Esa mirada se concentra en “Ringing Hollow”, una balada de corte country que Jagger define como una canción “sobre América como idea”. El tema, grabado junto al resto del álbum con el productor Andrew Watt —quien ya estuvo al frente del disco anterior, Hackney Diamonds—, incluye una imagen que resume el tono del disco: “Lady Liberty don’t look so good when there’s a tear in her gown” (La Dama de la Libertad no se ve tan bien cuando hay un desgarro en su vestido).

La entrevista, firmada por el periodista Will Hodgkinson y publicada en el nuevo número de la revista musical británica, abarca desde los inicios de la banda hasta la génesis de Foreign Tongues, y sitúa a Estados Unidos —su música, su geografía, su promesa y su contradicción— como el hilo conductor de toda la trayectoria de los Stones. Mick Jagger, quien residió 19 años en Nueva York, señaló que su relación con el país fue siempre más compleja que la de un admirador distante: “He visto mucho de América que ningún estadounidense ha visto, porque la gente de las costas nunca va a los pueblos arruinados del centro y del sur”. Keith Richards, por su parte, leyó “Ringing Hollow” desde una clave más nostálgica: “La tomo como una canción sobre América cuando crecíamos en los años 50. El romance de todo aquello: tomar un cóctel, fumar cigarrillos, poner la rockola. Teníamos 14, 15 años y moríamos por escuchar más música negra de América”. “‘Ringing Hollow’ es nuestra forma de decir: te amamos”, afirmó el guitarrista.

La raíz blues del nuevo disco

Foreign Tongues abre con “Rough And Twisted”, el primer single lanzado en abril, y cierra con una versión de “Beautiful Delilah”, una canción de Chuck Berry de 1958. El arco no es casual: los Rolling Stones iniciaron su carrera discográfica en 1963 con una versión de “Come On”, también de Berry, y el nuevo álbum repite ese gesto de reconocimiento a los orígenes. Richards lo explicó con precisión: “Incluso ahora, si me quedo sin ideas, vuelvo al blues, porque la forma musical es limitada y eso lo hace más intrigante. ¿Me estás diciendo que puedes sacar más de esto?”

El disco contiene 14 canciones que recorren el rock de raíz, la balada country, el soul y la pista de baile, con colaboraciones de Paul McCartney, Robert Smith de The Cure y Steve Winwood, entre otros. Andrew Watt figura también como coautor en varios temas, un crédito infrecuente para alguien externo a la dupla Jagger-Richards.

El inicio de la sociedad Jagger-Richards

La entrevista recupera además la historia del origen de esa dupla compositora. Según la leyenda, su primer mánager, Andrew Loog Oldham, los encerró en una cocina y se negó a dejarlos salir hasta que tuvieran una canción propia. El resultado fue “As Tears Go By”, que en 1964 se convirtió en un éxito para Marianne Faithfull, entonces novia de Jagger.

“Nunca esperé ser compositor”, admitió Richards. “Solo ocurrió por la pura fuerza del negocio, por decirlo sin rodeos.” Y añadió: “Pensaba que escribir canciones estaba en otro plano, otro nivel. Luego descubrí que si trabajas en ello, escuchas melodías, atrapas una frase, y quizás escribir canciones es simplemente ser muy rápido. Encuentras un ritmo o algo en la calle, como el bocinazo de un coche. Así que gracias, Andrew Oldham, por eso, aunque lo hacía por sí mismo… porque todos necesitábamos el dinero."

Esa primera canción abrió paso a una serie de composiciones que documentaron la Gran Bretaña de los años 60 en plena transformación: de “Mother’s Little Helper” a “Let’s Spend The Night Together”, los Stones construyeron un archivo sonoro de una sociedad que salía de la posguerra y se internaba en terrenos desconocidos.

Mick Jagger cumplirá 83 años poco después del lanzamiento del álbum. Keith Richards tiene la misma edad. Ron Wood llega al disco con 79 años. La banda grabó Foreign Tongues en los Metropolis Studios de Londres, y la portada —un collage que fusiona los rostros de Jagger, Richards y Wood— fue obra del artista Nathaniel Mary Quinn. Este nuevo álbum llega tres años después de Hackney Diamonds (2023), que fue el primer disco de material original de la banda en casi dos décadas.

[Fotos: REUTERS/Shannon Stapleton]

En una entrevista para el canal de People, Jon Bon Jovi relató el impacto que tuvo la cirugía de cuerdas vocales en su vida y carrera. El músico habló sobre la recuperación, el valor de la familia y cómo los nuevos desafíos lo inspiraron a redefinir sus prioridades.

Bon Jovi explicó que antes vivía absorto en el trabajo, sin tiempo para los pequeños placeres. Tras su recuperación, aprendió a disfrutar el presente y valoró más cada instante, una actitud que, según él, le permite afrontar los desafíos con mayor serenidad y gratitud.

La recuperación de su voz

Afirmó que durante su carrera siempre cuidó su salud vocal, pero la afección avanzó hasta que “un médico me explicó que una de las cuerdas estaba atrofiándose. Debimos recurrir a un implante de Gore-Tex para intentar recuperar el tono y el rango”. Según reveló en People, el procedimiento fue complejo y le hizo pensar en la ciencia ficción.

El artista de 64 años comparó su recuperación con la de un deportista tras una lesión grave: “El médico me dijo: ‘No prometo nada, pero si te esfuerzas, habrá avances con el tiempo’. Mantuve la fe y, aunque fue lento, cada paso traía una mejoría”. Subrayó la importancia de la paciencia y el apoyo espiritual: “Dios fue mi copiloto durante la recuperación. Todo tardó más de lo previsto, pero debía estar bien hecho”.

Después de la cirugía, midió sus progresos con ensayos junto a la banda. “Empecé ensayando un día al mes, luego varios días seguidos, hasta tres horas por jornada”, relató. Ese esfuerzo, sumado al respaldo de sus compañeros, lo llevó a concluir: “Todos coincidimos en que debíamos regresar a tocar en vivo”.

El regreso a los escenarios

Prepararse para volver al público implicó también una transformación personal. “De no haber estado enfermo, quizá nunca habría vivido un cambio tan profundo. Esto me forzó a reinventarme”, confesó en la entrevista. El cantante destacó la lealtad del grupo: “Ellos nunca dudaron, nunca buscaron otro rumbo ni se plantearon la retirada. Los sacrificios que hicieron por mí nos han unido aún más”.

Bon Jovi anticipó el reencuentro con el público: “Pronto se cumplirán cuatro años desde mi último gran concierto, pero estoy completamente recuperado. Me siento genial. Contamos con más de 50 canciones listas para el espectáculo. Solo queda esperar el momento de volver al escenario”, explicó durante la charla.

Acerca de su motivación, destacó: “Conozco artistas que viven para el aplauso, pero siempre antepuse la composición y la grabación. El mayor placer es ver cómo esas canciones encuentran un lugar en la vida de la gente, incluso después de décadas”.

Para el futuro, recalcó el cambio de perspectiva: “Ya no habrá giras de 240 conciertos, eso no tiene sentido. Pero salir con una banda experimentada puede ser un renacimiento. Siento que este regreso puede ser lo mejor que hemos hecho”.

La vida familiar

El cantante habló con emoción sobre los cambios familiares. “Mis hijos ya han crecido. Nadie te advierte sobre estas etapas de la vida”, evocó. “Romeo se gradúa de la universidad el mes próximo. Los otros ya están en el mundo adulto. El tiempo pasa en un abrir y cerrar de ojos”, afirmó ante el canal.

Las reuniones familiares se centran ahora en los nietos: “Jake y Millie estuvieron hoy con el bebé; Jesse llegó hace dos semanas también con la pequeña. Y yo, como abuelo, no puedo estar más feliz. Llevo una pulsera que dice Papa John. Como la pizzería”, bromeó. “Ver a los nietos y a mis hijos junto a sus parejas es pura magia. Solo deseo lo mejor para ellos, rezo por su salud y espero que su futuro sea brillante”, expresó el músico.

El proyecto solidario familiar

Dorothea Hurley, esposa de Bon Jovi desde hace 37 años, fue reconocida recientemente por la James Beard Foundation por su aportación al proyecto solidario Soul Kitchen. El cantante celebró el logro: “Dorothea fue premiada como Trailblazer del año por su trabajo con Soul Kitchen. Viajaremos con todos los empleados a Chicago para acompañarla en este momento”.

Bon Jovi resaltó el valor del proyecto: “Siempre fue importante ayudar, pero hacerlo a través de la comida nos mostró que no se necesita un científico para encontrar soluciones. Ahora contamos con 4 restaurantes y pronto abriremos un quinto restaurante. El gran sueño de Dorothea es que algún día el proyecto deje de ser necesario, aunque la demanda sigue creciendo”.

El impacto social se amplió más allá de la alimentación. “Logramos limpiar los antecedentes penales de 45 personas solo esta semana gracias al proyecto. También financiamos refugios para emergencias e incluso construimos hasta 1.000 viviendas sociales”, subrayó.

Su nueva mirada

Tras superar las dificultades, compartió: “Ahora lo que más valoro es estar presente, sentir el sol, jugar al tenis, mirar las nubes. Antes vivía absorto en el trabajo y el futuro. Ahora aprecio cada instante”. El músico explicó que este cambio llegó después de su recuperación, cuando debió detenerse y reevaluar sus prioridades.

Contó que solía tener la “cabeza agachada”, concentrado solo en los compromisos profesionales, sin tiempo para disfrutar los pequeños placeres. Ahora, aseguró que disfruta el presente junto a su familia y que esta actitud le permite encarar nuevos desafíos con mayor serenidad y gratitud.

La iniciativa incorpora además el acceso abierto a una de las actuaciones televisivas más recordadas de la segunda mitad del siglo XX. El anuncio incorpora el reconocimiento oficial de una celebración que circuló durante años entre comunidades de seguidores.

Según informó The Rolling Stone, la decisión proviene del propio grupo junto a Apple Corps Ltd y sitúa la fecha en un punto central dentro de la agenda cultural contemporánea, con referencias directas a una transmisión que conectó a cientos de millones de espectadores en 1967.

Un origen ligado a la primera emisión global vía satélite

La elección del 25 de junio remite a 1967, cuando John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr ingresaron al estudio uno de Abbey Road Studios para una interpretación en vivo de “All You Need Is Love”. La presentación formó parte del programa Our World, considerado el primer enlace televisivo internacional vía satélite.

La emisión reunió una audiencia estimada en 400 millones de personas. La canción quedó asociada a un mensaje de unión que atravesó la difusión televisiva en tiempo real y consolidó una de las performances más difundidas del grupo de Liverpool. La escena, transmitida desde Londres, marcó un punto de expansión para la música popular en la televisión global.

De iniciativa de seguidores a reconocimiento institucional

La conmemoración comenzó en 2009 a partir de una propuesta de la fotógrafa Faith Cohen, quien impulsó una jornada dedicada a la banda. Desde entonces, la fecha circuló de forma descentralizada con eventos en distintas ciudades.

Conciertos tributo en Tokio, reuniones en Liverpool, muestras en Nueva York y actividades musicales en Buenos Aires formaron parte de una agenda distribuida en distintos continentes.

El crecimiento de la propuesta mantuvo un perfil impulsado por comunidades de fanáticos hasta el reconocimiento formal de Apple Corps Ltd. La empresa destacó el valor contemporáneo del mensaje asociado a la canción en una carta enviada a la impulsora de la iniciativa.

El anuncio y el acceso abierto a material histórico

El comunicado incluye la publicación de una versión restaurada y a color de la interpretación de “All You Need Is Love”. El material quedará disponible de manera gratuita en línea, con estreno en plataformas digitales. La medida incorpora por primera vez el acceso abierto a la grabación completa en ese formato, vinculada a la fecha conmemorativa.

En la carta enviada a Cohen, el director ejecutivo de la compañía Apple Corps Ltd, Tom Greene, señaló: “Más que nunca, el mensaje de Los Beatles y de ‘All You Need Is Love’ habla de algo vital para la comunidad, la conexión y el poder de reunir a las personas”.

Además, destacó que “eso es lo que hace tan especial al Día Global de Los Beatles, no pide nada más que detenerse, escuchar y compartir un poco de alegría”. La declaración fue difundida en el marco del anuncio oficial.

Nuevos proyectos vinculados al legado del grupo

El interés por la obra de The Beatles se mantiene activo a través de distintos desarrollos audiovisuales y editoriales. Entre ellos figura la tetralogía cinematográfica dirigida por Sam Mendes, prevista para abril de 2028, con relatos individuales centrados en cada integrante del grupo.

El elenco incluye a Paul Mescal como Paul McCartney, Harris Dickinson como John Lennon, Joseph Quinn como George Harrison y Barry Keoghan como Ringo Starr.

Otro proyecto relevante se vincula al edificio de 3 Savile Row, espacio asociado al concierto en la azotea de 1969. El inmueble abre sus puertas como experiencia para visitantes con acceso a archivos y exhibiciones relacionadas con la historia de la banda.

En paralelo, McCartney continúa con nuevas publicaciones discográficas. El lanzamiento reciente de “The Boys of Dungeon Lane” incorpora colaboraciones con Ringo y suma material inédito a su etapa solista. La actividad musical del exintegrante mantiene presencia en la escena actual, con distribución en plataformas digitales y circuitos de consumo contemporáneo.

El Día Mundial de los Beatles integra actividades presenciales y digitales en distintas ciudades, con propuestas de participación global y difusión de contenidos históricos vinculados a la actuación de 1967.

Cecilia Fanti se enteró de la muerte del Indio Solari en la librería. Acababa de abrir. Como muchos argentinos, una vez que pasó el shock noticioso, puso música, puso Los Redondos. En la Librería Céspedes, barrio porteño de Colegiales, empezaron a sonar canciones de Oktubre, La Mosca y la Sopa, ¡Bang! ¡Bang!... Estás liquidado, pero también en otros negocios, otros barrios, otras ciudades. Emergía “la sensación de que la ciudad entera se inundó de la música de Los Redondos”, asegura Fanti.

Sobre el Indio y Los Redondos hay bastante escrito. Pero el libro más pedido fue Recuerdos que mienten un poco, publicado en 2019 por Sudamericana. Son conversaciones con el escritor Marcelo Figueras. El remanente de diez libros que había en Céspedes se vendió ese mismo viernes. “Y tenemos algunos pedidos. Estamos esperando la reimpresión”, dice la librera y escritora. La editorial anunció una nueva tanda de ejemplares para abastecer a las librerías de todo el país. Los pedidos sobran.

“Recuerdos... es un libro objeto", dice Ecequiel Leder Kremer, librero de Hernández. Son casi 900 páginas, cuesta $61.300. “Justo repusieron días antes de la muerte del Indio. Así que teníamos. Y sí, se está vendiendo mucho más rápido de lo habitual. La economía está muy difícil, pero está así en todos lados. Los últimos treinta días acá fueron difíciles. Y este libro pareciera que viene a reactivar un poco. Sobre todo porque no es barato”. “El Indio, desde Avellaneda, nos está ayudando”, y sonríe.

“Ese viernes fue uno de esos días muy especiales que guardás en la memoria. Te vas a acordar con quién estabas, dónde, a través de quién te enteraste”, asegura Fanti. Carlos Alberto Solari, el ser humano detrás del mito de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, tuvo un ACV en su casa de Parque Leloir. Ese día, cuenta, las compras fueron en su mayoría online. “Muchos de nuestros clientes usan la información que tenemos en la web como catálogo. Esta vez no. Eso responde al impulso”, completa.

Los clientes entraban a la librería y comentaban la noticia. Algunos preguntaban qué libros alusivos había, pero todos se centraban en Recuerdos... “¿Algo de recuperar su voz o leerlo?”, reflexiona Cecilia Fanti. “Se lo quiero regalar a mi amigo ricotero”, decían los clientes sin que le pregunten. En los parlantitos de bluetooth, la voz del Indio. “Como si fuera un homenaje o un consuelo ese libro”, comenta Fanti. En todas las librerías consultadas por Infobae Cultura hubo muchas más consultas de lo habitual.

El fenómeno editorial repercutió de varias formas. Los libreros de Tinta Limón cuentan que mucha gente pregunta por el libro que tienen en su catálogo: Redondos. A quién le importa. Biografía política de Patricio Rey, del colectivo Perros Sapiens. “En gran medida por una entrevista a uno de los autores en Gelatina”, dicen. También subieron las ventas, aseguran desde Planeta, de Fuimos reyes: la historia completa de los Redonditos de Ricota, de Mariano del Mazo y Pablo Perantuono. Por eso reforzaron el stock.

Aquel viernes no fue un viernes más. La muerte del Indio se volvió conversación y abrió un portal arborescente de miles de conversaciones: una canción, un disco, un recital, un recuerdo, la posibilidad de volver a narrarlo todo. De pronto, sus anteojos redondeados, su figura enigmática, su música popular, todo esa estética implacable se posó como un filtro maldito en la vida argentina, un rock and roll del país. “Se escuchaba en todos lados: autos, balcones, negocios, escuelas”, recuerda Fanti.

“Todo tenía esa estela sonora y maravillosa que iluminó el día del viernes en que se volvió a mover el libro del Indio en el día de su muerte”, concluye la librera.

La historia de cómo los Rolling Stones buscaron durante meses a su baterista definitivo terminó transformando no solo el destino de la banda, sino también el de uno de los músicos de jazz más reconocidos del Reino Unido, Charlie Watts.

Según informó la revista británica Mojo Magazine, la llegada de Watts al grupo no fue inmediata ni sencilla, y la relación inicial entre los integrantes y el futuro baterista evidenció tanto la precariedad de la industria musical británica de los años sesenta, como la determinación de la banda por consolidar su sonido.

La insistente búsqueda de un baterista que marcara la diferencia

A comienzos de la década de 1960, los Rolling Stones no figuraban en los grandes escenarios internacionales ni en los rankings de ventas. Sus integrantes, Mick Jagger, Keith Richards y Brian Jones, recorrían bares y clubes de Londres, recibiendo pagos modestos que apenas cubrían gastos básicos.

Según relató Richards, los músicos reconocieron desde el principio la importancia de sumar a un baterista capaz de sostener y enriquecer la propuesta rítmica de la banda.

El elegido fue Charlie Watts, un joven baterista de jazz que ya tenía cierto reconocimiento en el circuito local. Richards recordó: “A él le pagaban. A nosotros no. Mick, Brian y yo llevábamos meses deseando que Charlie se uniera a nosotros. Charlie dijo: ‘Me encantaría tocar con ustedes, pero necesito un par de conciertos fijos’”. Esta declaración, recogida por Mojo Magazine, ilustra la distancia económica que separaba a Watts de los Stones en aquellos años iniciales. La banda insistió en varias oportunidades, sin lograr convencerlo de inmediato.

La decisión de Charlie Watts y el salto de los Stones

La situación cambió recién hacia fines del invierno de 1963, cuando Watts aceptó finalmente la invitación. Según el testimonio de Richards, nunca hubo una conversación directa sobre las razones del cambio de opinión del baterista.

El guitarrista sugirió que Watts percibió algo especial en la música del grupo y sintió curiosidad por experimentar junto a ellos. “Supongo que fue algo que escuchó en la música que tocábamos. Además, tenía ese espíritu aventurero. ‘Simplemente seré un músico de jazz más en un mercado tan grande. O puedo juntarme con estos tipos locos y ver qué pasa’”, relató el Richards.

La integración de Watts no solo completó la formación de los Rolling Stones, sino que también modificó la dinámica interna del grupo. El baterista aportó una base rítmica estable y versátil, permitiendo a Jagger, Richards y Jones explorar con mayor libertad compositiva y escénica. El portal destacó que la llegada de Watts fue el punto de inflexión para que la banda pudiera aspirar a un mayor reconocimiento.

El aporte de Charlie Watts al sonido de los Rolling Stones

El paso definitivo se dio el 2 de febrero de 1963, cuando Charlie Watts se convirtió en el baterista permanente de los Rolling Stones tras una actuación en el Ealing Jazz Club de Londres.

De acuerdo con las memorias de Keith Richards, tituladas Life, la sensibilidad y el estilo de Watts resultaron decisivos para el desarrollo artístico del grupo. Eescribió: “Si no hubiera sido por Charlie, jamás habría podido expandirme y desarrollarme”.

Watts, según reveló el guitarrista, poseía una capacidad para la expresión y la sutileza poco frecuente en el rock de la época. “Su forma de tocar es tremendamente expresiva y sutil. Toca con humor. Charlie solía trabajar en bodas y bar mitzvahs, así que también conoce el sentimentalismo”, detalló Richards en sus memorias.

El recorrido inicial de Watts, que incluía actuaciones en clubes y eventos sociales, le permitió dominar distintos géneros y adaptarse a las exigencias de la banda. Mojo Magazine subrayó que este bagaje fue determinante para que los Stones pudieran construir un repertorio variado y atractivo para públicos de diferentes edades y procedencias.

La decisión de Watts de sumarse al proyecto transformó la historia de los Rolling Stones. Desde entonces, la banda consolidó su identidad y, con el tiempo, logró posicionarse como una de las agrupaciones más influyentes del rock and roll. El ingreso de Watts representó el cierre de una etapa de incertidumbre para el grupo y el inicio del camino hacia la consagración internacional.

En Tupelo, Mississippi, ciudad natal de Elvis Presley, se registró una escena poco común durante un festival local: un grupo de jóvenes y adolescentes subió al escenario para rendir tributo al legendario músico estadounidense. Casi 50 años después de su muerte, el concurso juvenil del Festival de Elvis reunió a participantes de entre siete y 17 años que, con llamativos monos y el cabello fijado con laca negra, buscaron mantener viva la figura del “rey del rock and roll” ante nuevas generaciones.

Según reportó la agencia Associated Press (AP), el certamen reflejó la pasión y el esfuerzo de una nueva generación que dedica tiempo y energía a perfeccionar no solo la voz, sino también los gestos y el estilo característico del artista.

Algunos de estos participantes lucieron trajes diseñados por la empresa B&K Enterprises Costume Co., autorizada para recrear atuendos originales de Elvis y proveer vestuario a producciones cinematográficas y televisivas sobre su figura. La búsqueda de autenticidad es central en estos jóvenes, quienes se definen como “artistas que rinden homenaje” y rechazan el término “imitadores”.

Uno de los concursantes destacados fue Tucker Gladden, de 17 años, originario de Madison, Mississippi. “No intentamos imitarlo. Queremos recrear la experiencia lo mejor posible para las personas que tal vez no tuvieron la oportunidad de ver a Elvis en su vida”, afirmó en declaraciones recogidas por AP.

Vocaciones forjadas entre canciones y admiración familiar

La motivación de estos jóvenes por adentrarse en el universo del histórico cantante es diversa. Varios de ellos mencionaron la influencia de la película biográfica estrenada en 2022 como punto de partida en su admiración por el músico. Otros descubrieron su interés tras conocer un vínculo genealógico con la familia Presley, mientras algunos encontraron inspiración en la fe y la generosidad que caracterizaron al artista.

El testimonio de Ayden Maloy, de 16 años y oriundo de Logansport, Indiana, revela el valor personal que puede tener la música de Elvis. Según relató a la AP, empezó a actuar como tributo hace tres años después de atravesar una etapa difícil. “Me eché a llorar porque me sanó. Creo que Elvis es el sanador”, narró Maloy.

El evento también incluyó la participación de Charles Session, de 15 años, de Morrilton, Arkansas, quien expresó el significado especial de actuar en el lugar donde nació Presley. “Es una sensación surrealista rendir homenaje a Elvis en su ciudad natal. Espero que nos esté mirando desde arriba y sonriendo a todos estos jóvenes artistas”, dijo el adolescente a AP.

Los tributos no se limitan al escenario: algunos concursantes practican diariamente en sus hogares y presentan sus números en residencias de ancianos y centros de vida asistida, acercando así el repertorio de Presley a públicos que aún recuerdan la época dorada del rock and roll.

Un legado que se transforma y se transmite

La competencia concluyó con la consagración de RJ Hursey, de 14 años y procedente de Bloomington, Illinois, como ganador del certamen. Heredó la pasión de su abuelo, dedica parte de cada día a perfeccionar sus interpretaciones. Cuando su salud le impide cantar, investiga sobre la vida y obra del músico. Su objetivo a largo plazo es protagonizar una nueva versión cinematográfica sobre Elvis Presley.

“La experiencia es conmovedora. Te hace sentir bien porque sabemos que murió pensando que sería olvidado, y nos alegra mucho que todavía esté entre nosotros”, expresó Hursey a la agencia de noticias.

Durante su estancia en Tupelo, los artistas tributo visitaron el complejo que resguarda la casa natal de Elvis y la iglesia donde inició su contacto con la música gospel sureña. La jornada se transformó en una oportunidad para fortalecer el vínculo entre generaciones y reafirmar la vigencia del legado musical de Presley. Para los jóvenes artistas, subir al escenario en la ciudad que vio nacer al “rey” representa un acto de celebración y memoria que trasciende el tiempo.

La gira final de Los Beatles en 1966 marcó el cierre de una era en la música popular, rodeada de controversias, agotamiento y una presión mediática sin precedentes. El cuarteto de Liverpool, integrado por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr, enfrentó durante ese año una serie de desafíos que transformaron para siempre su relación con los escenarios y con la fama internacional.

Tres años después de su primer número uno, Los Beatles llegaron a una encrucijada. Tras meses de trabajo en el estudio, donde grabaron el innovador álbum Revolver, la banda emprendió una gira mundial que terminó por definir su destino. El cansancio acumulado, los incidentes con fanáticos y la sucesión de polémicas en cada ciudad visitada convirtieron el tour de 1966 en un episodio tenso y decisivo.

De acuerdo con un artículo publicado en el periódico británico The Guardian, la presión mediática, el asedio de admiradores y la aparición de enemigos públicos llevó a la banda a tomar una decisión irreversible: dejar definitivamente los conciertos en vivo.

De la experimentación de estudio al desencanto en los escenarios

En 1966, la distancia entre la creatividad de Los Beatles en el estudio y sus presentaciones en vivo se hizo cada vez más evidente. Ninguna de las canciones de Revolver se interpretó durante la gira, ya que la complejidad de los arreglos y el uso de técnicas novedosas resultaban imposibles de reproducir sobre el escenario.

Please Please Me, el primer álbum del grupo, había nacido de interpretaciones pulidas en Hamburgo y Liverpool, pero para entonces el estudio se había convertido en su principal espacio creativo.

El formato de los conciertos seguía anclado en el pasado. Cada espectáculo era parte de un show itinerante con varios artistas y Los Beatles aparecían al final para un set de 30 minutos. El ruido de las multitudes, la falta de tecnología adecuada y la histeria colectiva hacían que la música quedara en segundo plano.

El artículo señala que mientras artistas como Bob Dylan y los Rolling Stones reinventaban el concepto de concierto, Los Beatles sentían que el escenario ya no les ofrecía el mismo estímulo.

Un año marcado por crisis y controversias

La gira de aquel año atravesó Europa, Asia y América, y en cada destino surgieron nuevas dificultades. En Japón, manifestantes cuestionaron la presencia de la banda, acusándolos de atentar contra los valores nacionales. En Filipinas, un desencuentro con la primera dama Imelda Marcos generó un incidente diplomático, que terminó con el grupo empujado e insultado en el aeropuerto por una multitud enfurecida.

En Estados Unidos, la polémica alcanzó su punto máximo tras unas declaraciones de Lennon sobre la popularidad de Los Beatles y de Jesús. Impulsaron campañas de boicot y quema de discos, y surgieron amenazas de muerte contra los integrantes. En un concierto en el Cow Palace de California, una estampida dejó 30 heridos, la mayoría adolescentes.

El diario británico destaca que, a lo largo de la gira, Los Beatles debieron responder preguntas absurdas en ruedas de prensa y soportar el lanzamiento de objetos al escenario, desde caramelos hasta botellas. La presión y el desgaste emocional fueron en aumento. “Hemos sido Los Beatles lo mejor que hemos sido jamás: esos cuatro muchachos alegres. Pero ya no somos esas personas. Somos viejos”, reconoció Lennon.

El último concierto y el fin de las giras

El 29 de agosto de 1966, Los Beatles ofrecieron su último concierto oficial en Candlestick Park, San Francisco. El grupo ya había informado a su mánager Brian Epstein que esa sería su despedida de los escenarios. McCartney pidió a un asistente que grabara el espectáculo como recuerdo.

Durante la actuación, Los Beatles se mostraron decididos y serenos, a pesar del ambiente de tensión. Cerraron con “Long Tall Sally”, un clásico de Little Richard, y tras la ovación final, abandonaron el estadio en un camión blindado.

Según The Guardian, la gira de 1966 representó el episodio más estresante y angustioso de su carrera, pero también el punto de inflexión que definió su futuro.

El legado de una decisión histórica

Tras el final de la gira, la banda de Liverpool se refugió en el estudio. En noviembre de 1966, comenzaron a trabajar en “Strawberry Fields Forever”, dando inicio a una etapa marcada por la experimentación y la libertad creativa.

El grupo dejó de ser un fenómeno de masas en los escenarios para convertirse en pioneros de la música de estudio, sentando las bases de la producción moderna.

La decisión de abandonar las giras supuso el cierre de un ciclo y el comienzo de una nueva era para Los Beatles y para la música popular. Su experiencia dejó en evidencia el alto costo de la fama y la presión mediática a escala global.

Ismael Salcedo, exvocalista y fundador de Los Daniels, se presentará este domingo con su nueva banda, ID, en un concierto gratuito en el Ágora Tlatelolco de la Ciudad de México, como parte del programa Cuicatl: La Ciudad que Suena.

La cita es el domingo 7 de junio a las 14:30 horas en el Ágora Tlatelolco, alcaldía Cuauhtémoc. El acceso es libre y sin costo, dentro de una propuesta de género rock.

El evento forma parte de Cuicatl: La Ciudad que Suena, iniciativa del Gobierno de la Ciudad de México a través de la Secretaría de Cultura, que lleva música en vivo a espacios públicos de las 16 alcaldías todos los domingos.

ID, la nueva banda de Ismael Salcedo

ID es la agrupación que Ismael Salcedo conformó tras su salida de Los Daniels, integrada por cinco músicos de diversas influencias. En abril de 2026 presentaron su primer sencillo, “Somos lo que sigue”, con el que la banda anunció nuevos lanzamientos en puerta.

Antes de formar ID, Ismael ya había dado señales de su camino fuera de la banda: en julio de 2024 lanzó el ISMA EP, un material de cinco canciones que él mismo produjo, arregló y grabó junto a un ensamble de músicos en los Estudios Neblina de Coatepec, Veracruz.

La fractura con Los Daniels

Ismael Salcedo anunció su salida definitiva de Los Daniels en octubre de 2025, después de 18 años como vocalista y miembro fundador. A través de su cuenta de Instagram (@ismarock), acusó a sus excompañeros —el bajista Poncho y el baterista Rasheed— de hablar mal de él ante el medio, amigos y seguidores:

“Llevan años tirándome mierda con el medio, amigos, músicos y hasta con fans diciendo que yo no los dejé hacer nunca nada y que las decisiones las tomaba solo, cuando me dediqué a trabajar y a buscar fechas, a escribir canciones que hasta compartí en regalías con todos”.

El detonante final, según relató en la misma publicación, fue que Poncho buscó asumir el rol de vocalista:

“Ya quería cantar más Poncho, solo se dedicaron a fastidiarme hasta que lo lograron para así tomar el control de la banda. Al enterarme tomé la decisión de ya no seguir más con Los Daniels”. Cerró con una frase que se viralizó entre sus seguidores: “Así que para mí Los Daniels han muerto”.

Los Daniels respondieron con un comunicado oficial en sus canales: “La banda no ha tomado una decisión en conjunto sobre su continuidad. Les pedimos no dar por válidas las versiones que no provengan de nuestros canales”.

18 años al frente del rock alternativo mexicano

Fundados en mayo de 2007 en la Ciudad de México, Los Daniels acumularon ocho álbumes de estudio, entre ellos Moodanza (2009), Amanecer (2013) y Universo Paraíso (2018). Su propuesta de letras introspectivas con guitarras melódicas los llevó a festivales como el Vive Latino y el Tecate Pa’l Norte, además de giras por Asia y Sudamérica.

La banda también registró colaboraciones con Natalia Lafourcade, Ely Guerra y Lila Downs. Su último disco, Híbrido, se presentó en el Teatro Metropólitan en febrero de 2025. Tras la ruptura, Ismael fue eliminado y bloqueado de las plataformas digitales del grupo por sus excompañeros.

Cuicatl: La Ciudad que Suena, programación del 7 de junio

El mismo domingo, el programa ocupa al menos 9 sedes simultáneas en distintas alcaldías, con géneros que van del rock al circo, el teatro musical y el hip hop. Todos los eventos son gratuitos.

Jardín Santiago Tlatelolco (Cuauhtémoc) 13:00 h — Blanco Nejo (rock) 14:30 h — ID (rock)

Palacio Postal (Cuauhtémoc) 12:00 h — Dromedarios Mágicos (música) 13:30 h — Piratas: La Búsqueda del Tesoro (teatro musical)

Plaza del Bolero (Tlalpan) 14:00 h — Taller de Danza Pilares (folclor) 15:30 h — Más Salvajes (música)

Plaza San Jacinto (Álvaro Obregón) 12:00 h — Más Salvajes (música) 13:30 h — Amanda Tovalín (música)

Parque Las Américas (Benito Juárez) 12:30 h — Piratas: La Búsqueda del Tesoro (teatro musical) 14:00 h — Mimo Ramón Solano (mímica) 15:30 h — Show Catarsis Circo (clown circo familiar)

UTOPÍA Meyehualco (Iztapalapa) 15:00 h — Julio Abreu (música) 16:00 h — Amandititita (música)

UTOPÍA Mixiuhca (Iztacalco) 13:00 h — Funky Narración (cuentacuentos hip hop) 14:30 h — Ricardo Salinas (música)

Parque del Mestizaje (Gustavo A. Madero) 13:00 h — In Xóchitl (música)

Foro Cultural Magdalena Contreras (Magdalena Contreras) 13:00 h — Familia Rosso (circo) 14:30 h — Aprendiendo con Mitología (musical)

Parque República Democrática de Alemania (Azcapotzalco) 13:00 h — Rosalba Montero “Para Regalarte: El Concierto” (música) 14:30 h — Dulce y Agraz (música)

Las causas de muerte del Indio Solari, fallecido este viernes a sus 77 años, serán investigadas por la Justicia. Según informaron fuentes judiciales a Infobae, el ídolo del rock nacional fue hallado a las 8 de la mañana por su cuidadora, quien llegó a la vivienda para comenzar la jornada y lo vio tirado en la zona del patio, a pocos metros de su pileta.

Ante la situación, la mujer llamó al equipo privado de emergencias médicas del músico que se trasladó al lugar para darle asistencia. A las 8:30, sin embargo, las autoridades fueron alertadas del fallecimiento del Indio. En consecuencia, se abrió una causa por averiguación de causales de muerte, a cargo del fiscal Lucio Rivero.

El titular de la UFI Descentralizada N°2 de Ituzaingó llegó poco después a la vivienda de la calle Calixto Oyuela al 4000 para realizar tareas en la escena. Al mismo tiempo, convocó a personal de la Policía Científica y adelantó se le realizará una autopsia por protocolo. Será en la morgue de Ituzaingó.

Según la reconstrucción realizada hasta ahora sobre las últimas horas del Indio, el cantante habría cenado con su familia el jueves a la noche y luego se habría metido a la pileta. Allí se descompensó.

Mientras las autoridades judiciales trabajan en el lugar, personal de la Policía Bonaerense desplegó un gran operativo en la zona y cortó el tránsito en las cuadras aledañas. Poco después de que se conociera la noticia de la muerte, muchos fans ya habían comenzado a acercarse a la casa para despedirlo.

La última aparición pública del Indio fue en enero pasado, través de un mensaje cuando recibió el Honoris Causa de la Universidad de Buenos Aires.

El artista había construido alrededor de su figura un magnetismo singular. Su influencia se extendió mucho más allá de la música, convirtiéndose en un referente de la contracultura y en uno de los personajes más enigmáticos del arte argentino de las últimas décadas. Para muchos, su voz y el uso de metáforas en sus letras lo convirtieron en una figura central dentro de la música popular argentina.

En 1975, en la ciudad de La Plata, Indio Solari y Skay Beilinson fundaron Los Redondos. Desde sus primeros pasos, la banda estableció una estética propia, tanto en lo musical como en su modo de relacionarse con el público. La independencia artística y la distancia respecto de los grandes medios marcaron a fuego el recorrido de la banda, que editó nueve álbumes de estudio hasta su disolución en 2001. Discos como Oktubre, Un baión para el ojo idiota y ¡Bang! ¡Bang!... Estás liquidado y Luzbelito forman parte del repertorio esencial del rock argentino.

La separación de Los Redondos supuso un hiato en la carrera de Solari. No fue hasta 2004 que presentó el primer álbum de su nueva etapa, bajo el nombre de LFDAA: El tesoro de los inocentes (Bingo Fuel). Siguieron Porco Rex en 2007, El perfume de la tempestad en 2010 y Pajaritos, bravos muchachitos en 2013. El último trabajo de estudio, El ruiseñor, el amor y la muerte, vio la luz en 2018. Durante esta etapa, Solari mantuvo una relación intensa con su público, que lo acompañó fielmente en cada presentación.

Tras su muerte, las redes se convirtieron en un obituario inmediato y urgente en honor a su figura.

“Ya no escucho música, estoy dentro de la música”, afirmó al recordar su primera experiencia con este sistema. Según explicó, la posibilidad de distribuir los sonidos en múltiples direcciones ofrece una experiencia mucho más inmersiva que el estéreo tradicional.

El músico agregó que esta evolución tecnológica también influyó en su proceso creativo y en la forma en que observa la industria musical actual. Además, destacó que cada vez más vehículos incorporan este tipo de audio, ampliando su alcance entre los oyentes.

En paralelo, destacó que la banda se prepara para regresar a los escenarios con la gira The Return Of The Carnival Of Sins, que recorrerá Estados Unidos y Canadá entre julio y septiembre. Con esta serie de conciertos, celebrarán su 45.º aniversario y los 20 años de su reconocido álbum en vivo Carnival of Sins.

Confesiones y excesos en Mötley Crüe

Al abordar los momentos más difíciles de Mötley Crüe, el baterista admitió: “Nadie puede sostener ese ritmo de excesos; supimos que debíamos parar y buscar ayuda, y así surgió el mejor disco”.

Recordó el punto crítico alcanzado con Nikki Sixx antes de grabar Dr. Feelgood: “Nos quedamos sin drogas y llegamos a inyectarnos whisky. Fue tan absurdo que al final entendimos lo mal que estábamos”.

Describió cómo la decisión colectiva de ingresar a rehabilitación llevó a la banda a una etapa de sobriedad que marcó el álbum más relevante de su carrera. Sobre el final de ese periodo, relató: “Recuperamos la sobriedad, pero la noche que terminó la gira en Hawái volvimos a beber. Nos dijimos que lo merecíamos, aunque luego supimos que era solo una excusa”.

Actualmente, Lee valoró el ejemplo de Sixx, quien mantiene la sobriedad desde hace más de 20 años y es admirado por su constancia. El músico remarcó la importancia de enfrentar, juntos como banda, su periodo más oscuro para poder reinventarse y continuar.

El cambio en la industria musical y el fin de la curaduría

Consultado sobre el impacto del consumo digital, Lee fue crítico: “Hoy hay tanta música nueva que ni los músicos podemos mantener el ritmo, se perdió el misterio y la expectativa de descubrir algo especial”. En la entrevista con Zach Sang Show podcast, lamentó la desaparición de espacios de curaduría musical como MTV y la radio especializada.

“Extraño la época en que ibas a comprar un disco, leías los créditos y descubrías quién tocaba en cada tema”, expresó. Según Lee, los lanzamientos actuales se pierden rápidamente en una avalancha de novedades: “Suben cien mil canciones por día. ¿Quién puede escuchar eso? Es imposible”.

Rememoró la era donde la programación musical estaba a cargo de expertos y el público recurría a listas y recomendaciones humanas. Sostiene que la fragmentación y la automatización de las plataformas actuales diluyen el valor de los eventos musicales y dificultan el descubrimiento real.

El arte del misterio: lecciones de Bowie y Prince en la era digital

David Bowie y Prince surgieron como figuras centrales para Lee: “Admiraba a Bowie y Prince porque sabían guardar el misterio; eso es lo que falta hoy: nadie es más grande que su propio mito”, sentenció. Destacó que la privacidad artística ayudaba a construir figuras casi legendarias, algo cada vez más difícil con la hiperexposición actual.

También resaltó que el misterio y la discreción permitían a la audiencia involucrarse más con la música: “No tenías idea de qué pensaba Prince sobre cosas personales, solo importaba la música. Eso lo hacía grande”. Subrayó que sus referentes mantenían la capacidad de sorprender y de reinventarse en cada etapa, creando una identidad inalcanzable para los estándares contemporáneos.

Legado de Mötley Crüe y la ausencia en el Salón de la Fama del Rock

En el tramo final del Zach Sang Show podcast, abordó el legado de Mötley Crüe y criticó la exclusión de la banda del Salón de la Fama del Rock. “Es absurdo que Mötley Crüe no esté en el Salón de la Fama, mientras otros menos influyentes sí han entrado”, opinó.

Se preguntó si la banda había llegado a ofender a alguien de la organización o si los criterios de evaluación son simplemente inexplicables: “Es sinónimo: Mötley Crüe significa rock and roll en el Sunset Strip, no entiendo qué están esperando”.

Enfatizó que los grandes éxitos de la agrupación resisten el paso del tiempo y que solo al ver todo el catálogo reunido se comprende el impacto cultural logrado. A pesar de la postergación, reconoció que la situación se convirtió casi en una broma interna para los integrantes.

These Thoughts May Disappear, la primera muestra pública de arte visual de Jack White, se exhibe en la Newport Street Gallery de Londres con el respaldo de Damien Hirst y colaboraciones de Ai Weiwei, pero la recepción crítica no tardó en llegar: The Guardian la calificó de vacía, pretenciosa y sin ideas visuales propias. El crítico de arte del diario inglés destruyó la exposición del guitarrista y cantante: “Como un niño de 12 años que visita el Tate Modern por primera vez”

La reseña, firmada por Jonathan Jones, no dejó resquicio para la benevolencia. “Como artista visual, White es un completo no-iniciado”, escribió en una nota que recorre sala por sala los trabajos del ex integrante de The White Stripes y concluye que la fama musical no se traduce en talento plástico. La exposición, con entrada libre y gratuita, reúne más de 100 obras entre esculturas de objetos encontrados, instalaciones, piezas de mobiliario y trabajos interactivos. White, quien se formó como tapicero antes de convertirse en músico, describió su práctica visual como Hardware Store Art (Arte de ferretería): una mezcla de carpintería, tapicería, ensamblaje y reapropiación de materiales industriales. La muestra permanecerá abierta hasta el 13 de septiembre de 2026.

Jonathan Jones reservó sus críticas más ácidas para las piezas que White presenta como homenaje a la tradición musical de la América profunda —el blues, el country, la herencia de artistas como Son House y Robert Johnson—. La figura del Ukulele Joe”, una estatuilla de principios del siglo XX que White reprodujo en serie con patrones de colores, le pareció al crítico “superficial y estéril”, incapaz de transmitir la profundidad que el músico le atribuye. “Estas apropiaciones coloridas y estampadas son chanzas decorativas sin más”, escribió.

La instalación central de la muestra, The Red Tree —un árbol pintado de rosa sobre un jardín artificial con tumbonas—, tampoco escapó al escrutinio. Para el crítico, la pieza repite ideas que Anselm Kiefer y Giuseppe Penone ya exploraron con mucha mayor sustancia. “¿Quién pensó en poner un árbol en una galería de arte? Kiefer y Penone, para empezar. Y ellos no lo pintarían de un color tan tonto”, consignó.

El texto apunta con especial dureza a lo que describió como una concepción confusa y pretenciosa del arte contemporáneo: readymades, instalaciones y referencias al movimiento neerlandés De Stijl —White tituló uno de sus álbumes con ese nombre y convirtió una cuadrícula al estilo Mondrian en un mueble— que, a su juicio, reflejan “el nivel intelectual de un niño de 12 años que acaba de visitar el Tate Modern por primera vez".

Las colaboraciones con figuras del mundo del arte tampoco redimieron la muestra a ojos del crítico. Ai Weiwei intervino uno de los amplificadores Fender diseñados por White en 2024 con la palabra “fuck” escrita en botones de distintos tamaños y colores. Jones la calificó de “gesto cínico y despectivo”, aunque reconoció en ella “un espíritu nihilista y peligrosamente creativo” que, a su entender, brilla por su ausencia en el resto de la exposición. Damien Hirst, por su parte, personalizó otro amplificador con una cabeza de vaca en descomposición y colaboró con White en piezas que incluyen una pelota de ping-pong en levitación permanente y una pintura giratoria —recursos que la nota calificó de “tópicos manidos” del propio Hirst.

El catálogo de la muestra, un libro de lujo con tapa dura, incluye una entrevista a Jack White realizada por el curador Hans Ulrich Obrist, lo que da la medida del respaldo institucional que recibió el proyecto. Allí el músico contó que la relación con Hirst comenzó cuando ambos se conocieron durante la apertura de la tienda Third Man Records en Londres, y que fue el artista británico quien lo animó a llevar su obra al espacio público tras ver fotografías de sus trabajos.

Para Jones, precisamente ahí reside la paradoja más llamativa de la exposición: que Hirst, quien en sus años de formación puso una cabeza de vaca en descomposición real dentro de una vitrina llena de moscas y lo llamó arte —“eso sí era rock and roll”, escribió el crítico—, haya puesto su galería al servicio de una muestra que, a su juicio, carece de pasión y propósito. “Sigue convenciendo a músicos de que son artistas”, escribió, en referencia también a Ed Sheeran, a quien Hirst habría persuadido de que era “el nuevo Pollock”.

[Fotos: Newport Street Gallery; Reuters/Jack Taylor]

El pasado sábado 30 de mayo de 2026, Metallica marcó un antes y un después en la historia de los conciertos en Berlín, Alemania. La agrupación, integrada por James Hetfield, Lars Ulrich, Kirk Hammett y Robert Trujillo, se presentó en el Olympiastadion y reunió a 94.000 asistentes, cifra que estableció un récord absoluto para el recinto. El récord previo correspondía a U2, que en 2009 congregó a 90.000 personas, según la información confirmada por l revista digital estadounidense Loudwire y reflejada en las redes oficiales de Metallica.

En sus cuentas de Instagram, Metallica agradeció el apoyo de los fans y celebró la marca alcanzada en la capital alemana. Según medios especializados, reportaron que el récord de U2 permaneció imbatible durante 17 años, hasta que la gira M72 lo superó en esta presentación.

Por su parte, la revista especializada en la industria musical Billboard y otros medios internacionales también informaron sobre la magnitud del evento, destacando la relevancia del logro para la historia de los espectáculos en vivo en Alemania. El registro del Olympiastadion se suma a una serie de hitos recientes obtenidos por la banda.

La gira M72 y una seguidilla de marcas históricas

En el marco de la gira M72, Metallica impuso nuevos parámetros de convocatoria en diferentes escenarios europeos. De acuerdo con Loudwire, en mayo la banda reunió a 90.000 personas en el Estadio Olímpico de Atenas, lo que fijó otra marca relevante para el grupo en Grecia.

En 2023, la agrupación había registrado un récord previo en el SoFi Stadium de Los Ángeles, donde reunió a 78.000 fanáticos en dos presentaciones consecutivas, también durante la gira M72. Estas cifras resaltan la vigencia de Metallica en la escena internacional.

Mensajes de agradecimiento y expectativa

Tras el éxito de Berlín, la exitosa banda de rock difundió una carta a sus seguidores en la que manifestó su sorpresa y agradecimiento por el respaldo recibido. “Estamos completamente asombrados y no podemos creer que vayamos a tener 24 noches increíbles sobre el escenario, todo gracias a ustedes y a una semana de récord”, expresó el grupo según sus publicaciones en redes sociales.

La banda también informó que, por el momento, no sumará nuevas fechas a la gira. “Por ahora, no añadiremos más conciertos, pero esperamos poder ofrecer más en el futuro”, señalaron en su mensaje a los fans, anticipando los shows en Las Vegas y el cierre de la temporada en Estados Unidos.

Próximos destinos y cierre del tour

El calendario internacional de Metallica mantiene su intensidad durante las próximas semanas. A lo largo de junio, la banda ofrecerá conciertos en ciudades clave de Italia, Hungría, Irlanda, Escocia y Gales, donde se espera un aforo masivo en cada presentación. Estas fechas forman parte del tramo europeo de la gira M72.

La etapa europea concluirá el 5 de julio en Londres, con un espectáculo programado en el Estadio de Wembley. Según la agenda oficial de la banda, este cierre en la capital británica podría repetir el impacto de convocatoria registrado en Berlín, consolidando a Metallica como uno de los grupos con mayor poder de convocatoria en la actualidad.

Tras su paso por Europa, la banda se trasladará a Estados Unidos para encabezar una serie de presentaciones especiales en el Sphere de Las Vegas. El espectáculo, titulado “Life Burns Faster”, contempla 12 funciones entre octubre y noviembre de 2026. La elección del Sphere, un recinto de última generación con tecnología de proyección envolvente y capacidad para más de 18.000 espectadores, refuerza la apuesta de la banda por ofrecer una experiencia innovadora y de alto impacto visual.

Para finalizar el año, tiene previstas dos fechas en el estado de Connecticut, antes de iniciar en 2027 una nueva tanda de conciertos en el Sphere de Las Vegas. La banda confirmó 12 shows adicionales entre enero y marzo del próximo año, lo que anticipa una agenda cargada y una demanda sostenida por parte del público estadounidense.

La seguidilla de récords alcanzada por Metallica destaca su capacidad de convocatoria tras más de cuatro décadas de trayectoria. Los logros recientes reafirman la posición del grupo como uno de los referentes indiscutidos del rock y el heavy metal a nivel mundial.

En una conversación para Apple Music, el músico británico repasó el origen de varias canciones, evocó momentos compartidos con John Lennon y explicó cómo la memoria y las experiencias de su juventud influyeron en el proyecto.

También reflexionó sobre su forma de trabajar y la necesidad de mantener vivo el entusiasmo creativo. “Odio cuando hacer música empieza a sentirse como un trabajo”, afirmó, al referirse a la filosofía que sigue guiando su carrera.

Uno de los momentos más destacados del disco es “Home to Us”, tema que marca el primer dueto vocal en estudio entre McCartney y Ringo Starr. Según contó el ex Beatle, la colaboración surgió de manera espontánea y estuvo acompañada por una confusión amistosa sobre quién debía interpretar una de las partes de la canción.

El álbum también recuperó “Lost Horizon”, una composición que permaneció olvidada durante años hasta que un técnico de Abbey Road encontró por casualidad un casete con la grabación completa. Ese descubrimiento permitió rescatar una pieza que McCartney creía perdida.

El artista señaló que gran parte del trabajo creativo estuvo impulsado por fotografías y recuerdos familiares. Entre esas vivencias del pasado aparecieron también escenas de su infancia en Liverpool. McCartney recordó las excursiones a Dungeon Lane y las visitas al entonces Liverpool Speke Airport para observar los aviones.

“Solíamos ir al aeropuerto sólo para ver los aviones. En esos días era Liverpool Speke Airport”, comentó, subrayando el carácter autobiográfico que atraviesa buena parte de las canciones del álbum.

Home to Us: el dueto entre McCartney y Ringo Starr

La colaboración entre McCartney y Starr en “Home to Us” partió de una anécdota sencilla y cercana. El tema evoca la infancia de ambos: Paul en Speke y Ringo en The Dingle, barrios humildes y llenos de vida familiar.

Según relató McCartney, hubo una confusión durante la grabación de la canción. Él había dejado registrada una voz provisional para que Starr interpretara la parte principal, pero el baterista entendió que debía limitarse a los coros. “Le llamé: ‘¿No querías cantar toda la canción?’. Él me dijo: ‘No pensé que quisieras que la cantara toda’”, recordó entre risas en diálogo con Zane Lowe.

Resuelto el malentendido, ambos compartieron la interpretación de la letra: “De repente, después de todo este tiempo, tenemos una canción juntos. Ahora tenemos el primer dueto de Paul y Ringo”, celebró el artista británico.

Lennon y el legado: memoria, respeto y el aeropuerto de Liverpool

Uno de los momentos más emotivos en la charla con Apple Music fue el recuerdo de Lennon y la huella que dejó en su música. McCartney recordaba la pregunta que le hizo una vez Lennon: “‘¿Cómo van a recordarme cuando muera?’ Le respondí: ‘Tranquilo, ya has hecho suficiente para ser recordado con mucho respeto y amor’”.

Acerca del aeropuerto de Liverpool que lleva el nombre de Lennon, afirmó: “Creo que le hubiera encantado, porque solíamos ir allí solo a ver aviones. Era un gran placer”. También recordó la resiliencia de Ringo, forjada en su niñez, y la sensibilidad de Lennon, marcada por experiencias difíciles en la infancia.

La historia de Lost Horizon: la canción perdida y hallada

El nuevo álbum de McCartney incluye la recuperación de una pieza olvidada. “Eddie Klein, un técnico de Abbey Road, simplemente la vio y la escuchó. Me dijo: ‘¿Recuerdas Lost Horizon?’ Le dije: ‘¿Qué? No’”, narró McCartney en el podcast de Apple Music.

Esta canción, completa en letra y melodía, había quedado almacenada en un casete y había sido dejada de lado durante años. “Eddie pensó que era buena y, si él lo decía, yo le creía. Me puso muy contento”, añadió sobre el hallazgo de “Lost Horizon”, que ahora conecta sus primeras etapas creativas con el presente.

Cómo McCartney maneja la fama y la privacidad

A los 83 años, McCartney reflexionó sobre el peso de la celebridad. Con el paso del tiempo, aprendió a establecer límites claros: “Ahora, cuando alguien quiere una foto, digo: ‘Lo siento, no me hago fotos. Prefiero conversar’”, explicó.

La anécdota del mono de Saint-Tropez se transformó en una metáfora de identidad: “Le cuento a la gente, en Saint-Tropez hay un hombre con un mono y puedes hacerte una foto con el animal. El momento en que permito que me fotografíen así, siento que me convierto en ese mono”, comentó, defendiendo la necesidad de que lo reconozcan como persona antes que como celebridad.

Influencias actuales: África, Fela Kuti y la curiosidad musical

Sobre influencias recientes, confesó su renovada admiración por la música africana. “Últimamente me he sumergido en mucha música africana, de Senegal y estilos parecidos. Es fascinante: ahí es donde surgió el blues”, explicó.

Narró su experiencia presenciando a Fela Kuti en el African Shrine, episodio que calificó como inolvidable: “El grupo comenzó a tocar un riff que todavía puedo recordar, y simplemente rompí en llanto”.

Esta apertura a nuevos sonidos refuerza su postura de “siempre estar escuchando música” y de buscar inspiración permanente en la diversidad artística.

Durante su presentación, la cantante detuvo el show para pedir al auditorio un minuto de silencio. El pedido tenía un destinatario claro: honrar la memoria de Agostina, cuyo femicidio en Córdoba generó una conmoción nacional. El silencio en la sala fue absoluto, y la emoción colectiva se hizo palpable en el ambiente.

El homenaje cobró mayor profundidad cuando Cantilo, con la voz quebrada por la tragedia, interpretó "Canción Sin miedo". La elección de este tema no fue casual: su letra y su contexto la convirtieron en un símbolo de la lucha contra la violencia de género. La interpretación de la artista, cargada de sensibilidad, reforzó el mensaje de repudio ante hechos como el ocurrido con Agostina.

La secuencia del homenaje fue clara y rotunda: primero el minuto de silencio, solicitado por Cantilo con respeto y empatía, luego la música como canal para expresar el dolor y la indignación colectivos. El público acompañó todo el momento en un clima de profundo respeto, alineándose con el pedido de justicia y el reclamo de que estos crímenes no se repitan y se haga justicia.

El caso de Agostina Vega había sacudido a la opinión pública pocos días antes. La niña, de 14 años, fue encontrada sin vida en Córdoba tras una semana de búsqueda intensa. La noticia generó un fuerte impacto en el ámbito nacional y se convirtió en tema central de debate sobre la situación de violencia de género en la Argentina.

La presencia del tema en la agenda social se evidenció en la reacción espontánea del público sanjuanino al gesto de la artista. El minuto de silencio y la posterior interpretación de la canción conectaron a la audiencia con la urgencia de reflexionar sobre estos crímenes y su dimensión colectiva.

Durante el homenaje, Fabi Cantilo fue más allá de la música: “Ni una más, ni una menos”, expresó desde el escenario, planteando con claridad su postura frente a la violencia contra las mujeres. La frase resonó en el teatro y fue recibida con aplausos, en una suerte de comunión entre artista y espectadores.

Este tipo de intervenciones en espectáculos públicos refuerzan el rol de los artistas como voceros de demandas sociales. En este caso, la figura de Fabiana y su decisión de utilizar el espacio escénico para visibilizar el femicidio de Agostina Vega dotaron al show de un sentido colectivo. La reacción del público fue inmediata y masiva: el respeto absoluto y la emoción compartida marcaron el momento.

El homenaje realizado por la cantante no solo fue un momento destacado del show, sino que también puso de manifiesto la disposición del público para acompañar y sostener el reclamo social. El público sanjuanino asumió el homenaje como propio, participando activamente y acompañando con aplausos la frase de Cantilo: “Ni una más, ni una menos”. La reacción fue inmediata y sincera, lo que refleja el impacto que el caso de Agostina y la violencia de género generan en la sociedad.

Este momento se consolidó como uno de los instantes más impactantes de la noche, demostrando que el arte y la música pueden ser vehículos poderosos para el duelo, la denuncia y la construcción de memoria colectiva.

En el universo del rock argentino, los recuerdos no solo se atesoran: se convierten en parte del mito. Hay objetos, frases y gestos que atraviesan el tiempo y resumen décadas de música, noches interminables y encuentros irrepetibles. En las últimas horas, Juanse volvió a sumergirse en ese archivo único y personal y sorprendió a sus seguidores al compartir dos tesoros: un mensaje manuscrito y un dibujo realizados por Charly García, ambos surgidos de uno de los momentos más intensos de su carrera y su vida. La publicación fue mucho más que una simple anécdota: fue la puerta de entrada a una amistad marcada por pactos, excesos y una sensibilidad artística inigualable.

“Encontré entre muchos recuerdos que, buscando fotos de Robertito, apareció como desde un envío, lo que escribió Charly el día del pacto de sangre. También encontré un dibujo que hizo sin levantar un ápice el fibrón de la hoja, como con toda continuidad de una, algo notable que en común tienen Luis Alberto (Spinetta) y él, su destreza en el dibujo y el diseño. A veces hay que tirar las cosas, a veces, no”, compartió Juanse en su cuenta de Instagram, junto a las imágenes del mensaje y el dibujo, donde se podía ver con atención la dedicatoria de “para Juanse, mi hermano de sangre... ¡Siempre adelante!“. La ilustración mostró a tres ratones, uno de ellos agarrando un trozo de queso al que Charly llamó “pedazo”, y otro mirando hacia un público imaginario.

No es la primera vez que Juanse destaca el vínculo que lo une a García. A lo largo de los años, el líder de Los Ratones Paranoicos ha contado en distintas entrevistas cómo la amistad y la complicidad con Charly dejaron una huella imborrable en su vida. Una de las anécdotas más recordadas la relató en plena cuarentena, durante un Instagram Live con Andrés Ciro: el episodio en el que Charly, después de pasar semanas sin dormir, decidió comprarse toda la vidriera de un local de electrodomésticos.

En aquel vivo, el músico describió con lujo de detalles uno de los episodios más surrealistas que le tocó vivir junto al ícono del rock nacional. “Hacía tres semanas que estábamos juntos. Estuvimos tres semanas sin dormir. Los últimos cuatro días de esas tres semanas estábamos él y yo mirándonos de frente en el living de su casa, sin hablarnos. En un momento yo hice un gran esfuerzo, me moví, me paré y le dije: ‘Me voy a casa, me baño, me cambio y vuelvo’...”, recordó Juanse.

Con su conocido talento para la imitación, Juanse recreó la voz de Charly. “Bueno dale, pero no tardes...”. Luego, relató cómo se fue del departamento de García en Coronel Díaz y Santa Fe hasta su casa en Belgrano. “Parecía una estatua del Museo de Bellas Artes que quería tomarse un taxi. Entré parado al taxi. Llegué a casa, me tomé un lexotanil. Me bañé como pude y me recuperé. Me tomé medio Bourbon, me cambié y estaba perfecto. Me sequé el pelo y me volví. Te puedo asegurar que no habían pasado más de dos horas, como mucho tres”, contó, mientras Ciro estallaba de risa.

El regreso estuvo lejos de ser tranquilo. Al acercarse al edificio de Charly, Juanse encontró el tránsito cortado y a varias personas con mamelucos grises cruzando la calle. “Dije: ¿qué pasó? ¡Se tiró por el balcón!”, pensó, temiendo lo peor. Al preguntar a uno de ellos, obtuvo una respuesta inesperada: “Estamos yendo a lo de Charly”.

