinante en su formación y en la dirección que tomó su camino profesional.

Influencias musicales de Bruce Springsteen

Durante su juventud, Bruce Springsteen no solo se inspiró en Los Beatles. También admiraba a Chuck Berry, Little Richard y Bob Dylan, figuras clave que expandieron su horizonte en el rock y el soul.

El propio Springsteen comentó a la revista musical británica Far Out Magazine que aprendió parte de sus trucos observando las manos de Keith Richards interpretar canciones de The Rolling Stones.

Aunque Dylan revolucionó la escena musical, fue la fuerza de Los Beatles lo que definió a toda una generación, incluido Springsteen. Tanto el público de Estados Unidos como el de Reino Unido experimentó transformaciones influidas por el impacto de estos artistas, quienes lograron que nuevas generaciones de músicos aspiraran a un estándar artístico diferente.

La huella de John Lennon y Los Beatles en el Boss

La interpretación de Twist and Shout por Los Beatles en el Ed Sullivan Show, con la voz inconfundible de John Lennon, dejó una huella indeleble en Springsteen. Aunque esta canción ya era conocida por la versión de The Isley Brothers en 1963, la adaptación británica y el particular estilo vocal de Lennon le ofrecieron al joven estadounidense una nueva perspectiva sobre el rock.

Cuando Lennon fue asesinado en 1980, Springsteen rememoró la influencia de la canción en sus inicios y destacó ante Far Out Magazine que la primera grabación que interpretó en la guitarra fue justamente Twist and Shout de Los Beatles.

En sus palabras, “interpretar este tema por vez primera constituyó una experiencia fundacional y una lección artística” para él y para muchos otros artistas que reconocieron el mismo punto de partida. Springsteen enfatizó que sin Lennon, la vida de numerosas figuras del espectáculo —incluyéndose— habría transitado un camino muy distinto.

Aunque Lennon llegó a expresar dudas sobre su interpretación de la canción, esa grabación abrió la puerta a músicos como Springsteen y contribuyó de modo decisivo al desarrollo de su voz distintiva. No existió un vínculo personal estrecho entre ambos artistas, pero el respeto y legado profesional permanecen como un sello incontestable en la historia del rock.

El legado de una canción en la carrera musical de Springsteen

Las enseñanzas absorbidas por Bruce Springsteen en esos primeros años siguen reflejándose en el conjunto de su obra. Cada vez que regresa a los acordes de Twist and Shout, revive la experiencia original que orientó el sentido de su vida artística y profesional.

En momentos de dificultad, Springsteen resalta que la música ofrece un refugio y una razón para seguir adelante. La huella de Los Beatles, en particular la figura de Lennon, permanece viva tanto en su propio trabajo como en el de toda una generación de músicos, tal como lo recopila la crónica de la revista musical británica Far Out Magazine.

La conexión que Springsteen mantiene con Twist and Shout trasciende el simple homenaje. En sus conciertos, incluir este clásico representa un acto de gratitud hacia los artistas que lo influenciaron y una manera de compartir con su público la emoción que sintió en sus primeros años, reafirmando ese vínculo generacional.

Para Ritchie Blackmore, pocas figuras lograron sacudir la guitarra eléctrica como lo hizo Eddie Van Halen. En una reciente sesión de preguntas con seguidores, el histórico músico de Rainbow y Deep Purple ofreció una mirada íntima sobre su colega, repasando aspectos poco conocidos de su personalidad y su forma de tocar.

Desde esa experiencia directa, Blackmore puso en valor un legado que sigue vigente: la capacidad de Van Halen para romper esquemas, redefinir la técnica y dejar una huella profunda en el rock y la cultura musical contemporánea.

Aportes técnicos que transformaron el instrumento

Blackmore explicó que el aporte más revolucionario de Van Halen fue la introducción del hammer-on como técnica central para la ejecución de solos veloces y fluidos. Este recurso, que consiste en pulsar cuerdas con los dedos de la mano izquierda para producir notas ligadas sin necesidad de atacar con la púa, permitió desarrollar pasajes melódicos de gran complejidad y velocidad.

Según Blackmore, el impacto de Eddie Van Halen fue tan grande que cambió las reglas del instrumento. “Básicamente reinventó la guitarra con su técnica del hammer-on. A mí nunca me gustó, pero era increíble cómo conseguía todo eso”, admitió.

El británico Ritchie Blackmore fue más allá y destacó el efecto dominó que generó la irrupción de Eddie Van Halen: obligó a toda una generación de guitarristas a replantear su forma de tocar. Técnicas como el tapping, asociadas a su estilo, no solo ampliaron los recursos del instrumento, sino que abrieron nuevas posibilidades sonoras para el rock y el metal.

El impacto fue inmediato. Blackmore recordó el desconcierto en la escena musical ante ese nivel de virtuosismo y creatividad: “¿Quién demonios es este?”, se preguntaban muchos, entre la sorpresa y la admiración por un talento que parecía romper todos los límites conocidos.

Sensibilidad personal y desafíos fuera del escenario

Más allá de su virtuosismo, Blackmore puso el foco en un rasgo menos visible de Van Halen: su perfil bajo fuera del escenario. Según relató, pese a la fama y el talento, el músico evitaba el protagonismo y prefería retirarse en silencio tras los shows.

Esa actitud se reflejaba incluso en frases que lo sorprendían: “No quieres hablar conmigo, porque no soy nadie”, recordó Blackmore. Para él, esas palabras revelaban una modestia genuina y poco habitual en artistas de su nivel..

Blackmore también abordó las dificultades personales que enfrentó Van Halen, en particular su tendencia a la introspección y su vulnerabilidad ante las presiones de la industria. Explicó que el entorno profesional podía resultar abrumador para alguien con su nivel de sensibilidad, lo que a veces lo llevó a recurrir al alcohol para gestionar la ansiedad social y la exposición constante.

Influencia familiar y desarrollo multifacético

El entorno familiar de Eddie Van Halen desempeñó un papel clave en su formación artística. Blackmore recordó que provenía de una familia de músicos, lo que facilitó su desarrollo temprano no solo como guitarrista sino también como teclista.

Esta base permitió a Van Halen construir una identidad musical versátil, capaz de integrar elementos de distintos géneros y técnicas en su propio estilo. La influencia familiar fue determinante para que alcanzara un nivel de excelencia que trascendió el ámbito del rock.

El enfoque polifacético de Van Halen se reflejó en su capacidad para colaborar con músicos de diversos estilos, así como en la creación de arreglos complejos que incorporaban teclado y guitarra de manera integrada. Blackmore señaló que esta amplitud de recursos fue parte esencial de su legado y contribuyó a su reconocimiento internacional.

Reacciones en la comunidad y comparación con otros virtuosos

La irrupción de Van Halen no solo deslumbró al público: también sacudió a los músicos más consagrados. Blackmore recordó el impacto que generó su técnica, al punto de revolucionar los estándares de ejecución de la guitarra eléctrica y obligar a todos a repensar sus propios límites.

En ese contexto, también mencionó a Randy Rhoads, histórico colaborador de Ozzy Osbourne, para descartar cualquier rivalidad. Lejos de la competencia, Blackmore destacó que ambos compartían una actitud humilde y profesional, reforzando la idea de que el talento no estaba reñido con el respeto dentro de la escena.

Para Blackmore, la verdadera grandeza reside en la capacidad de innovar sin perder la sencillez y el respeto por los colegas. La comparación con otros virtuosos como Rhoads permite comprender el lugar que ocupa Van Halen en la historia del rock: un músico cuya influencia se basa tanto en su genio técnico como en su integridad personal.

Un legado vigente en la historia del rock

Eddie Van Halen transformó de manera irreversible los límites de la guitarra eléctrica, aportando técnicas y recursos que hoy son estándar en la música contemporánea. Su capacidad para fusionar destreza, creatividad y humildad sigue inspirando a músicos de todo el mundo.

El testimonio de Ritchie Blackmore permite comprender en profundidad la magnitud de ese legado, que se mantiene vivo tanto en la memoria de sus colegas como en el repertorio de generaciones futuras.

Nacho Vegas es uno de los autores clave del rock indie español, de los años 90 para acá. Nacido en Gijón, Asturias, es una referencia de calidad poética en España y América Latina por una obra que combina lo íntimo y lo social, siempre con un marcado compromiso político. Con más de dos décadas de trayectoria, formó parte de bandas como Eliminator Jr. y Manta Ray antes de iniciar una sólida obra solista, a partir de la cual se lo vincula con figuras del tipo Nick Drave o . Ahora llega a Buenos Aires para presentar Vidas semipreciosas, su más reciente disco, este viernes 1 de mayo en el Teatro Vorterix.

La música de Nacho Vegas se nutre de folk, pop y rock. Se le ha llegado a describir como el Wild Oldham asturiano o el "Bob Dylan de Gijón“, e incluso lo han comparado con Nick Drake. Y su nuevo álbum es un compendio de canciones que exploran los afectos, la política y la vinculación con la tierra natal, e incluye interludios con testimonios de figuras ligadas a la izquierda y al antifascismo, un tema candente en su país y el mundo.

En conversación con Infobae Cultura, dialogó sobre algunas cuestiones centrales que marcan su obra, la conexión literaria de sus canciones y por supuesto, el violento pasado y agitado presente de su país.

—¿Qué relación encontras entre las influencias de tu adolescencia (has mencionado a The Housemartins y a Violeta Parra), y tu formación musical y sentimental?

—Las cosas que te dejan una huella tan indeleble como son las que te vienen en la juventud, esas primeras cosas que te impactan tanto. Esas bandas de las que... A mí me pasó con los Housemartins, a los trece años creo que era cuando tuvieron su éxito “Caravan of Love” y era un grupo que me llegó de alguna manera. Me emocionaba de una manera diferente y fue un poco mi puerta de entrada también gracias a una serie de radios piratas, radios libres en aquel momento, que emitían desde aquí, desde Gijón, mi ciudad, y que programaban música independiente británica. Los Housemartins tuvieron éxito y por eso fue fácil llegar hasta ellos, pero a partir de ahí empecé a encontrar otras bandas que me emocionaban profundamente. Fue ese momento iniciático en el que descubres no solo el pop con esas influencias de pop vocal tan precioso, sino el sentido del humor en sus letras, el marxismo de sus letras... Había una educación política, musical, emocional, que me llegó.

A Violeta Parra llegué un poco más tarde. Recuerdo cuando se escuchaba la música en los viajes en coche, con las casetes: cada uno grababa sus recopilaciones y las escuchábamos atentamente en esos viajes larguísimos que hacíamos. La primera vez que la escuché fue en un coche y me sorprendió mucho esa prosodia tan particular, esa manera, ese ritmo, ese fraseo que tenía ella. Profundicé más en su obra un poco más tarde y llegué incluso a conocer a Isabel Parra, a Tito Parra en Chile, que fue para mí un momento maravilloso. Fueron dos momentos diferentes: la primera influencia de los Housemartins cuando era muy jovencito y después vas abriendo tu mirada y librándote de prejuicios, encontrando música que te emocione. Hay muchísima música y muy poco tiempo en esta vida.

—¿Cómo escuchas música hoy en día y qué lugar ocupan los distintos formatos en tu vida?

—Hay veces que nos levantamos con un ánimo particular, que nos pide escuchar ciertas cosas. Puse el ejemplo del jazz y la música clásica como alguien que pretendía estar de vuelta de todo lo que es la música popular, pero el jazz también fue una música absolutamente popular y despreciada por la gente más académica. Ahora está mucho más permeada en la música popular. Hoy depende de cómo me despierte. Escucho música a través de las plataformas, pero también sigo comprando vinilos. Conservo todos mis CDs porque crecí escuchando muchos, fue esa época en la que dejaron de fabricar muchos vinilos y el CD se impuso como formato hegemónico: una estafa de la industria, un formato tan barato vendiéndolo tan caro... Pero la música grabada digitalmente suena mejor suena en CD. Le tengo cierto cariño. Escuchar los vinilos, cuando puedes pasarte una tarde poniéndolos, leyendo las letras, es algo especial.

Hace poco me pasó con Phil Ochs, uno de mis autores favoritos. Sientes la necesidad de recuperarlo, de escuchar su música atentamente y descubres cosas que se te habían pasado por alto. Es bueno permitirse ese momento de pausa hoy, en el que todo va muy rápido y parece que hay que escuchar la música como si nada, con los algoritmos empujando a que todo esté en los primeros treinta segundos. Pero creo que podemos marcar nuestro ritmo, que lo importante es que la música siga siendo una parte central de nuestras vidas. Nos quieren vender que hubo una revolución en los hábitos de escucha, pero cuando la música es algo central en tu vida, sigues parándote a escuchar de forma activa, a ser alguien que se apropia de las canciones y las incorpora a su universo.

—¿Te sentís identificado con el término autoficción aplicado a tu obra y a tus canciones? ¿Creés que define lo que hacés?

—A mí personalmente me gusta el término aplicado a la música y a la canción. Cuando publicaba mis primeros discos, una pregunta muy recurrente era: “¿Tus canciones son autobiográficas?” Porque algunas se nutrían de experiencias personales y no tenía problema en mencionar cuestiones concretas con nombres propios. Yo siempre trataba de responder: la canción trascienda el mero hecho autobiográfico. No es como si le estuviera contando mi vida a un amigo en la barra de un bar. Tiene que ser algo que, aun partiendo de una realidad muy personal e íntima, se transforme en una verdad emocional. Tiene que haber una línea que separe esa realidad de esa verdad y, en esa línea, puedes recurrir a la ficción para llegar a contar esa verdad.

Ahora se puso de moda, creo que fue a partir del boom de la autoficción en la literatura. Mucha gente a la que se asocia al género lo rechaza, pero a mí me gusta. Si ese término hubiera estado hace veinticinco años en boca de todos, me hubiera gustado para definir mis canciones: son autoficción, no autobiográficas. Me gusta aplicado a las canciones. Entiendo ese debate en la literatura y muchas obras de autoficción me gustan. No es excluyente, parece que tienes que estar o con la novela decimonónica de personajes o con la autoficción, pero al final simplemente hay que dejar que las cosas nos toquen y estar abiertos a ello.

—¿La literatura ocupa un lugar central en tu vida? ¿Tenés tiempo para leer en esta época tan veloz y qué estás leyendo ahora?

—La literatura es algo muy importante en mi vida y es una influencia presente en mi obra. Tampoco me ha gustado cargar excesivamente las tintas en la influencia literaria, porque existe, pero a veces una frase escuchada en situaciones cotidianas puede ser el germen de una canción, igual que un verso de un poema. Tenemos que permitirnos ese tiempo que requiere la literatura, que no da lugar a una escucha pasiva como la música; hay que tomar un papel activo y pararse a leer. En este último disco está muy presente la obra de Mary Oliver, una poeta a la que conocí hace relativamente poco y que me ha fascinado. Su poética está presente en algunas canciones.