Al llegar al departamento, la escena era digna de una película: el living estaba repleto de cajas con cámaras, radios, televisores y auriculares. Charly le explicó todo con su habitual desparpajo: “Me crucé y le dije ‘quiero toda la vidriera’. El tipo no me quería creer. Y fui y me la compré, man. ¿Qué? Me compré la vidriera, man”.

Guardar o soltar los recuerdos es una decisión personal. Para Juanse, hay objetos y gestos que no se tiran: se conservan como testimonio de una época y de una amistad que marcó al rock argentino. El pacto de sangre, el arte improvisado y las historias que desafían el paso del tiempo siguen vivos, cada vez que alguien decide volver a mirar una foto, leer una carta o mostrar un dibujo.

El tema “Twist And Shout” no surgió como una composición original del grupo de Liverpool. Antes de su versión, la canción había sido grabada por The Top Notes en 1961 y, al año siguiente, por The Isley Brothers. De acuerdo con el artículo, la interpretación de estos últimos inspiró a The Beatles a imprimirle su propio estilo, apostando por una versión más intensa y enérgica.

La sesión en EMI y la voz de Lennon

Los integrantes de The Beatles ya presentaban signos de agotamiento físico debido a la extenuante jornada en los estudios de EMI. Según relató el ingeniero de sonido Norman Smith en declaraciones recogidas por Ultimate Classic Rock, “la voz de John estaba casi completamente perdida”.

En ese sentido, el grupo decidió que Lennon asumiera la voz principal, pese a las dificultades, y grabaron dos tomas: se optó por la primera.

Smith detalló que Lennon recurrió a pastillas para la garganta y gárgaras de leche antes de encarar la grabación. “John se tomó un par de pastillas, hizo gárgaras con leche y nos fuimos”, señaló el ingeniero. Además, la sesión transcurrió en un ambiente de tensión, ya que los músicos sabían que solo contaban con una oportunidad para lograr el resultado esperado.

Con el lanzamiento del álbum Please Please Me, “Twist And Shout” se convirtió en uno de los puntos más destacados del repertorio de The Beatles. De acuerdo con Ultimate Classic Rock, la canción alcanzó el número uno en las listas del Reino Unido y Estados Unidos en 1964.

The Beatles encabezaron 16 semanas consecutivas las listas con este tema musical, ocupando el primer puesto durante una semana, entre otros éxitos como “I Want To Hold Your Hand” y “She Loves You”.

La repercusión en la carrera del grupo

El tema consolidó la presencia internacional de la banda y amplió su éxito en el mercado estadounidense, donde “Twist And Shout” formó parte de Introducing... The Beatles, el primer disco editado en ese país.

Según medios especializados la interpretación de Lennon quedó registrada como una de las actuaciones más intensas de su carrera. En aquella oportunidad cantó sin camisa debido al malestar, ya que su garganta no resistía más tiempo en el estudio.

En años posteriores, la canción se mantuvo su vigencia dentro del repertorio de The Beatles. En 1986, la canción volvió a entrar en el top 25 de las listas estadounidenses tras su inclusión en la película Ferris Bueller’s Day Off. Este regreso confirmó el alcance intergeneracional de la versión grabada en 1963.

Lenny Kravitz atraviesa una etapa de intensa actividad profesional. En una entrevista con Esquire, el músico habló sobre los principios que guían su vida y su carrera, mientras se prepara para una gira por Europa y trabaja en un nuevo álbum, del que ha compartido adelantos en redes sociales, aunque todavía no reveló su título ni una fecha de lanzamiento.

Durante la entrevista, destacó la importancia de mantener la calma, la disciplina y la autenticidad tanto en su proceso creativo como en su rutina diaria. Explicó que procura conservar la mente despejada y el equilibrio personal ante los desafíos profesionales, una filosofía que combina el rigor artístico, el cuidado de la salud y las enseñanzas familiares que marcaron su trayectoria.

Al detallar su preparación antes de salir al escenario afirmó que “mi ritmo cardíaco es bajo y mi mente está despejada”. El artista considera que la música es solo el punto de partida de una conexión más profunda: “La música es el catalizador, pero conectar y unir a todos, sentir la humanidad y la unidad, eso es lo importante para mí“.

Kravitz señaló que alcanzar ese equilibrio emocional fue un proceso gradual. Recordó que en su juventud se veía más afectado por los ambientes cargados de tensión, pero que con los años aprendió a establecer límites y a no permitir que las energías negativas influyeran en su bienestar.

También destacó una enseñanza de su abuelo sobre la importancia de fortalecer los aspectos menos visibles de la vida, comparándolos con los cimientos de una casa, cuya solidez determina la estabilidad de toda la estructura.

La disciplina y el trabajo invisible en la vida de Lenny Kravitz

“La disciplina, en la música y también al cuidar mi cuerpo, es esencial”, subrayó el músico a Esquire. Aseguró que aplica la misma disciplina a todas las áreas de su vida. Explicó que mantiene un enfoque constante y comprometido tanto en sus proyectos creativos, como la música, la arquitectura o la fotografía, como en el cuidado de su salud y bienestar.

Insistió en que el auténtico fundamento de cualquier logro reside en el esfuerzo que pasa inadvertido. Para Kravitz, ese trabajo oculto sostiene sus resultados tanto en el escenario como fuera de él.

El estilo como expresión personal

Al abordar la relación entre estilo y música, el intérprete se refirió a quienes fueron sus referentes: “Las personas que admiraba de joven tenían un gran estilo y una gran música, ya fueran los Jackson Five, Jimi Hendrix, Miles Davis o Led Zeppelin”, relató. Considera que la elegancia acompañó siempre a la música que lo marcó.

Respecto de su imagen personal, sostuvo que se trata de una expresión natural de su identidad. Explicó que su estilo surge de manera intuitiva y refleja una combinación de elegancia, influencias del rock and roll y elementos vinculados al soul.

Bienestar personal y fuentes de inspiración globales

El bienestar y la diversidad de entornos son parte esencial de su día a día. “Mi madre era bahameña, y el océano es mi lugar favorito; es donde encuentro la inspiración y creo mi música”, reveló.

Por otro lado, París le ofrece estímulos urbanos relacionados con la moda, la arquitectura y la gastronomía: “Me da lo que necesito cuando estoy allí: moda, experiencias culinarias, la distribución y el diseño”.

En Brasil encuentra un espacio para desconectarse por completo. En su granja, ubicada en una zona montañosa, dedica tiempo a actividades rurales como montar a caballo, cuidar ganado y cultivar frutas y verduras.

Cuando busca inspiración fuera de los lugares donde reside habitualmente, destacó a la ciudad de Ciudad de México como su destino preferido, debido a su oferta artística, arquitectónica y gastronómica. Incluso señaló que actualmente es su ciudad favorita, junto con París, donde vive gran parte del año.

En plena cuenta atrás para su gira europea y el estreno de su nuevo álbum, Kravitz mantiene la convicción de que cada lugar y experiencia enriquecen y transforman su obra.

El disco se publicó en el Reino Unido el 26 de mayo de 1967 —aunque la distribución completa se consolidó alrededor del 1 de junio— y en Estados Unidos el 2 de junio. En su primera semana se vendieron más de 250 mil copias solo en el mercado británico, cifra que superó el medio millón antes de que terminara junio. A escala global, el álbum acumuló alrededor de 32 millones de copias vendidas, de las cuales unos 11 millones corresponden a EE. UU., donde permaneció 15 semanas consecutivas en el número 1 del ranking Billboard. En el Reino Unido se mantuvo 23 semanas seguidas en lo más alto de la lista, con 148 semanas totales en el chart.

La obra fundamental de Los Beatles

Sgt. Pepper... llegó en un momento de inflexión radical. Tras su último concierto en Candlestick Park, San Francisco, en agosto de 1966, Los Beatles habían decidido convertirse estrictamente en una banda de estudio, agotados por las giras y el clima de histeria que rodeaba cada aparición pública. Ese retiro liberó una energía creativa sin precedentes y transformó Abbey Road —entonces conocido como EMI Studios— en un laboratorio artístico donde la banda junto al productor George Martin y el ingeniero Geoff Emerick exprimieron al límite las posibilidades de las grabadoras de cuatro pistas disponibles.

El resultado fue un disco que amalgamó psicodelia, música hindú, music hall, arreglos sinfónicos y técnicas de estudio inéditas en el rock. Dedicó más de 330 horas de sesiones —más de 25 horas por canción, muy por encima de cualquier trabajo anterior del grupo— entre el 6 de diciembre de 1966 y el 21 de abril de 1967. Ese esfuerzo consolidó el LP como unidad artística central en la industria discográfica y demostró que el formato podía abordarse con la seriedad de una sinfonía. El diálogo con Pet Sounds de The Beach Boys, publicado en 1966, fue explícito: la ambición de Brian Wilson actuó como impulso directo para la apuesta de Los Beatles por un álbum concebido como ciclo coherente.

Musicólogos como James MacFarlane y Allan Moore han señalado que la cohesión del disco no reside en un hilo narrativo estricto —el propio John Lennon lo describió años después como “una colección de canciones sueltas”— sino en patrones armónicos comunes, relaciones de tonalidad entre pistas y motivos textuales recurrentes. Más que el primer álbum conceptual en sentido estricto, Sgt. Pepper... fue uno de los primeros LP de rock en los que portada, letras impresas, secuenciación y contexto de publicación se concibieron como una obra total.

Impacto cultural de ‘Sgt. Pepper’

La publicación del álbum coincidió con la plena explosión de la cultura psicodélica en Reino Unido y Estados Unidos. El barrio de Haight-Ashbury en San Francisco era el epicentro de un movimiento que buscaba en la música no solo entretenimiento, sino revelación estética y espiritual, y el nuevo disco de Los Beatles se integró de inmediato en ese clima. Numerosos cronistas lo presentaron como la banda de sonido definitiva de aquel verano, capaz de condensar “la fantasía, el amor y las drogas de 1967”.

La circunspecta BBC, por ejemplo, respondió con restricciones. Prohibió la difusión de “A Day in the Life” al interpretar la frase “I’d love to turn you on” (“Me encantaría excitarte”) como una apología del consumo de drogas, y colocó bajo sospecha “Lucy in the Sky with Diamonds” —cuyas iniciales coinciden con LSD— y “Fixing a Hole”. Paul McCartney explicó en entrevistas que esa canción hablaba de proteger el espacio interior de la conciencia y que “A Day in the Life” se inspiraba en noticias de periódico, pero las autoridades mantuvieron sus reservas. Esas restricciones amplificaron el halo de obra “peligrosa” y reforzaron su vínculo con el imaginario contracultural de la época.

El éxito de Sgt. Pepper... aceleró la transición del rock desde la lógica del single hacia la del álbum como formato dominante, transformando la economía de la industria discográfica y legitimando presupuestos de producción y tiempos de grabación mucho más amplios. Grupos posteriores como Pink Floyd o Queen, y productores como Brian Eno, señalaron la influencia directa de las técnicas inauguradas en Abbey Road en 1967.

La tapa: un collage manifiesto

La cubierta del álbum, ideada por McCartney y realizada por el artista pop Peter Blake y su entonces esposa Jann Haworth, elevó el arte de tapa al rango de manifiesto pop. Ganó el Grammy a la mejor portada de álbum en 1968 y fue la primera de rock en incluir las letras completas de todas las canciones impresas en el reverso, un gesto que subrayaba la ambición literaria del proyecto.

El proceso de montaje consistió en imprimir en gran formato fotografías de más de cincuenta personalidades, pegarlas sobre cartón y disponerlas como “público” en varias filas, junto a figuras de cera prestadas por el museo Madame Tussauds —entre ellas los propios Beatles en su imagen anterior, de traje y flequillo— y elementos como flores reales, instrumentos musicales y un telón amarillo al fondo. La sesión fotográfica definitiva, a cargo de Michael Cooper, se realizó el 30 de marzo de 1967 y tuvo una duración de unas tres horas. Costó unas 3.000 libras, cuando la mayoría de las tapas de LP costaban alrededor de 50.

La selección de personajes fue fruto de un proceso colaborativo: Peter Blake pidió a cada beatle que elaborara una lista de sus héroes y referentes, y él mismo añadió otros nombres. El resultado fue un mosaico de la cultura del siglo XX que privilegiaba figuras de la literatura, el cine, la música, el esoterismo y la política. En la fila superior se reconocen al gurú hindú Sri Yukteswar Giri, al ocultista Aleister Crowley, a la actriz Mae West, al compositor Karlheinz Stockhausen y al escritor Edgar Allan Poe. En filas intermedias aparecen Lewis Carroll —cuyas imágenes surrealistas fueron cruciales para Lennon en “Lucy in the Sky with Diamonds”—, Aldous Huxley, Dylan Thomas, Marlon Brando, Marilyn Monroe y Karl Marx, entre otros.

La pasión de George Harrison por la espiritualidad india se refleja en la inclusión de varios gurús del Kriya Yoga: Sri Mahavatar Babaji, Paramahansa Yogananda y Sri Lahiri Mahasaya. El antiguo bajista Stuart Sutcliffe, fallecido en 1962, aparece en la fila frontal como recordatorio de los orígenes de la banda. Bob Dylan ocupa un lugar visible, símbolo de la influencia mutua entre ambos artistas.

Las ausencias resultan igual de elocuentes. EMI vetó la inclusión de Jesús, Gandhi y Hitler, propuestos por Lennon, por miedo a la controversia. El actor estadounidense Leo Gorcey fue eliminado porque pidió honorarios. Gandhi fue retirado por temor a ofender a la India. Sobre Elvis Presley, McCartney recordaría que el grupo consideró que era “demasiado importante y demasiado por encima del resto como para siquiera mencionarlo”. La compleja relación -desconfianza mutua, competencia de egos- entre los cuatro ingleses y el rey del rock and roll, terminó por decidir esa notoria ausencia.

Sgt. Pepper canción por canción

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band abre el LP con el sonido de una orquesta afinando y un murmullo de público. La canción homónima es puro rock, adornada con metales y una guitarra fuertemente distorsionada que presenta, desde la perspectiva de un maestro de ceremonias, a la banda ficticia. La grabación directa del bajo de McCartney le otorga un timbre redondo que destaca en la mezcla y establece uno de los rasgos sonoros del álbum: el diálogo entre nostalgias victorianas y modernidad pop.

“With a Little Help from My Friends” introduce a Billy Shears, encarnado vocalmente por Ringo Starr, en un intercambio entre el solista y un coro de amigos sobre la soledad, el amor y la confianza. El estribillo “I get by with a little help from my friends” (Me las arreglo con una pequeña ayuda de mis amigos) funciona como declaración de camaradería, aunque líneas como “getting high” y “turning on” alimentaron lecturas vinculadas al consumo de drogas. La melodía, construida para acomodar la tesitura de Starr, y los coros de Lennon y McCartney crean el efecto de una conversación íntima.

“Lucy in the Sky with Diamonds”, escrita principalmente por Lennon, destaca por su imaginería onírica —“flores de celofán”, “taxis de papel de periódico”, “ojos de caleidoscopio”— inspirada en un dibujo de su hijo Julian y en pasajes de Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carroll. La coincidencia de las iniciales del título con las siglas LSD generó sospecha desde el principio; la BBC restringió su difusión. McCartney admitió en 2004 que la canción trata de una alucinación.

“Getting Better”, compuesta principalmente por McCartney e inspirada en la frase favorita del batería Jimmie Nicol, celebra la superación personal. Lennon aportó el reverso oscuro: la línea “I used to be cruel to my woman, I beat her” (Solía ser cruel con mi mujer, la golpeaba) introdujo una confesión de violencia doméstica poco usual en el pop de la época, generando una dialéctica entre culpa y redención que refleja bien la dinámica creativa entre ambos.

“Fixing a Hole” usa la metáfora de reparar un techo para hablar de la necesidad de proteger el espacio interior de la conciencia frente a las intromisiones externas. McCartney admitió en 1997 que la compuso en una época en que fumaba mucha marihuana y que era “otra oda al cannabis”, aunque negó las lecturas que la asociaban con la heroína. Musicalmente muestra influencias del music hall y de la música de los años veinte.

“She’s Leaving Home” es una belleza minimal: prescinde por completo de guitarras, bajo y batería para apoyarse en un arreglo de cuerdas y arpa que configura una pequeña pieza de cámara pop. Inspirada en una noticia del diario Daily Mail sobre una adolescente desaparecida, la letra alterna la perspectiva del narrador con las voces de los padres, humanizando a ambas partes del conflicto generacional. La joven real, Melanie Coe, reconoció años después la precisión con que la canción capturaba sus sentimientos.

“Being for the Benefit of Mr. Kite!” nació de un cartel de circo del siglo XIX que John Lennon compró en una tienda de antigüedades. La letra traslada casi literalmente el texto del anuncio, y la producción recurrió a collages de cintas de órgano cortadas, pegadas y mezcladas de forma aleatoria a distintas velocidades para crear un torbellino de sonidos de feria. La pista se convirtió en ejemplo clásico del uso de la cinta magnética no solo como soporte, sino como material de composición.

“Within You Without You”, única composición de George Harrison en el álbum, fue grabada con músicos indios y cuerdas occidentales sin participación de los otros tres Beatles. La letra, inspirada en conversaciones filosóficas durante una cena en casa del artista Klaus Voormann, aborda la ilusión del ego y la unidad de todas las cosas. El crítico británico Ian MacDonald la describió como la desviación más distante del sonido beatle dentro de su discografía; el escritor e historiador estadounidense Kenneth Womack la considera el “alma ética” del LP. Harrison añadió risas superpuestas al final, en un gesto de ambigüedad entre el distanciamiento irónico y la acogida del mensaje espiritual.

“When I’m Sixty-Four” tiene la melodía más antigua del álbum: Paul McCartney la compuso a los catorce años, alrededor de 1956, en la casa familiar de 20 Forthlin Road, y la interpretaba en los primeros días del grupo en The Cavern. En 1967 añadió letras con detalles domésticos y familiares. Con arreglos de clarinetes y piano de salón inspirados en el music hall que escuchaba a través de su padre, la pieza funciona como contraste con la experimentación psicodélica del resto del disco.

“Lovely Rita” nació de un encuentro de McCartney con una agente de tráfico que lo multó frente a los estudios de Abbey Road. La letra describe a la protagonista con erotismo juguetón e inserta la figura de la funcionaria en el universo romántico pop. En la lógica del álbum, amplía el abanico de personajes femeninos y refleja la tendencia de McCartney a elevar escenas mundanas a canción.

“Good Morning Good Morning”, escrita por Lennon, toma su título de un jingle publicitario de cereales para construir una crítica soterrada a la rutina de la vida diaria, con escenas de aburrimiento y conversaciones vacías. La música es agresiva y fragmentada: saxofones estridentes, guitarras incisivas y una coda con sonidos de animales —gallinas, gatos, perros, caballos, leones— cuyo final se funde, por coincidencia sonora deliberadamente explotada, con el ataque de guitarra de la pista siguiente.

“Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)”, sugerida por el asistente Neil Aspinall, retoma el motivo de apertura en una versión más acelerada y cruda, con menos metales y más guitarra y batería. Despide al público de la banda ficticia y deja el terreno preparado para la entrada de “A Day in the Life” sin pausa.

“A Day in the Life”, la obra maestra dentro de una obra maestra, cierra el álbum con una composición conjunta de Lennon y McCartney inspirada en las noticias: la muerte en accidente del aristócrata Tara Browne y un informe municipal que contabilizaba 4.000 baches en las carreteras de Blackburn, Lancashire. Es una canción de compleja e inspirada arquitectura. La sección central, aportada por McCartney, describe un despertar apresurado y la carrera para tomar un autobús, y contrasta con la gravedad contemplativa de las partes de Lennon. Los dos pasajes orquestales in crescendo —en los que Martin instruyó a unos cuarenta músicos para que ascendieran libremente desde la nota más grave de sus instrumentos hasta el registro más agudo— culminan en un acorde final de piano sostenido durante más de cuarenta segundos, grabado por varios pianistas a la vez y reforzado mediante la subida progresiva del volumen en la consola para capturar hasta el último suspiro de resonancia. En la edición británica original, especificó un posterior informe técnico, ese acorde va seguido de un tono de 15 kHz —supuestamente audible solo por los perros— y un surco oculto con un collage de voces balbuceantes que se reproducía en bucle si el tocadiscos no levantaba automáticamente la aguja. Un final grandioso que todavía impacta, casi 60 años después de haber sido creado. Y lo será por siglos.

[Fotos: Apple Corp.]

La exhibición de objetos y documentos inéditos de Jimi Hendrix abrirá el 19 de junio en 23 Brook Street, en Londres, y pondrá en primer plano una faceta poco visible de su vida: la rutina doméstica del único lugar que, según la curadora Claire Davies al medio The Guardian, el músico llegó a considerar verdaderamente su hogar. Entre las piezas que se mostrarán por primera vez figuran recibos de comida, cartas, permisos de trabajo, tickets de tintorería y facturas telefónicas por decenas de miles de libras. El conjunto incluye también documentos corporativos de Anim Records, la empresa que administraba a The Jimi Hendrix Experience y a otros artistas.

Uno de los recibos corresponde a pedidos realizados durante un par de meses al restaurante Mr Love, ubicado en la planta baja del edificio donde Hendrix vivía en el barrio de Mayfair. Hendrix solía pedir filetes y hamburguesas desde su departamento, mientras en el restaurante se reunían celebridades en mesas con forma de corazón atendidas por camareras con pantalones cortos. El músico prefería el menú estadounidense de Mr Love y llegó a decir que el problema de la comida inglesa era que “te sirven puré de papas con casi todo, y no voy a decir nada bueno sobre eso”.

La muestra se realizará en la Handel Hendrix House, el museo instalado en las casas reales de dos músicos que vivieron en Brook Street: George Frideric Handel en el número 25 entre 1723 y 1759, y Hendrix en el número 23 entre 1968 y 1969. El espacio que ocupaba Mr Love es hoy una tienda de moda, de acuerdo con el diario británico. La institución adquirió muchas de las piezas de la exposición con apoyo del National Lottery Heritage Fund. El departamento que Hendrix compartió con su novia Kathy Etchingham fue reconstruido y allí, según el mismo medio, el guitarrista recibió y colaboró con figuras centrales del rock británico de los años 60.

Davies, curadora de la muestra y directora adjunta de la Handel Hendrix House, dijo a The Guardian que los recibos y otros papeles “cuentan una historia muy importante sobre este pequeño momento doméstico en la vida de Hendrix”. Añadió que, por su infancia difícil y por una carrera de cuatro años basada en Londres en la que solía alojarse en hoteles o en casas ajenas, el piso de Brook Street fue “el único lugar al que llamó hogar y el único lugar donde su nombre figuraba en las facturas del alquiler”.

La curadora sostuvo que ese archivo ofrece una imagen de cómo era su vida detrás de la figura de estrella de rock y también de cómo podría haber sido si hubiera vivido más tiempo y se hubiera asentado. Hendrix murió en 1970 a los 27 años tras una aparente sobredosis, recordó el diario británico.

Una parte central del material procede de los archivos de Anim Records y de la labor de Patricia “Trixie” Sullivan, asistente personal del mánager Mike Jeffery. Entre 1966 y 1973, Sullivan reservó estudios de grabación, organizó itinerarios, negoció contratos y acompañó a los músicos en giras por todo el mundo, de acuerdo con el medio. Tras la muerte de Jeffery en 1973, Sullivan recogió materiales que los agentes judiciales habían dejado en su oficina de Londres porque prestaron más atención al mobiliario. Guardó todo en cuatro baúles de plástico debajo de su cama en España y, cuando regresó al Reino Unido porque su salud empeoraba, su nieto Jonathan Garcia Sullivan los almacenó en un cobertizo en Dorset, según el mismo medio.

Ese archivo conserva contratos, calendarios, detalles de vuelos, registros de actuaciones históricas y facturas de equipos musicales vinculados al sonido de Hendrix. También incluye los diarios de Sullivan con anotaciones de la gira alemana de enero de 1969. Sobre el concierto de Münster, Sullivan escribió: “Un solo show: gran público, casi hubo disturbios, rompieron muchas sillas, daños por $250. Me empujaron cuando entré al coche”. El material, dijo Davies al mismo medio, revela que Sullivan era “el epicentro absoluto de todo lo que Hendrix y The Experience estaban haciendo”.

“Ella claramente dirigía todo. No estoy segura de que hubieran podido hacerlo sin ella”, añadió Davies. Jonathan Garcia Sullivan contó al mismo medio que su abuela le decía que Hendrix “era bastante introvertido” y que “dudaba mucho de sí mismo”, además de tocar siempre la guitarra cuando ella visitaba su departamento. Garcia Sullivan afirmó que su abuela se describía como la niñera del músico y que intentaba poner orden en su vida pagando ese tipo de gastos. La exposición abrirá el 19 de junio en 23 Brook Street.

Por prolífico que ha sido—a través de Los Beatles, Wings y álbumes solistas—McCartney no sigue ninguna disciplina o rutina para componer canciones. “Simplemente estaré en algún lugar, con algo de tiempo libre, y mi guitarra estará allí, o estaré cerca de un piano. Y me entrarán ganas”, dijo. “Siempre que he dado con algo, es como, oh, guau. Es una gran sensación. Ya sabes, todo eso de la creatividad es algo grandioso. Siempre digo que es mejor que trabajar.”

Incluso para un ensayo, iba elegantemente vestido. Llevaba una chaqueta azul, una camisa negra con pequeños lunares rosas, pantalones negros, zapatos con suela blanca tipo pantuflas de karate y medias con un diseño psicodélico de burbujas azules bajo una raya amarilla brillante.

Unos días después, McCartney actuaría en S.N.L., tocando canciones viejas y nuevas, incluida “Days We Left Behind” de su nuevo álbum, The Boys of Dungeon Lane. Cinco días después, McCartney fue el invitado sorpresa en el último momento de The Late Show with Stephen Colbert, sobre el escenario del Teatro Ed Sullivan, donde Los Beatles debutaron en Estados Unidos en 1964. Como cierre musical de Colbert, cantó “Hello Goodbye” de Los Beatles.

En persona, McCartney lleva sus seis décadas de fama con una gracia extraordinaria. Es cordial y sin pretensiones, orgulloso pero no arrogante, y aún se asombra y se deleita con su vida como músico. “Hoy en día me pregunto cómo acabé siendo compositor”, reflexionó. “Porque, ya sabes, solo soy un chico que fue al colegio, que fue a hablar con el orientador profesional que me dijo, ya sabes, ‘No tienes títulos y, bueno... No veo un gran futuro para ti.’ “Así que tuve que tomar eso y pensar, ‘Jodete: voy a hacer algo.’ Y eso me hizo esforzarme aún más para tener éxito, porque se suponía que no debía lograrlo. Así que escribir canciones fue una de las mejores cosas de mi juventud.”

La primera canción que escribió fue un tema con aires de rockabilly, “I Lost My Little Girl”. McCartney recordó: “Alguien me dijo después: ‘Esa canción iba sobre vos perdiendo a tu madre.’ La escribí a los 14 o 15 años, y ella había muerto hacía poco.” Aunque Los Beatles no la grabaron, McCartney la presentó más tarde en los años 70 con Wings. “Esto es lo interesante de las canciones”, dijo. “Sin saberlo, estás explorando cosas que tal vez serían difíciles de hablar.”

En The Boys of Dungeon Lane muchas de las nuevas canciones rememoran su infancia en Liverpool y los primeros días de Los Beatles. En “Down South”, recuerda cómo conoció a John Lennon haciendo autoestop hacia el sur para ir a Londres. Ringo Starr lo acompaña cantando y tocando la batería en “Home to Us”, sobre su ciudad natal nada glamorosa. McCartney hizo el álbum con Andrew Watt, un productor ganador del Grammy que ha trabajado con Rolling Stones, Miley Cyrus, Lady Gaga, Iggy Pop y Pearl Jam. “Es increíble ver trabajar a Paul”, dijo Watt en una entrevista telefónica. “Si hablas de tus 10.000 horas, él tiene un millón de horas haciendo discos y grabando. Así que su capacidad para entender micrófonos, cómo arreglar, cómo componer, tocar cada instrumento, es simplemente increíble. Y se divierte muchísimo cuando toca. Baila por la sala, pasa de un instrumento a otro, baila, se ríe. Trabajar con él es una experiencia realmente alegre.”

Chad Smith, el baterista de los Red Hot Chili Peppers, quien fue un sustituto de última hora para la actuación en S.N.L., fue igual de efusivo. “No tengo suficientes adjetivos para decirte lo increíble que fue”, dijo en una entrevista telefónica. “No paraba de decir: ‘Solo haz que sea divertido.’ Sabes, él ya no tiene que tocar si no quiere, no tiene que grabar discos. Es tan inspirador ver esa energía. Verdaderamente lo ama.”

Para McCartney, colaborar con Watt le hizo revivir recuerdos. “Cuando trabajas con un productor más joven, me anima a desempacar todas mis historias”, dijo. “Principalmente sobre Los Beatles, porque eso fue lo primero cuando éramos niños. Y ese tipo de recuerdos, creo que para la mayoría de la gente, son los más valiosos.”

The Boys of Dungeon Lane también exalta la actitud juguetona de McCartney hacia la música, que ha tenido toda su vida. El tema de apertura, “As You Lie There”, estalla de una entrañable reminiscencia al grito al estilo Little Richard. “Never Know” se vuelve psicodélica, con voces de sílabas sin sentido a modo de contrapunto y un majestuoso crescendo final. “Salesman Saint”, una canción sobre sus padres sobreviviendo la Segunda Guerra Mundial en Liverpool “con risa y una canción”, avanza entre cambios de métrica y de repente incorpora metales al estilo big band.

Recientemente, los recuerdos de McCartney han vuelto a materializarse. El Salón de la Fama del Rock & Roll en Cleveland acaba de inaugurar una exposición dedicada a Wings, su exitosa banda en los años 70. Él mismo proporcionó algunos disfraces y objetos—pero no su bajo Höfner en forma de violín. “No puedo darles mi bajo, porque lo estoy usando hoy”, dijo. En Londres, el antiguo edificio de Apple en el número 3 de Savile Row reabrirá como museo. Los fans podrán visitar el estudio reconstruido en el sótano donde Los Beatles grabaron “Let It Be” y la terraza donde la banda ofreció su última breve actuación. “Museo implica polvo”, dijo McCartney. “No creo que vaya a ser así. Creo que será bastante animado.”

Dungeon Lane, mencionada en “Days We Left Behind”, es una calle de Liverpool que lleva a la orilla del río Mersey, donde McCartney disfrutaba observando aves. También era donde merodeaban algunos matones del lugar, y un día le robaron su reloj. “Cuando escribes cosas, escribes algo y se convierte en una metáfora de más de lo que estás poniendo por escrito”, dijo, y citó la letra de la canción. “‘Algunos sentirán dolor, pero otros estaban destinados a más.’ ‘Algunos estaban destinados a más’ somos nosotros, los que conseguimos salir de allí.” Sin embargo, añadió: “Conozco a muchos chicos de Dungeon Lane que no lo lograron. Muchos de mis amigos son los que no tuvieron éxito en sus carreras.”

La canción también menciona el 20 de Forthlin Road en Liverpool, la casa—ahora propiedad del National Trust británico—donde McCartney y Lennon comenzaron su colaboración como compositores. “Casi siempre nos sentábamos juntos con dos guitarras acústicas y solo lanzábamos ideas el uno al otro, reboteando”, dijo. “Viéndolo en retrospectiva, no podría haber deseado un mejor compañero.” Y añadió: “John tenía un carácter mucho más áspero, lo cual me gustaba mucho. Cuando trabajábamos juntos, era muy inspirador, muy útil tener ese filo. Y creo que a él también le venía bien tener algo menos duro, quizás un poco más romántico. Es simplemente mi forma de ser, sabes. Soy ese tipo de persona. Me gustan ciertas cosas que algunos tachan de cursis y dicen ‘Dios mío, eso es muy empalagoso’.”

Pero a veces también se ha sentido incomprendido. “Es curioso cómo te encasillan”, dijo. “Que me llamaran ‘el lindo’ de Los Beatles—fue el peor insulto que podían darme. No me gustaba nada. Es como, ‘No, no, no, soy más que eso.’ Pero también es cierto que si estoy escribiendo una canción, me gusta que tenga ese componente amoroso. Pero, para equilibrar eso, muchas veces encuentro que se cuela algo más realista. Me gusta la mezcla de ambos.” Su don melódico puede ocultar sus momentos oscuros. Cuando le pregunté cuál de sus canciones menos conocidas le gustaba más, citó “Daytime Nightime Suffering” y “Arrow Through Me”, dos temas de Wings de los años 70 que no solo están llenos de giros musicales, sino que también encierran pensamientos atormentados.

McCartney volvió a emplear métodos clásicos de estudio durante la creación del nuevo álbum. Durante una reestructuración de EMI, la discográfica de Los Beatles, sus contables decidieron vender equipos del estudio Abbey Road. McCartney compró muchos de los instrumentos, entre ellos el Mellotron que usó en “Strawberry Fields”, el piano espineta que tocó en “Because” y una grabadora de cinta Studer de cuatro pistas que podría ser la que se usó para grabar “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, aunque él no ha podido comprobar si es exactamente esa máquina.

Sigue usando ese equipo antiguo. Una de las canciones nuevas, “We Two”—una entrañable página sobre el amor, la asociación y el apoyo y respeto mutuo—fue grabada íntegramente en la Studer. La tecnología informática permite hoy en día un número infinito de pistas que pueden modificarse en cualquier momento. Pero cuando grababan Sgt. Pepper, debían mezclar varios instrumentos en una sola pista que ya no podía modificarse, una y otra vez. “Realmente usamos el proceso que usaba con Los Beatles, al cien por ciento”, afirmó Watt—hasta la edición final cortando la cinta con una cuchilla. “We Two” termina con el sonido de una cinta rebobinándose—un sonido del pasado en la era digital. “Lo pusimos ahí porque ya nadie escucha eso”, dijo McCartney. “Antes lo oías, en cada disco que hacías.”

Cuando McCartney comenzó a escribir con Lennon, no tenían manera de grabar las canciones a medida que las desarrollaban. Pero pensaban, “Si no puedes recordarla, ¿Cómo esperas que la gente la recuerde?”, contó. “Eso dejamos que fuera nuestra regla.” Ahora, por supuesto, puede captar ideas musicales con un teléfono móvil. Sacó su iPhone y buscó en Todas las grabaciones, con docenas de páginas de posibilidades. “‘L.A. Melody’, ¿qué era esto?”, dijo, mientras acordes majestuosos de piano sonaban por el pequeño altavoz. Puso otra: un bucle de Mellotron vacilante con acordes de guitarra llenos de reverberación y el inicio de una letra. Era una de las que él llama sus “canciones verdes”—que tal vez algún día formen parte de un disco.

“Cuando hacíamos el álbum, separábamos las canciones en tres categorías”, dijo. “Una eran las canciones rojas, esas eran las que íbamos a usar, y prácticamente son las que entraron en el álbum. Luego las canciones azules, que son las que podrían haber estado en el álbum, pero quedaron descartadas. Luego están las verdes, que son estas, las experimentales. Tengo total libertad, y esas al final me acaban gustando mucho.”

Ya no está preocupado por hacer éxitos. “Cuando intentas ser creativo, está bien si a mucha gente le gusta”, dijo. “Pero no es lo fundamental. No es ni de lejos tan importante para mí como lo es para otras personas. Me gusta la libertad. Y si la libertad lleva a un éxito, genial. Si la libertad me lleva simplemente a disfrutarlo, probablemente aún mejor.” Lo importante para él ahora es simplemente hacer música. “La música es un mundo mágico”, dijo. “Incluso científicamente, solo son un montón de frecuencias. ¿Cómo pueden esas frecuencias afectar a tu corazón? Lo entiendo, si tiene una letra, a veces te dices, oh, sí. Pero si es solo una melodía ¿Cómo puede hacerte llorar? Eso es magia. Me encanta.”

Al finalizar la entrevista, McCartney se quedó de pie en la puerta, observando cómo dos empleados del estudio se apresuraban en direcciones opuestas. Sonrió. “Hello goodbye”, dijo.

Fuente: The New York Times

[Fotos: Capitol vía AP; archivo AP; archivo AP/Richard Drew; Stephane Mahe/Reuters]

La canción como laboratorio

El primer gran aporte de Dylan a la cultura del siglo XX fue la demostración de que la canción popular podía operar como laboratorio de experimentación narrativa sin perder su condición masiva. The Freewheelin’ Bob Dylan (1963) es el disco donde eso se vuelve evidente. Canciones como “Blowin’ in the Wind”, “Masters of War” y “A Hard Rain’s a-Gonna Fall” combinan la estructura repetitiva del folk con recursos poéticos de la literatura escrita: repetición anafórica, imaginería apocalíptica, ironía sutil. El uso de preguntas retóricas en “Blowin’ in the Wind” articula una crítica a la guerra y al racismo sin enunciar consignas explícitas, dejando la respuesta flotando para que el oyente complete el sentido. Así, se convirtió en un himno pacifista de todos los tiempos.

La electrificación de mediados de los 60 amplió esa paleta. Cuando subió al escenario del Newport Folk Festival en julio de 1965 con una Fender Stratocaster y una banda eléctrica, parte del público lo abucheó. La perspectiva histórica invirtió ese juicio. La impresionante trilogía de álbumes Bringing It All Back Home, Highway 61 Revisited y Blonde on Blonde —publicados entre 1965 y 1966— no rebajaron la exigencia lírica al electrificarse; la intensificaron. “Like a Rolling Stone”, otro de sus himnos y legado para la historia de la música popular, despliega en seis minutos la historia de una caída existencial que condensa, mejor que ningún manifiesto, la sensación de desorientación de una generación. Que, por cierto, aplica para la generación contemporánea. Ese gesto —elevar la canción popular sin hacerla inaccesible— es tal vez, su contribución más perdurable.

Lo que siguió no fue una caída, sino una serie de reinvenciones que el mundo recibió con la misma incomprensión inicial. El giro al country introspectivo de Nashville Skyline (1969), la etapa cristiana de Slow Train Coming (1979), la épica íntima y dolorosa de Blood on the Tracks (1975), el blues crepuscular de Time Out of Mind (1997): cada etapa parecía una ruptura y era, en realidad, una exploración del mismo territorio desde un ángulo distinto. Notable.

El poeta que no quería serlo

Hay una frase de su discurso de aceptación del Premio Nobel de Literatura que envió a Estocolmo en diciembre de 2016 (no fue en persona, por supuesto) que resume bien su relación con la literatura: “Ni una sola vez tuve tiempo de preguntarme si mis canciones son literatura”. La frase podría leerse como una muestra de modestia, pero también como una declaración de principios: sus canciones no nacieron para ser analizadas en cátedras universitarias, sino para ser cantadas y escuchadas. Aunque ahora, por el peso mismo de su obra, se las deba estudiar y asimilar.

La dimensión literaria de su obra es, aun así, innegable. Sus influencias —Tolstói, Faulkner, Rimbaud, Jack Kerouac, la Biblia, la poesía de Dylan Thomas— se filtran en sus canciones no como citas decorativas, sino como estructuras narrativas y modos de ver el mundo. “Tangled Up in Blue”, otra obra maestra de su cosecha, presente en Blood on The Tracks (1975) fragmenta el tiempo y cambia la perspectiva narrativa con una libertad que recuerda a la novela moderna. Su prosa refuerza esa imagen: el libro Chronicles, Volume One (2004) -primera parte de una autobiografía que todavía no ha tenido continuación- ofrece unas memorias capaces de mezclar lo elegíaco con lo mordaz y de retratar la escena folk neoyorquina con una precisión que muchos lectores han considerado tan reveladora como sus mejores letras.

El premio Nobel que descolocó al mundo

El 13 de octubre de 2016, la Academia Sueca anunció la concesión del Premio Nobel de Literatura a Bob Dylan “por haber creado nuevas expresiones poéticas dentro de la gran tradición de la canción estadounidense”, convirtiéndolo en el primer músico galardonado en esa categoría en los 115 años de historia del premio. Las reacciones negativas fueron inmediatas. El escritor escocés Irvine Welsh dijo que era “un premio de nostalgia mal concebido, arrancado de las próstatas rancias de hippies seniles”. Desde el campo contrario, Leonard Cohen ofreció quizás la defensa más elocuente: “Esto es como colgarle una medalla al Monte Everest por ser la montaña más alta”.

El propio Dylan tardó días en reaccionar, hasta el punto de que la Academia se vio en la situación inédita de no poder contactar al galardonado. En el discurso enviado a Estocolmo, comparó su situación con la de William Shakespeare: un dramaturgo que probablemente nunca se preguntó si lo que escribía era “literatura”, pero que la historia terminó por clasificar como tal. El discurso generó otra controversia: con malicia, la revista Slate señaló que varios pasajes sobre Moby Dick de Herman Melville se parecían sospechosamente al análisis publicado en el sitio de guías de estudio SparkNotes. La Academia no tomó medidas. Dylan, fiel a su estilo, no respondió.

Bob Dylan en Buenos Aires

Buenos Aires ocupa un lugar singular en la geografía del Never Ending Tour. Bob Dylan visitó la capital argentina en cuatro ocasiones: agosto de 1991, abril de 1998, marzo de 2008 y abril de 2012. La primera llegada se produjo apenas tres años después del inicio de la gira. Tocó tres noches en el Estadio Obras Sanitarias ante poco más de 4.700 personas por función. La visita de abril de 1998 al Estadio River Plate fue de otra naturaleza: llegaba con el extraordinario Time Out of Mind bajo el brazo, el disco que acababa de ganarle el Grammy al Álbum del Año y que más importante que eso, lo había devuelto al centro de la escena por ser un disco considerado “clásico instantáneo” (lo es). La noche del 4 de abril quedó grabada en la memoria de los rockeros argentinos por un momento específico: compartió escenario con los Rolling Stones para una canónica versión de “Like a Rolling Stone”. El registro visual, aunque pobre en calidad para los estándares del presente, por suerte existe y está en YouTube. Es un fresco de época y sucedió aquí, en nuestro patio.

Las cuatro noches de abril de 2012 en el Teatro Gran Rex representaron quizás la visita más celebrada. Tocó ante 3.500 personas por función en la histórica sala de la Avenida Corrientes, con una voz aún más áspera que en visitas anteriores. Los asistentes encontraron en esa aspereza un recurso expresivo antes que una limitación. Desde la segunda fila de la platea (¡a metros de él!), traté de asimilar todo lo que hacía y decía: como una película pasaron por mi cabeza cientos de imágenes, de los discos que mi hermano Víctor coleccionaba (colecciona) como tesoros, el sonido de la guitarra y la armónica de León Gieco que descubrí en mi niñez, la pasión que se fue despertanto en mi querido amigo Javier Andrade (QEPD) a través de los años. Inolvidable.

La gira sin fin de Bob Dylan

Desde el 7 de junio de 1988, cuando se presentó en el Concord Pavilion de California y decidió simplemente no parar, lleva aproximadamente más de 3.700 conciertos. Alcanzó la marca de 3.000 en Innsbruck, Austria, en 2009, y ha tocado más de 100 shows por año de forma habitual. La gira actual, iniciada en noviembre de 2021 con la presentación de Rough and Rowdy Ways, tiene fechas programadas hasta agosto en Nashville, aunque, como advirtió el periodista que le puso nombre al fenómeno, no conviene apostar por esa fecha como fecha final.

Nunca ocultó su incomodidad con la etiqueta Never Ending Tour. “¿Alguien llama a Henry Ford un constructor de autos sin fin? ¿Alguien dijo que Duke Ellington estaba en una gira de escenarios de plaza sin fin?”, le respondió a un periodista en 2009. Sigo los videos de los shows más recientes en YouTube: por supuesto hay fans obse que los graban y los suben(y unos cuantos miles alrededor del mundo, los vemos). A los 85 años, sigue siendo un enigma sobre el escenario: se esconde al costado, bajo un sombrero o una capucha de buzo, y encuentra la manera de mantener vivas canciones que llevan décadas circulando. “Estoy aterrado de estar en el escenario”, admitió en 2012. “Pero es el único lugar donde soy feliz.”

El canto crepuscular de un Nobel

La culminación provisoria de su obra data, hasta el momento Rough and Rowdy Ways (2020, año de la pandemia), su trigésimo noveno álbum de estudio. La canción que lo precedió —“Murder Most Foul”, una pieza de 17 minutos sobre el asesinato del presidente John F. Kennedy— se convirtió en el primer número uno suyo en la lista de ventas de Estados Unidos. La ironía no pasó desapercibida: su canción más larga y menos radiofónica halló el mayor eco en un país confinado.

Ese “late style” —blues, swing, rockabilly y letras que alternan el humor negro con la cita velada— no es un mero epílogo decoroso: es una fase de creación que dialoga con el conjunto de su trayectoria y con la tradición musical que estudió y reversionó durante toda su vida. En diciembre de 2020, la venta de los derechos de su catálogo completo —más de 600 canciones— a Universal Music Publishing Group por una cifra estimada en torno a los 300 millones de dólares cerró, al menos en términos patrimoniales, un ciclo. Su voz sigue sonando, rasposa y un poco más débil, en la carretera, sus canciones siguen siendo objeto de nuevas lecturas, y la pregunta que la Academia Sueca se tomó el trabajo de responder en 2016 sigue generando debate. Esa incomodidad es, quizás, el legado más duradero de un artista que nunca quiso que lo dejaran quieto. Que siga así. Salve, Bob. Feliz cumpleaños.

La misión principal de este trabajo fue relevar cómo fueron introducidos Los Beatles al público argentino desde los inicios mismos de su carrera. El foco se colocó en las referencias de un conjunto de diarios y revistas locales editadas durante el año 1964, período en el que el grupo comenzó a tener una exposición mediática sostenida en el país. Aun cuando ya desde la segunda mitad de 1963 se habían publicado en Argentina algunas de sus canciones, no fue sino hasta los primeros meses del año siguiente que ganaron lugar en la prensa gráfica, dejando atrás la etapa donde imperan —con escasísimas excepciones— las escuetas menciones inaugurales. Como complemento a este corpus de corte periodístico, se atendió también a la presentación que realizó de sí misma la banda por medio de sus trabajos oficiales, en la forma que adquirió su distribución local, que no fue necesariamente una copia exacta de lo ocurrido en el Reino Unido.

El punto de inflexión que implicó esta notoriedad mediática del grupo en la prensa argentina se debió primordialmente a la repercusión que tuvo su debut en la televisión norteamericana, lo que constituyó el trampolín para la conquista planetaria, incluido este rincón del Cono Sur. Si bien la popularidad —ya absoluta— en su tierra natal comenzó a extenderse al resto de Europa entre fines de 1963 y comienzos del año siguiente —a destacar las escalas en Suecia y París, respectivamente— la consagración definitiva en el mercado más deseado solo se materializará con la aparición en The Ed Sullivan Show la noche del 9 de febrero de 1964.

Aunque el ADN europeo seguía pisando fuerte en Argentina, fruto de una voluminosa inmigración todavía reciente y traducida en un consumo cultural que mantenía parte de su mirada en el Viejo Continente, el arrollador star system estadounidense se imponía desde hacía décadas y eran los cantos de sirena del Tío Sam los que inclinaban la balanza de lo noticiable. Muy especialmente si se trataba de uno de sus productos de evangelización más exitosos: el rock ‘n’ roll.

Tras el comienzo de la invasión británica al norte del río Bravo, entonces —ahora sí— los diarios y revistas argentinos comenzaron a prestar algunas de sus páginas para contar quiénes eran estos cuatro jóvenes que estaban, ya desde sus comienzos, revolucionando no solo el mundo de la música, sino el hasta entonces modo de ser de las figuras del espectáculo, para convertirse finalmente en artífices de uno de los cambios culturales más importantes del siglo XX.

Son verdaderos torrentes de información —cada vez menos tinta y más bits— los que sigue generando a la fecha esta banda, cuya separación ya superó las bodas de oro. En una era de vértigo digital, la corporación que maneja hoy sus asuntos ha mantenido el catálogo vigente a través de distintos mojones comerciales que van desde ediciones expandidas y deluxe de sus últimos álbumes, documentales de altísimo valor —y otros menos relevantes—, periódicos updates a las mezclas y masterizaciones originales y, más recientemente, una reunión virtual hecha posible por el demixing que permite la inteligencia artificial (el single “Now and Then”), entre otros proyectos. Difícilmente pase un año sin que suceda algún tipo de lanzamiento orquestado desde Apple Corps, muy por delante de la actividad vista en las décadas más inmediatas a la disolución del cuarteto. Por si fuera poco, los dos miembros aún vivos mantienen una envidiable actividad en cuanto a giras —y en menor medida, grabaciones— se refiere, ya superadas sus ochenta primaveras.

Aunque se observa una tendencia de sentido decreciente y resulta difícil competir con artistas contemporáneos por la atención de las generaciones más jóvenes, Los Beatles siguen dominando las búsquedas en Internet versus otras bandas legendarias como The Rolling Stones, Queen, Pink Floyd o Led Zeppelin. Es además llamativo que Argentina es el segundo país que mayor volumen de pesquisas ha hecho sobre la banda en Google en las dos últimas décadas a nivel mundial, solo por detrás de México. Aunque con una vigencia incuestionable, no es del más inmediato pasado del que vamos a ocuparnos, sino que se intenta aquí echar luz sobre aspectos muy lejanos en el tiempo.

La elección del tramo temporal no es caprichosa. Por un lado, 1964 es el año por excelencia de la Beatlemanía; es el momento de su definitiva consagración a nivel mundial y, en consecuencia, un período de impulso sideral en su carrera. El grupo atravesará, en un lapso de unos siete años y medio de vida dentro del negocio discográfico —se consideran los 2772 días que transcurren entre la edición británica del primer single (“Love Me Do / P.S. I Love You”, 1962) y el último LP del canon oficial (Let It Be, 1970)—, un trayecto hasta entonces inédito e impensable. Difícilmente en 1964 alguien podría haber aventurado el impacto que tendría este conjunto para la vida cultural del siglo pasado y, por ahora, también el vigente. Pero, incluso en una intención más cortoplacista, también se hubiera dificultado prever en aquel punto de la historia los pasos que el grupo dará en lanzamientos cercanos en el tiempo. Es casi imposible encontrar en Los Beatles de “Can’t Buy Me Love” (1964) a los cerebros detrás de “Tomorrow Never Knows” (1966), salvo, claro, con el beneficio de la perspectiva.

Aun cuando cada año de su período de actividad pueda arrojar varias imágenes distintas e interesantes de la banda, se trata de dar cuenta aquí de cuáles fueron las que emergieron en la prensa argentina —y otros materiales de difusión— en aquella etapa seminal. Remontarse a la infancia de la presencia del grupo en la prensa puede ofrecer fuertes voces disidentes y brindar la riqueza singular e inocente de conocer cómo fueron las primeras aproximaciones a un fenómeno que por entonces —segurísimo— no iba a ser más que una moda pasajera. En este sentido, el año 1964 constituye sin duda el mejor momento para tomar una fotografía y poder eludir, si bien parcialmente, algunas de las miradas justificadamente enamoradas acerca del conjunto.

Así, y sin tener pretensiones lexicológicas, esta investigación intenta entender cuáles son las formas de decir “Beatles” sin decir “Beatles” en ese preciso instante de esta historia y en un país determinado; cuáles son las estrategias que han seguido una serie de publicaciones para aproximarse y dar a conocer a una banda hasta entonces ignota, desde una latitud postergada y austral. Se trata, en definitiva, de describir cómo un conjunto social, sin poder anticiparlo, dejó de ser virgen de Los Beatles.

Nuestro corpus se halla conformado —primordial, pero no únicamente— por textos de revistas y diarios argentinos que circularon entre el 1 de enero y el 31 de diciembre de 1964. La elección de las publicaciones diarias busca abarcar un amplio espectro que involucre tanto a la denominada “prensa seria” como a la “prensa sensacionalista”. El recorte incluye principalmente a La Nación, Clarín y Crónica, aunque también se ha trabajado con La Razón, La Prensa y El Mundo. En el caso de las revistas, se seleccionaron diversos exponentes en cuanto al producto que suponen, asegurando aproximaciones diferentes respecto a las temáticas del arte, la música y el entretenimiento. Las publicaciones privilegiadas fueron las más generalistas Primera Plana, Leoplán, Atlántida, la edición en español de Life y, más cercanas al mundo del espectáculo, Antena, Radiolandia, Ritmo Juvenil y TV Guía, entre otras. Dentro de este universo, se privilegiaron especialmente los artículos en los que Los Beatles se erigen como protagonistas claros, independientemente de que pudieran ser mencionados al pasar en piezas que no los tomaban como su eje principal.

Vale la pena aclarar que, hacia 1964, aún no había surgido en Argentina una prensa especializada en el rock ‘n’ roll —era aún primitivo el desarrollo del género en el país—, como sí ya sucedía desde hacía varios años, naturalmente, en mercados como los de Estados Unidos e Inglaterra, con los casos resonantes de Billboard, Cash Box y Downbeat, y de New Musical Express, Disc y Melody Maker, respectivamente. Esto implica que este tipo de música no recibía en las publicaciones locales una atención frecuente y protagónica, encontrando de a poco espacio en revistas que atendían de forma generalista al mundo del espectáculo —con foco en intérpretes locales y en el marco de una mirada que se extendía también hacia el cine, la radio y la TV— y, con aún mayor dificultad, dentro de la prensa diaria, especialmente la considerada “seria”.

No será sino hasta el lanzamiento de JV en 1967 y Pinap en 1968 que comenzó en Argentina el periodismo especializado en rock y “cultura joven”, legado que continuaron más inmediatamente, entre otras, Cronopios (1969), La Bella Gente (1969), Pelo (1970), Mordisco (1974), Expreso Imaginario (1976) y Rock Superstar (1977). La aclaración bien vale para anticipar en qué magnitud y desde qué posicionamientos serán introducidos Los Beatles a los lectores argentinos desde los medios circulantes en 1964.

En ese sentido, cabe destacar que el soporte principal de difusión de las canciones de Los Beatles fue la radio. La TV también apuntalaba la música popular, especialmente la de artistas locales, pero no parece haber jugado un rol pivotal en la masificación directa de la banda de Liverpool. Los programas radiales de corte musical más populares en 1964 eran Escalera a la fama (producido por Rubén Machado en Excelsior), Escala musical (de Carlos Bayón, en la misma emisora y además con versión televisiva), Wincofonías (conducido por Miguel Fernández Volpe en Splendid) y Una ventana al éxito (liderado por Antonio Barros en Antártida). En la pantalla chica triunfaban, en Canal 7, Ritmo y juventud (del mencionado Machado), en el 9, Sábados continuados (con Antonio Carrizo) y, en el 13, Sábados circulares (de Pipo Mancera) y El Club del Clan (con producción de Ricardo Mejía).

Es momento de sumergirnos en el corazón del fenómeno Beatle en Argentina. Los primeros ecos de sus canciones y la anticipación mediática allanaron el camino para una explosión cultural que transformaría el panorama musical y juvenil del país.

Damas y caballeros: ¡Los Beatles!

El rock and roll nació como una promesa de absoluta libertad, pero con el tiempo demostró ser una maquinaria de repetición y desgaste. Pocas mentes comprendieron este proceso con tanta lucidez y sarcasmo como Mick Jagger. A lo largo de las décadas, el cantante de los Rolling Stones vio caer a contemporáneos, sepultados por los excesos de su mitología Sin embargo, lejos de adoptar un tono moralista o redactar un tratado solemne, el músico eligió la ironía para resumir la gran paradoja.

“Empezás tocando rock and roll para poder tener sexo y tomar drogas, y terminás tomando drogas para poder tocar rock and roll y tener sexo”. A diferencia de lo que dictan algunos mitos de internet, la frase no pertenece a un libro de memorias desgarradoras ni a una biografía autorizada de pretensiones literarias. Sucedió la noche del 11 de diciembre de 2012, cuando Mick Jagger subió al escenario del Ed Sullivan Theater de Nueva York para participar del programa Late Show with David Letterman.

El motivo era la celebración del 50 aniversario de la banda. El conductor David Letterman invitó al cantante a presentar su clásica sección humorística del “Top Ten”. El segmento llevó por título “Las 10 cosas que yo, Mick Jagger, he aprendido tras 50 años en el rock and roll”. Entre chistes sobre no aceptar consejos amorosos de Phil Spector y la nula ganancia que le dejaba la canción Moves Like Jagger de Maroon 5, el vocalista coronó la noche revelando el puesto número uno con aquella sentencia.

Aunque se originó en un sketch de comedia, la frase caló hondo en la cultura popular porque describía una verdad incómoda con una precisión matemática. Si bien la cita proviene de la televisión, existe un vínculo ineludible entre el pensamiento de Mick Jagger y el mundo editorial que ayuda a entender el trasfondo de sus palabras. Durante la década de 1980, el músico escribió una esperada autobiografía tras recibir un millonario adelanto financiero. Sin embargo, aquel manuscrito jamás se publicó.

La leyenda urbana afirmaba que el cantante había desistido porque sus recuerdos estaban borrados por los excesos químicos. Décadas más tarde, el editor John Blake tuvo acceso al texto original y desmitificó la historia: el libro era técnicamente impecable, pero carecía del morbo que el mercado editorial le exigía a una estrella de su calibre. Ese manuscrito nunca editado radica demostró que Mick Jagger siempre prefirió resguardar su intimidad antes que vender un estereotipo decadente.

La frase analiza las dos etapas de la vida del artista masivo. Al principio, la música es la llave maestra para acceder a un paraíso hedonista de placeres inmediatos. El rocanrol funciona como la banda sonora del deseo juvenil. El giro trágico y brillante ocurre en la segunda mitad de la premisa. Con el paso del tiempo, el orden de los factores se invierte de manera perversa. Las sustancias ya no son el premio, sino el combustible. Lo que comenzó como rebelión termina como un empleo de alta exigencia física.

Esta idea sintetiza a la perfección la mentalidad que mantuvo a Mick Jagger activo. A diferencia de Keith Richards, cuyo misticismo romántico lo vuelve el alma indomable del grupo, el cantante siempre operó bajo una lógica pragmática. El líder de los Stones entendió que el descontrol absoluto era incompatible con la permanencia en el tiempo. Detrás del performer andrógino de labios gigantes habita un exestudiante de la London School of Economics que transformó a su banda en una corporación multinacional.

Para Mick Jagger, la frase no es una queja de arrepentimiento, sino la constatación de un engranaje biológico y comercial. Es el testimonio de un hombre que decidió bajarse a tiempo de la espiral autodestructiva para convertirse en un atleta de estadios (la forma en que baila, a sus tantos años, lo vuelven un atleta). Con esa ironía tan británica, el músico le recordó al mundo que la rebeldía juvenil tiene fecha de vencimiento, y que en el negocio del rock, el verdadero triunfo no es morir joven, sino sobrevivir al mito.

¿Quién es Mick Jagger?

Nacido el 26 de julio de 1943 en Dartford, Inglaterra, Mick Jagger (bautizado como Michael Philip Jagger) se crio en el seno de una familia de clase media. Su destino cambió para siempre tras un encuentro fortuito en una estación de tren con su amigo de la infancia, Keith Richards, con quien descubrió una pasión compartida por el blues. Aunque llegó a estudiar en la prestigiosa London School of Economics, abandonó las aulas universitarias para fundar la legendaria banda británica en 1962.

Comenzó junto a Richards, Brian Jones, Charlie Watts y Bill Wyman. A lo largo de una carrera de más de seis décadas, se transformó en el arquetipo definitivo de la estrella de rock, célebre por su inconfundible voz, su magnética e hiperactiva presencia escénica y un estilo andrógino que desafió las normas culturales de su tiempo. Como compositor principal de la banda junto a Richards, dio vida a himnos generacionales incluidos en álbumes como Beggars Banquet, Sticky Fingers y Exile on Main St..

Más allá de los estadios, expandió su faceta artística como solista, productor y actor. A pesar de los mitos que rodean la longevidad en una industria plagada de excesos y tragedias personales, se mantiene plenamente activo y con una vitalidad asombrosa. En la actualidad, Jagger sigue desafiando el paso del tiempo sobre los escenarios de todo el mundo, desmintiendo de forma definitiva cualquier rumor sobre su muerte y reescribiendo las reglas de lo que significa envejecer en el universo del rock.

El power trío mexicano Demons My Friends presenta este sábado 23 de mayo de 2026 en el Rebel Rebel / El Club del Rock & Roll de la Ciudad de México la noche de lanzamiento oficial de Survive/Yourself, su segundo LP, editado el 17 de abril de 2026 bajo el sello californiano Ripple Music.

El álbum debutó en el puesto número 16 del Doom Charts, uno de los rankings de referencia para el rock pesado y el doom a nivel global. El disco fue producido por Jeff Henson, quien tiene en su haber trabajos con Clutch y Spirit Adrift, y combina riffs de grunge con estructuras doom y armonías psicodélicas que remiten a bandas como Soundgarden, Monolord y Baroness.

“Survive/Yourself” llega tras giras con Bruce Dickinson, Graveyard y Danko Jones

La banda, integrada por Lu Salinas en bajo y voz, Tarro Martínez en batería y Pablo Antón en guitarra y voz, ha llevado el stoner hecho en México a escenarios como el SXSW, el Levitation, el Ripple Fest Texas y el México Metal Fest. El regreso a casa cierra un ciclo de exposición internacional que los colocó en el mismo cartel que leyendas del rock pesado.

Muto Tapes y Crank completan el cartel

La noche cuenta con dos actos de apoyo de la escena capitalina. Muto Tapes es un dúo de sludge metal de la Ciudad de México cuyo sonido cruza la agresión del death y el thrash old school con riffs lentos y texturas psicodélicas del doom. Han girado por Colombia y Estados Unidos junto a bandas como High on Fire, y su trayectoria los ha llevado de festivales de metal extremo a galerías de arte y fiestas techno.

Crank cierra el trío de bandas con una mezcla de stoner, blues, grunge y psicodelia. Su álbum Live, Laugh, Die! fue grabado en el legendario Testa Estudio. Su sonido crudo y directo representa el rock de garaje llevado a su máxima potencia stoner.

Boletos y precios para ver a Demons My Friends

Las entradas para el lanzamiento en vivo del nuevo LP Survive/Yourself, ya se encuentran disponibles en dos puntos de venta:

• En línea: a través de passline.com.
• En taquilla: venta sin cargo en el Rebel Rebel / El Club del Rock & Roll.

El precio de preventa es de 120 pesos y el día del evento estará en 200 pesos. El show se realiza en el recinto ubicado en Oxford 11, colonia Juárez, alcaldía Cuauhtémoc, a unos metros del Ángel de la Independencia.

El Monumento a la Revolución será escenario de un megaconcierto gratuito de rock. La agrupación Golden Times, originaria de la Ciudad de México, encabezará el evento con un repertorio compuesto por éxitos internacionales y nacionales de las décadas de los ochenta y noventa.

Golden Times es reconocida por su interpretación de canciones populares tanto en inglés como en español, con versiones de artistas como U2, Michael Jackson, Blondie, Queen, Depeche Mode, Bee Gees, Daft Punk y The Police.

Además, la banda retoma piezas de rock latino y mexicano, incluyendo temas de Maná, Fobia, Héroes del Silencio, Café Tacuba, Enanitos Verdes, La Ley, Caifanes, Hombres G y Soda Stereo.

El repertorio se amplía con música de grupos contemporáneos como Zoé, Los Bunkers, Enjambre y Babasónicos.

La agrupación, fundada y activa en la capital mexicana, se ha posicionado por su capacidad de conectar con públicos diversos a través de la reinterpretación de clásicos.

Sus presentaciones suelen atraer tanto a quienes vivieron los años ochenta y noventa como a nuevas generaciones interesadas en el rock y pop de esas décadas.

Las actuaciones de Golden Times se caracterizan por una selección de temas que abarcan distintos géneros y estilos, lo que permite una experiencia dinámica para los asistentes al concierto.

¿A qué hora será el concierto de rock en el Monumento a la Revolución?

La cita será el domingo 17 de mayo de 2026, a partir de las 17:00 horas.

El acceso es libre y la actividad forma parte de la programación especial por el Día Internacional de los Museos que incluye más actividades y presentaciones especiales.

Feria de los Museos 2026 en el Monumento a la Revolución

Ese mismo domingo 17 de mayo de 2026, se llevará a cabo la cuarta edición de la Feria de los Museos del Centro Histórico en el Monumento a la Revolución, con un horario de 11:00 a 17:00 horas y entrada gratuita para todo público.

El evento se realiza en el marco del Día Internacional de los Museos y reúne a más de 50 museos públicos, privados y universitarios del Circuito Alameda-Revolución. El lema de esta edición es “Museos uniendo un mundo dividido”.

La feria tiene como objetivo visibilizar la diversidad patrimonial y la oferta educativa de los recintos participantes.

A lo largo del día, los asistentes podrán disfrutar de más de 50 talleres, actividades interactivas, presentaciones artísticas y espectáculos para públicos de todas las edades.

Entre la programación se encuentran charlas con especialistas, narraciones, monólogos, shows de títeres, cuentacuentos, ensambles musicales y obras de teatro.

La programación también incluye la conferencia “Museos uniendo un mundo dividido”, a cargo de la pedagoga Rosa Lucía Mata Ortiz, y espectáculos dirigidos a familias, como la obra de teatro con títeres “Xochimilco, o de cómo sobrevivieron los ajolotes a la extinción”, el espectáculo Simis con coreografías y música, y la narración “Madre Tierra”.

Para quienes buscan actividades para niños, hay funciones de teatro guiñol, cuentacuentos y talleres educativos.

El evento es de fácil acceso por transporte público, ya que la estación de Metro más cercana es Revolución de la Línea 2. También se puede llegar por Metrobús, con las estaciones Plaza de la República de la línea 1 y Amajac de la línea 7.

Algunos de los museos y espacios culturales que participan en la edición 2026

Museo del Templo Mayor, Museo de Arte Popular, Museo del Estanquillo, Museo Soumaya, Museo Casa Kahlo, Museo de la Mujer, Museo del Tequila y el Mezcal, Museo Nacional de la Revolución, Museo de la Caricatura, Museo Palacio Postal, Museo de Cera de la Ciudad de México, La Casa Jaime Sabines, el Centro Cultural Árbol de la Noche Victoriosa, el Centro Cultural Casa del Tiempo UAM, el Museo del Cacao y Chocolate, El Colegio Nacional, el Foro Valparaíso, el MIDE Museo Interactivo de Economía, el MUMEDI Museo Mexicano de Diseño y Museo Casa de la Cultura Postal.

Ciudad de México en el contexto mundial de museos

La CDMX se posiciona como una de las ciudades con mayor número de museos en el mundo.

De acuerdo con rankings internacionales publicados por Tourlane y Architectural Digest, la capital mexicana ocupa el segundo lugar a nivel global en cantidad de museos, superada únicamente por Londres.

El recuento más reciente señala que la ciudad cuenta con cerca de 170 museos y 43 galerías, lo que la sitúa por encima de urbes como París y Nueva York.

En 2026, la Ciudad de México fue designada como Capital Cultural Mundial debido a su amplia infraestructura artística, la diversidad de su oferta y la accesibilidad de sus recintos culturales.

Esta distinción consolida a la capital como uno de los principales destinos para el turismo cultural y para quienes buscan experiencias artísticas y educativas.

En una extensa entrevista con la revista británica Mojo, la leyenda viva de Los Beatles contó detalles de esa histórica sesión con los Rolling Stones, habló de su nuevo disco, The Boys Of Dungeon Lane -que se editará el viernes 29 de mayo-, opinó sobre una nueva tendencia de shows íntimos “sin teléfonos” y reflexionó sobre el peso de un legado cultural que, a sus 83 años, sigue construyendo con envidiable espíritu. “Es maravilloso poder tener ese efecto en la gente”, confesó.

Paul McCartney y Los Rolling Stones

La noticia no necesita demasiado adorno: Paul McCartney tocó el bajo en “Covered In You”, un tema del próximo disco de los Rolling Stones. Una colaboración entre dos nombres que durante décadas ocuparon bandos opuestos en cierto imaginario del rock. McCartney no le esquivó al dato ni lo sobredimensionó. Lo contó como quien recuerda una buena jornada de trabajo: “Me senté y el sonido que escuchaba, el disco que estábamos haciendo, ¡eran los Stones!”. Para él, la experiencia tuvo algo de revelación instantánea. No hubo que construir nada ni forzar un estilo ajeno. El sonido simplemente estaba ahí, intacto y reconocible. “Después de ese día en el estudio, la gente me preguntó cómo había sido. ‘¡Fue increíble! Fui un músico de sesión con los Stones’”, contó con una sonrisa.

La observación no es menor. McCartney distinguió con claridad entre trabajar para otros y trabajar para sí mismo. Con los Stones, el objetivo era preservar una identidad sonora ya consolidada. “Si trabajás con los Stones, tienen el sonido de los Stones, así que creo que lo que buscás es conseguir ese sonido. Y es natural en ellos: es la manera en que suenan”, explicó.

El legado de Los Beatles

A sus 83 años, Paul McCartney sigue recibiendo una historia que conoce de memoria y que, sin embargo, no lo aburre. Es siempre la misma: alguien (y no cualquiera, ya se verá en este mismo texto) vio a Los Beatles en televisión en aquel histórico show del programa de Ed Sullivan, el 9 de febrero de 1964, y algo cambió en su interior y nunca volvió a ser el mismo. “Bruce Springsteen, a quien conozco como amigo, cuenta una historia muy similar a la que cuentan muchos estadounidenses: ver a Los Beatles en The Ed Sullivan Show y quedar tan impresionado que dijo: ‘Bueno, eso es lo que quiero hacer con mi vida’”, recordó McCartney. El detalle que se repite con una precisión casi cómica es el de los peinados de aquellos cuatro jóvenes ingleses que irrumpieron en la televisión nacional de Estados Unidos un domingo de invierno por la noche. Springsteen bajó a desayunar al día siguiente con el pelo peinado hacia adelante, imitando a Los Beatles. “Tom Petty hizo lo mismo; David Letterman, también”, cuenta McCartney.

Consultado sobre cómo sostiene el entusiasmo después de haber escuchado esa historia miles de veces, McCartney fue directo: “Porque es una gran historia. Si viniera de una sola persona, ya sería impresionante. Pero como viene de muchísima gente, es impresionante muchas veces”. Cada vez que alguien se la cuenta, dice, la recrea desde el principio. “Me los imagino sentados frente a un televisorcito, con los padres que casi siempre nos detestaban y el padre que casi siempre decía: ‘Ah, llevan pelucas’”, dice con una sonrisa

Shows íntimos “sin teléfonos”

Paul McCartney llena estadios, bien lo sabemos en Argentina y América latina. Pero hay algo que los estadios no pueden darle, y él lo sabe. En los últimos tiempos, el músico ha intercalado sus giras masivas con presentaciones en teatros pequeños: el Fonda en Los Ángeles, el Bowery en Nueva York. Recintos donde el público entra sin teléfono. Las bolsas para guardar los dispositivos son obligatorias, y esa diferencia, según McCartney, lo cambia todo. “Cuando hacés algo como el show del Fonda, no hay teléfonos. Es completamente diferente. Es una descarga real. Te lleva de vuelta a tus orígenes”, describió.

La queja sobre los teléfonos no es nueva en el mundo del espectáculo, pero Sir Paul la formula con una imagen precisa: “La mayoría de la gente quiere grabarlo, así que desde el escenario lo que ves estás es una marea de teléfonos”. En los shows íntimos, en cambio, hay caras. Hay reacciones. “El público te está escuchando. Está escuchando la música. Está reaccionando en lugar de grabar”, dijo. Y agregó que la diferencia la sienten todos por igual: él, su banda y los invitados que suelen pasar por esos conciertos. “Es increíble. Es completamente diferente”, repiten, según contó, quienes los presencian.

Para McCartney, la experiencia remite a algo esencial y anterior a toda tecnología: “Siempre podías ver a la gente de cerca y podías interactuar con ellos”. Eso, dijo, “definitivamente eleva la potencia de un show”.

El nuevo disco de Paul McCartney

Cuando Paul McCartney se sentó a trabajar con el productor Andrew Watt en The Boys Of Dungeon Lane, la consigna no era recuperar ningún sonido. Era exactamente lo contrario. “Estamos tratando de no hacer eso”, dijo sobre la posibilidad de recurrir a fórmulas conocidas. La diferencia con su trabajo junto a los Rolling Stones es, para él, conceptual: con los Stones, el objetivo es preservar una identidad. Con su propio material, la búsqueda apunta en otra dirección. “Cuando trabajo en mis cosas, estoy abierto a ideas”, explicó. Como ejemplo, mencionó los tape loops, una técnica que practica desde los años 60 y que, según él, mantiene una cualidad difícil de replicar. “Aunque ahora es una tecnología vieja, suena nueva. Es definitivamente inusual. No es sintética”, describió. McCartney aclaró que los loops no necesariamente aparecen en este disco, sino en otro conjunto de canciones que tiene en proceso. Pero los mencionó como representativos de una actitud que sí atraviesa The Boys Of Dungeon Lane: la de no tomar el camino conocido, la de buscar siempre algo que no se haya hecho antes.

La filosofía detrás del álbum, dijo, se puede resumir en una frase: “Eso ya lo hicimos, hagámoslo diferente”. Y la razón es tan simple como honesta: “El motivo principal es que es tan, tan aburrido” repetirse.

La infancia y la nostalgia como materia prima

Paul McCartney no se propuso hacer un disco nostálgico, pero las canciones llegaron solas y cuando las miró, hablaban de Liverpool, de su infancia, de sus padres. “No tomé una decisión consciente”, admitió. “Simplemente ocurrió que estaba escribiendo eran en gran medida recuerdos de infancia o pensamientos de ese período de mi vida en Liverpool”.

Dos canciones en particular anclan ese territorio. “Days We Left Behind” nació de memorias directas de su niñez. “Salesman Saint”, en cambio, partió de una pregunta que se hizo casi sin querer: ¿Cómo habrá sido criar hijos en tiempos de guerra? “Un día simplemente pensé: la gente hoy, criando hijos, familias jóvenes, amigos jóvenes, es difícil. Es una gran experiencia, pero hay que trabajarla”, contó. De ahí saltó a sus propios padres durante la Segunda Guerra Mundial. “Eso era completamente diferente a todo lo que conocemos en este momento. Estas guerras están ocurriendo, pero en otros países. En el caso de ellos, era en su propio país donde caían las bombas”. Su padre fue bombero durante la guerra; y su madre, enfermera y partera. “Me pareció un hecho asombroso que mis propios padres hubieran atravesado todo eso, y sin embargo hubieran salido adelante. Hubieran sobrevivido”, dijo.

Pero no todo en el disco viene de la memoria. McCartney también escribe personajes que no conoce, situaciones que inventa. “Momma Gets By”, hacia el final del álbum, es una de esas canciones. “Es un vuelo de fantasía. Estoy imaginando a esta mujer enfrentada a este tipo que parece un poco vago. Estoy inventando dos personajes en una obra de teatro”, explicó. Para él, escribir es moverse libremente entre esos registros. “Tomás partes de vos mismo, partes de la vida que conoces”, dijo. Y sobre el pasado como fuente, fue contundente: **“El pasado está lleno de cosas. Es un lugar rico para extraer ideas”**.

Una canción redescubierta por accidente

No todas las canciones de The Boys Of Dungeon Lane nacieron durante las sesiones con Andrew Watt. Una de ellas llevaba dormida más de dos décadas en un casete olvidado. La historia comienza con Eddie Klein, el ingeniero que construyó el estudio de McCartney y que llegó originalmente de Abbey Road. Un día, mientras digitalizaba cintas antiguas en un segundo plano, Klein interrumpió el trabajo con una pregunta: “¿Recordás alguna vez una canción llamada ‘Lost Horizon’?” McCartney no la recordaba. Klein insistió: “No está mal. En realidad es muy buena”. La escucharon.

“Lo que me sorprendió fue, primero, que la había olvidado por completo. Debo haberla grabado en un casete una tarde de vacaciones”, contó McCartney. La fecha aproximada: principios de los 2000. Pero la segunda sorpresa fue mayor porque la canción estaba terminada. “A veces, si me siento de vacaciones a escribir una canción, puedo llegar a conseguir apenas un par de estrofas. Pero esta tenía las estrofas, los estribillos, los puentes. Todo estaba ahí”, recordó.

El proceso de producción respetó la estructura del demo original. Se regrabaron algunos elementos, se mantuvieron otros tal como estaban. Andrew Watt sugirió sumar una guitarra eléctrica. McCartney tomó una Telecaster del 56 y se puso a tocar con una referencia clara en mente: “Estaba imaginando lo que haría Steve Cropper, así que lo estaba canalizando”. El resultado, dijo, tiene la marca de ese hallazgo fortuito. “Todas las canciones tienen estas pequeñas historias de origen, y esa se trata de una reliquia encontrada por el bueno de Eddie Klein. ¡Gracias a Dios por él!”.

La banda encabezada por Bono grabó este 12 de mayo el video musical de “The Streets of Dreams” en la Plaza de Santo Domingo, donde decenas de seguidores participaron como extras tras recibir una invitación exclusiva vía correo electrónico.

El rodaje transformó por varias horas el corazón capitalino. Un camión adaptado como escenario móvil recorrió la plaza mientras Bono interpretaba el nuevo tema junto a sus compañeros. El despliegue incluyó grúas, cámaras de alta definición, reflectores y un operativo para controlar el flujo peatonal.

La grabación se convirtió rápidamente en tendencia y revivió algunos de los momentos más emblemáticos de la relación entre U2 y México.

De Foro Sol al Estadio Azteca: México, escenario clave para U2

La conexión de la banda con el país quedó sellada en 1997 con PopMart: Live from Mexico City, concierto grabado en el entonces Foro Sol y convertido después en lanzamiento oficial. Aquella noche dejó una de las frases más recordadas de Bono frente al público mexicano: “Hola México. Muchos huevos. Grandes. Mucho tráfico. Eso es México”.

Años después, el país volvió a convertirse en pieza fundamental para la agrupación con U2 3D, cinta filmada parcialmente durante los conciertos de la gira Vertigo en el Estadio Azteca en 2006.

Videos filmados en CDMX y referencias mexicanas

La capital mexicana también ha servido como inspiración estética para la banda. En 2017, U2 grabó el videoclip de “Get Out of Your Own Way” en la azotea del edificio Expo Reforma. El material incluyó referencias visuales al Día de Muertos, sarapes y escenas urbanas de la CDMX.

Según el entorno de producción, la intención era enviar un mensaje de fortaleza tras los sismos de septiembre de 2017 y demostrar que México “seguía de pie”.

Ahora, con “The Streets of Dreams”, el grupo volvió a apostar por la esencia chilanga. El video incorpora imágenes cotidianas del Centro Histórico y un autobús escolar intervenido por el artista mexicano Chavis Mármol.

“Cielito Lindo”, activismo y hasta polémicas

En varias visitas, Bono ha incorporado fragmentos de “Cielito Lindo” durante canciones como “Bad” o “Beautiful Day”, gesto que suele desatar la euforia de sus seguidores mexicanos.

Fuera de los escenarios, el cantante también ha hablado sobre temas sociales relacionados con México. En 2019, durante el evento México Siglo XXI, aseguró que era “injusto” responsabilizar únicamente al país por el narcotráfico, al considerar que se trata de un problema global.

No todo ha sido armonía. Uno de los episodios más comentados ocurrió en 1997, tras un altercado entre elementos de seguridad de la banda y familiares del entonces presidente Ernesto Zedillo en el Palacio de los Deportes. Después de aquel episodio, U2 tardó más de una década en regresar al país.

Con el paso de los años, México dejó de ser únicamente una parada de gira para convertirse en un escenario recurrente dentro de la narrativa visual, musical y emocional de la banda irlandesa.

En una entrevista recuperada por el portal musical Indie Hoy, el guitarrista británico aseguró que ningún otro momento en el escenario se compara con tocar el riff de Jumpin’ Jack Flash, una secuencia que, décadas después de su creación, sigue provocándole una reacción visceral única.

La descarga emocional detrás de Jumpin’ Jack Flash

Richards describió que la interpretación de este riff le genera una explosión de energía física y emocional, particularmente en el estómago, lo que considera el punto culminante de su repertorio. Para él, ese patrón de notas representa “uno de los mejores sentimientos del mundo”.

El músico enfatizó que, al ejecutarlo, la intensidad es tan abrumadora que se convierte en un instante de euforia difícil de igualar sobre el escenario.

Según el guitarrista, la potencia de Jumpin’ Jack Flash radica en su capacidad para atraparlo completamente y elevar su experiencia musical a un estado casi trascendental.

“Simplemente saltas sobre ese riff y te lleva. Se apodera de ti. Una explosión sería la mejor manera de describirlo. Es al que acudiría inmediatamente si quisiera acercarme al estado de nirvana”, explicó Richards durante la entrevista.

El origen de un riff emblemático

La historia de Jumpin’ Jack Flash se remonta a una noche lluviosa en la casa de Keith Richards en el sur de Inglaterra.

El guitarrista estaba acompañado por Mick Jagger cuando vieron pasar a Jack Dyer, el jardinero de la familia, por la ventana. Esta escena cotidiana inspiró el título del tema, ya que Richards comentó a Jagger: “Ese es Jack. Ese es Jumpin’ Jack”.

A partir de ese momento, el proceso creativo avanzó espontáneamente. Richards utilizó una guitarra afinada en sol abierto, lo que facilitó la creación del arpegio característico. Jagger, recién despertado, aportó la palabra “Flash” para completar el título y juntos dieron vida a una de las canciones más reconocidas del grupo.

La colaboración creativa y el uso de la técnica

El desarrollo del riff fue fruto de la colaboración directa entre Richards y Jagger, quienes encontraron en la frase “Jumpin’ Jack Flash” una aliteración pegadiza y un punto de partida inspirador.

La afinación en sol abierto permitió que el patrón de acordes resultara especialmente distintivo, dotando al tema de una energía singular dentro del catálogo de los Rolling Stones.

Este detalle técnico diferenció a Jumpin’ Jack Flash de otros éxitos de la banda, consolidando su lugar como una pieza central tanto en los conciertos como en la historia del rock. Richards ha destacado que la espontaneidad y la colaboración fueron factores decisivos para la creación de esta canción.

El rol de Jumpin’ Jack Flash en la trayectoria de Richards

El repertorio de Richards abarca riffs emblemáticos como Start Me Up, (I Can’t Get No) Satisfaction, Sympathy for the Devil y Miss You. Sin embargo, según reconoce en su libro de memorias Life, el riff de Jumpin’ Jack Flash es el que más euforia le genera.

“Flash es básicamente Satisfaction al revés. Casi todos estos riffs están estrechamente relacionados”, explicó, mostrando cómo su evolución como compositor ha estado marcada por la experimentación y la búsqueda constante de nuevas estructuras sonoras.

Para Richards, la secuencia de Jumpin’ Jack Flash sintetiza años de exploración musical y define su identidad artística dentro del rock internacional.

Un vínculo personal y un legado permanente

A pesar de haber creado algunos de los riffs más influyentes del género, Richards sostiene que, si solo pudiera interpretar uno durante toda su vida, elegiría sin dudar el de Jumpin’ Jack Flash.

Esta conexión personal se ha fortalecido con el tiempo, convirtiendo la pieza en un emblema de su carrera y en un referente para generaciones de músicos y fanáticos.

La pasión que Keith Richards proyecta al hablar de Jumpin’ Jack Flash revela el peso simbólico y emocional que tiene este riff en el repertorio de los Rolling Stones. La canción, nacida de una anécdota cotidiana y pulida a través de la colaboración creativa, ha trascendido su época y se mantiene como un ícono indiscutido del rock.

AFI regresa a México el próximo 26 de septiembre para ofrecer un concierto en el Pabellón Oeste del Palacio de los Deportes, ciudad que la banda visitó apenas en febrero de 2025 con un show íntimo en el House of Vans, donde prometió volver. Esta vez el escenario será mayor y el repertorio incluirá material de Silver Bleeds the Black Sun…, su más reciente álbum.

Este nuevo disco, editado por Run For Cover Records, es el que da marco a esta gira. El vocalista Davey Havok describió el proyecto como “una manifestación sonora de la lucha por reconciliar la existencia en la distopía impía y extraña que es la vida moderna”. Los sencillos que anticiparon el álbum fueron “Behind the Clock”, “Holy Visions” y “Ash Speck in a Green Eye”.

El objetivo del disco fue construir una atmósfera onírica y etérea. La banda rescató influencias que siempre estuvieron en el núcleo de su sonido pero que nunca habían ocupado el primer plano. El resultado es un trabajo que se mueve entre lo familiar y lo fresco, con sonidos clásicos reinterpretados desde una perspectiva contemporánea.

Más de 30 años de reinvención constante

Silver Bleeds the Black Sun… es oscuro y grandioso al mismo tiempo. La banda reconoció haberse sorprendido a sí misma con el resultado, algo que no había ocurrido con la misma intensidad en entregas anteriores. Cabe recordar que la banda se formó a principios de los años 90 en California con un sonido de hardcore. Con el paso de las décadas transitó hacia el punk melódico oscuro, luego al estrellato masivo del rock alternativo y después a territorios camaleónicos que incluyeron el synth-pop. Cada uno de esos giros fue deliberado: AFI nunca se encasilló en un solo género.

Su discografía abarca once álbumes de estudio, desde Answer That and Stay Fashionable (1995) hasta Silver Bleeds the Black Sun…, pasando por títulos como Sing the Sorrow, Decemberunderground y The Blood Album. México siempre ocupó un lugar especial en esa historia: el público local, conocido por su entrega en los shows en vivo, ha acompañado a la banda en cada etapa de su evolución y convirtió fechas anteriores en encuentros de alta intensidad emocional. El regreso al Pabellón Oeste es, para esa comunidad de seguidores, la confirmación de que el vínculo sigue intacto.

Boletos y precios para AFI en CDMX

Las entradas ya se encuentran disponibles a través de la boletera Ticketmaster o también los podrás adquirir directamente en las taquillas del inmueble.

• General: mil 314 pesos
• VIP: 2 mil 331 pesos

El músico también reflexionó sobre cómo el recuerdo de figuras decisivas como Kurt Cobain, junto con el apoyo emocional de su entorno y la conexión con el público, moldearon una etapa en la que la música funciona tanto como refugio personal como espacio de encuentro colectivo.

Foo Fighters y la urgencia de crear canciones nuevas

Grohl enfatizó que la motivación por seguir componiendo está tan presente como en los primeros días. “Nos reunimos a ensayar todos los días. Estar con los muchachos, trabajando en canciones nuevas, todavía me produce una sensación increíble”, afirmó en la entrevista.

El proceso actual, describió, responde a “una urgencia” que nace de la energía interna y la necesidad de expresión, sin depender de expectativas externas. “Menos en la cabeza, más en el corazón. Esos son los momentos en que todo cobra sentido”, expresó Grohl para explicar ese enfoque visceral que imprime en la composición.

La banda considera que cada tema nuevo aporta una fuerza distinta: “Agregar 10 canciones nuevas a un setlist de 26 hace que cada show sea gigante, pero todos queremos que esas canciones vean la luz”, detalló el músico, quien atribuye a los ensayos diarios la capacidad de mantener viva la creatividad y el entusiasmo.

Pat Smear, guitarrista, volvió tras una lesión y retomó los ensayos con una emoción renovada. Esta energía se traslada al escenario y se percibe como “contagiosa”, fortaleciendo el impulso colectivo del grupo.

El detrás de escena de los conciertos y la conexión con los fans

Para Foo Fighters, definir el repertorio de cada concierto implica un equilibrio entre lo emocional y lo creativo. Grohl explicó que prioriza aquellas canciones capaces de generar una conexión inmediata con el público: “Una de mis cosas favoritas de tocar en vivo es la conexión con el público. Para mí es lo más importante”.

Por eso, la banda busca combinar material nuevo con clásicos como Best of You y Everlong, temas que Grohl considera fundamentales para sostener la energía colectiva del show.

El músico aseguró que esos momentos funcionan como “el pegamento” de cada presentación y remarcó que no le interesa sacrificar ese vínculo con la audiencia solo para incorporar rarezas al setlist.

En la estructura de sus conciertos, compara el setlist con una lasaña: primero, los infaltables; luego, las novedades; y en el medio, joyas menos conocidas. “La base la forman los temas imprescindibles, después mostramos lo nuevo, y en el centro rescatamos algunas joyas”, relató en el pódcast.

La música como refugio ante la pérdida y el duelo

Más allá de los escenarios, reflexionó sobre el papel que tuvo la música en los momentos más difíciles de su vida. Las muertes de personas cercanas como Taylor Hawkins, su madre y, especialmente, Kurt Cobain marcaron profundamente su historia personal. Frente a esas pérdidas, el líder de Foo Fighters recordó haber pensado: “La música es lo que me va a salvar después de tantas pérdidas”.

Al recordar a su madre, relató cómo la música lograba reconectarla incluso en momentos críticos de salud, subrayando el poder reparador de las canciones. Reconoció que muchas noches sin poder dormir las pasa tocando por el simple placer de redescubrir esa sensación de asombro íntimo.

“Sueño con Taylor todo el tiempo, igual que con mi madre. Su energía sigue aquí. Creo que nunca nos abandonan del todo”, afirmó Grohl, resaltando la importancia de los sueños y la música para canalizar recuerdos y emociones en el proceso de duelo.

La familia, en especial sus hijas Violet y Harper, ocupa un lugar central en la vida de Grohl y también influye de manera directa en su forma de crear música. El líder de Foo Fighters aseguró: “La familia y los vínculos son inseparables de mi proceso creativo”.

Kurt Cobain, terapia y familia: motores del proceso creativo de Dave Grohl

El recuerdo de Cobain y la importancia de los vínculos personales marcaron profundamente a Grohl. “Cobain fue, sin duda, uno de los más grandes compositores de todos los tiempos. Su huella es imborrable”, expresó Grohl en Apple Music podcast.

Grohl abordó el papel que tuvo la terapia en su vida, desde la infancia hasta el duelo tras la pérdida de Cobain, Hawkins y otros amigos. “Es importante tener a alguien con la empatía y el conocimiento suficientes para recibir lo que entregas, sin importar cuán complicado sea”, sostuvo el músico.

El líder de Foo Fighters sostuvo: “El entorno, el hogar y quienes te rodean le dan sentido a todo lo que creas”, una idea que refleja cómo combina las experiencias personales y el paso del tiempo en su música.

Foo Fighters y el sentido de pertenencia: presente, pasado y futuro

Grohl resumió el espíritu actual de Foo Fighters como un equilibrio entre la memoria y la capacidad de reinventarse. Al referirse a Your Favorite Toy, el duodécimo álbum de estudio de la banda lanzado en abril de 2026, afirmó: “Este álbum nace desde el corazón y el instinto. Tener la oportunidad de seguir haciendo música con mis amigos lo es todo”.

La convivencia diaria, el estudio propio y la historia compartida forjaron un entorno donde la creatividad y el sentido de “hogar” se potencian. “Mientras tengamos esta química, podamos subir al escenario y luego al autobús juntos, la música será siempre nuestro lugar en el mundo”, concluyó.

McCartney detalló que el álbum, su decimoctavo disco solista, se gestó hace cinco años a partir de una reunión con el productor Andrew Watt, cuando improvisó una secuencia de acordes que daría origen al tema inicial, “As You Lie There”. Inspirado en su infancia en Liverpool y en un enamoramiento nunca confesado, McCartney narró cómo comenzó a componer la canción desde una perspectiva cercana, tocando la mayoría de los instrumentos él mismo, replicando el enfoque de su debut como solista en 1970.

El Estudio Dos, emblemático por ser el espacio donde los Beatles registraron temas como “She Loves You”, “Help!” y “Come Together”, funcionó como escenario para que el músico profundizara sobre la carga autobiográfica del álbum. Varias canciones remiten a episodios personales, como “Days We Left Behind”, una balada acústica que da título al disco y que evoca Dungeon Lane -la zona de Liverpool que recorría cuando era niño y adolescente- y una promesa que hizo a John Lennon en la infancia. El repertorio también abarca referencias a sus padres, la posguerra británica y vivencias compartidas con George Harrison y Ringo Starr.

Cómo es el nuevo disco de Paul McCartney

Paul McCartney describió “As You Lie There” como un ejercicio de evocación: se desarrolla desde el recurso de la palabra hablada hacia una estructura melódica cambiante, reflejando tensión emocional y recuerdos de juventud. El músico precisó que la canción se originó con una idea accidental derivada durante una conversación casual con Watt, y expandió el arreglo mientras exploraba la memoria de su adolescencia en Liverpool.

“La escribí recordando una chica llamada Jasmine que veía desde la ventana y a la que nunca me animé a hablar”, reconoció. Como un lujo extra, los asistentes a la escucha pudieron observar a McCartney interpretando la música y tarareando fragmentos durante la presentación, en una dinámica que remitió al proceso de grabación colectivo que definió a Los Beatles en el pasado.

El álbum suma varias capas autobiográficas: “Salesman Saint” remite al contexto familiar durante la Segunda Guerra Mundial, donde su padre fue bombero y la madre enfermera, ambos afrontando las dificultades propias del conflicto sin dejar de cumplir con su trabajo. “Me crié en ese entorno, mis padres lidiaban con la guerra, pero seguían adelante porque no tenían otra opción”, explicó McCartney durante el evento.

“Ripples in a Pond” destaca por estar dedicada a su esposa Nancy Shevell, en tanto que “Mountaintop” ficcionaliza la mirada de una joven en el festival Glastonbury, que McCartney encabezó en 2022. El disco también documenta su primer dueto con Ringo Starr en “Home to Us” y recupera las dinámicas íntimas del encierro en “Life Can Be Hard”, compuesta durante el confinamiento por la pandemia del Covid-19.

The Boys of Dungeon Lane aparece tras una fase de relectura histórica de la trayectoria de Paul McCartney, marcada por proyectos como el documental The Beatles: Get Back, el lanzamiento del single “Now and Then” - construido sobre un demo grabado por John Lennon- y el reciente documental Man on the Run, sobre sus inicios como solista y formación de su banda Wings a mediados de los años 70. La nueva producción utiliza el repertorio como medio de exploración sobre la identidad y la pertenencia, alternando registros de rock asociados a Wings, armonías propias de Los Beatles y experimentación rítmica personal.

El título del álbum responde a una localización concreta de Liverpool y a una promesa hecha a Lennon, según relató McCartney: “La promesa que hice nunca se romperá”. Interrogado por el significado de un “código secreto” presente en la letra de la canción principal, optó por no revelarlo, atribuyéndolo al instinto lúdico de la composición. El músico definió la canción como “una de las favoritas”, en referencia a los miembros de la formación clásica de Los Fab Four de Liverpool.

Otras canciones amplían el panorama introspectivo: “Down South”, considerada de las más nostálgicas, le permitió a McCartney relatar anécdotas con Harrison y Lennon sobre sus primeros traslados haciendo autostop, en los que convivieron antes de aprender y grabar composiciones emblemáticas de la banda.

La sesión privada en Abbey Road constituyó un punto de contacto directo entre Paul McCartney y el público, al ofrecer un recorrido narrado y musical sobre The Boys of Dungeon Lane, con acceso anticipado a las canciones y al proceso creativo detrás del disco. Durante los 90 minutos, el músico articuló referencias personales y anécdotas sobre la banda más famosa del siglo XX. “Esto fue un cúmulo de recuerdos de Liverpool para mí”, dijo, “pero también de cualquier día que hemos dejado atrás. Todos tienen sus recuerdos y yo también: la escuela, la infancia, viejos amigos, primero amores...”

Rebel Cats lleva el horrorbilly al Teatro Metropólitan el próximo 26 de septiembre con el estreno en vivo de Palomitas y Películas de Horror, su quinta producción discográfica, en una noche que también celebrará 65 años de trayectoria de Vincent Van Rock.

Desde 2023, Rebel Cats ha mezclado su base de rockabilly con horrorpunk, garage punk, pop punk y goth rock. La influencia del cine, las series y la literatura de terror dio forma a ese sonido propio que la banda bautizó como “horrobilly”, y que alcanza su expresión más acabada en Palomitas y Películas de Horror.

El material es el quinto álbum de estudio del grupo, fundado en 2005 por Vince y Vincent Van Rock. La presentación en el Metropólitan no solo sirve para mostrar ese nuevo trabajo en vivo, sino también para que el público escuche en directo “Cursi”, la versión que la banda grabó para el álbum tributo a División Minúscula.

Seis décadas de rocanrol: el homenaje a Vincent Van Rock

La noche del 26 de septiembre tendrá un segundo eje: el tributo a Vincent Van Rock por sus 65 años de trayectoria ininterrumpida en el rocanrol. El Teatro Metropólitan, uno de los recintos más reconocidos de la Ciudad de México, será el escenario de ese reconocimiento.

La velada también contempla invitados sorpresa, aunque los nombres no han sido revelados.

Boletos y precios para Rebel Cats en CDMX

Los boletos estarán en preventa Banamex este 8 de mayo a las 11:00 a.m. A partir del día siguiente estarán disponibles en las taquillas del Teatro Metropólitan y a través de ticketmaster.com.mx.

Más de 20 años de Rebel Cats

Rebel Cats es una banda mexicana formada en 2005 por Vince Monster y su padre Vincent Van Rock. Se destacan como referentes del rockabilly en Latinoamérica, fusionando este género clásico con estilos como horrorpunk, garage rock y punk. Su propuesta combina música y estética, convirtiendo cada presentación en un espectáculo teatral.

A lo largo de dos décadas, han editado varios discos, como “Eso es rockabilly” y “Rebel Cats y sus amigos”, colaborando con artistas de distintos géneros. Han impulsado la difusión del rockabilly en México y participado en importantes festivales. Su impacto ha trascendido la música, promoviendo una subcultura y estilo de vida ligados a los años cincuenta, consolidando así su legado en la escena nacional.

En la actualidad la banda tiene una base de 131 mil seguidores que consumen su música principalmente en YouTube y Spotify, con presencia en México, Estados Unidos, Colombia, Chile, Argentina y España. Su Fan Conversion Rate del 91% indica que casi la totalidad de quienes los descubren por primera vez se suman a su comunidad de fans.

Luego de que la banda de Liverpool se separara, McCartney reconstruyó su carrera desde cero y encontró refugio en su entorno familiar. La decisión de crear Wings fue clave para alejarse del pasado, apoyado por el soporte emocional y creativo de Linda McCartney.

Este proceso, explorado en el documental Man on the Run, permitió a McCartney experimentar con nuevas canciones, conectar con nuevas audiencias y consolidar una vida familiar lejos del centro de atención.

“No fue fácil. The Beatles fue una banda tan grande que te preguntas: ¿cómo sigues después de algo así?”, aseguró y recordó el músico de 83 años.

Explicó que la presión solo dejaba dos opciones: abandonar o continuar en la música, y para él no era una verdadera elección. “No quería crear un súpergrupo con amigos famosos. Volví al inicio, recordando cómo empezamos The Beatles: desde cero”, detalló.

El proceso de reinvención incluyó rechazar la idea de formar grupos monumentales y optar, en cambio, por volver a los orígenes, según describió el propio McCartney. La presión de la crítica y la incertidumbre marcaron esos primeros años tras la separación.

La búsqueda de identidad: superar la etiqueta de Beatle

El reto era escapar del estigma de “Beatle”. Destacó durante la entrevista que su principal objetivo fue encontrar una nueva identidad musical. “Si intentábamos formar un grupo nuevo, había que lograr que la gente no nos relacionara solo con los Beatles… Fue entonces cuando nacieron canciones como Band on the Run y Jet, que no suenan en absoluto a los Beatles”, describió.

Admitió que esta libertad era una ventaja y una dificultad: “No me detenía a pensar las cosas, simplemente seguía mi instinto, aunque después me preguntara por qué había tomado determinadas decisiones”. Sin embargo, insistió en que mantenerse fiel a sí mismo y dejar espacio a lo imprevisible fue esencial en su camino de renovación.

Wings: un nuevo proyecto y la validación ante el público

La formación de Wings permitió al artista británico enfrentarse a públicos y escenarios nuevos, lejos del impacto inicial de The Beatles. “Wings vive a la sombra de The Beatles... pero ahora hay muchas personas que crecieron con esas canciones”, explicó.

El músico evocó los conciertos en lugares emblemáticos y la colaboración con miembros como Denny Laine. “Él entendió lo que intentábamos construir”, recordó. La voz y el entusiasmo de Linda McCartney también fueron fundamentales: “Linda no tenía formación formal, pero su voz y el amor por el canto le daban a las armonías una autenticidad que no se podía imitar”.

Aunque la etapa de Wings no siempre fue destacada en los titulares, McCartney insistió en su impacto duradero. “Hoy ves a gente haciendo el signo de Wings en los conciertos; hay niños y mayores juntos disfrutando de aquellas canciones”, expresó.

Man on the Run: escape y reinvención constante

El documental Man on the Run funciona como metáfora de una vida en busca de nuevos horizontes. “No huía de la ley, sino de mí mismo, de mi situación”, señaló McCartney.

La grabación en lugares como Nashville, Nueva Orleans y Lagos aportó una atmósfera única a su música, aunque el principal valor radicaba en la libertad de moverse y descubrir nuevos paisajes. “El ambiente y la actitud de seguir adelante era lo más valioso”, comentó el ex Beatle.

Fiestas intensas, incidentes inesperados y encuentros fortuitos, incluido el recordado episodio en Japón, ofrecieron libertad creativa para McCartney y su grupo. “Lo importante estaba en vivir sin preocuparse por la historia o las expectativas”, apuntó.

Linda McCartney, motor íntimo y creativo

La presencia de Linda redefinió a Paul tanto en lo personal como en lo creativo. El músico la describió como una influencia liberadora: “Linda tuvo una crianza acomodada, pero no le gustaba ese destino. Su mentalidad abierta por el rock and roll me ayudó a no ser tan rígido”.

McCartney recordó que ambos habían optado por centrarse en la vida familiar y mantenerse alejados del entorno mediático, y señaló que todo giraba en torno a la familia. Linda fue siempre la primera oyente de sus temas y reconoció que “si a Linda le gustaba, probablemente funcionaba”.

Durante las giras, la familia viajaba unida: “No se trataba de arrastrar a los hijos por el mundo; era fundamental estar cerca, aunque eso implicara dormir en sitios poco convencionales”.

La vida cotidiana en la campiña escocesa, construir muebles y cultivar alimentos aportaron una sensación renovadora. “Linda me enseñó que está bien permitirse nuevas cosas; fue un motor emocional y creativo”, relató el músico.

Lennon y la reconciliación: de la rivalidad a la paz

La relación con John Lennon atravesó etapas de hostilidad tras la separación hasta alcanzar una reconciliación genuina. Paul rememoró los momentos de conflicto: “Al principio, John me lanzaba misiles a través de sus canciones”.

Sin embargo, con el tiempo, volvieron a conversar sobre temas cotidianos y familiares: “Charlábamos sobre los hijos, sobre hacer pan; fue reconfortante recuperar esa normalidad”.

“Cuando John murió, lo único que me consoló fue saber que habíamos hecho las paces. No sé cómo habría sido si hubiéramos seguido distanciados”, reconoció McCartney en la entrevista de Morgan Neville.

Con los años, la cotidianidad, la familia y la reconciliación cerraron heridas antes insuperables. Para McCartney, ofrecer a sus hijos recuerdos felices fue su mayor satisfacción.

A través de desafíos, reinvención y compañía, mostró que transformar la adversidad y disfrutar el proceso puede convertirse en su mayor acto de libertad y creación compartida.

El nuevo disco

El anuncio del nuevo disco, con los tres músicos y su aura de leyendas de “yo lo visto, oído y tomado todo”, sentados frente al comediante y presentador de los Oscar Conan 0’Brien, incluyó algunas precisiones informativas. Por ejemplo, que la producción del nuevo disco demandó apenas un mes de grabación bajo la dirección del músico y productor Andrew Watt. El dato también es relevante: el plazo reducido de trabajo, inusual en el segmento de totems rockeros como en este caso, resultó una estrategia deliberada que, según Jagger, dotó al álbum de “urgencia” y concentración creativa en cada canción.

Se trata del álbum número 25 de estudio del grupo, el sucesor de Hackney Diamonds (2023), que ya había supuesto un hito por ser el primer trabajo tras la muerte del baterista y maestro zen-jazzero Charlie Watts en 2021. Por cierto, en una de las nuevas canciones suena la batería del venerable Charlie -se recuerda que en cada show en Argentina, desde 1995 hasta 2016, la mayor y más sostenida ovación iba para él-: “Hit Me in the Head“, según Jagger ”una canción punk realmente rápida”, lleva el sello rítmico del baterista muerto en 2021. El resto de los temas cuenta con la participación de Steve Jordan -un ahijado musical de Keith Richards-, a quien Watts recomendó personalmente. Según el viejo Keef: “Charlie le pasó el testigo”.

Pero eso no es todo en materia de novedades. Foreign Tongues incluye colaboraciones puntuales de Paul McCartney, Steve Winwood , Chad Smith -el baterista de los Red Hot Chili Peppers que parece el hermano gemelo del actor Will Ferrel- y ¡Robert Smith! Sí, el guitarrista, compositor y cantante de The Cure. Quien te ha visto y quien te ve. Así lo relató Mick Jagger: en plena sesión de grabación en Londres, se encontró con un hombre de espaldas, vestido con una túnica larga. Al girarse, la prenda lucía marcas de lápiz labial. “Le dije: ‘Nunca te he visto antes, pero eres Robert Smith de The Cure’. Él respondió: ‘¡Sí!’ Y le propuse: ‘Ya que estás aquí, será mejor que hagamos algo’. Así que hace coros”, relató el cantante.

Rolling Stones en la era del algoritmo

En la fase previa al anuncio de este nuevo disco, la banda optó por una táctica de promoción encubierta. Lanzaron el sencillo “Rough and Twisted” en vinilo limitado bajo el alias The Cockroaches, un nombre utilizado históricamente en sus conciertos secretos de los años 70 y 80 del siglo pasado. Esta estrategia incluyó carteles anónimos en Londres y el despliegue de un sitio web que alimentó la especulación sobre la identidad detrás de “Las cucarachas”, impulsando lo que ahora se da en llamar engagement digital (compromiso digital) antes de la revelación oficial del álbum principal.

El bloque de grabación limitado a cuatro semanas determinó el tono del álbum, tal como expresó Jagger en Nueva York: “Solo tener cuatro semanas nos dio urgencia. Nos divertimos en el estudio, pero demanda concentración, hay que darle valor a cada canción.” Keith Richards definió el proceso creativo como una dinámica de improvisación y solución rápida, con el productor influenciando la dirección de las sesiones y actuando como “árbitro” cuando era necesario destrabar la composición.

El artista de los Stones

La portada de Foreign Tongues es una pintura de Nathaniel Mary Quinn, artista radicado en Nueva York, y se describe como una amalgama visual de los tres integrantes actuales, sin uso de generación digital. Por supuesto, las búsquedas sobre este artista afroamericano de 49 años se dispararon luego de conocerse su nombre detrás del arte de tapa (un rubro en el que los Stones algunas vez emplearon a un tal Andy Warhol, entre otros).

El equilibrio entre lo bello y lo grotesco, lo siniestro y lo benevolente, define la obra de Nathaniel Mary Quinn, quien proclama el intento de “plasmar la complejidad de la emoción humana” en lo individual y lo universal. Su proceso creativo se nutre de recuerdos, vivencias, traumas y la historia de su familia en el complejo habitacional (eufemismo en inglés para llamar a un edificio sobrepoblado por gente pobre) Robert Taylor de Chicago. Las piezas de Quinn, en general, consisten en retratos híbridos y fragmentados sobre papel y lino, realizados con carbón, gouache, pastel, barras de pintura y óleo. Sus imágenes remiten a referencias históricas del arte como del cubismo y el surrealismo: es inevitable viendo la ilustración del disco, pensar en Francis Bacon. Algo de eso habrá pensado Jagger, coleccionista y diletante vocacional del arte contemporáneo desde su irrupción a la fama.

Más allá de la cuestión técnica del disco, el detalle de invitados e incluso la incógnita de una posible nueva gira de recitales -un tema que en Argentina, se sabe, despierta extremo interés- la narrativa promovida la banda recorre dos líneas: la reivindicación de la vigencia creativa (sentirse vivos, still life) y la gestión del legado (“la banda de rock and roll más grande del mundo”, “sus majestades satánicas”, “los mellizos tóxicos” y otros títulos por el estilo). Ellos mismos remarcan que tras seis décadas de carrera, sostener la renovación es una decisión fundamental. “No queremos conformarnos con lo que ya hicimos. Siempre hay algo más”, planteó Richards en su particular tono mezcla de capitán Hook y gitano de pub.

Es cierto, con los Rolling Stones, siempre hay algo más.

El jurado del Premio Princesa de Asturias de las Artes ha concedido su galardón en este 2026 a la cantante y escritora estadounidense Patti Smith, destacando su “impetuosa creatividad” y su “gran potencia expresiva”. A sus 79 años, y tras más de cinco décadas de trayectoria, Smith no ha cesado su actividad en los escenarios ni ha dejado de cultivar su faceta como escritora, manteniendo además en todo momento su compromiso con distintas causas sociales y políticas.

Tras la publicación de su primer álbum, Horses, en 1975, Patti Smith fue apodada “la madrina del punk”, apelativo que nunca ha terminado de entusiasmar a la artista. Hoy en día, conocemos a Smith no solo por su faceta como cantante, sino también como poeta, artista visual, activista y, más recientemente, como escritora de memorias.

En 2010, Patti Smith publicó Éramos unos niños (Just Kids), obra que recibió el Premio Nacional del Libro en la categoría de no ficción. A este relato, clasificado como libro de memorias, le siguieron M Train (2015), El año del mono (2019), El libro de los días (2022) y Pan de ángeles (2025). Aunque los inicios de su trayectoria como poeta se remontan a 1972, no cabe duda de que Patti Smith se ha abierto camino también en el mundo de la literatura en prosa.

Si entramos hoy en una librería, no nos resultará muy difícil encontrar alguno de estos tres libros en la sección de memorias o autobiografías, o simplemente bajo la etiqueta de “no ficción”. No obstante, ¿hasta qué punto es acertada esta clasificación? ¿Son Éramos unos niños, M Train, El año del mono, El libro de los días y Pan de ángeles memorias de una celebridad al uso?

El fenómeno ‘female rock memoir’

La publicación de Éramos unos niños guarda mucha relación con el aumento significativo de obras que han sido recientemente catalogadas como parte del fenómeno female rock memoir (“autobiografías de mujeres del rock”).

Sin embargo, a pesar de ser considerado el exponente de este subgénero que cada vez cuenta con más ejemplos, Éramos unos niños no se ajusta exactamente a lo que encontramos en las historias de otras escritoras del rock. Contra todo pronóstico, el primer libro autobiográfico de Patti Smith no narra la historia de cómo esta se convirtió en una de las voces femeninas pioneras del punk, sino que se centra en su relación con el fotógrafo vanguardista Robert Mapplethorpe.

El libro, de hecho, es el resultado de una promesa que Smith le hizo a Mapplethorpe poco antes de que él falleciera: la de escribir su historia, una historia de amor, amistad y hermandad. De esta forma, todo aquello que les concierne como personajes individuales pero que no es relevante en la historia de su relación queda fuera del texto. Éramos unos niños no es la autobiografía de Patti Smith ni la biografía de Robert Mapplethorpe; es ambas y ninguna a la vez.

‘M Train’, un viaje por la conciencia

Lejos de seguir los pasos de Éramos unos niños, M Train toma su propio camino. Este libro contiene una prosa más introspectiva y experimental que, por momentos, roza el fluir de la conciencia.

En él, Smith reflexiona acerca de la pérdida (en especial la de su difunto marido Fred Sonic Smith), el autoconocimiento y el paso del tiempo. La realidad se confunde con los sueños y el presente se entremezcla con el pasado, dando lugar a una narrativa no lineal que se aleja bastante de la estructura convencional de los relatos autobiográficos.

Todo esto hace que M Train se lea como una suerte de diario, no tanto en su forma más cotidiana (ese “querido diario” que fechamos y tratamos de escribir con la mayor regularidad posible) sino en un sentido más literario, más cercano a lo que conocemos como “ensayo personal”. No prima en esta historia lo que sucede, sino de qué manera lo que sucede afecta a la escritora. En definitiva, el M Train simboliza la conexión entre los distintos pensamientos de Smith, como si estos fueran estaciones independientes conectadas únicamente por la línea M.

La autoficción en ‘El año del mono’

Si bien en M Train ya vemos un cierto distanciamiento del género de las memorias en su forma más tradicional, es en El año del mono donde se hace evidente la desvinculación de las memorias de otras celebridades.

Este libro es la prueba definitiva de que Smith se siente lo suficientemente cómoda con el género autobiográfico como para transgredirlo y jugar con los límites de lo real y lo ficticio.

Aunque sigue siendo un texto esencialmente autobiográfico, al igual que los dos anteriores, el elemento diferenciador radica en la capacidad de Smith para incorporar elementos surrealistas que confunden constantemente al lector. Objetos que hablan, personajes que aparecen y desaparecen como por arte de magia y situaciones kafkianas conviven en esta historia que es más autoficción que autobiografía.

En la delgada línea que separa los sueños de la realidad, la autora esconde un sinfín de reflexiones que difícilmente se descubren a primera vista, pero que se convierten sin duda en una agradable recompensa para aquellos que deciden sumergirse en una segunda lectura.

‘El libro de los días’ y la narración visual

Desde Éramos unos niños hasta El año del mono, la fotografía ha ido adquiriendo una presencia cada vez mayor en la obra de Smith. La autora no solo ha demostrado su interés en este medio, sino que además se ha servido de él para explorar las posibilidades de hibridez entre texto e imagen. Tanto es así que, en 2022, publicó El libro de los días, un diario fotográfico en el que la imagen se convierte en el eje principal de la narración, mientras que el texto aparece únicamente en forma de pies de foto.

Inspirado en su cuenta de Instagram –como la propia Smith señala en la introducción–, el libro adopta la forma de un diario visual que acompaña a la autora durante los 366 días de un año bisiesto. De enero a diciembre, cada día se presenta a través de una fotografía acompañada de una leyenda que puede ir desde una sola palabra hasta un breve texto.

A primera vista, esta suerte de fotolibro parece alejarse de las anteriores publicaciones de Smith. Sin embargo, basta con recorrer sus primeras páginas para reconocer una estética que remite claramente a su obra previa. Aunque esta vez la imagen ocupa más espacio que las palabras, a lo largo de la narración (tanto visual como textual) la autora establece conexiones temáticas con sus libros anteriores: viajes, pérdida, nostalgia y devoción atraviesan las páginas de El libro de los días del mismo modo que lo hacían en Éramos unos niños, M Train y El año del Mono.

‘Pan de ángeles’: ¿la autobiografía definitiva?

Hacia finales de 2025, Patti Smith publicó Pan de ángeles. Ya desde la portada advertimos un cambio respecto a sus publicaciones anteriores: el título va seguido del subtítulo “memorias”. Ciertamente, desde la publicación de Éramos unos niños, esta es la obra que más se acerca al género autobiográfico convencional.

Por primera vez, no se centra en un periodo concreto de su vida, sino que traza un recorrido desde su infancia hasta el presente –eso sí, los recuerdos, las reflexiones y los saltos temporales se imponen, una vez más, a la linealidad–. En Pan de ángeles predominan la estructura fragmentaria y un tono introspectivo que remiten constantemente a la Smith que ya conocemos. Las coincidencias, de hecho, no se limitan al estilo: hay episodios que ya se habían mencionado en otras de sus obras.

Sin embargo, la autora ofrece aquí una nueva mirada, junto con detalles que hasta ahora no había compartido. Pan de ángeles supone, en definitiva, la consagración de una voz literaria madura, creativa e incansable.

Ya en los años setenta revolucionó el mundo de la literatura, desdibujando los límites entre la poesía y la música. Cuatro décadas después, vuelve a hacerlo creando, en esta ocasión, textos híbridos con una prosa que no termina de ajustarse a ninguna clasificación.

Con una decena de álbumes de estudio y más de veinte libros publicados (entre poesía, prosa, memorias y ensayos), podría parecer que a Patti Smith le queda poco por hacer. Sin embargo, el Premio Princesa de Asturias de las Artes 2026 no es sino un impulso más para la artista, que en una entrevista ha afirmado: “Puedo prometerle a la princesa Leonor que trabajaré más duro que nunca para honrar este reconocimiento porque significa mucho para mí”.

Todo apunta a que la trayectoria creativa de Patti Smith sigue lejos de agotarse, algo que el público ya celebra.

* Doctora en Estudios Literarios y Lingüísticos en sus Contextos Socioculturales, Universidad de Las Palmas de Gran Canaria

Este artículo fue publicado originalmente en The Conversation.

[Fotos: Vianney Le Caer/ Invision/ AP, archivo; Lumen e Infobae]

Twist and Shout representó para Springsteen no solo su primer encuentro significativo con el instrumento, sino también un antes y un después en su vida como artista. Al enfrentarse a sus primeros acordes, el músico estadounidense descubrió la energía que le definiría a lo largo de años, y el grupo británico fue determinante en su formación y en la dirección que tomó su camino profesional.

Influencias musicales de Bruce Springsteen

Durante su juventud, Bruce Springsteen no solo se inspiró en Los Beatles. También admiraba a Chuck Berry, Little Richard y Bob Dylan, figuras clave que expandieron su horizonte en el rock y el soul.

El propio Springsteen comentó a la revista musical británica Far Out Magazine que aprendió parte de sus trucos observando las manos de Keith Richards interpretar canciones de The Rolling Stones.

Aunque Dylan revolucionó la escena musical, fue la fuerza de Los Beatles lo que definió a toda una generación, incluido Springsteen. Tanto el público de Estados Unidos como el de Reino Unido experimentó transformaciones influidas por el impacto de estos artistas, quienes lograron que nuevas generaciones de músicos aspiraran a un estándar artístico diferente.

La huella de John Lennon y Los Beatles en el Boss

La interpretación de Twist and Shout por Los Beatles en el Ed Sullivan Show, con la voz inconfundible de John Lennon, dejó una huella indeleble en Springsteen. Aunque esta canción ya era conocida por la versión de The Isley Brothers en 1963, la adaptación británica y el particular estilo vocal de Lennon le ofrecieron al joven estadounidense una nueva perspectiva sobre el rock.

Cuando Lennon fue asesinado en 1980, Springsteen rememoró la influencia de la canción en sus inicios y destacó ante Far Out Magazine que la primera grabación que interpretó en la guitarra fue justamente Twist and Shout de Los Beatles.

En sus palabras, “interpretar este tema por vez primera constituyó una experiencia fundacional y una lección artística” para él y para muchos otros artistas que reconocieron el mismo punto de partida. Springsteen enfatizó que sin Lennon, la vida de numerosas figuras del espectáculo —incluyéndose— habría transitado un camino muy distinto.

Aunque Lennon llegó a expresar dudas sobre su interpretación de la canción, esa grabación abrió la puerta a músicos como Springsteen y contribuyó de modo decisivo al desarrollo de su voz distintiva. No existió un vínculo personal estrecho entre ambos artistas, pero el respeto y legado profesional permanecen como un sello incontestable en la historia del rock.

El legado de una canción en la carrera musical de Springsteen

Las enseñanzas absorbidas por Bruce Springsteen en esos primeros años siguen reflejándose en el conjunto de su obra. Cada vez que regresa a los acordes de Twist and Shout, revive la experiencia original que orientó el sentido de su vida artística y profesional.

En momentos de dificultad, Springsteen resalta que la música ofrece un refugio y una razón para seguir adelante. La huella de Los Beatles, en particular la figura de Lennon, permanece viva tanto en su propio trabajo como en el de toda una generación de músicos, tal como lo recopila la crónica de la revista musical británica Far Out Magazine.

La conexión que Springsteen mantiene con Twist and Shout trasciende el simple homenaje. En sus conciertos, incluir este clásico representa un acto de gratitud hacia los artistas que lo influenciaron y una manera de compartir con su público la emoción que sintió en sus primeros años, reafirmando ese vínculo generacional.

Para Ritchie Blackmore, pocas figuras lograron sacudir la guitarra eléctrica como lo hizo Eddie Van Halen. En una reciente sesión de preguntas con seguidores, el histórico músico de Rainbow y Deep Purple ofreció una mirada íntima sobre su colega, repasando aspectos poco conocidos de su personalidad y su forma de tocar.

Desde esa experiencia directa, Blackmore puso en valor un legado que sigue vigente: la capacidad de Van Halen para romper esquemas, redefinir la técnica y dejar una huella profunda en el rock y la cultura musical contemporánea.

Aportes técnicos que transformaron el instrumento

Blackmore explicó que el aporte más revolucionario de Van Halen fue la introducción del hammer-on como técnica central para la ejecución de solos veloces y fluidos. Este recurso, que consiste en pulsar cuerdas con los dedos de la mano izquierda para producir notas ligadas sin necesidad de atacar con la púa, permitió desarrollar pasajes melódicos de gran complejidad y velocidad.

Según Blackmore, el impacto de Eddie Van Halen fue tan grande que cambió las reglas del instrumento. “Básicamente reinventó la guitarra con su técnica del hammer-on. A mí nunca me gustó, pero era increíble cómo conseguía todo eso”, admitió.

El británico Ritchie Blackmore fue más allá y destacó el efecto dominó que generó la irrupción de Eddie Van Halen: obligó a toda una generación de guitarristas a replantear su forma de tocar. Técnicas como el tapping, asociadas a su estilo, no solo ampliaron los recursos del instrumento, sino que abrieron nuevas posibilidades sonoras para el rock y el metal.

El impacto fue inmediato. Blackmore recordó el desconcierto en la escena musical ante ese nivel de virtuosismo y creatividad: “¿Quién demonios es este?”, se preguntaban muchos, entre la sorpresa y la admiración por un talento que parecía romper todos los límites conocidos.