Justo ahora mismo estoy intentando acabar un prólogo para una edición que va a publicar Espasa de una edición ampliada de El rayo que no cesa, una de las obras principales de Miguel Hernández, un autor al que admiro mucho por su poesía amorosa, pero también por el compromiso de lo que escribió durante la Guerra Civil en España, militando en el Partido Comunista y en el bando republicano. Leerlo hoy te hace dar cuenta de la vigencia que tiene. Cosas escritas hace noventa años siguen siendo demasiado vigentes, por desgracia.

—Este año se cumplen noventa años de la Guerra Civil. ¿Creés que ese aniversario redondo removió algo en España y particularmente en tu tierra, Asturias?

—Es algo que sigue estando en la memoria, independientemente de que el aniversario sea redondo. Sigue habiendo un relato oficial que, por suerte, está encontrando una respuesta, ya desde hace unos años. Primero se intentó hablar de la Guerra Civil como una guerra fratricida en la que se cometieron atrocidades por ambos bandos. No, fue una guerra no contra nuestros propios compatriotas, fue una guerra contra el fascismo, que dio un golpe de Estado ilegal contra una república legítima.

Como dices, Asturias estuvo ya en los años previos: el ensayo para la represión antes de la Guerra Civil fue la represión a la revolución minera del 34, donde ya estaban ensayando el golpe posterior. Yo soy hijo de la “Transición”; nací en el 74, y en el 78 llegaron esos pactos, que fue una transición a la democracia y un pacto con el franquismo, en el que siguieron teniendo mucho poder los poderes fácticos relacionados con esa dictadura. A pesar de las leyes de memoria histórica, no se ha hecho justicia. Siguen habiendo muchos cadáveres en las cunetas, muchos muertos, y muy poco interés por parte de los sectores más reaccionarios, que tienen mucho poder, en no remover aquello que mostraría las vergüenzas de un país. Se revelarían verdades necesarias de contar. Queda camino por recorrer, sobre todo para que las nuevas generaciones no caigan en la trampa de ese relato mentiroso.

[Fotos: Eneko Caos; Jordi Santos]

Ya desde la previa se entonó el célebre “Megadeth, Megadeth, aguante Megadeth”, aquel cántico que el público argentino inmortalizó en ese primer recital del grupo en Obras Sanitarias, en 1994. Y que marcó a fuego su romance con Argentina.

La peregrinación sorteó un laberinto de vallas en Tecnópolis, para finalmente llegar al punto de encuentro determinado, que se transformó en un crisol de edades y generaciones. Desde metaleros de la vieja escuela hasta familias completas, nadie quiso perderse la última función del “Colorado” en esta parte del mundo.

Pasadas las 20, Against fue la banda telonera encargada de encender la escena. La agrupación, formada por los guitarristas y cantantes Sebastián Radrizzani e Ivan Monastirsky, el baterista Martín Blanco y el bajista Federico Gerván, combinó riffs poderosos con partes de dúos de guitarras muy bien sincronizados, que no fueron ajenos al movimiento de la cabeza de los espectadores. El repertorio consistió en seis canciones: Anestesiado, La sangre de los nuestros, El guara, El encierro, El Libertador y Contra.

La responsabilidad no fue desconocida para el cuarteto, que hace exactamente dos años ya había sido invitado por Mustaine para participar de su anteúltima presentación, en el marco del “Crush Rush The World Tour”. Además de tener en su haber el haber trabajado con bandas exponentes como Mastodon, Gojira, Paul Di’Anno, Dream Theather, Scorpions y Judas Priest, entre otros.

Si bien la espera se hizo más amena, todavía faltaba el plato fuerte.

El último tango

A las 21.30 fue el momento indicado para que Dave Mustaine saliera a escena de camisa blanca y con una Flying V amarilla en brazos, para interpretar “Tipping Point”, del último disco, junto al guitarrista finlandés Teemu Mäntysaari, el bajista James LoMenzo y el baterista Dirk Verbeuren.

A lo largo del setlist, “El Colorado” interpretó grandes clásicos como “Hangar 18″, “Sweating Bullets”, la personalísima e íntima “In My Darkest Hour”, “Tornado of Souls” y “Peace Sells”.

A mitad del show, y como si se tratara de una canción de amor directamente dirigida al público, la banda tocó “Symphony of Destruction”, su canción más comercialmente exitosa. Desde siempre, la gente cantó por enésima vez su célebre “Megadeth, Megadeth, aguante Megadeth”. El mismo que Mustaine había dejado en claro que es su adaptación favorita.

Luego, y con el tema finalizado, el vocalista caminó de una punta a la otra del escenario, para agradecer y abrazar simbólicamente a su audiencia. Y decir “muchas gracias” en un rudimentario, pero sincero español, a aquellos que estuvieron presentes hace 26 años en Obras Sanitarias.

Otro punto álgido de la noche fue el recuerdo de Mustaine en su etapa como integrante y compositor de Metallica, a través de las canciones “Mechanix” -la canción “espejo” de “The Four Horsemen”- y “Ride The Lightning”. Posiblemente, y en esta etapa de su vida, una forma de sellar la paz con su exbanda, liderada por su excompañero James Hetfield.

Para el final, el artista norteamericano eligió “Holy Wars... The Punishment Due”, y para la que utilizó una Flying V pintada con la bandera argentina. Una nueva declaración hacia estas pampas, que siempre lo acompañaron.

Brazos y cabeza en dirección al cielo y un sinfín de agradecimientos marcaron el cierre de la etapa de David Mustaine en suelo argentino. En el campo, la euforia y la felicidad del principio tomaron un matiz de nostalgia y tristeza. Pero también de reconocimiento.

Pasadas las 23, terminó el último tango de uno de los mayores exponentes del heavy y el trash metal. Que hizo de Argentina uno de sus lugares en el mundo. Y que, aún con el pasar de los años, resonará el “aguante” argento. Ese que lo encandiló y que después el mundo imitó. Pero lo que se dice amor verdadero, hay uno solo.

Desde algún lugar de las rutas argentinas, Andrés Calamaro responde amablemente por mail a un pedido de entrevista: la excusa es el inicio de la gira nacional Como cantor, que ahora mismo recorre la amplia geografía nacional (ver debajo el detalle), y que desembocará en donde Dios atiende con cuatro shows programados para fines de mayo y principios de junio.

Un par de días después de aceptar, envió las respuestas que Infobae Cultura reproduce a continuación. Elegante en su prosa y claro en sus reflexiones, Calamaro se muestra tal cual ha sido siempre: atento, reflexivo, certero y con la dosis exacta de ironía y/o filo cuando cabe.

—¿Cómo estás? ¿Cómo va tu vida? ¿Sufrís esta época tan loca o no la ves tan loca como parece? ¿Estamos todos locos en Argentina?

—Empezamos la gira en Santa Fe y seguimos en el anfiteatro Cocomarola en Corrientes; ensayamos muy bien hasta diez canciones que no tocábamos el año pasado, un equipo unido y comprometido con la causa, buscamos las buenas sensaciones en el escenario con seriedad bien entendida. La gira es una vida social peculiar que nos gusta, damos lo mejor y el público nos devuelve alegría y entrega, vivimos en hoteles, somos músicos y casi todos giramos juntos hace tiempo ya. En estos años me asumo como interprete, la música en vivo es el “tiempo real”, interpreto con concepto torero: el embroque (encuentro) entre el silencio y la música sonora, el misterio de encontrarse con algo distinto cada recital, la improvisación y el concepto en la circunstancia. Tenemos la ventaja de ser los mismos toda la gira, mientras que los toreros desconocen el toro que sale de los corrales; luego el concepto de cada lidiador, la forma en que sienten lo que hacen o la gestión del talento, la puesta en escena del triunfo, o torear para uno, la búsqueda de lo imposible, la importancia de la naturalidad, la exhibición de valor, los especialistas y los de arte. Luego lo que aprendemos del Jazz y el Blues, de los sonidos rioplatenses, hispanos y saber estar sueltos con este repertorio. Visto así solo tiene sentido aspirar a un siguiente recital mejor y no hacer la plancha.

(…) Tengo que hacer memoria para recordar una época que no haya sido irregular o compleja, verdad que los trastornos actuales desmerecen la “locura” lírica de los distintos y outsiders. En nuestro país sufrimos una inercia casi eterna que afecta el tejido económico, social y cultural, entendiendo por cultura lo que hacemos, lo que no hacemos, si estamos dispuestos a trabajar o estudiar, a mejorar como individuos, que hacemos con el tiempo libre, si estamos aptos para alguna clase de sacrificio, si nos rendimos, si vivimos enchufados y criticando, si leemos, si le damos importancia al cine, si sabemos escuchar música o cuantas mentiras nos creemos. Tampoco la cultura elitista del cine, el teatro y la música culta exclusivamente.

Los influyentes de este siglo son cocineros y futbolistas o peor, los esclavos de los contenidos basureros en redes (la red es el apocalipsis de la vida marina), se entiende que le bajemos el precio a la locura lírica, quizás exhibiendo nano neurosis o renunciando el destino de las personas que pudimos ser.

El mundo siempre está equivocado, ahora estamos rodeados de gentes que presumen de virtudes morales e ideológicas, un delirio que habíamos superado ampliamente, que no permitimos ni a las religiones cristianas, que rechazamos en la escuela, la familia y a las autoridades.

Esta fiebre es mundial o casi, occidental seguramente; nuestro país acusa muchos años de deterioro económico y eso impacta en la cultura social, nos hace más resentidos, chovinistas orgullosos de los alfajores; tampoco deseo aplicarme en un ensayo sociológico pero soy un argentino interesado en la realidad y la conversación en términos políticos y culturales. Pero tampoco tenemos acceso a viajes interplanetarios. Renunciamos al decoro, al refinamiento, a la conversación socrática y a los buenos modales. Lo mejor que tenemos es la autocrítica, un resignado optimismo, conservar la salud y valorar alegrías.

(…) Ahora estamos replicando una gira similar a la que hicimos a fin del año pasado, empezamos en provincias interiores y lo disfrutamos mucho, llegamos musculosos a Buenos Aires y visitamos países hermanos. De momento no tenemos planes concretos en México o España pero estamos para seguir tocando, con deseo, arte y confianza. Pronto armamos la segunda mitad del año. Somos siete, bronces de partitura, músicos cantando, guitarristas virtuosos y espontáneos, el pianista bueno y el cantante que oscila entre una Telecaster hecha en Argentina y teclados similares a los que usé siempre. Todo el tiempo estamos conversando con los camaradas del sonido, los instrumentos, las pantallas y el escenario. Y esperamos con deseo hasta las pruebas de sonido.

—¿Cómo te afecta el hecho de tener más funciones en Buenos Aires que en años anteriores, con un público de jóvenes que tal vez han descubierto recién tu música? ¿Te genera una sensación de “renovación”?

—Que el público sea joven es normal porque normal es empezar a ver recitales de adolescente y hacerse buen aficionado y oyente (espero existan buenos aficionados que confirmen mi teoría de normalidad amateur). Escuchar música que nunca vimos en vivo, que fue grabada cuando éramos niños o antes de nacer, nos propone una dimensión … “legendaria”. Creo que sentimos eso con Los Beatles o Pescado Rabioso y otros con The Smiths o Los Abuelos, o Kraut alemán o Freddie King.

Un perfil nacional argentino del que podemos presumir: Otras cosas nos importan además de las telecomunicaciones, filmarse diciendo boludeces y ser hinchas de futbol: llenamos recitales, no dejamos de ser rockeros y estamos en ciudades donde el rock importa, es nuestro aporte a las tradiciones. También somos sensibles a la dulzura del folklore regional y al paisaje. (…)

—¿Cómo vivís el hecho de que se recuerden constantemente los aniversarios de tus discos más emblemáticos? ¿Te sentís atrapado en la nostalgia? ¿Qué ves cuando te ves? (como escribió Ricardo Mollo)

—Los aniversarios de discos, las efemérides y las historias superfluas (anécdotas o mentiras de opereta digital) no me agradan y sobran, consiste en desprecio por omisión o tonterías. No es fácil revertir las mentiras en internet pero el tiempo podría poner las cosas en su lugar. Soy el Dracula argentino.

Las canciones no se explican ni cuentan nada, importa el proceso y nada mas, después ser músicos y demostrarlo en vivo. Basta de necrológicas y aniversarios, son frivolidades, algunas imperdonables. (…)

No practico la nostalgia, no me llegó el momento o no me interesa, secuestra el presente. No suelo añorar otros tiempos que ya fueron, recordar épocas anteriores es algo que de momento no hago. Distinto es cantar canciones atemporales porque la música en vivo es cambiante, improvisamos y nunca suena dos veces igual, es un oficio donde nos perfeccionamos mas que haciendo canciones y grabaciones.

—¿Qué opinás sobre la idea de que vos, Fito Páez y Gustavo Cerati son “sobrinos” artísticos de Charly García y Luis Alberto Spinetta? ¿Qué influencia tuvieron ellos en tu vida artística y qué queda de esa relación hoy? ¿Y quién sería el “sexto hombre” en esa generación, el Indio Solari?

—Seré respetuoso y amable con todos mis colegas músicos y cantantes, los respeto a todos y celebro a los que admiro realmente. Somos “generacionales” con los de mi generación, nos conocemos hace muchos años y crecimos al mismo tiempo, creo que nunca perdí la capacidad de admirar, además existe la amabilidad y los buenos modales (se le llama “respeto” como si fuera una palabra mágica).

Fui publico dedicado de los artistas musicales de época, un explorador que conoce bastante de lo que escuchaba de adolescente. De muy joven soy “aspirante a músico” y terminamos compañeros y camaradas con casi todos. Soy admirador de mis contemporáneos. Celebré el éxito de todos los que se consagraron y el carácter de los subterráneos que no conquistaron continentes. Admiro a mis contemporáneos con humildad, envidio algunos repertorios celestiales y comparto los buenos momentos de todos.

(…) Mi adolescencia transcurre entre 1974 y 1981, muchos gobiernos militares, policía, crisis, malaria y represión. Para mi generación, Huergo no es Puerto Madero, es Toxicomanía. Casi nunca dejamos de ir a recitales y los domingos a Parque Rivadavia. Los héroes de Malvinas son mas jóvenes que yo. Todos los fundadores nos inspiraron, inspirados tan jóvenes. Y mis mentores, Beto Satragni, Raíces y Los Abuelos, mis profesores de piano, los músicos buenos que me aconsejaron con paciencia, y mi querencia por la batería, los instrumentos enchufados y los discos. Cumplí 17 grabando en Fonema con Raíces, Amilcar, Jorge da Silva y Mario Breuer, con Mario soñamos despiertos con lo que luego hicimos hasta ahora.

—Dylan tiene 84 años y sigue de gira. Lo mismo Neil Young o Paul MacCartney. Van a volver los Rolling Stones, parece. Este año vi a Gilberto Gil con 83, pleno ¿Vos te ves a esa edad haciendo lo mismo? ¿La cultura rock tiene algo patológico o psicológico con la edad? (¿Y por eso te lo pregunto?) ¿Importa?

—Asistimos absortos y admirados a la tercera edad de las leyendas del rock, como antes a los veteranos del blues, el folklore, el tango y el jazz. Nunca supimos que se podían celebrar giras con mas de ochenta años y tampoco lo sabemos ahora. Tocamos madera. La edad es inevitable y algunos estamos condenados a mejorar porque no fuimos genios ni prodigios ni sibaritas del buen gusto, aprendimos a la vista de todos.

Hasta ahora sigo perfeccionándome y mejorando, me asumo como interprete en vivo en un tiempo donde grabar discos no tiene el sentido practico (o filosófico) que tuvo alguna vez, otrora rodeados de disquerías, anhelando hacer un disco y saberlo en las bateas. Antes valorábamos grabar un disco como un milagro u odisea, ahora dicen que se publican cincuenta mil canciones por día en las plataformas y percibimos que la atención es dispersa y es complicado adivinar quien escucha una grabación a la que dedicamos meses o años.

Los músicos de esta generación no sabíamos que el éxito era posible, no esperábamos mucho mas que ensayar y quizás grabar un disco como quien espera ganarse la lotería, no creímos posible sonar con una canción en la radio ni en la televisión, ni generar derechos de autor ni regalías; lo hicimos gratis, sin esperar caridad ni pedir limosnas, recibir ayudas públicas era impensable y delirante para los que fuimos adolescentes -aspirantes- en los años setenta.

Siempre gracias a las personas que nos vienen a ver, a los que les importa la música, los que ven el lado bueno de las cosas. A los que me quieren.

*La gira Como Cantor de Andrés Calamaro continúa el 2 de mayo en el Estadio Ruca Che de Neuquén; el 8 de mayo en el Predio Ferial Catamarca; el 10 de mayo en Loisc Plataforma de La Rioja; el 15 de mayo en el Polideportivo de Mar del Plata y el 17 de mayo en el Dow Center de Bahía Blanca. Finalmente, ofrecerá funciones en el Movistar Arena de Buenos Aires los días 26 y 27 de mayo, 3 y el 8 de junio.

[Fotos: prensa Dale Play]

Diciembre pasado, dos días antes del cumpleaños número 82 de Keith Richards, se informó que los Rolling Stones cancelarían una gira de estadios en 2026 que aún no habían confirmado oficialmente. Según una fuente, Richards padecía artritis, lo que afectaba demasiado su capacidad para tocar y le impedía comprometerse con el agotador ritmo de cuatro o cinco meses de gira.

Un lector sensato podría preguntarse cuál es la recompensa de la fama y la vejez si no es el derecho a no hacer absolutamente nada más que disfrutar de los nietos, las innumerables casas junto al mar y la consolidación de la propia leyenda.

En cambio, medio siglo después de que un Mick Jagger de 31 años dijera: “Prefiero estar muerto antes que cantar ‘Satisfaction’ a los 45”, la banda planea lanzar su vigésimo quinto álbum de estudio este año (ya lanzaron un sencillo solo en vinilo). La gira anterior, con 20 fechas en Norteamérica para promocionar su último álbum, Hackney Diamonds, terminó en el verano de 2024.

¿Qué queda por decir de una banda que ha hecho de no acumular musgo su sello desde 1962? La improbable y casi mítica resistencia del grupo ante adicciones, deserciones, arrestos e incluso muertes se ha convertido en un chiste recurrente: Damas y caballeros, los indestructibles Rolling Stones, ¿siguen emocionando?

Por eso, resulta significativo que Bob Spitz subtitule su nueva crónica de la banda como “La biografía”. Más allá de las memorias apócrifas de Jagger —escritas y luego abandonadas en los primeros años ochenta, según la leyenda editorial— los picos y valles de los Stones han sido documentados de manera íntima, aunque no exhaustiva, por periodistas, historiadores de la música, miembros de la banda (tanto de larga data como temporales), amantes, musas, músicos de apoyo y allegados durante más de seis décadas.

Como biógrafo, Spitz tiene credenciales comprobadas. Sus temas previos conforman una especie de Monte Rushmore cultural —Los Beatles, Bob Dylan, Ronald Reagan, Julia Child— documentados en volúmenes de autoridad y tamaño considerable. (También tiene experiencia directa en el mundo del rock, ya que gestionó aspectos de las carreras de Elton John y Bruce Springsteen.)

Su enfoque aquí es afectuoso, extenso y detallista, un largo y bullicioso recorrido cuyos desenlaces —¿Esa melodía inolvidable logrará su versión definitiva en el estudio? ¿Será esta sobredosis la que ponga fin a todo?— rara vez generan dudas, aunque surgen muchas pequeñas revelaciones y correcciones a lo largo del camino.

Un prólogo inicia en 1961, en la estación de tren suburbana de Londres donde Jagger y Richards, conocidos de la primaria, se reencontraron en la adolescencia por su amor casi obsesivo por Chuck Berry y Muddy Waters. (“Como dos alcohólicos, se entusiasman, embelesados, con un anhelo compartido: no solo la música, sino el blues.”)

El paso de los días escolares a los dormitorios insalubres y los pubs desaliñados donde se unieron al impetuoso y voluble Brian Jones es corto. Jones, un prodigio rubio, resultó ser un promotor astuto y un multiinstrumentista inquieto, ayudando a consolidar la química que transformó a una banda desordenada de versiones de R&B en creadores de éxitos y casi de inmediato en los jóvenes señores de la Cool Britannia.

Spitz narra de manera minuciosa y poética esa evolución creativa, junto con un recuento de cambios de integrantes, enredos amorosos y dependencias químicas que se volvieron tan distintivos de la banda como el paso lujurioso de Jagger o los acordes despreocupados de cinco cuerdas de Richards.

Los arrestos por drogas aparecen como pétalos de flores (de amapola, quizás) en la narración, junto con peleas internas, infidelidades descaradas entre esposas y novias, y múltiples batallas judiciales por cargos de posesión, demandas de paternidad y gestiones dudosas. Autoridades, políticos moralistas y otros guardianes de la moralidad los perseguían con frecuencia.

El escándalo social que el grupo supuestamente representaba puede parecer ahora exagerado y hasta cómico: ¡Aléjate, Satán, de esos pantalones de terciopelo! Pero el desastre definitorio de Altamont, el desafortunado concierto de 1969 en California donde los Hells Angels, actuando como “seguridad”, atacaron a los asistentes y mataron a un joven negro, no ha perdido gravedad con el paso del tiempo.

Tampoco la muerte solitaria y sórdida de Brian Jones a los 27 años en una piscina (Spitz menciona, sin insistir demasiado, la posibilidad de que fuera asesinato y no accidente). Su salida no sería la última de la banda, aunque sí la más resonante.

Otros episodios del libro son simplemente surrealistas: la aparición de Bob Dylan en un traje de mohair azul en la puerta del hotel de Jones durante un apagón en 1965, con guitarras y “hierba excelente”; la mención de Robert F. Kennedy Jr., futuro secretario de Salud y Servicios Humanos, como uno de los amigos de drogas que “reavivó el apetito de Keith por la cocaína y la heroína” a fines de los setenta; un joven Harvey Weinstein, entonces promotor regional, repartiendo pelucas afro a la banda y al equipo durante un caótico cierre de gira en Buffalo.

La relación de Jagger y Richards constituye el eje central y la fuente constante de tensión en el libro. Keith, el pirata punk-rock consumido con una extensa colección de armas y una aparente inclinación autodestructiva, se distanció de Mick, cuya afición por los ritmos disco y la alta sociedad consideraba deshonrosa y poco auténtica.

El resto de la banda aparece en retratos breves y anécdotas. Charlie Watts, el elegante baterista, se apartó discretamente del desenfreno durante una noche en la Mansión Playboy (prefería los trajes de Savile Row y los caballos árabes), mientras que el bajista Bill Wyman protagonizó un romance con tintes nabokovianos a los 48 años con una escolar de 13, lo que desató un escándalo mediático. (Finalmente se casó con ella.)

Mick Taylor, talentoso aunque desafortunado sucesor de Brian Jones, nunca terminó de encajar, mientras que Ronnie Wood, “un personaje irreverente y simpático”, parecía tener la mezcla justa de talento y carisma para mantener a Richards a raya, incluso en sus momentos más erráticos. Todos ellos lucharon contra la adicción en algún momento.

“El libro ‘The Rolling Stones’ reconoce, aunque a veces suaviza, los aspectos más misóginos de la banda (el álbum Some Girls de 1978 fue un punto bajo) y la compleja relación entre raza, cultura y creatividad. Tras dedicar unas 600 páginas a los años sesenta y ochenta, el autor salta varias décadas en el último capítulo, como si de pronto recordara que dejó el auto mal estacionado.

El rock, como la política estadounidense, se ha convertido en una especie de gerontocracia; un género antes vital, ahora anquilosado entre actos veteranos y nostalgia boomer, reservado para quienes pueden pagar su costoso acceso. Pero el epílogo emocional del libro, situado en una parada de la gira de 2024 en Los ángeles, resulta celebratorio y melancólico a la vez, como un velorio irlandés sin cuerpo presente. Durante dos horas sobre el escenario, los Stones siguen en movimiento; el público está de pie y extasiado. A eso se le podría llamar satisfacción.

Fuente: The New York Times

El miércoles por la noche una noticia volvió a poner en vilo al mundo de la música: se supo que Charly García fue sometido a una nefrectomía parcial, una intervención programada, y que permanece en observación en el Instituto Argentino del Diagnóstico y Tratamiento. Este jueves, la institución médica dio a conocer el comunicado oficial sobre la evolución de la salud del músico.

“Se informa que Charly García fue sometido el pasado 21 de abril a una cirugía programada de riñón en el Instituto Argentino de Diagnóstico y Tratamiento (IADT)”, comienza el comunicado respecto a la intervención quirúrgica del artista. “La operación se realizó según lo previsto y Charly se encuentra bien, evolucionando favorablemente y recuperándose en una habitación común, sin presentar complicaciones hasta el momento”, detalla el mismo documento.

“Para llevar tranquilidad, es importante aclarar que en ningún momento requirió diálisis ni ninguna intervención adicional fuera de las habituales para este tipo de procedimiento. Agradecemos de corazón el cariño, la preocupación y el respeto de siempre”, cierra el comunicado respecto a la salud de García.

Cabe destacar que la noticia de la intervención generó preocupación y una catarata de consultas sobre la salud del músico de 74 años. Según dio a conocer Ángel de Brito en su ciclo el miércoles, la recuperación de Charly estuvo acompañado de los cuidados habituales para preservar la función renal. Karina Iavícoli, panelista de LAM (América), aportó más detalles y explicó que la cirugía fue planificada, en el marco de un tratamiento que el propio García venía siguiendo desde hacía tiempo, lo que permitió anticipar el ingreso al quirófano y reducir riesgos.

La operación fue calificada como exitosa por el entorno del artista, que se encargó de remarcar que no hubo complicaciones ni pasos adicionales fuera de lo esperado. “Salió todo bien”, precisó su mánager en un mensaje enviado al programa, llevando calma a los seguidores y al ambiente musical. En este momento, Charly continúa internado, y su recuperación transcurre fuera de terapia intensiva, con el acompañamiento de los profesionales y el afecto de sus seres queridos.

La nefrectomía parcial es una técnica quirúrgica elegida en casos donde se busca preservar la mayor cantidad posible de tejido renal. El procedimiento consiste en extirpar únicamente la porción dañada del riñón, permitiendo mantener la función del órgano restante o de la parte conservada. Según los especialistas, cuando la cirugía es programada y se realiza en un paciente que responde bien, las posibilidades de una recuperación plena se incrementan de manera significativa.

Este nuevo episodio en la salud de Charly García llevó a que el foco volviera a posarse sobre el músico, quien en el último mes se mostró activo y presente en distintos eventos públicos. A fines de marzo, Charly fue visto en el estadio de River Plate durante uno de los conciertos de la banda británica AC/DC. La escena fue documentada por Fabián Zorrito Quintiero, quien compartió un video en redes sociales donde se lo vio a García emocionado y disfrutando desde la platea. “Con el jefe, disfrutando esta masterclass de AC/DC”, escribió Quintiero, y en otro posteo agregó: “Y con el más grande como fan viendo y sintiendo a la escuela de rock”.

Mientras Charly García continúa evolucionando favorablemente, la expectativa por su regreso a la vida pública y a los escenarios sigue intacta. El comunicado finaliza con un mensaje que sintetiza el sentimiento de sus seguidores: “Agradecemos de corazón el cariño, la preocupación y el respeto de siempre”. Una vez más, el genio del rock nacional enfrenta la adversidad con su inconfundible resiliencia y el amor incondicional de quienes lo consideran un verdadero ícono.

Hubo una frase, dicha casi al pasar en un estudio de televisión, que sonó como una grieta en un vínculo que parecía indestructible. Y dolió. Porque cuando Fabiana Cantilo reveló que decidió desinvitar a Fito Páez de su show en el Auditorio de Belgrano, no habló solamente de una ausencia sobre un escenario: puso en suspenso una de las relaciones más entrañables, caóticas y míticas de la historia del rock argentino.

“Le dije que no viniera”, contó en Los Profesionales, el programa de Flor de la V, al explicar que tomó esa decisión después de que el rosarino le pidiera que dejara de hablar públicamente de su vida privada, en medio de versiones que lo vinculaban sentimentalmente con Sofía Gala.

Y entonces, inevitablemente, el presente chocó de frente con el pasado.

Porque hablar de Fito y Fabi nunca fue hablar solo de dos músicos. Fue hablar de una época. De una generación. De canciones que todavía arden. De una historia escrita entre excesos, ternura, rescates mutuos y melodías eternas.

Corría 1984 cuando se enamoraron. El país despertaba de la dictadura y en la cultura se cocinaba una revolución estética y emocional. En torno a Charly García orbitaban criaturas incendiarias. Entre ellas, un muchacho rosarino de mirada melancólica que todavía no era mito, y una mujer indómita, luminosa, feroz, que parecía bailar incluso cuando estaba quieta.

Fue en las sesiones de Piano Bar, ese disco fundacional de Charly, donde empezó todo. Años después, Fabiana miraría hacia atrás con una honestidad brutal.

“Vos sos Fito, ¿no? El rosarino de Baglietto”, consultó ella al cruzarlo. Y él no pudo dejar de pensarla. “Era el monumento a la juventud. Solo pude mirarla de refilón en los siguientes minutos. Se produjo un hermoso silencio al encontrarnos. Nos dimos un beso de circunstancia. Era de una belleza sobrenatural. Me intimidaba”, explicaría él.