Sensibilidad personal y desafíos fuera del escenario

Más allá de su virtuosismo, Blackmore puso el foco en un rasgo menos visible de Van Halen: su perfil bajo fuera del escenario. Según relató, pese a la fama y el talento, el músico evitaba el protagonismo y prefería retirarse en silencio tras los shows.

Esa actitud se reflejaba incluso en frases que lo sorprendían: “No quieres hablar conmigo, porque no soy nadie”, recordó Blackmore. Para él, esas palabras revelaban una modestia genuina y poco habitual en artistas de su nivel..

Blackmore también abordó las dificultades personales que enfrentó Van Halen, en particular su tendencia a la introspección y su vulnerabilidad ante las presiones de la industria. Explicó que el entorno profesional podía resultar abrumador para alguien con su nivel de sensibilidad, lo que a veces lo llevó a recurrir al alcohol para gestionar la ansiedad social y la exposición constante.

Influencia familiar y desarrollo multifacético

El entorno familiar de Eddie Van Halen desempeñó un papel clave en su formación artística. Blackmore recordó que provenía de una familia de músicos, lo que facilitó su desarrollo temprano no solo como guitarrista sino también como teclista.

Esta base permitió a Van Halen construir una identidad musical versátil, capaz de integrar elementos de distintos géneros y técnicas en su propio estilo. La influencia familiar fue determinante para que alcanzara un nivel de excelencia que trascendió el ámbito del rock.

El enfoque polifacético de Van Halen se reflejó en su capacidad para colaborar con músicos de diversos estilos, así como en la creación de arreglos complejos que incorporaban teclado y guitarra de manera integrada. Blackmore señaló que esta amplitud de recursos fue parte esencial de su legado y contribuyó a su reconocimiento internacional.

Reacciones en la comunidad y comparación con otros virtuosos

La irrupción de Van Halen no solo deslumbró al público: también sacudió a los músicos más consagrados. Blackmore recordó el impacto que generó su técnica, al punto de revolucionar los estándares de ejecución de la guitarra eléctrica y obligar a todos a repensar sus propios límites.

En ese contexto, también mencionó a Randy Rhoads, histórico colaborador de Ozzy Osbourne, para descartar cualquier rivalidad. Lejos de la competencia, Blackmore destacó que ambos compartían una actitud humilde y profesional, reforzando la idea de que el talento no estaba reñido con el respeto dentro de la escena.

Para Blackmore, la verdadera grandeza reside en la capacidad de innovar sin perder la sencillez y el respeto por los colegas. La comparación con otros virtuosos como Rhoads permite comprender el lugar que ocupa Van Halen en la historia del rock: un músico cuya influencia se basa tanto en su genio técnico como en su integridad personal.

Un legado vigente en la historia del rock

Eddie Van Halen transformó de manera irreversible los límites de la guitarra eléctrica, aportando técnicas y recursos que hoy son estándar en la música contemporánea. Su capacidad para fusionar destreza, creatividad y humildad sigue inspirando a músicos de todo el mundo.

El testimonio de Ritchie Blackmore permite comprender en profundidad la magnitud de ese legado, que se mantiene vivo tanto en la memoria de sus colegas como en el repertorio de generaciones futuras.

Nacho Vegas es uno de los autores clave del rock indie español, de los años 90 para acá. Nacido en Gijón, Asturias, es una referencia de calidad poética en España y América Latina por una obra que combina lo íntimo y lo social, siempre con un marcado compromiso político. Con más de dos décadas de trayectoria, formó parte de bandas como Eliminator Jr. y Manta Ray antes de iniciar una sólida obra solista, a partir de la cual se lo vincula con figuras del tipo Nick Drave o . Ahora llega a Buenos Aires para presentar Vidas semipreciosas, su más reciente disco, este viernes 1 de mayo en el Teatro Vorterix.

La música de Nacho Vegas se nutre de folk, pop y rock. Se le ha llegado a describir como el Wild Oldham asturiano o el "Bob Dylan de Gijón“, e incluso lo han comparado con Nick Drake. Y su nuevo álbum es un compendio de canciones que exploran los afectos, la política y la vinculación con la tierra natal, e incluye interludios con testimonios de figuras ligadas a la izquierda y al antifascismo, un tema candente en su país y el mundo.

En conversación con Infobae Cultura, dialogó sobre algunas cuestiones centrales que marcan su obra, la conexión literaria de sus canciones y por supuesto, el violento pasado y agitado presente de su país.

—¿Qué relación encontras entre las influencias de tu adolescencia (has mencionado a The Housemartins y a Violeta Parra), y tu formación musical y sentimental?

—Las cosas que te dejan una huella tan indeleble como son las que te vienen en la juventud, esas primeras cosas que te impactan tanto. Esas bandas de las que... A mí me pasó con los Housemartins, a los trece años creo que era cuando tuvieron su éxito “Caravan of Love” y era un grupo que me llegó de alguna manera. Me emocionaba de una manera diferente y fue un poco mi puerta de entrada también gracias a una serie de radios piratas, radios libres en aquel momento, que emitían desde aquí, desde Gijón, mi ciudad, y que programaban música independiente británica. Los Housemartins tuvieron éxito y por eso fue fácil llegar hasta ellos, pero a partir de ahí empecé a encontrar otras bandas que me emocionaban profundamente. Fue ese momento iniciático en el que descubres no solo el pop con esas influencias de pop vocal tan precioso, sino el sentido del humor en sus letras, el marxismo de sus letras... Había una educación política, musical, emocional, que me llegó.

A Violeta Parra llegué un poco más tarde. Recuerdo cuando se escuchaba la música en los viajes en coche, con las casetes: cada uno grababa sus recopilaciones y las escuchábamos atentamente en esos viajes larguísimos que hacíamos. La primera vez que la escuché fue en un coche y me sorprendió mucho esa prosodia tan particular, esa manera, ese ritmo, ese fraseo que tenía ella. Profundicé más en su obra un poco más tarde y llegué incluso a conocer a Isabel Parra, a Tito Parra en Chile, que fue para mí un momento maravilloso. Fueron dos momentos diferentes: la primera influencia de los Housemartins cuando era muy jovencito y después vas abriendo tu mirada y librándote de prejuicios, encontrando música que te emocione. Hay muchísima música y muy poco tiempo en esta vida.

—¿Cómo escuchas música hoy en día y qué lugar ocupan los distintos formatos en tu vida?

—Hay veces que nos levantamos con un ánimo particular, que nos pide escuchar ciertas cosas. Puse el ejemplo del jazz y la música clásica como alguien que pretendía estar de vuelta de todo lo que es la música popular, pero el jazz también fue una música absolutamente popular y despreciada por la gente más académica. Ahora está mucho más permeada en la música popular. Hoy depende de cómo me despierte. Escucho música a través de las plataformas, pero también sigo comprando vinilos. Conservo todos mis CDs porque crecí escuchando muchos, fue esa época en la que dejaron de fabricar muchos vinilos y el CD se impuso como formato hegemónico: una estafa de la industria, un formato tan barato vendiéndolo tan caro... Pero la música grabada digitalmente suena mejor suena en CD. Le tengo cierto cariño. Escuchar los vinilos, cuando puedes pasarte una tarde poniéndolos, leyendo las letras, es algo especial.

Hace poco me pasó con Phil Ochs, uno de mis autores favoritos. Sientes la necesidad de recuperarlo, de escuchar su música atentamente y descubres cosas que se te habían pasado por alto. Es bueno permitirse ese momento de pausa hoy, en el que todo va muy rápido y parece que hay que escuchar la música como si nada, con los algoritmos empujando a que todo esté en los primeros treinta segundos. Pero creo que podemos marcar nuestro ritmo, que lo importante es que la música siga siendo una parte central de nuestras vidas. Nos quieren vender que hubo una revolución en los hábitos de escucha, pero cuando la música es algo central en tu vida, sigues parándote a escuchar de forma activa, a ser alguien que se apropia de las canciones y las incorpora a su universo.

—¿Te sentís identificado con el término autoficción aplicado a tu obra y a tus canciones? ¿Creés que define lo que hacés?

—A mí personalmente me gusta el término aplicado a la música y a la canción. Cuando publicaba mis primeros discos, una pregunta muy recurrente era: “¿Tus canciones son autobiográficas?” Porque algunas se nutrían de experiencias personales y no tenía problema en mencionar cuestiones concretas con nombres propios. Yo siempre trataba de responder: la canción trascienda el mero hecho autobiográfico. No es como si le estuviera contando mi vida a un amigo en la barra de un bar. Tiene que ser algo que, aun partiendo de una realidad muy personal e íntima, se transforme en una verdad emocional. Tiene que haber una línea que separe esa realidad de esa verdad y, en esa línea, puedes recurrir a la ficción para llegar a contar esa verdad.

Ahora se puso de moda, creo que fue a partir del boom de la autoficción en la literatura. Mucha gente a la que se asocia al género lo rechaza, pero a mí me gusta. Si ese término hubiera estado hace veinticinco años en boca de todos, me hubiera gustado para definir mis canciones: son autoficción, no autobiográficas. Me gusta aplicado a las canciones. Entiendo ese debate en la literatura y muchas obras de autoficción me gustan. No es excluyente, parece que tienes que estar o con la novela decimonónica de personajes o con la autoficción, pero al final simplemente hay que dejar que las cosas nos toquen y estar abiertos a ello.

—¿La literatura ocupa un lugar central en tu vida? ¿Tenés tiempo para leer en esta época tan veloz y qué estás leyendo ahora?

—La literatura es algo muy importante en mi vida y es una influencia presente en mi obra. Tampoco me ha gustado cargar excesivamente las tintas en la influencia literaria, porque existe, pero a veces una frase escuchada en situaciones cotidianas puede ser el germen de una canción, igual que un verso de un poema. Tenemos que permitirnos ese tiempo que requiere la literatura, que no da lugar a una escucha pasiva como la música; hay que tomar un papel activo y pararse a leer. En este último disco está muy presente la obra de Mary Oliver, una poeta a la que conocí hace relativamente poco y que me ha fascinado. Su poética está presente en algunas canciones.

Justo ahora mismo estoy intentando acabar un prólogo para una edición que va a publicar Espasa de una edición ampliada de El rayo que no cesa, una de las obras principales de Miguel Hernández, un autor al que admiro mucho por su poesía amorosa, pero también por el compromiso de lo que escribió durante la Guerra Civil en España, militando en el Partido Comunista y en el bando republicano. Leerlo hoy te hace dar cuenta de la vigencia que tiene. Cosas escritas hace noventa años siguen siendo demasiado vigentes, por desgracia.

—Este año se cumplen noventa años de la Guerra Civil. ¿Creés que ese aniversario redondo removió algo en España y particularmente en tu tierra, Asturias?

—Es algo que sigue estando en la memoria, independientemente de que el aniversario sea redondo. Sigue habiendo un relato oficial que, por suerte, está encontrando una respuesta, ya desde hace unos años. Primero se intentó hablar de la Guerra Civil como una guerra fratricida en la que se cometieron atrocidades por ambos bandos. No, fue una guerra no contra nuestros propios compatriotas, fue una guerra contra el fascismo, que dio un golpe de Estado ilegal contra una república legítima.

Como dices, Asturias estuvo ya en los años previos: el ensayo para la represión antes de la Guerra Civil fue la represión a la revolución minera del 34, donde ya estaban ensayando el golpe posterior. Yo soy hijo de la “Transición”; nací en el 74, y en el 78 llegaron esos pactos, que fue una transición a la democracia y un pacto con el franquismo, en el que siguieron teniendo mucho poder los poderes fácticos relacionados con esa dictadura. A pesar de las leyes de memoria histórica, no se ha hecho justicia. Siguen habiendo muchos cadáveres en las cunetas, muchos muertos, y muy poco interés por parte de los sectores más reaccionarios, que tienen mucho poder, en no remover aquello que mostraría las vergüenzas de un país. Se revelarían verdades necesarias de contar. Queda camino por recorrer, sobre todo para que las nuevas generaciones no caigan en la trampa de ese relato mentiroso.

[Fotos: Eneko Caos; Jordi Santos]

Ya desde la previa se entonó el célebre “Megadeth, Megadeth, aguante Megadeth”, aquel cántico que el público argentino inmortalizó en ese primer recital del grupo en Obras Sanitarias, en 1994. Y que marcó a fuego su romance con Argentina.

La peregrinación sorteó un laberinto de vallas en Tecnópolis, para finalmente llegar al punto de encuentro determinado, que se transformó en un crisol de edades y generaciones. Desde metaleros de la vieja escuela hasta familias completas, nadie quiso perderse la última función del “Colorado” en esta parte del mundo.

Pasadas las 20, Against fue la banda telonera encargada de encender la escena. La agrupación, formada por los guitarristas y cantantes Sebastián Radrizzani e Ivan Monastirsky, el baterista Martín Blanco y el bajista Federico Gerván, combinó riffs poderosos con partes de dúos de guitarras muy bien sincronizados, que no fueron ajenos al movimiento de la cabeza de los espectadores. El repertorio consistió en seis canciones: Anestesiado, La sangre de los nuestros, El guara, El encierro, El Libertador y Contra.

La responsabilidad no fue desconocida para el cuarteto, que hace exactamente dos años ya había sido invitado por Mustaine para participar de su anteúltima presentación, en el marco del “Crush Rush The World Tour”. Además de tener en su haber el haber trabajado con bandas exponentes como Mastodon, Gojira, Paul Di’Anno, Dream Theather, Scorpions y Judas Priest, entre otros.

Si bien la espera se hizo más amena, todavía faltaba el plato fuerte.

El último tango

A las 21.30 fue el momento indicado para que Dave Mustaine saliera a escena de camisa blanca y con una Flying V amarilla en brazos, para interpretar “Tipping Point”, del último disco, junto al guitarrista finlandés Teemu Mäntysaari, el bajista James LoMenzo y el baterista Dirk Verbeuren.

A lo largo del setlist, “El Colorado” interpretó grandes clásicos como “Hangar 18″, “Sweating Bullets”, la personalísima e íntima “In My Darkest Hour”, “Tornado of Souls” y “Peace Sells”.

A mitad del show, y como si se tratara de una canción de amor directamente dirigida al público, la banda tocó “Symphony of Destruction”, su canción más comercialmente exitosa. Desde siempre, la gente cantó por enésima vez su célebre “Megadeth, Megadeth, aguante Megadeth”. El mismo que Mustaine había dejado en claro que es su adaptación favorita.

Luego, y con el tema finalizado, el vocalista caminó de una punta a la otra del escenario, para agradecer y abrazar simbólicamente a su audiencia. Y decir “muchas gracias” en un rudimentario, pero sincero español, a aquellos que estuvieron presentes hace 26 años en Obras Sanitarias.

Otro punto álgido de la noche fue el recuerdo de Mustaine en su etapa como integrante y compositor de Metallica, a través de las canciones “Mechanix” -la canción “espejo” de “The Four Horsemen”- y “Ride The Lightning”. Posiblemente, y en esta etapa de su vida, una forma de sellar la paz con su exbanda, liderada por su excompañero James Hetfield.

Para el final, el artista norteamericano eligió “Holy Wars... The Punishment Due”, y para la que utilizó una Flying V pintada con la bandera argentina. Una nueva declaración hacia estas pampas, que siempre lo acompañaron.

Brazos y cabeza en dirección al cielo y un sinfín de agradecimientos marcaron el cierre de la etapa de David Mustaine en suelo argentino. En el campo, la euforia y la felicidad del principio tomaron un matiz de nostalgia y tristeza. Pero también de reconocimiento.

Pasadas las 23, terminó el último tango de uno de los mayores exponentes del heavy y el trash metal. Que hizo de Argentina uno de sus lugares en el mundo. Y que, aún con el pasar de los años, resonará el “aguante” argento. Ese que lo encandiló y que después el mundo imitó. Pero lo que se dice amor verdadero, hay uno solo.

Desde algún lugar de las rutas argentinas, Andrés Calamaro responde amablemente por mail a un pedido de entrevista: la excusa es el inicio de la gira nacional Como cantor, que ahora mismo recorre la amplia geografía nacional (ver debajo el detalle), y que desembocará en donde Dios atiende con cuatro shows programados para fines de mayo y principios de junio.

Un par de días después de aceptar, envió las respuestas que Infobae Cultura reproduce a continuación. Elegante en su prosa y claro en sus reflexiones, Calamaro se muestra tal cual ha sido siempre: atento, reflexivo, certero y con la dosis exacta de ironía y/o filo cuando cabe.

—¿Cómo estás? ¿Cómo va tu vida? ¿Sufrís esta época tan loca o no la ves tan loca como parece? ¿Estamos todos locos en Argentina?

—Empezamos la gira en Santa Fe y seguimos en el anfiteatro Cocomarola en Corrientes; ensayamos muy bien hasta diez canciones que no tocábamos el año pasado, un equipo unido y comprometido con la causa, buscamos las buenas sensaciones en el escenario con seriedad bien entendida. La gira es una vida social peculiar que nos gusta, damos lo mejor y el público nos devuelve alegría y entrega, vivimos en hoteles, somos músicos y casi todos giramos juntos hace tiempo ya. En estos años me asumo como interprete, la música en vivo es el “tiempo real”, interpreto con concepto torero: el embroque (encuentro) entre el silencio y la música sonora, el misterio de encontrarse con algo distinto cada recital, la improvisación y el concepto en la circunstancia. Tenemos la ventaja de ser los mismos toda la gira, mientras que los toreros desconocen el toro que sale de los corrales; luego el concepto de cada lidiador, la forma en que sienten lo que hacen o la gestión del talento, la puesta en escena del triunfo, o torear para uno, la búsqueda de lo imposible, la importancia de la naturalidad, la exhibición de valor, los especialistas y los de arte. Luego lo que aprendemos del Jazz y el Blues, de los sonidos rioplatenses, hispanos y saber estar sueltos con este repertorio. Visto así solo tiene sentido aspirar a un siguiente recital mejor y no hacer la plancha.

(…) Tengo que hacer memoria para recordar una época que no haya sido irregular o compleja, verdad que los trastornos actuales desmerecen la “locura” lírica de los distintos y outsiders. En nuestro país sufrimos una inercia casi eterna que afecta el tejido económico, social y cultural, entendiendo por cultura lo que hacemos, lo que no hacemos, si estamos dispuestos a trabajar o estudiar, a mejorar como individuos, que hacemos con el tiempo libre, si estamos aptos para alguna clase de sacrificio, si nos rendimos, si vivimos enchufados y criticando, si leemos, si le damos importancia al cine, si sabemos escuchar música o cuantas mentiras nos creemos. Tampoco la cultura elitista del cine, el teatro y la música culta exclusivamente.

Los influyentes de este siglo son cocineros y futbolistas o peor, los esclavos de los contenidos basureros en redes (la red es el apocalipsis de la vida marina), se entiende que le bajemos el precio a la locura lírica, quizás exhibiendo nano neurosis o renunciando el destino de las personas que pudimos ser.

El mundo siempre está equivocado, ahora estamos rodeados de gentes que presumen de virtudes morales e ideológicas, un delirio que habíamos superado ampliamente, que no permitimos ni a las religiones cristianas, que rechazamos en la escuela, la familia y a las autoridades.

Esta fiebre es mundial o casi, occidental seguramente; nuestro país acusa muchos años de deterioro económico y eso impacta en la cultura social, nos hace más resentidos, chovinistas orgullosos de los alfajores; tampoco deseo aplicarme en un ensayo sociológico pero soy un argentino interesado en la realidad y la conversación en términos políticos y culturales. Pero tampoco tenemos acceso a viajes interplanetarios. Renunciamos al decoro, al refinamiento, a la conversación socrática y a los buenos modales. Lo mejor que tenemos es la autocrítica, un resignado optimismo, conservar la salud y valorar alegrías.

(…) Ahora estamos replicando una gira similar a la que hicimos a fin del año pasado, empezamos en provincias interiores y lo disfrutamos mucho, llegamos musculosos a Buenos Aires y visitamos países hermanos. De momento no tenemos planes concretos en México o España pero estamos para seguir tocando, con deseo, arte y confianza. Pronto armamos la segunda mitad del año. Somos siete, bronces de partitura, músicos cantando, guitarristas virtuosos y espontáneos, el pianista bueno y el cantante que oscila entre una Telecaster hecha en Argentina y teclados similares a los que usé siempre. Todo el tiempo estamos conversando con los camaradas del sonido, los instrumentos, las pantallas y el escenario. Y esperamos con deseo hasta las pruebas de sonido.

—¿Cómo te afecta el hecho de tener más funciones en Buenos Aires que en años anteriores, con un público de jóvenes que tal vez han descubierto recién tu música? ¿Te genera una sensación de “renovación”?

—Que el público sea joven es normal porque normal es empezar a ver recitales de adolescente y hacerse buen aficionado y oyente (espero existan buenos aficionados que confirmen mi teoría de normalidad amateur). Escuchar música que nunca vimos en vivo, que fue grabada cuando éramos niños o antes de nacer, nos propone una dimensión … “legendaria”. Creo que sentimos eso con Los Beatles o Pescado Rabioso y otros con The Smiths o Los Abuelos, o Kraut alemán o Freddie King.

Un perfil nacional argentino del que podemos presumir: Otras cosas nos importan además de las telecomunicaciones, filmarse diciendo boludeces y ser hinchas de futbol: llenamos recitales, no dejamos de ser rockeros y estamos en ciudades donde el rock importa, es nuestro aporte a las tradiciones. También somos sensibles a la dulzura del folklore regional y al paisaje. (…)

—¿Cómo vivís el hecho de que se recuerden constantemente los aniversarios de tus discos más emblemáticos? ¿Te sentís atrapado en la nostalgia? ¿Qué ves cuando te ves? (como escribió Ricardo Mollo)

—Los aniversarios de discos, las efemérides y las historias superfluas (anécdotas o mentiras de opereta digital) no me agradan y sobran, consiste en desprecio por omisión o tonterías. No es fácil revertir las mentiras en internet pero el tiempo podría poner las cosas en su lugar. Soy el Dracula argentino.

Las canciones no se explican ni cuentan nada, importa el proceso y nada mas, después ser músicos y demostrarlo en vivo. Basta de necrológicas y aniversarios, son frivolidades, algunas imperdonables. (…)

No practico la nostalgia, no me llegó el momento o no me interesa, secuestra el presente. No suelo añorar otros tiempos que ya fueron, recordar épocas anteriores es algo que de momento no hago. Distinto es cantar canciones atemporales porque la música en vivo es cambiante, improvisamos y nunca suena dos veces igual, es un oficio donde nos perfeccionamos mas que haciendo canciones y grabaciones.

—¿Qué opinás sobre la idea de que vos, Fito Páez y Gustavo Cerati son “sobrinos” artísticos de Charly García y Luis Alberto Spinetta? ¿Qué influencia tuvieron ellos en tu vida artística y qué queda de esa relación hoy? ¿Y quién sería el “sexto hombre” en esa generación, el Indio Solari?

—Seré respetuoso y amable con todos mis colegas músicos y cantantes, los respeto a todos y celebro a los que admiro realmente. Somos “generacionales” con los de mi generación, nos conocemos hace muchos años y crecimos al mismo tiempo, creo que nunca perdí la capacidad de admirar, además existe la amabilidad y los buenos modales (se le llama “respeto” como si fuera una palabra mágica).

Fui publico dedicado de los artistas musicales de época, un explorador que conoce bastante de lo que escuchaba de adolescente. De muy joven soy “aspirante a músico” y terminamos compañeros y camaradas con casi todos. Soy admirador de mis contemporáneos. Celebré el éxito de todos los que se consagraron y el carácter de los subterráneos que no conquistaron continentes. Admiro a mis contemporáneos con humildad, envidio algunos repertorios celestiales y comparto los buenos momentos de todos.

(…) Mi adolescencia transcurre entre 1974 y 1981, muchos gobiernos militares, policía, crisis, malaria y represión. Para mi generación, Huergo no es Puerto Madero, es Toxicomanía. Casi nunca dejamos de ir a recitales y los domingos a Parque Rivadavia. Los héroes de Malvinas son mas jóvenes que yo. Todos los fundadores nos inspiraron, inspirados tan jóvenes. Y mis mentores, Beto Satragni, Raíces y Los Abuelos, mis profesores de piano, los músicos buenos que me aconsejaron con paciencia, y mi querencia por la batería, los instrumentos enchufados y los discos. Cumplí 17 grabando en Fonema con Raíces, Amilcar, Jorge da Silva y Mario Breuer, con Mario soñamos despiertos con lo que luego hicimos hasta ahora.

—Dylan tiene 84 años y sigue de gira. Lo mismo Neil Young o Paul MacCartney. Van a volver los Rolling Stones, parece. Este año vi a Gilberto Gil con 83, pleno ¿Vos te ves a esa edad haciendo lo mismo? ¿La cultura rock tiene algo patológico o psicológico con la edad? (¿Y por eso te lo pregunto?) ¿Importa?

—Asistimos absortos y admirados a la tercera edad de las leyendas del rock, como antes a los veteranos del blues, el folklore, el tango y el jazz. Nunca supimos que se podían celebrar giras con mas de ochenta años y tampoco lo sabemos ahora. Tocamos madera. La edad es inevitable y algunos estamos condenados a mejorar porque no fuimos genios ni prodigios ni sibaritas del buen gusto, aprendimos a la vista de todos.

Hasta ahora sigo perfeccionándome y mejorando, me asumo como interprete en vivo en un tiempo donde grabar discos no tiene el sentido practico (o filosófico) que tuvo alguna vez, otrora rodeados de disquerías, anhelando hacer un disco y saberlo en las bateas. Antes valorábamos grabar un disco como un milagro u odisea, ahora dicen que se publican cincuenta mil canciones por día en las plataformas y percibimos que la atención es dispersa y es complicado adivinar quien escucha una grabación a la que dedicamos meses o años.

Los músicos de esta generación no sabíamos que el éxito era posible, no esperábamos mucho mas que ensayar y quizás grabar un disco como quien espera ganarse la lotería, no creímos posible sonar con una canción en la radio ni en la televisión, ni generar derechos de autor ni regalías; lo hicimos gratis, sin esperar caridad ni pedir limosnas, recibir ayudas públicas era impensable y delirante para los que fuimos adolescentes -aspirantes- en los años setenta.

Siempre gracias a las personas que nos vienen a ver, a los que les importa la música, los que ven el lado bueno de las cosas. A los que me quieren.

*La gira Como Cantor de Andrés Calamaro continúa el 2 de mayo en el Estadio Ruca Che de Neuquén; el 8 de mayo en el Predio Ferial Catamarca; el 10 de mayo en Loisc Plataforma de La Rioja; el 15 de mayo en el Polideportivo de Mar del Plata y el 17 de mayo en el Dow Center de Bahía Blanca. Finalmente, ofrecerá funciones en el Movistar Arena de Buenos Aires los días 26 y 27 de mayo, 3 y el 8 de junio.

[Fotos: prensa Dale Play]

Diciembre pasado, dos días antes del cumpleaños número 82 de Keith Richards, se informó que los Rolling Stones cancelarían una gira de estadios en 2026 que aún no habían confirmado oficialmente. Según una fuente, Richards padecía artritis, lo que afectaba demasiado su capacidad para tocar y le impedía comprometerse con el agotador ritmo de cuatro o cinco meses de gira.

Un lector sensato podría preguntarse cuál es la recompensa de la fama y la vejez si no es el derecho a no hacer absolutamente nada más que disfrutar de los nietos, las innumerables casas junto al mar y la consolidación de la propia leyenda.

En cambio, medio siglo después de que un Mick Jagger de 31 años dijera: “Prefiero estar muerto antes que cantar ‘Satisfaction’ a los 45”, la banda planea lanzar su vigésimo quinto álbum de estudio este año (ya lanzaron un sencillo solo en vinilo). La gira anterior, con 20 fechas en Norteamérica para promocionar su último álbum, Hackney Diamonds, terminó en el verano de 2024.

¿Qué queda por decir de una banda que ha hecho de no acumular musgo su sello desde 1962? La improbable y casi mítica resistencia del grupo ante adicciones, deserciones, arrestos e incluso muertes se ha convertido en un chiste recurrente: Damas y caballeros, los indestructibles Rolling Stones, ¿siguen emocionando?

Por eso, resulta significativo que Bob Spitz subtitule su nueva crónica de la banda como “La biografía”. Más allá de las memorias apócrifas de Jagger —escritas y luego abandonadas en los primeros años ochenta, según la leyenda editorial— los picos y valles de los Stones han sido documentados de manera íntima, aunque no exhaustiva, por periodistas, historiadores de la música, miembros de la banda (tanto de larga data como temporales), amantes, musas, músicos de apoyo y allegados durante más de seis décadas.

Como biógrafo, Spitz tiene credenciales comprobadas. Sus temas previos conforman una especie de Monte Rushmore cultural —Los Beatles, Bob Dylan, Ronald Reagan, Julia Child— documentados en volúmenes de autoridad y tamaño considerable. (También tiene experiencia directa en el mundo del rock, ya que gestionó aspectos de las carreras de Elton John y Bruce Springsteen.)

Su enfoque aquí es afectuoso, extenso y detallista, un largo y bullicioso recorrido cuyos desenlaces —¿Esa melodía inolvidable logrará su versión definitiva en el estudio? ¿Será esta sobredosis la que ponga fin a todo?— rara vez generan dudas, aunque surgen muchas pequeñas revelaciones y correcciones a lo largo del camino.

Un prólogo inicia en 1961, en la estación de tren suburbana de Londres donde Jagger y Richards, conocidos de la primaria, se reencontraron en la adolescencia por su amor casi obsesivo por Chuck Berry y Muddy Waters. (“Como dos alcohólicos, se entusiasman, embelesados, con un anhelo compartido: no solo la música, sino el blues.”)

El paso de los días escolares a los dormitorios insalubres y los pubs desaliñados donde se unieron al impetuoso y voluble Brian Jones es corto. Jones, un prodigio rubio, resultó ser un promotor astuto y un multiinstrumentista inquieto, ayudando a consolidar la química que transformó a una banda desordenada de versiones de R&B en creadores de éxitos y casi de inmediato en los jóvenes señores de la Cool Britannia.

Spitz narra de manera minuciosa y poética esa evolución creativa, junto con un recuento de cambios de integrantes, enredos amorosos y dependencias químicas que se volvieron tan distintivos de la banda como el paso lujurioso de Jagger o los acordes despreocupados de cinco cuerdas de Richards.

Los arrestos por drogas aparecen como pétalos de flores (de amapola, quizás) en la narración, junto con peleas internas, infidelidades descaradas entre esposas y novias, y múltiples batallas judiciales por cargos de posesión, demandas de paternidad y gestiones dudosas. Autoridades, políticos moralistas y otros guardianes de la moralidad los perseguían con frecuencia.

El escándalo social que el grupo supuestamente representaba puede parecer ahora exagerado y hasta cómico: ¡Aléjate, Satán, de esos pantalones de terciopelo! Pero el desastre definitorio de Altamont, el desafortunado concierto de 1969 en California donde los Hells Angels, actuando como “seguridad”, atacaron a los asistentes y mataron a un joven negro, no ha perdido gravedad con el paso del tiempo.

Tampoco la muerte solitaria y sórdida de Brian Jones a los 27 años en una piscina (Spitz menciona, sin insistir demasiado, la posibilidad de que fuera asesinato y no accidente). Su salida no sería la última de la banda, aunque sí la más resonante.

Otros episodios del libro son simplemente surrealistas: la aparición de Bob Dylan en un traje de mohair azul en la puerta del hotel de Jones durante un apagón en 1965, con guitarras y “hierba excelente”; la mención de Robert F. Kennedy Jr., futuro secretario de Salud y Servicios Humanos, como uno de los amigos de drogas que “reavivó el apetito de Keith por la cocaína y la heroína” a fines de los setenta; un joven Harvey Weinstein, entonces promotor regional, repartiendo pelucas afro a la banda y al equipo durante un caótico cierre de gira en Buffalo.

La relación de Jagger y Richards constituye el eje central y la fuente constante de tensión en el libro. Keith, el pirata punk-rock consumido con una extensa colección de armas y una aparente inclinación autodestructiva, se distanció de Mick, cuya afición por los ritmos disco y la alta sociedad consideraba deshonrosa y poco auténtica.

El resto de la banda aparece en retratos breves y anécdotas. Charlie Watts, el elegante baterista, se apartó discretamente del desenfreno durante una noche en la Mansión Playboy (prefería los trajes de Savile Row y los caballos árabes), mientras que el bajista Bill Wyman protagonizó un romance con tintes nabokovianos a los 48 años con una escolar de 13, lo que desató un escándalo mediático. (Finalmente se casó con ella.)

Mick Taylor, talentoso aunque desafortunado sucesor de Brian Jones, nunca terminó de encajar, mientras que Ronnie Wood, “un personaje irreverente y simpático”, parecía tener la mezcla justa de talento y carisma para mantener a Richards a raya, incluso en sus momentos más erráticos. Todos ellos lucharon contra la adicción en algún momento.

“El libro ‘The Rolling Stones’ reconoce, aunque a veces suaviza, los aspectos más misóginos de la banda (el álbum Some Girls de 1978 fue un punto bajo) y la compleja relación entre raza, cultura y creatividad. Tras dedicar unas 600 páginas a los años sesenta y ochenta, el autor salta varias décadas en el último capítulo, como si de pronto recordara que dejó el auto mal estacionado.

El rock, como la política estadounidense, se ha convertido en una especie de gerontocracia; un género antes vital, ahora anquilosado entre actos veteranos y nostalgia boomer, reservado para quienes pueden pagar su costoso acceso. Pero el epílogo emocional del libro, situado en una parada de la gira de 2024 en Los ángeles, resulta celebratorio y melancólico a la vez, como un velorio irlandés sin cuerpo presente. Durante dos horas sobre el escenario, los Stones siguen en movimiento; el público está de pie y extasiado. A eso se le podría llamar satisfacción.

Fuente: The New York Times

El miércoles por la noche una noticia volvió a poner en vilo al mundo de la música: se supo que Charly García fue sometido a una nefrectomía parcial, una intervención programada, y que permanece en observación en el Instituto Argentino del Diagnóstico y Tratamiento. Este jueves, la institución médica dio a conocer el comunicado oficial sobre la evolución de la salud del músico.

“Se informa que Charly García fue sometido el pasado 21 de abril a una cirugía programada de riñón en el Instituto Argentino de Diagnóstico y Tratamiento (IADT)”, comienza el comunicado respecto a la intervención quirúrgica del artista. “La operación se realizó según lo previsto y Charly se encuentra bien, evolucionando favorablemente y recuperándose en una habitación común, sin presentar complicaciones hasta el momento”, detalla el mismo documento.

“Para llevar tranquilidad, es importante aclarar que en ningún momento requirió diálisis ni ninguna intervención adicional fuera de las habituales para este tipo de procedimiento. Agradecemos de corazón el cariño, la preocupación y el respeto de siempre”, cierra el comunicado respecto a la salud de García.

Cabe destacar que la noticia de la intervención generó preocupación y una catarata de consultas sobre la salud del músico de 74 años. Según dio a conocer Ángel de Brito en su ciclo el miércoles, la recuperación de Charly estuvo acompañado de los cuidados habituales para preservar la función renal. Karina Iavícoli, panelista de LAM (América), aportó más detalles y explicó que la cirugía fue planificada, en el marco de un tratamiento que el propio García venía siguiendo desde hacía tiempo, lo que permitió anticipar el ingreso al quirófano y reducir riesgos.

La operación fue calificada como exitosa por el entorno del artista, que se encargó de remarcar que no hubo complicaciones ni pasos adicionales fuera de lo esperado. “Salió todo bien”, precisó su mánager en un mensaje enviado al programa, llevando calma a los seguidores y al ambiente musical. En este momento, Charly continúa internado, y su recuperación transcurre fuera de terapia intensiva, con el acompañamiento de los profesionales y el afecto de sus seres queridos.

La nefrectomía parcial es una técnica quirúrgica elegida en casos donde se busca preservar la mayor cantidad posible de tejido renal. El procedimiento consiste en extirpar únicamente la porción dañada del riñón, permitiendo mantener la función del órgano restante o de la parte conservada. Según los especialistas, cuando la cirugía es programada y se realiza en un paciente que responde bien, las posibilidades de una recuperación plena se incrementan de manera significativa.

Este nuevo episodio en la salud de Charly García llevó a que el foco volviera a posarse sobre el músico, quien en el último mes se mostró activo y presente en distintos eventos públicos. A fines de marzo, Charly fue visto en el estadio de River Plate durante uno de los conciertos de la banda británica AC/DC. La escena fue documentada por Fabián Zorrito Quintiero, quien compartió un video en redes sociales donde se lo vio a García emocionado y disfrutando desde la platea. “Con el jefe, disfrutando esta masterclass de AC/DC”, escribió Quintiero, y en otro posteo agregó: “Y con el más grande como fan viendo y sintiendo a la escuela de rock”.

Mientras Charly García continúa evolucionando favorablemente, la expectativa por su regreso a la vida pública y a los escenarios sigue intacta. El comunicado finaliza con un mensaje que sintetiza el sentimiento de sus seguidores: “Agradecemos de corazón el cariño, la preocupación y el respeto de siempre”. Una vez más, el genio del rock nacional enfrenta la adversidad con su inconfundible resiliencia y el amor incondicional de quienes lo consideran un verdadero ícono.

Hubo una frase, dicha casi al pasar en un estudio de televisión, que sonó como una grieta en un vínculo que parecía indestructible. Y dolió. Porque cuando Fabiana Cantilo reveló que decidió desinvitar a Fito Páez de su show en el Auditorio de Belgrano, no habló solamente de una ausencia sobre un escenario: puso en suspenso una de las relaciones más entrañables, caóticas y míticas de la historia del rock argentino.

“Le dije que no viniera”, contó en Los Profesionales, el programa de Flor de la V, al explicar que tomó esa decisión después de que el rosarino le pidiera que dejara de hablar públicamente de su vida privada, en medio de versiones que lo vinculaban sentimentalmente con Sofía Gala.

Y entonces, inevitablemente, el presente chocó de frente con el pasado.

Porque hablar de Fito y Fabi nunca fue hablar solo de dos músicos. Fue hablar de una época. De una generación. De canciones que todavía arden. De una historia escrita entre excesos, ternura, rescates mutuos y melodías eternas.

Corría 1984 cuando se enamoraron. El país despertaba de la dictadura y en la cultura se cocinaba una revolución estética y emocional. En torno a Charly García orbitaban criaturas incendiarias. Entre ellas, un muchacho rosarino de mirada melancólica que todavía no era mito, y una mujer indómita, luminosa, feroz, que parecía bailar incluso cuando estaba quieta.

Fue en las sesiones de Piano Bar, ese disco fundacional de Charly, donde empezó todo. Años después, Fabiana miraría hacia atrás con una honestidad brutal.

“Vos sos Fito, ¿no? El rosarino de Baglietto”, consultó ella al cruzarlo. Y él no pudo dejar de pensarla. “Era el monumento a la juventud. Solo pude mirarla de refilón en los siguientes minutos. Se produjo un hermoso silencio al encontrarnos. Nos dimos un beso de circunstancia. Era de una belleza sobrenatural. Me intimidaba”, explicaría él.

Y el rosarino no dejaría de recordar detalles: “Su rostro anguloso entre galés y criollo. Sus ojos castaños que se encendían pícaros. Su boca de labios carnosos y ese lunar tan de ella sobre su mejilla derecha. El cabello rubio carré sobre los hombres. El cuello perfecto devenía en un torso con dos pechos suaves que se alzaban sobre una remera de The Police. Su minifalda dejaba ver su refinada silueta de mujer joven y poderosa”.

“Fito era un tipo tranquilo que tocaba folclore. Nosotros éramos unos pibes que queríamos llamar la atención del ídolo. Y Fito se cuidó, yo no. Yo fui muy reventada. Por eso él ahora tiene plata y yo no tengo un mango”, diría ella, con esa mezcla tan suya de ironía, crudeza y poesía callejera.

Pero detrás del humor había otra verdad: “Era un tipo maravilloso y yo me sentía muy cuidada con él… aunque éramos dos piscianos y el mundo explotaba”. Eso eran. Dos piscianos y el mundo explotando. Su amor fue romántico y feroz. Dulce y devastador.

“Nos enamoramos como un espadachín del castillo que rescata a la dama. Un delirio total”, recordó ella.

Y Fito, siempre más literario, había contado cómo la conquistó con una escena digna de realismo mágico: “Fabi me preguntó si creía en los ovnis. ¿Qué le iba a decir a la chica más hermosa del mundo? Después nos envolvió el amor. El amor antes del amor. Y volamos desde Urano a Saturno… te amé, te amo y te amaré, luz de todos los astros”. No era una metáfora. Era exactamente así.

Entre ellos hubo canciones, peleas, reconciliaciones, toxicidad, ternura, celos, adicciones y un modo de amarse que muchas veces parecía rozar la autodestrucción.

Pero de ese incendio nacieron algunas de las páginas más bellas del cancionero argentino: “Tres agujas”, “Fue amor”, “Brillante sobre el mic”, “Te aliviará”, “Creo”. Himnos atravesados por una mujer de ojos inmensos que se volvió musa sin proponérselo.

Cuando le preguntaron si Fabiana había sido su gran inspiración, Fito respondió: “No, es una de ellas, muy importante. Se va a enojar cuando escuche esto. Fue la primera. Aunque antes estuvo Silvia Corea, uno de mis primeros romances y muy inspiradora cuando empecé a hacer canciones: le escribí un tema que se llama“Mi primer retrato”, que grabó Lalo de los Santos”.

Y después enumeró temas como quien enumera cicatrices: “Fabi me regaló tantas canciones que ni me las acuerdo”.

Se separaron en 1990. Las peleas, los celos y el desgaste fueron haciendo lo suyo. “Nos peleábamos, nos amigábamos… él me dijo que le hice componer temas divinos”, recordó ella. Y también se confesó: “Yo me conectaba con los celos y la posesión. Era un plomazo”.

Pero lo extraordinario ocurrió después. Porque cuando el amor romántico se rompió, apareció otra cosa. Algo quizá más raro, más profundo: la amistad.

Y ahí fue donde se volvieron eternos. Es que Fabiana no solo fue la mujer detrás de muchas canciones de Fito, también fue quien lo sostuvo cuando la tragedia lo pulverizó.

En 1986 asesinaron a su abuela y a su tía y él cayó en una depresión devastadora, y Fabi fue quien lo levantó: “Me sacó de la cama, me agarró de los pelos, me metió en un auto y me llevó a ensayar con Spinetta. Si eso es salvarle la vida a alguien, ella lo hizo”. No lo dijo metafóricamente. Sí, le salvó la vida.

Y quizá por eso, pese a rupturas, silencios o desencuentros, siguieron apareciendo siempre el uno para el otro. En cumpleaños, homenajes, discos, escenarios.

Como cuando Fito la homenajeó públicamente en Buenos Aires y le dedicó palabras que todavía resuenan: “Nadie puede aburrirse al lado de esta deidad argentina… su risa retumba en todos los espacios del mundo”. Fabiana lloró, y muchos lo hicieron con ella. Porque había algo conmovedor en ver a dos sobrevivientes del rock seguir mirándose con esa gratitud.

Lo mismo volvió a pasar cuando ella subió al escenario del Movistar Arena —y luego Vélez— para celebrar los 30 años de El amor después del amor. Frente a miles, Fito la presentó casi como una declaración: “Fabi, te debo tantas… pero tantas canciones”. Y ella, estoica, hermosa, intacta en su aura salvaje, cantó “Creo”: “Creo que aún tal vez piensas en mí…”. Como si el tiempo no hubiera pasado, como si todo siguiera ahí.

Por eso la confesión sobre el show en Belgrano sorprendió tanto, porque si hay una historia que parecía haber demostrado que el amor puede mutar sin romperse era la de ellos.

Fito y Fabi habían logrado lo improbable: transformar una pasión feroz en una amistad inquebrantable, o al menos eso parecía. Tal vez por eso duele imaginar un desacuerdo. Porque en el fondo nadie quiere pensar que esa leyenda tenga fisuras.

Porque Fito y Fabiana no son solo dos ex, son parte de una mitología sentimental argentina. La prueba de que algunas personas, aunque se separen, quedan para siempre orbitándose. Como aquellos dos piscianos y amantes que una vez creyeron en ovnis y volaron de Urano a Saturno. Como el amor antes del amor.

Ricardo Mollo, líder y voz de Divididos, no ocultó su asombro ni su emoción. En pleno show, el chico se subió al escenario con un peinado en cresta y pidió el micrófono para interpretar “La Rubia Tarada”, el emblemático tema de Sumo. El público estalló en aplausos y la actitud desinhibida del joven cantante se llevó todas las miradas.

La presencia inesperada del niño desató una reacción genuina en el músico, que se mostró conmovido por la energía que irradiaba el pequeño fan. Mollo expresó con palabras sencillas y directas la intensidad del momento: “Que aparezca un ser con una energía tremenda y nos genere una alegría y un estado increíble. Esto las pantallas no lo pueden provocar y, mucho menos, la inteligencia artificial…”. La frase, surgida casi como un suspiro, dejó en claro la dimensión humana de lo que acababa de suceder. La escena condensó en pocos segundos la esencia de la música en vivo: la conexión pura entre artista y público, sin artificios ni planificación.

Las redes sociales jugaron un papel central en la difusión de lo ocurrido. El video del niño sobre el escenario no tardó en hacerse viral. Cientos de comentarios celebraron tanto la actitud del chico como la apertura de Mollo y los músicos para invitarlo a participar. “Vamos que hay futuro en el rock carajo”, escribió un usuario. Otro se animó a bromear con la soltura del pequeño: “Ese pibe ya tiene más calle que yo con 40 años”. Entre los mensajes predominó el tono festivo y afectuoso, con frases como “Un capo Mollo, un retipazo y el guachín un genio” y “El pibe entendió todo”.

La comunidad rockera encontró en ese fragmento de show un motivo de celebración y esperanza. La escena del chico sobre el escenario, sin miedo ni titubeos, generó un efecto contagioso de alegría que desbordó el recinto y se propagó por plataformas digitales.

El vínculo entre el niño y Divididos no nació esa noche en Tandil. Según relató el propio protagonista en diálogo con Radio Nitro, su relación con la banda viene de lejos. “No me acuerdo cuándo fue la primera vez que vi a Divididos, hace mucho, con mi mamá”, contó con naturalidad. Cuando le preguntaron qué tema esperaba escuchar en el recital, no dudó: “Me gustan muchas, pero espero que hoy toquen ‘Sobran las piñas’”. Ese lazo previo con la música de la banda explica en parte la soltura con la que se desenvolvió sobre el escenario y el entusiasmo con que vivió la experiencia.

Según el relato de los presentes, nada estuvo planeado. El chico, vestido con una remera de Sumo, se encontraba entre el público y fue invitado a subir. “El muy caradura le pidió el micro a Mollo y salió esta genialidad, lo que explotó el público no tiene sentido”, escribió un usuario en Twitter que presenció la escena. Otro comentario, con tono humorístico, sumó: “Volvió Luca Prodan en forma de pibito, solo que esta vez se aseguró de tener una abundante cabellera”. Mensajes como “Que niño del bien! Seguro, disfrutando y compartiendo rock!” y “Revivió la músicaaa” reflejaron el clima que se vivió en Tandil esa noche.

Las imágenes y videos del momento recorrieron las redes y generaron un furor inmediato. El gesto de Mollo, la audacia del niño y la respuesta del público construyeron una escena difícil de repetir, donde la música se convirtió en puente entre generaciones. Divididos, con su historia y su presente, volvió a demostrar que en el rock siempre hay lugar para la sorpresa y la emoción genuina.

En el tejado del autocine Dog House Drive In, un perro salchicha de neón lleva décadas moviendo la cola y devorando salchichas.

El clásico letrero animado, reconocible al instante para los fanáticos de la serie de televisión Breaking Bad, es un elemento fijo en Central Avenue en Albuquerque, parte de la antigua Ruta 66.

Este año se conmemora el centenario de la Ruta 66, que recorría aproximadamente 2.400 millas desde Chicago hasta Los Ángeles (y, posteriormente, Santa Mónica), y que contribuyó a definir los viajes por carretera estadounidenses a lo largo de su trayecto.

Para conmemorar su aniversario, numerosos museos a lo largo de la Ruta 66 han creado exposiciones que exploran el papel de este emblemático corredor automovilístico en la historia y la cultura estadounidenses. Mientras que algunos celebran los letreros peculiares, los coches con aletas traseras y las atracciones singulares por las que la carretera es famosa, otros reconocen algunas de las realidades más sombrías de la autopista. Junto con los museos dedicados a la Ruta 66 y los eventos del centenario, estas exposiciones desvelan, y a veces complejizan, el legado de la autopista.

Aunque la Ruta 66 ya no es una carretera oficial de los Estados Unidos —acabando por desaparecer con la construcción de las autopistas interestatales—, la carretera ha ganado popularidad y se ha convertido en un atractivo turístico tanto nacional como internacional.

Un evento anunciado como la celebración inaugural nacional tendrá lugar en Springfield, Missouri, del 29 de abril al 3 de mayo, pero a lo largo de la Ruta 66, ciudades y pueblos se han estado preparando para el centenario de este año.

En Albuquerque, la ciudad otorgó subvenciones para restaurar más de una docena de letreros de neón en su tramo de 29 kilómetros de carretera. Entre ellos se encontraba un segundo letrero en el Dog House, un lugar donde los camareros todavía llevan perritos calientes extragrandes a los clientes en sus coches, y otros que anuncian moteles de época.

Otro proyecto llamado Route 66 Remixed: An Art-Fueled Road Trip ha introducido nuevos murales, esculturas y otras obras de arte público en el paisaje urbano.

Según Shelle Sánchez, directora del Departamento de Artes y Cultura de Albuquerque, que lideró el proyecto, los artistas locales participantes tenían edades comprendidas entre los 20 y los 70 años, e incluían a nativos americanos e inmigrantes recién llegados.

Sánchez afirmó en una entrevista reciente que, a través de la selección de artistas, “mostramos cuántas historias se reflejan en la Ruta 66“.

La carretera originalmente seguía un trazado sinuoso a través de Nuevo México, pero en 1937 se modificó su trazado para cruzar el estado en línea recta, pasando por Albuquerque, su ciudad más grande. El área metropolitana cuenta ahora con más de 900.000 habitantes.

“La Ruta 66 atraviesa toda nuestra ciudad, de este a oeste, y a partir de ahí crecimos”, dijo Sánchez. Hoy, señaló, pasa por zonas peatonales con restaurantes de lujo y lugares donde viven personas sin hogar.

“Es como una especie de microcosmos heterogéneo de lo que pueden ser las grandes ciudades, lo que son y las dificultades a las que se enfrentan”, dijo.

En junio, el Museo de Albuquerque inaugurará La otra Ruta 66: 100 años de gente, identidad y lugar en Albuquerque (hasta el 3 de enero), una exposición que examinará la carretera y su historia principalmente desde una perspectiva local.

Alicia Romero, curadora principal del museo y curadora de historia, dijo que una de las preguntas que se propuso responder con la exposición fue: “¿Quién es el dueño de la Ruta 66?“.

Sí, es un lugar para turistas que viajan por carretera, dijo, pero también pertenece a la gente para la que es la Avenida Central, aquellos que la usan para ir al trabajo todos los días o que la utilizan cuando deciden manifestarse en protesta.

“Es historia”, dijo, “pero es nuestro presente”.

El atractivo de la carretera

La autopista US 66, como se la conocía oficialmente, nunca fue una “superautopista”. En gran parte, se construyó a partir de una red de caminos y senderos existentes, algunos apenas transitables, y no se pavimentó por completo hasta 1938.

Los primeros promotores la apodaron la “Calle Principal de América”. En su novela de 1939, Las uvas de la ira, John Steinbeck la llamó, en una frase que se hizo famosa, “la carretera madre, la carretera de la huida”, al describir a los desesperados migrantes del Dust Bowl que se dirigían por la Ruta 66 hacia la tierra prometida de California.

Durante la Segunda Guerra Mundial, la carretera sirvió de vía para tropas y equipos militares que se dirigían hacia el oeste, y en los años de la posguerra atrajo a un público viajero que gozaba de una nueva prosperidad.

La Ruta 66 inspiró una pegadiza canción de Bobby Troup, (Get Your Kicks on) Route 66, y apareció en programas de televisión y películas.

Con sus autocines, moteles y trampas para turistas, la Ruta 66 logró que los estadounidenses se lanzaran a la carretera, para luego bombardearlos con trucos de marketing para que se detuvieran, como tipis gigantes de hormigón o dinosaurios de fibra de vidrio.

Las serpientes fueron un tema recurrente. Una exposición que se exhibe actualmente en el Museo de Arte de Nuevo México en Santa Fe, titulada Atracciones de carretera (hasta el 4 de octubre), incluye una fotografía en blanco y negro de Steve Fitch que muestra a un hombre alto y delgado sosteniendo una serpiente frente a un gran letrero del Regal Reptile Ranch & Menagerie, en la carretera 66 en Sayre, Oklahoma.

Si bien no todas las más de 20 fotografías de la exposición son específicamente de la Ruta 66, evocan esa sensación: “la extraordinaria experiencia de conducir, estar en la carretera y encontrarse con estas rarezas”, dijo Katherine Ware, ex curadora de fotografía del museo, quien organizó la exposición.

En su libro de 2025, La Ruta 66: Los primeros 100 años, Jim Ross y Shellee Graham describieron la propia carretera como “un museo lineal que se extiende a lo largo de ocho estados”.

Rumbo al oeste

La ruta hacia el oeste comenzaba en el centro de Chicago, descendía a través de Illinois y Missouri y atravesaba una esquina de Kansas antes de cruzar Oklahoma, el Panhandle de Texas, Nuevo México, Arizona y el sur de California.

Pero los detalles geográficos de la ruta han cambiado. De hecho, en febrero, Chicago anunció que el punto de partida oficial, que había estado frente al Instituto de Arte de Chicago, ahora estaría en Navy Pier.

Springfield, Missouri, se enorgullece de ser la cuna de la Ruta 66 porque un telegrama enviado desde allí el 30 de abril de 1926 resolvió una prolongada disputa burocrática sobre la designación de la carretera, estableciendo que llevaría el número 66.

El aniversario oficial de la autopista es el 11 de noviembre, fecha en que la Asociación Estadounidense de Funcionarios Estatales de Carreteras adoptó formalmente el sistema de autopistas numeradas de los Estados Unidos en su totalidad.

El próximo evento inaugural en Springfield incluirá un concierto de apertura y un desfile de vehículos clásicos. Los visitantes pueden acercarse al Museo de Historia local en la plaza, que cuenta con una galería dedicada a la Ruta 66. De junio a septiembre, el museo también presentará una exposición independiente, La Serie Ruta 66: 1926-2026, que examina cómo esta ruta influyó en diversos aspectos de la cultura local, incluyendo los automóviles, la música, la moda y la economía.

También está en marcha un proyecto local para contar una faceta más sombría de la historia de la Ruta 66, con una exposición titulada provisionalmente The mOTHER Road: The Stories of African Americans along Historic Route 66, cuya inauguración está prevista para junio en la iglesia Benton Avenue AME de Springfield.

Lyle Q. Foster, profesor asociado de sociología en la Universidad Estatal de Missouri y líder de la iniciativa, explicó que, debido a la segregación racial, los afroamericanos dependían del Libro Verde, una guía de viaje que enumeraba lugares seguros donde podían comer, dormir o repostar gasolina. En algunos pueblos donde se aplicaba el toque de queda para personas de color, añadió, las personas de color ni siquiera debían mostrarse después del anochecer.

“Sin duda, fue un camino muy difícil de recorrer”, dijo el Dr. Foster. “No siempre era fácil disfrutar de la Ruta 66 para las personas que no eran blancas”. La concejala Monica Horton de Springfield, quien representa la parte históricamente negra de la ciudad y está ayudando a organizar la exposición, dijo que era importante que la comunidad honrara el legado y la resiliencia de los negocios del Libro Verde y “se viera reflejada en estas historias”.

Eventos múltiples

El acto inaugural es uno de los muchos eventos aprobados por la Comisión del Centenario de la Ruta 66, establecida por ley en 2020 para identificar actividades apropiadas para honrar a “la Carretera Madre de los Estados Unidos”.

Los comisionados, que son designados por el presidente sin recibir remuneración, se han centrado en celebraciones a gran escala, pero “prácticamente todas las pequeñas comunidades a lo largo de la ruta tendrán algún tipo de evento”, dijo Rod Reid, presidente de la comisión.

Luego están los pequeños museos dedicados a la historia de la Ruta 66, o a los coches que la recorrieron.

En McLean, Texas, el Museo de la Cuerda del Diablo se centra principalmente en el alambre de púas, pero su sala dedicada a la Ruta 66 es la que suele atraer a los visitantes desde la autopista, según Michael Oldham, presidente del museo. Existe una conexión entre ambos temas, explicó: sin el uso de alambre de púas a lo largo de la Ruta 66, “lo único que se podía hacer era esquivar el ganado”.

En Illinois, el Museo Histórico del Área de Joliet recibe anualmente a unas 50.000 personas en su Centro de Visitantes de la Ruta 66, de las cuales aproximadamente una cuarta parte proceden de fuera de los Estados Unidos, según Greg Peerbolte, director ejecutivo del museo.

Según comentó, muchos de los visitantes internacionales expresaron el mismo sentimiento sobre la autopista: “Esta es la verdadera América”.

Peerbolte añadió que los estadounidenses suelen sentirse atraídos por la nostalgia de sus propias experiencias en la carretera.

El Museo Estatal de Illinois creó un proyecto de historia oral sobre la Ruta 66, entrevistando a 100 personas que conocieron la carretera en su época dorada o que han trabajado para preservarla desde entonces. El fin de semana del Día de los Caídos, el museo planea inaugurar una exposición complementaria de objetos físicos titulada Millas y recuerdos: Historias de la Ruta 66.

Incluso hoy en día, quienes viajan por esta ruta tienen una experiencia diferente a la que tendrían si se limitaran a las autopistas interestatales y a las cadenas de hoteles y restaurantes, dijo Bill Thomas, presidente de la Route 66 Road Ahead Partnership, que trabaja para promover y revitalizar la ruta.

“El sistema de autopistas interestatales no puede evocar recuerdos como lo hace la Ruta 66”, afirmó.

Mito y nostalgia

David Davis, curador jefe del Museo Nacional del Vaquero y del Patrimonio del Oeste en Oklahoma City, dijo que el atractivo de la Ruta 66 radicaba en parte en la nostalgia por la década de 1950, pero también en el misticismo del Oeste americano, que describió como “tan interconectado con la propia identidad estadounidense”.

“Es solo una parte de ese rompecabezas cultural estadounidense”, dijo en una entrevista. La exposición del museo Ruta 66: De senderos a paradas de camiones (hasta el 3 de mayo) incluye un gran letrero de neón con un vaquero a caballo, que anuncia el ahora desaparecido Western Trail Motel, así como un Chrysler Windsor azul de 1948.

La Ruta 66 forma parte del patrimonio del museo, afirmó Davis. Explicó que, en la década de 1950, cuando varias ciudades competían por albergar el museo, Oklahoma City se impuso en parte gracias a su ubicación propuesta en Persimmon Hill, con vistas a la famosa carretera.

En el Museo del Norte de Arizona en Flagstaff, la exposición Wagon Road to Mother Road (hasta el 31 de enero) desafía parte de la nostalgia asociada con la Ruta 66 al examinar algunos de los objetos que fueron desechados en el camino.

David E. Purcell, arqueólogo e historiador supervisor del museo, fue el curador de la exposición, basándose en parte en un estudio arqueológico que realizó en colaboración con el Parque Nacional del Bosque Petrificado. A lo largo de un tramo de seis millas de la antigua carretera, el equipo designó áreas de muestreo y documentó más de 11.000 artefactos, que según las estimaciones de Purcell, probablemente representaban solo entre el 10 y el 15 por ciento de lo que había allí.

Según indicó, aproximadamente un tercio de las latas y botellas encontradas habían contenido bebidas alcohólicas. También hallaron parte de una coctelera, abridores de latas de cerveza y evidencia de accidentes automovilísticos.

Flagstaff se beneficia hoy del turismo de la Ruta 66, pero la gente olvida que la antigua carretera era estrecha, estresante y peligrosa, dijo Purcell.

“Para cuando desapareció, ya no había nostalgia por ello”, dijo. “No fue hasta que, literalmente, empezaron a quitar los letreros que surgió algo de esa nostalgia”.

Fuente: The New York Times

La inquietud sobre la verdadera naturaleza del vínculo entre Páez y Gala surgió tras la reciente exposición mediática de ambos, que despertó especulaciones tanto en redes sociales como en los medios. Sin embargo, las declaraciones de Cantilo, quien mantiene desde hace años una amistad sólida con el compositor luego de haber sido pareja, buscaron despejar dudas.