Y el rosarino no dejaría de recordar detalles: “Su rostro anguloso entre galés y criollo. Sus ojos castaños que se encendían pícaros. Su boca de labios carnosos y ese lunar tan de ella sobre su mejilla derecha. El cabello rubio carré sobre los hombres. El cuello perfecto devenía en un torso con dos pechos suaves que se alzaban sobre una remera de The Police. Su minifalda dejaba ver su refinada silueta de mujer joven y poderosa”.

“Fito era un tipo tranquilo que tocaba folclore. Nosotros éramos unos pibes que queríamos llamar la atención del ídolo. Y Fito se cuidó, yo no. Yo fui muy reventada. Por eso él ahora tiene plata y yo no tengo un mango”, diría ella, con esa mezcla tan suya de ironía, crudeza y poesía callejera.

Pero detrás del humor había otra verdad: “Era un tipo maravilloso y yo me sentía muy cuidada con él… aunque éramos dos piscianos y el mundo explotaba”. Eso eran. Dos piscianos y el mundo explotando. Su amor fue romántico y feroz. Dulce y devastador.

“Nos enamoramos como un espadachín del castillo que rescata a la dama. Un delirio total”, recordó ella.

Y Fito, siempre más literario, había contado cómo la conquistó con una escena digna de realismo mágico: “Fabi me preguntó si creía en los ovnis. ¿Qué le iba a decir a la chica más hermosa del mundo? Después nos envolvió el amor. El amor antes del amor. Y volamos desde Urano a Saturno… te amé, te amo y te amaré, luz de todos los astros”. No era una metáfora. Era exactamente así.

Entre ellos hubo canciones, peleas, reconciliaciones, toxicidad, ternura, celos, adicciones y un modo de amarse que muchas veces parecía rozar la autodestrucción.

Pero de ese incendio nacieron algunas de las páginas más bellas del cancionero argentino: “Tres agujas”, “Fue amor”, “Brillante sobre el mic”, “Te aliviará”, “Creo”. Himnos atravesados por una mujer de ojos inmensos que se volvió musa sin proponérselo.

Cuando le preguntaron si Fabiana había sido su gran inspiración, Fito respondió: “No, es una de ellas, muy importante. Se va a enojar cuando escuche esto. Fue la primera. Aunque antes estuvo Silvia Corea, uno de mis primeros romances y muy inspiradora cuando empecé a hacer canciones: le escribí un tema que se llama“Mi primer retrato”, que grabó Lalo de los Santos”.

Y después enumeró temas como quien enumera cicatrices: “Fabi me regaló tantas canciones que ni me las acuerdo”.

Se separaron en 1990. Las peleas, los celos y el desgaste fueron haciendo lo suyo. “Nos peleábamos, nos amigábamos… él me dijo que le hice componer temas divinos”, recordó ella. Y también se confesó: “Yo me conectaba con los celos y la posesión. Era un plomazo”.

Pero lo extraordinario ocurrió después. Porque cuando el amor romántico se rompió, apareció otra cosa. Algo quizá más raro, más profundo: la amistad.

Y ahí fue donde se volvieron eternos. Es que Fabiana no solo fue la mujer detrás de muchas canciones de Fito, también fue quien lo sostuvo cuando la tragedia lo pulverizó.

En 1986 asesinaron a su abuela y a su tía y él cayó en una depresión devastadora, y Fabi fue quien lo levantó: “Me sacó de la cama, me agarró de los pelos, me metió en un auto y me llevó a ensayar con Spinetta. Si eso es salvarle la vida a alguien, ella lo hizo”. No lo dijo metafóricamente. Sí, le salvó la vida.

Y quizá por eso, pese a rupturas, silencios o desencuentros, siguieron apareciendo siempre el uno para el otro. En cumpleaños, homenajes, discos, escenarios.

Como cuando Fito la homenajeó públicamente en Buenos Aires y le dedicó palabras que todavía resuenan: “Nadie puede aburrirse al lado de esta deidad argentina… su risa retumba en todos los espacios del mundo”. Fabiana lloró, y muchos lo hicieron con ella. Porque había algo conmovedor en ver a dos sobrevivientes del rock seguir mirándose con esa gratitud.

Lo mismo volvió a pasar cuando ella subió al escenario del Movistar Arena —y luego Vélez— para celebrar los 30 años de El amor después del amor. Frente a miles, Fito la presentó casi como una declaración: “Fabi, te debo tantas… pero tantas canciones”. Y ella, estoica, hermosa, intacta en su aura salvaje, cantó “Creo”: “Creo que aún tal vez piensas en mí…”. Como si el tiempo no hubiera pasado, como si todo siguiera ahí.

Por eso la confesión sobre el show en Belgrano sorprendió tanto, porque si hay una historia que parecía haber demostrado que el amor puede mutar sin romperse era la de ellos.

Fito y Fabi habían logrado lo improbable: transformar una pasión feroz en una amistad inquebrantable, o al menos eso parecía. Tal vez por eso duele imaginar un desacuerdo. Porque en el fondo nadie quiere pensar que esa leyenda tenga fisuras.

Porque Fito y Fabiana no son solo dos ex, son parte de una mitología sentimental argentina. La prueba de que algunas personas, aunque se separen, quedan para siempre orbitándose. Como aquellos dos piscianos y amantes que una vez creyeron en ovnis y volaron de Urano a Saturno. Como el amor antes del amor.

Ricardo Mollo, líder y voz de Divididos, no ocultó su asombro ni su emoción. En pleno show, el chico se subió al escenario con un peinado en cresta y pidió el micrófono para interpretar “La Rubia Tarada”, el emblemático tema de Sumo. El público estalló en aplausos y la actitud desinhibida del joven cantante se llevó todas las miradas.

La presencia inesperada del niño desató una reacción genuina en el músico, que se mostró conmovido por la energía que irradiaba el pequeño fan. Mollo expresó con palabras sencillas y directas la intensidad del momento: “Que aparezca un ser con una energía tremenda y nos genere una alegría y un estado increíble. Esto las pantallas no lo pueden provocar y, mucho menos, la inteligencia artificial…”. La frase, surgida casi como un suspiro, dejó en claro la dimensión humana de lo que acababa de suceder. La escena condensó en pocos segundos la esencia de la música en vivo: la conexión pura entre artista y público, sin artificios ni planificación.

Las redes sociales jugaron un papel central en la difusión de lo ocurrido. El video del niño sobre el escenario no tardó en hacerse viral. Cientos de comentarios celebraron tanto la actitud del chico como la apertura de Mollo y los músicos para invitarlo a participar. “Vamos que hay futuro en el rock carajo”, escribió un usuario. Otro se animó a bromear con la soltura del pequeño: “Ese pibe ya tiene más calle que yo con 40 años”. Entre los mensajes predominó el tono festivo y afectuoso, con frases como “Un capo Mollo, un retipazo y el guachín un genio” y “El pibe entendió todo”.

La comunidad rockera encontró en ese fragmento de show un motivo de celebración y esperanza. La escena del chico sobre el escenario, sin miedo ni titubeos, generó un efecto contagioso de alegría que desbordó el recinto y se propagó por plataformas digitales.

El vínculo entre el niño y Divididos no nació esa noche en Tandil. Según relató el propio protagonista en diálogo con Radio Nitro, su relación con la banda viene de lejos. “No me acuerdo cuándo fue la primera vez que vi a Divididos, hace mucho, con mi mamá”, contó con naturalidad. Cuando le preguntaron qué tema esperaba escuchar en el recital, no dudó: “Me gustan muchas, pero espero que hoy toquen ‘Sobran las piñas’”. Ese lazo previo con la música de la banda explica en parte la soltura con la que se desenvolvió sobre el escenario y el entusiasmo con que vivió la experiencia.

Según el relato de los presentes, nada estuvo planeado. El chico, vestido con una remera de Sumo, se encontraba entre el público y fue invitado a subir. “El muy caradura le pidió el micro a Mollo y salió esta genialidad, lo que explotó el público no tiene sentido”, escribió un usuario en Twitter que presenció la escena. Otro comentario, con tono humorístico, sumó: “Volvió Luca Prodan en forma de pibito, solo que esta vez se aseguró de tener una abundante cabellera”. Mensajes como “Que niño del bien! Seguro, disfrutando y compartiendo rock!” y “Revivió la músicaaa” reflejaron el clima que se vivió en Tandil esa noche.

Las imágenes y videos del momento recorrieron las redes y generaron un furor inmediato. El gesto de Mollo, la audacia del niño y la respuesta del público construyeron una escena difícil de repetir, donde la música se convirtió en puente entre generaciones. Divididos, con su historia y su presente, volvió a demostrar que en el rock siempre hay lugar para la sorpresa y la emoción genuina.

En el tejado del autocine Dog House Drive In, un perro salchicha de neón lleva décadas moviendo la cola y devorando salchichas.

El clásico letrero animado, reconocible al instante para los fanáticos de la serie de televisión Breaking Bad, es un elemento fijo en Central Avenue en Albuquerque, parte de la antigua Ruta 66.

Este año se conmemora el centenario de la Ruta 66, que recorría aproximadamente 2.400 millas desde Chicago hasta Los Ángeles (y, posteriormente, Santa Mónica), y que contribuyó a definir los viajes por carretera estadounidenses a lo largo de su trayecto.

Para conmemorar su aniversario, numerosos museos a lo largo de la Ruta 66 han creado exposiciones que exploran el papel de este emblemático corredor automovilístico en la historia y la cultura estadounidenses. Mientras que algunos celebran los letreros peculiares, los coches con aletas traseras y las atracciones singulares por las que la carretera es famosa, otros reconocen algunas de las realidades más sombrías de la autopista. Junto con los museos dedicados a la Ruta 66 y los eventos del centenario, estas exposiciones desvelan, y a veces complejizan, el legado de la autopista.

Aunque la Ruta 66 ya no es una carretera oficial de los Estados Unidos —acabando por desaparecer con la construcción de las autopistas interestatales—, la carretera ha ganado popularidad y se ha convertido en un atractivo turístico tanto nacional como internacional.

Un evento anunciado como la celebración inaugural nacional tendrá lugar en Springfield, Missouri, del 29 de abril al 3 de mayo, pero a lo largo de la Ruta 66, ciudades y pueblos se han estado preparando para el centenario de este año.

En Albuquerque, la ciudad otorgó subvenciones para restaurar más de una docena de letreros de neón en su tramo de 29 kilómetros de carretera. Entre ellos se encontraba un segundo letrero en el Dog House, un lugar donde los camareros todavía llevan perritos calientes extragrandes a los clientes en sus coches, y otros que anuncian moteles de época.

Otro proyecto llamado Route 66 Remixed: An Art-Fueled Road Trip ha introducido nuevos murales, esculturas y otras obras de arte público en el paisaje urbano.

Según Shelle Sánchez, directora del Departamento de Artes y Cultura de Albuquerque, que lideró el proyecto, los artistas locales participantes tenían edades comprendidas entre los 20 y los 70 años, e incluían a nativos americanos e inmigrantes recién llegados.

Sánchez afirmó en una entrevista reciente que, a través de la selección de artistas, “mostramos cuántas historias se reflejan en la Ruta 66“.

La carretera originalmente seguía un trazado sinuoso a través de Nuevo México, pero en 1937 se modificó su trazado para cruzar el estado en línea recta, pasando por Albuquerque, su ciudad más grande. El área metropolitana cuenta ahora con más de 900.000 habitantes.

“La Ruta 66 atraviesa toda nuestra ciudad, de este a oeste, y a partir de ahí crecimos”, dijo Sánchez. Hoy, señaló, pasa por zonas peatonales con restaurantes de lujo y lugares donde viven personas sin hogar.

“Es como una especie de microcosmos heterogéneo de lo que pueden ser las grandes ciudades, lo que son y las dificultades a las que se enfrentan”, dijo.

En junio, el Museo de Albuquerque inaugurará La otra Ruta 66: 100 años de gente, identidad y lugar en Albuquerque (hasta el 3 de enero), una exposición que examinará la carretera y su historia principalmente desde una perspectiva local.

Alicia Romero, curadora principal del museo y curadora de historia, dijo que una de las preguntas que se propuso responder con la exposición fue: “¿Quién es el dueño de la Ruta 66?“.

Sí, es un lugar para turistas que viajan por carretera, dijo, pero también pertenece a la gente para la que es la Avenida Central, aquellos que la usan para ir al trabajo todos los días o que la utilizan cuando deciden manifestarse en protesta.

“Es historia”, dijo, “pero es nuestro presente”.

El atractivo de la carretera

La autopista US 66, como se la conocía oficialmente, nunca fue una “superautopista”. En gran parte, se construyó a partir de una red de caminos y senderos existentes, algunos apenas transitables, y no se pavimentó por completo hasta 1938.

Los primeros promotores la apodaron la “Calle Principal de América”. En su novela de 1939, Las uvas de la ira, John Steinbeck la llamó, en una frase que se hizo famosa, “la carretera madre, la carretera de la huida”, al describir a los desesperados migrantes del Dust Bowl que se dirigían por la Ruta 66 hacia la tierra prometida de California.

Durante la Segunda Guerra Mundial, la carretera sirvió de vía para tropas y equipos militares que se dirigían hacia el oeste, y en los años de la posguerra atrajo a un público viajero que gozaba de una nueva prosperidad.

La Ruta 66 inspiró una pegadiza canción de Bobby Troup, (Get Your Kicks on) Route 66, y apareció en programas de televisión y películas.

Con sus autocines, moteles y trampas para turistas, la Ruta 66 logró que los estadounidenses se lanzaran a la carretera, para luego bombardearlos con trucos de marketing para que se detuvieran, como tipis gigantes de hormigón o dinosaurios de fibra de vidrio.

Las serpientes fueron un tema recurrente. Una exposición que se exhibe actualmente en el Museo de Arte de Nuevo México en Santa Fe, titulada Atracciones de carretera (hasta el 4 de octubre), incluye una fotografía en blanco y negro de Steve Fitch que muestra a un hombre alto y delgado sosteniendo una serpiente frente a un gran letrero del Regal Reptile Ranch & Menagerie, en la carretera 66 en Sayre, Oklahoma.

Si bien no todas las más de 20 fotografías de la exposición son específicamente de la Ruta 66, evocan esa sensación: “la extraordinaria experiencia de conducir, estar en la carretera y encontrarse con estas rarezas”, dijo Katherine Ware, ex curadora de fotografía del museo, quien organizó la exposición.

En su libro de 2025, La Ruta 66: Los primeros 100 años, Jim Ross y Shellee Graham describieron la propia carretera como “un museo lineal que se extiende a lo largo de ocho estados”.

Rumbo al oeste

La ruta hacia el oeste comenzaba en el centro de Chicago, descendía a través de Illinois y Missouri y atravesaba una esquina de Kansas antes de cruzar Oklahoma, el Panhandle de Texas, Nuevo México, Arizona y el sur de California.

Pero los detalles geográficos de la ruta han cambiado. De hecho, en febrero, Chicago anunció que el punto de partida oficial, que había estado frente al Instituto de Arte de Chicago, ahora estaría en Navy Pier.

Springfield, Missouri, se enorgullece de ser la cuna de la Ruta 66 porque un telegrama enviado desde allí el 30 de abril de 1926 resolvió una prolongada disputa burocrática sobre la designación de la carretera, estableciendo que llevaría el número 66.

El aniversario oficial de la autopista es el 11 de noviembre, fecha en que la Asociación Estadounidense de Funcionarios Estatales de Carreteras adoptó formalmente el sistema de autopistas numeradas de los Estados Unidos en su totalidad.

El próximo evento inaugural en Springfield incluirá un concierto de apertura y un desfile de vehículos clásicos. Los visitantes pueden acercarse al Museo de Historia local en la plaza, que cuenta con una galería dedicada a la Ruta 66. De junio a septiembre, el museo también presentará una exposición independiente, La Serie Ruta 66: 1926-2026, que examina cómo esta ruta influyó en diversos aspectos de la cultura local, incluyendo los automóviles, la música, la moda y la economía.

También está en marcha un proyecto local para contar una faceta más sombría de la historia de la Ruta 66, con una exposición titulada provisionalmente The mOTHER Road: The Stories of African Americans along Historic Route 66, cuya inauguración está prevista para junio en la iglesia Benton Avenue AME de Springfield.

Lyle Q. Foster, profesor asociado de sociología en la Universidad Estatal de Missouri y líder de la iniciativa, explicó que, debido a la segregación racial, los afroamericanos dependían del Libro Verde, una guía de viaje que enumeraba lugares seguros donde podían comer, dormir o repostar gasolina. En algunos pueblos donde se aplicaba el toque de queda para personas de color, añadió, las personas de color ni siquiera debían mostrarse después del anochecer.

“Sin duda, fue un camino muy difícil de recorrer”, dijo el Dr. Foster. “No siempre era fácil disfrutar de la Ruta 66 para las personas que no eran blancas”. La concejala Monica Horton de Springfield, quien representa la parte históricamente negra de la ciudad y está ayudando a organizar la exposición, dijo que era importante que la comunidad honrara el legado y la resiliencia de los negocios del Libro Verde y “se viera reflejada en estas historias”.

Eventos múltiples

El acto inaugural es uno de los muchos eventos aprobados por la Comisión del Centenario de la Ruta 66, establecida por ley en 2020 para identificar actividades apropiadas para honrar a “la Carretera Madre de los Estados Unidos”.

Los comisionados, que son designados por el presidente sin recibir remuneración, se han centrado en celebraciones a gran escala, pero “prácticamente todas las pequeñas comunidades a lo largo de la ruta tendrán algún tipo de evento”, dijo Rod Reid, presidente de la comisión.

Luego están los pequeños museos dedicados a la historia de la Ruta 66, o a los coches que la recorrieron.

En McLean, Texas, el Museo de la Cuerda del Diablo se centra principalmente en el alambre de púas, pero su sala dedicada a la Ruta 66 es la que suele atraer a los visitantes desde la autopista, según Michael Oldham, presidente del museo. Existe una conexión entre ambos temas, explicó: sin el uso de alambre de púas a lo largo de la Ruta 66, “lo único que se podía hacer era esquivar el ganado”.

En Illinois, el Museo Histórico del Área de Joliet recibe anualmente a unas 50.000 personas en su Centro de Visitantes de la Ruta 66, de las cuales aproximadamente una cuarta parte proceden de fuera de los Estados Unidos, según Greg Peerbolte, director ejecutivo del museo.

Según comentó, muchos de los visitantes internacionales expresaron el mismo sentimiento sobre la autopista: “Esta es la verdadera América”.

Peerbolte añadió que los estadounidenses suelen sentirse atraídos por la nostalgia de sus propias experiencias en la carretera.

El Museo Estatal de Illinois creó un proyecto de historia oral sobre la Ruta 66, entrevistando a 100 personas que conocieron la carretera en su época dorada o que han trabajado para preservarla desde entonces. El fin de semana del Día de los Caídos, el museo planea inaugurar una exposición complementaria de objetos físicos titulada Millas y recuerdos: Historias de la Ruta 66.

Incluso hoy en día, quienes viajan por esta ruta tienen una experiencia diferente a la que tendrían si se limitaran a las autopistas interestatales y a las cadenas de hoteles y restaurantes, dijo Bill Thomas, presidente de la Route 66 Road Ahead Partnership, que trabaja para promover y revitalizar la ruta.

“El sistema de autopistas interestatales no puede evocar recuerdos como lo hace la Ruta 66”, afirmó.

Mito y nostalgia

David Davis, curador jefe del Museo Nacional del Vaquero y del Patrimonio del Oeste en Oklahoma City, dijo que el atractivo de la Ruta 66 radicaba en parte en la nostalgia por la década de 1950, pero también en el misticismo del Oeste americano, que describió como “tan interconectado con la propia identidad estadounidense”.

“Es solo una parte de ese rompecabezas cultural estadounidense”, dijo en una entrevista. La exposición del museo Ruta 66: De senderos a paradas de camiones (hasta el 3 de mayo) incluye un gran letrero de neón con un vaquero a caballo, que anuncia el ahora desaparecido Western Trail Motel, así como un Chrysler Windsor azul de 1948.

La Ruta 66 forma parte del patrimonio del museo, afirmó Davis. Explicó que, en la década de 1950, cuando varias ciudades competían por albergar el museo, Oklahoma City se impuso en parte gracias a su ubicación propuesta en Persimmon Hill, con vistas a la famosa carretera.

En el Museo del Norte de Arizona en Flagstaff, la exposición Wagon Road to Mother Road (hasta el 31 de enero) desafía parte de la nostalgia asociada con la Ruta 66 al examinar algunos de los objetos que fueron desechados en el camino.

David E. Purcell, arqueólogo e historiador supervisor del museo, fue el curador de la exposición, basándose en parte en un estudio arqueológico que realizó en colaboración con el Parque Nacional del Bosque Petrificado. A lo largo de un tramo de seis millas de la antigua carretera, el equipo designó áreas de muestreo y documentó más de 11.000 artefactos, que según las estimaciones de Purcell, probablemente representaban solo entre el 10 y el 15 por ciento de lo que había allí.

Según indicó, aproximadamente un tercio de las latas y botellas encontradas habían contenido bebidas alcohólicas. También hallaron parte de una coctelera, abridores de latas de cerveza y evidencia de accidentes automovilísticos.

Flagstaff se beneficia hoy del turismo de la Ruta 66, pero la gente olvida que la antigua carretera era estrecha, estresante y peligrosa, dijo Purcell.

“Para cuando desapareció, ya no había nostalgia por ello”, dijo. “No fue hasta que, literalmente, empezaron a quitar los letreros que surgió algo de esa nostalgia”.

Fuente: The New York Times

La inquietud sobre la verdadera naturaleza del vínculo entre Páez y Gala surgió tras la reciente exposición mediática de ambos, que despertó especulaciones tanto en redes sociales como en los medios. Sin embargo, las declaraciones de Cantilo, quien mantiene desde hace años una amistad sólida con el compositor luego de haber sido pareja, buscaron despejar dudas.

La artista compartió que suele conversar con Fito sobre el tema y que la respuesta del músico es siempre la misma: “Me dice que son amigos”. Cuestionó, además, la insistencia de los panelistas que sostenían el rumor de romance y los desafió: “¿Los vieron besarse en la boca?”.

En medio de la charla, Cantilo ironizó sobre su cercanía con Fito y la forma en que ambos se apoyan mutuamente. “Mañana hablo con Moria (Casán) y le digo que somos comadres porque yo soy como la madre de Fito”, dijo entre risas.

La cantante no esquivó el tema de la supuesta cercanía física entre Fito Páez y Sofía Gala. “Obvio que le pregunté si se besaron y me dijo que sí, pero que son amigos y no llegaron al próximo nivel”, aseguró Cantilo en el ciclo televisivo, reafirmando que la relación no pasa del plano fraternal.

La versión de Sofía Gala y Fito Páez sobre su vínculo

Sofía Gala y Fito Páez, por su parte, han sostenido públicamente que solo los une una amistad. La actriz y el músico comparten un vínculo que, según quienes los conocen, se gestó hace años y se ha fortalecido por afinidades personales y profesionales. En ese sentido, Moria Casán, madre de Sofía Gala, también intervino y describió el lazo como “especial, de años, que va más allá del amor”.

En los últimos días, los rumores sobre un posible noviazgo crecieron luego de que ambos fueran vistos juntos en diferentes eventos. La exposición en redes sociales alimentó las versiones, pero ninguno de los dos protagonistas confirmó una relación sentimental.

A pesar de las preguntas insistentes de los medios y la opinión pública, tanto Páez como Gala eligieron mantener la privacidad y responder con evasivas. El círculo íntimo del músico, representado en este caso por Fabiana Cantilo, refuerza esa postura al negar la existencia de una pareja.

El interés por la vida personal de Fito Páez no es nuevo. Su historia sentimental, marcada por relaciones con figuras reconocidas de la cultura argentina, suele captar la atención del público. La reciente aparición de Sofía Gala a su lado reavivó el debate sobre si hay algo más que una amistad entre ellos.

Los seguidores del músico y la actriz, así como los medios, han interpretado fotos y gestos como pruebas de un romance. Sin embargo, la información aportada por quienes están realmente en contacto con Páez apunta en otra dirección: la de una amistad sólida y sin matices románticos.

El lazo entre Fabiana Cantilo y Fito Páez

Fabiana Cantilo y Fito Páez mantienen una relación de décadas, forjada en escenarios y momentos personales difíciles que, después de separarse como pareja, continuó con el correr de los años. La cantante relató que ambos se apoyaron mutuamente en distintas etapas de sus vidas, lo que les permitió cultivar una confianza inquebrantable.

“Nos unimos para salvarnos mutuamente”, sintetizó Cantilo, explicando por qué confía plenamente en la palabra de Páez sobre Sofía Gala. Para ella, la relación entre el músico y la actriz es solo una muestra más del círculo de afectos que rodea a su amigo.

Phil Collins, Iron Maiden, Billy Idol, Queen Latifah, Oasis, Sade y Joy Division/New Order serán incorporados al Salón de la Fama del Rock & Roll, junto con los nominados por primera vez Wu-Tang Clan y el fallecido Luther Vandross.

La lista se dio a conocer durante la emisión del lunes por la noche de American Idol. Los artistas deben haber publicado su primera grabación comercial al menos 25 años antes para ser elegibles para la incorporación. Los nominados fueron votados por más de 1.200 artistas, historiadores y profesionales de la industria musical.

Collins, un rockero de estilo suave que ya está en el salón como integrante de Genesis, ha tenido éxitos como solista como In the Air Tonight y One More Night, y ha ganado ocho premios Grammy, incluido el de álbum del año en 1985 por No Jacket Required. Collins entró la primera vez que apareció en la boleta.

La vocalista de soul-jazz Sade, también nominada en 2024, tuvo éxitos de rock suave como Smooth Operator y The Sweetest Taboo. Wu-Tang Clan ha sido aclamado como innovador del rap desde su álbum debut de 1993 que cambió las reglas del juego, Enter the Wu-Tang.

Iron Maiden, nominada dos veces antes, ayudó a impulsar la nueva ola del heavy metal británico con álbumes icónicos como The Number of the Beast. Vandross, que vendió más de 25 millones de álbumes y tuvo éxitos como Here and Now y Any Love, murió en 2005 e inspiró Luther, de Kendrick Lamar y SZA.

Este año, el salón abrirá sus brazos a los sonidos de Manchester, Inglaterra, al incorporar a los pioneros del post-punk Joy Division y New Order —que compartían a la mayoría de los mismos integrantes—, así como a Oasis, el grupo de britpop que se reunió recientemente y está integrado por Noel Gallagher y Liam Gallagher. Idol, también inglés, ha aportado un desdén punk al pop con canciones como White Wedding y Rebel Yell.

La ceremonia de incorporación se llevará a cabo el 14 de noviembre en el Peacock Theatre de Los Ángeles. Una presentación televisiva se emitirá en diciembre por ABC y Disney+. El próximo año, la ceremonia regresará a la sede del salón en Cleveland.

Entre los nominados este año que no lograron entrar en la clase de 2026 figuran Mariah Carey, Lauryn Hill, INXS, Melissa Etheridge, Jeff Buckley, Pink, New Edition y Shakira.

Además de la categoría de intérpretes, quienes ingresan al salón pueden hacerlo bajo tres categorías de comités especiales: influencia temprana, excelencia musical y el Premio Ahmet Ertegun para No Intérpretes.

El premio de influencia temprana de este año honrará a Queen Latifah, la cantante cubana Celia Cruz, el músico nigeriano Fela Kuti, la rapera MC Lyte y el country rockero Gram Parsons. La excelencia musical reconocerá a la compositora Linda Creed y a los productores Arif Mardin, Jimmy Miller y Rick Rubin.

Más de 50 años después de su muerte, Ed Sullivan, el legendario presentador de su programa de televisión homónimo que era una cita obligada, ingresará al salón con el Premio Ahmet Ertegun para No Intérpretes. Es un reconocimiento a lo importante que se volvió su escenario de los domingos por la noche como plataforma de lanzamiento para casi todos los íconos musicales de las décadas de 1950 y 1960, ya cómo su programa ayudó a derribar barreras raciales en el entretenimiento de Estados Unidos.

El año pasado, Cyndi Lauper, Outkast, Bad Company, Chubby Checker, Soundgarden, Joe Cocker, Salt-N-Pepa, The White Stripes, Carol Kaye, Nicky Hopkins, Lenny Waronker, Thom Bell y Warren Zevon fueron incorporados.

Fuente: AP

El Mini Rock Fest 2026 llegará a la Ciudad de México el 18 de abril con una promesa inédita: poner a la niñez en el centro de la experiencia musical. El evento, pensado para niños y niñas de 4 a 12 años, ofrecerá una jornada de más de siete horas en Quarry Studios, al sur de la capital, donde las reglas tradicionales de los festivales de adultos quedan de lado para dar paso a la autenticidad y la libertad.

La propuesta, organizada por Silvia Tapia y Jessica Luna, busca romper con la lógica adultocentrista que suele dominar los espacios públicos.

Cartel completo del Mini Rock Fest 2026

El line-up del Mini Rock Fest incluye agrupaciones mexicanas como Yucatán A Go-Go, Los Patita de Perro, Crazysaurios y Los Botes Cantan. Desde Chile participará Jack Distortion y desde Argentina llegará Manu Choque. También se suman DJ Purple, Pequeños Diablillos y La Broma Infinita, ampliando la variedad de propuestas musicales para el público.