La artista compartió que suele conversar con Fito sobre el tema y que la respuesta del músico es siempre la misma: “Me dice que son amigos”. Cuestionó, además, la insistencia de los panelistas que sostenían el rumor de romance y los desafió: “¿Los vieron besarse en la boca?”.

En medio de la charla, Cantilo ironizó sobre su cercanía con Fito y la forma en que ambos se apoyan mutuamente. “Mañana hablo con Moria (Casán) y le digo que somos comadres porque yo soy como la madre de Fito”, dijo entre risas.

La cantante no esquivó el tema de la supuesta cercanía física entre Fito Páez y Sofía Gala. “Obvio que le pregunté si se besaron y me dijo que sí, pero que son amigos y no llegaron al próximo nivel”, aseguró Cantilo en el ciclo televisivo, reafirmando que la relación no pasa del plano fraternal.

La versión de Sofía Gala y Fito Páez sobre su vínculo

Sofía Gala y Fito Páez, por su parte, han sostenido públicamente que solo los une una amistad. La actriz y el músico comparten un vínculo que, según quienes los conocen, se gestó hace años y se ha fortalecido por afinidades personales y profesionales. En ese sentido, Moria Casán, madre de Sofía Gala, también intervino y describió el lazo como “especial, de años, que va más allá del amor”.

En los últimos días, los rumores sobre un posible noviazgo crecieron luego de que ambos fueran vistos juntos en diferentes eventos. La exposición en redes sociales alimentó las versiones, pero ninguno de los dos protagonistas confirmó una relación sentimental.

A pesar de las preguntas insistentes de los medios y la opinión pública, tanto Páez como Gala eligieron mantener la privacidad y responder con evasivas. El círculo íntimo del músico, representado en este caso por Fabiana Cantilo, refuerza esa postura al negar la existencia de una pareja.

El interés por la vida personal de Fito Páez no es nuevo. Su historia sentimental, marcada por relaciones con figuras reconocidas de la cultura argentina, suele captar la atención del público. La reciente aparición de Sofía Gala a su lado reavivó el debate sobre si hay algo más que una amistad entre ellos.

Los seguidores del músico y la actriz, así como los medios, han interpretado fotos y gestos como pruebas de un romance. Sin embargo, la información aportada por quienes están realmente en contacto con Páez apunta en otra dirección: la de una amistad sólida y sin matices románticos.

El lazo entre Fabiana Cantilo y Fito Páez

Fabiana Cantilo y Fito Páez mantienen una relación de décadas, forjada en escenarios y momentos personales difíciles que, después de separarse como pareja, continuó con el correr de los años. La cantante relató que ambos se apoyaron mutuamente en distintas etapas de sus vidas, lo que les permitió cultivar una confianza inquebrantable.

“Nos unimos para salvarnos mutuamente”, sintetizó Cantilo, explicando por qué confía plenamente en la palabra de Páez sobre Sofía Gala. Para ella, la relación entre el músico y la actriz es solo una muestra más del círculo de afectos que rodea a su amigo.

Phil Collins, Iron Maiden, Billy Idol, Queen Latifah, Oasis, Sade y Joy Division/New Order serán incorporados al Salón de la Fama del Rock & Roll, junto con los nominados por primera vez Wu-Tang Clan y el fallecido Luther Vandross.

La lista se dio a conocer durante la emisión del lunes por la noche de American Idol. Los artistas deben haber publicado su primera grabación comercial al menos 25 años antes para ser elegibles para la incorporación. Los nominados fueron votados por más de 1.200 artistas, historiadores y profesionales de la industria musical.

Collins, un rockero de estilo suave que ya está en el salón como integrante de Genesis, ha tenido éxitos como solista como In the Air Tonight y One More Night, y ha ganado ocho premios Grammy, incluido el de álbum del año en 1985 por No Jacket Required. Collins entró la primera vez que apareció en la boleta.

La vocalista de soul-jazz Sade, también nominada en 2024, tuvo éxitos de rock suave como Smooth Operator y The Sweetest Taboo. Wu-Tang Clan ha sido aclamado como innovador del rap desde su álbum debut de 1993 que cambió las reglas del juego, Enter the Wu-Tang.

Iron Maiden, nominada dos veces antes, ayudó a impulsar la nueva ola del heavy metal británico con álbumes icónicos como The Number of the Beast. Vandross, que vendió más de 25 millones de álbumes y tuvo éxitos como Here and Now y Any Love, murió en 2005 e inspiró Luther, de Kendrick Lamar y SZA.

Este año, el salón abrirá sus brazos a los sonidos de Manchester, Inglaterra, al incorporar a los pioneros del post-punk Joy Division y New Order —que compartían a la mayoría de los mismos integrantes—, así como a Oasis, el grupo de britpop que se reunió recientemente y está integrado por Noel Gallagher y Liam Gallagher. Idol, también inglés, ha aportado un desdén punk al pop con canciones como White Wedding y Rebel Yell.

La ceremonia de incorporación se llevará a cabo el 14 de noviembre en el Peacock Theatre de Los Ángeles. Una presentación televisiva se emitirá en diciembre por ABC y Disney+. El próximo año, la ceremonia regresará a la sede del salón en Cleveland.

Entre los nominados este año que no lograron entrar en la clase de 2026 figuran Mariah Carey, Lauryn Hill, INXS, Melissa Etheridge, Jeff Buckley, Pink, New Edition y Shakira.

Además de la categoría de intérpretes, quienes ingresan al salón pueden hacerlo bajo tres categorías de comités especiales: influencia temprana, excelencia musical y el Premio Ahmet Ertegun para No Intérpretes.

El premio de influencia temprana de este año honrará a Queen Latifah, la cantante cubana Celia Cruz, el músico nigeriano Fela Kuti, la rapera MC Lyte y el country rockero Gram Parsons. La excelencia musical reconocerá a la compositora Linda Creed y a los productores Arif Mardin, Jimmy Miller y Rick Rubin.

Más de 50 años después de su muerte, Ed Sullivan, el legendario presentador de su programa de televisión homónimo que era una cita obligada, ingresará al salón con el Premio Ahmet Ertegun para No Intérpretes. Es un reconocimiento a lo importante que se volvió su escenario de los domingos por la noche como plataforma de lanzamiento para casi todos los íconos musicales de las décadas de 1950 y 1960, ya cómo su programa ayudó a derribar barreras raciales en el entretenimiento de Estados Unidos.

El año pasado, Cyndi Lauper, Outkast, Bad Company, Chubby Checker, Soundgarden, Joe Cocker, Salt-N-Pepa, The White Stripes, Carol Kaye, Nicky Hopkins, Lenny Waronker, Thom Bell y Warren Zevon fueron incorporados.

Fuente: AP

El Mini Rock Fest 2026 llegará a la Ciudad de México el 18 de abril con una promesa inédita: poner a la niñez en el centro de la experiencia musical. El evento, pensado para niños y niñas de 4 a 12 años, ofrecerá una jornada de más de siete horas en Quarry Studios, al sur de la capital, donde las reglas tradicionales de los festivales de adultos quedan de lado para dar paso a la autenticidad y la libertad.

La propuesta, organizada por Silvia Tapia y Jessica Luna, busca romper con la lógica adultocentrista que suele dominar los espacios públicos.

Cartel completo del Mini Rock Fest 2026

El line-up del Mini Rock Fest incluye agrupaciones mexicanas como Yucatán A Go-Go, Los Patita de Perro, Crazysaurios y Los Botes Cantan. Desde Chile participará Jack Distortion y desde Argentina llegará Manu Choque. También se suman DJ Purple, Pequeños Diablillos y La Broma Infinita, ampliando la variedad de propuestas musicales para el público.

En entrevista, Silvia Tapia afirma: “Nos dimos cuenta de que hay 300 festivales en México de todo tipo, pero ninguno estaba pensado para la niñez. Descubrimos que infancia viene del latín y significa los sin voz. Desde ahí surge la necesidad de crear un festival donde niñas y niños sean escuchados”. Tapia destaca que el cartel fue seleccionado para ofrecer variedad de géneros y para derribar la idea de que la música infantil debe ser simplista.

Jessica Luna agrega: “Queríamos un evento que funcionara como un vínculo entre los adultos y la niñez. Buscamos bandas que hicieran vibrar el corazón de los papás y de los niños. Esta alineación hará que el Mini Rock Fest sea una experiencia única”.

Un festival donde la niñez es el centro y la seguridad es prioridad

El enfoque del festival parte del principio del niñocentrismo. En palabras de Silvia: “Primero somos mamás y vivimos dándonos cuenta de cómo muchas veces se invisibiliza a la niñez. Llegas a un restaurante y no hay nada para ellos. El mundo está muy centrado en el adulto. Queremos que niñas y niños tengan los mismos derechos para disfrutar cualquier espacio”.

El espacio elegido es plano y sin escaleras para facilitar la movilidad, incluso para quienes usan muletas o silla de ruedas. Los niveles de sonido estarán controlados para proteger la salud auditiva de los asistentes más jóvenes y habrá un equipo de seguridad dedicado. “Todo está pensado para que el festival sea un espacio completamente seguro y en donde se sientan libres y felices. Nadie les va a decir: ‘Estate quieto’”.

Durante el festival, los asistentes podrán participar en talleres de arte, zonas para personalizar prendas y pintacaritas, además de cuentacuentos y espectáculos de magia. Las organizadoras subrayan que el festival también contará con áreas de descanso para quienes prefieren una experiencia menos ruidosa.

La respuesta de las familias ha sido entusiasta. Las organizadoras señalaron, “En general la respuesta es sí quiero ir, incluso quienes no tienen hijos buscan la manera de asistir. Nos emociona ver que estamos conectando con la gente”.

Boletos y precios

Los boletos están disponibles a traves de la boletera Passline, en su página oficial .El precio de la entrada general es de 870 pesos y la entrada doble cuesta mil 500 pesos.

Los cuatro astronautas regresaron con éxito a la Tierra, después de haber recorrido 1.126.922.215 kilómetros y amerizar frente a la costa de San Diego, Estados Unidos, tras un viaje de 10 días que puso a prueba una nave, una tripulación multinacional y una estrategia que busca llevar a la humanidad más lejos que nunca.

El cierre de esta odisea en la primera misión tripulada hacia la órbita lunar en más de cinco décadas, validando tecnología y reviviendo el espíritu de exploración espacial, fue celebrado por la NASA hoy con un video que resume la misión, al ritmo de la canción Seven Nation Army de The White Stripes.

El viaje no solo implicó un retorno seguro de los astronautas, sino también la validación de los sistemas vitales que sostendrán futuras misiones.

El equipo de NASA ponderó el éxito de la maniobra, que requirió precisión absoluta para atravesar la atmósfera terrestre a casi 40.000 km/h (39.692 mph) y soportar temperaturas de 2.760 ℃ (5.000 ℉). La agencia estadounidense, detalló que “todo en esta fase dependía de que la física, la ingeniería y el tiempo estuvieran exactamente donde tenían que estar”.

El amerizaje a las 20:07 EDT del 10 de abril, seguido de la recuperación en el Pacífico, significó mucho más que el toque de una cápsula en el agua: fue la culminación de una secuencia en la que helicópteros, equipos médicos y personal militar participaron en la extracción y traslado de la tripulación hacia el USS John P. Murtha.

El protagonismo de los astronautas Reid Wiseman, Victor Glover, Christina Koch y Jeremy Hansen devolvió a la humanidad a la órbita lunar tras más de medio siglo (53 años). El despegue ocurrió el 1 de abril desde el Centro Espacial Kennedy con el cohete Space Launch System; fue la primera vez que la cápsula Orion, junto a su cohete, transportó personas.

El comandante Wiseman, tomó una fotografía increíble del lado nocturno de la Tierra, que describió como “un tesoro total”, mientras Glover expresó: “Confía en nosotros. Te ves increíble. Te ves hermosa. No importa de dónde seas, todos somos una sola humanidad”.

El primer día de vuelo fue dedicado a orbitar la Tierra y verificar los sistemas de Orion. Glover probó los controles manuales, esenciales para futuras expediciones. Wiseman explicó que el 90% de los sistemas de soporte vital nunca había sido probado antes en el espacio, lo que obligó a comprobar la seguridad y funcionalidad del ambiente interior antes de avanzar hacia la Luna.

El trayecto hacia el satélite natural se extendió durante cuatro días. Durante ese lapso, la tripulación contempló la superficie lunar y celebró la Pascua en el espacio. Un momento singular fue la obtención de las alas de astronauta por parte de Hansen, quien participó en su primer viaje espacial.

La nave alcanzó la cara oculta de la Luna el 6 de abril, perdiendo comunicación durante 40 minutos, un tramo en el que Orion estableció un nuevo récord al superar los 406.692 kilómetros de la Tierra, superando la marca del Apolo 13.

La experiencia de observar la cara oculta del satélite natural fue relatada por Wiseman: “Fue realmente genial despertar esta mañana, mirar por la ventana y ver la Luna llena reflejada en la parte delantera del vehículo”. El comandante valoró el trabajo del equipo y la claridad del objetivo: “No hay duda de hacia dónde nos dirigimos y agradezco enormemente todo el trabajo realizado allí”.

La misión dejó también momentos cargados de emoción. Hansen, Koch y Glover propusieron nombrar un cráter lunar como “Carroll”, en homenaje a la esposa fallecida de Wiseman. El gesto, preparado durante la cuarentena previa al vuelo, emocionó al comandante y selló un vínculo personal y colectivo en la superficie lunar. Koch compartió que la experiencia la llenó de gratitud y reflexión sobre los vínculos humanos y la distancia respecto a los seres queridos.

Entre los hitos alcanzados, Artemis II brindó imágenes de la cara oculta de la Luna, capturas de un eclipse solar visible solo desde el espacio y la transmisión de videollamadas a más de 400.000 kilómetros (248.548 millas) de la Tierra. La NASA subrayó que el valor de estas imágenes reside tanto en su capacidad inspiradora como en su utilidad científica, según destacó Kelsey Young, líder científica del programa Artemis.

La tripulación selló su experiencia con un abrazo dentro de la cápsula, conscientes de los 1.126.922.215 kilómetros recorridos en el espacio y el impacto de las nuevas perspectivas adquiridas tras el sobrevuelo lunar.

El regreso representó el tramo más delicado del viaje. Para garantizar la seguridad, la cápsula debió exponerse a condiciones extremas tras separarse del módulo de servicio, soportando el rozamiento intenso a 40.000 km/h y el plasma generado en la atmósfera que elevó la temperatura de la coraza externa a 2700 ºC.

Un corte de comunicaciones de seis minutos, previsto por la agencia, marcó el momento más tenso antes del despliegue de los paracaídas y el amerizaje frente a San Diego.

La secuencia de recuperación, coordinada por NASA y personal militar estadounidense, estableció un protocolo riguroso: extracción de la tripulación, traslado en helicóptero y las primeras evaluaciones médicas tras diez días fuera del planeta.

El éxito de esta operación validó no solo la ingeniería de la cápsula, sino también la capacidad de respuesta ante escenarios extremos.

A lo largo de la misión, Orión y su tripulación establecieron un nuevo récord de distancia para seres humanos, superando los 400.000 kilómetros respecto a la Tierra. Este logro renovó el espíritu de exploración y colaboración internacional.

La NASA, de la mano de sus socios, trazó una hoja de ruta que apunta a sostener futuras operaciones en el entorno lunar y preparar el próximo gran salto: un aterrizaje sobre la superficie selenita.

La experiencia dejó marcas tangibles e intangibles. Desde la transmisión de imágenes inéditas hasta los gestos personales y las palabras intercambiadas a millones de kilómetros de la Tierra, Artemis II consolidó un puente entre la tradición del programa Apolo y las ambiciones de la exploración contemporánea.

Las operaciones posteriores al amerizaje abrieron una nueva fase. NASA enfrenta ahora un calendario exigente para las siguientes etapas del programa Artemis, con una misión ya en preparación que buscará avanzar en la arquitectura de vuelos, maniobras y ensayos previos a un futuro aterrizaje.

Los equipos técnicos y científicos analizan los datos recolectados para ajustar procedimientos, mejorar la seguridad y fortalecer la colaboración internacional que sustenta el proyecto.

El impacto de Artemis II trasciende la tecnología y las cifras. La misión reintrodujo el desafío de la exploración lunar en la agenda pública y científica, estableció nuevos estándares de cooperación y validó la capacidad de regresar al entorno lunar y traer de vuelta a los astronautas sin contratiempos.

El verdadero legado de este vuelo se mide en la posibilidad de continuar expandiendo los horizontes de la humanidad y en las imágenes y vivencias que ya forman parte de la memoria colectiva.

El cohete SLS, la cápsula Orion y su tripulación demostraron que es posible regresar a la órbita lunar con éxito, una hazaña que no se repetía desde el cierre del programa Apolo en 1972.

A medida que las imágenes del amerizaje y la recuperación en el Pacífico van quedando atrás, el desafío se traslada al futuro inmediato: sostener el impulso, perfeccionar la tecnología y preparar el terreno para que el próximo paso sea aún más ambicioso.

El recinto que acogió los únicos conciertos de los Beatles en Japón ha publicado unas fotos olvidadas hace tiempo de la legendaria banda británica, seis décadas después de aquellos conciertos. En pleno apogeo de la Beatlemanía en 1966, cuando el cuarteto de Liverpool era el grupo pop más famoso del mundo, Los Beatles ofrecieron cinco conciertos de verano en Tokio ante una multitud de fans enloquecidos.

Según se informa, las multitudes se agolpaban en su hotel, donde se alojaban en la suite más lujosa. Luego, en 2009, más de 100 fotos tomadas durante los conciertos “fueron descubiertas en una estantería” dentro de una oficina del recinto de conciertos Nippon Budokan, según declaró el operador del recinto.

Pero, los 19 rollos de negativos —que, según se informa, estaban envueltos en papel y etiquetados de tal manera que sugerían que pertenecían al periódico japonés Yomiuri Shimbun— permanecieron “almacenados tal cual” hasta hace poco, según ha declarado el operador. Sin embargo, al acercarse el 60.º aniversario de la gira por Japón, el operador del recinto pidió a un experto en Los Beatles que examinara los negativos, y “su evaluación reveló que las fotos parecen no haber sido publicadas nunca” en periódicos u otros medios de comunicación.

Entre las fotos publicadas por la sala de conciertos hay una en la que aparece John Lennon sonriendo junto a una muñeca japonesa que se asemeja a una figurita que aparece en la portada del álbum de 1967 Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Las estrellas mundiales estuvieron bajo estrictas medidas de seguridad durante su visita, pero es posible que la muñeca podría haber sido comprada durante una salida de compras apresurada, según informó el diario Yomiuri Shimbun.

El periódico está investigando quién tomó las fotos y por qué los negativos se habían conservado en el Nippon Budokan a pesar de estar envueltos en papel con la etiqueta “Sala de archivos del Yomiuri Shimbun”, según informó.

Las fotos capturan “el ambiente de aquella única gira por Japón —que ahora se recuerda como un acontecimiento histórico— así como diversos momentos de su estancia en el país", según el comunicado del Nippon Budokan.

Fuente: AFP.

Fotos: AFP y archivo.

Un reportaje realizado por el periodista especializado en música Ed Power para The Telegraph analizó cómo esa experiencia personal de Mercury se plasmó en Seven Seas of Rhye, tema incluido en Queen II.

Aunque el cantante evitaba explicar minuciosamente el origen de su obra, Power reunió interpretaciones que vinculan los episodios de su niñez, incluida la abrupta partida de su familia de Zanzíbar, con el desarrollo de su imaginación creativa.

La canción no solo marcó un punto de consolidación para Queen en la escena musical británica. También reveló a Mercury en su faceta de narrador, capaz de transformar vivencias personales en paisajes fantásticos. Tras la salida obligada de su tierra natal, ese entorno perdido quedó inscrito como un símbolo en sus letras, según la reconstrucción realizada por Power.

La construcción del universo Rhye

El concepto de Rhye, presente en varios temas del álbum, aparece como un territorio ficticio cargado de simbolismo. Según reconstrucciones citadas por The Telegraph, existe un consenso entre seguidores que sitúa el origen de este universo en un juego imaginativo que Mercury habría compartido con su hermana Kashmira durante la infancia.

Nacido en la isla de Zanzíbar, ubicada en la costa de África Oriental, el artista vivió un golpe decisivo cuando su familia tuvo que abandonar el lugar después de una revolución. Ese episodio rompió abruptamente con su entorno original. Años más tarde, dejó de ser solo un espacio geográfico para convertirse en un símbolo de lo perdido en la obra del músico.

El locutor y aficionado musical Phil Swern describió ese vínculo emocional al afirmar: “Siempre podía recurrir a ella cuando la realidad se volvía demasiado abrumadora”. La isla funcionó como refugio mental, proyectándose en las composiciones del artista.

Temas y recursos del álbum

De acuerdo con Power, en Seven Seas of Rhye, Mercury creó una narrativa en la que un reino mágico sufre las consecuencias de la guerra. La letra presenta imágenes de confrontación y destrucción que remiten a una experiencia emocional más profunda.

El cantante no ofrecía detalles específicos sobre la inspiración tras la canción. En declaraciones citadas por The Telegraph, explicó: “Mis letras y canciones son principalmente fantasías, las invento”. Añadió: “No son realistas; son más bien etéreas, como de cuento de hadas”. Esta aclaración reforzó la ambigüedad en torno a su proceso creativo.

El paralelismo con la obra de J. R. R. Tolkien es frecuente al analizar Queen II. Al igual que el autor de El Señor de los Anillos, Mercury recurrió a la ficción como vía para procesar experiencias difíciles. En ambos casos, la construcción de universos imaginarios permitió canalizar conflictos personales a través del relato fantástico.

La segunda cara de Queen II, conocida como “Black Side”, albergó la mayor concentración de estas composiciones. Allí, una secuencia de canciones interconectadas expandió la mitología de Rhye. En Ogre Battle, The Fairy Feller’s Master-Stroke y Nevermore se suceden criaturas singulares y paisajes en decadencia.

El punto culminante llegó con The March of the Black Queen, extensa pieza anticipatoria de estructuras narrativas que el grupo perfeccionaría más adelante. En otras declaraciones citadas por el medio británico, Mercury confesó sobre su creación que “me llevó muchísimo tiempo terminar esa canción. Quería dedicarle todo mi esfuerzo, darme un regalo o algo así”.

Mientras tanto, el trabajo musical de Brian May y Roger Taylor contribuyó a afianzar una identidad sonora distinta. Taylor rememoró en una entrevista con la revista especializada Classic Rock: “Empezábamos a ampliar los límites del estudio en cuanto a la sobregrabación y a lo que podíamos hacer vocalmente, algo con lo que antes solo estábamos experimentando”.

Influencia e impacto en la música

El universo de Rhye no se limitó a Queen II. Mercury ya había aludido a esa narrativa en trabajos anteriores y la cerró en el disco Sheer Heart Attack, donde el tema Lily of the Valley marcó el cierre de ese ciclo creativo. En ese momento, la banda consolidó un lenguaje propio que incluyó recursos literarios y un abordaje musical poco convencional.

Según Power, la influencia de la fantasía no fue exclusiva de Queen en los años setenta. Grupos como Led Zeppelin, Black Sabbath y Rush también incorporaron elementos similares en sus composiciones. En el caso de Mercury, esa inclinación se vio marcada de manera personal por su historia de vida y el desarraigo.

La reedición reciente de Queen II, con nuevas mezclas supervisadas por May y Taylor, devolvió al primer plano este capítulo inicial del grupo, iluminando el trasfondo íntimo detrás de una de sus canciones más recordadas.

“Él me hizo un tema que se llama ‘Vera’, que es muy hermoso y como yo de chiquita era muy fanática de la música clásica y bailaba eso”, comenzó explicando Vera en medio del programa. “Él hizo todo un arreglo de cuerdas y todo, y me muestra el tema y yo le digo: ‘Uy me parece muy cursi’, porque además decía mi nombre, ¿entendés?“, continuó.

“Decía: ‘Vera, toda la luz que hay en tu alma...’. Y yo: uy, Dios. Este chabón está en una conmigo, mal”, contó la artista, entre risas y con total honestidad, sobre el impacto que tuvo en ella escuchar su nombre en una canción en plena infancia.

El conductor Matías Martin le preguntó qué edad tenía cuando escuchó esa balada dedicada especialmente a ella. “No sé, tenía nueve. Obvio que a los 11 años ya capté a mi viejo y fue para siempre fue un amor total. Para mí es el número uno”, admitió, reconociendo que el tiempo y la madurez le permitieron conectar de otra manera con el universo artístico y personal de Luis Alberto.

No es la primera vez que un hijo del Flaco decide compartir su mirada y desmitificar la figura de uno de los artistas más grandes del país. En febrero pasado, Dante Spinetta también se sentó frente a un micrófono, Y en esa oportunidad, en presencia de Andy Kusnetzoff en Perros de la Calle (Urbana Play), habló sin rodeos sobre la vida cotidiana junto a su padre. Lejos de los brillos y el glamour que muchos imaginan, Dante fue claro sobre aquellos días: “No, ni en pedo. Ojalá... Ojalá. Creo que era lo que se merecía (de tener más dinero), pero no, eran momentos muy difíciles”, relató al recordar su infancia y la inestabilidad económica que atravesó la familia.

La charla fue aún más cruda cuando Andy le preguntó si los cambios de colegio se debían a cuestiones de dinero. Dante respondió contundente: “Exactamente. Y nos mudamos... No había plata. Entonces, de golpe, un año había plata e iba a un privado y después no había, entonces iba a uno del estado y nos mudábamos de barrio”. Kusnetzoff, sorprendido, le señaló que desde afuera parecía que Luis Alberto Spinetta, por su éxito artístico, debía gozar de una situación económica cómoda. Dante aclaró: “Artísticamente era Spinetta, ya, pero había años que no...”. Y sumó: “Lo más loco era que nunca paraba de laburar. No era que era un colgado, ¿entendés? Que no, hago música y no. No dejaba de tocar, pero no había guita, no alcanzaba”.

La memoria de Luis Alberto Spinetta se renueva en cada anécdota y en cada confesión de sus hijos, que no dudan en mostrar lo que hay detrás del mito: la cotidianeidad, las inseguridades, las risas, los problemas y los pequeños grandes gestos familiares. A través de sus palabras, el Flaco sigue iluminando el presente de la música argentina y de quienes crecieron a su lado, humanizando —sin perder la magia— la figura de uno de los íconos más queridos de la cultura nacional.

Un borrador de los ’I’m Not There’ de Bob Dylan, escrito en 1967 y considerado una pieza extremadamente rara por coleccionistas, ha sido hallado dentro de un libro de Allen Ginsberg y saldrá a subasta en abril, con una estimación de entre 26 mil y 52 mil dólares, según informó The Guardian. La página mecanografiada, que permaneció oculta en la biblioteca privada de Sally Grossman, esposa del primer representante de Dylan y amiga cercana del músico, representa uno de los pocos testimonios directos del proceso creativo de una de las canciones más valoradas del catálogo del artista.

La importante valoración económica se calibra en un entorno donde precedentes cercanos han alcanzado cifras sensiblemente superiores: en 2025, dos borradores mecanografiados de ‘Mr Tambourine Man’ fueron adquiridos por 508.000 dólares en una subasta especializada celebrada en Nashville. Aquella venta, conformada en torno al archivo personal del periodista musical Al Aronowitz, puso en circulación 60 lotes directamente vinculados a la carrera de Dylan y su círculo inmediato.

El hallazgo del texto de Dylan

El borrador de ‘I’m Not There’ apareció dentro de una edición original de Ankor Wat firmada por Allen Ginsberg, libro que la propia Sally Grossman recibió como obsequio del poeta en 1969. Tras su fallecimiento en 2021, la biblioteca completa de Grossman fue transferida a un librero especializado, operación que desencadenó el descubrimiento fortuito del manuscrito. Fuentes de la casa de subastas Omega Auctions describieron la escena: la página cayó del libro mientras el vendedor revisaba el lote. Expertos consultados por la casa de subastas consideran que se trata de una pieza “extremadamente rara” del repertorio manuscrito de Dylan.

La circulación de estos materiales responde a factores de procedencia, autenticidad y relato biográfico. Sally Grossman registró un vínculo directo con Bob Dylan no solo por ser esposa de Albert Grossman, sino por su propia aparición en la portada del álbum Bringing It All Back Home (1965), consolidando la línea de legitimidad del manuscrito en venta.

Cuánto vale un manuscrito de Bob Dylan

La venta de los borradores de ‘Mr Tambourine Man’ en Nashville fijó el precedente monetario para futuras operaciones con materiales de Bob Dylan. En esa operación, el componente de procedencia —la colección de Al Aronowitz, figura clave al haber presentado a Dylan y Los Beatles en 1964— aportó un valor adicional a los lotes.

En el remate de abril, junto a los versos de ‘I’m Not There’, el catálogo incluirá otros activos de alto interés para el coleccionismo musical: el manuscrito original de Michael Jackson correspondiente a ‘Black or White’ y un archivo integral sobre la producción de OK Computer de Radiohead. De este modo, la subasta pone en competencia directa relicarios de distintas eras y géneros, reforzando el atractivo de las piezas manuscritas en la economía actual del memorabilia internacional.

Bruce Springsteen tiene un talento poco común para captar los puntos álgidos de la cultura y cristalizarlos en canciones. El orgulloso hijo de Nueva Jersey lo hizo en 2001 con “American Skin (41 Shots)”, sobre el asesinato de Amadou Diallo, un hombre negro desarmado, a manos de la policía. Lo hizo en 2002 con The Rising, un álbum sobre la recuperación y la resiliencia tras el ataque al World Trade Center, y de nuevo en 2006, cuando su interpretación de canciones como “We Shall Overcome” y “My City of Ruins” en Nueva Orleans tras el huracán Katrina hizo llorar al público del Jazz & Heritage Festival.

Y en 2026, ha captado el espíritu de la época con “Streets of Minneapolis”, una oda al estilo Dylan escrita y publicada tan solo unos días después de que agentes del ICE dispararan mortalmente a Renee Nicole Good y Alex Pretti en las Ciudades Gemelas. Springsteen y la E Street Band tocaron el nuevo tema el martes, en la primera noche de su gira Land of Hope and Dreams en Minneapolis, como parte de una contundente apertura de seis canciones que incluyó Darkness on the Edge of Town, tema principal de su álbum de 1978 sobre la opresión y la depresión.

“Este pasado invierno, las tropas federales trajeron muerte y terror a las calles de Minneapolis”, dijo Springsteen, de 76 años, al abarrotado Target Center. “Bueno, eligieron la ciudad equivocada. El poder, la solidaridad del pueblo de Minneapolis, de Minnesota, fue una inspiración para todo el país. Su fortaleza y su compromiso nos dijeron que esto sigue siendo América. Y esto no puede permitirse.” La multitud de casi 18.000 personas levantó sus teléfonos encendidos, creando un mar de estrellas mientras gritaban la letra “¡ICE fuera ya!” una, dos, tres y luego cuatro veces, cada vez con más fuerza. Abuchearon los nombres de Noem y Miller y vitorearon a Good y Pretti. Cerca, un hombre sollozaba.

Springsteen salió con fuerza, diciendo al público: “Esta noche les pedimos a todos que se unan a nosotros para elegir la esperanza sobre el miedo, la democracia sobre el autoritarismo, el estado de derecho sobre la ilegalidad, la ética sobre la corrupción desenfrenada, la resistencia sobre la complacencia, la unidad sobre la división y la paz sobre la guerra.” La última palabra, gritó, fue la primera canción de la noche, el himno de protesta de 1970 “War” de Edwin Starr. La versión fue seguida de inmediato por otra canción antibélica, “Born in the USA”. El éxito de 1984 ofreció un mensaje doblemente oportuno: actualmente está siendo utilizado por la Unión Estadounidense de Libertades Civiles (ACLU) en su campaña de apoyo al caso de ciudadanía por nacimiento, que comienza a ser tratado en la Corte Suprema.

Desde que Springsteen abrió su gira europea el pasado mayo invocando “el poder justo del arte, de la música, del rock ‘n’ roll en tiempos peligrosos”, el ganador de 20 premios Grammy ha vivido un año trascendental. Un set de discos inéditos, una biografía cinematográfica, un himno de protesta, un congreso académico dedicado a su obra, y ahora esta gira. Dijo en el Target Center que los conciertos no estaban planeados, sino que fueron inspirados por la resistencia en Minnesota. La última fecha es el 27 de mayo en Washington.

El grupo de 17 miembros contó con la participación, en varias canciones, del guitarrista de Rage Against the Machine, Tom Morello, quien ha girado antes con Springsteen. (Patti Scialfa no se presentó; la música, esposa de Springsteen, anunció que tiene cáncer en 2024.) Morello, un representante de la Generación X, es el contrapunto más dinámico al heroísmo clásico de Springsteen desde que los E Streeters perdieron al saxofonista Clarence Clemons por complicaciones de un derrame cerebral en 2011. En The Ghost of Tom Joad, una balada de protesta de 1995 basada en la novela sobre los migrantes del Dust Bowl de John Steinbeck, Las uvas de la ira, Morello tocó un solo punk-metal-hip-hop en una guitarra pintada con el mensaje “Arma a los sin techo”. Mientras giraba por el escenario, arrancando nota tras nota incendiaria, el público se puso de pie.

A continuación, los E Streeters atacaron el riff inicial de “Badlands”, otra canción de Darkness..., pero esta sobre la evasión y la redención. Como tantas de las canciones interpretadas por Springsteen, la letra cobró nuevo sentido en 2026: “El pobre quiere ser rico, el rico quiere ser rey / Y un rey no queda satisfecho, hasta que lo gobierna todo”, cantó Springsteen apenas tres días después de haber actuado en el mitin No Kings en el Capitolio Estatal de Minnesota.

Durante casi tres horas, The Boss no abandonó el escenario. Tras apagar las luces brevemente, regresó al frente al son de unas notas que probablemente todos reconocieron. “Para el maestro”, dijo, y la banda interpretó “Purple Rain”. No hay reyes, pero sí, Prince.

Pronunció un discurso final, hablando sobre la libertad para discrepar. “Ahora regreso a pensar en las últimas palabras de Renee Good antes de morir”, dijo. “Al hombre contra el que protestaba, al hombre que acabaría con su vida, le dijo: ‘Está bien, amigo, no estoy enojada contigo.’ No estoy enojado. Dios la bendiga.” Springsteen cerró con una canción de otra leyenda de Minnesota: “Chimes of Freedom” de Bob Dylan.

Fuente: The New York Times

[Fotos: Galen Fletcher/The New York Times; REUTERS/Tim Evans]

La ruptura con el productor y el giro inesperado

El disco surgió de una combinación de cambios imprevistos, libertad creativa y una dinámica interna radicalmente distinta. La banda enfrentaba una crisis creativa y tensiones legales derivadas del comportamiento de Morrison, mientras la crítica cuestionaba sus trabajos previos.

En ese contexto de incertidumbre, la continuidad del grupo y la viabilidad del proyecto se percibían amenazadas en Los Ángeles, ciudad que funcionaba como epicentro tanto de sus conflictos como de su reinvención.

El proceso de grabación se complicó con la intervención del productor musical Paul A. Rothchild. Disconforme con las primeras composiciones, Rothchild calificó el material como “cocktail music”, marcando así su desaprobación. Su salida abrupta reflejó un desgaste que venía gestándose y abrió la puerta a una transformación profunda en la manera de trabajar de la banda.

Un nuevo liderazgo en el estudio

Tras la partida de Rothchild, el ingeniero de sonido Bruce Botnick asumió un rol central en la coproducción.

Según ultimate-guitar, esta nueva configuración eliminó la rigidez de métodos previos y permitió a The Doors explorar un enfoque más abierto, donde la improvisación y la creatividad adquirieron un protagonismo inédito en su discografía.

En ese momento, el grupo decidió grabar el álbum en su propio estudio en Los Ángeles, alejándose del ambiente formal y la presión de los grandes estudios.

Este entorno más íntimo les otorgó control absoluto sobre el proceso creativo, conscientes de que podría ser la última vez que trabajarían junto a Morrison.

Libertad creativa y colaboración inusual

La libertad ganada tras la salida de Rothchild posibilitó la incorporación de músicos de sesión que aportaron matices de blues y ampliaron el espectro sonoro del grupo. El clima en el estudio era intenso: la banda trabajaba con urgencia, sabiendo que el tiempo juntos podía ser limitado, pero aprovechando al máximo la apertura creativa.

Según ultimate-guitar, la combinación de espontaneidad y presión dio lugar a canciones emblemáticas como “Riders on the Storm” y “Love Her Madly”.

La inclusión de músicos externos, entre ellos el bajista Jerry Scheff y el guitarrista Marc Benno, fue clave para enriquecer el sonido del álbum y explorar nuevas rutas estilísticas que antes estaban restringidas por la estructura tradicional del grupo.

Impacto, legado y proyección cultural

El proceso de grabación fue sorprendentemente eficiente: en solo unas semanas, The Doors lograron completar el álbum. Este sería el último trabajo de estudio con Jim Morrison, quien falleció poco después del lanzamiento, lo que le dio un carácter definitivo a la producción y la consolidó como parte esencial del legado de la banda.

El álbum L.A. Woman vendió 2 millones de copias y se consolidó como un referente en la historia del rock.

La autenticidad surgida del conflicto inicial, sumada al esfuerzo de la banda por reinventar su método creativo, impulsó la valoración crítica del disco. A más de cinco décadas de su publicación, críticos y admiradores lo consideran uno de los logros más influyentes del rock estadounidense.

El disco que redefinió a The Doors

La prensa especializada, como la revista Rolling Stone, ha destacado que el álbum representa el punto de madurez musical de The Doors. Este consenso se apoya en la capacidad del grupo para transformar la adversidad en innovación, superando el caos interno y las limitaciones impuestas por la industria musical.

El nacimiento de L.A. Woman bajo circunstancias adversas, demostró la resiliencia y la creatividad de The Doors.

El grupo logró convertir la incertidumbre y el conflicto en un proceso de reinvención sonora, dejando una huella que trasciende generaciones y consolidando el álbum como un hito en la música contemporánea.

Patricia Ripoll, tía materna de Shakira, usó sus redes sociales para aplaudir a un grupo de fans que están realizando actividades en la Ciudad de México para recolectar votos para que la cantante colombiana ingrese al Salón de la Fama del Rock and Roll.

En post de Instagram, Patricia Ripoll compartió videos e imágenes de los fans de Shakira disfrazados de lobos y rescribió: “Son increíbles. Hoy es un día decisivo para aumentar las votaciones y hacer subir a Shakira. ¡No bajemos el ritmo, cada voto cuenta!“.

La nominación de Shakira al Salón de la Fama del Rock & Roll 2026 no solo es un reconocimiento internacional, sino también un hito para la música de Colombia por la trascendencia de sus aportes al panorama global, en un listado que incluye a Phil Collins, Iron Maiden, Billy Idol, Mariah Carey y Oasis, entre otros artistas de proyección mundial.

La edición de 2026 del Salón de la Fama presenta una lista notoria por la diversidad de estilos y nacionalidades. Nombres como Lauryn Hill, Mariah Carey y Oasis complementan una selección que, en palabras del presidente de la fundación, John Sykes, constituye un reflejo de los “rostros cambiantes y los sonidos en constante evolución del Rock & Roll y su impacto continuo en la cultura juvenil”. Este enfoque amplía la definición del género, integrando expresiones musicales que han influido en generaciones enteras más allá de las fronteras anglosajonas.

En abril de 2026 se darán a conocer los resultados. La institución comunicó que el anuncio coincidirá con la entrega de los premios especiales a la Influencia Musical, la Excelencia Musical y el Ahmet Ertegun Non-Performer Award. La ceremonia oficial de ingreso al Salón de la Fama está programada para el segundo semestre del año, momento en que los elegidos recibirán el máximo reconocimiento por su trayectoria.

El criterio para optar a la nominación exige que los artistas hayan lanzado su primer sencillo o álbum al menos 25 años antes de la nominación, lo que en esta edición implica haber publicado obras en 2001 o antes. En el caso de Shakira, la fundación toma como referencia Pies descalzos (1995) y ¿Dónde están los ladrones? (1998), considerados por la entidad como exponentes destacados del rock en español y ejemplo de la proyección latinoamericana dentro de un género históricamente dominado por el inglés.

El Salón de la Fama, creado en 1983 y abierto al público desde 1995 en un edificio diseñado por el arquitecto I. M. Pei, alberga la colección central dedicada a la conservación de instrumentos musicales, manuscritos, vestuario y material audiovisual de personalidades influyentes del género. Desde su fundación, la institución ha sido referente internacional en la preservación y difusión del legado cultural del rock.

Veinteañeros o treinteañeros que van con sus padres a un recital de rock, y viceversa. El fenómeno musical que atraviesa y une varias generaciones lo provoca Genetics, que amplía y perfecciona el concepto de las bandas tributo: recrea milimétrica y virtuosamente el repertorio de Genesis, el grupo británico que se convirtió en un emblema del rock progresivo de todos los tiempos.

Ahora, en su concierto de este domingo, a las 21, en el Movistar Arena, Genetics se presentará nuevamente junto con Steve Hackett, el guitarrista que moldeó el sonido de Genesis entre 1971 y 1977, como cierre de una gira latinoamericana en la que le dan nueva vida a clásicos como Supper’s Ready, Firth of Fifth, Carpet Crawlers, Blood on the Rooftops y The Cinema Show, entre otros.

En diálogo con Infobae Cultura, el baterista de Genetics, Daniel Rawsi, contó cómo conocieron a Hackett y cómo él llegó a considerarlos como “su banda para Sudamérica”.

“De chicos, con Ignacio (Rodríguez Genta) fantaseábamos con tocar esta música, apagábamos la luz y hacíamos que tocábamos en mi cuarto. Después, hace unos 35 años, nació Rael, que fue el primer grupo tributo a Génesis en aquella época. No había nada, no había información, no había video, no había nada de Génesis, todo era de oreja” contó Rawsi, de 65 años, que es médico oftalmólogo, al recordar a su amigo y primer cantante de Genetics, cuya muerte en un accidente, en 2015, abrió el contacto con Hackett.

“Steve se entera de la muerte de Nacho a través de Armando Gallo, un periodista italiano que hizo un libro sobre Genesis, y justo coincidió con que él venía con su banda a la Argentina -relató Dawsi-. Me mandó un mail con las condolencias del caso y, de cara dura, le propuse: Mirá, Steve, yo sé que venís a Buenos Aires, ¿no querés venir a comer un asadito a casa? Y me dijo que sí“.

— ¿Qué pasó ese día?

— Vino con su esposa, comimos algo con todos los Genetics y después cuando tocó con su banda le dedicó el show a Ignacio. Por eso cuando se fue a Inglaterra le comenté que íbamos a hacerle un concierto homenaje a Nacho en el Teatro Coliseo y que queríamos invitarlo para que tocara un tema. “Voy y toco lo que quieran. ¿Qué querés que toque?”, respondió enseguida.

— Así se consolidó la relación entre ustedes.

—Hicimos dos shows en el Coliseo y así empezó la relación hasta que nos hicimos muy amigos. Ya compartimos tres giras juntos y ahora esta gira por México, Perú, Brasil, Chile y la Argentina. Steve nos considera su banda para Sudamérica.

Pasó mucho tiempo desde que Rawsi conoció la música de Genesis. Tenía 16 años, estaba en el colegio secundario y cuando fue a la casa de un amigo escuchó Watcher Of The Skies, del disco Genesis Live. “Cuando puso la introducción del tema dije: ¿Y esto qué es? Qué cosa más rara. A partir de ahí empecé a escuchar a Genesis y no paré hasta hoy. Me encanta toda la música, pero Genesis en especial es muy fuerte, nos llega al cuore".

— ¿Qué siente un viejo admirador de Genesis cuando comparte el escenario con su guitarrista más célebre?

— Es muy raro. La primera vez que tocamos con él hicimos dos ensayos y no entendíamos nada. Era Hackett y estaba tocando el solo de Firth of Fifth, por ejemplo, pero siempre muy serio, muy educado. Fueron pasando los años y, aunque para mí es un ídolo absoluto, es una relación de igual a igual. En un ensayo se da vuelta y le dice a Claudio (Lafalce): “Che, ¿qué acorde es este? Me olvidé”. O pregunta: ¿Están conformes con esto? Lo repetimos”.

— ¿Qué van a escuchar los que vayan al concierto del Movistar Arena?

— Primero, tres temas de los discos de Steve y después una lista de clásicos de Genesis, Supper’s Ready, Watcher Of The Skies, Firth of Fifth, Blood on the Rooftops, Dance on a Volcano... Es un show de casi dos horas y media.

— ¿Qué representa para vos tocar en el lugar de un baterista como Phil Collins?

— Es una responsabilidad enorme. Phil Collins es un músico superdotado. Es tremendamente difícil lo que él hace. Todos días le descubro algo nuevo. Así que es un desafío muy grande. Llegar a tocar como él es como tocar el cielo con las manos. Se hace lo que se puede (se ríe).

— ¿En todos estos años tuvieron contacto con otros de los músicos de Genesis, además de Hackett?

— Sí, estuvimos en contacto con Peter Gabriel desde la época de Amnesty, sabe de nosotros. En algún momentop también lo invitamos a tocar a Mike Rutherford, pero estaba con una agenda cargada con su grupo Mike and the Mechanics. Así que no pudo ser. Tony Banks prefirió no hacer nada de Génesis. Está haciendo sus propias obras. Y por supuesto que a Phil Collins no se lo puede llamar porque su estado de salud es terrible, pobrecito.

— ¿Por qué en este momento de la música todavía tiene vigencia un grupo como Genesis?

— No sé, el promedio de edad de nuestro público es de 50 años para arriba, pero hay mucha gente joven que está escuchando esto. Lo vemos en los shows. Siempre digo que si venís a ver a Genetics no venís a ver a una banda tributo sino que venís a escuchar música clásica. Es una interpretación de la música que tanto amamos y que ama tanta gente. Lo lindo es que mucha gente viene con sus hijos, aunque hoy existen músicos impresionantes. Y pese a que existe algo terrorífico como la Inteligencia Artificial, que suple la creatividad y reemplaza a gente virtuosa que estudió miles de horas para tocar como tocan y ahora hay una aplicación que hace lo mismo apretando un botón.

— Conociste y tocaste con otro ídolo como Luis Alberto Spinetta. Contame cómo fue esa relación.

— Luis era como un hermano para mí. Habíamos forjado una linda amistad. Tuve la oportunidad de acompañarlo en las Bandas Eternas y en algunos otros lugares. Al margen de la música, lo veo a Luis como un ídolo, un poeta, algo extraterrestre. Aparte, yo era un poco el médico de él. Cuando viajaba se sentía apoyado por mí: en algunos momentos que estaba afónico, se quedaba sin voz, y hacíamos el tratamiento correspondiente. Compartimos una época muy hermosa y fue muy triste cuando nos dejó.

— ¿Seguís ejerciendo como oftalmólogo?

— Sí, claro. Es difícil, pero bueno... Durante el día es el consultorio y después de las 7 de la tarde son los ensayos. Soy como el Doctor Jekyll y Mister Hyde.

Tres décadas después, la huella de Kim Gordon se percibe hoy en figuras como Courtney Barnett, Jenny Lewis y St. Vincent, quienes reconocen su influencia en la escena indie actual. En este punto, también, es bueno recordar que su presencia pionera en el rock alternativo de los 90 no solo desafió la hegemonía masculina, también impulsó el surgimiento del movimiento Riot Grrrl, que abrió camino a mujeres dispuestas a explorar los límites más radicales de la música sin someterse a la mirada masculina. A lo largo de casi cuarenta años, Kim Gordon ha sido una referencia ineludible.

Volviendo a Play Me, la novedad de Kim Gordon. Su alianza con el productor Justin Raisen ha transformado el enfoque sonoro y obrado un pequeño milagro: de la distorsión nihilista de los años de la Nación Alternativa a las bases de rap y elementos electrónicos que potencian la cadencia y el espacio en cada canciones. Ella misma ha reconocido que su voluntad de colaborar con Raisen surgió “por accidente”, pero terminó traduciéndose en mayor libertad creativa. El énfasis en los beats industriales y una disposición a dejar en segundo plano la guitarra han delineado un territorio sonoro donde el spoken word vulnerable y crítico cobra centralidad.

En Play Me, incorpora nociones propias del universo rap, donde el remix y la reconceptualización de materiales preexistentes son parte de la dinámica habitual. La lírica del último track retoma palabras como “Injusticia”, “Oportunidad” y “Vivienda para el futuro”; términos que ella seleccionó en referencia a la política del presidente Donald Trump, quien asoció estos conceptos con las iniciativas de diversidad, equidad e inclusión que su administración denunció. La reescritura convierte al ejercicio en un tipo de contundente declaración conceptual.

También, a diferencia de discos previos, Play Me es más breve y enfocado, tal vez en diálogo directo con la atención reducida que predomina el consumo cultural actual. Según ella, la evolución desde The Collective se concreta en “un disco más enfocado e inmediato”, con canciones diseñadas para impacto rápido y lírica confrontativa, sin concesiones a una narrativa lineal.

Kim Gordon contra las playlist

Play Me responde a la pregunta del momento: cómo una figura consagrada de la música alternativa puede intervenir activamente en la discusión sobre el valor del arte en la economía digital. Con sus actuales herramientas, Kim Gordon ha construído una crítica explícita al consumo pasivo que fomenta el actual ecosistema de streaming, utilizando títulos ficticios de playlists de Spotify y géneros por estado de ánimo como parte de la letra central: “Chica popular rica / Modo villana / Jazz y de fondo / Relajándome tras el trabajo”. Para ella, la música “siempre representó una cuota de libertad” y que esa libertad parece “cubierta por una manta” en el presente.

El título del disco y de la canción principal juega con esa doble tensión: es tanto una constatación de la pasividad del oyente en la era de los algoritmos como un desafío contra el estado de cosas. “También podría leerse como desafiante. Como si dijera: te reto a que me escuches”, puntualizó. El registro refuerza esos planteamientos con piezas como “Subcon”, donde la letra apunta al ascenso de la clase multimillonaria tecnológica y su obsesión reciente por la colonización espacial. Gordon ha convertido su preocupación por la realidad sociopolítica en motor central de sus canciones, asumiendo “más el rol de socióloga que de artista”, una vocación que atribuye a la influencia de su padre, académico de la Universidad de California.

De Sonic Youth al presente

Durante las más de dos décadas que pasó junto a su entonces marido Thurston Moore y el guitarrista Lee Ranaldo en Sonic Youth, el bajo de Kim Gordon funcionó como marca registrada del grupo. En su etapa solista, esa identidad se mantuvo, aunque mutó en dirección a bases electrónicas y estética industrial que, según la artista, le permiten “trabajar con el foco puesto en los ritmos”, clave de su asociación exitosa con el productor Raisen.

La decisión de ceder espacio a experimentaciones electrónicas y adoptar frontales referencias al mundo hip-hop, el uso de recursos propios del IDM y el punk, así como el ajuste de la duración de las canciones, revelan una estrategia deliberada de adaptación a la fragmentación de la escucha contemporánea. “Me inspiran más los beats que las melodías”, resumió, ratificando el cambio.

En 29 minutos, el disco intercala crítica directa, abstracción lírica y un retrato de la cultura digital, subrayando la condición de esta mujer de 72 años (forever young a juzgar por su imagen) no solo como cronista de su tiempo, sino también como una voz radical en la discusión sobre el valor del arte frente al avance del capitalismo tecnológico y los paradigmas de la música contemporánea. Amén.

La banda mexicana de rock La Castañeda comunicó la cancelación de su concierto gratuito en el Zócalo de la Ciudad de México, programado para el 2 de mayo. La suspensión fue anunciada en las redes sociales de la agrupación, donde también se difundió el mensaje oficial dirigido a sus seguidores.

En su comunicado, La Castañeda señaló: “Lamentamos informar que, debido a circunstancias imprevistas, ajenas a La Castañeda, nos vemos obligados a cancelar el concierto programado para el Sábado 2 de Mayo en la Plaza del Zócalo capitalino”. La presentación formaba parte de las actividades por el 26 aniversario del Instituto de Educación Media Superior de la Ciudad de México (IEMS).

La noticia sorprendió a quienes esperaban el evento en el centro de la capital. El grupo explicó que, pese a los intentos por mantener el espectáculo, no se logró garantizar las condiciones necesarias para su realización. “A pesar de nuestros esfuerzos por asegurar un evento de alta calidad con las condiciones que merecen, no nos fue garantizado lo necesario para su realización”, expresó la banda en su mensaje.

El concierto en el Zócalo era uno de los puntos destacados dentro de la agenda musical y cultural de mayo en la Ciudad de México. La expectativa creció entre los seguidores del grupo, muchos de los cuales habían planeado asistir desde diferentes partes del país. En las propias redes sociales de La Castañeda, los comentarios reflejaron el desánimo de los fans: “Pensaba lanzarme para CDMX, gracias por avisar, saludos desde Quintana Roo”, escribió uno de ellos. Otro seguidor comentó: “Nada como priorizar la seguridad de ustedes y de los asistentes”.

La agrupación agradeció la comprensión y el respaldo de su público, al tiempo que dejó abierta la posibilidad de organizar una nueva presentación. “Nos comprometemos a trabajar para ofrecerles una experiencia musical y artística excepcional en el futuro próximo. Agradecemos su lealtad y esperamos poder ofrecerles una nueva experiencia inolvidable muy pronto”, concluyó La Castañeda en su comunicado.

La cancelación del concierto en el Zócalo capitalino se suma a una serie de ajustes en la agenda de espectáculos masivos de la ciudad. Hasta el momento, no se ha anunciado a alguna banda que podría tocar en el espacio mencionado.

La Castañeda es una banda mexicana de rock formada en 1989. Su propuesta artística combina música, teatro y performance, lo que la distingue dentro de la escena nacional. Integrada por Salvador Moreno, Edmundo Ortega y Omar de León, la agrupación se ha caracterizado por letras introspectivas y una estética oscura. Temas como “Cautivo de la calle” y “La fiebre de Norma” han consolidado su lugar entre los grupos más influyentes del rock mexicano alternativo.

El álbum debut de los Rolling Stones como hoja de ruta

El lanzamiento en 1964 del primer disco de The Rolling Stones marcó el rumbo de AC/DC durante su formación inicial.

Angus Young y Malcolm Young, fundadores de la banda, recurrieron al repertorio y la dinámica escénica de los Stones para definir sus primeros ensayos, empleando esas canciones como base para aprender a tocar juntos y construir el carácter grupal que luego los distinguiría en el hard rock internacional.

En esos inicios, AC/DC adoptó la tradición del rock de versionar y emular a sus referentes, un proceso habitual en la gestación de bandas del género.

Los miembros compartían influencias y ensayaban la coordinación musical, interpretando canciones de otros artistas en línea con ejemplos notables como The Beatles, quienes también comenzaron su carrera versionando a músicos que admiraban.

Esta práctica cimentó la base técnica y artística de AC/DC, permitiendo que cada integrante aportara su impronta personal al repertorio clásico.

De la imitación al desarrollo de una identidad propia

Brian Johnson, quien se sumaría más tarde como vocalista del grupo, reconoció que el primer álbum de los Rolling Stones fue mucho más que un disco británico de rock: se convirtió, según sus palabras, en “la biblia” de AC/DC.

El vocalista detalló que ese LP funcionó como guía esencial para aprender, ensayar y lanzarse al escenario, destacando: “Aprendimos todo”. La declaración subraya la magnitud de la influencia que tuvo esa obra en el recorrido inicial del grupo.

La admiración profunda se tradujo en un ejercicio de réplica minuciosa. Johnson relató que intentaron copiar cada aspecto del disco, desde los arreglos musicales hasta la actitud sobre el escenario, originando una conexión intensa con la banda británica que resultó vital para el desarrollo artístico de los músicos australianos. El vocalista compartió una anécdota sobre cómo ahorró dinero para comprarse unas maracas, intentando reflejar en escena la postura y la energía de Mick Jagger.

La evolución del sonido de AC/DC bajo la influencia de los Stones

Este nivel de imitación evidenciaba el impacto de los Stones en sus seguidores australianos, pero también puso de manifiesto el proceso formativo que implica adoptar influencias y transformarlas en una voz propia.

Angus Young y Malcolm Young hallaron en los Stones una fuente de inspiración fundamental, incorporando riffs con el ADN blusero revitalizado por los británicos en los años sesenta. Ese enfoque terminó definiendo el carácter de las primeras composiciones de AC/DC.

A lo largo de los años 70, la huella de los Rolling Stones fue perceptible en el desarrollo artístico de AC/DC: la composición de sus temas y la energía de sus conciertos conservaron elementos del esquema tomado de aquel álbum debut.

La revista británica NME documentó que la fidelidad a ese modelo permitió a AC/DC evolucionar sin perder su esencia, destacándose como una de las bandas más reconocidas en la historia del hard rock.

El legado de la influencia y el reconocimiento internacional

El proceso de aprendizaje y experimentación llevó al grupo a consolidar una identidad propia, aunque sin romper el vínculo con sus ídolos originales. La pasión por sus modelos musicales se tradujo en una búsqueda constante de perfeccionamiento y autenticidad, posicionando a AC/DC como referente del género.

Según Indie Hoy, la banda australiana supo transformar la admiración en una propuesta única, logrando que su herencia musical conviviera con la innovación y la creatividad en cada etapa de su carrera.

El impacto del álbum debut de The Rolling Stones en el desarrollo de AC/DC es un ejemplo de cómo las grandes influencias pueden modelar el destino de una banda. La práctica de versionar, emular y reinventar gestos definió la trayectoria inicial del grupo australiano, que luego conquistaría escenarios de todo el mundo.

Con el paso de las décadas, AC/DC se consolidó como una de las agrupaciones esenciales del hard rock internacional, manteniendo vivo el legado de sus referentes y proyectando su música hacia nuevas generaciones. La conexión forjada con los Stones en sus primeros años sigue siendo reconocida por músicos y críticos, reforzando el papel central de la tradición en la historia del rock.

La banda estadounidense ZZ Top anunció su regreso a México en noviembre de 2026 con tres conciertos confirmados como parte de su The Elevation Tour. El grupo, considerado uno de los exponentes históricos del rock, visitará Guadalajara, Ciudad de México y Monterrey casi un cuarto de siglo después de su última visita a los escenarios mexicanos.

La información se dio a conocer el martes 24 de marzo, sorprendiendo a los seguidores de la agrupación. Las fechas programadas incluyen:

• 9 de noviembre en el Auditorio Telmex de Guadalajara
• 11 de noviembre en el Auditorio Nacional de Ciudad de México
• 13 de noviembre en el Auditorio Banamex de Monterrey.

El regreso de ZZ Top responde a una demanda constante del público nacional, que aguardaba una nueva oportunidad de verlos en vivo tras el espectáculo ofrecido en 2003.

El trío que fusionó el blues y el rock

Fundada en 1969, ZZ Top integró desde sus orígenes a Joseph Michael “Dusty” Hill, bajista y vocalista secundario, junto a Billy Gibbons y Frank Beard. El trío se distinguió por su sonido característico, que partió del blues y el rock sureño, para luego evolucionar hacia un estilo de rock que les permitió ganar notoriedad internacional en los años setenta y ochenta.

La noticia del regreso de ZZ Top adquiere un matiz especial para los admiradores mexicanos debido a los acontecimientos recientes en la historia de la banda. En 2021, Dusty Hill, integrante fundador, falleció a los 72 años en su residencia de Houston, Texas. Su deceso generó dudas sobre la continuidad del grupo, aunque la formación decidió mantener su legado musical y continuar con nuevas giras.

El anuncio de The Elevation Tour representa la primera visita oficial de ZZ Top a México tras la muerte de Hill, lo que agrega un valor simbólico a la serie de conciertos. Los organizadores han destacado que la gira incluirá los temas más emblemáticos del repertorio del grupo, con arreglos que rinden homenaje tanto a la trayectoria de la banda como a la memoria de su bajista original.

Los conciertos programados en Guadalajara, Ciudad de México y Monterrey se perfilan como uno de los eventos más anticipados para el público aficionado al rock clásico.

Boletos y precios para ver a ZZ Top en CDMX

La preventa de boletos iniciará el 26 de marzo a las 10:00 horas, dirigida inicialmente a tarjetahabientes de la institución bancaria participante. Un día después, el 27 de marzo, comenzará la venta general en el mismo horario.

Dieciséis años después de aquellas noches imborrables de 2009, la banda australiana reanudó un vínculo que nunca se rompió del todo: el de una comunión visceral con un público que la adoptó como propia.

Desde mucho antes de que se apagaran las luces, la expectativa ya se sentía en el aire. Las inmediaciones del estadio eran una peregrinación de remeras negras, banderas y cruces generacionales unidos por un mismo ritual. Adentro, cada rincón latía al ritmo de la ansiedad. En la previa, los acordes de Black Sabbath resonaron como una invocación, un guiño reverente a Ozzy Osbourne, mientras miles de “cuernitos” rojos se encendían en las tribunas, recreando esa postal indeleble que el tiempo no logró borrar.