En entrevista, Silvia Tapia afirma: “Nos dimos cuenta de que hay 300 festivales en México de todo tipo, pero ninguno estaba pensado para la niñez. Descubrimos que infancia viene del latín y significa los sin voz. Desde ahí surge la necesidad de crear un festival donde niñas y niños sean escuchados”. Tapia destaca que el cartel fue seleccionado para ofrecer variedad de géneros y para derribar la idea de que la música infantil debe ser simplista.

Jessica Luna agrega: “Queríamos un evento que funcionara como un vínculo entre los adultos y la niñez. Buscamos bandas que hicieran vibrar el corazón de los papás y de los niños. Esta alineación hará que el Mini Rock Fest sea una experiencia única”.

Un festival donde la niñez es el centro y la seguridad es prioridad

El enfoque del festival parte del principio del niñocentrismo. En palabras de Silvia: “Primero somos mamás y vivimos dándonos cuenta de cómo muchas veces se invisibiliza a la niñez. Llegas a un restaurante y no hay nada para ellos. El mundo está muy centrado en el adulto. Queremos que niñas y niños tengan los mismos derechos para disfrutar cualquier espacio”.

El espacio elegido es plano y sin escaleras para facilitar la movilidad, incluso para quienes usan muletas o silla de ruedas. Los niveles de sonido estarán controlados para proteger la salud auditiva de los asistentes más jóvenes y habrá un equipo de seguridad dedicado. “Todo está pensado para que el festival sea un espacio completamente seguro y en donde se sientan libres y felices. Nadie les va a decir: ‘Estate quieto’”.

Durante el festival, los asistentes podrán participar en talleres de arte, zonas para personalizar prendas y pintacaritas, además de cuentacuentos y espectáculos de magia. Las organizadoras subrayan que el festival también contará con áreas de descanso para quienes prefieren una experiencia menos ruidosa.

La respuesta de las familias ha sido entusiasta. Las organizadoras señalaron, “En general la respuesta es sí quiero ir, incluso quienes no tienen hijos buscan la manera de asistir. Nos emociona ver que estamos conectando con la gente”.

Boletos y precios

Los boletos están disponibles a traves de la boletera Passline, en su página oficial .El precio de la entrada general es de 870 pesos y la entrada doble cuesta mil 500 pesos.

Los cuatro astronautas regresaron con éxito a la Tierra, después de haber recorrido 1.126.922.215 kilómetros y amerizar frente a la costa de San Diego, Estados Unidos, tras un viaje de 10 días que puso a prueba una nave, una tripulación multinacional y una estrategia que busca llevar a la humanidad más lejos que nunca.

El cierre de esta odisea en la primera misión tripulada hacia la órbita lunar en más de cinco décadas, validando tecnología y reviviendo el espíritu de exploración espacial, fue celebrado por la NASA hoy con un video que resume la misión, al ritmo de la canción Seven Nation Army de The White Stripes.

El viaje no solo implicó un retorno seguro de los astronautas, sino también la validación de los sistemas vitales que sostendrán futuras misiones.

El equipo de NASA ponderó el éxito de la maniobra, que requirió precisión absoluta para atravesar la atmósfera terrestre a casi 40.000 km/h (39.692 mph) y soportar temperaturas de 2.760 ℃ (5.000 ℉). La agencia estadounidense, detalló que “todo en esta fase dependía de que la física, la ingeniería y el tiempo estuvieran exactamente donde tenían que estar”.

El amerizaje a las 20:07 EDT del 10 de abril, seguido de la recuperación en el Pacífico, significó mucho más que el toque de una cápsula en el agua: fue la culminación de una secuencia en la que helicópteros, equipos médicos y personal militar participaron en la extracción y traslado de la tripulación hacia el USS John P. Murtha.

El protagonismo de los astronautas Reid Wiseman, Victor Glover, Christina Koch y Jeremy Hansen devolvió a la humanidad a la órbita lunar tras más de medio siglo (53 años). El despegue ocurrió el 1 de abril desde el Centro Espacial Kennedy con el cohete Space Launch System; fue la primera vez que la cápsula Orion, junto a su cohete, transportó personas.

El comandante Wiseman, tomó una fotografía increíble del lado nocturno de la Tierra, que describió como “un tesoro total”, mientras Glover expresó: “Confía en nosotros. Te ves increíble. Te ves hermosa. No importa de dónde seas, todos somos una sola humanidad”.

El primer día de vuelo fue dedicado a orbitar la Tierra y verificar los sistemas de Orion. Glover probó los controles manuales, esenciales para futuras expediciones. Wiseman explicó que el 90% de los sistemas de soporte vital nunca había sido probado antes en el espacio, lo que obligó a comprobar la seguridad y funcionalidad del ambiente interior antes de avanzar hacia la Luna.

El trayecto hacia el satélite natural se extendió durante cuatro días. Durante ese lapso, la tripulación contempló la superficie lunar y celebró la Pascua en el espacio. Un momento singular fue la obtención de las alas de astronauta por parte de Hansen, quien participó en su primer viaje espacial.

La nave alcanzó la cara oculta de la Luna el 6 de abril, perdiendo comunicación durante 40 minutos, un tramo en el que Orion estableció un nuevo récord al superar los 406.692 kilómetros de la Tierra, superando la marca del Apolo 13.

La experiencia de observar la cara oculta del satélite natural fue relatada por Wiseman: “Fue realmente genial despertar esta mañana, mirar por la ventana y ver la Luna llena reflejada en la parte delantera del vehículo”. El comandante valoró el trabajo del equipo y la claridad del objetivo: “No hay duda de hacia dónde nos dirigimos y agradezco enormemente todo el trabajo realizado allí”.

La misión dejó también momentos cargados de emoción. Hansen, Koch y Glover propusieron nombrar un cráter lunar como “Carroll”, en homenaje a la esposa fallecida de Wiseman. El gesto, preparado durante la cuarentena previa al vuelo, emocionó al comandante y selló un vínculo personal y colectivo en la superficie lunar. Koch compartió que la experiencia la llenó de gratitud y reflexión sobre los vínculos humanos y la distancia respecto a los seres queridos.

Entre los hitos alcanzados, Artemis II brindó imágenes de la cara oculta de la Luna, capturas de un eclipse solar visible solo desde el espacio y la transmisión de videollamadas a más de 400.000 kilómetros (248.548 millas) de la Tierra. La NASA subrayó que el valor de estas imágenes reside tanto en su capacidad inspiradora como en su utilidad científica, según destacó Kelsey Young, líder científica del programa Artemis.

La tripulación selló su experiencia con un abrazo dentro de la cápsula, conscientes de los 1.126.922.215 kilómetros recorridos en el espacio y el impacto de las nuevas perspectivas adquiridas tras el sobrevuelo lunar.

El regreso representó el tramo más delicado del viaje. Para garantizar la seguridad, la cápsula debió exponerse a condiciones extremas tras separarse del módulo de servicio, soportando el rozamiento intenso a 40.000 km/h y el plasma generado en la atmósfera que elevó la temperatura de la coraza externa a 2700 ºC.

Un corte de comunicaciones de seis minutos, previsto por la agencia, marcó el momento más tenso antes del despliegue de los paracaídas y el amerizaje frente a San Diego.

La secuencia de recuperación, coordinada por NASA y personal militar estadounidense, estableció un protocolo riguroso: extracción de la tripulación, traslado en helicóptero y las primeras evaluaciones médicas tras diez días fuera del planeta.

El éxito de esta operación validó no solo la ingeniería de la cápsula, sino también la capacidad de respuesta ante escenarios extremos.

A lo largo de la misión, Orión y su tripulación establecieron un nuevo récord de distancia para seres humanos, superando los 400.000 kilómetros respecto a la Tierra. Este logro renovó el espíritu de exploración y colaboración internacional.

La NASA, de la mano de sus socios, trazó una hoja de ruta que apunta a sostener futuras operaciones en el entorno lunar y preparar el próximo gran salto: un aterrizaje sobre la superficie selenita.

La experiencia dejó marcas tangibles e intangibles. Desde la transmisión de imágenes inéditas hasta los gestos personales y las palabras intercambiadas a millones de kilómetros de la Tierra, Artemis II consolidó un puente entre la tradición del programa Apolo y las ambiciones de la exploración contemporánea.

Las operaciones posteriores al amerizaje abrieron una nueva fase. NASA enfrenta ahora un calendario exigente para las siguientes etapas del programa Artemis, con una misión ya en preparación que buscará avanzar en la arquitectura de vuelos, maniobras y ensayos previos a un futuro aterrizaje.

Los equipos técnicos y científicos analizan los datos recolectados para ajustar procedimientos, mejorar la seguridad y fortalecer la colaboración internacional que sustenta el proyecto.

El impacto de Artemis II trasciende la tecnología y las cifras. La misión reintrodujo el desafío de la exploración lunar en la agenda pública y científica, estableció nuevos estándares de cooperación y validó la capacidad de regresar al entorno lunar y traer de vuelta a los astronautas sin contratiempos.

El verdadero legado de este vuelo se mide en la posibilidad de continuar expandiendo los horizontes de la humanidad y en las imágenes y vivencias que ya forman parte de la memoria colectiva.

El cohete SLS, la cápsula Orion y su tripulación demostraron que es posible regresar a la órbita lunar con éxito, una hazaña que no se repetía desde el cierre del programa Apolo en 1972.

A medida que las imágenes del amerizaje y la recuperación en el Pacífico van quedando atrás, el desafío se traslada al futuro inmediato: sostener el impulso, perfeccionar la tecnología y preparar el terreno para que el próximo paso sea aún más ambicioso.

El recinto que acogió los únicos conciertos de los Beatles en Japón ha publicado unas fotos olvidadas hace tiempo de la legendaria banda británica, seis décadas después de aquellos conciertos. En pleno apogeo de la Beatlemanía en 1966, cuando el cuarteto de Liverpool era el grupo pop más famoso del mundo, Los Beatles ofrecieron cinco conciertos de verano en Tokio ante una multitud de fans enloquecidos.

Según se informa, las multitudes se agolpaban en su hotel, donde se alojaban en la suite más lujosa. Luego, en 2009, más de 100 fotos tomadas durante los conciertos “fueron descubiertas en una estantería” dentro de una oficina del recinto de conciertos Nippon Budokan, según declaró el operador del recinto.

Pero, los 19 rollos de negativos —que, según se informa, estaban envueltos en papel y etiquetados de tal manera que sugerían que pertenecían al periódico japonés Yomiuri Shimbun— permanecieron “almacenados tal cual” hasta hace poco, según ha declarado el operador. Sin embargo, al acercarse el 60.º aniversario de la gira por Japón, el operador del recinto pidió a un experto en Los Beatles que examinara los negativos, y “su evaluación reveló que las fotos parecen no haber sido publicadas nunca” en periódicos u otros medios de comunicación.

Entre las fotos publicadas por la sala de conciertos hay una en la que aparece John Lennon sonriendo junto a una muñeca japonesa que se asemeja a una figurita que aparece en la portada del álbum de 1967 Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Las estrellas mundiales estuvieron bajo estrictas medidas de seguridad durante su visita, pero es posible que la muñeca podría haber sido comprada durante una salida de compras apresurada, según informó el diario Yomiuri Shimbun.

El periódico está investigando quién tomó las fotos y por qué los negativos se habían conservado en el Nippon Budokan a pesar de estar envueltos en papel con la etiqueta “Sala de archivos del Yomiuri Shimbun”, según informó.

Las fotos capturan “el ambiente de aquella única gira por Japón —que ahora se recuerda como un acontecimiento histórico— así como diversos momentos de su estancia en el país", según el comunicado del Nippon Budokan.

Fuente: AFP.

Fotos: AFP y archivo.

Un reportaje realizado por el periodista especializado en música Ed Power para The Telegraph analizó cómo esa experiencia personal de Mercury se plasmó en Seven Seas of Rhye, tema incluido en Queen II.

Aunque el cantante evitaba explicar minuciosamente el origen de su obra, Power reunió interpretaciones que vinculan los episodios de su niñez, incluida la abrupta partida de su familia de Zanzíbar, con el desarrollo de su imaginación creativa.

La canción no solo marcó un punto de consolidación para Queen en la escena musical británica. También reveló a Mercury en su faceta de narrador, capaz de transformar vivencias personales en paisajes fantásticos. Tras la salida obligada de su tierra natal, ese entorno perdido quedó inscrito como un símbolo en sus letras, según la reconstrucción realizada por Power.

La construcción del universo Rhye

El concepto de Rhye, presente en varios temas del álbum, aparece como un territorio ficticio cargado de simbolismo. Según reconstrucciones citadas por The Telegraph, existe un consenso entre seguidores que sitúa el origen de este universo en un juego imaginativo que Mercury habría compartido con su hermana Kashmira durante la infancia.

Nacido en la isla de Zanzíbar, ubicada en la costa de África Oriental, el artista vivió un golpe decisivo cuando su familia tuvo que abandonar el lugar después de una revolución. Ese episodio rompió abruptamente con su entorno original. Años más tarde, dejó de ser solo un espacio geográfico para convertirse en un símbolo de lo perdido en la obra del músico.

El locutor y aficionado musical Phil Swern describió ese vínculo emocional al afirmar: “Siempre podía recurrir a ella cuando la realidad se volvía demasiado abrumadora”. La isla funcionó como refugio mental, proyectándose en las composiciones del artista.

Temas y recursos del álbum

De acuerdo con Power, en Seven Seas of Rhye, Mercury creó una narrativa en la que un reino mágico sufre las consecuencias de la guerra. La letra presenta imágenes de confrontación y destrucción que remiten a una experiencia emocional más profunda.

El cantante no ofrecía detalles específicos sobre la inspiración tras la canción. En declaraciones citadas por The Telegraph, explicó: “Mis letras y canciones son principalmente fantasías, las invento”. Añadió: “No son realistas; son más bien etéreas, como de cuento de hadas”. Esta aclaración reforzó la ambigüedad en torno a su proceso creativo.

El paralelismo con la obra de J. R. R. Tolkien es frecuente al analizar Queen II. Al igual que el autor de El Señor de los Anillos, Mercury recurrió a la ficción como vía para procesar experiencias difíciles. En ambos casos, la construcción de universos imaginarios permitió canalizar conflictos personales a través del relato fantástico.

La segunda cara de Queen II, conocida como “Black Side”, albergó la mayor concentración de estas composiciones. Allí, una secuencia de canciones interconectadas expandió la mitología de Rhye. En Ogre Battle, The Fairy Feller’s Master-Stroke y Nevermore se suceden criaturas singulares y paisajes en decadencia.

El punto culminante llegó con The March of the Black Queen, extensa pieza anticipatoria de estructuras narrativas que el grupo perfeccionaría más adelante. En otras declaraciones citadas por el medio británico, Mercury confesó sobre su creación que “me llevó muchísimo tiempo terminar esa canción. Quería dedicarle todo mi esfuerzo, darme un regalo o algo así”.