Y entonces, pasados un par de minutos de las 21, ocurrió lo inevitable. Sin anuncios grandilocuentes ni artificios, el escenario cobró vida y la descarga fue inmediata. Angus Young, inmutable en su uniforme escolar, irrumpió al frente con “If you want blood” (You’ve got it) y desató la primera explosión de una noche que no daría respiro. A su lado, la voz áspera e inconfundible de Brian Johnson volvió a encender una llama que jamás se apagó del todo. Cuando sonaron los primeros acordes de “Back in black”, el estadio se convirtió en un solo grito, en una masa vibrante que cantó como si el tiempo no hubiera pasado.

La formación actual sostiene con firmeza el legado: junto a Angus y Johnson, Stevie Young —heredero directo del espíritu del inolvidable Malcolm Young—, Matt Laug y Chris Chaney construyen un andamiaje sólido que mantiene intacta la potencia del grupo. No hubo fisuras: cada riff, cada golpe de batería, cada alarido reafirmó que la banda sigue siendo una fuerza indomable sobre el escenario.

El show avanzó como una ceremonia de clásicos. “Thunderstruck” convirtió al estadio en una tormenta eléctrica, con relámpagos que parecían caer sobre la multitud mientras miles de gargantas acompañaban cada nota. Más tarde, la imponente campana de “Hells bells” descendió lentamente, arrancando una ovación que erizó la piel. No hubo sorpresas en la lista, pero tampoco hicieron falta: la banda eligió el camino de la memoria compartida, ese territorio donde cada canción es un himno.

Promediando la noche, “Highway to hell” selló el pacto definitivo. No fue solo una canción, fue un ritual colectivo. Cada estrofa fue coreada con una intensidad que transformó el Monumental en una sola voz. En ese instante, quedó claro que la relación entre AC/DC y el público argentino trasciende el tiempo, las modas y las ausencias.

Desde el campo hasta las últimas plateas, la entrega fue total. Familias, grupos de amigos, fanáticos históricos y nuevos adeptos convivieron en una misma celebración, unidos por una pasión que se transmite de generación en generación. Brian, con su carisma intacto, sostuvo un diálogo constante con la multitud, alimentando una conexión que se reflejó tanto en el estadio como en las redes, donde la noche se multiplicó en imágenes y recuerdos.

En lo visual, el “Power Up Tour” apostó por la esencia: una puesta clásica, sin excesos, donde cada recurso estuvo al servicio de la música. La electricidad de Thunderstruck, la mística de Hells bells, la sobriedad de un escenario que no necesitó artificios para impactar. Porque el verdadero espectáculo estuvo donde siempre: en el sonido crudo, en la energía irreductible, en la verdad de una banda que hizo del rock una identidad.

Así, el regreso de AC/DC al Monumental no fue solo un concierto. Fue un reencuentro esperado, una celebración cargada de memoria y presente, un capítulo más en una historia de amor que parece no tener final. Y mientras las luces se apagaban y el eco de los últimos acordes se desvanecía en la noche porteña, una certeza flotaba en el aire: el rugido sigue vivo, y el público argentino ya cuenta los días para volver a escucharlo, con funciones previstas para los días 27 y 31 de marzo.

Para cuando ese grupo, Gorillaz, apareció unos años después, muchas de las ideas de sus creadores ya se habían hecho realidad. Jamie Hewlett creó un cuarteto de avatares animados —el vocalista 2-D, la guitarrista Noodle, el bajista Murdoc Niccals y el baterista Russel Hobbs— con actitudes punzantes y un sentido de la moda que mezclaba la ciencia ficción y el estilo skater. Damon Albarn ideó un sonido que atravesaba el siglo, fusionando trip-hop, hip-hop y rock indie lo-fi.

Pero en el camino, el concepto de que Gorillaz interactuara con “el más allá” fue abandonado. “En ese momento no conocíamos a ningún músico muerto”, dijo Hewlett una reciente tarde en Los Ángeles, tumbado al lado de Albarn en un sofá de un hotel en West Hollywood. “Ahora llevamos 25 años trabajando con —y perdiendo— a tanta gente.”

Algunos de esos artistas que ya no están aparecen en The Mountain, el noveno álbum de estudio de Gorillaz, para el que Albarn escarbó en años de grabaciones, buscando material inédito de antiguos colaboradores. El repertorio póstumo incluye al rapero Proof, que fue asesinado en un tiroteo en 2006, y que regresa aquí con una inquietante historia sobre la violencia armada (N. de la R: comparte crédito con Trueno en la canción “The Manifesto”)). También hay cameos de Mark E. Smith, de The Fall; David Jolicoeur, de De La Soul; y el actor Dennis Hopper, que aparece en la pista de apertura, recitando el título de The Mountain como un mantra.

Albarn logró obtener la aprobación de todos los artistas —“Nuestras intenciones eran honorables”, dijo— con la excepción de Lou Reed. Sin embargo, el líder de Velvet Underground aparece en espíritu: en una de las canciones, una voz tratada electrónicamente recita frases de una conversación que Reed tuvo una vez con él.

En total, más de dos docenas de intérpretes, vivos y muertos, aparecen en The Mountain, que se inspiró en los viajes de Albarn y Hewlett a la India y estuvo marcado por las muertes de sus padres. Es un álbum impregnado de la conciencia y la aceptación de la pérdida, como se evidencia en canciones como “The Hardest Thing”: “Y cuando sube el telón y empieza la fiesta”, canta Albarn, “¿Te ríes / te derrumbas por dentro / preguntándote cómo llegaste al más allá?”.

“La muerte no era un tema al que eligiésemos ir —simplemente estaba ahí”, dijo Albarn. “Es inevitable una vez que llegas a los 50 años. Cuanto más vives, más crece ese temor.”

Los dos amigos se conocieron a principios de los años noventa, cuando Albarn era más conocido como el cantante principal de la descarada banda británica Blur, y Hewlett ilustraba el cómic de culto Tank Girl. Gorillaz surgió de su frustración con los productos pop excesivamente prefabricados de finales de los noventa, y ninguno de los dos esperaba que se convirtiera en un proyecto a largo plazo. “Se suponía que era una idea genial”, señaló Albarn. “No una carrera.”

En 2001, el sencillo debut del grupo —la relajada y circular “Clint Eastwood”— se convirtió en un éxito mundial, impulsado por el colorido video musical de Hewlett, un cameo del rapero Del the Funky Homosapien y un estribillo seguro: “El futuro / está llegando”. Lanzada en una época en la que MTV y la radio debatían entre el pop adolescente y pegajoso, el rap-rock y el reggae, “Clint Eastwood” fue un inusual éxito plural, convirtiendo el debut de Gorillaz en uno de los primeros CD imprescindibles del nuevo milenio.

En los siguientes discos de Gorillaz —incluidos Demon Days (2005), Plastic Beach (2010) y Humanz (2017)— Albarn amplió su campo hacia el electro-soul, la psicodelia y el hip-hop, a veces viajando por todo el mundo para las sesiones de grabación. Hewlett dirigió los visuales de las cada vez más complejas presentaciones en vivo de la banda, incluido el proyecto paralelo Monkey: Journey to the West de 2007.

En cada proyecto, Gorillaz convocaba a una serie de colaboradores lejanos, convirtiendo su antiguo proyecto paralelo en un colectivo global de pop con una puerta giratoria. En una reciente instalación-exposición de Gorillaz en Los Ángeles, un gran collage al estilo Sgt. Pepper presentaba fotos de muchos de los colaboradores invitados del grupo, incluyendo a Grace Jones, Stevie Nicks y el baterista pionero del afrobeat Tony Allen.

“Gorillaz me hizo darme cuenta de que, si tienes la capacidad de conectar con personas e ideas nuevas, eso es un don”, dijo Joe Talbot, de los británicos post-punk Idles, que aparece en The Mountain. “Si puedes aprender sobre otras culturas, otros sonidos, otras formas de escribir música y otras maneras de atravesar el duelo, deberías hacerlo.”

Para The Mountain, Gorillaz reclutó a varios nombres cruciales del mundo de la música india, incluyendo a la cantante Asha Puthli y la intérprete de sitar Anoushka Shankar. Tanto Albarn como Hewlett han visitado el país en dos ocasiones, incluyendo un viaje tras perder a sus padres con menos de dos semanas de diferencia. Mientras iban de ciudad en ciudad, se reunían con artistas y músicos, e intentaban profundizar en su comprensión del duelo. “La muerte no es gótica en la India”, comentó Albarn. “Y algo que aprendí es la necesidad de vaciar la mente al practicar cualquier cosa. Una mente llena de cosas no tiene espacio para guardar nada más.”

El padre de Albarn, Keith, era un respetado artista y arquitecto —además de un amante de la música india durante mucho tiempo— y el cantante esparció parte de sus cenizas en el río Ganges. (“No había ninguna petición por su parte”, comentó el cantante. “Simplemente pensé que le gustaría.”)

La historia de Hewlett con su padre era más complicada. “No tenía una buena relación con él”, contó. “Siempre me decía que no lograría nada. Pero siento que, con este disco, quise hacerle un tributo, aunque probablemente no lo mereciera.” Se rió, antes de añadir: “Me hizo sentirme mejor conmigo mismo.”

El trabajo en The Mountain continuó después de que el dúo regresara a Europa. Hewlett pasó un año y medio en un video animado que rendía homenaje a las películas de Walt Disney de los años sesenta, incluyendo El libro de la selva (1967). Albarn entró en su estudio de Londres, donde comenzó a improvisar junto a músicos.

Para Anoushka Shankar, -hija de Ravi Shankar y medio hermana de Norah Jones- al principio había cierta inquietud ante la idea de que artistas británicos blancos incorporaran tantos aspectos de la cultura india. “Una de las cosas que me dio confianza fue la manera en que Gorillaz ha hecho cosas similares en el pasado”, dijo en una entrevista por video. “Profundizan en sus colaboraciones culturales. No es como si hicieran un disco diciendo: ‘Dejennos contaros la historia de la India’. Comparten música sobre su experiencia en nuestro país y lo que significó para ellos.”

Finalmente interpretó en media docena de canciones de The Mountain, incluyendo “The Sweet Prince”, junto al flautista indio Ajay Prasanna y el célebre guitarrista de rock alternativo Johnny Marr. “El sitar puede ser complicado de encajar en el sonido pop, porque su registro está muy cerca de la voz humana y llama mucho la atención”, dijo Shankar. “Le dije a Damon que podía usarse texturalmente de diferentes formas. Así que terminamos usando una técnica muy dulce y agradable de rasgueo en la canción, que recuerda mucho a una nana.”

The Mountain es el primer disco de Gorillaz en su propio sello, Kong Records. Es un paso que implica no pocos riesgos: “Todo lo que hemos hecho para este disco, lo cubrimos nosotros”, señaló Hewlett. Pero en las décadas transcurridas desde que los dos redactaron aquel manifiesto inicial para Gorillaz, el streaming ha permitido a los oyentes acceder a música de todo el mundo, lo que lo convierte en el momento ideal para una banda, y un álbum, poco interesados en quedarse en un solo lugar.

“Llevo mucho tiempo apoyando el multiculturalismo, así que me alegra ver que hay más de ello”, aseguró Albarn. “Y necesitamos que los artistas jóvenes se involucren con algo más que la fama, la imagen y los ‘me gusta’. Personas tocando instrumentos juntos, físicamente, en cualquier forma—¿podemos no olvidar eso?”.

Fuente: The New York Times.

[Fotos: OK McCausland para The New York Times]

Con la cuenta regresiva en marcha, la banda ultima detalles para presentarse en La Trastienda, en Buenos Aires, para su debut en el país el lunes 23 de marzo. El show se da en el marco de su gira Latinoamericana, la cual incluyó su paso por Sao Pablo y su presentación en Lollapalooza Chile. En ese marco, mientras aprovechan los días para grabar nuevas canciones en un estudio de Pichilemu en la Región de O’Higgins del país vecino, los músicos dialogaron con Teleshow.

El grupo se formó en 2022 tras sesiones de improvisación entre Johannes y Martin en Olympia, Washington. Posteriormente, los integrantes ampliaron el proyecto con grabaciones que abarcaron estudios en Estados Unidos, Chile, Brasil, Islandia y España. Este enfoque internacional quedó plasmado tanto en el proceso creativo como en el carácter sonoro del colectivo.

La propuesta de Drink the sea destaca por la combinación de instrumentos eléctricos y acústicos propios del rock con elementos musicales como el oud árabe, el sitar indio, los gamelanes indonesios y una amplia variedad de percusiones, entre ellas el surdo brasileño, el tambor de marco, el vibráfono, la marimba y la kalimba. Esta instrumentación diversificada aporta una identidad única a sus composiciones.

- ¿Cómo viven su estadía en Chile?

Barrett Martin: - Tocamos en Lollapalooza, la semana pasada, el viernes. Y ahora estamos en Pichilemu, un hermoso pueblo de surf, y estamos grabando. Porque siempre estamos de gira, así que estamos aquí grabando esta semana.

- ¿Cómo fue la experiencia de tocar en Lollapalooza?

Alain Johannes: - Es fantástico. Es precioso. Creo que el público y todo fue increíble.

Duke Gardwood: - Sabes, fue genial. Fue como un sueño febril. Pasó muy rápido, hizo mucho calor, pero fue realmente fantástico. Además, la cúpula, que es como un espacio interior... Lo cual es perfecto para nosotros porque entonces teníamos, ya sabes, los vídeos que Zach Bettin hizo para las canciones que se proyectaban detrás de nosotros, y estaba a reventar. Fue genial.

- ¿Será su primera visita o no?

Barrett Martin: - Es la primera vez que toco en Buenos Aires, y creo que también es la primera vez de Duke. Pero Al y Peter tocaron allí.

- ¿Dónde tocaron aquí? ¿Se acuerdan?

Alain: - Toqué con Chris Cornell en el Teatro Gran Rex. Sí. Fui telonero de Queens of the Stone Age y del Pepsi Festival 2010. Eh, toqué solo con mi trío. Olvidé el nombre del lugar. Y también fui con PJ Harvey en 2018. He estado allí como cinco veces. Y Peter, ¿cuántas veces has ido?

Peter: - Una vez. Quizás dos veces.

Alain: - El público es increíble en Sudamérica. El argentino también es extraordinario. Y luego es una ciudad hermosa, y es un lugar increíble para comer. Así que espero tener muchas ganas de pasar un buen rato, ya sabes...

- ¿Conocen la gastronomía local? ¿Qué les gustaría comer?

Peter: - Asado.

Alain Johannes: - Asado. Ya sabes, eso y el vino. Pero es una ciudad hermosa, muy europea, y tengo familia allí. Mi hermana nació en Buenos Aires, y tengo un hermano que vive en Buenos Aires, así que estoy deseando ir. La Trastienda es un lugar precioso.

- ¿Cuándo llegan acá?

Peter: El sábado.

- ¿Van a tener tiempo para pasear por la ciudad?

Alain: Sí

- ¿Qué quieren hacer?

Alain: - Un poco de bebida, un poco de comida. Caminaremos, disfrutando del paisaje. Hace muy buen tiempo ahora mismo, ¿verdad? Sí. Así que va a ser agradable, pasar el rato, tal vez, tal vez explorar un poco más ya que tenemos un día completo antes, así que está bien.

- ¿Cómo se preparan para este show?

Barrett: - Hemos estado de gira desde noviembre pasado y tocamos todas las canciones de los dos primeros álbumes con estos hermosos videos. Y también tocamos un par de canciones de nuestras antiguas bandas anteriores, como las canciones que parecen encajar mejor con este conjunto en particular. Así que es un espectáculo bastante largo. Son unas dos horas y media. Es música y videos, muy interactivo. Y hemos dado docenas de conciertos, así que... Estamos bastante compenetrados, diría yo.

- ¿Hacer música con amigos es más divertido o más difícil?

Peter: - Es lo mejor.

Barrett: - Yo también creo que es lo mejor.

Alain: - Cuando son tus amigos, sabes que te vas a llevar bien con ellos. Así que significa que cuando haces música, tienes que llevarte bien con ellos. Es genial. Y sabes, te conviertes en una familia. Y también significa que cuando estás de gira, te lo pasas bien entre conciertos, pasando el rato, hablando, haciendo cosas, además de tocar, armarlo todo. Es genial.

- ¿Son amigos hace mucho tiempo?

Duque Garwood: - Bueno, Peter y Barrett, hace ya mucho tiempo.

Barrett Martin: - Peter y yo hemos tocado juntos durante unos 35 años y hemos trabajado en más de 40 álbumes. Alan y yo nos conocemos desde hace una década, y Alan y Duke han trabajado juntos durante mucho tiempo. Todos tenemos relaciones que se remontan a mucho tiempo atrás.

- ¿Cómo decidieron trabajar juntos y crear Drink the Sea?

Alain: - Empezó de forma bastante orgánica, solo Barrett y yo improvisando en un estudio, y luego Peter y Barrett, y luego Duke y Barrett, como en la carretera, como viajando Islandia, yendo a São Paulo y simplemente seguimos escribiendo y tocando cosas y sesiones de grabación en tantos lugares diferentes. Entonces nos dimos cuenta de que teníamos unas hermosas..., ¿cuántas canciones? ¿22 canciones, 24 canciones? Y ahora estamos trabajando profundamente en un par de grabaciones más.

- ¿Por qué deciden grabar en diferentes lugares? ¿Es por su gira, su trabajo, cuando tienen tiempo?

Duke: —Bueno, nos inspira, pero también es práctico. Ya sabes, cuando estamos de gira, para poder hacer esto, estamos todos juntos en un mismo lugar. De lo contrario, estaríamos en diferentes partes del mundo todo el tiempo. Así que, cuando estamos todos juntos de gira, es el momento perfecto para hacer esto y, además, para inspirarnos.

- Son muy reconocidos en la escena del rock, ¿sienten presión por alcanzar el mismo éxito?

Barrett: - No se siente como presión. Se siente como un deseo de hacer algo excelente y de tomar todas las experiencias que tenemos individual y colectivamente, y manifestarlas en una declaración de la que estemos orgullosos. Así que no es presión, es un impulso natural.

- ¿Cómo decidieron el nombre de la banda?

Alain: Es una letra de una de las canciones de Duke, y nos pareció un nombre precioso para una banda. Él lo repite en una letra y, de repente, se nos encendió la bombilla.

Barrett Martin: - Es de la canción The Strangest Season, y estábamos editando su voz y dijo esa frase dos veces y yo dije: “Hombre, creo que ese es el nombre de la banda”.

- Hablando de música sudamericana, ¿escucharon alguna banda? ¿Qué sonidos, artistas, les interesa escuchar o conocer?

Alain: Crecí escuchando mucho a Astor Piazzolla y mucho a Ginastera, el compositor, y también a Martha Argerich, su música, pero también a Soda Stereo, y Gustavo Cerati. Tocaban más o menos al mismo tiempo a finales de los 70. (risas) Es increíble. Y luego, en cuanto a Brasil, Secos e Molhados, cuando era niño, y luego obviamente, Barrett, es como un experto y le encantan muchos grupos sudamericanos y los incorpora. Así que es hermoso... Es una parte enorme de nuestra esencia realmente en términos de ritmo, y mucha de la instrumentación es más atrevida.

- ¿Escucharon artistas argentinos?

Alain: Richard Colman va a abrir el show en La Trastienda. Obviamente nos vamos a encontrar. Tocamos en el mismo sitio (risas). Es un tipo encantador. Lo recuerdo de principios de los 2000, finales de los 90.

El guitarrista rítmico de AC/DC Stevie Young fue internado en Buenos Aires, a pocos días del regreso del grupo australiano al estadio de River Plate.

“Al llegar a Buenos Aires, Stevie Young no se sentía bien. Por precaución, fue ingresado en un hospital local donde se le están realizando una serie completa de estudios. Stevie se encuentra bien y de buen ánimo, esperando con entusiasmo subirse al escenario el lunes”, señalaron en un comunicado al que accedió Infobae.

Según pudo saber Infobae, Young estaría hospitalizado en el sanatorio Mater Dei de la capital del país.

Young, de 69 años, fue ingresado al centro médico a pocos días del primer recital de AC/DC como parte de la gira “Power Up Tour”, programado para el próximo lunes.

“Por precaución, se le están realizando todas las pruebas necesarias”, agregó un portavoz a la agencia Reuters.

Stevie Young, que ocupa desde 2014 el puesto de guitarrista rítmico tras la salida de Malcolm Young por razones médicas, es considerado un pilar fundamental para el actual sonido de la banda.

El grupo de rock aterrizó este miércoles por la tarde al aeropuerto internacional de Ezeiza, en Buenos Aires, tras presentarse en Chile, donde ofrecieron un recital ante miles de fanáticos como parte de su “Power Up Tour”.

La historia de Stevie Young en AC/DC

Stevie Young nació el 11 de diciembre de 1956 en Glasgow, Escocia. Es hijo de Steven Young y sobrino de Angus Young y Malcolm Young, fundadores de AC/DC.

Su trayectoria comenzó a fines de los años setenta, con pequeñas bandas como The Stabbers, Prowler y Tantrum, originadas en la ciudad escocesa de Hawick. En 1980, fundó Starfighters, agrupación que fue seleccionada como telonera durante la gira de presentación de Back In Black en el Reino Unido. El grupo grabó dos discos bajo el sello Jive Records pero se disolvió en 1983.

En 1988, Stevie Young reemplazó temporalmente a Malcolm Young durante la gira Blow Up Your Video en Norteamérica, mientras su tío se apartaba para recibir tratamiento médico. Muchos seguidores no notaron la diferencia en el escenario debido al parecido físico y musical entre ambos guitarristas.

Después de ese ciclo, Young impulsó proyectos como Little Big Horn y participó en bandas como Uprising, Hellsarockin y Blue Murda. La oportunidad de convertirse en miembro estable llegó en 2014, cuando la salud de Malcolm se deterioró y Stevie asumió el puesto de manera definitiva. Desde entonces, estuvo presente tanto en grabaciones como en giras internacionales junto a AC/DC.

El esperado regreso de AC/DC a River Plate

La vuelta de la banda australiana a la Argentina es parte de su “Power Up Tour”, con una primera fecha el 23 de marzo en el Estadio River Plate. Tras 16 años de ausencia en el país, AC/DC prepara un regreso muy esperado en un recinto emblemático. El viernes 27 y el martes 31 de este mes serán sus otras presentaciones, con localidades agotadas.

La formación actual reúne a Brian Johnson como vocalista, Angus Young en la guitarra líder, Stevie Young en la guitarra rítmica, Matt Laug en la batería y Chris Chaney en el bajo.

Juntos mantienen la esencia del sonido clásico e inconfundible del grupo, con un repertorio preparado para un reencuentro multitudinario.

El nombre del tour proviene de “Power Up”, el 17º disco de estudio de AC/DC, lanzado en 2020 como homenaje a Malcolm Young. El álbum, concebido a partir de riffs inéditos de Malcolm y Angus, invita a los fanáticos a escuchar nuevo material junto a los clásicos de siempre, en lo que se anuncia como una velada de tributo y celebración.

La relación entre AC/DC y el público argentino es reconocida por su intensidad. La última visita al país fue en diciembre de 2009, cuando la banda llenó el estadio Monumental durante tres noches consecutivas, registro que quedó plasmado en el DVD y disco “Live at River Plate”, publicado en 2012. Esos conciertos figuran entre los grandes hitos del rock internacional en Argentina.

Su convicción de que la creatividad y el instinto debían prevalecer sobre las normas académicas influyó profundamente en el sonido del rock y sirvió de inspiración a músicos de todo el mundo.

El laboratorio sonoro de Eddie Van Halen

Van Halen priorizó la experimentación autodidacta por sobre los modelos formales, creando métodos propios y estableciendo un nuevo estándar que aún hoy guía a guitarristas de diversas generaciones.

De acuerdo con Ultimate Guitar, el músico reconocía que rara vez recurría a conceptos teóricos al componer o ejecutar, lo que generó cierta desconfianza en sectores tradicionalistas del ámbito musical.

Durante su carrera, Eddie Van Halen introdujo innovaciones determinantes en la ejecución de la guitarra eléctrica. En su estudio personal, realizó experimentos con amplificadores y modificó instrumentos para generar efectos inéditos, entre ellos el reconocido “tapping”.

Esta técnica, que consiste en golpear con los dedos de ambas manos sobre el diapasón, se convirtió en un sello distintivo de su estilo y fue adoptada por guitarristas de todo el mundo.

Innovaciones técnicas y ruptura de límites

El enfoque autodidacta de Van Halen le permitió identificar posibilidades creativas donde otros observaban barreras técnicas. Según Ultimate Guitar, prefería confiar en el oído antes que en la notación musical, lo que lo llevó a descubrir nuevas combinaciones de acordes y escalas. Esta preferencia por la experimentación directa sobre la teoría consolidó una impronta personal que marcó a generaciones de músicos.

El afán de Van Halen por modificar aparatos electrónicos amplió notablemente la paleta sonora del rock. Entre sus aportes destacados se encuentra la manipulación de pastillas y circuitos en guitarras y amplificadores, lo que le permitió obtener timbres y distorsiones que no existían previamente en el mercado. Estas intervenciones técnicas, muchas veces realizadas por él mismo en su taller, constituyeron un legado que aún inspira a intérpretes y fabricantes de instrumentos.

La postura frente a la técnica académica

Miles de guitarristas han adoptado elementos de su estilo y sus innovaciones, consolidando a Van Halen como una figura de referencia. La presentación de su guitarra “Frankenstrat”, ensamblada con piezas de distintos modelos para lograr un sonido único, es considerada por la prensa musical como uno de los hitos más influyentes de la historia del rock. La revista estadounidense Guitar World ha señalado que la “Frankenstrat” es objeto de análisis y emulación hasta la actualidad.

A lo largo de numerosas entrevistas recogidas por Ultimate Guitar, Van Halen manifestó su desapego hacia la rigidez de la técnica tradicional. Sostenía que el sonido debía prevalecer sobre las reglas académicas y que la intuición era el motor principal de la creatividad artística. Esta postura contrastaba con la perspectiva de músicos de formación clásica, quienes priorizan el aprendizaje sistemático y la lectura de partituras.

Un legado que trasciende la técnica

Van Halen explicó en reiteradas ocasiones que prefería seguir lo que consideraba musicalmente atractivo, sin atenerse estrictamente a métodos establecidos. “Para mí, lo importante es lo que suena bien. Si hay una regla que dice que algo está mal, pero a mí me gusta, la rompo”, declaró en una entrevista difundida por Ultimate Guitar.

La actitud de Eddie Van Halen abrió el debate sobre la pertinencia del aprendizaje autodidacta en la música. Al demostrar que es posible crear un estilo propio sin someterse a la ortodoxia, expandió las posibilidades expresivas del instrumento y motivó a nuevas generaciones a experimentar con libertad.

Su influencia se extiende más allá de la técnica, abarcando la filosofía de la interpretación musical. La comunidad internacional de guitarristas continúa citando sus innovaciones como referencia obligada para quienes desean transformar el lenguaje del rock.

Una guitarra utilizada por David Gilmour en seis álbumes clásicos de Pink Floyd se vendió en una subasta por la cifra récord de 14,55 millones de dólares el jueves por la noche en Nueva York, según anunció Christie’s. Esta legendaria Fender Stratocaster, apodada The Black Strat, se ha convertido en la guitarra más cara jamás vendida. Superó con creces el récord anterior de seis millones de dólares alcanzado en 2020 por una guitarra que perteneció a Kurt Cobain, de Nirvana.

Gilmour utilizó la “Stratocaster Negra” en todos los álbumes de la legendaria banda británica de rock progresivo entre 1970 y 1983, incluyendo los icónicos discos Dark Side of the Moon, Wish You Were Here, Animals y The Wall. Durante casi cinco décadas, la Stratocaster negra de Gilmour sirvió como su principal herramienta tanto en grabaciones como en presentaciones en vivo. La guitarra debutó en el disco Atom Heart Mother (1970) y, desde entonces, participó en cada álbum de la banda hasta 1983, así como en toda la discografía solista de Gilmour.

La guitarra fue adquirida en mayo de 1970 en la tienda Manny’s de Nueva York, tras el robo de una Stratocaster anterior de Gilmour durante una gira estadounidense. El instrumento fue bautizado como The Black Strat y pronto se convirtió en la pieza central de su sonido. Fue fundamental en la grabación de los álbumes más reconocidos de Pink Floyd. En The Dark Side Of The Moon, Gilmour empleó la guitarra para solos memorables como los de “Time” y “Money”. El instrumento también fue el eje sonoro de Wish You Were Here, donde nació el arpegio de “Shine On You Crazy Diamond”, y fue adaptado con una pastilla DiMarzio para las sesiones de Animals. Durante la producción de The Wall, la guitarra recibió un mástil Charvel de arce y una pastilla Seymour Duncan en el puente, que se mantiene hasta hoy. El solo de “Comfortably Numb”, considerado uno de los más célebres de la historia del rock, fue grabado con este instrumento en Francia en 1979.

La Black Strat continuó siendo utilizada por Gilmour en el disco The Final Cut y en sus primeros trabajos como solista, incluyendo la grabación de About Face (1984), para la cual se le añadió un brazo de trémolo acortado que permitió mayor control y contribuyó al desarrollo de su estilo. A mediados de los años ochenta, la guitarra fue retirada tras la aparición de la serie de reediciones vintage de Fender, y cedida en préstamo al Hard Rock Café, donde permaneció en exhibición más de una década. Cuando fue recuperada en 1997, sufrió un proceso de restauración. Permaneció casi sin uso hasta 2005, cuando David Gilmour la rescató para la histórica reunión de Pink Floyd en el concierto Live 8 de Londres. Y volvió a ser la principal de Gilmour en sus siguientes discos solistas y en el último álbum de Pink Floyd, The Endless River.

La subasta del jueves por la noche incluyó una colección de instrumentos de rock pertenecientes al empresario Jim Irsay, antiguo propietario del equipo de fútbol americano Indianapolis Colts, fallecido en 2025. Entre ellos, la guitarra hecha a medida para Jerry Garcia, cofundador de otro pilar del movimiento psicodélico, Grateful Dead, que se vendió por 11,56 millones de dólares. Una Fender Mustang azul utilizada por Kurt Cobain en el videoclip de su éxito mundial “Smells Like Teen Spirit” se vendió por 6,9 millones de dólares.

Con información de: AFP

[Fotos: Christies]

Repleto de canciones inéditas de los artistas de élite del britpop, incluidos Oasis, Blur y Radiohead, así como de un supergrupo que incluía a Paul McCartney y Paul Weller, no sorprende que Rich Clarke, director musical de War Child UK, diga que la organización benéfica ha estado buscando recrearse desde entonces.

Por diversas razones, una secuela estelar de Help nunca se materializó, hasta ahora. Help(2) llega a tiendas y plataformas de streaming, con canciones inéditas de Arctic Monkeys, Olivia Rodrigo, Wet Leg y otros, para recaudar fondos y concienciar sobre el sufrimiento infantil en numerosas zonas de guerra, como Ucrania, Gaza y Sudán. Entre los momentos destacados del álbum aparece “Opening Night”, el primer tema inédito de Arctic Monkeys desde 2022; también “Flags”, una colaboración entre Damon Albarn, Grien Chatten y Kae Tempest, y “Begging For Change”, el nuevo single de Pulp.

La colección de 23 canciones incluye además versiones y aportes de varios artistas: Olivia Rodrigo interpreta “The Book of Love” de The Magnetic Fields, mientras Fontaines D.C. revisita “Black Boys on Mopeds” de Sinéad O’Connor. El tracklist también suma nuevas grabaciones de Depeche Mode, Big Thief, Wet Leg, Beth Gibbons, Arooj Aftab, Beck, Arlo Parks, The Last Dinner Party, Sampha, Young Fathers y King Krule, entre otros.

Uno de las apariciones más destacadas la firma Oasis con “Acquiesce (Live from Wembley Stadium, 28 September ’25)”, grabada durante la última noche de su serie de conciertos en el estadio londinense. La canción aparece como single de 7 pulgadas en la edición en vinilo y como pista oculta en la versión doble en CD, convirtiéndose además en el primer lanzamiento físico asociado al regreso de la banda. El proyecto también suma un componente audiovisual. El director Jonathan Glazer produjo una película complementaria basada en el concepto By Children, For Children: durante las sesiones en estudio, decenas de cámaras fueron entregadas a niños para que filmaran libremente a los artistas mientras trabajaban en las grabaciones.

“Creo que ahora los músicos sienten que no quieren hacer algo, sino que necesitan hacerlo”, dijo Clarke. “Ese es un poderoso incentivo. Y a veces, las cosas suceden cuando deben suceder”.

La inspiración de Jarvis Cocker

La conexión de Jarvis Cocker con War Child UK se remonta a 1996, cuando su banda Pulp donó el dinero ganado por obtener el prestigioso Premio Mercury a la organización benéfica. Entonces, cuando James Ford (que produjo el primer álbum nuevo de Pulp en 24 años, More, el año pasado) se acercó a Cocker para proponerle contribuir con una canción a una compilación de War Child UK, él aprovechó la oportunidad.

“Cuando ocurrió el último, aproximadamente el 10% de los niños del mundo vivían en zonas pobres, y ahora es más bien el 20%”, declaró Cocker. “Y es curioso, ya sabes, la infancia te prepara para el resto de tu vida, o no”.

La contribución de Pulp terminó siendo Begging for Change, una canción que Cocker dijo haber comenzado hace 14 años, pero que le costó terminar. “De alguna manera, al centrarse en ayudar a algunas personas y cambiar su situación, logré terminarla”, dijo. “Y estoy muy satisfecho con el resultado”.

Parte de ese éxito en esta enérgica canción provino del inusual proceso de grabación en Abbey Road Studios, en Londres, dijo Cocker. “Nunca he permitido que me filmen cantando en el estudio porque ese es el momento en el que trato de volverme inconsciente”, dijo, y agregó que pronto se enteró de que la sesión sería filmada por numerosos niños que trabajaban en un documental del proceso con el director Jonathan Glazer.

“Me pareció una buena idea”, dijo Cocker. “Si vas a hacer algo para una organización benéfica que se supone ayuda a niños en zonas de guerra, entonces tiene sentido capturarlo desde la perspectiva de un niño”.

Cocker incluso hizo que algunos niños formaran un coro que aparece en la canción. La participación de los niños en el proceso sirvió como un buen recordatorio de lo que Pulp y War Child UK intentaban lograr.

“La caridad no debería existir si los gobiernos hicieran lo que se supone que deben hacer, si cuidaran de las personas y del mundo”, dijo Cocker. “Pero sí es necesario que exista. Es necesario que exista aún más ahora”.

Para nuevas generaciones

Las compilaciones benéficas son parte de una larga tradición en la música independiente y una forma natural para que los artistas se involucren con organizaciones benéficas y temas que desean apoyar, dijo John Nolan, guitarrista y cantante de las bandas de rock Taking Back Sunday y Straylight Run.

“Es algo en lo que podemos involucrarnos mucho más”, dijo Nolan, quien lanzó la compilación Música para Todos, Vol. 2 en noviembre para recaudar fondos para la Unión Americana de Libertades Civiles (ACLU). “Creo que esa es también la razón por la que muchas bandas underground también se dedican a las compilaciones por causas, porque es algo con lo que puedes hacer algo por tu cuenta”.

La banda británica Black Country, New Road dijo que es importante que los artistas presten su creatividad a causas y organizaciones benéficas en las que creen. Contribuir con su canción Strangers a la compilación de War Child UK es simplemente una continuación de su trabajo, que incluye recaudaciones de fondos para niños palestinos.

“Con lo que estaba sucediendo en el mundo hace un par de años, creo que se volvió importante para nosotros tomar más conciencia y comenzar a cuestionar las cosas y cómo queríamos movernos como artistas”, dijo la violinista Georgia Ellery, de Black Country, New Road.

Graham Hastings, de la banda escocesa Young Fathers, dijo que había sido una decisión obvia involucrarse en la compilación Help(2). “Ver niños en estos campos de refugiados me parece una señal de que la humanidad está fallando”, dijo. “Para nosotros, lo importante es que la gente tenga una conciencia general de lo que está sucediendo y por qué está sucediendo, y que se involucre activamente en la comunidad”.

Fuente: AP

La banda regiomontana The Warning continúa ampliando su presencia internacional al integrarse al soundtrack oficial de WWE 2K26 con el tema “Qué Más Quieres”. La inclusión del grupo en esta popular franquicia de lucha libre representa un paso significativo dentro de la industria del entretenimiento digital y reafirma el alcance global de su propuesta musical.

No es la primera vez que el trío incursiona en el ámbito de los videojuegos. Anteriormente, su música también formó parte de la banda sonora de Madden NFL, una de las sagas deportivas más reconocidas a nivel mundial. Con ello, las hermanas Villarreal consolidan su presencia en plataformas que conectan con audiencias diversas y de distintas generaciones.

La participación en estos títulos fortalece el posicionamiento internacional de la agrupación y confirma el impacto de su sonido más allá de los escenarios tradicionales. Su aparición en WWE 2K26 refuerza el orgullo que genera ver talento mexicano en vitrinas globales del entretenimiento.

Una trayectoria sólida en grandes escenarios

El trío conformado por Daniela, Paulina y Alejandra Villarreal se ha consolidado como una de las agrupaciones más relevantes del rock actual. Su propuesta ha logrado conectar con públicos nacionales e internacionales, situándolas entre las principales exponentes del rock hecho por mujeres en México.

A lo largo de su trayectoria se han presentado en importantes escenarios y festivales dentro y fuera del país, ampliando su historia artística y su presencia en circuitos internacionales. Su crecimiento ha sido constante, respaldado por una base de seguidores que continúa expandiéndose.

Tan solo en 2025 ofrecieron tres presentaciones en el Auditorio Nacional, uno de los recintos más emblemáticos de la capital mexicana. Las tres fechas registraron localidades agotadas, reflejo del momento que atraviesa la agrupación dentro de la escena musical.

“Kerosene”, el próximo lanzamiento

En medio de este impulso internacional, The Warning anunció el próximo estreno de un nuevo sencillo titulado “Kerosene”. El lanzamiento está programado para el viernes 6 de marzo y estará disponible en todas las plataformas digitales.

El anuncio ha generado expectativa entre sus seguidores, quienes han acompañado cada etapa de su evolución artística. La agrupación mantiene así un ritmo constante de producción musical, combinando presentaciones de gran formato con nuevos materiales discográficos.

La información sobre su participación en WWE 2K26 y el próximo estreno de “Kerosene” fue dada a conocer por la propia banda a través de sus canales oficiales. Con estos movimientos, el trío regiomontano reafirma su lugar como una de las propuestas más sólidas del rock mexicano contemporáneo.

El contexto tras la muerte de Taylor Hawkins

Grohl reconoció la dificultad de avanzar luego de la pérdida de Hawkins. “Seguir adelante después de Taylor fue realmente complicado, no solo para nosotros, sino para cualquier baterista que llegara a ocupar su lugar”, afirmó en la entrevista.

En ese marco, contextualizó la situación dentro de la propia historia del grupo y de su experiencia previa en otras bandas. “Nirvana tuvo cinco bateristas, yo fui el quinto, y Foo Fighters ha tenido cuatro. Pero Taylor estuvo con nosotros 25 de los 30 años que llevamos como banda”, resaltó.

Con esa comparación, subrayó la dimensión del vacío que significó la partida de Hawkins, cuya permanencia marcó gran parte de la identidad y el recorrido del grupo.

La elección e integración de Josh Freese

Al hablar sobre la incorporación de Freese, destacó su experiencia. “Es un profesional consumado. Tiene una trayectoria legendaria tocando con artistas de todos los tamaños, desde Michael Bublé hasta Offspring… Ha grabado miles de discos en estudio”, detalló el líder de Foo Fighters.

La banda salió de gira con Freese durante cerca de año y medio. “Nos lo pasamos genial”, relató Grohl. Ese ambiente permitió a la banda estadounidense continuar trabajando pese a la reciente pérdida, integrando una nueva dinámica de grupo.

El proceso de decisión

El punto de inflexión se produjo después de que la banda hiciera una pausa en la gira. Ese paréntesis abrió un período de reflexión interna que se extendió durante más de medio año, en el que evaluaron el rumbo artístico y los próximos pasos del grupo.

“Durante esos seis o siete meses, como banda, hablamos sobre qué hacer a continuación, un nuevo rumbo, y pensamos: ‘Bueno, llamemos a Josh para avisarle que vamos a cambiar de baterista’”, expuso Grohl en diálogo con Lowe.

En esa misma línea, el líder dejó en claro que no se trató de una determinación impulsiva ni tomada bajo presión. “No sucedió de la noche a la mañana”, subrayó, al remarcar que la resolución fue el resultado de conversaciones prolongadas y consensuadas entre todos los integrantes.

Comunicación de la decisión a Freese

Una vez consensuado el cambio, el siguiente paso fue informar directamente al baterista. La decisión se transmitió en una llamada en la que participaron todos los integrantes, en un gesto que, según explicó Grohl, buscó reflejar que se trataba de una determinación colectiva. “Lo llamamos y se lo comunicamos como banda; todos llamamos, no solo yo”, comentó.

Durante esa conversación, también le expresaron su agradecimiento por el tiempo compartido. “Básicamente, llamamos a Josh y le dijimos: ‘Oye, esto estuvo genial. Fue muy buena tu participación, muchas gracias, pero vamos a buscar otro baterista’”, contó.

Después de ese intercambio, según informó Rolling Stone, el grupo eligió no emitir comunicados ni ofrecer declaraciones públicas, y mantuvo la transición en un perfil bajo.

Reacciones y salida de Freese

Grohl no detalló motivos concretos para la separación, pero compartió la reflexión que Freese hizo en recientes entrevistas: “No sentía que nuestra música le conectara realmente, y eso es muy importante”.

El propio baterista, sin embargo, dejó entrever que la decisión lo tomó por sorpresa. “Tengo un par de teorías sobre por qué me despidieron, pero no puedo profundizar en ellas ahora mismo”, afirmó en una entrevista para Modern Drumer.

Asimismo, remarcó que había disfrutado su etapa en la banda: “Aprecio mucho los dos años que pasé con ellos, me gustaba tocar con ellos y fueron buenos conmigo... hasta que dejaron de serlo. Un día no eran más que risas y simplemente se acabó”.

Freese también destacó su admiración por Grohl: “Me encantaba tener a Dave Grohl como líder de la banda. Lo respeto muchísimo como baterista, ante todo”.

Futuro de Foo Fighters y nuevos cambios

Con la partida de Freese, la banda incorporó a Ilan Rubin, quien también ha tocado en Nine Inch Nails, como nuevo baterista. Foo Fighters prepara el lanzamiento de su duodécimo álbum, Your Favorite Toy, previsto para el 24 de abril.

El grupo interpretó la canción principal en The Graham Norton Show, actuación que se realizó sin el guitarrista Pat Smear, quien se recupera de una fractura en el pie causada por un accidente de jardinería.

Neil Sedaka, el exitoso cantautor cuya voz juvenil de soprano y brillantes melodías lo convirtieron en un artista destacado en los primeros años del rock ‘n’ roll y lo llevaron a una segunda racha de éxito en la década de 1970, murió el viernes a los 86 años.

“Nuestra familia está devastada por el repentino fallecimiento de nuestro amado esposo, padre y abuelo, Neil Sedaka”, declararon sus allegados en un comunicado vía redes sociales.

“Una verdadera leyenda del rock and roll, una inspiración para millones, pero sobre todo, al menos para quienes tuvimos la suerte de conocerlo, un ser humano increíble a quien extrañaremos profundamente”, agregó la familia en el posteo en Instagram.

No hubo otros detalles disponibles de inmediato sobre la muerte del artista con éxitos que incluyen “Breaking Up Is Hard to Do” y “Laughter in the Rain”.

Miembro clave de la fábrica de composiciones de Brill Building, Sedaka colaboró ​​con el letrista y vecino de la infancia Howard Greenfield en canciones que reflejaban la inocencia adolescente de la era post-Elvis, pre-Beatles de finales de los años 1950 y principios de los 1960, incluyendo “Happy Birthday Sweet Sixteen”, “Calendar Girl” y “Oh! Carol”, un lamento por su novia de la secundaria, Carole King .

Tras una larga sequía, resurgió con éxitos como “Laughter in the Rain” y “Bad Blood”. La versión de “Love Will Keep Us Together” de Captain & Tennille lideró las listas de éxitos en 1975.

Creció en Brooklyn y le encantaba actuar

De baja estatura y cabello oscuro, con una gran sonrisa y una voz aguda, era un hijo de un taxista judío nacido en Brooklyn y formado en Juilliard. Comenzó a actuar cuando era adolescente y continuó haciéndolo durante décadas.

Sedaka siguió dando docenas de conciertos al año bien entrados los 80 años. Mantuvo el entusiasmo y el amplio registro vocal de su juventud y nunca se cansó de los estándares que había cantado cientos de veces.

“Pavarotti me dijo que, después de los 70, mis cuerdas vocales ya no son lo que eran. Tengo mucha suerte de que mi voz se haya conservado”, declaró a The Associated Press en 2012. “Es bonito ser una leyenda, pero es mejor ser una leyenda activa”.

Las canciones de Sedaka vendieron millones de copias en todo el mundo y han sido versionadas por diversos artistas, desde Elvis Presley y Frank Sinatra hasta The 5th Dimension y Nickelback. Sedaka impulsó la carrera de Connie Francis con “Stupid Cupid” y “Where the Boys Are”, esta última para la banda sonora de la película homónima. The Captain & Tennille recibió un Grammy al mejor álbum, en gran parte gracias a “Love Will Keep Us Together”, e incluyó un guiño a Sedaka al final de la canción, cuando Toni Tennille exclamó “¡Sedaka ha vuelto!”.

El cantante creció en el barrio de Brighton Beach, en Brooklyn, mimado por sus abuelos, tías y madre en un apartamento de dos habitaciones que compartía con 11 familiares. Allí tiene una calle que lleva su nombre: Neil Sedaka Way.

Pero su música compensó su impopularidad de niño, recordó una vez. Su talento fue reconocido por una maestra de segundo grado que instó a su madre, Eleanor, ama de casa, a comprarle un piano. Ella empezó a trabajar en una tienda departamental para pagar un piano vertical de segunda mano y dirigió su carrera durante años, al igual que su esposa, Leba.

A Sedaka le encantaba componer canciones y nunca lo dejó, pero ansiaba actuar.

“Una vez artista, artista para siempre. Es esa descarga de adrenalina. Es como una euforia natural cuando estás frente al público, y si recibes esa ovación de pie, es contagioso”, declaró.

A los 16 años, Sedaka fue elegido por Arthur Rubenstein en un concurso como el mejor estudiante de piano de secundaria de la ciudad y actuó en una emisora ​​de radio clásica como premio. Fue el mismo año en que descubrió el rock and roll, cuando interpretó una canción, “Mr. Moon”, que había escrito con Greenfield, su compañero de clase en la escuela secundaria Abraham Lincoln.

“La canté en el auditorio para un espectáculo mediático y recuerdo que hubo un pequeño alboroto. Los niños saltaban y gritaban”, dijo Sedaka. “Después de eso, pude entrar a la tienda de dulces con los chicos rudos de las chaquetas de cuero”.

Después de la secundaria y luego de Julliard, Sedaka y Greenfield firmaron con Aldon Music de Don Kirshner, donde lograron su primer éxito con Francis, “Stupid Cupid”.

Sedaka produce éxitos en masa, hasta que aparecen Los Beatles

En 1958, a los 19 años, Sedaka firmó con RCA Victor Records y su primer sencillo, “The Diary”, tuvo un éxito moderado. Empezó a hacer giras y a promocionar sus canciones con apariciones regulares en televisión en los programas de Dick Clark “American Bandstand” y “Shindig!”.

En el edificio Brill, Sedaka y Greenfield estuvieron acompañados por otros escritores y letristas emergentes, entre ellos Neil Diamond, Paul Simon y King.

“Neil Sedaka tenía muchísimo talento y me inspiró a seguir mi sueño de ser compositora”, dijo King en su página de Facebook el viernes. “Con cariño, gratitud y condolencias a su familia”.

Micky Dolenz de los Monkees también le rindió homenaje, diciendo en Instagram que era “uno de esos raros compositores que podía hacerlo todo”.

De 1959 a 1962, Sedaka tuvo 10 discos en el Top 10, incluyendo “Calendar Girl”, “Oh! Carol”, “Happy Birthday Sweet Sixteen” y “Next Door to an Angel”. Pero a mediados de los 60, el sonido del Brill Building, influenciado por los grupos doo-wop de las calles de Nueva York, fue desplazado de las listas por la Invasión Británica liderada por Los Beatles y la música psicodélica y de protesta que le siguió. El artista soportaría 13 años “en el desierto”, como lo describió a la AP.

El improbable regreso de Sedaka, con la ayuda de Elton John

Sin embargo, fue uno de los afortunados, pues disfrutó de un renacimiento que comenzó a mediados de los 70 gracias al patrocinio de Elton John, a quien conoció en una fiesta después de que Sedaka se mudara con su esposa y sus dos hijos a Inglaterra para aprovechar su popularidad. John lo fichó por su incipiente sello estadounidense Rocket Records, lo que le dio la oportunidad de cosechar más éxitos con el álbum “Sedaka’s Back”.

En Rocket, el cantautor y su nuevo compañero de composición, Philip Cody, encabezaron las listas de éxitos con “Bad Blood” y la alegre “Laughter in the Rain”. También logró una hazaña poco común con “Breaking Up Is Hard to Do”. Su versión original, de ritmo rápido, fue número 1 en 1962. La regrabó como balada lenta en 1975 y también fue número 1.

Grabó cinco álbumes entre 1972 y 1976. Entre ellos se incluyen los éxitos “Standing on the Inside”, “That’s Where the Music Takes Me” y “Our Last Song Together”, sobre su ruptura con Greenfield, con quien comenzó a escribir canciones cuando Sedaka tenía solo 13 años y Greenfield 16.

Fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores, pero el Salón de la Fama del Rock & Roll lo eludió a pesar de una campaña de petición de sus fans.

Sedaka se casó con Leba en 1962. Tuvieron dos hijos. Su hija, Dara, grabó un dueto con su padre en 1980, “Should’ve Never Let You Go”. Fue un éxito, pero ella nunca se unió a él en la industria musical. Su hijo, Marc, es guionista de cine y televisión.

(AP)

El director Morgan Neville suele realizar películas sobre personas interesantes (Anthony Bourdain, Pharrell Williams, Fred Rogers) con un nivel de reflexión algo mayor al del documental promedio sobre celebridades, y su más reciente obra adopta un enfoque levemente poco convencional. La narración proviene de entrevistas nuevas y de archivo con McCartney, así como con varios miembros de Wings, familiares, amigos y, por supuesto, su esposa Linda McCartney, quien es clave en la historia. Sin embargo, nunca vemos a ninguno de los entrevistados; solo aportan su voz en off. En su lugar, videos de archivo, que incluyen algunas imágenes raras y nunca antes vistas, cuentan la historia de manera visual.

Esa historia es una especie de relato de madurez, en el que McCartney —que tenía solo 15 años cuando conoció a John Lennon— intenta encontrar su lugar sin la banda y termina creando otra nueva en su lugar. Por el camino, conocemos su relación con Linda y sus hijos, su proceso creativo, sus disputas y reconciliación con Lennon, y ciertas peripecias vinculadas a la marihuana. Hay mucho contenido incluido aquí, aunque también hay mucho que queda fuera; esta película muestra el punto de vista de McCartney sobre cada historia.

¿Es interesante? Bueno, eso depende de quién seas. Un documental como el de Peter Jackson, The Beatles: Get Back (en Disney+), era una película para pasar el rato, que permitía a los espectadores ver a McCartney jugueteando con su guitarra —y luego, como por arte de magia, surgía el álbum Let It Be. Era emocionante de ver sin importar quién fueras y, siguiendo el principio de “mostrar, no contar”, era una película de “mostrar”. Man on the Run es una película de contar: cada voz te está relatando una historia, y las imágenes están ahí para reforzar lo que se dice. Uno podría imaginarla casi como un documental de audio.

Así que, en realidad, esta es una película para los fanáticos acérrimos de Paul McCartney (o de Wings) que quieren ver todas las imágenes de archivo raras, o, por el contrario, para los curiosos principiantes que desean una introducción dinámica a uno de los compositores más talentosos de todos los tiempos. Para quienes se encuentran en un punto intermedio, resulta menos satisfactoria. Pero no te preocupes: no tengo dudas de que ya viene otro documental relacionado con Los Beatles en camino.

Fuente: The New York Times

[Foto: Linda McCartney/Prime Video]

En términos emocionales este disco de Peter Frampton, cantante y compositor británico integrante de dos bandas de rock relativamente relevantes en los 60 -mucho más Humble Pie que The Herd- que aquí dio el gran paso de su vida como solista, representa un hito de los años 70: es la banda de sonido de una generación (es mi recuerdo de la infancia, por influencia de hermano mayor rockero). Y hasta incluso inspiró una obra de teatro, Luis Alberto llega vivo, escrita por Fabián Casas y dirigida por Alejandro Lingenti (dos amigos). De una u otra manera, el doble en vivo de Peter Frampton está ahí, guardado en la memoria. Y para la superestructura de la industria del entretenimiento de esa época, representó un punto de inflexión inflexión en la producción y el consumo de álbumes en vivo, al presentarse como “el más espectacularmente exitoso en el momento de su lanzamiento”.

El número 232 de la revista Rolling Stone, en febrero de 1977, lo puso en tapa como “la estrella de rock del año”, con una nota de Cameron Crowe -el cineasta que luego contaría su historia de cronista rockero en la hermosa película Casi famosos- que dice en uno de sus párrafos:

“Frampton, de 26 años, comenzó su carrera a los 16 con The Herd, una banda de pop británica muy popular de finales de los sesenta. El grupo se disolvió, sin dinero, en 1969. Frampton y Steve Marriott, de Small Faces, formaron entonces Humble Pie. Frampton duró hasta el tercer álbum estadounidense de la banda, Rockin’ the Fillmore. Probó suerte como guitarrista de sesión (en Son of Schmillson de Harry Nilsson y All Things Must Pass de George Harrison) y luego como solista. Frampton siempre se consolaba con la idea de que, si fracasaba en solitario, siempre podría volver a tocar como músico de sesión. Consideró esa posibilidad muy real hasta el lanzamiento en enero de 1976 de Frampton Comes Alive!.

En un mes, el LP estaba en el Top Ten. En marzo llegó al número uno durante una semana. Los siguientes tres meses, Frampton Comes Alive! permaneció en el Top Five, dejando espacio para Greatest Hits de The Eagles , Presence de Led Zeppelin, Black and Blue de Los Rolling Stones y Wings at the Speed ​​of Sound de Wings, hasta junio, cuando se apoderó del número uno nuevamente y se negó a moverse durante todo el verano y principios del otoño. Se convirtió en la principal atracción del altamente competitivo verano del Bicentenario. Songs in the Key of Life de Stevie Wonder finalmente destronó a Frampton Comes Alive! a fines de noviembre, después de un récord de 17 semanas en la cima. El álbum ha vendido 7 millones de copias en Estados Unidos y otros 3 millones en todo el mundo; en el mismo período, Frampton vendió casi 2 millones de entradas para conciertos".

Wow. El impacto de Frampton Comes Alive! redefinió el estándar de los discos en vivo en los años 70, a caballo de un repertorio que trascendió géneros y potenciado por un tipo innovación técnica inusual para la época. El propio Frampton desarrolló el álbum entre junio y noviembre de 1975, recurriendo a tecnología personalizada y técnicas de grabación avanzadas para la época. Empleó grabadoras de dieciséis y veinticuatro canales para lograr mayor textura sonora y utilizó cintas que giraban a más velocidad de lo común, permitiendo registrar más información por segundo. Complementó el proceso con reducción de ruido Dolby para aislar la música del ruido ambiental durante las canciones en cuatro recintos distintos. Y sobre todo, incluyó el uso del “talk box”, lo que generó efectos vocales electrónicos en dos de las canciones más populares del álbum.

Por decisión de Jerry Moss, cofundador de A&M Records, el proyecto pasó de un simple LP a convertirse en un álbum doble, bajo el supuesto de que “los compradores de discos querrían más”. Con excepción de pequeñas correcciones en estudio sobre tres canciones, el grueso del material se grabó en directo, sumando la participación de Bob Mayo en guitarra rítmica y teclados, Stanley Sheldon en bajo y John Siomos en batería. Tres canciones se lanzaron como singles y todas alcanzaron el top 15 de la lista Billboard Hot 100. La hazaña comercial se consolidó rápidamente: a los tres meses del estreno, el disco ya lideraba la lista Billboard 200 y logró permanecer diez semanas no consecutivas en el primer puesto.

Pop-rock, baladas y efectos

En lo musical, “Something’s Happening” estableció el tono profético del álbum y marcó el arranque con energía: “¿Quién dijo que este es mi año? ¿Fuiste tú? No puede fallar / Veo un nuevo camino, estarás en mi escenario, cantarás mi canción” canta. La versatilidad de estilos se manifestó en piezas como “Doobie Wah”, en la que se apoya en un sonido y actitud de rock duro al que integró, con sagacidad, el dinamismo vocal y melódico de los Doobie Brothers. La balada “Show Me the Way”, uno de los temás más populares y perennes de su repertorio, incorporó el talk box y líneas de bajo destacadas en una letra de súplica afectiva: “Quiero que me muestres el camino / Te quiero todos los días”. La conmovedora “Baby, I Love Your Way”, con bases de piano Fender Rhodes, remarcó el registro emocional y la preferencia del público.

Las cifras y el legado de Frampton Comes Alive! modificaron los estándares de producción para los discos en vivo: elevó el listón de estas grabaciones con una nitidez sonora que encajaban, como piezas de un rompecabezas completado, con las reacciones eufóricas del público. Eso era lo que transmitían los equipos de sonido de la época, en tiempos de televisión en blanco y negro y programas de radio del tipo Flecha Juventud -conducido por Juan Alberto Badía- como única línea de comunicación con la música del mundo. Un disco de vinilo dando vueltas una y otra vez, hacían toda la magia que se necesitaba en ese tiempo.

La actriz Sydney Sweeney, conocida por su papel en la serie ‘Euphoria’, declaró en una reciente entrevista con Vogue que Nine Inch Nails fue la banda más influyente de su niñez.

Su confesión, generó sorpresa entre seguidores del rock y la cultura pop, reavivando el interés por el impacto de los clásicos en las nuevas generaciones.

Un referente contemporáneo que mira al pasado

En los últimos años, Sweeney se consolidó como una de las actrices más influyentes de su generación. Su proyección internacional y su participación en producciones exitosas la posicionaron como un referente para millones de seguidores, atentos tanto a sus proyectos profesionales como a detalles de su vida personal. Esta atención constante, contribuye a amplificar cualquier declaración sobre sus gustos e influencias.

Durante la entrevista con Vogue, Sweeney fue consultada por la música que marcó su infancia. Sin dudarlo, respondió: “He sido una gran fanática de Nine Inch Nails”.

Las palabras de la actriz generaron un notable eco entre los admiradores de la banda, que celebraron el reconocimiento de una figura joven a un grupo emblemático. El testimonio de Sweeney también evidenció cómo los artistas actuales encuentran inspiración en propuestas que precedieron su época.

Nine Inch Nails y el peso de la nostalgia musical

El contexto generacional añade un matiz relevante a la confesión de Sweeney. Nacida en 1997, la actriz creció mientras Nine Inch Nails consolidaba su legado gracias a discos como ‘The Downward Spiral’ y ‘The Fragile’.

Aunque la popularidad de la banda tuvo su auge en la década de los 90, su influencia sigue vigente para quienes buscan identidad musical en referentes del pasado. Este fenómeno revela que la nostalgia y la renovación caminan juntas en la formación de gustos de las nuevas generaciones.

La conexión de Sweeney con el rock no se limita a lo personal. Su participación como protagonista en el videoclip “Angry” de The Rolling Stones refuerza la tendencia de la industria musical a unir figuras juveniles con leyendas del género.

Esta colaboración demuestra que la vigencia de los íconos clásicos no solo se mantiene, sino que se revitaliza al integrarse con nuevos rostros de la cultura pop.

Cultura pop y la proyección de Sydney Sweeney

El interés por la figura de Sweeney crece a medida que se acerca el estreno de la nueva temporada de ‘Euphoria’, previsto para abril.

Esta próxima entrega consolida la imagen de la actriz como referente dentro de la industria audiovisual y la cultura popular, una posición que ella potencia al compartir aspectos de sus gustos y pasiones.

La influencia de Sweeney trasciende la pantalla. Su testimonio sobre Nine Inch Nails ilustra cómo las nuevas generaciones mantienen vivas las referencias del pasado, sumando capas de significado a la experiencia contemporánea. La actriz demuestra que la búsqueda de identidad artística no solo implica innovar, sino también reconocer y valorar los legados previos.

La fusión de generaciones en la industria musical

La colaboración entre Sydney Sweeney y bandas legendarias como The Rolling Stones enfatiza la estrategia de la industria por rejuvenecer su imagen sin perder la esencia. Al invitar a figuras jóvenes a participar en proyectos con artistas consagrados, se genera un puente entre públicos diversos que reactiva el interés por la música clásica.