Mientras tanto, el trabajo musical de Brian May y Roger Taylor contribuyó a afianzar una identidad sonora distinta. Taylor rememoró en una entrevista con la revista especializada Classic Rock: “Empezábamos a ampliar los límites del estudio en cuanto a la sobregrabación y a lo que podíamos hacer vocalmente, algo con lo que antes solo estábamos experimentando”.

Influencia e impacto en la música

El universo de Rhye no se limitó a Queen II. Mercury ya había aludido a esa narrativa en trabajos anteriores y la cerró en el disco Sheer Heart Attack, donde el tema Lily of the Valley marcó el cierre de ese ciclo creativo. En ese momento, la banda consolidó un lenguaje propio que incluyó recursos literarios y un abordaje musical poco convencional.

Según Power, la influencia de la fantasía no fue exclusiva de Queen en los años setenta. Grupos como Led Zeppelin, Black Sabbath y Rush también incorporaron elementos similares en sus composiciones. En el caso de Mercury, esa inclinación se vio marcada de manera personal por su historia de vida y el desarraigo.

La reedición reciente de Queen II, con nuevas mezclas supervisadas por May y Taylor, devolvió al primer plano este capítulo inicial del grupo, iluminando el trasfondo íntimo detrás de una de sus canciones más recordadas.

“Él me hizo un tema que se llama ‘Vera’, que es muy hermoso y como yo de chiquita era muy fanática de la música clásica y bailaba eso”, comenzó explicando Vera en medio del programa. “Él hizo todo un arreglo de cuerdas y todo, y me muestra el tema y yo le digo: ‘Uy me parece muy cursi’, porque además decía mi nombre, ¿entendés?“, continuó.

“Decía: ‘Vera, toda la luz que hay en tu alma...’. Y yo: uy, Dios. Este chabón está en una conmigo, mal”, contó la artista, entre risas y con total honestidad, sobre el impacto que tuvo en ella escuchar su nombre en una canción en plena infancia.

El conductor Matías Martin le preguntó qué edad tenía cuando escuchó esa balada dedicada especialmente a ella. “No sé, tenía nueve. Obvio que a los 11 años ya capté a mi viejo y fue para siempre fue un amor total. Para mí es el número uno”, admitió, reconociendo que el tiempo y la madurez le permitieron conectar de otra manera con el universo artístico y personal de Luis Alberto.

No es la primera vez que un hijo del Flaco decide compartir su mirada y desmitificar la figura de uno de los artistas más grandes del país. En febrero pasado, Dante Spinetta también se sentó frente a un micrófono, Y en esa oportunidad, en presencia de Andy Kusnetzoff en Perros de la Calle (Urbana Play), habló sin rodeos sobre la vida cotidiana junto a su padre. Lejos de los brillos y el glamour que muchos imaginan, Dante fue claro sobre aquellos días: “No, ni en pedo. Ojalá... Ojalá. Creo que era lo que se merecía (de tener más dinero), pero no, eran momentos muy difíciles”, relató al recordar su infancia y la inestabilidad económica que atravesó la familia.

La charla fue aún más cruda cuando Andy le preguntó si los cambios de colegio se debían a cuestiones de dinero. Dante respondió contundente: “Exactamente. Y nos mudamos... No había plata. Entonces, de golpe, un año había plata e iba a un privado y después no había, entonces iba a uno del estado y nos mudábamos de barrio”. Kusnetzoff, sorprendido, le señaló que desde afuera parecía que Luis Alberto Spinetta, por su éxito artístico, debía gozar de una situación económica cómoda. Dante aclaró: “Artísticamente era Spinetta, ya, pero había años que no...”. Y sumó: “Lo más loco era que nunca paraba de laburar. No era que era un colgado, ¿entendés? Que no, hago música y no. No dejaba de tocar, pero no había guita, no alcanzaba”.

La memoria de Luis Alberto Spinetta se renueva en cada anécdota y en cada confesión de sus hijos, que no dudan en mostrar lo que hay detrás del mito: la cotidianeidad, las inseguridades, las risas, los problemas y los pequeños grandes gestos familiares. A través de sus palabras, el Flaco sigue iluminando el presente de la música argentina y de quienes crecieron a su lado, humanizando —sin perder la magia— la figura de uno de los íconos más queridos de la cultura nacional.

Un borrador de los ’I’m Not There’ de Bob Dylan, escrito en 1967 y considerado una pieza extremadamente rara por coleccionistas, ha sido hallado dentro de un libro de Allen Ginsberg y saldrá a subasta en abril, con una estimación de entre 26 mil y 52 mil dólares, según informó The Guardian. La página mecanografiada, que permaneció oculta en la biblioteca privada de Sally Grossman, esposa del primer representante de Dylan y amiga cercana del músico, representa uno de los pocos testimonios directos del proceso creativo de una de las canciones más valoradas del catálogo del artista.

La importante valoración económica se calibra en un entorno donde precedentes cercanos han alcanzado cifras sensiblemente superiores: en 2025, dos borradores mecanografiados de ‘Mr Tambourine Man’ fueron adquiridos por 508.000 dólares en una subasta especializada celebrada en Nashville. Aquella venta, conformada en torno al archivo personal del periodista musical Al Aronowitz, puso en circulación 60 lotes directamente vinculados a la carrera de Dylan y su círculo inmediato.

El hallazgo del texto de Dylan

El borrador de ‘I’m Not There’ apareció dentro de una edición original de Ankor Wat firmada por Allen Ginsberg, libro que la propia Sally Grossman recibió como obsequio del poeta en 1969. Tras su fallecimiento en 2021, la biblioteca completa de Grossman fue transferida a un librero especializado, operación que desencadenó el descubrimiento fortuito del manuscrito. Fuentes de la casa de subastas Omega Auctions describieron la escena: la página cayó del libro mientras el vendedor revisaba el lote. Expertos consultados por la casa de subastas consideran que se trata de una pieza “extremadamente rara” del repertorio manuscrito de Dylan.

La circulación de estos materiales responde a factores de procedencia, autenticidad y relato biográfico. Sally Grossman registró un vínculo directo con Bob Dylan no solo por ser esposa de Albert Grossman, sino por su propia aparición en la portada del álbum Bringing It All Back Home (1965), consolidando la línea de legitimidad del manuscrito en venta.

Cuánto vale un manuscrito de Bob Dylan

La venta de los borradores de ‘Mr Tambourine Man’ en Nashville fijó el precedente monetario para futuras operaciones con materiales de Bob Dylan. En esa operación, el componente de procedencia —la colección de Al Aronowitz, figura clave al haber presentado a Dylan y Los Beatles en 1964— aportó un valor adicional a los lotes.

En el remate de abril, junto a los versos de ‘I’m Not There’, el catálogo incluirá otros activos de alto interés para el coleccionismo musical: el manuscrito original de Michael Jackson correspondiente a ‘Black or White’ y un archivo integral sobre la producción de OK Computer de Radiohead. De este modo, la subasta pone en competencia directa relicarios de distintas eras y géneros, reforzando el atractivo de las piezas manuscritas en la economía actual del memorabilia internacional.

Bruce Springsteen tiene un talento poco común para captar los puntos álgidos de la cultura y cristalizarlos en canciones. El orgulloso hijo de Nueva Jersey lo hizo en 2001 con “American Skin (41 Shots)”, sobre el asesinato de Amadou Diallo, un hombre negro desarmado, a manos de la policía. Lo hizo en 2002 con The Rising, un álbum sobre la recuperación y la resiliencia tras el ataque al World Trade Center, y de nuevo en 2006, cuando su interpretación de canciones como “We Shall Overcome” y “My City of Ruins” en Nueva Orleans tras el huracán Katrina hizo llorar al público del Jazz & Heritage Festival.

Y en 2026, ha captado el espíritu de la época con “Streets of Minneapolis”, una oda al estilo Dylan escrita y publicada tan solo unos días después de que agentes del ICE dispararan mortalmente a Renee Nicole Good y Alex Pretti en las Ciudades Gemelas. Springsteen y la E Street Band tocaron el nuevo tema el martes, en la primera noche de su gira Land of Hope and Dreams en Minneapolis, como parte de una contundente apertura de seis canciones que incluyó Darkness on the Edge of Town, tema principal de su álbum de 1978 sobre la opresión y la depresión.

“Este pasado invierno, las tropas federales trajeron muerte y terror a las calles de Minneapolis”, dijo Springsteen, de 76 años, al abarrotado Target Center. “Bueno, eligieron la ciudad equivocada. El poder, la solidaridad del pueblo de Minneapolis, de Minnesota, fue una inspiración para todo el país. Su fortaleza y su compromiso nos dijeron que esto sigue siendo América. Y esto no puede permitirse.” La multitud de casi 18.000 personas levantó sus teléfonos encendidos, creando un mar de estrellas mientras gritaban la letra “¡ICE fuera ya!” una, dos, tres y luego cuatro veces, cada vez con más fuerza. Abuchearon los nombres de Noem y Miller y vitorearon a Good y Pretti. Cerca, un hombre sollozaba.

Springsteen salió con fuerza, diciendo al público: “Esta noche les pedimos a todos que se unan a nosotros para elegir la esperanza sobre el miedo, la democracia sobre el autoritarismo, el estado de derecho sobre la ilegalidad, la ética sobre la corrupción desenfrenada, la resistencia sobre la complacencia, la unidad sobre la división y la paz sobre la guerra.” La última palabra, gritó, fue la primera canción de la noche, el himno de protesta de 1970 “War” de Edwin Starr. La versión fue seguida de inmediato por otra canción antibélica, “Born in the USA”. El éxito de 1984 ofreció un mensaje doblemente oportuno: actualmente está siendo utilizado por la Unión Estadounidense de Libertades Civiles (ACLU) en su campaña de apoyo al caso de ciudadanía por nacimiento, que comienza a ser tratado en la Corte Suprema.

Desde que Springsteen abrió su gira europea el pasado mayo invocando “el poder justo del arte, de la música, del rock ‘n’ roll en tiempos peligrosos”, el ganador de 20 premios Grammy ha vivido un año trascendental. Un set de discos inéditos, una biografía cinematográfica, un himno de protesta, un congreso académico dedicado a su obra, y ahora esta gira. Dijo en el Target Center que los conciertos no estaban planeados, sino que fueron inspirados por la resistencia en Minnesota. La última fecha es el 27 de mayo en Washington.

El grupo de 17 miembros contó con la participación, en varias canciones, del guitarrista de Rage Against the Machine, Tom Morello, quien ha girado antes con Springsteen. (Patti Scialfa no se presentó; la música, esposa de Springsteen, anunció que tiene cáncer en 2024.) Morello, un representante de la Generación X, es el contrapunto más dinámico al heroísmo clásico de Springsteen desde que los E Streeters perdieron al saxofonista Clarence Clemons por complicaciones de un derrame cerebral en 2011. En The Ghost of Tom Joad, una balada de protesta de 1995 basada en la novela sobre los migrantes del Dust Bowl de John Steinbeck, Las uvas de la ira, Morello tocó un solo punk-metal-hip-hop en una guitarra pintada con el mensaje “Arma a los sin techo”. Mientras giraba por el escenario, arrancando nota tras nota incendiaria, el público se puso de pie.

A continuación, los E Streeters atacaron el riff inicial de “Badlands”, otra canción de Darkness..., pero esta sobre la evasión y la redención. Como tantas de las canciones interpretadas por Springsteen, la letra cobró nuevo sentido en 2026: “El pobre quiere ser rico, el rico quiere ser rey / Y un rey no queda satisfecho, hasta que lo gobierna todo”, cantó Springsteen apenas tres días después de haber actuado en el mitin No Kings en el Capitolio Estatal de Minnesota.

Durante casi tres horas, The Boss no abandonó el escenario. Tras apagar las luces brevemente, regresó al frente al son de unas notas que probablemente todos reconocieron. “Para el maestro”, dijo, y la banda interpretó “Purple Rain”. No hay reyes, pero sí, Prince.

Pronunció un discurso final, hablando sobre la libertad para discrepar. “Ahora regreso a pensar en las últimas palabras de Renee Good antes de morir”, dijo. “Al hombre contra el que protestaba, al hombre que acabaría con su vida, le dijo: ‘Está bien, amigo, no estoy enojada contigo.’ No estoy enojado. Dios la bendiga.” Springsteen cerró con una canción de otra leyenda de Minnesota: “Chimes of Freedom” de Bob Dylan.

Fuente: The New York Times

[Fotos: Galen Fletcher/The New York Times; REUTERS/Tim Evans]

La ruptura con el productor y el giro inesperado

El disco surgió de una combinación de cambios imprevistos, libertad creativa y una dinámica interna radicalmente distinta. La banda enfrentaba una crisis creativa y tensiones legales derivadas del comportamiento de Morrison, mientras la crítica cuestionaba sus trabajos previos.

En ese contexto de incertidumbre, la continuidad del grupo y la viabilidad del proyecto se percibían amenazadas en Los Ángeles, ciudad que funcionaba como epicentro tanto de sus conflictos como de su reinvención.

El proceso de grabación se complicó con la intervención del productor musical Paul A. Rothchild. Disconforme con las primeras composiciones, Rothchild calificó el material como “cocktail music”, marcando así su desaprobación. Su salida abrupta reflejó un desgaste que venía gestándose y abrió la puerta a una transformación profunda en la manera de trabajar de la banda.

Un nuevo liderazgo en el estudio

Tras la partida de Rothchild, el ingeniero de sonido Bruce Botnick asumió un rol central en la coproducción.

Según ultimate-guitar, esta nueva configuración eliminó la rigidez de métodos previos y permitió a The Doors explorar un enfoque más abierto, donde la improvisación y la creatividad adquirieron un protagonismo inédito en su discografía.

En ese momento, el grupo decidió grabar el álbum en su propio estudio en Los Ángeles, alejándose del ambiente formal y la presión de los grandes estudios.

Este entorno más íntimo les otorgó control absoluto sobre el proceso creativo, conscientes de que podría ser la última vez que trabajarían junto a Morrison.

Libertad creativa y colaboración inusual

La libertad ganada tras la salida de Rothchild posibilitó la incorporación de músicos de sesión que aportaron matices de blues y ampliaron el espectro sonoro del grupo. El clima en el estudio era intenso: la banda trabajaba con urgencia, sabiendo que el tiempo juntos podía ser limitado, pero aprovechando al máximo la apertura creativa.

Según ultimate-guitar, la combinación de espontaneidad y presión dio lugar a canciones emblemáticas como “Riders on the Storm” y “Love Her Madly”.

La inclusión de músicos externos, entre ellos el bajista Jerry Scheff y el guitarrista Marc Benno, fue clave para enriquecer el sonido del álbum y explorar nuevas rutas estilísticas que antes estaban restringidas por la estructura tradicional del grupo.