Este fenómeno no solo es beneficioso para las bandas veteranas, que encuentran nuevas audiencias, sino que también ofrece a actores y músicos emergentes la oportunidad de asociarse con una historia musical consolidada. La participación de Sweeney en estos proyectos refuerza su papel como embajadora de la cultura pop contemporánea y dinamiza el diálogo entre generaciones.

La vigencia de Nine Inch Nails y la pasión de Sydney Sweeney por el rock confirman que los clásicos continúan inspirando a quienes lideran el presente, creando una cadena de influencias que renueva el panorama musical y cultural. Las nuevas generaciones, lejos de alejarse del pasado, lo integran en su propia construcción artística, asegurando así la permanencia de los íconos y la riqueza de la memoria colectiva.

En su lugar, emprendió un recorrido de varios años de rescate y restauración que ha dado como resultado el nuevo documental EPiC: Elvis Presley in Concert, que se estrena en salas IMAX de todo el mundo. Ese recorrido comenzó, por improbable que parezca, en una mina de sal subterránea en Kansas. “La gente piensa que es una figura retórica”, dice Baz Luhrmann en una videollamada desde su oficina en Australia. “No lo es.” Este tipo de instalaciones es donde estudios como Warner Bros., que ahora posee el material, guardan sus archivos —por un precio. “Te cuesta 100.000 dólares solo enviar a alguien a buscar”, explicó, así que pagó la cuenta de su propio bolsillo y logró que investigadores accedieran a la bóveda. “No encontraron solo uno o dos rollos”, dice. “Encontraron 69 cajas de material.” Gran parte de ello era película de 35 milímetros, rodada durante varias actuaciones en Las Vegas para That’s the Way It Is; el resto era material en 16 milímetros, filmado entre bastidores para ambas películas y en el escenario para Elvis on Tour.

“Pero todo está mal etiquetado”, comenta el director australiano. “Parte ha sido robada, el polvo la corroe, es un desastre.” Y había otro problema, indica Jonathan Redmond, editor y productor ejecutivo de EPiC y colaborador habitual de Luhrmann. “Era solo 59 horas de imagen. No había sonido, porque la película y el sonido se graban por separado y se archivan por separado”, dice desde Los Ángeles. “Así que veíamos todo ese material, algunas cosas realmente asombrosas, pero no sabíamos qué cantaba.” Incluso en ese estado preliminar y desconcertante, los cineastas quedaron cautivados por lo que veían. “Tenemos que hacer algo especial con esto”, le dijo Redmond a Luhrmann. “No podemos simplemente devolverlo a las minas de sal.” Luhrmann estuvo de acuerdo: “Tenemos que hacer algo especial, como una pieza complementaria.”

Pero primero tenían que hacer la película a la que acompañaría. Mientras Luhrmann y Redmond rodaban y montaban Elvis, Warner Bros. supervisó el escaneo del material bruto en 4K, y un ayudante de edición, Jim Greco, se encargó de sincronizarlo con todas las grabaciones de sonido disponibles. Mientras tanto, Angie Marchese, vicepresidenta de archivos y exposiciones del museo Graceland de Presley, proporcionó a los cineastas varios rollos de películas caseras en 8 milímetros y Super-8, muchas de ellas también inéditas.

“Pero luego lo que realmente sucedió, el gran avance, fue que encontramos esta entrevista”, cuenta Luhrmann. A primera hora de la mañana, tras una noche de canto gospel, Presley había accedido a una entrevista solo de audio con los cineastas de Elvis on Tour, en la que se mostró atípicamente sincero y abierto sobre su vida y carrera hasta ese momento. “Después de haber leído todos los libros y haber investigado tanto sobre Elvis, conocíamos su historia; así que no es que necesariamente nos contara algo que no supiéramos”, señala Redmond. “Pero escucharlo en su propia voz fue mucho más poderoso, de alguna forma. Y eso realmente fue la clave del proyecto.”

En concreto, ayudó a Luhrmann a responder la pregunta que se hacía desde que empezaron a contemplar la película: “¿Qué hacemos?” No querían simplemente hacer otra película de conciertos, ni restaurar una de las primeras películas con nuevo material (lo que ya se había hecho, para That’s the Way It Is, en 2001). Tampoco querían realizar otro documental biográfico, como This Is Elvis (1981). “Son buenos documentales”, opina Luhrmann. “Pero siempre es gente hablando de Elvis —no él.” Por eso, Luhrmann y Redmond idearon una mezcla de película de concierto, documental biográfico y algo un poco más... surrealista. “Vamos a hacer como un paisaje onírico”, dice Luhrmann, “donde Elvis te llega en sueños y canta y cuenta su historia como nunca antes. Esa era la idea.”

La naturaleza abarcadora de su enfoque implicó buscar aún más material, entrevistas y grabaciones de conciertos —con calidad suficiente para el estreno en IMAX hacia el que estaban trabajando. “Básicamente, queríamos respaldo fílmico para todo el material de archivo”, explica Redmond. “Así que incluso las cosas de los años cincuenta, pudimos recurrir a los diferentes proveedores y conseguir el material original para escanearlo.” Ese compromiso con los elementos originales de imagen y sonido, en ocasiones, implicó ir más allá de las fuentes tradicionales. “Conectamos algunos audios que existen por ahí, pirateados”, revela Luhrmann riendo. “Tuvimos que citar a gente en estacionamientos y comprarlos, ¡benditos sean! El tráfico de material ilegal de Elvis —hay capos colombianos, y después están los que comercian piratería, y, amigo, creo que preferiría trabajar con los capos colombianos.” Al director le preocupaban menos algunos momentos de instrumentación faltante, y por eso los hizo volver a grabar y reorquestar, una elección estética que coincidía con el concepto general.

“Esto es lo opuesto a Get Back”, define, refiriéndose a la docuserie de archivo sobre Los Beatles realizada por Peter Jackson, “en este sentido: lo que hace que Get Back sea tan buena es que observa como una mosca en la pared. Yo quería decir: ‘No, esto es un concierto imaginado, donde todas estas cosas ocurren a la vez’.” Pero los cineastas se entusiasmaron al trabajar con Jackson y su productora WingNut Films para la restauración de imagen, como ya habían hecho para proyectos como Get Back y el documental sobre la Primera Guerra Mundial They Shall Not Grow Old (2018).

“Es el estándar de oro en restauración fílmica”, afirma Redmond. “Así que bastante pronto decidimos que, por bueno que fuera nuestro material, debíamos pulirlo al máximo.” Se puede estar seguro de que eso fue todo lo que hicieron. “Quiero subrayar que no hay ni un solo fotograma de inteligencia artificial en esto”, afirma Luhrmann tajantemente. “Y no hay efectos visuales. Me gusta decir que el único efecto visual aquí es el efecto visual que Elvis produce en su público.”

Con su exploración dual de varios años sobre Elvis Presley finalmente terminada (y algunas breves imágenes del material recuperado incluidas, aunque acabaron reconstruyendo ese salón en Las Vegas), Luhrmann y Redmond esperan haber aportado algo importante a la copiosa conversación cultural en torno al Rey. Para ellos, siempre se redujo a una pregunta: ¿Quién fue realmente Elvis Presley? “Teníamos una frase: en las grietas se ve la luz”, comenta Redmond, “que aplica especialmente a un personaje como Elvis, que estaba tan acostumbrado a las cámaras y a estar frente a ellas.” “Él dice en esta película que es muy difícil estar a la altura de una imagen”, apunta Luhrmann. “Él dijo, ‘un ser humano es una cosa y una imagen es otra’.” Así que, para el director, entender a Elvis Presley implicaba enfrentarse y empatizar tanto con el ser humano como con la imagen. “Espero que las dos películas muestren la máscara”, concluye, “porque a todos nos gusta ver a Elvis siendo el Elvis icónico, pero también quitarle la máscara. Eso es lo que me propuse hacer.”

Fuente: The New York Times

[Fotos: Neon Pictures; REUTERS/Aude Guerrucci]

AC/DC es mucho más que una simple banda de rock, sus históricas canciones e integrantes forman parte de una institución cultural que trasciende años desde su fundación en 1973, en Sídney, Australia. Fundada por dos hermanos escoceces, Malcolm y Angus Young, el grupo se formó en torno a una identidad rebelde y agresiva en guitarras, batería y canto.

Sin embargo, la historia estuvo marcada por la resiliencia ante la tragedia y los constantes cambios en la alineación. El primer paso en la fama sucedió con Bon Scott, el carismático cantante que le puso la voz a uno de los éxitos del grupo: Highway to Hell. También formaron parte Cliff Williams, Phil Rudd, Axl Rose, entre otros músicos importantes.

Actualmente, la banda realiza la gira 2024-2026 con una mezcla de históricos y nuevos músicos: Angus Young, uno de los fundadores, continúa en la guitarra; Brian Johnson, quien es la voz desde 1980; Stevie Young, sobrino de los hermanos y reemplazo de Malcolm desde 2014; Chris Chaney, quien se encarga del bajo sustituyendo al retirado Cliff Williams; y Matt Laug, baterista que tomó el lugar de Phil Rudd.

Sin embargo, el primer gran golpe del grupo fue la trágica muerte de Bon Scott. El escocés criado en Australia fue uno de los transformadores de AC/DC y su repentina despedida, a tan solo 33 años, llevó a millones de fanáticos al desconcierto y lo consagró como uno de los íconos más recordados en el rock and roll, según All That’s Interesting.

Bon Scott, de Escocia a Australia

Ronald Belford Scott nació el 9 de julio de 1946 en Kirriemuir, una pequeña ciudad en el norte del Reino Unido. Cuando apenas era un bebé sufrió la muerte de su hermano mayor, Sandy, mientras su papá batallaba en la Segunda Guerra Mundial. Con apenas seis años, su familia emigró a Melbourne, Australia. Su nombre nació tras una imposición despectiva, ya que sus compañeros del colegio lo llamaban Bonnie Scotland por su origen escocés.

Con una personalidad conflictiva, el cambio de país no fue nada fácil. Sus problemas en la adolescencia derivaron en el abandono de la escuela a los 15 años y el arresto por actividades delictivas. Robo de nafta, el uso de nombres falsos y la evasión de custodia fueron algunos de los casos en los que estuvo envuelto. En paralelo, el joven escocés ingresó al mundo de la música y fundó su primera banda en 1966, The Spektors.

Sus primeros proyectos musicales estuvieron marcados por el consumo de alcohol y drogas. Incluso, en 1969 la policía australiana desarticuló Valentines, uno de sus grupos, en una redada antidrogas vinculada al rock.

Finalmente, en 1974, tras superar un grave accidente en moto, Bon Scott se cruzó con los hermanos Young de casualidad. Buscando un nuevo rumbo en su carrera musical, la reciente fundación de AC/DC y la necesidad de un cantante fueron el puntapié de un grupo histórico. Instantáneamente, su pasado turbulento junto con su actitud desafiante lo convirtieron en el sello distintivo de la banda.

Con Scott al frente, el grupo se consolidó como una banda de rock cruda y ruidosa. Las letras irónicas y el carisma de Scott potenciaron la química interna del grupo, dotando a sus presentaciones de una energía provocadora y espontánea. Su influencia se reflejó en la transformación de la banda de un proyecto emergente a un fenómeno internacional.

El lanzamiento de Highway to Hell fue el punto de inflexión: el disco se posicionó entre los 100 mejores en Estados Unidos y otorgó a la banda un reconocimiento inmediato. Por primera vez, los miembros experimentaron la fama mundial y el éxito económico, aunque esto también trajo tensiones internas.

La trágica muerte de Bon Scott

El 18 de febrero de 1980, Bon Scott pasó la noche en el club Music Machine, en Londres, acompañado de amigos, entre ellos Alistair Kinnear. El cantante, como lo hacía habitualmente, consumió grandes cantidades de alcohol y al finalizar la fiesta, sus acompañantes lo ayudaron a recostarse en el asiento trasero del auto, pensando que solo necesitaba dormir para recuperarse del estado de ebriedad, según All That’s Interesting.

Kinnear relató que, tras dejarlo en el vehículo y al no lograr despertarlo, optó por avisar a Silver Smith, exnovia de Scott, quien le aseguró que el cantante solía desmayarse y que lo mejor era dejarlo descansar. Uno de sus más grandes amigos recordó haber reclinado el asiento para mayor comodidad. En la mañana del día siguiente, al regresar, encontró a Bon Scott inmóvil y sin respirar, cubierto de lo que parecía vómito.

Kinnear lo trasladó de inmediato al Hospital King’s College, donde fue declarado muerto al llegar. El cantante tenía solo 33 años. Según la autopsia realizada por el forense Sir Montague Levine, la causa oficial fue una intoxicación alcohólica aguda. El informe señala que Scott dormía en una posición incómoda, cerca del bastón de cambio, y que varios factores, como la posición del cuerpo, el desprendimiento de una placa dental, el consumo excesivo de alcohol, la hipotermia y un hígado debilitado, contribuyeron a su muerte.

En el club aquella noche también estuvo presente Colin Burgess, exbaterista de AC/DC, quien sostuvo hasta el último momento que Scott no parecía borracho cuando se despidieron. Para el resto de los integrantes de la banda, la noticia fue devastadora, según recordó Angus Young, quien comparó la pérdida con la de un familiar cercano.

El último concierto con la banda había tenido lugar unas semanas antes, el 27 de enero de 1980, en el Teatro Gaumont de Southampton, marcando el final de una era para la banda y para el rock internacional.

Una vida esquivando la muerte

La vida del escocés estuvo marcada por el peligro, la desobediencia y los constantes problemas, muchos ligados al consumo de alcohol y drogas. Previo a su muerte, uno de los antecedentes fue un accidente en moto tras manejar en estado de ebriedad. En aquella oportunidad, el cantante ignoró los consejos de sus amigos y sufrió fracturas múltiples, lesiones en el cuello y la garganta, y lo dejó en estado semicomatoso durante tres días. Pasó varias semanas en el hospital, con huesos enyesados y la mandíbula inmovilizada.

Durante la década de 1970, mantuvo una rutina de consumo elevado de alcohol, marihuana y anfetaminas. Los episodios de desaparición se volvieron frecuentes: en una ocasión, su mamá le compró un pasaje de avión para regresar a Australia, pero al llegar el momento de volver a Londres, nadie supo de su paradero durante una semana. Cuando finalmente apareció en el aeropuerto, Scott no recordaba qué había hecho ni dónde había estado durante esos días.

El regreso de U2 con el sorpresivo EP Days of Ash -al estilo actual de ciertas estrellas pop, se publicó sin anuncio previo- marca un giro político para la longeva banda irlandesa: son seis nuevas canciones -las primeras que publican desde 2017- que emergen como una especia de respuesta inmediata a la escalada de tensiones globales. El mini álbum, producido junto al productor musical británico Jacknife Lee, llega en un momento en que, según el propio Bono, “estas canciones no podían esperar; estaban impacientes por salir al mundo. Son canciones de rebeldía y consternación...”.

Es un regreso en cierto modo inesperado para una banda que, a falta de novedades y mutaciones estéticas -algo que la distinguió durante varias décadas-, vive cómodamente de su leyenda, instalada definitivamente como “clásico” de eso que se insiste en llamar rock. Por cierto, esta nueva colección de canciones refresca su imagen: en la avalancha de voces que se elevan instantáneamente frente a cualquier noticia-novedad que emerge de la música pop global, es “el mejor disco de U2 en el siglo XXI” (con perdón de la hipérbole).

El lanzamiento reafirma el espíritu activo de la banda, que en la última década ha mantenido una intensa agenda intensa, que incluyó dos giras mundiales, dos películas, una residencia de 40 fechas en la rimbombante Sphere de Las Vegas Sphere, casi tres horas de nuevas versiones reducidas de su repertorio clásico en el disco Songs of Surrender, y la autobiografía de Bono, que derivó en una gira en solitario, una temporada en Broadway y otro filme. En medio de ese torbellino, se produjo la baja del baterista Larry Müllen Jr., afectado por una serie de problemas físicos y motrices que lo obligaron a no tocar en la residencia de Las Vegas.

Pese a la intensa actividad, el intervalo entre álbumes originales, el más prolongado en su trayectoria, planteaba la cuestión que los acompaña desde hace casi dos décadas: ¿cuál es su lugar en el panorama musical actual?

Este mini disco parece ser la respuesta. Alguna vez Luis Alberto Spinetta dijo que León Gieco era “el noticiero del rock argentino”. Lo dijo con admiración (antes que algún cínico de los que proliferan piensa que fue una ironía). Bueno, bien puede plantearse que U2 es el noticiero global del rock. No es un mal lugar para estar y dar testimonio.

Junto con el disco, reapareció el fanzine (ahora digital) Propaganda, donde el cantante y vocero de U2 profundizó en la génesis del EP: “Las canciones de celebración vendrán después, estamos trabajando en ellas ahora... Porque, a pesar de toda la atrocidad que vemos normalizada a diario en nuestras pequeñas pantallas, no hay nada normal en estos tiempos locos y enloquecedores, y tenemos que plantarles cara antes de poder volver a tener fe en el futuro. Y los unos en los otros”.

Cómo se hizo ‘Days of Ash’

Days of Ash incluye cinco canciones inéditas y un poema musicalizado: “American Obituary”, “The Tears of Things”, “Song of the Future”, “Wildpeace”, “One Life at a Time” y “Yours Eternally”, esta última con la participación de Ed Sheeran y el cantante ucraniano Taras Topolia.

La mayoría de los temas se centran en historias de personas cuyas vidas se vieron truncadas brutalmente por varios de los más trágicos acontecimientos de público conocimiento mundial. “American Obituary” abre el EP rindiendo homenaje a Renée Good, madre de tres hijos asesinada el 7 de enero en Minneapolis mientras protestaba contra la actividad de ICE, la agencia de inmigración estadounidense. Bono relata: “Renée Good, nacida para morir libre / Madre estadounidense de tres hijos / séptimo día de enero / una bala por cada hijo”. En el diálogo con Propaganda, el cantante explicó que la rítmica de la letra remite a Bob Dylan y que, aquí, la madre se dirige a sus hijos: “Los quiero más de lo que el odio quiere a la guerra”.

“The Tears of Things”, una balada al estilo U2, toma su título del libro del sacerdote franciscano Richard Rohr publicado en 2025 (The Tears of Things: Prophetic Wisdom for an Age of Outrage, Las lágrimas de las cosas: sabiduría profética para una era de indignación), donde se exploran el dolor y la injusticia a través de una conversación ficticia entre Miguel Ángel y su estatua de David. En el mismo diálogo con Propaganda, Bono confirmó la influencia de Rohr, a quién definió como “un místico, un profundo pensador”: “[Su libro] sugiere que los más grandes profetas judíos hallaron la manera de superar su furia y su ira ante las injusticias de su tiempo, hasta que acabaron llorando.””.

“Song of the Future” está dedicada a Sarina Esmailzadeh, adolescente iraní de 16 años asesinada tras participar en las protestas del movimiento Mujer, Vida, Libertad en 2022. “Nos enfrentamos otra vez a una clase sacerdotal cuya interpretación subjetiva de los textos sagrados sirve de garrote contra quienes discrepan”, afirmó el cantante. “Rehacemos a Dios a nuestra imagen, y normalmente nos acercamos más a un Dios de fuego y azufre que al de ‘amor y misericordia’, por citar a Brian Wilson”.

“Wildpeace” es un poema del poeta y escritor israelí Yehuda Amichai recitado por la periodista e influencer nigeriana Adeola Fayehun, cuya voz “me atraviesa por completo y sugiere otros conflictos en el continente africano, más allá del lirismo de su voz... Sudán, por ejemplo, Dios mío”.

“One Life at a Time está inspirada en el documental ganador del Oscar 2025 No Other Land, escrito por Awdah Hathaleen, el activista y docente palestino asesinado en Cisjordania. “Yours Eternally”, con la colaboración de Taras Topolia, músico y soldado ucraniano, y de Ed Sheeran, critica directamente la invasión rusa a Ucrania. Sin embargo, la génesis de la canción y del ilustre invitado, tuvo una particularidad. Bono** recuerda: “Le hablamos de la canción, que tenía formato de carta, y le propusimos que él interpretara la voz que respondía. Se mostró entusiasta de inmediato, aunque puso una condición: ‘Me gusta mucho la canción, Ucrania me fascina, pero no quiero verme envuelto en controversias políticas en este momento... No me vas a meter en líos políticos, ¿verdad?’ A lo que respondí: ‘Por supuesto que no, Ed’“. Pícaro, agrega: ”puede que estuviera disimulando en ese instante.”

Una reconstrucción posible

La urgencia que transmite el EP, posiblemente resultado de su rápida elaboración, contrasta de forma clara con los años recientes de la banda, marcados por dudas, regrabaciones y proyectos descartados. Al evitar caer en la sobreelaboración, U2 parece haber recuperado precisión y un propósito discursivo (eso mismo que llegó a empalagar). En “The Tears of Things” hay una crítica contundente al fascismo y al fundamentalismo religioso, dicha con una intensidad que se había diluido en trabajos anteriores. “Cuando la gente anda hablando con Dios, siempre termina en lágrimas”, canta Bono.

En los siguientes tracks, la música adopta una atmósfera menos agresiva, con mayor presencia de guitarras acústicas, un papel menos dominante de The Edge y una ambientación más difusa. Las letras retoman el consuelo y el optimismo característicos, con imágenes bíblicas y frases inconfundiblemente propias de Bono: “el futuro, como todos saben, es donde vamos a pasar el resto de nuestra vida”.

Aunque resulta tentador considerar este EP como el inicio de una nueva etapa, se percibe que marca el regreso de la convicción casi religiosa, la claridad de propósito y la fe en el poder transformador de la música que impulsaron su etapa más influyente de la banda, de la que a decir verdad ya pasaron más de 30 años. Pero aquí están. No es poco.

[Fotos: u2.com]

De acuerdo con la cobertura de EFE, el Cosquín Rock surgió en 2001 como una propuesta disruptiva dentro del paisaje cultural de la ciudad homónima, históricamente identificada con el folklore. El productor musical José Palazzo impulsó el festival como una alternativa a los eventos tradicionales que se celebran desde hace décadas en el Anfiteatro Próspero Molina, emblemático escenario del folklore nacional. En aquel primer año, las expectativas sobre la convocatoria fueron limitadas: la venta de boletos anticipaba apenas 3.000 asistentes, aunque finalmente el público superó los 12.000. "Fue sufrir con la venta de entradas (...) No había redes sociales, no había presupuesto de publicidad nacional. Nunca nos imaginamos que vendría gente de todos los puntos del país", recordó Palazzo en diálogo con EFE.

El festival llegó a la Plaza Próspero Molina, espacio donde se presentaron artistas como Atahualpa Yupanqui y Mercedes Sosa, pero la inclusión del rock representó un quiebre con la herencia criolla. El propio Palazzo señaló a EFE que entonces resultaba impensable organizar un evento de estas características en ese lugar. La primera edición incluyó una interpretación significativa: Divididos, formada tras la disolución de Sumo, tocó ‘El Arriero’, llevando el clásico de Yupanqui a una versión rockera, gesto que muchos tomaron como un desafío a la tradición.

Con el paso de los años Cosquín Rock dejó de percibirse como una “herejía” para consolidarse como encuentro masivo. Desde su debut, han pasado por sus escenarios figuras centrales de la música argentina como Charly García, Fito Páez y el recordado Luis Alberto Spinetta. Fito Páez, de hecho, forma parte de la grilla en esta edición. EFE detalló que el crecimiento del festival motivó su traslado a la Comuna de San Roque en 2005 y luego, en 2011, a su actual sede en Santa María de Punilla.

La apertura artística del evento cobró notoriedad en 2011, año en que Calle 13, agrupación puertorriqueña de música urbana, se presentó en medio de polémica por incorporar géneros ajenos al rock. "Generó controversia y un ‘hateo’ impresionante", contó Palazzo a EFE, aunque la respuesta del público terminó validando la decisión. A partir de entonces, la programación se diversificó incluyendo música electrónica, pop, trap y rap, con presencia de artistas como Chemical Brothers, Peces Raros (electrónica), Lali (pop), YSY A y Dillom (trap), además de Trueno (rap).

El medio EFE señaló que actualmente el Cosquín Rock atrae a distintas generaciones, incluyendo jóvenes cuyos padres y abuelos participaron en ediciones anteriores. Esta evolución transformó al encuentro en un evento familiar en el que conviven públicos de diferentes edades. Este año, además de los mencionados, el cartel confirma grupos como La Vela Puerca, Franz Ferdinand, Bersuit Vergarabat, Marilina Bertoldi, Hermanos Gutiérrez, Airbag y Viejas Locas, entre otros.

Cosquín Rock, según detalló EFE, ha superado las fronteras argentinas y ya celebró ediciones en México, Chile, Uruguay, Paraguay, Perú, Colombia, Estados Unidos y España, y se prepara para su debut en Brasil. Este proceso de expansión refleja el alcance regional e internacional del festival. El propio Palazzo aseguró al medio que el evento representa "un granito de arena de la evolución de la música argentina".

El desarrollo del encuentro también se evidencia en la infraestructura y servicios que acompañan a los asistentes. El medio EFE detalló que el predio ofrece innovaciones enfocadas en el bienestar del público, incluyendo puestos de hidratación, hamacas y sillas voladoras, que buscan responder a las nuevas demandas de los festivales de gran escala. Además, la organización destina esfuerzos a la seguridad y a la experiencia general, con propuestas pensadas tanto para quienes siguen los principales shows como para quienes desean recorrer diferentes espacios culturales dentro del evento.

El Cosquín Rock continúa renovándose y posicionándose como una plataforma de referencia tanto para el descubrimiento de nuevas propuestas musicales como para la consagración de figuras históricas. La ampliación de los géneros incluidos ha facilitado la integración de nuevas audiencias y ha impulsado la asistencia de familias completas, fenómeno que Palazzo interpreta como parte de la consolidación del festival. El medio EFE remarcó que la simultaneidad de siete escenarios fomenta la convivencia de distintos estilos y públicos, manteniendo la esencia plural y evolutiva que distingue al evento desde sus inicios.

“¿Primitivos? Nunca me gustó esa banda. El cantante era un perro. No pegaban una nota”, dice Chary de Loquero en un short de YouTube. “Otra banda de mierda que queda en el olvido”. Mira a cámara y chasquea la lengua. Encapuchado y con anteojos de sol, Dudú de Sin Ley dice que “eran alucinantes” pero que “terminaron como empezaron: todos hasta las bolas”. Joan Manuel Pardo de Camionero los conoció por un kiosquero que le habló de una “data súper secreta”. ¿Primitivos? ¿Existe? ¿Existió?

Ahora Damián Snitifker está en Berazategui pero podría estar en cualquier rincón de la provincia de Buenos Aires. Trabaja en el rubo gastronómico, en la parte comercial, y viaja mucho. Puede pasar hasta seis horas en la ruta, solo, manejando, siguiendo la línea puntuada, con la llanura a cada lado, escuchando música, mucha música, a veces algún podcast, “evitando el tiempo muerto”. Madariaga, Azul, Coronel Pringles, General Alvear, Cañuelas, Punta Indio, Magdalena, Maipú y puede seguir nombrando lugares.

“Me gusta conocer su idiosincrasia, ciertas costumbres, los barcitos. Cuando tengo que hacer noche en algún lugar, a veces paro en esos bares de pueblo donde solo tenés Quilmes, Brahma y aperitivo. No pidas Heineken o cerveza artesanal. Y es buenísimo”, comenta entre risas. El resto del tiempo, es músico, bajista, a veces cantante, y escritor. Su última novela, editada por Crack-Up con ilustraciones de Max Vadalá, se titula Primitivos y es la historia de una banda punk que decide volver al ruedo.

Entre 2014 y 2017 Snitifker tuvo un centro cultural en Quilmes y un día invitó a tocar a Los Pillos, una banda punk de los ochenta, en una versión reducida. Conoció a esos músicos, también a otros, fue estableciendo vínculos, amistades, revisitando esa época, y de pronto se vio envuelto en un mundo que merecía ser narrado al detalle. Pero no quería una biografía estricta ni un texto periodístico o de no ficción. Ya había publicado tres libros de cuentos y una novela, Ciudad dormitorio. Profundizó.

“Es una época que me fascina. Lugares como el Parakultural, Café Einstein, La Esquina del Sol. Es imposible que no te atraiga el inicio de lo que hoy llamamos el under, lo alternativo, el punk, ese tipo de rock. Hay tantas bandas... Mimilocos, por ejemplo, que tiene discos muy oscuros. Hay un tema que se me viene a la cabeza ahora: ‘Entre sí’ se llama. Vos lo escuchás y te lleva a un lugar. Son canciones que pintan una época con sus sonidos, pero que no suenan en la radio. Y así hay miles”, agrega.

Primitivos sigue los pasos de Lucas Virasoro, familiero, ferretero, 53 años, al que invitan a una radio para hablar de esa banda localista que ya creía que ya nadie recordaba. Pero empiecen a llegar mensajes de los oyentes, más sorprendidos que melancólicos. Algo remueve el pasado. ¿Y si volvemos? Sin caer en la nostalgia por el pasado perdido ni en la caricaturización cruel del rockero, la novela recorre un sendero insospechado. “Gente real”, resume ahora, del otro lado del teléfono.

La novela dejó su piel de libro, engordó, se volvió otra cosa. En las redes, Genniol, Sergio Rotman, Ariel Minimal, Néstor Frenkel, Adrián Yanzón de Los Pillos, Tom Quintans de Bestia Bebé y Diego Demarco de Los Decadentes hablan de la banda. La pregunta por la veracidad aparece enseguida. ¿Existió Primitivos o cada uno se inventa una historia? ¿Es la continuación de una ficción que empezó en la cabeza de Snitifker y ahora encuentra otras voces, ramificaciones, una gran novela oral y colectiva?

Damián Snitifker vive en Berazategui, donde nació y creció. “Acá tenés el centro, más parecido a Capital Federal, y la zona más alejada, donde vive yo, más parecida a la vida de los pueblos de provincia: mate en la vereda, el tipo lavando el auto, los chicos en bicicleta, el vecino con los parlantes, las chicharras, las pelopinchos, a veces adentro, a veces afuera, los pibes en la esquina, y el tiempo que corre más parecido a la provincia. No es una panacea de la seguridad, pero se parece a mi infancia”, cuenta.

Sin hermano que funcione de guía, Snitifker le preguntaba a sus tíos que música escuchaban. Empezó con Riff, Manal, Rata Blanca, José Larralde. Su padre le aportó Charly García; su madre, Silvio Rodríguez y Pablo Milanés. Los dos primeros casettes que se compró fueron un grandes éxitos de Creedence y uno de La Renga. “Ahí empecé a agarrar toda la movida del sur de recitales en bares, en sociedades de fomento, en clubes, en festivales”. Cada tanto viajaba a Capital a ver alguna banda.

“Existe un poco la vuelta del perro también, que es propia de todas las ciudades del interior de la provincia: agarrar el auto el domingo y dar una vueltita por ahí a veinte por hora. Nos falta ir a tomar mate a la ruta. No tenemos ruta en Berazategui”, y se ríe. Tiene cuarenta años. Es Licenciado en Comunicación por la Universidad de Quilmes, profesional gastronómico y estudiante de Historia. Toca el bajo en El Orden de las Cosas. Pronto, adelanta, se van a meter al estudio para hacer unos EPs.

Tiene un oído atento. “Hay géneros que te pueden gustar menos pero lo que no podés hacer es respetarlos menos por eso”, dice. “Veo a muchos rockeros haciendo con muchos músicos nuevos lo mismo que hacían los tangueros en los sesenta y setenta cuando salió el rock: ningunearlos”, sostiene. De las nuevas caras nombra a Trueno, Dillon, Wos, Milo J, Camionero, Reybruja. “Hubo un momento en que el rock se volvió muy frío”, dice y deja un silencio. Intenta elegir con cuidado las palabras.

“Yo no veía chicos con remeras de Él mató a un policía motorizado. Tampoco toda esa organización de colectivos para ir a ver bandas como hubo en otro momento. Me refiero a gente militando la música. Creo que algo volvió de todo eso. Lo veo con Camionero, por ejemplo. Sus fans están muy organizados, lo van a ver a todos lados donde tocan, incluso hay grupo de sus seguidores, que se llama Rueda de Auxilio, que en los recitales juntan alimentos para llevar a distintos comederos”, agrega.

Sobre el final de la charla aparece la más novedosa coyuntura: el show de medio tiempo del Súper Bowl de Bad Bunny. “Lo que me pasa es un poco ambiguo. Por un lado me cae simpático que el show yanqui por excelencia esté teñido con costumbres más comunes para nosotros: el idioma, los vendedores ambulantes, los festejos, un casamiento con niños durmiendo sobre las sillas, como suele pasar en cualquier cumpleaños o fiesta. Eso me es más atractivo que Kid Rock cantando con un pañuelo yanqui en la cabeza".

“También me pasa que si está ahí, que es como la cuna del mercado, donde millones de estadounidenses están viéndolo, donde las marcas pagan millones de dólares por un segundo para promocionarse, si está ahí quiere decir que no representa ningún tipo de peligro. Funciona como una válvula de escape, como cierta visibilización en este contexto tan complicado para los latinos viviendo en Estados Unidos, siendo cazados y deportados por el ICE”, sostiene el músico y escritor.

“Es una integración ficticia que no se replica en la práctica y en lo cotidiano. Si está ahí significa que no representa ningún peligro. Es un ejemplo más de la contracultura siendo asimilada por la cultura hegemónica, como pasó con el movimiento hippie, las luchas de los setenta, los punks, incluso la cara del Che Guevara como estampa en ropa de marcas reconocidas. Es una banalización de la lucha porque, al fin de cuentas, no es más que un tipo contándole a un tal Tití que tiene muchas novias, ¿no?“, concluye.

“Si mañana me fuera de aquí, ¿seguirías recordándome?”. Esta pregunta, tan simple como cargada de profundidad, es uno de los comienzos más icónicos de la historia del rock. Sus autores, conocidos internacionalmente, no son Led Zeppelin ni Fleetwood Mac, y ni siquiera aparecen en las grandes listas de mejores bandas musicales del último siglo. Sin embargo, esto no ha impedido que ahora uno de sus temas más emblemáticos, precisamente el que empieza con esa frase, acabe de ser elegido como “la mejor canción de rock estadounidense de todos los tiempos”.

Estamos hablando de Free Bird, uno de los grandes himnos que la banda Lynyrd Skynyrd ha compuesto en los más de 60 años que lleva llenando escenarios de todo el mundo. Formada en 1964 por Ronnie Van Zant, Fary Rossington, Allen Collins, Bob Burns y Larry Junstrom, este grupo bautizado con el nombre del antiguo profesor de gimnasia de varios es conocido por temas como Gimme three Steps, Simple Man o, sobre todo, Sweet Home Alabama.

Sin embargo, la revista especializada Ultimate Classic Rock ha decidido que sea Free Bird la canción elegida no solo como la mejor de toda la discografía de la banda, sino como la mejor composición estadounidense de toda la historia de este género musical. “No sorprenden su popularidad y longevidad”, destacan en el citado medio, “escrita como una oda a la libertad y luego adaptada como panegírico para Duane Allman (uno de los guitarristas más grandes de todos los tiempos), Free Bird ha alcanzado proporciones míticas desde su debut”.

Desafiar las tendencias con un solo de guitarra único

Un elemento llamativo de la canción de Lynyrd Skynyrd es su duración. Si en su formato original el tema se prolongaba durante más de nueve minutos, la banda decidió que fuera este el que cerrara sus conciertos durante muchos años con una versión en directo que alcanzaba el cuarto de hora, tal y como atestiguan discos como Play Me A Little (Live New York ‘88).

De este modo, con su lanzamiento en 1973, Free Bird desafió las reglas del mercado discográfico con su duración. En una época donde predominaban los sencillos breves, la apuesta de Lynyrd Skynyrd fue arriesgada. Sin embargo, el tiempo dio la razón a la banda, ya que el tema no solo alcanzó el puesto 19 en el Billboard Hot 100 en 1975, sino que se transformó en el clímax emocional de sus presentaciones en vivo con un solo de guitarra ya icónico para los fans del grupo.

Del homenaje a Allman al accidente de avión que lo cambió todo

En cada concierto, la canción se convertía en un ritual de comunión entre la banda y su público, reivindicando el mensaje de libertad: el título y la letra evocan ese deseo de movimiento y espíritu independiente que tantos asocian con la identidad estadounidense. Eso sí, finalmente se descubriría que la canción en realidad nunca pretendió ser un homenaje a Duane Allman, ya que se terminó por descubrir que el tema ya estaba escrita desde antes, algo que no ha impedido que Lynyrd Skynyrd siguiera dedicándosela en sus shows.

Años después del lanzamiento de Free Bird, la tragedia golpearía con gran fuerza a la banda tras un accidente aéreo que terminaría con la vida de Ronnie Van Zant, cantante de la banda. Años más tarde, sería el hermano de este, Johnny, quien asumiera el papel de vocalista, lo que provocó que la canción añadiera nuevas capas de significado a su letra: el público comenzó a identificar en la voz del menor de los Van Zant una forma de mantener vivo el espíritu de Ronnie, transformando cada interpretación en un acto de memoria colectiva.

Bajando la mirada al pasado, se observa que, hacia mediados del siglo XX, la creatividad musical parecía haber explorado casi todas las combinaciones imaginables en la guitarra. Sin embargo, surgieron casos en los que riffs memorables presentaron semejanzas notables con piezas previas. El público y los especialistas señalaron situaciones en las que la línea entre homenaje e imitación resultó difusa.

La discusión se intensifica cuando músicos reconocidos admiten haber tomado ideas de otros artistas. La apropiación de fragmentos musicales no siempre resulta intencional, pero el análisis de la historia del rock revela ejemplos concretos que alimentan el debate sobre los límites de la inspiración.

El caso de Deep Purple y Beethoven

Deep Purple se consagró en 1973 con “Smoke On The Water”, cuyo riff de guitarra se convirtió en un ícono del género. Según declaraciones de Ritchie Blackmore, recogidas por American Song Writer, el célebre riff surgió al invertir la secuencia de notas de la “Sinfonía n.º 5” de Beethoven. El guitarrista de la banda, con formación clásica, admitió que la influencia fue directa y consciente.

El único cambio notable respecto a la obra original radica en la variación del tempo. Además, algunos críticos han notado similitudes entre “Smoke On The Water” y “Maria Moita”, tema compuesto por Carlos Lyra en 1964. Estas coincidencias refuerzan la percepción de que la creación musical suele reciclar elementos previos, aunque la transformación de los mismos puede dar origen a piezas innovadoras.

El caso de Deep Purple ilustra cómo el legado clásico puede integrarse en el rock, generando resultados que trascienden generaciones. La transparencia de Blackmore en sus confesiones añade un matiz de honestidad a la discusión sobre los límites de la originalidad.

Los Beatles y el debate sobre “Revolution”

The Beatles figuran entre los compositores más influyentes del siglo XX. Sin embargo, tanto John Lennon como Paul McCartney reconocieron en varias ocasiones haber tomado ideas de otros músicos. De acuerdo con análisis de expertos y declaraciones públicas, la canción “Revolution” muestra similitudes con “Johnny B. Goode” de Chuck Berry.

Según detalló American Song Writer, el parecido más notorio surge al comparar la estructura rítmica y melódica de ambos riffs. No obstante, algunos musicólogos han señalado que “Revolution” guarda aún mayor semejanza con “Do Unto Others”, tema del guitarrista de blues Pee Wee Crayton. La discusión se centra en la línea de guitarra, que reproduce patrones ya explorados en la música afroamericana de décadas anteriores.

Estas observaciones no disminuyen el aporte de The Beatles a la cultura popular. Por el contrario, evidencian cómo la innovación puede partir de la reinterpretación creativa de materiales existentes, un proceso común en la evolución de la música popular.

The Doors y la sombra de The Kinks

En 1968, The Doors lanzaron “Hello, I Love You” en su álbum Waiting For The Sun. La canción generó controversia por alejarse del sonido habitual del grupo y por las sospechas de plagio. Según versiones recogidas por American Song Writer, Elektra Records presionó a la banda para incluir el tema, a pesar de las reservas de algunos integrantes.

Muchos oyentes detectaron una similitud evidente entre el riff del tema de The Doors y “All Day And All Of The Night”, éxito de The Kinks en 1964. De acuerdo con declaraciones de Ray Davies, líder de The Kinks, su editor consideró iniciar acciones legales, aunque finalmente optaron por resolver el asunto fuera de los tribunales.

Davies afirmó: “Mi editor quería demandar. Yo no quise hacerlo. Creo que llegaron a un acuerdo, pero no sé los detalles”. El episodio refleja cómo las disputas por derechos de autor pueden solucionarse de forma privada, aunque las comparaciones entre las obras persisten en la memoria del público.

Inspiración, homenaje o copia: el dilema en la música

El análisis de estos tres casos revela que la frontera entre inspiración y copia resulta difícil de definir. Las influencias cruzadas, la memoria musical colectiva y la reinterpretación de motivos clásicos forman parte del proceso creativo en el rock y otros géneros populares.

Las acusaciones de plagio suelen surgir cuando un nuevo éxito recuerda a una composición anterior, especialmente si ambas alcanzan gran notoriedad. Sin embargo, la historia demuestra que la música suele avanzar a partir de la reelaboración de ideas, y que los límites de la originalidad absoluta son cada vez más difusos.

En conclusión, los riffs de guitarra más famosos del rock no surgieron en un vacío. Lejos de restarles mérito, el reconocimiento de sus orígenes contribuye a entender la riqueza y complejidad del fenómeno musical contemporáneo.

Debido a la popularidad que tiene el turismo enfocado en las historias del narcotráfico en Medellín, el líder social Carlos Bravo, que es conocido en la ciudad como “Caliche”, decidió crear un recorrido en el que habla de su género de música favorito:s el punk, incluyendo unos ejercicios de memoria sobre las páginas más oscuras de la historia de la capital antioqueña.

En diálogo con El Espectador, “Caliche” habló sobre su labor social en Medellín, incluyendo el legado del punk en contraste con la época más violenta de la ciudad.

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Durante la conversación, “Caliche” reconoció que, por la fama que tenía la ciudad en los 80, no todas las historias secretas son sobre violencia, puesto que varios artistas vivieron historias que siguen siendo recordadas como mitos urbanos.

La banda que pidió un regalo de Pablo Escobar

Carlos Bravo mencionó que una de las historias que cuenta en su recorrido es sobre la ocasión en la que la banda Argus visitó la capital antioqueña para una presentación.

“En 1983 se realizó un concierto en el que vino una banda de Estados Unidos, que se llamaba Argus, tocó con Pirus y con Complot, dos bandas de acá de Medellín; era la primera vez que venía una banda de Estados Unidos y claro, tuvo mucha acogida de los jóvenes rockeros del momento”, recordó Bravo.

El líder social afirmó que en la actualidad se sigue mencionando que los americanos volvieron a su país con sus maletas llenas de cocaína, pero en realidad su cercanía con Pablo Escobar se registró de otra forma.

“Dentro de la memoria colectiva de esa época, fue un concierto muy recordado. Los mitos que hay son porque en la boleta aparecía el logo del partido político de Pablo Escobar, Medellín sin tugurios. La gente decía que cuando la banda se fue a Estados Unidos, que los instrumentos iban llenos de cocaína”.

“Eran solo mito”, indicó “Caliche” al asegurar que en realidad los músicos recibieron un regalo por parte del líder del cartel de Medellín para que “disfrutaran” de la ciudad después del concierto.

“Hace poco se hizo un conversatorio en el que participó el organizador de ese evento. Él dijo la verdad y cuál había sido la incidencia de Pablo Escobar en la boleta. Era porque ellos necesitaban la publicidad y le pidieron a Pablo; él dijo que sí, pero a cambio de eso tenían que poner el logo de Medellín sin tugurios”.

Para concluir, “Caliche” mencionó la versión que conoce sobre lo que se registró aquella noche en Medellín, en la que los norteamericanos arrojaron a la basura el narcótico que habían recibido por parte del capo antioqueño.

“Los músicos querían probar un poco del material que se estaba produciendo en la ciudad, hablaron con el organizador, él habló con Pablo y les mandó un regalito, un kilo de cocaína. Hicieron una fiesta para ellos en El Poblado. Llegó una persona de negro, pensaron que era policía y salieron a correr, botando todo lo que estaba en la mesa”.

Esta no es la única historia en la que se menciona a Pablo Escobar con artistas internacionales, puesto que tras la muerte del capo se han revelado anécdotas o mitos urbanos sobre presuntas contrataciones de músicos de talla internacional.

De hecho, algunos cantantes han decidido confesar que en su momento fueron contratados por el criminal más buscado de Colombia, que en la mayoría de ocasiones hacía la gestión a través de terceros sin que los extranjeros supieran ante quién iban a tocar.

No hay duda de que la década de los 70 es una de las más brillantes de la historia de la música popular, al menos en lo que a rock se refiere. En esos años, temas como Bohemian Rhapsody, de Queen, Another Brick in the Wall, de Pink Floyd, Gimme Shelter, de los Rolling Stones o Highway to Hell, de AC/DC, copaban las listas de los grandes éxitos de una industria en plena eclosión.

Por eso, no es de extrañar que sean los himnos lanzados en esos años los que ahora las revistas musicales ubiquen como los mejores temas de rock de la historia. Así lo han hecho, por ejemplo, en Shortlist, medio especializado que acaba de actualizar su lista con las mejores canciones de todos los tiempos, donde un tema de Led Zeppelin ha alcanzado la cima: Stairway to Heaven. La publicación ha justificado su elección por la “fuerza de la letra” y el crescendo de la guitarra a lo largo de un tema de casi ocho minutos, aspectos que, según Shortlist, han mantenido vivo el interés en la canción a lo largo de las décadas.

Así se creó ‘Stairway to Heaven’

La génesis de este himno, mantenido como un referente cultural a pesar del paso de las décadas, ha sido algo comentado en varias ocasiones por los miembros de Led Zeppelin. Jimmy Page, guitarrista de la banda, confesaría en 2014 que la intención fue “intentar armar algo que comenzara con una guitarra muy frágil y expuesta”; un inicio ya emblemático al que, además, añadieron unas flautas para darle un toque “ligeramente medieval”.

“Buscaba una composición que se desplegara en más capas y estados de ánimo”, continuaba explicando Jimmy Page. Su intención era que la canción “acelerara a cada nivel, tanto emocional como musical”, hasta llegar a un éxtasis final donde el rock se vierte en toda su potencia. “Creo que la calidad perdurable de esta música durante todos estos años es que todos tocan con mucha honestidad y convicción”.

Acusados de plagio

A pesar de esta fama, lo cierto es que el verdadero origen de Stairway to Heaven también ha sido objeto de polémica. En 2016, Robert Plant, vocalista de Led Zeppelin, negó ante un tribunal haber plagiado el inicio del tema tras las acusaciones de Michael Skidmore, albacea de la herencia del guitarrista y compositor de la banda Spirit, Randy California, fallecido en 1997. Según Skidmore y sus representantes, Stairway to Heaven copiaba parte del comienzo de la canción Taurus, compuesta por California, un músico con quien tanto Page como Plant compartieron escenario a finales de los 60.

Plant declaró ante la corte federal de Los Ángeles que compuso mucho antes, mientras se encontraba en el campo inglés, junto a su compañero de Led Zeppelin. “Realmente estaba intentando llevar ese remoto y rural Reino Unido… esas antiguas, casi inexploradas referencias celtas, a la pieza”, incluyó en su explicación al juez. En concreto, el cantante mencionó un “primer pareado” que se les ocurrió entonces: “Hay una dama que está segura de que todo lo que brilla es oro y está comprando una escalera al cielo. Cuando llega, sabe que si todas las tiendas están cerradas, con una palabra puede conseguir lo que vino a buscar”.

El veredicto del tribunal tras varios fallos y apelaciones

Durante el proceso judicial, Page volvió a declarar y detalló la creación del tema ante el jurado, escuchando grabaciones de hace 46 años hechas en Headley Grange, el retiro británico donde la banda componía por aquel entonces. El abogado de Page hizo escuchar a la sala la versión final, de casi ocho minutos, antes de anunciar que la defensa no presentaría más testigos.

Por su parte, varios expertos convocados por la defensa argumentaron que la progresión de acordes del inicio de la pieza era tan “común” que no podía ser protegida por derechos de autor, pese a que el propio California había defendido en vida (sin llegar a demandar a Led Zeppelin) que sí merecía ser incluido como autor de la canción. Page, al testificar, aseguró que su progresión se parecía más “a Chim Chim Cher-ee, del musical Mary Poppins de 1964, que a cualquier otra cosa”.

La demanda puso en juego millones de dólares en derechos de autor. Sin embargo, tras varios fallos y apelaciones, Led Zeppelin obtendría una victoria definitiva en 2020, cuando un tribunal federal concluyó que no hubo plagio. Desde entonces, el asunto está cerrado, al menos a nivel legal, si bien sigue vigente como uno de los debates más famosos de la historia del rock. No es para menos, dado que Stairway to Heaven es una de las canciones más importantes del último siglo y, para muchos, la mejor de todas.

La colaboración entre The Warning y Carín León en “Love to Be Loved” encendió las redes sociales y las plataformas digitales desde su anuncio. La mezcla de una banda de rock originaria de Monterrey con una de las voces más reconocidas del regional mexicano generó conversación inmediata y colocó el lanzamiento en el centro del entretenimiento musical.

Este encuentro creativo ocurre en un momento sólido para ambas partes. The Warning atraviesa una etapa de consolidación que las ha llevado a posicionarse como una de las bandas femeninas más visibles del rock mexicano, mientras que Carín León mantiene una presencia constante en escenarios nacionales e internacionales.

Lejos de sentirse forzada, la unión se presenta como una apuesta que refleja el buen momento artístico de ambos proyectos. La expectativa no solo vino del contraste de estilos, sino del respeto que cada uno ha construido dentro de su propio género.

“Love to Be Loved”, una propuesta que mira al futuro

“Love to Be Loved” conserva la esencia de The Warning mientras integra la voz y el estilo de Carín León de forma orgánica. El resultado es una canción que no diluye identidades, sino que las hace convivir.

El estreno llega acompañado de expectativas altas, no solo por los nombres involucrados, sino por lo que representa unir dos mundos musicales tradicionalmente separados.

Esta colaboración se perfila como una de las más inesperadas y comentadas, confirmando que la música mexicana vive un momento de apertura creativa que sigue sorprendiendo dentro y fuera del país.

The Warning y el peso de su crecimiento artístico

Alejandra, Paulina y Daniela Villarreal han llevado a The Warning a un nivel que trasciende etiquetas. Su propuesta ha ganado fuerza gracias a una identidad clara, energía en el escenario y una conexión cercana con su audiencia.

La banda ha logrado atraer a públicos de distintas edades, no solo por su sonido, sino por la naturalidad con la que se relacionan con sus seguidores. Esa cercanía se ha convertido en parte esencial de su proyección.

Este crecimiento constante explica por qué la colaboración fue recibida como un paso natural y no como un experimento aislado. Su esencia se mantiene incluso al dialogar con otros géneros.

Carín León y su momento dentro de la música popular

Carín León vive una etapa marcada por conciertos con localidades agotadas y una presencia fuerte en la conversación musical. Su tema “Ahí estabas tú” forma parte del horario estelar televisivo como canción principal de la telenovela Doménica Montero.

A esto se suma su reconocimiento en Premio Lo Nuestro 2026, donde cuenta con diez nominaciones, destacando como el mexicano más nominado y uno de los artistas con mayor presencia en la edición.

Su capacidad de adaptarse a distintos estilos ha sido clave para conectar con audiencias diversas, mostrando una versatilidad que amplía el alcance de cada proyecto en el que participa.

Paulina Villarreal, baterista de The Warning, celebra su cumpleaños hoy 5 de febrero, en un momento clave de su carrera. Originaria de Monterrey e integrante de la banda, junto a sus hermanas Daniela y Alejandra, Pau se ha convertido en una figura central del rock contemporáneo por su potencia, precisión y presencia escénica.

Detrás de la batería, Paulina imprime una energía que distingue cada presentación del grupo. Su estilo intenso y su control rítmico la han posicionado como uno de los rostros más reconocibles de la percusión rockera actual, tanto dentro como fuera de México.

Este nuevo aniversario llega mientras The Warning atraviesa una etapa de consolidación internacional. El crecimiento del proyecto ha sido constante y Paulina se mantiene como uno de los motores creativos que impulsan el sonido y la identidad del trío regiomontano.

Reconocimiento internacional en un año decisivo

En 2025, Paulina Villarreal fue elegida como Mejor Baterista de Rock en la encuesta anual de lectores de la revista Modern Drummer. El reconocimiento, otorgado por votación del público especializado, marcó un hito para la percusión mexicana en la escena global.

La distinción no solo destacó su talento individual, sino que colocó a The Warning y al rock nacional en una conversación internacional donde la representación latinoamericana ha sido limitada. El logro reforzó la visibilidad del trabajo que la banda ha construido durante años.

Este reconocimiento se suma a una trayectoria que refleja constancia y evolución. La elección de Paulina confirma que su propuesta conecta con audiencias especializadas y con una comunidad musical atenta a las nuevas voces del género.

Una trayectoria que no deja de crecer

Antes de este logro, Paulina ya había sido reconocida en 2023 con el premio Rock Drummer of the Year en los Drumeo Awards. Estos galardones evidencian una carrera ascendente que se consolida a una edad poco común para este nivel de impacto.

Además de su papel en la batería, Paulina participa como vocalista en algunas canciones, aportando matices que enriquecen la propuesta sonora de la banda. The Warning se ha posicionado como uno de los proyectos más sólidos del rock actual.

Con presentaciones en festivales nacionales e internacionales y participaciones como banda telonera de agrupaciones como Muse, el grupo continúa ampliando su alcance. En su cumpleaños, Paulina Villarreal no solo celebra un año más de vida, sino un momento decisivo dentro del rock contemporáneo.

En los últimos días, The Warning se convirtió en tendencia luego de que circulara la versión de una posible colaboración con Hayley Williams y Demi Lovato. La banda integrada por las hermanas Villarreal generó expectativa tras una publicación que fue interpretada como una pista sobre su próximo álbum.

La imagen, compartida por Paulina Villarreal, desató una avalancha de comentarios en redes sociales. Los seguidores comenzaron a especular sobre alianzas internacionales que colocarían al trío regiomontano en una nueva etapa creativa.

El entusiasmo creció rápidamente, impulsado por la posibilidad de ver a las mexicanas compartir música con figuras clave del rock y el pop global, aunque pronto llegó la aclaración oficial.

La imagen que desató la teoría

La fotografía publicada mostró una lista de nombres que los fans relacionaron con colaboraciones futuras. Entre ellos destacaban Hayley Williams y Demi Lovato.

El contenido se viralizó en cuestión de horas, alimentando teorías sobre el sonido del nuevo disco y el alcance internacional del proyecto. Para muchos, se trataba de un adelanto cuidadosamente planeado.

Sin embargo, la interpretación fue más allá de la intención original, lo que llevó a la banda a explicar el verdadero contexto de la publicación.

La aclaración de las hermanas Villarreal

En una entrevista para Rolling Stone, las integrantes de The Warning aclararon que la imagen fue publicada por error. Explicaron que no se trataba de colaboraciones reales, sino de una lista de artistas con los que les gustaría trabajar en algún momento.

Las hermanas reconocieron la confusión y ofrecieron una disculpa a sus seguidores, señalando que se trató de un accidente. Incluso bromearon al respecto al decir que “las manifestaciones funcionan”.

En la misma charla confirmaron que su nuevo álbum ya está completamente grabado, aunque todavía no existe una fecha definida para su lanzamiento.

La colaboración que sí es una realidad

Mientras las especulaciones se disipaban, The Warning sí confirmó un proyecto concreto. La banda unió fuerzas con Carín León en una canción titulada “Love to be loved”.

El tema representa una fusión entre el rock y el regional mexicano, un cruce poco habitual que reúne a dos de los exponentes más sólidos de sus respectivos géneros.

La canción estará disponible el próximo 6 de febrero en plataformas digitales, marcando un momento clave para la música mexicana contemporánea y dejando claro que, aunque algunos rumores fueron desmentidos, nuevas apuestas ya están en camino.

Si hay un lugar en el que puede ocurrir cualquier cosa, es en un concierto de rock. Las mayores estrellas de este género musical han vivido a lo largo de sus carreras momentos de todo tipo, desde el escupitajo de Roger Waters (Pink Floyd) a un fan que trataba de subir al escenario hasta a Jim Morrison siendo arrestado en pleno concierto en el New Haven Arena.

Sin embargo, pocos artistas pueden ‘presumir’ de una vivencia como la que atesora una de las mayores estrellas de la historia del hard rock. Estamos hablando de la cantante alemana Doro Pesch, que en pleno escenario, mucho antes de alcanzar el reconocimiento con grupos como Warlock o Snakebite, vio cómo uno de los asistentes la apuntaba con una pistola mientras actuaba.

“Una vez tocamos en un club punk en Alemania y un tipo me estuvo apuntando con una pistola todo el rato”, recuerda Doro en una reciente entrevista para Louder Sound. “Estaba tumbado en el escenario, apuntándome, ¡y eso me hizo sentir un poco incómoda!”, dice mientras se ríe. Sin embargo, aquello era solo el principio. En medio del espectáculo, aquel hombre que sostenía la pistola perdió el conocimiento. “Los fans tomaron la pistola y me la dieron en el escenario, entre canción y canción, y dijeron: ‘Doro, está cargada...’”, relata la artista. “¡Estaba feliz de seguir viva! Pensé: ‘Bueno, así es un concierto...’”.

La verdadera lucha

Quizá esta anécdota represente mejor que ninguna otra el indomable carácter de Doro Pesch, también conocida como la Reina del Metal. No es baladí ser considerada como una de las primeras mujeres en liderar una banda de metal con éxito internacional, y junto a ella han trabajado ídolos del género como Motörhead, Udo Dirkschneider y Lemmy Kilmister. Ahora que recuerda aquellos inicios en conciertos como en el que la apuntaron con una pistola, reconoce que este tipo de eventos la “hicieron fuerte”. “Pero yo siempre fui valiente, quizás por aquella experiencia en el hospital: cuando estás a punto de morir, ya nada da tanto miedo”.

Con estas palabras, Doro hace referencia a una etapa anterior a su etapa en Warlock. De niña, Doro superó una tuberculosis que la mantuvo hospitalizada durante varios meses. Apenas recuperada, decidió que no pensaba perder más tiempo: se unió a su primera banda, Snakebite, y poco después lideró el grupo que la catapultaría a la fama con el álbum Burning The Witches en 1984. “Ser metalera, luchar por tu música, mantenerla, grabar discos y salir de gira, esa era la verdadera lucha”.

“Lo que siempre he querido hacer en mi vida”

A día de hoy, Doro es conocida sobre todo por su constante interacción con los fans y por el cariño que prodiga a todos sus seguidores. Este gesto, además de hablar de su dedicación, entraña también un mensaje de agradecimiento por la lealtad a un género que no lo tuvo siempre fácil: “Los metaleros no eran respetados en los 80, al menos por la gente común”, explica ella misma en la entrevista con el citado medio.

Por eso, el vínculo con sus seguidores sigue siendo su motor. “Los fans son mi amor más grande, verdadero y profundo”, sentencia. “Quiero a la gente. Quiero hacerlos felices y fuertes; empoderarlos. De eso se trata el heavy metal. Eso es lo que siempre he querido hacer en mi vida. Siempre soy más feliz cuando hago eso”.

Carín León y The Warning confirmaron una colaboración que promete romper esquemas dentro de la música hecha en México. El tema lleva por título “Love to be loved” y representa un cruce entre el rock y el regional mexicano, dos universos sonoros con públicos fieles y estilos bien definidos.

El anuncio fue realizado a través de las redes sociales oficiales de ambos artistas, lo que provocó una reacción inmediata entre sus seguidores. La noticia no tardó en viralizarse, impulsada por la curiosidad que despierta esta combinación poco habitual dentro de la industria musical.

La canción estará disponible el próximo 6 de febrero en plataformas digitales, fecha que ya marca la agenda de fans atentos a escuchar el resultado de esta colaboración inédita.

Un encuentro musical fuera de lo convencional

“Love to be loved” marca la primera vez que Carín León y The Warning unen sus talentos en una misma producción. El contraste entre la potencia del rock y la identidad del regional mexicano ha sido uno de los principales puntos de conversación en redes sociales.

Los comentarios reflejan entusiasmo, pero también expectativa. Miles de usuarios celebran la idea de esta fusión, mientras esperan descubrir cómo dialogan ambos estilos dentro de una sola canción.

El anuncio amplificó el impacto mediático y reforzó la atención sobre este lanzamiento que apunta a convertirse en uno de los más comentados del mes.

The Warning y un momento clave en su carrera

The Warning, conformado por las hermanas Daniela, Paulina y Alejandra Villarreal, atraviesa una etapa de fuerte proyección internacional. La banda se ha consolidado como una de las propuestas de rock mexicano con mayor presencia fuera del país.

Además del sencillo junto a Carín León, el grupo continúa enfocado en la creación de nueva música. Actualmente trabajan en un álbum que ya genera expectativa entre su base de seguidores.

Este nuevo proyecto discográfico llega en un momento decisivo para la agrupación, que se ha posicionado como un referente dentro de la escena del rock liderada por mujeres.

Carín León y la apertura a nuevas fusiones

Carín León ha destacado por su disposición a explorar sonidos más allá del regional mexicano. Esta colaboración refuerza su interés por experimentar y conectar con otras escenas musicales.

La unión con The Warning no solo amplía su panorama artístico, sino que también abre la conversación sobre la versatilidad de la música mexicana contemporánea.

Con “Love to be loved”, ambos proyectos apuestan por una propuesta que desafía etiquetas y confirma que la colaboración puede ser un puente entre géneros y audiencias distintas.

Aterciopelados, emblema indiscutido del rock colombiano contemporáneo, anunció su regreso a la Argentina para celebrar los 30 años de La Pipa de la Paz. La banda presentará el domingo 26 de abril, en el Teatro Vorterix de Buenos Aires, un espectáculo donde repasará las canciones más icónicas de ese álbum histórico, testimonio de su vigencia y su profundo llamado social, y que marcó un antes y un después en el panorama musical latinoamericano.

La gira conmemorativa, titulada Tour La Pipa de la Paz – 30 Años, comenzará a finales de marzo de 2026. Este ciclo propone una experiencia cargada de historia y energía para reunir distintos públicos, con interpretaciones renovadas de temas como “Baracunatana”, “Cosita Seria”, “La Culpable”, “Te Juro que No”, “No necesito”, “Quemarropa” y “La Pipa de la Paz”, junto a un recorrido por los mayores éxitos de Aterciopelados.

El proyecto liderado por Andrea Echeverri y Héctor Buitrago se encuentra en un momento de consolidación internacional, con fuerte presencia en festivales y escenarios de Sudamérica, Norteamérica y Europa. La gira no solo funciona como tributo a una obra clave, sino que consagra su legado como una de las propuestas más influyentes y coherentes de la música iberoamericana.

Desde 1998, año en que la banda se convirtió en la primera agrupación colombiana nominada a un Grammy anglo en la categoría Mejor Álbum Latino Alternativo, “La Pipa de la Paz” definió una estética caracterizada por la fusión de rock, ritmos folclóricos y una visión comprometida con la realidad social. Según la información oficial de la banda, Aterciopelados alcanzó diez álbumes de estudio, cuatro premios Latin Grammy—el último en 2024—y dos nominaciones a los Grammy principales (1998 y 2026).

El repertorio 2026 revive clásicos con arreglos y puestas pensadas para grandes festivales y nuevos públicos. Canciones como “No necesito”, “Te juro que no”, “Quemarropa”, “La Culpable” y la explosiva “Cosita seria” exhiben un despliegue de bajos incisivos y guitarras que, como sostiene la agrupación en su anuncio, abrazan la realidad con magia aterciopelada. El espectáculo suma boleros, teclados y detalles especialmente adaptados a escenarios internacionales.

En 2024, el grupo profundizó su proyección global con “El Dorado Tour”, un recorrido de 63 conciertos en América, Europa y Oceanía, reafirmando su papel como referencia del rock latino de los años 90. Ese año lanzaron también “Agradecida”, una colaboración con Gustavo Santaolalla que destacó por su fusión de vals y rock alternativo y el uso del ronroco andino. Este sencillo anticipó el lanzamiento en abril de 2025 de Genes rebeldes, su décimo trabajo de estudio.

La producción original de La Pipa de la Paz estuvo a cargo de Phil Manzanera y se consagró como un manifiesto de renovación para el género. El esperado reencuentro del público argentino con Aterciopelados promete una puesta en escena desafiante y renovada, bajo la premisa que, en palabras de la banda, ofrece “una experiencia potente y altamente vendible”. Las entradas se encuentran disponibles a través del sistema AllAccess.

The Warning volvió a captar la atención de sus seguidores tras anunciar el próximo lanzamiento de una nueva canción a través de su cuenta oficial de Instagram. El mensaje fue breve, pero contundente: “New song dropping soon… can you guess who we’re collabing with?”, acompañado de una pregunta directa que despertó de inmediato la curiosidad de su comunidad.

La publicación no solo confirmó que hay música nueva en camino, sino que introdujo un elemento clave: una colaboración aún no revelada. Ese detalle fue suficiente para que los fans comenzaran a especular sobre el posible artista invitado, elevando la conversación en redes sociales y reforzando la expectativa en torno al estreno.

El anuncio también fue replicado por la cuenta en cuentas de X, donde el entusiasmo se multiplicó. Comentarios, teorías y mensajes de apoyo han inundado las publicaciones, dejando claro que cada movimiento de la banda genera atención inmediata dentro y fuera de México.

Un misterio que alimenta la conversación entre fans

Hasta el momento, The Warning no ha confirmado ningún nombre relacionado con la colaboración. Sin embargo, el silencio ha jugado a su favor, ya que ha mantenido viva la conversación entre sus seguidores, quienes analizan cada pista compartida recientemente por la banda.

A través de algunos videos y contenidos publicados en redes sociales, los fans han comenzado a construir teorías propias. Estas pistas, aunque sutiles, han sido suficientes para detonar debates y suposiciones que se expanden rápidamente en plataformas digitales.

La banda, integrada por Daniela, Alejandra y Paulina Villarreal, se ha caracterizado por mantener una relación cercana con su audiencia, por lo que este tipo de dinámicas refuerzan ese vínculo y convierten cada lanzamiento en un evento compartido.

Las especulaciones apuntan a una colaboración inesperada

Entre las teorías que más fuerza han tomado en redes sociales destaca la posibilidad de una colaboración con Carín León, uno de los nombres más representativos de la música regional mexicana en la actualidad. Esta idea surge únicamente de la interpretación de pistas por parte de los fans y no ha sido confirmada por la banda.

La posible unión ha generado aún más expectativa, ya que representaría un cruce poco común entre el rock alternativo que caracteriza a The Warning y el regional mexicano que define la propuesta de Carín León. Para muchos seguidores, esta combinación sería una apuesta fresca y arriesgada.

Por ahora, es importante subrayar que todo se mantiene en el terreno de la especulación. No existe información oficial que confirme esta colaboración, pero la conversación ya está instalada entre los seguidores de ambos artistas.

Nueva música y un álbum en preparación

Mientras el misterio continúa, The Warning sigue enfocada en el desarrollo de nueva música. Además del sencillo que van a estrenar, la banda se encuentra preparando un nuevo álbum, un proyecto que ya genera grandes expectativas entre sus seguidores.

Este nuevo material llega en un momento clave para las hermanas Villarreal, quienes se han consolidado como una de las bandas de rock más relevantes de México y con mayor proyección internacional, especialmente dentro de la escena liderada por mujeres.

Por ahora, solo queda esperar un anuncio oficial por parte de The Warning. Ya sea con una colaboración confirmada o no, la banda ha logrado su objetivo: mantener a su audiencia atenta, emocionada y lista para escuchar lo que viene.

La batalla legal entre Mick Mars y Mötley Crüe llegó a su fin tras meses de enfrentamientos públicos, con un fallo que marcó el cierre definitivo de una relación artística de más de cuatro décadas. El arbitraje, resuelto en junio de 2024, no solo puso punto final a las demandas del exguitarrista, sino que también despejó las dudas sobre la legitimidad de los conciertos de la banda.

Un arbitraje con consecuencias económicas

El árbitro designado, Patrick Walsh, rechazó todas las demandas de Mars y le ordenó indemnizar a la banda. Según informó blabbermouth, la resolución obliga al músico a devolver más de USD 750.000 en anticipos por giras no recuperados, reforzando la posición legal y la reputación del grupo. El abogado del conjunto, Sasha Frid, comunicó el fallo, dejando claro que la decisión cierra meses de acusaciones cruzadas y tensiones internas.

El conflicto estalló en octubre de 2022 cuando Mars anunció su retiro de las giras debido a problemas de salud. Aunque expresó su intención de continuar como miembro, su ausencia en el escenario fue cubierta por John 5, quien asumió la guitarra en los conciertos posteriores.

La demanda y el trasfondo contractual

Seis meses después, Mars interpuso una demanda ante el Tribunal Superior del condado de Los Ángeles. Alegó que los otros integrantes habían intentado apartarlo como directivo y socio de la empresa mediante una reunión de accionistas. Exigía mantener el 25% de los ingresos por giras de manera indefinida, pese a no formar parte de los shows en vivo.

El árbitro desestimó este reclamo al comprobar que, en 2008, Mars había solicitado introducir una cláusula que limitaba el reparto de ingresos de giras a quienes participaran en los conciertos. Este antecedente resultó clave para justificar la exclusión del guitarrista como directivo y del reparto societario. De este modo, la banda consolidó su decisión de mantener a Mars fuera del núcleo ejecutivo.

Acusaciones de playback y la intervención de un experto

El proceso judicial se volvió más polémico por las afirmaciones públicas de Mars sobre el supuesto uso de pistas pregrabadas en los espectáculos. Declaró ante varios medios y bajo juramento que Nikki Sixx y Tommy Lee empleaban grabaciones y no tocaban sus instrumentos durante las giras. La controversia llegó a tal punto que fue necesario recurrir a un peritaje independiente.

El experto en tecnología musical, contratado por el propio Mars, concluyó que la banda interpretaba sus temas en directo. Ante la contundencia del informe, Mars rectificó formalmente sus declaraciones. Este episodio disipó cualquier sospecha sobre la autenticidad de los shows y restableció la confianza en la calidad artística del grupo.

Reacciones de la banda y cierre del vínculo

El abogado Sasha Frid destacó que el fallo “desmantela la narrativa pública” impulsada por Mars y reivindica completamente a Mötley Crüe desde una perspectiva legal y financiera. Asimismo, Nikki Sixx calificó las acusaciones de playback como “una traición” y explicó: “Todo lo que reforzamos en el espectáculo, lo tocamos en directo. Si hay coros de fondo, es para lograr un sonido más cercano al disco, pero seguimos cantando”, declaró Sixx a blabbermouth.

Por su parte, el mánager Allen Kovac defendió el trato que recibió Mars y responsabilizó a sus representantes de promover una campaña de desprestigio. Según Kovac, “Mick no es la víctima. Las víctimas son Mötley Crüe y la marca. Mick ha sido guiado por otros para decir y hacer cosas que afectan negativamente a la banda”. Kovac recalcó que el grupo evitó confrontar a los seguidores con Mars y atribuyó al círculo cercano del guitarrista la manipulación de la situación, aprovechando su enfermedad crónica.

Un legado de cuatro décadas y final de una era

A pesar de la ruptura, la historia compartida entre Mars y Mötley Crüe abarca más de 40 años. Durante ese tiempo, el guitarrista participó en la creación de álbumes emblemáticos y canciones que contribuyeron a definir la identidad del grupo. La sentencia marca el cierre de una etapa y fija la separación definitiva tras un extenso recorrido conjunto.

El desenlace del conflicto legal ratifica la vigencia de los acuerdos internos y fortalece la posición de Mötley Crüe. El grupo preserva así su integridad y legado como una de las bandas más exitosas de la historia del rock, según destaca blabbermouth. La resolución brinda un nuevo capítulo para la formación y establece con claridad los términos de su futuro, sin margen para la ambigüedad ni las disputas internas.

El documental The Best Summer, estrenado esta semana en el Festival de Cine de Sundace, expone un retrato íntimo y sin filtros de las figuras clave del rock alternativo de los años 90, con capturas que emergieron de cámaras Sony Hi8 durante la gira australiana Summersault que unió a íconos de la época como Beastie Boys, Foo Fighters, Sonic Youth, Beck, Rancid y Bikini Kill.

Al respeto, la directora Tamra Davis ofreció a Variety una perspectiva inusual sobre la creación del filme: “No conservé las cintas originales de ninguna manera”. Davis narró que, tras realizar los primeros montajes, recurrió a un especialista en sonido y descubrió que perfeccionar demasiado el audio eliminaba la atmósfera viva de las grabaciones: “Tuve que añadir de vuelta parte del sonido porque me encanta cuando estamos en una habitación conversando y se oye una fiesta al lado. Quería que la gente sintiera que, si no se divertía aquí, cruzando la puerta había una fiesta. Así fue la gira”.

Kathleen Hanna, vocalista de Bikini Kill y pieza fundamental en las entrevistas, recordó cómo el entorno era radicalmente diferente al presente: “Había una conciencia de sí mismo que no teníamos entonces, porque no estábamos siempre ante una cámara. Ver a Tamra con una cámara era una novedad. No era como ahora, que cualquiera tiene una. Era: ‘Es una herramienta genial, podemos jugar, vamos a hacer algo con esto’”. Hanna añadió énfasis al carácter participativo y espontáneo del proyecto: “Al principio, había otro equipo documental en la gira, pero no encajaron con los músicos. Yo pensaba: ‘Podríamos hacerlo mejor’. Entonces simplemente empezamos a entrar en los camarines y a hacer preguntas. Me recordó lo importante que es ser insistente —no para ser grosera o acaparar espacio-.

Kim Gordon, cofundadora de Sonic Youth, profundizó en el impacto emocional del material rescatado para el documental. “Mirando la película, siento muchísima emoción por aquella época. Pero la verdad, solo lo recuerdo como un buen momento”, afirmó. Explicó también la crudeza del registro visual: “Fue genial ver a todos viéndose bien —y sin alta definición— hace 30 años”.

El acceso sin restricciones al backstage distingue el enfoque de Tamra Davis, quien reveló que optó por una producción absolutamente casera: “Solo éramos estas chicas mandonas, ‘Ey, tenemos preguntas para ustedes’, y entrábamos" contó. Esto ayudó a sobrellevar las largas pausas entre conciertos, algo que matizó: “Si no hacíamos eso, acabábamos inventando un juego raro en la piscina”.

La economía y el contexto social también surgen como líneas divisorias entre generaciones de músicos. Kim Gordon subrayó: “Bandas jóvenes ahora, o músicos jóvenes —nadie quiere subirse a una furgoneta y girar sin parar. Y eso es lo que solíamos hacer. Esa es una gran diferencia”. Kathleen Hanna identificó motivos estructurales en la crisis de acceso para los artistas actuales: “Siento que muchas bandas no pueden permitirse hacer giras. El alquiler es demasiado alto. Es otro mundo económicamente y también cómo la gente se ve a sí misma en cuanto a ‘marca propia’. No teníamos ese término ni había redes sociales. No sentía que tuviera que sostener una marca propia”.

La dimensión personal también se cuela en el relato. Hanna mencionó que es “emocional ver la película porque capta el inicio del romance” entre ella y Adam Horovitz de Beastie Boys. “Es como ver imágenes de mí enamorándome de él”, confesó. Tamra Davis reconoció haber sido celestina: “Fuimos las casamenteras. Pensamos: ‘juntemos a estos dos porque los queremos a ambos y sabíamos que Adam estaba pasando por un mal momento... y ella es la mejor para él, aunque parezca improbable’”.

Para Gordon, viajar con una hija bebé era un hecho cotidiano, no una dificultad: “Fue divertido ver esos fragmentos de Coco cuando era bebé”, refirió sobre su hija, ya treintañera. Recordó además: “Fue su primera gira a los siete meses. No podía dejarla. Solo temí al llegar a Yakarta porque había desagües abiertos y Coco tiraba mucho el chupete al suelo. Me obsesioné por mantenerlo limpio”.

La cercanía de los integrantes de Beastie Boys, retratada en pleno apogeo, demostró el peso sentimental de la propuesta. Ver a Adam Yauch en plenitud resultó desgarrador para Davis: “La primera vez que vi todo el montaje no podía dejar de llorar al final, era como revivir ese tiempo tan bonito y cuán valioso era todo”, admitió.

El modelo de producción de The Best Summer siguió la independencia absoluta: Tamra Davis autoprodujo el filme junto a la editora Jessica Hernández, la productora Shelby Meade y su abogada de años, Linda Lichter. La directora revivió la presión para conseguir los permisos musicales a tiempo para Sundance: “Tuve cuatro o cinco días para enviar la película y obtener las aprobaciones. Todos fueron increíbles. Todos la vieron de inmediato y la aprobaron”.

Al vender el filme, Davis insistió en un lanzamiento primero en salas, buscando replicar la experiencia colectiva de un concierto: “Quiero vendérselo a una compañía que apoye la música. Quiero un plan. No quiero venderlo solo por dinero. Esto es mi vida y creo que encontraré a alguien con pasión por este mundo y esa música, que lo quiera sacar adelante”.

Sobre la relevancia de su carrera, Davis reflexionó desde el rol de directora: “Una mujer puede hacer toda una película —rodada íntegramente por una sola mujer—. Me entusiasma que a los 60 tenga una película en Sundance. Las mujeres nos obsesionamos con la edad. Quiero que se sepa que la carrera no se acaba a los 60. Puedes seguir estrenando en Sundance. Seguimos siendo cineastas. Los hombres siguen filmando a esta edad. Y las mujeres deben poder estar y representar”.

[Fotos: prensa Sundance Festival]

El próximo 25 de julio, la banda mexicana El TRI, encabezada por Alex Lora, ofrecerá un concierto conmemorativo en el Palacio de los Deportes para celebrar 57 años de trayectoria. Este evento forma parte de la gira “Adicto al Rocanrol” y marca el regreso del grupo al emblemático recinto de la Ciudad de México, conocido popularmente como el “Domo de Cobre”.

La presentación de El TRI en el Palacio de los Deportes sigue a una serie de actuaciones que han consolidado su legado en la escena del rock nacional. El pasado 15 de febrero de 2025, la agrupación reunió a más de 60 mil personas en el Estadio GNP Seguros en una velada que se extendió por cuatro horas y media, donde interpretaron una selección de sus temas más reconocidos. Ese concierto representó el cierre de la gira “Y Todo Por El Rocanrol” y confirmó la vigencia de la banda como referente del género en México.

En fechas recientes, el grupo liderado por Alex Lora también se presentó en el Auditorio Nacional, donde ofreció conciertos sinfónicos junto a la orquesta “Esperanza Azteca”, bajo la dirección del maestro Julio Saldaña.

La gira “Adicto al Rocanrol” tiene como objetivo acercar la música de El TRI a nuevas generaciones, manteniendo el contacto con sus seguidores que los han seguido por varias décadas y por diversas generaciones.

Desde sus inicios, El TRI ha mantenido una presencia constante en la música mexicana. La agrupación ha vendido más de 30 millones de discos a nivel mundial y suma cinco nominaciones al Premio Grammy en la categoría de Mejor Álbum de Rock en Español, con discos como “Cuando Tú No Estás”, “Fin De Siglo”, “No Podemos Volar”, “35 Años” y “Lo Que Falta Todavía, Alex Lora: Del Three a El Tri”.

Fundado por Alex Lora en 1985 tras la evolución de su banda original, Three Souls In My Mind, el grupo participó en el Festival de Avándaro de 1971, evento clave en la historia del rock mexicano. Desde entonces, El TRI se consolidó como un fenómeno sociocultural, llevando el rock nacional a escenarios internacionales.

Boletos y precios para El TRI en el Palacio de los Deportes

La preventa de boletos para El TRI estará disponible el 30 de enero a través de Banamex, mientras que la venta general comenzará al día siguiente en las taquillas del Palacio de los Deportes y a través de la plataforma de la boletera Ticketmaster.

El primer gran impacto de Spinetta, al frente de Almendra -la banda que había formado con sus compañeros del colegio San Román del Bajo Belgrano a fines de los años 60- sucedió con esta canción de amor, dedicada a Cristina Bustamante, entonces novia del cantante y guitarrista. El tema formó parte del primer álbum de Almendra, se presentó en vivo el 22 de junio de 1969 en un recital en el Teatro Coliseo y claramente tenía un destino de hit, aunque en ese momento el rock argentino era absolutamente marginal para los grandes medios de la época (radio y televisión). Sin embargo, al musicalizar una publicidad televisiva de una marca textil, los inspirados versos de “Muchacha...” (”Sueña un sueño despacito entre mis manos hasta que por la ventana suba el sol”) y su bella melodía llegaron a la masividad. E instalaron a Spinetta en el imaginario popular como un naciente protagonista de la música popular argentina, de ahí y para siempre.

La bengala perdida

Una de las temáticas centrales de los años 80, derivadas del regreso de la democracia en 1983, fue la violencia en el fútbol. Y en ese contexto, lo ocurrido durante un partido entre Boca y Racing en la Bombonera, en abril de ese año, se convirtió en un símbolo del descontrol de seguridad que se vivía en los estadios de fútbol: una bengala disparada desde la tribuna que ocupaba la barra brava del equipo local cruzó todo el campo de juego e impactó en el cuello de un hincha de Racing, Roberto Basile, quien murió en el acto. Conmovido por el episodio, Spinetta “cruzó” sus lecturas del momento -sobre todo del filósofo, historiador, sociólogo y psicólogo francés Michel Foucault- con sus propios pensamientos, y compuso esta canción incluida en el disco Téster de violencia, que se editó en 1988 y fue considerado, por el propio Spinetta, como un disco conceptual con el eje puesto justamente en la violencia. “Por un color, sólo por un color / no somos tan malos, todo va a estallar”, resuena entre los versos de una canción testimonial como pocas en la cosecha de Spinetta. Testimonial y por supuesto, poética.

Rezo por vos

Un himno del rock argentino que surgió de las cenizas de un disco doble a dúo que pensaron grabar Luis Alberto Spinetta y Charly García entre 1984 y 1985. Así comenzó el proyecto al menos, que luego se diluyó entre descontroles de vida (de García especialmente), lucha de egos y facturas personales pasadas entre ambos y a lo largo del tiempo. Lo cierto que esta canción sobrevivió a aquella tormenta creativa y quedó como testimonio de una soñada unión de potencias que, de hecho, ambos publicaron en respectivos discos solistas: Spinetta en Privé (1986) y García en Parte de la religión (1987). Una décáda después, el mismo Charly García la grabó en su disco Hello! MTV Unplugged y -como quedó inmortalizado en la grabación- la dedicó a Spinetta. El círculo de esta canción que simboliza el gran encuentro de estos grandes, se cerró en 2009 cuando ambos tocaron en el estadio de Vélez Sarsfield respectivamente e invitaron al otro a cantarla. El 23 de octubre de ese año, Charly brindó aquel famoso “Concierto subacuático” y Spinetta subió al escenario; un mes y medio después, durante el show “Spinetta y la bandas eternas”, García fue el invitado.

Barro tal vez

Lo más impresionante de esta zamba publicada originalmente en el disco Kamikaze (1982) es que Spinetta la compuso cuando tenía ¡15 años! Varias décadas después, a fines de los años 90, en ocasión de un prolijo show MTV Unplugged luego publicado como Estrelicia (1997), volvió a grabarla con un delicado nuevo arreglo, solo con su guitarra acústica. El peso específico de la canción -que también grabó Mercedes Sosa a dúo con Spinetta, en la más famosa de todas sus varias versiones, para el disco Cantora de 2009- es el impacto existencial de la letra escrita por un adolescente en el cuarto de su casa del barrio de Belgrano, a mediados de los años 60. Allí expresa el sentido de componer y cantar sus canciones, hasta el punto de fusionarse con la música y volverse canción: “barro tal vez”. Una hermosa imagen que remite a aquella frase histórica de Atahualpa Yupanqui: “Abrigo un anhelo, para mí profundo y soñado. El de sumarme un día a la legión de los Anónimos, sin nombre, sin imagen, sin historia personal. Sólo un canto de amor y de paz que el viento lleva hacia un mundo de hermanos.”

Despiértate nena

Editada como lado B del simple “Post-crucifixión”, en 1973, y luego agregada como bonus track en la edición en CD del disco Desatormentándonos de Pescado Rabioso, esta canción de neto corte rockero en uno de sus períodos de sonido más rockero y sucio con distorsión de guitarras y base machacante bajo-batería -notablemente influido por el sonido de Led Zeppelin, muy en boga en esa época- describe con variados giros poéticos e imágenes surrealistas, una relación sexual. “Creo que aquí aparece todo aquello que estaba proscripto en ‘Muchacha…’, donde en ningún momento hay un rayo que la traspasa. Aquí sí, es como que la nena debe asumir un mundo, debe subirse a un rayo, debe tomar en cuenta su relación erótica con la naturaleza, y el rayo también se despierta para subirse a ella. Quizás todo esto gire en torno a la maternidad”. Y agregó: “‘Así verás lo bueno y dulce que es amar’ entra en el rango de la procreación, independientemente de que sea yo el que le va a hacer el amor, porque subirse al rayo no es subirse a mí. Es asumir para sí misma lo femenino del mundo”.

Ahora, tres años después de la muerte de Verlaine a los 73 años, el contenido de esas cajas —montones de hojas con letras, cuadernos, fotografías, experimentos literarios y carretes de audio repletos de pistas inéditas— ha sido adquirido por la Biblioteca Pública de Nueva York para las Artes Escénicas, donde se sumará a los archivos de otros gigantes neoyorquinos como Arturo Toscanini, John Cage y Lou Reed, y estará abierto al público para investigación académica o consulta de fanáticos curiosos.

La música y los objetos que Tom Verlaine dejó arrojan algo de luz sobre una de las figuras más importantes pero menos comprendidas del rock neoyorquino. Su manera sinuosa y exploratoria de tocar la guitarra en Television ayudó a poner en el mapa a un nuevo bar del centro llamado CBGB, y su sonido en canciones clásicas como “Marquee Moon” resonó en generaciones de bandas, desde Sonic Youth hasta The Strokes. Pero Verlaine era casi reservado en su rechazo al protagonismo, evitaba entrevistas, desconfiaba de la industria y publicó solo una pequeña cantidad de música en la segunda mitad de su carrera.

Los archivos que la biblioteca adquirió a Jutta Koether, su pareja de muchos años y albacea del legado, revelan que su creatividad nunca cesó. A veces trabajaba durante años en grabaciones, obsesionándose con ajustar el sonido de su guitarra cambiando válvulas del amplificador, solo para pasar a otros proyectos. Los 145 cuadernos de la colección contienen borradores de letras, sueños, ideas para guiones cinematográficos y bocetos de canciones que van desde principios de la década de 1970 hasta poco antes de su muerte, junto con notas personales en las que se reprocha por no practicar más su instrumento.

Sin embargo, esto es solo una fracción de las montañas de materiales que acumuló, la mayoría de los cuales ordenó destruir. No quería que nada que considerara inacabado o material de práctica circulara entre el público, dijo Koether, pintora y escritora. “Tom no compartía esto con la gente”, dijo ella en una entrevista en el antiguo apartamento de Verlaine, un espacio vacío y sin luces de techo donde el músico vivió desde 1981. “Siempre fue un poco paranoico. No quería revelar su proceso de trabajo al público”.

Tras la muerte de Verlaine, un comunicado de un representante señaló solo que había padecido “una breve enfermedad”. Pero hacía años que venía decayendo.

Koether dijo que notó los primeros signos de fragilidad hacia 2019. Aunque ella y Verlaine vivían en departamentos separados en el mismo edificio en Chelsea, Koether trabajaba en Alemania a comienzos de la pandemia de Covid-19, cuando él se quejó de una enfermedad no especificada. Cuando volvió a verlo en el verano de 2021, él estaba “como un esqueleto”, contó Koether, y se volvió demasiado débil para tocar. Evitaba a los médicos. “Tenía un dolor terrible y estaba en total negación”, recordó.

Con el empeoramiento de su estado, Verlaine fue hospitalizado en enero de 2023 durante unos cinco días; solo entonces Patrick Derivaz, compositor e ingeniero de sonido que había sido un estrecho colaborador desde principios de la década de 1990, supo que Verlaine lo había designado como su representante médico. Al llegar a un hospicio, Verlaine dio a Koether y Derivaz instrucciones sobre cómo manejar los detalles de su legado, incluyendo su deseo de que ella encontrara “una pequeña botella de vidrio verde” para guardar sus cenizas tras la cremación.

Nueve días después, falleció.

La noticia se divulgó a través de un excompañero de banda quien dijo que Verlaine había muerto de cáncer. Koether, citando su fuerte deseo de privacidad, se negó a comentar la causa.

Nacido como Thomas Miller, Verlaine creció en Nueva Jersey y Delaware, tocando piano y saxofón antes de que los Rolling Stones lo inspiraran a aprender guitarra. Un amigo del internado, Richard Meyers, compartía su fascinación por la música y la poesía. Se fugaron más de una vez, se mudaron a Nueva York y adoptaron nuevos nombres: Miller tomó el suyo del poeta francés del siglo XIX Paul Verlaine, y Meyers pasó a ser Richard Hell.

A principios de los años 70, ambos trabajaban en una librería del East Village y escribían poesía antes de formar la banda the Neon Boys, que evolucionó hasta convertirse en Television. Según cuenta la leyenda, Verlaine y algunos de sus compañeros caminaban por el Bowery hacia 1974 cuando vieron un nuevo bar —CBGB— que pensaron que podría servir de sede para presentaciones habituales. Una serie de conciertos en ese lugar durante la primavera consolidó tanto a la banda como al local. Una de las asistentes fue Patti Smith, quien escribió una reseña describiendo el modo de tocar la guitarra de Verlaine como “mil pájaros azules gritando”.

Tras el segundo álbum de Television, Adventure (1978), que decepcionó a algunos críticos, Verlaine publicó una serie de discos solistas que culminaron en Warm and Cool (1992), una colección semi-experimental de piezas instrumentales para guitarra. Nunca fue un habitual de la escena —evitaba las drogas y a quienes las consumían, dijo Koether, lo que excluía a muchísima gente del rock neoyorquino— desarrollando así una reputación de distante e incomunicativo. Dos álbumes publicados en 2006, Around y Songs and Other Things, habían estado en preparación durante años.

En una entrevista con The New York Times cuando se publicaron esos discos, Verlaine dijo que estaba “luchando por no tener una carrera profesional”. Nunca volvió a publicar otro álbum. Después de su muerte, Koether y Derivaz comenzaron a recoger y clasificar lo que el músico había dejado. Tenía cinco depósitos en Manhattan y Brooklyn repletos de libros, cintas, cuadernos, discos y guitarras, junto con 7.000 válvulas de vacío para los 72 amplificadores que había acumulado. “Guardaba todo”, dijo Derivaz. “Tenía dos o tres grandes bolsas llenas de medias sueltas para emparejar”.

El legado celebró dos ventas públicas para deshacerse de algunos de los 70 mil libros que tenía, muchos de los cuales consiguió hurgando los puestos de libros baratos al aire libre de la librería Strand. Verlaine solía grabarse mientras ensayaba o improvisaba solo, pero cumpliendo su deseo de conservar únicamente grabaciones razonablemente completas, destruyeron “miles” de casetes, contó Derivaz.

Aun así, el material que sobrevivió proporciona un retrato vívido de un artista en actividad. Y aunque ocupa solo unos 12 metros lineales, una colección compacta en comparación con los 34 metros de Lou Reed y los 56 metros de Wayne Shorter, otra reciente adquisición de la biblioteca, es sorprendentemente exhaustiva en cuanto a la cobertura de la carrera del guitarrista y cantante. Incluye cintas de estudio y ensayos de Television y de su trabajo solista, entre ellas docenas de cintas y unos 240 casetes que sobrevivieron a la depuración.

“Es sorprendentemente completa”, dijo Michael Chaiken, quien hace una década trabajó en el Archivo de Bob Dylan y fue contratado para ayudar a organizar la colección. “Tenemos grabaciones de casi todos los meses de existencia de Television.

Las hojas con letras, mecanografiadas y editadas con varias capas de tinta, muestran cómo se desarrollaron canciones clave de Television. “Marquee Moon”, la canción principal del álbum debut de la banda de 1977, comenzó como una pieza poética más larga y suelta titulada “Clacking Wush”, y los borradores muestran cómo ciertas coplas sobrevivieron hasta la versión final. Un casete de 1974 con él tocando una versión demo de “Marquee Moon” en guitarra acústica revela cómo se consolidaban las letras y tomaba forma el característico riff entrecortado de la pieza. Otra hoja muestra cómo una línea suelta acerca de la Venus de Milo se expandió hasta convertirse en “Venus”, otra pista del debut de Television.

El contenido literario del archivo se remonta a un poema navideño escolar de 1959 —firmado “Tom Miller, Aula 11”—, cuando tenía unos 10 años. Retoma en Nueva York a comienzos de los años 70, cuando emprendía experimentos literarios como “Theresa Stern”, un seudónimo poético que usaban con Richard Hell. Listas de canciones, volantes de CBGB y logotipos dibujados a mano documentan los inicios de Television.

Más de la mitad del archivo está compuesto por grabaciones, que abarcan aquella banda y una sorprendente cantidad de material solista. Incluye las cintas multipistas maestras de la sesión de demostración de Television en 1974 con Brian Eno, uno de los grandes “qué hubiera pasado si…” del rock —Verlaine rechazó el resultado (aunque las cintas circularon ampliamente como piratas). También hay ensayos de Neon Boys y docenas de pistas inéditas en las que Verlaine trabajó a lo largo de su carrera, brindando varias facetas de su amplitud artística.

Un instrumental, “Sunrise”, de alrededor de 1997, tiene un sonido casi de new age, mezclando una expansiva guitarra con un sintetizador etéreo. “Red Car”, de cerca de 1998, es una improvisación de narración hablada con acompañamiento de guitarra, de la que existen unas 25 tomas. “Cry Like a Fool”, de la misma época, es una toma con banda de tono rockero que, según Derivaz, había olvidado hasta revisar los numerosos carretes del archivo.

“En algunos toqué yo y ni lo recuerdo”, dijo. “Y ahora es como, ‘¡Vaya, suena fantástico!’”.

También hay dos paquetes de correo sin abrir, que Verlaine se había enviado a sí mismo a principios de los años 70, cada uno con una cinta adentro, probablemente ejemplos de lo que se llama “copyright del hombre pobre” —la creencia, común entre músicos de la época, de que un envío sellado y con matasellos podría establecer la autoría legal. (Un objeto similar se encontró en el archivo de Lou Reed).

Algunos objetos destacados encontrados no serán transferidos a la biblioteca, como grabaciones del cuarto álbum inconcluso de Television de alrededor de 2007 —Verlaine no quedó satisfecho y finalmente perdió el interés en el proyecto. Una campera de cuero a cuadros que usaba frecuentemente en los años 70 también permanecerá fuera del archivo público.

Kevin Parks, curador de la división de música y sonido grabado de la Biblioteca para las Artes Escénicas, afirmó que los materiales de Verlaine ayudarán a enriquecer los fondos de rock neoyorquino de la institución, tras la colección de Lou Reed. “Probablemente igual habríamos estado interesados en Tom Verlaine por la calidad de la música”, afirmó Parks. “Pero el hecho de que sea una parte tan importante de la vida musical de la ciudad, y que haya vivido la mayor parte de su vida artística en ese mismo apartamento, suma un argumento aún más persuasivo”.

Un aval clave vino de Patti Smith, quien fue su pareja creativa y romántica temprana y siguió siendo una estrecha amiga. Escribió a la biblioteca una carta —elaborada con esmerada caligrafía— diciendo que “sería imposible hablar de Tom Verlaine sin dar prominencia a su profunda relación con los libros”. Añadió: “No puedo imaginar un lugar más apropiado para los valiosos papeles de Tom que la Biblioteca Pública de Nueva York”.

Koether, quien lo conoció al entrevistarlo en 1984 y estuvo casada con él un tiempo, dijo que su intención es hacer accesible la música al público a través de la biblioteca, pero respetando su deseo de mantener su vida privada a salvo. Odiaba la maquinaria de la celebridad en la industria musical y los medios, lo que paradójicamente solo alimentó la mitología a su alrededor, incrementando la curiosidad sobre el verdadero Tom Verlaine.

“La respuesta”, dijo Koether, “está en sus canciones”.

Fuente: The New York Times

Madrid, 16 ene (EFE).- Ginés Paredes, conocido artísticamente como Walls y consolidado como una de las voces más destacadas de la ‘nueva ola’ musical de la Generación Z en España, saca hoy al mercado su tercer disco, ‘El día que me olvides’, con el que evoluciona su sonido de pop urbano para “abrazar un rock vulnerable y sincero”.

En una entrevista con EFE, Walls luce un look rockero y destila simpatía, autenticidad y madurez, a pesar de contar con tan solo 25 años. Es directo y ambicioso con su nuevo trabajo: “Voy a intentar que pasen 4 años y la gente lo siga sintiendo fresco y reciente. Es mi proyecto más personal. Nace en un momento en el que necesito reconciliarme conmigo, como persona y como artista, porque me equivoco, como todo ser humano”.

El compositor murciano, con un brillante pasado en competiciones de rap improvisado y galardonado en 2025 con el mejor video del año en los ‘Los40 Music Awards’, llega ahora con un trabajo de 12 canciones en las que reflexiona sobre las despedidas, las relaciones de pareja o la vulnerabilidad con una melodía que flirtea con el pop y el rock de los 90.

“A nivel sonoro es el que más musicalidad pop tiene pero es el disco más rock que he hecho nunca. Abrazo el rock de una manera vulnerable y sincera. Un rock and roll no es ese que le cuenta a la gente lo mucho que mola y bebe, sino que es alguien que lo cuenta de manera que haga identificarse con él”, detalla.

Una evolución que ya se dejó entrever con el lanzamiento de sus dos primeros discos, ‘Los niños del parque’ (2022) y ‘Luna 18’ (2024), y que ahora cierra con un proyecto más emocional, en una transición definitiva hacia una nueva etapa creativa y sonora.

“El nuevo disco es un viaje en el que durante los primeros temas hay muchísimo caos e intento crear una pared con lo que realmente siento. Pero luego conforme pasa el disco acepto mis miedos, incluso me castigo y luego termino con el hecho de tener que despedirme. Y hay un mundo dentro de las despedidas”.

Una de sus canciones, ‘Vulnerable’, es un tema en colaboración con Dani Fernández que entró directamente en la lista de las canciones más escuchadas de Spotify en España y nace de un encuentro en un tren con un músico con un pasado de éxito.

“Cuando el hombre se bajó del tren lo hizo con una persona que le iba acompañando. Quise dedicarle esa canción a todas esas personas que se quedarán con nosotros cuando hayamos pasado de moda”, afirma.

Las letras apuntan ahora a un cantante que parece haber superado a ese Walls de sus dos primeros discos, más descarado y nocturno, para ahondar en un nuevo disco que habla desde una mayor reflexión y sentimiento.

“Yo me noto mucho más maduro, sobre todo con esta edad que tengo en la que cada año que pasa es como una tormenta de emociones y de aprendizaje. Estoy haciendo un álbum de cosas que quizás no me corresponden para la edad que tengo. Pero era lo que sentía que quería hablar. Hemos intentado abrirnos más. Le tenía miedo a cualquier cosa que no fuese ser un canalla”.

Una industria que va conociendo poco a poco, que tiene asumida y en la que, considera, hay que mantener la calma para no verse afectado: “Yo no creo mi música pensando en vender (...) Vivo todo el rato en una calma tensa. Tengo el trabajo más privilegiado del mundo y mi obligación es darlo todo”.

Además, reconoce la importancia de cuidar la salud mental, sobre todo sobre el escenario cuando el ruido desaparece: “Sales a tocar y eres el puto amo y luego volverte a tu casa supone un choque de emociones, pero lo intento llevar de la mejor manera posible”.

Un nuevo disco que presentará en un concierto en el Movistar Arena de Madrid el próximo 21 de febrero. Uno de los recintos más importantes, al que llega con ganas y confianza: “Estoy mentalizándome de que con todos sus fallos, con todos sus problemas y con todo lo que haya, va a salir perfecto”, concluye. EFE

(Foto)(Vídeo)(Audio)

El músico vinculó directamente el contenido del álbum con sus preocupaciones sobre el devenir tecnológico y social. “He estado pensando en el futuro y en cómo podríamos responder a él. Nos deslizamos hacia un período de transición como ningún otro, probablemente provocado en tres olas: la inteligencia artificial, la computación cuántica y la interfaz cerebro-ordenador”, advirtió. Para él, el papel del arte frente a estos desafíos resulta clave: “Los artistas tienen el papel de mirar dentro de la niebla y, cuando vislumbran algo, sostener un espejo”.

Gabriel también especificó la estructura conceptual de o/i: “Estos son mis fragmentos irregulares: i/o (N. de la R: título del disco publicado en 2023), el interior tiene una nueva salida, y o/i, el exterior tiene una nueva entrada”, afirmó en el mismo mensaje. Añadió además: “No somos, y nunca hemos sido, los seres totalmente autodeterminados e independientes que han dominado el mundo. Somos otra cosa, parte de la naturaleza, parte de todo, y sentir esa conexión, mover el cuerpo y dar y recibir algo de amor puede ayudarnos a encontrar nuestro lugar y sacarnos una gran sonrisa”.

Parte de este material, según Gabriel, formará parte del “proyecto cerebral” que viene explorando desde hace años: “Algunas de estas canciones formarán parte del proyecto cerebral que he estado investigando durante varios años, y otras simplemente me hacen sentir feliz”, aseguró. Cada tema del nuevo álbum saldrá acompañado de una propuesta visual y dos mezclas alternas —“lado oscuro” y “lado brillante”— según un comunicado de prensa. Así, “Been Undone” vio la luz como una versión Dark-Side Mix realizada por el productor estadounidense Tchad Blake y apareció junto a la obra Ciclotrama 156 (Palindrome) de la artista brasileña Janaina Mello Landini.

Sobre la elección del primer arte, Gabriel explicó: “La primera obra es una pieza especial de Janaina Mello Landini. La manera en que toma la cuerda y la desenrolla recuerda a los fractales o troncos de árbol, y se parece al cerebro en cierto modo, así que veo muchos puntos de entrada”. También expresó su entusiasmo por esta colaboración: “Me alegra que Janaina esté dispuesta a participar y a ser parte del proceso. Usamos una de sus imágenes ya existentes este mes para inaugurar todo el ciclo, pero me emociona que ahora vaya a crear una pieza especialmente para la canción. Eso siempre introduce un poco más de emoción de mi parte, por ver qué se le ocurre. Les invito a que revisen su obra”.

Quién es Janaina Mello Landini

Nacida en Minas Gerais y radicada en São Paulo, Janaina Mello Landini (São Gotardo, MG, 1974) reúne su conocimiento de arquitectura, física y matemáticas, junto con su percepción del tiempo, para crear obras que se desplazan a través de múltiples escalas. Su investigación ha dado como resultado las series Ciclotramas, realizadas con cuerdas que se deshacen en hilos mínimos, y Labirintos Rizomáticos, obras de satén que construyen perspectivas multifocales, deshaciendo construcciones espaciales tradicionales.

En los últimos años, ha expuesto su trabajo en Brasil, Francia, los Países Bajos, Estados Unidos y los Emiratos Árabes Unidos. Sus principales exposiciones institucionales han tenido lugar en el Palais de Tokyo en París (2016); en el Château de Chaumont-sur-Loire, Francia (2019); en la 13ª Bienal del Mercosur (2022); así como sus exposiciones individuales en Zipper Galeria de San Pablo en 2015, 2016, 2019, 2022 y 2024.

Original estrategia de marketing

Esta técnica de estrenar canciones mensualmente ya había sido utilizada por Peter Gabriel en 2023 para presentar i/o, generando una ventana de foco exclusiva para cada obra y brindando fechas concretas en el calendario de un creador notoriamente ajeno a los plazos. A pesar de la calidad de i/o, su impacto en la cultura pop resultó acotado al círculo de seguidores leales del artista. Buena parte del público menor de 40 años solo asocia el nombre Gabriel a “In Your Eyes” o “Sledgehammer”, si acaso lo reconocen, fenómeno explicado tanto por la escasa periodicidad de álbumes desde 1986 —tres en casi 40 años— como por su visible falta de interés en alimentar o administrar su legado artístico.

Las comparaciones con colegas ilustran el contraste. Mientras Bruce Springsteen persiste en grabar y girar con cada nuevo lanzamiento y promueve activamente su catálogo a través de autobiografías, reediciones y documentales, Gabriel ha evitado el escrutinio sobre su historia musical o la creación de proyectos retrospectives notorios. Bob Dylan ha permitido la proliferación de documentales y archivos, dejando su obra accesible para el redescubrimiento continuo.

Por cierto, Peter Gabriel comparte un trayecto similar con David Byrne tanto por su pasado al frente de bandas de art-rock en los setenta (Genesis, un poco antes que Talking Heads) como por su incursión en la música internacional, el uso de recursos teatrales y visuales, y su decisión de retirarse parcialmente en los años noventa. Sin embargo, Byrne mantuvo visibilidad al reivindicar el repertorio de Talking Heads en giras, colaborar con artistas emergentes y avalar documentales, como la remasterización de Stop Making Sense, reforzando su vínculo con la cultura popular.

Gabriel, en cambio, se distanció tanto de Genesis que no interpretó una canción completa de la banda en vivo desde 1983 y rara vez reconoció abiertamente esa etapa, con la excepción de su colaboración en la mezcla del disco clásico The Lamb Lies Down on Broadway (originalmente publicado en 1974). Tampoco publicó memorias ni promovió documentales, ni compilaciones que refuercen la memoria colectiva sobre su obra. Sus giras esporádicas suelen limitarse a selecciones de sus grandes discos So y Us, obviando los primeros trabajos solistas (aquellos que llevan como título su nombre y apellido y el orden en que se iban publicando), lo que impactó incluso en la demanda de entradas: su gira en 2023 por Estados Unidos registró ventas bajas en algunos recintos, donde las secciones superiores permanecieron cerradas.

Aún así, se trata de uno de los grandes artistas de la cultura rock del último medio siglo y como tal, cada uno de sus nuevos pasos requieren de atención. Humilde consejo.

Como muchos que crecieron devorando videos musicales en MTV, FlexasaurusRex — el seudónimo online de un autodenominado “creador conceptual”— se estremeció cuando leyó los informes a finales del año pasado que decían que la cadena podría dejar de transmitir. “Tuve esa sensación nostálgica de que algo se iba y no merecía morir”, dijo.

Esos rumores resultaron prematuros: aunque la cadena canceló un montón de sus canales musicales globales, el canal principal, junto con derivados musicales como MTV Classic, aún permanecen en Estados Unidos. Pero Flex (como se hace llamar) ya había decidido un plan para mantener encendidas las luces de la vieja MTV. El 3 de enero lanzó uno de los proyectos más fanáticos de Internet: MTV Rewind, un archivo no oficial en formato de sitio web y aplicación que busca recrear la experiencia de tomar un control remoto, cambiar de canal y ver y escuchar música, no los realities que ahora la dominan.

Organizados por época o género, cada uno de la docena de canales de MTV Rewind emite un flujo incesante de clips que te transportan a los días del hair metal y el heartland rock (los años 80) o el grunge y el goth (los años 90). Canales bautizados con nombres de los programas emblemáticos de la cadena, como Headbangers Ball, Yo! MTV Raps o Club MTV, recuperan videos musicales de metal, hip-hop y dance. ¿Te gusta e ver algunos videos de Catherine Wheel o Mercury Rev? Te espera una recreación de 120 Minutes, el foro alternativo de la cadena. Para aportar un sabor de época adicional, Flex intercaló anuncios de productos.

Después de que Flex publicara un enlace en Reddit, el sitio recibió más de 500.000 visitas en las primeras horas, según dijo en una entrevista en video. Las redes sociales se convirtieron en un hervidero de elogios, y Les Garland, uno de los fundadores de MTV, le envió una nota de felicitación. Hasta esta semana, según Flex, la página ha acumulado 1,2 millones de visitas. “No me di cuenta de cuánto resonaría esto con la gente y ese sentido de pérdida”, dijo. “Ni siquiera creo que las personas supieran que lo estaban extrañando.” (Paramount, propietaria de MTV, no respondió a una solicitud de comentarios).

“La calidad de los videos es buena, y tiene una de esas cosas que era grandiosa en la radio y en la MTV de antes: el elemento sorpresa”, dijo el V.J. original de MTV, Mark Goodman, quien volvió a disfrutar de “Weapon of Choice” de Fatboy Slim mientras navegaba por el sitio. (A Goodman le decepcionó la ausencia de las entradas vintage de V.J.s como él —“la radio y los canales de videos musicales son mejores con un curador”—, pero Flex dijo que está dispuesto a incluir ese tipo de material en el futuro).

En cuanto al misterioso Flex, es, en sus palabras, un ex “vendedor de gemas y minerales” de Eugene, Oregón, llamado Louis. (Rehusó dar su apellido: “Prefiero mantener esto separado de mi trabajo”). Ahora tiene 43 años; nació un año después del arribo de MTV. “Crecí en un pueblo maderero, así que pasaba muchas noches largas con la MTV de fondo”, dijo. “Era como una manta de seguridad.”

Cuando llegó el Covid, Flex dijo que se introdujo en el ámbito de las artes digitales y los medios, y ahora se describe como “creador conceptual con habilidades de codificación”. Desde hace dos meses, vive en Albania, “buscando trabajos a medida que surgen y haciendo diseño web”. Por ahora, el sitio es gratuito y no tiene publicidad, pero Flex pide donaciones de 5 a 50 dólares para pagar el servidor y “mantener mi adicción al café albanés”.

Una vez decidido a arrancar con su proyecto obsesivo, Flex se sumergió en la Internet Music Video Database, un sitio que ordena créditos, fechas de lanzamiento y otros datos de 95.000 videoclips musicales que datan desde los años 60. “Me di cuenta de que existía un enorme archivo de videos antiguos, y muchos de ellos están comenzando a desaparecer por completo”, dijo. El primer día, MTV Rewind presumía de unos 3.000 clips extraídos de YouTube. Desde entonces, esa cifra ha aumentado a unos 40.000, con cada canal albergando entre 400 y 6.000 videos.

En el camino, Flex ha descubierto videos de Serge Gainsbourg (“es el Tom Waits francés”) y actualmente está volviendo a ver el MTV Unplugged de R.E.M. de 1991 en el canal dedicado a presentaciones acústicas de rock. Al agregar material a un canal inspirado en Total Request Live, también observó cómo el rock comenzó a perder presencia en este siglo. “Muchos videos de Justin Timberlake y Jewel”, comentó. “Se ve esa transición abrupta — ya no había rock.”

Flex admite el componente de nostalgia generacional de su creación, pero también cree que es una alternativa necesaria frente a las listas de reproducción actuales generadas por algoritmos. “Podrías ponerlo y seguiría corriendo durante seis meses sin ver la misma canción dos veces”, dijo. “No hay ningún misterio detrás de Spotify en la manera en que mercantiliza la música. Solo buscan maneras de canalizar los intereses de las personas.”

Otro atractivo de MTV Rewind podría estar en su pureza: una vuelta a una época con redes sociales menos saturadas. “Los videoclips ahora son contenidos de formato largo”, dijo Doug Klinger, cofundador de la Internet Music Video Database. “Está claro que la gente anhela poder ver cosas sin recibir porquería generada por inteligencia artificial. Es nostalgia de hace 30 años —pero también de hace 10.”

Ahora Flex está pensando en un canal dedicado a la música latina tras notar que personas de América Latina visitaban su sitio. Añadir más clips no será problema: ahora que ha dominado la parte técnica, puede subir decenas de miles de videos en un cuarto de hora. “Mucha gente me ha dicho: ‘Puedo mostrarle a mis hijos qué era esto y por qué significaba algo’”, afirmó. “El trabajo no está terminado.”

Fuente: The New York Times

A finales de la década de 1970, Bob Weir, guitarrista y miembro fundador de Grateful Dead, cuya muerte a los 78 años fue anunciada el fin de semana pasado, apareció por primera vez con pantalones cortos cortados a alturas celestiales. Dejaron una impresión imborrable. Ya entrado en la mediana edad, seguía dando explicaciones por este vestuario de escenario tan abreviado. “Siempre he tenido cierta aversión al calor. Y para mí, la clave en el escenario es ‘vencer el calor’”, dijo en una entrevista de 2014 con Vanity Fair. “Bajo las luces, siempre es julio. Y después de un tiempo, simplemente me cansé, estaba muy cansado de eso. Así que, pantalones cortos.”

Para ser precisos, los pantalones cortos de Bob Weir eran realmente cortos. Estaban cortados lo suficientemente arriba como para que los fanáticos, incluso a bastante distancia del escenario, pudieran ver la parte superior de sus muslos. No era tímido en enseñar piel.

Los legendarios pantalones cortados de Bob Weir se convirtieron en parte del folclore de los Dead. Los pantalones cortos cortados para los Deadheads eran los “Bobby Shorts”. Y, para ciertos admiradores (incluso aquellos que no sabrían distinguir “Morning Dew” de Mountain Dew), Bob Weir se ganó un lugar junto a Sean Connery y Magnum P.I. como un hombre admirablemente dispuesto a lucir sus piernas.

Tan conocidos eran los pantalones cortos que, en 2008, cuando él y el percusionista de Grateful Dead, Mickey Hart, ofrecieron una conferencia de prensa para anunciar que el archivo de la banda sería donado a la Universidad de California en Santa Cruz, el guitarrista respondió si eso incluía sus pantalones cortados. “Esos pantalones cortos en particular podrían incluirse en el archivo”, dijo según un artículo en SF Weekly, aunque advirtió que para entonces los pantalones ya se habían vuelto prácticamente inutilizables por los años de uso.

Si Jerry Garcia era el osito padre de los Dead, con camisetas convencionales y una barba desgreñada de Papá Noel, Bob Weir era mucho más llamativo en lo estilístico. Ayudaba que siendo un norteño californiano de buena pinta y cabello hasta los hombros, era lo más cercano a un galán que tenía su banda de psicodelia.

Durante la década de 1980, solía vestirse como un diagrama del “Manual Oficial de la Escuela Secundaria”. Llevaba sus pantalones cortos ajustados entre chombas desteñidas por el sol y zapatillas New Balance. Su estilo, tan parecido a lo que J. Crew presentaría años después, encajaba con una banda cuyos fanáticos a menudo empezaban como hippies pero acababan convertidos en yuppies.

(Bob Weir no parecía considerar que vestirse de “escuela secundaria” fuera un insulto. En una entrevista de 2019 con GQ sobre su estilo, cuando una de sus hijas describió las chombas como la manifestación de su “niño de fraternidad”, estuvo de acuerdo).

“Era un poco más directo en el estilo”, dijo Josh Peskowitz, exdirector de moda masculina de Bloomingdale’s y fanático de Grateful Dead de toda la vida. Añadió que siempre había algo más en el estilo de Weir. Sus pantalones cortos, después de todo, parecían como si los hubieran cortado con un cuchillo de de untar. “Así es como subvirtió un look que de otra manera habría sido preppy”, dijo Peskowitz. “Los pantalones cortos eran como decir: ‘esto tampoco es tan serio’”.

Por muy deshilachados que estuvieran los dobladillos, la cómoda audacia de Bob Weir lo convirtió en un inesperado ícono de estilo. Siempre que las tendencias dictaban que los hombres debían llevar pantalones cortos por debajo de la rodilla, era seguro que alguien diría que los hombres debían vestirse como Bobby en su lugar. “Hace falta valor para usar estos pantalones cortos”, proclamó en 2013 el blog de moda masculina Red Clay Soul en una publicación titulada “La entrepierna de Bob Weir”, que aconsejaba que los hombres debían imitar al guitarrista y usar pantalones cortos de “máximo doce centímetros y medio”.

Por su parte, Weir parecía disfrutar el reconocimiento por su atuendo. Cuando Vogue lo describió como un ícono de la moda por usar sandalias Birkenstock, él compartió de nuevo el artículo en su página de Facebook. Cuando Levi’s colaboró con Grateful Dead en 2021, él apareció en un video para promocionar la colección.

Aun así, eran esos pantalones cortados de los que parecía más orgulloso. “No tenía que seguir ninguna tendencia”, dijo a GQ en 2019 al reflexionar sobre eso. “Podía empezar, de algún modo, a crear la mía propia.”

Fuente: The New York Times

Su identidad real, Brian Patrick Carroll, rara vez aparece en los medios, y la historia detrás del personaje permanece envuelta en misterio. Quienes lo vieron sin máscara lo describen como alguien introvertido, pero su verdadera naturaleza sigue siendo un secreto para la mayoría.

Nacido el 13 de mayo de 1969 en Huntington Beach, California, Buckethead encontró en la guitarra eléctrica un lenguaje propio desde muy joven. Según RockFm, su biografía real es casi tan misteriosa como su personaje, y hasta existen relatos ficticios sobre una infancia criada por pollos.

Más allá de las historias, la realidad es que su talento lo llevó a perfeccionar una técnica única, influida por referentes como Paul Gilbert —su maestro durante casi un año— y otros guitarristas virtuosos como Yngwie Malmsteen, Joe Satriani y Steve Vai.

Buckethead nunca buscó la fama tradicional. Su irrupción en la escena principal llegó en el año 2000, cuando Guns N’ Roses lo presentó como su guitarrista principal. El anuncio generó sorpresa y curiosidad: la banda de Axl Rose se renovaba con un músico que nadie conocía fuera del círculo de la música experimental.

Desde el primer show, su imagen extraña y su habilidad técnica captaron la atención de miles de fanáticos. Durante su paso por la banda, participó en la grabación del álbum Chinese Democracy y dejó una marca indeleble en el sonido del grupo. Según Guitar World, la contribución de Buckethead dio a la banda un estilo más moderno y afilado.

Un catálogo imposible de abarcar

Sin embargo, la historia de Buckethead no se limita a su tiempo en Guns N’ Roses. Su carrera solista comenzó mucho antes y se caracteriza por una productividad inusual. De acuerdo con Rolling Stone, el guitarrista publicó numerosos discos, la mayoría bajo la serie Pikes, que explora desde el metal y el rock progresivo hasta el funk, el jazz o la música ambiental. Cada álbum presenta una faceta distinta de su creatividad, y el ritmo de publicación es tan alto que incluso sus seguidores más fieles se ven desbordados.

Además de su obra solista, Buckethead colaboró con una gran variedad de artistas y bandas. Integró Praxis, un colectivo de rock experimental liderado por Bill Laswell, donde grabó junto a figuras como Bootsy Collins, Mike Patton y Serj Tankian.

También trabajó con Les Claypool, bajista de Primus, y el actor Viggo Mortensen, reconocido por su papel en El señor de los anillos. Cada colaboración suma una pieza más al rompecabezas de su carrera.

En la industria del rock, pocos pueden mostrar una lista de colaboraciones tan extensa y variada. Según Guitar World, esta versatilidad convierte a Buckethead en uno de los guitarristas más completos de su generación.

Puede ejecutar solos frenéticos, crear ambientes delicados o experimentar con sonidos poco convencionales sin perder coherencia. En escena, sus interpretaciones se mueven entre la precisión y la improvisación, y cada show resulta impredecible.

El testimonio de quienes lo conocen

Las fuentes que tuvieron contacto directo con Buckethead coinciden en que su personalidad es tan singular como su música. Según relató Serj Tankian, cantante de System Of A Down, en una entrevista reproducida por Ultimate Guitar, el guitarrista suele mantener una comunicación inusual: “A veces me llamaba a las cuatro de la mañana y me dejaba un solo de guitarra de 15 minutos en el buzón de voz. Era excéntrico y muy sensible, pero con un espíritu creativo muy singular”, recordó Tankian.

La colaboración entre ambos nació de la admiración mutua y la necesidad de experimentar. En el álbum Enter the Chicken (2005), Tankian invitó a Buckethead a trabajar con otros músicos de la escena alternativa. La grabación se llevó a cabo en el estudio personal de Tankian, con un enfoque libre y espontáneo.

“Trabajar con Buckethead fue, por decirlo en pocas palabras, toda una experiencia. No es que cuando se quita el bucket de la cabeza y la máscara sea un tipo normal. Definitivamente, no es un tipo normal”, explicó el vocalista.

La anécdota de Tankian sobre la actuación sorpresa en el instituto de Buckethead también ilustra su carácter poco convencional. “Nos instalamos en el gimnasio de la escuela y nos pusimos a improvisar. Yo me inventaba las letras sobre la marcha... Pura corriente de conciencia. Los chavales del colegio se volvieron locos”, contó Tankian. Estas historias refuerzan la idea de que, detrás del disfraz, se esconde un artista impredecible y obsesionado con la música.

Una leyenda que sigue creciendo

En mayo de 2024, Buckethead presentó su álbum más reciente, Veins Of Institution, junto a la cantante Madeline Cyrille Miller. El lanzamiento, celebrado por medios y fanáticos, muestra que su creatividad no se agota. En este trabajo, el guitarrista despliega arpegios suaves, solos veloces y riffs contundentes, y suma poesía a las letras.

A pesar de los problemas de salud que enfrentó en los últimos años, como señala Ultimate Guitar, su actividad sigue siendo intensa y cada nuevo disco suma capítulos a su leyenda.

Buckethead combina misterio, virtuosismo y una producción inabarcable. Más de 300 discos publicados, una imagen que nadie logra descifrar y el paso por una de las bandas más grandes del mundo resumen la trayectoria de este guitarrista único.

Su figura permanece ajena a las reglas de la industria y cautiva a quienes buscan en la música algo más que espectáculo. Cada vez que sube al escenario o publica un nuevo álbum, el enigma vuelve a empezar.