Impacto, legado y proyección cultural

El proceso de grabación fue sorprendentemente eficiente: en solo unas semanas, The Doors lograron completar el álbum. Este sería el último trabajo de estudio con Jim Morrison, quien falleció poco después del lanzamiento, lo que le dio un carácter definitivo a la producción y la consolidó como parte esencial del legado de la banda.

El álbum L.A. Woman vendió 2 millones de copias y se consolidó como un referente en la historia del rock.

La autenticidad surgida del conflicto inicial, sumada al esfuerzo de la banda por reinventar su método creativo, impulsó la valoración crítica del disco. A más de cinco décadas de su publicación, críticos y admiradores lo consideran uno de los logros más influyentes del rock estadounidense.

El disco que redefinió a The Doors

La prensa especializada, como la revista Rolling Stone, ha destacado que el álbum representa el punto de madurez musical de The Doors. Este consenso se apoya en la capacidad del grupo para transformar la adversidad en innovación, superando el caos interno y las limitaciones impuestas por la industria musical.

El nacimiento de L.A. Woman bajo circunstancias adversas, demostró la resiliencia y la creatividad de The Doors.

El grupo logró convertir la incertidumbre y el conflicto en un proceso de reinvención sonora, dejando una huella que trasciende generaciones y consolidando el álbum como un hito en la música contemporánea.

Patricia Ripoll, tía materna de Shakira, usó sus redes sociales para aplaudir a un grupo de fans que están realizando actividades en la Ciudad de México para recolectar votos para que la cantante colombiana ingrese al Salón de la Fama del Rock and Roll.

En post de Instagram, Patricia Ripoll compartió videos e imágenes de los fans de Shakira disfrazados de lobos y rescribió: “Son increíbles. Hoy es un día decisivo para aumentar las votaciones y hacer subir a Shakira. ¡No bajemos el ritmo, cada voto cuenta!“.

La nominación de Shakira al Salón de la Fama del Rock & Roll 2026 no solo es un reconocimiento internacional, sino también un hito para la música de Colombia por la trascendencia de sus aportes al panorama global, en un listado que incluye a Phil Collins, Iron Maiden, Billy Idol, Mariah Carey y Oasis, entre otros artistas de proyección mundial.

La edición de 2026 del Salón de la Fama presenta una lista notoria por la diversidad de estilos y nacionalidades. Nombres como Lauryn Hill, Mariah Carey y Oasis complementan una selección que, en palabras del presidente de la fundación, John Sykes, constituye un reflejo de los “rostros cambiantes y los sonidos en constante evolución del Rock & Roll y su impacto continuo en la cultura juvenil”. Este enfoque amplía la definición del género, integrando expresiones musicales que han influido en generaciones enteras más allá de las fronteras anglosajonas.

En abril de 2026 se darán a conocer los resultados. La institución comunicó que el anuncio coincidirá con la entrega de los premios especiales a la Influencia Musical, la Excelencia Musical y el Ahmet Ertegun Non-Performer Award. La ceremonia oficial de ingreso al Salón de la Fama está programada para el segundo semestre del año, momento en que los elegidos recibirán el máximo reconocimiento por su trayectoria.

El criterio para optar a la nominación exige que los artistas hayan lanzado su primer sencillo o álbum al menos 25 años antes de la nominación, lo que en esta edición implica haber publicado obras en 2001 o antes. En el caso de Shakira, la fundación toma como referencia Pies descalzos (1995) y ¿Dónde están los ladrones? (1998), considerados por la entidad como exponentes destacados del rock en español y ejemplo de la proyección latinoamericana dentro de un género históricamente dominado por el inglés.

El Salón de la Fama, creado en 1983 y abierto al público desde 1995 en un edificio diseñado por el arquitecto I. M. Pei, alberga la colección central dedicada a la conservación de instrumentos musicales, manuscritos, vestuario y material audiovisual de personalidades influyentes del género. Desde su fundación, la institución ha sido referente internacional en la preservación y difusión del legado cultural del rock.

Veinteañeros o treinteañeros que van con sus padres a un recital de rock, y viceversa. El fenómeno musical que atraviesa y une varias generaciones lo provoca Genetics, que amplía y perfecciona el concepto de las bandas tributo: recrea milimétrica y virtuosamente el repertorio de Genesis, el grupo británico que se convirtió en un emblema del rock progresivo de todos los tiempos.

Ahora, en su concierto de este domingo, a las 21, en el Movistar Arena, Genetics se presentará nuevamente junto con Steve Hackett, el guitarrista que moldeó el sonido de Genesis entre 1971 y 1977, como cierre de una gira latinoamericana en la que le dan nueva vida a clásicos como Supper’s Ready, Firth of Fifth, Carpet Crawlers, Blood on the Rooftops y The Cinema Show, entre otros.

En diálogo con Infobae Cultura, el baterista de Genetics, Daniel Rawsi, contó cómo conocieron a Hackett y cómo él llegó a considerarlos como “su banda para Sudamérica”.

“De chicos, con Ignacio (Rodríguez Genta) fantaseábamos con tocar esta música, apagábamos la luz y hacíamos que tocábamos en mi cuarto. Después, hace unos 35 años, nació Rael, que fue el primer grupo tributo a Génesis en aquella época. No había nada, no había información, no había video, no había nada de Génesis, todo era de oreja” contó Rawsi, de 65 años, que es médico oftalmólogo, al recordar a su amigo y primer cantante de Genetics, cuya muerte en un accidente, en 2015, abrió el contacto con Hackett.

“Steve se entera de la muerte de Nacho a través de Armando Gallo, un periodista italiano que hizo un libro sobre Genesis, y justo coincidió con que él venía con su banda a la Argentina -relató Dawsi-. Me mandó un mail con las condolencias del caso y, de cara dura, le propuse: Mirá, Steve, yo sé que venís a Buenos Aires, ¿no querés venir a comer un asadito a casa? Y me dijo que sí“.

— ¿Qué pasó ese día?

— Vino con su esposa, comimos algo con todos los Genetics y después cuando tocó con su banda le dedicó el show a Ignacio. Por eso cuando se fue a Inglaterra le comenté que íbamos a hacerle un concierto homenaje a Nacho en el Teatro Coliseo y que queríamos invitarlo para que tocara un tema. “Voy y toco lo que quieran. ¿Qué querés que toque?”, respondió enseguida.

— Así se consolidó la relación entre ustedes.

—Hicimos dos shows en el Coliseo y así empezó la relación hasta que nos hicimos muy amigos. Ya compartimos tres giras juntos y ahora esta gira por México, Perú, Brasil, Chile y la Argentina. Steve nos considera su banda para Sudamérica.

Pasó mucho tiempo desde que Rawsi conoció la música de Genesis. Tenía 16 años, estaba en el colegio secundario y cuando fue a la casa de un amigo escuchó Watcher Of The Skies, del disco Genesis Live. “Cuando puso la introducción del tema dije: ¿Y esto qué es? Qué cosa más rara. A partir de ahí empecé a escuchar a Genesis y no paré hasta hoy. Me encanta toda la música, pero Genesis en especial es muy fuerte, nos llega al cuore".

— ¿Qué siente un viejo admirador de Genesis cuando comparte el escenario con su guitarrista más célebre?

— Es muy raro. La primera vez que tocamos con él hicimos dos ensayos y no entendíamos nada. Era Hackett y estaba tocando el solo de Firth of Fifth, por ejemplo, pero siempre muy serio, muy educado. Fueron pasando los años y, aunque para mí es un ídolo absoluto, es una relación de igual a igual. En un ensayo se da vuelta y le dice a Claudio (Lafalce): “Che, ¿qué acorde es este? Me olvidé”. O pregunta: ¿Están conformes con esto? Lo repetimos”.

— ¿Qué van a escuchar los que vayan al concierto del Movistar Arena?

— Primero, tres temas de los discos de Steve y después una lista de clásicos de Genesis, Supper’s Ready, Watcher Of The Skies, Firth of Fifth, Blood on the Rooftops, Dance on a Volcano... Es un show de casi dos horas y media.

— ¿Qué representa para vos tocar en el lugar de un baterista como Phil Collins?

— Es una responsabilidad enorme. Phil Collins es un músico superdotado. Es tremendamente difícil lo que él hace. Todos días le descubro algo nuevo. Así que es un desafío muy grande. Llegar a tocar como él es como tocar el cielo con las manos. Se hace lo que se puede (se ríe).

— ¿En todos estos años tuvieron contacto con otros de los músicos de Genesis, además de Hackett?

— Sí, estuvimos en contacto con Peter Gabriel desde la época de Amnesty, sabe de nosotros. En algún momentop también lo invitamos a tocar a Mike Rutherford, pero estaba con una agenda cargada con su grupo Mike and the Mechanics. Así que no pudo ser. Tony Banks prefirió no hacer nada de Génesis. Está haciendo sus propias obras. Y por supuesto que a Phil Collins no se lo puede llamar porque su estado de salud es terrible, pobrecito.

— ¿Por qué en este momento de la música todavía tiene vigencia un grupo como Genesis?

— No sé, el promedio de edad de nuestro público es de 50 años para arriba, pero hay mucha gente joven que está escuchando esto. Lo vemos en los shows. Siempre digo que si venís a ver a Genetics no venís a ver a una banda tributo sino que venís a escuchar música clásica. Es una interpretación de la música que tanto amamos y que ama tanta gente. Lo lindo es que mucha gente viene con sus hijos, aunque hoy existen músicos impresionantes. Y pese a que existe algo terrorífico como la Inteligencia Artificial, que suple la creatividad y reemplaza a gente virtuosa que estudió miles de horas para tocar como tocan y ahora hay una aplicación que hace lo mismo apretando un botón.

— Conociste y tocaste con otro ídolo como Luis Alberto Spinetta. Contame cómo fue esa relación.

— Luis era como un hermano para mí. Habíamos forjado una linda amistad. Tuve la oportunidad de acompañarlo en las Bandas Eternas y en algunos otros lugares. Al margen de la música, lo veo a Luis como un ídolo, un poeta, algo extraterrestre. Aparte, yo era un poco el médico de él. Cuando viajaba se sentía apoyado por mí: en algunos momentos que estaba afónico, se quedaba sin voz, y hacíamos el tratamiento correspondiente. Compartimos una época muy hermosa y fue muy triste cuando nos dejó.

— ¿Seguís ejerciendo como oftalmólogo?

— Sí, claro. Es difícil, pero bueno... Durante el día es el consultorio y después de las 7 de la tarde son los ensayos. Soy como el Doctor Jekyll y Mister Hyde.

Tres décadas después, la huella de Kim Gordon se percibe hoy en figuras como Courtney Barnett, Jenny Lewis y St. Vincent, quienes reconocen su influencia en la escena indie actual. En este punto, también, es bueno recordar que su presencia pionera en el rock alternativo de los 90 no solo desafió la hegemonía masculina, también impulsó el surgimiento del movimiento Riot Grrrl, que abrió camino a mujeres dispuestas a explorar los límites más radicales de la música sin someterse a la mirada masculina. A lo largo de casi cuarenta años, Kim Gordon ha sido una referencia ineludible.

Volviendo a Play Me, la novedad de Kim Gordon. Su alianza con el productor Justin Raisen ha transformado el enfoque sonoro y obrado un pequeño milagro: de la distorsión nihilista de los años de la Nación Alternativa a las bases de rap y elementos electrónicos que potencian la cadencia y el espacio en cada canciones. Ella misma ha reconocido que su voluntad de colaborar con Raisen surgió “por accidente”, pero terminó traduciéndose en mayor libertad creativa. El énfasis en los beats industriales y una disposición a dejar en segundo plano la guitarra han delineado un territorio sonoro donde el spoken word vulnerable y crítico cobra centralidad.

En Play Me, incorpora nociones propias del universo rap, donde el remix y la reconceptualización de materiales preexistentes son parte de la dinámica habitual. La lírica del último track retoma palabras como “Injusticia”, “Oportunidad” y “Vivienda para el futuro”; términos que ella seleccionó en referencia a la política del presidente Donald Trump, quien asoció estos conceptos con las iniciativas de diversidad, equidad e inclusión que su administración denunció. La reescritura convierte al ejercicio en un tipo de contundente declaración conceptual.

También, a diferencia de discos previos, Play Me es más breve y enfocado, tal vez en diálogo directo con la atención reducida que predomina el consumo cultural actual. Según ella, la evolución desde The Collective se concreta en “un disco más enfocado e inmediato”, con canciones diseñadas para impacto rápido y lírica confrontativa, sin concesiones a una narrativa lineal.

Kim Gordon contra las playlist

Play Me responde a la pregunta del momento: cómo una figura consagrada de la música alternativa puede intervenir activamente en la discusión sobre el valor del arte en la economía digital. Con sus actuales herramientas, Kim Gordon ha construído una crítica explícita al consumo pasivo que fomenta el actual ecosistema de streaming, utilizando títulos ficticios de playlists de Spotify y géneros por estado de ánimo como parte de la letra central: “Chica popular rica / Modo villana / Jazz y de fondo / Relajándome tras el trabajo”. Para ella, la música “siempre representó una cuota de libertad” y que esa libertad parece “cubierta por una manta” en el presente.

El título del disco y de la canción principal juega con esa doble tensión: es tanto una constatación de la pasividad del oyente en la era de los algoritmos como un desafío contra el estado de cosas. “También podría leerse como desafiante. Como si dijera: te reto a que me escuches”, puntualizó. El registro refuerza esos planteamientos con piezas como “Subcon”, donde la letra apunta al ascenso de la clase multimillonaria tecnológica y su obsesión reciente por la colonización espacial. Gordon ha convertido su preocupación por la realidad sociopolítica en motor central de sus canciones, asumiendo “más el rol de socióloga que de artista”, una vocación que atribuye a la influencia de su padre, académico de la Universidad de California.

De Sonic Youth al presente

Durante las más de dos décadas que pasó junto a su entonces marido Thurston Moore y el guitarrista Lee Ranaldo en Sonic Youth, el bajo de Kim Gordon funcionó como marca registrada del grupo. En su etapa solista, esa identidad se mantuvo, aunque mutó en dirección a bases electrónicas y estética industrial que, según la artista, le permiten “trabajar con el foco puesto en los ritmos”, clave de su asociación exitosa con el productor Raisen.

La decisión de ceder espacio a experimentaciones electrónicas y adoptar frontales referencias al mundo hip-hop, el uso de recursos propios del IDM y el punk, así como el ajuste de la duración de las canciones, revelan una estrategia deliberada de adaptación a la fragmentación de la escucha contemporánea. “Me inspiran más los beats que las melodías”, resumió, ratificando el cambio.

En 29 minutos, el disco intercala crítica directa, abstracción lírica y un retrato de la cultura digital, subrayando la condición de esta mujer de 72 años (forever young a juzgar por su imagen) no solo como cronista de su tiempo, sino también como una voz radical en la discusión sobre el valor del arte frente al avance del capitalismo tecnológico y los paradigmas de la música contemporánea. Amén.